Ojos rojos 20

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ENTREVISTAS Ramón Masats

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NOMBRE PROPIO

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LATINOAMÉRICA

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COMODÍN

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Juan Millás

Gastón Ugalde

NOPO

SANGRE FRESCA José Velasco

EL MUNDO ALREDEDOR Viphoto

LA PIEZA Santi Palacios

© Juan Millás

Ramón Masats Maestro de la imagen en todas sus facetas, Ramón Masats nos invita a su hogar para compartir algunos de los recuerdos y anécdotas de su larga y admirable carrera. ¿Cómo empezó en este oficio?

Bueno, empecé en la mili. Me compré una maquina de fotografiar que había visto en la revista Arte Fotográfico. Así empecé a hacer fotografías de familia y cosas así.

En Tarrasa había un grupo de fotografía en el Casino del Comercio, fui allí y me atendieron muy bien y me enseñaron un poco a hacer fotos. ¿Se acuerda de cuál fue tu primera cámara?

Una Kodak Retina II ¿La primera foto o fotógrafo que le impresionó?

Cartier-Bresson ¿La última foto o el último fotógrafo que te ha hecho sentir lo mismo?

Cartier-Bresson (risas). Le he sido fiel siempre ¿Con qué cámara suele disparar? ¿Le da igual una que otra?

No, a mí me gusta trabajar con 35mm. La que más me gusta es la Leica. Tengo dos Leica, dos Nikon y por cosas de profesión he tenido que trabajar también con Hasselblad ¿Tienes una óptica favorita?

El 21mm, o el 20mm de Nikon. Los angulares siempre han sido muy importantes para mí.

Š Mili Sånchez

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¿Horizontal o vertical?

Publio López Mondejar un día descubrió que era el fotógrafo que más fotos verticales hacía. Es muy raro porque he hecho mucho cine también y el cine siempre es horizontal. En cambio cuando vuelvo a la fotografía elijo el vertical. ¿Qué prefiere disparar a tiempo y hacer lo que esperabas o no llegar a tiempo y sorprenderte?

Pues llegar a tiempo y hacer lo que quería, ¡claro! ¿Reencuadra las fotos?

No, nunca. Bueno, tengo un par de fotos que por razones muy largas de explicar tienen un poco de reencuadre, he tenido que levantar un poco la ampliadora. Pero no, en general no reencuadro las fotos. ¿Cómo se ha adaptado al mundo digital?

No me he adaptado. Hace mucho tiempo que no hago fotografías. No lo desprecio (el digital) ni nada. Si empezase ahora en la fotografía usaría el formato digital lógicamente. ¿Digital o químico? ¿Por qué?

Químico ¿Qué películas utiliza?

Utilizaba en B/N Plus X y Tri X, y en color utilizaba primero Kodachrome 64, luego ya no me gustó y empecé a utilizar Fuji Velvia 50. ¿Retocas las imágenes? ¿Con que software?

Solamente quitar los puntitos y esas cosas con tinta ¿Cómo ves el panorama a día de hoy?

Bueno, yo estoy muy lejos ya de la fotografía. Lo veo todo muy confuso. Demasiada gente hace fotos, tienen todo el derecho del mundo pero, hay un galimatías que yo no entendería

Ingresa primero en el Círculo Fotográfico del Casino del Comercio de Terrasa y años después en en la Sociedad Fotográfica de Catalunya. ¿Qué tipo de fotografía se podía ver entre sus socios?¿Pudo ver en esos círculos fotografía que se saliera de los cánones tradicionales? Lo digo porqué su trabajo Lo que pasa es que en aquella época me llevaba mal sobre las Ramblas y sobre todo el de los San Fermicon mi padre. Yo ya estaba haciendo fotografías y nes se aleja del tipo de fotografía que se hacía en entre el grupo de mis amigos estaba bastante admi- ese momento. tida y valorada, así que decidí intentarlo. ramon maTodos, tanto los de Terrasa como los de la SFC eran sats revista ojosrojos71 Ramón Masats muy carcas. Hacían una fotografía enfocada a ganar premios, es decir, muy bonita según su concepto, es Durante mucho tiempo en las entrevistas dijo que su primera cámara le había tocado en una tómbola, decir, muy, muy antigua. Entonces, un grupo dentro y no que la había comprado de lo que podía sisarle de la SFC nos agrupamos. Teníamos otra manera de entender y de hacer. Estaban Xavier Miserachs, Ria su padre. ¿Estaba en contra su familia de su decicard Terré, Oriol Maspons, Francisco Ontañon. Nos sión de hacerse fotógrafo profesional? reuníamos pero los otros nos miraban muy mal porque no hacíamos la fotografía que les gustaba (risas) Es cierto durante tiempo dije eso.

No, de lo que estaba en contra es de que dejara el ramon masats revista ojosrojos22 Ramón Masats negocio. Porque en Cataluña, no sé si sabéis pero “l’hereu” (el heredero en catalán) es el que hereda ¿Cuándo comienza a fotografiar en serio, porqué y se hace cargo del negocio y claro, eso les molestó elige el reportaje? ¿qué trabajos le habían influido un poco. Cuando les dije que me venía a Madrid, mi para tomar esa decisión? padre dijo: Ya volverás, ya volverás. Pero no volví. ¿Qué le lleva a pensar en dedicarse a la fotografía pudiendo haber heredado el trabajo de su padre en la tienda de salazones? Uno pensaría que en aquella época la seguridad de un trabajo fijo sería una cosa atractiva.

Tierra de Campos, 1962

Bueno, yo me hice una prueba, o hacer fotografías estáticas de paisajes o intentarlo con el reportaje que me gustaba más. La prueba que me hice fue ir a los San Fermines cuando aun era amateur y allí vi que aquello era lo mío.

Bueno, de vez en cuando salíamos a hacer fotos de domingueo, pero lo que yo siempre hacía, cuando me encargaban un reportaje, era hacer fotos que me gustaban aunque no tuvieran nada que ver con el encargo. Esas me las guardaba para mí y son muchas de Cuándo por fin se decide a viajar a Madrid a traba- las que ahora conocéis. jar con la Gaceta Ilustrada, ¿cómo afronta sus primeros encargos?, ¿qué tipo de encargos le hacían? ¿Cuando dice salíamos de domingueo a quien se refiere? ¿Tenía que revelar y positivar su propio trabajo?

Sí, tenía que revelar y positivar mi trabajo. Me en- Con el grupo de Madrid. Nos íbamos por ahí, por los cargaban lo normal de una revista: entrevistas, re- pueblos a hacer fotos y, por supuesto, esas fotos eran para nosotros tratos, fotos de pintores, de cuadros, de todo. ¿Ahí fue donde conoció a Buñuel, a Carmen Amaya En el año ’57 ingresa en el grupo AFAL . Nos llama la atención que estando en Madrid y teniendo en y a los integrantes del Grupo El Paso? cuenta que las comunicaciones por aquél entonces no eran muy fluidas (y menos entre provincias) inSí, fue en esa época grese en un grupo Almeriense. ¿Porqué AFAL y no ¿Son, la mayoría de las imágenes que conocemos de otra asociación? ¿Tuvo que ver que su amigo Xavier su obra en blanco y negro, fotos tomadas durante los Miserachs perteneciera ya a AFAL? encargos que le hacían en la Gaceta Ilustrada o en los periódicos Ya, Arriba o Mundo Hispánico, o salía No me acuerdo. Lo que pasa es que para mí la revista AFAL es la mejor que se ha hecho en este país. usted a buscar fotos cuando no estaba trabajando?

Aracena, 1959

Los conocí y me entregué a ellos de una forma total.

En el año 58 ingresa en la RSF y se une al grupo La Palangana que eran una especie de disidentes dentro de La Real. ¿Qué le aportó su paso por el grupo La Palangana y porqué decide dejarlo?

Bueno, decidí dejarlo porque empecé a hacer cine y cada vez tenía menos tiempo para reunirme con ellos. Con los integrantes de La Palangana quedábamos en la RSF y después nos íbamos a un bar a hablar de todo. Nos enseñábamos las fotos y hablamos de todo, no solo de fotografía. Había una unión más allá de la fotografía.

Cuando tienes amigos que son además críticos, que critican las fotografías de una manera positiva, siempre se mejora. ¿ Qué significó para usted la concesión de un premio, tan importante en su día, como el premio Negtor?

No sé que me aportó, pero se enfadaron mucho conmigo porque presenté tres fotos: una que le gustaba al jurado, una que podía ser y otra que sabía que no les gustaba y le dieron el premio a la que sabía que no les gustaba. Eso les molestó muchísimo (risas) Usted ha dicho siempre que es un ávido lector. Sus imágenes han acompañado a textos de escritores de la talla de Delibes, Caballero Bonald, Ignacio Aldecoa o Francisco Umbral. Esta es una pregunta que ya le hemos hecho a muchos de nuestros invitados en esta sección porque parece que es una premisa que se repite ¿Cree que hay una relación entre fotografía y literatura?

La relación es el concepto. Fotográficamente tienes que imbuirte en el espíritu de lo que dice el escritor.

Bueno, en mi caso, no siempre. Normalmente primero te vienen los textos; te los lees, te imbuyes del espíritu e intentas reflejarlo, pero en el caso de mi colaboración con Aldecoa (Neutral Corner) no fue así. Él me enseñó el ambiente del boxeo que había en Madrid y me dijo”Tú haz las fotografías y yo luego haré los textos”, y así lo hicimos. Fue una manera distinta de trabajar y salieron unos textos exquisitos.

“Cuando

tienes amigos que son además críticos, que critican las fotografías de una manera positiva, siempre se mejora.”

Desde el año 65 al año 81 deja de lado la fotografía para dedicarse plenamente a la TV rodando documentales. Usted siempre dice que fue autodidacta en la fotografía, ¿fue igual con la TV? Digamos que sí, sí fui autodidacta.

Bueno, en la televisión tenía que hacer lo que me mandaban. No tenía posibilidad de hacer cosas para mí.

Una cosa que nos llama la atención en su biografía es que recibe un premio internacional en Inglaterra a la mejor foto de un rodaje cinematográfico por sus instantáneas de El Cid, La Caída del Imperio Romano y 55 días en Pekín. ¿Nos puede aclarar si trabajaba de fotofija en los rodajes o era un encargo de una revista? ¿ Su paso por estos rodajes fue lo que impulsó el cambio en su carrera y su próxima dedicación a la TV? Tenía un contrato, no iba de fotofija sino de fotógrafo que captaba cosas que pasaban en el rodaje.

Madrid, 1962

14 | ENTREVISTA | 6X6, y yo no lo veía en medio formato así que lo hice en 35mm y por eso me echaron. CuriosamenNo, lo de pasarme a la televisión no tuvo que ver te, cuando me dieron el premio, me llamaron y me con estos rodajes. Yo ya tenía una gran pasión por dijeron que tenía que atender a los periodistas. Al el cine. No tuvo nada que ver con Samuel Brons- final lo hice y no mencioné mi despido por respeto a un amigo que me había ayudado a conseguir ton (productor de estas tres películas) (risas) el trabajo.

Hemos buscado las fotos del premio y no las hemos podido encontrar. ¿Porqué foto le dieron el La mayoría de los documentales que rueda son de tinte etnográfico (Raices, Yo canto, Conozca Ud. premio?

España…) o digamos paisajistico o de naturaleza Es que esas fotos no las tengo. Yo trabajaba para la (Conozca Ud. España, Los Ríos) ¿Aprovechó esos productora y ellos me daban el material. Una vez rodajes para hacer fotografías? había tomado las fotos, ellos se quedaban con los negativos, los revelaban y positivaban. Yo ya no No, no hacía fotos. Si estaba en un rodaje, estaba tenía ninguna relación con ellas. De hecho, ellos en el rodaje y no me ocupaba de hacer otra cosa.

En esos momentos no me apetecía hacer fotos. fueron las que las mandaron al concurso.

Era freelance-

Una vez hice un documental en helicóptero y me supo mal no hacer fotos. Cuando uno esta rodando en helicóptero, normalmente solo esta el operador, y con pocas indicaciones hace su trabajo, así que tenía tiempo de hacer fotografías y ni siquiera en esos momentos lo aproveché.

A la derecha. Rafael de Paula, 1993. A la izquierda: La Carolina, 1987

Pasó una anécdota muy curiosa. Cuando me dieron aquél premio, a mí ya me habían echado de la productora de Bronston. Esto fue porque me pidieron un reportaje de Charlton Heston en los San Fermines. Fuímos a los San Fermines, hice las fotos, pero ellos me habían pedido en reportaje

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Sabadell, 1954

Vuelve a la fotografía a tiempo completo después de muchos año,s con unos encargos de la editorial Lunwerg. ¿Qué le impulsó a dejar la TV . ¿Cómo nace su larga relación con esta editorial?

La razón por la que volví a la fotografía, fue porque un grupo de realizadores decidió que era mejor que los realizadores en TV fuéramos fijos. Entonces yo dije que fijo no, que yo siempre había sido freelance.

Esto coincidió con un encargo de la editorial Lunwerg para hacer un libro sobre España. Siguieron encargándome cosas en TV pero cada vez menos, así que poco a poco me volví a dedicarme a la fotografía, pero ahora trabajando en color.ramon masats revista ojosrojos91 Ramón Masats En esta época comienza a utilizar el color por el formato propuesto para estos libros por la editorial Lunwerg (fotografías de paisajes, monumentos, de fotografía aérea). Su fotografía cambia bastante en la forma y en el fondo comparado con su época en B/N. ¿Tiene que ver por un enfoque distinto al usar el color en sus trabajos?¿Influyo en algo su paso por la TV? Yo creo que ninguna de las dos cosas. El color creo que se me ha dado bastante bien y no representó para mí ningún trauma. Yo creo que hice el mismo tipo de fotografía que me gustaba, igual que he dicho antes, aparte de hacer el encargo, luego hacía fotos para mí. Pero no, para mi no hubo una gran diferencia entre el blanco y negro y el color en la forma de hacer quiero decir, quizá en el resultado haya quien opine que el blanco y negro es mejor que el color.

Ha expuesto su obra durante toda su trayectoria tanto en España como en el extranjero. ¿Hay alguna exposición que crea que le haya dado un impulso grande a su carrera?

No especialmente. Ahora tengo una exposición en el extranjero, no me acuerdo bien donde…en la que se celebran los 100 años de Leica. En ella se exponen fotos de los mejores fotógrafos que han trabajado con Leica…y yo. Creo que tengo 6 fotografías colgadas en la exposición. Y esa es la última que he hecho.ramon masats revista ojosrojos191 Ramón Masats Las exposiciones están muy bien pero nunca me ha salido trabajo por hacer una exposición. El reconocimiento se va adquiriendo poco a poco cada vez que expones pero no me han dado nada a nivel de trabajo.

Después de publicar un portfolio en la revista Matador parece que hay un renovado interés por su obra, otra generación de espectadores empieza a conocerle. ¿Hasta que punto fue importante esa publicación, o cree que ese renovado interés se debió a otro motivo?

Si, yo creo que fue uno de los motivos por los que se me empezó a reconocer.

Madrid, 1960

Tomelloso, 1959

Cuenca, 2009

En el año 2001 Recibe el Premio Bartolomé Ros, posteriormente el premio de la Comunidad de Madrid y finalmente el Premio Nacional de Fotografía en 2004 ¿Que significaron para usted estos premios? ¿Qué cambió después de la concesión del Premio Nacional de Fotografía?

Una alegría, pero ni cambió mi forma de ser ni me forma de hacer. No cambió nada. Fue desde luego un reconocimiento muy grande `por el que estoy agradecido, eres más conocido…por eso me estáis haciendo esta entrevista, entre otras razones (risas)ramon masats revista ojosrojos101 Ramón Masats ¿Sigue al tanto de los nuevos fotógrafos de hoy en día?

Pues la verdad es que lo tengo bastante abandonado. Desde que dejé la fotografía sigo al tanto sólo de mis amigos de siempre, Navia, Cristina García Rodero, pero no estoy al tanto de las nuevas generaciones, aunque por lo que he visto hay grandes fotógrafos. España es un país de muy buenos fotógrafos, lo que pasa es que a diferencia de los pintores se los conoce poco fuera del país, pero tiene grande fotógrafosramon masats revista ojosrojos211 Ramón Masats Ha dicho en más de una ocasión que ya no hace fotos, que ha perdido la afición,¿porqué cree que le ha pasado? ¿qué es lo que le interesa hoy en día?

No tengo ni idea, de repente se acabó, pero es que no hago ni fotos de aficionado de esas de ahora salgo y cojo la cámara…nada, se acabó…y ahora hago lo que más me gusta que es leer y comer, porque tengo muy buena cocinera (risas) (su mujer añade que él también es un gran cocinero pero que desde que ella se ha jubilado se ha vuelto vago en la cocina.) ¿Cree que encontrará tiempo para escribir sus memorias?

No, ¡en absoluto no! que lo haga otro si hay que hacerlo pero no tengo ningún interés.

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Arriba: Olvera, 1988 - A la derecha: Pamplona, 1957

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JMui l laáns Nació en Madrid (España) en 1975. Se licenció en Hª del Arte por la UAM en el 2000 y en 2005 fundó, junto a otros 13 fotógrafos, el colectivo NOPHOTO con el objetivo de fomentar el trabajo y las ideas creativas de sus componentes.

Desde el principio de su carrera ha compaginado la fotografía editorial por encargo con proyectos propios, a menudo relacionados con la historia y la estética del medio fotográfico.

En colaboración con NOPHOTO participa en proyectos que serán premiados en ARCO y en PHOTOESPAÑA 2006 (Fotógrafo Revelación). Dos años después Juan Millás será nominado al Premio Internacional de Fotografía: KLM Paul Huf (Fotografiemuseum de Ámsterdam) y seleccionado por el Fotomuseum de Winterthur (Suiza) para participar en Plat(t)form 08.

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Entre los proyectos realizados colectivamente merecen mención Muta Matadero (2007), que inaugura el nuevo espacio para la creación de Matadero Madrid y cuenta la historia visual del Matadero Municipal de la ciudad y de su entorno; Península (2007-2011), una deriva compartida por dos fotógrafos que viajan juntos por las carreteras secundarias de España y Portugal; El último verano (2012), un proyecto de documentación sobre la evolución del verano más inhóspito de nuestra historia reciente; y This is Spain (2012-2015), una guía de viaje dispuesta en siete rutas por España para orientarse en tiempos de crisis, trabajo que recibió la ayuda a la creación VEGAP y la Beca 19º FOTOPRES “la Caixa”.

Cabe destacar también la mención de honor otorgada en el 3er Concurso de Fotolibro Iberoamericano de RM (2012) por PENÍNSULA, publicación realizada con el fotógrafo Eduardo Nave y el diseñador Juanjo Justicia, editada en PHREE. Entre sus proyectos individuales sobresalen Parece posible encontrar todavía algo por descubrir en el jardín (2010) un trabajo sobre la opacidad de la imagen fotográfica y A grove of trees from a point of view (2010-2015) un ensayo sobre el origen del paisaje y la posibilidad de la visión creativa. Su proyecto más reciente, El orden es una alucinación (2015), es un diario visual en proceso de composición donde trata de articular el desorden fotográfico que envuelve al autor desde las diferentes parcelas de su vida: familia, vocación, trabajo.

Además, Juan Millás es profesor vinculado a las escuelas Lens y TAI de Madrid; así como editor cofundador de la publicación DÚO, un periódico monotemático de aparición imprevisible que explora y reivindica el formato reportaje desarrollado entre un escritor y un fotógrafo

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A grove of trees from a point of view

Se trata de una propuesta -imaginada- sobre el origen del paisaje. Entendemos por paisaje ese “recorte primordial efectuado por la mirada” (Jean-Marc Besse) producto de una distancia ganada frente al mundo. Como fondo del trabajo hemos elegido un bosque en Côtes d´Armor (península de Bretaña, Francia) y como figura representada nos interesa el menhir. Uno y otro, fondo y figura, bosque y menhir, nos permiten aproximarnos a los temas de nuestro proyecto: el punto de vista, la visión, la representación, la imagen, la extrañeza. ¿Qué es un menhir?

Francesco Careri (arquitecto, autor de Walkscapes) relaciona el menhir con la idea de recorrido y con la idea de coordenada. Una coordenada es una “figura abstracta contrapuesta al caos natural”. También menciona la idea de “espacio entorno”, origen de la arquitectura que habrá de transformarse en “espacio interno”. ¿Cómo funciona el menhir?

Sobre el sentido de la obra de arte el artista Juan Muñoz (Writings/Escritos) ha reflexionado: “La obra de arte es contraria a la naturaleza, se interpone entre la realidad y quien la atiende. Substituye a la primera, la presenta como extrañeza, y durante el momento que la suplanta, la usurpa”. Así nos parece funciona la piedra menhir; substituye al bosque y nos lo devuelve en forma de visión/alucinación.

En Walkscapes su autor relata un mito egipcio sobre el origen del volumen.

Según el mito, el volumen surgió consecuencia de un rayo de sol petrificado.

Se trata del primer rayo de sol adentrándose en la oscuridad. La idea: lo natural es caos y el orden es una alucinación. El paisaje es una alucinación. ¿Dónde está el menhir?

El proyecto se mueve entre dos bosques. Uno es el “bosque territorio”, identificado con el caos, lo oscuro y lo real. Otro es el “bosque alucinado”, identificado con el orden, lo iluminado y lo representado. El menhir pertenece a los dos bosques. Participa de ambas realidades natural/artificial. Es territorio porque es una piedra, y como tal -lo explica Careri- antes de levantarse no tenía connotaciones simbólicas, pertenecía a la oscuridad original. El menhir también es alucinación, porque al ser rotada el hombre transforma la piedra en otra cosa: extrañeza o artificio.

Si aceptamos que el paisaje es un concepto plegado entre dos realidades -la realidad del mundo y la realidad de la conciencia- el menhir es una muesca producto del roce entre ambas. Nuestro trabajo ha consistido en pasear sobre el contorno que delimita el menhir, entre la percepción del bosque y su expresión.

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UGALDE

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Travel and Landscape Por Gerardo Zavarce Gastón Ugalde llega al Salar de Uyuni, la salina más grande del mundo (10.582 mts2 de extension, ubicada entre los departamentos de Potosí y Oruro, Bolivia) a través de un viaje que emprende desde la ciudad de la Paz al interior de Bolivia en 1970. No se trata de una expedición científica, como el viaje a la América equinoccial que emprendiera Alexander von Humboldt entre 1799 y 1804. Por el contrario, lo que mueve a Gastón Ugalde gira sobre el escenario de la experimentación visual, eje central de su devenir estético desde la década del setenta.

En este sentido, las imágenes realizadas por Gastón Ugalde, que incorporan la geografía del Salar (Bolivia) como escenario para producir una experiencia creativa del lugar, se inscriben como campo de confluencias de una diversidad de prácticas y visiones sobre la creación. Por una parte, Ugalde opera como heredero incómodo de la tradición del paisaje humboldtiano cultivado a lo largo del siglo XIX, cuya influencia ha logrado remontar los intersticios del tiempo, persistir hasta nuestros días y contribuir a tejer de forma compleja nuestras estrategias para comprender y mirar los discursos sobre el paisaje.

Por tanto, a través de la series de fotografías del Salar encontramos inscrita una visión del territorio como contexto construido para la interpretación de una naturaleza que es imaginada, tal como lo hicieron Alexander von Humboldt y sus seguidores a través de sus vista sobre la América equinoccial, como imagen inhóspita y monumental, donde: las nieves perpetuas, las zonas temperadas y montañosas y las extensas llanuras, conforman la morfología del paisaje, su abecedario discursivo. Sobre este impulso se erige una impronta profun-

Sobre este impulso se erige una impronta profundamente romántica sobre el territorio, se trata de la mirada sensible del viajero que pretende explorar no sin tensiones, nuevos espacios y horizontes.

sensible, procesos elaborados sobre una lectura animista del entorno. De esta manera, el color comienza a jugar un rol fundamental en la construcción de significativas puestas en escena que emergen como visiones alternativas para articular nuevos significados No obstante, Ugalde que asume la experiencia del via- y construir un imaginario conceptual y performátije, del tránsito, como eje de sus procesos creativos, es co del lugar desde las posibilidades experimentales y también un disidente comprometido con la imagen. creadoras de la imagen visual.

Entonces, mediante la expedición al territorio del Salar construye un tránsito ritual que tiene como propósito la experiencia del paisaje como catálisis de la creación y la activación del lugar como proposición

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Gastón Ugalde (La Paz, Bolivia,1944) Vive y trabaja en La Paz. Ganador del prestigioso premio Konex junto con el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer en 2002. Estudió Arquitectura en la Universidad Mayor de San Andrés, La Paz, Bolivia. Economía y Ciencias Políticas de la Universidad Simon Fraser, Columbia Británica,Canadá y la obra de la Escuela de Arte de Vancouver, Canadá. Desde 1972 ha tenido 81 exposiciones individuales y más de 160 exposiciones colectivas.

Gastón Ugalde es uno de los artistas bolivianos más activos a nivel internacional y ha expuesto su trabajo en las bienales más importantes, como Venecia, en 2009, 2001, Sao Paulo 1978, 1981, 1985, La Habana 1986, el 1999. Abarcando una carrera de medio siglo se le considera un pionero de videoarte en América América en los años setenta; su trabajo también incluye el rendimiento, la pintura, escultura, land-art y fotografía de instalación. Los críticos se refieren a él como el Warhol Andina.

Su obra está profundamente arraigada en Bolivia tradiciones y se llena de referencias socio-políticas. Fue fundador y director del Centro de Comunicaciones y Artes (La Paz, 1974-1976), profesor de la carrera de Artes Plásticas de la UMSA (1980-1981), director del Centro de Investigaciones Gráficas ‘Arkani’ (1985-1986), director de la Galería ‘Arte Único’ (LP, 1985-1986), director del Primer Portafolio de Arte Boliviano Contemporáneo (1986-1988). Actualmente dirige la Galería ‘Salar’, ubicado en la zona de Sopocachi.

En todo su trabajo fotográfico no utiliza photoshop o ningún tipo de manipulación digital.

NOPO cámaras

Os presentamos el proyecto de este madrileño que combina los inicios de la fotografía química con la tecnología del siglo XXI: Nopo Cameras. Toño Cañadas, el artífice, nos cuenta en qué consiste este innovador proyecto.

Hola Toño, cuéntanos, ¿en qué consiste el proyecto Nopo?.

NOPO es la marca que he puesto en marcha y que ofrece una línea de diferentes modelos de cámaras estenopeicas, fabricadas artesanalmente en maderas de nogal, cerezo y laminados de abedul. La variedad de modelos permite usarlas con casi todos los formatos de película fotográfica.

Pero NOPO es más que un producto; me gusta definirlo como un proyecto analógico, que pretendía explicar la técnica pinhole a todos los interesados, así como rememorar lo que es la fotografía analógica. Principalmente realizamos talleres para adultos y niños, pero en este tiempo nos hemos cruzado con muchísimos proyectos que tienen una gran labor de difusión en la fotografía analógica y con algunos hemos realizado colaboraciones o nos hemos apoyado mutuamente.

Siempre que hablo de Nopo no puedo evitar el uso del plural, sin embargo salvo por la enorme ayuda de mi pareja, Clara que me ha ayudado con el marketing y la comunicación, éste ha sido un viaje muy solitario.

Hasta ahora me he ocupado del diseño , prototipado y la fabricación de todas las cámaras que hasta ahora han salido del taller, algo que me encanta la verdad, pero ha sido mucho trabajo y eso supone un desgaste enorme.

Ahora estamos viviendo un cambio profundo. Hemos logrado un primer éxito con nuestra campaña de crowdfunding y la idea es crecer y ampliar equipo. ¿Nos puedes contar las bases de la fotografía estenopeica por si alguno de nuestros lectores no está familiarizado con esta técnica?

La fotografía estenopeica nos hace remontarnos al origen de la fotografía, una vuelta al origen, pues la técnica se basa en el funcionamiento de la cámara oscura que fue el primer artilugio óptico que junto con otros posteriores dieron lugar a la fotografía como la conocemos hoy en día.

El pinhole o fotografía estenopeica es una técnica muy peculiar que te permite hacer cosas muy difíciles de conseguir con otras cámaras con lente. Se caracteriza principalmente por la textura que tienen sus imágenes, la perspectiva absolutamente rectilínea ( al no tener lente) y la profundidad de foco infinita debido a su pequeño nºf o diafragma.

De hecho durante siglos, esta caja, en variados tamaños, solo se usaba para la observación de la realidad por artistas y científicos, hasta que no llegaron los materiales fotosensibles nunca se registro una imagen, una fotografía.

Aunque la fotografía cuando nació ya usaba una lente y la carrera siempre fue dirigida al perfeccionamiento de estas para conseguir imágenes perfectas, la técnica estenopeica se practicó desde sus inicios. Por eso la diferenciamos llamándola “fotografía sin lente”Lo cierto es que es una técnica menor que ha pasado por largas épocas de olvido. Sin embargo sus momentos de apogeo están asociados a ciertas “rebeliones estéticas”.

Ocurrió así cuando la recién llegada fotografía buscaba junto con la pintura dominante el máximo realismo, mientras que la técnica estenopeica se asoció al nuevo impresionismo defendiendo el error y las texturas.

Tampoco hay que olvidar que a finales del s.XX cuando la fotografía, antes de convertirse en digital, había alcanzado su máxima expresión técnica, aparece de nuevo la práctica sin lente en una búsqueda de los artistas de nuevas vías de expresión. Y finalmente también podemos hablar del ahora, desde principios de siglo no ha dejado de crecer el número de aficionados buscando una alternativa al auge de la fotografía digital.

La fotografía estenopeica y en general la analógica, si sólo para algunos pocos es una alternativa para muchos otros debería ser es una complemento, practicarla te lleva a un ejercicio en el que aprendes a pensar las fotografías y a entrenar la mirada, a adelantarte a los resultados, creo sin duda que te haces mejor fotógrafo.

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“La fotografía estenopeica nos hace remontarnos al origen de la fotografía, una vuelta al origen.”

¿Qué fue lo que te impulsó a crear, en el siglo XXI, cámaras con una técnica ya existente en la China del siglo V antes de cristo?

Comencé con NOPO en un momento en el que quería cambiar de rumbo. Yo estudié Bellas Artes, ahí aprendí de varias especialidades pero durante años me he dedicado a la realización audiovisual y a la dirección de fotografía. Hace algún tiempo apareció el primer proyecto de “The pop up pinhole company”, esas pinhole de cartón DIY; la verdad es que me impresionó mucho, creo que ese fue el germen, no fue el primer proyecto en pinhole ni el último pero me quedé con él. Siempre quise adentrarme en el diseño industrial o de utilidad. Mantenía una afición por las cosas hechas a mano y tenía equipo para trabajar la madera que usaba para pequeños proyectos personales, así que al empezar NOPO , sin saber muy bien a donde se dirigía, parecía buena manera de unir dos etapas de mi vida profesional.

Cuando arranqué el proyecto me invadió un te-

rrible vértigo al pensar que me adentraba en un sector ( la fotografía analógica) que estaba por desaparecer, como usuario nunca deje de usar la película pero no podía tener una idea clara de hacia donde evolucionaría , confié ciegamente en un puñado de artículos que encontré en los que ya se empezaba a hablar de “ESTABILIDAD” en el sector. Ahora la situación la puedo ver con más perspectiva y creo realmente que la fotografía analógica nunca se fue y además esta viviendo un empuje enorme, quedó atrás su gran crisis.

Este proyecto como cualquier otro ha tenido subidones y bajones. Mirando atrás no recuerdo que me haya planteado nunca abandonar, estamos comenzando y el apoyo de mucha gente ha sido increíble.

Todas las cámaras Nopo están hechas de madera. ¿Porqué se elije este material?. ¿Con qué tipo de maderas se fabrican?

Para todos los modelos usamos nogal, cerezo y un laminado de abedul finlandés, no hay una

madera que no sirva, se podría hacer con cualquiera pero mi elección se baso por un lado en su aspecto y el acabado que permiten por otro lado en su calidad, el nogal es una madera fácil de trabajar y es muy elegante, con unos colores increíbles y el cerezo da mucha firmeza, es una de las maderas más duras. Juntas tienen un contraste que me gustó mucho. El laminado de abedul es uno de los más adecuados para el corte láser y tiene muy buen acabado, tanto que decidí que quedaran los cantos a la vista, al ver la cámara puedes identificar todos los materiales, no se esconde nada.

Hemos leido que solo utilizáis maderas con certificado de sostebinilidad.

Las maderas las adquirimos directamente a un importador (MADERAS RADO), este aporta con cada partida unos certificados de origen, que significan que estas maderas han sido extraídas de explotaciones que cumplen con unas normativas determinadas.

Eso te asegura que la madera no vienen de una tala no controlada o ilegal y que probablemente pertenezcan a una explotación que se preocupa por reforestar para alimentar un ciclo de consumo de madera.

Para mantener una participación realmente activa con la reforestación decidimos participar del proyecto tist.org donde financiamos la plantación de un árbol con cada una de nuestras

cámaras.

Hay varios modelos de Nopo, ¿nos puedes contar cuales son y si estáis trabajando en algún nuevo prototipo?

La primera de todas la nopos fue la 135, esa seria la versión básica, para película de 35mm y con un formato 24x36mm, el más clásico.

Con ella se planteó la base de todo la que ha venido, el diseño, los materiales y la producción.

Pegada llego la panorámica, esta es sólo una ligera versión de la primera con un formato 24x36mm. Estos fueron de alguna manera los formatos obligados, el primer paso. Hay cierta tendencia en la fotografía pinhole a realizar formatos poco usuales, principalmente panorámicos y gran angulares y es verdad que con las posibilidades de “hazlo tu mismo “ es normal que los aficionados opten por completar sus colecciones con aquello que no se encuentra en el mercado fácilmente o que aportan un punto de vista más entretenido o novedoso. Yo he sido muy conservador con los formatos, y voy muy poco a poco con nuevos modelos, tras las dos primeras, la nopo 120, que llego a principios de 2015 cubre el formato 6×6 en 120 mm y sí juega con un angular más al límite, como la gran formato para placa de 5×4 y una distancia focal de 50mm es casi la más angular. Para esta campaña de crowdfoubding presentamos además la NOPO24 es

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“La fotografía estenopeica y en general la analógica, debería ser es un complemento, practicarla te lleva a un ejercicio en el que aprendes a pensar las fotografías y a entrenar la mirada, a adelantarte a los resultados, creo sin duda que te haces mejor fotógrafo.”

la más pequeña, la idea era tener un modelo por debajo de la 135 en tamaño y en precio, en nuestros cursos-talleres hacemos cámaras de caja de cerillas y esa fue la inspiración.

Consulté a Xavi Bassols (Pinhole Barcelona) experto en estas cámaras y aporto muchas buenas ideas. El formato 24×24 resulta ser divertidísimo, es una cámara de bolsillo y con muchas posibilidades.

Estas dos últimas cámaras en realidad están aún en una fase de prototipado, funcionan y ya se han ofertado en la campaña pero aún sufrirán cambios cuando se plantee su producción.

Otra cámara que con la que estoy experimentando a ver como funciona es la “latadesol”, por ahora solo se vende con distribuidores.

Una simple lata de aluminio con su estenopo y preparada para hacer una solarigrafía.

Ahora con esta pequeña familia como base

Ahora con esta pequeña familia como base si puedo empezar a pensar en versiones más extrañas, y bueno el siguiente paso creo que será ampliar el formato 120mm, quizá con una cámara multiformato, panorámica, bueno aun no lo sé!

Las NOPO están dirigidas a una actividad no profesional, es para cualquier tipo de fotógrafo, de cualquier nivel. Como en cualquier campo de la fotografía, cuanto más conocimientos tengas, más cómodamente lograras tus expectativas, pero no es necesario tener una base muy formada para usarlas, tiene un sencillo manual y cualquiera puede hacer fotos con ellas en pocos minutos.

Nos ha llamado la atención que sólo la NOPO 24 lleva un potente imán en la base para poder utilizar cualquier superficie de metal como tripode. ¿Esta solución no es transferible a los demás modelos de NOPO? Pues si, cuando comprobé lo versátil que era en la nopo24 enseguida pensé en hacerlo con las demás, no quería dejarle un imán a la vista como el caso de la pequeña, tendría que ser más grande por el peso así que diseñe una pequeña pletina de madera con los imanes y un tornillo de trípode, puedes ponérselo y quitárselo cuando quieras, ¡y con cualquiera de los modelos!.

NOPO también se dedica a fomentar el uso de la fotografía química a través de talleres. ¿Nos

puedes describir en qué consisten?

NOPO se convirtió de manera natural en un proyecto analógico porque había que defender la película a capa y espada. Por supuesto no éramos los únicos que lo hacíamos, pero desde el principio teníamos una cosa clara, si nos limitábamos al sector del aficionado o profesional de la fotografía el proyecto moriría, no voy a mentir, vendemos cámaras, hay una enorme cantidad de gente que hace una enorme cantidad de fotografías que sólo necesitan recordar o darse cuenta de lo grande que es la fotografía analógica .

Por eso comenzamos los talleres, son específicos de fotografía estenopeica y se ve sencillamente los principios de la técnica fotografía general y su química, y la verdad es que la experiencia fue muy buena, hubo mucha participación y desde todos los niveles. El taller de niños parecía complicado, pero se nos ocurrió que se hiciera en parejas de adulto con niño, eso fue un acierto, los pequeños lo pillaban super rápido y con los mayores todo el taller era muy ágil. Ahora estamos por programar la temporada y pronto se convocaran dos o tres talleres para los próximos meses.

Por último, ¿nos puedes decir dónde pueden conseguir nuestros lectores una cámara NOPO? Estamos en Madrid. www.nopocameras.com

Puntos de venta: MADRID: www.salesdeplata.com http://waldenco.es/ www.lafabrica.com http://www.alanstudio.es/ BARCELONA: http://www.nostalgic.es/ SANTIAGO DE COMPOSTELA: Merlín e familia Rúa de Xelmirez 15705 Casco Vello Santiago de Compostela

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Luis Bayl贸n

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POSTALES desdet

COREA o

Por

José Velasco

José Velasco nació en Águilas en 1975, trabaja en la actualidad en esta misma localidad murciana como profesor de enseñanza secundaria. Aunque siempre le ha interesado la imagen como medio para contar historias, su afición por la fotografía comienza en el año 2000 tras una estancia en Londres. Es la multiculturalidad de la capital británica el mejor escenario en el que aprender a usar su primera y última réflex no digital. Como consecuencia de su paso por Londres, en 2003 se decide a mostrar sus instantáneas en su primera exposición “Metrópolis”, realizada en la ciudad de Albacete. Un año más tarde, una estancia en Nueva York le sirve para seguir desarrollando la habilidad de contar historias con imágenes. En 2010, tras años de viajes por numerosos rincones del planeta, realiza su segunda exposición “Un Lugar en el Mundo” en Águilas. Después de un viaje a la India, en 2013 ofrece su tercera exposición “Un Viaje al Norte de la India” en la ciudad de Murcia. Ha colaborado en varias revistas digitales dedicadas a la fotografía y en la actualidad intenta combinar su labor docente con sus dos pasiones: la fotografía y el viaje.

Este ha sido un año muy, muy especial. Tras varios años preparando el proyecto, por fin he podido ver cumplido un sueño que llevaba rondándome en la cabeza durante mucho tiempo: dar la vuelta al mundo en un año. La preparación de este viaje no ha sido como la de cualquier otro. Ha llevado cientos de horas de intenso trabajo resolver multitud de cuestiones; algunas tan obvias como dónde ir, cuándo, y otras no tan obvias como qué hacer con el dinero, qué equipaje llevar y qué cámara empaquetar. Así pues, y tras decantarme por la tan ligera como versátil Sony A6000 y un objetivo todoterreno, los meses se convirtieron en semanas, las semanas en días y los nervios empezaron a instalarse muy adentro; ilusión y nervios alternándose hasta que llegó el día D.

Hace doce meses salía de Madrid hacia Oslo cámara en mano. El resto lo podría resumir como una de las mejores experiencias de toda mi vida y de las que más he aprendido. De los veintisiete países visitados, quizás sean las dos Coreas los que más me han impactado. Con el proyecto “Postales desde Corea” he intentado retratar las diferencias y similitudes entre estos dos países tan cercanos en la distancia, pero tan lejos en cualquier otro aspecto.

te asignan dos guías las veinticuatro horas del día, sino que no tienes la posibilidad de pasear por una calle que los guías no lleven en su muy estudiado itinerario. Esto, junto a las restricciones a la hora de fotografiar, ha hecho que viviera algunos momentos algo frustrantes, sobre todo cuando trataba de desenfundar mi cámara. En un principio pensaba que el motivo de estas restricciones era no retratar lo que los guías llamaban “cosas feas”.

Así pues, un edificio sin acabar o cualquier trabajo Corea del Sur, apoyada por Estados Unidos, es ul- manual son considerados “no fotografiables”. Sin tramoderna, capitalista, con gente muy extrover- embargo, poco a poco uno se da cuenta de que lo tida pero con la cuarta tasa más alta de suicidios que realmente teme el gobierno es al contacto con del mundo. Uno se queda mudo cuando llega Seúl extranjeros y el riesgo para el régimen que ello imy se encuentra con una ciudad que parece del futu- plica. ro: edificios como la plaza del diseño, los trenes, la ropa… y como no, los váteres con aplicaciones. En Otra de las cosas que me interesaba mucho fotoCorea del Sur llama poderosamente la atención la grafiar era el culto a sus líderes o “faraones”. Se suobsesión por comprar y la presión que sufren los pone que en Corea del Norte no hay religión, pero jóvenes para conseguir los mejores resultados aca- el culto de sus ciudadanos a los padres de la patria démicos y después los salarios más altos. Esto últi- se asemeja al de Irán o el Vaticano. De esta manemo, quizás explicaría en parte la elevadísima tasa ra, tras una pausa en el trabajo, los norcoreanos de suicidios. En cuanto a su “vecino del norte”, en deben ir a poner flores y hacer una reverencia ante los ciudadanos surcoreanos parece mezclarse cier- las cientos de imágenes colosales de sus líderes. El to revisionismo histórico con la indiferencia, e in- delirio es tal, que hasta han creado un calendario cluso temor hacia una futura reunificación y sus propio en el que el año cero comienza con el naconsecuencias económicas. cimiento de su líder fundador, el cual se identifica con el sol como de si de faraones egipcios o Luis He sido muy afortunado de poder entrar en Corea XIV de Francia se tratara.

Norte y ser testigo, junto a mi cámara, de un delirio colectivo anclado en los años 80. Me es muy di- Aunque parezca extraño, la relación con los dos fícil hablar de este país, al que le he cogido mucho guías ha sido excepcionalmente abierta y sincera cariño y que me ha sorprendido por la ingenuidad dentro de sus estrictos límites. Además, tener a un de muchos de sus ciudadanos. Podríamos describir universitario y a su profesora nos ha dado una viCorea del Norte como un país muy empobrecido sión bastante completa del país. Aun así, se nota desde la caída de la URSS, pero con los “decora- demasiado los apuntes memorizados del primero y dos” más ostentosos de la historia. Ejemplos los las fisuras de un discurso demasiado ingenuo en la hay por doquier: hoteles de apariencia lujosa en segunda, y que ella misma no parece creerse. los que a veces no hay agua ni electricidad, carreteras de ocho carriles por los que apenas pasan co- Todo lo descrito anteriormente es lo que he trataches, edificios de dimensiones desproporcionadas do de retratar con la cámara en el proyecto “Posque contrastan con la humildad de los coreanos, y tales desde Corea”. Dos países separados en el esun largo etc. Es un país en constante decadencia pacio por unos pocos metros, pero con una brecha y con unas diferencias abismales entre la capital temporal que lejos de cerrarse, sigue ensanchando Pyongyang y el medio rural. día a día.

De igual manera, los visitantes sufren de total falta de libertad de movimientos. De hecho, no sólo

Colita

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viph Hola Estibaliz, creo que lo primero que deberían saber nuestros lectores es, ¿qué es VIPHOTO?

La feria VIPHOTO ha llegado a su cuarta edición que se celebra los días 21 y 22 de no viembre e n Vi t o ria-Gasteiz. Estibaliz Diaz, miembro de la organización de este evento, responde a nuestras preguntas.

Viphoto es una feria de fotografía que pretende acercar el arte de la fotografía a todo el mundo (sea más o menos entendido) y aumentar la comunicación entre fotógrafos y posibles compradores, coleccionistas, galeristas, críticos de arte… Realmente es una feria cercana, organizada por apasionados de la foto con mucho cariño. La intención también es romper las barreras que se pueden crear (o que existen) entre cualquier ciudadano y una galería especializada en fotografía. ¿Quién organiza VIPHOTO 2015?

Viphoto lo organiza la Sociedad Fotográfica Alavesa (sfalavesa.es). Es una asociación sin ánimo de lucro encargada de difundir y acercar la fotografía a la sociedad.

hoto © Sara Berasaluce

¿Quién puede y cómo se puede participar en la feria?

Se puede apuntar cualquier persona que tenga ganas de mostrar su trabajo. Para participar en la feria primero tienes que apuntarte mostrando un portfolio. Y si tu portfolio es uno de los seleccionados por el jurado formarías parte de la feria. En este enlace podéis ver quienes han sido los afortunados para este edición. ¿El comité se selección es el mismo todos los años?

No, cada año es diferente. El jurado es elegido entre todos los organizadores y siempre tenemos en cuenta que haya un fotógrafo, un docente, un comisario, un crítico de arte, … con diferentes gustos o trayectorias. También solemos intentar que haya tanto hombres como mujeres y que sean de un entorno más o menos cercano para que

haya variedad y diversidad en todos los aspectos.

Este año por ejemplo han sido: Javier Berasaluce (fotógrafo y responsable del Archivo Fotográfico de Vitoria-Gasteiz), Nagore Legarreta (fotógrafa de Guipuzcoa) y Piko Zulueta (fotógrafo y profesor de fotografía).

Hemos leido que complementáis la feria con unas conferencias. ¿nos puedes contar qué vamos a poder escuchar en estas charlas? ¿Están abiertas al público general?

Si claro, todo el mundo que quiera está más que invitado a formar parte de estas charlas. Son gratuitas y se realizarán en la misma sala donde se realiza la feria (en el centro de Vitoria-Gasteiz, en la Sala Amárika). Hay aforo limitado así que quien esté muy interesado que venga con tiempo para asegurarse un sitio. Este año disfrutaremos de las siguientes :

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Una será a cargo de Nieves Limón (comisaria y profesora en UC3M) y lleva por título “¿Qué fue de Anna Atkins? Las miradas que espigan el mundo”. Y la otra será a cargo de Roberto Villalón (fotográfo y colaborador de Asombrario) y su título es “Fotografía actual, del Juan Palomo al ciento volando”.

Así que lo dicho, os esperamos a todos! Normalmente se forma un ambiente muy agradable después de la charla! Y después del turno de preguntas solemos acabar muchos de nosotros tomando algo o cenando en algún restaurante cercano.

Este año tenéis invitados para visionar portfolios. ¿Quién puede mostrar su portfolio a estos expertos?

En principio los portfolios que se verán serán el de las once personas seleccionadas para formar parte de la feria. Pero tampoco sabemos

exactamente cómo será porque es algo nuevo también para nosotros… ¿Tenéis pensado para la próxima edición alguna novedad o sorpresa?

Seguro que algo se nos ocurrirá, pero de momento tendremos que ver cómo funciona esta para ver qué es lo que tiene más éxito y qué es lo que podemos mejorar… a parte, siempre enviamos un test con varias preguntas para poder saber la opinión de los fotógrafos y participantes en la feria. Al final son ellos los que nos pueden ayudar a mejorar y perfilar detalles. A parte de cualquier visitante que quiera comentar algo, cosa que agradecemos mucho!

Saludos y muchas gracias a vosotros, revistas OJOS ROJOS, por ayudarnos a difundir esta feria en particular y la fotografía en general!!

© Andrea Zárate

Arriba © © Aitor Amez Primera Abajo© © Helena Condal Segunda abajo © Selena Ibarra

“La intención también es romper las barreras que se pueden crear (o que existen) entre cualquier ciudadano y una galería especializada en fotografía. ”

SANTI PALACIOS La valla Migrantes subsaharianos piden ayuda y que no se les expulse de España desde lo alto de la triple valla metálica que divide Marruecos y el enclave español de Melilla, a primera hora de la mañana del viernes 28 de marzo de 2014.

Varios cientos de migrantes trataron de acceder a Melilla saltando la valla que rodea la ciudad autónoma pero las fuerzas de seguridad marroquís bloquearon a la mayoría y agentes de la Guardia Civil expulsaron en el acto a los que habían logrado acceder a la parte de la valla que se encuentra dentro de territorio español. (Santi Palacios)

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Agradezco al autor de esta fotografía, Santi Palacios y a sus colegas del fotoperiodismo su labor de retratar lo que hay sin dejar de honrar a la belleza, atravesando el desasosiego que generan ciertos aspectos de lo que ocurre. Veo que ayudan a transformar la actitud de multitud de personas que nos acomodamos a nuestro contexto más fácil. Agradezco que recojan de este modo para nosotros lo que acontece un poquito más allá. No nos queda otra que atender a lo visto, constatar un estado de cosas al que hay que dejarle un lugar en nuestra consciencia.

Y agradezco a los muchachos que aparecen en la foto, como a todos los seres que aparecen en las fotos que cuentan lo más difícil de las circunstancias del mundo. A los que realizan su historia a pesar de todo.

Los acomodados en contextos más fáciles no soportamos bien cuando la realidad duele, nos la quitamos de encima como podemos. Pero no podemos esconder lo real sin que nos molesten los trapos con los que lo cubrimos, (ahí debajo se generan monstruos). Expulsar el dolor afuera, apuntar al enemigo, sin dejar de tener razón, no nos libera de lo que nos incumbe a nosotros esa información recibida. Es decir, el saber algo así como que la macroeconomía, hija del nivel de consciencia colectivo, está produciendo tantos horrores a tantos humanos y al resto de formas de vida terrestres, a manos de unos cuantos en concreto, exige posicionarse ante todo este engranaje que estropea la tierra y separa humanos. Y sin embargo, no me exime de esta imagen, no la puedo desechar como que no iba bien dirigida y que a mí no me compete. Me toca habérmelas con este aspecto de la realidad y no empujarla hacia un lado porque no es justa o no es bella…

Y ¿qué pretendemos hacer nosotros ante la brutal exhibición de lo que hay. Para dejar de generar el mismo odio y resentimiento que florece en atrocidades por todo el mundo. Para no contestar con la misma medicina? Si uno escucha con atención porque la pregunta no es retórica y atraviesa la impotencia y se abre paso a través de la rabia y la pena, algo responde con otra pregunta ¿Qué pretendemos hacer nosotros ante la magna realidad sino dar fe de ella y hacernos cargo?

Cuando así la realidad nos alcanza, no somos más que ella y tampoco menos.

Las palabras con poesía no aniquilan la vida de las cosas que nombran.

También las imágenes son poesía cuando nos llaman a ser contempladas en ese espacio objetivo donde dejamos a las cosas ser, donde está la hendidura por la que nos encontramos a nosotros mismos en las mismas cosas que miramos.

Joan Castejón

Artista