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© Luis Baylón
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Š Miguel Oriola
ENTREVISTAS 7 Luis Baylón 16 Rafael Sanz Lobato
NOMBRE PROPIO 34 Ricardo Cases 45 Matías Costa
LATINOAMÉRICA 50 Nelson Garrido 58 Versus Photo
COMODÍN 64 Festival Imaginaria 67 PHotoEspaña
SANGRE FRESCA 71 Pierre-Yves Marzin 74 Pilar García Merino
EL MUNDO ALREDEDOR 80 Jose Luis Mur - Coleccionista 83 C-Photo - Revista
LA PIEZA 90 Juan Pedro Font de Mora 92 Rubén Morales
© Matías Costa
Š Bernard Plossu
| ENTREVISTA | 7
LUIS I
BAYLON Charlamos con el maestro Luis Baylón con motivo de la celebración de su exposición “Par de dos”. Le hacemos una batería de preguntas para que, quienes le desconozcan, se hagan una idea de su carácter y talento, y luego le preguntamos por esta nueva exposición. ¿Cómo empezaste en este oficio? Empecé pronto, a los 18 años, de casualidad, porque a mí me gustaba mucho el cine y no pude estudiar porque en ese año de 1975 cerraron la escuela de cinematografía de Madrid, así que compré una cámara Canon Ftb con una lente de 50 mm a un amigo en apuros y ya….empecé a rodar…digo a disparar. ¿Te acuerdas de cuál fue tu primera cámara? Cómo he dicho, la Canon Ftb ¿Cuál fue la primera foto o fotógrafo que te impresionó? Sin duda, cómo no, las de Cartier-Breson…pero luego se me pasó, en cuanto empecé a mirar más libros y revistas de fotos….me encantaba el neorrealismo. ¿La última foto o el último fotógrafo que te ha hecho sentir lo mismo? Creo que Vivian Maier me ha renovado y ratificado en las ganas y las maneras que siempre me han gustado…es de la escuela de la foto callejera sin mensaje….por puro placer…como fuente de conocimiento (¿cursi no?). ¿Con qué cámara sueles disparar? ¿Te da igual una que otra? Empecé con la Canon , luego una Nikon F , también una Nikkormat, y una Mamiya 645 , hasta que mi padre me dejó probar su querida Rolleiflex 2.8 doble objetivo y me enamoré (cursi again), así que se la chirlé , había competencia con mis brothers, y es mi preferida….ya he comprado cinco.
8 | ENTREVISTA |
¿Tienes una óptica favorita? La misma focal de la visión humana, o la que más se aproxima, o sea el 50mm para 35, o el 80mm para formato medio, etc…. ¿Horizontal o vertical? Pienso que es indiferente…lo importante es la imagen. ¿Qué prefieres disparar a tiempo y hacer lo que esperabas o no llegar a tiempo y sorprenderte? Pues joder…, lo mejor es pillar lo que se te presenta y hacerlo bien o excelente, mejor, aunque admito que alguna vez he tenido chorra y ni siquiera me acordaba de haberlo hecho y zás….fotón! Pero son las menos, excepciones gratificantes en este caso y viceversa…el proceso fotográfico argéntico tiene mucho recorrido hasta la copia final, que es lo que cuenta, y muchas veces, desgraciadamente la he cagado…siempre hay una primera vez para todo….siempre aprendiendo de los errores, es el único consuelo que nos queda para que no vuelva a suceder. ¿Reencuadras las fotos? A ver….cuando disparo procuro encuadrar para no tener que reencuadrar después, así que no suelo hacerlo, pero lo veo “lícito”….Walker Evans sacaba 4 ó 5 fotos del mismo negativo, según pasaba el tiempo…yo no lo suelo hacer y además me gusta presumir incluyendo el borde negro…pero a veces sí lo hago y entonces utilizo el corte seco en los bordes. ¿Cómo te has adaptado al mundo digital? Seré sincero, no me he adaptado, pero quiero matizarlo. Utilizo los ordenadores desde que edité mi primer libro, allá por 1996, pues las fotomecánicas funcionaban así desde mucho tiempo atrás. En 1980 vi el primer ordenador en mi vida, un Mac (se siente)…en Holanda , en una cía. de retratos de colegios., o sea que estoy muy familiarizado con ellos y gusto de dar las pautas para que los operadores lo hagan como a mí me gusta y quiero que queden en la pos impresión, pero no me gusta ponerme delante de ellos mucho tiempo, me aburren , cansan y desesperan con sus 1001 virguerías…Entonces con el correr de los tiempos pues me he tenido que acercar más por cojones…y así lo he asumido e intento aprender . Es menester gastarse la lana y hacerse con un buen equipo y echarle muchas horas, así que es como empezar una carrera nueva con todo lo que conlleva. ¿Digital o químico? ¿Por qué? Para mí químico, sin duda…porque me mola lo primero, porque lo controlo lo segundo y he tardado mucho en llegar a un grado de excelencia profesional ineludible, y lo tercero porque expresa con rotundidad lo mejor de mi sensibilidad y visión del mundo, lo que me sale de las tripas (nunca mejor dicho). No hay color… la luz es blanca…y su ausencia es el negro….el color depende del prisma con que se mira….es cierto… o con la luz que le cae. Pero entiendo que para trabajar hoy en día hay que estar prepa-
12 | ENTREVISTA |
rado y saber manejarse también con lo digital, es impepinable si quieres trabajar. ¿Que películas utilizas? Desgraciadamente esta pregunta no tiene mucho recorrido…se están dejando de fabricar casi todas….yo usaba mucho 220 de formato medio….ya no la hacen más, y así con muchas otras….sólo nos queda la TriX 400 asa de toda la vida…. ¿hasta cuando? ¿Retocas las imágenes? ¿Con que software? En blanco y negro se le dice “puntear”, pues se intenta parecer al grano de la película, y sí, es inevitable, con un pincel 0 de pelo de nutria, es el ideal. Y en las digitales con el photoshop CS5 (pero sólo gateo todavía). ¿Cómo ves el panorama a día de hoy? Naturalmente en blanco y negro; para variar. ¿Cómo surgió la serie par de dos? Por puro azar, por hacer fotos en la calle, porque me gusta dejarme llevar y sorprenderme. ¿Te acuerdas de la primera foto de la serie? La primera que hice es la de los dos ciegos con boina y gabardina en 35 mm. ¿Trabajar en series es una manera habitual tuya de trabajar? Lo de las series surge cuando uno se da cuenta que al fotografiar instintivamente las fotos se parecen o que repites el mismo motivo que te atrae, entonces surge la serie. Hasta que no vi en mis contactos 4 o 5 fotos que eran así, de individuos que parecen clones, o mejor dicho, dos gotas de aguas, no me enteré. ¿Crees que todos tenemos nuestro tocayo en algún lado?
Fíjate, fuimos a USA a NY a casa de los abuelos de Tyra (la hija de Baylón N. del E.) y encontré una foto de familia de unos amigos de ellos, y de repente me dije: ¡pero si este soy yo!…de verdad, era clavadito a mi, por eso pienso que no sólo habrá un tocayo, sino que pienso que estemos metidos en una serie de individuos clones, al menos por fuera. ¿Crees que en todas partes hay pares de dos o solo en España? Por supuesto, en esta expo que pretendía ser sólo par de dos madrileños se han colado cuatro o cinco de Zaragoza, Zamora y Marsella. Os diré que si publicase un libro gordo –pues hay uno pequeño que me hicieron los chicos de Fotomecánica Lucam, edición no venal- sería de todos los par de dos de todos los sitios a los que he viajado, y os aseguro que se doblaría o triplicaría el volumen de esta serie, muy divertida. Sí, en todos los sitios cuecen habas. ¿Cómo haces para ver tantos “pares de dos”? Cuando se quedó Mina (la mujer de Baylón N.del E.) preñada, empecé a ver preñadas por todas partes, y hasta entonces no me había fijado, por lo que pienso que debe ser una disposición anímica la que contribuye a la que te fijes. ¿Cada vez nos parecemos más? Yo creo que siempre nos hemos parecido y además nos gusta hacerlo, es un tipo de autoafirmación de pertenencia al grupo, nos da seguridad. ¿Es la primera vez que expones este trabajo? No, es la segunda, la primera fue en un bulevar de Alcobendas, en unas grandes marquesinas de 2×2 m, imágenes, quedó muy chulo.
14 | ENTREVISTA |
¿Cómo surgió la oportunidad de exponer en CentroCentro? Pues fue idea de unas amigas que conocí cuando me dieron el premio de la Comunidad allá en 2001, se lo dijeron al comisario A. Castellote, que me lo propuso y tras mucho suspense, salió.
¿Vas a continuar con la serie o la das por finalizada? Las series no se acaban nunca, tal vez la intensidad con que las sigues disminuye, pero siempre te tientan, aunque te vuelves más selectivo. Finalizarán cuando diga bye bay definitivamente a este mundo cruel. Todas las fotografías de la serie “PAR DE DOS”
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RAFAEL
SANZ LOBATO
Sanz Lobato (Premio Nacional de fotografía 2011), se declara fuera de convencionalismos y nos cuenta como se abrió camino a base de compromiso y amor a la fotografía.
CONSTRUCCIÓN GEOMÉTRICA Nº7
Š Mike Steel
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CONSTRUCCIÓN GEOMÉTRICA Nº6
¿Cómo empezaste en este oficio?
grande por la fotografía. Fue en una época en la que no
Pues comencé en este oficio porque a los 14 o 15 años-
me había comprado la primera cámara, tenía menos de
despertó en mí el deseo de hacer fotos y no paré hasta
veinte años. Entonces mi primo, aprovechando esas
que con 22 años , guardando todos los meses 100 pelas
ofertas que se hacían en Estados Unidos por ejemplo el
de mi sueldo…¿En qué trabajabas? Empecé a trabajar
Popular Photography, que era una revista maravillosa, de
a los 15 años en la Renfe como peón. Me adscribieron
los años…estamos hablando de los años 50, ¿no? Y me
a un jefe de depósito y allí empecé a hacer curvas de
regaló una subscripción por tres años . En aquella revis-
enfriamiento de hogares de locomotora. Cuando me
ta que entonces era maravillosa porque venían artículos
metía en las calderas las paredes estaban a más de 100
sobre técnica y dossiers de fotógrafos importantes. Pues
grados. Estarían a unos 140 grados. De ahí a lo mejor me
no sé ahora de quien fue la primera foto importante que
vino la afinidad y empecé a hacer curvas sensitométricas.
vi, pudo ser de Weston, o el que hizo lo de Minamata,
Hacía también análisis hidrotimétricos de las aguas con
Eugene Smith, o pudo ser Paul Strand. Sí, probablemente
que se llenaban esas calderas, cuyo peligro enorme era
un americano, o un europeo también.
la incrustación de cal que se producía. Y a los 22 años pasé a trabajar a Entrecanales y Tavora en el departa-
¿La última foto o fotógrafo que te ha hecho sentir lo mis-
mento de maquinaria pesada. Yo acababa de terminar la
mo?
carrera que hice que se llamaba de Comercio, era peri-
El último fotógrafo que me ha hecho sentir lo mismo….
taje mercantil, profesor mercantil e intendente mercantil.
ufff, no recuerdo. Porque últimamente la fotografía creativa
Nueve años.Empecé trabajando en Entrecanales y Tavora
va a menos y con lo digital… O hay un renacimiento, que
porque yo lo que en realidad quise estudiar era Industria-
existe en otras partes del mundo, del blanco y negro quí-
les pero por el defecto congénito de mi mano derecha no
mico o será la muerte de la fotografía, porque lo que será,
pudo ser. Ahí ya tienes una parte importante del CV
será otra cosa, pero con la base digital será una mierda.
¿Te acuerdas de cuál fue tu primera cámara?
¿Con que cámara solías disparar?
Si, una Paxete con X, alemana, con un objetivo fijo de
Depende de la época. Primero fue la Paxette, luego
50mm. Además tenía un fotómetro visual. Mirabas por
vendí la Paxette, porque era obligado vender la anterior,
un agujerillo que tenia arriba, veías un número y con ese
y me compré una SuperBaldina también Alemana con
número te ibas a una tabla y te decía…. (Risas)
un objetivo 50mm, pero esta era retráctil. Apretabas un botón y salía el objetivo, Blam!! Para afuera. Y siempre
¿La primera foto o fotógrafo que te impresionó?
esperaba…a ver qué día sale volando (risas). Luego mi
Cuando tenía veintitantos años, un primo mío que era
tercera cámara fue una… yo siempre andaba detras de
ayudante de ingeniero aeronáutico y estaba trabajando
una Rollei porque era una cámara que se utilizaba mucho
en la IATA se dio cuenta de que yo tenía una afición muy
en aquellos años los 50 y los 60. Pero no tuve dinero
20 | ENTREVISTA |
CONSTRUCCIÓN GEOMÉTRICA Nº13
para tener una Rollei. La primera Yashica Mat sin fotó-
¿Qué prefieres disparar a tiempo y hacer lo que espera-
metro que vino a la tienda donde yo compraba, pues me
bas o no llegar a tiempo y sorprenderte?
la compré a plazos claro,y entonces tuve que vender la
No, no, llegar a tiempo y disparar. Se me dio el caso de
SuperBaldina y después, manteniendo la Yashica Mat, en
que vendieron… un amigo que necesitaba dinero vino y
el año 59 o así compré una Zeiss Ikon que tenía ya cam-
me vendió muy barato un motor para la Nikon. Empecé a
bio de óptica. Pero al cambiar se cambiaba solo la mitad
utilizarlo aunque era un cacharro muy pesado, pero me dí
de la óptica y para pasar la película había que dar vuel-
cuenta enseguida de que, cuando disparas a lo mejor a
tas…chick, chick con lo cual hacer documentalismo con
cinco imágenes por segundo, la imagen que quieres no la
aquella cámara…
tienes. Y cuando fui profesional y tuve que hacer con Lois Happy (marca de vaqueros N.del E.) una publicidad en
¿Tienes una óptica favorita?
Inglaterra y Francia, (hice dos trabajos con Borrás, el pro-
Nada más aparecer por la Real Sociedad Fotográfica me
ductor Catalán) había que hacer una escena con un tío
di cuenta que realmente el documentalismo había que
saltando…un tío iba con una moto, le pusieron una rampa
hacerlo con un 35 mm. Vendí la Yashica Mat, vendí la
y entraba en un vagón de mercancías con la moto. Y me
Zeiss Ikon y me compré la primera Nikon. Probé los objeti-
acuerdo que borras ya me lo dijo “¿sabes lo que pasa
vos en la tienda y elegí que mi óptica bandera sería un
con los motores?” y yo le dije” sí, sí, sí”. Es mejor disparar
35mm. Yo había leído que Cartier-Bresson dice que solo
una vez y conseguir la foto que quieras.
había utilizado en su vida el 50mm, lo cual es una mentira así de gorda.
¿Reencuadras las fotos?
Yo he hecho el 99 por ciento de mi obra con dos ópticas
Por supuesto. También dicen que Cartier-Bresson no lo
un 35mm F2 y un 85mm F1.8 de Nikon.
hizo nunca, cosa que no me creo.
Para mí el documentalismo hay que hacerlo a quemarropa con el 35mm y luego, si quieres hacer algo que está más
¿Cómo te has adaptado al mundo digital?
lejos, u otro encuadre pues el 85mm. Luego después
De ninguna forma. El digital para los colorines pues más o
tuve un 200mm, un 20mm, un 24, un 28, el 55mm micro
menos está bien. No ha perseguido nunca la calidad del
Nikkor, ese es un objetivo maravillosos. A veces los lleva-
color químico, ¿no?. Para nada. Y si no, pongo por ejem-
ba en la bolsa y me decía “para qué, si solo utilizas dos”
plo los tirajes que se hacían en dye transfer en color.¡ Incomparable de color! O sea que no llega tampoco lo
¿Horizontal o vertical?
digital a igualar al color químico. Pero es que en blanco y
Horizontal siempre; y lo más parecido a la proporción
negro es absolutamente imposible. La belleza de un halu-
áurea. Nosotros vemos en horizontal y cuando hago fotos
ro de plata jamás podrá ser igualada por lo digital, porque
verticales tiene que ser fotos que estén muy justificadas.
entre otras cosas las sombras se empastan. Es una cosa
Vemos en horizontal, es lo natural.
irreconocible.
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HOMENAJE A MORANDI
CONSTRUCCIÓN GEOMÉTRICA Nº3
“O hay un renacimiento, que existe en otras partes del mundo, del blanco y negro químico o será la muerte de la fotografía.”
24 | ENTREVISTA |
CONSTRUCCIÓN GEOMÉTRICA Nº14
¿Digital o químico, por qué?
que la mayoría, no todos afortunadamente, se han pasa-
Los que tengan duda que hagan la prueba. Que hagan la
do al digital y estoy viendo cosas horrendas. Y además la
misma foto con una cámara digital y una copia digital de
gente no se da cuenta.
altísima calidad en el papel Hahnemühle más caro y no sé qué, y otra copia la mejor que puedan, con un bromu-
Se te conoce como uno de los precursores de la foto-
ro de plata y que las pongan juntas. En cuanto hicieran
grafía documental antropológica. ¿En quién te inspiraste
eso, la gente iba a cambiar mucho. ¿Totalmente contra lo
para hacer tu trabajo?, ¿en los fotógrafos americanos que
digital?, no. Profesionalmente creo que es un avance, y
veías en las revistas?
eso para las revistas del corazón, las de no sé qué, las de
Vamos a ver, a mí me han preguntado muchas veces
no sé cuantos, para la prensa diaria, eso perfecto. Pero,
que cuáles han sido mis arquetipos de fotógrafos y tal, y
para la fotografía creativa, personal, lo mismo en color
yo siempre he dicho que en los años 50 recibía el Popu-
como en B/N; químico. Si alguien tiene duda, que haga
lar Photography donde había toda clase de fotógrafos.
la prueba del algodón. Que hagan las dos fotos, la misma
Evidentemente más americanos que me gustaron y me
foto, con la misma iluminación sobre trípode y tal, con una
siguen gustando muchísimo, más luego todos los euro-
cámara digital y con una cámara mecánica. Que hagan el
peos que, como habéis mencionado antes, fueron ab-
mejor bromuro de plata que puedan conseguir y el me-
sorbidos por estados unidos como Robert Frank…hubo
jor… y que las pongan juntas.
mucha gente que estuvo allá. Y los maestros de siempre, de toda la vida. Entonces, no hay un fotógrafo que me
¿Qué película utilizabas?
ha gustado por encima de otros. Quizá a lo mejor Cartier-
Para el documentalismo la Tri-X. No ha habido otra pelícu-
Bresson en algo, que es tan rotundo en algunas de sus
la ni la habrá. Luego después, cuando he hecho otras co-
fotos. Es el mayor ejemplo. Creo que he tenido influencias
sas: formato medio, mis paisajes, mis retratos, los bode-
positivas de todos ellos.
gones, los bodegones también con Tri-X 320 profesional en paso 120. Mis retratos, paisajes y otras cosas pues
¿Cómo decidiste lanzarte a la carretera, empezar tu traba-
siempre he utilizado 125 asa, podía ser perfectamente
jo documental?
Agfa APX de 100 asa , la que más me gustaba realmente
Yo intenté, cuando compré mi primera máquina, y todavía
era la Ilford FP4 plus
no me atrevía a hacer documentalismo, porque siempre he sido muy vergonzoso (ahora ya no, ahora me he
¿Retocas las imágenes? ¿Con qué software?
convertido en un descarado asqueroso) (risas). Entonces
Retoco con un palo con pelos en la punta y tinta (risas)
cogía mi cámara y me iba para Madrid y había una cosa que me molestaba muchísimo, que eran los coches en
¿Cómo ves el panorama a día de hoy?
las calles. Te ibas al Madrid de los Austrias y ver los co-
Pues lo veo muy mal, muy negro. Lo veo negrísimo. Por-
ches aparcados en las aceras…No estaban integrados. Y
hubo un momento, que veía aquellas fotos maravillosas
decía,” ¿a qué hora voy a llegar que pueda dormir cinco
de Walker Evans con sus fotos del medio Oeste ame-
horas?” porque el lunes a las ocho tenía que estar tra-
ricano, con los suelos de tierra con las casas bajas con
bajando. Y eso ha sido así 16 ó 17 años haciendo ese
esos frontis pintados con mucha publicidad. Las calles
trabajo. Luego he hecho algo de documentalismo pero
con los postes de madera, los cables y los coches. Los
han sido cosas sueltas. ¿Fotos que haya yo hecho des-
coches americanos de los 40 y los 50, esos coches se
pués de esa época? Pues la del niño del tambor de las
integraban en el paisaje. Pero en un paisaje del siglo XV
Hurdes…
o XVI , los coches pegan como a un Santo dos pistolas. Entonces comencé a tener un rechazo por la fotografía en
¿Cuándo y cómo empezaste a hacer fotografía comercial,
las ciudades. Sí, cuando iba a Barcelona he hecho foto-
vamos, a vivir de la fotografía?
grafías en el Tibidabo o en el teleférico que va al puerto,
Empecé a hacer fotografía comercial a partir del año 77.
cosas así pero he pasado de largo de las ciudades y me
Estaba trabajando en 3M España como director de orga-
sentía muy atraído por el medio rural. Cuando tuve mi
nización y cuando murió el dictador… pues allí había una
primer 600 que lo compré en el año 62 o 63… pues yo…
célula de Comisiones Obreras bastante potente y yo tenía
¡Pumba! A Castilla, o a Extremadura, al Valle del Tietar a
relación con ellos. En el 73 yo me hice de Comisiones
la zona de la Vera o a Galicia a cualquier sitio. Entonces
Obreras. Nada más morir Franco, a los pocos mese, hi-
ahí encontré una mina, mi propia mina. La gente no se
cieron una huelga porque los obreros de 3M eran los que
cabreaba porque les hacías fotos, eran amables y así ha
tenían el sueldo más bajo del Corredor del Henares ,y sin
seguido los 15 o 16 años que estuve dedicado frenéti-
embargo ,3M en el ranking nacional de salarios, era la ter-
camente al documentalismo, que ha sido siempre docu-
cera empresa. La primera era IBM, la segunda no sé cuál,
mentalismo de fin de semana.
y la tercera era 3M, pero los obreros eran los que cobraban menos dinero. Yo me impliqué en aquello, porque a
Yo empecé a trabajar en los 60 para una compañía ame-
mí siempre lo social y lo político me ha interesado mucho.
ricana donde no se trabajaba los sábados. Teníamos la jornada semanal de 48 horas y yo el viernes a las cinco
Siendo director, me metí en la huelga, me destaqué ade-
de la tarde…Pues muchas veces me iba al trabajo con
más. Cuando terminó la huelga, yo había sido el creador
una lata de Tri-X de 30 metros, dos Nikon (que luego me
de un sistema informático que iba desde la facturación
pude comprar una segunda), tres o cuatro objetivos y el
(3m tenía, me parece, entre 30 y 40 mil facturas diarias)
cepillo de dientes. Y desde el viernes cuando salía a las
hasta reposición de materias primas en el almacén, el
cinco de la tarde me largaba al sitio que había visto que
envió ordenes de materias primas a producción, puesta
había una fiesta tal o cual o algo por el estilo… la caballa-
en almacén y salida de materiales. Fue un proceso gor-
da de Atienza… pues a Atienza; los caballos de Galicia…
dísimo, yo fui el creador y tuve que hacer un instructivo
pues a Galicia. Estaba hasta el domingo. Aprovechaba,
para el usuario o sea, era el director de organización pero
con conocimientos muy sólidos de informática. Tanto era
“no, no, es más sencillo que todo eso, tú te vas, eso sí, a
así, que a mí no me despidieron hasta el año 77 porque
toda pastilla a Barcelona, te vas en el Talgo, en patinete,
fue el tiempo que tardé en terminar el libro para el usuario.
como te dé la gana, luego te alojas donde quieras, un
Cuando entregué la última hoja, me acuerdo de que había
hotel de cinco estrellas o una pensión. Haces el trabajo a
una secretaria preguntando “¿te queda mucho?” “¿que-
calzón sacado, vienes a Madrid volando, revelas, contac-
da más?” y yo le dije, que no, que con esa hoja estaba
tos y nos das los contactos. Y las fotos que nos gusten te
terminado. En ese momento había preparado un finiquito
las compraremos a 500 pesetas. Dije yo “está muy bien,
y me llamó mi amigo, (que era un mamón y ya se murió)
no tengo tarjeta pero me paso un día y os dejo una”.
el director de personal, al despacho del jefe de personal y me dice “Rafa lo siento mucho pero estás despedido y
Llamé a un amigo que era un profesional y trabajaba en
por favor pónmelo fácil”. Yo lo estaba esperando desde
publicidad en Barcelona y le dije “Paco… (Además me
hacía mucho tiempo y le digo “que te lo ponga fácil, ¿en
acababa de separar y tenía tres hijos a quien cuidar. No
qué sentido?” “No, Rafa, porque tengo aquí una carta de
eran muy pequeños pero todavía estaban estudiando y
liquidación”. Llamé a un testigo sindical y al final firmé.
necesitaban de mi ayuda)…le dije “Paco donde se gana más dinero en la fotografía” y me dijo “en publicidad”. Le
Entonces, ¿fue cuando te echaron que tomaste la deci-
pregunte que como se entraba en publicidad y me dijo
sión de ser fotógrafo?
que no era fácil.
Si, dije “estoy hasta los ovarios de los americanos, de la informática, de la organización científica del trabajo y de
Las primeras fotos que hice, a los ocho meses de estar
todo esto. Voy a ver si alcanzo las mayores cotas de liber-
despedido fue…me llamaron de un hospital que habían
tad posible” aunque todo no se puede conseguir, ¿no?
comprado una camilla especial que la podían poner incli-
Entonces fue cuando decidí meterme en la fotografía
nada. Y con un modelo empecé a hacer las fotos de la camilla. Bueno, ese fue mi primer trabajo.© Mili Sánchez
¿Cómo fueron los comienzos? Pues me hice un portfolio con mis fotos documentales y
¿O sea que nunca llegaste a trabajar para la revista Triun-
me fui por ahí a la revistas más izquierdosa que había…
fo?
Triunfo…en muchos sitios no me hicieron ni puñetero
No, no, en la revista jamás. Fue gracias a que tenía un
caso pero en Triunfo cuando vieron mis fotos me dijeron
amigo que me apoyó en lo que pudo. Él tenía mucho di-
“puedes empezar a trabajar con nosotros cuando quieras”
nero y puso a mi disposición una Linhof de banco óptico
y les pregunté, “¿esto cómo funciona: cuando pasa algo
muy antigua. También puso a mi disposición tres cámaras
en Barcelona me llamáis y me decís – Oye Rafa ha pasa-
y me dijo “véndelas y compra el material que puedas ne-
do algo en Barcelona, coge tus cámaras y vete para allá.
cesitar” y en realidad con eso ya me puse a funcionar. Él
Te hemos reservado el billete de avión etc.-“y me dicen:
me dejó un tele que no era el mejor objetivo para trabajar.
Cuando salió el juicio por el despido, a los nueve meses,
un primer piso comercial. Llevo allí el flash, lo monto…y
no había trabajado en casi nada, estaba pasando apuros
dios…y esto ¿cómo se utiliza? Llamé a mi amigo Paco y
y me sentía muy mal por el problema de mis hijos. Du-
me dijo “¿tienes algo que hacer ahora?” Y le digo “no”.
rante 6 o 7 meses el comité de huelga me estuvo dando
Me dice “pues vente”. Porque yo con Paco Vila tenía mu-
un poco de dinero, me parece que me pagaban 25.000
cha relación. Nos habíamos conocido en Guadalajara con
pesetas y de ese dinero le daba la mitad a mi viuda,
los saloncitos. Me dice “estoy haciendo unos bodegones
como yo la llamo, una mala persona donde las haya. Pero
de helados, así que vente y yo te explico”. Todo lo que yo
yo repartía. Además me había quedado sin coche. Me lo
he aprendido de fotografía profesional de publicidad fue lo
robaron unos días antes y apareció a los seis meses en
que aprendí con Paco.
un descampado de la Mancha sin motor y absolutamente desguazado. Y bueno… Cuando salió el juicio, que
¿Crees que esos trabajos te inspiraron para hacer años
lo gané, me quitaron mucho dinero porque al no poder
más tarde tus bodegones?
presentar papeles de la seguridad social…Primero me
Cuando empecé a ser profesional, o intentar ser profesio-
perdieron el expediente tres veces. Luego una testigo la
nal, compraba muchas revistas. Los Harper’s Bazaar, los
cambiaron de sitio. Total que eso me llevo a una situación
Vogues y ahí veía los bodegones, las fotos de modelos,
que me causo y me sigue causando líos en este momen-
las fotos de coches y todo eso. Iba guardando imágenes
to. Me fui a (la calle) Serrano (a la seguridad social) no me
en unas carpetas y me iba empapando de todo eso. Y
quisieron hacer caso, les mandé a la mierda y les dije que
luego, yo a lo mejor tenía unas cualidades de creatividad,
desde ese momento podrían estar seguros de que no iba
porque claro, la técnica se puede aprender, la creatividad
a pagar jamás seguridad social. Y no la he pagado.
no. Lo que se puede hacer es potenciarla. Y así, de esa forma he salido para adelante.
Dejé de pagar la seguridad social, me hice de ASISA (un seguro privado) con lo cual todos los tratamientos médi-
Cuando hacías los trabajos de documentalismo, ¿Cuán-
cos que he tenido; incluso dos operaciones, una la de
tas veces volvías a los sitios, por ejemplo a Bercianos de
corazón y una hernia inguinal ,me las hice a través de
Aliste?
ASISA. O sea, yo no he pagado seguridad social, pero
En Bercianos habré estado tres o cuatro veces y ahora
tampoco la he utilizado. Ahora me están puteando con
este año esperaban que hubiera ido. Me invitaron porque
eso, con embargos y bueno… me han estado embargan-
me compre una capa Berciana, y se lo comenté a esta
do hasta la pensión.
gente y les dije que yo había pensado salir en la proce-
Y bueno, me compré un flash de segunda mano de
sión algún año con la capa. Este año me esperaban. Me
900W nada más. De una marca alemana. Con una uni-
invitaron para ir el jueves santo pero no pude ir porque no
dad de potencia con ruedas y tres antorchas. Vivía en el
estaba en condiciones…mis piernas… Me hice un pa-
barrio del Pilar en un apartamento de 40 metros y alquilé
seo un poco largo por Madrid y me dije joooder…y con
la capa Berciana que pesa 9 Kg. en seco. Y me dije que
¡Qué palabra más horrorosa!
no… Y me estaban esperando para darme una sorpresa,
Entonces, hablé con la ministra cuando me dieron el
porque les hice una donación de treinta y tantas fotos y
premio y le hablé de todo esto y me dijo “oiga, pero que
las han montado y las han expuesto en el local de la co-
cosas me dice usted” y yo, “pues le digo lo que siento”.
fradía, va a ser una exposición permanente. Y me espera-
Tiene que haber una hoja de ruta, tiene que haber un
ban para lo procesión, pero yo no… tenían una sorpresa
ranking de fotógrafos en este país. Tiene que haber en el
porque me querían hacer un homenaje. He donado las
ministerio de In-Cultura alguien que sepa de fotografía, y
fotografías a la cofradía y al pueblo berciano. Está todo el
que cuando se vaya a dar el premio siguiente, los cinco
mundo deseando que llegue para darme besos y abrazos
componentes del jurado tengan un ranking de fotógrafos
y para “tocalme” (risas).
creativos pues con cierta edad, porque el premio debe de darse al trabajo de toda una vida. Pero no hay que
¿Cómo ha cambiado tu vida con el premio, si es que ha
esperar a los 80 porque muchos, como Koldo Chamorro,
cambiado algo?
se mueren antes de recibir el premio o Carlos Hernández
El premio ha sido un reconocimiento tardío que se ha pro-
Corcho y otra tanta gente así. Para que ellos, sobre esa
ducido por una concatenación de hechos y casualidades,
lista discutan y argumenten y tal, y de ahí salga el próximo
porque ya no tocaba, ¿no? Si este premio me hubiera
premio. Ahora no. Son la directora general y cuatro invita-
caído en los años 80 hubiera tenido sentido, pero ahora,
dos que cada uno lleva su nombre debajo del brazo. Pue-
que está tan maltratado el documentalismo …equivoca-
de ser el Ballester (Jose Manuel) o Bleda y Rosa y si los
damente
otros tres son tres gilipollas que se dejan avasallar, pues entonces el premio se lo lleva el amiguete. El “dedismo”
¿Es como el Oscar honorífico a toda tu carrera?
o el amiguismo que es lo que es…pero bueno me moriré
Pues algo así, sí. Entonces lo he recibido por una parte,
sin que eso cambie…porque hablar ahora con el Wert o
con una alegría muy contenida. Porque todo esto lo tenía
como se llame, puede ser una perdida de tiempo.
ya amortizado. Me han venido muy bien las pelas para no tener esa espada de Damocles que tenía que estar
¿Mucha gente se pregunta cuál ha sido el motivo de su
siempre sujetando. Para pagar el alquiler de esta casa.
arrinconamiento?
Y…más cabreo que alegría. Porque se está dando el pre-
El motivo de mi arrinconamiento ha sido político. Cuan-
mio…no hay una hoja de ruta, no se sabe porque se da
do iba a la Real Sociedad Fotográfica, sobre el año 62 o
el premio. Si se da al trabajo de toda una vida, que sería
algo así, que no me acuerdo exactamente de la fecha. Si
lo lógico… porque dar un Premio Nacional de Fotografía
compré mi primer Seat 600 en el 63, y cuando llegué a la
a un trabajo puntual es un disparate. Me refiero, a Manuel
Real no tenía coche… debió de ser en el 61 o 62. Está
Vilariño, a Rosa y Bleda que es además un trabajo… cla-
de presidente de la RSF un militar franquista; además
ro, eso entra dentro de lo conceptual, donde cabe todo.
convencido de que Franco tenía razón, y a los que éra-
mos progres, nos llamaba “rojos”. Un tío muy listo. Inteli-
foto. Pues escribí en el boletín un artículo en el que ponía
gente no, pero listo. Tenía una cierta culturilla y sabía algo
a Ignacio Barceló a caer de un burro. Total que Ignacio
de fotografía. Se preocupó mucho por el grupo de gente
Barceló monta en cólera, ¡encima! Y llamó a Gerardo
joven, revoltosos, que andábamos por ahí. Entonces hizo
Vielba y le dijo, “no denuncio a Lobato”- porque claro, era
un plan, nos invitó a entrar en la directiva, con lo cual la
otro derechón de mierda-“porqué tendría que denunciar
mayoría de mis colegas, en esas circunstancias, lo ad-
al vehículo donde se ha publicado este artículo y como
mitieron enseguida. Yo dije que no, que yo había ido a la
no quiero perjudicar a la RSF de la cual he sido también
RSF a aprender, pero ellos insistieron y al final me metí en
presidente…dile a Lobato que nunca jamás aparecerá en
la directiva. ¿Y qué es lo que pasó?, pues que esta gente
mi revista una foto suya”
de la directiva nos tuvo absolutamente controlados. Un amiguete de ese grupo hacía el boletín, pero antes de pu-
Unos años después yo gano…un torero malogrado,
blicar una sola palabra en el boletín tenía que pasar por el
Carnicerito de Úbeda, que al año de esto que os voy a
tamiz del Sr. Vielba, de don Gerardo Vielba, y el decía lo
contar lo corneó y mató un toro…pues era aficionado a la
que tenía que ser y lo que no tenía que ser. Pero era muy
fotografía y creó un premio de fotografía que se llamaba
listo, porque dijo: “cosas en las que tenga cierta duda las
Carnicerito de Úbeda y yo acababa de hacer la foto…
voy a tolerar porque ya llegará alguna cosa gorda que no
debía de ser el año 67 o por ahí y acababa de hacer la
quiera tolerar”.
foto del maletilla de Pedro Bernardo que fué la premiada. Es una foto muy patética, que solo la gente que sabe de
Cuando Ignacio Barceló, que era un cacique y una de las
toros la entiende muy bien. Está con su traje, que le viene
personas que más daño ha hecho a la fotografía española
ancho, un traje alquilado y está hundido en la miseria
a través de su revista Arte Fotográfico (que dirigía él de
porque no le dejaba el maestro salir al ruedo. Carnicerito
forma caciquil)…Entonces, el premio este que me han
de Úbeda me recibe en el hotel Victoria para darme el
dado a mí, se llamaba Premio Nacional de Bellas Artes y
premio y me dice “es qué esta era el tipo de fotografía
estaban todas las bellas artes juntas: pintura, escultura,
que estaba pensando que se podía hacer, porque las
música, no sé qué, fotografía. Hubo un momento en que
fotos profesionales de toros de los hermanos Botán y
esto lo separaron y siendo miembro del jurado, Ignacio
tal, eso está muy visto, esto es lo que yo busco” le digo,
Barceló, pues, consintió en que se le diera el premio a
“bueno, tú habrás visto el libro ese –Toreo de Salón- de
una foto que era un plagio del pimiento de Weston -que
Oriol Maspons y Ubiña” dice “esa es la fotografía que
está en un poster que tengo en esa pared-. Yo comenté
yo quiero sacar”. Con los niños en las calles de Andalu-
que qué merito tiene esta foto… porque este cabrón ha
cía jugando al toro y tal. Y le digo a Carnicerito,” pues lo
encontrado un pimiento igual que el de Weston (risas) y
tenemos muy mal para publicar, porque yo estoy vetado
esto tiene un mérito de la hostia. Pues estaba Ignacio Bar-
en Arte Fotográfico”… “¡Ahí va!, que faena” y le digo que
celó en el jurado y conocía – absolutamente seguro- esa
no se preocupe, que yo escribo una carta y le voy a pedir
humildemente, no por mí, si no, por vosotros, por vues-
dó), se olvidó de sus orígenes humildes y se convirtió en
tra asociación, que publiquen la foto. Escribo una carta
conservador, muy conservador. Total que yo me cabreo,
diciendo que sé que estoy vetado. Que no publiquen mi
blasfemé, porque creo que me cagué en todo (risas)…y
foto, que publiquen otras fotos del premio y que hablen
a este le dio…”Ay, Ay, blasfemo sal de aquí”. Y yo, “qué
de esa gente y de su premio, que lo van a dotar con
coño voy a salir, ¡vete tú!” “te voy a denunciar” “pues
más dinero y tal. Pues me escribió una carta diciéndome
denúnciame”…me hubieran metido en la cárcel. Entonces
que la revista era de él y que era el dueño de la revista
me di cuenta de que todos mis colegas, mis compa-
y hacía lo que le salía de los… cataplines. Con lo cual,
ñeros, porque estos eran los que habíamos formado el
cojo mi carta, que me había guardado una copia, hago
grupo aquél…La Colmena… pusieron cara de paisaje. Yo
una fotocopia de la carta de este hombre y escribo un
salí de ahí, pegue un portazo que no rompí los cristales
artículo sobre Arte Fotográfico para el boletín de la RSF.
de la puerta de milagro. Porque eran cristales pequeños,
Entonces sale el boletín y no sale mi artículo: Le digo a
pero bueno, casi me cargo la puerta entera de golpe. Sal-
Donato de Blas que era quien llevaba el boletín “Oye, ¿y
go a la sala grande… y la gente: “¿qué ha pasado, qué
mi artículo?” y me dice que Gerardo Vielba ha dicho que
son esas voces?” “el Vielba, que es un dictador, y no sé
no se publique…que eso no procede, que eso era des-
qué…” Conté aquello y me dí cuenta de que mis colegas
velar secretos capitulares. Entonces, en la próxima junta
no habían hecho nada. Cosa que ya me ha pasado más
directiva que tuvimos, que las teníamos dos veces al mes
de una vez en la vida ¿No? Curioso, la gente…antes de
como mucho, porque mientras el Gerardito Vielba a la
decir algo que les pueda involucrar o perjudicar se baja
gente de la Real nos tenía absolutamente abandonados,
los pantalones y mira para otro lado. Le vi y le dije: “pues
se iban a los colegios mayores a dar conferencias sobre
sabes lo que te digo, que tu a mí no me echas porque no
fotografía, mientras a nosotros nos tenía absolutamente
tienes potestad ni tienes cojones de echarme de la RSF,
dejados a un lado. Total, que teníamos una junta directiva.
pero qué coño hago yo aquí con un elemento de presi-
Me encaro a Gerardo Vielba y me dice que el artículo no
dente y con unos meapilas que se han cagado y no han
se publica. Pero le digo: ese atropello de darle un premio
sido capaces de abrir la boca. Yo me voy, ¿porque, qué
a un plagio, ese atropello era una tontería comparado con
coño pinto yo aquí?” Y me largué.
esto. Esto era una chorizada de proporciones monumentales y que eso no podía quedar inédito y tal. Y el otro
Ya para terminar con el capítulo de Gerardito Vielba, que
que era muy soberbio también se puso…”además hasta
cosas hacía…porque el otro día me acusaba…” ¡joder!
lo he consultado con Cualladó y Cualladó ha dicho que
por opinar no se puede condenar a nadie” y yo,” no
no procede” y yo le dije”¿y quién coño es Cualladó?” Y
estoy dando opiniones, te estoy contando hechos, ¿no?”
tal. Curiosamente Cualladó que era de extracción humilde
Hechos. ¿Qué es lo que hacía Gerardo Vielba? Para
cuando se hizo rico con la empresa (cuando se murió su
Gerardo Vielba solo existía La Palangana. Los fotógrafos
tío e hizo ese emporio de transportes, Transportes Cualla-
creativos madrileños eran los componentes de La Palan-
32 | ENTREVISTA |
CONSTRUCCIÓN GEOMÉTRICA Nº8
“El motivo de mi arrincomaniento ha sido político.”
gana que eran ocho componentes con dos catalanes,
era vejatorio y que deberíamos negarnos y alguien propu-
que fueron los que crearon La Palangana. Gerardo Vielba
so hacer una votación y lo que salga. Entonces votaron
se la apropió después. Cuando venían de la periferia o del
tres que sí y dos que no, Corcho y yo, por lo tanto por
extranjero a preguntar por la fotografía madrileña creativa,
mayoría, pues acepte. Y Corcho estuvo con dos fotos en
que estaba centralizada exclusivamente en la RSF, este
el colgajo ese, yo tuve tres y los otros tuvieron una foto
hablaba solamente de los miembro de La Palangana que
cada uno, nada más. Ese era el personaje Gerardo Vielba
eran los ocho de La Palangana más Sigfrido de Guzmán
que es un personaje muy nefasto en la fotografía madri-
que nos lo quitaron del grupo nuestro, de La Colmena y lo
leña. Muchos años después, hará seis o siete años, sus
sumaron a su grupo. A los demás nos ignoraban comple-
hijas han conseguido hacer otra exposición de la Escuela
tamente. Ya el remate del tomate fue, cuando en el año
de Madrid, muy mal colgada con un catálogo horroroso y
88 que yo ya estaba fuera de la RSF desde hacía 16 ó
tal. Entonces redondearon a La Palangana, echaron a los
17 años, con dinero público, y mandando los socialistas,
dos catalanes y a Sigfrido de Guzmán, hicieron esa expo-
hicieron la exposición de la Escuela de Madrid , a la cual
sición en el Conde Duque. Ese era el personaje ese.
yo debía de haber pertenecido de hecho y de derecho, pero fui expulsado por Vielba, porque él no me consideró nunca como componente de la Escuela de Madrid… Pues con dinero público hicieron una exposición. Y tuvo en la exposición, cada uno de los nueve componentes de La Palangana, veinte fotos. Y luego, creo que el comisario, que debió decirle;”pero Vielba, esto chirría”… La verdad es que de todos los perjudicados el más perjudicado era yo, porque era el que tenía más obra, estaba yo y luego estaba Hernández Corcho que tenía bastante obra. Luego había otros fotógrafos con muy buena obra, pero poca obra que tenían derecho a haber estado en la exposición que eran: Nieto Canedo, Donato de Blas y un chico que fue represaliado en la guerra y se ganó el resto de su vida – creo que ya habrá muerto- poniendo inyecciones ¿no? Y ese había tenido un Premio Nacional de Bellas Artes de fotografía y se llamaba Romero Urbistondo. En el último minuto nos invitaron a formar parte de esa exposición pero como un colgajo…fuera de la exposición… y yo…nos reunimos los cinco y yo dije que eso
34 | NOMBRE PROPIO |
RICARDO
CASES
Nacido en Orihuela, Alicante, en 1971 y licenciado en Ciencias de la Información en la Universidad del País Vasco, Bilbao. En 2006 entra a formar parte del Colectivo de fotografía Blank Paper. Ha publicado los libros “la caza del lobo congelado”(2009) y Belleza de Barrio(2008). “Su trabajo fotográfico está relacionado siempre con los anhelos del ser humano: los anhelos profundos y universales del ciudadano de la sociedad de masas, que lucha contra la banalidad en un esfuerzo por trascender y confronta su dignidad a un medio siempre poco glorioso. Para ello orienta la mirada a las expresiones del folclore contemporáneo, buscando la verdad del español entendido como un hombre de pueblo obligado a vivir en la ciudad, en la modernidad. Más allá de una apariencia pop, distanciada y cínica, le interesa lo humano y antropológico. Más allá de lo social y lo documental, le interesan las pulsiones sinceras y universales que laten bajo la superficie banal, kitsch y poco glamourosa de la España contemporánea”. Luis López Navarro
Todas las fotografías de la serie “BELLEZA DE BARRIO”
BELLEZA DE BARRIO Se habla mucho del canon de belleza, de los estándares, y cuando se habla de ella se está hablando en realidad de un estilo oficial, único, con referentes impuestos desde las revistas. Pero finalmente la belleza es una virtud que viene impuesta de nacimiento. Se tiene o no se tiene y, hoy por hoy, cuando se intenta transformar con un bisturí, existe el riesgo de que el resultado convierta al aspirante a bello tardío en un adefesio de diseño. Me decía una de las personas retratadas que “la belleza es la autoestima; es para verte bien tú misma, no para los demás”. Aceptando pues que no hay juicio estético más válido que otro, en “Belleza de barrio” prescindo de mis prejuicios y busco la belleza desde un criterio ajeno al mío. Me olvido de mis asunciones, determinadas por los filtros comerciales de la maquinaria publicitaria, e intento llegar al interior de la persona invitándola a ser hermosa, a mostrar su propia idea de belleza: la belleza que quiere proyectar en su entorno, en su barrio. La que quiere ver reflejada en los espejos de su casa. Ricardo Cases
| NOMBRE PROPIO | 45
MATIAS
COSTA
Mediante imágenes cortadas por la extrañeza, la obra de Matías Costa explora la memoria, la pérdida y la búsqueda de identidad a través de la historia y el mapa. Su obra ha sido expuesta en España, Francia, Alemania, Rusia, México, Holanda, China, Italia, Lituania, Suiza y Estados Unidos. Forma parte de las colecciones de Caja Madrid, Comunidad de Madrid, Moscow House of Photography, Hubei Museum of Art, así como colecciones privadas. Entre los galardones que ha recibido destacan la beca Generaciones de Caja Madrid, el premio Descubrimientos Photoespaña, la beca del Colegio de España en París, El World Press Photo, así como las becas de la Fundación La Caixa y la Fondation Hachette. Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Complutense de Madrid. Profesor asociado de las escuelas Lens y Blank Paper de Madrid. Es fundador del colectivo NOPHOTO y colaborador habitual de The New York Times, Newsweek, La Repubblica y El País Semanal, entre otros medios.
Todas las fotografías de la serie “CUADERNO DE CAMPO”
CUADERNO DE CAMPO
Por Matías Costa Hacer fotografías es en cierto modo como dibujar un mapa. Uno comienza una búsqueda de forma imprecisa, siguiendo una intuición, y va creando puntos de referencia con cada fotografía. Ese mapa que vamos construyendo no existe antes de iniciar el viaje, nace de nuestros propios pasos. Cuando ya tenemos todos los puntos hay que volver y ponerse a editar. Es como ese juego en que hay que unir los puntos para formar una figura. En nuestro caso, los puntos son las fotografías y la edición es la línea que los une. La figura que formemos va a ser nuestro mapa, el lugar al que queríamos llegar. Muchos de esos puntos/fotos habrá que desecharlos, sirvieron para buscar, pero no ayudan para crear la figura. Mapa efímero, circunstancial, de un solo uso. Hay que construir uno nuevo para cada viaje, incluso si volvemos al mismo lugar. Así se va haciendo nuestro Atlas particular.
50 | LATINOAMÉRICA |
NELSON
GARRIDO
MISS VENEZUELA de la serie “PENSAMIENTO ÚNICO”
Queremos inaugurar esta sección con el ser humano Nelson Garrido (a lo mejor se molesta si le llamamos artista). Pensamos que debido a su gran trayectoria, a su manera de pensar afín a la nuestra, su relación (a través de su ONG) con muchos países latinoamericanos y su maravilloso sentido del humor, es el ideal.
Pasó (o arrasó) por Madrid hace un par de meses para dar
además de mostraros la filosofía de su ONG (Organización
uno de sus talleres. Seleccionó a 40 personas de entre
Nelson Garrido)
más de 200 para participar en su maravilloso espacio para la poesía y la locura, creando ya una polémica de antema-
CENSURA
no entre los que no fueron seleccionados. El taller giró en torno a la idea de ¿Quien es el español de hoy? y los resul-
“Mi obra está para que la censuren. Creo que el arte debe
tados fueron expuestos, a gran tamaño, en los muros del
provocar, generar discusiones, cuestionar lo que está su-
Centro Social Tabacalera y delante del Ministerio de Cultu-
cediendo, al igual que los medios de comunicación, como
ra. Además dio una charla en la escuela Blankpaper y apa-
garantía del ejercicio democrático. Mi posición siempre ha
reció una de sus imágenes como portada del suplemento
sido estar contra el poder, el de antes, el de ahora y el que
de cultura “Babelia” del periódico El País. Cuando le pro-
venga”.
pusimos participar en la revista, no dudó en decirnos que sí. Le pedimos que escogiera una serie para ilustrar este
Censura en Barcelona
artículo y escogió “La gruta de la Virgen”. Nos parecía una buena idea, la serie recoge su lenguaje iconográfico que
“En mi obra se me veía crucificado con tres penes y una
mezcla religión, sexo y humor, pero nos parecía que una
mujer matando al niño Jesús. Como siempre, la censura no
parte fundamental de su obra, que se basa en la puesta
dio la cámara. Por entonces estaba de director del Palacio
escena, no se apreciaría. Así pues, mostraremos un poco
de la Virreina, donde tenía lugar la exposición, el cubano
de todo. Os invitamos de todas maneras a visitar sus webs
Iván De la Nuez. Él nunca asumió esa acción censurado-
y blogs para conocer mejor la obra de este agitador mental.
ra. De hecho según él la foto no llegó nunca a Barcelona.
Desgraciadamente no podemos entrevistarle por falta de
Aquella foto la quitaron cuando ya se había montado la ex-
tiempo pero intentaremos a través de artículos y entrevistas
posición porque yo vi las fotos del montaje acabado antes
daros una idea de quién es y qué piensa Nelson Garrido
de abrirse las puertas al público. Me llevé un chasco muy
Gótico americano. De la serie “La pareja como base de la violencia social”
grande porque pensé que el último lugar donde me pa-
su blog.
saría una cosa así sería Barcelona. El caso se publicó en La Vanguardia y por lo menos pude expresar el caso de
Violencia contra su obra
manera pública. Ese mismo año también me censuraron en otra ciudad supuestamente moderna como Toronto. La
En ese sentido, se relata en el blog del autor los incidentes
censura es una mano peluda que siempre actúa sin cara”.
ocurridos durante su exposición ella Biblioteca de la Univer-
Estará contento, le han censurado su página de Flickr y
sidad Central de Venezuela: “Ni un día duró la exposición
¡también pudo expresar su opinión! Podéis ver la noticia en
fotográfica Estética de la violencia [...] gente (un grupo no
identificado) que no está de acuerdo con el contenido de
reacción, pero sí me parece grave que haya ocurrido en
las obras rasgaron los cuadros, descolgaron otros, y dieron
la UCV, donde se supone que es un espacio de debate y
fin con la muestra que se había inaugurado el lunes. Ga-
discusión. De hacer eso a quemar libros sólo hay un paso’.
rrido no repuso las obras: ‘Voy a presentar las rasgadas. Como he dicho en otras oportunidades, la realidad supera
CHAVISMO
la ficción: algunos sectores no estaban de acuerdo con esta exposición, pero ahora las obras rasgadas tienen más
Pero es que el chavismo no es socialismo, en realidad es
valor’ [...] No me preocupa que la obra haya provocado esa
populismo antimperialista que de manera internacional se
CACHUMBELE De la serie “Pensamiento único”
expande entre la izquierda frustrada tanto europea como
dor profesional a tiempo completo. Subordino el lenguaje al
norteamericana. Juegan a la revolución, pero en realidad es
contenido ideológico.
un fascismo de izquierdas. Cada vez creo más en el anar-
Bajo esta perspectiva, en el año 2008, Nelson Garrido
quismo porque con el tiempo me he dado cuenta que los
hizo la serie Pensamiento único. Controversial propuesta,
gobiernos son indefendibles. Lo que me mantiene vivo son
y aún muy vigente, que arrastró consigo afectos y odios al
las utopías. Yo vengo de la izquierda militante. Vengo de la
extremo de enfrentar sectores opuestos el día de la inaugu-
retaguardia urbana de la guerrilla venezolana. Mi obra es
ración en la Universidad Central de Venezuela. Enardecidos
militante por eso mismo. Se puede decir que soy un agita-
seguidores del partido de gobierno irrumpieron en la sala
La autocrucificción de Nelson Garrido De la serie “Todos los santos son muertos”
y atacaron tanto a obras como a visitantes. Aun así no pu-
una irracionalidad total. Cuestionar el chavismo es profanar
dieron detener el curso de la muestra. “Como venezolano
algo sagrado. Meterse con Jesucristo y la Virgen es ahora
hago una obra que tiene que ver con el momento histórico
un juego de niños”.
en el que estoy viviendo. Si eso tiene sentido y tiene lenguaje ya lo dirán los libros de historia, pero ya esa es una
VIOLENCIA
cosa que ni me importa ni me voy a poner a investigar. Y en el contexto histórico en el que nos encontramos en Ve-
“Mi intención -cosa que no garantiza que se logre- es intro-
nezuela está claro que el chavismo es la nueva religión. Es
ducir imágenes sobre la violencia en dosis homeopáticas
para que la gente reaccione en contra de ella, es como un
mira puesta en el país que seremos. Me angustia la pers-
readymade, como el urinario de Duchamp, desconcep-
pectiva de que Venezuela en quince años sea el resultado
tualizando la violencia puede lograr una reacción diferente
de lo que es hoy, de esta falta de siembra. He puesto
a la de los medios”. “Sin querer caer en clichés, cuando
manos a la obra. De esa manera atendemos el país de
se toca el tema de la violencia en Caracas es como si se
la próxima década y contribuimos a la formación de esos
tratara de algo que tiene once años, cuando en realidad
sectores de resistencia que no están a la venta. Esa es tan
es un cultivo que está dando sus frutos ahora producto
importante para mí como realizar mi propia obra y circular
de una cadena de eventos, catalizados por la decadencia
en espacios internacionales, que, de todas formas, lo he
social”. “Es como el cochino que está en el matadero y,
hecho pero compartiendo el tiempo con la formación.
aunque aún no lo han matado, siente que la vaina viene y ya lo van a degollar. Yo lo que siento en estos últimos vein-
Según Fernando Rodríguez “Garrido fiel a ese espíritu de
te… veinticinco años de país es que todos vamos hacia el
insurrección continua, ha mantenido la más tenaz y exitosa
matadero. Porque, hay síntomas… yo no soy un genio: si
trinchera cultural alternativa, la Organización Nelson Garrido,
empiezas a convivir con la violencia, ella llega a su máxima
una vieja y maltrecha casona alejada de las zonas cultura-
expresión cuando dejas de atender sus síntomas, cuando
les convencionales” Según Nelson Garrido “Pensamos en
te acostumbras y ya nadie se conmueve con ella”.
un sitio abierto donde mostrar el trabajo creativo fuera algo sencillo, libre de las acostumbradas trabas burocráticas.
ONG
Un lugar en el que creadores noveles intercambiaran ideas con creadores de trayectoria y colaboraran con ellos en la
Como dice Nelson en su blog EL ESPACIO DE LOS QUE
ejecución de proyectos concretos; un espacio que pudiera
NO TIENEN ESPACIO
brindar al público interesado la posibilidad de indagar y pro-
Habla de la ONG en una Entrevista de Milagros Socorro:
fundizar en multiplicidad de temas”. “Nos enfermaba pensar
Parto de la certeza de que el arte perdió su carácter ori-
que artistas reconocidos internacionalmente venían al país
ginario cuando dejó de ser un hecho chamánico. Todo lo
y su intercambio con los artistas se limitaba a los escasos
que el artista produce deben ser objetos mágicos. Por ese
minutos de roce en los cocteles de inauguración…” “La
camino, el arte, incluida la fotografía, es una excusa para la
ONG existirá en la medida en que exista la necesidad de
transmisión de conocimiento, conceptos, ideas y filosofía
compartir conocimiento y reflexiones. La fotografía, una vez
de vida. En el contexto de la actual circunstancia venezo-
más, es una excusa para la vida”.
lana, la docencia es tan importante como mi propia obra: yo debo transmitir el conocimiento como lo recibí de Carlos Cruz Diez y César Rengifo, entre otros. Esto es crucial en un país abrumado por la superficialidad. La creación de la ONG y el esfuerzo que destino a la educación tienen la
Yo lo único que añadiría a eso sería… ¡Amén!
I y V - De la serie â&#x20AC;&#x153;Estudio para Madonna de Caracas (Homenaje a Ofelia)â&#x20AC;?
58 | LATINOAMÉRICA |
VERSUS PHOTO
De la serie “NATURALEZA AISLADA”
De la serie “RUTA NORTE”
VERSUS PHOTO es un colectivo de fotografía peruano formado por Gihan Tubbeh, Renzo Giraldo y Musuk Nolte, que desde el 2009 trabaja proyectos de carácter documental con una visión en común: el hambre por la imagen; nuestros ojos en los ojos del otro, la mirada emplazada entre la realidad y la ficción de nuestro universo interior. “Versus” promueve el confrontamiento entre causas y realidades, intercambios y oposiciones culturales. VERSUS PHOTO no busca crear retórica a través de sus imágenes, sino dialogar a través de los sentidos. Su principal interés es la condición humana y el desarrollo de un lenguaje que confronte por medio de imágenes las cosas efímeras del mundo, persiguiendo estados anímicos, iniciando la ruptura con la objetividad, esa leve línea en la cual la ficción se carga de realidad, y la realidad de ficción.
De la serie “RUTA NORTE”
De la serie “NATURALEZA AISLADA”
De la serie “FALACIAS”
64 | COMODÍN|
¿Cuéntanos cómo y cuando empezó el festival?
2012
IMAGINARIA
Hablamos del festival Imaginaria con Daniel Belinchón, Coordinador del Aula de Fotografía de la Universitat Jaume I y Director de Imaginaria Fotografía en Primavera. Un festival con una programación excelente en la ciudad de Castellón.
El festival nace hace ahora nueve años y surge como consecuencia de la necesidad que veíamos de crear un evento que pudiera situar la fotografía dentro de las programaciones culturales que se estaban haciendo en Castellón. Pensábamos que era una forma de dar visibilidad a esta manifestación artística y documental y que nos abría la posibilidad a la exhibición de fotografía, la promoción autores y la divulgación de la imagen fija. Desde el principio se celebra durante el mes de mayo, porque la llegada del buen tiempo, invita a la gente a disfrutar de actividades lúdicas como puedes ser las exhibiciones fotográficas. Además desde el punto de vista institucional, éramos muy conscientes de que debían implementarse actividades que pudieran reivindicar el valor que la fotografía tiene más allá de su característica documental o histórica, especialmente en tanto que obra de autor y con un valor artístico, pensar que no es hasta tiempos muy recientes que la fotografía entra a formar parte de las colecciones de instituciones públicas de arte, el Reina Sofía en el 1986 y el IVAM en el 1989, así que la atención que recibe desde el ámbito de la cultura la fotografía está todavía en pañales, podría decirse. El festival ha crecido en los últimos años, cuéntanos un poco cómo ha sido El festival se articula sobre todo a través de exposiciones fotográficas, especialmente de autores locales o residentes en el territorio de actuación de la Universitat Jaume I, creemos que es muy importante trabajar en el entorno local, porque a diferencia de otros festivales, para nosotros es fundamental crear tejido social alrededor del fenómeno fotográfico. El festival es la punta de lanza de un proyecto que quiere crear “cantera fotográfica” y alen-
IZQUIERDA JAVIER RETALES BOTIJERO ARRIBA JOSE MIGUEL DE MIGUEL
tar el desarrollo de procesos de creación fotográfica y de investigación en torno a esta manifestación y al mismo tiempo procurar que la fotografía entre a formar parte de las programaciones culturales en los diferentes localidades de la provincia de Castellón, por eso, además de programar actividades en esta ciudad, el festival se extiende a 12 municipios más de la provincia. Por otro lado, y el festival cuenta y es posible gracias a la colaboración de diferentes empresas, entidades y colectivos que trabajan en la exhibición y difusión de obra cultural. Es fundamentalmente a través de la colaboración con galerías privadas y con agrupaciones fotográficas como ha ido creciendo el festival. En esta edición participan con sus propuestas 7 galerías. También los locales de ocio con programación cultural se suman a la iniciativa. Ya te digo, es sin duda un elemento central del festival y también significa un apoyo importante, sin el cual el festival no sería tan interesante.
¿Qué criterio de selección seguís para organizar las exposiciones? Hay que decir que en principio, las diferentes propuestas que nos hacen las entidades que colaboran en el festival, son respetadas por nosotros, es decir, más allá de una cierta calidad técnica y artística, los galeristas son libres para hacernos las propuestas que quieran, nosotros las recogemos y las incluimos en el festival. Con ello, se establecen sinergias interesantes y se aúnan esfuerzos. Es una manera de ser más eficaces y eficientes en la gestión y en el proceso de alentar este tipo de manifestaciones. ¿Aparte de las exposiciones, organizáis más eventos? Además de exposiciones fotográficas se han programado otro tipo de actividades como pueden ser charlas, conferencias, proyecciones, concursos y demás. Hay que pensar que el festival no tiene solo
Esteban, Cristina García Rodero, Manuel Sonseca, Feliciano López, Alberto Adsuara, Ros Ribas, Alejandra Duarte, Juan Plasencia, o, las colecciones fotográficas de la Librería Railowsky, o el Ayuntamiento de Alcobendas. Crees que la gente de Castellón valora vuestro esfuerzo. ¿Tenéis un público fiel?
CHEMA MADOZ
un público objetivo, sino que articula sus actividades atendiendo a las demandas y expectativas que detectamos en diferentes colectivos, que tienen necesidades diferentes con respecto a la fotografía, atendemos por igual al valor artístico de las colecciones, como a la capacidad dinamizadora en términos de cultura y esparcimiento que pueden significar alguna de las actividades que organizamos. Menciónanos algunos de los fotógrafos que han pasado por el festival Aunque el festival tiene un presupuesto bajo para este tipo de manifestaciones estamos hablando alrededor de 40.000 euros, son muchos los autores que se han “enrollado con nosotros” aceptado nuestras propuestas con sus limitaciones. A lo largo de estos nueve años, hemos podido contar con la colaboración de Juan Manuel Díaz Burgos, Chema Madoz, Luis Baylón, Cristóbal Hara, Javier Campano, Pilar Pequeño, Clemente Bernard, Javier
Después de nueve ediciones podemos decir que el festival esta consolidado, y es de momento el festival más antiguo de los que se organizan en la Comunidad Valenciana, cosa que nos alegra. Pese a las limitaciones presupuestarias y la situación de crisis económica y social que estamos atravesando, seguimos adelante. En esta edición hay programadas algo más de treinta actividades, y estimamos que participan en el festival alrededor de 20000 personas, lo cual tampoco esta nada mal. La organización de eventos con colectivos de aficionados a la fotografía, o de estudiantes de imagen y sonido o comunicación audiovisual, a través de la colaboración con la Escuela Superior de Arte y Diseño de Castellón, o con el LAB-Cab de la Universitat Jaume I, también permite implicar a un colectivo relativamente grande de creadores, en esta edición más de 200 autores diferentes participan con la exhibición de sus trabajos, fundamentalmente a través de exposiciones colectivas o de proyecciones fotográficas. Como os comentaba antes, es muy importante para nosotros que el festival sirva de plataforma divulgativa de las cosas que están haciendo personas de la zona que encuentran en la fotografía un proyecto profesional o personal. Es una manera de contribuir a que la práctica fotográfica encuentre apoyo a través de las instituciones, y también de alentar que la gente de Castellón siga disfrutando de las imágenes que hacen o que contemplan.
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I
PHOTO ESPANA
Claude Bussac, Directora del Festival de Fotografía PHotoEspaña, nos da claves sobre la decimoquinta edición del festival que lleva por título este año “Desde aquí. Contexto e internacionalización”
PHOTOESPAÑA VA POR SU DECIMOQUINTA Campus, Encuentros). El Festival ha ido EDICIÓN. ¿CÓMO HA CAMBIADO EN ESTOS ampliando cada vez más su oferta exposiAÑOS? tiva y de programas pedagógicos, profe-
PHotoEspaña nació en 1998 con la vocación de ser un festival realizado desde la sociedad, desde entonces y hasta ahora se ha trabajado en esa línea, cumpliendo con la responsabilidad social que el Festival tiene con su la sociedad y con su público. Por eso PHotoEspaña une en un mismo Festival un programa expositivo de gran calidad en el que tienen cabida artistas internacionales de prestigio en el campo de las artes visuales y por otro lado actividades que favorecen la creación de redes de relaciones (Descubrimientos,
sionales y para públicos, con la intención de llegar a sectores cada vez más diversos: familias, jóvenes, niños… Por otra parte, el Festival se ha diversificado en el tiempo, ofreciendo actividades durante todo el año, fuera de las fechas habituales del Festival (junio y julio).
¿CUÁNDO Y PORQUÉ SURGE LA IDEA DE UN PHOTOESPAÑA TEMÁTICO O POR LO MENOS QUE GIRE EN TORNO A UN CONCEPTO?¿PORQUÉ ESTE AÑO LLEVA POR TÍTULO “DESDE AQUÍ. CONTEXTO E INTERNACIONALIZACIÓN”?
Desde su primera edición, PHotoEspaña ha encomendado una sección temática a un comisario general que desarrolla su proyecto curatorial en un ciclo de tres ediciones. En esta ocasión, Gerardo Mosquera, en su segundo año como comisario general del Festival, ha escogido Desde aquí. Contexto e internacionalización, un punto de partida para mostrar tendencias artísticas de plena actualidad dentro de las dinámicas internacionales del arte contemporáneo. EL FESTIVAL NO TIENE SOLO COMO SEDE A MADRID. DESDE HACE AÑOS CUENCA Y ALCALA DE HENARES SE HAN UNIDO A VUESTRA INICIATIVA. ¿A QUÉ SE DEBE?, ¿EN EL FÚTURO TENDRÁ MÁS SEDES EL FESTIVAL?
La pretensión de PHotoEspaña es llegar cada vez a más público. Cuenca y Alcalá de Henares llevan años participando en el Festival, algo que corresponde con el hecho de ser dos ciudades con una especial implicación histórica con la cultura y el arte. En esta edición se incorpora como sede Alcobendas, que también tiene una relación muy estrecha con la fotografía. El Festival está abierto a aumentar el número de sedes siempre con la vocación de promover las artes visuales y fomentar la colaboración y el trabajo en red. LA PARTICIPACIÓN DEL ESPECTADOR ESTÁ TAMBIEN CADA VEZ MÁS PRESENTE EN EL FESTIVAL. ¿QUÉ TENEIS PREPARADO PARA ESTE AÑO?
PHotoEspaña se ha volcado este año con las redes sociales y ha lanzado una campaña en Twitter y Facebook con el hashtag #laphotoes para saber qué es la fotografía para sus seguidores. Los mensajes que los usuarios de las redes sociales aporten se
© Rosa Muñoz VEGAP Madrid 2012 De la serie Paisajes del futuro Nº8
utilizarán en diferentes soportes del Festival. Por otra parte, los concursos on line que el Festival organiza con ClickSeguros, Canal Odisea, la Fundación Canal y Sandisk tienen un gran seguimiento y participación, una línea de trabajo en la que el Festival tiene un especial interés. LA REVISIÓN DE PORTFOLIOS ES OTRA PARTE FUNDAMENTAL DEL FESTIVAL PARA LA SECCIÓN DESCUBRIMIENTOS Y TIENE PARTICIPANTES A NIVEL INTERNACIONAL ¿CÓMO FUNCIONA? ¿ES UNA PLATAFORMA TAN BUENA COMO PARECE? ¿HACEIS UN SEGUIMIENTO DE LOS GANADORES DE AÑOS ANTERIORES?
Descubrimientos PHE tiene cada año más de 1000 participantes en sus diversas convocatorias. Durante cuatro días, 70 finalistas tienen reuniones individuales con expertos en fotografía de diversos campos (editores gráficos, comisarios, directores de centros culturales…) a quienes presentan sus porfolios y quienes les dan consejos sobre su trabajo fotográfico. Todos ellos optan al Premio Descubrimientos PHE, que han obtenido fotógrafos como Harri Palviranta, Vesselina Nikolaeva, Yan Gross, Vanessa Winship, Alejandra Laviada, Fernando Brito… autores a los que seguimos de cerca desde el Festival y que a quienes a raíz de su participación han surgido oportunidades en el mundo de la fotografía.
EL FESTIVAL OFF TAMBIÉN CRECE. LAS GALERÍAS APUESTAN POR LA FOTOGRAFÍA. ¿CREE QUE EL COLECCIONISMO DE FOTOGRAFÍA ESTÁ EN UN BUEN MOMENTO?
En cuanto al coleccionismo, en España podemos ver como el coleccionismo de fotografía está creciendo, pero aún es muy reducido. Actualmente es muy difícil encontrar © Manuel Vilariño Montaña negra, Nube blanca 1, 1999
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ARRIBA ALEJANDRO OLIVARES IN MEMORIAM2 009
ABAJO YUKI AOYAMA ENCUBIERTO 2008 -2011 una colección de arte contemporáneo que no incluya fotografía. Existen muchas galerías de arte que trabajan exclusivamente con fotografía y vídeo, lo que responde a un interés por parte del coleccionista. Confiamos en que PHotoEspaña contribuya al interés creciente por el coleccionismo fotográfico. ¿QUE PODREMOS VER ESTE AÑO EN PHOTOESPAÑA? ¿CUÁL ES LA EXPOSICIÓN ESTRELLA DE ESTE AÑO SI CREES QUE HAY ALGUNA?
Una oferta plural, de exposiciones y actividades para todos los gustos y edades. No dejaría de visitar exposiciones como Ansiedad visual, en la Sala Alcalá31 de la Comunidad de Madrid – Fundación Telefónica, las dos muestras que podrán verse en el Teatro FernánGomez. Centro de Arte – Fundación Banco Santander: Asia Serendipity y De la Factory al mundo. La individual de Carlos Garaicoa en Fundación ICO y de Scott Schuman en Loewe, Gran Vía, 8. Por último, las dos exposiciones del Real Jardín Botánico: air_port_photo, que reúne obras de la Colección de fotografía de la Fundación Aena y Espacio compartido, organizada por el Bank of America.
FOTOGRAFÍAS DE LA SERIE “EN RADE”
PIERRE
YVES MARZIN Pierre-Yves Marzin es un fotógrafo freelance que actualmente trabaja en Madrid, España. Trabaja a través de asignaciones por parte de periódicos franceses como Libération y Le Journal du Dimanche. Su trabajo ha sido publicado en periódicos y revistas como Le Temps, Internazionale, Le Monde Diplomatique, Le Telegramme, La Jornada, Milenio diario, Proceso sur, Ar Men, La Tempestad, Generacion, Revista MU. Compagina su trabajo por encargo con series personales a largo plazo. Junto con otros 14 fotógrafos ha sido seleccionado por el nuevo festival internacional de fotoperiodismo de Saint-Brieuc (Francia) que tendrá lugar en octubre 2012.
| SAN GRE FRESCA | 73
La serie “En rade” (en francés algo así como “a la deriva”) trata de la ciudad de Brest, ciudad portuaria del extremo Oeste de la Bretaña francesa. Es una ciudad que fue destruida al 80% por los bombardeados durante la segunda guerra mundial y luego reconstruida al estilo americano, lo cual hace que no tenga casi nada de patrimonio arquitectónico anterior a esa época. Dicho esto, no le quita el tener un encanto muy peculiar, este “charme” muy especial que podemos encontrar en las películas del finlandés Kaurismaki. Diría que la ciudad tiene un ambiente musical, no es extraño que el jazz se introdujera en Europa por la ciudad de Brest a través de los soldados americanos en el año 1917. La ciudad ha inspirado a escritores como Pierre-Mac Orlan, Jack Kerouac o Jean Genet entre otros. La serie “En Rade”se sigue desarrollando en la actualidad y forma parte de un proyecto más amplio del fotógrafo sobre ciudades portuarias del mundo.
74 | SANGRE FRESCA |
Pilar García Merino licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Desde el año 2000 realiza exposiciones, individuales y colectivas, de forma regular y su obra se encuentra presente tanto en Colecciones públicas como privadas. Ha recibido numerosos premios, entre ellos, Primer Premio Fundación Mapfre, Primer Premio Caminos de Hierro, Beca de Ayuda a la Creación Visual de la Fundación Arte y Derecho y del Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP, Premio de Honor Asisa, Primer Premio Mezquita Ciudad de Córdoba, Primer Premio Injuve para la Creación Joven, Beca Estancias Injuve para la Creación Joven, Primer Premio Caja de Ahorros del Mediterráneo y Primer Premio Caja de Extremadura.
PILAR
GARCIA MERINO La serie “ Desequilibrios” es un proyecto premiado con la Beca de Ayuda a la Creación Visual de la Fundación Arte y Derecho y del Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP. Utilizo la puesta en escena para construir espacios y recrear ambientes que responden a un determinado estado anímico. El resultado es un conjunto de dioramas elaborados mediante toma directa de pequeñas figuras y maquetas. La serie “Desequilibrios” se centra en la dimensión psicológica del ser humano, profundizando en conceptos como el miedo, la soledad y la angustia. Las imágenes son como pequeñas cajas de resonancia psíquica, pues están cargadas de simbolismo sobre el ser humano y sus posiciones reflexivas sobre la existencia.
DERECHA “ESCALERA HACIA EL CIELO”
Estética, delirio y fantasía La fotografía es el documento visual más valioso para comprender el mundo actual pero se hace indispensable erigir un método y una teoría para entender y disfrutar de aquello que sus autores pretenden expresar en el resultado final de su trabajo. La representación sublime de las fantasías y de las ensoñaciones sería el poder descubrir las verdades artísticas que contiene su discurso creativo y, de esta manera, poder formar parte de este delirio. En la asentada obra fotográfica de Pilar García Merino volvemos a encontrar las mismas inquietudes y preocupaciones de sus primeros trabajos pero con una huella más profunda y rigurosa; La utopía, la quimera, la entelequia o la ilusión comparten escenario con otras ensoñaciones no tan atractivas como la soledad, el miedo, la tristeza o la angustia. El que estas preocupaciones, tan antiguas como la propia historia del hombre, sean el escenario del trabajo de Pilar me lleva invariablemente a descubrir la verdadera profundidad e interés de sus trabajos que, además, tienen la virtud de poseer una calidad plástica y técnica de primer orden. La actividad creadora es una especie de alucinación y, en muchos casos, encuentra su espíritu en los propios sueños de la noche, en las fantasías dirigidas a una meta o asociadas a situaciones que responden a simbologías y analogías. Las quimeras en estado de desvelo se denominan ensoñaciones y tienen la característica de combinar ideas en estado de creación. Ésta es una faceta que domina con soltura y desparpajo Pilar García Merino. No hay una creación suya que no nos invite a soñar y a imaginar. En definitiva, consigue el verdadero anhelo de un autor, motivar y atraer la atención del espectador a través de una forma de expresión tan resplandeciente como la fotografía. La eliminación del color es otro elemento importante en las obras de Pilar. Esta circunstancia aumenta de manera primordial el interés de sus obras construidas, recreadas e interpretadas con sutileza en la soledad de su estudio. Las fotografías de Pilar García Merino tratan de historias inventadas o -porqué no- verdaderas, historias de su infancia y juventud, divertidas o trágicas; Así que, en cierto sentido, no son cuentos de hadas, si no ficción con rasgos de realidad. La ficción, que en su estética es el denominador común, sigue llenando de fantasía y de excelentes imágenes sus delirios y su tiempo.
José María Díaz-Maroto
IZQUIERDA “DOS ALMAS” PÁGINA ANTERIOR “EL PENSADOR PESIMISTA”
80 | EL MUNDO ALREDEDOR |
JOSE LUIS
MUR COLECCIONISTA Jose Luis Mur es conocido por los fotógrafos españoles por ser el dueño de la tienda Fotocasión. En círculos especializados también se le conoce por su colección de cámaras antiguas, y recientemente por su colección de fotografías. Os hablamos de ella.
- ¿Cómo nació tu amor por la fotografía? Cuando era pequeño me llamo la atención un turista que pasaba por mi pueblo (Labuerda provincia de Huesca, en el Pirineo Aragonés) que montaba su trípode y encima colocaba un artilugio. Con cierta curiosidad, pero con timidez me acerque a él y me explico lo que era, me hizo una foto y luego positivada me la envió desde Barcelona. Esto fue un gran descubrimiento para mí. Ya con 13 años compré mi primera cámara e hice mis primeras fotos con una cámara SIM de baquelita, con rollo de 127. La compré cuando vi un anuncio en el Semanario 7 FECHAS, me la mandaron por correo desde Madrid contra-reembolso de 99 pesetas, todos mis ahorros y a escondidas de mis padres. Ya durante mis estudios del bachiller, tenía dos pasiones; la fotografía y el futbol. El deporte fue la forma de salir de mi pueblo, primero fue jugando para el Barbastro y luego para el At. de Madrid. Cuando llegué a Madrid conocí la revista Arte Fotográfico, vi algunas exposiciones en la Real Sociedad Fotográfica, podía comprar libros de autor, todo lleno de fotografías. Había una librería que era casi como mi casa, la ya desaparecida Librería Científica y a donde fuera, siempre me acompañaba mi cámara. El fútbol como profesional duró dos años. Una lesión me aparto del deporte. La fotografía sustituyo al fútbol. Hice un curso de fotografía, allí conocí un amigo y decidimos poner un puesto los domingos en el rastro de Madrid, el primer domingo ya mi amigo abandonó el proyecto. - ¿Porqué empezaste a coleccionar fotos?
IZQUIERDA NICOLAS MULLER ARRIBA “REMERO VASCO” DE ORTIZ ECHAGÜE Y “EL MAQUINISTA” DE GABRIEL CUALLADÓ
Yo seguí con el puesto del Rastro y compre mi primera cámara antigua, una cámara Kodak panorámica 1898, es entonces cuando realmente empezó mi interés por el coleccionismo. Compraba algunas cámaras, investigaba sobre ellas y las fotografías que con ese tipo de aparato se habían tomado. Empecé adquiriendo fotografías de autores españoles, Dolcet, Cualladó, Masats, Catalá Roca y varios mas. - ¿Con qué foto concreta empezaste tu colección? La primera foto que adquirí fue EL MAQUINISTA de Gabriel Cualladó. Luego fueron fotografías de Cartier-Bresson, Álvarez Bravo,Korda ,Brassaï,Nicolas Muller,Cecil Beaton,Robert Doisneau,Mario
- ¿Con qué foto concreta empezaste tu colección? La primera foto que adquirí fue EL MAQUINISTA de Gabriel Cualladó. Luego fueron fotografías de Cartier-Bresson, Álvarez Bravo,Korda ,Brassaï,Nicolas Muller,Cecil Beaton,Robert Doisneau,Mario Giacomelli,HarryCallahan,Jan Saudek,Jeanloup Sieff,Osvaldo Salas,Elliot Erwitt,August Sander,Alfred Eisenstaedt,Andre Kertesz,Man Ray,Francois Kollar,Alesandr Rodchenko,Bill Brandt,Barbara Morgan,Robert Frank,HorstP. Horst,DianeArbus,Helmut Newton,Kliford ,Laures ,y algunos más. De los fotógrafos españoles GarcíaAlix, Luis Baylón, Jorge Rueda, Miguel Oriola, Ouka Leele, Isabel Muñoz, Archivo de Carlos Corcho, Carlos Saura, Archivo de Cervera, Archivo Roberto Arbolea, Archivo Nuño, fotógrafos de la escuela de Madrid, fotógrafos catalanes… En mi colección hay una representación de la mayoría de los fotógrafos españoles. - ¿Tienes debilidad por algún autor?
ROBERT DOISNEAU
Mi preferencia está en el más del centenar de copias de José Ortiz Echagüe que poseo; originales con los procesos CARBONDIR Y CARBON FRESON. Es uno de los fotógrafos españoles con más nombre fuera de nuestras fronteras.
- ¿Qué fotografía no tienes en tu colección pero te gustaría tener?
- ¿Cuál es la foto favorita que posees?
- ¿Coleccionas todo tipo de fotografía o de alguna época en concreto? ¿Digital o químico? ¿B/N o color?
Creo que debe de ser “Remero vasco, 1931“, de Ortiz Echagüe
“Mi consejo para comenzar una colección, es ir a las exposiciones de fotógrafos noveles; los hay muy buenos, y sobre todo, adquirir lo que gusta, no por nombre.”
Faltan en mi colección fotografías de Irving Penn, esa es mi próxima meta
Principalmente mi colección esta basada en fotografías del siglo XIX y los 60 primeros años del XX. Mi preferencia es sin duda el B/N, papel de siempre, papel químico baritado; en color tengo muy poco. Dentro del siglo XIX, hay Daguerrotipos, Ambrotipos, Ferrotipos, sobretodo albuminas, es decir desde la aparición de la fotografía química hasta el digital, aunque el digital lo utilizo para escanear archivos y positivar para tener como documento, no colecciono digital. - ¿Que consejo le darías a futuros coleccionistas? Mi consejo para comenzar una colección, es ir a las exposiciones de fotógrafos noveles; los hay muy buenos, y sobre todo, adquirir lo que gusta, no por nombre. Luego depende del cariz que lleve la colección, entonces ir a nombres y tipo de fotografía, no como decoración y sí como colección.
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C PHOTO Hace siete años, nació el proyecto C Photo, de Ivorypress, bajo la dirección de Elena Ochoa Foster. En su primera etapa, la publicación tenía el subtítulo de International Photo Magazine. Nos imaginamos que lo “magazine” tendría la acepción de la palabra árabe de la que deriva; almacén. Después de los diez números de esta etapa, que se publicaron bianualmente, lo que realmente ha quedado ha sido eso: un gran almacén, una enciclopedia de referencia de la fotografía contemporánea. En estos diez maravillosos volúmenes –que tuvieron como co-editores a Elena Ochoa Foster y Antonio Sanz–, conviven fotógrafos emergentes con grandes maestros y se dan la mano lo clásico y lo moderno. En esta segunda etapa, C Photo abandona su condición de revista para convertirse en una colección de monografías temáticas coordinadas por Elena Ochoa Foster e Inaki Domingo con la estrecha colaboración de todo el equipo editorial de Ivorypress. Estos números monográficos cuentan con editores invitados de la talla de Tobia Bezzola (curador del Kunthaus de Zurich) o Marta Gili (directora del museo Jeu de Paume de París). El cuarto volumen, el que hoy nos ocupa, lleva el subtitulo de “NueARRIBA ALEJANDRO CHASKIELBERG. PÁGINA SIGUIENTE IRINA WERNING
Hablamos con Iñaki Domingo, coordinador editorial de Ivorypress, además de reconocido fotógrafo y miembro fundador del colectivo Nophoto. En primer lugar, felicidades por este nuevo número. La primera y evidente pregunta es, ¿porqué un número dedicado a Latinoamérica? Muchas gracias, esperamos que sea un éxito editorial que ayude difundir el trabajo de esta selección de jóvenes fotógrafos latinoamericanos. El 5 de junio de este año Ivorypress presenta la exposición Revelaciones. Historia del fotolibro en Latinoamérica, comisariada por Horacio Fernández, que es fruto de la mayor investigación que se ha llevado a cabo sobre este tema hasta la fecha. La exposición recoge una selección de fotolibros publicados en diferentes países de América Latina desde 1921 hasta 2009. Nos pareció adecuado complementar los trabajos incluídos en la muestra con un volumen de C Photo que recogiese el trabajo de algunos de los jóvenes talentos latinoamericanos, que en muchos casos no tenían presencia en la exposición. Además, hemos tenido la suerte de contar con Martin Parr, experto en la materia, como editor invitado de este volumen. Ambos proyectos son complementarios y para nosotros tenía sentido desarrollarlos paralelamente. ¿Cuál ha sido el criterio de selección de los fotógrafos? El principal criterio de selección en C Photo es habitualmente el mismo, la calidad y la originalidad de los trabajos publicados. Junto con el editor invitado decidimos un tema a tratar y conjuntamente buscamos proyectos fotográficos que, por unas razones u otras, hablen sobre ese tema desde diferentes perspectivas. Pensamos que hemos llegado a un buen compendio de autores que sirven como ejemplo de los derroteros por los que avanza la creación artística en Latinoamérica. En el texto del prólogo, Vik Muniz se pregunta si Latinoamérica dejará de ser un tema para fotografiar y empezará a ser valorado por su talento. Pensamos que en un momento histórico lo fue, ahí tenemos a Alvarez Bravo, Martin Chambi, o el recientemente fallecido Sergio Larraín entre otros. ¿A qué crees que se debe ese momentáneo olvido, ese lapsus, si es que lo hubo? Latinoamérica vive un momento importante en términos de producción artística. El continente tiene muchos y muy buenos artistas. En países como México, Brasil o Argentina, por ejemplo, encuentras algunas propuestas francamente originales. Pero el mercado del arte siempre va a un ritmo más lento que la producción. Álvarez Bravo, Chambi o Larraín tardaron en ser asimilados por la audiencia, no fueron conocidos desde sus comienzos.
Aunque ahora con Internet hay más acceso que nunca a la información, también hay una gran saturación de información. Siempre pasa un tiempo hasta que el gran público asimila y hace suyo a un nuevo artista o grupo de artistas. Quienes nos dedicamos a esto, sabemos que fotografiar es caro. También sabemos que Latinoamérica ha pasado de ser el “hermano pobre” de España a ser un continente en expansión económica. ¿Crees que el advenimiento de la cultura digital, y el hecho de que el precio del proceso digital sea inferior al foto químico, ha tenido que ver en el hecho de que florezcan talentos que estaban escondidos? ¿Lo que se entendería por democratizar el arte? Indudablemente las cámaras digitales han ayudado a democratizar la fotografía. La gente tiene ahora mayor acceso a la fotografía que nunca. Pero el talento y la tecnología son cuestiones muy diferentes que no tienen una relación directa entre sí. El talento siempre encuentra su camino para florecer y, si no tiene medios, se los inventa. Martin Parr nos habla en su texto introductorio de una “redefinición del lenguaje fotográfico”, de un lenguaje contemporáneo pero con una impronta personal. Hace años, vimos esto mismo en Asía de donde han surgido grandes artistas en los últimos tiempos. ¿A qué crees que se debe ese boom de creatividad fomentado por este “nuevo lenguaje”? ¿Crees que el lenguaje europeo y estadounidense está obsoleto o simplemente cansado? Creo que hay mecanismos narrativos que han funcionado bien tradicionalmente, los modelos americano y europeo están consolidados, pero es muy positivo que estos planteamientos sean revisados y reformulados en función de las necesidades concretas de los artistas de cada país. Latinoamérica es un continente que rebosa creatividad, es lógico que los artistas desarrollen su propias estrategias creativas, que evidentemente son deudoras de modelos establecidos anteriormente. Además, el público y el mercado siempre están ávidos de encontrar nuevos enfoques, nuevas soluciones a problemas universales. De los catorce fotógrafos de los que podemos disfrutar en este nuevo número, muchos han sido premiados fuera de sus respectivos países con becas, están en colecciones tanto privadas como particulares, les han publicado libros… ¿Crees que en España hemos tardado en percatarnos de lo que estaba pasando en Latinoamérica? No estoy del todo de acuerdo con este planteamiento. Pienso que España siempre ha tenido una relación muy cercana con América Latina, lo cual es lógico por razones obvias. Hay muchos artistas latinoamericanos que residen en España o han desarrollado sus proyectos aquí, y sus DERECHA ROSARIO MONTERO
88 | EL MUNDO ALREDEDOR |
“Latinoamérica vive un momento importante en términos de producción artística. El continente tiene muchos y muy buenos artistas.”
trabajos han sido expuestos y publicados por instituciones españolas. Pero cuando eres fotógrafo, pides becas y buscas que tu obra forme parte de colecciones prestigiosas, y por eso es normal que muchos se presenten a estas convocatorias y sus trabajos tengan presencia internacional. A nosotros, en Ojos Rojos, nos fascina algo de la fotografía latinoamericana, pero no somos capaces de ponerle nombre. En las páginas de este número hemos visto cosas que nos retrotraen a los trabajos de Bernd y Hilla Becher, Philip-Lorca diCorcia, Sophie Calle, Martin Parr… pero es solo eso, un recuerdo, en ningún momento se ve un afán de copia. Es como una absorción, una deglución. ¿Podrías tú ponerle nombre o explicar este hecho? Efectivamente, podríamos definirlo como síntesis creativa. Esta síntesis viene dada por la correcta asimilación de fórmulas ya existentes a fin de desarrollarlas o adoptarlas a nuevas necesidades narrativas que viene marcadas por las condiciones geopolíticas de los países de orígen de estos artistas. Otros continentes también son creativos, pero en América Latina se dan unas condiciones de creatividad y accesibilidad a la información y los recursos que permiten desarrollar propuestas con una impronta que las hace únicas y muy características. Es fácil reconocer el trabajo de un artista latinoamericano. Muchas gracias Iñaki, os deseamos lo mejor en esta segunda etapa y que lo veamos con nuestros Ojos Rojos. Gracias también a vosotros y un saludo. ARRIBA OSCAR FERNÁNDEZ. IZQUIERDA ANDRÉS MARROQUÍN WINKELMANN.
90 | LA PIEZA |
RAILOWSKY Soy Juan Pedro Font de Mora, el último mohicano de la librería y fotogalería Railowsky.
Tengo un trabajo que me apasiona y, aunque de forma bastante precaria, me permite ganarme la vida. En una de las escasas escapadas que hago, el otoño de 2008, estuve unos días en una ciudad que adoro; París. Es una ciudad para disfrutarla paseando sin rumbo fijo por los barrios antiguos. Una de las cosas que más me encantan son las estaciones de trenes, cuanto más grandiosas mejor. Esa tarde lluviosa de octubre me dirigía hacia la estación de Saint-Lazare. Lamentablemente ese día estaban realizando unas obras bastante aparatosas y a penas se podía ver la estación. Una valla de madera lo impedía. Mi curiosidad innata me hizo acercarme y por un resquicio
“Curioso nombre que corresponde a un personaje de ficción, ya que el cartel está rasgado y le falta la “B” de Brailowsky, famoso pianista ruso que actuaba por esas fechas en París.”
pude ver los amplios cobertizos metálicos y el reloj de la estación que la preside en lo alto. La lluvia del día anterior había dejado la zona de obra convertida en un inmenso charco El personal de la obra improvisó una escalera para poder evitar mojarse, cosa imposible como digo. Me divertí un rato viendo como saltaban desde la escalera hasta el agua, maldiciendo después su mala suerte por lo mucho que se mojaban. Continúe mi paseo pero ya de vuelta vi un veinteañero mirando por el mismo resquicio de antes, con la diferencia que además llevaba una vieja Leica y no paraba de hacer fotos. Pensé para mis adentros que el muy ingenuo estaría intentando sacar a los “saltadores de charcos” justo al momento previo a mojarse. Me acerqué en plan provocador y le dije: “No lo conseguirá, es casi imposible”. El joven me respondió de forma un tanto altiva. “Lo conseguiré, y usted lo verá en los mejores museos del mundo. Mis fotografías se venderán a millones de francos en el siglo XXI”. Bueno, no quiero seguir con este relato cargado de tintes “woodyallianos “. Lo único cierto de este cuento es que realmente he estado en el sitio mas o menos exacto en que Henri CartierBresson realizó la famosa fotografía “Derriere la Gare Saint-Lazare”, Paris 1932, y debo decir que me sorprendió lo bien que conservan los franceses su patrimonio. Está exactamente la misma verja, la estación conserva la misma cubierta y el mismo reloj. Lo que eché en falta fue aquel cartel de “Railowsky” pegado en la valla que dio nombre a mi librería y fotogalería. Curioso nombre que corresponde a un personaje de ficción, ya que el cartel está rasgado y le falta la “B” de
Brailowsky, famoso pianista ruso que actuaba por esas fechas en París. Esto nos dijo por carta el mismísimo Cartier-Bresson (esto es verdad, que no todo lo voy a novelar). Tan sólo dos curiosidades más; el hecho de que tuviera que hacerla desde el resquicio de la valla provocó que fuera una de las pocas fotos reencuadradas del genio francés, y que Cartier-Bresson no le prestó especial atención hasta 1946, catorce años después de realizarla, y más por obligación que por devoción, a raíz del encargo recibido para realizar una gran exposición en el MOMA de Nueva York. Tuvo que revisar infinidad de negativos, y !zas¡ allí estaba. Luego, curiosamente se ha convertido en uno de los grandes iconos de la fotografía, ejemplo máximo de lo que el mismo Cartier-Bresson denominó “la captación del instante decisivo”. Para nuestra fortuna ( la de Railowsky digo) se reproduce de forma innumerable en libros de fotografía y revistas especializadas , lo cual nos genera una publicidad gratuita impagable. En fin, tenias que acabar sacando mi faceta comercial, no en balde vivo de vender, o al menos lo intento.
92 | LA PIEZA |
HELEN LEVITT de la serie
IN THE STREET:
Chalk drawings and messages, NYC, 1938-1948
Siendo sincero, intentar identificar la fotografía que mas me gusta, es tan inútil cómo identificar mi canción favorita. Depende del día y del momento el que una fotografía de las que tengo entre mis predilectas me guste más hoy que ayer. Y como hoy por una serie de razones he tenido que rememorar unos años en los que la vida no era en blanco y negro, pero si en color caducado, me ha venido a la cabeza una fotografía de Helen Levitt tomada en una calle de Nueva York de su magnifica serie In the Street: Chalk Drawings and Messages, New York City, realizada en los años 40. Ignoro si este trabajo tenía algún fin gubernamental como sucedió con Dorothea Lange o Walker Evans, pero la fascinación de Levitt por los juegos infantiles parece indiscutible. Y por este y otros motivos que esgrimiré más adelante, hoy me apetece que esta foto sea mi favorita. Se podría encuadrar dentro del género de fotografía social o también street photography como decimos ahora por aquí. La escena presenta a unos niños que forman una especie de corro en el borde de una acera en una calle de Nueva York. Todos los niños, excepto uno están interactuando con la mirada alrededor de algo que está haciendo el niño que está de espaldas en primer plano. Y es que a tenor de los fragmentos de cristal que hay por el suelo, todo parece indicar que estos niños transportaban este espejo y se acaba de romper. Sus caras reflejan esa tensión que invita a pensar que probablemente un instante antes o después las risas protagonizarían la escena. Al fondo la vida transcurre con normalidad ignorando por completo la acción de los niños. La composición está perfectamente definida por planos, y si pasamos de ese primer plano del niño de espaldas y que tanto recuerda a ciertas representaciones renacentistas, nos encontramos a unos niños que sujetan el marco de un espejo y a través de él queda enmarcado un niño en bicicleta. Este “encuadre dentro del encuadre” me ha parecido siempre espectacular, por cómo está logrado y la manera en que ha conseguido colocarlo en el encaje: Las líneas verticales del marco coinciden con las puertas oscuras del último plano dotando al significado de una fuerza y solemnidad que hace recaer todo el peso en el niño de la bicicleta. Si lo analizamos, de otra manera no habría sido posible. Pero la oblicua del bordillo, (paralela a la línea del fondo), dota a esta fotografía de más dinamismo y sobre todo de profundidad, invitando a la mirada a seguir la calle. La disposición de los niños, circular excéntrica es perfecta, y proporciona un ritmo agradable e incluso tonalmente, el niño de color está situado a la izquierda, lo cual compensa el desequilibrio que podría crear este tono más oscuro, tal y como dictan las normas de composición, (occidental). El fondo es como un telón pintado al gusto, donde se desarrollan diversas acciones. Con
todo esto puede dar la impresión de que todo estaba preparado, pero me temo que lo único que estaba preparado era el conocimiento del medio y la intuición de esta magnífica reportera. Es una fotografía en blanco y negro, positivada originalmente en gelatina de plata, que presenta una gama tonal muy extensa y un contraste de manual. Si alguien tiene dudas de cómo debe ser un positivado perfecto, esta copia es uno de los ejemplos. Las argucias de la postproducción quedan ocultas tras un trabajo con sumo mimo y tan solo un par de pistas me descubrieron los ligeros “cierres” en la parte alta y en la izquierda. Ignoro como mediría la luz Helen, ni que película usó, aunque imagino que película lenta por la ausencia de grano. No se observan distorsiones típicas de un angular ni compresiones debidas a un tele, que en esa época apenas se usaban. Apuesto a que usó un objetivo “normal”, pero desconozco el formato. Y apuesto también por un diafragma medio dado el desenfoque en los términos más lejanos, (hecho éste que refuerza la perspectiva y facilita la lectura) Y además de este análisis pericial, ¿por qué hoy esta fotografía es mi favorita? Por varias razones. Primero porque me gustan las mujeres fotógrafas, y no por esa sensibilidad que muchos les otorgan, sino por los huevos que le echaron algunas de ellas sobre todo en los inicios, como también Dorothea Lange. Segundo porque compositivamente me parece ejemplar, fotográficamente soberbia y documentalmente fundamental. Tercero por que hoy más que ningún día echo de menos aquellos tiempos en los que los niños jugábamos en las calles, disfrutábamos cada día como si fuera el último de nuestras vidas. Echo de menos la libertad infantil que la edad te va robando día a día y aquellas noches de verano donde las vacaciones escolares permitían quedarse más tiempo en la calle, alimentando la fantasía, las aventuras y las expectativas de una vida, que tan solo unos años más adelante cambiaría radicalmente, (y no siempre para mal ;-) ). Y sobre todo elijo esta fotografía porque estoy seguro de que ninguno de esos niños sufrió ningún tipo de vejación ni trauma por ser fotografiados.
Rubén Morales González