Ojos rojos 21

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Diseño y maquetación: Mili Sánchez Entrevistas de Mike Steel La tipografía DNNR ha sido diseñada por Ipsum Planet para la revista Neo2 <www.neo2.es>

Š Cristina De Middel - Afronautas- Cuadernos de la Kursala

Š Yvonne Venegas

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ENTREVISTAS Joaquín Collado

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NOMBRE PROPIO

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LATINOAMÉRICA

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COMODÍN

72 90 102

Xurxo Lobato

Yvonne Venegas

Cuadernos de la Kursala

SANGRE FRESCA Ila Coronel

EL MUNDO ALREDEDOR Roft Art

LA PIEZA Juan Travnik

Joaquín Collado Maestro de la fotografía pero casi un desconocido para el gran público, Joaquín Collado ha sido uno de los principales cronistas visuales de la ciudad de Valencia. Nos recibe en su casa rodeado de fantásticas imágenes para responder a nuestra entrevista. ¡Seguro que os va a encantar su trabajo y su historia! ¿Cómo empezaste en este oficio?

La verdad es que de casualidad. Cuando nació mi hijo Joaquín decidí comprarme una cámara para poder hacerle fotos a él y a otros familiares.

© Mike Steel

¿Te acuerdas de cuál fue tu primera cámara?

La Regula IIIc, alemana,que por cierto no tenía fotómetro. Me habían aconsejado que la comprara con fotómetro, pero por no saber, y por ahorrarme un dinerillo, la compré así. Me duró poco y me compré una Baldessa que aun conservo en una vitrina ¿Cuál fue la primera foto o fotógrafo que te impresionó?

Yo empecé en la fotografía sin haber visto el trabajo de ningún fotógrafo y sin haber leído ninguna revista fotográfica ya que por aquél entonces eran muy caras. Posteriormente conocí y admiré el trabajo de José Miguel de Miguel Ruíz. Hacía un trabajo parecido al mio pero era fotógrafo de un disparo. ¿La última foto o el último fotógrafo que te ha hecho sentir lo mismo?

Gabriel Cualladó

8 | ENTREVISTA |

¿Con qué cámara suele disparar? ¿Le da igual una que otra?

No, no me da igual. Desde el momento que adquirí la Nikon FTN he sido un seguidor de esa marca. Tanto es así, que me compré otra cámara Nikon esta vez la Nikkormat, luego la 801 y finalmente la Nikon FE2. Cámaras de 6X6 he tenido: dos Rolleiflex, dos Yashica y si no recuerdo mal una Minolta. ¿Tiene una óptica favorita?

Sí, para mi trabajo he utilizado mucho el angular sobre todo el 35 y el 28 mm.

Aunque por su calidad y versatilidad me ha gustado mucho también el 55mm Micro Nikkor ¿Horizontal o vertical?

A mi parecer, la fotografía vertical le da a la imagen una dinámica de la que carece la horizontal. Dicho esto, hay que escoger lo que venga mejor en cada momento. ¿Qué prefiere disparar a tiempo y hacer lo que esperaba o no llegar a tiempo y sorprenderse?

Yo soy de los que va a buscar la imagen que tiene en mente y me lo tomo con calma aunque a veces, por circunstancias, disparo rápidamente a ver que ocurre. ¿Reencuadra las fotos? ¿En digital? Es que depende, en fotografía química no reencuadraba, era el negativo tal cual. Ahora el digital te permite reencuadrar fácilmente aunque así se modifica la foto y se pierde autenticidad. ¿Cómo se ha adaptado al mundo digital?

La verdad es que bien. Soy de las personas que piensan que las cosas deben evolucionar. Ahora tengo dos cámaras digitales, una Canon y una Panasonic y son muy livianas (risas) ¿Digital o químico? ¿Porqué?

Prefiero el químico aunque ya no puedo hacerlo; por los años, porque ya no tengo laboratorio. Ahora manda el digital pero me tira el químico. ¿Que películas utiliza?Kodak_8667073_TX_135_36_Tri_X_Pan_29170 Mayoritariamente Kodak Tri-X, era para mí el summum. Utilicé una temporada el Kodak T-Max pero al final no me convenció y volvía al TRi-X ¿Retoca las imágenes? ¿Con que software?

La verdad es que se poco de esas cosas. Utilizo el Photoshop para quitar puntos de polvo y cosas así. Cosas mínimas. Es que, creo que para hacer buenas fotografías hay que saber y pensar lo que uno va a hacer. ¿Cómo ve el panorama a día de hoy?

Es muy raro porque todo el mundo tiene una cámara digital o un móvil con el que hace fotos. Para mí lo peor de esto es que las imágenes hoy en día se enseñan de una manera muy breve.Cuando le pregunto a alguien si va a ampliar la imagen que me enseña, me suele mirar con cara rara. Nadie o casi nadie positiva hoy en día. Como mucho te mandan la imagen por email y ya está

en el cuarto de baño y empecé a hacer otro tipo de fotografía. De todas maneras fue a partir de hacerme socio de la Agrupación Fotográfica Valenciana (Agfoval) donde inicié mi proceso de aprendizaje en los procesos de revelado y positivado. Participar en los concursos que se organizaban en Agfoval tamCuando compré mi primera cámara, no tenía ni idea bién influyó en el cambio de tipo de fotografía que y además la cámara no tenía fotómetro. Iba con una realizaba. tarjetita que decía cómo hacer para que salieran bien las fotos. Si estaba nublado, muy nublado, si ha- ¿Qué tipo de fotografía se hacía entre los miembros cía sol… En la tarjeta venía como ajustar la veloci- de Agfoval en el año 1965 cuando se une a la agrudad y el diafragma. Era muy incómodo porque tenía pación? que andar siempre con la tarjeta (risas) Cuando yo entré a formar parte de Agfoval había ¿Cuándo y porqué cambia el escenario familiar por muy pocos socios. Lo que se hacía sobre todo eran el callejero? fotos para los concursos que se organizaban en la agrupación. Lo que me impactó fue la calidad de las Creo que fue cuando un día, un amigo me metió en imágenes. En aquel entonces en los concursos se juzun cuarto y cuando apagó la luz encendió una luz gaban las imágenes individuales. roja. Puso un papel debajo de una ampliadora, encendió otra luz, metió el papel en unos líquidos y de Recuerdo que vi una fotografía que me impresiorepente apareció una imagen. ¡Eso me dejó absoluta- nó mucho de un taller de soldadura con las puertas abiertas. En la imagen se veían las chispas y los vamente maravillado! pores . Enseguida busqué al autor para que me expliEnseguida me compre una ampliadora que instalé cara como la había hecho pero me empezó a hablar Le regalan su primera cámara en el año 1959 cuando nace su primer hijo. Nos imaginamos que las primeras imágenes que tomaría serían las típicas fotos de familia. ¿Cómo aprendió el manejo y la técnica fotográfica?

¡Principio y fin!

en una jerga incomprensible, me hablaba de subexponer y otras cosas de las que no tenia ni idea en ese momento. (risas)

exposición colectiva (en el año 1981) ¿Porqué?

Bueno, no sé. Es una cosa personal, a alguna gente le gusta más el retrato o el paisaje pero a mí me gusta andar por ahí; ir a la mía, digamos que soy un flâneur. Me ha gustado sobre todo la fotografía humanista, el contacto con la gente, contar sus historias.

Posteriormente he hecho bastante paisaje. En B/N utilizaba mucho la película infrarroja y en color sobre todo la diapositiva.

Sus imágenes destilan una complicidad, un acercamiento y humanismo que no se consigue con la foto robada. ¿Como se acerca a las personas que retrata?

La verdad es que no era muy consciente del mundo de las exposiciones. No les prestaba mucha atención.

Nosotros estábamos volcados en los concursos. Es a ¿Quienes fueron sus primeras influencias? ¿A qué partir de la invitación a participar en esta expositipo de publicaciones tenía acceso? ción colectiva que empieza a interesarme este forEn la agrupación solo recibíamos Arte Fotográfico. mato. No he hecho de todas maneras muchas exY yo solo tenía acceso a las fotos que se hacían para posiciones, solo 33 individuales y 30 colectivas. La los concursos, es lo que se podía ver en ese momento. verdad es que nunca he buscado exponer. Me han llamado mucho, incluso para exponer en el MUVIM de Valencia. Ahora mismo tengo una exposición en Su trabajo se enmarca dentro de la fotografía de París del trabajo que hice en el barrio chino. calle, ¿qué le impulsó a seguir este estilo y no otro?

Pasa mucho tiempo desde empieza a interesarse por la fotografía hasta que realiza su primera

Lo primero de todo es acercarse con educación. A veces pido permiso a la gente hago alguna foto, me alejo, y cuando está la persona natural, cuando se ha olvidado de mí, le vuelvo a retratar. No se si es la forma correcta de actuar, pero a mí me ha servido.

En el caso del trabajo que hice en el poblado de los

¡Ese chupachup me lo como yo!

12 | ENTREVISTA |

gitanos fue distinto. Al verme me dijeron “Payo haznos unas fotos” y con esas mágicas palabras me dieron entrada a su mundo. Les hice bastantes fotos y después les llevé las copias; quedaron contentísimos. Eso es una cosa que suelo hacer con la gente que retrato, en muchos casos después les regalo una copia.

También he de decir que mi mujer me ha ayudado algunas veces a conseguir las fotos. Me ayudaba a pasar desapercibido.

Su excelente serie sobre el barrio chino de Valencia nos puede recordar al trabajo que publicó Joan Colom en el libro Izas, Rabizas y Colipoterras. ¿Conocía este trabajo cuando empezó a fotografiar el barrio chino o su inspiración fue otra?

No, la verdad es que no conocía el trabajo de Colom, lo conocí mucho después.

Llevaba unos años haciendo reportajes y la idea

de hacer uno en el barrio chino me llevaba rondando en la cabeza desde hace tiempo. Lo que pasa es que en aquella época estaba mal visto y a mí me preocupaba lo que iba a pensar mi mujer (risas).

Un día, en el año 1972 me decidí. Lo que hacía era medir antes la luz y ajustar el diafragma. Me mezclaba entre los clientes, los mirones y los macarras. Probablemente creían que era un cliente.

Llevaba la cámara con un objetivo angular y disparaba cuando veía una escena pero no me llevaba la cámara a los ojos, disparaba desde la altura de la pierna. Si me la hubiera llevado a la altura de los ojos me hubieran corrido a palos. (risas) Pasó casi medio siglo trabajando en una entidad financiera (curiosamente como otro gran maestro, Carlos Pérez Siquier) ¿No tuvo en ningún momento la tentación de dejar ese trabajo para dedicarse plenamente a la fotografía?

No, la verdad es que no. Para mí siempre ha sido una pasión, una afición.

La protagonista

Sola ante el peligro

Pasó casi medio siglo trabajando en una entidad financiera (curiosamente como otro gran maestro, Carlos Pérez Siquier) ¿No tuvo en ningún momento la tentación de dejar ese trabajo para dedicarse plenamente a la fotografía?

No, la verdad es que no. Para mí siempre ha sido una pasión, una afición.

Solo he trabajado de profesional una vez. Me pidieron que hiciera un encargo haciendo las fotos en unas comuniones en un pueblo. Yo me fui al pueblo, hice un montón de fotos y luego hice entre 7 y 10 copias que llevaba a la gente. Lo que pasa es que a la hora de llevárselas , dos personas eligieron solamente una o dos fotos y , claro, yo me había tirado horas y horas por la noche en el laboratorio para hacer todas esas copias que al final no querían. Las cobraba a ocho pesetas, más barato que otra gente que las cobraba a once. Me dí cuenta en ese momento de que no me salia a cuenta y decidí no hacer más encargos.

Era feliz en mi trabajo y era feliz pudiendo hacer, en mi tiempo libre, las fotos que me apetecían. Siempre he sentido la necesidad de captar la esencia del hombre y de la mujer en su propio ambiente. Para mí ha sido una necesidad.

Su historia esta ligada desde el año 1965 a Agfoval. Ha sido su secretario durante 24 años, luego asumió la presidencia desde 1991 hasta 2007 y ahora es vicepresidente. ¿Qué le ha aportado su estancia en Agfoval?

Me ha dado mucho. Primero me ha permitido aprender fotografía, aún hoy, que no estoy muy ducho en la fotografía digital, pregunto mis dudas a los compañeros.

En aquél entonces era una ayuda muy grande, cuando uno se presentaba a un concurso, la opinión de un jurado que valoraba tu trabajo. Te ayudaba a perfeccionar encuadres y a aprender distintos puntos de vista.

También después de muchos años, el reconocimiento a mi trabajo. Hace 50 años que pertenezco a la asociación. Eso ha permitido que mi fotografía se revalorice, se conozca, y entre otras cosas por eso estáis vosotros aquí (risas).

“Me ha gustado

sobre todo la fotografía humanista, el contacto con la gente, contar sus historias.”

Si hay alguien que ha fotografiado la esencia de la ciudad de Valencia, ha sido usted. ¿Fue su intención desde que empezó en la fotografía ser cronista de su ciudad? o ¿ha sido una consecuencia del paso del tiempo y la casualidad?

La casualidad, no. Ser cronista de mi ciudad no, pero si captar momentos de ella. A mí siempre me ha gustado fotografiar a los personajes de mi ciudad. He fotografiado todo tipo de manifestaciones, ya fueran religiosas, portando una virgen, o políticas portando pancartas. Todo esto ha ido engrosando el número de negativos hasta este día que tengo más de 40.000. Además recientemente he encontrado 50 carretes sin revelar ,sin haber sacado de ellos las copias por contacto ni, tan siquiera, tenerlos anotados en el registro que llevo desde hace muchos años. He fotografiado poco fuera de Valencia , tengo algunas fotos de Cuenca, de Teruel y alguna procesión que la gente dice que está muy bien, pero ahí están,en un cajón.

ยกEl mudo enjaulado!

16 | ENTREVISTA |

Ni単o y chicle

¿Cree que su pertenencia a una agrupación fotográfica ha jugado en su contra para que su trabajo sea conocido más ampliamente fuera de la red de agrupaciones fotográficas?

Bueno, es que yo desde que entré en la agrupación, le he sido fiel y he trabajado duramente para que se hiciera un nombre, que fuera una de las mejores de España. Si lo he conseguido o no, no lo se. Eso lo juzgaran otros.

Por último, ¿qué es para usted la fotografía?

Para mí lo es todo, bueno, dejando aparte la familia, claro.

Yo no he ambicionado nunca más de lo que estaba haciendo. He sido feliz haciendo mis copias. He sido feliz con la simbiosis que he conseguido con las personas que he fotografiado.

Agradecemos desde Ojos Rojos la amabilidad y simpatía con la que nos acogió el Sr. Joaquín Collado para realizar esta entrevista.

18 | ENTREVISTA |

¿Será el último?

Final feliz

Gitana guapa

La pareja ideal

ยกCuidado con...!

ยกHombre rastro singular!

24 | ENTREVISTA |

Buceando

¿Se decidirán?

26 | NOMBRE PROPIO |

o

Xurx

Lobat

A Coruña, 1956

Se licenció en Hª contemporánea por, la Universidad de Santiago de Compostela. Fotoperiodista en diversos medios, ejerció de redactor jefe de fotografia en La Voz de Galicia. Recibió el premio Ortega y Gasset 2003 de El País.

Académico en la Real Academia Gallega de Bellas Artes.

Tiene obra personal en la colección de Alcobendas, colección Cuallado del IVAM, y en el Museo Reina Sofia,entre otras…

Coordina el premio Ksado de creación fotografica de la Diputacion de A Coruña.

Y con su nombre se convoca un premio anual para jóvenes de bachillerato y FP de Galicia, este año el 12º Premio de fotografia Xurxo Lobato.

Ha participado en mas de 60 libros, la mayoría de ellos como único fotografo, con autores como Manuel Rivas, Torrente Ballester, Suso de Toro, Cesar Antonio Molina, …

Su trabajo más personal se centra en retratar las romerías gallegas y los cambios culturales que se dan en Galicia del paso de la tradición a la modernidad. Con una mirada irónica, con humor, donde el color juega un papel i mp o r tante

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Jalisia is my country De un país veraz Acechada desde hace ya más de dos décadas por el ojo omnívoro y oceánico de la cámara, esta “Jalisia” de Xurxo Lobato – a la que se suman hoy, en enésimo afluente, las imágenes acopiadas hace apenas unos meses que reúne en esta muestra – es, sin duda, un país singular. País excesivo, mordaz y paradójico, fabulado a partir de un sofisticado proceso de interiorización que, sin embargo, es con seguridad, de todas las visiones de la Galicia del cambio de siglo, sin duda una de las más incisivas, reveladoras y ciertas.

Un fresco que el autor edifica mediante un artificio de doble eje, por medio del cual desenmascara de un lado las ensoñaciones relativas a una tierra prodigiosa, supuestamente anclada en los rituales y prácticas de una tradición popular inmarcesible, pero a la par, en sentido inverso, no gasta menor retranca a la hora de estimar el valor efectivo del precio pagado en esa puesta al día, donde los rastros espectrales de la Galicia eterna y la Galicia moderna se infectan mutuamente.

Con todo, ¡ojo, también, con un excesivo empacho simplista en la interpretación antropológica!; tan propio, en definitiva, de los códigos dominantes en nuestro tiempo. Es cierto lo dicho acerca de esa disección de una Galicia donde lo ancestral vive hoy su inercia fatalmente entreverada por un inefable sarpullido de modernidad. Pero Xurxo Lobato, conviene recordarlo, es ante todo un fotógrafo de raza, integrante de aquel tan notable frente generacional de creadores españoles que, en torno a la segunda mitad de los años setenta del pasado siglo, habría de impulsar un vigoroso aliento renovador a la mejor estirpe sintáctica del medio. Y de ahí que en no pocas imágenes de su “Jalisia” lo en verdad sustancial, más allá de la incongruencia de la minifalda o el tacón de aguja entre cirios y exvotos, parezcan de entrada ser cuestiones como la despiadada segmentación del motivo en el encuadre o la tan efusiva primacía del color. Pero es que es justo eso, en un nuevo mecanismo dual, lo que, desarbolando las coordenadas de representación del espacio escénico tradicional, libera a las imágenes de todo lastre anecdótico, para destilar en ellas una entraña simbólica de alcance más enigmático y radical Fernando Huici March

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yvonne

VE NE GAS

Nace en Long Beach, California el 24 de Noviembre de 1970. Se graduó del International Center of Photography en Nueva York y obtuvo una maestría en Artes Visuales por la Universidad de California San Diego.

Ha expuesto su trabajo de manera individual y colectiva en los EU, México, Brasil, España, Francia, Canadá, Japón, Polonia y Rusia, como en la exposición itinerante From Baja to Vancouver, en el Museo de Arte de Seattle, Museo de Arte Contemporáneo San Diego, Vancouver Art Gallery y el Wattis Center en San Francisco, Tijuana Sessions en Alcalá 31 en Madrid, en la exposición Embarrassment of Riches en el Nerman Museum, Kansas, Online Bienal de Arte Contemporáneo, Mexican Photography en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y Fotonovela: Sociedad/Clases/Fotografía en el Itaú Cultural, Sao Paulo, Brasil.

Individualmente en la Galería Shoshana Wayne en Santa Mónica, Díaz Contemporary en Toronto, Casa de América Madrid, Museo de Arte Carrillo Gil en la Ciudad de México y la galería Baxter en Nueva York. Su trabajo es parte de la colección de la Fundación Televisa, Centro de la Imagen en México, así como del Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), Museo de Arte Contemporáneo de San Diego y colecciones privadas como Anna Gamazo de Abelló, Jason Raitman, Haudenschild, Moises Cosio, entre otros. Su trabajo fue premiado en la X Bienal de fotografía del Centro de la Imagen en 2002, Conaculta, obtuvo el premio Magnum Expression Award 2010 otorgado por la prestigiosa agencia Magnum Photos , fue Acreedora de la beca Sistema Nacional de Creadores del FONCA 2011-2013 para su proyecto Gestus que fue publicado recientemente por la Editorial RM con el apoyo de la beca de Fundación Bancomer 2015. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de creadores para la realización de su proyecto San Pedro Garza García. Ha publicado otras dos monografías de su trabajo María Elvia de Hank e Inédito, ambos por la casa editorial RM y el catalogo de su exposición Nunca Sera mas joven que este día, fue producido por el INBA. Yvonne Venegas vive y trabaja en la Ciudad de México

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San Pedro Garza Garcia (2013-en proceso) San Pedro Garza García es un municipio del estado de Nuevo León que se estableció en 1882, cuenta con un numero aproximado de 150 mil habitantes y se encuentra entre los primeros sitios de riqueza y desarrollo humano en América Latina. Muchas fortunas se han hecho entre las familias de San Pedro, y ello ha establecido una base desde la cual se ha formado la compleja tela social donde existen medidores de estatus y poder distintos a los del resto del país. Es un lugar donde se respira posibilidad, pues es un municipio logrado con trabajo arduo y vocación por la excelencia.

En 1975 la compañía de medios Grupo Reforma inauguró una página de sociales que incluía en el periódico El Norte, iba dirigido exclusivamente a los subscriptores de San Pedro y abría sus paginas a sus lectores, pidiéndoles que invitaran a fotógrafos de la revista a sus celebraciones, para producir su contenido. Con el tiempo la página se convirtió en una revista que encontró un lugar en la mayoría de los hogares, y desde entonces funge el papel de revelar la vida de las personas entre sí, enseñando a sus consumidores a entender a la cámara como la mirada de su grupo social.

Con el paso de los años, han surgido otras revistas de sociales en San Pedro y juegan un papel importante en la forma en que la gente se relaciona entre si, un tanto parecido a el papel que ahora juegan las redes sociales en nuestras vidas, pero con un avance de cuarenta años.

En muchos casos la familiaridad con la cámara es una parte de la vida tan natural como la relación con las personas, y eso establece un campo fértil para llevar acabo mi trabajo, aunque siempre dependo del apoyo de personas que he ido conociendo en la localidad.

Me interesa la idea de que existe un mundo interno delineado (en este caso) por las fronteras del municipio y que puede ser revelado al exterior a través de un lenguaje personal, y en mi caso, dependo mucho de la relación que tienen los habitantes de este municipio con su propia imagen. Me interesan las jerarquías sociales existentes en todas las sociedades, y una parte importante de mi trabajo consta en apegarme a la percepción que yo tengo de conocer y explorar estas capas desde adentro, desde el mismo lugar que aprecio y respeto el misterio de mi sujeto. Los habitantes de San Pedro que me han abierto sus puertas (y me han brindado su confianza), están dispuestos dejarse ver por mundos externos al suyo, en muchos casos por que creen en el arte tanto como creen en el reconocimiento que les permite la mirada de los otros.

cuadernos de la

KURSALA

Los Cuadernos de la Kursala, un proyecto expositivo y editorial nacido en 2007 y fundado por la Universidad de Cádiz. El proyecto lo dirige el fotógrafo, profesor e investigador de la fotografía, Jesús Micó. En esta entrevista el Sr. Micó nos relata los pormenores de esta aventura fotográfica.

Hola Jesús, en primer lugar, ¿nos puedes contar brevemente en qué consiste el proyecto de los Cuadernos de la Kursala?

En realidad no es un proyecto editorial propiamente dicho. No nació con esa exclusiva intención. Debo extenderme un poco en esta primera cuestión, si no no se entenderá realmente. Tal y como ya explico detalladamente en el propio libro L, hace 8 años la UCA decidió abrir en Cádiz una pequeña y modesta sala de exposiciones para dedicar en exclusiva a la fotografía. Aunque yo ya llevaba residiendo en Barcelona unos años y, por tanto, parecía un hándicap que el comisario viviera a unos 1.000 Km. de donde se ubica el espacio expositivo, tanto la universidad como yo teníamos una muy desarrollada confianza mutua desde mucho tiempo atrás y entendimos que el proyecto se podía llevar a cabo. Otros hándicaps a tener en cuenta eran que no íbamos a gozar de un presupuesto equivalente al de otras salas públicas dependientes de entidades dedicadas exclusivamente al arte (museos, fundaciones, etc.) y que la sala estaba no sólo en la periferia geográfica sino en la -también- periferia cultural del arte contemporáneo español.

Déjame volar. © David Catá

Dada mi actividad docente, decidí optar por orientar La Kursala al impulso de autores noveles y prometedores, unos autores cuya programación, a mi juicio, era mucho más estimulante y fresca (además de necesaria), que la de los autores consagrados ya que este tipo de fotografía joven parecía encontrarse bastante desatendida por “el sistema”. A todas luces era un planteamiento arriesgado y que no daría réditos fáciles e inmediatos (si los llegaba a dar). Se trataba más bien de un trabajo (una apuesta) a realizar a muy largo plazo, sin prisas. Una apuesta cuya promoción (su manera de señalarse), además, iba a depender vertebralmente de nuestras muy personales publicaciones. Si salía bien, sus efectos se empezarían a notar después de un quinquenio, más o menos.

Y es que nuestra estrategia de promoción extralocal sólo podría depender de las publicaciones. Si quienes conforman el núcleo central de poder del arte contemporáneo español no iban a venir a visitar nuestra sala (así como tampoco una audiencia mayoritaria), entonces seríamos nosotros los que cada dos meses viajaríamos puntualmente hasta ellos/as presentándonos en sus manos (humilde pero insistentemente) en forma de fotolibros con un marcado carácter de autor, unos volúmenes muy personales que romperían con la concepción (y función) tradicional de un catálogo de exposición. Nuestra colección, Los Cuadernos de la Kursala, sería nuestro úni-

co pasaporte para entrar en el sistema del arte actual español, para llegar a una audiencia avanzada.

Los enviaríamos personalmente a un centenar de destinatarios/as especializados de todo el país. Por tanto estas publicaciones nacieron para acompañar a las muestras presentadas en el espacio expositivo (y no al revés). Lo que ocurre es que, desde luego, la apuesta por Los Cuadernos ha sido tan firme que ha terminado haciéndolos los principales protagonistas del proyecto.

Por ello, quede claro que nuestras exposiciones y libros son productos que se corresponden y relacionan pero que, a la vez, tienen completa vida propia.

Parece que los cuadernos de la Kursala predicen un cambio generacional en la fotografía española, ¿Cuál es el criterio de selección de los autores que publicáis en los cuadernos?

Gracias por pensar en que ese cambio generacional está predicho por nosotros. En cuanto al criterio, y como señalo también en el libro L (siento repetirme pero son preguntas que me hacen muchas veces y la respuesta, como es lógico, es exactamente la misma), para seleccionar busco la excelencia visual y la conceptual. Es decir, la calidad estética o formal y la relativa a la idea y los contenidos del proyecto, lo que viene a denominarse como “el concepto”. Generalmente suelen ir acompañadas cuando un trabajo me llama

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© Christian Lagata

la atención. Y luego busco una cierta narrativa anual a la hora de programar el curso completo en la Kursala. Si un mes pongo un autor muy expresionista, muy probablemente el siguiente es más intimista y poético. Pero en cualquier caso quiero subrayar que en la Kursala y en el resto de mis proyectos cabe todo tipo de fotografía. No hay jerarquías estéticas. Eso sí, lo que me interesan son autores que mimen los dos productos que van a realizar para nosotros, el libro y la exposición, autores que presenten un proyecto de sala y una maqueta de libro que ya denoten una especial entrega y contribución a la línea de trabajo renovadora y actual de la Kursala. ¿Puede cualquier fotógrafo mandar sus trabajos para que se valore su publicación?

En principio sí, siempre que sean trabajos de cierto nivel (tengo mi email bastante saturado y me agobia pensar en que aún más autores me envíen sus proyectos si no son prometedores).

Además no se trata de pensar en la publicación, se trata de plantear una exposición y una publi-

cación a la vez, no lo olvidemos. Para exponer en la Kursala no hay unos pasos concretos a seguir, no hay algo como un formulario de solicitud ni nada de eso. Lo único que tiene que hacer cualquier autor que le interese exponer (repito, no se trata sólo de publicar) es enviarme su trabajo, enviarme sus maquetas (incluso, si lo desea, físicas: así se ve el acabado real que se pretende).

Que me localice por email y sólo si me interesara ya le pediré más información y me pondría en contacto con él/ella.

Recibo continuamente propuestas y consultas de todo tipo (propuestas de exposición, maquetas de libros, asesoramiento personal de proyectos, indicaciones, etc.) y no puedo contestar a todos, hay algunos que no son conscientes de su bajo nivel y no puedo dedicarme a responderles. Por eso casi lo mejor es que quién esté interesado asista a alguno de mis visionados públicos de porfolios (o a mis clases, conferencias, seminarios). En ellos siempre estoy a la busca de nuevos autores con talento. Ya sean en escuelas, en festivales, en la UCA, en encuentros y certámenes de fotografía,

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A la izquierda: The Line © Palíndromo Mészáros Abajo: Inward © Camino Laguillo

y tanto de entidades públicas como privadas. En un visionado es donde mejor puedo comprobar la valía de un proyecto pues estoy interactuando en directo con el autor. Mejor casi que por email.

Tengo el email a tope. Y muchos además me piden asesoramiento y mi opinión sobre lo que me han enviado. Y eso (realizar críticas de porfolios por correo electrónico) ya no puedo hacerlo, no tengo tiempo. Por tanto, casi lo mejor es un visionado en directo.

Todos los trabajos que se publican son de gente joven y cada publicación se maqueta de acuerdo con las especificaciones del autor. ¿Crees que los autores están preparados para esa tarea, quiero decir que siendo jóvenes a lo mejor no han tenido mucho contacto con fotomecánicas ni con el mundo del papel en general?

De eso nada. Más bien hay que decir que están mucho mejor preparados que los autores de más edad. Los de 40 o más sí que no han crecido fotográficamente con la idea vertebral de fotolibro como una vía de desarrollo y de salida de sus pro-

yectos (no me refiero a catálogos, ¿eh?). Cuanto mayores son los autores, menos implicados están en la realización de sus proyectos en forma de fotolibro. Por supuesto hay excepciones. Pero en general, actualmente los jóvenes los tienen muy presentes (los fotolibros) ya desde su formación en las escuelas.

Debido a tu gran labor, algunos de los cuadernos se han convertido en objetos de colección y la serie entera de cuadernos ha entrado a formar parte del Centro de Documentación del Museo Reina Sofía. ¿Pensabas que autores jóvenes podrían tener este reconocimiento tan inmediato y a ese nivel?

Yo sólo quiero señalar que en los años en que comenzamos la Kursala nadie (instituciones públicas ni privadas) apostaba por este tipo de autores noveles y mucho menos por el fotolibro.

El sistema no les apoyaba. Ahora todo el mundo no piensa en otra cosa. Incluso veo que hay entidades y certámenes que han empezado a dar libertad en sus formatos de publicación y nadie

“ Debíamos buscar y ofrecer la máxima democratización en el acceso a Los Cuadernos en la medida de que siendo conscientes de que nuestros libros físicos no iban a llegar a todas las manos que desearíamos, al menos todo interesado en ellos podría bajárselos cómoda, gratuita y legalmente de la web de la UCA”

quiere colecciones de catálogos homogéneos, muchos quieren hacer como ya hicimos nosotros en aquellos años, que cada autor de su colección plantee un fotolibro diferente.

Creo que la apuesta que hicimos en la Kursala fue arriesgada pero que ha marcado una cierta huella en la actual fotografía española. ¿Crees que el auge en el coleccionismo de fotolibros ha ayudado al empuje que tienen los cuadernos de la Kursala?

Me permito pensar que, quizás, ocurrió un poco al revés. Por supuesto hay otros responsables de dicho auge. No sólo nosotros. Pero creo que es evidente que dicho auge no fue el que generó nuestro nacimiento (del proyecto Kursala). Creo que el coleccionismo ha empezado a dispararse después de que nosotros ya lleváramos un buen tiempo en marcha con nuestra especial fórmula. Por último, hoy en día, ese coleccionismo en auge, sí que ayuda a un mayor empuje de nuestros libros

| COMODÍN | 69 Para celebrar el número 50 (o mejor dicho, el número L) de los Cuadernos de la Kursala, decidiste cambiar la filosofía y hacer un número y una exposición colectiva ¿A qué se debe este cambio? ¿Por qué número L? Bueno, antes que nada matizo que este cuaderno especial es el número 50, no el número L. Y ese número 50 se titula L (como la exposición que le acompañó). Llegar a ese número de exposiciones (y de Cuadernos) me llevó a pensar en hacer una modesta celebración en nuestra trayectoria. Haríamos una exposición y libro especiales con ese motivo. Como digo en el propio ejemplar, el nombre, sugerente y polisémico, se le ocurrió muy pronto a Cristina de Middel en una de nuestras primeras conversaciones de trabajo entre todo el equipo. Ella lo planteó y rápidamente los demás empezamos a darle feedback.

Cristina planteó inteligentemente que L no sólo hacía referencia al número 50 (por el número romano) sino que a ella le sugería “eleh” (por la interjección andaluza: Cádiz). Luego otros fueron planteando que L era, además, la inicial de libro, la de aprendizaje y experimentación

(Learning: L de autoescuela) y la inicial de libre y libertad.

Creímos que todos estos aspectos son los que, desde fuera de Cádiz, se asocian a la Kursala y a su colección de fotolibros. De ahí el título. L es un proyecto en el que cinco de nuestros más afamado autores volvieron a visitar La Kursala con sus obras en una exposición (ahora, para ellos, colectiva) en la que, por razones de espacio, no podían estar físicamente los 50. Es por eso que, de alguna manera, pretendimos que, de alguna manera, estos 5 autores representaran a todos los demás. Los 5 proyectos presentados no guardaron relación entre sí ni estuvieron supeditados a un tema común. Algo inaudito en la programación de nuestra sala. Pedí a sus autores que planteasen con toda libertad las obras que consideraran más oportunas para una muestra y libro con las características señaladas, incluso partes de proyectos en curso y/o experimentales de los que nos pudieran ofrecer una sección suficiente aunque pudiera no ser completa. Por esa razón en L se observa una diversidad temática, formal y conceptual que no está presente en el resto de nuestros Cuadernos.

A la izquierda: Dalind © Juan Valbuena Abajo: La Decencia. © David León Rodríguez La Decencia. ©

Izquierda y dcha.: Ouroboro© Bside Books

El número 51 de los cuadernos también es colectivo ¿Va a ser esta la nueva manera de enfocar el proyecto?

Absolutamente no. El número 51 es un proyecto específico que ha sido realizado por tres autores en común. Igual que ocurrió en un par de ocasiones anteriores (L no ha sido la primera colectiva).

Pero la línea de programación/publicación de la Kursala busca proyectos de autor que no priorizan el trabajo colectivo, más bien el individual. Somos una sala pequeña y modesta, atendemos mucho mejor a autores individuales (aunque tampoco sea un problema presentar algún proyecto colectivo alguna vez). Pero ni mucho menos será la nueva manera de enfocar el proyecto. ¿Qué nuevos autores tienes preparados para el 2016?

Pues hace ya un tiempo que en una de mis newsletters los publiqué. En la temporada 2015-16 se presentan Marti Gasull+Yurian Quintana+Salvi Danés (exposición que fue la primera, los tres de Barcelona/Tarragona), Marta Bisbal (Lleida), Ricardo Gutiérrez (Santander), Martín Bollati (Buenos Aires), Sergio Castañeira (Cádiz) y Alejandro Marote (Madrid). ¿Podrías decir a nuestros lectores si pueden, y cómo pueden adquirir los cuadernos?

La UCA nunca ha querido obtener beneficios con los libros (aunque sería más que legítimo que lo

hiciera). Siempre ha tenido claro que el apoyo a nuestros jóvenes autores debía ser completo. Es una vocación de servicio público entregado a la fotografía novel española. De nuevo somos una entidad, una institución pública, que hace las cosas diferentes. No sé cuántas salas e instituciones públicas (y, como es lógico, mucho menos las privadas) hay en nuestro país que no comercialicen sus publicaciones. Pero me temo que no debe de haber muchas. Nuestra idea es que sólo sean los ejemplares que pertenecen a nuestros artistas los que se puedan vender si ellos lo desean y así, de esta manera, puedan obtener los beneficios al completo de esas ventas.

No ponemos el más mínimo problema en que nuestros autores vendan sus ejemplares (todo lo contrario: cuantos más vendan, mejor). Por tanto, apelo a que todo aquél que esté interesado en nuestros libros, se los compre a su autor directamente. Sólo así ayudamos aún más a la creación fotográfica novel. Pero además, quisiera añadir que desde el principio tuvimos claro que el “espíritu Kursala” debía ser de código abierto y compartido. Debíamos buscar y ofrecer la máxima democratización en el acceso a Los Cuadernos en la medida de que siendo conscientes de que nuestros libros físicos no iban a llegar a todas las manos que desearíamos, al menos todo interesado en ellos podría bajárselos cómoda, gratuita y legalmente de la web de la UCA (web a la que subimos siempre los archivos finales de cada uno de nuestros volúmenes en formato pdf).

Luis Bayl贸n

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ILA

coronelt o

El mundo que casi olvido

‘La última frase que rodeó mi cabeza fue hace 8 años,* Estoy embarazada* Jugué con muñecos hasta los 14 o 15 años, no leo mucho , pero recuerdo cuando había un libro en mi casa ya sea por mi madre libros evangélicos o por mi padre libros de historia , me gustaba observar las figuritas (COMO ME DECIAN , TIENES LIBROS POR LOS DIBUJOS), observaba a Tutankamón detenidamente , los colores y me hacia muchas preguntas , pensando sobre los colores y los detalles de su sarcófago , observaba cada borde y me emocionaba, observaba un moisés en los libros de mamá como estaba el mar abierto y miraba las líneas del supuesto mar abierto hasta quedarme dormido creo que siempre dormía con un libro Tal vez jamás debí aprender a leer , tal vez debo seguir durmiendo con un libro a mi lado ………. (continuara) Gracias muchas gracias por devolverme el mundo que casi pierdo Para liam y Rafaela, mis hijos Quito sábado 18 de julio 2015

Colita

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Ila Coronel Mi nombre es Ila Coronel, tengo dos hijos y una esposa.

Nací en un suburbio de Guayaquil en 1982 , ahora vivo en el cantón de Sigsig, Azuay, Ecuador. Soy comerciante, ese es mi trabajo y fuente de vida.

Mi padre vendía cámaras en la Bahía Guayaquil en el centro de la ciudad de Guayaquil, cuando yo era niño. Aquello es como una feria, venden de todo. Por ese motivo, siempre estuve familiarizado con las cámaras , pero jamás me llamaron la atención. Un día, mi padre me regaló una, y entonces comencé a hacer posar a mis amigos en situaciones cotidianas.

El tiempo pasó y cuando tuve 20 ó 22 años comencé a fotografiar los detalles de las cosas que me llamaban la atención , sólo eso, nada más. A los 27 me casé y me fui a vivir lejos de la ciudad. En ese tiempo, me compré una cámara, creo, no estoy seguro, con la intención de fotografiar a mi esposa y mi primer hijo. Era la típica cámara que todos compran. Inicié un proceso de fotografiar los momentos. A los 31 años comencé a prestarle atención a esos momentos , cosa que antes no hacía …sólo fotografiaba y moría.

Un día encontré mi fórmula, y comencé a buscar y plasmar lo que soñaba, pero no tan solo lo que soñaba, si no también el color de mis sueños, que era algo rojizo, el color de un atardecer a las 5 y 30 de la tarde. Cuando me di cuenta ya estaba contando historias aburridas de momentos que vivo.

Intento no ver el trabajo de muchos fotógrafos, en este mundo que ahora es tan visual, no quisiera contagiarme con estilos de otros fotógrafos. Soy autodidacta , me aburro rápido y casi no me interesa aprender reglas. Tal vez a mi edad eso ya no funciona, pero yo fotografío por reflejos, por instinto. Creo que cada fotógrafo tiene su propio concepto de la fotografía y yo creo que la fotografía nos ayuda a tener más confianza en uno mismo…

No trabajo ni vivo de esto , no hago fotos de ningún evento. No me interesa Cada día tengo un nuevo concepto que me doy a mi mismo, y es que la fotografía, es como un problema matemático que notas inconscientemente. Tienes siempre el impulso de resolverlo involuntariamente , tu cerebro juega rápido tratando de unir las formas de lo que está frente a tus ojos.

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ROLF © Milagros de la Torre, El final, 2008, tríptico. Fotografías, impresión digital de carbón sobre papel de algodón,

art

Rolf Art es una joven galería porteña especializada en la difusión de la fotografía. Hablamos con su fundadora Florencia Giordana Braun y con el gerente de la galería Federico Curutchet.

Rolf Art se funda en el año 2009 de la mano de Florencia Giordana Braun. Desde el primer momento nace como una empresa de arte con varias ramificaciones, intenta innovar y renovar el mundo del arte. ¿En qué se diferencia su funcionamiento de una galería de arte corriente?

Nos gusta pensar nuestra práctica como un trabajo que forma parte de un triángulo virtuoso donde el rol de la galería es un engranaje más dentro del sistema que dinamizamos junto con la figura del artista por un lado, y la del coleccionista, las instituciones, museos, curadores, críticos y otros agentes del mundo del arte por el otro. Las tres partes se retroalimentan entre sí para crecer y mejorar desde sus funciones. El objetivo de la galería es la dirección y el sostenimiento de la carrera artística de un selecto grupo de artistas contemporáneos latinoamericanos dedicados masivamente a la fotografía y a los nuevos medios; la dirección, producción y promoción tanto de sus obras como de proyectos editoriales y audiovisuales. Nuestro sistema de trabajo busca complementar y satisfacer los distintos momentos y espacios donde nace y se desarrolla el proyecto artístico como tal.

Contamos con un equipo de especialistas que son los responsables de las distintas áreas que conforman Rolf Art; desde la catalogación y el archivo de los documentos y obras que están bajo nuestra responsabilidad, como la producción de ferias internacionales, las alianzas institucionales, el asesoramiento a coleccionistas y la gestión de exhibiciones. Construimos nuestras propuestas a partir de un criterio curatorial específico para cada uno de los eventos a los que asistimos. Creemos que la identidad de la galería se sostiene a partir de la repetición de una constante acompañada de variables discursivas: nuestra constante es el trabajo sobre el medio fotográfico y los límites que la disciplina propone en línea con un planteo de orden político desde lo temático y desde la puesta en escena; y las variables son aquellos paratextos que incluimos pensados para cada ocasión (textuales, compositivos, curatoriales en general, etc).

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A su vez, la galería cuenta con un área de extensión encargada de todas las actividades que tengan relación con artistas o entidades externas a la estructura Rolf donde brindamos conferencias, workshops, clínicas y otras actividades formativas y pedagógicas dictadas por especialistas en el rubro con el fin de comunicar la actualidad de la fotografía proponiendo una mirada crítica y reflexiva sobre la misma.

Estas áreas se encuentran en permanente interrelación alimentándose mutuamente y siendo unas necesarias para las otras. En el aceitado funcionamiento de éstas y en su permanente interrelación se basa la idea que diferencia a Rolf de otras estructuras dentro del mundo del arte. ¿Qué le hace dedicarse de entre todas las bellas artes al mundo de la fotografía?

En primer lugar, y como no podía ser de otra manera,

el amor y la pasión por la fotografía resultan el primer motor inmóvil de esta maquinaria artística. Es requisito indispensable para todos nosotros sentir la fotografía de manera tal que el aprender y trabajar sobre ella sea tan placentero como comunicarla y difundirla. Por otro lado, Rolf viene a satisfacer un deseo que creemos formaba parte de un buen número de amantes de la fotografía en nuestra región: trabajar sobre la especificidad de la disciplina. Nos dimos cuenta que la fotografía estaba dispersa y no tenía, por lo menos en Buenos Aires, un espacio de reflexión que se erija como referente y como autoridad en materia de investigación, divulgación y comercialización. Hoy nuestra ciudad cuenta con instituciones especializadas, como la reciente inaugurada FoLa (Fototeca Latinoamericana) y decenas de museos cuentan en su haber con grandes exhibiciones que han estado dedicadas a la fotografía a lo largo de los últimos años.

Pero allá por el 2009, año de creación de Rolf Art, el escenario artístico era otro; de hecho, es hasta el día de hoy que, pese al auge que ha tenido la fotografía en nuestra ciudad y en nuestro país, Rolf sigue siendo

Muestra de Milagros de la Torre

Arriba © Marcelo Brodsky, Buena Memoria, Los compañeros,1er Año, 6ta División, 1967-1996, Fotocopia en dos partes unido con cinta adhesiva, pegado sobre chapadur, 118 x 185 cm Abajo © Milagros de la Torre, El final, 2008, tríptico. Fotografías, impresión digital de carbón sobre papel de algodón, 100 x 100 cm. cada una (3)

“Es requisito indispensable para todos nosotros sentir la fotografía de manera tal que el aprender y trabajar sobre ella sea tan placentero como comunicarla y difundirla. ”

Š Santiago Porter, Bruma II, Monumento, 2009. FotografiĚ a, inkjet print, 70 x 55 cm

| EL MUNDO ALREDEDOR | 95 la única galería de arte de visibilidad internacional especializada en fotografía en todo el país. Además, no sólo trabajamos con fotografía purista, sino que ponemos especial interés en lo que a nosotros nos gusta llamar los límites de la fotografía. Tratamos de generar un punto de encuentro, siempre en tensión, entre la fotografía moderna y las nuevas expresiones que parten desde la imagen fotográfica para luego devenir en diferentes gestos, soportes, espacialidades. Es entonces una sana combinación de placer y necesidad que da origen a nuestro interés por la fotografía.

Mientras que la cultura latinoamericana contemporánea ha recibido mucha atención en las últimas décadas, las circunstancias históricas que rodearon su producción han sido, a menudo, menos exploradas. En muchos países de América Latina, el período que comienza en los años 70 particularmente ha sido caracterizado por la inestabilidad política y económica, y ha visto una sucesión de movimientos revolucionarios y regímenes represivos, el surgimiento de los movimientos guerrilleros, así como las transiciones hacia la democracia.

Dicen, en su anterior respuesta, que la galería explora los límites de la fotografía. ¿A qué límites se refiere?

La fotografía se convirtió, entonces, en el testigo de todos estos acontecimientos y en la expresión y la perspectiva de relevantes artistas latinoamericanos que buscaron representar a través de la fotografía la imagen de la realidad que experimentaron y de la cultura de sus naciones. Una tierra marcada por circunstancias políticas y sociales tan complejas como fértiles, que la fotografía registra, recupera y resignifica, invitando a reflexionar sobre las realidades en las que habitamos. Nuestro país, y Latinoamérica en general, cuenta con una tradición muy importante en fotografía, y es natural que el mundo descubra sus raíces y se interese por ellas. Exhibiciones alrededor del mundo y en diferentes instituciones dan cuenta de este hecho en los últimos años: “América Latina” en la Fundación Cartier en París; “Urbes Mutantes” en el ICP en NYC; “Latin Fire” en el marco de la última edición de PhotoEspaña en Madrid, “From the Bauhaus to Buenos Aires” en el Moma, por nombrar algunas, dan cuenta del creciente interés que ha despertado la imagen latinoamericana.

Entendemos los límites de la fotografía como el uso de la imagen no solo como un fin en sí mismo sino como un medio para llegar a otras expresiones.

Como otras formas de encarar la imagen vertida en un objeto, en una instalación que poseen una imagen fotográfica pero allí donde el resultado de la pieza, su resolución formal, responde a otras expresiones por fuera de la tradición estrictamente fotográfica.

Nos interesa especialmente el uso de los diferentes dispositivos alternativos y las maneras de pensar el espacio en donde la obra se desarrolla junto con la forma en que la imagen se relaciona con el espectador. Nos gusta pensar a nuestros artistas como investigadores que vuelcan sus trabajos críticos, políticos, sociológicos, antropológicos, metafísicos, filosóficos en general, sobre la imagen fotográfica; ésta es una consecuencia de su investigación, y toma la forma de la imagen fotográfica sólo para trascenderla y resignificarla en este proceso anterior, que modifica la fotografía en su génesis, así como la reproductibilidad técnica viene a desauratizar la obra de arte en términos benjaminianos, la irrupción de nuevos dispositivos en el tratamiento de la imagen viene a reconfigurar la naturaleza propia de ésta. Artistas como Silvia Rivas con sus obras en vídeo, Gabriel Valansi y Graciela Sacco a partir de la utilización de soportes alternativos como placas lenticulares y telas o maderas respectivamente, o Marcos López en su carácter más instalacionista son algunas de las expresiones con las que contamos para investigar juntos este derrame de la fotografía hacia fuera de sus propios límites.

La galería está dedicada exclusivamente a fotógrafos latinoamericanos. ¿Cree que el interés en la fotografía latinoamericana está en auge?

Viendo a los artistas que representa Rolf Art, nos agrada ver que tiene entre sus filas a gente de estilos y de edades muy distintas. ¿Cómo escogen a los artistas?

La selección de artistas atiende a la búsqueda en el arte contemporáneo de la unión indisoluble entre densidad crítica y valor estético, la unión (siempre en tensión) entre las estrategias formales y la profundidad conceptual. El perfil curatorial de la galería interpela la representación de la imagen de lo político en los límites de la fotografía, considerando el contexto social y económico de la producción artística como un factor determinante para la interpretación del arte.

La elección de cada uno de los artistas que conforman Rolf Art parte de un proceso cuidadosamente pensado

en función de los proyectos que emprendemos.

Nuestra intención es conformar un equipo de profesionales que transiten caminos diferentes pero igual de comprometidos con sus búsquedas. Buscamos además, que las diferentes generaciones y los distintos estilos enriquezcan la oferta artística de la galería. Es importante para nosotros generar un cruce entre el arte contemporáneo y la fotografía moderna, respetando y dándole lugar a los grandes maestros, no sin desatender la actualidad del arte y la renovación de búsquedas estéticas. Es por eso que en nuestras presentaciones se puede encontrar a Humberto Rivas compartiendo stand con Francisco Medail, como sucedió en la última edición de París Photo, donde ambos artistas, bajo la atenta mirada de Jorge Villacorta (Perú), se fusionaron en armonía atravesados por un eje curatorial claro y directo que servía como instancia superadora de ambas individualidades.

Por otro lado, más allá de las filiaciones estéticas o artísticas de cada uno de nuestros artistas, es esencial el vínculo humano. En última instancia, trabajamos con personas, y en el día a día tiene que poder darse un diálogo fluido para el correcto funcionamiento de nuestras tareas.

Pensamos a nuestros artistas como investigadores, y nos interesa que se sumerjan con pasión y libertad en cada uno de los proyectos en los que trabajan. La pasión por la práctica y la honestidad artística son cuestiones que no se negocian bajo ningún punto de vista.

Adriana Lestido, Marcos López, Marcelo Brodsky, Graciela Sacco, Humberto Rivas…Nos preguntamos ¿Cómo una galería tan joven consigue representar a artistas consagrados? ¿Cuál es su secreto?

No hay ningún secreto, aunque sí mucho trabajo, mucho profesionalismo y mucha seriedad a la hora de encarar cada uno de los proyectos artísticos en los que nos embarcamos todos juntos. Funcionamos como un verdadero equipo, un sistema de engranajes donde los roles están bien especificados y cada uno se esfuerza por cumplirlos a la perfección. Nos escuchamos mucho y trabajamos muy de cerca, siguiendo el proceso creativo de cada uno de nuestros artistas y contándoles a todos ellos los pormenores de nuestro trabajo en materia de gestión. Tenemos el privilegio de trabajar con los mejores fotógrafos de la región y

tratamos de aprender día a día de ellos, de sus experiencias y de sus formas de ver el mundo. Es realmente muy enriquecedor. Sin dudas que la transparencia y la comunicación interna es uno de los pilares principales de nuestra galería. Tratamos de ocuparnos de la carrera de todos nuestros artistas de manera muy personalizada y ese trabajo se ve reflejado en los diferentes logros que conseguimos a lo largo de estos cortos pero intensos años. Los artistas están cansados de que su trabajo no sea valorado. Nosotros tratamos de hacer mucho hincapié en el cuidado de su obra y su persona, pensando juntos proyectos a realizar con la intención de seguir creciendo día a día. La atención a nuestros artistas y el permanente diálogo con ellos es de vital importancia para el crecimiento de la galería y cualquier requisito de nuestros artistas se convierte en urgente y prioritario de un momento al otro.

Otra pregunta que nos parece interesante es ¿de donde proceden la mayoría de sus clientes?, ¿provienen en su mayoría de Argentina o del extranjero?

A lo largo de estos años hemos realizado un importante número de ferias locales e internacionales llegando a participar en doce ferias el pasado 2015.

Para este primer semestre del 2016 tenemos pensado concentrar las energías en ferias europeas comenzando nuestro viaje por ARCO Madrid el próximo febrero, siguiendo el camino por Photo London en mayo, aunque sin descuidar nuestra participación en París Photo L.A. y arteBA en nuestro continente. Nuestra participación en las distintas ferias de diferentes regiones ha generado que tengamos vínculo con actores de los más diversos distribuidos a lo largo de todo el mundo, creando así una extensa red de contactos y potenciales clientes. Latinoamérica, Estados Unidos y Europa es desde donde provienen nuestros coleccionistas más fieles y para los que pensamos cada una de nuestras iniciativas. Tratamos de asesorarlos permanentemente, de cumplir con los pedidos que nos demandan en la creación de proyectos específicos o en materia de adquisición para sus colecciones privadas. El hecho de trabajar con artistas de amplia trayectoria y vasto reconocimiento internacional nos da la posibilidad de transmitirle a nuestros clientes confianza y estabilidad a la hora de asesorarlos en sus adquisiciones. La solidez artística de cada integrante de nuestro staff nos permite a nosotros comunicar con seguridad su trabajo haciéndonos responsables de las obras que ofrecemos.

¿Es necesario hoy en día asistir a ferias de arte para poder crecer (subsistir) como galería?

El fenómeno de la feria de arte a lo largo y ancho de todo el mundo, ha sabido posicionarse como hito artístico ocupando en gran medida el lugar simbólico que en la historia del arte supieron ostentar los diferentes salones dedicados a las artes visuales y las bienales contemporáneas en las diferentes regiones.

Hoy las ferias de arte se construyen a partir de un trabajo artístico integral que tiene, claro está, un fin último comercial, pero no por eso carente de “contenido” (eludiendo así la clásica –y ya anticuada- rivalidad arte y mercado), donde trabajan críticos, asesores, curadores, gestores y un sinfín de roles artísticos que buscan darle a cada feria un perfil distintivo e interesante, que trascienda –e incluya- la actividad de la compra-venta de obra. Hoy destacan alrededor del mundo, no sólo programas curatoriales dedicados a las artes visuales, sino también aquellos que ponen el foco en proyectos editoriales (como puede ser el Aperture Foundation PhotoBook Award que tiene lugar en el marco de París Photo en la capital francesa en el mes de noviembre y premia aquellos proyectos artísticos que son concebidos como fotolibros, por citar un caso) o actividades del tipo comunicativas o pedagógicas como pueden ser conferencias, seminarios o mesas de debate que abundan en cada uno de los programas feriales y convocan a especialistas de todo el mundo de diferentes disciplinas, desde coleccionistas hasta investigadores.

Al mismo tiempo, en muchas ciudades del mundo, la feria de arte se convierte en el evento cultural más esperado del año volviéndose la cita obligada para la agenda artística de turno, movilizando así, no sólo la industria del arte especializada, sino también el polo gastronómico, hotelero, de promoción y turístico en general. En ese sentido, la feria de arte en tanto evento dedicado a la adquisición de obras de arte (en general pintura) ha ido transformándose y mutando hasta convertirse en un acontecimiento artístico más complejo (y completo), profesional, novedoso, y en permanente cambio y crecimiento, mostrando siempre la actualidad del arte. Tal es la atención que han adquirido las ferias de arte, que empresas multinacionales de rubros tan diversos como el automotriz, el gastronómico, o el financiero, por citar algunos, buscan participar activamente de éstas procurando abrir sus marcas a un nuevo público selecto y aportando fondos para la promoción de artistas en la

creación de premios dedicados a las artes visuales y afines. En sintonía con este escenario internacional, y alimentada por la fluidez y el ritmo vertiginoso de los canales de comunicación, nuestra región ha sabido incorporar este tipo de programas de forma exitosa.

Buenos Aires (arteBA), Bogotá (artBO), San Pablo (SP Arte) y México D.F (Zona Maco) en los últimos años se han convertido en sedes obligadas para el coleccionismo internacional, en gran medida, gracias al aporte que las ferias, en tanto centros de concentración de actividades artísticas, comunicativas y comerciales, han sabido proveer al medio artístico. A tal punto ha sido así, que las ciudades más importantes del mundo, albergan no sólo una, sino varias ferias anualmente. Esta variable, no solo se repite en los diversos continentes, sino que se multiplica cruzando océanos conformando así sucursales alrededor del mundo avaladas por una misma organización, como el caso de Art Basel, con sede en Basilea, Miami y Hong Kong. París Photo es otro ejemplo reciente de este fenómeno expansivo transatlántico que mantiene su sede original en París y pisa fuerte en América desde la siempre interesante y cinematográfica ciudad de Los Ángeles; y hace poco tiempo, ARCOmadrid anunció la apertura de su segunda “sucursal” en la ciudad de Lisboa (Portugal) creando así una opción cercana pero alternativa a la capital española en la búsqueda de un nuevo público. En síntesis, las ferias se han convertido en un punto de encuentro de diferentes públicos y éstas pasaron de ser una “necesidad” para subsistir de la galería a un “beneficio” abriendo un abanico de contactos, propuestas y proyectos de exhibición, que aparte de las ventas, allí se gestan.

De entre todas las ferias a las que viaja ya sean latinoamericanas o europeas ¿cuál es la que más les gusta y por qué?

Sin dudas que, ante la abundancia de oferta en materia de ferias alrededor del mundo – se calcula que existe un promedio de una feria por día, es decir, casi 365 ferias en todo el planeta-, cada organización apunta a distinguirse de una forma u otra de las restantes “competidoras”. Es por eso que – al menos en nuestra región- las ferias buscan ocupar en el calendario fechas distantes las unas de las otras para facilitar la movilidad del público y que éste se mantenga siempre interesado e interesante. A su vez, cada una busca generar diversas alianzas con instituciones artísticas –pienso en los diferentes museos de Estados Unidos, España, Reino Unido, Francia y museos del

“El hecho de trabajar con artistas

de amplia trayectoria y vasto reconocimiento internacional nos da la posibilidad de transmitirle a nuestros clientes confianza y estabilidad a la hora de asesorarlos en sus adquisiciones. ” interior de nuestro país, que asisten regularmente a arteBA con un sólido programa de adquisiciones que repite año a año con mucho éxito-, con otros rubros y mismo con otras ferias del mundo generando un diálogo fluido entre coleccionistas e instituciones de todo el mundo. Las fechas en las que se desarrolla el evento, las instituciones que acompañan a la feria, son algunas de las variables a tener en cuenta a la hora de puntuar una feria.

Rolf Art es una galería de arte contemporáneo que se especializa en obras que exploran el vídeo, la instalación,

la fotografía y sus límites. Estamos comprometidos con un selecto grupo de artistas contemporáneos latinoamericanos de destacada trayectoria y es por eso que seleccionamos con mucho cuidado cada una de las ferias a las que asistimos. Dado el perfil que nos define tenemos particular interés en aquellas ferias que se especialicen en el medio fotográfico como puede ser París Photo (tanto en sus ediciones de la capital gala en el mes de noviembre como la edición americana en la ciudad de Los Ángeles hacia fines de abril) o Photo London que se desarrolla en el mes de mayo y donde Rolf Art ha sido recientemente seleccionada para participar por primera vez en la segunda edición de la feria. Dentro de Latinoamérica Lima Photo ha sido para nosotros siempre una parada obligada, ya que Perú es una plaza importante y muy representativa para la fotografía en nuestra región y nosotros, como única galería argentina especializada en el medio, sentimos que debíamos apoyar la feria.

Al elegir cuáles y cuántas serán las ferias de arte en las que participamos año a año tenemos muy en cuenta, no sólo la especificidad de la feria, sino también el tipo de trabajo que realizan desde la organización, a saber: las alianzas institucionales, la profesionalización con la que la feria es llevada a cabo, su campaña de comunicación,

el público que convoca, el lugar donde es emplazada, las galerías que participan. En función de estas variables es que seleccionamos y trabajamos para la presentación de proyectos curatoriales específicos según el caso. Para nosotros, ARCOmadrid, París Photo, artBO, arteBA son ferias muy serias y se han sabido posicionar desde su profesionalismo y su experiencia en el mundo del arte. Nos entusiasma mucho seguir acompañando esos proyectos y nos enorgullece poder formar parte de ellos. Photo London, AIPAD show (Nueva York, Estados Unidos) y Artissima (Torino, Italia) serán en este 2016 nuestros próximos desafíos feriales y esperemos estar preparados para ellos.

Vemos que el año pasado, Rolf asistió por primera vez a ARCO ¿Cómo fue la experiencia?

ARCO Madrid’15 fue una excelente experiencia para Rolf Art. Era como bien indicas la primera vez que asistíamos a dicho evento, y participamos en la sección principal de galerías con una propuesta de la mano de Milagros de la Torre, Facundo de Zuviría, Adriana Lestido, Graciela Sacco, Silvia Rivas, Gabriel Valansi y Marcelo Brodsky.

Sabíamos que la feria en dicha oportunidad festejaba la

participación de Colombia, como país invitado, (país al que habíamos visitado durante 4 año previos con la galería en diferentes participaciones en ArtBO, donde habíamos tejido importantes relaciones con el público local) y teníamos bajo la manga – como estrategia – el porvenir de una exposición antológica sitio específico de uno de nuestros artistas en uno de los museos más importantes de Bogotá: “Nada esta donde se cree” de Graciela Sacco en el Museo del Banco de la República de Bogotá, Colombia.

Además nuestra propuesta estaba estratégicamente alineada también con la exposición de “Latin Fire” que recientemente había inaugurado en el marco del festival de PhotoEspaña, de la mano de la colección de Ana Gamazo de Abello. Todos nuestros artistas estaban allí exhibidos y por tanto legitimados.

Todo parecía indicar que allí debíamos estar y fue sorprendente y muy gratificante la respuesta que nuestra propuesta de exhibición tuvo en el público asistente. ¿Qué tienen programado para el 2016? ¿Algún fotógrafo nuevo va a entrar a formar parte de Rolf?

Izquierda y Derecha© Adriana Lestido, Mujeres presas, 1991-93. Fotografía, copia gelatina bromuro de plata, dimensiones variables

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procesos naturales de cultivo provocando nuevas formas de vida vegetal y nuevas relaciones políticas y sociales en el entorno; esta exhibición tendrá un carácter lúdico e instalacionista y contará con la participación activa del público durante la exposición.

Jackie Parisier, con curaduría de Valeria González, será una de las artistas contemporáneas invitadas En materia de ferias, comenzamos el año con ARCO para este año. Ella estará presentando un proyecto Madrid en el mes de febrero, luego París Photo L.A. de investigación que lleva desarrollando hace más de cuatro años y que consiste en la recuperación en abril, Photo London y arteBA en mayo, AIPAD y la resignificación de un material de archivo enshow en Nueva York en junio, Lima Photo en el contrado, previamente olvidado, compuesto por mes de agosto y cerramos el año con artBO en Bofotografías vernáculas provenientes de Estados gotá, Artissima en la ciudad de Torino, París Photo Unidos. Este conjunto de imágenes estará acomen la capital francesa y Untitled en Miami. Para cada una de nuestras presentaciones feriales estare- pañado por diferentes dispositivos con los que la artista ha trabajado el material recuperado. Rollos mos presentando cuidados proyectos curatoriales y cámaras antiguas serán parte importante de esta donde se incluirán algunos solo projects. presentación que buscará poner en crisis, a partir A nivel institucional, seguimos trabajando de cerca de su carácter apropiacionista, el sentido propio de con el Getty Museum de Los Ángeles en lo que será la obra de arte. la primera exhibición en suelo estadounidense con foco en fotografía argentina, y para la cual han sido Por otro lado, a partir de las conversaciones iniciaseleccionados muchos de nuestros artistas. La mues- das el año pasado en la ciudad de Santiago en Chile, estamos proyectando para el segundo semestre la tra está programada para el año 2017 y, pese a que no podemos dar muchos detalles, sí podemos asegu- inclusión en nuestro calendario de una exhibición rar que será una exhibición histórica y bisagra, que integrada por dos grandes maestras de la fotografía latinoamericana como son Paz Errázuriz y Leonora marcará un antes y un después en la historia de la Vicuña. Luego de haberlas visitado en sus estudios fotografía latinoamericana. y habernos deslumbrado con su cuerpo de obra hemos decidido iniciar gestiones para ofrecerle al En nuestras salas de Buenos Aires, el calendario público porteño la posibilidad de conocer y apreestará compuesto por exhibiciones individuales en las salas de nuestra planta baja y en las salas del pri- ciar los maravillosos trabajos de estas increíbles fotógrafas. mer piso. Ananké Asseff abrirá el año en el mes de marzo con trabajos recientes bajo la atenta mirada Antes de marcharnos, nos intriga saber ¿quién o curatorial de Jorge Villacorta en una exhibición qué es Rolf? site specific que estará compuesta por fotografías, vídeos y nuevos soportes pensados especialmenEs una pregunta que suelen hacernos. Una pregunte para la ocasión. También en el mes de marzo, ta siempre cargada de esperanza y entusiasmo por en las salas del primer piso, y con la curaduría de develar el misterio. Sin embargo la respuesta es Sebastián Vidal Mackinson, Livio Giordano estará más simple de lo que se cree: Rolf es un anagrama presentando una investigación que viene desarrollando en los últimos años en relación a la industria de Flor, pseudónimo de Florencia Giordana Braun, creadora y directora de la galería desde sus agropecuaria y al agronegocio, poniendo el énfasis orígenes. en el rol que tienen las corporaciones al alterar los

© Milagros de la Torre, El final, 2008, tríptico. Fotografías, impresión digital de carbón sobre papel de algodón, 100 x 100 cm. cada una (1)

Rolf Art realiza simultáneamente tres trabajos diferentes y complementarios para el posicionamiento de la carrera de sus artistas en todo el mundo. El calendario de actividades pensadas para el año 2016 incluye un programa de exhibiciones en nuestras salas de Buenos Aires, una serie de participaciones feriales en distintos países y un conjunto de projectos museísticos donde participan nuestros artistas.

JUAN TRAVNIK Malvinas. Retratos y paisajes de guerra

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La obra de Juan Travnik sobre los ex combatientes de Malvinas genera perplejidad. No solo por su precisión técnica sino también porque claramente muestra el fruto de un gran trabajo vinculado a la historia política argentina. Se ha encontrado, y nos lo muestra, con estos protagonistas olvidados de la historia argentina para retratarlos.

Una obra artística contemporánea que propicia el diálogo entre un producto tan sofisticado como puede ser un retrato y una herencia histórica tan contundente para Argentina.

Si nos desplazamos hacia el conjunto de obras que conforman “Malvinas. Retratos y paisajes de guerra” comprobamos la complejidad de la obra y el fuerte sentimiento que el artista le ha imbuido. Porque no es sólo el recuerdo de una guerra la que se articula problemáticamente con el conjunto, sino que son múltiples los contextos y los ámbitos de conflicto –no sólo históricos sino también políticos, económicos, étnicos, culturales y sociales– que atraviesan esta producción fotográfica, configurando un intrincado mapa de representaciones y discursos.

Si nos preguntan a algunos argentinos qué significó la guerra de Malvinas en la década de los ´80, algunos se quedarán con la mirada vacía por el desconcierto de pensar que decir, pocos recordarán con furia el 2 de abril de 1982. Plena dictadura militar.

Fue un intento de recuperar un territorio que Gran Bretaña había ocupado ilegalmente en 1833. En ese momento, el archipiélago tenía una importancia estratégica, como una base de control, reaprovisionamiento y vigilancia del paso entre el Océano Pacífico y Atlántico. La consolidación del Estado nacional argentino coincidió con esa expansión imperialista, lo que generó dependencia económica por un lado y la búsqueda de una identidad nacional. Recién en el siglo XX se consolidaron los reclamos de Argentina por este territorio y constituyeron la “cuestión Malvinas”, constituida por reclamos diplomáticos, culturales y políticos. En 1966, la “operación Cóndor” durante la dictadura militar de Onganía realizada por un grupo de jóvenes peronistas hasta las numerosas obras publicadas sobre la temática, nos hacían pensar en el tema sin comprometernos demasiado.

La guerra de Malvinas duró poco, entre el 2 de abril y el 14 de junio de 1982. Argentina se enfrentó a Gran Bretaña por la soberanía de las islas. Después de la caída de las Malvinas, el estupor y el desaliento cundieron entre la población. Bruscamente, los días de triunfo ilusorio cedieron paso a una sensación de derrota que no se limitaba solamente a los avatares de una guerra. Un país con sus instituciones en desorden y en su provenir incierto se aprestaba a reactivar la lucha política. Roxana Morduchowicz indagó, en las calles del centro de Buenos Aires a la gente que pasaba. Cuando les preguntaba: «¿Qué siente a raíz de la situación actual?» más de la mitad se resistió a opinar. Pero una persona sostuvo “Uno no sabe qué fue lo que realmente pasó. Lo único que nos

quedan ahora son interrogantes: ¿Por qué pasó todo esto justo ahora? ¿Qué pasó realmente? ¿Cuántos argentinos murieron? ¿Qué va a pasar? ¿Para qué sirvió todo esto si en el fondo no se llegó a nada?” [1] La derrota en el conflicto precipitó la salida del poder por parte del Proceso de Reorganización Nacional. Se abrió en Argentina un espacio para la transición a la democracia que ya lleva más de treinta años.

Cuando la dictadura militar argentina desembarcó en las islas lo hizo para mostrar una fuerza inapelable vinculada a derechos culturales, políticos y terminó con una derrota humillante [2]. Y sobre todo, con la pérdida de centenares de vidas malversadas por un gobierno dictatorial y espurio. La mayoría de los combatientes eran jóvenes que cumplían con el deber cívico del servicio militar obligatorio. Tenían entonces entre 18 y 21 años, provenían de distintas provincias, tenían diferentes creencias, pero estaban atravesados por un lugar común que era la guerra.

Esta guerra, cuyos recuerdos nos trae Juan Travnik con su aguda visión concentraba dos elementos: los vinculados con la identidad nacional por un lado, y por otro los debates que suscitaba la dictadura militar, donde la guerra fue uno de los episodios más movilizantes pero más frustrantes también.

Tal como dice Graciela Speranza, “si es cierto que una de las innovaciones de la tecnología bélica perfeccionadas durante Malvinas fue la producción electrónica de blancos falsos (imágenes virtuales interpuestas como señuelos en los radares de los misiles), ese dispositivo que oculta la imagen verdadera interponiendo otra producida y falsa es una buena metáfora de la representación incierta de la guerra en la

imaginación colectiva durante los últimos veinticinco años”[3]. Es real que pese a todo lo publicado, a que el Ministerio de Educación a través de la Ley de Educación, en su art. 92 compromete al Estado Nacional y a los provinciales a sostener, mediante la enseñanza de los derechos argentinos el reclamo por la soberanía argentina en las islas Malvinas, salvo para quienes estuvieron ahí, frente a las tropas británicas en el campo de batalla, “Malvinas es una guerra sin imágenes ni relatos”. [4]. En varias ciudades se construyeron monumentos que fueron elegidos como lugar de denuncia. En distintas localidades del país grupos de ex combatientes y familiares condenaron los estaqueos y otros vejámenes sufridos por los soldados durante la guerra. En estas ocasiones, las consignas de los organismos de derechos humanos, vinculadas a la memoria, la verdad y la justicia, pudieron dialogar con las consignas asociadas a Malvinas y la soberanía nacional.

La pregunta que necesitábamos hacernos es ¿Qué pasó con esos chicos? Se convirtieron en los “Ex combatientes de Malvinas”[5]. Fueron los más afectados por la guerra los que mantuvieron viva su memoria, los que hicieron el esfuerzo contra el olvido.

Malvinas sin embargo fue una guerra sin imágenes. Treinta años después algunos medios tanto británicos como argentinos recuperaron fotografías. Para los británicos, como mostraron medios como “The Guardian” fue un recuerdo del incremento de poder que logró Margaret Thatcher tras la guerra. Para muchos argentinos fue una derrota que quedó olvidada en el tiempo.

En Argentina, existen pocas fotografías de cronistas de guerra. Unas pocas han sido incluidas en algunos manuales de historia argentina. Se

“despojó a la guerra de la materialidad insustituible de la fotografía, en su faz doble de documento objetivo de lo real y testimonio personal, perspectivado, de quien registra la imagen” [6]. Rafael Wollman, fue el único fotógrafo argentino que pasó la víspera del 2 de abril en Puerto Argentino; logró imágenes emblemáticas de la rendición de los marines británicos, que quedaron en la memoria colectiva, pero fue pronto devuelto al continente.

La importancia de las fotos de Travnik trasciende a la obra. Porque es única, inenarrable y necesariamente toca los corazones y la memoria de quienes las miran. Son poco más de 60 fotografías de excombatientes de todo el país en blanco y negro. En una entrevista que le realizaron en 2012[7], Travnik sostenía que “en principio con este ensayo trataba de presentar en el campo del arte y la cultura el tema de la Guerra de Malvinas. No para dar explicaciones sobre una guerra -creo que toda guerra es absolutamente inexplicable- sino con el afán de promover alguna forma de reflexión sobre lo que pasó en nuestra historia reciente. Y sobre todo, cómo marcaron estos hechos a quienes participaron de manera directa, especialmente a los que eran conscriptos en aquel momento”.

Mostró desde su mirada, los rostros de los ex combatientes, para que esto colaborara a desarticular la imagen colectiva de los ex combatientes, “en el que se diluye la identidad individual, los aspectos humanos de cada uno” [8]. Muestra sus debilidades y sus fortalezas.

Travnik elige el primer plano y el retrato austero. Se compromete en la posibilidad de construir un mejor futuro con memoria sobre el pasado reciente. Un pasado que compromete a los argentinos: dictadura, terrorismo de Estado y una guerra. Tal como afirma el artista “la idea

de memoria está presente, a pesar de que al retratar a los protagonistas, y durante todo el desarrollo del trabajo, las consideraciones sobre lo fotográfico son las que siempre prioricé. Cada uno de los 63 retratos fue seleccionado por los valores que encontré desde ese punto de vista.

No hay personajes que aparezcan por un comportamiento particular en las batallas o por pertenecer a alguna unidad. Si fotografié a algo más de 250 excombatientes, la selección fue hecha desde ese punto de vista, considerando los aspectos visuales y la carga expresiva que tenía cada uno como parte de un conjunto”.

Las consideraciones fotográficas se constituyeron de todos modos en relato, en narración de lo ocurrido. En pasado y presente de los ex combatientes.

En esta serie de retratos, “coro de voces mudas” [9], los veteranos son Malvinas. Son memoria individual pero también memoria colectiva.

La pregunta por la identidad nacional no es, en esta producción artística, un recurso nostálgico o la excusa para contrastar el presente con un pasado presuntamente potente o idealizado. No es una manera de remendar nuestra historia, sino de mostrar a sus protagonistas más olvidados. Reflexión estética y política, la serie orienta la mirada hacia el análisis y la reflexión. Ayudan a repensar los significados de esa guerra, saberlos inscribir en un relato que pueda articular conceptos tan valiosos como el de democracia, soberanía y nación.[10] Sandra Bustamante, Politóloga y fotógrafa

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[1] El Porteño, año 1, Nº 8, agosto de 1982 [2] Ministerio de Educación, “Pensar Malvinas”, 2010 [3] Speranza, Graciela, s/f. Disponible en http://www.no-retornable.com.ar/v2/dossier/speranza.html. Consultado por última vez el 21 de diciembre de 2015.

[4] Ibidem [5] “Ex Combatiente de Malvinas” es todo el personal de oficiales, suboficiales y soldados conscriptos de las Fuerzas Armadas y de Seguridad que hayan participado en las acciones bélicas llevadas a cabo en la jurisdicción del TOM (Teatro de Operaciones Malvinas) y directamente en la jurisdicción del TOAS (Teatro de Operaciones del Atlántico Sur).

[6] Speranza, op. Cit. [7] La entrevista completa a Juan Travnik puede verse en este link: http://conti.derhuman.jus.gov.ar/2012/04/ noticias-entrevista-a-juan-travnik.shtml [8] Travnik, 2012 [9] Speranza, op.cit.

[10] Travnik sumó a los retratos algunos paisajes de las islas a mediados de 2007, cuando la serie de los retratos estaba prácticamente terminada, que entendemos complementan el intimismo de los retratos. Muestran la desolación de esos lugares.