Revista Pul 9 by Revista PLOT

hacedores espacios diseño lifestyle moda

una revista sobre diseño y el mundo

ARGENTINA $25 MARZO 2013

GATTAS & SOLNICKI PENTAGRAM INTERIORES: BRASIL Y URUGUAY

extracto de oriente restaurant libanés en atenas | fernando sulichin productor de oliver stone y spike lee | maría mata productos de oficio | campgràfic letras de vanguardia | galería vermelho camaleón de arte

The Peak, Hong Kong, 1982-83, Zaha M. Hadid. CortesĂa Zaha Hadid Architects.

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pensar la arquitectura

25 años de arquitectura deconstructivista Por estos días se cumplen veinticinco años de la inauguración en el MoMA de la muestra Deconstructivist Architecture, y en el Hemisferio Norte se están llevando a cabo algunos eventos de debate y revisión de este momento crítico en la historia de la arquitectura contemporánea. Y si Pedro Gadanho ¬curador de arquitectura del MoMa¬ no se cansa de declarar que “la curaduría es la nueva crítica”, el trabajo de Philip Johnson y Mark Wigley (curadores de aquella muestra) en 1988 parece haber sido revelador. En primera instancia, la etiqueta carece de sentido. Ninguno de los arquitectos incluidos en la exhibición (Coop Himmelb(l)au, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Daniel Libeskind y Bernard Tschumi) se sintió nunca “deconstructivista” y el objetivo ulterior de la exhibición era, justamente, no crear una escuela que englobara, definiera y sintetizara. En todo caso, era un argumento para pensar la arquitectura y los edificios desde un lugar distinto: aunar experimentos, ideas, dibujos, narraciones, y la necesidad de discutirlos.

“La misión era obvia: matar al posmodernismo”, dice hoy Wigley, con el tono satisfactorio de quien lo ha logrado. Pero el valor mayor de la muestra no fue este asesinato, sino haberlo hecho sin crear un nuevo “ismo” que cayera en los mismos pecados. Y si bien la producción actual de cada uno de los arquitectos participantes es conocida y publicada, las conclusiones son personales. Algo es seguro: en un momento cuando una vez más la arquitectura se pregunta cuál es su rol en la sociedad y qué define sus aspectos disciplinares, la curaduría puede ser el camino para conversar, exponer, debatir y hacer.—

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Extracto de Oriente

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FotografĂa Vangelis Paterakis

Espacios

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Extracto de Oriente Espacios

Souk es un restaurant-mercado de comida libanesa que está emplazado en una gran esquina del barrio de Glyfada en Atenas, Grecia. Allí K-Studio, la oficina de arquitectura a cargo del proyecto, tomó la estructura de concreto del edificio existente como una grilla y ocupó los espacios vacíos intermedios como analogía a los puestos de comida ambulantes de Beirut. Estos puestos son individuales y son ocupados por los diferentes chefs los cuales preparan los más exquisitos manjares típicos como el Manaoushi, Saj y Taouk, hechos con productos frescos en el momento. El foco de los arquitectos estuvo puesto en evitar la mirada tradicionalista sobre el Líbano y se inspiraron para el diseño interior del espacio en los rasgos característicos de Beirut ¬una ciudad multifacética con mixturas de cultura histórica y contemporánea, religión, arquitectura y diseño¬, para crear un entorno ameno, limpio y moderno bajo la premisa de generar una experiencia única y holística donde todos los detalles fueran pensados al milímetro.

La entrada al restaurant se encuentra sobre uno de los lados de la esquina y las mesas se disponen en la parte anterior sobre las ventanas que dan a la calle. La organización de los puestos de comida se da sobre un extenso corredor al fondo del local por donde los comensales van pasando y sirviéndose. Se incluyeron algunos elementos de la cultura libanesa de manera aggiornada: el pattern de azulejos hexagonales en tonos tierra, amarillo y grises que se dibujan sobre el piso de cemento alisado de todo el local, la madera cruda en los distintos puestos combinada con hierro pintado, los ladrillos ahuecados en la parte alta de las paredes y techo para mayor ventilación de los olores de las cocinas y la elección de las lámparas de terracota y esmalte blanco del diseñador británico Thomas Housden, del estudio Hand & Eye. Para darle un toque pop de puesto urbano, se incluyeron leyendas hechas en luces de neón de distintos tonos que tiñen el techo blanco. Los menúes, además, se encuentran expuestos sobre pizarrones de piso a techo, de un modo bien informal.—

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Hacedores

Productos de oficio María Mata | Conversamos con la diseñadora industrial María Mata, responsable del desarrollo de los productos de algunas de las marcas de moda más famosas de la Argentina y defensora del puntillismo y la minuciosidad.

Texto Noelia Medina

Contanos un poco cómo empezaste tu carrera.

marca armando colección. En ese momento no había marcas de diseño que produjeran, todo era muy complicado. Pero justo Paula Cahen d´Anvers estaba por abrir su local de accesorios y tuve la posibilidad de trabajar en esa marca desarrollando los productos. Producíamos todo en Brasil, claro, porque acá no había industrialización. Ahí pude indagar en otras áreas: armar una colección, producir y manejar todo desde afuera. Viajaba todas las semanas a Porto Alegre a desarrollar y a hacer seguimiento de fábrica, pero ya con otra cabeza comercial. Trabajé en marcas de calzado con locales. Así estuve en Sibyl Vane. Hice camino propio asesorando marcas, trabajé con Ricky Sarkany y Pigalle, por ejemplo. Iba a las fábricas, me metía en su mundo y a la vez diseñaba los nuevos productos. Encontré un lugar gracias a que construí el ojo de alguien que sabe del nicho, que entiende los procesos y que ante todo, diseña.

Estudié diseño industrial en la UBA y mientras estudiaba tuve que empezar a trabajar y no sé por qué pensé que tenía que trabajar sí o sí en una fábrica en un contexto social donde no había industrialización de ningún tipo y menos que incluyera al diseño. Entonces dije: “Una industria que no se muere en la Argentina, en la que no importan las decisiones del gobierno, no importa si se cierran las importaciones, si se exporta o no, una industria que siempre sobrevive: ¡el cuero!”. No es que yo fuera fanática ni de los zapatos ni de las carteras, pero tenía tantas ganas de laburar dentro de una fábrica, que me dejé llevar por mi intuición y la seguridad de ese mercado.

¿Y cómo fue la transición de la facultad a la fábrica? Empecé a llamar a fábricas literalmente diciendo que quería trabajar. “Hola, ¿qué tal? Quiero aprender”. Y comencé en Prego, una marca de zapatos familiar, muy linda y tradicional, a los 21 o 22 años. ¡Hace un montón! Era un target completamente distinto al que tengo actualmente. Estuve un año y pico y me dieron la posibilidad de meter mano y aprender un montón: me sentaba con el cortador, con el armador, empecé a aprender cómo era la logística del proceso de producción… Con el tiempo me hice cargo de toda la parte productiva. Luego de Prego empezó la otra parte del proceso de aprendizaje, trabajar adentro de una

Fotografía Javier Agustín Rojas www wearemata.com

¿Cómo conviven esas diferentes ramas en tu trabajo actual? Este lugar, mi fábrica, es en verdad, un estudio que diseña, desarrolla y produce. Sería ideal que siempre sea el proyecto completo en sus tres partes (diseño, desarrollo y producción) pero en muchos casos termina siendo sólo desarrollo y producción. Hasta ahora, trabajamos para más de 15 marcas. Hoy, gran parte de la producción es para Jazmín Chebar. Me encanta trabajar con ellos porque tienen una cabeza buenísima para concebir las cosas. Además, estoy cultivando alianzas del estudio con marcas para las que el cuidado por el diseño y el armado

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Uruguay en blanco

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Fotografía Javier Agustín Rojas

Espacios Esta casa, emplazada en el balneario uruguayo de José Ignacio, fue comisionada a las arquitectas Irene Joselevich y Ana Rascovsky por un matrimonio argentino. El proyecto invierte el programa de vivienda tradicional y ubica los espacios privados en la planta baja y los públicos en la planta alta. La vida íntima queda así vinculada a la tierra, en una metáfora del arraigo y el establecimiento, y

los espacios sociales de la casa se vinculan con su entorno de playa y mar. El proyecto, en el que predominan el color blanco y las maderas típicas de la zona, prevé la vista al mar desde todas las habitaciones y terrazas. Los intersticios entre las maderas permiten que se filtre la luz natural, un elemento central en la decoración realizada por la arquitecta Maria Rusconi.—

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Uruguay en blanco Espacios

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Confort y diversi贸n

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Fotograf铆a Gentileza Felipe Hess www wehostel.com.br

Espacios

Abierto desde septiembre del 2012 en la ciudad de San Pablo, WE Design + Hostel fue diseñado para ser más que solamente una hostería. Tiene un concepto de alojamiento único, basado en la comodidad, el estilo y la diversión. El diseño interior lo realizó el joven arquitecto Felipe Hess y su búsqueda se basó en hacer que la mansión original quede intacta, pero renovando completamente el interiorismo y los servicios. De esta manera, piezas contemporáneas se añaden a este excéntrico escenario y potencian el estilo ecléctico de la mansión. El mobiliario utilizado para los servicios comunes como el living y la sala de estar es de estilo retro, con toques modernistas como el perchero Hang it all de los Eames. La diseñadora Ana Lucía realizó muchas de las luminarias. Lo que se buscó fue que cada área común tenga su propia identidad y objetos exclusivos, como la pizarra sobre el techo de la sala de estar. WE tiene 46 puestos totales de alojamiento, con espacios compartidos de hasta un máximo de 8 personas. Hay habitaciones solo para mujeres, un espacio para parejas y 6 dormitorios compartidos. Los valores oscilan entre los 30 y 40 dólares por persona. Todos los cuartos están equipados con armarios individuales, enchufes de la pared y lámparas de lectura.—

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Diseñar el mundo www pentagram.com Fotografía Gentileza Pentagram

De Windows 8 a Penguin Books, de Alexander McQueen a Pantone: piense en la marca internacional que se le ocurra y seguramente el estudio Pentagram habrá diseñado algún producto para ella. Aquí, un perfil de la compañía, una entrevista con uno de sus socios y un diálogo con una de sus colaboradoras argentinas. pg62

Hacedores

Fundada en 1972 por tres diseñadores gráficos, un diseñador industrial y un arquitecto, Pentagram fue pronto reconocida como una de las compañías más importantes en el mundo del diseño internacional. A lo largo de cuatro décadas, el estudio ha producido consistentemente trabajos de enorme variedad y calidad. Ha trabajado para una infinidad de marcas ¬basta visitar el sitio web de la compañía para comprobar la inabarcable cantidad de proyectos que realiza, incluso si solo se consideran los más recientes¬, algunas de ellas de enorme visibilidad mundial. Una mínima muestra visual puede apreciarse en las páginas de esta nota. Pentagram se ocupa de todas las áreas del diseño: gráfica, packaging, arquitectura, interiorismo, productos y exhibiciones. Su estructura multidisciplinaria, promueve una cultura de retroalimentaciones cruzadas que agrega un enorme valor a los trabajos del estudio y permite, además, una consistencia en el pensamiento de todas las aplicaciones del diseño. El líder de cada proyecto siempre se mantiene en contacto con el resto de los socios para fomentar este intercambio. Pentagram está compuesta por diecinueve socios y emplea a un total de 160 personas, distribuidas en oficinas en Londres, Nueva

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York, San Francisco, Austin y Berlín. Todos los socios son diseñadores que ejercen la profesión y son ampliamente reconocidos en su campo particular. Además, el estudio trabaja con una gran red de colaboradores internacionales sumamente especializados. Esta estructura le permite ofrecer un amplio rango de servicios dirigidos a clientes de todas las escalas. Pentagram es una de las pocas consultoras de diseño global independientes: los dueños del negocio continúan siendo los creadores de los productos. Los socios están disponibles para los clientes y para los equipos de diseño. No hay jerarquías administrativas tradicionales. “No hay puertas cerradas, ni suites reservadas para ejecutivos”, sostienen orgullosos en sus presentaciones. Este enfoque le permite también al estudio realizar servicios pro bono para organizaciones sin fines de lucro, como el que recientemente prestaron para el proyecto One Laptop per Child. Así defienden su propuesta creativa: “Pentagram representa una cultura que entiende al diseño como una función de ideas, relevancia y aptitud comercial. Trabajamos con personas que ven a la creatividad no como una decoración sino como la expresión de una idea clara. El humor, la dimensión humana y la pasión por la parte artesanal del diseño juegan un rol central en nuestros proyectos”.—

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Diseño editorial y de identidad para la revista Billboard. Logotipo y rediseño de packaging para Tiffany & Co. Diseño de identidad para el Whitney Museum. Diseño de identidad para el Time Warner Center. Gráfica edilicia e interiorismo para el estadio del equipo de futbol americano Arizona Cardinals.

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Diseño de marca para The Criterion Collection, editores de cine de culto. Identidad gráfica para el museo inglés de artes aplicadas y diseño Victoria & Albert. Campaña e identidad gráfica para el Festival de Sundance. Diseño de identidad para United Airlines. Identidad y packaging para Renu. Sistema de identidad de marca para la franquicia de videojuegos Guitar Hero. Diseño de packaging para Pantone. Rediseño de identidad para la papelera Mohawk. Diseño de identidad para The City University of New York.

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un norteamericano. En un determinado momento, a fines de los sesenta, Bob Gill decidió regresar a Nueva York y los socios que quedaban, Alan Fletcher y Colin Forbes, se juntaron con el renombrado arquitecto Theo Crosby. Continuaron llamándose según sus apellidos ¬Fletcher Forbes Crosby¬ hasta que sumaron a un diseñador industrial, Kenneth Grange y promovieron a uno de sus asociados, Mervyn Kurlansky para formar Pentagram. Eso fue en 1972.

Diseño multidisciplinario Angus Hyland, socio de Pentagram Texto Masumi Briozzo

¿Cómo se habían conocido los miembros fundadores? ¿Cómo comenzó el studio? ¿Cuál es su historia? Básicamente ¬esta es una respuesta simplificada¬ porque tres negocios (un arquitecto, un diseñador industrial y una firma de diseño gráfico) decidieron que sería bueno unirse en una sola firma. Fletcher Forbes Gill era una agencia de diseño grafico muy exitosa, la más trendy de la ciudad de Londres, creada por dos británicos y

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En los sesenta había muchos menos diseñadores que hoy en día. El diseño gráfico, que había surgido de una combinación entre la publicidad y los estudios de arte comercial, se encontraba todavía en su infancia. Todo el mundo en Londres se conocía entre sí e incluso había muchas chances de que también se conocieran con sus colegas de Nueva York. Los socios fundadores de Pentagram habían todos trabajado juntos (en BP, Reuters, Cunnard) y se habían beneficiado de

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“Intento no ponerme nostálgico con mi portfolio: prefiero concentrar mis energías en lo que está en mi bandeja de entrada y reservar mi entusiasmo para la próxima presentación.” esas experiencias compartidas. La idea de una agencia de diseño multidisciplinaria no era nueva, pero nadie había intentado ese formato otorgándole a cada uno de los socios la misma importancia. Así que decidieron unirse más formalmente. ¿Y cómo se transformó Pentagram en una agencia internacional? Alguna vez se dijo que Pentagram crece por los debates entre sus miembros. A decir verdad, la única razón para que un negocio así, basado en el estilo de vida, se vuelva internacional es la voluntad de un socio de abrir una oficina en un nuevo país. Eso es lo que pasó

cuando Colin Forbes decidió que quería vivir en los Estados Unidos a fines de los setenta. Hoy, la oficina de Nueva York es similar en sus números (la cantidad de miembros de su equipo y sus socios) a la de Londres. Ahora también tenemos oficinas en Berlín, San Francisco y Texas, y todas ellas fueron abiertas porque alguno de los socios eligió vivir en esas ciudades, no por alguna estrategia articulada de globalización. ¿Cómo es entonces trabajar con socios alrededor de todo el mundo? Es malo para el jet-lag. ¿Es difícil mantener una identidad unificada en ese contexto? Pentagram es un sistema federal en el que todos estamos vinculados por un portfolio compartido bajo una única marca. Pero también cada uno de nosotros actúa individualmente con su propia clientela y establece su modo de hacer las cosas. Nuestro trabajo es tanto individual como colectivo. Nos gusta

pensar que la calidad es consistente incluso si las soluciones varían de acuerdo al socio. Mantenemos una unidad con estas características a través de un riguroso proceso de reclutamiento de socios. ¿En qué áreas particulares te desempeñas vos? Yo soy un diseñador gráfico, sin ninguna especialidad particular. Mis proyectos pueden incluir diseño de publicaciones, identidad de marca, cartelería y packaging. Pentagram como compañía es multidisciplinaria, por lo que trabajamos en todas las áreas del diseño, incluyendo arquitectura, interiorismo, productos, identidades, publicaciones, posters, libros, exhibiciones, sitios web e instalaciones digitales. ¿Y cómo se mantiene el balance entre esas diferentes disciplinas? Esa es una pregunta interesante, ya que no reclutamos a los nuevos socios porque necesitemos particularmente la especialidad que cada uno desarrolla. Siempre seguimos

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Catálogos para la editorial Laurence King. Libro Symbol, editado por Angus Hyland. Diseño de tapas para una colección de libros de James Kelman. Diseño de tapa para el libro Logotype. Hand to Eye, editado por Angus Hyland. Tapas de la serie 100 Ideas that Changed… para Laurence King. The Pocket Canons, reedición de la Biblia del Rey Jacobo.

Juliana Gattas y Gastón Solnicki conversan

En esta sección, acercamos a dos personas para fomentar entre ellas un diálogo libre, sin una temática preestablecida. En este oportunidad, Juliana Gattas y Gastón Solnicki, antiguos compañeros de jardín de infantes, conversan sobre la infancia, la música y la cultura japonesa.

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Conversaciones

Fotografía Theo Lafleur

Gastón Solnicki estudió dirección en la Fundación Universidad del Cine (FUC), fotografía en el Centro Internacional de la Fotografía y realización cinematográfica en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York. Ha dirigido varios cortometrajes, entre ellos, Liliana. Rebecca (2006), exhibido en diversos festivales y premiado en el First Run de la Universidad de Nueva York. Süden, su primer largometraje, que registra el regreso a la argentina del compositor Mauricio Kagel, participó de la competencia oficial argentina del BAFICI 2008, donde ganó el Premio ACCA. Su última película, Papirosen, basada en la historia de la familia Solnicki, se exhibe ininterrumpidamente desde hace 7 meses en el MALBA con gran éxito.

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Juliana Gattas comenzó su carrera interpretando temas de jazz en bares del incipiente circuito de Palermo a fines de los 90. En esos años, participó también en algunas obras experimentales realizadas en el mítico Cemento. En 2001, se unió con Ale Sergi y junto al resto de los integrantes fundaron Miranda!, la banda que la catapultaría a la fama internacional. Con Miranda! ganó una gran cantidad de premios, recorrió el continente americano de norte a sur y participó de innumerables festivales. En 2012 se desempeñó como coach y jurado en La voz argentina, un concurso de canto enormemente popular que se transmitió por la televisión abierta entre julio y diciembre.

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Algo freak Gastón | Yo quiero empezar hablando de un recuerdo que tengo del jardín de infantes: vos siempre me regalabas golosinas. Mientras venía para acá se me apareció la imagen de una chica medio tímida, algo freak, cuya forma de socializar era hacer regalos. Era como una cosa sistemática, venías con bolsas de golosinas y chocolates; directo al corazón. ¿Es una técnica que abandonaste? Juliana | ¡Era yo, seguro! ¡Qué melosa! Ahora voy dosificando la dulzura de otras maneras. Qué bueno que te acuerdes de eso. Yo también te recuerdo tímido. Aunque la verdad es que me cuesta acordarme de esa época. Tengo una capacidad de resetear muy grande. G | Cambiar de colegio fue una de las cosas más importantes que me pasó. En el Chester College yo estaba en el medio de un grupo que defendía a los freaks. Recuerdo que el eje maligno estaba en la otra división. Cuando cambié de colegio fue un desastre, porque pasé a ser completamente lo opuesto, el discriminado. Entré en cuarto grado y fue muy difícil la transición. J | Yo también era muy freak… No sé si te acordás de nuestra compañera coreana. Atsi Shaw… su nombre era hermoso. Ir a su casa era un viaje a Oriente. Y yo era su única amiga. Nuestros compañeros eran muy malos con ellos. G | ¿No eran chinos? Bueno, la verdad es que el mundo oriental en nuestro país en esa época era homogéneo. Yo también era amigo de ella y de su hermano, Atsa.

J | Me acuerdo de estar en su casa jugando descalzos; para la merienda, la madre les trajo a ellos dos bolsitas de agua caliente, sin sabor a té, y ellos se la tomaron como para limpiarse después de todas las porquerías de la escuela. G | Cuando yo me cambié de colegio, durante mucho tiempo, no nos vimos. Pero en la adolescencia nos volvimos a encontrar por intermedio de unos amigos y vos ya habías empezado a cantar. Después empecé a verte en los diarios. Son pocas las personas con las que me reencuentro de una manera tan contundente como con vos, tan alineal y de largo aliento. Vos llegaste realmente muy temprano. J | Tiene que ver con la actividad también. Porque yo del Chester me reencontré con los artistas. Me crucé con todos. El último reencuentro nuestro fue hace como siete años en una librería por la avenida Las Heras en uno de los primeros paseos con mi hija cuando era muy chiquita. Y ese día intercambiamos teléfonos, me contaste que estabas con una película y después me invitaste al estreno del corto Liliana Rebecca en el BAFICI. Y yo fui. G | ¿Fuiste? No sabía. Bueno, vos te parecés curiosamente a una de las actrices, Carmen Chaplin, que es la nieta de Chaplin. Ella es mitad irlandesa y mitad caribeña, porque su madre es de Trinidad y Tobago. Es la sobrina de Geraldine. J | Amo a Geraldine.

G | Me acuerdo que siempre fuiste muy amable y elogiosa en mis estrenos, pero no recordaba que estuvieras desde esa instancia tan prematura. J | Yo nunca te invité a nada mío. ¡Sólo te di un disco! G | Yo ya tuve suficientes estímulos en el jardín de infantes. J | Ahora voy a hacer una película. Una participación muy pequeña en un film del director Martín Sastre, que hizo Miss Tacuarembó, basada en el libro de Dani Umpi. Él está muy ligado al mundo de la música. Nos hicimos amigos a través de los shows y él me vio histriónica y me invitó a participar de sus proyectos. Va a ser una remake de El ángel éxterminador de Buñuel. En unos meses empieza. Se va a filmar en el Malba, porque los protagonistas quedan encerrados en una muestra de arte. Yo voy a ser la secretaria maltratada de la curadora de la muestra.

Do you remember? G | Contame sobre tus comienzos en la música… ¡porque yo me perdí esa parte! Una tarde estabas tomando agua caliente con Atsi para limpiarte y… (risas) J | ¡Qué bien suena Atsi! Me lo quiero poner como nombre artístico. Al Chester lo di por finiquitado en séptimo grado. G | No sólo vos ¡Hubo una serie de tractores que también lo hicieron! El único rastro que quedó fue la reja… J | Empecé a ir a un colegio nocturno y a trabajar. Estudié canto porque mi papá tenía por casualidad una paciente cantante de jazz que también era profesora. G | Claro, porque antes no cantabas. ¡En el jardín no cantabas! J | No, era una freak. Los freaks no hacen nada: no hablan, no cantan en público. En el Chester cantaban los populares. Yo no me animé nunca a cantar en público en el colegio, pero en mi casa sí lo hacía. G | En nuestro colegio eran habituales los choriparties y musichalls. Ayer tuve un recuerdo horrible de la época: estaba en la cola del kiosco en el recreo para comprar un pancho y me veo todo aplastado, quizá

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Juliana Gattas y Gastón Solnicki Conversaciones

viviendo las primeras sensaciones de muchedumbre y roce entre cuerpos, en el sentido más sensual, rogándole a la miss que no me manchara con mostaza. J | ¡Miss Walker era! G | ¡¿Ese no es el de la Guerra de las Galaxias?! ¡Quizás era de la estirpe! (risas) J | “Right Miss Walker, ¡keep quiet!”. G | Me acuerdo de que a los cuatro años traje de Egipto un souvenir que era un faraón, lo abrías y se erectaba. Y vos podés creer que la muy malvada me lo secuestró y nunca me lo devolvió ¡Esas cosas no se hacen! J | Era malísima. Era la madre de la dueña de la escuela que se dedicaba a poner orden. En el comedor, hacía volar el cucharón. G | ¡Son cosas terribles las que me estás haciendo recordar! Es la típica imagen de película de la maestra mala del colegio inglés.

Hoyo en uno J | Me encantó Papirosen. La fui a ver el día del estreno; ni te quise ir a saludar. Después me quedé buscando excusas para ir otra vez. Te lo debe decir todo el mundo, pero la identificación que produce la película es muy fuerte. El viaje, la madre… es tremendo. Es una cosa de piel. G | Lo más loco es que a la gente le pega de maneras muy distintas. Es una cosa muy rara. Es una de las dificultades que tiene la película: deja muchas líneas. J | Me impactó también el sentido del humor que tiene. Es como una caricia, lo que hace todo mucho más entrador. Me pareció simplemente genial. Después no te pude saludar ¡así que ahora aprovecho! Te fue muy bien además… G | Es como en el golf, aunque no lo juego. El hoyo en uno. No podés decir que le apuntaste: simplemente tiraste y salió, como el petróleo o el agua. Uno da en el punto y empieza a estallar. J | Y también el boca a boca. Es una fuerza a la que nadie puede llegar voluntariamente. Me recuerda mucho los inicios de mi banda, que comenzó por un demo ilustrado por una

amiga nuestra. Bastó que empezáramos a tocar para que todo el mundo dijera “che, ¡está bueno!”. Fue un boom. Y con la película me pasó que yo la recomendaba y me dijeran “sí, ya la vi” o que la vieran y la recomendaran porque les encantó. Está bueno ese poder. G | Lo que puede una foto de una chica de quince años posando sobre la Isla Gorriti… Sobre todo, porque fue producida por ella misma, mi hermana. Se armó un book muy ochentas. J | Yo no tenía book, pero en los noventa, he acompañado a amigas a hacerse los books y yo les pasaba los pantaloncitos. ¿Papirosen tiene traducción? G | Si, quiere decir “cigarrillos” en ruso. En verdad no sé si se explica así, pero la canción es exactamente igual al cuento famoso de Andersen de la niña de las cerillas: una chica que muere en Nochebuena vendiendo fósforos, mirando por la ventana a una familia.

G | Es “Burton before Burton”. Lo loco es que es un cuento para chicos. Uno lee que la niña se muere congelada pero con una sonrisa viendo a una familia feliz abriendo los regalos del árbol. Papirosen es la versión yiddish de esa canción, de alguna manera. Un niño que vende cigarrillos que dice “sálvenme de la orfandad y del hambre que mi hermanito se está muriendo”. J | Un Cascanueces dark. G | A mi viejo, le cantaban de chico esa canción. J | Tu viejo me mata en la película. Por eso quiero llevarlo a mi papá a verla. Lo veo al tuyo y me emociona. G | Quizá para un niño la orfandad es un concepto aún más traumático que la muerte. La muerte es demasiado abstracta en la infancia, no tener el estímulo del calor del padre es peor. Mi viejo decía que se la cantaban y lloraba. Es una canción que marcó mucho a su generación.

J | Muy Tim Burton.

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Moda

VAMPIRE WEEKEND

Fotograf铆a Nico Hardy Estilismo y producci贸n Geo Bogunovich

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Vampire Weekend Moda

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Mart铆n Saco | Giesso | consultar precio Pantal贸n | Herencia | $ 568

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Vampire Weekend Moda

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Camaleon de arte Galería Vermelho, San Pablo Fotografía Gentileza Galería Vermelho Pablo Gerson www www.galeriavermelho.com.br Luego de diez años, Vermelho se ha establecido como uno de los principales puntos de creación y divulgación del arte contemporáneo en Brasil. La galería busca ser más que un simple espacio de exposiciones, catalizando lo más reciente e innovador de la escena artística. Se propone además acompañar el surgimiento de ideas novedosas desarrolladas por artistas consagrados y emergentes. Vermelho fue inaugurada en 2002, luego de un proceso de restauración de tres pequeñas casas contiguas localizadas en el barrio de Higienópolis de la ciudad de San Pablo. El proyecto de los arquitectos Paulo Mendes da Rocha (Premio Pritzker de Arquitectura en 2006) y José Armênio de Brito Cruz incorporó espacios de exposición a la estructura existente y transformó el terreno que separa a las tres casas de la calle en una gran plaza abierta. La fachada de 120m2 funciona como una tela en la que ya se presentaron más de 50 proyectos, incluyendo pinturas, collages, intervenciones y proyecciones. Un jardín externo actúa como receptáculo de esculturas e instalaciones. En 2007, tres nuevos espacios se integraron al predio original. Esa ampliación permitió la creación de Tijuana, un local destinado a la presentación y venta de libros, catálogos, videos y CD.—

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Arte

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Camale贸n de arte Arte

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Vista de la planta superior.

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