Proverso, 15 de abril de 2017

Nº 13 Abril de 2017 https://proversoblog.wordpress.com

PRoverso LITOGRAFÍA Y POESÍA ALFREDO PIQUER GARZÓN “que todo parezca“ “Eros en el espejo“ ANTONIO CARBONELL

nicolás corraliza “Las redes sociales han hecho que la poesía salga de las bibliotecas, de los festivales...”

óliver díaz

“la zarzuela (...) ha pasado a ser un género universla...”

Sumario P.10 Marta Muñiz - Mujer de negro /

Hombre de gris P.14 Pilar Astray Boadicea - La

mujer ante la herida P.20 Litografía y poesía - Alfredo

Piquer Garzón P.28 Nicolás Corraliza - La imagen directa P.32 “Que todo parezca” y “Eros

en el espejo”. La perplejidad

de la apariencia y la celebra

ción del amor - Antonio Car- bonell P.36 El Atelier - Leonard Cohen P.42 Pablo Galdo - El pianista que

conoce el verdadero valor de una

nota y su uso en el piano

P.28

P.44 ¿Se debe aceptar como música

algo que no da ninguna mues-

tra de serlo?

P.46 Óliver Díaz - La expresión musi- cal P.54 Juan Gris - Pintor del cubismo P.58 Las palabras a las mujeres P.62 Palabras con historia - Semana Santa P.64 El Anaquel

P.46

PRoverso

DIRECCIÓN GENERAL Inma J. Ferrero DIRECTOR ADJUNTO Isabel Rezmo DIRECCIÓN EDITORIAL Inma J. Ferrero / Isabel Rezmo ARTÍCULO Alfredo Piquer Garzón CRITICO LITERARIO José María Herranz Contreras CRITICO MUSICAL

WEBSITE https://proversoblog.wordpress.com E-MAIL revistaproverso@gmail.com COLABORAN:

Aimé Lambert MÚSICA Agustín Barahona EL ATELIER Inma J. Ferrero PINTURA Isabel Rezmo PALABRAS CON HISTORIA Marcos López Herrador EVENTOS Elisabetta Bagli EL ANAQUEL Matteo Barbato EDITA Velintonia Editores DISEÑO GRÁFICO LaMásWeb

CARTA EDITORIAL

La Revista PROVERSO inicia en el mes de febrero de 2016 su primera edición, aquí encontrará artículos de carácter cultural escritos de una manera sencilla y amena, Proverso es el resultado de la fusión del trabajo entre poetas, escritores, músicos, artistas plásticos, diseñadores y fotografos (que irán compartiendo sus trabajos a lo largo de los siguientes números de la revista) que con mucha ilusión y determinación hemos decidido emprender este proyecto, que es un compromiso con nosotros mismos y con la sociedad que nos rodea. Pretendemos con esto mostrar en equilibrio el que hacer cultural en todas sus formas, sin limitarnos al plano literario. Para cumplir con el primer objetivo nos hemos trazado un plan que si bien es modesto significa un granito de arena, que sumado a otros esperamos puedan cubrir una amplia extensión del ambito cultural.

Dentro de Proverso contamos con secciones de información sobre textos literarios, crítica musical, entrevistas, artículos literarios, artículos sobre arte, reseña literaria, cartelera, todos ellos temas de interés general.

Agradecemos la confianza en recibirnos, trataremos que Proverso sea un vehículo de unión entre todas las artes. Esperando que esta revista sea de su agrado les invitamos a conocernos.

Inma J. Ferrero Director General

Museo Miguel Hernández - Josefina Manresa Quesada (Jaén)

Narrativa

Marta Muñiz Mujer de negro/ Hombre de gris

Este mes de abril acogemos en nuestras páginas a la escritora Marta Muñiz, que recientemente ha publicado su novela “Tiempo de cerezas“ y que amablemente ha querido participar en PROVERSO.

“13 cuentos dementes para mentes insomnes y un relato para supersticiosos” (Ed. Piediciones, 2016) y la novela “Tiempo de cerezas”, (Ed. Camelot, 2017).

Colabora asiduamente en eventos literarios y ha participado en numerosas publicaciones colectivas, tanto en revistas (la última “Horizontum- México) y antologías o misceláneas (“Poemas por vidas”, “15 autores, 24 horas”, “Sagrado Invierno”).

Nace en Gijón, Asturias, en 1970. Licenciada en Filología Hispánica y titulada en Música.

Ganadora del Premio de Poesía Esencia de Mujer (Astorga, 2015), del II Certamen de Poesía Lord Byron (Avilés, 2016), Primer Premio del VI Certamen de Relatos Río Órbigo, (León, 2016).

Está casada y es madre de dos hijos.

R.P: ¿Cómo llegaste a la escritura?

Ha publicado el libro de poemas “El otoño es nuestro” (Tres voces, tres mundos II, Ed. Csed-Poesía, 2015), la colección de relatos

M.M: Llegué por intuición, por un acto refle10

jo y por necesidad. Empecé a escribir siendo una niña. Tenía seis años solamente cuando comencé a intuir mi primer poema, si es que se puede considerar poema a seis versos pueriles, infantiles y descompuestos, pero mi intención era buena y todo era y es verdad.

Creo que mi madre, gran amante de la poesía durante toda su vida, lectora incansable, influyó definitivamente en esa manera mía de observar el mundo y traducirlo desde el interior.

“Vuelvo a la primera luz escuchando historias que discurrieron paralelas a mí.”

LUIS CARNICERO. Cuaderno de la lluvia nº1 ÚLTIMAS CONFESIONES DE DON QUIJOTE: en la desmayada luz.

Aquel invierno fue cruel como Atila en un descampado. No había día que la ventisca no se asomase en cada esquina destrozando con saña cientos de paraguas plegables y cafés a escondidas. En su pequeño mundo de su minúscula ciudad ¬¬(infierno y grietas), Teresa se volvía loca con las coladas y luchaba desde su corazón diminuto pero infinito en sus posibilidades, contra la climatología adversa. ¿Adversa por inconveniente?, se preguntarán. No, en realidad le resultaba adversa por imprevisible. A ella le gustaba saber si tenía que ordenar, a su inteligente lavadora, un programa rápido con centrifugado veloz o si las manchas perplejas y oscuras de la cena improvisada, requerirían de algún tipo de prelavado astuto y complicado. Y luego estaba pendiente la cuestión del secado; sin secadora artificial, por supuesto, porque eso arrugaba las prendas y las estremecía como a novicias asustadas ante un violador sagaz, así que consultaba cada noche las previsiones meteorológicas para planificar el tiempo de exposición de cada pieza en el tendido común de su edificio. Las horas de sol, las posibles lloviznas, el viento que arrasa con medias y calcetines y los obliga a luchar boquiabiertos contracorriente para evitar subirse a la azotea. Ella no quería verlos sufrir, quería que las fibras ventilasen a gusto sus desgracias, sus maldiciones íntimas, las heredadas por la piel de sus habitantes. Teresa, como habrán podido deducir, era geométricamente cuadriculada. Era un polígono recto linealmente estable.

Un haz de luz sangrante y predecible.

R.P: ¿Qué es escribir para ti?

M.M: Yo diría que es una nueva forma de mirar el mundo, una necesidad seguramente, porque uno acaba escribiendo del mismo modo en que respira, sin preguntarse la causa. Una terapia, un divertimento, una droga genial. Y sobre todo, mi gran pasión. Si no sintiera esa pasión por las palabras, no escribiría. Escribir es, sin duda, un acto de amor.

La segunda de tres hermanos, siempre en medio como un jueves vertical, hizo poco a poco todo lo que su padre esperaba de ella: aprendió a manejar economías domésticas, se volvió especialista en tareas asignadas, como ordenar cachivaches perdidos o abonar y hacer crecer a las plantas del patio. Rezaba lo justo y necesario en una parroquia cercana y estudió derecho, que era la carrera más próxima a su casa y con mejores previsiones de futuro por aquello de la versatilidad de un

MUJER DE NEGRO / HOMBRE DE GRIS A Teresa G. A. y Noemí M. 11

abogado, ya que quien tiene sentido de la justicia bien puede dedicarse a defender causas nobles, a regar jardines, a hacer pan o a diseñar plantillas de oficina de cuatro a diez salvo en días festivos.

castigador o de vendedor de biblias tergiversadas, manipuladas a gusto del consumidor.

Ahora vivía muy cerca del canal. Del mal también, a medio suspiro. Tenía una cabaña desordenada, cientos de bañadores y biquinis con palmeras dentro y fuera de ellos y tenía un guacamayo. “Házme el favor. ¡Un guacamayo! ¡Con los colores que tienen esas aves en sus plumas! Que parecen sacados de un cuadro de Gauguin. Si esos colores ya ni siquiera existen. ¿Para qué quiere Noemí tener un guacamayo?”, se preguntaba Teresa desconcertada. Enfadada incluso con su amiga por su falta de mesura y contrición, Noemí había perdido el rumbo (según su geometría) y sus vidas seguían ahora caminos divergentes. Y Teresa, eso, no se lo podía perdonar ni al hombre panameño ni a cien guacamayos que tuviese. La geometría es lo primero.

Se casó con Mateo, amigo desde siempre, feo, fuerte y formal, como Loquillo, pero a diferencia del músico, Mateo era un buen chico de familia decente y sin escándalos dignos del ferviente cotorreo dominical. Aunque admiraba profundamente a su roquero favorito, él no se sentía troglodita. Y Mateo la amó de forma desmedida. Y ella amó a Mateo porque lo necesitaba (Mateo. Viceversa no tanto) y también porque se lo merecía.

Después, todo siguió la dirección de sus líneas paralelas, rectas como autovías del Estado que el destino le había preparado: un trabajo a tiempo completo como funcionaria gubernamental; cómodo como las zapatillas del abuelo ante la mecedora, agradecido como un pícaro a un fraile. Una existencia, al fin y al cabo, carente de problemas graves, tales como desahucios, ruinas asoladoras, pasiones de lunas calientes o embargos calcinantes. Una vida sin embarazos ni caleidoscopios. Una vida sin sueños prematuros, sin problemas de esos que te ponen al límite y te obligan a tomar decisiones precipitadas o ansiolíticos. Su mundo era un mundo sin aparente caos. Y la ausencia de vértigo la obligaba a observar cada elemento y cada situación en tonos degradados, hasta que un día cualquiera de diciembre, así, sin darse cuenta, empezó a ver la vida en blanco y negro.Su sombra un poco gris.

Una mañana llena de nubes y astrolabios, una mañana en la que Teresa había madrugado cinco minutos más que de costumbre (los tranquilizantes cada vez son más desabridos e ineficaces, yo creo que les van arañando poder con cada recorte sanitario), salió a la calle en dirección a la oficina como era su ritual: café sólo sin azúcar en medio del esófago, cero calorías, abrigo negro recto, tacones intermedios, rouge orbital y en el iphone, Bach. Bach y sus partitas, tonales y mesuradas, con sus cadencias perfectas y picardas, disonancias las justas, ni una más ni una menos. Para las disonancias, menudo era Bach.

Las aceras, desiertas como túneles de carreteras secundarias, parecían arrastrar sus pies hacia el edificio. Las farolas empezaban a mimetizarse con el amanecer y ardían. Ardían una a una encendiéndose a cada paso que Teresa daba a las 7 menos diez.

Nada que ver con Noemí, que abandonó la misma carrera, la familia en el campo y un aspirante a marido con voz de ejecutivo agresivo por culpa de su espíritu aventurero.

“De repente un extraño”. Aquel pensamiento la acercó a la película de John Schlesinger, pero este hombre no era tan extraño como Michael Keaton en un apartamento en obras.

Este hombre era un solitario madrugador estrena-cafés. Uno de esos hombres que al salir a la calle alza la cabeza, inspira, prueba una bocanada de aire puro y la saborea como si fuera salmorejo. Después vuelve los ojos al suelo y continúa con la pesadumbre a la espalda, acostumbrado a ignorar las bahías, las calas escondidas, los viernes de música y de

Teresa no entendía a Noemí. No podía explicarse aquel afán suyo de despertarse cada mañana acuciada por ritmos trepidantes, su alma viajera de Guantanamera tropical, el modo en que dio un volantazo aguerrido a su destino, redecoró las líneas de sus manos al conocer por internet a un hombre panameño del que se enamoró locamente. Oswaldo Orozco se llamaba. Tenía nombre de galán 12

cine, los besos de almacén.

Empezaron a cruzarse a diario cronometradamente. Los dos pasaban frente a la zapatería a las 7:53. Una hora estrafalaria, nunca supieron decir por qué se habían permitido una hora tan extraña para sus encuentros en modo hospital. Tal vez sea necesario para seguir respirando, concederse en la vida, así sin más ni más, un par de extravagancias. Secuencias pasajeras, coquetos desvaríos.

Primero fueron miradas. Sólo fueron ojos que se buscan y se encuentran. Se acercan sin decirse nada. Ni fuego ni relámpago. No siempre es amor.

Y allí estaba el hombre de gris, en la antesala de la zapatería, lleno de aire fresco recién inspirado, con su corazón de helio y margaritas.

Con su cara de asfalto y sus ojos de niebla, su porte elegante y desgarbado de fotograma antiguo. Como Gregory Peck en “Recuerda”.

Las miradas cada vez más intensas y llenas de lenguajes. Los ojos poco a poco más brillantes. Sus oficinas más lejanas y vacías.

Habían recorrido mil pasos sin saberlo. Y un jueves cualquiera, un jueves con aspiración a mARTEs, que es el día más hermoso de todas las historias, tras saludarse con los ojos, con la boca y con sus manos frías e incipientes de eneros deslumbrantes, abandonaron su ruta habitual sin muchos aspavientos, cada uno a su manera, premeditadamente, de un modo silencioso. Cada uno pasó de largo por su itinerario de almanaque, abandonando sin darse apenas cuenta su respectivo camino y se alejó del sendero previsto para aquella mañana en la que nada le importó a Teresa que el pantano del Porma decidiera suicidarse. Y el hombre de gris echó a perder la estimación bursátil de toda una cadena de accionistas.

Se compró una bolsa de palomitas y tiró por la borda acciones y eufemismos y se dirigió a la estación de tren más cercana y miró fijamente las vías. “Esto debe llevarme a alguna parte”.

Detrás, en un banco solitario, estaba Teresa con su abrigo negro y su primavera lejana.

Podría haberle dicho: “¿Cómo tú por aquí?”

“Te hacía en la bolsa, peinándote el flequillo, graduando tus gafas disidentes, apurando un café de maquinita con su sacarina y su cucharilla de plástico, con tu mirada no exenta de fábricas en ruinas y chimeneas transitorias.”

Pero no tuvo ganas de hurgar en el pasado.

Simplemente le miró sonriéndole a los ojos y a su pregunta: —¿Dónde quieres ir hoy?, ella respondió: —Llévame a un país donde haya guacamayos… Y entonces, a pesar del frío y del invierno, nevó a todo color.

Después llegaron los “Buenos días”, “Hola”, un tímido escarceo al chocar sus maletines. “¡Qué lío más tonto en medio de la acera!”

“Teníamos que tropezarnos nosotros dos.

Disculpe la molestia. Que tenga una excelente mañana.” Eso en el mejor de los casos.

Si en la oficina había pendientes, aguados contratiempos, entonces no llegaría el estrépito. Entonces ni mú. Y Noemí empezaba a encontrar rara a Teresa, no sabía decir cómo ni cuánto, pero su amiga empezaba a interesarse por el tiempo en el caribe y por el tacto de las plumas de tucán y por cómo debe saber allí el chocolate. Y el coco, no me digas… ¿Me regalarías un sombrero Panamá?

Y Mateo cada vez viajaba más y más lejos.

Se conectaba cada noche, videoconferencia va, videoconferencia viene, resumen de jornada a todo gas. Y a Teresa este tipo de comunicación le pareció muy fría y decidió dormir pensando en él, que a pesar de estar en Suiza tenía una sonrisa cada vez más cálida.

Mateo sonreía a todo color y ella no entendía por qué había traicionado súbitamente su habitual y comprometida tristeza. Se habían jurado amor eterno, ese tipo de cosas que uno jura convencido y en la inopia, como si la eternidad se pudiera jurar y no fuese el amor una estocada certera que te planta en medio del desierto y te devora.

Siguió saliendo cada mañana a la misma hora, despertándose en el mismo segundo premeditado, geométricamente en la misma esquina calculada, espiritualmente en la misma acera.

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Poesía

Pilar Astray Boadicea LA MUJER ANTE LA HERIDA

P.A.B: Cuando tenía seis años leí un poema infantil en un libro de caligrafía, me llamó mucho la atención el formato, aunque era muy pequeña me di cuenta que no estaba escrito visualmente como el resto de cosas que había visto. Y quise imitarlo. Fui corriendo a mis padres y les dije que había escrito un poema porque arriba en el título de aquél poema infantil ponía “Poema”. Me pareció algo mágico.

Mi primer poema se llamaba Horizontes Lejanos. Y recuerdo que a mis padres les sorprendió mucho que usara la palabra “Horizonte”, ver su cara de sorpresa y de orgullo, alimentó mis ganas de seguir escribiendo poemas y hacía uno casi todos los días. Eran mi públi-

La sección de poesía acoge en sus páginas a una joven promesa de la poesía, su nombre Pilar Astray Boadicea.

Madrid (1990) Comunicadora Audiovisual por la Universidad Complutense. Fundadora de Artistas por la Igualdad a favor de la Asociación MUM. Ha publicado: “El lenguaje de la gravedad” (Ruleta Rusa Ediciones) y “Diez poemas medicina para que papel venza a piedra” (Libros con Miga, Accésit Leopoldo de Luis de poesía).

R.P: ¿Cómo llegaste a la poesía?

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co. Después hacía funciones navideñas para la familia con cuentos horribles de ositos que vivían aventuras, teatritos y periódicos sobre ecologismo que les vendía por 100 pesetas a mis compasivos tíos, siempre con esas ansias de libertad y de aventura del primer poema.

Recuerdo que me empecé a obsesionar con el por qué las cosas tenían el nombre que tenían y quién se lo había puesto y además me gustaba mucho el misterio y jugar a los detectives. Mis padres me regalaron un detector de metales para buscar monedas antiguas en el campo y cuando leía poemas tenía la sensación de ser una arqueóloga que se había encontrado con un jeroglífico importante. El poema era el jeroglífico del poeta y yo tenía que averiguar que me quería decir. Aquello hacía que leer poemas de niña me interesara más que la narrativa porque necesitaba participar y esa lectura era muy activa, me hacía estar muy atenta y sacar mis propias conclusiones de lo que leía.

Empecé a leer muchísimo. No dormía por las noches, cogía una linterna y leía a escondidas. Enseguida me di cuenta que aquello no le gustaba a todos los niños y se convirtió en algo así como mi secreto salvo momentos muy puntuales. Aquello dejó de ser el espectáculo de mi niñez y pasó a ser algo más íntimo con un punto que solo tienen las cosas sagradas.

Hasta que ya de más mayor, a los 18, decidí romper mi silencio a través del pseudónimo de Boadicea, hacerme un blog y luego vinieron el Poetry Slam y las jams de poesía.

de esas gafas poéticas que te hacen verlo todo de una manera a veces excesivamente sensible. Es una bendición porque te permite transformar el dolor en belleza y encontrarte y conocerte en diferentes voces y cuerpos.

POEMAS: El cincel del tiempo Mi madre mueve los armarios y los retratos de las prendas componen una luz alegre en el suelo.

R.P: ¿Qué es la poesía para ti?

P.A.B: No me recuerdo de otra forma que no sea escribiendo al haberme picado el mosquito de la escritura tan temprano, así que para mí es como el lunar que tengo en el muslo, algo que viene conmigo desde siempre y que me acompañará hasta el fin de mis días. Es alquimia, es una visión propia de la realidad que la transforma con una química especial que pertenece a cada poema en un acto lírico.

Es algo casi religioso, mágico, una explosión.

Es transcender, es la propia realidad destilada en el papel. Es una maldición porque conlleva soledad y ver la vida en profundidad de manera muy intensa y no poder desconectar

Fuimos aquello que nos queda pequeño.

Fuimos zueco, fuimos abrigo, Fuimos botín, pijama, manta.

Fuimos todo aquello que archivamos y perdimos.

Mi madre mueve los armarios me trae descoloridos los recuerdos del altar, cuna del viento al que prometimos no volver a parecernos El tiempo viene a visitarnos despacio, pide explicaciones susurrándonos, las vértebras se encogen, me atraviesa, todo aquello que es ahora un 15

en chupitos de tu saliva, excitada y bailando en la barra de un bar desierto en el que tú servías agua, y yo la creía bendita.

Admito haber buscado a Dios en la Dama de Elche, o en el borde de la muerte.

Admito haber buscado a Dios en las hojas del sauce y en el último lince y su fotografía.

No está mi Dios en las religiones ni en los libros, he visto el grito angustiado de las constelaciones.

Juego a hacerme la muerta flotando en el Atlántico, pero él no llueve en mis caderas.

Pero él no viene a despertarme.

Estoy buscando a Dios, dejo todas mis ansias de encontrarlo como testamento de barro.

ataúd.

No espero un happy end a esta canción que cuenta el grito helado del brote intergeneracional de la violencia solo espero fuego que limpie los barrotes con una devoción de ola que remiende nuestra escena.

Tendrás 70 años. Carta a mi vejez.

Cuando estés leyendo este poema tendrás 70 años, parece impensable que las placas tectónicas te hayan llevado hasta aquí.

Estoy buscando a Dios “Cristo no se enseña ni se sabe de él aquí”(Martín Lutero, sobre el Apocalipsis)

Pero cuando estés leyendo este poema (por favor, no te emociones demasiado al leer este verso) muchos de los seres a los que amabas, habrán muerto y tus recuerdos de hoy, espero que sigas escribiendo, porque serán cada día más difusos.

Estoy buscando a Dios.

En esta jungla de hechizos espero su aparición.

Desde el centro de la tierra o con un parche de conchas en el ojo.

Elfo alado y rojo entre rayos sangrientos, débil y cobarde como las amapolas.

Estoy buscando mi autor, junto a mis seis personajes en un dado en el que siempre sale la tríada del padre del hijo marioneta y sordomudo y el espíritu caníbal.

Cuando estés leyendo este poema tanto sonreír habrá marcado dos surcos en tu boca, y tanto besar y hablar, la habrá convertido en terreno militar, y la alambrada de espino recubrirá sus tesoros, para que hasta el final de tus días, sigas entrenando.

Admito haber buscado a Dios 16

Cuando estés leyendo este poema, los hombres no se girarán para gritar a tu paso y tú no volverás la cabeza para insultarlos y replicar que le digan todo esto a su bendito padre porque cuando estés leyendo este poema tendrás 70 años y los indios del tiempo te habrán arrancado la cabellera.

porque cuando estés leyendo este poema tendrás 70 años, y hay tantos sueños cumplidos y tantos que cumplir…

Así que toma aire de la ventisca de los 30 y toma fuego de la pasión de los 40, y toma tierra de las veces que tuviste que pisar la realidad a los 50, y levántate , con el respeto de un veterano de Vietnam en una ofrenda, y levántate, derribando en un soplido hasta la casa de ladrillos de tus peores pesadillas,

Pero a ti esos cambios no van a importarte si puedes situar bien en el mapa el reino de Galicia y aún puedes cantar tu canción favorita, enseñársela con la paciencia de un roble a tus nietos y gastarte tu pensión en los nuevos patines galácticos.

Si puedes arrastrarte y convencer a aquella muchacha de que mueva la silla de ruedas hasta el sol y celebrar tu vejez y celebrar este octubre como se celebran las victorias y no los tratados de paz, porque siempre fuiste una guerrera que custodia las semillas y hasta tu último aliento tendrá sonido de árbol.

No importa, si es Odín, Jehová o Jesucristo quien te espera, tu vida es un regalo exprimido aún igual de fuerte que un diamante.

Y ya que cuando estés leyendo este poema tendrás 70 años recuérdate por una vez, que eres bella, invencible y poderosa ahora más, mucho más, en tu vejez.

Tu poema

Es probable que el hombre al que amabas haya envejecido en otra cama lejos de ti, pero hoy vas a dedicarle este recuerdo porque en el recuerdo nos seguimos amando y existiendo.

Dices que has intentado escribirme un poema, los papeles por la mesa intentando ser mapa.

Dices que era como andar descalzo en llamas, todo lo que somos no lo podías nombrar.

Es probable que no haya hijos ni nietos en cualquier caso no te asustes si bautizas a los gatos, y deja claro que siempre te gustaron y que nada de lo que te pasa son cosas de la edad.

Dices que has intentado escribirle a la poeta, pensando que era importante para mi ser tu musa y descorchaste el cerebro, peregrino sin techo y no te habló nadie.

Ya eras despistada, torpe y soñadora y todas esas huellas en las manos lo demuestran.

Todos tus errores son jeroglíficos en tu bastón que solo tú puedes perdonarte.

No quiero ningún poeta, no quiero que la tinta alcance mi sombra y me trague, no quiero ser un jarrón, no quiero ser quien te salve.

Pero sí es cierto que imaginarte quebrando despacio lleno de conceptos que no nos alcanzaban me enternece tanto que esa imagen de tu intento

Cuando estés leyendo este poema es obligatorio que soples las velas y comas tarta.

Me da igual a que planeta haya llegado tu colesterol 17

y del bloque de mármol, de tu caña ondeando como una bandera sin pez, es el mejor poema del mundo.

pero jamás podría quedarme en esta osa menor que aún no puede guiarme tanto como su hermana mayor gruñendo hacia las montañas del silencio.

Volver a casa Pasear por las habitaciones vacías con un vaso de leche en la mano como mamífero huérfano.

Oler la ausencia de mi hermano y escuchar el cuerno del ejército.

Descubrir sus cartas de amor y emocionarme por las que yo ya no escribiré.

Oler la ausencia de mis padres, observar su lecho como quien observa el caldo primordial desde el volcán exacto.

El origen de cada uno de los dedos de mis pies, aún me maravilla haberme levantando y quitarme las costras.

Bajar al piso de abajo, hechizada por el olor de un guiso de albóndigas recién hecho y aunque no me gusta la carne, masticarla como quien mastica la pérdida del hogar y se la traga.

No entrar a la habitación del mediano por respeto a nuestras peleas de niños y por miedo a rompernos otra vez algún hueso.

Oír el rugir de mis entrañas en un salón abarrotado donde no se pone el sol entre tanto objeto incoherente y desencadenante y ponerme furiosa contra las crebas del pasado.

Contra los labios fantasmas que ya no besan la boca seca de mi abuela, las desgastadas ruedas como columpio de los nietos y yo, henchida de tanto ruido, no he abierto la maleta del todo ni tampoco la he cerrado porque nunca me voy 18

Artículo

LITOGRAFÍA Y POESÍA Por: Alfredo Piquer Garzón Los comienzos de la Litografía.

final, completa y práctica a la invención del nuevo procedimiento de impresión que pasaría a la historia con la denominación de Litografía . Si la imprenta había supuesto en el Renacimiento el comienzo de la difusión y la expansión imparable de las ideas y la cultura como expresó Marshall Mc Luhan en su libro “La Galaxia Gutemberg”, la invención de la Litografía supuso asimismo el origen de los procedimientos de impresión modernos y por tanto un nuevo impulso y una revolución en la difusión de lo impreso multiplicado en correspondencia al incremento exponencial del número y lo cualitativo de la sociedad contemporánea. La investigación de Senefelder fue larga, metódica y completa. Al cabo de unos pocos años desarrollaría el método de impresión “plano” sobre matrices de piedra (Litografía. Término que pasará a denominar, por extensión, todo el procedimiento),

En la Europa del Antiguo Régimen, donde la potencia militar francesa se paseaba triunfante tras derrotar cualquier ejército o alianza levantada en su contra, otras batallas igualmente trascendentales se libraban simultáneamente. Las que determinarían el curso de la historia inmediatamente futura; las de las ideas de la Revolución, libertad , igualdad, fraternidad; las batallas de la cultura y de la creación artística y literaria, las del retorno al orden clásico y las de la efusión Romántica, las de la música y las de la poesía, las batallas que libraron Schiller y Goethe, Haydn y Beethoven. Las de Ingres, David, Turner o Goya.

Sería la investigación paciente del alemán Alois Senefelder, la que daría consecución 20

también sobre papel (Papirografía) y sobre planchas metálicas (Metalografía). Todo su trabajo quedaría expuesto en el Tratado publicado en 1818, “Vollstandiges lehrbuch der steindruckerei”.

ne, Gauguin, Renoir… A lo largo del siglo la litografía mantiene su capacidad esencial de crítica social sobre todo en la obra de Daumier, pero también Steinlen o el propio Van Gogh. Pero la Litografía es ya el terreno por excelencia de la expresión gráfica del arte.

También los Simbolistas, los Modernistas y mas allá los Nabis, los Fauves, los Cubistas, los Expresionistas, los Dadaistas …

La Litografía se difunde con rapidez. Artistas e impresores son los primeros en acudir al taller de Senefelder , en Munich, para conocer el nuevo procedimiento. En España, tras el monopolio concedido al “Real Establecimien-

En el primer tercio del S. XX y desde el terreno que abriese con anterioridad la iniciativa de Cheret y Toulouse Lautrec, la Litografía es el medio de impresión del cartel publicitario. Carteles turísticos y de viaje, carteles anunciando espectáculos, carteles de marcas comerciales, carteles de propaganda, comercial, política, bélica, los carteles modernistas de Alphonse Mucha contratado por Sarah Bernhardt, los diseños “Decó” de Steinlen y Cassandre, los carteles de la Guerra Civil Española…

“...la Litografía se liberaliza y se instituye en el lenguaje y en el ámbito de la mentalidad y el espíritu del Romanticismo...” to Litográfico” de Madrazo por el absolutista Fernando VII, la Litografía se liberaliza y se instituye en el lenguaje y en el ámbito de la mentalidad y el espíritu del Romanticismo.

La Litografía es el instrumento esencial y el modo de expresión de los viajeros románticos. Los ingleses, David Roberts, George Vivian , Louis Hague, Frederick Lewis, publican sus albumes de estampas realizadas sobre los croquis, apuntes y dibujos tomados en sus viajes, sobre el terreno en tierras lejanas y exóticas: el oriente mediterráneo, Tierra Santa, Egipto; en Italia, también en España en cuanto a su pasado árabe y musulmán.

De nuevo la Litografía arma política. En el ámbito europeo, desde la época de la “Sezesión “ berlinesa, el trabajo impresionante de

Las grandes líneas de la Litografía en el XIX. Pero la Litografía es además y de modo importantísimo, el medio inherente ya a la prensa periódica que experimenta un gran auge y en su contexto se convierte en arma social y política. Finalmente y ante la incidencia de otros nuevos descubrimientos sobre la reproducción de imágenes como la Fotografía y la Impresión Offset, en la segunda mitad del XIX la Litografía se decanta, liberada progresivamente de sus servidumbres industriales y comerciales, para fines exclusivamente creativos y artísticos. De nuevo los artistas del Realismo y el Impresionismo francés, son los encargados de comenzar a dar a la Litografía su dimensión artística. Manet, Corot, Cezan21

denuncia antibélica de Käthe Kollwitz (Guerra Franco Prusiana), hasta el periodo entre las dos guerras mundiales, la clarísima acusación antinazi de los Dadaístas alemanes, John Heartfield (Helmut Herzfelde), Otto Dix, Hanna Höch y junto a ellos los Fotomontajes del valenciano Josep Renau, Director General de Bellas Artes en 1937, que coordina junto a Max Aub y José Gaos la organización del Pabellón Español de la Exposición Internacional de Paris, y encarga, en nombre del Gobierno Republicano, “Guernica” a Pablo Picasso, para el pabellón, convertido después en icono internacional contra el fascismo, con la claridad de ideas de quien es consciente del compromiso necesario del arte, de la manipulación que el capitalismo salvaje ha hecho durante el último siglo de la expresión del arte

“La Litografía es un método revolucionario en cuanto viene a superar la oposición técnica tradicional entre el texto en sí y las imágenes o ilustraciones...“

del XIX , en pleno ambiente del “revival” medieval o renacentista que busca las raíces de la identidad propia de cada nacionalidad, la Litografía , lenguaje romántico por excelencia ilustra las obras de Shakespeare o Goethe o hace la crónica de los monumentos antiguos pudiendo traducir directamente los croquis, los apuntes o las vistas de natural de los viajeros románticos o la crónica social de la moda o de los personajes. Establece así el léxico y la sintaxis de lo “pintoresco” (entendido el término según su verdadero significado en relación a toda la cultura y la mentalidad del Romanticismo en el contexto del XIX). Texto e ilustración quedan pues asociados indisolublemente desde ahora; Litografía y literatura también (habrá toda una progresión de cosas hasta que siglo, siglo y medio más tarde la imagen prime absolutamente sobre el texto en la narración cinematográfica, en la televisión o en los medios audiovisuales de nuestra actualidad en general).

para vaciarlo intencional y convenientemente a sus intereses de toda referencia, de todo contenido.

La Superación de la oposición Texto – Imagen.La Litografía es un método revolucionario en cuanto viene a superar la oposición técnica tradicional entre el texto en sí y las imágenes o ilustraciones, por diferencia radical en los procedimientos necesarios y obligados para la impresión de una y otra cosa, a la hora de la confección de un libro o cualquier impreso.

La utilización de la Litografía en el ámbito del libro se produce, de cualquier modo, gradualmente , sin que ello quiera decir lentamente, y en convivencia con el modo de ilustración tradicional, es decir, el grabado calcográfico, incluso con la Xilografía. Se constituye así, paulatinamente en el medio natural de ilustración de lo impreso. Desde el primer tercio

Plástica y literatura.La litografía se asocia desde luego a lo largo del XIX al texto literario de manera inequívoca y estrecha y como tecnología, responde 22

al hecho cultural y social del XIX. Lo poético alcanza paulatinamente carta de naturaleza y caldo de cultivo no solo adecuado sino inherente en el contexto de la difusión de las ideas y la sensibilidad de un movimiento cultural efectivamente mucho más amplio como es el Romanticismo. Goethe enfrentará su Prometeo, su genio rebelde, independiente y creador, o la efusión sentimental de Werther al racionalismo ilustrado y jerarquizante de un Lessing. Su rechazo a las reglas del estilo neoclásico de final del XVIII le sitúan firmemente como pieza esencial frente a los fríos modelos del Neoclasicismo de origen francés.

El “Sturm und Drang” establece como fuente de inspiración el sentimiento en lugar de la razón desde modelos y referencia en las obras de William Shakespeare o Jean-Jacques Rousseau .

nido poético en la medida en que referidas a los temas de las mismas obras musicales, se basan a su vez en su mayor parte en temas literarios del propio siglo XIX. Queremos referirnos aquí a la litografía como ilustración , en mayor o menor grado (ilustraciones más o menos referidas a la descripción de la anécdota ), en interacción directa y física a un texto literario y en concreto, poético.

Múltiples manifestaciones ofrecen en el XIX

Aquí encontramos uno de los temas de tratamiento complejo en historia del Arte porque el “montaje” de los poemas gaélicos del poeta y bardo Ossian, resulta ser falso y sin embargo , suscitando el entusiasmo creador de los artistas y escritores franceses (incluso del propio emperador Napoleón) a caballo del Neoclasicismo y el Romanticismo, da pie a una serie de obras de todo tipo, muchas de importancia. Porque si el tema de los poemas de Ossian se viene abajo una vez descubierta su falsedad y la impostura de los pretendidos poemas gaélicos, obviamente no sucede lo mismo con la producción plástica asociada a su temática . La valoración, por poner algún ejemplo, del cuadro de Ingres El sueño de Ossian o de las Apoteosis de Girodet o de las versiones de Aubry Lecomte porque estén pintados sobre un tema “inventado” casi contemporáneamente, no varían, desde cualquier punto de vista, lo más mínimo. En rigor y en definitiva, los temas de las mitologías antiguas y clásicas, los temas de la mitología cristiana y tantos otros temas a lo largo de la historia del Arte son temas inventados.

Neoclasicismo y poesía.

El Neoclasicismo se asocia a la poesía “clásica” a través de dos temas paradigmáticos.

Uno , el Homérico , presente en el contexto de la vuelta a la antigüedad clásica grecolatina característica de todo el movimiento y otro: el del “descubrimiento” de los poemas del pretendido antiguo bardo Ossian.

“La litografía se asocia desde luego a lo largo del XIX al texto literario de manera inequívoca y estrecha...” ese contenido “poético”, hablando fuera ya del ámbito de lo propiamente literario porque otras formas de expresión artística participan también, precisamente a lo largo del siglo, de ese carácter narrativo en toda la amplitud y versatilidad del término, de la literatura. Delacroix realiza las ilustraciones para Macbeth y para Hamlet de Shakespeare, también para el drama Götz von Berlinchingen de J.W. Goethe , aunque , obviando el fondo y el carácter poético de su lenguaje, se trata de textos esencialmente dramáticos.

Tambien las imágenes del simbolismo o del modernismo, como las ilustraciones de Mucha o sus carteles para Sarah Bernhardt, o la sutileza de los reportes litográficos de James Abott Mc Neill Whistler con atmósferas que podrían asimismo calificarse de “poéticas”.

Quizá caso aparte serían las litografías de un Fantin Latour sobre los temas musicales de Wagner, Schumann o Berlioz, que tienen, diríamos, necesariamente un fuerte conte-

La Litografía como ilustración de la Poesía escrita: Delacroix.

En 1825, con el dinero que le aporta su cuadro “La matanza de Quios”, Eugene Delacroix, uno de los paradigmas del romanticismo pictórico francés, viaja a Inglaterra , donde 23

“Goethe: “Delacroix ha sobrepasado mi propia visión”. (...) sin embargo la crítica francesa tildó de escandalosas algunas de las escenas de la obra...” taciones de Hamlet en el teatro Odeón. Harriet Smithson la actriz en el papel de Ofelia, le impresiona. El interés de Francia en esta tragedia de Shakespeare ganó impulso gracias a la traducción publicada por Alexandre Dumas. Delacroix Realizará así una serie de 13 litografías producidas entre 1834 y 1843 para ilustrar Hamlet pero también igualmente el Macbeth de Shakespeare. “Shakespeare está en un grupo de cinco o seis escritores que son suficientes para alimentar el pensamiento”, escribió Delacroix en su diario poco antes de su muerte. “Estos genios son como las madres que tienen, se puede decir, de dar a luz a todos los demás.”

, entre otras cosas, frecuenta las representaciones teatrales de Shakespeare, se llena de la obra de Byron y Scott, y se inspira en una de las obras más emblemáticas del Romanticismo alemán, como es el Fausto de Johann Wolfgang Goethe tras ver en Londres una adaptación dramática de la obra. Del mismo modo que Manet se inspirará más tarde en El Cuervo de Edgar Allan Poe.

No solamente escuelas y academias serán punto inicial de encuentros y amistades y fidelidades o filiaciones futuras entre alumnos y profesores, más jóvenes, más viejos, como la Petite Ecole de Dessin en el propio Paris o su propia Ecole de Beaux Arts, además de academias de dibujo (a caballo del XIX y XX la “Grand Chaumiere” montparnasiana de Paris será también punto de partida y encuentro entre artistas, Modigliani y Vazquez Díaz, por ejemplo) e incluso las tertulias consteladas en los cafés como el Guerbois sino en el propio Museo del Louvre referente y paradigma de ese concepto más tarde abandonado y denostado, de la copia artística como metodología de aprendizaje del dibujo y la pintura.

Delacroix dibuja unos personajes de atuendo renacentista, de aspecto que quiere ser diabólico por lo afilado de sus facciones en lo que desde luego destaca la figura de Mefistófeles y que a veces resultan algo grotescos e incluso relativamente torpes en su dibujo; sacados al parecer de grabados nórdicos del S.XVI, pero en otros casos imaginados tras la lectura de la obra. Numerosas críticas no se harán esperar. Las dieciocho litografías para el Fausto se incluyen en una edición de 1828 traducida al francés. El escritor alemán declarará: “Delacroix ha sobrepasado mi propia visión”. Sin embargo la crítica francesa tildó de escandalosas algunas de las escenas de la obra.

Los retratos colectivos de Fantin Latour (“Hommage a Delacroix”, “Un Coin de Table”, “L’Atelier a Batignolles” y “Autour du piano”) no hacen sino sintomatizar con claridad ese contacto entre artistas y ese caldo de cultivo general que supone, sin soslayamiento de su cronología ni de su enorme progresión y sus distancias conceptuales y fácticas, no solo en lo plástico sino también en lo literario y en lo musical y en las conexiones entre todos ellos, el ambiente artístico francés del XIX.

Pero Fausto no será el único trabajo litográfico de Delacroix. En septiembre de 1827, el joven Delacroix asistió a una de las represen24

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Entrevista

Nicolás Corraliza LA IMAGEN DIRECTA Por: Isabel Rezmo

Este mes PROVERSO se acerca a Nicolás Corraliza.

que quedan suspendidos en el momento que los libera de los sentidos. Presentamos un poeta cuya poesía deja abierto el pensamiento, expresa lo que hay que expresar y deja el resto en tus manos para desmenuzarla a nuestro antojo.

Dueño de una poesía con imágenes, nítidas, directas. Seduce la palabra y la convierte en algo delicado. Una sentencia detrás del verso. Protagonista de la palabra que subyace dentro de él, su blog es un estigma de versos

Nicolás Corraliza Tejeda (Madrid, 1970). Ha 28

publicado los libros de poesía La Belleza Alcanzable (2012) y La Huella De Los Días (2014) con la editorial Norbanova, y Viático (La Isla De Siltolá 2015). Ha sido Incluido en las antologías Los Niños De La Guerra (Sial/ Pigmalión 2015) y Palabras Prestadas (Ed. De La Medianoche 2015). Ha publicado en las revistas literarias Norbania, Estación Poesía, Ágora,Voladas y Cuadernos de Humo.

RP: Buenas tardes, gracias por ofrecernos este ratito ¿La poesía dice más de lo que en si misma esconde?

“Creo que en la poesía clara, la que habla del mundo y de las cosas...”

NC: Creo que en la poesía clara, la que habla del mundo y de las cosas. La que nace de la intuición y está presente. La que no se esconde y te encuentra.

¿para ti escribir lleva implícito algo más?

RP: Entiendes la poesía como imagen, o al menos es la impresión que extraemos de ella.

NC: En cierto modo sí. En mi caso llegó para ayudarme a comprender.

RP: ¿Hay una línea que separa al poeta del ser humano? ¿Ambas son inevitables?

NC: La entiendo como una realidad, como un misterio del lenguaje capaz de conmover.

Como dijo Nicanor Parra, “Poesía es todo lo que se mueve. El resto es prosa”.

NC: Si la hay, y debe ser el sueño. Ser poeta es una forma de enfrentarse al mundo.

RP: ¿Recuerdas tu primer verso? ¿Cuándo nació tu poesía?

RP: ¿Qué falla y qué virtud tiene el poeta de hoy?

NC: El primero no. El primero decente puede ser del año 2000.

NC: Siempre falla el ego. La virtud del poeta debe ser la humildad.

RP: ¿Crees que el poeta una vez que escribe su primer verso ese verso desaparece con la misma rapidez que al escribir? ¿Cabría pensar que la poesía es efímera?

RP. Todos dicen, o decimos como que la poesía es la más abandonada en la literatura, la hermana “pródiga” sin embargo, hay cada vez más poetas, cada día más gente publica.¿Crees que nos hemos acostumbrado a tener la poesía como un “mercadillo” de versos? ¿Dónde reside la calidad del poema o del poeta?

NC: La poesía es la constatación de lo efímero.

RP: El tópico es preguntarte si escribir nació en ti como una necesidad, 29

“Las redes sociales han hecho que la poesía salga de las bibliotecas, de los festivales ...”

NC: En Otoño saldrá el cuarto libro El estro de los locos, con la editorial RavenswoodBooks.

A largo plazo, no suelo hacer planes.

RP: Gracias por permitirnos esta entrevista, para todos los amigos y lectores de PROVERSO. Que la poesía siga llenando tu existencia y pronto podamos seguir disfrutando de tus nuevas creaciones.

NC: Las redes sociales han hecho que la poesía salga de las bibliotecas, de los festivales minoritarios donde los poetas se crecen. Pero no nos engañemos, sigue siendo un género minoritario donde casi todos nos conocemos.

La calidad reside en el poema. El poeta es un mero transmisor.

NC: Gracias a ti, Isabel, y a Inma, por la pasión y el compromiso que tenéis con la poesía.

RP: ¿Poetas preferidos que te hallan marcado? ¿Lecturas preferidas?

Abrazos.

NC: Últimamente estoy prendado de la obra de José Ángel Valente, y de sus traducciones de los clásicos.

RP: ¿Proyectos a corto/largo plazo?

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THE PIANIST COMPOSER

Piano transcriptions

Bach/Busoni Schumann/Fiorentino Fauré/Fiorentino Thalberg Leschetizky Drozdoff Rachmaninov/Gryaznov Rachmaninov/Devastato Devastato

GIUSEPPE DEVASTATO 31

Reseña

“QUE TODO PAREZCA” Y “EROS EN EL ESPEJO”. LA PERPLEJIDAD DE LA APARIENCIA Y LA CELEBRACIÓN DEL AMOR. Por: José María Herranz Contreras

He recibido recientemente dos libros en cuidada y bella edición de Letra Impar Editores, y de Arma Poética Editorial, que son respectivamente: “Que todo parezca”, de Antonio Carbonell, y “Eros en el espejo”, escrito a la par por Pepe Criado y Antonio Carbonell.

como Aureliano Cañadas, Pilar Quirosa, Ginés Reche o Antonio García Soler, todos ellos maestros de la destilación lírica del lenguaje en su extrema concisión-, y la propia tradición de la escritura amorosa y filosófica andalusí tan presente en nuestra tierra, heredera a su vez del legado griego y de su poesía amorosa en concreto.

Se trata de dos libros bastante diferentes en contenido, pero no en forma, de dos poetas y narradores granadinos, que recogen el espíritu conciso e intenso de la escritura mediterránea –y que recuerdan en numerosos aspectos a autores del entorno almeriense

En “Que todo parezca” el autor ensaya la construcción en el poema de la esencia secreta de las cosas, a partir de una cita de Sócrates que pretende elucidar lo que debe ser la labor del 32

“Carbonell acompaña al lector en este transitar por los laberintos, espejos y memorias de la apariencia, en busca de lo real...” artista. La perplejidad es la protagonista del libro, ya que las imágenes que transitan por él mezclan apariencia, deseo, subjetividad y reflexión metapoética acerca del lenguaje y su poder evocador de la propia realidad, a la que se aspira alcanzar como un preciado bien. Ante un mundo potencialmente en construcción, que dote de realidad al deseo y a la palabra, Carbonell acompaña al lector en este transitar por los laberintos, espejos y memorias de la apariencia, en busca de lo real.

Que la realidad tiene poco de real es algo que desde siempre los filósofos y los aventureros del mundo espiritual nos han alertado, y que una de las labores del artista –o la principal, según Carbonell- es llevar a la obra artística la esencia oculta de las cosas, en este caso al poema. Lo real en la existencia, en el pro-

pio vivir, y por supuesto en la relación con la otredad, la relación amorosa, todo ello parece escabullirse, escapar de nuestras manos y nuestra mente, en el caos de la vida y la libertad, y aun así el poeta busca e indaga en su interior esa construcción de lo real frente a la apariencia del mundo. Esa parece ser la conclusión a la que llega o intenta llegar el poeta, ya que vivimos inmersos en un mundo en gran medida subjetivo, y su voz es la de quien quiere alcanzar la firmeza de las afirmaciones frente a la incertidumbre de las dudas.

Respecto a “Eros en el espejo”, nos encontramos ante un texto completamente diferente.

Pepe Criado y Antonio Carbonell establecen un diálogo, a veces en soledad, a veces en compañía, en la más luminosa tradición andalusí de la poesía amorosa, donde el amor y la erótica entre dos hombres se ha liberado completamente del peso represor de la culpa religiosa de nuestra cultura, y bebe de las fuentes griegas antiguas y de la mitología para dotar de dignidad e identidad este diálogo del dios menor que es el amor frente al espejo donde se reconoce a sí mismo como sujeto amoroso reconocible, deseado y deseante. Qué es el amor y por qué lo sentimos no es cuestión baladí, así como tampoco lo es el conocer por qué deseamos y buscamos a las personas amadas, qué significa la persona amada para nosotros mismos. El núcleo 33

la experiencia amorosa conlleva riesgo y vida en todos los casos. Y eso es algo que Criado y Carbonell muestran al lector para que se asombre y maraville ante estos versos hermosos y valientes, que reclaman su existencia y su identidad no solo frente al espejo.

QUE TODO PAREZCA, de Antonio Carbonell.

Prólogo de Sara Torres. Epílogo de Francisco Vargas Fernández.

Ilustraciones de Carmelo Ruiz.

Letra Impar Editores.

Almería, 2016.

ISBN: 978-84-944759-3-1

“La experiencia amorosa, corporal, en estos poemas tiene mucho de transgresor y liberador, por haber sido perseguida milenariamente...” de esa identificación es uno de los principales motores de la existencia, que entre hombre y mujer genera más vida, y entre dos hombres o dos mujeres genera –al modo platónico- vida espiritual, y en todos los casos maduración y asimilación en uno mismo de las cualidades amadas y la belleza que poseen los propios amantes. La experiencia amorosa, corporal, en estos poemas tiene mucho de transgresor y liberador, por haber sido perseguida milenariamente. La iluminación que el dios Eros nos brinda lo hace a través de Diónisos principalmente, y no tanto de Apolo aunque se enamorase de Jacinto –tema de uno de los poemas- ya que la muerte accidental de este a manos de aquel también alude al platonismo que se quiere lejos de la carnalidad que Diónisos reclama. Lo carnal es lo espiritual, y 34

Literatura

El Atelier

Leonard Cohen Por: Inma J. Ferrero

A menos de un año de su fallecimiento Leonard Cohen, sigue despertando una gran curiosidad entre la gente que se acerca por primera vez a su obra y sus seguidores, tanto en su obra poética como musical.

Leonard, sólo contaba con 9 años de Edad, Su madre Marsa Klonitsky, hija de un rabino, nunca tuvo una buena relación con su hijo Leonard, tanto fue así que acabó ingresada en un hospital psiquiátrico.

Leonard Cohen nació el 21 de septiembre de 1934 en Montreal, Canadá. Su padre era dueño de una tienda de ropa y murió cuando

Leonar Cohen realizó sus estudios primarios en la escuela hebráica, más tarde asistió a la universidad de McGill, durante este período 36

“Obtiene una beca para hacer su tesis universitaria sobre literatura inglesa en la Universidad de Columbia, pero la rechaza...”

crea el grupo de música rústica llamado The Buckskin Boys. En su tercer año de universidad y debido a la mala relación con su madre se va a vivir con un amigo.

Obtiene una beca para hacer su tesis universitaria sobre literatura inglesa en la Universidad de Columbia, pero la rechaza. Publica su primera Libro de poemas “Le tus to compare mythologies” a la edad de 21 años, este libro se lo dedica a su padre. Más tarde se va a vivir a Nueva York, con la escusa de asistir a las clases en la Universidad de Columbia. Durante esta época publica su segundo libro de poemas “The spice-box of earth” dedicado a sus abuelos. Este libro incluye en las últimas páginas unas líneas del diario personal de su abuelo Rabbi Salomón Klinitsky.

“Leonard Cohen se convirtió en uno de los poetas más afamados dentro del pop y ha sido referencia de muchos compositores...”

Durante su estancia en Nueva York y tras una pausa en la Universidad de Columbia, recibe un premio que le permite viajar por toda Europa. Establece su residencia en la isla grieta de Hydra, donde vivió durante 7 años. Escribió en este período el controvertido poemario “Flores para Hitler” (1964) y dos novelas “El juego favorito” (1963), narración sobre un artista joven y judío en Montreal, y Bellos Perdedores (1966) la cual se describe como una novela épica religiosa en la que se resalta el desacuerdo con la religiosidad vigente y que es poseedora de una gran belleza estilística.

Gracias a esta novela el periódico The Boston Globe, señala que James Joyce aún vive entre nosotros bajo el nombre de Cohen.

Bruce Springsteen para la famosa marca. En navidad salió su primer álbum con la compañía.

Leonard Cohen se convirtió en uno de los poetas más afamados dentro del pop y ha sido referencia de muchos compositores. Cohen comparte su visión sobre la exploración de los misterios de la vida en sus escritos. Y tanto su trayectoria como la riqueza de sus letras hacen que destaque frente a otros compositores. Esta característica estilística de Cohen es palpable en discos como: Songs from a Room (1969), Songs of Love and Hate(1971), Death of a Ladies’ Man (1977), o I’m Your Man (1988). En el año 2005 denuncia a su representantem Kelley Lynch, por desvío de fondos, esta se da a la fuga en el año 2006. Ese mismo año lanza su nuevo libro de poemas, Book of Longing y se estrena un documental

De nuevo en EE.UU. se establece en Nashville, persiguiendo su carrera de músico junto con Judy Collins, con el graba el álbum “In my life” dentro del cual están las canciones “Suzanne” y “Dress rehearsal rag”. Su aparición en el Festival de Newport Folk, hace que John Hammond, del sello discográfico Columbia, le reclute junto a Bellie Holiday, Bod Dylan y 37

como en otros países. A la edad de 80 años, aparece su álbum “Popular Problems” que recibe una gran acogida por parte de la crítica.

Fija su residencia en Los Ángeles, donde presenta su último disco “You want it darker” (2016) en este disco aparecen temas sobre el final de la vida y sobre su reconciliación con Dios, y es que como él mismo señala “Estoy preparándome para morir” Leonard Cohen falleció a los 82 años el jueves 10 de noviembre de 2016 en Los Angeles, California.

Discografía: Songs of Leonard Cohen (1967) Songs from a Room (1969) Songs of Love and Hate (1971) New Skin for the Old Ceremony (1974) Death of a Ladies’ Man (1977) Recent Songs (1979) Various Positions (1984) I’m Your Man (1988) The Future (1992) Ten New Songs (2001) Dear Heather (2004) Old Ideas (2012) Popular Problems (2014) You Want It Darker (2016)

sobre su vida, Leonard Cohen: I’m your man.

En mayo de 2006 reaparece en una librería de Toronto, donde canta “So long”, “Marianne” y “Hey, that’s no way to say goodbye”. En 2008 regresa a los escenarios para realizar una gira por todo el mundo que es acogida con gran entusiamo por sus seguidores. En 2009 sale a la venta “Live in Londo” que recoge grabaciones de los conciertos de la gira.

En septiembre de ese mismo año da un recital en España (Valencia) dónde sufre un desvanecimiento. Pone a la venta “Live at the isle of wight 1970” un cd+dvd con su histórica actuación en el festival de la isla de Wight.

Recopilatorios y directos Live Songs (1973) The Best of Leonard Cohen (1975) Live in Concert (1994) More Best of Leonard Cohen (1997) Field Commander Cohen: Tour of 1979 (2001) The Essential Leonard Cohen (2002) Live in London (2009) Live At The Isle Of Wight 1970 (2009) Songs From The Road (2010)

Cohen reaparece en el festival anula de Krakow (Polonia). En 2010 es premiado con el Grammy a toda su carrera, en 2011 recibe el premio Príncipe de Asturias de las letras, en reconocimiento a sus canciones y obras literarias. Podemos señalar llegados a este punto que son muchos los grandes intérpretes que reconocen la influencia de Cohen en sus letras.

Bibliografía: Wikipedia Biografias y vidas (www.biografiasyvidas. com) The Official Leonard Cohen Site

En 2012 saca su nuevo álbum “Old Ideas”, que aparece en poco tiempo como número uno de las listas de más vendidos tanto en España 38

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Santiago de Compostela - Galicia - EspaĂąa

Música

Pablo Galdo El pianista que conoce el verdadero valor de una nota y su uso en el piano Por: Aimé Lambert (Compositor y Pianista)

Qué placer conocer a este pianista, que deben ser, entre el gran número de jóvenes intérpretes, uno de los pocos ha convencido al público. ¿Por qué? Porque este pianista, habiendo interiorizado la partitura, ejecuta la pieza teniendo en cuenta los mínimos detalles, dándole la atmósfera adecuada a las obras, con el debido respeto a los compositores que

las escribieron, sin ningún tipo de floritura que estropee su sentido.

La ortografía, no siempre es un fiel reflejo de las cualidades del intérprete. Para apreciar a un artista dentro de su valor razonable se requeriría que el pianista interpretara doscientas veces la misma pieza. El “aliento impulsor” 42

y la forma física no siempre se van unidos, lo que es humano.

Pablo Galdo nunca decepciona, debido a la honestidad con la que presenta al público lo mejor de sí mismo, la integridad moral y la voluntad de presentar al público un directorio despojado de todas las intenciones de brillar por sí mismo, con la modestia de los grandes artistas, que es su tarjeta de visita. Este no es el caso de otros muchos pianistas, que irrumpen en la escena, como un torero que sólo sabe torear de salón y nos muestra mil y una figuras en el arte del manejo de la muleta hasta llegar a un final que se excita al público, pero que deja al torero internamente insatisfecho con su entrega puesto que es totalmente artificial.

En el mundo del piano hay muchos intérpretes, mucha competencia, por eso se trata siempre de ser diferente, de llevar al límite el punto de expresión y estoy Pablo Galdo, lo hace sin ningún tipo de obstáculo. Su parafraseo es nítido y brillante, nada críptico. Cosa que puede suceder si evaluamos a muchos compositores, no sólo a músicos.

las buenas cualidades que con el tiempo se sumaran a sus interpretaciones, por ello les invito a ir a escuchar un gran artista. Este intérprete al que le viene como anillo al dedo la apelación de “grande” ya que no hace concesiones a la vanidad de presentarse como un “divo” más dentro del elenco pianístico y pone su saber al servicio de la música, lo verdaderamente importante.

El Sr. Galdo solo en la arena, aborda un repertorio ecléctico, que es un reto. Los pianistas a menudo tienen que pensar cuidadosamente acerca de la elección de los compositores que van a interpretar, ¿Serán mejores las piezas de Bach o de Mozart, o es menos aconsejable el repertorio romántico o contemporáneo? Él interpreta con una calidad superior, a compositores como Bach, Chopin, Liszt, Rachmaninov y a la consabida lista de compositores españoles.

“Cuando Pablo Galdo toca el piano, parece que algún tipo de magia a través de sus dedos... el piano se convierte en una poderosa extensión de su creatividad artística y la audiencia entera está bajo el control de esa mágica” David Solomon “Omán Tribune” Esta cita resume mejor la labor de este excelente pianista, a quien deseamos una larga carrera, para el deleite de los amantes de la música.

Él tiene interiorizado el valor de las notas escritas en la partitura poniendo atención a su valor único dentro de esta, su intensidad, su dinámica, su tonalidad adecuada, saborear y digerir, siempre al servicio del ambiente musical. La idea todavía antes del procedimiento, y esto es un placer para el oyente.

Traducido por: Inma J. Ferrero

Sería fácil para mí como “critico” definir a un artista en unas pocas frases, sin complacencia, ya que conozco el negocio, las directrices y repertorio. Pero escuchando a este intérprete de gran sensibilidad, identifico todas 43

Música

¿Se debe aceptar como música algo que no da ninguna muestra de serlo?

Por: Agustín Barahona (Compositor y Pianista)

«Un amigo me venía a decir hace tiempo que era mejor aceptar como música lo que alguien te presentaba como música para así después poder juzgar su valor en esa categoría y poder decir que es música malísima o absurda. Pero

sigo pensando tiempo después lo mismo que entonces le respondí: que nadie en su sano juicio tiene por qué conceder a otros que algo pueda ser lo que a ellos les dé la gana sin que realmente lo sea –negarse a aceptar tal abu44

so es actuar con la honestidad que tanto nos gusta a esa persona y a mí–. Y sigo pensando que si además es realmente una producción humana malísima o absurda puede perfectamente juzgarse como tal sin necesidad de tener que incluirla artificial y deshonestamente en ninguna categoría, simplemente por el efecto en su supuesto destinatario.»

nes de burgueses de fines del XIX. Así que no os creáis mucho de este tipo de cosas cuando la prensa, para sacarles algún rédito, las presenta como la música de las esferas y cosas parecidas Lo he explicado ya muchas veces en relación a diversos timos parecidos y lo seguiré haciendo.»

La buena música es…

¿Qué pretenden algunos experimentos de traducción sonora?

La buena música es la que cumple su función: la que nos emociona y conmociona profundamente transformándonos de tal modo que pasa a formar parte de nosotros mismos para siempre

«Abajo os facilito el enlace a un artículo publicado por la revista PLOS. Lo que trata el artículo, una conversión arbitraria de los parámetros de –en este caso– electroencefalogramas a sonido, no es nuevo. Se viene experimentando con “angelus” o pianolas haciendo esas mismas traducciones desde hace dos siglos. La mayoría de estas cosas suenan espantosas porque el medio no está desarrollado para producir belleza, sino sólo para trasladar al sonido una gráfica, como un juego. De ese modo se concebía en los salo-

Pobres de aquellas culturas que no disfrutan y estudian la Música La Música es la capacidad más profunda de comunicación ancestral con la realidad de la que dispone el ser humano. Sin ella difícilmente puede disfrutarse con Conocimiento de la Vida, en toda su plenitud y esplendor

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Entrevista

Óliver Díaz LA EXPRESIÓN MUSICAL Por: Inma J. Ferrero

Nos acompaña este mes de Abril el director de orquesta Óliver Díaz, que ha tenido la gentiliza de responder a nuestras preguntas.

En 2000 creó el New Millennium Internacional Piano Festival, en colaboración con Julián Martín, y fundó la Orquesta Sinfónica Millennium. Ese mismo año fue el primer músico español seleccionado, admitido y premiado con la Beca Bruno Walter de dirección de orquesta para estudiar en la Juilliard School of Music con Otto-Werner Mueller, Charles Dutoit y Yuri Temirkánov. Se presentó en el Avery Fisher

nació en Oviedo. Estudió en los conservatorios de Gijón y Oviedo y fue premiado en varios concursos de piano. Posteriormente estudió en el Conservatorio Peabody en Baltimore.

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Hall dentro del Focus Festival de Nueva York.

cucharse, es lo que determina muchas veces la calidad de la interpretación, en este sentido cuando uno está dirigiendo y la orquesta empieza a sonar, nota rápidamente si la orquesta se escucha o no.

En su doble faceta de director y solista de piano ha ofrecido conciertos en Europa, Estados Unidos e Hispanoamérica. Tiene en su haber más de una docena de grabaciones para varios sellos discográficos. Colabora en la propuesta educativa Música, Maestro, con conciertos didácticos para niños en edad escolar.

Es vicepresidente de la Asociación Española de Directores de Orquesta (AESDO) y miembro del jurado del Concurso Internacional de Canto Ana María Iriarte. Es director titular de la Orquesta Sinfónica Ciudad de Gijón y de la Barbieri Symphony Orchestra. En el Teatro de la Zarzuela ha participado en las producciones de Luisa Fernanda, El gato montés, Marina y Los diamantes de la corona. Desde noviembre de 2015 es director musical del Teatro de la Zarzuela.

Respecto a los instrumentos más difíciles de dirigir dentro de una orquesta en realidad lo son todos, lo difícil es dirigir la orquesta en si, y sobre todo hay una gran diferencia en ponerse delante de una orquesta y marcar el compás, digamos hacer de metrónomo como en la película de Fellini “Prova d´orquesta”, o realmente dirigir y que el gesto tenga un contenido, que se comunique todo lo que uno quiere lograr y comunicarlo a través del gesto.

R.P: ¿Se ha sentido angustiado o en cierto modo inseguro antes de un concierto? ¿Cómo lo supera?

O.D: Sí, siempre antes de un concierto y sobre todo siempre antes del primer ensayo, para nosotros es difícil la toma de contacto con la orquesta incluso más que el día del concierto, porque es un grupo que no conoces, en esos primeros minutos uno se siente observado y muy expuesto.

R.P: ¿Se formó en algún instrumento o se lanzó como primera idea sobre la dirección?

O.D: No, yo comencé como prácticamente la totalidad de los estudiantes de música, con solfeo, y en este caso mi instrumento era el

piano, digamos que hice mi carrera, grado medio y superior, me fui a Estados Unidos y de una manera natural me fui inclinando hacia la dirección de orquesta hasta que me especialicé en la dirección.

Respecto a cómo superarlo, no lo sé, supongo que con la experiencia no se pasa pero uno con la cabeza aprende a gestionarlo, tu cuerpo aprende a canalizar esa tensión y convertirla en motivación para salir al escenario, en energía para estar concentrado. En realidad efectivamente uno se siente angustiado, pero sólo los primeros instantes antes de salir al escenario, o los primeros minutos antes del primer ensayo, luego ya uno tiene esa capacidad de concentración que te aporta la adrenalina y que te mantiene absolutamente centrado y elimina el nervio, al menos en mi caso

R.P: Ha dirigido numerosas orquestas ¿Nota mucho la diferencia de dirigir unas u otras? ¿Cuáles son los instrumentos más difíciles de dirigir dentro de una orquesta?

R. P: En estos momentos la música clásica pasa por malos momentos en toda Europa ¿Cómo cree que ha influido esto en el mundo de las orquestas sinfónicas?

O.D: Las diferencias entre una orquesta y otra la verdad es que sí se notan mucho, quizá no sea fácil de imaginar, pero la diferencia no sólo es el virtuosismo de sus músicos sino una cosa muy importante, la capacidad de es-

O.D: Bueno, ha influido sobre todo de una manera definitiva en cuanto a la confianza y en cuanto a que muchas de ellas ha estado a punto de desaparecer o han desaparecido, no solo en el miedo que ha generado, sino

“Hasta ahora nadie cuestionaba una orquesta sinfónica...”

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“... la música clásica está tratando de acercarse a otras músicas que no sólo son la clásica para demostrar que al final la música es sólo una...”

de música popular. Yo mismo he grabado un disco con Celtas Cortos y la Orquesta Sinfónica de Asturias que acaba de salir, un disco que está teniendo mucho éxito. Son fórmulas para llegar a nuevos público, es una manera de obtener una gran visibilidad y que no se cuestione la existencia de las orquestas sinfónicas. También los conciertos al aire libre que abundan más que hace años, son otra forma de acercar la música clásica al pueblo, a la ciudad, y también de esta manera acercar a la orquesta, cómo no.

que las orquestas se han replanteado nuestra función en la sociedad. Hasta ahora nadie cuestionaba una orquesta sinfónica, pero como ahora desde la política en general la cultura está en tela de juicio las orquestas están buscando fórmulas para llegar a una mayor cantidad de público y así tener un papel más visible en la sociedad, por ejemplo a través de los conciertos educativos, los conciertos “pops” como en Estados Unidos, en los que la orquesta se une a grupos digamos

R.P: ¿Con qué otras disciplinas del arte combina la música clásica en la actualidad?

O.D: Bueno, la música clásica, como siempre, se ha combinado con la mayoría de las artes y eso sigue ocurriendo hoy en día. Tenemos como ejemplo las óperas, ahí se junta 48

la danza, las artes plásticas, en cuanto a la escenografía, la parte actoral, y por supuesto la música. Digamos que la música clásica ha tratado de buscar desde la época de Wagner, que ya empezó a hablar de una manera muy seria de la obra de arte total, combinar el mayor número de disciplinas artísticas posibles.

Bueno, pues en este sentido hoy en día la diferencia con antiguamente es que, como decía en la respuesta anterior, la música clásica está tratando de acercarse a otras músicas que no sólo son la clásica para demostrar que al final la música es sólo una, da igual el género, porque en realidad todo, en la mayoría de las ocasiones, bebe de las fuentes populares, con lo cual tiene unas raíces comunes.

R.P: En estos momentos dirige la orquesta del Teatro de la Zarzuela ¿Qué tiene de especial la zarzuela para usted? ¿Me definiría la distinción entre ópera y zarzuela?

O.D: La zarzuela tiene de especial para mi que es nuestro género lírico, con lo cual está un poco en nuestros genes, en nuestras raíces, la zarzuela bebe de las fuentes populares y en este sentido de nuestra cultura, con lo cual lo llevamos muy arraigado. Sevillanas, pasodobles o seguidillas, igual que los valses y polkas en la música vienesa. Evidentemente a mi me toca de cerca, tengo la suerte de estar al frente musicalmente de un teatro con tantísima historia como es el Teatro de la Zarzuela.

es género lírico, y quien es aficionado a este género le suelen gustar las dos cosas. Luego por supuesto yo conozco gente que le gusta la zarzuela y no le gusta la ópera y al revés y las causas son diversas, hay diferencias reseñables, sobre todo en cuanto al texto, tenemos ópera española, pero no mucha, sin embargo la mayoría de la ópera es italiana, alemana o francesa, y en este caso el lenguaje puede alejar a cierto público porque la comprensión del texto no es tan profunda , y al revés, hay gente que la zarzuela, al estar escrita en castellano, le resulta excesivamente cercana y le resulta más interesante un libreto extranjero, nos parece que es más refinado, muchas veces no es así, de calidad hay óperas buenas y óperas malas, hay zarzuelas buenas y zarzuelas malas, como en todo, y con la calidad de los libretos ocurre lo mismo.

En cuanto a la distinción entre ópera y zarzuela es sencilla, tenemos ópera española y zarzuela, la diferencia es como entre la ópera y la opereta, que en la ópera es todo el tiempo con música, sin texto intercalado entre números musicales, y sin embargo en la zarzuela o la opereta (vienesa o francesa) sí hay texto hablado.

R.P: ¿En la actualidad sigue habiendo compositores interesados en este género? ¿Y libretistas que capten el interés de los intérpretes, como antiguamente se captaba el interés de figuras como Victoria de los Ángeles, Teresa Berganza, Montserrat Caballé, María Bayo o Alfredo Kraus, José Carreras, Placido Domingo?.

R.P: ¿Cree que el público de la ópera y el de la zarzuela coinciden? Es decir si te gusta la ópera te gusta la zarzuela y viceversa.

O.D: Hay un poco de todo, mayoritariamente al público que le gusta la ópera también le gusta la zarzuela y viceversa, porque al final 49

“Uno tiene que tratar de estar absolutamente volcado con lo que está haciendo en ese momento...”

O.D: Digamos que la zarzuela en si tiene una fecha en la que dejó de componerse, más o menos en 1950. A partir de ese momento la zarzuela queda en segundo plano, y la ópera también pero no tanto, debido a que aparecen muchos modos de diversión diferentes, las nuevas tecnologías, la televisión, etc. etc.

Respecto a los compositores de zarzuela hay muchos, he dirigido hace poco “Las golondrinas” de Usandizaga, un compositor que murió muy joven a principios del siglo XX, con tan solo 27 años y me parece que es un auténtico genio, una pena que no hubiera vivido más tiempo para completar la carrera que le esperaba, que iba a ser maravillosa porque tenía cosas de verdadero genio.

De todas formas, nosotros hemos estrenado recientemente una zarzuela y en los próximos años pretendemos seguir haciéndolo. Estamos tratando de estimular la composición de zarzuelas para que el género siga vivo, y lo mismo sucede con los libretistas. Hoy en día tienen la tarea de adaptarse a los nuevos tiempos y que los libretos sean actuales, en el sentido de que nos cuenten historias afines y que nos sean cercanas, de manera que los libretistas sigan captando la atención de las grandes figuras, por ejemplo María Bayo sigue cantando zarzuela, al igual que Plácido Domingo, así que sí, esperemos que se siga estimulando la composición de obras para el género, tanto para zarzuela como para ópera.

R.P: ¿Cree que la puesta en escena ha de ser modernizada para que el público se sienta más atraído por este tipo de repertorio?

O.D: Esta es una pregunta complicada, es el eterno debate, a veces sí y a veces no. Hay obras que son más fáciles y que se prestan más a la modernización simplemente porque hablan de temas universales, y los grandes temas universales como el amor, la vida o la muerte se han dado en el pasado y se siguen dando hoy en día, son pilares del pensamiento de la sociedad.

R.P: ¿Cuál es su repertorio favorito?

Hablando de la puesta en escena, la dirección musical y la dificultad técnica.

O.D: Esta pregunta es muy difícil. Primero voy a responder el tópico, que es que mi repertorio favorito es siempre el que estoy dirigiendo en cada momento, es un tópico pero no deja de ser cierto. Uno tiene que tratar de estar absolutamente volcado con lo que está haciendo en ese momento y con la obra que está dirigiendo. Más allá de esta respuesta, que es conveniente y políticamente correcta, me gusta muchísimo Verdi, me siento especialmente afín a su música, me encanta Puccini, en el repertorio español Falla me parece una maravilla, y respecto al repertorio sinfónico siempre he tenido una especial predilección por Beethoven, desde niño, siempre me ha dado la sensación de que ha sido un hombre que ha cambiado el mundo, no sólo ha sido crucial en la historia de la música sino en el arte y en el mundo. Compositores como él o escritores como Goethe fueron los que hicieron que vivamos como lo hacemos hoy en día.

Creo que se puede hacer, desde luego, no digo que se deba hacer, pero sí creo que con sensibilidad y con conocimiento se puede hacer y de una forma muy interesante. Ahí está por ejemplo la versión que hemos hecho en el Teatro de la Zarzuela de “La Revoltosa” que ha sido un éxito tremendo. Nuestro “Proyecto Zarza”, en el que “La Revoltosa” ha sido hecha por un grupo de chicos jóvenes que transforman una corrala donde sucedía el amor de Felipe y Maripepa, trasladándolo a lo que sería hoy una corrala, las redes sociales. A priori suena muy complicado y efectivamente lo es, pero se ha hecho con mucha sensibilidad y con muchísimo talento. El resultado ha sido tan satisfactorio que yo creo que ha superado todas las expectativas que nosotros teníamos.

R.P: ¿Cree que la zarzuela se limita al público de habla hispana o que ha pasado a ser un género universal?

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público: “Bueno, ésto son cosas del directo”.

Simplemente comenzamos otra vez y ya está, pero en el momento resultó muy gracioso…

R.P: ¿Sí usted dirigiera un teatro que haría para que los jóvenes de aficionaran a la música clásica?

O.D: Haría lo que estamos haciendo ahora mismo en el Teatro de la Zarzuela que es crear un proyecto joven, como éste que hemos denominado “Zarza”, por y para los jóvenes, para que se sientan integrados. Tratar de acercar ese lenguaje a la gente joven. ¿Cómo se consigue esto?. Bueno, pues haciéndoselo tangible. El lenguaje de la zarzuela y de la ópera es de otra época, estamos hablando de hace más de un siglo en muchas ocasiones, pues en este caso, con mucho cuidado y sensibilidad para que no se pierda nada del contenido y todo se entienda perfectamente, hacerlo cercano.

O.D: Evidentemente la zarzuela tiene su principal publico en el de habla hispana por una cuestión de lenguaje, no obstante yo creo que efectivamente en los últimos años ha pasado a ser un género universal. El hecho de que gente con Elina Garanca o Gustavo Dudamel, hayan adoptado nuestro género hace que se haya convertido en universal. Ya hace unos cuantos años que hemos tenido una “Luisa Fernanda” hecha en Viena y con un grandísimo éxito, o recuerdo cuando “El gato montés” se hizo en Los Ángeles, en ese año fue la ópera más vista en todo Estados Unidos, oséa que yo creo que efectivamente ha pasado a ser un género universal, y bienvenido sea.

Otra de las maneras sería establecer un programa de conciertos educativos con regularidad y continuidad y acercar los códigos del lenguaje de la música a nuestros chicos, para que de esa manera ellos conozcan por qué se escribieron esas obras, qué querían contarnos, cómo están escritas, y continuar esa herencia cultural, que el público joven se aficione a la música clásica.

Ahora bien, hay que tener cuidado porque hoy en día se están haciendo muchos conciertos educativos simplemente por cubrir el expediente, no, así no funciona, debemos establecer un programa a largo plazo en colaboración con las instituciones educativas en el que todos estemos de acuerdo en el contenido, en qué hay que mostrar y cómo hay que mostrarlo, no es tan fácil como parece, requiere un gran esfuerzo pero merece la pena. Cuando estaba en Gijón tuvimos un programa de este tipo, “Música, Maestro”, en el que durante cuatro años hacíamos pasar por el Teatro Jovellanos cada 15 días a diversos institutos y colegios y realmente los resultados fueron maravillosos en aquella época, pero se puede conseguir con mucho esfuerzo y con mucho cariño.

R.P: ¿Tiene alguna anécdota que recuerde con especial cariño?

O.D: Pues sí, a lo largo de unos cuanto años de carrera las anécdotas se van acumulando, pero recuerdo una especialmente graciosa, en un concierto de Navidad, en el que ofrecimos un bis y, era un arreglo mío de “Adeste Fideles”, comenzamos con una introducción un poco particular, pero se notaba claramente que se trataba de este villancico, y en ese momento al cantante se le fue un poco la cabeza y justo después de acabar la introducción él empieza a cantar “Noche de paz”. La situación fue tremenda, nos miramos unos a otros y él supo salir muy bien, paramos y le dijo al

R.P: ¿Cuáles son sus planes inmedia51

tos? ¿Y qué proyectos tiene para el futuro?

ta de Castilla y León, producción de Gustavo Tambascio, y como digo estaré en uno de los teatros más prestigiosos de Europa. Después volveré de nuevo con la Orquesta de Castilla y León, volveré a Lima, Perú, y de vuelta en el Teatro de la Zarzuela donde afrontaré la primera producción de la temporada, después iré a oviedo a hacer “L´elisir d´amore”, y bueno, estos son mis compromisos de los próximos meses.

O.D: Mis planes inmediatos digamos que pasan por dos vertientes ahora mismo, mi carrera está dividida, una mi trabajo como director musical del Teatro de la Zarzuela, que es un trabajo muy bonito y tremendamente exigente y que en este momento requiere todo mi atención, y por supuesto todos los conciertos y producciones que dirijo para el Teatro.

R.P: Muchas gracias por contestar a nuestras preguntas.

Ahora digamos que lo más inmediato es el concierto en la Plaza Mayor de Madrid, el conciertode San Isidro el 15 de mayo junto con la Orquesta del Teatro, nuestro coro, Enrique Viana, y algún que otro colaborador, y espero que sea una fiesta para nosotros y para todos los madrileños. Me toca atender también mis compromisos como jurado de los Premios Princesa de Asturias de este año, y una de las cosas que más ilusión me hace es hacer en en el Teatro Helikon de Moscú junto con Dimitri Bertman, uno de los grandes directores de escena del momento, una nueva producción de “Il trovatore”, una ópera de Verdi que acabo de hacer en Valladolid con la Orques52

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Pintura

JUAN GRIS PINTOR DEL CUBISMO Por: Isabel Rezmo

Juan Gris es considerado una de las principales figuras del movimiento cubista. Pintor.

Se le considera el máximo representante del cubismo sintético junto a Picasso y Braque, Los dos primeros fueron sus creadores, entre 1908 y 1914. Juan Gris lo reformula a partir de 1913, llegando a su mayor pureza, armonía y fundamentación teórica.

truir rígidas teorías sobre el cubismo. Sus cartas a figuras como Picasso, Tzara, Cocteau, Apollinaire, Vicente Huidobro, Matisse o GertrudeStein dan cuenta del ambiente artístico de la época, del rumbo de las vanguardias de la segunda y tercera década del siglo XX y el lugar de privilegio que ocupaba el español en esa escena.

Su importancia radicó tanto en sus obras, en las que predominó el interés por el retrato y el bodegón, como en su aportación teórica. Sin embargo sigue siendo, para muchos, un desconocido. Algunos lo consideran un simple discípulo de Pablo Picasso y otros como un enrevesado intelectual obsesionado por cons-

El cubismo constituye el principal eje del arte del siglo XX, la culminación de un proceso que tuvo origen en el impresionismo y marcó el camino hacia la abstracción. Responde a las transformaciones en las mentalidades y en la percepción de la realidad derivadas de las nuevas concepciones, como la teoría de 54

la relatividad de Einstein o las investigaciones sobre el inconsciente de Freud, el descubrimiento del arte negro, la aparición de la aviación, el uso masivo de las telecomunicaciones o la influencia del desarrollo de las matemáticas y la física.

VIDA Nace en Madrid en 1887, en el seno de una familia bien situada, lo que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media.

Entre 1904 y 1906 estudia en la Escuela de artes y Manufacturas de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico, además de ilustrar el contenido y cubiertas de obras literarias como Alma América de José Santos Chocano, Canciones del camino de Francisco Villaespesa y Alma. Museo. Cantares de Manuel Machado. Su estilo en estos años recuerda a Toulouse-Lautrec y los pintores modernistas catalanes.

sorprende por su radicalidad.

En 1912 Juan Gris da claramente el salto al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salon des Indépendents de París. El verano de 1913 lo pasó en Céret, donde empezó a trabajar la técnica del papiercollé: recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo.

“Sus primeros intentos como pintor en el cubismo son en el año de 1910, cuando fue dejando gradualmente las labores de ilustración...“

Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico como en lo personal. Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista, en sintonía con la vuelta al orden que emprendieron muchos otros artistas como André Derain. Mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista. Esta última etapa ha sido habitualmente subestimada por comparación con el cubismo analítico, pero ha recobrado estimación en fechas recientes y fue motivo de una antológica en el Museo Reina Sofía en 2005.

En 1906, para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso, FernandLéger y Georges Braque. Vivía en un hostal, en el Bateau-Lavoir de Montmartre durante unos diez años.En sus primeros años parisinos subsiste dibujando para publicaciones como L’AssietteauBeurre, Le Cri de Paris, Le Témoin y Charivari.

Sus primeros intentos como pintor en el cubismo son en el año de 1910, cuando fue dejando gradualmente las labores de ilustración, aunque en los museos españoles existen pocos ejemplos de esta fase. El Museo Thyssen-Bornemisza posee un dibujo de 1911 que

En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías para dos montajes de ballet de Diaghilev. entre 1922 y 1924 Les Tenta55

“A partir de los años 20, el color se hace más vivo; las obras serán más líricas, más naturalistas....“ A partir de los años 20, el color se hace más vivo; las obras serán más líricas, más naturalistas, incluirán el exterior, la vida orgánica y la curva, en una dualidad entre el escueto naturalismo y la afirmación cubista del cuadro. Para Gris, el cubismo no era un procedimiento pictórico sino una estética, un estado del espíritu en el que las obras reflejan los avances filosóficos, científicos y tecnológicos del momento y, al tiempo, contribuyen a su desarrollo.

tions de la bergère y La Colombe. Paralelamente seguía pintando y escribiendo ensayos teóricos como Notes sur mapeinture (1923) y Des possibilités de la peinture (1924).

Falleció en Boulogne-sur-Seine el 11 de mayo de 1927.

El uruguayo Torres-García recogerá el testigo de su herencia, cuya huella puede verse en su universalismo constructivo. Su proceso recuerda al de Juan Gris: primero estructura; después geometría; luego signo, finalmente espíritu. Torres-García definirá a Juan Gris como “el geómetra perfecto y por eso el más puro de los cubistas. La más pura creación

OBRA Juan Gris, el más puro de los cubistas, reformuló el movimiento desarrollando una noción rigurosa de la pintura, dotando de unidad al cuadro. Realiza obras bien estructuradas en las que parte de una estricta composición geométrica que combina con la incorporación de rimas plásticas, otorgando a la obra emoción y serenidad.

Poco a poco irá desarrollando un método propio, en el que concilia el papel de la imaginación con las leyes estrictas de composición que va descubriendo. Una matemática que le ayuda a establecer la estructura, la arquitectura del cuadro. De ella, de lo abstracto de la geometría y el plano de color, nacerá el tema por la necesidad de objetivación del espectador. Gris “califica” esas superficies planas introduciendo signos o trazos con el fin de dirigir la mirada del espectador a través de relaciones poéticas. “Hacer de un blanco un plato, de un rojo una botella, de un negro una sombra…”. Inventor de las rimas plásticas o metáforas estéticas, sus lienzos esconden juegos simbólicos, correlaciones de formas y figuras. Una manera de pintar poética.

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dentro de un perfecto ordenamiento”

Esta es la dimensión poética de la pintura que influirá en Vicente Huidobro. Gris, además, introduce el primer texto impreso que dialoga poéticamente con las formas plásticas.

Al igual que otros cubistas y que el arte moderno en general, Juan Gris tuvo escaso predicamento en los circuitos culturales españoles mientras vivió. Todavía décadas después de su muerte, su producción tenía escasísima presencia en los museos públicos. A partir de la década de 1980 diversos museos y colecciones emprendieron la adquisición de pinturas suyas, gracias a lo cual actualmente existen varios conjuntos importantes. Hay que destacar el generoso muestrario del Museo Reina Sofía y el grupo de obras reunido por la fundación de la compañía Telefónica, que se expone en un edificio de la Gran Vía madrileña. Poseen también obras de Gris el Museo Thyssen-Bornemisza y la Academia de San Fernando, entre otras instituciones.

Huidobro se relaciona con Gris en París desde finales del año 1911. Establece nuevas relaciones entre las palabras descomponiendo los elementos idiomáticos, tanto desde el punto de vista semántico y sintáctico, como de disposición gráfica en forma de caligramas u otras combinaciones en la página, de manera análoga a lo que el cubismo hace con los elementos de la pintura. El poema ingresa así en las artes plásticas.

Mantuvieron una estrecha amistad compartió tertulias, intereses intelectuales y actividad literaria en Francia durante 1917 y 1918, y mantuvo correspondencia hasta fines de los años 20, cuando una enfermedad pulmonar provocó la prematura muerte de Gris. Tal fue la cercanía, que el pintor retrató al poeta creacionista en 1917 y 1922, y le ayudó a traducir al francés su libro Horizoncarré. Por su parte, Huidobro le dedicó su obra Poemas árticos.

Amistad con Vicente Huidobro Juan Gris establece la armazón geométrica de la composición: la arquitectura. Partiendo de esas abstracciones establece relaciones, rimas, acordes, colores y texturas, y compone cuando los colores se convierten en objetos.

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Portafolios

“Las palabras a las Mujeres” Por: Elisabetta Bagli

El mes de marzo fue un mes muy intenso por lo que se refiere a la actividad literaria y artística. Es el mes de las mujeres, el mes en que se pone el acento en el universo femenino en su totalidad, partiendo desu belleza interior,lo que da un toque más bonito a la hora de describir la vida desde su nacimiento, hasta llegar a su fuerza interior, aquella capacidad de tener sensibilidad y al mismo tiempo carácter durante el descubrimiento de la vida misma.

La mujeres tienen una energía distinta de los

hombres, que complementa el saber vivir y les ayuda a la hora de tomar decisiones difíciles para ellas, que serían facilísimas si fueran varones.

El día 24 de abril tuvo lugar un acto homenaje a LAS MUJERES EN LA POESÍA ESPAÑOLA CONTEMPORÁNEA. HOMENAJE A GLORIA FUERTES (1917-1998) en el Centro Cultural Gloria Fuertes de Barajas. Esta actividad se organizó en el marco de la Campaña con mo58

to y muy bonito, en el que se sintió mucho el fluir de los sentimientos y de las palabras que arrastraban.

tivo del 8M que organizó el Ayuntamiento de Madrid: memoria de las mujeres en Madrid (que la construyeron ayer, que la construyen hoy). Lo organizó el Distrito de Barajas (Unidad de Actividades Formativas, Culturales y Deportivas) y la Dirección General de Igualdad entre Mujeres y Hombres, en colaboración con la Biblioteca Pública Gloria Fuertes y la Asociación Clásicas y Modernas.

Siempre en el marco del 8M, la Asociación EmPoderArte, presentó el proyecto expositivo “Nosotras Mismas”, comisariado por las artistas Adriana Exeni y Patricia Friedman, proyecto que se ha llevado a cabo en Rivas, en el Centro Cultural Federico García Lorca, y que se inauguró el 7 de marzo de este año con motivo del mes de Marzo Mujer.

La jornada poética constó de tres partes: en la primera se contó con la intervención de la profesora Anna Caballéde la Asociación Clásicas y Modernas, que intervino describiéndonos la vida de la artista en el marco de la época y de la generación en la que vivió. En la segunda parte hubo un momento en el que tres artistas interpretaron música de cámara, y en la tercera se invitóa participar a poetas y escritoras/es, declamando poemas propios o bien poemas de Gloria Fuertes y otras poetas contemporáneas. Entre estas artistas estuvieron, con poemas propios, Inma J. Ferrero y ElisabettaBagli. Fue un acto muy comple-

EmPoderArte es una Asociación internacional que agrupa a mujeres artistas que buscan dar una mayor visibilidad a la mujer en el arte haciendo sobre todo arte de género. Está comprometida principalmente con la denuncia de todo tipo de problemas sociales, especialmente la violencia machista, que organiza los ejes temáticos de sus exposiciones. Está formada por cuarenta y tres artistas de vocaciónmulticultural y multidisciplinar, que han preparado una exposición, dinamizándola con

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del mar”, del que enseñó también unas diapositivas. Fueron momentos inolvidables en los que la magia de las palabras se fundió con las imágenes, con los sentidos, con las almas de las tres poetas sinérgicamente unidas, y con el público inmovilizado por la belleza de los versos que parecían flotar en el aire.

distintas actividades paralelas a lo largo del mes de marzo. La primera de ellas tuvo lugar el 23 de marzo,consistiendo en una conferencia con tres participantes que hablaron sobre las mujeres en el arte y su invisibilidad a lo largo de la historia en una sociedad paternalista y machista. Intervinieron Carmen Garda Iglesias, historiadora del Arte, y también Silvia Martínez Cano, doctora en Educación de la Universidad Complutense de Madrid.El día 30 de marzo tuvo lugar unRecital de poesía, en el que se pudo escuchar poesía escrita y leída por sus propias autoras. Las poetas invitadas fueronElisabettaBagli, Juana Castillo Escobar y Laura OlallaOlawid. La escritora y poeta ElisabettaBagli declamó unos poemas de su nuevo libro “Voz”, de Ediciones Vitruvio, y algún otro poema inédito escrito para la ocasión. La escritora y artista Juana Castillo Escobar declamó algún poema de su libro “Perlas de luna” y un relato de “Mágico Carnaval”, y la escritora y pintora Laura Olalla Olwid, recién llegada del Festival de la literatura de Cuba, declamó algún poema de su libro “Fugitivas

El 29 de marzo, siempre en el mismo marco del 8M, se presentó el libro “Hilos” de la actriz y escritora Marta Guardincerri,en la Sala Polivalente del Centro Cultural Conde Duque.

La Presentación corrió a cargo de ElisabettaBagli, con participación de Mario Schoendorff, guionista de cine y televisión, así como analista de guiones, y de AnnalisaTantini, psicóloga, terapista, periodista y practicioner en las flores de Bach. Intervino también el coro Gospel “AllforGospel” en el que Marta participó, cantando y bailando.

Marta Guardincerri es una mujer fascinante, una gran artista y escritora que sabe poner sus sentimientos y sus vivencias en lo que

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escribe y en lo que hace. “Hilos” es como un regalo que nos hizo para que crezcamos un poco más reflexionando sobre las relaciones con la familia, los parientes, los amigos. Aquí hay una síntesis de la Reseña de “Hilos” de Marta Guardincerri que escribió ElisabettaBagli.

“No me fue difícil entrar en conexión con Giulia, la protagonista del libro escrito por Marta Guardincerri, ya que algunas de sus vivencias las he sentido muy cercanas a mi persona: ese carácter tímido y un poco introvertido, esa necesidad de hacerse daño físicamente y sobre todo psicológicamente para sufrir y llegar a un agujero negro, ese deseo de decir que no a la vida que se tiene delante para escapar y encontrarse a sí misma, porque solo así parece posible alcanzar los objetivos; todas ellas fueron características que me acompañaron por años.

La incomodidad de vivir, la inadecuación de estar en los lugares que no se sienten como propios porque algo ha pasado, algo que ha roto el “hilo” con la vida, con las certidumbres de la infancia, con la esperanza de un futu-

ro junto a la familia unida y la impotencia de no poder hacer nada para frenar los acontecimientos tristes que nos provocarán infinito dolor. Pero es este dolor lo que nos hace crecer, lo que tenemos que afrontar para vivir y superar nuestras debilidades. Es este dolor lo que nos dará la clave de toda nuestra existencia y lo que nos dará la posibilidad de vivir un futuro mejor con personas nuevas, y con las que representan nuestros afectos abandonados por miedo a saber de dónde vienen nuestros orígenes.

Marta sabe describir todo esto con una soltura increíble en la escritura y con metáforas muy acertadas, dando colores a las imágenes regalándonos varias perlas en sus frases más intimistas y más realistas, perlas con las que reflexionar para ver lo que pasa también con nuestras vidas.

“Hilos” de Marta Guardincerri es un libro muy bien escrito que suscita profundas reflexiones, para todos los públicos, porque abre los ojos a un mundo interior cuya existencia a menudo olvidamos.”

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PALABRAS CON HISTORIA

“SEMANA SANTA” Por: Marcos López Herrador Los días grandes de la Semana Santa son el Jueves Santo, en el que se conmemora la institución de la eucaristía, el Viernes Santoen el que se conmemora la Crucifixión de Jesús y la Vigilia Pascual durante la noche del Sábado Santo al Domingo en que se conmemora la Resurrección de Jesús.

La Semana Santa es la conmemoración anual cristiana de la Pasión, Muerte y Resurrección de Jesús de Nazaret.

La Semana Santa es un periodo de intensa actividad religiosa, dado que constituye el punto culminante de todo el año litúrgicodentro de las diversas confesiones cristianas.

Comienza el Domingo de Ramos y finaliza el Domingo de Resurrección, aunque su celebración suele iniciarse en muchos lugares el viernes anterior, conocido como viernes de Dolores.

No hace falta ser un agudo observador para darse cuenta que la fecha de la celebración es variable, dado que se sitúa entre marzo y abril según el año. Cabe señalar el hecho de que la fecha no es fijaporque depende del calendario lunar, que es el que rige la celebra62

ción de la Pascua judía. No debemos olvidar que Jesús llega a Jerusalén para celebrar la Pascua y que la Santa Cena no es sino, precisamente, la cena de celebración de esa fiesta judía.

penitentes, que pretenden compartir el dolor de Cristo y de la Virgen María, haciendo penitencia de forma anónima, cubriendo su rostro con un capirote o capuchón cuyo origen se encuentra en los comienzos de la Inquisición, cuando a las personas que estaban castigadas por motivos religiosos se les imponía la obligación de usar una prenda de tela que les cubriera el pecho y la espalda, y un cucurucho de cartón en señal de penitencia y pública humillación.

Así que la Pascua de Resurrección se celebra en el domingo inmediatamente posterior a la primera luna llena tras el equinoccio de marzo, por lo que puede ocurrir no antes del 22 de marzo ni después del 25 de abril.

Durante la Semana Santa tienen lugar numerosas muestras de religiosidad popular a lo largo de todo el mundo, destacando las procesiones como una de las manifestaciones más características de estas fechas, de las que ya, en la Edad Media, encontramos constancia histórica.

Pocos son los lugares en España que no se vuelcan con su Semana Santa, siendo de fama internacional los desfiles procesionales de Sevilla, Málaga, Jaén, Granada, Murcia, Orihuela, Zamora, Salamanca, Valladolid, Cuenca, León, Medinaceli, Palencia, Lorca, Úbeda y de tantos otros lugares, en los que la emoción de quienes se sienten unidos por la fe se transforma en un fervor popular compartido.

Pero es en los siglos XIV y XV, con la aparición y difusión de la órdenes mendicantes, cuando se produce un cambio en la vivencia religiosa de los fieles, pues estas órdenes pretendían un acercamiento de lo sagrado al pueblo, y el adoctrinamiento de éstea través de la enseñanza de los misterios de la fe, que una liturgia en latín no facilitaba. De ahí que las imágenes religiosas se multiplicaran a partir de entonces, y surgieran representaciones teatrales de carácter religioso, con elaborados textos como son los de los autos sacramentales. Un precedente de esta tendencia a escenificar lo sagradoes el pesebre viviente que organizó san Francisco de Asís en la localidad italiana de Greccio, que también es origen remoto de los belenes de Navidad.

En la actualidad son las cofradías las que mantienen esta riquísima tradición cultural de honda raíz religiosa, con la que el arte se desborda en sentimientos y emociones de un pueblo que encuentra en su fe milenaria un signo de identidad espiritual e histórica.

Pero, sin duda alguna, es a raíz del Concilio de Trento cuando las procesiones adquieren una enorme importancia, pues la Iglesia Católica ve en este tipo de actos un poderoso instrumento de evangelización y persuasión, en un marco donde el impacto visual de la imagen era más efectivo que la lectura de relatos bíblicos, que por otra parte tenían una influencia limitada debido a las altas cotas de analfabetismo y a que estaba prohibido traducir los textos sagrados del latín.

En estos desfiles procesionales, en los que se produce una mezcla de lo sagrado con lo profano, las imágenes son acompañadas por 63

Portafolios

El anaquel

Los libros liberan mรกs que nutren y quiero ser testigo de esa liberaciรณn Por: Matteo Barbato El poder y la burocracia son los instrumentos de una sociedad que impone sus criterios y normas, sus protocolos y reglas. Quien ocupa dichos puestos a menudo abusa de nuestra paciencia, tiempo y espacio, para mantener sus privilegios. Paralelamente, la cultura y las costumbres dominantes, los vecinos y la comunidad en la que vivimos o incluso los celos de nuestros amigos y familiares nos impiden vivir tal y como queremos. En la medida de lo posible los libros que se presentan este mes tratan de forma directa o indirecta esas cuestiones.

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El cuento de la isla desconocida José Saramago Nº de páginas: 80 págs.

Editorial: PUNTO DE LECTURA ISBN: 9788466318464 La belleza de la obra de Saramago reside en su sencillez y complejidad a un tiempo. Todos pueden adentrarse en sus páginas: un niño podrá paladear las capas exteriores de una historia de amor y aventura, un lector experimentado encontrará los matices propios de una gran obra literaria.

El personaje principal de la obra, es un individuo sin nombre (el autor no asigna ningún nombre a sus personajes, tal vez con la intención de decirnos que su historia puede ser la de cualquiera), franco y de extraordinaria determinación, capaz de cambiar su vida y la de otros sencillamente persiguiendo su sueño. Para cumplir con su cometido ese hombre

se enfrentará a las normas para vencerlas (entran aquí en juego los conceptos de normas/palacio, Rey/interlocutor, sirvientes/burocracia); superará con fe y determinación las adversidades propias del trayecto (no conoce la isla ni sabe cómo llegar a ella y tampoco sabe navegar, aunque tiene todas la determinación suficiente paraaprender su camino); tendrá fe en el destino como fuente de apoyo contra las adversidades (la mujer de la limpiezale será de gran ayuda en los momentos de incertidumbre); desechará lo superfluo para desembarcar en la isla desconocida(los marineros) y limpiará el barco para la travesía(irá descubriendo sus puntos fuertes y débiles para cambiarlos).

En definitiva, José Saramago nos marca un discurso de carácter ontológico muy preciso: lo irrealizable é posible si salimos de nosotros mismos; solo cuando podemos mirarnos a los ojos, volcándonos en nuestro mundo interior, tendremos a nuestro alcance la isla desconocida, es decir nuestras verdaderas necesidades. El sueño es otro plano de la realidad y podemos perseguirlo…

Muy recomendable su lectura.

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Distintas formas mirar el agua

de

JULIO LLAMAZARES 200 págs.

Editorial Alfaguara, ISBN: 9788420419176 ¿Qué ocurre cuando un estado soberano decreta tu futuro? ¿Qué ocurre cuando exilian a un pueblo entero? La respuesta está en la mente y en el alma de Domingo, nuestro protagonista, quenunca abandonó sus tierras.

En los años 60, la decisión del gobierno de construir distintos embalses en el país marcó el destino de numerosas familias que se vieron obligadas a desalojar sus casas, dejando sus terrenos y gran parte de sus pertenencias.

Realojarse en otras tierras fue el comienzo de una nueva vida, vida que nunca empezó en el corazónde Domingo (cabeza de familia y uno de los expulsados de Ferreras):la carga del exilio y el desconsuelodelapérdidareaparecieronuna y otra vez en su memoria.

La obra de Llamazares es un himno, un relato coral a dieciséis voces sobre el destierro, un canto,la melancolía de unas historias sumergidas por el agua que Domingo, ahora abuelo y jefe de una familia extendida, lleva por dentro y que en ningún momento olvida durante el resto de su vida. Su muerte, medio siglo después, reúne a todos los miembros de la familia en los lugares de antaño, justo donde reposan (ahora sí) sus cenizas.

La superficie del pantano se convierte entonces es el lugar adecuado donde cada miembro de la familia nos regala su perspectiva: su forma de mirar el agua (es decir sus tierras de antaño, su pasado añorado) y lo que significa dicha pérdida para cada uno de ellos (elexilio difuminado en algunos miembros, aún vivo en otros).

A dicha de muchos críticos es una gran obra literaria: yo solo puedo añadir que al leerla añoré mi tierra.

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La perla John Steinbeck Editorial: EDHASA ISBN: 9788435008440 Las relaciones humanas cambian y se empobrecen en función de la situación económica de las personas (la perla es el símbolo de la codicia del hombre) y la familia de Kino padece esta situación cuando se ve obligada a pedir ayuda al médico (su hijo pequeño ha sido víctima de la picadura de un escorpión). Para salvar la vida de su hijo, Kino intenta encontrar una perla de gran tamaño y lo consigue: ahora este pobre pescador sueña con vencer el hambre, con una buena escolarización para su hijo, con casarse y con tener remedios seguros contra la enfermedad. Todo eso le puede proporcionar el descubrimiento de “la perla del mundo”, pero el destino le prepara una amarga sorpresa.La perla es solamente un hechizo fatal, una ilusión esférica que arruina su vida y la de su familia. Su lucha contra las

adversidades conlleva la pérdida de su mundo paradisíaco (sin ganar ningún otro): su vida se convierte en una persecución, la sed de riqueza enturbia su alma y la de los vecinos. A su alrededor hay estafas, incendios dolosos, enemistad, robos y engaños y, por último, la muerte de su hijo.

Esta novela pretende relatar las penurias del hombre, cuya existencia se ve corrompida por la riqueza y por el dinero (es el caso de las clases privilegiadas) a diferencia de las familias pobres, cuyos principios y valores siguen siendo puros, inmaculados, inestimables.Escrito con cuidada sencillez y con inestimable lirismo, la obra de John Steinbeck, un clásico de la literatura, nos invita a reflexionar sobre la riqueza material y aquello que se pierde cuando la perseguimos.

Muy recomendable

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¿Fue él?

Stefan Zweig Acantilado Narrativa 80 páginas ¿Qué ocurre cuando de repente pierdes el afecto de tus personas queridas? ¿Qué sucede si tu entorno, las personas que te cuidan y te miman, de repente te abandonan por otra persona?¿Qué ocurriría si las personas poderosas perdieran todo su poder?

El autor se fija (y reflexiona una vez más de forma magistral) sobre el mundo de las pasiones, sobre la pérdida del afecto y sus consecuencias, esta vez, curiosamente,sobre los celos de un animal abandonado, un cachorro de bulldog, al que inicialmente se le conceden todos los caprichos.

La llegada de un bebé da un giro previsible, pero inquietante al relato (las atenciones de

los dueños de Ponto, el perro mimado, cambian totalmente de rumbo, dejándole totalmente al margen de la vida familiary de sus privilegios).La belleza del relato reside en este cambio: pasar de un estado de exaltación a una sensación de completo abandono, deorfandad, desarrolla en el animal un sentimiento creciente de rabia, de impotencia,hasta finalizar en venganza.

Muy recomendable

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C/ Sagasta, 6 23400 Úbeda - Jaén (+34) 953757216 editorial@didacbook.com http://www.didacbook.com 69

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