Proverso, 15 de mayo de 2017

Nº 14Mayo de 2017 https://proversoblog.wordpress.com

PRoverso LITOGRAFÍA Y POESÍA (II) ALFREDO PIQUER GARZÓN “Permiso para embalsamar” eNCARNACIÓN PISONERO

flavia falquez “lA POESÍA ACTUAL DEBE SER UN REFLEJO DE LAS CIRCUNSTANCIAS VITALES DEL POETA..”

jorge de león

“Me

enamoré de la música y sentía que era un amor platónico...”

Sumario P.10 José María Garrido de la Cruz - Gloria 3 P.14 Elena González - la Poesía Latente P.18 Litografía y poesía (II) - Alfredo

Piquer Garzón P.25 Flavia Falquez - Poesía en ima-

gen y palabra P.32 “Permiso para embalsamar”.

Una taxonomía estética y poética de la muerte - Encar- nación Pisonero

P.36 El Atelier - Wislawa Szymborska P.42 Glinka y la música española P.44

Juegos Musica. ¡Mas de 3000 actividades y Juegos para aprender Musica con el orde- nador o la PDI de clase!

P.25

P.46 Jorge de León - El brillo sonoro P.50 Francisco de Goya - Luces y sombras P.56 Cuando Madrid se tiñe de poe-

sía y de arte P.58 Palabras con historia - Banca P.60 El Anaquel

P.46

PRoverso

DIRECCIÓN GENERAL Inma J. Ferrero DIRECTOR ADJUNTO Isabel Rezmo DIRECCIÓN EDITORIAL Inma J. Ferrero / Isabel Rezmo ARTÍCULO Alfredo Piquer Garzón CRITICO LITERARIO José María Herranz Contreras CRITICO MUSICAL

WEBSITE https://proversoblog.wordpress.com E-MAIL revistaproverso@gmail.com COLABORAN:

Aimé Lambert MÚSICA Agustín Barahona EL ATELIER Inma J. Ferrero PINTURA Isabel Rezmo PALABRAS CON HISTORIA Marcos López Herrador EVENTOS Elisabetta Bagli EL ANAQUEL Matteo Barbato EDITA Velintonia Editores DISEÑO GRÁFICO LaMásWeb

CARTA EDITORIAL

La Revista PROVERSO inicia en el mes de febrero de 2016 su primera edición, aquí encontrará artículos de carácter cultural escritos de una manera sencilla y amena, Proverso es el resultado de la fusión del trabajo entre poetas, escritores, músicos, artistas plásticos, diseñadores y fotografos (que irán compartiendo sus trabajos a lo largo de los siguientes números de la revista) que con mucha ilusión y determinación hemos decidido emprender este proyecto, que es un compromiso con nosotros mismos y con la sociedad que nos rodea. Pretendemos con esto mostrar en equilibrio el que hacer cultural en todas sus formas, sin limitarnos al plano literario. Para cumplir con el primer objetivo nos hemos trazado un plan que si bien es modesto significa un granito de arena, que sumado a otros esperamos puedan cubrir una amplia extensión del ambito cultural.

Dentro de Proverso contamos con secciones de información sobre textos literarios, crítica musical, entrevistas, artículos literarios, artículos sobre arte, reseña literaria, cartelera, todos ellos temas de interés general.

Agradecemos la confianza en recibirnos, trataremos que Proverso sea un vehículo de unión entre todas las artes. Esperando que esta revista sea de su agrado les invitamos a conocernos.

Inma J. Ferrero Director General

Museo Miguel Hernández - Josefina Manresa Quesada (Jaén)

Narrativa

José María Garrido de la Cruz gloria

Proverso acoge en sus páginas del mes de mayo al escritor abulense y afincado en Madrid José María Garrido de la Cruz, que nos trae su relato Gloria 3, del que esperamos disfruten.

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neración Nos pronto nace en él. La afición por las letras.

Posteriormente se licencia en Psicología por la Universidad Complutense de Madrid.

Ha publicado dos obras de relatos breves, “HORIZONTE AL NOROESTE” Vitruvio 2010 y “A SALTO DE MATA” Lastura 2017.

José María Garrido De La Cruz, nació en Ávila en 1953, si bien, ha permanecido una gran parte de su juventud en la Galicia profunda, Orense, donde estudia el Bachillerato, antes de la era autonómica.

Ha recibido el XXI Premio Nacional de ppoesía SANTATERESA DE JESUS de la Diputación de Ávila y ha publicado artículos y relatos en distintas revistas y diarios de tirada nacional y actualmente participa de forma activa en la tertulia Gerardo Diego del Café de Oriente,

Discípulo de Laureano Prieto, Xoaquin Lourenzo, Xesus Ferro Couselo, y de Ramón Otero Pedrallo, conocidos puntales de la Ge10

y pertenece al Grupo de poesía del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

ser una obsesión, cuyo resultado es necesario compartir.

En su vocación literaria cabe también el teatro, el ensayo, la novela y la prosa poética.

GLORIA 3 23 de Julo de 2016 In memoriam de Gloria Lago Pérez

R.P.- ¿Cuándo llegaste a la literatura?

J.M.G.- Diez u once años tendría yo cuando realmente descubrí el placer de la escritura gracias a mis profesores del colegio. Antes había escrito algún cuento que transcribió mi padre con su estilográfica y que aún conser-

Se alarga la sombra en la estación. Espero a que otro tren marque un tramo nuevo en mi camino.

Las agujas del reloj van más despacio. O al menos a mí me lo parece.

Me acerco más. Las miro fijamente. Es el mismo reloj, las mismas horas.

Ya no hay nadie sentado en esos bancos.

También se ha ido el jefe de estación.

A lo lejos el horizonte sigue allí. Son otros nombres.

Se oye un pitido prolongado, que sale del túnel y viene hacia la luz. Me subo en el último vagón, tal vez para alargar un poco más el viaje o llegar mas tarde a mi destino.

La vida empieza a andar, como el tren, al principio muy despacio. Luego el paisaje pasa sin darme apenas cuenta.

En los vagones se mezcla la madera de roble y de castaño.

vo, pero solo fueron esbozos, raíces.

Uno de los primeros viajeros que ha subido, Irwin Wallace, ataviado con abrigo, sombrero y pajarita negra, le entrega a su viejo amigo y compañero de viaje Edward Grieg su legado: el Premio Nóbel.

R.P.- ¿Qué significa para ti escribir?

Le coge de sorpresa.

J.M.G.- Como refiero en mi obra “a salto de nata” Lastura 2017, Por el placer que la creación provoca, escribir se convierte en un vicio imprescindible.

Pasadas varias estaciones, a través de la ventanilla medio abierta oigo su tañido lejano, y me pregunto: - ¿Por quien doblan las campanas?

Este ejercicio alimenta el alma, pero además si se trata de esbozar relato breve, - una fotografía instantánea de la vida, con su nitidez, intensidad y contrastes -, la creación pasa a

Acaban de subir otros viajeros, José María Gironella, vestido con la cazadora de pana parda del Tercio de Requetés de Nuestra Se11

ñora de Montserrat, me responde:

Tal vez lleve un libro entre las manos.

- Pregúnteselo. Es Robert Jordan, especialista en explosivos. Él conoce la respuesta.

Me hizo el mejor regalo de mi vida.

La afición a la lectura, la vocación de escribir.

Vierte hacia mí una extraña mirada. Le reconozco, siento miedo y no le pregunto nada.

El tren va perdiendo poco a poco velocidad, se acerca la penúltima estacón.

En cada estación suben nuevos viajeros.

El tren se para.

En el suelo casi escondidas por los asientos diviso un par de sandalias sencillas.

Bajo despacio.

No llueve.

Son de él - Me dice en voz baja Morris West, que ha subido hace ya un buen rato, señalando a su compañero de viaje, que escucha abstraído el tañido de la campana. - Es Cyril Dacota.

He oído que acaba de ser nombrado Papa y tiene una difícil tarea por delante.

Me doy cuenta de que han pasado ya muchas estaciones.

La veo a lo lejos. Ya no es la adolescente que guardo en mi recuerdo. Es una mujer mayor.

Parece estar protegida por una muralla de horas olvidadas, de libros apilados, como todos los días de su historia. ¿Estará escrito mi nombre en alguna de esas páginas?

He comprado en la estación de origen un cuaderno y sus hojas se han vuelto amarillas a lo largo del viaje.

Muy cerca de él, se ha sentado Christoph Gluck, quien me sonríe. Me reconoce. Sabe que he escuchado muchas veces su obra maestra, Don Juan.

No tienen ni un solo garabato. Todas ellas están impacientes por la tinta.

Me acerco a la mujer y le pregunto:

Como a él, me espera una mujer.

- ¿Por qué lloran los castaños?

Desde el asiento de atrás Héctor Berliotz y Henrietta Constance Smithson, contemplan enamorados, el paisaje. Tal vez se imaginen una Sinfonía Fantástica.

Ella sabe de qué hablo. No hacen falta más saludos.

- Vamos - ¿Dónde me llevas?

- Al paraíso de las letras, pero dime, ¿te ha servido para algo mi regalo?

Sonrío. Ella conoce el cariño con el que lo conservo.

- Claro, mira. - Y le enseño a todos mis amigos, que van bajando a saludarla.

Antonin Dvorak, sentado al lado de Rusalka, la hija del genio de las aguas, garabatea unas corcheas para su ópera. Le resulta fácil desde allí imaginarse la obertura.

No le interrumpo.

Música y palabras, creadores y creación, se entrelazan a través de los cristales.

También los conoce a todos.

El tren sigue lleno.

El tren se aleja vacío.

A ella no la reconozco, sólo guardo su nombre y un retazo de historia que escribimos juntos en mi infancia ya lejana.

Cogidos de la mano como cuando era un niño, nos sentamos frente al puente para seguir leyendo. Entonces le enseño mi última obra publicada “Horizonte al noroeste”, y nuestras miradas se pierden en aquella dirección.

Gloria me espera en la penúltima estación.

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Poesía

Elena González LA POESÍA LATENTE

La nota poética la pone este mes de mayo la poeta madrileña Elena González, poeta con una gran trayectoria dentro del mundo poético y de la que no podemos perder nota, debido a la calidad de su obra. De la que también es importante señalar que es variada y muy rica en matices.

Sombras y contraluces Y 8 Antologías de relato y 11 Antologías de poesía.

Ha publicado en las revistas de artes y letras “ Luces y Sombras” , en “La Espiral de las artes” y en “Crítica del Arte”.

Elena González nació en Madrid, ha publicado 6 libros de poesía: Reencuentro andalusí Retazos de mi serl Latidos El sonido del deshielo Olvidos de vigilia

Ha realizado programas de televisión en el canal 2, y en Melilla, y varias entrevistas en la radio.

R.P.- ¿Cuándo llegaste a la poesía?

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Empecé a escribir poesía desde muy joven.

Para mí la poesía es hablar con el corazón en la mano, es expresar los sentimientos y al escribir intento conseguir a quien la lea que sienta los sentimientos que transmito en el poema, en el libro.

R.P.- ¿Qué es para ti la poesía?

Escribir es una liberación y la utilizo para expresar aquello que con las palabras no puedo y uso el verso para ello y así hacer accesible a la gente, de mi mundo interior, o sea, de mis sentimientos, alegrías, penas...

POEMAS

EL REFUGIADO El aullido del insomnio es un sollozo que busca perdido, un poco de ternura.

El pasado le araña, se escucha sus pisadas.

El refugiado arrastra su vida por las aceras, su rostro vaga taciturno la brisa lúgubre inunda arrabales.

Se escuchan alaridos, los fantasmas se estremecen y huyen dejando su desolación escrita por las esquinas y en el frío pavimento se aprecia su voz fatigada, como puñales de cristal se clavan madrugadas de otros días.

La tristeza muda tiene la acidez del mundo y en las encrucijadas de abandono los hijos reviven en llamas, las horas acumulándose en cenizas sobre frágiles casas y la lluvia desvanece sus huellas, abatidas y secas.

El refugiado está rodeado de hambre por todas partes, ahora que ya no cabe más soledad por un euro, por un poco de vino y subsiste por el asfalto, con las rodillas rotas

clamando un poco de pan.

Deshabitadas noches, en un albergue vasto como el hastío.

Sobre la silla, inmóvil sin equipaje , la esperanza vencida por el tiempo intenta remendar heridas.

Con pespuntes de dolor se hace un disfraz de olvido, cortado a la medida.

Los ojos arden de tenerlos grises, de palpar la añoranza de su hogar y le sangran los labios al pensar en sus seres y su memoria consume fronteras y despedaza ese espejo de espectro en el que su imagen se asoma.

Con harapos, al filo de la niebla llega su sombra callada y regresa sobre sus pasos, el último recodo del silencio.

ACORDEON ENTRE VAGONES El sonido de un viejo acordeón, produce una solemne nostalgia.

Minutos de serenidad inefable, etérea, quebradiza.

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EL LLANTO MUDO Dedicada a las mujeres maltratadas Mi sonrisa se torna mueca, tus manos luchan por asfixiarme.

Tus ojos son el ayer, mis besos restos de duro pedernal.

El mundo se derrumba, se quiebra mi vida, a penas sobrevivo, has violado todos mis sueños.

El pánico acude a la garganta, el llanto mudo se posa en la cuna y cae en la abertura de mi grito.

Tras el gesto del daño se teje el rencor y en la boca la amargura.

El desánimo me acosa y me doblega, horas de tristeza y de abandono que aguardan el susurro de un pasado de amor que aúlla, se desvanece y daña en un intento de olvidar la debilidad.

Sobrevivir y ser testigo de la ira oculta por fingidas sonrisas.

La agonía rodea mi garganta, arañazo de piel, mi sangre se derrama.

Un temblor me sobrecoge, tus nudillos aterrizan en el cabecero de la cama.

Golpes masacrándome, imagen brutal, de tu poder.

Confusos fantasmas de sábanas grises, voces cargadas de injurias sacudes sobre mi espalda y noto la cólera muy cerca, toca mi costado, se hunden las costillas, el corazón palpita y el rojo de mis labios se azula.

La mirada infantil, sin fe, me llama a vivir.

Mi voz apagada se escapa de mi pecho herido.

Mañana, sin hacer ruido, por la noche envuelta en perfume, resignada, ausente, me desvestiré de muerte.

Cubierto en grises de penumbra muerde la amargura y arropa al desengaño .

Vacila la mano ante el recuerdo furtivo.

Las notas se filtran por el vagón y luchan por sobrevivir a la última estación.

Su música abre baúles y desata la ternura en vendavales.

La melodía eriza la piel y desenreda la tristeza.

Canta y su cabeza gira de un lado a otro y su sonrisa, mueca de escayola, inmune bajo un abrigo descolorido para engañar el frío.

Las letras desnudas de sus canciones, ternura de un tiempo, se ahogan entre absurdos engranajes.

El ayer retorna y el azar cierra las horas para discutir con la soledad y deletrear el dolor , que interrumpe la voz de los relojes .

Eleva las notas meciendo su geografía.

Tenues suspiros palpitan y llenan de aroma.

Los fantasmas se ahuyentan en el barco que jamás regresa a su puerto Y Dios, se le hace extraño.

LOS FANTASMAS DE LAS CUNETAS

a los fallecidos en la Guerra Civil Detrás de las tinieblas 16

encontré ayer voces abandonadas que gritaban contra las balas y hablé con mis fantasmas.

Ellos me roban las palabras y se me eriza la piel.

Negro fragor de odio y olvido amordazan mis pensamientos y envuelve con su jadeo insultos.

Pintaré sus rostros en un relámpago.

Abismo profundo de mis pupilas donde siempre hay un reproche, la tierra clama bajo mis pies.

Hay en mi sangre gotas de sus almas donde se alimenta el pensamiento y esos murmullos anochecen en calma en luto eterno.

Las fúnebres historias que mis ojos en llanto se empañan y que llegan a humedecer a todo un pueblo.

Se desfigura mi semblante, para rendirles homenaje las brumas del pasado cubren algunas solitarias tumbas, con rosas de carmín marchitas, regadas cada día con el rocío El estertor profundo hace temblar la arena funeraria de las cunetas, en dolientes coros.

Mis pálidas plegarias amordazan,

tan sólo letargo que apaga y envuelve con mi aliento su perdón silencioso.

SIRIA Quiero seguir. ir más allá y no puedo.

Oí chillar mi sangre encerrada las cien bestias despertaron, una a una cedían las murallas y todo era ceniza de la nada.

Rebaños de potencias en derrota, países vastos como el insomnio queman mi lengua con sus bocas.

El mundo cede y se desploma y entre las ruinas se levantan desnudos, solos, despojados.

Golpean su pecho los fantasmas, los ojos nublan imágenes y su mudez habla con las palabras.

Entornada sonrisa de dolor, que quería conocerles.

Luchamos por gritar y en la garganta se desvanece el grito, perecen en las prisiones el terrible sollozo de los niños, el más horrible y áspero.

Como un traje de fuego me recubre, miradas que nos miran desde el fondo las huellas de sus pies ensangrentados, los despojos de cuerpos hechos jirones.

En esta paz reconstruida las balas desgarran con su zumbido el aire y me desperezo bajo este sol diferente y lloro en sus calles oscuras sintiéndome débil.

Déjame ver la cara de este día para mirar la vida hasta su muerte, en los rostros sin nombre.

Era un sueño del que aún no he despertado.

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Artículo

LITOGRAFÍA Y POESÍA (II) Por: Alfredo Piquer Garzón Poe, Manet, Mallarmé.-

inexplicable que logra recrear, el poema se inspira parcialmente en la figura del cuervo parlante de Barnaby Rudge de Charles Dickens. Otros elementos del poema provienen seguramente del ritmo y la métrica del poema «Geraldine», de Elizabeth Barrett Browning.

El cuervo Constituye su composición poética más famosa, ya que le dio reconocimiento internacional.

Al otro lado el Atlántico, Edgar Allan Poe publica en 1845 un poema narrativo con el título de The Raven, El Cuervo. En una fría noche de invierno, solo en su casa, un hombre sufre el dolor inmenso de la pérdida de su amada; Leonora. A punto de dormirse le parece oír que alguien golpea su puerta. El afligido amante recibe así la misteriosa visita de un cuervo que sorprendentemente, habla.

El cuervo negro, posado sobre un busto de Palas Atenea, parece azuzar su sufrimiento con la constante repetición de la palabra: ‘Nevermore’, ‘Nunca más’, y le condiciona e su desesperante e incomprensible obstinada repetición hacia la demencia.

El cuervo suscitó el trabajo de múltiples ilustradores, desde dramatismo teatral de Arthur Rackham al surrealismo. Entre ellos John Tenniel el ilustrador de Alicia en el País de las Maravillas. Y también Gustave Doré con espléndidos grabados realizados en 1884, una época de profunda depresión para el artista por la pérdida de las personas más amadas y que terminaría con su propia muerte antes de ver publicada la obra, sin que pudiese su-

Notable su ritmo repetitivo y casi obsesivo el lenguaje estilizado y la atmósfera de misterio 18

pervisar el de los grabadores y siendo así su último trabajo.

de Jose María de Heredia y de Paul Verlaine, fue casi precursor de los poetas simbolistas y su lenguaje innovador tuvo enorme influencia en la poesía europea y posteriormente un significativo impacto sobre el modernismo. Si la superación de la rebeldía romántica había llevado a los novelistas a la observación realista del mundo en la segunda mitad del XIX, los poetas franceses se inclinan por la exploración de su propia interioridad y la persecución de la belleza a través de la palabra.

En 1875, fue publicada una edición francesa con texto en francés y en inglés con litografías de Édouard Manet y con traducción de Stephane Mallarmé. Manet realiza cinco litografías perfectamente acordes con el carácter oscuro del poema de Poe, alguna de ellas casi esquemática donde el trazo de una sombra puramente gestual se proyecta en el

Escrito con poco más de veinte años, uno de sus principales poemas. “La siesta del Fauno” (1876) inspiró en 1894 a Debussy y en 1912 el ballet de Nijinsky. Mallarmé pensaba que la escritura debía acercarse a la abstracción de la música, y generar efecto mediante el enigma y la sugestión antes que mediante la descripción y exposición, pudiéndose prescindir de la sintaxis convencional por lo que su lectura no resulta fácil.

“...los poetas franceses se inclinan por la exploración de su propia interioridad y la persecución de la belleza a través de la palabra.” suelo con la forma de la cabeza de un pájaro.

En otra de ellas aparece el propio Mallarmé.

“La siesta del fauno” y otros poemas de Mallarmé fueron también ilustrados por Manet y en 1876 hizo su retrato, una vista cálida e in-

Felix Bracquemond fue quizá directamente y al margen de un mayor o menor clima de valoración “litográficas” por parte de los artistas franceses de la segunda mitad de siglo, el origen, al haber trabajado en un taller, de la dedicación litográfica de Eduard Manet y éste a su vez, uno de los acicates e instigadores de Henry de Fantin Latour. Entre los amigos, también Mc Neil Whistler hizo litografías notables y personales, los ambientes del Támesis, los reportes (Retrato de Mallarmé etc), sin olvidarnos de Guillermo Sulpicio Gavarni, Aquiles Deveria y otros.

Por otro lado podría hablarse, a raíz de la liberación de la litografía desde Manet y su nueva o diferente consideración de lenguaje artístico, lo que sintomatiza claramente su estampa “Les courses” de 1862, de su nueva asociación con el texto e incluso manteniendo su tarea de ilustración pero ya en pie de igualdad con el texto. Tanto vale el contenido poético de un texto determinado como categoría de arte, específica e independientemente, tiene su ilustración.

Poeta y crítico, vanguardista antes de las vanguardias, Stephane Mallarmé, una de las personalidades culturales más influyentes del siglo XIX en Francia, amigo de Leconte de Lisle, 19

formal del poeta en el estudio del artista, con un cigarrillo en la mano. (También Whistler hace un retrato de Mallarmé como apunte rápido sobre papel reporte litográfico trasladado después sobre la piedra).

A caballo entre XIX y XX.En el último tercio del XIX y desde que Manet dibuja “Las carreras” la litografía adquiere categoría de lenguaje autónomo y de carácter plenamente artístico. Son numerosos los artistas del Realismo, del Impresionismo, del Simbolismo, los que incurren en su modo de dicción. Como se ha explicado, la litografía se decanta efectivamente de modo paulatino para usos artísticos superada técnicamente

“la litografía se decanta efectivamente de modo paulatino para usos artísticos ...“ camente un libro de poemas titulado Paralelamente de Paul Verlaine. En 1902 hizo también litografías para la obra clásica de tema pastoril de Longo de Lesbos Daphnis et Chloé , sobre el que Maurice Ravel, a instancia de Sergei Diaghilev, compuso su ballet y Jacques Ofenbach su opereta.

por su propio vástago, el offset y también relevada en sus fines de reproducción e ilustración aun sin abandonarlos del todo, por la fotografía y con todo, prolonga su utilidad y también su servidumbre industrial y comercial hasta bien entrado el nuevo siglo, acreditando todavía una doble validez de lenguaje plenamente artístico y a la vez medio comercial de reproducción de imágenes.

También Marc Chagall realizo, de 1956 a 1961 cuarenta y dos litografías en color para el Daphnis et Chloé. Chagall se había enamorado nuevamente y tras un viaje a Grecia de luna de miel con Valentina Brodsky realizó la serie de litografías a base de veintitantas tintas cada una con lo que el resultado fue de impresionante alarde técnico a la par que de enorme vitalidad, romanticismo y brillantez.

La serie se constituye así como uno de los trabajos de ilustración literaria más importante y de rotundo éxito.

Mucho cunde la asociación de Litografía, Gráfica en general y poesía compenetradas en portafolios y carpetas y libros de artista con numerosos ejemplos que sería prolijo enumerar. Valgan unos pocos ejemplos significativos.

Seguidor del trabajo de Paul Gauguin, Pierre Bonnard y se vería influenciado –como tantos otros artistas– por los grabados japoneses tan famosos en la época. Su trabajo se ha descrito como verdaderamente independiente e idiosincrático. Contemporáneo de Henri de Toulouse Lautrec con quien competiría incluso para crear los carteles de propaganda del Moulin Rouge llegaría a ilustrar litográfi-

El primer álbum litográfico de Odilon Redon se publicó en 1879 bajo el título En el sueño. Flaubert había dicho que «La tentación de San Antonio es la obra de toda mi vida», y sin embargo habiéndose ido gestando a lo largo de toda la vida del autor, ha sido tal vez a la 20

larga la menos estudiada de todas sus novelas. Tal vez por eso, Redón llegó a dedicar varios álbumes de litografías a plasmar sus interpretaciones e imágenes evocadas tras sus lecturas en tres series en 1888, 1889 y 1896.

Redon dedica a Edgar Allan Poe una serie de seis litografías realizadas en 1882 que aunque no concebidas estrictamente como ilustraciones de sus textos, están asociadas con las traducciones al francés de algunos de sus cuentos y poemas.

E. Goerg fue profesor de grabado en el grabado en la Escuela de Bellas Artes de París y pintura en la Académie de la Grande Chaumière En los años 1950. Fue asimismo presidente de la Sociedad de pintores y grabadores franceses desde 1945 hasta 1958 . Realizaría más de doscientas cincuenta litografías para ilustrar los poemas de Las Flores del Mal de Charles Baudelaire .

Picasso ilustró la obra de su amigo Pierre Reverdy, pintor cubista, El Canto de los Muertos con 125 litografías en 1948. Los trazos rojos sobre líneas negras crean una grafía peculiar de carácter abstracto de resonancias orientales o incluso medievales sin significado alguno. Picasso ilustra también Las metamorfosis de Ovidio o Lisístrata de Aristófanes, ésta con treinta y dos estampas. Giorgio de Chirico realizó litografías para los “Calligramas “ de Guillaume Apollinaire en 1930 y Joan Miró setenta y dos estampas litográficas para los poemas dadaístas de Parler Seul (Hablar solo) de Tristan Tzara. Matisse, para el Ulises de J. Joyce y Las flores del mal de Baudelaire…

Odilon Redon, trabajó en su primera etapa, y durante un periodo largo la litografía. Calificó este periodo como «el Negro» por el trabajo fundamental con el lápiz litográfico y la estampación de las piedras en una sola tinta. Él mismo asignaba al negro la calidad de “color esencial” y llamó a estas primeras obras, “mis sombras”, designando con ello un mundo de visiones efectivamente sombrías que supo

“Mucho cunde la asociación de Litografía, Gráfica en general y poesía compenetradas en portafolios y carpetas y libros de artista ...”

Contemporáneamente y sólo en España, desde la posguerra Civil, cundieron las ediciones de bibliofilia como contexto preciso de esa simbiosis o convivencia entre Litografía y poesía. La editorial Casariego, fundada por Rafael Diéz Casariego en 1959, primero en colaboración con el taller de Otto Kalmayer, y después con su propio taller, logrará paulatinamente reconocimiento, incluso fuera de fronteras, de una tarea editorial que supone un alarde de sensibilidad en cuanto a las colecciones y carpetas de obra gráfica en conjunción al texto literario y poético. Luis García Ochoa ha escrito sobre ello: “…son grabados y litografías originales los estampados con la matriz (plancha o piedra) realizada directamente por las propias manos del pintor-grabador- litógrafo, sin ningún otro medio fotomecánico interpuesto ni intervención de tercera persona silenciada”. También la editorial Antonio Perez , Ibérico Europea de Ediciones o en Cataluña y de modo muy importante, las ediciones de Gustavo Gili Roig, las de Montaner y Simón con las colecciones respectivas “La Cometa” y “Hora”. La colección “La Rosa Vera” de Jaume Pla y Victor María de Imbert

extraer de la intensidad del lápiz y la barra o de la tinta litográfica. Dirá: «todo me llega por medio del lápiz, este material vulgar, que no tiene ninguna belleza en sí mismo, facilitó mi búsqueda.” No se valoró en su tiempo suficientemente su trabajo salvo por algunos de los escritores más notables de la época en Francia, por Mallarmé por ejemplo, a quien le unía una amistad personal. Mallarmé realizó un gran elogio de otro de los álbumes de Redon, Homenaje a Goya, publicado en 1885.

La obra gráfica de Aristide Maillol fue fundamentalmente xilográfica. Con todo, la litografía fue la técnica utilizada para ilustrar las Eglogas y Geórgicas de Virgilio y el Ars Amandi de Ovidio, poniendo énfasis en la simpleza de las líneas y los contornos. Maillol se convierte así en uno de los ilustradores importantes de la literatura clásica.

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“La obra gráfica proporciona mucho más que ningún otro lenguaje plástico la posibilidad de aunar estrechamente imagen y palabra....” como síntoma de esa relación secular.

Muchos más ejemplos podrían traerse en el ámbito contemporáneo en una labor larga que extendería excesivamente estas líneas.

En el ámbito español, no dejaremos de mencionar la tarea ímproba del grabador y estampador griego afincado en España Dimitri Papagueorguiu que durante los 60’, 70’ y 80’s llevó a cabo técnicamente y estampó cerca de trescientas obras de diferentes artistas, en su mayoría litografías sobre piedra con una tirada global de más de diez mil estampas, cifrada por él mismo. Notorios sus trabajos personales para la ilustración de la obra poética de autores griegos contemporáneos como Odiseas Elitis o Yanis Ritsos

y de modo notorio Polígrafa que desde los años 70 muestra su preferencia por la litografía acogiendo el trabajo de Miró, Tapies, Ponç, Guinovart, Rafols Casamada, etc.

Coda.Charles Philipón , el editor en 1830 de las revistas semanales “La Caricature” y “El Charivari” y ante las leyes de censura de prensa de 1835, había escrito: “Si la pluma es libre, el lápiz ha de serlo también”. Porque en realidad hablamos de la compenetración honda entre la palabra y el arte plástico, una hermandad muy antigua que sin duda proporciona una colección de obras y hechos culturales esenciales en la historia de la humanidad. Siempre ha existido esa relación desde el momento en que la plástica ha sido representación del mito o de lo legendario, desde el momento en que la literatura y sobre todo la poesía, ha evocado asimismo lo mitológico, lo religioso o la leyenda a través, ya de la plasticidad de la imagen, ya de la narración o la evocación, tanto en un orden lógico de cosas como en una exposición meramente subjetiva, en una palabra, de la problemática y el profundo sentido existencial del ser humano.

En 1970, Pablo Neruda escribe en Isla Negra un poema para José Caballero y en París preparan entre ambos, poeta y artista plástico, las catorce litografías de la obra “Océana” de las que el propio José Caballero presentaría después una exposición en la galería madrileña Juana Mordó.

En otro orden de cosas Robert Motherwell (1915–1991), gran admirador de la literatura española y latinoamericana, que había mantenido con los poetas español y mejicano Rafael Alberti y Octavio Paz una relación de amistad sobre la base de algunos encuentros y coincidencias personales durante las décadas de los años setenta y ochenta condiciona y dertermina que Motherwell realice una serie de obras con una grafía abstracta y peculiar a partir de las cuales los textos de Octavio Paz y Rafael Alberti intentan aproximarse al oficio del pintor y crear un dialogo íntimo y una simbiosis entre poesía y plástica. Ello a la vez

La obra gráfica proporciona mucho más que ningún otro lenguaje plástico la posibilidad de 22

2006 Guégan, Stéphane. Delacroix.. Flammarion 1998 Piquer Garzón, Alfredo. Litografía contemporánea en España. Tesis Doctoral. Universidad Complutense Madrid 1998 Valery, Paul. Piezas sobre Arte. Gallimard Paris 1960. Ed. castellana Antonio Machado libros Col. La Balsa de la Medusa Madrid 2005 V.V.A.A. Edouard Manet. Grabados Colección Valentine deThomas de Zuloaga. Museo De Bellas Artes de Bilbao. 1998 (con motivo de la Exp. Grabados en la Colec V. T. de Z. ) Web: http://descargas.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/12826402000173739643846/005430_4. pdf http://www.otromadrid.org/articulo/4122/josep-renau-1907-1987-arte-como/

aunar estrechamente imagen y palabra. Pero es que seguramente la inmediatez y la autenticidad espontánea y directa de la Litografía, capaz de traducir literalmente el dibujo de la mano del artista, ha posibilitado una dicción infinitamente más natural y eficaz identificando de ese modo la hondura de su grafía , contenido y destreza artísticas con la hondura a su vez de la palabra de la poesía. Y quizá , como en tiempos de Honoré Daumier y Charles Philipon, como en todos los momentos en que se ha producido la opresión del poder, vuelve otra vez la necesidad del compromiso de palabra e imagen para resistir y oponerse a la imposición y la mordaza de quienes intentan silenciar la irrenunciable libertad de la creación y la cultura.

http://www.cervantesvirtual.com/servlet/ SirveObras/12937510889184852976846/ p0000001.htm http://consentidoscomunes.blogspot.com. es/2016/05/dafnis-y-cloe-iii-galeria-dafnis-ycloe.html http://www.wesleyan.edu/dac/coll/grps/dela/ delacroix_intro.html

Bibliografía.Bohigas, Pedro. El Libro Español.(Ensayo histórico) Editorial Gustavo Gili Barcelona 1962 Dahl, Svend. Historia del Libro. Ed cast: Alianza Editorial (Historia y Geografía) Madrid 23

Entrevista

Flavia Falquez POESÍA EN IMAGEN Y PALABRA Por: Isabel Rezmo

La poesía tiene aires del otro lado del charco, un aire fresco del mar que se cruza con el aire de la Vega de Granada.

res, y manjares. Tal es la poesía que presenta Flavia Fálquez y que este mes, PROVERSO quiere presentar a sus lectores.

Una poesía viva, vitalista, profunda, abierta en sus vértices y en sus ángulos. Una poesía rotunda, con cierto sabor agridulce, a veces lírico, otras sensual, otra sabedora de place-

Flavia Falquez nació y creció en Barranquilla (Colombia), reside en Granada (España) desde 1997 y tiene doble nacionalidad. Licenciada en Filosofía y Letras, con especialización 26

en literatura; su tesis de grado, García Lorca y el sortilegio del duende, mereció la distinción Summa Cum Laude de la Universidad de los Andes de Bogotá, ciudad en la que vivió durante más de veinte años.

En 1978, su poemario Hojas de nostalgia obtuvo el primer lugar en el concurso de poesía de la Universidad Javeriana de Bogotá y fue publicado al año siguiente. En 1994, su libro “Coplas a Leonor” obtuvo el segundo lugar en la VII versión del Premio Nacional de Poesía Carlos Castro Saavedra de la ciudad de Medellín, publicado con un prólogo de Meira Del-

“A Federico García Lorca me une algo muy especial....” mar por el PEN Club de Bogotá en 1995.

En 1996 realizó un curso sobre escritura de guiones para cine y televisión en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños (Cuba) y en 1997, ya en España, hizo estudios de doctorado en Historia Medieval en la Universidad de Granada, así como un posgrado en Técnicas Audiovisuales. En junio de 2012 terminó un máster en Fotografía en la Escuela de Fotografía, Interpretación y Cine, Filmosofía de Granada.

teraria.

En febrero de 2017 la editorial MRV publicó su tercer poemario: Para nombrar la madrugada con prólogo del poeta granadino, Emilio Ballesteros. Su obra se encuentra publicada en numerosas antologías de poesía españolas e iberoamericanas.

Es miembro de la Academia Norteamericana de Literatura Moderna (Capitulo Reino de España) y de la Asociación de Escritores de Madrid. Ha participado en diversos encuentros poéticos en España y Colombia, entre los que se encuentran: el V, VI y VII Encuentro de Mujeres Poetas de Roldanillo (Valle del Cauca-Col), el VI Festival “Grito de Mujer” de Granada, el III Encuentro Internacional de Poesía “Ciudad de Úbeda”, el I Encuentro Nacional de Poesía “En un lugar de La Mancha”, el Festival Internacional de Poesía de Madrid, 2016 y el IV Encuentro Internacional de Poesía “Ciudad de Aprilia” en Italia. Su poema “Montaje” ocupó el segundo lugar en el XXV Concurso de Poesía “Ciudad de Arnedo” (La Rioja) y ha sido finalista, sucesivamente, en los concursos “Versos en el Aire V”, Erotismo Poético II y “Luz de luna II” de Diversidad Li-

R.P: Buenas tarde Flavia, ¿escribir se convierte en un acto de rebeldía a todo lo que existe?

F.F: Es un claro acto de rebeldía en cuanto es una actividad revolucionaria que es capaz de cambiar el mundo. El poeta ingresa en otra dimensión distinta a la realidad para transformarla y expresar otro mundo donde todo es posible. La poesía, como decía el maestro Pedro Salinas, es un modo de acceso a las honduras de la realidad, a la esencia de las cosas y experiencias vitales. El poeta como un demiurgo abre las puertas, nos conduce a lo profundo, a la esencia oculta de las cosas, tal y como lo decía Lorca en su “Poema doble 27

“La poesía actual debe ser un reflejo de las circunstancias vitales del poeta...”

descubriste la poesía?

F.F: Indudablemente me hice en la poesía porque escribo desde niña. Yo crecí en casa de mis abuelos maternos, porque mis padres se separaron cuando yo tenía uno o dos años de edad y esas circunstancias que marcaron mi infancia me inclinaron, desde un primer momento, a la introspección, a la reflexión y la soledad. Desde mis primeros años viví en una casona muy grande llena de salones, jardines y patios que, sin la compañía de otros niños, pues fui hija única del matrimonio de mis padres, me ayudó a desarrollar una gran imaginación y el crecer entre adultos me hizo madurar antes de tiempo. Por otro lado, esa rama de mi familia está llena de arte. Allí, todos cantaban y sabían tocar algún instrumento, otros declaman, componían canciones, escribían cuentos y poemas. Había actores, magos, fotógrafos y en ese ambiente me fui formando. En casa se organizaban continuamente reuniones musicales y en ellas brillaba mi madre con luz propia porque tocaba (y toca) todos los palos.Fue en medio de una de esas veladas, cuando tenía 7 años, que me propuse componer una canción para poder

del Lago Edem”: “porque yo no soy un hombre, ni un poeta, ni una hoja/ pero si un pulso herido que sonda las cosas del otro lado” R.P: ¿Qué es más peligroso las palabras vivas o la conducta ante la propia palabra?

F.F: No creo que ninguna de las dos sea peligrosa en sí, sino en la utilización que pueda hacerse de ellas. Indudablemente la palabra viva es más fresca, más libre y más “irresponsable” (si se me permite el término) y por ello puede ser mal utilizada o mal interpretada.

Por el contrario la conducta ante la propia palabra conlleva un acto de responsabilidad, de reflexión y eso la hace más medida o si se quiere, mesurada.

R.P: ¿Flavia se hizo en la poesía o ya existía de antes? ¿Cuándo y cómo 28

participar en ellas. Escribí la letra del que sería mi primer poema (aún lo conservo), pero la melodía nunca llegó. A esas alturas eso ya no me importó, porque a partir de ese momento mi familia, entusiasmada, me estimuló para seguir escribiendo y me dióun espacio en esas reuniones en las que empecé a leer mis poemas en público por primera vez. Escomo homenaje a esa familia maravillosa que me ha ayudó a ser lo que soy, quesiempre utilizo como nombre artístico mi apellido materno: Falquez.

hasta que vi que se acercaba el año 98, que era el del centenario de su nacimiento y sentí que debía vivirlo aquí, en España. Me plantee venirme a hacer un doctorado y apliqué a 6 o 7 universidades de todo el país y por una de esas coincidencias mágicas que siempre me suceden con Lorca, la primera universidad en contestarme fue la de Granada. Hice las maletas y me vine sin pensarlo dos veces. Así logré realizar mi sueño de estar aquí en el 98 y como cuando llegué todo era igual o mejor de lo que me había imaginado, me enamoré de la ciudad y ya no quise devolverme.Lo demás es historia.

R.P: En tu currículum expone que el poeta Federico García Lorca es tu mayor expresión, tanto en estudio, como lectura ¿en tu poesía también? ¿Cómo descubriste a Lorca, y sobre todo como llegas a identificarte con él?

R.P: ¿Qué exige tu voz ante el papel, ante el mundo?

F.F: Ante todo verdad, luego honestidad y esfuerzo. Creo que por deformación profesional o porque soy muy estricta conmigo misma, pienso que la poesía debe trabajarse y no caer en facilismos. Hay algunos poemas, muy pocos, que nacen solos, que se plantan ante ti como un milagro, pero la mayor parte de las veces solo llega un destello y hay que sentarse a trabajarlo, a pulirlo hasta dejarlo perfectamente acabado. En eso, la poesía no se diferencia de las demás formas de arte: un cuadro, una escultura, una pieza musical requieren horas de trabajo y parte de ese trabajo es conocer la tradición, estar constantemente nutriéndose de lo que han hecho otros, los mejores, los más grandes.

R:P: Vienes de Colombia y ahora vives en España, en Granada ¿qué diferencias o semejanzas, puntos de unión observas en la poesía en ambas partes?

FF:No creo que haya muchas diferencias, si partimos de la base de que vivimos en una misma patria que es nuestra lengua. Los latinoamericanos nos acostumbramos desde pequeños a estudiar la lengua y la literatura española como propia. Sentimos como nuestra esta cultura y su tradición. No creo que un adolescente colombiano, peruano o argentino se plantee que Cervantes era español, o que La Celestina o El libro del Buen Amor no son parte de su tradición. Creo que sentimos como propios a Rubén Darío y a Juan Ramón Jiménez; a Neruda y a Machado. Luego, están las circunstancias sociales o políticas de cada lugar, su topografía e incluso el paisaje,

F.F: A Federico García Lorca me une algo muy especial. Si bien es cierto que a él y a algunos de sus poemas los conocía desde niña, el verdadero “coupe de foudre”, el flechazo, se produjo en mis años universitarios cuando un amigo me regaló una de las biografías más bellas que se han escrito sobre él: “Infancias y muerte de Federico García Lorca” de la hispanista francesa y amiga personal de Federico, Marcelle Auclaire. No sé qué fibras tocó Auclaire en ese libro, de qué manera descubrió ante mí la sensibilidad de Lorca, su manera de ver y sentir el mundo, que a partir de ese momento Lorca se transformó en un hermano, en un álter ego del que podía comprenderlo absolutamente todo. Leí toda su obra y empecé a estudiar por mi cuenta y en la universidad todo lo que tuviera que ver con su figura. Ello se convirtió en una verdadera pasión y hasta en una obsesión. Después, cuando se me agotó todo lo que podía conseguir en Colombia, empecé a encargar libros aquí, a España. Fue la época en que se publicó la gran biografía de Ian Gibson, el estudio biográfico de su hermano, Francisco García Lorca; algunos escritos conservados por su amigo, Rafael Martínez Nadal. Después terminé mi carrera de Filosofía y Letras y la tesis la dediqué a García Lorca y así continué publicando artículos sobre su obra, haciendo entrevistas y conferencias sobre él y sobre otros poetas de la generación del 27, 29

pero creo que serían las mismas diferencias que entre un poema escrito por un asturiano y otro de un andaluz; entre uno de un extremeño y el realizado por un murciano. Quizás una de las más bellas descripciones sobre este legado común la haga un narrador colombiano, Enrique Serrano, quien en la introducción de un libro de relatos en los que recrea la historia de España dice: “Nosotros los que vivimos en español, creemos que España es una sola y que los españoles han sido siempre los mismos (…) pero España es múltiple (…) e ignoramos también que somos algunas de esas caras. Llevamos la marca de España y no es la menos honda de las marcas”.

R.P: ¿Tus necesidades como poeta y/o como persona, van unidas?

F.F: Claro, mi poesía es una expresión de todo lo que me ocurre. Mis vivencias, mis necesidades como persona buscan su manera de expresarse, de irrumpir con la misma urgencia que tiene el agua. Ha habido momentos en mi vida en los que he vivido situaciones tan fuertes y profundas que me he quedado muda, me ha abandonado la palabra y, entonces, la poesía -como si se tratara de un río subterráneo-, ha sabido brotar de otra manera. Son los momentos en que he hecho poesía con imágenes o me he vuelto hacia la literatura hecha por otros. Porque leer es otra forma de crear, de alimentarse, de nutrirse para el invierno, para esos momentos de infertilidad que diría Cernuda. Yo siempre me he salvado por y a través de la literatura.

R.P: ¿Qué necesidades son vitales en la poesía actual?

F.F: Son las mismas que han marcadoa la poesía desde siempre. La poesía actual debe ser un reflejo de las circunstancias vitales del poeta, debe reflejar sus inquietudes, sus angustias, su dolor y su alegría, pero como dije antes debe ser honesta y sincera. En pocas palabras, ser verdad.

R.P: “Para nombrar la madrugada” Ed. MRV; es tu último poemario, el autor de tu prólogo el escritor y poeta granadino, Emilio Ballesteros dice 30

“...mi poesía es una expresión de todo lo que me ocurre. Mis vivencias, mis necesidades como persona buscan su manera de expresarse ...”

F.F: Creo que escribir sigue siendo un acto de libertad y un vehículo para la auto transformación. Fíjate, aún en los momentos más peligrosos para el ser humano, como han sido las guerras, la prisión, la represión o la censura, la poesía se las ha ingeniado para existir.

Los poetas han burlado las prohibiciones y se las han apañado para escribir poemas en las situaciones más peligrosas y difíciles. A la poesía, como a la luz o el agua, no podrán nunca ocultarla ni detenerla, siempre se las ingeniará para colarse por cualquier grieta o resquicio, siempre se plantará en medio como el sol en un día de primavera.

de este poemario:…“celebra la vida y la canta sin dar de lado a aspectos dolorosos como la soledad, la ausencia, el olvido o la muerte, pero aceptando el ser de lo humano con alegría. Es una invitación a vivir en libertad” ¿El poeta sigue siendo un fiel reflejo de la libertad, no ha muerto el sentido revolucionario de ser vehículo de transformación, de aceptación, de denuncia personal y social? ¿Seguimos pensando en ser libres, o vivimos dentro de una terrible quimera personal?

R.P: ¿Tus próximas presentaciones?

F.F:Mi último poemario será presentado oficialmente en Granada el 19 de mayo en el Centro Artístico y Literario de la ciudad (una entidad íntimamente ligada a Lorca, cosa que me hace mucha ilusión) y a partir de ahí seguirá su andadura con una presentación en Linares, otra en Madrid y Alcalá de Henares (para después del verano) y tal vez alguna en Sevilla. Por ahora ya ha estado presente en las Ferias del Libro de Granada, Alcalá de Henares, Valladolid y Badajoz.

R.P: Gracias por tu atención en atendernos esperamos que sigas llevando tu voz, tu palabra, y que la poesía sirva de nexo de unión y de enriquecimiento para todos.

F.F: Gracias a vosotras dos, Isabel e Inma, por esta invitación a participar nuevamente en Proverso, una revista con la que me siento plenamente identificada y agradecida por haberme abierto las puertas a algunas colaboraciones que espero se sigan repitiendo en el futuro. Sé que esta revista es el producto de vuestro esfuerzo y compromiso con la cultura y el arte.

Imágenes: Flavia Falquez

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Reseña

“PERMISO PARA EMBALSAMAR”.

UNA TAXONOMÍA ESTÉTICA Y POÉTICA DE LA MUERTE Por: José María Herranz Contreras

En 2014, Ediciones Olifante de poesía publicó “Permiso para embalsamar”, de Encarnación Pisonero, poeta, narradora y crítica especializada en artes plásticas que ha analizado extensamente la relación existente entre los lenguajes literario y pictórico.

na. Grandes maestros han escrito poesía en prosa –pensemos en Isidore Ducasse y André Breton-, y están reconocidos en el canon literario. Quizá ese ninguneo al que es sometido este estilo se deba a la dificultad para calificar objetivamente la poesía escrita de este modo, pues dicho análisis exige una elevada formación literaria, además de que el propio crítico debe ser preferentemente poeta también, y en este totum revolutum de la llamada posmodernidad a ver quién se atreve a señalar lo que es válido y lo que no, aunque en esto del arte deberíamos ser capaces de hacerlo. No

Estamos ante un libro sorprendente, porque ofrece una doble lectura: en prosa y en verso.

La poesía en prosa –otra cosa diferente es la prosa poética- es un “subgénero” dentro de la lírica que, en general, se encuentra bastante menospreciado, sin razón formal ningu32

“Estamos ante un libro sorprendente, porque ofrece una doble lectura: en prosa y en verso...” todo vale, por supuesto.

Sea como fuere, estamos ante un bello y hondo libro de poesía en prosa y en verso. Cada uno de los poemas arranca con el texto en prosa, y junto a él podemos leer la versión en verso, para apreciar claramente las similitudes y diferencias. De entrada, el planteamiento es original y se agradece, ya lo creo que se agradece porque podemos reflexionar y dejarnos llevar por el lenguaje más racional de la prosa, y el más pausado y “visionario” del verso, lo que nos conduce a resultados y percepciones –no sé si decir “visuales”- diferentes, aunque no tan distintas, y esa es la clave de su validez: los poemas “auténticos”, mejor construidos internamente, funcionan

casi igual en verso y en prosa, y los menos logrados funcionan de modo diferente. La explicación para mí es clara: el lenguaje en prosa funciona de modo racional, lógico y discursivo; el lenguaje en verso –ritmo, cesura y musicalidad- apela a la sensación, lo íntimo y profundo, las zonas profundas de nuestro subconsciente. Dice la autora que inicialmente escribió el libro con los poemas en prosa y que antes de entregarlo a la imprenta se le ocurrió enfrentar los mismos a su correspondiente homónimo en verso. Bendita decisión, es el mejor acierto que encuentro en este poemario. De hecho, hay algo que la autora ha plasmado en el libro ignoro si consciente o inconscientemente, y es que el último poema tiene igual versión gráfica y visual en prosa y en verso, lo que corrobora el punto de llegada final al que está llamada la auténtica poesía, independientemente de la forma en que esté escrita.

Respecto al fondo del poemario, a su tema, es muy interesante también: la muerte. Pero la muerte tratada no solo ya como algo visualmente artístico, como la última obra de 33

las diversas partes del libro mediante epítetos administrativos y documentales. Estamos ante una taxonomía estética y poética de la muerte, fuertemente enlazada con una reflexión visual, pictórica.

No encuentro aspectos importantes que hagan decaer el libro –salvo quizá el riesgo ya mencionado de algún poema que al ser puesto junto a su versión en prosa delata claramente su fragilidad, decantándose por lo racional más que por lo lírico-, por lo que realmente este libro es una delicia para los sentidos y para la reflexión estética, y porque nos hace indagar acerca de la naturaleza de los múltiples lenguajes artísticos: el visual, el literario más racional y el lírico. Y si a ello sumamos la bellísima edición del objeto en sí –qué fetichistas somos los poetas con “el libro”-, el resultado es este. Recomendable para todos los lectores.

“Cada uno de los poemas arranca con el texto en prosa, y junto a él podemos leer la versión en verso, para apreciar claramente las similitudes y diferencias....”

PERMISO PARA EMBALSAMAR, Encarnación Pisonero.

Prólogo de Ángel Guinda.

Olifante, ediciones de poesía.

Zaragoza, 2014.

ISBN: 978-84-92942-73-2

arte de la vida, si no como parte indisoluble de la misma, con un potente distanciamiento emocional, lo cual es también un logro en este libro. No somos conscientes de lo que significa y lo que es la muerte –aunque creo que los poetas sí lo son-, porque convivimos con ella a diario, dentro de nuestros cuerpos y nuestras mentes, dentro de nuestro corazón, aunque generalmente nos repugne por aquello del descomunal culto al ego occidental que acarreamos. Sea como fuere, el texto incide en los aspectos estéticos, más que en los emocionales, lo cual a priori puede parecernos “frío”, pero a medida que se avanza en el poemario nos sorprenden la belleza de sus imágenes y sus metáforas, frecuentemente “visuales” y pictóricas. Ayuda también –supongo que intencionadamente- la división de 34

Literatura

El Atelier Wislawa Szymborska Por: Inma J. Ferrero

Poeta polaca nacida en Kórnik, Poznan en 1923, y que muere en Cracovia, 2012. Es considerada una de las más singulares de su país, que recibió el premio Nobel de Literatura en 1996. Hija de un funcionario, en 1931 se trasladó con su familia a Cracovia, ciudad en la que se asentó de forma definitiva. Estudió

filología y sociología después de la Segunda Guerra Mundial en la Universidad Jagellónica, tras lo cual inició su andadura literaria, consagrada esencialmente a la poesía, aunque también a la crítica y al ensayo en diversas publicaciones periódicas, en particular en Vida Literaria.

36

“Obtiene una beca para hacer su tesis universitaria sobre literatura inglesa en la Universidad de Columbia, pero la rechaza...”

Ahí aparecieron desde 1968 sus “folletines literarios”, a modo de poco convencionales críticas, que serían publicados en forma de libro en dos volúmenes, Lecturas facultativas (1973 y 1981). Su primer poema publicado, “Busco la palabra”, apareció en 1945 en el Diario Polaco, y fue a partir del poemario Por eso vivimos (1952) cuando obtuvo reconocimiento público.

El inicio de su itinerario creativo se produjo bajo las normas estilísticas del realismo socialista imperante y denota tanto el estremecimiento por los crímenes de la guerra reciente como su identificación con los sufrimientos del pueblo polaco y su esfuerzo por superarlos.

En esa estela, aunque ya anunciando algunas de las características de su obra posterior, en particular la ironía para abordar poéticamente los dilemas filosóficos que la inquietan, escribió Preguntas hechas a una misma (1954).

“Leonard Cohen se convirtió en uno de los poetas más afamados dentro del pop y ha sido referencia de muchos compositores...”

Pero será con Llamada al Yeti (1957) cuando romperá definitivamente con los preceptos del régimen, en un ajuste de cuentas con su actitud anterior y también con la de la sociedad oficial. A partir de aquel año, en Polonia como en otros países, se inició un fuerte movimiento de rechazo de la imposición soviética y del doctrinarismo comunista, en forma de rebeldía nacionalista. Szymborska optó por la reflexión filosófica y ética, tomando distancia de los debates concretos, y siempre tiñendo de su peculiar humor sus indagaciones poéticas sobre el espíritu humano individual.

gravedad retórica, para lo cual recurre al distanciamiento intelectual y emocional por medio del aludido humorismo presente en casi todos sus libros, junto con el frecuente recurso del lenguaje coloquial, la sencillez, los versos breves y la estructura de estrofas clásica.

Otro de los rasgos de su obra es su facultad para desvelar lo insólito a través de los hechos y los fenómenos aparentemente más insignificantes y cotidianos. En realidad, su visión de la sociedad es pesimista y amarga, de modo que los individuos disponen tan sólo de la lucidez y la ironía para afrontar sus dolorosas relaciones con el medio que les determina.

Sucesiva y discretamente fueron apareciendo sus obras de madurez: La sal (1962), Cien alegrías (1967), Todo caso (1972), Gran número (1976) y Gente en el puente (1986), hasta llegar a Fin y principio (1993). Pese a abordar de forma continua lo que considera los más hondos recovecos del ser humano, Wislawa Szymborska tiende a despojar su poesía de

Premios y reconocimientos 1954, Premio Ciudad de Cracovia de Litera37

Hasta aquí (2009).

Obra traducida al castellano Paisaje con grano de arena, antología, trad.

Ana María Moix y Jerzy Wojciech Slawomirski; Lumen, Barcelona, 1997 El gran número. Fin y principio y otros poemas, trad. Gerardo Beltrán, Abel A. Murcia, Xaviero Ballester, Elzbieta Bortkiewicz, David Carrión, Calors Marrodán y Katarzyna Moloniewicz; Hiperión, Madrid, 1997 Lecturas no obligatorias (Lektury nadobowiązkowe, 1992), prosa; traducción de Manel Bellmunt Serrano, Alfabia, Barcelona, 20094 Instante (Chwila, 2002), trad. Gerardo Beltrán, Abel A. Murcia; Igitur, Tarragona, 2004 Poesía no completa, antología, trad. Gerardo Beltrán, Abel A. Murcia, con una introducción de Elena Poniatowska; Fondo de Cultura Económica, México, 2002 (2ed. 2008, con actualización bibliográfica) Dos puntos (Dwukropek, 2005), trad. Gerardo Beltrán, Abel A. Murcia; Igitur, Tarragona, 2007 El gran número (Wielka liczba, 1976), Hiperión, Madrid, 2008 Poemas escogidos, antología, trad. Ángel Zuazo López; La Habana, Unión de escritores y artistas de Cuba, 2008 Amor feliz y otros poemas (Miłość szczęśliwa i inne wiersze, 2007), antología, trad. Gerardo Beltrán, Abel A. Murcia; Bid & co. editor, Caracas, 2010 Aquí (Tutaj, 2009), trad. Gerardo Beltrán y Abel A. Murcia; edición bilingüe, Bartleby, Madrid, 20095 Antología poética (1945-2006). Traducción de Elzbieta Bortklewicz. Visor Libros, Madrid, 2015.

Prosas reunidas, trad. Manel Bellmunt. Malpaso. Barcelona, 2017.

tura.

1963, Premio del Ministerio de Cultura de Polonia.

1991, Premio Goethe.

1995, Premio Herder.

1995, Doctor Honorífico de la Universidad Adam Mickiewicz en Poznań.

1996, Premio del PEN Club de Polonia.

1996, Premio Nobel de Literatura OBRA Por eso vivimos (Dlatego żyjemy, 1952) Preguntas a mí misma (Pytania zadawane sobie, 1954) Llamando al Yeti (Wołanie do Yeti, 1957) Sal (Sól, 1962) Mil alegrías, un encanto (Sto pociech, 1967) Si acaso (Wszelki wypadek, 1975) Gente en el puente (Ludzie na moście, 1986) Fin y principio (Koniec i początek, 1993) De la muerte sin exagerar (1996) No sé qué gente (1997) Discurso ante la Academia Nobel.

Instante (2002).

Dos puntos (2004).

BLIOGRAFÍA wikipedia http://szymborskapoesia.blogspot.com.es/ Cultural (Diario El País)

38

39

Santiago de Compostela - Galicia - EspaĂąa

Música

Glinka y la música española: El primer ruso que supo aprovechar artísticamente la impronta, los ritmos y melodías de la música española.

Por: Aimé Lambert (Compositor y Pianista)

El compositor ruso Mikhail Glinka fue uno de los pocos compositores rusos fascinado por las melodías españolas y su estilo.

en Madrid - Obertura española n.° 2.

Su visita a España se inició en junio de 1845, y se prolonga hasta junio de 1847. Vista las ciudades de Valladolid, Madrid, Granada y Sevilla.

Su estancia en España le inspiró varias composiciones de las cuales las más conocidas es Capricho brillante sobre la Jota aragonesa - Obertura española n.° 1, Noche de verano

La principal preocupación de Glinka se extendía desde las canciones hasta los bailes po42

pulares de toda la geografía española. Habla con entusiasmo del guitarrista que conoce en tierras de Castilla, escucha por primera vez la Jota nacional con variaciones, lo que le sugiere la idea de su fantasía orquestal sobre el mismo tema, durante su estancia en Madrid el siguiente invierno.

melódicas y sus complejidades, son, sin embargo, imposibles de transcribir (el carácter Oriental de las modulaciones y el impulso rítmico) Después de de componer su Capricho brillante sobre la Jota aragonesa - Obertura española n.° 1, y su Noche de verano en Madrid - Obertura española n.° 2. Regresó a su Rusia natal, tras dos años se estancia en España.

Y está claro que al examinar de cerca el Capricho brillante sobre la Jota aragonesa Obertura española n.° 1, y su Noche de verano en Madrid - Obertura española n.° 2., que estás piezas conservan su carácter ruso aun teniendo puntos afines con la música española. Así como más tarde será evidente en la música de Chabrier “España” o el “Concierto nº 5” de Saëns Saint, o la música Édouard Lalo en su concierto sinfónico español, que conservan sus características más que notorias de inspiración musical francesa.

Las melodías de las Seguidillas le servirán para hacer frente al frío de la capital española.

Todo esto aparecerá más tarde en sus memorias donde narra con todo lujo de detalles su visita a España, así como en la numerosa correspondencia que nunca cesó durante todo el tiempo que duró su visita en el país. Dónde escribió dando datos minuciosos de todas sus vivencias, tomo notas y comentarios sobre las canciones, melodías para el baile, sobre los cantantes y sobre los bailares de aquellas danzas que tanto llamaban su atención.

Le escribió a su madre:

Pero es curioso que este compositor ruso fuera el primero que tuvo el acierto de buscar el beneficio artístico dentro del folklore de España. Tomando como referencia los modos musicales, los ritmos y las melodías del país. Sin lugar a dudas Glinka, se sintió cautivado por los matices orientales que eran tan evidentes en la música española. Como se puede observar en sus piezas Capricho brillante sobre la Jota aragonesa - Obertura española n.° 1, y su Noche de verano en Madrid - Obertura española n.° 2. De aire español, también hay una dosis alta de los motivos musicales rusos.

Llegamos a la conclusión de que fue el maestro ruso Glinka el primero de todos los compositores rusos de su época, en extraer beneficios de la música española. Siendo imitado más tarde por los compositores contemporáneos españoles.

“Si mi éxito en París no fuera capaz de satisfacer mi autoestima, España sería la única que podría curar las heridas de mi corazón.”

Con esta frase el compositor da idea de lo satisfactoria que fue su estancia en el país que le abría sus brazos. “El clima es excelente, vivimos sin ostentación y sin preocupaciones”...

“El orgulloso París no es para mí: Estoy agradecido de haber conocido la bulliciosa ciudad francesa, pero es suficiente”. Desde el punto de vista musical, hay una multitud cosas curiosas; pero no es fácil comprender a primer oído las melodías populares, es aún más difícil Entra en el carácter nacional de las melodías españolas” “Todo esto alimenta mi imaginación preocupada, y para mi es aún más difícil llegar a mi meta y continuar con mi persistencia y constancia”.

Traducido por: Inma J. Ferrero

En España me es más fácil llegar a fantasías aún no compuestas: la originalidad de las melodías locales sumadas a mi voluntad me proporcionan recursos más que significativos. “como este campo no ha sido explotado hasta ahora” A la visita de Glinka en España le va a seguir una serie de composiciones inspiradas en esta música del país (cuyas modulaciones 43

Música

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Por: Agustín Barahona (Compositor y Pianista)

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De todos los que he visto es el mejor, con mu44

¿Se debe aceptar como música algo que no da ninguna muestra de serlo?

«El perfeccionamiento de un lenguaje consiste en su adaptabilidad automática a sus fines comunicativos. Si una lengua no está adaptada a sus fines comunicativos en un momento dado se perfecciona mediante una serie de procedimientos internos que se dan en la práctica casi de modo automático en su seno por el principio de economía, pues –por ejemplo, pero se podrían dar otras decenas de ejemplos y mecanismos bien conocidos en la Lingüísica General– dos estructuras con la misma finalidad tienden a no pervivir juntas, prevaleciendo siempre una de ambas, en ausencia de fuerzas externas, cuando una de las dos es más económica de medios o se ajusta más a las necesidades del hablante en ese momento. Esos mecanismos de perfeccionamiento son producidos de modo natural sin la participación de decisiones arbitrarias de los hablantes. Por lo tanto cualquier lenguaje se perfecciona en ese sentido, pues mantiene un nivel de perfección que lo hace eficaz a los fines de la comunicación.»

«Un amigo me venía a decir hace tiempo que era mejor aceptar como música lo que alguien te presentaba como música para así después poder juzgar su valor en esa categoría y poder decir que es música malísima o absurda. Pero sigo pensando tiempo después lo mismo que entonces le respondí: que nadie en su sano juicio tiene por qué conceder a otros que algo pueda ser lo que a ellos les dé la gana sin que realmente lo sea –negarse a aceptar tal abuso es actuar con la honestidad que tanto nos gusta a esa persona y a mí–. Y sigo pensando que si además es realmente una producción humana malísima o absurda puede perfectamente juzgarse como tal sin necesidad de tener que incluirla artificial y deshonestamente en ninguna categoría, simplemente por el efecto en su supuesto destinatario.»

Perfeccionamiento de un lenguaje

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Entrevista

Jorge de León EL BRILLO SONORO Por: Inma J. Ferrero

Nos acompaña en el número de mayo el tenor Jorge de León, que ha tenido la gentileza de responder a las preguntas de Proverso.

Tenerife. En la actualidad trabaja la voz con Alfonso G. Leoz.

En el año 1998 gana el I Premio en el IV Concurso nacional Villa de Abarán (Murcia).

Comienza su carrera artística representando diversos personajes en distintas Óperas y Conciertos. Así mismo interpreta numerosas zarzuelas como: Dúo de la Africana, La del

Iniciamos la entrevista con una pequeña biografía. Nacido en Santa Cruz de Tenerife, realizó sus estudios superiores de canto con la soprano Isabel García Soto en el Conservatorio Superior de Música de Santa Cruz de 46

J.L: Yo creo que es un todo en general necesitas el equilibrio en todos los aspectos para comenzar, llegar y luego mantenerse

Manojo de rosas, La Bruja, Los Gavilanes,La Chulapona, Los Bohemios, etc.

No obstante es en el 2004 cuando su voz da un importante giro que le lleva a cantar roles protagonistas como el Edgardo de Lucia di Lammermoore, Gianni Schicchi, Tabarro, Carmen, etc. Y le lleva a ganar: I Premio Gayarre X edición - Premio José Carreras al mejor tenor y II Premio Jaume Aragall.

R.P: ¿Cómo te preparas para una actuación ¿Y para una ópera o zarzuela?

J.L: Es un trabajo de relojería, donde que hay que analizar la obra el autor para dar un sentido a la interpretación con tus condiciones vocales, en la ópera y zarzuela lo mismo añadiendo además la interpretación corporal y actoral

En el 2010 en una feliz sustitución con Andrea Chenier obtuvo un gran éxito en el Teatro Real de Madrid que junto con Cavallería, Vida Breve, Carmen y Aida dirigidas por Lorin Maazel, Zubin Metha y Omer Wellber en el Palau de Les Arts de Valencia, le han llevado a cantar en grandes Coliseos como: Arena de Verona, Teatro San Carlo de Nápoles, Massimo de Palermo así como su vuelta al Teatro Real de Madrid con Tosca (2011) dirigido por Renato Palumbo.

R.P: ¿Cómo es tu contacto con el público?

J.L: Es principalmente, el crear un diálogo donde existe un transmisor, receptor y un mensaje, el canal? La música R.P: ¿Cómo ves la afición por la música clásica actualmente?

Durante 2012 sus compromisos le llevan a la Scala di Milano donde ha obtenido un gran éxito cantando laAida bajo la dirección de Omer Welber, nuevamente Tosca, en el Palau de Les Arts, El Cid dirigido por Placido Domin-

J.L: Creo que siempre está en boga, como ave fénix, siempre resurge y atrae a los sentimientos y a las sensaciones R.P: ¿Tienes la impresión de que la política tiñe la ópera en España actualmente?

“Me siento en un momento dulce, siempre en Pro..”

J.L: La política puede hacer poco por la ópera, quizás sea la ópera la que más haga más por la política, donde muchos de los temas tratados son de sistema social y personal, no deja de ser una historia, en una época determinada, hablando muchas veces de la propia historia..., tema muy extenso de relatar...

go y Trovatore así mismo en el Palau de Les Art. En este 2013 han sido enormemente relevantes sus presentaciones en la Staatsoper de Wienna y en la Deustche Oper de Berlin.

R.P: ¿Cuándo y por qué empezaste a estudiar canto?

R.P: ¿cómo ves tu trayectoria artística?

J.L: Empecé a los 18 y porque circunstancias del folklore de mis islas y por el inicio en una Coral

J.L: Me siento en un momento dulce, siempre en Pro, con nuevas metas y retos fascinantes..

R.P: ¿Cómo tenor te describirías…?

J.L: Como un tenor spinto de pegada!

R.P: ¿Cómo es un día normal en tu vida?

R.P: ¿Qué es lo más difícil en la carrera de un cantante de ópera?

J.L: Me siento normal, una persona con sus inquietudes, circunstancias, situaciones, que 47

“...La política puede hacer poco por la ópera, quizás sea la ópera la que más haga más por la política, donde muchos de los temas tratados son de sistema social y personal...”

puede saber o conocer, deseo que se haga un buen uso de ella..

R.P: ¿Qué te queda por hacer? ¿Qué proyectos tienes en mente?

J.L: Me queda mucho y no creo que llegue a realizar un gran porcentaje de lo que se puede soñar, por eso prefiero respirar y disfrutar de lo alcanzado, son tantos los proyectos que es imposible materializarlos todos, pero entre tú y yo, me gustaría una intervención cinematográfica, jejejeje

afronta la vida con la misma ilusión con la que me enamore de la música y sentía que era un amor platónico

R.P: Gracias por responder a nuestras preguntas.

R.P: ¿Qué consejo le darías a las nuevas generaciones?

J.L: Gracias a ti!!

J.L: Es difícil dar un consejo sin conocer a la persona, para evitar caer en la utopía, y consejos generalizados ya están dados solo que materializarlos corresponde a cada uno, vivimos es la era de la información, todo se 48

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Pintura

Francisco de Goya LUCES Y SOMBRAS Por: Isabel Rezmo

El 30 de marzo de 1746 nacía en la provincia de Zaragoza Francisco de Goya y Lucientes, uno de los tres grandes pintores de la historia de España, junto con Diego Velázquez y Pablo Picasso.

de 700 pinturas, 280 aguafuertes y unos mil dibujos), en las que trató temáticas muy diferentes, como escenas populares, retratos, pinturas religiosas, episodios históricos, etc.

También trabajó en varios formatos, como cartones para tapices, pintura de caballete, murales, grabados y dibujos.

Durante su larga carrera artística, Goya pintó una enorme cantidad de obras (alrededor 50

Gracias a su habilidad como retratista, en 1785 fue nombrado pintor del rey Carlos III y en 1789 pintor de la cámara del rey Carlos IV, es decir, encargado de hacer los retratos oficiales de la familia real.

Las pinturas de Goya reflejan la época en la que vivió, un periodo de cambios en España desde la tranquila vida del siglo XVIII, con una clara separación entre las clases privilegiadas y el resto de la población, hasta las crisis del siglo XIX, con las clases medias reclamando más derechos. Precisamente ese pueblo fue una de sus principales inspiraciones a lo largo de toda su carrera, en la que mostró su alegría y su dolor, sus costumbres y sus defectos.

En 1792, durante un viaje a Cádiz, sufrió una grave enfermedad que lo dejó sordo. Eso le aisló del mundo y ensombreció su carácter, llevándole a una pintura más creativa y dramática, en la que mostró sus miedos y su visión crítica del mundo en el que vivía.

VIDA

En esa época Goya empezó a pintar su primera gran serie de grabados, Los Caprichos, 84 aguafuertes en los que satirizó los vicios, las supersticiones y las locuras de la sociedad española de finales del siglo XVIII.

Francisco de Goya nació en Fuendetodos, un pequeño pueblo cerca de Zaragoza. Su padre era maestro dorador y le animó a entrar a los 13 años en una academia de dibujo, donde se formó durante varios años. En 1770 viajó a Italia para estudiar a los maestros italianos de la pintura y de regreso a su tierra natal recibió diversos encargos de temática religiosa.

En 1794 el pintor reanudó sus retratos de la familia real y de destacados personajes de la sociedad, en los que trataba de plasmar los rasgos psicológicos de los retratados y los mostraba sin la idealización habitual, con realismo y en ocasiones con una mirada crítica.

En 1773 se casó con Josefa Bayeu, hermana de dos importantes pintores de la corte. El matrimonio tuvo ocho hijos, pero todos ellos murieron al nacer o siendo muy niños, salvo el último, Javier, nacido en 1784.

Algunos de sus retratos más importantes son los de La duquesa de Alba, La familia de Carlos IV y Las Majas, dos cuadros del mismo tamaño que muestran a la misma mujer en idéntica postura, en un caso vestida y en otro desnuda. Este último provocó un gran escándalo y llevó a Goya a declarar ante la Inquisición.

“En sus primeros cartones reflejó lo popular bajo una visión convencional e idealizada...“

El pintor también realizó en estos años los frescos de la ermita de San Antonio de la Florida, de gran riqueza cromática y habilidad compositiva.

Gracias a las recomendaciones de sus cuñados, Goya consiguió en 1775 trabajo en Madrid como pintor de cartones para la real fábrica de tapices, labor que ejerció hasta 1791.

En sus primeros cartones reflejó lo popular bajo una visión convencional e idealizada. A mediados de los 80, la alternó con otra menos festiva, con tonos fríos y sombríos, y en los últimos que realizó entre 1791 y 1792 mostró una visión más crítica de lo popular.

La invasión de España por parte de las tropas francesas de Napoleón y la posterior Guerra de la Independencia de 1808 intensificó el carácter pesimista y crítico de Goya, que mostró su repulsa al horror y la sinrazón de la violencia a través de dos grandes cuadros y una serie de grabados.

Al margen de este trabajo, en 1780 consiguió convertirse en académico de San Fernando, lo que le permitió obtener trabajos para decorar iglesias y hacer retratos de nobles como los duques de Osuna y Medinaceli.

En el 2 de mayo de 1808 en Madrid (La lucha con los mamelucos) y El tres de mayo de 1808 (Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío) recreó dos escenas reales de la guerra, en las que no pintó héroes, sino que 51

“Goya consiguió crear un estilo propio, de gran originalidad, enorme fuerza expresiva y calidad técnica ...“

acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa”.

Al mismo tiempo, en 1815 empezó dos nuevas series de grabados: La Tauromaquia, con 33 estampas sobre la historia del toreo y las hazañas de toreros contemporáneos, y Los disparates, 22 escenas centradas en la violencia, la noche, el sexo, el carnaval y lo grotesco, que reflejan su vertiente más pesimista y crítica.

“La fantasía, aislada de la razón, sólo produce monstruos imposibles. Unida a ella, en cambio, es la madre del arte y fuente de sus deseos”.

se centró en el sufrimiento de las víctimas, del pueblo anónimo de Madrid resistiendo ante los franceses.

En 1819 Goya pintó sus composiciones religiosas más conmovedoras: La última comunión de San José de Calasanz y Cristo en el monte de los Olivos.

Lo mismo sucede con su serie de 82 grabados Los desastres de la guerra, en los que el artista criticó la despiadada brutalidad de la guerra, que para él no era una lucha entre dos frentes, sino un ejemplo de la violencia, la crueldad y la miseria humana. Para darle dramatismo a las escenas, utilizó el contraste entre la iluminación blanca y distintas intensidades de negro.

Ese mismo año, cansado y decepcionado por la persecución de los liberales por Fernando VII, el pintor compró una finca en las proximidades de Madrid, la llamada Quinta del Sordo, y se refugió allí, dando rienda suelta a sus monstruos interiores. Entre 1820 y 1823 decoró las paredes de su casa con 14 obras murales, denominadas las Pinturas negras, en las que, a través de tonos negros, marrones y grises, muestra escenas dominadas por la violencia y la maldad, con paisajes desolados, brujas, peleas, etc. “.

En 1812 murió su esposa Josefa, pero antes de su fallecimiento ya mantenía relaciones con la criada Leocadia Zorrilla de Weiss, 35 años más joven que él y que le acompañaría hasta su muerte.

La opresiva situación política de España llevó a Goya a exiliarse a Burdeos (Francia) en 1824. En esta última época retrató a la gente de su entorno y realizó la sorprendente La lechera de Burdeos, en la que el artista parecía haber recuperado el gusto por la luz, el color y la belleza de la pintura. Allí termina sus últimas series gráficas “Las Tauromaquias” y “Los Disparates”, impregnadas de frescura e

Tras la guerra, el rey Fernando VII repuso a Goya en su puesto de pintor de cámara a pesar de haber sido retratista de José I, hermano de Napoleón. Sin embargo, el pintor no aprobaba los excesos del absolutismo y poco a poco fue reduciendo sus encargos oficiales.

“Siento ardientes deseos de perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas 52

innovación a pesar de la edad del artista. Muere en Burdeos, el 16 de abril de 1828, a los 82 años dejando un legado artístico que aventuró futuros movimientos estilísticos, siendo por ello considerado como el genio precursor que deja la puerta abierta a la modernidad.

Goya consiguió crear un estilo propio, de gran originalidad, enorme fuerza expresiva y calidad técnica. Las características de su obra son fruto de su sensibilidad artística, los acontecimientos históricos que tuvieron lugar a su alrededor y una dura enfermedad que le dejó sordo y transformó su carácter en la etapa de madurez. Fue un artista de lenta evolución que alcanzó un gran virtuosismo técnico reflejado en obras de muy diversa temática. Su trabajo artístico refleja el colorido barroco y la influencia de la pintura italiana que conoce en su viaje de formación a este país, avanzando hacia las líneas modernas y sueltas, sobre todo, en su obra gráfica.

La mayor parte de sus obras se conservan en el Museo del Prado de Madrid, aunque también pueden verse cuadros suyos en diversos museos del mundo, sobre todo retratos.

OBRA Y EXPRESIÓN ARTÍSTICA Los grandes genios son siempre difíciles de encasillar. Habitualmente, ellos marcan las pautas de un estilo concreto pero a veces, y es el caso de Goya, se desvinculan del estilo característico de su tiempo. Quizá la figura de Goya sea más atrayente por lo que supone de ruptura.

Sus obras muestran una lenta pero continua evolución de su arte desde las corrientes predominantes en su época, el barroco tardío y el rococó, hasta desarrollar un nuevo estilo 53

“Considerado uno de los grandes maestros de la pintura universal, testigo de excepción de su tiempo, cronista de su época...“

único y personal, que le ha llevado a ser considerado como el primer pintor moderno de la historia ya que muchos de los movimientos pictóricos posteriores se inspiraron en su trabajo, como el impresionismo, el expresionismo y el surrealismo.

Considerado uno de los grandes maestros de la pintura universal, testigo de excepción de su tiempo, cronista de su época, cuya obra artística refleja el periodo convulso que dio paso a la Edad Contemporánea. Nace y vive un siglo de cambios y conflictos, desde la Revolución Francesa y la Guerra de la Independencia hasta la incertidumbre de la situación de la vuelta al absolutismo. Esta circunstancia política y su condición de ilustrado afrancesado, liberal e intelectual provocaron que se exiliara de forma voluntaria a Burdeos.

el Palacio de la Duquesa de Villahermosa en Pedrola.

Mantener viva la memoria de Goya y difundir su obra es el objetivo de varias instituciones entre ellas las aragonesas. En Fuendetodos se tuvo constancia, ya hace veinte años, de la importancia que para la región suponía poner en valor la figura de Goya, creando un museo y abriendo al público la casa natal del artista. En torno a esta sede se organizan periódicamente actividades culturales y se ha constituido la Fundación Fuendetodos-Goya que gestionará el futuro Museo del Grabado Contemporáneo. Con el mismo propósito el Gobierno de Aragón constituyó en 2007 la Fundación Goya en Aragón que gestionó el Programa Goya 2008, lleno de actos culturales y exposiciones relacionados con el pintor y en la actualidad se dedica a labores expositivas, de investigación, difusión, divulgación y documentación.

En Aragón se conserva una importante muestra del trabajo de este pintor universal, testimonio de la relación que mantuvo con su lugar de origen a lo largo de su vida.

En Zaragoza destacan las obras que albergan el Museo Diocesano de Zaragoza, el Museo de Zaragoza o el Museo Ibercaja Camón Aznar, pero sobre todo los frescos de las bóvedas del coreto y Regina Martyrum de la Basílica del Pilar. Otras paradas obligadas son su casa natal en Fuendetodos, la Cartuja de Aula Dei, las iglesias de Muel y Remolinos, y

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Portafolios

“Cuando Madrid se tiñe de poesía y de arte” Por: Elisabetta Bagli

la expresividad que caracteriza sus interpretaciones.

Muchos han sido los acontecimientos en Madrid que durante este mes han tenido lugar, y que merecen ser recordados por su intensidad y por su notable trascendencia, muestra de su fuerza y su valor.

El 23 de abril en el Martínez Bar, las performaces de los tres artistas se han mezclado de manera fluida creando una atmosfera muy “lorquiana”, en la que la actuación de las dos poetas con la delicada banda sonora de Chiaramonte ha dado vida a momentos de puro drama. Las actuaciones poéticas se han alternado con la interpretación solista de algunas piezas tocadas por el guitarrista, mientras las dos mujeres, vestidas de negro y con las velas encendidas, estaban sentadas escuchan-

Vamos a empezar hablando de la muy afortunada performance del recital poético “En los ojos de una mujer” ideado y protagonizado por Elisabetta Bagli e Inma J. Ferrero, esta vez acompañadas por el músico Giuseppe Chiaramonte, guitarrista de renombre internacional que se distingue por su tono cálido y lleno, que une una gran fuerza emotiva a 56

na de Madrid, en una clase magistral que suscitó gran interés en los jóvenes. Los dos actos fueron presentados por Debora Marchesiello.

El 29 de abril se celebró otro evento en el que las “artes hermanas”, otra vez más, se dieron la mano. Fue en el Día Internacional de la Danza, cuando nuestra Directora Inma J. Ferrero fue invitada por Pablo Maldonado, pianista flamenco, a participar en un espectáculo muy peculiar en el que la danza, la música y, por supuesto, las palabras, se fundieron para asombro del público, muy implicado emotivamente. Inma J. Ferrero declamó sus poemas con elegancia y maestría, mientras una Bailaora, La Popi, lucía ejercitando su arte, así como la Cantaora Caridad Vega, que con el cante improvisado de los poemas de nuestra poeta, provocó la admiración del público. Fue un espectáculo apasionante que ha dejado en el público la sensación de haber asistido a algo verdaderamente mágico.

do concentradas las notas que se expandían en el aire. Una atmosfera lírica que ha regalado a los asistentes al acto momentos únicos e inolvidables.

El día 25 de abril, fecha en la que Italia celebra la Fiesta de la liberación, en el Consulado de Italia tuvo lugar un acto muy bonito organizado por la Associazione dei Pugliesi in Spagna (de los habitantes de la región de Apulia que viven en España). En este acto, titulado “Una Guitarra en Frac”, homenaje al gran cantante y compositor italiano Domenico Modugno, participaron el Maestro Vito Nicola Paradiso que con su arte dio muestra de su virtuosismo musical, y la poeta Elisabetta Bagli que interpretó, recitándolas, dos canciones del famoso cantante: “Vecchio frac” y “Volare”. Durante la velada se otorgó una placa a la Doctora Francesca Bisceglia por su trabajo de “Biologia molecular oncológica” en el Instituto IDIBELL de Barcelona. Entre los asistentes al acto estuvieron diversas personalidades italianas y españolas, entre las cuales la Cónsul Gilda Santangelo y la Directora de la Scuola Italiana Paola Gasco.

El último de los acontecimientos de los que hablamos fue el 9 de mayo en el Centro Riojano de Madrid, integrado en el ciclo “La Rioja poética”, dirigido por nuestra querida amiga poeta Rosario de la Cueva. En dicho recital, nos deleitaron con sus hermosos poemas la poeta española Izara Batres, ganadora del XXXVI Premio Mundial de Poesía Mística “Fernando Rielo” con su libro Tríptico y la poeta italiana Elisabetta Bagli, ganadora del Diploma de Honor al Mérito artístico Mayte Spínola con el Grupo Pro Arte y Cultura, ex aequo con la artista Rosa Gallego del Peso por su poema “BNR”, inspirado a la obra de Rosa Gallego Cruel Realidad. Entre los invitados se encontraba, asimismo, Dña. Ascensión Escamilla Valero de la Fundación Fernando Rielo. Fue una velada muy emotiva, en la que las poetas pudieron también mostrar sus capacidades interpretativas. Finalizado el acto, fuimos invitados a unos aperitivos rociados con un excelente vino de Rioja.

Las mismas actuaciones del guitarrista y de la poeta se desarrollaron también el día siguiente delante de los alumnos de la Scuola italia-

Un mes rico y lleno de vida en este Madrid que cada vez más se tiñe de poesía y de arte.

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Portafolios

PALABRAS CON HISTORIA

“BANCA” Por: Marcos López Herrador engañan y sí que resulta que ambos conceptos tienen que ver, como explicaré más adelante.

El diccionario define la banca como la actividad de bancos y banqueros, consistente en la realización de operaciones de giro, cambio y descuento, apertura de créditos, servicio de cuentas corrientes y compraventa de activos financieros a comisión. Sorprendentemente, también nos define este término como madero grueso y cuadrado, dispuesto horizontalmente sobre cuatro pies que sirve de mesa de trabajo en la carpintería y otros oficios. Aparentemente no puede haber significados más dispares para la misma palabra, pues nada parece que tenga que ver una cosa con otra.

Sin embargo, en este caso, las apariencias

Para encontrar el origen de la banca, deberemos remontarnos en la Historia a épocas y lugares tan remotos como Uruk, Ur, o Babilonia, todas ellas ciudades mesopotámicas del cuarto milenio a. C., y tendremos que destacar su origen sagrado, pues fue una actividad nacida en los templos y ejercida por los sacerdotes de los mismos.

Los templos eran de las construcciones más 58

sólidas de aquella época, porque tenían que serlo,dado que el fervor de los fieles hacía que los dioses recibieran todo tipo de ofrendas valiosas, que daban lugar a que en ellos se acumularan verdaderos tesoros con enormes cantidades de oro y plata, que había que proteger mediante sólidos muros de piedra y sótanos seguros donde custodiar tan valiosos objetos. Todo esto obligó a los sacerdotes a desarrollar una minuciosa contabilidad en tablas de arcilla para su control.

como en la Edad Media, en mercados, o en las principales plazas públicas, los banqueros cambiaban monedas de todas clases por aquellas que circulaban en la zona, para facilitar tanto las transacciones como el manejo y la comprensión de los precios de compraventa de las mercancías. Esta labor se ejercía sobre un banco de madera utilizado a modo de mesa de trabajo en el que se apilaban las monedas cambiadas y por cambiar. De modo que ya tenemos la conexión con la segunda definición que di al principio. Esa mesa de trabajo llamada banco o banca acabó dando nombre a la actividad. Así que, cuando un banquero se arruinaba, para que todo el mundo supiera que cesaba en su actividad, rompía el banco que le servía de mesa de trabajo, allí donde se encontraba éste. Dicho de otra manera, quebraba las maderas del tablero, y de ahí el termino hoy conocido como “quiebra”. Se decía entonces que el banquero había caído en “banca rota”, de ahí también el término actual tal y como se utiliza aplicado al cese de una actividad comercial por insolvencia.

La seguridad ofrecida por estas construcciones hizo que propietarios y comerciantes solicitaran depositar allí sus capitales monetarios, con lo que la seguridad en la custodia del dinero ajeno se convirtió en el primer servicio de banca. No pasó mucho tiempo antes de que los sacerdotes se percataran de que no todo el mundo que tenía depositado su dinero decidía retirarlo, ni todo el dinero, ni todos los depositantes a la vez, y que, para atender esas retiradas de fondos, no necesitaban disponermás que de una pequeña cantidad de lo depositado, con lo que la mayor parte podía hacerse productivo cediéndolo a préstamo y cobrando un interés por ello. Con esto, acabaron por nacer las dos funciones esenciales de la banca, que no son otras que las de tomar dinero en depósito y entregar dinero a crédito.

Desde aquel momento a hoy, la actividad bancaria se ha desarrollado hasta alcanzar la complejidad de las operaciones que se realizan en la actualidad, lo que no impide que se mantengan en el común de la gente mitos como el de que en los bancos hay mucho dinero. Nada más lejos de la realidad. El banquero que tuviese mucho dinero en su banco sería un mal banquero. Los bancos mantienen en sus cajas el mínimo indispensable para atender a las operaciones diarias de efectivo, pero ni un céntimo más, porque todo lo que no está prestado o invertido es dinero que no produce, y eso es algo que la banca evita.

Hemos mencionado ya las funciones de tomar dinero en depósito y prestarlo, pero hay otra función típica que la banca ejerce también desde tiempos remostos, como es la del cambio de moneda. Tanto en la antigüedad, en templos como el de Jerusalén (recuérdese la expulsión de los mercaderes por Jesús), 59

Portafolios

El anaquel

Los libros liberan más que nutren y quiero ser testigo de esa liberación Por: Matteo Barbato Cada generación necesita distinguirse,necesita construir sus credos y sus templos, bautizar sus pecados ydescubrirse a sí misma. En el mundo del arte, como en el de la música, cada generación elige unos ídolos, voces que a su vez marcan una generación. En el mundo literario de los últimos años despuntan unas voces poéticas de gran calidad que, con palabras desnudasy libre de artificios, transmiten emociones intensas, llegando fácilmente al lector joven, ávido de poesía.

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La soledad de un cuerpo acostumbrado a la herida Elvira Sastre Editorial Visor libros 72 páginas ISBN 978-84-9895-974-1 Según el autor Benjamín Prado, Elvira (Segovia, 1992) nos ofrece unos versos que se mueven entre la parábola aleccionadora y el aforismo cegador;su lecturase convierte enuna descarga eléctrica para los lectores y su obra es lo que la literatura española estaba esperando desde hace mucho tiempo. El prologuista del libro, Joan Margarit, confirma que nos enfrentamos a una autora de mucho talento, cuyo camino artístico solamente podrá ser juzgado por la historia.

Sea como fuere, este trabajo es el resultado de una evolución, el deuna artista más madura, profunda y sencilla a un tiempo, que nos regala su trabajo más doloroso, un camino de

heridas y sanación, de amor y de islas, de palabras desnudas y metáforas certeras, de una realidad difícil que supera con unos versos acertados, llenos de esperanza.

Quizá las palabras de Benjamín sean ciertas: quizá por ello la poesía de Elviraha conquistado al gran público.

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Los ojos del pelícano Fernando Valverde Editorial Visor libros 72 páginas.

ISBN: 9788498957396 “Los ojos del pelícano”, premio «Emilio Alarcos», nace de una experiencia. En una entrevista el autor explica que, en su estancia en un pueblo costero nicaragüense, pudo observar de primera mano la belleza y la tragedia escondidas en el vuelo de los pelícanos: cuando cazan, estas aves planean hasta avistar su víctima y de repente se dejan caer en picado en el mar. El golpe contra el agua es preciso y brutal, necesario para capturar los peces, trágico porque les llevará a la ceguera.

El destino del pelícano se estrella contra el agua, una y otra vez, al igual que los sueños del hombre que chocan repetidamente contra la realidad. La vida, por tanto, oscila entre lo que los brazos amarran y aquello que se nos va de las manos. Los anhelos y las pérdidas se enfocan a través del barómetro del tiempo hasta considerar que “es mejor estar en untiempo detenido que mirar hacia el futuro”. El lenguaje, cercano y austero, es propio de un dialogo, de una confesión. Así lo son también los poemas dedicados a su madre y a su abuelo, ambos bellísimos y conmovedores, que abren y cierran la obra.

Los otros poemas, divididos en cuatro capítulos, son también un tránsito, un compendio de imágenes y observaciones, el resultado de los apuntes de un periodista bajo el paisaje de distintas ciudades. Todos esos poemas golpean y nos golpean a través del lirismo y de las palabras de este poeta granadino de 37 años, quizá el mejor poeta joven en la actualidad.

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Los ojos de la niebla Raquel Lanseros Editorial Visor XXII Premio Unicaja de Poesía 48 páginas ISBN: 978-84-7522-679-8 Tuve la suerte de conocer a esta poeta jerezana de 44 años en la feria del libro del pasado año y, a pesar de su éxito, de su calidad y de su grandeza, me pareció enfrentarme a una persona entrañable, normal, amable y simpática. Poliglota, profesora y viajera, su voz vibra y hace vibrar,“elude lo anecdótico para poetizar lo sustancial”, se acerca a los sentimientos y a las situaciones cotidianas hablándonos de amor, de sueños y de memoria con la luz de su perspectiva y de su poesía.Raquel Lanseros comunica, llega, se hace entender; su pluma engancha y emociona a su lector creando metáforas sublimes, elevando la expresión estética.Sus versos son piezas únicas.

Esta obra se presenta como un compendio de monólogos hecho por hombres y mujeres, algunos reales, inmersos en sus vidas cotidianas.Desde esta perspectiva, el trabajo de Raquel se presenta como una oportunidad por la que transitar, un camino que nos ayudará a aclarar las perplejidades de lo cotidiano, a esclarecer esa niebla, metáfora de la incertidumbre moderna.

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Habitaciones separadas Luis García Montero Editorial Visor Premio nacional de poesía 1994 ISBN: 9788475223162 Como decía Octavio Paz, “Habitaciones separadas” es un libro lleno de emociones en el cual, estoy seguro, los jóvenes van a reconocerse. Entre lo cotidiano y lo maravilloso, el autor explora los meandros de la vida real desde los hombros heridos del viajero, desde una libertad que también es soledad, desde otro tiempo, desde otra edad, desde otro amor.

Su poesía es urbana, es una poesía de la experiencia, sin artificios, concisa, actual, natural: podemos etiquetar la poesía y el estilo de Luis García Montero de distintas maneras… yo sencillamente quisiera tildarle de imprescindible.

Los versos de este poeta destacado llegan, atrapan, envuelven y te trasladan como en un cuento mágico a través de unas imágenes siempre bien cinceladas.

Para los que gustan de la poesía, estas “Habitaciones separadas”, bien merecen su lectura.

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