Nº 8 Del 1 al 30 de Noviembre de 2016 https://proversoblog.wordpress.com
PRoverso MUERTE Y POESÍA ALFREDO PIQUER GARZÓN
dame tu corazón FRANCISCO MERCHÁN
jesualdo jiménez de cisneros POESÍA A RAS DE PIEL
maurizio colasanti “...las orquestas son un organismo complejo compuesto de muchas piezas que deben trabajar para conseguir un único objetivo...“
Sumario P.10 Adrián Mattera - Quinientos años P.12 Matteo Barbato - El verso que no cesa P.18 Muerte y poesía - Alfredo Piquer Garzón P.26 Jesualdo Jiménez de Cisneros - Poesía a ras de piel P.30 Dame tu corazón - Francisco Merchán P.34 Il postino - Mo yan: El silencio creciente de China P.40 Enfermedades musicales P.42 Un conservatorio 24 años ile- gal a sabiendas de sus (ir) res- ponsables
P.26
P.48 Maurizio Colasanti - La esencia de la música P.54 V centenario de la muerte de “El Bosco“: Misterio y simbo- logía. P.62 Mi fumado café con poesía - Se me presenta hoy el nieto de “El abuelo Palancas“. P.64 Aires de Cartagena en Madrid P.66 Palabras con historia - Moneda P.68 El fotógrafo. P.74 Cartelera.
P.20
PRoverso
DIRECCIÓN GENERAL Inma J. Ferrero DIRECTOR ADJUNTO Isabel Rezmo DIRECCIÓN EDITORIAL Inma J. Ferrero / Isabel Rezmo ARTÍCULO
WEBSITE https://proversoblog.wordpress.com E-MAIL revistaproverso@gmail.com COLABORAN:
Alfredo Piquer Garzón CRITICO MUSICAL Aimé Lambert MÚSICA Agustín Barahona Manuel Antonio Herrera IL POSTINO Giuseppe Quaranta MI FUMADO CAFÉ CON POESÍA Juanmaría G. Campal PALABRAS CON HISTORIA Marcos López Herrador EVENTOS Elisabetta Bagli EDITA MRV Editor Independiente DISEÑO GRÁFICO LaMásWeb / Antonia Naranjo Paris
CARTA EDITORIAL
La Revista PROVERSO inicia en el mes de febrero de 2016 su primera edición, aquí encontrará artículos de carácter cultural escritos de una manera sencilla y amena, Proverso es el resultado de la fusión del trabajo entre poetas, escritores, músicos, artistas plásticos, diseñadores y fotografos (que irán compartiendo sus trabajos a lo largo de los siguientes números de la revista) que con mucha ilusión y determinación hemos decidido emprender este proyecto, que es un compromiso con nosotros mismos y con la sociedad que nos rodea. Pretendemos con esto mostrar en equilibrio el que hacer cultural en todas sus formas, sin limitarnos al plano literario. Para cumplir con el primer objetivo nos hemos trazado un plan que si bien es modesto significa un granito de arena, que sumado a otros esperamos puedan cubrir una amplia extensión del ambito cultural. Dentro de Proverso contamos con secciones de información sobre textos literarios, crítica musical, entrevistas, artículos literarios, artículos sobre arte, reseña literaria, cartelera, todos ellos temas de interés general. Agradecemos la confianza en recibirnos, trataremos que Proverso sea un vehículo de unión entre todas las artes. Esperando que esta revista sea de su agrado les invitamos a conocernos.
Inma J. Ferrero Director General
Museo Miguel Hernández - Josefina Manresa Quesada (Jaén)
Narrativa
Adrián Mattera QUINIENTOS AÑOS
El mes de noviembre acoge entre sus páginas al escritor madrileño Adrián Mattera, que nos presenta su nuevo libro “Historias de la patria media“ editado por Bohodón Ediciones.
menudo lo cotidiano para extraer significados que nos acercan a lo que hay detrás de las cosas, a su esencia, al mundo invisible; ese mundo que se siente pero que no se ve. La magia del ser y no ser, la sensación profunda de insatisfacción y de incomunicación que aflora en algunos pasajes, el resentimiento para con un mundo del que el autor no puede apearse y una velada crítica social se perfilan soterrados en estos escritos, que han sido elaborados a lo largo de años. Es esta visión particular del mundo la que nos revela como en un espejo la imagen del observador, a la vez que hace participar al lector de las situaciones que presenta recreando esas vivencias interiores que todos hemos experimentado alguna vez y que, a menudo, tan difíciles
Sinopsis del libro: Si en alguna ocasión el autor hubiera querido cambiar el mundo, hubiera debido empezar por cambiarse a sí mismo, como reflexionaba Sócrates. Pero ese no es su objetivo; estos textos no tienen pretensiones tan elevadas. Lo que Adrian Mattera ha hecho en estos relatos es reducir el mundo a su jardín para ver con mayor intensidad y desgarro los procesos que regurgitan a su alrededor. Juega en ellos con lo íntimo y lo desconocido, utilizando a 10
de expresar resultan. Y es que, por citar a André Maurois, «en la lectura, como en algunas posadas y en el amor, no encontraremos más que lo que nosotros mismos llevemos».
es el sonido cotidiano, el eco de una duda, una duda demasiado profunda para explicarla con palabras. Clac clac, es el ajetreo de los lunes en el tajo, las miserias de los huecos y tiernos cuchillos desgarradores, el pan y la sal derramados sobre el tapete verde mullido en que se juega a las cartas, a los dados, al ajedrez o a la ruleta rusa. Hay que atraillar las ideas para que no resbalen entre los dedos y dispararse al infinito del que no formamos parte para percibir cenestésicamente un vago reflejo de aquella página de arena que el viento dobló en el libro de los cielos. Infinito. Agudo. Porque los símbolos surgen cuando no se buscan, se ocultan ante el que avizora y se desdibujan ante el investigador que los mira con lupa. Y la locura, sueñan noches de frenesí, se aparece a los poetas que la miman, para su desdicha, pues de la inmensa caja de Pandora que se sustrae al reflujo de los cielos salen toda suerte de endriagos y cuélebres. El poeta, como el estilista, añora las visiones fugaces, que son las verdaderas, y se perpetúa en las realidades morbosas, que son las duraderas. Nadie como él, tan desdichado, llamara a la puerta de los cielos con un blandón en la mano. Esta puerta es para los ciegos y los que lo quieran ser. Nadie lo sabe hasta después, una vez recorrido el camino del no retorno, el del nunca jamás serás quien deseaste ayer. La tribulación es la musa del poeta atribulado, una amante caprichosa y cara, un sueño dorado erizado de cuchillos hambrientos, un fanal que se apaga a la primera brizna de viento. Y el poeta con su crismón a cuestas, sellándolo en el viento, lanza su órdago, que nadie oye. El que juega calla, quizá asiente con la cabeza gacha, pero calla impío y permanece impertérrito. Quizá se lleva el dedo índice a la boca para sellar dentro sus pensamientos, que barbotar un sonido cualquiera es fundir un nuevo firmamento, labrado de estrellas, diosas y muertos. El poeta quiere jugar con Dios, sobre los arreboles dormidos en el alpende del Empíreo, una partida eterna, mano a mano. Y ésa es su perdición y su esencia.
Esperamos que disfruten de la lectura de este relato perteneciente al libro. QUINIENTOS AÑOS Son quinientos años ya o más, quién sabe, deambulando por la vida. Quinientos años o más son muchos años para arrastrar el es-
queleto. Sólo quiero hacer un ejercicio de memoria, aun con esta descoyuntada cabeza, para recordar el principio. Un principio más, un epítome, sin duda. Carambola. Las piezas del billar chocan y chocan sin parar en una partida eterna. Y, ¿quiénes juegan?; ¿se les ve?; ¿alguna vez se les llegará a ver? Clac clac, 11
Poesía
Matteo Barbato EL VERSO QUE NO CESA
El mes de noviembre nos trae al poeta italiano Matteo Barbato, poeta nacido en el año 1973 en Nápoles, en el seno de una familia de clase obrera. Su infancia conoció, quizás por ello, las dificultades y los límites de nuestra restringida capacidad económica. Estudió Sociología en la universidad de Nápoles y a la edad de 26 años vino a España, enfrentándome al desafío de un cambio radical y al reto de comunicarme con un idioma distinto al suyo. Su relación con la escritura ha de incluirse en esta perspectiva: a partir del
2011 empezó a escribir relatos y poemas en español hasta colaborar con distintas páginas web dedicadas a la poesía. Ha participado con algunos de sus trabajos en el programa de radio catalán La Buhardilla y en la emisión radiofónica dedicada a los nuevos talentos literarios Extra fantástica de Radio 3; en el pro-
“...Mi relación con las musas y con la poesía es algo atípica y sobre todo reciente...” 12
to, un micro teatro, una liberación. La poesía es una experiencia íntima, lógica y emotiva a un tiempo, un cúmulo de palabras que nos abre a las puertas de nuestros infiernos (o del paraíso), una herramienta que nos alivia, un placer…
grama Al norte de las letras de Radio Utopía y en El rincón de Julia de ClickRadioTv. Ha participado en distintos eventos poéticos y ha editado con ArtGerust un libro de poemas titulado “Recuerdos, amores y sueños” cuyo resultado le convenció para tomarse algo más en serio su afición. Actualmente está próxima la publicación de “Sentimientos en versos libres” con Ediciones El Juglary desde este verano está trabajando en su tercer poemario (Uni)Versos.
Afición y aflicción, grandeza y pesadumbre: la escritura es un matrimonio inseparable de alma y papel. Escribo hasta que lo necesite... no me pregunto por qué escribo: escribo y me rindo a ello.
Desde el año 2015 es miembro de la unión nacional de escritores (UNEE).
POEMAS:
PR: ¿Cuándo llegaste a la poesía y cómo?
Ser y no ser
RP: Mi relación con las musas y con la poesía es algo atípica y sobre todo reciente: una vez instalado en territorio español y, tras unos años, empecé a dejar de pensar en italiano para hacerlonuevamente con este idioma tan maravilloso. Fue el primer paso.
Amar(se) es el sueño que se agarra al alma, una locura incondicional, una palabra de futuro. Fugarse es reinventarse en una celda y liberarse al silencio.
“La poesía es una exigencia, un lugar de culto, un micro teatro, una liberación. La poesía es una experiencia íntima, lógica y emotiva a un tiempo...”
Tu luz me ciega, tu sombra me enciende. Ando en compañía, de ti, pisando soledades. Escalo la pared escurridiza del sentimiento: cada suspiro, cada paso, exhala tu historia.
La curiosidad, el aprendizaje autodidacta, la experiencia de la lectura y un sinfín de experiencias personales fueron la mezcla, casi explosiva, que afinaron mi sensibilidad y la llevaron al mundo poético. Estas nuevas experiencias, el estímulo de la escritura, la belleza de la lectura, la creación, la posibilidad de expresar mis emociones… representan las causas o el conjunto de motivos que me acercaron a la creación poética. Escribir, tachar y volver a escribir es una experiencia enriquecedora y entró lentamente en mi vida hasta convertirse (casi) en un salvoconducto para respirar.
Helado en mis adentros, apago la llama del recuerdo con las lágrimas de tu abandono. Mis labios resecos, deshidratados, agonizan como agua evaporada en la aridez de tu desierto. Las mariposas de mi vientre se traspasan a tu vacío... se van sobrevolando los charcos de tu olvido.
PR: ¿Qué significa la poesía para ti? La poesía es una exigencia, un lugar de cul13
Te busco en el eco de la sombra, la luz pide paso entre tus piernas.
Me encierro en una cárcel, la de un amor profundo, espacio entumecido que me devuelve tu presencia.
Estás empapada... Mi boca sedienta se hace peregrina: trazo líneas entre el deseo y los parajes de tu cuerpo.
Mi alma se recompone, de nuevo me capturas enredándome con tu vida.
Recorro las autopistas húmedas de placer que gozan en tu nombre, busco tu santo grial, cubro tus pechos redondos, descubro tus sinuosas caderas.
¡Vuelves a mí, amor! Finalmente me liberas... Todos los tiempos del amor mueren entre sus piernas
Estremeces en mis manos, palideces con mis dedos: tu fragancia hierve en suspiros.
Mientras discurro sobre la arquitectura del amor, parafraseando sobre la existencia de un sentimiento eterno u otros disparates imposibles, los semáforos dan luz verde para desbordar la oscuridad.
Me apodero del punto de tus goces: quiebro tu respiración, te encoges, aunque en el fondo eres tú la que dirige esta sinfonía con el compás de tus piernas... Tu melodía afanosa rebota en las paredes y aterriza de nuevo en tu mirada. Tienes magia: ¡me deslumbras!
Llegas a mí, extasiada y hambrienta, para iluminar la esencia de mi cuerpo. Me abrazas de atmósfera infinita, entreabres la boca robando gemidos al silencio, ensayas notas al aire ahogándolas de gusto.
Soy el sapo de viejos cuentos que reconviertes en príncipe.
Ahora me palpas con famélicas caricias, me saboreas a tu antojo, me doblas el aire y mi cordura se retira agarrotada.
Mis cincos sentidos se funden en un vaivén perfecto: me acerco, me alejo, —redundancia sublime— manejo los tiempos hasta derrumbarme en los meandros inaccesibles de tu carne.
Rozo tu piel, tiemblo de vibrantes escalofríos, cierro los ojos, me guío por tu aroma.
Encogido el deseo, te apartas mientras mis manos siguen capturando tu olor...
La mudez de las estrellas nos escucha, se oye tu cremallera abrirse al placer, mientras mi pantalón se abandona al suelo como nota al pie de un cuento intrascendente.
El aire nos viste arropándonos, la noche desnuda nos abandona... Y lentamente me desvelo... Fue solo un sueño y latió al ritmo de tu huella. 14
y en ese mismo aire tu soledad se libera al silencio. Lo cierto es que huyes de espacios y formas. ¡Eres libre! Volatilizadas tus noventa primaveras en un suspiro renaces etérea con la herramienta florida del recuerdo. ¡Permaneces! Los segundos inexorables se desgarran frente a tu imagen: la sonrisa eterna de tu juventud, desplazada a latitudes lejanas, sigue indeleble como un verso. Fotografía sin fragancia —cuerpo sin alma—, tus restos se esparcen en el infinito más allá del cielo y del tiempo. Más allá del recuerdo. Más allá, donde reposa tu estrella. Me siento ceniza en los altares de tu existencia. La muerte, tan aborrecida a la mirada del mundo, quizás tan solo sea un momento en el perpetuo vaivén de la vida.
La llamarada del amor se apagó: lo que era polvo ahora es ceniza. Escribo tu recuerdo, publico mis cenizas A mi abuela 8/11/1923 – 2/9/2014
Vuelves al creador y quizás ahora te permitan danzar con las nubes.
Te soñé con mi fúlgida memoria, me extrañó despertarme con tu olvido...
Contradicciones Te odio porque callo cuando gritas, te odio porque me silencias cuando lloras, te odio porque me sonríes sin morirte de risa, te odio cuando duermo en tu realidad desvelada.
Eres muchos ayeres... Tu ausencia se mantiene inmóvil como noche dormida, tu luz dispersa se ahoga de mármol y tierra. Ahora quizás tu esencia fluye en un ataúd de brisa y niebla, 15
Vives en mí.
¡Soy yo!
Eres mi alma.
Recuerdos de arena y sal Recuerdo estar frente al mar entre el son de las olas y el vaivén de la conciencia, en un territorio sin fronteras hablando con su melodía sin verbo, oyendo resonancias que sobreviven a las distancias. Te odio mientras como sin saberte a nada, te odio porque no te escucho, soy barco sin capitán.
Recuerdo el sol desnudo caerse y el mar de sombra vestirse en un bucle de amor que acariciaba mis pies en un paseo de orilla y luna.
Te odio cuando mi corazón pulsa por su cuenta, él huye con tu llegada, creando nuevas tormentas.
Recuerdo agradecido los pensamientos escurridizos que volaban con la brisa, los abrazos abandonados al agua y la transparencia de la calma, aquella blanca espuma que te cubría con sus huellas, y la marca de tus pies que la mano del mar borraba junto a la orilla.
Te odio porque me incomodas, porque nunca estoy y tú siempre esperando... Te odio por tu paciencia, te odio por tu calma, te odio porque quiero verdades en el espejo de las mentiras.
Recuerdo de aquellos días de amor, tejidos y después desechos como el olor del mar, aquel cántico de aguas sedosas, aquellas canciones de sentimientos y estrellas, aquella espiral de cielo y marea que suspiraba silenciosa.
Te odio porque espero en el futuro lo que no te regalo en mi presente, te odio porque me muero por amarte sin compartirlo contigo.
Y hoy vestido de agua y de recuerdos, —como si me bañase en su literatura—, entro en el abismo de una mirada sin idiomas, en la biblioteca del corazón de las aguas, llena de rincones y respuestas, y vuelvo a recordar como el mar me bautizó al amor junto con la sal de su tierra.
Te odio aunque eres la esencia que me respira; te quiero porque eres la causa que me permite sentir... 16
“VIAJAR ESCRIBIENDO, ESCRIBIR VIAJANDO”
Taller de escritura de viajes y aventura en las dunas de Erg Chebbi, 2016.
“Os proponemos una nueva forma de viajar y de crear textos, donde las experiencias y las sensaciones sean las que nos guíen a la hora de escribir. En esta ocasión, el desierto se convertirá en el perfecto aliado para abrir nuestras mentes y para que fluyan las letras, de la mano de Domingo Garrido López y Dar Mari. Un taller para espíritus nómadas…” www.darmari.com contacto@darmari.com www.facebook.com/ProyectoDarMari dg.escrituracreativa@gmail.com www.facebook.com/Beaugeste.mom
Artículo
Muerte y poesía Por: Alfredo Piquer Garzón vese. Todos los poetas en todos los tiempos le han cantado, acaso intentando conjurarla. Y tal vez en la imposibilidad de ese propósito, la muerte se haya hecho obsesión literaria.
Jorge Luis Borges explicó que hay una temática que profundiza en una realidad psicológica y existencial que es común a todos los humanos y que por tanto nos comunica hondamente. Ello se manifiesta en grandes líneas temáticas en la Historia de la Literatura y del Arte que sin duda han puesto énfasis en el hecho fundamental y determinante que es la muerte. La muerte es nuestra común angustia existencial. Inevitablemente, un tema en el cual se han inspirado los grandes escritores, Teresa De Jesús, Jorge Manrique, Francisco de Quevedo, Lope de Vega, Neruda, Pizarnik, Vallejo, G. Mistral, G. Celaya o Cesare Pa-
Pero puesto que la muerte acontece solo una vez, tratándose de algo, quizá lo único, verdaderamente incomunicable e intransferible, su experiencia nos accede mientras tanto solamente a través de la muerte ajena y sobre todo, más intensa y dolorosamente, de la de los seres más próximos y queridos. Qué breve se hace en la memoria el tiempo en que pudimos disfrutar de ellos, aún vivos, y que 18
mo, el Romanticismo siente una atracción por el enigma y el fin ineluctable del hombre. No extraña por tanto el gusto romántico en contemplar tumbas y mausoleos o su afición a los cementerios. No el cementerio masificado y hasta caótico de las grandes ciudades, sino el recinto recoleto propio de las pequeñas poblaciones; no la necrópolis sino el camposanto; ese que parece estar sumido en un sueño de siglos: la “noche misteriosa, sagrada e inefable” de los poetas del romanticismo alemán, de Hölderlin y Novalis. Y la visita sosegada y solitaria sin que ese lugar cause desasosiego porque, conscientes de estar vivos, mantenemos el respeto donde el silencio de los muertos suponga una meditación profunda sobre el verdadero sentido de las cosas. Como en una especie de tránsito o de estado intermedio y en suspenso entre la vida y la muerte.
largo el tiempo que nos queda sin ellos. Y en esa medida diríamos también que ese tiempo pasado fue mejor. No deseamos la muerte. No porque tal afán tenga ningún sentido de trascendencia al modo de la ficción de la religión, sino por una simple ley biológica de conservación de la propia vida y puestos en el nivel del pensamiento, por lo absurdo de la brusca interrupción de todo.Por eso habríamos de alcanzar
“No deseamos la muerte. No porque tal afán tenga ningún sentido de trascendencia al modo de la ficción de la religión, sino por una simple ley biológica de conservación de la propia vida...”
Así “La isla de los muertos” de ArnoldBöcklin. Böcklin fue un pintor suizo encuadrado en el movimiento artístico del simbolismo de gran influencia en el posterior movimiento surrealista; una de sus obras más significativas es La isla de los muertos, de la que realizó cinco versiones realizadas entre 1880 y 1886. En ellas se manifiesta el claro destino de la barca que transporta un ataúd y que condu-
altura mística tan solo propia de una santa para que ‘nos causase un dolor fiero hasta llegar casi a morir por no morirnos’. Esta es precisamente la ficción de lo religioso llevada hasta lo demencial. Y también por eso, los sabios, los filósofos, los poetas han de recordarnos la necesidad de no aferrarse a las cosas efímeras del mundo y tener presente el hecho como método de objetivación del valor real de la vida y, precisamente, de las cosas del mundo; recordar “… al alma dormida que avive el seso y despierte contemplando como se pasa la vida, como se viene la muerte tan callando”. O “cómo se desliza nuestra edad y cómo de entre nuestras manos se resbala”. En definitiva, las ‘Coplas’ de Manrique, en el estricto final del S.XV, suponen el anuncio de lo que será una temática recurrente, plástica y literaria, en el Renacimiento y sobre todo en el Barroco, tanto español como europeo: la “Vanitas”. Su contenido estriba en la idea de la brevedad de la vida (“Homo bulla” El hombre es una burbuja. “In ictuoculi” En un parpadeo) y la inútil vanidad de las cosas del mundo y los honores o las riquezas (“Sic transit gloria mundi” Así pasa la gloria del mundo). Con todo, más allá del Barroco y como reacción, tal vez , a la severidad del Neoclasicis19
ce una figura fantasmal, rodeada por el mar oscuro y como vacío. Aunque el pintor no explicó jamás el significado de las diferentes versiones de su obra sino que fue bautizada por el marchante Fritz Gurlitt, parece que precisamente una isla pudiese ser metáfora adecuada del hecho ineluctable de la muerte estando sin posible conexión terrestre con ninguna otra posibilidad de viaje, de permanencia o de continuidad. Isla yo soy del reposo en medio el mar de la vida, y el marinero allí olvida la tormenta que pasó; Escribió José de Espronceda. Su isla de ‘reposo’ está en medio del mar de la vida. Sin
“...para Rabindranath Tagore, es el mar de la muerte el que rodea a la isla de la vida...” bre ello? Podríamos decir con Lezama Lima que la poesía mantiene actualmente intacta la capacidad de su imagen y su metáfora en su máximo de posibilidades y en su apertura hacia la sensibilidad y la tradición de la Historia, pero, sin embargo, más que en lo formal o en las posibilidades del lenguaje o su semántica, cambia fundamentalmente su conciencia existencial, la consciencia de la segura contingencia y la finitud de lo humano. En una palabra: su no trascendencia.
embargo, para Rabindranath Tagore, es el mar de la muerte el que rodea a la isla de la vida. Como un mar, alrededor de la soleada isla de la vida, la muerte canta noche y día su canción sin fin. Cambiados o no los conceptos, la imagen es en realidad la misma. Pero, establecida la transtemporalidad o si se quiere la universalidad y permanencia del tema, y tal afirmación constituiría ya una redundancia o un pleonasmo, no se trata aquí del prurito barroco o romántico sino de cuales sean sus connotaciones contemporáneas. Hablar de la diferente concepción cultural del hecho de la muerte y su transformación a través de la Historia sería complejo y enunciar ese cambio, una obviedad. Otra cosa es la permanente vigencia de su condicionamiento real. Es claro que el concepto de la muerte y la manera de sentir el tiempo de la vida humana si ha sufrido pasado el tiempo algunas transformaciones. Pero, ¿qué es lo que ha cambiado desde la ‘Vanitas’ barroca o la efusión romántica en el punto de vista o el enfoque de la poesía so-
Rubén Darío confiesa todavía su refugio en la religión cuando afirma: “Ciertamente, en mí existe, desde los comienzos de mi vida, la profunda preocupación del fin de la existencia”. “ En mi desolación me he lanzado a Dios como a un refugio, me he asido a la plegaria como de un paracaídas”. Rubén Darío, modernista, escribe al modo de un trasunto del morbo romántico: ¡La Muerte! Yo la he visto. No es demacrada y mustia ni ase corva guadaña, ni tiene faz de angustia. Es semejante a Diana, casta y virgen como ella;
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En nuestro ámbito contemporáneo, la generación de los 50, los “Novísimos” y otro poetas no encuadrados en selecciones o antologías más o menos paradigmáticas, buscaron un estilo identificativo, ‘una voz propia’, de modo paralelo a lo que en la misma época sucedía en plástica; Leopoldo Panero, Gimferrer, Carnero, Colinas, Azúa...no tanto por similitud en los estilos sino por adoptar un lenguaje fuertemente impregnado por la visión historicista pero en el fondo de intención y trasfondo profundamente existencial, mostrando en una segunda instancia la realidad de la muerte. Así, The Shadow Line, la línea de sombra de José Mª Alvarez, evocando a Conrad; Oficio de Suicidas, o Juegos para aplazar la muerte de Juan Luis Panero o a alguno más tal vez de Eugenio Padorno…
Aunque la alquimia modernista, sin embargo, no se consume en estas dos grandes metamorfosis de la Muerte que suponen la religión o la efusión romántica.“Arcano es todo menos nuestro dolor” escribe Giacomo Leopardi en uno de sus “Cantos”, el Último canto de Safo. Tal vez porque Leopardi fue fruto en gran medida de la incomprensión y del aislamiento por parte de una sociedad superficial y ajena a su sensibilidad, insensible a su vez a la timidez del poeta y sobre todo a la potencia de su creatividad y porque la poesía de Leopardi pertenece a un espacio interior, como ha dicho Milagros Arizmendi, como parte esencial de una formación sentimental y también intelectual ; como herramienta de aprendizaje para interrogarnos por las cuestiones esenciales: lo efímero de las ilusiones o la fragilidad del mundo. Pero en realidad por una desesperada y apremiante necesidad de amor, de comprensión, de afecto y comuni-
Podríamos preguntarnos qué otras metáforas se han utilizado en la poesía para referirse a la muerte, sentado que un número muy elevado de poetas se han referido a ella en su obra. Todavía el parte del modernismo y específicamente Rubén Darío se arrojan a Dios como refugio ante el problema; es Dios en realidad una metáfora o un eufemismo para referirse a una tabla de salvación que en realidad enmascara como una metáfora el propio hecho?
“...“Arcano es todo menos nuestro dolor” escribe Giacomo Leopardi ” cación, que nos redima de ese aislamiento intransferible y casi Ineludible. Leopardi se constituye así en una especie de paradigma (y sigo a Milagros Arizmendi), de una lírica esencial y una pauta para la comprensión de lo poético.
Hemos mencionado ya a Espronceda o en otro contexto muy distinto a Tagore. Su imagen es, invertidos los conceptos, prácticamente la misma. En definitiva, también el río que es la vida desemboca en el mar que es el morir según Jorge Manrique; como para Tagore, continente o isla, la tierra es la vida frente al mar de la muerte. Parece que la imagen tuviese algo profundo psicológico común a la mente de muchos. Por otro lado, esa muerte, tierra o mar se identifica con la nada. José Saramago escribe “No me preocupa la muerte, me disolveré en la nada”. En el caso de Alejandra Pizarnik la muerte es también el mar:
Tono tal vez enfático en Leopardi, a caballo entre el Neoclasicismo y el Romanticismo, en pleno proceso de unidad e independencia de Italia, y propio alos poetas del XIX, Byron , Keats. “Llegó a la alta ciudad en que la muerte, majestuosa, reina entre un cortejo de declinante y pálida belleza” escribía Shelley… Más lejos también su concisión, su intensa brevedad de la longitud y eldesarrollo de los Cantos del poeta italiano . “Hoy no envidio ya ni a los necios ni a los sabios, ni a los grandes ni a los pequeños, ni a los débiles ni a los poderosos; envidio a los muertos, sólo por ellos me cambiaría” (Diálogo entre Tristán y un amigo) Leopardi,Opúsculos morales (1827),
“Llamé, llamé, como la náufraga dichosa a las olas verdugas que conocen el verdadero nombre de la muerte”. Más de un autor ha dado la vuelta al propio 21
que entráis, abandonad toda esperanza”.No la esperanza de salir de los infiernos para acceder finalmente al paraíso sino la esperanza de cualquier tipo de propia trascendencia. Y en ese sentido, obviamente cualquiera tiempo pasado fue mejor. La postura de la verdadera poesía contemporánea estriba en la asunción del planteamiento no trascendente. Ello la trae al tiempo actual y da una vuelta de tuerca a la “vanitas” barroca o a la efusión romántica. “Los hombres sólo se reconciliaron con la muerte para evitar el miedo que ella les inspira: sin embargo, sin ese miedo, morir no tiene el mínimo interés. Pues la muerte existe únicamente en él y a través de él” “El miedo es una muerte de cada instante” explicó Emil Cioran. Bien sabemos que vivimos una época ecléctica en la que conviven múltiples actitudes, estilos y concepciones, tantas veces como herencias o resabios de otras épocas pasadas que perpetúan su eco o su influencia. Sin embargo, la cultura, la información y sobre todo la sensibilidad de los creadores establece de manera subconsciente y colectiva los parámetros de lo que es verdaderamente sintomático y trasunto de lo sincrónico.
mito homérico de la Odisea para interpretar a Penélope, la esposa fiel, y a Itaca, ‘la verdadera patria’, como la muerte. Penélope que espera al final de la travesía, del regreso, la odisea como el previo transcurso vital. Se regresa a la muerte porque Penélope, Itaca, como el destino que espera finalmente tras el mar, es también en realidad una isla.
Como resultado, tras la criba de lo heredado, la literatura, la poesía, la honrada, la consecuente, de modo mucho más sereno, más realista, no se refugia en ninguna idea trascendente ni religiosa; por mucho que pueda también incluir la desesperación de Cioran.
En definitiva, la muerte es innombrable` en si misma salvo por su único verdadero nombre, tal vez en todo caso se nombran las circunstancias que puedan, aun metafóricamente, rodearla como si fuesen sinónimos en una especie de necesaria u obligada sinécdoque. O quizá se trata precisamente de suprimir toda imagen, toda metáfora que desvirtúe, distraiga o enmascare la verdadera su realidad aportando alguna esperanza implícita en su semántica.
Si la Filosofía es en su devenir histórico , fundamentalmente el contexto donde se produce la pregunta por la contingencia del hombre, la literatura y de modo muy especial la poesía, es el ámbito donde esa misma pregunta se expresade modo más libre , más intuitivo y más emocional y se responde simplemente en la constatación de toda la problemática existencial común al hombre. La muerte es tantas veces, un lugar común, un recurso literario, pero también esa permanente verificación de la realidadpor parte de la Poesía; allí donde la religión desconoce y miente y donde acaso la filosofía no termina de dar respuesta.
Alguien planteaba en una ocasión la disyuntiva: poesía hímnica o elegíaca. Elegía ha pasado además a ser efectivamente lo opuesto a canto, a himno, por tanto sinónimo casi de lamento. Pero en la medida en que la elegía mira hacia atrás, niega, al menos en parte, la metafísica. Y por tanto, contiene un mensaje tácito; porque al modo del descenso al infierno “dantesco”, en el canto segundo de la ‘Divina Comedia’ se nos dice: “Oh vosotros los 22
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Entrevista
Jesualdo Jiménez de Cisneros POESÍA A RAS DE PIEL Por: Isabel Rezmo
Este mes PROVERSO se acerca a alguien que entiende la poesía de una manera más cercana, humana, transparente.
mos una falta de cercanía en el arte muchas veces ambientada por el sector editorial o comercial, centrándonos en el deseo de vender, o de llegar al público más fácil y rápidamente. Sin embargo puede que debamos entender que la poesía es un instrumento mucho más abierto al ser humano, capaz de transformar nuestra realidad ;la consecuencia es una
A veces trazamos una línea divisoria entre lector y autor, creyendo que todas las armas, las definiciones, las tiene el poeta. Evidencia26
unión visceral, humana, sencilla, próxima a la gente, a las personas que en definitiva es el objetivo último de nuestra labor como poetas. Jesualdo Jiménez de Cisneros, convierte ese papel primordial de la poesía de trazar puentes, manos que acarician los sentidos, y hace brotar la solidaridad, la amistad, el compañerismo, la ilusión, etc... Su postura en el ámbito poético y de la vida es clara, contundente, y por ese motivo hemos querido charlar con él y preguntarle directamente acerca de este mundo poético, su trayectoria, y su visión.
“En mi caso, no tengo duda que nací con ello. Mis primeros recuerdos poéticos eran junto a mi abuelo paterno al que pedía que me recitara...” Nacido en Linares (Jaén) en 1973, Doctorando en Derecho y Técnico Superior en materia económica, puesto que ejerce en la actualidad en el Excmo. Ayuntamiento de La Carolina. Sus escritos han estado siempre cercanos al mundo de la música, firmando crónicas de conciertos, entrevistas en medios digitales y colaborando en diversos libros y publicaciones musicales. La primera incursión literaria la realiza como productor de la iniciativa literaria “Poesía de Club” (Editorial Lulú) a través de la que se publican las obras de jóvenes autores de ámbito nacional. Más recientemente, en 2013, lo hace como co-autor, junto al reconocido fotógrafo internacional Juan Pérez-Fajardo y el periodista musical Carlos H. Vázquez, de “Bunbury. En crudo y al natural” (Editorial Celya), un edición limitada que fue vendida en su integridad en Europa y América, y en el que se narran con precisión los hechos de cada uno de los instantes vividos en la gira “Licenciado Cantinas” junto al staff de producción, músicos, personal de seguridad… del universal artista zaragozano. En septiembre de 2014 publica su primer poemario “El Desahucio” (Editorial Círculo Rojo) prologado por el escritor Andrés Pascual, con poemas de corte intimista y directo del que se han vendido 500 ejemplares, siendo pre-
sentado con gran éxito de público en ciudades como Linares, Elche o Madrid. En 2015 participa en diversos encuentros poéticos formando parte de diversas antologías poéticas (II Encuentro Internacional de Poesía Ciudad de Úbeda, entre otros). Formó parte de NEcesariasPAlabras (Antología solidaria con el Nepal), cuyos beneficios se destinan a escuelas de niños huérfanos del Nepal (Editorial Unaria, 2016). Seleccionado en 2016 en el II Concurso de poesía “Versos desde el corazón” (Diversidad Literaria) formando parte de los poetas incluidos en el poemario “Versos desde el corazón”. En la actualidad, publica “Apología del Desastre que cuenta con las colaboraciones de lujo del músico Enrique Bunbury (prólogo) y del poeta, arqueólogo y filmaker Ignacio Martín Lerma (epílogo). Jesualdo convierte la poesía en un instrumento para fomentar valores, intentar que las personas sean más cercanas.Así todas las presentaciones de “Apología del Desastre” han sido dirigidas a recaudar fondos a causas solidarias, convirtiéndola en un instrumento poderosa para ayudar a los demás y a crear una sociedad más justa y solidaria. 27
“Realmente lo único que me condiciona es la huida de la musas, esas etapas las vivo con cierta angustia. Uno cree que no volverán y que jamás será capaz de escribir un solo poema más...“
PR: Buenas tardes Jesualdo, la poesía más que nunca ¿es un arma cargada de futuro? RP: He leído en más de una ocasión esa expresión y me produce en cierto modo rechazo la utilización de la expresión “arma”. Sí que creo que es un vehículo perfecto para hacer llegar a los demás mensajes que dejen su poso en el lector, que haga despertar el sentido crítico que tan adormecido se encuentra y que ese sea un punto de partida de cambio personal. Creo que andamos anclados en estructuras previamente preconcebidas que vienen marcadas por nuestro entorno, por el propio Estado y por la doctrina de lo políticamente correcto. Y en este sentido, creo que la poesía tiene mucho que decir frente al poder y a los poderosos.
día a una isla desierta y que consiga remover algo por dentro del receptor. El hecho de unirla a causas solidarias surge de la muerte de mi padre y su lucha frente al cáncer. Pensé que no había mejor modo de homenajear, no solo a mi padre sino a todos aquellos que se han enfrentado o están enfrentando esta enfermedad, que donar los beneficios de primer poemario a la AECC. Lo que ha venido después, es producto de un cambio de conciencia, un cambio radical en la forma de ver la vida que ha hecho que sea alguien completamente distinto al de hace unos años. Lo importante, no es aquello que puntualmente hago, sino la semilla que intento hacer germinar en el corazón de los demás, que no es otra que la del compromiso con el ser humano. PR : ¿Qué te condiciona a la hora de
PR: Esta pregunta quizás lo has oído bastante pero creo que en tu caso tal como la vives, ¿El poeta se hace o nace, o es un compendio de ambas cosas? RP: Pues no voy a negar ni una ni otra teoría. Estoy convencido que hay quien se ha formado profundamente, ha leído infatigablemente y se ha hecho asimismo como poeta. En mi caso, no tengo duda que nací con ello. Mis primeros recuerdos poéticos eran junto a mi abuelo paterno al que pedía que me recitara. Fue ahí donde surgió la magia de aquel juego de palabras que es la poesía. PR ¿Te pones límites a la hora de trabajar poéticamente? RP: Ninguno. Mi poesía es un 90% visceral, raramente me impongo escribir sobre un tema en concreto. Mis trabajos son producto de la conversación que mantengo con mis propios ángeles y demonios. PR: ¿Qué es la poesía para ti? ¿En qué momento decidiste utilizarla como medio para favorecer la solidaridad con los demás? RP: La poesía es para mí un modo de conectar con otros seres humanos. Mensajes en una botella que uno espera que lleguen algún 28
escribir?
chado, Cortázar… la lista sería muy larga. Pero a pesar de que algunos puedan llegar con más facilidad, creo que de todos podemos aprender.
RP: Realmente lo único que me condiciona es la huida de la musas, esas etapas las vivo con cierta angustia. Uno cree que no volverán y que jamás será capaz de escribir un solo poema más. Los acontecimientos hacen que ahora los viva de modo más tranquilo, realmente hay épocas más fructíferas y otras de secano. Respecto a la hora de autoimponerme límites, nunca lo he hecho, creo que poesía debe ser ante todo verdad.
PR: Eres un enamorado de la música, de echo eres un gran seguidor por ejemplo de Bunbury que además es autor de tu prólogo, en Apología del Desastre; apoyas a otros autores , has hecho cositas en ese campo, ¿para Jesualdo , la música es importante?
PR: Muchos creen que la figura del poeta se ha perdido. Quizás sea porque se ha tergiversado o nos hemos inventado algo que no existe como tal, o le hemos cambiado el rumbo y su papel en el mundo. ¿Crees que es así?
RP: Bueno, con Enrique he estado colaborando casi diez años en infinitos proyectos, y producto de esa amistad forjada durante los años, se produce el regalo en forma de prólogo. Un honor que lo hiciera una de las leyendas vivas de la música en español. Pero no solo he colaborado con Enrique, lo hago con muchos grupos a los que me une la amistad y la admiración como Alis, Pachi García, Estenopeica, Subtónica,… Además hice mis pinitos en medios digitales haciendo entrevistas para medios como los40.com, he realizado labores de comunicación para discográficas como Warner… Como siempre digo, doy hay un charco allí suelo estar, me encanta moverme en campos absolutamente desconocidos y aprehender.
RP: Si pensamos en el poeta como personaje que llevaba la poesía al calor de una taberna y al filo de la calle, creo que sí, que se ha perdido. Y creo que ese es uno de los grandes retos, volver a acercar el género a la calle. A pesar de ello, creo que actualmente hay movimientos que van en esa dirección y con buenos resultados a través de experiencias de micro abiertos, eventos como los “PoetrySlam” o experiencias como la que vivimos en el Encuentro Internacional de Úbeda llevando la poesía a la calle, a los bares…
PR: Para termina r ¿Proyectos concretos para el futuro?
PR: ¿Existe el reto en la poesía? ¿Qué te queda por descubrir, incluso por sentir?
RP: Pues realmente estoy en un momento muy tranquilo sin autoimponerme calendarios. Escribo cuando surge el idilio con las musas. Cuando crea que tenga algo que decir y suficiente material digno de ser publicado comenzaré a pensar en un proyecto como algo concreto. Al fin y al cabo, nadie me está esperando.
RP: El reto creo que existe en todo aquello que afrontamos, aunque mi visión es la de negar cualquier meta. Disfruto mucho más del camino y dejándome sorprender por todo aquello que va a aconteciendo. El reto o la meta, creo que solo puede generar frustración a la postre. Y por supuesto me queda mucho por descubrir y que sentir, al menos así lo espero, la vida debe ser juego algo que se empeñan en hacer desaparecer tras la época de la infancia. Yo me niego a renunciar a soñar.
RP: Te damos las gracias por habernos concedido un ratito con nosotros, solo desearte que continúes en esta labor humanitaria poética y que sigas ofreciéndonos ese marco tan maravilloso como es plasmar vivencias, emociones, latidos, etc
PR: ¿Poetas favoritos?
JJC: Gracias a vosotras por vuestra generosidad conmigo
RP: Lorca, Benedetti, Gelman, Neruda, Ma29
Reseña
Francisco Merchán Dame tu corazón Por: Inma J. Ferrero
de los grandes que me hagan un trabajo”
El escritor Francisco Merchán bajo el título “Dame tu corazón”, publicada en Ediciones Alféizar, nos presenta una trepidante y apasionada novela policíaca. Una historia con el sabor de la más pura y clásica novela negra, que nos inquietará y nos atrapará desde la primera de sus páginas hasta la última. Haciendo más que evidente que este magnífico escritor se mueve como pez en el agua en este tipo de género literario. “Cierta familia de la mafia siciliana de Chicago me debe un favor.” “En un par de meses me pondré en contacto con ellos. Su recompensa asciende a cien mil dólares. Yo les pediré a cambio de esos cien
En “Dame tu corazón” el autor nos narra la historia de un trágico secreto guardado desde hace mucho tiempo. Un secreto que los dos personajes principales, el inspector Anderson Harper y el doctor Peter Tenway, tratarán de desvelar por todos los medios y sorteando toda clase de peligros y obstáculos. “Andy explicó a Peter la conexión que según él podría haber… que aparecía en ambos casos” .Nuestra historia comienza con una mujer que está herida en el suelo y ve como su asesino se aleja. A partir de aquí, nos sentiremos in30
mersos en un viaje lleno de emociones que nos dejarán sin aliento y en el que cada página hará que sintamos más curiosidad por el desenlace. “Ellen observó desde el suelo cómo la recortada sombra de su asesino se alejaba.” De esta novela podemos decir que cuenta con algunos de los elementos clásicos de esta clase de género, policías, detectives, FBI, mafiosos y algún elemento más que nos sorprenderá por innovador. “Andrej Gabo, antiguo jefe de uno de los clanes mafiosos que estaban presentes en Chicago.” “Andy quiso corregir a la anciana aclarándole que él no pertenecía al FBI pero sabía que no era buena idea.””Se está convirtiendo en una mala costumbre la de visitarme en un hospital, inspector Harper.”” Andrej se paseaba en un Toyota Land Cruiser últimomodelo con sus dos nuevos amigos, Yaroslav y Dimitri.” “Mi padre era inspector de homicidios. Ni siquiera pertenecía al departamento”
de la mañana. Ambos médicos se miraron con tristeza.” “Andy salió de la casa y se metió en el coche. La verdad es que el doctor Tenway había resultado ser un tipo muy agradable.”” El calvo gigantón asintió con indiferencia.”
Francisco Merchán hace gala en esta narración de una prosa muy cuidada, muy trabajada, por momentos usada de una forma tan fina y sutil que se acerca más a ser un arma afilada. Por ejemplo: “-0,15 mg de Fentanilo, 150 miligramos de Propofol y 40 miligramos
Los personajes de esta historia tienen un pasado que será desvelado en el transcurso de la narración. “El también era un hijo de militar y la cúpula del ejército norteamericano no siempre estaba a la altura de sus soldados.” Ya que los personajes de esta novela son personajes evolutivos. Cada uno de ellos tiene vida propia e individualidad y evolucionan a lo largo de la trama. “Se conocieron en los últimos años de la guerra de los Balcanes. Ambos eran mandos intermedios de la sección de élite del ejército croata: el BSD.””-Jameson se casó hace 20 años con Sophia JhonsonEdwards, hija de un conocido político local de Augusta.” En este punto es importante destacar que es una novela de tono personal donde cada personaje se define por sus palabras y sus obras mucho más que por la caracterización previa que de él nos hace el autor. También debo señalar que sigue la técnica dialogada, el autor desaparece y quedan los personajes dialogando. La voz del autor se oye de vez en cuando en acotaciones o notas. Merchán utiliza la primera persona para hacer la trama sea más real para el lector, se convierte en una voz, en una persona que
“Francisco Merchán hace gala en esta narración de una prosa muy cuidada, muy trabajada...” de Rocuronio. Ponle también un miligramo de atropina.” “Andrej, con una escopeta Leone YG1265, de doble cañón, ruidosa y expeditiva en las distancias cortas. Yaroslav llevaba su pequeña UZI con cargadores dobles que disparaban más de 20 balas por segundo.”. Sostiene además una trama con un ritmo elevadísimo de lectura y de adicción, que hace que devoremos la novela con una celeridad asombrosa. En “Dame tu corazón” aparece la figura del narrador observador, que sólo nos cuenta lo que puede observar. El narrador muestra lo que ve, de modo parecido a como lo hace una cámara de cine. “Eran las 05:30 31
“Los diálogos de los personajes son fluidos, dinámicos, concisos y emplean un lenguaje sencillo...” le habla directamente. Como consecuencia a todo lo mencionado antes, cada personaje tiene una forma de expresarse concreta, acorde con su carácter, su edad, su procedencia, su estrato social, su formación, etc. “Queremos aclarar un par de puntos sobre su posible implicación” “se le diagnosticó un estado de enajenación mental transitoria con paranoias y alucinaciones” También es necesario tener en cuenta que se presenta una acción desde diferentes puntos de vista, ya que todos los personajes tienen algo que aportar a la trama, aún siendo personajes secundarios. El tono de la novela en todo momento es serio, grave, con algunas pinceladas humorísticas lo que hace que el ambiente que envuelve a la obra sea más creíble y haciendo evidente de que lado caen las simpatías del autor. “Salieron corriendo de su escondite y observaron con pavor cómo la primera estantería de informes estaba ya envuelta en llamas.”“La chica se dio la vuelta y se fue, sonriendo como una colegiala.”” -Voy a hablar con la central. Solicitaré que te pongan protección.” Los diálogos son rápidos, lo que hace que la obra sea dinámica y que tenga un ritmo acompasado a lo largo de todas sus páginas, esto hará que el lector siga la trama con interés y sin despegar los ojos de la hoja. “-Será mejor que lo haga por las buenas, señor Mathewson. -Y si decido no abrirle, ¿qué es lo que va a hacer?” “-Sí, diga –dijo la voz con el sueño reflejado en su tono. -Hemos parado en las afueras de Buffalo.” “-Se ha escapado –escupió escueto Andy -Ya veo. ¿Has podido ver la matrícula? -No. Justo cuando iba a acercarme ha huido.”
en él son tan reales como tú, lector, o como yo. Como si hubiéramos espiado un mundo a través de una ventanilla y nos despidiéramos de los personajes que hemos estado observando.
Dame tu corazón
Francisco Merchán Editorial: Ediciones Alféizar ISBN-10: 1519615914 ISBN-13: 978-1519615916
En definitiva, ‘Dame tu corazón” es una magnífica lectura que nos enganchará de principio a fin. Es ese tipo de novela en la que te involucras tanto en la historia que estás deseando llegar al final. Ya que sólo al final hay cierto alivio, pero Merchán se guarda un as en la manga: en vez de un golpe de efecto, el escritor nos prepara un epílogo de intención casi documental, como si justificara que el mundo descrito en el libro y los personajes que viven 32
Literatura
Il Postino MO YAN EL SILENCIO CRECIENTE DE CHINA Por: Giuseppe Quaranta
Los primeros años de MoYan transcurrieron en su pueblo natal de Gaomi, en la provincia de Shandong. Durante las tres estaciones menos severas, todos los pequeños, incluyendolo, corrian sin ropas, pues no las habia. Sólo en el más crudo invierno trataban de protegerse del frio con algunos harapos. El hambre afectó tanto al pueblo que convirtieron todo
tipo de materiales en alimentos. Cortezas de arbol, hojas e incluso un cargamento de carbón fueron ingeridos por MoYan, cuya barriga hinchada destacaba sobre sus flacas piernas y su estrecho cuello. En su más temprana infancia, MoYan ayudó a su familia cuidando vacas. A falta de otra compaññía, se dedicó a estudiarlas hasta conocer y distinguir el ca34
“...al escuchar a un joven educado decir: que un escritor podía darse el lujo de comer jiaozi tres veces al día, le hizo decidir que la escritura era un trabajo más que satisfactorio. ...“ rácter de cada una. Es ahí donde se originó su gran capacidad de observación y de creación de escenas vividas, plenas de colores, sabores y olores en los que se desarrollan los gestos, diálogos, vicisitudes y fortunas de sus personajes. En los tiempos en los que una buena comida era tan solo una ilusión, MoYan y el resto de su pueblo alimentaban su imaginación con el relato de exquisitos platos que quienes habían conocido tiempos mejores describían con todo lujo de detalles. El anhelo de hacer tres comidas al día fue lo que llevó a MoYan a la literatura, pues al escuchar a un joven educado decir: que un escritor podía darse el lujo de comer jiaozi tres veces al día, le hizo decidir que la escritura era un trabajo más que satisfactorio.
“MoYan hablaba consigo mismo desde la infancia, hasta tal punto que su madre se preocupó y le pidió que guardara silencio. Según una versión, Mo Yan, el seudónimo del autor (que significa “no hablar”), surge de aquella petición materna.“
A falta de interlocutores, MoYan hablaba consigo mismo desde la infancia, hasta tal punto que su madre se preocupó y le pidió que guardara silencio. Según una versión, MoYan, el seudónimo del autor (que significa “no hablar”), surge de aquella petición materna. A pesar de la prohibición, el niño continuó con sus soliloquios.
traordinarios característicos de su obra como el reflejo del pensamiento de los campesionos chinos, para quienes las reencarnaciones, los espiritus malignos y las tradiciones milenarias continuan vivas hasta el día de hoy.
Su mundo imaginario se amplió a traves de las voces de sus mayores, conocedores del amplíisimo folklore chino. A traves de estas narraciones orales, y no de lecturas formales, aprendió a contar historias. Los criticos literarios profesionales –hacia quienes el autor no siente un aprecio particular- han querido ver en la frontera ambigua entre realidad y ficción que se manifiesta en su obra la influencia de Gabriel García Marquez. Si bien es cierto que el premio Nobel colombiano figura entre la lista de lecturas favoritas de MoYan, también resulta posible leer la mezcla de cruda realidad, apariciones fantasmagoricas y eventos ex-
En términos de educacción formal, MoYan, cuya familia era campesina, sólo pudo completar la educacion primaria. A partir de los doce añoses tudió por su cuenta los libros de su hermano mayor. Su primer trabajo formal fue en una granja; el segundo, en una fabrica de aceite. En 1976 se unió al Ejercito de Liberacion Popular Chino. A partir de ese año comenzó a leer vorazmente, con la ayuda de 35
“se convirtió en profesor de Literatura y en 1981 obtuvo el grado de Maestro en Literatura por la Universidad Normal de Beijing...”
una bibliotecaria. Él mismo se ocupó de crear una pequeña biblioteca para el Ejército. En 1981 comenzó a escribir formalmente. Su primera obra fue un cuento maniqueo sobre la lucha de clases que resultó poco revolucionario según los posicionamientos de la época. A pesar de este intento fallido, MoYan continuó escribiendo, pues su deseo no consistía en realizar una ingeniería social por medio de sus escritos, sino en narrar lo que veía a su alrededor. Más tarde se convirtió en profesor de Literatura y en 1981 obtuvo el grado de Maestro en Literatura por la Universidad Normal de Beijing. A mediados de la decada de los ochenta, su nombre comenzaba a mencionarse en la escena literaria china.
mejanzas entre ellos son más que evidentes, siendo todos escritores sumamente localistas y narradores consumados. A decir del propio MoYan, sus lecturas de estos y otros autores no están realizadas a través del filtro de la teoría literaria, sino de la busqueda de mecanismos que permitan narrar una historia de manera original. Famoso por sus novelas extensas, tales como Sorgo Rojo (Muchnik, 1992), Grandes pechos, amplias caderas (Kailas 2007), Las baladas del ajo (Kailas 2008), La vida y la muerte me están desgastando (Kailas 2009), La republica del vino (Kailas 2010) así como por la adaptación de tres de sus obras al cine (dos de ellas bajo la dirección de Zhang Yimou), el nombre de MoYan ha ido cobrado fama en las
Obras de Mo Yan Beneficiado, como muchos otros escritores, por la gran cantidad de traducciones de literatura occidental contemporánea que entraron a China a principios del periódo de Reforma y Apertura, los criticos han visto en la obra de MoYan grandes similitudes con las de William Faulkner y Gabriel García Márquez. Las se36
“Ahora que me puedo permitir comer jiaozi continuo escribiendo porque aún tengo cosas que decir.”
últimas dos decadas, tanto en China como en el resto del mundo. El trasvase de su obra a la gran pantalla le ha permitido, al igual que a muchos otro sescritores de su pais, ser conocido por un púlblico más amplio. Tanto es así que, de hecho, los cinefilos chinos y extranjeros han tomado la costumbre de utilizar al séptimo arte como una guía del extenso paisaje literario actual chino. La popularidad de algunos directores chinos y el éxito de sus peliculas han llevado a muchos escritores chinos a adaptar sus obras para la pantalla, o a la escritura directa de guiones. Del texto escrito a la pantalla y de la butaca de cine a la libreria, el vínculo entre Cine y Literatura ha permitido que muchos escritores chinos recuperen a un público que, tras haber quedado intrigado por la pelicula, decide leer el texto original.
ritales“ forman parte de los temas que toca su obra, sin dejar de lado nunca, por supuesto, la descripción precisa de los alimentos que consumen sus personajes. Ahora que su obra ha alcanzado el debido reconocimiento y que las mesas de los banquetes a los que es invitado están colmadas de distintos tipos de pescados y ostras, cabe preguntarse ¿qué ocurrirá con aquel niño que decidió escribir para poder comer?. La respuesta que el mismo ha dado es: “Ahora que me puedo permitir comer jiaozi continuo escribiendo porque aún tengo cosas que decir.”
Con frecuencia, el nombre de MoYan se vincula con la narración de acontecimientos de su pueblo natal, particularmente sobre el período de la hambruna ocurrido tras el Gran Salto Adelante. Si bien es cierto que gran parte de su obra se centra en torno a este período y que muchos de sus personajes son campesinos, MoYan también conoce y escribe sobre los chinos de las ciudades. La creciente urbanización, el desempleo, las consecuencias de la política del hijo único y los “affairs extrama-
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Santiago de Compostela - Galicia - EspaĂąa
Música
ENFERMEDADES MUSICALES Por: Manuel Antonio Herrera (Compositor)
Los problemas médicos en los músicos ha sido objeto de gran interés y de serias investigaciones en los últimos años, solo en Estados Unidos existen más de 20 dedicadas únicamente al tratamiento de enfermedades de los músicos.
La sobrecarga muscular se produce por la repetición prolongada del movimiento que sobreexcitan determinado grupo muscular; los músculos más afectados pertenecen a las extremidades superiores, así como el cuello o los hombro.
Entre las principales alteraciones de la salud que sufren hay que destacar la sobrecarga muscular, la ansiedad provocada por el miedo al escenario, los calambres y el síndrome del túnel carpiano.
Los síntomas van desde una pequeña molestia hasta la inmovilidad. La mayor incidencia se observa en los flautistas, violoncelistas y clarinetistas y la sobrecarga está condicionada por la intensidad de los ensayos más que 40
por el exceso de dedicación. El tratamiento adecuado es hacer reposo moderado, pero sin llegar a la inactividad ya que esta conduce a la atrofia y a la perdida de flexibilidad de los músicos. La “fiebre de Candilejas”, es el nombre con el que se conoce el estado de ansiedad que precede a una actuación. Este estado está condicionado por diversos factores: el tipo de actuación (solista o conjunto), el ambiente, el grado de protagonismo, y de personalidad del músico. Los principales síntomas son: temblor, nerviosismo, aceleración del pulso, sequedad de boca e irritabilidad. La sequedad de boca afecta sobre todo a los cantantes e instrumentistas de viento mientras que el temblor aparece a los que utilizan teclado y cuerda. Los calambres que sufren músicos se produce como consecuencia de una e excesiva actividad o de la utilización de una técnica inadecuada; son contracciones involuntarias e indoloras que se mantienen durante un tiempo variable e impiden realizar determinadas funciones, con lo cual la interpretación resulta más difícil y el músico queda abatido .Afectan
del anular. Se produce a menudo en la mano izquierda de los que tocan el contrabajo, el violín o la guitarra. La mejoría se consigue a base de reposo y con la colocación de férulas en posición de extensión y también con la aplicación de frio local. Los productos antiinflamatorios e inyecciones de corticoides. Según los especialistas la constitución anatómica el modo de transportar los instrumentos y su peso y diseño son de importancia capital en la aparición de estas dolencias.
“Los problemas médicos en los músicos ha sido objeto de gran interés y de serias investigaciones en los últimos años...”
Este artículo es un pequeño resumen publicado en la Vanguardia del día 26 de abril , que hago propio ya que por mi profesión y por mis años de experiencia he ido informando de muchos enumeraciones del mismo, por ser director de banda y orquesta, pianista y mis tres hijos (clarinetista, percusionista y flautista) amen de mis nietos , me han dado no solo satisfacciones, si no interesarme por amigos y compañeros médicos de todo ello.
a las extremidades superiores, músculos de la lengua y de la boca. En los instrumentistas de viento que tienen dificultades para llegar a algunas notas, o cambiar con rapidez. Los dedos más perjudicados son el anular y el meñique en la mano derecha de los pianistas. El Tunelcarfiano permite el paso de los tendones, flexiones a los dedos, de los vasos sanguíneos y del nervio mediano. La comprensión de este da lugar a dolor, hormiguero, en los dedos pulgar, índice y medio y mitad 41
Música
Un conservatorio 24 años ilegal a sabiendas de sus
(ir)responsables
Por: Agustín Barahona (Compositor)
En el Conservatorio Teresa Berganza de Madrid desde hacía muchos años corrían rumores de que su estado no era muy estable. Pero como tales rumores que eran, cuando son escuchados uno tiende a pensar que son maledicencias o malentendidos de diversas personas que se van repitiendo sin comprobar y que al final van creando una fría bola de nieve de información mezclada con desinformación que acaba pasando por encima de
la verdad de cualquier cosa aplastándola. O incluso “invenciones a varias voces” para, por ejemplo, poder presumir algunos de que a pesar de unas circunstancias difíciles el equipo directivo de turno enfrenta enemigos creados prêt-à-porter que en realidad no existen, pues quienes vamos teniendo una edad ya no tan joven empezamos a darnos cuenta de que hemos visto ya de todo. Uno tiende siempre a pensar: “es imposible, si fuera cierto ya ha42
“Pienso que si se hace una convocatoria o se hace bien a todos los convocados o no se hace...“
bría sido denunciado por los propios equipos directivos desde el primer año porque como funcionarios del Estado están obligados por ley a hacerlo, así que esto no será más que un burdo rumor”. Y ese pensamiento en sí mismo lógico y coherente con lo que debería ser la realidad legal que a todos se nos exige cumplir es el que finalmente pone broche a la situación de los rumores.
catoria de la asamblea ni a los alumnos, ni a los padres ni a los trabajadores del conservatorio. No obstante, quienes habíamos podido habíamos informado de la existencia de la asamblea a los padres y alumnos propios (aunque al final descubrí que parecía que apenas había sido yo sólo quien lo había hecho y sólo había, además de algunos de mis alumnos con sus padres, una alumna de otro profesor que se identificó como perteneciente a la asociación de alumnos del conservatorio). Ya empezábamos mal, pues en principio no era justificable la selección arbitraria en la comunicación que había efectuado el equipo directivo, selección ajena a la convocadora de la asamblea. Pienso que si se hace una convocatoria o se hace bien a todos los convocados o no se hace, pero no se decide al margen de quien convoca quién va a asistir o no.
Sin embargo, este mismo año 2016, hacia el último tercio de junio, los profesores del conservatorio recibimos una convocatoria para una asamblea informativa a la que nos invitaba una compañera profesora del centro, sindicada (aunque no se hacía por esto, sino en virtud de un acuerdo desde el Departamento de Conjuntos del Conservatorio y de la comisión que había acudido a la entrevista con la Junta Municipal de Latina el pasado 31 de mayo), donde se nos decía que se convocaba a toda la comunidad educativa (padres, alumnos, profesores y personal laboral) a una “asamblea abierta” “en las instalaciones del conservatorio” el 30 de junio a las 11.30 en primera convocatoria y a las 12:00 en segunda a la que, además, podía asistir “cualquier persona interesada, implicada en el asunto que la motiva o que pueda aportar información y ayuda al respecto”. El orden del día ya era revelador que lo que se avecinaba, pues el primer punto decía “informe de la situación actual del conservatorio con respecto al edificio que ocupa y de las consecuencias a medio, corto y largo plazo”. “¿Consecuencias?”, se preguntaba uno; concluyendo que seguramente se trataría, pues, de algo grave. Los siguientes puntos no eran tranquilizadores: “rueda de opiniones y propuestas, posibles acuerdos y actuaciones futuras y ruegos y preguntas”, prometiendo una asamblea donde se iba a hablar de de alguna cuestión que requeriría de acciones inmediatas.
Aquella asamblea, en la que también había un representante de la Asociación de Vecinos de Lucero que nos contó la increíble historia del edificio (construído en cooperativa de vecinos para dotar al barrio en los años 70 de un colegio de primaria que sólo duró unos pocos años abierto porque tuvo que ser desalojado debido a que no pudo pasar siquiera la primera inspección al no reunir ni poder reunir las condiciones mínimas de seguridad y vivienda, lo que hizo que no pudiera obtener la cédula de habitabilidad), fue reveladora de todos los contenidos que pusieron en marcha la tremenda sorpresa para toda la comunidad educativa actual de que los rumores no sólo eran ciertos sino que habían sido suavizados, ya que la situación real del centro era mucho más peligrosa de lo que parecía en un primer momento. Dicha información novedosa constatada ya, fuera de todo rumor e informada en esta asamblea primera del 30 de junio de 2016, es lo que ha movido y promovido todo lo demás, porque raya en lo inconcebible, así como que los sucesivos equipos directivos nunca hayan hecho la preceptiva denuncia oficial a las autoridades competentes --por-
Tras el segundo y último claustro de fin de curso se produjo la asamblea. Y allí descubrimos con sorpresa que la mayoría de la comunidad educativa no estaba allí --apenas estábamos 20 personas, aproximadamente, de un conservatorio de 800--, ya que el equipo directivo no comunicó por correo electrónico, como sí lo había hecho con los profesores (aunque no sabemos si lo hicieron cono todos), la convo43
donos que les creyéramos sin aportar ningún elemento probatorio fehaciente. Y digo fehaciente. ¡Y así hasta 24 años! Todo es extremadamente grave. El descubrimiento y correcta denuncia de la situación ilegal por parte de miembros de la comunidad educativa a las autoridades competentes, según se nos anunció desde la asociación de vecinos que habían sido informados, hace más que probable que deba cerrarse ipso facto, dejando a cientos de alumnos y decenas de profesores en una situación difícil de sostener.
que ningún equipo directivo la ha mostrado jamás al claustro, como hubiera sido de recibo--, dato éste que tras pregunta directa ha sido corroborado también y ahora por el actual Equipo Directivo insistiendo en asamblea que “no eran competentes para ello” [!]. Pero no sólo eso: en ninguna matriculación que se sepa, y por supuesto en absoluto en la recientemente producida, a pesar de que ya había sido hecho público en la asamblea la horrible situación en que nos hallamos, se ha avisado a los padres y alumnos de la situación de ilegalidad y peligrosidad del edificio del conservatorio para que pudieran así optar a decidir matricularse o no. Y avisar de esto es también un deber funcionarial (Estatuto del Funciona-
A pesar de la situación ilegal del edificio --es decir, que no cumple con la ley-- y de llevar abandonado por ella muchos lustros, ya en propiedad del Ayuntamiento de Madrid desde los años 80, el PSOE en los años 90 --tras un desdoblamiento artificial y forzado que se hizo de todos los profesores que dábamos clase en el Conservatorio Superior de Música de Madrid hasta aquel momento, del que también habría mucho que revelar, y que llevó a la creación de los varios conservatorios profesionales que hay en Madrid-- decidió usar el edificio a sabiendas de que era ilegal lavándole un poco la cara para que pareciera un conservatorio a pesar de que no cumplía ningún decreto de mínimos y sin mencionar jamás a la comunidad educativa de que se trataba de un edificio que no disponía siquiera de esa imprescindible cédula para que alguien pudiera habitarlo semanalmente, lo cual es completamente criminal. Al no poder disponer fácticamente de este permiso primero que requieren las viviendas se impide que pueda ser habitable --¡y sin embargo se permite que el edificio lo habiten 800 alumnos y unos 80 profesores semanalmente!--, se impide que pueda tener licencia o permiso de actividad [extremo igualmente confirmado por el Ayuntamiento] --¡por lo que tampoco dispone de ello!--, se impide que pueda tener seguro --¡con todos los problemas que cualquier ciudadano sabe que se derivan de tal ausencia!--, etc., como cualquiera puede comprobar en las normas generales de vivienda, edificación, seguridad, etc. a disposición del público.
“...nos metieron a dar clase en un edificio que estaba aún en obras de maquillaje viéndose los ladrillos y tuberías...“ rio artículo 54.4 y 54.9, por ejemplo, entre varios), para el cual, en las mismas condiciones, el equipo directivo en asamblea también se ha considerado “incompetente”. ¡Demasiadas incompetencias e incompetentes! Por ello, la asamblea resultó tan reveladora y útil en extremos difícilmente pensables antes de la misma como alarmante y sorprendente. Las circunstancias que impidieron que el edificio originalmente obtuviera la cédula de habitabilidad las conocía perfecta y obligatoriamente cada equipo directivo del conservatorio, en especial, todos los directores y secretarios, desde el comienzo. De ahí lo de la “provisionalidad” --¡de cuarto de siglo!-- con que se nos anunció la estancia allí, aunque al profesorado lo que se le dijo sólo fue que el centro, como no reunía las condiciones que el primitivo Decreto de Mínimos de entonces --parece que las leyes son siempre para otros-- exigía para un conservatorio, no podía ser albergado allí más que provisionalmente mientras se hiciera nuestro edificio real. Todo ha sido un continuo despropósito en donde jamás se ha puesto eficacia alguna y donde cada año se nos han ido contando bellas películas sobre la necesidad de un centro nuevo y lo que presuntamente se protestaba hacia las “alturas” --en lugar de denunciar legalmente-- pidién-
A pesar de saberse todo esto, fue el curso 1992-1993 en el que nos metieron a dar clase en un edificio que estaba aún en obras de maquillaje viéndose los ladrillos y tuberías por to44
“La estructura de ese edificio es mejor caja de resonancia que la de un piano...“
puesto, ilegalmente, para justificar artificial y artificiosamente el que se puedan albergar los alumnos que tienen que albergarse sin importar las condiciones en que tienen que hacerlo y la manifiesta ilegalidad de las mismas. La estructura de ese edificio es mejor caja de resonancia que la de un piano, provocando que sea prácticamente imposible que el profesor de un aula pueda escuchar su propio pensamiento cuando en el aula de al lado hay alguien interpretando en un instrumento. Y si el aula es la de orquesta entonces ya hay veces en que ya no se escucha bien ni al alumno que tiene en tu propia clase. Durante años los vecinos han tenido sonando un edificio desde las 9 de la mañana hasta las 10 de la noche sin parar reduciendo manifiestamente la calidad de vida de la gente que allí vivía y que no podía irse a vivir a otra parte porque las contraventanas dobles y hasta triples son insuficientes para parar la tortura. El auditorio lleno de columnas al ser el resultado del derribo de las paredes de varias de varias salas originales, por lo que dependiendo de donde se toque se oye más o menos, se producen ecos o no, se distribuye bien el sonido o no o se escucha bien o no. Sin posibilidad fáctica de arreglo alguno. Todo absoluta y completamente demencial. Si a esto añadimos que todos los años se repiten los mismos problemas caóticos de organización al principio de curso, como si viviéramos en un permanente día de la marmota, podemos decir que en lugar de un conservatorio estamos en un Co-Nervatorio [sic]. Y eso que aún no he contado lo peor.
das partes [!!!], y sin casco en la cabeza, teóricamente de modo provisional sólo ese curso --algunos dicen que el acuerdo era para cuatro años, lo cual es muchísimo peor-- mientras se nos daba un edificio propio. Ese edificio jamás ha sido legal, desde sus orígenes. Y lo que es peor: a sabiendas de los políticos, tanto PSOE como PP, que recibió heredada la situación y, también a sabiendas, jamás hizo nada por intentar que el conservatorio pudiera ser legal y permitió además que las sucesivas normas para edificios de conservatorios que el propio PP dictara posteriormente tampoco pudiera cumplirlas, haciendo que cada vez fuera más ilegal aún, a conciencia y con una alegría vergonzosa, propia de paletos ignorantes y gente sin escrúpulos que no respeta la ley cuando son los responsables de hacerla cumplir. Y todo esto ¡durante casi un cuarto de siglo! en un estado lamentable. Yo mismo, aunque ahora dispongo de una pequeña aula sin ventanas a la calle en la que literalmente nos asamos todo el curso y cada curso, estuve muchos años bajo condiciones infrahumanas en un aula, la 38, a la que llamábamos el laboratorio de bioquímica, porque por la pared, cada vez que llovía, caía a mares el agua encharcando la base de tarima que quedaba reblandecida , con pianos de cola encima que se escoraban peligrosamente y generando un hábitat en dicha pared de todo tipo de hongos, mohos y microvida en la que la NASA tendría que haber entrado para rescatar la biodiversidad que allí reinaba antes de limpiarla. Los sótanos del edificio, donde se da clase, se han inundado e inundan habitualmente cuando llueve con fuerza y el ambiente que dejan es infecto, insalubre e insoportable, por no mencionar el daño que se le produce a los instrumentos que están allí. Han habilitado como aulas lo que eran pequeños cuartos de almacén internos sin ventilación e incluso se han compartimentado algunas de ellas y algunas esquinas muertas hasta crear habitáculos que provocarían claustrofobia a más de uno. Todo, por su-
Efectivamente, lo peor, con mucho, no es la completa ilegalidad e inadecuación total del edificio. Lo peor es que no cumple con las normas básicas y más elementales contra incendios, como cualquiera puede comprobar, lo que lo hace un edificio peligrosísimo. Durante años se han ido haciendo pequeñas chapucillas para lavar algo la cara “disimulando” puerilmente el asunto, fabricando un protocolo anti-incendios completamente inútil debido a la propia naturaleza del único incendio que podría producirse que hace tan peligroso al centro que difícilmente alguien podría salir vivo de allí, sin que jamás se haya advertido de ello a ninguno de los padres de mis alumnos, por lo que puedo colegir que a ninguno de los padres ni a ninguno de los alumnos del 45
“El equipo directivo actual del conservatorio, aparte de declararse como incompetentes como antes se mencionó, no ha ayudado a mucho...“
centro. Bajo la única entrada del edificio, que es a la vez la única salida, existe a flor de piel un depósito gigantesco de gasóleo con un vestusto recipiente contenedor de los que con el tiempo pueden permitir fugas de vapores del material inflamable, que contiene ni más ni menos que la friolera de ¡dos toneladas y media de gasóleo! Sobre este depósito hay un suelo que al no estar aislado adecuadamente produce más electricidad estática por cm2 que un coche y todos los días todos recibimos varias fuertes descargas y chispazos dolorosos al tocar metales que nos dejan clavados y con los pelos de punta [literalmente]. La combinación de chispazos --que pueden provocarse de muchos más modos que el del simple rozamiento sobre el suelo-- con el polvorín que tenemos debajo, así como los cambios de presión y temperatura a lo largo del año, no hacen que sea un sitio en el que nadie que tenga conciencia de cómo se producen las catástrofes en lugares con calefacciones de gasóleo pueda estar tranquilo ni un solo segundo.
ria-- saltando a la calle --desde el sótano y el bajo no se puede porque hay barrotes-- sería imposible hacerlo si no diera la casualidad de que el aula cuyas ventanas dieran a la calle estuviera abierta, ya que sus llaves habrían volado en la explosión inicial. Como se ve, la situación no permite tranquilidad alguna y el que hubiese gente inconsciente y camicace que dijese que no es peligroso porque no ha pasado nunca nada no tranquiliza a ninguna persona sensata, porque eso es exactamente lo que se ha dicho antes en todos y cada uno de los sitios donde nunca antes había pasado nada y de repente un día pasó y se produjo la desgracia para siempre irreparable, como recuerdan los servicios de bomberos y Protección Civil.
Si se produjera la explosión de esa caldera de dos toneladas y media de gasóleo en este centro sin seguro se llevaría toda la entrada por los aires --y seguramente parte de la estructura de pisos superiores del edificio que está encima y da a la calle-- y las personas que en ese momento estuvieran allí, así como las que pasaran casualmente por delante de la salida/entrada en la calle en ese momento. Los auxiliares de control que estuvieran en ese momento en la caseta de la entrada/salida también saldrían por los aires y con ellos todas las llaves del centro, por lo cual si para poder salir del edificio en ese momento en llamas hiciera falta descolgarse por las ventanas del primer piso más lejanas al incendio --o si no sería como saltar a la pira funera-
El equipo directivo actual del conservatorio, aparte de declararse como incompetentes como antes se mencionó, no ha ayudado a mucho, que digamos. Sólo a no convocar a la asamblea original más que arbitrariamente a quienes quisieron y después a decir a la compañera que coordinaba las asambleas que les habían dicho “verbalmente” --imagino que porque no tienen agallas para poner eso por escrito-- que ya no se podía usar el centro para hacer las asambleas --tal como yo había vaticinado en mi blog que haría el equipo directivo antes o después, al conocerlos y haber visto tantos años la tipología de sus actuaciones--. Ah y por supuesto, también han sido muy buenos para expulsar ilegítimamente, sin ninguna justificación a quienes les ha dado la gana, CLÁSICA FM RADIO, que había acudido a nuestra llamada de convocatoria a la segunda asamblea celebrada el 7 de octubre con el fin de cubrir el reportaje, ser testigos del evento histórico, ayudarnos y aportar su punto de vista, como el resto de los convocados en idéntica llamada como en la primera asamblea. Ese fue el primer acto oficial que el equipo directivo --simplemente unos miembros más convocados a la asamblea-- en la
“...(el equipo directivo) se arrogó sin ningún derecho, es decir, expulsar a quien no le convenía que estuviera allí como testigos de excepción que dieran fe de lo sucedido...“ 46
“Es probable incluso que sin saberlo estemos fastidiando los planes de alguien...“
to totalmente expuesto e intenta de repente aprovechar los movimientos de la asamblea para comunicar que ahora justa y casualmente está haciendo cosas. Ojalá fuera verdad, pero me da la impresión de que todo lo que hace es reunirse urgente y desordenadamente con sus jefes para ver qué hace con lo que hace la asamblea. Es probable incluso que sin saberlo estemos fastidiando los planes de alguien y por eso los participantes activos en las asambleas acabemos siendo catalogados como personas non gratas que se dedican a desacreditar a los equipos directivos --ya están intentando pintarlo así, olvidando que sólo describimos hechos constatables y demostrables y si éstos les descalifican no es nuestra culpa, en un país con derecho a la información-- por exigir que todas las cosas se hagan bien académica y legalmente. Pero ése no será nunca nuestro problema.
sesión de la segunda asamblea se arrogó sin ningún derecho, es decir, expulsar a quien no le convenía que estuviera allí como testigos de excepción que dieran fe de lo sucedido y lo denunciaran por las ondas, puesto que el conservatorio sólo cedía el espacio para la reunión, el auditorio, no decidía quién podía ir y quién no y estoy completamente seguro de que el equipo directivo sabe que no debería haber hecho eso, pues sabía de sobra que quienes decidíamos quiénes debían asistir éramos sólo la asamblea. ¡Qué bonito, edificante y aleccionador, ¿verdad?! Como la descripción de mis impresiones sobre esta segunda asamblea del 7 de octubre de este año ya las he publicado en mi blog --vide http://www.agustinbarahona.com/blog/ impresiones-de-la-asamblea-sobre-la-ilegalidad-del-teresa-berganza/--, así como el episodio de la expulsión ilegítima del equipo de CLÁSICA FM RADIO y otras cosas muy interesantes cuya lectura allí recomiendo, no añadiré aquí nada más sobre dicho segundo evento. Eso sí, recomiendo un repaso detenido de mi blog porque allí he venido recogiendo más directa o indirectamente, muchas reflexiones acerca de éste y otros muchos casos de corrupción de nuestra sociedad que afectan directamente a todos los ciudadanos y especialmente a todas las comunidades educativas de todos los conservatorios. Puede que en el futuro dedique un capítulo único a cómo se procura que los alumnos no tengan derecho alguno para reclamar objetivamente sus exámenes y cómo se persigue a cualquier profesor que pueda informar de dichos derechos a sus alumnos. Pero eso será otro día.
Muchas gracias de nuevo por prestarnos atención y servir de medio de denuncia de los hechos tan graves que desdoran por completo a los equipos directivos de un conservatorio lleno, por otra parte, de excelentes alumnos, profesionales y didactas de la más alta excelencia. Necesitamos un centro con la máxima urgencia porque no podemos quedarnos ni un segundo más allí. Un abrazo a todos.
Ha habido otras asambleas ya fuera del conservatorio, debido a la prohibición que tenemos de hacerlas allí. El resumen final es que la asamblea ha conseguido en unas cuantas semanas lo que todos los equipos directivos no han querido hacer en casi un cuarto de siglo, lo cual no parece que tenga muy contento al actual equipo directivo que se ha vis47
Entrevista
Maurizio Colasanti LA ESENCIA DE LA MÚSICA Por: Inma J. Ferrero
“...mi preferido es Sergiu Chelibidache, bien por su profundidad metodológica bien por el rigor gnoseológico.“
La revista PROVERSO ha tenido el gran placer de realizar una entrevista el director italiano Maurizio Colasanti, el cual ha tenido la ambilidad de responder a nuestras preguntas. PR: ¿Con cuántos años empezó a estudiar música?
to que insistió a mi familia para que hiciese la carrera en el conservatorio y así poder conviritirme en un profesional de la música.
RP: Empecé a estudiar música a la edad de cinco años con la banda de mi pueblo. Tuve la suerte de conocer a un músico de gran talen48
PR: ¿Cuáles son tus directores favoritos de orquesta? ¿Y cuáles han sido tus modelos a seguir? RP: Depende de lo que entiendes por director de orquestra. En mi opinión hay muchas especies de directores: uno sabe bien preparar una orquesta, otro es muy agradable verle en el pódium, otro sabe hacer política, y hay quien sabe hacer de banquero. Bueno, en serio, entre todos, mi preferido es Sergiu Chelibidache, bien por su profundidad metodológica bien por el rigor gnoseológico. Digamos que en él tomó forma aquella figura que se necesitaba en la música, es decir, aquella que finalmente ha superado la práctica considerándola como una cuestión teórica o tangible, abriendo a la posibilidad de concebirel sonido como un fenómeno humano que va más allá de la relación entre elsonido mismoy la música. Chelibidache habla de all’Erlebt, la experiencia como condición indispensable, como referencia a la filosofía de Husserl, es decir a un enfoque que define, más allá del gesto y de la teoría, el motivo y la manera en que se manifiesta la realidad, que en este caso es la música. PR: ¿Algunos de tus maestros ha de-
sobre lo que estoy diciendo adoptarán diferentes determinaciones de las que adoptarían si no hubieran leído esta nuestra charla. RP: Cuando empiezas a trabajar con una nueva orquesta, y considerando que cada músico tiene diferentes capacidades, ¿cómo desarrollas tu trabajo?
“Las orquestas son un organismo complejo compuesto de muchas piezas que deben trabajar para conseguir un único objetivo.“
RP: Las orquestas son un organismo complejo compuesto de muchas piezas que deben trabajar para conseguir un único objetivo. Al igual que todos los organismos, cada elemento tiene diferentes características y diferentes capacidades. Es importante que cada uno contribuya al resultado final dando lo mejor de sí mismo y tratando de identificarse con el resto del grupo.
jado su marca en ti? ¿Cual? RP: Todo el mundo. No podemos pensar en vivir sin que las relaciones, fortuitas o menos, no dejen huellas en nuestras vidas; lo mismo pasa con de nuestros maestros. Cada uno de ellos ha dejado una marca indeleble, algunos han dejado cicatrices, pero todos me han ayudado a hacer de mí lo que soy ahora. Creo firmemente que todas nuestras acciones tendrán una reacción que puede hacer cambiar la forma de ver el mundo a quienes sufren sus influencias. Incluso esta entrevista lo hará, marcará, en manera leve o profunda, a algunos de sus lectores que, al reflexionar
PR: Dirigir una orquesta es un gran desafío, ¿cuáles son los más importantes que hay que superar? RP: El verdadero desafío es vivir cada día teniendo el valor de seguir con tus propias ideas. En cuanto a los retos musicales, he tenido varios en mi carrera, pero el más difícil siempre es el que aún está por venir. Cada vez que se sube en el podio desafías algo, de la misma manera en la que desafías algo todas las mañanas cuando te levantas de la 49
“Creo que deberíamos definir nuestros autores favoritos como familiares, ya que son parte de nosotros...“
bador es aquel miedo que tenemos a lo que ya conocemos, a lo que nos resulta familiar”. Creo que deberíamos definir nuestros autores favoritos como familiares, ya que son parte de nosotros como la intuición y no hay necesidad alguna de justificar ciertas ideas porque, en el fondo, es como si fueran nuestras. Con referencia a la pregunta acerca de mi director favorito, tengo que decir que considerada mi visión de la música como una abstracción, como un epifenómeno en curso hay una cierta cercanía con todos aquellos compositores que concibieron la música como algo incondicionado. La ausencia de límites de la concepción musical, me hace sentir cerca de artistas como: Bach, Rossini, Wagner, Verdi, Cherubini compositor de ópera, Mahler, Bruckner, Sibelius, Debussy, Varese, Lutoslavsky.
cama y empiezas un nuevo día. PR: ¿Cómo te enfrentas el estudio de las partituras? RP: Una sola palabra: disciplina. Disciplina en el enfoque metodológico y respeto hacia los que han escrito nota a nota la partitura. PR: ¿Cuáles son tus compositores favoritos? ¿Por qué? ¿Qué pieza de música te gusta dirigir?
PR: ¿Qué opinas de la música contemporánea? ¿Crees que tiene la misma recepción por parte del público?
RP: En fin, se puede decir que la música es una gran paradoja, una paradoja consciente de una conciencia que es la de Unheimliche, el perturbador del que habló Freud. “El pertur50
“...el de la música clásica culta es ahora un mundo que renuncia a la acción, un mundo esperando a su Godot...“
RP: Debería escribir un tomo para contestar a tu pregunta. La música contemporánea se ha fragmentado en muchas corrientes estéticas donde se encuentra la afiliación teorética como un bastión de los postulados. Finalmente hay que decir que el de la música clásica culta es ahora un mundo que renuncia a la acción, un mundo esperando a su Godot, en el que el consuelo es su profesión, un mundo que del pasado hace su futuro. La música contemporánea, más allá del nivel de satisfacción hacia ciertos autores y más allá de las soluciones estéticas que los mismos adoptan, es el único medio a través del cual podemos seguir hablando de música tal y como la conocemos ahora. Hay una transformación epocal de las dinámicasestéticas y de la función de la música. Continuar a planear obras como si estuviéramos en el 1800 es dramáticamente retro y amenaza con declarar la desaparición de un mundo que no acepta el futuro.
tros y las orquestasque he dirigido. Cada uno de ellos me ha dejado un recuerdo que llevo conmigo como una bonita experiencia artística y humana. Siempre las orquestas que me invitan a dirigir por vez primera, me vuelven a llamar para trabajar con ellas en otras ocasiones. Haría un flaco favor a alguien si eligiera una orquesta en particular, les amo a todas. PR: ¿Qué consejo le daría a los jóvenes músicos que están destinados a la carrera de director de orquesta? RP: Digo a todos mis estudiantes que el talento no es suficiente. Se necesita mucho estudio, valor y un toque de locura. Si para determinar las elecciones necesitamos pasión y amor por nuestro trabajo, estamos encaminados bien.
PR: Has viajado por todo el mundo. ¿De qué orquesta o teatro guardas mejor memoria? RP: Tengo mucho cariño por todos los tea-
Traducción: Elisabetta Bagli
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Pintura
V CENTENARIO DE LA MUERTE DE EL BOSCO: MISTERIO Y SIMBOLOGÍA. CONTEMPORÁNEA. Por: Isabel Rezmo
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Este año se celebran cinco siglos del fallecimiento de uno de los maestros pintores de todos los tiempos, Jerónimo Bosch, El Bosco. Con grandes retrospectivas lo homenajearon su ciudad natal y el Museo del Prado de Madrid, que guarda la colección más IMPORTANTE de su obra. Y en México, a partir del 22 de octubre, lo hará el prestigiado fotógrafo ruso AlexeïVassiliev, en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada, en complementariedad con los murales de Vlady que aloja el recinto
los Magos», «El carro de heno», «La extracción de la piedra de la locura» y «Las tentaciones de san Antonio Abad». Con este mismo tema cuelga otra tabla, en este caso del taller del Bosco. Explica Miguel Falomir, director adjunto de Conservación e Investigación del Museo del Prado, que «hemos querido repensar la pintura flamenca y holandesa, una de las columnas vertebrales del museo. El Bosco es uno de los grandes activos del Prado y, tras el tremendo éxito de la exposición, los visitantes se van a multiplicar exponencialmente. Queríamos mejorar la transitabilidad de la sala para que los trípticos se pudieran admirar por ambos lados. “El Jardín de las Delicias” es el cuadro del Prado ante el que el público pasa más tiempo, más que frente a “Las Meninas” o “Los fusilamientos del 3 de mayo”. El Bosco entra en el selecto club de los pintores con sala propia en el museo».
El Año Bosco aún no ha terminado, pero está dando mucho de sí. Exposiciones antológicas en Bolduque (su ciudad natal) publicaciones sobre su vida y su obra, un cómic de Max, una película-documental de José Luis López Linares, una videoinstalación sobre «El Jardín de las Delicias»... No han faltado ni siquiera polémicas sobre la autoría de algunas de sus obras. La histórica exposición que le dedicó el Prado se prorrogó un par de semanas, ante la avalancha de personas que se agolpaban en larguísimas colas a diario. Casi 600.000 en total, convirtiéndose en la muestra más visitada de la pinacoteca en toda su historia.
Todo esto es lo que explica con admirable precisión NilsBüttner. Y decimos con precisión porque Büttner se atiene únicamente a aquello que sabemos, de cierto, sobre El Bosco. Y lo que sabemos no es poco. Se sabe que fue un hombre acaudalado, hijo y nieto de pintores, y extremadamente religioso. Sabemos también que gozó de gran fama en vida, y que sus contemporáneos no hallaron dificultad alguna en interpretar su obra. Sabemos, por último, que aquel orbe medieval, encapsulado en sus tablas, y que figura de igual modo en las xilografías que acompañan La nave de los locos de Brant, convive con naturalidad con el Renacimiento nórdico que trae Durero.
“La histórica exposición que le dedicó el Prado se prorrogó un par de semanas, ante la avalancha de personas...“ Como regalo, la pinacoteca ha querido cederle una sala en solitario, la sala 56A, privilegio solo al alcance de los más grandes: Velázquez, Rubens, Tiziano, Goya, El Greco, Murillo... y ahora también El Bosco. Hasta ahora las seis obras que atesora el Prado del pintor (pese a quien le pese) compartían espacio con Patinir y Bruegel el Viejo. No era mala compañía. Pero ni se veían bien las obras del Bosco ni los visitantes se fijaban en las de Patinir y Bruegel el Viejo, que salían perjudicados, pese a ser obras maestras.
Aun así, el número exacto de sus pinturas, o la propia autoría de ciertas obras, se pierden en las tiniebla históricas. De ese rastro interrumpido, junto con el naturaleza sacra, alegórica, de sus imaginaciones, se infiere una opacidad añadida a la pintura de El Bosco. Una pintura que se quiso transparente, ejemplar, admonitoria y que hoy nos interroga desde una claridad paradójica, no siempre descifrable.
«El Jardín de las Delicias» preside ahora la nueva y flamante sala del Bosco. Se ha retirado de la pared, de modo que los visitantes pueden apreciar el tríptico por ambos lados. Le acompañan la maravillosa «Adoración de
VIDA Jheronimus van Aken (h. 1450-1516), conoci55
te. Ese bosque, que en su lengua vernácula original suena muy tupido y aún más oscuro a oídos castellanos, fue el que el artista incluyó en su propio nombre cuando decidió dejar de ser Van Aken y convertirse en Hieronymus Bosch. Ese gesto de incluir el lugar de origen en el apellido era bastante habitual por su utilidad para identificar a alguien que lograba ser conocido más allá de su localidad. Que Hieronymus adoptara el apellido Bosch invita a pensar que su reputación se extendía mucho más allá de los muros de Bolduque. Haber utilizado el topónimo Van Aken, que hace referencia a las raíces alemanas de su familia, habría provocado la confusión, sobre todo porque provenía de una familia de artesanos: su padre Anthonius van Aken era artista, pintor miniaturista probablemente; también lo fue su abuelo Jan y su bisabuelo Thomas.
do en España como “el Bosco”, nació y vivió en ‘s-Hertogenbosch (Bois-le-Duc), una ciudad al norte del ducado de Brabante, en la actual Holanda, a la que vinculó su fama al firmar sus obras como “Jheronimus Bosch”. Pocos son los detalles que se conocen de la vida de Hieronymus Bosch. Muchos menos, por no decir inexistentes, son los que explican las condiciones en las que nació y vivió sus primeros años. Son también ínfimos incluso aquellos sobre su actividad profesional. Como explican los historiadores, su nombre comienza a aparecer en los REGISTROS públicos de la época cuando ya era un artista reconocido, sobre todo en documentos de compraventa o inventarios de patrimonio, algunos datados tras la muerte del pintor. Ha sido objeto de interpretaciones y cada generación descubre un Bosco distinto del que conoció la anterior
Hacia el siglo XIV Bolduque tenía una población de unas 14.000 personas y se había convertido en la segunda localidad más grande del norte de Holanda tras Utrecht —en 1496 llegó a los 17.280 habitantes, como señala el historiador JosKoldeweij en “Hieronymus Bosch and His City” en Hieronymus Bosch: The Complete Paintings and Drawings (Abrams, 2001)—, por lo que no cabe duda de que el incendio que en 1463 arrasó 4.000 casas del municipio debió suponer una verda-
Asi trazar la biografía del Bosco no ha sido tarea fácil incluso cuando se sabe que el artista jamás se movió de su localidad natal, ‘s-Hertogenbosch, Bolduque, capital de la provincia del Brabante septentrional, en los Países Bajos, y topónimo que significa literalmente bosque del duque, en relación con el fundador del municipio, Enrique I de Braban-
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dera catástrofe. Es muy probable que un Bosco adolescente fuera testigo de aquel fuego, y que lo marcara de tal modo que acabara reproduciendo el impacto de esas intensas llamas en muchas de sus terribles imágenes del infierno, como apuntan otros tantos expertos. Bolduque era una población lo suficientemente grande como para poder sostener económicamente a sus artesanos y a sus incipientes artistas, sobre todo por el establecimiento en la zona de monasterios de franciscanos (1228/29) y dominicos (1286), abadías e iglesias de otras órdenes católicas.
Prueba del ascenso social del Bosco fue su nombramiento de 1487-88 como hermano jurado de la cofradía de Nuestra Señora, que le puso en contacto con las élites de la ciudad. Recibió así encargos de particulares como Peter van Os, hermano jurado de la cofradía, así como de instituciones eclesiásticas, muy numerosas entonces. La ausencia de una tradición local y de un gremio de pintores favoreció que el Bosco creara un estilo original. Aunque partió del arte de los pintores que le precedieron, como Jan van Eyck, rompió con ellos tanto en la técnica como en la iconografía.
Hieronymus Bosch no sufrió en vida problemas económicos, menos tras su matrimonio con Aleid van de Mervenne, hija de un rico y bien posicionado comerciante, y pudo dedicarse a la pintura de manera desahogada y quizá de modo más independiente que sus contemporáneos.
El BOSCO 500 AÑOS DE ENIGMAS Sobre la figura de Van Aken, el hombre detrás del seudónimo con el que realizó obras maestras como El jardín de las delicias, El carro de heno, Cristo con la cruz a cuestas, La adoración de los magos, Coronación de espinas, La nave del loco o Visiones del más allá, todavía hoy, cuando se celebra el 500 aniversario de su muerte, se sabe más bien poco pese a la ingente cantidad de teorías de las que tanto su vida como su obra y legado han sido objeto. No solo historiadores del arte o pintores se han acercado a su trabajo con el fin de desentrañar el significado oculto de sus exorbitantes alegorías, también lingüistas, teólogos, sociólogos o psicólogos se han lanzado a arrojar algo de luz sobre el enigmático pintor. El campo de la exégesis bosquiana rebosa ya desde mediados del siglo XVI de interpretaciones, algunas, como cabe esperar, más rocambolescas que otras. Cada generación ha ido descubriendo un Bosco distinto del que conoció la anterior: para Felipe II, el Bosco conseguía pintar a los hombres tal y como son, para AntoninArtaud fue uno de los artistas que mejor supo reflejar la faceta más oscura del ser humano en su escala cósmica, mientras que los surrealistas de André Breton lo convirtieron en uno de sus tótems y, en la actualidad, la cultura popular, más concretamente la música pop-rock, se ha apropiado de sus imágenes para ilustrar cubiertas de LP, de DeepPurple a Sun Ra, PearlsBeforeSwine o Michael Jackson. Aunque Giorgio Vasari listara en sus famosas Vidas de los más excelen-
También se sabe que el propio Bosco formó parte de la cofradía de Nuestra Señora, institución de carácter laico fundada en 1318, en la que ingresó en 1486 o 1487 y en la que intervino activamente. Su padre, su mujer y su suegro, Goyart van de Mervenne, eran miembros, junto con otros destacados nombres de la élite local, y participaban en sus acciones piadosas y caritativas. El Bosco trabajó en la decoración de la capilla que la organización poseía en la colegiata, hoy la actual catedral de San Juan, y realizó diversas obras (dos lienzos, un candelabro o un reloj; piezas, como se ve, de tipo menor) por encargo de la hermandad. Cuando le llegó la muerte, en 1516, la misma cofradía organizó su funeral con unas exequias solemnes en la capilla de la otrora colegiata, señal de la alta consideración de la que había disfrutado el artista entre sus compañeros religiosos y entre sus conciudadanos. En la época del Bosco, ‘s-Hertogenbosch era una ciudad próspera. La plaza del mercado, en la que el artista residió entre 1462 y 1516, era punto de encuentro de todas clases sociales y escenario de toda suerte de acontecimientos –cotidianos y festivos, religiosos o profanos-, fundamentales en el mundo visual del pintor, que asistió a ellos como espectador privilegiado, desde cas o fuera de ella. 57
“Su estilo recogía claramente los fantasmas de los años finales de la Edad Media...“
tieran los bienes. Casi todas las sectas fueron perseguidas, con casos como el de Savonarola en Italia. Sin embargo, en Alemania, muy cerca de Países Bajos, Lutero conseguiría triunfar pocos años después de la muerte del Bosco. Es decir, nuestro artista vivió en una época de crisis espiritual muy profunda, que condujo poco después a la ruptura del mundo cristiano. El Bosco prácticamente pintó sólo obras religiosas. Su piedad era extrema, rigurosa, y presentaba un mundo enfangado, que se revolcaba en el pecado, casi sin esperanza de salvación. El Bosco ve a sus congéneres pudriéndose en el Infierno por todo tipo de vicios. Se tiende a mirar sus obras como productos magníficos de la imaginación y no hay tentación más fácil que identificarlo con el surrealismo. Se comete el error de pensar que El Bosco pintó para nosotros, que se adelantó a nuestra visión de época y que en ello radica su valor como visionario. Pero lo hizo hace más de 400 años y nosotros hoy día somos incapaces de comprender todos los símbolos y lecturas con que impregnó sus cuadros. Tan sólo aquellas imágenes que resultan familiares son rápidamente extraídas de su contexto y examinadas a la luz de la psicología del siglo XX. En la época del Bosco no existía la psicología. El mundo religioso estaba tan presente o más como los fenómenos cotidianos. En un mundo donde no se sabía leer ni existían imágenes apenas, los cuadros del Bosco presentaban una realidad tan cotidiana como los trabajos del campo. La presencia continua del pecado y la amenaza del infierno eran ley de vida, contra la que se revelaban la “devotio moderna” o los seguidores de Lutero: interpretación personal de la Biblia, diálogo íntimo con Dios, salvación a través de la fe y no de los actos externos. Algunos centros urbanos de importancia tratan de cambiar el mundo, de racionalizar la vida del ser humano y de desterrar el miedo y la superstición. La ciencia sepulta mitos y la filosofía se trata de conjugar con la religión. Es el mundo de Durero y de Leonardo, de Erasmo, de Maximiliano I y de Carlos V. Sin embargo, El Bosco jamás entró en contacto con la cultura urbana ni con las renovaciones que se estaban produciendo en los Países Bajos, Italia y España. El Bosco representa el arte de provincias, casi sin influencia de los movimientos contemporáneos. Muere en 1516, tres años antes que
tes arquitectos, escultores y pintores (1550) al Bosco, junto a Pieter Brueghel, como “imitador” de las “fantasías, invenciones extrañas, sueños e imaginaciones de ese tipo” del pintor Franz Mostaert (1528–1560), pronto se corrigió al seminal historiador para dejar clara la singularidad de las visiones del Bosco, aún hoy únicas e insuperables. Su estilo recogía claramente los fantasmas de los años finales de la Edad Media, en los que la salvación tras la muerte era una gran obsesión. Existen pocos datos de su vida, siempre llena de leyendas que intentan explicar el enigmático significado de sus cuadros. Su formación como pintor la pasó en el seno de su familia: fueron sus propios hermanos y su padre quienes le enseñaron el oficio artesanal. De esto se deriva una cierta torpeza compositiva, aunque enseguida estableció su temática favorita: la debilidad humana, tan proclive al engaño y a ceder a las tentaciones. Una de sus fuentes de inspiración favoritas fue la cultura popular. Los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples temas para tratar en sus cuadros. Da a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convierte la escena en un momento delirante, lleno de simbolismos. Todos sus cuadros están impregnados de un sentido del humor burlesco, a veces cruel. El Bosco vivió en un mundo cruel, la organización de los estados nacionales brillaba por su ausencia y en los terrenos rurales se imponía la ley del más fuerte. La ignorancia y el analfabetismo alcanzaban a un 90% de la población, que veía su esperanza de vida en poco más de los cuarenta años. Las enfermedades endémicas y las epidemias, frecuentemente de peste, diezmaban a la población, cuando no se trataba de guerras mantenidas durante años. En tal estado de cosas, en toda Europa se produjeron abundantes movimientos heréticos, sectas que trataban de romper con la Iglesia, que ostentaba un poder y un lujo excesivos. Los movimientos heréticos trataban de retornar a las raíces del primer cristianismo, con comunidades en las que se compar58
cuando el que fuera secretario del cardenal don Luis de Aragón visitó la colección de pintura de Enrique III de Nassau en Bruselas— y recogidas por Ernst H. Gombrich en TheEarliestDescription of Bosch’s Garden of Delight (1967), son una prueba de la popularidad del trabajo del Bosco entre la nobleza que coleccionaba obras de arte —de Felipe el Hermoso a Margarita de Austria, Felipe de Borgoña o Diego de Guevara y su hijo Felipe de Guevara—, y en el tono de sus palabras se adivina que la aristocracia europea que contrataba el talento del Bosco se divertía tanto o más que nosotros con los característicos paisajes humanos grotescos y abigarrados propios del estilo del artista. Como recuerda Gombrich en ese texto, el Bosco fue tildado ya en el siglo XVI como inventor de monstruos cómicos (grillorum inventor, término que hace alusión a la pintura de grillos —cerdos, figuras semihumanas—, según la terminología empleada por Plinio en su Historia Natural) y hacia el siglo XIX llegó a conocerse bajo el nombre de Der Lustige (el humorista).
Leonardo da Vinci, su más estricto contemporáneo. Comparemos sus obras y tratemos de comprender cuál era el mundo real en el que vivía la mayor parte de la sociedad europea del siglo XVI y cuál el mundo reducido de las cortes llenas de intelectuales donde se pretendía cambiar el concepto del mundo basado en Dios por el de un mundo basado en el hombre.
Si la biografía de Jeroen van Aken no está exenta de lagunas, la vida interior, intelectual y espiritual, del artista, así como su plasmación en su obra pictórica, es un mar de conjeturas. El arte del Bosco se sitúa en la transición de la Baja Edad Media al Renacimiento, en un momento de grandes tensiones ideológicas y religiosas (corrupción interna del clero, sectas heréticas, nuevas corrientes de pensamiento neoplatónico) y en cierto modo sus pinturas reflejan esos conflictos, pero no hay que olvidar que, como indica Isidro G. Bango en su aportación al compendio El Bosco y la tradición pictórica de lo fantástico, el artista fue “un pintor medieval que pone lo mejor de su arte al servicio de las ideas del cliente”. Así, los conceptos de originalidad y autoría, aunque hoy casen como pocos con los cuadros del Bosco, están algo fuera de lugar si nos atenemos a los modelos de producción artística del medievo. El artista de esa época, y por tanto también el Bosco, sería más bien un ejecutor guiado por las instrucciones del contratista. De ahí se entiende, en parte, la profusión de temas religiosos moralizantes a lo largo de su obra, del Ecce Homo a La mesa de los pecados capitales.
Hay además algunas tablas con diversas extravagancias, donde se desfiguran mares, cielos, bosques, campos y muchas otras cosas, unas que salen de una almeja marina, otras que defecan grullas, mujeres y hombres, blancos y negros, en diversos actos y maneras, pájaros, animales de toda clase y con mucha naturalidad, cosas tan agradables y fantásticas que a quienes no tengan conocimiento de ellas, de ningún modo se les podrían describir tan bien.” Con estas palabras describía el italiano Antonio de Beatis en 1517 El jardín de las delicias, la obra más famosa de cuantas realizó el pintor neerlandés Jeroen van Aken (1450? - 1516), más conocido como Hieronymus Bosch o, en España, bajo el apelativo del Bosco. Las impresiones de DeBeatis, escritas solo un año después de la muerte del pintor — 59
La transgresión artística del Bosco fue recuperar esas criaturas entre lo humano y lo bestial.
pirándose tanto en un versículo del profeta Isaías —“[…] la carne no es más que hierba, y su gloria es como la flor de los campos”— como en un proverbio flamenco —“El mundo es como un carro de heno y cada uno coge lo que puede”— para mostrar en su cuadro central a una amalgama de personas —hombres, mujeres, pobres, ricos, aristócratas— intentando subirse al carro cueste lo que cueste, incluso pasando por encima de la vida de los demás o quitándosela.
La clientela eclesiástica que contrataba el talento de Hieronymus Bosch no explica, sin embargo, la prolífica imaginación del artista en materia plástica. Sobre esa cuestión Isabel Mateo Gómez, citando a expertos como Carl Justi, insiste en El jardín de las delicias y sus fuentes (2003) en la idea de que el Bosco pudo formarse con un ilustrador de libros y miniaturista, dato que podría explicar “la pequeña escala de figuras que emplea” y su recurrencia a la iconoclastia profana, según propone Gonzalo M. Borrás en su capítulo “Lo fantástico en el mundo medieval”, también incluido en El Bosco y la tradición pictórica de lo fantástico. Para el estudioso, los espacios marginales de los manuscritos (Borrás también menciona la talla de piedra y la labra de madera) ofrecían “un espacio de libertad frente a las reglas de la iconografía y del decorum” y son “lugares periféricos, alejados de los espacios centrales, en los que aparecen tanto criaturas fantásticas como fragmentos de realidad sorprendentemente bien observados”. La gran transgresión artística del Bosco parece radicar en haber trasladado de los márgenes a la pintura de caballete esas criaturas entre lo humano y lo bestial, entre el realismo y la caricatura, para censurar lo indecoroso y al mismo tiempo celebrarlo, sancionar lo impúdico y a la vez reírse de las normas.
LEGADO POLÉMICO El último y espinoso debate sobre la obra del Bosco es la cuestión de la atribución. Los muchos imitadores que tuvo ya desde bien temprano dificultan separar el grano de la paja en la obra atribuida al artista, habida cuenta de que no solía firmar sus cuadros ni fechar su producción y que en otras tantas obras fue ayudado por sus familiares y aprendices del taller en el que trabajó toda su vida. Los fastos por el V centenario de la muerte del Bosco arrancaron en febrero con polémica. En noviembre del año pasado el Bosch Research and Conservation Project, un comité científico creado en Holanda con la misión de poder celebrar una exposición del artista en el Museo Noordbrabants en Bolduque, su ciudad natal, y dirigido por el experto JosKoldeweij, adelantó, tras haber recatalogado el legado del Bosco en una investigación de seis años de duración, que La extracción de la piedra de la locura, Las tentaciones de san Antonio Abad y La mesa de los pecados capitales, las tres pertenecientes a la pinacoteca del Museo del Prado, no son obra de Hieronymus Bosch. El equipo liderado por Koldeweij también eliminó el Cristo con la cruz a cuestas, ubicado en el Museo de Bellas Artes de Gante, del catálogo oficial aunque, por el contrario, han sumado la versión El juicio final del Museo Groeninge de Brujas, Las tentaciones de san Antonio de Kansas City y un dibujo de una colección privada al listado de cuadros de Bosch. Finalmente, de entre las 21 obras cuya autoría no se discute, cinco se encuentran en nuestro país —San Juan Bautista, La adoración de los Magos, Cristo con la cruz a cuestas (El Escorial), El carro de heno y El jardín de las delicias (El Prado).
Otro asunto que también ha provocado IMPORTANTES debates es el del significado de sus obras. Carl Justi dividía la obra del Bosco en tres grupos —los cuadros religiosos, los basados en proverbios y las ensoñaciones pictóricas—, pero expertos como Valeriano Bozal se decantan por matizar esa interpretación y destacar el viaje, el mundo y la santidad como los tres grandes temas del pintor neerlandés. Bosch y sus pinturas todavía se situaban en la tradición medieval de representar el mundo y lo humano como si fuera un inventario de tipos y casos ejemplarizantes sobre la experiencia de la vida, del pecado y de la muerte. En el tríptico El carro de heno, el Bosco reflexionaba sobre el pecado y el infierno ins60
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MI FUMADO CAFÉ CON POESÍA Se me presenta hoy el nieto de «El abuelo Palancas» Por: Juanmaría G. Campal Como siempre hace, sine die, sin más plazo fijo o fecha que la que reclaman, por afecto o por admiración, o por ambas y más cosas, los recuerdos, cuando, como a través de «Una grieta por donde entra la nieve», traen de la vida, por fortuna, sus mejores cosas.
donos, Bach, su preferido. Se sienta, Félix Grande, este maestro que, sin verse «fanáticamente modesto», se confiesa «aprendiz de poeta» y responde mi petición de consejo: «lee a los clásicos constantemente y la poesía actual con mucha frecuencia… no te creas nunca Antonio Machado ni Pablo Neruda. Con pertenecer a la infantería de la poesía vamos que lo tiramos». ¿En la infantería este grande Grande que además de su poesía ha tocado con acierto todos los palos literarios: ensayo, relato, novela? No, obviamente, no es que sea fanático de la modestia, es que atesora, y a raudales, esa humildad que, habitualmente, descubro y admiro — frente a tanto mediocre engreimiento— en los grandes de verdad, en los que, además de
Me regala sus «¡Buenos días, Juan» y ya avanza pasillo avante, hacia el camarote en que navegan memoria e imaginación, como envuelto en el mismo marítimo contraluz en que lo vi por vez primera, en que lo conocí, allá, en Candás, «Mar adentro», en septiembre de 2004. Luz que, también de humana bondad sin duda, lo acompañó siempre que su presencia me volvió a ser regalada, que, con él, de él me enriquecí. Por suerte, sé que suena allí, acompañándolas, ahora acogién62
serlo como escritores, lo son, también, como humanos seres.
miente de una desposesión calcinada y perversa como la del desierto. En el calcio del tacto hay una lenta caries que nos invade desde el fin aterrador del tiempo y de la vida
No falta en nuestra conversación el recuerdo, el viaje a su encerrada «Mesalina», a esa, también suya, pasión por la guitarra, a la que «tenía la necesidad de tocar a todas horas, pero ya estaba instalado en mi mundo literario, al cual también amaba mucho. Me encontraba desgarrado entre dos pasiones, como el que se encuentra desgarrado entre dos amores»... Y sigue recordando Félix cómo «la vida es misteriosa y sabemos muy poco de ella, quizás por eso existe el arte», cómo le debe tanto « a una inmensa derrota. Así como D. Manuel Machado hubiera querido ser según decía: “antes que un tal poeta, un buen banderillero”, a mi me hubiera gustado ser: “antes que un casual escritor, un buen discípulo de Paco de Lucía”». Acaso, pienso, ¿no estaría causado por este desgarro su largo silencio poético (desde Las rubáiyatas de Horacio Martín (1978) no había vuelto a escribir poesía hasta 2010, La cabellera de la Shoá, incorporada a Biografía. (1958-2010), Galaxia Gutenberg)?, aunque él dijese que «llevo tantos años sin escribir porque llevo ya bastantes años aprendiendo a morir».
Presuroso y perdido unto en mí tu persona y soy un bulto de hombre y de loco y de perro que corre por tu cuerpo y a la vez por un túnel despavoridamente lamiendo en las tinieblas Me acompaño ahora del recuerdo de su voz, porque «su voz tenía fuerza de gravedad; no escuchábamos esa voz: caíamos dentro de ella. Sonaba de un modo completamente verosímil y un poco ensimismada, como si por debajo de cada palabra palpitase un recuerdo lleno de pena. Hablaba despacio, amable y circunspecto, y uno tenía la sensación de estar oyendo, junto a la voz de un hombre mortal, la voz de una comunidad retraída por los padecimientos y, al mismo tiempo, incorporada por la resolución. Tenía aquella voz un poco de oculta arrogancia y a la vez unas briznas de remota congoja. A su manera pudorosa, era una voz fortísima, susurrante y completa. Para decirlo de una sola vez: aquella voz tenía la dignidad y la severidad del mendigo», tal que él, Felix Grande, escribiera de la de Juan Rulfo, allá por 1994. Y con ella, su voz, con él, Félix Grande, en mi memoria, en lo mejor de mi, con él, aún temeroso yo, suscribo que: «Tal como están las cosas tal como va la herida/ puede venir el fin desde cualquier lugar/ Pero caeré diciendo que era buena la vida// y que valía la pena vivir y reventar//…
Ojea, ahora, Félix, demoradamente, los anaqueles de la estancia. Ignoro cómo sabe en cuales se encuentra atesorada la poesía, se levanta y dirige hacía ellos, los acaricia y, repitiéndome su consejo, «lee a los clásicos constantemente y la poesía actual con mucha frecuencia», se hace con el pomo de la puerta y me sonríe su: te dejo «con mi amistad, mi buen abrazo». Y se cierra la puerta y se me abren los miedos y algo así como una inmensa soledad que me hace orar a la vida su:
A todos: ¡Salud, versos y párrafos!
Dame ungüento de carne, loba La prisa despareja con que miro tu piel la premura apretada con que altero tu cuerpo y este desasosiego en que empapo mi lengua para hablarle a tu carne y lamer a tu voz son como ávidas gotas de estaño compasivo que busca aminorar las grietas de la muerte La planta de la edad nos chupa nuestros días abriéndose como una flor negra, abominable y en este esplendor de hoy se oculta la si63
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Aires de Cartagena en Madrid Por: Elisabetta Bagli
El pasado 11 de Octubre en Madrid en la Casa de Castilla- La Mancha, la Delegación Regional de Madrid de la Unión Nacional de Escritores de España (UNEE) organizó la presentación de “Los te quiero que no se dijeron...”, el último libro del poeta Juan Antonio Pellicer, evento en el que Proverso participó. Fue un acto muy bonito en el que vivimos momentos de gran impacto emotivo.
alcance de todo tipo de público, ya que Juan Antonio Pellicer no es sólo poeta sino también fotógrafo, editor y director responsable de la Revista literaria internacional “Letras de Parnaso”. A la mesa fue invitada también una gran pintora y actriz, amiga de Juan Antonio Pellicer, que resaltó más bien la vertiente artística y fotográfica del poeta, poniendo de relieve en su intervención que las fotos del poeta, que se encuentran al final de su libro, son “un viaje a través de la vida” del mismo en su querida Murcia. A continuación habló la delegada de la UNEE, Nieves Bravo, que durante su intervención destacó el carácter
Abrió el acto el Presidente del Aula de Historia D. Luis F. Leal que habló en general de la obra del poeta y del trabajo que hace para que la poesía, la literatura y el arte estén al 64
ma muy bonita de agradecimiento al público por parte del autor. Por último el poeta firmó y dedicó su obra a los asistentes que adquirieron sus ejemplares. Nos dijo Juan Antonio que este no sería el único acto de presentación de su obra, así que esperamos la próxima ocasión con mucho interés para disfrutar de nuevo de sus versos y de su compañía.
polifacético del poeta cartagenero haciendo hincapié en sus dotes literarias y expresivas, en sus versos tan límpidos y transparentes que llegan derechos al lector con una carga emotiva tan grande que a veces se parecen a “flechas cargadas de emoción”, tal como lo expresó ella. Versos que he tenido la suerte de leer y que, puedo asegurar, tienen una musicalidad y una atmósfera en la que es imposible no sentirse a gusto y en total empatía con el escritor. El propio poeta leyó unos de sus poemas en los que hemos podido confirmar sus grandes dotes líricas y su capacidad para transmitir. Muchos fueron los asistentes a este acto, y muchas fueron las preguntas que al final de la presentación el público le dirigió a Juan Antonio Pellicer, para conocerle más y saber más sobre su persona y sobre su arte. Siempre es bonito que haya un intercambio de opiniones con las personas que han venido, algunas desde lejos, para dedicar unos momentos al artista que siguen a través de sus obras y que no conocen de visu. Creo que esto es una for65
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PALABRAS CON HISTORIA
“MONEDA” Por: Marcos López Herrador moneda metálica. Sin embargo, como puede comprobarse, numus no se parece mucho a moneda.
Nos dice el diccionario: Disco de metal acuñado con el busto del soberano o el escudo del gobierno que sirve para facilitar el pago del precio en las transacciones comerciales.
Pero,si nos fijamos con detenimiento en esta palabra, que tan ajena parece a la que tratamos hoy, pronto nos daremos cuenta de que en realidad no está tan lejos de definir el concepto que tratamos, porque cuando nos referimos al dinero en efectivo, bien que hablamos de numerario que sí que es evidente que tiene que ver con numus; o cuando nos referimos a la afición por coleccionar monedas, actividad a la que llamamos numismática.
Quienes siguen esta sección, pensarán que inmediatamente voy a referirme a la antigua Roma para encontrar una explicación al origen de esta palabra, y no andan descaminados, aunque conviene decir que, a la moneda, en latín se le da el nombre de numus. Sí, efectivamente, numus era la palabra con que en Roma se designaba al dinero que por entonces sólo se representaba mediante 66
Ahora bien, dicho esto, efectivamente la palabra moneda no viene de numus. ¿De dónde viene entonces?
protectora del noviazgo, del matrimonio, del embarazo y del parto, pero también le gustaba jugar con el rayo, con las tormentas y era tan temible su cólera que hacía temblar todo el Olimpo. Para griegos y romanos personificaba la dignidad.
Como no pienso decepcionar a los seguidores de esta sección, les propongo realizar un viaje turístico a Roma.
Así que también era la que amenaza, advierte y amonesta.
Propongo que nos situemos cerca de la maravillosa plaza del Campidoglio, diseñada por el mismísimo Miguel Ángel. Estamos a los pies de la escalera que nos conduce a la Basílica de Santa María in Aracoeli. Viendo la interminable escalera que parece elevarse hasta el cielo mismo, uno entiende perfectamente el nombre de esta iglesia que en español viene a significar Santa María en el altar del cielo. Quien haya subido sus ciento veinticuatro escalones, conoce lo que es ganarse el cielo.
Precisamente a esta advocación estaba dedicado el templo, a la diosa Juno que “amonesta”, y era conocido por los antiguos romanos como el templo de Juno Moneta. Pues bien, cuando en el año 264 antes de Cristo, Roma comenzó a acuñar moneda propia, debido a que todo lo que tenía que ver con los fundamentos del Estado, se ponía al cuidado y bajo la protección de los dioses, además de que eran los templos los que disponían de sólidos cimientos y cámaras de piedra en sus sótanos para contener los tesoros procedentes de las ofrendas de los fieles, se decidió que la casa de acuñación de monedas fuese un anejo al Templo de Juno Moneta bajo cuya protección se puso la actividad de acuñación del numus o numerario, que para nosotros ha tomado la advocación de la diosa y hoy conocemos como moneda.
El esfuerzomerece la pena, aunque a media subida uno sienta la tentación de dejarse caer rodando y terminar con tan temerario desafío, aunque alcanzada la meta, se puede contemplar uno de los templos más antiguos, impresionantes y hermosos de la cristiandad. A estas alturas se preguntarán que tiene que ver esto con la palabra moneda. Bien, les sigo explicando. En el lugar que ocupa la iglesia, en el siglo cuarto antes de Cristo se edificó un templo dedicado a Juno, reina del cielo y diosa de la luz. No olvidemos que Juno era una diosa que formaba parte de la triada capitolina junto a Júpiter y Minerva. A la diosa Juno se la conocía por muy diversas advocaciones, pues era
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El fotógrafo Por: Sergio Carlos Perez
caseras de muy bajo nivel, que carecen de calidad alguna. Frases como “Sólo son una pandilla de aficionados” o “No eres más que un pobre aficionado” nos suenan como algo negativo. Y lo son.
La palabra, “Fotografía” tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico. La palabra se deriva del griego foto igual a; (luz) y grafos de escritura.
Pero en la fotografía el tema es un poco distinto.
Por lo cual se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz.
En fotografía existen 3 tipos de perfiles:
¿Te has parado alguna vez para pensar en el significado de ser un profesional de la fotografía? Muchas veces confundimos términos y conceptos. Hoy me gustaría tener una pequeña charla distendida sobre este tema. A ver si pensamos igual.
o El ocasional o El aficionado o El profesional Fotógrafo ocasional: Es el típico que no tiene ni idea de fotografía pero además no está dispuesto ni siquiera a molestarse por aprender conceptos, técnicas. Ni siquiera necesita una cámara réflex. Con
Muchas veces el uso de la palabra “aficionado” sufre unos matices completamente equivocados. Muchas veces usamos la palabra “aficionado” como para referirnos a cosas 68
la cámara compacta le basta, que además la usa a lo mejor sólo una o dos veces al año para disparar fotos de fiesta, cumpleaños, y poco más.
un concurso de fotografía y tal vez ganar una pequeña cuantía de dinero pero él realmente no se dedica a ganarse el suelo mensual con su cámara.
Fotógrafo aficionado:
Fotógrafo profesional:
Generalmente tiene una cámara réflex. No tiene por qué ser una cámara muy cara ni muy elaborada. Es más, en ocasiones es posible encontrarnos con este perfil con sencillamente una cámara compacta. El caso es que el fotógrafo aficionado tiene una sensibilidad a la fotografía, a la luz, a las escenas. Va aprendiendo cosas gradualmente. Le atraen las cámaras reflex pero debido a que tan sólo es una afición y no le trae ningún beneficio económico pues no puede invertir mucho en equipos de fotografía muy costosos. Eso sí, siente una gran satisfacción cuando realiza una fotografía digna de elogio.
Generalmente le gusta la fotografía, o por lo menos le gustaba en algún momento de su vida. Su mayor razón detrás de tener una cámara réflex es poder ganar un sueldo. O sea que trabaja en la fotografía, tiene un estudio o al menos alquila uno, está especializado bien en fotografía de retratos y modelos, bien de bodas y comuniones, bien en fotografía documental y periodística. Maneja equipos muy costosos porque su profesión se lo pide y porque se lo puede permitir. Como veis son 3 perfiles totalmente distintos y por lo tanto cada perfil tiene una cámara apropiada. A menos que seas rico y te sobre el dinero ¿para qué quieres una cámara réflex Nikon D3x de 25 megapíxeles y 6.000 euros
Le gusta la fotografía pero sólo como “afición”. A lo sumo podría intentar participar en
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tografiaría. Una persona que, de vez en cuando, se siente artista y se lanza a la calle con su equipo fotográfico como si fuera a la busca y captura de algo que en la mayoría de las veces no sabe bien qué es. Es como un pescador que lanza su caña al agua en un lugar en el que no sabe bien si hay peces o no. A veces hay, otras no. Así son, en muchas ocasiones la «capturas» del fotógrafo aficionado. Otras veces, empero, va a lugares en los que sabe que hay buenos «bancos de fotos» y allí hace su agosto, pero en otras muchas –quizá demasiadas- se lanza a la aventura «a ver si pican».
(precio real, no es broma)? Oigo muchas veces a gente diciendo “Es que me quiero comprar una cámara profesional…” y pienso “¿para qué?”. Si el amor que te une a la fotografía es pura afición ¿de qué te van a servir 20 megapíxeles de resolución, un ISO de 24.000 y un teleobjetivo de 600mm? Hoy quiero darles mi opinión sobre qué es ser un fotógrafo aficionado. El presente artículo es una reflexión, hecha desde mi propia experiencia, sobre el modo en que nos desenvolvemos los fotógrafos aficionados. No deja de ser una percepción personal.
Satisfacción del «sí, eso es»
El fotógrafo «pescador»
Muchas veces me he sentido observado por la gente cuando estoy fotografiando. Te miran como si estuvieras haciendo una tarea inútil, ¿de qué te sirve una foto de una huella en la arena, de la sombra de un perro, de una farola rota…? No les falta razón. Realmente no
El fotógrafo aficionado; personaje peculiar, individuo mirado con recelo por la gente que lo ve actuar, tomado por «pirado» cuando capta imágenes fuera de lo que cualquier turista fo70
Por otra parte, distingo al aficionado que sólo ve las fotos de sus colegas. Este aficionado difícilmente evoluciona hacia modos de expresión más creativos y convincentes. Es un poco la dinámica que ocurre, salvo honrosas excepciones, en los colectivos y clubes fotográficos. Estos aficionados sólo se basan en lo que sus colegas han hecho, y el producto sería la «elaboración de la elaboración de otro», sería un mundo un tanto «endogámico». Puede verse con frecuencia en el mundo de la concursística aficionada. Reiteración hasta el hastío de temas, encuadres, tonalidades, etc. En pocas palabras, seguir una moda.
nos sirve para nada tangible, pero lo que no pueden observar es la sensación que siente el fotógrafo cuando capta esa imagen. Imagen que quizá sólo existiera en su inconsciente, pero que cuando dispara su cámara, pasa a formar parte del mundo real del fotógrafo y a ser su imagen, la imagen que buscaba, y piensa con placer: «sí, eso es». Este proceso, proporciona al fotógrafo una satisfacción que sólo conocemos los que nos dedicamos a esto. Siguiendo con el símil de la pesca, es como sacar una hermosa pieza del mar, nos enorgullece, nos hace ser importantes. Esta «captura» naturalmente, no se puede quedar sin ser vista, luego de la satisfacción de la toma, necesitamos que nos certifiquen el valor de la misma. Por eso, nos apresuramos a mostrar nuestro trabajo a nuestros colegas, y que nos den sus bendiciones. A veces estas bendiciones no llegan. Nuestro trabajo no es comprendido, o simplemente no hemos conseguido trasmitir lo que queríamos. Bueno, no importa, somos aficionados, y como tales estamos en continuo proceso de aprendizaje, así que nuestro «fracaso» nos sirve para intentarlo de nuevo y seguro que volveremos a sentir la sensación del «sí, eso es».
Por supuesto está el aficionado «genio», una persona con una creatividad, espontaneidad y soltura que se sale de lo que sería la normalidad dentro del mundo aficionado. Este aficionado realmente trasciende la categoría de aficionado y no son raros los casos en que estos sujetos pasan a formar parte del mundo profesional por «méritos propios». En estos días se ha podido ver el trabajo de un fotógrafo aficionado, de Madrid plasmando las cuatro torres, trabajo fantástico. En resumen, el fotógrafo aficionado (y por supuesto el profesional) debe ver fotos, muchas fotos. Ésta, bajo mi punto de vista, es la única forma en la que nos podemos formar un criterio sobre lo que vale y lo que no en fotografía. Pero este «ver fotos» debe abarcar todo el mundo fotográfico posible y no ceñirse al entorno más próximo.
¿De dónde viene el criterio estético del aficionado? La técnica para el aficionado no es un impedimento. Mejor que peor, vamos aprendiendo cada vez más, hasta el punto de viejos aficionados que son verdaderos maestros, pero: ¿De dónde saca su criterio estético el aficionado? siempre me lo he preguntado y yo mismo me respondo con algunas reflexiones.
¿Es de calidad el trabajo del aficionado? El trabajo del aficionado, generalmente, es anárquico. Pero esta anarquía responde precisamente a esa condición de afición. El aficionado fotografía por necesidad, una necesidad que le surge desde adentro, necesidad que se ha forjado desde el momento en que comenzó a interesarse por este arte y que se ha consolidado como una parte más de su vida.
Por un lado, diferenciaría el aficionado que bebe de las fuentes de los fotógrafos consagrados por la historia de la Fotografía. Este aficionado «ve fotos» de maestros, y aunque no las copia, éstas dejan un poso en su memoria, que, a la hora de realizar su propia imagen ésta será una amalgama de conceptos adquiridos de diversos autores. No quiero decir con esto que la fotografía que realice no sea original, pero inevitablemente, todos (profesionales y aficionados) hemos recibido influencias de alguien y esto nos condiciona en nuestra forma de actuar.
Como cualquier necesidad, ésta surge cuando su ser se lo pide. Así, no hay forma de que el aficionado ordene su «apetencia» por hacer fotos, porque ésta va a surgir en cualquier 71
momento; «voy un rato a hacer fotitos», «mañana me apetecería tirar unas fotos». El aficionado no está obligado a hacer fotos todos los días, hace fotos porque «le da la gana». El aficionado no vive de la fotografía, en todo caso vive con la fotografía
primero años; y de una modista con alma de poeta, que llego a publicar algún poema en una revista literaria de un periódico, de quien hereda el amor por la lectura. Realiza estudios de danza durante su niñez, pero es en la adolescencia cuando le llega a sus manos una cámara fotográfica, y su amor por el arte, y su permanente curiosidad hacen el resto.
En la obra de muchos aficionados podemos ver espontaneidad, frescura y ausencia de condicionamientos. Por todo esto, podemos decir que el aficionado está en una posición espléndida para crear obras de calidad, posee muchos de los ingredientes que facilitan la creación (libertad de elección, no necesidad de producir, ausencia de condicionantes crematísticos, laborales, etc.). De hecho las imágenes amateurs superan en muchas ocasiones a las de consagrados profesionales, que por diversos motivos no pueden quizá desarrollar libremente su arte.
Sus genes inmigrantes le marcan el amor por viajar y retratar sus viajes, tanto en los paisajes, como las costumbres y la gente, de los lugares visitados. Participa en exposiciones colectivas en Montevideo, y llegado a Córdoba(España) hace más de diez años, sigue recorriendo y fotografiando todo lo que encuentra y lo emociona, tanto por distintos destinos de España, como Francia, Andorra, Italia y Portugal.
Conclusión Cuando termino de escribir esto, tengo la sensación de que he tratado el tema como si profesáramos una religión. Puede ser cierto si lo pensamos desde el punto de vista de que la religión es algo que entronca con los sentimientos y una absoluta convicción de creencias. Los verdaderos aficionados a la fotografía la sentimos, es algo que forma parte de nuestra personalidad y nuestro estilo de vida. Además creemos fervientemente en ella como medio expresar nuestros sentimientos, nuestras ideas y hacerlas imágenes.
Participa en una exposición con sus fotografías en Noviembre de 2014 en la Diputación de Córdoba.Dentro del marco del Primer Festival Multicultural de la Fedaic. En Marzo de 2015, participa de una exposición colectiva de artes plasticas, compartiendo espacio con 15 artistas de España y Uruguay.Dentro del Festival Grito de Mujer. En Agosto 2015, se instala una exposición de sus fotografías, en las instalaciones del Pub Caribe Alto Voltaje.
En cada fotografía que hacemos hay un pequeño trozo de nosotros. No podemos, aunque queramos no reflejarnos en nuestras fotos. Son nuestras creaciones, mejores o peores, y son, por qué no, el producto de nuestro hedonismo -aquella agradable sensación del «sí, eso es».
A partir del 17 de Octubre de 2015, participa en una exposición colectiva, de artes plasticas, en la Casa Cultura del Bien Ser, en Córdoba. Publica sus trabajos en blogs, y páginas de Internet.
Biografía de Sergio Carlos Perez Nace en Montevideo(Uruguay), a finales de 1958, en un barrio con vistas al mar. Nieto de inmigrantes españoles (gallegos y andaluces), hijo de un carpintero (mezcla de oficio y arte), de quien hereda su profesión, y su amor por el tango, que canta desde sus 72
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