Proverso, 15 de marzo de 2017

Nº 12 Marzo de 2017 @revistaproverso

PRoverso El XIX literario inglés. Premisas para una lectura de Algernon Charles Swimburne (II) ALFREDO PIQUER GARZÓN La palabra y la carne “el conflicto o el amor“ Javier Díaz Gil

André cruchaga “...el escritor tiene que activar su conocimiento en función de lectores explícitos o hipotéticos...”

Lior Shambadal

“Para

dirigir una orquesta es imprescindible ser humilde ante la música...”

Sumario P.10 Jorge Díaz Leza - Dolunay P.14 Daniel Rabal Davidov - La Poe-

sía Intensa P.18

El XIX literario inglés. Premisas para una lectura de Algernon Charles Swimburne (II) - Alfredo Piquer Garzón

P.32 André Cruchaga - La Palabra

como horizonte P.38 Javier Díaz Gil - La palabra y

la carne “el conflicto o el amor“

P.42 El Atelier - Gloria Fuertes: Poeta

de guardia P.48 Chopin - El impresionista P.52 El que hoy se catalogue sepa

radamente música y arte se

debe a…

P.32

P.54 Lior Shambadal - El Mensaje

Espiritual De La Música P.58 Murillo - Figura Del Barroco

Español P.64 Inma J. Ferrero - No sólo poe

sía P.62 Palabras con historia - “Pepe,

Paco Y Luis” P.66 El Anaquel P.70 Cartelera

P.54

C/ Sagasta, 6 23400 Úbeda - Jaén (+34) 953757216 editorial@didacbook.com http://www.didacbook.com

PRoverso

DIRECCIÓN GENERAL Inma J. Ferrero DIRECTOR ADJUNTO Isabel Rezmo DIRECCIÓN EDITORIAL Inma J. Ferrero / Isabel Rezmo ARTÍCULO Alfredo Piquer Garzón CRITICO MUSICAL José María Herranz

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CARTA EDITORIAL

La Revista PROVERSO inicia en el mes de febrero de 2016 su primera edición, aquí encontrará artículos de carácter cultural escritos de una manera sencilla y amena, Proverso es el resultado de la fusión del trabajo entre poetas, escritores, músicos, artistas plásticos, diseñadores y fotografos (que irán compartiendo sus trabajos a lo largo de los siguientes números de la revista) que con mucha ilusión y determinación hemos decidido emprender este proyecto, que es un compromiso con nosotros mismos y con la sociedad que nos rodea. Pretendemos con esto mostrar en equilibrio el que hacer cultural en todas sus formas, sin limitarnos al plano literario. Para cumplir con el primer objetivo nos hemos trazado un plan que si bien es modesto significa un granito de arena, que sumado a otros esperamos puedan cubrir una amplia extensión del ambito cultural.

Dentro de Proverso contamos con secciones de información sobre textos literarios, crítica musical, entrevistas, artículos literarios, artículos sobre arte, reseña literaria, cartelera, todos ellos temas de interés general.

Agradecemos la confianza en recibirnos, trataremos que Proverso sea un vehículo de unión entre todas las artes. Esperando que esta revista sea de su agrado les invitamos a conocernos.

Inma J. Ferrero Director General

Museo Miguel Hernández - Josefina Manresa Quesada (Jaén)

Narrativa

Jorge Díaz Leza DOLUNAY

El mes de marzo nos trae al escritor y poeta madrileño Jorge Díaz Leza.

Ha obtenido diversos premios y ha quedado finalista en otros tantos (Premio Cisneros 1992, Semana Ibérica de Comunicaciones 1999, Cafetín Croché 1993 y 2008, Centro de Estudios Poéticos 2008...) En 2013, fue finalista en el certamen nacional de poesía Poeta de Cabra.

Jorge Díaz Leza nació y vive en Madrid. Es licenciado en Geografía e Historia.

Como miembro del “Aula de Encuentros” del Círculo de Bellas Artes, ha participado en recitales, lecturas radiofónicas y demás actividades de este grupo de poesía. También pertenece a la tertulia de relato “Luis Cañadas”, de la que ha sido coordinador durante varios años.

Colabora en el programa de radio “El Rincón de las Letras” de la emisora “Onda Verde” realizando entrevistas a escritores y escritoras, grabación de audio- relatos y el programa cinematográfico- literario “El guión es Literatura”.

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learte por encontrarla en las tuyas propias. O, simplemente, es el placer ancestral de inventar historias y de relatarlas.

También ha colaborado como redactor de reportajes en la revista virtual de viajes “Viajes y Viajeros”.

DOLUNAY

Junto con María Jesús Leza, ha publicado la novela El Manuscrito de San Florián (Entrelíeneas, 2009), ha participado en la antología poética Donde no habite el olvido (Legados, 2011) y, un día viernes trece del mes febrero, presentó su poemario Todas las Vidas (Poeta de Cabra, 2015)

El corazón es un niño: espera lo que desea.

(Proverbio turco) 1 En toda mi larga vida de ciudad milenaria, creo que pocas veces presencié algo tan hermoso como el nacimiento de Dolunay. Apareció entre unas coles, una noche de luna llena.

La encontró su padre que, como en tantas otras ocasiones, no podía dormir y paseaba por el huerto. La niña se hallaba envuelta en unos suaves paños de lino blanco totalmente bañada en lechosos resplandores: era como si la luna, con sus brazos de luz, la estuviera depositando sobre la tierra, suavemente.

El matrimonio interpretó el hecho como un milagro de Alá que puso término al fin a sus insomnios insoportables: los dos ansiaban ardientemente tener hijos, pero, justo ese día, se cumplían ya tres años desde la celebración de sus bodas sin que una sola semilla germinara en fruto. A la mañana siguiente, fueron a dar gracias al cielo a mi mezquita azul y llamaron a la niña Dolunay que, en la lengua de mis pobladores, significa luna llena.

Así, Dolunay fue creciendo día a día convirtiéndose en una de las muchachas más hermosas que yo he podido llegar a ver correteando por mis calles: sus ojos eran grandes y verdes, su piel morena y suave, su pelo negro y sedoso. Mas no era de aquellas a las que la belleza convierte en egoístas y engreídas; Dolunay gozaba de una bondad sincera y humilde que ni todos los halagos y cumplidos del mundo hubieran logrado corromper jamás. Siempre estaba dispuesta a ayudar al necesitado, a compartir su tiempo y su alegría con personas enfermas para aliviar un poco sus penalidades, por lo que llegó a ser, en aquel tiempo, una de mis habitantes más queridas y apreciadas.

En junio de 2016 publicó Fotos de Ciudades que Amanecen, su primer libro de relatos.

R.P: ¿Cómo llegaste a la escritura?

J.D.L: Yo era un niño muy imaginativo y me encantaba inventar historias y contarlas. Un día alguien me dijo, ¿por qué no lo escribes?...

R.P: ¿Qué es escribir para ti?

J.D.L: Escribir es unas veces evadirme de la realidad y otras tratar de entenderla. Es ser un apasionado de la sonoridad de las palabras en una determinada combinación, y pe-

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Una tarde, la joven hizo un descubrimiento a la vez maravilloso y extraño. En el mercado, al compás de la melodía de unos músicos ambulantes, su cuerpo empezó a moverse como impulsado por una irrefrenable fuerza. Y mágicamente, sin práctica previa, sin instructor, comenzó a bailar. Todos quedaron embelesados mirándola y muchos le arrojaron monedas de plata y oro que ella después compartió con los mendigos.

tranjero cayó gravemente enfermo: una vieja herida que tenía en la cabeza se abrió de pronto y comenzó a verter a mares sangre y pus. Quemado por la fiebre, empezó a relatar una extraña historia de un modo desordenado y confuso, que ninguno de los médicos que guardaban su lecho acertaba a comprender…

«Yo, en el reino del que provengo, defendía la justicia y a los débiles y por eso muchos me odiaban. Estuve a punto de morir cuando uno de mis enemigos quiso acabar conmigo y me causó esta herida que ahora, no sé cómo, se ha vuelto a abrir para matarme...Todos me dieron por muerto... Entonces aproveché la situación: mudé de nombre y huí a un país lejano para cambiar completamente de vida.

Quise olvidarme del pasado centrándome en mis estudios de ciencia... en la realización de un viejo anhelo que desde joven me obsesionaba... Poco después, casualmente, mi espada salvó a un hombre que era atacado por dos asesinos a sueldo en el callejón oscuro de una ciudad.... El hombre al que socorrí resultó ser un duque que, agradecido, me ofreció protección en sus tierras y me enseñó un viejo tratado... No pude salir de mi asombro cuando advertí que aquel libro contaba precisamente cómo lograr mi sueño, mi utopía, y que, cuando llegas allí, si imaginas algo, por muy extraño que sea lo que sea capaz de concebir tu mente, se materializa de inmediato en algún lugar de la tierra. Mas no te sobrevive porque es solo un sueño y los sueños mueren con quien los ha soñado...»

La fama de Dolunay saltó mis murallas y muchos llegaron hasta mí desde los más recónditos lugares únicamente por verla danzar.

En esos días, entre otros muchos, cruzó el Bósforo un extranjero venido de occidente: un hombre más bien mayor quea todos sorprendía por la fealdad de su rostro. El extranjero pasó por el mercado justo cuando la muchacha bailaba ante las gentes. Recuerdo a la perfección su forma de mirarla: era como si la conociera; o más bien con la expresión de profunda felicidad del que ha encontrado algo que buscara largo tiempo.

Extrañamente para mis habitantes y también para mí, la joven cayó rendida en brazos del extranjero. Todos, y yo también, nos preguntábamos cómo una muchacha tan buena y hermosa, que tenía como pretendientes a los jóvenes másricos y apuestos, podía elegir a un hombre viejo y feo que la mujer menos agraciada rechazaría. Sin embargo, finalmente, las bodas se celebraron alumbrando la fiesta más esplendorosa y alegre que he podido rodear yo tras mi abrazo de muralla, al menos desde que mi nombre cambió por Estambul.

4 Dolunay penetró en la habitación donde penaba su esposo lanzándose angustiada junto al lecho y tomándole la mano. Él, al oído, muy bajito, comenzó a recitarle un poema:

3 Por muchos años que siga viviendo, por mucho que el incendio, peste o guerra que acabe convirtiéndome en un triste amasijo de piedras huérfanas enterradas, aún tarde siglos en llegar, creo que nunca olvidaré la inmensa felicidad de aquellos esposos el día de su boda y durante los días que siguieron después. Sin embargo, como cuentan en sus viejas historias mis habitantes griegos, la felicidad humana, cuando roza límites próximos a lo divino, suele despertar la envidia de los dioses… Así, tras unos pocos meses, el ex-

Sé que no debí haberte soñado.

Sin embargo tu imagen, en mi mente, brotó como el musgo menudo de una piedra humedecida por no se sabe qué nube.

Con la nitidez de los seres reales y con la esfera terrestre en tu telón de fondo, te vi bailar frente a mí sobre el suelo de luna.

Allí estarás naciendo —te expliqué— en algún punto indefinido 12

de esa lámpara azul que ilumina tu danza para volverte viento el día de mi muerte.

Y mi imaginación, cuando dormía, se escapó por mi boca.

Buscó una cuerda en mi equipaje y me ató de pies y manos.

Después se sentó a inventarte.

Y lo hizo con la perfección del Demiurgo que ordenó esas esferas virolentas de constelaciones, que contemplé tan lejos de la madre Tierra.

Recuerdo tu voz, en mi cabeza: susurraba mis propios pensamientos y el viento lunar me besaba con la forma de tus labios...

Sé que no debí haberte soñado.

Ahora ya solo espero vivir lo suficiente…

Dolunay. El sueño de una mujer, de una mujer que, pese a mi rostro, me amara...

5 Aquella noche ocurrieron cosas muy extrañas. Puedo jurar que jamás vi ni viví nada semejante en toda mi larga existencia de urbe populosa.

Soñé que una dama, en un país muy lejano, a su vez me soñaba a mí: su sueño volaba por entre mis cúpulas, mis minaretes y mis torres hasta entrar por la ventana de la casa del extranjero y contemplar su muerte. Así, le vio exhalar su último aliento agarrando de la mano a Dolunay, que lloraba a su lado. Dolunay de repente se deshizo en el viento, como una nube de humo o polvareda. Ante el estupor incrédulo de los que allí estaban, su túnica de seda se desplomó vacía, suavemente.

Un llanto desgarrado sacudió mis calles.

- ¡Perdóname, Dolunay! —exclamó.

- ¡Y qué tendría yo que perdonarte si no me has dado sino felicidad! —respondió ella con lágrimas en los ojos.

- Por haberte creado, por ser yo la causa de tu existencia y porque, precisamente por esto, el día que yo desaparezca tú también desaparecerás. Yo te soñé, Dolunay. Y te busqué por todo el mundo hasta encontrarte aquí, en Estambul, porque no quería morir sin conocerte, sin vivirte. Pero no fui capaz de asumir que ya era un hombre viejo, que tú desaparecerías en la flor de la edad... Cegado por mi sed incurable, no quise pensar en las consecuencias... Yo, que toda mi vida luché por aliviar el sufrimiento de los hombres, ahora lo sembraré por todos los rincones de esta ciudad maravillosa... Fui débil, Dolunay, muy débil... Antes de cambiarme el nombre y abandonar para siempre mi patria, yo era un poeta, un héroe, un sabio… Pero hubiera dado todo mi valor, toda mi ciencia, todo mi talento, por un solo beso de amor puro. Esta herida que ahora me mata, me la hizo una viga que me lanzaron desde un andamio mis enemigos... El libro del duque contaba cómo volar hasta la luna (ciñendo a tu cuerpo unos frascos de rocío para ser atraído por la fuerza del sol) y que todo lo que se sueña en la luna se materializa en la tierra. Y yo llegué a la luna impulsado por mis frascos de rocío y me senté a imaginarte,

Un poeta, nacido en mis entrañas, dijo una vez que el cielo no era otra cosa que un inmenso bosque invertido, con ramas y pájaros azules. Cuando desperté, el nuevo amanecer era tan resplandeciente que fue como si ese bosque se estuviera incendiando. El color fuego del sol acaparaba el horizonte y frente a él se recortaban las siluetas de mis cúpulas, negras como un presentimiento. Y así fue: todas las conversaciones que llegaron a mis oídos me confirmaban que, durante la noche, había sucedido exacta y realmente lo que yo había soñado.

Esta mañana, dos meses después, me he quedado boquiabierta cuando he visto a la dama de mi sueño desembarcar en mi puerto. Sí, era ella, sin duda: alta, esbelta, como yo la vi aquella noche estando dormida. Vestía un traje de religiosa católica y llevaba una cruz de madera, muy grande, colgada de su cuello.

Igual que el mío propio lo hiciera una vez, el nombre del extranjero también había cambiado: nada más bajar del barco paró a unos viandantes y preguntó, a través de su intérprete,dónde se hallaba la tumba de Cyrano de Bergerac.

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Poesía

DANIEL RABAL DAVIDOV LA POESÍA INTENSA

Este mes nos acompaña en Proverso el poeta Daniel Rabal Davidov, comenzamo el artículo con una pequeña biografía.

Se interesa por la música desde muy joven.

A los 14 años junta una banda, Wild Rain, de la que es compositor, cantante y guitarrista, y desde los 16 da conciertos de sus propias canciones por reconocidos centros de la escena musical madrileña, como Gruta 77, Siroco, Clamores, el Búho Real o el Hard Rock Café de Madrid, entre otros.

Daniel Rabal Davidov nace el 31 de marzo de 1998 en la ciudad de Madrid. Es escritor, poeta, compositor, cantante, guitarrista, actor, aventurero… y por encima de todo creador, soñador y un artista en busca de su destino.

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Al tiempo que comienzan los conciertos, se acentúa también su interés por la poesía y la literatura en general. Comienza a hacer recitales de sus textos y su poesía en los meses que siguen. En febrero de 2016 publica su primera novela, “Las Brillantes Luces de la Ciudad” con gran recepción, obteniendo críticas positivas en publicaciones como la prestigiosa revista “Leer”. Actualmente prepara la publicación de su primer poemario.

Apuesta por una poesía que nace, como la música, del subconsciente donde todo late.

R.P: ¿Cuándo comenzaste a escribir poesía?

D.R.D: Comencé a escribir poesía a los 12 años, pero el momento en el que realmente me puse a escribir de forma más regular y con la intención real de plasmar todo aquello que sintiese dentro de palabras fue el día que cumplí 16 años. Recuerdo que fue ese día además porque me regalaron un cuaderno en blanco y me decidí a llenarlo con tanta poesía, canciones y sueños como fuese posible.

Un par de semanas después recité por primera vez y desde entonces me adentro cada día más en la magia que recoge el hecho de convertir emociones en algo transmisible.

CAMINO Camino Camino, Camino por la ciudad, sin rumbo fijo.

Camino, Camino, Camino…

Todo lo que hacemos siempre es camina CAMINO Camino, Camino por la ciudad, sin rumbo fijo.

Camino, Camino, Camino…

Todo lo que hacemos siempre es caminar.

R.P: ¿Qué es la poesía para ti?

D.R.D: Para mí la poesía es ser capaz de crear algo allí donde antes no lo había. Ser capaz de agarrar una emoción desde el inconsciente del Universo, guardarla en una palabra bien escogida sin haberlo sido, y que luego esa misma emoción u otra nazca en el corazón de quien lee. EL arte, la poesía, es un espekjo de sensaciones en el que se reflejan los sentimientos de quien lee a través de los de quien escribe. Eso ees la poesía para mí.

Camino Camino, Camino por la ciudad, sin rumbo fijo.

Camino, Camino, Camino…

Todo lo que hacemos siempre es camino.

POEMAS: LAS PALABRAS DEL ÁNGEL

UN BESO

Observa y verás el infinito, dijo el ángel.

Y el chico observó y vio el reflejo de su mirada.

Un Beso Que rompe el mar en mil sabores diferentes Ametralla la noche con balas de muerte viva Y corrompe los corazones de todo buen sier15

que el tiempo fue, es, será Inamovible Estático En su punto de partida y final.

Y, así, Mientras todo-permanece igual y, en su igualdad, avanza, Vivimos.

Y nos queda…

Apasionarnos. ¡Por Vivir! ¡Por Amar! ¡Por Ser! Hoy Ayer Mañana SIEMPRE Porque no somos un cristal roto dispar en el Eterno Sino un Todo Uniforme Que se refleja constantemente de un lado a otro del espejo, creando un perfecto INFINITO

vo de la mentira Un Beso Que saborea la locura incesante Una noche muerta en una estrella que vemos a 100 años luz cuando murió.

Mi mirada en tus ojos negros como la profundidad de un abismo al que pertenezco.

El abismo del Todo.

Un Beso Que provoca sensaciones de-prisas recorriendo RE-CORRIENDO Un cuerpo que fue en otra vida.

Labios rojos de amapola-láudano-heroína vacío.

Labios de heroína…

Heroína Labios…

Una noche de terciopelo en la que me sumerjo mientras te acercas a mis suspiros Labios Heroína…

RE-corre la Luz de una lámpara apagada que se enciende al tacto de una mariposa LABIOS HEROÍNA HEROÍNA HEROÍNA LABIOS Si tus labios son heroína entonces un Beso es sobredosis…

Mátame- susurra dulcemente la noche

VENENO El oasis circular de la Eternidad Regresa a su inicio Intrascendente de soledad acompañada de sangre INDELEBLE -BUMSuena en las montañas nevadas que fueron mañana hace ayer un invierno colosal de muerte caliente Como la sal sobre la herida del Sol muerto del mundo de ayer Si ayer no existe Mañana es hoy Y hoy es SIEMPRE Entonces sólo importa VIVIR

ROTOS O CRISTALES Hoy un lugar en el oasis de la noche Donde nada existe Donde todo es posible Donde nada deja de deber ser Un cristal roto del espejismo vacíamente sangrante en que un día vivimos…

Un trozo de vidrio punzante que desangre las almas impías del Odio Nada cesa de Existir Todo es Todo Y, por tanto, Todo existe Nada es Nada, y por tanto, la Nada no existe…

Un fragmento de destino entrecortado que se une para recobrar la fuerza del espejo 16

THE PIANIST COMPOSER

Piano transcriptions

Bach/Busoni Schumann/Fiorentino Fauré/Fiorentino Thalberg Leschetizky Drozdoff Rachmaninov/Gryaznov Rachmaninov/Devastato Devastato

GIUSEPPE DEVASTATO 17

Artículo

El XIX literario inglés. Premisas para una lectura de Algernon Charles Swimburne (II) Por: Alfredo Piquer Garzón a Rafael con composiciones elegantes pero vacías y carentes de sinceridad. Constituyen un movimiento de riqueza excepcional en el que la simbiosis entre literatura y en concreto poesía, y plástica alcanza su máximo hito histórico.

La Hermandad Prerrafaelita se forma en 1848 en Londres desde la iniciativa de los pintores Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, y William HolmanHunt, el primero alumno de Ford Madox Brown y los dos últimos alumnos de la Royal Academy of Arts de Londres a la que mantienen al margen de la creación de su ‘Hermandad’.Los prerrafaelitas rechazan el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX, personificado sobre todo en la figura de Sir Joshua Reynolds, director de la Academia, como paradigma de la continuidad manierista de la pintura italiana posterior

Por esa razón, propugnan el regreso al detallismo minucioso y al colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael —de ahí el nombre del grupo—, a los que consideran más auténticos, basándose especialmente en los autores y temas propios del 18

Quattrocento e incluso el Trecento. La Edad Media entrañaba para ellos una integridad espiritual y creativa perdida en épocas posteriores.Basándose en el postulado de John Ruskin(1) de que el logro de la belleza es un deber moral de todo estado, nacido ante el terrible panorama moral y económico de la Inglaterra industrial, se volcaron en una vocación creativa, tanto en su vertiente plástica como literaria, aun no habiendo movimiento prerrafaelista en poesía al igual que en pintu-

de sus escritos. También William Morris,junto a Jane Burden, su esposa, fundó un centro en KelmscottManor, no lejos de la ciudad, en el que se reunieron los miembros de la hermandad prerrafaelita.

Los pintores prerrafaelitas enriquecieron distintos edificios de la ciudad: La catedral de ChristChurch, losMurales para la Biblioteca de La Oxford UnionSocietyen los que intervinieron D.G. Rosetti, Edward Burne Jones, William Morris, Arthur Hugues, J.H. Pollen, J.R.Spencer, J.R.S.Stanhope, y Alexander Munro; pasando por el KebellCollege. La Oxford Unión de Estudiantes también acoge en la cúpula de su sala de lectura y de actos, pinturas de William Morris. Junto al Victoria and Albert, el AsmoleanMuseum, es el que ofrece mayor número de obras prerrafaelistas.

“la poesía fue un género muy en boga entre los lectores de la época victoriana...” ra y siendo la motivación ‘prerrafaelista’ fundamentalmente plástica y artística como manifiesta su nombre, y porque la poesía fue un género muy en boga entre los lectores de la época victoriana.

No se puede decir que la plástica del Grupo Prerrafaelita sea previa a la poesía sino más bien que es simultánea; pintores y poetas realizan tareas diferentes aunque en algunos casos se den ambas cosas. Dante Gabriel Rossetti afirma que “el hombre que lleve algo de poesía dentro de sí debería ser pintor; el próximo Keats tendría que ser un pintor”. Pero

Aunque la fundación de la Hermandad Prerrafaelista se produce en Londres, otros factores centran en Oxford la actividad y la relación de los artistas del Grupo. Muchos de los protagonistas del movimiento, tanto plástico como literario, fueron alumnos de su universidad y en ella se produce su encuentro. Aquí se producirá el deDante Gabriel Rossetti y Algernon Charles Swimburne. Edward Burne-Jones había estudiado teología en el Exeter, uno de los cincuenta colleges que constituyen la Universidad de Oxford. Por su parte también tomó allí contacto con William Morris compartiendo ambos el interés por la poesía. Ambos recibieron la influencia de John Ruskin quien había ingresado en la universidad en 1837 y obtenido la primera cátedra de Arte en 1869, detentada hasta 1879. Ruskinlegó a Oxford una importante colección de grabados, dibujos y fotografías, además de una importante suma de dinero para la creación de un centro de enseñanza del dibujo. El crítico elogia la observación de la naturaleza de los prerrafaelistas y su rechazo de los métodos de composición convencionales. El grupo encontró en él un importante valedor y más adelante, Ruskin continuaría prestando apoyo a los prerrafaelistas, tanto económicamente como a través 19

es verdad que unos y otros están imbuídos de un espíritu común y coinciden obviamente en el tiempo y en el espacio. Solamente su parentesco o su relación de proximidad física explica esa comunidad de intereses y actividad.

Por otro lado, si la adscripción de diversos artistas al grupo prerrafaelista es con el tiempo numerosa y si su influencia llega hasta entrado al siglo XX se debe a varios factores: El prestigio del grupo conseguido en muy poco tiempo al que muchos quieren sumarse. La identidad, si no con la técnica o incluso estrictamente con el espíritu, sí con la temática y cierta vaga extensión progresiva de la misma temática que enlaza con toda la tradición de las líneas de contenidos sobre todo

“Si la plástica parte de lo literario, regresa nuevamente a lo literario....“ al grupo literario prerrafaelita. ‘El prestigio de Dante Gabriel Rossetti está asegurado porque, al perseguir lo bello, consagro todos sus poderes a un ideal que él valoraba por encima de todo, porque en su intimidad lo consideraba sagrado” afirma C.M. Bowra. Rossetti publicaría después su antología de poetas medievales italianos, paradigmático Dante Alighieri, que pasó un tanto inadvertida para la crítica. Rossetti busca recrear el estilo de aquellos lo que produciría su propio ritmo reposado y de marcada sonoridad. No era fácilmente inteligible para la sensibilidad inglesa y su aceptación fue complicada. Ello se sumó al problema producido por su soneto ‘Sueño nupcial’ que describe el despertar de una pareja de recién casados lo que escandalizó a la crítica victoriana. La dramática muerte de su esposa, Elizabeth Siddal, las drogas y el propio deterioro y enfermedad coinciden sin embargo con una producción poética intensa y también contradictoria, su detallismo pictórico llega al límite; se podría decir que un suicidio no consciente y a largo plazo acaba su vida en 1882.

literarios del XIX inglés. La relación clara de Prerrafaelismo y su continuidad con otros movimientos plásticos y literarios coetáneos europeos: Parnasianismo, simbolismo, modernismo e incluso Art Decó. El prerrafaelismo pictórico tiene su trasunto o reflejo en el grupo literario como un dragón que muerde su propia cola. Si la plástica parte de lo literario, regresa nuevamente a lo literario.La poesía prerrafaelista se dio a conocer a través de la revista de la hermandad “TheGerm” en 1850, primera revista de poesía editada en el mundo, lo que después fue común en otros movimientos artísticos.Pero su corta vida indica que la revista no tuvo gran éxito.

Los Poetas Prerrafaelistas.“TheBlessedDamozel” quizá el poema más famoso de Dante Gabriel Rossetti, del mismo título que su cuadro, aparece en el segundo número de TheGerm y establece probablemente la meta de la poesía prerrafaelita. Ello implica una temática legendaria y la búsqueda de la verdad y la sencillez contenida en las antiguas baladas inglesas. El poema significa el liderazgo de su autor con respecto

En Cristina Georgina Rossettiel espíritu de retorno a una religiosidad primitiva, quizá 20

ingenua es patente en sus nanas y en sus canciones infantiles, en sus villancicos. Su puritanismo anglicano y en concreto en materia de sexo, le hizo rechazar novio tras novio llegandocasi a tomar hábitos de monja. Un discurso sencillo y un lenguaje cotidiano, esconden parte de la esencialidad del prerrafaelismo. No hay en sus poemas tanto una tradición literaria renacentista o medievalista cuanto la recreación de un paraíso cristiano y la evocación del mundo de la infancia como refugio respecto al mundo terrenal. Y sin embargo finalmente siempre hará aparición un sentimiento profundo de fracaso.K. Jarvis explica que ‘Los poemas devotos de Cristina Rossetti son fervientes y apasionados, más productos del corazón que de la mente”. Y H. Grierson, J.C. Smith abundan en la idea cuando escriben: “…el corazón que Cristina Rossetti entregó a Dios, estaba roto: aunque escogió el amor sagrado al profano, esta

siglo XX. Morris se rebeló contra el desarrollo industrial. Había creado el movimiento Arts and Crafts (Artes y oficios), anticipando tal vez el concepto del arte aplicado a la vida de la ‘Bauhaus’, como reacción a los productos creados en masa, para recuperar procesos artesanos de orígenes que se remontaban a la Edad Media y estaban en peligro de desaparecer. Sin embargo, es tal vez el escritor cuyo alcance se ha visto más mermado con el tiempo. Porque en una extensión o extrapolación de conceptos, para Morris, el poeta es otro artesano al igual que otros creadores.

Quizá por eso su poesía carecen muchas veces de hondura y de emoción.

Otros autores allegados al grupo tienen sin embargo una relevancia quizá periférica o de menor entidad en el mismo contexto. Es el caso de CoventryPatmore, cuyo sentimiento religioso y espiritual le lleva a la poesía.

Patmore es desigual pero interesante. Escribe sobre los placeres de la vida doméstica. En 1844 publicó un pequeño volumen de Poemas no exento de singularidad, pero un tanto irregular en su elaboración;https:// es.wikipedia.org/wiki/Literatura_victoriana - cite_note-PatmoreEB1911-246junto con otras composiciones menores, contiene cuatro poemas narrativos: “El río”, “La hija del leñador”, “Lilian” y “Sir Hubert”, sorprendentemente originales y singulares en estilo e idea, con trazas de Tennyson y Coleridge.Amigo de Tennyson y de Ruskin, se relacionó con el grupo prerrafaelita y colaboró en TheGerm.

“Tal vez no sea posible abarcar tantos terrenos sin que la brillantez o la eficacia no sea la misma en todos ellos...” elección no le dio la felicidad, ni siquiera la paz. La paz que debería haber encontrado en la fe se veía obsesionada por el pesar de lo que había renunciado”. Su fracaso empieza con su propia desestimación y termina con el canto melancólico de su propia muerte. Y a pesar de todo, la intensidad lírica y la belleza del canto de Cristina es asombroso. Así,en ‘Recuerda’: “Remember me when I am gone away, gone for away into the silent land”. Y en otros poemas (2).

Aunque algunos historiadores consideran a Elizabeth Siddal dentro del Grupo de poetas prerrafaelitas, su trabajo literario fue menor.

También incurrió en el terreno de la plástica como pintora. Elizabeth Siddal, modelo, fue retratada a menudo por los artistas de la Hermandad Prerrafaelita y especialmente por Dante Gabriel Rossetti, su esposo desde 1860 al 62.Tanto en su arte como en sus escritos, Rossetti exaltó a Siddal. William Michael Rossetti, su cuñado, la describió como “una de las criaturas más bellas, con un aire entre dignidad y dulzura con algo que excedía la modestia y la autoestima y poseía una desdeñosa reserva; alta, finamente formada con un cuello suave y regular, con algunas características poco comunes, ojos verde-

Tal vez no sea posible abarcar tantos terrenos sin que la brillantez o la eficacia no sea la misma en todos ellos y el tiempo decante la verdadera altura o validez de unos y otros.

Ideólogo social y político, pintor , arquitecto, diseñador, decorador y poeta, desde un sentido visionario y socialista todo el trabajo de William Morris tiene un carácter comprometido y reformador que anticipa otros movimientos de arte global producidos ya entrado el 21

“Elizabeth Siddal se identifica con la historia narrada por el texto shakespeariano ...”

azulados y poco brillantes, grandes y perfectos párpados, una tez brillante y un espléndido, grueso y abundante cabello oro-cobrizo.”

La etapa de mayor producción poética de Dante Gabriel Rossetti empieza cuando encuentra a Siddal y acaba cuando ésta muere.

Su poema “A LastConfession” ejemplifica su amor por Siddal, a quien personifica como la heroína con ojos “como el mar y el cielo en un día gris”.

Escribió: Pero rodéame con tus brazos, amor, hasta que el sueño me arrebate.

Entonces déjame, no digas adiós, salvo si despierto, envuelta en llanto.

(Elizabeth Siddal. Agotada).

Elizabeth Siddal mantuvo una relación de una década con Rossetti y fue esposa del pintor sólo durante los dos últimos años, hasta 1862, El pintor se inspiró en ella para representar a Beatriz, el amor platónico de Dante Alighieri. En 1851, Elizabeth Siddal personifica la fragilidad de “Ofelia muerta”como modelo del cuadro deJohn EveretMillais; Siddal posaen invierno, sumergida en una bañera calentada con velas. En una de las sesiones las velas se apagan y el agua se enfría; el artista, abstraído en su cuadro, no se da cuenta. Elizabeth Siddal se identifica con la historia narrada por el texto shakespeariano y el tema del cuadro y permanece conscientemente durante horas en el agua fría de la bañera. Y enferma. El año anterior había dado a luz a una niña muerta. No se recuperó de este trágico suceso, y se escribe que pasaba horas meciendo la cuna vacía.

Originaria de la Calcuta colonial británica, Julia Margaret Cameron es el emblema de la fotografía artística y pionera del XIX, que impresiona en sus placas de cristal emulsionadas ‘al colodión húmedo’ escenas imaginadas próximas a un estilo prerrafaelista de ideales espirituales o literarios y retratos realizados con una disposición visual más directa, más real, en base al concepto de transmitir la personalidad del ser humano. De su actitud dio fe su sobrina nieta la escritora Virginia Wolf.

Su cercanía artística con los pintores prerrafaelitas le llevo a compartir con estos a la modelo Marie Spartali. Esa proximidad y el ambiente creativo del entorno en que se desenvuelve (3),le llevarían a escribir asimismo algunos poemas que fueron publicados en el McMillan’s Magazine.

Años después, en 1862 Elizabeth y Dante Gabriel cenan un día con Algernon Charles Swimburne y Rossettilleva después a casa a su esposa en el 14 Chatham Place, (ahora demolido y cubierto por la estación de Blackfriars) para poder asistir a una reunión en el Colegio de Trabajadores. Cuando regresa a casa la encuentra inconsciente.Adicta al láudano que en esa época se considera casi una panacea médica para curar , mejorar o paliar cualquier tipo de enfermedad o circunstancia física parece que Elizabeth sobrepasa en un momento dado la dosis. Si ello es deliberado, lo que podría ser probable, es aún tema de especulación. En su angustia Dante Gabriel llama con urgencia a un médico que declara su incapacidad para salvarla, después a otros tres que hacen un lavado de estómago ineficaz y Elizabeth muere en su cama a las 7:20 de la mañana del 11 de Febrero.

En 1875 escribe: “Oh, misteriosa belleza, ¿quién puede explicar tu poderoso influjo? ¿¡quién puede divisar cuan secreto, repentino y sutil es tu hechizo, el que esconde la música de tu voz?

Algernon Charles Swimburne.Finalmente, adscrito en un principio de manera plena al grupo prerrafaelita aunque paradójicamente fue su representante más rebelde y tal vez posteriormente más famoso, glosamos en este artículo la figura de Algernon Charles Swimburne. Nació en Grosvenor Place, Londres, el 5 de abril de 1837 en el seno de una familia aristocrática. Su abue22

tensa e intensa. Su primera publicación incluye dos obras dramáticas de carácter histórico: The Queen Mother (La reina madre, 1860) y Rosamond (Rosamunda, 1860) que no obtuvieron demasiado eco(7).Siguen otros dramas: Chastelard (1865) y Atalanta in Calydon (Atalanta en Calidón, 1865). Atalanta en Calidón supone el punto de inflexión en el prestigio de Algernon Charles Swimburne. Drama escrito, con la estructura de tragedia griega clásica mediante laintervención del coro y el uso del verso correspondiente, pero moderno en su tratamiento, fue un completo éxito. Atalanta en Calidón constituye un intento por reproducir la forma y el espíritu del teatro clásico griego y evidencia la capacidad del poeta. El “Himno a Artemisa” incluido en la obra es sin duda uno de los más espléndidos ejemplos del poder de la métrica en el lenguaje.Logrado el intento, la obra, recibida con gran entusiasmo, le lanza a la fama. Swinburne, publica ‘Atalanta’ con 28 años, el éxito, le establece rápidamente como el sucesor de Alfred Tennyson y Robert Browning y uno de los primeros poetas ingleses. Se coloca de ese modo a sí mismo el listón de calidad muy alto(8).

lo paterno, Sir John Swinburne, llevaba el título de baronet (4), .perteneció a una familia que había permanecido fiel a la dinastía de los Estuardo. Sir John vivió hasta la edad de 98 años. Su padre (el más joven de los hijos de Sir John) fue marino de alta graduación; en 1836, se casó con Lady Jane Henrietta, hija del conde de Ashburnham, de modo que Algernon Charles descendía de aristócratas por ambas partes. Gracias a su abuelo paterno y a su madre, aprendió a hablar francés e italiano de niño. Recibió también una sólida educación religiosa. Durante su adolescencia tuvo una relación muy fuerte con su prima, Mary Gordon, que lo dejó inconsolable cuando ella se casó.

Fugaz y débil es el amor, ciego como una llama; enmascarado por la risa, oculta lágrimas y deseos; a su lado camina un hombre y una doncella.

Una doncella en cuyos ojos todo goce se apaga cuando los capullos encienden su aliento nupcial.

A él lo bautizan bajo el nombre del Destino; su amada no es otra que la muerte... ( Atalanta en Calidon. )

Alumno ya en la juventud del EtonCollege y del BalliolCollege de la Universidad de Oxford, Algernon Charles Swimburne encuentra allí a Dante Gabriel Rossetti, William Morris y Edward Burne Jones (5).De ese encuentro decisivo en Oxford derivará una relación vital que determinará su adscripción natural al grupo prerrafaelita. Sin embargo, vuelto a Londres tomará pronto distancia respecto a él y frecuentará la amistad de MonktonMilnes, Georges Meredith y Walter SavageLandor .(6) La producción literaria de Swimburne es ex-

Al año siguiente, (1866), su libro Poemas y baladas ,con los que quiso celebrar el amor físico y apasionado y la vida sensual a la manera de los poetas líricos griegos y algunos poetas franceses contemporáneos, conoció un enorme éxito pero a la vez originó uno de los escándalos literarios más famosos de la época victoriana. Swinburne irrumpe en el mundo literario victoriano y arremete de manera frontal contra las instituciones, las creen23

“Swimburne fue el primer poeta inglés que se preocupó de las novedades de la Europa continental...”

sentimientos o de las creencias personales del autor”.

Porque entonces las estrellas no nos despertarán, ni el sol con sus resplandores de luz, ni el murmullo de las aguas inquietas, ningún sonido y ninguna visión, ni hojas estivales ni hojas invernales, ni días ni cosas diurnas; sólo un eterno sueño, en una eterna noche.

(El jardín de Proserpina. Poemas y Baladas 1866)

cias religiosas, políticas y poéticas y su moral exacerbadamente estrecha y puritana. Algunas manifestaciones de los poemas que parecieran con intención de escandalizar, son sin embargo seguramente fragmentosmal interpretados. El éxito fue inmediato y vivo entre los hombres de letras; pero la crítica inglesa, estrecha, no transigió y la obra fue tachada de inmoral. En su libro La Escuela sensual, Robert Buchanan, trata a Swinburne con una extrema violencia. Otros críticos le siguierony la dureza de los términosutilizados para atacar al poetaimpidió prácticamente su réplica o su defensa. El impacto del libro es enorme y aunque no se puede negar el carácter enfáticamente sensual de la obra su apasionamiento rayano en lo exaltado y su relación con esa tendencia literaria, el escándalo y la crítica que suscita en la pudibunda Inglaterra de la época detuvo en parte su éxito o condicionó al menos el trabajo y la trayectoria de su autor, como bajo una murmullo de animadversión nacional, sin valorar su enorme fuerza y su significado profundo.

La poesía posterior a Poemas y baladas adquirió, quizá escarmentada, un carácter más reflexivo y moderado. No se abandona completamente la poesía amorosa, pero de manera menos escandalosa. Swimburne fue el primer poeta inglés que se preocupó de las novedades de la Europa continental. Hizo de Victor Hugo maestro y héroe; Victor Hugo, a quien la Inglaterra victoriana miraba con recelo por impío y poco respetable.Admiró a Sade, a Théophile Gautier, a Baudelaire, y utilizó su admiración para fortalecer su propia posición frente a una sociedad que después del siglo XVIII había perdido todo registro de apertura sensual. En alguna medida sí se defendió cuando alegaba: “En respuesta a ciertas opiniones expresadas respecto a mi libro, deseo que se recuerde solamente esto: el libro es dramático, con mil aspectos, muy diverso; y en absoluto, ninguna enunciación de alegría o desesperación, de fe o incredulidad puede ser tomada como aserto de los

Entre los poemas de la poeta lírica de Grecia antigua Safo, hay uno que se conoce como Oda a Anactoria, una de sus discípulas, a la que amó y fue separada por el matrimonio de la joven. Anactoria se convirtió en motivo poético para Algernon Charles Swinburne; Safo y Swinburne coinciden en Anactoria, pero más que Swinburne de pronto es Safo quien habla en el poema.

I feel thy blood against my blood; my pain Pains thee, and lips bruise lips, and vein stings vein.

Let fruit be crushed on fruit, let flower on flower Breast kindle breast, and either burn one hour.

Why wilt thou follow lesser loves? are thine Too weak to bear these hands and lips of mine?

Tu sangre está contra mi sangre; mi dolor te duele, el labio lastima al labio, vena a vena.

Que la fruta aplaste fruta, la flor a la flor.

El pecho encienda otro pecho y ardan a una hora ¿Por qué vas tras amores huecos? ¿Es tu amor muy débil para soportar mis manos y mis labios?

(Anactoria. Poemas Y Baladas) “Ved, mi Venus, el cuerpo de mi alma gime - con mi amor puesto sobre ella a modo de vestimenta, - sintiendo mi amor en todos sus miembros y sus cabellos, 24

influye en alguna medida en él sino también los parnasianos y los simbolistas franceses.

y derramarlo entre sus párpados, a través de sus ojos”. ( Laus Veneris, el Elogio de Venus)(9).

¿Debo derramar una rosa, un quejido o un laurel, oh hermano mío, sobre éste que fue tu velo? …/…

Ah, mi volátil canción se desvanece ante ti, el mayor de los poetas, esquivo y arcano, tú, veloz como ninguno. …/…

Vaya este canto para ti, querido hermano, sol inmóvil en donde todos los vientos se aquietan, solitaria orilla en la que todas las aguas confluyen.

(Ave atque Vale: en Memoria de Charles Baudelaire)

Songs before Sunrise (Cantos antes del alba, 1871) supone el elogio del proceso de la unificación nacional de Italia. Sus poemas políticos se inspiraron en parte en la admiración que sentía Swinburne por el patriota italiano Giuseppe Mazzinique vivía en el exilio en Inglaterra y al que había conocido personalmente en 1867. Los poemas de “Los cantos…” van desde el sincero homenaje a la democracia y a la libertad política hasta la vaga y entusiasta aprobación de la revolución. Tales ideas contrastan con el nacimiento aristocrático de Swimburne.Tras otros dos dramas líricos: Bothwell (1874) y Erechteus (1876), Swimburne publica la segunda parte de Poemas y Baladas en 1878. Esta segunda serie contiene la conmovedora elegía Ave atque vale, escrita en elogio del poeta francés Charles Baudelairepor quienprofesa una admiración de grado máximo. No solo el propio grupo prerrafaelita

Los textos de Estudio sobre Shakespeare (1880) y posteriormente La época de Shakespeare (1909) contienen un estudio detallado e 25

sonajes y capítulos en una novela que AlgernonSwinburne nunca terminó de estructurar ni completar. Escrita entre 1859 y 1868 pero considerada pornográfica en su día, Fue impresa y publicada por primera vez en 1952; casi cien años después de ser escrita El encargado de “corregir” el texto (y para muchos de mutilarlo) fue el crítico Randolph Hughes.

Lesbia Brandon es una llamada a la libertad erótica. Algernon Swinburne busca en Lesbia Brandon algo prácticamente impensado en su tiempo: reinstaurar en la era victoriana el gozo pagano de lo sexual. Originalmente fue ilustrada por Simeon Solomon amigo de Swimburne.

“Sus ojos tenían un brillo exterior que los hacía parecer oscuros, pero en realidad eran una mezcla entre gris oscuro y azul oscuro; esta sutil gama de colores tiernos y pálidos de un iris que debería haber sido de color avellana, azul o verde, pero en suma de una tonalidad más delicada disipaba los lindes que separaban el espíritu de la carne, un recuerdo perpetuo acerca del alma de ciertas mujeres singularmente hermosas”.

(Lesbia Brandon.Fragmento.)

“Swimburne perdió su rebeldía juvenil y se convirtió en modelo de respetabilidad...”

Una vida hedonista y su adicción al alcohol hicieron que a partir de 1879 su salud se resintiera gravemente. Terminó por sufrir un colapso, lo que motivó a su amigo y tutor Theodore Watts-Dunton a involucrarse en el asunto haciéndose cargo de él para intentar revertir la situación. Theodore le persuadió para que viviese con él en The Pines, su casa en Putney, cerca de Londres y modificase sus hábitos llevando una vida más sana y tranquila. Theodore Watts-Dunton, dedicó el resto de su vida a cuidar de él. Bajo la influencia y el cuidado del amigo Swimburne perdió su rebeldía juvenil y se convirtió en modelo de respetabilidad.

Dedicándose a partir de entonces a cantar las gestas del Imperio. El 10 de abril de 1909, aquejado de neumonía, perdió la batalla frente a la muerte.

imaginativo del drama isabelino.

La tercera serie de los Poemas y baladas se publica en 1889; seguirán las obras dramáticas Mary Stuart (María Estuardo, 1881) en verso, donde sus heroínas son presas de obsesiones sexuales dignas de uno de sus principales referencias literarias, el Marqués de Sade , Tristram of Lyonesse (1882) que cuenta la historia de Tristán e Isolda,Mario Falerio (1885), Locrine (1887) y Las hermanas (1892), Víctor Hugo(1886)del que habla con gran entusiasmo y B. Jonson (1889), y agudos ensayos críticos sobre muchos autores, entre ellos Charles Dickens y las hermanas Brontë. Asimismo algunos poemas elegiacos como el de Robert Browning.

En las escasas fotos de Algernon Charles Swimburne y en el propio retrato que de él hace Dante Gabriel Rossetti, aparece un hombre joven, de pelo largo, rizado y rojizo, delgado, de aspecto algo frágil y peculiar. Era

Lesbia Brandon agrupa un conjunto de per26

hacia lo extraño, buscador de la sutileza de la vida, creador intemporal, lírico y épico, inspirado en el clasicismo de la antigüedad griega (y en ello sí responde a la tradición literaria inglesa), es también uno de los más refinados y sutiles, entre los que se cuentan en el momento en las nuevas tendencias y escuelas.

A menudo es oscuro y con frecuencia magnífico; es grande por su lirismo, por la multiplicidad variadísima y honda de su imagen y su metáfora. Es también un erudito para quién las lenguas antiguas no tienen secretos, y escribe con el conocimiento y el dominio admirables del pie métrico clásico. Lo es incluso, en su evidente coincidencia simbolista, al modo absolutamente contemporáneo de Paul Verlaine o Stephan Mallarmé.La inutilidad de la religión, lo falso y vacío de su discurso, la realidad de la vida humana y su final, el incesto, la crueldad como aspecto de la belleza, la ineluctabilidad y la corrupción del tiempo, la ficticia libertad del albedrío humano son temas recurrentes en su obra.

de baja estatura (por lo que quizá posaba sentado en las fotografías) y sin embargo de naturaleza fuerte. Swimburne es un hombre indudablemente inteligente aunque irascible y parece que con crisis epilépticas, alguna vez en público.Se le describió sin embargo como muy cordial y acogedor. Gabriel Mourey le comparó con un Edgar Allan Poe ‘idealista y sensual’(10). Ya en su madurez, fue un crítico solvente y respetado. Conservamos también alguna foto de ese Swimburne maduro.

Su versificación, y especialmente su técnica rítmica, se mantiene magistral hasta el fin; escritor de brillantes recursos técnicos, dominó la música del verso y sus experimentos en el uso del metro y la rima crearon una gran variedad de efectos poéticos originales. Su poesía amplía las posibilidades del propio idioma; utilizó abundantes neologismos y palabras dialectales, alteró las exigencias de la sintaxis tradicional, buscó nuevos efectos sonoros por la vía de la aliteración, la rima interna y el sistema del ritmo tanto auditivo como visual, creándose así una mutua asociación entre palabra, sonido, imagen y emoción.

También inventó, inspirándose en el ‘rondeau’ o rondó francés, la estrofa inglesa conocida actualmente como ‘roundel’ (11).

Aunque tildado de pasado de moda durante un cierto tiempo, había sidoel “enfant terrible” de la poesía inglesa, un iconoclasta que transformó el estilo y el lenguaje poético victorianos de forma radical, y sin embargo, desde el punto de vista de algunos expertos, pasó, de ser uno de los poetas más sobresalientes del idioma inglés, a convertirse en un literato del montón criticado por su tendencia a emplear en sus obras un lenguaje excesivamente florido.(12)

Escritor, poeta de espíritu exaltado, vertido

Con todo, la obra de Swimburne, como antes la de Byron, fue revolucionaria. Tras muchos años de olvido o indiferencia yal igual que otros poetas del entorno y la época ocomo los propios pintores prerrafaelistas o los “pompier” franceses, olvidados o minusvalorados durante una buena parte del XX, en la actualidad han vuelto a ser valorados enormemente con nueva y más objetiva óptica, la enorme calidad y sentido de todo ese esfuerzo creativo de nivel máximo y sobre todo, la imbricación y continuidad de su obra artística, constatada su secuencia lógica y su valor en la historia del Arte, una vez superado y objetivado, también históricamente, el prurito rupturista y la prolongada herencia de la subjetividad y la manipulación capitalista de las 27

critor, coleccionista y, como crítico, una de las voces más influyentes de su época, definía con exactitud los principios que marcaron el paisaje prerrafaelita.

2.- Los hermanos Rossetti eran sobrinos de John William Polidori el médico de Lord Byron 3.- Muchas de los escritores o artistas contemporáneos están en su fotos, Wodsworth, Tennyson, P. Stanhope… También personas de la cultura o la ciencia están en sus fotos, Los temas de la tradición literaria, del propio Tennyson, -Los Idilios del Rey-, el ciclo artúrico y también, numerosos, los de la religiosidad cristiana con el carácter de sencillez y deliberado primitivismo prerrafaelita ) 4.- Baronet, es un título hereditario concedido por la Corona británica. La práctica actual de otorgar esta dignidad fue instaurada en Inglaterra e Irlanda por el Rey Jacobo I en 1611, con el fin de poder aumentar sus ingresos

llamadas ‘vanguardias’ en la primera mitas del S.XX.

5.- De la amistad próxima con D.G. Rossetti y… dan fe también las imágenes como son algunas fotografías de Lewis Carrol o W. and D. Downey

En la última parte de su carrera, Swimburne dedicó sus energías a la crítica y en su madurez, fue,en ese terreno, muy respetado.

Contribuyó a la undécima edición de la “EncyclopædiaBritannica. Traducido a numerosos idiomas la fama de Algernon Charles Swimburne trasciende enormemente su época y su entorno originales. La traducción global, edición y difusión de su obra es aún una tarea pendiente en todo el ámbito del idioma español y su lectura, asignatura obligada para todo poeta, escritor y aficionado que se precie.

6.-Con la muerte de Dante Gabriel Rossetti en 1882, la enfermedad que postraría definitivamente a Christina, con Morris entregado a la creación de su Palace of Arts y su idealizada lucha política y el alejamiento de Swimburne, el grupo prerrafaelita se desintegra. Los nuevos poetas no siguieron su camino y los paradigmas de la poesía inglesa son ya otros.

En 1890 surge el movimiento de los Estetas que supone cierta continuación prerrafaelita si bien simultáneo ya con la órbita simbolista francesa y preludiando el modernismo.

NOTAS.-

7.- En 1860, antes de que el nuevo movimiento fuese importante, Swinburne había dedicado su tragedia La Reina Madre a Dante Gabriel Rossetti, y su volumen Poemas y Baladas a Burne Jones, a este artista que tiene ahora el lugar de honor en la GrosvenorGallery. y lleva ese título. En el mismo volumen otro poema está dedicado al pintor J.A. Mc Neil Whistler.

8.- Algunos críticos han opinado en su ‘sofisticación’ como A. E. Housman, que el trabajo de ser uno de los más grandes poetas ingle-

1.- “El prerrafaelismo sólo tiene un principio: la verdad más absoluta, que se obtiene trabajando del natural y sólo del natural, hasta el detalle más insignificante. Todo fondo de paisaje prerrafaelita está pintado al aire libre hasta la última pincelada, según un paisaje real. Todo accesorio, por minúsculo que sea, está pintado del mismo modo”. Con estas palabras, John Ruskin (1819-1900), pintor, es28

ses le superaba.

REFERENCIAS.-

9.- Uno de los cuadros más famosos de Burne Jones está inspirado en el LausVeneris de Swinburne

- MARTÍN TRIANA, J.M. “El Prerrafaelismo: historia y Antología” Col. La Fontana Mayor. Ediciones Felmar Madrid 1976 - “Conceptions of Romantic Love in PreRaphaelite Painting and Poetry”..Traducción de Victoria Parra Ortiz revisada y editada por Asun López-Varela. (Diseño HTML, formato, y enlaces: George P. Landow. http://www. victorianweb.org/espanol/autores/swinburne/ bocher5.html- ROA, Armando. “Terra inglesa: anticipo para una antología de Swimburne”https:// web.uchile.cl/publicaciones/cyber/12/creacion3b.html - SAVINE, A. Prefacio a la antología Poèmes et Ballades, por A. C. Swinburne, traducción de Gabriel Mourey, Paris, 1891.

- MORETO ALVARADO, Laia. Julia Margaret Cameron. Poesía y verdad. Casimiro libros. Madrid 2015.

- SHELLEY, PercyBisshe. La necesidad del ateísmo y otros escritos de combate, Traducción de Julio Monteverde. Pepitas de Calabaza, Logroño, 2015.

- TENNYSON, Alfred. La dama de Shallot y otros poemas. Edición y traducción de Antonio Rivero Taravillo. Colec. La Cruz del Sur. Ed. Pre- Textos Valencia 2002 - VILLENA. Luis Antonio de. - Comentario a Prólogo a “Baladas líricas” William Wordsworth. Traducción de Eduardo Sánchez Fernández. Edición bilingöe. Hiperión. Madrid, 1999. http://www.elcultural.com/revista/letras/ Prologo-a-Baladas-liricas/17956- https://www.researchgate.net/publication/31639193_Baladas_liricas_W_Wordsworth_ST_Coleridge- http://www.nuevarevista.net/articulos/ baladas-liricas-coleridge - https://es.wikipedia.org/wiki/Literatura_victoriana#Poetas_victorianos_caracter.

C3.ADsticos - https://en.wikisource.org/wiki/Atalanta_in_Calydon/Text - https://translate.google.es/ translate?hl=es&sl=en&u=https:// en.wikisource.org/wiki/Atalanta_in_Calydon/ Text&prev=search - https://muse.jhu.edu/article/506588

10.- Prefacio a la antología Poèmes et Ballades, por A. C. Swinburne, traducción de Gabriel Mourey, Paris, A. Savine, 1891).

11.- ‘El mundo de Swimburne no depende de otro mundo que simule su obra; tiene la necesaria perfección y autosuficiencia para justificarse y permanecer. Es impersonal y nadie más que Swimburne hubiera podido concebirlo”. T.S. Eliot. TheSacred Wood Londres 1920 12.- “Swimburne buscaba la poesía y nada más, y se inclinaba a separar su esencia de las asociaciones intelectuales y emocionales en que generalmente aparece. Dante Gabriel Rossetti buscaba una belleza ideal a través del amor; Swimburne buscaba la esencia de la poesía” C. M. Bowra. Theromanticimagination (Cambridge, E.U.A., 1949)

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Entrevista

André Cruchaga LA PALABRA COMO HORIZONTE Por: Isabel Rezmo

La poesía es un vehículo que reacciona no solo a nuestras emociones. Disponemos la mente, el cuerpo, a diferentes reacciones que llegan sutilmente a los sentidos. Pero también nuestra mirada, esa mirada que ofrecemos a la vida, y la vida nos devuelve. Ofrecemos mirada a nuestro pensamiento, y la poesía se vuelve pensamiento.

Inducir en el pensamiento también puede hacerlo el poeta.

Tenemos esta semana a un grandísimo poeta, con una prosa fuerte desgarradora, insurgente, en momentos como un volcán, que dispara las emociones, disecciona la piel y el alma como un bisturí. Que convierte la poesía 32

en un pensamiento, en una narración desbordante en el que el lector, se convierte a la vez en presa, reo, ángel o demonio.

PROVERSO quiere presentar a sus lectores, al poeta, profesor de lengua y literatura André Cruchaga.

francés,(El Salvador, 2010); “Sublimació de la nit/ Sublimación de la noche”, edición bilingüe: castellano-catalán, (El Salvador, 2010); “Poeta en Barataria”, (La Habana, Cuba, 2010); “Tablou de cenuşă/ Cuaderno de ceniza”, edición bilingüe: castellano-rumano, (El Salvador, 2013): “Balcón del vértigo”, (El Salvador, 2014); “Post-Scriptum”, edición bilingüe: castellano-rumano,(El Salvador, 2014); “Viaje póstumo/ Viatgepòstum”, edición bilingüe: castellano-catalán, (El Salvador, 2015); “Lejanía/Away”, edición bilingüe: castellanoinglés. (El Salvador, 2015); Vía libre / Vialliure, Edición bilingüe: castellano-catalán. (El Salvador, 2016).

André Cruchaga. Nació en Nueva Concepción, Chalatenango (El Salvador), en 1957.

Tiene una licenciatura en Ciencias de la Educación. Además de profesor de humanidades, ha desempeñado la función de director y docente en Educación Básica y Superior. Parte de su obra poética ha sido traducida al francés

RP: Buenas tardes André un placer tenerte entre nosotros entre los lectores de PROVERSO. ¿Qué significa para ti la palabra?

“La palabra es ese horizonte de indeterminaciones y humanidad. Hay una suerte de hoguera y alas en ella...”

AC: La palabra es ese horizonte de indeterminaciones y humanidad. Hay una suerte de hoguera y alas en ella. Debo suponer que se parecen mucho a las calles con sus diversos significados.Las palabras escarban en medio de las ciénagas y establecen su propio reino.

Aun en la máxima sordidez o exabrupto, el fervor de ellas: huelen siempre a tiempo y a balanza, la eternidad quizá las petrifique, les dé siempre un valor de videncia, una inocencia de remanso, la luz siempre de los sueños, no de mercancía.

por DanièlleTrottier y ValèrieSt-Germain; al Idioma vasco (Euskera), Miren EukeneLizeaga; griego, liaKaravia; holandés, Michel Krott; rumano, Elena Liliana Popescu, Alice Valeria Micu, Elisabeta Botan, María Roibu, Tanase Anca, IoanaHaitchi y Andrei Langa; catalán, Pere Bessó; portugués, Tania Alegría; al inglés, Grace B. Castro H.; al italiano Norberto Silva Itza y, al albanés, FahredinShehu. Jurado de Poesía de la XVI Bienal Literaria “José Antonio Ramos Sucre”, Venezuela, junio de 2007. Jurado del I Concurso de Relato Breve ‘El PortalVoz, de la Asociación de Televisiones Educativas y Culturales de Iberoamérica (ATEI), con sede en (Madrid) España, 2014.

Parte de su obra se encuentra publicada en revistas electrónicas y en papel de América y Europa; así también, ha recibido varias distinciones por su obra literaria.

RP: ¿Cuándo surgió la idea de escribir? o como algunos dicen: ¿escribir es algo inherente, un proceso que nunca termina de existir, o de estar?

AC: No soy un poeta urbano y además, de niño siempre fui tímido y embebido. Mi primera infancia la viví en el campo. Y esa condición me marcó. Fue un poco como ese querer decir lo que no podía expresar de otra manera. Escribir supone desinhibirse y eso es el caso mío: necesidad de comunicación.

Más allá de los caminos está el camino: a veces hecho de golpes y abolladuras, a veces de neblina envolvente como las armaduras, a veces de herraduras o escarcha. Nos ultraja la lisonja y la avalancha de tropeles sobre el aliento. Me parece que sí, existe cierta predisposición que por sí misma tampoco dice

Entre sus libros editados podemos mencionar: “Alegoría de la palabra” (1992), “Visión de la muerte” (1994), “Enigma del tiempo” ( Plaquette,1996); “Roja vigilia” (Plaquette, 1997) “Rumor de pájaros” (2002), “Oscuridad sin fecha/Data gabekoiluntasuna”, edición bilingüe: castellano-euskera, (El Salvador,2006); “Pie en tierra” (2007), “Caminos cerrados”, (México, 2009), “Viajar de la ceniza/ Voyage à travers les cendres”, edición bilingüe: castellano33

nes.Toda escritura, sin más explicaciones, es una fuerza augural insoslayable e impostergable.

RP: ¿Cuáles son tus autores preferidos? ¿Alguno de referencia?

AC: El trabajo poético, tal como yo lo concibo requiere de lectura. No es el mero gozo por la lectura. Implica aprender una técnica, el tan necesario manejo de las palabras. La escritura es una sucesión de visiones del mundo.

A menudo son los mismos y grandes temas de la vida, pero vistos desde la temporalidad, tocados por diferentes manos. Sí, hay autores de los cuales he aprendido.Si alguien quiere bucear en mi poesía debe hacerlo a partir de la poesía surrealista española (Cernuda, Prados, Biedma, Larrea, Hinojosa, Lorca, Aleixandre, Picasso, Miró.), y francesa (me encanta Michel Leiris, Paul Éluard, Louis Aragon, René Char, Jacques Prévert, Jean Arp. Soupault.) Insisto, uno es la sucesión de muchas escrituras, Vallejo, Carpentier, Huidobro, Arguedas, Roa Bastos, Asturias, Borges, Alejandra Pizarnik, Olga Orozco, Enrique Lihn, Pere Gimferrer,Kafka, Camus, Sartre, etc.

Por supuesto, en mi aliento hay otros autores.

Debo agregar que soy lector empedernido de poesía.

“La escritura está signada siempre por factores políticos, económicos, sociales, históricos, en consecuencia, la literatura es reflejo de ello...” mucho.

RP: De tu producción propia que es lo que más resaltarías?

RP: Eres un autor consagrado, con una obra y colaboraciones extensa, ¿El poeta se cansa de decir, o de “mirar” al mundo y así mismo?

AC: Si por resaltar debe entender destacar la importancia de una cosa o poner énfasis en ella, o resaltar los puntos más importantes.

La oscuridad o la claridad en mis poemas son una acción premeditada, es decir, una acción política. Nombrar la desnudez hasta ensordecer también es una acción política. Pensar en el candor de los pájaros es una acción política: cuando hay un examen de conciencia, lo más probable es que tiemblen las cornisas del aliento y salgan a flote los pequeños demonios que reverberan en la conciencia. El que me lean o no me lean es también una acción política de la cual no tengo control. El decidir mi ruta y condición de hombre y poeta lejos de las argollas o círculos de poder también es una acción política. Quien sabe sabrá entender la dimensión de mis palabras sin que necesariamente deba explicarlas. Yo

AC: En realidad, eso de consagrado ignoro si cabe en mi persona. Sí puedo decirte que tengo algún nivel de disciplina para escribir. ¿Cansa la escritura? No en mi caso: leo y escribo todos los días. A ella le dedico al menos tres horas diarias. Y esto viene porque escribir no es sólo el acto de escribir, sino hay que morder el aguacero que cruza los párpados.

Hablo de planicies, aunque existan las hondonadas, hablo de luz aunque nunca encuentre el atajo, hablo de caminar siempre pese a los bostezos y a la hipnosis colectiva. Claro, escribir implica una permanente introspección.

Toda escritura está hecha de todas las avalanchas posibles: de piedras, golpes bajos, mansas palomas, encumbrados seres humanos como seguramente se ven las estribacio34

procuro adoptar las verdades terrestres, no el doblez de la lengua ni el plumaje. Escribo porque escribo más allá de mis opacidades.

Escribo porque arde en mí la humedad del alfabeto. Yo solo sé que vivo en medio de innumerables incendios y no necesito de la vehemencia, mis desvelos aguantan todo el peso de mis fantasmas, toda la excomunión de los obispos grises de la ceniza.

jo de ello. Sin embargo, (cuestión de percepción mía) el mismo proceso histórico produce reacomodos. Yo no creo en la poesía de coyunturas, en el clisé del compromiso, aunque entienda que la misma es una experiencia histórica y cada escritor tiene un horizonte de expectativas extraliterarias. En este punto, debemos recordar que el escritor tiene que activar su conocimiento en función de lectores explícitos o hipotéticos, a tal punto que su conocimiento y su experiencia conlleve una fusión de horizontes hacia ese lector. La escritura debe verse como un desplazamiento de realidades o ficciones creíbles. Deben superarse muchas ataduras ideológicas y no ver la el producto de la escritura como mero artefacto-objeto para el consumo.

RP: Has sido traducido en diferentes idiomas ¿Cómo se ve André Cruchaga así mismo en otro idioma?

AC: Me parece que es una bendición de la vida. He tenido la dicha de encontrarme, desde las distancias geográficas, con muchas personas generosas que por vocación y solidaridad con mi poesía me han traducido. Casi toda mi obra es bilingüe. Pero la persona que más, —casi con espíritu benedictino— ha hecho esta labor humana, es mi gran amigo y entrañable poeta Pere Bessó. Al catalán son doce libros (poemarios) de los cuales sólo tres están publicados. Elisabeta Botan, tuvo la bondad de traducirme un poemario completo (Post scriptum). Pero cómo me veo dices, y yo, entre un respiro y otro, te digo que significa rotundamente, lavar mis palabras y mi mundo. He llegado a lectores que nunca imaginé y eso es trascender la propia escritura, aunque en el país de uno eso no signifique nada y cree animadversiones. Así, los pañuelos entienden de las turbulencias, pero también celebran a la flor y al pájaro. Una traducción posee otras ventanas. Ojalá el poema no sea otro mundo.

RP:¿Con tu trayectoria, tu experiencia ¿qué crees que debe cambiar en el mundo poético’?

AC: Debe cambiar la concepción de la literatura. Es de suma importancia lo que se dice, pero de igual forma, cómo se dicen las cosas.

Es una ficción trasnochada pretender escribir poesía desde una mirada no anticipada de la realidad; no existen lectores bobos. Escritura

RP: Tu visión de la literatura Hispanoamericana, ¿a qué se enfrenta y el reto que debe asumir hoy en día?

AC: La escritura está signada siempre por factores políticos, económicos, sociales, históricos, en consecuencia, la literatura es refle-

“Debe cambiar la concepción de la literatura. Es de suma importancia lo que se dice, pero de igual forma, cómo se dicen las cosas...”

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poesía suscitan pasiones y un largo peregrinaje de horizontes.

RP: Tus textos, los que vemos en las redes, en tu blog, tienen un matiz de reflexión, de existencialismo, me atrevería a sugerir una filosofía plena ¿es así?

AC: Digamos que sí, porque mi intención es conmover, es implicar permanentemente. Y en esto no existe la escritura ingenua. El existencialismo ha sido como mi pila bautismal. Y en este punto soy coherente: Por suerte me salva el poema y su almacén de alegrías y su balcón de vértigos. Debo soportar esta tortura con decoro, el hilo de la melancolía y sus hambres y pobrezas. Ojo y carne se conmueven como un dardo que desciende hasta los ijares. En mi poesía, hay una intención apelativa hacia un lector de carne y hueso. y lectura son procesos dialécticos de pretensión y retención. Uno debe ser coherente con lo que escribe y pensar cualquier lector es capaz de hacer sus propios correlatos. También uno no debe comprometer la imaginación y la fantasía por ninguna circunstancia histórica.

RP: ¿Proyectos a corto plazo?

AC: ¿Qué puedo decirte, querida poeta? Espero no ser petulante, pero habiendo escrito por más de cuarenta años diariamente, ya podrás inferir la cuantía de mi obra que por limitaciones ajenas a mi voluntad no se han publicado. Y pese a que mi obra está decretada como patrimonio de El Salvador, el Estado sólo me ha publicado un poemario. Sin en embargo, este año está en lista de espera: Calles (español-catalán) y otros poemas en rumano, traducidos por diferentes traductores, entre ellos, IonaHaitchi, Elena Buldum, Anca Tanase, etc.

RP: Compaginas tu trabajo poético con la docencia, ¿enseñar es también una obligación del poeta?

AC: A la fecha de esta entrevista (07.03.2017) llevo 7 días de haber renunciado a mi trabajo docente. Toda mi vida ha suido así, desde los quince años que comencé a escribir: ¿Se puede contar la oscuridad con las manos sucias, o la luz, sin que nadie se conmueva? ¿Quién es dueño en realidad de su tiempo, en momentos donde el crepúsculo se hace viejo y la alegría ha sido sometida hasta tocar los calcañales? Un día quizá levaremos anclas, o en todo caso, otros molinos de viento nos enseñarán la densidad del viento. Es que a menudo, vivimos con intensidad esas sombras del tiempo y la historia. Y más allá de si son arte, o hacemos arte con ellas, tienden a socavar nuestra propia estabilidad, tienen su propio modus operandi. La docencia es también arte, inspiración (no en sentido romántico de Rousseau); digamos que mediar el conocimiento es de suyo una actitud moral, tal como lo demanda la escritura. Docencia y

RP. Muchas gracias por habernos atendido, permitirnos el poder entrar un poco más a conocerte.

AC: Agradecido contigo poeta Isabel y con Inma. Aunque parezca patético, la poesía (procuro desde mi visión de la realidad) que sea testimonio, a veces desilusión, desengaño, una revelación de las desventuras. A cada quien que escribe le es dado el motivo o los motivos, el pan de cada día, desde esta visión “lamo las heridas”, nuestras heridas que, por lo demás carecen de religión. Saludos.

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LAS RAZONES DEL LOBO Y SOFISMAS de José María Herranz Libretos Poeta de Cabra, Bolsillo poesía, nº 16 ISBN: 978-84-945796-1-5 Prólogo de Luis Antonio de Villena. Palabras liminares de Aureliano Cañadas.

10 euros.

“Las razones del lobo y Sofismas” son dos libros que conforman un solo ciclo de lectura (junto a su Addenda), escritos en 1980 y de plena actualidad hoy en día, donde la escritura de base onírica y surrealista sirve como soporte a un profundo alegato contra la Autoridad y el Poder, en clave general (la sociedad y sus normas cínicas e hipócritas) y concreta (la misoginia, el machismo, la homofobia, el odio al diferente), desvelando la conexión íntima y profunda que existe entre los agentes represores del poder (leyes, normas, familia, religión, prejuicios o costumbres) y la propia autorrepresión individual (que internalizada en nuestra profunda estructura psíquica proyecta dicha violencia contra nosotros mismos y contra los demás). La búsqueda de la libertad se desvela en este libro como el fin último de la existencia. Esta segunda edición corregida y mejorada respecto a la inicialmente publicada en 2009 incluye un prólogo esclarecedor de Luis Antonio de Villena y unas palabras liminares de Aureliano Cañadas.

Enlaces con información sobre el libro: Editorial:

https://poetacabra2.blogspot.com.es/2016/11/las-razones-del-lobo-y-sofismasjose.html

Del autor:

https://josemariaherranzcontreras.blogspot.com.es/2016/11/las-razones-dellobo-y-sofismas-nuevo.html

Pedidos libro: josemariaherranzcontreras@gmail.com ó al.qabri@gmail.com

Reseña

Javier Díaz Gil la palabra y la carne

“el conflicto o el amor“ Por: José María Herranz Contreras

Este nuevo poemario de Javier Díaz Gil, “La palabra y la carne”, indaga sobre un tema clásico en poesía, y más allá de ella, en la propia vida: lo real y lo deseado, lo material y lo ideal. Como es habitual en Díaz Gil, este

nuevo poemario –al igual que su libro anterior, “Vivo extramuros y El Ángel prometido”- exige reflexión y colaboración activa por parte del lector, pues los poemas son el hilo conductor que va señalando el camino a través de algu38

nos hitos que el poeta sugiere y en los cuales el lector debe reposar su atención y observar atentamente para “descubrir” lo que allí no está en apariencia.

Luis Cernuda, en su poesía reunida que tituló “La realidad y el deseo” expuso de forma más cruda y contundente el núcleo de la infelicidad humana que causa precisamente el mundo y su pragmática a los individuos que aspiran a su pequeña parcela de felicidad. En su caso más trágicamente, por la doble circunstancia de su orientación gay y la época histórica que le tocó vivir, pero que sirve muy bien como metáfora para cualquier persona que lucha por su libertad, por el cumplimiento de sus deseos, frente a la rigidez de las normas y costumbres representadas por la tribu, las normas religiosas y el poder.

Díaz Gil, pues, retoma la confrontación entre carne y espíritu, entre materialismo e idealismo, entre Marx y Platón, extendiendo Platón al cristianismo, que es la religión de nuestra cultura, y que podría extenderse a los otros dos monoteísmos: islam y judaísmo. La carne en su acepción cristiana, siempre ha tenido para nosotros un carácter culpabilizador y demoníaco, como lo sucio, sexual y corruptible, tocado por la enfermedad y la muerte, frente a la pureza del espíritu, de la palabra, familiar

“La palabra y la carne” se estructura en tres partes (“El verbo”, “La carne”, “Negación de la carne”), precedido de otra titulada “Antepalabra” que ya anuncia el conflicto entre los “nombres que importan” y el “cuerpo sepultado”, y una última que cierra el libro, “Palabramateria”, y pretende ser síntesis de ambos conceptos. Formalmente, el poemario está escrito en poemas breves y concisos, utilizando silvas blancas, y rematando cada parte con un poema algo más extenso de forma clásica, concretamente décimas y soneto inglés. En la primera parte habla tanto de las posibilidades del lenguaje como de sus engaños y mentiras que pueden precipitarnos en el sufrimiento por aferrarnos demasiado al espíritu de la letra, si seguimos recurriendo a la metáfora bíblica: esto último queda suficientemente explicitado en el poema “Decir perfecto”, que además es un homenaje a José Hierro. El poeta aspira a la pureza del decir como forma de explicar las cosas del mundo, pero también se estrella contra la pura y simple realidad. En la segunda parte se prefigura el cuerpo no como algo pecaminoso y culpable, que podría sugerir su título y nuestra herencia cristiana, sino como la morada del deseo, el sexo puro, la emoción y el sentimiento. Pero este deseo se agota

“exige reflexión y colaboración activa por parte del lector, pues los poemas son el hilo conductor que va señalando el camino...” a los ángeles y la corte celestial. El poemario evoca numerosos pasajes bíblicos, así como a San Juan de la Cruz: “el verbo se hizo carne y habitó entre nosotros”, “hágase en mí según tu palabra”, “en un principio el verbo aleteaba sobre el noun [lo amorfo, lo indiferenciado]”, “una palabra tuya bastará para sanarme”. La palabra, pues, tiene valor creador, otorga realidad a todo lo pensado, lo nombra y por ende lo encarna. El acto de nombrar es creativo, y esa es una función de los dioses. Y también del poeta.

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“En la tercera parte, el poeta adapta el tema clásico de la lucha entre lo carnal y lo espiritual, a la solución del imaginario colectivo religioso...”

actual de la negación del cuerpo, de lo material. Cierra el poemario la cuarta parte con un único poema que aspira a ser síntesis de lo deseado y lo accesible, a través del amor como fuerza unificadora de ambos mundos.

Quizá, y esto seguramente es así de modo universal, carne y espíritu, materia y pensamiento logran su alquimia unificadora gracias a la fuerza del amor. Al fin y al cabo, ese y no otro, es el objetivo de todo ser vivo y de cualquier dios también –al menos tal y como dicen los textos metafísicos y herméticos y también, felizmente, este libro-.

en sí mismo, y finalmente el poeta aspira a superarlo, por haberse quedado sujeto al recuerdo y la añoranza del tiempo pasado de la infancia y del amor. En la tercera parte, el poeta adapta el tema clásico de la lucha entre lo carnal y lo espiritual, a la solución del imaginario colectivo religioso y para quien no lo sea, platónico: el ascetismo. Pero un ascetismo radical y destructivo como es la anorexia.

La anorexia es un tema muy interesante, ya que las personas que padecen este trastorno parecen negar su propia existencia en el mundo por un radical desacuerdo con “la realidad”, una realidad que profundamente les disgusta, y les produce un profundo dolor y rechazo. El hallazgo de esta parte es precisamente utilizar la anorexia como metáfora

LA PALABRA Y LA CARNE Javier Díaz Gil Prólogo de José Cereijo.

Ruleta Rusa Ediciones.

Madrid, 2016.

ISBN: 978-84-945296-0-3

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Literatura

El Atelier:

Gloria Fuertes Poeta de guardia Por: Inma J. Ferrero

rra o generación de 1936 (1), promoción de 1936 y que más tarde la crítica ha unido a la Generación del 50 (2) y al movimiento poético denominado postismo (3), nace el 28 de julio de 1917 en Madrid, concretamente en la calle de la Espada, del castizo barrio de Lavapiés, en el seno de una familia humilde. Su madre es costurera y su padre portero, tiene ocho hermanos de los cuales sólo sobreviven cuatro. Realiza sus estudios en el Instituto de

Este 2017 se cumple el centenario de la poeta Gloria Fuertes. Su figura generalmente relacionada con la literatura infantil se reivindica y toma forma en los ojos de quienes comienzan a redescubrirla a través de los diferentes homenajes y exposiciones que se vienen realizando desde el comienzo del año.

Gloria fuertes, poeta ligada al movimiento literario de la Primera generación de posgue42

“Su interés por las letras comienza a temprana edad, publicando a los 14 años su primer poema...”

Educación Profesional de la Mujer obteniendo los diplomas de Taquigrafía, Mecanografía.

Su interés por las letras comienza a temprana edad, publicando a los 14 años su primer poema. Su madre muere en 1934, y comienza a trabajar en un taller de metalurgia como contable, compaginando esta labor con la escritura. En 1935 dio su primer recital poético en Radio Madrid y continúa trabajando como secretaria en diferentes oficinas.

En 1939 comienza a trabajar como redactora de la revista infantil “Maravillas”, donde publica poemas, historietas y cuentos para niños.

A partir del año 1940, se estrenan diversas obras de teatro para niños de su autoría, y fue en este año también 1940, cuando comienza a participar en la revista femenina “Chicas”.

En el año 1947 recibe el primer premio de Letras para canciones de RNE. Dos años más tarde (1949) publica el libro “Canciones para niños” y un año más tarde “Pirulí. (Versos para párvulos)”

“Junto a Adelaida Lasanta, forma el grupo femenino “Versos con faldas” en el año 1951, dedicado a ofrecer lecturas y recitales poéticos por los cafés y bares de la capital...”

En el año 1950 organiza la primera biblioteca ambulante para niños, llevando libros a los pequeños pueblos que no tienen medios económicos o con una alta tasa de analfabetismo, tan imperante en la España del momento.

También será en este año 1950, cuando sale a la luz la publicación de la “Isla Ignorada”.

Junto a Antonio Gala, Rafael Mir y Julio Mariscal, funda la revista poética el Arquero, de la que es directora hasta 1954.

Caracas. Este mismo año aparece “Aconsejo beber hilo” en la colección Arquero.

Durantes los años 1955 a 1960, cursa estudios de biblioteconomía e inglés, y obtiene la primera mención del concurso “Lírica hispánica” de Caracas con su obra “Todo asusta”.

Trabaja como bibliotecaria en el Instituto Internacional. Más tarde, desde 1961 a 1963, fija su residencia en Estados Unidos al recibir la beca Fullbright de literatura española. Durante su estancia en el país imparte clases en las universidades Bucknell, Mary Baldwin y Bryn Mawr. De regreso a España, imparte clases de español en el Instituto Internacional.

Junto a Adelaida Lasanta, forma el grupo femenino “Versos con faldas” en el año 1951, dedicado a ofrecer lecturas y recitales poéticos por los cafés y bares de la capital. Un año más tarde (1952) estrena su primera obra de teatro en verso “Prometeo”, en el teatro del Instituto de cultura hispánica, obra con la cual recibe el premio Valle-Inclán. En 1954 publica el libro “Antología Poética y Poemas del suburbio” en la editorial Lírica Hispanica de

Entre los años 1965 – 1972, obtiene diferentes 43

“Obtiene la beca March de literatura infantil que le permite dedicarse de lleno a la literatura...”

“La Oca Loca” (1977) El camello cojito (1978) El hada acaramelada (1973) La gata chundarata y otros cuentos (1974) El dragón tragón (1978) La momia tiene catarro (1978) El libro loco. De todo un poco (1981) El perro que no sabía ladrar (1982) El abecedario de don Hilario (1983) Trabalenguas para que se trabe tu lengua (1988) El cocinero distraído (1994)

premios literarios, entre los que se encuentran, Premio Guipúzcoa, Premio Lazarillo de Tormes. Obtiene la beca March de literatura infantil que le permite dedicarse de lleno a la literatura.

Teatro La princesa que quería ser pobre (1942) El chinito Chin-cha-té (1955) Petra, un señor pregunta por ti (1970) Las tres reinas magas (1978)

En el año 1970 comienza a colaborar en diversos programas infantiles de TV, recibiendo numerosos premios a la mejor escritora de televisión. Durante esta década también colabora en la revista “La codorniz” (4) de Miguel Mihura y en la revista “Discóbolo”

Televisión Un globo, dos globos, tres globos La mansión de los Plaff La cometa blanca Big Vand Los pequeños niños atacan de nuevo

En la siguiente década (1980) continúa su actividad dentro de la literatura infantil y adulta recibiendo numerosos premios por su labor literaria. En el año 1982, estrena en el Teatro Lavapiés su obra “Las tres Reinas Magas”

Obras para adultos

Gloria Fuertes muere en Madrid en el año 1998, en un primer momento es enterrada en el cementerio del Sur (Carabamchel) para ser trasladada más tarde al cementerio de la Paz (Alcobendas).

Isla ignorada (1950) Antología y poemas del suburbio (1954) Aconsejo beber hilo (1954) Todo asusta Caracas (1958) Que estás en la tierra (1962) Ni tiro, ni veneno, ni navaja (1965) Poeta de guardia (1968) Cómo atar los bigotes del tigre (1969) Antología poética (1950-1969) Sola en la sala (1973) Cuando amas aprendes geografía (1973) Obras incompletas (1980) Historia de Gloria: (amor, humor y desamor) (1983) Mujer de verso en pecho (1983)

OBRA: Obras para niños Canciones para niños (1956) Villancicos (1956) Cangura para todo (1968) Don Pato y Don Pito (1970) Aurora, Brígida y Carlos (1970) La pájara pinta (1972) 44

Pecábamos como ángeles (1997) Glorierías (1999) Es difícil ser feliz una tarde (2005) El Rastro (2006) Se beben la luz (2008) Los brazos desiertos (2009) El caserón de la loca (2010) Poemas prácticos más que teóricos (2011)

vanguardias de principios de siglo.

(4) La Codorniz fue una revista de humor gráfico y literario publicada en España desde 1941 a 1978. Se autoproclamaba «La revista más audaz para el lector más inteligente», y posteriormente también «Decana de la prensa humorística». Fueron sus directores Miguel Mihura (1941-1944), Álvaro de Laiglesia (1944-1977), Manuel Summers (1935-1993) y Cándido (1978).

NOTAS: (1) Primera generación de posguerra promoción de 1936 o generación de 1936, se ha llamado al movimiento literario situado entre 1936 y 1941 constituido en España por los escritores, poetas y dramaturgos de la época de la Guerra Civil Española.

BIBLIOGRAFÍA: Fundación Gloria Fuertes Wikipedia Instituto Cervantes

(2) Generación del 50: La Generación del 50 es un grupo de poetas que, partiendo del realismo social y la crítica a los aspectos más sórdidos de la vida política y social de la España de la postguerra, acentúa el carácter de experiencia sentimental de la poesía y reivindica plenamente su lado estético, su condición de arte de lo humano.

(3) Postismo: Movimiento literario y artístico que surgió en España en 1945 y que se propuso renovar la estética de todas las 45

Santiago de Compostela - Galicia - EspaĂąa

Música

Chopin el impresionista Por: Aimé Lambert (Compositor y Pianista)

“Hay muchos estudios exhaustivos sobre la armonía de Chopin, en virtud de su apariencia sencilla y sintonizada...”

Las obras de Chopin ventanas al futuro “Este tercer tema, suave y delicado, que llevaba constantemente armonías deslumbrantes.

La línea melódica está en curso. Un momento, un canto escapa, permanece suspendido y cae sin fuerzas, atraído por los arreglos. La intensidad aumenta. Un nuevo tema estalla, un bello lirismo, todos italianos. Todo se calma. La tumba se encuentra una línea rápida, temblando, se cierne sobre armonías preciosos y tiernos. Uno piensa en una misteriosa apoteosis.” Maurice Ravel sobre “Polonaise Fantaise”.

menudo compleja.

Chopin es una rareza entre los compositores que desarrollan sus composiciones en un intervalo de tiempo muy corto. A excepción de su sonatas, conciertos y sus baladas. Esta concentración de la obra está motivado por la preocupación de contar todo, hasta el mínimo detalle, en el sentido de que no hay nada que añadir, todo está dicho, para los que entienden que el tiempo y el espacio deben ser abolidos, en tanto que la percepción auditiva

Hay muchos estudios exhaustivos sobre la armonía de Chopin, en virtud de su apariencia sencilla y sintonizada. Pero en realidad la obra de Chopin esconde muchas sorpresas, claramente evidentes en la escritura que es a 48

de la obra ha llegado a su límite filosófico. El absoluto debe ser entendido como lo define Hegel, Fichte y Schelling.

Chopin es un compositor nostálgico, las preocupaciones de su alma son palpables a lo largo de su obra, por ejemplo cuando compuso su Mazurca Nocturna. Esta está toda impregnada de nostalgia por su país de origen.

El título “Barcarolle” es sugerente, pero engañosa al mismo tiempo. Por definición, la Barcarolle recuerda el movimiento de un barco que se desliza en el agua, es decir, el gondolero dirige su Barcarolle remando en un regular ritmo lento, se escucha un movimiento silencioso y el ritmo imperturbable hasta su fin.

Uno escucha, de hecho, en algunos compases, que el ritmo es consistente alejado de las con las expectativas comunes, puesto que el desarrollo es complejo y afectado por su modulación, su atrevida armonía, adornos, están una dimensión muy alejada de la canción veneciana.

El origen de la obra: Chopin estaba planeando un viaje a Italia pero pronto le dio de lado, dado que del hijo de George Sand era reacio a tal viaje. Probablemente este contratiempo con respecto al cambio de planes de la visita a Italia, inspiró a Chopin, a la hora de escribir esta pieza. Los primeros manuscritos datan del otoño de 1845, pero el trabajo se completó en el verano de 1846.

Sin entrar en un análisis ya realizado por otros musicólogos competentes, hay que señalar que fue una sorpresa total, en la primera de sus audiciones.

Esta pieza supone una ruptura total con la idea de que tenemos de un romántico y enfermizo Chopin.

Dedicado a impartir clases de música a la señora Anne Veyret. Esposa de Carlos Veyret, un cónsul honorario y rico en Ecuador dedicado a la industria. Chopin compone varias piezas dedicadas a ellos como testimonio y símbolo de amistas, sin que ello suponga ningún interés monetario.

Realmente no se puede adivinar la génesis de esta composición, el único rastro de ello lo tenemos en unas líneas escritas por Chopin en su correspondencia. “Me gustaría terminar mi Sonata para violonchelo, mi Barcarolle y algo más a lo que no he dado aún nombre...” escribió Chopin. En una carta en diciembre de 1845. Esta pieza se la dedicó a la baronesa Stockhausen. Su famosa balada en sol menor se la dedicó al marido de esta, el Baron Stockhausen “, el embajador de Francia en Hannover.

La labor creadora de Chopin se impregna con una poesía indescriptible, y da la sensación de una ventana abierta a otro mundo y como Jean Cocteau dijo “Nada existe sin atreverse a desobedecer las reglas”

Su “obra culminante” es la “Polonaise Fantaise”, que es la última obra maestra del compositor.

Es notable que Chopin es consciente de la repercusión que sus composiciones tendrán para la música del futuro, y es consciente del legado que transmite a las siguientes genera49

“Es necesario dejar al oyente, que escuche atentamente las composiciones de Chopin...”

ciones de músicos y compositores, como las últimas piezas de Liszt su último año de peregrinación “Ou sa Godole funèbre”, escrito en 1882 y su “Nuage gris” La introducción de la “Polonaise Fantaise” está envuelta en un espacio-tiempo que deja espacio para soñar, y en previsión a la suite. Estos pocos compases tempranos serán también perceptibles en Debussy, la economía de los medios de escritura, así como los acuerdos y la altura impresionista repetitivos.

El resultado es notable por su armonía, modulaciones y cambios de tempos, para volver a los acordes y al desarrollo de la primera, que cierra la composición. Chopin es en este estilo el ejemplo único.

equivocada.

Las impresiones acerca de la obra de Chopin son muchas, hay muchos oyentes que encuentran en su obra diferentes matices. Ya que la música se asemeja a la multiplicidad de matices que por ejemplo tiene la poesía.

Por lo anterior debemos preguntarnos ¿Qué significa escuchar un poema?, cada oyente lo percibirá de manera diferente, al igual que el espectador que mira una pintura, tendrá una impresión diferente de lo que ha visto.

Aunque muchos musicólogos no comparten este punto de vista, creemos que nuestra opinión no es descabellada.

“J’ai conquis les savants et les sensibles.

Il y aura de quoi bavarder.” Chopin (1829)

Recordemos el contexto de su tiempo, para admitir que Chopin no es una excepción, y su “visión deslumbrante” del futuro no es dominio exclusivo de los compositores románticos.

“Estoy cada vez más convencido de que la música, por su propia naturaleza, es algo que no se puede convertir en una forma fija y tradicional. Está hecha de colores y ritmos” Debussy

Es necesario dejar al oyente, que escuche atentamente las composiciones de Chopin, para poder discernir si nuestra opinión es admisible o por el contrario es completamente

Traducido por: Inma J. Ferrero 50

Música

El que hoy se catalogue separadamente música y arte se debe a…

Por: Agustín Barahona (Compositor y Pianista)

«Me temo que el que hoy en muchos sitios se piense en arte y música como categorías distintas se debe o bien a que la gente no sabe que la Música de verdad es arte o bien a que la gente está llamando arte y música a cosas

que no lo son. Ambas posibilidades serían debidas a dos causas: Por una parte, al constante y ya antiguo esfuerzo político manipulador para hacer creer 52

que las producciones sonoras de aspecto caótico y extremadamente atonales que se presentan en las salas de conciertos subvencionadas con dinero público son la música clásica del presente, que debe poder gustarse expresamente para poder tener derecho a declararse intelectual moderno –falsedad obvia, pues la inmensa mayoría de los músicos profesionales y gente culta abominan de esas farsas y la verdadera música clásica que seduce de inmediato los corazones ha seguido y sigue existiendo, sin necesidad alguna de subvenciones–.

tos con las producciones sonoras de aspecto caótico e incomprensible, generando el lógico y consiguiente rechazo y dejando a la gente indecisa o desinformada presta para caer paulatinamente en el consumo de ese tipo de productos de mercado.

La situación creada para la manipulación nunca ha sido más fácil y con menos resistencia.

De este modo se hace dirigir al público hacia dos vías con un sólo futuro cada vez más demencial, deshumanizado y fácil y mansamente gobernable»

Y, por otra parte y simultáneamente, al fomento cada vez mayor de las simples producciones sonoras populares comerciales de base rítmica –que funcionan a nivel neuronal de un modo similar a las drogas– junto con el cultivo de la idea de que éstas son realmente ‘la música’, en su sentido genérico, haciendo ver que lo otro, lo que se presenta en las salas de conciertos, es otra cosa, al asociar en el imaginario popular las salas de concier-

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Entrevista

Lior Shambadal EL MENSAJE ESPIRITUAL DE LA MÚSICA Por: Inma J. Ferrero

En esta ocasión nos acompaña el director de orquesta israelí Lior Shambadal, actualmente director de la Sinfónica de Berlín, que ha tenido la amabilidad de conceder esta entrevista a Proverso.

Viena, ya realizar estudios con Carlo Maria Giulini, Igor Markevitch, Sergiu Celibidache y Franco Ferrara. Continuó su educación con, entre otros, la Música Electrónica en Viena y la composición en Francia con Witold Lutoslawski y Henri Dutilleux.

estudió viola, trombón y dirección en su ciudad natal de Tel Aviv. Estudió teoría y composición con Sergiu Natra. Sus estudios lo llevaron a Carles Melles en el Mozarteum de Salzburgo, así como a Hans Swarowsky en

Su extensa actividad de conciertos lo vincula con las orquestas de Israel y Europa: 1980 director principal de la Orquesta Sinfó54

nica de Haifa 1986-1993 Jefe de la Orquesta de Cámara del Kibutz en Tel Aviv, con la que realizó numerosas giras por toda Europa 1993 hasta el final del 2000 director musical del Pfalztheater Kaiserslautern, donde él también se dedicó a la apertura de un nuevo teatro Desde 1997, director principal de la Berliner Symphoniker 2000 a 2003 director principal de la RTV Slovenia Symphony Orchestra, en Ljubljana 2008 a 2010 director principal de la Orquesta Filarmónica de Bogotá en Colombia Lior Shambadal es conocido internacionalmente a través de sus producciones de CD y televisión, así como a través de apariciones como director invitado con orquestas internacionales.

Como docente imparte clases magistrales para directores incluyendo en Canadá, Italia y

“Con 17 años fui a un concierto de la orquesta sinfónica de Israel y escuché la 2ª sinfonía de Mahler...después del concierto, al regresar a casa me dije a mi mismo que quería ser director de orquesta...”

orquesta sinfónica de Israel y escuché la 2ª sinfonía de Mahler, más tarde estuve con el director Paul Kletzki, después del concierto, al regresar a casa me dije a mi mismo que quería ser director de orquesta, yo ya sabía tocar otros instrumentos como la viola, el violín y el piano. Mi familia tiene una larga tradición de músicos.

Para mí la música encierra un misterio sagrado, un mensaje espiritual, no lo considero un trabajo o una carrera pero como todo necesario trabajar.

Berlín, donde los participantes aprenden aspectos críticos de la realización, el estudio de la partitura, el análisis musical, la técnica de realización y los principios de trabajo con los cantantes.

R.P: ¿Cuáles son las premisas que sigue a la hora de dirigir?

L.S: Yo siempre trato de dirigir la pieza que ha sido escrita por el compositor sin florituras, pienso que lo más fácil es realizar una interpretación libre de la pieza que ha sido escrita utilizando adornos u otros artificios, pero dirigir la pieza tal como ha sido escrita, y por lo

R.P: ¿Qué le llevo a querer ser director de orquesta?

L.S: Con 17 años fui a un concierto de la 55

“Mi compositor favorito es aquel que estoy dirigiendo en el momento...”

pués de dirigir a la sinfónica de Berlín durante tanto tiempo, debo decir que me inclino más por los compositores alemanes: Beethoven, Brahms, Mendelssohn, Schumann, etc.

tanto acercarse lo máximo posible a la concepción que el compositor tiene a la hora de crearla, es más difícil.

R.P: ¿Crees que es importante que tu elección respecto al repertorio debe ser compartida por los músicos de la orquesta que diriges?

R.P: Hay una expresión inglesa que dice “El director dirige a la orquesta como a una rebaño, con respeto y terquedad” ¿Esta frase tan apropiada para el temperamento inglés define realmente al trabajo del director de orquesta?

L.S: Dependiendo de la orquesta a la que dirijo, refiriéndome a la nacionalidad de la orquesta, interpreto un repertorio u otro, puesto que pienso que interpretarán con mayor facilidad la música de su país de origen, ya que entienden mejor a los compositores de su propia nacionalidad.

L.S: Para dirigir una orquesta es imprescindible ser humilde ante la música, tienes que hacer ver a los músicos que eres alguien al que pueden seguir, alguien en el que pueden confiar, si hay alquimia entre la orquesta y el director, los músicos se dejarán guiar por él.

R.P: ¿Suele pedirle su opinión sobre el repertorio a los músicos de la orquesta que dirige?

R.P: ¿Cuál es su compositor favorito?

L.S: No pido opinión sobre el repertorio a los músicos de la orquesta, yo soy el director y soy quién elige las piezas, esa es una de mis labores.

L.S: Mi compositor favorito es aquel que estoy dirigiendo en el momento, aunque des-

R.P: ¿Escucha a otros colegas? y si es así ¿Es crítico con ellos?

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“La educación musical es pésima en toda Europa, incluso es pésima en los EEUU. Hay muchas orquestas que han cerrado a lo largo de toda Europa...”

lombia, Venezuela) y China, en estos países el interés por la música clásica es más palpable.

R.P: ¿Qué le dirías a los jóvenes que se acercan a la música clásica por primera vez?

L.S: Deben buscar la música separa de la imagen, deben buscar la música sin ningún adorno que distraiga, de este modo llegarán a ella con más facilidad y la relación con esta será más enriquecedora.

L.S: Nunca escucho a otros colegas, por supuesto que escucho a directores de otro tiempo, como por ejemplo a Toscanini, pero nunca a directores que sean contemporáneos míos.

R.P: ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

R.P: ¿Cree que actualmente la música clásica tiene influencia? ¿Qué podría mejorar en Europa con respecto a ella?

L.S: Masterclass de dirección de orquesta en Berlín con música de Brahms, Masterclass en Barcelona del 1 al 3 Abril y concierto a Reus 7 Abril, conciertos en Israel, Kazakhstan, Vicenza, Serbia, Berlín, China…

L.S: La educación musical es pésima en toda Europa, incluso es pésima en los EEUU. Hay muchas orquestas que han cerrado a lo largo de toda Europa, por ejemplo en Italia y España. Se ha perdido el interés en la música, se ve como un hobby, pero no como una carrera profesional y es aquí dónde nos equivocamos. Los mejores países para la música clásica actualmente son América del Sur (Co-

Muchas gracias por contestar a nuestra entrevista.

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Pintura

MURILLO FIGURA DEL BARROCO ESPAÑOL Por: Isabel Rezmo

El Año de Murillo está a punto de comenzar.

La celebración del IV Centenario de su nacimiento está en marcha y se prolongará hasta 2018.

ralismo tardío, evolucionó hacia fórmulas propias del barroco pleno con una sensibilidad que a veces anticipa el Rococó en algunas de sus más peculiares e imitadas creaciones iconográficas como la Inmaculada Concepción o el Buen Pastor en figura infantil.

Pintor barroco español. Formado en el natu58

Personalidad central de la escuela sevillana, con un elevado número de discípulos y seguidores que llevaron su influencia hasta bien entrado el siglo XVIII, fue también el pintor español mejor conocido y más apreciado fuera de España, el único del que Sandrart incluyó una breve y fabulada biografía en su Academia picturaeeruditae de 1683 con el Autorretrato del pintor grabado por Richard Collin. El grueso de su producción está formado por obras de carácter religioso con destino a iglesias y conventos sevillanos, pero a diferencia de otros grandes maestros españoles de su tiempo, cultivó también la pintura de género de forma continuada e independiente a lo largo de buena parte de su carrera.

VIDA Bartolomé Esteban Murillo nació en Sevilla y fue bautizado allí el 1 de enero de 1618. Su padre, Gaspar Esteban, era barbero-cirujano; su madre, María Pérez Murillo, provenía de una familia de plateros y pintores. Siguiendo la tradición andaluza, el pintor adoptó el apellido materno, Murillo, en vez del paterno.

Quedó huérfano a la edad de nueve años

El éxito de esta realización le aseguró trabajo y prestigio, de modo que vivió desahogadamente y pudo mantener sin dificultades a los nueve hijos que le dio Beatriz Cabrera, con quien contrajo matrimonio en 1645. Después de pintar dos grandes lienzos para la catedral de Sevilla, empezó a especializarse en los dos temas iconográficos que mejor caracterizan su personalidad artística: la Virgen con el Niño y la Inmaculada Concepción, de los que realizó multitud de versiones; sus vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en sevillanas conocidas del artista

“El grueso de su producción está formado por obras de carácter religioso con destino a iglesias y conventos sevillanos...“ cuando, en un plazo de seis meses, perdió a ambos padres. Recibió instrucción en el estudio que tenía en Sevilla Juan del Castillo, pariente suyo por parte de madre, pero no hay constancia de un contrato de aprendizaje. En 1645 Murillo contrajo matrimonio con Beatriz Cabrera y Villalobos, con quien estuvo casado veinte años y tuvo once hijos.

Tras una estancia en Madrid entre 1658 y 1660, en este último año intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el Mozo. En esa época de máxima actividad recibió los importantísimos encargos del retablo del monasterio de San Agustín y, sobre todo, los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos de Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna) y para el Hospital de la Caridad (cuadros sobre las obras de misericordia)

Recibió su primer encargo importante, una serie de lienzos destinados al claustro de San Francisco el Grande; la serie se compone de trece cuadros, que incluyen La cocina de los ángeles, la obra más celebrada del conjunto por la minuciosidad y el realismo con que están tratados los objetos cotidianos.

Tras la serie del Hospital de la Caridad, es59

“En el siglo XIX las obras de Murillo alcanzaron gran popularidad influyendo en algunos artistas de este periodo...“ mirable repertorio de mendigos. Además legó a los capuchinos de Cádiz cierta cantidad de dinero que emplearon en la pintura del retablo de su iglesia, encargado a Murillo.

La leyenda de su muerte, tal como la refiere Antonio Palomino, se relaciona precisamente con este encargo, pues habría muerto como consecuencia de una caída del andamio cuando pintaba, en el propio convento gaditano, el cuadro grande de los Desposorios de Santa Catalina. La caída, sostenía Palomino, le produjo una hernia que «por su mucha honestidad» no se dejó reconocer, muriendo a causa de ella poco tiempo después. Lo cierto es que el pintor comenzó a trabajar en esta obra sin salir de Sevilla a finales de 1681 o comienzos de 1682, sobreviniéndole la muerte el 3 de abril de este año. Solo unos días antes, el 28 de marzo, había participado aún en uno de los repartos de pan organizados por la Hermandad de la Caridad, y su testamento, en el que nombraba albaceas a su hijo Gaspar Esteban Murillo, clérigo, a Justino de Neve y a Pedro Núñez de Villavicencio, va fechado en Sevilla el mismo día de su muerte.

En él declaraba que dejaba sin acabar, entre otras obras, cuatro lienzos pequeños que le había encargado Nicolás de Omazur y el gran lienzo de los Desposorios místicos de santa Catalina para el altar mayor de los capuchinos de Cádiz, del que pudo completar sólo el dibujo sobre el lienzo e iniciar la aplicación del color en las tres figuras principales, siendo completado por su discípulo Francisco Meneses Osorio, a quien corresponden íntegros los restantes lienzos del retablo conservados todos ellos en el Museo de Cádiz.

pléndidamente pagada, Murillo no recibió nuevos encargos de esa envergadura. Un nuevo ciclo de malas cosechas llevó a la hambruna de 1678 y dos años después un terremoto causó serios daños. Los recursos de la iglesia se dedicaron a la caridad, aplazando el embellecimiento de los templos. Con todo a Murillo no le faltó el trabajo gracias a la protección dispensada por sus viejos amigos, como el canónigo Justino de Neve y los comerciantes extranjeros establecidos en Sevilla, que le encargaron tanto obras de devoción para sus oratorios privados como escenas de género. Nicolás de Omazur, llegado a Sevilla hacia 1669, llegó a reunir hasta 31 obras de Murillo, alguna tan significativa como Las bodas de Caná de Birmingham, BarberInstitute.

Otro de esos comerciantes aficionado al pintor fue el genovés Giovanni Bielato, establecido en Cádiz hacia 1662. Bielato falleció en 1681 dejando al convento de capuchinos de su ciudad natal los siete cuadros de Murillo de diferentes épocas que poseía, dispersos en la actualidad en diversos museos. Entre ellos figuraba una nueva versión en formato apaisado del tema de Santo Tomás de Villanueva dando limosna (Londres, The Wallace Collection, hacia 1670), con un nuevo y ad-

OBRA Conocido como pintor de redondeces y dulzuras, si a una imagen se asocia el nombre de Murillo es a la de sus vírgenes, siempre puras y delicadas, sencillas en la comprensión y ex60

una imagen de humanidad y simpatía.El pintor representa la vida de mendicidad y pobreza de Sevilla, que a pesar de ser una de las ciudades más importantes y con más comercio de la península, por esa misma razón, era también una de las que recibía mayor número de indigentes. A esto hay que añadir los estragos de la peste y la profunda crisis económica y social a que había conducido la monarquía absoluta de la Casa de Austria. Todo ello contribuyó a la miseria y práctica del pillaje.

quisitas, envueltas por una gracia que hoy día quizá para algunos gustos pueda pecar de sentimental. Su estilo se divide para un mejor análisis en tres fases o periodos (denominados por Ceán Bermúdez): el estilo frío (hasta 1652), el cálido (1652-1656), y el vaporoso (aproximadamente de 1667 a 1682).

Una vez aprendida la base del oficio, la siguiente influencia en la vida pictórica de Murillo vendrá determinada por Pedro Moya, quien, de paso por Sevilla en 1642, y después de estar en Londres, le hará partícipe de lo que en esta ciudad se estaba llevando a cabo (habría conocido a Van Dyck poco antes de su muerte), suscitando en Murillo por medio de copias e impresiones comentadas el deseo de partir de viaje para visionar este tipo de arte también. No irá tan lejos sin embargo, llegando hasta Madrid (según la teoría de Céan Bermúdez) para regresar poco después a su ciudad de origen.

En el siglo XIX las obras de Murillo alcanzaron gran popularidad influyendo en algunos artistas de este periodo, llegó a ocupar un lugar cumbre entre los coleccionistas y críticos como representante por excelencia de la Escuela española, hasta por encima de Velázquez. Luego, con las vanguardias del siglo XX, su estrella se vio eclipsada por El Greco y Velázquez. Artista considerado fácil y devoto, tuvo que esperar hasta los años 70 del siglo XX, para que se diera inicio a su recuperación crítica, el aprecio de su originalidad iconográfica y su extraordinaria habilidad técnica.

Actualmente está considerado como uno de los grandes maestros de la historia del arte y sus cuadros se reparten con prestigio en todos los grandes museos del mundo.

Aunque pueda parecer lo contrario, en parte debido a la fama con la que Murillo ha pasado a la posteridad, no es éste un pintor tan sólo de idealizadas y edulcoradas vírgenes.

Es fácilmente reconocible en el uso de colores brillantes, de vaporosas superposiciones y de fantasías elegantes y contenidas, pero no es el único tipo de pintura al que se dedicó.

De hecho su obra sufrirá una evolución desde los primeros temas de corte tenebrista de su juventud, con los que recoge el vivir en los barrios pobres sevillanos, hasta las bellísimas y serenas inmaculadas de sus últimos años.

Así, ejemplos de costumbrismo realista se pueden considerar lienzos como el titulado Niños comiendo melón y uvas, o Vieja espulgando a un niño, en los cuales además aparece uno de los temas recurrentes de Murillo: la infancia, que aparece representada de forma anecdótica, copartícipe en las obras marianas, e incluso con una carga dramática. Destaca en este sentido la pintura de género realizada con realismo y gran naturalismo. Estas pinturas presentan en su mayoría escenas picarescas con niños mendigos en diversas actitudes, como son los Niños jugando a los dados o el Joven mendigo, y a pesar de la miseria que muestran, el pintor consigue crear 61

Portafolios

Inma J. Ferrero:

No sólo poesía Por: Elisabetta Bagli

Inma J. Ferrero, destacada poeta contemporánea, es una artista polifacética que en su actividad abarca muchas ramas de la literatura siendo poeta, libretista, crítica literaria, organizadoras de eventos literarios y directora y fundadora de la Revista cultural Proverso con

la que colaboro ya desde algunos meses. En los últimos tiempos Inma J. Ferrero se está dedicando a la poesía performativa sobre el escenario. La poesía performativa hace hincapié no sólo en el sentido de las palabras sino en su sonoridad, en la música que las 62

acompaña, en las imágenes y en toda la escena que hay que dibujar para que el lenguaje utilizado se vuelva aún más poderoso e impactante. Es un tipo de poesía que ayuda mucho a que unos temas puedan verse mejor reflejados y dejen huella en el espectador que recibe el texto poético.

Los mismos sentimientos los tuvimos el día 8 de marzo en la representación del espectáculo “Negli occhi di una donna” en la Scuola Statale Italiana di Madrid cuando Inma J. Ferrero, junto con la también poeta Elisabetta Bagli, protagonizaron una performance teatral muy impactante sobre la violencia de género, representando tanto la violencia psicológica como la física, de una manera muy sencilla, pero muy llamativa que gustó mucho a los alumnos de los cursos superiores del colegio.

El acontecimiento esta vez contó con la participación además de la música de Boriz Kozak, de la fotografía de la artista visual Rosa Gallego del Peso, también muy comprometida con este tipo de denuncia a través del arte. El Tenor Ricardo Saéz y el pianista Luca Chilese dieron un recital musical dedicado a la mujer que tuvo mucho éxito entre los alumnos.

Y al final del evento, el psicólogo Andrea Bevilacqua y la abogada Norma Pellegrino dieron una conferencia muy interesante, siempre sobre el mismo argumento para despertar las conciencias de los jóvenes que son nuestro futuro. Este acontecimiento fue promovido por la Directora del colegio Paola Gasco, y participaron en él muchas Asociaciones, como la Universum Academy Switzerland y la University of Peace con sede en España, la Dhama Asociación, la Asociación dei Pugliesi in Spagna, el Com.It. Es y nuestra Revista cultural Proverso.

Estas características están presentes en todos los poemas de Inma J. Ferrero, que tiene esta capacidad de dar al lector una visión gráfica de lo que como poeta quiere decirnos a través la lectura de sus versos. Sus poemas son muy breves, pero muy intensos, como todo su sentir, un sentir en el que se funden el tacto con la evocación de olores, sabores y sonidos que aunque sean sólo imaginados por el lector, parecen tan presentes y vivos que uno no puede quedarse sin entrar en la poesía intima e infinita de esta poeta. A tal fin no puedo dejar de hacer referencia al poema “Última letanía” de su último libro “El Acorde Perturbado” de Ediciones Vitruvio, en el que Inma Ferrero describe precisamente lo que estoy expresando: “El sonido/ de una lágrima/ no perturbará/mi tacto,/ ni besará/ mi ceño/ preocupado”. En este verso está todo el mundo poético de Inma, a quien le gusta experimentar y ponerse a la prueba en varias actividades que conllevan siempre al mismo fin: el arte.

A finales del mes de febrero Inma presentó su libro “El acorde Perturbado” en la Biblioteca Retiro. Los ponentes fueron el poeta Hilario Martínez Nebreda y el editor Pablo Méndez.

Ambos, en sus discursos, no dejaron de reflejar la potencialidad de la poesía de Inma J. Ferrero que es una poesía bella y tajante, una poesía directa y melódica, una poesía realista y moderna que por su forma de ser tan emotiva e íntima, a veces, recuerda, por los temas, a Alejandra Pizarnik y Sylvia Plath, aunque los poemas de Inma J. Ferrero gozan de un cromatismo auditivo del todo personal.

Durante la presentación de este libro tuvimos la suerte de escuchar unos poemas declamados en directo por la poeta. Fueron momentos muy emotivos, que resulta delicioso recordar ya que el alma de Inma J. Ferrero parecía en aquellos momentos desprenderse de ella y entrar en nuestros corazones.

Éxito tras éxito, Inma J. Ferrero está demostrando, cada día más, ser una garantía para la nueva generación poética, una mujer joven llena de talento y rica en ideas que sabe llegar al corazón del público con sus versos, y hacerse querer por él en modo totalmente natural, con humildad y con una sonrisa. ¡Hasta la próxima!

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Portafolios

PALABRAS CON HISTORIA

“PEPE, PACO y LUIS” Por: Marcos López Herrador El nombre de Pepe, para llamar afectuosamente o con confianza a quienes tienen el nombre de José, está tan asumido, y nos resulta tan habitual, que pocas personas se paran a pensar en qué tiene que ver un nombre con otro, porque resulta evidente lo distintos que son ambos términos. Cualquiera que lo haya intentado comprobará que no es sencillo derivar Pepe de José. Y efectivamente, esto ocurre porque la palabra Pepe es completamente diferente de José y, desde su origen, no deriva de ésta.

que remontarnos a las persecuciones que sufrían los cristianos en tiempos del Imperio Romano, cuando se consideraba al cristianismo como una secta peligrosa. Los cristianos perseguidos procuraban ser prudentes y no descubrirse ante sus perseguidores, por lo que tomaron la costumbre de utilizar diferentes símbolos para identificarse y comunicarse entre sí. De esta forma se utilizaba el signo del pez que tenía que ver con la grafía de Jesús en griego y con el concepto de‘pescadores de almas’. Algo parecido ocurrió con San José que, al ser tenido por padre de Jesucristo, sin serlo biológicamente, se le llamaba Pater Pu-

Para encontrar el origen de Pepe, tendríamos 64

tativus de Nuestro Señor, lo que se abreviaba escribiendo P.P., tal y como se puede comprobar en las catacumbas romanas. Así, cuando se referían verbalmente a San José, padre de Jesús de Nazaret, lo hacían llamándolo Pepe, término que se generalizó de tal forma que sigue utilizándose en la actualidad.

forma de escritura latina, y que tengamos en cuenta que en latín la V y la U se escriben igual. Visualicemos otra vez CLOVIS escrito en mayúscula y quitemos la “C”, nos queda LOVIS, pero como en latín la U y la V se escriben igual, bien que podemos leer LOUIS, que en francés es Luis.

Cosa parecida podemos decir del nombre de Paco,que no es una derivación de Francisco.

Para explicarlo,tenemos que remitirnos a una época también remota, aunque más reciente, como es la Edad Media, cuando San Francisco de Asís fundó su bien conocida orden monástica. Los franciscanos, cuando se referían su fundador, lo hacían añadiendo la coletilla de Pater Comunitas, como padre que era de la comunidad. Ese término, al reiterarse en los escritos, con el tiempo, fue abreviándose y pasó a escribirse, en lugar de Pater Comunitas, como Pa. Co., es decir, Paco. Y de ahí su uso hasta nuestros días.

Pensaremos, porque parece evidente, que con el nombre de Luis se pierde por completo el rastro del nombre de origen; bien, pues no es así porque en vasco el nombre de Luis es Koldo. No me digan que no les suena a Clodo… de Clodoveo. Y si pensamos en cómo se dice Luis en italiano, lo veremos más claro aún, porque Luis en italiano es Ludovico. No hay más que poner una “C” al principio para que suene Cludovico, con lo que resulta evidente que el rastro de Clodoveo no está perdido totalmente en la actualidad.

Con esto acabo, volviendo a hacer mención a cómo, tras palabras que utilizamos de forma cotidiana, se esconde una riqueza de contenido en la que apenas reparamos y que forma parte de nuestro patrimonio cultural milenario.

Caso bien distinto es el del origen del nombre de Luis. No es fácil encontrar la explicación que a continuación les voy a dar porque normalmente cuando se busca el significado de este nombre en un diccionario onomástico, la cosa se suele despachar con decir que significa “famoso guerrero”.

Pues bien, por increíble que pueda parecer, el nombre de Luis viene de Clodoveo. Sí, sí, tal y como les digo: viene de Clodoveo.

Clodoveo es el gran guerrero franco que funda la dinastía merovingia y que fue bautizado junto a tres mil miembros de su nobleza en la catedral de Reims, incorporando con ello a Franciaa la fe de la iglesia católica,en el año 496 de nuestra era.

Nótese que, a partir de entonces, todos los reyes de Francia fueron coronados en la catedral de Reims y que el nombre por excelencia de los monarcas franceses es el de Luis.

Veremos que no es casual. Al gran rey Clodoveo, que supo ganarse el amor de su pueblo por su buen gobierno y sabiduría, acabó llamándosele de forma cariñosa CLOVIS. Es importante que nos imaginemos el nombre escrito en mayúsculas, tal y como era la 65

Portafolios

EL ANAQUEL Los libros liberan más que nutren y quiero ser testigo de esta liberación.

Por: Matteo Barbato En muchas ocasiones la literatura nos regala textos aparentemente sencillos que, sin embargo, esconden dinámicas e historias complejas, profundas, trepidantes, enriquecedoras, agradables. Los libros que les voy a presentar este mes tienen estas características.

Música para feos Lorenzo Silva Temática: Narrativa contemporánea; Colección: Áncora &Delfín; Editorial Destino 224 pág. 18 euros Música para feos es, en primer lugar, un libro que se escucha mientras se lee: algunos momentos de la historia se enriquecen con las canciones que intercambian los protagonistasy sería interesante que el lector escuche la música citada en la playlist creada en Spotifymientras lee (https://play.spotify.com/user/1179416383/playlist/2ohDwHfiJp

AjtbvXQyNK3A).

Con esta novela Lorenzo Silva logra una historia creíble, cuyos personajes,de matices sencillos y amenos, recrean la intimidad que se espera de una bonita historia de amor (la protagonista es una voz femenina que parece abrirse a una confesión)y que atrapa al lector de principio a fin.La obra, además, mezcla bonitas reflexiones (la felicidad inesperada que produce un encuentro fortuito o la de disfrutar los regalos que te ofrece la vida, aunque estos sepierdan) con los trasfondos de soledad y de insatisfacción laboral anteriores al encuentro.

Recomiendo la lectura de estahistoria moderna, íntima y realista, porque el autor tiene las suficientes habilidades como para confeccionar una historiaemocionantey llevar al lector hasta suhermoso, y trágico, desenlace.

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DESDE LA SOMBRA Juan José Millás Narrativa española, 208 págs. Editorial: SEIX BARRAL 18.50 euros El sistema político mueve sus hilos desde la sombra y los alienados, también invisibles, crean un mundo paralelo, una realidad fantástica, para hallar su propio sitio en el mundo. La mirada crítica, la exquisitez estilística y el realismo fantástico se funden en esta historia novelada por la mano soberbia del consagrado autor Juan José Millás.

Desde la sombra relata una historia absurda e inverosímil, una escalofriante realidad paralela que se esconde en la mente de Damián, víctimadel sistema que nos saquea. Damián Lobo es un hombre solitario que habla con su alter ego (Sergio ´o Kane es el fruto de su propia conciencia) y cuando se encuentra sin trabajo, su vida real de forma paulatina se traslada a su imaginación. La novela relata con gran imaginación este camino, hasta una existencia fantasmal y plena…

Recomiendo el libro de Millás por la calidad de su mensaje metafórico (convertir la oscuridad de un armario en hogar o en útero materno es propio de una narrativa fuera de lo común), por relatar con maestría una historia inusual e insensata mezclándola con trazos de ácida realidad,con pinceladas de protesta, de ironía y de crítica a nuestro sistema capitalista (a esta máquina terrible que nos transforma de hombres en cuerpos sin conciencia y que nos está arruinando con sus agrios frutos).

Muy recomendable

EL GUARDIÁN EN EL CENTENO J. D. Salinger Editorial: ALIANZA EDITORIAL; Nº de páginas: 288 págs. 12 euros; año 1951 Todo un clásico de la literatura, una lectura amena y profunda a un tiempo que nos conduce hacia la adolescencia. La obra de Salinger, nos hace reflexionar, nos hace vivir los pensamientos del protagonista, nos hace amar las hazañas y los sinsabores de HoldenCauldfiel, sentir simpatía y emociones por su vida…nos hace quererle y nos dice al oído, es su desenlace, que su destino puede ser el nuestro. Simplemente arrollador…

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POESÍA PARA LEEN PROSA

LOS

QUE

Miguel Munárriz Colección Visor Poesía 220 págs. 14 euros.

En el territorio de la literatura, la poesía ha dejado de ser el gran impero de antaño para convertirse en una provincia diminuta. Las voces de muchos poetas son herméticas, difíciles, sombrías, culturalistas... Hoy la poesía no es popular, la mayoría de los lectores prefieren las novelas por no entenderla poesía, por no encontrar en su lectura el mismo placer que se encuentra con un libro escrito en prosa.

Miguel Munárriz (Gijón, 1951), poeta, periodista y experto en comunicación, ha escrito este libro para aquellos que “descreen de la poesía, que piensan que es un género difícil, plagado de claves para iniciados”.Lospoemas contenidos en esta antología son escritos con un lenguaje sencillo que, sin embargo, provocan emociones y reflexiones complejas tras su lectura. El autor quiere desmontar tópicos como “yo no leo poesía porque es difícil, porque no la entiendo”y nos demuestra que hay composiciones poéticas que pueden llegar a muchas personas. Merece la pena leer las brillantes composiciones contenidas en este libro.El lector podrá también conocer cuáles son los poemas favoritos de personajes del mundo de la literatura, la música, la política o el cine, desde Aute o Alborch, hasta Vargas Llosa o Watling, pasando por Ana Belén, Caballero Bonald, Cercas, Ángel González, Millás, Saramago...

En definitiva, debemos proteger la poesía para salvarnos con ella… porque el mundo se quiebra y la poesía lo sostiene…

Canto

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