Proverso, 1 de septiembre de 2016

Nº 6 Del 1 al 30 de septiembre de 2016 https://proversoblog.wordpress.com

PRoverso Miguel de Cervantes: Cervantes y la poesía

Apología del desastre JESUALDO JIMÉNEZ DE CISNEROS QUESADA

PABLO RUBÉN MALDONADO “EL PIANO ME HA PERMITIDO CANALIZAR EL LENGUAJE DEL FLAMENCO...“

Sumario P.10 Faustino Cuadrado Valero -

Que suene la “Cumparsita“ P.16 Antonio Pastor Gaitero - La

trova Madrileña

P.20 Cervantes y la poesía - Rocío Biedma P.30 Pablo Rubén Maldonado - El

brujo del piano P.34 Apología del desastre - Je-

sualdo Jiménez de Cisneros Quesada P.36 Il postino - Togore: Algo más

que una influencia P.42 La muerte de Mozart P.52 Salvador Dalí, la excentricidad

de un genio.

P.30

P.64 Mi fumado café con poesía -

Ángel González P.66 Isla Tiberina: una isla para vivir P.68 Palabras con historia - Lectura P.70 Cartelera.

P.20

MRV Editor Independiente 600 32 54 27 mrartiaga@hotmail.es http://mrvei.com

PRoverso

DIRECCIÓN GENERAL Inma J. Ferrero DIRECTOR ADJUNTO Isabel Rezmo DIRECCIÓN EDITORIAL Inma J. Ferrero / Isabel Rezmo

WEBSITE https://proversoblog.wordpress.com E-MAIL revistaproverso@gmail.com COLABORAN:

CRITICO MUSICAL Aimé Lambert MÚSICA Manuel Antonio Herrera IL POSTINO Giuseppe Quaranta MI FUMADO CAFÉ CON POESÍA Juanmaría G. Campal PALABRAS CON HISTORIA Marcos López Herrador EVENTOS Elisabetta Bagli EDITA MRV Editor Independiente DISEÑO GRÁFICO LaMásWeb

CARTA EDITORIAL

La Revista PROVERSO inicia en el mes de febrero de 2016 su primera edición, aquí encontrará artículos de carácter cultural escritos de una manera sencilla y amena, Proverso es el resultado de la fusión del trabajo entre poetas, escritores, músicos, artistas plásticos, diseñadores y fotografos (que irán compartiendo sus trabajos a lo largo de los siguientes números de la revista) que con mucha ilusión y determinación hemos decidido emprender este proyecto, que es un compromiso con nosotros mismos y con la sociedad que nos rodea. Pretendemos con esto mostrar en equilibrio el que hacer cultural en todas sus formas, sin limitarnos al plano literario. Para cumplir con el primer objetivo nos hemos trazado un plan que si bien es modesto significa un granito de arena, que sumado a otros esperamos puedan cubrir una amplia extensión del ambito cultural.

Dentro de Proverso contamos con secciones de información sobre textos literarios, crítica musical, entrevistas, artículos literarios, artículos sobre arte, reseña literaria, cartelera, todos ellos temas de interés general.

Agradecemos la confianza en recibirnos, trataremos que Proverso sea un vehículo de unión entre todas las artes. Esperando que esta revista sea de su agrado les invitamos a conocernos.

Inma J. Ferrero Director General

Museo Miguel Hernández - Josefina Manresa Quesada (Jaén)

Narrativa

Faustino Cuadrado Valero QUE SUENE LA “CUMPARSITA”

PR: ¿Cuándo comienzas en la escritura?

La revista Proverso inicia el curso 2016-2017 acogiendo en nuestras páginas al escritor madrileño Faustino Cuadrado Valero.

RP: Un día cualquiera, cayó en mis manos un folleto de publicidad. En él se hablaba de unos talleres y cursos que impartía un Centro de Formación. Después de ojear por encima los cursos que ofrecía, reparé en uno que en particular llamó mi atención :TALLER DE ESCRITURA CREATIVA, decía.

Además de su faceta de escritor, Faustino Cuadrado es LECTOR CRÍTICO PROFESIONAL. Imparte TALLERES LITERARIOS “on line”, así como presenciales.

Ha publicado “El último hogar que nos queda” (año 2013, editorial SELEER) “Los amantes infinitos” (año 2014, editorial DIVERSIDAD LITERARIA) “El reino de Akaba” (año 2015, editorial AMARANTE) y el cuento “EOier y el loro de las alas de color verde” (año 2015, editorial INICIATIVAS SOLIDARIAS ISEKIN)

Aquello me hizo recordar que de joven, yo había escrito varios cuentos y hasta el primer esbozo de una novela. Textos que aún guardo en el cajón de los recuerdos con mucho cariño y que algún día limpiaré de polvo y quizás los retome. Quién sabe...Me pillan un poco le10

janos, pero para eso están los maquillajes y las cremas, para reparar las arrugas y darlas lustre.

cada palabra.

Escribir significa para mí, algo tan grande como sabe bien quien escribe: libertad, sueños, paz, alegría, emoción, pasión infinita.

Cuando pensé en el anuncio, no lo dudé un segundo. Me matriculé en el curso y lo hice a pesar de que se celebraba en el horario que ocupaba mi escaso tiempo para comer. El horario de clases era muy extraño, recuerdo que comenzaba a las dos de la tarde y finalizaba a las cuatro. Decidí que no habría de importarme y que renunciaría a la comida con gusto.

QUE SUENE “LA CUMPARSITA” “Vamos a disfrutarlo por entero, aunque le deje a uno un leve poso de amargura en el pecho y un rastro de hiel en el estómago. A pesar de la herida que te procura, bien merece la pena recordarlo”

Fueron tres meses de taller, pero en ese tiempo en el que escuché muchas historias inventadas, en los que leí y escribí como hacía muchos años que no lo hacía, por falta de tiempo y porqué no decirlo, de ánimo para hacerlo.

Cambió radicalmente mi forma de entender el resto de mi vida y la manera de afrontarla en los años siguientes.

― ¡Hola!, por fin he podido acercarme a verte. Al despertarme y ver el cielo tan espléndido con el que ha amanecido, me he dicho convencido y me he dicho: hoy sin falta... Y he comprado estas flores para ti. Espero te gusten. ¡Cuánto tiempo ha pasado desde entonces! ¡Cuántas piedras me han lastimado hasta ahoray qué pocas alegrías tuve en esteintervalo de escasa bonanza! Porque, la vida me ha tratado de igual maneraque al resto y casi nuncaacudieron a mí las buenas nuevas.

No se dieron una vuelta por mis alrededores, aunque bien sabes tú, que nunca estuvo en miánimo, quejarme en exceso.

“Es una forma de vida, es un sentimiento. Una manera de alimentar el espíritu y llenarlo de ideas, de pensamientos y sensaciones. ...”

En una de las clases, la profesora del taller nos encargó una tarea a realizar para la clase siguiente. Había que describir la figura de un duende, hablar sobre él, decidir sobre cómo lo imaginábamos, hablar sobre su forma de ser, lo que podría facilitarnos. Todo en un folio apenas, ni más ni menos, lo que cupiera en una sola de las caras de la hoja.

Diez años… ¿Ya? Todo un mundo, una eternidad para esta vida que nos ha tocado vivir.

Porque diez años son más que suficientes para sacar conclusiones. La suma de todo lo vivido desde entonces, dio para mucho.Diez años son para celebrarlos. Pero no porque hayas estado ausente en este tiempo. Solo por el inmenso placer de haberte tenido y haberte disfrutado muchos años más, tantos, que mis recuerdos recrean el tiempo, y decido entonces, que fui feliz porque pude participar de tu vida; y claro, tú de la mía.

En ese día tan señalado para mí, nació Lenux, el duende, uno de los personajes principales de uno de mis libros, EL REINO DE AKABA. PR: ¿Qué es para ti escribir?

Tú, que cualquier cambio en la rutina de tus días te provocaba un dolor de cabeza insufrible. A menudo, recuerdo que la más simple de las novedades en tu vida, lograba que tu mirada se clavase absorta en el blanco de la pared, sentado en tu sillón favorito, entregado, permitiendo que el goteo del tiempo formalizara lo inevitable, entregándote en soledad

RP: Es una forma de vida, es un sentimiento.

Una manera de alimentar el espíritu y llenarlo de ideas, de pensamientos y sensaciones.

Siempre me expresé bien con la palabra y dije muchas cosas, pero escribir significa ahora que puedo expresar muchas más, con más poso y más reflexión, con más corazón en 11

a esa certeza, al tiempo que tus ojos vivían como perdidos.

Recuerdo bien, tu mano firme sobre la mía cuando íbamos al campo de fútbol de “El Pinar”, a disfrutar de los partidos dominicales.

Los bocadillos de sardinas en aceite y esos botellines de cerveza tan fría que te servían y que calmaban la sed del calor de la mañana.

Yo no tenía edad para la cerveza, lo sé, lo sabías, pero estábamos bien, estábamos juntos y éramos uno solo.

Y qué me dices de esa noche de invierno en la que me encontraba un poco apurado cerca del portal de casa, y tú llegabas cansado del trabajo. Te diste cuenta de inmediato y te pusiste manos a la obra. ― “Es que eran tres en contra de mí y me tenían acorralado” ―te dije después yo, una vez que todo hubo terminado.

Sacaste tus buenas maneras de hombre fajado en la necesidad de la postguerra y decidiste que no era justa la contienda, que de uno en uno sería lo más honrado, lo más cabal. Y ellos entendieron entonces que, si me querían zurrar, tendrían que hacerlo de uno en uno, y yo así sí estaría preparado y listo para lo que fuera, hasta para perder y besar el suelo. Pero solose dio la primera pelea y yo la gané. Los demás desistieron de su empeño —visto el resultado— y yo también lo hiceen años posteriores. Jamás volví a pelear con nadie más. Entendí que los puños nunca tendrán la razón. No son argumentos adecuados para convencer.

―Niño, pon “La Cumparsita”en el tocadiscos ―me pedías―. Dame ese gusto anda, que llevas mucho tiempo ya con esa otra música de locos. Y yo, colocaba con sumo cuidado, el vinilo sobre el plato. En el fondo, no me importaba quitar mi música y poner la tuya, con tal de verte así, feliz.

Cuidaste bien de mí. Cuidaste bien de nosotros. Ninguna prodigalidad. Ningún dispendio económico que bien sabíamosno podías permitirte. Los únicos excesos cometidos por ti, se vinculaban al exceso de trabajo. Tantas horas le robaste a tu mujer, al sueño; tantas como nos fueron hurtadas alos demás.

Pausado y silencioso.Taciturno a veces y disparatado otras, las menos, solo cuándo te encontrabas a gusto entre iguales en tu grupo de personas afines. Todos coincidían en lo mismo cuando hablaban de ti: simpático, serio, responsable...Conmigo y con la niña.

Pendiente de nosotros, orgulloso, aunque sin mostrarlo apenas. La condición de hombre y macho pesósiempre en ti. Así era la educación que recibisteis tú y tantos otros de esa época. Los besos y los arrumacos no eran lo tuyo. Lo sabíamos y te lo perdonamos desde el principio.

Al principio, solo eras grato recuerdo de domingos soleados y fiestas de guardar. Las horas de la tarde de un día normal jamás pude asociarlas a ti; tampoco las de la cena. Recuerdo vagamente alguna noche en la que pudimos cenar juntos. Al trabajo le dedicaste la mayor parte de tu vida. ― “La necesidad obliga y a mí, me obliga aún 12

más” ―justificabas a menudo, aunque yo en ese tiempo no lograra entenderlo.

dispuesto para lo que fuera.Sobre todo, para el tango.

Algunos momentos dulces tuviste, pero otros muchos más, con sabor amargo, te acometieron. Escasas fueronlas risas que pude escuchar de tu boca. Aquellas, fueron remitiendo paulatinamente. El paso de los años y las cargas padecidas abovedaron tu espalda.

Las arrugas de la frente se te marcaban como surcos recién arados. Las ausencias en el habla y en la comunicación con nosotros, se hicieron latentes y pronunciadas. Nadie supo interpretarlas. Tampoco las hubieras aclarado tú de habértelo preguntado.

―La siguiente que pongas que sea “La Cumparsita”―me pedías en las noches de fin de año―. La fiesta organizada en el salón de nuestra casa, repleta de vecinos amables y también de gorrones, de familia cercana, en maravillosa y perfecta armonía. Y brillaba con luz propia ese tango que aún resuena agradable en mis oídos. Esa joya de la música que resonaba en el viejo tocadiscos de madera y aluminio, vibrando la aguja sobre los surcos del vinilo negro y desgastado que la contenía. A mí, comenzaron a gustarme sus notas desde pequeño, desde aquel día que me lo descubriste cuando te vi bailarlo con tu mujer, aparentando ser porteñosgenuinos y auténticos ¡Qué tiempos fantásticos!

Los años para ti viajaron rápido. Introvertido, lejano, ausente. El mundo lo viste pasar con tu personal indiferencia, sentadoal raso a la puerta de tu casa, como lo hace la gente de los pueblos cuando parece que ya no esperan nada, cuando no existe la prisa para ellos. Así transcurrieron tus postreros momentos, como noche cálida de verano entregada a los mágicos efectos de la luna nueva.

Mucho tiempo después —superada mi generación e incorporada al mundo— llegaron los días de mi hijo, juntos y de la mano, junto a las vías del tren. Era su sueño, verlos rodar a toda máquina. Tú, mientras los veía pasar desde lo alto del paso, observabas su rostro de niño cubierto de asombro y disfrutabas sin disimulo de su compañía.

Viajaste, bailaste, viviste. Bailaste, jugaste al mus. Bailaste. En todo momento emparejado,

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Tu tiempo era tuyo. Nada te ataba a ningún horario, y, sin embargo, te ataste tú solo asu compañía. Quizá porque con él si te gustaba hablar. Quizá porque él te entendía mejor que ningún otro, porque parecía ser que hablabais el mismo idioma. Él, a menudo me lo recuerda. Me descubre el contenido de vuestras conversaciones en aquellos lejanos días.

Rememora junto a mí el estridente chirrido de ruedas de acero que tanto le impresionaba, el bramido de las bocinas de los trenes a su paso por debajo del puente. Me confirma que se sentía seguro manteniendo su mano aferrada a la tuya.

Cumparsita“.Sería esa la penúltima ocasión de la que todos hablan. Así me lo sugieren todas estas evocaciones. Recuerdos de unos años atrás y que ya no tendrán remedio, mas, sé que regresarán a mí de vez en cuando. Si no lo saben ustedes, yo se lo puedo garantizar. Todas estas imágenes pasadas, casan mucho mejor en las manos de un buen tango, del más auténtico y maravilloso de los tangos para mi padre.

Uno recuerda más y mejor al compás de “La Cumparsita”, resonando en un viejo tocadiscos de la más lejana de las prehistorias. Uno percibe más nítidas y bellas esas imágenes del pasado, con esa melodía que arranca amargos quejidos cada vez que gira y se enroca el negro vinilo que la contiene.

Le hablaste de tu postguerra, de la misma manera que lo hiciste conmigo cuándo yo era pequeño y hubo un cierto tiempo para dedicarme. Le pusiste tras la pista del hambre que padeciste en esos tiempos, de las miserias que viviste, de las que vivieron otros, de lo duro que resultó estar allí cuándo se produjo todo. Le amenizaste la infancia con chistes divertidos y muy tuyos, y soportaste su peso encima de las rodillas mientras él sujetaba tu cara y pellizcaba tus orejas. Le quisiste mucho —como a todos nosotros—como él te quiso a ti.

A veces, cuando estoy solo y nostálgico, me paro a escuchar los bellos compases de “La Cumparsita”, fiel amiga y compañera, la cual logra en todo momentovestir a mi espíritu con auténticos y emocionados recuerdos.

Más información del autor:

Diez años ya, y tus arrugas perennes y profundas comienzan a ser ahora las mías. Las heridas del alma que un día se cerraron convenientemente, ahora se abren de nuevo en mí, por tantas cosas como surgieron. A veces te hablo, a menudo te siento cerca de mí, pero esos años de entonces no se dan la vuelta, no pueden regresar de ningún modo.

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El día que nos despedimos, se grabó una señal luminosa en mi calendario. Tú lo sabías y yo también lo supe, pero no nos importó apenas. Había llegado el momento. No había muchas palabras que decir en ese trance, cuando no las había habido antes. Tú y yo nos comunicarnos a la perfección, tan solo con mirarnos a los ojos. Agarré con fuerza tu mano y besé tu frente. Te noté tranquilo y en paz, contigo y con todos nosotros. La sonrisa que me brindabas se apagaba al mismo tiempo que los pitidos de la máquina, con una serenidad encomiable y con inusitada templanza, tal y como habías vivido siempre. ―Me gustaría escuchar una vez más “La 14

THE PIANIST COMPOSER

Piano transcriptions

Bach/Busoni Schumann/Fiorentino Fauré/Fiorentino Thalberg Leschetizky Drozdoff Rachmaninov/Gryaznov Rachmaninov/Devastato Devastato

GIUSEPPE DEVASTATO 15

Poesía

Antonio Pastor Gaitero LA TROVA MADRILEÑA

Este mes nos acercámos a la figura del poeta y cantautor madrileños Antonio Pastor Gaitero.

finales de 2013 ve la luz su poemario “Sonetos de amor y otras ausencias” publicado por Editorial Lastura, alcanzando en mayo de 2016 su tercera edición. En 2015 y también a través de la Editorial Lastura publica el libro “Tan sólo por la luz la sombra existe”, siendo presentada en la Feria del Libro de Madrid la

Antonio Pastor Gaitero nace en Madrid. Para Antonio es una necesidad vital escribir y buscar melodías a cada texto para llevar la poesía y la canción al escenario.

“...Muy pequeña, escuchando

Ha sido seleccionado en varias antologías poéticas. En los 90 publicó su primer trabajo discográfico, “Por el mar de tu cuerpo” A

los versos de Rubén Darío declamados por mi vecina...”

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segunda edición. En la actualidad está a la espera de la publicación de su nuevo trabajo poético “La respuesta del espejo” PR: ¿Cuándo llegaste a la poesía?

RP: Coincidimos en la calle, en la lágrima, en la sonrisa, en la desigualdad, en la injusticia, en el esfuerzo que la enseñanza obliga y en la búsqueda del amor que ofrece respeto y tolerancia.

PR: ¿Qué es la poesía para ti?

RP: La poesía es la música de la palabra y no se puede vivir sin melodía.

POESÍA: BROTAN DE TUS RAÍCES MIS ACENTOS, germinará la flor de tus caricias y sólo por tus labios mis ventanas recibirán abiertas tu silencio.

Estalla el mar, la tierra desconfía, ¿Quién desgrana la espiga verdecida, ¿Quién arranca el vilano del desierto? ¿Quién deshoja las flores de los sueños y quién le quita el nombre a las estrellas y el sentido le quita a la palabra, al número la suma, al niño el juego, a tus ojos le quita cordilleras, al río su caudal, al mar la espuma? ¿quién le roba senderos a tus pasos? ¿quién la verdad oculta en la tiniebla y disfraza el aroma de las flores y nos regala sueños imposibles?

“La poesía es la música de la palabra y no se puede vivir sin melodía...” endeble se refugia entre la espuma, surge de tu delgada luna el beso, la manzana desnuda, el infinito.

Brotan de tus raíces mis palabras y crece el verso que tu amor corona, relámpagos estallan en tu pelo.

Del libro Sonetos de amor y otras ausencias.

ISBN: P87-84-94-1950-4-4

Nacerá de tu sabia humedecida el aroma profundo de la tierra, el origen del fruto y de la lluvia.

Extremeño dejásteme verte desde este lobo, padecer, pelear por todos y pelear para que el individuo sea un hombre, que hasta los animales sean hombres, el caballo, un hombre, el reptil, un hombre, el buitre, un hombre honesto (…).

César Vallejo

Del libro Sonetos de amor y otras ausencias.

ISBN: P87-84-94-1950-4-4 ¿QUIÉN AMORDAZA EL ECO DE LA RISA y quién le cierra el paso a la mañana?

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las piedras del tropiezo y del engaño.

Tan sólo por la luz la sombra existe.

No debe ser la sombra tu enemigo, ni la luz tu refugio ni tu aliento, el camino de sombras está escrito, y de luces, de voz, de claroscuro, de colores a veces invisibles que los rincones del olvido tiñen y dejan en tus ojos la acuarela de un mar azul y de una estrella errante.

No hay que dejar de andar, es tan inmenso este vivir que vivo, este paisaje tan distinto si hay luz como si hay sombra, en este respirar me multiplico y canto y me difundo en esta entrega.

Si convencer pudiera y tu sonrisa supiese la vida y sueño que atesora aire sería y mar y luna llena.

Del libro Tan sólo por la luz la sombra existe.

ISBN: 978-84-94-3268-7-5 ¿QUÉ FIERA VIVE EN MÍ QUE VIVO Y DEJO que el tiempo pase mudo por mi lado y no me deje en huella reflejado todo lo que acontece en el espejo? ¿Y qué animal seré si el llanto alejo de mis ojos, si el grito desgarrado no me turba, ni el hombre desolado? ¿A qué animal en actos me asemejo? ¿Al gavilán que vuela solitario? ¿Al astuto felino, pues razono? ¿A qué animal valoro, a cual denuesto? ¿Por qué me considero necesario, si es más humana la expresión del mono, si hasta el buitre es más hombre y más honesto

LA LUZ ESTÁ DONDE TU LUZ DA SOMBRA y nada importa si la noche viene a cobijar la luz con su almohada de estrellas, tú eres luz amanecida.

Y nada importa si en tu día apagan aquellos que en mentira y sombra viven farolas a tu paso y siembran piedras que ocultan el camino de tu casa.

Nada conseguirán porque sabemos que el mar es vida y sal cuando atardece y que la luz transita en su sosiego.

Sabemos que el sendero es nuestro paso tu luz será mi luz en el camino y es nuestro hogar el mundo sin fronteras.

Del libro Tan sólo por la luz la sombra existe. ISBN: 978-84-94-3268-7-5

Del libro Sonetos de amor y otras ausencias.

ISBN: P87-84-94-1950-4-4

Más información del autor:

Hay en la sombra luz como en la noche existen los reflejos de la luna, igual en la mañana se presentan los ecos de la sombra y su hemisferio, igual tiene la noche en despedida luciérnaga fugaz para que alumbre en el recodo de la oscura senda

WEBSITE OFICIAL: https://antoniopastorcantautor.com/ 18

Artículo

Cervantes y la poesía Por: Rocío Biedma géneros (el teatro siempre y algunas modalidades de novela, como la «pastoril») en los que el verso era parte sustancial de los mismos.

Me encomiendan una tarea difícil, pues todos sabemos que sobre Cervantes ya se ha escrito, pensado, analizado y dicho decididamente todo, y que los Cervantinos han sido siempre multitud y los comentarios, un extenso piélago.

Añadir a esto, que Cervantes tuvo que emplearse en diversos quehaceres ajenos a la literatura, pues no podía vivir de su trabajo de escritor. Malvendió sus primeras comedias y tuvo muchas dificultades para que sus poemas se publicaran.

Miguel de Cervantes Saavedra, dicen, no fue un hombre con suerte. Fue a triunfar como novelista, y no como poeta o como dramaturgo, que eran los géneros literarios que daban prestigio a un escritor en la Edad de Oro. Pensemos, que los literatos que pertenecían a la nobleza o a la Iglesia, (los dos estamentos sociales más poderosos, junto a la monarquía), de la España de aquellos años, no cultivaron la novela, un género todavía joven en la época. En la Edad de Oro, cualquier escritor que se preciara como hombre de letras, tenía la obligación de escribir poesía; de hecho, había

En 1595 ganó un premio menor de poesía en la ciudad de Zaragoza: el galardón fueron dos cucharillas de plata.

La ventura le impulsó a llevar armas; pero, sin duda, su inclinación le arrastraba a las letras, y singularmente a la poesía, que tanto amaba. No había logrado vivir a sus anchas 20

sin pretenderlo, el problema conciliatorio de armonizar y conjugar ambas tendencias.

en unaespacio donde pudieran florecer las musas, y, de regreso a España, se dedicó con entusiasmo al arte que tanto le atraía.

A Cervantes no se le considera buen poeta, tachándosele de mediocre, esto se debe fundamentalmente a la calidad de su prosa que dificulta mucho la valoración de su obra poética. Parte de sus poemas figuran en La Galatea. Escribió también Dos canciones a la armada invencible, sin embargo, sus mejores momentos los encontramos en los sonetos, en especial Al túmulo del rey Felipe en Sevilla. Entre sus poemas más importantes destacaremos: Canto de Calíope; Epístola a Mateo Vázquez y el Viaje del Parnaso.

En verso escribió sus diez obras de teatro más extensas, dos entremeses y numerosísimas composiciones, sueltas unas (publicadas en cancioneros de la época), y esparcidas por sus novelas otras. El análisis de la poesía cervantina es un estupendo ejercicio didáctico para conocer y comprender la poe-

“Cervantes aunque se esforzase en ser heterogéneo, se sintió inseguro componiendo versos...”

Viaje del Parnaso es una obra narrativa en verso, publicada en 1614 escrita en tercetos encadenados, que cuenta el viaje al monte Parnaso de Cervantes y los mejores poetas españoles para librar una batalla alegórica contra los malos poetas. Cervantes tenía la profunda convicción de que había escrito una obra inmortal, y achacaba a ignorancia de los mercaderes y a malevolencia de los del oficio, la escasa popularidad de su novela, diciendo a Delio:

sía que se hacía en España en aquellos años.

Efectivamente, los estudiosos de Cervantes coinciden al afirmar que cultivó tanto la poesía tradicional como la italianizante, usando una considerable variedad de formas métricas. Otro asunto distinto es la valoración literaria que esos mismos estudiosos hacen de los versos del autor del Quijote: en una época en que España alumbró los mejores poetas de su historia, que terminaron siendo algunos de los mejores poetas de la literatura universal (Garcilaso, San Juan, Quevedo, Lope de Vega o Góngora),

“No se estima, señor, del vulgo vano el que te sigue y al árbol sacro del laurel se arrima.

La envidia y la ignorancia le persigue, y así, envidiado siempre y perseguido, el bien que espera por jamás consigue.

Yo corté con mi ingenio aquel vestido con que al mundo la hermosa Galatea salió, para librarse del olvido”

Cervantes aunque se esforzase en ser heterogéneo, se sintió inseguro componiendo versos y esto, junto a su habitual capacidad para la autocrítica, le llevó a desacreditarse como poeta; por el anhelo que siempre le aquejó, y al cual se refiere en el Viage del Parnaso, cuando dice: «Yo, que siempre trabajo y me desvelo por parecer que tengo de poeta la gracia que no quiso darme el cielo...»

También La Galatea es una novela pastoril, una “Égloga”, como dice Cervantes, un mixto entre prosa y verso; y nadie mejor que él formuló los defectos de semejante género literario, al advertir, por boca de Berganza, en el Coloquio de los perros, que:

Rara vez logra convencernos de su inspiración. De lo que no nos deja duda es de su variedad métrica: octavas reales, quintillas, liras, sonetos, versos sueltos, redondillas, villancicos, tercetos, octavas de arte mayor, hasta la rima percossa o de consonantes interiores, se encuentran con mayor frecuencia y muy a menudo se planteaba, seguramente

“esas descripciones poéticas de la vida bucólica no debían de ser verdad, porque los pastores reales no se pasaban cantando y tañendo melodiosamente, con gaitas, zampoñas, rabeles y chirumbelas, desde que salía el sol en los brazos dela Aurora hasta que se ponía en los de Tetis, sino espulgándose o remendando sus abarcas; y, si cantaban, no 21

lo hacían con voces delicadas, sonoras y admirables, sino con voces roncas, que, solas o juntas, parecía, no que cantaban, sino que gritaban o gruñían; ni eran sus nombres Lisardos, Lausos, Jacintos, ni Riselos, sino Antones, Domingos, Pablos o Llorentes”, “por donde vine a entender -concluye el discreto Berganza- lo que pienso que deben de creer todos: que todos aquellos libros son cosas soñadas y bien escritas, para entretenimiento de los ociosos, y no verdad alguna”.

Es necesario enmarcar la escritura en verso de Cervantes en un preciso contexto histórico, partiendo de la propia delimitación cronológica y atendiendo al devenir de las letras y a la ubicación precisa del autor en un esce-

“Es necesario enmarcar la escritura en verso de Cervantes en un preciso contexto histórico, partiendo de la propia delimitación cronológica y atendiendo al devenir de las letras...”

en desdichas que en verso.

En el Prólogo a su famosísima novela, cuando se está justificando antes los lectores por haber compuesto una obra de tales características, dice que:

nario de gran complejidad.

“También ha de carecer mi libro de sonetos al principio, a lo menos de sonetos cuyos autores sean duques, marqueses, condes, obispos, damas o poetas celebérrimos; aunque si yo los pidiese a dos o tres oficiales amigos, yo sé que me los darían, y tales que no los igualasen los de aquellos que tienen más nombre en nuestra España”.

La poesía cervantina más que en exactitud y concisión, en evidencia poética alcanza grados insospechados en fuerza psicológica sobre el ánimo del lector. Pero…¿Dónde empezaba la materia y dónde la credibilidad poética? ¿Lo había visto todo? ¿Lo había imaginado? ¿era sueño, era fantasía, era realidad?

A Cervantes le hubiera gustado triunfar como poeta y, lo que es más importante, haber sido reconocido, por su coetáneos, como un buen poeta, reconocimiento que no se produjo y que él asumió en vida con resignación y notable franqueza; en el propio Quijote, cuando el Cura y el Barbero están expurgando la biblioteca del ingenioso hidalgo manchego, y ante la aparición en sus estanterías de La Galatea, Cervantes hace hablar al cura así:

Estaba afirmando, al mismo tiempo, que quería dar su libro al lector sin el «ornato» de los sonetos, epigramas o elogios que solían incluirse al inicio de los libros, según era costumbre en la época, y que él mismo había practicado en La Galatea.

Sonetos extraídos de “La Galatea” (I) Blanca

Muchos años hà que es grande amigo mío ese Cervantes, y sé que es más versado

Cual si estuviera en la arenosa Libia, 22

do de Herrera; y, para entender el primer cuarteto, advierto que él celebraba en sus versos a una señora debajo deste nombre de Luz. Creo que es de los buenos que he hecho en mi vida»

o en la apartada Citia siempre helada, tal vez del frío temor me vi asaltada, y tal del fuego que jamás se entibia.

Mas la esperanza, que el dolor alivia, en uno y otro extremo, disfrazada tuvo la vida en su poder guardada, cuándo con fuerzas, cuándo flaca y tibia.

Pasó la furia del invierno helado, y, aunque el fuego de amor quedó en su punto, llegó la deseada primavera,

El que subió por sendas nunca usadas del sacro monte a la más alta cumbre; el que a una Luz se hizo todo lumbre y lágrimas, en dulce voz cantadas; el que con culta vena las sagradas de Helicón y Pirene en muchedumbre (libre de toda humana pesadumbre) bebió y dejó en divinas transformadas;

“En cierta ocasión, Vicente Aleixandre se refirió a la figura del «semipoeta» como el escritor que carece de la técnica y los recursos necesarios...”

aquél a quien invidia tuvo Apolo porque, a par de su Luz, tiene su fama de donde nace a donde muere el día: el agradable al cielo, al suelo solo, vuelto en ceniza de su ardiente llama, yace debajo desta losa fría.

donde, en un solo venturoso punto, gozo del dulce fruto deseado, con largas pruebas de una fe sincera.

En cierta ocasión, Vicente Aleixandre se refirió a la figura del «semipoeta» como el escritor que carece de la técnica y los recursos necesarios para componer versos, pero en el que la vocación para escribir poemas es muy fuerte. Guillermo Carnero ha definido recientemente al Cervantes poeta como:

A la reina Doña Isabel Serenísima reina, en quien se halla lo que Dios pudo dar a un ser humano; amparo universal del ser cristiano, de quien la santa fama nunca calla; arma feliz, de cuya fina malla se viste el gran Felipe soberano, ínclito rey del ancho suelo hispano a quien Fortuna y Mundo se avasalla:

El más glorioso semipoeta de las letras españolas, que parece dar la razón al tópico que afirma que no se puede ser a la vez buen poeta y buen novelista.

Pero Cervantes amó la poesía: admiró la poesía armónica de Garcilaso, o el ingenio lírico de Quevedo, o la arrolladora capacidad creativa de Lope. En el capítulo XVI de la 2ª parte del Quijote, encontramos un buen ejemplo de la alta consideración que del género poético tuvo Cervantes; es el momento en que Don Quijote conversa con el Caballero del Verde Gabán acerca del hijo de éste, don Lorenzo, que quiere ser poeta, lo que incomoda y preocupa al padre; pero Don Quijote lo tranquiliza, diciéndole que le deje hacer, que:

¿cuál ingenio podría aventurarse a pregonar el bien que estás mostrando, si ya en divino viese convertirse?

Que, en ser mortal, habrá de acobardarse, y así, le va mejor sentir callando aquello que es difícil de decirse.

El que subió por sendas nunca usadas...

«Este soneto hice a la muerte de Fernan23

“Son poemas, en general muy densos, salpicados de notas eruditas y referencias al mundo clásico...”

Aunque la poesía es ciencia menos útil que deleitable, no es de las que suelen deshonrar a quien la posee. La poesía, a mi parecer, es como una doncella tierna y de poca edad y en todo extremo hermosa, a quien tienen cuidado de enriquecer, pulir y adornar otras muchas doncellas, que son todas las otras ciencias, y ella se ha de servir de todas, y todas se han de autorizar con ella.

son nubes que me la encubren cuando más verla procuro. ¡Oh clara y luciente estrella en cuya lumbre me apuro!

Al punto que te me encubras, será de mi muerte el punto.

Concepto amplísimo, pero a la vez sutil en la apreciación del ideal estético.

Los versos del Quijote

Son poemas, en general muy densos, salpicados de notas eruditas y referencias al mundo clásico. De todos ellos, destaca este «Diálogo entre Babieca y Rocinante»:

Algunos de los poemas de Cervantes aparecen insertos en el Quijote, aunque muchos menos que en su teatro, que es donde podemos encontrar la mejor poesía cervantina.

Tras el prólogo, ya se incluyen dos poemas de «cabo roto»y ocho sonetos, en algunos de los cuales Cervantes finge que los escriben autores diversos (personajes de libros de caballerías, como Orlando Furioso, Amadís de Gaula, Oriana -el amor de Amadís- o El Caballero del Febo).

B. ¿Cómo estáis, Rocinante, tan delgado?

R. Porque nunca se come, y se trabaja.

B. Pues ¿qué es de la cebada y de la paja?

R. No me deja mi amo ni un bocado.

B. Andá, señor, que estáis muy mal criado, pues vuestra lengua de asno al amo ultraja.

R. Asno se es de la cuna a la mortaja. ¿Quereislo ver? Miradlo enamorado.

B. ¿Es necedad amar?

R. No es gran prudencia.

B. Metafísico estáis.8 R. Es que no como.

B. Quejaos del escudero.

R. No es bastante. ¿Cómo me he de quejar en mi dolencia, si el amo y escudero o mayordomo son tan rocines como Rocinante?

Marinero soy de amor (Don Quijote de la Mancha, cap. XLIII) Donde se cuenta la agradable historia del mozo de mulas, con otros extraños acaecimientos en la venta sucedidos Marinero soy de amor y en su piélago profundo navego sin esperanza de llegar a puerto alguno.

Ya metidos en las aventuras del ingenioso hidalgo, Cervantes aprovecha la historia de Marcela y Grisóstomo para incluir varios versos, entre ellos unos octosílabos en redondillas abrazadas que forman el epitafio que se iba a poner en la sepultura de Grisóstomo:

Siguiendo voy a una estrella que desde lejos descubro, más bella y resplandeciente que cuantas vio Palinuro.

Yace aquí de un amador el mísero cuerpo helado, que fue pastor de ganado, perdido por desamor.

Murió a manos del rigor de una esquiva hermosa ingrata, con quien su imperio dilata la tiranía de amor.

Yo no sé adónde me guía y, así, navego confuso, el alma a mirarla atenta, cuidadosa y con descuido.

Recatos impertinentes, honestidad contra el uso, 24

Además, en algunos capítulos de la primera parte, en los que inserta la novela delCurioso impertinente, Cervantes vuelve a fingir haber leído en una «comedia moderna» unos versos (en redondillas abrazadas), en los que un viejo prudente aconseja a otro que tiene una hija doncella que la encierre y la guarde:

Sancho Panza es aquéste, en cuerpo chico, pero grande en valor, ¡milagro extraño!

Escudero el más simple y sin engaño que tuvo el mundo, os juro y certifico.

De ser conde, no estuvo en un tantico, si no se conjuraran en su daño insolencias y agravios del tacaño siglo, que aun no perdonan a un borrico.

Es de vidrio la mujer; pero no se ha de probar si se puede o no quebrar, porque todo podría ser.

Y es más fácil el quebrarse, y no es cordura ponerse a peligro de romperse lo que no puede soldarse.

Y en esta opinión estén todos, y en razón la fundo; que si hay Dánaes en el mundo, hay pluvias de oro también.

Sobre él anduvo (con perdón se miente) este manso escudero, tras el manso caballo Rocinante y tras su dueño. ¡Oh vanas esperanzas de la gente! ¡Cómo pasáis con prometer descanso, y al fin paráis en sombra, en humo, en sueño!

También incluye romances; o el Epitafio a Don Quijote de Sansón Carrasco, compendio -breve y esclarecedor- de la personalidad desbordante de la gran criatura cervantina:

En los mismos capítulos del Curioso impertinente, Cervantes afirma que «un poeta», del que no dice nombre y que, probablemente era él mismo, escribió estos versos resignados y notablemente amargos, en estructura de décima, que podemos identificar como la queja que el famoso novelista manifiesta por su adversa suerte en vida:

Yace aquí el Hidalgo fuerte que a tanto extremo llegó de valiente, que se advierte que la muerte no triunfó de su vida con su muerte.

Tuvo a todo el mundo en poco; Fue el espantajo y el coco del mundo, en tal coyuntura, que acreditó su ventura morir cuerdo y vivir loco.

Busco en la muerte la vida, salud en la enfermedad, en la prisión libertad, en lo cerrado salida y en el traidor lealtad.

Pero mi suerte, de quien jamás espero algún bien, con el cielo ha estatuido que, pues lo imposible pido, lo posible aun no me den.

Ejemplo de su valentía y esfuerzo son estos Ovillejo que aparecen en su Novela ejemplar ‘La ilustre fregona’. Un ovillejo (término derivado de ‘ovillo’) es una estrofa que consta de diez versos, los seis primeros formando tres pareados: con el verso octosílabo se pregunta y con el verso de pie quebrado se responde, a modo de eco, en rima consonante. Los cuatro últimos versos forman una redondilla que resume el sentido de los versos anteriores.

Cervantes en una de sus novelas ejemplares, El Licenciado Vidriera, se burlaba de los halagos excesivos y artificiales con que los poetas renacentistas describían a las mujeres amadas, a quienes idealizaban siguiendo siempre el mismo arquetipo metafórico, que tenía su inspiración en el modelo de la «donna angelicata» de la poesía italiana.

“A diferencia de sus modelos y sus contemporáneos, el verso cervantino alcanza casi siempre su cumbre...”

Otro de los sonetos, es el que otro académico de Argamasilla escribe dedicado a Sancho: 25

El verso final recoge las tres palabras utilizadas en los versos cortos o de pie quebrado.

Por tanto, el esquema métrico es el siguiente: aabb cc cddc. Los primeros ovillejos conocidos los escribió Cervantes. Concretamente, este que aparece en ‘La ilustre fregona’ y otro en el capítulo XXVII del Quijote.

Este poema es escrito por Avendaño, el enamorado de la ilustre fregona, Costanza, en un libro de cuentas de la cebada, labor que él está haciendo en la posada para permanecer cerca de la muchacha. El padre putativo de Costanza descubre el libro en el cajón de la cebada, y él y su mujer leen las coplas y las comentan en algún lugar no especificado de la posada.

El poema sirve de excusa para el diálogo de los posaderos, que muestran su desconfianza hacia las intenciones del joven y sumen al lector aún más en la incógnita acerca de la verdadera identidad de la fregona. ¿Quién mejorará mi suerte? ¡La muerte!

Y el bien de amor, ¿quién le alcanza? ¡Mudanza!

Y sus males, ¿quién los cura? ¡Locura!

De ese modo no es cordura querer curar la pasión, cuando los remedios son muerte, mudanza y locura.

La estructura de los pareados es 8-4, a diferencia de la medida 8-3 que es más habitual en los ovillejos. Por el resto, sigue el esquema propio de esta estrofa, de contenido amoroso no exento de tópicos y sencillez compositiva.

Ovillejos ¿Quién menoscaba mis bienes? ¡Desdenes! ¿Y quién aumenta mis duelos? ¡Los celos! ¿Y quién prueba mi paciencia? ¡Ausencia!

De ese modo en mi dolencia ningún remedio me alcanza, pues me matan las esperanzas, desdenes, celos y ausencia. ¿Quién me causa este dolor? ¡Amor! ¿Y quién mi gloria repugna? ¡Fortuna! ¿Y quién consiente mi duelo? ¡El cielo!

De ese modo yo recelo morir deste mal extraño, pues se aúnan en mi daño amor, fortuna y el cielo.

Cuatro redondillas castellanas A la muerte de Su Majestad Cuando un estado dichoso esperaba nuestra suerte, bien como ladrón famoso vino la invencible muerte a robar nuestro reposo; y metió tanto la mano aqueste fiero tirano, por orden del alto cielo, que nos llevó deste suelo el valor del ser humano. ¡Cuán amarga es tu memoria, oh dura y terrible faz!

Pero en aquesta victoria, si llevaste nuestra paz, 26

fue para dalle más gloria; y, aunqu’el dolor nos desvela, una cosa nos consuela: ver que al reino soberano ha dado un vuelo temprano nuestra muy cara Isabela.

bien molido y mal andante, a quien llevó Rocinante por uno y otro sendero.

Sancho Panza el majadero yace también junto a él, escudero el más fïel que vio el trato de escudero.

Una alma tan limpia y bella, tan enemiga de engaños, ¿qué pudo merecer ella, para que en tan tiernos años dejase el mundo de vella?

Dirás, Muerte, en quien se encierra la causa de nuestra guerra, para nuestro desconsuelo, que cosas que son del cielo no las merece la tierra.

A diferencia de sus modelos y sus contemporáneos, el verso cervantino alcanza casi siempre su cumbre, como si fuera una condición ineludible, Cervantes y la poesía por medio de la interposición de sus personajes que constituye una vía para la exploración de territorios nuevos, no necesariamente anclados en una sentimentalidad disminuida, ofrece una búsqueda abierta a las novedades de su tiempo y con vislumbres de algunos de los rasgos de la modernidad. Y no es ésta la menor de las aportaciones que, también en este género, debemos al soñador y socavador de ideales que fue Cervantes.

Tanto de punto subiste en el amor que mostraste, que, ya que al cielo te fuiste, en la tierra nos dejaste las prendas que más quesiste. ¡Oh Isabela Eugenia Clara, Catalina, a todos cara, claros luceros las dos, no quiera y permita Dios se os muestre Fortuna avara!

Texto realizado para La Mesa redonda “Diferentes rasgos de la vida y obra de Cervantes” en la III Semana Cultural que con motivo del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes ha realizado el Ateneo de Jerez el 12 de abril de 2016

Aunque, también es cierto, algunos de sus versos, aquellos en que Cervantes se ofrece más sencillo y más directo, sin el encorsetamiento de querer alcanzar la maestría de otros poetas de su tiempo deberíamos leerlos con detenimiento, como los del Epitafio a Dulcinea:

Fuentes: • Pedro C. Cerrillo Torremocha • Vicente Gaos • José María Castro Calvo

Reposa aquí Dulcinea; y, aunque de carnes rolliza, la volvió en polvo y ceniza la muerte espantable y fea.

Fue de castiza ralea, y tuvo asomos de dama; del gran Quijote fue llama, y fue gloria de su aldea.

O en este otro; Del Cachidiablo, académico de la Argamasilla, en la sepultura de don Quijote: Epitafio Aquí yace el caballero, 27

Entrevista

Pablo Rubén Maldonado EL BRUJO DEL PIANO Por: Inma J. Ferrero

PR: A los cuatro años comienzas a estudiar música ¿Qué hizo que eligieras el piano?

Proverso acoge en sus páginas al pianista Pablo Rubén Maldonado, un pianista singular y lleno de matices dentro del mundo musical actual.

RP: Pues se dieron las circunstancias propicias. Mi padre es un gran aficionado a la música y por entonces tocaba la guitarra y el piano. Un día me sentó frente a la caja negra con teclas y parece que tenia facilidad con el instrumento, desde entonces supe que me

Ha trabajado con figuras del flamenco como Farruquito, Carmen Linares o Estrella Linares entre otros. Y hoy se acerca a nuestra revista para hablarnos acerca de sus inquietudes y trayectoria profesional.

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dedicaría a la música. Pudo haber sido la guitarra pero el destino quiso que mi padre me mostrase el arte del piano.

PR: ¿Qué relación existe entre tu instrumento y tú?

RP: Tocar un instrumento es un don que otorga la vida, ya que es un canal por el cual el ser humano puede dar luz a sus sentimientos y hacer emocionar a otros seres. El piano es el espejo de mi alma, es el idioma del corazón, el piano es mi otra voz, la que llora en silencio a oscuras, la que sufre, la que se enamora, la que ríe o la que grita por las injusticias en el

“El piano me ha permitido canalizar el lenguaje del flamenco, ya que es la música con la cual mejor expreso todo lo que siento, aunque no es la única....“ mundo.

PR: A parte del piano tu otra pasión es el flamenco ¿Cómo los fusionas?

RP: El piano es como el papel y el lápiz para ti, imagino. El piano me ha permitido canalizar el lenguaje del flamenco, ya que es la música con la cual mejor expreso todo lo que siento, aunque no es la única. La música clásica también está muy presente en mi obra ya que estudié en el Conservatorio de Granada y puedo decir que los dos estilos están hermanados.

menco?

RP: No. Mi repertorio es la música, toda aquella que me emocione, desde la Clásica hasta el Rap. Me encanta el arte, por lo tanto estoy abierto a cualquier expresión realizada con autenticidad.

PR:¿Piensas que la música clásica es clasista?

El flamenco son mis raíces, pues el nacer en una familia gitana me ha otorgado este privilegio.

RP: Pues depende donde. Hay gente que cree que la música clásica es sinónimo de élite y yo considero que eso es incultura .Hay todavía personas, sobre todo en las instituciones públicas o privadas, que piensan que la música clásica está por encima de las demás y esto es algo retrogrado que no deja que músicos que la estudian se nutran de otras como el flamenco, repercutiendo negativamente en su formación. El músico debe de tratar de conocer todas las músicas posibles,

El piano lleva muy poco tiempo en este arte y eso ha tenido en mi carrera sus pros y sus contras, ya que al haber pocas referencias me ha obligado a ir creando mi propio lenguaje y estilo. El piano y el flamenco hacen muy buenas migas, ya que el piano lo tiene todo: percusión, melodía y armonía PR: ¿Tu repertorio es únicamente fla31

“Sí, pues estoy plenamente convencido del plano sensorial de la poesía, que sólo puede ser defendido por medio de una declamación lo más ajustada, sugestiva y brillante posible....”

como el escritor o el pintor a otros creadores, por lo menos esa es mi experiencia. El haber crecido con tantas influencias en mi desarrollo artístico, me ha permitido tener un abanico muy amplio a la hora de crear y sobre todo de expresar lo que siento, pues mi lenguaje es mas rico porque tengo mas vocabulario musical. Por suerte en estos tiempos la cultura está al alcance de todos por los medios tecnológicos que poseemos, aunque los artistas no podamos decir lo mismo para llevar acabo nuestro medio de vida.

por eso lo hago en un aula a la misma altura de la gente, tratando de crear un ambiente muy familiar, de hecho lo que trato de conseguir en cada encuentro, como yo digo, es que nos sintamos todos como si estuviésemos en el salón de mi casa. Me consta que tanto los artistas como el público terminan con esta sensación y eso me satisface mucho. Parte del público viene a todas las actuaciones cada sábado.

PR: ¿Te gusta interactuar con el público?

RP: Por supuesto. Es una de las razones principales por las que creé “Flamenco en el Backstage”. La primera, para poder hacer lo que me diese la gana y experimentar sobre todo. Uno prueba cosas en casa, pero hasta que no las muestra al público no sabe realmente si emocionan o no.

PR: ¿Cómo preparas tus espectáculos?

La segunda razón, era poder romper esa barrera que hay entre el escenario y el público,

RP: Pues en el Backstage como te comenta-

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ba, prácticamente todo es improvisado pues es una forma muy efectiva de mantener mi mente despierta, ya que esto es la esencia del flamenco. Una pequeñas pautas un día antes con algunos artistas y con otros con los que nos conocemos mejor, directamente lo decidimos in situ. Últimamente no les digo nada a los artistas con lo que voy a comenzar, simplemente toco y la magia fluye con tal intensidad que todos quedamos asombrados.

Cuando toco con mi banda defendiendo mis temas, los cuales son complejos hasta para mi, ahí si ensayamos varios días, porque es otro formato y tiene que estar todo muy bien atado, aunque los músicos ya me conocen y saben que improviso mucho, por lo tanto todo puede suceder.

PR: ¿Dentro del flamenco quienes son tus músicos preferidos?

RP: Con el flamenco me ocurre igual, son tantos los que me gustan que es difícil destacar. Inevitablemente Paco de Lucía y Camarón, Caracol, Pepe Pinto, Paquera de Jeréz, Remedios Amaya, La Susi, Vicente Amigo, Duquende, Chicuelo, Manuel Parrilla…

PR: ¿Qué le dirías a la gente que comienza en el mundo de la música?

RP: Si te refieres a tocar o a cantar, lo fundamental es que su primer pensamiento sea divertirse con ella y que si se decide a tomar clases con alguien, que sea alguien que ame la música y la docencia.

PR: ¿Dentro de la música clásica quienes son tus compositores?

Imágenes:

RP: Es una pregunta compleja porque hay muchísimos y todos los que he escuchado me han enseñado algo, pero podría destacar a Chopin, Brahms, Bach, Manuel de Falla, Beethoven, Liszt, Richard Strauss, Samuel Barber…

Larisa López Mike Etienne

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Reseña

Jesualdo Jiménez De Cisneros Quesada Apología del Desastre Por: Inma J. Ferrero

Jesualdo Jiménez de Cisneros nos presenta su último poemario “Apología del desastre” editado por Círculo Rojo y prólogo del músico Enrique Bunbury. Nos encontramos ante un libro cercano, un libro cierto y sin tapujos, en el que no hay más verdad que la que arde. Este poemario es una sucesión de versos llenos de vida y de matices, dónde el verdadero fluir de los días están patentes. “Antes de que caiga el sol / al abismo del horizonte, / reposaré sobre tu pecho / un collar de óxido y hueso.”

“No puedes cerrarme el paso / como el amor no disfruta de atajos.”

oníricas que nada tienen que ver con el mundo real. “Recorrimos tantas veces / el camino de la derrota / que la pérdida de memoria / nos ayudó a mitigar el dolor.” Es un poemario que invita a la reflexión, a la contemplación de la vida tal como es, a mirarnos a nosotros mismos sin ningún tipo de máscara que nos oculte.

En este poemario iniciamos un periplo por las diferentes etapas vitales del poeta, que van desde el desasosiego, la pérdida, el vacío y el rencor, a la mirada del futuro, a la sanación, a la liberación y al fin a la esperanza y al amor.

Todas ellas etapas con las que el lector se sentirá identificado y harán que las vivencias

Este no es un poemario que oculte la realidad y sus miserias, disfrazándolas de imágenes 34

transmitidas en los poemas sean conocidas y reconocibles en sus propias vidas. “Porque la verdad no es cóncava ni convexa, / es recta como las aristas de un diamante.” “Vestí el traje / de inconsciente aventurero / que no sabe dónde va.

El poeta utiliza un lenguaje llano, sencillo y a flor de piel, que hace que los poemas se deslicen del papel al alma e impregnen todo de melancolía unas veces y de suave esperanza otros. “No puedes sentirme tuya, / como las ciudades no tienen dueño.” “Abramos las ventanas / y enfrentémonos / a este crudo invierno, / si cabe, con más valor / que el que nos faltó para mirarnos.” En cuanto a la lectura de los poemas podemos decir, que estos fluyen ágilmente, sin ningún tropiezo que se deba a una rima demasiado complicada y difícil de comprender. Esto deja patente la maestría poética del autor, que consigue que durante todo el poemario estemos atentos a la gran sinfonía de versos que comienzan a surgir ante nosotros.

casos el filo cortante de una navaja textual que llega al mismo centro del alma.

La lectura de este poemario crea un vínculo estrecho entre el poeta y el lector, una suerte de solidaridad que nos lleva a sentir en nuestra propia carne y al fin hacer nuestros cada uno de los versos que forman parte de este poemario. “Cae la lluvia / inclemente e irredenta / sobre los parabrisas y las miradas / que se pierden en el infinito / soñando con otras vidas.” “Qué triste un beso / cuando te llena de dolor.”

En lo tocante a la rima podemos señalar que los poemas están formados por versos libres, con una rica variedad de imágenes que evocan todo aquello que el autor quiere que sintamos como propio y que forma parte de su

“La lectura de este poemario crea un vínculo estrecho entre el poeta y el lector, una suerte de solidaridad que nos lleva a sentir en nuestra propia carne...”

Este es sin duda un poemario que no ha de pasar inadvertido para el lector que a él se acerque. Ya que es uno de esos, que dejan el sabor de la gran poesía y la calidad del aquel que sabe realizar el sutil oficio del poeta. Este libro de poemas ha de leerse pausadamente, haciendo que sus versos penetren nuestra carne como la lluvia nos empapa y nos cala hasta los huesos. Recomiendo su lectura y su relectura a todos aquellos que sientan que la poesía ha de ser cercana y real, como la vida misma y no ha de esconderse en falsos ardides retóricos.

mundo interior e intimo. “…y que la luna / aúlla hoy en cuarto menguante / y que tu labios apátridas / buscan otra nacionalidad.” En el fondo y en la forma es un poemario vivo, afilado y lleno de matices que nos dejan el sabor del buen verso. Los poemas son cortos, esto da mayor dramatismo e intensidad a lo que se quiere expresar en el poema y consigue crear una atmósfera inquietante que hará que el lector no aparte la vista del poemario queriendo leerlo de un tirón y sin reposo. Podemos también destacar la intensidad y el dramatismo de los versos que adquieren en algunos

Apología del Desastre Jesualdo Jiménez De Cisneros Quesada Ed. Círculo Rojo ISBN-10: 8491265333 ISBN-13: 978-8491265337

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Literatura

Il Postino Tagore

Algo más que una influencia Por: Giuseppe Quaranta

Hay un poeta en el centro del universo. Rabindranath Tagore Nació en Calcuta (India) el 6 de Mayo 1861, en el seno de una familia noble y rica, reconocido tambien por sus tradiciones culturales y espirituales, Rabindranath Tagore es el nombre anglofonizado de Rabindranath Thakhur; que es conocido simplemente como Tagore, y también con el apodo de Gurudev.

que le lleva a comenzar a componer sus primeras poesias, a la tierna edad de ocho años.

Creciendo en él, la pasión del escritor y del poeta que se desarrolla siempre más. Premio Nobel de literatura en el año 1913, no se distinguió por su empeño, si no porque imprimió en la poesía su gran vitalidad, su tensión, su necesidad de hablar y decir: desde el Alma.

El joven Rabindranath, estudia entre las paredes domesticas, el bengalí y el inglés. Desde su infancia estudia a los poetas bengalíes, lo

En sus versos conseguió con extrema naturalidad mostrar el alma de forma extendida, difusa en cada parte de la creación, la poesía 36

“Sus pensamientos influyeron en Gandhi, con el quecompartía el deseo de una India independiente...”

fue el medio más natural para el que busca la poesía en todos los lados, en las plantas, en las aguas, en las nubes, en el viento, en cada elemento de la naturaleza, el signo de un pensamiento, de un sentimiento, para quien quería representar la existencia como única, total, inclusiva y comprensiva de realidad y idea, de humano y divino.

La poesía es en Tagore creación perpetua: y antes de ser escritura verbal, esta expresa su vision en el ritmo y en el canto. No nos olvidemos nunca que Tagore , a la manera de poeta antigo o de un trovador europeo, solía salmodiar y enseguida cantar sus poemas. Él escribió un gran número de canciones que aún hoy son cantadas y conocidas dentro del mundo bengalí. Esta dimensión del canto es de verdad fundamental, porque en Tagore poesía y música, están unidas por el ritmo, andan juntas mano en la mano. Por lo que encontremos en Tagore el sinónimo originario que une la palabra y el canto.

Sus pensamientos influyeron en Gandhi, con el que compartía el deseo de una India independiente. Sin embargo Tagore no era nacionalista excluyente, sino que buscó la comunión entre los ideales filosóficos occidentales y orientales, viajando con asiduidad por diferentes lugares del mundo, en donde coincidió con W. B. Yeats y Ezra Pound, escritores que dieron a conocer a Tagore en los Estados Unidos.

Escribía en bengalí y traducía él mismo sus obras al inglés. Le encantaba la música e incluso compuso un buen número de canciones a las que llamó Rabindrasangeet (los himnos nacionales de la India y Bangladesh son obras uya) y también desarrolló una tardía trayectoria artística como pintor.

El sonido original de la creación. Como él decia: La soledad es como una flor desplegando la belleza de sus pétalos y conservando la miel de su discernimiento en el núcleo de su cáliz. Mi vida está colmada. No está hecha 37

sobre nacionalismo, educación y diálogo entre culturas tienen aún validez intelectual, y algunas de sus ideas han atraído e influido a pensadores contemporáneos tanto en India como en otros países

trizas¨. Como poeta se enriquece y alcanza un arte inmortal.

Devoto de la paz, denunció el nacionalismo en cualquier país, en cuya manifestación detectó uno de los peores males de su tiempo, opuesto al universalismo al que aspiraba. Intentó inspirar a los seres humanos un sentimiento de que había muchas cosas que los unían. Al igual que Gandhi, se opuso al determinismo de las castas; pero, a diferencia del gran líder hindú, estuvo lejos de profesar

Reencuentrando las palabras de un gran poetologo indio Ânandavardhana, que vivió en Kashmir en el siglo IX, la poesía es la luz de un eco, de una resonancía, que dará el nombre al libro mas lindo escrito sobre la poesia.

Después la muerte de su esposa, su hijo y su hija entre 1902 y 1907 su vida se extremeció notablemente. Era un hombre profundamente y verdaderamente religioso y espiritual, no obstante trabajo muchisimo para librarse de los dogmas religiosos en India. Viajó al exterior en ‘’tours’’ para hablar de su poesía. Rabindranath era un gran educador y fundó una universidad única. Nunca buscó a Dios en la privacidad de una caverna o en un templo sino en la humanidad extesa. Una vez dijo: Caí en el abrazo de la libertad en mil rayos del placer. Después de haberme examinado a mi mismo, sé con certeza que Dios no me creó para la vida de un cabeza de familia. Quizás por eso soy un constante viajero, y no soy ca-

“Devoto de la paz, denunció el nacionalismo en cualquier país, en cuya manifestación detectó uno de los peores males de su tiempo ...” desdén por la cultura occidental. Internacionalista decidido y educador, en 1901 fundó en su propiedad bengalí la escuela Santiniketan, para la enseñanza de una mezcla de filosofías orientales y occidentales, que en 1921 se convertiría en la Universidad Internacional Visva-Bharati. Muchas opiniones de Tagore

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levanta el sol.

Ese día el hombre invicto, volverá a retomar la senda de sus triunfos, a travesando todos los obstáculos para recuperar la herencia que ha perdido”. De verdad, cualquier cosa que su genio tocó se convertió en oro e immortalidad.

Leyendo las poesías de Tagore se encuentran referencias continuas a la cultura, a las tradiciones y a las costumbres orientales, particularmente indias. En su poemas se ‘’escuchan” tintinear las pulseras, se ‘’ve” a las mujeres subir agua de un pozo, al pelegrino cansado y setado venir por la calle polvosa. En una sinfonía de imagines como las tortugas calentandose bajo el sol de una playa, árboles con nombres exóticos, flores entre tejiéndose que forman guirlandas colgadas al cuello de un huesped bienvenido y deseado; Los elementos naturales, como las olas del mar y la luz lunar, acariciar y ser el amado. Se ‘’ viven’’ los momentos de un tiempo suspenso a la espera de un monzón o escuchando las voces de la naturaleza y del corazón mientras estás apoyado a la entrada de una casa. Pequeños y grandes momentos de la vida cotidiana, inundados de harmonía en la poesía intensamente apasionada y aún así delicada de estos confines que ignoramos. Rabindranath puede sólo ser comparado con Rabindranath. Día y noche, su voz sale de tierra en tierra.

“En plena guerra mundial declaró pese a su estado de salud, “...no cometeré el pecado de perder la fe en el hombre...”

Bibliografia: paz de establecer un hogar en ningún lugar.

El mundo me ha recibido en sus brazos, yo voy a hacer lo mismo con el mundo.”

De su extensa producción literaria cabe citar además los dramas Kacha y Devayani (1894), Elcartero del rey (1913), Ciclo de la primavera (1916) y La máquina (1922); las novelas Gora (1910) y La casa y el mundo (1916); los poemarios La luna nueva (1913), El jardinero (1913) y La fugitiva (1918), y algunas colecciones de sus conferencias, como Sadhana (1912) y La religión del hombre (1930).

Esta voz y canción de la humanidad, esta gran canción de la India, este amante de la naturaleza murió en Kolkata ( Calcuta) el 7 de agosto de 1941, algunos años antes la declaración de Independecia de la India en 1947, regaló al país su himno nacional “ Jana Gana Mana” En plena guerra mundial declaró pese a su estado de salud, “...no cometeré el pecado de perder la fe en el hombre.

Espero el día en que termine el holocausto y el aire se vuelva puro, lleno de voluntad de sacrificio y de deseo de servir a la humanidad. Quizás esa nueva aurora se anuncie en estos horizontes del Oriente, desde donde se 39

Santiago de Compostela - Galicia - EspaĂąa

Música

la muerte de mozart Por: Manuel Antonio Herrera (Compositor)

“Practicamente desde que nació fue un “milagro” de Dios...”

Genios en la música ha habido muchos. Por citar algunos: Bach, Beethoven, Branms y un largo etc. Pero el verdadero no sólo genio, si no “niño prodigio” fue Mozart. Practicamente desde que nació fue un “milagro” de Dios, pues nacio a mi parecer, el único y no slo genio, sino el “prodigio” por excelencia. Mozart se ha considerado el compositor más destacado de la historia de la música occidental y su influencia fue profundísima, tanto en el mundo germánico com en el latíno; su extensa producción incluye casi todos los géneros (desde el lied y las danzas alemanas hasta los conciertos para instrumento, las sinfonías y las óperas), y en cualquiera de ellos podemos encontrar obras maestras que nos hacen recordar la apasionada opinión de Goethe al referirse al compositor: “¿Cómo, si no, podría manifestarse la Divinidad, a no ser por la evi-

dencia de los milagros que se producen en algunos hombres, que no hacen sino asombrarnos y desconcertarnos?”.

Todos los géneros que abarco todos los realizo, los trabajo, en definmitiva, magnifcamente y extraordinariamente. No exisitieron ninguna excepción: misas, sinfonías, sontas, operas, conciertos para solistas y orquestas y un largo etcétera. Sin embargo otros genios no tuvieron las aptitudes tan completas, como Mozart. Por poner algunos ejemplos, nos encontramos co Bach (considerado el padre de 42

la música) fue genio en el contra`punto y fuga.

Beethoven en sus cuartetos, sinfonías, sontas para piano, etc. Y sin embvasrgo fracaso en la única opera que compuso. Wagnewr triunfo en sus largas óperas y poco más.

“La energía creadora proviene, a menudo, de una representación imaginaria, que fluye, indefinida...”

Pero lo que pretendo sintetizar en este escrito y sintetizado para no extendernos es la fatídca muerte de Mozart.

del Primer Mandamiento), la ópera cómica La finta semplice, y Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). El año 1769, con 13 años, era nombrado Konzertmeister del arzobispado de su ciudad.

Retomemos su biografía para analizar los últimos momentos de este genial compositor.

VIDA Y OBRA

Después de unos cuantos años en casa, padre e hijo marcharon a Italia (1769-71). En Milán, Mozart conoció al compositor G.B. Sammartini; en Roma, el Papa lo condecoró con la distinción de Caballero de la Espuela de Oro y en Bolonia contactó con el padre Martini y realizó con éxito los exámenes de acceso a la prestigiosa Accademia Filarmonica. El año 1770 le encargaron escribir la que es su primera gran ópera, Mitridate, re di Ponto (1770), escrita en Milán. Con esta obra, su reputación como músico se hizo aún más patente.

Compositor austríaco nacido en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Sus prodigiosas dotes musicales fueron pronto observadas por su padre, Leopold, que decidió educarlo y, simultáneamente, exhibirlo (conjuntamente con la hermana grande Nannerl --Maria Anna--) como fuente de ingresos. A la edad de seis años, Mozart ya era un intèrprete avanzado de instrumentos de tecla y un eficaz violinista, al mismo tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Aún hoy en día se interpretan cinco pequeñas piezas para piano que compuso a aquella edad.

Mozart volvió a Salzburgo en 1771. De los años inmediatamente posteriores datan los primeros cuartetos para cuerda, las sinfonías K.183, 199 y 200 (1773), el concierto para fagot K.191 (1774), las óperas La finta giardiniera e Il re pastore (1775), diversos conciertos para piano, la serie de concirtos para violín y las primeras sonatas para piano (1774-75).

En 1777 Mozart marchó hacia Munich con su madre, Anna Maria. A la edad de veintiún años Mozart buscaba por las corte europeas un lugar mejor remunerado y más satisfactorio que el que tenía en Salzburgo bajo las órdenes del arzobispo Colloredo, pero sus deseos no se cumplieron. Llegó a Mannheim, capital musical de Europa por aquella época, con la idea de conseguir un puesto en su orquesta, y allí se enamoró de Aloysia Weber. Posteriormente Leopold envió a su esposa e hijo a París, donde éste estrenó la sinfonia K.297 y el ballet “Les petits riens”. La muerte de su madre en la capital francesa en 1778, el rechazo de Weber -después del segundo encuentro de Mozart con la familia- y el menosprecio de los aristócratas para los que trabajaba, hicieron que los dos años transcurridos entre su llegada a París y el retorno a Salzburgo en 1779

“A la edad de seis años, Mozart ya era un intèrprete avanzado de instrumentos...”

El año 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes europeas. Primeramente a Munich y a Viena y, en 1763 los Mozart emprendieron un largo viaje de tres años y medio que supuso para el pequeño Wolfgang valiosas experiencias: conoció la cèlebre orquesta y el estilo de Mannheim, la música francesa en París, y el estilo galante de J.Ch. Bach en Londres. Durante este periodo escribió sonatas, tanto para piano como para violín (1763) y una sinfonía (K.16, 1764).

Ya de regreso a Salzburgo, continuó sus primeras composiciones, entre les cuales encontramos la primera parte de un oratorio, Die Schuldigkeit des ersten Gebots (La obligación 43

fueran un periodo muy difícil en su vida.

dió que saliese del círculo vicioso de deudas.

Estas crisis se reflejaron en obres como en el quinteto de cuerda K.516, en las tres últimas sinfonías (K.543, 550 i 551, Júpiter, del 1788), los últimos conciertos para piano, etc., contribuciones ingentes a estos géneros. Los años finales Mozart escribió sus últimas óperas, Die Zauberflöte (La flauta mágica) y La Clemenza di Tito, (1791) -escrita con motivo de la coronación del nuevo emperador Leopold II-.

Precisamente mientras trabajaba en La flauta mágica, con libreto de Emmanuel Schikaneder, el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem.

El Réquiem en Re menor K.626, inacabado por la muerte de Mozart -el 5 de diciembre de 1791- fue su última composición, acabada por su discípulo F.X. Süssmayr.

LA MUERTE DE MOZART

Durante los años siguientes compuso misas, las sinfonías K.318, 319 y 338 y la ópera Idomeneo, re di Creta (Munich, 1781), influída por Gluck pero con un sello ya totalmente propio.

El año 1781, Mozart rompe sus relaciones laborales con el príncipe-arzobispo de Salzburgo y decide trasladarse definitivamente a Viena. Allí compone el singspiel Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo), encargada en 1782 por el emperador José II. Este mismo año se casa con Constanze Weber, hermana pequeña de Aloysia; juntos vivieron frecuentemente perseguidos por las deudas hasta la muerte de Mozart.

De esta época data su amistad con F.J. Haydn a quien le dedicó seis cuartetos (1782-85); estrenó también la sinfonía Haffner (K.385, 1785) y otras obras, de expresividad muy superior a la de la música de su tiempo. La llegada de Lorenzo da Ponte a Viena le proporcionó un libretista de excepción para tres de sus mejores óperas: Le nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790). Muerto ése año Gluck, el emperador José II concedió el cargo de kapellmeister a Mozart, pero redujo el salario, hecho que impi-

“No hay evidencia médica directa ni registros. No se le realizó autopsia. Su cadáver: desparecido...”

Mozart y la Masonería Sobre su muerte se ha escrito muchísimo, -118-teorias sobre las causas y posible muerte vamos a ver algunas de las más sugerentes. . Vamos a centrarnos en las posibles teorías e hipótesis sobre este hecho, este enigma que aún hoy sigue existiendo, convirtiéndolo como otros grandes personajes, en una leyenda y un mito.

No hay evidencia médica directa ni registros.

No se le realizó autopsia. Su cadáver: desparecido. Un reciente artículo publicado en una publicación académica documenta al menos 118 causas de muerte para Wolfgang Amadeus Mozart.

La mayoría de los investigadores se basan en los testimonios de la viuda de Mozart, Constanze, y en los de su hermana, concedidos décadas después de su muerte. Cierta evidencia también proviene de un documento del hijo de Mozart, Karl Tomas, y de un doctor de Viena que habló con los médicos que atendieron al compositor en sus últimos días.

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Los académicos incluso han examinado los malestares de Mozart en su cartas escritas a su padre Leopold para descubrir señales de su enfermedad final. Especulando a partir de una anormalidad en la forma de su oreja se ha sugerido que una falla en el riñón es probable, ya que a veces las deformidades en el tracto urinario están relacionadas con anormalidades en la oreja.

Las cosas se hacen difíciles debido a que toda la evidencia es indirecta y descansa en definiciones médicas cambiantes, frases mal traducidas y las mismas interpretaciones de los doctores extendiendo sus conocimientos a regiones fuera de su dominio.

La enfermedad final de Mozart lo confinó a la cama el 20 de noviembre de 1791, después de un intenso periodo que produjo La Flauta Mágica, La clemenza di Tito, el Concierto para Clarinete, una cantata masónica y casi la totalidad de la Misa de Réquiem.

Entre las teorías o las hipótesis que se comenta, fue la intervención de la masonería.

Se sabe que Mozart fue miembro masón, y tenía enemigos. Semanas antes de su muerte Mozart comenzó a sentirse mal y asi se lo insinuo a su esposa Constanza.

La propia logia de Mozart, Zur Wohltätigkeit, se unió con otras dos en diciembre de 1785, bajo la reforma imperial de la masonería (el Freimaurerpatent, ‘decreto masónico’) del mismo mes y así Mozart llegó a pertenecer a una logia llamada Zur Neugekrönten Hoffnung (Nueva esperanza coronada).4

Fue francmasón durante los siete últimos años de su vida. La orden masónica jugó un papel importante en su vida y obra.

Según los documentos masónicos que se han conservado, Mozart era bien recordado por sus hermanos masones y muchos de sus amigos también eran masones. La colaboración musical de Mozart con las logias masónicas comienza aún antes de ser iniciado masón, ya que buena parte de sus amigos y patronos pertenecían a la masonería.

Mozart fue admitido con grado de aprendiz en la logia masónica de Viena llamada Zur Wohltätigkeit (‘beneficencia’) el 14 de diciembre de 1784.1 Fue promovido al grado de compañero masón el 7 de enero de 1785 y se convirtió en maestro masón «en un corto espacio de tiempo».1 Para el 22 de abril de 1785, Mozart figura ya como maestro masón en los archivos de la logia. Mozart también asistió a las reuniones de otra logia, llamada Zur wahren Eintracht (‘concordia verdadera’). Ambas logias practicaban el rito Zinnendorf.2 Según Otto Erich Deutsch, esta logia era «la mayor y más aristocrática de Viena... Mozart, como el mejor de los “hermanos” músicos, fue bienvenido en todas las logias». Fue apadrinado por el naturalista Ignaz von Born.3

También se documenta que para el año 1786 se encontraron documentos alusivos a símbolos oscuros como lo llamaba la Iglesia católica para esa época que se entendería como satánicos, sin explicación alguna Mozart fue eventualmente criminalizando y juzgado por la Iglesia de la época.

Durante la visita a Viena en 1785, el padre de Mozart, Leopold, también se hizo masón.5 La posición de Mozart dentro del movimiento masónico, según Maynard Solomon, tendía 45

ejemplo, la ceremonia de iniciación masónica comenzaba con el candidato golpeando tres veces en la puerta para solicitar su admisión.

Esto es expresado musicalmente como en la siguiente figura: DottedFigure.jpg

al racionalismo, inspirada en la Ilustración, como oposición a aquellos miembros orientados a través del misticismo y el ocultismo.7 Esta facción racionalista es identificada por Katherine Thomson como los Illuminati, un grupo de inspiración masónica que fue fundado por el profesor bávaro de derecho canónico Adam Weishaupt, quien también fue amigo de Mozart.8 Los Illuminati apoyaron la inspiración en la Ilustración, con la visión humanista dada por los filósofos franceses Jean-Jacques Rousseau y Denis Diderot. Por ejemplo, los Illuminati afirmaban que la clase social no coincidía con la nobleza del espíritu pero que las personas de las clases más bajas podían ser de espíritu noble tal como alguien de nacido dentro de la nobleza podía ser cobarde. Este punto de vista aparece en las óperas de Mozart; por ejemplo, en Las bodas de Fígaro, una ópera basada en la obra de Pierre Beaumarchais (otro masón), Fígaro es una persona de clase baja que es un héroe y el conde Almaviva es el villano.9

Esta figura aparece en la obertura de la ópera de Mozart La flauta mágica, sugiriendo el comienzo del ritual de iniciación masónico.12 Según Katherine Thomson, hay muchos ejemplos de símbolos musicales específicos tomados de los rituales masónicos que aparecen a lo largo de las composiciones de Mozart.

Estos incluyen el uso de suspensiones para indicar la hermandad y la amistad; el uso de armonías ternarias para enfatizar el significado especial del número tres en la francmasonería; y los ritmos y armonías especiales para simbolizar la fortaleza y otros atributos.13 Composiciones masónicas de Mozart[editar] A continuación se listan las obras que se conservan compuestas por Mozart para las reuniones masónicas:

Los francmasones usaron música en sus ceremonias y adoptaron la visión humanista de Rousseau en el significado de la música.

«El propósito de la música en las ceremonias [masónicas] es de extender los buenos pensamientos y la unidad entre los miembros» de modo que puedan «unirse en la idea de la inocencia y la felicidad», escrito por L. F. Lenz en una edición contemporánea de canciones masónicas. La música debía «inocular sentimientos de humanidad, sabiduría y paciencia, virtud y honestidad, lealtad a los amigos y finalmente un entendimiento de la libertad».10

Gesellenreise, KV 468, lied «para uso en el nombramiento de nuevos oficiales», marzo de 1785.

Die Maurerfreude (La alegría del masón), KV 471, cantata para tenor y coro masculino estrenada el 24 de abril de 1785.

Maurerische Trauermusik (Música fúnebre masónica), KV 477/479a, no posterior a noviembre de 1785.

Esta visión sugiere un estilo musical bastante diferente del estilo galante, que era dominante en aquella época. El estilo galante en la música fue típicamente melódico con acompañamiento armónico, en lugar de polifónico; y la línea melódica fue a menudo rica en ornamentación con trinos y otros efectos virtuosos.

El estilo promovido por la visión masónica fue mucho menos virtuoso y ornamentado. El estilo de composición de Mozart es a menudo catalogado como «humanista» y es acorde con la visión masónica de la música.11 La música de los francmasones contiene frases y formas musicales que mantuvieron significados semióticos específicos. Por

Dos canciones, KV 483 y KV 484, para celebrar la inauguración de Zur Neugekrönten Hoffnung; 14 de enero de 1786.

Die ihr die unermesslichen Weltalls Schöpfer ehrt, KV 619, cantata para tenor y piano (1791).

Kleine Freimaurer-Kantate (Pequeña cantata masónica) titulada Laut verkünde unsre Freude, para solistas, coro masculino y orquesta, 46

tado que padeció fiebre, vómito y ansiedad.

El 4 de diciembre sus amigos acudieron a su lado a cantarle parte de su Réquiem que inmortalmente acompañaría a la muerte en la cultura humana. Su doctor Thomas Closset determinó su muerte una hora después de la medianoche, el 5 de diciembre: Mozart tenía 35 años.

KV 623, estrenada bajo la dirección del compositor el 18 de noviembre de 1791.

Tanto el Réquiem como la ópera La clemenza di Tito están también altamente influenciadas por el simbolismo masónico.

La historia y música de la ópera La flauta mágica, cuyo libreto escribe en colaboración con el también hermano masón Emanuel Schikaneder, es considerada por tener grandes influencias masónicas. De hecho, a pesar estar plena de guiños de la cultura popular, se puede seguir en ella el ritual de Iniciación masónica del Rito Zinnendorf. La obertura comienza con tres acordes similares a las denominadas «baterías masónicas» de diversos ritos. Asimismo, el tema toral de la obra; la lucha entre la luz y las tinieblas, es también el tema que atraviesa toda la enseñanza masónica. Por otro lado, muchos autores han visto una prefiguración de Ignaz von Born en el papel de Zarastro.

El dagnóstico de Closset fue fiebre miliar, pero ésta, más que una enfermedad es una descripción de sus síntomas. Los restos de Mozart se inhumaron en una tumba comunal como sucedía con la clase media en Viena y, en consecuencia, quedaron perdidos para siempre. O esto es lo que dice la historia oficial, siempre es posible que se haya ocultado algo a este respecto.

Las causas de muerte más populares entre los cieníficos y académicos para Mozart son endocarditis, septicemia treptococcal, tuberculosis, fiebre reumática, el síndrome de Schönlein-Henoch y uremia, esta última relacionada con la falla del riñón, la más probable según el experto William J. Dawson. Lo cierto es que después de su muerte le ha seguido una interminable cola.

Compañeros masones de Mozart[editar] A continuación aparece una lista parcial con los miembros de la familia de Mozart, patrones y compositores que eran también masones:

En su funeral muy pocos acudieron al mismo.

Fue enterrado en una fosa común , sin acompañamiento, de tal manera que nadie pudo saber donde fue enterrado ni en que lugar.

Una de las teorías más famosas es la del envenenamiento por su celoso colega Salieri o por el mismo Mozart para tratarse la sífilis; Mozart mismo creyó esto en vida, aunque según se dice al final descartó esta posibilidad.

Veamos esta posibilidad

Nicolas Esterhazy: príncipe de la corte. Amigo y patrón de Joseph Haydn.

Joseph Haydn: amigo y compañero (acudió a una única reunión)14 Joseph Lange: cuñado Príncipe Lichnowsky: amigo y patrón Leopold Mozart: padre

Ocurrió en los años alrededor de 1790 que Mozart, entonces en la cima de la fama, acusara a Salieri, cuya popularidad decaía, de plagio y de querer atentar contra su vida. Según el historiador Alexander Wheelock Thayer, las sospechas de Mozart podrían tener origen en un episodio ocurrido diez años antes, cuando Mozart vio cómo Salieri le quitaba el puesto de profesor de música de la princesa de Wurtemberg.

Johann Michael Puchberg: amigo que le prestó dinero Emanuel Schikaneder: amigo y colaborador en La flauta mágica (libretista y empresario teatral).

Gottfried van Swieten: amigo y patrón15 Anton Stadler: amigo y compañero (clarinetista).

Cuando la ópera de Mozart Las bodas de Fígaro tuvo en principio un juicio negativo tanto del público como del propio emperador, el

Otras teorías: Mozart y Salieri Durante su etapa en cama se ha documen47

compositor acusó a Salieri del fracaso y de haber boicoteado el estreno («Salieri y sus acólitos moverían cielo y tierra con tal de hacerlo caer», comentará el padre de Mozart, Leopold, refiriéndose al primer fracaso de su hijo, fracaso solo temporal, como demostrará más adelante el éxito de esta ópera). Pero en aquella época Salieri estaba ocupado en Francia con la representación de su ópera Les Horaces, por lo que es improbable que realmente haya tenido la posibilidad de decidir a esa distancia el éxito o el fracaso de una ópera.

Mucho más probablemente (y siempre siguiendo a Thayer), quien debió de instigar a Mozart contra Salieri podría haber sido el poeta Giovanni Battista Casti, rival del poeta de la corte Lorenzo da Ponte, autor del libreto de Figaro. Una confirmación indirecta de hasta qué punto esta disputa entre Mozart y Salieri pudo haber sido algo artificialmente montado está en el hecho de que, cuando en 1788 éste es nombrado Kapellmeister, en lugar de proponer para la ocasión una de sus óperas

premio Óscar y reeditada recientemente en DVD con la inserción de fragmentos no incluidos en su estreno en cine.

El envenenamiento de Franz Hofdermer Una de las hipótesis que se barajan también es la muerte por el envenenamiento por Franz Hofdermer oficial que también perteneció a la masonería y que se suicidó al siguiente día que murió Mozart. Antes de su muerte sostuvo una fuerte discusión con Mozart ya que la esposa de Franz fue alumna de Mozart y se cree que ambos fueron amantes.

El encargo del REQUIEM si obra inacabada Es una pura casualidad que la última obra incompleta de Mozart fuera un réquiem. El encargo se le fue dado mediante un mensajero desconocido. Mozart nunca llegó a conocer al verdadero cliente. Fue un tal Conde Franz Walsegg-Stuppach, un compositor aficionado que después de la muerte de su esposa le encargó a Mozart la composición de un réquiem y que pretendía darlo a conocer como una de sus propias obras.

“Es una pura casualidad que la última obra incompleta de Mozart fuera un réquiem (...)

Mozart nunca llegó a conocer al verdadero cliente...”

El Romanticismo convirtió a Wolfgang Amadeus Mozart en un mito a través de esta sobrecogedora obra: según la leyenda, el músico la compuso con la idea de que se trataba de su propio Réquiem, encargado por un mensajero de la muerte. Aunque la realidad parece ser menos poética, ello no resta un ápice a la potencia expresiva ni a la belleza de la partitura, con algunas secciones que se cuentan entre las cimas no sólo de la producción de Mozart, sino de la música universal: el “Introitus”, el “Kyrie”, el “Dies irae” o el “Lacrimosa”.

prefirió reeditar Las bodas de Fígaro.

En sus últimos años de vida, Salieri vio cómo su salud empeoraba repentinamente y de modo irreversible. Quedó ciego y pasó los últimos años de su vida internado en un hospital. En ese período pudo haberse acusado a sí mismo de la muerte de Mozart, o al menos eso es lo que testimonian dos de sus enfermeras.

Muchos artistas y escritores se ocuparon de esta dualidad entre Mozart y Salieri. En el terreno musical y dramático hay que citar al compositor Nikolái Rimski-Kórsakov, que escribió en 1898 una ópera (Mozart y Salieri), el dramaturgo Peter Shaffer, que sobre este tema escribió en 1979 la obra de teatro Amadeus, y sobre todo el director Milos Forman con la película del mismo nombre de 1984, basada en la obra de Shaffer,1 ganadora del

En el último año de su vida, se presentó a Mozart, que estaba ya enfermo y deshecho, un taciturno desconocido, que le entregó una carta y desapareció. Era el encargo anónimo de una misa de réquiem, con promesa de buena recompensa. La única condición que exigía en la carta era que nunca, bajo ninguna circunstancia, intentaría el compositor averiguar la identidad de quien pagaba por su trabajo.

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Hace poco tiempo había muerto el padre de Mozart, y este se encontraba en un estado de gran depresión nerviosa, agotado por el trabajo excesivo, enfermo y cargado de deudas.

tamente cuál es la parte debida a Süssmayer.

El Réquiem de Mozart se ofrece como una superación de la materia pasional (indudablemente la contemplación de la muerte y la meditación de algunos misterios supremos de la fe) en una visión de serena belleza. El frecuente empleo del contrapunto y del estilo fugado (sobre todo en el “Kyrie” y en el “Quam olim Abrahae” del “Domine Jesu”) significa para algunos críticos la inexorabilidad de la muerte; pero es también un mero tributo al estilo que era casi obligado por aquel tiempo en la música sacra.

Contempló al mensajero y llegó a pensar que era la muerte que lo visitaba personalmente.

Debido a su vinculación con la francmasonería, el músico era especialmente sensible a lo sobrenatural y esta visita lo inquietó mucho.fúnebre desconocido se volvió a presentar unos días después y pagó un anticipo, recomendando a Mozart que no descuidase su obra.

Volvió luego, de vez en cuando, para vigilar el progreso del trabajo. Era, sencillamente, el camarero del conde Franz von Walsegg, rico aficionado que tenía la debilidad de encargar obras a los grandes músicos para hacerlas ejecutar luego haciéndolas pasar por suyas.

Transcurrió el mes y Mozart no había terminado el encargo. Frecuentes desmayos e hinchazón de sus piernas y manos le impedían la necesaria concentración. Tuvo que pedir al desconocido un nuevo plazo de cuatro semanas.

Pero aquellas circunstancias singulares turbaron la mente de Mozart, ya fatigada por la áspera y continua lucha por la vida. Se entregó a la composición del Réquiem con el máximo empeño y, al mismo tiempo, con la firme persuasión de que aquella obra había de ser también su canto fúnebre. En efecto, no pudo terminarla. La obra fue completada por su discípulo Franz Xaver Süssmayer (1766-1803), quien, en los últimos años de la vida del maestro, había vivido en estrecha intimidad artística con él. No es fácil determinar exac-

Perseguido por funestos pensamientos, atormentado y traumado porque coincidencialmente tuvo una recaída en su salud, Mozart escribió una página tras otra. El “Requiem Aeternam”, el “Dies Irae” el “Kyrie”, el “Domine Jesu” y toda la gigantesca visión del Juicio Universal, sin duda algo de lo más sublime que en música haya jamás concebido la mente humana.

En la tarde del domingo 4 de diciembre de

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1791, llamó a algunos amigos junto a su lecho; repartió las partituras vocales de la nueva obra, que fue cantada y tocada mientras Mozart, con fatigado gesto, dirigía. Cuando llegaron al “Lacrimosa” Mozart lloró convulsivamente. Luego habló con Süssmayer, su alumno predilecto, a quien le dio instrucciones para completar la partitura. A medianoche perdió el conocimiento. En pleno delirio, intentaba cantar frases del Réquiem; cerca de la una de la madrugada abrió los ojos un momento, sonrió débilmente y murió.

Varios amigos de Mozart visitaron a la viuda y le aconsejaron no despilfarrar el dinero cobrado por el Réquiem en un fastuoso entierro -como quería Constanze-, así que el genio fue sepultado en una modesta tumba Aproximadamente veinte años después, un tipo llamado Leutgeb, habitante del pueblo de Stuppach, confesó poco antes de morir que en una ocasión, estando al servicio del Conde de Walsegg, había sido enviado a Viena por su amo para entregar una carta al compositor Wolfgang Amadeus Mozart. El conde, aficionado a la música y extraordinariamente rico, ya había utilizado a Leutgeb en muchas otras ocasiones para entrar en contacto con compositores renombrados y encargarles la composición de nuevas obras. Cuando las partituras terminadas le llegaban, el Conde solía copiarlas de su propio puño y letra y luego las hacía publicar y ejecutar bajo su supuesta autoria. Así, en 1791 había muerto la mujer del conde y éste decidió encargar a Mozart que escribiera un Réquiem. Hacía mucho tiempo que admiraba el trabajo de Mozart, pero no fue hasta enterarse que el músico estaba en bancarrota, que le propuso la creación del famoso Réquiem. Así fue como envió a Leutgeb a Viena para negociar con Mozart.

la ciudad de Wiener Neustadt bajo su supuesta autoría, mientras que Constanze Mozart organizó al mismo tiempo una ejecución del Réquiem en Viena, bajo el nombre de su verdadero compositor.

El Conde inició un pleito contra la viuda de Mozart, pero la causa fue sobreseída y Walsegg, disgustado y desilusionado, salió del desagradable asunto vencido y humillado, pero fue él quien provocó la composición de una de las más grandes obras maestras de la música.

Como vemos, no hubo nada de sobrenatural o misterioso en el episodio que llevó a la creación de su última obra. Fue la conjunción de raras circunstancias lo que le dio su toque siniestro al asunto.

Correcciones y coordinación: Isabel Rezmo

Después de la muerte de éste fue a ver a su viuda, quien le entregó la partitura del Réquiem.

El conde, como de costumbre, copió cuidadosamente la obra y escribió en su primera página: “Réquiem compuesto por el conde Walsegg” Dos años más tarde hizo ejecutar la obra en 50

Pintura

Salvador Dalí LA EXCENTRICIDAD DE UN GENIO Por: Isabel Rezmo

El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar escenas extraordinarias en medio de un desierto vacío.

El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar pacientemente una pera rodeado de los tumultos de la historia.

y únicos que ha dado el arte y se mantiene como una de las figuras más emblemáticas del mundo del arte universal.

Salvador Dalí continúa siendo un genio, el hombre de la capacidad mental extraordinaria para crear o inventar cosas nuevas y admirables, y un personaje de temperamento difícil.

Pintor, dibujante, escultor, escenógrafo y escritor, además de apasionado por expe-

Este mes nos centramos en el estudio de uno de los artistas máspolifacéticos, extraños, 52

“Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía...”

el psicoanálisis, y en insistir deliberadamente en el derecho del hombre a su propia locura.

LA VIDA DE UN GENIO Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí de Púbol nació en Figueras, 11 de mayo de 1904 y murió el 23 de enero de 1989. Conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de atesorar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus pinturas más célebres es La persistencia de la memoria, realizada en 1931.

rimentar las técnicas de la cinematografía y la animación, Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech (su nombre completo) no dejó indiferente a nadie a lo largo de su prolífica vida artística.

Salvador Dalí, el español del largo y delgado bigote retorcido, el niño mimado y problemático que desde pequeño se esforzaba por actuar a contracorriente y provocar conmoción a su alrededor, se convirtió en una pieza clave de la evolución artística del siglo XX y, estará presente siempre cuando se hable de genio y arte moderno.

El pintor surrealista británico Conroy Maddox (1912-2005) escribió sobre Dalí que probablemente fue el primero en explotar de manera consistente los descubrimientos de Freud y

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisis-

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mo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

“Dalí colaboró con el director de cine Luis Buñuel, amigo de la residencia de estudiantes...”

... Que no conozca el significado de mi arte, no significa que no lo tenga...

La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco.

En 1919, cuando cursaba sexto de bachillerato en el instituto Ramón Muntaner, editaron entre varios amigos la revista mensual Studium. Había ilustraciones, textos poéticos y una serie de artículos sobre pintores como Goya, Velázquez o Leonardo da Vinci.

familiar. En 1919, con catorce años, Dalí participó en una exposición colectiva de artistas locales en el teatro municipal de Figueras y en otra en Barcelona, auspiciada por la Universidad, en la que recibió el premio Rector de la Universidad.

En 1916 descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramón Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte del momento. Siguiendo los consejos de Pichot, su padre lo envió a clases de pintura con el maestro Juan Núñez. Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos al carboncillo en la casa

En 1922 Dalí se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.10 Dalí enseguida atrajo la atención por su carácter de excéntrico dandi.

Lucía una larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas

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victorianos. Sin embargo, fueron sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el cubismo, las que llamaron la atención de sus compañeros de residencia, entre los que se incluían futuras figuras del arte español, como Federico García Lorca, Pepín Bello o Luis BuñueL En 1924 un todavía desconocido Salvador Dalí ilustró un libro por primera vez. Era una publicación del poema en catalán Les Bruixes de Llers, de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles Fages de Climent. Dalí pronto se familiarizó con el dadaísmo, influencia que lo marcó el resto de su vida. En la residencia también trabó una apasionada relación con el joven Lorca, pero Dalí terminó rechazando los amorosos reclamos del poeta.

En 1926 visitó París por primera vez, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí admiraría profundamente. Picasso ya había recibido algunos comentarios elogiosos sobre Dalí de parte de Joan Miró. Con el paso del tiempo y el desarrollo de un estilo propio, Dalí se convirtió a su vez en una referencia y en un factor influyente en la pintura de éstos.

civil, y volverían a hacerlo por el rito católico en 1958.27 En 1931 Dalí pintó una de sus obras más célebres, La persistencia de la memoria (Los relojes blandos), obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida o determinista

En 1929 Dalí colaboró con el director de cine Luis Buñuel, amigo de la residencia de estudiantes, en la redacción del polémico cortometraje Un chienandalou, en el que se mostraban escenas propias del imaginario surrealista. Dalí afirmó haber desempeñado un papel esencial en el rodaje del film, sin que este extremo se haya visto confirmado por la historiografía del arte contemporáneo.

En 1941 Dalí entregó un guion cinematográfico a Jean Gabin, titulado Moontide (en español, Marea lunar). En 1942 publicó su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí.

Escribía regularmente para los catálogos de sus exposiciones, como la organizada en la KnoedlerGallery de Nueva York en 1943. En ese artículo exponía que el surrealismo habrá servido por lo menos para dar una prueba experimental de que la total esterilidad de los intentos por automatizar han llegado demasiado lejos y han llevado a un sistema totalitario... La pereza contemporánea, y la total falta de técnica, han alcanzado su paroxismo en la significación psicológica del uso actual de la institución universitaria.

En agosto de ese mismo año conoció a su musa y futura esposa Gala. Nacida con el nombre de Elena IvanovnaDiakonova, era una inmigrante rusa, once años mayor que él, en aquel tiempo casada con el poeta francés Paul Éluard. Ese mismo año, Dalí continuó exponiendo regularmente, ya como profesional, y se unió oficialmente al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse. Durante los dos años siguientes, su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo, que lo aclamó como creador del método paranoico-crítico, el cual, según se decía, ayudaba a acceder al inconsciente, liberando energías artísticas creadoras Gala y Dalí se casaron en 1934 en una ceremonia

También escribió una novela, publicada en 1944, sobre un salón de moda para automóviles. De ahí surgió una caricatura de Erdwin Cox, del The Miami Herald, que presentaba a Dalí luciendo un automóvil como vestido de 55

posición recuperaba piezas de Dalí, de Joan Miró, de Enrique Tábara y Eugenio Granell. Al año siguiente, sin embargo, Breton se opuso enérgicamente a la inclusión de la Madonna Sixtina de Dalí en la Exposición Internacional Surrealista de Nueva York.

fiesta.

Esos años, Dalí diseñó ilustraciones para ediciones traducidas al inglés de clásicos como el Quijote, la autobiografía de BenvenutoCellini y los Ensayos de Michel de Montaigne.

También aportó decorados para la película Spellbound de Alfred Hitchcock (conocida como Recuerda en España, Cuéntame tu vida en Argentina), y emprendió con Walt Disney la realización de una película de dibujos animados, Destino, que quedó inconclusa y que se montó en 2003, mucho después del fallecimiento de ambos.

Al final de su carrera, Dalí no se limitó a la pintura, desarrollando nuevos procesos y medios experimentales: creó un boletín y se convirtió en uno de los pioneros de la holografía artísticaconsiderando su larga exploración artística de juegos visuales. Ya durante sus últimos años, artistas como Andy Warhol proclamaron al catalán como una de las influencias más notables del pop art Dalí también mostró desde siempre un acusado interés por las ciencias naturales y las matemáticas.

Así se observa en muchas de sus obras — sobre todo las creadas en la década de los 50— en las cuales llegó a componer retratos individuales a partir de cuernos de rinoceronte. Según el artista, el cuerno de rinoceronte significaba la geometría divina, puesto que crece en una progresión espiral logarítmica.

También relacionó el concepto con los temas de la castidad y la santidad de la Virgen María Otro de los intereses de Dalí era el ADN, y el hipercubo (un cubo de cuatro dimensiones) que llegó a plasmar desplegado en su Crucifixión (Corpus Hypercubus).

Desde 1949 Dalí vivió en Cataluña. El hecho de que eligiese España para vivir en tiempos de la dictadura hizo que algunos de sus antiguos colegas, así como sectores progresistas, le hicieran blanco de nuevas críticas.

Esto sugiere que el descrédito con que Dalí era considerado entre surrealistas y críticos de arte se debiese, al menos en parte, a motivaciones políticas, más que al valor intrínseco de sus obras de arte. En 1959 Breton organizó una exposición antológica titulada HomagetoSurrealism (en español Homenaje al surrealismo), que reunía obras surgidas en las cuatro décadas del movimiento. La ex-

En 1980 la salud de Dalí se deterioró seriamente. Con su mujer, Gala —que ya manifestaba síntomas de senilidad—, supuestamente consumió un cóctel de fármacos que dañó seriamente su sistema nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prácticamente para la creación artística. Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso de la enfermedad de Parkinson.

En 1982 el rey Juan Carlos I concedió a Dalí el título de marqués de Púbol, que el artista agradeció con un dibujo, titulado Cabeza de Europa, que a la postre resultó ser su último dibujo, y que le entregó tras la visita real a su lecho de muerte.

Gala murió el 10 de junio de 1982. Tras su muerte, Dalí perdió su entusiasmo por vivir.

El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— 56

murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo .Su cripta se encuentra al otro lado de la iglesia de Sant Pere, donde había sido bautizado, había recibido su primera comunión y donde descansa desde entonces; a pocos metros de distancia de su casa natal.

secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965) De las distintas apariciones de Buñuel en obras de Dalí, la más famosa es sin lugar a dudas su retrato, del que, a pesar de las desavenencias que hubo entre los dos, Buñuel se sentía muy orgulloso y nunca quiso desprenderse de él. Vamos a citar algunas obras de esta etapa:

La Fundación Gala-Salvador Dalí se encarga en la actualidad de la gestión de su legado.En los Estados Unidos, el responsable legal de su representación es la ArtistRightsSociety.

1- Retrato de Luis Buñuel 1924 Óleo sobre lienzo 70 x 60 cm Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

LA OBRA PLÁSTICA DE DALI Luis Buñuel en la obra pictórica de Salvador Dalí

El retrato de Luis Buñuel lo presenta el 27de mayo de 1925 al primer Salón de la Sociedad de Artistas Ibéricos, mereciendo grandes elogios. Fue el primer cuadro importante de Dalí.

Refleja fielmente la personalidad de Buñuel.

Si tuviéramos que analizar la obra de Dalí diríamos que es un embaucador, loco en su cordura, un mago del trazo y de las sensaciones.

La idea de alucinación está dada tanto por la incongruencia onírica de los objetos situados en un paisaje misterioso como por la meticulosidad técnica.

Con fondo de la Residencia y las afueras de Madrid, Dalí plasmó a la perfección la imagen de duro que gozaba de pro­yectar el futuro cineasta. Pepín Bello recordaba que Luis eligió posar llevando uno de los «chalecos de seda o perlé que habían pertenecido a su padre».

En La persistencia de la memoria (1931) Dalí describía su obra como “fotografías de sueños pintadas a mano”. La extraña forma que aparece en primer plano está tomada de El jardín de las delicias (c.1505-1510) de El Bosco

Quizá sería para volver a afirmar su condición de jefe de familia, fallecido ya el indiano.

Para la realización de la obra, según el propio retratado, Sal­vador había dividido el lienzo en pequeños cuadros, «midiendo exactamente mi nariz, mis labios, y en el que, a petición mía, añadió varias nubes largas y ahiladas que me habían gustado en un cuadro de Mantegna»[3]

El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar escenas extraordinarias en medio de un desierto vacío. El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar pacientemente una pera rodeado de los tumultos de la historia. DALI. La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.

En el retrato Buñuel aparece con toda su reciedumbre adusta de su carácter y un cierto aire de madurez un tanto desdeñosa, que debía impresionar a un Dalí muy inexperto y timorato aún en sus primeros años de la Residencia.[4]

Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida

El retrato denota una ruptura con las propuestas cubistas que había abordado en los años anteriores y un retorno a la figuración. Dalí ha optado por una figura muy volumétrica, con 57

un diseño preciso y una luz extremadamente violenta, lo que provoca casi un tono escultórico a la pintura, al mismo tiempo son elementos que de alguna forma sirven para retratar al propio Buñuel, un tipo corpulento y de bastante carácter.

aparece en ninguna de las otras escenas nocturnas plasmadas en la obra, Santos Torroella deduce que el viaje comienza en esa viñeta, momento en que el uruguayo se despide de sus amigos. Más arriba, ligeramente a la derecha, vemos al grupo en otro momento de su excursión, con Buñuel a la izquierda, Dalí a la derecha y Maruja Mallo debajo, mientras, en el ángulo superior izquierdo, obser­vamos a Dalí y a Maruja Mallo caminando hacia una cruz (tal vez han entrado en una iglesia), y, en el ángulo inferior izquierdo, otra vez a Dalí con la cabeza de Maruja apoyada en su hombro. Detrás de ellos, o así parece, está Buñuel, acompañado de unos gatos callejeros.

2- Sueños noctámbulos 1922 Aguada de tinta china / papel 31.70 x 24.30 cm.

TEATRE-MUSEU DALI Pintada posiblemente en noviembre o diciembre. Es una magnífica aguada que demuestra la influencia que en aquellos años tenía el cubismo y sus primeras experiencias nocturnas en Madrid, conducido por Buñuel y su frecuentación de las tertulias de Ramón Gómez de la Serna en el Café Pombo. Los protagonistas del cuadro, con los cuatro personajes del círculo iluminado en la parte inferior derecha: Salvador Dalí, Luis Buñuel, Maruja Mallo y Rafael Barradas.

3- La miel es más dulce que la sangre (fotografía) 1927 No se conocen sus dimensiones Paradero desconocido El cuadro fue pintado en 1927 como culminación como culminación de la influencia de García Lorca sobre Dalí. A partir de este año Buñuel comienza una labor de acercamiento al pintor, con la intención de atraerlo a París y alejarlo de Lorca.

Más arriba en la parte central y poco a la derecha aparecen de nuevo Dalí, Buñuel y Mallo.

Sueños noctámbulos condensa las vivencias reales o imaginadas de un callejeo nocturno a la salida de una de las tertulias del Pombo.

[1] Muestra su fascinación por la vida nocturna madrileña.

Se desconoce su localización y sólo nos queda su fotografía. Es uno de sus cuadros más importantes y contenía “todas las obsesiones de mi entrada en el surrealismo.”

Sueños noctámbulos está compuesto de una serie de viñetas simultáneas que evocan un periplo nocturno por el viejo Madrid, tenuemente iluminado, en las altas horas de la madrugada. La deuda de Dalí para con Barradas es manifiesta y, además, todo permite suponer que el artis­ta uruguayo es la figura con abrigo y sombrero que aparece a la izquier­da del grupo de cuatro personajes que se hallan de pie bajo el halo de luz de una farola, en la parte inferior derecha de la acuarela. Como Santos Torroella ha demostrado, el personaje de anchos hombros y aspecto de gángster de Chicago que flanquea a Barradas no es otro que Luis Bu­ñuel. A la derecha de éste se aprecia al inconfundible y melenudo Dalí y a una compañera suya en San Fernando, la pintora gallega Maruja Ma­ llo, muchacha emancipada en la excluyente sociedad masculina de la época. Puesto que Barradas no

A la derecha del cuadro aparece la cabeza de Lorca entre una maniquí decapitada y un burro podrido, como los que aparecerán en Un perro andaluz. Encima de la cabeza de Lorca aparece la del propio Dalí. A los pies de la maniquí yace un cadáver ennegrecido, cubierto de moscas y que se ha identificado con Buñuel. En la época en que se pintó el cuadro, la correspondencia de Buñuel, parece intentar romper las buenas relaciones entre Dalí y Lorca.

La figura de Lorca en la Obra de Dali Lorca y Dali se conocen en la Residencia de Estudiantes en 1919 En 1925 viajó a Cadaqués para pasar la Semana Santa en casa de su amigo Salvador 58

Dalí. Esta visita y otra más larga en 1927 marcaron profundamente la vida y obra de ambos. Fruto de esta intensa amistad fue la “Oda a Salvador Dalí”, que se publicó en la Revista de Occidente en 1926. Además, fue el mismo Dalí el que animó al escritor a iniciarse en la pintura, consiguiendo que en 1927 presentase su primera exposición en las GaleriesDalmau de Barcelona. Por su parte, Lorca alentó a Dalí como escritor.

ral, e incluso la crítica.

Dvidio en sus etapas artísticas mencionaremos las más sobresalientes: Primera etapa: el artista adolescente (19191929) Su adolescencia está marcada por la educación de su padre, notario anarquista, y su asimilación del paisaje y del carácter de Cataluña. Se declara comunista. En 1922 se traslada a vivir a la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde entabla amistad con Federico García Lorca y Luis Buñuel. En 1927 ya es un defensor de las vanguardias.

La relación entre estos dos genios se dio, con altibajos, entre 1923 y 1936, y dio pie, colaboraciones artísticas aparte, a un intenso epistolario, una particular conversación iniciada en 1925. El distanciamiento sería aprovechado por Luis Buñuel, el cineasta, hasta entonces con escaso eco intelectual y popular, acabaría realizando con Dalí el guion de Un perro andaluz, título en el que Lorca siempre se sintió aludido.

Un diari: 1919-1920 (Un diario: 1919-1920) Edicions 62, 1994 Diario de adolescencia comenzado en 1919, en catalán, titulado por el autor como Mis impresiones y recuerdos íntimos. Habla de su ideología comunista y muestra sus preocupaciones sexuales y sociales.

Tardes d’estiu (Tardes de verano) Cave Canis, 1996 y Museo Abelló, 2001

A Dalí le quedó la sensación de que podía haber evitado quizá la muerte de Federico.

“Creía que no insistió lo suficiente para que le acompañara a Italia en 1936”.

OBRA LITERARIA DE SALVADOR DALI

Novela iniciada en 1920, queda inacabada y sólo se conservan fragmentos. Sobre la muerte. Introduce el tema social. Publicada en catalán como separata del número 3 de la revista Cave Canis (1996) y en el catálogo

Dalí siempre pretendió que en realidad no era tan gran pintor pero que quería perdurar como escritor. Sus numerosos libros autobiográficos, manifiestos y artículos de tesis no pueden ser en absoluto desdeñados. En primer lugar, su bagaje doctrinal no es despreciable, y su creatividad resulta comparable a la de los más conocidos exponentes del surrealismo. De la lectura de esos libros no se deduce ningún atractivo por el personaje, pero sí una quizá morbosa fascinación por su literatura.

Su sinceridad (o la imaginación al fabularla) difícilmente encuentra parangón en la literatura del siglo XX. Detrás de este tipo de escritura hay una auténtica envergadura intelectual.

Dalí escribía anárquicamente sus torrentes de pensamientos articulados en imágenes detalladas con una minuciosidad preciosista. Un tercero le corregía ocasionalmente la ortografía, la puntuación y los posibles problemas de sintaxis. Cultivó distintos géneros: el diario, la narrativa, la poesía y, dentro del subgénero de la literatura artística, la teoría de las artes, los textos programáticos y de agitación cultu59

guardias, desembocando en París. Ese año conoce a su ninfa Egeria, Gala. En 1930 se incorpora al grupo surrealista, del que defiende su adhesión al Partido Comunista. El neurólogo Sigmund Freud será su guía intelectual durante veinte años (1929-1949).

Un perro andaluz Era, 1971 y 1977 y La Fábrica, 2009

Salvador Dalí. Lletres i ninots (2001).

L’immensaMaria (La inmensa María) Museo Abelló, 2001 Novela inacabada, de 1927. Publicados los escasos fragmentos conservados en el catálogo Salvador Dalí. Lletres i ninots (2001).

El manifiesto amarillo Galaxia Gutenberg, 2004 También conocido como Manifiesto antiartístico, el Manifestgroc es un libelo publicado en 1928 contra la cultura tradicionalista catalana y reivindicando lo moderno. Firmado por Salvador Dalí, el crítico de arte SebastiàGasch y el crítico de literatura Lluís Montanyà.

Guion cinematográfico escrito junto a Luis Buñuel en 1928 y estrenado como película en 1929. Publicado en Francia (Un chienandalou) ese mismo año.

La edad de oro Era, 1971 y 1977Guion cinematográfico comenzado a escribir con Luis Buñuel en 1929 y terminado por este último en 1930, año en que se estrena la película. Publicado en Francia (L’âged’or) en 1930 y junto a Un perro andaluz en México en 1971.

L’alliberamentdelsdits (La liberación de los dedos) EdicionsdelsQuaderns Crema, 1995 Obra catalana completa, escrita en las décadas 20 y 30. En catalán

En 1930 escribe el guion del cortometraje documental Cinco minutos de surrealismo (Cinq minutes à propos du surréalisme), que no se llega a realizar

Segunda etapa: el surrealismo (1929-1934) En 1929 consolida su adhesión a las van-

La dona visible (La mujer visible) Edicions i PropostesCulturalsAndana, 2011 Su primer libro, dedicado a Gala. Recopilación de textos surrealistas. Publicado en Francia (La femme visible) en 1930. Incluye los ensayos El burro podrido -donde sienta las bases de su método paranoico-crítico- y La cabra sanitaria -donde ya declara su pasión por la física-, y el poema El gran Masturbador (relacionado con su lienzo homónimo de 1929) y El amor, otro ensayo. En catalán.

El amor y la memoria Su segundo libro, dedicado a Gala. Poema surrealista relacionado con su lienzo La persistencia de la memoria (1931). Publicado en Francia (L’Amour et la mémoire) en 1931 y 1998. Disponible en castellano en el tomo III de la Obra completa, donde le sigue el largo poema inédito Je mange Gala (Me como a Gala), compuesto en 1933, que cerraría una trilogía dedicada a su pareja.

Babaouo Editorial Labor, 1978

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Tercer libro, publicado en Francia en 1932.

Guion cinematográfico, con una introducción: Compendio de una historia crítica del cine. La película fue dirigida por Manuel Cussó-Ferrer en 1997 y estrenada en 2000.

Cuarta etapa: asentando su propio mito (1940-1948) Su estancia en EE.UU. (1940-1948) le transforma definitivamente en un agente provocador delirante y reivindicador de los clásicos del Renacimiento. Allí escribe su biografía y su única novela, ambas de alto valor literario.

También los libretos de sus ballets: Bacchanale (Bacanal), 1939; Labyrinth (Laberinto), 1941; Sacrificio (Sacrifice, sólo proyecto), trilogía basadda en los mitos clásicos, alrededor de Venus y Teseo; y MadTristan (Tristán loco), 1944 -éste con una primera versión de 1938 (ver El mito trágico de “El Ángelus” de Millet), que derivó en Bacanal-. Y una comedia musical: TheClouds (Las nubes), 1941, basada en la obra de Aristófanes, donde muestra su reivindicacíón del clasicismo y su alejamiento de las vanguardias.

El mito trágico de“El Ángelus” de Millet Tusquets, 1978, 1998, 2002 y 2004 Ensayo escrito en 1933, ampliado en 1938 (año en el que escribe el primer libreto de su ballet Tristán loco, basado en este libro) y extraviado en 1940. Publicado en Francia en 1963 y en España en 1978, revisado por Dalí. Utiliza el método paranoico-crítico para interpretar en clave psicosexual la escena del cuadro El Ángelus (1859). Método e interpretación tan poéticamente ingeniosos como discutibles desde un punto de vista lógico. El propio autor aclara que delirante es igual a poético.

Vida secreta de Salvador Dalí Poseidón, 1944, DASA, 1981, 1993 y 2001 y Antártida/Empúries, 1994 Autobiografía megalómana. Publicado en Estados Unidos (TheSecretlife of Salvador Dalí) en 1942 y en castellano en Argentina en 1944.

Reimpreso en España en 1981.

Tercera etapa: del surrealismo al antiautomatismo (1934-1940) Su alejamiento gradual del grupo surrealista (primera amonestación: 1934; separación definitiva: 1939) marca un corto período de transición en el que se autoafirma en sus propios métodos y abandona el izquierdismo para siempre. Realiza viajes esporádicos a Estados Unidos, lugar desde donde alcanza la fama.

Rostros ocultos Luis de Caralt, 1952 (censurada), Planeta, 1974, Plaza y Janés, 1989 y Destino, 2004 Única novela. Redactada en 1943 y publicada en Estados Unidos (Hidden Faces) en 1944.

En torno a la pasión sublimada (el cledalismo, neologismo acuñado por su autor) y con la II Guerra Mundial como marco. Demasiado barroca, aunque con momentos inspiradísimos de lírica y profundidad psicológica.

En 1948 escribe el guion cinematográfico La carretilla de carne, que acabará llamándose El alma en 1952. No se llegó a realizar.

50 secretos mágicos para pintar Luis de Caralt, 1948, 1985 y Drac 2004 Cincuenta secretos de la artesanía mágica Estampa, 2011 Ensayo sobre el arte de la pintura, reivindicando el clasicismo y detallando técnicas.

Publicado en Estados Unidos (50 Secrets of MagicCraftsmanship) en 1948. En 2011 se publica en España una edición limitada con el segundo título referido.

La conquista de lo irracional Ensayo breve, publicado en Francia (La Conquête de l’irrationnel) en 1935. Defiende el control de lo irracional, lo cual choca con el automatismo surrealista. En 1935 escribe el guion cinematográfico Los misterios surrealistas de Nueva York (Les mystèressurréalistes de New York). Y en 1937, su proyecto de película con los Hermanos Marx La mujer surrealista (TheSurrealistWoman), también conocida por su título anterior Jirafas en ensalada de lomos de caballo (GiraffesonHorseback Salad). Ninguna de las dos se llegaron a realizar Metamorfosis de Narciso Galaxia Gutenberg, 2009 Poema sobre su cuadro homónimo -y viceversa-, publicado en Francia (Métamorphose de Narcisse) en 1937.

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Quinta etapa: el misticismo nuclear (19491966) Manifiesto místico El Empurdanés, 1952 Declaración de paso a la mística, de cuatro páginas, defendiendo la espiritualidad de la mecánica cuántica. Publicado en Francia (Manifestemystique) en 1951 y poco después en España.

Dalí al desnudo Janés, 1952 Entrevista/reportaje de 1952 de Manuel del Arco, intrépido periodista zaragozano derechista. Incluye tres entrevistas previas a Dalí.

Primer libro de conversaciones publicado.

El bigote de Dalí. Una entrevista fotográfica Simon and Schuster, 1954 Libro de fotos hechas a Dalí por PhilippeHalsman, acompañadas de preguntas y respuestas breves, publicado en Estados Unidos en 1954 (Dali’sMustache. A Photographic Interview) y en Francia en 1994 Los cornudos del viejo arte moderno Tusquets, 1990, 2000 y 2004

intelectualidad.

Destacamos.

Ensayo breve contra los críticos de arte y la pintura moderna, publicado en Francia (Les Cocus du vieil art moderne) en 1956. Intercala el artículo de 1933 Sobre la belleza aterradora y comestible de la arquitectura modernstyle. En la línea de reivindicación del clasicismo de 50 secretos mágicos para pintar, pero pasando al ataque. Se considera un panfleto antimoderno, reverso de su vanguardista Manifiesto amarillo (1928).

Diario de un genio

Dins Dalí Fundación Gala-Salvador Dalí, 1988 Cuatro poemas: Laureada (1985), Oda a la monarquía (1987), La alquimia de mi amor (1986) y Elegías a Gala (1988), los tres primeros dedicados a los reyes de España y el último a su esposa muerta en 1982, reunidos en un opúsculo de nueve páginas, que iban a ser completados con otros dos que nunca fueron añadidos: La teoría de las guirnaldas y La estación de Perpignan.

Tusquets, 1983, 1996, 2004 y 2009 Autobiografía megalómana en forma de diario, al estilo de su amigo Josep Pla. Publicado en Francia (Journald’ungénie) en 1964. Abarca la etapa 1952-1964, aunque incluye sucesos anteriores. Continuación de Vida secreta.

Sexta etapa: la decadencia (1966-1989) Desde 1966 no publica libros propios, aunque concede largas entrevistas y escribe artículos donde repite sus tesis, añadiendo datos sobre las nuevas obsesiones. Profundiza en la estereoscopía, técnica que ya le interesa desde 1964, que le lleva a definirla en 1976 como hiperrealismo metafísico. Es rechazado por la

Por qué se ataca a la Gioconda?Siruela, 1994 y 2003 Antología publicada en Francia (Oui) en 1971 y reeditada y ampliada en 1979. En la edición de Ariel se reduce a 20 textos y en la de Siruela se traduce la versión de 1979, que incluye 84, entre 1927 y 1978. Incluye La conquista de lo irracional, La metamorfosis de Narciso y la conferencia de 1951 Picasso y yo. No aparece el Manifiesto místico.

Obra Completa I - Textos autobiográficos 1 Destino, 2003 - Un diario: 1919-1920 62

- La vida secreta de Salvador Dalí

- 50 secretos mágicos para pintar

- Diario de un genio Edición y prólogo de Félix Fanés.

Obra completa II - Textos autobiográficos 2 Destino, 2003

- Los cornudos del viejo arte moderno - El mito trágico de “El Ángelus” de Millet Introducción y notas de Juan Manuel Bonet.

Obra completa VI - Correspondencia No publicado. Fue prevista su edición a cargo de Joan Minguet.

- Las pasiones según Dalí (entrevistas con Louis Pawels) - Confesiones inconfesables (entrevistas con André Parinaud)

Obra completa VII - Entrevistas Destino, 2006 - Conversaciones, 1928-1985 150 entrevistas, incluyendo los cinco libros Dalí al desnudo (1952), El bigote de Dalí. Una entrevista fotográfica (1954), Carta abierta a Salvador Dalí (1966), Conversaciones con Salvador Dalí (1966), Personajes a fondo (1987, fragmento sobre Salvador Dalí) y Conversaciones con Pla y Dalí: localistas cosmopolitas (2002, fragmentos relacionados con Dalí).

- Cronología Edición y prólogo de Montse Aguer. La Cronología, actualizada, proviene de Confesiones inconfesables Obra completa III - Poesía, prosa, teatro y cine Destino, 2004 Incluye numerosos textos inéditos, además de la novela Rostros ocultos. Introducción y notas de Agustín Sánchez Vidal.

Obra completa IV – Ensayos 1 Destino, 2004

Prólogo de Francisco Calvo Serraller.

Obra completa VIII - Álbum Dalí Destino, 2004

- Artículos, 1919-1986 162 textos, la mitad no publicados antes en libro. Edición y notas de Juan José Lahuerta.

Obra completa V - Ensayos 2 Destino, 2005

Vida y obra de Salvador Dalí: cronología ilustrada con fotografías, pinturas, dibujos, manuscritos, libros, cartas y documentos.

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Portafolios

MI FUMADO CAFÉ CON POESÍA Ángel González Por: Juanmaría G. Campal do./ También yo fui testigo de otras horas.

Porque ya nada es lo mismo desde que leí, me gradué, en su Grado elemental.

Sí, fue allí donde nos dejó a muchos, como más tarde diría Benito Taibo que hacía siempre, es decir: Obnubilados, hombres y mujeres caen, caemos, por obra y gracia del encanto, rendidos a sus pies, convirtiéndonos en legión de admiradores de su sutil inteligencia, de sus opiniones políticamente incorrectas, de su memoria prodigiosa, de sus suaves modales, de su ironía aguda y penetrante.

Por esto y mucho más que uno atesora en sus adentros, en los más secretos, para su consideración personal, había pretendido tener todo a punto para su llegada. Presto el muy capaz cenicero, dispuestos y abundantes los tabacos —cosas de duques, negras para él, para mí rubias—, las aguas —la de vida, JW, y la municipal— no deseaba que se le aburriese, que se nos aburriera, la diestra mano.

Que quería que la tarde fuera, como todo fue aquellos días a su vera, a su enseñanza, a su luz y a su sombra, en su compañía: acto celebratorio de la vida y la palabra: Poesía.

Por esto, para hacer de anfitrión, hube de revestirme de mis más íntimos afectos y ternuras con mis mejores reciedumbres, pues no me era tranquilo saber que a punto estaba de presentarse en casa el hombre, el señor, el poeta, de quien tuve el honor de ser “escudero” por unos breves días —todo lo bueno y hermoso nos parece siempre fugaz— de su último septiembre.

Fue allí, en Candás, Mar adentro, donde, por fin, pude estrechar la mano del hombre, del poeta que, sin él saberlo, hacía años, en vital y zozobrada personal travesía, Sin esperanza con convencimiento, yo mismo, me había él remolcado a seguro puerto con su Grado elemental, libro del que de algunos de sus versos —De cualquier forma, no es preciso/ mirar hacia lo alto para maravillarse— hice norays de íntimo amarre, sabiendo siempre que, a veces, También estoy nostálgico de días./ También fui muy feliz. También recuer64

Mientras esperaba, presto a la escucha, su llegada, me vanagloriaba de que a ambos nos nacieran en esa Capital de provincia, Ciudad de sucias tejas soleadas, y, sobre todo, ya de nuevo le rendía íntima gratitud por aquellas palabras con que, en aquella candasina y eterna brevedad de pasos lentos, respondiera a mi confesada prisión de silencios: nada, nada, escribe, escribe; rómpete, rásgate el alma. Mas, ¡silencio!, que antes se había anunciado por su tos que por su musical tabalear en la puerta.

los guijarros, perdonando/ a las embelesadas azucenas...

Y a la par regresar al común ahora, pleno de humo, bien soplado, y levantar el encuentro pues ambos sabíamos que se nos había echado encima el tiempo de entonar su Canción triste de amigo, ya que: Si nuestro reino no fue de este mundo, y sabemos de cierto que no hay otro, dime lo que nos queda, amigo, dime lo que nos queda.

Abrir la puerta, enfrentar su clara mirada, su dibujada sonrisa que uno duda si es de alegría, de vital ironía o mezcla de las dos, y estrechar su mano, larga como su arte y delgada como un detallado atlas de ósea anatomía.

Ni siquiera deseos, ni siquiera esperanza; un confuso montón de sueños negros, eso es lo que nos queda, amigo, un confuso montón sólo de sueños.

Avanzar lentos, como que el corto pasillo fuera largo paseo al Mar de invierno donde el agua gris mancha de frío las rocas, y no es más que hasta el lugar donde este aprendiz le preguntaría, una vez más, por cómo escribe sus libros y él de nuevo, cercano, como que por primera vez se le preguntase, respondería: Yo no escribo libros, escribo poemas. Hay gente que escribe libros elaborados ya en la mente previamente. Mis libros están escritos en un período relativamente corto, cuatro o cinco años, y por lo tanto tienen cierta coherencia porque están escritos a partir de las preocupaciones de los acontecimientos que transcurren en ese tiempo, acaban teniendo por tanto cierta coherencia. Yo decido cerrar el libro cuando veo que se agotó esa vena, esa veta, y después le pongo un título en función de los poemas que lo forman.

Cada vez más pequeño.

Ya cabe en un pañuelo, igual que el llanto.

Pero cómo nos pesa, amigo, pero cómo nos pesa.

Más cuanto menos.

Lo que ninguno de los dos sabíamos es que nos quedaba encontrarnos este verano, de la mano de Antonio Campos y su El jardín y la palabra, en el Carmen de la Victoria de la Universidad de Granada, en palabras de Ángel, lugar propicio para citarse con el descanso, la belleza, la paz y la amistad. Ese lugar que recrea en Sol ya ausente, cuando, sobre los últimos instantes del atardecer desde los jardines que miran a la Alhambra, escribe:

Y allí seguimos charlando, viajando hasta la juventud, casi hasta la infancia y acabamos frente a frente, él en La Arena, yo en Bocamar, recitando que Por aquí pasa un río./ Por aquí tus pisadas/ fueron embelleciendo las arenas,/ aclarando las aguas,/ puliendo los guijarros, perdonando/ a las embelesadas/ azucenas...// No vas tú por el río:/ es el río el que anda/ detrás de ti, buscando en ti/ el reflejo, mirándose en tu espalda.// Si vas de prisa, el río se apresura./ Si vas despacio, el agua se remansa.// Por aquí pasa un río./ Por aquí tus pisadas/ fueron embelleciendo las arenas,/ aclarando las aguas,/ puliendo

Todavía un instante mientras todo se apaga la piedra que recoge lo que el cielo desdeña…

Todavía un instante mientras todo se pierde la memoria que guarda la belleza de un rostro.

Un instante final que se transforma en siempre la luz sobre la piedra la mirada que dora tenuamente todavía —después de haber mirado— la penumbra de un sueño.

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Isla Tiberina: Una isla para vivir Por: Elisabetta Bagli

La Isla Tiberina, pintoresco lugar de paseos románticos y mirador privilegiado para observar de cerca el “biondo Tevere”, cada verano se ilumina aún más convertiendose en uno de los centros culturales y de ocio veraniego más importantes de la capital italiana.

Bien conocido es el Festival del Cine denomindo La Isla del Cine con un programa muy rico de proyecciones cinematogràficas dedicadas al cine italiano, europeo, americano e internacional y distribuido en varias sesiones.

Además de las peliculas hay acontecimientos cinematogràficos como certamenes e interesantes conferencias sobre el séptimo arte.

La Isla Tiberina siempre ha sido un enclave misterioso, envuelto en la leyenda, rodeado por el río e inextricablemente ligado a los orígenes de Roma. La magia sigue también en este siglo ya que las imagenes y las palabras se dan cita en este sugestivo lugar para enriquecer las noches del verano romano de cada año.

En el marco de la Isla del Cine, desde el año 2008, tiene lugar el Festival de la poesía organizado por Francesca Farina y Roberto Piperno, dos poetas de renombre, sensibles y profesionales, anfitriones de momentos de rara belleza que integran el panorama artìstico-li66

terario romano con recitales poeticos a cargo de poetas italianos e internacionales de larga y consolidada trayectoria artística. Allí, en las últimas semanas de junio y en las primeras de julio, se alternan poetas declamando sus poemas en un marco espectacular y presentando sus libros.

hace realidad cada vez que se pisa esa Isla màgica.

Algunos de los poetas que nos dieron aliento esta noche, además de quien escribe y de los organizadores, fueron: Daniela Cecchini, Stefania Di Lino, Emanuela Guttoriello, Iolanda La Carruba, Cinzia Marulli, Enrico Meloni, Anita Napolitano, Olga Olina, Sarah Panatta, Giulia Perroni, Antonella Rizzo, Therezinha Siqueira Teixeira, Pietro Scagliarini e muchísimos otros.

Siempre cerca de la fecha del 29 de junio, con ocasión del aniversario del nacimiento de Giacomo Leopardi, el gran poeta de Recanati (naciò el 29 de junio de 1798) Francesca Farina y Roberto Piperno organizan un Maratón de poesía en su homenaje: el Leopardi’s Day. Este año se ha celebrado la edición número 14 que ha visto a numerosos protagonistas compartiendo emociones, sensaciones, talentos y palabras reunidos en el palco de la Isla del Cine, donde se han podido escuchar versos y canciones inspirados en Leopardi tratando temas leopardianos como la soledad, la madrastra naturaleza, la filosofía, la amistad...

Además con los restaurantes y los muchos sitios de encuentro que hay en la Isla Tiberina para el verano, es facil para los artistas y poetas conocerse mejor y mas allá de los versos, cenando o tomando un aperitivo con la brisa del rio Tíber. ¿Qué hacer durante las noches de verano en Roma? Ir a La Isla Tiberina para disfrutar del arte, de la poesía, de la música y del cine en uno de los entornos más bellos de la capital italiana, llenando los cielos de Roma, más allá del ocaso, de notas, imágenes y palabras.

Me emocioné mucho leyendo mi poema inspirado en la soledad de una casa antes de estallar. Estar sobre un palco tan importante, delante de un público fantástico y gozando de la antiguedad de las piedras pintadas de naranja por la luz del sol es un sueño que se

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PALABRAS CON HISTORIA

“LECTURA” Por: Marcos López Herrador Llamamos lectura a la acción, realizada en voz alta o en silencio, de interpretar los signos escritos de un texto para comprender su significado.

lectura como el verdadero milagro que realmente es. Tan fundamental resulta la aparición de la escritura en el desarrollo del ser humano que marca un antes y un después entre la Prehistoria y la Historia.

Pocas acciones resultan hoy tan cotidianas y están asumidas con tanta naturalidad como el hecho de leer, que nos parece la cosa más normal del mundo, dado que se trata de algo que todos hacemos sin mayor dificultad.

Conviene decir que una de las manifestaciones más claras de la inteligencia humana es la capacidad que manifiesta el hombre para poder comunicarse mediante la utilización de elementos simbólicos. Hace cien mil años esos elementos fueron sonoros y nació el lenguaje, y hace cinco mil años, la utilización de signos escritos dio lugar a la aparición de la escritura.

Esta utilización de elementos simbólicos es fundamental para la comunicación como

Sin embargo, esto no ha sido así a lo largo de la historia, pues hasta épocas muy recientes, la mayor parte de la población, no ha sabido ni leer ni escribir. El hecho de que hoy en día prácticamente todos sepamos, parece contribuir a que no lleguemos a considerar la 68

medio de transmitir el conocimiento, que es el verdadero motor de la evolución humana.

En este sentido, la aparición de la escritura supuso una verdadera revolución, ya que, mediante el lenguaje hablado, el mensaje no puede separarse de los sujetos porque tanto emisor como receptor han de estar en el mismo lugar,dado que el ámbito espacial al que puede llegar la voz es limitado. La escritura convierte el mensaje en objeto independiente, tanto del sujeto que lo emite, como del que lo recibe. Y no sólo eso, sino que, además, el mensaje puede moverse en el espacio con total independencia; puede almacenarse, conservarse y perdurar para sobrevivir a quien lo emite, para llegar a aquellos que vivan incluso con posterioridad a la época en que el mensaje se generó.

de la Historia. Quizás nosotros pensemos que no hay otro modo que el nuestro, es decir, en silencio, y nada más lejos de la realidad. Por raro que nos parezca, sólo a lo largo de los últimos quinientos años se ha impuesto la lectura en silencio. Antes del siglo XV esta forma de leer resultaba incomprensible y casi reprobable.

Para entenderlo, hay que tener en cuenta que la transmisión del conocimiento en la antigüedad se producía por tradición oral; el conocimiento se adquiría por tanto escuchando. Pocos sabían leer, así que normalmente quien leía, lo hacía para que los demás escucharan.

Incluso quien sabía leer lo hacía en voz alta para sí mismo porque tomaba conocimiento de lo leído escuchándolo. Resulta curioso conocer los comentarios que en el siglo IV se hacían sobre San Ambrosio que, adelantándose en mil años a su época, tenía la costumbre de leer sin pronunciar palabra, ante el estupor, la sospecha y el desagrado de cuantos le rodeaban. Tuvo que llegar la Edad Media para que los monjes con voto de silencio que se dedicaban a copiar libros, lo hicieran sin despegar los labios, para que esa nueva forma de leer se fuese abriendo camino.

La lectura ha tenido hasta hace muy poco tiempo connotaciones casi mágicas: La contemplación de quien deslizaba su mirada sobre signos carentes de sentido para los no iniciados, para quienes no compartieran los secretos de su interpretación, escrutando su significado para poner voz a lo que leían, debía hacer el mismo efecto sobre el espectador que pudieran producir los augures observando el cielo, los arúspices leyendo las vísceras del animal sacrificado, para interpretar la voluntad de los dioses, o del adivino tratando de averiguar el futuro.

En definitiva, si lo pensamos detenidamente, nosotros mismos, tan acostumbrados a leer, deberíamos maravillarnos de lo que es y significa la lectura, pues es una de las grandes maravillas del talento humano..

En cuanto a la forma de leer, resulta sorprendente hasta qué punto ha cambiado a lo largo

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