Puebla Dos22 Edición No. 87 - noviembre 2018, sexto aniversario

Editorial El ejercicio artístico puede entenderse desde múltiples percepciones, como si se tratase de un caleidoscopio que muestra al observador una figura diferente cada vez que se le mira.

Para conmemorar nuestro sexto aniversario, PueblaDos22 rinde homenaje a algunas de las personalidades más importantes de la escena artística de la ciudad, profesionales que han dejado parte de su alma en las obras que yacen en los jardínes, galerías, explanadas, museos y colecciones privadas que ahora forman parte de la herencia cultural. Al tiempo, reconocemos a los espacios que acogen el trabajo de estos modernos demiurgos, consagrados y emergentes, que atesoran la historia de nuestro estado, enriqueciéndola día a día con el objetivo de que cada visitante se emocione, tanto como nosotros al compartir esta edición especial con ustedes ¡Gracias!

Directora editorial Alma Eréndira Balderas Rivas alma.balderas@revistapuebla222.mx Co-editor Ángel Iván Martínez López angel.martinez@revistapuebla222.mx Corrección de estilo Natalia Téllez Gerente de arte y diseño Francisco J. Monroy González javier.monroy@revistapuebla222.mx Redacción David Alvídrez y Miguel Ángel Escudero Fotografía Fabián Cano Aldaco y Roberto Ramírez Otero Dirección Comercial y Relaciones Públicas

Mónica Vélez de Uriarte (222) 375 2661, 617 2864, (044) 2225 88 92 37 monica.velez@revistapuebla222.mx

Logística Nelly Itzel Cuevas Barra Área comercial

Karina Miranda Esponda (044) 55 34 91 51 54 karina.miranda@obspublishing.com

Pilar López (044) 55 37 07 13 33 pilar.lopez@obspublishing.com

Distribución Omar Loeza y

Aurelio Martínez Sánchez

Presidente del Consejo editorial Roberto Oliva Miranda Vicepresidenta del Consejo editorial Judith Chaparro Alvarado

® es una publicación mensual editada y distribuida por OBS Organization Business Services, S.A. de C.V. Boulevard Atlixcáyotl No. 5208, Int. JV1, Piso 3, Reserva Territorial Atlixcáyotl, C.P. 72810, San Andrés Cholula, Puebla, C.P. 72810.

Tel 01(222) 6021582. Año 6 No. 87, noviembre 2018. Editor responsable: Roberto Oliva Miranda. Los artículos reflejan únicamente el pensamiento de los autores. Prohibida su reproducción total o parcial sin previa autorización y por escrito de los editores. El contenido de los artículos no refleja necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido 16902. Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo del título 04-2017-031410064100-102. Preprensa e Impresión: Preprensa Digital S.A. de C.V. Caravaggio No. 30, Colonia Mixcoac, C.P. 03910, Ciudad de México.

Circulación certificada por Aguilar, Becerra y Asociados. Registro en el PNMI: 22/07/2014. www.revistapuebla222.mx Encuéntranos en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México, Aeropuerto Internacional de Toluca, Aeropuerto Internacional de Puebla y sus salas VIP.

Consejo editorial Mateo Santoyo y Jorge Mettey Coordinador del Área digital

Gerardo Rigada Arrioja Producción multimedia

Esteban Mendiola Riestra contacto@obspublishing.com

Contenido

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Sexto Aniversario

A Fondo

In art we trust?

Un acercamiento al arte y sus diferentes concepciones.

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Museos

Edificios que fungen como testigos de la historia poblana.

6

Expresión 24

José Lazcarro

Una vida dedicada al arte.

32

Antonio Álvarez Morán

Humor, crítica e innovación amalgaman su obra.

36

Carlos Arias

24

Un hilarante diálogo íntimo a través del bordado.

40

Patricia Fabre

Entre la búsqueda de observación y exploración de laberintos.

CON TENIDO

44

Sexto Aniversario

José Bayro C.

Figuras de una ciudad que reclama a sus ídolos.

48

Luis Canseco

De lo figurativo a lo conceptual por medio del grafito.

50

Samuel McNaught

Transformación emotiva del material hasta poseer la forma.

Voces

52 Inyectar de color el espacio urbano, Donaji Tejeda de Colectivo Tomate.

54

Mil Amores

Palimpsesto de microorganismos y colores.

56 Mr.

54

Rocket

Formas que oscilan entre lo efímero y lo eterno.

58

Gracmor

Abstracción que emana de la raíz prehispánica.

Especial

60 ELGRIAL, inspirado en la magia de nuestros pueblos mexicanos.

Espacios

La emergencia del andamiaje cultural, Mtra. Marie-France Desdier Fuentes.

68

70.

Museo Internacional del Barroco

68

Maravilla vanguardista que atesora la Historia.

72 Museo

Amparo

Provocar al espectador para transformar el entorno.

74

Galería de Arte del CCU

Ágora descentralizada para todos.

76

Capilla del Arte UDLAP

Documento histórico que evoluciona temporada tras temporada.

8

60

78

Galería de los Sapos

Espacio que sorprende con grandes firmas.

En la mira

80 Representantes

de Latinoamérica se reúnen en Puebla para el rescate de ríos urbanos.

Flashback 82

En exclusiva con ¡Qué tal Fernanda!

Una década velando por la salud de los poblanos.

84

86

XIX Feria del vino & destilados.

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Giveaway

A Fondo

Texto: Ángel Martínez

Historia del Arte

In Art

Bello, revolucionario, polémico y cambiante es el arte; los poco más de 30 mil años de expresión plástica reafirman la necesidad primaria que tiene el ser humano por transformar la materia mediante la creación.

Desde las pinturas rupestres que se han encontrado en cuevas de diversas partes del mundo, hasta las obsesivas y futuristas instalaciones de Yayoi Kusama, el objeto artístico está altamente cargado de significado e interpretaciones, por lo que la manera en que es plasmado siempre ha abierto el diálogo, sobre todo porque su razón de ser no obedece a un fin útil en el sentido clásico de la palabra, como una cuchara o un martillo, herramientas con las que pueden crearse objetos artísticos, aunque esto no le impide presentarse bajo esa forma, por tanto, ¿cómo definirlo y valorarlo?

Experiencia estética Fueron los grandes pensadores de la antigua Grecia los responsables de cimentar las bases para abordar las diversas manifestaciones artísticas y generar conceptos para explicar las reglas de su práctica.

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La estética, del griego αισθητική (‘sensibilidad’), es la encargada de estudiar este tipo de manifestaciones y las experiencias que éstas generan en nosotros –las cuales son una manera particular de vincularnos con la realidad cuando una obra nos afecta emocionalmente–, y los juicios relativos a la belleza, lo sublime o feo de un objeto artístico. Pero, la manera en que los griegos entendían el momento en el que surgía este tipo de sensibilidad estaba más cercano a la exaltación y a lo desmedido que una simple cualidad de percepción.

La experiencia estética es una de las pruebas de que nuestra subjetividad existe, cuando ésta es afectada por una obra o acto artístico, percibimos una intensidad ante la sorpresa de ver y experimentar algo que está hecho para nuestro placer o atención.

Übersetzung: Ulrich Ludwig

Deustch

we trust?

Schön ist die Kunst, revolutionär, umstritten und wechselhaft. Die etwas mehr als 30.000 Jahre plastischen Ausdrucks bekräftigen das Grundbedürfnis des Menschen, Materie durch Schöpfung zu transformieren.

Von den Höhlenmalereien, die in vielen Teilen der Welt zu finden sind, bis hin zu den obsessiven und futuristischen Installationen von Yayoi Kusama, ist das Kunstobjekt stark mit Bedeutung und Interpretationen aufgeladen. Die Art und Weise, wie es erfasst wird, hat immer den Dialog eröffnet, zumal seine Daseinsberechtigung nicht einem nützlichen Zweck im engeren Sinne des Wortes unterliegt, wie das bei einem Löffel oder einem Hammer der Fall ist. Mit solchen Werkzeugen können auch Kunstwerke erschaffen werden, wenngleich sie sich nicht darauf reduzieren lassen. Wie definiert und bewertet man also Kunst? Ästhetisches Erlebnis Es waren die großen Denker des antiken Griechenland, die die Grundlagen schufen, um die verschiedenen künstlerischen Äußerungen anzugehen und Konzepte zu entwickeln, um die Regeln ihrer Praxis zu erklären.

Die Ästhetik (aus dem Griechischen αισθητική) ist zuständig für die Beschäftigung mit künstlerischen Äußerungen und Erfahrungen, die sie in uns erzeugen. Sie verbinden uns mit der Realität in ganz besonderer Weise, wenn ein Werk uns emotional berührt. Und die Ästhetik bringt uns zu unseren relativen Urteilen über die Schönheit, das Erhabene oder Hässliche eines Kunstobjektes. Aber die Art und Weise, wie die Griechen diesen Moment neu aufkommender Empfindsamkeit verstanden, war der Erhöhung und Unbewusstheit näher als einer einfachen Qualität der Wahrnehmung.

Von der Transformation zur Technik Die griechische Ästhetik wollte darüber nachdenken, wie wir im Angesicht eines Objekts oder einer Tatsache „beeindruckt“ werden können. Der erste Eindruck, der uns sogar Gänsehaut verursachen kann, hat verschiedene Philosophen wie

Platon und Aristoteles besonders interessiert. Sie fragten sich, wie es sein kann, dass eine Person bei einer anderen diese Art von Schock durch ein Objekt oder eine Handlung erzeugen könnte. Sie lenkten ihre Aufmerksamkeit auf die Transformation, die stattfinden muss, um diesen Effekt zu erzielen.

Für Platon war die Person des Demiurgen (griech.: Schöpfer, Erbauer) von höchster Bedeutung, wenn auch etwas gefährlich, weil er dafür verantwortlich war, Ideen in die Tat umzusetzen.

Zwar ist der Archetyp des Dichters in seiner ursprünglichen Konzeption der Transformator von Gedanken in ein materielles Ergebnis. Aber mehr als ein Künstler, der seine Technik nutzt, ist der Demiurg eine Art Magier, dem die Götter übernatürliche Kräfte gewährten, um solche Transformationen zu erschaffen.

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A FONDO Historia del Arte 1. Convergencia, Jackson Pollock (1952) 2. Estudio para retrato de Papa Inocencio X No. 22, Francis Bacon (1965)

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De la transformación a la técnica A la aisthesis griega le interesaba reflexionar lo “impresionable” que somos ante un objeto o hecho. Esa primera impresión que incluso nos causa piel chinita, fue de gran interés para diversos filósofos como Platón y Aristóteles, quienes se preguntaron cómo es que una persona podía generar en otra este tipo de shock, mediante un objeto o acto y colocaron su atención en la transformación que debe darse para conseguir ese efecto.

Para Platón, la figura del demiurgo era de una altísima importancia, aunque un tanto peligrosa, pues era el encargado de convertir las ideas en realidades. Aunque esta figura, que transfiguraba el pensamiento en un resultado material, es el arquetipo del poeta en su concepción original, más que un artista que trabaja mediante la técnica, el demiurgo era una especie de mago al cual los dioses le concedieron poderes sobrenaturales para lograr este tipo de transformación.

Fue Aristóteles quien hizo el primer tratado acerca de las reglas del arte y los efectos que genera en el público.

En su Poética, el término μίμησις (‘mímesis’) designa la representación de la realidad como el fin esencial del arte, además, éste era entendido por ellos como τέχνη (‘techné’), es decir, el producto de la habilidad técnica que se da en la poiesis o acto creativo. Lo pecu12

liar de esto es que tanto el arquitecto, el herrero o el pintor, trabajan la materia con techné, aunque sólo el producto que generaba un efecto de verosimilitud merecía ser llamado arte.

La mímesis o imitación de la realidad es una de las definiciones clásicas del arte, aunque actualmente no aplique para nombrar la cantidad de expresiones que podemos encontrar en una galería o museo. Si el arte es una copia de lo real, según Aristóteles, las composiciones de Wassily Kandinsky o los Readymades de Marcel Duchamp, por no mencionar casi todo el videoarte, quedarían fuera de los estándares clásicos, sin embargo, el concepto de mímesis como duplicación del objeto natural en objeto artístico puede utilizarse al momento de analizar la técnica hiperrealista de algunos artistas como los dibujantes Franco Clun y Stefan Pabst, el Palm paiting de Russell Powell o las “maletas” conceptuales que monta Yin Xiuzhen.

Juicio y ruptura Antes de que las vanguardias estrellaran el grueso vidrio que había construido el canon de la estética clásica, con todas sus normas y preceptos acerca de las correctas proporciones que debe tener una composición, Immanuel Kant hizo todo un tratado acerca la estética que hoy en día sigue vigente en muchos círculos donde se suele consumir arte.

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Deustch

Es war Aristoteles, der die erste Abhandlung über die Regeln der Kunst und die Auswirkungen machte, die sie in der Öffentlichkeit hervorruft.

In seiner Poetik bezeichnet der Begriff μίμησις (Mimesis) die Repräsentation der Realität als grundlegendes Ziel der Kunst. Außerdem wurde der Begriff τέχνη (Techne) verstanden als Produkt der technischen Fertigkeit, die in der Poiesis oder dem kreativen Akt gegeben ist. Die Besonderheit dabei ist, dass sowohl der Architekt, der Schmied oder der Maler das Material mit Techne bearbeiten, obwohl nur das Produkt mit seinem Effekt der „Echtheit“ es verdient hat, als Kunst bezeichnet zu werden.

3. Hombre-león de Hohlenstein, Anónimo (28000 a.C.) 4. Judith y Holofernes, Caravaggio (1620)

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Die Mimesis oder Imitation der Realität ist eine der klassischen Definitionen von Kunst, obwohl man sie derzeit nicht für die Benennung der Vielzahl an Darstellungen anwenden kann, die sich in einer Galerie oder einem Museum befinden. Wenn Kunst eine Kopie des Realen ist, würden nach Aristoteles die Kompositionen von Wassily Kandinsky oder Marcel Duchamps‘ Ready-

made, ganz zu schweigen von fast allen Videokunstwerken, außerhalb der klassischen Standards liegen. Aber das Konzept der Mimesis als Vervielfältigung des natürlichen Objekts in einem Kunstobjekt kann bei der Analyse der hyperrealistischen Technik einiger Künstler wie der Zeichner Franco Clun und Stefan Pabst, der Handflächen-Gemälde von Russell Powell oder der konzeptuellen „Koffer“ von Yin Xiuzhen verwendet werden.

Urteil und Bruch Bevor die Avantgardisten das dicke Glas zerschmetterten, das der Kanon der klassischen Ästhetik mit all seinen Regeln und Geboten über die richtigen Proportionen einer Komposition gebaut hatte, machte Immanuel Kant eine Abhandlung über die Ästhetik, die heute noch in vielen Kreisen gilt, in denen Kunst normalerweise konsumiert wird.

Für ihn war eine Darstellung nicht wegen des Objekts an sich schön, sondern wegen der Gefühle, die sie beim Betrachter auslöst.

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Aristoteles war der erste denker, der eine abhandlung über die regeln und die wirkung der kunst auf ihr publikum schrieb.

Er fokussiert sich in seiner poetik auf eine erste theorie des schöpferischen aktes.

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A FONDO Historia del Arte

2

Aristóteles fue el primer pensador en escribir un tratado acerca de las reglas y los efectos que causa el arte en el público. En su Poética se concentra lo que es la primer teoría del acto creativo.

1

Para él, una representación era bella no por el objeto en sí, sino por los sentimientos que despertaba en el sujeto, es decir, el juicio artístico en Kant no es una cuestión de técnica o de forma, sino una cuestión de gusto.

Aunque hoy en día ya no se hable de gustos por considerarse una manifestación aristocrática en aras de encasillar la obra en un sector acaudalado, la mayor parte del tiempo hacemos juicios de valor según estándares subjetivos que benefician o afectan a las diversas expresiones artísticas.

Un ejemplo de esto sería juzgar a una obra de Jean-Michel Basquiat como arte y no así a los diversos murales o expresiones de anónimos que podemos encontrar en las calles, puesto que la diferencia entre uno y otro sería el respaldo de juicios subjetivos por parte de la crítica. Por ende, la definición kantiana de arte como la afectación sensible de lo bello en nosotros, aun cuando genere juicios subjetivos de gusto, sigue operando con efectividad.

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Otra definición vigente con la que solemos entender al hecho artístico proviene de una frase de Georg Wilhelm Hegel que ha generado desde siempre cierta inquietud. En sus Lecciones de estética escribió que “en su determinación suprema, el arte es y sigue siendo para nosotros [...] algo del pasado”. Mucho se ha dicho acerca del enigma que encierran estas palabras, aunque si tenemos en cuenta que para el filósofo alemán el arte era simbólico por generar una conexión entre significado y forma, la definición de arte como manifestación del pasado tiene que ver con que éste es un registro material de la consciencia, una especie de huella que deja el artista y atiende más a su memoria e imaginario. El arte en esta concepción no sería algo perenne, más bien sería una manifestación de lo sensible, una cuestión siempre pasada en tanto que es el registro de la efímera consciencia del artista, una impronta que trasciende.

Sin embargo, lo que Hegel ya no pudo vivir fue el advenimiento de las vanguardias, movimientos artísticos como el surrealismo francés, el futurismo italiano, el dadaísmo y un gran número de “ismos” que desafiaron al canon que regía a la figuración a finales del siglo XIX y principios del XX y que tenían como común denominador el rechazo de toda autoridad tradicional o elitismo respecto al acto creativo.

Entonces, ¿de qué hablamos cuando hablamos de arte?

Cuando hacemos la pregunta “¿qué es el arte?” la respuesta se mantiene abierta pues no hay una única manera de explicarlo. Ernst H. Gombrich, en su Historia del arte, concebía esta palabra como un concepto y no como un fenómeno; para él, el Arte no existe, son los artistas quienes con su práctica han significado al acto artístico según su época y contexto: “la palabra arte puede significar muchas cosas distintas, en épocas y lugares diversos”.

Aunque haya un debate cada que intentamos definir esta actividad propia del humano y sus diversas manifestaciones, Gombrich parte de un hecho importante: “los artistas eran en otro tiempo hombres que cogían tierra coloreada y dibujaban toscamente las formas de un bisonte sobre las paredes de una cueva; hoy, compran sus colores y trazan carteles para las estaciones del metro”. Por tanto, en algo podemos concordar: la estela del arte comenzó a plasmarse desde hace más de 30 mil años (según los hallazgos más longevos) y ha extendido su línea del tiempo hasta nuestros días.

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Das künstlerische Urteil ist nach Kant keine Frage der Technik oder Form, sondern eine Frage des Geschmacks.

Zwar spricht man heute nicht mehr von Geschmäckern. Man hält das das für einen aristokratischen Ausdruck auf den Altären des Schubladendenkens wohlhabender Kreise.

1. Skulls, Andy Warhol (1976) 2. Amarillo, Rojo, Azul, Wassily Kandinsky (1925) 3. Cómo explicar cuadros a una liebre muerta, Joseph Beuys (1965) 4. La reencarnación de santa Orlan, Orlan (1990)

wir künstlerischen Ausdruck in der Regel verstehen, stammt von einem Satz Georg Wilhelm Hegels, der schon immer ein gewisses Unbehagen bereitet hat. In seinen Lektionen in Ästhetik schrieb er, dass „die Kunst in ihrer höchsten Entschlossenheit für uns […] etwas aus der Vergangenheit ist und bleibt“.

Dennoch treffen wir meist Werturteile nach subjektiven Maßstäben, die den verschiedenen künstlerischen Ausdrucksformen zugutekommen oder sie beeinflussen. Ein Beispiel dafür wäre die Einschätzung eines Werkes von Jean-Michel Basquiat als Kunst bei gleichzeitiger Weigerung, die verschiedenen Wandmalereien oder Werke anonymer Schöpfer in den Straßen als solche anzuerkennen, denn der Unterschied zwischen dem einen und dem anderen wäre die Unterstützung subjektiver Urteile von Kritikern. Daher funktioniert die kantische Definition von Kunst als die sensible Beeinflussung des Schönen in uns, auch wenn sie subjektive Geschmackseindrücke erzeugt, weiterhin sehr gut. Eine weitere gültige Definition, mit der

Es wurde schon viel über das in diesen Worten enthaltene Rätsel gesagt.

Wenn wir allerdings bedenken, dass die Kunst für den deutschen Philosophen beispielhaft für die Verbindung von Bedeutung und Form war, hat die Definition von Kunst als Manifestation der Vergangenheit damit zu tun, dass es sich bei einem materiellen Bewusstseinsverzeichnis um eine Art Fingerabdruck handelt, den der Künstler hinterlassen hat und der seinem Gedächtnis und seiner Phantasie mehr Aufmerksamkeit schenkt. Kunst wäre in diesem Sinne nichts Ewiges, sondern vielmehr eine Manifestation des Flüchtigen eine immer veraltete Fragestellung insofern als sie ein Verzeichnis des kurzlebigen Bewusstseins des Künstlers ist, ein transzendierender Abdruck.

Was Hegel jedoch nicht mehr erleben durfte, war das Aufkommen der Avantgarde und damit verbunden künstlerischer Bewegungen wie des französischen Surrealismus, des ita-

lienischen Futurismus, des Dadaismus und einer Vielzahl von «Ismen», die den Kanon herausforderten, der die Gestaltung im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert beherrschte und der als gemeinsamer Nenner die Ablehnung jeglicher traditioneller Autorität oder Elitismus bezüglich des schöpferischen Aktes hatte.

Worüber reden wir also, wenn wir über Kunst reden?

Wenn wir die Frage „Was ist Kunst?“ stellen, bleibt die Antwort offen, weil es keine alleingültige Möglichkeit gibt, sie zu erklären. Ernst H. Gombrich hat dieses Wort in seiner Kunstgeschichte als Konzept und nicht als Phänomen verstanden. Für ihn existiert Kunst nicht. Es sind die Künstler, die mit ihrer Praxis dem künstlerischen Akt nach Epoche und Kontext Bedeutung verliehen haben: „Das Wort Kunst kann je nach Epoche und Ort viele verschiedene Dinge bedeuten“.

Wir treten zwar mit jedem Versuch, diese zutiefst menschliche Tätigkeit und ihre verschiedenen Erscheinungsformen zu definieren, eine Diskussion los. Aber Gombrich geht doch von einer wichtigen Tatsache aus: „Einst waren die Künstler Menschen, die farbige Erde nahmen und mit groben Strichen die Formen eines Bisons an Höhlenwände zeichneten. Heute kaufen sie ihre Farben und zeichnen Poster für U-Bahn-Stationen“. Deshalb können wir uns zumindest auf einen Punkt einigen: Der Weg der Kunst begann (nach den ältesten Funden) vor mehr als 30.000 Jahren und erstreckt sich bis in unsere Zeit.

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Museo

Memoria

Texto: Miguel Á. Escudero. Fotografía: PueblaDos22.

Un portal al pasado, edificios que testifican la historia de Puebla Históricos, legendarios y auténticos, los museos poblanos son la expresión más pura y real del espíritu artístico y cultural de esta ciudad hecha de lienzos, matices y formas. Adéntrate en cada uno de ellos y sé parte de su encanto abrumador.

Dirección: 18 poniente 103, Centro Histórico.

Horario: martes a domingo de 10:00 a 17:00 hrs.

El genial escritor turco Orham Pamuk decía de los museos que “son los lugares donde el tiempo se transforma en espacio”. Definición metafísica de un ganador del premio Nobel que conocía a la perfección la esencia de lo que estos lugares son capaces de crear: desbordante realidad. Los museos de la ciudad de Puebla se mueven al ritmo de la cotidianidad, de las viejas casas y las hermosas iglesias. Es la urbe que dota a sus palacios culturales de algo que va más allá de conocimientos y verdades: identidad.

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Museo de Arte Religioso Exconvento de Santa Mónica Primer museo mexicano dedicado a la vida religiosa femenina y recinto del pasado religioso poblano.

A través de 23 salas de exhibición, este espacio congrega los grandes secretos y realidades del quehacer religioso desde el siglo XVIII hasta 1943. Aquí se cocinó por primera vez el Chile en nogada y miles de vidas dejaron leyendas que siguen resonando. Alberga grandes obras de arte sacro y antiguas colecciones de conventos como Santa Catalina, Santa Ana y La Soledad.

Translation: Alexandra Weiss

English

Gateways to the past, buildings that bring to life Puebla’s history Historical, legendary and authentic, Puebla museums give a very clear expression of the artistic and cultural heritage of this city. Step into each of them and be part of their overwhelming charm.

The brilliant Turkish writer (and Nobel Prize winner) Orham Pamuk said of museums that “they are the places where time is transformed into space”. Such a definition could only be written by a person who understands perfectly the essence of what such places can create: overflowing reality. The museums of the city of Puebla move to the rhythm of everyday life, of old houses and beautiful churches. It is a city that bestows its cultural palaces with something that goes beyond knowledge and truths: identity.

Museum of Religious Art, housed within the former convent of Santa Mónica.

This is the first Mexican museum solely dedicated to Puebla’s religious past and in particular featuring female religious life. There are twenty-three exhibition galleries bringing together the great secrets and realities of religious life from the 18th century to 1943. It was here that the famous dish “Chile en Nogada” (a green poblano chile topped with a walnut sauce) was cooked for the first time. In addition, there are details of legends that still exist today. It houses great works of sacred art and ancient convent collections such as Santa Catalina, Santa Ana and La Soledad.

Address: 18 poniente 103, Centro Histórico.

Opening hours: Tuesday to Sunday from 10:00 a.m. to 5:00 p.m.

MUSEO

English

Memoria

Dirección: 4 Norte 203, Centro Histórico.

Horario: martes a domingo de 10:00 a 17:00 hrs.

The San Pedro Art Museum Opened in 1999 as “Museo Poblano Arte Virreinal”, this top-notch museum is now named after the sixteenth century hospital San Pedro in which it is housed. Galleries display excellent contemporary art and there is a fascinating permanent exhibition portraying the history of the hospital, for example a recreation of the original apothecary.

Address: 4 Norte 203, Centro Histórico.

Opening hours: Tuesday to Sunday from 10:00 a.m. to 5:00 p.m.

San Pedro Museo de Arte De leyendas e historias están forjados los cimientos del Museo Poblano de Arte Virreinal. Este icónico recinto cuenta con más de mil metros cuadrados de espacios de exhibición. El inmueble fue fundado como

recinto hospitalario; años más tarde y después de diversos cambios, nació el actual museo que alberga ocho salas de exhibiciones temporales de arte novohispano y barroco. El lugar cuenta con botámenes que recrean la botica del pasado hospital.

Dirección: 2 Norte 2, Centro Histórico.

Horario: lunes a viernes de 10:00 a 18:00 hrs.

University Museum Casa de los Muñecos This museum takes you on a journey from past to present with exhibits from colonial times through to the Baroque. The exterior of the building is covered with a fine display of Talavera tiles (hand- painted ceramics solely produced in Puebla). Following its restoration, it became the most visited museum in Puebla due to its unique collection of over two hundred paintings which depict the art and culture of Puebla and showcasing its history.

Address: 2 Norte 2, Centro Histórico.

Opening hours: Monday to Friday from 10:00 a.m. to 6:00 p.m.

Museo Universitario Casa de los Muñecos Desde pasajes coloniales hasta exhibiciones barrocas, el Museo Universitario Casa de los Muñecos es un recorrido de pasados y presentes. La fachada del recinto cuenta con una de las obras he18

chas con talavera más sorprendentes de todo el estado. Luego de su restauración, se convirtió en uno de los edificios más visitados por su inigualable colección que suma más de 200 pinturas. Un lugar que recuerda lo más puro del arte y la cultura del pasado poblano.

MUSEO

English

Memoria

Dirección: 6 Oriente 206, Centro Histórico.

Regional Museum of the Mexican Revolution It was here that one of the most important events in the history of Mexico began: the Mexican Revolution. Through the courage of the Serdán brothers, martyrs of the Revolution, this old building saw the birth of hope for a country that needed to change. The pockmarked building, showing evidence of shots fired by federal troops to the outside façade of the house, preserves various objects and furniture of the time. The museum/house remains to this day in its original state.

Horario: martes a domingo de 10:00 a 17:00 hrs.

Museo Regional de la Revolución Mexicana Fue aquí donde dio inició uno de los acontecimientos más importantes de la Historia de México: la Revolución Mexicana. A través de la valentía de los hermanos Serdán, mártires de la Revolución, este viejo edificio vio

nacer la esperanza de un país que necesitaba cambiar. El inmueble aún conserva diversos objetos y mobiliario de la época, así como los disparos realizados por las tropas federales en la fachada. El museo se encuentra distribuido sin alterar los espacios originales con lo mejor de la tecnología.

Address: 6 Oriente 206, Centro Histórico.

Opening hours: Tuesday to Sunday from 10:00 a.m. to 5:00 p.m.

National Museum of Mexican Railroads Housed in a large steel building, you can explore the history of not just Puebla’s railways but that of the whole of Mexico. Here you will see many locomotives, steam and electric, freight cars and various tools of the Railway industry. Opening its doors in 1988 it is now recognised for its rescue and conservation work making it one of the most important museums in the country.

Address: 11 Norte 1005, Centro Histórico.

Opening hours: Tuesday to Saturday from 9:00 a.m. to 5:00 p.m. Sunday from 9:00 a.m to 1:00 p.m.

Dirección: 11 Norte 1005, Centro Histórico. Horario: martes a sábado de 9:00 a 17:00 hrs.

Domingo de 9:00 a 13:00 hrs.

Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos En el duro metal de estos monstruos de acero se encuentra no sólo la historia ferroviaria de Puebla, sino de todo México. El museo cuenta con diversas locomotoras de vapor, eléctricas, 20

carros de carga y viejas herramientas del trabajo ferroviario. Abrió sus puertas en 1988 y, desde entonces, se ha vuelto el legado intacto del ferrocarril. Su labor de rescate y conservación lo han hecho uno de los museos más importantes de todo el país.

Filet to di Pe sc e a l V ino Bl a nco, con Ju l ie nne di V e r d u r e a l Ti m o

“Come mi ha in se g n ato l a nonn a” TO S C A L I A H O N R A L A H E R E N C I A D E L A G A S T R O N O M Í A I TA L I A N A De la mano de uno de los chefs más reconocidos de nuestro país en cuanto a cocina italiana se refiere, Umberto Fregoni, Toscalia da paso a una nueva etapa en su historia de éxito. Con una carta renovada casi en su totalidad, la cocina de este restaurante busca complacer el paladar de sus visitantes guiándolos por el mosaico de sabores que se han forjado en la nación italiana. El corazón de este cambio se ha formado del cariño y devoción de las nonnas, cuyas recetas han sido rescatadas por el equipo de Toscalia, quien se dio a la tarea de conseguir los ingredientes más naturales producidos de acuerdo a la tradición italiana.

B lv d . At l i x c o N o . 3 1 , e s q u i n a c on Av. J u á r e z . C olon i a L a Pa z , P u e bl a , P u e .

Tagliatelle al Salmi di Cinghiale

I l M a i a l ino, Le Costine Fonde n ti

L A C E R T I F I C AC I Ó N “ O S P I TA L I TÁ I TA L I A N A” E S OTO R G A DA P O R E L G O B I E R N O I TA L I A N O Y R E CO N O C E A LO S LU G A R E S Q U E R E P R E S E N TA N L A C U LT U R A Y L A G A S T R O N O M Í A D E E S E PA Í S , P R E PA R A N D O R E C E TA S T Í P I C A S U S A N D O I N G R E D I E N T E S I M P O R TA D O S .

Así, verduras y legumbres orgánicas, polenta, quesos, cremas, ha-

y panes que aquí se consumen son elaborados también en las

rinas sin procesar importadas y hasta mantequilla elaborada es-

instalaciones de Toscalia, que después de cinco años sigue con-

pecialmente en Chipilo para el restaurante, brindan al comensal

siderándose como un destino obligado en la ciudad gracias a su

una experiencia sibarita como ninguna, que inmediatamente lo

cocina honesta, clara y transparente que lo han llevado a conser-

trasladarán a la península itálica. Cabe señalar que los embutidos

var la certificación “Ospitalitá Italiana”.

Tels: 230.2121 - 230.2211.

@Toscaliamx

/toscaliamx. Reservas@toscalia.mx

www.toscalia.mx

agradecemos por su gran apoyo a nuestros patrocinadores aperol, bodegas castiglion del bosco, johnnie walker, heineken y el hotel cartesiano puebla.

Expresión

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Artistas

Fotografía: Fabián Cano.

Texto: José Lazcarro, artista plástico poblano.

Ser artista es un privilegio que se gana con trabajo y talento. Es un ser siempre alerta a percibir y sentir la emoción del encuentro y del hallazgo, capaz de sorprenderse cada día y asombrarse ante el acontecer de la vida, aceptando su misión y compromiso, dispuesto a dejar el alma en todo lo que hace, siempre lleno de alegría y muy alerta por el temor de dejar de ser.

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EX PRESIÓN Artistas

Texto: Ángel Martínez. Fotografía: Fabián Cano.

Una vida dedicada En los diversos soportes que ha trabajado hay dos constantes: naal arte turalismo y abstracción, las cuales

JOSÉ LAZCARRO (1941)

Egresado de la antigua Academia de San Carlos, perteneciente a la Universidad Nacional Autónoma de México, José Lazcarro Toledano ha dedicado toda su vida al arte, desarrollando una obra artística para admirarse en todos los sentidos y compartiendo su saber como maestro a todo aquel interesado en seguir esta vocación. Las diversas etapas por las que ha atravesado su 26

vierte en un estilo que genera un diálogo donde la naturaleza de las cosas –tal cual se presenta en su forma o fenomenología– expresión, la colección de técnicas que de su formación clásica extrajo y el peculiar estilo que ha ido depurando en los diferentes materiales con los que ha experimentado, le han valido el reconocimiento de la crítica a nivel nacional e internacional. Como agente cultural ha impulsado proyectos para la universidad del estado e instituciones privadas.

Lazcarro no concibe una sociedad sin arte, cree firmemente que éste es lo que nos hace humanos, por esta razón, todos los lunes da clases de pintura a reos dentro del penal, con el fin de generar un cambio en ellos y en la sociedad. Además, apoya a artistas emergentes y consolidados mediante Galería Lazcarro, espacio propio activo desde hace una década.

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2 1. Volcán (2014) 2. Pasé mucho tiempo esperándote (2017) 3. Ícaro (2018) 4. Petroglifo (2017) 5. de la serie naturaleza muerta (2016)

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es retomada por él, con su peculiar imaginario y transformada en esculturas, pinturas, dibujos, objetos artísticos e incluso muebles.

El resultado final, un diálogo entre la naturaleza propia del material y las partes descontextualizadas del objeto o dimensión.

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EX PRESIÓN Artistas

“La obra es un mensaje cifrado que está a la espera de que alguien la descifre, es un pedazo íntimo de la vida de quien la produjo”

Nació en Puebla pero se formó en la Ciudad de México, con estancias importantes en Estados Unidos y Japón.

Su interés por el arte se dio desde niño de una manera natural; el deseo por expresar emociones y aconteceres fue el impulso para optar por una vocación plástica, aun cuando en un principio su formación académica estuvo orillada a las ciencias exactas, estudiando en el Instituto Politécnico Nacional y posteriormente, estudiando en la Escuela Normal Superior para convertirse en maestro, sin saber en ese momento que lo cumpliría, aunque no por esa vía. ¿Cuál fue el detonante para tomar la decisión de dedicarse de lleno al arte?

Una de las cosas que me impulsaron fue que aunque estudiaba yo matemáticas u otras disciplinas, mis cuadernos siempre estaban llenos de dibujos. Por una cosa o por otra, en las clases siempre estaba creando, hasta que me di cuenta que eso era realmente lo que quería hacer. ¿Fue difícil tomar esa decisión?

Yo creo que uno va formándose según las situaciones por las que pasa. Desde que salí de la escuela de artes en el año de 1962, para ser exactos, me he dedicado prác28

ticamente toda la vida a esta profesión, pasando por muchas etapas de formación en las que uno va encontrando, según el momento y contexto, diferentes situaciones, a veces favorables y otras no tanto, pero uno tiene que formar su propio camino, prestigio y credibilidad con el público mediante una lucha constante para mantenerse en el campo de batalla. ¿Cuáles son las peripecias por las que pasa el profesional del arte?

Lograr que la cosa que uno está imaginando tenga una forma de ser adquirida. Como cualquier profesional, el artista tiene que vivir de su obra y trabajo, pero idear algo es complicado, incluso más que el aspecto económico, porque hacer arte sí es en algún momento caro, algo que hace claudicar a muchos que escogen esta vía como su vocación. ¿Qué ayuda más en la producción artística, la inspiración, la técnica o la disciplina?

En mi opinión, todo va en un mismo paquete. La inspiración es muy importante, pero es como cuando a uno le dicen: “llegaron las musas y te están arrullando”, que quiere decir que es como un ensueño, pero si llegan

lo mejor es que uno esté despierto para aprovechar su llegada porque después de ese lapso entran en juego procesos de reflexión y de autocrítica, que en lo personal es el proceso más difícil de todos. Si uno no tiene autocrítica es muy difícil que el producto sea bueno. ¿Tiene que ver esta falta de autocrítica con la ruptura y apertura que dejaron las vanguardias al desafiar los lineamientos clásicos del arte?

Yo creo que todo tiene que ver con la humanística. Es muy importante que las alternativas de expresión sigan dándose porque colocan al artista como una persona que tiene que estar al tanto de los cambios de paradigma que le suceden a la expresión, por ejemplo, la integración de tecnologías y el desarrollo natural de influencias. Por mi formación académica clásica, tardé años en tratar de definir qué pasaba. Luego vinieron todos estos movimientos dentro de la parte teórica del arte, donde incluso hubo un momento en el que se declaró “la muerte de la pintura” porque ya todo se había dado, y fue algo cruel para miles de artistas que de pronto hallaron cerradas sus oportunidades por la creencia de que lo que hacían era ya algo obsoleto.

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¿Cómo logró usted subsistir a esa etapa de crisis?

Lo que a mí me favoreció fue el hecho de que tuve muchas alternativas. No sólo era grabador y pintor, también hacía escultura, escenografía para teatros, diseño de revista, aunado a que también tenía trabajo en la industria.

Había yo aprendido la parte técnica para hacer empaques, moldes e incluso fui gerente de una fábrica, hasta que llegó un punto crítico en el que me cuestioné mi estancia ahí porque a pesar de que ganaba buen dinero, yo no estaba feliz, necesitaba regresar a lo mío, a mi disciplina artística.

En su opinión, ¿hubo un cambio drástico en la manera de hacer plástica?

En realidad, creo que evolucionó, se hizo tridimensional, porque cuando vemos una instalación, incluso el propio performance o el videoarte, el principio básico sigue siendo el mismo: lápiz y papel, ya que todo inicia con un boceto que te dará como resultado algo cercano a la idea que se proyecta en tu cabeza.

Entonces la esencia es la misma, sólo cambiaron los soportes…

Sí. Cuando los críticos anunciaron “la muerte de la pintura”, muchos pintores sucumbieron porque las galerías y espacios comenzaron a ver que lo que hacían era algo obsoleto, y a pesar de las adversidades muchos resistimos y el tiempo nos dio la razón porque no era cierto que la pintura se había muerto, más bien estaba evolucionando. Actualmente, la parte del sustra-

to del arte que cambió, de sólo pintar sobre la tela o muro, a convertirse en algo que puede ser hecho en láminas de metal, plásticos o cristales, hace que los artistas vayamos cambiando nuestro quehacer artístico.

Algo a lo que usted se ha acoplado de maravilla, ¿cómo sintió la evolución de su estilo y qué aprendió en el trayecto?

Hubo una etapa en la que llegué a ser completamente abstracto y donde no quería mostrar ninguna referencia visual que tuviera relación directa con algo, una etapa en la que los expresionistas abstractos de la escuela norteamericana influyeron mucho

“Nuestro trazo artístico está hecho de gestos y señales únicas que el cuerpo deposita en la forma y la manera de ser, eso hace que cada uno tenga un estilo único, una gestualidad propia”

en mí, pero después, al regresar a Puebla para dar clases en la Universidad de las Américas Puebla, me influyó bastante el sincretismo entre magia y religión que hay en las calles de Cholula, además del contraste entre lo rural y lo urbano.

He llegado a la conclusión que actualmente estoy regresando a una especie de figuración. Lo que hago es representaciones de algo que puede ser, o no, o algo que sí quiero que sea, pero mediante referencias visuales que el espectador pueda asimilar, sin caer en lo obvio. Me interesa generar un diálogo de esta manera, donde la obra no se complete hasta que llegue a él. También hay una constante en mi trabajo que tiene que ver con la composición, la cual se vuelve cruciforme sin proponérmelo y que habla de una gestualidad que es la propia manifestación del estilo, como la manera que cada uno tiene para moverse, bailar, escribir y ser.

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Texto: David Alvídrez. Fotografía: Roberto Ramírez.

¿Pop neo-novohispano?

ANTONIO ÁLVAREZ MORÁN (1959)

De 1991 a 2016 fue profesor de tiempo completo en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP), instancia donde se formó en Artes Gráficas y Diseño (1982). Su trabajo artístico ha sido reconocido nacional e internacionalmente por haber desarrollado una tendencia neomexicanista, sumando 53 exposiciones individuales y 89 colectivas en México, Alemania, Italia, Estados Unidos, entre otros países. Es considerado un artista de “parodias y paradojas”, cuyo trabajo estético se ha enfocado en estudiar y reinterpretar la pintura colonial mexicana. Desde 2011 trabaja en el proyecto Engaño colorido y recientemente realizó el proyecto audiovisual Los misterios de las monjas vampiras.

Vive y trabaja en San Pedro Cholula, Puebla.

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En una amalgama de arte con lo popular y lo religioso, a través de lo atrevido del color y lo atractivo de las texturas, refleja lo integral de su obra que se vuelve un rítmico punto de intersección entre lo tradicional y psicodelia espolvoreada de humor, crítica e innovación.

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1. La monja santa (2018) 2. Busto de Lyn May desnuda (2008) 3. Tesoro escondido (2018) 4. La morena de los chiles (1994)

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Hace 17 años creó el alvarezado, un proceso técnico-plástico que fusiona la encáustica con el collage. El curador Erik Castillo lo ha nombrado creador del estilo Pop neo-novohispano.

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Antonio Álvarez Morán es un artista integral que igual puede dibujar a mano alzada o realizar un diseño digital; protagonizar un performance o notas de farándula. Su versatilidad ha dado como resultado una obra trascendental que juega entre lo sacro, lo profano y lo popular, una síntesis que trasluce su neomexicanidad. ¿Qué representas en tu obra?

De manera natural mi obra se alimenta de mis propias experiencias; tiene mucho que ver con el contexto de México y los entornos de Puebla y Cholula con un sinfín de referencias culturales. ¿Cómo fusionaste lo popular y lo religioso con esos colores y texturas?

La fusión tiene que ver con mi formación y un particular gusto por lo oscuro del Arte sacro, de donde retomé lo tenebroso de algunos santos actuales para ir conformando mi iconografía.

Las iglesias son parte fundamental de mi formación y creación artística.

En ese margen, ¿qué tan aceptada es tu obra?

Afortunadamente nunca he tenido problemas y considero que se debe a que mi obra, pese a que juega con elementos delicados, no es agresiva. Contiene una sátira y sentido del humor, pero también referencias históricas; es un trabajo fundamentado. Tanto estas características, como los elemen34

“La temática mexicana de mi obra es por mi gusto a lo cotidiano, pues considero que el arte está en todos lados, sólo hay que saberlo apreciar. En esta cotidianidad entra lo religioso, lo popular y cierto frenesí” tos que empleo, me han mantenido en un limbo, un lugar privilegiado pues deambulo entre diversas etiquetas: Arte contemporáneo, Arte pop, vanguardista o “neo”. Sin embargo, siempre he tratado de mantenerme fiel a lo que quiero plasmar. ¿Qué técnicas son las que más empleas?

Dibujo, pintura, grabado, encáustica y collage. Gran parte de estas técnicas las aprendí de forma autodidacta, con experimentaciones que han ido perfeccionando mis destrezas, entre ellas, el haber inventado un proceso pictórico que bauticé hace un año como alvarezado. ¿Cómo fue que llegaste al “alvarezado”?

Por una fascinación a la estética sonidera que tapiza, a lo Warhol, las paredes de barrios y colonias populares. Una estética muy Pop a mí parecer. Apreciando sus diseños y

composiciones, me evocó a la arquitectura de las iglesias, elemento al que están muy unidos estos carteles, pues invitan a fiestas barriales en honor a diversos santos, una cultura popular viva y en resistencia. ¿Cuánto tiempo te llevó?

Alrededor de 19 años. La primera obra que creé con este proceso fue Tonanzintla I, en 1997. El proceso lo bauticé para mi exposición antológica ¡Ver para creer!, que se presentó en Capilla del Arte a principios de 2018.

Con este proceso acabo de concluir la obra Cacomixtle. ¿Cómo concibes el arte?

No sólo lo concibo, lo vivo. El arte es como la vida misma, es una manera de apreciarla y entenderla que, a su vez, te dota de las herramientas para crear. Y, por otro lado, concibo a la vida como una constante sorpresa.

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Texto: Ángel Martínez. Fotografía: Roberto Ramírez.

Cuerpos hilarantes CARLOS ARIAS (1964, SANTIAGO DE CHILE)

Es profesor de tiempo completo en la Universidad de las Américas Puebla donde imparte clases de pintura y teoría del color en los departamentos de Artes Plásticas y Arquitectura. Desde hace 20 años vive en Puebla y su trabajo plástico ha sido reconocido por críticos de la esfera artística como Cuauhtémoc Medina, curador de su exposición más importante hasta el momento, El hilo de la vida. Bordados 1994-2015, por ser uno de los más innovadores, combinando en su ejercicio distintos soportes y materiales al momento de expresarse.

Actualmente su ejercicio artístico se encuentra en una etapa de maduración que le ha permitido exhibir su obra en países como Estados Unidos, Holanda, Finlandia y su natal Santiago de Chile.

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En su obra, nos invita a un hilarante diálogo íntimo a través de bordados plagados de ironía, corporalidad y sexualidad, temáticas directrices en su plástica,

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1. Pahuatlán camuflajeado (2015) 2. Odió el video (2017) 3. Caupolicán 1558 (2017) 4. Hombre orgía (2017)

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las cuales aborda desde diversos niveles semióticos que van de la figuración a la frase lingüística pura, límite que le interesa por cuestiones estéticas y políticas.

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“El arte se distendió y recuperó muchos bastiones que había abandonado porque se consideraban obsoletos o repetitivos y que en la actualidad resultan novedosos por las nuevas apropiaciones o terrenos en los que se exploran”

Nació en Chile aunque toda su vida ha radicado en México, es aquí donde ha desarrollado su ejercicio artístico. La ironía y el tabú son conceptos que trabaja de manera mordaz, hilando cuerpos figurativos y lingüísticos donde el eufemismo es atravesado con la aguja o diseminado con el pincel, dando como resultado una obra plástica desbordada en varios soportes que van de la tela al objeto, reflejos íntimos de la cotidianidad y postura del artista.

tampado o tipo de tela, tocar el tema de la sexualidad. Me interesa mucho el bordado porque en él se crea una sensación de flotación de la forma, en un espacio no dimensional, donde a veces no sabes si estás cerca o lejos.

Actualmente, ¿en qué intereses se desenvuelve tu obra?

En un entramado que va del bordado a la pintura. Hay una inquietud en dos niveles, por un lado lo formal, en tanto materia, donde busco a través de la transparencia de la pintura o a través de la confusión de un es-

¿Qué es el arte para Carlos Arias?

Un modo de vida y de subsistencia.

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El tema de la sexualidad, ¿cómo lo abordas en tu estilo artístico?

Tengo varios bordados que tocan el tema de manera directa, algunos también son de tonos más políticos, sobre la sociedad.

¿Cómo te ayuda a subsistir?

Emocionalmente y psicológicamente; el arte es un lugar de respiro para mí y considero que nos hace mejores personas y también una mejor sociedad.

¿Cómo ves el estado actual del arte? ¿Aún valen las etiquetas clásicas para nombrarlo?

Me encanta que se hayan acabado las vanguardias y las peleas políticas por el arte, me parece benéfico que actualmente puedan convivir lo formal con lo informal, lo experimental con lo político y que haya juegos entre figuración-abstracción, realismo-hiperrealismo, y todas las mezclas que de eso pueda resultar, algo que desde los 70 se ha dado, sólo que ahora lo estamos viviendo más en serio. ¿Cómo resumirías tu obra?

Es un reflejo de mi persona. A mí me enseñaron que el arte que uno hace tiene que ser universal, entonces, creo que mientras más particular y personal es, te vas volviendo una imagen de todos los demás, y a su vez, todos los demás se van volviendo una imagen de ti. De alguna manera, trabajar desde tu persona y de una manera muy honesta, te permite que la gente se sienta reflejada en la obra.

El bordado te sirve para reflexionar mucho, porque la producción es más lenta, te restringe el tiempo por un asunto de manualidad y acción, contrario a la pintura que suele ser más rápida y catárquica.

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Texto: Miguel Escudero. Fotografía: Roberto Ramírez.

El tiempo: lienzo sin límite PATRICIA FABRE (1967, CIUDAD DE MÉXICO)

Se enamoró de Puebla, de su peculiar ritmo de vida y la forma en la que recibe a los que buscan paz. La artista mexicana ha hecho de este sitio su hogar y la extensión de su obra, la cual ha llegado a más de 50 exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero. Ha participado en las bienales II y III del Pacífico de Pintura y Grabado Paul Gauguin. Fabre se arroja a replantear su mundo como una forma de liberación: sin ataduras académicas y a una edad madura. Su trabajo ha pisado los museos más importantes de la ciudad como el Museo Internacional del Barroco y el San Pedro Museo de Arte. Sus 20 años de trayectoria, y cientos de pinturas, avalan su labor entre pinceles, bastidores y lienzos en blanco.

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La libertad añorada marca el ritmo y simetría en la obra de Patricia Fabre. La pintora crece entre búsquedas de observación y la exploración de laberintos que parecen indescifrables ante el ojo común.

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2 1. de la serie luces y opacidades (2011) 2. busto de cerĂĄmica (2013) 3. de la serie sin lĂ­mite (2016) 4. de la serie revelaciones imaginarias (2013)

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La constancia de su bagaje cultural se refleja en la madurez y experiencia de su pincel contra la nada. En cada uno de sus cuadros sale a relucir la imagen desarrollada de su vida, sin referentes figurativos que revelen su actuar.

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“Yo empiezo como un caos pero al final siempre termino ordenando todo. Soy libre y mi línea lo es conmigo”

Patricia Fabre es un ser de dos vidas, un diálogo constante entre sombras y experiencias que parecen diferentes existencias. El sincretismo de su mirada arroja desafíos y diversas introspecciones que buscan descubrirse. La pintora, amante poblana, no llegó tarde al arte –a sus 50 años– sino que el arte la halló cuando más lo necesitaba. A ella y sus manos que parecen expulsar color con tan solo una señal, junto a su simpático temor ante la mirada ajena. Fabre es una artista que cubrió al tiempo y lo dejó a sus expensas, sin temor a demorarlo y modificarlo. ¿Cómo fue su primer acercamiento al arte?

Fue una casualidad y accidente. Yo no quería pintar, yo no busqué clases, ni pretendía pintar. Un día me invitaron a unas clases y me insistieron tanto que accedí. ¿Qué la hizo mantenerse en la pintura?

Yo lo que quería sentir era la pintura, los pinceles y todo alrededor. Si me gusta, me sigo y, si no, lo abandono. Así lo decidí desde el principio y así sigo aquí.

Usted comenzó su carrera artística a los 50 años, ¿qué pensó al principio?

Sinceramente no pensé en mi edad, me gustó y pensé ‘¿por qué no lo voy a hacer?’ El arte llego a mi vida para quedarse, es enseñanza, exploración, vida, amor y energía. El arte significa indagar cada vez más en mis intereses de vida como mujer, como artista y, sobre todo, como humano, para mí el arte es mostrar señales de sinceridad ante el mundo que me rodea.

pintando con mis líneas y con las formas y el color.

¿Cómo podría definir sus años de trabajo?

Un gusto enorme por lo que hago. No voy a hablar de los resultados, sólo disfruto el hacer, el pintar.

¿Cómo mira al arte poblano en la actualidad?

Probablemente lo que falta es difusión y unidad, pero de que hay, hay.

Todos los días se hace arte en Puebla y ocurre que hay muchos artistas y pocos espacios.

¿Bajo qué temas realiza su labor?

Yo no tengo un tema en especial, yo llego, me pongo enfrente al bastidor y espero lo que surja en ese día.

Yo lo único que hago es recrearme,

¿Cómo definiría su estilo?

Me han dicho que mi estilo es una especie de caos y libertad. Yo empiezo como un caos pero al final siempre termino ordenando todo. Soy libre y mi línea lo es conmigo. ¿Cómo se enfrenta todos los días frente al lienzo en blanco?

Pinto como mi sentimiento me da.

¿Hacia dónde va Patricia Fabre?

Mi objetivo es seguir avanzando y creciendo como pintora y ser humano.

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Texto: Miguel Escudero. Fotografía: Fabián Cano.

Una hermosa cotidianidad JOSÉ M. BAYRO CORROCHANO (1960, COCHABAMBA, BOLIVIA)

Es un arquitecto y artista multidisciplinario con maestría en Artes Visuales por la Academia de San Carlos. Una parte de él, la más íntima, nació ligada a México pero, sobre todo, a Puebla.

Ha montado diversas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional. Ícono poblano, al igual que la talavera, el Chile en nogada y su imponente Hombre Azul. Su obra ha sido seleccionada para formar parte de diversas colecciones privadas en países como Alemania, Bolivia, Canadá, España, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Japón y México. En su carrera sobreviven sus raíces, el ferviente aprendizaje nacional y las miles de historias que ha rescatado del imaginario local. Es un cazador de ideas y convertidor de personajes en arte.

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José Bayro C. no eligió a Puebla, Puebla lo eligió a él. En cada gramo de su obra, se desnudan las figuras de una ciudad que reclama a sus íconos. Formas retorcidas,

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1. El comal le dijo a la olla (2018) 2. Festejo en la huerta (2018) 3. El Relojero (2018) 4. Flandes Floral (2018)

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espacios donde los vĂŠrtices se doblan y multitudes de matices que se desbordan en cada fragmento.

Artista de siestas, que mira sobre el pavimento para crear monumentos a la cotidianidad.

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En Bolivia se siente como mexicano y en México como boliviano. Por sus venas corren ambas nacionalidades pero un mismo sentir: darle voz y vida a la simpleza del día a día. Igual hace arte al típico camotero y su pequeño vehículo irremplazable, retratar la inmensa extensión o plasmar la última anécdota del presente. Bayro muerde con gracia y sumo humor las peripecias de una disciplina que exige, al mismo tiempo que da. Es el paisajista de lo urbano, de sus matices inquebrantables, de su pequeño perro de 13 años y su manera incalmable de seguir creciendo. ¿Cómo te describirías a ti mismo?

Soy un obrero de la pintura, una persona de bajo perfil que busca confundir a quien mira mi obra. ¿Bajo qué directrices realizas tu trabajo?

A través de diversas figuras de la cotidianidad me acerco a las personas.

Son una especie de ganchos subconscientes para que la gente conserve y se apropie de sus íconos. Mucho de mi pintura tiene que ver con el albur, algo poco visto. Con esto entiendes que lo más cotidiano se puede volver una obra monumental. Algo parecido pasa con El Hombre Azul, que hoy en día las quinceañeras se van a fotografiarse con él.

En la actualidad, ¿cómo desarrollas tu obra?

En los tiempos donde existen diversos medios para difundir el arte, es necesario buscar nuevas propuestas.

He encontrado nuevos lenguajes para que la gente diga: eso es un José Bayro C. Manejo mucho los espacios donde se funden los planos, creando nuevos lugares que albergan estos personajes extraños. Es como un laberinto. ¿Qué te ha dado el arte?

Me ha dado todo, he sido muy feliz con mi obra. ¿Qué piensas del ámbito artístico en Puebla?

Mucha gente dice que en Puebla no hay arte, no hay artistas, es falso.

Existen diversas exposiciones en la 46

ciudad, como la mostrada en el Museo Internacional del Barroco, y maestros trabajando arduamente en sus talleres.

“Busco hacer más sólida mi carrera, agradecer a todos mis coleccionistas y a la gente que apostó por mí. Si tuviera que resumir mi obra en una frase, esta sería: ‘ Es un albur ’ ”

¿Qué es lo que le falta hacer al artista José Bayro C.?

Quiero hacer más esculturas monumentales, materializar a La Dama Penada de ocho metros, la novia de El Hombre Azul (risas). ¿Te arrepientes de algo?

No haber aprovechado el tiempo. A pesar de todo el trabajo que he hecho, me hubiera gustado crear más, tengo 58 años y hubiese querido generar más. ¿Qué le recomendaría José Bayro C. a los jóvenes artistas?

Que viajen mucho y vean otras propuestas. Que trabajen el factor de administración, creación y contacto con el público.

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Texto: David Alvídrez. Fotografía: Fabián Cano.

El grafito como esencia LUIS CANSECO (1986, OAXACA DE JUÁREZ)

Nació en Oaxaca de Juárez y estudió Bellas Artes, con la especialización en Arte Contemporáneo, en la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca. Diversos cursos, talleres y residencias nacionales e internacionales lo han vuelto un artista multidisciplinario. Cuenta con ocho exposiciones individuales y más de 30 colectivas. Su obra se nutre de investigación y experimentación, encontrándose en constante cambio y maduración, y en la que el grafito es la base de sus múltiples propuestas. Desde hace cuatro años radica en Puebla y tiene poco más de uno en San Pedro Cholula, donde tiene su estudio y una galería. Luis compagina su profesión en el arte con su esposa, quien da cursos de iniciación artística a niños y adultos.

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El arte de Luis Canseco va de lo figurativo a lo conceptual, exhibiendo al grafito como elemento primordial de su creación por medio de la gráfica extendida, técnica basada en la exploración y experimentación de materiales y medios.

1. paisaje mental no. 8 (2016) 2. membranas (2016)

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¿Por qué el grafito como base de tu obra?

La especialidad en Arte Contemporáneo permitió familiarizarme con otros mundos y aspectos del arte.

Entendí que no debía haber localismos ni nacionalismos en mi obra por lo que busqué romper el paradigma del “arte oaxaqueño”. El tema del color me interesó pero bajo la óptica de la luz y la sombra, del blanco y el negro, que son colores puros capaces de generar una experiencia más onírica; además, el gris es la mezcla de estos dos y el grafito, bueno, es gris.

O eso nos hace pensar, pues tiene mucho color y diversos tonos y tornasoles, además de todo lo que denota el grafito. Por el lado material, es la contraparte del diamante, comparten la misma carga molecular pero no su ordenación, lo que los coloca en polos opuestos. Ambos materiales parten del carbono, que es el elemento primordial de la vida como la conocemos. Y por el lado artístico, grafía es trazo o dibujo, una idea de plasmar; el grafito se relaciona a la escritura y al dibujo, y el dibujo expandido es lo que más hago.

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¿En qué interés se desenvuelve tu obra?

En la reflexión constante sobre ciertos tipos de materiales y sentimientos que me parecen aún no estar bien explorados, y en evitar que la capacidad de asombro se pierda en quienes aprecian mi trabajo. Me encanta la naturaleza y el paisaje para mí es el punto, entonces agrego cuestiones de territorialidad al concepto de mi obra. ¿Qué es arte para Luis Canseco?

Un cúmulo de procesos de creación, yo mismo me considero una escul-

Su obra juega con la experiencia onírica de la escala de grises, con las sombras, las luces y la percepción de sus espectadores con una parte del carbono, elemento primordial de la vida en el Cosmos.

“El ser humano por naturaleza es creativo, lo que me hace ver y entender al arte como una pulsión social” tura en forja, y el resultado de ese proceso, la obra, es un agente de sensibilización y concientización. El ser humano por naturaleza es creativo, lo que me hace ver y entender al arte como una pulsión social que tardará en extinguirse; el arte es una resistencia que se contagia. ¿Qué artistas te influyen?

No podría darte nombres de artistas porque son muchos los que me han acompañado en diversas etapas de mi creación. En esta etapa del grafito rescato al artista alemán del Romanticismo, Caspar David Friedrich, de quien me gusta su manera de enfocar y transmitir ciertos sentimientos, y con quien sigo descubriendo pinceladas. De artistas contemporáneos: Gabriel Orozco, Santiago Sierra y Abraham Cruzvillegas encabezan la lista. Por otro lado, puedo decirte que los “todólogos” Leonardo da Vinci y Nikola Tesla han inspirado por muchos años mi trabajo.

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EX PRESIÓN Artistas

Texto: Alma Balderas. Fotografía: Roberto Ramírez.

Poseer la forma SAMUEL MCNAUGHT (1968)

El quehacer artístico llamó a Samuel a muy temprana edad, cuando inició por un camino que lo vería volver años más adelante. A pesar de que se desempeñó en el diseño gráfico por algún tiempo, esta carrera no llenaba de satisfacciones a McNaught, quien era llamado constantemente por la plástica. Hoy suma más de 50 exposiciones, realizadas fuera y dentro del país, y sus piezas se encuentran en colecciones tanto privadas como públicas, formando parte del acervo artístico del estado. La investigación, aprendizaje y descubrimiento son cruciales en el proceso creativo de este artista que se preocupa por entender el momento en el que está viviendo.

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De mirada apacible e imaginación infinita, McNaught ha transformado meticulosamente cada material que llega a sus manos;

1. Atando cabos (2010) 2. Dos ventanas (2015)

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¿Dónde nace la inspiración para iniciar con un nuevo proyecto?

Pienso que nosotros somos un producto cultural, elementos sociales, y en esa medida todos estamos vinculados, todo está correlacionado; todos formamos ese gran tejido que es la sociedad. La inspiración es amplía, viene de mis vivencias, de lo que leo, de lo que escucho y de lo que vivo. ¿Cómo describirías tu plástica?

Soy figurativo, me siento más cómodo en esa línea, aunque también juego un poco con la abstracción en los fondos, en el accidente... el color, pero siempre teniendo como centro elementos figurativos. Me gusta el detalle, la realidad. Creo que la fidelidad es la manera de poseer el objeto, es tratar de representarlo naturalmente, aunque también lo deformo, lo combino con diferentes elementos para crear.

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“El arte para mí es una manera de profundizar en el conocimiento, de pensar y de materializar ideas”

¿Cómo te gustaría ser recordado?

No lo había pensado, quiero entender la etapa que estoy viviendo, el momento histórico, en general. Tal vez si comprendo el mundo en el que me tocó vivir, esa reflexión puede

estricto en técnica pero de amplía inspiración, este artista ha logrado emocionar a quien observa su trabajo.

dar luz o ayudar a otro que pueda entender igualmente el momento.

Me defino como una persona que explora, sumamente espiritual y que venera a la naturaleza. ¿Cuál es tu opinión de la disciplina artística en la ciudad?

En los últimos años la producción en Puebla se ha diversificado, creo que hay un boom de producción y de propuestas, desgraciadamente pienso que el círculo de mercado es reducido a pesar de que el coleccionismo va creciendo poco a poco. Puebla se está convirtiendo en un puntero de creación artística.

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Voces

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Muralistas

FotografĂ­a: Roberto RamĂ­rez.

Texto: Donaji Tejeda / Colectivo Tomate.

Revitalizar e inyectar de color el espacio urbano La dignificación de espacios públicos es una de las principales demandas a las que se enfrentan los gobiernos locales por parte de la ciudadanía. Sin lugar a dudas un vecindario limpio, iluminado y seguro, brinda otra perspectiva para quienes a diario recorren avenidas y calles y, desde luego, para quienes viven entre ellas.

El Centro Histórico de Puebla, declarado por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad, está rodeado de barrios y colonias que en los últimos años poco abonaban al paisaje visual dada la antigüedad, descuido y desuso de sus casonas, edificios y plazas.

A partir del reconocimiento de la necesidad de generar una nueva identidad visual a estas zonas, algunos colectivos y artistas se dieron a la tarea de intervenir a través de acciones que no sólo dignifican sino que fomentan la comunidad y la sana convivencia.

El caso concreto es Puebla Ciudad Mural, del Colectivo Tomate, definido por sus integrantes como un proyecto social-artístico y comunitario que busca la re-dignificación y el rescate de espacios urbanos, al tiempo que se regeneran comunidades a través de procesos sociales. El ejemplo consumado de esta iniciativa es el barrio de Xanenetla, donde en alianza con los habitantes se crearon murales a gran escala en las fachadas de las casas, paredes de parques y espacios comunes dentro del barrio. Esta nueva plataforma del muralismo permite no sólo replantear la visión estética de las calles, modifica los entornos y las prácticas sociales, cohesiona a la comunidad y la incentiva a mejorar su alrededor ya que, en todo momento, las familias, desde niños hasta los abuelos, participan en el proceso creativo de cada etapa.

Desde el surgimiento de Ciudad Mural, han sido muchas las fachadas, casas y edificios intervenidos en Puebla no sólo por dicho colectivo, sino por muchos artistas, incluso internacionales. Hoy en día esta forma de recuperar el paisaje urbano ha llegado a distintos espacios, como el caso de San Sebastián, donde el colectivo La Rueda ha intervenido decenas de construcciones para crear corredores artístico-visuales.

Parte importante de esta nueva forma de poner más chula a Puebla reside en la generación de una nueva forma de turismo sin salir de la ciudad que, apoyado con las redes sociales, permite también potencializar la expectativa de los miles de turistas que visitan la entidad semana a semana.

Entonces, el arte será un pretexto más para convivir, compartir y conocernos.

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VOCES

Texto: David Alvídrez. Fotografía: Roberto Ramírez.

Muralistas

Mil Amores al grito de emergencia

Christian Zacek Siet Mena es un artista multidisplinario y gestor cultural nacido en San Pedro Cholula, Puebla, que desde hace 26 años ha dado vida al Mil Amores, personaje urbano impulsivo dedicado a pintar y generar plataformas que impulsen al talento artístico local y nacional.

Cuando Christian volvió de Nueva York, en 1992, surgió Mil Amores, producto de una hibridación cultural entre la tradición cholulteca y la urbanidad consumista neoyorquina encaminada al Street art, cuya formación artística fue en la calle y se nutrió en diversos institutos. Su acercamiento a las técnicas pictóricas definió la expresión de su obra: no haría arte para destacar o vender, sino para expresarse. El mote hace referencia al brujo y astrólogo de Cholula, Diego Gaona Ordaz; un día en que Christian se encontró con el brujo, éste le reveló dos cosas: que viviría cerca de él y que tendría el mismo potencial pero encaminado a diversas causas, como el arte.

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“Se me hace más divertido explorar dentro de lo que ni yo mismo sé qué sucede”

Emplea técnicas como el estécil, stickers, murales y aerosol, para recrear las cosas más pequeñas y elementales de la vida: las bacterias. En cada mural crea un palimpsesto de microorganismos y colores, muchas veces indescifrables a simple vista.

VOCES

Texto: Alma Balderas. Fotografía: Fabián Cano.

Muralistas

Entre lo efímero y lo eterno: Mr. Rocket La estética que le interesa proyectar es la que surge en su mente, al ritmo de notas musicales que simulan el soundtrack de los escenarios que genera con su dibujo, ¿el resultado? un nuevo tipo de grafiti que tiene como referencia al muralismo mexicano.

Inspirado en el Surrealismo y la ilustración infantil, el poblano Ricardo Márquez, de 25 años, inició el proyecto Mr. Rocket imprimiendo su particular forma de pensar en distintos formatos y espacios con la finalidad de darle protagonismo a la naturaleza, contraponiendo los personajes verdes y repletos de vegetación que salen de su cabeza, con la paleta grisácea que ha invadido la urbe. Este artista se define a sí mismo como dibujante y neomuralista empírico. Motivado por la fantasía de Gustave Doré y Pat Perry, Márquez decidió explorar el dibujo como un medio para proponer nuevos mundos y escapar a ellos.

En sus obras, repartidas a lo largo y ancho de la ciudad, podemos mirar figuras que se repiten y que le caracterizan, como los hongos, elemento que él ve similar a una metáfora donde un ente efímero encuentra en la expansión su única forma de sobrevivir, contagiando a otras mentes como esporas.

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“Saturamos el espacio con lo que creemos que debe estar en las paredes, imponemos lo que pensamos. No me siento con el compromiso de salvar el mundo con mi arte, sólo reflejo lo que soy en este momento”

VOCES

Texto: Ángel Martínez. Fotografía: Fabián Cano.

Muralistas

Gracmor: de las calles a lo abstracto

José Luis Gracia Morales, mejor conocido como Pepe Gracmor, es un artista gráfico que combina en su práctica artística diversas técnicas propias del diseño, arte urbano y pintura. Egresado de la carrera en Diseño Gráfico por la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, Gracmor comenzó su proyecto en la ilegalidad, utilizando al grafiti como soporte para calibrar su trazo mediante el aerosol y hacer ejercicios figurativos que poco a poco han migrado a la abstracción de formas y colores. Gracmor mantiene en su estilo el tipo de tag o estética callejera, la cual no ha abandonado en su quehacer artístico, sino todo lo contrario, la ha desplazado a otro tipo de inquietudes como la tipografía, el diseño industrial, la identidad corporativa y la ilustración digital.

Su latente actividad alrededor de la ciudad y su estilo han hecho de su proyecto artístico uno de los más interesantes actualmente.

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“Gracias a las redes sociales muchos de los artistas que hacen Street art en México están actulamente pintando en el extranjero”

Mediante la exploración figurativa de formas naturales, su trabajo se adaptada a soportes planos y tridimensionales. En su diseño combina elementos propios de la gráfica prehispánica para plasmarlos en productos textiles, juguetes, autobuses, joyería, máscaras de luchador y diversos murales en la ciudad.

Especial

Texto y fotografía: Cortesía Gutiérrez Cortina Arquitectos.

ELGRIAL

Gutiérrez Cortina Arquitectos llega a Puebla con ELGRIAL Inspirado en la magia de nuestros pueblos mexicanos

El pasado 6 de noviembre el arquitecto Bosco Gutiérrez Cortina presentó su nuevo proyecto residencial ELGRIAL, desarrollo que tendrá lugar en Atlixco, Puebla. Este proyecto es peculiar ya que está inspirado en los pueblos de México, los cuales destacan por su arquitectura 60

de escalas altas, con amplios espacios, colores vibrantes y materiales nobles como la piedra y la madera.

También podemos notar la fuerte influencia de Luis Barragán y de Ricardo Legorreta, arquitectos con los que trabajó directamente en su formación profesional.

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ESPECIAL ELGRIAL

Aunque la esencia de ELGRIAL viene de la magia de nuestros pueblos mexicanos, la arquitectura corresponde totalmente a tendencias que actualmente se aplican, siendo nuestro país un lugar digno de concursos de arquitectura, como lo expresa el mismo Bosco Gutiérrez.

“Siempre he tenido la idea de diseñar un pueblo, con su magia, con el espíritu de descubrimiento y el encanto que tienen los pueblos mexicanos.

Un lugar donde tengas plazas, callejones y portales en los que puedas tomar un helado o comer muy rico, donde puedas caminar a través de pórticos, escaleras, desde luego con su iglesia, la que por cierto, para su edificación contaremos con artesanos locales que nos ayuden con la piedra y el retablo ya que ésta será una pieza única en México.

Para mí el reto es construir las casas dentro del contexto de un pueblo, conservando una arquitectura contemporánea, moderna, llena de luz y eso es un desafío apasionante.

Si bien este proyecto está inspirado en la riqueza de nuestros pueblos, no pienso en un pueblo viejo, ni en un pueblo antiguo, ni queremos replicar el pasado en pleno siglo XXI. La frescura de lo contemporáneo, de sus formas limpias, nuevas, con muchísimo sabor en los materiales, con cosas eternas, como la vegetación que no tiene moda, materiales nobles como la piedra y la madera, siempre generosos y que con el tiempo ganan categoría, es lo que me interesa. Además está el color que dentro de la arquitectura mexicana se expresa a sí mismo constantemente y nos hace sentir plenos, tratando de esta manera de culminar todo lo que nos han enseñado nuestros mágicos pueblos mexicanos”.

Cada casa como pieza única “Me emociona mucho que este no es un proyecto típico de casas, en donde 62

La preventa de este proyecto se abre el 27 de noviembre de 2018.

Conoce todos los detalles de la presentación de ELGRIAL que se realizó el 6 de noviembre de 2018 en www.elgrial.mx

las tiran en el suelo, formadas una tras de otra y pierden todo su significado.

El reto es particularizar casa por casa, para que cada familia se sienta plena. Las familias mexicanas son muy generosas en los espacios, necesitan convivir con sus hijos, con sus nietos y con sus amigos. Por eso los espacios interiores deben ser grandes.

Además, sabemos que las casas se llenan de niños, y después se vacían y vienen los nietos, entonces los espacios deben estar listos para recibir a muchas personas, pero también de-

ben estar diseñados para disfrutarse con tu pareja, tanto los patios, la sala de doble altura, las terrazas y las azoteas, que son la quinta fachada.

Dentro de ELGRIAL los espacios estarán diseñados para cambiar tu estado de ánimo, de tal manera que al descubrirlos te quiten el aliento. El color te

cambiará el carácter, una casa debe estar llena de emociones, de descubrimiento, de alegría e intimidad, características que te lleven a descansar, por eso una casa aquí, independientemente de su tamaño, será una verdadera obra de arte.

La Casa de la esquina, la Casa de la plaza de los naranjos, la Casa del callejón, la Casa de la iglesia, cada una de las casas de ELGRIAL deberá tener su propio carácter, un espacio con verdadero concepto. A veces los grandes constructores se guían más por los rendimientos financieros y dejan de lado los detalles que podrían particularizar los elementos, o simplemente se influencian por tendencias extranjeras, dejando de lado la inagotable fuente de inspiración que es México. Pero hoy estamos de fiesta ya que hemos encontrado aves que vuelan en la misma dirección que nosotros y eso nos da la libertad de expresarnos con toda la motivación en un ejercicio único con ELGRIAL, proyecto donde podemos

finalmente expresar con generosidad lo que traemos adentro. Nuestra filosofía es que México es exportable, que podemos lograr un producto de excelencia y no sólo para nosotros, como arquitectos en revistas y exposiciones internacionales de arquitectura, sino excelencia en la vida de las personas, porque estamos seguros que cualquier persona al despertarse en ELGRIAL, va a sentirse orgullosamente mexicano y orgullosamente contemporáneo”.

Inversión “Espero que la gente pueda disfrutar y recibir muy bien este concepto para que se motive a venir a fundar el pueblo. Estamos buscando a los fundadores de este mundo que estamos creando para ellos; un mundo muy antojable para venir a vivir o tener una casa aquí, recuperando lo mágico del pasado que tanto añoramos pero con formas nuevas, con casas frescas, de doble altura, llenas de luz, modernas y con árboles, dignas de un concurso internacional de arquitectura”.

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ESPECIAL ELGRIAL

¿Quién es el arquitecto Bosco Gutiérrez Cortina?

Con una notable influencia en su estilo de los arquitectos mexicanos Luis Barragán, y posteriormente de Ricardo Legorreta, con quienes trabajó directamente, Bosco Gutiérrez Cortina crea espacios donde se observan diversas texturas, colores vibrantes de inspiración vernácula, así como materiales nobles que saben jugar bien su papel dentro de la arquitectura contemporánea como piedra, madera y acero.

En conjunto con su despacho, Guitiérrez Cortina Arquitectos, ha realizado obras como Autrey, Televisa, Mobil Oil de México, Citibank GCB Headquarters y General Motors México, así como el World Trade Center (WTC), Centro Comercial Santa Fe, Polyforum Cultural Siqueiros y el corporativo DHL. 64

Un rasgo que definitivamente ha sido un referente para su vida y parte fundamental de su inspiración, es el hecho de haber vivido un secuestro de 257 días, del cual escapó a propio pie.

La arquitectura de Bosco Gutiérrez se caracteriza por los exteriores sobrios, sin embargo, en sus construcciones cree profundamente en la riqueza del espacio interior, rasgo importante de su arquitectura: “Espacios muy austeros por fuera y con la riqueza interior salida de la misma experiencia del usuario”. Esta concepción de la arquitectura es un reflejo de su propia vida: “En 1990 di una conferencia llamada La riqueza del espacio interior y ese mismo año me secuestraron. Me decía a mí mismo que si en ese espacio iba a vivir, pues iba a hacer de él la riqueza de mi espacio interior…”.

Espíritu innovador Interceramic Grand Collection Tour 2019 Las emociones se amplifican con atrevimiento y so-

sólo como una tienda insignia, sino como un espa-

fisticación en la nueva colección de Interceramic, pre-

cio que presenta las tendencias en colores, texturas,

sentada durante la inauguración de la primera edición

formatos, estilos actuales en decoración de pisos,

del Grand Tour 2019. Durante esta iniciativa se darán a

recubrimientos y azulejos.

conocer las tendencias mundiales de diseño y arquitectura, motivando a los profesionales de la construc-

Aquí los clientes de Interceramic podrán ser ase-

ción, tales como arquitectos, ingenieros, interioristas

sorados para crear ambientes únicos, con demos-

y desarrolladores, a ofrecer una experiencia superior

traciones de productos en donde podrán palpar la

para el cliente, presentando productos de alta gama

propuesta matérica de Interceramic, empresa líder

en ambientes conceptuales que permiten una mejor

de fabricación, distribución y comercialización de

ejecución en su iniciativa de diseño.

pisos y azulejos cerámicos. La versatilidad, elegancia y fuerza de la nueva colección de Interceramic,

Así, el nuevo showroom de Interceramic Angelópo-

así como las actividades del Grand Tour 2019, de-

lis, ubicado en una de las zonas comerciales y eco-

muestran la fantasía, pureza, pasión y espíritu inno-

nómicas más importantes de la ciudad, se alza no

vador de Interceramic, simplemente lo mejor.

El Grand Tour 2019 expone las tendencias más vanguardistas en diseño y cómo éstas son aplicadas al producto Interceramic.

1

2 4 3 6

7

5 1 Víctor Almeida y Miguel Creuheras.

2 Juan Carlos Creuheras y Paulina Guzmán de Creuheras.

3 Xabier Albizuri.

4 Corte de listón.

5 Regina Torres y Andrés Lichtle.

6 Alejandro y Mariela.

7 Nueva sucursal Angelópolis.

Espacios

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Galerías y Museos

Fotografía: Roberto Ramírez.

Texto: Mtra. Marie-France Desdier Fuentes.

Lo importante de los espacios culturales en la ciudad de Puebla: la emergencia del andamiaje cultural Hace tan solo quince años; cuando un artista, músico, actor, escritor o creador deseaba compartir con la sociedad la forma de ver la vida a través de su lenguaje artístico, era difícil encontrar un espacio cultural en la ciudad que pudiera tener una programación que comprendiera la multidisciplina, que distinguiera y atendiera a los diferentes tipos de públicos, que tomara en cuenta las necesidades básicas no sólo de la producción, sino de la distribución y el consumo cultural de Puebla.

Hubo ejemplos contados, temporales y nómadas que aún perviven en la memoria de los poblanos y que tuvieron en común la reunión de artistas locales con artistas internacionales para encontrarse con una Puebla que, sin un espacio fijo para recibirlos, unió esfuerzos públicos y privados para hacer que las cosas sucedieran, como el Festival Internacional de Puebla, todos ellos armados con andamios, plataformas y escenarios temporales.

El diagnóstico inmediato de la ciudad y sus espacios culturales resultó en un rebase de la producción artística, es decir, en una correlación desigual entre oferta y demanda: los lugares ya no eran suficientes, los festivales, becas y concursos tampoco; la población y las nuevas generaciones demandan áreas de convivencia. Los restaurantes, bares y cafés empezaron a abrir sus puertas para compensar la creciente demanda de los artistas por sitios donde pudieran compartir su interpretación de la vida.

La infraestructura cultural de Puebla ha sido fortalecida con más de diez nuevos espacios ubicados en la urbe y sus alrededores, que dan cuenta de la preocupación de la última administración estatal por invertir en pisos, paredes, luces y mobiliario; sin embargo, el andamiaje cultural de cualquier ciudad y en particular de la nuestra no puede, ni debe limitarse a esto. Un andamiaje cultural debe atender a la red de producción, distribución y consumo de sus creadores, sus espacios y sus públicos; es importante el contenedor, pero mucho más importante su contenido. Debemos reconocer los diferentes tipos de creadores que tenemos para brindarles áreas pertinentes a su lenguaje, donde les permitan generar experiencias estéticas con el público para abrir horizontes en la visión de quienes vivimos y visitamos la ciudad de Puebla.

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ESPACIOS Galerías y Museos

Texto: Ángel Martínez. Fotografía: Fabián Cano.

Maravilla vanguardista Museo Internacional del Barroco RESERVA TERRITORIAL ATLIXCÁYOTL 2501

Diseñado por Toyo Ito, uno de los mejores arquitectos de los últimos tiempos, ganador del premio Pritzker de Arquitectura 2013, el Museo Internacional del Barroco se erige en la zona de Angelópolis como el testigo de la grandeza de nuestra ciudad.

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Mucho antes de que el espíritu disruptivo de las vanguardias revolucionara el quehacer plástico de los artistas, el Barroco –como movimiento y sensibilidad– cambió la manera de hacer, consumir y preservar el arte; fue el primer movimiento rebelde, haciéndole frente al Renacimiento, criticando sus normas y lineamientos formales.

Puebla, al ser una de las capitales novohispanas más importantes, se convirtió en una sociedad barroca cuya insignia se puede vivir de diferentes maneras: en su gastronomía, su arquitectura, sus costumbres e historia, todas ellas ahora integradas en un mismo espacio que ha maravillado no sólo a los poblanos, sino a todo el mundo.

Fluidez, movimiento y cultura Con una blancura que deslumbra y un ensamble para admirarse –enalteciendo la fluidez y la luz natural en su diseño–, sus muros curvados de 15 metros de altura con inclinaciones espectaculares fueron construidos especialmente para este espacio que hoy en día resguarda lo mejor de la cultura para todos. Son más de 2 mil piezas en exhibición permanente, provenientes de 28 colecciones particulares y de otros museos, las que descansan en sus siete salas pensadas para celebrar la proyección barroca en todos sus ámbitos y manifestaciones.

Su museología distribuida en tres grandes temas: historia, sociedad y espacio, enaltecen el patrimonio de Puebla, con

(222) 326 7130, 326 7131 mib.puebla.gob.mx FB: MIBarroco Horario: martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs.

Miércoles entrada libre.

elementos de países como España, Filipinas, China y Brasil, entre otros, incluido el préstamo de dos óleos en gran formato que son parte de la colección del Principado de Liechtenstein, firmados por Antonio Belluci, en comodato por diez años.

Esta nueva maravilla hecha de hormigón, busca mantener nuestra cultura en lo más alto con sus talleres y proyecciones de cine para que el público pueda vivir una experiencia enriquecedora.

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ESPACIOS Galerías y Museos

Texto: Alma Balderas. Fotografía: Fabián Cano.

Provocar para transformar Museo Amparo 2 SUR 708

Tras 27 años y bajo la tutela de Fundación Amparo, este espacio continúa trabajando para cumplir con su objetivo original: visibilizar y revalorizar el trabajo de artistas y artesanos mexicanos.

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Los muros que hoy resguardan una de las muestras más importantes de arte en México fue inaugurado después de que el conjunto de edificios que hoy lo conforman se adaptaran por Pedro Ramírez Vázquez y, posteriormente (2010), por el despacho TEN Arquitectos, encabezado por Enrique Norten.

Un impresionante vestíbulo da la bienvenida a los miles de visitantes que congrega cada año, mismo que se ha mimetizado con el estilo de cada artista que lo ha intervenido con su obra. La modernidad y vanguardia de las paredes que delimitan cada área contrastan con las colecciones permanentes que definen el discurso museográfico de este espacio conformado

por tres ejes principales: Arte prehispánico, Arte virreinal y del siglo XIX y Arte contemporáneo.

Aproximación al presente El programa permanente del Museo Amparo aborda diferentes temáticas, tratando de priorizar las producciones de artistas mexicanos; sin embargo, esto no excluye la participación de artistas internacionales que se han unido al caleidoscopio de manifestaciones culturales abordadas aquí.

Una parte importante de la agenda de esta institución de iniciativa privada y gran encanto son las actividades paralelas, como la organización de cursos y talleres sobre Historia del

(222) 229 3850 museoamparo.com FB: Museo Amparo Horario: miércoles a lunes 10:00 a 18:00 hrs.

Sábado 10:00 a 21:00 hrs.

Domingos y lunes entrada libre.

Arte y talleres de producción artística o artesanal que tienen como objetivo revalorizar estas disciplinas y también despertar el interés del espectador, provocar curiosidad y construir una opinión a través de la experiencia. “El Museo Amparo es una institución que abre los ojos, que da herramientas al observador para para comprender y criticar lo que sucede a su alrededor”, comenta Ramiro Martínez Estrada, Director Ejecutivo del Museo Amparo.

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ESPACIOS Galerías y Museos

Texto: Ángel Martínez. Fotografía: Fabián Cano.

Un ágora descentralizada para todos Galería de Arte del CCU RESERVA TERRITORIAL ATLIXCÁYOTL, 2299

En este lugar la cultura es un gran espectro en el que podemos disfrutar observando y platicando acerca de las diferentes realidades, historias y técnicas plásticas que caracterizan a un lugar o país.

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La galería ha tenido diversos cambios en su espacio museográfico, actualmente, sus 400 metros cuadrados albergan diversas galeras donde se dan cita exposiciones con temáticas arriesgadas y algunas otras más enfocadas a exhibir obra de artistas poblanos célebres.

Lo que sí ha caracterizado a este recinto alentado por la pasión que sienten por el arte, y que entró en actividades hace una década, es el hecho de siempre presentar artistas contemporáneos, emergentes y grandes firmas que han trabajado con distintos soportes, desde los tradicionales cuadros en gran formato, escultura y fotografía, hasta carteles, videoarte e instalación, para el regocijo y nutrimento epistemológico no sólo de

la comunidad universitaria, sino de todos los que se internan en sus espacios.

Converger la expresión en un punto Unir la plástica, el arte, la ciencia y la historia es uno de los objetivos principales la Galería de Arte del CCU, esto aunado al firme propósito de presentar manifestaciones sociales desde un punto de vista cultural para preservar no sólo el lado estético del objeto sino también su lado histórico.

Hoy en día este sitio vive su cuarta etapa de trabajo y la vocación que presentan, en palabras de Rodolfo Herrera Saldaña, encargado del recinto, es la de “ser un lugar de encuentro y reflexión; un foro, una ágora, donde

(222) 2 29 55 00 ext. 5503 complejocultural.buap.mx FB: Galería de Arte del CCU Horario: martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs.

Entrada libre.

la galería presente y proponga manifestaciones artísticas de relevancia y de carácter histórico, artístico y hasta científico”. El deseo que tiene este espacio de que esta parte de la ciudad se convierta en un polo cultural importante, los ha impulsado a generar nuevas posibilidades de difusión para que la colectividad interactúe y discuta las diversas expresiones plásticas con una propuesta museográfica donde “la cultura llegue en una forma amplia y comprensible a la gente”.

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ESPACIOS Galerías y Museos

Texto: Ángel Martínez. Fotografía: Roberto Ramírez.

¡Fascina a todos!

Capilla del Arte UDLAP 2 NORTE 6

Este espacio que guarda en su piel una muestra icónica de arquitectura moderna y que es además un documento histórico, hoy más vivo que nunca, ha evolucionado temporada tras temporada, gracias al festín de arte que sucede en sus entrañas.

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Es 1904 y a una calle del zócalo un edificio verde, de hierro, con ventanales espectaculares, le roba el aliento a los transeúntes con su moderna e impactante fachada; cien años después, el mismo edificio sigue robando miradas y ofrece el mismo festín visual, aunque esta vez con arte mexicano, moderno y contemporáneo.

Capilla del Arte UDLAP en sus dos espectaculares pisos construidos por los Hermanos Lion a inicios del siglo XX, comisionado por catálogo a la firma Schwartz & Meurer, se ha afianzado en la actualidad como un referente imperdible ya que preserva y exhibe la plástica de artistas legendarios, consagrados y emergentes, entre los que se

pueden mencionar a Antonio Álvarez Morán, Alberto Ibáñez, Barbara Kruger, Carlos Arias, Mark Rothko, Vicente Rojo y hasta Pablo Picasso.

Algo más que cuadros en la pared Este proyecto que se formó para que el publico tuviese semana a semana eventos totalmente gratuitos, gestionó desde su inicio tres directrices paralelos a la galería: Miércoles Musicales, Domingos Fantásticos y Cinexpectativas, hoy en día Viernes de cine y teatro, los cuales han evolucionado para mejorar la experiencia de quienes visitan este espacio que, como apunta su directora, Marie-France Desdier Fuentes, “en los casi diez años que ya vamos a cumplir, hemos

(222) 242 2808 udlap.mx/capilladelarte/ FB: Capilla del Arte UDLAP Horario: martes a domingo de 11:00 a 19:00 hrs.

Entrada libre.

entregado puntualmente cada semana un concierto, un taller, una charla con artistas, pensando en los diferentes públicos que tenemos en Puebla”.

La extraordinaria museografía que aplican cada trimestre a sus sorprendentes muestras temporales y la rica agenda cultural nos acerca a las diferentes maneras en que se manifiesta el arte, congregando a cientos de almas para celebrar la creatividad y el conocimiento semana a semana.

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ESPACIOS Galerías y Museos

Texto: David Alvídrez. Fotografía: Fabián Cano.

Grandes firmas en muros insignes Galería de Los Sapos 7 ORIENTE 508 LOCAL A

En menos de un año este espacio de arte, ubicado dentro del Hotel Boutique Casona de Los Sapos, se ha posicionado como único en Puebla y en el sureste del país al contar con piezas de artistas de la talla de Pablo Picasso, Salvador Dalí y Rufino Tamayo.

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Dos objetivos son los que vertebran este proyecto: crear públicos y adentrarlos al mundo del arte, además de formar e impulsar a talentos emergentes de gran calidad y talento. Galería de Los Sapos se conforma por una sala principal que alberga exposiciones permanentes, entre ellas la de Fidel García, de la colección exclusiva del hotel; así como dos salas alternas donde se montan exposiciones temporales donde hoy encontramos obras de los mexicanos Carlos Orduña, David Camorlinga y Leonardo Nierman, así como trabajos del cubano Guillermo Socarras. Pero la galería se expande por toda la casona, explotando y resaltando todas sus vistas. En cuanto a la apreciación estética, esta galería

está abierta a todo tipo de arte y estilos: pintura, escultura, fotografía artística e instalación; Cubismo, Surrealismo, Arte popular, Impresionismo y mucho más. Asimismo, el contenido artístico de la galería está abierto a todo público que guste de apreciarlo o conocerlo ya que uno de sus compromisos es acercar el arte a la gente, este espacio ofrece cursos de arte joven (introducción al arte), de apreciación y de coleccionismo.

tórico y actual de nuestro país. “Hay más de mil Fridas y más de mil Diegos en México, por eso es importante conocer e impulsar a los talentos emergentes”, comenta su directora, Leticia Mojica.

Explorar el talento mexicano Actualmente en este espacio se representan y promueven a más de 50 artistas de talla internacional; sin embargo, también pugna por rescatar y promover el legado artístico, his-

Galería de Los Sapos pretende convertirse en un importante centro de las artes en Puebla, un proyecto integral de formación, exposición y adquisición de obras, superando su trabajo actual como gestor artístico.

Teléfono: 01 (222) 227 6322 | 290 4757 galeriadelossapos.com FB: Galería de Los Sapos Horario: lunes a domingo de 10:00 a 20:00 hrs.

Entrada libre.

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En la mira

Noticias en Puebla

Primer Foro Latinoamericano en el Rescate de Ríos Urbanos Puebla fue sede del primer Foro Latinoamericano en el Rescate de Ríos Urbanos: Cultura del Agua que busca la participación de sociedad y gobiernos en el rescate de sus afluentes. A él asistieron representantes de diversos países de Latinoamérica como Chile, Cuba, Argentina, Perú, Bolivia y Brasil, entre otros, así como de entidades y municipios de nuestro país.

La iniciativa conjunta del gobierno de Puebla, a través de la Comisión Estatal de Agua y Saneamiento de Puebla (CEASPUE) que encabeza Alfredo Ávila Salazar y del Instituto Mexicano de Tecnología del Agua (IMTA), tuvo por objetivo intercambiar experiencias y enriquecer estrategias a través de ponencias, mesas de debate y zona de exhibición. Durante el encuentro se dieron los primeros pasos para la 80

conformación de una red latinoamericana de ríos urbanos y Ávila Salazar resaltó durante su participación las diversas acciones realizadas por el gobierno del estado para el rescate del río Atoyac, entre ellas, el impulso de un inventario de la infraestructura existente respecto a usuarios y empresas aledañas al afluente, así como un marco regulatorio para evitar las descargas contaminantes.

Por su parte, Rafael Val Segura, subcoordinador de Educación y Cultura del Agua del IMTA, destacó la convocatoria para integrar una red de rescate de ríos urbanos en América Latina, así como la confirmación de representantes y especialistas de países. En este encuentro también participaron Eliana Lizárraga Heredia, jefa del departamento de Museología y Comunicación

“Uno de los principales retos para rescatar el río es alentar la participación ciudadana a través de la recuperación de los espacios públicos” Alfredo Ávila Salazar Director de la Comisión Estatal de Agua y Saneamiento de Puebla

del Museo de Historia Natural de Cochabamba, Bolivia; Alberto Jiménez Merino, director local de la Comisión Nacional del Agua (CONAGUA) y Alejandro Torres Álvarez, subsecretario de la Secretaría de Desarrollo Rural, Sustentabilidad y Ordenamiento Territorial (SDRSOT) del gobierno de Puebla.

Flashback

Eventos sociales

2 1 Fernanda Garza y Alfonso Morales.

1

2 Juan Díaz, Gabriela del Río, ángela Ordaz y Agustín Cardoso.

3 Mariana Feli y Jesús Altamirano.

4 Fernando Buxade, Rodrigo González y Fernanda Bertheau.

5 Gianluca Licchelli y Martha Ralero.

3

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XIX Feria del vino & destilados FECHA: 25 Y 26 DE OCTUBRE. LUGAR: AUDITORIO METROPOLITANO. Más de 60 expositores, entre los que destacaron 12 bodegas mexicanas y más de 150 marcas provenientes de distintas partes del mundo, reunieron a miles de entusiastas del vino y destilados en este evento que se espera año con año.

Los asistentes tuvieron la oportunidad de participar en actividades especiales así como de degustar, catar y comprar productos gourmet durante dos días, asesorados por prestigiosos enólogos y sommeliers de diferentes bodegas que comparten con Prissa la cultura del buen beber y buen comer.

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Flashback

Eventos sociales

1

2 1 Miguel Ángel Rivera y esposa.

2 Miguel Ángel, José Carlos y José Antonio Rivera.

3 Huguette zago y Gerardo Rayón.

4 Gustavo Zenteno e Iris leal.

5 Lalo Barrio y Sandy Ortiza.

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Una década velando por la salud de los poblanos FECHA: 19 DE OCTUBRE. LUGAR: SALÓN EL RECUERDO. El Hospital Puebla, consolidado por su compromiso en el cuidado de la salud siendo la mejor opción en Puebla y en el sureste del país en servicios de Alta Especialidad, festejó su décimo aniversario ante más de 500 asistentes entre los que destacaron autoridades, médicos y aliados. La velada inició con una exquisita cena de gala, seguida por el acto conmemorativo dirigido por el director general José Antonio Rivera Bretón y por el presidente del Consejo de Administración, el señor Miguel Ángel Rivera García. Asimismo se entregaron los premios a la excelencia médica “Don José Carlos Rivera García” y finalmente la celebración terminó con la emotiva presentación de Manuel Mijares.

5

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Flashback

Eventos sociales

1

2 1 Gabino Aja, Gabriel Guillermo, Norma Corte, Fernanda Familiar, José Luis y Alexis.

2 Fernanda Familiar.

3 Larissa Zanella, Carlos Salcedo y Enrique Escamilla.

4 Alexis, José Bayro C. y Robert Smith.

5 Daniela Berea y Jessica Olivares.

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En exclusiva con ¡Qué tal Fernanda!

FECHA: 12 DE OCTUBRE. LUGAR: SIKUL, LOMAS DE ANGELÓPOLIS. Con el objetivo de acercar a los escuchas poblanos con sus comunicadores favoritos, una vez más Imagen Radio Puebla organizó un desayuno y transmisión en vivo posterior al programa ¡Qué tal Fernanda! conducido por la talentosa Fernanda Familiar, quien se mostró contenta de estar en la capital poblana y convivir con su público. El evento se llevó a cabo en el nuevo proyecto de la constructora Grupo UNE distribuido por Inmobiliaria Linden, empresas hermanas desde el 2003 que manejan los mejores productos inmobiliarios de la ciudad. SIKUL es un desarrollo vanguardista, rodeado de frondosas áreas verdes donde los compradores podrán vivir de la mejor manera.

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