David Bowie Número Especial by Revista The 13th

The13th NÚMERO ESPECIAL Nº 1

UNA R E VISTA IMA GINARIA

DAVID BOWIE NÚMERO ESPECIAL

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

Diego Centurión y Julieta Curdi

Alex Bretto

José Luis Lemos

Ariel Soriano

Jimena Patiño

TRADUCCIÓN

Bernardo Jimenez Mesa

Marcelo Simonetti

César León

[ Departamento de Literatura ]

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Pablo Ravale

Erick R. Vieyra Gabo Rojo

[ Departamento de Artes Visuales ]

Marianarchy Deadbilly

Julieta Curdi y Diego Centurión

Marcelo Simonetti Maxx Wilda

[ Arte de Portada ]

Rodrigo Debernardis

Sunny Pebé

Sergio Arreola Reséndiz PARTICIPACIONES ESPECIALES EN ESTE NÚMERO: Wayne Hussey, Patricia Fiori, Carla Desiderio e Ivan Mirabal.

AGRADECIMIENTOS ESPECIALES Shauna McLarnon por los contactos, Nazarena Talice por las fotos cedidas, Mercedes Magliano por la foto de Francia.

CONTACTO issuu.com/revistath13th

facebook.com/the13thlarevista

revistathe13th@gmail.com

twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Mayo 2016 El hombre que regresó a sus estrellas Muchos apodos, muchos personajes, muchas identidades, muchas realidades, muchos hogares, mucho, mucho se lo va a extrañar... Es difícil agregar algo nuevo o interesante al mundo Bowie que ya no se haya dicho, pero nosotros queremos rendirle nuestro homenaje, a nuestra manera a David. David Jones dejó de estar físicamente entre nosotros, pero su mayor personaje o personalidad, seguirá con nosotros hasta la eternidad, si es que se puede pensar en un espacio de tiempo tan inabarcable mentalmente. Hoy en mayo siguen las repercusiones y los homenajes y creo que seguirán y seguirán... Por primera vez vamos a dedicar un número casi íntegro a la vida, obra y legado de un artista. Como habrán visto por la portada, ese artista es David Jones. Y este número, en su gran mayoría, está dedicada a las muy distintas miradas, reflexiones, sensaciones acerca del gran David Bowie. Más allá de las secciones habituales, en donde el nombre de Bowie tiñe todo de diversos colores, tenemos participaciones muy especiales que nos dicen algo sobre David. Por ejemplo, Patricia Fiori, a quien entrevistamos en un anterior número, se ha encargado de la etapa de Tin Machine. Iván Mirabal, de Iguana Lovers, nos da su particular visión de la relación David e Iggy Pop. Contamos con la participación de la Diseñadora de Indumentaria y Vestuarista, Carla Desiderio, quien nos da una mirada autorizada sobre la relación entre Bowie y la Moda. Hasta tenemos un invitado de lujo se atrevió a escribir un artículo, Wayne Hussey. Muchos músicos han dado su opinión sobre la noticia de la partida de David, de este frío mundo, en un informe lleno de sentimiento. Entre tantas sensaciones sobre el Duke Blanco (o los alteregos que quieran mencionar) nace una nueva Sección llamada MUSIC CORNER, de Alex Bretto. Y comenzamos a contar con la artista plástica murciana “Sunny Pebé”. Su partida ha dejado muchas sensaciones y de eso se trata un poco este número, de buscar esos sentimientos que ha provocado la noticia del 11 de enero. Los miembros del staff han puesto su propia mirada del mundo Bowie en estas páginas. Y agradecemos a todos los participantes por dar su visión para este número, como así también a los Departamentos de Literatura y de Cine que se adaptaron a este merecido capricho de Revista The 13th. Un número que abre una puerta que esperamos que siga dando sus frutos, la puerta de los números especiales de Revista The 13th. Acá está nuestro mejor esfuerzo, David, perdónanos si no estamos a tu altura…

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE EL DESPEGUE HACIA UNA NUEVA AVENTURA ..................................................................................................... 06 TRES X UNO ........................................................................................................................................................... 10

DAVID BOWIE ES… UN ARTISTA QUE SUPO VESTIR SU MÚSICA..............................................14

NUNCA HABRÁ NADA NUEVO DE BOWIE, Y ESA ES LA TRAGEDIA MÁS GRANDE DE SU MUERTE....28

UNA ESTRELLA CON NECESIDAD DE RECREARSE: DAVID BOWIE: TIN MACHINE ..................-............34

LECHE Y COCAÍNA .............................................................................................................40 DIFERENTES MIRADAS............................................................................................................................................44 DUENDE O LA CRÓNICA DE LA ECLOSIÓN DEL LENGUAJE.................................................................................. 56 MUSIC CORNER: LOS PERSONAJES DE BOWIE..................................................................................................... 60 EL ESPECULADOR DEL ROCK............................................................................................................................... 66 DE NOMBRES Y MARCAS........................................................................................................................................ 74 DAVID BOWIE, DOS CANCIONES Y YO................................................................................................................... 78 NO PUEDE HABER ALGUIEN QUE TENGA LA POSIBILIDAD DE VIVIR TAN LEJOS... ............................................. 84 PALABRAS EN LA ARENA EN SUS PALABRAS Y SUS INTENCIONES por Pablo Ravale.......................................................................................... 90 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE EL ROCK ES HITLER por Pablo Ravale............................................................................................................................ 95

LOS OTROS MUNDOS DENTRO DE ÉSTE: “Sobre héroes y tumbas”, de Ernesto Sabato por Pablo Ravale................................................................................. 98

EN CONCIERTO EL FIN DE LOS SONIDOS Y LAS VISIONES David Bowie Estadio River Plate, Buenos Aires, 29 de septiembre de 1990 por Diego Centurión ............................104 RESCATE CINÉFILO THE MAN WHO FELL TO EARTH (1976) por Jimena Patiño......................................................................................... 111 MERRY CHRISTMAS MR LAWRENCE (1983) por Jimena Patiño................................................................................... 113 THE HUNGER (1983) por Jimena Patiño....................................................................................................................... 115 ABSOLUTE BEGINNERS (1986) por Nicolás Ponisio...................................................................................................... 117 LABYRINTH (1986) por Nicolás Ponisio.......................................................................................................................... 119 BASQUIAT (1996) por Nicolás Ponisio........................................................................................................................... 121 VELVET GOLDMINE (1998) por Jimena Patiño.............................................................................................................. 123 THE PRESTIGE (2006) por Nicolás Ponisio..................................................................................................................... 126 HIDDEN TRACK ............................................................................................................................................................... 128 PURA MELOMANÍA EL PRIMER PASO FIRME DE UNA DINASTÍA ESTELAR David Bowie with The Lower Thrid “Can’t Help Thinking About Me” (1966) por Diego Centurión.......................................... 134

ESTÁ TODO BIEN, DAVID David Bowie – Hunky Dory (1971) por Diego Centurión..................................................................................................... 135

LOS COLORES DE BOWIE David Bowie - Diamond Dogs (1974) por Sergio Arreola Reséndiz.................................................................................................... 139 DAVID BOWIE EN EL DANCE HALL David Bowie - Young Americans (1975) por Bernardo Jiménez Mesa................................................................................................. 140 NO SOPORTÓ LA PRUEBA DEL TIEMPO David Bowie – Station To Station (1976) y el Duque Blanco por Erick R. Vieyra................................................................................... 141 SIN PENA NI GLORIA David Bowie – Tonight (1984) por Rodrigo Debernardis....................................................................................................................... 142 EL REGRESO DEL REY David Bowie – 1.Outside (1995) por Gabo Rojo................................................................................................................................ 142 EL BOWIE DE 1910 David Bowie - The Deram Anthology (1997) por Gabo Rojo............................................................................................................. 144 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? DAVID BOWIE - SPACE ODDITY & SCHELVISPEKEL por Max Wilda.................................................................................... 147

LAS VIDAS DEL CAMALEÓN........................................................................................................................................... 148 UN TRIBUTO DE MÚLTIPLES TRIBUTOS......................................................................................................................... 154 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS.......................................................................................................................................... 160 PINTAR HASTA QUE SE TEMPLE EL CUERPO

SUNNY PEBÉ por Erick R. Vieyra.................................................................................................................................. 162

[ Por Diego Centurión ]

EL DESPEGUE HACIA UNA NUEVA AVENTURA

El 11 de enero nos desayunamos con la noticia que el hombre que siempre estuvo mutando volvió a tomar una nueva forma y se dirigió en un viaje del cual nunca más volverá. Tras de sí dejó más de una veintena de álbumes en estudio, varias personificaciones o varias pieles en las que se vistió a lo largo de varias décadas de carrera desde los años sesentas hasta este 2016. David Robert Jones estará descubriendo si hay vida en Marte, o estará realizando un nuevo papel en alguna producción estelar. Su despegue de este Planeta fue una sorpresa para muchos y no tanto para otros que avecinaban que algo no andaba bien. Lo cierto es que la reacción ante tal partida, en todo el mundo, fue instantánea, sólo basta con poner en You Tube y veremos la cantidad y diversos homenajes que ha despertado esta noticia, desde declaraciones desde el Vaticano, iglesias que, con sus campanas, tocaban alguna canción de David, gente que se juntaban a cantar, o muestras de respeto en muchas ciudades del mundo. Las portadas de periódicos, revistas o suplementos especiales sobre su vida u obra. Hasta un grupo de astrónomos belgas han denominado a un grupo de

siete estrellas como una constelación con el nombre de David Bowie y en http://stardustforbowie.be/ te invitan a que pongas una estrella con el nombre de una canción de su extensa discografía. Hasta se bautizó “Bowie” al primer nacido en un zoológico de Cincinnati, un pingüino azul. Muchísimos artistas interpretando en sus shows alguna versión, hasta el bochornoso y corporativo homenaje de Lady Gaga en los Grammys 2016, que provocó el repudio de su hijo Duncan Jones. Hasta se planea un concierto homenaje (como el de Freddy Mercury) en el Carnegie Hall de Nueva York para el 31 de Marzo de este año, y lo recaudado será para beneficio de entidades que ayuden a niños. Pero el extraño de ojos de dos colores no sólo fue determinante para muchos en la Música, sino también en la Moda, tanto que en el 2013 se presentó una muestra en el Victoria and Albert Museum, la cual se basó en su vestuario, “David Bowie Is” se convirtió en una muestra itinerante que actualmente y hasta Abril de este 2016 se encuentra en el Groninger Museum de Holanda. No podemos olvidar sus papeles en la pantalla grande o su incursión en el teatro por la década del 80. Sus trabajos en las

artes visuales que se encuentran en una página especial llamada bowieart.com Hoy se sabe que ha dejado todo preparado para otros lanzamientos para los años venideros, material de archivo y quien sabe qué más que aún no ha sido comunicado desde su entorno. Bowie siempre ha sido una caja de sorpresas y mientras ya trabajaba en su próximo álbum (si ya tenía cinco canciones nuevas que quería grabar) no pudo llegar a registrarlas. Pero no sabemos que As en la manga ha dejado preparado, que otra muestra de su genia-

lidad nos puede sorprender en los años venideros. Como lo fue en su extensa carrera, nos queda una luz de esperanza de tener novedades de su música de nuevo en un futuro, que seguramente él ya ha escrito, y que como siempre, nosotros, llegaremos años después. Así fue David Bowie en su carrera, una caja de pandora repleta de sorpresas. Y el 11 de enero tuvo su despegue hacia una nueva aventura y quién sabe qué nos tiene preparado desde las estrellas…

TRES POR UNO

David Bowie - Lazarus MÚSICA [ por Diego Centurión ]

Ahora sabemos que Lázaro no se levantará más. Y sabemos también que su marca quedará prendida al ahogo, casi sórdido y sombrío de su último single, Lazarus, de su último suspiro Blackstar. “I’ll be free" (voy a ser libre) canta David mientras vemos ese oscuro y hasta macabro mensaje de despedida. Como un silencioso e intimidante susurro desesperado pasa este "Lazarus" con ese pulso cansino del agotamiento y de un debilitado cuerpo, pero no una debilitada mente. Un comienzo tibio, calmo, oscuro, solitario. Luego van apareciendo un saxo lejano, como apartado de vida terrestre. Bowie dice: “mira aquí arriba, estoy en el cielo. Tengo cicatrices que no pueden ser vistas.” Y luego sigue con frases como: “Mira aquí arriba, estoy en peligro. No tengo nada más que perder.” Y la calma angustia en su voz parece anunciar lo que sabemos que sucedió (Como no apartarnos de lo que hoy sabemos). La sensación de claustrofobia se siente en el clima que crece a cada segundo, pero nos aplasta sentimentalmente. La batería y el saxo aumentan la intensidad junto con el bajo. Por momentos el bajo tiene algo de la angustia de The Cure en épocas de Seventeen Seconds o de Joy División de Closer. Aparecen estiletazos de la guitarra que parecen puñaladas, hirientes y filosas. Mientras el ambiente se espesa y la quebrada y cansada voz de Bowie parece pedir ayuda. Pero ahora, después del conocido desenlace sabemos que David está libre y es como él quiso. El saxo le da el tono dramático al final, como despedida... Lo despide el instrumento que lo trajo a la música. Mientras el final la batería y el bajo van

bajando la intensidad, pero como rebeldía ante la despedida, su otro instrumento, la guitarra da golpes tratando de nunca se calle la canción. Este último single que Bowie editó, mientras aún habitaba nuestro suelo, es la marca de esa lucha que llegaba a su fin, pero claro, hoy con el desenlace conocido, todos entendemos que fue una despedida.

CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Fue una sorpresa, de las no gratas, cuando el pasado diez de enero el mundo se enteraba que uno de los artistas más influyentes del siglo XX, y siglos venideros también, ya no habitaba entre nosotros. David Bowie no solo se despedía sorpresivamente sino que lo haría junto a una carta llena de amor en la forma de la canción y el videoclip de Lazarus. “Look up here, i’m in heaven” (“mírame, estoy en el cielo”) son las palabras iniciales de despedida del Duque Blanco en un tema claramente consciente del momento por el cual pasaba Bowie y que continuaría resignificándose tiempo después de su fallecimiento. Un artista que siempre supo lo que quería y cómo lo quería, y así fue hasta el final. Sabiendo cómo marcharse y sobre todo, cuándo… al menos de nuestro planeta. Como una suerte de regreso momentáneo del ser celestial que fue Ziggy Stardust, y del cual ya se denotaba su presencia en el video anterior de Blackstar del mismo nombre, Bowie permanece acostado en una cama de hospital, con los ojos vendados, a medida que comienza a incorporarse sobre sí mismo, impulsado por la armoniosa melodía de su voz. Bowie nunca precisó de una nave espacial per sé para visitarnos y hacernos llegar su arte. Su medio fue su persona, su música, su estilo y así como se transportó hacia nosotros por mucho tiempo, aunque no el suficiente que nos gustaría, también lo hace para alejarse. La blancura del espacio que lo rodea, esa habitación de hospital que pareciera presentarnos un

Bowie desmejorado, funciona como una suerte de pasaje previo a su destino incierto, hacia los otros mundos a visitar. Y se dispone a hacerlo con una vitalidad sorprendente como lo demuestran sus pasos de baile dentro de su oscuro “outfit” espacial. Su cuerpo mortal, ese que permanece en cama, ha cumplido su estadía con nosotros, está listo para ser abandonado. El que se encuentra de pie es el Bowie de los cielos, las estrellas y demás galaxias. “Ohh, I’ll be free” (“seré libre”) anuncia con una gran sonrisa en el rostro mientras que en el de uno la única presencia es aquella que se refiere a las lágrimas. Bowie se apresura a escribir su última letra, sabe que no le queda mucho tiempo, debe abordar su próximo destino ingresando a un closet (del cual gracias a él muchos han salido). El resto de los mortales, o sea nosotros, vivimos aferrados a personas, a cosas, dándole generalmente una entidad mayor de la que se merece. Y es por eso que cuesta tanto decirle adiós a David Bowie, a ese starman que vino a iluminarnos con su presencia. Duele, pero a la vez tranquiliza el saber que su partida lo encontró con la alegría de liberación que transmite en el videoclip (y que también se puede comprobar en la sesión de fotos de la cual fue parte tres días antes de fallecer). Y más aún, nos llena de alegría el haber sido testigos de su presencia en la Tierra. See you space cowboy…

LITERATURA [ por Pablo Ravale ]

Claustrofobia, oscuridad, miradas al abismo… “Lazarus” –junto con todo el material que conforma Blackstar– se trata del mayor réquiem musical de los

últimos veinte años. ¿Había elegido Bowie pasar a la inmortalidad volcando todas sus fuentes de inspiración por el tamiz de su propia angustia existencial? ¿O se trató, más bien, de descolgar al oyente del latir del corazón de la vorágine cotidiana y de estremecerlo ante la incertidumbre de su propia e intuida muerte? Seguramente, la incógnita nunca será resuelta, no obstante, sólo cabe afirmar que, ya sea por su atmósfera desoladora, por su aura ensombrecida, o, mismo, por su performance desasogante, “Lazarus” es una de esas canciones para escuchar a medianoche, solo, si no, también, llorando y con las luces apagadas. ¿En qué me baso para afirmar esto? En que a lo largo y a lo ancho de toda esta suite, Bowie canta y llora en primera persona narrándonos sobre un moribundo doliente (que es él) y adoptando un papel que es casi de cronista noir (el verso inicial es escalofriante: “Mira aquí, estoy en el cielo. / Tengo cicatrices que no se ven. / Tengo drama, no puede ser robado. / Todo el mundo me conoce ahora.”). Asimismo, y a medida que transcurren los segundos y los minutos, la sensación que también se llega advertir en el tono de su voz es la de saberse un viejo guerrero absolutamente decepcionado con el mundo y la humanidad en general (“No me queda nada que perder. / Estoy tan alto, que la cabeza me da vueltas. / Se me cayó el teléfono móvil ahí abajo.”). Cualesquiera, igual, que hayan sido sus intenciones reales para con el mensaje de la letra, el hecho es que, como siempre, David nos sembró la duda de pensar si no estaría acaso ocultándonos otra dolorosa verdad tras un telón de sutiles pero hirientes metáforas (“Oh, seré libre. / Libre como un mirlo. / Oh, seré libre. / ¿No es eso lo propio de mí? ”) En definitiva, una diáfana plegaria. Un tema y un disco para extrañarlo toda la vida…

[ IPor: Carla Desiderio ]

DAVID BOWIE ES…

UN ARTISTA QUE SUPO VESTIR SU MÚSICA En la década de 1950, la moda de los jóvenes comienza a diferenciarse de la de los adultos. Encuentran a sus referentes en los cantantes de rock and roll y en algunos actores que surgieron en la época, como James Dean y Marlon Brando, que se han destacado por encarnar personajes conflictivos, rebeldes y atormentados.

En las imágenes 1 y 2, se puede ver la tan característica campera de cuero o Leather Motorcycle Jacket, acompañada por un jean arremangado y remera o T- shirt en color blanco.Constituye la imagen tan trillada o estereotipada del rockero rebelde en la actualidad y que, en sus orígenes, fue sinónimo de absoluta trasgresión. Es en este mismo momento histórico de la moda, en el que los jóvenes comienzan a usar en la calle el emblemático cinco bolsillos, conocido popularmente como jean, que hasta el momento estaba reservado a un uso laboral. Esta imagen del “chico malo“, rudo o pandillero, de Estados Unidos comenzó a convivir con otra propuesta estética, que surge en Inglaterra, los Teddy boys, que tomaron influencias del estilo dandy de la época eduardiana; este revival fue impulsado por una sastrería de la calle Saville Row Tailor, un grupo de jóvenes adoptaron estas influencias para comenzar a alejarse de la imagen sobria y oscura de la época de guerra, con una propuesta de sastrería más colorida y alargada, con solapas combinadas en otro color, por lo general de terciopelo, chalecos realizados en tela de fantasía, pantalones con tiro alto y estrechos, que en algunas ocasiones dejaban ver los calcetines. En sus orí-

genes fue una estética acompañada por una actitud de vida que adoptaron los jóvenes de clase alta, ante las imposiciones muy estrictas del gobierno británico, que manifestaba su descontento e insatisfacción ante la sociedad. Rápidamente el estilo se expandió en toda Inglaterra. (Imágenes 3 y 4)

Es en la década de 1960 en la cual se terminan de instalar varias cuestiones que se comenzaron a explorar en la década anterior. La diferenciación de los jóvenes con respecto a los adultos en cuestión moda, se instala definitivamente. Es en esta misma década, cuando el epicentro de la moda mundial se traslada de la ciudad de París hasta Inglaterra, es también en 1960 cuando se realizan exploraciones al espacio, se logran varios avances científicos y tecnológicos, aparece la píldora anticonceptiva, que le permite a la mujer llevar a cabo una vida sexual más libre y con menos inhibiciones. Todos estos grandes cambios se comienzan a ver reflejados en la indumentaria, es la segunda vez en la historia que el largo de la falda se acorta notablemente, la primera vez fue en la década de 1920, pero en esta segunda oportunidad el cambio es extremo, con la aparición de la minifalda, así la mujer comienza a lucir sus piernas, acompañadas por unas botas de caña alta, que llegan hasta las rodillas. Se instala un look andrógino, con el uso del cabello corto. Los avances tecnológicos permiten la aparición de materiales alternativos como el vinilo, o el uso de la cota de malla en manos del diseñador Paco Rabanne. En este contexto de cambios y “grandes despertares” aparece en escena un joven David Jones

(Davy o Davie Jones, hasta cambiar al conocido David Bowie), con una imagen estilizada y de extrema delgadez, similar a la que mostró la modelo Twiggy, referente femenina, indiscutida de la década. En sus comienzos Bowie se siente identificado con la estética mod, de la cual adopta una sastrería impecable, con raíces italianas y camisas pulcras y prolijas, acompañado por el peinado Mop-top. (Imágenes 5, 6)

A comienzos de la década del 70, junto a su primera mujer, Angie Barnett, comenzó a marcar tendencia, con el uso de túnicas que no diferenciaban los sexos, combinaban el color y estampados entre sí. Es en esta década también que comienza a crear algunos de sus personajes más relevantes y a ser un referente estético hasta la actualidad. En 1971 con un corte de cabello largo, pantalón con cintura ajustada y botamanga ancha empieza a jugar con otra propuesta ambigua y andrógina en su etapa de Hunky Dory, (Imagen 7) y en 1972 se convierte en un ser del espacio exterior.

Su contacto con diversos actores, su interés por el teatro kabuki y su formación como mimo, comienzan a verse reflejados en el estilismo general de sus puestas o creaciones. Diez años antes que se comenzaran a imponer los diseñadores japoneses en el mundo de la moda, David confía el diseño de vestuario y estilismo en general, a Kansai Yamamoto, este diseñador le ofrece una propuesta andrógina, colorida con reminiscencias del teatro kabuki, lo cual acompaña perfectamente al personaje extraterrestre bisexual, que protagoniza Ziggy Stardust. (Imagen 8)

También en uno de sus atuendos más icónicos, (imagen 9) se puede observar la influencia del vestuario del ballet triádico de la Bauhaus (1) (imágenes 10 y 11), tema que también era de un gran interés para David.

1) Bauhaus, escuela de arquitectura, diseño, arte y artesanías alemana, que nace en el año 1919 a cargo de Walter Gropius y fue cerrada durante la segunda guerra mundial en manos de los nazis

El nombre triádico se debe a que está dividido en tres partes, que se fusionan entre sí, la danza, la indumentaria y la música, tiene su lógica la asociación con dicha disciplina si pensamos lo que el mismo Bowie opinaba sobre el resultado estético, él quería, según textuales palabras que: “todo se viese como sonaba”, es por esto que sus puestas están impregnadas de sus vivencias y gustos artísticos. Si continuamos con sus dichos, él proclamaba a Yamamoto “como el 100 % responsable de su corte de pelo y color en Ziggy Stardust”; es en esta etapa, que revoluciona y escandaliza a unos tantos, con su propuesta que no diferencia sexos, con este personaje que puede vestir trajes volumétricos, como el que vimos en la imagen nº 6 o mostrarse enfundado en un mono ajustado acompañado con botas de caña alta y gigantes plataformas también con sus variables de vestido de satén con bordados o su maillot pequeñísimo, que deja expuesta su extrema delgadez. (Imágenes 12, 13, 14, 15, 16, 17).

Este personaje creció y vivió durante algunos años formando parte de tres álbumes. Se instala a partir de estas creaciones la imagen arquetípica del glam. En la misma década viste sastrería de Ives Saint Laurent, pero su sastre de cabecera durante muchos años es Freddie Burretti. (Imágenes 18 y 19)

Después de sus años de Ziggy Stardust llega a convertirse en un caballero, dandy, impecable y perfecto, siempre con su silueta estilizada, creando al Duque Blanco (imágenes 20, 21, 22), para su álbum Station to Station, de 1976.

En la década de 1980 muestra la silueta característica de la época, con sus hombros anchos y exagerados, pantalones con cintura ajustada y pinzas bien definidas, por supuesto, manteniendo siempre una imagen cuidada en todos sus aspectos e impecable, desde todo punto de vista. (Imágenes 23, 24, 25)

Supo nutrirse siempre, de los más talentosos y trasgresores diseñadores emergentes, como lo hizo en la década del ’90 con Alexander McQueen, al pedirle el diseño de una levita con la tela de Union Jack, (imagen 26) la cual presenta como textura en toda la superficie, quemaduras de cigarrillos. No es casualidad que haya recurrido a Mc Queen quien se caracteriza por incluir en gran parte de sus colecciones piezas sastres, además no olvidemos, que comenzó en el plano laboral, trabajando en una de las sastrerías más importantes de la calle Savile Row de Londres, que se encarga de confeccionar los trajes para los reyes y Alexander hizo honor a su espíritu rebelde, firmando obscenidades en el interior de los sacos de los reyes.

Los más grandes creativos de la moda toman a David Bowie como inspiración para sus colecciones, como Jean Paul Gaultier (imagen 27), Hedi Slimane, Dries van Noten, (imagen 28), entre otros.

No es para nada casual, que se inaugure en el año 2013 una muestra en el museo Victoria and Albert de Londres, llamada “David Bowie es”, no se podría haber realizado en otro espacio que no fuese en este emblemático museo, como lo es para la historia del traje, y como el nombre de la muestra lo indica “David es… según la época, el álbum, el momento artístico y de vida que transita, cada visitante de la misma pudo completar esa frase. (Imágenes 29, 30)

“David Bowie es” un gran creativo, generador de tendencias en la música y la moda, que inspiró a varias generaciones.

Es un gran artista que supo vestir a su música.

[ IPor: Wayne Hussey / Traducción: Marcelo Simonetti ]

NUNCA HABRÁ NADA NUEVO DE BOWIE, Y ESA ES LA TRAGEDIA MÁS GRANDE DE SU MUERTE

Cuando me levanté esa mañana, desvelado como de costumbre, en la cuarta vuelta en la cama, pispeé el celular, y la primera noticia que vi, me la dio Wayne en el perfil de The Mission en Facebook. Cuando le pedí que escriba unas líneas a raíz de la muerte de Bowie y me encontré con semejante homenaje de su parte volví a sentir lo mismo que cuando me dio la noticia por primera vez. Obviamente tengo casi 20 años menos que Hussey, y no conocí a Bowie en el momento en que lo conoció él. Y a la inversa de él, no conocí primero a sus antecesores musicales, sino a sus hijos. Y con los años lo fui conociendo, porque fui desandando la escalera musical de hijo a padre. Y cuando lo descubrí aprendí que era el padre de todos. Y entiendo y siento igual a lo que él está reflejando en éstas líneas de despedida, y en éste viaje histórico que propone donde conocemos datos paralelos de la vida de Wayne y David. El amor absoluto y sin contradicciones, expresado acá. Marcelo Simonetti

Cuando tenía 13 años en los comienzos de 1972 fui testigo del ascenso de David Bowie. Marc Bolan & T.Rex llegaron un poco antes, quizás un año, y fueron mi primer amor y aún hoy adoro sus primeros simples y los discos Electric Warrior y Slider, pero T.Rex sufrieron el mismo destino que todos los primeros amores. Todos nos movimos hacia otros más nuevos, más grandes y más perdurables amores.

Había leído que Bowie era amigo de Bolan, entonces cuando vi que Bowie iba a aparecer en el show nocturno Old Grey Whistle Test (un programa musical ómnibus nocturno de la televisión británica) mi interés se despertó y me las arreglé para persuadir a mis padres para quedarme levantado un poco más tarde de lo que normalmente estaba autorizado a hacer. Bowie tocó Queen Bitch y Oh, You Pretty Thing (si la memoria me ayuda) y, por supuesto, como el resto de la juventud de la nación quedé intrigado y confundido en igual medida. Nunca había visto nada más abiertamente andrógino antes, nada más alienígena o extravagante, ni se había visto en toda Gran Bretaña, y Bowie devino en la charla del patio del colegio en los siguientes días. Y poco después vino el infame reportaje en Melody Maker cuando salió proclamando públicamente que era homosexual. Otra vez, no era algo que fuese común hacer en la Gran Bretaña de comienzos de los ´70, con la homosexualidad fuera de la ley hasta fines de 1967 a raíz de la aparición de la rebelión juvenil y la era del amor libre. Abundante en contradicciones fueron los 60´s y los 70´s. Pero a pesar de la siempre creciente legión de fans y el impulso hacia adelante Bowie se mantuvo como una figura de culto en ese momento más que como un pop star. Y entonces en Mayo o Junio de 1972, sólo unas pocas semanas después de que T.Rex llegara al número 1 con el punto más alto de su carrera Metal Guru, Bowie lanzó Starman como single de su siguiente álbum, The Rise & Fall OF Ziggy Stardust. Y tocó la canción en Top Of The Pops.

El mundo se desplazó de su eje esa noche y nunca volvería a ser igual. Introducido a millones de hogares ingleses en horario pico de TV un jueves por la tarde Bowie polarizó la Nación. Nosotros, los jóvenes, teníamos otro héroe que alinear junto a Bolan en las trincheras de la guerra de generaciones. Cada generación debe tener sus propios héroes, abandonando y ridiculizando todo lo que había antes, particularmente la música que nuestros padres escuchaban. Vi el ascenso de David Bowie, y luego el todopoderoso y maravilloso correr de álbumes, cada uno un clásico, que grabó durante todos los 70 y hasta Scary Monsters. Cada álbum era diferente, como fans nunca supimos ni de cerca que esperar con cada lanzamiento. Justo como debería ser. Como la mayoría de los fans de Bowie estaba decepcionado con sus discos de los 80 pero siempre se mantuvo interesante. Estuvo en la lista de invitados para ver a The Mission en el LA Palace en 1987 (Iggy se había hecho amigo mío en esa época) pero tuvimos que cancelar el show porque Craig sufrió la primera de sus “caídas” en gira y tuvimos que mandarlo a casa. Al día de hoy aún culpo a Craig por nunca haber podido conocer a Bowie. Tim Palmer, quien nos produjo God’s Own Medicine, produjo el proyecto Tin Machine. Mientras estábamos grabando el álbum Carved In Sand con Tim en Londres Tin Machine llegó a la ciudad para hacer un show. Como amigo de Tim tuve que ir al show, y lo amé. La única otra vez que vi a Bowie actuar antes fue en el Bristol Colston Hall cuando tocó teclados en la gira de Iggy Pop. Reeves Gabrels, quien tocó la guitarra con Tin Machine, vino al estudio mientras grabábamos y prestó sus muy poderosas habilidades a dos o tres de nuestros temas. A pesar de nunca haber conocido al gran hombre me queda gran consuelo en el hecho de que Bowie realmente conoció mi nombre como escribí en la letra de una canción en el álbum de The Mission del 2013, The Brightest Light. Pienso que el trabajo de Bowie con Tin Machine, a pesar de que fue mayormente despreciado por los medios como un proyecto vanidoso, sirvió como un pequeño renacimiento para el hombre y lo puso de nuevo en las pistas para ir hacia nuevos géneros creativos de límites borrosos y música innovadora otra vez durante los 90 y los 00. No todo lo que intentó

fue exitoso pero al menos estuvo otra vez desafiando nuestras expectativas de él. Bowie ha estado omnipresente en mi vida desde aquellos años tempranos de la adolescencia. Siempre ha estado ahí. Y ahora ya no está. Aún es insondable para mí que se haya ido. Lázaro no se va a levantar de entre los muertos ésta vez… Yo estaba, coincidentemente, con Craig Adams cuando me enteré de la muerte de Bowie. Ambos habíamos arribado al aeropuerto O’hare de Chicago más temprano aquella noche del 10 de Enero en vuelos separados, yo desde San Pablo y él desde Baltimore. Nos tomamos un taxi al hotel en Highland Park. Hicimos el check in, dejamos las valijas en la habitación que compartimos, algo que no hacíamos desde hace muchos años, y decidimos tomarnos un trago tranquilos en el bar del hotel antes de intentar dormir. A eso de la 1:30am, del Lunes 11, volvimos a la habitación, y acurrucándome en la cama con nieve y hielo en el piso afuera, me volví hacia mi Ipad, ya que es mi hábito, a chequear las noticias de la BBC antes de dormir. Urgente: el ícono de rock David Bowie muere a los 69. Así como su vida fue una obra de arte también su muerte lo ha sido. Si hubiese estado todo planeado no hubiera podido hacerse con mayor precisión para un impacto mayor. Y nos dejó con quizás su mejor álbum en décadas –Black Star. Es difícil escuchar el álbum sin prejuicios ya que cada una y todas las canciones y letras son examinadas como ideas y hay muchas ahora con el beneficio de una comprensión retrospectiva, pero podría decir que es la manera apropiada de terminar un legado que Bowie nos ha dejado a nosotros, meros mortales. Y por supuesto, siempre tendremos eso –la música, el arte, la moda, el legado. Pero nunca habrá nada nuevo de Bowie. Eso, para mí, es la tragedia más grande de su muerte. Genio es una palabra muy pequeña para el hombre. La inspiración e influencia con la que proveyó a casi cada músico y más que ha aparecido después de él está ahí para ser contemplada en todos lados, en cada recoveco de la vida.

Habrá elogios por días, meses, años, y será justo, y todo lo que puedo agregar realmente a todo eso es que yo amé, no, perdón, amo a David Bowie y siempre lo haré. Hay una nueva estrella negra en el cielo…

[ Por Patricia Claudia Fiori ]

UNA ESTRELLA CON NECESIDAD DE RECREARSE: DAVID BOWIE: TIN MACHINE “El cielo de aquí Entre el ocaso y las estrellas, Como un cohete a Marte Cielo de aquí…” (Extracto de: “ Heaven´s in Here” - Tin Machine) Casi bordeando los treinta años de la creación de ésta maravillosa canción, casi como un anticipo, éste recorte de la lírica de Heaven´s in Here, bien podría aplicarse y poseer una misma significancia hoy, luego de la sorpresiva e inesperada muerte del Duque Blanco, acaecida dos días posteriores de cumplir sus 69 años en Enero pasado, el mismo mes que lo viese nacer y partir. Un cielo en su rico universo creativo que plasmó hasta sus últimos días. Su legado infinito que me conduce a un imperioso tributo. Bowie hoy ya es una estrella. En el sentido literal. El Duque ha sido uno de los más grandes exponentes y referentes, siempre con su cielo de estrellas en cada una de sus obras. Bowie siempre fue una estrella del Rock y de la música toda, sin estigmas, rótulos, ni límites. Como sucede en todo proceso creativo, esa mágica sensación de la incertidumbre que guía a los grandes artistas al crear y hacer obra. Su estrella sellada en el cielo, que “causalmente” nos dejara un trabajo mágico, despidiéndose así de lo terrenal al obsequiar al universo: “Blackstar”, su último álbum lanzado al mundo días previos a su partida física. Lanzado como ese cohete a Marte que reza una de las gemas de Tin Machine.

El Duque sabía que se convertiría en una estrella negra y se encargó de dejarnos, a modo de testamento, su última obra.

En tiempos de Tin Machine, allí hacia fines de los 80, me sorprendió y conmovió encontrarme ésta lírica, donde ya era una estrella, con luz y brillo propio, pero que reclamaba a gritos reconvertirse, luego de un recorrido musical vasto, camaleónico, donde se cubrió con diferentes personajes, semblantes, atravesando distintos estilos y formatos, que lo llevaron al reconocimiento mundial. En verdad, Siempre necesitó reinventarse, sin dejar de ser Bowie, jamás.

Pero ésa estrella, necesitaba recrearse una vez más, reconvertirse, dar una nueva luminosidad a su carrera: de allí la creación de Tin Machine.

no de entrada, incluso, ponderándolos: “ellos serán el futuro Rock and Roll“.

Basta con deleitarse con “Heaven´s in Here“, el pro-

Casi con certeza que su espíritu aventurero (supo de-

fundo “Prisioner of Love“, “Under the God” en el que se referen-

cir respecto a Tin Machine: “… Reeves - Guitarra en TM - me

cia un enfrentamiento con un neonazi, y una bellísima versión

sacó de mi capa caída, para convertirme en un aventurero nue-

de una gema de J. Lennon: “Working Class Hero“.

vamente…“) con la creación de Tin Machine, lo condujo a un

Sin embargo, luego del álbum inaugural y la condeco-

universo completamente diferente al cual nos tenía acostum-

ración de los medios en general, su segundo trabajo (Tin Machi-

brados. Ésta máquina de lata consistió en dar una patada a todo

ne II) no mantuvo las expectativas del primero: fue más prolijo

lo anterior. Romper con lo conocido y adentrarnos en una ex-

y menos caótico. En definitiva: aunque amado y también cues-

quisita potencia de un Rock golpeador de cabezas y corazones,

tionado en su primer álbum, éste se caracterizó por ser más

con crudeza y melodía, con una sublime ejecución dura.

desprolijo, caótico, “bien hard”. Entiéndase: el caos y la despro-

Tin Machine tuvo un corto pero prolífico período de

lijidad, sin perder nunca el orden. Recuérdese: Era la banda del

vida (allí por el 1988 al 1992), el Duque se ocuparía de seguir

Duque. Dato nada menor a éstas alturas. Los rasgos que pon-

siendo el frontman y guitarrista, asociando a Reeves Gabrels

deraron su primero, no llegaron a caracterizar al segundo tra-

(Guitarra), Tony Sales en el bajo y Hunt Sales, en batería. Dos

bajo de la banda. Por lo tanto, más en baja, se preveía un final:

álbumes en su haber: el gran “Tin Machine" y “Tin Machine II”,

tercer álbum en vivo, y su despedida.

más un álbum final en vivo que recorre sus dos trabajos. Portando elegantes trajes negros como estigma del grupo (Al fin

Nos dejó una estrella en Enero pasado. Una impronta

de cuentas, unos “Blackstar“) y en contrapartida lanzando su

irremplazable. Pero también nos dejó otras estrellas vitales, que

primer y recordado gran primer álbum con un sonido sin ador-

son su obra, de una luminosidad y riqueza infinitas.

nos, con guitarras ruidosas llevadas al extremo, un espontáneo

Bowie se reinventó cuantas veces como deseó y pudo,

y potentísimo rock. Rock duro al fin. Visceral. Sin perder la dis-

cuestión no habitual en los artistas, que tienden en muchos ca-

tinción y la capacidad creativa con gloriosas y exquisitas melo-

sos, a repetirse. Máxime, cuando la fama y el reconocimiento ya

días. Continuaba siendo el (y un) Duque (jamás dejó de serlo,

le habían llegado notoriamente antes de Tin Machine. Sin em-

por cierto) pero con T. Machine en versión rock potente.

bargo, con Tin Machine dobló su apuesta. Significó una nue-

Recordábamos al principio, que David clamaba des-

esperadamente una reinvención de sí mismo, sacudiendo todo lo anterior que lo llevó a la gloria. Su nuevo personaje sería por medio de ésta máquina de lata.

va recreación con la fuerte decisión en quebrar su obra previa: Creando una banda de potentísimo Rock and Roll.

Todo artista intenta algo del orden de lo imposible,

que es develar qué es el arte. El arte tiene la particularidad de

Con referencias a Hendrix, a Cream, entre otros, y

ser un enigma. En ese imposible, el artista construye su obra y

Abriendo puertas para bandas como Sonic Youth, The Pixies,

muestra cómo se las arregla para hacer arte. Bowie, sin duda al-

etc.

guna, persiguió ése enigma constantemente, reinventándose,

No es poco logro para una banda de breve duración y

tan intensa.

Tin Machine fue una etapa observada con deteni-

miento por los fans de siempre de Bowie: amada, y también

al punto de un volver a nacer en cada recreación/personaje. Al punto de recrear también su propia muerte en la lírica y las imágenes de “Lazarus“, su último “Blackstar“.

Quienes aún no se acercaron a la obra de Tin Machine,

cuestionada. No se parecía a lo conocido y esperable (conside-

se convierte en una imprescindible referencia para descubrir.

rando sus diferentes ropajes en sus personajes anteriores). No

Quienes la amamos, no dejamos de maravillarnos y emocionar-

parecía haber términos medios para sus fieles y atentos segui-

nos, volviendo a darle play por siempre, llevando la estrella de

dores: Tin Machine los enamoró o los desencontró.

David Bowie, que aunque negra en su final, nunca dejó/ni deja-

Con la salida de su primer trabajo (titulado simple-

mente “Tin Machine“) alcanzaron un alto puntaje en los top ranking, aunque con bajas ventas. La prensa les dio el visto bue-

rá, de ser brillante, blanca, iluminando mágicamente nuestras almas. -

[ Por Iván Mirabal ]

LECHE Y COCAINA

- Poder Crudo. David Bowie produjo Raw Power en Inglate-

- Steve Jones, decía haberse robado un equipo de viola de, jus-

rra..."Ziggy & The Stooges" o el Camaleón camuflándose de

tamente, un show de Bowie. Yo pensaba que era lógico que lo

Iguana, a su manera...o camuflando a la Iguana, a su modo...

hiciera, robar a los ricos para darles a los pobres, o algo así, en

“Search & Destroy”.

versión rock. Años de secundaria...

- Leche y cocaína...Iggy Pop y David Bowie en Berlín, en tiempos de The Idiot y Lust for Life...

- Después del colegio, ver la película "El Ansia" y descubrir a Bowie como un vampiro romántico. Bauhaus not dead.

No deja de ser una historia de amistad, y del talento de Bowie. El talento de un artista inmenso como Bowie, influenciado e

-Tin Machine.

influenciando/salvando/rescatando a Iggy. Fueron Perros de diamante, Arañas de Marte, Leche y cocaína...Leyenda y Blah Blah Blah.

- Vi a Bowie en sus dos shows que dio en Argentina. En el 90 Sound+Vision Tour y en el 97, cuando presentaba "Earthling". En el primero fuimos con Ariel, mi socio en Iguana Lovers. Nos

- "Blah Blah Blah" es el mejor disco de Bowie?, o uno de los tantos...me encanta escucharlo cada tanto. Iggy jugando a ser Bowie.

concentrábamos más en el sonido de Adrian Belew en la guitarra, ¡¡un crack!! El segundo show, coincidió también con nuestro reencuentro

- Escuchando a Iggy, descubrí a Bowie...y descubrí la influen-

con Ariel, y el proyecto de continuar con Iguana Lovers después

cia espacial de Bowie. Un artista antes de todo, y después de

de un impasse, durante el cual nos probamos otros trajes, con

todo...Alguien que te incita a la imaginación, a querer ser y ha-

menos ínfulas que lo hubiera hecho Bowie seguramente… Éra-

cer...

mos amigos, aún existía ese caos entre nosotros, todavía exis-

Karaokeando frente al espejo alguno de sus temas, o imaginando alguna conversación, en algún planeta sin nombre...

te... por eso sacamos "Surfing Caos". El mismo caos que pudo sentirse en Berlín, quiero imaginar, cuando David Bowie e Iggy Pop mezclaban Leche y Cocaína.

- Caminando por el lado salvaje, en un día perfecto...Transformer o Ziggy Stardust cayendo en New York. - Recuerdo que una vez, no sé porque, apareció en mi casa pa-

- El Día Siguiente. - El Ilusionista

terna el disco "Let's Dance", era a mediados de los 80's, tiempos de colegio secundario en el Dorrego de Morón...En ese entonces, lo consideré demasiado pop, era lógico que pensara eso. Yo escuchaba Punk, y uno de mis héroes de la guitarra era Steve Jones.

- "Post Pop Depression" lo último de Iggy Pop...o de Bowie

[ Por Diego Centurión. Traducción: Rodrigo Debernardisl ]

DIFERENTES MIRADAS Si bien hubiese sido más fácil hacer un relevamiento de los dichos de muchos músicos en las redes sociales, con respecto a

¿Podría decirme, lo que significó la muerte de David Bowie para usted?

la noticia de la partida de David Bowie, y copiarlos a continuación hubiese bastado para cubrir estas siguientes páginas. Pero

Y las respuestas fueron apareciendo y sorprendiéndonos a

preferí hacer un trabajo más reconfortante, escribirle a cada ar-

aquellos que estuvimos trabajando en ellas, obviamente hubo

tista y preguntarles simplemente esta pregunta:

otros artistas que no han respondido, pero con lo obtenido en este escrito, estamos más que satisfechos. Así que a continuación les dejamos para que lean las respuestas recibidas. el que cualquiera esperaría en ese momento, y después el más ilógico, el menos esperado. Cualquiera de los dos que se le revelara a él como más interesante, ese era el que usaba (no recuerdo exactamente cuáles era sus palabras, pero se aproxima bastante a lo que él decía). Esto siempre ha resonado en nosotros, y es algo que tratamos de tener en cuenta a la hora de trabajar en nuevo material. Este proceso podría aplicarse también a sus discos, sus etapas y su carrera en sí. Él desafió a su audiencia y a sí mismo, y nunca se permitió aburrirse por permanecer estático mucho tiempo, virando hacia algo nuevo e inesperado cuando sentía que era necesario. Antes del lanzamiento de The Next Day, temíamos no volver oír de él nunca más.

Aaron Bell (Vibrissae): “La muerte de David Bowie me afectó más que la de cualquier otro músico.

Luego de vivir la maravilla de Blackstar este último mes, es triste saber que ya no será posible asistir a su nueva etapa. Hubiera sido fenomenal.”

Esto sería de por sí un hecho extremadamente triste, pero haber coincidido con la aparición de Blackstar, su regalo de despedida, hace que la sensación de pérdida sea aún mayor. Él nos ha provisto de numerosos recuerdos, muy poderosos y duraderos: haber escuchado “Outside” completo por primera vez, verlo tocar “Dead Man Walking” en versión acústica, o experimentar “Sunday” en su Reality Tour, por nombrar algunos. No es solo su inmensa y prolífica obra, que ha servido de influencia e inspiración para mí y tantos otros músicos que lo admiramos, sino también su naturaleza artística innata y la creatividad detrás de décadas de canciones y shows. Hace algunos años, vimos una entrevista en la que David

Andy Anderson (The Cure):

Bowie hablaba del proceso de escribir canciones. Él contaba que

“A lo largo de los años, periodistas de TV o diarios y revistas,

durante el proceso de componer la progresión de las notas y los

muchas veces me preguntaron con quién me gustaría trabajar,

acordes, el probaba dos opciones: primero el acorde más lógico,

si tuviera la oportunidad. Bueno, mi lista es bastante larga, ma-

yormente debido a que, en mis comienzos, y como músico se-

de todos los tiempos (Low) y escribió algunas de mis cancio-

sionista, he tocado diferentes estilos musicales, desde Country

nes favoritas (Life On Mars, Starman, Sound And Vision, Litt-

hasta Rock, desde Reggae a Funk, y desde Funk hasta Punk o

le Wonder).

Jazz, además muchísima otra música que me ha inspirado a lo largo de mi carrera. Y uno de esos músicos que me han influenciado, y con quien me hubiera gustado trabajar, es David Bowie, un increíble compositor, músico de músicos y con un visionario enfoque futurista.

No voy a tratar de re-escribir lo que otros han dicho tan bien y sobre lo que todos sabíamos. Él fue tremendamente importante para la música, el arte y la cultura en general. Esto es así. Voy a dar mi visión personal acerca de la muerte de Bowie.

Mientras trabajaba en el tour de Iggy Pop “Blah Blah Blah”, en

Me puse bastante mal cuando escuché la noticia. Simbolizaba

1987, tuve el gran honor de conocer a Bowie en el backstage de

mucho y me afectó bastante más que la muerte de cualquier otra

uno de sus conciertos ese año en Los Ángeles, y tuve la oportu-

celebridad en los últimos años. Desde John Peel, básicamente.

nidad de charlar con él, muy brevemente, pero aquello que me

Su importancia, en el paisaje post-narrativo musical/cultural

dijo en aquel encuentro, me ha inspirado para siempre. Me pre-

que habitamos hoy fue ineludible y masivamente conmovedor.

guntó cuánto hacía que tocaba con Iggy y le respondí “sólo tres

Se fue una de las figuras más influyentes de la música, en

semanas: dos semanas de ensayos en Londres y esta era nuestra

tiempos en los que anual, e incluso mensualmente, la evolución

primera semana de gira” Me miró y me dijo: “suena como toca-

y el progreso en la escena son tan vertiginosos.

ras con él desde hace años”, “no, van solamente tres semanas”,

Supongo que me afectó de varias maneras, ya que pertenez-

“Impresionante”, dijo…y esa sonrisa de David Bowie hizo de mi

co a los tiempos emocionantes de la post-guerra y pre-internet.

día algo que nunca olvidaré. Después, en aquel tour de Iggy, te-

De cuando tenías que ahorrar dinero para comprarte el disco

loneamos a David en su Glass Spider Tour en Suecia. Aquella

que verdaderamente querías. O sintonizar la radio a una hora

fue otra gran experiencia, y el único concierto de Bowie al que

específica para encontrar nuevos sonidos. Intercambiar casset-

asistí, disfrutando cada minuto de su show.

tes, y sentir esa extraña excitación cuando tu banda favorita por

En mi interior siempre albergué la esperanza de tener la chance de poder tocar con él, pero lamentablemente eso nunca sucederá.

fin aparecía en Top Of The Pops, y te anotabas un punto para el lado de los niños raros e impopulares. Esta fue la cultura en la que me inicié y la que me hizo que-

Estuve muy triste por su partida, y lo sigo estando; pero por

rer entrar en la música y formar mi banda por primera vez. Más

otro lado, estoy muy contento de haber tenido la oportunidad de

allá de si fui un gran fan de Bowie, él fue una figura totémica de

charlar con él y de ser parte de su presente.

aquellos días, y eso siempre lo tuve claro. Su muerte se siente

Descansa en paz amigo.”

como un paso más en el alejamiento de aquella era; la era en la que nací y me crie. Obviamente el tiempo sigue, las cosas “progresan”, y eso es algo que Bowie sabía muy bien y por eso mismo lo estimulaba, así que, no estaría bien de mi parte hacer de esto un asunto solamente de nostalgia. De todas formas, tranquilamente puede pararme ante cualquier Corte y asegurar, que aquel período de post-guerra, aproximadamente desde los 50s a los 90s, fue “mejor” que el que estamos viviendo hoy. El agradecimiento es casi un arte perdido. De cualquier modo, quizás lo más triste de todo es que yo estaba realmente ilusionado con Blackstar. Había visto el video

Ben Holton (Epic 45, My Autumn Empyre):

varias veces con mis compañeros, y siempre todo terminaba en

“Nunca fui de lo que podríamos llamar un “fan” de David

una larga discusión acerca de su importancia y sobre cómo él

Bowie. Tengo sólo algunos de sus principales discos, y lo he

parecía siempre estar un paso más adelante (sacando los 80s

visto en vivo solamente una vez, y eso fue porque él tocaba en

pero… ¿quién soy yo después de todo?)

el primer festival al que fui, en 1995. Sin embargo, me hacía fe-

Que haya incorporado la muerte a su bellísima última pieza

liz saber que él estaba ahí. Creó uno de mis álbumes favoritos

de arte es algo asombroso, y me pregunto si alguna vez volvere-

mos a ver algo tan valiente en la música pop.

como si alguien muy cercano hubiera fallecido. Una parte de mi

El domingo 9 de Enero, mi dedo osciló sobre “reciclar a pa-

vida murió y se fue con él. Ese extraño personaje que vi por la

pelera” con Blackstar. Al día siguiente ya no estaba disponible.

TV alemana cuando tenía 15 años, cantando “Heroes” mientras sostenía en su mano un cigarrillo durante las grabaciones del programa Top Of The Pops, allá por 1977. Ese muchacho rubio que vi en 1983 durante su gira de Glass Spider en Rotterdam, y ese gran caballero que encontré en su show en México. Recuerdo un concierto que dimos en 2002, cuando tuve que pararme frente a 1500 personas en Cologne, Alemania…sin David Bowie yo nunca hubiera empezado a escribir canciones. Mi maestro de inglés nos hizo una traducción de “Space Oddity” y yo quedé tan impresionado con la letra que quise empezar a componer canciones y escribir. Lo vi por televisión durante 3 semanas cuando estaba presentando su nuevo video clip…se veía enfermo. Mi esposa dijo que podría tener cáncer. Yo me enojé mucho con ella y le dije: “¡¡No digas eso!!”. Todavía estoy triste, pero agradecido por su legado. “La muerte nos hace ángeles y nos pone alas en los hombros” dijo alguna vez Jim Morrison. Bowie era un ángel… ¿cada cuán-

Ben Benjamin (Introflirt): "Como es conocido y aceptado como Bowie es - y por todos

to cae un ángel a la Tierra? Descansa en paz David… ¡¡Gracias por todo!!”

los artistas como él influenció - él seguía siendo un marginal. Una singularidad en que se inspiró más en sí mismo y algunos aspectos específicos de su personalidad, el mensaje más fuerte de Bowie no es musical o estético. Él demostró la vitalidad de seguir al verdadero yo, una frecuencia cambiante que no está obligada por los patrones o construcciones. Conexión directa de Bowie a su personalidad y su deseo de compartir lo que vio en sí mismo era la nota más alta que sigue enviando ondas a través de lo que consideramos posible."

Cindy Levinson (Levinhurst): “Siempre recordaré el momento exacto en el que me enteré de la muerte de David Bowie. Pasé rápidamente de un estado de shock e incredulidad, luego a una reacia aceptación, y finalmente a una profunda, profunda tristeza. Bowie fue “lo más” para mí. Amaba todo sobre él. Desde que era joven en los 70s, hasta el día de hoy, ha sido una inspiración para mí, rescatándome en días oscuros, haciéndome bailar, cantar, y sentir viva. Carlo Van Putten (Dead Guitars):

Su muerte ha dejado un vacío en mi corazón que estará allí para

“Cuando escuché que David Robert Jones había muerto sentí

siempre, pero su magia vivirá, y eso me reconforta.

Estoy tan agradecida de haber podido crecer con sus cancio-

máticamente fui desterrado en mi escuela debido a mi “nue-

nes como parte de la banda sonora de mi vida, y experimentar

va religión” recién descubierta y que hasta el día de hoy no he

todos sus magníficos cambios a lo largo de su carrera. Ha sido

abandonado.

una sensación tan fuerte que me difícil expresarlo con palabras.

Fue una locura cuando “Let´s Dance” apareció, probando que

Descansa en paz Star Man, y gracias por hacer del mundo un

David era imparable y un camaleón musical, capaz de cambiar

lugar más brillante.”

con los tiempos y aun así seguir vigente. Como cantante me influenció su tono, su madurez vocal y su entrega, características que he tratado de aplicar con mi banda. Hace dos meses les dije a mis amigos que deberíamos hacer un cover de “Be My Wife” y ahora él se ha ido. Hay una nueva grieta, que se irá cerrando, si…pero esta es diferente, y eso me pone muy muy triste.”

Daniel Chavis (The Veldt): “¿Es de extrañar?” se preguntaba David Bowie en su canción “Fame” (co-escrita junto a John Lennon y Carlos Alomar allá por 1974/1975) Fue también la primera pregunta que se me vino a la mente cuando, siendo un pequeño de 10 años de raza negra, lo vi por primera vez en el programa “Soul Train”. Estaba asombrado, y aun así curioso de saber por qué un tipo de raza blanca estaba en “Soul Train”. Pensé que era cool, además de que mi madre lo amaba.

Dean García (Curve – SPC ECO): “Como cualquiera, me entristecí mucho, aunque después lle-

Tiempo atrás lo había visto en la portada de su disco “Dia-

gué a la conclusión de que David Bowie estará siempre conmi-

mond Dogs”, la cual me asustó un poco, al igual que lo hacía la

go y con la gente. Él está grabado a fuego en nuestras almas y

tapa del disco 'Axis Bold as Love', de Jimi Hendrix.

será inmortal.”

Creo que David Bowie dejó una huella en la cultura negra. Cuando George Clinton lo mencionó en 'Make my funk the P-Funk", era obvio que había conseguido ese exclusivo "Ghetto Pass" del cual él nunca renegó. Una de las cosas por la cual lo admiraba era su cariño sincero y honesto por la música soul. En mi adolescencia, mi amor por su música volvió con época New Romantic, la cual influenció completamente mi estilo y mi forma de componer en mis años de juventud. Cuando lo vi tocar “Ashes To Ashes” en el programa de TV Night Flight, todo cambió para mí, así como también las puertas se abrieron para muchas bandas (Japan, Ultravox, Duran Duran, Roxy Music). Mi destino estaba escrito. Me convertí en un fan absoluto del New Romantic, comprando cada número de las revistas Smash Hits, NME, Sounds, y Blitz (en la

Dominic 'Dom' James (Politburo):

cual finalmente yo aparecería) que pudiera encontrar. Auto-

"Fui encantado por Bowie desde una temprana edad. Su pre-

sencia fue difundida. Recuerdo en una ocasión, yo estaba en la escuela y de repente un aula llena de niños cantaba el coro de

emocional. Sabía que estaba enfermo desde hacía tiempo, pero

"Changes". La primera canción que aprendí a tocar en la guita-

aun así es extraño cómo estas cosas son un shock cuando suce-

rra fue "Space Oddity". Me puse en su período de Berlín y ha-

den. Realmente me gustaron varios de sus discos, especialmen-

bía descubierto Iggy y el Krautrock. Después vi las entrevistas

te sus colaboraciones con Mick Ronson y Brian Eno. Él mostró

con lo filmado a mediados de los años 70, cuando él estaba con

el gran mundo a quienes no conocían nada, o muy poco, de ar-

las drogas, y de repente me di cuenta de que anteriormente no

tistas como The Velvet Underground, Roxy Music y tantos otros

tenía una idea acerca de este hombre o su música. Bowie fue

que habían sido una gran influencia para él. Un hombre único,

siempre cambiante y siempre absolutamente fascinante, hasta

un artista generoso y un verdadero y maravilloso artista. Es trá-

su muerte con Blackstar.

gico cuando una vida se trunca. Sus discos siguen. Un gigante.”

Jawa Seth (Merciful Nuns – Near Earth Orbit): “Bowie es y fue un artista único. Sus diferentes e innovadores estilos y performances eran espectaculares. No me gustan todas las épocas y los discos, pero su influencia en la escena musical mundial es evidente a través de los años. Al menos la exhibición en Berlín 2015 mostró su trabajo de manera muy descriptiva e interesante. Dos días antes de su muerte vi el video de “Black Star” y me pregunté ¿por qué escribe letras tan oscuras? Me im- Lee Stevens (The Swagger): presionaron su último álbum y los videos clips del disco. ¡Qué "Crecí escuchando a Bowie desde niño, mis padres siempre artista excepcional ha perdido el mundo!”

pusieron sus grabaciones en la casa. 'Space Oddity' fue una de las primeras canciones de Bowie que aprendí en la guitarra. Me encanta el álbum “The Deram Anthology” con temas como "In The Heat of the Morning”, “Karma Man”, “When I Live My Dream” y así sucesivamente. También me encanta sus canciones posteriores como “Changes”, “The Man Who Sold The World”, “Starman” y la lista sigue y sigue... David Bowie fue una inspiración para mí y para mi música debido a sus habilidades como compositor y liderazgo, fue un líder en su propio derecho. También fue un icono de la moda y un portavoz de una generación y adelantado a su tiempo. Bowie era un genio y nunca será olvidado y su música vivirá por siempre. A él lo echaremos de menos y siempre será el señor “Starman”. R.I.P".

Jay Aston (Gene Loves Jezebel): “No lo conocí personalmente, por lo que no me afectó a nivel

interpretar Ziggy Stardust casi cada noche con Peter Murphy durante los últimos 10 años. Peter es un artista tal que, probablemente sea lo más cercano que he estado a tocar con el Duque Blanco, a quien nunca conocí personalmente. Peter nos ha contado de sus encuentros en el set de “The Hunger” y de cuán carismático era David. Nunca volveremos a ver a alguien como él.”

Mark 'Cappy' Caplice (a.k.a. Kolumbus): "David Bowie hizo lo que quería hacer como artista. El mantener ese tipo de integridad como un artista puede ser difícil, pero le abrió el camino a los demás. David fue uno de los artistas más singulares de la faz de la tierra. Todo de la persona, producción, letra y melodía- él siempre se esforzó por ser diferente. Cuando era joven recuerdo que pensé, ¿este tipo David Bowie realmente desde el espacio exterior? Todavía tengo que obtener una respuesta definitiva". Mark Ratcliff (Rude Audio): "Me encanta David Bowie ... El primer sencillo que compré fue los 9 años y fue de David Bowie y compré su último LP dos días antes de morir, su música se pasa a través mío y mi vida familiar como ningún otro músico o estrella pop... tenía un don para los ganchos y melodías, un oído para la producción y un buen ojo para los socios musicales apropiados ... por lo menos una vez al mes mi hermano y yo todavía luchamos por nuestro Top 5 de mejores canciones de Bowie o álbumes, fluctúan regularmente, pero si alguien me pone una pistola en la cabeza y me dice que tendría que elegir un par de discos entonces tendría que ir a la combinación de ganchos pop y la extrañeza de los glaciares en las melodías increíbles de "Low" y áspera sensación de producción garaje de "Diamond Dogs." Mark Gemini Thwaite (The Mission – Peter Murphy): “Mi primera experiencia con David Bowie fue cuando presencié su encarnación glam Ziggy Stardust en el programa Top of the Pops allá por comienzos de los 70s. Yo tenía alrededor de 8 años…sus ojos eran fascinantes y su música inspiradora. Pero la mayor impresión me la causó el disco Scary Monsters, en 1979. Tenía 14 años y recién comenzaba a involucrarme seriamente con el rock y las guitarras. El trabajo de Robert Fripps en el track que da nombre al disco y en “Fashion”, dejaron una marca indeleble en mi cerebro y varias veces he tratado de recrear el ambiente maníaco de aquellos solos a lo largo de mi

Martin Nyrup (Perpacity):

carrera, con The Mission (en el solo de “Sway”), en vivo con Pe-

"He estado escuchando a David Bowie desde que era un mu-

ter Murphy e incluso en mis trabajos con Tricky. He tenido que

chacho joven y él siempre ha sido una gran influencia e inspi-

ración para mí. Cuando era adolescente recuerdo estar enojado con él por no darme el disco "Let’s Dance II". Realmente quería ya que había disfrutado el álbum original “Let’s dance”. Él nunca se detuvo, sin embargo, nunca se repitió a sí mismo y fue evolucionando constantemente hasta el final, lo admiro y lo respeto. La cosa más fácil del mundo es repetirse a sí mismo. David Bowie nunca hizo eso y que es (una) de las lecciones impartidas por él, trato de vivir con eso en la vida y en la música que creo."

Nick Alexander (Politburo): "¡David Bowie! Bien, su música era la que felizmente podría ser la banda sonora de oscuros y curiosos dramas, del paisaje interior de un joven muchacho, poblada por el mito, magia, mundos lejanos y futuros apenas concebibles. Fue la primera músiMike Bee (The Grand Illusion):

ca que había oído, que podía coincidir con mis sueños (crudas y

"Es difícil decir algo acerca de Bowie que no se haya dicho

con claridad eléctrica de la infancia), la visión de la visión. Sola-

ya, ¡probablemente imposible! Siempre me sentí atraído por su

mente por este motivo, considero le podría decirse que es mi in-

fascinación por lo oculto y lo trajo, o se le coló, en su música y

fluencia musical más importante... La neblina de la juventud."

el arte. Esto obviamente fue evidente en su álbum Blackstar (verás algunas de mis viejas canciones con títulos similares, Sol Negro, etc.) que son alrededor de temas similares, ¡temas universales si las personas lo conocen o no! Me encanta la forma en que ha trascendido géneros, divisiones culturales de género. Recientemente estaba viendo un documental que hablaba sobre el movimiento punk y la forma en que se enamoraron de él. No es un ajuste inmediato se podría pensar, entonces me acordé de mis 13 años, yo y amigos de pie en nuestro parque local, que llevaba una campera de Berghaus, con un skinhead, bebiendo sidra fuerte [barata]. ¿Lo estábamos escuchando? ¡Ziggy Stardust! En ese momento se deben haber reído bastante cualquier transeúnte que pasara. No quiero creer que ha pasado. No sé qué hacer. Yo prefiero pensar que sólo está abordó la nave nodriza adelante de todos los demás. La energía no puede morir,

Nino Sable (Aeon Sable):

por lo que David Bowie definitivamente no puede. ¡Ahora todos

“Bowie puede haber muerto, pero su arte vivirá por siempre.”

nosotros somos el astronauta!"

encantaría. Él No está muerto para mí porque siento su espíritu imbuido en todo mi trabajo".

Olivier Rennesson & Estelle Flaujat (Helix Pulsar): "David Bowie ha sido siempre una fuente de inspiración. Principalmente debido a su creatividad, su manera de empujar los límites con su música. Ha sido de gran influencia para el

Ralf Aussem (Dead Guitars):

movimiento New Romantic, con el que nos gusta asociar algu-

“Me afectó mucho. Tenía gran estilo. Amo al Bowie de los

nas de nuestras canciones. A nivel musical, él tenía una forma

70s con Brian Eno y la época de “Outside”. A Bowie siempre

de poner las diferentes voces delante, trabajando en diferentes

lo acompañaron grandes guitarristas a lo largo de su carrera…

melodías las líneas de voz, la búsqueda de ganchos pegadizos,

Mick Ronson, Adrian Belew, Robert Fripp…ellos siempre me

y hábilmente utilizando la música electrónica junto con las gui-

inspiraron.”

tarras... ¡Tantas cosas que inspira nuestro trabajo!"

Roman Kalitkin (Sounds of Sputnik): "Hay pocas personas que impactaron en la escena musical tan profundamente y en tantas formas diferentes como David Bowie. Él creó la música que se extendió por generaciones, sin embargo, siempre era fresco, siempre joven y por delante del resto del mundo. Tal vez él realmente tenía una conexión cósRachel Mason:

mica o, como mínimo, la orientación de algunas musas muy

"David Bowie es un tipo que vive debajo de la piel de casi todo

potentes. A veces oscuro, a menudo optimista, con frecuencia

lo que hago. La primera vez que escuché su música, era como

soñador y lleno de esperanza. A través de su música y su papel

si yo ya la había oído antes. Compré Hunky Dory como en una

en la comunidad de la música (para empezar) y la sociedad en

tienda de segunda mano. Y tan pronto como lo oí, sentí como

general (finalmente conquistó corazones en múltiples áreas, él

que una parte de mí había escrito estas canciones y las había

acentuó muchas cosas que necesitan ser abordados en nuestra

cantado, como si yo ya las conocía a todas. Aproximadamen-

sociedad y fue un modelo a seguir para las ondas y las ondas de

te una semana antes de morir, le envié un guion de una ópera

músicos y artistas a seguir.

rock en la que había estado trabajando, por lo que pensé que le

Siempre has sido una estrella de David.

Finalmente puedes descansar entre ellas."

y el impacto que en realidad tenía en sus vidas hasta que falleció. Me abstengo de decir desapareció, porque él siempre estará entre el puñado de artistas de oro que siempre estará conmigo por muchas razones - su nivel de composición, su enorme carisma, su educado diplomático y elegante empeño por desafiar las formas estancadas de "la industria de la música "(incluyendo el racismo y el sexismo), el brillo que emite como un líder en la moda y el arte, un gran filántropo y partidario de muchos otros artistas, y como un gran actor. David es el camaleón hermoso dinámico que no sólo ha cambiado con los tiempos, pero lideró ese cambio. Aprecio su eterno optimismo, así como su búsqueda y el anhelo de eso que es

Ryan Policky (A Shoreline Dream):

nuevo y digno. Me encanta el hombre artista que celebra su ele-

“David Bowie era una de esas caras que no se pueden olvidar.

mento femenino y encarna la evolución de las evoluciones de

Aún sin conocer su música, tú conocías su cara. Era una estre-

los artistas de los siglos 20 y 21. David puede multiplicarse aún

lla de pop en muchas maneras, pero a diferencia de las estrellas

ahora en las semillas de nuestra mente".

de hoy, su brillo era, y es, legítimo. No fabricado por la obsesión de ser famoso, sino como un auténtico “curador” del pop. Era quien definía qué iba pasar en el futuro, y era muy preciso al hacerlo. Su influencia sobre mí primero llegó como estrella de cine, y luego como músico. Eso era lo que lo hacía especial. Había muchísimas formas de conocer a David. Todos lo descubrimos. Todos lo quisimos. Y más importante aún… todos lo extrañaremos. Tenía una ponderosa manera de hacernos sentir que el arte debía ser celebrado, no por el dinero que hubiera detrás de él, sino por el amor al crearlo. Muy pocos han hecho esto, y es triste saber que la mayoría del arte que vemos/oímos/ probamos está allí sólo porque alguien puso un montón de dinero para que así fuera. Con David, el talento estaba primero. Él me influenciará para siempre…”

Simon Raymonde (Cocteau Twins – Snowbird): “Fue un shock tremendo. Había planeado volver a grabar mi música en estudio luego de casi un año de no hacerlo, con el baterista Richie Thomas, y la noticia sacudió todos mis proyectos. Estuve aturdido casi toda aquella mañana, considerando canShauna McLarnon (Ummagma):

celar las grabaciones, pero luego de hablar con Richie, decidi-

"David Bowie era un terremoto en las mentes de mi-

mos que David Bowie hubiera querido que hiciéramos buena

llones, y fue tan gradual y persistente que no creo que muchas

música, y aquella semana utilizamos su vida y obra como fuen-

personas se hayan dado cuenta de lo que significaba para ellos

te de inspiración. Definitivamente creo que su espíritu anduvo

corriendo por nuestras canciones aquellos días. Crecí con sus canciones en los 70s y los 80s, y con mi gran amigo Stan, que era aún mucho más fanático de Bowie que yo, nos pasábamos muchísimas horas escuchando y absorbiendo su música. Nos conocimos a principio de los 80s en un concierto de Human League y nunca olvidaré la amigable y cortés conversación que mantuvimos, además de haberle podido estrechar la mano. Haber conocido a uno de mis héroes a los 18 años, y que la experiencia haya sido tan positiva, fue para mí una enorme emoción. Tanto en la muerte como en vida él fue un verdadero artista. Uno de los más grandes.”

Tara Vanflower (Lycia):

“Lo que realmente me llamó más la atención sobre la

muerte de David Bowie fue lo shockeante que resultó. Aun siendo mayor, él siempre ha sido parte de mi vida desde que nací. Supongo que era algo que mucha gente daba por sentado. Reconocer que se ha ido, de alguna manera no tiene sentido, ya que David ha sido siempre parte de nuestra cultura, más allá de si estabas prestándole atención o no. Blackstar es tan brillante; es tan bueno saber que hasta el final, hasta los últimos momentos en este mundo, tuvo la misma vibración creativa de toda su vida.

Creó una serie de estándares a lograr…hagas lo que

hagas, seas quien seas, hazlo sin complejos. Steve Kilbey (The Church): “Su muerte significa el fin del mejor cantante y compositor que el mundo ha conocido.”

Estoy seguro de que he fallado para transmitir adecua-

damente lo que quería decir, pero ahí lo tienen.”

convirtieron en la banda de sonido de mi vida en los siguientes 5 años, mientras sufría en la escuela, esperando pacientemente a que el resplandor se posara en mí.”

Tim The Mute (Kingfisher Bluez Records): “De adolescente, cuando mis amigos me preguntaban qué film quería ver, mi respuesta era siempre la misma: “Velvet Goldmine”. Mis mejores amigos del colegio han tenido que sentarse durante más de 2 horas a ver el musical de David Bowie más veces de las que ellos se animan a admitir. Presentando a Jonathan Rhys-Meyers como el rock star mesiánico “Brian Slade” con su alter-ego-cuasi-Ziggy "Maxwell Demon" y a Ewan McGregor con su rocker estilo Iggy Pop llamado Curt Wilde, el director de la película no se preocupó demasiado al perder el apoyo de Bowie cuando este se dio cuenta de que se trataba de una historia de amor gay entre el propio David e Iggy Pop. El reciente álbum de despedida de Bowie dejó al descubierto la manera en la que él “mataba” a Ziggy y a cada una de sus otras encarnaciones, para volver a adoptar otras, igual que Brian Slade mata en el escenario a Maxwell Demon, para que el artista

Trevor Tanner (The Bolshoi):

finalmente pueda ser libre. El “death art” final de Bowie es sólo

el último adiós de una larga serie de “adioses”. Vivió más vidas

“David Bowie fue todo para mí. Sin él, mi música no

existiría.

que las que muchos artistas pudieran soñar. Más de una doce-

El riff de guitarra de Starman fue lo que me inspiró a tomar

na de carreras y otros tantos muy importantes discos trajeron

una guitarra por primera vez. El mundo es un lugar diferen-

contracultura a las masas.

te gracias a él, y sin él ahora es un lugar mucho más aburrido.

Más allá de la (apenas velada) inspiración que tuvo en aque-

Con la partida de David, algo intangible ha cambiado, el mun-

llos personajes, “Velvet Goldmine” fue una extraña y excitante

do ha cambiado para siempre. Admiro, respeto y he sido in-

emoción para un chico pueblerino que recién comenzaba a des-

fluenciado por muchos músicos a lo largo de mi vida; pero si

cubrir a T-Rex, Brian Eno, Roxy Music, Pulp y Placebo. Todas

tuviera que elegir uno, ese sería David Bowie. Él es, fue y será

aquellas bandas que figuraban en la banda de sonido del film se

siempre un héroe para mí.”

[ Por Sergio Arreola Reséndizl ]

DUENDE O LA CRÓNICA DE LA ECLOSIÓN DEL LENGUAJE “El silencio es infinito como el movimiento, no tiene límites. Para mí, los límites los pone la palabra.” Marcel Marceau.

Los gitanos auténticos de nuestro presente, son

visceralidades, una especie de viajero intergaláctico, un bi-

quizá los herederos de los antiguos habitantes de la región

sexual gustoso de experiencias aunque creo que más de ex-

de Andalucía en el mediterráneo. La civilización de la que

perimentos, eso fue toda su vida, su música, su personali-

se cree es la más antigua de Europa y que respondía al

dad, su imaginativa, su cuerpo. Todo él un laboratorio de

nombre de los Tartesios, a medio camino entre Cádiz y

experimentación, buscando la raíz más primigenia de la te-

Tánger. Bien consciente estaba de esta tradición Federico

sis Lorquiana, del mundo gitano: el Duende, tal vez Bowie

García Lorca cuando escribía su maravilloso Romancero

a la manera druida, a su manera espacial, uniendo las di-

Gitano y su Poema del Cante Jondo. Compendio lírico,

cotomías entre el afelio y el perihelio con su muy peculiar

surrealista, flamenco y paisajista cargado de una energía

forma de ver las estrellas, de ver no viendo. Lograr con la

alquímica que fusionaba un genoma etnocultural donde

visión más común el análisis de nuestra modernidad, her-

griegos, romanos, celtas, moros, cristianos e hindúes per-

vir la sangre propia pero no en un sólo mirar, sino más

meaban el espíritu más profundo de la identidad gitana:

bien en un caleidoscopio musical y artístico de inquietudes

el Duende. Tener Duende no era como tener “estrella”,

varias. Puede parecer un ser humano ordinario para mu-

como tener “ángel” o una buena alma. Tener Duende o

chos y quizá lo fue, un británico de rosácea rebeldía, de

lograr que el Duende se apodere de uno, es algo mucho

ojos extraviados, bobo. Pero la simplicidad es un gusto al

más profundo, significa (dentro de lo que podemos acer-

intelecto. Cuando en un principio todo parecía ser turbu-

carnos a las significaciones de una cultura o folclor) es-

lento en la escena musical de Bowie, quiso él alejarse de la

tar en total consciencia con uno y a la vez dejar paso a

música para estudiar teatro y pantomima, pero esto no fue

lo frenético y desenfrenado de lo circundante, conectarse

un alejamiento, significó la hoguera que iluminaría toda la

con el todo, hervir la sangre, abrir los poros, escuchar al

creatividad de un David no conocido, la eclosión del autén-

Demiurgo y sentir que el silencio se revela. Duende es, si

tico e innovador lenguaje de una personalidad que miraba

se me permite, una suerte de Daemon griego, Sócrates lo

en todas direcciones, la rosa de los vientos que abría en la

definía con profunda delectación: “Es la voz profética den-

bóveda celeste y de la cual muchas almas y generaciones

tro de mí, aquella que proviene de un poder superior”. El

sentirían el roce de sus pétalos. A la fecha de hoy, Bowie

macrocosmos y el microcosmos revelándose ya sea en un

ha muerto, dejo como último legado, recordatorio u epitafio

tablao, en una corrida de toros, en el cantar del cantaor,

una Estrella Negra. ¿Romanticismo dionisíaco, la sutil luz

entendiendo la mirada que no mira de una noche de mi-

de un astro que permea todo pero que no se ve, la mirada

longa, el rito del peyote en una peregrinación huichol, el

final de un hombre que siempre vio hacia arriba, la morada

danzar del fuego en la fogata, la eclosión de Space Oddity,

última de la inquietud, su propio mausoleo hecho sonido?

de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders

No lo sé. Quizá lo único que me queda claro de su muer-

from Mars, de Diamond Dogs, Low, Heroes, Let’s Dance.

te es que su silencio será como su vida (como su Duende),

David Bowie es desde mi muy humilde pers-

infinito, moviéndose hacia todas direcciones, como la luz

pectiva, de los pocos artistas británicos en desarrollar esa

que no emite lenguaje alguno pero que nos dice todo con

suerte de Duende, generar un revoloteo de emociones y

su presencia.

MUSIC CORNER:

[ Por Alex Bretto ]

LOS PERSONAJES DE BOWIE Tan solo unos pocos días antes de la partida del genio, la ex-

Algunos consideran a Hunky Dory como otro alter ego de

pectativa que generaba su nueva producción mantenía al mun-

Bowie, un personaje que destaca por su sexualidad ambigua.

do de los amantes de la música en vilo. Ya habíamos contado

Femenino y sofisticado al mismo tiempo, cantaba temas que

con un primer adelanto a través del tema “Blackstar” y su video,

bordeaban la homosexualidad como “Oh! You Pretty Things” o

que sorprendía por su profunda oscuridad. Que podríamos de-

la mismísima “Changes”. Toda una representación de la era de

cir entonces cuando, en los primeros días de enero de 2016, ac-

oro de Hollywood y el glamour que la representó.

cedimos al video de “Lazarus”, una suerte de despedida del as-

En 1972 llegaría uno de sus personajes más famosos. Ziggy

tro. Y quedaba claro una cosa: un nuevo personaje había nacido.

Stardust, un extraterrestre bisexual que mutaba en cantante y

Lo conoceríamos como “Button Eyes”, y sería la última creación

guitarrista de un movimiento rockero que arrancaría con fuer-

del maestro David Bowie.

za a partir de ese momento: el Glam rock. Así dio vida a su em-

Más atrás y para siempre (una concepción del tiempo prolon-

blemática obra conceptual “The Rise and Fall of Ziggy Stardust

gándose desde su llegada hasta el infinito) quedarían las magní-

and the Spiders from Mars”, donde adapta las obras musicales

ficas, deslumbrantes, provocativas, insinuantes, atrevidas y exu-

de Broadway al rock Se combinan en Ziggy Stardust elementos

berantes creaciones que caracterizaron la prolífera carrera del

de ciencia ficción y del teatro kabuki, que influiría en su maqui-

chico espacial. Como todo gran creador, usó y se usó a si mismo:

llaje de carácter andrógeno y en las pelucas al estilo de melena

se valió de recursos culturales de todo tipo, y se ofreció en cuer-

de león.

po, rostro y gestos, para darle vida a los mismos.

Con su siguiente álbum conoceríamos a Aladdin Sane (juego

Haber sido un representante de la vanguardia musical de los

de palabras con “A Lad Insane”), presuntamente inspirado en

años 70 es quedarnos en el punta pie inicial de la carrera del

su hermano esquizofrénico, y que sería una variación de Zig-

Duke Blanco. El cine, la moda y las artes en general se enrique-

gy Stardust. Es tal vez su personaje más famoso, con pelo color

cieron con la estela que dejó a su paso.

azafrán, cejas depiladas, sombra en los parpados, cara enrojecida en un tono casi fucsia y atravesado su ojo derecho por un

Todo comenzó allá por el año 1969, cuando inspirado por su

rayo rojo con borde azul.

primer éxito “Space Oddity”, nace su alter ego Major Tom: un

Algunos años después nos traería a The Thin White Duke,

astronauta que se pierde en el espacio y queda atrapado en el

caracterizado por un estilo cabaret, que vestía pantalón negro,

tiempo tras despedirse de sus seres amados. Numerosas refe-

camisa blanca y chaleco. En plena época de adicción de Bowie a

rencias tuvo Major Tom luego en la historia, entre las que pode-

la cocaína, este personaje entonaba melodías románticas, pero

mos destacar la mención de Elton John en su canción “Rocket

internamente desprovisto de cualquier sentimiento. Un perso-

Man”, o el hit N°1 de Peter Schilling en varios países europeos

naje que convivió con una época de conflicto para quien lo re-

en 1983, “Major Tom (Coming Home)”. El mismo Bowie revivi-

presentaba. Poseedor de una fría elegancia, su personalidad se-

ría a Major Tom en posteriores singles como “Ashes To Ashes”

ría ubicada como un intermedio entre Adolf Hitler y Friedrich

y “Hallo Spaceboy”.

Nietszche.

Tras su huída de Los Ángeles rumbo a Berlín en busca de desintoxicación, transcurrirían años menos excéntricos, con la vuelta ocasional de alguno de sus personajes. Bowie seguiría explorando, como siempre, desde lo musical, pero ya era tomado como un referente desde lo estético. En 1995, con la edición de su álbum “Outside”, se convertiría en Nathan Adler, un investigador tras el asesinato de Baby Grace Blue, una joven de 14 años. Una catarata de atmósferas recorre un álbum y un personaje envueltos en una trama con una visión distópica del fin del siglo XX. Nathan Adler investigará el “Art Crime” para definir si el asesinato en cuestión se trató de arte o simplemente de otro espantoso crimen. Todos estos fueron y seguirán siendo momentos inolvidables y que marcarán generaciones futuras. Las composiciones visuales y artísticas de David Bowie utilizaron artificios deslumbrantes, maquillajes, vestuarios y conceptos excepcionales y originales, con profundos mensajes y cuestionamientos existenciales. Vistoso hasta la extravagancia, como podemos apreciar, su legado excede con creces lo musical

[ Por Erick R. Vieyra ]

EL ESPECULADOR DEL ROCK

Vender Productos Artísticamente Revolucionarios

Bowie genero personajes para presentar sus discos.

Él era del tipo de vocalistas que no se limitaba a vocalizar, sino que nutría eso de una puesta en escena que con el tiempo se fue popularizando con el nombre de Performance. Bowie adoptaba formas teatrales durante los periodos de producción y promoción de sus materiales y, después, los abandonaba cuando venía un nuevo disco o un nuevo periodo, dado que sus personajes actuaban en paralelo con periodos de su vida. NOTA: La forma de construir mis artículos suele ser crítica, y

De las diferentes representaciones de su carrera, Zig-

aquí no es la excepción. Dada la reciente muerte de David Bowie

gy Stardust fue la más entrañable. Ziggy era un símbolo futuris-

hay quien busca capitalizarla, obtener beneficios desprestigian-

ta, su mensaje era desolador, era pesimista y caótico. Él, tragado

do o exaltando, ambas acciones pueden lograr el objetivo. Mi

por los propios vicios de la edad moderna, se rindió, se pierde en

intención no se encuentra a razón de ello, sino de reflexionar al

las drogas transformándose en un desperdigado del ejército de

artista de manera alejada a las plumas del oficialismo.

sombras que componen la sociedad. Nunca se clarificó ese final

Comentarios y correspondencia: facebook.com/ErickRVieyra83

que Bowie había escrito de forma previa en un intento de novela que nunca publicó, pero de la que habló en algunas entrevistas.

Ziggy era el ser que llegaba del espacio para salvar a

La relación que tengo con el trabajo de David Bowie es

los hombres y terminó por perecer por el vicio; ese fue el esque-

igual a la que tengo con cualquier otra gente que se dedica a la

leto del concepto que manejó para el disco “The Rise and Fall of

música; no doy atención al vox populi, ni me encuentro al tanto

Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”.

de lo que quiere posicionar la prensa musical, la cual suma dé-

Bowie gestó otras formas de caracterizar sus discos;

cadas de difundir desinformación. Me gusta abordar a los mú-

otro ejemplo fue el Duque Blanco; un drogadicto calculador,

sicos con mis propias armas, construir un criterio personal de

racionalista y frío con imagen vampírica inspirado en el cine

ellos. En relación a David Bowie; mi opinión general no es posi-

mudo. Para Scary Monsters creó otro más, pero ninguno tuvo

tiva, sin embargo, la opinión de algunas particularidades de su

la trascendencia de Ziggy. Con Ziggy y el grupo que formó para

carrera sí lo es. El Bowie de los sesentas es tedioso y poco prome-

acompañamiento, se revolucionó la música y casi por específico

tedor; el de los setentas es un músico y artista con un desplaye

se le dio todo el crédito a David Bowie dado que él era el com-

de genialidad que -exceptuando a Roxy Music- no tiene símil; el

positor principal y, además, dejaba ver que poseía un olfato pri-

de los ochentas vuelve a ser tedioso; el de los noventas se con-

vilegiado para los negocios, desde sus inicios su objetivo como

serva como un mal artista que ya se encarga de vivir del pasa-

músico era vender productos artísticamente revolucionarios. Él

do sólo diversificando los mecanismos de promoción haciendo

enseñó a la industria musical que la música vanguardista podía

de la prostitución artística su principal actividad; y sólo para su

ser un producto de consumo para las masas (inspiración nacida

muerte, ya sin los intereses mundanos que a todos nos preocu-

de A. Warhol), y que para ello se tenía que ejercer una cuantiosa

pan, vuelve a generar un disco magnífico, un disco extraño, un

inversión económica como efecto de que el lanzamiento de un

disco que se dice (en medio del furor de los conspiranóicos) tie-

disco tendría que acompañarse de una diversidad de talentos

ne un mensaje oculto, hablo del Blackstar. Un disco que podría

profesionales (mercadólogos, diseñadores de modas, expertos

ser una semilla para la reinvención del Rock Gótico.

en imagen pública, arquitectos, modelos profesionales, entre

otros). David Bowie fue de los primeros exponentes del rock que

gresar el rock a la calle y a los pequeños espacios de conciertos,

visualizó esto, antes de él los rockeros se dedicaban casi por ex-

lo cual había sido intentado por el punk en el 77 hasta que fra-

clusivo a la música y no prestaban atención al negocio; después

casó porque éstos, los punk, también se vendieron.

de Bowie se normalizó la explotación con un contenido extra:

Un ejemplo concreto: para gente como Bowie y sus

el artista sería participante activo y consiente de la explotación.

seguidores tener un disco de platino y ser parte del Salón de la

Bowie enseñó a los rockeros a venderse como si fueran una mar-

Fama del Rock es un motivo de orgullo; para gente del Power

ca.

Electronics el motivo de orgullo es la censura gubernamental y

Bowie fue de los fundadores de una nueva forma de

ejercer el rock, fue de ese tipo de gente que de forma simulta-

la prohibición de la venta de sus discos.

Regresando; Bowie usó el olfato empresarial para im-

nea es empresario y músico; incluso hace pocos meses fue acu-

pulsar su carrera, recibió grandes inversiones e incluso hoy es

sado de pertenecer a la Lista Falciani, lista en la que están los

público que cuando se encontraba promocionando al Ziggy

potenciales evasores de impuestos de la alta burguesía, es decir,

Stardust estaba en bancarrota y viviendo a todo lujo por medio

criminales disfrazados de exitosos empresarios. Los que hacen

de las deudas, vivía como un millonario y cuando se presentó a

su dinero por medio de la estafa (ingeniería económica). En esa

los grandes públicos casi nadie le conocía, parecía ser que ha-

lista están casi todos los empresarios mexicanos de las 5 fami-

bía nacido de la nada a pesar de tener producciones desde los

lias más ricas del país, también hay gente de la realeza europea,

sesentas. Él tuvo el carisma para contactar con el público y crear

hay empresarios estadounidenses ligados a Wall Street. Eso nos

un mito en torno a su persona; su talento como inversor era la

habla del nivel de esta clase de personas.

sobreexplotación de su talento como músico. Actualmente sería definido como un vulgar especulador.

Mercadotecnia Para El Rock De “Minorías”

Los sectores más radicales contemporáneos a Bowie

David Bowie partió de un supuesto que no había sido

identificaron ello, pero en aquellos días el sector más conse-

tomado a consideración antes; eliminando lo extremista del

cuente de la subversión moral se jugaba en las letras y no en la

rock de protesta y presentando a éste sólo en sus capas super-

música. Por mencionar un caso; William Burroughs se acercó

ficiales como underground, se podía generar niveles de venta

a Bowie en los tiempos del Ziggy, después se alejó de él tildán-

semejantes a la música pop. Recurrir a las capas artificiales es

dolo de un vulgar usurero que no entendía que la música podría

lo que hizo cuando utilizó simbología comunista sólo para le-

convertirse en un potente mecanismo de comunicación de ma-

vantar los ánimos de la prensa amarillista, cuando ello no fue

sas tan importante y trascendente como la literatura. Hasta la

suficiente se hizo pasar por fascista (específicamente del na-

segunda parte de los setentas Burroughs encontraría algo den-

cionalsocialismo), después se mostró contrario a los valores de

tro del sonido que le volvió a impactar, él definió a Throbbing

burguesía aun cuando él accedió a esa clase social utilizando las

Gristle como la organización más importante de comunicación

claves de acción de la burguesía.

de los setentas.

A manera de apunte; propuestas como el Noise, el In-

De forma similar, muchos más se alejaron de David

dustrial y el Power Electronics eran una denuncia a lo promo-

Bowie cuando eligió el camino del dinero como eje de su traba-

vido por gente como David Bowie al existir una prostitución de

jo, incluso cediendo los derechos de sus canciones para la espe-

la música de protesta, de ahí la negación del terreno musical

culación en bolsa. Esa forma de actuar no fue la adopción de un

que ejerció gente como William Bennett, Mike Dando, Masami

personaje más (como algunos de forma petardista han querido

Akita, por mencionar algunos, una negación que buscó destruir

señalar, como si sólo se hubiera tratado de adoptar un personaje

las pautas predominantes del sonido y generar una tradición de

de Rock Star para un momento de su carrera). No, el objetivo úl-

protesta antagónica a la música comercial. Es una forma de re-

timo de su trabajo como músico era venderlo a las masas. Bowie

no tuvo por objetivo vivir de otra cosa, él no tenía profesión al-

con el sistema, nunca intentó cambiarlo ni se caracterizó por

guna y desde su juventud no tuvo otra aspiración más que ser

sus opiniones políticas, en aspectos políticos él era un bobo. En

una estrella del rock. De esa forma él abonó el terreno para que

la dimensión intelectual era una persona leída, pero en lo espi-

la mierda por venir se abriera paso: U2, Nirvana, Guns n Roses,

ritual era un conservador que creía en el matrimonio y las “leyes

Marilyn Manson, etc., gente que, como Bowie, ha hecho básica-

de la iglesia” a pesar de ser un connotado mujeriego, a pesar de

mente lo mismo con otros estilos musicales: lanzarlos al mer-

ser un bisexual, a pesar de ser un drogadicto. Pero, así son los

cado como música rebelde, como música antisistema, y hacer

católicos; la doble moral es parte de su vida cotidiana y aceptan

grandes fortunas con las apariencias, explotar su imagen, ven-

lo aberrante como un simple pecado que puede ser limpiado

derse como si se trataran de una marca de detergente. Incluso

tragando hostias.

algunos se muestran temerosos a cambiar la imagen (su forma

Él usó el aparato del sistema y el aparato lo usó a él, in-

de vestir y su actuación en escenarios) con la cual se les conoció

cluso tuvo relaciones íntimas y, por lo que se sabe, un matrimo-

en su juventud; el caso de Slash es el que viene a mi memoria

nio arreglado por sus asesores de imagen con el único objetivo

en este momento.

de acrecentar su fama personal (Angela Bowie), usó a diversos

Cuando se existe acorde con la dinámica de la merca-

músicos para explotar su talento y presentarlo como propio, el

dotecnia, a Bowie se le tildará de un artista por derecho propio,

caso de las Arañas de Marte es uno de los más claros donde no

incluso se caerá en el radicalismo de sostener que él es la cota

se dio el valor a los músicos que imprimieron el carácter distin-

más alta de un artista que hace de la música su vida, un Rock

tivo al disco pasando a la historia como si éste se hubiera trata-

Star le llaman hoy. Bono, filisteo bien conocido de la industria

do casi de un disco solista. Bowie también intentó usar a Klaus

musical, así le considera; para Bono, David Bowie es una espe-

Nomi como corista, pero al ver que este último le superaba en

cie de gurú y un ideal a seguir. Esto pasa cuando el rock deja de

técnica vocal rescindió de sus favores y le retiró el apoyo no sin

ser observado como un mecanismo de liberación y un instru-

antes intentar explotar la imagen que Nomi (un artista de la New

mento para hacer pedagogía de masas, ocurre cuando al rock se

Wave más vanguardista de lo que ya era Bowie a finales de los

le entiende como un mecanismo de diversión y esparcimiento.

setentas) había generado con su característico traje.

Al contrario, desde una óptica que cree en la necesidad

Y se suman múltiples casos de oportunismo de Bowie

de sostener la radicalidad, el rock será observado como algo que

en toda su carrera musical, casos que, dicho sea de paso, no sue-

implica el sacrificio del bienestar centrado en el individuo, se

len citarse por la “prensa especializada” a la cual Bowie estaba

entenderá al rock como una trinchera de resistencia del arte po-

ligado tanto en lo económico como en lo personal, de ello que la

pular que no admite lo conservador, donde en sí mismo lo con-

crítica le suela ser favorable incluso para tratar sus peores pro-

servador es contrario a la existencia de la rebeldía en la música

ducciones.

popular que es la fuente donde se origina este estilo de música. Esta forma de entender el rock no acepta el mantenimiento de las estructuras sociales, tampoco busca agradar, el rock genuino

A Pesar De Todo, Un Trascendente Legado

Robert Jones formó parte de un tiempo donde el Rock

no tiene por objetivo divertir sino en dado caso lo que busca es

Star era una aspiración entre los jóvenes, un tiempo donde eso

molestar y ridiculizar al tradicionalismo que se acompaña con

representaba una forma de vida que hacía posible la liberación

la moral impuesta “desde arriba”.

y autonomía en un plano familiar, monetario e, incluso, mental.

Es evidente que David Bowie no promovió esta forma

Él creció en el tiempo donde Janis Joplin, Jim Morrison, Jimi

de entender el rock. Él era británico y mostraba conformidad

Hendrix, John Lennon, Bob Dylan, etcétera, eran entendidos

como algo más que músicos, eran símbolos mundiales, casi

Sin hacer a un lado las primeras secciones de este ar-

cada uno de éstos representaba una forma de filosofía, Joplin

tículo que tuvieron por objetivo ser secciones críticas, quién

y Lennon eran el amor y el pacifismo, Morrison el nihilismo,

sostenga que la música contemporánea popular puede ser en-

Hendrix la anarquía, Dylan el liberalismo; eran gurús que se ha-

tendida a cabalidad sin abordar el trabajo de David Bowie está

bían proyectado a todo el mundo por medio de la música. Ellos

mintiendo. El trabajo de Bowie es transversal a las revoluciones

representaban una nueva forma de ideologización que sustitui-

del sonido que se dieron durante los setentas y ochentas, y has-

ría el tiempo de las doctrinas políticas de corte académico que

ta hoy continúan vigentes a pesar de que han sido sobreexplo-

se definían partiendo del pensamiento de Lenin (leninistas), de

tadas; es decir, se ha hecho mucho progresivo, mucho punk,

Marx (marxistas), de Mao Tse Tung (maoístas), de Comte (Posi-

mucho indie, mucho wave, mucho experimental, se les pone

tivistas), que eran los denominativos con los cuales los jóvenes

nombres novedosos en espera de que con un cambio de nom-

se identificaban; pero cuando emergió el rock a gran escala los

bre se cambie la lógica de composición y el espíritu de la músi-

jóvenes dejaron de clasificarse, por ejemplo, como marxistas y

ca, pero son esfuerzos estériles. Han pasado más de 30 años y

adoptaron otro ideario, un ideario más simplista pero más a ras

no se han creado nuevos géneros musicales en el rock, sólo se

de calle, un ideario sin demasiadas complicaciones. Los jóvenes

han creado nombres nuevos, sin contenido.

de hoy se hacen llamar Punks, Góticos, Metaleros; así ha pene-

Partiendo de la carencia de inventiva actual y de que lo

trado el rock en la dinámica popular, esa penetración comenzó

actual sigue teniendo como soporte básico los setentas, se echan

en los sesentas y Robert Jones fue parte de sus gestores y pro-

de menos una serie de antagonistas a la normalización actual

motores. En aquellos días ya se usaba el tildado nombre artísti-

de la música. Antagonistas de los 60s fue Bowie, Roxy Music.

co; Robert Jones se hizo llamar David Bowie.

Iggy Pop, The Dictators, gente que estaba haciendo cosas com-

Aun cuando en términos estrictos David Bowie era un

pletamente distintas a Beatles, a Rolling Stones, a los bluseros,

aliado casi incondicional de la industria musical (industrial que

a los hippies. Ahora ese tiempo va quedando atrás y son pocos

tanto daño ha hecho a la música, a los idearios, al arte en gene-

los supervivientes de aquella época que ha muerto. La muerte de

ral), él hizo importantes contribuciones que hoy son un legado

Bowie se ha dado junto con la de muchos otros que construye-

que puede ser dividido en múltiples aristas.

ron ese momento importante de la historia del rock; Lou Reed,

Menciono algunas:

Johnny Winter y Lemmy Kilmister, sumando a ello que los vivos

•

Aminoró el estigma social de ver al rockero como un

ya se encuentran en sus sesenta años o más.

ser primitivo, básico y salvaje. •

Contribuyó a mostrar al rock como una de las bellas

artes contemporáneas. •

Ejerció un modelo de publicación de material disco-

gráfico que hasta hoy sigue vigente. •

Impulsó la apertura al rock en los medios de comuni-

cación masivos.

Muerte y Posición

De los diversos artistas de aquellos días que recien-

temente han fallecido, David Bowie es el que tuvo una de las muertes más dramáticas. Incluso para vivir sus últimos días se mostró como uno de los mejores de su generación.

Él sabía que le restaba poco tiempo, había sido diag-

•

Revitalizó e hizo público al rock subversivo.

nosticado con un violento cáncer terminal; renunció a entregar

•

Gestó múltiples géneros musicales.

sus últimos meses a la absoluta intimidad de su pensamiento

•

Inspiró y apoyó a otros músicos.

y ejercitar el revisionismo de su paso en el mundo, se ocupó en

publicar el que sería su último disco para así honrar lo que me-

universo. O tal vez el título y el disco sólo era parte de la puesta

jor sabía hacer, el arte que manufactura el sonido para lanzarlo

en escena a sabiendas que ante todo era un artista y que la muer-

al público en un momento que podría ser visto como una pre-

te no acabaría con ese legado. Ocurre que así actúan los artistas;

monición, como parte de su destino, el 8 de enero de 2016, el

ellos confluyen en su entorno con formas rituales.

día de su cumpleaños, y morir dos días después.

En lo personal, David Bowie no es un maestro, pero

Él trabajó bajo circunstancias que serían casi insopor-

sí es una importante influencia. Hacía tiempo había bajado de

tables para una persona común, aquella que se confunde entre

los escenarios y muchos no recibimos la noticia de su muer-

el hormiguero de nuestras tildadas magníficas ciudades, des-

te por sorpresa, ya lo esperábamos de un momento a otro. Ese

gastantes en lo físico y sádicas en lo mental. Era escaso el tiempo

hombre fue parte de una creativa generación donde muchos se

y me es difícil imaginar lo que él sintió cuando lanzó su canto

vendieron y prostituyeron incluso sin conocer las implicaciones

al micrófono concientizado que se trataba de la última vocaliza-

que eso tendría, seguramente más de uno de su generación, o él

ción.

mismo, creyeron que la masificación del rock sería benéfica a to-

A ese disco le dio un título ambiguo, Blackstar; un

dos. Él también terminó por ser un artista comercial, del consu-

disco tétrico. Quizás él mismo no se consideraba la luminosa

mo masivo que se hace sin reflexión, él se convirtió en un evasor

estrella del rock de la que hablaba la prensa, sino un traidor, un

de impuestos, en un producto de la moda y fue prostituido por

hombre opacado por sus errores, un hombre ennegrecido, una

la industria. Pero, después de exponer esta opinión, ¿qué puede

estrella negra. Quizás se refería a la duda, o creía que regresa-

decirse de un hombre cuando él ya ha hecho tanto y nosotros

ría a ese lugar de donde partió su carrera hace más de 40 años,

hemos hecho tan poco?

a ese lugar que albergaba una genialidad obscura perdida en el

Guardar silencio, escucharle. Solamente eso.

[ Por Alejandro Cenizacromada ]

DE NOMBRES Y MARCAS En algún momento Mick Jagger declaró sobre David Bowie

vo presente en su viaje desde sus inicios en la psicodelia de los

que “el tomaba cosas de otros lados y las mostraba como si fue-

60 hasta el disco que lanzó dos días antes de morir. Brian Eno,

ran invención suya…”, pero leyendo un reciente artículo de la

personaje vital dentro del desarrollo de de la música electróni-

Rolling Stone como tributo a la leyenda, hago la reflexión de

ca, pionero del Ambient quien hizo parte de la trilogía de Berlin

que para tender todos los puentes que él tendió en el mundo

junto con el guitarrista de King Crimson, Robert Fripp también

del Rock, porque él fue el gran pionero, se necesita aparte de

fueron sus colaboradores. David Bowie estuvo fuertemente in-

una gran seguridad en sí mismo y personalidad, un grado de

fluenciado para esos días por el Krautrock y en gran parte por

humildad tremendo.

eso se instaló en la capital Alemana, de hecho se comenta que

David Bowie tuvo el poder de apropiarse de tal manera

quiso que músicos de bandas como Neu! hicieran parte de sus

de las cosas, pero siempre de una manera bastante respetuosa.

proyectos de esos vertiginosos años, lo anterior aparece como

Tuvo la capacidad de alejarse del estúpido ego que aqueja a cien-

epílogo del documental de la BBC, Krautrock, The rebirth of

tos de estrellitas en el mundo de la música para sentarse jun-

Germany. Carlos Alomar guitarrista puertoriqueño que colabo-

to a grandes músicos (y no solo de su generación sino artistas

ró en muchos temas de Bowie y de Iggy Pop, aparte de eso es un

más recientes) a crear su obra. Es que uno no sale del asombro,

productor de peso con artistas representativos de América latina

siempre es importante en estos casos revisar su vida (por perso-

como Soda Stereo. Adrian Belew quien tocó con Frank Zappa,

nas como él es que vale la pena leer mucho sobre las historias

después con Talking Heads, e incluso puso su talento en can-

alrededor de la música) y no solo sobre su obra, porque su vida

ciones del Downward spiral de Nine Inch Nails. Nile Rodgers

también fue una obra de arte (teatro, cine, moda, videos).

quien fuese el líder del frenesí disco de Chic, fue el encargado

Debo confesarlo, no soy un fan acérrimo del señor

de producir el celebrado álbum “Lets Dance” de 1983. En “Lets

Bowie, pero su figura en el Rock para mi es más grande que la

Dance”, Bowie coescribe con otro grande de la música electró-

de los Beatles o los Stones. A Iggy Pop lo definen como el padri-

nica el gran Giorgio Moroder y con Iggy Pop los temas “Cat

no de punk; pero el verdadero padrino del punk fue Bowie ¿por

people” y “China girl” respectivamente. También es importante

qué? pues porque la semilla de hágalo usted mismo la plantó él,

mencionar la guitarra del gran Steve Ray Vaughan en estos te-

así John Lydon diga lo que se le dé la gana para mostrarse como

mas. Cohabita con Queen en el single surgido de una jam ses-

el eterno niño rebelde. No es solamente hágalo usted mismo

sion llamado “Under Pressure” que fluyó de una manera más

sino también, busque dentro de usted mismo, crezca, de ahí el

espontanea que la colaboración que realizó con Mick Jagger en

florecimiento del Post punk desde Inglaterra con Joy Division.

“Dancing in the streets”. Las primeras referencias musicales del

En el synthpop cuenta la leyenda que Vince Clarke

gran camaleón del rock son las figuras de Miles Davis y John

y Martin Gore escucharon a Dave Gahan en un local cantan-

Coltrane, razón por la cual su madre le regala su primer saxo (de

do Heroes para reclutarlo en lo que se convertiría en Depeche

plástico), a lo largo de su carrera esa influencia tendría peso en

Mode. Cruzamos el Atlántico en la hermosa decadencia Dea-

temas como “Golden Years”, e incluso en una invitación al ca-

throcker de Rozz Williams quien encontró en la obra de Bowie

nal MTV le reclamaría al entrevistador por no incluir suficientes

una manera de escapar de la represión familiar. La evolución de

producciones de artistas negros en su programación. Su cama-

la furia y el desencanto hasta dotar esos lugares oscuros de una

radería en sus primeros años y a la vez rivalidad con otra estre-

extraña belleza, en un gran porcentaje se le debe a él, a Bowie.

lla del glam Rock, Marck Bolan. En los 90 sus colaboraciones

La gran cantidad de colaboradores de peso que tuvo

con Trent Reznor, maestro y discípulo en una alucinante gira

a lo largo de su vida fue determinante, empezando por el gran

en 1995. En el nuevo milenio Placebo, Moby, Arcade fire, Dave

Tony Visconti, fiel productor y músico neoyorkino que estu-

Grohl (que hoy en día aparece hasta en la sopa) y Black Francis.

Todo fue una corriente que se retroalimentaba una y otra vez, que se reinventaba una y otra vez, hasta los Coldplay pretendieron grabar con él y terminaron frustrados porque el hombre no terminó convencido del tema que le proponían.

¿Hasta dónde puede llegar la sombra de un artista en el mundo?

No era solo el hecho de beber de diferentes aguas si no el talento para apropiarse de ello, no es fácil. En América latina

Charly García hablaba en una entrevista de lo contraproducente de las fusiones. Pero Bowie tenía claro el feeling de cada cosa y poner el sonido o el silencio adecuado. Nunca será suficiente para recordarlo como se merece.

[ Por Gabriel Rojo ]

DAVID BOWIE, DOS CANCIONES Y YO

En su autobiografía, Morrissey describe su primer encuen-

En este breve ensayo, a modo de elegía, repaso algo de mi his-

tro con David Bowie, cuando lo vio interpretando “Starman” en

toria personal con Bowie, centrándome en dos canciones parti-

Top of the Pops en 1972, como una experiencia transformado-

cularmente especiales.

ra: “Cuando aparece David Bowie, el niño (en mí) muere. La visión es profunda, de una cordura que anticipa el despertar a la

DRIVE-IN SATURDAY

consciencia de alguien que - ¡por fin!- trasciende nuestra sombría, carbonada existencia. David Bowie está separado de todo y

Cuando empecé a escuchar Bowie hace más de una década,

al mismo tiempo abierto a todo, libre de la noción de que la vida

prefería su material de los 90s en adelante mucho más que sus

y el arte son imposibles.”

venerados clásicos de los 70s, ya que tenían un sonido y estética mucho más cercanos al Rock Alternativo que me interesaba en ese entonces. El material viejo, en cambio, o me resultaba demasiado extraño o directamente no entendía su grandiosidad. Mi primera exposición a la canción “Drive-in Saturday” fue en un compilado que me regaló mi papá, The Best of David Bowie 1969-1974. Al igual que la mayoría de los temas en el disco, no me llamó mucho la atención. Cuando la escuché algo después como parte del disco Aladdin Sane me empezó a gustar mucho más, y hoy en día probablemente sea mi canción favorita de Bowie: ejemplifica toda la genialidad de sus canciones de esa época, en las que detrás de un sonido de Rock aparentemente tradicional se esconden todo tipo de significados visionarios. En esas épocas tenía muchos menos discos que ahora, y cada vez que adquiría uno nuevo lo escuchaba por semanas sin parar hasta aprenderme todos los temas de memoria – incluso los temas que no me gustaban tanto (!) (Hoy en día lo sigo haciendo en cierta medida, pero los discos entran en rotación mucho más pronto.) Y así, naturalmente, me aprendí toda la letra de “Drive-in Saturday” y hasta el día de hoy puedo cantarla casi sin

Mi primer encuentro con Bowie fue mucho menos dramá-

dudar ni una palabra. ¿Pero entendía lo que estaba escuchando

tico e históricamente significativo (simplemente adquirí Hea-

y cantando? No del todo. Sí captaba la premisa básica: es sobre

then después de ver su nombre mencionado tantas veces,) pero

una sociedad futurista donde la gente no tiene sexo, y su úni-

su impacto a largo plazo en mi forma de entender la música y,

co recuerdo del mismo reside en películas viejas. Sin embargo,

por ende, la vida, resultó ser igual de transformador. Sus traba-

todas y cada una de las líneas de la canción son tan únicas, tan

jos instrumentales en Low y “Heroes”, por ejemplo, no sólo me

inusuales, tan individuales y tan extrañas que hasta el día de

introdujeron al mundo de la música Ambient sino que los sigo

hoy en ocasiones me detengo a pensar en algunas de ellas, de a

considerando parte de la música más maravillosamente evoca-

una a la vez, para darme cuenta que recién ahora las entiendo

tiva y misteriosa que he escuchado en mi vida.

completamente (si es que es realmente el caso.) En vez de que

Para cuando salió su disco Reality en el 2003, ya lo llevaba es-

pedir que le sirvan algo de tomar, el narrador pide que le sirvan

cuchando hacía un año y mi “transformación Ambient” ya ha-

otro teléfono, en un uso del lenguaje tan novel que si googlean

bía tenido lugar, pero todavía no era un converso absoluto. Si

la línea (“pour me out another phone”) verán que, en la histo-

bien ahora reconozco que, en el contexto de toda su obra, no es

ria del idioma Inglés, sólo ha sido dicha como parte de esta can-

necesariamente un punto álgido, Reality fue el primer disco de

ción. El trabajador que reza porque sus manos y extremidades

Bowie que realmente amé, en especial su último tema “Bring

no exploten por la falta de sexo, y que luego se queda admiran-

me the Disco King,” tan rico en contenido que hasta me inspiró

do la orilla “donde una vez rugió un mar que ya no ruge más.”

a escribir una novela (corta) entera. A partir de ahí empezó un

Y al cantarla sigo teniendo que prestar atención a decir “don’t

pasional proceso de descubrimiento que continúa hasta hoy día.

forget to turn ON the lights” en vez del tan intuitivo “off”, que

cambiaría drásticamente el sentido de la canción y su alusión a

buenas. La mejor y más profunda en mi opinión es, sin duda,

la falta de intimidad.

“China Girl.” La canción fue originalmente compuesta para el

“Drive-in Saturday” es un tema de ciencia ficción distópica,

disco de Iggy Pop The Idiot, pero para cuando escuché esa más

nostalgia del pasado y del futuro, y una burla irónica a la repre-

que digna versión, la de Bowie estaba tan memorizada en mi

sión sexual, todo al mismo tiempo y empaquetado en un for-

cabeza que a esta altura siempre será la definitiva para mí. El

mato de “doo-wee-doo” Pop clásico que inmediatamente pue-

hecho de que sea un hit, cuente con ese simpáticamente trilla-

de hacer cantar hasta al más escéptico. La pregunta correcta no

do “riff chino” y muestre a un Bowie en pleno estrilo crooner

es “¿quién es capaz de escribir una canción así hoy día?”, sino

esconde lo increíblemente extraño y oscuro que es el tema. Su

“¿cómo pudo existir alguien que escribiera canciones así?”

estructura es realmente inusual: no cuenta con ningún estribi-

Incidentalmente, este también es el tema favorito de Morris-

llo real y las estrofas cambian según distintas secciones que se

sey, quien la ha cantado en vivo varias veces. Una fantástica

van dejando atrás a medida que la narrativa avanza y va ganan-

versión aparece en su disco de lados B Swords, donde cambia

do en intensidad.

la línea “when people stared in Jagger’s eyes and scored” para

¿Y en qué consiste la narrativa? En su show para VH1 Storyte-

mencionar, en vez de al Rolling Stone, a su querido David Jo-

llers, Bowie cuenta una hipnotizante anécdota de su época en

hansen de los New York Dolls.

Berlín con Iggy Pop a fines de los 70s, que brillantemente desemboca en “China Girl”, una canción sobre “explotación.” El personaje de la letra es un dictador en potencia, con “visiones de esvásticas en su cabeza” y “planes para todos;” efectivamente se autodefine como un “hombre que quiere conquistar el mundo,” enigmáticamente argumentando que es inevitable dado “el blanco de sus ojos.” Y sin embargo su amante/esclava oriental parece suavizarlo por momentos, sacando un lado humano que se “siente trágico como si fuese Marlon Brando” (una línea inmortal) y se apena por “arruinar todo lo que es” con su cultura de “televisión, ojos azules”… y dominación. ¿Hay posibilidades de redención para el narrador? Eso queda en cada oyente, pero el grado de oscuridad de la temática de una canción aparentemente accesible e inocua demuestra una vez más el potencial de la canción Pop como instrumento de subversión. ¡Y esto en medio del álbum más “comercial” de Bowie!

CHINA GIRL Si en un principio me costó adentrarme en el Bowie de los 70s (hoy en día considero que ese material se compara con muy pocas cosas en la historia de la música,) apreciar su producción de los 80s me resultó todavía más engorroso. Me compré Never Let Me Down en CD y me resultó tan espantosamente decepcionante que lo canjeé por otra cosa al día siguiente. Luego aprendí que poner a todo su material de los 80s en la misma bolsa (¿de canje?) era un error. La mayoría de las canciones de Let’s Dance, por ejemplo, más allá del rechazo inicial que puede causar su sonido ciertamente comercial, son realmente

EL DÍA SIGUIENTE Estas fueron apenas algunas reflexiones sobre dos canciones de Bowie que significan mucho para mí, pero la inmensidad y riqueza de su obra es tal que se podrían escribir ensayos esta longitud (¡o más!) para casi todos sus temas. Ciertamente fue el artista de Rock Alternativo más exitoso de todos los tiempos, a través del cual la mayoría de sus oyentes conocieron poco a poco un mundo musical más transgresor, más enigmático, más ambiguo, más profundo y más relevante. Y gracias a la magia de la grabación, en sus discos siempre lo tendremos joven, vibrante y desafiante.

[ Por Marcelo Simonetti ]

NO PUEDE HABER ALGUIEN QUE TENGA LA POSIBILIDAD DE VIVIR TAN LEJOS DEL RESTO DEL MUNDO Y QUE HAYA HECHO ESTE GESTO DE HACER DE SU MUERTE UN ARTE No puede haber alguien que tenga la posibilidad de vivir tan lejos del resto del mundo y que haya hecho este gesto de hacer de su muerte un arte Por Marcelo Simonetti

Diego me pidió que escriba algo sobre Bowie para el especial de éste número, pero me rehusé,

porque pensé que lo más justo era repetir lo que había escrito en el día en el que me enteré de su muerte, hace ya mes y medio. Y pensé que era lo más justo, porque Bowie no merecía que yo racionalice nada sobre él. Porque cuando conocí a Bowie mi cabeza adolescente estaba musicalmente (y otras mentes) estructurada y limitada, y él derribó todas las barreras posibles. Y dejé de "elegir" la música según géneros, actitudes y demás; y empecé a sentirla. No pude hacer otra cosa cuando lo conocí. Y llegué al jazz, al soul, al glam, al funk, a arte como concepto más allá de los géneros. Por eso, si yo hubiese "pensado" una nota sobre Bowie y su muerte no hubiera sido justo para la relación que mantengo con él desde hace algo más de 20 años. Fue amor. Y emoción. Y nunca pude intelectualizarlo. Por eso no era justo escribir ahora a la distancia sobre él. Por eso lo mejor que yo podía escribir sobre él era lo que escribí compulsivamente el día en que él murió. Que escribí en las redes, y reproduzco acá:

Fue el más grande artista de todos los tiempos, o al menos desde que existen registros. Su vida fue

arte. Por eso vivía, y por eso estaba vivo. Fue amor puro. Hace 18 meses le dijeron que tenía cáncer. Hace 10 llamó al productor de toda su vida y le dijo: tengo cáncer, y me voy a morir pronto. Tenés que cerrar la boca, como siempre. Pero me tenés que ayudar. Tengo la necesidad de grabar otro disco antes de morirme. Tengo que dejar algo de lo que me está pasando. Lo grabó durante tres o cuatro meses. Y dijo que quería que salga en su aniversario 69, independientemente de su muerte. Cualquier artista se tienta con hacer un disco sobre la muerte. Pero sobre la propia, mientras te morís? Para qué? Que te mueve? Mientras todos esperamos que hable, y él no habla. Para qué necesita comunicar su muerte desde el arte, para qué hacerla arte? Amor puro. Es su disco de estudios 25. La primera vez que no sale en la tapa. Se llama BLACKSTAR el disco. Y arranca: "mira acá arriba, estoy en el cielo. Tengo cicatrices que no pueden ser vistas." Sobre el final, suena repetitivamente: "I'm dying to/I'm trying to". Y los vídeos. Se estaba muriendo. Y aguantó hasta la salida del disco.

Lo vio en mis manos, lo vio parir, "esto es lo último que puedo decirte", y se murió. Esperó siete meses, a que el disco salga, para ver el disco en mis manos, y después se murió. Su muerte, sus sensaciones de muerte, en mis manos. Y sin que supiéramos aún que se moría. ¿Para qué? Es amor puro. Amor puro. No hay otra razón. Escuchamos el disco, hiperenfermo, lleno de caos controlado y ensoñaciones desde que salió, hace dos días, y decimos: claro, es porque está mayor. No. Es que se estaba muriendo. Y quería hablarme muerto. Lo que sentía. Me quería contar lo que estaba pasándole de la forma en que él se comunicaba con el mundo. Quería seguir estando conmigo, y con todos los que compartimos nuestra vida con él.

Todos los que me conocen saben lo que es la música para mí. En largos momentos de mi vida fue mi única conexión

con el mundo. Y mi desconexión también. Casi todos mis grandes afectos musicales lo tienen como su máximo referente. Wayne Hussey, Ian Mc Culloch, Jarvis Cocker, Morrissey, Nacho Vegas, Richard Butler, Robert Smith, John Lydon, Brian Molko, Ian Curtis, Martin Gore, Peter Murphy, Steven Wilson, Sergio Rotman... Y son decenas. Y son generaciones y generaciones de tipos que encontraron un camino gracias a él. Y el en vez de pensar en la muerte para él, la pensó para mí. Para los otros. Sin ninguna otra razón que la de regalar eso. Mágico. Inigualable. Bellísimo. Tristísimo. Dolorosísimo. Estoy aturdido. No puede haber alguien que tenga la posibilidad de vivir tan lejos del resto del mundo y que haya hecho este gesto de hacer de su muerte un arte, así como fue su vida. Todo lo que aprendí del amor, del dolor, de las mujeres, de los hombres, del arte, de la música, arrancó con la semilla que el plantó en mí directa o indirectamente.

Raramente, dirán, fue la muerte que más lloré en mi vida, en apenas un día.

Cuando supe de él, mi vida cambió para siempre. Ya no fui el mismo. Y hoy, con su muerte, ya no voy a ser el mismo.

PALABRAS EN LA ARENA

[ “El ruido y la furia”, de William Faulkner por Pablo Ravale ]

EN SUS PALABRAS Y SUS INTENCIONES

Una mirada personal a sus letras…

Space Oddity. Inspirada en un tema de Pink Floyd (era Syd Barrett), guiño al título de la famosa película de Kubrick estrenada un año antes, sátira del fallido programa espacial inglés, metáfora de un yonki... o simple y literalmente la historia del Mayor Tom, un astronauta cuya comunicación con la base terrestre se cortó en un momento y el hombre quedó suspendido en el espacio exterior para dejarse llevar por una fascinación sin límites, Bowie interpreta con una hondura que no tengo palabras para describir (“Aquí estoy sentando en esta lata de aluminio / muy por encima del mundo / El planeta Tierra es azul / y no hay nada que pueda hacer” o “Control terrestre a Mayor Tom / Sus circuitos están muertos, algo está mal / ¿Puede escucharme Mayor Tom? / ¿Puede escucharme Mayor Tom? / ¿Puede escucharme Mayor Tom? / ¿Puede…? ”). De otro planeta, ya digo. Bowie no es ni normal ni anormal, no transmite a través de los tímpanos sino directamente a la vena. Por cierto, dicho álbum trae otras canciones que uno no puedo canturrear sin tener que pararse por verse conmovido.

The Man Who Sold The World. Tras el pelotazo inicial que representó Space Oddity, Bowie metió la primera de las muchas marchas que le daría a su carrera con un disco de Rock con mayúsculas como fue The Man Who Sold The World, con un sonido distinto a su disco, aunque más cercano a lo que ya estaban haciendo los Who o Led Zeppelin. Así las cosas, todas las canciones que integraron esta placa estuvieron atravesadas a cuchillo por la intimista y particular voz de David, en letras que, o rondaban la ciencia ficción, o hablaban del alienamiento del individuo. Véase el caso de la que titula el álbum: “Busqué formulario y tierra, por años y años yo vagué. / Yo miré fijamente a los millones aquí. / Deberíamos haber muerto, hace mucho mucho tiempo.”

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars. Corría el año 1972, David Bowie comenzaría entonces con la concepción de un personaje que sería el protagonista de ese mismo trabajo: Ziggy Stardust (Ziggy Polvo de Estrellas), un alienígena que aterriza en la tierra para salvar el mundo de su propia autodestrucción a base de la fuerza unificadora del rock y su banda The Spiders From Mars (Las Arañas de Marte). Pero Bowie no ha pasado a la historia “sólo” por hacer música y fue más allá: él mismo sería Ziggy. Se transformaría directamente en él, se comportaría como él, pensaría como él. Y casi acaba destruido como él…De hecho, la letra de la canción “Ziggy Stardust” es acerca del típico personaje musical que toca la guitarra, y que tiene un ego tan sumamente grande, que el resto de la banda lo llega a odiar (“Haciendo el amor con su propio ego, / Ziggy se aspiró su propio cerebro / como el mesías de los leprosos. / Cuando los chicos mataron a ese hombre / tuve que romper con la banda.”). En palabras del propio David, “trata sobre una superestrella del rock que acaba destruida por el fanatismo que él mismo crea”. Iggy Pop, Lou Reed, Marc Bolan, Gene Vincent y Jimi Hendrix, son ejemplos de de quienes fueron la influencia para crear a Ziggy, aunque el más destacado de ellos fue Vince Taylor, un cantante inglés que llevó al extremo su propio ego como rock star, llegando a autodeclararse «hijo de Dios». We Are The Dead. Diamond Dogs fue concebido como un matrimonio por conveniencia entre la obra 1984 de George Orwell y los remanentes musicales del binomio Aladdin Sane-Pin Ups: remanentes de glam-rock, con un trasfondo artístico y argumental muy del gusto de David: un futuro post-apocalíptico. Asimismo, inmerso en su época más confusa y drogadicta e inspirándose en sus estudios demoniacos y filofascistas, Bowie fue capaz de parir un grupo de espeluznantes canciones cuyas letras, como en el caso de “We Are The Dead ”, cuentan (“Somos las criaturas revoltosas de hoy, / encerradas en la doble función de mañana. / El cielo está en la almohada, / su silencio compite con el infierno, / es un servicio de veinticuatro horas.”) y denuncian (“¿Quién te la chupa mientras duermes? / Este es el teatro de los financis

tas. / Cuéntalas, cincuenta sobre una mesa, / blancas y vestidas para matar.”), no sólo poniéndote los pelos como escarpias, sino también haciendo que te ahogues en una aguda sensación de desasosiego.

Sound And Vision. Low fue el disco que inició una serie de colaboraciones entre Bowie y Brian Eno (ex-tecladista de Roxy Music y afamado productor). En Low las atmósferas y los climas juega, un papel vital, pues se trata de un álbum en el que David pasaba por un período en el que intentaba dejar atrás sus adicciones y en el que buscaba mantener un perfil más bajo. Cuando Bowie comenzó a grabar Low, invitó a Eno a participar en las sesiones de grabación, y a jugar con las letras y los conceptos de las canciones (un claro ejemplo de esto es el tema “Sound And Vision”, en el que Bowie dice: “Me voy a sentar ahora, / esperando el regalo del sonido y la visión. / Voy a cantar por el don del sonido y la visión / solicitando el rumbo sobre mi cabeza.”). Eno, sin ir más lejos, fue quien le enseñó que las canciones no siempre tienen que ser una historia, sino que aleatoriedad y los contrastes también pueden ser el mascarón de proa; algo que, desde ya, influyó fuertemente en David.

Ashes To Ashes. Tras la llegada del álbum Scary Monsters, Bowie logró lo que el biógrafo David Buckley llamó “el equilibrio perfecto”. Sin embargo, a pesar de las opulentas texturas que se suceden a lo largo de toda la placa, el sonido de Bowie en el disco fue descrito por los críticos como más duro y con una visión más desesperada del mundo. Esto se advierte en pistas como “Ashes To Ashes”, cuya letras es una de las más críticas y que pareciera apuntar directamente a los “nuevos talentos” de por aquel entonces : (“Un magnate de nariz rota que eres. / Uno de los chicos de la nueva ola. / La misma cosa vieja en trapos nuevos / Viene apabullando a la vista. / Tan feo como un millonario adolescente, / aparentando que éste es un mundo de chicos listos.”), en especial Gary Numan.

The Hearts Filthy Lesson. Después de los buenos resultados obtenidos en la «Berlin Trilogy» conformada por los discos Low, Heroes y Lodger, el tiempo que pasó hasta que David Bowie y Brian Eno se volvieran a juntar, pareció una eternidad. La carrera de Bowie, por momentos, llegó a parecer más una secuencia de tics nerviosos que una búsqueda de identidad, mutación camaleónica o intento de innovación, pero si en algún instante podemos encontrar una arriesgada, aunque acertada, estabilidad en su trabajo antes del Outside fue durante los años en que se aplicó a estos tres trabajos. Ya se podía apreciar como Brian Eno aportaba algo más que criterio en su colaboración para dichos proyectos, pero no de una forma unilateral, sino que la conjunción de dos mentes y sensibilidades envidiables daba lugar a la creación de sonidos más que interesantes. En efecto, uno de los aspectos más interesantes en cuanto al proceso de creación del proyecto, es el hecho de que no había ni un solo tema compuesto antes de entrar en el estudio. O sea que Outside fue tomando forma in-situ, teniendo como referencia un concepto construido por personajes, imágenes sugerentes y una trama que se debe escuchar entre líneas. El mismo Bowie lo definía así: “El álbum es sobre la atmósfera. Es sobre el sonido de 1995.” Tengamos en cuenta que la trama gira alrededor de una visión distópica de fin del siglo XX, donde la fragmentación social, el hambre espiritual y el neo-paganismo se revelan generando fenómenos como el Art Crime (traducido sería algo así como “Arte del Crimen”) y dando lugar a la aparición de personajes como Nathan Adler, protagonista de esta historia. Nathan Adler pertenece a un departamento gubernamental creado para investigar el fenómeno del “Art Crime” y decidir si un determinado asesinato es realmente arte o únicamente un burdo acontecimiento delictivo. En esta trama particular encontramos a Nathan Adler investigando los extraños acontecimientos detrás del “Asesinato Arte-Ritual de Baby Grace Blue”, de 14 años de edad. Siguiendo con las palabras de Bowie: “Los personajes y la narrativa son sólo el esqueleto. La textura musical es la carne y la sangre.” Con estas afirmaciones podemos descubrir una clara intención de generar un proyecto que se alimenta a sí mismo. Un ejercicio de canibalismo regenerativo que se escon-

de detrás de las palabras. Puede que a partir de esta última visión hayan decidido subtitular el proyecto como “A Non-Linear Gothic Drama Hyper-Cycle” (Un Híper-Ciclo de Drama Gótico No Lineal). Como fuere, es importante destacar que a pesar de que la historia transcurre detrás de un manto de letras, son precisamente las letras las que abastecen a este disco de unos elementos de identidad única. Hemos visto cómo el azar juega un papel trascendente en el proceso creativo, y el texto no está exento de dicho elemento de aleatoriedad. He ahí, por ejemplo, la tenebrosa y perversa “The Hearths Filthy Lesson”, en la que encontramos frases del calibre de: “Sentado en el Motel Risa, / la lección de los corazones sucios / con sus cientos de millas al infierno.”, sino “Si sólo hubiera algo entre nosotros / Aparte de la ropa”; o también “¡Pero qué fantástico abismo de muerte! / Avisa a los otros.”

Little Wonder. En “Little Wonder” nos encontramos con la quintaesencia del giro de Bowie hacia una estética de tono marcadamente cyberpunk, el cual ya había comenzado en lo que fueron los temas que integraron Outside. Es por eso que aquí todo suena rabioso, oscuro, decadente, pero en un sentido vibrante, con cierto triunfalismo: incluso transmitiéndonos un mensaje de horror y caos constante del mundo, nos lo hace desde la consciencia festiva de saberse por encima de ello. El triunfo del estilo sobre la sustancia; el triunfo del saberse por encima de la catástrofe (“Grandes pantallas de muñecos. / Tetas y explosiones. / Hora de dormir, tímido y desnudo. / Pequeña maravilla entonces, / pequeña maravilla, / tú pequeña maravilla, / pequeña maravilla tú, / eso es lo que obrengo.”). De esta manera, en la letra también David pareciera explorar de un modo metódico sus posibilidades, exacerbado por su propia posibilidad de construir un discurso que vaya más allá de la inoperante ceguera de su presente; es decir, explora el contexto de crisis existencial que sufría el hombre hacia finales de los 90’s, cuando su tecnologización protésica era ya lo suficientemente evidente como para que algunos artistas nos hablaran sobre la decadencia absoluta de cierta clase de hombre, hasta sus últimas consecuencias (“Marte,

nación feliz. / Pósate sobre mi karma. / Dama de la meditación, / llévame lejos.”) Si el estilo, entonces, se sobrepone como no-inherente a la sustancia, ¿por qué iba a no rodearse él, que es pura sustancia, de una férrea capa de experimentación que lo estilice? Mi favorita.

Thursday’s Child. En su día, y hasta hoy, quedé atrapado desde el primer momento por el video de la canción “Thursday's Child”, una lucha descarnada entre la juventud y la madurez (“Toda mi vida he intentado duramente, / hacerlo lo mejor con lo que tenía. / Nada cambió mucho, todo era lo mismo.” o “Abandóname mañana, / todo se rompe en el punto. / Abandóname mañana, / viendo mi pasado lo dejó ir. / Abandóname mañana, / solamente por ti no lamento / haber sido el niño del jueves.”), versos hechos a su medida, necesarios no para su carrera, aunque sí para sí mismo. Otra canción que es una obra maestra; una de las joyas perdidas de su discografía, una de esas letras de recapitulación que evoca su pasado más personal, pero de una manera dulce y melancólica, como las dos caras de una misma moneda, entre colchones sonoros suaves y melodías cuidadas. Sublime.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

El rock es Hitler Las palabras mienten y son exageradas con respecto al hombre. El hombre sufre de miedo, de eso es de lo que tendríamos que hablar; de cómo, por miedo, el hombre se apacigua y se traiciona. Sin ir más lejos, hoy murió David Bowie y sin él, ya no quedan más artistas. Y eso es porque la cultura ya no puede leerse por separado de la palabra «poder». Empero, debería hacer una diferenciación epistemológica, puesto que «poder» tiene dos acepciones: una como verbo y otro como sustantivo. El poder como verbo tiene mucho que ver con la cultura, porque que en el caso de la música rock ocurre que es una resurrección de lo tribal en su forma más violenta. Es decir, éste proviene de los negros y penetra en nosotros, o sea, en Occidente, a través de exponentes como Jerry Lee Lewis o Elvis Presley, entonces todo el culo del mundo baila y se contornea al son de ese bamboleo salvaje. De hecho, habría que recordar ahora la moral que regía a la sociedad de los Estados Unidos por aquellos tiempos, la cual estaba determinada por leyes que dictaban lo que debían ser las buenas costumbres, y que veía en ese bamboleo peligro y, en simultáneo, poder… poder, pues, convengamos, éste desataba y permitía a la gente liberarse de toda la impotencia. Años después aparecieron Los Beatles y con ellos se desaletargó toda una generación, poniendo así al poder en el verbo. En efecto, la palabra poder se transforma en poder en sí, en poder que luchaba contra el poder como sustantivo. Volviendo al tema del rock, cuando éste mezcló el verbo «poder» con el poder propiamente dicho, o sea, cuando comenzó a mirarlo y lo captó, y se equivocó, y dijo no al arte, volvió a mirar y dijo no a lo otro, y no a lo otro también empezó a repetir una capacidad de congelamiento, es decir, la cultura se comió al arte… y el arte es siempre lo que se mantiene en movimiento, mientras que la cultura es la que convierte a las cosas en historia, y eso sucede cada

vez más rápido. Salvo raras excepciones, al observar un evento de rock, uno puede descubrir allí los ritos típicos de la Iglesia Católica. Para explicarlo de otra manera, diré que no hay nada tan parecido en un recital de rock como asistir a un bautismo: ves a un maestro de ceremonias, ahí arriba, en el escenario, cantando lo que una multitud le pide que cante, repitiendo palabras, ofreciendo su vil producto de consumo a los fieles. Y todo, desde ya, demasiado bien producido y empaquetado para que estos tontos se lo compren. En algún momento se supuso que el rock era lo más parecido a ese poder que habían perdido los poetas y los chamanes, y que misteriosamente habían recuperado los músicos y los cantantes. Aunque mentira, pura patraña. El primero que sospechó sobre esto fue Eric Clapton, quien en una entrevista dijo: «La culpa de toda esta porquería la tienen John Lennon y Bob Dylan, porque le hicieron creer a la gente que nosotros somos alguien que podemos hablar acerca de algo. A mí lo único que me gusta es comprarme camperas caras... » Moraleja: el rock es Hitler. Y como todo régimen, es obvio que en algún momento se va a terminar. Sin embargo, plantéense ahora la siguiente situación: están en un recital de los Rolling Stones, con cientos de miles de tipos a su alrededor, y de repente el canalla de Mick Jagger grita «¡mátense entre todos!» y los retrogrados van y se matan. Actualmente existen bandas “populares” que tocan y transmiten mensajes que son espeluznantes. Agarran los instrumentos como cuando un ignorante agarra un libro. ¿Y qué cantan? “Fa-so-li-ta queridoooo...” Ya estoy cansado de que llamen música o arte a algo que no es sino un circuito exclusivo y frívolo; una congregación de energúmenos chupando cerveza o jalando merca, cuando, por otro lado, y a la vuelta de la esquina, matan a tu hijo por un celular.

[ “Sobre héroes y tumbas”, de Ernesto Sabato por Pablo Ravale ]

LOS OTROS MUNDOS DENTRO DE ÉSTE: Empiezo esta reseña confesando que me parece una temeri-

las cosas, y lo largo de las dos primeras partes (“El Dragón y la

dad escribir acerca de una obra como Sobre héroes y tumbas, un

Princesa” y “Los rostros invisibles”), situadas antes de los he-

libro que, no sólo es mi libro de cabecera, sino, además, aquel

chos narrados en la primera página, apenas oiremos hablar más

cuya lectura me ha impulso a convertirme en escritor. Dicho

de Fernando y de este famoso informe, pero el misterio que se

esto de antemano, pues, adelante con la reseña...

respira cada vez que hay una referencia a ellos insinúa la exis-

Considerada la mejor novela argentina del siglo XX,

tencia subterránea de una historia importante, terrible, que se

Sobre héroes y tumbas, de Ernesto Sabato, es una obra de pro-

desarrollará, efectivamente, a lo largo de la tercera parte. Y esa

funda introspección psicológica, como todas las del autor de El

tercera parte es, precisamente, el tenebroso «Informe», que es-

túnel. La misma indaga en los conflictos internos de unos perso-

conde la clave interpretativa de todo el libro. Aunque en reali-

najes y un país, llenos de idas y venidas, de glorias y tragedias. La

dad es un texto casi autónomo, con un estilo y un contenido ab-

novela intercala múltiples historias que se desarrollan a muchos

solutamente diferentes al resto de la novela. En las escasas 150

años de distancia y tienen protagonistas muy diferentes, desde

páginas que ocupa, leemos completamente asombrados una es-

mediados del siglo XIX (con el golpe del general Lavalle y el en-

pecie de testamento vital en primera persona (los desvaríos de

frentamiento entre los unitarios y los federales de Rosas) hasta

un paranoico, pensarán algunos), de Fernando Vidal Olmos, el

cien años más tarde (durante el peronismo), pero el nexo que las

padre de Alejandra. Leyendo este informe, descubrimos enton-

une todas es la historia terrible de una familia de la oligarquía

ces que Fernando se autodenomina un “investigador del Mal”, y

argentina venida a menos, los Vidal Olmos, contada a través de

que se ha pasado la vida entera obsesionado e investigando a los

su último representante, la joven Alejandra. O, en todo caso, a

ciegos, a los cuales relaciona precisamente con el mal y con una

través del recuerdo que Alejandra deja en Martín, un muchacho

logia satánica. Fernando los estudia analíticamente, y cree des-

taciturno y solitario, cuyo amor trunco por Alejandra lo sumer-

cubrir que se ocultan en un entramado de túneles subterráneos,

ge en el ambiente retorcido de su familia, quedando inevitable-

en una especie de submundo (“Más de una vez en mi vida había

mente expuesto a la locura, la desesperación y la infelicidad.

meditado en la existencia de aquella red subterránea, sin duda

El desenlace, como es de esperar, lo conocemos ya

por mi tendencia a cavilar sobre sótanos, pozos, túneles, cuevas,

desde la primera página, con esa “Nota preliminar” donde el

cavernas y todo lo que de una manera o de otra está vinculado a

maestro Sabato nos explica casi todo, sin decir nada: “Las prime-

esa realidad subterránea y enigmática: lagartos, serpientes, ra-

ras investigaciones revelaron que el antiguo Mirador que servía

tas, cucarachas, comadrejas y ciegos”). De esta manera, su pa-

de dormitorio a Alejandra fue cerrado con llave desde dentro por

ranoia lo introduce en una pesadilla de persecuciones, engaños

la propia Alejandra. Luego (aunque, lógicamente, no se puede

y espionajes que, puede o no, sólo existen en su cabeza.

precisar el lapso transcurrido) mató a su padre de cuatro bala-

Por todo ello, esta tercera parte se aproxima podero-

zos con una pistola calibre 32. Finalmente, echó nafta y prendió

samente a El túnel. De hecho, en Sobre héroes y tumbas hasta

fuego”. Apagado el incendio, cuenta esta nota, se encontró en

hay una autorreferencia al protagonista de aquella obra, el pin-

la casa un extraño «Informe sobre ciegos», que Fernando Vidal

tor Juan Pablo Castel, el asesino de María Iribarne. Como fuere,

Olmos terminó de escribir la noche misma de su muerte. Así

para Sabato los túneles y cavernas, lo que no se ve, lo que está

por debajo y en las sombras, lo remiten a la zona desconocida del ser, o sea, al alma y al inconsciente. De modo que en tercer capítulo, se da todo un descenso a los infiernos íntimos de Fernando, en los que reformula a través de su lógica nada razonable el mito platónico de la caverna, de tal manera que será sólo él quien pueda entrever “los suburbios del mundo prohibido (…) cuyo testimonio nunca hasta hoy ha llegado inequívocamente a manos de los hombres que allá arriba siguen viviendo su candoroso sueño”.

La parte final de la novela (“Un Dios desconocido”), se sitúa justo después del asesinato de Fernando y el suicidio de Ale-

jandra. Aquí toma protagonismo el personaje de Bruno (indispensable por donde se lo mire), que, de una forma u otra, es una especie de alter ego del propio Sabato, en su faceta más reflexiva y filosófica. En esta última parte, que cierra todas las historias de manera magistral, la prosa de autor nos enfrenta a un cierto sentido de fatalidad que encuentra explicación, únicamente (y todavía), en ciertas palabras da Bruno: “Los locos, como los genios, se levantan, a menudo catastróficamente, sobre las limitaciones de su patria o de su tiempo, entrando en la tierra de nadie, disparatada y mágica, delirante y tumultuosa, que los buenos ciudadanos contemplan con sentimientos cambiantes; desde el miedo hasta el odio, desde el aparente menosprecio hasta una especie de pavorosa admiración. Y sin embargo esos individuos excepcionales, esos hombres fuera de la ley y de la patria conservan, a mi parecer, muchos de los atributos de la tierra en que nacieron y de los hombres que hasta ayer fueron sus semejantes aunque como deformados por un monstruosos sistema de proyección hecho con lentes torcidos y con amplificadores desaforados”.

Tremendamente exigente en el fondo y en la forma, Sabato nos ofrece un viaje a las entrañas de la historia de su gente y

su país, pero también a la de todos nosotros y de todos los países. Porque es eso lo que tienen las grandes obras, las que se denominan clásicos universales. Valen por lo que son y por lo que trascienden. Y esta obra trasciende mucho. Trasciende y transforma, marca para toda la vida. Gracias, maestro Sabato.

103

EN CONCIERTO

[ Por Diego Centuriรณn ]

EL FIN DE LOS SONIDOS Y LAS VISIONES

105 David Bowie Derby Rock Festival 1990 Estadio River Plate, Buenos Aires, 29 de septiembre de 1990

"Quiero culminar esta fase de mi edad y empezar de nuevo. En el momento en que estoy, a mis más de cuarenta años, me he construido un nuevo repertorio conjunto."

David Bowie, Junio 1990

A la hora de pensar en escribir para este número especial del camaleón Bowie estuve deliberando sobre qué tema, las ideas venían y como llegaban se iban. Después de meditar entre las posibilidades decidí apelar a mis recuerdos y fui a lo básico, la primera vez que pude verlo en vivo. Nacía la década del 90 y Buenos Aires se estaba convirtiendo en un polo atractivo para que recalen los tour de las bandas. Ayudados por una estabilidad económica (con el tiempo supimos que ficticia) las puertas de la ciudad del Tango se ponía como parada en las agendas de los artistas, Nirvana, The Cult, Jesus and Mary Chain, entre otros. Y era el turno de una mega estrella que muchos anhelábamos ver, David Bowie. Recuerdo que cuando se anunció este concierto fui a comprar mi ticket, y recién cuando lo obtuve me sentí a salvo de tener el pasaporte para esa noche, esto se debía a que había pensado que un artista de esta magnitud iba a agotar las localidades, nunca supe si fue así. La sensación de tener la entrada fue la misma a que tuve al tener la de The Cure en 1987, una alegría inmensa que me llenaba el pecho y que me dibujaba diariamente una sonrisa, sabiendo que el tesoro estaba bien guardado. David Bowie había elegido Buenos Aires para cerrar el “Sound + Vision Tour”, algo que lo hacía más especial. La llegada del Duque Blanco era el acto que cerraba un encuentro llamado “Derby Rock Festival”, auspiciado por la marca de cigarrillos Derby. Aún tengo el afiche que venía en la revista Rock & Pop y que atesoré a través de los años como un reliquia de aquel momento. Aquel tour traía a Bowie para repasar sus clásicos, según él, en ese momento, esta gira era la des-

pedida de esas canciones. Había editado el Box Set “Sound + Vision” que reunía sus clásicos desde sus comienzos hasta los ochentas. “Es hora de poner a unas 30 o 40 canciones a dormir y es mi intención de que ésta sea la última vez que haré estas canciones enteras, ya que si quiero hacer un descanso de lo que he hecho hasta ahora, -ve y hazlo conciso y no debes tenerlo como un hábito para caer de nuevo-”. David Bowie, Marzo 1990

(Hablando de esta gira Bowie dijo)

“era hacer algo muy egoísta, pero me dio una inmensa sensación de libertad, de sentir que no podía confiar en ninguna de esas cosas. Es como si me estoy acercando todo desde cero ahora, empezando por 'Muy bien, sabemos qué canciones no tenemos que hacer más.” David Bowie, Marzo 1997

Pero otro punto que atraía la atención es la inclusión en su banda, al ex King Crimson, Adrián Belew, quien recientemente había editado su álbum “Young Lions” y en donde el video de “Pretty Pink Rose” rotaba en los canales de televisión como un avance de Bowie, porque él canta esa canción.

“Es un sonido mucho más pequeño. No es tan orquestada como cualquiera de los otros tours. La ventaja de esto es que hay un cierto tipo de unidad y opresión que se obtiene con ese embrión line-up, donde todo el mundo es totalmente dependiente de los otros dos o tres chicos, por lo que todo el mundo da mucho más.” David Bowie, Abril 1990

El primer acto de aquella noche fueron los moribundos Virus, quienes estaban notablemente influenciados por David. Ellos utilizaron esta presentación para decir ¡Adiós!, a una notable carrera pero que luego de la muerte de su líder, Federico Moura, llegaba a su fin. La voz de la banda, a cargo de

su hermano Marcelo, no pudo contener la emoción. Un corto set lleno de hits de la banda y mucha emoción. Hoy sabemos que su ¡Adiós! fue sólo un ¡Hasta luego! Recuerdo que aún el sol estaba ofreciendo sus últimos rayos en la tarde y la banda desplegaba su set con mucho sentimiento y sabiendo que Federico donde quiera que estaba, lo disfrutaba y daba un perfecto cierre al ciclo de éste Virus. Casi dos años sin Federico, pero esa noche les aseguro que estaba presente y que lo estaba disfrutando.

Y bajo una lluvia de aplausos la banda abandonó el escenario y dejó paso a los asistentes que comenzaron a preparar todo para el siguiente acto, para el menos interesante para mí, y para el cual pensaba cómo iba a hacer para soportarlo, Bryan Adams. Recuerdo la brisa fría que corría en el estadio (sin alusión personal futbolera), y la salida de Adams hacía que eso se incrementara. Entre sueños (porque el aburrimiento de esas canciones me hizo perderme en un sueño liviano) pasó el set de un Bryan que encandiló a las mujeres que estaban cerca de mi visión que cantaban todas sus canciones, muchas veces desafinando más que el artista que estaba en el escenario. Mi suplicio o mi calvario culminó y nuevamente los asistentes regresaron para acondicionar el acto principal.

Si bien del concierto entero de David tengo flashes concisos, y partes en una nebulosa, trataré de ir recordando, apoyado en videos y alguna grabación en audio. A veinticinco años de aquella noche los recuerdos se renuevan cuando veo algunos videos Sin utilizar alguna ayuda memoria, recuerdo perfectamente la sensación del comienzo de este concierto con la gran “Space Oddity”, el sentir como se me hinchaba el alma al escuchar la introducción de la canción. No puedo olvidar la sensación de plenitud que me envolvió. Creo, recordándolo en este 2016, si David decidía abandonar el escenario e irse, el sueño ya estaba cumplido (aunque seguramente hubieses sido un bochorno y hoy lo recordaríamos por eso). Un David resplandeciente con un impecable pantalón y chaleco azul (casi al estilo la época de “Station to station”), camisa blanca con un puños con bolados y jabot. El otro foco de atención de mi atención fue la segunda estrella de la formación, Adrian Belew, del cual ya hablé más arriba. El segundo track lo recuerdo porque fue otra de mis favoritas “Life on Mars?”, simplemente soñada escucharla en Buenos Aires cantada por el mimo David. Mis recuerdos no recuerdan que continuó, pero al ver el setlist, como no recordar “Rebel Rebel”, pero disculpen podría decirles que se ve en la filmación, pero no sería justo.

107

Recuerdo “Ashes To Ahes” pero no recordaba el momento que sonó, lo que tengo en la memoria que en seguida me vino a la mente el arlequín del video. ¿Cómo olvidarlo?, aunque en esa época la mayoría éramos adictos a los programas de videos, aunque no había mucho, pero tampoco existía You Tube, ni llegaba MTV, ni había versión latinoamericana. No recuerdo “Stay”, pero sí “Pretty Pink Rose”, con la extraordinaria guitarra de Adrian Belew haciendo lo que más le gusta. Llegaron los hits, “Blue Jean” y “Let’s Dance”, en donde la gente estalló y saltó las dos canciones. Particularmente no venía por estas canciones pero al escucharlas no pude resistir a unos pasitos. A esta altura a David se lo veía feliz y disfrutando del cierre de gira. La gira que llevaba el título de la siguiente canción “Sound and Vision”. Recuerdo que varias veces se proyectaba en la pantalla muchas imágenes de David bailando con la canadiense Louise Lecavalier, algo que por ese entonces veíamos muy a menudo en el clip de “Fame 90”.

Como flashes vienen imágenes de escuchar a “Ziggy Stardust” y pensar en Peter Murphy. Una versión brillante. Y luego “China Girl” otro hit muy radiable por esos años. “Suffragette City” no la recuerdo, pero si el trío del final, “Fame”, que como dije antes era de rotación diaria en los canales ese año. Impecable, magistral, con un David y Adrian, ambos con guitarra en mano, divirtiéndose. “Heroes”, una canción que, en su versión de la banda argentina Fricción de 1989, la escuchaba muchas veces al día. Pero que bien que me sentía escuchándola por el que la escribió. Y el cierre fue con otro hit, “Modern Love”, a esta altura ya bailaba todo lo que Bowie proponía desde el escenario. David al comienzo se sacaba los puños de la camisa y se los tiraba a la gente. Recuerdo que salieron asistentes con ramos de rosas y los dejaron a los pies del Duque Blanco. Y bajo una lluvia de aplausos salía todo el staff arriba del escenario, mientras Bowie se despedía con el anuncio de que el año que viene nos veríamos con Tin Machine.

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

109

DAVID BOWIE (1947 -

)

Cualquier homenaje que se intente hacer para todo lo que representa David Bowie siempre estarĂĄ lejos de estar a la altura de este ser tan especial y especial. Por eso, sin extendernos demasiado, basta decir que Bowie solo se ha ido a visitar otras galaxias, su ser es inmortal. Y asĂ es como lo recordamos y lo seguiremos haciendo.

THE MAN WHO FELL TO EARTH (1976) [ Por Jimena Patiño ]

There's a starman waiting in the sky Hed like to come and meet us But he thinks he'd blow our minds

Un día un alien cayó a la Tierra y quiso contarnos su historia; entonces se hizo pasar por humano, y se hizo llamar artísticamente “David Bowie”, y sin develar su verdadera personalidad, pudo cantarnos acerca de ese otro extraterrestre que quería ser famoso y se llamaba Ziggy Stardust. Un día se dijo "hay que explorar nuevos horizontes y nuevas personalidades además de las dos que ya adopté". Entonces el alíen, devenido en humano, devenido en artista que cantaba como un extraterrestre, se decidió a trabajar en cine y representar a otro alien que venía a la Tierra en busca de agua para enviar a su moribundo planeta con su moribunda familia. El tráiler de este film dice (y no por nada) "nada de lo que hayan oído o leído acerca de David Bowie los preparará para su primera interpretación dramática " y tiene razón... Nada más lejos que su carrera cinematográfica posterior, este film de los setenta (es conveniente siempre recordar la década) de un David Bowie en el límite entre el final del David Glam y el nacimiento del Duque Blanco. Un film para el lucimiento de Bowie en todo su esplendor. Como fan del señor debo confesar que su estrella me ciega completamente a la hora de poder criticar este film y es que el peso de todo recae en sus esbeltos hombros andróginos. La historia es notable, pero su ejecución denota mucho su fecha. En pocas palabras es una película fechada dirigida por Nicholas Roeg quien venía de hacer Venecia rojo Sangre (Don’t Look Now, 1973) y sin embargo realiza este film que se halla más cerca de Performance (película de 1970 protagonizada por Mick Jagger) que de Venecia. Sicodélica y metafórica por momentos, el film no tiene reparos en hacer uso de su mítico actor prota-

gonista que se dedicó a cantar como si fuera un alien de otro planeta para usarlo en la trama. Sin dudas es catalogable como uno de los films sci fi más interesantes y enigmáticos de todo los tiempos, quizás porque lo sci fi es simplemente rarísimo con una cuota de ecología y distopía comparable a The Wild Blue Yonder (Werner Herzog, 2005). Es un film bien digno de la década de los setenta pero a años luz de Kubrick y su sinfonía espacial. Esta es una película pequeña (en comparación con 2001) pero con una historia ambiciosa y hasta de moraleja ecologista que falla frente al sistema que se interpone entre el visitante y su meta. Los personajes desfilan por la pantalla y no se profundiza en ellos excepto en su relación con Thomas Jerome Newton. Ese personaje que tiene una misteriosa ambición por generar una mega corporación en cuestión de años y avanzar en la carrera espacial. La empresa prospera con la ayuda de un abogado de patentes llamado Oliver Fansworth (Buck Henry) y levanta las sospechas de un científico, Nathan Bryce (Rip Torn), que pasa de sus andanzas con alumnas de la universidad a trabajar para la misteriosa World Corporation de Newton, quien se gana su fama de millonario excéntrico. En uno de sus viajes a New México el visitante conoce a una empleada de un hotel llamada Mary-Lou (Candy Clark) que se convierte en una especie de interés amoroso que lo introduce a las cuestiones mundanas sobre todo el alcohol, la televisión y finalmente al sexo. La banda sonora es interesante siendo un pastiche de distintos géneros que se confunde con el ruido blanco de las numerosas televisiones que mira el personaje de Jerome. Uno supone que hubiera sido más interesante con la música de Bowie en esto. Sin

111

embargo, el mito urbano cuenta que el disco “Low” es la banda sonora que por motivos legales nunca le dejaron poner a David y que se tardó demasiado tiempo en escribir. La historia se desenvuelve lenta; no tenemos la certeza de quien es el misterioso señor, ni de su aspecto alien hasta pasada una hora larga del film. Cuando por fin se devela por fin su forma humanoide y alienígena o la de su familia, es toda una sorpresa. El paisaje desértico que los envuelve es austero y apocalíptico. Los flashbacks se suceden, y no sabremos nunca si están ambientados en el pasado, en el futuro o si es la imaginación del visitante recordando el destino trágico de su propia familia. El film es como verán de lo más enigmático y metafórico pero hacia el final parece decaer como si no hubiera nada mejor que hacer que convertir al visitante en un borracho perdido que canta sobre su planeta ¿Mezclar y jugar con la biografía de David Bowie quizás? El maquillaje y la transmutación de David en extraterrestre es IMPACTANTE. Resulta en un morbo

terrible verlo al señorcito con toda esa figura y fuerza indescriptible apoderarse de la pantalla. Y no hay que olvidarse de que es un freak: es alto, desgarbado, flaco, pomuloso, con pelo naranja, y ojos asimétricos, frágil y de aspecto andrógino; pero citando a la "Mary-Lou" del film: "Me gusta lo freak" y espero que a ustedes también les guste lo freak del David de aquellos años, porque si no, no van a disfrutar para nada de esta película de Roeg. Lo cierto es que Bowie recuperó al personaje de Thomas Jerome Newton en su última etapa y le escribió una secuela a su vida, la que se estrenó en bajo la forma del musical de broadway “Lazarus” -que aún sigue en cartel- protagonizado por Michael C Hall en el papel de ese alienígena atrapado en la tierra que no envejece ni muere (lo se: llanto generalizado asegurado con la muerte de nuestro héroe, quien quizás solo quizás lo planeó de esa manera). Musical en el que se incluyen algunas de las mejores canciones de nuestro bien amado David Bowie. Un acto final más para cerrar la vida y obra del mejor alíen que el rock nos ha brindado.

113

MERRY CHRISTMAS MR LAWRENCE (1983) [ Por Jimena Patiño ]

I smiled sadly for a love I could not obey Lady Stardust sang his songs Of darkness and dismay

Algo para destacar en la no tan extensa filmografía de David Bowie es que ha sabido ser un camaleón en la pantalla grande tanto como lo era en los escenarios y ha trabajado en proyectos de los más artísticos y singulares. Temerario es una palabra que podría definirle a la hora de encarnar los personajes que decidía actuar. Si uno va a hacer un film sobre la represión homosexual en los campos de prisioneros de los aliados a

cargo de los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial y lo castea a David Bowie como objeto de deseo, es porque uno, como Nagisa Oshima, está haciendo las cosas bien. Demasiado bien. Merry Chrismast Mr. Lawrence es un film que disecciona las dinámicas que se establecen entre los soldados prisioneros (en su mayoría británicos) y sus captores japoneses de una manera magistral. La fascinación que ejerce lo occidental para lo nipon y viceversa. Algunos personajes los eligen ver simplemente como el enemigo, otros en cambio como el Mr Lawrence del título, interpretado por Tony Conti, intentan lidiar con su cultura y sus costumbres

creyendo que todo es una cuestión de entendimiento. El film ya se inicia con un Takeshi Kitano despiadado (despiadado y Kitano casi como que parecen haber nacido para ir juntas). El Sargento Gengo Nara, que hace que uno de sus soldados “de origen coreano” (no es un detalle menor, pues se entablan jerarquías según la nacionalidad) se suicide luego de haber abusado de un soldado holandés cometiendo sepuku mientras Lawrence contempla todo horrorizado. Y mientras el jefe del campamento, el Capitan Yonoi (interpretado por Ryuichi Sakamoto quien además se encarga de la extraña y atrapante banda sonora) se dirige a un juicio marcial. Esta acción se vuelve como profetizadora de todo el drama que se verá en aquel campo de prisioneros cuando en el juicio el Capitan Yonoi conozca al teniente británico Jack Celliers. Un soldado que se entrega luego de que sus hombres mueren en batalla y que aparentemente será condenado a muerte por haber entablado una guerra de guerrillas. La fascinación de parte de Yonoi es inmediata y está ejecutada brillantemente en una actuación memorable. Desde el manejo de las miradas y la presentación del personaje de David Bowie por no mencionar la tensión en el rostro de Yonoi cuando Celliers se quita la camisa para mostrar sus golpes y la tortura a la que fue sometido en los interrogatorios. La indignación que manifiesta con aquel gesto Yonoi, ya nos hace pensar que hay mucho más detrás de todo lo que aparenta. La suerte de Celliers cambia porque es sentenciado a cumplir condena en el campo de prisioneros y el comandante Yonoi lo quiere designar jefe de los soldados prisioneros. Lawrence y Celliers se conocen, combatieron juntos en Libia por lo que Lawrence se convierte como en el ángel de la guarda de Celliers o al menos un nexo entre lo nipon y lo británico. Decir mucho más del argumento es develar toda la historia del film pues la misma es corta pero llena de escenas fuertes. Como película bélica, es extraña, porque la guerra es lo que ocurre afuera de ese campo, lejos muy lejos ¿O es la guerra también lo que ocurre dentro de ese campo? El film es altamente filosófico en su planteo antibelicista y anti represión cultural que altera la mente de los hombres.

Jack Celliers es una especie de Paul Newman en Cold Hand Luke (Stuart Rosenberg, 1967) que no se va a dejar doblegar por el peso de la condena y eso como podrán suponer solo puede terminar de una sola manera. No pueden decir que no les advertimos: cualquiera con una vena sensible va a sufrir como un condenado con este film que está realizado con una maestría absoluta. Los encuadres y la fotografía es impecable, todo cae en la composición de cuadro perfecto y los golpes dramáticos se padecen pues todo está organizado de una manera en la que en apariencias no sucede mucho pero al mismo tiempo, cuando ocurre algo, la acción te ataca como una tormenta perfecta que no veías venir, pero que presentías en el ambiente. Takeshi Kitano se roba el film con su mano de hierro y su violencia arraigada en el fondo del alma pero también esta Ryuichi Sakamoto que con sus silencios y su actuación más estatuaria tiene el peso dramático de todo el film junto con David Bowie. Hay una escena antes del veredicto del juicio del Teniente Celliers cuando los soldados le vienen a buscar para cumplir su condena (que él piensa es la ejecución) que es absolutamente irresistible. Bowie como Jack hace una mímica de lo que sería un día “normal” en la guerra: él afeitándose, la llegada de un soldado que habla de su familia en Inglaterra, cuando toma su té y enciende un cigarro y lo tira. De pronto, el miedo se apodera de él y lo vemos flaquear tras su máscara de fingida naturalidad. Resulta casi imposible no amar a ese hombre, con esa escena de mímica, la empatía es toda para con su personaje. Oshima lo retrata como una especie de Lawrence de Arabia con su cabellera blonda y su bronceado permanente y por eso el film se vuelve difícil, porque como Lawrence habla sobre él a Yonoi y se refiere al mismo como un “straffer” un término casi imposible de traducir que se termina definiendo como “es un hombre de hombres”, “un soldado de soldados”. Olvídense de Lost in translation (Sofia Coppola, 2003): si quieren ver conflictos culturales entre Japón y occidente simplemente vean esta joya de Oshima que la van a pasar mucho mejor, o peor… dependiendo de que tanto sufrimiento y miseria humana puedan soportar.

115

THE HUNGER (1983) [ Por Jimena Patiño ]

The hearts filthy lessons With her hundred miles to hell.

Este film marca el debut directoral de Tony Scott y es una de esas gemas que solo son seguidas y amadas por un culto selecto de personas -y no me refiero a los hijos de la noche solamente-. El cine de terror siempre fue vilipendiado pero ¿Qué ocurre cuando se cubre de sofisticación europea y recurre a gente como David Bowie y Catherine Deneuve que parecen salidos de un poster en una revista de modas? ¿Cuándo una pieza reniega a mencionar siquiera la palabra vampiro y busca revestirse de una nueva imaginería nacida del new romantic o la escena goth londinense? Ocurre una catástrofe tildada de pretenciosa que fracasa en la taquilla y marca un cambio de rumbo en la estética de su creador que renuncia a esa chispa de genialidad primigenia y huye a hacer cosas como Top Gun (1986) y Beverly Hills Cop (1984), pero que lo perdonamos cuando vemos True Romance (1993). Sin embargo también se dan cita la originalidad y la atmósfera

propicia para que nosotros tengamos ante nuestros ojos un film de culto. The Hunger quizás sea una de las mejores películas junto a la ya mencionada “True Romance” de la carrera del difunto Tony Scott. Una de esas películas que se salen de la pileta de los géneros para probar cosas nuevas y con un reparto excelente. Pocas películas de terror tienen la suerte de tener un reparto estelar como este. Pero ¿es The hunger una película de terror más o es un melodrama disfrazado de cuento gótico en la chispeante década de los ochenta con hombreras incluidas? Para comenzar tiene un tratamiento visual casi pictórico en tonos azulados y claros oscuros que tornan la atmósfera en opresiva y le dan ese toque frio y glamoroso que tienen la pareja de seres inmortales que matan por sangre humana: Miriam y John Blaylock, interpretados magistralmente por Catherine Deneuve y David Bowie. No hay un detalle fuera de lugar: el vestuario de la Denueve, el estilo de Susan Sarandon, y la mágica aparición de David Bowie que gracias a un excelente maquillaje de Dick

Smith (quien al año siguiente ganaría el Oscar por su labor en Amadeus de Milos Forman) envejece en pantalla delante de nuestros ojos y los de su amada Miriam quien no puede (¿o no quiere?) hacer nada al respecto. A diferencia de las películas más “tradicionales” de vampiros ellos no son una amenaza a la que hay que exterminar con la ayuda de algún cazador de turno. Por el contario: son el objeto del drama y la tragedia. Casi como en Entrevista con el vampiro veremos que los protagonistas de todo son ellos y que los humanos (además de víctimas) suelen ser objeto de disputas entre la pareja protagonista. De fondo a esta inversión en la estructura de films de vampiros a donde son ellos las víctimas de los años que le pasan factura, Scott pasa a tratar cuestiones existenciales tales como si el “amor para siempre” es algo posible cuando se tiene una vida eterna. Desde un enigmático e icónico inicio en el que Bauhaus grita “Bela Lugosi is dead… undead undead undead” se nos anticipa por montaje paralelo la historia de esta pareja que es por demás atractiva y misteriosa. Una pareja que caza por las noches en discotecas y viven en mansiones de moda. Pero también es todo un símbolo a la hora de decirnos “no van a ver al clásico vampiro europeo de capa y engominado que habita un castillo, Bela Lugosi está muerto… pero en la imaginación popular sigue vivo y si fuera un no muerto seria como ellos el día de hoy, presten atención”. Por eso no podemos dejar de decir que si el film tiene su pretensión cuando busca reinventar la imagen de los vampiros “modernos” y plantearlos como seres bisexuales, que buscan una respuesta científica a sus problemas de la inmortalidad. En la parte “científica” del relato entra la andrógina doctora en gerontología, la doctora Sarah Roberts que anda buscando la cura a la progeria o en otras palabras la manera de retrasar el reloj biológico en pacientes que envejecen rápidamente. Pronto se convierte en el nuevo interés romántico de Mi-

riam (Para mala suerte de John) y allí es cuando los años y los siglos comienzan a ponerse a día con su edad real. David Bowie es perfecto para interpretar a John Blaylock, de hecho uno se queda deseando ver más jugarretas de él en sus años mozos, pero con ayuda de los efectos de maquillajes da una impecable performance de un inmortal afrontando el peso de los años. Sin embargo por más que John se robe el corazón de muchas y muchos, hay que destacar la performance de la Deneuve que casi sin palabras genera toda una atmósfera de seducción y peligro mortal con sus peinados y sus atuendos de Givenchy. La película es enigmática y esquiva con el espectador: no da las respuestas que este busca sino que las sugiere ¿Por qué envejecen solo los amantes? ¿Por qué ese final paradójico y Sarah escapa a su destino? ¿Es un virus la inmortalidad de Miriam y John? Todas esas respuestas se nos negarán y en cambio se optará por una estructura que se toma su tiempo y hasta puede resultar lenta en un primer visionado, pero no por eso no deja de ser menos hechizante y aterradora pero sobre todo icónica. Esa especie de adoración que generó este film dará origen en los noventa a una serie de televisión también llamada “The Hunger” y cuya segunda temporada contó con la presentación magistral de Bowie en su etapa “industrial” pero que no tiene nada que ver con el film. Son simplemente cuentos eróticos de terror con los que quizás comparte cierta propuesta estética pero no temática. Para cerrar vale la pena recordar que toda la temporada de American Horror Story Hotel no habría existido si no hubiera sido por ese personaje arrancado directamente de este film que es “La condesa” una mímica un poco chabacana de Catherine Deneuve a cargo de Lady Gaga. Lo que demuestra hasta qué punto Tony Scott si cambió un poco para siempre el modo en el que concebimos a nuestros amados u odiados inmortales bebedores de sangre.

EL ESCRITOR SERIAL

117

ABSOLUTE BEGINNERS (1986) [ Nicolás Ponisio ]

If our love song Could fly over mountains Could laugh at the ocean Just like the films There’s no reason To feel all the hard times

Si se tiene un film con un gran espíritu musical donde abundan grandes coreografías, coloridos escenarios, música rock, jazz, reggae, blues y un malvado David Bowie desatándose con pasos de tap, la pregunta es: ¿Qué puede salir mal? Al pare-

cer todo y a la vez nada. Julien Temple, conocido director británico de documentales y videoclips, el hombre filmó para The Kinks, The Rolling Stones, Bowie y más, se puso al hombro Absolute Beginners (1986) sin saber que tendría como resultado a uno de los films más caro de la historia del cine británico y llevaría a la bancarrota a la productora Goldcrest. Las críticas hundieron al film apenas fue estrenado debido a su pobre narrativa y descrito como “una sucesión de videos musicales malos”. Nada de lo cual es totalmente cierto. El musical de Temple quizás no conste con

un gran guión, la historia no es mala pero tampoco el fuerte del film, pero es la presencia de la música la que construye toda la energía festiva del mismo. No solo marca constantemente el ritmo de la historia, al igual que el camino que toma su protagonista Colin (Eddie O’Connell), sino que hace resaltar cada aspecto del film. Desde su inicio en el Soho londinense la música y el movimiento frenético de la noche nos presentan la vitalidad de una era joven a finales de la década del cincuenta. Allí las tonalidades de azules, rojos, verdes y amarillos tiñen a la escenografía y a un sinfín de bailarines, todos ellos recorridos en un increíble plano secuencia. Lejos de ser reducida a “una sucesión de videos musicales malos”, la destreza de la cámara, el notable diseño de los distintos escenarios (casi todo el film fue realizado en estudio) y la encantadora artificialidad de ese mundo y sus personajes posee el brillo (ahora en color) de los musicales de antaño y la fotografía le aporta su cuota de lo retro revitalizado en un tono similar a lo que haría años después Warren Beatty con su Dick Tracy (1990). Absolute Beginners, en su forma de film incomprendido, resulta una fiesta para el ojo y el oído. Es imposible no disfrutar acompañando con un movimiento del cuerpo temas como Selling Out, Having It All cantado seductoramente por Suzette (Patsy Kensit), el amor de nuestro protagonista, o Quiet Life con un increíble diseño teatral de una gigantesca construcción arquitectónica que nos permite ver cada uno de sus espacios a la vez. Todo es parte del disfrute y la comicidad, aún en momentos caóticos como los que tocan el problema de la persecución racial y una búsqueda de excluir a la gente de color y a los homosexuales para dar lugar a una “blanca Inglaterra”.

El film, siempre manteniendo un tono alegre y divertido, se permite tocar temas serios a la vez que recorre la vida de esta pareja de adolescentes en busca del éxito (él en la fotografía, ella en la moda) en medio de caza talentos, músicos, jóvenes proxenetas y empresarios oportunistas. Ah sí, y baile, mucho baile. Todo ello es parte de una producción que bien podría haber sido parte de los mejores musicales de Broadway. Y si hay dudas al respecto, solo basta con ver el único momento musical dentro del film que lo tiene a Bowie como protagonista. La escena en cuestión es aquella donde el duque blanco, acompañado por Colin, despliega sus dotes hasta entonces desconocidas para bailar tap en una escenográfica y gigantesca máquina de escribir. Una inmensa hoja de papel mecanografiada, un espejo hecho añicos o un televisor retro son algunos de los surrealistas escenarios que recorre Bowie cantando las estrofas de That’s Motivation, uno de los dos temas que el artista compuso e interpretó especialmente para el film. El otro es el que lleva el título homónimo del film y que se puede apreciar tanto en los créditos iniciales como los finales del mismo. Quizás no el mejor de los films, pero sin lugar a dudas un encanto audiovisual que tarde o temprano, no importa cuándo, debe ser descubierto para maravillar con el encanto del ayer. Absolute Beginners puede haber sido una obra incomprendida o simplemente la mayoría de los mortales no estaba listo para comprenderla del todo. Son artistas como Julian Temple o David Bowie los que comprenden más allá de todo y los cuales muchos no son dignos de contar con su presencia. Por suerte, un fiel servidor se siente agradecido de poder formar parte los afortunados. “Making love with his ego

119

LABYRINTH (1986) [ Nicolás Ponisio ]

Everything i’ve done, i’ve done for you

por nuevos relatos de fantasía, de visitar otra tierra y sacudirse

I move the star for no one

el polvo de lo cotidiano para embriagarse con polvo de hadas, de escapar a las tareas monótonas como lidiar con su madrastra y

De la mano del director y titiritero Jim Henson

cuidar a su hermanito Toby. Nosotros, espectadores, tan deseo-

siempre se han podido conocer mundos desconocidos hasta

sos como Sarah por un escape de la realidad celebramos cuan-

entonces, maravillas con el encanto de la fantasía y de lo ar-

do se le concede la oportunidad de visitar la tierra encantada de

tesanal. Con la invención de los Muppets (1955), The Dark

Ciudad Goblin sobre todo por quién tiende su mano, invitándo-

Crystal (1982) y su colaboración en Plaza Sésamo (1969) y el

nos a la aventura.

film The Witches (Nicolas Roeg, 1990), Henson supo ganar-

Con todo el espléndido look glam que supo definirlo y

se merecidamente el título del absoluto puppet master, no

que él supo redefinirlo haciéndolo propio, David Bowie irrumpe

me vengan con ningún Andre Toulon.

en pantalla con toda la tenebrosidad y el encanto que caracteriza

Sin embargo, dentro de todo lo que supo realizar

a un villano en la piel y las calzas de Jareth, el rey goblin. El que

tanto para cine como televisión, hay un film que supo posi-

fuera alguna vez el ser celestial venido del espacio, el visitante

cionarse en la cima del arte de la vieja escuela. Con Labyrin-

de otro mundo, ahora se alejaba de las estrellas para personifi-

th (1986), el director supo mejor que nadie cómo recobrar lo

car al tirano monarca del reino subterráneo. Y quién mejor que

maravilloso y lo cruento de los cuentos de hadas de antaño.

él para no solo ser una criatura fantástica sino también uno de

La joven Sarah (Jennifer Connelly antes de pegar el estirón)

esos villanos que se hacen querer y, en el fondo, logran hacerlo

es una niña que, al igual que otras antes que ellas (Dorothy de

desear a uno de que puedan salirse con la suya.

The Wizard of Oz y Alicia de Alice in Wonderland), está ávida

Desde temprana edad, quien les escribe, ha sentido

un cariño especial por los villanos de películas. Sean reales o

animados, desde Hans Gruber de Die Hard (John McTiernan, 1988) hasta Jafar de Aladdin (John Musker y Ron Clements,

pantalla se prolongue más y más.

Debajo del cuento de hadas, además del horror subya-

1992), los villanos siempre han surtido cierto encanto. Desde su

cente de una niña que se deshace de su hermano menor, se haya

elocuencia, la sofisticación y un placer de malevolencia que los

un subtexto sexual mucho más notorio y que es el mayor inte-

dotaba de características más tridimensionales que las del típico

rés del villano. Nada de dominar el mundo, de convertir a Toby

héroe bueno con solo un espíritu altruista en él. Si a todo eso se

en un goblin o cosas por el estilo. Todo lo que se haya en los do-

le suma la presencia del mismísimo David Bowie, entonces a la

minios de Jareth es una excusa para mantener consigo a Sarah.

mierda con la bondad. La mera presencia del artista opaca todo

Desde las palabras melodiosas de sus canciones, pasando por

el arte y la imaginería visual de Henson y su equipo, lo cual ya

la jocosa mirada bicolor que observa y recorre constantemente

es decir mucho.

a la chica (sí, dejemos de lado el factor de pedofilia presente en

El film está plagado de personajes bellamente creados

y personificados, siendo Hoggle y Ludo los más queridos, y de una puesta en escena que hace uso de la pintura matte, la crea-

el film), hasta la pronunciada entrepierna de Jareth, todo es una muestra de deseo por parte de él hacia ella.

Aquí es cuando entra en juego el elemento más irreal

ción de bosques y pasajes del laberinto nacidos de lo onírico, la

perteneciente a una obra de fantasía. Jareth da vuelta, literal-

inclusión de efectos digitales (lo menos logrado satisfactoria-

mente, todo su mundo por Sarah, le ofrece ser su amante, su

mente) e incluso un traslado perfecto a la pantalla de la obra de

esclavo a cambio de eso solo pide recibir devoción y deseo por

Escher. No es porque el film carezca de originalidad o disfrute,

parte de ella. Toda fanática de Bowie mataría por estar en el lu-

justamente todo lo contrario, pero ante tanta grandiosidad la fi-

gar de Sarah, una niña bastante caprichosa que no le basta con

gura de Bowie logra estar por encima de todo ello y sin mucho

recorrer un mundo disponible solo para ella y que solo se queja

esfuerzo. La gracia y el carisma le son innatos y se intensifican

de lo que “no es justo”. Para muchas personas no es justo que

en esta suerte de cuento de hadas que parece haber sido creado

Sarah tenga ante ella a David Bowie y lo rechace como si nada.

en su totalidad para que este ser de otro planeta fuera parte de

En un mundo lleno de elementos mágicos, lo realmente fanta-

él.

sioso es que una chica rechace a ese ser único, por más malvado

Temas como Magic Dance o As the World Falls Down,

dos de los cinco que Bowie compuso para el film, resaltan esa

que éste sea.

Jim Henson no solo volvió a crear con maestría un

mística y genialidad con la que siempre el Duque Blanco se en-

nuevo universo de personajes y mística sino que supo traer de

contró tan a gusto, sea en el escenario o rodeado de un sinfín

regreso la fascinación por los cuentos de hadas. Uno donde no

de marionetas goblins. De esa forma se impone la personalidad

hay lugar para el príncipe azul. Pero seamos sinceros, quién lo

del músico al film y el despliegue de sus bailes y su voz hace di-

necesita cuando se lo tiene a Bowie irradiando estilo. Bueno, cla-

fícil mantenerse en compañía de Sarah y sus amigos cuando lo

ramente Sarah no lo necesita. Y ahí es cuando se oye una horda

que genera cada aparición del rey goblin es que su duración en

de fans gritando al unísono: “Esto es injusto”.

121

BASQUIAT (1996) [ Nicolás Ponisio ]

“So the days float through my eyes But still the days seem the same”

Basquiat, la ópera prima de Julian Schnabel (director y pintor) está dedicada a la vida del artista que da nombre al film. Para hacerlo, contará con la presencia de otros grandes artistas. Algunos, en el momento de estreno del film, no tan conocidos y otros que hacía tiempo eran consagrados. El film de 1986 se centra en la vida de Jean-Michel Basquiat (interpretado por Jeffrey Wright), un artista marginal afroamericano que comenzará a mostrar su arte a través de graffitis callejeros para terminar irrumpiendo con un arte neoexpresionista en galerías artísticas de todo el mundo. Si bien el actor que interpreta a Basquiat no es alguien muy reconocido, incluso hoy en día, son las figuras que lo acompañan en papeles secundarios y con una cierta mirada frívola que tergiversa su trabajo quienes, a través del film, logran posicio-

narse de manera crítica para dialogar sobre el medio del artista. El director logra reunir un verdadero abanico de intérpretes para cautivar la atención del espectador en principio y luego poder hacer llegar su mirada través de ellos. Un elenco perteneciente al star system para atacar la hipocresía del ambiente pictórico y el desdibujarse del artista. Benicio del Toro, Christopher Walken, Vincent Gallo, Parker Posey, Sam Rockwell (desaprovechado), Courtney Love (la muerte del artista en cierta forma o la mera groupie), Willem Dafoe, Dennis Hopper y Gary Oldman son algunos de los actores y actrices que rodean el mundo de Basquiat, algunos antes y otros después de que alcanzara éxito y reconocimiento. Pero hay una figura en particular que marca la vida y carrera de Basquiat, quien funciona como mentor y apadrina sus trabajos: Andy Warhol. Y no solo se trata de Andy Warhol, con todo lo que ese nombre significa, sino que Schnabel sabe

realizar una simbiosis del artista. Una interrelación entre la figura que se presenta y quién la representa. Detrás de las gafas, de los movimientos amanerados, del físico delgado y del extravagante cabello blanco se encuentra David Bowie, otro artista que supo hacer historia con su personal estilo (o más bien estilos) y que supo cautivar con lo nuevo, lo extraño, lo fuera de la norma y, ¿por qué no?, fuera de la galaxia. El problema que muchas veces ocurre cuando se tiene a tanta gente de renombre en un mismo espacio es que esa área otorgada no deje lugar a mucho más que a la simple presencia de estos invitados. Lo mejor aprovechado por el director es, fugazmente, la relación entre el joven y adicto Basquiat con Warhol. Es en aquellos momentos íntimos de amistad y búsqueda artística que el director logra decir algo. Desde la incapacidad de Basquiat de escapar de ese mundo al cual en principio moría por entrar y la de Warhol por dejar ir al joven que interviene su arte y lo vuelve algo más que simple comercialidad. Eso es acompañado con la presencia de Bowie, quien siempre supo dotar a sus personajes, sea Ziggy Stardust, el rey Jareth o Nikola Tesla, de un carácter y un contenido que trasciende al personaje en sí. En este caso, Bowie vendría a ser quien deposita la lata de sopa de tomate Campbell en el suelo y la aplasta estando parado sobre los zapatos de Warhol.

No es por nada que la muerte más significativa del film sea la de su persona, y visto hoy en día cobra una fuerza aún mayor enlazada al fallecimiento del propio Bowie, gracias al lograr ser alguien en la vida de Basquiat, cuando ni siquiera él es alguien para sí mismo. Solo alguien que más allá de su arte no tiene otro cambio en la vida más que empeorar su adicción por las drogas con el paso del tiempo. Es por eso que los momentos donde el protagonismo pasa únicamente por la figura de Basquiat, no se logra indagar ni apreciar mucho la mirada de un artista con algo de suerte. Mucho menos el momento de la placa final que detalla el momento de su muerte. El film, con sus buenos aciertos críticos y la inclusión de ciertos usos de la edición que brillan creativamente (aún más que el protagonista del film), parece más preocupado por seguir una sucesión de anécdotas que forman parte de una biopic convencional, más que indagar del todo en la figura del artista, solo reducida a drogas, arte, reconocimiento, más drogas y la propia autodestrucción ligada al éxito. Un film que no termina haciendo del todo justicia al artista ni al mundo que lo rodea pero nos permite apreciar otra faceta en la carrera actoral de Bowie y, quizás también, a comprender su renuencia a que hicieran una adaptación oficial sobre su vida. Por suerte, Todd Haynes supo ingeniárselas.

123

VELVET GOLDMINE (1998) [ Por Jimena Patiño ]

Ziggy sucked up into his mind Like a leper messiah When the kids had killed the man I had to break up the band”

El glam rock tiene dos padres que se disputan sus orígenes: Marc Bolan (con T-rex) y David Bowie. Luego de una disputa interminable por la paternidad del género, llega Todd Haynes con el prólogo de su obra quien a modo de manifiesto viene a decirnos que el verdadero padre del Glam no es otro más que (redoblante de tambores)… Oscar Wilde. Esa declaración de principios forma parte del inicio irreverente de Velvet Goldmine, la carta de amor al glam rock duramente repudiada por David Bowie pero que aquí criticamos porque la consideramos la quinta esencia de lo que Bowie representaba por aquellos años de glitter y locura pansexual.

La premisa del film o mejor dicho, su estructura, emula a la de “El ciudadano”. Un periodista llamado Arthur Stuart (interpretado por Christian Bale) es el encargado de investigar que fue de la vida del cantante Brian Slade (Jonathan Rhys Meyers) otrora héroe del rock glam desaparecido en un presente que se podría ubicar como en los ochenta (hacia finales de la década). La estructura del film que sigue con entrevistas a la esposa de Slade, la brillante Tonny Collete, y a su manager, Eddie Izzard, es casi anecdótica pues el espectador puede poner en duda la premisa fundamental del film ¿Acaso pasó tanto tiempo como para que Brian Slade y su creación Maxwell Demon hayan sido olvidados tan rápidamente? El film no aclara este punto y no lo necesita porque rápidamente nos pone de cabeza en la vorágine de la vida de este artista que bien podría ser David Bowie

con Ziggy Stardust, pero que nos apresuramos a aclarar, por el bien de la memoria de Bowie, no lo es (aunque amamos el ingenio de Haynes para aludirlo constantemente). Jonathan Rhys Meyers nunca estuvo tan genial, ni cuando interpretaba a Enrique VIII en The Tudors, ni cuando interpretaba a profesores de tenis trepadores en Match Point de Woody Allen, como cuando representó a Bryan Slade en el film de Haynes. En las manos del director, Meyers se convierte en un pseudo David Bowie que busca su rumbo a través de la escena musical hasta el momento en el que ve la electrizante performance de un más que sacado -e Iggy pop-eado- Ewan Mcgregor quien canta a grito pelado T.V. Eye, arrojándose glitter en su cuerpo desnudo sobre las tablas. Slade encuentra su camino y su musa personal norteamericana. Y ahora abordamos lo genial con G de gay y queer cinema: lo que le interesa a Haynes - A parte de toda la grandilocuencia visual que desborda y el arte por el que se luce en el film- es hablar de la sexualidad y cómo el glam rock fue revolucionario al permitir personajes andróginos. Bisexuales homosexuales y pansexuales adentrándose en la ideología popular imperante y cerrada de la Inglaterra de los setenta. Es por eso que la mirada de Arthur Stuart se vuelve fundamental en la construcción del film. El periodista que investiga y rememora sus épocas como adolescente mega fan de Slade tratando de li-

diar con su homosexualidad. De cómo encontrar un ídolo como él le da voz propia y lo impulsa a salir del closet para vivir su vida “Glam Style” en compañía de los chicos de Placebo que tienen su momento musical cantando “20th Century Boy”. Hay enredos amorosos y sobre todo hay una banda sonora que tiene sus tiempos videocliperos muy cuidados y visualmente impactantes. Suenan desde covers de Lou reed e Iggy pop hasta canciones originales escritas por Jarvis Cocker, parte de Radiohead (Thom Yorke y Johnny Greenwood) y hasta Placebo. No pueden dejar de escuchar esa banda sonora monstruosa que será el puntapié inicial para que Haynes emprenda esa biopic tan particular que será la singular y fabulosa “I’m Not There” sobre la obra de Bob Dylan. El film tiene tres partes definidas: la parte que inicia como El ciudadano sobre la figura de Slade y se plantea como un misterio, sin embargo el mismo se desdibuja y se pierde al incluir el punto de vista de Arthur Stuart en todo el drama y de cómo la música de Slade influyó en su vida, lo que constituye la segunda parte y luego cuenta con una tercera en donde las obras de Slade toman la pantalla con su romance junto a su musa que es Kurt Wild (díganme que no deliraron con el nombre que se echa el personaje de Ewan Mcgregor) hasta que todo comienza a decaer y finalmente el misterio se resuelve, pero a medias, ya que solo se resuelve para Christian Bale

quien se decepciona al ver que hipócrita resulta ser Slade. ¿Ya entienden porque no le agradó a Bowie, esto que se inicia como un homenaje todo colorido y termina con una dura recriminación? Una cachetada al duque blanco en su cara andrógina y pro norteamericana. El film fue producido por Michael Stipe (a coro) el cantante de R.E.M. y recibió grandes elogios de la crítica en donde fue premiada principalmente por la labor en vestuario de Sandy Powell quien hasta fue nominada a un Oscar. (Claro ignoren al genio de Todd Haynes detrás de todo como siempre malvados, lo hicieron con Carol, Far From Heaven y I’m Not There). La carrera de Sandy Powell se catapultó y desde entonces ha sido responsable de vestuario en films de Martin Scorsese y otras obras de época como “Shakespeare apasionado”. Sin embargo y pese a que a nuestro amado Bowie le revuelva las tripas en el cielo del rock en el que se encuentra ahora, puede que Velvet Goldmine (bautizada por una canción homónima del señor aparecida en un B side de Ziggy Stardust) sea una de las mejores historias fílmicas sobre el glam rock y su revolución de glitter y amor todo narrado con alter egos y sin nombrar culpables (aunque todos sabemos a quienes se refieren realmente) que podremos encontrar durante mucho, mucho tiempo. Quizás podemos culparla un poco al decir que amplifica demasiado el impacto real del glam que no llegó a constituir un movimiento como el punk, ni fue lo más grande de la tierra del rock (aunque para muchos de nosotros, como Haynes, sí lo fue). Cuando el cine vuelve a lugares mediocres y narra historias sobre romances sosos o dramas imposibles basados en la vida real y nos asusten tantos superhéroes fortachones con complejo de machos alfa, siempre tendremos el universo lleno de glitter con extraterrestres andróginos cantantes de pelo azul y las excelentes canciones de Velvet Goldmine de Todd Haynes y eso… eso es lo que verdaderamente importa. Homenajear a los grandes con estilo y purpurina.

125

THE PRESTIGE (2006) [ Nicolás Ponisio ]

Dance, magic, dance

“La verdad es como la poesía. La mayoría de la gente odia la poesía”. Esta frase utilizada en la recientemente nominada al Oscar The Big Short es aún más aplicable en el drama de magos The Prestige (Christopher Nolan, 2006). El film funciona como una suerte de paréntesis en la filmografía del director británico. Antes, y sobre todo después, de este film lo que más describía a su cine eran los pretenciosos giros de la trama y la explicación constante dentro de ella. En The Prestige, si bien continúa utilizando intrincados puntos de giro, todo resulta en un juego en el cual las reglas están impuestas desde un comienzo y tanto espectador como historia se atienen a ellas. En una instancia donde el ego del director aún no se posicionaba por sobre el film y subestimaba el entendimiento del público, aquí hay una razón por la cual engañar y aceptar ser engañados. Incluso cuando tenemos ante nosotros las pruebas más

claras para comprender el truco detrás del film y sin embargo rehusarnos a verlo en su totalidad. Porque el cine es engaño, es fantasía, y eso muchas veces es mejor aceptado que encontrarse con la simple realidad. La rivalidad de dos ilusionistas de la Londres del siglo XIX, Angier y Borden (Hugh Jackman y Christian Bale), colma la pantalla de intrincados trucos por dentro y fuera de sus shows, afectando a la trama y la atención del espectador. Algo que siempre he aborrecido son esos especiales que revelan los trucos de diferentes ilusionistas. A Nolan podría acusársele de lo mismo, la diferencia es que el director revela estos trucos con el fin de exponer a la vez la crueldad y egoísmo humano (allí yace un canario aplastado por su jaula), el verdadero tema de la trama, el truco detrás del telón. Al mismo tiempo, con la revelación de ciertos trucos, lo que el director se permite hacer es llevar a cabo su propio truco de magia, quizás uno de los más grandes de la historia del cine. Es por ello que las revelaciones, que los trucos,

que la bella asistente, que el ida y vuelta entre diferentes líneas de tiempo no son otra cosa más que el propio show que accedimos presenciar. Las distracciones que nos ocultan el verdadero gran truco. El realismo y el empeño de fundamentar todo en base la ciencia y lo racional son otros de los factores que Nolan suele utilizar como recursos narrativos. Es por ello que en el mundo de su Batman (2005-2012) no hay lugar para un Superman o un Clayface, es por ello que Inception (2010) se toma una hora de película antes de ingresar al mundo de los sueños porque todo debe explicarse más de una vez y ser sustentado (a pesar que después el propio film se encargue de contradecir todo lo explicado con anterioridad) o que en Interstellar (2014) no haya lugar para la ciencia ficción en un film de… bueno, de ciencia ficción. Pero en el caso de ese paréntesis llamado The Prestige, el director construye su relato bien arraigado al realismo y no por ello dar lugar a lo fantasioso, sí ligado a la ciencia, pero fantasioso de todas maneras. El periodo de tiempo en el que es situada la historia permite la presencia de un personaje histórico en ella, interpretado por un artista que definitivamente ha hecho historia. Ambos ilusionistas en un punto de la historia acuden a Nikola Tesla (David Bowie), el famoso inventor y físico serbio. Si bien el personaje interpretado por Bowie aparece brevemente en el film, son sus conocimientos, su aura excéntrica y su experimentación eléctrica lo que impulsan dos factores sin los cuales el film no sería nada. Uno de ellos, la obsesión de Angier por descubrir la realización del truco llamado el hombre transportado, el cual puede ser copiado más no

igualado. El otro, el factor de fantasía con el cual Angier hallará el punto álgido de su fama con una invención digna del doctor Victor Frankenstein. Y es que la presencia de un avejentado David Bowie dota al film tanto de realismo como de fantasía, después de todo estamos hablando de un actor venido de los cielos. Tesla no es solo el creador sino también quien advierte a Angier de su obsesión y del terrible uso que la máquina construida puede acarrear. Es la imagen de sabiduría en el film que, al igual que los ilusionistas con la realidad detrás del truco y que el espectador que se niega a observar las señales, es pasada por alto sin depositar la atención que se merece. La rivalidad entre Angier y Borden tiene como único resultado la fatalidad a lo largo de los años en que uno y otro compitieron constantemente. El verdadero truco es expuesto y así como el canario lleno de sangre horroriza a quien lo descubre, de igual manera lo puede hacer el público con los engaños y las acciones de la que estos dos hombres han sido capaces con tal de tener éxito en su profesión. El artificio, el punto de giro en este caso no se siente ni remotamente cerca de una estafa. The Prestige es un gran show del cual su presentador no ha dejado formar parte con el fin de encantarnos. Y si el resultado final es un truco excelente, es mejor ser engañado con las distracciones que maravillan con fin de satisfacernos, a ser conscientes de un truco que solo busca subestimar y regodearse con burda egolatría en la forma de un film. Mucho mejor que la magia siga presente y bailando.

127

129

HIDDEN TRACK

131

PURA MELOMANIA

El primer paso firme de una dinastía estelar David Bowie with The Lower Thrid “Can’t Help Thinking About Me” (1966) [ Por Diego Centurión ]

Todo tiene un principio. Todo tiene un momento en donde se sale a la luz. En muchos casos, es el instante en donde todo tiene una razón de ser, en otros, es el punto de quiebre de lo que más adelante dará sus frutos. Sea como sea, esté es el punto de partida de una brillante carrera. Pocos días antes de que este single cumpla cincuenta años (14 de enero de 1966), David Bowie ha partido. Pero he decidido rescatarlo y darle la importancia que se merece. En diciembre de 1965 Davy, Davie o David Jones, cambia su nombre por David Bowie, nombre sacado de Jim Bowie, un aventurero y mercenario norteamericano del siglo XVIII y XIX (uno de los héroes de El Alamo), que debido a su destreza en el uso del cuchillo es que existe un tipo de cuchillo con el nombre de Bowie. Pero este cambio más allá de todo, puede ser considerado como el primer personaje y el más duradero en la carrera de nuestro homenajeado David Robert Jones. “Can’t Help Thinking About Me” es el primer single que aparece el nombre de David Bowie como tal, aunque acá aparece con una banda “The Lower Thrid”, secundado por Denis Taylor, Graham Rivens, Phil Lancaster, y el agregado de quien por entonces era el manager Tony Hatch, en piano. El single es la primera expresión de un David Bowie en busca de su originalidad y en la etapa de formación de lo que terminaremos conociendo como un multifacético artista. Después de varios intentos que va desde 1962 hasta este 1966, firmados por bandas como “Davie Jones & The King Bees”, “The Manish Boys” o “Davy Jones and The Lower Third”, y simples que no sorprendieron, éste tampoco sería la punta que mostraría al Bowie que sorprendió.

Lo cierto es que hay un cambio muy importante y tal vez sea imperceptible pero que marca un quiebre en esto de hacerse solista. Su banda anterior se llamaba Davy Jones and The Lower Third, y ahora ese “and” se convirtió en “with” (además del David Bowie), por ende esto traería problemas pocos meses después ya que David no era “y” sino “con”, la figura principal pasaba a ser Bowie. Para 1966 The Kinks ya habían editado sus singles "You Really Got Me" y "All Day And All Of The Night" en 1964 y The Who había sacado su fundamental primer álbum “My Generation”, The Beatles estaban con su "Rubber Soul" (1965). Obviamente David Bowie with The Lower Thrid, no ajenos a los sonidos reinantes, salen a escena con este single vestidos del sonido mod reinante en esos años de crecimiento sonoro de la escena musical. Como había dicho antes, esta nueva banda del ya definido David Bowie se separó unos meses después de lanzado este simple, por quién se llevaba más dinero entre los miembros de la banda; y fue el paso previo a lo que ya conocemos como uno de los personajes más influyente que el rock ha dado. La canción que abre este single es la que le da nombre al single “Can’t Help Thinking About Me”, y escuchamos a un David muy influenciado por el sonido mod, muy a lo The Who. Como me comentó Max Wilda, el estribillo tiene mucho de The Kinks. Una canción agradable y se le puede encontrar el

lado más tierno si se piensa que fue grabado en diciembre de 1965, con un David de casi 19 años, con una voz joven pero que se la puede reconocer. Musicalmente tiene los mandatos de la interpretación mod, guitarras con acordes fuertes (para la época) un bajo incesante y una batería poderosa. Los ingredientes que tenían muchas de las bandas de ese momento. En su cara B traía “And I Say to Myself” una canción en donde la voz de David es más reconocible. Una canción dulce y que podemos escuchar un esplendor jovial en la voz de ese artista que nos sorprenderá en el futuro (nuestro pasado). Con aires de los Beatles de sus primeros álbumes, y un bajo que me hace acordar a tonos de “Stand By Me”. Si bien para la salida en mayo del single en los EEUU. David creó la banda Buzz, sólo tocó algunos conciertos en 1966, éste es el primer registro de David Bowie. La canción “Can’t Help Thinking About Me” fue agregada a los setlist en los conciertos de

Bowie en 1999, en el famoso “VH1 Storytellers” de 1999 Bowie dice de esta canción, mientras cuenta una anécdota sobre la formación de The Small Faces: “Esta canción es de esa misma época. Probablemente es algo posterior, y es la primera canción que compuse y grabé en solitario. Y se llama... Es un hermosos ejemplo de solipsismo, se llama "Can't help thinking about me". Y contiene, aunque haya quien discrepe, uno de los peores, dos de los peores versos que he escrito. Queda mejor si lo canto. Mi chica me llama: "Eh, Dave. Pásate, vuelve, nos v vemos, si pasas por aquí otra vez". ¿No les parece mi peor verso?” A CINCUENTA años de esta primera edición, que el propio David no pudo festejar, no lo quiero dejar de pasarlo por alto, ya que el primer paso firme de una dinastía estelar. .

Está todo bien, David David Bowie – Hunky Dory (1971) [ Por Diego Centurión ]

Mucho se habla de “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” como el comienzo de una de sus mejores personalidades, el álbum de 1972 se lo suele catalogar como uno de sus máximos logros compositivos. Pero Ziggy no fue una creación de un día para el otro, existió un trabajo fundamental para que el personaje de otro planeta naciera. Estamos hablando de “Hunky Dory” de 1971, que fue el paso intermedio de una cadena que venía engrosándose, pero que no llegaba a anclarse definitivamente al gusto popular, y al estrellato que era lo que David buscaba. ¿Sin “Hunky Dory” hubiésemos tenido un “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”? Probablemente no, ya que este álbum fue la

paleta de colores que creó a Ziggy. David venía de editar en 1970, “The Man Who Sold The World” y en febrero de 1971 voló para presentarlo en Estados Unidos durante tres meses. En esos meses hizo muchas entrevistas y se vestía con el vestido de la portada de la versión editada en EEUU. La crítica lo alabó pero las ventas no fueron las esperadas. Pero para Bowie fue el quiebre nece-

135

sario para ver un mundo nuevo que estaba muy alejado de su Inglaterra rígida y conservadora. En esos meses anduvo por los clubes empapándose de vanguardia, Velvet underground, Andy Wharlol, Iggy Pop y Bod Dylan. En mayo de 1971 nace su hijo Duncan Zowie Haywood Jones. En febrero de 1972 Bowie declaró: “Hubo razones para el cambio. Sucedieron dos cosas importantes… Primero, fui a los Estados Unidos para promocionar “The man…” durante tres meses y cuando volví, tenía una percepción completamente diferente de la composición, por lo que mi manera de componer cambiaron desde ese momento. Segundo, cuando volví tenía nueva compañía discográfica (RCA) y nueva banda”. Para cuando volvió Bowie afirmaba: “Voy a volverme más teatral, más desaforado, mucho más de lo que han sido Iggy Pop and The Stooges”. Cambia de manager asesorado por su amigo Marc Bolan y ya en Estados Unidos empieza a jugar con la androginia glam que le impuso Bolan, pero le agrega la provocación de su amigo Mick Jagger y lo sórdido y prohibido de Lou Reed. Pero hubo un cambio casi imperceptible (audible) pero fundamental para Bowie, se alejó de Tony Visconti, tanto en su faceta como bajista como la de productor. Esto marcó un quiebre y un paso audaz en su carrera. Más adelante volverían a trabajar juntos. Ahora su nueva banda contaba con los conocidos Mick Ronson en guitarra, voz, mellotrón y arreglos. Mick Woodmansey en batería. La nueva incorporación, Trevor Bolder en bajo y, trompeta. ¡Sí, la base de los Spiders from Mars! (Aunque todavía no lo sabían) y Rick Wakeman en piano, quien había trabajado en el segundo álbum “David Bowie o Space Oddity”. El nuevo productor sería Ken Scott, asistido por The Actor (David Bowie). Ken ya había trabajado en “The Man…” como ingeniero. En su libro “Bowie: Loving the Alien” (1997), Christopher Sandford, cuenta: “Una de sus antiguas novias le recordó «garabateando en una servilleta sobre una alocada estrella

del rock llamada Iggy or Ziggy», y que a su vuelta a Inglaterra declaró su intención de crear un personaje «que pareciese que acabase de aterrizar de Marte»” Para esta altura se pensaba que el éxito de “Space Oddity” había sido aislado y al salir “Hunky Dory”, pocos sabían que el éxito de Peter Noone de ese año 1971, “Oh! You Pretty Thing” era una canción escrita por David Bowie y que él mismo tocaba el piano en la grabación. Además para marcar su jugada audaz empieza a expresar su bisexualidad como plataforma publicitaria, lo cual en palabras del propio David: “Funcionó muy bien en Europa, pero me cerró las puertas en Estados Unidos”. Bowie se empieza a tener más importancia más como referente para los homosexuales, que veían en él un símbolo de liberación. Adentrándonos en el Hunky Dory. La palabra es una expresión típica de los Estados Unidos que significa “Está todo bien”. Y la portada es un hermoso diseño de su amigo George Underwood (aquel que le diera una trompada en 1962, provocándole el rasgo distintivo de sus ojos) trabajado sobre una foto de Brian Ward. Basado en una foto de Marlene Dietrich, que David tenía en un libro que llevaba al estudio. Para mostrar los aires de cambios, que arrastraba a David en esta nueva concepción, y para que nos quede bien claro, “Hunky Dory” arranca con “Changes”, y si bien el título lo dice todo, la letra habla de enfrentarse así mismo y buscar ese cambio sin importar lo que los demás piensen. Pero a la vez, la velocidad con la que vive Bowie su vida hace que esta necesidad de un quiebre se acelere, así que no puede detenerse en el “qué dirán”. Y afirma que el tiempo nos cambia, pero él no puede esperar al tiempo que haga su trabajo. Así que sale en busca de ese cambio. Musicalmente “Changes” es un vodevil disfrazado de rock, con un hermoso piano de Wakeman, que va cambiando de tonalidades sin dejar de mover la canción y haciendo que nunca esté reposada. Con un final con piano y un saxo (tocado por Bowie) que esfuma toda la energía de la canción, dejándonos listos para el próximo track.

“Oh! You Pretty Things” es el track que David escribió para otro artista y que lo estrenó unos meses antes que el compositor. Es la primera muestra de lo que va a llegar unos meses después. “Oh! You Pretty…” es la primera muestra de una personalidad que se desataría en sus próximos trabajos. En una canción básicamente de piano, cuenta desde una situación cotidiana como un desayuno y empieza a meter frases potentes y profundas como: “Todas las pesadillas han llegado hoy / y parece como si fueran a quedarse”; “mira a tus niños / mira sus rostros con rayos dorados / no te engañes, te pertenecen / son el principio de una futura raza” Pero el estribillo es lo que levanta la canción hacia lo sublime, una mirada hacia el futuro sonoro de Ziggy Stardust. "Eight Line Poem", un blues en donde la letra son exactamente ocho líneas, sin mucho sentido, pero el aplomo de los acordes del piano lo hacen parecer un aviso del The Wall de Pink Floyd, la dulzura y el buen gusto de Mick Ronson hace casi inevitable no querer aplaudirlo. Life on Mars?, tal vez una de las canciones que más ame de Bowie. Una pieza casi de piano clásica, bella, dulce, agradable al oído, que de repente cobra un dramatismo con acordes disonantes que elevan la canción a lugares impensados para un músico. Pero en palabras de Rick Wakeman: “Recibí una llamada de David diciéndome: ¿Puedes venir a casa? Fui, me senté con él, sacó esa vieja guitarra maltrecha de 12 cuerdas y dijo: Voy a tocarte algunas canciones. Y me tocó estas canciones, una tras otra. Life on Mars? Era para mí la canción destacada, pero era un desafío en ciertas áreas, por la estructura del acorde, porque te hacía bajar pateando el tablero con una estructura de acordes estándares, y entonces de repente bajaba. Y es un clásico ejemplo de donde él tira un acorde que no esperarías. Sólo David haría algo así. La canción es la alegría de un pianista.” Y es que Life on Mars? Es una bellísima composición por momentos de tintes clásicos y hasta épi-

cos, la ductilidad de Rick para captar a la perfección la idea de David y los arreglos de cuerdas de Mick Ronson hacen de la canción una maravilla. Lejos queda la real historia de donde viene la canción, casi que no importa (My Way). El Bowie más humano aparece como pocas veces, desnudo, despojado de todo traje que lo oculte, mirando que su momento es único y distinto (el nacimiento de su hijo Duncan Zowie Jones), por lo cual debe registrarlo de alguna forma y la mejor manera que tuvo fue “Kooks”. Una canción simple con una atmosfera folk. Según se cuenta Kevin Cann en su libro “Any Day Now - David Bowie: The London Years: 1947-1974” del 2010, David estaba escuchando a Neil Young cuando se enteró del nacimiento. Una letra en donde (en cierta forma) aconseja a su recién nacido hijo que se puede quedar con sus padres raros, aunque él también será uno de ellos. Y en otro momento lo (aconseja) que si va al colegio no se pelee con matones o canallas, porque él no es policía para pegarles a los papás. Una dulce melodía y un gran arreglo de cuerdas de Mick. Es el momento de una de las grandes canciones de este álbum, “Quicksand”. Una letra muy impenetrable, pero con referencias a personajes políticos como Churchill, Garbo (Doble agente español llamado Juan Pujol), o Heinrich Himmler (el brujo negó nazi creador de la SS) y hasta el Brujo Aleister Crowley. Como así también a la teoría del “Superhombre” de Nietzsche. Pero más allá de todo lo referente a la letra, el tratamiento de lo sonoro es impecable. Ken Scott realizó múltiples tomas de la guitarra acústica (antes utilizado por Ken en “All Things Must Pass” de George Harrison) con unos bellísimos arreglos de cuerdas de Mick. Imposible no recordar la versión 26 años después junto a Robert Smith. “Fill Your Heart” es una versión de una canción compuesta por Biff Rose y Paul Williams que aparece en 1968 en el primer álbum de Rose. La canción que iba a estar en su lugar era “Bombers”. Llega el momento de mostrar sus influencias adquiridas en el viaje a los Estados Unidos, en las siguientes tres canciones. “Andy Warhol” dedicada al artista que fue de gran inspiración para David Bowie. Originalmente fue compuesta por David para Dana Gillespie, pero si

137

bien la estrenó en un programa de la BBC radio (en el primer programa de John Peel del 20 de junio de 1971). Bowie al llevó a un estudio y armó esta versión con un dúo de guitarras acústicas con Mick Ronson. “Escribí una canción sobre él y eso me vinculó más a él, en cierto sentido. Él la odió, la despreció. A la gente le dijo después: Es la peor cosa que he oído jamás. Me sentí molesto por eso. Pensé que era como un retrato halagador de él. Pensé que era una imagen muy contemporánea del tiempo de Andy. Si pudieras llevar la cámara hacia atrás, preferiría hacer algo”. Y se filmó haciendo mímica del sentimiento de destripamiento que le causó este hecho. (Estás imágenes se pueden ver en el documental “Five Years”) No puedo dejar de marcar que el riff de guitarra fue casi reutilizado por Metallica en “Master of Puppets”. La segunda muestra de sus influencias es “Song for Bob Dylan”. La historia cuenta que es una parodia y homenaje a la vez. La parodia es de una canción del propio Dylan, llamada “Song to Woody” de su primer álbum en donde le rinde un homenaje a Woody Guthrie. En la canción Bob canta: “Hey, hey, Woody Guthrie, I wrote you a song” (Hey, hey, Woody Guthrie, Te escribí una canción). Pero Bowie dice: "Hear this, Robert Zimmerman, I wrote a song for you." (Escucha esto, Robert Zimmerman, escribí una canción para ti." (Utiliza el nombre real de Dylan) Sobre la canción David dijo “es la forma en la que algunos ven a Bob Dylan”. Y esta es la piedra fundacional de lo que vendrá con los siguientes álbumes. Bowie dijo: “Song for Bob Dylan” representa lo que quería hacer con el rock. Fue en ese período que dije: “Bueno, si (Dylan) no quiere hacerlo lo haré yo… Vi ese vacío

de liderazgo. A pesar de que la canción no es la más importante en el álbum, representa para mí lo que el álbum. Si no había alguien que utilice el rock 'n' roll, entonces yo lo haría”. Y en tercer lugar llega “”Queen Bitch”, un tributo a La Velvet underground y Lou Reed y sin lugar a dudas acá percibimos el futuro próximo, el siguiente paso a dar por Bowie. Es una de las mejores canciones del álbum, sucia, dura, rockera, simple, pero efectiva. Por momentos parece imitar a “Sweet Jane” y hasta a la voz de Reed. Es el paso previo para Ziggy. La melodía de voz de David, además de recordar a Lou, es una clara manera de cantar de muchos cantantes del movimiento que explotaría unos cuantos años más con el punk, como así también la guitarra del estribillo de Ronson. Para cerrar el álbum David nos ofrece “The Bewlay Brothers”, una canción que empieza acústica y luego va subiendo la intensidad. Con un aire folk la letra se va desgranando un sin sentido, pero hacia el final imágenes que haarían pensar que los hermanos Bewlay son David y su medio hermano Terry Burns (quien sufría de esquizofrenia). Al respecto Bowie había dicho que la letra estaba dedicada a los buscadores de significados de letras, ya que en gran parte carece de sentido, pero hacia el final de la letra se puede leer frases que están emparentadas con Terry. Pero hacia la década del 2000 ha admitido que a veces pensaba en su relación con Terry, y que realmente no sabía si era real o era otra parte de él mismo. Según Bowie de eso se trata la canción. En el disco “Lust for Life” de Iggy Pop, figura como productores “Bewlay Bros.” Seudónimo que escondía al trío Bowie, Pop y Colin Thurston. Hunky Dory, es un trabajo complejo de escuchar, con muchos matices y muchos preparativos para lo que vendría, ya que no es Glam (pero lo tiene), no es Folk (pero lo tiene), no es Blues (pero lo tiene), no es pop (Pero lo tiene), tiene todo eso junto y separado. Pero si uno se sitúa en la búsqueda en la que David se encontraba, si uno puede abstraerse de lo que siguió. Uno lo termina de disfrutar con gran placer. ¡Está todo bien, David! Nos has dejado un gran disco.

139

Los Colores de Bowie David Bowie - Diamond Dogs (1974)

[ Por Sergio Arreola Reséndiz ]

En la naturaleza el camuflaje es utilizado como el acto más original para la supervivencia, ante todo peligro habrá que mimetizarse con el entorno. En nuestras diversas ciudades las máscaras (o convencionalismos sociales) son un sinónimo de perversión que sobreviven en la mentira, careciendo así de toda realidad, todo parece ser una careta, un domingo de carnaval, pero el disfraz somos nosotros, nuestros actos, nuestra moral, el discurso de nuestra alma en la desnudes del espejo. Desde hace muchos años David Robert Jones mejor conocido como David Bowie ha jugado con todos esos colores que nos definen como sociedad, cuestionando la locura que nos agobia pero también enalteciendo las seducciones que nos pervierten o las perversiones que nos seducen, bueno el orden de los factores no altera nuestros gustos ni mucho menos las excentricidades. Hablar de Bowie es como decir algo sobre un océano inmenso, la obra de él viaja de los arreboles otoñales más melancólicos a los tonos tornasoles y el láser fluorescente. Deteniéndonos en su disco “Diamond Dogs” de 1974 me parece que es su primer trabajo en donde su perspectiva musical toma un giro diferente, esta grabación es un puente, una curva en la carrera del camaleón, en esta producción él se permite renovar su sonido, darle frescura, se permite jugar con su muy peculiar forma de ha-

cer de su música un laboratorio. Ya de por si sus trabajos tenían un sonido único, con “Diamond Dogs” existe una empatía con lo visceral, con el desorden que inclusive se verá mejor pulimentada en el futuro, ríe del sarcasmo y cuestiona la perspectiva del progreso en los 70tas. Bowie no es un camaleón, ni la mascarada a media noche, en todo caso es un actor que resume nuestros vicios, el vacío de la mundanidad de la cual no escapa nadie, él es un prisma de colores vastos, va al espacio porque su vida misma es una odisea pero bien sabe él que pertenece a la superficialidad de las ciudades, no de las estrellas. Juega al nutriólogo mezclando a la perfección leche y cocaína, aderezado con la compañía de J. Page. Encapsula de la mejor manera la idea de como es el verdadero sueño americano. Todo eso y más es “Diamond Dogs”, un disco que fue primer lugar en Londres, además de ser un manual “rebel rebel”, sin dejar de lado que es una de las obras más profundas que toman la idea de la posguerra, este trabajo raya incluso en La Náusea de Sartre, se percibe ese sabor acre de la existencia en su más pura densidad, si, esa espesura expectante, vigilante, orwelliana para ser más exactos, mas como buen londinense a veces nos da la esperanza, de “Un mundo feliz”.

David Bowie en el Dance Hall David Bowie - Young Americans (1975) [ por Bernardo Jiménez Mesa ]

El siguiente álbum a ser re-visitado, escuchado y analizado, llegando del pasado a la luz de los días que vivimos, es el noveno álbum del señor camaleón, Mr. David Bowie (sin haber llegado a los 30 años y entonces ya con casi una decena de álbumes). Bowie apostó al eclecticismo a lo largo de su carrera, el transformarse en cada nuevo trabajo, entregar lo inesperado a sus seguidores y detractores por igual, y éste álbum no es ni mucho menos la excepción. Young Americans es Bowie justo antes de la que, considero, su mejor etapa creativa. En los años siguientes al lanzamiento de este álbum el mundo vería nacer trabajos como “Low” (mi gran favorito), “Heroes”, “Scary Monsters”, entre otros; y los álbumes que precedían al mismo también fueron brillantes (unos más que otros, pero todos frescos e interesantes). La intención detrás de éste experimento llamado Young Americans es admirable en tanto que es una jugada muy osada que requiere esa convicción que pocos, muy pocos, poseen. Sin embargo, Young Americans es un trabajo que para los fans del Bowie más denso y bizarro, difícilmente satisface. Grabado en Filadelfia (USA) con músicos de sesión locales; explorando ritmos y colores del imaginario estadounidense y titulando el álbum, nada más y nada menos, usando la frase “Jóvenes Americanos”. Este álbum es

la visión y la inmersión del delgado caballero blanco en la sociedad americana… Tomando descaradamente y sin remordimiento elementos del Dance Hall y Soul, Young Americans es Bowie en una versión totalmente nueva y que afortunadamente no duraría mucho. Escuchar éste álbum no es fácil si te gusta el Bowie más denso. Debo confesar que fue un gran esfuerzo para mí y sólo corrobore mí temor inicial cuando me fié encomendada esta labor: Young Americans es uno de los álbumes que menos disfruto de David Bowie (probablemente el último de toda su extensa lista)…y soy fan, solo que…Young Americans con su sección de cobres, coros, arreglos, etc., es demasiado… y por ende muy poco. Rescataría los dos temas en los que John Lennon interviene: Accross the Universe (original de The Beatles, y Fame). Poco tiempo después Bowie realizaría Station to Station (que es algo mejor que Y.A, sin ser un álbum grandioso) y seguiría “la joya de la corona”: “Low”… escuchad el último álbum mencionado, y no solo olvidaras cualquier intento fallido por parte de Bowie, sino que convertirás en admirador del camaleón del rock.

141

No soportó la prueba del tiempo David Bowie – Station To Station (1976) y el Duque Blanco [ Por Erick R. Vieyra ]

Desde sus inicios, Bowie antes había puesto ya en marcha la creación de personajes para representar distintas tipologías del arte, y el Duque Blanco, personaje usado para el Station To Station, no es más que uno de esos múltiples personajes. Esto lo hacía Bowie, ya fallecido en enero del año en curso, al menos para ejercer dos cosas; su admiración por el arte teatral, y la intención de hacer impersonal sus actividades como artista. David Bowie renegó de casi todos sus personajes una vez que dejaba de representarlos, y para cada uno de ellos era crítico y sostenía que poco o nada tenían que ver con su persona, esto como si se pudiera hacer una línea de delimitación entre “la persona” y lo que ésta hace durante un periodo de tiempo, ello de forma independiente a si lo hecho es adecuado o no. Para el caso del Duque Blanco, que era una especie de artista drogadicto obsesionado con lo nietzscheano, el ocultismo, el nazismo y con la frialdad humana, Bowie lanzó múltiples diatribas (como si “él” hubiera sido una persona distinta al mismo David Robert Jones -nombre real de David Bowie-). Eso, visto con ecuanimidad, transcurre de la creatividad a lo absurdo; es decir, se tiene que ser bastante creativo para generar personajes para la puesta en escena, pero se es absurdo cuando se cree que esos personajes no tienen nada qué ver con el creador. Siendo realista, David Bowie estaba profundamente atado a las drogas en aquellos días, principalmente a la cocaína. Cabe mencionar que a mediados de los setentas fueron muchos los sectores que comulgaban con el nacionalsocialismo dado que Europa estaba en crisis y se estaba discutiendo la viabilidad de distintos modelos de sociabilización para solucionar la crisis política, económica y social asociada a los precios del petróleo y las materias primas (el

neoliberalismo fue un modelo que emerge de la crisis de los setentas). Incluso, David Bowie no fue el único artista que barajeó al nacionalsocialismo como opción, se pueden mencionar múltiples proyectos y grupos que idealizaron con el potencial del nacionalsocialismo en Europa. Así que, al menos desde esta posición, no hay nada especialmente extraño en ese periodo de David Bowie, era sólo parte de su proceso de aprendizaje. Incluso él adoptó el neoliberalismo como ideología de su forma de vida ya bien entrados los ochentas, lanzó su trabajo para que se jugara en la bolsa por los inversionistas, los carroñeros y los buitres, se convirtió en un cerdo capitalista adoptando una ideología que es más sutil, pero casi igual de brutal que los fascismos y mucho más promotora de la desigualdad social que el nacionalsocialismo. Y de ello nunca se retractó. Respecto a lo que hay en el Station To Station, se trata de un disco que tuvo una importante influencia, pero que no soportó la prueba del tiempo. Es un disco relativamente tedioso, con pocos destellos, pero bien manejado en la cuestión publicitaria, además de ser un material que marcó la llegada de una trilogía impactante conocida hoy como La Trilogía de Berlín. También es entendido como un disco de transición entre lo que fue el Ziggy Stardust (proto punk, psicodélica) y el periodo experimentalista que comenzó con Low y se agotó después del Scary Monsters.

Sin Pena Ni Gloria David Bowie – Tonight (1984) [ Por Rodrigo Debernardis ]

Nadie puede negar que David Bowie ha estado siempre a tono con la época. Entre muchos de sus atributos, El Duque Blanco, sobre todo musicalmente, siempre ha sido un exponente indiscutido de su momento. Ziggy Stardust de 1972, Let`s Dance de 1983 y Earthling de 1997 son muestras de esto de que Bowie supo siempre cómo debían sonar sus discos. Tonight no es la excepción. Pensado, según el propio David, para retener al público que había conseguido con el exitoso antes mencionado Let`s Dance (algo que finalmente no terminó logrando…Tonight es bastante más flojo que su antecesor), el álbum tiene el típico sonido pop-soul-dance de primera mitad de los ochenta. Abre con un gran track, una hermosa canción, “Loving An Alien”. Qué emocionante cuando un disco arranca de esa manera y nos hace ilusionar… lástima que muy pocas veces nuestras expectativas llegan a cubrirse, y acá ocurre esto mismo. El track 02, Don´t Look Down, es una re-incursión de Bowie en el reggae (lo había hecho en “Lodger” de 1979). Lo sigue una versión pop del clásico de los Beach Boys “God Only Knows” (me quedo toda la vida con la de Wayne Hussey…bah, en realidad me quedo con la original). El track 04, “Tonight”, es oooootro reggae (no me gusta el reggae). Como dato administrativo se puede decir que esta canción, así como la siguiente, “Neighbourhood Threat”, son covers de “viejos” temas de su “viejo” compañero de ruta Iggy Pop (se nota la mano la de La Iguana, sobre todo en “Neighbourhood…”) El track 06, “Blue Jean”, es otra de las canciones maravillosas del disco. Junto con “Loving The Alien”, las únicas 2 composiciones del álbum hechas enteramente por Bowie, el track son 3.13 minutos de riquísimo rock bailable. “Tumble & Twirl” (track 07, colaboración entre El Duque Blanco y Pop) suena correcta, con una sección de vientos bien al frente y nada más. “I Keep Forgettin” (08) no dice

nada y el disco termina con otro tema de composición mixta (Bowie + Pop + Carlos Alomar, guitarrista del disco y recordado productor del disco Doble Vida, de los Soda Stereo).”Dancing With The Big Boys” cierra un álbum que arranca con todo, se diluye un poco, pareciera que resurge y se apaga sin pena ni gloria. Puntuación del 1 al 10: 6 diegocenturiones

El Regreso del Rey David Bowie – 1.Outside (1995) [ Por Gabo Rojo ]

Tras su periodo de enorme éxito mainstream en los 80s, Bowie sintió que había perdido el rumbo. El brillante y algo amenazante guitarrista Reeves Gabrels lo rescató haciéndolo “desaparecer” dentro de la banda Tin Machine, primer paso de una recuperación artística que culminó en 1. Outside, el álbum más ambicioso de su carrera, y en el que se reunió con el mítico Brian Eno. Pero Outside no podría estar más lejos de ser un producto de la nostalgia. Lo único que tiene en común con la legendaria “trilogía de Berlín” de Bowie y Eno es su sentido de innovación y calidad radical.

143

Se trata de un álbum conceptual centrado en la historia de un asesinato en un mundo distópico que sólo Bowie podría haber creado. La narrativa se encuentra por una parte en el booklet del disco y por otra en segmentos hablados dentro del mismo álbum, donde Bowie brillantemente interpreta a los distintos personajes modificando su voz tecnológicamente. No importa que la trama no sea del todo comprensible: todos estos detalles consiguen lograr que el álbum sea un mundo propio y uno se pueda sumergir en él de la forma que haría con un libro o película de primera. Lo que hace que un disco conceptual sea memorable, sin embargo, es, como en cualquier otro disco, la calidad de sus canciones. Afortunadamente, aquí la calidad sobra. Outside abre de forma operática, con Bowie declarando sobre el sonido electro-industrial que domina al álbum que “está ocurriendo ahora, no mañana… la música está afuera.” “The Heart’s Filthy Lesson” es prueba fehaciente de que el Duque Blanco hablaba en serio cuando decía que ya no le importaba si sus singles vendían o no: es simplemente una sangrienta pesadilla post-industrial, no del todo desprovista de groove y hasta cierto enganche Pop, si uno se esmera en encontrarlo. “Hallo Spaceboy” fue luego convertida por los Pet Shop Boys (otra de las influencias del álbum) en un himno Dance, pero la versión original sigue siendo la más impactante. Cuando Bowie, en el estribillo, afirma “este caos me está matando”, le creemos: la cacofonía que suena

detrás suyo es efectivamente el sonido del mundo viniéndose abajo. “The Motel” empieza como un tétrico segmento Ambient para luego evolucionar en algo parecido a cómo hubiese sonado Tom Waits si fuese un personaje de Blade Runner. “I Have not Been to Oxford Town” torna una desesperada declaración de un acusado de homicidio en una alegremente pegadiza pieza Funk-Pop con cierto aire a Scary Monsters. “Through These Architect’s Eyes” es un épico recorrido por este mundo futurista venido a menos, pero no todo es desesperanzador: después de tanta revolución sónica, el disco cierra con “Strangers When We Meet,” una bellísima, inmaculadamente ejecutada balada de Bowie al estilo más clásico. La música del disco, que toma tanto de la escena Electrónica de los 90s como del Avant Garde y hasta del Jazz, fue seleccionada de entre horas de zapadas de los músicos, entre quienes se encontraban Gabrels, el espectacular pianista Mike Garson (aquí más sacado que nunca) y el baterista Sterling Campbell. Esto se nota en algunos temas menos formados como canción (“A Small Plot of Land”), pero la pasión con la que la música está interpretada es tal que prácticamente todos los segmentos del álbum son notables (Eno, famosamente, le había solicitado a cada músico que tocara según un rol determinado, por ejemplo “eres un miembro disconforme de una banda de Rock Sudafricana. Toca las notas que han sido suprimidas.”) Outside no fue un éxito comercial en su momento. Resultó demasiado inaccesible para muchos, y otros lo vieron como un intento de estar a la moda con los sonidos de Nine Inch Nails y demás, sin poder ver que aquí Bowie hizo lo que siempre supo hacer: tan bien tomar los sonidos de vanguardia de la época y volverlos suyos. Con el tiempo, sin embargo, el álbum ha ganado estatus y hoy día es considerado como la obra cumbre del Bowie mayor, a la altura de muchos clásicos de los 70s. En realidad es incluso más que eso: 20 años tras su lanzamiento, sigue presentando misterios no resueltos y mundos para descubrir. Tan culturalmente relevante como “Trainspotting”, “La Naranja Mecánica” o SMIle, Outside es una obra imperdible para cualquier amante de la música con agallas, irrepetible en la escena discográfica actual.

EL BOWIE DE 1910 David Bowie - The Deram Anthology (1997) [ Por Gabo Rojo ]

Ya desde el primer tema de este compilado, el single “Rubber Band” de 1966, tenemos a Bowie en estado puro: una performance vocal intensamente teatral (que anticipa su rendición de Baal en los 80s), un sonido desconectado de su tiempo, un sentido de desesperación apenas disimulado, y letras que pare-

al puesto número 1 de los rankings británicos como la “Crazy

cen venir de alguien que ha vivido un millón de años, en las que

Frog.” Las agridulces “The London Boys” y “There is a Happy

un David Jones de apenas 19 años recuerda “lo guapo y fuerte

Land” anticipan su enfoque a los conflictos generacionales que

que era en 1910” y el amor que perdió durante la Primera Gue-

culminarían en Hunky Dory (¡donde Bowie ya efectivamente

rra Mundial (!)

se separa de la raza humana!) En la perturbantemente profética

Con temas de semejante interés, ¿por qué será que el

“We are Hungry Men” (excluida de la edición original del disco

material de Bowie anterior a “Space Oddity” ha sido siempre

en USA) Bowie describe a los gritos una sociedad superpoblada

sistemáticamente ignorado, tanto por los innumerables compi-

que ha caído en el peor de los totalitarismos (“¡todo culpable de

lados que siempre empiezan a partir del 69 como, en su mayo-

consumir más aire que la cuota que le corresponde será asesi-

ría, por el mismo artista?

nado y cremado!”) “When I live my dream” es una deliciosa ba-

Quizás sea porque la instrumentalización de estos

lada en la que el narrador le permite a la sociedad que se burle

temas es bastante ajena al Rock (ni una guitarra eléctrica –

de él y a su chica que se vaya con otros, ya que todo se solucio-

con suerte alguna acústica, más bajo, batería e instrumentos

nará “cuando logre su sueño.” La bizarramente titulada “Come

de viento.) Quizás porque las canciones no están a la altura de

and buy my toys” se basa en un riff acústico casi idéntico al que

Hunky Dory o Ziggy Stardust – pero, francamente, casi nada lo

Madonna usaría 34 años más tarde para su tema “Don’t Tell

está. Sea cual sea el motivo, The Deram Anthology, editado en

Me.” “Let me sleep beside you” es una canción madura de pri-

1997 en el mundo e, insólitamente, en el 2016 en Argentina,

mer nivel, mientras que “Please Mr. Gravedigger” consta nada

nos acerca a esta etapa casi desconocida del músico alternati-

más de una espeluznante narración a capella por sobre sonidos

vo más exitoso de todos los tiempos de la mejor manera posi-

de lluvia y ruidos varios. Mediante estas descripciones ya debe-

ble: el disco contiene el primer álbum de Bowie en su totalidad

ría quedar claro que estamos hablando de un material variado,

además de los singles y versiones alternativas de la época, todo

individual, excéntrico y visionario, proveniente de una mente

esto acompañado por unas excelentes notas del experto Mark

excepcional.

Adams.

Las versiones alternativas de temas como la encanta-

Estas 27 grabaciones no muestran a un Bowie en bús-

doramente irónica “Love you till Tuesday” y “When I live my

queda de su personalidad como artista, sino que confirman que

dream” fueron algo más adornadas para ser lanzadas como sin-

su individualidad estuvo definida desde un principio, y lo úni-

gles, y debido a esto, como tantas otras veces, pierden en cierta

co que faltaba definir era su dirección musical concreta. Las ge-

forma el carisma de las originales. Sin embargo, son de interés

mas abundan. En la desopilante “The Laughing Gnome” Bowie

para el completista, así también como la versión temprana de

hace dúo con una versión de sí mismo distorsionada por bási-

“Space Oddity” que cierra este maravilloso compilado, dando

camente el mismo efecto de voz que 38 años más tarde llegaría

pie a la legendaria etapa que seguiría.

145

147

David Bowie - Space Oddity & Schelvispekel [ Por Max Wilda ]

En general elijo a mi placer un trago o bebida espirituosa para disfrutar un disco determinado, en este caso especial, siendo una circunstancia especial, voy a elegir la bebida que el compositor prefería sin dudarlo. No es una forma de ser condescendiente con el mismo, sino una forma de homenaje a su reciente partida. En este caso será el que muchos consideran el verdadero primer disco de David Bowie, Space Oddity (1969) y que curiosamente tuvo una reedición unos años después en 1972, sin nombrar las más actuales de 1990 y 1999. Recuerdo un reportaje en el que a David le levaban un Schelvispekel haciendo alusión que era su bebida favorita. Este licor especiado de origen danés (salmuera de abadejo, traducción al castellano), que se prepara con brandy y una mezcla secreta de especias, era el preferido de los pescadores de principios del siglo XX para mantenerse calientes durante los días en el mar. No creo que esté muy lejos de lo que he pensado para esta ocasión ya que este disco es una travesía, el inicio si así se quiere de lo quien es uno de los músicos más influyentes y creativos de todos los tiempos. No quiero hacer en este caso una pasada tema por tema como frecuentemente hago. Tampoco hacer alusión temporal ni al hecho que hubo influencia del film de Stanley Kubrik. Me gustaría ir más allá, ver globalmente este trabajo. Si lo vemos desde el lado purista, encontramos una mezcla de folk, algunas baladas y algún tinte de rock progresivo. No es algo sorprendente ya que los colaboradores del mismo van desde Rick Wakeman hasta un violoncelista como Paul Buckmaster. Si me es sorprendente que a pesar de tener diferentes condimentos (muy diferentes como armónicas, teclados, cuerdas, guitarras acústicas, sinfonías) y una voz tan overlayered que el sentido de flotar en el espacio está presente a cada momento. Todo parece estar amalgamo, como las camalieónicas personalidades de Bowie, las cuales para mí siempre fueron un accesorio visual, una forma de comunicar, no una bús-

queda musical. Siempre supo lo que quería en cada época, siempre encontró un hilo conductor, con matices, sí, pero no con desfiguraciones. No hay tema que demuestre titubeo, todos se plantan, como el marinero avalentonado por su misión y por el Schelvispekel. ¡Esa también fue su actitud siempre, hasta el final! No necesitaba una figura disminuida para mostrar melancolía, ni una exacerbada para mostrar felicidad. Esa es la forma de un noble, de un Duque, irreverente pero amable, cítrica y dulce a la vez, seductora y repulsiva, protestante pero condescendiente, sexual y asexual, desenfadada, embriagante y estimulante, inalcanzable pero a la mano de todos. Así era la forma de alguien que era un “demasiado”. Demasiado femenino para un rocker, demasiado rock para el pop, demasiada experimentación para oídos simples, demasiado popular para la elite de paladar negro, alma muy negra para un Duque blanco, demasiada creatividad y música para un solo artista, un solo hombre. Hasta su heterocromía (anomalía de los ojos en la que los iris son de diferente color) indicaba que no era suficiente un solo color. Recomiendo imperativamente que escuchen este disco, luz apagada, ojos cerrados, si pueden un Schelvispekel o en su defecto cualquier otra espirituosa, sillón cómodo y sumérjanse en el vasto océano del espacio… seguro sentirán un caricia del Duque. ¡Salud!

LAS VIDAS DEL CAMALEÓN 08 Enero 1947

Mayo 1964

Nace David Robert Jones

Se edita el single "Liza Jane" de

en Brixton (Londres).

1956 Descubre a Little Richard y Elvis Presley. Sobre "Tutti Frutti" dijo "había es-

Davie Jones & The King Bees.

05 marzo 1965 Se edita "I Pity the Fool" de The Manish Boys.

cuchado a Dios". Sobre Elvis: "Vi a una de mis primas bailar al ritmo de "Hound Dog" y nunca la había visto levantarse y moverse tanto por nada. Realmente me

20 Agosto 1965

impresionó el poder de la música. Justo

"You've Got a Habit of Leaving"

después de eso comencé a adquirir

de Davy Jones and The Lower Third.

discos". 1961

Diciembre 1965

Su madre le regala un saxo de plástico.

Davy (Davie) Jones cambia su nombre a David Bowie. Jim Bowie creador del cuchillo Bowie.

1962 En una pelea por una chica con George Underwood es golpeado en el

14 Enero 1966 Se lanza "Can't Help Thinking About Me" de David Bowie with The Lower

ojo provocándole "anisocordia", un sello característico de su personalidad. 01 Junio 1967 1962 Forma Kon-rads con su amigo

Se lanza el álbum debut de David Bowie.

Underwood.

11 Julio 1969 Se lanza "Space Oddity". 1963 Forma King Bees.

149

14 Noviembre 1969 Se lanza David Bowie - David Bowie (Versiรณn en EEUU Man of Words/Man

08 Noviembre 1972 Produce Lou Reed - Transformer

of Music o Space Oddity)

04 Noviembre 1970 Se lanza The Man Who Sold the World

13 Abril 1973 Se lanza Aladdin Sane

30 de mayo de 1971 Nace Duncan Zowie Haywood Jones.

19 Octubre 1973 Se lanza Pin Ups

17 Diciembre 1971

24 Mayo 1974

Se lanza David Bowie - Hunky Dory

Se lanza Diamond Dogs

08 Febrero 1972 Bowie en The Old Grey Whistle Test

29 octubre 1974 Se lanza David live

06 Julio 1972

07 Marzo 1975

David Bowie aparece en Top of the

Se lanza Young Americans

Pops

16 Julio 1972 Se lanza The Rise And Fall Of Ziggy Stardust

23 Enero 1976 Se lanza Station To Station

08 Septiembre 1972 Produce Mott the Hoople - All the Young Dudes

20 Mayo 1976 Se lanza ChangesOneBowie

151 14 Enero 1977

01 Septiembre 1984

Se lanza Low.

Se lanza Tonight.

14 Octubre 1977

23 Junio 1986

Se lanza Heroes.

Se lanza Labyinth Soundtrack รกlbum.

08 Septiembre 1978

27 Abril 1987

Se lanza Stage.

Se lanza Never Let Me Down.

18 Mayo 1979

22 Mayo 1989

Se lanza Lodger.

Se lanza Tin Machine.

12 Septiembre 1980

19 September 1989

Se lanza Scary Monsters

Se lanza Sound + Vision.

(And Super Creeps).

Noviembre 1981

20 Marzo 1990

Se lanza ChangesTwoBowie.

Se lanza Changesbowie.

14 Abril 1983

02 Septiembre 1991

Se lanza Lets Dance.

Se lanza Tin Machine II.

Octubre 1983

24 Abril 1992

Se lanza Ziggy Stardust

Se Casa con Iman.

The Motion Picture Live.

14 Enero 1977

01 Septiembre 1984

Se lanza Low.

Se lanza Tonight.

14 Octubre 1977

23 Junio 1986

Se lanza Heroes.

Se lanza Labyinth Soundtrack รกlbum.

08 Septiembre 1978

27 Abril 1987

Se lanza Stage.

Se lanza Never Let Me Down.

18 Mayo 1979

22 Mayo 1989

Se lanza Lodger.

Se lanza Tin Machine.

12 Septiembre 1980

19 September 1989

Se lanza Scary Monsters

Se lanza Sound + Vision.

(And Super Creeps).

Noviembre 1981

20 Marzo 1990

Se lanza ChangesTwoBowie.

Se lanza Changesbowie.

14 Abril 1983

02 Septiembre 1991

Se lanza Lets Dance.

Se lanza Tin Machine II.

Octubre 1983

24 Abril 1992

Se lanza Ziggy Stardust

Se Casa con Iman.

The Motion Picture Live.

153 25 Junio 2004

2011

Luego del Hurricane Festival se

Se lanza Toy (por Internet, el disco

somete a una angioplastía

perdido y que no quiso lanzar la

(suspende el resto del tour).

compañía.

08 Marzo 2013 07 Noviembre 2005

Se lanza The Next Day.

Se lanza The Platinum Collection.

19 Marzo 2007 Se lanza The Best Of David Bowie 1980 - 1987. 18 Noviembre 2014 Se lanza Nothing Has Changed (The Very Best Of Bowie). 29 Junio 2008 Se lanza iSelect.

25 Septiembre 2015 Se lanza Five Years (1969–1973).

06 Julio 2009 Se lanza VH1 Storytellers.

08 Enero 2016 Se lanza ? (Blackstar).

25 Enero 2010

11 Enero 2016

Se lanza A Reality Tour.

Una Nueva Estrella en el Cielo...

[ Por Diego Centurión - Fotografía Nazarena Talice]

UN TRIBUTO DE MÚLTIPLES TRIBUTOS

155

Muchos tributos se han sucedido a lo largo de estos meses ya

Woodmansey, Tony Visconti y James Stevenson), o el concierto

sin David. Desde el mismísimo momento que sucedió el inicio

a beneficio ocurrido el pasado 30 de marzo y el 1° de abril en el

de ésta nueva gira, que nunca más lo traerá de nuevo. Los mú-

Carnegie Hall, en donde gente como Michael Stripe, Pixies, J

sicos y la gente misma se juntaron para homenajear a su ma-

Masis con Sean Lennon, Cat Power, Jakob Dylan, Perry Farrel,

nera al gran Bowie. Ayudado por las redes sociales nos hemos

Flaming Lips, Rickie Lee Jones, los anteriormente menciona-

enterado de los disímiles tributos que han sucedido a lo largo

dos Holy Holy, y junto a Debbie Harry, entre otros se reunieron

de este planeta Tierra, al cual David lo ha visto de diferentes for-

para tributar su música y las regalías fueron a beneficio, o el más

mas. Por nombrar algunos podemos empezar por las iglesias

reciente David Byrne The Roots & Kimbra en la ceremonia del

que han tocado en sus campanarios sus canciones. Cómo esas

Rock & Roll Hall of Fame.

espontáneas muestras de respeto, en todo el mundo, en donde sólo se colgó una foto de ventanas o vidrieras.

Hasta el Vaticano y mandatarios de distintos Gobier-

nos han dedicado unas palabras acerca de David.

Y la mirada sobre cada evento puede ser positiva o ne-

gativa, lo cierto es que así fue David Bowie, un personaje que lo podías ver en diferentes veredas, algunas soleadas y en otras oscurecidas por las nubes. Entonces ¿por qué criticar la manera

También los músicos como Steve Wilson, Iggy Pop con la

de realizar un homenaje? Todo entra en el debate en lo concer-

banda de Patti Smith, Madonna, Elton John, Clan of Xymox, y

niente a David Bowie. Porque así fue él, y así dio la posibilidad

muchos más en sus conciertos, le han dedicado una canción al

que todos tuvieran su manera de recordarlo.

gran Duque Blanco (la foto pertenece a Nazarena Talice, nues-

Así es como son estos tiempos de redes sociales, to-

tra fotógrafa en la Cobertura del show de Clan of Xymox en

dos queremos tributar a la persona que fue un punto de partida,

Buenos Aires recientemente mientras la banda tocaba su ver-

tan grande como The Beatles, Los Rolling Stones, Pink Floyd, o

sión de Heroes).

quienes se les ocurra.

Los tributos fueron muchos, algunos excelentes como las palabras de Annie Lennox y Gary Oldman y desde lo musical con Lorde junto a la banda del propio Bowie en la entrega de los Brit

David influenció a la mayoría de los músicos que hoy escuchamos.

Pocas veces he visto una manifestación de respeto y

Awards, al bochornoso de Lady Gaga en la entrega de los Gram-

tributo a un artista, tan grande a nivel mundial y a la vez tan vi-

mys. O muchos han utilizados las redes sociales para expresar

ralizada como la ofrecida en estos meses.

sus sensaciones por tan sentida partida.

También hubo recitales en donde el eje central fue

Bowie nos ha enseñado y nos sigue enseñando más allá de su

su música, una gira tributo a la música de David Bowie bajo

lejanía. Y nosotros no queríamos dejar de hacerle nuestro ho-

el nombre de Holy Holy, entre los que se encuentran Woody

menaje, a la manera de Revista The 13th.

157

159

Jherek Bischoff And Amanda Palmer | Strung Out In Heaven: A Bowie String Quartet Tribute Label: Amanda Palmer Self-released Fecha de Lanzamiento: 05 de Febrero de 2016 [ Por Diego Centurión ]

La vocalista de The Dresden Dolls desde hace varios años que viene trabajando como solista en medio de sonidos que nos llevan desde el dark cabaret hasta la música más experimental. Un EP de seis reinterpretaciones exquisitas, originales y arriesgadas. Este dúo que se conocen de proyectos juntos, se alían a una serie de invitados que engalanan este trabajo. Abren con un Blackstar oscuro y disonante, a menos de un mes del original realizan una reinterpretación audaz, provocativa y precisa. Acompañados por Anna Calvi quien aporta su extraña manera de cantar haciendo, con el juego de cuerdas, una apertura auspiciosa. Space Oddity es una bellísima versión con la voz de Neil Gaiman, quien casi susurrando nos desarma junto a los arreglos de cuerdas. Nos hacen viajar como el Major Tom. También colabora en guitarra Jono Manson. Maravillosa. Ashes To Ashes es la próxima reinterpretación. Amanda se hace cargo de la voz de manera magnífica. Escuchar estas versiones nos hace soñar con un disco de David con una Sinfónica que nunca hizo, y qué bien hubiese

Various | The Many Faces Of David Bowie (A Journey Through The Inner World Of David Bowie) Label: Music Brokers Fecha de Lanzamiento: 12 de Febrero de 2016 [ Por Diego Centurión ]

¿Siempre es un buen momento para editar un compilado sobre una figura que se ha desvanecido? ¡Sí!. ¿Este acto de lanzar un compilado, cuando hace un mes de su fallecimiento, puede leerse como oportunismo? ¡Sí!. “The Many Faces of David Bowie” es un acto de justicia (si se quiere) del sello Music Brokers (nacido en Argentina y hoy con sedes

sonado. Llega uno de los momentos más hermosos de este tributo, Heroes. Con las voces de Amanda y John Cameron Mitchell (quien grabó los coros en un iPhone en su departamento). Y para rematar la belleza de la versión luego viene Helden, la versión en alemán. El juego de los violines y el chelo y viola son emocionantes. Pero el remate de sensibilidad y pureza lo da la última canción, Life On Mars? Una suite que pareciera sacada del siglo XIX, una pieza instrumental que atesora la esencia sensible de una de las mejores canciones de David Bowie. N cierre tan espléndido y bello que me voy a escuchar los originales.

161 en varios puntos de Latinoamérica), en donde muestra música relacionada con David Bowie que tal vez pueda parecer desconocida o difícil de encontrar. En este compilado que consta de tres cds, el primero llamado “The Many Faces Of David Bowie”, el segundo “The World Of David Bowie” y el tercero “Treasures And Songs”, nos da una muestra interesante y satisfactoria del mundo que rodeó a la megaestrella, ya sean sus participaciones en otros álbumes (como músico o como productor) como así también distintos proyectos de sus músicos (como canciones de “Spiders From Mars” con Pete McDonals en voz),

o la propia Angela Bowie (en el Bossa N’ Ramones, de este mismo sello) o no muy conocidas versiones de sus canciones (Ziggy Stardust por Spiders From Mars, o Frankie Goes To Hollywood con "Suffragette City"). Tres álbumes que se puede conseguir en toda Latinoamérica y a buen precio, y, por sobre todo, con material que si bien no es inédito, es muy difícil de encontrar. Y después de todo es una muestra del mundo que rodeó a David Bowie. Si estás con la fiebre de conocer toda su carrera, ahora que no está, es altamente recomendado.

Fifty-Two Years: The Complete Singles (2016) Label: www.willardswormholes.com/ Fecha de Lanzamiento: 19 de Marzo de 2016

[ Por Diego Centurión ]

Frank Blank (no Frank Black de Pixies) es un ex blogger que ha abandonado su tarea y se ha dedicado a contribuir con material esporádicamente en la web willardswormholes.com, esta vez se ha tomado el trabajo (durante algunos meses) de hacer este compilado fantástico y remasterizado. Reunió en 12 álbumes (si, DOCE) todos los singles, cara A y B de la carrera de David. Separados por etapas, tenemos en el primer CD todo su paso desde David Jones with The King Bees (1964) hasta Allí The Madmen (1970); el segundo CD tiene los singles del año 71 al 73; el tercer CD trae desde 1974 hasta julio de 1975; El cuarto CD contiene desde Noviembre de 1975 hasta 1978; el quinto CD desde 1979 hasta 1982; el sexto CD desde el año 1983 hasta febrero de 1985; El Séptimo CD de Mayo de 1985 hasta 1987; El octavo CD abarca

toda la vida de Tin Machine más algunos agregados hasta incluso la canción de “Pretty Pink Rose” del álbum de Adrian Belew; en el Noveno desde 1993 hasta 1996; El Décimo desde 1997 Hasta el 2000; el décimo primer CD va desde 2002 hasta 2004; y por último el Décimo segundo va desde el 2013 hasta Lazarus del 2015. ¡Simplemente Impresionante! Para aquellos que no quieren perderse ninguna edición de singles, es altamente recomendable por la calidad del sonido remasterizado.

163

[ Por Erick R. Vieyra ]

PINTAR HASTA QUE SE TEMPLE EL CUERPO Comentarios y correspondencia: facebook.com/ErickRVieyra83

Es carácter compartido entre los países de las llamadas economías emergentes que el abordaje de su dinámica cultural parta del tumulto que se ejerce en la ciudad capital, esta característica se acentúa cuando el país al que se haga referencia se encuentre a razón de lo que Norbert Elias (sociólogo alemán) definió como parámetros civilizatorios, los cuales se extienden territorialmente desde una directiva centralizada. Contrastando; mientras en los Estados Unidos (país federalista) las escenas culturales están diferenciadas casi por ciudad, en Inglaterra (país donde la ingeniería del Estado se ejerce desde su capital, país que no ejerce un federalismo férreo) las propuestas culturales se cultivan principalmente en Londres. Partiendo de lo que aquí importa, la subcultura, doy un ejemplo; Washington, ciudad capital de los EU, no concentra el espectro contracultural de dicho país, sino que existen escenas en cada ciudad e incluso se pueden diferenciar en función de características muy particulares, el punk californiano es distinto al de Boston tanto en sus revoluciones por minuto como en la forma en que trabajan los productores, en California es rápido y contestatario, en Boston es lento y claustrofóbico. Tomando lo anterior; algo semejante ocurre en España (país centralista) cuando se describe lo que ahí pasó respecto al intercambio cultural con el extranjero, regularmente se parte de abordar la contracultura de Madrid como si ésta fuera hegemónica. Ejemplificando; un turista cultural que se interese por las tradiciones “vanguardistas” que en los ochentas se dieron en España normalmente comienza por familiarizarse por La Movida Madrileña y posteriormente, algunas veces nunca, se entera sobre el Rock Radical Vasco. Las aproximaciones centralistas son positivas como primer acercamiento, pero insuficientes cuan-

do se busca explorar a mayor detalle los diversos matices, divisiones y subdivisiones en lo que compete a la propuesta contracultural (quien escribe esto ha realizado una serie de artículos en The 13th donde se analiza lo “contracultural”, se recomienda el #10 del 2014; pp. 24-33). En paralelo con este número especial de The 13th donde se hace memoria a David Bowie, se abre la puerta a un periodo donde Sunny Pebé se integra al staff de la revista tomando el papel de creadora del arte de portada. Ella ha nacido y vive en la ciudad de Murcia, en la periferia de España, alejada del “centro donde todo suele ocurrir”, alejada de Madrid, en un sitio que es descrito por sus propias palabras como “una ciudad bastante interesante, la cual, mediante gestiones públicas, se ha hecho lo menos interesante posible”. En Latinoamérica sería llamado: pueblo costero. Después del estrecho de Gibraltar se encuentra a un costado mirando la entrada al mar mediterráneo y sumando poco más de 400 000 habitantes. Es una provincia pequeña que, a palabras de algunos con los que he tratado, ve a Madrid con algún celo que no en pocas ocasiones lo enjuicio como envidia. Murcia no ha tenido una dinámica contracultural que se haya caracterizado por su potencia o por tener la buena costumbre de exportar su producción artística. Por el contrario, se maneja casi como circuito local donde los que se “encuentran haciendo algo” suelen ser amigos y conocidos, suelen tener un trato cercano, los hay pintores, escritores, editores, músicos y diseñadores de ruido (noise), pero al manejarse en perímetros cerrados no se ha ejercido el indispensable fenómeno de identificación que dé sello diferenciador a la ciudad.

Otro elemento a destacar es la condición y circunstancias en que juegan sus participantes. Se trata de jóvenes nacidos en la década de los noventas, jóvenes que se desarrollaron en medio de un intenso bombardeo que hizo ver a España como un sueño del capitalismo y que recientemente mostró su auténtico rostro hosco y cruel con la severa crisis que hasta hoy sigue azotando al país. Con el término de la adolescencia la desesperanza llegó a ellos para violentar sus expectativas de desarrollo; estos jóvenes hoy viven en el desempleo, en la falta de oportunidades, en un país que busca fragmentarse, en el fuego cruzado de mentecatas diatribas que nada tienen que ver con lo real, sino que son ideología que sólo obedece la agenda de sus inventores ya sea que ésta se encuentre en el terreno de las ideologías políticas, las ideologías economicistas o las ideologías existencialistas. Y cuando uno es joven es sencillo turbar la ruta efecto de estas problemáticas cuando los encargados de ejercer una ingeniería social responsable han saqueado el país y fracturado los anhelos de aquellos para los que ha llegado el momento de integrarse a las actividades productivas (profesionales o no) en una dinámica de sociabilización. Algo semejante ocurrió en los jóvenes que en los setentas hicieron el punk rock en España (tomando el caso de Eskorbuto, se ha hecho una disertación al respecto en el #9 del 2014; pp. 20-25, donde se sugirió que las condiciones están dadas para la emergencia de nuevos movimientos artísticos en España). Sunny Pebé es una joven murciana nacida en los noventas y con estudios profesionales en filología, ha participado como dibujante de arte en carátulas de discos y fanzines de distribución local, y ahora abre su contribución a nivel internacional con The 13th. Después de una breve entrevista donde se han extraído algunos tópicos se evacua aquí tres directrices dominantes en su trabajo. Primera, encuentra la dinámica contracultural murciana como un “hijo del aburrimiento”. Segunda, el papel que la sugestión para ella tiene un lugar que trasciende lo concreto “los bocetos, dibujos y pinturas son oníricas porque me sugestiono”. Por último, definir su actividad de forma vivencial “no pinto por amor al arte sino por amor a la vida… sentarte a

pintar hasta que se temple el cuerpo”. Ahora bien, el trabajo de Sunny Pebé puede verse en su fanpage (en la parte superior de este artículo se ha incrustado la dirección electrónica). Hay pocas referencias explícitas al respecto del sentido de su trabajo, no es un tipo de pintura que se explique por sí misma, sino que en ella hay un llamado a la interpretación de quién la observe, una invitación a ejercitar la introversión, casi en todas ellas el trazo funciona como un sistema. Para el caso de nuestra portada, y haciendo una excepción a la regla, así ella se explica:

“El dibujo no es un gran enigma, son imágenes entrelazadas de las canciones o películas que más me han gustado de Bowie. De izquierda superior: héroes. ¿Ves la silueta? La que dibuja en el videoclip su cuerpo de raspica. Está en un poste de espantapájaros con un casco de astronauta como referencia a la canción del disco que sacó apenas dos días antes de morir, el Blackstar. La figura superior derecha es Ziggy Stardust, porque este hombre se inventaba personajes para salir a cantar o hacer discos con temáticas específicas. En el centro así recostado está Aladdin Sane, pero no quería hacerle el rayo en la cara porque es muy mainstream, así que le tapé la cara con la venda que tiene en el videoclip de Lazarus, porque hay que tener presente que en fin, sacó eso sabiendo ya que se estaba muriendo de cáncer y eso es muy significativo para mí. Mi abuela por ejemplo murió de lo mismo, pero ella nunca supo nada. Detalles, tía. Bueno, está sentado en el reposabrazos del trono del Rey de los Goblins de la película Labirynth. Esa peli es como la peli de mi infancia, pero sin haberla visto de pequeña. Es genial. La chica de abajo la protagonista de la misma película, y tiene goblins enredados en el pelo, y el reloj en el que le marca el Rey el tiempo que le queda para recuperar a su hermano. Si te das cuenta, no es un dibujo oscuro para nada, quería más bien incluir mis iconos favoritos. ¿Qué te parece ahora?” (Sunny Pebé, mayo de 2016).

Sunny Pebé https://www.facebook.com/sally.pebe.art

165

The13th U NA R EVISTA IMA GINA RIA