Especial Punk 1977

AÑO: 4 | NÚMERO ESPECIAL

The13th U NA R E V I S TA IMAGINARIA

ESPECIAL Punk1977

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO REALIZACIÓN Y DISEÑO Diego Centurión sobre un diseño de

[ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Julieta Curdi.

Alex Bretto

Nicolás Ponisio

Benjamín York

José Luis Lemos

TRADUCCIÓN

Darío Martinez

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Bernardo Jimenez Mesa

Gabo Rojo

[ Departamento de Literatura ]

Jairo Mansur

Pablo Ravale

Max Wilda Jefe de Departamento de Cine:

Rodrigo Debernardis

[ Departamento de Artes Visuales ]

Nicolás Ponisio.

Ricardo Padilla (Oriani_K)

Diego Centurión y Marina Cimerilli.

Jefe de Departamento de Literatura:

Marina Cimerilli

Pablo Ravale.

Pablo Müllner

[ Fotografía ]

Jefe de Departamento de Música:

Marianarchy Deadbilly

Nazarena Talice, Lily Moonster.

Diego Centurión Jefe de Departamento de Colombia:

[ Departamento de Colombia ]

César León

Alejandro Cenizacromada Bernardo Jiménez Mesa César León Jennifer Isania Fonseca Sánchez

COLABORAN EN ESTE NÚMERO José Navarro, Deportivo Alemán , Fer Carpenter, Dany Punx, Vincent Van Flowers, Mario Crestanello, Alexis Dgvns, Victoria, Patrick Casey, César "Papi" Castrillon,Franco Doglioni.

CONTACTOS issuu.com/revistath13th

Instagram:

facebook.com/the13thlarevista

revistathe13th@gmail.com

http://www.instagram.com/revistathe13th

twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL Diciembre 2017 Hoy Es común escuchar a The Ramones, The Clash o cualquier otra banda de punk rock, en un supermercado, en una farmacia, o en cualquier otro lugar alejado de lo que significó este movimiento. Estoy de significar dos cosas que el sistema se comió a la rebeldía de punk rock, o que la gente común de hoy acostumbrada más a la sonoridad del movimiento nacido en los setenta. Más allá de las realidades actuales, lo cierto es que el estallido del punk rock en los años setenta fue en un marco social de descreimiento y de pesimistas miradas de los jóvenes al futuro. "No Future" cantaba Jonny Rothen como una sentencia social, pero recuerden, la frase culminaba "for me". Como sabiendo que más allá de la queja generalizada estaba la unidad, la persona, y sabían que si no había futuro políticamente y socialmente, tampoco lo había como individuos.

En este especial tratamos de homenajear y profundizar sobre aspectos que nos parecen interesantes y que queremos abordar.

Cuarenta años del mejor año del punk rock, cuarenta años de uno de los últimos estallidos musicales que marcó a generaciones enteras en las cuales nos incluimos. Y que aún sigue siendo tema de escritos y opiniones encontradas. Grandes bandas nacieron en 1977, grandes discos se grabaron dentro de la escena punk de Inglaterra y los Estados Unidos, sobre todo en Nueva York y California. Pero también en otras partes del mundo se lanzaron o formaron hitos Punks.

En este especial trataremos de buscar y mirar de cerca algunas raíces para que esto estalle en 1977 o lo que muchos años después se consideró proto-punk. Miraremos estas raíces involucrando algunos nombres que se vincularon con el gen del punk y otros que se agregaron desde la prensa.

Un especial dividido en dos partes, la primera dedicada a un repaso rápido sobre el denominado Proto Punk y luego dedicamos todas las secciones habituales de la revista al Punk.

Pero también observaremos algunas bandas se sumaron a este nuevo y visceral sonido.

Otras bandas fueron sumadas al movimiento sin pertenecer realmente o estructuralmente al movimiento. Pero que la prensa se encargó de sumarlo ya sea por locación o actitud.

Pero de todo esto trataremos en este especial, miradas, reflexiones, datos, le ponemos la lupa a algunas bandas y discos, y en este especial queremos rescatar 40 años de recuerdos y de sudor en años de pogo y actitud.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE PROTO - PUNK....................................................................................................................................... 06 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Napalm-Death - Iggy Pop and The Stooges – Raw Power (1973) por Maxx Wild...........................................................08 CUANDO TODO VOLVIÓ A EMPEZAR por Benjamín York.............................................................................................................................................................10 NO SABÍAMOS QUE ESTÁBAMOS HACIENDO UN ROCK DIFERENTE Entrevista a César "Papi" Castrillon de Los Saicos por Diego Centurión..........................................................................20 THE STOOGES por Deportivo Alemán.......................................................................................................................................................24 ENTREPISOS RADIO - PROTO PUNK ............................................................................................................................26 DE CANCIÓN + BANDA por Benjamín York............................................................................................................................................................ 30

PUNK.......................................................................................................................................................................32 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Spicy Screwdriver - Punk Playlist por Maxx Wild............................................................................................................34 TRES X UNO por Jimena Patiño, Pablo Ravale y Benjamín York.............................................................................................................36 PUNK 77: LO QUE NO APRENDIMOS por Fer Carpenter..............................................................................................................................................................40 PUNK 77: LA ACTITUD DE LA JUVENTUD OPRIMIDA por Dany Punx...................................................................................................................................................................42 SER PUNK HOY, ES IGUAL QUE SER HIPPIE HOY Entrevista a Hari B por Rodrigo Debernardis.....................................................................................................................44 BELLE DU PUNK Entrevista a Elli Medeiros de Stinky Toys por Pablo Müllner..............................................................................................48 SIMPLEZA Y SABIDURÍA CALLEJERA Ramones por Vincent Van Flowers....................................................................................................................................56 HACÍA LO MÍO PARA USAR Entrevista a Gary Ladd por Diego Centurión.....................................................................................................................58 PURA MELOMANÍA TELEVISION - MARQUEE MOON (1977) por José Navarro..........................................................................................64 NO FUTURE?. The Clash - The Clash (1977) Por José Luis Lemos ..................................................................................65 THE DAMNED 1977. Damned, Damned, Damned - Music For Pleasure (1977) por José Navarro ................................66 ¡DIOS SALVE A “NEVERMIND THE BOLLOCKS”! Sex Pistols - Nevermind the bollocks (1977) por Pablo Müllner......68 THE STRANGLERS 1977. Rattus Norvegicus - Mo More Heroes (1997) por José Navarro ............................................70 INQUIETOS JUGUETES PUNK (MADE IN PARIS) Stinky Toys (1977) por Pablo Müllner ..............................................71 EL RESULTADO ES POSITIVO. The Boomtown Rats (1977) por José Navarro ...............................................................73

TROPICA OBSCURA LA ENSEÑANZA OCULTA por Alejandro Cenizacromada ..................................................................................................75 CONTINGENTE BROMLEY por Bernardo Jiménez Mesa. .................................................................................................79 CRASS: LO ÚLTIMOS ANARQUISTAS por Por César León. ................................................................................................81 LA MIRADA DE LOS OTROS MÚSICOS DEL PUNK 1977 ...............................................................................................................................................86 MUSIC CORNER NO ES MÚSICA: ES CAOS Por Alex Bretto. ....................................................................................................................92 PALABRAS LATambala ARENA(A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 Entrevista a EN Rudy PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS: “Los Cantos de Maldoror” del Conde de Lautréamont por Pablo Ravale..................................................................... 98 ESCRITOR INVITADO: Franco Doglioli - El Inesperado................................................................................................................................... 102 César "Papi" Castrillon - 10 Semanas........................................................................................................................... 104 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE EL TIEMPO por Pablo Ravale.........................................................................................................................................106 RIMBAUD FUE UNA CHICA: PATTI SMITH Y SU VIAJE LITERARIO por Pablo Ravale.................................................................................................109 HIDDEN TRACK ............................................................................................................................................................114 EN CONCIERTO DIGNO DE SU ESENCIA Silverio en Morocco Club por Maxx Wild. Fotografías: Marianarchy Deadbilly........................................................... 118 RESCATE CINÉFILO CINE PUNK…..............................................................................................................................................................122

THE ROCK IS A FREAK SHOW por Jimena Patiño.....................................................................................................124

CHERRY BOMB!... OR BUM? por Jimena Patiño........................................................................................................126 A FABULOUS DISASTER, HE’S A SYMBOL, A METAPHOR! por Jimena Patiño ........................................................128 RIP SID + NANCY por Jimena Patiño .......................................................................................................................130 HIGHSCHOOL PUNK MUSICAL por Jimena Patiño ..................................................................................................132 GOD SAVE THE QUEEN! BUT WICH ONE? por Jimena Patiño ...............................................................................134

ENTREPISOS.RADIO......................................................................................................................................................136 CANCIÓN + BANDA por Benjamín York......................................................................................................................138 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................140

PROTO - PUNK

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

Napalm-Death

Iggy Pop and The Stooges – Raw Power (1973) Si alguien me pregunta quienes dieron el origen al punk rock, sin duda contestaría “Iggy and The Stooges”.

Varias pueden ser las razones técnico-musicales pero sin duda alguna el contenido, personalidades, vidas y acciones de los participantes hacen a mi respuesta.

Quisiera que, hoy en 2017, hagan este experimento junto a mí y escuchen Raw Power (1973) disfrutando un (o varios) Napalm-Death (en este orden, partes iguales, en un shot, licor de café, bourbon, licor de crema irlandesa y licor de naranjas (ambos últimos, los más conocidos, uno con B y otro con C).

La embestida de James Williamson (tanto los acordes como el punteo frenético) es solamente superado por un Iggy con voz juvenil que clama “I´m a street walkin´cheetah with the heart full of napalm”, para un himno atemporal como Search and Destroy, inspirador en todo sentido, roto, sucio, violento, análogo al caldo de cultivo de la juventud contemporánea a esa década y a algunas posteriores (sólo algunas); es por eso que la palabra protopunk, le queda como anillo al dedo.

Luego de la tormenta, viene la calma y viene Gimme Danger, hermosamente oscuro pero no menos poderoso, muchos yeites de finales de los 60s, especialmente de bandas garaje con aroma a futuro punk. Si alguien le agrega a la mezcla mencionada, una garganta sucia y áspera y algo de rock´n´roll, tenemos Your Pretty Face Is Going To Hell, la interface todavía no se vislumbra, pero se sabe lo que vendrá... No puedo evitar desafiar a alguien a que se quede quieto, no solo por el shot, sino por lo que estamos escuchando. Si tenía que haber un tema sexy en este disco, tenía que llamarse Penetration, no hay coqueteo, ¡vamos a por todo y ya! Solo el teclado puede tratar de escapar, agobiado por los solos incorrectos, como alguien que quiere y no quiere.

Raw Power, más rockerito, más inocente, pero con el mismo clamor que solo la música puede tan inteligentemente mostrar, es esto o salir a romper (de hecho luego lo hicieron). El shot, me lleva casi a lo mismo, es fuerte pero seductor, uno

solo no basta, esto solo no basta…

I Need Somebody, americano al extremo, como en cualquier Road House pero la diferencia está en Iggy y esa guitarra, tan saturada por momentos, que molestaría a cualquier pacato de la barra… y esa es la idea. Se va decantando con en estructura con Shake Appeal, más simple, pero la metamorfosis llega al final Death Trip, ¡es punk rock señoras y señores! No se dejen engañar por bandas verdes de los 90s. Tengamos en cuenta que Iggy, no estaba tan bien mentalmente como ahora, excesos, peleas, nada mejor que esos condimentos y la mano mágico-alienígena de David Bowie, para producir y mezclar este disco, con guitarras al frente y bajo y batería (de los hermanos Asheton (Ron y Scott)) relegados, en penitencia por consecuencia de una etapa anterior.

Sé que a Iggy le parece fuerte el agua tónica que los viejos disfrutamos (luego de estos shots, tomen una), pero de joven, no se toma para disfrutar, no se hace música para agradar, no se baila para encajar, no se grita para comunicar, ¡todo lo contrario!

Este es un disco que rompió moldes, escuchen la versión del ’73 y luego disfruten la del ´95, con una mezcla más madura, ahí pueden probar un gin tonic, verán que la juventud tiene su atractivo en el poder contenido, en el error, en lo exacerbado, volvamos a ser jóvenes por un rato… ¡Salud!

9

[ por Benjamín York. ]

CUANDO TODO VOLVIÓ A EMPEZAR

"Punk es este rock rebelde hecho para jóvenes y para todos. Y no un montón de ancianos haciendo música para tus madres y padres. Porque eso es lo que pasa ahora, a eso le llaman rock."

Johnny Ramone "Es básicamente de clase obrera, no tiene que ver con la basofia artística de la clase media."

Paul Cook "Si no hubiéramos tenido trabajo estaríamos metidos en esto... Tal vez cantaríamos sobre amor y besos."

Joe Strummer "Hacemos algo que no los está estafando.Los apoyamos... y también nos apoyamos nosotros, creo que se pueden identificar con ello."

Gen Matlock "Nuestra música es muy honesta... Lo más sincero que ha habido en 15 años. No hay nada mejor" Johnny Rotten

Así abre el documental “Punks Not Dead” del 2007 dirigido por Susan Dynner artículo buscaré indagar y explorar las raíces del Punk, así que disfruten de rías acompañadas por datos discográficos e históricos, que he indagado como lómano y amante de las raíces de los moviemtos culturales relacionados con

y en este estas teobuen mela música.

11

Introducción Todo movimiento cultural tiene una o varias fuentes de donde se nutre para gestarse. O dicho de otra forma, muchas veces un movimiento cultural es una consecuencia de varios factores que terminan desencadenando en una fuerza cultural con mucha más potencia que sus fuentes. En el caso del Punk es bien conocido el término “proto-punk”, para referirse a esas pequeñas revoluciones que nutrieron o terminaron forjando uno de los últimos grandes cambios estructurales en la música del siglo XX, directa o indirectamente.

Si pensamos en lo que hoy se denomina proto-punk las aristas suelen ser múltiples y bien diferentes, o tal vez, no tan diferentes entre sí. Pero para hablar de los dos focos principales de estallido de punk y el punk rock, en este punto podemos llegar a establecer dos diferencias estéticas o culturales.

El punk y punk rock son dos cosas diferentes pero que van de la mano, más que nada por la concepción del término en sí. Y acá empezamos con esa delgada línea que parecería no existir y que pocas veces se toma en serio, o pocas veces se profundiza.

“Punk” como concepto y dentro de un contexto social y cultural y “Punk Rock”, música.

Pero empecemos con el término proto-punk, obviamente los géneros o las bandas que hoy llamamos proto-punks, en sus días, no describían a su música bajo la etiqueta de “proto-punk”, este concepto vino años después del estallido del Punk, en el momento que se empezó a estudiar las raíces del punk.

Muchos textos encuentran el término proto-punk en dos puntos muy lejanos en la historia propia del punk, tanto temporalmente como geográficamente, buscando las raíces de la actitud y los riffes estruendosos en lugares al que todos caen por el “copy y paste” (tanto en blogs como en páginas de internet). Pero acá los voy a mencionar y profundizaré en las verdaderas raíces.

Pero antes de entrar en estos dos puntos de los que hablaremos, es importante que recuer-

den que toda grabación antigua hoy puede sonar inofensiva y hasta si se quiere risueña, pero en la época de sus lanzamientos, eran desafiantes y para el oyente "normal" era incomprensible e intolerable escuchar estas grabaciones. Y esta aclaración viene ya que si vas a escuchar estos álbumes, tal vez les suene hasta blandos (hoy, cincuenta años después).

Muchos historiadores dicen que la primera banda en hacer "punk" o "proto-punk" en el mundo fueron los peruanos de Los Saicos o Saicos. Ellos se formaron en 1964 en la ciudad de Lince (Perú) y con un puñado de singles marcaron uno de los capítulos más excitantes y deformes del rock de Latinoamérica y del mundo. Con sus canciones que era una mezcla furiosa y enajenada de garaje rock, surf rock, y una actitud inaceptable para la época, aunque para nosotros fenomenal. (Mucho más no vamos a hablar porque Los Saicos tendrán su propio espacio en este especial).

El otro punto que tomamos como una fuente lejana en el tiempo son los archi conocidos y glorificados The Velvet Underground. La banda nacida en Nueva York es otro de los puntos que no se puede dejar pasar por alto en lo concerniente a las raíces del punk. Su experimentación y su punzante sonido electrificado de manera lacerante y provocativo y sus temáticas callejeras y “tabúes”, se convierte en el otro eslabón en el inicio de la cadena que hoy llamamos proto-punk.

Ahora bien, ¿podemos afirmar que Los Saicos fueron escuchados por las bandas que iniciaron el punk rock en ambas costas del Atlántico en la década del 70? Probablemente no lo hayan hecho y es muy difícil confirmarlo, pero la Velvet Undeground seguramente que sí. Aunque Lux Interior de The Cramps, siempre citaba a Los Saicos como una de sus influencias.

Pero con esto, como dije antes, nos quedaríamos con una muy pequeña parte de la historia si solo nombramos a estas dos bandas; buscar las raíces nos hace retroceder en el tiempo, hasta el mismísimo inicio del rock and roll.

El Punk como nieto del Rock and Roll

Para empezar a mencionar esas raíces de donde debemos desenmarañar esta trama tenemos que irnos atrás en el tiempo y basarnos en algunos estilos de música que son de vital importancia en el inicio y desarrollo del Punk.

Para empezar el Punk es nieto del rock and roll de los años 50's, así como el Garaje Rock y su contrapartida Invasión Británica, Beat, Glam rock o el Pub rock, son hijos directos del Rock and Roll primario, el punk tiene como padres a varios de estos géneros. Así que podemos afirmar que el Punk es nieto del Rock and Roll. Si pensamos y escuchamos con atención la mayoría son canciones que llevan la estructura del rock and roll, aunque de una manera menos inocente, aunque "lo inocente" en los años 50's no lo fue, sino que como el punk fue una revolución juvenil. Como dijimos el Punk también toma sus influencias del garaje rock, y tal vez esta sea la más mencionada en los escritos, bandas como The Sonics, The Kinks, The Stooges y MC5, aunque estas dos últimas son las bandas que más han influenciado al Punk. Pero no podemos dejar de lado a bandas como The Who, The Beatles o los Rolling Stones.

Pero profundicemos un poco sobre algunos estilos

Hablamos de Rock and Roll y para mencionar vamos a mencionar algunas versiones de los primeros rocanroleros de la primera ola que fueron versionados por bandas punks.

Para empezar bandas como The Dictators en su primer álbum “Go Girl Crazy!” (1975) deciden grabar el clásico “California Sun” de Joe Jones (1960), que los Ramones la grabarían en su segundo álbum “Leave Home” (1977), dos bandas que marcaron un camino en el punk rock en Nueva York. Ahora mirando al otro lado del océano en Inglaterra en primer single de punk rock fue “New Rose” de The Damned de 1976 y su lado B es “Help!” de The Beatles. Para mencionar a dos de los que iniciaron el rock and roll podemos citar la canción “Kissin' Cousins” del mismísimo Elvis Presley quien fue versionado en su álbum debut “(I'm) Stranded” (1977) por los australianos de The Saints o “(You're So Square) Baby I Don't Care” grabada por The Professionals como lado B del single “1-2-3” de 1980. Recordamos que The Professionals es una banda creada por Paul Cook (The Clash) y Steve Jones (Sex Pistols) en 1979. Y también los Dead Kennedys en su álbum debut “Fresh Fruit For Rotting Vegetables”, de 1980, cierran el álbum con “Viva Las Vegas”.

antes mencionados, e incluyamos en los ingredientes a otros que aportan su sabor para culminar en el plato principal, el Punk.

Pero la otra estrella que se la relaciona con el nacimiento del Rock and roll también fue versionado por una banda punk, Bill Haley & His Comets de la mano

13

de los Sex Pistols y su versión de "Rock Around The Clock" en el disco "The Great Rock 'N' Roll Swindle" (1979). Hablamos de los primeros rockeros versionados por bandas Punks, esto quiere decir que uno de sus fuentes de inspiración fue el Rock and Roll de los años cincuenta, cuando el Rock fue rock y muy mal mirado, como el punk. Pero al igual que el Punk, el Rock and Roll tiene varias hipótesis acerca de su inicio ya que a los dos anteriores se le suma una tercera estrella que se la considera como el creador del rock and roll, Chuck Berry, quien, con su clásico “Johnny B Goode”, fue rescatado por la banda de Londres Sex Pistols en su ya mencionado álbum "The Great Rock 'N' Roll Swindle" (1979). Pero también al maestro del rock and roll fue versionado, por ejemplo, “Memphis Tennessee” fue versionado en vivo por Alternative TV en su "Live At The Rat Club '77" de 1979, Pero también Johnny Moped ha versionado a “Little Queenie” en su álbum debut “Cycledelic”, de 1978. Las versiones de las primeras bandas de rock and roll siguen pero si bien es un detalle más de la relación con el primitivo rock and roll dejemos esta conexión musical y pasemos a otros puntos que los relacionan.

Ahora bien, hemos hablado de esa especie de tributo musical que las bandas punks, pero hay otros aspectos que son de relativa relevancia a la hora de emparentar estos géneros.

El rock and roll ha permitido que artistas que no tenían espacio en la industria musical pasaran a ser las nuevas estrellas buscadas por nacientes sellos discográficos y más tarde, las grandes compañías lo aceptarían entre sus filas. Con el Punk rock pasó lo mismo, pequeños sellos se abrieron camino apostando a bandas Punks, y artistas que nunca tendrían un lugar en el mercado empezaron a aparecer como hormigas en la creciente escena. Pero en ambos casos la rebeldía venía asociada a una actitud desafiante. En el rock el movimiento pélvico de Presley era censurado y más de una incorrecta conducta de los primeros rockeros pretendía ser mostrada por los medios como una amenaza para las buenas costumbres. Pensar en los flequillos de los Beatles y la horrorización de una sociedad puritana hoy nos causa gracia, pero en su época fue un asunto que molestaba mucho. En relación al punk se sabe que los medios arengaban contra la peligrosidad del movimiento, sobre todo más en Inglaterra, en donde tuvo un contexto socio político más extremo.

Como siempre pasó en ambos movimientos muchos se apegaron a la causa con un objetivo más lucrativos y, tarde o temprano, la decadencia de ambos géneros se debió a la aceptación del mercado. Y los géneros dieron comienzo a otros estilos o derivados.

Un paso más acá en el tiempo

Anteriormente mencionamos varios géneros que dieron algo que el Punk tomó como influencia. Y las siguientes influencias vienen del garaje rock y lo que se llamó "Invasión Británica". Si bien a cada lado del Atlántico se proclaman como los primeros en existir, es obvio que ambos provienen del rock and roll de los años 50's. La invasión británica son las primeras bandas inglesas que empezaron haciendo el rock and roll norteamericano de mediados de los años 50's y se llamó así porque fueron las primeras bandas inglesas en tener mucho éxito en los Estados Unidos, háblese de The Beatles, The Rolling Stones, The Kins, The Who, entre otros. Muchos historiadores describen que el garaje rock nace después de esa invasión. Otros refutan esa idea diciendo que el garaje rock ya existía antes de la invasión británica.

Más allá de esta eterna discusión, que si quieren la podemos trasladar también a la discusión de dónde nació el punk, si en EEUU. o en Inglaterra. Pero dejando la polémica de lado, ambos estilos datan más o menos de los mismos años, principios de los 60's. Y tanto el garaje rock como las bandas de la invasión británica, emulaban al rock and roll de los años 50's, con menos técnica y por ende, más amateurismo, por lo cual su sonido es más simple y, a la vez, más "a la que te criaste", con rebeldía en actitud y más... ¿Punk? Antes hablaba de los flequillos y "el pelo largo" como iconos de rebeldía ante una sociedad pacata. Y si mencionamos al garaje rock se entiende la influencia que tuvo sobre el Punk, pero las bandas de la invasión británica también tuvieron su cuota importante de influencia.

Para ver el grado de importancia ya hemos mencionado a The Damned que en su primera grabación incluyó Help! De The Beatles. Además podemos mencionar también a The Boys que versionaron “I Call Your Name” en su álbum debut “The Boys” de 1977. “Helter Skelter” de Siouxsie and the Banshees en su álbum debut, The Scream, de 1978. Y años después grabaría “Dear Prudence”, en el álbum “Hyæna” de 1984. Sham 69 versionó “With a Little Help from My Friends” en la versión remasterizada de “The Adventures of the Hersham Boys” de 1979. Hasta han versionado “Gimme Some Truth” de la carrera solista de John Lennon (un ex Beatle) por Generation X como lado B “King Rocker” de 1978.

Pero también los Rolling Stones, otras de las ban-

también los Damned en su EP de 1981, “Friday 13th”, versionaron la canción “Citadel”. Y la lista de las bandas de la invasión inglesa es extensa incluyendo bandas como The Who, The Kinks, Them! (con Van Morrison), entre otros.

Ahora hablando del Garaje Rock podemos decir que la influencia es aún mayor y más audible, tanto en las versiones que las bandas punks han hecho, como también por la sonoridad agresiva y acordes cortantes y no tan melódicos.

Para empezar con las demostraciones de la fuerte influencia del garaje Rock sobre el punk, vamos a mencionar algunas versiones que las bandas punks han realizado de las bandas más desconocidas pero importantes de la escena del garaje rock de los años sesenta.

La banda irlandesa “The Radiators From Space” realiza una versión de Psychotic Reaction de los Count Five, en el Lado B de su segundo single “Enemies” de 1977. La canción original es de 1966. Canción que fue versionada mucho más acá en el tiempo por The Cramps en el tercer álbum “Smell of Female” de 1983, y también The Vibrators lo han grabado en su álbum del 2009, “Garage Punk”.

La banda The Seeds nacida en 1965 en Los Ángeles también dejó su sello en las versiones de “Pushin' Too Hard” realizada por The Vacants en su álbum debut” Punk-Rock” de 1977. Y también unos años después los encontramos versionados por la banda Chelsea, quien en su single de 1980 “No Escape” grabaron el single que lleva el título de la canción de The Seeds.

The Trashmen con “Surfin Bird”, fue versionado por Los Ramones en su tercer álbum, “Rocket To Russia” de 1977. Más tarde The Cramps se hizo cargo en su primer single de 1978 llamado "Surfin Bird" / "The Way I Walk". Pero la banda de Minneapolis (The Trashmen) fue versionada por la banda australiana Radio Birdman, quien en su Eureka! Birdman (concierto en vivo en 1977) realizan su reinterpretación de “King Of The Surf”.

The Cramps también versionó a otra de las bandas denominadas garaje rock, The Sonics, en su primer álbum “Songs The Lord Taught Us” de 1980 hizo “Strychnine”. Y la lista es enorme.

Al igual que lo que hoy denominamos proto-punk, el garaje rock también fue un estilo de música que tuvo

das de la invasión británica, fueron versionados por los Dead Boys en su segundo álbum “We Have Come For Your Children”, de 1978, con la canción “Tell Me”. Y

nombre mucho después de haber nacido, aproximadamente a mediados de los años 70’s. Y su designación en un principio fue utilizada en forma despectiva

15

(así como el término “punk”) para señalizar esas bandas que tenían escasos recursos técnicos a la hora

de tocar un instrumento (¿Les suena conocido eso?).

Rompiendo el Molde

Es raro que hablemos de desaparición de un género que hasta nuestros días existe y que se ha regenerado como el garaje rock, y es más, no podemos dejar de lado algunas bandas que forjaron el estilo cuando el estilo garaje estaba entremezclado con la psicodelia, lo que marcó el desmoronamiento de las bandas de garaje; otra cosa que hizo que el género desapareciera fue el servicio militar obligatorio en los EEUU. que hizo que muchas bandas perdieran sus carreras por ese alistamiento.

Pero como decíamos hubo un resurgimiento del género hacia mediados y finales de los 60’s, podemos resumirlo en “La Escena de Detroit” con MC5, The Stooges.

Los MC5 (Motor City Five) fueron una banda que desafió a los escuchas de ese momento, y también molestó por su marcado acento político debido en gran parte por su manager John Sinclair quien pertenecía al partido Las Panteras Blancas, quienes luchaban por los derechos de los negros en los EEUU. Su álbum debut “Kick Out The Jams” de 1969 abría con la frase "Kick out the jams, motherfuckers!", lo cual para la época fue un escándalo.

man” con el clásico “Kick Out The Jams”.

Pero sin lugar a dudas la banda del Padrino del Punk, Iggy Pop, es la que se lleva el máximo mérito a la contribución al Punk.

Mencionaré algunas versiones para demostrar la influencia: No Fun (Sex Pistols) se encuentra en el Lado B del single "Pretty Vacant" de 1977.

I Wanna Be Your Dog (Vicious White Kids) ésta es la banda que tuvo Syd Vicious junto a Rat Scabies de the Damned, Glen Matlock de los Pistols, solo se registró el único concierto que ofrecieron en el Electric Ballroom el 15 de agosto de 1978, se consigue bajo el nombre de "The Vicious White Kids" y se editó en 1986.

I Feel Alright (The Damned) se encuentra en su álbum debut "Damned, Damned, Damned” de 1977.

"T.V. Eye" y "1970" (Radio Birdman) en su álbum Eureka! Birdman (live 1977).

Search & Destroy (Dead Boys) aparece en varios bootlegs y en el DVD "Live! At CBGB 1977” del 2004.

Pero más allá de las canciones y el sonido de The Stooges, sabemos que el caos escénico de Iggy Pop

Ellos fueron versionados por: The Damned en su tercer álbum “Machine Gun Etiquette” de 1979, la canción “Looking At You”. Radio Birdman en el álbum en vivo en 1977, “Eureka! Bird-

fue una de las banderas fundamentales que realzó el punk. Mucho más no hablaré de The Stooges porque aparecerán en este especial.

Un hito importante y muchas veces pasado por alto

para la revaloración del Garaje Rock en la década del 70’s es una compilación realizada por Jack Holzman fundador del sello Elektra Records, con la asistencia de Lenny Kaye (quien luego sería guitarrista de Patti Smith). El doble álbum lanzado en 1972 llamado "Nuggets - Original Artyfacts From The First Psychedelics Era (1965-1968)" era un repaso por las bandas garaje

de los Estados Unidos y Kaye se encargó de escribir notas internas dentro del álbum con la biografía de las bandas. Esto hizo que muchas generaciones nuevas revalorizaran la música hecha en la década anterior y que no habían tenido gran repercusión y de ahí muchas se revalorizaron y llegaron a los nuevos jóvenes que darían sus primeros pasos con el punk rock.

De nuevo al principio pero con glamour

El Glam rock fue un regreso a la búsqueda de diversión, buscando contrastar con el rock psicodélico y el rock progresivo, que se había tomado el rock muy en serio (demasiado) y se había vuelto demasiado intelectual y elitista. Grandes estadios, largas canciones, interminables solos, demasiado alejado de lo principal, la gente.

Sin entrar en detalles históricos ya que no es el momento del Glam Rock, se puede decir que el primer Glam fue Little Richards, pero no perdamos de vista de que se trata este especial. El Glam Rock se inició musicalmente cuando Tyrannosaurus Rex se convierte, con el inicio de la década del 70, en T-Rex, y más allá del cambio de nombre el cambio radical es en la

estamos hablando de Marc Bolan (Mark Feld), quien junto con su amigo David Bowie llevaron el movimiento a su máxima expresión. Se sumaron nuevas bandas como Roxy Music, Sweet, Slade, Mott the Hoople, Mud, Alvin Stardust, Gary Glitter, luego se les sumaron más bandas como Suzi Quatro o The Runaways y tuvieron su participación dentro del género artistas como Lou Reed e Iggy Pop (estos dos influenciados e introducidos por Bowie) y bandas se sumaron más tarde como The Rolling Stones, Rod Stewart, Elton John.

Y el apogeo del Glam rock sólo duró del 71 hasta el 75, ya después todo se convirtió en un cliché. Y no podemos dejar de hablar de los New York Dolls, una banda formada en 1971, quienes fueron otra de las ban-

sonoridad, abandona lo épico, la mitología y el folk, se electrifica y lanza el single en 1970 “Ride A White Swan” marcando el inicio de la era de la purpurina y el regreso al rock and roll de los años 50. Obviamente

das fundamentales para delinear el camino a seguir por las bandas punks de los Estados Unidos. Enrolados dentro del Glam rock con una actitud más agresiva que sus versiones Inglesas. Y emparentados con

17

unos Rolling Stones mucho más provocativo pero con un amateurismo propio de la ejecución del punk rock.

Hasta el más descontrolado de los punks ha sucumbido al encanto del glam, miren bien la foto de Syd Vicious con la remera de David Bowie.

Pero también podemos ver la cantidad de versiones que hicieron las bandas punks de artistas del Glam.

Vamos a mencionar algunas: Versiones de T-Rex: Eater – Jeepster, se encuentra como Lado B del single "Lock It Up" de 1977; Siouxsie and The Banshees - 20th Century Boy, se encuentra como Lado B del single "The Staircase (Mystery)" de 1979).

Versiones de David Bowie: Eater - Queen Bitch se encuentra en el álbum debut "The Album", de 1977; Victim - Hang On To Yourself, se encuentra como Lado B del single "The Teen Age", de 1980.

Versiones de The Sweet: The Damned ‎– Ballroom Blitz, se encuentra como Lado B del single "I Just Can't Be Happy Today", de 1979.

Versiones de Slade: The Wall - When I'm Dancing, se encuentra en el segundo álbum Day Tripper, de 1980; One Way System ‎– Cum On Feel The Noize, se encuentra como single de 1983; Versiones de Roxy Music Spizzenergi ‎– Virginia Plain, se encuentra como Lado B del single "Soldier Soldier", de 1979.

Versiones de Mott The Hoople The Dictators ‎– Moon Upstairs, se encuentra en el álbum Fuck 'Em If They Can't Take A Joke, de 1981.

Versiones de Gary Glitter Generation X - Rock On, se encuentra en el EP, 4, de 1981.

Volvamos al bar por unas cervezas

El Rock siempre tuvo momentos en que se buscó volver al origen, y ya hemos visto que los intentos por

otro género que sería influencia vertical en el Punk Rock, y éste fue el Pub Rock.

regresar en el tiempo han dado origen a una nueva expresión acorde a su época.

En Inglaterra, en la época de Glam Rock coexistió

Si bien sus orígenes se encuentra en un revival del rock and roll de los años 50 y el Rhythm and blues, el beat rock y el blues. Tal vez sea el género más cerca-

no al Punk, ya que muchos de los músicos Punks eran el público de varias de las bandas del pub rock y algunos pertenecían a bandas pub rock. Si vemos en la bandas más representativas del género encontramos a The 101ers en donde daba sus primeros pasos Joe Strummer, en ese momento Woody, que estaba en pareja con la que luego conoceríamos bajo el nombre de Palmolive. Bandas como Eddie and The Hot Rods brillarían bajo el advenimiento del Punk. Lo mismo pasó con Kilburn and The High Roads, quien su vocalista fue Ian Dury. Pero la banda que más marcó el estilo del pub rock y cimentó el estilo del Punk, sin lugar a dudas, fueron los Dr. Feelgood. En varias ocasiones se ha mencionado a la banda como uno de los puntos más cercanos entre el proto punk y el nacimiento del Punk.

Si analizamos la formación original de la banda, Lee Brilleaux, Wilko Johnson, John B. Sparks («Sparko») y John Martin («The Big Figure») podemos encontrarnos con el espíritu más próximo al punk. Primero el simple hecho de que se buscaba volver a sentir el calor de los shows en vivo, cara a cara, y no en grandes estadios. También se intentó destronar a las largas y tediosas obras conceptuales con sus largos intermedios instrumentales. Se buscó volver a las fuentes del rock and roll y a diferencia del Glam Rock, todo pasaba por la música básica y directa, sin parafernalias ni vestuario colorido. ¡Es sólo Rock and Roll!

Dr. Feelgood fue la banda más importante del movimiento y su legado sobre el punk es a simple vista elocuente, busquen vídeos de la banda (con la formación original, con Wilko, que fue la época dorada de la banda) y verán la potencia de este cuarteto en vivo, la actitud extrema de un Wilko que sembró las bases del guitarrista punk, con sus solos y sus incesantes movimientos frenéticos en el escenario, que introducía una actitud más ... Punk?. La recia y seca mirada de su cantante Lee, y sus espásticos movimientos. Ambos atraían las miradas y marcaban el modelo a seguir por parte de sus seguidores. Se dice que entre sus seguidores estaba un pelilargo Johnny Rotten.

Joe Strummer dijo: “Dr. Feelgood era como una máquina de proporciones intensas. Pocos grupos han rivalizado con Dr. Feelgood en su punto de mayor intensidad” "En el 75 fuí a Gran Bretania por primera vez y vi a Dr. Feelgood. Me traje su segundo disco "Malpractice". Estábamos celebrando una fiesta en el local de

ensayo, en el Bowery. Casi toda la escena de New York estaba en la fiesta, Johnny Thunders, Ramones, Blondie, Richard Hell, todas las bandas. Pusimos Malpractice y no salió del aparato en toda la noche.

Todo el mundo se volvió loco con ese disco" Clem Burke (baterista de Blondie) La escena punk de New York sabía de sus existencia y cuando la banda fue a los Estados Unidos en 1976, fueron teloneados por los Ramones. en mayo de 1976 en el Bottom Line de New York.

Sin lugar a dudas el Pub Rock fue una de las fuentes de donde más bebió el punk inglés, por la cercanía temporal, y además el sello Stiff Records, que albergó a muchas bandas punks británicas. Se fundó en 1976 por Dave Robinson (manager de la banda de pub rock, "Brinsley Schwarz", en la que tocaba el bajo y cantaba Nick Lowe), y Jake Riviera (manger de la banda de pub rock "Chilli Willi and the Red Hot Peppers" y de "Dr. Feelgood"). Y Lee Brilleaux le prestó a Riviera 400 libras esterlinas para fundar el sello. Entre las bandas que grabaron por primera vez gracias a Stiif podemos nombrar a The Damned, Ian Dury and the Blockheads, Elvis Costello, entre otros.

Mirando desde este 2017 puedo expresar que el Pub Rock fue absorvido y senteció su decadencia en manos del punk, varias bandas fueron sumadas y fusionadas en la nueva tendencia llamada punk. Por ejemplo, los Sex Pistols fueron soportes de Eddie and the Hot Rods y varias veces, como los 101'ers, fueron soportes de The Blockheads, la banda de Ian Dury; como ya hemos dicho los Ramones fueron soportes de Dr. Feelgood; los 101ers se separaron y de ahí nace The Clash.

Aunque declaraciones de algunos de los Sex Pistols, como Johnny Rotten y Steve Jones, sobre las bandas de Pub Rock intentaban despegarse de ellos.

Es indudable el legado que el pub rock dejó en el nacimiento del Punk.

En fin, todo siempre es discutible y todo se puede mirar bajo distintas miradas, lo cierto es que el punk no nació por generación espontánea, el Punk se gestó tomando influencias de muchos géneros anteriores y tiene un poco de todo lo que he descrito en este artículo.

Después de todo… ¡Es sólo rock and roll y me gusta!

19

[ Entrevista a César "Papi" Castrillón de Los Saicos por Diego Centurión. ]

NO SABÍAMOS QUE ESTÁBAMOS HACIENDO ROCK DIFERENTE

En el artículo sobre el proto-punk hemos mencionado a Los Saicos, este cuarteto de Lince (Lima, Perú) que con algunos singles editados a mediados de la década del 60 y unos pocos años de carrera, fueron partícipes de una leyenda que ellos no buscaron y que hoy, al hablar del proto-punk, es indudable que su nombre no sea descartado en la lista de bandas que influenciaron el nacimiento del punk.

Accedimos a hablar con su primera voz y bajista, César “Papi” Castrillón.

Hola Papi, gracias por permitirme hacer esta entrevista, para nosotros es un honor poder establecer contacto con una de las piezas fundamentales en esta demostración que en Latinoamérica se puede hacer música original, sin mirar tanto hacia el norte.

Me imagino que hay preguntas que has contestado tantas veces que pueden aburrir, así que intentaré no caer en la obviedades que googleando Los Saicos podemos saber.

Vamos a dividir la entrevista en tres partes Los Saicos, Las Sorpresas, El Legado y Actualidad, así hablamos de todo.

PRIMERA PARTE: LOS SAICOS: Para empezar es lógico preguntar por el principio, casi siempre se dice que empezaron para conseguir chicas. Pero más allá de esa aseveración, ¿conocían gente que hiciera música? Cómo se despierta el gen de "armar una banda", en un lugar en donde seguramente ni habían muchas bandas.

No conocíamos en el ambiente de Lima, ni músicos. En el barrio de Lince habían muchas bandas, fuimos los últimos de esa época, ellos eran los capos, nosotros apenas conocíamos la guitarra físicamente, no teníamos idea como es que podían armonizar y de donde salían los sonidos para nada nos considerábamos músicos.

En esos años la música no llegaba a todos lados como ahora, ¿qué música llegaba a Lince en esos años que se les despertó esa picazón por crear una banda?

Escuché a Bill Halley y bailé cuando vino al canal 2, a los 15 escuché a Elvis y me volví Elvis. ¿Cómo era el día a día de un joven Limeño por aquellos años? ¿Cuáles eran sus maneras de divertirse?

La diversión era el deporte y el sexo, fumábamos a escondidas y tomábamos a escondidas, aunque en ese tiempo la policía no existía por donde vivíamos. ¿Qué hacía en el día? Ir al club nadar, jugar pelota, básquet, billas (billar), tenis, regresar a casa, escuchar música, poniendo discos, boleros etc. En la calle, ir a la playa con una

botella de guinda, cuando no iba al colegio en invierno, reunirme con los amigos en la esquina, un poco antes que pasaran los buses de los colegios de las chicas. Fines de semana y vacaciones ir a la playa a correr tabla y buscar sexo casual con alguna amiga, ir al parque, hacer barras y piruetas, montar bicicleta, vivíamos en medio del deporte, no existía la tv para los de nuestra edad.

Nacen Los Saicos. El nombre he escuchado y leído que es una mezcla de Sádicos y psico, pero también he leído que lo asocian a los relojes Seikos, o a la película Psicosis de Hitchcook. ¿Quién pensó en el nombre y existe una razón del por qué?

El nombre de Saicos se me ocurrió después de gritar diferentes nombres, lo de sádico se le ocurrió a algún periodista y la bola creció.

La primera canción que tocaron Los Saicos fue “Tequila”. Y por lo que he visto en varias entrevistas. ¿Cómo fue sentir que de ahí no pararon hasta esa famosa reunión CACODISPE? Realmente de "Tequila" solo hacíamos la primera parte, tocamos un par de veces y comenzamos a ensayar en serio, componiendo nuestras propias canciones, no podíamos hacer covers.

Nos invitaron a Cacodispe y tocamos "Come On", la gente se paró y nos aplaudieron hasta que salimos. Los primeros enterarse que existíamos fueron ellos, los relacionados con el ambiente de la música, esa noche nos hicimos famosos, la tv, los periódicos, los sellos discográficos, todos nos querían. Desde ese día hasta la última vez que tocamos por dos años cada presentación fue una comunicación increíble con el público El disparado ascenso de la banda lo lleva a la televisión y sucede el episodio del programa de canal 9, ‘Nuevaolandia’, ¿Qué recuerdas de ese caótico día?

El canal 9 fue una experiencia que nos hizo madurar muy rápidamente. Nos entregaron el canal para que hiciéramos lo que quisiéramos sin supervisión.

He escuchado que tocaban los domingos y

21

hacían entre cuatro o seis shows en el mismo día. ¿Cómo eran esas tardes?

Los festivales eran bien pagados y lo disfrutábamos de mil maneras. Valía la pena ir a tocar sin haber dormido, sin bañarnos, medios dormidos.

Despertar con las luces del escenario, la música y el grito de las chicas. Después de tanta actividad en toda la semana era el día que descansábamos.

nado. Les dije que no tocaría más, fueron dos excelentes años, por favor, quisieran que pusieran las canciones que soy primera voz "Ana", "Cementerio", "Salvaje", "Te Amo", "Lonely star".

Y a dúo con Pancho “Intensamente”, quedaré agradecido, fueron 12 canciones.

“Come On” y “Lonely Star” son las únicas letras en inglés y este es un punto de inflexión para la vida de Los Saicos, ya que después cantan todo en español y si bien sé que lo has contado varias veces, ¿por qué deciden cantar en español?

Al cantar en español, que era nuestro lenguaje, podíamos transmitir sinceramente nuestras emociones, no nos parecíamos en nada a los Beatles o cualquier otro grupo inglés.

Después del período de Los Saicos, y los años pasan, llegan más sorpresas.

Cuando hay una Gira por Chile, Argentina, México, se separan. ¿Qué pasó?

Nos separamos por grabar, "Besando a Otra", creí en ese tiempo que esa canción no era la adecuada, al salir del estudio me sentí desilusio-

SEGUNDA PARTE: LAS SORPRESAS:

Los años 60's fueron el semillero de mucha música que vino después y que aún hoy sigue reversionada. Y Los Saicos con sólo diez canciones han creado una leyenda que persiste estoica ante la gran invasión de falsos héroes o personajes impuestos por gente que busca un negocio. ¿Cuándo se dieron cuenta del prestigio que la historia les dio?

En mi caso, cuando escuché el cd hecho por Andrés Tapia, en el 2005 creo.

Hablar de proto-punk es algo que se utiliza para abarcar bandas que no podían identifi-

23 carse fácilmente con la escena musical o la cultura de un pueblo. Desde la actitud o ya sea desde el sonido. ¿Ustedes sentían que no encajaban con el nacimiento del rock en Perú?

A mí me gusta el reggaeton, la música clásica, todo tipo de música. No sabíamos que estábamos haciendo rock diferente pero, si una canción llena tu vida, es lo máximo que se le puede pedir más, tener la suerte de escucharla y conocer tus emociones guardadas.

Luego nace toda la leyenda de una de las bandas proto-punk. ¿Te has enterado cuando el punk explotó en los Estados Unidos e Inglaterra? ¿Te gusta el punk rock?

No soy crítico, soy músico y si algún compañero está haciendo su música que le llegue el día, si todavía no le ha llegado. La palabra punk de acuerdo a los críticos, es como yo opino, generalizando, alguien que es diferente en cualquier norma social que ya está establecida.

Cuando Los Saicos se separan, ¿a qué se dedicaron los integrantes?

En mi caso, tengo 4 hijos, y 13 nietos.

Conozco dos tributos a Los Saicos “50 años de Demolición – Tributo a Los Saicos (2005)” y “El Entierro De Los Saicos: Un Tributo de Terror (2014)”. He visto que en una entrevista estuviste involucrado en el primero, ¿Qué sientes cuando bandas más jóvenes reinterpretan a Los Saicos?

Cuando bandas más jóvenes tocan nuestra música y le ponen su estilo es alucinante, me gusta. ¿Encuentras similitudes entre Los Saicos y las primeras bandas Punks?

Sí, tenemos una sana similitud.

TERCERA PARTE: ACTUALIDAD

EL

LEGADO

Y

Sicomanía es un gran tributo a la banda. ¿Qué piensas cuando ves que por ejemplo, Don Letts, o miembros de The Sonics, entre

otros, hablan de ustedes?

Cuando otros hablan de nosotros, me asombro Hoy las cosas no nadan bien con el único miembro con vida de Los Saicos. ¿Tú crees que en algún momento se podrán sentar a limar sus asperezas?

No quiero hablar de ese tema, los sigo queriendo, pero las cosas hay que llamarlas por su nombre, todos cambiamos.

Has empezado a escribir pensando en realizar una autobiografía, pero no has podido escribirla, pero eso te hizo dedicar a escribir. Cuéntanos qué estás haciendo hoy. ¿Ya crees que puedes ponerte a redactar la autobiografía?

Si, puedo hacerlo desde el 2010 empecé a escribir, al principio ideas sueltas, tengo mil poemas casi 300 corregidos, pienso que estoy muy pronto para hacerlo.

Para terminar y agradeciéndote mucho la oportunidad de realizar esta entrevista, mirando hacia atrás, y me imagino con mucho amor y gratitud, ¿Cuáles crees que fueron los mejores momentos de Los Saicos y cuáles son los que te han hecho sufrir mucho?

Los mejores momentos fueron hasta antes de casarnos, desde que teníamos 14 años, cuando las mujeres intervinieron cuando fuimos Saicos por segunda vez, jodieron todo, con la mejor intención de su amor.

Ahora teníamos a las mama-esposa, sus opiniones eran más importantes, no le llamaría sufrir, me daba rabia imaginármelas como las brujas de Salem, jodieron a Los Saicos por su vanidad, por querer estar en la historia, hasta ahora podríamos estar tocando juntos. Espero cuando se muera Erwin, se vaya con Pancho al cielo, no los quiero ver en el infierno por estúpidos.

Destruyeron el grupo que con tanto esfuerzo y trabajo hicimos por el dinero que no pienso sea maldito, cada alma tiene su precio.

[ Por Deportivo Alemรกn ]

THE STOOGES

25

Uno de los discos que más influenció el movimiento punk (lo que después se denominó como proto punk) es, a mi criterio, Raw Power de Iggy and The Stooges. La actitud salvaje, autodestructiva y desesperanzada de Iggy sentó las bases para la estética punk que iniciaría una revolución musical a fines de los años 70.

El disco es urgente, visceral, rabioso. Los Stooges fueron los que más se acercaron al sonido crudo y descarado que vendría después. Raw Power fue grabado en Londres y editado en 1973, apadrinado por Bowie que co-produjo junto a Iggy y mezcló esta obra que pondría fin al sueño de los años 60 con un sonido directo, poco pulido, desfachatado y sucio.

El apocalipsis comienza desde la primer canción, una declaración de principios donde Iggy, con voz limpia y aniñada, se presenta como un animal errante, desarraigado, que clama por la salvación de su alma y justifica su sed de destrucción y caos gritando como una fiera inhumana que es el chico olvidado de este nuevo mundo. Después de arrasar con todo quiere más y pide peligro, extrapola su personalidad dañina ofreciendo un espacio para que otro lo pisotee, quiere sentir la perversión de un extraño.

Y continúa escupiendo a través del ruido sus aullidos cargados de excesos, que cuando dice que necesita alguien no lo pide, lo exige sin aceptar un “no” como respuesta.

Iggy es nervio y locura, resentimiento y arrogancia. Un grito primario, el despertar de una bestia desenfrenada que entonces ya sabía que no había futuro, al menos el futuro que había soñado y por el que había luchado la generación anterior, pero que en lugar de sufrir con esa pérdida se regodea en ella y se adapta mejor que nadie al nuevo paradigma.

Este disco fue el pilar de una nueva forma de hacer música con un sonido rancio pero atractivo, inestable y caótico. Y marcó el inicio de una postura frente a la realidad, a través de las performances y la lírica, que sería retomada por una generación que la transformó en estandarte de su cultura.

ESPECIAL PROTO -PUNK

27

Se han realizado varias ediciones especiales de dos de las bandas más grandes de garage rock de Detroit.

Se ha reeditado “Kick Out The Jams” (1969) de los MC5. El sello “Third Man Records” creado en el 2001 por Jack White, ha lanzado una reedición remasterizada del álbum de los potentes MC5 del año 1969. Esta edición no tiene ningún agregado o track inédito, lo diferente y bien para coleccionistas, es que el vinilo en amarillo.

La otra banda de la cual "Third Man Records" ha lanzado una reedición es de los Stooges. De la banda de Iggy lanzan una remasterización en vinilo amarillo del álbum debut “The Stooges” de 1969.

Continuando con el sello Third Man Records. En junio ha lanzado “Hamburg Recordings 1967” de la banda garage rock The Monks. El registro trae una inédita “I’m Watching You” y otras tres canciones que pertenecen a la última sesión antes de separarse en 1967.

Otra publicación de MC5 en este caso “The Motor City Five” que es un compilado de la banda de Detroit lanzado bajo el sello Run Out Groove (Subsidiaria de Warner Music Group) y se encargó de recopilar oficialmente canciones de los álbumes de Elekctra y Atlantic, al cual le asignó un lado del vinilo.

En Febrero se reeditaron dos versiones de The Who ‎– My Generation (1966), ambas por el sello Brunswick. La primera versión son tres vinilos y tres cd’s, el primer álbum trae la versión original con la mezcla en Mono, el segundo álbum con Bonus Tracks en Mono, y un tercer álbum llamado "Primal Scoop - Pete Townshend's Demos". La segunda versión trae dos álbumes, el primer disco trae el álbum original con la mezcla en estéreo realizada en el 2014, y el disco dos "Bonus Stereo Tracks".

Lee Brilleaux ‎– Rock 'n' Roll Gentleman His Musical Journey With Dr. Feelgood 1974-1994 - lanzado el 7 de julio por Parlophone, este gran compilado de 4 cds trata de realizar un viaje a través del Dr. Feelgood de su cantante original Lee Brilleaux, como dice el título, va de 1974 hasta 1994, año en que Brilleaux fallece. 93 canciones que abarca lo mejor de Dr. Feelgood con Lee, sabemos que después el híbrido que siguió y lo hace hasta nuestros días, es bastante discutible. Además de las grabaciones conocidas hay dos inéditos "Let's Have A Party (Early Version)" y "Poison Ivy". Desde ya que aquellos que no ingresaron al mundo Dr.Feelgood es la mejor oportunidad. Además contiene una extensa nota de Zoe Howe, autor de la biografía de Lee Brilleaux 'Rock' n 'Roll Gentleman'.

Discografía ilustrada y muchas fotografías raras de Lee y el Dr. Feelgood.

Hay una versión de once canciones llamada casi exactamente igual “Rock ‘N’ Roll Gentleman (Eleven recordings with Dr. Feelgood 1975-1993)”, y se trata de un solo vinilo.

Sin separarnos de la iguana contamos que este año se han lanzado varias remasterizaciones y compilados:

Elektra en asociación con Rhino Records lanzaron el álbum de The Stooges “Fun House” (1970). Una remasterización con vinilo de color naranja. Una edición limitada de 6.000 copias.

En Febrero se lanza un compilado por Rhino Records, bajo el nombre de “The Stooges ‎– Gimme Danger (Music From The Motion Picture)” y se trata de la banda de sonido del documental de Jim Jarmush. La compilación corrió a cargo de Iggy Pop y el mismo Jim.

En Abril se lanza bajo el sello británico Easy Action, con el nombre de “The Stooges ‎– Heavy Liquid” se compila varios conciertosde la banda de Detroit, contiene dos vinilos con un concierto por lado y dos en London 1972 y dos en New York, 1972 y New York y Detroit 1973.

En Octubre sale una nueva remasterización del "Raw Power"de The Stooges. Esta vez editada por Sundazed Music (un sello especializado en el rock de los 60’s y 70’s), pensado para coleccionistas ya que no trae nada nuevo, excepto que es un hermoso vinilo de color rojo.

En octubre se edita otra compilación de The Stooges, una vez más bajo el sello Run Out Groove, “Highlights From The Fun House Sessions” es el nombre de esta edición y se trata de las sesiones de álbum “Fun House”. Es un hermoso vinilo coloreado con un remolino multicolor.

Y cerramos esta sección dedicada al proto punk, con una reedición para el Record Day Store de este 2017 y dando paso al punk, que mejor manera que cerrar con esta versión remasterizada del álbum de Marc Boland & T-Rex, llamada “Live 1977 - 40th Anniversary Edition”, lanzada por el sello Demon Records. Si bien el álbum es de 1997, se trata de conciertos realizados en 1977 (conciertos que tuvo de soporte a The Damned). Si bien a diferencia de la edición original que traía un segundo concierto en 1974, éste tiene un sonido superior. Este se trata de dos conciertos, uno en el Rainbow Theatre de Londres el 18 de marzo de 1977, y el otro en Portsmouth Locarno el 20 de marzo de 1977. Si nunca escucharon este álbum no se pierdan la última canción, “Get It On”, una versión de casi 13 minutos junto a The Damned.

29

DE CANCION + BANDA

[ Por Benjamín York ]

31

Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias.

Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda.

La llamamos "De Canción + Banda".

Hoy en este Especial del Punk 1977, tenemos un caso que transporta a principios de los 70’s y luego nos trae hasta 1976, cuando el punk empezaba a infectar a los jóvenes que querían armar sus bandas.

Después de un quiebre con Elektra con quienes habían lanzado sus dos primeros álbumes “The Stooges” (1969) y “Fun House” (1970). Y una banda disuelta. Bowie los introduce al sello que lo tenía a él, Columbia.

Y con las esperanzas renovadas se encierran en los CBC Studios de Londres entre septiembre y octubre de 1972, para grabar su tercer álbum, “Raw Power”, que fue editado en febrero de 1973.

Con una banda totalmente en problemas debido al abuso de drogas, sobre todo Iggy. Su bajista anterior, Dave Alexander, había sido expulsado por problemas de alcoholismo. Pero gracias al rescate del David Bowie se les unió el guitarrista James Williamson y reformaron la banda con los hermanos Asheton (a pedido de Iggy) Ron (pasó de la guitarra al bajo) y la batería por su hermano Scott.

La banda grabó el disco bajo la producción del propio Pop, que bajo los efectos de la heroína, mezcló a toda la banda en un solo canal, la guitarra principal en otra y la voz en otra. La compañía insistió en que Bowie mezclara el álbum, así que después de escuchar el trabajo de Iggy, David hizo el trabajo en un día.

Pero más allá de que el disco no tuvo éxito en el año de su lanzamiento y terminó con la banda nuevamente separada luego de la caótica gira de presentación. Pero este álbum fue uno de los más rescatados por el nacimiento del punk a tal punto que la canción “Penetration” sirvió para que una banda de Ferryhill, Inglaterra, se llamase como la canción.

En 1976 después de un concierto de Sex Pistols, Pauline Murray, Robert Blamire y Gary Smallman deciden formar Penetration. Aunque que antes se llamaron The Points. A lo largo de 1977 fueron soportes de Generation X, The Vibrators, Buzzcock. Ese año lanzan el single "Don’t Dictate" / "Money Talks" y el segundo en 1978 "Firing Squad" / "Never". Ese mismo año graban su primera Peel Session y luego editan su primer álbum "Moving Targets" (1978). Para 1979 giran por Estados Unidos, Europa e Inglaterra pero esto causó su inminente ruptura, su segundo álbum "Coming Up For Air" se edita en septiembre y la banda se separa por la poca repercusión del álbum. Una colección de demos y tracks en vivo se edita en octubre de ese año, "Race Against Time", pero ya la banda no existe.

Después de un largo descanso en el 2001 se reforman y recién en el 2015 lanzan “Resolution” su último álbum hasta la fecha.

Los Links al disco de The Stooges: https://open.spotify.com/album/6mxbG8KrOTZIxlP4gzaliM Link a los trabajos de Penetration: https://open.spotify.com/artist/0XLpzWw7BLdlsf32qlMXKV

PUNK

33

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

Cuando un es joven todo tiene un impacto mayor, la cosa es blanca o negra, hacia algún extremo, sin balance, se hace o no se hace… esa es la esencia del punk rock, independientemente del tiene socioeconómico o político que le querrámos dar, era música hecha por jóvenes y para jóvenes.

Hoy quiero volver hacia atrás con una playlist, no con un disco, junto con uno de los clásicos más simples de la coctelería: El screwdriver, destornillador, vodka y ¡jugo de naranja!

Pero soy más grande y busco una vuelta de tuerca también, usaré un vodka especiado con pimienta y jalapeño seco.

La cuestión no puede empezar de otra manera que no sea con Bodies, en muchos aspectos un himno del género (y sus creadores, Sex Pistols), letra y riffs conjugan una sarcástica crítica de los mayores exponentes. Cruzo el Atlántico para encontrarme con Jello (Dead Kennedys) y Holiday in Cambodia, con un interludio de tensión refleja el vacío próximo de una generación hija de comodidades que se irán agotando con el tiempo. Tercer puesto para Slaghter and the Dogs y su Victims of the Vampire, excelente tema, directo, simple (hasta Moz participó de esta banda), rescato el solo final, casi arpegio, pero efectivo. Es momento de recargar el vaso y escuchar White Riot de la mano de la que es, en mi opinión, la mejor banda de este género, la versatilidad de sus integrantes más destacados (Strummer y Jones) dentro y fuera del período de vida de The Clash. Una oda al sentimiento joven de ser contestatario: “Are you taking over, Or are you taking orders?, Are you going backwards, Or are you going forwards?”. Los 999 (Nine Nine Nine) me traen con su Homicide el sentimiento rockero de las primeras etapas, un poco para descansar y degustar un nuevo “picantito”. Sabor californiano para Dirty Red y unos Morlocks que por más que son de unos años después son catalogados como una banda de garage rock, van perfectamente en esta listita y me permiten ir a Ohio para escuchar a los Dead Boys con Sonic Reducer con la voz de un joven Stiv Bator (The Lords of the New Church) cantando desde sus entrañas que ¡no es ningún perdedor! Me cruzo nuevamente al viejo mundo para escuchar la prolija lirica de Ever Fallen In Love pero no menos punkera. Era imposible que los dejara fuera de esta lista, estos neoyorquinos, influenciaron a una generación a agarrar una guitarra, un bajo, tocar 2 o 3 acordes y soñar con ser estrellas… atemporales, eternos, jóvenes, The Ramones! Alegría en la Rockaway Beach para preparar el gran final, el que no quiero que llegue (aunque siempre puedo volver a empezar), final de este mínimo y escueto muestrario de un género que marcó en parte mi forma musical de pensar. Llega así la banda más inspiradora en su etapa inicial (de la posterior ya he hablado en otras oportunidades) de la mano del performer mas rudo y sofisticado a la vez que pueda haber, llega The Damned, llega Neat Neat Neat, amor a primera y última vista, ser joven nuevamente, sacudir la cabeza, convulsionar, empujar, saltar!

Esta playlist es más para sentir que para definir, refresquemos lo que nos hizo ser, lo que éramos y no lo perdamos tras escritorios, trajes o tareas rutinarias. ¡Salud!

Sex Pistols – Bodies Dead Kennedys - Holiday In Cambodia Slaughter and the dogs - Victims of the vampire The Clash - White Riot 999 – Homicide The Morlocks - Dirty Red Dead Boys - Sonic Reducer Buzzcocks - Ever Fallen In Love Ramones - Rockaway Beach The Damned - Neat Neat Neat

35

TRES POR UNO THE DAMNED - NEW ROSE

CINE: [ por Jimena Patiño ] Se nota que el video de The Damned, está rodado en una especie de espacio confinado (investigué y se trata del sótano a unos metros del estudio de donde grababan su disco) pero lo bueno es que la cámara (adivino que en 8 o 16mm por el grano de la imagen y la fotografía) hace que sientas que estás pogueando con la banda y enseguida te transporta a la época. Si fueras parte de una audiencia invisible que se golpea y choca con los integrantes de la banda. Fue el primer single que una banda punk sacó y por eso marca un hito en la historia.

Una rosa roja sobre el pavimento gris y deslucido abre el video que no tarda en ser esta performance enloquecida plagada de planos detalles y primerísimos primeros planos de las caras y las partes del cuerpo de los integrantes de la banda. Es como si se convirtiera en una lucha humana cuerpo a cuerpo para ver quien pone el acorde más disonante y arma más quilombo.

Realmente sentís que podes aspirar el aroma de esa nueva rosa que es el punk rock. Cuando lo vi por primera vez dije: es punk. Era obvio que tenía que afinar un poco la puntería porque es como pararse al lado de un Warhol y decir “es un Warhol”. De hecho tiene (un ligero viento ¡créanme!) a algo de rock gótico que en los ochenta seguiría, tal vez en la elección del tema con el planteo de la estética de los miembros de la banda y su vestuario. Simplemente me encanta que sea una especie de performance descarnada porque de alguna manera confinados en ese espacio tan reducido y con tan pocas maniobras posibles la cámara hace milagros al igual que el montaje. En un momento del tema, el montaje incorpora fotografías que parecen fotocopias de los integrantes intervenidas con el mismo rojo de la rosa del comienzo. Como para causar un golpe de impacto y que la producción no se vea tan ¿Barata? ¡Pero sin dudas es barata y gloriosamente trash!

No, no tiene el lenguaje visual y la clase de otros videos musicales posteriores pero sin dudas tiene su mérito en lo descarnado y salvaje que todo resulta. El golpe de impacto suficiente como para llamar la atención de una pantalla proyectada de fondo. Ni siquiera el playback parece en lugar, de hecho creo que se va de sincronía, en varios inserts de planos enloquecidos, pero poco importa. Los travellings en donde la

cámara se acerca ya sea a la cuerdas del bajo o sobre los miembros de la banda transmiten la suficiente fuerza y contundencia visual como para que digas una simple reflexión: “This is british rock! This is punk!

BOLLOKS!!!” No olvidemos que en actitudes como ésta el Punk estaba armando su propia historia, su propio lenguaje y su propia estética.

Si el video tiene ese aire amateur de “nos juntamos con unos amigos y ponemos un cartel en letras rojas con el nombre de la banda y vemos que sale” es porque precisamente era así. Uno puede pensar “si pero al mismo tiempo el Punk tenía una imagen manejada por gente piola como Mclaren” es cierto, pero no eran como si tuvieran una cadena rodeándoles el cuello, tenían bastante libertad artística y se nota mucho. Por eso resultó tan genuino y refrescante, una ruptura con la época y la estética imperante. Toda la energía y locura que puedas concentrar en tres minutos y unos escasos segundos. En este caso se cumple lo que se promete y con creces.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ] The Damned (“Los Malditos”) es uno de los grandes nombres de la escena punk británica de los años 70.

No eran virtuosos de los instrumentos pero sí entusiastas y jaraneros. Su sonido procedía de escuchar a gente como los Stooges o los New York Dolls.

Según cuenta la leyenda, lo primero que llamó la atención a los cazatalentos de las compañías discográficas que los descubrieron fueron sus explosivos shows, en los que aparecían en escenas totalmente borrachos y con vestimentas estrafalarias –como el cantante Dave Vanian, quien solía ir maquillado de vampiro y demás personajes de terror–.

Energía a raudales y ritmos frenéticos eran los ingredientes básicos de sus temas directos y exiguos, compuestos casi en su mayoría por el jovencísimo guitarrista Brian James, un ejemplo de ello es la ya clásica “New Rose”, canción de la que hoy analizaremos su letra.

Penas, alegría, juventud (“Tengo un sentimiento dentro mío”), confusión de no saber quien se es y que se quiere (“Es un poco extraño, como un mar tormen-

toso / No sé por qué, yo no sé por qué / Supongo que estas cosas tienen que ser”), enamoramiento (“Tengo una nueva rosa, tengo una de las buenas / Supongo que no sabía que siempre lo haría / No puedo dejar de perder el tiempo / Tengo una nueva rosa en la ciudad”), desengaño (Ver el sol, ver el sol que brilla / No te acerques demasiado o te quemará los ojos / No te escapes de esa manera / Puedes volver otro día), desdén (“Nunca pensé que esto podría pasarme a mí / Esto es extraño, ¿por qué debe ser? / Yo no merezco a alguien así de grande / Será mejor que me vaya o será demasiado tarde”), todo eso y mucho más es “New Rose”.

Himno de unos adolescentes rebeldes de hace cuarenta años y, sin embargo, todavía vivos, todavía con la misma capacidad de seducir y contagiar el desenfreno y la desfachatez… Sí, me gustaría convencerlos de que esta es una de esas canciones que nunca envejece y que jamás va a pasar de moda mientras exista un chico de 16 o 17 años cabreado con el mundo. mos nuestra comunicación”).

En definitiva, una canción profunda, sombría, distinta, para no dejar de reflexionar.

MÚSICA: [ por Benjamín York ] Situémonos.

26 de Octubre de 1976.

Ranking Inglés: N° 1 - Pussycat - Mississippi N° 2 - Demis Roussos - When Forever Has Gone N° 3 - Rod Stewart - Sailing N° 4 - Chicago - If you leave me now.

N° 6 - ABBA - Dancing Queen N° 10 - Rick Dees and His Cast of Idiots - Disco Duck Intenten escuchar esas canciones y entenderán que fue cuando salió este single. ¿Ella realmente está saliendo con él?

Pregunta Dave Vanian marcando el primer momento en la historia del punk rock inglés y, a la vez, una mirada bien contrastante de lo que vendrá microsegundos después. Si bien parece una frase inocente, es una escondida declaración de principios de los Damned.

La frase no es del cantante Vanian ni del guitarrista Brian James, autor de la canción. Esta frase se encuentra en la canción “Leader of the Pack” de 1964

grabada por The Shangri-La’s. Si bien en cualquier portal encontrarán que es una forma de parodia, yo pienso que es bastante erróneo el concepto. En realidad se me hace que la elección no fue azaroza, en realidad la canción original es bien pop y como dato alternativo la canción del lado B del single de The Damned es “Help!” de The Beatles, es decir, que en esa frase y en el lado B reconocen sus gustos, algo que la banda nunca escondió. Pero además la canción original de las Shangri-la’s, es una de las canciones llamadas "Teenage tragedy song” (Canción de tragedia adolescente). Y al leer la reseña sobre la letra que hizo Pablo antes podemos decir que Vanian tal vez se haya sentido influenciado con estas canciones. Con el tiempo pudimos ver que Dave es un fanático de las bandas de los años 60’s.

Pero volviendo a New Rose. Si bien el primer instante me da la impresión de un tributo, en el siguiente instante podemos encontrar una similitud con otra banda pero más cercana en el tiempo. Año 1973. Disco: “Slayed?”. Banda: Slade. Si escuchamos el ritmo de batería de Don Powell que hace en la versión de "Let the Good Times Roll" es comparable a la que hace Ratt Scabies. La canción original que hace Slade es una canción original de Shirley & Lee, quienes la registraron en 1956. Aunque más avasallante y frenética es la impronta en los tones de Rat Scabies, que nos inyectan sangre desordenada y enérgicamente incitándonos a saltar. La guitarra de Brian James parece cruzarse en nuestro camino para hostigarnos de manera punzante. El primer corte es tan extremo que nos golpea de tal forma que el arranque de toda la banda con el punzante bajo de Captain Sensible y la enérgica voz de Dave Vanian que va escupiendo frases mientras la banda simplemente te va destrozando en minutos de intensidad y visceralidad agobiante. El corte vuelve a dejarnos en el principio con los tones de Scabies y la guitarra de James que es una daga filosa que nos hiere y nos deja jadeante y toda la pesadilla regresa sin descanso.

Brian james dijo sobre la canción: “Todo el mundo piensa que 'New Rose' es sobre una chica o una nueva relación, pero no lo es. Era sobre esta escena emergente, este zumbido encantador que posiblemente nunca hubieras soñado. Tenía mis propios 'años 60s ', ese tipo de vibra.”

Es como si nos enfrentáramos a un boxeador tres categorías superior a la nuestra y a cada golpe nos deja al borde del KO… pero esas cosas raras de la vida… no vamos a querer bajarnos del ring y vamos a querer que nos golpee otra vez más.

[ Por Fer Carpenter ]

PUNK 77: LO QUE NO APRENDIMOS

41

Punk 77, la contracultura transformada en cultura pop, aceptada y hasta ridiculizada en los tiempos que corren, la que una vez el fuego que encendió uno de los momentos más creativos de la música y del arte.

Corría el año 1977 y New York y Londres recibieron una bendición. Ambas ciudades fueron un semillero, por un lado intelectual, por el otro una furia de energía, la mezcla de ellas marcaron la historia todo lo que hoy se escucha en el under y comercialmente.

The Damned editando New Rose como primer simple en ese año, los Sex Pistols ya estaban establecidos como iconos totales y prohibidos en tocar en suelo Inglés, los Ramones lanzando su tercer álbum y todos los jóvenes con ganas de diferenciarse y hacer cosas nuevas.

El rock de estadio ya aburría, esos semidioses no eran creíbles y el mundo se venía a pique, pero estos chicos menores de edad nos avisaron de que el mundo tenía que cambiar.

La lluvia de creatividad fue increíble, fanzines, fotógrafos, poetas, pintores, pubs, tiendas de ropa, la diferencia era el camino para dar vuelta un mundo, pelear por ese lugar que no existía, el “No Future” se transformó en un futuro para estos adolescentes nihilistas e insatisfechos.

Jayne County travesti totalmente aceptada en esa generación bastarda que no discriminaba ni tenía prejuicios raciales ni de identidad de género, incendiaba cada lugar que pisaba como dj y cantante al frente de Electric Chairs. Richard Hell y Patty Smith deslumbraban poesía, Talking Heads y Televison re inventaban el modo de tocar la guitarra, Suicide destruía el rock clásico de guitarras imponiendo latigazos electrónicos, Blondie daba cátedra de todo lo que hoy se conoce como música pop y se escucha en cualquier cortina musical. Londres llamaba por su parte, The Clash pedía igualdad reciclando y mezclando ritmos negros, Buzzcocks desde Manchester pariendo una nueva generación de glorias como Magazine, Joy Division, The Fall y marcando el camino de la música electrónica.

El punk 77 se alimento de la oscuridad marginal de los 60's, dejo de lado todo lo rosa del verano del amor del 67, recorrieron las calles, el día a día, estos chicos inquietos que gritaban “No Future” nos enseñaron a respetar, la igualdad, a pelear por nuestros derechos, a ser creativos, a jugárnosla, a buscar nuestro lugar en el mundo.

Punk 77 hazlo usted mismo.

[ Por Dany Punx ]

PUNK 77: LA ACTITUD DE LA JUVENTUD OPRIMIDA

43

1977; No Elvis, Beatles o los Rolling Stones... como dice el tango 40 años no es nada -bueno ¿no eran 20?.

El hecho es que hace 40 años explotaba el punk en UK en medio de una crisis social y política.

Tenemos la eterna discusión de quien invento el punk entre EEUU y UK. Los primeros decían por medio de la revista PUNK; nosotros teníamos el sonido y el nombre, los de UK argumentan que ellos fueron una verdadera revolución apoyado por un movimiento juvenil conectado por un sonido a las miles de bandas que surgían.

Más allá de esta discusión y cada uno tiene su visión particular del PUNK...

Este nos deja la enseñanza que cualquiera puede hacerlo, sellos independientes, arte, fanzines, un cambio radical en la vestimentas, acompañado de un grito social que hace que el PUNK siga vigente hoy en día.

SER PUNK HOY, ES IGUAL QUE SER HIPPIE HOY [ Entrevista a Hari B por Rodrigo Debernardis ]

45

Cuando no se sabía nada del punk en Argentina, él ya se había proclamado como el abanderado del punk, en estas tierras en donde todo llegaba mucho más tarde. Luego sembró el gen de la primera banda de punk rock de la Argentina. Luego no supimos mucho más de él, pero lo hemos contactado y nos contestó algunas preguntas. Aquí el que muchos llaman el primer punk de la Argentina. Hari B. 1977. La historia dice que te proclamaste el primer punk de Argentina. Contános como fue esa historia con la Pelo y la respuesta de Sergio Gramática.

Viajé a Londres a fines del 77, con mis viejos.

Me traje varios vinilos, muchos de los Who, de punk me traje “In The City” de The Jam, quería el de los Pistols, pero no lo conseguí. Me compré un libro allá, de Caroline Coon, “1888”, reportajes a Rotten, Strummer, Vanian, todo muy punk, muy urgente.

Acá tenía una banda en la escuela, nos gustaban los Beatles, los Who, Deep Purple, etc etc. Ya me había comprado “Horses” de Pati Smith, que lo habían editado en Argentina.

Con todo el tema del punk, mis compañeros de banda no estaban de lo más cómodos, tocamos un recital muy casero a principios de marzo y ahí fue que mandé la carta a la Pelo que decía que era punk y que por eso el punk ya estaba acá.

Me echaron de la banda por eso. Después apareció la carta de Gramática en la Pelo y ahí nos conectamos, para armar Los Testículos, era 1978. Debutamos en un Festirock en una escuela de Belgrano en diciembre del 78.

Ese fue el comienzo real de Los Testículos. ¿Qué recuerdas de esos ensayos, además de

la batería Caf y la guitarra Faim blanca?

Los ensayos eran en el garaje de lo de mis viejos, pero por el quilombo no duramos mucho ahí, además el cantante y el bajista de ese show se fueron y entraron otro bajista y otro cantante, que después, en el segundo y último show de Los Testículos, se fue. Ahí tuve que hacer la colimba y entró como cantante de los ya Violadores, un compañero de la colimba, un argento que vivía en Mallorca. Debutamos en la biblioteca de José León Suarez como los Violadores, a fines del 79, o principios del 80. ¿Cómo puedes describir que había realmente en esos años en las radios?

Las radios eran malas, no me acuerdo mucho, estaba Badía y alguno más, pero no pasaba demasiado. El Tren Fantasma también, estaban bien, pero en general hasta que apareció la Rock and Pop, no pasaba demasiado.

Obviamente las cualidades de un punk en Inglaterra y Estados Unidos son diferentes con lo que existía en Buenos Aires. ¿Cómo describirías esas diferencias?

Las diferencias de los punks del primer mundo y del subdesarrollo es la guita. Allá se quejan de llenos.

Después de la canción de Sumo en donde Luca te ridiculiza, ¿te enojaste? Y hoy a más de treinta años, ¿Cómo lo ves?

La Rubia Tarada, no pasó nada en ese momento ni ahora, me da ternura, porque Luca siempre fue un tipo muy tierno.

Hoy ¿qué es ser Punk para vos?

Ser punk hoy, es igual que ser hippie hoy.

Los TestĂ­culos

Los Violadores 1980

47

[ Entrevista a Elli Medeiros de Stinky Toys por Pablo Müllner ]

BELLE DU PUNK

Elli Medeiros es una artista misteriosa, dueña de una voz sensual, de una belleza que deja aliento. Casi tanto como bailar al ritmo del primer exhilarante sonido punk. No es de extrañar que se haya convertido en una musa de la música y el cine. En 1976, su banda Stinky Toys era la punta de lanza del punk francés y llegaba a Londres para realizar conciertos en varios festivales londinenses junto a The Clash y The Sex Pistols. Malcolm McLaren, la vio e inmediatamente se inspiró en su estética. Desde entonces su carrera siguió por distintos caminos, como cantante del dúo synthpop “Elli et Jacno”, como solista, o agraciando las cintas de algunos de los directores más talentosos del viejo continente (Philippe Garrel, Olivier Assayas).

En 2008 participó del film Leonera, del argentino Pablo Trapero. Aquí Elli, Belle du Punk, nos dedica parte de su tarde en contarnos momentos de su sorprendente carrera.

¿Cómo estás, Elli? ¡Es un verdadero gusto poder hacerte algunas preguntas! Tu vida artística está llena de momentos fascinantes y grandes colaboraciones. Primero que nada, me sorprendió mucho saber que naciste en Uruguay y en tus primeros años de la adolescencia te mudaste a Francia. Allí arrancaste con la música, siendo apenas una adolescente. ¿Cómo sucedió algo así? Me imagino que esa decisión debió ser una preocupación para tus padres, por ejemplo… ¡Hola! Gracias por esta “presentación”. No sé si puedo decir que fue una decisión de mi parte, más bien las circunstancias... la música era una parte esencial de mi vida, pero era como mi entorno, o el “escenario” de mi vida, desde que tengo memoria, pero no pensaba que tomaría parte activa en eso. Mi actividad personal era más bien artes plásticas, dibujo, y escribir... Pero tenía una banda de amigos, mis mejores amigos, estábamos siempre juntos y ellos querían hacer música,.. Jacno había intentado participar en un par de bandas pero la cosa no funcionaba, hubo episodios bastante épicos, nos escapamos de una casa por la ventana... y una noche, muy tarde le dije: “Estamos siempre juntos, son mis mejores amigos, vemos las cosas de la misma manera,

tendríamos que hacer una banda nosotros.” Al otro día fui a la casa de Jacno con textos… no eran textos para canciones, eran... cosas que escribía... y él me mostró sus ritmos de guitarras, y le puse melodías a las palabras y ahí teníamos los primeros temas de Toys, en una tarde.

Personalmente tengo una visión idealizada del movimiento punk, me fascina especialmente la primera generación punk. Creo que ha tenido un rol revolucionario sobre la idea de lo femenino. Me parece que hubo un empoderamiento para las mujeres, las cantantes estaban encasilladas en lucir dóciles y sonar edulcoradas en la música popular. ¿Eras completamente consciente de esta política (contra) cultural de la música punk cuando empezaste a cantar? ¿O más bien todo iba sucediendo sobre la marcha?

Si en algún momento me hubiera puesto a hablar de eso concretamente, si claro... pero digamos que no teorizaba las cosas, como hubiera podido hacerlo escribiendo ensayos... pero en las letras... eran como ficciones o transposiciones de mis propias experiencias siempre alrededor de esos temas. Digamos que algo que no sé si se decía en esa época, como la “transversalidad”…

49

el punk fue el momento en que las mujeres salieron de manera masiva del rol de cantante interprete, al servicio de un autor compositor... antes de esa época las instrumentistas eran poquísimas en la música pop rock... pero fue esta liberación general, cualquier cosa que quisieras hacer, la hacías… te subías al escenario y lo hacías... y las mujeres ocuparon un espacio compartido, un momento anti machista ja Me parece alucinante como la iconografía se iba construyendo casi por casualidad, por ejemplo leí la anécdota de que Malcolm McLaren te vio usar unos jeans rotos sostenidos por alfileres de gancho y lo tomó para la simbología punk. Por otro lado, me sorprendió en varios videos de la época, presentaciones en vivo y de televisión, lo despojado de tu look, casi a cara lavada, y con muy pocos accesorios, a comparación del paradigma de la chica punk inglesa que tenía una estética bastante barroca. ¿Eras tu propia estilista durante

esos años?

Pero todo eso era un “statement” (una declaración de principios): la manera de vestirse tiene que estar totalmente acorde a todo el resto…

Para mí usar pantalones rotos sostenidos por alfileres y sweaters agujereados, era una forma no solamente de expresión artística y revindicar ver belleza donde otros no la veían, era también un “statement” anti consumo, anti uniformización, anti dictado de la moda. Malcolm era un tipo interesante, pero a partir del momento en que comercializó esa estética y la gente compraba la ropa rota con alfileres, yo dejé de usarla, inmediatamente, y usaba tacos muy altos, y ropa usada de los años ‘40, ’50, ‘60, pero impecable, cuando empezaron a circular imágenes de los Stinky Toys yo ya había dejado atrás esa estética que era una moda, y mi manera de vestirme a partir de 77 prefiguraba más lo que venía a principios de los 80… siempre seguí usando ropa con sus deterioros .. y ahora uso alfileres de nuevo, porque pueden de nuevo crear confusión y rechazo.

Los Stinky Toys fueron una banda pionera en todo sentido, vivieron y tocaron (muy) rápido, y se disolvieron antes de que terminara la década. La fecha en el 100 Club de Londres con Sex Pistols, The Clash, Siouxsie y The Damned es marcada como por algunos periodistas como la génesis del punk. Pero ustedes no “nacieron” ese día, y me imagino que tenían sus propias ideas de cómo hacer las cosas. ¿Cómo fue el acercamiento con todas esas bandas? Claramente no eran los ´60, ¿pero había algún sentimiento de colectivo?

La respuesta está me parece en lo que comentamos antes... fue un momento de libertad y de experimentación... lo que me quedó por decir es que… lo que fue en ese momento muy diferente de lo que iba a llegar más tarde, 10 años después o más, es que para mí, la música fue algo más conectado a sobrevivir, a no morirme, a respirar un día mas, no fue un proyecto de carrera, en ese momento todavía una banda rock era un proyecto de fracaso total, no tenías ninguna perspectiva, zero glamour… Unos años después, los chicos les pedían a los padres que les compraran teclados porque querían tener éxito en la vida.

El primer disco salió enseguida y ya es mítico. Algunos lo llaman “el álbum gris”, yo encontré una versión reeditada en los ´90 bajo el nombre “Plastic Faces”. Me parece un destrato como lo tomó la prensa inglesa de los setenta. Es fresco, crudo y no me suena para nada como el resto de las bandas punk de la época. En Amazon hoy está calificado con 5/5 por los compradores y lo que todos marcan es que suena como los primeros Stones pero más “acelerados”, ahora sí como un cumplido. No hubiera desentonado en los 2000 cuando emergieron bandas como Yeah Yeah Yeahs o the Kills.

Cuando empezó la onda punk, yo decía “no soy punk”, esto de “No future” es una boludez, yo quiero destruir este presente de mierda porque quiero otra cosa... Supongo que era demasiado punk para el punk (jejeje) No, en serio, me sentía más acorde con The Clash, porque ellos estaban

en la realidad, social y política... Con los pocos medios que teníamos, nuestra música era en realidad muy sofisticada y ambiciosa, y muy pop... los ingleses son muy “racistas” contra los franceses (jaja) entonces claro nos insultaban y criticaban pero también muchos apreciaban, si no, no hubiera pasado lo que pasó, y fuimos solo un par de veces a Inglaterra pero digamos que quedó hecha una conexión... Gary Lucas (guitarrista increíble, que empezó con Captain Beefheart y que conocí años después) me dijo que se acordaba de haber visto los discos de los Toys en Nueva York en ese momento, nosotros no teníamos ni idea.

En 1977 la banda apareció en “Acceleration Punk”, junto a The Jam, The Police, eso era un signo de los tiempos: que los artistas jóvenes quedar inmortalizados en un documental como el retrato de una “escena emergente”.

Pero en tu caso, quizá sin saberlo, ese sería el primer acercamiento al mundo del cine del cual nunca más te volviste a separar. ¿Cuándo empieza tu carrera como actriz propiamente dicha?

Todo empezó más o menos al mismo tiempo, porque las primeras películas en las que trabajé, fueron los dos primeros cortos de Olivier Assayas, que me había visto con los Stinky Toys en festivales en Paris... ¡Pero mis primeros pasos como actriz fueron en teatro en Montevideo! La primera vez que pisé un escenario fue en el Auditorio Nacional del Sodre, tenía 3 años e hice del hijo de Madame Butterfly, interpretada por una cantante de ópera uruguaya muy conocida (me han hablado hace poco de ella).

Stinky Toys se disolvió en 1979, pero al mismo tiempo estaba naciendo el dúo “Elli et Jacno”, con el Jacno guitarrista. La pareja se veía con una gran química en los videos de la época, Jacno tenía un estilo muy joven Bowie, y vos parecías una gran estrella de cine, tipo Ornella Mutti, tenían mucho glamour. ¿Cómo sucedió esa transición, eran pareja en ese momento o solamente tenían buena afinidad musical?

51

¡Muchas gracias! ¡Ornella Mutti qué belleza! Me siento muy halagada... La gente siempre ha dicho que Denis (Jacno) se parecía a David Bowie, y yo siempre decía: “sí, pero en lindo”... De verdad Jacno era un tipo de increíble belleza, ¡qué nuestra hija ha heredado! Además del talento y el amor por la música, como su padre. Éramos pareja desde antes de los Stinky Toys, nos conocimos a los 15 años, yo dibujaba y el empezaba en la música... Nuestra relación duró diez años, y (éramos) tan jóvenes fue como toda una vida, empezamos todo juntos. Y cuando finalmente nos separamos, siempre fue mi mejor amigo, mi hermano. Hicimos un último disco juntos, después de separados, que fue un lazo entre música y cine, gracias a la propuesta de Eric Rohmer.

Sucedió con varios artistas punks que en primeros ochenta se orientaron hacia un sonido más EDM, synthpop, casi como un proceso natural. ¿Pero para ustedes el dúo significo volver un poco a las raíces? Me refiero a cantar letras en francés, recuperar bastante del sonido de la canción pop francesa, que

es otra cosa, más melodiosa, más sensual….

Main dans la main, Le telephone, Je t’aime tant… Todas esas canciones fueron hits en los 80s. ¿Será que Francia ama por sobre todo el pop?

La música de los Stinky Toys era creada por el grupo.. Jacno tenía una idea muy diferente de algo que él quería hacer y yo lo acompañé en ese proyecto... Era otra manera de sobrevivir, de huir esa pose “destroy” que se había vuelto una moda, algo superficial... Nosotros luchábamos cada día para no morir y esa música y todo el concepto era como una performance… Nosotros cultivábamos el “wishful thinking” (pensamiento esperanzador) y un esfuerzo para proponer una salida… nos inspiraban también artistas que siempre habíamos apreciado, tanto de la (música) pop francesa, como los grupos de chicas como The Shangrilas y tantos otros.

Quería preguntarte por algo que debe significar un hito en la carrera de cualquier músico que es componer la banda de sonido para una película (“Les nuits de la pleine lune”) de Eric

Rohmer, un mito del cine. ¿Podés contarnos algo de esa experiencia?

Como te decía, estábamos con el proyecto del que sería el último disco de “Elli & Jacno” y fue el momento en que yo empecé a sentirme muy ansiosa, con ganas de hacer música también, proponer más... Pero entonces como que el proyecto se disparaba para todos lados, perdía cohesión, pasamos a ser un lado del disco Elli y del otro lado Jacno. ¡Estábamos por abandonar pensando que no iba a funcionar, cuando justo surgió la oportunidad de participar en esta peli!... Rohmer quería mucha música en la película, música para fiestas, y temas muy diferentes. Iban a ser bandas diferentes para cada tema, pero fue como un encuentro milagroso, porque todos nuestros temas, que eran tan diferentes, disparates, eran perfectos para cada momento de la película... Todos los temas estaban terminados, menos uno, del que teníamos la parte instrumental, la melodía, pero no le podía encontrar la letra... ya habíamos hablado con Rohmer, fue sorprendente.. el tema Les Tarots que yo habia escrito porque las cartas del tarot me gustaban, pero no soy para nada especialista, a Rohmer lo intrigó porque él era un especialista de tarots .. Con todo eso yo no había leído el guion, y cuando lo recibí, veo el título:

“Les nuits de la pleine lune”... y las noches de luna llena eran todo un tema para mí, y escribí (la letra que falta) así sin pensarlo, como una evidencia.

Hacia fines de los ochenta ya eras solista. ¿Significó un gran cambio o solo un paso más hacia la independencia? Además empezaste a trabajar con algunas letras en castellano y sonidos latinos (Bom Bom, A bailar calypso) lo que me parece bastante lógico teniendo en cuenta tu primera nacionalidad, pero quizá para el público francés fue sorprendente. ¡Siempre hubo temas en castellano, y siempre estaba muy presente que era uruguaya, añadía quizás exotismo! Pero en Francia mucha gente, muchos fans ¡Me han dicho que se habían interesado a Uruguay para saber de dónde venía yo! “Uruguayan Dream” (Sueño Uruguayo) era un tema importante de los Stinky Toys… Presentarme como “solista” me dio más libertad quizás, para poder trabajar con más gente, gente diferente, mucha gente de origen latino, o africano, gente del jazz o de la música contemporánea o experimental… digamos que era la “suite” lógica... lo más interesante, y para mi emocionante, fue que el tema mas popular que he hecho, fue “Toi mon toit”, una composición mía, a partir de un ritmo de guitarra mío, que yo soy ni siquiera proto-guitaris-

53

ta, no, pero en realidad es la clave del candombe, como me habían dicho los chicos de C1080 cuando se los habia cantado a cappella, “pero eso es candombe de pasta…” (la uruguayez te sale por todos los poros que querés) Hablando de Latinoamérica, no puedo dejar de preguntarte sobre tu trabajo en “Leonera” de Pablo Trapero, que es uno de los grandes talentos del nuevo cine argentino, pero que además es de San Justo, Buenos Aires, que es mi ciudad de origen también… ¿Cómo sucedió trabajar con él y qué recuerdos te quedan de esa colaboración?

Habia conocido a Pablo cuando presentó su primera película, Mundo Grua, en el festival de cine latinoamericano de Toulouse, y yo estaba en el jurado. Y fuimos dos jurados a pelearla para defender esta peli que terminó recibiendo el Grand Prix del festival, ahí lo conoci a él y a Gustavo Postiglione también, y a Daniel Rosenfeld y otros, mucho talento... Con Pablo seguimos en contacto y cuando hizo Leonera se acordó de mí no sé porque, supongo que tuvo una intuición porque es diferente de lo pude haber hecho antes, y fue mi primera peli en castellano, en mi propio idioma. Una experiencia genial, toda esa banda, Pablo, Martina obviamente, Agustina Llambi Campbel en produccion, cada persona que participó en esa película, los guinoistas Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, gente excepcional.

Sé que trabajaste con otros grandes directores franceses, pero no puedo dejar pasar el dato de que eras la pareja de Brian De Palma, es uno de mis héroes cinematográficos, creo que por lo menos cinco de mis películas favoritas de todos los tiempos son suyas, bueno la pregunta de rigor sería: ¿Se han planteado el trabajar juntos en un proyecto?

Brian y yo fuimos pareja hace años ya, “time

flies” (el tiempo vuela)... pero también tenía mucha admiración por él antes de conocerlo, algunas de sus películas entre mis favoritas absolutas, sobre todo una, que era una película que había visto de casualidad, sin saber de quién era y me había re impactado, y fue él que me dijo que era de él… no sé si podrías adivinar, o si está entre las tuyas. (Yo creo que puede ser “Sisters” una película de terror de los ´70, que sin ver los créditos uno puede pensar que es David Cronnenberg. Por otro lado insisto en que sería genial verla Elli en una película de De Palma, aunque ya se hayan separado, porque el da un gran valor al rol de la “femme fatale”, y ella seguro sería una “femme fatale” excelente para una de sus películas.)

Antes de decir “adiós” me gustaría dejar un espacio para que me comentes sobre algún proyecto personal o artístico o cualquier cosa que te parezca necesario mencionar.

Mi vida es como la marea, y me he alejado ya de la música, a veces muy muy lejos durante mucho tiempo, y después vuelve… a pesar de todo, de las circunstancias, de la voluntad. Desde hace muchos, muchos años, quería hacer un proyecto con candombe, consciente esta vez ¡no como “Toi mon toit” (jaja) cuando por fin empecé a grabarlo, con músicos franceses y uruguayos, incluidos mis amigos de C1080 tuve un accidente y el proyecto quedó suspendido… Tengo un material extraordinario gracias a la participación de artistas extraordianrios, y espero encontrar la forma adecuada para terminarlo, quizás incluirlo en una película que me gustaría filmar (escribir y dirigir yo misma) en Uruguay, con un elenco internacional, en parte rioplatense claro, pero también europeo anglosajón, mucha mezcla, pero con la música de mis raíces! ¡Muchísimas gracias, Elli!

55

[ Ramones por Vincent Van Fläuers. ]

SIMPLEZA Y SABIDURIA CALLEJERA

57

Algo estaba sucediendo en el año 1977, algo que dejaría huella para siempre en la historia de la música. Cuatro jóvenes de Queens, Nueva York, habían formado una banda de rock unos años atrás, y decidieron llamarla Ramones, y además decidieron apellidarse "Ramone", como si se tratara de una banda de hermanos.

El año anterior, exactamente el 23 de abril de 1976, veía la luz su primer disco de título homónimo, y ya nada fue igual en la música popular. 14 canciones, veloces, cortas, crudas, sin virtuosismos, de líricas sencillas, fueron suficientes para inspirar a muchísimos de jóvenes a formar sus grupos de rock. Y no solo en Estados Unidos. Su sonido había cruzado el océano atlántico para instalarse en las mentes de una incendiaria juventud en Inglaterra. Así lo que conocemos como Punk Rock había dado sus inicios.

Además, en el año 1977 (el "año" del punk sin dudas) el cuarteto editó dos discos más: "Leave Home" el 10 de enero y "Rocket To Russia" el 4 de noviembre. De esta manera queda conformada la trilogía dorada de la banda. Aunque no todo termina ahí: en diciembre de ese año el grupo realiza una gira por el Reino Unido, y en la última noche del mes, el 31 de diciembre, brindan un concierto en el Rainbow Theatre de Londres, el cual queda registrado en el disco "It´s Alive" considerado como uno de los mejores discos en vivo de la historia. Si bien el disco fue lanzado en 1979, deja testimonio de una vez y para siempre el potencial en directo de esta banda que revolucionó la música a fines los años 70, con un cóctel explosivo de simpleza y sabiduría callejera.

[ Entrevista a Gary Ladd por Diego Centuriรณn. ]

HACIA LO MIO PARA USAR

En su perfil es mencionado como "Diseñador de camisas para la familia del punk rock en la Universidad de Punk Rock". Según lo que nos ha contado, comenzó a hacer sus propias camisetas porque si no vivías en Londres, era muy difícil conseguirlas. Pensando en que uno de las maneras de diferenciarse del resto fue la indumentaria, necesitábamos una palabra autorizada sobre el tema. Y gracias a la gestión de Dave Alucard llegamos hasta “Gaz Punk” como le gusta nombrarse, para que él nos cuente la importancia de la moda punk.

Para comenzar esta entrevista, hablemos sobre sus inicios. ¿Cómo y por qué y cuándo decides dedicarte a la moda punk?

Supongo que fue en el comienzo de 1976 cuando vi fotos en el NME y en varias revistas de punks en Londres usando camisetas escandalosas con alfileres de ganchos y cabello teñido.

Pensé que se veía genial y refrescante, y como siempre tuve Levis gastados con agujeros en las rodillas con zapatillas de béisbol, estaba a mitad de camino. Todo lo que tenía que hacer era cortarme el pelo más corto y bastardear algunas camisetas que tenía con Roxy Music y The Who que usaba, usando pintura en aerosol para cubrirlas junto con salsa de soja y vinagre para mancharlas y hacerlas oler un poco también.

Si vemos el origen de la moda punk en los años 70, ¿Cómo crees que nacen las primeras prendas?

Creo que, como la mayoría de las culturas juveniles, los jeans y las chaquetas de cuero siempre parecen jugar un papel importante, pero gracias a diseñadores como Vivian Westwood había cosas mucho más evolucionadas, como pantalones y chaquetas con tiras junto con jerséis de mohair y polémicos lemas de camisetas que ayudaron poner dos dedos en la sociedad.

Si bien al principio la ropa era más para provocar una sociedad rígida y rutinaria (hablamos de simbología nazi) ¿de dónde provenían esas insignias?

Una vez más, ciertas bandas utilizaron brazaletes nazis y parches como una táctica de choque que te hizo notar y hablaste, pero no significaba que eras simpatizante nazi solo porque querías destacar y ser notado.

Hace algún tiempo, leí que el uso de las telas escocesas tenía un sentido de identificación con la clase trabajadora. Y, por otro lado, porque los escoceses siempre se opusieron al régimen monárquico. ¿Tú qué nos puedes decir?

Las telas de tartán se usaron en varias cosas, desde trajes de sadomasoquismo hasta cuellos de camisa, pero en cuanto a la razón detrás de su uso, realmente no sé más allá de que se destacó y se veía bien. ¿Qué importancia atribuyes a la moda en el movimiento punk?

Es solo algo que te da una identidad y una individualidad, ya sea la ropa que usas o el estilo y el color de tu cabello.

Pienso en una frase "La moda es el contenedor de una idea". ¿Cómo ves la moda punk con respecto a la música y la actitud punk?

Creo que la moda punk ha tenido un efecto de gran alcance en la moda en general. Tengo 59 años y aún me visto como cuando tenía 18 años simplemente porque es muy importante para mí y me encanta su aspecto. ¿Cómo fue diseñar ropa en esos primeros años?

Como dije antes, era cuestión de hacer tus propias camisetas rasgando agujeros y pintando con spray y añadiendo algunos pins que eran muy emocionantes en ese momento y fue una revelación ir a conciertos y ver diferentes ideas de lo que otros habían hecho. ¿Cómo se las arregló para vender sus productos en ese 1977?

No estaba vendiendo en esos días hacía lo mío para usar y posar.

59

¿Qué anécdota nos puedes contar sobre ese 1977?

Recuerdo que me pidieron que dejara muchos pubs en los que fuimos antes de los conciertos, ya que parecía diferente y la gente creía que estábamos escupiendo y enfermando debido a lo que los periódicos habían estado informando. ¿Con qué bandas has hecho amigos desde ese momento hasta hoy?

Conocí bastantes miembros de bandas a través de los años de Jimmy Pursey (Sham69) Wayne Barrett (Slaughter & the Dogs) todos los Uk Subs, TV Smith, Knox, etc.

Como diseñador de modas, ¿qué puede decirnos sobre el costo de la realización y el costo de la materia prima? Tanto en 1977 como en este 2017.

Tanto en 1977 como en 2017. Obviamente, las cosas siguen subiendo en precio, pero esa es la manera del mundo y algo que solo tienes que aceptar.

Vivienne Westwood es reconocida como la diseñadora más importante nacida del punk. ¿Qué piensas de ella como diseñadora?

Siempre he admirado el trabajo de Vivs y lo que ella ha logrado. Ella más o menos diseñó el uniforme punk con sus maravillosas y a menudo escandalosas creaciones. ¿Has tenido contacto con ella en esos primeros años de SEX? No, yo nunca desafortunadamente. ¿Cuánto ha cambiado la ropa punk en estos cuarenta años?

Para mí no ha cambiado tanto, todavía la encuentro muy importante para cada individuo mientras intentas encontrar tu propio estilo para que puedas ser único e individual.

A lo largo de estos cuarenta años, ¿qué grandes cambios ha sufrido la moda punk?

Para mí, las chaquetas de cuero con muchos

tachones y los mohicanos que no formaban parte de la escena original son algo que nunca me gustó, pero cada uno a lo suyo. ¿Qué diferencias encuentras entre la escena punk de 1977 y la actual?

Lo principal es que en nuestra juventud éramos principalmente jóvenes adolescentes, y hoy en día tenemos más de 50 años, pero igual de apasionados por nuestra música.

Cuarenta años del mejor año de Punk. Hoy, ¿en qué estado encuentras esa revolución?

Todavía voy a muchos conciertos y, a menudo, están bastante llenos si no están completos, por lo que todavía hay una escena fuerte con muchas bandas jóvenes llegando, así que las cosas son

muy saludables. ¿Qué crees que significaba ser punk en los 70?

Ser diferente, ir a ver nuevas bandas emocionantes en lugares más pequeños e íntimos que lo hicieron especial. ¿Y qué crees que significa ser punk en la actualidad?

Se siente con todas las amistades es nuestra familia punk y todos nos cuidamos unos a otros y compartimos recuerdos nostálgicos.

Johnny Rotten una vez cantó... fueron el veneno en la máquina humana, fueron el futuro, tu futuro.

Queremos agradecer sus respuestas y decirnos ¿dónde podemos encontrar sus diseños?

Mi negocio se llama Punkiladd y puedes encontrarme en Facebook si hago la mayor parte de mi negocio junto con mi sitio web www.Punkiladd. com. Diseño principalmente camisetas y cubro la mayoría de las bandas punk con mis diseños.

También hago un montón de trabajo por encargo para los miembros de la banda con sus propios logotipos, letras, etc.

61

PURA MELOMANIA

TELEVISION - MARQUEE MOON (1977) [ Por José Navarro ]

Es bien sabido que parte fundamental del caldo de cultivo de lo que se denominaría "punk" al menos musicalmente hablando, venía de los Estados Unidos. La escena de principios y mediados de los años 70, se había diversificado y sus ecos llegarían a las costas del Reino Unido, donde haría explosión de manera más colorida.... y más rentable.

Television era una banda formada en New York, que se movía en el medio de la escena con una ventaja respecto a sus colegas. No habían aprendido a tocar sus instrumentos a la vez que se cocinaban en medio de escenarios en cualquier lado. Tenían un background mucho más interesante: Poesía, gustos eclécticos que iban desde el free jazz hasta psicodelia. Pero por sobre todas las cosas, sabían tocar, y lo que estaban haciendo. De eso no había duda.

Formados en 1973, con una primera formación que incluía como bajista a Richard Hell, que pronto dejaría en claro que se le daría mejor como frontman al frente de sus Voidoids (Formación que incluía en batería a Marc Bell, luego conocido como Marky Ramone), que como sideman bajo la sombra del tremendo Tom Verlaine.

La ecuación era perfecta. Tom Verlaine, con sus letras inspiradas en poesía Francesa y su guitarra en contrapunto eterno con la de Richard Lloyd; Y una base casi perfecta, sólida pero moldeable, con ciertos toques hasta por momentos Jazzeros, Cortesía de Billy Ficca en batería y el bajo de Fred Smith.

Tras la edición de un single en el sello Ork en 1975, Elektra se ve interesada en la banda, y les ofrece un contrato. El primer disco, tendría que moldearse por unos meses. Valdría la pena.

Marquee Moon fue lanzado en USA el 8 de febrero

totalmente de las coordenadas del tiempo musical en el que fue concebido.

Reales viñetas urbanas, arropadas por un contrapunto rítmico entre las guitarras que forman figuras reconocibles pero desdibujadas.

Parece en cierta forma, una colección de singles, con títulos que son difíciles de destacar pues todos tienen una entidad propia. ¿Qué más se podría esperar de un disco con el tema que le da nombre al disco que dura 10 minutos y tiene dos solos de guitarra diferentes?

En cierta forma, se puede llegar a decir que "Marquee Moon" es un disco gestado en el medio de la escena punk de new york, pero pensado para después que este haya pasado. De ahí se explica su enorme influencia en las bandas de new wave y post punk que tomaron como referencia este extraordinario LP. Y por supuesto, queda la duda existencial de caer en los inexistentes brazos de la Venus de Milo, como se menciona en "Venus". Dilema que no pienso explicar ni mucho menos resolver. Quizás ahí resida la magia

de 1977. Y es una obra maestra y conceptual alejada

eterna de "Marquee Moon".

NO FUTURE? The Clash - The Clash (1977) [ Por José Luis Lemos ]

Un 23 de Abril de 1976, los miembros de una incipiente banda de pub rock llamada los 101’ers observan, apoyados en la barra del bar, a quienes esa noche ofician de teloneros suyos: un grupo de desaforados que tocan y cantan como posesos y que se hacen llamar los Sex Pistols.

Ninguno de los integrantes parece entender –ni aprobar- lo que está pasando, excepto Woody, el cantante y guitarrista rítmico, que observa la situación como si ahí, frente a sus ojos, se encontrara el futuro que desesperadamente estaba buscando. Apenas un mes después, Woody ya no es Woody, sino Joe Strummer, y su aspecto rockabilly queda sepultado bajo un cabello corto teñido de rubio y camisas estampadas con consignas combativas. Una de ellas, impresa con stencyl en la parte trasera de una chaqueta, resume a la perfección el cambio de paradigma: “Odio y guerra”, en contraposición al Amor y paz que pregonaban Woody y sus amigos hippies del 101 Walterton Road. El futuro tenía nombre, y se llamaba Punk. Y Joe Strummer lo afrontaba con una banda llamada The Clash.

“Escriban sobre las cosas que los preocupan”, fue una de las tantas órdenes impartidas por Bernie Rhodes a los Clash, con quienes pensaba repetir la fórmula “manager usando a músicos como marionetas para generar escándalo” propiciada por su amigo Malcolm McLaren con los Sex Pistols. Sin embargo, la actitud de los Clash era mucho menos nihilista y sensacionalista que la de Johnny Rotten y compañía, y su primer álbum –que vio la luz el 8 de Abril de 1977, en medio de acusaciones de venderse al sistema al que decían atacar en sus canciones- se encargaría de negar sistemáticamente a los Pistols: sí, había futuro, pero para comenzar a vislumbrarlo primero había que tirar unas cuantas piedras.

Desde la portada uno ya intuye el sonido crudo que impregnará los 14 tracks del disco: Paul Simonon, Joe Strummer y Mick Jones miran hacia la cámara con cara de pocos amigos, parados en medio de un callejón fotografiado en un blanco y negro saturado. Como el primer

del punk británico, presente también en la contraportada, ilustrada con una fotografía de los disturbios del carnaval de Notting Hill de 1976. Y fue precisamente durante esos disturbios –en los cuales participó Strummer junto con Simonon y Rhodes- que encontraron la inspiración para su primer single, y el que sería el hit incuestionable de este primer álbum: White Riot.

“Mierda, nos robaron”, fue lo primero que salió de la boca de los Ramones al escuchar por primera vez el single incendiario que alentaba a una rebelión blanca, de sonido muy similar al de Blitzkrieg bop. Y, al observar que la velocidad se había multiplicado a niveles demenciales, solo atinaron a decir “Estamos jodidos”. Pero poco hay, musicalmente hablando, de los muchachos de Queens en el resto del álbum, más allá de la contraposición entre guitarras chirriantes y voces melodiosas presentes en los temas cantados por Mick Jones, que de todos modos guardan más similitud con sus admirados New York Dolls. Las canciones de amor brillan por su ausencia, y la figura femenina se ve reducida a un objeto de deseo, al punto que la única canción de amor del disco (I´m so bored with you) pasó a convertirse en I’m so bored with the USA durante las sesiones de grabación.

disco de los Ramones, sí, pero con un diseño a tono con los fanzines que se encargaban de difundir el fenómeno

Donde sí puede hallarse una similitud entre ambas bandas, es en los personajes que pueblan sus letras:

65

jóvenes aplastados por el aburrimiento que solo encuentran estímulos en las drogas y en el rock n’roll, con la salvedad de que los protagonistas de canciones como Janie Jones, Career opportunities y Hate and war son bombas a punto de explotar y rebelarse contra aquellos que los oprimen. Lo que demuestra la razón por la cual el punk fue tan bien recibido y asimilado en Gran Bretaña: de ambos lados del atlántico emergía una juventud desencantada por el desempleo, y deseosa de ahogar sus penas en adrenalina, velocidad y autosatisfacción, como lo testimonian 48hs, Protex blue y la emblemática London’s burning. No resulta raro tampoco que los Clash hayan sido el punto de referencia más visible de las bandas punks surgidas en Argentina durante el Menemismo, con una situación social muy similar a la que estaba viviendo Inglaterra a finales de los 70.

Aun cuando retratan un panorama desolador, hay en las canciones de The Clash una energía vibrante y luminosa que sacude los fantasmas de la negatividad, un llamado constante a la rebelión que evade el cinismo de los Pistols –que no su sentido del humor- y toma prestado el espíritu combativo y positivo del reggae.

Muy especialmente en el track más atípico del disco, Police and thieves, un cover del clásico de Junior Murvin que inaugura la unión entre punk y reggae o, mejor dicho, la registra en disco por primera vez. Fruto

de las noches de reggae en el Roxy a cargo del dj Don Letts, la conjunción entre ambas tribus –los rastas y los punks- fue crucial para el sonido de los Clash, que dejaban en claro que no tenían pensado anclarse en los tres acordes del punk, sino que estaban dispuestos a ir más allá aun. Y, tanto para rendir un merecido homenaje como para enfatizar aún más la fraternidad entre ambos géneros musicales, Strummer canturrea al inicio de la canción un fragmento de Blitzkrieg bop.

“The Clash es la clase de banda de garaje que debería rápidamente regresar a su garaje, preferiblemente con la puerta cerrada y el motor en marcha”, fue la crítica lapidaria de un periodista del New Musical Express tras verlos en vivo. La respuesta no se hizo esperar, y es precisamente la que cierra el disco. En Garageland, los Clash no solo se muestran orgullosos de ser una banda de garaje: también se muestran prematuramente desencantados por la industria discográfica y la escena punk, la cual, dice la leyenda, murió el día en que firmaron un contrato para CBS. Como si quisieran dejar en claro su alejamiento del punk más básico en pos de una vuelta a los orígenes del rocknroll, y por ende a la inocencia, la canción contrasta intencionalmente con el resto del disco, con arreglos propios de un tema pergeñado en los 60, con una melancólica armónica marcando el ritmo. Y quien sabe, tal vez el que pone la voz en esa canción no es Joe Strummer, sino Woody…

THE DAMNED 1977 [ Por José Navarro ]

The Damned - Damned, Damned, Damned (1977) No siempre llegar primero a todo es bueno.

Primera banda en editar un single punk en el Reino Unido: The Damned.

Primera banda en editar un LP punk en el Reino Unido: The Damned.

Primera banda punk en disolverse: The Damned.

Quizás esos tópicos extraños le hayan dado un premonitorio título a su primer disco "Damned damned damned" editado el 18 de febrero de 1977. ¿Pero que había detrás de ese disco?

Miembros: Raymond Burns (Más conocido como Captain Sensible) en bajo.

Chris Millar (Más conocido como Rat Scabies) en batería.

Brian Robertson (Máas conocido como Brian James) en guitarras.

David Lett (Más conocido como David Vanian) en voces.

Quedaron atrás Chrissie Hynde (Que se convertiría en líder y cantante de The Pretenders) y una audición fallida a Sid Vicious como cantante. Se vé que el uni-

Formados en Londres, en 1976, originalmente llamados Masters of the Backside.

verso no iba a permitir un acto de injusticia vocal de semejante magnitud.

El 6 de Julio de 1976 debutaron como soporte de Sex Pistols en el famoso 100 Club.

El 22 de octubre de 1976, Stiff Records, lanzó su primer single "New Rose". El primer single punk Inglés.

Participaron de la famosa gira "Anarchy tour". Malcolm Mc Laren, mánager de Sex Pistols, los echó en el medio de la gira.

Fueron puestos en la mano del productor en jefe de Stiff Records, el señor Nick Lowe, que contra todo pronóstico, logró capitalizar el sentido musical de la banda, y los ayudó a darle forma a su primer LP: "Damned Damned Damned" lanzado el 17 de febrero de 1977. A su vez, el primer disco Punk de una banda Inglesa lanzado al mercado.

Caos controlado, guiños al rock de los años 70, incluyendo una versión de "I feel Alright" de The Stooges como para dejar en claro bajo que caminos estaban armando su propia ruta. 10 de los 12 temas son firmados por Brian James, que por momentos deja en claro que había una nueva forma de expresión a través de las seis cuerdas. Rat Scabies empieza su testamento sonoro tomando elementos identificables, pero usándolos a su manera, Y David Vanian y Captain Sensible a través de su moderación en este trabajo, dan a entender que el control estaba en sus manos. Sobre todo David, que con los años se convirtió en uno de los mejores cantantes de su generación.

67

Seamos realistas: Estaba todo por hacerse, y lo poco que se hacía se estaba prácticamente improvisando en el camino. En ese sentido, este disco es fabuloso: Plasma un espacio en el tiempo, ruidoso y áspero, pero con un corazón que temblaba por cariño y atención.

Y sirvió como detonador para una carrera que sigue hasta el día de hoy, con altibajos, cambios estéticos y musicales, pero de una consistencia admirable. La era Brian James sólo duró un disco más, el complicado "Music for pleasure" lanzado 9 meses después del debut.

Pero eso es otra historia.

The Damned - Music For Pleasure (1977) Noviembre de 1977.

Aludiendo sin escrúpulos ni remordimientos al lema "Vivir rápido y dejar un lindo cadáver" El segundo disco de The Damned estaba a la venta, 9 meses después de su debut "Damned, damned, damned".

Apelando a una vieja máxima que dice que "Tenés toda tu vida para lanzar tu primer disco, y después un año para el segundo", en su momento fué visto como

y rapidez de su debut, eclipsó Music for pleasure.

La elección de Nick Mason, baterista de Pink Floyd como productor, al no estar disponible para hacerlo el mismísimo Syd Barrett, en esos tiempos ya en su reclusión voluntaria, fué extraña y quizás no muy bien pensada.

La incorporación de un nuevo guitarrista (Lu Edmonds, que más tarde tocaría en The Mekons y en

una colección de temas que sobraron del disco anterior. No era así, pero sonaba como tal. La agresividad

Public Image Ltd hasta la fecha) hizo que el sonido cambiara un poco, y que las aristas filosas que mostró

la banda desde el principio, se vean un poco deslucidas.

Fué el último disco con el miembro fundador Brian James, y el disco que hizo que el sello Stiff decidiera no renovarles el contrato.

Poco después, The Damned había dejado de existir.

Viéndolo exactamente una semana antes de que se cumplan 40 años de su lanzamiento, no está del todo mal.

Se puede analizar como una respuesta emocionalmente sonora ante la presión inevitable de estar expuestos en el medio de algo, o como un intento de perennizar el momento, aunque ya alguien ya lo había hecho anteriormente: Ellos mismos.

40 años después, suena sólido, y representa el otro ángulo de la visión de esta banda. Se brinda por ello, y se le renuevan los votos de confianza. Una puerta que se cierra y otra que se abre dos años después con el magnífico "Machine gun etiquette". Gracias por eso.

DIOS SALVE A NEVERMIND THE BOLLOCKS! [ Por Pablo Müllner ]

“Nevermind the bollocks, here comes the Sex Pistols” Sex Pistols (1977) Aquí vienen Los Sex Pistols. ¿Otra vez? Dios salve a este álbum/monolito de volver a caer en las garras de Los Sex Pistols (o lo que queda de ellos) y de sus inescrupulosos managers. Dios salve a nuestros oídos de otro Sucio Lucro (The “Filthy Lucre” Tour, así llamaron a su gira de reunión para festejar los veinte años de la banda en 1996). Dios salve a nuestras billeteras del posible deseo de exprimir aún más “obscenamente” su único legado y reunirse otros veinte años más tarde. Pero gracias a Dios esto ya parece casi imposible. John (ex Johnny) Lydon (ex Rotten) es hoy un ¿respetable? ciudadano norteamericano que cuando rompe su ostracismo para dar un reportaje en la TV dice cosas como: “Creo que Donald Trump podría ser un buen amigo mío”. Johnny puede haber perdido sus pelos punk, pero no sus mañas, su manía, por provocar al ciudadano bien pensante promedio.

Como cuarenta años atrás cuando cantaba gruñía

69 con un arrastre de “erres” seudo-soviético: “God Save the Queen. The Fascist RRRegime. They made you a moRRRon” (Dios salve a la Reina, a su RRReino fascista, ellos te hicieron un RRRetardado…). Esas son las inmor(t)ales primeras líneas de su escandaloso primer single: Dios Salve a la Reina. El inmor(t)al single que pasó a la historia cuando la banda, un infame 7 de junio de 1977, navegó en un pequeño barco por el Támesis, el Westminster y el parlamento británico, tocando en vivo “God Save the Queen”, a todo volumen y lanzando insultos hacía la figura monárquica. Todo terminó rápidamente: lanchas de la policía rodearon el bote de la banda y los obligaron a ir a puerto, allí arrestaron a los Pistols, y a su primer manager: Malcolm McLaren, el autor intelectual del plan de promoción. Por si hace falta aclararlo, el resto es Historia, así con hache mayúscula.

El punk que había comenzado en el 76 como un fenómeno underground entre la juventud londinense, estalló en las radios, en las listas de ventas, y sobre todo en los noticieros sensacionalistas y los diarios populares (los tabloides como les dicen los ingleses) que hablaban realmente de estos chicos -que coqueteaban con consignas anarquistas e incluso a usaban la simbología nazi irónicamente - como “la nueva peste que asolaba el Reino”. Y a su más (anti)carismático líder Johnny Rotten (Juanito Podrido) lo ponían en el podio de la infamia como la encarnación del mismo “Anticristo”. El anterior y primer single de los Pistols, “Anarchy in the UK”, con reflejos afiladísimos se anticipaba a la controversia: “Right Now. I am the Antichrist… I am an Anarchist. Don´t know what I want, but I know how to get it” (Ahora mismo yo soy el anticristo, soy un anarquista, no sé lo que quiero, pero sé cómo conseguirlo). Y la juventud que había adoptado el punk como estética y forma de vida invadía teatros, estaciones de radio y TV, usuales espacios de la burguesía sensata, como Los Gremlins de la película del mismo nombre: esas criaturas inquietas y vivaces que al ser alimentadas después de medianoche se tornaban en una plaga nocturna, una masa llena de vicios,

que agitaban jeringas, pocholos, y chorros de cerveza por donde iban, orinando, defecando y teniendo sexo en los lugares públicos más respetables.

Es tan apasionante el fenómeno “sociológico” Sex Pistols, que realmente cuesta comentar el único disco de la banda, sin irse al pasto. Y creo que ahí mismo está la respuesta al por qué solo grabaron un único (gran gran) disco. Estos chicos ya eran Súper Estrellas antes de sacar su primer álbum. Súper Estrellas a su manera, particular, punk, podrida. Basta tan solo tomar el primer tema y el último para probarlo. “Holidays in the sun” es un exhilarante raconto de un intento fallido de vacaciones en su país, donde los fans (y la policía) no los dejan en paz por un instante, que termina con una escapada a Berlín, donde las miserias ajenas se ven con mayor ligereza: “I wanna see some history/ cause now I got a reasonable economy” (Quiero ver algo de historia/ ahora que tengo una economía razonable).

Tiene un poco el espíritu de “Surfin´USA” de Beach Boys, aunque bajo el efecto de la recesión europea y las anfetaminas. El tema 12 y final: E.M.I. es un gran “Fuck You”, o un “Sod off”, como estaba de moda decir en esos años, a su primera casa discográfica EMI, en el ínterin fueron contratados por A&M, pero tampoco funcionó la relación con la banda, por lo que además sobre el final la letra incluye un: “Goodbye A&M!!!” y la onomatopeya de una flatulencia como despedida, cortesía de Johnny. El album fue editado por fin bajo Virgin Records y es el único legado de la banda en estudio: un fabuloso monolito de guitarras, golpes y chillidos, que casi desdibuja por completo “sus raíces” en el rock de garaje y sus melodías pop. Acelerado y anfetaminizado hasta el paroxismo, suena a que es imposible creer que estos chicos vayan a tener algún futuro, no ya en el mundo del rock, sino en la vida misma. Aunque en su mismo nihilismo extrañamente vital, los Pistols encuentran su ecuación más “democrática y amable”: “No Future, No Future… No future for you.

No future for me” (No futuro, no futuro… No hay futuro para vos y no hay futuro para mí”) ¡Dios Salve… este disco!

THE STRANGLERS 1977 [ Por José Navarro ]

Rattus Norvegicus (1977) 1977. Abril. Gran Bretaña. Los diarios han hablado hasta el hartazgo de esa nueva corriente musical que se denomina Punk. Han pasado solo un par de años desde que esta bestia comenzó a caminar, y ya era una entidad propia y definido por sus propios límites y reglas.

La industria, que se tuvo que poner de rodillas ante lo evidente, separó sus neuronas en varios ramales y andaban deses perados por ver que se podía pescar en un mar revuelto, lleno de alfileres de gancho, peinados con formas geométricas agudas y cuero negro.

En ese contexto, en ese mes, salió a la venta un disco que de por sí estaba destinado a sobresalir entre las decenas de propuestas que se ofrecían.

The Stranglers eran originarios de Guildford, y de hecho originalmente se llamaban The Guildford Stranglers, y se habían formado en el año 1974. Pero todo no era tan fácil como esas historias que están empapadas de mitos que dicen "se formaron, ensayaron y salieron a comerse el mundo" Eso pasa en los libros de música hechos por algún amigo que se apellida Obsecuente.

Estaban en el limbo. Demasiado viejos para ser considerados en la cofradía punk y demasiado jóvenes para ponerlos a exhibir en una vidriera de algún museo musical imaginario.

Pero tenían algo más: Un tecladista que parecía sacado de una banda tributo a The Doors. En Ácido. Ya el teclado era una ofensa grave, así que estábamos en problemas.

Pero cada uno de los miembros tenían experiencias previas, disímiles entre sí, que fueron moldeando el espíritu de la banda. Y curiosamente, con los límites impuestos por los prejuicios (Vamos, el rock es prejuicioso, ¿no lo sabían?) el resultado funcionó.

Un cantante áspero pero sensible (Hugh Cornwell) Un bajista gamberro y proclive a zanjar diferencias a puñetazos respaldado por su cinturón negro en karate (J.J. Burnel), Un baterista que era notoriamente mayor que los demás, pero con un beat perfecto (Jet Black) y el ya consabido Dave Greenfield en su abismo de teclados. La fórmula perfecta. ¿Y el disco?

Tópicos que van desde peleas domésticas hasta las imágenes que se ven en los pubs. Subidas de tiempo acompañando visiones apocalípticas. Un espectro absurdo que sobrevuela el disco le da más credibilidad y la instrumentación es rústica, áspera. Pero limpia y la producción cristalina. Una cubierta del disco escueta, con la banda incómoda en fotografías que parecen retratar otras personas.

Quizás ahí esté la clave. El choque consciente/inconsciente entre paredes. El tira y afloje que construye realidades.

Menos de un año después, demostraron que tenían

Un par de singles y estaban en un sello. El primer disco "Rattus Norvegicus" es un perfecto sello de esa época de búsqueda y ensamble.

algo urgente para decir. El segundo disco "No More Heroes" estaba en ciernes.

Pero eso ya es otra historia.

71

No more Heroes (1977) Sólo pasaron 5 meses.

Pero cuando se tiene urgencia para decir lo que quedó en el tintero, no hay (casi) nada que lo detenga.

United Artists, el sello discográfico, se la jugó. Vamos, no había demasiado que pensar. Tras un espectro amplio de tiempo que en realidad eran los segundos contados de los ecos de esta nueva escena llamada "Punk" habían ideas. Urgencia. Y resultó que el tiempo aún estaba a favor...... ¿pero de quién?

"No more Heroes" es el segundo LP de The Stranglers y se lanzó al mercado en Septiembre de 1977, y curiosamente sólo hay 3 canciones que quedaron de las sesiones del excelente debut "Rattus Norvegicus" que habían quedado en el tintero. El resto, son composiciones originales. Se nota que había realmente algo que decir.

La temática del disco es un poco más áspera que el anterior, y la instrumentación es un poco más cuidada, con elementos que seguiría usando la banda en sus discos posteriores.

Los dos singles extraídos del disco, "Something better change" y sobre todo "No more Heroes" se convirtieron inmediatamente en clásicos, casi como viñetas sonoras que representan su tiempo. Quizás el término tan manoseado "New Wave" haya sido inventado para definirlos.

Pero eso no lo sabremos jamás.

Lo que si sabemos a ciencia cierta, es que ya desde la portada del disco y el título del mismo, nos estaban dando un mensaje claro: No se crean todo lo que nos dicen, la historia no está escrita por quienes parecen, y nuestro tiempo es crítico, vital. No hay más héroes.

Y ya que estamos, trataremos de hacer de esta declaración de principios, una banda de sonido.

Rosas y roedores.

Héroes y tumbas.

Pero eso ya lo sabemos.

INQUIETOS JUGUETES PUNK (MADE IN PARIS) Stinky Toys - Stinky Toys (1977)

[ Pablo Müllner ]

“(En ese entonces) mi actividad personal era más bien artes plásticas, dibujo, y escribir...”, cuenta la can-

jores amigos, estábamos siempre juntos y ellos querían hacer música. Una noche, muy tarde les dije:

tante Elli Medeiros, respecto de su primera aventura musical. “Pero tenía una banda de amigos, mis me-

“Tendríamos que hacer una banda nosotros.” Es así como Elli elige definir su primera experiencia musical:

una verdadera aventura de amigos con ganas de hacer las cosas a su manera aunque no fuese más que para saciar un deseo irreprimible.

“Al otro día fui a la casa de Jacno (su pareja y guitarrista de los Stinky Toys) con textos… no eran textos para canciones, eran cosas que escribía... y él me mostró sus ritmos de guitarras, y le puse melodías a las palabras y ahí teníamos los primeros temas de los (Stinky) Toys, en una tarde.” Puede sonar a un cuento de hadas punk, incluso con el dato “glamouroso” de que todo esto sucedía en Francia, no en Inglaterra, y que la chica en cuestión no gusta(ba) de ningún estereotipo femenino. Ni tampoco era nada glamouroso querer tener una banda de rock en ese entonces.

“Era demasiado punk para el punk” bromea Elli, pero hay mucho de cierto en eso no querer encasillarse en un sonido ni en una estética. “Hicimos las canciones en la casa de los padres de Jacno, o en algún sótano donde ensayábamos, o en cualquier lado, Jacno me mostraba los riff de guitarra, y me salían las melodías, las únicas letras que tenia de antemano fueron los 2 o 3 primeros temas.. después las letras surgían de las músicas, casi todas música de Jacno pero también temas con Albin el bajo, o Bruno (guitarrista)” Si hay una palabra que define al disco debut de los Stinky Toys, es “inquieto”, pero un “inquieto” llevado al extremo como uno de esos niños de kindergarten que sufren de “hiperquinesia” y a los que se suele tratar con ansiolíticos desde muy temprano. Tal vez porque el estado de euforia incontrolable no suena tanto a “exceso de anfetaminas” como en otras bandas de la época, sino más bien a la energía y el regocijo de un grupo que se sorprende a sí mismo llevando adelante su aventura colectiva. Quizá por eso mismo el crudo (a veces crudísimo) garaje rock casi sin adornos, se

percibe también dulce y fresco y refrescante, aunque no suene para nada liviano. En realidad hay que darle tiempo al disco que abre con un pop punk exhilarante “Small Faces” (que ha sido el nombre del LP en posteriores ediciones) y atravesar por momentos oscuros y tortuosos (You close your eyes, Lonely Lovers, Sun Sick), para que la música se vuelva pop a nuestros oídos. “Parecen los primeros Rolling Stones acelerados”, dicen algunos fans del disco como si pudiera haber algo más acelerado que los primeros Stones.

También puede hacernos acordar a Los Yeah Yeah Yeahs o a Elastica, pero con mayor espontaneidad y menos pose, lo cierto es que cuarenta años más tarde conserva un estatus de culto que no deja de sorprender. Más ahora que conocemos algunos pormenores de su génesis. Elli nos cuenta divertida: “Lo grabamos en 5 días, en el estudio Ferber (creo? Lo dice en la tapa!) 5 días, 2 temas por día, mezcla y todo, nos parecía un lujo total. Los temas los tocamos live, fuimos al estudio y los tocamos live, yo cantaba al mismo tiempo. Después supongo que hicimos overdubs (sobregrabaciones) para los coros y ya está!” Et voilá.

EL RESULTADO ES POSITIVO The Boomtown Rats - The Boomtown Rats (1977) [ Por José Navarro ]

A principios de los años 90, en una de esas noches que te congelan los huesos en la ciudad de New York, un amigo y disquero famoso, caminaba por una calle poco transitada. De pronto, de la nada, aparece una persona en la calle caminando hacia él. Un tipo alto y desgarbado. Enfundado en un abrigo con las manos en los bolsillos. Cuando se cruzan, este personaje, de la nada, emite un eructo de monstruosas proporciones. Pasa al lado, se aleja. Mi amigo se queda contrariado por dos razones: Por la potente e innecesaria muestra de sonoridad gástrica, y porque el que perpetuó eso, era Bob Geldof. ¿A qué viene esto?

En 1976, la escena musical estaba confundida.

Pasó de ser una colección de antigüedades pretenciosas, a incorporar ciertos elementos musicales que más que nada tenían que ver con la urgencia y con demostrar al mundo: ¡Hey! estoy aquí. La simpleza de sus enunciados y sus canciones sin estribillos elaborados o demás, patearon el tablero de ajedrez y las pipas que miraban con desdén el panorama musical desde una nube en su mundo de fantasía y mitos.

Es curioso. El pináculo supuesto de la música en los años 70, en forma de lo que se denominó Rock progresivo, dio su paso a hordas de simpleza y acné en su estado más puro.

Pero ojo, no es tan sencillo. Hubo un caldo de cultivo.

E inmediatamente antes del punk, hubo una especie de ensayo, con bandas que tomaban los elementos más simples del rock de los años 70, y lo mezclaban con el espíritu adolescente y contestatario que se apoyaba en los hombros de las discográficas, ávidas de no quedarse fuera de este nuevo panorama/negocio.

Bandas como Dr. Feelgood, o Kilburn and the High Roads (que se renombrarían Ian Dury and the Blockheads) podrían ser consideradas como los padrinos espirituales de lo que vendría después. Como la industria tiene siempre alguna etiqueta para mostrar y vender, supongamos que sea correcto llamarlos

y formados en 1976, con una formación sólida y consolidada, al mudarse a una, mucho más conveniente, ciudad como Londres, se vieron envueltos en la vorágine de la explosión punk, y respondieron con temas con fuerza y pasión, pero viéndolo a la distancia, aspiraban a otra cosa. No en vano su primer single, se llama "Looking after No 1". Vamos, a veces la realidad supera la ficción.

Un primer contacto con sello discográfico que les avala su dirección y los pone en órbita alimenticia/musical: Ensign. Distribuye Mercury. Un álbum fresco y compacto, que saca una fotografía a su tiempo, apoyados en gran parte por el inocultable carisma de su compositor principal y frontman Bob Geldof, que a su vez ya había visto para que lado ir cuando colaboraba escribiendo notas en la famosa revista New Musical Express.

Un buen debut, que los pondría en la mira de todo el mundo, impulso que les duraría hasta 1986, cuando las inclinaciones sociales del Sr. Geldof lo haría ser fundador de la respuesta Europea al "We are the world" Norteamericano: Live aid.

Perdón. Me equivoqué. Es SIR Bob Geldof.

No obstante, trazando la línea imaginaria de amor

"Pub rock".

Menciono esto, pues mucho más cerca de estas bandas estaba Boomtown Rats. Originales de Irlanda

entre esto, el primer LP de los Boomtown Rats y el eructo de dimensiones exageradas, el resultado es positivo. Vamos, es 1977 aún.

73

TROPICA OBSCURA

75

LA ENSEÑANZA OCULTA

77

[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

40 años después, el gran don que nos brindó el punk parece que continúa oculto. El rockero promedio y parece que no solo en Colombia sino en América latina, tiene la visión errada de la música ruidosa de tres acordes, mucha cresta y mucha furia. Incluso es un ejercicio que hago a menudo con músicos rockeros de formación académica que deberían tener cierto grado de conocimiento. Les pregunto por su opinión acerca del punk y la mayoría siempre termina teniendo un concepto, superficial, equivocado o nulo de este movimiento que terminaría cambiando para siempre el Rock. No solo fue la furia ante la represión, la falta de oportunidades y partir de tomar un instrumento así no lo supieras tocar, bajo el mantra del “hazlo tú mismo” (do it yourself). El punk aparte de catalizador, fue PUENTE. Lo que parecía irreconciliable en el rock, el viejo blues del delta, los sonidos electrónicos, el reggae y el dub que provenían de Jamaica encontraron en el punk la excusa perfecta para dejar las diferencias, juntarse y crear un nuevo lenguaje.

El punk terminó volviéndose omnipresente con relación a la mescolanza entre country y blues con la que había empezado el rock en los 50.

No solo en cuestiones meramente musicales, la ideología de ir hacia adelante y partir de lo simple hacia algo más complejo buscando en el interior se vio reflejado en movimientos como el Post punk, que con Joy Division, Siouxsie and the Banshess y Bauhaus a la cabeza tenían inquietudes existenciales, tomando como bases, la literatura, las artes plásticas y el cine. Por el lado de los artistas electrónicos de los 70 al inspirarse en el punk, encontraron esa amalgama perfecta hurgando en el pasado, en las visiones delirantes del italiano Luigi Russolo, su futurismo y sus extraños instrumentos llamados intonarumoris en la segunda década del siglo XX como una válvula de escape a los horrores de la guerra. La crítica desatada por el movimiento Dadá en el cual retrataban el absurdo de los conflictos bélicos creando obras absurdas en un nuevo lenguaje como respuesta. A eso le sumamos la explosión del Krautrock alemán de Kraftwerk y el interés de

artistas más reconocidos como David Bowie gestando una extraña mutación sónica que explotó en la música industrial y por el lado más asequible, el synthpop. A diferencias de otras músicas el Rock es el único género junto con el Jazz que tiene el poder de la contradicción y eso es lo que hace que pueda expresar tantas cosas en una sola canción.

En el mundo del mainstream musical nos venden la idea de lo aparentemente puro, la música comercial se refleja como una mujer de esas que ves en las revistas de catálogo, bonitas, perfectas, pero con una falsa aura de calidez (incluso de sensualidad). El Rock es como esa mujer real, la mujer de a pie, que con sus defectos, sus tragedias y alegrías se convierte en algo totalmente pasional y cautivador. Pues el punk potenció hasta el extremo ese concepto. Desafortunadamente como en todo, la industria discográfica con el tiempo banalizó el punk promoviendo cientos de bandas que lo único que han hecho es simplemente cancioncitas insulsas, quitando ese veneno que a todo da vida, hecho a la medida para atender un mercado y las necesidades de un cliente Volviendo a la enseñanza del punk auténtico, nos encontramos ante artistas que crecieron, que no solo se quedaron con hacer temas de unos cuantos acordes y gritar su inconformismo. Un ejemplo podría ser la frase del gran Daniel Miller, el mítico capo del sello Mute records (Depeche Mode, Nick Cave, Laibach, Diamanda Galas). Él llegó a hacer una afirmación que yo comparto mucho, aunque parece salida de contexto: “el sintetizador es el instrumento punk por excelencia, porque así no sepas tocar ya puedes crear una composición con una sola tecla”. Dentro de sus limitaciones musicales, los punk rockers buscaron una disciplina partiendo desde cero, entendieron que la mejor manera de intentar cambiar el mundo era revolucionar ellos. Expandieron el lenguaje e incluso crearon otro nuevo si tocaba, ese lenguaje con el cual muchas bandas no existirían el

día de hoy. John Lydon fastidiado de ver a unos Sex Pistols volviéndose corporativos, se burló de todo ello y como un sarcasmo su nuevo proyecto Public Image Limited se alió con genios como el bajista Jah Wobble para crear obras maestras como la Metal Box coqueteando con el Dub. Crisis la banda punk donde Douglas P y Tony Wakeford lanzaban sus manifiestos de izquierda, se dejó contagiar por su interés en experimentar e influenciados por la historia germinaron en el Folk apocalíptico y polémico de Death in June. El post punk punzante de Southern death cult floreció en el Rock elaborado y luminoso de The Cult. Joe Strummer llegó también a despreciar la idea de encerrar el animal en la jaula. En alguna entrevista Joe afirmó “el punk se ha vuelto otro unifor-

me más y a The Clash no nos gusta usar uniformes”, de ahí la creación de obras maestras como London Calling y temazos como Guns of Brixton.

Grant Marshall componente de Massive Attack cuenta que con el punk cobraron también fuerza los soundsystems donde en las fiestas se alternaban el pogo punk y el bailoteo rasta.

El punk revitalizó la necesidad de ser fieles a nosotros mismos, a la inquietud, a buscar un verdadero concepto del orden sin autoridad, al desaprender para así volver a aprender. Larga vida al punk, afortunadamente llegó para quedarse.

Lo único que toca es buscar su esencia verdadera.

79

[ Por Bernardo Jiménez Mesa. ]

CONTINGENTE BROMLEY Cuando pensamos en las coyunturas que necesariamente tuvieron que tener lugar, para que un fenómeno como el Punk tuviera la repercusión que tuvo, y que hoy, más de 40 años después, estemos aun hablando de ello, es claro que no fueron las bandas realmente los artífices sino su público.

Un artista, una banda, jamás podrá por sí mismo lograr un movimiento como tal. Existe una gran diferencia entre generar un público y crear un movimiento. Y si bien los Sex Pistols fueron la banda que inspiró a decenas de jóvenes a formar sus propias bandas, esto sucedió porque entre ellos mismos se daban mutuamente apoyo, fuerza y se unían para crear no solo bandas, sino bares, giras, revistas, fanzines y programas de radio.

El primero de estos grupos de jóvenes amantes del entonces nuevo movimiento Punk, fue el Contingente Bromley, llamado así debido a que la mayoría de quienes lo componían vivía en este suburbio en las afueras de Londres. Entre sus integrantes figuraban Soo Catwoman y Jordan, dos mujeres artífices del movimiento punk en lo estético; y futuros miembros de bandas, hoy en día legendarias, como Billy Idol, Steve Severin y Siouxsie Sioux.

El Contingente Bromley pasó de ser sencillamente seguidores asiduos de los Sex Pistols a figuras icónicas del movimiento, gracias a la exposición mediática que significó el tristemente famoso show de Bill Grundy, en el cual algunos de los integrantes del contingente estaban de pie detrás de los invitados de honor del programa: los Sex Pistols, y ante una insinuación de parte del presentador a Siouxsie, Steve Jones, guitarrista de los Pistols, respondió insultándolo de una

manera hasta entonces inédita en la televisión británica. Algún tiempo después el Contingente estaría otra vez en las noticias y tabloides, al ser arrestados, algunos de sus miembros, durante el sabotaje que pretendían realizar los Sex Pistols a la celebración del jubileo de la Reina Isabel II. Los chicos de Bromley no solo definieron al punk como un fenómeno callejero, donde todo se hace por mano propia sin esperar ayuda de sellos, ni productores; ellos también sentaron las bases de una estética que ciertamente trascendió al punk mismo y sus semillas germinarían tiempo después de muchas maneras diferentes.

Algunos se convertirían en fotógrafos de renombre, otros en diseñadores, otros formarían bandas que escribirían la historia del punk, pero mejor aún, algunos, tiempo después, darían pie al nacimiento de nuevos movimientos, enraizados al punk, pero con sensibilidades y propósitos diferentes, como ocurriría con el movimiento New Romantic, el Bat Cave, el Post-Punk y el Gótico.

Muchos movimientos contra-culturales han aparecido desde entonces; algunos han permanecido, otros han desaparecido; pero ninguno ha tenido un grupo de seguidores tan notable, y que de alguna manera, haya tomado más importancia y espacio en las noticias que los artistas mismos del movimiento. Y es que el Punk fue un movimiento con tantas particularidades, que sin éste, muchos de los movimientos posteriores no hubieran tenido lugar. Los acontecimientos que sucedían en el Reino Unido en la segunda mitad de los 70s eran una larga lista de ultraje y abuso de parte de un gobierno casi fascista a su propio pueblo. Y las voces que se alzaron no solo tenían los puños cerrados, sino que llevaban imperdibles en la ropa…y ¡lucían formidables!

[ Por César León. ]

CRASS: LOS ÚLTIMOS ANARQUISTAS

81

Introduction Hay un meme muy gracioso, posiblemente apócrifo relacionado con el candidato demócrata – ’socialista” –para muchos y que le costó el respaldo de su propio partido en las pasadas elecciones –la imagen dice: “...déjenme decir algo que ningún candidato dirá... los Sex Pistols no fueron punk, ellos fueron una “boy band” creada por un buitre capitalista buscando dinero en ellos. Si quieres punk escucha a Crass –Bernie Sanders–” El imaginario colectivo reúne a los Pistols a The Clash como iconos anti sistema sin embargo si miramos con detalle tendríamos que repasar esta visión construida por la niebla del tiempo. Noam Chomsky –el filósofo, lingüista y activista estadounidense– dice que el sistema fabrica sus propios enemigos, doméstica las contraculturas o que los movimientos antisistema prácticamente son un subproducto del propio sistema. Por eso movimientos como beatnik, hippie y el mismo punk terminan siendo asimilados por el mainstream que tanto criticaban. Si damos una relectura la banda de Mclaren no es la excepción a la regla. Habilidosamente este manager hizo calar en la historia algo que venía fraguando desde su encuentro con los New York dolls pero que solo se solidificó cuando tomó el control de los Pistols. Posiblemente al otro lado del océano estaban muy preocupados bailando disco, canciones pegajosas de Diana Ross y Travolta para percatarse del punk de los Dolls y por eso encontró en inglaterra el clima perfecto; la crisis económica, –devaluación de la libra esterlina, extraño pero real– Lo cual significaba desempleo y una clase obrera sin opciones. Así explotó el punk, los pistols y The clash cantando contra un sistema del cual eran el lado B. Este ambiente de crisis terminaría haciendo colapsar al gobierno laborista de mano blanda y trayendo a personajes tan carismáticos como Margaret Thatcher al poder, con su “mano de seda” para tratar los problemas de irlanda y las revoluciones obreras en Escocia.

Crass Crass nace en estos mismos días de confusión política en la isla británica, inspirados después de un concierto de The clash. Penny Rimbaud fundador de una comuna abierta llamada Dial house se junta con Steve ignorant y deciden que sus expresiones de arte anarquista –visual y escrito– podrían tener un matiz adicional si hacian musica. El Punk proveía el lienzo ideal para quien quería expresarse de forma simple. Inicialmente fueron un dúo de batería y voz más centrados en las letras y en promover el pensamiento que la forma de vida en la comuna inspiraba –autogobierno, autosuficiencia, libertad y rechazo al control– Crass es una banda que se entiende mucho mejor leyendola pues sus letras son rudas, directas, sinceras por su carácter punk pero sumadas a la visión intelectual y de librepensamiento de P. Rimbaud en cada frase. Curiosamente confundidos con una banda fascista –por su imaginería– muchos de sus conciertos terminaron en disturbios por peleas entre socialistas y skinheads.

Crass estaba más cerca a movimientos artísticos como fluxus, pero el medio punk les permitió mimetizarse en la escena musical de finales de los 70.

Sí que es cierto, el punk ha muerto, Es sólo otro producto barato para la cabeza de los consumidores.

Rock de chicle en transistores plásticos, Sedición escolar respaldado por los promotores de tiempo grande.

CBS promueve el enfrentamiento, Pero no es para la revolución, es sólo por dinero en efectivo.

Punk se convirtió en una moda hippie como solía ser y no se tiene nada que ver con usted o yo.

Los movimientos son sistemas y los sistemas de matar.

Los movimientos son expresiones de la voluntad pública.

Punk se convirtió en un movimiento porque nos sentíamos perdidos,

83

pero los dirigentes vendidos y ahora todos pagamos el costo.

Napalm narcisismo punk social, Steve jones comenzó a hacer daño real.

Predicando la revolución, la anarquía y el cambio mientras chupaba del sistema que le había dado su nombre.

Punk is dead. Crass The Feeding of the 5000 y Stations Of The Crass sus dos primeros álbumes musicalmente son punk ortodoxo bajo, guitarra, batería y bajo. Para algunos es inevitable compararlos con los dead Kennedys como bandas insignia del punk de “izquierda” pero Crass es mucho más áspero, ruidoso y desprolijo melódicamente. En sus composiciones se nota claramente que hay mucho de atonalidad, de técnicas dadaístas e influencia de la música clásica contemporánea como Cage y Britten.

En su trabajo visual hay mucho cuidado, mucho de fanzine underground que les haría llegar a galerías de arte 30 años después. La

técnica del cut-up en cintas de grabación difundiendo hoax los haría ser vigilados por la policía. Sus discos por sus sugestivos nombres harían que sus discos fueran vetados e incautados Hay mucho para hablar acerca de Crass en los 80 pero este es un especial de la década anterior y sobre el inicio del punk. Pero como colofón quisiera agregar a favor de Crass que si bien nunca alcanzaron el estrellato se puede afirmar que mientras Johnny Rotten (The sex pistols) se le vio haciendo comerciales de mantequilla, a los Clash haciendo canciones pop, los Crass –algunos– aún continúan habitando, frecuentando Dial House y hasta donde el sistema les permite son firmes a sus principios de comuna anarquista.

Crass dió su último concierto en 2011 y al escenario subieron sus fundadores y fueron acompañados por la cantante de su tercer álbum Eve Libertine. Al parecer en Crass anarquía también significa estabilidad.

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

85

Hoy: MĂşsicos del Punk 1977

Musicos del Punk (1977) Como venimos haciendo desde hace unos números atrás, "En La Mirada de los Otros" nos propusimos hacer un relevamiento de las opiniones algunos músicos.

En esta oportunidad con el Especial del Punk, hemos cambiado la consigna, la dinámica fue asignarle a cada músico un músico que haya pertenecido a ese movimiento o que haya tenido que ver.

Y este es el resultado...

guitarristas Por Mario Crestanello de From The Institute

JOHNNY RAMONE

Johnny Ramone como guitarrista fue increíble, no era solamente el tono único, ni lo moderno y adelantado que sonaba para la época, una de las cualidades que más impresionan es cómo podía canalizar toda la energía mientras tocaba, muy pocos guitarristas lograron tocar en una banda como Ramones y tenerlo todo bajo control, nada lo sobrepasaba y tal vez el mejor ejemplo quedo grabado en el último día de 1977, el 31 de diciembre en Londres, It's alive resume todo lo que fue y siempre va a ser, uno de los mejores guitarristas de la historia y una influencia interminable.

No importa donde vayas, cada vez que veas una Mosrite... te vas a acordar de Johnny Ramone.

87

JOE STRUMMER

Cuando uno tiene la oportunidad de ver videos en vivo de The Clash en 1977, pasa todo lo contrario de lo que pasaba con Ramones, de momentos la energía los sobrepasaba bastante, pero esto terminó siendo justamente una de las cosas que lo hizo genial.

Era eléctrico, no usaban mucha distorsión pero igual sonaba pesado.

STEVE JONES Desordenado y sofisticado, uno de los pilares del sonido británico por donde lo mires, a mi criterio los mejores arreglos de la era punk, sonaba totalmente rebelde.

La diferencia de los guitarristas británicos con los estadounidenses en 1977 era justamente esa, la rebelión estaba de los dos lados, pero en cada disco británico se puede sentir más enojo y menos melancolía, el punk estadounidense extrañaba el rock clásico, los británicos querían un borrón y cuenta nueva y Steve Jones se los dio en Never Mind The Bollocks con guitarras agresivas y distorsionadas que se transformaron en un icono del punk.

Cantantes Por Alexis Dgvns de Di Giovannis

JOeY RAMONE Joey fue el mejor cantante de la historia del Rock and Roll (el posta) y por consiguiente del Punk Rock.

Su mayor influencia e inspiración fue Ronnie Spector con esa dulzura Pop que te pasaba por encima.

El supo llevar ese estilo aún mas allá al tener que ponerse a la par de la motosierra de Johnny Ramone y fue ahi donde ocurrió el milagro del Punk Rock.

Su voz te puede emocionar hasta las lagrimas, sacarte de la peor depresión y derrumbar las inseguridades de generaciones de outsiders, inspirando y enseñandonos que los marginados podemos ser lo que sea si le ponemos el corazón, que podemos ser como el era: puro corazón, Joey curó el mal de la estrella de rock y nos salvo.

Joey aetérnum!

Deborah Harry Debbie es una supernova que hizo explosión en la década del 70 cuando no era nada común para una chica cargarse al hombro una banda de cuatro varones y dejarlos prácticamente fuera de foco.

Su actitud y personalidad se llevan el mundo por delante brilla más que Marilyn, canta como Aretha y es una Punk!

89

BaJIStas Por Victoria de Di Giovannis

Dee Dee RAMONE La potencia en la simpleza, la velocidad y la púa siempre para abajo no importa qué pase, además componía, y en el escenario tenía la mejor actitud y cogoteo de la galaxia. Lo amo.

John Doe Implacable y perfecto.

Gerald Casale Del maravilloso planeta DEVO. No sé si aplica, para mí son más punk que el punk.

Me gusta su sonido prolijo, la marcha constante. Con el bajo y el sinte no se cae nunca.

BateriStas

91

Por José Navarro de Chillan las Bestias

Peter Clarke (Budgie) Es curioso. No tengo amigos de mis años de escuela. Los pocos que rondan por alguna parte del mundo, me recuerdan como alguien que estaba constantemente en su mundo, mirando la nada y golpeando todo lo que se encontrara frete a mí con dos lapiceras como si fueran palillos de batería.

Era mi modo de comunicarme con el mas allá, inconsciente, por supuesto, y decirle que la música estaba llegando para invadirme. El descubrimiento de bandas y memorización de nombres, canciones, artistas, y demás, había empezado.

Quizás decidí tocar la batería por defecto. Jamás tomé una lección en mi vida. Jamás digo que soy músico pues no lo soy. El único momento que lo hago, es al llenar las tarjetas de embarque de algún avión, solo para molestar. O para jugar a ser "Músico".

El primer baterista que me llamó poderosamente la atención fue Stewart Copeland de The Police. El timbre que usaba en sus parches y la vitalidad que exponía en sus performances, era a mis ojos, un espectáculo increíble. Visual y musicalmente hablando.

Y el otro, era Budgie, baterista de Siouxsie and the Banshees.

Mi primer contacto con Budgie (o Peter Clarke como figura en sus documentos) fue en un cassette grabado que alguien había llevado a una fiesta.

Secuencia: Alguien lleva un cassette a una fiesta. Esa persona lo olvida en algún lado en esa misma fiesta. Aparece alguien más que lee la etiqueta del cassette y reconoce lo que está grabado. Esta misma persona en un acto que habla mal por todos lados, sustrae dicho objeto sin que nadie se percate.

Epílogo: Robé un cassette de Siouxsie and the Banshees. Si, lo confieso.

Pero lo que pasó después, fue algo que no esperaba. ¿Quién era este tipo que causaba estas emociones en mí?

Eran nuevos patrones de ritmos y sonidos, con economía de recursos, que curiosamente, abrían más el panorama musical de la banda.

Reconocí poco tiempo después que el disco que estaba grabado en ese cassette, era "Juju" el cuarto disco de la banda, originalmente de 1981.

Budgie no era un neófito en estas artes. Originalmente envuelto en la escena que se nucleaba en el famoso club Eric´s, se supo reinventar tras haber tocado en The Spitfire boys, la primera banda punk de Liverpool en lanzar un single, y en la superbanda Big In Japan. Pero en 1979, grabó en el disco debut de The Slits "Cut" y se hizo conocido por los patrones rítmicos que ahondaría años después en su carrera a través de Siouxsie and the Banshees y en su proyecto paralelo The Creatures.

Quizás el legado de Budgie fue que a través de sus patrones rítmicos, y su exploración, creó el puente de inflexión que la energía punk no canalizada dejó a medio construir. Es el nexo entre eso y el abanico expresionista que vino a mediados de los años 80.

Si, las cajas de ritmo se apropiaron del planeta musical a partir de esos años. Pero quedará la huella de músicos como Budgie para recordarnos que no todo era igual.

Y de paso, se resolvió el crimen del cassette. Pero eso es otro tema.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER:

NO ES MUSICA: ES CAOS

Johnny Rotten describió el contexto social inglés en los años 70 como algo deprimente. Desempleo, basura en las calles, abandono, huelgas... Y en contraposición, la monarquía. Ese fue el caldo de cultivo del punk, que gracias a The Sex Pistols, tomaría a Londres por asalto e iniciaría el gran movimiento contracultural que marcaría a fuego su época ante los ojos escandalizados de la sociedad civil y la nobleza.

Sex Pistols se formó en Londres en 1975, pero para cuando llegó la hora de editar su primer y único álbum en octubre de 1977, la formación original ya había mutado: así de caótica y desenfrenada fue la breve historia de esta banda, pero no por eso menos relevante. Malcolm McLaren sería el carismático manager de los Pistols. Los próceres del estallido fueron John Lydon (alias Johnny Rotten, voz), Steve Jones (guitarra y bajo), Paul Cook (batería), Glen Matlock (bajo), y por supuesto, ese mamarracho co-

y The Flowers of Romance. Su corta pero deslumbrante presencia en The Sex Pistols fue como uno de esos rayos que ilumina el cielo durante una cargada tormenta eléctrica, desatando un trueno que hace vibrar los mismos cimientos del planeta Tierra.

Johnny Rotten tampoco era precisamente un personaje de una película de Disney: el día que Bernard Rhodes (colaborador de Malcolm McLaren y futuro manager de The Clash) conoció a Johnny, el mismo vestía una remera de Pink Floyd adulterada, donde arriba del nombre de la banda había escrito “I Hate” (Yo odio a), con los ojos de los integrantes de PF perforados. Rotten tenía el pelo teñido de verde y cuando empezó a hablar, a Rhodes le pareció un auténtico imbécil. Pero con una cara y una actitud muy particular: todo cerraba.

Antes de llegar a las bateas de las disquerías, Sex Pistols contaba con varios seguidores entre los que se con-

nocido como Sid Vicious (también bajo). Este último personaje ya había formado filas en otras bandas del ambiente punk de aquel entonces como Siouxsie & The Banshees

taban Siouxsie Sioux o Billy Idol. También fueron una influencia fundamental para Howard Devoto y Pete Shelley, que después de haber asistido a un show de los Pistols

fundaron la mítica banda Buzzcocks, o para Joe Strummer (futuro líder de The Clash). Por el contrario, Johnny Rotten no solo no reconoció sino que encima bastardeó a un disco fundacional del punk como fue el debut de los Ramones en abril de 1976: cosa de megalómanos.

Para agregar más notas de color a tan particular historia, Steve Jones declaró en la primera reseña que le dedicó New Musical Express a la banda: “Actually we’re not into music: we’re into chaos”. Y no mintió: todo era un despelote.

En este contexto, sale a la calle en noviembre de 1976 el primer single “Anarchy In The U.K.”: anarquía entendida como destrucción, un verdadero llamado a las armas, fiel al estilo de vida que desarrollaban estos trastornados muchachos. A comienzos del año siguiente la discográfica EMI rompe contrato con los Pistols después de una serie de blasfemias por parte de Steve Jones en una entrevista televisiva que causó alto revuelo. Firman contrato con A&M Records para lanzar su segundo single. En esos días se incorporaría Sid Vicious a la banda tras la partida de Matlock en febrero. Lo curioso es que Vicious era baterista y no sabía tocar el bajo… pero era amigo de Johnny Rotten, así que con eso era suficiente! Nadie asegura que alguna vez aprendiera a tocarlo: básicamente era un incompetente. De hecho, para cuando se grabó el disco, Matlock fue invitado a tocar el bajo como músico de sesión, además de Jones que tocó guitarra y bajo: todo para tapar los pifies de Vicious. Para mayo del ‘77 salía como simple “God Save The Queen” y ahí ya llegarían al puesto #2 en el UK singles chart, pese a ser prohibida su difusión por la BBC y por varias radios. En julio saldría “Pretty Vacant”, con otro alboroto por culpa de la forma en que el

buen Johnny pronunciaba la palabra “Vacant”, que fonéticamente hacía sonar la sílaba “cant” como “cunt” (vagina en inglés vulgar).

Los 4 cortes del disco saldrían antes que “Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols”, que finalmente se editaría el 28 de octubre de 1977. Ya de por sí usar la palabra “bollocks” (testículos) para el título de un álbum, era una cachetada al buen gusto. Rotten explicó el título de la placa como una expresión de la clase trabajadora para decir “Dejá de hablar pavadas”. Hubiera sido mejor que usaran el título que originalmente se pensaba, “God Save Sex Pistols”.

Aunque “mejor” según lo que decimos acá, ya que de todas formas el disco llegó al número 1 del ranking inglés.

Con toda la conmoción generada cada vez que los Pistols hacían un show, una entrevista en una revista o un programa de televisión, no paraban de garantizar que los medios se la pasen hablando de ellos criticándolos, y logrando de esa forma que la banda tuviera cada vez más éxito. Pero muy poco sobrevivirían los Pistols a su primer y único disco.

Las giras estaban cargadas de peleas internas, drogas en exceso y un público combativo como pocos que aseguraba siempre que todo terminara en una batalla campal. Rotten se llevaba cada vez peor con Jones y Cook, y Sid Vicious era ya un adicto a la heroína junto a su novia la groupie Nancy Spungen. La banda se separaría a comienzos de 1978, tras finalizar a duras penas su gira norteamericana.

Fue prácticamente una profecía autocumplida: ellos solo proclamaban anarquía y destrucción, era lógico que la vorágine que iniciaron terminara fagocitándolos a ellos mismos.

Al fin y al cabo, de eso se trata el punk! Pero no se puede negar que el legado de Sex Pistols trascendió por años luz a su corta vida como banda activa.

PALABRAS EN LA ARENA

95

Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor.

Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?).

Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío.

Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ “Los Cantos de Maldoror” del Conde de Lautréamont por Pablo Ravale ]

PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS

97 «Quiera el cielo que el lector, animoso y momentáneamente tan feroz como lo que lee, encuentre sin desorientarse su camino abrupto y salvaje a través de las ciénagas desoladas de estas páginas sombrías y rebosantes de veneno… No es aconsejable para todos leer las páginas que seguirán…». Así, con esta advertencia, Isidore Lucien Duccase (nacido circunstancialmente en Montevideo, he ahí el por qué de su extraño seudónimo Conde de Lautréamont [l’autre mont, el otro monte]), comienza la obra que se convertiría en una de las bases fundamentales de la literatura moderna. Los Cantos de Maldoror, libro formado por estrofas que se agrupan en seis capítulos o cantos, despliega ante quien desafía la advertencia un universo fundamentado por la esencia del mal (“Maldoror” es una expresión que encierra las palabras “Mal” y “Horror”, las dos homófonas en francés), en donde la crueldad, la lucha contra Dios, la aberración y lo denigrante transitan de la mano de una prosa poética de imágenes fuertes y recursos inagotables.

Transgresora para la moral de su época, como es lógico, la obra de Duccase recibió el repudio de una generación que, además, cuestionó su cordura (se especula con que la escribió íntegramente bajo los efectos de la belladona). Luego de la exaltación que hicieron de ella los surrealistas y pese a que hoy día permanece vigente, tanto la obra como el autor siguen constituyendo un enigma, sin embargo no puede ponerse en tela de juicio ni la lucidez ni el sentido humano con que fue escrita y, menos aún, si se tiene en cuenta que dicho texto tiene como fin desconectar y transmitir un mensaje por antagonismo. Según el propio Duccase, cuando explica el propósito que lo llevó a escribirla, dice: «Mi poesía consistirá en atacar al hombre, esa bestia salvaje, y al Creador, que no hubiese debido engendrar semejante basura». Por lo que podemos inferir su oposición a la barbarie y la clara conciencia que lo habilita para ju-

gar con la idea del Mal, del Bien y la relación que los unifica. De alguna manera, todo el libro responde a un análisis en donde se procura desentrañar la verdadera naturaleza del hombre, llevando en ocasiones al lector a un estado límite entre las sensaciones y los instintos más oscuros.

Como decía recién, hay partes del texto sumamente oscuras: la desbordante imaginación de Lautréamont, que muchas veces se confunde con una locura muy perspicaz, traza metáforas e imágenes cuya correspondencia real o imaginaria es muy difícil de rastrear (como, por ejemplo, cuando afirma «Estoy sucio. Los piojos me roen. Los cerdos vomitan al mirarme. Las costras y las escaras de la lepra han descamado mi piel, cubierta de pus amarillento. No conozco el agua de los ríos ni el rocío de las nubes. En mi nuca, como sobre un estercolero, crece una enorme seta de pedúnculos umbelíferos. Sentado sobre un mueble informe no he movido mis miembros desde hace cuatro siglos. Mis pies han echado raíces en la tierra y forman, hasta mi vientre, una especie de vegetación vigorosa, cubierta de inmundos parásitos, que aún no es planta y que ha dejado de ser carne. Sin embargo, mi corazón late. Pero ¿cómo latiría si la podredumbre y las emanaciones de mi cadáver (no me atrevo a decir de mi cuerpo) no le alimentasen con abundancia?», o «Una maligna víbora ha devorado mi verga y se ha puesto en su lugar: esa infame me ha convertido en eunuco. Ah, si hubiera podido defenderme con mis brazos paralizados; pero creo más bien que se han convertido en leños. Sea lo que fuere, importa hacer constar que la sangre ya no llega hasta allí a pasear su rojez. Dos pequeños erizos, que han dejado de crecer, arrojaron a un perro, que no los rechazó, el interior de mis testículos, alojándose dentro de la epidermis después de lavarla cuidadosamente. El ano ha quedado obstruido por un cangrejo que, envalentonado por mi pasividad, guarda la entrada con

sus pinzas ¡y me produce mucho daño!»).

Esa incógnita puede malograr la lectura si se pierde la paciencia, pues es lógico que uno busque agarraderos a los que asirse durante su viaje por el libro; sin embargo, y como ocurre en algunas otras obras, la fuerza que recorre todas las páginas sobrepuja cualquier desfallecimiento, encierra al lector en una red de asociaciones visuales, oníricas y sensuales, lo seduce con sus ritmos y fraseos y se erige como motor de una invención narrativa hipnótica como pocas.

La figura de ese Maldoror cruel y tímido, asesino de ángeles y vírgenes, pero también misericordioso con el sufrimiento, es una creación hermosa, delirante y grotesca, suma de todos los vicios y virtudes de la especie a la que dice pertenecer. Más allá de las interpretaciones cifradas que Lautréamont ideó, ese protagonista se revela como un nuevo dios, un demiurgo que insufla vida no a hombres, sino a emociones, a pecados, a secretos, a deseos, a vergüenzas… Todo lo censurable del ser humano, todo lo que ocultamos a los demás y a nosotros mismos, sale a la luz gracias a Maldoror, que en ocasiones lo encarna y en ocasiones lo delata.

Los cantos…, obra entre las más atípicas y sorprendentes de la literatura, fueron escritos entre 1868 y 1869 y publicados ese mismo año. Los cantos que forman el libro son obra de un hombre de veintidós años al que la muerte se llevará apenas un año más tarde.

Los ecos de estas páginas irán aumentando a lo largo del siglo XX, en particular por el impulso de André Breton, que vio en ese libro «la expresión de una revelación total que parece exceder las posibilidades humanas».

Todas las faltas humanas asoman en estos cantos, aunque maquilladas con decadente belleza por la prosa sin parangón del autor; quizá con un prurito provocador, es cierto, contemporáneo como era de Baudelaire y conocedor del proceso al que había sido sometido. No obstante, la maligna hermosura de

los cantos no le resta fuerza de seducción al conjunto, que, oscilando entre la perversidad, la compasión y la sátira, da cuenta de las bajezas del hombre con una poesía embriagadora por su crueldad. Ya digo que, aún cuando haya pasajes completos de una oscuridad casi total («Soy hijo del hombre y de la mujer, según me han dicho. Me sorprende… ¡creía ser más! Por lo demás, ¿qué importa de dónde vengo? Si hubiera dependido de mi voluntad, habría preferido ser el hijo de la hembra del tiburón, cuyo apetito es amigo de las tempestades, y del tigre de reconocida crueldad: no seré tan malvado. Vosotros que me miráis, alejaos de mí, pues mi aliento exhala un aire envenenado. Nadie ha visto todavía las verdes arrugas de mi frente, ni los salientes huesos de mi demacrado rostro, parecidos a las espinas de algún gran pez, o a las rocas que cubren la orilla del mar, o a las abruptas montañas alpinas que recorrí a menudo, cuando cubrían mi cabeza cabellos de otro color. Y cuando merodeo en torno a las habitaciones de los hombres, durante las noches tormentosas, con los ojos ardientes, flagelados los cabellos por el viento de las tempestades, aislado como una piedra en el camino, cubro mi ajado semblante con un pedazo de terciopelo negro como el hollín que llena el interior de las chimeneas: los ojos no deben ser testigos de la fealdad que el Ser supremo, con una sonrisa de poderoso odio, puso en mí»), la suma de las partes compensa con creces la dificultad de leer un texto surgido de una mente perturbada, sí, pero lúcida en su comprensión de los defectos de la realidad.

En definitiva, el abismo al que nos lanza la lectura de Los cantos de Maldoror está siempre ahí, a nuestra vista, aunque para seguir viviendo como si nada ocurriese prefiramos cerrar los ojos o mirar hacia otro lado, aterrados ante la evidente demencia de nuestra existencia cotidiana. Lautréamont no sólo observó con detenimiento ese lodazal, sino que inventó al Señor que lo rige y que se complace en su malignidad.

ESCRITOR INVITADO: FRANCO DOGLIOLI

EL INESPERADO irrumpe usted con creces como si soĂąar portal fuese cual afilada sombra de cipreses rasgando mis valles montaĂąeses en surrealista trama sumido vuestro insolente estallido como hilo suelto en tejido me deja yerto y sorprendido dorado por un sol indecente avanza cavilosamente portando esa mirada sonriente acaso embrujo ataviado con dientes del ligero cuadro por mi delirado de la nimia gente en el pintado ni voces ni esporas han quedado solo su faz en fondo colorado confuso le pregunto por la meta de provocar tan subversiva grieta pero usted no contesta y es allĂ­ cuando Eros me despierta

ESCRITOR INVITADO: CÉSAR "PAPI" CASTRILLON

Las puertas del Abismo se abrieron y uno de los últimos malditos nos habló… Uno de esos días que elegís que la ausencia alcance su mayor brillantez, quizás sea bueno asomarse a esa peligrosa escollera. Por eso voy a brindar con ustedes y Papi Saico en mi mente, para que esta noche nos encontremos en el espacio imaginario de nuestros sueños. Hay luz en el caos, los invito a sondearla.

10 SEMANAS Fui el primero que te abrazo al irte sentí tu espalda estremecer desnuda, hacia frio al poner mis labios en tu piel rocé con intención tu cuello la pasión de mi aliento que quemaba quería vencer tu resistencia provocándote que me conocieras que se me acababa la noche si te ibas sin mi ver tu cuerpo esbelto que volteaba me imagine seguirte y encontrarme en las sabanas privadas de tu santuario sólo la luz del sol dejabas que compartiera tu secretos al acariciar con tanta gracia tu cuerpo era atrevido al sentirme atraído por la magia que tenías que provocaste mis deseos de ver tu belleza desnuda, inimaginable quería conocer más de ti con cada caricia que a tu cuerpo daría recorrería en tus gustos como tú los querrías en mis sueños cada vez me era más fuerte la necesidad de acercarme a ti y me descubrí pegado a tu cuerpo lo toque firme y suavemente pare tus movimientos quería entrar en tu mente trataba de explicar que algo extraño me empujo estaba embriagado sin tener razón pero ella me sonrió nos miramos a los ojos me dijo que me deseaba que fuera feliz como ella lo era que tenía diez semanas de embarazo su esposo en ese carro azul que estaba frente a mí la esperaba me besó como si fuera algo muy tierno y se alejó.

CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

LA OSCURIDAD OMNIPRESENTE por Pablo Ravale

A lo largo de un período de años, mi horizonte mental fue expandiéndose progresiva e insidiosamente a un nivel, no sólo intelectual, sino también a otro que alcanza la faceta más desconocida de mi ser. Este período coincidió y, de hecho, fue consecuencia directa de mi implicación con la creación de obras de arte, de mi intenso deseo de hacer arte, o dicho de otra manera, del deseo de hacer algo y el deseo de ser algo, es decir, un artista.

Durante ese período –y en ese sentido, durante toda mi vida– estaba intentando hacer algo con mi mente, en concreto, crear obras de arte por el único medio posible que creía tener a mi alcance, que era usar mi mente o mi imaginación, o mis facultades creativas, alguna extraña fuerza o pulsión de lo que algunos llaman “alma”, “espíritu” o simplemente “yo personal”.

Así, y debido a mis varias crisis y mis constantes luchas internas (muchas de las cuales se vieron traducidas en un brote epiléptico a los once años, en depresiones y hasta en un lupus discoide) comprendí que este cuerpo mío, como el de todos, no tenía otra cosa para hacer más que experimentar sensaciones y de que no había nada que pudiera ser a excepción de lo que era: ni un artista ni un creador, sino tan sólo una masa de carne, una urdimbre de tejidos y huesos de la que cualquier cosa que no proviniera de estos hechos, en especial la producción de obras de arte, era profunda y absolutamente falsa e irreal. Al mismo tiempo, fui consciente de la fuerza que había tras mi intenso deseo de hacer algo y de ser algo, o sea, de mi de-

seo de crear obras de arte; en otras palabras, fui consciente de lo que en realidad activaba mi cuerpo.

Esta conciencia, no obstante, no fue aprendida con mi mente o mi imaginación, y sin duda tampoco a través de algún medio como mi yo personal, el cual no es más que un sinsentido o una ensoñación. Esta conciencia de lo que activaba mi cuerpo y sus deseos se logró por el único medio posible: por medio de mi propio cuerpo humano y sus órganos sensoriales. Esta es la manera exacta en la que el mundo de los cuerpos no humanos siempre ha funcionado y lo hace mejor que el mundo de los cuerpos humanos, que siempre se halla obstaculizado por todas esas tonterías que nos inventamos acerca de tener mentes y vidas y yoes.

El mundo de los cuerpos no humanos se halla activado directamente siguiendo las órdenes de esa fuerza terrible que subyace en toda existencia y que sólo desencadena unos pocos y simples deseos, ninguno de los cuales tiene que ver con un sinsentido o una ensoñación tal como crear obras de arte o ser artista, o hacer algo y ser algo como este tipo de cosas. En efecto, el mundo de los cuerpos no humanos jamás precisa experimentar el dolor de perseguir deseos porque tal sentimiento no posee ninguna relevancia para esos cuerpos y nunca brota de ellos.

Ahora bien, nuestros cuerpos son sólo una manifestación de la energía, la fuerza activadora que imprime movimiento a todos los objetos, a todos los cuerpos de este mundo y les permite existir de la manera en que lo hacen. Esta fuerza activadora es algo pare-

cido a una sombra que está dentro de todo y que invade a fondo todas las cosas; una oscuridad omnipresente sin sustancia pero que mueve todos los objetos de este mundo, incluyendo aquellos que llamamos “nuestros cuerpo”.

Mientras me he encontrado en las garras de mis depresiones, descendí, por así decirlo, hasta ese profundo abismo de entidad donde podía sentir cómo esta sombra, esta oscuridad, activaba mi cuerpo. También podía oír su movimiento, no sólo dentro de mi cuerpo, sino en todo lo que me rodeaba, porque el sonido que emitía no era el sonido de mi cuerpo, era el sonido de esta sombra, el cual no se parece a ningún otro sonido. Por otro lado, lo que me pasaba era que podía detectar el funcionamiento de esta fuerza penetrante –y que todo lo mueve– a través del sentido del olfato y el sentido del gusto, así como por el sentido del tacto con el que mi cuerpo está equipado.

Finalmente, cuando me recuperé de mis depresiones, descubrí que podía ver cómo todo lo que me rodeaba, incluyendo mi propio cuerpo, estaba activado desde dentro por ese abismo que nos mira, por esa oscuridad que todo lo mueve. Y nada tenía ya el aspecto que ha tenido siempre, y mis obras como artista son simplemente la prueba de lo que tramaba mi mente o mi imaginación, y son en esencia invenciones irreales interfiriendo en el funcionamiento de nuestros sentidos.

Creer que esas obras reflejaban de algún modo la naturaleza de mi yo o mi alma – cuando en realidad sólo reflejan mis deseos inútiles de hacer algo y ser algo–, es no querer reconocer que esos deseos han sido activados por la misma sombra penetrante, la

oscuridad que todo lo mueve y que, a causa de la agonía autoaniquiladora de mi ánimo de por aquel entonces, pude experimentarla directamente en mis órganos sensoriales.

Cualquiera debería ser capaz de entenderlo. Cualquier tendría que aceptarlo. La sombra penetrante, la oscuridad que todo lo mueve, usa nuestra mundo. Pero esta sombra, esta oscuridad, no tiene nada propio y sólo puede existir como una fuerza o energía activadora, mientras que nosotros tenemos nuestros cuerpos, sólo somos cuerpos; tanto da que sean orgánicos o inorgánicos, humanos o no humanos… todos ellos son capaces y tan sólo cuerpos, sin ningún otro componente, sin una mente, o un yo o algo que llamar vida.

De este modo, la sombra, la oscuridad, usa nuestro mundo, como decía, para obtener aquello que necesita para desarrollarse.

No tiene nada, sólo su energía activadora, mientras que nosotros no somos nada más que nuestros cuerpos. Éste es el motivo por el cual la sombra, la oscuridad, hace que las cosas sean lo que no serían y hagan lo que no harían. Porque sin la sombra, sólo serían lo que son: pedazos de materia carentes de cualquier impulso o instinto para desarrollarse, por tener éxito en este mundo. Y este estado de las cosas es lo que debe ser definido como una pesadilla absoluta. Esta es la razón, de hecho, por la que infiero me he recuperado de todas mis crisis y mis depresiones: haber aceptado en todas sus facetas el orden de pesadilla de las cosas y poder así continuar existiendo como un organismo exitoso, aunque sin el protector sinsentido de la mente o la imaginación.

[ Por Pablo Ravale ]

RIMBAUD FUE UNA CHICA: PATTI SMITH Y SU VIAJE LITERARIO

Probablemente el texto que mejor condense el espíritu de la generación beat sea el poema “El principio de Aullido” de Allen Ginsberg, que comienza con un «Vi las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura». Y es que este movimiento literario y fenómeno cultural supuso una reacción a la moral establecida, una autopista a las noches de alcohol y trementina, de hoteles sin agua caliente en los que los jóvenes se dejaban crecer la barba al estilo de los personajes de Kerouac y Burroughs.

En el momento de publicarse el poema, Patti Smith era una niña desgarbada y taciturna apenas capaz de impedir que sus calcetines cortos desaparecieran dentro de sus zapatones. Pero ya leía: su madre le había dado un libro de poemas de grandes poetas para niños, por el cual entró en contacto con Yeats, Blake o Sandburg. «Llega la niebla con sus patitas de gato». No entendía todo, pero le encantaba. Y como fue una niña enfermiza, creció leyendo a Stevenson (otro niño enfermo) para matar las horas desde la cama. A los quince descubrió a Rimbaud, quien todavía le cautiva y del que dirá que siempre la ha acompañado. A él debe sus primeras ansias de escribir poemas propios, «ya que me dio otra manera de abordar la poesía, a través del poema en prosa».

Gracias a estas influencias de las que se fue empapando, Smith llegaría un día a ennoblecer el rock llenándolo de contenidos intelectuales.

Huyendo entonces de trabajos precarios, con apenas algo de ropa, lápices para pintar y, sí, un libro de Rimbaud, Iluminaciones, en 1967 Patti llegó al Nueva York de las contraculturas, de la mencionada generación beat o el más reciente movimiento hippie. Sin apenas referencias ni dinero para mantenerse, comenzó a trabajar como empleada en la librería Scribners de Manhattan, en la que ya «soñaba con tener un libro propio, o escribir uno que pudiese poner en mi librería». En estas circunstancias conoció a uno de los mejores fotógrafos de su tiempo, Robert Mapplethorpe, y a quien ella llamó «el artista de mi vida».

Smith entró en la literatura antes que en la música. Como rememora en la primera parte de su biografía Éramos unos niños (2010), poco a poco, y gracias a Robert, fue mezclándose con

los protagonistas de la vida bohemia del Nueva York de los setenta.

Envueltos en una relación amorosa se mudaron al Hotel Chelsea, icono de la época por ser un improvisado centro cultural y literario y donde harían amistades clave. Patti y Robert no tenían apenas dinero para llenarse el estómago, pero si la actitud y el perfil de compartir mesa con un ya famoso Andy Warhol. Este ambiente estimuló mucho a Patti, quien comenzaría a concebir el arte como única misión de su vida y confesaría: «Secretamente, supe que me había transformado, movida por la revelación de que los seres humanos crean arte, que ser un artista supone ver lo que los otros no ven». «Nadie ve como nosotros lo hacemos, Patti», le diría Robert Mapplethorpe.

Así fue que la Smith empezó a moverse a favor de sus impulsos creativos, se acercó a lo que quedaba del entorno de la generación Beat, acudiendo a los recitales de Ginsberg o a las reuniones en el 222 de Bowery donde vivía William S. Burroughs. Ella diría de Burroughs que «era inaccesible para una chica, pero, de todas formas, yo lo amaba», y él diría de Patti: «es una estrella».

Con la compañia de Lenny Kaye a la guitarra, la belleza andrógina empezó a recitar poesías en la iglesia de San Marcos y en pequeños clubs.

Pelo despeinado y botas de obrero de construcción, se tocaba el pecho para pronunciar: «Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos», para rematar el tema afirmando: «Mis pecados son míos, me pertenecen a mí, a mí».

Joey Ramone, el cantante del grupo punk The Ramones, contaba que Patti «cada vez que leía un poema, rompía el papel o agarraba una silla y la tiraba contra la pared. Resultaba increíble, magnética».

Smith afirma que la literatura siempre ha sido el centro de su existencia. Tan sólo cinco años después de llegar en blanco a Nueva York, publicaba su primer poemario, Seventh Heaven, en el que homenajea a Céline, del que curiosamente dirá: «Nunca he logrado acabar uno solo de sus libros porque son demasiado intelectuales», pero del que admira su uso del lenguaje. Luego vendrían más obras y en 1975 su primer álbum musical, Horses, por el cual obtuvo su merecido título de

“Madrina del punk”, ya que redefinirá la música, el performance y el estilo.

Smith confesó que mientras Robert le sacaba la foto para la portada estaba pensando en Baudelaire. Por algo Janis Joplin la llamó “La poeta”. Sin embargo, aun manteniendo la línea francesa, los setenta fueron la década de Rimbaud: encendías la radio o asistías a un concierto de rock y oías entonar el nombre de Rimbaud a cualquier músico joven. Junto a pioneros como Bob Dylan y Jim Morrison, Patti Smith fue la artífice

de esto, de acercar la figura del poeta maldito a una numerosa audiencia. Como señala la escritora Moira Egan, Smith ha contribuido al «progreso de integrar elementos que por demasiado tiempo han sido tratados por separado, incluso han sido incompatibles». Rimbaud, el primer punk: él ya había huido del hogar porque no quería hogar sino ser un vagabundo, había cantado a los vicios, fumado opio y mantenido relaciones homosexuales en una Francia encorsetada. Rimbaud, el primer punk porque sacó algo tremendamente

delicado y bello de la degeneración y, ante tal resultado y sin mirar atrás, lo abandonó.

Por labores como la difusión de la obra de Rimbaud en el mundo anglosajón, Patti Smith ha sido condecorada por el gobierno francés con la Orden de las Artes y las Letras. Por el impacto de Eramos unos niños, recibió el Chicago Tribune Literary Award. Muchos de sus contemporáneos se quedaron atrapados entre los aullidos que advertía Ginsberg, pero ya lejos del ardor de los setenta nuestra protagonista sigue reinventándose. En su último álbum, Banga (2012), junto a su ya inseparable Lenny Kaye, Smith refleja «cosas que he estado estudiando» los últimos años.

En este encontramos influencias tan variadas como las referencias a San Francisco de Asís, Tarkovsky o a autores rusos como Gogol (del que sobretodo admira su cuento “El capote”), Nabokov o Bulgakov (especialmente en cuanto a su satírica y oscura novela El maestro y la margarita, titulando su álbum Banga en honor al personaje perro), demostrando una vez más, que en su caso la incorporación de la literatura en el punk es, simplemente, algo natural. «Mi amor por la literatura permea mis canciones, mis poemas». A Patti Smith se la conoce sobre todo por su música, pero ella también se siente escritora: «En América no tienen una visión holística de los artistas, sino que te encasillan, y por el hecho de cantar rock a la gente le resulta difícil comprender que una cantante de rock pueda escribir poesía».

Además, Smith ha sabido aprovechar el magnetismo de su figura para intervenir en todo lo relacionado a sus referentes literarios: ya sea organizando un concierto especial en Haworth para apoyar al Bronte Museum, escribiendo una reseña de la última obra de Murakami en The New York Times, un prólogo a El Astrálago (1965) de Albertine Sarrazin o declamando magistralmente extractos de la obra de Virginia Woolf.

Hace ya mucho que Patti leyó a Nicanor Parra en las traducciones que de sus poemas y antipoemas hicieron en los sesenta el mismo Ginsberg, William Carlos Williams, Lawrence Ferlinghetti y Thomas Merton, entre otros. Incluso en el 2012 acudió a la entrega del Premio Cervantes a Parra. Antes de la ceremonia, Smith había se-

ñalado que le gustaba «la poesía de Nicanor Parra porque es rebelde y humana», y ya finalizada esta, Colombina, la hija del poeta chileno, cuenta cómo se fueron a celebrarlo: «tocamos en un bar de Madrid, donde leyó un poema que le escribió a mi padre. Es muy admiradora de su trabajo».

Y de Nicanor Parra a su amigo y compatriota Roberto Bolaño, con quien Patti además comparte su interés por los beatnik. «Bolaño es como el rock and roll, al lector le da una sensación de revolución, de energía sexual, de pecado floreciente». Y confiesa: «Me parece más viva la literatura e impronta de Bolaño, que las últimas dos décadas del flamante premio nobel, Mario Vargas Llosa». Y es que Patti Smith opina que 2666 es la primera obra maestra del siglo XXI. De ahí que se culpe por haber descubierto a Bolaño una vez muerto, ya que si hubiese llegado antes podría haber ido a Blanes a conocerlo. Pero a falta de esto, Patti ha participado en numerosos homenajes al escritor chileno: ya sea asistiendo a la inauguración de una calle a las afueras de Girona llamada Roberto Bolaño o tocando junto a su hijo Lautaro una canción compuesta a su padre.

Está claro que la pasión de Patti Smith hacia sus lecturas y sus autores es una pasión muy activa. Incluso puede parecer entrometida. ¿Pero quién no participaría, si pudiese, en la vida, o en los flecos de esta, de a quien genuinamente admira? ¿No habría además que aplaudir cuando se da la excepción en la que un icono de masas digiere y contribuye a la promoción de algo tan poco popular hoy como la literatura? ¿No actuaría ella como el ingrediente cool del que tantas veces carece el envoltorio de las letras?

Desde que Patti Smith leyó Iluminaciones de Rimbaud, es consciente de que existe un puñado de gente de especial sensibilidad y profundo manejo de la palabra escrita. Desde entonces se ha dedicado a la persecución de estos “iluminados”. Ella misma justifica este culto a la personalidad de la siguiente manera: «No se trata de idolatrar a un héroe. No es que tenga baja autoestima. Me siento magnificada por esa gente.

Tuve una conversación con Allen Ginsberg sobre esto en concreto. Él era como yo, a su manera.

Sentía que paseaba con Blake y Whitman. Ellos

eran su gente».

La propia Smith cuenta como se encontró al escritor César Aira en una conferencia en Dinamarca y «estaba tan emocionada con su presencia que corrí a cruzarme en su camino como un San Bernardo, pero una vez que lo tuve al lado, todo lo que se me ocurrió decirle fue que me parecía un hombre increíble También le dije que Un episodio en la vida de un pintor viajero me parecía una obra maestra». Aunque para su sorpresa, Aira le respondió que a él le parecía que no era más que una pequeña historia. «¿Qué sabe Aira?» –se pregunta Patti– «si no es más que el escritor». Esta anécdota la incluiría en una reseña sobre los cuentos de El cerebro musical, en la que admira el ojo cubista de Aira por ver las cosas desde muchos ángulos al mismo tiempo. «¡Ave César!» –clama el final de la reseña– «sólo puedo maravillarme por la cantidad de hilos que teje para contar sus propias historias».

Patti Smith es consciente de que no es ninguna profesora ni catedrática de literatura y no pretende dar lecciones a nadie. Si habla de sus lecturas y admirados escritores es porque a la gente le interesa su opinión, y así ella, que se siente en deuda con estos, contribuye con lo que está en sus manos.

Además, como ha venido demostrando hasta sus 70 años y en sus propias palabras: «Simplemente siempre he hecho lo que he querido». Y esto es algo que no se le puede negar. Cuando Bolaño dijo: «El que sea valiente que siga a Parra», estaba pensando en personas como Patti Smith.

HIDDEN TRACK

113

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂ­benos a revistathe13th@gmail.com

EN CONCIERTO

115

digno de su esencia Silverio morocco club, Buenos aires, 03 de noviembre de 2017 [ por Maxx wild `. FOTOgrafĂ­as: Marianarchy deadbilly ]

El viernes 3 de noviembre se presentó en el Morocco Club (Hipólito Yrigoyen 851, CABA),”Su Majestad Imperial” el gran Silverio. Trajo de Chimpancingo Guerrero (Mexico) su música de las cavernas (nasales), un electro-punk simple, de alto impacto, irreverente, sarcástico, morboso, del que nos gusta a los viejos punkies que hemos superado por largo las cuatro décadas y detestamos a quien hace reverencia de ello.

Este fantástico personaje musical creado por Julian Lede (Titán, banda que existe desde los 90s y altamente recomendable) trajo algo poco visto en nuestras latitudes especialmente desde el lado performático y desafiante. Desde atrás de una mpc, efectos y pistas, cantos, gritos, frases, invitaron al baile primal.

El comienzo se hizo esperar, 3 a.m., luego de un Dj de “solo una bandeja” que intentó por todos los medios arengar al público sin tino alguno y un dúo electro local MDML vs. Imaginación que intentó volar con mucho carreteo y poca altura.

Su majestad hace una entrada triunfal y todo comienza con Yepa Yepa Yepa! Escupitajos para un lado y otro, insultos también! GG Allin del nuevo milenio, más refinado, evolucionado, pero un un espíritu punk incomparable y poco visto, algunos jóvenes observaban con perplejidad algo que los que superamos los 40 vemos natural de una época pasada. “¿Alguien puede drogarme..?” versaba en el final de cada tema, para tomar aire, algún líquido y la ofrenda del público… Los bpms nunca bajaron de 150, musicalmente es más que interesante lo que se escucha, “Perro”, “Canibal”, “Salón de Belleza”… todos bailan, interactúan, algunos se pierden… “¿Alguien puede c…… el culo?” sorprende al público que entre risas ve a un veterano envalentonado que le practica un anilingus que hasta al mismo Silverio deja perplejo cerrando con un “este hombre sabe de lo que habla…”. Este hombre de las cavernas nasales (Silverio) no es nuevo, viene desde 2002 con ya 5 trabajos editados y con mucho material visual para buscarlo en la web.

Fue una excelente propuesta para la vuelta al ruedo del mítico Morocco, con un espectáculo digno de su esencia.

117

RESCATE CINEFILO

119

CINE PUNK

121

El Punk. ¿Qué es el Punk? Movimiento, estilo, moda, música, influencia estética. Objeto de numerosos e infinitos estudios y análisis. El movimiento que pregonaba que “No había futuro”, tuvo más futuro del que logró predecir alguna vez. En algún momento escuché algo que decía como que cualquier banda punk que tocara recurrentemente, dejaría de ser punk, porque a la larga sus músicos aprenderían a tocar “bien”. Bromas aparte, el Punk desde sus comienzos casi apocalípticos se convirtió en una influencia innegable en la cultura popular. El mito superó a la moda. La historia se volvió tan pesada que se convirtió en hito y monolito… La reina sigue en su trono, pero la gente sigue creyendo que no es un ser humano, todos sueñan con conseguir una máquina del tiempo para tocar en CBGB’s en los setenta y no sólo por eso, el Punk se ha convertido para muchos en un modo de vida.

En este rescate cinéfilo tendremos: biopics, falsos biopics, documentales, y otras rarezas a medio camino, con un único denominador común: el punk como exponente de una cultura que cada día se siente más joven y más necesaria.

THE ROCK IS A FREAK SHOW Convengamos que en el mundo del rock cuanto más freak y fenomenal, mejor. El rock es actitud y al dúo rockero formado por gemelos siameses de nombre Tom y Barry les sobra demasiado...

Frikismo y actitud por igual. Así es como durante casi dos horas, de este falso documental sobre dos artistas siameses del rock y su destino en el evanescente y libertino mundo de la música punk ambientado en la Inglaterra de 1970 terminamos con la sensación, convencidos de haber visto una obra maestra y que probablemente de haber sido reales, los hermanos siameses hubiesen tenido más éxito que Syd Vicious y Johnny Rotten.

La película comienza con un plano de un médico viajando en Inglaterra hasta la misteriosa “Isla de la cabeza” interpretado por Johnathan Price en lo que vendría a ser (nos enteramos más tarde) el material de archivo de un film imaginario que Ken Russel nunca llegó a completar en los setenta: Two way Romeo. El film primigenio, luego adopta el tono de “mockumentary” con entrevistas reales a Brian Aldiss y Ken Russell mechada con los actores que interpretan a los diferentes personajes de esta tragedia punk.

Post-moderna por donde se la mire, hace referencia a toda la historia del rock y los conocimientos que el espectador tiene (o no) sobre la década en cuestión: el Punk, Ken Russel *Ya sé que lo nombré antes pero no se hacen una idea de lo taaaan genial es que él esté en esta película, unos pocos años después fallecería.*, el video arte, los documentales de Rock, y sobre todo las “Yoko Ono” que toda banda llega a tener en la decadencia de sus carreras. Pero ¿qué pasa cuando la banda la componen dos siameses? Gran dilema, que el film en cuestión se encargará de explicar cuando no se puede dividir lo indivisible.

Lo cierto es que es una obra de arte por donde se la mire, el director o los directores, mejor dicho, te colocan en el centro de todo, no se puede estar tan cerca de los dos hermanos siameses más que con los planos detalles que de ellos hacen.

Planos enigmáticos, cargados de erotismo, en donde el rostro de uno completa el rostro de otro cual ocurre en Persona de Ingmar Bergman. Y no sólo a ese film se referencia, es una familia tan disfuncional como las que Bergman solía representar, por lo que la eficacia de la referencia es doble. Asistimos también al uso de los planos de-

talles enmarcados en el cine dentro de cine, planos rebobinándose dentro del mismo film. Esta película es como una caja china y siamesa. Keith Fulton y Louis Pepe (sus directores) hacen magia en la realización de este rompecabezas audiovisual con sus dos cabezas juntas duplicando a estos dos siameses pero detrás de la cámara.

A toda esa labor de arquitecto audiovisual, hay que sumar el factor dramático de la construcción de los personajes porque serán siameses pero Tom y Barry son diferentes. Uno de los hermanos es como el Liam Gallagher de los dos, inoportuno, violento, desubicado y exquisitamente rocker, el que pone la voz. El otro es el Noel Gallagher, que igual de vicioso, es más calladito y menos violento que su extrovertido hermano, aparte de ser quien compone las letras de sus temas. Como espectadores podemos aventurar solamente como puede terminar todo esto: el aroma de la tragedia.

Es más que notable la interpretación de los hermanos Treadaway, que en la vida real no son siameses sino gemelos. Los chicos le ponen el cuero y el morbo a esa relación simbiótica, ácida y perversa que mantienen entre sí. Luke y Harry Treadaway son simplemente perfectos para in-

terpretar a Barry y Tom. Es muy probable que tengan en vista mucho más a Harry Treadaway en la actualidad, por su papel como el joven doctor Frankestein en la serie fabulosa (y cancelada) Penny Dreadfull. Pero aquí. Aquí eran tan jóvenes, pero tan geniales, que sus pupilas simplemente no van a creer lo fantásticos que son estos gemelos british.

Lo gracioso es que pienso que los setenta hubiesen tolerado a una banda compuesta por dos hermanos siameses facheros y es que la lisergia del momento hubiera habilitado a esa situación y por eso es excelente que el film recurra a esa década; a ese momento de la historia y sobre todo a los directores que cita. El Punk es reflejado como una moda a la que los hermanos se suben por su representante. Pienso que de haber sido reales, sin dudas Ken Russell hubiera dirigido la autobiografía de estos hermanos, al igual que realizó Lisztomanía y Tommy con el cantante de The Who!.

Finalmente para terminar pasemos a lo más importante: el soundtrack. La película tiene una banda sonora muy cuidada en estilo y alucinante. Es la clase de soundtrack que podés escuchar al infinito si te gusta el rock. ¡Sino matate! *guiño,

123

guiño, ¡Actitud punk!* El álbum y la banda sonora del film fue producido y cuenta con canciones escritas por Clive Langer, reconocido productor de cd de Elvis Costello y Madness, así como también canciones escritas por Pete Shelley de Buzzcocks que son el marco perfecto para esta película sobre una de las bandas de rock más enigmáticas de las últimas décadas que lamentablemente nunca existió.

La canción de Dwalla y Doolla es de mis favo-

ritas. Quizás la menos punk de todas pero es tan melancólica y simbólica que siempre rememoro la primera vez que suena en el film cuando cuenta la infancia de los chicos.

Realmente los insto a que la miren. Uso todo mi poder de crítica de cine Jedi para que se encuentren alguna vez en la vida con este film multipremiado y bastante alabado por la crítica pero que casi nadie parece conocer. ¡Brothers of the head para todo el mundo!

CHERRY BOMB!... OR BUM?

Esta es una de esas pocas veces que me van a ver escribiendo con frustración acerca de un film. Como siempre elegimos films que nos agradan, o “recordamos que nos agradan por algo”, generalmente solemos ser benevolentes, es por eso que se llama “rescate cinéfilo” y no “basurero cinéfilo”. Lo más positivo que me van a oir decir de este film es que es el debut de una directora a la que admiraba muchísimo por su legado de videoclips musicales. Y que decide visitar la historia de una banda que bien podría haber sido olvidada pero que en los setenta la rompían pues eran después de todo, adolescentes ligeras de ropa. (Estoy siendo irónica) Eran chicas que hacían historia y por eso no podía creer que la segunda vez que lo veía me pasaron muchas cosas

inesperadas que ya dispongo a narrar.

The Runaways es la opera de prima de Floria Sigismondi, que en videos es una de mis directoras favorita (como ya mencioné) directora de Beautiful People de Manson, Withe Orchid para The withe Stripes y muchos muchos más. La italiana está demente en cuanto a estética visual para sus clips, pero en films todavía está por verse en el transcurso delas siguientes líneas.

Se trata de un biopic sobre la primera banda de Rock femenino de la cantante (¡Diosa ella, por favor si las hay!) Joan Jett y Cherie Currie.

No se por dónde empezar a criticar esto... ¿tiene demasiado estrógeno? (chiste machista para romper el ambiente *¡Actitud Punk!*) Primero, me aventuraría a decir que es una montaña rusa, en

lo que a calidad respecta y que en oposición a lo que se esperaría de una directora como Floria (con todos los videos que tiene encima), los playbacks y las interpretaciones en escena son de lo peor del film. Tanto, tan pero tan flojos son esos momentos que nos hace recordar que "Están haciendo playback". Sin embargo el comienzo con Dakotita que es fan de Bowie nos representa una de las peores escenas que vi, en donde ella trata de interpretar "Lady grining soul"… ¡Por San David! Ahora que Bowie no está más en este mundo, realmente me afectó lo mala y pretenciosa que es para el comienzo del film en cuestión dicha escena.

Floria parece haberse olvidado de todo lo que logró en su carrera de directora de video clip, porque en este caso no lo trajo consigo para aplicarlo al cine de una manera interesante. Al menos, podría haberse jugado más con las interpretaciones... pero es en el momento de la escenificación de los recitales en donde salta la ficha de que estas chicas son unas debiluchas, que no tienen la garra, que no se dejan llevar por el torbellino del rock 'n' roll. Simplemente que son de madera, unas "poser" y que lo voy a decir de una manera que no puedo explicar muy bien: la performance de las canciones (geniales) no le llega a los ojos

de las actrices. No sé cómo decirlo: físicamente lo intentan (Dakota es muy dura ) pero no tienen la cara para un primer plano durante la canción porque el sentimiento no les llega a los ojos.

En su momento había mucha expectativa con la actuación de Dakota porque era la película “para adultos” que iba a hacer “haciendo de chica adulta”. Suena a sofisma, pero literalmente Dakota creció delante de la audiencia y verla encarnar el papel de Cherie Curie es un poco duro. La verdad de la milanesa es que a Dakota los quince años le pesan como quince años y en el escenario le salta la posta: queda como una nena tratando de actuar de mujer grande y estrella reventada pero en el mal sentido (cuidado con lo que deseas Dakota). Cuando Cherie, la verdadera, en el escenario era todo menos una "poser". Si buscan en Youtube la presentación en la TV japonesa que el film imita con la lencería van a ver a que me refiero.

La película intenta “shockear” como en plan “Uh, la vida enloquecida que llevaban estas chicas” pero es en esos momentos que se quedan a mitad de camino y que te hacen pensar que es una película un poco “careta”. Si hubieran puesto una chica de más de dieciocho años y le gritaban a Floria: tenés libertad para ¡desnudos explícitos,

125

sexo, drogas. ¡Impacta nena! ¡Impacta! Hubiera sido realmente, la gloria. Pero no lo hace. Sin embargo vamos a ser buenos y vamos a decir que a la directora le debió costar horrores sacar una interpretación decente de Kristen Stweart como Joan Jett. En ese entonces (no sé si aún conserva el gesto) para Kristen sentir nervios e hiperventilar eran sinónimos y solamente lo hace una sola vez en todo el film, en el momento cuando tiene que hablar con el representante de música.

Quiero creer que sus dotes actorales han mejorado pero en ese entonces estaba muy Bella Swan.

Hay que detenerse en la caracterización de personaje porque a Dakota la extra maquillaron para hacerla parecer más vieja y destruida pero que parece un payaso... a la Stweart, francamente, la dejaron bastante parecida a Joan Jett.

Es cierto si hay escenas lesbo/eróticas pero con un abuso del desenfoque y toda en primeros

planos con cara de gozo forzado porque no nos olvidemos que Dakota era menor y los americanos no son europeos y no te van a hacer “La vie de Adele” con las chicas.

Recuerdo que tuve la misma sensación la primera vez que la vi. No hay tanto cine del punk norteamericano y en el fondo estaba esperando que Floria se pareciera más a ella misma y un poco a Todd Haynes... pero no. Ahora: si nada más quieren una banda sonora copada, pero con momentos de recital no lo realmente copado que deberían ser. Si sueñan con ver a Dakotita ligera de ropa, y besándose con la de Crepúsculo, ¡Este es un film para ustedes!

Todo finalmente nos recuerda una cosa: se hacen muchas cosas caretas en nombre del Punk.

Y esto más que una “Cherry bomb” es un Chasky Boom.

A FABULOUS DISASTER, HE'S A SYMBOL, A METAPHOR!

Voy a comenzar a hablar de este film diciendo: ¡Por supuesto que sabía que existía!, siempre supe de Syd & Nancy pero ¿Qué les puedo decir? Lo vi primero a través de la remake que hacían los Simpsons en el episodio que Bart cuenta

la historia de Sid y Nancy con Lisa y Nelson en los roles. Y no es la primera vez que me pasa, todavía recuerdo cuando vi por primera vez “El resplandor” y dije “Ah ¡Cómo en el episodio que Homero pierde la cabeza!” y es que Los Simpsons se fil-

tran a lo largo de la cultura Pop de una manera que a veces es imposible no recordarlos cada dos segundos.

Referencias a parte este film es tan gloriosamente trash, ¡tan genial! Goza de un espíritu tan Punk que se van a sentir transportados. ¡Ellos están locos! La verdad es que tengo que poner la siguiente frase (que no quiero pero debo) a veces los artistas son más los relatos que se dicen de ellos que lo que ellos dicen acerca de ellos mismos. ¿Qué quiero decir con el aforismo ese tan peculiar? No creo que haya sido taaaan así como la película plantea la historia pero debo admitir ¡Qué bien que se ve en pantalla toda esa oda trash!

Gary Oldman es por supuesto… ¡Gary Oldman!, ese hombre nació sabiendo actuar desde la cuna, es simplemente un genio. Cuando uno piensa que tenía menos de 28 años cuando encarnó a Sid, te replanteas el sinónimo de camaleónico.

Fue su primer gran rol y ¡vaya que no tuvo retos!

La inmersión en el personaje fue tan grande que debieron hospitalizarlo por el exceso de peso que perdió para interpretarle (dice la leyenda). Y el siguiente rol que interpreto paralelo a ese fue el de Joe Orton… lo de él es simplemente increíble.

En cambio Nancy (Chloe Webb) es -debo decirlo-: un poco insoportable para el espectador, sobre todo el tono de voz que te mata y perfora el oído. Chloe Webb es insufrible pero bueno ¿Todo sea por un rol? Ella parece todo el tiempo un muppet rubio de bote que grita “SiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiD!” cada dos minutos. Sé que es para reforzar cier-

tos aspectos de su personaje y que su actuación siempre este a tope es una característica propia del film pero ¡DIOS MIO! ¡Bollocks! A veces te lleva a cuestionar “Si ella era así, ¿Por qué se soportaban?”… es cierto que él está al límite todo el tiempo pero ¡Diablos! Sin embargo ella es así, toda la película y va empeorando progresivamente. (Culpo a las direcciones de Alex Cox y no a la Heroína) La cinta es exagerada pero en el buen sentido.

Para mí, los mejores momentos, son en los cuales se aventura a hablar de cómo era la relación con Malcom Mclaren y las cosas que le imponía a los Pistols. Es cierto que John Lyndon se ofendió por el modo en el que el film retrataba todo, pero creo que el film acierta en convertir en EPICA la presencia y el papel de Sid Vicious. De hecho es indolente al retratar que ni siquiera podía tocar el bajo. Creo que principalmente por como plantea la escena ya simplemente todo eso te lleva a querer haber estado allí y no mencionemos el hecho de que en 1986 quizás habían pasado un poco más de diez años del auge del punk británico y norteamericano. En ese sentido la película recorre una estética que aún era fuerte y la reúne en un solo lugar para transformarla en mito.

Hay una toma en la que Sid y Nancy están por la calle en Manchester y de pronto pasan unos niños de escuela en uniforme con palos de hockey golpeando los autos y ahí me detuve a pensar ¡Esa es la esencia del punk! (No, no, hacer quilombo… ¿o sí?) Era un modo de revelarse contra un sistema que oprimía muy diferente del hippie

127

“amor y paz”. Me pareció un modo de citar agiornado a su derivado PUNK, el inicio de “Blow up” de Michelangelo Antonioni, en la que salen esos estudiantes con flores como en una marcha. Me imaginé en esa gente que pensaba: ¿Por qué ponerle flores a los autos? ¿Qué motivos tenemos para ponerle flores a las personas y a los autos?

Mejor, ¡golpeémoslos con palos de hockey ¡A ver qué sucede!

Esta es la clase de película que está hecha por alguien que le tiene un cariño infinito a una época, a mi no me engañan que Alex Cox no fuera Punk, porque no les creo. Su mirada está cargada de fanatismo aunque se distancia en pos de contar un relato atractivo. Es consciente de que está forjando el mito de Sid y Nancy en el proceso.

Un dato de color es que suenan los Pistols, pero no son los Pistols. Muchos covers están hechos por los actores e incluso hay temas de The clash.

Pero cuando suenan los acordes… suenan tan a ellos. Los recitales plagados de golpes se ven más bonitos solamente porque Alex Cox les dio el toque de glamour cinematográfico que no tiene en realidad. Glamour quizás no sea la palabra justa pero capta el sentido general, es un desastre fabuloso, caos grandilocuente: las lluvias de basura nunca se vieron tan fantásticas y pictóricas. (¡Hasta los Simpsons acuerdan conmigo!)

Pero volvamos, a veces la historia del cine es injusta porque es cierto todos alaban a Gary Oldman pero su antagonista y compañero de

ruta… Johnny esta encarnado absolutamente genial por Andrew Schofield. Simplemente ocurre que tanto descontrol y caos sucede a su alrededor que la gente no suele notar eso en la interpretación de Schofield.

El film se divide casi en dos partes, su trabajo con Sex Pistols y la decadencia del final en donde el director hace difícil el hecho de que no sientas pena hasta por el muppet gritón. Son escorias, los pobres y su final digno de tragedia griega pero así de locos, excesivos y adictos son dignos de compasión. Nota de color: Iggy Pop sale en una escena cuando en el Chelsea Hotel, Sid cae por las escaleras. Y Courtney Love antes de ser la Nancy de Kurt Cobain tiene el papel de adicta llamada Gretchen. (Quizo ser Nancy pero no lo logró en la audición) Justo después llega la mítica escena de ellos besándose con la lluvia de tachos de basura. Y si tan solo terminara ahí…uno se ahorraría sufrimientos. Sin embargo, la película cierra con una especie de escena surrealista en la que Nancy pasa a buscarlo a Sid con un taxi, mientras unos niños de color escuchan KC & The sunshine band con el tema “Get down tonight”. Luego plasma un cartel con la fecha de la muerte de Sid por sobredosis para terminar con un “Rip Sid y Nancy”.

Oscura, trágica pero gloriosamente rescatada de la basura. Una de las historias de amor tóxico más grandes de nuestros tiempos.

RIP SID + NANCY

La película de Alex Cox me generó la suficiente intriga como para aventurarme con este pequeño documental de Alan G. Parker misteriosamente titulado: Who killed Nancy? Más tarde su director diría en una nota “¿Quién no quería asesinar a Nancy? Fue el peor título que pudieron ponerle al film.” Con una declaración tan promisoria ¿Qué podemos esperar además de gossip medio berreta?

El documental se encarga de tomar la estética y lo planteado por el film, sumándole las leyendas urbanas alrededor de la pareja y trata de desmitificar el hecho de que Sid haya sido capaz de matar a su novia porque disque “estaba inconsciente porque se había tomado como treinta pastillas, y medio Chelsea Hotel estuvo en la habitación numero 100 donde la pareja habitaba”.

En un momento del film alguien dice que la gente piensa que fueron como Romeo y Julieta; resulta gracioso porque si lo analizamos fríamente el amor de Romeo y Julieta duró unos pocos días y dejo al menos seis muertos (si no conté mal, puede que haya metido alguno de más…)

El romance de Sid y Nancy duró un poco más que eso aunque no estamos seguros de cuantos fueron los muertos. (Como veremos a lo largo del documental).

La producción avanza de manera cronológica.

Primero plantea ciertas discrepancias sobre la muerte de ambos y a partir de allí traza una línea

de tiempo rápida momentos antes de que Sid entrara en los Sex Pistols y luego cuando conoce a Nancy.

Lo cierto es que coincido con el propio autor de que el título está mal colocado porque se basa mas en Sid que en Nancy y solamente hace hincapié en la imposibilidad de que él la hubiera asesinado sobre el final.

Durante una hora escuchamos a los entrevistados (si es cierto es bastante amplia la recolección de testimonios) decir que Nancy era mala persona, una yegua, prostituta, drogadicta y que básicamente era una gritona. (¿Se acuerdan del muppet gritón del film?, ¡bueno aparentemente era real!) Creo que solamente una entrevista de una groupie de Sid de su gira en Norteamerica habla bien de ella. Algo de como que fue amable y esas casualidades que pasan desapercibidas. Toda la primera mitad el film intenta exorcizar a Sid y explicarnos que si él era así taaaaaaaaaaaaaaaan border como era, era por su madre que era una hippy barata. Chistes a parte, el documental cuenta con algunos episodios bastantes morbosos y contradictorios que podían llevar a inferir lo contrario por ejemplo: si Sid era capaz de ahorcar a un gato porque si… era un loco de mierd.. ¿Por qué no sería capaz de en la obnubilación apuñalar a Nancy? Sobre todo, desde que cuenta que el mismo llamó a la policía luego de ir a una clínica de metadona y regresar por la mañana dándose

129

cuenta recién, de que su novia estaba desangrada en el baño.

El documental descansa sobre la hipótesis de que un hombre inconsciente y tan drogado no puede ser el culpable y que el reporte tacha seis nombres que habían considerado como sospechosos o como posibilidades. Incluso inventa un sospechoso misterioso…pero eso lo dejo para que lo vean.

El film es ligero y no trata de aligerar esa impresión de “anti héroe fatalista del rock” de hecho culpa a los Heartbreakers (la banda que llevó a Nancy a Inglaterra) de haber sido los responsables de arruinar el Punk británico con Heroína.

Literalmente dice “si no era porque los americanos llevaban la adicción encima nada más había cocaína porro y cerveza en UK”. Perdónenme pero ahí estallé de la risa. Lo que me divirtió del documental fue eso que “bardea” a muchas personas que no están para defenderse.

La producción es medio pelo, no incluye (al igual que el film) una banda sonora memorable,

es casi televisivo en su totalidad. Es una pena pero mis ganas de gossip no se vieron satisfechas y la estructura lineal lo hacía muy previsible.

Como que trabajaron sobre muy poco material y lo estiraron con recreaciones mal dibujadas en 3D y motion graphics.

En lugar de intentar redimir la figura del ex bajista a través de su tormentosa relación, se la pasa menospreciando a Nancy que es (y no me peguen por esto) una víctima digna de tragedia griega. Los dos lo son. Sin intención de romantizar sus vidas, son la clase de personajes iconográficos que representan los cambios y devenires de una época. “Sin futuro”, para ellos era una realidad. Los sueños de fama y Rock ‘n’ Roll que terminan trágicamente, esta vez sin lluvia de basura. ¿Pacto suicida? ¿Asesinato? ¿Complot de la policía? Quien sabe realmente. Lo cierto es que dejaron su mundo marginal y se convirtieron en material de mitos y relatos. Con sus muertes pasaron a ser parte de la eternidad.

HIGHSCHOOL PUNK MUSICAL

Aquí es cuando volvemos a los pioneros. Los Ramones. Es genial ver las diferentes vertientes y formas que fue adquiriendo el Punk tanto el new yorkino como el británico. Es genial ver que casi al mismo tiempo generaban cosas visualmente tan distintas.

Rock ‘N’ Roll Highschool es una película de 1979 curiosamente ambientada en 1980, que tuvo el acierto de ver y anticipar lo que las historias de secundaría serían en décadas posteriores. Es el día de hoy y el conflicto ambientado en preparatorias yanquis sigue funcionando. ¿Y por qué? Porque se supone que la juventud lleva la posta de la generación, aunque sin embargo los productores ejecutivos, siempre son del doble de la edad a la que apuntan. (Con suerte).

Este film está producido por Roger Corman (capo del terror clase B y sus adaptaciones de Poe son la gloria más absoluta) escrito por Joe Dante (capo que tomó la posta después de Corman) y dirigido por Allan Arkush. En este momento hay que pararse a pensar: ¿es una película de culto? O ¿Es una película mainstream cual Superbad? Es muy complicado. Los Ramones nunca fueron tan grandes como cuando fueron retratados en este film y es gracioso que Corman, Arkush y Dante escribieran el personaje de “reina del instituto Punk” para P.J Soles que es hiper, mega, recontra fan de Ramones y en eso no se alejaba mucho de la realidad… porque un fan de los Ramones es un HIPER MEGA RECONTRA

FAN así con todo el estilo. No hay término medio en su calidad de medir amores.

Lo que me gusta y se nota en esta proto comedia de estudiantina que anticipaba lo que vendría, es que “la reina del instituto” y la “chica del cuadro de honor” son amigas. Si hay bullying y un poco de prostitución (pero ¡Hey no vieron Can´t buy me love de Steve Rash, altos cafishos hay en los institutos!) igualmente es genial ver que esos estereotipos que en diversos film se irían apartando y odiando cada vez más en pos de los hombres, acá están unidas para hacer sufrir a la directora y son amigas (simple y llanamente) les toca ir al recital de los Ramones y luego deciden tomar la escuela y esas cosas que las chicas hacen.

Bromas aparte, el film tiene un humor enloquecido y hasta surrealista (ratones gigantes inclusive) para hablar de una batalla entre el bien y el mal, el sistema y la revolución. Voldemort y Harry Potter: La directora autoritaria y VS el alumnado revoltoso (Riff Randall la reina del punk adolescente a la cabeza seguida por la música de Rock Punk de los Ramones) El desarrollo y el inverosímil casi está planteado como si se tratara de una película de animación bizarra. De hecho los posters tienen esas ilustraciones tan icónicas de los personajes y los Ramones.

El film tiene una estructura de crescendo continuo y justo cuando uno piensa que el epítome de toda la acción serán las chicas llegando al recital de sus ídolos ¡En donde arrancan con Blitzkrieg

131

Pop! (voy a parodiar a Cher en Clueless y exclamar: “As if!”) y decir “¿Qué más querés?” Bueno cuando todo no se puede poner mejor y tenés tres temas al hilo en esta “Highschool musical Punk”, la trama deriva en una toma de la escuela en la que termina volando el edificio. Toda una metáfora de estilo de vida.

Es cierto que los Ramones fueron grandes, de vanguardia literalmente, pero también es cierto que de alguna manera supieron exagerar toda esa fama y canalizarlo en esta locura como personajes en la que se ponen de cabeza del lado de la juventud.

Rock ‘N’ Roll highschool se volvió en el siguiente corte de difusión incluido en su álbum banda sonora del film, por lo que no puede decirse que no se trate de una especie de Disney Punk! La versión amena, glamorizada y naif que Joey, Dee Dee y Johnny Ramone plantean de sí mismos da gracia. Es como su aparición en el cumpleaños del Señor Burns: listos para hacer ruidos y asustar a las personas adultas y estiradas. (En este

caso encarnada por la directora Evelyn Togar y más adelante también los padres de los estudiantes). Esos chicos locos con sus cortes de pelo y su ropa de cuero tan simpáticos que buscan ser tus amigos y complotar para volar la escuela. ¿Cómo no se convirtieron en los héroes que toda la juventud buscaba?

Pronto las películas adolescentes se perdieron en el New Romantic, el pop y todo lo John Hughes que ya conocemos. Pero antes, en una época no muy lejana, existió una escuela en donde el rock era la norma (Y no me refiero a School of rock con su guiño a Togar en la representación de la directora, ¡Richard Linklater te amamos!) en donde los estudiantes vivían al límite y si estaba llena de bullying, prostitución, chistes sobre cocaína y ratones. Era también, un poco (bastante) trash, pero era una buena escuela a la cual asistir, una con la cual todos podíamos solamente soñar.

Hey! Ho! Lets go!. (tenía que decirlo al finalizar todo, no me pude resistir.)

GOD SAVE THE QUEEN! BUT WICH ONE?

Creo que si hubiera existido un cine definitivamente punk (esto es, pensando el punk como vanguardia estética bien clara y no solo como tema) Jubilee de Derek Jarman calificaría como tal, de

hecho, el y Julien Temple serían los dos únicos directores que en mi mente acudirían pronto si trato de unir la idea de “Punk y cine”. (Le debemos hablar sobre Julien Temple)

133 Este film es digno de Neil Gaiman o Alan Moore. ¿Por qué? Simplemente goza de una trama brillante y no porque tire chispas como la mutante de X-men que lleva el mismo nombre. La verdad es que el título es para recordar el jubileo de plata de la reina Elizabeth II. La historia comienza con la reina Elizabeth I (la de la edad de oro inglesa, la shakespereana, no la actual) y su doctor en ciencias ocultas Jhon Dee tratando de invocar a este “ángel” que se llama Ariel como el personaje misterioso de “La tempestad” de Shakespeare (¿Siempre imaginé que era una especie de Faë o Hada masculina? Ciertamente es un misterio.) La cosa es que Ariel aparece todo Dark y sombrio, muy avant garde, realmente. Entonces la trama salta a una especie de Europa Post apocalíptica ambientada en 1977 en donde está este personaje colorido que le enseña a mujeres sobre lucha y se llama “Amyl Nitrite”. Ella vive en un departamento compartido por su banda que hasta cuenta con dos hermanos incestuosos y gays además de una Au pair francesa de la que no recuerdo el nombre pero parece a Death de Sandman. ¿Qué tiene que ver todo esto con la estética del momento con la maldita reina Elizabeth? Que la reina en cuestión viaja por el tiempo y termina ahí siendo testigo de cómo la reina Elizabeth II (si la de la canción, que sigue viviendo y reinando) es asesinada en un asalto común por una tal Mob que se roba la corona y se ríe de todo. Podemos decir entonces que el film es una copia viviente de tapa de disco de los Sex Pistols y aventurarnos a ir más allá y contar que la película en cuestión tiene como participantes (sin crédito excepto por uno de ellos) a Adam Ant a Siouxie and the banshee y hasta a Malcom Mclaren. Esa película es LA PELICULA que tus amigos pueden estar rodando en el mismo momento en el que haces historia sin proponértelo.

No creo que sin embargo que fuera una expresión espontánea. Se nota que Derek Jarman, su director y escritor, buscó la manera de “tratar de compactar y reunir” todo eso que se veía en las

calles. Se puede decir que su habilidad es la de tomar el pulso de una época.

La fotografía es granulosa y muy fechada. Si te pusieran un plano y te preguntarían ¿A qué década pertenece? Sin dudarlo dirías los setenta sin pestañar. Y luego vienen lo magistral de los planos ambientados en la Inglaterra post apocalíptica. El trabajo de los espacios, la marginalidad de las calles. La desolación. Todo tiene un tratamiento pictórico muy interesante y de nuevo muy consciente de la época en la que se está transitando. Esto suena a repetido pero no lo es, es muy difícil ver un director que pueda reflexionar sobre procesos culturales mientras los está viviendo. En ese aspecto aunque sea una ficción, es en parte un documento de la época.

Es cierto que dice a gritos “cine experimental” pero en los setenta, recordemos, todo era experimental y sobre todo, el cine. Tiene algo de Godardtiano en la propuesta pero Jerman se las arregla para darle esa voz plenamente inglesa y acida con toques de humor muy british. Sin embargo tenemos que decir una gran verdad: la experimentación puede complicar el visionado (¿Todo en la vida es culpa de la experimentación? *Guiño, guiño*) para el espectador contemporáneo. Sin embargo, no hay cine que no merezca una apreciación y más si es una obra de esta índole.

Cuando terminen no van a saber realmente como era ser PUNK en Gran Bretaña de 1970.

No, no hace magia es simplemente un film basado en una estética y todo exagerado y teatral… es gracioso que un movimiento tan rupturista que apuntaba al cambio tuviera una estética visual tan elaborada. ¡No me digan que no perdían tiempo en toneladas de maquillaje y tinturas!

Pero les prometo que van a pasar un buen momento viendo los looks más elaborados del país acompañado con una banda sonora alucinante.

No van a cambiar el planeta, pero van a pasar un gran momento preguntándose “¿WTF? ¿Qué fue lo que vi?”.

135

https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

DE CANCION + BANDA

[ Por Benjamín York ]

137

Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias.

Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda.

La llamamos "De Canción + Banda".

Hoy en este Especial del Punk 1977, tenemos un caso que no sitúa en los años 1976 y 1977, precisamente hace 40 años.

En febrero de 1976, los neoyorquinos de Ramones lanzan el single debut “Blitzkrieg Bop”, que fue el adelanto de su homónimo álbum debut, que se lanzó en abril de 1976. Marcando el comienzo de la historia de una de las bandas icónicas de punk rock de los Estados Unidos. Dicho álbum abre con el himno inoxidable “Blitzkrieg Bop”. Canción que dio pie para que un quinteto de Teesside (en el noroeste de Inglaterra) lo utilizara para bautizar a la banda nacida en 1977.

Si bien no tuvo una repercusión notable dentro de la escena punk de la época se valió de los medios suficientes para que su single “Let’s Go”, de 500 copias se agotara y recibiera buenas críticas en la NME. El single se editó en Julio de 1977 bajo el sello Mortonsound y luego en diciembre del mismo año, bajo el sello Lightning Records volvieron a lanzarlo con otros lados B. Y en 1978 lanzaron un single más.

En un fanzine llamado Teeside Smells, escrito por su vocalista Blank Frank (bajo el seudónimo de Prince Splaff) escribió: "Fue bien recibido por la prensa a pesar de que era una grabación casera de una canción que fue escrita en cinco minutos" Los Links ambos discos son: https://open.spotify.com/album/5uYDAwW0SZgcfOFkxrST64 https://open.spotify.com/artist/5Xq82qumW2V8NQpXfR8jNv

139

MOTORHEAD | Motorhead (40th Anniversary Edition) Label: Ace Records Ltd. / Chiswick Records Fecha de Lanzamiento: 25 de Agosto de 2017 [ Por Benjamín York ]

Si bien Mötorhead no es una banda netamente de punk, podemos decir que estuvo bastante arraigada a la escena punk de distintas formas, por empezar este primer álbum de la banda tiene un sonido muy punk rock, aunque sabemos que luego devendría en el rock más duro y heavy metal. También sabemos de la incursión de Lemmy con artistas del género, podemos recordar esa banda que formó (cuando aún pertenecía a Hawkwind) con The Damned llamada “Les Punks” pero que fue conocida como “The Doomned”.

Osimplemente que fue el que le enseñó a tocar el bajo a Syd Vicious para presentarse en la prueba para los Sex Pistols.

Ahora bien, está edición además de sonar mucho mejor y estar remasterizada tiene las cuatro canciones que salieron en el EP “Beerdrinkers & Hell Raisers” editado en 1980, pero que fueron grabadas originalmente en las mismas sesiones que las del álbum, entre abril

y mayo de 1977. También se suman las canciones del primer single de la banda “Mötorhead”, algunas mezclas distintas de algunas canciones que nunca fueron publicadas y que fueron encontradas cuando tomaron las grabaciones del álbum justo cuando cumplía 35 años. Por último tenemos a la canción "Motorhead" con una letra distinta y el solo de guitarra distinto, de más está decir que esa canción es la más punk del álbum, pero tenemos a "Vibrator", "Train Kept-A-Rollin", " City Kids" o "On Parole".

THE JAM | The Jam 1977 Label: Universal UMC / Polidor Fecha de Lanzamiento: 20 de Octubre de 2017 Cuarenta años del lanzamiento de los dos primeros álbumes de la banda del, por ese entonces, joven Paul Weller. Y como parte de los festejos lanzan esta remasterizada e impecable edición con esas canciones y obviamente otros extras. Está edición trae versión remasterizadas de In The City, en donde se puede apreciar la potencia de las canciones sin agregados muy técnicos, nada más que inflar un poco los graves del bajo y la crudeza de la guitarra se mantiene intacta y la batería se luce, el hit hat y el ride se realzan y se escuchan perfectamente. La voz cruda y bien acoplada al resto de los instrumentos. A esta versión se le agregan dos bonus tracks, el single “All Around The World” y su lado B “Carnaby Street”, que es el segundo single lanzado por la banda y que no quedó en ningu-

demos del álbum, en donde se resalta la prolijidad de unos Punks que escuchaban mucho MOD. Cono tercer disco es la versión remasterizada de su segundo álbum "This Is The Modern World".

Y para el cuarto álbum tenemos versiones en vivo veintidós canciones, en donde las primeras ocho per-

no de los dos álbumes y se editó en el medio de los dos álbumes. Como segundo disco tenemos las versiones

tenecen a las famosas Peel Sessions y luego versiones en vivo del resto de las canciones.

EL ETERNO ERRAR DE LOS MALDITOS THE DAMNED | 40th Anniversary Tour Live At Margate

Label: Live Here Now Fecha de Lanzamiento: Noviembre de 2017

The Damned estuvieron relacionados directamente con los Sex Pistols desde la Hora Cero, podría decirse. Fueron los teloneros de sus primeros shows, y siempre parecieron operar como el Lado B, de Rotten y compañía. Allí donde sus colegas eran la extroversión sin límites, el carisma más arrogante, una fuerza destructiva sin reflexión, los Damned (Los Malditos) eran un balance de algunas dosis de todo eso con cierta introspección, cierta preocupación estética, cierto romanticismo oscuro. Digo “cierto” porque no andaban vestidos con largas túnicas oscuras o leyendo literatura gótica a la sombra de un árbol. Nada de eso, la tapa de su debut los retrata posando luego de una guerra de pasteles de crema. Pero Los Malditos tenían un gusto más kitsch, más culto que los Pistols tanto por el cine de terror estilo Hammer Horror Films como por la cultura de lo clase B, lo fetichista. Esas cuestiones los emparenta(ban) mucho más con una banda como The Cramps: ese sonido de rockabilly del pantano, las referencias a la sub cultura trash y el sadomasoquismo. Quizá (a diferencia de los Cramps) con una ejecución bastante más elegancia, por el hecho de ser caballeros ingleses. En ese sentido el genial debut “Damned, Damned, Damned” (1977) es un excitante ejercicio de forma y contenido, donde no faltan momentos de pura frescura punk. “New Rose” es considerado el primer single del punk inglés, y a pesar de tener una “letra de amor” transpira un fuerte olor a adolescente problemático. “Stab Your Back”, va directo al nervio, se trata de un minuto de ruido bajo la consigna de: “Voy a apuñalarte por la espalda!”. Pero por sobre todo el disco perfila el sonido que iban a terminar de redondear bandas como Bauhaus o Nick Cave and the Bad Seeds: I Fall, Born to Kill, Feel the Pain.

Todos estos extremos son cubiertos en “40th Anniversary Live At Margate”, dado que estos viejos punks cumplen con absoluta prolijidad la consigna de festejar los 40 años de su debut, tocando primero los doce

temas del disco en el orden original. Un verdadero lujo, ya que estos malditos condenados tienen la suerte o han tenido el cuidado de conservar sus habilidades en plena forma. A los sesenta, la mitad vigente de la formación original: Dave Vanian (voz) y Capitan Sensible (bajo) demuestran sin esfuerzos que mantienen intacto el espíritu (maldito) y su mística. Quizá esa sea la gran revancha que les otorgó el destino a cambio de nunca haber alcanzado ni por asomo la popularidad adolescente de Los Pistols. Por eso, el recital no se detiene ahí, inmediatamente terminado Damned, Damned, Damned, los señores pasan a hacer una reseña de algunos (muchos) buenos momentos de su discografía. Cabe destacar de los temas del 2 disco, climas más extensos e intricados como: “Twisted Nerve”, “Absynthe” e incluso el desconcertante cover de “White Rabbit” que pone a prueba el talento vocal de Vanian, y nos deja pensando: ¿un punk homenajeando a unos hippies? ¿Será una broma? Seguro, y del humor más negro. Para los que no encuentren satisfacción todavía: el set es aumentado por cuatro temas ensayados durante la prueba de sonido que suenan exactos como relojes suizos y sin el ruido de hinchada. ¡Gracias inmor(t)ales! ¡Y qué Dios bendiga a estos Malditos!

141

The13th U NA R EVISTA IMA GINA RIA