Revista The 13th Número 38 by Revista The 13th

The13th AÑO: 4

NÚMERO 38

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alex Bretto

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Gabo Rojo

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Max Wilda

Bernardo Jimenez Mesa

Rodrigo Debernardis

[ Departamento de Literatura ]

Ricardo Padilla (Oriani_K)

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Darío Martinez

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Patricia Claudia Fiori

Jefe de Departamento de Literatura:

Marina Cimerilli

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Pablo Müllner

Diego Centurión y ARMS.

Jefe de Departamento de Música:

Benjamín York

Julieta Curdi.

[ Fotografía ]

Diego Centurión Jefe de Departamento de Colombia:

[ Departamento de Colombia ]

César León

Alejandro Cenizacromada

Nazarena Talice, Lily Moonster.

Bernardo Jiménez Mesa REDES SOCIALES:

César León

Marina Cimerilli

Ishtar Astarté Jennifer Isania Fonseca Sánchez

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Fabián Resakka, Stellarscope, Altocamet, The Morelings, Comisión fílmica de Bogotá.

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Julio, 2017

Se hizo esperar un poco este nuevo número, pero la verdad es que estamos con muchas novedades y hemos estado pensando algunos cambios, así que pasamos a contarles. El número 38 trae renovación y nuevas secciones. Primero tenemos un nuevo departamento que tendrá su lugar en las próximas revistas y creamos el departamento "Tropica obscura" que es propiedad íntegra de Colombia. Todo el staff colombiano se reagrupa y se incorpora a él Jennifer Isania Fonseca Sánchez. Ellos tendrán la misión de mostrarnos al resto del mundo lo que está pasando en el país. Y estamos muy contentos de que esto empiece a crecer. Por otro lado la columna de Maxx Wild, ¿Qué Beber Para Escuchar Mejor? se desprende de Pura Melomanía y pasa a tener entidad propia. Y, como lo hace en el Ciclo Entrepisos, será la sección que nos reciba en cada número. Hace un par de números que venimos haciendo que otros artistas reseñen un álbum específico dentro de la sección "El Jardín de las Delicias", pasó Depeche Mode y Slowdive, pero a partir de este número creamos una nueva sección "La Mirada de los Otros" y para esta presentación nos propusimos convocar a los artistas que participaron del álbum de remixes de Ivana Mer, “Early Works Remixed”. Este número viene cargado de mucha información de música, entrevistas a bandas nuevas como los griegos de A Victim of Society, también a The Foreign Resort, o a la cabeza del proyecto Pattern Language, también bandas nuevas argentinas como Dedes y From The Institute. Nos contactamos con los fabulosos noruegos de Rancho Relaxo a propósito de su nuevo EP. Pero también con la bella banda My Favourite Things. Hemos entrevistado al gran Ulrich Schnauus, quien abre otra nueva sección que se desprende de Pura Melomanía, bajo el nombre de "Descubriendo la Magia", en donde entrevistaremos a músicos por sus obras que cumplen años. Como últimamente viene pasando la portada es una obra de ARMS. En materia de Cine tenemos un especial llamado “El Cine como Rareza” y presentamos la serie “Rick and Morty”. Como siempre Literatura y mucho más. Un número de renovación y reestructuración. Así que estamos felices de esta edición, esperemos que la puedan disfrutar, no dejen de comunicarse con nosotros en nuestras redes sociales.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Robot The Alan Parson Project - I Robot (1977) por Maxx Wild..................................................................................................06 NOS SENTIMOS MÁS SEGUROS Entrevista a “A Victim of Society” por Benjamín York........................................................................................................08 ESTOY CONSTANTEMENTE APRENDIENDO Y CRECIENDO Entrevista a Dorothea Tachler de My Favourite Things por Benjamín York........................................................................14 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Diego Centurión.......................................................................................................20 POWER DÚO Entrevista a Dedés por Pablo Müllner................................................................................................................................24 THE FOREIGN RESORT ES UN SÍMBOLO DE INQUIETUD Entrevista a Mikkel Borbjerg Jakobsen de The Foreign Resort por Diego Centurión.......................................................28 NECESITABA UNA IDENTIDAD DIFERENTE Entrevista a Chris Frain de Pattern Language por Benjamín York......................................................................................34 SOMOS UNA BANDA SIMPLE, CRUDA Y MELÓDICA Entrevista a From The Institute por Benjamín York............................................................................................................38 LA MIRADA DE LOS OTROS IVANA MER - EARLY WORK REMIXED (2017) ..................................................................................................................42 CONNIE'S RIC RAC 2017 Entrevistas por Altocamet, Stellarscope y The Morelings..................................................................................................52 DESCUBRIENDO LA MAGIA Entrevista a Ulrich Schnauss por Diego Centurión............................................................................................................56 NO ES UN ÁLBUM TÍPICAMENTE ORIENTADO A LA CANCIÓN Entrevista a Inge Kjetil Sandvik Malmeda de Rancho Relaxo por Diego Centurión..........................................................62 MUSIC CORNER GUNS N’ ROSES: "UN PARAISO ATEMPORAL" Por Alex Bretto. ...................................................................................66 LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 CAPÍTULO NUEVE: HITS Y MISSES – EL ARTE DE COMPILAR por Gabo Rojo. ..............................................................72 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 PALABRAS EN LA ARENA LLEGAR A SER LEYENDA: Éste es el mar, de Mariana Enríquez por Pablo Ravale.......................................................... 78 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE LABERINTO INCONSCIENTE DE MANIPULACIÓN por Pablo Ravale..........................................................................80

HIDDEN TRACK ..............................................................................................................................................................84

TROPICA OBSCURA ESPACIOS PARA LA MÚSICA: ASILO BOGOTÁ por César León…................................................................................88 AMANROUGE, o del Matrimonio Sonoro entre Virtud y Eclecticismo por Jennifer Isania Fonseca Sánchez….............92 RESCATE CINÉFILO EL CINE COMO RAREZA…..........................................................................................................................................98

WELCOME TO THE DOLLHOUSE por Nicolás Ponisio.............................................................................................100

ALICÍA EN EL PAÍS DE LAS PESADILLAS por Nicolás Ponisio...................................................................................102 EL CINE QUE NOS VE por Nicolás Ponisio ...............................................................................................................103 LIBERACIÓN DEL OJO Y DE LA MENTE por Nicolás Ponisio ...................................................................................104 SUBÍ QUE TE LLEVO por Nicolás Ponisio .................................................................................................................105 EL ESCRITOR SERIAL

RICK AND MORTY: -DIBUJITOS SIN CENSURA- por Nicolás Ponisio.......................................................................106

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................112 PURA MELOMANÍA UN SALTO DE FE. Erasure – Cowboy (1997) por Gabo Rojo.........................................................................................116 FOTOGRAFIANDO AURAS. Varios - Lonely Is an Eyesore (1987) por Alejandro Cenizacromada................................117 CINCO OSCURAS ESTRELLAS. The Cure - Five Swing Live (1997) por Pablo Müllner ................................................118 SOBRIOS, OSCUROS Y SOFISTICADOS. Faith No More - Album Of The Year (1997) por Pablo Ravale ....................119 JUANCITO ELECTRÓNICO. John Lydon - Psycho´s Path (1997) por Pablo Müllner .....................................................121 DEL INFIERNO AL CIELO Y VICEVERSA. Spiritualized - Ladies And Gentlemen We Are Floting In Space (1997) por Pablo Ravale .........................................122 RIGHT BEAT. The Prodigy - The Fat of the Land (1997) por Alex Bretto .......................................................................124 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................126 DERECHO DE PISO NEIL - EL SONIDOS DE LAS FLORES MALDITAS por Diego Centurión........................................................................136 SOBRE LA PORTADA FISH PSICODÉLICO.....................................................................................................................................................138

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

ROBOT The Alan Parsons Project – I Robot (1977) Es siempre un placer para mí reseñar un disco de Alan Parsons Project (APP), el sentido conceptual que pone en cada uno de sus discos es en cierta manera la forma en que veo la música. En esta oportunidad el turno es de I Robot, disco basado en los relatos contenidos en I, Robot de Isaac Asimov (en conversaciones directas con Asimov, quien amó la idea, llegaron al arreglo de quitar la coma y realizar algo genérico fuera del universo de Isaac). Para amenizar al escucha, recomiendo la preparación del cocktail homónimo Robot (1 parte de Tennessee whiskey, ½ de vodka y 2 gotas de granadina). El disco abre con el tema I Robot y como era de esperar, sintetizadores al extremo, coros líricos, moog explorado, supergoovy, 1977 señores! podría usarlo hoy mismo. Sigue el hit I Wouldn't Want to Be Like You, disco pop inteligente (podría haber sido un Nuevo estilo), bailable! (hasta para hacer “el robot”) excelente combinación para el cocktail, rudo pero sexy. Some Other Time baja el clima para un contemporáneo del rock progresivo, hermoso tema con arreglos dignos de APP. Un inocente Breakdown con reminiscencias de los Eagles y un final épico que clama “Freedom, freedom, we will not obey. Freedom, freedom, take the wall away…” asociable a la problemática de las tres leyes de la robótica (Runaround, 1942). Don't Let It Show pasa sin tanta fuerza, más un tema de comedia musical (clásico de la época) que un representante del disco y deja lugar para The Voice, con vocoder includio, transporta a una atmosfera plástico-metalica con buenos cambios y arreglos de cuerdas y unos claps al mejor estilo Temptations en Papa was a Rollin’ Stone (inclusive la línea de bajo es similar). El instrumental y cinemático Nucleus hace de interludio para Day After Day (The Show Must Go On), un hermoso tema, tan simple y complejo a la vez que enamora. Total Eclipse, súper intrigante y cortina sci-fi, casi abrumador se desvanece en el pinkfloydiano Genesis ch.1 v.32, sugiriendo la continuación a la creación ya que el libro del Génesis tiene 31 versículos. Un disco conceptual, experimental como es de esperar con sonidos, mezcla y masterización impecables (mérito y sello de Alan, escuchen Dark Side of the Moon de Pink Floyd) y una lista de músicos como AAP siempre ha sabido tener (Woolfson, Zakatek, Powell, Townsend entre otros). Recomiendo escucharlo junto con el cocktail (uno solo, ya que es fuerte) y reflexionar sobre nuestro papel actual y futuro de la mano de la tecnología. ¡Salud!

[ Entrevista a “A Victim of Society” por Benjamín York ]

NOS SENTIMOS MÁS SEGUROS

A Víctim of Society es una banda que se suma a esta ola de bandas nuevas que mezclan una fuerza atronadora con mane-

¿Cómo se describen ustedes musicalmente? ¿Y se sienten parte de esta escena de la Neo psicodelia?

ras psicodélicas. La banda nace Atenas (Grecia) en el 2011 y es

Nos sentimos parte de esta escena, y estamos felices de ha-

un trio formado por Vagelis Makris, Fotis Ntouskas y Padelis

ber sido incluido en colecciones como The Reverb Conspiracy

Karasevda. Actualmente han editado un nuevo álbum, el segun-

- Vol I, lanzado en colaboración por dos de nuestras discográ-

do, Freaktown, lanzado bajo el sello Inner Ear Records. Nos co-

ficas favoritas, Fuzz Club Records y The Reverberation Appre-

municamos para conocer a esta banda que nos ha sorprendido

ciation Society. Musicalmente, tenemos mucho en común con

con su nuevo álbum.

las bandas en esta escena, pero siempre tratamos de ser inclusivos y pensar en nuestra música como algo que puede atraer

Hola chicos, gracias por responder nuestras preguntas.

la atención de los amantes de la música de todo tipo de música.

Estuvimos investigando y por ser una banda nueva han conseguido mucho. ¿Cómo se sienten en este momento?

¿Qué otras bandas de su estilo musical hay en Grecia?

En primer lugar, gracias por tenernos. Nos sentimos muy

La banda más grande de los últimos años en nuestro estilo

bien sobre el LP que acabamos de lanzar, FREAKTOWN, y he-

musical es Acid Baby Jesus, que ha tenido un impacto no sólo

mos llegado a un punto en el que hemos actuado en casi todos

en Grecia, sino en todo el mundo ya que han estado de gira por

los lugares aquí en Atenas y también hemos tocado algunos

todo el mundo y han lanzado dos LPs y un tercer en camino. Por

conciertos en Europa, por lo que estamos dispuestos a ir a cual-

supuesto hay otras bandas que consideramos como hermanos

quier lugar que nos quieran y tocaremos en vivo tanto como

de otra madre, como Baby Guru y Chickn, y su música contie-

sea posible.

ne elementos Kraut, Psychedelic y pop que producen resultados explosivos. Por último, en los bordes de esta escena musical en

¿Por qué el nombre de la banda?

Atenas se encuentran bandas como Rita Mosss y Devamp Javu

Nuestro nombre vino de una pintura temprana de George

que exploran más punk y estética artística. Y hay muchas más

Grosz de 1900, del mismo nombre, que se cruzó en nuestro ca-

bandas, ¡esto es sólo una pequeña porción!

mino, en 2011 cuando Vagelis estaba empezando este proyecto llamado A Victim of Society, que más tarde se convirtió en

He visto vídeos y he escuchado su música cuando eran dúo.

la banda que editó FREAKTOWN. Por lo tanto, fue más de una

Y la banda tenía mucha dureza en su sonido. ¿Qué le aporta un

decisión impulsiva, en lugar de una acción calculada. No había

baterista?

ninguna intención de usar nuestro nombre para definirse po-

Toma estos videos musicales que has visto. Agrega a un ba-

líticamente. Estamos tocando música que nos gusta, y las refe-

terista explosivo que traiga más energía y velocidad a nosotros

rencias a la situación política y social aquí, se expresa a través de

dos. Ahora, añade ocho canciones que fueron escritas con la in-

nuestra música, sin filtrar y crudo

tención de ser rápidas y fuertes y que dependen de una pared de sonido para acercarse a las guitarras y voces. Creemos que el

A la hora de hablar de influencias podrán nombrar muchas bandas. ¿Quién los motivó a componer música? Las mismas bandas que marcaron la diferencia en el mundo y motivaron a los músicos de todo el mundo a comenzar a tocar

resultado es un show en vivo que puede mantener a cualquiera interesado y un álbum que captura la sensación en vivo de la banda. Todo eso, es una donación generosa por la adición de Padelis como el baterista.

música. MC5, Iggy Pop y The Stooges, Led Zeppelin, Jimi Hendrix y Pink Floyd por nombrar algunos. Nuestra música, sin

Un primer álbum para mí es como un Greatest Hits de los

embargo, no se limita a la influencia de estas bandas y artistas.

primeros años. Como el laboratorio de pruebas y resultados.

Pioneros de la música que trajeron nuevos tipos de música al

¿Cómo ven su álbum debut hoy después lanzar este nuevo tra-

mundo, como Kraftwerk, Can, Neu, Spacemen 3, Silver Apples

bajo?

e incluso Afrika Bambaataa o los Beastie Boys son influencias y

La verdad es que nuestro trabajo anterior que fue completa-

modelos musicales para nosotros, y los consideramos nuestra

mente autoproducido, y dio lugar a nuestro primer EP que tiene

motivación para escribir música.

ese sentimiento "Greatest Hits de los primeros años". Nuestro primer LP, "Distractions", fue la transición de nuestros días de

Ya hace unos años que hay un revival de la música psicodélica

“hazlo tú mismo”, a la forma de la banda que puedes escuchar,

y garage rock, yo creo que ustedes tienen mucho de estos estilos.

en "FREAKTOWN". Vemos "Distractions" como una colección

de canciones que creemos que son buenas, pero carecían de ese

suene como suena. El sonido de la banda es algo en lo que he-

elemento extra que tiene el nuevo LP. Suena como una pared

mos trabajado, y tuvimos la ayuda de muchas personas. En pri-

de sonido que no termina, y mientras que en ese tiempo nos di-

mer lugar, nuestro sello Inner Ear nos confió y nos apoyó en el

vertimos mucho con él, ahora estamos felices de considerarlo

proceso de hacer este álbum. Y era muy importante que tuvié-

como un trampolín para "FREAKTOWN".

ramos la ayuda y el apoyo de Nikos Triantafyllou e Iraklis Vlahakis que produjeron, grabaron, mezclaron y masterizaron el

"The Quick and The Dead" es el primer single del nuevo álbum. ¿Cómo decidieron elegir está canción?

álbum para hacer que suene como lo hace. Por último, pero no por ello menos importante, debemos mucho a Bonebrokk, un

De la misma manera que decidimos colocarlo al principio

amigo, colega y un artista increíble, que nos ayudó a modificar

del LP. Es cruda, con una introducción que es pegadiza para el

los sonidos de bajo, las secciones pregrabadas y los sintetizado-

oído, tiene giros y vueltas, se acumula y explota, y las letras de la

res para sonar como lo hacen. Él es un productor de música elec-

canción se refieren a la triste realidad en todo el mundo, donde

trónica, DJ e intérprete de Atenas que su experiencia en música

la religión afecta a la vida de las personas en una manera nega-

electrónica nos ayudó mucho. Todas estas personas nos hacen

tiva, ya que se utiliza constantemente como una excusa para la

sentir más fuertes.

guerra y la destrucción. Resume nuestro estilo de música y tiene un mensaje que es relevante para todos.

"Would you Care" es donde Padelis tiene su solo personal. Y si bien creo que con dos años en la banda debe estar confiado.

¿Editarán algún video de alguna canción?

¿Es un voto de confianza de ustedes hacia él?

Estamos pensando en hacer un video de una de las cancio-

No, el voto de confianza fue dado la primera vez que tocamos

nes, pero todavía está en una etapa temprana. Por el momento

juntos. Desde ese momento, es un miembro igual de la ban-

nos centramos en nuestras actuaciones en vivo, y esperamos

da y su entrada es tan importante como cualquier otra perso-

producir mucho material para apoyar a "FREAKTOWN", pero

na. "Would you care" es un punto de inflexión del LP, y Padelis

debemos hacerlo a nuestra manera, por lo que probablemente

quería marcar esa transición con un solo en percusiones, que él

llevará algún tiempo.

tenía en mente. En el proceso de grabación, lo que vino con era más brutal que un solo con percusiones, y resultó ser más en

El segundo álbum "Freaktown" muestra un sonido mucho

sintonía con "Amnesia" en el otro lado del LP.

más elaborado y más fuerte. ¿Ustedes se sienten más fuertes? Nos sentimos más seguros acerca de "FREAKTOWN" y nos sentimos más seguros de nosotros mismos. "FREAKTOWN" es más fuerte y hemos trabajado duro para que esto suceda y

"Freaktown" suena sin fisuras sonoras. Es potente y adictivo. ¿Cuánto tiempo les llevó escribir las canciones? No podemos realmente estimar cuánto tiempo tomó, porque

la unión de Padelis fue parte del proceso. Pero, teníamos todas

remos por toda Grecia, y en el otoño trataremos de hacer nues-

las canciones durante un año y las estábamos tocando en vivo

tro camino a Europa. Y, por supuesto, vamos a trabajar en el

para ver cómo reaccionarían las personas. Para nosotros, el ren-

nuevo material que también ¡será "testeado" en el escenario!

dimiento en vivo es el aspecto más importante de la banda. Así pues, después de que las ideas para cada canción fueron colocadas, tuvimos que realizar cada una de ellas vivo, para descubrir si se unían una a la otra, y hacer cualquier ajuste.

Por último… les damos este espacio para que digan lo que ustedes quieran. ¡Muchas gracias por habernos recibido, y esperamos encontrar una forma de tocar un show en vivo en Argentina en algún

Para ir terminando… ¿Qué planes tienen para la banda en

momento!

este 2017? Tenemos pensado recorrer todo lo posible. En el verano esta-

Muchísimas Gracias.

[ Entrevista a Dorothea Tachler de “My Favourite Things” por Benjamín York ]

ESTOY CONSTANTEMENTE APRENDIENDO Y CRECIENDO

Siempre nos pasa que nos sorprendemos de bandas que se nos cruzan en el camino y descubrimos que tienen varios discos en su discografía. My Favourite Things es una de ellas y han anunciado el lanzamiento de su tercer álbum para julio próximo, bajo el nombre de "Fly I Will, Because I Can". La banda de Brooklyn está formada por Dorothea Tachler (fundadora de la banda) y único miembro estable de My Favourite Things. Pero se nutre de otros músicos para las grabaciones y las presentaciones en vivo. Hemos contactado a Tachler y hemos tratado de conocerla y meternos un rato en su mundo sonoro. Hola Dorothea, estoy algo conmovido por la belleza de "Fly I Will, Because I Can", realmente cuesta encontrar discos que nos sorprendan y éste es uno de ellos. Muchas gracias. ¡Se siente tan bien escuchar eso! Para empezar vamos con el comienzo de todo. Nacida en Alemania, te has asentado en Nueva York, hablando estrictamente desde lo musical ¿Cómo fue el cambio de una ciudad a otra? Musicalmente, fue una liberación escribir en Nueva York. Tal vez porque conocía a menos gente aquí, pero también los neoyorquinos no critican con tanta dureza o dan consejos no solicitados, como los alemanes. La actitud aquí es más como, “usted puede hacer lo que quiera”. Por supuesto, hay un nivel muy alto de profesionalismo musical. Lo que también es bueno, siempre quiero ser un mejor músico. Como compositora, sin embargo, sentí libertad y alivio para dejar que todo saliera como lo ha hecho desde que estoy aquí. A pesar de que he desarrollado más mi estilo aquí, realmente no lo cambió tanto, creo, por supuesto aparte de estar constantemente influenciado por toda la música que me rodea, con la gente que toco, y los programas que veo, que es, al igual que el pueblo de Nueva York, bendecido con una diversidad mucho mayor que mi ciudad natal de Múnich. ¿Cómo nace la idea de “My Favourite Things”? Después de tocar en diferentes bandas durante muchos años, y de colaborar con otros, empecé a sentir la necesidad de iniciar mi propio proyecto, en

el que escriba todo sola. Así que lo hice - empecé a escribir y grabar esas canciones por mí misma, con algunos invitados. A los bateristas, en su mayoría, por lo menos en los primeros dos discos, le pedía que tocara un ritmo específico, pero en el nuevo, mi baterista desde hace 4 años, Yoshio Kobayashi, básicamente escribió sus propias partes. Es un gran baterista y una parte importante del sonido en este punto. Así que después de terminar el primer disco, en el que toqué la mayoría de las cosas, puse una banda para tocar las canciones en vivo. Los miembros cambiaron un par de veces, pero hemos tocado en esta configuración desde hace unos años, creo que Michael Figgiani estaba en la banda desde el 3er espectáculo, y Yusuke Yamamoto ha estado tocando vibráfono y sintetizadores también desde hace unos 4 años. Daru Oda, cantante y multi-instrumentista, tocó mucho con nosotros alrededor del segundo álbum y está un poco ocupada con la maternidad en este momento, pero ocasionalmente se une a nosotros. ¡Todo el mundo son músicos increíblemente talentosos! ¿Por qué el nombre? ¿Cuáles son tus cosas favoritas? Ese nombre es porque me cuesta tener una cosa favorita. Como, un género musical favorito, o instrumento. Quería tocar tanto como pudiera, porque - ¡No tengo que decidir! Tengo muchas favoritas. ¡Siempre he tenido problemas para nombrar un color favorito / banda / película / sabor de helado! Algunas de mis cosas favoritas personales son instrumentos, música, arte, literatura, tocar música con amigos, conectarse con la gente, tener conversaciones asombrosas, reír, crear, plantas, animales, ir a la playa / estar en la naturaleza. Con “My Favourite Things” tienes dos álbumes anteriores. “rarara” (2009), “Tomorrow's Far Away” (2013). Y si bien son bastantes diferentes entre sí, también lo son con "Fly I Will, Because I Can" (2017). Y seguramente serán momentos diferentes en tu vida. ¿A qué momentos de tu vida pertenece cada álbum? Cada álbum es como un diario, como un compañero de la época en que escribo las canciones. Mi primer disco "rarara" era mucho sobre perder a mi ma-

dre y a mi abuela, que se fueron una poco después de la otra, en el mismo año que llegué a Nueva York. Fue un montón de cambios para mí, convertir mi proceso en canciones demostró ser una herramienta increíblemente útil y terapéutica, además de que siempre me hace feliz cuando una canción está terminada. Musicalmente, estaba explorando y jugando con sonidos, sonidos ambientales, también. Al igual que la implementación en la música de los sonidos fuertes de la ciudad de Nueva York. Pero estos eran difíciles de reproducir en vivo en el escenario, especialmente pequeños y frágiles sonidos como un aliento o un Kalimba, que no tienen una gran oportunidad contra un kit de batería. Así que después de tocar con la banda por un tiempo, influyó en la composición de la canción, por lo que el segundo y el tercer álbum son mucho más la implementación del factor de banda, y las piezas son generalmente más orientado a la canción. Por lo ambiental, empecé mi proyecto "Hunki Dori". El segundo álbum está en cierto modo hablando de adicción. Mañana está muy lejos cuando decimos: dejaré mañana. Sólo esta última vez, hoy, voy a cambiar las co-

sas mañana, o la próxima semana, o el próximo mes. Su postergación, es sólo una excusa para no parar. Porque dejar los malos hábitos es difícil, y nos obliga a mirarnos realmente a nosotros mismos, lo que puede ser difícil y muchos de nosotros realmente tenemos miedo de ello. El nuevo álbum, "Fly I Will, Because I Can" finalmente trata de las secuelas de eso - el "realmente mirando a uno mismo" proceso. Sí, pasar por ese proceso puede ser realmente difícil, pero hay una recompensa después, y puede sentirse como volar, sólo porque se puede, sin drogas ni sueños, simplemente lo hace. ¿Cómo definiría su música? Porque al ser muy diferente disco a disco creo que las sensaciones y palabras cambian. Elegir un género / categoría para mi música es difícil para mí, si eso es lo que quieres decir, porque hay tantos ingredientes de varios géneros allí. Yo lo describiría más como una pintura, agarrar diferentes colores o materiales con los que quiero jugar, y sentirse en forma para una expresión específica. A veces, cuando empiezas a poner colores en un lienzo

vacío, solo puedes ver cómo será la pintura. Y luego añadir más colores o texturas, que sería diferentes instrumentos. Las palabras comienzan en mi cabeza, como estoy procesando a través de algo que siento el impulso es de dar forma a algo / palabras. Antes de sumergirnos en el mundo de "Fly I Will, Because I Can". Has grabado más álbumes. “Hunki Dori” me ha parecido hermoso. Cuéntanos sobre este proyecto instrumental. ¡Muchas gracias! Ya le expliqué un poco cómo se hizo. Pero hay más. Es menos orientado a la canción, más sobre "el momento", si deseas, es estar en el presente mientras que las canciones son algo de lo que ha sucedido en mi pasado. Quería crear música para la meditación, o soñar despierto, sin palabras, para que el oyente pueda dejar vagar su mente. Como mirar nubes. Puedes ver algo en ellas, y diferentes personas pueden ver cosas diferentes. Es menos acerca de mí, o de mí misma como un artista. Tal vez sea como guiar una meditación, si quieres oírlo así. De todos modos, es por eso que no quería poner mi rostro o nombre en Hunki Dori. Luego tienes otro proyecto llamado “Dorako Mañana Is Now” (2010) colaboración con Asako Fujimoto. La pregunta es ¿Cuánto disfrutas de las colaboraciones con otros artistas? Porque por lo que se deduce de tu discografía, esto, es muy asiduo en tu carrera. He colaborado con muchas personas en unas diez bandas a lo largo de los años. En algunos de ellos, estaba jugando el material de otras personas. ¡Me encanta colaborar con otros artistas! Trae un resultado final totalmente diferente como si hubiera hecho una pieza sola. A veces también es quizás una energía que tengo junto con esa persona. Asako es una buena amiga mía, y con ella, a veces me sentía como si fuéramos niños, jugando y teniendo esa libertad creativa de juntar cosas que nos gustaban. Una canción nos sonó como un puerco espín, así que empezamos a sentir eso de verdad. O realmente nos gustó “Pomegranates”, por lo que se convirtió en una canción de alguna manera. La portada de este nuevo trabajo es de Uma Sharma. ¿Eres tú la que está en la portada?

Ja, tendrías que preguntarle. Supongo que sí, sin embargo. Me encantó trabajar con Uma. Ella es una artista muy talentosa. Hice música para su película de animación, que tenía un tigre en ella - entonces yo sabía, ¡ella debe hacer la obra de arte para mi álbum! Ya hablando de lo musical. "Fly I Will, Because I Can" es un álbum muy hermoso, con mucha luminosidad y calidez, tengo la sensación que has cambiado la dirección del sonido de la banda. Si bien hay cosas de suma dulzura que se puede escuchar en los álbumes anteriores, la sensación que tengo es que en este álbum has podido expandir más esa letanía sonora, con mucho folk y dream pop, que en los anteriores trabajos se insinuaban. ¿Es así? No estoy segura. Todo es un proceso natural. Algunas de las primeras canciones ya eran un poco folk, como El Sereno en el segundo álbum. Creo que sucedió porque empecé a escribir más canciones en la guitarra y el autoharp. A menudo la canción obtiene su tono principal del instrumento en el que lo escribo. Antes, algunos fueron escritos en ukulele o piano, etc, o guitarra, también. Tal vez la calidad de la grabación y la producción es también cada vez más refinada y como estoy constantemente aprendiendo y creciendo en ese sentido, también. El álbum tiene doce tracks, que van desde el folk y el dream pop hasta el shoegaze o el “disfrazado” tiempo de vals. ¿Sientes que es el álbum que has querido hacer en años? Mi pregunta va dirigida a que se escucha un álbum homogéneo y cautivante, con mucho tiempo para pensarlo. Tal vez este sea el más honesto, en términos de "mirar dentro de mí mismo" como describí antes, aunque todos ellos trataron con emociones profundas y honestas, como perder a una persona muy cercana. Creo que todos los otros álbumes eran también los que quería hacer en ese momento. Es un poco difícil decirlo desde el presente, porque muchas de esas canciones las empecé a escribir justo después de que el último álbum estaba terminado, pero tomó todo ese tiempo para terminar este nuevo, porque NYC no permite mucho tiempo libre Si usted no es rico.... Lo que significa, ahora estoy de

nuevo en un lugar diferente donde estaba cuando empecé a escribir las canciones para ese disco. Tal vez se siente más homogéneo porque yo misma, en mi interior, me siento más homogénea. No lo sé. ¿Cuánto tiempo te ha llevado escribir las canciones? ¿Cómo es el proceso de escritura de las canciones? ¿Lo haces sola? Sí, escribí estas canciones sola. A veces sólo se necesita un día o unos pocos para escribir la base de la canción. El proceso más lento grabarlo, producir y editarlo. Me encanta producirlas. Es como colorear. A veces tal vez lo exagero y podría dejarlo solo como una canción de guitarra. Pero ¿por qué no poner violines y flautas y arpas y más voces en ella cuando se puede? Tengo diferentes enfoques para escribir canciones. A veces comienza con las palabras, cuando realmente estoy procesando algo y mantengo los

mismos pensamientos en mi cabeza, forma en una canción. Eso a menudo sucede en el subte de Nueva York, o cuando estoy caminando. El otro enfoque es similar, cuando oigo melodías o progresiones de acordes en mi cabeza. O tocar con instrumentos hasta que quiera capturar algo. Y ahora, luego de la salida del álbum. ¿Qué planes tiene la banda? Continúe escribiendo canciones, haciendo discos, haciendo shows, con suerte haciendo una gira, haciendo videos, etc. Este último espacio te lo damos para que digas lo que tú quieras. Gracias por leer todo esto si lo hiciste hasta aquí. Gracias Dorothea por esta entrevista. ¡Gracias! ¡Fue un placer!

TRES POR UNO THE STEVENSON RANCH DAVIDIANS - WACK MAGICK:

CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Por más extraño que parezca, el videoclip oficial de Wack Magick perteneciente al grupo The Stevenson Ranch Davidians, es tan actual como los teléfonos táctiles. Sin embargo, lo que comienza como un ritmo del pasado se traslada también a la cadencia y el estilo con las que son tratadas las imágenes. Como espectadores somos testigos de un ritual ocultista, un aquelarre de brujas que se funde entre diversas imágenes y la sonoridad hipnótica del tema. Dejándonos caer poco a poco bajo el efecto del hechizo. El video alterna entre los distintos pasos que llevan a cabo las brujas en su ritual y la fuerza de la naturaleza que se desprende gracias a ella. La fuerza femenina y natural se unifica transformando a las imágenes en el resultado simbológico del poder que les es propio. Y lo logra mediante una gran composición de imágenes que se funden unas con otras, filtradas con un tono púrpura que le brinda aún más el aspecto de pertenencia a otra época. Muy similar a la estética del giallo setentoso. Permitiéndose ese aspecto que entra en paralelo con un clásico subgénero del cine de horror, Wack Magick se fortalece aún más de la oscuridad que habita en sus imágenes, producto del hechizo en preparación. Las brujas le ofrecen una copa para beber a un hombre. Luego de beberla, no hay dudas de que somos él y hace tiempo caímos en su hechizo. No hay escapatoria, tan solo dejarse atraer por su encanto y sucumbir ante las fuerzas ocultas y la magia envolvente de su música.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Definitivamente un grupo particular. The Stevenson Ranch Davidians son todo un collage de diferentes estilos en el que podemos encontrar rock setentoso, blues psicodélico, country,

melodías pop, folk de fogón y algunas letras profundas que coquetean con el ocultismo, haciendo numerosas referencias satánicas. Tal es el caso de la que atenderemos hoy, “Wack Magic”, de su nuevo álbum de estudio, el delicioso Amerikana. Como explicaba recién, líricamente, “Wack Magic” se refiere a los conceptos de satanismo, pero no desde un enfoque en el sentido literal, sino más jugando bien con otros tópicos, como por ejemplo el éxtasis erótico («Sí, yo obtengo mi magia estando arriba / Tú obtienes tu magia habiendo bajado / Tú tienes que trabajar en la oscuridad / Yo voy a enseñártelo»), los estados alterados («Sí, te veo trabajando en niveles / Veo que trabajas en grados / Te veo construyendo tu pirámide / y tus sociedades secretas») y el encanto personal («Yo obtengo mi magia durante el día / Tú obtienes tu magia durante la noche / La guardas debajo de las cobijas / Yo la exhibo a plena luz»). El tono oscuro –aunque rockero al máximo– del tema («Veo la luz encendida ahora / Iluminando para enseñar / cómo es que trabajas con la oscuridad») no se va ni en virajes densos ni en despegues guitarreros muy complejos; por el contrario, mantiene siempre la simplicidad, haciendo que explote el estribillo («De la peor magia / Magia / Sí») en miles de fotones de brillo creativo y así demostrarnos que aquí sí lo que prima es la magia… pero de la mejor. Superlativos.

MÚSICA [ por Diego Centurión ]

Segundo corte del álbum "Amerikana" de The Stevenson Ranch Davidians. En nuestro número anterior hemos entrevistado a Dwayne Seagraves quien nos ha dado detalles de este nuevo álbum editado el pasado 9 de Junio. "Holy Life" fue su primer single y ahora es el turno de Wack Magick, track que abre el álbum. La canción tiene varios cambios de ritmos interesantes pero todos siempre dentro de esta nueva explosión de la Neo psicodelia, de bandas que también mezclan el folk y el rock con grandes dosis de space rock y, como dijimos antes, psicodelia. La canción explora sonidos que emparentan a The

Brian Jonestown Massacre y por momentos a The Black Angels, pero en el track en cuestiĂłn le da una vuelta de tuerca al sonido que puede emparentarlos con las bandas mencionadas. The Stevenson Ranch Davidians muestra un campo que lo acerca a lo oculto y lo pagano, con un sonido que se aco-

moda a cada cambio en su estructura sin perder un gramo de autenticidad. Seguramente The Stevenson Ranch Davidians tiene mucho que demostrar a pesar de su larga trayectoria, pero es seguro que esta canciĂłn es una gran puerta que se abre ante tus ojos, oĂdos y mente.

[ Entrevista a Dedés por Pablo Müllner ]

POWER DÚO

“Somos una banda que ante todo va para adelante, a veces nos está esperando una pared bien grande pero cuando podemos la saltamos y sino, nos la pegamos de pera”, de esta manera, sin rodeos y con mucho humor, se definen Los Dedés. La banda está formada por Mati Fernandez (voz y guitarras) y Marce Pini (batería), quienes en 2014 hicieron su auspicioso debut con el EP “No sos el único así”. En 2016 editaron el álbum “Los Reflejos”, que nos sumerge aún más profundo en su original sonido combinación de punk, post-punk, lo fi y folk. Presentando “Los Reflejos” se los ha visto (y escuchado) brillar en vivo sobre escenarios como el de Naranja Verde y El Konex. ¡Hola, muchachos! Antes que nada me gustaría preguntarles por el nombre de la banda. Parece que hiciera referencia a dos iniciales: los D.D. ¿me equivoco? El nombre Dedés surgió porque a mí (Mati) si en una época mirabas mi Itunes la lista de bandas con “The...” era eterna: The White Stripes, The Velvet Underground, The Beatles, The Rolling Stones, The Libertines, The Clash, the 101 ers, The Brian Jonestown Massacre, The Dandy Warhols, The Cramps, The Decemberist, The Kills, The New Pornographers, The Pains at Being Pure of Hearts, The Sex Pistols, The Moldy Peaches, The Vaccines, The Strokes, The Stooges, etc, etc… ¡Una enfermedad! De ahí salió “The The’s” o sea Dedés. Un juego de palabras pésimo. ¡Para nada! ¡Me parece genial! El hecho puntual de que sean un dúo –voz, guitarra y batería- me remite mucho al nuevo rock americano, a bandas como White Stripes, Yeah Yeah Yeahs o The Kills que trabajaron con la consigna de lograr mucho con pocos elementos. ¿Ustedes se pusieron ese mismo desafío? ¿Cómo surge el salirse del canon de una banda tradicional? En realidad la premisa nunca fue planteada, me paso de escuchar estas bandas y de quedar “estupefactado” de cómo resolvían de manera increíble mucho con tan poco, con mucha creatividad e inteligencia. Eso me volvió loco y me enamoro. Esa búsqueda eterna que te da investigar por un lado que probablemente una banda con los cuerpos tradicio-

nales no lo necesita. Escuché White Stripes y “adoré”, más que el estilo fue eso… SON DOS, e intenté eso. Hacer esa cofradía de pocos elementos para lograr el todo. Y obvio de ahí salió el objetivo de que las canciones suenen y que no necesiten más que eso, y nos re copa cuando nos dicen: “¡¡¡Ésa… SON DOS!!!” La pregunta anterior venía también a cuento de que al escuchar la banda, desde el álbum Los Reflejos (2016) y especialmente en vivo, uno se olvida realmente que son apenas dos, realmente transmiten mucha energía ¿Cómo sienten ustedes el momento de tocar en vivo? ¿Incorporarían músicos sobre el escenario? La posta es que en vivo nos sentimos muy prendidos fuego con las canciones y lo que queremos transmitir con ellas, con el concepto en general de la banda. Sentimos el laburo que hay para que las canciones suenen cerradas. Hoy no necesitamos a nadie más que a nosotros para interpretar estas canciones, pero no nos cerramos a nada de lo que pueda pasar de acá en más con el futuro y las próximas canciones. El tercer tema de Los Reflejos se llama Las últimas horas, ahí Mati canta: “si pudiera hacer que se olviden de mí, te aseguro ese día la sonrisa nace en mí”. Les puedo hacer la pregunta inversa como banda: ¿Si pudieran hacer que la gente se acuerde de ustedes, como les gustaría que los recuerde para siempre? Como esa banda que hizo todo lo posible por luchar contra el: “¿sabés lo que tenés que hacer vos?...” ¡Buena síntesis!... El tema Picos Gemelos tiene un audio en inglés que le da un toque misterioso, inquietante. Un aire enigmático que comparte con la tapa del disco. ¿Algo que ver con Twin Peaks? ¿Les gusta trabajar en la música y en la imagen con “el suspenso” o es algo que surge de manera inesperada para ustedes mismos? Picos gemelos es un tema que amamos, surgió del primer punteo o riff del tema. A mi automáticamente me remontó imaginariamente a Twin Peaks, por eso el nombre. Todo ese clima de misterio y surreal de la serie. Pero también al escenario geográfico, como una sobrevolada por el lugar o por Aberdeen (amo Nirvana) donde hay montañas, pinos y agua.

Recuerdo como puntualmente surgió en la sala la canción: domingo de lluvia fría que pinchaba, silencio. Es por eso que la canción se presentó ella misma con ese clima. Nos fuimos con la sensación de “le falta algo” y de la nada salió el audio de Charles Bukowski “Dinosauria, We”. Bukowski es alguien que se encargó de mostrar el presente, la realidad y las calles como nadie y le tengo una admiración tremenda. Fue un collage que se presentó de manera casi espontánea. De hecho cuando mezclamos la canción en el (estudio) Attic teníamos el mismo clima que cuando la compusimos, frío lluvia y esa sensación de no decir nada, porque ya estaba todo dicho en la canción. Hablando de la imagen, el video del corte de Los Reflejos, “Arroz con cosas” tiene un clima bastante psicodélico, y al mismo tiempo contagia mucho el entusiasmo de una banda que disfruta de tocar en vivo. ¿Quieren contarnos algo del video? Sí, es exactamente eso. Queríamos y necesitábamos contar lo que es para nosotros ir a tocar, algo que arranca mucho antes de estar tocando. Estar en nuestras casas, preparar los equipos. Dejar todo listo, una o varias cervezas, cargar todo en el flete. Ir al lugar. Ansiedad y ganas de tocar, disfrutar y vivir lo que hacemos, porque para sufrir está el laburo. Porque las canciones hablan por nosotros. Y graficar en ese video el mundito imaginario de toda una previa y el presente de la tocada. El EP anterior a Los Reflejos se llama No sos el único así, tiene un clima muy personal y está dedicado a todos los que nos dijeron “no está bueno eso”. Acordáte: no sos el único así. Primero que nada “gracias”, uno se siente comprendido por la banda. Pero ¿eso significa que debieron pasar por muchos momentos de desaprobación hasta consolidarse? Absolutamente, creo que desde que nacemos nos aprueban y desaprueban todo el tiempo, y pasamos por un momento de nuestras vidas en las que necesitamos desmedidamente ser aprobados por la sociedad, amigos, mujeres, parejas y bla… Y… ¡¿por qué?! Qué perdida boluda de tiempo, ¿no? Y fue como un tributo inverso: ¿Por qué? ¿Por qué tenemos que ser aprobados para hacer algo? Solo tene-

mos que obedecer a nuestras pulsiones y hacerlas. Sin aprobación de nada y ver que lo podemos hacer. Fin, no hay más urgencia que esa. En el estilo crudo y fresco de la banda y en la forma de cantar de Mati y las letras contundentes no puedo dejar de oír algunos ecos de Cristian Aldana y Francisco Bochatón. Más allá del momento personal que atraviesen estos muchachos en el presente, lograron ser los referentes de lo que era ser rock e indie hace un par de décadas atrás. ¿Se ven en ese reflejo? ¿Qué artistas los inspiran? Mira, la verdad es que yo nunca me identifiqué con esas bandas post noventas. Simplemente porque no las escuchaba, no mucho más que eso. Del Otro Yo recuerdo haber escuchado “Alegría” y como que me pareció simpática. Pero esas cosas medio “argenbrit” a mí nunca me terminaron de cerrar. Igual respeto los logros como banda aunque obviamente no me cabe para nada en absoluto la actualidad del pibe, lo que hizo no está bien, ni él ni muuuchos otros. Si me preguntas por artistas nacionales, cuando me mude a Buenos Aires en el 98/99 yo no tenía ni ahí data de bandas ni nada, moría por ver cosas pero no sabía dónde. Buscando llegue a la presentación del tercer disco de una bandita, el disco era “fragilinvencible” y la banda era Pez, eso fue tremendo. Ver esa energía y esas canciones si me marcaron, esa epoca de Pez y de los dos discos solistas de Ariel o el Flopa Manza Minimal, fue una hermosa época pre Facebook. Artistas que me inspiran y me hacen reflejar lo que me pasa a mí, son esos que me hacen volver al principio: Sex Pistols, Velvet Underground, Dylan, Joy Division, The Cramps, The Clash. Son esos que me dieron ganas de hacer música y cuando me siento perdido vuelvo a ellos. Hoy sumaría a Ty Segall y a Bowie. ¿Hay alguna fecha en vivo por delante? ¿Qué podemos esperar de Los Dedés para el futuro no tan lejano? Sí, el jueves 6 de Julio es la quinta fecha de nuestro ciclo “Los Reflejos” donde presentamos nuestro disco y tocamos con las bandas que nos gustan. En esta oportunidad tocamos con Rodrigo Armando

y Esquizofrénicos. Una fecha de la reputa madre. También estamos grabando temas nuevos, veremos cuando salen. Unas últimas palabras que quieran decirnos… ¡Nos vemos pronto! Y no sean cagones che, las ban-

das nuevas tenemos canciones que no se las sabe nadie, por ahora… ¡Gracias Dedés! ¡Salud!

[ Entrevista a Mikkel Borbjerg Jakobsen de The Foreign Resort por Diego Centuriรณn ]

THE FOREIGN RESORT ES UN Sร MBOLO DE INQUIETUD

Así como muchos estilos perduran desde décadas anteriores el post punk siguen dando muestras de vigencia y nuevas bandas aparecen dentro de la escena mundial de esta vertiente de sonidos oscuros y fuertes. The Foreign Resort es una de esas bandas que alzan la bandera de los sonidos más salvajemente oscuros y retro que he escuchado. Nos hemos contactado con Mikkel Borbjerg Jakobsen quien nos contará de la banda en una charla que esperamos que disfruten. Hola Mikkel es un placer para nosotros contar con la palabra de The Foreign Resort, ya que desde su "The American Dreams" he quedado prendido a su sonido y aprovechando de la salida de su nuevo single nos comunicamos para saber de ustedes. ¿Cuándo y cómo nace la banda? ¿Y de dónde proviene el nombre? Hola Diego ¡Gracias por hacer esta entrevista! The Foreign Resort se formó en 2006, aunque realmente nada sucedió hasta 2008, incluso 2009, cuando nuestro primer álbum, Offshore, salió. Pasamos el primer par de años imaginando nuestro sonido y aprendiendo a tocar juntos. Es por eso que verás en algunos lugares que nos dicen que comenzamos en 2010. Ahí es cuando las cosas comenzaron a ser un poco más interesante. Hay varias historias al nombre de la banda. La idea surgió cuando viví en Israel y trabajé en un kibutz con voluntarios de todo el mundo. Todos vinieron a este kibutz para hacer algo más que vivir en sus países de origen. Para probar algo nuevo. Fue nuestro complejo de extranjero, alejarse. Y esa es mi percepción del nombre de la banda en estos días. Alejarse de su "vida normal". El turismo es muy bueno para mí. O de vacaciones. Incluso conducir a través de Dinamarca para visitar a la familia se siente bien. En resumen, The Foreign Resort es un símbolo de inquietud. De querer estar constantemente en movimiento. He leído que los comparan muchas veces con el The Cure de Pornography. ¿Cómo se sienten con esa comparación? Supongo que no hay escapatoria a la referencia de Robert Smith, a pesar de que no estoy muy cómodo con él. Quiero decir, me gusta su voz, así que es una

buena referencia, pero he leído demasiadas reseñas comparándonos con The Cure, y especialmente con nuestro EP “The American Dream” no está ni cerca del sonido de The Cure. En realidad, toda la cosa de referencia nos hizo mucho más ruidosos porque traté de llegar lo más lejos posible del sonido de The Cure. E incluso entonces, los críticos todavía nos comparan con ellos. Si hay chorus en el bajo, mucha gente escucha The Cure, New Order y Joy Division. Así que hicimos la canción "She Is Lost", que es totalmente Cura-sonido. Me imaginé, ¿qué diablos? Todo el mundo suena como alguien más y se inspira en otras bandas, y especialmente los críticos como para dibujar paralelismos con otras bandas. Así que, déjalos. El hecho es que raramente escuchamos The Cure. Muy raramente escuchamos a New Order y nunca a Joy Division. Nos centramos en la nueva música de bandas como PRGRM, New Canyons, ACTORS, Drab Majesty, Operators, Tycho, Vaadat Charigim, Bootblacks, Black Marble, Autolux, Cold Showers, Strvngers and Trentemøller. Hay muchas más bandas por ahí y mi punto de hacer la lista larga es que, a excepción de Depeche Mode, todos los dinosaurios ya no están produciendo buena música. Todas las bandas más jóvenes han creado recientemente una música excepcional que me ha movido. Merecen la atención. Si bien podemos encontrar sonidos más electro o synth, ¿ustedes son una banda más de guitarra, bajo y batería? No hay nada como una buena vieja guitarra, bajo y la configuración de las baterías. Es simple y eficaz. No tenemos ninguna preferencia, excepto en vivo donde tratamos de tener al menos un par de canciones por show sin electrónica. Es bueno no estar atado a retroceder todo el tiempo. ¡Pregúntale a nuestro baterista! Él siempre saca sus oídos (auriculares) cuando lo hacemos para obtener el explosivo sonido completo de la banda. Dark White, Under Bright Neon Stars y Take a Walk son esos tipos de canciones. Pero a veces nos gusta agregar un poco más, que es el bajo sintetizado programado o simplemente capas de cuerdas. Hace diez años aparecían en un compilado junto a bandas como Spektr y Joycehotel. ¿Qué recuerdan

de ese compilado? ¡Guauu! Me olvidé por completo de esa compilación. En realidad era sólo un CD promocional que enviamos en relación con una gira que finalmente nunca sucedió porque era demasiado difícil de reservar. ¡Dinamarca en pocas palabras! Yo toqué en ambas bandas en el pasado también.

que estábamos programados. 10 días en el estudio y luego mezclar lo más rápido posible después. Eso requirió muchas horas de trabajo intenso todos los días durante un tiempo. Es difícil cuando hablamos de creatividad. No puedes forzar a aparecer cosas como melodías y letras. Al menos no puedo, si tiene que ser bueno.

Su primer álbum es del 2009 "Offshore", ¿qué cambió desde el compilado anterior a éste primer álbum? No creo que haya cambiado mucho. Offshore fue grabado profesionalmente y por lo que recuerdo, las canciones para el compilado fueron grabadas por nosotros mismos y en ese entonces no teníamos el conocimiento y la experiencia que tenemos ahora, por lo que Offshore probablemente suena mucho mejor que lo que está en el compilado. ¡Jaja!

¿Qué álbum les trajo más satisfacciones? Creo que el EP 2011 The Foreign Resort realmente fue un cambio de juego para nosotros. Fue el álbum el que definió nuestro futuro sonido. Incluso nuestro último single "She is Lost" se basa en el sonido creado en canciones como "Orange Glow" y "Torch It". Y "Take a Walk" nos mostró que podemos escribir canciones sin electrónica.

Los álbumes fueron llegando... En estos años, ¿cuál fue el álbum que más trabajo les ha llevado? No estoy seguro de que edición fue más difícil de escribir y grabar. Grabación y mezcla de “New Frontiers” con John Fryer fue el más intenso, por-

La música de la banda nos invita a viajar de manera vertiginosa por una ruta desierta, atravesándola a una velocidad no siempre permitida. Un poco al borde de lo prohibido. Está sensación de vertiginosidad aparece en todos los últimos álbumes y no tanto en los primeros. ¿Qué se aceleró en la banda? ¿Tal vez nos hemos vuelto más inquieto a lo largo de

los años? No es seguro. Supongo que todos estamos atraídos por la música que te recuerda conducir rápido a través de la noche. Y así es el tipo de música que acabamos creando nosotros mismos. También creo que hemos simplificado nuestra expresión. En Offshore lo queríamos todo. ¡Ese disco está tan cargado! Ya en el EP de 2011 nos íbamos a una expresión más simple y en The American Dream las canciones se han escrito para un trío evitando overdubs para que podamos recrear las mejores canciones en vivo. Creo que ha hecho nuestra expresión aún más simple y más "de conducir rápido". Hace poco han lanzado "She is Lost", que por cierto tiene una energía impresionante y está velocidad que antes mencionábamos. ¿Cuándo llega el nuevo álbum? ¡Muchas gracias! Actualmente estamos escribiendo y grabando nuevas canciones para nuestro próxi-

mo álbum de larga duración. No hay fecha de lanzamiento todavía, ya que estamos buscando el sello correcto para formar equipo, pero esperamos lanzar el álbum en algún momento de la primavera de 2018. ¿Qué nos puedes contar de este trabajo? Bueno, todavía hay algunas canciones que escribir. Pero estamos intentando algunas cosas nuevas, mientras también trabajamos con los elementos que teníamos en New Frontiers y otros álbumes. Tratamos de mezclar la electrónica con sonidos analógicos de batería, bajo y guitarras, creando una colisión entre sonidos de sintetizador e instrumentos antiguos. No estamos inventando algo nuevo, pero creemos que nuestra composición ha mejorado mucho y que las nuevas canciones son muy dinámicas y van desde melancólicas a agresivas.

Siendo una banda con más de diez años de trayectoria y varios discos en su discografía. ¿Qué puedes aconsejar a las bandas que sienten que las puertas parecerían nunca abrírseles? ¡Mantente en ello, si te diviertes! Las puertas no se han abierto completamente para nosotros todavía. Pero creemos que puede suceder. Muchas bandas tocan para hacerse famosas y se olvidan de divertirse y por qué realmente están tocando música. Lo hacemos porque nos gusta viajar y conocer gente por ahí en el mundo. Es como una solución para nosotros. Es nuestra droga. Y por supuesto, de pie en el escenario de interactuar con la audiencia y verlos bailar. No se puede superar eso. Así que en pocas palabras, mi consejo es averiguar qué es lo que hace que sea divertido que toques en una banda. Si no puedes entenderlo, entonces sal y haz otra cosa. ¡Si lo descubres, persíguelo por todos los medios! Para ir terminando y agradeciéndote el tiempo brin-

dado para esta entrevista. ¿Qué planes tiene The Foreign Resort"? Bueno, Canadá acaba de abrirse para nosotros, así que vamos a volver a tocar una gira canadiense de 10 días en septiembre, tocando en ciudades como Victoria, Vancouver, Calgary, Edmonton, Winnipeg, Toronto, Hamilton y un par más. También planeamos regresar a los Estados Unidos en marzo de 2018 para una gira de 3 semanas. Entre ellos, seguiremos tocando en Europa y conseguiremos que el nuevo álbum esté listo para su lanzamiento. Este último espacio es para que digas lo que quieras a nuestros lectores. ¡Sigue apoyando la música y mantente interesado en nuevas bandas! ¡Sal a los clubs a ver shows y sube y saluda a las bandas! Nos encanta hablar y pasar el rato y el backstage es aburrido. ¡Nos vemos por ahí!

[ Entrevista a Chris Frain de Pattern Language por BenjamÃn York ]

NECESITABA UNA IDENTIDAD DIFERENTE

La música electrónica sigue dando nuevos álbumes para escuchar y para disfrutar, nos ha pasado que nos hemos encontrado con un álbum llamado “Total Squaresville”, editado el 16 de junio y, sobre el cierre de esta edición, nos hemos contactado con Chris Frain y le hemos realizado algunas preguntas,con laidea de abrir un camino de diálogo para una nueva entrevista en el futuro cercano, a continuación les dejamos sus pensamientos. Hola Chris, gracias por permitirnos hacerte unas preguntas acerca de tu carrera. Has estado en varios proyectos muy distintos a lo que hoy estás realizando. The Giranimals, Tanuki. ¿Qué te ha enseñado proyectos tan variados? Creo que hay varias razones. En primer lugar, es emocionante aprender un nuevo instrumento o un nuevo vocabulario musical. Y a veces hay poca opción que tienes en el asunto - las bandas se rompen y tienes que empezar a trabajar en algo nuevo. Para mí es divertido para construir un proyecto desde cero - ya sea en solitario o con otras personas. Cada vez que haces eso, esperas encontrar otro elemento de tu "voz" como músico en alguna parte. He leído que el documental “Synth Britannia” fue un cambio en la dirección de tu carrera. ¿Esto es así? Seguro. Yo estaba más familiarizado con la música de esa primera generación de sintetizador británico pop / new wave, pero nunca me di cuenta de cómo DIY era el enfoque de esa música, al menos en los primeros años. Era una extraña confluencia de la actitud punk hacia la creación de música y la disponibilidad de música relativamente barata que hace la tecnología. Eso fue muy inspirador, y creo que es paralelo al desarrollo de las tecnologías de producción de música hoy en día. ¡Hay tantos sintetizadores buenos por ahí alrededor de $ 500 o algo así! Hacer música electrónica no tiene que ser esta cosa super-esotérica y no tiene que ser sólo música de baile, tampoco. Estamos en el punto donde se puede inventar su propio género, al igual que lo estaban haciendo a finales de 1970 y principios de 1980. “The Life and Times of Lenn Cicada: 2014-2015” de mayo del 2016 es su primer trabajo bajo el nom-

bre de Chris Frain, luego "Imagining the Dalton Era" (2016) y "Habitat '67" (2016). ¿Por qué nace el nombre de “Pattern Language”? Hasta hace unos meses esto realmente iba a ser un álbum de "Chris Frain", pero el sello (Happy Robots Records, Reino Unido) y yo decidimos, después de escuchar las mezclas iniciales, que la música de este álbum era categóricamente diferente de mi trabajo anterior. Y por lo tanto necesitaba una identidad diferente. Anteriormente, mi música tendía a ser más prog-rock inspirado, más ambiental, más abstracto. Pero "Total Squaresville" salió muy diferente con pistas más cortas y más enfocadas, por lo que tenía sentido comenzar con una pizarra limpia. Seguiré interpretando y grabando las cosas más espaciosas bajo el nombre de "Chris Frain" en el futuro, sin embargo, en paralelo con "Pattern Language". Cuéntanos acerca de Total Squaresville. "Total Squaresville" fue lanzado el 16 de junio y se puede encontrar en Bandcamp, así como iTunes. En términos del estilo total, me gusta pensar en él como Synth-wave pero sin los tropos de la "red de neón". Tal vez "Thinking Man's Synthwave"? Hay elementos e influencias cocidos en ella de la música que he estado escuchando durante los últimos años, tales como: Kraftwerk, Cluster / Harmonia / Neu!, Stereolab, A.I.R., y la música de la banda de sonido de John Carpenter. Me puse en contacto con Happy Robots Records el año pasado cuando lanzaron el EP “Hologram Teen”. Me quedé intrigado por su catálogo y sentí que mi música encajaría con el sello. Para mi conmoción y sorpresa que me contestaron al día siguiente y el resto es historia. Inmediatamente remezclé algunas pistas de Rodney Cromwell el verano pasado y luego comencé a trabajar en "Total Squaresville". Aparte de algunas sugerencias acerca de mantenerme enfocado en las pistas y un poco más cortas de tiempo (mis pistas tienden a ir largas), las decisiones creativas se quedaron conmigo y estoy muy feliz por eso. Shameless Promotion PR había hecho varias campañas para los artistas en Happy Robots Records y recordé haber visto algo nuevo todos los días sobre el lanzamiento de Hologram Teen cuando eso estaba sucediendo. Dado que ya había una gran relación

de trabajo entre el sello y la firma de publicidad que pensé que también funcionaría para mí.

yendo a un blog de retrocultura llamado echosynthetic.com.

¿Qué planes tienes para este 2017? Me encantaría tour en la última mitad del año, ya sea aquí en los EE.UU. o en el Reino Unido - sólo tengo que averiguar la logística de eso. Además de trabajar en música nueva, también estoy contribu-

Agradecemos que nos des esta pequeña oportunidad, seguramente hablaremos nuevamente, pronto… ¡Gracias Benjamin!

[ Entrevista a a From The Institute por Benjamín York ]

SOMOS UNA BANDA SIMPLE, CRUDA Y MELÓDICA

Dentro del panorama de bandas que nos han llegado y que queremos conocer, nos hemos encontrado con From The Institute. Una banda de Buenos Aires que sabe muy bien a qué apunta y cuál es su norte musical. Enrolados en un rock, como ellos lo definen, “simple, crudo y melódico” pero que oculta más que esas palabras, se predispusieron para responder nuestras preguntas. Lo primero que quiero preguntar, y tratando de buscar información sobre ustedes, me surge una pregunta: ¿Son muy nuevos o las entrevistas no abundan? No somos tan nuevos, sacamos nuestro primer EP en 2012 y otro en 2014, pero no llegaron a la prensa, tuvimos un par de entrevistas pero afuera de Argentina. ¿Por qué el nombre de la banda? El nombre de la banda viene de un fragmento de una canción que escribí mucho antes de tener la banda, como canción no prosperó pero me encantó como nombre y así quedó cuando la formamos. ¿Cómo nace el proyecto? Nos conocimos por internet, coincidíamos en todas las bandas que escuchábamos y además los dos ya veníamos tocando instrumentos, incluso hablábamos de tocar juntos antes de conocernos, era natural que formáramos una banda y nos dediquemos a esto. Al principio tocábamos temas acústicos, covers de Nirvana, Radiohead, Smashing Pumpkins, The Cure, entre otros, pero nunca publicamos nada y con el tiempo quisimos que la banda ya no sea solo acústica, entonces hicimos un primer EP en 2012 y ahí consideramos que el proyecto empezó a tomar forma e ir en la dirección de lo que es ahora. Por un momento pensé que tenían una caja de ritmos (al menos quería pensar que es así) porque no aparece en ningún lado los créditos de algún baterista. Y pensé en Di Giovannis de acá (Argentina), que es un dúo en donde canta y toca la guitarra un chico y el bajo se encarga una chica. ¿No se conocen?, harían un gran show juntos lo puedo asegurar. Pero el caso es que vi en sus fotos que tuvieron una baterista que grabó para este disco. ¿Piensan tener un bateris-

ta real en algún momento? A Di Giovannis si los conocemos, pero no personalmente, hoy en día muchísimas bandas se animan a tocar sin baterista y nos parece genial, nosotros pasamos la primer etapa de la banda parados por no conseguir un baterista y siempre es bueno tener la mayor autonomía posible, eso igual no quita que en algún momento se sume más gente a la banda, de hecho ahora nos gustaría tener un baterista. Estuve escuchando mucho su álbum debut “Jet Black City” y la primera pregunta que me vino a la cabeza fue: El título del álbum ¿Será por el baterista de The Stranglers”? Aunque por ahí leí que era sobre una historia del cementerio de la Recoleta. ¿Cuál es la verdad y en caso de que sea la segunda, cuál es la historia? El disco tiene una canción que se llama Jet Black City y como justo cerró el concepto del disco elegimos el nombre como título. La traducción es "Ciudad negro azabache" y hace alusión al cementerio de la Recoleta porque es como una ciudad oscura adentro de otra ciudad. La historia en la que nos inspiramos es sobre Liliana Crociati, una chica que murió en 1970 de una forma trágica, apenas vimos su estatua y leímos su historia nos pareció muy intrigante y el tema se compuso casi automáticamente. Luego la segunda pregunta que me disparó ¿por qué en inglés? La banda está en inglés porque fue lo que nos salió naturalmente, nunca fue planeado ni nada. Por otro lado nos parece que el inglés hoy en día es un idioma sin bandera que lo habla muchísima gente y nos parece bueno que el proyecto se pueda entender en más lugares. Más allá de lo que leído de sus gustos musicales como Alice in Chains, Nirvana, Joy Division y otros… ¿qué cosas los ayudan a la hora de buscar inspiración para escribir las canciones? Muchas veces el proceso de escribir una canción viene de adentro más que de algo en lo que nos hayamos inspirado, pero más allá de nuestras influencias musicales nos inspiran conceptos específicos como por ejemplo la muerte, también historias, la verdad es que la inspiración puede llegar a venir de

cualquier cosa que nos parezca interesante o intrigante. Muchos los ponen en la línea del grunge o del punk. Para mí están más cerca de Misfits, Samhain o, por momentos, Placebo. ¿Ustedes cómo describirían su música? Nosotros nos describiríamos como una banda simple, cruda y melódica, el proyecto pasa por varios estilos entre tema y tema, pero siempre bajo una misma línea, por eso creemos que a veces es difícil describirnos. Han publicado su primer demo en 2014, aunque no me queda claro cuál es su nombre, si Demo o Hail Mary. ¿Cuánto han crecido como banda desde ese primer trabajo hasta “Jet Black City”? En 2014 publicamos nuestro segundo EP, y primer video, el nombre es "Hail Mary" justamente dos temas de ese EP "Hail Mary" y "Creatures" están en el disco. Crecimos un montón desde el 2014, cambiamos bastante la forma en la que trabajamos ahora con la banda, y definitivamente tuvimos que aprender muchas cosas para poder llegar a grabar un disco, en el estudio hay mucha improvisación y se dan situaciones inesperadas, eso hace también que uno aprenda continuamente. Hoy el mercado está muy saturado de información y cuesta sentarse a escuchar bandas nuevas, si bien yo lo hago todo el tiempo, cuesta encontrar material fresco y seguirlo. ¿Ustedes cómo se manejan para hacerse conocer? Usamos las redes sociales, sobre todo Instagram.

Hacer fotos y videos nos parece muy importante. ¿Por qué creen que nuestros lectores deben escuchar a From The Institute? Qué difícil, no creemos que haya un motivo en particular, pero siempre está bueno conocer una banda nueva. ¿Qué planes tienen para la banda este 2017? Queremos seguir haciendo contenido audiovisual y también tocar en vivo. ¿Dónde pueden encontrar a From The Institute? Nos pueden encontrar en: Youtube: https://www.youtube.com/user/fromtheinstituteband Instagram: https://www.instagram.com/fromtheinstitute/ Facebook: https://www.facebook.com/fromtheinstitute/ Twitter: https://twitter.com/fti_official Bandcamp: https://fromtheinstitute.bandcamp. com/ Spotify: https://open.spotify.com/artist/5FVqPqN6i0neGoV3glKKYq Deezer: http://www.deezer.com/artist/6233654 Gracias por el tiempo brindado y espero que sea la primera entrevista de varias… Les dejo este último espacio para que digan lo que quieran. Te queríamos agradecer por la entrevista y el espacio.

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

Hoy: Ivana Mer Early Works Remixed (2017)

Hace un par de números que venimos armando reseñas de un disco por varios artistas. La idea empezó a cobrar forma propia y decidimos que a partir de este número tenga entidad propia y bajo el nombre de "La Mirada de los Otros" distintos músicos o gente especializada hablará de un disco. Para abrir este nuevo juego nos centramos en el álbum de remixes de la eslovaca Ivana Mer. Para esta ocasión hemos contactado a los artistas que han realizado estos remixes y le hemos hecho las mimas preguntas y lasrespuestas son bien variadas e interesantes. Tracklist 1. "Mereus" [PONCHO + CASINO TART REMIX | JAPÓN] 2. "M to M" [LE FREAK SELECTOR REMIX | ARGENTINA] 3. "Blueanco (The Little Mute Boy)" [ELLIOT REMIX | FUERA DE RADAR] 4. "M to M" [JOHN LE BON DIRTY PRAGA REMIX | GRECIA] 5. "Mereus" [DJ BEN JAMIN REMIX | AUSTRALIA] 6. "M to M" [FEDERICO DEUTSCH REMIX | URUGUAY] 7. "Krajina stratených vil" [MIRA TUS MANOS DREAMY VENICE MIX | ARGENTINA] 8. "Diamond Fields" [MARTIN KARAKACHOFF UNMIX | ARGENTINA] Producido por Ivana Mer & Cristian Estrella. ©2017 ASTEROIDEA DIGITAL RECORDS

1. "Mereus" Poncho + Casino Tart Quiero que me digan cómo fue el trabajo que hicieron con la pista que tocaron. Añadimos un acompañamiento de imágenes que es adecuado para voces y que es diferente de la canción original Cuánto tiempo les tomó desarmar y rearmar la canción. Todo el trabajo es de una semana. ¿Cómo han trabajado? ¿Han grabado algo extra? Comencé agregando una progresión de acordes diferentes, línea de base de la canción original. Entonces agregué un bit que se adapte a él. Una melodía se añadió una tras otra y nació. ¿Fueron capaces de trabajar en sus versiones el tiempo necesario? ¿O te hubiera gustado tener un poco más de tiempo? Había tiempo suficiente para remixar. Un problema era que como Ivana estaba haciendo algunos conciertos en espacios religiosos, tuvimos que cambiar el nombre y hacer el trabajo. Terminé mi trabajo en una semana, pero me tomó medio año pensar

en mi nombre. El trabajo final de su pista y el resto del álbum, ¿te ha gustado? Nos gusta mucho este trabajo de remix. Lanzaremos un nuevo set 2CD en agosto en un sello japonés. Son trabajos recientes y remixes, colaboraciones. El remix de Ivana está incluido. ¿Qué remix del álbum te gustó? ¿Es esta una pregunta para Ivana? Me gusta mucho el remix de ¡"Poncho + Casino Tart"!

2. "M to M" Martin Nardone (Manawa Coworking Creativo Le Freak Selector La Bicicleta Naranja) Fue un remix espontáneo, hay versiones que cuestan 2 meses cerrar y otras que en 2 días ya están listas. Este último fue el caso del remix de Le Freak Selector para Ivana. Fluyó naturalmente, El track original pedía un bombo en negra, ese “four to the floor” que se necesita para dar el primer paso en la pista de baile. Se ha logrado un álbum ecléctico en sonido y forma. Y cosmopolita a su vez, un pantallazo general de la electrónica actual.

3. "Blueanco (The Little Mute Boy)" [ELLIOT REMIX | FUERA DE RADAR] Este remix fue encontrado por Internet y nadie sabe de dónde salió, ni quién es Elliot. ASTEROIDEA DIGITAL RECORDS dijo: "Elliot fue el disparador de alguna manera, porque encontramos su remix, googleando, y nos gustó como lo había armado (esto de que le baje el pitch, y lo componga un poco minimalístico)... pero nunca dimos con él. Desde la web del sitio lo invocamos para que aparezca, Es un enigma total" http://early-works-remixed.weebly.com/elliot. html

4. "M to M" [JOHN LE BON DIRTY PRAGA REMIX | GRECIA] Quiero que me digas cómo fue el trabajo que hicieron con la pista que tocaron. Generalmente fue un proceso muy creativo e inspirador con esta pista. Ivana es una amiga desde hace años y realmente vi sus primeros trabajos floreciendo a lo que su música se ha convertido ahora. ¿Cuánto tiempo les tomó desarmar y rearmar la canción? Tomó sólo 2 sesiones en 3 días, porque la idea estaba corriendo dentro de mi cabeza mientras escuchaba el original, así que sólo necesitaba sentarme y ponerlo juntos de extremo a extremo. ¿Cómo han trabajado? ¿Han grabado algo extra? Grabé algunas partes extra y en otras partes utilicé las pistas del original, apenas alineé los sonidos para unirlos con mi composición. ¿Fueron capaces de trabajar en sus versiones el tiempo necesario? ¿O te hubiera gustado tener un poco más de tiempo? Tuve el tiempo que necesitaba, pero de todos modos tomé este como un esfuerzo continuo. Esto sucede con algunas pistas, especialmente cuando la idea se está ejecutando pura en la cabeza y sólo necesita su configuración para ponerlo en una pista.

El trabajo final de su pista y el resto del álbum, ¿te ha gustado? ¿Qué remix del álbum te gustó? El álbum es increíble y diverso. No puedo decir que me gustó un remix más que el otro, porque eran todos diferentes y hermosos. Espero que obras como ésta continúen y que más gente las descubra!

5. "Mereus" [DJ BEN JAMIN REMIX | AUSTRALIA] Quiero que me digas cómo fue el trabajo que hicieron con la pista que tocaron. Desarmar la canción no tardó ni un ápice, sino reconstruirla en algo que por un lado sea un homenaje al original, pero también a mí me tomó bastante tiempo. En realidad he hecho 3 versiones diferentes de la pista, las primeras 2 versiones me sentí algo perdido y ellos tomaron el más largo. La tercera versión pasó muy rápido y se sintió completamente bien desde el principio hasta el final del proceso. ¿Cómo han trabajado? ¿Han grabado algo extra? Trabajé completamente digitalmente y agregé bastantes síntesis virtuales a la mezcla. Me divertí bastante construyendo las notas para estos sintetizadores, usando las funciones de Ableton Live para extraer notas de las pistas vocales de Ivana. Así que en vez de escribir notas nuevas yo mismo, en la versión final las notas fueron generadas de su voz y luego reorganizadas, cortadas y reprocesadas. Así que sentí que era realmente un remix en muchos niveles. ¿Fueron capaces de trabajar en sus versiones el tiempo necesario? ¿O te hubiera gustado tener un poco más de tiempo? Una expresión que uso tanto para mis propias obras visuales o auditivas, o las obras que creo como parte de un equipo, es que una obra de arte nunca se acaba, la abandonas. Esto es tan cierto para la música y especialmente para la música construida al menos parcialmente por elementos digitales. Puedes tener literalmente miles de elementos y componentes que pueden ser refinados o alterados sin fin y ¿en qué punto se detiene? La música y todas las artes son tan subjetivas que el creador tiene que encontrar el

punto en el que está feliz de alejarse, porque nunca alcanzará el punto donde está terminado.

la vez generando un trabajo global. Me gusta la idea de conocer el album original y luego escuchar las diferentes versiones y de los tenas.

Gracias por las preguntas, sin ellas no habría tenido estas ideas sobre lo que he hecho.

6. "M to M" [FEDERICO DEUTSCH REMIX | URUGUAY] El trabajo de remixar ese tema fue muy lindo y fluido. Me llevo unas tres semanas de ir madurando el trabajo y llegar al resultado final. Había fecha de entrega así que me adapte a ese timing y por suerte no hubo complicaciones. Primero hilvane las pistas que mandaron, ya desde ahí empecé a probar diferentes situaciones dentro de la canción y ver la forma de llevarlo un poco para el lado que quería que era hacer una versión dub del tema. Le grabe el bajo, que le puse especial cuidado, y le pedí colaboración a Nacho Duran que grabó las guitarras con la ayuda técnica de Marcelo Fernández. Finalmente Nandy Cabrera que es un productor uruguayo me ayudó a darle la terminación. El tiempo de trabajo estuvo bien, fue justo pero me dio para quedarme contento con el resultado. Todas las versiones y los remixes están interesantes. No sé si me quedo con un remix en particular o me quedo con todas las versiones, tomando el trabajo de todos por separado y a

7. "Krajina stratených vil" [MIRA TUS MANOS DREAMY VENICE MIX | ARGENTINA] Cuánto tiempo te tomó desarmar y rearmar la canción. Trabajé sobre los tracks separados, las pistas de órgano y las voces. El proceso de remezcla fue hecho en dos días, durante un viaje por Venecia, Italia. Luego vino el ajuste fino y premastering que tomó un tiempo más. ¿Cómo has trabajado? La canción habla de un país imaginario, el país de las hadas desaparecidas. Me interesaba preservar el ambiente onírico del track original. La voz de Ivana fue abierta o desplazada aún más en el tiempo. Buscando sumarle algún beat o pulso, encontré una “llave" a través de un proceso en su voz, resaltando los agudos con ataque, dejando que pase breve. Y la toma de unas gotas de lluvia golpeando sobre un techo plástico en el barrio de Belgrano, Buenos Aires que traía en mi ordenador terminó de completar la intención. Esa irregularidad del ritmo natural

aparece en la mitad de la canción, luego de un tono de armonio (un instrumento típico de la música devocional en Asia, que asemeja su sonido al del acordeón) y funciona como bisagra. ¿Han grabado algo extra? Sí, además del armonio y las gotas de lluvia, sobre el final de la canción aparecen unos pájaros grabados en a la orilla de un jazzero (un lago artificial) del hermoso pueblo eslovaco Banská Štiavnica. La intención fue culminar el remix con un ambiente que devuelva al oyente al mundo cotidiano, que lo regrese del viaje onírico a través de una reconexión con la naturaleza. ¿Fueron capaces de trabajar en sus versiones tanto tiempo como sea necesario? Definitivamente sí. El disco se empezó a pensar a mediados del 2016, y como además me encargué de la producción general del álbum, estuve esperando cuál iba a ser el tema menos remixado como para lograr un balance en la playlist. Ya conocía de antemano las pistas de “Krajina Stratenych Vil” y sabía que era una buena canción para trabajar. Creo que inconscientemente se fue gestando en algún sector de mi mente espíritu, hasta que encontré el momento de empezar a jugar y desconstruir la canción, en el mes de octubre, dentro del Pabellón Argentino en la Bienal de Venecia, utilizando sólo el auricular izquierdo porque debía estar atento a otros factores en el lugar :) ¿O le hubiera gustado tener un poco más de tiempo? A veces tengo la sensación de que las canciones no se terminan nunca. Como compositor sé que podría jugar mucho sobre un motivo hasta ir transformándolo en otro y así y no aburrirme nunca… pero creo que los tiempos de producción del disco fueron generosos. El trabajo final de su pista y el resto del álbum, ¿te ha gustado? Muchísimo. Creo que ese es el punto en que uno siente que su trabajo podría estar terminado. Es decir, cuando lo escuchás y decís “Ok, esto está muy bien”. Que le haya gustado a Ivana fue la con-

firmación de que iba por el buen camino. Lo sentí luego de mostrarle el resultado tras una semana de remezcla, de ajustar los planos de los tonos y efectos. En el álbum en general hay grandes aportes y además realizados por excelentes artistas de distintas partes del planeta, lo que lo vuelve más interesante aún. Encontramos a Le Freak Selector con la mesa reactable y un beat punzante, a los japoneses de Poncho+Casino Tart que lograron una versión de “Mereus” sobresaliente, a John Le Bon de Grecia que generó una versión de “M to M” que te levanta de la silla y te pone a bailar. De hecho es la que elegimos para producir el video colaborativo que pueden ver en este link: early-works-remixed.weebly.com/the-first-one. html También se puede escuchar a Martín Karakachoff (alias el Cuervo, conocido por sus teclados en Peligrosos Gorriones) con una versión muy emotiva, acústica, de “Diamond Fields” que tiene una impronta clásica impresionante. Sólo con el piano y la voz. Todas la versiones son fabulosas. Desde Uruguay, Federico Deutsch se animó a jugar adentro de “M to M” incluso con algunas guitarras arpegiadas y tambores, muy creativo. Lo que hizo Ben Jamin de Australia con “Mereus” nos trae un poco el sonido de The Prodigy, furioso, oscuro, rozando el jungle. Y por supuesto tenemos que hablar de ELLIOT, cuyo remix encontramos en internet, y de quien no tenemos ningún contacto. Cuando oímos lo que hizo con “Blueanco (The little mute boy)”, cruzando el vaporwave con el tecno dance, nos encantó. Ya veníamos con la idea de generar un disco de remixes, y su aparición inesperada en la red de redes fue un detonante decisivo. Ojalá lea esto y nos contacte. Realmente queremos conocerlo y saber de qué parte del planeta es! ¿Qué remix del álbum te gustó? A mí en lo personal me impactó el “Mereus” de Poncho+Casino Tart de Japón. Hicieron un gran trabajo realmente. Muy poderoso. Escucharlo con buen sonido a alto volumen es un viaje de ida. Pero todos son geniales, realmente. Y ahora estamos esperando nuevos remixes de Argentina, México y Eslovaquia que se sumarán a los actuales y que esperamos plasmar en una edición física en CD y/o vinilo.

El tiempo dirá.

8. "Diamond Fields" [MARTIN KARAKACHOFF UNMIX | ARGENTINA] En este caso lo que hice fue una reversión del tema. Decidí hacerlo acústico. Precisamente lo ejecute en piano. Usé un teclado nord stage. Así que no use ni compuse ninguna batería ni arreglo original del tema. Trabajé usando la pista de fondo cómo referencia componiendo arreglos para cada parte. Al final saque la pista original y deje lo que había hecho. Le agregué la voz seca de Ivana y le puse un efecto acorde al aire que tenía el tema ahora. Los tiempos de trabajo fueron correctos y el trabajo de los demás artistas me parce excelente. Ahora la mirada de la artista remixada: Ivana Mer Mereus - Poncho + Casino Tart: Fue como una brisa fresca escuchar el track. ¡Me produjo mucha alegría y por supuesto mucho, mucho baile! Estoy muy feliz tener los DJ's de Japón involucrados en el disco de los remixes. M to M - Le Freak Selector: Grande remix de grande DJ y su reactable. Para mí el sentimiento de este track es muy sensual. ¡Me encanta! Blueanco (Little Mute Boy) - Elliot: El remix hemos encontrado en internet, antes de proponer la idea a los DJ's y productores. Así que no sé quién es Elliot, ni donde estará, por lo menos a través la Revista le puedo dar mis gracias por este track, minimal y misterioso.

pilación. Mereus - DJ Ben Jamin: Este remix me sorprendió mucho. ¡Vino desde Australia del taller de gran Ben Jamin! Para mí está nadando en las aguas profundas y oscuras del mar. Te tienes que dejar llevar y explorar. Un baile marítimo. M to M - Federico Deutsch: Las raíces del todo, las tribus, los ritmos de la tierra. Remix hecho por Federico Deutsch de Uruguay te levanta para disfrutar el "smooth move". Krajina stratených víl - Mira tus Manos: Muy especial y atmosférico. Completamente respetando el origen de la canción. El remix está reforzando su ambiente. El paisaje de las hadas desaparecidas (Krajina stratených víl) lucen gracias a este track. Diamond Fields - Martin Karakachoff: Para mí es más "unmix" que remix, en todo el sentido positivo. Desde la versión electrónica con el trabajo hecho por Martin Karakachoff la canción se transformó a lo acústico. Piano y voz. Emocional e íntima. Todos los temas me gustan mucho y es más, ¡me encantan! Quiero agradecer a todos los DJ's que participaron y participarán, ¡aun vienen unos bonus tracks! Que dedicaron su tiempo, energía y dieron lo mejor de ellos. Así las canciones reviven en su nuevo vestuario. Y enorme agradecimiento va para al grande Cristian Estrella, gracias a él, ¡este sueño se hizo realidad! Mucho amor a todos y a la Revista The 13th, actualmente desde Praga. ¡¡Viva la música, viva el baile!! http://early-works-remixed.weebly.com/

M to M - John Le Bon: Otro track que no te deja estar quieto. Primera vez cuando lo escuché he bailado en repeat hasta que no he podido más. John Le Bon es un amigo DJ y productor con quien hemos trabajado previamente, así que estoy muy contenta tener su arte en la com-

Ahora la convocatoria es a bailar la versión de "M to M" que hizo Le Freak Selector http://early-works-remixed.weebly.com/the-videos.html

Poncho + Casino Tart

MARTIN NARDONE (Le Freak Selector)

ELLIOT

JOHN LE BON

BEN JAMIN

FEDERICO DEUTSCH

MIRA TUS MANOS

MARTIN KARAKACHOFF

[ Especial sobre Connie's Ric Rac 2017 ]

CONNIE'S RIC RAC 2017

53 Cuando nos enteramos de la fecha y el Line-up del Popnoise Fest en el Connie's Ric Rac, decidimos hablar de este festival que sucederá en este mes. Pero no sabíamos bien cómo encarar esta previa a la noche del 9 de julio. Nos comunicamos con nuestro amigo Tom Lugo de Stellarscope y se nos ocurrió hacer un juego entre las bandas que participan del concierto. La idea fue que una banda le haga unas preguntas a otra y así las tres serían entrevistadoras y entrevistadas. De común acuerdo con Tom se fue dando de manera natural, aunque la logística tuvo sus momentos de desconcierto, todo terminó de la mejor manera y hoy les traemos el resultado. Altocamet entrevistó a Stellarscope; Stellarscope entrevistó a The Morelings; y The Morelings entrevistó a Altocamet. Aquí las entrevistas:

Altocamet entrevista a Stellarscope ¿Qué nos pueden contar del reciente álbum, “STANDING IN THE SHADOW OF YOUR GHOST”? Estamos muy entusiasmados con el nuevo álbum. Queríamos un sonido más pulido, manteniendo el sonido de la base por la cual hemos sido conocidos a lo largo de los años. Cada canción vive en su propio universo, creando una experiencia única de canción en canción. ¿De qué hablan las letras? Las letras son sobre el dolor de la pérdida, las relaciones que llegaron a su fin, y un par de canciones son sobre el estado actual de los asuntos afectando al mundo. Nuestras letras son típicamente en el lado depresivo de las cosas, es nuestra manera de lidiar con la vida y su círculo sin fin. ¿Cómo fue el proceso de composición? El proceso de grabación de este álbum ha sido el

más largo para nosotros. Bob y Tom grabaron los esqueletos de las canciones en la batería y el bajo. Tom entonces grabó todos los otros instrumentos, el contenido lírico, y las melodías. La producción suena como más instrumentación de lo que hemos grabado en cada canción que le da una sensación expansiva. Es curioso porque muchos de los críticos han mencionado la electrónica y sintetizadores, pero sólo tenemos eso en una canción, que es "Falling", todos los demás son orgánicos y análogos ¿Cómo lo presentan en vivo? Estaremos tocando un par de nuevas canciones de 'Standing in the shadow of your ghost', así como una variedad de canciones de nuestro catálogo en vivo. Tendemos a ajustar lo que estamos tocando basado en la audiencia y sus reacciones. Estamos entusiasmados de tocar el nuevo material y compartir el escenario con Altocamet y The Morelings en julio.

Stellarscope entrevista a The Morelings ¿Cómo se unieron los Morelings? Kedra y yo empezamos a componer canciones juntos en guitarra acústica. Desarrollaríamos ideas y las compartiríamos. Nuestros arreglos se hicieron más sofisticados a medida que escribíamos más y más. Luego buscamos personas interesadas en unirse al proyecto. Hemos trabajado con diferentes miembros de la banda desde el comienzo de los Morelings y hemos apreciado a todos ellos, pero estamos muy entusiasmados con nuestra formación actual y la nueva música que estamos escribiendo. ¿Por qué el nombre del proyecto The Morelings? Fue un juego de lenguaje y sonaba bien, lo que resume cómo nos acercamos a la música, por el sonido. ¿Qué los motiva a hacer música? La música para nosotros es nuestro medio artísti-

co favorito para la expresión. Nos encanta el reto de llegar a algo nuevo y luego combinar diferentes tipos de sonidos para una canción. El proceso creativo crudo con el que todo comienza, la formación de una canción, todo ello es muy agradable. ¿Cuáles son los planes actuales y futuros para The Morelings? Por el momento estamos escribiendo constantemente música nueva y probando las canciones en vivo. Tenemos algunos shows planeados para el verano, incluyendo este show con Altocamet y Stellarscope en Connie's en Filadelfia el 9 de julio, un espectáculo de todas las edades con Queue en Steel City en Phoenixville el 15 de julio y un show en The Silent Barn en Brooklyn El 3 de agosto con Big Bliss, Parrot Dream y Vivienne Eastwood. Tenemos un gran anuncio que haremos muy pronto, ¡así que estad atentos!

The Morelings entrevista a Altocamet

¿Es ésta su primera gira por Estados Unidos? ¿Y dónde más esperan tocar en esta gira? Es nuestra segunda gira por Estados Unidos, el año pasado visitamos varias ciudades, Dallas, Chicago, Miami, NYC, entre otras, compartiendo escenario con bandas que admiramos mucho como The Stargazer Lilies, Stellarscope, Pale Dian, Ensalmo, Them Are Us Too y Drowse. Este año estaremos presentándonos en Filadelfia, en el Windy City Crash Pop Fest, el Napa Gaze Psych Fest en Wilkes Barre, Part Time Punks en LA, Saint Vitus en Brooklyn y en muchos lugares más. ¿Cuáles son algunas de tus bandas favoritas de Argentina que deberíamos conocer? Algunas de nuestras bandas favoritas son Riel, To-

mates En Verano, Sobrenadar, Un Planeta, Niños del Parque, APZOO y Klauss. Si pudieras abrir para cualquier banda del mundo, ¿quién sería y por qué? Tuvimos el placer de abrir el show de Slowdive el mayo pasado en Argentina, fue algo increíble. Nos encantaría abrir un show de The Cure, es una de las bandas que más admiramos. ¿Cuál es tu canción favorita para tocar en vivo? Tan Azul es una canción que no tocamos hace mucho tiempo y volvimos a incluir al repertorio para esta gira, También tenemos una canción Nueva llamada “Glaciar”, que se está transformando en favorita ensayo tras ensayo.

DESCUBRIENDO LA MAGIA

Hoy: Ulrich Schnauss - Goodbye (2007) Entrevista por Diego Centuriรณn. Traducciรณn: Rodrigo Debernardis

Hay artistas que vienen trabajando hace muchos años, en forma silenciosa fuera de las grandes corporaciones que aún manejan gran parte del mercado musical. En el inmenso flujo de Internet podemos encontrarnos con artistas que han tenido una larga trayectoria con grandes discos, y que poco lugar tienen en los medios "especializados", y tal vez estos músicos sean más atractivos que los que nos intentan imponer. Gracias al Dios del flujo de información dentro de la red internauta es que llegué a Ulrich Schnauss. Y en esta ocasión hablaremos de su álbum "Goodbye" lanzado un 25 de junio del 2007, a exactamente diez años de esa edición nos comunicamos para conocer detalles del álbum como así también de su presente y futuro. Hola Ulrich, gracias por aceptar hablar con nosotros. Si nos ponemos a pensar en que "Goodbye" festeja sus primeros diez años de vida. ¿Qué sensaciones te invaden al pensar en los años de “Goodbye”? En primer lugar, estoy realmente sorprendido de que ya hace mucho tiempo - para ser honesto, para mí se siente como no más de un par de años atrás. Y luego, por supuesto, recuerdo las canciones que están incluidas en ese disco y las situaciones de las que salieron. Escribir música funciona un poco como escribir un diario para mí - cada canción es una instantánea de una situación particular que estaba en el momento o una sensación particular que tenía. A veces las medidas temporales pueden jugar una mala pasada a ciertos álbumes. En el caso de "Goodbye" suena muy actual, como si hubiese sido grabado este año. ¿Tú cómo lo escuchas? Siempre admiré a los artistas que contribuyeron a los estilos y géneros evolucionando y al hacerlo asegurando que la cultura popular no se queda atrapada en una situación de estasis, sin embargo, también muy pronto me di cuenta de que mi fuerza más probable es en el ámbito de la captura de ciertas emociones en lugar de revolucionar la estética. Por eso siempre he

tratado de arreglar mis canciones de una manera en la que el enfoque está principalmente en lograr un máximo impacto en lo que respecta al contenido emocional en lugar de permitir que los aspectos de diseño y/o programación de sonido tomen el centro del escenario - no es necesariamente una tarea fácil cuando estás haciendo electrónica. Sin embargo, como resultado, mis cosas no pueden sonar como "anticuado" como la música que más depende de la reinvención sonora, la otra cara puede muy bien ser que nunca suenan tan “'fresco” como alguna pista de baile de vanguardia por ejemplo en el Primer lugar sin embargo. Pero es cierto que antes de lanzar el álbum, has editado el EP “Quicksand Memory” y en dos canciones participa Robín Guthrie, y es algo que no podemos dejar pasar por alto. ¿Cómo nació esa colaboración? No es una historia particularmente emocionante para decir - aunque yo estaba (y todavía estoy) extremadamente halagado que sucedió. Simplemente conocí a Robin a través de nuestro amigo común Kevin y le pregunté si pensaría en remezclar uno de mis temas - y luego sugirió hacer dos. Tu carrera te ha llevado por muchos lugares y estudios. ¿Cómo fue la grabación del álbum "Goodbye"? 'Goodbye' era difícil. Siempre había esperado que factores externos tales como trasladarse a ciudades específicas o alcanzar ciertos puntos en su carrera proporcionaran una cantidad razonable de estabilidad, tal vez incluso la felicidad - sin embargo, después de tener un poco de un "avance" con los dos primeros álbumes que libré Bajo mi nombre me sentía principalmente presión e incluso un tipo extraño de vacuidad en cierto grado. Decidí dar un paso muy radical en la respuesta y volver a situar mi equipo de música a un lugar bastante lleno en mi antigua ciudad natal en el norte de Alemania y comenzó a trabajar en un disco que, como resultado probablemente tiene un mucho menos eufórico, con esperanza Y un tono más melancólico y

sentimental. ¿Qué importancia tiene "Goodbye" en tu carrera? Es difícil para mí evaluar el "valor" de un registro en particular en contra de otro desde una perspectiva personal - son simplemente todos parte de la misma historia desde mi punto de vista -, mientras que, obviamente, reflexionar sobre los diferentes episodios. Sin embargo, al mirar las cosas con más objetividad diría que el "adiós" puede haber sido el comienzo de un proceso de aclaración en la forma en que descartó el malentendido de que podría convertirse en otro acto de crossover hipster y que mis metas musicales se encuentran en otra parte.

blemente y para mi gran sorpresa accedieron a participar en ese proyecto. ¿Sueles escuchar tus anteriores trabajos? ¿Cuánto tiempo ha pasado desde la última vez que has oído "Goodbye"? Nunca escucho mi propia música a menos que tenga que (por ejemplo, cuando toco en vivo). Después de que me trajo esa analogía de diario antes en es probablemente fácil de entender por qué: que le gusta leer su diario y ser forzado a un proceso de volver a vivir viejas emociones que son (supongo que no es una sorpresa tampoco) no necesariamente feliz después de todo? ¿Qué canciones del álbum son tus favoritas? Estaba muy contento con la forma en que la canción del título salió - sobre todo porque me gusta el movimiento de acordes del coro. Yo diría que ese es mi favorito.

Más allá del álbum oficial, has editado una versión extendida del mismo. ¿Las canciones fueron grabadas en el mismo tiempo? Sí, casi todo ese material se registró dentro del mismo período de tiempo. El cover de The ¿Qué sorpresa te ha traído este álbum? Chapterhouse se hizo más tarde - cuando ya me El cambio más grande puede haber sido algo había mudado a Londres. Ahí es donde conocí técnico - suena algo mundano, lo sé, pero si esa Stephen, Andy y el resto de la banda que ama- tás sentado en el estudio todos los días, esos ti-

pos de cosas tienen un impacto en tu vida que no se debe subestimar. Hasta el 'lugar aislado' que había utilizado una configuración muy orientada al hardware - usando un ordenador atari primitivo para la secuenciación MIDI exclusivamente - con 'adiós' finalmente compré un Mac de escritorio, instalé mi primer DAW y tuve acceso a la posibilidad de manipular Una grabación incluso semanas después de que se hizo como consecuencia. Que sería la mayor 'sorpresa' por una milla.

Ninguna en el momento creo - a veces uso la secuencia de coros de 'adiós' como un outro al final de encores. Sin embargo, en realidad planeando volver a grabar un montón de viejas canciones en el momento para que finalmente pueda volver a tocar en vivo - esto no sólo incluiría 'goodbye', sino también los dos álbumes anteriores. ¿Piensas realizar alguna presentación o lanzamiento especial por estos diez años de "Goodbye"? No realmente - espero que todavía estoy un poco demasiado joven para celebrar fechas de lanzamiento del pasado ya. Sin embargo, estamos teniendo esta conversación ahora obviamente - que parece una manera agradable y suficiente para celebrar!

¿Cambiarías algo de la edición, ya sea sonora o tracklist? Si grabara esas piezas hoy probablemente cambiaría por lo menos el 80% - pero me siento así por todo lo que he hecho. Otra vez, volviendo a la cosa del diario: soy una diversa persona hoy - escribiría diversos pensamientos por lo tanto y lo mismo se aplica a la música tamPensar en tu carrera me genera muchas prebién por supuesto. guntas pero trataré de obviar muchas y dejaré la posibilidad de que en un futuro podamos volver ¿Qué canciones aún tocas en vivo de este ál- a realizar una nueva entrevista. Hace unos años bum? he entrevistado a Mark Peters de una de las ban-

das en que has tocado, Engineers. Y fue para el lanzamiento de "Always Returning", ¿cómo es tu relación con esa hermosa banda hoy? Mark y yo seguimos siendo amigos, todavía nos encontramos regularmente y gemimos sobre el estado del mundo (política, cultural, social) y todavía hacemos música juntos. Un nuevo álbum de Schnauss & Peters es 'trabajo en progreso' en el momento y la marca está incluso considerando para eventualmente revivir Engineers. Espero que recuerde preguntarme si quiero tocar las teclas otra vez.

A principio de año has lanzado un álbum, Passage, junto a Jonas Munk, ¿qué nos puedes contar de este trabajo tan luminoso? Es un escenario muy similar al que he descrito con Mark - veo Jonas como un amigo en primer lugar y siempre tenemos un gran tiempo trabajando juntos. Espero que un elemento de amistad y comodidad incluso pueda estar presente en la música por lo tanto. También hemos empezado a trabajar en un tercer álbum conjunto btw.

¿Qué planes tienes para este año? Obviamente no podemos obviar tu paso por El álbum td y la respectiva promoción de Tangerine Dreams, ¿cómo fue pertenecer a una pre-lanzamiento es muy probable que va a rebanda tan legendaria, aún sigues en la banda? querir un poco de atención hasta finales de sepFue y es bastante surreal para mí - a este mis- tiembre - después de que realmente tengo que mo día. No es algo cotidiano que se le pida que (¡y quiero!) Centrarse en mi material en solitase una a su banda favorita y que trabaje con el rio de nuevo como estoy planeando Lanzar un artista (edgar froese) que tuvo el impacto más EP con todo el material nuevo en otoño y habrá profundo en su desarrollo musical. Obviamente bastantes más conciertos en vivo también. las cosas tomaron un camino muy triste demasiado pronto cuando Edgar falleció - hemos inQuiero agradecer tu predisposición para restentado de alguna manera arrastrarnos fuera de ponder nuestras preguntas. Tienes este último la tristeza en los últimos años por terminar el ál- espacio para decir lo que tú quieras. bum que había comenzado cuando Edgar todaMuchas Gracias por tenerme en cuenta y por vía estaba alrededor. Tratando de evitar pensar fueron preguntas interesantes. Y gracias tamdemasiado en lo que puede ocurrir o no después bién por recordarme el aniversario de 'Goodbde la liberación - el tiempo lo dirá. ye' - probablemente ¡Yo ni siquiera habría lo notado!

[ Entrevista a Inge Kjetil Sandvik Malmeda de Rancho Relaxo por Diego Centurión ]

NO ES UN ÁLBUM TÍPICAMENTE ORIENTADO A LA CANCIÓN

Nuevamente nos comunicamos con la banda noruega que hemos entrevistado en el número 27, en junio del 2016. En aquel momento la excusa fue el lanzamiento de su álbum “White Light Fever”, esta vez es el lanzamiento del EP “POLARIZED - Blacklist 100” editado el 26 de mayo pasado. El EP cuenta con cinco tracks que extienden el álbum a un poco más de veinte minutos de un trance sonoro difícil de poder escapar cuando uno apretó “play”. Una vez más nos comunicamos con Inge Kjetil Sandvik Malmeda y entre muchas cosas seguimos conociendo una gran banda.

hablan que este trabajo está influenciado por la compra de un caja de ritmos “Vintage 60s Rhythm Ace”. ¿Cuéntanos cómo es esto? ¿Cómo llega a ustedes este aparato? ¿Lo estaban buscando? La caja de ritmos era más un proyecto. Estaba pensando lo que podía hacer con esta vieja máquina, como ponerla en viejos compresores, reverberaciones y cosas así. Noté que podría tocarlo como un órgano, como componer la pista de batería en el acto. Como poner Play / Stop, otro ritmo y así sucesivamente. Se convirtió en un sonido diferente y que fue interesante.

Hola Inge, otra vez nos volvemos a comunicar contigo y agradecemos el tiempo que le dedicas a respondernos. Para empezar recuerdo que en la entrevista anterior me has contado que tenían dos álbumes en proceso. ¿“POLARIZED - Blacklist 100” es uno de ellos? No, “Polarized” es una especie de tercer álbum. Acabo de encontrar una vieja máquina de ritmos. Y el EP “Polarized” sólo vino como resultado de eso.

Si bien las canciones tienen un sonido más duro por la máquina de ritmos, muy por el contrario el sonido se vuelve muy espacial y espiritual. Un gran viaje mántrico. ¿Cómo sienten ustedes estas nuevas canciones? Siento lo mismo, el objetivo era hacerlo flashero. He propuesto poner las voces más tarde en las canciones para hacerla más soñadora. Las voces también son cortas. No es un álbum típicamente orientado a la canción. Y junto con la caja de ritmos se convirtió en un viaje por carretera.

A un año de la entrevista, ¿cuánto ha sucedido en la banda y su nuevo guitarrista? ¿Ya está acoplado a la banda? Utilicé el tiempo principalmente en el estudio trabajando en material nuevo. Tuvimos algunas invitaciones para tocar en vivo, así que discutimos si esto era algo que podíamos o queríamos hacer. Estamos de acuerdo en que necesitamos más sonido de guitarra y sucedió que Khalil, nuestro baterista, conocía a este tipo que toca la guitarra y nosotros se lo pedimos en una noche de borrachos. Su nombre es Matt McCallum, que ha estado tocando en bandas punk en Australia. Él es el tipo más bonito y está realmente dedicado a tocar con nosotros. Recuerdo que una de las cosas que me has contado que estaban empezando a arreglar las canciones para llevarlas al vivo con una guitarra más. ¿Cómo ha sido este cambio con una guitarra más? Ahora con dos guitarras y órgano es mucho mejor. Comparando este EP con el álbum anterior, es bien diferente. Más allá que la esencia de la banda está intacta. En su breve explicación en el bandcamp

Por momentos el EP tiene cierta transparencia casi ensoñadora. Algo que había escuchado en álbumes anteriores más escondido. La sensación que me da es que se han abierto aún más a la luz. ¿Ustedes notan un cambio en su sonido? Utilicé un montón de delays en las guitarras para crear loops y pasajes rítmicos, también mucho feedback y ruido estático. Los sintetizadores también están bajo fuertes efectos. Nada de esto está tocado por notas o acordes, son solo sonidos experimentales. Y sí, el objetivo era hacer que suene suave de alguna manera. Ahora que editaron el EP, y de acuerdo a lo que me has contado hace un año, ¿Hay otro álbum para lanzar? Estamos trabajando en cosas todo el tiempo. En estos días estuve hablando con una banda argentina que compartirá Wrong Way Records con ustedes, y recordaba que te había preguntado si conocías bandas de Latinoamérica. Bueno te recomiendo

a Hurricane Heart Attack. Sí, hemos oído hablar de ellos hace algunos años y nos gustan. No sabía que venían de Argentina, pero ahora lo sabemos. Se vienen unos shows en festivales importantes, como por ejemplo en Bristol, el Liverpool Psych Fest y en Manchester. ¿Qué expectativas tienes para estas fechas? Lo tomaremos como viene. Venimos a Inglaterra a tocar y para nosotros es un gran honor. Compartirán el Festival con los Hurricane Heart Attack. ¿Ustedes suelen conversan con otras bandas

en los festivales? Claro, pero lo principal para nosotros es tocar allí. ¿Tocarán alguna canción del Nuevo EP? No. Después de estos conciertos ¿qué planes tiene la banda? Trabajo de Estudio, y tal vez algunos conciertos en Oslo. Gracias Inge por estas respuestas. Y dejo este último espacio para que digas lo que quieras. Hacer mierda épica

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: GUNS N’ ROSES: “UN PARAISO ATEMPORAL”

Siempre había sido un niño pop pero mis pequeños oídos

riormente con Mötley Crue, Slash destruyó una habitación de

guardaban cierta simpatía por el metal, o por lo que a modo ge-

hotel en Dallas, Axl se arrojó del escenario para trompearse con

neral se colocara en la gran bolsa del metal. Los años 80´s ha-

un guardia de seguridad en Los Angeles, Steven y Duff fueron

bían ofrecido un interminable bagaje de bandas de muchachos

expulsados tras una pelea en un bar en Michigan, y por supues-

carilindos con peinados que abusaban del spray y se excedían de

to, los problemas con alcohol y drogas eran una constante. Pero

maquillaje. Eran las épocas donde las chicas miraban con des-

nada de esto detenía el ascenso de Guns n’ Roses, cuya siguien-

confianza a bandas como Whitesnake o Def Leppard, pero caían

te gira sería con el mítico Alice Cooper.

enamoradas ante cualquier balada que entonaran estos pelilar-

La razón primordial de semejante éxito era que “Appetite”,

gos. Uno se hacía entonces a cierta idea de cómo debía “pintar”

el álbum debut de la banda, era uno de los mejores álbumes no

una bandita metalera en los años en que Bon Jovi dominaba co-

solo de ese año, sino de la década en lo que a hard rock refiere. Lo

mercialmente dicha escena.

curioso es que el éxito masivo llegó más de un año después de la

Pero llegaron estos chicos algo distintos. Recuerdo que en

salida de la placa, que había sido editada el 21 de julio de 1987. El

mi primer viaje a Miami en febrero de 1988, fanático del Top

primer single “It’s So Easy” fue el anticipo, publicado en junio

40 Americano, obtenía fácilmente en los kioscos algo que en

de ese año, y “Welcome To The Jungle” salió en octubre, pero

Argentina tanto había que patear para conseguir: la revista Bi-

ambos pasaron desapercibidos en los charts (“Welcome” sería

llboard. Botín en mano, me subí al auto de mis viejos y la ho-

reeditado con éxito un año más tarde). Aun así, las canciones de

jeaba con apetito (aún no por la destrucción), hasta que llegué a

“Appetite” calaron hondo y hoy en día son conocidas casi en su

la contratapa y vi… a estos chicos. Algo distintos. De hecho, me

mayoría por rockeros de todo el mundo.

chocaron un poquitito, y pensé “¿Quiénes son estos???? Están

Las letras trataban sobre disconformidad social, problemas

hechos mie***!!!!”. Era la publicidad de “Appetite For Destruc-

con la ley y por supuesto, alcohol, drogas y mujeres. Como “Ni-

tion”, y no sabía que estaba viendo el primer indicio de algo que

ghtrain”, un himno a un vino barato que solían beber cuando no

en pocas semanas me iba a partir la cabeza.

había otra cosa. O “Out Ta Get Me”, sobre la rivalidad de Axl con

Estos chicos eran Steven Adler, Duff McKagan, Saul Hud-

la justicia durante su adolescencia. O “Mr Brownstone” que des-

son (más conocido como Slash), y los fundadores del grupo

cribe los problemas de la banda con la heroína. Y por supuesto,

Izzy Stradlin y Axl Rose. Obtendrían fama mundial como Guns

existen muchas anécdotas divertidas alrededor de la composi-

n’Roses, banda que se había formado en 1985 en Los Angeles,

ción de algunos temas, como la de “Paradise City”. Slash cuenta

California, con ex miembros de otras dos bandas: L.A.Guns y

que dicha canción fue escrita en una camioneta alquilada para

Hollywood Rose.

una gira mientras bebían, y Axl súbitamente cantó “Take me

Estos chicos también habían seguido el camino marcado por

down to the Paradise City”, lo que Slash continuó con un muy

Bonjo en un principio… aunque solo a nivel imagen. El primer

gracioso “Where the girls are fat and they got big titties”, línea

video que MTV difundió había sido “Welcome To The Jungle”,

que posteriormente fue cambiada por la que hoy en día todos

con un Axl Rose más maquillado y con el pelo rubio y más infla-

conocemos: “Where the grass is green and the girls are pretty”.

do que Alex, el león de Madagascar. Claro, solo eso, porque mu-

La idiosincrasia de aquella época hizo que, en apariencia, los

sicalmente, “Welcome To The Jungle” tenía más energía que 20

Guns se vieran como una banda de vagos esmerados en rom-

“Living On A Prayer” juntos. Eran definitivamente más sucios

per con la corrección política y permanentemente se metieran

que lo mainstream de aquella época y menos aptos para la cima

en dificultades y conflictos más allá de sus excesos provocados

de los charts que muchachos como los de Poison o Warrant.

por sustancias y cuestiones de personalidad. Pareció una ca-

Traían una imagen más mugrosa, callejera y sin maquillaje, ca-

racterística de su forma de proceder el lograr el escándalo o la

racterísticas de lo que se conocería como sleaze rock. Pero tran-

prohibición. Por ejemplo, desde el cover mismo del álbum, que

quilos, iban a llegar.

originalmente mostraba la imagen de una mujer que acababa

En momentos donde la pelota del #1 en USA se pasaba de

de ser violada por un robot monstruoso. Dicha tapa fue cambia-

Rick Astley a Michael Jackson o de Debbie Gibson a George Mi-

da por la posteriormente conocida que mostraba la cruz latina

chael, “Sweet Child O’Mine” alcanzó la cima. Fue en septiem-

y las calaveras que representaban a los 5 miembros de la banda.

bre de 1988, durante dos semanas, y se convertiría en un clási-

Por supuesto, dicha portada no pudo evitar verse adornada por

co para toda la eternidad. Mientras esto sucedía, Axl Rose y su

el tan conocido sello de “Parental Advisory/Explicit Content”.

banda hacían lo que toda verdadera banda de rock debe hacer:

El álbum supo plasmar las influencias de bandas como Led

quilombo a mansalva. Durante sus giras con The Cult y poste-

Zeppelin o Aerosmith, y mezcló elementos del hard rock con el

glam y el heavy metal. Gracias a la popularidad de este álbum, muchas bandas de garage rock se formarían y algunas otras alcanzarían el éxito, como L.A.Guns (rebooteada), Skid Row o Faster Pussycat, hasta que el grunge y el indie rock llegarían con dureza implacable para arrebatar el trono a toda esta movida. Por su lado, Guns n’ Roses viviría tiempos de gloria y vendería con los años más de 150 millones de discos en todo el mundo. “Appetite For Destruction” cumple 30 años este mes de julio, y aunque pasen las décadas, los clásicos quedan. Como un ideal, como un sueño: una ciudad Paraíso en la que el tiempo no transcurre.

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 9: HITS Y MISSES – EL ARTE DE COMPILAR Escribo esto el 20 de junio, cumpleaños de Brian Wilson. Para celebrar la ocasión, Rhino anunció el lanzamiento del primer compilado de su carrera solista, que contará con 16 selecciones de sus varios discos y 2 temas inéditos. Entre los comentarios del post de Facebook, alguien pregunta “¿habrá forma de bajar los temas inéditos por separado? ¿Para qué voy a querer comprarme un disco de 18 temas si ya tengo 16?” Bueno, en realidad, habría bastantes razones válidas. Los compilados son generalmente defenestrados por el aficionado a la música. Son para la plebe; el aficionado, el oyente “bien”, escucha los discos de estudio. Sin embargo, hay muchísimas ocasiones en que un compilado puede resultar tan placentero como un álbum, o incluso mucho más. El compilado cumple esencialmente dos funciones. Si se desconoce al artista, sirve como introducción; si se lo conoce, es una celebración. Ambas suponen una experiencia jovial y potencialmente memorable. Algunos compilados son, como dicen los detractores, meros artilugios de las discográficas para ganar dinero fácil exprimiendo material antiguo. Otros son obras de arte en sí mismos. ¿Qué es lo que determina cuál es cuál? El grado de amor y devoción dedicado a la selección y presentación del material. Básicamente, el buen compilado respeta los siguientes mandamientos:

1. Lograr un balance entre lo familiar y lo ajeno Incluso dentro de un compilado de hits siempre hay oportunidad de presentar algunos temas destacados menos conocidos, brindándole al oyente la posibilidad de descubrir además de rememorar. Los boxsets retrospectivos suelen incluir temas o versiones inéditas o raras dentro del reconfortante contexto de los singles y álbum tracks clásicos. Rodear al material nuevo del familiar lo vuelve mucho más accesible al oyente: es el i+1 del que habla Stephen Krashen, mientras que escuchar todo un álbum de material desconocido es mucho más demandante y, sin la predisposición adecuada, puede volverse literalmente noise. Joni Mitchell supo presentar la dicotomía entre lo familiar y lo ajeno a la perfección en sus compilados

73 complementarios Hits y Misses de 1996. Y a pesar de que el primer disco está claramente centrado en el material radial y el segundo en el más experimental, Joni decidió incluir uno de sus temas más venerados, “A Case of You” en Misses en lugar de en Hits, como incentivo adicional para que el oyente se adentre en el compilado de su material más demandante. De nuevo, es el i+1 facilitando un proceso que vale la pena vivenciar, ya que son los “misses” (en el sentido en que usa el término Mitchell, no como “pifie” sino como “material de calidad no apto para ser hit”) los que definen al artista tanto como los “hits.”

2. Esmerarse en la presentación No sólo cuenta el material elegido sino la forma de presentarlo, tanto a nivel físico como a nivel de secuenciación. El buen compilado debe fluir como si fuese un disco de estudio. No es fácil de lograr dado que el material proviene de distintos álbumes y épocas, pero con un poco de esmero tampoco es tan difícil. Hay excepciones, pero como regla es muy poco probable que una colección de singles en orden cronológico “fluya”. Para solucionar el problema, algunos optan por abandonar la secuencia cronológica completamente y concentrarse sólo en el flow. Otros compilados, como Hits de Joni Mitchell o The Warmth of the Sun de los Beach Boys (un excelente “boxset de 1 CD”), son mayormente cronológicos pero dan lugar a excepciones si éstas contribuyen a la experiencia auditiva. En su autobiografía Good Vibrations, Mike Love explica estos diferentes enfoques tomando como ejemplo el compilado de Beach Boys Sounds of Summer: “Capitol (la discográfica) quería usar nuestros más grandes hits, pero no entendía la forma en que la secuencia le da un tempo y una atmósfera unificadora al disco, un efecto similar al que se crea con el setlist de un concierto. El orden que hicieron estaba todo mal. No podés poner “Little Deuce Coupe” al lado de “God Only Knows”. Así que reordené la secuencia para que empezara con “California Girls”, agrupé las canciones rápidas sobre surf y autos al principio, las seguí con una sección más tranquila de balada y finalmente retomamos el ritmo en la tercera parte hasta terminar con “Good Vibrations.” El mismo esmero se debe poner en manifiesto en el packaging y el booklet del compilado. Muchos Greatest Hits incluyen sólo los créditos de los temas, lo cual es casi criminal. Si uno está acercándose al compilado como introducción al artista, necesita saber más del mismo. Y si lo toma como celebración, un booklet que sólo tiene créditos es como una fiesta de cumpleaños a la que sólo viene la gaseosa. La discográfica no debería “castigar” al comprador del compilado porque no adquirió los discos individuales (por ejemplo, omitiendo incluir las letras de los temas porque ya están en los álbumes); por el contrario, debería agasajarlo tanto que ni siquiera pueda contemplar no seguir indagando en la discografía del artista.

3. No verse obligados a llenar los 80 minutos del CD La gran mayoría de los compilados contienen 18 temas, que es aproximadamente la cantidad de temas que entra en un CD de 80 minutos. Si consideramos que el buen compilado es un disco que se pueda escuchar de principio a fin repetidamente, al igual que un buen álbum, esto es un exceso. El año pasado se reditó ChangesoneBowie, el primer compilado de Bowie lanzado en los 70s, con exactamente la misma lista de temas del vinilo original. El aliciente para adquirirlo no era ciertamente su exhaustividad (cualquier otro de los montones de compilados de Bowie lo supera en contenido) sino su economía: 11 hits en 44 minutos. Una belleza que se podría escuchar todos los días. Menos es más.

4. Incluir material inédito de calidad En caso de haber una sección o un disco adicional con material difícil de conseguir o directamente inédito, mientras más terminado esté el material, mejor. Si bien hay excepciones, en general suelen haber motivos válidos por los cuales el material inédito quedó inédito en su momento. Analizar demos puede resultar interesante para el fanático, pero su inclusión es ciertamente algo que luego impedirá que el disco sea escuchado repetidas veces (además de poner al oyente en la triste posición de estar pagando por bosquejos). Ese tipo de material se podría hacer disponible en Internet, pero su lugar ciertamente no es en un disco físico, cuya función primordial es ser reproducido seguido. Algunos ejemplos notables de discos de material adicional que fluyen tan bien como el álbum principal son los segundos CDs del compilado de Air Twentyears y de la redición por el 20 aniversario de Acthung Baby de U2.

5. No incluir temas repetidos dentro del mismo disco

Al igual que a todos, me encanta “Mysterious Ways” de U2, pero puedo vivir tranquilamente sin los 6 remixes incluidos en la edición “Uber-deluxe” de Achtung Baby. Ni hablar de la tendencia reciente de incluir todas y cada una de las tomas realizadas por Bob Dylan durante las grabaciones de sus discos. Mientras más de estos mandamientos se cumplan, más cercanos estaremos a sentirnos como Stephen Morris de New Order: “A mí me gustan los compilados. Cuando pienso en un compilado, pienso en navidad, en castañas y en una fogata. Sé que este año me voy a comprar un boxset de alguna banda rara y que no lo voy a escuchar nunca. Y voy a leer entrevistas con los miembros de la banda y los roadies y me llenará de alegría.”

Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos Return to Ommadawn (¡otra vez) y Platinum (2012 version) de Mike Oldfield

[ "Éste es el Mar" de Mariana Enríquez por Pablo Ravale ]

LLEGAR A SER LEYENDA: Hordas de adolescentes gritan, lloran, balbucean, se desesperan por tocar un brazo, una pierna o apenas el cordón de la zapatilla de su ídolo: ese ser inalcanzable que ahora mismo desborda vida pero que pronto, demasiado pronto, vomitará muerte. La escena se repite una, diez, centenas de veces en el mundo. El rockstar que llega a la cima y justo desde allí se arroja –o es arrojado– al vacío. Algo sucede de manera inesperada y atroz. Algo lo empuja. En ese algo se concentra Éste es el mar, el nuevo libro de Mariana Enríquez, quien parece en esta nouvelle soltar por un rato el terror realista de sus últimas obras (Los peligros de fumar en la cama, de 2009, y Las cosas que perdimos en el fuego, de 2016) y lanzarse a un mix de otros dos universos: las mitologías y el rock. Lo que no suelta Enríquez son esas sombras sutiles, perturbadoras, que merodean en su narrativa. Ya no se trata de relatos de aparecidos, de mujeres que se prenden fuego, de personajes deformes ni de casas voraces, es cierto. Pero la idea de una organización de seres sobrenaturalres que confabulan para arrastrar al estrellato a rockeritos prematuros, deglutirlos y escupirlos a la inesperada muerte no parece correrse del gusto de esta escritora por lo macabro. Es inquietante el contraste que genera la existencia inmaterial y etérea de estos seres todopoderosos con la naturaleza criminal de su misión. Elvis Presley, Jim Morrison, Nick Drake, Sid Vicious, John Lennon, Kurt Cobain. La novela de Enríquez recorre, sin mencionarlo, este vasto paisaje histórico siguiendo a John Warren, cantante de los Fallen, que provoca la histérica devoción de sus fans, apropiadamente llamados “Angelitos”. La escritora parte de un dato: los artistas hiperpopulares han encontrado la muerte trágica e inesperada. Una sociedad invisible de fantasmas o hadas de la muerte, Las Luminosas, está dedicada a proporcio-

nar la escena y la oportunidad para que los músicos más populares se conviertan en Leyenda, algo que por sí solos no habrían alcanzado de la forma más adecuada y espectacular. Estas hadas de la muerte le encargan la tarea a quienes previamente han sido entrenadas en todos los recitales del planeta para comportarse como verdaderas fans. Las Luminosas aprendices se vuelven visibles a voluntad para servir los objetivos del gran plan; realizan un entrenamiento en la cultura del público que rodea al músico elegido para convertirse en Leyenda, una vez que haya logrado morirse apropiadamente. Llegado ese momento, cuando la Luminosa elegida para la tarea culmina su entrenamiento, comienza el verdadero trabajo. A Helena, a quien le toca James Evans en este relato, la introducen como secretaria de la banda Fallen durante la interminable gira por los Estados Unidos. De allí en más empezará a trabajar sobre el cuerpo del elegido, cuya muerte es requisito indispensable para llegar a ser Leyenda en el recuerdo. Este argumento sencillo se desarrolla en los escenarios del libro: mares, ríos, bosques, cielos cambiantes, casas frente al mar, viejas mansiones abandonadas con apropiados jardines, ciudades californianas cuyos homeless son drogadictos y desahuciados. Por su precisa y electrizada aspereza, algunos de estos escenarios recuerdan el de otro género, el de la ciencia ficción. La histeria hiperbólica de las fanáticas “angelitas” podría encajar en una escena urbana de novela de anticipación distópica. Pero las leyes y los aprendizajes de las Luminosas están arraigados en el contexto donde las transformaciones, los poderes y los contrapoderes se suceden con la lógica de lo que se acepta como una magia natural. La novela es breve. Esa es una opción necesa-

ria. Sus materiales se convertirían en sellos repetitivos si Enríquez los hubiera trabajado como líneas narrativas inagotables. Para evitar la monotonía (que también es un peligro del género terror y fantasía), Helena, la Luminosa que debe crear la escena de muerte de James Evans, sucumbe a la realidad más humana de los sentimientos y se enamora de quien debe convertir en Leyenda.

Otro episodio formidable de la novela, nos permite conocer a la madre drogadicta del músico y otros pormenores de su infancia. No estoy anticipando un final, ya que Enríquez trabaja lentamente estos cambios y apariciones. Los anticipa como la cualidad romántica y barroca que el género fantástico no puede ni quiere evitar. Recomendadísima lectura.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

Laberinto inconsciente de manipulación por Pablo Ravale Tengo una particular curiosidad por ese extraño objeto de estudio que fue inventado hace mucho y que fue cambiando de nombre con el devenir de la Historia: alma, espíritu, “yo”, aparato psíquico, etcétera. La mía es una particular curiosidad que consiste en intentar rastrear el origen del gran fraude, ese complot de las voluntades conscientes dominantes que estipularon coordenadas arbitrarias para la existencia: un alma y un cuerpo, un Bien y un Mal, un adentro y un afuera. La disciplina más antigua que se conoce es la Magia. Una de sus más antiguas máximas era: «Crear sin creer». Fíjense que cuando alguien dice «Yo creo», mágicamente se refiere a crear y creer. Y el origen de la magia es ése, el de la palabra. Cuando alguien con suficiente poder dice «Estoy triste», creó la tristeza al mencionarla y no describió un estado preexistente. Un neurótico es un tipo con un poder restringido pero poder al fin: tiene el poder de enfermarse con las cosas que se dice a sí mismo. Como es de suponer, la magia fue olvidada. Y hay muchos mitos sobre ese olvido. El único referente que quedó fue la poesía, que es el triste, el anárquico, el rabioso, el festivo canto a ese olvido. La palabra, en la poesía, ya ha perdido su poder de Verbo, ahora sólo es recreación. Sin embargo, la filosofía, la religión y la Ciencia fueron disciplinas groseras que profanaron el misterio y utilizaron la magia. La Ciencia, de hecho, es hoy el bisturí más preciso para aumentar el abismo del ser, cada vez separa más el adentro del afuera, cada vez abre más lo interno; nos hace sentir a todos como la piel del Universo, uno espera encontrar siempre algo más “abajo” o más “adentro”. La psicología, en este sentido, es el instrumento más sutil inventando para manipular al ser humano. Todavía no ha sido explotada en toda su posibilidad. Su objeto de estudio es el “adentro” de las conductas, de las intenciones, de los actos. Piotr Ouspenski decía que el objeto de estudio de la psicología es la mentira. Durante mucho tiempo abogué y me ceñí a esa verdad. Ahora creo que hay un objeto de estudio por debajo de esa mentira: el sufrimiento. Los seres iluminados han descubierto el fraude del sufrimiento. Y han llorado por tener que abandonar el fraude. Yo he trabajado en seminarios de constelaciones familiares y he sido testigo de algunas personas que entraban en un éxtasis de sufrimiento. Por lo que, con los años, aprendí a hacer “pases mágicos verbales” para despegarme de ese sufrimiento anestesiado que circula sobre la media de la gente y que proviene de la sensibilidad anestesiada que por momentos se despierta. Cuando la mayoría de las personas llega al consultorio de un terapeuta es porque sufre un supuesto estado crítico: una vida no vivida rasga la superficie de la vida vivida. Cuanto más rígido haya sido el control sobre las decisiones de la vida vivida, más profunda serán las grietas que causarán las contradicciones de las decisiones que iban conformando ese “otro yo” de la vida no vivida. Lo que somos es esta luz que avanza, todo lo que no fuimos es una sombra eterna que nos persigue. Pero la mayoría de las personas no es consciente de que cuando elige, deselige y sepulta tendencias y deseos. Se mantienen fieles a un camino, a una dirección. Ahí cada uno tiene su zanahoria: la pareja, los hijos, la profesión, la casa, el auto, lo que sea. Ahí van al diván a que los anestesien. No quieren saber lo que pasa, no quieren conocer el horror de la existencia. Eso del horror suena demasiado apocalíptico, sin embargo, aquí no cuentan las religiones. Hablamos del horror de la vida. Pensemos en el mar, por ejemplo, en ese océano tan hermoso, tan azul, tan inspirador. Yo siento pánico cuando entro en él. Es el techo del Infierno. El océano es un Infierno inmenso, en tinieblas; allí, en esa cenagosa oscuridad, millones de seres ciegos se mueven tratando de comerse los unos a los otros. Es el horror de evitar ser comido… allí la vida es una continua zozobra. Por eso siempre digo, la mayoría de la gente vive en la playa de la vida, nunca se zambulle en la oscuridad, no quieren conocer el horror que le da sustento. Claro, un día se mueren de cáncer y no entienden por qué. Pero yo sí entiendo:

se trata del proceso de refinamiento más sutil del dolor. Esa famosa dupla placer-dolor nace del mismo fraude, de la fábrica de duplas dialécticas: Dios-Satán, adentro-afuera, arriba-abajo. El dolor y el placer son la misma cosa. El que evita el dolor evita el placer. El que busca el placer busca el dolor. El dolor que genios creadores como Van Gogh o Artaud sentían en su búsqueda era proporcional al placer que sentían por aproximarse a una naturaleza que iban descubriendo en sí mismos. Pero la gente no es gente, son palomas que comen y cagan, no los jodan. No les hablen de éxtasis, llamarán enseguida al manicomio. ¿Qué es el éxtasis? Afortunadamente es una pregunta que no tiene respuesta. Todo lo que se incorpora a este lenguaje desacralizado se degrada. El éxtasis es el escudo que escuda una experiencia incalificable. El periodismo, la Ciencia, el psicoanálisis, la religión, el arte, todo forma parte del mismo bando: el bando de lo que intenta denominar y atrapar el verbo con el fin de manipular el destino humano. El psicoanálisis se resiste desde sus voceros a aceptar que forma parte de ese intrincado laberinto inconsciente de manipulación. Freud, sin ir más lejos, era un tipo miserable. Todos los psicoanalistas tienen una visión cristiana del psicoanálisis: «La Iglesia está podrida pero Cristo es bueno». Los buenos tipos nunca dejaron un enorme edificio de mierda sobre sus palabras. Freud era un pobre desgraciado, cocainómano irredento, impotente, novelista frustrado, por lo menos responsable del suicidio de Viktor Tausk. Ese fue su ejemplo: acostumbró a sus discípulos a la idea de que para ser buen curador no era necesario ser buen tipo. Esa fue su escuela y por eso el psicoanálisis jamás curará a nadie. Porque solamente a un buen tipo, a un tipo feliz de existir, feliz de desear y de ser deseado le pueden dar efectivas ganas de que otro tipo sea feliz de existir. No hay metodología para curar, hay sólo intención. El peligro del que hablo es el del pacto establecido. La mayoría de las contradicciones que vivimos en nuestras relaciones, en nuestra vida cotidiana, son consecuencia de vivir subordinados a un pacto que no fue establecido para nuestro mayor goce sino para nuestra mayor efectividad. No sé si el amor realmente existe, si es posible vivir en pareja o no, sé que hay un pacto que establece la necesariedad de que nadie sea pleno ni feliz en pareja. Por el contrario, todo indica que estar solo es la actitud más rebelde y creativa… pero la menos “cuerda”. Aunque qué es la cordura sino la fidelidad juramentada hacia un nivel de realidad. Es el origen del fascismo. Incluirse en el batallón de los cuerdos nos obliga a convertirnos en implacables perseguidores de todos aquellos estados de ánimo, pensamientos, expresiones y personas que quiebren el juramento sagrado: «Hemos prefijado que esto es así, no lo olvides nunca, ni nunca recuerdes lo contrario». Y el loco, por ende, es el héroe que se le opone. El loco es el que está más allá de esa batalla. Se le opone al anticuerdo que es otro cuerdo que quiere estipular otro nivel de realidad. Quiere estipular la realidad del LSD o del Zen o del Rock o de lo que sea. Les doy un ejemplo: si ven un ventilador andando pueden ver el ventilador moverse o ver que lo que se mueve es todo lo demás, lo que lo rodea. El loco no se mosquearía ante esa percepción. El anticuerdo diría: «El ventilador está quieto, la casa entera se mueve alrededor de él». Por supuesto, todos hablamos sin conocer verdaderamente el significado de las palabras que usamos. Miren qué cosa curiosa, ¿saben que significa la palabra “palabra”? Significa “los que no se puede decir”.

HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

TROPICA OBSCURA

[ Por: César León Fotos: Comisión fílmica de Bogotá, César León ]

ESPACIOS PARA LA MÚSICA: ASILO BOGOTÁ

¿Son las movidas artísticas las que generan que espacios–artísticos– aparezcan? o ¿son los espacios los que permiten la aparición de movidas artísticas? Los griegos algunas veces invertían el orden y construían teatros, sabiendo que una vez dispuesto el espacio, pronto algunos artistas los tomarían y empezarían a crear. CBGB en Nueva york, The Crocodile de Seattle, The Hacienda en Manchester, The Fillmore en San Francisco, The Troubadour en Los Angeles, The Cavern En Liverpool son sitios legendarios en la escena musical y lo fueron porque cumplieron un fundamental papel en el surgimiento de movimientos sonoros en sus ciudades, al abrir espacios necesarios para sus bandas. Esos espacios fueron las incubadoras para movimientos contraculturales importantes y muchos de ellos no soportaron –lastimosamente– el embate del tiempo. Pero quedaron vivos para la posteridad por su aporte cultural a la cultura rock y ser parte de nuestro imaginario. Comienzo así una pequeña serie de escritos dedicados a esos espacios que permiten que la música brote. Hoy traigo una pequeña entrevista a uno de los fundadores de un espacio de estos, que por varios años se esgrime como una de los pocos refugios donde aún puede la música fluir sin los intereses mercantilistas de la música mainstream.

Asilo bar es un espacio dedicado principalmente al post punk y sus afiliados. Cuando este comenzó, le veía poco futuro ante la indiferencia del consumidor de músico promedio interesado por sonidos más convencionales y melosos. Sin embargo ante el embate de los años sigue ahí fiel a su estoicismo musical. Hoy el espacio está involucrado en un osado proyecto, donde mediante un filme intentan rescatar la historia del post punk bogotano. Sin apoyo oficial la grabación se hace con recursos de fiestas propias “Eraserhead parties” como si de uno de los complicados filmes de Lynch se tratara. Aquí va una pequeña entrevista a Henry (Pasajero) frontman y visionario creador del sitio. ¿Qué les hizo interesarse en un bar dedicado al post new wave o a estos ritmos?. ¿ No es es más seguro apostarle a sonidos más convencionales? “No nos interesaba simplemente ... la idea era consolidar un espacio donde nos sintiéramos cómodos... crear el bar al que uno siempre quiso ir. Recuerdo bares como “Las moscas” o “Socorro”–Yo soy de una movida posterior a la de los bares legendarios de los noventa como Kalimán– pero estos fueron como los referentes. Porque de lo otro ya hay mucho de eso en la ciudad”

¿Cuál fue el inicio de Asilo? “Fue la consolidación de muchos proyectos... antes tuve varios bares, pero fueron efímeros ... hace mucho tuve un espacio que se llamaba Por qué corre el señor R ... el bar era tan underground que no tenía cartel ni nada, era en La candelaria. No tuvo mucha trascendencia pero sí me permitió conocer la gente con la que salieron cosas como... Asilo” Ustedes han traído a una buena serie de artistas no convencionales como Rakta, Motorama, Kas product ¿Cual ha sido el mejor invitado, la mejor experiencia? “No ha habido conciertos mejores o peores, cada experiencia ha sido diferente y muy enriquecedora. Presentamos cosas que nos gustan, no porque sean rentables... y esto –creo– le da el carácter al sitio. Por ejemplo, nosotros comenzamos con Alec Empire (Atari Teenage Riot) una leyenda, fue brutal. Nadie esperaba ese tipo de presentación –ni nosotros– se esperaba un Dj set y terminó siendo un en vivo muy bien logrado (...) Geneva Jacuzzi la recuerdo mucho, fue un concierto muy raro, muy avant garde experimental... La nena se enloqueció en Asilo, fue un show muy tensionante. La gente no sabía si era parte del show, pero el performance era impactante –ella estaba enojada por unas fallas técnicas, pero siguió en escena– ella al final se disculpó con nosotros e incluso nos agradeció posteriormen-

te, pues adoptó parte de ese performance intenso para su repertorio, como una especie de teatralidad. Esos dos primeros eventos no se llenaron pero fueron creando el voz a voz. Recuerdo a Molly Nilsson pues fue importante porque fue oportuno, ella acababa de sacar su album y todo cuadró. Motorama y Kas fueron un lleno total. Sin embargo le puedo decir que nosotros no hemos ganado en ningún concierto.. Siempre quedamos en rojo... es importante que la escena crezca más para que sea rentable. Por ejemplo cuando Sonic Youth vino a Sudamérica les ofrecimos un dinero para que vinieran –lo que nos alcanzaba, pero claro, no fue suficiente... ellos deben estar por los 60 palos (millones de pesos, unos 20 mil dolares) – nunca nos imaginamos que iba a ser su última gira y literalmente pasaron por encima de nosotros en su ruta a Chile y Argentina... El concierto de Hora local fué muy bueno, es son unos de los referentes ... los papas de toda la movida post punk en en Colombia... Eduardo (Arias) y Fernando contagiaron la escena de la movida madrileña en los 80 y 90 en el país. Ustedes hacen fiestas temáticas. ¿Cual es el especial que más atrae gente a su lugar? “Los especiales de David Bowie desde hace 10 años (incluso antes de Asilo) son bien abrumadores; fila, la gente no cabe. The clash y por supuesto Joy division, o la fiesta Trainspotting también es legenda-

ria con su banda sonora. El sitio ha tenido un giro, antes era un poco underground comercial –se ríe– Blondie, Iggy pop, Ramones. Poníamos mucho de esa onda. Ya nos hemos arriesgado más, a veces suena Neubauten o grupos avantgarde . En un principio era imprescindible que sonara Ramones o Joy division ahora no hay bandas tan imprescindibles. Somos más arriesgados. Grauzone -Eisbaer es como un himno de Asilo, suena mucho la nueva ola alemana, o de por acá; Los estómagos de Uruguay, Triplex , Misterio y vagancia, Complejo verde, Alteracion bionica o Los últimos románticos ¿Qué se viene? “Martial Canterel está en proceso, Nina Belief de Los Angeles, Lebanon Hanover. –Por ejemplo cosas como eso– Escuchar Lebanon Hanover en un bar... eso no pasaba muy seguido hace un par de años. O Rakta es muy interesante pues es post punk hecho en Brasil por chicas .. es bueno cultivar de público para traer estas bandas...”

¿Cree que sea una moda pasajera el gusto por el post punk, algo que tiene el halo de gente que le gusta Interpol y le dio por escuchar a Joy Division y similares por un tiempo no mas? “Para mi la escena underground nunca va a morir.. Que uno la conozca o no es el asunto. Asilo tiene una labor con eso mostrando a gente bandas que están ensayando en algún rincón y que nosotros tratamos de traer... he visto una evolución en eso. Siempre van a haber cosas .. que esa escena sea más asequible. Asilo ha abierto mucho el espectro musical entre mucha gente que comparte su espacio y eso pues es lo que es el lugar” Termina la entrevista y queda un buen sabor de boca. Esperemos que las Eraserhead parties tengan el éxito que merecen y que veamos en ese documental una parte de nuestra historia –hoy perdida– allí plasmada.

[ Por Jennifer Isania Fonseca Sánchez ]

AMANROUGE, O DEL MATRIMONIO SONORO ENTRE VIRTUD Y ECLECTICISMO [‘Smoking Molly’, 14 deJunio de 2017, Bogotá, Colombia]

Las agujas del reloj acariciaban las diez y media de la noche en el centro de Bogotá cuando Amanrouge irrumpió en el segundo piso del ‘Smoking Molly’. Fundida en una convincente escenografía, un impacto de voz estremeció las dimensiones de tan íntima sala de conciertos hasta invocar, magistralmente, su reputación de templo musical. Con sus inseparables muñecas posadas sobre el piano, prefiguró la inminente simbiosis dramática entre su formación operística y lo diáfano de sus influjos ‘darkwave’, bajo cuyos auspicios lograría tejer una liturgia sonora coral que, además, no duda en libar de los mimbres del cabaret. Esta mágica conjunción cautivó a un público entregado, iniciándolo en un repertorio que -sin prohibirnos algunas de las primicias de su última etapa- fue colmando de felicidad a cualquier devoto de una trayectoria ya consolidada. Únicamente una artista de extraordinaria versatilidad creativa puede permitirse, al fin y al cabo, el lujo de la reinvención sin renunciar a la íntima calidez de la melancolía estilística. Flirteando por momentos con la larga estela de The Cure, jugó a electrizar unos oídos que antes despeinó de la mano de ‘la abuela del punk’ en un verdadero alarde de guiños ‘bowieanos’ que, si bien hubiesen sumido al mismísimo Wagner en la aterciopelada lascivia de algún nocturno de Chopin, prefirieron arrastrarlo a esa Nueva Orleans donde, como ustedes saben, toman por ternura la improvisación, y al jazz por santo y seña. A medida que avanzaba la velada, tamaña

tormenta de inflexiones interpretativas confirmó, en síntesis, un tándem perfecto entre virtuosismo al piano y un registro vocal en el que conviven todos los matices que exige una emotividad así de sugerente. Cruda en su magnífica potencia, sí. Pero tan deliberadamente acogedora que, al recorrer los retazos de realismo mágico que pueblan sus letras, difícilmente podríamos concebir una biografía sonora más sincera e intimista. Admitámoslo alto y claro: resulta subyugante escucharla. Aunque, en el sentido más sensorial y amplio de la palabra, la tensión que contagia desde el escenario resulte paradójicamente liberadora. Quizá sea esto lo que sucede cuando una gran actriz despunta como cantante: que el ritual enfático de la puesta en escena no anda reñido ni con la solemnidad, ni con la simpatía. A nadie que la haya visto -ése el verbo indicado, me temo- una vez le resultará sencillo escapar de su atmósfera. Irónicamente, ni siquiera los poéticos felinos de la azotea pudieron resistirse a la complicidad de una artista colombiana que, bien pronto, trepará también más allá de sus raíces. No sería raro, pues, que pronto se citen con ella en Buenos Aires. ¡Si caen rendidos a su embrujo, no digan que no les puse sobre aviso! Y, créanme, en su caso ni siquiera ronronear les rescatará del agradable insomnio. Pero no teman, pues todo genuino éxtasis deviene terapéutico. Huelga confesarles que, en un incomparable escenario de la antigua capital de los Muiscas, la otra noche fuimos ya muchos peregrinos.

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

EL CINE COMO RAREZA

Alejándonos de los territorios más conocidos, en este nuevo especial decidimos pararnos del lado generalmente menos conocido o visitado del séptimo arte. El lado oscuro del cine en el cual la lógica, lo lineal y lo convencional es abandonado para resquebrajar los límites de este arte. Para atreverse a conocer todo lo que puede ofrecer como experiencia sensorial y abstracta. Bienvenidos a una de las dimensiones más encantadoras que el mundo cinematográfico puede ofrecer. El arte en su forma más pura y en plena ebullición.

WELCOME TO THE DOLLHOUSE [ Por Nicolás Ponisio ]

Sedmikrásky es una experiencia fílmica que desborda creatividad por doquier (exceptuándola un poco argumentalmente) y que al día de hoy, casi medio siglo después de su realización, logra causar un efecto sorpresivo en el espectador que ni la mayor experiencia psicodélica puede llegar a ofrecer. Su directora, Věra Chytilová, perteneció a la llamada Nouvelle Vague checoslovaca y fue, junto al reconocido Milos Forman entre otros, una de los mayores exponentes del movimiento cinematográfico a principio de la década del sesenta. Chytilová, como bien demuestra, hizo uso de su lado más surrealista. El film nos presenta a dos jóvenes muñecas (literalmente ya que en la primera escena cada movimiento corporal es rígido y está acompañado por un sonido chirriante) que mediante un breve diálogo llegan a la conclusión que el

mundo está corrompido y por lo tanto ellas también. Por consiguiente, ambas chicas pasarán a mantener (o al menos intentarlo) una actitud acorde al mundo en el que viven. Sin embargo, dicha actitud, anárquica si se la quiere, que va en contra de lo correcto y lo establecido solo se verá representada a través del buen uso de la experimentación visual. Esto se debe a que el proceder rebelde que comparten las amigas es completamente infantil, limitándose a actuar tomándole el pelo a citas que las invitan a cenar, yendo a clubes nocturnos para molestar a la gente o irrumpir en mansiones para comer y jugar a la guerra de comidas convirtiendo la habitación en un completo desastre. Después de todo están jugando y no hacen más que reafirmar su estatus de muñecas establecido en un principio. A la vez parecen representar y vivir una suerte de espíri-

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tu punk que no nacería hasta mediados de la década siguiente. Viven a su manera, no acuden a marchas o denuncias para luchar contra movimientos políticos o sociales sino que encuentran la manera de expresarse con sus propios medios y conceptos. Si bien los actos de las protagonistas son demasiados naif, la directora al igual que ellas encontraría en el cine una mayor libertad de expresión a través de las herramientas técnicas. La experimentación visual del film lo convierte a éste en un collage gracias al delirante despliegue en conjunto de fotografía y montaje. Tonos monocromáticos que pasan a vívidos colores, partición en múltiples pedazos de la

imagen, cambio de sentido de las tomas o el provocar desorientación al montar una escena que varía constantemente de estar en espacios cerrados del set a exteriores. Es una frenética (des)composición de los límites cinematográficos que busca, por momentos excesivamente, expresarse provocativamente. Hay quienes lo toleren y quienes no, quienes lo vean como un completo sin sentido y quienes hallen el valor del caos dentro del caos mismo del film, pero si hay algo seguro es que para todos ellos Sedmikrásky no pasará desapercibido.

ALICÍA EN EL PAÍS DE LAS PESADILLAS [ Por Nicolás Ponisio ]

Si el famoso mundo creado por Lewis Carroll se sostenía en una atrapante base sin sentido, cuasi lisérgica, la adaptación cinematográfica por parte del artista checo Jan Švankmajer arroja por la borda los pocos elementos de lógica que puede haber y ofrece una sobredosis del surrealismo más imaginativo. Carente de banda sonora o del constante uso de diálogos, Švankmajer centra su atención, y la del espectador, en el arte del detalle. Desde la artesanía de sus escenarios y las criaturas en stop-motion que los habitan, como el apurado conejo blanco de aserrín, hasta las detalladas acciones de Alice (Kristýna Kohoutová) como tomar unas tijeras o la dirección de sus miradas. Todo mantiene una extremada cercanía con lo real (Alice, y solo de a ratos) y lo irreal (todo lo demás), siendo consciente de lo artificial para despertar sensaciones verdaderas. Lo oscuro y lo siniestro ocupan un rol principal, incluso más que el de Alice. La estética alucinatoria, que influenciaría a directores como Tim Burton (aunque en su versión de

Alice de 2010 se haya olvidado de todo lo aprendido), puede despertar los miedos más reales de los más pequeños y, por qué no, también de los adultos. Muchas de las otras versiones del cuento de Carroll recaían en dos componentes que aquí no tendrán lugar. Uno de ellos era el maravillarse del mundo al que ingresaba la curiosa Alice, el otro era que, al llegar el verdadero temor, la niña despertaba encontrándose en la tranquilidad de lo conocido. Švankmajer se niega a ello. El mundo creado para la pantalla maravilla pero también atormenta; como un niño que posee la capacidad de asombro al ver una mariposa y que, de un momento a otro, puede recurrir a la crueldad arrancándole sus alas. Por eso es que el director también decide eludir el confortante final. Alice despierta pero quizás algo de ese mundo de pesadilla haya vuelto con ella. La malicia en su rostro y la determinante frase final dejan en claro que los niños pueden ser muy malos y que, por lo tanto, la única realidad en la que se puede estar a salvo es la onírica.

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EL CINE QUE NOS VE [ Por Nicolás Ponisio ]

Síntesis de Dziga Vertov acerca de su cine-ojo, una propuesta técnica y a la vez filosófica que tiene como fin obtener la objetividad total en las imágenes. Man with a Movie Camera funciona magníficamente, acompañado por un ritmo ágil de montaje y sonido, tanto como exponente de su teoría -el rechazo al guión, a los actores profesionales, a la puesta en escena, la falta de continuidad-, como también cual bola demoledora de los parámetros de dicha teoría. Vertov se despoja de la estructura literaria del guión pero a la vez construye una narración a través de imágenes asociativas y del ritmo de edición y de

la música. Es por medio de la música y los diferentes niveles de imágenes en movimiento que el director se acerca por momentos a la comedia, el drama e incluso el género de aventura y animación. Por más que en ocasiones se contradiga a sí mismo, el film de Vertov es un excelente ejercicio cinematográfico, imposible no imaginarse al público asombrado por esos desconcertantes e innovadores usos de la cámara y de las imágenes en frenético movimiento. Uno que abriría las puertas, y también nuestra mirada, a todo lo que el cine tenía, y esperemos siga teniendo, para ofrecer.

LIBERACIÓN DEL OJO Y DE LA MENTE [ Por Nicolás Ponisio ]

Al presenciar un film como Un Chien Andalou, se pone a prueba la mente y, obviamente, el ojo del espectador. Esto se debe al hecho de tener entre nosotros imágenes inconexas (o tal vez no) que nuestra retina va captando y le va dando un sentido (o tal vez, nuevamente, no). Si en ocasiones resulta difícil presenciar una película experimental o sobrevivir a la experiencia, entonces escribir sobre ello puede ser aún más complicado. El sentido muchas veces, sino todas, descansa fuera de cuadro y el buscar su presencia es una tarea en vano que solo terminaría por ofrecer una sensación confusa. La misma que en ocasiones este tipo de films otorga. La solución para entregarse plenamente es tan solo someterse al disfrute visual.

Atraído y extrañado a la vez se debe incursionar en el poema onírico y visual que se nos ofrece para alcanzar la asociación libre de ideas. Así desfilan secuencias como las hormigas surgiendo de una mano agujereada, los caballos putrefactos sobre los pianos o el clásico corte de ojo con navaja. Para muchos puede resultar incómodo, pero esa incomodidad forma parte del cine experimental. Es la idea de provocar diversas reacciones o emociones en el espectador a través de la experiencia sensorial y el quiebre de lo establecido en cine. Para encontrar el placer del disfrute en este cine (cuando lo hay ya que no todos los casos son excepcionales) se debe liberar la mente y, al igual que en el film, liberar el ojo.

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SUBÍ QUE TE LLEVO [ Por Nicolás Ponisio ]

Compendio de la cultura pop de los años cincuenta y sesenta. Por allí aparecen Marlon Brando, James Dean, la música de Roy Orbison, Ricky Nelson y Elvis entre otros. ¿Su función? Acompañar la preparación y salidas de unos motoqueros encuerados. Fetichismo a la orden del día en un film que, provocador en el contexto de la época, fue uno de los primeros en exponer en cine la homosexualidad, elementos de ocultismo e incluso parafernalia nazi pero sin contenido alguno o una búsqueda de sentido. La intención detrás de las imágenes yace únicamente en el esteticismo y el poder del montaje. La edición es fuerza de sentido e interpretación, en el film de Kenneth Anger hay poco y nada de ello. Al no haber una historia per se los personajes no sufren cambio alguno, más si lo hacen las imágenes quienes pasan de una cuidada estética a una frenética suciedad con el ruido de motores que se unen al

soundtrack y a las, cada vez más, bruscas imágenes. El poder de los ciclistas, su furia y pasión recargan la pantalla y por primera vez contiene un sentido. Un punto a favor para una película en la que prevalece un fin puramente estético y la cual entretiene en su corta duración gracias a la gran banda sonora que vuelve más ágil el visionado sin llegar a cansar al espectador. De todas formas esto no evita que se vuelva un mero videoclip con algunas pocas acertadas imágenes que cautivan brevemente pero que en definitiva no acompañan demasiado al film. Al igual que un conductor que tiene una Harley-Davidson solo para hacer gala de su provocador estilo pero no tiene idea de cómo manejarla realmente, Anger no despliega del todo bien en su obra el atractivo de una época y estilo, quitándonos las ganas de subirnos con él y dar una vuelta más en ella.

EL ESCRITOR SERIAL

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RICK AND MORTY DIBUJITOS SIN CENSURA [ Nicolás Ponisio ]

Series animadas como Los Simpson, que hace más de quince años que no tienen una buena temporada, o South Park supieron hacer de la ironía y el humor políticamente incorrecto su forma de lenguaje. Referenciales, políticos y controvertidos supieron demostrar que una serie animada no solo podía ser cosa de adultos sino también mundialmente aceptada en la cultura popular. En la misma familia también se pueden encontrar casos como el de The Ren & Stimpy Show o The Critic, entre otros. Y si bien la animación televisiva supo continuar con el legado de algunas de ellas, fue dentro del bloque de Adult Swim en Cartoon Network donde se halló a una nueva heredera que trajo consigo una frescura a la caja boba al grito de wubba lubba dub dub. Rick and Morty, serie creada por Dan Harmon y Justin Roiland (quien también les pone voz al dúo protagónico), reescribe lo incorrecto a través del ex-

ceso, tomando como eje central las clásicas aventuras de ciencia ficción para posicionarse burlonamente en un género que no solo sirve como entretenimiento sino como mirada hacia nuestra propia realidad. En el caso de este show donde lo principal es el absurdo y el humor negro, una mirada sumamente ácida pero no por ello menos honesta. Con una no casual similitud a la fórmula –y apariencia- del Doc Brown y Marty McFly de Back to the Future (Robert Zemeckis, 1985), Rick and Morty son respectivamente un científico loco y su nieto que se meten tanto con las paradojas temporales como con viajes interdimensionales que traen consigo grandes conflictos para la galaxia. Además del cliché de ser un científico loco, a Rick se le pueden sumar las características de ser un alcohólico, egocéntrico y malhablado ser humano con problemas de regurgitación. El show se rige por sus propias reglas y estas son

transgredir en todo momento cualquier elemento que haga a la narración. Lo que le permite poner a sus personajes en cualquier situación sin temor a las consecuencias que pueda ocasionar tanto para los protagonistas como para la audiencia. Así como la valentía y el desinterés más allá del de uno mismo componen esa dinámica relación de opuestos que tienen abuelo y nieto, y también en relación a su disfuncional familia, es como se manejan los creadores de la serie arriesgándose a todo. Sea poniendo en riesgo la vida de los protagonistas (nadie está a salvo realmente), rompiendo la cuarta pared o demostrando la ineptitud de la naturaleza humana en cualquier ámbito –político, social, educativo- y también, por qué no, en cualquier punto del universo. Entre tanta sátira, humor políticamente incorrecto y los incontables homenajes y referencias al género fantástico y de ciencia ficción (que van desde Inception, Total Recall, el cine de David Cronenberg y más), la serie también encuentra un gran lugar

dentro del carácter dramático, demostrando un gran corazón y respeto a sus personajes. Con tan solo dos temporadas, episodios como Rick Potion # 9, Rixty Minutes o Auto Erotic Assimilation, hacen un gran despliegue del humor pero a la vez también lo logran a través de su carácter más emocional y haciendo hincapié en las terribles consecuencias de esos mismos excesos que destacan a la serie. El tratamiento que se le dan a esos momentos dramáticos resalta aún más las emociones, positivas o negativas, gracias al nivel narrativo y al uso de la banda sonora (Mazzy Star, Blonde Redhead o Nine Inch Nails). Momentos hermosos, algunos esperanzadores y otros no tanto, que sin importar lo que suceda demuestra que hay un gran sentimiento que se deja ver detrás del caos absurdo. Tan absurdo como la vida de todo ser vivo que no hará diferencia alguna en la basta inmensidad de la galaxia. Así que es mejor ir a ver televisión y poner Rick and Morty. Sobre todo si se acompaña con un wubba lubba dub dub.

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https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

Luna volvió a los estudios de grabación y esperamos para el 22 de septiembre dos entregas. Un álbum de covers que se Mogwai nos ha dejado conocer una can-

llamará “A Sentimental Education” con canciones de Bob Dylan, The Cure, Yes,

ción del nuevo trabajo que saldrá el 1 de

David Bowie, y Mercury Rev entre otros

Hiroshima Dandys acaba de lanzar el

Septiembre de este año “Every Country's

y un Ep instrumental titulado “A Place of

video de La Inundación, de su último ál-

Sun” por Rock Action Records (Tempo-

Greater Safety” En su Soundcloud ya se

bum "El lugar favorito de lo horrendo".

rary Residence in North America / Spunk

puede escuchar el tema 4 del álbum de

La banda de Mambo Pablo Rivas, Babi

Records en Australia). Ahora han com-

covers, un tema de (early Fleetwood Mac)

Trump y Flori Lí. El álbum se editó bajo

partido el video oficial dirigido por la mis-

“One Together.

las alas de RED distribuidora de concep-

ma gente que hizo los videos para Minor

tos y Sólo le Pido a Dior.

Victories. Hand Held Cine Club (http:// handheldcineclub.com) manteniendo la misma estética que utilizarán para sus colegas, tomas pasadas muy lentamente en blanco y negro con imágenes muy bellas y desconcertantes donde podemos ver desde la tierra asomarse dos lunas y

Una que no es de Música.

como todo sube muy lentamente como

Desde AADET (Asociación Argentina

si la gravedad que nos sostiene a la tierra

de Empresarios Teatrales y Musicales)

hubiese desaparecido.

comenzamos con el Programa Jóvenes Espectadores que se propone fomentar

El primer trabajo discográfico de Chrys-

el acercamiento al teatro del público jo-

ta Bell es del 2011 “This Train” y está fir-

ven (entre 13 y 18 años), poniendo a dis-

mado junto a David Lynch, y este fue el

posición una cantidad de entradas (en cu-

primero de muchas colaboraciones ya

pos de hasta 40 por función) de las obras

que el director primero la conoció como

más importantes de la cartelera del tea-

actriz. Luego vino en 2016 “Bella Sun” y

tro comercial porteño en distintos días y

el próximo 9 de junio sale “We Dissolve”

horarios a un valor simbólico de $50 por

producido por John Parish. Actualmente

asistente.

la podemos ver en la nueva temporada de

El programa está abierto a los profeso-

Twin Peaks como el agente del FBI Tam-

res de nivel medio de todas las materias y

my Preston. Y ahora podemos ver este

Hace un tiempo le hablábamos de un

espacios curriculares y extracurriculares

homenaje que le hace a la serie interpre-

track inédito de The Emerald Down. Hoy

para que puedan concurrir con sus cur-

tando su icónica canción, “Faling”. El co-

nos enteramos de la reedición de su ál-

sos fomentando en los estudiantes el in-

vers fue producido por John Fryer (De-

bum del 2002 "Aquarium" bajo el sello

terés, el hábito y el placer de asistir al tea-

peche Mode, Cocteau Twins, This Mortal

Wrong Way Records. Nos ponemos muy

tro. La propuesta presenta una selección

Coil) y el video por Sharif Nakhleh, Tas-

felices con esta edición que traerá demos

de espectáculos de diferentes temas y es-

ha Nesbitt y Mike Epple (video musical

de la época y la remasterización de este

téticas, todas en horario nocturno.

"Beat The Beat")

hermoso álbum.

TRES EDICIONES:

La artista también ha estado colaborando en la serie Twin Peaks donde interpreta el tema “Tarifa” que le compartimos aquí abajo. Esta no es su primera participación en series pues el año pasado la pudimos ver cantando e incluso actuando en los últimos 5 capítulos de la serie AO. Dos Tangerine Dreams juntos Thorsten Quaeschning y Ulrich Schnauss, aca-

Fuego Amigo Discos acaba de relanzar

ban de lanzar el video Rain On Dry Con-

el EP de fredzia, simplemente llamado

crete a modo de primer single del álbum

EP#1. Los chicos de FAD lo relanzaron

"Synthwaves" lanzado el 30 de junio bajo

ayer y pueden escucharlo desde acá o ba-

el sello Azure Vista Records y digitalmen-

jarlo gratuitamente desde la página web

te por Pedigree cuts.

oficial del sello: Con tres singles publicados en su bandcamp y un video realizado en vivo para

http://www.fuegoamigodiscos.com. ar/

MOsessions hoy El Gran Búfalo Blanco lanzó el video sobre el tema “Flashar (vos lo que querés es)” con una gran realización de Diego Briata y Paul Thielen, filmado en la bella ciudad de Buenos Aires El hermoso dúo Hammock, conformado por Andrew Thompson y Marc Byrd,

y con una excelente producción de Cadáveres Exquisitos.

acaban de lanzar el primer adelanto de su nuevo álbum. "Things of Beauty Burn"

Otra banda que nos gustó mucho su

es el corte de difusión del álbum "Mys-

álbum debut llamado "Sobre Premios y

terium" de once tracks que se editará el

Tormentas", es la banda de La Otra Cara

25 de agosto bajo su propio sello Ham-

de la Nada. El álbum editado el 23 de ju-

mock Music.

nio por Yolanda Discos es otra de las bellezas de este año Lee Ranaldo ha anunciado un nuevo álbum. “Electric Trim” que saldrá el 15 de

https://laotracaradelanada.bandcamp. com/

septiembre y será editado por Mute Records. aquí les compartimos el primer corte que corresponde al tema 5 del disco “Circular (Right As Rain) que cuenta con la participación en voces de Sharon Van Etten en este y en otros cinco temas más Sharon Van Etten ha compartido una

de los nueve que componen el álbum que

nueva canción llamada “Not Myself.”

tiene varios invitados más entre los que

Está dedicado a la memoria de las vícti-

se cuenta su ex compañero en Sonic You-

Siempre nos sorprendemos del trabajo

mas del tiroteo de junio en el club noc-

th Steve Shelley. El último disco solista de

incansable que realiza el The Blog That

turno de Orlando. El producto de la pista

Ranaldo fue “Last Night on Earth” (2013).

Celebrates Itself con sus compilados.

irá a apoyar el trabajo de Everytown para

El video fue realizado por Fred Riedel and

Casi mensualmente editan un nuevo tra-

el fondo de apoyo a la seguridad de ar-

Lee Ranaldo y el tema es una canción que

bajo y ahora acaban de lanzar uno nuevo

mas https://sharonvanetten.bandcamp.

nos transporta a la psicodelia de los Beat-

bajo el nombre de "Spiritualized In Other

com/track/not-myself

les y los primeros Pink Floyd.

Medications".

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PURA MELOMANIA

Un Salto de Fe Erasure – Cowboy (1997) [ Gabo Rojo ]

Erasure no cuenta con actitud, ni con referencias cool, ni con productores de renombre, ni con diseñadores de arte visionarios ni con un espíritu de autorrenovación e innovación. Sólo cuentan con melodías y sintetizadores. Lo único que puede hacer que sus discos funcionen son las canciones. Este disco no es experimental como su predecesor (el maravillosamente homónimo Erasure de 1995). No tiene canciones conocidas (“In my Arms” fue apenas un hit menor). Tanto el título como el arte de tapa son mundanos y no guardan relación con el contenido musical (Erasure recién sacaría su álbum country en el 2006.) Pero este disco contiene las 11 mejores canciones que nunca escuchaste. Para apreciarlas es necesario un salto de fe. Tomemos por ejemplo “Worlds on Fire”. Dejemos de lado nuestro cinismo, nuestro descontento, nuestro “pain and suffering in various tempos”. Nademos el mar de amor del que nos habla Andy Bell. Regocijémonos en el estribillo. Es pegadizo, es movido, es hermoso, es profundo en su inocencia. Es lo que puede ser la vida. O “Precious.” La melodía de la estrofa: excelente. La melodía del bridge: excelente. La melodía del estribillo: excelente. ¡Y encima hay una maravillosa coda en falsette! Parece mentira, pero Erasure mantiene este nivel a lo largo de los 11 temas mayormente mid-tempo del disco (con excepción de “Don’t say your love is killing me”, que es algo épica y en un mundo mejor hubiera sido un hit.) Las canciones son, como siempre, acerca de la magia del amor o de sus vicisitudes (o ambas a la vez), pero hay lugar incluso para la variación en la fantástica “Treasure”, una fábula

de la fiebre del oro que alterna estrofas oscuras con evocativas visiones de libertad en el estribillo, la voz de Bell y los sintetizadores de Clarke un canvas donde la pintura es la magia interminable del Pop de 3 minutos. Cowboy es el disco favorito de Vince Clarke (“it’s got the most best tunes on”), y las agridulces “Boy” y “Love Affair” fueron luego rescatadas para el maravilloso álbum acústico Union Street. Aun así, estas no son canciones que se escuchen seguido. Al repasar el disco para escribir esta reseña, me encuentro con que incluso canciones que mi mente antes no había destacado como “Reach Out” contienen melodías y giros memorables, y las que sí recordaba como puntos álgidos como “Save me Darling” tienen la rara ventaja de sonar mejor en la realidad que en la memoria. Erasure requiere un salto de fe, es cierto. ¿Pero cuando uno no salió recompensado por un salto de ese tipo?

Fotografiando Auras

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Varios - Lonely Is an Eyesore (1987) [ Alejandro Cenizacromada ]

Lonely is an eyesore es la compilación que define la época dorada del sello de Ivo Watts Russell, 4AD. Este productor, amante delirante de la obra de TIm Bucley y que volcaría ese gusto en ese proyecto All stars llamado This Mortal Coil, gustaba de impregnar sus grabaciones de reverberación en los discos, cosa que daba la impresión de que sus artistas tocaban en una iglesia; un concepto redondo que marcó escuela y que impregnó toda la escena Post punk de aquel entonces. Esta compilación es clave para entender la grandeza del sello desde el punto de vista sonoro como visual, el arte de las carátulas de Vaughan Olivier también fueron marca registrada con su característica tipografía. Esta compilación apareció en

también hace presencia en esta compilación con un video enigmático en el que Lisa Gerrard aparece ataviada de blanco. También viene otro tema de DCD de corte

formato de video también. Antes de esto, es importante, considero yo, mencionar una compilación no menos importante de este sello, a mi parecer eclipsada por Lonely is an eyesore, llamada: Nature Mortes Still live de 1982. Una compilación menos etérea, más cargada de obscuridad Post punk, más blancos y negros, en los que se destacan bandas como Bauhaus con su “Rosegarden funeral of sores”, Birthday Party de Nick Cave con el frenesí de “Mr Clarient”, el fatalismo marcial de In camera y las tomas llenas de reflección de Marble station. Nature Mortes me parece que está al nivel de las legendarias compilaciones hechas por el sello inglés Jungle records y reseñadas por Mick Mercer Llamadas “Gothic Rock” que más tarde reeditaría Cleopatra para Norteamérica. Una de las virtudes del sello 4AD ha sido crear un sonido donde se puede percibir el aura de las canciones, como una especie de cámara Kirlian. Los sonidos generados por los instrumentos crean armónicos que en su onirismo amplían la dimensión sonora de las piezas, las voces suenan en muchos casos como una voz perdida en nuestra conciencia. En Lonely is an eyesore encontramos ese dadaísmo mántrico del gran guitarrista Robin Guthrie y la cantante Liz Fraser en su canción Crushed. Piezas únicas para el compilado como “Muscoviet Musquito” de los legendarios Clan of Xymox de corte más Post punk y uno de los temas más movidos del disco. El video de esta canción transcurre en grises estaciones de tren con tomas de Ronny Moorings cantando. El demo de Dead can dance de su canción “Frontier” más orientado hacia lo tribal con respecto a la versión definitiva de su primer álbum,

Darkwave fusionado con ecos de sonidos clásicos contemporáneos como lo es “The protagonist”, una canción que gira en torno a una base minimalista que me hace recordar un gran clásico de DCD llamado Windfall. The protagonist es una canción que va ganando en emoción a partir de pequeños detalles y matices al mejor estilo de Philip Glass. El video de The protagonist busca ser grandilocuente con tomas del cielo, el agua y el origen de las cosas como evocando un nuevo Génesis. Wolfgang Press viene con “Cut the tree” un tema intimista y que en el video tiene un aura experimental al mejor estilo de una película tipo Eraserhead de David Lynch. Colour Box brinda el tema más alternativo del disco con “Hot doggie”, sus inquietantes sampleos de voces y sus contundentes riffs de guitarra. Throwing muses viene con “Fish” un tema que evoca cierta pureza Folk. En el video de esta canción la banda aparece interpretándolo en vivo alternándolo con tomas de especies marítimas. “No Motion” de Dif Juz es un instrumental profundo con hermosas guitarras de aire bastante otoñal, el video también tiene tomas en vivo del grupo alternando con tomas de pantanos y parajes desoladores. La tensión etérea de This mortal Coil con Acid, bitter & Sad , brinda el corte más oscuro del disco, casi ritual, apoyado con un video de imágenes bajo el agua, habitaciones bajo una luz azul y tomas nocturnas en un bosque infinito. Lonely is an eyesore es una banda sonora para el alma, para la calidez que uno busca en medio de la fría cotidianidad, la invocación de lo natural en medio del colapso artificial. Tremendo clásico para apreciar con las persianas cerradas.

Cinco Oscuras Estrellas The Cure - Five Swing Live (1997) [ Pablo Müllner ]

Mucha de la música de los noventa careció de sentido del humor, y como subproducto de ello los críticos de rock apostaron a que la falta de ironía y picardía era lo nuevo y había llegado para quedarse. La honestidad visceral de los jóvenes grunges (Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam) era el “tesoro encontrado”. De la misma manera que en el bando de las chicas se coronaba a las más sufridas y confesionales (PJ Harvey, Liz Phair, Tori Amos). Todo lo que no caía en el nicho era pop, intrascendente y en el peor de los casos dance music. De esa falta de matices a la hora de escuchar y reseñar sufrió el décimo disco de The Cure, “Wild Mood Swings” (“Violentos Cambios de Humor”), que ya desde el título nos anunciaba que no había un solo estado de ánimo ni un solo color en la mezcla. Para peor fortuna, The Cure era una banda de los años ochenta (o mejor dicho setenta) que osaba lanzar material novedoso en la década de la honestidad suicida. Este verdadero calidoscopio emocional y sonoro que es “Wild Mood Swings” debió haber sido el “Número Trece” si tenemos en cuenta cuan injustamente mal recibido fue por parte de la prensa especializada. Y claro, The Cure anticipó algo de ese clima hostil y se despachó con un primer corte ultrapop “The 13th” (El 13vo.) que combinada un sonido de bossanova oscuro con explosiones de festividad mariachi para salir a contramarcha de los tiempos rústicos que corrían. El influyente primer corte (que entre otras cosas inspiró el nombre para esta revista) no fue incluido en el EP en vivo “Five Swing Live”, desprendido de la gira “Wild Mood Swings”, pero sí otras cinco oscuras estelares canciones de gran álbum. Quizá la única explicación de porqué se trata apenas de un extended play sea que The Cure venía de lanzar dos discos en vivo durante la era de “Wish” (1992): “Paris” y “Show”. Un registro de la nueva gira parecía un lujo exclusivo para fanáticos, y así fue: solo 5.000 ejemplares numerados en la portada, y disponibles a través de la página web de la banda. Por breve que sea este mini álbum da testimonio de que The Cure estaba sonando mejor que nunca. “Want”, que también abre el álbum de estudio, es una composición ideal para

abrir un verdadero recital: lenta, nocturna, envolvente y con un clímax épico donde Robert Smith no sin ironía: “I´m always wanting more. Anything I´ve haven´t got (…) more fear more fun more pain more flesh more stars more smiles more fame more sex” (“Siempre quiero más, cualquier cosa que no tengo… más miedo, más diversión, más carne, más estrellas, mas sonrisas, más fama, más sexo…”). “Club America” nos recuerda quien inspiró a U2 el sonido de los mejores momentos de “Achtung Baby!”: pura psicodelia oscura de guitarras y una letra de felicidad cáustica que de tan brillante da miedo. Enseguida “Mint Car” ocupa el lugar del hit pop con su sonido prístino y ese aire a verano inglés que tanto la acerca en espíritu a su anterior hit “Friday I´m in love”. “The Trap” tiene en contraste un tono solemne y perturbador, y la voz elásticamente dramática de Robert nos da pistas de donde surgió ese modo tan desgarrador de cantar de la joven PJ Harvey. Claramente no de oír a Siouxsie. Sobre el final “Treasure” es apenas un tesoro más: una melodía delicada que se abra como una flor y nos devora como insectos. Atrapados en su encanto seguimos pidiendo más… Nuestras suplicas llegarían recién en 2000 con “Bloodflowers”.

Sobrios, oscuros y sofisticados Faith No More - Album Of The Year (1997) [ Pablo Ravele ]

La marcha de Jim Martin, nada convencido con el rumbo musical que el grupo estaba adoptando para Angel Dust, parecía revelar que las cosas no andaban especialmente bien en el seno de Faith No More: más allá de los numerosos proyectos paralelos en los que los miembros de la banda se hallaban involucrados (Mr. Bungle, Brujería, Imperial Teen, Ozzy Osbourne), y que estaban restando un tiempo creciente a la agrupación madre, Patton copaba cada vez más relevancia en las composiciones y su influencia comenzaba a amenazar con absorber al resto de componentes. Ciertas desavenencias entre los integrantes parecían irreconciliables, y las relaciones internas se encontraban en el momento más bajo de la carrera de los californianos. Pero poco debía importar todo esto mientras la respuesta musical fuera positiva. Con King For A Day... Fool For A Lifetime los americanos no sólo consiguieron sobreponerse a todas estas cuestiones y crear un álbum fresco y solvente, sino que ampliaron el ya de por sí variadísimo espectro musical establecido en su obra magna. Pero otra deserción (el roadie Dean Menta) y la llegada de un nuevo guitarrista, Jon Hudson (el tercero desde la partida de Martin, si contamos a Trey Spruance), volvían a sembrar dudas acerca del futuro del grupo; para colmo de males, estas dudas se vieron acrecentadas por el marcado e irreversible distanciamiento de Mike Patton, un Patton que ya andaba más interesado en otras empresas. En estas llegó al mundo Album Of The Year, rodeado de expectación e incertidumbre a partes iguales. El nuevo trabajo de Faith No More venía presidido por un irónico título (“Álbum Del Año”) que podía convertirse en un arma de doble filo: el interés y la atención sobre el disco iba a ser elevado, pero la decepción para sus seguidores también podía ser mayúscula si el álbum no conseguía estar a la altura. Y la conclusión a la que pronto se llega es la misma que en el caso de King For A Day…: la banda no ha

perdido ni un ápice de capacidad creadora, sino que ésta se volvió a reinventar. En Album Of The Year podemos encontrar desde potentes temas, propios de la marca Faith No More, hasta composiciones más experimentales, climáticas y sosegadas. No obstante, el producto final resulta más redondo y acertado que su predecesor. En el apartado musical, la diferencia fundamental con anteriores entregas radica en el sonido plagado de distorsiones pesadas y aproximándose cautelosamente al nuevo metal que comenzaba a abrirse camino (género del que, paradójicamente, fueron los catalizadores). Asimismo, la llegada de Jon Hudson, entre otros factores, hizo que los reyes del “crossover” abandonaran buena parte del mestizaje musical que les caracterizaba y se volvieran más sobrios, oscuros y sofisticados. De esta forma, Patton se convierte más que nunca en el atractivo principal de la placa. Lo más llamativo es que los integrantes de la banda no se anduvieron con chiquitas y lanzaron todo su poderío desde el comienzo. “Collision” explota sorpresivamente con unas guitarras afiladas navegando por los terrenos del metal alternativo,

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mientras el vocalista hace gala de ese trastorno bipolar estrofa-estribillo tan habitual en él. “Stripsearch” rebaja las pulsaciones al otro extremo, destacando unos arreglos sobresalientes: los teclados atmosféricos (rozando lo gótico), las octavas de bajo, los detalles de la guitarra, los matices electrónicos… Una canción adictiva y con un Patton que continúa en estado de gracia. Para completar la alucinante terna inicial, está una nueva demostración del cantante en “Last Cup Of Sorrow” que, entre susurros y entonaciones burlonas, nos lleva hacia un tremendo estribillo. En “Naked In Front Of The Computer”, nos topamos con un corte alocado que no resulta tan hitero como los temas que lo circundan pero que cumple. Los siguientes, “Helpless” y “Mouth To Mouth”, también responden con solvencia y no están exentos de instantes curiosos (como el silbido melodioso de Patton en el primero). Por fortuna, pegadito llega uno de los himnos más impresionantes y célebres de la banda, “Ashes To Ashes”, todo un valiosísimo as en la manga sólo por el cual ya merece la pena escuchar el disco de cabo a rabo (Patton desbordando calidad y esplendor, con su timbre de barítono que

hace temblar cada acorde, cada compás, alzándose como el único protagonista de una melodía soberbia y apabullante). “She Loves Me Not” es una simpática baladita jazzeada, aunque luego llegan como trompadas “Got That Feeling”, “Paths Of Glory” y “Home Sick Home”, que no te dan respiro. Los acompañamientos de Roddy Bottum en teclados y los bendings de guitarra todavía aportan un mayor contraste a las armonías, mientras que los solos tiñen todo de una fuerza y una excelencia que son aplastantes Mención aparte, obviamente, es la terrible base rítmica a cargo del virtuoso bajista Billy Gould y del trituraparches Mike Bordin. Por último tenemos “Pristina”, un medio tiempo que se revela más simplón y menos elaborado que los otros tracks, pero que no deja de exudar épica y dramatismo debido al trabajo impecable de Patton a las voces. Un 9 para una digna despedida por parte del grupo de rock más adelantado e irreverente de la década del 90. Un disco elegante, sombrío, maduro y compacto. Una joya que ya se ha vuelto un clásico con el correr de los años.

Juancito Electrónico

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John Lydon - Psycho´s Path (1997) [ Pablo Müllner ]

Veinte años antes de que se lanzara como solista con este “Psycho´s Path” (algo así como “El camino del psicópata”), John Lydon fue un ídolo adolescente. Pero no fue un ídolo adolescente convencional. Johnny Rotten, Juancito Podrido, sobrenombre que se ganó por el escaso cuidado de su dentadura, como líder de The Sex Pistols tenía la presencia escénica de un maniático con convulsiones y cuando abría sus fauces podridas no era para cantar sobre amores adolescentes, playas veraniegas ni autos deportivos. Sus letras hablaban de drogas, sexo, anarquía y al tiempo que “celebraban” de manera poco saludable el vivir un presente caótico, pronosticaban la falta de futuro. En la Inglaterra de 1976 se vivían tiempos de escasa esperanza para la clase media: alta desocupación y recesión económica. El traslado a la cultura adolescente era encarnado de manera cruda y desinhibida por este rocker que reflejaba el descontento juvenil y el “No Future” (“No Futuro”) la más nihilista de todas las consignas del movimiento punk. Sex Pistols tuvo un único disco de estudio, “Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols”, y luego de una gira mundial caótica y un disco doble en vivo la banda se disolvió convirtiéndose en un mito del rock. Sin embargo, John Lydon siempre siguió haciendo música desde agrupación menos escandalosa, Public Image Ltd (PiL) que podría enrolarse en el movimiento post-punk que integraban bandas como The Cure o Bauhaus, con un sonido de bajo abrasivo, y elementos de rock progresivo, dub y noise-rock. Luego de ocho álbumes y varios hit singles menores PiL se disolvería en 1993, fogoneando un reunión de Sex Pistols al calor del revival punk de mano del grunge americano. Luego del desastre comercial y artístico del “regreso” de los Pistols parecía no quedar otro camino para el bueno de Johnny. Pero si todos esperaban un disco de alto perfil el genio malhumorado de Lydon estaba dispuesto a decepcionarlos. Este “Camino del Psicópata” parece ser un título bastante autobiográfico o al menos pinta de manera rigurosa su rol popular de sociópata. Sin embargo el álbum desde la curiosa caricatura psicodélica diseñada por el mismo Lydon es más bien una delicada artesanía que un ladrido de furia. Cuando vio la luz se lo catalogó rápidamente como un álbum “cyberpunk”, quizá teniendo en cuenta el pasado del

cantante y su presente más cercano a la experimentación electrónica. Sin embargo el sonido real está bastante lejos de la pirotecnia del Cyberpunk de Billy Idol y mucho más cerca de las composiciones abstractas y experimentales con ribetes orientales de Peter Murphy (ex-Bauhaus) y de la última etapa de Nico, asistida por John Cale. Un Lydon más maduro y comprometido toca la mayoría de los instrumentos y produce junto a Mark Saunders. Temas como “Dog”, “Take Me”, “Stump” y “Armies” grafican en el mejor de los casos la sutileza electrónica de este nuevo Johnny Electrónico donde la guitarra queda enterrada en la mezcla, ayudando a dar profundidad al sonido, pero nunca sofoca ni satura las melodías. Dicen las malas lenguas que Johnny no quedó del todo conforme con el resultado final: presiones de la discográfica por delinear un álbum más comercial lo obligaron a incluir el hit “Open Up” que había grabado junto a Leftfield, está vez remixado por unos jóvenes Chemical Brothers. Además de remixes para cuatro temas a cargo de Moby y Leftfield. Ninguna de estas mezclas desagradan ni sobreabundan, pero no suenan cohesivas y desbalancean el sonido orgánico alcanzado hasta el track 10. A pesar de todo, la gran máscara narcótica y malevolente de Lydon se impone sobre cualquier falla, como gruñe desde el tema del título: “A psychopath dress like a clown in my psyche pulling me down. I put my life on it” (“Hay un psicópata disfrazado de payaso en mi mente, arrastrándome. Yo le puse vida a esto.”)

Del Infierno al Cielo y Viceversa Spiritualized - Ladies And Gentlemen We Are Floting In Space (1997) [ Pablo Ravale ]

Es imposible olvidar a Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space al pensar en álbumes redondos, inspiradísimos y perfectos; de aquéllos que estaban llamados a ser el gran símbolo de la banda que los gestó y, más aún, a definir a toda una generación por su valor e influencia en artistas posteriores. Éste, el tercer larga duración de Spiritualized (banda originaria de Rugby, Inglaterra), es –sin duda– uno de los epítomes más emocionantes y únicos que dejó la década del 90, en cuanto a lo que rock alternativo se refiere, llegando incluso a sobrepasar esa categoría. Para hablar de la banda en cuestión, es imposible no rememorar a Spacemen 3: agrupación legendaria de la neo-psicodelia, el noise y el space-rock, formada en el año 84 y cuna del atormentado vocalista y guitarrista Jason Pierce (alias J. Spaceman), el genio detrás de Spiritualized y su único miembro permanente desde el año 90 hasta estos días. Cuando el grupo originario se disolvió tras lanzar su último disco, Recurring en 1991, el otro miembro fundador y también vocalista, guitarrista y además encargado de los sintetizadores, Peter Kember, siguió su carrera creando el proyecto Spectrum, mientras que Pierce se quedaba con otros miembros del grupo para formar Spiritualized, junto a Kate Radley, tecladista y novia del músico en ese entonces. Los dos primeros discos de Spiritualized, Lazer Guided Melodies y Pure Phase, eran obras de sutil psicodelia shoegazer para flotar, influenciadas en parte por The Stooges y MC5, pero su secuela lanzada en 1997 se convertiría en una sofisticada obra maestra de la producción, incluyendo arreglos monumentales poco habituales para bandas de la época, además de poseer una energía y sonido poderosamente emotivo. Puede decirse con seguridad que Pierce basa sus mensajes dentro de la música en tres simples, pero complejos temas: espiritualidad, amor y drogas. Y es en este disco, a través de estos conceptos, que el músico deja fluir con desgarradora sinceridad

toda la belleza de su mundo interno: la decadencia, el éxtasis y el ensueño. En lo musical, Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space mantuvo las inevitables referencias atmosféricas y lisérgicas del grupo, pero experimentó también con canciones de clave más pop y convencional, adornándolas con técnicas ambiciosas de estudio y una ornamentación sinfónica a cargo de los miembros del London Community Gospel Choir (el coro gospel comunitario de Londres). Una fórmula maestra que sólo generó el asombro y devoción de la crítica y los seguidores. Presentado en una impactante edición que imitaba un medicamento farmacéutico “para el tratamiento del corazón y el alma” (según sus indicaciones interiores), el disco se convierte en una obra épica mediante los sentimientos más variados e intensos del ser humano, conteniendo momentos de contemplación poética, de euforia desbordada y de ironía crítica. La hermosa canción homónima sirve de introducción gracias a una vocalización somnolienta y soñadora, que invita sugerentemente a cerrar los ojos y despegar del suelo, tal como lo indica el título del álbum. “Come Together” es uno de los temas radiales que mezcla rock energizante con gospel celestial,

convirtiéndose en un poderoso y excitante punto alto. “I Think I’m In Love” se divide entre la impactante confesión de un heroinómano en su solitaria habitación e inteligentes frases llenas de sarcasmo y decepción. Los momentos que hablan de enamoramiento idealizado se expresan en las melosas y etéreas “Stay With Me” y “Cool Waves”, haciendo del álbum un equilibrio perfecto entre estados opuestos, pero complementarios. “Electricity”, el single más directo, estridente y pegajoso, deja el idilio de lado para expresar con grandeza la catarsis y euforia de conducir un auto a gran velocidad bajo las luces artificiales de la urbe, y “Broken Heart” (uf, qué decir…) destapa de la manera más conmovedora y dolorosa el alma de un recién separado, con frases tan tristes como bellas. Luego de transitar con intensidad por un álbum que ya es perfecto y chocante en el buen sentido, todo termina con el dramatismo teatral de “Cop Shoot Cop”, un imponente anti-himno de 17 minutos. De la sombría calma de un piano tensionante, la canción desemboca lentamente en una explo-

sión ruidista influenciada por el free-jazz, haciendo que cornos franceses, tubas y trompetas produzcan un estruendo ensordecedor, para culminar en un clímax glorioso que te deja luego en un silencio post-traumático. Nada fue igual para Spiritualized: ganaron fama (alcanzaron el cuarto lugar de las listas británicas), gran respeto (vencieron a OK Computer de Radiohead como disco del año 1997 según NME) y el dinero que antes les fue esquivo y que jamás buscaron. Los álbumes posteriores del grupo estarían marcados por la influencia de Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space, y cientos de bandas alrededor del mundo heredarían su legado y enseñanza. Hoy, a sus 45 años, tras décadas de excesos y dramas, siete discos de estudio y luego de haberle ganado la batalla a una doble neumonía que lo tuvo al borde la muerte, Jason Pierce sigue escondiéndose tras sus anteojos con esa pasiva y misteriosa actitud de alguien que ha pasado del infierno al cielo y viceversa, existiendo para contar historias sobre la esencia de la vida.

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Right Beat The Prodigy - The Fat of the Land (1997) [ Alex Bretto ]

1997 fue un gran año para la música. Se descargaban los últimos efectivos cartuchos de la explosión brit pop, la movida electrónica francesa estaba en su apogeo, y el mundo abría los ojos a “The Fat of The Land”, el tercer disco de The Prodigy. Disco que vino precedido por dos singles demoledores que llevaban las expectativas del futuro álbum a niveles demasiado elevados y difíciles de alcanzar. Me anoticié del fenómeno Prodigy cuando MTV empezó a dar en alta rotación el video de “Firestarter”, editado en marzo de 1996 como primer single adelanto del próximo álbum al que aún le faltaba más de un año para llegar al mundo. “Firestarter” trepó rápidamente al #1 en Inglaterra y fue hit en toda Europa, pero distaba años luz de ser el hit convencional que llega a la cima gracias a un riff o una melodía ganchera. Se trataba en cambio de un techno/rave-rock furioso donde Keith Flynt aullaba como un punk desatado, un video oscuro y una temática piromaníaca. En noviembre de 1996 saldría el siguiente corte, “Breathe”, que también llegó al n° 1: más big beat del bueno que estuvo en boga a mediados de los 90’s, y otro video oscuro y alucinógeno con Keith y Maxim cada vez más delirantes. Gracias a esto, los Brit Awards del 24 de febrero de 1997 no fueron indiferentes con The Prodigy: tanto “Firestarter” como “Breathe” fueron nominados en la categoría Best British Video (e injustamente derrotados por las Spice Girls) y levantaron el premio a Best British Dance Act, venciendo en dicha categoría a los mismísimos Chemical Brothers y a Underworld. No es pavada. Digamos que estaba todo excelentemente perfilado para que el álbum fuera lanzado exitosamente. Justo para ese momento, la banda fue uno de los números más destacados del festival de Glastonbury de ese año junto a Radiohead. El 30 de junio de 1997 finalmente se edita en el Reino Unido “The Fat of The Land”. Era el más

puro big beat que representaba una oda al hardcore techno con elementos de rock industrial y punk, aunque por la imagen del grupo sería más bien ciberpunk. Contenía además el que sería el polémico tercer single “Smack My Bitch Up”, que generó todo tipo de crítica negativa de organizaciones como la National Organization for Women por su letra supuestamente misógina y promotora de la violencia hacia las mujeres (letra que solamente repite la frase “Change my pitch up, smack my bitch up”), así como su video también despertó controversia y llegó a ser prohibido por la BBC y restringido en MTV. Lo cierto es que “Smack My Bitch Up” es un dance track irresistible que inició una suerte de culto, y abría la placa de la mejor manera posible. El segundo track era el ya archiconocido hitazo “Breathe”; en tercer y cuarto lugar llega el atractivo funky hip-hop de “Diesel Power” y “Funky Shit” como momento aparentemente calmo, volviendo a dispararse toda la contundencia visceral en “Serial Thrilla”, otro pasaje tan efectivo como “Smack MBU” que deja asentado que la intención del grupo es no dejarnos bajar

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de ese estrato. Y no lo hace en ningún momento, porque la segunda mitad del disco puede resultar menos enardecida pero de igual calidad, y de todos modos contiene energía concentrada en la ya conocida “Firestarter”, la envolvente “Climbatize” que es imposible de reprimir a la hora de sacudir pies o cabezas, y el cierre a todo trapo con la arrolladora y rabiosa “Fuel My Fire”. “The Fat of The Land” no solo fue #1 en Inglaterra, sino también en la mayoría de los países europeos, y además en Estados Unidos y en Australia. En los Brit Awards de 1998 fue nominado a mejor álbum

del año y mejor grupo, y en los Grammys también recibió una nominación. Más allá de todas estas distinciones, lo importante es su legado. Un disco demoledor, impactante, arrasador, con un vigor que solo habían logrado en aquellos años artistas como The Chemical Brothers o Propellerheads, pero con ese toque punk que estos por entonces referentes de la electrónica no poseían ni buscaban. El electropunk de “The Fat of The Land” es ni más ni menos que un placentero hachazo a la cabeza. Y como tal será recordado: como una obra maestra de su género.

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The Foreign Resort | She Is Lost Label: The Foreign Resort bandcamp Fecha de Lanzamiento: 19 de Abril de 2017

The Foreign Resort está en este número entrevistados pero no queríamos dejar pasar el single del que hablamos en esa entrevista. Más allá de lo que diga Mikkel nosotros vamos a darles nuestra mirada al single. A primera escucha el track nos recuerda a New Order pero a medida que el track avanza va haciendo que esa primera impresión desaparezca y nos sumerge en ese ritmo frenético que no decae hasta que culmina She Is Lost. El trio danés se las arregla bastante bien para mantener la atención y la actitud post punk en todo el track. Por momentos podemos sentirnos como en algún lado B de alguna canción de Pornography de The Cure, porque la tensión recargada en la canción es influencia explícita

de la banda. Cureanos banda para ustedes.

A VICTIM OF SOCIETY | Freaktown Label: Inner Ear Records / Fuzz Club Fecha de Lanzamiento: 26 de Abril de 2017

A Víctim of Society también se encuentran en este núnero en una entrevista,pero si no la has leído, tecontaremos un poco sobre este álbum. A Victim of Society es una banda que se suma a esta ola de bandas nuevas que rockea con fuerza atronadora con maneras psicodélicas muy de esta época. La banda nace Atenas (Grecia) en el 2011 y si bien inicialmente fue un dúo formado por Vagelis Makris y Fotis Ntouskas, desde el 2015 se le suma Padelis Karasevdas, y se establecen como trio. Con el primer álbum “Distractions” con ácidas y aguerridas canciones fueron afianzándose en la agitada escena Europea abriendo para bandas como The Black Angels, Moon Duo, Dirty Beaches o Disappears. Pero el 2015 con el tercer miembro se afianzan. Este álbum marca un quiebre en su sonido ya que a todo la rabiosa psicodelia que traían, con la inclusión de la batería le sumó un extra importantísimo a la carga de frenetismo y psicoticismo que su sonido que ya

generaban como dúo. Actualmente han editado un nuevo álbum, el segundo, Freaktown, lanzado bajo el sello Inner Ear Records. El álbum trae un conjunto de ocho brillantes canciones que nos llevan por un lisérgico viaje sin respiros durante los 41 minutos que dura el álbum. Y que nos da ganas de repetir en modo "play all" una y otra vez. A Victim of Society es la mezcla perfecta entre Black Rebel Motorcycle Club y The Black Angels. Soberbio álbum.

BLACK NEEDLE NOISE WITH BILL LEEB | A Shiver Of Want Label: Black Needle Noise bandcamp Fecha de Lanzamiento: 28 de Abril de 2017

John Fryer ha editado un nuevo single con el proyecto del cual hemos hablado con él en un número reciente. Esta vez junto al gran Bill Leeb de Front Line Assembly. A Shiver Of Want es una oscura, atmosféricamente recargada de sonidos industriales, y hacia el medio del track, un fuerte pulso de guitarra distorsionada invade de apocalípticas imágenes pesadillescas que se acrecientan con el susurro casi malicioso de Bill, que le aporta lo que más saber hacer, climas industriales y que John recrea de manera perfecta enmarcando la presencia de Leeb. Fryer estimula con atmósferas lúgubres y oscuras el espacio ideal para que Bill se maneje con soltura, creando un track corrosivo e inquietante.

SYSTEM CORPORATION | Dismal Universal Hiss

Label: System Corporation bandcamp Fecha de Lanzamiento: 28 de Abril de 2017

En el número anterior hemos entrevistado a la banda y ahora nos centramos en el single que dio origen a esa charla. El single pertenece al álbum debut que llamará “Fiction Dept.” según nos contaba su vocalista y bajista Scott Newth aún en proceso de mezcla. El track tiene un comienzo en “fade in” con la banda (trío) sonando a pleno. Un ritmo que enseguida trae a la mente a los Black Rebel Motorcycle Club, y luego del primer impáse eso se acrecienta, pero enseguida uno cae sojuzgado por el sonido arrollador de la guitarra y el tremendo ritmo de los tones de la batería. Un solo trac y como hemos ha-

blado en la entrevista con Scott da ganas de escuchar lo que viene.

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Swans | Deliquescence Label: Young God Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Mayo de 2017

Deliquescence es un álbum en vivo de edición limitada (sólo 3.000 copias en CD) son 155 minutos de una de las mejores bandas de rock experimental de todos los tiempos. La formación es Michael Gira, Phil Puleo, Norman Westberg, Christoph Hahn, Christopher Pravdica, and Paul. Grabado en dos conciertos en el 2016 The Regency Ballroom, San Francisco el 03 de Septiembre y en Huxley's Neue Welt, Berlin el 18de Octubre. La banda de Michael Gira en su gira de despedida han dado grandes, grandes conciertos, como el de Buenos Aires, en donde con tapones para los oídos, nos han dejado boquiabierto con el despliegue sonoro de, además de un volumen extremadamente alto (por eso lo de los tapones para los oídos), han dado un Shock de energía difícil de igualar por alguna otra banda. El setlist es similar al presentado en la gira Sudamericana, con el imponente "The Knot" de un poco más de 45 minutos de duración, en donde nos mete de lleno en un mundo de olas de corrosivas y por momentos mantricas. Hay tres canciones que nunca fueron grabadas, ésta es la primera de ellas. "Screen Shot" tiene ese rebuscado ritmo que mantiene alerta al oído. Todos los instrumentos son como dagas que aparecen amenazantes con cortarnos en cualquier momento. "Cloud of Forgetting" continúa con este ritual fantasmagórico, ya que la banda suena pero ya estamos tan adentro del mundo caótico de los cisnes que no podemos despegarnos del sonido."Deliquescing" es otra de las canciones nunca grabadas en un álbum, con un comienzo que parece tranquilo vamos, a través de 10 minutos de canción, situándonos

en el medio de una tormenta enigmática y peligrosa, pero atractivamente sugerente y ritualezca. "Cloud of Unknowing" de casi media hora de duración, es una invitación al salvajismo hipnótico llevado de la voz casi primitiva de Michael Gira. Imposible mantener los ojos abiertos y quedarse quieto, con este ritmo monótono y cortante, que desemboca en un caos sonoro y Gira oficia de sacerdote en este aquelarre experimental. "The Man Who Refused to Be Unhappy" es la última de las canciones nunca registrada en un álbum. Son casi diez minutos de suspenso en donde sabemos que algo estallará, y que sólo esperamos ese momento con ansias. Pero el ritmo se acelera y el cuerpo seguramente empezará a danzar caótica y espasmódicamente. Finalmente llegamos a la última canción "The Glowing Man", y es otra extensa y tremenda canción que nos lleva por todos los estados, ansiedad, desesperación, calma tensa, histeria, alienación. Para terminar agotados y dulcemente aturdidos.

Erasure | World Be Gone

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Label: Mute Fecha de Lanzamiento: 19 de Mayo de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

“En realidad lo mío es la luz, hacer música edificante”, dijo alguna vez la voz de Erasure, Andy Bell. Por lo tanto, el mundo debe estar bastante jodido para que Erasure saque lo que es casi un disco de protesta. En el épico himno que le da título al álbum, Andy prácticamente se despide del mundo por haberlo decepcionado. En el notable tema que le sigue, “A Bitter Parting”, no queda claro si le sigue diciendo adiós al mundo o a una persona en particular – como si realmente hubiera una diferencia. Vince Clarke, mientras tanto, estuvo escuchando The Orb y produjo el disco por su cuenta a diferencia de los últimos dos, donde la banda había incorporado a productores externos en un intento (no del todo infructuoso) de sonar más modernos. El resultado es un álbum mayormente midtempo, que combina la gracia natural de Erasure para el songwriting con sutiles pero interesantes toques de experimentación. En “Take Me Out of Myself” el bridge es el estribillo, y aun así funciona. “Oh What a World”, de haber estado en el último disco de Depeche Mode, lo hubiese salvado, con su balance perfecto entre melodía y oscu-

ridad. Pero si por un momento pensamos que Erasure se ha vuelto cínico, no desesperemos. Andy aún nos ama hasta el cielo (nos lo dice en el single, donde Andy agota sus clichés líricos a propósito para satisfacer a la discográfica), y el mensaje final (en “Just a Little Love”) es que es el amor lo que nos salvará, un mensaje trillado pero cierto, y potenciado especialmente por un disco cuyo booklet contiene 16 páginas enteras con los nombres de los fans que siguen creyendo en Erasure, y por ende, en el amor que predican.

La Vida en Familia | LVEF Label: Yolanda Discos Fecha de Lanzamiento: 01 de Junio de 2017

Este trabajo debut es un EP de tan sólo tres canciones, que nos dejan con ganas de más. "Imperial" abre el trabajo de manera relajada y armoniosa con un dulce sabor a atardecer primaveral. Una construcción sonora cuidadosamente arreglada como un manantial artificial en un jardín. "Dubai" tiene alma de hit meleriano, sin perder la esencia familiar de la banda. Una canción delicada y con sutilezas muy pensadas. "El fantasma de la Libertad" tiene una cadencia de siesta veraniega, esas tardes en donde se habla en voz baja, íntimamente sobre esas cosas de la vida que no se hablarían en otro momento. Tiene ese resplandor del sol filtrándose entre las hendijas de la persiana de la habitación, pero cargado de ese aroma a naturaleza viva que, si agudizamos el olfato en primavera y verano, se puede percibir en el ambiente. La Vida en Familia es un dúo conformado por Sebastián Man en voz, guitarra, teclados y Nina Seeber en teclados y coros; y en la grabación participaron Benjamín

Ochoa en bajo; Luis Herrera en octapad y batería; Lucila Glass en teclados y Pablo Ríos en percusiones conforman la estructura sonora de este bello EP, más la colaboración de Francisco Messina en guitarras en "El fantasma de la libertad". Un EP que esperamos que sea el paso previo al álbum y que ni se demore mucho, porque estos trabajos son los que hacen que desaceleremos la vertiginosa carrera diaria.

Roger Waters | Is This The Life We Really Want? Label: Univeersal Music Fecha de Lanzamiento: 02 de Junio de 2017

Hablar de un nuevo trabajo de Roger Waters, después de su último trabajo en estudio “Amused to Death” (1992), puede parecer que hablaremos de un dinosaurio del rock que se ha dormido en los laureles de una modalidad de composición que le trajo rédito de un gran disco y después se mantuvo repitiendo esa fórmula. Y en Roger tal vez sea el caso desde aquel momento en los fines de los setenta en donde ideó el fantástico The Wall con su antigua banda Pink Floyd. Pero sería muy fácil decir que Waters hizo un disco más con similitudes a todo lo que venía haciendo. Pero pensemos por un momento... Roger tiene setenta y tantos años... Roger y su antigua banda han sido los exponentes de muchos de los géneros que hoy están en boga y en los cuales muchos se apoyan para generar música en la actualidad... Roger (junto con los aún vivos, David Gilmour y Nick Mason) fueron una de las piedras fundamentales del rock de finales de los sesenta, los setenta y gran parte de los ochenta... y

New Single July, 14 2017

https://ashorelinedream.bandcamp.com/

sus discípulos hoy crean canciones con el sonido que ellos ayudaron a crear... entonces... un nuevo disco de Roger Waters... pongamosno de pie señores... no somos dignos de decir si un disco es malo o bueno de esta leyenda... Simplemente sientense a disfrutarlo... Aprovechemos que aún no ha partido como muchos grandes, después no habrá lugar para lamentos, y mucho dirán "éste fue un gran disco". Nosotros ya lo recomendamos.

Cigarettes After Sex | Cigarettes After Sex Label: Partisan Records Fecha de Lanzamiento: 09 de Junio de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Después de cinco años de primer EP, I, y dos de su single Affection, la popularidad de la banda de Greg González fue creciendo como la espuma. Ahora, Cigarettes After Sex se enfrentan al siempre arriesgado ejercicio del primer álbum con el añadido de ser uno de las revelaciones de la temporada. Tras el éxito cosechado en temas como “Nothing’s Gonna Hurt You Baby”, “Dreaming Of You” o “Affection”, el cuarteto capitaneado por Greg González pone toda la carne en el asador con este trabajo homónimo, afianzándose así como una de las grandes revelaciones del indie minimalista. Los diez temas que componen este disco homónimo, Cigarettes After Sex, nos adentran en lo que ya de sobra conocíamos de ellos: un dream-pop lánguido e hipnótico (digno heredero de Mazzy Star o la propia Hope Sandoval en plan solista) lleno de matices oscuros. Las sinuosas melodías y una voz casi susurrada consiguen presentarnos todo aquello que son en esencia: melancolía y añoranza por los momentos amorosos y eróticos pasados. Los tejanos apuestan por lo que de sobra dominan, llegando a exprimir demasiado sus virtudes, lo que

puede hacerlos en ocasiones repetitivos dentro de su sólida eficacia. Si bien a muchos les puede resultar muy lineal en su conjunto, el disco logra mantener el nivel a lo largo de toda su duración y hasta mejora con las sucesivas escuchas. Cigarettes After Sex contiene piezas de gran calidad como son los casos de “Sunsetz” o “Truly”, temas inéditos que te derriten a la primera escucha. Para enamorarse, desenamorarse y extrañar aquellos momentos…

Magic Shoppe | High Goodbye Label: Little Cloud Records Fecha de Lanzamiento: 16 de Junio de 2017

La banda de Boston, edita este EP luego del álbum "Wonderland" lanzado en octubre del 2016. El rock psicodélico sigue dando bandas que brotan con sus buenas propuestas, casi que deberíamos tener en espacio asignado al género en la revista. Un EP de cuatro canciones que abre con un sonido que mezcla en shoegaze con la psicodelia rockera, pero con un sonido que en vivo debe sonar explosivo. Estamos hablando de High Goodbye la apertura del EP. Luego la fuerza más psicodélica llega con la segunda canción Lost In Space, con grandes dosis de wah wah y distorsión. Her Ritual trae una carga potente de psicodelia rockera a lo The Black Angels, con esa voz hueca y el groove del bajo. My Mind's Eye cierra este

EP con una fuerte intervención de los acoples, dando la impresión de estar bajo un manto de caos sonoro, pero la canción tiene ritmo y una melodía que invita a moverse. Magic Shoppe es una de esas bandas que hay que descubrir si la psicodelia es lo tuyo. No la dejes pasar, no te vas a arrepentir.

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Fredzia | EP#1 Label: Fuego Amigo Discos Fecha de Lanzamiento: 21 de Junio de 2017

Otro lanzamiento de este prolífico sello argentino, amigos de la casa, Fuego Amigo Discos (FAD). Como cubierto con un manto de misticismo llega Fredzia con un EP de cuatro canciones nocturnas sin ninguna información a la vista de integrantes o alguna biografía que podamos contarles, ni siquiera los títulos de las canciones nos puede ayudar. No fue anunciado antes de su edición, no fue promocionado antes del lanzamiento, simplemente apareció con todas las incógnitas anteriormente mencionadas. Ahora bien, investigando un poco las cosas aparecen, y la información se abre como por arte de magia en cuentagotas. Podemos contarles que el álbum fue lanzado (casi en secreto) en marzo de este año y fue descubierto y relanzado por FAD. Si bien ella (la platense, Fredzia Gauna Aranguren) ya tiene algunas grabaciones anteriores (“Muestra”, un álbum de canciones cantadas). Pero como lo impor-

tante es la música, de esto hablaré ahora. EP#1 contiene cuatro piezas instrumentales (llamadas "hhh", "drk", "spc" y "blk"). Es cierta forma la música acompaña a este hermetismo fantasmal que recorre todo este lanzamiento. Canciones lánguidas, nocturnas, ambientales, sin muchos cambios de climas, homogéneo, trasnochado. Un trabajo que acompaña esa calma de la hora de la luz azul. ¡Adictivo!

La Otra Cara de la Nada | Sobre Premios y Tormentas Label: Yolanda Discos Fecha de Lanzamiento: 23 de Junio de 2017

Misiones es una provincia del Noroeste de Argentina. la banda de Ignacio del Pórtico y Germán Vazquez, Bruno Gross, Ariel Duce, Nicolas Peña y como Invitado: Diego Acosta. Juntos desarman en nueve canciones un mundo de sensaciones que van desde la dulzura y la pereza de la siesta del calor misionero hasta el desparpajo indie de las bandas que se enlistan en la sonoridad más casual y sin tantos procesos electrónicos. Formación simple, instrumentos simples para canciones simples y que lo más jugoso es lo directo y fácil de digerir este grupo de canciones que tienen un profundo colorido emocional y una cuota de magia que pocas veces se puede encontrar en bandas indies nuevas. Por momentos uno se encuentra con sensaciones veraniegas que nos llenan de brillos de un sol que penetra por una persiana entrecerrada. La otra cara de la Nada nos presenta este álbum lle-

no de melodías simples pero que por eso no dejan de ser hermosas y por si faltaba algo, es muy difícil encontrarle un punto flojo al álbum, tal vez porque no lo tenga.

The Beach Boys | 1967 Sunshine Tomorrow Label: Capitol Fecha de Lanzamiento: 30 de Junio de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

La genialidad artística del período post-Pet Sounds de los Beach Boys es uno de los secretos mejor guardados de la historia de la música. Uno de los puntos álgidos de este período es Wild Honey, un visceral e inmediato disco con influencias de R’n’B que debe ser uno de los álbumes más disfrutables jamás grabados: combina una frescura propia de un disco debut con la experiencia en producción y performance que los Beach Boys ya habían adquirido para esta época. Su clave es justamente sonar primitivo y espontáneo y a su vez que, por puro genio y experiencia musical, cada elemento de las canciones esté donde tenga que estar. Una nueva, cristalina mezcla en estéreo de Wild Honey es el contenido central de 1967 Sunshine Tomorrow, un set de dos discos que recopila prácticamente todo lo que la banda grabó en ese año. Entre las rarezas rescatadas, destaca el antes perdido disco en vivo (aunque sin audiencia) Live in Hawaii, donde los Beach Boys reinterpretan clásicos y algunos covers en versiones relajadísimas,

a tono tanto con el paisaje como con lo que podríamos llamar el período minimalista de Brian Wilson. Si bien a lo largo del set hay material que probablemente el aficionado sólo escuche una vez (tomas en falso, versiones alternativas decentes pero inferiores a las oficiales,) cualquier lanzamiento que eche luz sobre este maravillo período es más que bienvenido, sobre todo si viene acompañado del cuidado y amor aquí evidenciados.

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DERECHO DE PISO

NEIL EL SONIDO DE LAS FLORES MALDITAS [ Por Diego Centurión ]

Desde hace ya unas décadas que Italia están dando al mundo de la música exponentes interesantísimos de varios estilos musicales, sabemos y hemos presentado ya en estas páginas muchas del shoegaze, pero no todo es ese estilo de los años ochenta, también se atreve a darnos un muy buen exponente del rock alternativo con mucho de folk. Neil es un proyecto que tiene como punta de lanza a Neil Lucchetta. Un italiano nacido en la ciudad de Pieve di Soligo (Treviso). En el 2013 editó su álbum debut “Apart” y hace un mes editó su segundo álbum “Black Flowers”. Con ciertas diferencias marcadas pero como base siempre el folk y el uso de los sonidos más acústicos. En su segundo trabajo se vuelca más hacia el rock alternativo pero sin perder esa cuota de folk y el tono de lo acústico. Este nuevo trabajo tiene como miembros de la banda a Alessandro "Ake" Donazzon en bajo y a Andrea Breda en batería. Lo cual hace que las canciones tengan otros paisajes. “Black Flowers” está inspirado en el libro de Charles Baudelaire “Les Fleur du Mal”, lo cual le da un tono más oculto al sonido del álbum, porque si bien tiene como base el sonido de la guitarra acústica, se atreve más a sonidos convencionales y más estridentes. Pero en cierta forma eso le sirve, además de endurecer más su música, para alivianar con un poco de pop pasajes del álbum y hacerlo mucho más refinado. Seahorse Recordings se encargó de la edición de su segundo trabajo el pasado 26 de mayo, pueden encontrarlo y escucharlo en bandcamp.

Pueden encontrar a Neil y seguirlo en sus redes sociales: Facebook: http://www.facebook.com/neil.apart Bandcamp: http://neilapart.bandcamp.com/ Soundcloud: http://soundcloud.com/neilmusic YouTube: http://www.youtube.com/channel/UC-ELzFdr29C5HRNl-dle2lQ/videos Instagram: http://www.instagram.com/neilapart/ Twitter: http://twitter.com/Neil_Apart

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SOBRE LA PORTADA

Fish Año: 2009 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 1 x 1 mts. ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”. Este cuadro pertenece al Período del artista denominado "Período Mandalas". Este período tiene un gran significado para el artista, ya que explota el concepto de la psicodelia de una manera espiralada y a la vez, pertenece a unos de los períodos en donde las obras son de mayor tamaño. Redes Sociales del artista: http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

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