Revista the 13th Número 31 by Revista The 13th

The13th AÑO: 3

NÚMERO 31

UNA R E VISTA IMA GINARIA

JOHNNY INDOVINA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

REALIZACIÓN Y DISEÑO Diego Centurión sobre un diseño de

[ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Alex Bretto

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jiménez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Literatura ]

Erick R. Vieyra

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Gabo Rojo

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Marianarchy Deadbilly

Jefe de Departamento de Literatura:

Marcelo Simonetti

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Max Wilda

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Jefe de Departamento de Música:

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Esteban Galarza

[ Fotografía ]

Ricardo Padilla (Oriani_K)

Nazarena Talice, Lily Moonster,

REDES SOCIALES:

J.D. Daire Alujas

Johannes Rossini.

Luca Nicolás Centurión Mogilner

Damián Snitifker

Julieta Curdi.

Darío Martinez Patricia Claudia Fiori Marina Cimerilli COLABORAN EN ESTE NÚMERO Las bandas que han ofrecido sus fotos. CONTACTOS issuu.com/revistath13th

Instagram:

facebook.com/the13thlarevista

revistathe13th@gmail.com

http://www.instagram.com/revistathe13th

twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Octubre, 2016

bien podría hablarse que ya estamos en el camino que quisiéramos pero aún estamos aprendiendo el camino a seguir. Sin embargo estamos editando el número treinta y uno de la Revista The 13th y nos sentimos orgullosos del esfuerzo que seguimos haciéndopara editar este producto. Tenemos dos nuevos integrantes en el Staff, dos chicas más que se suman tímidamente a nuestro Staff, en música tenemos a Marina Cimerelli y en Literatura se presenta Valeria Pomidoro, como tituló en el número anterior (otra de nuestras chicas Patricia) "El poder de las Chicas". Sin olvidarnos de nuestra artista plástica que realiza nuestras portadas, Sunny Pebé. Tenemos unas entrevistas exclusivas, en primer lugar nos contactamoscon Johnny Indovina quien nos habla del regreso de Human Drama, también tenemos nuevos artistas de habla inglesa Rachel Mason, con los rockeros de "Muertos", los sorpredentes y nuevos "Dalton Deschain and the Traveling Show" y "Dyr Faser". También en el plano local, entrevistamos a Regazzas y a Alan Courtis, quien en el número anterior reseñamos su último trabajo y de este hablamos. Y tenemos una entrevista a Leonardo Jaime (Resistor, Circo del Luto y Bat Beat). En tema de Cine nos metemos con John Waters y algunos de sus films. Pero también nos ocupamos de la serie "The Hight Of ". Y la Literatura nunca falta. Y como siempre las secciones fijas en nuestra Revista. Un pequeño homenaje a Caroline Crawley quien ha partido hace unos días. Esperamos sus comentarios...

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE EL NUNCA QUERER DESPERTAR Adiós a Caroline Crawley por Diego Centurión.................................................................................................................06 ABRIENDO SENDEROS Entrevista a Leonardo Jaime por Alejandro Cenizacromada.............................................................................................10 TRES X UNO por Diego Centurión, Nicolás Ponisio, Pablo Ravale.........................................................................................................18 NOS ENTREGAMOS A LA BÚSQUEDA Entrevista a Regazzas por Diego Centurión.......................................................................................................................22 EN ESTADO DE GRACIA The Mission - Another Fall From Grace por Marcelo Simonetti.........................................................................................26

ES FUNDAMENTAL SENTIRSE CÓMODO EN EL ESTUDIO Entrevista a Rachel Mason por Diego Centurión ..............................................................................................................34

EL REGRESO DEL HUMANO DRAMÁTICO Entrevista a Johnny Indovina por Bernardo Jiménez Mesa ..............................................................................................42 Entrevista a The Peppersplum por Patricia Claudia Fiori .................................................................................................... 32 LA MEZCLA CORRECTA DE INFLUENCIAS Entrevista a Dalton Deschain por Diego Centurión...........................................................................................................50 CREO QUE ENTRE LOS TRES HACEMOS UN RUIDO AGRADABLE Entrevista a "Muertos" por Diego Centurión .................................................................................................................. 54 "TRÍO" ES EL NUEVO SONIDO DE DYR FASER Entrevista a Eric Boomhower from Dry Faser Por Diego Centurión ................................................................................. 60 ES BASTANTE DIFÍCIL PREDECIR ALGUNOS SONIDOS Entrevista a Alan Courtis Por Diego Centurión ................................................................................................................ 64 MUSIC CORNER La Máquina de Hacer Pájaros: El Yes del Subdesarrollo Por Alex Bretto. .......................................................................68 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA A Vision Softly Creeping por Gabo Rojo. ........................................................................................................................72 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98

PALABRAS EN LA ARENA “EL SUTRA DE LA DORADA ETERNIDAD”, de Jack Kerouac por Pablo Ravale...........................................................78 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE "GRANDES POLARIDADES DEMONÍACAS DE LA CREACIÓN" por Pablo Ravale......................................................81 "CARNE CRUDA SIN SABOR" por Valeria Pomidoro...................................................................................................82 HIDDEN TRACK ...............................................................................................................................................................84 EN CONCIERTO ENTRE BRUJERÍAS, MUÑECAS, INDUSTRIAS Y TURRAS. Nexus-6 y Richter en Pop al Rojas. Por Maxx Wilda. Retoques Fotográficas: Lily Moonster..........................................88 RESCATE CINÉFILO JOHN WATERS: THE FILTHIEST DIRECTOR ALIVE.....................................................................................................96

BAD TASTE por Nicolás Ponisio ..................................................................................................................................98 ARTISTIC TROUBLE por Nicolás Ponisio....................................................................................................................100

UN BAILE PARA CAMBIAR AL MUNDO por Jimena Patiño.......................................................................................102 REBELDE WAY por Nicolás Ponisio............................................................................................................................105 QUE NO SE ENTERE MAMÁ por José Luis Lemos....................................................................................................107

¿LLENA ERES DE GRACIA? Por José Luis Lemos......................................................................................................109

DESDE LAS TRINCHERAS DEL SÉPTIMO ARTE por Jimena Patiño..........................................................................111

EN BUSCA DEL SEXO PERDIDO por José Luis Lemos..............................................................................................114 EL ESCRITOR SERIAL

TRUE LAWYER por Nicolás Ponisio...........................................................................................................................117

PURA MELOMANÍA EL ALMA DE TOOL Por César León.............................................................................................................................122 EL HIJO PRÓDIGO SALTA AL VACÍO por Diego Centurión........................................................................................123 SUPERANDO CUALQUIER OBSTÁCULO por Pablo Ravale.......................................................................................125 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? THE KILLERS - SAM'S TOWN & LYNCHBURG LEMONADE por Maxx Wilda .............................................................126 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................128

DERECHO DE PISO

WEIRD. La Onírica nube italiana por Diego Centurión...............................................................................................142

EL NUNCA QUERER DESPERTAR [ Adiรณs a Caroline Crawley por Diego Centuriรณn. ]

El cuatro de octubre pasado nos encontramos con la

Wink, en la canción "I'm On Fire" del álbum Herehear (1998).

triste noticia de la partida de Caroline Crawley, con sus 53 cortos años nos ha dejado el recuerdo de su dulce voz en muchas

¿Qué decir de la voz de Caroline si nunca la han escu-

grabaciones. Y siempre nos quedará en la memoria su voz en la

chado? Así como la voz de Elizabeth Fraser es la voz de Dios, la

versión de “Late Night” para el colectivo musical llamado This

voz de Caroline es la voz de un ángel, frágil y etérea, que oculta

Mortal Coil.

en esa larga cabellera enrulada rojiza y esos ojos claros que de-

Un 8 de agosto de 1963 sale al mundo de la femini-

rrocharon bondad al lanzar melodías diáfanas como indómitas,

dad de su madre y recién en 1980 aparece su primera participa-

porque su delicada voz no era nada común, nada terrenal, ella

ción en la música, y nada más ni nada menos que la banda que

podía darle otro sentido a una canción, ella podía simplemente

la hizo conocida Shelleyan Orphan, banda que la llevaría entre

liberarla hacia la eternidad.

otras cosas a conocer a The Cure, y participar en su “The Player tour” en 1989 y entablar una relación cercana con sus miem-

Si bien no tuve la repercusión que debería haber con-

bros, sobre todo con Boris Williams, con quien formaría años

seguido, muchos de los que leen o escriben esta Revista, sabrán

más tarde Babacar, con la participación de Porl Thompson. En

apreciar este sentimiento de dolor que me invade al escribir es-

el concierto del pasado 7 de octubre en Helsinki, Robert Smith

tas líneas de “despedida”, y lo pongo entre comillas porque uno

dedicó la canción “The Last Dance” a Caroline.

nunca se despide de la buena música.

Pero en 1991 hizo su mayor colaboración junto a This

Mortal Coil en el álbum “Blood”, poniendo su dulce voz en can-

La sensación que hoy siento, en un año que se ha lle-

ciones como "The Lacemaker", "Mr Somewhere", la anterior-

vado a muchos artistas que no tendrían que haber desaparecido

mente mencionada "Late Night" y "Help Me Lift You Up".

físicamente, es El Nunca Querer Despertar de esta pesadilla que

Podemos mencionar algunas colaboraciones más,

como en la canción de Spiritualized, "The Slide Song" del álbum “Pure Phase” (1995). También en el segundo disco de Josh

se lleva a los que nos marcaron.

Hasta pronto Caroline, me despido escuchándote, y

seguiremos unidos en cada canción.

[ Entrevista a a Leonardo Jaime de Resistor, Circo del Luto y Bat Beat por Alejandro Cenizacromada. ]

ABRIENDO SENDEROS

Leonardo Jaime es una figura relevante dentro del panorama siniestro en Colombia, no solo por su trabajo dentro de sus bandas Circo del Luto (Darwave, Dark Cabaret, Post punk) y Resistor (E.B.M, Dark Electro), sino también por ser un promotor incansable de la escena gótica en Colombia. Bat Beat es una organización liderada por él y por el señor Camilo Alfonso, que en lo que tengo entendido, comenzó por allá en 2009 con la realización de compilados como Let’s go Bats (el primero llegó a ser reseñado por periodistas legendarios de la escena como el inglés Mick Mercer). Bat Beat es una organización dedicada a realizar fiestas, conciertos y eventos alrededor de la escena oscura. Todo se ha hecho por un amor inconmensurable por la música, y por fortalecer la escena. Gracias a la gestión de Bat Beat hemos tenido el privilegio de tener bandas de culto en Colombia como Clan of Xymox y Eyaculación Post Mortem, abriendo escena. Pero volvamos al personaje al que está dedicada esta entrevista, el señor Leonardo Jaime: Hola Leonardo, es un honor tenerte en Revista The 13th y queremos conversar sobre tus proyectos

¿Cómo fueron tus comienzos dentro de la música siniestra, como te acercaste a ella? Yo diría que todo comenzó desde que empecé a adquirir criterio musical, eso fue más o menos entre 1998 y 2000. Tuve la oportunidad de tener MTV en el cable de televisión que teníamos junto con mis hermanos y que veíamos al llegar del colegio comenzando a descubrir mucha música. Encontramos cosas que no conocíamos, entre ellas a Rammstein, Chemical brothers, Korn y todo eso, que si bien uno no distinguía de géneros, le empiezan a quedar sonidos que le gustan a uno mucho. En mi caso a mí me gustó mucho Rammstein y poco a poco fui conociendo más cosas que se me parecían. En el colegio con mis compañeros socializábamos sobre la música que nos gustaba, y evidentemente uno encuentra un grupo en el cual uno tiene más afinidad en cuanto a lo musical o lo artístico. Entonces intercambiábamos cosas que nos gustaban, obviamente empezando por Rammstein

y posteriormente expandiendo el espectro con otras bandas de Rock y de Metal. Fue así como un día conocí, por recomendación, a Lacrimosa. Nunca había escuchado ese tipo de música, tendría yo por mucho 16 años. La primera canción que escuché de Lacrimosa con el Internet super lento de aquel entonces fue Seele in Not y aunque en principio no me gustó, decidí seguir buscando. Después escuché Crucifixio y en ese momento quedé bastante interesado. Posteriormente y escuchando música de playlists de mi hermana, recuerdo escuchar Hocico. La primera canción que escuché fue Ecos, y desde ahí empecé a averiguar más. Encontré a Spetsnaz, a Clan Of Xymox, a Sopor Aeternus, entre otros, y fui guiándome por foros y por páginas especializadas de estos géneros que no eran fáciles de encontrar, y tampoco de entender pero el interés de aprender mueve más que cualquier otra cosa. MySpace también fue una plataforma maravillosa, donde conocí personas que también tenían interés por esta música y gracias a eso adquirí mayor conocimiento. Tuve también la oportunidad, antes de MySpace, de relacionarme con personas como Diego Villa, fundador de Bogotá Batcave mediante foros de música y cultura gótica. Diego particularmente me explicó muchas cosas relacionadas a estos géneros y me dio a conocer otras bandas, me dio muchas sugerencias sobre la movida local, y eso es algo que la verdad valoro mucho porque aún las tengo en cuenta. Hacia 2008 decidí comenzar a intentar hacer música y ahí nació Circo del Luto. No puedo decir que conocí de esto desde que era un niño, pero sí puedo decir que fui muy feliz cuando despertó mi interés y deseé seguir aprendiendo, y lo sigo haciendo. ¿Cómo fueron los inicios de Bat beat? Más o menos en 2009 con unos amigos que también tenían sus bandas como Daniel Andreas de la banda Post punk Tragedia doméstica, Andrés de Metro Ketamina/Pitchipoii y Dimitry de Ewiges Delirium, nos pusimos de acuerdo para hacer una fiesta y poder tocar juntos en vivo. Buscamos proponer una experiencia nueva en la escena underground siniestra colombiana. Nos dividimos los roles, fue un esfuerzo conjunto interesante y logramos hacer

la primera Bat Beat Party. Posteriormente en 2011 con Camilo Spiritual Bat decidimos revivir la idea y hacer la Bat beat party 2, invitamos algunos Djs en una época que no había tanta movida en lo que recuerdo porque habíamos salido de un momento muy polarizado en la misma. Hacia finales de ese mismo año nos pusimos de acuerdo los que habíamos hecho la primera fiesta, además de Camilo y así fundamos la marca Bat beat con el fin de consolidar la escena nacional, abriendo medios de comunicación como un portal en internet y buscando crear espacios y eventos. Ya llevamos 5 años, y esperamos cumplir muchos más. ¿Qué tan difícil es sostener una organización como Bat Beat? ¿Cómo se dividen los roles junto con Camilo? Yo diría que lo más importante es la constancia y el amor por lo que se hace. Realmente la pasión por seguir lo que comenzamos a hacer más de cinco años atrás, abrir espacios, mostrar artistas que en la escena de Colombia son realmente buenos. Con Camilo nos dividimos las tareas con relación a los proyectos internos de Bat beat. Es decir, Camilo tiene una gran reputación, un gran conocimiento de toda esta música y una excelente relación con las personas, además de ser el creador de los compilados colombianos de música siniestra Let´s Go bats, que de hecho son los primeros en hacerse con respecto a la movida en Colombia. Por mi parte, se me facilita un poco el tema del diseño o el desarrollo de nue-

vas ideas. Con Camilo nos dividimos las tareas en un 50/50 constantemente. Camilo es bueno en muchas cosas que yo no y viceversa, es así como tenemos una excelente relación para llevar acabo lo que nos proponemos dentro de Bat beat. Cuando uno de los dos tiene una mejor disposición de tiempo o espacio para hacer las cosas toma la tarea, sin dejar de lado a la otra persona que colabora con opiniones e ideas. Esto, más la ayuda de muchas personas que nos apoyan y nos rodean es lo que nos ha permitido lograr y cumplir con todo cuanto hemos propuesto. Eso es muy bonito y muy motivante. Circo del Luto es tu lado cercano al rock gótico dentro de tu labor como artista, vi un sólido performance el día que abrieron para Clan of Xymox, ¿Qué proyectos se vienen con la banda? Aunque sé que se han tomado un receso porque Michael Saenz (el vocalista) se va a radicar en otro país. Circo es mi primera creación personal, de hecho existe antes de Bat beat. Lo que se viene es tratar de sacar un disco completo, evidentemente muy “Do it yourself”, de forma independiente. Ya materializando en estudio todas las canciones que hemos interpretado en estos años y algunas nuevas. Hay muchas canciones que no están grabadas pero que muchos las han escuchado en vivo. El formato no lo tenemos claro, ni tampoco la fecha de salida, pero esperamos que sea el próximo año. Por el lado de los eventos en vivo, quedamos en stand by porque Michael está en Estados Unidos, siempre hemos

sido los tres y queremos que siga siendo así.

Colombia es enorme.

Veo que cada miembro de Circo del luto tiene gustos muy variados, en colectivo ¿Qué influencias tiene la banda? Todos tenemos diferentes corrientes a nivel musical y eso ha hecho que al final nuestro sonido sea (yo considero) fácil de reconocer. Como base tenemos de influencia de grupos como Cinema Strange (eso se nota en nuestras primeras canciones) o artistas de Dark cabaret como Tiger Lillies e incluso Pitchipoii, tal vez la primera banda abiertamente Deathrock de Colombia. Para nosotros es importante hacer una mezcla de todo cuanto nos gusta. Desde la existencia de Circo hemos pasado por varios géneros que nos han influenciado, desde Electro Punk hasta Dark Cabaret, incluyendo Darkwave, Post Punk y Electronic Body Music.

Personalmente me ha gustado mucho la manera como trabajas las programaciones en tu música ¿Cuáles son tus influencias? ¿Cuánto tiempo te tomas para crear una canción de Resistor? Depende de la inspiración, depende si lo que estás haciendo te llena o no te llena. Si te remueve en la cabeza, si cantas y al final te das cuenta que no cuadra lo que quieres expresar, tienes que volver a comenzar con todo. Porque la letra puede cuadrar pero la melodía no. Puede tardar una semana hasta uno, dos o varios meses. Influencias en Resistor, van desde Rammstein, Die Krupps, Nitzer Ebb, un poquito de Front 242, Pouppee Fabrikk, Orange sector y Spetsnaz porque fue la primera banda que conocí por encima de todo, hasta Artistas nacionales como Psyborg Corp y Struck 9 porque admiro mucho la forma en que han hecho las cosas. Últimamente me han influenciado también grupos no tan ligados al EBM old School sino que tienden puentes con el Techno más directamente junto con otros géneros como The horrorist, Equitant o Schwefelgelb. Son sonidos que nos inspiran para seguir evolucionando, si bien ahora nos encontramos muy orientados aun al Old School EBM en este momento.

Vi con agrado la inclusión de la cantante Angelye Rojas, que brindaba más fuerza a los temas de Circo del Luto ¿has pensado en incluir su voz en algún tema de tu proyecto Resistor? Pues es innegable que uno de los factores de éxito en la presentación en que le abrimos a Clan of Xymox fue Angelye, es verdaderamente talentosa con su voz y una persona magnífica. Con respecto al cantar con Resistor uno nunca se sabe. Sé que a ella le gustan los ambos proyectos, entonces puede que una colaboración suceda en un futuro. Resistor es tu proyecto de E.B.M en solitario, y ha tomado mucha relevancia dentro de la escena, llegando a tocar incluso en México. ¿Qué tal ha sido esa experiencia? Fue muy bonito porque no íbamos con mayores pretensiones. Nos pusimos en contacto con algunos amigos que nos permitieron la posibilidad de poder tocar allí al ver nuestra intención de viajar. Los asistentes nos recibieron con demasiada calidez, con mucho cariño y con total energía. Son momentos emotivos que nunca se olvidan. México llama muy fuerte, y quiero volver muy pronto. La idea que teníamos de tocar en México era mostrar la calidad de bandas de este tipo de géneros que tenemos en Colombia para, de alguna manera, abrir las puertas a otros artistas de nuestro país. El talento en

¿Por qué el nombre de Resistor? ¿Cuál es el significado del logo de la banda? El nombre de Resistor existe básicamente por dos cosas; la primera fue un nombre en honor a mi papá, el oficio de él es ingeniero electricista y quería inmortalizarlo de alguna manera colocándole un nombre de un proyecto que ha sido escuchado a nivel local, regional y mundial. Y la segunda, porque es muy fácil de pronunciar en cualquier idioma en cualquier parte del mundo. El logo nace de lo que es el resistor, un componente eléctrico pequeño con cuatro líneas que comprenden resistencia eléctrica, disipación máxima y tolerancia. No voy a entrar a profundidad en teorías de física eléctrica, básicamente a nivel de imagen tomé estas cuatro líneas, cruzadas además por el símbolo internacional del resistor o de la resistencia eléctrica. Este logo, si bien evidente, pretende también explicar que menos es más, es electricidad total.

Has colaborado con otra banda importante de la escena Industrial nacional como Struck 9 ¿Cómo ha sido esa colaboración? ¿Han pensado en hacer cosas a futuro? Fue para mí uno de los momentos top del año. Trabajar con Andrés Orión, una persona demasiado sencilla, demasiado grande, demasiado artista, fue fantástico. Tocar en un escenario con un artista que te ha influido es de otro mundo, y además abriéndole a otros artistas que han influido en lo que escuchas ahora, como Combichrist y Hocico. En cuanto a colaboraciones hay que esperar a ver qué sucede. A mí me gustaría, pero lo tengo que hablar con él. ¿Hay algún tipo de música que escuches en la intimidad que nada tenga que ver con Gótico e Industrial? Aparte de industrial y de gótico tengo otros gustos, como subgéneros de metal, rock, pop o música clásica, entre muchos otros. La música es increíble, existe todo lo que uno imagine y lo que no. ¿Qué proyectos se vienen para Resistor? Tengo en mente dos proyectos a nivel de producción: Otro single y un disco completo, ambos para

2017. A nivel de shows, espero tocar fuera del país nuevamente. A nivel local tocar donde sea posible, con el ánimo de expandir el Electronic Body Music en el país, muchas personas no conocen de su existencia, y otras no saben que esta música ya se está haciendo desde hace unos años dentro del espectro musical nacional. ¿Qué temáticas manejan las letras de Resistor? Las letras tienen una temática variada, es un poco introspectivo, tienen que ver conmigo y con lo que siento en determinados momentos. No hay un contenido social, político o religioso. Es una especie de catarsis, en vivo trato de conectarme con lo que sentí al momento de componer y siento al momento de interpretar. ¿Qué música de la que estás escuchando ahora, nos recomendarías escuchar? De nueva cuenta recomiendo a Schwefelgelb, podría considerar que es mi banda favorita nueva junto a Qual, proyecto solista de William Maybelline (Lebanon Hanover); a The Beauty of Gemina de Suiza, que no son muy conocidos en Colombia pero que vale la pena que conozcan; A nivel local lo

que hace Alien:Nation, Jester La Juste y Synthetik Division; Blood Dance que una banda de Rock gótico de México y Ad Vitam, también de allá; Balvanera de Argentina; Resistencia de Perú. Hay como un resurgimiento del industrial de estados unidos como 3Teeth, Youth Code o High Functioning Flesh, hay mucha buena música, muy buenos artistas. Por ahora mencionaría a ellos, porque son los que recuerdo justo ahora, pero todos los días aparecen proyectos llamativos. ¿Qué bandas de la escena colombiana admiras? Admiro a todos los que tienen la valentía de materializar sus ideas en música, por mencionar algunos a Psyborg Corp, Struck 9, Alien:Nation , Jester la juste, Terrorkode, Los Malkavian, Los Neuronas, Synthetik Division, Dire Forze y otras que se me escapan pero que ya han iniciado su camino, además de otras más reconocidas como Estados Alterados, que inspiraron a realizar actos electrónicos en vivo a nivel nacional o Trauma Era, que si bien es un

proyecto inactivo, fue suficientemente valiente para hacer música abiertamente industrial hace décadas. Recomiendo mucho el proyecto de Joan Hortua (bajista de circo del luto), el cual tiene un live act en Vimeo llamado Embrujo verde, donde combina la colombianidad con el lado siniestro de las cosas. Finalmente para terminar ojalá hallan muchos más artistas que recomendar que se le midan a hacer este tipo de sonidos. La movida depende de la cantidad de artistas que hagan buenas cosas. Es el mensaje que quiero dar a aquellas bandas que envían sus temas a compilados como Lets go bats, a que no desistan y que luchen por su música, y a aquellos que tienen ganas de hacer música, que la hagan sin pensar en otra cosa que en expresar lo que desean y bajo los sonidos que más les gusten. Te agradecemos mucho tu tiempo esperamos escuchar más de Resistor y Circo de luto, como también que la organización Bat beat siga fortaleciendo por mucho tiempo la escena siniestra colombiana.

TRES POR UNO

Triptykon - Shatter CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Un círculo de negrura total en su interior comienza a ser ocupado por poco más de una decena de manos que se encuentran y rozan dentro de esa circularidad, similar a la mirada microscópica que observa el encuentro y rechazo de los espermatozoides en un intento fallido de ingresar al óvulo. Así como de pronto se conocen las manos las unas con las otras, también no tardan en alejarse lo cual da lugar a un juego de espacios y oscuridad que componen al video Shatter del grupo suizo Triptykon. Lo que podría ser considerado uno más entre la cantidad de videoclips que nos dan un vistazo a la banda en cuestión meramente tocando sus instrumentos, aquí marca la diferencia con la oscuridad de la canción y la reflejada en el aspecto visual. Una pared blanca comienza a ser intervenida como lienzo geográfico de la prehistoria por sombras que se abalanzan sobre el cantante y guitarrista Tom Gabriel Fischer mientras resuena en ese entorno desolador su voz gutural colmada de pesar, rechazando todo sentimiento amoroso, abrazando el dolor como las sombras buscan abrazarlo a él. Otros miembros de la banda como el baterista o el guitarrista que, mientras tocan sus instrumentos, extienden su imagen a lo largo del espacio que los rodea. Las sombras nacidas de ellos y proyectadas en suelos y paredes como deformidad de la imagen. Ataduras tortuosas que los mantienen atrapados sin otra escapatoria que continuar tocando. Los espacios toman distintas dimensiones, los integrantes de la banda son prisioneros de ese entorno que modifica los tiempos y las formas a su antojo. Cuando éste lo decida, uno puede proyectarse cual figura de un gigante o ser una criatura ínfima ante la lúgubre y espaciosa arquitectura de una catedral que dirige sus escalinatas hacia la nada misma. Sin otro lugar

a donde ir, no hay otra opción más que seguir por el camino ofrecido. Uno que conduce a más oscuridad, a seguir adentrándose en ella sin más habitantes de los miembros de Triptykon y la melodía de su canción. La ralentización de la imagen y la conjunción con movimientos frenéticos son otros de los usos estéticos en la dirección del videoclip que juegan ensimismando a los cautivos en un estado de confusión y desolación de toda alma en pena. Para cuando se llega a los instantes finales, un círculo vuelve a formarse en el centro de la escena. Uno conformado a su alrededor por distintas figuras masculinas que le dan la espalda a la mujer que se haya en el centro de la blanca luminosidad circular. Así como en un principio el círculo nos remitía a un óvulo que rechazaba a esas manos/ espermatozoides, la idea de lo femenino rechazando lo masculino, ahora es el hombre dolido y sin intenciones de caer una vez más en el sufrimiento del deseo quien rechaza a la mujer. Centro de placer y pesar por igual.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Hay rupturas que dejan rastros definitivamente nefastos en ciertas bandas y otras positivos para el futuro de algunos de sus miembros. Tom Warrior, el cerebro de Celtic Frost desde 1984 finalmente decidió en mayo del 2008 darle la estocada final al grupo suizo. Su primer intento fue entre 1993 y 2001, el cual finalmente termino en una reformación y sobre todo en un fantástico álbum titulado Monotheist en el 2006. Debido a diferencias irreparables entre Warrior y el otro componente esencial del grupo, Martin Eric Ain, el cantante/guitarrista decide crear un nuevo proyecto llamado Triptykon (“Trípico”),

basándose en las famosas pinturas divididas en tres partes, como aquella del El Bosco utilizada en la portada del álbum Into The Pandemonium de Celtic Frost. Después de un largo tiempo lleno de misterio sobre lo que sería Triptykon, sale al mercado en 2010 Eparistera Daimones (“A la diestra de los demonios”, en griego), un trabajo crucial en la carrera de Warrior. Auténticamente oscuro, macabro, opresivo, pesadillesco, el estilo ultra mega doom fusionado con black metal de Triptykon no sólo fue plasmado con creces en sus inconfundibles riffs y diabólicos tempos, sino también en la manera de hacer llegar su mensaje, en sus letras y su forma de interpretar a las mismas. Ya desde la portada del disco (cortesía del mítico artista gráfico y escultor suizo, HR Giger), con esos demonios dantescos erigiéndose de una matriz podrida, grotesca y pervertida, como mismo la del renegrido EP del cual se desprende la canción que hoy trataremos, “Shatter” (“Destrozo”), la propuesta de este grupo no es más que terror y depresión. Escuchar el tema por primera vez, recuerdo que me dio la impresión como de estar sumido en un pozo de oscuridad infinita, algo tan abisal e insondable que sólo la posibilidad de una total desaparición representaría el único consuelo. Con todo, la tenebrosa e hipnótica voz de Warrior se las arregla para inquietar al oyente contando sobre la rabia de un hombre dolido («No quiero sentir / No quiero ver / No quiero amar / No quiero vivir») y su negativa a redimirse en la luz del amor («No deseo ahogarme en la belleza de tus ojos / No deseo recordar el calor de tu abrazo / No deseo sangrar en tu altar de fallecimiento / No deseo marchitarme entre los pétalos de la desgracia»); alguien que está tan hecho mierda («Mi amor un sacrificio en tu templo de desprecio») y tan desolado («Sentir es sufrir / Sentir es rechazo / Sentir es desesperación / Sentir es morir» o «El aire se licua / mientras entra a mis pulmones destrozados»), que ahora sólo puede aspirar a convertirse en un monstruo («La oscuridad envuelve mi mente / mientras la sangre mancha tu piel»). Escalofriante.

MÚSICA [ por Diego Centurión ]

Nos hemos puestos duros y hemos saltado al extremo en el "Tres por Uno" de este número. Thomas Gabriel Fischer conocido también como "Tom G. Warrior" fue uno de los miembros fundadores de Celtic Frost, banda pionera del Black metal. Luego de la separación de Celtic Frost en el 2008, Tom crea Triptykon, con algunos miembros de la banda que abandonó. En el 2010 editan su primer álbum, "Eparistera Daimones" y en su versión japonesa se lanza con un bonus track "Shatter", y antes de que finalice el año, lo vuelven a editar como EP. "Shatter" fue de las primeras canciones grabadas para el álbum debut, pero quedó afuera de la versión final. Aunque fue la primera canción que se lanzó de la banda en su Myspace en 2008. Grabada en Woodshed Studio (Landshut, Alemania) entre agosto y noviembre del 2009. El comienzo con una profunda batería de Norman Lonhard y el bajo distorsionado de Vanja Slajh, comienza el track de manera muy pesada y contundente. El efecto logrado en esta introducción es tribal y con algo de doom metal. Los cortes de las guitarras de V. Santura y Tom G. Warrior y la voz casi susurrada deTom como una pesadilla, marcan un tiempo oscuro y angustiante. Pero sin estallar en lo brusco, y agresivo del Black Metal, algo que escucharán en las demás canciones de Triptykon. El efecto de las dobles voces le dan un carácter ritualezco a "Shatter", provocando que la negrura de la canción se potencie. El doom metal se aliviana en el corte y las voces de Simone Vollenweider (quien ya había participado en el disco de Celtic Frost, "Monotheist", 2006) aliviana todo la oscuridad de la canción pero sin perder la profundidad. Nuevamente el corte y la voz susurrada y la misma estructura mencionada anteriormente. Obviamente este tipo de canciones son las que se destacan de la media de las bandas que jugutean entre el Doom y el Black Metal, aunque tenga los mandamientos impuestos por los Black Sabbath en los años setenta, Triptykon hace que el Doom suene más exquisito.

23 [ Entrevista a Regazzas por Diego Centurión ]

NOS ENTREGAMOS A LA BÚSQUEDA

Nos encontramos por primera vez con esta banda que acaba de lanzar el 18 de junio de este 2016, su segundo álbum llamado “Amor o muerte” y nos encontramos con una banda que antes que nada, respeta el formato canción, pero en ese viaje que nos propone en el álbum nos encontramos con una mezcla de sonidos interesantísimos que sea difícil encasillar su estilo. Tucho Schiaffino, Martín Rulli, Francio Ceravolo y Joel Fiorire, forman la banda y tenemos el gusto de poder charlar con ellos y conocerlos. Antes que nada ¿por qué el nombre? El nombre surge hace muchos años, en nuestra primera formación. Todos los integrantes de apellidos italianos, hermanas mujeres (que presenciaban los primeros ensayos/meriendas en nuestras casas) y las canciones hablaban en su mayoría de chicas. Nos pareció divertido “argentinizar” el plural de la palabra ragazza, que significa muchacha en italiano. ¿Cuándo y cómo nace la banda? Nace en nuestra adolescencia, de una forma muy divertida. Nos juntábamos a tocar algunas canciones, grabábamos demos, y los repartíamos en actos escolares o cumpleaños de 15. Muy lindos recuerdos. ¿Cómo definen el sonido de Ragazzas? Va mutando. En “Detrás de la rompiente” no bajábamos nunca. Mucha distorsión y baterías al mango. Teníamos muchísimas ganas de que escuchen

lo que teníamos para decir, y nos salía hacerlo muy arriba. En “Crecieron los mares” fuimos descubriendo nuevos lenguajes y texturas, como pasajes instrumentales y teclados que lideraban cada canción. Y ya en “Amor o muerte” nos entregamos a la búsqueda. De todas formas, en todos nuestros discos nos gustó incursionar en instrumentos que traigan un sonido particular. En el primero grabamos charangos y violines, y al último le agregamos fueyes y mandolinas. Nos encanta. ¿Cuáles son las influencias de Ragazzas? Nuestras conversaciones sobre discos nuevos, Charly, el Flaco, Los Beatles, Virus, libros, películas, entrevistas. Nuestro día a día está muy reflejado en nuestras canciones. Tal vez de ahí nace nuestro eclecticismo. ¿En qué momento de la banda llega el álbum? En el mejor. ¿Cómo ven el crecimiento de su primer álbum “Detrás de la Rompiente” (2011) hasta "Amor o muerte" (2016)? Nos sentimos más maduros, más concretos. Con más recursos fruto de la experiencia, sumado a la diversidad de cosas que aportamos. Algo que me llamó la atención es “Charly Gómez Embajador artístico”. ¿A qué se refieren con “Embajador Artístico?

Buena pregunta. Charly Gómez hizo todo los videoclips de la banda, y muchos afiches para conciertos, tipografías, etc. Y en los que no trabajo, siempre estuvo aportando. Es una pieza fundamental en el grupo, y quien muchas veces trae frescura estética. ¿Cuánto tiempo terminaron de pensar, componer y grabar este último álbum? El disco fue grabado desde el 2 de enero del 2015, hasta el 23 de mayo del 2016. En ese tiempo ocurrió todo lo que mencionaste. He leído que han tenido algunos problemas en alguno de sus últimos shows, problemas ajenos a la banda, ¿Creen que en Buenos Aires han cambiado las reglas de juego de otras épocas, donde los organizadores o lugares ofrecían poco por mucho dinero, o seguimos igual? Hay circuitos donde las cosas no cambiaron, no solo para con los músicos (respecto a nuestro descargo y lo que nos involucra), hay situaciones post cromañón que no se corrigieron y siguen siendo peligrosas. No solo por muchos comerciantes a quienes no

les importa lo que ocurre sobre un escenario, si no por quien tiene que velar por nuestra seguridad y no lo hace. El resto es como con todo, siempre quieren cuidar su bolsillo y nosotros seguimos comiendo caramelos. Hay lugares que nos hacen creer que tenemos que estar agradecidos porque no nos cobran, hay muchos lugares impecables, con un arreglo que nos cuida, pero tienen la agenda llenísima, como también son importantes los productores y locales que se animan a la propuesta artística más allá de los números, que no la quedan solo en hacer plata con el recital y apoyan el evento desde el contenido artístico, eso es lo que valoramos. Independientemente de todo esto, los lugares con una infraestructura técnica para realizar un buen show y a nuestro alcance, los podemos contar con una sola mano. ¿Qué se viene para la banda en lo que queda del 2016 y en el 2017? Videos, visitas al interior, conciertos por muchos lados. Ojala sigamos conociendo gente tan piola en el camino.

[ The Mission – Another Fall From Grace por Marcelo Simonetti ]

EN ESTADO DE GRACIA

Hace 31 años, Andrew Eldritch, Wayne Hussey, Craig Adams y Gary Marx grabaron First and last and Always, el disco que sería el símbolo y el sonido mismo del Gothic Rock desde ese momento hasta hoy. Esa formación de Sisters of Mercy duró muy poco tiempo más, y de sus presentaciones en vivo quedó inmortalizada en cinta de VHS el show que dieron en el Royal Albert Hall. No podemos decir que de un lado haya quedado la imagen y del otro la música, porque Gary Marx compuso la mitad de ese disco mítico de todos los que adoramos el género, y él tomó su camino. Wayne y Craig rompieron “a los sillazos” con Eldritch. Wayne había escrito sus propios temas para el disco siguiente como hizo con First and last and Always, pero quería agregarle su letra también. Y para Eldritch, esas letras eran un conjunto de palabras inconexas que nunca se dignaría a cantar. La banda estalló por los aires, disputas judiciales de por medio. ¿Quién se iba a asegurar el legado? ¿Quién sería la continuación? Ninguna de las dos bandas. Wayne y Craig agregaron una guitarra y un baterista de carne y hueso, y profundizaron en su comienzo con The Mission en el setentismo Zeppeliano y los hippies tardíos combinado con la estética gótica. Eldricht avanzó en las baterías electrónicas y los sonidos de diseño oscuros. Si Eldritch “ganó” la contienda judicial, pudiendo así capitalizar para siempre el nombre pilar del estilo (lo que le permite traccionar una gran cantidad de fans hasta hoy, a pesar de ser un compositor

prácticamente retirado hace 26 años y de destruir en vivo noche a noche cada uno de los clásicos de la banda), sus ex compañeros se tomaron revancha “en la cancha”. The Mission rompió todos los rankings, copó todas las encuestas en el Reino Unido y llegó a ser cabeza de cartel de los festivales más importantes del mundo, en los primeros cuatro años de vida. Todo, con los temas que para Eldritch eran imposibles de cantar. Los años pasaron, y mientras uno se dedicó a cantar en vivo los mismos temas una y otra vez durante casi treinta años, The Mission tuvo sus idas y venidas musicales, sus parates “definitivos” más de una vez, sus cambios de formación que incluso dieron a luz obligadamente a una luego fructífera y personalísima carrera solista de Hussey. La última reencarnación de la banda data del 2011, con tres de sus miembros originales en la formación. Hubo un “revoloteo” en el ambiente importante, lo que permitió que la gira de reunión tuviera un éxito que hacía rato la banda no tenía en la taquilla, llegando a colgar el cartel de “sold out” en varias presentaciones incluso en el Brixton Academy. Sin embargo, The Brightest Light no sería “el disco de la vuelta” que los viejos fans esperaban, sino un disco de rock crudo, en una vuelta de tuerca más a las que Wayne Hussey nos tiene acostumbrados. Pero ésta vez todo anticipaba que iba a ser diferente. Hace ya un año que Wayne viene masticando una vuelta a la guitarra de 12 cuerdas, luego de que Billy Corghan de Smashing Pumpkins lo encomendara a reescuchar la piedra angular que había compuesto y grabado con Sisters of Mercy, First and

last and Always, e incluso los shows de la época. Y Wayne volvió a su primera gran arma en la música, la que enamoró a toda una legión oscura. Ya anticipaba en las redes sociales que el nuevo disco de The Mission sería el “eslabón perdido” entre First and last and Always y God’s Own Medicine. Que había compuesto el disco en completa soledad, en el desierto, en USA, y que le había salido naturalmente, y a que la vez había sido un proceso muy doloroso. La expectativa se hizo grande. El anuncio de Martin Gore, Gary Numan y otros entre los colaboradores del álbum, agigantó la ansiedad. Y el álbum llegó a mis manos, y todo resultó perfecto. Primero escuché ese bajo atronador pero lastimoso, marca registrada, y con el correr del tema que da nombre al disco se fue desenredando un tema amargo de esos que suele componer Wayne en los últimos años, pero con cierto sonido, más que nada en la base de la canción, que rememoraba esos momentos de hace 30 años. Buen comienzo. Seguimos con el primer corte de difusión, Met-Amor-phosis, ganchero hasta la médula, hijo directo del faro que alumbró el estilo en 1985. La letra, en la veta de sopesar el tiempo vivido y lo que queda por vivir, al estilo de “Wither On The Vine”, del último disco solista de Wayne, mezclado con un homenaje a su bienamado David Bowie (“There’s a new blackstar in heaven…”, estribillo del tema, es una frase en las líneas de despedida al Duque que Wayne escribió para ésta revista). “Within de deepest darkness” nos va sumergiendo en la oscuridad que va a atravesar todo el disco, en una semi-balada de arreglos clásicamente gothic con una excelente participación de Gary Numan, y una de las gemas de la placa. Sube la temperatura del disco, lo que sigue es una seguidilla infernal. “Blood on The Road”, con la guitarra característica gancherísima y una potencia rockera que sigue subiendo, fija para los shows. “Can’t see the Ocean for the Rain”, un melodrama épico de gran pluma, baja un cambio del acelerador pero sube un grado en dramatismo, con las guitarras de los muchachos jugando encima de una base demoledora y arreglos muy en plan elegante. Luego, el segundo single, “Tyranny of Secrets”, que de algún

modo cierra la primera mitad del disco partiéndolo al medio. Acá el infierno rockero que desatan Wayne y Simon sobre la base de Mike y Craig son imparables. La tormenta que desata el tema tiene un link con varios de los temas más furiosos de la historia más rica de la banda, con los arreglos clásicos de Tim Palmer en ella, ¿pero alguna vez viste a Wayne metido tan de lleno en los problemas políticos cruciales de éste mundo? Échale un vistazo al video… “Never’s Longer than Forever” y “Bullets & Bayonets” abren el segundo lado del disco, al que podríamos llamar reposado, aunque también de melancólico a directamente muy oscuro, y son dos temas que a pesar de la instrumentación conjunta bien podrían haber estado en su disco solista, o quizás en The Brightest Light, aunque igualmente se hace notar la producción característica de Tim y también los arreglos electrónicos que Wayne acostumbra a hacer en justísima medida. Quizás “Never’s Longer Than Forever” sea un poco más luminosa, la más luminosa del disco, pero “Bullets & Bayonets” va bajando el tono. Seguimos con “Valaam”, que también tiene el aire de Songs Of Candlelights and Razorblades, pero en éste caso es un poema extremadamente bello recitado por Wayne con mínima instrumentación de fondo, al que se pega “Jade”, y definitivamente el disco va perdiendo “urgencia” pero va ganando en emotividad, navegando hacia orillas más tristes y desoladas. Los últimos dos temas son gemas que no podemos comparar a los grandes temas de los ochenta de la banda, ya que en general carecía de éstas baladas “tristes”. Wayne empezó a incursionar en ésta clase de baladas recién en 1995 pero nunca logró en ellas la profundidad y el sentido trágico que se escucha en “You & Only You” y “Phantom Pain”. Y la elección de haber sido final del disco ambas pegadas es brillante. “You & Only You” es un clásico “darkie” a la Joy Division, extenso y conmovedor, donde los instrumentos y los arreglos envuelven al oyente y Wayne “actúa” dramáticamente sobre ambos, con la encantadora y justa participación en coros de Martin Gore. Clásico, pero no tan clásico para The Mission. “Phantom Pain” es aún menos clásica para la banda, por varios aspectos. Es mucho más existencial, y menos de “desamor”, mucho más neurótica y maldita si se quiere. ¿Cuándo Wayne escribió ésta clase de líneas? No consigo recordarlo. Éste plan no es el

de The Mission clásico, sino más bien el de las bandas post punk de principios de los ochenta como Bauhaus, Joy Division, etc… Y para añadir rarezas, en el final de la canción nos hunde aún más la aparición también fantasmal de una trompeta absolutamente disonante, que parece que nos arrastrara junto a la voz cada vez más oscura de Wayne. Algunas cosas que nos deja el disco, es que si bien es verdad que nunca estuvo The Mission más cerca del sonido clásico del gothic rock seminal de First and last and Always también es verdad que los arreglos de Tim Palmer evocan más a Carved in Sand que a God’s Own Medicine, y a la vez el disco suena ochentoso pero muy actual ya que Wayne mantiene los arreglos que caracterizan sus últimas producciones. También quedan algunas preguntas que deberíamos ir respondiendo. Simon volvió en 2011, y muchos fans se alegraron de que volviera el clásico sonido de la banda. Simon toca todo lo que sabe en The Brightest Light, y sin embargo el “clásico” sonido The Mission siguió sin aparecer. Lo que cambió hoy, es que Wayne volvió a calzarse la guitarra de 12 cuerdas que había abandonado en 1990, y por eso vuelve a sonar como sonó hace 26 años. Simon sigue haciendo su trabajo, como en los ochenta, y como en sus discos solistas y como en Brightest Light. Es Wayne quien volvió a su primer amor. Cientos y cientos de bandas en treinta años emulando un sonido para que los músicos originales tengan ganas un día de decir: en 2016 esto se hace así. Y terminar la discusión para siempre.

Y a mi modesto entender, lo que quizás terminamos de afirmar en éste disco, es algo que cuando The Mission nació estaba en duda. Recordamos que Eldritch se negaba a cantar las letras de Hussey porque no las consideraba siquiera letras de canciones. Es verdad que las canciones que fueron recopiladas en Fisrt Chapter, y en God’s Own Medicine, eran un poco estrambóticas. El tiempo fue pasando y Wayne fue practicando el oficio, que es como se aprende, y fue probando varios métodos y rumbos. Él dijo una vez, claramente en debate con Eldritch, que él es músico, y es artista, y que uno es músico y artista cuando siente la necesidad de agarrar un instrumento y componer, tocar, probar, o una pluma y escribir. Cuando no se siente esa necesidad, y se canta, o toca, lo que una vez uno hizo, durante décadas sin sentir la necesidad de crear, es porque no se es un artista, sino un simple entretenedor. Wayne tiene 58 años, y en los últimos tres años han visto la luz casi 50 canciones de su autoría en tres discos con canciones completamente nuevas y algún simple. ¿Qué músico a esa edad entrega de sí tanto hoy en día? ¿Hay algún ejemplo? Lo dudo. Y aún más, para mí las letras de sus últimos dos discos con la banda y su disco solista son de una calidad a la que él nunca había llegado antes. Por eso es que éste gran disco de The Mission nos da muchos motivos para disfrutar, con una de sus mejores producciones de toda su carrera.

Keep the faith!

RENDO – TRANSCURRIR Fidel Araujo en guitarras y coros Javier Rendo en voz, teclados y letras + destacados invitados. Canciones de un electropop sugerente y nocturno. Un collage sonoro donde las melodías combinan su costado tecno con cierta densidad heredada de los ochenta.

NUEVO DISCO

//www.facebook.com/RENDO-electropop-

PRÓXIMAS FECHAS VIERNES 21 DE OCTUBRE PRESENTACIÓN DEL DISCO / ESPACIO37 El Salvador 4607 - Palermo VIERNES 11 DE NOVIEMBRE / POE 3 de febrero 2772 - Belgrano SÁBADO 26 DE NOVIEMBRE / LA CIGALE Ciclo Entropico / 25 de Mayo 597 - Centro

CONSEGUÍ EL NUEVO DISCO EN: Anthology / Av. Santa Fe 1670. Loc 7 / Recoleta Compakta / Pje. Monseñor Zazpe 3156. Loc 7 Salguero 2656 / Palermo Miles / Honduras 4912 / Palermo Zival´s / Av. Callao 395 / Centro Entre otras...

Spotify, Youtube, iTunes, Apple Music

[ Entrevista a Rachel Mason por Diego Centurión ]

ES FUNDAMENTAL SENTIRSE CÓMODA EN UN ESTUDIO

Rachel Mason es una artista que acaba de lanzar un nuevo single “Tigers in The Dark”. A simple escucha, si sólo escucharnos con este track, nos recordará inmediatamente a la Dama de Hielo, Siouxsie Sioux. Pero al escuchar su trabajo anterior, con más detenimiento, uno puede escuchar mucho más que una referencia inmediata a una cantante. Rachel ha participado en nuestro número especial sobre David Bowie. Y es hora de presentarla ante nuestros lectores. Hola Rachel, antes que nada, gracias por participar en nuestro número especial sobre David Bowie. Cuándo tú empezaste a realizar música. ¿Qué artista te influenció? David Bowie fue uno de los primeros artistas cuya música se sentía como si estaba hablando directamente a mí, no sólo musicalmente, sino en el nivel de la clase de mundo artístico que podría inventar través de la música. Hay tantos artistas, y muchas, muchas mujeres en particular Carla Bozulich y todas sus diversas bandas (Etil Meatplow, Geraldine Fibbers) yo la adoraba cuando estaba en la escuela, ella es alguien que tiene una voz que se sentía tan salvaje, de nuevo, como Bowie, hablando de algo mucho… mucho más profundo y más grande que

sólo música. Con el tiempo, llegué a pasar la mayor parte de mi tiempo libre en mi propia música- hasta tal punto que, soy un poco una maldición, porque no puedo escuchar música sin disección hasta el punto en que no puedo hacer otra cosa que escucharla. Si estoy en la tienda de comestibles, a veces, estoy plagada porque oigo una gran nueva canción pop y empiezo a notar, casi de forma automática, el número de ganchos en un coro, y pensar en las opciones de letras, y progresiones de acordes e incluso BPM, no puedo dejar de tratar de averiguar el ritmo real... así que ahora estoy en un punto en el que realmente no escucho música, a menos que sea en vivo y siempre me emociona ver bandas en directo - que para mí es donde consigo la alegría más grande con la música. Me gusta mucho la música clásica. Eso es también lo que tiendo a escuchar la mayoría de las veces. Tu trabajo es muy extenso y diferente. Es alucinante pensar que has editado 13 álbumes. Si tú tuvieras que decir a alguien que no conozca tu música, por dónde empezar a escucharte, ¿por qué álbum debería empezar? Bueno, en primer lugar, me gustaría pasar tranquila sobre la palabra “Editado 13 álbumes”, debido a que casi todos ellos son todavía desconocidos por casi

todos en el mundo. Uno de los primeros álbumes que sentía como un disco lleno y completo se llama "Gayley Manor Songs" (2015) y yo lo escribí mientras fui una estudiante de la UCLA, viviendo en un edificio en una calle llamada Gayley Manor. Fueron grabadas directamente sobre la cinta de cassette. ¿Hay algún álbum que te guste más que otros? ¿Qué álbum no cumplió con sus expectativas? Todavía al que más amo de todos ellos es a Gayley Manor. Tiene mucho de todo lo que he venido haciendo con la música. También me encantan todas las canciones de “Code Flight” (2015), que es un álbum que escribí mientras trabajaba en un hogar de ancianos. Pero de hecho, me gustaría poder haber grabado más adecuadamente las canciones- que se grabaron en una variedad de situaciones, incluyendo algunos estudios donde me sentí muy incómoda. Desde entonces he aprendido que es fundamental sentirse cómoda en un estudio. ¿Cuánto piensas que ha crecido tu música desde tu primer trabajo hasta hoy? Bueno, al principio me sentí desesperada para grabar estas canciones, y tenía ideas y letras en mi cabeza que sentía que tenía que escribir y si no me sentiría como me fui corriendo tras una mariposa que estaba a punto de volar. Todavía tengo esa sensación, pero también ahora tengo colaboradores y gente con las que trabajo de diferentes maneras, y mi música se siente como si me ingeniero con mucha más precisión... que es una especie de libertad para todos. Extraño esa temprana sensación, pero también estoy feliz y he sido capaz de lograr sonidos más elaborados. ¿Cómo ves la música hoy en día? La pregunta va dirigida al uso de Internet como posibilidad de mostrar lo que uno hace, aunque esto tal vez cree un caos de información. Siento que la gente está tan abrumada que no tienen más remedio que salir a buscar a sus propios intereses, que en realidad es sorprendentemente grande para un artista como yo… sólo recientemente he comenzado a promover mi música de una manera consistente y con la ayuda de un sello y profesionales, y veo que es muy útil. Permite a los bloggers y

escritores como usted, que también son independientes, como yo, a hacer su propia búsqueda y el encuentro de los artistas campeones. Eres una artista que no sólo crea música, sino que sueles incursionar en otras disciplinas (por las cuales has recibido premios). Cuéntanos sobre tus otras actividades. Fui a la escuela de arte y estudiado específicamente la escultura, pero todavía estoy muy activa haciendo arte del funcionamiento, que incorpora mi música. Me siento muy feliz de haber sido capaz de encontrar una manera de hacer esta conexión con mi trabajo visual. ¿Cómo es ser una artista independiente en Nueva York? Debido a que se trata de un punto crucial en el arte de los EEUU. ¿Cuán dificultoso es esto, por la variedad y la cantidad de artistas? Es realmente difícil si no eres bueno en socializar. Sólo empecé realmente a disfrutar y convertirme en experto en las interacciones sociales, pero me tomó cerca de 10 años de vivir en Nueva York. He encontrado una comunidad de artistas cuya obra me encanta y tengo una comunidad similar en Los Ángeles. He ido hacia atrás y adelante debería decir durante los últimos diez años porque mis padres viven en Los Ángeles y estoy realmente mucho más que un Angelino - como lo llamamos. Escuchando tu nuevo single Tigers in the Dark se puede apreciar tu gusto por los ritmos sensuales, pero con fuerza. He escuchado que dos sellos lanzarán éste y tu próximo álbum. Cuéntanos de esto. Bueno, al principio sólo desarrollé la canción de un riff que Jeff Hassay, mi compañero de escritura y colaborador, comenzó a crear. Toda la narrativa de la canción llegó de forma inmediata. Y sí dos sellos lo están poniendo. Un hermoso sello de cassette dirigido por Peter Hernández, un artista de Los Ángeles y el fantástico Cleopatra Records que tienen un plantel muy diverso. ¿Cuándo viene el nuevo álbum y debemos esperar otro solo después de 'Tigers in The Dark'? El LP “Das Ram” se va a lanzar en noviembre y tengo dos fiestas de lanzamiento de disco en fila para (ya

que estoy lanzando en diferentes medios de comunicación en dos sellos separados). Si te encuentras en Los Ángeles el 13 de noviembre o el 27, ven a mi performance - habrá otros grandes artistas también en el cartel. Ya el 21 de Octubre, lanzaremos el próximo single “Heart Explodes”, junto con un nuevo vídeo de antemano. ¿Qué planes hay para lo que resta del año? ¡Vivir! Una cosa en particular, estoy realmente emocionada acerca de una canción que escribí, tomando prestadas las palabras de un poeta chino joven cuya historia estuvo fugazmente en las noticias hace algún tiempo. Se suicidó después de trabajar

en Foxcomm. La música para la canción fue escrita por TheUse, un querido amigo y colaborador mío, y se presentará en la película "Who Pays the Price". Estoy desarrollando un nuevo grupo de actuaciones en el Museo Hammer que está inspirado en la propia ciudad, mi ciudad de Los Ángeles. Las últimas palabras son para que digas lo que quieras... Estoy agradecida por las personas que se preocupan por la música independiente y otros artistas. Muchas gracias. ¡Gracias Rachel!

[ Entrevista a Johnny Indovina por Bernardo Jiménez Mesa ]

EL REGRESO DEL HUMANO DRAMÁTICO

La gran mayoría de artistas son satélites girando en órbita alrededor de un gran astro. Estos astros pueden ser géneros o movimientos culturales y/o sociales. Si el artista quiso, o no, hacer parte de esa galaxia, es un tema aparte, pero es casi siempre inevitable. Cuando pensamos en un artista, hay otro nombres que giran en nuestras mentes; cuando escuchamos una canción, otras más nos hace presente; al ver o escuchar una obra hay sensaciones que relacionamos con otras obras. Decir que Human Drama es un astro que deambula solitario en el universo, si bien es una exageración, es una manera de señalar una característica muy importante de este proyecto musical: pocas, muy pocas bandas, pueden crear una legión de fieles seguidores, sin apelar a tejer lazos con otros artistas con el fin de arrastrar a los seguidores de estos. Los movimientos, si bien son ideas creadas generalmente por la crítica y la prensa, reciben en la mayoría de los casos una bendición silenciosa por parte de los artistas en cuestión, ya que es sabido el poder que esto puede generar para la consolidación de público y longevidad de las obras. Human Drama pudo, a través de su historia, haber sido parte de varios movimientos. De alguna manera ellos visitaron, por casualidad, diferentes galaxias, y se estrellaron con innumerables planetas más, pero siempre lograban escapar...y no orbitar ninguna. Se codearon con las luminarias de la escena alternativa de Los Ángeles a principios de los noventa; fueron banda insigne de Projekt: un sello sinónimo de un género (dark ambient); amados por la escena del rock gótico; presentes en la discografía de muchos conocedores del llamado Darkfolk (o Neofolk); sin embargo, siempre han sido ellos mismos, sin agitar otra bandera que su nombre propio. Parafraseando a Sartre: Una banda sin importancia colectiva, exactamente individual. ¿Cuándo y por qué decidiste juntar la banda de nuevo? En julio del 2015 nos ofrecieron tocar un segundo concierto en Ciudad de México. Los chicos de

la banda entonces se dirigieron a mí y me preguntaron si había considerado grabar algo nuevo, para lanzarlo con motivo del recital. Hasta ese momento no lo había pensado, así que me senté, con aquella idea en mi mente por un rato...y empezó realmente a gustarme, la idea de grabar todos juntos de nuevo. Decidimos hacer un sencillo primero, "The Liar Inside", para después sí decidir si haríamos un álbum completo. Nos encantó la grabación del sencillo, y ahí entonces decidimos seguir adelante con un álbum completo. ¿Cómo fue el proceso de establecer contacto, convencer y reunirlos a todos de nuevo? Ellos son mis mejores amigos. Fue fácil reunirlos y grabar de nuevo. En este punto de tu carrera, habiendo alcanzado tanto con tu música y al estar en un lugar más allá de géneros y sellos: ¿Qué consideras fue el elemento que hizo de Human Drama una banda atemporal que, de una manera u otra, conecta con todas las generaciones, culturas y entornos sociales? Somos únicos, respecto al hecho que sonamos como nadie más en ninguna otra época. Las modas no son nuestra guía; somos, por el contrario, guiados por la búsqueda y la necesidad de expandirnos, a partir de lo que hemos logrado antes. Considero que los temas y contenidos de nuestras canciones tienen un estándar alto y sé que así lo piensan nuestros seguidores también. Sé que nunca me decepcionare a mí mismo, y espero nunca decepcionar a mis seguidores. Para una banda tan exitosa, poseedora de una legión de seguidores en todo el mundo, tomar la decisión no sólo de regresar y tocar el catálogo de la misma, sino de grabar un nuevo álbum y convertirse así, de nuevo, en un acto que gira de nuevo por los escenarios; tiene que ser algo que, quienes están involucrados en esta decisión, deben encarar con cautela. ¿Cuál fue la mayor motivación para hacerlo, y cuál fue el mayor temor (si lo hubo)?

La motivación fue el crear juntos de nuevo, y juntos también tomar la responsabilidad de estar a la altura y superar nuestro trabajo previo. ¡¡El mayor miedo era no ser capaces de conseguirlo!! Jaja... ¿Cuál crees es la mayor diferencia entre la actual formación de Human Drama, y las anteriores? Nosotros teníamos formaciones distintas en cada álbum, pero este fue realizado por la formación original, más algunos invitados. Yo busque siempre, en cada álbum, a quienes consideraba indicados para lograr aquello que yo quería. Lo que fue diferente esta vez, es que decidimos que lo haríamos con aquellos que hicieron parte de los shows de reunión. De esta manera escribí y exploré el tipo de material, sabiendo de antemano quienes lo interpretarían.... ¡Esto no había pasado desde 1988!... así que es interesante y diferente. ¿Está la banda realizando toda la grabación y distribución por cuenta propia? (sin terceros -distribuidores y/o sellos) Estamos en el proceso, explorando algunas ideas.

¿Tenemos alguna posibilidad, en el futuro próximo, de ver a Human Drama en otros países de Latinoamérica, aparte de México? Nosotros siempre mantenemos la esperanza, y si conectamos con el promotor indicado, ciertamente tendrá lugar. ¿Cuándo crees que el nuevo álbum esté listo? Creo que tendremos uno o dos sencillos este año, y el álbum completo a principios del 2017. Con todo lo que estas llevando a cabo en este momento ¿hay lugar en tu mente para considerar el realizar un nuevo álbum solista, a corto plazo? No hay lugar en este momento. Este nuevo álbum ha tomado toda mi atención y tiempo....créeme... ¿Cuál crees que será el siguiente paso para la banda? Mi siguiente paso es completar a cabalidad un álbum que esté a la altura de nuestro catálogo. Ciertamente esperamos dar conciertos, apoyando el lanzamiento del nuevo álbum. Por ahora, todavía tengo que dar ese GRAN primer paso...

Death Is All

Around by The Question (eLaMoRTe) coming on October 19

Y SU NUEVO EP

Disponible en: http://www.reflectionzonear.com.ar/ http://www.scent-air.com/reflectionpensar.html

[ Entrevista a Dalton Deschain por Diego Centuriรณn ]

LA MEZCLA CORRECTA DE INFLUENCIAS

Como siempre mencionamos el espacio que le queremos brindar a las nuevas bandas. Y nos hemos encontrado con Dalton Deschain & The Traveling Show de Nueva York. A fines de octubre lanzarán un EP llamado "Roberta", el primero de tres EPs que editarán a lo largo de los próximos meses. Pero más allá de su música queremos conocer a los músicos que están detrás de este proyecto. Hola chicos, gracias por aceptar esta entrevista. Para empezarla vamos a las bases. ¿Cómo y cuándo nace este proyecto? Bien, The Traveling Show ha existido de una forma u otra desde hace unos siete años. El proyecto realmente comenzó con el concepto de historia que enhebra su camino a través de todas nuestras canciones, y que esa idea de concepto vino de una pesadilla que tuve en la universidad. Inmediatamente comencé a escribir canciones sobre esto, pero en ese momento yo estaba tocando en solitario alrededor de Michigan. Luego me mudé a Nueva York, hace unos cuatro años y empecé a poner realmente las cosas a otro nivel. La historia fue cada vez más grande y más grande, que la escala del proyecto requirió realmente una banda completa. Así que grabé nuestro primer EP, “The Collateral Vignettes” (2014), por mi cuenta, y usé esto para mostrarle a la gente cómo iba a ser la banda, y encontrar personas que estén interesados en formar parte de esta idea loca. Funcionó, y toda la banda ha estado junta durante casi dos años. ¿Cómo nace el nombre? Simplemente salió naturalmente de la historia, que es esta bizarra historia de horror acerca de un chico que es poseído por un demonio y toma el mando de un circo ambulante. Así que sólo tenía sentido que nosotros estábamos en este circo ambulante, liderado por mí mismo, un loco poseído por el medio oeste. Boom: Dalton Deschain & the Traveling Show. ¿Quiénes conforman la banda? Además de mí, tenemos la potencia de la cantante Jo Kroger, el científico loco Craig Kierce en la guitarra, el cabecilla Phil Harris en la batería y freak asesino de circo Mike Kennedy en el bajo, aunque desde la

grabación del disco, Mike se ha ido y ahora tenemos David Warpaint en su lugar. Lo sorprendente de esta formación actual es que cada miembro de la banda es un compositor excepcional, y todo el mundo debería chequear su música también. Escuchando su "Freakshow" no pude evitar pensar en Mr. Bungle de Mike Patton. ¿Cuáles son sus influencias? Pues bien, este EP fue sin duda influenciado más directamente por el cabaret-punk y el circo-punk de bandas como The World/Inferno Friendship Society y the Dresden Dolls. El track “Freakshow” en particular fue influenciado por The Cramps y los Talking Heads. En general, hay algunos artistas que siempre he mirado al escribir, como David Bowie, Tom Waits, y Oingo Boingo, que ayuda a explicar algunos de nuestros gustos por lo dramático. Creo que es la mezcla correcta de influencias para mantenernos raro y teatral, a la vez que sigue siendo divertido y de gran energía. Hay un cambio sonoro de la banda desde el primer trabajo “The Collateral Vignettes”, hasta este nuevo “Roberta”, ¿ustedes lo perciben? La gran diferencia es que para ese primer EP, que era sólo yo. Jo cantaba en una de las canciones, pero aparte de eso yo estaba haciendo la totalidad de la escritura y la realización. Una vez que tuvimos una banda completa de músicos increíbles, el sonido comenzó a evolucionar. También me han dado la confianza para ponerme mucho más experimental con nuestras canciones, que comenzaremos a mostrar cada vez más en los próximos lanzamientos. La variedad de estilos que realizan me hace pensar en ¿cómo escriben las canciones? Siempre comienza con la historia. Yo solía escribir basado en fragmentos de lírica que había pensado o melodías que surgieron en la guitarra, pero hoy me parece que las canciones que termino siempre provienen de una idea de la historia. Qué tiene que funcionar en dos niveles: uno como parte de nuestra rara saga de terror de ciencia ficción, pero también a un nivel más universal y personal, y realmente esto último es lo más importante. Si encuentro un equi-

librio allí que me apasiona, normalmente la canción seguirá naturalmente, y va a cambiar el estilo o el género de la canción cambiará en función de lo que es la historia. Cuéntame acerca de los EPS que se vienen. "Roberta" es la primera parte de una serie de tres EPs que planeamos de editar durante el próximo año y medio más o menos. Cada EP tendrá tres pistas y nos centraremos en un personaje diferente en la narración. Éste es, por supuesto, sobre Roberta, una mujer transgénero, y su relación con Rosie, tramoyista para el circo. Los próximos dos EPs, “Catherine” y "Casey", comenzarán a explorar otros personajes secundarios en la historia. Al igual que este EP, que se dará a conocer como chapbooks, con cuentos suplementarios contenidos en el interior, escritos por mí mismo. Pero, si no estás interesado en la historia y solo quieres escuchar buena música maldita, ¡por supuesto tendrán demasiado! Cada EP también tendrá un sonido muy distinto, y se centrará en temas muy diferentes. He visto el video de “Freakshow” y me ha gustado mucho. Cuèntame acerca de él. ¿Habrá nuevos videos?

Siempre he querido hacer un video musical animado. Me encontré con nuestro bajista actual, David Warpaint, hace unos tres años, y cuando me enteré de hacía animación, inmediatamente le quería hacer un video de "Catherine`s Mistake", el single de nuestro primer EP. Eso acabó cayéndose, pero cuando me decidí a hacer un video de Freakshow, fue la primera persona con quien hablé. Los segmentos en vivo se filmaron en el Sidewalk Cafe, que es como nuestro lugar de encuentro. Sencillamente es mi lugar favorito para tocar en Manhattan. Estábamos tan agradecidos que nos dejaran filmar allí. Un montón de nuestros amigos y compañeros músicos salieron y se vistieron todos muy locos y bailaron mientras tocamos la canción una y otra vez, y creo que la gente realmente hace el video. La animación cuenta una historia que en realidad no es contada en las canciones o el libro, que es la historia de Roberta siendo expulsada y encontrando su camino al circo. La animación está hecha para verse como sombras de títeres de papel, y David hizo un trabajo hermoso con todo el diseño de personajes y movimiento. Estoy tan enamorado de este video, y realmente se lo debo todo a David y Craig, que dirige los segmentos en vivo. Ya tengo el siguiente video planeado, que verá la luz antes de nuestro próximo EP en 2017. Vamos

53 a estar trabajando con una editora de vídeo increíble, y no puedo esperar a ver lo que ella hará. He visto su versión de "Loving The Alien", ¿qué significa para ustedes la vida y la muerte de David Bowie? Demasiado para explicarlo. Él ha sido mi héroe desde que era sólo un niño. Sus discos me mostraron lo que la música podría ser, en su mejor momento. Suena dramático, pero el día de su muerte fue uno de los días más duros de mi vida. Todo esta banda hace es a causa de él.

¿Qué planes hay para este 2016 y el 2017? Para el resto de 2016, sólo hemos alineado un montón de espectáculos realmente increíbles de todo el noreste. Justo después del lanzamiento del álbum vamos a ir a Pittsburgh y DC, y luego tenemos algunos espectáculos aquí en Nueva York con un montón de bandas increíbles. 2017 verá el lanzamiento de " Catherine", el próximo EP de la serie, probablemente a finales de primavera y el temprano verano. También tenemos la intención de recorrer mucho más, por lo que si cualquiera que lea esto nos quiere tocando en su ciudad, ¡llámenos por las redes sociales y háganoslo saber!

[ Entrevista a "Muertos" por Diego Centuriรณn. ]

CREO QUE ENTRE LOS TRES HACEMOS UN RUIDO AGRADABLE.

Interrumpimos unas vacaciones en Los Ángeles para esta entrevista. Nos acercamos hasta la banda “Muertos” por el estreno de su primer EP, bajo el nombre de “EP1”, que se lanzó el 6 de octubre pasado. Y como nos gusta descubrir bandas emergentes y presentarlas en nuestras páginas, aquí vamos con una nueva apuesta. ¡Hola “Muertos”! gracias por aceptar responder estas preguntas. ¿Cuándo y cómo nace la banda? Hemos nacido de las sombras. Bueno, en realidad venimos de Essex, Inglaterra, a las afueras de Londres, nos juntamos de la división de otras bandas y un interés común para la creación de canciones hipnóticas. DeAnna Avis, ¿tú eres mexicana? Esta es una gran pregunta, la identidad es muy compleja. En mi corazón y mi sangre, sí. Aunque he vivido en el Reino Unido durante tanto tiempo, desde que tenía 19, esa parte de mí se siente británica y a mí me gusta aquí, ¡a pesar del tiempo! Mis pasaportes dicen que soy británica y estadounidense. Nací en California en una familia mexicano-estadounidense y crecí rodeada de música de mariachi como la banda que ensayaba en nuestra casa. Hablamos español en casa y recuerdo que me tiraron a tener que aprender a inglés cuando empecé la escuela. Mi papá de un carácter muy bohemio, es 100% americano, pero dejó su trabajo como programador de computadoras para Apple para convertirse en un músico de mariachi full time, después de caer enamorado de mi madre mexicana y la cultura mexicana. También aprendí a tocar música de mariachi y todavía toco en bandas mariachis en Londres. Soy una orgullosa chicana, ¡aunque no hay muchos de nosotros aquí en el Reino Unido! ¿Por qué el nombre de la banda? Pasamos un buen tiempo tratando de averiguar cuál debería ser el nombre de nuestra banda. Marc fue a la pesca de algo con un tono oscuro y diabólico, porque está obsesionado con las películas de terror y DeAnna quería conseguir algo que representa su herencia. Así que “Muertos” parecía la combinación

perfecta. Es también una terrible palabra para buscar en Google. No es para corazones débiles. Introduce tú mismo a la música de “Muertos” a nuestros lectores Hola, somos Muertos. Estamos Tom, DeAnna (pero sólo puedes llamarme “De”, ¡que suena como si hubiera sido algo pícaro) Y Marc. Nuestra música es oscura, enérgica, melódica, borrosa y distorsionada, dulce, pesada y atmosférica. Nuestro objetivo es hacer que el bailar y el sentir se sientan incómodos al mismo tiempo. Dos guitarras y una batería. ¿Eso es lo que basta para hacer un buen noise? Esto sucedió de forma natural para nosotros. Marc y De no tocaron antes bajo en sus bandas anteriores, así que decidimos darle una oportunidad sólo con las dos guitarras. Ya que tenemos doble voz en la mayoría de nuestras canciones, hemos querido dejar algo de espacio para que la voz respire. Trabajamos en una forma de cubrir los graves y el sonido de bajo tocando y Tom mantiene la unidad con su batería tribal y explosiva. Aunque sólo sea para dejar en claro que su batería no está llenos de dinamita. Creo que entre los tres hacemos un ruido agradable. Si bien ustedes mencionan a The Jesus and Mary Chain o The Black Angels como influencias. Yo veo la actitud de los The Cramps. ¿Qué influencias tiene “Muertos”? Creemos que la vida y la música se aprecian mejor con un balance de la oscuridad y la luz. Nuestras influencias son la vieja escuela de música gótica de The Sistrs of Mercy, el sudoroso cuero de Black Rebel Motorcycle Club, la intimidad y la dulzura de la voz como PJ Harvey y The Cardigans y el pop sensible de bandas como Von Bondies. Bandas de garaje como "The Cramps", "The Wipers" y "The Velvet Underground" sin duda, cuentan allí también. Nuestro “mood-board” visual tenía un montón de “Love-beads” de los 60s, una bola de cristal y velas, y un montón de impresiones de leopardo y el parpadeo de las bombillas. Aunque no somos religiosos nos inspiramos en la imaginería religiosa y la idea del inconsciente colectivo. Todo se convierte en combustible para la música, del cine, de los li-

bros a los cómics noir. Nuestras letras son de color oscuro e introspectivo y nos gusta pensar que nuestras canciones se transportarán a un sitio diferente por un rato. He estado mirando sus videos en vivo. Hay canciones como "Sylvia Butcher", "Voodoo" o "Cruel". ¿Ya tienen planeado grabar el primer álbum? Esas tres canciones son en realidad algunas de las primeras pistas que escribimos juntos. Todavía estamos en el proceso de escribir nuevas canciones, así que no estamos realmente seguros todavía si van a hacer el corte final. Nuestro álbum será como un rompecabezas complicado con todas las piezas correctas en su lugar. Queremos asegurarnos que esté perfecto. ¿Podrías hacer un Track By track del EP? Ballroom Spritzer (Extended Mix) Este track es nuestro mantra y canción bailable. Es un relato hipnótico de ser muy impresionado por alguien y bailando bajo la luz de la luna para celebrar y mostrar cuánto lo ama. Black Box “Black Box” es donde la gente guarda todos sus se-

cretos sucios y le permite ser honesto, hay un montón de ellos por ahí. Esto fue escrito en un punto muy solitario en la vida de Marc y yo creo que representa un sentimiento de frustración. Estoy seguro de que todo el mundo ha estado allí en algún momento. Snakes “Snakes” es acerca de las pesadillas. Quedarse dormido y no tener ningún control sobre lo que está sucediendo dentro de su cabeza. Nació de un sueño de serpientes mordiendo los pies, que jalándote debajo de las sábanas y a lo desconocido. Todos pensamos que era una imagen muy llamativa para la canción, un poco como si fuera de “Nightmare on Elm Street” (1984). Write To The devil Invocando a sus demonios. Dejar salir su lado malvado. Todo el mundo tiene un lado oscuro y es la idea de que la persona más agradable del planeta tiene un lado oscuro oculto en su profundo interior fue realmente interesante para nosotros. La canción es una historia sobre alguien que conduce al desierto con planes de hacer nada bueno. Que todos habíamos estado viendo algunas películas en mal estado en todo este tiempo, por lo que probablemente tu-

vieron una influencia subconsciente para este track. ¿Cuáles son los próximos pasos después de editar el “EP1”? Vamos a tocar una serie de shows para celebrar su lanzamiento y luego vamos a entraremos en el estudio para grabar un poco más. Aquí está la lista de todos nuestros próximos shows: 15.10 - The Underground - BRADFORD

16.10 - The Finsbury - LONDON 05.11 - South Records - SOUTHEND 09.11 - The Bassment - CHELMSFORD 18.12 - The Castle Hotel - MANCHESTER Muchas Gracias por aceptar responder nuestras preguntas. Ha sido muy interesante para ser entrevistado por usted, saludos, amigo. Gracias de todos nosotros.

[ Entrevista a Eric Boomhower from Dry Faser Por Diego Centurión ]

"TRÍO" ES EL NUEVO SONIDO DE DYR FASER Nuevamente volvemos a darle un espacio que creemos im-

siempre fue una gran defensora de mis grupos anteriores. Soy

portante a nuevas bandas, que en cierta forma es la esencia de

un gran admirador de su trabajo, así que fue una decisión fácil

Revista The 13th.

traerla. Nuestro primer show juntos fue en diciembre de 2015.

En este caso nos contactamos con Eric Boomhower, quien

Kate nos vio tocar en abril de 2016 y también se ofreció a ayu-

junto a Thalia Zedek y Kate Murray conforman "Dyr Faser",

dar de cualquier manera, muy similar a lo que Thalia había he-

banda que acaba de lanzar un EP, con esta nueva formación de

cho. Tomé esto como una buena señal y una vez que la oí tocar

trío, pero para conocer la historia y a la banda dejemos que el

el sintetizador sabía que tenía que estar en el grupo. Kate tie-

fundador de este proyecto, Eric, nos cuente todo, o casi todo...

ne un gran equilibrio de moderación y de expansión. Las canciones tienen esta calidad mística y el sintetizador es una gran

Hola chicos, gracias por darnos la posibilidad de hacer esta

parte de eso.

entrevista. Gracias. Contento de ser incluidos.

¿Cuáles son las influencias de Dyr Faser? Es agradable escuchar comentarios y leer los comentarios que

Primero, ¿por qué Dyr Faser? ¿Hay una historia detrás de este nombre? Sí hay, pero creo que la mejor manera de preservar la mística y dejar que otros proyectan sus propios pensamientos.

nos comparan con tantos artistas diferentes o incluso estados de ánimo. Me gusta el krautrock, post punk, goth, psych, clásica, reggae, soul, motown, etc. El estilo de Thalia posiblemente proviene de una influencia más americano que se destaca por su trabajo de la guitarra slide en 'Trío'. Kate tiene un fondo clá-

Dyr Fraser nació como un proyecto sólo de Eric. ¿Sigue siendo un proyecto en solitario de Eric?

sico y también un amor por el krautrock y el space rock. Admiro directores de cine como Tarkovski, Kubrick y Bergman y siento

Cuando esto empezó era importante para mí ser capaz de re-

como una canción puede reflejar ese tipo de experiencia cine-

producir lo que había grabado en una situación real. Quería ser

matográfica. Sé que podemos sonar extraños pero quiero que

autosuficiente y agregar sintetizadores y loops de batería a mi

nuestra música pueda abrir todos los sentidos del oyente para

estilo de guitarra y voz. Ahora mirando hacia atrás supongo que

envolverlos completamente.

diría que mis comportamientos obsesivos estaban trabajando a mi favor. Thalia y Kate llevan la música a un nivel completamente nuevo. Puede ser una enorme pared de sonido o un pasti-

¿Cómo introducirías a nuestros lectores acerca de la música de Dyr Faser?

che muy delicado. Soy afortunado de tener músicos tan talento-

Nuestra música es embriagadora y carnal. Podemos ser cla-

sos y pensativos, entiendes. Las melodías y ritmos que estamos

ros u oscuros. Las guitarras tejen de adentro hacia fuera. Los

creando actualmente son muy singulares.

sintetizadores dan cortina con misterio y propósito. Los loops de batería mantienen el estado de trance. La voz/letra parecen

¿Cómo y cuándo llega Thalia a la banda? ¿Qué hay acerca de Kate?

explicar mi estado de ánimo. Un crítico ingles dijo: “Dyr Faser es una banda que tocan música orgánicamente que desconcier-

A un día o dos de liberar la primera canción de Dyr Faser,

ta que siempre pueden repetir los sonidos que hacen – las can-

Thalia me dijo que le gustaría ayudarme de cualquier manera

ciones en “Trío” suenan como un single único dando a luz, un

que pudiese. Siempre nos gustó tanto la música del otro y ella

momento mágico y a la vez, perdido para siempre.". Yo diría

que 'Trío' es un buen punto de partida para los nuevos oyentes,

vertido para nosotros. Thalia en realidad nunca ha tocado con

ya que es la versión más reciente y que nos tiene a los tres en él.

sintetizador y con loops de percusión así que esto es algo nue-

Los puristas pueden comenzar con “Volum 1” para experimen-

vo para ella para experimentar. Es genial escuchar las guitarras

tar como empezó.

crudas mezclado con los elementos electrónicos. Hasta ahora nunca sabré lo que Thalia o Kate tocarán en las nuevas cancio-

Este año han editado varios EPs, “Volum 2”, “Dyr Faser”, y el

nes. Dejaré espacio para ampliar las partes o romperlas.

nuevo “Trio”. ¿Pueden decir que “Trío” es el sonido de Dyr Faser”? ¿Tal vez porque ahora son un trío? 'Trío' es el nuevo sonido de Dyr Faser pero realmente Tha-

¿Puede contarnos algo sobre las canciones mientras revisa el EP "Trío" "pista por pista"?

lia y yo hemos estado en la elaboración de este sonido por un

Den Of Sables

año. Kate ha hecho que se complete. Es difícil comparar 'Trío'

A veces, sables siguen las huellas de los lobos y los osos y se

a cualquiera de las otras versiones ya que soy el único que toca

alimentan de los restos de sus presas.

en aquellos. Yo recomiendo todos los lanzamientos. Todos ellos

Estranged

deben ser considerados el "sonido" de Dyr Faser. El show en

He tenido mi parte cuota de extrañeza.

vivo se ha vuelto más dinámico como un trío. Es muy bueno te-

Don't

ner todo este sonido que se genera, y no ser capaz de determinar exactamente dónde está viniendo.

Un recordatorio para mantener a tus amigos cerca y a tus enemigos lejos. Just A Face

Eric, en “Volum 1”, Thalia aún no estaba completamente in-

A veces tener otra cara cerca es todo lo que necesitamos.

tegrada al proyecto. ¿Has compuesto las canciones con Thalia

Koso Biru

en tu mente?

Remover todo para dar cabida a la nueva carne.

No, solo escribí lo que me vino naturalmente. No tenía ni idea de lo que Thalia sumaría a ellas. Esto es lo que hace que sea di-

Hybrid Souls Destrozado por el mismo poder que los unió.

Además de varios conciertos. ¿Qué podemos esperar de Dyr Faser en este 2016 y 2017? Más grabación de material nuevo. Más vídeos y colaboraciones visuales. Y esperaramos llegar al mayor número posible de

ca pueden responder mejor que yo: “Esta es una banda de semejante potencial y aterciopelada amenaza que uno se pregunta cómo lo han logrado. Uno de los mejores lanzamientos de la música de este año.”

personas y convertirlos a nuestra música. Un viaje a tocar conciertos en Europa está en los planes. Más fechas en los EE.UU. y Canadá.

“Imagínense a la The Velvet Underground causando algunos movimientos anormales en una pista de baile de krautrock…”

Para terminar, ¿Por qué deberíamos escuchar a Dyr Faser?

¡¡¡Gracias por su tiempo y pensamientos!!!

Creo que estos dos extractos de reseñas en Inglaterra y Bélgi-

El gusto fue mío. ¡Y gracias!

[ Entrevista a Alan Courtis por Diego Centurión ]

ES BASTANTE DIFÍCIL PREDECIR ALGUNOS SONIDOS Todo empezó con un disco realizado con vino Malbec, si con

Simplemente poniendo las bobinas en distintas posiciones

vino, con líquido derivado de la vid. Mientras reseñaba el ál-

en torno al Malbec y moviéndolas hasta apareciera algo inte-

bum “Coils on Malbec” se me presentaban algunas preguntas

resante.

entonces decidí que era el momento justo para entrar un poco

¿Qué tipos de experimentación utilizaron para este trabajo?

en el momento de la gestación de un álbum de esta índole, así

Básicamente la experimentación de audio aunque obviamen-

que decidí preguntarle a Alan si aceptaría hablar sobre el tema

te las bobinas implican el trabajo con el electromagnetismo. De

y esto es lo que quedó.

hecho es bastante difícil predecir algunos sonidos, ya que lo que captan las bobinas no suena en el aire. Entonces en ciertas zo-

Hola Alan, antes que nada, gracias por aceptar hablar con nosotros nuevamente, aunque esta vez vamos a hablar de tu últi-

nas podían aparecer sonidos inesperados, por lo que había que estar siempre atentos.

mo trabajo, un trabajo que he reseñado para el número anterior. Y se me han planteado tantos interrogantes mientras la escribía que de ello quiero preguntar.

¿Fue prueba y error? ¿O buscaban un sonido específico y hasta que no lo encontraban no lo grababan? La sesión fue bien exploratoria, así que no teníamos demasia-

Para empezar ¿te gusta el vino Malbec?

dos planes respecto a qué sonidos específicos buscar. En cual-

No es que sea un experto, pero claro que puedo disfrutar de

quier caso cuando aparecía alguna frecuencia que nos parecía

un buen Malbec.

interesante, tratábamos de enfocarnos en ella para que quede registrada lo mejor posible.

Ahora... ¿cómo, cuándo y dónde se les ocurrió explorar la sonoridad del Malbec?

Tal vez la música experimental no sea de gusto masivo, y creo

Fue en el 2013, cuando Cyrus vino a Buenos Aires trayendo

que gran parte de esto es porque no se sabe el proceso del tra-

unas bobinas bastante particulares. Decidimos hacer una se-

bajo hasta llegar a la obra terminada. Y creo que lo fascinante

sión de grabación y nos pareció que el Malbec era la excusa per-

muchas veces suele ser la explicación del proceso de creación.

fecta para explorarlas.

¿Cómo creas un pasaje sonoro con sonidos que provienen de esta experimentación con el vino? Es decir ¿cuándo dices "Lis-

¿Cómo fue el proceso de pensar en la ingeniería para captar estos sonidos?

to, canción terminada"? Creo que es un tipo de música que pide algo del oyente y a

Técnicamente fue bastante simple: grabamos directamente

algunos oyentes tal vez hacer ese esfuerzo les cueste, pero pre-

la señal de las bobinas sobre el Malbec sin ningún tipo de com-

cisamente por eso tiene valor. En nuestro caso la sesión de gra-

presión ni procesamiento. Lo que sí tratamos de registrar fue

bación fue sólo el punto inicial. De hecho el disco tiene dos lar-

una amplia variedad de frecuencias.

gos temas: -uno para cada lado del LP- que fueron realizados con las gra-

Y ¿cómo fue llevado a cabo la captación de los sonidos?

baciones, pero ambas composiciones vinieron mucho después

seleccionando y reordenando las secciones que más nos gusta-

de Exploración Sonora de Fiorito que editó Belleza y Felicidad

ban. A nivel sonoro no hubo mucho procesamiento sino mayor-

Fiorito Records. Fue una experiencia muy intensa, que intentó

mente sólo ajustes de ecualización y una masterización final.

acercar la música “experimental” a un contexto de bajos recur-

Como no teníamos apuro nos tomamos casi dos años (2014 y

sos para darle un contenido social. Lo recaudado por el disco va

2015) hasta tener las composiciones listas. Y pasó un año más

íntegramente para ellos y esa ayuda, aunque sea mínima, le da

hasta que el LP estuvo finalmente editado.

sentido a todo. También estoy dando algunos seminarios nue-

¿Es viable presentar este álbum en vivo?

vos en Universidades y sigo con los talleres con personas con

Sí, de hecho lo hicimos en Buenos Aires, pero para la presen-

discapacidad.

tación le agregamos guitarras eléctricas haciendo algunas texturas adicionales. Igualmente trabajamos tanto con sampleos del disco como también con procesamiento en vivo del Malbec con bobinas y micrófonos de contacto.

Está última semana he escuchado mucho el álbum, tú ¿cuánto lo has escuchado últimamente? Normalmente, cuando sale un disco, ya trato de enfocarme en otros proyectos. Igualmente lo escuchamos bastante durante los meses de la composición y también cuando llegó el prensado

¿Te presentas en vivo en Buenos Aires en este año?

en vinilo, con el cual quedamos muy conformes.

Me voy a estar presentando el 4 de noviembre en la BIM (Bienal de la Imagen en Movimiento http://bim.com.ar ) que se va

¿Qué escucha asiduamente Alan Courtis?

a realizar en el MAMBA. En este caso voy a estar haciendo el au-

Escucho de todo, me gustan especialmente las rarezas de

dio en vivo para dos reconocidos cineastas experimentales: Greg

cualquier parte del planeta. Estas semanas pasadas estuve escu-

Pope (Inglaterra/Noruega) y Hangjun Lee (Korea).

chando y seleccionando mucha música para las “Escuchas Flux-us” que hice en el MALBA en el marco de la muestra de Yoko

¿En qué estás trabajando actualmente?

Ono. Me resultó interesante buscar conexiones entre artistas

Hicimos recientemente un disco con los chicos del Taller

Fluxus y material de diversos géneros producidos en Argentina

67 y Latinoamérica. Por supuesto la mayoría era en vinilo. Además,

temas en distintas compilaciones. Para principios del año que

por ejemplo, estuve este año investigando la música Paragua-

viene tengo un disco de guitarras llamado “Los Galpones” que

ya para un proyecto que esperemos salga pronto. Y aparte de

va a editar el sello Fabrica Records de Nueva York y hay varios

rock, psicodelia, drone, noise, improvisación, contemporánea,

otros discos programados en Alemania, Francia, Estados Uni-

etc. me interesa música de diversas etnias de pueblos origina-

dos, Polonia, etc. Después tengo una gira larga en Europa y va-

rios tanto de acá, como de todo el mundo.

rios proyectos por terminar.

¿Cuáles son los planes inmediatos? Tengo una cinta saliendo en Hungría en pocos días y varios

Es un placer haber hablado contigo, siempre nos interesa tu trabajo.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: LA MAQUINA DE HACER PAJAROS: EL YES DEL SUBDESARROLLO

“En este grupo hacía lo que me gustaba” son las recordadas pa-

firió permanecer en un segundo plano…al menos en lo papeles.

labras de Charly García respecto a su etapa en La Máquina de Hacer Pájaros. Lo que no es poca cosa por ser él mismo uno

De esto se trataba La Máquina: rock progresivo y sinfónico,

de los íconos ineludibles del rock argentino, con una extensa

temas extensos con cortes y cambios de ritmos, técnicas de ins-

trayectoria que abarcó diversas bandas, colaboraciones y discos

trumentación habitualmente asociadas con el jazz o la músi-

solistas. Vale la pena agregar que Charly no solo hizo lo que le

ca clásica, variaciones por doquier envueltas por melodías con

gustaba con La Máquina, sino que lo hizo en la banda argentina

guitarras acústicas o colchones de teclados en abundancia. Las

que más exploró y se comprometió con el rock sinfónico y pro-

expectativas fueron amplias y por momentos superadas ya des-

gresivo en su país.

de su primera presentación en vivo en el Teatro Astral en noviembre de 1976, cuya crítica la revista Pelo resumió así: “La

Durante los años en que ya destacaban en Argentina bandas

Máquina de Hacer Pájaros plantea una experiencia de música

como Invisible o Crucis, el ex miembro de Sui Generis ya co-

elaborada que nunca fue profundizada en Argentina. La banda

menzaba a despertar interés en dicho estilo musical. Años de

tuvo un trabajo correcto con momentos de gran altura musical,

folk rock de la mano de su ex compañero Nito Mestre llevarían a

y es bastante factible que el grupo recién empiece a encontrar

Charly García a la necesidad de un cambio. Tras la despedida de

su personalidad musical. Habrá que esperar a que la Máquina

Sui Generis en el Luna Park en 1975 sobrevino el proyecto Por-

alcance su mayor vuelo e intensidad musical”. El único defecto

SuiGieco, que no aparentaba tener mayor futuro que el de una

que se encontraba como evidente era la parte vocal: García nun-

reunión de amigos que se juntan de tanto en tanto para divertir-

ca fue un gran cantante.

se. Pero es cierto que el inquieto músico y compositor ya había comenzado a galantear en los últimos tiempos con los teclados

Pero más allá del guiño de la crítica especializada, el público

al mejor estilo Rick Wakeman en composiciones como “Tema

en general no encontraba en este nuevo proyecto el acceso a hits

de Natalio” o en las mencionadas presentaciones de despedida

fácilmente asimilables como los que supo regalar en abundan-

de Sui Generis (referencia obligada: la versión de “Un Hada, Un

cia Sui Generis. Un año después se editaría el segundo disco,

Cisne” que se editó en el álbum “Adiós Sui Generis”).

“Películas”, con grandes piezas y una muy cuidada producción, pero aún así no se logró el éxito esperado. Girando alrededor

¿Y de donde vino un nombre tan poco convencional como ori-

del concepto que daba nombre al álbum, se hace constante re-

ginal? “Los pájaros vendrían a ser el vuelo de la música, y la má-

ferencia a la realidad que vivía Argentina en aquellos tiempos,

quina la batería tecnológica/humana que la genera”, alcanzó a

tras años de una guerra civil sin cuartel entre terrorismo sub-

explicar Charly. La realidad es que en aquellos años, un dibujan-

versivo y terrorismo de Estado. Este ambiente ya se metaforiza-

te y humorista llamado Crist publicaba en la revista “Hortensia”

ba desde la portada misma del disco, donde los miembros de

una tira titulada “García y la Máquina de Hacer Pájaros”, en la

La Máquina salían de un cine donde se proyectaba una pelícu-

cual se inspiró la banda. Como cortesía, el mismo dibujante fue

la llamada “Trama Macabra”, o en el estribillo del tema que da

el autor del sobre externo del primer álbum, que es una suer-

nombre a la placa: “¿Qué se puede hacer salvo ver películas?”.

te de presentación del grupo y donde se define al mismo como

Por otro lado, un positivismo implícito, una inyección de áni-

“un pájaro progresivo”.

mo: “No te dejes desanimar, no te dejes matar, quedan muchas mañanas por andar”.

Podríamos decir que se trató de un super grupo. Junto a García en teclados y voz, se alinearían otros músicos ya reconocidos

La última vez que se los vió juntos en vivo fue el 11 de noviem-

o en camino a serlo. Gustavo Bazterrica en la guitarra, que años

bre de 1977 en el Luna Park, aunque ya sin Gustavo Bazterrica

después sería parte de Los Abuelos de La Nada. José Luis Fer-

(que había abandonado la formación en agosto) y a sabiendas

nández en el bajo, ex Crucis. Carlos Cutaia en teclados, ex Pes-

de que se trataba de una suerte de despedida. Los constantes

cado Rabioso. Y Oscar Moro en batería, ex Los Gatos y Color Hu-

roces hicieron imposible la continuidad, principalmente como

mano, que sería en el futuro un integrante más de Serú Girán.

consecuencia del fuerte personalismo de Charly García. Corta

De alguna manera, García quiso quitar peso de sus espaldas

fue la vida de esta cautivadora banda. En este último show com-

ante la expectativa que generaba su carrera musical, buscando

partieron escenario con varios músicos de trayectoria, entre los

compañeros que participaran en la composición y los arreglos.

cuáles se encontraría David Lebón, con quien posteriormente

No quería pasar directamente al frente: ya sin Nito Mestre, pre-

viajaría a Brasil para formar Serú Girán.

Charly García ensayó la humildad y definió a La Máquina con

jante definición. Convirtiéndose en otro de esos casos donde el

sus palabras y su característico estilo poco acartonado: “Éramos

reconocimiento llegó años después de haberse disuelto el con-

el Yes del subdesarrollo”. Creo que no hizo justicia con seme-

junto, La Máquina es considerada hoy en día una banda de culto.

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 2: A VISION SOFTLY CREEPING “Myself, I long for love and light, but must it come so cruel, and oh so bright?” -“Joan of Arc” de Leonard Cohen Una de las formas en que un artista puede ser relevante es si puede ver el futuro. A los 21 años, Paul Simon escribió la canción “The Sounds of Silence.” Se trata de un milagro, de esas obras monumentales cuya génesis es indescifrable. Paul Simon es un buen compositor, pero ni antes ni después volvió a ser capaz de realizar algo con semejante poder. El resto de los temas del disco homónimo, si bien agradables, parecen escritos por un niño de 9 años en comparación. En “Sounds of Silence” Simon escribe poseído, como si estuviera canalizando revelaciones religiosas a punto de arder en el fuego. Dentro del formato de canción melódica de tres minutos, donde algunos de los pensamientos más subversivos han sido planteados en el inconsciente colectivo, nos presenta imágenes del fin de los tiempos, a un ritmo delirante, desprovistas de violencia física pero cargadas de muerte emocional. Gente que habla sin decir. Gente que oye sin escuchar. Dioses de neón que apuñalan ojos y dividen la noche. Y lo peor de todo, gente que escribe canciones que nadie canta. Es una pesadilla de la que no te podés despertar porque te das cuenta que ya es una realidad. Simon, en rol de profeta / docente / mesías / salvador, trata de advertirles a todos que “el silencio crece como un cáncer,” pero nadie lo escucha. Como escribe Michael

Stipe en el 2008, “nobody cares, no one remembers and nobody cares.” Es como si Simon hubiera sido poseído por el espíritu de David Bowie, viajando desde el 2016 hasta 1966 con intenciones de hacer su mensaje más claro esta vez. Viniendo de Bowie, esta canción hubiese resultado algo menos inesperada, dadas sus casi constantes visiones apocalípticas… aunque su mensaje hubiera perturbado más que de costumbre dada la claridad abrumadora con la que está expresado. ¡Pero, como todos sabemos, la canción no vino de Bowie sino de Paul Simon! Contemplen la tapa del single original:

73 ¡El lado b se llama “We’ve got a groovey thing goin’”! El inexplicable poder de la canción resuena a través de las décadas. En el 2009 formó parte de la banda sonora de Watchmen, la digna adaptación al cine de la magnánima obra de Alan Moore sobre el poder, la integridad, la megalomanía y la singularidad humana. Por lo menos la mitad del disco está conformado por canciones proféticas. Está “Pirate Jenny”, donde Nina Simone tolera calmamente a sus opresores gracias a la certeza de que un barco pirata va a venir a asesinarlos. El ominoso extracto del Koyaanisqatsi de Philip Glass se titula justamente “Prophecies.” Y, por supuesto, hay tres canciones de Bob Dylan. Tanto en ficción, mito o realidad, la profecía siempre viene con un altísimo costo para el profeta. Probablemente la imagen más inmediata que se le viene a la gente al nombrar a Bob Dylan es la de “cantante de protesta de los 60s.” En sus más de 55 años de carrera, Dylan fue cantante de protesta sólo entre 1962 y 1964. Pero en esos dos años revolucionó al mundo y fue considerado “la voz de su generación.” Este dudoso honor puede llegar a resultar demasiado para un mortal, incluso para alguien con la mente y carácter de Dylan. ¿Cómo satisfacer las expectativas de una generación que te considera su mensajero? Y peor aún, ¿cómo convivir con el conocimiento de que las acciones de la gente inspirada por tus mismas palabras dejan bastante que desear? La solución que encontró Dylan fue una ya recurrente en esta narrativa: desaparecer. No desaparecer como artista, sino como portavoz de la contracultura. En un paradigmático caso de un intérprete que escribe su propia leyenda, Dylan abdicó el rol de cantante de protesta públicamente en forma de canción, con la monumental “My Back Pages” de 1964. “Con pose de soldado apunté mi dedo hacia los perros mestizos que enseñaban… sin saber que me convertiría en mi propio enemigo en el momento en que empezara a predicar (…) El bien y el mal, defino estos términos claramente, sin duda, de alguna forma…” Y aun así… sin importar qué tan alta sea la calidad del material posterior de Dylan (y en general es bastante alta,) no hay absolutamente nada que iguale el poder de cosas como “The Times They Are A’Changin’” o “A Hard Rain’s A’ Gonna Fall.”

El alto precio de la profecía. En su “Song for Bob Dylan” de 1972, Bowie le rogó al artista que volviera a escribir canciones sobre la revolución. “Devuélvenos nuestra unidad, devuélvenos nuestra familia, sos el refugiado de todas las naciones, no nos dejes con su cordura.” El tema fue parte de Hunky Dory, uno de los discos de Bowie con más alta cantidad de canciones proféticas, lo cual es bastante decir. Pero el pedido no funcionó. Quizás Bowie debería haber omitido describir a la voz de Dylan como una mezcla entre “arena y pegamento.” El poder de la profecía, sin embargo, parece haber funcionado algo mejor para Bowie, quien pudo llevar una vida completa sin abandonarla. Quizás ayudó el hecho de que supo canalizarla de forma indirecta y oblicua, nunca demasiado explícita, reflejando la dislocación de los tiempos que vivió mediante descripciones que parecían pertenecer a otros tiempos y realidades. La obra de Bowie en su totalidad es tan profética que hasta parece haber sido editada fuera de una cronología. Discos primerizos como Space Oddity (1969) tienen más sentido ahora tras su muerte. De hecho, suena hasta como si fuese su último disco en vez de prácticamente su debut. 7 de sus 9 temas son canciones de despedida. En “Cygnet Committee” y “Memory of a Free Festival” se despide de los movimientos culturales de los que formó parte (o generó). En “Janine” se despide de las relaciones amorosas, en “Letter to Hermione” del amor. En “Wild Eyed Boy From Freecloud” de despide de un mundo que

nunca lo comprendió. En “Space Oddity”, el primer tema, se despide del planeta Tierra… y, posiblemente, de la vida. Y en “An Occasional Dream” parece reflexionar sobre esa vida que ya se acabó: “En nuestra locura, quemamos un centenar de días…” El destino de otros profetas del Rock como Ian Curtis ha sido ciertamente más trágico. Por mi parte, mis intentos de escribir una canción profética no han sido del todo satisfactorios. Prácticamente la primer cosa que hice al comprarme un Smartphone a principios del 2015 fue componer un álbum exclusivamente a base de aplicaciones del teléfono, a modo de demostrar el potencial creativo de la tecnología en vez de ver sólo sus aspectos idiotizantes y alienantes. Poco tiempo después, Diego Centurión me pidió un tema inédito para publicar en un compilado de Revista the 13th. “Song to the Android” había sido un disco enteramente instrumental, así que aquí di un paso más e hice que una voz computarizada recitara un poema que había escrito sobre el ideal de una Internet libre, donde la gente puede expresarse a su agrado sin “gatekeepers” que dicten lo que es válido. La primera línea, “a veces pienso en el mundo que se viene y no puedo dormir (del entusiasmo,)” proviene de una capacitación docente cuya disertante, una persona mayor altamente activa, supo inspirarme por un momento aun dentro del complejo corporativo-marketinero-educacional. Desafortunadamente el compilado tardó más de un año en editarse, y mi mente ahora está en un lugar completamente distinto. Mi entusiasmo inicial con las tecnologías nuevas suele ser breve y a los pocos meses regreso a mis viejos hábitos. Más auténtica me resulta una canción llamada “Stalingrad,” donde me pongo en el personaje del profeta de “Sounds of Silence” al que nadie escucha, sólo que ni opto por advertir al mundo sino que directamente anuncio mi retirada (aunque el sólo hecho de que la canción exista ya es una especie de advertencia. ¿Sobre qué? … probablemente sobre mi estado mental.) Como Dylan, abandono públicamente y en forma de canción el rol de cantante de protesta, con la diferencia de que nunca llegue a asumirlo. Pero bueno, si voy a estar influenciado por el pasado,

por lo menos que me influyan los mejores. Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos “Oh Yeah” de Charlie Mingus y “Solo Piano” de Philip Glass Para cualquier tipo de feedback, sugerencias y comentarios: gabrielalejandrorojo@gmail.com, o por Facebook (www.facebook.com/gaborojo67)

NOTAS ADICIONALES: En la canción “Goin’ Home” del disco Old Ideas (2012,) Leonard Cohen no sólo reconoce al acto de escritura como una instancia de posesión, sino que redacta la letra desde el punto de vista de la musa o espíritu posesor, que parece compadecerse de él: “Quiere escribir una canción de amor / un himno de perdón / un manual para vivir derrotado (…) Quiero dejarle claro / Que no lleva ninguna carga / Que no necesita una visión / Que sólo tiene permiso / Para cumplir mi deseo / el cual es DECIR lo que le digo que repita.” En otra canción del mismo disco, “Banjo”, Cohen habla sobre una peculiar figura que lo atormenta: la de un banjo roto naufragando en un mar “oscuro e infestado.” “Me persigue a dónde quiera que voy / Su tarea es hacerme daño / La mía es saber.” Nuevamente la necesidad de componer se presenta como un acto magnético, doloroso, compulsivo e inevitable.

PALABRAS EN LA ARENA

[ “El Sutra de la Dorada Eternidad”, de Jack Kerouac por Pablo Ravale ]

ILUMINACIONES DE UN VAGABUNDO BUDISTA: Jack Kerouac fue uno de los poetas y novelistas estadounidenses más importantes del siglo XX; la comunidad beat le reconoce como el “King of the Beats”. Su estilo ritmado e inmediato, denominado por él mismo como “prosa espontánea”, ha inspirado a numerosos artistas y escritores, entre los que destacan el trovador Bob Dylan o el chamán lisérgico Jim Morrison. Las obras más conocidas de Kerouac (En el camino, Los subterráneos, Los vagabundos del Dharma, Tristessa o Big Sur) son considerados auténticos manifiestos de la beat generation, pues narran de manera ficcional los viajes del autor a través de las rutas de los Estados Unidos. A lo largo de toda su obra, este “jazz poet”, tal y como se definía a sí mismo, elogiaba las hazañas del amor libre (la pasión carnal es para él «la puerta del paraíso»), proclamaba la inutilidad de todo conflicto armado y considerbaa que «sólo las personas amargas desprecian la vida». Kerouac y sus escritos fueron así precursores del modo de vida de la juventud de los años 60, los hipsters, amén, claro, de inspirar de manera directa tanto a los movimientos de mayo del 68 como a la oposición a la guerra del Vietnam, y a los hippies de Woodstock. En el camino, su novela más recordada y celebrada, es, de hecho, una oda a los grandes espacios, a la epopeya de viajar en auto sin rumbo definido, al descubrimiento de un nuevo mundo interior y personal. Kerouac pasó la mayor parte de su vida entre los distintos puntos de Estados Unidos y la casa de su madre en Lowell, en el estado de Massachusetts. Esta paradoja refleja en cierto sentido su modo de vida: nómada, inconstante, inestable, enfrentado siempre a los valores tradicionales de los años 50, haciéndosele difícil encontrar un lugar propio en el mundo. Asimismo ese desarraigo lo llevó también a la búsqueda de un sentido de la existencia.

Compañeros de esta búsqueda fueron no sólo los salvajes Neal Cassady, William S. Burroughs o Allen Ginsberg, sino también las drogas y el alcohol. Sus eternas inquietudes metafísicas lo acercaron además a la espiritualidad, especialmente al budismo zen (Los vagabundos del Dharma está dedicado al poeta chino Han Shan). De esta manera, y a instancias del poeta Gary Snyder, quien en 1956 le sugirió que redactara un sutra (palabra que en sánscrito significa “cuerda” o “hilo”, pues conecta con la Verdad Superior) a la manera de los antiguos discursos del Buda Gotama, fue que el ángel subterráneo de Lowell escribió este texto, hoy casi olvidado, pero que en su momento sirvió de guía para andariegos que querían descubrir que el centro de la vida del espíritu era precisamente callejear. El resultado de ello fue un poema en prosa, compuesto por sesenta y seis secciones, que cuando Kerouac en 1960 se lo presentó a su editor, le dijo: «Estaba escribiendo esto, pensé que sabía qué significaba, pero ahora no lo sé». Como fuere, a medida que uno se zambulle en las páginas de El sutra de la Dorada Eternidad de Kerouac, la sensación o el pensamiento que nos acomete es que el budismo ha prosperado porque existen vagabundos expertos en el arte de quitarse las anteojeras. Y vagabundo fue Jack Kerouac, quien con su pluma iluminada decidió regalarnos todo un manual de enseñanzas espirituales, dentro del cual podemos encontrar verdades reveladas como éstas: «Ese cielo, no sé si se tratará más que de una ilusión de mi mente mortal, no habría dicho “ese cielo”. De tal manera que yo hice ese cielo, yo soy la dorada eternidad. Soy una Dorada Eternidad Mortal», «Estrictamente hablando, no hay yo, pues todo es vacío. Yo soy vacío, soy un no-existente. Soy dicha», «Dios no está fuera de nosotros sino que es nosotros, los vivos y los muertos, los que nunca han vivido y los que nunca han muerto. Esto que ahora deberíamos

saber es la realidad suprema, fue escrita hace tiempo en los archivos de la mente universal, ya está hecha, no hay más por hacer», «La sociabilidad es una gran sonrisa, y una gran sonrisa no es más que dientes. Descansa y sé amable» o «Mira fija y profundamente al mundo que te antecede como si fuera un hueco: innumerables espíritus sagrados, formas de buda y salvadores dioses ocultos que sonríen. Todos los átomos emiten luz dentro del oleaje, no existe separación personal entre ellos. Un colibrí puede entrar

en tu casa, un halcón no; así que descansa y siéntete a salvo. Mientras buscas la luz, puedes ser devorados súbitamente por la oscuridad y encontrar la luz verdadera». En definitiva, leer El sutra…, como pueden imaginarse, representa primero, un auténtico instrumento de conocimiento y libertad personal, y segundo, una aspiración libertaria y moral hecha poesía, hecha pensamiento universal canalizado en palabras. Reliquia absoluta.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

Grandes polaridades demoníacas de la Creación El término “Diablo” se emplea para encubrir los dos excesos de polaridad en la Naturaleza que, incontrolados, destruyen el organismo que el hombre trata de construir. Según la Kabbalah, las dos grandes polaridades demoníacas de la Creación son: Lucifer (Marte) y Satán (Saturno). Lucifer es el espíritu del exceso, el flamígero hijo de la precipitación y el regidor de la gratificación de los sentidos, sobre los que ejerce su dominio con un cetro de serpientes. Las víctimas de su poder ejecutan actos violentos no porque él lo quiera así, sino porque ellas poseen esta energía y ellas mismas la han pervertido. Lucifer es el portador de luz, y es convertido por el hombre en el fiero demonio del odio y de la guerra. Su poder es utilizado por el hombre como inspirador de sensualidad y pasión, en lugar de usarlo tal sólo para el logro del ideal. Cuando no son dominados, aquellos que caen bajo el dominio de su influencia se encaminan insensatamente hacia su propia destrucción. Está en perpetua oposición a Satán, tratando de arrebatar el alma humana del frío abrazo de Saturno; él es el calor que incuba al alma, pero el hombre lo utiliza como ardiente llama en la que es abrasada la razón. Satán, por su parte, es el espíritu de precaución, prudencia, que cuando es pervertido se convierte en negación. Ante su portal se agolpan los pecados de omisión. Pocos son los que se dan cuenta de que el hombre es responsable por las cosas que deja de hacer. Este es un aspecto de la ley. Es tan malo no hacer lo correcto como realizar lo indebido. Satán inhibe, retrotrae, aísla, cristaliza, conduce a la inercia cósmica porque destruye la acción. Uno de sus símbolos sería el Arcano de La Muerte, es decir, el esqueleto que lleva una guadaña, porque rige los huesos del hombre y los planetas, que son los huesos del Hombre Macrocósmico. Él es el gélido demonio que congela el espíritu en la sangre, y gobierna la muerte de las esperanzas no realizadas. Es el espíritu que finalmente reclama el retorno de todo lo que ha emanado a través de sus místicos anillos. Todos los poderes de la Naturaleza sirven naturalmente al bien, pero cuando caen en manos de quienes pueden ejercer mandato, el hombre los convierte en espíritus malignos para perjuicio de su propio mundo. Entre ambos extremos –Lucifer (calor ardiente) y Satán (máxima frialdad)– se debate el espíritu del hombre, crucificado como el Cristo alegórico, quemado por el fuego aniquilador de uno o congelado por la negación del otro. Esa es la magna verdad. Supongamos que una u otra de estas fuerzas fuese eliminada, ¿qué ocurriría con el Plan del Ser? Si Lucifer fuese el eliminado, el hombre se convertiría otra vez en una piedra, carente de incentivos, de movimiento o de emoción, y sería atenazado por los helados dedos de la muerte, como los sufrientes condenados del Infierno de Dante. Si por el contrario fuese Satán el excluido del esquema, el hombre sería consumido por las ardientes pasiones de Marte y los ángeles de Lucifer. Sin el frío, la precaución y el control de Saturno, su alma se perdería en la más desenfrenada sensualidad. De este modo, la eterna batalla entre estos dos grandes principios semeja la alternancia del día y de la noche, que atempera los influjos malignos y los compele a servir al bien del hombre, para que éste pueda alcanzar finalmente la meta a que aspira. Si el Sol hubiera de brillar durante todo el día el hombre se consumiría con sus rayos y se vitalizaría tanto que se eterizaría rápidamente, mientras que si fuese la noche la que siempre le rodeara, muy pronto retornaría al cristal. Lucifer o Satán no son malignos, sino que constituyen las dos más grandes polaridades de la Creación. Sin ninguna de éstas el Universo no podría existir; esto es así porque por un lado Marte, con los ángeles de Lucifer, es la dinámica de nuestro sistema solar, y sin ellos los planetas no podrían mantener su incesante marcha; y por el otro, Satán erige la Tierra y los mundos con su poder cristalizante, sin el cual no existirían sustancias sólidas con qué hacer los cuerpos. No es la fuerza o el poder sino su perversión lo que constituye el Mal. Los ocultistas dicen: «Demon est Deus inversus» («El Demonio es Dios a la inversa»). Nosotros podríamos decir: «El Demonio es poder pervertido». Por eso el hombre, el pervertidor del poder, es creador de demonios, porque es la más incapaz de las criaturas en lo que se refiere a ejercer el poder desde el interior de su propio ser. Los reinos inferiores se ven forzados a reaccionar ante impresiones grupales y a obedecer sin vacilar.

Carne cruda sin sabor por Valeria Pomidoro Amor discontinuo, pensamiento aglomerado en instantáneas de realidades, que se convierten en semillas de gotas de lluvia. Te amo cuando te veo, abrazados a un crimen de obediencia y pesadillas. Tener que recoger las cosas de un lugar y llevarlas a otro, complicado cuando se tiene que pensar. Espero, como siempre lo hice. Pero cuando llega la realidad, con el tiempo que debe transcurrir, veo como siempre fuiste la palabra que quise leer. Te fumo como a un cigarrillo, te desarmo la lengua con líquido seminal. Muerdo, pierdo conciencia. Adentro y afuera hasta que duela, y las palabras son cuasi sordas al suspirar mil plegarias de sudor y cemento de contacto. Aún, aún sos lo que siempre pensé que podía perder, pero te agarro de la mano y me devolves con sangre que fluye bajo la piel. Sos, sos, sos, sos, sos, sos, sos, sos, sos, sos, s.o.s. Y si se puede más, quiero todo. Y si los cocodrilos me comen, estaría bien. Y si la suerte se esconde, creo que entenderé. Y si estás cansado, sé que soy parte de ese cansancio. Cómo hago. Cómo hacemos cosas, como hago para medir como tu altura. Soy un pedazo de carne que se degrada, pero sólo porque yo quiero. No le echo la culpa a nadie, a mi madre, a mi padre, a la maestra que escribía “zandía” y “vanana”. Te fumo, mi amor. Poso mis labios y succiono, te anhelo por más de que te tenga, te convierto en alguien a quien no llego a tener. Se humano conmigo y dejame amarte, mientras soy esta mezcla rara de carne cruda y sentimientos. Me acepta la vida, pero, ¿yo la acepto a ella? ¿Somos tres, vos, yo, vida? Estoy embarazada de hoy. Soy hoy lo que puedo, soy vos cuando te veo. Te veo todo el tiempo y no quiero distinto-intento al nuestro. Tantos charlatanes están tirando sus anzuelos y tus palabras son justas cuando las oigo, más cuando me lastiman. Sufro, sufro por no ser libre. Verdad. Puedo decir que me dejas hacerlo, ¿es la verdad? Soy más persona cuando dejo de serlo, pero me pierdo y pienso que las cosas son de tal forma cuando las cosas son de tal otra forma. Soy un tanque de nafta a punto de explotar. Y ya no puedo decir que dejes eso y me agarres a mí. No me lo permito. Pero saboréame a mí, de todas formas. Perdón, aunque no quiero ningún perdón. No doy gracias, ya no lo necesito. No puedo. “Mamá, mirá que intento, pero no puedo”. Y ahora quiero llorar, pero, ¿de qué sirve? Ya no, ésta vez no, por más que… ya no. Gracias por todo, pero yo me voy. Voy a seguir fumando hasta el cáncer.

HIDDEN TRACK

EN CONCIERTO

[ Por Maxx Wilda. Retoques Fotográficas: Lily Moonster ]

ENTRE BRUJERÍAS, MUÑECAS, INDUSTRIAS Y TURRAS:

Nexus-6 y Richter en Pop al Rojas, Buenos Aires, 29 de Septimebre de 2016.

En una atípica fría noche de septiembre, 29 para ser exacto, de la mano del gran Luis Marte (Fuga), se celebró una fecha más del ciclo Pop al Rojas. Este ciclo cito en el centro cultural homónimo y como clama su slogan “una cita para los amantes del pop electrónico” es un esfuerzo más de este pionero músico electrónico e incansable gestor de espacios de difusión del indie electrónico local. Según Luis: “la escena argentina de este año como siempre es rica, con una variedad de propuestas que cubre todo el universo electrónico, por lo menos desde las propuestas que surgen, desde lo compositivo”. Su convicción es que “todas las propuestas que nos lleven a hacer conocer lo que hacemos, el escenario la pantalla son válidos para ver que está pasando y que están haciendo nuestros colegas, pienso aun que debemos seguir organizando conciertos, transmitir en vivo, en contacto físico con los demás seres nuestras propuesta”. En esta fecha en particular los citados fueron Nexus-6 y Richter, una muy buena selección para satisfacer corazones ávidos de un show que contrarreste la temperatura exterior haciendo mover nuestros cuerpos. El primer round fue para Nexus-6, para quienes no conocen a Luz y Benway: ¡“synthwave electro furioso”!

Benway me cuenta: “Cuando empezamos por allá por el 2005 nuestras influencias eran la música industrial de Front 242, Nitzer Ebb y el ElectroClash de Miss Kittin. Hoy nuestras influencias se acercan más al SynthWave de Perturbator, Miami Nights 1984 y Nightcrawler, por nombrar algunos”. ¡Y que lo digas! casi sin pausas, un show arriba, con varios hits de lo nuevo como de lo anterior, destacándose Dirty Dancefloors y Party Doll. El histrionismo de Benway y la sensualidad de Luz (¿o será al revés?) se funden perfectamente con cada tema, “… estoy segura que cada vez que estoy ahí, brota desde adentro mío una energía increíble que me hace sentir lo mismo que siento cuando escucho y veo a los músicos que con su arte y su convicción me han transformado, musicalmente y sobre todo humanamente. Bob Marley y David Bowie son ejemplos puros en este sentido”, comenta Luz. El recital resulta redondo, energía pura, si uno ya los conocía: nunca defraudan; si es la primera vez: ¡querrás verlos nuevamente! Con el clima justo llega Richter viejos conocidos de la escena, conversando con Zenitram (voz y programación), me cuenta: “nuestras influencias van desde el post-punk, el punk, la electrónica y la new wave de fines de los 70s y 80s, hasta las últimas movidas elec-

tro-rock de todas partes. De lo clásico: Depeche Mode, Kraftwerk, Devo, The Cure, Talking Heads, Blondie, Gary Numan, Nine Inch Nails, etc. etc. De lo más contemporáneo: Art vs Science, Cut/Copy, Datarock, Ladytron,..., The Faint, etc”. Su propuesta siempre es un show de alto impacto, Zenitram es un frontman experimentado que recorre todo el escenario y aledaños como pez en el agua. “En el escenario volcamos más la faceta rock que en el disco, de hecho lo que perseguimos fundamentalmente en el nuevo disco que está por salir, "Richteria", es aproximarnos más en el estudio a la energía de un show de Richter. Nos gustan mucho las bandas que van al frente y proponen cosas desde el escenario más que las que buscan simplemente la complacencia del público identificándose con él”. Algunos problemas técnicos (mínimos) dieron pie a que conozcamos la faceta stand up de Scheller, quien mantuvo la cosa cual puente para continuar con el electrorock al que nos tienen acostumbrados. Los puntos más altos: Buenas noches Humanos (de lo nuevo), Muevan las Industrias y Turra, “…en vivo somos en general un poco más desafiantes que la media”.

Una noche que no bajó de los 140 bpm, con invitados (en ambas bandas), visuales a cargo de Dolores Lagrange, impecable sonido y excelente ambiente. Un ciclo para disfrutar, descubrir y apoyar a la movida electrónica local. Cuestión en la que ambas bandas, incluyéndome, concuerdan. Para Benway: “Luis Marte, además de ser un ser mágico, es un inagotable luchador de la música electrónica under… sin él estaríamos un poco más solos, no solo nosotros, sino la escena en general”. Zentiram expande el concepto: “… en la escena electrónica actual es fascinante la cantidad y calidad de proyectos y propuestas que hay en las diferentes tendencias del estilo, en el tecno-pop, el synth-punk, el electro-rock, la electrónica experimental, el ambient, el noise, en fin... lo que yo llamo "la electrónica con espíritu de rock"... “está oculta y se mantiene a pulmón en reductos a veces hasta semi clandestinos, con direcciones por inbox y cosas así. Hay un abismo entre el mainstream y el under y la mayoría de los proyectos no llegar a tener la difusión que merecen”. Y remata con un pensamiento del cual debemos tener mucha atención: ”… hay cosas interesantísimas todo el tiempo en la noche de Buenos Aires, es cuestión

de dejar de ver todo por la pantalla y empezar a vivirlo en directo, salir a conocer, asistir a los diferentes eventos, en fin... es mentira que no hay nada interesante ahí afuera, es una excusa para envejecer cómodamente en el sofá, ¡ja! De cada 100 “asistiré” de un evento en Facebook con suerte uno solo asiste en persona, los otros 99... se lo pierden”. Luis reflexiona: “las propuestas siguen siendo más que interesantes, pero la afluencia de gente no acompaña de la manera que sea a la misma altura de lo que ofrecen los artistas y todo lo que implica mover un andamiaje para tocar. Tal vez la pata más floja de todo esto esté en la difusión y al acompañamiento en vivo de estas propuestas, pareciera que el cambio de paradigma es fuerte en cuanto a que un “like” parece suficiente y el concierto físico pasara a un plano de registro y luego si puedo lo veo por la pantalla. Y así los lugares empiezan a perder el interés que tenían en todo este tipo de música. Tal vez no nos damos cuenta que el cambio está en encerrarnos en nuestras casas a tocar nuestras perillas, y una pantalla sea el teatro perfecto y seguro para mostrar nuestros logros”.

Y muchísima razón tiene, aprovecho aquí para bajar línea: hay que volver al vivo, a asistir presencialmente a los recitales, a apoyar a músicos y productores, que son quienes en definitiva mantienen la rueda girando. Pero no todo está perdido, según Luis, “recibo por lo menos más de 10 trabajos para escuchar por semana, de gente que quiere hacer lo que hace en los lugares que tenemos para esto, y esto quiere decir que el vivo está vivo, el show de esta manera aun es apreciado como lo fue siempre. Aún quedan fuerzas para seguir adelante un poco más, lo que necesitamos es el apoyo”. ¡Así es! ¡Allí estaremos! Y espero que esta nota ayude en algún punto a eso. Nexus-6: The Witchcraft, Dirty Dancefloors, Travelling in Time, Another World, Androids Insomnia, Hypnotized, Stranger, Party Doll. Richter: Suiza, El Golem, Buenas Noches Humanos, Muevan las Industrias, Paso a Nivel, Cars, Corte de Luz, Árbol de la Ciencia, Turra.

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

JOHN WATERS -THE FILTHIEST DIRECTOR ALIVE-

Este mes la indecencia, el mal gusto y las excentricidades más descabelladas llegan a las páginas de Rescate cinéfilo. Unas que seguramente, debido a su contenido, estén sucias y pegoteadas con los impulsos más carnales y salvajes del cineasta de Baltimore. Amado, odiado, celebrado y censurado, John Waters es uno de los artistas más interesantes y transgresores que el cine nos ha dado el siglo pasado desde fines de los sesenta. Siempre polémico, su llamado de atención audiovisual lejos de ser pasado por alto tiene que ser tenido en cuenta con suma atención. Tanto sus primeros films, lejos de toda convencionalidad, como sus obras más aceptadas dentro de la industria cinematográfica exponen una toma de posición ante la cultura, los estatutos sociales y las diferencias de clases. Quizás para muchos espectadores la imagen de alguien cometiendo un brutal asesinato o un acto de coprofagia sea de un nivel tan provocador que indigne por completo al público presente. Que el acto no les tape el discurso porque el cine de Waters nos toca de cerca a cada uno como miembros de la sociedad y es la lucha por tirar abajo lo establecido lo que el director se propone y en parte logra a través de su cine. Y este especial que recorre algunas de sus obras tratará de encargarse de que, lejos de toda indignación que sus films o nuestras notas puedan generar, el mensaje y su arte se siga transmitiendo. A los que lo disfrutan y a quienes no, va dedicado este especial lleno de locura, sexo, crítica y excesos varios. En palabras suyas “Si vas a la casa de alguien y no tiene libros, no te acuestes con esa persona”. En nuestras palabras: Si vas a la casa de alguien y se manifiesta en contra de John Waters, no te acuestes ni veas cine con esa persona.

BAD TASTE [ Por Nicolás Ponisio ]

Antes de ser reconocido, antes de volverse mainstream con films como Hairspray (1988) o Cry-Baby (1990), o incluso antes de adquirir el título oficial de pontífice del trash, John Waters debía ganarse su lugar. Perteneciendo a Baltimore, su ciudad natal y una de las más decadentes de Estados Unidos, y gracias a una mente en conexión con los bajos instintos (muchos más bajos que los que se suelen conocer), al por entonces incipiente director del famoso bigote pintado no le costaría demasiado trabajo. Es más, no hay trabajo alguno más que el concebimiento de las ideas más perversas y el acto de llevarlas a cabo. Como bien expresaba Freud en su estudio de Lo siniestro, las exposiciones estéticas prefieren ocuparse de lo bello, lo grandioso y lo atrayente. Expresan sentimientos de tonos positivos, excluyendo a los sentimientos contrarios, repulsivos y desagradables. Como una suerte de manifiesto en contra de esa elección de lo bello, Pink Flamingos resulta un ejercicio de la perversidad, del mal gusto por sobre todo punto de estética. La historia de la persona más inmunda (Divine, la drag queen que exuda un estilo camp por donde se la mire... y huela) que es tratada de ser despojada de su título no sería más que, en términos clásicos, el macguffin de Hitchcock.

Una excusa para filmar a un puñado de amigos de Waters (quiénes sino) cometiendo las bajezas más atroces, que tienen como fin el despertar la sensibilidad del público. Sea a través del humor o simplemente, en su mayoría, la absoluta repulsión. Waters nos pasea entre placeres carnales con maltrato animal de por medio, la inquietante y humorística presencia de una mujer (Edith Massey) encerrada en un corral pidiendo por huevos a gritos, sexo oral explícito e incestuoso, canibalismo (no real) y la ya memorable escena donde se ingiere la evacuación anal de un canino (real, muy real), entre otras. Por el lado técnico del film, el director continúa los mismos parámetros de romper con lo establecido, de no tener criterio alguno para filmar más que el hecho de producir una chocante reacción en el espectador. Ruptura de ejes (y no referido a otros de los actos sexuales), (des)composición del encuadre y las exageradas duraciones de ciertas escenas que lo único que hacen es extender la experiencia como quien molesta a alguien para ver hasta cuándo lo puede soportar. Estímulos de una mirada perversa que busca generar todo tipo de reacciones, menos la indiferencia. Waters posiciona la mirada en las cosas que nadie quiere o hubiera pensado ver.

El cine es un generador de emociones, Pink Flamingos también lo es, pero con aquellas menos pensadas. Mientras que otros visitan lugares comunes o apuestan a lo seguro, Waters con su visión amoral, sienta sus bases en un plano excéntrico que genera sentimientos encontrados, como el disfrute

de lo que está mal o la risa acompañada por el desagrado. Si todo viene junto a naúseas, mejor para el director. Así como existe un cine culto que, con su sensibilidad, abre nuestras mentes; también hay lugar para un cine DE culto que, con otra sensibilidad igual de válida, logra abrir nuestro orificio anal.

ARTISTIC TROUBLE [ Por Nicolás Ponisio ]

La dupla conformada por John Waters en la dirección y la drag queen Divine en la actuación siempre ha sido una gran combinación entre lo camp y la indecencia logrando rechazo y aceptación por igual con la gracia inmoral de sus primeros trabajos. Female Trouble (1974) supone ser la segunda parte de la llamada trilogía trash conformada también por Pink Flamingos (1972) y Desperate Living (1977). De más está decir que el film hace honor a todo el estilo delirante que lo vuelve digno de pertenecer a dicha trilogía. Aunque quizás, como se tratará de explorar a continuación, cada cual con su locura… y sus gustos. La historia registra 10 años en la vida de Dawn Davenport (Divine), pasando por su adolescencia, su vida criminal y el alcance a su deseo más profundo: la fama. Con la ya clásica excentricidad actoral y lo inmoral a flor de piel (en todo sentido), Waters hace uso de una estética llena de encanto y deformidad para justamente poder re(trans)formar los conceptos del arte. En lo transgresoramente burdo y las aberraciones cometidas por Dawn se unifican belle-

za y horror reformulando por completo el juicio de gusto. Kant en su teoría estética delimitaba una diferencia entre lo bueno y lo bello, describiendo lo bueno como un juicio estético que tiene como fin la aceptación por parte de otros. En cambio, lo bello está regido por el placer o el descontento sobre la obra en cuestión. Tiene que ver más con las sensaciones provocadas, algo que el director de Baltimore entiende muy bien y logra que entre risas y estómagos revueltos mantenga una relación más sincera y humana que un film que intenta simplemente hacer sentir bien a su público. Así como existen aquellas personas que intentan falsamente caer bien a toda costa, artistas como Waters se paran en la vereda opuesta y nos pone en contacto con nuestras entrañas. A veces revueltas, otras encantadas. Y un poco de cada condimento se encuentra allí, en cada situación vivida por Dawn. El director expone su postura artística ironizando con el atrevimiento. Desde hacer que la protagonista tenga relaciones y quede embarazada en un baldío

(Divine teniendo relaciones consigo mismo), pasar por el maltrato familiar que lleva a castigar a su hija encadenándola a la cama, haciéndola pasar hambre y estrangularla hasta la muerte hasta convertirse en una modelo criminal. Así divide su tiempo posando cual diva, mostrando su rostro desfigurado por una quemadura con ácido y torturando a Ida (Edith Massey), su atacante ahora prisionera en una jaula con una mano amputada. Si Waters traspasa los límites del decoro, la moral y el gusto lo hace construyendo a Dawn bajo las características de sus tempranos films, volviendo carne al cine y por ende la experiencia de vivirlo. Detrás de su sátira se haya una pensada conversación crítica sobre el arte que incluso pone en jaque a aquel que no comprenda las intenciones del director acusando de que lo que acaba de ver no es arte. A fin

de cuentas, ese tipo de comentarios termina siendo parte de la búsqueda de Waters. Los límites de lo bueno y lo malo en este caso son conceptos que no entran en juegos sino el cómo se recibe como postura y sentimiento la obra de turno a observar, interpretar y debatir. Lo descabellado después de todo quizás no sea el hecho del cómo y qué cuenta el director, con peluqueros y criminales con ansias artísticas de por medio, sino como todo ese exagerado sinsentido es quizás el reflejo más cercano a como uno interactúa entre la obra como artista o espectador, sea cual sea el lado del que se encuentre. Female Trouble es la interpelación expuesta hacia el público y la que éste debe(ría) realizar consigo mismo una vez finalizado el film. Y sí, también hay humor y desenfreno estético de por medio, pero eso va en el gusto de cada uno.

101

UN BAILE PARA CAMBIAR AL MUNDO [ Por Jimena Patiño ]

Vamos a empezar con una negación: la remake del 2007 no existe…Bueno, sí existe (por desgracia) pero en un universo perfecto la gente reconocería primero la existencia de Hairspray de John Waters y aborrecería la existencia de esa remake inmoral. Porque es inmoral que alguien arruine una obra perfectamente irreverente con una remake que negocia en todo y es una cara lavada del verdadero film primigenio. No es inusual la colaboración de Waters con Divine, de hecho son tan recurrentes que se nos hace imposible no imaginar una mejor madre para Tracy Turnblad (Ricki Lake) que ese enorme y fantástico ser llamado Divine. Y no solo se conforma con eso, sino que además de representar a Edna Turnblad se encarga de representar al “villano” de todo el film; un ridículo gerente de un canal televisivo llamado Arvine Hodgepile. La labor de Divine es memorable y hace que esta película no pase como un fresco de una época pasada, de la que no estamos tan seguros que fuera mejor. Hairspray habla de revolución al mismo tiempo que plantea una revuelta en los sentidos narrati-

vos. Con un tono inocente nos cuenta de una época “ideal” en 1963. Para hacerlo recurre a un cast de lo más particular, si se tratara de cualquier otra película hollywoodense, pero como es Waters es bastante normal que su universo sea una locura hermosa. Protagonistas excluyentes de todo esto son una adolescente con sobre peso llamada Tracy Turnblad y su madre Edna. Unas protagonistas revolucionarias para una historia que habla sobre una lucha social: la integración racial que toma como marco de su desarrollo un programa de baile, el show de Corny Collins. La idea resulta revolucionaria hasta el día de la fecha porque ni el show más popular de Disney Channel concibe que una chica subida de peso sea la heroína indiscutible y su madre un travesti. Por eso es que estamos como estamos. Tengo la certeza de que si el americano promedio viera un Waters por día el mundo sería un lugar mejor y más integrado, pero seguimos oscilando alrededor del abultado cabello de Donald Trump, lo que demuestra que los tiempos de los “Hair Hoppers” no han terminado. Volvamos a Hairspray, Tracy es un personaje en-

cantador que cree que puede lograr su sueño de ser la reina de la exposición de automóviles y ser famosa, pero esa fama se vuelve algo más cuando se da cuenta de que quiere cambiar el mundo en el proceso. Solamente los días jueves al final del mes, dejan bailar a los afroamericanos en el show. Sin embargo, somos testigos como su música y su cultura es explotada porque es innovadora y vende mientras que ellos siquiera están autorizados a consumirla. Es cuando entra en juego el personaje de Mouth Maybelle (Ruth Brown), “la reina del soul” que el relato del sueño de Tracy y su elección como parte del consejo del programa va dejando lugar a la verdadera moraleja de esta historia que parece toda risueña y colorida como un sueño alocado con peinados raros. La verdadera moraleja de esta historia es la importancia de la integración racial y derribar las barreras que la parte de la sociedad que se cree superior y con autoridad impone a una minoría reglas absurdas. La historia está ambientada en la Baltimore tan querida de Waters, al menos eso nos hace creer, porque la Baltimore de Waters es un lugar que desborda locura y manifestaciones avant garde por todos los rincones como un reflejo atípico de lo que

debería y está ocurriendo en el marco más grande que constituye el país. Los villanos, como ocurre en Cry-Baby (1990), son los más acomodados y establecidos “ciudadanos respetables” de la comunidad. Aquí representados por Sonny Bono y la rubísima Debbie Harry, padres de la intolerante Amber Von Tussel (Vitamin C) que compite contra Tracy por el papel de la reina de autos y líder del show. Es por la malicia propia de Amber que ella va perdiendo todo frente a Tracy, pero en especial a su novio Link (Michael St Gerard) que mágicamente se enamora de la protagonista. Sí, todo parece apuntar a una comedia adolescente en tono Waters pero Hairspray comienza a tomar color cuando entran en juego los derechos de la comunidad afroamericana. La mejor amiga de Tracy, Penny Pingleton (Leslie Ann Powers en una secuencia graciosa) se enamora perdidamente de Seeweed (Clayton Prince), el hijo de Mouth y los padres racistas de ella hacen todo lo posible por impedir ese amor. Amor que como dice el joven está mal visto tanto en la sociedad “blanca” como en la comunidad afroamericana. El psiquiatra que la trata a Penny es nada más ni nada menos que el propio Waters parodiando al extremo la figura y el

103

papel de estos terapeutas que pretendían curar cosas que no son para ser curadas con un tratamiento de psicoterapia. Cuanto más te adentras en Hairspray te das cuenta que hasta cada una de las coreografías que el grupo de baile realizan, tienen un por qué dramático y significan algo: desde “la cucharacha” hasta el Mash potato. Todo eso está acompañado de una extraordinaria banda sonora que te transporta a la época y hace que todo sea más colorido e irreal. Banda sonora que va desde esas proto bandas contemporáneas al rock de Elvis, pasando por Leslie Gore y all that soul. Hairspray tiene una estructura dramática narrativa con momentos surrealistas que solo se explican en la mente de Waters y su inusual estilo visual: que la madre sea un travesti es lo de menos una vez que aceptás el código que el autor te propone. Cada per-

sonaje tiene un toque estrafalario y rebuscado que lo hacen particular: su cabellera, su modo de vestir, su forma de bailar, su idiosincrasia. Los detalles son maravillosos y aportan a esta fábula sobre una época en la que los peinados eran más altos que los de Maria Antonieta y hasta permitían ocultar explosivos. Nada mal para una historia de los suburbios de Baltimore en los sesenta. Te pedimos y te imploramos que veas esta, la original, la que dio lugar al musical de Broadway y luego a esa remake tonta y de cara lavada de un musical teatral. Te prometemos que al final de todo terminarás pensando como Tracy y su novio: “nuestras pieles serán blancas pero nuestras almas son negras” y no será culpa de Waters que termines con ganas de tirarte un pasito o dos al estilo de The Corny Collins show.

105

REBELDE WAY [ Por Nicolás Ponisio ]

Siguiendo la línea de lo que había hecho en Hairspray (1988), a principios de los noventa y aprovechando la fama de Johnny Depp gracias a la serie 21 Jump Street, Waters regresaba al mundo del género musical con Cry-Baby. Situado en la década del cincuenta, el film es una suerte de comedia adolescente a lo Grease pero en tono paródico. Cry-Baby es uno de los films del director en plena ola mainstream del cine comercial y ya alejado de aquellas obras que lo titularon como el pontífice del trash. Sin embargo, eso no evita que Waters pueda seguir haciendo uso de su característica identidad cinematográfica por lo que el resultado termina siendo más que interesante. La lucha de clases nuevamente presente, como también lo estaba en Hairspray incluyendo la discriminación racial, está integrada a una historia que une y divide a los drapes y los squares (o traperos y conservadores) con el uso de la música como elemento que impulsa a los personajes. Allison (Amy Locane), joven de clase alta cansada de “portarse

bien” encuentra el camino a la rebeldía y el disfrute adolescente de la mano de Cry-Baby (Johnny Depp) y su pandilla de drapes. El director nos presenta a estos adorables personajes con la fuerte presencia que tienen y desprenden tanto por si solos como juntos. Al mismo tiempo que los personajes se enamoran el uno del otro también lo hace uno con ellos. Y es que la elección de estos, en ese entonces, jovencitos del cine apela directamente al público joven y también al espíritu de libertad y rebeldía que no discrimina edad alguna. Y es que la presencia de distintos personajes en conjunto a la banda sonora es el punto fuerte del film. No la historia, algo naif como no podía ser de otra manera teniendo en cuenta el género y época parodiada y con uno de los finales más abruptos visto (siempre en una posición detrás del final de The French Connection), sino los distintos y caricaturizados personajes que denotan la presencia del director detrás del film. Los más pintorescos son aquellos que pertenecen al grupo y la familia del rebelde pro-

tagonista que incluyen a la siempre sensual Wanda (Traci Lords ya alejada del cine pornográfico pero continuando haciendo uso de su encanto sexual), la dura y portadora de un rostro bastante peculiar Hatchet-Face (Kim McGuire), la hermana de CryBaby y embarazadísima Pepper (Ricki Lake trabajando una vez más para Waters) y la abuela y tío de ellos Ramona (Susan Tyrrell) y Belvedere (Iggy Pop con una presencia breve pero efectiva), entre otros variopintos personajes. Todos ellos son quienes le aportan gracia y estilo a una historia no tan fuerte por lo que cuenta sino por la conexión generada con sus personajes, todos cómicos y adorables en mayor o menor medida. Si a eso se le es sumada la banda sonora que alterna entre temas originales y otros propios de los cincuenta, el film se hace de una producción más de estudio pero con personajes y un ritmo de un gran corazón.

Secuencias musicales como en las que suenan King Cry Baby, Teardrops Are Falling o Please, Mister Jailer son genialidades “a lo Waters” que funcionan al momento de visionar el film y que quedan grabadas y resonando en un tarareo mental mucho después de haber finalizado. Con este film Waters termina de ser moderamente aceptado en el circuito de los grandes estudios del cine comercial logrando demostrar que se puede llegar a ello sin sacrificar un estilo ni vender el alma artística al diablo (aka el productor de turno). ¿Cómo lo hace? Ofreciendo una historia que no tiene mucho para contar pero que con lo poco y necesario, siendo fiel así mismo, logra sostenerse entre personajes y canciones recordables. Un cineasta rebelde había llegado a Hollywood manejándose bajo sus propias reglas. Y así lo seguiría haciendo.

107

QUE NO SE ENTERE MAMÁ [ Por José Luis Lemos ]

Serial mom significó, en su momento, la vuelta de John Waters a los terrenos que había transitado en la década del setenta y que lo hicieron popular, pero con una diferencia sustancial: si en aquellos films los héroes eran los outsiders, los que se quedaban al margen de la sociedad, ahora lo era un ama de casa con una buena posición económica, una familia feliz y totalmente integrada en su hábitat de casitas prolijamente alineadas y colores pastel. Beverly Sutphin (una increíble y desatada Kathleen Turner) no es, sin embargo, una madre cualquiera, lo cual era de esperarse dado que estamos ante una película del señor Waters, sino que además de tener pasión por la ornitología también tiene un hobby un poco más peculiar: es una asesina serial. Lo que separa a Beverly de otros psicópatas que pueblan la filmografía de Waters es que aquí la figura del asesino serial no está presente como un factor subversivo, sino que opera para establecer el orden impuesto. Beverly da rienda suelta a sus impulsos homicidas cuando algo perturba su existencia idílica anclada en una publicidad naif de los años cincuenta, y eso puede ser tanto un profesor que desaprueba los dibujos de su hijo (un Matthew Lillard que pare-

ce estar ensayando para su papel en Scream) como una vecina que no recicla la basura, o el simple zumbido de una mosca que interrumpe un desayuno en familia. No hay remordimiento alguno luego de sus asesinatos sino que, por el contrario, la llena de una satisfacción enorme que se traduce en excitación sexual y una jovialidad incontenible. Muchas veces se le ha criticado a John Waters su glorificación del psicópata, más allá de que la intención verdadera sea provocar al bien pensante. Tampoco ayuda mucho su decisión de dedicarles sus primeros films a integrantes del clan Manson, o confesar que guarda souvenirs de John Wayne Gacy en su colección privada. Pero aquel que vea en Serial Mom una apología al asesinato tendrá, como mínimo, un severo problema de miopía. Al poner de protagonista a un ama de casa modelo en cuyo seno familiar se habla de la pena de muerte como la única solución, Waters nos está diciendo que hay un asesino dentro de todos nosotros, tanto en aquellos que cometen un acto barbárico sin sentido como en quienes piden sus cabezas amparados en un ideal de justicia. Beverly imparte su propia pena de muerte, que es a su vez reflejo de una sociedad violenta e

intolerante. Sus hijos, mientras tanto, creen que los asesinos se asemejan a los monstruos que pueblan los films de horror que consumen, pero ignoran que desayunan con uno todos los días. Tal como está planteado el film desde sus créditos iniciales, en los que se nos dice que lo que vamos a ver está basado en un hecho real, es evidente que estamos ante una parodia de esos insufribles telefilms que toman un hecho policial conocido y lo regurgitan para ser asimilado por señoras indignadas mientras toman el té. La música irónica de Basil Poledouris refuerza estas intenciones, al igual que la fotografía y los textos q se imprimen sobre la imagen constantemente, indicando la hora en que ocurren los sucesos principales. Y como es usual en este tipo de telefilms, no podía faltar la clásica escena del juicio. Teniendo en cuenta el desarrollo del film y sobre todo su tercer acto, parece increíble que se haya estrenado apenas meses antes del juicio a O.J. Simpson. Las referencias al circo mediático mon-

tado alrededor de un asesinato, que incluye desde merchandising en las puertas de los tribunales hasta una adaptación fílmica protagonizada por Suzanne Sommers, parece una respuesta irónica a aquel suceso. Incluso ambos acusados, a todas luces culpables, son absueltos gracias a argucias legales y vuelven a sus hogares convertidos en estrellas. Aún siendo la mejor película que hizo Waters en las últimas tres décadas, Serial Mom fue un fracaso de taquilla. A nadie le pareció divertido que una serie de brutales asesinatos sean ejecutados como gags cómicos y que, peor aún, quien los comete no termina freído en la silla eléctrica. Sin embargo, meses después se estrenaría con gran éxito Natural Born Killers (Oliver Stone, 1994), donde una pareja de psicópatas aniquila a aquellos que no les caen bien, en escenas a veces ejecutadas como gags cómicos, y que se salvan de la silla eléctrica. No hay que tener demasiada imaginación para saber lo que haría Beverly Sutphin al enterarse de esto…

109

¿LLENA ERES DE GRACIA? [ Por José Luis Lemos ]

Uno de los mayores riesgos a la hora de revisitar una película es que aquello que antes nos había parecido bueno y divertido ahora nos resulte torpe y carente de gracia. No sé si es en este caso es una culpa que debe asumir John Waters por haber hecho esta película, o de quien les escribe por hurgar en el pasado en vez de guiarse por la impresión inicial, lo que sí puedo decir con pleno convencimiento es que quizás ya no vuelva a recomendar Pecker (John Waters, 1998) como solía hacerlo. Más triste aún, hasta podría asegurar que es una de sus peores películas. Y acá quiero detenerme, porque decir que es una de las más flojas en la filmografía del director de Pink Flamingos no significa que el film carezca de aciertos, y que estos se sitúen por encima de la media de la comedia norteamericana actual. Trataré de esgrimir las razones por las cuales sostengo ambas afirmaciones. Aunque claro, también está el riesgo de que al terminarla haya cambiado de opinión. Pecker, la historia de un fotógrafo amateur pueblerino (Edward Furlong) que recibe status de culto cuando su trabajo llega a las manos de una representante de artistas de Nueva York, podría ser visto como un relato ligeramente autobiográfico. Al igual

que el protagonista del film, Waters se inició en el mundo del arte rodeándose de inadaptados sociales, freaks que eran el elenco estable de su obra y a quienes los unía, además de una actitud provocadora, una amistad sincera e inquebrantable. Del mismo modo que Pecker no fotografía a la fauna de su vecindario desde una perspectiva irónica o cínica, Waters era un integrante más del circo ambulante cuya cara visible solía ser Divine. Los paralelismos continúan cuando el arte, en ambos casos especialmente atraído por lo kitsch, lo grotesco y todo lo que se aleje de los parámetros que dicta el “buen gusto”, es reconocido por la elite intelectual, que abraza la novedad, la convierte en tendencia y finalmente la vuelve accesible para el circuito mainstream. Planteado así, el argumento contaba con mucha tela para cortar. Pero cuando uno esperaba una crítica feroz de Waters hacia el snobismo, un puñetazo en el rostro de aquellos que alaban lo trash cuando es validado por las altas esferas artísticas, lo que recibe a cambio es una fábula pequeña sobre cómo afecta la fama a la vida de un artista. El mainstream, representado aquí por una Lily Taylor que desentona en la fauna excéntrica del film, solo recibe un par

de amables cachetazos en una escena donde un grupo de críticos alaban y encuentran referencias pictóricas en la foto de un stripper apoyando sus testículos sobre la calva de un hombre. Quizás el propio Waters, él mismo parte del establishment, a estas alturas, ya no tiene intenciones de provocar a la burguesía , sino más bien, como lo demuestra la escena final en el bar donde confluyen tanto snobs como vagabundos, conciliar lo arty con lo trash, en vez de militar por un feísmo ya ausente en su filmografía. Aún cuando Pecker está lejos de la estética chocante de los primeros films de Waters, hay un descuido en la narración y en la puesta que, se intuye, no es para nada intencional. Los personajes son presentados de forma demasiado expeditiva, y no tenemos de ellos más que un par de detalles que no llegan a ser suficientes. La hermana menor de Pecker, solo por mencionar un ejemplo, está allí solo para mostrar paralelismos entre su gusto por los dulces y los hábitos de una cocainómana. Su hermano parece quererla, aunque nunca sabemos por qué, ya que solo demuestra cariño por la glucosa. Del mismo modo, Edward Furlong carece del carisma de un Ed Wood pero, lo que es peor, también de sus vicisitudes: Pecker en ningún momento parece preocuparse por algo en particular. Si bien Waters nos presenta al personaje fotografiando con pasión ra-

tas copulando mientras suena Happy Go Lucky me de Paul Evans (“puedo reírme cuando las cosas no son divertidas, puedo reírme cuando no tengo dinero, soy afortunado”), su actitud positiva ante la vida no genera un entusiasmo en el espectador, sino una extrañeza para nada satisfactoria. ¿Cómo vamos a identificarnos con una persona alegre, si no creemos su alegría? En parte sea quizás por la falta de química con su pareja en la ficción, Christina Ricci, pero fundamentalmente por la unidimensionalidad del personaje. Pese a todos los defectos, es posible disfrutar el film por sí mismo y no por lo que pudo haber sido, y el propósito de generar comedia desde lugares que a algunos pueden resultarle incómodos siempre es bienvenido. El espíritu transgresor, libertino e inclusivo del director de Hairspray sigue estando allí, presente tanto en una virgen María que es usada como muñeco de ventrílocuo y que repite una y otra vez “llena eres de gracia” como en esa fiesta final que termina siendo una celebración de la diversidad, y libertad, sexual. El problema es que, al igual que las fotografías de Pecker, son solo unas pocas instantáneas de incorrección dentro de una galería convencional con la que no termina de encajar. Y que, lamentablemente, la gracia queda reservada casi exclusivamente para la Virgen María.

111

DESDE LAS TRINCHERAS DEL SÉPTIMO ARTE [ Por Jimena Patiño ]

¡Power to the people who punish bad cinema! Con ese grito de guerra de Stephen Dorff a los diez minutos de iniciado el políticamente incorrecto y revolucionariamente brillante film de John Waters, no azarosamente intitulado Cecil B Demented. Una alusión directa a ese brillante director de la época dorada y los grandes films épicos llamado: Cecil B Demille; que se cruza con toda la locura trash y queer que waters le dedicó al cine en este film que homenajea y caricaturiza el cine guerrilla. Énfasis en “guerrilla”. Lo gracioso del film, es que da que hablar desde los títulos de apertura donde en un momento, Waters y su crítica ácida hacen futurología y se adelanta a decir cosas como que Scream tendrá una cuarta entrega. En el momento en el que los títulos de los “malos” y “ficticios” films en las carteleras de cines antiguos son reemplazadas por los nombres de los actores que trabajarán con él en la película. La primera vez que vi Cecil B Demented no podía parar de procesar todas las genialidades por minu-

to que tienen lugar en este film que no llega a durar una hora y media. Más tarde en el futuro, cuando quise dirigir mi propio cortometraje al margen de todo, me di cuenta que todo director indie tiene mucho de ese personaje Watersiano encarnado brillantemente por un Stephen Dorff que en esa época era lo más y venia de ser el villano de Blade. Todos los realizadores tienen un poco de “El director más loco y extremo del planeta”. ¡Demented forever! ¡Demented for life! Hace que te des cuenta que definitivamente hace falta estar un poco loco y demencial para querer hacer cine. Pero eso lo aprendería mucho tiempo después. La película cuenta una historia basada en un hecho real que toma como inspiración libre: el secuestro de la heredera Patty Hearst y su posterior unión a los captores (miembros de un grupo de revolucionarios) en el robo de un banco. De hecho Patty Hearst aparece en el film interpretando a la madre de Fidget, uno de los cineastas de Demented, y es parte de la troupé de colaboradores recurrentes de

Waters ¿Cuan genial es eso? Como dijimos el film se toma todas las libertades, no es una adaptación realista, sino una comedia de humor negro en la que Melanie Griffith no interpreta a una multimillonaria heredera, sino a una reconocida actriz de Hollywood llamada Honey Withlock que es secuestrada por la tropilla de cineastas enloquecidos, aunados bajo las ordenes de Cecil B Demented como se hace llamar este “Autor”. Lo divertido de este film y que no se puede creer es la manera ingeniosa en la que Waters (no había otro hombre más indicado para hacerlo) pone en juego las tensiones entre el denominado “cine industria” y “cine de autor”. Pequeña guerra que lleva décadas en el aire. Waters inmediatamente se ubica del lado de los “Autores” del lado de los “marginados” porque en parte retrata sus épocas de juvenil locura en las que junto a Divine rodaban cosas como Pink Flamingos. Cada uno de los miembros de ese ejército de liberación cinematográfica tiene un tatuaje de un director al que admiran y eso es simplemente genial. Como si las influencias pudieran llevarse en la piel marcadas a fuego. Lo gracioso es que cuando uno ve este film y observa “las alocadas peticiones” de Cecil para con su

musa no puede dejar de pensar en cosas como el dogma 95 ¿Lo recuerdan acaso? ¡Recuerdan como los críticos intentaban embotellar algo que era un proyecto disparatado de unos directores daneses geniales! Pero lo peor… ¿Recuerdan cómo eso se volvió una influencia y se escuchaban frases snob del tipo “Esto es tan dogma”? bueno algo así ocurre en el film. Cuando el proyecto de Cecil por destruir el cine industria que no “da lugar más que a repeticiones de lo mismo” es retratado por los medios, enseguida consigue fanáticos que le consideran un héroe y un verdadero visionario. Tal argumento es el responsable de momentos y frases como las que abren esta nota y otras declaraciones panfletarias que no dejan de tener algo de razón tales como: “¡Usted hizo la remake de esa hermosa película extranjera! —Tuve que hacerlo los americanos no leemos subtitulos” y otras genialidades que no van a parar de hacerlos reír si son cinéfilos acérrimos como lo es Waters que cada año elige sus mejores diez películas (y siempre tiene razón). En el reparto brillan Alicia Witt como una especie de Traci Lords más trash llamada Cherish. Adrian Gernier, quien luego se daría el lujo de ser un chico HBO con Entourage, pero que aquí interpreta a

113

Lyle un adicto perdido, y Maggie Gyllenhaal como una maquilladora satanista y adorablemente loca. Todos jóvenes geniales y aunque después la carrera de Stephen Dorff tuvo sus bajos (videoclip en donde golpeaba a Britney Spears incluido) acá es un groso total que con su locura logra que quieras ver a Pasolini en el multicinema más cercano y salir a quemar posters al grito de “Basta de Marvel por un tiempo”, “no mas reboots huecos y remakes absurdas”. Vive la vie, la boheme! Todo ese descontrol que es el rodaje de su film concluye con una apoteosis en la que terminan teniendo sexo en el techo de un autocinema y ahí recordamos que “Si. Definitivamente así debe ser rodar con Waters”. La banda de sonido es una mezcla posmoderna

que va desde el hip hop más combativo hasta una alegre canción de musical de los cincuenta que cierra el camino de Honey Withclok de ser una actriz del montón con la carrera estancada a una guerrillera del cine under y de culto. Casi es una declaración de principios de John Waters en donde dice implícitamente “Prefiero mil veces a mi ejército de raros y locos que negociar mi estilo propio en una obra industrial#. Sin embargo no nos olvidemos que él, por más “outsider” y “creep” que se crea, es parte de una industria y de un culto a su persona con ¿millones? de fanáticos que decimos que como él no hay dos. Lo único lamentable de su filmografía, es el hecho de que no sea más extensa para poder disfrutar de muchas más genialidades super ácidas como lo es Cecil B Demented.

EN BUSCA DEL SEXO PERDIDO [ Por José Luis Lemos ]

La historia de A Dirty Shame podría ser una remake de Cecil B Demented pero reemplazando cine por sexo. Al igual que en aquel gran film de Waters, tenemos a un grupo excéntrico que se levanta en contra del conservadurismo, y que ven en una persona totalmente opuesta a sus ideales la posibilidad de llevar el movimiento a sus últimas consecuencias. Si Cecil captaba a una estrella de Hollywood como Melanie Griffith para sumarla a su troupe de cine guerrilla, aquí Ray Ray Perkins (Johnny Knoxville), una especie de mesías del sexo, se encarga de iniciar a la mojigata Sylvia Stickles (Tracey Ullman) en una secta que busca un nuevo acto sexual aún sin descubrir. Este punto de partida es la excusa ideal para que el señor del bigotito anchoa aseste otro de sus golpes a la hipócrita sociedad norteamericana, que se indigna ante un desnudo frontal pero acepta que Stallone masacre a 300 tipos en pos de la paz mundial. Baltimore es nuevamente el campo de batalla donde se enfrentarán esa clase de personas con aquellos que, como Waters, boga por la liberación

y la diversidad sexual, por enfermizo que sea el fetiche…y los hay en proporciones industriales. De hecho, el argumento se le ocurrió al director mientras investigaba en internet fetiches sexuales extravagantes, tales como vestirse de bebé o excitarse comiendo tierra. El film se encarga de ilustrar todos y cada uno de ellos, pecando a veces en exceso de didactismo y, también, en presentarlos como actos no naturales, ya que quienes los practican llegan a eso por un golpe en la cabeza. Es precisamente un golpe lo que convierte a la malhumorada madre conservadora que interpreta Tracey Ullman en una libidinosa insaciable. Ullman se pone la película al hombro y demuestra que es la protagonista indicada para un film de Waters, con una galería de gestos y una facilidad para la comedia física como no lo tenía ninguno de sus personajes desde Cry-Baby. Selma Blair, que interpreta a la voluptuosa hija de Sylvia, aún con unos pechos prostéticos dignos de una película de Russ Meyer no logra tener el carisma necesario para opacarla. El film mismo no logra ponerse a su altura ya que se

115

hace notoria su ausencia cuando no está en pantalla, y esto es particularmente notable en el tercer acto, donde el relato es más coral. Así como Sylvia pierde los estribos cuando libera su sexualidad, el film de Waters está excitado desde el primer fotograma, con decenas de estímulos visuales y musicales. Música pop de los cincuenta, textos irrumpiendo en la imagen marcando el estado de sus personajes, imágenes sobreimpresas, insertos de films bizarros de los sesenta, animaciones digitales, cualquier recurso es válido para ilustrar esta explosión de hormonas hecha película. Sin embargo, el exceso que tan bien le hace a los films de este director aquí aburre antes de lo previsto, y el orgasmo del espectador ocurre quince minutos antes de que la cabeza de Johnny Knoxville eyacule

en el último fotograma. Es en ese momento, cuando el pueblito de Harford Road se convierte en escenario de una película de terror con sexópatas en vez de zombies, donde el film muestra sus deudas con otra obra de similar concepto: Shivers de David Cronenberg. No es el único guiño al canadiense, ya que también hay una referencia a Crash, otro film donde los protagonistas llegan al deseo sexual por vías poco ortodoxas. Aún con sus falencias y su inofensiva capacidad de provocación (el Waters de los setenta quizás hubiera agregado necrofilia y coprofilia), Los sexoadictos tiene los suficientes momentos hilarantes como para seguir pidiendo más de John Waters. Un pedido que, doce años después, parece que tendrá respuesta en forma de remake infantil de Pink Flamingos.

EL ESCRITOR SERIAL

117

TRUE LAWYER [ Nicolás Ponisio ]

Sabida es la calidad de las producciones de la cadena HBO, uno de los primeros ejes televisivos en marcar la excelencia a seguir y que ha alcanzado el prestigio que le pertenece hoy en día a la caja ya no tan boba. En 2014 la cadena subía un nuevo escalón por encima de otras producciones con la llegada de True Detective. La serie, creada por Nic Pizzolatto y dirigida por Cary Fukunaga, era un acierto en todo aspecto que la conformaba. Desde la densa carga dramática con espacio para indagar profundamente en la psicología y el carácter filosófico de sus personajes (destacando al Rust Cohle de Matthew McConaughey) hasta la notable cinematografía que rodeaba al pantanoso estado de Luisiana. Sin embargo, la serie no continuaría con suerte en su segunda temporada en la cual tanto estética (la falta de Fukunaga haciéndose notar) como argumental-

mente caía estrepitosamente, llevándose a su creador y al resto de los involucrados hacia el olvido. Por suerte, no habría que esperar mucho tiempo para que el vacío dejado por la buena True Detective fuera llenado con otra producción tan excelente que, en palabras de quien escribe, lo tiene todo para ser la digna reemplazante de esa lamentable segunda temporada. The Night Of, miniserie de ocho episodios basada en el show de la BBC Criminal Justice (Peter Moffat, 2008) pero adaptada a la sucia tierra del tío Sam, desde su inicio juega con un ritmo parsimonioso en el cual cada silencio, cada movimiento de cámara y acción de los personajes está ocupado por una sensación de peligro y la incertidumbre de cuándo se lanzará de lleno sobre el joven de origen paquistaní Nasir “Naz” Khan (Riz Ahmed), nuestro protagonis-

ta. Una salida nocturna hacia una fiesta (con taxi de su padre tomado sin permiso de por medio) cobra un desvío cuando Naz conoce a Andrea (Sofia BlackD’Elia). Entre las luces de la ciudad, alcohol, drogas, sangre, sexo y música de Mazzy Star, Naz despertará horas después para encontrarse con el cadáver de Andrea totalmente masacrado a puñaladas. Una vez que el horror se encuentra frente a Naz, la tensión y desesperación del personaje y el espectador no encontrará descanso alguno. La dirección de Steven Zaillian se encarga de extender cada momento, bellamente narrado de manera visual con una impronta de film noir que mancha con su sucia oscuridad todos los rincones visitados al igual que el sangriento crimen hace lo mismo con Naz, su familia y su comunidad. Si el nombre de Zaillian les resulta familiar se debe a que, además de haber estado a cargo de siete de los ocho episodios, se trata del hombre que llevó a cabo trabajos previos como guionista de films tales como Schindler’s List (Steven Spielberg, 1993), Gangs of New York (Martin Scorsese, 2002) o The Girl with the Dragon Tattoo (David Fincher, 2011). Co-creando la miniserie junto a Richard Price, los dos autores desempeñan sus roles narrativos con una calma fría y calculadora como la que describe los actos no solo del asesino sino de cada personaje, principal o secundario, y de cada aspecto del sistema judicial norteamericano… y por qué no del mundo. Si bien los episodios que continúan a ese poderoso inicio bajan el nivel de estados alterados en que uno como espectador es posicionado al comienzo de la historia, el interés narrativo decide alejar la entera atención del crimen (lugar común del típico policial) para acercar la cámara, cual lupa crítica, a los personajes. Es así como Price y Zaillian dosifican poco a poco la información respecto al caso y el juicio en cuestión como también las problemáticas raciales, el ambiente en prisión, de cómo Naz crece y cambia

en todo sentido dentro de él y la mirada sobre el manejo judicial desde el accionar desinteresado de detectives y abogados como incluso del propio pueblo preparado para señalar y acusar más no para indagar o preocuparse por el quién. Todos los personajes ocupan su lugar de importancia, desde el detective Box (Bill Camp) que está a punto de retirarse pero que no podrá hacerlo hasta despejar toda duda, la inexperta pero dedicada abogada Chandra (Amara Karan) o el presidiario Freddy (Michael Kenneth Williams) que depositará su total atención en Naz. Pero quien se luce por encima de todos ellos, es el abogado oportunista John Stone (John Turturro) quien se luce en cada aparición convirtiéndose en un personaje entrañable, totalmente carismático. Es quien encuentra en el caso de Naz la forma de tener lugar en un ambiente donde no es respetado, con un dejo a lo Saul Goodman, Stone es la mirada del otro lado de la vereda de Naz un reflejo de igualdad en distintas posiciones. La bola de nervios, alergias y eccemas que supone el personaje de Turturro es, al igual que el supuesto criminal, un paria de la sociedad, hecho a un lado por su condición y que solo puede encontrar estabilidad en su vida a través de la relación (nada sana para su salud) con el gato perteneciente anteriormente a la joven asesinada. A diferencia de otras series policiales, donde el caso y los interrogantes lo son todo, The Night Of supone una diferencia que decide hablar de los involucrados dentro de un sistema y una sociedad tan criminal y perversa como el acto que impulsa a la trama. Quizás esta manera de abordar la historia termine por no saciar por completo las ansias por respuestas o incluso por justicia, pero lo hará valorando a sus personajes, con Turturro a la cabeza. Permitiendo entenderlos, quererlos y deseando poder llevarlos con nosotros cual pequeño gatito sin hogar.

119

PURA MELOMANIA

El Alma de Tool Tool - Ænima (1996) [ César León ]

A veces parece que el mundo realmente –como lo decían los oportunistas y aprovechados profetas apocalípticos de final de siglo XX– terminó en el 2000 y lo que vivimos es una constante regresión o involución en todos los órdenes -artístico político, social-. Vamos 20 años atrás. Nos situamos en 1996 el año de la batalla de Seattle donde las manifestaciones antiglobalización y en contra de la cumbre de la organización mundial de comercio recordaron por primera vez el espíritu de los años 60. La juventud de un país dormida por décadas parecía despertar. Pero al final solo fue el sacudón final de una sociedad cada vez más alienada y domada por los medios. 1996 fue el año que Tool publicó AEnima, una a obra musical maravillosa y ... extrañamente ... a la vez exitosa –triple platinum por la RIA, platinum ARIA, el álbum debutaba en No. 2 en el Billboard 200 , Ænima ha vendido 3,429,000 copies en USA– Todo esto es inconcebible en la era post Napster donde los únicos en alcanzar esos números son productos pop prefabricados desde las divisiones de mercadeo de los estudios musicales --como si de muñecas Barbie se tratara--. Los 90s fueron buenos, lograron el último aliento del rock, donde calidad musical y difusión podían llegar a ser sinónimo de nuevo. Lastimosamente para luego ser sepultados por el peso del intercambio musical en internet ante lo cual la industria musical reaccionó y muto brutalmente mostrando su peor cara: ese hibrido pop-hiphop-easylistening-dance-showbusiness que acapara cualquier canal. Irónicamente ahora que gracias a la tecnología es fácil escuchar o descubrir buena música. Es el peor momento para esta. Aenima posiblemente representa la antítesis del rock mainstream –no es un álbum fácil– y sin embargo en ese momento logró ser música para masas (al menos muchos lo escuchaban) Al parecer la exposición a los movimientos musicales venidos de Seattle habían refinado los oídos de esta generación. Es un álbum lleno de síncopas (acentos rítmicos en lugares no esperados) riffs no convencionales, canciones largas, armonías complejas, melodías oscuras, letras críticas. La fórmula para un muy buen álbum de culto que trascenderia entre sus

seguidores, no obstante fue más allá y como vimos tuvo un importante reconocimiento comercial Tool logró como pocos un reconocimiento que aún hoy se mantiene. En un medio donde los subgéneros se afrontan como religiones y se enfrentan como enemigos –death vs black vs hardcore vs grind vs doom, blackgaze vs metalcore etc – Tool es respetado por buena parte de estas vertientes. Son una especie de lado intelectual–progresivo del metal. Cada uno de sus escasos álbumes es atesorado. Es una especie de Pink Floyd para los gustos musicales pesados. Para aquellos que huyen de cualquier etiqueta que suene a heavy o metal los invitaria a adentrarse en esta obra. Simplemente es buena musica. Desde la perspectiva que dan 20 años de su publicación se escucha absolutamente fresco, eso sí, menos pesado que en su momento, hasta suave y sublime se llega a sentir. Hay mucho de King Crimson en su estructura musical. Tool no recurre al desgastado virtuosismo circense de las bandas de metal de los 80s. Cuando tiene que ser lento lo hace. Cuando tiene que ser suave lo es, cuando se tiene que ser fuerte explota. El virtuosismo está en la composición. Las voces de Keenan contravienen los clichés musicales. Donde otras bandas hubieran optado por el gutural, Keenan acomete con una voz melancólica –casi partida– que desde su barítono natural y gracias a una excelente técnica alcanza 4 octavas hacia arriba volviéndose el instrumento más versátil del álbum. Si secuestramos al Tool del encasillamiento de los géneros, AEnima deambula en los pasillos del artrock, del industrial, del postrock. Como todos los álbumes de

Tool AEnima fue concebido como una obra indivisible y para ser ejecutada como una unidad, esa es la razón por la cual no se puede encontrar en distribución digital. Vale la pena tener en físico esta joya y no sacrificar los detalles sonoros del original y si se tiene suerte conseguir la versión lenticular de lujo que genera una hermosa animación gracias a los juegos ópticos con los que Keenan –Artista visual de formación– y sus compañeros siempre acompañan sus obras.

AEnima es un imprescindible de la música, ya tiene 20 años y se siente de completamente fresco. Muy lejano de los sonidos actuales - mucho más avanzadoComo explicaba al inicio miremos las noticias y veremos líderes mundiales hablando de propuestas que sonrojarían a un intelectual del siglo XIX, el arte y la música no son excepción. Recordemos desde el 2000 el calendario del avance humano va hacia atrás.

El Hijo Pródigo Salta al Vacío Marilyn Manson - Antichrist Superstar (1996)

[ Por Diego Centurión ]

“Soy tan americano que te vendería el suicidio. Soy tan totalitario, tengo abortos en mis ojos. Odio al que nos odia. Violaré al que nos viola. Yo soy el animal que no será de nuevo el mismo. ¡¡¡Fuck it!!! ¡¡¡Fuck it!!!” Marilyn Manson - Irresponsible Hate Anthem

Pensando un poco en el momento en que sale este álbum, Marilyn Manson era un músico, provocador y desafiante a los buenos gustos que venía cobrando notoriedad luego del lanzamiento de su EP anterior, Smell Like Children de 1995. Era más que nada una intriga, el próximo paso debía ser preciso porque todo lo insinuado en el año anterior desaparecería en un abrir de ojos. Pero Mr. Manson se alió a su amigo y más que productor, Trent Reznor, quien se encerró algunos meses con la banda para “ajustarlos”. Pero también muchas canciones del álbum fueron producidas por el Skinny Puppy, Dave "Rave" Ogilvie (quien ya había trabajado con la banda en el EP anterior remixando “Dope Hat”). Entonces que tenemos aquí, dos cerebros del industrial y la producción, dos

maestros de las secuencias y de los sonidos no convencionales. Todo esto sumado a varios colaboradores del entorno Teznor-NIN, como Robin Finck, Danny Lohner o Chris Vrenna. Explosiva conjunción de gente dispuesta a hacer lo mejor posible para este álbum. La formación de la banda que grabó este álbum fue: Marilyn Manson en voces y algunas guitarras; Twiggy Ramírez, bajo y guitarras; Madonna Wayne Gacy, sintetizador; Ginger Fish, batería. Antichrist Superstar no podía ser otra cosa que una aplanadora sonora con los monstruos que ayudaron en el proceso de grabación. Aunque algunos de ellos sólo fueron asistentes, pero ¿quién se imagina a Finck siendo sólo un "asistente de guitarra"? Y ¿quién piensa que no fue capaz de decir "esto tiene que sonar así"?. Sería tonto pensar en los rea-

123

les créditos, ¿no? Se dice que Reznor estuve siete meses trabajando con la banda en el estudio. Reconocido obsesionado de la producción, hoy en día conocemos más esa faceta, pero en esa época sabíamos de su pasado no muy acreditado en Ministry, cerca de Al Jourgensen. El adelanto, salido sólo unas semanas antes del álbum, abrió el camino, más que abrirlo lo destrozó de tal manera, que el álbum cayó de manera pesada sobre los escombros que dejó "The Beautiful People". El single que puso a Marilyn Manson en primera plana de los canales de música y de todas las peores conjeturas. Parte de la prensa le apuntó a la cabeza y disparó sus prejuicios y tabúes contra el frontman. ¡Siempre tan pacatos como ridículos! Recuerdo un artículo de la época de la Rolling Stone en donde una periodista dijo algo como "que incitaba al mal comportamiento". Pero también algunos lo encontraban atractivo y diferente a mucho que lo que pasaba. Pero sea como sea, es el mejor álbum de Marilyn Manson, si bien después ha editado buenos álbumes, creo que "Antichrist Superstar" fue un punto de inflexión en su música. Sin lugar a dudas Marilyn Manson rescató el Shock Rock de Alice Cooper, o el Glam Rock de David Bowie, llevando la teatralización y el impacto visual al extremo en esos años. Gran impacto en esta empresa fueron los vídeos que fue la fuente de alimentación de jóvenes que empezaron a ver-

se atraídos por el reverendo Manson. Algo que había comenzado en su vídeo del EP anterior, “Sweet Dreams (Are Made Of This)”. Eran años de vídeos con colores saturados, pero gran impacto visual lo producían los integrantes de la banda en los vídeos y las presentaciones en vivo. Ni hablar en las declaraciones de Manson. Un álbum que contiene 99 canciones (ver la referencia clara de "Broken" de Nine Inch Nails con 97 tracks). Pero el “Antichrist Superstar” contiene enorme canciones como “Irresponsible Hate Anthem”, “The Beautiful People”, “Tourniquet”, “Míster Superstar”, “Angel With The Scabbes”, “Kinderfeld”, “1996”, “The Minute of Decay” (que siempre me hizo recordar a "Red Lights" de Siouxsie and The Banshees), “The Reflecting God, Man” o “That You Fear”. Un álbum excelente que lanzó a la banda a lo alto de un rock industrial más complejo y más mainstream, porque se quiera o no, tuvo todo el apoyo de la compañía discográfica. Un trabajo que revela de forma descarnada y descarada la mente infame del norteamericano medio y hace una crítica a la sociedad hipócrita de los EEUU. Y cuestiona creencias de toda índole, religiosas, políticas y sociales. Un trabajo muy pensado cuidadosamente, sin dejar ningún punto librado al azar, por el contrario rigurosamente cuidado y calculado casi maquiavélicamente y con los resultados imaginados. Una apuesta en donde la puesta en escena cumplió un papel primordial para el resultado que obtuvo.

125

Superando cualquier obstáculo Deftones - Saturday Night Wrist (2006) [ Por Pablo Ravale ]

Después de un homónimo cuarto disco potente y electrificado como pocos, Deftones publicaron en 2006 uno de los trabajos más complejos, inquietantes y evocadores del metal alternativo: Saturday Night Wrist. Producido junto al legendario Bob Ezrin (quien trabajó con pesos pesados como Peter Gabriel, Pink Floyd, Lou Reed, Alice Cooper, Kiss, Deep Purple, Nine Inch Nails y Jane’s Addiction), los de Sacramento venían algo desgastados, con un Chino Moreno con muchos kilos y porros de más, amén de estar prácticamente abocado de lleno a su otra banda, los space-trip-hopers Team Sleep (también producidos por Ezrin), por lo cual las tensiones en el seno de la banda estaban a la orden del día; sin embargo esto no opacaría en absoluto las capacidades compositivas del quinteto, por el contrario las dotaría de un mayor dramatismo y sensibilidad a la hora de entrar en estudio. En Saturday Night Wrist los temas pausados contienen las melodías más inspiradas de Chino Moreno en años. De hecho, pienso que es Chino quien logra los mejores momentos del álbum al saber manejar con maestría esas hermosas armonía vocales en función de las necesidades. Asimismo la guitarra de Stephen Carpenter y los sintes y teclados de Frank Delgado (cada vez más necesario) suman muchísimo para encontrar esa faceta más sofisticada y sutil de los Deftones, pues la variedad de las at-

mósferas hasta aquí logradas nunca había sido tan perfecta y efectiva. El disco ofrece una amplia paleta de estilos, está el etéreo (“Hole In The Earth”, “Beware”, “Cherry Waves”, “Xerces”, “Riviere”), el aplastante (“Rapture”, “Mein”, “Rats!Rats!Rats!”, “Combat”, “Kimdracula”), el de reminiscencias progresivas (“U,U,D,D,L,R,L,R,A,B,Select,Start”) y hasta el electrónico (“Pink Cellphone”). Como dato color están los vocalistas Serj Tankian (System Of A Down) y Annie Hardy (Giant Drag) de invitados en dos de los puntos más álgidos de la placa. De este modo y ya para ir cerrando, podría agregar que Saturday Night Wrist no es sólo un trabajo experimental e innovador, sino que tiene un gancho innegable, lo que sirve para recordarnos que, por encima de todo, Deftones producirá siempre canciones poderosas y de un gran peso emocional. Excelso.

127

The Killers – Sam’s Town & Lynchburg Lemonade

The Killers - Sam's Town (2006)

[ Por Maxx Wilda ]

Luego de haber sido llamados la “mejor banda británica de los

mente por el movimiento generado por el disco, sino más por

Estados Unidos” tras editar su primer disco Hot Fuss, Brandon

inercia. Como era de esperar, Read My Mind, como buen corte

Flowers, líder de The Killers, replantéandose su indetidad musi-

de difusión, es un tema pegadizo, tranquilamente puede ser la

cal, quiso hablar de sí mismo y de su lugar. Nada más estadouni-

cortina de una publicidad de celulares o la conclusión de una pe-

dense que el famoso Tennessee Whiskey Jack Daniel’s; por eso

lícula generacional. Aquí la formula musical, es la de siempre;

lo combinaré con triple sec, jugo de limón, azúcar y soda lima-li-

de todas maneras en un muy lindo tema. Vuelve el intento con

món para preparar un clásico sureño: Lynchburg Lemonade.

Uncle Jonny, para mí el tema más interesante del disco. Bones,

Trago en mano me aventuro a la escucha del segundo trabajo de

es un perfecto tema pop preludio de My List¸el punto más flojo

los Killers, Sam’s Town. Comenzamos este viaje de 12 paradas

del disco, no dice mucho, un remate como coreando en un bar

con Sam’s Town, épica intro, sin olvidar el sonido del lead syn-

de borrachines tarareando sones irlandeses. This River Is Wild

th de Hot Fuzz, guitarras más rockeras y cambios de clima, ba-

y Why Do I Keep Counting?, no cambia en absoluto el panora-

ses casi militares y coros para un inicio bastante poderoso como

ma. Creo que el objetivo fue concretado en un 50%, se puedo

todo disco necesita. Enterlude, piano y voz, para darnos la bien-

agregar algo diferente a la escencia del disco anterior pero más

venida con un “we hope you enjoy your stay”. Nadie puede olvi-

bien en las liricas y en algunos arreglos musicales donde hay

dar el tema más hotfuzziano del disco When You Were Young,

más presencia de guitarras gradilocuentes. Exiltude, se presen-

fórmula perfecta para un hit que mantiene el rasgo caracterís-

ta como una despedida tan pretensiosa como el incio y la verdad

tico de la banda. Con un sonido que intenta ser más pop que

que no disfruté tanto, pero algo disfruté, de eso se trata. Años

rock, Bling (Confessions of a King), sigue mostrando la habili-

después, creo que la crítica general al disco sigue siendo la mis-

dad para las buenas canciones y buena ejecución, pero lejos está

ma, en su momento, a pesar del auge de ventas, no deslumbró

de mostrar una faceta diferente. For Reasons Unknown, aquí

y sigue sin hacerlo. Termino mi limonada sureña (obviamente

si hay rock, algo más crudo que lo habitual, sin despegar tanto.

no en un frasco, cual snob contemporáneo) Salud!

Llego a la mitad del viaje casi con el tanque vacío, no necesaria-

129

Jordan Rakei | Cloak Label: 4101 Records Fecha de Lanzamiento: 03 de Junio de 2016 [ Por Marina Cimerilli ]

Aquellos amantes del virtuosismo y los sonidos nuevos a quienes el nombre Jordan Rakei aún no les diga nada, sepan que se vienen perdiendo de algo muy notable; sobre todo desde Junio de este año, mes en que salió a la venta Cloak, el primer LP de este avispado muchachito australiano. Nacido en Brisbane pero radicado actualmente en Londres, Jordan canta, escribe, produce, colabora con otros proyectos (como Disclosure, por citar alguno), y hasta tiene un podcast con su grupo de amigos artistas bajo el seudónimo de Are We Live. Debutó en 2013 con Franklin´s Room, un EP de seis tracks editado por él mismo al que le siguió Groove Curse, otro de cinco tracks, en 2014. El primero con fuerte anclaje en el soul y el reggae, el segundo más orientado al R&B e inspirado por el sonido de D´Angelo. Respecto a su último trabajo, en cambio, Rakei mismo advierte que resultará una sorpresa para quienes le vienen siguiendo el rastro, ya que toma otros riesgos y amplía sus horizontes sonoros; siempre con la intención, afirma, de desafiarse a sí mismo y educar a sus oyentes en las nuevas tendencias. También resalta que el proceso compositivo en Cloak estuvo bastante ligado a su encuentro personal con la meditación y el autoconocimiento, con traspasar las barreras del propio ego; pero esto no significa en absoluto que el resultado final carezca de groove y sensualidad. Con un sonido inmejorable y el soul como pun-

to de partida, Cloak resignifica el género al tiempo que navega a sus anchas por el jazz, el R&B, el funk, el hip-hop y la electrónica (guiño especial para los amantes de Radiohead y las vibras trip-hoperas), siempre comandado por la hipnótica voz de Rakei. Los arreglos vocales cuentan entre sus tantas fortalezas y su vibrato intenso se va transformando, a medida que avanzan los tracks, en un sello característico que eriza la piel en más de una oportunidad. El disco cuenta con las colaboraciones del rapero Remi y Ngaiire, ambos coterráneos australianos, y del baterista de jazz Richard Spaven, quien co-produjo y co-escribió junto a Rakei el track en el que participa, “Toko”, sin dudas uno de los momentos cumbre del disco además del favorito de Rakei. Cloak está entre los mejores lanzamientos del año. Ahora sólo queda darle infinitos plays, y preguntarse si Rakei vendrá de visita a la Argentina y cuándo. Esperemos que sí, y muy pronto.

131

Marissa Nadler | Bury Your Name Label: Sacred Bones Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Agosto de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Otra publicación de Marissa Nadler. Sensual, tibia, dulce, pequeña, etérea, simple, dócil, sensible, luminosa, ambiental, brillante, terrenal, matinal, crepuscular, celestial, tierna... Y podría agregar muchas cosas más sobre este EP de ocho canciones, en donde el folk acústico es el plano que usa de base para desarmar las voces que relajan y brillan a lo largo de todos los tracks. La majestuosidad de la simpleza sonora hace mucho más disfrutable este trabajo. Canciones que se valen de la guitarra acústica y la exquisita voz de Nadler, nada más que eso hace falta para seducirnos. Un trabajo que por momentos recuerdan a los

Mazzy Star. Simplemente armonioso y brillante folk introspectivo.

PIG | The Gospel Label: Metropolis Records Fecha de Lanzamiento: 09 de Septiembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Desde hace unos números atrás venimos hablando de una u otra manera de Mark Thwaite, y ahora vamos a hablar de un disco en donde participa como productor y programador. Después de unos largos años sin un álbum nuevo, Pig vuelve al larga duración con este The Gospel. Un álbum cargado de once tremendas canciones que derrochan un puto rock industrial de alta gama. Guitarrero cuando tiene que ser y más alienante y sórdido cuando tiene que serlo. Un álbum que dejará a más de uno sediento y energizado. Desde su apertura con el primer single "The Diamond Sinners" hasta el desafiante "Make Yourself Deny", el álbum nos lleva por distintos paisajes, tenebrosos, muchas veces por la carga vocal de Raymond Watts, y por la profundidad en lo estricta-

mente sonoro. Pero también nos sacude en la fabulosa y casi mi preferida, "Found In Filth", "I'm So Wrong" o nis muestra la profundidad de la oscuridad en "Toleration Or Truth" o "Missing The Mainline". Un álbum que demuestra que los años inactivos han potenciado a Pig.

Lorelle Meets The Obsolete | Balance Label: Captcha Records (HBSP-2X) Fecha de Lanzamiento: 16 de Septiembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Cuarto álbum de esta exquisita banda mejicana. Los hemos entrevistado en nuestros primeros números allá por el 2013 cuando fueron soportes de The Cure en Méjico. Un nuevo álbum que trae nuevos sonidos, tal vez menos furioso que su anterior Chambers (2014) pero mucho más sicodélico y más airoso. Las capturas de ambientaciones más coloridas hacen que la banda suene más fresca y renovada, sin perder esas distorsiones que los caracterizan, pero están más cerca de Spiritualized que de My Bloody Valentine, "It must be the only way" puede ser la medida justa de lo que quiero expresar. El dúo Lorena Quintanilla y Alberto González se rodean de ambientes lánguidos y multicoloridos ("Ching"). La banda de Guadalajara nos abren un nuevo universo sonoro, como dije antes, no tan furioso, pero más experimental y nos demuestran que están dando un paso más lejos de lo que se esperaba. Pero también nos proporcionan un viaje casi lisérgico en "The Sound of All Things", con un ritmo con mucho groove y las voces etéreas

y casi fantasmales, y las distorsiones aparecen como redireccionando la dirección de la ruta espacial. En el track siguiente "Waves over shadows" nos cambian de superficie y nos introducen en un túnel deformado provocando un letargo alucinógeno. El primer corte de difusión es “La Distinción” y si bien no es el mejor track del álbum, es la mejor elección para mostrar de qué va el álbum, ya que es un fiel representante del nuevo sonido que nos regalan los Lorelle Meets The Obsolete. Un cambio que renueva el hermoso sonido de la banda y que sigue demostrando que en Latinoamérica las cosas se vienen haciendo muy bien. Lorelle Meets The Obsolete son una gema que va camino a convertirse en diamante.

Brujería | Pocho Aztlan

133

Label: Nuclear Blast Fecha de Lanzamiento: 16 de Septiembre de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Dieciséis años. Ese es el tiempo que ha pasado para saborear el nuevo lanzamiento de los míticos y polémicos Brujería, Pocho Aztlan. Para los que no conozcan la historia, cuando apareció el fenómeno de Brujería en 1993 con Matando Güeros (1993) fue muy impactante escuchar un grupo tan potente y agresivo cantando en español. Casi tan impactante como la portada censurada de su debut. Brujería supo jugar con el misterio de sus componentes. Existían rumores de que había gente de Fear Factory (Dino Cazares y Raymond Herrera), Napalm Death (Shane Emury), Faith No More (Billy Gould) y Cradle Of Filth (Nick Barker), pero nadie estaba seguro. Eso chocaba con las letras y la afirmación por parte de Brujería de que estaban formados por narcos-satánicos mexicanos amantes del death metal y el grindcore. Tiempo después se confirmaron los integrantes y Brujería perdió algo del misterio que los rodeaba, pero entonces sacaron Raza Odiada (1995), que tuvo bastante éxito de ventas y crítica. Así, años más tarde –cinco para ser preciso–, lanzarían Brujerismo (2000), tras el cual hubo algunos problemas entre el vocalista (Juan Brujo) y el guitarrista (Asesino), por lo cual terminaron disolviéndose entrado el 2002. Desde entonces ha habido reuniones y conciertos esporádicos del grupo, con entradas y salidas de nuevos integrantes (Jeff Walker de Carcass, Adrian Erlandsson de At The Gates), lo que provocó que a Brujería le cueste durante años encontrar una formación estable, más que nada por los compromisos de dichos músicos con sus bandas originales. Como fuere, Pocho Aztlan ha visto finalmente la luz y a decir verdad es un álbum de lo más disfrutable y cañero. En este cuarto trabajo de estudio Brujería continúa la línea de su anterior placa, por lo cual podemos en-

contrar cortes de crudo death metal pero con una producción de lo más cuidada y pulida. La voz seca y gutural de Juan Brujo y los riffs gordos y aplastantes de Hongo (Shane Embury) y ahora Kuerno, siguen sosteniendo el mismo sonido de siempre. Con algún tiempo en la banda y por primera vez en un LP, Pocho Aztlan cuenta con El Cynico (Jeff Walker) en bajo y El Podrido (Adrian Erlandsson) en batería. De alguna forma, me atrevo a decir, esta es una de las grabaciones que mejor capturan el sonido que la banda transmite en sus demoledores directos. Temas como “Profecía del Anticristo” o “Ángel de la frontera” impregnan un ritmo hipnótico al CD a base de riffs sencillos y machacones guiados por los consejos del Brujo. Si no son propensos a la violencia, alejen Pocho Aztlan de sus oídos, pues himnos como “No aceptan imitaciones” (dedicada a Dino Cazares) o “Plata o plomo”, funcionan sin problemas como auténticos machetazos que nos hacen hervir la sangre y querer sacudir la cabeza. El disco arranca con una introducción en idioma azteca y luego se despacha a lo largo y a lo ancho de toda su duración con letras muy críticas hacia los Estados Unidos (“Pocho Atzlan”, “México Campeón”, “California Uber Atzlan”), como también bajando la línea de apología satánica (“Satongo”, “Códigos”, “Debilador”) y sexista (“Bruja”, “Culpan la mujer”) habitual. Para concluir, un disco 100% marca de la casa, de sonido gordo y con una producción de lujo. Qué bueno tenerlos de vuelta, pinches diabólicos.

Vangelis | Rosetta Label: Decca Fecha de Lanzamiento: 23 de Septiembre de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

¿Un nuevo disco instrumental de un pionero de la Música Electrónica celebrando la exploración del espacio exterior? Eno ya tuvo su Apollo, Jean Michel Jarre su Rendez-Vouz, y Vangelis mismo su Mythodea, entre otros. ¿Realmente necesitamos otro? Lo negativo de "Rosetta" es que uno se puede imaginar casi exactamente cómo suena sin tener que escucharlo. Lo positivo es que, a pesar de esto, está bastante bueno. Si bien es cierto que el disco tiene más prensa que de costumbre por tratarse del primer lanzamiento de estudio del compositor en 15 años (Vangelis también parece haber adoptado las técnicas de desaparición que comenté el mes pasado en “La Ansiedad de la Influencia,”) la música posee una sutil belleza que termina despojando al

oyente de cualquier prejuicio. Con más énfasis en la Electrónica clásica estilo Jarre / Tangerine Dream que en orquestaciones pomposas, seguramente será bienvenido por los fans del género. La respuesta a la pregunta inicial, entonces, es que quizás no “necesitemos” a Rosetta, pero aun así hay varios motivos para que lo queramos.

Warpaint | Heads Up Label: Rough Trade Fecha de Lanzamiento: 23 de Septiembre de 2016 [ Por Darío Martínez ]

El pasado 23 de septiembre salió el nuevo álbum de Warpaint "Heads Up" por el Rough Trade. Sólo un tema dura menos de 4 minutos, es un disco de canciones pacientes pensadas por cada una de ellas y trabajadas por las cuatro y seguramente los seguidores tras los trabajos en solitario y las colaboraciones de cada una en los últimos meses podrá intuir estos aportes pero el sonido Warpaint ya existe, está en continua modificación porque se toman ese tiempo para llevar la canción y su interpretación un poco más lejos. Así han pasado de las paredes de guitarras y poderosas bases noise de sus primeros trabajos a la lluvia de notas que caen formando complejas armonía sobre ritmos quebrados, los sintetizadores y ba-

terías electrónicas tienen más protagonismo sobre todo en los temas más bailables, sigue presente su buen trabajo entre las voces, guitarras cristalinas y el folk. El tema elegido como corte es el track 3 “New Song” decididamente bailable con melodía pegadiza no es la excepción y la instrumentación esta complejamente armada a pesar de una melodía de tecla-

135

do que lo simplifica todo, también tiene su video y como muestra sus primeras imágenes grabado con un celular lo cual no sería raro teniendo en cuenta la buena calidad en que filman se las ve a la chicas pasándola bien recorriendo el barrio por la noche.

Recomiendo escuchar el disco completo con la misma paciencia que fue hecho y darle tiempo, las notas y los sonidos se van acomodando y le dan una fuerza especial a las bellas melodías que no tardan en atraparnos.

Mi Nave | Tristeza Label: Polvo Bureau Fecha de Lanzamiento: 26 de Septiembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

La ciudad de Rosario siempre ha sido una generadora de bandas interesantes. Mi Nave es una de ellas, con un pasado reciente, ha estado siempre en el círculo de bandas que rodean las ediciones que siempre queremos reseñar y no siempre podemos. Hoy llega el momento. Con su nuevo álbum Tristeza. Al poner play nos encontramos con "Agua de Oro" y es imposible no quedarse enlazado a ese comienzo dreampop y a esas voces que nos envuelven y nos alivianan el alma. "Cereza" le pone ritmo al álbum pero sin perder un gramo de etérea delicadeza. "Teresa" es un excelente canción que nos hace abrazar nubes. "Gif" empieza con reminiscencias sonoras al The Cure de la década de los 90's, sin perder la elegancia y la profundidad. "Carey" dibuja un paisaje surrealista sonoro, con muchos colores. "40%" por momentos me hizo acordar a las guitarras de La Sobrecarga, banda post punk argentina, con una alta dosis de luminosidad. "Que Malo" es,

tal vez, la canción más Cure del álbum, a todos nos gusta, es así. "Barranca" es una muestra excelente de un pop elegante y ensoñador. "Trinchera" hermosa canción que vuelve a denotar la influencia de la banda de Robert Smith, pero siempre salvaguardando un estilo propio y cuidado. Para el cierre de este viaje nos encontramos con "Francotirador" una canción bella y atrapantes por el sonido de las guitarras, que hacen que la canción nunca dejé de elevarse y dejarnos entre nubes. Encantador y brillante álbum de Mi Nave, lleno de luces y brillos, con una sensibilidad por la dulzura sonora que termina abrazándonos con melodías sublimes y soñadoras.

Alcest | Kodama Label: Prophecy Productions Fecha de Lanzamiento: 30 de Septiembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo álbum de los franceses Alcest. Después de sorprendernos con su anterior "Shelter" (2014), llega el difícil momento de un álbum que, al menos, iguale la propuesta lograda en el mencionado álbum. Es el primer álbum donde participa otro músico además del dúo (Neige – Winterhalter), en este álbum participa el bajista Indria Saray. La palabra japonesa Kodama significa algo así como “Espíritu de los árboles” o “Eco”, y la verdad es que los pioneros del Blackgaze, llevan adelante este concepto a lo largo de todo el álbum. Aunque también se indica como inspiración el concepto utilizado por Hayao Miyazaki en “Princess Mononoke” (1997), en lo que se refiere a la mezcla del mundo natural con el mundo humano. El álbum abre con la canción que le da nombre al álbum y nos encontramos con un shoegaze puro y brillante, lo que nos predispondrá de la mejor manera. Kodama se prolonga por nueve Maravillosos minutos, llevándonos del shoegaze a ambientaciones muy a lo David Gilmour, para devolvernos al plano difuso del shoegaze. "Eclosión" es el segundo extenso track que nos llena de luminosidad con esas guitarras tan encantadoras, y nos da un breve paso por los ritmos más acelerados marca registrada de Alcest. Voces celestiales se mezclan en este track con las del Black metal. Pero todo de manera armó-

nica y cuidada. Je Suis D'ailleurs es el tercer track de más de siete minutos, que se endurece un poco más que los tracks anteriores, pero tampoco exageramos, es una canción a medias entre el shoegaze y el Black metal. Untouched baja las extensiones de las canciones a un poco más de cinco minutos. Una bella canción que empieza algo acústica pero que luego florece en una explosión colorida y sutil. Oiseaux de Proie vuelve a extender la duración a casi ocho minutos de ritmos y guitarras encendidas y shoegaze. Onyx es la canción más corta del álbum. Es un pasaje instrumental casi drone que nos hace descansar para el track final. Notre sang et nos pensées, una calma introducción, bella y apacible, que se extiende a lo largo de este track instrumental que nos baja la adrenalina. Alcest nos da un nuevo trabajo muy bueno, sin sorpresas, pero siempre con esa cuota onírica y por momentos celestial, pero por sobre todo, esa cuota de buen gusto.

137

Pixies | Head Carrier Label: Pixies Music Fecha de Lanzamiento: 30 de Septiembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Hay bandas que han dado todo lo mejor en sus años más fructíferos, luego la separación, entre el desgaste o guerra de egos, explota y por muchos años se suela con su regreso. Pero las bases fueron escritas en esos años de "felicidad". El caso de Pixies entra en este tipo de bandas, luego regresaron con cambio de bajista, luego de la gira con la formación original. Editan cuatro Eps y el álbum que reunía esos EPs, “Indie Cindy” (2014), pero no habían demostrado mucho más de lo que conocíamos. ¿Qué le podemos pedir a una banda que nos ha dado tanto? (hasta nos dio a Nirvana). ¿Qué nos sorprendan con un cambio radical en el sonido que los hizo famosos? ¡No, queríamos a Pixies! Y eso tuvimos con la bajista Kim Shattuck. Ahora un nuevo álbum de doce canciones y con cambio de bajista de nuevo, la marplatense Paz Lenchantin, quien ya está más adecuada al puesto. Si bien hay que recordar que son cambios de nombres ya que la estructura nunca varía, los mismos coros, las mismas bases. ¿Pero esperamos otra cosa? No. ¡Entonces a disfrutar! Head

Carrier es superior a Indie Cindy, y si en el anterior encontrábamos un Pixies más edulcorados y suaves, acá los encontramos enérgicos como en los viejos tiempos, "Baal's Back", "Talento" o el gran primer corte de difusión "Un Chagga Lagga" (sin lugar a dudas la mejor del álbum), en un álbum en donde seguramente festejemos muchas canciones y nos alegremos de que haya nuevas canciones que traigan aire fresco a los setlist. Todo tiempo anterior fue mejor cuando se es joven, pero que bien que hace encontrarse en la ruta de nuevo y frescos.

Bon Iver

| 22, A Millon

Label: Jagjaguwar Fecha de Lanzamiento: 30 de Septiembre de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Hace poco Justin Vernon explicaba que tras el éxito y consagración de su proyecto Bon Iver, y más que nada a partir de su segundo disco (Bon Iver, de 2011), padeció una profunda depresión que lo llevó a alejarse del mundo de la música. Sus sueños sobre hacer canciones y vivir de ellas no sólo se habían hecho reales sino que se habían convertido en su misma vida de arriba a abajo, sin espacio para nada más. Vernon huyó en solitario a las Islas Griegas en temporada baja. «Para encontrarme a mí mismo» –decía en la rueda de prensa de presentación de su nuevo disco– «No lo logré». Y ahí llegó la peor parte de su bajón anímico: fuertes crisis de ansiedad que tuvo que superar en soledad. Sin embargo, en ese vendaval que duró casi cuatro años, también surgió la frase que le ayudaría a superarla y que vertebra 22, A Million, su flamante tercer álbum de estudio: «Pronto se habrá acabado». Esa línea, «It might be over soon», se repite como un mantra en “22 (OVER S∞∞N)”, la primera canción que se conoció del disco. Una canción que juega con el doble sentido de la frase: todo esto pasará, sí, pero puede que sea porque todo estará bien o porque la vida, simplemente, se acaba. Ese “soon” cuyas “oes” son símbolos de infinito resultan la metáfora gráfica perfecta. Si Vernon se caracteriza por una escritura bastante críptica, lo de 22, A Million es ya un ejercicio de auténtica tortura, con todos esos números y símbolos poblando cada rincón del álbum. Sin ir más lejos, ya el artwork del disco está repleto de pequeños dibujos, símbolos cristianos y paganos y, sobre todo, números. Cifras que titulan cada corte del disco y que, además, son un juguete gráfico y simbólico (el mismo título del disco es, simplemente, la combinación de su primera y última canción). Hay una explicación detrás de muchos de éstos y sus seguidores ya se afanan en interpretaciones. A veces marcan salmos de la Biblia, otras son, sencillamente, números importantes en la vida diaria de

Vernon (22 es el número que vestía en su equipo de fútbol y, al parecer, programa sus alarmas 22 minutos antes de la hora). La cantidad de información que parece esconderse tras cada verso (en su primera presentación en vivo, fueron entregados al público de forma íntegra, en un formato similar al de un libro de salmos cristiano), cifra o dibujo es abrumadora. Pero, como en el arte impresionista, fijarse demasiado en los detalles no ayuda a comprender la obra por completo: es mejor dar pasos atrás y observar globalmente. 22, A Million parece la transposición de esa crisis personal llevada a la globalidad, cuestionando la fe religiosa, el amor y la vida misma, pero abriendo la puerta a la aceptación y la esperanza de vivir en paz consigo mismo, como parece evocar el espiritual himno final “00000 Million”. Toda esta parafernalia también podría despistar de lo que sigue siendo lo más importante de Bon Iver: sus canciones. 22, A Million vuelve a ser un verdadero vuelco a su predecesor en lo formal, sobre todo en su primera mitad, donde queda plasmada la sintonía que Vernon mantiene con su ídolo Peter Gabriel. Y no sólo en el tratamiento sonoro de voces y otros instrumentos clásicos, sino en la espiritualidad de muchas melodías que se acercan a lo progresivo y la electrónica, además de la contundencia de algunas bases rítmicas, como las de “10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄” o “33 “GOD”” (con sus insólitos samples), que se aproximan al pop más intimista.

Esos, precisamente, son los momentos más poderosos y abrumadores del disco, los que marcan al oyente de manera más clara. Con todo, el gran hallazgo de 22, A Million es la profunda arquitectura sonora, con apariencia de accidente, que dispone Vernon con el equipo técnico de April Base, su estudio, diseñando una perspectiva inédita (“____45_____” y “21 M♢♢N WATER”, por ejemplo, coquetean con el free-jazz) que hace sonar de forma insólita incluso las canciones más tradicionales. Éste es el caso también del desarmante corte introductorio, “22 (OVER S∞∞N)”, la fantástica “29 #Strafford APTS”, interpretada con guiños de bluegrass y country por su fiel ladero Sean Carey, mientras vientos y cuerdas parecen sonar a millas de allí, o de la sinuosa “666 ʇ”, no demasiado alejadas de las ya clásicas “Perth” o “Holocene”.

Como ocurrió con Bon Iver, 22, A Million presenta un nuevo estándar musical que será referencia futura para muchos. Pero detrás de ese reinventado muro de sonido hay canciones, canciones emotivas y certeras en las que emerge el autor sensible de “Skinny Love”. La progresión mecida por los saxos de “8 (circle)”, por las hechuras tradicionalistas tras la voz de otro mundo de “715 – CRΣΣKS”, o por los aires gospel del sobrecogido cierre “00000 Million”, si bien es cierto que muestra, aunque muy levemente, el poderío de todo el álbum, es para la segunda mitad que la obra comienza a diluirse, volviendo a confirmar a Justin Vernon y su equipo son como uno de esos raros grupos que no juegan el mismo estilo que los demás pero que, simplemente, crean una propia y el resto debe conformarse con mirar, aprender y disfrutar.

Chrysta Bell & David Lynch | Somewhere In The Nowhere Label: Bobkind Music Inc. Fecha de Lanzamiento: 09 de Octubre de 2016 [ Por Darío Martínez ]

Este mes de Octubre conocimos el segundo EP realizado por Chrysta Bell & David Lynch, el primero data del año 2011 y se llamó “The Train”. Lynch produjo y co-escribió algunas de las cinco canciones que lo componen. Es un EP Oscuro de Rock y Blues como podría hacerlo Tricky y rápidamente se nos viene a la mente Patti Smith y P J Harvey, creo que Chrysta de Bell por presencia viene a compartir un lugar junto a sus contemporáneas talentosas de St. Vincent y Anna Calvi, cada una de las nombradas con sus grandes cualidades que las hacen únicas. Chrysta canta muy bien y tiene una gran expresividad creando una enorme cantidad de imágenes a partir de la música. Claramente cualquiera de estas canciones puede formar parte de algún film de Lynch de hecho Chrysta a quien Lynch conoció actuando aparecerá en los nuevos episodios de Twin Peaks. El track 1 que da nombre al Ep “Somewhere In The Nowhere” marca el tono de lo que vendrá, sensuales recitados seguidos de bellas melodías, bajos profundos, guitarras con trémolos y todo envuel-

to en mucha cámara creando el ambiente típico donde Lynch suele trabajar. Y si, hay videos, el primer tema que mostraron como adelanto fue en el mes de abril por este medio y es el que luego sería el track 4 “Back Seat” dirigido por Sasha Samsonova, el video no es menos sensual que la música y vemos una Chrysta excitada en un auto a quien luego se le suma otra bella señorita. cinco meses después, el 12 de Septiembre dieron a conocer “Night Ride” producido por David Lynch. Directed by Joseph Skorman. Starring Chrysta Bell

139

and Joseph Skorman y se la ve a Chrysta desenterrando a un hombre a quien usa sexualmente en un escena fantástica color rojo y vuelve a enterrarlo donde se abre el plano y… mejor verlo. El último del 12 de noviembre es el track 3 “All The Things” del cual solo voy a decirles que el guión y la dirección están a cargo de Nicolangelo Gelormini, perturba-

dor y con bellas imágenes un guión cinematográfico y si recomiendo mucho verlo. El Ep concluye con el tema Beat The Beat igual que el primero aún no tiene video y contribuyen a crear la belleza y el clima total. Prometen un larga duración para el 2017 mientras tanto Chrysta está girando presentando estos temas.

The Foreign Resort | The American Dream Label:Moon Sounds Records Fecha de Lanzamiento: 14 de Octubre de 2016

[ Por Diego Centurión ]

Banda de Copenhague, Dinamarca, se habían presentado este año con su primer álbum llamado “New Frontiers”, aunque fue una reedición de su álbum debut del 2014. Ahora regresan con este EP “The American Dream”, que constan de cinco. "The New Blood" abre este trabajo con una vertiginosidad post punk que nos podría recordar a los primeros Cocteau Twins, sobre todo por sus guitarras, pero también nos puede sonar a la asombrosa juventud en la voz de mítico Robert Smith. “Suburban Depression” fue el segundo adelanto de este EP, lanzado en marzo de este año. Una canción que nos lleva a través de un oscuro túnel vertiginosamente subidos en un bajo enérgico y sólido. “Onto Us” nos trae el sonido Joy Division impregnado de sutiles cargas de claustrofóbicas imágenes. “Under Bright Neon Stars” fue el primer single adelanto lanzado el año pasado, y es la canción más luminosa del EP, con un gran toque de luminosidad de las guitarras, por momentos a lo My Bloody Valentine. "Skyline/

Decay" cierra este EP. Empieza etérea pero enseguida se vuelve rítmica y oscura, ahogada y simplemente genial. The Foreign Resort es un trío conformado por Mikkel Borbjerg Jakobsen en Voces, guitarra y bajo; Morten Hansen en batería y voces; Steffan Petersen en guitarra y bajo. Ellos están terminando la gira de promoción de este EP y se encierran en el estudio a grabar el próximo álbum que saldrá en el 2017.

Kristin Hersh | Wyatt at The Coyote Palace Label: Omnibus Press Fecha de Lanzamiento: 28 de Octubre de 2016

[ Por Diego Centurión ]

Si bien meses antes nos alegrábamos por la salida de un EP de 50 Foot Wave, que involucraba nuevamente a Kristin con una grabación, más felices podemos estar ahora que lanza un álbum como solista con nada más y nada menos que 24 canciones, más una edición que viene con un libro escrito por ella. La edición viene en dos cds y lo más maravilloso de todo esto, es que tenemos canciones nuevas y frescas. Hersh ha dejado de lado las guitarras eléctricas y con un formato semi-acústico nos regala tantas canciones que la muestran de una manera despojada de artilugios sonoros y, muchas veces, nos quedamos con su voz y una guitarra acústica. Valorar este álbum es como sentarse a su lado y escucharla cantarnos como en tu propia habitación, para ti y algunos pocos amigos. Íntima, dócil, lúcida y simplemente hermosa. Sólo escuchar el primer single "Soma

Gone Slapstick" para darse cuenta de lo que hablo. Las canciones están ahí, esperando ser descubiertas en cada escucha. Ella está esperándote con su bella voz y su ductilidad guitarrística en algún rincón de tu habitación, o de tus archivos, para que juntos compartan 24 maravillosas canciones.

Rodney Cromwell | Fax Message Breakup Label: Happy Robots Records Fecha de Lanzamiento: 11 de Noviembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo EP de este inquieto cultor del synthpop. En esta ocasión lo tenemos con este Fax Message Breakup que consta de cinco tracks, tres corresponden a la canción mencionada (Single Mix), (Hologram Teen’s Video Suitors Remix) y (AUW’s Obsessive Perfection Remix), más dos remixes más de otras canciones, Baby Robot (Chris Frain Remix) y Cassiopeia (The Leaf Library Remix). La canción que titula este trabajo tiene un elegante synthpop que por momentos me recuerda a Human League o a New Order. Baby Robot rescata el sonido ochentero del primer synth pop y “Cassiopeia” es el remix que cierra este EP, una instrumentación dreampop hermosa. Si bien es electrónica, es bellamente eté-

rea y brillante. Como para darle un cierre elegante y dulce a un EP, bien trabajado y con un cuidado balance entre los tracks. Esperamos ansiosos un álbum pronto.

141

DERECHO DE PISO

WEIRD. LA ONÍRICA NUBE ITALIANA [ Por Diego Centurión ]

Hoy vamos a presentar una banda que nació en Roma en el 2011. Sus integrantes actuales son Marco Barzetti (guitarra y voz), Massimiliano Pecci (batería) y John Romano (bajo). Aunque en un principio sólo estaba Marco. La banda se cruza entre las veredas del shoegaze y el post rock, con guitarras nubosas y lánguidas, voces lejanas y fantasmales, con capas de armonías psicodélicas, ocultando un gran amor por las paredes de distorsiones con mucha energía entrópica. La banda se arrastra con su sonido onírico, brumoso y sucio, pero encantador y con mucha reberveración. Desde su primer single “Infinite Decay” de noviembre del 2014, que se asentó las bases de la banda, han editado "Desert Love For Lonely Graves" (2013) y su último álbum hasta hoy "A Long Period Of Blindness" (2015). Están por lanzar un nuevo single en breve y además el 15 de octubre saldrá editado un tributo a Siouxsie and The Banshees en donde participan. El shoegaze en Italia está tan vivo como en otras décadas, hay que abrir los oídos e investigar a fondo a Weird. Links a la banda: https://weird1.bandcamp.com/ www.facebook.com/weirdband/ https://twitter.com/Weirdband www.youtube.com/user/weirdband https://soundcloud.com/weirdband

143

The13th U NA R EVISTA IMA GINA RIA