Revista The 13th Nº 32 by Revista The 13th

The13th AÑO: 3

NÚMERO 32

UNA R E VISTA IMA GINARIA

DANIEL LAND

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Alex Bretto

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jiménez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Literatura ]

Erick R. Vieyra

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Gabo Rojo

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Marianarchy Deadbilly

Jefe de Departamento de Literatura:

Marcelo Simonetti

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Max Wilda

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Jefe de Departamento de Música:

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Esteban Galarza

[ Fotografía ]

Ricardo Padilla (Oriani_K)

Nazarena Talice, Lily Moonster,

REDES SOCIALES:

J.D. Daire Alujas

Johannes Rossini.

Luca Nicolás Centurión Mogilner

Damián Snitifker

Julieta Curdi.

Darío Martinez Patricia Claudia Fiori Marina Cimerilli COLABORAN EN ESTE NÚMERO Sol Wenceslada. Fotografíasdelos shows de The Mission: Colin Mason, Bristol del 7 de octubre; Graham Christensen, Leeds, Manchester y Valencia, 03, 05 y 15 de octubre; Stephen Plot, Manchester del 5 de octubre; Neil Chapman, Leeds del 03 de Octubre. CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Noviembre, 2016 Noviembre trae renovación y una gran tristeza. Empezando por la mala noticia y que ya es de público conocimiento, una nueva partida nos entristece, Leonard Cohen, y si bien parece que nunca van a terminar estas noticias, está fue un golpe muy duro para nuestro mundo, así como lo fue la de Bowie. Pero de esto se trata la vida, de idas y venidas, por eso en este número abrimos un nuevo canal de noticias, que viene de un proyecto paralelo que involucra a la revista o al menos a tres personas de nuestro staff. Entrepisos Radio - Noticias estará presente desde este número con una selección de noticias del mes. Mientras vamos pensando en un fin de año con mucha entrega, dejamos para que lean un número 32, plagado de cosas, entrevistas exclusivas, música, literatura y cine. Para este número contamos con la participación especial de Sol Wenceslada, la artista Argentina a quien hemos entrevistado y reseñado en la Revista. Le hemos pedido que entreviste a otra artista que también ha pasado por nuestras páginas Ivana Mer. ¿Tal vez sea el comienzo de una nueva sección? Puede ser... Con las entrevistas tenemos muchas, sumando a la que han realizado a Ivana Mer, tenemos a Daniel Land, Otoño, Sounds of Sputnik, Satan Dealers, The Junkyard Liberty, Mauricio Lozano y Hello Casanova. También tenemos ilustraciones de Valeria Pomodoro en la sección de Literatura, realizadas especialmente para ese espacio. Hemos asistido a la presentación del nuevo disco de Richter, quienes ofrecieron un show y Maxx Wilda lo entrevistó, pero también tenemos una cobertura especial de parte de la Gira de The Mission realizada por Marcelo Simonetti. En cine un especial sobre la Nouvelle Vague y una serie de Woody Allen. Y como siempre las secciones que ya conocen, y seguimos tratando de buscar la mejor manera de ofrecerles un gran producto. Nos encantaría saber qué piensan.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE LEONARD COHEN: UN ROMÁNTICO EN EL SIGLO DE LA HUIDA por Erick R. Vieyra..............................................................................................................................................................06 PRIMAVERA OTOÑAL Entrevista a Otoño por Diego Centurión...........................................................................................................................10

EL AMOR REACTIVA LA CREATIVIDAD Entrevista a Daniel Land por Diego Centurión..................................................................................................................14 TRES X UNO por Esteban J. Galarza, Nicolás Ponisio, Pablo Ravale......................................................................................................22 DE ESTE LADO DEL SOL Entrevista a Ivana Mer por Sol Wenceslada.......................................................................................................................26

EL RESULTADO HOY ESTÁ AQUÍ... Entrevista a Alban Hajduk de The Junkyard Liberty por Diego Centurión .......................................................................32 UNA CHISPA DEPeppersplum LUZ AL FINALpor DEPatricia ESTE OSCURO TÚNEL Entrevista a The Claudia Fiori .................................................................................................... 32 Entrevista a Roman Kalitkin de Sounds of Sputnik por Diego Centurión...........................................................................36 NO HAY SECRETOS COMO TODOS CREEN Entrevista a Adrián Outeda de Satan Dealers por Diego Centurión.................................................................................42 ESTAMOS SEGUROS QUE CAPTAREMOS TU ATENCIÓN Entrevista a Matt Irwin de Hello Casanova por Diego Centurión .................................................................................... 44

ELECTROPOP CON UN ACENTO RETRO Entrevista a Kristian Conde Por Diego Centurión ............................................................................................................ 46 MUSIC CORNER KRISHNA También la Rockeó Por Alex Bretto. ................................................................................................................50 LA ANSIEDAD DETambala LA INFLUENCIA Entrevista a Rudy (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 The Day-To-Day Trenches por Gabo Rojo. ......................................................................................................................53 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 PALABRAS EN LA ARENA “CULTO SECRETO Y OTROS RELATOS”, DE ALGERNON BLACKWOOD por Pablo Ravale........................................58 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE "¿PARA QUÉ QUIERE UN HUMANO TENER HIJOS?" por Pablo Ravale......................................................................61 "ENROSCADA VIDA DE FIDEO" por Valeria Pomidoro...............................................................................................62 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 HIDDEN TRACK ...............................................................................................................................................................64 EN CONCIERTO EL ORDEN DE LOS FACTORES. Entrópico 8, en La Cigale, 28 de Octubre de 2016. Por Diego Centurión. Fotografías: Johannes Rosini......................68

ESTA ES LA VOZ DE LOS MARCIANOS… SABEMOS QUE PUEDEN OÍRNOS TERRÍCOLAS… Richter, en el C.C. Caras y Caretas, 12 de Noviembre de 2016. Por Maxx Wilda. Fotografías: Johannes Rosini............75 TRIPPING THE LIVE FANTASTIC. The Mission, 30th Anniversary Tour, Buenos Aires, del 05 al 25 de Octubre de 2016. Por Marcelo Simonetti. .............80 RESCATE CINÉFILO NOUVELLE VAGUE: LOS NOMBRES DETRÁS DE LA OLA por Jimena Patiño..........................................................91

LOS JÓVENES TURCOS Y LA RIVE GAUCHE .............................................................................................................92 TEAM TRUFFAUT: “El amante del amor”.....................................................................................................................94

TEAM GODARD: “El intelectual suizo”........................................................................................................................96 TEAM ROHMER: “El director de la vida prosaica”.......................................................................................................98 TEAM CHABROL: “El burgués malicioso”.................................................................................................................100

TEAM RESNAIS: “El director memorioso”.................................................................................................................102

TEAM DEMY: “El director musical”............................................................................................................................104 TEAM VARDA: “La muchacha de vanguardia”...........................................................................................................106 SELECCIÓN POST NOUVELLE VAGUE L'HISTOIRE D'ADELE H (1975) de François Truffaut .................................................................................................108 SYMPATHY FOR THE DEVIL (1968) y NOTRE MUSIQUE (2004) de JL Godard .........................................................109 LE RAYON VERT (1986) de Eric Rohmer ....................................................................................................................111 LA FILLE COUPEE EN DEUX (2007) de Claude Chabrol ...........................................................................................112 ON CONNAÎT LA CHANSON (1997) de Alain Resnais ..............................................................................................114 LES DEMOISELLES DE ROCHEFORT (1967) de Jacques Demy ................................................................................115 LA PLAGES DE AGNÈS (2004) de Agnès Varda .........................................................................................................116 EL ESCRITOR SERIAL

CRISIS IN SIX SCENES por Nicolás Ponisio...............................................................................................................119

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................122 PURA MELOMANÍA UNA PUERTA TRASERA - BACK DOOR - PARA SEGUIR ABRIENDO por Patricia Claudia Fiori..................................128 MEDICINAS SÓNICAS PARA DIOS Por Alejandro Cenizacromada.............................................................................129 LA ONÍRICA Y LA HISTERIA Por César León...............................................................................................................131 EL AMOR Y LAS MÁQUINAS SUENAN ASÍ por Oriani_K............................................................................................132 REINVIDICANDO EXQUISITECES por Pablo Ravale..................................................................................................133 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? DURAN DURAN NOTORIOUS & WHITE NEGRONI por Maxx Wilda ........................................................................134 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................136 DERECHO DE PISO

SUPER SUPER DUB STATION. Pies descalzos en la arena y toneladas de reverb por Marina Cimerilli......................148

[ Por Erick R. Vieyra ]

LEONARD COHEN: UN ROMÁNTICO EN EL SIGLO DE LA HUIDA

Músico, poeta y romántico. Leonard Cohen fue un jugador

PROMESA

que inspirado en el espíritu del folk estadounidense realizó uno

Tu pelo rubio,

de los trabajos más embriagantes de la música contemporánea,

mi forma de vivir

actividad por la que se hizo popular a pesar de que él empezó en

aplastado por su luz.

las letras. Cohen fue un abierto pacifista para el que no era necesario los tópicos de la lucha social partidista o de organizaciones

La impresión de tu boca

ideológicas, pertenecía a esos viejos artistas hechos de madera

es marca y nacimiento,

dura que desde lejos observan y sonríen a la inútil forma en que

es todo mi poder.

el ser humano pelea. Cohen fue un artista que a lo largo de su carrera trabajó aspectos específicos de la condición humana, casi era un introspecti-

El amarte, mi diario ideal…

vo; el aislamiento, la claustrofobia, la soledad, el sexo, la duda, el enamoramiento y la derrota; sus temáticas eran diversas pero

que he prometido, a mi cuerpo,

su directriz siempre fue describir el evento. Para ello usó las le-

no escribir nunca.

tras y en ahí encontró su mejor potencial porque como músico no era especialmente destacado, pero sus letras, palabras y voz

El estilo literario de Cohen es propio de una época que apos-

eran una sucesión de martillazos, era un puño de hierro con

tó por el individualismo y el corte es norteamericano. De Poe

guantes de terciopelo.

aprendió a finalizar sus escritos con enunciados potentes, y de

Hace 8 años sólo lo conocía como cantautor; una tarde de visi-

los pesimistas aprendió a explorar sus emociones con el méto-

ta por una librería hurgué en la sección de poesía -en esos tiem-

do más antiguo que la humanidad desarrollo para pulir el ser y

pos leía mucha poesía- y encontré el Flores Para Hitler, uno de

acceder a la virtud, la meditación. Cohen fue de ese tipo de es-

los poemarios de Leonard Cohen publicados en 1964.

critores que peleaban por usar la palabra perfecta, que corregían

una y otra vez lo escrito, que tiraban al cesto de basura las hojas

purificación espiritual y así entrar en comunión. Cohen trascen-

de papel para después de una noche recuperar lo que la pasada

dió la dimensión popular. Hace unos años fue premiado con un

tarde se creyó inútil, Cohen era de esas personas que hacen lo

título honorífico (Príncipe de Asturias), en lo personal me pa-

posible por no perderlo todo y amasó una importante fortuna

rece exagerado, pero números méritos coleccionó este hombre

siendo adicto a la vida bohemia.

para ganar el título.

Pero, como ocurre, esa fortuna no se extiende a todo el que-

Este mes él partió, era bastante viejo y una de sus últimas de-

hacer personal, en el amor no fue un hombre desventurado, era

claraciones fue a propósito de la muerte de Marianne Jensen, la

de ese tipo de hombre que arrastra toda su vida un amor que fra-

inspiración para su canción So Long Marianne

casó. Algunos sostienen que necesitaba de la desilusión para la inspiración en sus letras, quizá sea cierto dado que la gente de-

“Bien, Marianne, hemos llegado a este tiempo en que somos tan

dicada al arte suele ponerse el pie a sí misma y generar pésimas

viejos que nuestros cuerpos se caen a pedazos. Pienso que te seguiré

experiencias para tener su materia prima. El artista es gente ex-

muy pronto. Que sepas que estoy tan cerca de ti que, si extiendes tu

traña. Sin los vicios de la interpretación, la realidad es que se tra-

mano, creo que podrás tocar la mía. Ya sabes que siempre te he ama-

taba de un bohemio al corte de los artistas de folk de principios

do por tu belleza y tu sabiduría, pero no necesito extenderme sobre

del siglo XX, gente que marchaba en paralelo entre las letras y

eso porque tú ya lo sabes todo. Solo quiero desearte un buen viaje.

el sonido acústico, gente que entendía su actividad casi desde el

Adiós, vieja amiga. Todo el amor. Te veré por el camino”

impulso espiritual y que se tenían confianza a sí mismos, a su trabajo, a su estilo de vida. En su edad madura se recluyó en un monasterio y permaneció varios años en él con la intención de hacer una especie de

Leonard Cohen es un ejemplo de aquel tipo de román-

ticos perdidos en el siglo de la tecnología, la inmediatez y la huida.

[ Entrevista a Otoño por Diego Centurión. ]

PRIMAVERA OTOÑAL

A pesar de estar en la primavera argentina, estamos más cer-

una escena muy rica en cuanto a bandas.

ca de un OTOÑO que de un estado primaveral por estos días. El pasado 09 de octubre, la banda de Mendoza (Argentina), Oto-

Desde la última vez que hablamos hasta hoy, ¿Cómo ven el

ño, ha lanzado su nuevo trabajo discográfico llamado “Cercano

shoegaze y el dreampop en Argentina? ¿Ven un crecimiento de

Oeste”, un EP de seis nuevas canciones más dos agregados, un

la escena?

remix y una versión acústica de uno de los temas. Y el clima los

Creo que géneros que nos han dado tanto fueron mutando

ha esperado para que todo salga de manera ordenada y precisa.

y siguen latentes en muchas bandas. La escena de bandas en-

Para hablar de la actualidad de la banda amiga de la casa nos

claustradas en los géneros creo que no llegará muy lejos. Me

comunicamos con ellos para que nos cuente sobre esta edición

refiero a lo siguiente: si hacés y componés música en demasia-

y su presente.

da sintonía con las bandas que ya lo hicieron hace treinta años o más, no le veo futuro. De los géneros nombrados hay bandas

Hola, Gracias por estar una vez más en nuestras páginas.

que revitalizan el movimiento aportándole cosas nuevas, salién-

Hace bastante que no tenemos un contacto para la revista, así

dose de las estructuras típicas de las bandas que marcaron am-

que las primeras preguntas serán más para ponernos al día, de

bos movimientos. De la escena internacional se me viene a la

lo sucedido desde aquel Número 10 en agosto del 2014 hasta la

mente Deerhunter. Ellos supieron tomar (quizás inconsciente-

edición del nuevo EP.

mente) de las bandas que les gustaban ciertos aspectos que supieron llevarlos a otro nivel.

Brevemente (si se puede) ¿qué le ha sucedido a Otoño desde aquel encuentro?, año del lanzamiento de “Diferentes” y luego de la participación del primer compilado de la Revista.

¿Qué ha cambiado en su manera de componer en estas nuevas canciones? (Si hay algo que ha cambiado).

Desde la salida de “Diferentes” (cuya edición física nos llegó

Si bien nuestra idea primaria sigue siendo la misma: no limi-

a fines de Septiembre 2014 y la presentación oficial se hizo el

tarnos. Siguiendo ese lineamiento, la banda ha dado una vuelta

04/10/2014), hemos atravesado cambios en la estructura de la

de rosca. Muchos de los que han escuchado el disco nos han co-

banda: en Enero de 2015, Aníbal (el otro guitarrista de Otoño)

mentado que nos hemos vuelto más oscuros. Interesante obser-

se fue a vivir a Holanda (volvió en Julio de 2016 y llegó a gra-

vación. Creo que necesitábamos plasmar algo más crudo, más

bar una guitarra española en el tema “Cercano Oeste”, del ho-

de la banda como suena en vivo. Ello motivó a aceptar el ofreci-

mónimo EP.). La banda tuvo que adaptarse a una sola guitarra

miento de Pablo Ventura para producir lo nuevo de la banda. El

(algo a lo que estábamos acostumbrados ya que desde el 2006

EP fue grabado en la sala donde ensayamos, y el encargado del

al 2012 siempre la banda tuvo una sola guitarra). Si bien los te-

registro fue Pablo quien viajó desde Buenos Aires para realizar

mas que integran “Cercano Oeste EP.” fueron concebidos a par-

él las tomas de cada instrumento.

tir de Enero de 2014, fue recién en a fines del 2015 y principios del 2016 que terminamos de definirlos completamente. Ahora se viene otra nueva etapa, de vuelta cinco, de vuelta a restable-

En este nuevo EP hay seis canciones nuevas. ¿Hay más para un próximo álbum?

cer temas a dos guitarras (sin las adaptaciones que tuvieron), los

En la selección de temas para incluir en el EP se revisaron

temas del EP, llevarlos a dos guitarras y encarar lo nuevo (que

26 canciones (o proyectos) que tenía grabados. Sin perjuicio de

hay, y mucho).

ello, hay varias canciones más dando vueltas. Mi idea originaria era sacar un disco doble, pero terminó quedando en un EP.

¿Cómo está hoy la escena indie, shoegaze o dreampop en

seguiremos unidos en cada canción.

Mendoza? Es una escena más amplia. Creo que es difícil encasillar a al-

¿Se animan a contarnos sobre cada track?

guna banda de acá (inclusive a Otoño) en alguno de esos estilos

Cercano Oeste.

puros. Hay una revitalización de esos géneros, en nuestro caso

Hablando de salir del molde, este tema es justamente una

nos sentimos muy identificados con ellos, pero tratamos de no

linda forma de expresar otra faceta de la banda. Decidimos in-

forzar las canciones (que son nuestra meta máxima) a cierto so-

cluir unas guitarras españolas (grabadas por Aníbal –quien re-

nido de alguno de los estilos. En Mendoza hay una gran canti-

cién volvía del exterior- y Guillermo –el bajista de la banda),

dad de bandas muy buenas, con diversos mundos sonoros. Es

y decidimos invitar a María Rosana “Rosarito” Martínez, una

famosa profesora de baile (y eximia “bailaora”) a sumar unas castañuelas que le dieron el toque final para que quedara como

más seguido hacemos en vivo desde que lo compusimos. Un detalle más que interesante: la guitarra acústica fue gra-

buscábamos.

bada por Gabriel Guerrisi (quien ya había trabajado con noso-

Miseria.

tros en “Diferentes”, aportando no sólo su guitarra acústica en

Este tema me venía dando vueltas en la cabeza hace tiempo.

el tema “Final”, sino coproduciendo con Julián Gómez el dis-

La letra es bastante directa. En los últimos trabajos de OTOÑO, Carina (quien compone las letras de todas las canciones, ade-

co entero). En el fin (remix).

más de la música de muchas de ellas), se ha volcado más a plas-

Pablo Ventura tiene una forma de mezclar bastante intere-

mar su percepción sobre las relaciones humanas. En cuanto al

sante: deconstruye el tema y arranca llevándolo al extremo para

sonido, buscamos algo bien crudo, con guitarras filosas, con un

luego volver hacia la idea original. En un error de subida de las

final bien ruidoso.

mezclas del disco, se filtró esta versión y nos encantó. Así que,

Instinto. Otro de los temas más arribas del EP Este tema es uno de los

por la ventana, terminó entrando en el disco como una rareza. Respuesta a una vida moderna (Acústica).

que hemos tocado en vivo desde antes de lanzar el EP y ha recibi-

Al igual que la versión remix de En el fin, este tema se filtró

do muy buena aceptación por parte de la gente que nos va a ver.

en una subida de las mezclas. Nos gustó tanto la versión con tan

En el fin.

sólo la voz, la guitarra acústica de Gabriel Guerrisi y la guitarra

Es éste el tema que más ha mutado desde la idea originaria

que hace los arreglos, que decidió Cari sumarle unos teclados

hasta la que quedó plasmada en el EP El que Cari le haya agre-

(que no están en la versión propia del EP) y quedó muy buena.

gado los teclados (los cuales surgieron durante la grabación del

Muy satisfechos con el resultado.

EP) le dio al tema la atmósfera que queríamos lograr. Cortiito. Este tema lo compuso Cari desde la guitarra, teclados y las voces. Otro de los temas que mutó en la sala con el resto de la banda. El nombre del tema surgió cuando Guille grabó un ensayo

¿Qué planes hay para la banda en lo queda del año y el próximo 2017? En lo que resta del año, seguir presentando el EP por todo Mendoza y quizás nos demos una vuelta por otra provincia.

y no sabía cómo se llamaba así que directamente lo nombró en

Para el 2017 vamos grabar otro EP, y si es posible, dos. Nos en-

cuanto a su duración. Nunca nos surgió cambiarle el nombre

canta la idea de editar EP –este es nuestro segundo EP-, tal como

desde entonces.

hacían bandas a las que admiramos muchísimo como Cocteau

Respuesta a una vida moderna.

Twins y My Bloody Valentine. En cuanto a los recitales, seguire-

El primer track que tuvimos para el EP En enero de 2.014

mos armando fechas con bandas amigas y visitando todo lugar

(mucho antes de la salida de nuestro disco anterior, “Diferen-

que nos quiera recibir.

tes”), con Cari compusimos y grabamos este tema en nuestra casa. Luego, en la sala lo terminamos de cerrar. Pero debo decir

Gracias chicos y esperemos verlos pronto por Buenos Aires.

que el tema tal como quedó plasmado en el EP fue mérito del

Muchas gracias a ustedes por tenernos siempre presentes y

Productor, que decidió darle la forma definitiva. Sumó la base

esperamos volver a Buenos Aires tal como lo hicimos desde el

electrónica en la primer parte y sugirió varios arreglos (de bata,

2012 (a excepción del año en curso, donde nos tomamos un año

de guitarra) que terminaron de colorear uno de los temas que

sabático de visitas fuera de la provincia de Mendoza).

[ Entrevista a Daniel Land por Diego Centuriรณn ]

EL AMOR REACTIVA LA CREATIVIDAD

15 Hace un largo tiempo que conozco la música de Daniel Land, poco tiempo me llevó descubrir su pasado en Engineers y si leen la entrevista que le hice a Mike Peters le pregunté por la partida de Land de la banda, y me dio a entender que todo el tema tiene un final abierto. Lo cierto es que con su nueva banda The New Painters ha editado brillantes trabajos, pero hacía tiempo que no sabía nada de su música, hasta hace unas semanas. Hola Daniel, antes que cualquier pregunta quiero agradecer este momento que nos dedicas. ¡De nada! Gracias por preguntarme. ¿"In love with a ghost" es un álbum solista? Se publica bajo mi propio nombre, así que sí, supongo que es un álbum en solitario. Sin embargo, yo diría que el proceso de hacerlo era el mismo que hacer registros para Daniel Land & The Modern Painters. Con las grabaciones de Painters lo que tendía a suceder era que tocaría la mayoría de los instrumentos en mi estudio y luego haría que mis amigos Graeme Meikle y Oisin Scarlett hicieran algunos colores adicionales. Fue el mismo proceso con este disco, pero con un elenco de músicos. Has estado un tiempo ausente entre "The Space Between Us", y "In love with a ghost". ¿Qué has estado haciendo? 'The Space Between Us' fue lanzado en 2012 y muy pronto después de eso un montón de cosas cambiaron en mi vida - Me despedí de mi trabajo diario, tuve que mudarme del lugar donde estaba viviendo. Entonces Graeme de The Modern Painters estaba teniendo un bebé, y Jason quería ir a viajar - Todo parecía venir a la vez y parecía un buen momento para poner la banda en espera e intentar algo nuevo. Así que dejé Manchester y me mudé a Londres, donde empecé a estudiar un curso de música - ahora, cuatro años después, todavía estoy en Londres y estudio un posgrado en Producción de Discos. Poco después de que llegué a Londres, conocí a mi compañero Elijah, entre él y los amigos que he hecho, me siento como si hubiera echado raíces allí aho-

ra. Una gran parte de los últimos cuatro años se ha dedicado a trabajar en este registro, probablemente habría sido lanzado hace dos años si no hubiera tenido problemas de salud durante la realización del álbum. Nada demasiado serio, pero durante un tiempo pensé seriamente en seguir haciendo música o no. Realmente tuve la confianza noqueada, fuera de mí, durante un tiempo. ¿Cómo se encuentra hoy la banda The Modern Painters? ¿Has disuelto la banda? La banda está en pausa. Nunca nos separamos oficialmente, y todos seguimos siendo amigos. No todos vivimos en la misma ciudad, pero espero vagamente que podamos hacer algo juntos en el futuro, tal vez en unos pocos años o algo así. The Modern Painters era más una banda en vivo que una banda de estudio, que en realidad era mi culpa - sería bueno hacer un disco que reflejara el sonido más estrafalario de la banda. Si no recuerdo mal, tu último trabajo solista que yo recuerde fue My Sad Captain. Un álbum más ambiental y haciendo un paralelismo con ambos momentos, ¿qué diferencias encuentras entre ambos discos? Ese álbum fue principalmente piezas de piano, mientras que mi nuevo álbum en solitario "In Love With A Ghost" es una continuación de lo que comencé con los álbumes de Daniel Land & The Modern Painters "Love Songs For The Chemical Generation" y "The Space Between Us", y lo veo como el seguimiento de esos álbumes - está basado en canciones, y las canciones son el centro de mi trabajo. Si pudiera hacerlo nuevamente, habría lanzado "My Sad Captains" como una grabación de riverrun - riverrun es mi proyecto paralelo ambiental y las piezas de "My Sad Captains" están mucho más cerca de ese estilo, habría sido más apropiado Para usar ese nombre en retrospectiva. ¡El beneficio de la retrospección! Pero "My Sad Captains" en realidad era solo un lanzamiento privado, a pequeña escala - ¡tal vez lo vuelva a publicar bajo un nombre más apropiado en el futuro!

Nos puedes contar algo sobre cada track de “In love with a ghost? “You & Me Against The Sky”

“Saints With His Mercy”

Esta es una declaración de intenciones, una canción sobre le-

Quería que el título del álbum tuviera varios significados.

vantarse a sí mismo, de no escuchar las voces negativas, sobre la

Uno de los significados de "In Love With A Ghost" fue esta idea

terapia y la curación. Es una canción de amor crecida.

de caer por un producto, o una persona que no es lo que primero aparece. Esta canción se basa en un par de experiencias, una

“Holes On The Dancefloor”

de las cuales fue testigo de la violencia siendo un niño, el otro

Cuando estudié literatura americana en la universidad, me

fue el asesinato de mi amiga Lisa Collings, hace diez años, por

interesé mucho en las respuestas literarias a la crisis del SIDA,

su pareja abusiva.

en particular la generación de escritores y artistas gays que llegaron a prominencia en Nueva York a finales de los 70 y princi-

“Whistling Gypsy”

pios de los 80. Esta canción es un reflejo de eso.

Las versiones de esta canción han estado dando vueltas durante años, lo escribí en 2003 y lo interpretó en vivo con los

“Everyone's Got A Guy Garvey Story”

Painters ya en 2008. Iiba a estar en "The Space Between Us",

Esto es una canción de amor a Manchester, mi ciudad natal

pero nunca encajaba realmente en ese álbum cuando armába-

adoptada - a los Painters y a nuestros amigos en la escena de la

mos el orden del playlist. Casi lo abandoné para siempre, pero

música de Manchester. La línea "Una guitarra y un violín" se

un amigo me rogaba que lo pusiera en un álbum - y después de

refiere a la gran banda de Mancunian “Air Cav”.

haber puesto algunos tambores reales en él y un par de otras cosas, encajan muy bien. Realmente me gusta el tipo de hués-

“The Sweetest Lover”

ped-apariencia por riverrun que sigue fuera de la pista también.

Una ingeniosa desconstrucción de Susan Sontag "Against Interpretation"... En realidad, no. Es una canción de amor senci-

“In Love With A Ghost”

lla para mi pareja, Elijah, escrita después de que nos conocimos

Probablemente una de las canciones más "vivas" del disco -

en 2013 - completo de doble sentido bíblico y un par de referen-

esta fue escrita, grabada y mezclada en un día para el proyecto

cias de Zelda.

“BFW Recordings Album In A Day”, y toqué todos los instrumentos de esta canción. Utiliza un truco que usé por primera

“New York Boogie-Woogie”

vez en "Within The Boundaries" - la pista tiene cuatro o cinco

Otra canción de amor a una ciudad, pero esta vez a Nueva

minutos de duración, pero la voz es sólo para un coro corto.

York, donde Elijah y yo pasamos algún tiempo en 2014 y 2015. Mi visión de Nueva York es oscura y romántica, y el video que filmamos ahí, para el single, es un Buen reflejo de esto. Esta es la pieza central emocional y temática del álbum, para mí.

“The Beautiful Room Is Empty” Las dos últimas canciones fluyen entre sí sin parar, lo que suena totalmente natural en el álbum, pero esta canción fue grabada en realidad un año antes. Aquí otra vez, esto fue escrito, gra-

“Little City Symphony”

bado y mezclado en un día para el proyecto de “BFW Recordings

Una pieza instrumental corta que cuenta con el maravilloso

Album In A Day”, en 2013, y toqué todos los instrumentos. Esta

saxofón de Igor Delgado Martin, que está en tres pistas del ál-

parece ser la pista favorita de muchas personas en el álbum, qui-

bum. Brin y yo simplemente improvisamos algunos acordes al-

zás tenga algo que ver con todas las grandes guitarras al final.

rededor de su toque encantador.

¿Has pensado presentar el álbum con una banda? ¿Quién será parte de la banda en vivo? ‘¿Ya lo has planeado?

bería ser muy divertido. Después de que vuelva, y después de que el lanzamiento de "In Love With A Ghost" esté hecho, voy a

Sí, hay un concierto de lanzamiento de álbum en el “Sebright

darle una atención seria a mi próximo álbum de canciones, que

Arms” en Londres, el domingo 27 de noviembre. Después de

ya está a punto de terminar. Terminé "In Love With A Ghost"

eso, espero que haya algunos espectáculos en el Reino Unido

en 2015, y desde entonces he estado trabajando en material nue-

y Europa el próximo año - incluso más allá, ¡si hay ofertas!

vo. El nuevo álbum no tiene un título todavía, pero va a ser un

Cualquier persona interesada puede ponerse en contacto.

regreso a la guitarra basada en shoegaze, a la mi anterior álbum

Estoy muy contento con mi nueva banda, tengo gente muy talentosa. Adam Gummer toca la batería, también tenemos Rob

"Love Songs For The Chemical Generation", y con mis nuevos compañeros de banda.

Sykes en el bajo, solía estar en la banda del Club AC30 Sleepless.

También debo mencionar que estoy produciendo el álbum

Yo canto, toco la guitarra, ya veces piano. En la guitarra también

debut de “Swoone”, y un par de canciones para una banda londi-

tenemos Gary Bruce, que colabora con Siobhan De Mare bajo

nense llamada Komodo, así que espero que haya noticias sobre

el nombre Swoone. Y también tenemos a Brin Coleman, alias

todo eso pronto. ¡También hay una nueva grabación de riverrun

la prolífica leyenda ambiental Bing Satellites, en los teclados.

que anunciaré pronto!

¿Qué planes tienes para lo que queda del 2016 y el 2017?

Es un placer poder hablar contigo, aprecio tu música.

Bueno, mientras escribo esto estoy en un vuelo a Nueva York

¡El placer fue todo mío - gracias, y gracias a cualquiera que

para ver amigos y hacer algunas entrevistas del álbum, que de-

haya leído esto!

TRES POR UNO

Blur - To The End CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Espíritus, reflejos del pasado, personas cuasi estáticas atrapadas en una antigua mansión francesa. Sin poder escapar, sin poder recordar, los habitantes de esa basta construcción se pasean en ella llenando cada imagen de referencias al pasado, cual fantasmas alguna vez cautivos dentro del celuloide. Esto se debe a que el videoclip del tema To the End, de la banda británica Blur, colma los pasillos, habitaciones, escaleras, prados y cada rincón del lugar con referencias a ese clásico del séptimo arte que es L’année dernière à Marienbad (EL último año en Marienbad de Alain Resnais, 1961). Las imágenes del film francés aquí son reconstruidas y reinterpretadas por los miembros de la banda, principalmente por un Damon Albarn totalmente cautivado por el atractivo de una bella mujer, respetando un clima hipnótico acrecentado por la conexión entre la belleza fílmica y el ritmo de un tema igual de atractivo que la mansión y sus habitantes. Atrapante e incluso hasta por momentos escalofriante (dicha descripción tranquilamente podría pertenecer a un film de terror), la poética de la imagen y el romance en dicho film se volvían pasajes oníricos tanto de ensueño como de pesadilla. En el videoclip todo atisbo pesadillesco se ve eliminado pero sin embargo música e imagen conservan un espíritu transformado en metáfora onírica de un gran encanto hipnótico. Estos amantes, que se encuentran y desencuentran constantemente en un mismo espacio, juegan con la familiaridad de ciertos aspectos y la ausencia de la memoria para recordarlo todo. La reiteración de unas imágenes que se encuentra bañadas con la fotografía monocromática del blanco y negro hacen uso de la seducción, nacida entre los personajes y también del recorrido arquitectónico que la cáma-

ra hace del lugar. Contando una historia surrealista que alcanza una íntima interpretación gracias a la letra de la canción y los subtítulos que sobre la imagen les dan voz a los personajes a través de diálogos que no podemos oír, pero sí observar. Entre la elegancia del baile y posturas estáticas, los personajes se mueven entre sí con el acercamiento que la cámara ofrece para estar junto a estos viejos amantes. To the End permite con su ambiente musical dotar de mayor sentimiento el bello registro de las imágenes. Las cuales, de estarse ante ellas por sí solas, y un poco como ocurría con el film, recaerían en cierta frialdad dejando grabadas dichas imágenes pero evitando en gran parte la conexión sentimental que logra brindar el conjunto formado por el tema de Blur y el videoclip/homenaje al film de Resnais. En pasillos, aparentemente hoy vacíos, una pareja continúa danzando y profesándose su amor. En la mente y cuerpo de los meros mortales aún resuena To the End, que con su ritmo hipnótico transporta a quien lo oye a las cercanías de Marienbad… o al menos a poder ver y rever el videoclip en cuestión. LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Situémonos en espacio y tiempo: Parklife, el tercer álbum de estudio de la banda integrada por Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree. El disco que fue publicado en abril de 1994 y producido por Stephen Street, quien ya antes había trabajado con la banda, amén de lo hecho con The Smiths y Morrissey. Sin embargo, Blur, aun habiendo grabado dos discos más que interesantes, no lograba posicionarse en los primeros puestos de las listas británicas. Algunos denominaron a los primeros años de la década del noventa como la “etapa grunge” del Reino

Unido, por cierta “invasión” cultural que estaba sufriendo la Isla, debido a la explosión musical que acontecía en Seattle y que Estados Unidos exportaba. De esta manera, el creciente auge de la cultura alternativa desorientaba a críticos y periodistas, quienes no sabían cómo reaccionar, ya que el eje se trasladaba hacia el otro lado del charco, lo cual les restaba poder de influencia. Este descontento generalizado encontró en Blur, y principalmente en Parklife, la convergencia lírica, musical y estética que Inglaterra necesitaba en ese momento (1994) para frenar aquello que se percibía como una invasión, permitiendo a la cultura musical británica reivindicarse como heredera de una tradición fundante del rock. Parklife, en tanto, significó el verdadero inicio del Brit-Pop, aunque entendido como un fenómeno cultural que trascendió lo estrictamente musical para convertirse en la estetización sonora y lírica de acontecimientos sociales que latían en el seno del Reino Unido: la transformación político-cultural ocurrida en Inglaterra debido a la transición de un gobierno conservador a otro… menos conservador; pongámoslo así. De todos los cortes que conforman esta sensacional placa, uno de ellos, “To The End”, es entonces del que hoy iremos a hablar. Abulia, aburrimiento, apatía, desencanto, tristeza («Todas estas palabras sucias –hasta el fin / Nos hacen parecer tan estúpidos –a pleno sol / Hemos estado bebiendo demasiado –hasta el fin / Y ninguno de nosotros quiere decir lo que decimos / A pleno amor») son algunos de los colores que salpican esta deliciosa balada soul, cuya letra se aparta ostensiblemente del achatamiento cultural que venía sufriendo la sociedad, pero que se sitúa en el propio infierno personal del protagonista de la historia («Bien, tú y yo / Hundidos en el amor / Y parece que podríamos haberlo hecho / Sí, parece como si lo hubiéramos hecho hasta el fin»). Un infierno que es delicado, en el sentido de que no se vuelve explícito, pero no por ello menos cargado de atmósferas lúgubres, de metáforas de un desasosiego («¿Qué nos ocurrió? –hasta el fin / Pronto todo desaparecerá para siempre –a pleno sol»). En definitiva, Parklife, y en especial una can-

ción como “To The End”, reflejan lo que quizás fue una de las últimas expresiones del rock. A partir de este disco, y de 1994, empezarían a grabarse otros realmente buenos, elogiados por los más grandes: David Bowie, Brian Eno, Paul McCartney. Por esta razón, tendremos el orgullo de decir, en cada aniversario, que Blur fue y seguirá siendo una de las bandas más importantes, ya que inauguró la última década dorada del Rock.

MÚSICA [ por Esteban J.Galarza ]

La elegancia se apoderó por unos momentos de Blur. En un disco tan rico en texturas como lo fue Parklife, To The End fue una suerte de nuevo descanso dentro de la fiesta de los 90 que impuso el brit. En éste caso Damon Albarn y compañía decidieron coquetear con sus inquietudes continentales, más específicamente francesas. El tema fue el segundo corte de difusión de su disco más antologizado, aunque en el momento no fue uno de sus temas más populares. El single salió a la venta en el Reino Unido el 30 de mayo de 1994. Para conseguir el efecto deseado Blur llamó para que cante en los coros a Laetita Sadier, de Stereolab. Además, es el único tema de Parklife que fue producido por Stephen Hague, a diferencia del resto del disco que tuvo como productor al histórico Stephen Street. Hague fue una elección adecuada ya que les dio un sonido más postpunk, minimal, a diferencia del espectro musical que tenía Street en ese momento. Baste recordar que Hague fue el responsable de los hits West End Girl de Pet Shop Boys, Regret de New Order y Kiss Them For Me de Siouxie and The Banshees, entre otros. El resultado fue un tema de estructura beatle que cuenta los intentos de una pareja por no derrumbarse. El sonido del xilófono ejecutado por Albarn le da un sonido vintage y delicado que armoniza con la temática del tema. La banda grabó además una versión en francés para ser promocionada en el país galo, en donde gozó de cierto éxito. Blur consiguió así un clásico de la década de 1960 a mediados de los 90, un tema inoxidable y con mucha elegancia que con el tiempo consiguió brillar independientemente de los sucesivos éxitos que tuvo la banda.

RENDO – TRANSCURRIR Fidel Araujo en guitarras y coros Javier Rendo en voz, teclados y letras + destacados invitados. Canciones de un electropop sugerente y nocturno. Un collage sonoro donde las melodías combinan su costado tecno con cierta densidad heredada de los ochenta.

NUEVO DISCO

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PRÓXIMAS FECHAS VIERNES 21 DE OCTUBRE PRESENTACIÓN DEL DISCO / ESPACIO37 El Salvador 4607 - Palermo VIERNES 11 DE NOVIEMBRE / POE 3 de febrero 2772 - Belgrano SÁBADO 26 DE NOVIEMBRE / LA CIGALE Ciclo Entropico / 25 de Mayo 597 - Centro

CONSEGUÍ EL NUEVO DISCO EN: Anthology / Av. Santa Fe 1670. Loc 7 / Recoleta Compakta / Pje. Monseñor Zazpe 3156. Loc 7 Salguero 2656 / Palermo Miles / Honduras 4912 / Palermo Zival´s / Av. Callao 395 / Centro Entre otras...

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27 [ Entrevista a Ivana Mer por Sol Wenceslada ]

DESDE ESTE LADO DEL SOL

De este lado del sol, eso que suele llamarse casualidad y a lo que yo prefiero nombrar maravillosos contactos con la vibración, hace que desde hace un tiempo me haya encontrado con la música y la persona de Ivana. Ivana Mer desde su Eslovaquia natal nos deja sin pensar cuando nos ofrece como gajos de fruta jugosa sus canciones frescas, dulces, introspectivas. Atentos llamados que convocan, nos llaman a querer seguir escuchando y cuando así lo estamos haciendo… cuando en ese envión nos aventuramos nos sorprende una escucha que va desplegando texturas, colores, climas. En estos días me invitaron a jugar el juego de hacerle algunas preguntas a Ivana y con alegría acepté la propuesta. Lejos de pretender entrevistarla me gustaría sentarme con ella a tomar el té y jugar contarnos secretos. Hola linda Ivana cómo dices que estas... Revista The 13th me invitó a hacerte preguntas para la revista y aquí me tienes... escribiendo. Para empezar me dan ganas que nos cuentes ¿cuáles son los estímulos que te llevan a hacer canciones? y ¿qué tanto influye el clima del lugar que habitas en los paisajes sonoros? Hola Wenceslada y 13th Magazine, ante todo, muchas gracias por invitarme y por pensar en mí. Siempre es un honor saber que la música llega al otro hemisferio del planeta.

Los estímulos para mí son más que nada permitirme la conexión conmigo misma en el silencio, con mucho tiempo libre para poder pensar, escuchar, sentir y crear. Nunca realmente pensé sobre la influencia del clima, ahora que lo preguntas, creo que tengo un clima adentro. Un clima de montaña y naturaleza Eslovaca, que está siempre presente conmigo adonde vaya. Además sería lindo saber que te lleva a usar diferentes idiomas en tus canciones, ¿cómo es la forma en la que más te gusta cantar y en qué espacios? Mis primeras canciones, o más bien las piezas sonoras, las cantaba en un “no lenguaje”, usando palabras inventadas por mí, con un significado personal. Después empecé a escribir en inglés. Como viajé mucho por Europa, en aquella época era el lenguaje que más utilizaba. Por otro lado me gusta escribir en inglés por el juego que dan las sílabas. Mi lenguaje natal es el Eslovaco, hermoso pero bastante difícil, así que si hay alguna canción en Eslovaco, primero fue escrita como poema y con el tiempo le fui encontrando su musicalidad. ¿Cantas en los sueños? Sí, sí y también funciona al revés: sueño mientras canto. ¿A quién piensas que se dirigen tus melodías? Muy linda pregunta. Hace poco tiempo que lo em-

pecé a reflexionar. Durante este último periodo me lo estoy preguntando a menudo. Para mí se dirigen al universo, al cosmos, a cada ser de la naturaleza y a la naturaleza misma.

todos los colores.

¿Cómo ven el crecimiento de su primer álbum ¿Cómo influye la literatura en tus decisiones musicales? Amo la literatura. De hecho fue mi sueño aprender español para poder leer a Federico García Lorca y Borges en su idioma original. Gracias a la vida el sueño está cumplido. Hice un homenaje al querido Lorca en la canción Blueanco (The Little Mute Boy). Es su poema “El niño mudo” musicalizado en un humilde intento de esta admiradora. Siento que cuando dejo de leer por un período me falta la riqueza verbal para expresarme como realmente me gusta. Creo que los escritores con sus libros nos ofrecen mundos fantásticos, solo hay que dejarse llevar.

¿Tu hermoso reciente disco Early Works qué proceso transitó? Muchas gracias Wenceslada. Realmente fue un viaje externo e interno. Como tenía 0 euros de presupuesto, se fue construyendo durante todo en el proceso, conociendo a gente apasionada por mi música y con ganas de apoyarme en este camino tan especial. Pasaron 5 años y me di cuenta de que tenía el material suficiente para un disco, gracias a mi marido que me sugirió esta idea :) Las canciones fueron creadas y grabadas en distintos países de Europa (Francia, España, Alemania, República Checa y Eslovaquia). Al final, todo este proceso me hizo regresar a mi tierra natal donde surgió el trabajo con el productor Oskar Rózsa. También debo agradecer a Marc-Eric Laine, con quien hicimos la canción “Diamond Fields” y a Anacole Daalderop, el productor de “Mereus”, quie-

¿Qué color preferido tienes? Blanco por su pureza y también porque lleva dentro

¿Cuál es el sabor que más te gusta? Esta pregunta es muy fácil: dulce, dulce, dulce.

nes me ayudaron mucho, siempre creyendo en mi mundo musical.

tivo para mí. Me encantaría poder hacer una gira en distintos rincones del mundo.

¿Cómo te vinculas con el instrumento de la voz? La Voz para mí es un misterio infinito que me encanta investigar. Intento tratarla bien. Dormir y comer bien, no fumo, ni bebo alcohol. Siento que así, de algún modo, preserva su pureza y capacidad para tocar los sentimientos en la manera que más me gusta. La Voz para mí es una maravillosa herramienta de transmisión, directamente hacia el corazón.

Y antes de irte... ¿podrías contarnos cómo te sientes en el mundo artístico y que opiniones te genera? Una pregunta muy completa y muy buena. Primero, el mundo artístico en su lado positivo e ideal es un mundo muy sensible, con la gente con una alta percepción del mundo y con empatía profunda. Creo que es así, si no sería difícil crear algo que te conmueva. Mi objetivo siempre es la colaboración con otros artistas (músicos, bailarines, artistas visuales, etc.). Así que en mi mundo ideal lo percibo como una gran familia apoyándose mutuamente. Porque yo lo he vivido mucho, con amigos artistas a quienes estoy enormemente agradecida por su apoyo constante. Saludo a Yanin Saavedra, una excelente cantante y compositora mexicana que te recomiendo. Ella me organizó un concierto en Francia que nunca en mi vida olvidaré, por su generosidad y lo hermoso que estuvo el evento. Y también está el lado más enfocado en el mundo de fama y las apariencias. Allí hay mucha competencia, envidia, cosas que para mí son muy absurdas, que no tienen nada que ver con el arte. En eso se puede observar el nivel la de la persona. La humildad está antes de la creación y del arte, que es algo tan grande en su expresión, es vital. Es la grandeza, si falta, todo se queda muy chiquitito.

¿Cuáles son tus inquietudes de investigación vocal? Me gusta mucho tomar clases con distintos profesores y maestros. Me encantaron las clases basadas en el método tradicional de la India, pero en general todos los métodos que consideran a la Voz humana como una herramienta espiritual. Creo que nunca me voy a cansar de investigar con la voz, porque así me estoy nutriendo a mí misma. Para cerrar nos encantaría que nos cuentes un poco ¿cómo fueron los shows de presentación del disco? Estuviste de gira, cierto... ¿cómo fue esa experiencia? Aquí, por estas tierras tan religiosas, cuando lanzas un disco siempre se hace el “bautismo” del disco. Le llamamos KRST. Se trata de dar un concierto, una celebración con invitados, músicos queridos. Hicimos un “krst” en Praga, en un barco. Fue hermoso. Y ahora vamos por la segunda presentación, que será en la Radio Nacional en Bratislava, el 9.12.2016. Además, ahora conmigo tocan muy queridos músicos y lo disfrutamos mucho. Nina Marinová en violín, Marek Žilinec en batería y percusión, y Cristian Estrella en electrónica. Cristian, mi querido marido, también preparó visuales, que acompaňan la música y crean un ambiente hermoso. Dar los conciertos es una experiencia muy enriquecedora, donde el momento es lo más importante. La presencia, la concentración y, del mismo modo, disfrutarlo con todo. Más estoy tocando en vivo más quiero, es muy adic-

Te abrazo desde el otro continente y espero que pronto nuestras voces se abracen en alguna canción. Yo también a vos querida Sol, te mando un abrazo enorme. Muchísimas gracias por esta iniciativa. Me siento muy honrada por este espacio y por la atención para poder compartir la música desde el otro lado del planeta. Deseo que tus días estén llenos de melodías y nos deseo a las dos que pronto las compartiremos en vivo. Un gran saludo a la revista 13th, en este momento desde mi viaje por Italia.

[ Entrevista con Alban Hajduk de The Junkyard Liberty por Diego Centurión ]

EL RESULTADO HOY ESTÁ AQUÍ... Después de escuchar Chains Blood Red, su álbum debut, nos pudimos contactar con la banda de Caen (Francia) para conocerlos un poco más allá de su música. Comandados por David Fitzgerald (miembro fundador de The Telecopes) y Alban Hajduk. Hola chicos, gracias por darnos esta oportunidad de que nuestros lectores puedan saber de ustedes. ¿Por qué el nombre de la banda? Hemos decidido por un nombre políticamente cargado para la banda... Creemos que las palabras son poderosas, un junkyard es el lugar donde los viejos coches van a morir y lo mismo se puede decir de la idea de la libertad en el oeste hoy en día... De ahí el junkyard libertad... ¿Cuándo nació la banda? La banda nació hace unos 5 años, a finales de 2011, cuando conocí a David, empezamos a tocar juntos, y creamos nuestro sonido en el estudio, probando cosas, hasta hoy... Ahora somos 6 en la banda, Con Manon en voces, Louis en tambores, Lucie en violín y Mathis en bajo... Hemos comenzado a pensar en crear una banda hace dos años... el resultado hoy está aquí... ¿Cuáles son las influencias de The Junkyard Liberty? Tenemos influencias de todas las décadas desde los años 30, Robert Johnson como Neil Young y Buffalo Springfield, o Yardbirds y Love... Dave creció a finales de los 60 y escuchando las mejores bandas de la época ... Además, hay todas estas bandas desde finales de los 80 hasta hoy, son una gran influencia

para nosotros también, bandas como los Spaceman 3, BJM, o más actualmente Allah-las por ejemplo... Así que nuestras influencias son principalmente rock'n'roll, Folk y blues. ¿Cómo describirías la música de The Junkyard Liberty para aquellos que no los conocen? Realmente no sé cómo describir nuestra música... Pensaría en el sonido que necesitas si quieres relajarte al final de una tarde soleada... ¿entre un sonido típicamente folklórico y algo ruidoso rock'n'roll y blues? Escúchanos, y podrás describirnos. ¿Cómo es trabajar con un sello como "Wrong Way Records"? Está funcionando bien, Wrong Way Records nos da la oportunidad de producir nuestra música en vinilo, sólo porque Al es un amante de la música... por cierto muchas gracias... Es bueno trabajar así, servicios desinteresados... ¿Han visto los videos que han realizado Psychoactiv? Al igual que con el sello, psychoactiv ha hecho varios videos para nosotros... todos los videos que hicieron, son muy buenos, y lo hicieron para un montón de bandas de "neopsychedelic rock"... Me gusta esta idea, les enviamos una canción, y unos días después nos envían el resultado... es una cosa interesante... quiero decir que está creando directamente lo que nuestro sonido le hace pensar, con videos... ¿Cómo llegan a grabar Chains Blood Red? ¿Cómo fue el proceso de escritura de las canciones del

álbum? Lo grabamos el pasado mes de febrero en nuestro estudio, perdido en medio de Normandía, con Barclay Wood - que vino especialmente de Inglaterra para grabar, mezclar y tocar algunas baterías - y la banda completa... Este álbum está hecho de canciones que habíamos escrito durante los dos últimos años... Hay folk y psicodelia en sus canciones, ¿Cómo es el sonido de la banda en vivo?, ¿se vuelven más rockeros? Escuchar música en vivo es algo completamente diferente a crear y grabar un álbum... En el escenario tenemos un grupo un poco más rock y ruidoso... Nuestro set está en una evolución continua... Solo

tratamos de traer nuevas cosas, nuevos sonidos todos el tiempo... Pero seguro, el disco es más folk y tranquilo que nuestro set en vivo... ¿Qué planes hay para este 2016 para The Junkyard Liberty? Terminando el año con algunos conciertos para promocionar el álbum, y luego trabajando en nuestras nuevas canciones / proyectos ¿Podemos esperar en el 2017 una nueva publicación? Probablemente... Volveremos al estudio durante el invierno, tenemos mucho trabajo, así que probablemente oirás sobre nosotros en los próximos meses otra vez...

[ Entrevista a Roman Kalitkin de Sounds of Sputnik por Diego Centurión. ]

UNA CHISPA DE LUZ AL FINAL DE ESTE OSCURO TÚNEL

Hace un tiempo hemos hablado de esta banda que esconde al productor Roman Kalitkin, quien ha colaborado con muchos artistas desde el nacimiento del proyecto. Están por lanzar un álbum de remixes y nos contactamos con Roman para hablar de esto. Hola Roman gracias por darnos la oportunidad de poder hablar contigo. Hola Diego. Para empezar vamos con el principio, ¿por qué el nombre Sounds of Sputnik? El nombre Sounds of Sputnik es una reminiscencia del nombre de otra banda llamada Sputnik Vostok, que también suena un poco similar. Yo era parte de Sputnik Vostok en los 90’s. Así, el nombre Sounds of Sputnik es mi tributo a ese momento especial en mi vida y mis primeros pasos en el rock-n-roll. Al igual que ahora, estábamos en el shoegaze y no eran muy populares en Rusia. Por cierto, la palabra "Sputnik" es una palabra rusa que ahora se está utilizando internacionalmente. Significa "satélite". Supongo que de manera similar a esta palabra y su significado, queremos que la música de Sounds of Sputnik sea conocida y escuchada en todo el mundo. Es interesante notar que en realidad somos más

conocidos en otras partes del mundo que en Rusia. ¿Cómo nace este proyecto? Antes de crear Sounds of Sputnik, toqué en varias bandas en Moscú. Después de algún tiempo, empecé a darme cuenta de que me tragó un mar de música que en realidad no me gustaba. La música que no me interesaba estaba comiendo la mayor parte de mi tiempo. La única chispa de luz al final de este oscuro túnel resultó ser mi colaboración creativa con Shauna McLarnon en 2002. Hasta donde yo sé, las canciones que grabamos en ese tiempo no fueron lanzadas, pero supongo que representaron el inicio de su dúo Ummagma. En 2012, decidí convertirme en un viajero en solitario en lo que respecta a la música. Estaba en un nuevo viaje creativo de mi percepción del tipo de música que realmente me encantaría realizar. Grabé un par de pistas y las subí a Internet. Esto me llevó a volver a conectar con Shauna McLarnon y Alex Kretov del dúo canadiense / ucraniano Ummagma, que vivían en Ucrania en el momento y que más tarde se trasladaron a Canadá. Después de que numerosos tracks viajaron de ida y vuelta entre su estudio y el mío. Descubrí ciertas ventajas de este tipo de colaboración creativa. El hecho de que no necesitaba ensayos era uno de ellos.

Hoy ¿Cuál es el line-up? ¿Estás tocando mucho? Después de reunir la formación en vivo para Sounds of Sputnik en 2015, me enfrenté a varios problemas que tenían que ver con la comunicación y las relaciones entre los miembros de la banda. Durante los dos años que siguieron, varias personas se fueron porque nuestro proyecto no se ajustaba a sus expectativas financieras. Había otro problema - algunos miembros de la banda participaron en múltiples proyectos al mismo tiempo y no se comprometieron a Sounds of Sputnik al 100% como yo quería. Todo esto hizo difícil mantener el dinamismo de Sounds of Sputnik y continuar su desarrollo. En este momento tenemos a seis miembros de la banda: Roman Kalitkin (guitarra), Nastya Berezovskaya (voz), Dmitry Bobrinev (guitarra), Almaz Gaifutdinov (bajo), Oleg Mejerovsky (teclados) y Oleg Luzhetsky (batería). Actualmente no realizamos conciertos muy a menudo ya que los bookers de los clubes rusos buscan principalmente generar cantidades sustanciales en efectivo. El Rap es mucho más popular en Moscú que el shoegaze. En realidad, hay muy pocas bandas como la nuestra y es muy raro encontrarse con un músico en Rusia que esté familiarizado con el término shoegaze. En mayo de este año has editado New Born, con las primeras cinco canciones originales de la banda. ¿Cuáles fueron los resultados de esta publicación? Bueno, por supuesto, el hecho de que tenemos un montón de prensa a través de Shameless Promotion PR fue realmente útil. Volver a lanzar el álbum 'New Born' ha servido como catalizador para escribir nuevas canciones usando las letras de McLarnon. Tenemos cerca de 8 canciones en este momento y una de ellas está casi lista - sólo requiere un poco más de trabajo. En realidad, toda la banda participó en la creación de los arreglos musicales para nuestro nuevo material. Espero que esto añada una ventaja creativa a nuestro sonido. ¿Cómo es el proceso creativo de las canciones, las compones tú sólo? Mi colaboración creativa con Shauna para el álbum "New Born" fue una experiencia valiosa. Sus melodías vocales me impresionaron y me inspiraron más que mi propia música. Ahora escribo letras y melo-

días vocales. Sin embargo, puesto que no soy un hablante nativo del inglés no siempre trabajo tan bien. Lo bueno es que puedo conseguir ayuda con esto de Nastya Berezovskaya, cuyo inglés es realmente bueno y que escribe letras bastante hermosas. ¿Cómo ves el mercado actual con tantas publicaciones diarias? ¿Cuesta mantener la atención del público? Si es cierto. Hay una gran cantidad de música que se publica on-line todos los días, pero esto no significa que sea realmente bueno. Trato de protegerme de esta basura musical, escogiendo las mejores pistas nuevas, que son pocas y distantes entre sí. La escena musical en Rusia es bastante exótica. Algunos piensan que el único requisito para la producción musical es aprender a tocar un instrumento más o menos profesionalmente. Así que hacen exactamente eso, empiezan a generar material y recoger 'Le gusta' a la gente en las redes sociales. Tú editaras un nuevo álbum de remixes, Cuéntanos sobre este lanzamiento. Como mencioné anteriormente, tenemos un montón de material nuevo que necesita ser registrado. Crear remixes es un reino diferente. Un remix puede cambiar la sensación de una canción, su carácter entero. De esta manera puede resultar una creación completamente nueva y tiene un potencial de encender sentimientos muy diferentes en el oyente. Los autores de remixes suelen tratar de crear algo que va más allá de la original de muchas maneras. ¿Han cambiado las canciones de 'New Born' cuando las interpreta en vivo con su banda? En nuestras actuaciones en vivo no intentamos igualar nuestras grabaciones de estudio al 100%. De esta manera la banda tiene la oportunidad de crear algo único durante su actuación en vivo. Así, todos los músicos pueden agregar algo especial y mostrar su individualidad. Creo que lo más difícil durante una actuación en vivo es crear un ambiente especial, una cierta energía que se quedará con las personas que vinieron a vernos. Para hacer esto, en mi opinión, es mucho más difícil que reproducir el sonido de la grabación de estudio.

¿Qué planes hay para Sounds of Sputnik? El próximo año esperamos participar en festivales de música, tanto en Rusia como en Occidente. También esperamos que nuestra música empiece a ser más popular entre los oyentes de todo el mundo. Estamos haciendo nuestro mejor esfuerzo para asegurarnos de que sea verdaderamente ¡Rock!

[ Entrevista a Adriรกn Outeda de Satan Dealers por Diego Centuriรณn ]

NO HAY SECRETOS COMO TODOS CREEN

Hace tiempo que queremos entrevistarlos y ha llegado el momento de una jornada especial, Niceto Club el 24 de noviembre, pero no sólo es una fecha (de las que podemos llamar normales) tanto por el lugar sino por lo que significa esta fecha. Cierran la gira presentación de su quinto álbum "La Eternidad En Una Hora".

Eternidad en una Hora”. ¿Cómo fue el proceso de escritura de las canciones y el proceso de grabación? El proceso de escritura es en el momento casi que se graba, se va arreglando todo en la marcha, no hay secretos como todos creen quizás. La grabación fue en dos tandas, bases en el Attic y guitarras y voces en Audion como productor Gonzalo Villagra.

En primer lugar una pregunta que me queda dando vueltas desde que vi su nombre por primera vez, ¿por qué el nombre? No hay significado, no tiene por qué haberlo, eso si no somos adoradores de Satán.

En Abril han grabado un DVD, cuéntenos ¿dónde se puede conseguir y de qué se trata esta edición? El DVD todavía no salió y es el show que dimos como presentación de La Eternidad En Una Hora en la Trastienda.

¿Cómo definirían la música de la banda para aquellos que aún no los han escuchado? Rock adulto, jajaja, rock salvaje, proto punk con guiños hacia todo lo que nos gusta.

¿Qué sorpresas les trajo este último trabajo a la banda? Seguir tocando cada vez más, en momentos difíciles donde no cualquier banda lo puede hacer.

¿Qué influencias tiene Satan Dealers? Musicales todas, no se hace oído sordo a nada, para qué dar nombres, la música es una sola, ¿a vos que te parece? Eso es lo más importante.

Ahora pasemos a la fecha de despedida del álbum. Van a hacer un set de covers con invitados. ¿Nos pueden contar un poco de esto? Es sorpresa.

¿Qué ha cambiado del comienzo de la banda hasta hoy? Me imagino y creo que la personalidad y el crecimiento musical.

¿Ya tienen nuevas canciones para un nuevo álbum? Si estamos trabajando en ellas.

Estamos en noviembre y ya hace más de un año que han editado su último álbum, el que despiden, “La

¿Qué planes hay para lo que queda del 2016 y el 2017? Terminar el año tocando y entrar a grabar el próximo año.

[ Entrevista a Matt Irwin de Hello Casanova por Diego Centuriรณn ]

ESTAMOS SEGUROS QUE CAPTAREMOS TU ATENCIร N

Con un nombre que llama la atención presentamos a la banda “Hello Casanova” de Armagh, un lugar de Irlanda del Norte, que no se caracteriza por el sonido rock, y menos del punk rock. Así que nos acercamos vía web a Matt Irwin, su vocalista y guitarrista, para tratar de entender cómo conviven con su prometedor single “I'll Be Waiting”, que se editará el 25 de noviembre bajo el sello inglés Supersonic Media.

¿De dónde viene el nombre de banda? ¿Por qué cambiaste el nombre de "Foreign Affairs NI" a "Hello Casanova"? Recientemente hemos firmado con un sello independiente en Londres llamado “Supersonic Media” y nos sugirieron que cambiamos nuestro nombre a algo más original, ya que había otras bandas llamadas “Foreign Affairs” y Ethan surgió con “Hello Casanova” y ¡todos pensamos que era genial! ¿Cómo surgió tu banda? Se produjo a través de muebles! Martin (nuestro baterista) era amigo de mi mamá y papá y se estaba mudando de casa por lo que mis padres le ofrecieron algunos de nuestros ¡muebles antiguos! Él vio un kit de batería en mi habitación y ofreció sus servicios si alguna vez quería comenzar una banda. Ethan (nuestro guitarrista) ha sido mi amigo de la infancia mío y él estaba dentro y fuera de las bandas antes de que le pidiera que tocara la guitarra. ¡El resto es historia! ¿Cómo es ser una banda de punk rock viviendo en Armagh, donde la religión católica y la cultura celta son tan importantes? ¡No nos enfocamos en la religión en absoluto! Sólo nos centramos en hacer la mejor música que podemos y ¡esperamos que la gente disfrute! En Armagh ¡es difícil para las bandas locales! ¡Todo el mundo

apoya bandas de covers y va a ver artistas de Country! Es difícil conseguir buenos conciertos allí también... Tienes que ir a Belfast o Dublín para eso, Belfast es donde nos basamos normalmente, sin embargo nos encanta hacer un show en la ciudad de vez en cuando. ¿Qué nos puedes decir sobre su nuevo single 'I'll Be Waiting' y su nuevo sello? ¡“I'll Be Waiting” es la canción más feliz que hemos escrito! Se trata de mi novia y es una explosión de energía positiva en comparación con nuestras canciones más antiguas, más políticas. Creo que es una gran canción y con toneladas de diversión. Supersonic Media nos atrapó y está poniendo el single para nosotros que estamos ¡súper entusiasmados! ¿Podemos esperar pronto un álbum? ¡Finalmente sí! ¡Tenemos mucho material y está en la tubería! Sin embargo, estoy seguro de que habrá algunos singles más antes de comprometernos a un LP completo. ¿Por qué debemos escuchar a Hello Casanova? Deberías escuchar a Hello Casanova para olvidarte de todas las cosas malas que te han pasado en tu día. Tómate 3 minutos y tendrás una canción con un mensaje positivo. Estamos llenos de cantidades masivas de energía, corazón y estamos seguros que captaremos tu atención. ¿Tienes algún plan para el próximo año o para Hello Casanova? Ya hemos empezado a grabar nuestro próximo single, nos estamos muriendo para tocar en diferentes países (si alguien que lee nos quiere tocando para que usted entre en contacto con nosotros) y vamos a dar todo lo que tenemos para salir para ahí. Espectáculos, singles y trabajo duro es lo que será el próximo año.

[ Entrevista a Kristian Conde por Diego Centuriรณn. ]

ELECTROPOP CON UN ACENTO RETRO

47 Kristian Conde es un artista español que tiene una vasta carrera dentro del electro pop de ese país, pero que tiene sus seguidores en varios países de Latinoamérica. Pronto a llegar a Buenos Aires para dar un concierto en el gran Buenos Aires, anticipamos y presentamos a Kristian para que conozcan a un artista que sujeta fuertemente la bandera del electro pop.

mericano, pero también haré un especial hincapié en el sonido latino de mis nuevos trabajos.

Hola Cristián, ¿qué término utilizarías para describir tu música? Para aquellos que no te conocen. Electropop con un acento retro. Desde mi HIT "Dolce Vita" que fue un remix del mismo título del artista Ryan Paris, pero con un sonido mucho más High Energy, más "americano" donde entre por la puerta grande en las listas de éxito de todo el mundo hasta la evolución en este momento actual donde busco un sonido más electrónico y unas letras en castellano que sean más directas y atractivas para el público latino.

¿Cómo ves la escena electro o synth pop en Latinoamérica? Pienso que en Latinoamérica se está viviendo un momento muy "dulce" a nivel creativo, quizá me atrevería a decir mucho más rico que en España, de donde vengo ahora. Ya sabemos que el mercado anglosajón tiene mucho peso en Europa, y también comentar que en Barcelona, donde yo vivo, en catalán es el idioma oficial, así que sino produces temas en este idioma, no entras en el sistema. He tenido la suerte de trabajar con un manager que después de estar más de 10 años en la discográfica Warner Music ha sabido desarrollar una buena campaña de promoción, pero así y todo, lo que más abunda es el sonido rock y alternativo, es decir, la música electrónica que yo trabajo al final tiene un circuito bien diferente, y llega a ser más elitista y underground.

¿Qué trabajo vienes a presentar? Vengo a presentar mi último EP "Voces" de mi proyecto KOMGO, producido con la artista Inma Gomes. Una producción muy cuidada donde el primer single del mismo nombre, viene acompañado por un videoclip que está dirigido por Salva Musté, el mismo que ha trabajado con artistas como Soraya, Fangoria, Rebeka Brown… etc. Además con unas letras muy a favor del colectivo LGBT para romper una lanza por los Derechos Humanos que hoy en día hacen tanta falta de terminar de normalizar.

¿Con qué artistas de Latinoamérica has compartido escenario últimamente? He tenido la gran suerte de actuar en el Palacio de los Deportes de México junto a Victoria Mus, admiro muchísimo su trabajo. Con el remix del grupo Squash Gang "I want you" conseguimos un gran éxito en el pasado Patrick Miller Fest. Precisamente Cristina Manzano, una de las componentes de este mítico grupo nos acompañará en el Concierto que ofreceremos por el 20 aniversario de la emisora de radio Frecuencia Retro FM aquí en Buenos Aires.

¿Con qué formación te presentarás? El formato que presentaré será una fórmula que estoy desarrollando últimamente con mucho éxito y son los DJ SET con mis HITS en directo, donde van evolucionando los MIX que ofrezco en las diferentes salas donde actúo. Sonido 100% bailable y muy luminoso. Por supuesto oiremos una combinación de mis primeros éxitos hasta la producción nueva del EP "Voces". La mayoría de mis producciones son en inglés, ya que mi principal mercado es el nortea-

¿Qué planes tienes para este 2016 y 2017? En 2017 seguiré con mi Gira DREAM WORLD TOUR y me dirigiré hacia Los Ángeles. Realmente, el continente americano, en estos últimos meses está adquiriendo un protagonismo muy importante en mi trayectoria profesional. También nuevas producciones están a punto de ver la luz. Como la Edición Especial del 30 aniversario de mi HIT "Dolce Vita" con el productor francés Johann Perrier, y junto a Inma Gomes, también estamos

creando unos temas con un acento HOUSE pensados como "Llenapistas" para el próximo verano. Poco a poco iremos desvelando más datos... ¿Dónde podemos encontrar tu música? Básicamente podéis encontrar mi música en mi website www.kristian-conde.com. Toda la información que vamos actualizando en cada paso que Kristian Conde va dando y la respuesta del público y MEDIA. Además de una rápida y facilísima forma

de acceder a todas mis redes sociales llenas de noticias, música, entrevistas, fotos, etc. que dan un claro concepto del tipo de producto que estamos disfrutando, ese quizá es el mensaje más importante que quiero realmente transmitir: "Enjoy my music, welcome to my world" Gracias por las respuestas. De nada, ¡¡gracias a vosotros!! ¡¡¡Y espero veros en mis directos en Buenos Aires!!!

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: “KRISHNA TAMBIEN LA ROCKEÓ”

Crispian Mills lo había logrado por sus propios medios: hijo

y con líricas de contenido religioso. Crispian Mills rescató este

de padres famosos (Hayley Mills y Roy Boulting, actriz y direc-

contrapunto en una entrevista a la revista VOX en diciembre

tor británicos respectivamente), abría su propio camino hacia la

de 1996: “At the moment, you’ve got to be working-class and

fama pero lo hacía desde otro ámbito: la música. Transcurrían

sing about shagging and drinking. That’s why we don’t hang

las postrimerías de 1996 y el álbum de su banda Kula Shaker

out with too many bands”. Solo le faltó decir: “Odiaría que me

se convertía en el #1 en el Reino Unido, además de ser el disco

comparen con Oasis”.

debut más rápidamente vendido en Gran Bretaña desde el de Elastica en 1995.

No deja de notarse a lo largo de todo el álbum la influencia de la música de The Greatful Dead, al punto de haber sido cortado

En pleno estallido del brit pop, una bandada de artistas ingle-

como single “Greatful When You’re Dead/Jerry Was There” (su

ses buscaba identificación con Oasis o aquello que había inspi-

primer Top 40 en UK), un obvio homenaje a Jerry García que

rado a los revoltosos hermanos de Manchester: básicamente,

consta de una parte de rock más eléctrico tradicional al mejor

The Beatles. Por alguna razón, todo lo que venía saliendo de la

estilo Hendrix, y una segunda parte más oscura y étnica. Queda

fábrica de la neobeatlemanía tenía un tufillo a las composicio-

claro que si debemos describir el trípode que sostiene esta ra-

nes de Lennon y McCartney. Sin embargo, Mills parecía más

diante producción, las patas serían George Harrison, Jerry Gar-

interesado en el sonido explorado por George Harrison tras sus

cía y Jimmy Hendrix.

fructíferas incursiones por la India, su fascinación con el sitar y

El hit single de formato más tradicional fue la formidable

su introducción a las religiones. La conexión venía por el lado de

apertura del álbum, “Hey Dude”, que solo fue privado de la cima

su madre, también adherente al hinduismo, y que llevó al joven

en los charts por culpa de la desenfrenada Spice Girls-manía

explorador Crispian a realizar su propio viaje de peregrinación

que se desataba en esos momentos.

espiritual por las tierras de Gandhi.

La tapa del disco consistía en un arte conformado por varias

Tras regresar, Crispian vuelve a juntarse con su amigo Alon-

imágenes relacionadas con la letra K. Las ilustraciones fueron

za Bevan, con quien ya había tenido una banda en sus años es-

logradas por el artista de comics Dave Gibbons. Entre otros per-

colares. Completaron la formación Paul Winterhart en batería

sonajes retratados se encuentra a Martin Luther King, King

y Jay Darlington en teclados. Tras algunos cambios de nombre

Kong, Karl Marx, Grace Kelly, JFK, Gene Kelly, Nikita Krus-

adoptan el de Kula Shaker y obtienen un contrato discográfico

chev, por supuesto la mismísima Krishna, y hasta el número 11

en 1995 con Columbia Records.

(en representación de la letra K).

El novedoso resultado de estas experiencias fue “K”, uno de

Fue un año dorado que se coronó con 4 nominaciones a los

los mejores discos de la década del ’90 y una explosión psi-

Brit Awards 1997, y obteniendo el merecidísimo premio a Ar-

codélica destinada a sacudir los oídos menos ortodoxos, pero

tista Revelación Británico. Conocieron así las mieles de la glo-

respetando el principio de utilizar ragas y pedales propios de

ria y fueron durante un tiempo los niños mimados por la pren-

la música india. Las melodías pegadizas, la contundencia del

sa especializada.

Indie rock de esos años y las guitarras utilizadas con acople,

Kula Shaker volvería a apuntar alto con su segundo disco

wah-wah y saturación, se completaban con logrados efectos y

“Peasants, Pigs and Astronauts”, excelente sucesor de “K” pero

estructuras de canciones que se permitían complejizarse, en te-

que no tuvo a las claras el mismo impacto que el álbum debut,

mas plagados de misticismo como “Magic Theatre” o “Temple

siendo que ya no era novedad ni cantar en sánscrito ni la quí-

of the Everlasting Light”. No en vano estos dos temas son la in-

mica develada previamente. Y luego de eso, la estrella se apagó.

troducción de dos hits que destacaron como “Tattva” y “Govin-

Tras la disolución de Kula en 1999, la carrera de Crispian Mills

da” respectivamente. No solo son estos excelentes exponentes

siguió a los tumbos, intentando forjar una carrera solista en un

del raga rock, sino que en gran parte son cantados en sánscrito

principio, y finalmente formando The Jeevas, un grupo que edi-

tó 2 discos con moderado reconocimiento en UK y en Japón. Alonza Bevan se unió a Johnny Marr en su proyecto The Healers, y Jay Darlington se unió a Oasis como tecladista en sus giras (sin ser miembro oficial de la banda). Kula Shaker regresó oficialmente en el 2006 y la banda continuó sacando discos en el nuevo milenio, siendo el más reciente “K 2.0” de 2016, su más logrado regreso a las bases que tantas buenas críticas y aceptación les supo dar en sus sorprendentes inicios, hace ya 20 años atrás. No es moneda corriente encontrar una banda de rock británico que en el estribillo de uno de sus hits radiales cante loas del tipo “Govinda Jaya Jaya”. Literalmente traducido: “Gloria, Gloria a Krishna”. Fueron los años en que Krishna realmente la rockeó.

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 3: THE DAY-TO-DAY TRENCHES “In the day-to-day trenches of adult life, there is actually no such thing as atheism. There is no such thing as not worshipping. Everybody worships. The only choice we get is what to worship.” -David Foster Wallace Soy un ateo obsesionado con encontrar experiencias religiosas, y no creo que sea el único. El mundo moderno ha desacreditado a las religiones casi por completo. Si bien esto es mayormente justificado, el problema que se presenta es que el ser humano parece estar intrínsecamente dispuesto a buscar cosas que pueda venerar. La desconfianza generalizada en las religiones puede ser liberadora por un lado, pero por otro es capaz de dejarnos con un vacío importante. La ciencia, después de todo, es un Dios frío. Si bien admiramos las habilidades de nuestro horno microondas, difícilmente éste nos inspire a escribir una canción de amor. Un artista capaz de crear experiencias similares a las religiosas dentro de un contexto laico/ateo seguramente resultará relevante. Uno de los ejemplos más populares de una plegaria laica es la canción “Hallelujah” de Leonard Cohen: “You say I took the name in vain / I don’t even know the name / But if I did, well really, what’s it to you? / There’s a blaze of light in every word / It doesn’t matter which you heard / The holy or the broken Hallelujah” Muchísimas otras canciones de Cohen hasta el día de la fecha poseen esta misma cualidad. “Show me the pla-

ce”. “Come healing.” “You got me singing.” Ninguna, sin embargo, ha sido tan universalmente amada como “Hallelujah.” La banda irlandesa U2 ha sido especialmente hábil en trasladar el relato de “estaba perdido y luego vi la luz” tan propio de la experiencia religiosa al formato del Rock, y me aventuro a decir que éste es uno de los principales motivos de su éxito internacional, más allá de que sus fans respondan a esta noción de forma consciente o subconsciente. La popularidad duradera tanto de “Hallelujah” como de U2 es prueba de que un número significativo de personas anda en búsqueda de estas “experiencias religiosas laicas.” Almas turbulentas como la de Nick Cave son especialmente adeptas a este tipo de composición. Véase “Brompton Oratory” (“Ningún Dios en el cielo / ni demonio bajo los mares / podría haberme puesto de rodillas como hiciste tú”) o la gloriosa “Into My Arms.” Otro caso más particular es del de Brian Wilson, un alma esencialmente pura que ha pasado por más situaciones turbulentas que la mayoría. Wilson es hoy día reconocido como un genio prodigioso, un Mozart del Pop, pero no le fue fácil probarlo. Enteramente autodidacta y prácticamente sordo del oído derecho (!), aprendió a producir canciones escuchando las grabaciones de Phil Spector. Trabajando dentro de los Beach Boys, quienes en sus comienzos eran claramente una “gimmick band,” pasó de escribir canciones sobre autos y la playa a desarrollar una pureza de sonido y con-

tenido altamente espiritual. Como se explica en las notas de la redición por el 40 aniversario de Pet Sounds, en retrospectiva uno de los discos más amados de la historia del Rock, un álbum sobre lo que significa crecer, perder y amar, “Brian creó una nueva forma de utilizar la escala. Sus progresiones siempre van hacia arriba y luego se pausan antes de volver a seguir subiendo, como si estuviesen acercándose a Dios.” El tema más notable de Pet Sounds es “God Only Knows,” famosamente recordado por ser el favorito de Paul McCartney. El revés lírico de las primeras dos líneas es sublime. “Puede que no siempre te ame.” ¿Se han vuelto cínicos los Beach Boys?” nos preguntamos por un momento. “Es una forma extraña de empezar una canción de amor,” admite Wilson, “verdadera pero extraña. Establece que hay algo en juego.” Pero luego viene el remate:

ción se detiene brevemente para culminar luego con una explosión de armonías capaz de salvar almas de forma más rápida y duradera que cualquier religión organizada. Pero dadas las vicisitudes del mundo, el alma pura que creó estos y tantos otros acercamientos terrenales al Nirvana está viva sólo de milagro. Durante la grabación de SMile, secuela de Pet Sounds que supuestamente iba a ser su obra maestra, Wilson colapsó debido a una combinación de drogas y las crecientes “voces en su cabeza” que lo llenaban de sentimientos de fracaso e inadecuación (“me dicen que no valgo nada, que debería rendirme, que me van a matar”,) sin duda originadas aunque sea en parte por su maquiavélico padre (sin el cual, irónicamente, los Beach Boys y la carrera musical de Brian nunca hubiesen existido.) Lo que la sociedad institucionalizada le ofreció para

“… pero mientras sigan habiendo estrellas arriba…” Su amor no es eterno… solamente durará mientras exista el cosmos tal como lo conocemos. “Sólo Dios sabe qué sería yo sin ti.” Ninguna persona con sangre en sus venas sigue entero a esa altura de la canción, sin importar qué tan ateo sea. Según Brian, “mencionar a Dios en el estribillo y el título de una canción fue algo riesgoso en esa época. Sólo lo hacían canciones muy viejas (…) como “God Bless America.” Pero éste era un Dios diferente. No se trataba de ningún Dios público ni Dios Americano. Era algo más privado, una fuerza que ayuda a que una persona controle sus esperanzas y dudas.” Aún con este tema dentro de Pet Sounds, mi favorita es “You Still Believe in Me,” un claro ejemplo de las progresiones siempre ascendentes de Wilson en busca de lo inmanente. “Realmente intento acercarme a lo que quieres que sea / Pero no puedo evitar cómo me comporto cuando no estás conmigo / Trato de ser fuerte, pero a veces me fallo a mí mismo / Y después de todo lo que te prometí tan fielmente / Sigues creyendo en mí… / Quiero llorar.” Puede ser tanto la plegaria de un niño que siente que se ha portado mal o de un amante errante buscando redención. Wilson la describió como “una canción estilo coro de niños en la que hago la parte de soprano. Muy, muy espiritual.” Se queda corto. En el último segmento la can-

“mejorarlo” fue al Doctor Eugene Landy, cuya receta consistió prácticamente en tomar control absoluto de la vida de Brian “por su propio bien.” Como expresa Wilson en su recién editada autobiografía, “Si tu forma de ayudar a una persona es borrarla, ¿qué clase de trabajo has hecho?” Wilson fue salvado por el amor. Un encuentro casual con la vendedora Melinda Ledbetter en una concesionaria de autos (of all places!) desencadenó la serie de eventos que lo terminarían liberando del yugo de Landy y volviéndolo a convertir en un artista prolífico. Wilson no sólo pudo terminar su SMile en el 2004, sino que increíblemente logró satisfacer las expectativas de oyentes que lo habían venido esperando por más de 35 años. Contra todo pronóstico que se podría haber hecho, es el único de los hermanos Wilson que todavía vive, y sigue activo tanto en el estudio como en el escenario. Continúa casado con Melinda. Y así describió un momento de la celebración de sus 60 años: “Cuando miré a Melinda, escuché un eco de “You Still Believe in Me” (…) cantar una canción que escribí a los 25 y seguir creyendo en lo que significa a los 60 no es fácil. Melinda lo hizo más fácil.” Parece una historia de película romántica de Hollywood, pero es enteramente verdad. No todo termina horriblemente. Incluso durante su tormentoso período bajo el tratamiento de Landy, Wilson siguió rezando en forma de can-

55 ción. En 1988 escribió “Love and Mercy,” una instancia muy especial de plegaria laica cuya simpleza de emoción y expresión le hace ganar todavía más en universalidad. “Quería escribir una canción sobre lo que el mundo necesitaba. Necesitaba amor y piedad. Mi mundo en ese momento necesitaba amor y piedad. La compuse toda en unos 45 minutos, y supe de entrada que era una canción especial, una canción muy espiritual. Me dio fuerzas durante el tiempo en que el Dr. Landy trataba de alejarme de mis amigos, de la salud, de Melinda.” Recientemente intenté escribir una plegaria laica por mi cuenta, que terminó formando parte de una canción llamada “Synchronicity:” “In the deepest heart of all of us there’s a secret sad at work / Do not cast your ship on sails of tears, for that ship’s already flown / All those songs you wish to capture most / They will always fade away / All those moments will be lost in time / Till you cherish each of them / Do not cast your ship on sails of tears, for that ship’s already flown / In the morning when you wake up dear / Now your song will be my own.”

Tiene elementos de William James, de Blade Runner, de Patti Smith. El hecho de que sea una plegaria armada con retazos de cultura Pop parece un cierre apropiado para una sección que ha tratado de decir, básicamente, que la canción Pop, bien usada, es la plegaria de nuestros tiempos, y es algo que la gente realmente necesita. Cualquier artista que logre entender esto y pueda canalizar este poder seguramente podrá lograr algún atisbo de relevancia. Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos “The Disintegration Loops 2” de William Basinski, “Ambient 4: On Land” de Brian Eno y “Agua” de Harold Budd. Para cualquier tipo de feedback, sugerencias y comentarios: gabrielalejandrorojo@gmail.com, o por Facebook (www.facebook.com/gaborojo67) Fuentes: Leaf, David (2006.) Pet Sounds 40th Anniversary Edition Liner Notes. Capitol Records. Wilson, Brian (2016.) I am Brian Wilson. Da Capo Press.

[ “Culto secreto y otros relatos”, de Algernon Blackwood por Pablo Ravale ]

EL HORROR ESTÁ AHÍ AFUERA Aunque siempre haya otros nombres que estén más en el candelero, la valía de Algernon Blackwood difícilmente puede pasar inadvertida. ¿Acaso no se destacaba su relato “El Wendigo” como uno de los más satisfactorios de la afamada recopilación Los mitos de Cthulhu que realizase Rafael Llopis para Alianza? ¿No fue The Blair Witch Project poco menos que una versión cinematográfica del citado y mítico cuento? Ciertamente, la sombra de Blackwood es alargada; su influjo en los escritores de la revista Weird Tales –entre ellos, el maestro H. P. Lovecraft– es innegable y su lectura es obligatoria para cualquier escritor en ciernes interesado por el terror. De profesión periodista, Blackwood desempeñó varios oficios (fue granjero en Canadá, y minero y encargado de hotel en Alaska) antes de largarse definitivamente a escribir y publicar. Como otros escritores británicos del género (Arther Machen, William Butler Yeats, Bram Stoker –autor de Drácula–, Sax Rohmer y Joris Karl Huysmans), estuvo vinculado a la Golden Dawn, aquella mítica Orden esotérica cuyas enseñanzas pudieron haber influido en la peculiar atmósfera mágica de sus cuentos. Publicó diez libros de historias cortas y a menudo participó en radio y televisión como lector de las mismas. Escribió también catorce novelas, la mayor parte de las cuales aún están inéditas. Blackwood amaba la naturaleza, y muchas veces la elevaba a la categoría de protagonista, haciendo enloquecer a sus personajes con sus bosques inacabables y sus espacios vacíos. Su principal cualidad era la de conseguir atmósferas desasosegantes, en las que el horror se insinúa sin mostrarse con claridad y poco a poco el lector va quedando envuelto en una dimensión extraña que va impregnando el relato de manera sutil. Uno de sus relatos más famosos, “Los sauces”, está considerado como una de las mejores historias

sobrenaturales jamás escritas. Culto secreto y otros relatos abre con la novela corta “El hombre al que amaban los árboles”, es un paradigma de esa comunión entre naturaleza y terror, preocupación compartida por su colega y compañero de andanzas ocultistas Arthur Machen. Las primeras páginas, que narran la obsesión de un pintor por los árboles, de los que se diría que retrata en todo su ser y su viveza, rozan los lindes de la metafísica, motivo de discusión de unas tertulias de salón progresivamente insanas. Como es normal en el autor, se suceden las imágenes e invocaciones a las fuerzas de la Naturaleza en su máxima expresión, el indómito mar, y así el murmullo y el espantoso rumor del bosque, al cual dota de una poderosa personalidad mediante personificaciones y alusiones varias. La maestría de Blackwood no reside en la acción física o en la descripción de la peripecia argumental, su estilo descansa en el diálogo interior de sus personajes; y es por ello que las charlas distendidas acerca de la grandeza del bosque son finalmente sobrepasadas por la aprensión y el resquemor hacia un entorno hostil. Realizando un envidiable tour de force, Blackwood, al que no le interesa para sus fines el narrador omnisciente, puesto que se apoya en la estratégica ocultación de información relevante, llega a cambiar el punto de vista a medida que pasan las páginas, y los diferentes protagonistas van recogiendo el testigo y el peso de la narración. La otra novela corta que se incluye en el volumen, “Descenso a Egipto”, también presidida por la metafísica, trata sobre mundos y ritos arcanos a la espera de ser desempolvados. En cierto modo prefigura los más alucinógenos relatos de la mitología de Cthulhu y de la cosmología de Lovecraft. En “Culto secreto”, Blackwood rememora el internado en el que estudió, pero escora el tono hacia el terror. Aunque no se distinga por su originalidad y

su argumento pueda haberse repetido después hasta la extenuación, no defrauda y esgrime la particularidad de ser uno de los relatos dedicados a una de sus más afamadas creaciones, el investigador de lo paranormal John Silence. Por último, en los breves “Complicidad previa al hecho” y “El ocupante de la habitación”, Blackwood pone a prueba su oficio: lo que pierde en desarrollo lo ganan en pavorosa intensidad. Y es que la narrati-

va de Blackwood mantiene siempre en vilo al lector, sumiéndole en un estado de alarma al plantearle la resolución de un enigma inefable que se salda, o con la muerte, o con una revelación, y que suele incluir otra recompensa, un halo poético, una mirada enriquecedora, la ansiada y esquiva catarsis que confirma la perenne actualidad del autor británico. Sobresaliente.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

¿Para qué quiere un humano tener hijos? por Pablo Ravale Todo el circo de mentirillas blancas y manipulación psicológica que tiene lugar en la crianza y educación (adoctrinamiento) de los hijos es fundamentalmente para beneficio del criador, para inflarse el ego y así sentirse alguien en la vida, y encontrarle sentido a su existencia. Los hijos no son más que recursos/medios para obtener beneficios, utilidades y, sobre todo, gratificación personal para los criadores. Pero la mayoría de los criadores niega todo esto de forma pueril o descarada y miente según su conveniencia, a fin de que sus intereses no sean truncados. No hay nada peor para un criador que sus productos les salgan rebeldes, desobedientes y “malagradecidos”; y no hay nada peor para un hijo obediente que sus padres lo tachen de “malagradecido”. La familia es el modelo nuclear de todo sistema de opresión. Aún cuando se brinden buenos tratos a los hijos, el fin de su existencia es satisfacer los intereses de los criadores. Apelar al amor no es más que apelar a una linda retórica que distrae y convence a la mayoría. Quien no existe no necesita amor; quienes necesitan amor son quienes están vivos. Así pues, podríamos decir que quienes desean tener hijos lo hacen “por amor”, pero obviamente es por amor a ellos mismos, a sus propios egos. Es una enorme falacia apelar a la naturaleza o a la biología para intentar justificar moralmente algo que afecta de forma negativa y que perjudica a terceros. Ya no somos cavernícolas. Lo mismo sucede con aquellos que justifican traer gente al mundo por vía de una creencia religiosa; los que piensan y dicen «Es un angelito del Señor» o «Fue un regalo del Cielo». Es claro: el Sistema de opresión humana comienza cuando a alguien se le ocurre tener hijos, cuando se trae a alguien a la existencia en forma adrede. Y esto es así, independientemente del sistema socioeconómico o político que regule a las naciones. Si uno tiene empatía hacia sus semejantes sintientes y quiere evitar sufrimiento a otros, debe optar por no reproducirse.

Enroscada vida de fideo por Valeria Pomidoro

Te cuento y te encuentro, en mi cuello, en mi espalda. Te veo y es como moverme en agua helada que me quema por dentro, Y en vez de destruirme, me arma.

y no lo hago sola. Podría encontrar mil excusas, podría seguir quemando mis ojos. Podría morir ahora mismo, y sin embargo no.

Somos imperfectos en nuestras limitaciones de querer ser perfectos Somos dos, somos dos.

Hoy estoy viva.

Camino frente al vacío, busco de dónde tenerme. La ansiedad es amplia, y el cuadrado tiene cuatro caras. La habitación parece achicarse, lo negro es el presente en esta caja. Pero nos robamos unas luces que titilan, nos robamos luz en este mundo de penumbra. Decidimos modificar nuestro entorno, es lo único que podemos hacer. La tristeza de ver otras caras y el humor, las palabras; no saber entablar una conversación con la simple excusa de ser débil. Yo soy débil. Yo, pero hablo y trato de entender. Resulta tantas veces difícil, y entiendo el cansancio. Pero todo lo que este a mi alcance, también está a tu alcance. Elegir costó, tarde años en darme cuenta. Tarde años de vida en vivirla. Y hoy es distinto, porque mando todo a su lugar, me mantengo erguida a la vez que caigo,

Elegí bien, lo hago todas las mañanas. Y todas las noches duermo con vos Elijo ser quien soy, pero qué camino largo queda a mi paso. Pero estoy hoy. Soy. Te agradezco luz. Te agradezco sol. Te agradezco luna cuando brillas para los dos. Te agradezco cielo, y horóscopo. Estamos acá, y estamos respirando. Y empezamos todos los días. Y cada día es distinto. Pero puedo caminar de tu mano. Soy fiel, soy fiel a quien miro a los ojos. Y con vos estoy unida. Por todo el tiempo que mi existencia lo decida. Me haces ser. Defectos y virtudes. Compro el combo. Tengo descuento, porque tengo amor.

HIDDEN TRACK

EN CONCIERTO

[ Por Diego Centurión. Fotografías: Johannes Rosini ]

EL ORDEN DE LOS FACTORES

Entrópico 8, en La Cigale, Buenos Aires, 28 de Octubre de 2016.

En un principio matemático se dice que el orden de los factores no altera el producto, en este caso, no se cumple. El desorden alteró el producto. Con una prueba de sonido accidentada, por culpa del lugar y no por los organizadores y las bandas, anticipaba una noche con cierto nerviosismo. El Entrópico 8 se desarrolló bajo una amenaza constante de posible suspensión por problemas de habilitación. Pero con esa espada de Damocles pendiendo en la cabeza de la organización se desarrolló lo mejor posible un evento que se suponía que iba a ser una fiesta. Con un considerable retraso, al cual Maxx Wilda amenizó con muy buena música, abre la noche Flood of Tears, la banda desplegó su artillería pesada, con un contundente show, serio y potente, desde lo sonoro y desde lo visual. Una banda que ya lleva sus más de diez años alzando de la bandera del gótico Nacional, de manera excelsa y trabajada. Las estructuras de las canciones y la teatralidad de su vocalista, sumado a la solvencia de la base (Miguel Blanco –batería-, Nazarena –bajo- y Damián Fink -guitarra rítmica-) que sirven de apoyo para las escapadas del vocalista (Lionel Flood) y el guitarrista (Sherar Rarehs) fuera del escenario, entre el público. Un set estruendoso, parejo, contundente e impactante, que hasta tuvo una versión de Dead Man Walking de David Bowie. Flood of Tears es una de

esas bandas que los amantes de los sonidos oscuros y casi industriales no pueden dejar de ver, de dejar de sentir la energía que ellos emanan desde el escenario. Maxx vuelve a la carga con su música, mientras que ya se prepara la segunda banda de la noche. Los ya conocidos Fóbicos regresan a un Entrópico. La fineza de su Dark pop siempre es una delicia, y más allá que les tocó seguir al enérgico show de la primera banda, ellos lograron enganchar a los asistentes con la simpleza de canciones construidas con gran belleza y simpleza. Fóbicos es la muestra de que poco es mucho. Más allá de sus canciones levantaron al público, que no paró de bailar, con versiones de Just Like Heaven de The Cure, Héroes de David Bowie (la versión de Fricción) y En la Ciudad de la Furia de Soda Stereo. Este trio hizo que la noche tomará un curso más calmo y que todos los padecimientos del lugar desaparecieran, al menos por momentos. Vuelve Maxx con su carga de canciones mientras se prepara la tercera y última banda. Dos Lugares sube al escenario casi a las 2 de la madrugada. Otro quinteto cierra la noche con su indie rock simple y encantador. Una banda que habla a través de su música, ya que su cantante no habla mucho con el público. Pero cuando canta, sin moverse mucho del micrófono, hace lo menos posible

para atraer las miradas. Y con esta actitud hace que los otros integrantes no queden opacados y sean tan importantes de observar. Una banda sólida, sin fisuras, compacta, con canciones simples y directas, sus canciones no dan vueltas, van de frente y no se guardan nada.

Setlists Entrópico 8: Flood of Tears: Landscape The World Love Don't Work Come Asunder Give In To Me Integrator Prill Sexy Woman Dead Man Walking (David Bowie) Enterprise

Fóbicos: Otra vez Secuencias Héroes (Fricción) Abrazo al sol Just Like Heaven (The Cure) Despertar Primavera Alfombra persa En la ciudad de la furia (Soda Stereo)

Dos Lugares: No te salves Reflector VCE Efecto intento Te diste cuenta 12:51 (The Strokes) El ilusionista Chances Planes

[ Por Maxx Wilda. Fotografías: Johannes Rosini ]

ESTA ES LA VOZ DE LOS MARCIANOS… SABEMOS QUE PUEDEN OÍRNOS TERRÍCOLAS… Richter, en el Centro Cultural Caras y Caretas, Buenos Aires, 12 de Noviembre de 2016.

El sábado 12 de noviembre de 2016, llegué al centro cultural

Zenithram: “No, como componemos bastante, no tenemos

Caras y Caretas (San Telmo, CABA) donde la banda de electro

esa necesidad de revolver en el pasado… nos concentramos más

rock Richter presentó su nuevo disco Richteria (producido por

en lo que sale nuevo y supera lo anterior. En general son siem-

Richter, mezclado por Mariano Marcos y masterizado por Nes-

pre temas de la etapa del disco, de la misma etapa creativa”.

tor Tinaro). La velada tuvo todo lo que un lanzamiento debe tener, la banda en vivo, invitados (algunas celebridades de la electrónica local), algo para beber y lo principal: energía musical. La velada la abrió Luis Marte con un set “mínimo pero efectivo” de pura electrónica para dejar paso al joven indie pop de Galácticas Mareas.

MW: “¿siempre teñido de lo que escuchan en esa etapa además de las influencias?” Scheller: “En el último tiempo nos copamos con un par de bandas nuevas, algo que no nos pasó nunca, nos las llevamos para el estudio”. Luego de la aparición de Paula (batería) y una divertidísima conversación de muertos, señales del mas álla y saludos a per-

Luego de este aperitivo, el plato fuerte:

sonas que no están (inclusive animales) que quedarán por siem-

Richter en todo su esplendor. Electrorock, pop y demases en-

pre en el universo digital, continuamos con la temática del disco

tre grandes temas viejos como Suiza, Corte de Luz, El Golem,

y si tenía algún target etario (en el que me incluyo),

Arbol de la Ciencia y Turra como bis; y cortes de Richteria: Las

Zenithram niega la premeditación entre risas diciendo: “..no-

Notas, Buenas Noches Humanos, Cabeza, La puerta de Piria,

sotros nos ponemos a pensar tanto en el público al componer,

Pogo, Paso a Nivel, Somos la Noche, Violencia Electrodomés-

por eso no tenemos tánto éxito”.

tica, Miss Universo Paralelo (con Maru Pardo Saguier de Cosaquitos en Globo) y Gengis Khan (con Marina Rios). No faltó

Nan: “… salvo que nos pidan algo de Montaner, para quien ya hemos hecho varias cosas…”.

el cover de Los Prisioneros, Muevan las Industrias, con Rudie

Scheller: “….Cheyene”.

Martinez (Adicta, Los Brujos) y Ale Alba (Moda Eterna) de in-

Yendo un poco a lo técnico, tras preguntarle si han utiliza-

vitados.

do tanto instrumentos digitales como analógios, Zenithram co-

La puesta en escena fue impresionante, proyecciones acordes

menta: “Antes éramos más digitales porque era más práctico,

con el arte del disco en siluetas de platos voladores sobre sus ca-

desde Trasnformador nos metimos en revival analógico tratan-

bezas y T-Rex (vivos?). La diversión, ironía y conexión siempre

do de aprovecharlo. El estudio El Cusco nos dio la posibilidad de

es un plus que se nota en el vivo, además del contenido y eje-

probar con cosas analógicas y nos habilitó a utilizar más fierros,

cución musical. Luego del show pude tener una charla con los

aparatos y pedales de efectos”. John acota: “Lo que se en vivo, es

chicos, siempre con su característica ironía y simpatía respon-

bastante sincero de lo que es la grabación. Lo que es digital es

dieron a mis preguntas.

digital y lo que es analógico, analógico”. Nan: “…muchas cosas

MW:¿Cómo fue el proceso creativo de Richteria?

que no se pueden en el vivo, no nos molesta no hacerlas porque

Scheller: Este disco fue bastante distinto a otros, con este dis-

es otra energía la que importa”. “No somos quisquillosos, pero

co hicimos una cosa que no habíamos hecho nunca, traer de-

debe sonar bien”.

mos grabados. Zeni (Zenithram, voz) trajo sus demos grabados

MW: “¿Cómo conectan ustedes en el vivo?”.

tocando algunos instrumentos y máquinas, yo traje demos gra-

Scheller: “…nosotros o los enchufes’”

bados que nunca habíamos hecho y empezados con eso. Los te-

MW: “… los enchufes de (entre) ustedes”.

mas estaban totalmente desnudos, carente de arreglos y se par-

Scheller: “… el tema del plug es como coger, es como un piti-

tió desde ahí… Cuando aparecieron esos demos que ninguno se los había mostrado a otro, había una cosa en común que tenía que ver con Ovnis, extraterrestres, dinosaurios y empezamos a ir para ese lado pero sin premeditarlo. …podríamos haber hecho un disco con ocho temas más!

to y una argollita…” MW: “y adentro de la cavidad”? John: ”adentro hay música…, el arte, las notas son semen, espermatozoides que te embarazan”. Nan: ”compartimos viajes, hoteles, esperas, hay muchos años

MW: ¿Posible lado b?

y de ahí surge la conexión y en vivo es lo que se vé, una parte

Scheller: Si lo paga Fabio Zerpa…

nuestra”.

MW: “¿Todo el material es fresco o rescataron algo de otra época?”

MW: ¿Y para adelante? John: “tenemos muchas fechas, somos de tocar mucho, esta-

remos en Melonio, Rock al Campo, Cosquin Rock… nos espera mucho trabajo, tocar el disco es la propuesta”.

Invasión Extraterrestre”. Excelente conversación dentro y fuera de la nota, Richter está

MW: ¿Qué plataforma encontramos a Richteria?

formado de gente muy interesante, delirante pero también cen-

Scheller: “Por ahora en formato físico, es lo que nos gusta,

trada en lo que hace y quiere. Más datos de lo conversado apare-

pero ya estará en las demás, inclusive en la página”… “nos gusta que el disco esté en sintonía con el arte de tapa, como un concepto artístico”…”es muy difícil separar una tapa emblemática del concepto del disco”…”había una necesidad de hacer una es-

cerá en la reseña del disco (próximo número The 13th). Mi última pregunta fue: ¿Quieren decir algo que aparezca sí o sí en la nota? Casi al unísono: “¡Queremos conocer a Diego (Centurion)!”

tética que cerrara el el paquetito (lo hice yo), esa cosa de ciencia

Salí de allí con una sonrisa, habiendo disfrutado de buena

ficción de los años 50 pero en un lugar muy extraño, en Lugano

música, energía, vino blanco frío, encuentro con conocidos y

I y II, el barrio Simon Bolivar de bajo Flores y los extraterrestres

habiendo tenido una genial charla con los Richter.

abducen un Lada Laika…” “más cerca del Eternauta que de V

Luego, subí al auto y me fui escuchando Richteria.

[ Por Marcelo Simonetti. FotografĂas: Marcelo Simonetti, Neil Chapman, Stephen Plot, Graham Christensen, Colin Mason ]

TRIPPING THE LIVE FANTASTIC

The Mission, 30th Anniversary Tour, Buenos Aires, del 05 al 25 de Octubre de 2016.

¿Alguna vez lloraste sin saber bien por qué? ¿Riéndote? ¿Con

con críticas que nunca antes tuvo en su carrera y que se mencio-

esa mezcla de melancolía, dicha, emoción, y la sensación de que

na en las listas como probable disco del año, volvió al TOP40 in-

ese momento difícilmente sea superado?

glés después de 26 años, volvió a sonar en la BBC, y los cartelitos

Sabía que tenía que escribir ésta crónica pero no sabía cómo

de sold out empezaron a aparecer un tiempo antes de que la gira

debía abordarla, si centrarme en los shows, si describirlos uno

empiece. El plan de los teloneros sería un poco más variados

a uno, si agregarles la relación sin igual entre los "Bloody Bro-

que en las últimas giras. Peter Murphy en formato acústico, The

thers" entre ellos y con la banda. Empiezo a escribir y es todo tan

Awakening de Australia, los finlandeses de 69 eyes, y Skeletal

enorme y tan compacto que todavía no sé cómo voy a hacerlo.

Family, antigua banda de goth/death rock de los ochenta.

En enero último me propuse hacer por tercera vez una parte de la gira de The Mission que se anunciaba para octubre y no-

Manchester fue un gran shock, la primera noche que hice, y

viembre de éste año. Primero pensé en Manchester y Londres.

fue sold out. Tuve la oportunidad de ir con una amiga argenti-

Después agregué Berlín y Viena. Cuando la banda anunció cua-

na que me hospedó en la ciudad esa noche y que tenía simpatía

tro noches más en el Reino Unido agregué nuevamente Lon-

por la banda pero no tenía el entusiasmo que nosotros podía-

dres, en el Camden. Serían cinco shows ésta vez.

mos tener. Los recitales de The Mission no son recitales de The Mission

He sido parte de algunos grupos de gente que comienza a co-

aprendimos con Laura esa noche. Los "Bloody Brothers" paran

nocerse a raíz de seguir a determinada banda, y que crean lazos

todos en el mismo hotel de ciudad en ciudad en ciudad, almuer-

con los músicos con el tiempo. Con The Mission había comen-

zan juntos, decenas de ellos, arrancan en el pub a la hora del te,

zado a conocer a algunos buenos amigos de las giras anteriores

discuten si ver a los teloneros y entran al show juntos, salen y

y eso hacía que las ansias sean mayores. Había prestado aten-

vuelven al pub, o a cenar, y viajan juntos al show de la noche

ción al sentido de camaradería intachable y de cofradía de índole

siguiente en otra ciudad para parar en el mismo hotel. Jóvenes

popular que los reunía hace décadas a algunos de ellos, pero no

Bloody Brothers and Sisters de entre 30 y 60 años, que van con

podía distinguir si eso sucedía alrededor de la banda ocasional-

sus hijos, que son también apasionados fans de la banda, copan

mente o iba más allá.

cada noche el centro de cada lugar donde la banda toca. Y prac-

Cuando Simon Hinkler y Craig Adams volvieron a la banda para la resurrección del 2011, hubo altibajos en la gira, hubo

tican un pogo tan particular, tan amistoso y "cariñoso", que no se me ocurre con quien compararlo.

shows memorables y otros no tanto. Hubo un setlist acotado a

Pero una vez que entré al Manchester Ritz vino el primer bal-

los mismos 17 temas, con algún que otro cambio, todos com-

de de agua fría. Peter Murphy era una especie de fantasma en

puestos hasta 1990. La sensación, fue buena, quizás porque

el escenario, y no precisamente por lo "goth". Míticas canciones

era la primera vez que estaba siguiéndolos fuera del país. Pero

de Bauhaus y hermosas canciones de su carrera solista fueron

también, noté que había más que nada un show "para cumplir"

destrozadas en vivo por dos músicos casi pintados en el escena-

cada noche, y que por momentos faltaba frescura. En 2013, con

rio y por una voz cada vez más endeble de uno de los más gran-

la gira con Fields Of The Nephilim como teloneros, los setlist

des artistas que dio la escena inglesa de fines de los setenta y

fueron otra vez acotados, aunque se los notaba ésta vez un poco

principios de los ochenta. Triste, pero ni siquiera pude notar si

más sueltos y se permitían jugar un poco más en el escenario.

había fans suyos entre el público ya que nadie atinó a mover la

Había salido el álbum de la vuelta, que todos esperaban, pero no

cabeza o entonar algún estribillo.

estaba el sonido clásico que todos esperaban en él, y cuando las

Cuando The Mission arrancó, ya todos supimos que no iba a

canciones nuevas sonaban en los shows, el entusiasmo no era el

ser la banda de las giras anteriores. Los setlists cambian noche

mismo, y los que conocemos a Wayne notábamos como su hu-

a noche, en shows de dos horas (en las últimas tocaba hora y

mor variaba sensiblemente. A pesar de ello hubo buena convo-

veinte, como mucho hora y media), manteniendo una columna

catoria en la mayoría de los países y se redondeó una buena gira

vertebral donde están Beyond The Pale, Severina, Wasteland,

que terminó en navidad en varias ciudades alemanas con Way-

Tower Of Strenght, Butterfly on a Wheel y Deliverance, y del úl-

ne y el resto sueltos y divirtiéndose un poco más con un público

timo disco Met-amor-phosis y Tirannyof secrets. El resto, o sea

siempre un poco más entusiasta con la banda que en el resto de

entre 11 y 12 canciones más, impredecibles, paseando por toda

Europa (sacando UK por supuesto).

su carrera, incluyendo a veces Like A Child Again de Masque; a

Ahora la expectativa era otra. Y la historia fue otra. The Mis-

veces Raising Cain, o Swoon, o Afterglow de Neverland; Evan-

sion sacó uno de los tres o cuatro mejores discos de su carrera

geline de Aura; Swan Song, Everything But the Squeal, Some-

times The Brightest Light y Black Cat Bone de Brightest Light;

Lo que le pasó a ella, lo que me pasó a mi y a varios. Ese estado

Blood on the road, Only You & you alone, Bullets & Bayonets,

extático semireligioso o lisérgico donde las emociones están tan

Never's longer than Forever y Another Fall from Grace del últi-

a flor de piel, donde no sabemos que es lo qué pasa y no pode-

mo album. De la primera época, joyas que hacían las delicias de

mos contenernos y que ni siquiera nos deja pensar con claridad.

los Bloody Brothers como "Shelter From The Storm" o "1969"

Salimos de ahí y fuimos al pub, y los Bloody Brothers se encar-

podían mezclarse con temas más clásicos de la banda o con ra-

garon de todo: mañana es Nottingham, tenemos dos lugares en

rezas siempre muy bien recibidas como la soberbia épica de

el auto, ustedes vienen. Entran en la lista y conseguimos alguna

Fabianne, o Belief, Heat, A Wing and A Prayer, Grip Of Disea-

habitación doble con uno de nosotros ocupándola solo. Escribile

se, Bird of Passage. Al día de hoy, cuando aún faltan un par de

a Wayne ya para que te agregue a la lista. No tienen que pagar

shows para el fin de gira, tocaron 49 temas distintos, sin contar

nada, pero ustedes tienen que estar mañana. Entonces agregué

las dos noches primeras donde tocaron el disco nuevo completo.

Nottingham. Y Laura, emocionada por algo que no esperaba esa

La banda brilló en Manchester, y esa noche quedará para siem-

noche, acomodó su vida como pudo para hacer al día siguien-

pre en mi memoria. Laura, a quien encontré a la salida porque

te Nottingham invitada por Wayne. Y agregué también en ese

había quedado más atrás, estaba atónita. Lloré, lloré como una

momento el siempre emotivo "homecoming" de Leeds para la

imbécil, dos o tres veces, pero no sé por qué, me dijo. Era eso.

vuelta a uk en el final de la gira.

83 No sólo casi no hubo desajustes de sonido en los siete shows

Vine, en coros en varias canciones cada noche, le agregan tonos

que presencié, no sólo casi no pifiaron, sino que casi todas las

e incluso una belleza que antes esos temas no alcanzaban. Y

noches el setlist premeditado era uno y lo que terminaban to-

ella y Wayne, en los primeros bises cada noche, hicieron de for-

cando era otra cosa. Mike en la batería, que ya tiene cinco años

ma acústica joyas como Stay With Me, Bird Of Passage, Black

en la banda, ya es uno más y se siente a su gusto. Nadie pregun-

Mountain Mist, el cover de The Cure A Night Like This, por citar

ta por Mick ya de los auténticos seguidores de la banda. Craig

algunas. Vendría muy bien que la maravillosa vos de Evi haga

es el enorme bajista de siempre, que transpira la camiseta como

contrapunto con Wayne de aquí a futuro de forma permanente.

un cinco solo en el medio de la cancha. Simon haciendo ahora

Resulta imposible resaltar un show por encima de otro, aunque

sí un enorme trabajo en cada tema, incluso en los de los perío-

de los de UK quizás me quede con el de Manchester, porque se

dos de la banda en los que no estuvo presente, y con una pre-

logró esa comunión incomparable de la banda en el escenario

sencia descomunal en los que llevan su firma original, como en

con la "atmosphere" de la que tanto hablan los Bloody Brothers

sus mejores épocas. Wayne, bueno. Cuando empezó a cantar,

después de cada noche. También fue un gran show el de Leeds,

lo hacía bien, pero más que nada tenía una gran personalidad y

más que nada de la banda, con una tanda final en los bises fue-

presencia escénica. Con el tiempo, fue agregando matices a su

ra de los papeles, que incluyó 20 minutos con 1969, Blood Bro-

voz. Hoy, con casi 60 años, vestido todas las noches con una ca-

thers, Sacrilege, y Deliverance pegados uno tras del otro con las

misa artie, chupines, borcegos y pollera, da una soberbia mues-

guitarras a tope y el fervor enardecido de banda y público fundi-

tra de su poderío vocal, de su manejo del escenario, de su muy

dos como nadie puede.

buen estado físico, y una lección de hasta dónde un frontman

También es importante distinguir algo que cada noche suce-

debe complacer a su audiencia y hasta donde debe discutirla o

dió. Los temas del último disco obtenían en el público la misma

reprenderla. Dudo que Wayne haya llegado a semejante nivel

reacción que los clásicos de la banda o los temas más queridos

superlativo en un momento anterior de su carrera. Y la vuelta

de los ochenta, cosa que no sucedía desde...1990? Incluso a hoy,

a la guitarra de doce cuerdas, que fue su principal arma, lo re-

fue muchísimo más coreado Met-Amor-Phosis que Swoon o

salta aún más. También hay un gran agregado en la banda, que

Evangeline para poner ejemplos.

por ahora fue solo una invitada especial durante toda la gira. Evi

Dentro del Reino Unido siempre la banda encuentra la piedra

show como cabezas de las torres en Tower Of Strenght y obvia-

en el zapato, que es visita obligada: Londres. La primera noche

mente en Butterfly on a Wheel. Sin dudas es el público menos

ahí, en el Shepherds Bush, sold out hace muchos meses, la ban-

"macho" del género en parte quizás a la sensibilidad que parte

da dio un show poderosísimo y estuvo de invitado Rob Holiday

desde la música pero también por la labor conjunta y a la par del

(ex miembro de la banda entre 2001 y 2005) en guitarra para

público más hardcore de la banda. En el Forum del Camden lon-

Sacrilege, que voló todas las cabezas con tres guitarras estruen-

dinense sobre el final de la gira volvió a suceder el problema de

dosas a pleno y al unísono ensambladas milimétricamente. El

siempre, y la conexión entre la banda y el público es tan grande

problema allí fue la "atmosphere" ya que en el "mosh pit" (cen-

que Wayne se quejó en el escenario de la falta de "atmosphere"

tro de cada recinto donde se instalan los Bloody Brothers) estu-

y también del espacio vacío entre escenario y público con un ex-

vo compartido con locales londinenses que gustan de hacer las

tenso pozo, como hace años se quejó de lo mismo en Brixton.

cosas un poco más agresivamente. Algunos los llaman "Nephi-

La actitud de los muchachos (muchos eran los mismos que en

lim Dicks", creo que no hace falta explicar más. El problema con

el Shepherds Bush) hace que las chicas se sientan incómodas y

ello es que por ejemplo las Bloody sisters se corren a un costado

los "Brothers" en algún que otro momento estuvieron a punto

y tras ello lo hacen varios de los varones, con los más grandotes

de irse a las trompadas con los fans de ésta banda afín.

haciendo de filtro. De ese modo se rompe la atmósfera del re-

Volviendo a la banda, un detalle destacable cada noche tam-

cital. Y también es notable, cosa que pude confirmar luego en

bién, es que ésta vez Simon aparecía en el escenario con una

el show de New Model Army, es como es mayoría absoluta en

enorme sonrisa como en otras giras no había tenido y las char-

el género la presencia masculina. En los Nephilim que en éstos

las después de cada show incluso en los pubs entre los Bloody

años teloneaban a The Mission y que ésta vez vino su público

Brothers y los miembros de la banda eran interminables y riquí-

de visita en Londres, en NMA. En The Mission la paridad es to-

simas. También se vio reflejado como se sintió en el diario del

tal. Y de hecho las "Sisters" son protagonistas durante todo el

tour que escribió en la red.

Pasando a los Bloody Brothers, funcionan a veces como una

pre luego espera el "premio" de Wayne que puede ser la bote-

barra brava bien intencionada sin intereses económicos y otras

lla de vino que tiene en el escenario o una rosa. También hay

como un grupo de colegiales que se fueron de viaje de egre-

torres más altas, donde a simple vista hay tres o cuatro partici-

sados. Tenemos nuestro propio "merchandising" de cada gira

pando, pero varios Bloody Brothers sostienen desde los cimien-

que incluye pin y t shirt; si hay algún eufórico en el pogo que no

tos. También tenemos nuestro propio "confetti" al principio de

se dio cuento como son los pogos de The Mission es rodeado y

Wasteland cada noche que logra empardar al que arroja la banda

apartado al instante, y para las famosísimas "Torres" que apa-

al final del tema. La bandera confeccionada para la ocasión por

recen cada noche para Tower of strenght, Butterfly on a Whe-

uno pero que fue del conjunto luego, pasando de mano en mano

el o Deliverance siempre hay una espalda dispuesta a levantar

de los que estuvimos en otros shows por todo el continente para

a alguna Sister para que se eleve y se comunique por encima

que esté presente en cada show.

del resto del público con Wayne y el resto de la banda. Y siem-

Fuera del Reino Unido pude hacer ésta vez Berlín, en el mis-

divertirse en el escenario muchísimo y abajo siempre termina

mo recinto que tocaron en 2013, con un poco más de público,

siendo una fiesta. Como siempre en Berlín el público mantiene

sin llegar a Sold Out pero con unas mil quinientas personas de

una estética Goth más radical que hace que todo sea más pin-

audiencia. El sonido demoledor, el público demostró entusias-

toresco. Ahí pude compartir el show con algunos muy buenos

mo recién luego de media hora de empezado el show, pero hacia

amigos, viejos Bloody Brothers and Sisters que viajaron espe-

el final era un volcán. El elemento sorpresa de nunca saber que

cialmente para ver a la banda, y fueron quienes me pasaron la

van a tocar, que ni ellos sepan, le aporta una frescura y espon-

bandera que tuve que llevar al show de Viena, donde a su vez

taneidad a cada noche que repercute en la audiencia. Se los ve

me encontré con otros fans que viajaron y les pasé la bandera

para el siguiente show.

pequeño, apenas un poco más grande que nuestro viejo Die

Cada noche que salen al escenario, o casi, Simon escribió que

Schule. Simon avisó esa mañana: "llegamos al recinto con el

para él esa noche fue la mejor de la gira. Lo que marca como no-

micro, y tuve un presentimiento. Bajé a ver el lugar donde tocá-

che a noche fueron ganando en confianza y como disfrutaron

bamos y lo confirmé; es el campeón mundial de los tugurios".

ellos mismos cada show.

Sí, era un tugurio. Un sótano oscurísimo. Pero estaba sold out,

En Viena, ciudad más pequeña, el recinto era también más

abarrotadísimo de gente con un fervor inédito para el carácter

87 de los vieneses, quizás debido al poderío desatado por la banda

tre esa banda y ésta hay un abismo. Que disfrutan a cada minu-

desde el escenario y también la alta temperatura dentro del lu-

to y que parece increíble que cada uno viva en un punto distinto

gar. La bandera no faltó, la delegación de Bloody Brothers tam-

del planeta. En palabras de varios de los Bloody Brothers fue la

poco, la continua y fluida comunicación con la banda durante y

gira más alucinante y espectacular que la banda dio desde 1989.

después del show tampoco.

Con éste hito, y un enorme disco en la vidriera, es que espera-

Debo decir que quizás sacando el show de Leeds del 2011, en-

mos que la gracia siga estando de su lado

Cortesía de Neil Chapman

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

NOUVELLE VAGUE: LOS NOMBRES DETRÁS DE LA OLA [ Un especial escrito por Jimena Patiño ]

Esta anécdota quizás suene un poco Woody Allenesca por el lugar común: me encontraba con mi psicoanalista cuando le comento al pasar “estoy preparando una nota sobre la Nouvelle Vague” y mi psicoanalista, que no es un viejo sabio de lentes, sino un joven contemporáneo, me responde perplejo “¿La Nouvelle qué?” Y ahí me di cuenta de dos cosas. Primero: ¡El horror! (No sé si puedo seguir terapia con alguien que no sabe de cine) y segundo me sirvió para darme cuenta de que existe un mar de gente que jamás escucharon hablar de la nueva ola del cine francés que sacudió la historia del cine a finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta con el surgimiento de los nuevos cines. El efecto de la ola se ve muchas veces, confinado a un grupo de cinéfilos y ciertos personajes de los que se suelen pensar como “intelectuales snobs” y eso simplemente no puede quedar así. Necesito hacer justicia, y por eso surge este suplemento especial, básicamente. La nouvelle vague es una corriente del cine que está más que vigente el día de hoy: cuando vemos obras como Frances Ha (Noah Baumbach, 2013) y Boyhood (Richard Linklater, 2014) se recicla ese ideal de rodar historias con cámaras más ligeras, de colarse en cada aspecto de la vida y ocuparse de esos relatos que el mainstream ignora. Por no decir: la raíz del cine independiente tiene su padre fundador en ese grupo de franceses intelectuales que decidieron que era hora de abandonar esa tendencia del “cine de calidad francés” en busca de nuevos horizontes para el espectador. El espíritu incomprendido e irreverente de una juventud exaltada que produjo imágenes audiovisuales para acompañar su ideología -y por qué no: su vida- es de lo que hablaremos en este artículo. Cada integrante de este grupo será portador de un estilo propio que levantará pasiones, tanto alabanzas como rechazos. Personajes a los que intentaré puedas conocer un poco más sin sentir ese miedo de acercarte al cine “de antes” y “francés” que tantos reparos pueden llegar a ocasionar. Con la esperanza de que encuentres ese director de la Nouvelle Vague que definitivamente está esperando por vos.

Los jóvenes turcos y la Rive Gauche Para comenzar a hablar de la Nouvelle Vague tenemos que remontarnos un poco al pasado y repasar un poco el contexto en el que esta corriente surge. En 1952 François Truffaut, Jean Luc Godard y Claude Chabrol son asiduos asistentes a un cineclub fundado por Eric Rohmer, un ex profesor de la provincia, en el Barrio Latino de Paris. Pero eso no les otorgará el seudónimo de Los Jóvenes Turcos. El seudónimo llegará más tarde con una polémica nota; cuando en 1954 Truffaut escribe un controversial y famoso artículo para la revista de su mentor André Bazin. La revista, emblemática como pocas, se llama Cahiers du cinema y fue fundada en 1951 por Jacques Doniol-Valcroze, Joseph Marie Lo Duca y el mismo Bazin. El artículo de Truffaut le lleva más de un año de escritura y debe ser corregido varias veces por su tono polémico y belicoso. En ese mismo tiempo entran a trabajar en la revista los amigos de Truffaut quienes serían conocidos como los jóvenes turcos: Jean Luc Godard, Eric Rohmer, Claude Chabrol y Jacques Rivette. Sobrenombre surgido por su estilo de crítica polémica. Pero será el artículo de Truffaut

llamado “Una cierta tendencia del cine francés” el que será publicado junto a un número especial acompañado por un editorial de Doniol- Valcroze tratando de apaciguar las aguas antes de la gran tormenta que lo catapultará a él y a la revista a la fama. Una fama peligrosa, que según sus detractores defendía el modo norteamericano de hacer cine y era un tanto “vende patria”. Claro que no podemos decir esto de una revista que se preocupó por hablar del Neorealismo antes de que fuera considerado como tal, y que junto a la cinemateca francesa se encargaban de la difusión de otros cines, además del norteamericano. Gente como Ingmar Bergman fueron descubiertos por los franceses gracias a los artículos provenientes de esta revista. Los Hitchcockhawkanianos -como eran conocidos por la devoción que manifestaban los muchachos cinéfilos en su veintena por ambos directores americanos- y siguiendo los pasos de su mentor André Bazin, escribirán algunos de los artículos más fundamentales sobre la historia del cine. Truffette y Rivaut como se hacían llamar Truffaut y Rivette cuando realizaban sus entrevistas a directo-

res a los que admiraban, incluso llegarán a inaugurar un nuevo estilo de entrevista en la que se dejaba hablar al realizador y se lo desgravaba directamente (casi como una escritura directa) del magnetófono con pocas participaciones del entrevistador, todo centrado en los modos de hacer del autor, siempre siguiendo la escuela de la política de los autores de Bazin. Paralelo a esto, en la otra margen del río Sena, la margen Izquierda, se reúnen un grupo de intelectuales que llevarán otra corriente dentro de los nuevos cines que va más allá del cine mismo sino que también se cuela también en otras ramas del arte como en la literatura con el Nuveau Roman. La rive Gauche (literal: margen izquierda) estaba integrada por artistas como Alain Resnais, Margarite Duras y Chris Marker. Estos artistas verán la importancia de la nueva mirada sobre el cine y los modos de realización que comienza a plantearse en Cahiers du cinema por lo que junto a otros artistas y directores como Jacques Demy y Agnes Vardá serán asiduos visitantes de la oficina de la revista ubicada en los

Campos Eliseos. La Nouvelle Vague será nombrada como tal En 1957, en un artículo escrito por Francoise Giroud en el semanario L’Express. Hay que entender el momento de cambio y revolución social que se vivía en Francia en esos momentos para entender el surgimiento y la importancia de la crítica en esa época. Francia atravesaba momentos de desesperación ante la crisis política, económica y la descomposición del imperio colonial. Es la época de la angustia generalizada y del existencialismo, serán las políticas fomentadas desde el ministerio de cultura por Malraux el que permitirá la renovación cultural. Y el hecho de que podamos hablar de estos notables directores que en ese entonces daban sus primeros pasos en el cine. Entonces, en esa Paris de 1958, en el que todos parecen conocerse, es en donde tenemos nuestro punto de partida para hablar de cada uno de ellos con su estilo y miradas propias que serán continuamente visitadas entre si hasta que alguna fatalidad o la vida misma los termine distanciando.

Team Truffaut: “El amante del amor” Más de un centenar de artículos para Cahiers du cinema, un promedio de cuatro mil películas vistas entre 1940 y1955, una vida plagada de complicaciones: en sus propias palabras “una vida salvada por el cine” y un artículo controversial que se dedicó a mover el aparato hacia mediados de los cincuenta le hicieron una fama de crítico personaje y polémico. Él no se dedicaría a escribir artículos teóricos como los de Godard o Rohmer y sin embargo se encargaría de legar una obra fundamental para cualquier director, realizador o cinéfilo se trate: un libro sobre Hitchcock en donde lo validaría como el maestro entre maestros llamado “El cine según Hitchcock”, pero para llegar a esa época todavía falta un poco. Escribía un artículo cada dos días (cuando Google no estaba para socorrerte). Entre marzo de 1953 y noviembre de 1959, Truffaut publica ciento setenta artículos en Cahiers du cinema; sobre todo críticas de películas en cinco o seis folios y entrevistas a cineastas, y entre ellos el visionado de más de una película diaria. Esa pasión desbordada será una de las constantes que caracterizarán su vida y su modo de

hacer cine. Amante de la lectura y del amor, dará sus primeros pasos en el cine con cortometrajes de resultados diversos. En 1954 rodará Une Visite con la ayuda de Rivette y ese será su primer intento formal y según él “fallido” de hacer cine. Luego de ese corto no habrá vuelta atrás para François Truffaut quien escribe varios guiones en privado. Alguna vez a dicho “La película del mañana será un acto de amor”. Con una vara muy alta para levantar luego de su polémico texto “Una cierta tendencia del cine francés” y luego de ser prohibido en Cannes en 1958 por su estilo y su pluma polémica; en 1959 y para sorpresa de muchos, su largometraje Los cuatrocientos golpes protagonizada por un ignoto niño de catorce años llamado Jean Pierre Leaud, queda seleccionado para la competencia oficial y finalmente se lleva la palma de oro revolucionando las aguas del festival y el mundo cinematográfico. En el largometraje, Truffaut se expone narrando una especie de relato semi biográfico de su niñez. Crea sin saberlo, un alter ego cinematográfico llamado Antoine Doinel al que revisitará en las diferentes

etapas de su filmografía en cinco films diferentes y un mediometraje. ¿Truffaut robó una máquina de escribir de su padrastro y termino en la cárcel? Sí. ¿Truffaut vio a su madre con su amante? De nuevo la respuesta es Sí. La línea que separa el argumento de la historia de la vida misma del autor es casi inexistente. Y aunque la crítica maliciosa de Godard, años después, luego de la pelea que los distanció a ambos diga algo como que “luego de su primer film Truffaut se convirtió en un director de esos que adaptan novelas”, seremos testigos que cada uno de sus films es un acto de amor. De la pasión desenfrenada por la vida y por el cine, una declaración de amor de parte de su autor. En Disparen sobre el pianista (su segundo film que es un fracaso comercial) protagonizado por Charles Aznavour, llevará a la pantalla su amor por el cine negro y por las mujeres que de una u otra manera controlan la vida de los protagonistas masculinos a los que enredan. Su intento por experimentar con el montaje audiovisual en esa obra, cambiándolo por uno que tiende a imitar la libertad formal del jazz le costará duras críticas. Será el director que descubrirá el poder de la risa de la Moreau y en ese intento podrá llevar a la pantalla un sueño que ambicionaba desde hace muchos años: Jules et Jim. Basada en la novela de quien se convertiría en su amigo personal Henri Pierre Roché, en donde narrará el magistral melodrama de dos amigos a lo largo de la guerra, la vida y las mujeres o “la mujer” en la vida de ambos, retratada con una gracia terrible de ángel vengador por la hermosa Jeanne Moreau. El ritmo de vida acelerado y enloquecido se cobrará su víctima cuando en 1984 muera a la edad de 52 años a causa de un tumor cerebral.

Truffaut se forja la fama de director amante del cine, y por qué no de amante de las mujeres que retrata a lo largo de sus films. Su obsesión pasará de las rubias a las morochas cuando cambie a Catherine Deneuve por Fanny Ardant. Y no tendrá reparos en intercalar anécdotas de su propia vida en sus films como cuando su protagonista recorre media ciudad para conseguir unas medias de seda para una amante (La peau douce). Llevará esto al extremo cuando decida actuar en sus propios films como La habitación verde, La noche americana y El pequeño salvaje. Además de una aparición especial que realiza para Steven Spielberg y su film Encuentros cercanos del tercer tipo en la que encarna al científico francés que se comunica a través de sonidos. ¿Sos bastante cinéfilo y amas sin reparos a los directores que admirás? ¿Serias capaz de escribirles persiguiéndoles por twitter, facebook, mail y carta con el encabezado “yo le admiro”? ¿Tu escuela de formación es la vida y soles ser un poco melodramático pasando de la comedia más ligera al drama más absoluto? ¿Te gustan las mujeres decididas de armas tomar y protagonistas complicadas junto a hombres que se dejan liar por un par de faldas? ¿Sos fan de esas adaptaciones tan poco literales que se toman su espacio para hacerse cinematográficamente geniales? ¿Te gusta que tu director sepa meterse en un rol de vez en cuando y sobre todo: te agrada que deje un espacio a esas historias sobre la niñez que no es la mirada cándida de Disney sobre la vida cuando su amor por el cine negro y el melodrama no lo invade todo? Entonces Truffaut es tu director de la Nouvelle vague y desde aquí bogamos para que le des una oportunidad a toda su filmografía.

Team Godard: “El intelectual suizo.” Nacido en Paris en 1930 pero naturalizado suizo durante la Segunda Guerra Mundial, tuvo a diferencia de Truffaut, una infancia bastante acomodada y un pasar holgado. En 1953 comienza a escribir en Cahiers du cinema, pero ya desde antes frecuenta los mismos círculos que Truffaut. Envidia el logro de Los cuatrocientos golpes en Cannes porque ambiciona incursionar en la realización y porque se pierde la cobertura de dicho memorable festival de 1959. A diferencia del por aquel momento su amigo Truffaut, el veinteañero Jean Luc Godard tiene una mirada distinta y claramente crítica o existencialista. Luego de colaborar con su amigo en el cortometraje Una historia de Agua, Godard quiere hacer su primer largometraje. Y para eso decidirá tomar una historia surgida en el metro parisino por Truffaut pero re- escribiendo todos los diálogos. (En esta etapa de idilio en sus vidas ambos son como un bromance al que llamaremos Trudard). El film Sin Aliento (À bout de souffle, 1960) surge como resultado de un resonante caso policial sobre un ladrón que asesina a un policía y finalmente es atrapado en Paris. Ese caso policial será el punto de partida de la historia que reflexionará de una manera particular

sobre el cine negro y los policiales norteamericanos a los que homenajea de manera singular. Jean Paul Belmondo y la norteamericana Jean Seberg (idolatrada en un artículo de Truffaut por su actuación en el melodrama Bonjour Tristesse de Otto Preminger) serán la pareja central y casi exclusivamente protagónica para una historia cuya iconografía se convertirá en una moda parisina. Chicas parisinas imitando el corte A la garçon de la protagonista mucho antes que Mia Farrow en El bebé de rosemary. La película es un éxito, no tan rotundo como Los cuatrocientos golpes, pero un éxito al fin que permite hablar de la moda de la Nouvelle Vague y es que prácticamente resulta imposible no pensar en ésta como una de las películas más iconográficas del movimiento junto a aquel film de Truffaut. Críticos y cierta parte del público llegan a tildarla de obscena y de ser una moda pasajera pero Jean Luc Godard supera con éxito su primer largometraje. Los subsiguientes serán otra historia. Casi como Orson Welles con Citizen Kane, la fama le resultará complicada de mantener en sus films subsiguientes a su ópera prima Cámaras que se mueven libremente en travelling

de los que más tarde dirá al respecto “un travelling es una cuestión moral”. Posters, imágenes compactadas dentro de imágenes. Jazz, la influencia norteamericana de la que luego querrá renegar. Miradas e interpelaciones al espectador por parte de los protagonistas, saltos de eje y raccord para desestabilizar la mirada. Planos de nucas y espaldas. Diálogos sobre la vida, la muerte y el amor (o la falta de él) todos esos elementos que uno espera de un cine vanguardista como el que planteará con su primer largometraje y que irá perfeccionando en los subsiguientes. Conciencia política que invita a reflexionar: Godard hablará de la guerra de Argelia en Le petit soldat, en el que trabaja por un tiempo su esposa, la bellísima Anna Karina, será duramente censurado pudiendo recién estrenar el film varios años después. Sin embargo eso solo será el comienzo de su veta política que se irá profundizando hasta convertirse en toda una revolución comunista maoista y quien sabe que más que lo llevarán a renegar hasta de sus amigos con los que solía compartir ambiciones. Luego de 1968 se irá distanciando cada vez mas de su grupo de amigos, pero fundamentalmente con una carta escrita al respecto del estreno de La noche Americana en la que lo tilda a Truffaut de “mentiro-

so” por decir que “las películas son como los trenes que avanzan en la noche” marcará el fin de Trudard, una gran e imposible amistad. Godard es en la actualidad uno de los monstruos sagrados del cine y continuo vanguardista hasta la médula, con meta relatos cada vez más complejos y a la vez planteando esas cosas que solo veinte años después muchos otros directores comenzarán a conversar. Pero volvamos a su etapa Nouvelle vague de sus años mozos: ¿Te agradan los homenajes al cine clásico? ¿Deseas ver a una de las mujeres más bellas de la historia del cine llamada Anna Karina y esposa del señor durante un buen tiempo mientras el idilio duró? ¿Te creés irónico, irreverente y con ganas de romper las normas academicistas? Entonces Godard es el director ideal para vos. Militante, vanguardista asertivo e intelectual como pocos directores en el planeta. Una vez que comenzás con él, es casi imposible no verse esas quince primeras cintas de esos siete primeros años de la Nouvelle Vague. Un consejo: no trates de buscar de dónde pertenecen todas las referencias de cada uno de sus films porque te volverás loco o quizás serás un poco más genial.

Team Rohmer “El director de la vida prosaica” Como si de Bob Dylan se tratase, la identidad de Eric Rohmer es un misterio porque al director le encantaba jugar con ella. Para comenzar, Eric Rohmer es el nombre de pluma-cámara-estilográfica de suponemos Jean Maurice Scherer o de quizás Maurice Henri Joseph Schérer. Resulta que Rohmer era tan reservado que consideraba que necesitaba un seudónimo para no perjudicar a su familia con sus avatares cinéfilos. El seudónimo es la unión del nombre de uno de sus directores favoritos Erich von Stroheim y el autor de la serie Fu Manchú, el británico Sax Rohmer. Él era por aquel entonces profesor en la provincia, pero por su amor al cine es quien luego funda el cineclub del Barrio Latino que reunirá a montones de jóvenes cinéfilos, entre ellos Truffaut, Godard y Chabrol. Por la diferencia de edad existente entre él y Godard y Truffaut (casi once años) el último lo trataba siempre de “usted” y esa diferencia parece haber marcado su mirada y su relación. A diferencia de los jóvenes turcos él no era tan joven, por decirlo de una manera sencilla. Comparado a los otros jóvenes directores, la intervención de Rohmer en cine

es tardía y su primer film es producido por su amigo Claude Chabrol. Quizás es esa intervención divina a la que debemos agradeces que estemos hablando de Rohmer en primer lugar. Leído hasta la médula y ferviente amante de la literatura que le hará declarar “cada película mía es el equivalente a una novela” y lo llevará a escribir una que otra (Elizabeth y Seis cuentos morales entre otros ensayos y un libro sobre Hitchcock junto a Chabrol). Su estilo particular es la aproximación naturalista sobre los personajes que deambulan por la pantalla y por la vida. Su cine será bautizado como “cine de prosa” y lo contrapondrá a la figura del director italiano Pier Paolo Pasolini en un fabuloso artículo llamado Cine de prosa vs cine de poesía. Su filmografía será casi programática: a los seis cuentos morales, le continúan las comedias y proverbios y luego los cuentos de las estaciones. Casi un director que se maneja por series de films, más que ir deambulando azarosamente por los caminos cinematográficos; aunque paradójicamente el azar y las formas misteriosas que toma será uno de sus temas favoritos: un telegrama que no llega, una car-

ta que es encontrada, una herencia que es negada. Bajo el signo del León (1959) es su primer largometraje. Habla de un norteamericano viviendo en Paris, que hereda a su tía y eso desencadena el conflicto inicial que se irá complejizando de maneras monumentales hasta devenir en cómo alguien se convierte en un pordiosero en Paris en un verano particular. Godard tiene una participación en el film como un melómano en una fiesta. El tratamiento es naturalista y te puede llevar al borde del ataque de nervios atravesar las peripecias del protagonista con cierto homenaje lejano a Hitchcock en The Wrong Man (1956) por la mala suerte que parece acosar al mismo. Cuando llegue a manejar el color, sobre todo desde la mano de un colaborador casi permanente en su filmografía, Néstor Almendros, el estilo Rohmer será una marca sutil. Partidario de colaborar generalmente con el mismo equipo de producción en todos sus films podemos destacar todas las colaboraciones junto a la actriz Marie Rivière. Amante de la naturaleza, algo que destaca en sus films con sus entornos que se convierten en un personaje más que contiene a los otros personajes que desfilan, cuenta

la anécdota que era capaz de esperar días y horas a que lloviera naturalmente porque no era lo mismo fingir la toma con lluvia falseada. Lo mismo se puede decir de su política en cuanto a la fotografía con luz natural de sus fabulosas escenas. Su equipo de fotografía cabía en dos valijas incluso cuando ya era un director renombrado trabajando junto con uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine. ¿Te gustan esas películas en donde los personajes se encuentran y desfilan por la pantalla con libertad más absoluta? ¿Disfrutas de las comedias en el sentido más tradicional y fino de la palabra? -No hablamos de grandes gags sino de ciertos momentos y finales que cierran felices dando la sensación de que podrían haber continuado al infinito-. ¿Te gustan los films pictóricos y bien consientes del uso de los planos cercanos? ¿Pequeños relatos sobre la cotidianeidad, la juventud y el destino? Entonces Eric Rohmer es un director para vos. Casi un Richard Linklater antes de que el director estadounidense decidiera siquiera nacer y hacer películas maravillosas sobre momentos acotados de la vida cotidiana.

Team Chabrol: “El burgués malicioso” Mientras trabajaba en Cahiers, fue su conocimiento del inglés el que les permitió a los jóvenes turcos conducir entrevistas con esos directores a los que admiraba pero que además le permitió conseguir un trabajo como vocero de prensa en la distribuidora de la Fox en Francia. Chabrol era diferente de clase a los jóvenes turcos, para comenzar se había casado recientemente y había adquirido un piso, pero como si eso no fuera poco también hizo que su mujer y su cuantiosa dote familiar (junto con él) establecieran la productora AJYM Films que financiaría sus primeros films e incluso el de su amigo Rohmer. Tiempo después terminaría divorciándose de su mujer, presumiblemente por la actriz Stéphane Audran, quien se convertiría en su conyugue para 1964. Sus películas son una disección cínica de la burguesía quizá porque él mismo se sentía un burgués fuera de lugar. Generalmente son films de suspenso y muchos homenajean a Hitchcock (Recordemos que junto a Rohmer escribieron un libro sobre él). Sin embargo Chabrol tiene un modo muy singular y una mirada tan particular para abordar el género con tramas simples de “intriga” pero con personajes narrativamente complejos, que siempre lo ubicará

más cercano a los éxitos de taquilla que a lo independiente, sobre todo en su etapa de films producidos por André Génovès, pero no nos adelantemos aún. Su primer largometraje es El bello Sergio con el que gana el premio a mejor dirección en el festival de Locarno y junto con el siguiente Los primos, que gana el Oso de Oro en el festival de Berlín, forman un díptico, una especie de ida y vuelta paralelo en el primero es el burgués quien regresa al campo a visitar a su familia y en el segundo es el proveniente de la burguesía de campo quien va a la ciudad a “estudiar” y “progresar”. Tan extremo es este paralelismo estructural que uno finaliza con un nacimiento y el otro con una muerte. A partir de su segundo film, comienza a esbozarse una estructura que le acompañará mucho en sus films de la etapa de los sesenta hasta los setenta inclusive, conocida como el trio “Charles-Hélène-Paul”. Con eso no queremos decir que la filmografía de los antedichos no tuviera tríos amorosos, de hecho los tiene y variopintos, pero es chabrol quien lleva la estructura al límite. En todos sus films siempre hay una pareja y un personaje extraño que aparece para perturbar la situación y mover las aguas. El nom-

101 bre surge de los personajes de Los primos, donde Helene todavía no estaba presente en la estructura como tal aunque haya una damisela en el medio. Será en su film L'oeil du malin donde Helene aparece encarnada por su musa Sthéphane Audran. La dinámica de los roles se modificara: quién es la infiel o el infiel, quién el verdugo y quién la víctima pero a partir de este film la estructura será similar, claro que la complejidad narrativa con la que provee a sus personajes hace que cada uno resulte una experiencia diferente. Luego de 1962, cuando cierre su productora y comience a trabajar con Génovès, el éxito en forma de ventas de taquilla llegará a su vida y muchos lo tildarán de haber sido un traidor a la Nouvelle Vague lo que lo llevará a decir su inmortal frase de que “no existe una nueva ola, solo existe el mar”. Siendo

uno de los directores más exitosos y prolíficos de la Nueva Ola llegando a filmar por más de cincuenta años con actores afamados y exitosos de Francia, no podemos dejar de nombrar en su etapa más tardía: todas sus colaboraciones junto a Isabelle Huppert y luego con Benoit Magimel. ¿Te gustan los policiales y el cine negro?: las imágenes fotografiadas con cuidado, la escena dispuesta para generar un misterio que surge en el marco de lo cotidiano ¿Cómo el suspenso esta entretejido en la realidad? ¿Un director prolífico capaz de hacer tanto producciones genéricas como artísticas e independientes? ¿Te encanta que tu pantalla esté llena de femmes fatales y de casualidad también amas a Isabelle Huppert? ¿Tenés un sentido del humor bastante sombrío y cínico? Entonces Chabrol definitivamente es tu director.

Team Resnais: “El director memorioso” De pequeño una enfermedad que lo mantendrá postrado lo convierte en un lector de primera. Cinéfilo desde los trece, integrante de la Rive Gauche, este director será de los “estudiosos”, recibido del IDECH (Institut des hautes études cinématographiques). Durante esta etapa será montajista de otros directores y sus cortometrajes experimentales sobre el arte de Gauguin, Picasso y Van Gogh lo harán tan reconocido que le proporcionarán el Oscar a mejor cortometraje (por Van Gogh) y lo llevará a dirigir Noche y Niebla (Nuit et boulliard) un mediometraje no ficción sobre la segunda guerra mundial con la particularidad de que este utilizará material recopilado (found footage) proveniente del ejército nazi mostrando un ángulo que los aliados negaban mostrar en esa época. Un documental que resulta shockeante y necesario hasta el día de hoy. Llamado el director del tiempo y la memoria, su primer largometraje, Hiroshima Mon amour comienza como un documental sobre la bomba atómica. Pero Resnais no desea que se convierta en otra Noche y Niebla, por lo que dirá que “la única manera de hacerlo es con un guion de Margarite Duras” y es entonces que Hiroshima Mon amour comienza a adquirir la forma tan particular que tendrá.

Un encuentro romántico entre un hombre japonés al que conocemos como “Él” y una mujer francesa a la que conocemos como “ella”, será la excusa que les permitirá hablar de la guerra y su consecuencia en las personas a través de una estructura en flashbacks. Ella, una actriz que llega a Japón a rodar un film sobre la paz y Él su amado que regresa a Hiroshima adonde perdió todo nos permitirá atestiguar los horrores de la guerra a través de una visita al museo de la bomba atómica, mediante flashbacks de ella y su ex amante: un soldado alemán. El comienzo donde los planos de unos cuerpos desnudos cubiertos en cenizas y la alternancia con planos documentales unidos por una maravillosa voz en off de los protagonistas; constituye uno de los planos más poéticos y terribles de la historia del cine. La manera en la que Resnais logra proveer de sensualidad y belleza todo alternando imágenes de la guerra, recordándonos que ninguno de nosotros conoce Hiroshima realmente, es absolutamente artística y comenzará a mostrar su estilo en el que no todos los planos que se ven se responden a la lógica narrativa sino que parecieran seguir la libertad del pensamiento. No siendo parte de los jóvenes turcos, para cuando Truffaut se lleva la palma de oro a la

mejor película con Los 400 golpes, Hiroshima Mon amour también era candidato al mismo. Su aporte al lenguaje audiovisual será notable. En su obra se encontrarán influencias del montaje intelectual ruso hasta el automatismo de André Bretón. Con su segundo largometraje: El año pasado en Marienbad (L'année dernière à Marienbad, 1961) escrita por Robe Gillet, una adaptación apócrifa de La invención de Morel de nuestro amado Bioy Casares, se alejará de sus fuentes documentales para mostrar una estructura narrativa que atenta contra la pluma de cualquier crítico que desee hacer una sinopsis de la misma. ¿De qué trata “El año pasado en Marienbad”? Podemos intentar esbozar un argumento en el cual un personaje femenino recuerda que vió a un personaje masculino, el año pasado, en una especie de “hotel” que vendría a ser Marienbad y estaríamos equivocados al resumirla de ese modo tan peligroso. Marienbad debe ser un lugar en el mundo cinematográfico que hace muy feliz a gente como David Lynch. Y es que se trata de un universo cuasi onírico que recorre estancias y pasillos en interminables travellings de este misterioso lugar. Sus residentes son paradigmas en traje de fiesta y ropa formal. Pocas obras van a resultar tan hipnóticas e inson-

dables como lo fue este film. Tan iconográfica que será tomada por la banda inglesa Blur quien la homenajeará del mejor modo en el videoclip del tema To the End. De su tercer film “Muriel o los tiempos de un retorno”, dirá que se trata de una historia de un fantasma, la Muriel del título que continuamente es evocada por un soldado de la guerra de Argelia. Un film que vuelve a tomar la preocupación de Resnais por la memoria y la muerte en relación a la guerra. Un intermedio entre Hiroshima y Marienbad que llevará a su realizador a tomarse un receso de tres años en su carrera como director. Su carrera será extensa y siempre ligado a una estructura narrativa muy particular, que se inclinará por caminos insospechados con el uso de la teatralidad y el artificio en función de esa búsqueda entre lo surreal, la memoria y la estructura narrativa. ¿Te gustan los directores que se la juegan en cada film experimentando nuevas maneras de narrar historias sobre la humanidad? ¿Un director que incursionó en el documental y la no ficción para narrar sus inquietudes intelectuales siendo fiel a su ideología? ¿Te encanta el uso de recursos audiovisuales que se codean con el surrealismo más absoluto? Entonces no lo pienses dos veces: Alain Resanáis es el director de la Nouvelle Vague que estás buscando.

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TEAM DEMY: “EL DIRECTOR MUSICAL” Su historia de vida es ampliamente retratada por otra de las directoras que recorremos en esta lista: su esposa desde 1962 Agnes Vardá. El pequeño Jacquot de Nantes presentará funciones con sus marionetas y esa experiencia sumada a su posterior desempeño como animador educado por Paul Grimaut y el cineasta Georges Rouquier le proveerán de una mirada distinta y diferente que no parece encajar del todo ni con los jóvenes Turcos ni con los integrantes de la Rive Gauche a la que Vardá si pertenece. Su mirada le acerca a directores como Vicente Minnelli y en su filmografía el melodrama y lo musical tendrán una importancia absoluta. En 1961 estrenaría su primer largometraje. El que marcaría el inicio de una de las colaboraciones más fructíferas de su carrera junto al músico y responsable de sus bandas sonoras: Michel Legrand. Lola cumple con los designios de la Nouvelle vague: una historia contemporánea sobre una madre soltera que trabaja de cabaretera en Nantes y aguarda el regreso de su amado. Ambientada con una preponderancia de locaciones naturales y de un presupuesto escaso. Se trata de un homenaje a Max Ophüls y del

film Lola Montes por el que Demy decide bautizar como Lola a su cabaretera adorable y sensual interpretada por Anouk Aimee. La música y el momento musical que se instaura cuando ella entra en su cabaret, es puramente iconográfico con la Aimee y su sexy corsette revoleando una estola de plumas cantando “soy yo, soy Lola”. Sin embargo sin importar lo arrebatadoramente sensual y melodramática que nos parezca Lola, en su época el film fue un fracaso de taquilla que no llegó a convocar a más de unos miles de espectadores provocando que muchos críticos “dieran por muerta” la influencia de la Nouvelle Vague. Recordemos que esto se suma al “fracaso” de Truffaut con Tirez sur le pianiste y el de Godard con Une femme est une femme. En la actualidad muchos historiadores concuerdan con que estos “fracasos” fueron el producto de una crisis a nivel mundial en el cine que se hubiera producido con o sin aparición de la Nouvelle vague. Pese a que el público no acompañó, la crítica si lo hizo. Para comenzar solamente con su homenaje a Ophüls se ganó el aprecio de Truffaut ya que Lola Montes era una de sus películas favoritas.

Godard lo homenajerá en Masculin/femenin cuando la pareja charle en una escena sobre el comienzo del film con los marineros en un juego de feria levantando a una muchacha en cámara lenta, pero la fama aún le será esquiva y es que en esta época era común una especie de solidaridad entre directores de la Nouvelle Vague por eso es común verlos incluso hacer cameos en diversos films. El siguiente film de Demy fue La bahía de los Angeles (La baie des anges) en 1963 protagonizada por Claude Mann y una extra platinada Jeanne Moreau como Jacqueline 'Jackie' Demaistre. Una Femme fatal con todas las letras. Este melodrama rodado en un exquisito blanco y negro, en donde un pobre empleado de la banca llamado Jean Fournier conoce a la ludópata más esbelta y más elegante de toda Niza llamada Jackie, estuvo fuera de circulación durante décadas hasta que en el año 2000 fue restaurado a toda su gloria por la brillante Agnes Vardá. Una pareja unida por las idas y vueltas de la ruleta, dos adictos al juego se enamoran al son del grito del crupier “no va más” ¿Podrá el amor superar una adicción? ¿Podrán las ambiciones de cada personaje hallar su lugar? Una atmósfera de fatalismo invade toda la película, nuevamente como en Lola el azar y el destino tendrán un papel fundamental. Será su tercer largometraje el que le atraería la mirada del mundo y una fama que incluyó la palma de oro de Cannes, con un film que toma la imaginería Hollywoodense para hacer de las suyas: Los paraguas de Cherburgo (1964) en el que retoma al joven amigo de Lola, Roland Cassard, interpretado por Marc Michel y lo enmarca dentro de una trá-

gica historia de amor protagonizada por Catherine Deneuve. Un musical con todas las letras y en colores brillantes en la que todos los diálogos son cantados, con partitura de Michel Legrand. Será algo recurrente dentro de la filmografía de este director, retomar personajes de otras historias en otros films dando la idea de que todos transcurren dentro de un mismo universo, eso ocurrirá nuevamente en el futuro, ya instalado en Norteamérica cuando retome a Lola dentro del film Model shop. Ocurre algo muy extraño con Jacques Demy y es que durante los finales de los sesenta y principios de los setenta es uno de los directores franceses más exitosos con su particular mirada que adapta desde cuentos de hadas hasta operetas y mangas pero luego la historia del cine parece relegarlo al olvido y en 1990 muere a causa del Sida, como reconocerá años más tardes Agnes Vardá en su biografía “Las playas de Agnes”. Lo cierto es para un director que hasta supo trabajar hasta con Gene Kelly de no haber sido por el gran esfuerzo de su esposa su filmografía hubiera pasado al olvido. Uno de esos errores mayúsculos de la historia del cine que se pudieron remediar a tiempo. ¿Te gustan los melodramas y los musicales? ¿Sos un poco naif aunque el fatalismo y la tragedia corren por tus venas? ¿Amas a Catherine Deneuve y deseas verla en todas partes brillar como una de esas estrellas de los años cincuenta de la época dorada de los musicales? Entonces si te agrada el rococó y la musicalidad ¡Jacques Demy es el director de la Nouvelle vague que espera por vos!

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Team Varda: “La muchacha de vanguardia” Agnès Varda es una artista multifacética: fotógrafa, artista plástica que destaca por sus video instalaciones y mucho mas además de ser la responsable de reflotar y recuperar la filmografía de su esposo Jacques Demy para todas las generaciones futuras que le estaremos eternamente agradecidas. Era integrante de la Rive Gauche aunque mantenía una buena relación con la gente de Cahiers, de hecho era tan buena que JLG (Godard) y su esposa Anna Karina participaron en un pequeño cortometraje que se puede ver dentro del segundo film de Agnes, el fabuloso Cleo de 5 a 7 (1962) en donde por consejo de la directora quien sugirió que Godard era como una especie de hermano gemelo de Buster Keaton si se quitaba los anteojos, fue lo que dio origen a tan brillante segmento del film. Pero volvamos a sus inicios: antes de todo en 1954 Varda estrena un pequeño film que será como el padre estilístico de lo que luego llegaría con el resto de la Nouvelle Vague: La Pointe Courte. Agnès había estudiado historia del arte en la École du Louvre antes de conseguir un trabajo como fotógrafa oficial del Teatro Nacional Popular ó Théâtre National

Populaire (TNP) de París. La anécdota cuenta que fue a fotografiar el barrio de La Pointe Courte para un amigo que estaba en estado terminal y allí se le ocurrió realizar un largometraje ambientado en el lugar. Un hombre regresa a su hogar y se encuentra con el barrio de pescadores que da nombre al film, luego su mujer se reúne con él días más tardes y juntos examinan la relación de su pareja. Con una estética cuasi Bergmaniana este film está montado por Alain Resnais y es anterior a muchos intentos de cortos por parte de los jóvenes turcos por lo que con los años le valdrá el apodo de “abuela de la Nouvelle vague”. Será su segundo film la que la encuadre dentro del género y la afiance en su ideología de Izquierda y sobre todo feminista. Cléo de 5 a 7 es una maravilla que transcurre casi en tiempo real. El tiempo que tiene Cleo desde que sale de su trabajo hasta recoger unos resultados de un examen médico muy importante que pueden marcar la diferencia entre la vida y la muerte.El fatalismo se hace presente en esta pe-

107 lícula desde el comienzo con una lectura de cartas que marcará el inicio del derrotero de nuestra hermosa cantante/modelo/actriz cuyo nombre artístico es Cleo, interpretada por Corinne Marchand, quien por esas casualidades de la vida se encuentra con un soldado que ha sido reclutado para ir a la guerra de Argelia y le habla sobre sus miedos a la muerte. El film cuenta con música de Michel Legrand (quien tiene una aparición como pianista) y es absolutamente cautivante. Enhebra momentos y encuentros azarosos en un día cuya fatalidad está a la vuelta de la esquina. De allí sale el cortometraje con Godard, Anna Karina y Jean Claude Brialy cuando Cleo se encierra en la sala de proyección del cine. Le bonheur (1965), La felicidad, es su tercer largometraje y narra la historia de un matrimonio con dos hijos: François y Terese. Están juntos, el sol brilla y sí, son muy felices…hasta que aparece Emilie, François se enamora y se convierten en amantes. Como verán el título es una de esas grandes ironías propias de una mirada asertiva y deconstructivas de la Varda. Pero no esperen esos dramas como en Les Amants de Louis Malle. Existe en este film un paralelismo con la vida real y es que una familia verdadera interpretó a los protagonistas de esta historia que parece desenvolverse sin grandes conflictos delante de nuestros ojos. Pasa de un idilio pictórico y paradisiaco a la ciudad donde uno confía que comenzarán los problemas y así lo hace, aparece Emilie pero luego el marido confiesa a su mujer y es ahí adonde uno esperaría una reacción comparable a la Moreau tirando el auto de un puente donde la acción se disuelve y todo queda en las apariencias ¿Felicidad es apariencias? ¿Las apariencias bastan para mantener la felicidad? La directora solo planteara más preguntas que soluciones aunque será clara en la mirada con que se posiciona para narrar el relato. Agnès utilizará actores no profesionales y muchas veces mechará su labor de cineasta con la de documentalista, aunque es casi imperceptible la diferencia en lo que a su vida respecta: la no ficción y la fic-

ción se entrecruzan continuamente. Varda describe su método de hacer cine como “cinécriture” escritura cinematográfica y cuenta que muchas veces es en la sala de edición de su querida productora Cine Tamaris que encuentra sus historias y sus diálogos. Que todo nace del montaje de los fragmentos. La imagen fija tendrá una función fundamental dentro de su cine, quizás por sus orígenes de fotógrafa, llevándola a la alternancia y convivencia de imágenes fijas yuxtapuestas con las móviles. Otra de sus características distintivas es su feminismo, no solo porque sus historias en su mayoría estén protagonizadas por mujeres, sino por la búsqueda de la desfetichización del cuerpo femenino y por sus discursos con personajes rechazados o marginales de la sociedad, como se verá en Sans toit ni loi, ya en los ochenta en su manera más extrema. Hablamos de su amor por Demy y como recuperó su filmografía del olvido en el inicio de esta nota pero ahora para cerrar hablaremos del amor que le profesó al dedicarle también buena parte de su filmografía a la biografía de su esposo por un lado con el film Jacquot de Nantes y luego con documentales para Las señoritas de Rochefort en Les demoiselles ont eu 25 ans. Varda recorre el mundo con sus muestras que van desde la fotografía a la video instalación y hace unos años cuando presentó por el mundo su film autobiográfico Les plages d'Agnès que le valió entre otros premios el Condor de Plata en Argentina. ¿Sos feminista? ¿Sos partidiario de una mirada diferente sobre tus personajes femeninos y no temes a las batallas morales? ¿Amas esas historias que mezclan un toque de no ficción y juegan a yuxtaponer los planos de la realidad con cierto surrealismo? ¿Te gustan los directores multifacéticos que participan activamente no solo en la realización de sus propios films sino en la actividad de divulgar y preservar el patrimonio histórico cinematográfico? Entonces Agnès Varda es la directora que te recomendamos ver primero.

SELECCIÓN POST NOUVELLE VAGUE: ¿Aún no te decidiste por ninguno de los directores? ¿Necesitas ayuda por donde comenzar a mirar tanto cine? Bueno, estas de suerte, porque este suplemento aún no se termina y a continuación te pasaremos una selección de films para tener en cuenta, todos post Nouvelle vague o en palabras de Chabrol: films de cuando la ola era un mar.

L'histoire d'Adele H (1975) de François Truffaut

Es probable que “El diario íntimo de Adela h” no sea la mejor ni la más fabulosa de sus películas, podríamos estar hablando de alguna de su famosa saga de Antoine Doinel o por qué no de La Nuit Americaine que le dio el Oscar en 1974, pero este film es de una perfección absoluta como pocas veces ha visto la historia del cine, en donde se conjugan la enorme capacidad de dirección de Truffaut, capaz de generar intriga hasta con la biografía más conocida y la enorme labor actoral de la actriz Isabelle Adjani,

que encarna a la perfección el símbolo arquetípico de todos los personajes de Truffaut reuniéndolos en la figura de Adele Hugo: una mujer por momentos fuerte de armas tomar y por otro lado una mujer frágil victimizada por el pasado y algo ingenua, la duplicidad que el director suele encarnar en varios personajes al mismo tiempo aquí recaen en la figura de uno solo y en menor medida, o quizás en mayor medida, en la obsesión con la que persigue al objeto de su afecto. En ese sentido podemos decir que se trata de la Vertigo de Francois Truffaut y que en lugar de James Stewart nos encon-

tramos con la imagen especular del mismo: Adele y el oficial Pinson como los trágicos protagonistas de esta historia, una historia sobre obsesiones. Muchos críticos han dicho que se trata de una película vampirizada por la actriz que se luce y le da vida a esa alocada protagonista que va desde la felicidad más absoluta a la decadencia más trágica por un amor no correspondido, pero quienes dicen eso se olvidan de la mano de Truffaut que está en todas y cada una de las elecciones del film y nos lo recuerda en un momento de la obra cuando Adele se lo confunde con el oficial Pinson y se cruza cara a cara ni más ni menos que con su creador/autor vestido de soldado del ejército en medio de la niebla. Cuando la historia parece terminar, lo hace a modo de texto informativo, ya saben, en lugar de “colgar el cartel con el que sucedió después” para escandalizarnos una voz en off recorre el final de los días de Victor Hugo y el destino de Adele, solo para realizar un último flashback que nos llena de tristeza y hace que pensemos en el rol de esta mujer como una adelantada a sus tiempos, una marginal incomprendida, en pocas palabras: toda una heroína de novela.

Sympathy for the Devil (1968) y Notre Musique (2004) de JL Godard

Podrá resultar arbitrario para la mayoría el hecho de que haya seleccionado dos films de Godard mientras que de los demás directores solamente se ha seleccionado uno, pero es que Godard es tan prolífico en su extensa carrera que tiene más de noventa títulos y que todavía prosigue, en donde nos damos cuenta de que un film solo no bastaba para reco-

mendar de él. Si algo existe en abundancia son documentales de rock sobre los Rolling Stones, es más ellos los producen hasta con Martin Scorsese pero cuando estaban grabando la canción homónima al título del film, no sé cómo suceden esas cosas de la vida que ellos deciden filmar un documental con Godard del que lue-

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go dirán “todavía estamos intentando entenderlo”. Este film cuenta con dos partes diferenciadas: el documental rodado con motivo de la grabación en estudios de la canción Simpathy for the Devil con los Stones y sus chicas (etapa Marianne Faithfull) y luego en montaje ideológico o paralelo que tanto suele interesarle a Godard (yuxtaponer mucha información en pantalla) cuenta lo que siente al respecto de la guerra de Vietnam, el temor de los hombres a la misma y la violencia además de manifestarse claramente anti imperialista y hablar de su amor por los libros. Mecha fragmentos dispares recreados para las cámaras con una descarada teatralidad (como sangre roja o encuadres estáticos en la que los “personajes” deambulan). Todo un Tour de force que en apariencias es bizarro para el estilo de los Stones pero que es muy propio del estilo de este director tan ideológicamente cruzado por su pensamiento y el discurso comunista (aunque en esta etapa apunta a socializarlo más) y no nos olvidemos de la reciente cercanía del mayo francés y su influencia en la vida de JLG. Me hubiera gustado ser mosca para verle la cara a Mick jagger y Keith Richards al ver la proyección de esto y luego preguntarse ¿Qué fue lo que hemos visto? Vale la pena arriesgarse toda una vida a no entender y los momentos Stones son muy Buenos pero son los que menos importan en comparación

al fresco general que arma Godard sugerido por esa canción tan enigmática. Notre Music es un film que se divide en tres partes como si fuera la divina comedia. Narra la historia de una protagonista femenina a la que retoma en diferentes oportunidades y otros personajes que deambulan en la pantalla pero que no generan esa empatía dramática que estamos acostumbrados con el cine narrativo y hollywoodense. Entre muchas cosas se ve una conferencia de prensa con Godard y hasta logran entrevistarlo. Luego está el habitual desvarío imaginario de nuestro genio enloquecido que une fragmentos de distintos discursos y todos para hablar no de música sino de la vida misma. Lo más importante de Notre Music no es ni lo formal ni lo particularmente preciosista, lo es el mensaje o uno de los mensajes principales del film y es que cualquiera en cualquier momento puede devenir en “terrorista”. Él lo dice intelectual y metafóricamente hablando pero el curso de la historia y los vaivenes políticos actuales hacen que el mensaje de Notre Music sea claro, o complejo de abarcar en una crítica como el conflicto Israel/Palestina y enunciar que en las condiciones justas cualquiera es una bomba de tiempo y es el sistema el que propicia esto. Un cine ensayo necesario para el día de hoy y con una estructura y una visión de las que solo Godard es capaz de lograr.

Le rayon vert (1986) de Eric Rohmer

Este es un buen momento para confesar que con respecto a Eric Rohmer yo tenía mis prejuicios gracias a que en la materia de Historia del Arte que me tocó cursar en la Universidad durante mi primer año, allá por el 2004, la cátedra exhibió Percival el Galo durante una de las clases para hablar de Edad Media y me lo perdí por ausente. Aunque revolví cielo y tierra de los videoclubes de cine-arte nunca encontré dicho film y mi resentimiento por Rohmer aumentó. Era una completa idiotez porque culpaba al realizador de ser pretencioso y engrupido básicamente porque no podía hallarlo por ninguna parte. Un día en el marco del BAFICI me reconcilié definitivamente con Rohmer durante la proyección de Astree et Celandon y salí de esa sala llamándome de todos los nombres posibles (estúpida y boluda fueron los más leves) por no haberle dado una oportunidad real a dicho realizador que podía reflejar una obra más que juvenil y fresca en sus etapa octogena-

ria. No sabía que sería la última película de Rohmer el inicio de mi idilio con el realizador que hasta ahora nunca me ha defraudado. El rayo verde es una de mis películas favoritas y es ideal para el verano, sí no se rían. Si algo nos enseñó este director es que hay un cuento para cada estación y lo gracioso es que en Estados Unidos el título de este film es Summer (verano), por lo que a algún productor loco se le encendió la misma lámpara que a mí cuando vio este film. En esta excelsa comedia protagonizada por una encantadora Marié Riviere, van a encontrar muchos puntos en común con situaciones cotidianas que están representadas con una naturalidad que uno se termina riendo por el simple hecho de que alguien haya reparado en esos detalles y los haya puesto en la pantalla grande. A saber: creo que me veía a mi amiga y a mí en la escena en las que cuatro amigas toman el té (cam-

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biemos te por mate o café) y me reía del hecho de que "muchos hombres no se fijarían en el hecho de que muchas veces las mujeres hablan juntas y sin embargo dialogan y hablan de ellas mismas justificando el por qué son así y todas las situaciones ocurren al mismo tiempo”. Pero muchos hombres no son Eric Rohmer entonces esa escena en donde Delphine no se quiere ir sola de vacaciones y su amiga quiere “que viva un poco más” pero a la vez la trata mal y usa las palabras "déjame ser honesta con vos" esa conversación tiene un tempo y una naturalidad que son fantásticas... de solo pensar en las charlas de Sex and the City o Girls en comparación creo que me da el ataque y me vuelvo a deprimir de la contemporaneidad... y de solo pensar que haya existido un hombre que se diera cuenta que las mujeres podemos hablar todas al mismo tiempo y mantener tres

conversaciones distintas...saltar de la justificación personal, a cualquier otro tema, eso es conmovedor, generalmente uno escucha un "cállense, cotorras" así que cada día lo quiero más a Eric. Sobre todo porque no se puede decir que él tenga la intención de ironizar al respecto o simplemente establecer una escena, pues él también lo hace todo al mismo tiempo. Y ni hablar de la charla sobre el vegetarianismo... El rayo verde es un film sobre la soledad, los ideales románticos y una adaptación muy muy libre del libro homónimo de Julio Verne. Es irónica, divertida, cálida y la moraleja es: ¿las suecas son de cuidado? -chiste- o, por lo menos: "Las suecas no conocen de días solitarios...." y “Definitivamente hay que leer más Dostoievski en las estaciones para iniciar conversaciones inteligentes”.

La fille Coupee en deux (2007) de Claude Chabrol

113 Miré el film allá por su momento y me encantó, pero después leí cada crítica desastrosa y comentario aberrante en imdb que me dije "mon dieu" esta gente que escribe, lo hace porque el aire es gratis. ¿Pretencioso? ¿Aburrido? ¿Otra película francesa en donde hablan mucho, pasa poco y se la pasan cenando? ¿Metafórica al pedo? ¿Porque no tiene más desnudos? leía todas esas sandeces de gente vacía, a los cuales imaginaba como el vendedor de tiras cómicas de los Simpson: desagradables y criticando todo para mal sin hacer algo real con sus vidas y me vi en la necesidad de poner en palabras algo que creía una verdad más evidente que "La tierra no es plana" pero que la digo porque se ve que para muchas personas del universo la vida sigue siendo algo plana y ahuecada: Es un Claude Chabrol. Claude Chabrol con su trayectoria y estilo que lo caracteriza, su crítica a la burguesía, a la sociedad, su concepto del suspense de la tragedia y el drama. Su maravillosa dirección sobre Ludivine Sagnier, Benoît Magimel y François Berléand (más conocido por los pochocleros por ser el policía francés del film El transportador) y por sobre toda las cosas su aporte a la estética cinematográfica y el cine de autor. Si él no es pretencioso, no se quien más en la tierra podría tener más derecho a serlo. Su pretensión radica en su mirada autoral, en los tiempos que maneja y en esos personajes funcionales para la sociedad y la posición que ocupan dentro de ella y disfuncionales para otras cuestiones varias que suelen rozar lo criminal y la perversión. La mujer partida en Dos no es para todos, es densa, no solo en los tiempos que manejan sino en el devenir desgastante del triángulo amoroso central, entre la genial Ludivine Sagnier el aquí bastante desagradable Benoît Magimel y al señor mayor François Berléand, sus posmodernos Charles-Hélène-Paul. Es un Thriller psicológico sobre una chica a la que la parten en dos (chiste) la parten dos amores: uno por un señor mayor e intelectual y el otro por ese playboy loco interpretado magistralmente

por Benoit magimel. ¿Vieron ese juego que te pregunta con un gráfico cuantos triángulos ves? bueno esa es la estructura de este film. Creo que la primera vez que lo vi, me dejé cegar por el peso de uno de los triángulos y es que no hay "un triángulo amoroso central" hay fácil tres triángulos (yo conté 5) que convergen en una especie de pasarse la posta. La fotografía y el uso de los colores (el verde, el rojo, el negro) es notable y excelente, lejos de verse azulina y aburrida se ve vibrante y llena de gente muy adinerada, con ganas de hacer bastantes fiestas y homenajearse entre sí. Benoit Magimel no está desagradable, está fabulosamente desagradable, es digno de Visconti, y su interpretación de Paul es un tour de force que pasa de la comedia al suspense en una abrir y cerrar de ojos, iconográficamente pensado en función de los hijos de millonarios que siempre vivieron de la riqueza de papi que el mundo mediático nos vende: Algo como el resabio de la nobleza del siglo XVIII hoy. Y Chabrol lo representa así: nobleza del siglo XVIII con sus sedas, sus trajes, su oro y extravagancia, su hoy. Chabrol, verdaderamente tiene un excelente tono y color para la comedia: negro. Disfrazó tanto sus humoradas que la primera vez que la vi no pude ver las referencias a Belle Du jour, lo graciosa que resulta, una vez que no estas pendiente de "la intriga" y los devaneos de la historia, en la construcción de los personajes y como todos van mintiendo en su discurso. ¿Cómo saber si lo que dice Charles de Paul es cierto? ¿Cómo saber si lo que dice la Madre de Paul es cierto o es un intento de manipular a Gabrielle? ¿Cómo saber si Paul no es más que un tipo altamente descontrolado acostumbrado a tener siempre lo que quiso? Y en medio de todo esto Woody Allen, la anécdota en el programa televisivo de Gabrielle que no por nada se llama “la Frutilla del postre”. En medio de una historia que critica la visión de la vejez en los hombres "intelectuales", la juventud y la sexualidad, Cincuenta sombras de Grey resulta un poroto al lado de Charles y su casita clandestina.

On connaît la chanson (1997) de Alain Resnais

Cuando la historia comienza a Paris la van a bombardear y de pronto ante esta tragedia del ejército alemán a punto de destruir la ciudad luz el oficial a cargo comienza a cantar una canción, bueno a hacer playback de una canción: J'ai deux amours con la voz de Joshepine Baker y es allí adonde Resnais nos cuenta como si de un bofetón se tratase, cómo será el tono musical del film. On connaît La chanson no es un musical como cualquier otro con grandes coreografías sino que pareciera como si por alguna razón mágica que no podemos explicar estamos en el momento exacto en la que a los personajes se les ocurren los fragmentos de canciones francesas de todas las épocas que justo pegan con la situación. Como si fuéramos testigos de un playback de una playlist infinita del inconsciente parisino de sus personajes. Y eso no es lo más extraño que sucederá en el film. En cierta medida nos recuerda al trabajo de Dennis Potter como en Pennies from Heaven donde utiliza canciones del repertorio de jazz para narrarnos una historia sobre la época de la depresión. La historia que narra es moderna y contemporánea, casi coral, de la vida de seis personajes distintos

y sus cruces delante de la pantalla: una guía turística que necesita finalizar su tesis de grado, su hermana que busca un departamento más amplio donde mudarse y por qué no algo de romance para reforzar la mezcla de una comedia brillante con esas asociaciones libres musicales que irrumpen en los mejores momentos. Uno de los momentos más “resnaisnianos” del film ocurren durante una fiesta en el gran departamento con la vista a la torre Eiffel y de la nada comienzan a aparecer fundidos a negro con medusas flotando por todas partes ¿Explicaciones? Para qué… solo basta con decir que son unos de esos momentos enigmáticos en la que recordamos nuevamente que se trata del mismo director que El año pasado en Marienbad y se nos pasa la intención de buscar respuestas frenéticamente porque si no este film nos dejaría muy perplejos en varios frentes. Un musical contemporáneo atípico y fabuloso por la libertad artística y autoral de su estrafalario director que no es guionista de sus propias obras sino que elige trabajar con autores, a diferencia de Rohmer (por citar un ejemplo) que tenía la compulsión de escribir todo.

Les demoiselles de Rochefort (1967) de Jacques Demy

Algunos críticos tienen debilidad por el drama, otros por el documental, y así al infinito. Yo tengo dos debilidades muy recurrentes: Cary Grant y Gene Kelly, simplemente los amo y no puedo permanecer racional con esos caballeros, me pierden. Este film tiene a una de mis debilidades trabajando para otra de mis debilidades: Gene Kelly en una comedia musical de Jacques Demy. ¿Qué puede salir mal con eso? Si además les sumamos a Catherine Deneuve y su hermana Françoise Dorleac como las señoritas que dan título a esta obra fabulosa. Comienza con la llegada de unos bailarines a Rochefort y esa será la excusa que inicia este tour de forcé de personajes diversos que habitan en la encantadora y musical Rochefort con las hermanas a la cabeza. Dueñas de una escuela de danzas y música en la ciudad; además de trabajar en la feria local que se organiza todo los años en la portuaria ciudad. La estructura musical es muy diferente que la de Los paraguas de Chebourgo, para empezar en este film si existen los diálogos aunque paradójicamente en el final elija prescindir de palabras. Luego las canciones no están dispuestas a la usanza de los mu-

sicales Hollywoodenses aunque tome la imaginería de ellos y a una de sus estrellas más deslumbrantes del género al incorporar al personaje del extranjero interpretado por Kelly quien no canta en el film sino que por motivos de “la venta del soundtrack” es doblado por un cantante francés. Pero regresando a la estructura, el mismo tiene leit motivs y chansons para cada uno de los personajes que se repetirán con variaciones a lo largo de la trama: tenemos la canción de Solange, la canción de Delphine, la canción de las gemelas y así hasta con la madre de ambas y es que todos en Rochefort parecen tener una historia de amor que bordea la tragedia pero que finalmente llega a una resolución de comedia (a diferencia de lo que ocurre con Los paraguas). Como ocurrió con la filmografía de Demy este film fue restaurado a todo su esplendor de colores pasteles abrumadores por la productora Cine Tamaris de su esposa Agnes Vardá en 1996 y vale la pena las dos horas que dura con el devenir coral de las historias manejadas por el azar y los recorridos en la pequeña y encantadora ciudad de Rochefort.

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La plages de Agnès (2004) de Agnès Varda

Si no conocían a Agnès Varda con este film la van a adorar: cuando dice “ahora interpreto a una viejita charlatana” no haces otra cosa que pensar en ella como en la “querida Agnès del pueblo”. Si, así de encantadora y así de enloquecida con sus instalaciones de espejos en las diferentes playas de su vida. En una parte del film dice “si pudiéramos abrir a las personas para encontrarnos con un paisaje, conmigo encontrarían playas”. Y así la acompañamos por el recorrido no de una sino de dos vidas dedicadas al cine. La de ella y la de Jacques Demy por no hablar de que nos confiesa cosas como que ella no era una cinéfila, sino que para sus veinte años solamente había visto diez films y otras verdades que quedan expuestas bajo la mirada particular de Agnès. Como una caja china llena de compartimientos secretos es la historia de vida de esta mujer que conoce a todo el mundo, o al menos eso es lo que parece. El film es un mar de rostros y fotografías que recorre toda la vida de la bautizada “abuela de la nouvelle vague”. La estructura del film la guía la misma Agnès que por momentos elige retratarse como una adolescente en la ola o como una niña pequeña. Dife-

rentes mecanismos de representación se ponen en juego en paralelo durante la duración del film. Curiosidades acerca de ella como que en un momento hasta llegó a castear a Harrison Ford pero que los directivos de la productora dijeron que no le veían un gran futuro al actor. Se van a destornillar con las ironías de Agnès y como ella retrata su lucha feminista sin reparos de contarnos que hasta fue tildada de “puta” por un diario francés tras firmar una petición para que legalizaran el aborto en los setenta. Toda una luchadora que no afloja ni en la cercanía de los ochenta años que para ella son una cosa más sobre la cual ficcionalizar y desdramatizar. Pocas veces podemos escuchar a un realizador a hablar de la vida con tanta franqueza, y con tanta nostalgia que no apunta a la lágrima barata, una realizadora que pasó la segunda guerra mundial y que tiene una historia de vida digna de filmarse (y por suerte contamos con ella para hacerlo). Con esto cerramos esta selección de films de algunos de los directores más reconocidos de la Nouvelle Vague pero no los únicos: Chris Marker, Jacques Rivette, Margarite Duras y tantos otros jóvenes que

iniciaron sus carreras con una sola meta: hacer películas rápidas, modernas, diferentes de las pretensiones de los grandes estudios. Salir a la calle a donde la acción pasaba. Algunos de los que quedaron fuera del suplemento y que están aguardando a que vos los encuentres para que conozcas una buena parte de la historia del cine de hoy.

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EL ESCRITOR SERIAL

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La llegada de Woody Allen a la tele: Un gran paso para el espectador, un pequeño paso para el director [ Nicolás Ponisio ]

Tiempo antes de que Crisis in Six Scenes estuviera disponible por medio del servicio de streaming de Amazon tanto la prensa, que ya había podido verla, como el propio Woody Allen (escritor, director y protagonista de la miniserie) afirmaban con severidad el fracaso que suponía el traspaso del cine al formato televisivo del cineasta neoyorquino. Si bien es cierto que la miniserie falla en muchas cuestiones narrativas y actorales, el show tampoco es el inmenso desastre que auguraban. El comienzo planteado con un primer episodio con casi nada favorable parecía darles la razón, pero solo había que aguardar un poco para hallar ciertos elementos que rescatan en parte al director de una crisis creativa. Una que lo puede tocar más de cerca que las que vive Sidney J. Munsinger, su personaje de la ficción.

La miniserie compuesta por seis episodios, de poco más de veinte minutos de duración cada uno, nos sitúa en la Nueva York de los años sesenta en pleno estallido revolucionario. En medio de las protestas por la guerra de Vietnam y los derechos civiles, se encuentra el matrimonio burgués conformado por Sidney, un novelista que está por probar suerte en el mundo de las series (¿coincidencia?) y Kay (Elaine May), quien divide su rutina entre el club de lectura y su profesión de terapeuta de parejas. Si bien ambos personajes se preocupan por la situación del país, viven en su hogar alejados de todo problema mayor. Al menos los que no tienen que ver con las clásicas paranoias a las que ya hace tiempo nos tiene habituados Woody Allen. Todo eso cambia cuando irrumpe en sus vidas Lennie Dale

(Miley Cyrus), una joven revolucionaria que necesita refugiarse una temporada de la policía hasta que pueda encontrar la forma de escapar hacia Cuba. La otrora actriz de Hannah Montana es el eje central que pone patas para arriba la historia en un buen y mal sentido. El bueno es el que permite explorar la dinámica matrimonial de Sidney y Kay, el caos persecutorio y la incomprensión hacia la causa de la joven por parte de él y la transformación pensante que hace a su mujer, no solo interiorizarse más con la política de izquierda (su club de lectura termina leyendo sobre Marx, Mao y el Che) sino a involucrarse directamente en la acción revolucionaria, uno de los mejores momentos que dota de vitalidad adrenalínica al matrimonio y al relato. El factor en contra de la presencia de Cyrus es el hecho que su actuación desentona con el personaje, ignorando cualquier verosimilitud que represente su misión y carácter protestatario. Su causa depende tanto de actos como de difundir la palabra siendo lo segundo una misión imposible al no haber intención alguna en las palabras o citas a las que acude, más pobremente recitadas que habladas. Si bien la miniserie recae mucho en la mala sangre y paranoias autogeneradas por Allen, y eso es algo exento de novedad, eso mismo es lo que aporta momentos efectivos de genialidad a la historia. El encuentro con dos oficiales de policía en el segundo episodio o el estado persecutorio que vive almorzando en un restaurant en el cuarto son algunas de las escenas que aportan gran comicidad a un producto que, paradójicamente, tiene bastante por lo que preocuparse. Al menos cuando no entra en escena

la dupla de Allen y May, salvavidas que sacan a flote una miniserie a medio hundir. La extensión del relato, que algo más largo que los films del director, y la narración dividida en episodios son los otros dos factores que le juegan muy en contra. Momentos que no aportan demasiado y una edición algo brusca entre episodios denotan una falta de entendimiento de lo serial, algo que en los grandes tiempos televisivos de hoy en día no puede permitirse. El personaje de Sidney, además de las desventuras ocasionadas por Lennie, vive una crisis creativa donde el reconocimiento por si literatura ha sido olvidado (quien lo reconoce como un genio lo confunde con Salinger) y se ve obligado a escribir una sitcom para televisión que nadie tiene muchas ganas de hacerla. Como si ficción y realidad entraran en un mismo plano, no es difícil notar un descontento general en el director y una preocupación que le quita el sueño. Sidney o Woody, a esta altura sinónimos de lo mismo, se pregunta si alguna vez escribirá algo tan bueno como El guardián entre el centeno antes de recostarse apesadumbrado en su cama. La sincera respuesta es que ya lo ha hecho y más de una vez. Ahora es solo cuestión de continuar su carrera en el cine y no probar suerte en otro formato. Porque si bien su filmografía es despareja y su mejor cine ya no brilla como antes, se ha ganado el derecho de no tener que demostrar nada a nadie. Solo a las pruebas hay que remitirse acudiendo a sus films que, al igual que los libros de izquierda que le dan una nueva mirada a la vida de una dama mayor burguesa, ofrecerán un despertar intelectual sobre todo aquel que los vea.

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co The Independent cuando dijo casi por

Klein presentó su álbum homónimo que

casualidad señala el cronista “ Soy mu-

ya se puede escuchar en el bandcamp de

cho mayor ahora y de una manera extra-

Mun Discos, sello discográfico que lo

ña creo que es mi último disco", también

edita. Este sello con origen en la ciudad

dice que los motivos son artísticos, “fue

de córdoba en el año 2002, administra-

un año metal y físicamente muy exigen-

do por Manuel Osorio y Gustavo A. Or-

te y no tiene sentido hacerlo a menos que

tega. Actualmente con sede en su ciudad

sea realmente otra cosa”... “ Nunca me he

de origen y en La Ciudad autónoma de

Los Flaming Lips subieron a su canal

inclinado ante la presión y he hecho algo

Buenos Aires quienes dicen enfocarse en

de youtube dos videos a modo de singles,

que considerara un mal movimiento ar-

Pop deforme, Electrónica extraña y Lo-fi

adelantando un nuevo disco que se llama-

tísticamente y no empezaré ahora”

emocionante.

rá “Oczy Mlody” anunciado para el 13 de

El show se realizó en el Espacio Cultu-

enero del 2017. La banda ha vuelto a las

ral mi casa donde también se encuentra

canciones melódicas y psicodélicas que

la sede porteña del sello y además tocaron

tan bien dominan, el primero de ellos es

Cold Tapes, Epiref y Úrsula. Desde acá

una mágica canción llamada “The Castle”

celebramos y recomendamos este disco

y la segunda es una pregunta "¿How?". El

de sonidos electrónicos melódicos y ana-

disco es editado por la Warner Bros y se

lógicos de suaves ritmos robóticos y bai-

pueden conseguir dos versiones diferen-

lables, básicamente instrumental salvo el track 9 “Amish Eyes” donde canta una

tes de vinilo, en CD y una en 7” del tema de Bowie "A Space Oddity" que presenta-

Tras 4 años de su último lanzamiento

ron también en video en el mes de abril.

“Coexist”, la banda The xx dió a conocer

hermosa y oscura melodía con características dream pop.

un adelanto de lo que será su tercer disco anunciado para el 13 de enero del 2017 el que ya tiene nombre “I See You”. El tema que presentaron se llama “On Hold” y si bien encuadra perfectamente en la línea de la banda es menos oscuro, más bailable, seguramente muy influenciado por el disco “In Colour” de su integrante “Jamie xx” a quien vimos acompañado Spiritualized volvió a tocar en vivo su

por sus compañeros en diversas presen-

“Errorws de Tipeo” Se llama el nuevo

disco “Ladies and Gentlemen We Are

taciones suyas como solista y para nada

disco de Violeta Castillo el primer LP tras

Floating in Space” un año antes de cum-

pasa desapercibido el sampler del tema

4 Ep editados desde el 2010 fecha en que

plirse el vigésimo aniversario de la salida

del dúo de los ochenta Daryl Hall & John

comienza su carrera solista. Editado por

del albúm que los consagra por siempre

Oates - I Can't Go For That (No Can Do).

Geiser Discos, producido e instrumenta-

en 1997. La presentación fue en el Barbi-

do por Violeta Castillo y Nicolás Pedre-

can Centre de Londres con una orques-

ro (guitarrista de Lucas Martí y Deformi-

ta de 15 músicos y un coro de gospel. El

ca) y la participación de la Rapera chilena

motivo de hacerlo antes es que está ter-

Dadalú. Las composiciones “conjugan la

minando de grabar un albúm en el que

predilección por la canción pop como for-

viene trabajando hace un año y medio

mato universal con el interés por experi-

y quiere evitar la superposición de los

mentar con nuevas estructuras” esta vez

shows para el año que viene. Y si bien es

no la encontramos frente a una banda o

un gran gusto volver a disfrutar de ese pu-

guitarra en mano sino que llega tras sin-

ñado de hermosas y desgarradoras can-

El pasado sábado 12 de noviembre la ar-

tetizadores y baterías programadas. Tam-

ciones la noticia la dio al diario británi-

tista de synth pop, electronic y dark wave

bién subió a su canal de youtube el video

125

del tema “Envuelta” dirigido por Catalina

liti. El trío formado por Sebastián Petro-

Bartolomé y Macarena Fatne, un medio

celli (voz, guitarra y teclados), Jonathan

el nuevo disco de Hiroshima Dandys El

que no le es para nada extraño.

Saldivia (Bajo) y Federico Salusso (batería

ahora trío de indietronic formado por

y coros) estarán presentando el Ep el vier-

Pablo Rivas, Nicolás González y Flori Lí

nes 25 de noviembre en El Emergente Bar

cuenta con una edición digital por el net-

Almagro con producción de Elvis Attack.

label Sólo le pido a Dior que se liberó el 9

Mientras tanto pueden ver el video en su

de noviembre en las plataformas usuales

canal de youtube y escucharlos

(Spotify, Youtube, iTunes, Deezer, Bandcamp, Soundcloud, etc.) y una edición física en CD a cargo de RED distribuidora de conceptos dirigida artísticamente por

El Príncipe idiota la banda de alterna-

Daniel Melero, la cual podrá encontrarse

tive argentina acaba de subir a Bancamp

en disquerías independientes, recitales y

un nuevo Ep que se llama “Novedades”

shows en vivo del grupo y en los even-

Grabado en vivo en Estudio Crazy Dia-

tos de cada sello. También se puede ver

mond en Junio 2016. Editado por Fue-

el video en su canal de youtube sobre el

go Amigo Discos el grupo está formado

tema “En tu lugar” Producido por Hiros-

por Diego Martinez (Atrás hay truenos),

“Alud” es el nombre del nuevo disco

hima Dandys y José D´Agostino, graba-

Leonardo Gudiño (Mi amigo invencible),

de Ignacia el sucesor de “Salta” del 2012

do en los estudios Moloko Vellocet e In-

Fradi Ocampo, Juan Pablo Di Cesare

y “Mis manos” Ep del 2007. Alud con-

terkosmos.

(Monotoro) y Mariano Di Cesare (quien

tiene 13 canciones y una extensa lista de

firma todas las composiciones). Este es

invitados de primer nivel entre los cua-

el tercer trabajo discográfico, anterior-

les podemos destacar a Fico Piscorz que

mente habían lanzado “Doméstico” ( EP

además es el productor artístico del disco,

2015) y ese mismo año editan “Dicciona-

en el track 6 “subte en Tokio” escucha-

rio Básico Ilustrado” (2015). El EP se pue-

mos la voz de Diego Frnkel y en el track 9

de descargar gratuitamente de la página

“Caminante field” está acompañada por

oficial del sello y ver completa la sesión de

la voz de Valentina Gonzalez. Pero tam-

grabación en su canal de youtube. Graba-

bién participan Mono Fontana, Pipi Piaz-

do en vivo por Maxi Forestieri, Cámara de

zola, Gimena Alvarez Cela, Paula Maffia,

Nahuel Martinez, Post de Ale Doti , pro-

Marilina Bertoldi, Fede Novak, Floren-

ducido por Los Universos Islas.

cia Ruiz, Miguelius Pedro Bulgakov, Leo

Brian Eno. Anunció para el 1 de enero

Costa y Gerardo Farez. Es un muy dis-

del 2017 y ya está en pre venta un nue-

co Pop vestido con sonidos electrónicos

vo disco de nombre “Reflection” del que

donde predomina la intención de hacer-

no hay nada para escuchar pero sabemos

nos bailar pero hay más y los invitamos

que dura 54 minutos. Por otro lado aquí

desde acá a descubrirlo.

en Buenos Aire y sus alrededores estamos felices por la confirmación del montaje de dos instalaciones del Artista, 77 Million Paintings y The Ship, que perma-

Despiértate Rayo el trío de la Ciudad de

necerán abiertas al público a partir del 2

Buenos Aires deja atrás su primer Ep ho-

de diciembre en el CCK. The Ship es tam-

mónimo del 2015 con su sucesor llama-

bién el título de su último disco, editado

do “Una Voz” (2016) y de ahí se extrae

el 29 de abril de este año.

su primer corte en video llamado “Juego Eléctrico” Realizado por Infinito Producciones, Filmado y editado por Nicolas Po-

“El lugar favorito de lo horrendo” es

PURA MELOMANIA

Una Puerta Trasera – Back Door – para seguir abriendo Clan of Xymox - Medusa (1986) [ Paticia Claudia Fiori ]

“… Magnetízame con tus ojos ahora…” “Encántame…” (Extracto del track “Medusa“) “…Siento que buceo más profundo dentro de las cavernas más oscuras…” (Extractado del track “Louise”) El álbum “Medusa” de los holandeses Clan Of Xymox (también conocidos como Xymox) cumple 30 años (01/11/86). Puede ser considerado el segundo trabajo de los Xymox. Al ser consultado para ésta reseña respecto si se trata fehacientemente de su segunda producción, es el mismo Ronny Moorings - quien para mi beneplácito, el fundador y frontman de Clan Of Xymox generosamente responde a mi requerimiento: “… un mini álbum fue editado en 1983 titulado “Subsequent Pleasures”, el primer álbum debut por el sello 4AD se titula “Clan Of Xymox“, el segundo: “Medusa”, todo depende de como se lo mire…” “Medusa” es categóricamente épico. Amén de ser justamente considerado como uno de sus discos ícono, en particular para los seguidores de los pasajes y cavernas netamente más oscuras y profundas de la banda en sus inicios. Se hace imprescindible acceder a éste álbum para adentrarse en la historia de Xymox (desde 1981 se mantienen activos y en gira continua hasta la actualidad) y también en los efectos que supo conseguir “Medusa” como referente insoslayable para sus colegas del mundo, sin exceptuar Latinoamérica, principalmente en tierras argentinas. Sus amigos italianos, The Frozen Autumn, son tan solo un ejemplo de la referencia del Clan en su obra. De hecho, entre ambas bandas se han versionado canciones el uno al otro, así como también los Clan Of Xymox a lo largo de su carrera interpretaron bellos covers de Bowie, The Cure, etc. Retomando el término de “álbum épico” que hacía

mención, tiene su significancia en éste gran álbum: literalmente el carácter épico se refiere a un género literario (haciéndose extensivo para cualquier tipo de expresión artística) ubicando su origen en la civilización ateniense, griega, para describir un contexto – atmósfera- histórica y/o mitológica. No es porque sí que asocie lo épico con lo mitológico en éste caso: Medusa remite a un mito griego, una tragedia inmerecida y manchada de oprobio. La tragedia de la leyenda habla de Medusa, una mujer con serpientes en vez de cabellos, cuya maldición era convertir en piedra a todo hombre que la mirase. (“… Magnetízame con tus ojos ahora…”, “Encántame…”, reza la lírica de la canción que da título al álbum). El mito cuenta que la belleza y encanto de la mujer cautivó a Poseidón (señor de los mares) quien la toma por la fuerza brutalmente y la posee carnalmente en el templo de Atenea. Atenea, enfurecida, convierte los cabellos de Medusa en serpientes. Medusa fue exiliada, maldecida como criatura diabólica, oscura y horrenda. En la oscuridad de su laberinto decorado con estatuas formadas con los cuerpos de quienes se atrevían a mirarla a los ojos, es así que ella se venga de su injusto destino. La tragedia termina con Perseo, quién decapita la cabeza de Medusa mientras ella dormía. Como corolario, Perseo le entrega la cabeza de Medusa a su patrocinadora, la cruel Atenea, quien la coloca en su escudo a modo de un trofeo maldito. Desglosando la lírica del álbum, se encuentra representada por lo épico de la tragedia, laberintos y cavernas profundas y oscuras. Rasgos característicos del género dark y gótico (con sus clarísimas diferencias si de esti-

lo hablamos) pero muy acentuadas en éste gran trabajo de los Clan Of Xymox, que abre la puerta trasera tan maravillosamente. A Los Xymox se los considera emblemáticos creadores del Darkwave, fieles al dark, con sintes, new wave y electro. La banda desde su creación ha pasado por diferentes formaciones, siendo su frontman principal y creador, Ronny Moorings, quien ha permanecido estoicamente para nuestro deleite, desde los albores. Al ser interrogado Moorings en una ocasión respecto del porqué de diferentes formaciones, explica que solo entiende a una banda en donde haya amistad y/o lazo cercano con sus integrantes, considerando que es la mejor modalidad para trabajar. En su formación original, que integran el segundo trabajo: “Medusa”, el clan es conformado por Ronny Moorings, Pieter Nooten y Anka Wolbert. Pieter y Anka tuvieron gran preponderancia pero pocos años posteriores a 1986, dejaron de pertenecer al Clan. Bajo el sello 4AD – que también trabajó con Dead Can Dance, Pixies, Cocteau Twins, vio la luz “Medusa”. El tracklist se compone por 10 canciones: Abre el instrumental “Theme I”, intimista, cinematográfico, recreando un clima perfecto de laberintos sonoros, le sigue el hipnótico “Medusa”, “Michelle”, “Theme II”, la maravillosa “Louise“, que se convirtiera en uno de los temas afamados del álbum, continúa la gema instrumental de “Lorretine”, prosigue el encanto de “Agonised by love”, “Masquerade”, “After the call” y cierra paradójicamente el track con mayor difusión, convirtiéndose en un estigma indudable del álbum y uno de los temas baluarte en la carrera de los Xymox : “Back door“, una puerta trasera, que invita a ser abierta. El final de “Medusa”

Medicinas sónicas para Dios The Mission - Gods own medicine (1986) [ Por Alejandro Cenizacromada ]

Wayne Hussey puso su sello distintivo en el mundo de la cultura Post punk al patentar ese sonido clásico del Rock gótico con su inseparable guitarra de doce cuerdas. Ese sonido sublime que erige santuarios en el corazón y que nos adentra a la pureza del espíritu. Cansado de lidiar con el ego de Andrew Eldritch y tras grabar el disco de culto First and last

entonces, como puerta principal. Sería recién en el año 2000 que se reedita bajo el mismo sello, añadiéndose tres tracks: “Blind hearts”, “A million things” y “Scum”. Una obra que transita por las profundidades de las cavernas oscuras, pasando desde lo instrumental, a caja de ritmos, sintetizadores, magnetizada por la voz, gritos con desgarro, guitarra y bajo descomunales, adquiriendo un registro sonoro de atmósfera introspectivo, íntimo, pasajes que remiten por momentos a escenas casi cinematográficas. Y el eterno retorno al mito, a la tragedia griega plasmada en canción, donde la bella Medusa, con un destino tortuoso no deja de magnetizar en ningún instante a lo largo del álbum. En el final: Back door. La puerta trasera que más se asemeja a un principio, convirtiéndose en una puerta principal para un disco ícono y épico. El sonido del caminar de los borceguíes nos invita a ingresar. La puerta se abre, la hipnótica Medusa nos espera hace 30 años para ser vuelta a descubrir. Como si el tiempo nunca hubiese pasado, para encontrarnos con una Medusa indiscutiblemente imprescindible. Dejemos que nos magnetice y nos encante con su mirada, ahora. El destino de ser transformados en piedra nos juega un revés a la tragedia griega. Al mirarla y deleitarnos con Medusa, nos seguirá asombrando y cautivándonos con su mirada sonora de ésta gran puerta que nos abrió hace tres décadas. Sin cerrarse, nunca.tragedia griega. Al mirarla y deleitarnos con Medusa, nos seguirá asombrando y cautivándonos con su mirada sonora de ésta gran puerta que nos abrió hace tres décadas. Sin cerrarse, nunca.-

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and always con Sisters of Mercy, Wayne en compañía del bajista Craig Adams empieza a labrar el camino con un disco poderoso y aguerrido ¿la medicina de Dios? ¿Las alas que le salen al alma para partir en un vuelo delirante y escapar de nuestros propios demonios? ¡Claro que sí! Desde el intro de Wasteland Con la famosa frase de “Sigo creyendo en Dios, pero Dios ya no cree en mí” Todo se torna en un grito de libertad pero no en contra de un sistema. En nuestra mediocridad buscamos culpar de nuestras tragedias a los demás, a las circunstancias, nunca escudriñamos en nuestro interior y el álbum Gods own medicine se encarga precisamente de eso. De alguna manera es como si una mano invisible, casi divina se posara en el hombro de uno para motivarlo a luchar y no desfallecer, para correr y enfrentarse a aquello donde otros corren espantados. El bajo hipnótico y obstinado de Wasteland soporta el peso de esta épica canción, definiendo la belleza de la pieza al interactuar con el cortante riff de la guitarra de doce cuerdas, la batería tribal y las atmósferas eléctricas. La producción del álbum corrió a cargo del señor Tim Palmer que trabajó con Gene loves Jezebel, Dead or Alive y la banda de David Bowie, Tin Machine. Colaboraciones de la cantante Julianne Regan de All About Eve en los coros de Severina, una canción llena de mucho misticismo con elementos del ocultismo sobre todo donde Wayne cita la frase de “El amor es la ley, amor bajo la voluntad” del libro de la ley de Aleister Crowley o Liber Al Vel Legis. La guitarra con una melodía bellísima que va más allá de todo tiempo y espacio como el gran clásico del Rock que es; me trae a la cabeza la belleza celta de The battle of Evermore de Led Zeppelin; de hecho John Paul Jones sería el productor del siguiente álbum de la misión: Children de 1988. Stay with me, otro gran clásico, una invitación a una entrega total bajo la luna de los guerreros, bajo la luna de los gitanos. Historias de otros tiempos que cobran vida bajo unos ojos alucinados en una potente ceremonia en compás de tres cuartos. Uno de los temas que más adoro es la versión de Garden of delight llamada aquí Hereafter. Originalmente la canción aparece en el disco The first chapter, en forma rockera, pero en la versión de Gods Own medicine viene con acompañamientos de instrumentos de cuerda mucho más desnuda, mucho más expuesta y un piano

que acentúa la belleza en la voz de Wayne Hussey. En alguna entrevista The Mission comentaba que no gustaba definirse como una banda de rock Gótico; pero que muchas canciones de su primera etapa terminaban siendo pruebas en su contra. Hay una constante en este álbum que crearía escuela en muchas bandas de sonido siniestro y son los intros y los finales de las canciones, la niebla, el vértigo, el uso y abuso de los feedbacks, un inmisericorde riff de sinte como en el caso de Island in a stream, una poderosa balada en guitarra de doce cuerdas, una canción redonda sin más. En cortes como Blood brothers se retoma la postura guerrera de canciones como Wasteland, al igual que en Sacrilege. La estructura tanto de los riffs como los arpegios de guitarra, combinan equilibradamente lo sublime con lo demoledor, es como si la banda tocase en medio de un santuario perdido. En Bridges burning el fuego sónico consume todo lo que se abre a su paso, Rock gótico en toda su apocalíptica belleza aderezado con los gritos que se difuminan en la pieza. El respiro viene en temas más introspectivos pero intensos como en el caso de la nostálgica Dance on glass: “Soñando colores, inundados de polvo Dulces sueños cubiertos de óxido Mirando el cielo, los fantasmas más gratos de ser vistos Es el momento de matar a este loco sueño Eres reverenciado Por tu trabajo con tinta y espejos Has renunciado Para traerme acero y poder…” Lo onírico se abre paso, damos el salto en un vacío de agua. Love me to death es otra canción con un bello intro de guitarra más tranquila sin dejar ese sonido Gótico de gran factura. Navegando e invocando fantasmas en una isla perdida en medio del mar helado. Let sleeping dogs die tiene una melodía de guitarra repetitiva en la cual la voz de Wayne se desdobla, aparentemente es un tema más tranquilo, pero es engañoso, evoluciona bajo la dinámica de lo suave /explosivo con bellos puentes de corte más melódico. En una reciente reedición del Gods own medicine en 2007 se han incluido remixes de Wasteland y Severina y una bella toma del intro de guitarra del

tema Love me to death. Un disco obligado del Rock gótico, puro, hermoso desde ese punto de vista que en lo oscuro la luz se torna más fuerte. Como adoro verlo yo. Grandes Wayne Hussey y Craig Adams.

La Onírica y La Histeria Soda Stereo - Signos (1986) [ Por César León ] Han pasado treinta años del lanzamiento de este álbum que seguramente sea una de las obras cumbres del rock producido en Latinoamérica. No es el álbum más vendido de la historia de nuestro rock ni siquiera es el más vendido de Soda Stereo. Sin embargo su contexto y cómo rompió el rock de nuestro continente a mi modo de ver le dan su sitio en la historia Signos es un álbum oscuro, que se puede clasificar de post new wave, post punk y hasta synthpop. Todos estos no son géneros mainstream para nada. Sin embargo el éxito que logró este

do rabioso de Spinetta. Sonidos que no fueron hechos para la

vinilo pocas veces se podrá repetir. Cargado de influencias van-

masa, Armonías no convencionales, giros musicales poco espe-

guardistas de Bowie, Police, Spinetta, Virus es un disco contra-

rados que crean progresiones hermosas pero que se disfrutan

dictorio. Con un sonido y líricas que le auguraban tan solo éxito

a la quinta vez que se escuchan y no a la primera como en los

en ciertos nichos de espectadores, se terminó convirtiendo en

territorios del pop.

uno de los álbumes que fue coreado por primera vez en todo el

El álbum sale con una carátula abstracta y en su dorso unas

continente. Previamente García, Mateos habían tenido relati-

pinturas surrealistas, no hay fotos de la banda, todo se deja a la

vo reconocimiento por fuera del cono sur pero por primera vez

imaginación. Y de eso creo se trata ese álbum y posiblemente

una banda era invitada a una gira continental con llenos en cada

Soda Stereo como concepto: de ir descubriendo ese halo poco

plaza (Argentina, Perú, Paraguay, Ecuador, Bolivia, Colombia,

a poco. Ante la claridad e inmediatez del rock roll habitual por

Costa Rica, Chile, México y Venezuela). Es muy extraño. Posi-

esos días en Latinoamérica, el post punk/new wave de Soda Ste-

blemente grupos más pop como Zas, con estrategias más co-

reo es un enigma que se degusta de a pocos

merciales deberían haber sido quienes asumieran ese rol. Pero

A mi modo de ver “Sin sobresaltos”, su primera canción es

la historia a veces es absurda y una banda nacida para las mino-

la menos concordante con la estructura del disco. Me atrevería

rías terminó siendo posiblemente la primera gran agrupación

a decir que es una sugerencia de los productores por tener una

mainstream de Latinoamérica.

canción que enganche el disco, es la más repetitiva y pop del

Signos es un álbum de líricas raras. Sus letras deambulan en-

disco completo. –Yo habitualmente la salto– El álbum para mi

tre visiones oníricas y surrealistas, que creo yo son más una es-

gusto comienza con esa maravilla lúgubre y sensual llamada

trategia astuta de Cerati por rimar las difíciles estructuras que

“El rito”, continuando con profugos, –este corte junto a Persia-

el español y sus largas palabras provee y que dificultan a la hora

na americana. Los singles del álbum que si bien son más corea-

de componer –Es mucho más fácil escribir para el inglés, sus

bles y hasta pop, tienen para la época un halo bastante profano.

cortas palabras caben y se acomodan como fichas de Lego en

El álbum se va adentrando en paisajes oscuros como “No exis-

cualquier frase, en nuestro idioma esto es diferente–. Así en-

tes” o “En camino”. Todo un laberinto de imágenes, fantasías

tonces es difícil entender el sentido de muchas de las letras del

y delirios. Las guitarras recuerdan a Echo and the Bunnymen

álbum. Tan solo un par de frases en cada canción parecen tener

en cuanto no tienen la estridencia clásica de los riffs distorsio-

un sentido reconocible. Eso ayuda al ambiente críptico del ál-

nados sino los dulces golpes de pedales más sutiles que casi se

bum, sumado a la música de Cerati y compañía que como decía

convierten en atmósferas.

antes es heredera del tristemente debilitado Virus o de Pesca-

“Signos” la canción que da el nombre al álbum es un ejercicio

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de rock progresivo o experimental. Con una guitarra sintética

nes oscuras. En fin la cotidianidad encantadora de la noche, lo

inolvidable que resume el álbum en casi 6 minutos, un piano

hacen perenne. Posiblemente fue concebido con muchas pre-

bohemio, letras bondage-crípticas. Posiblemente incomprendi-

tensiones artísticas –Canciones de cinco o seis pacientes minu-

das para muchos de los inocentes oídos de esa generación post

tos, versus lo habitual para la radio que son tres, más aptos para

censura. Era un despertar que sin el desparpajo y exageración de

intereses comerciales– y logró resultados económicos y socia-

las letras de la movida madrileña sonaban mucho mas elegantes

les más que notables sin proponérselo conscientemente. Como

más íntimas y lujuriosas

Disintegration de The Cure o Violator de Depeche Mode logró

El álbum termina perfectamente con un hermoso requiem

un espacio entre la Música para las masas. Es en definitiva un

llamado “Final caja negra” que como los otros temas siempre

álbum atemporal que se disfruta mucho cuando se deja tiem-

va “in crescendo” y soltando secuencias musicales potentisimas

po reposando, donde se descubren cada vez sonidos y detalles

que claro requieren más de una escucha para ser digeridas

nuevos. Uno de esos álbumes que con el estado actual de las co-

Signos tiene la particularidad de no envejecer, su estrategia de no habitar lo urbano ni lo “actual” que usa el rock convencional,

sas es mucho más vanguardista que cualquier cosa que se haga el día de hoy.

sino los velos del sueño, de los lechos oscuros y sus habitacio-

EL AMOR Y LAS MÁQUINAS SUENAN ASI And One - Bodypop (2006) [ Por Oriani_K ] En la segunda mitad de los años ochenta Steve Naghavi saboreaba el sonido que brotaban de los sintetizadores de la EBM y de aquel synthpop mágico y dominante de la época. Bandas como Depeche Mode, Front 242 y Nitzer Ebb habían delineado el camino que más adelante forjarían a la banda. Naghavi de origen Iraní junto a Chris Ruiz de descendencia hispana se conocieron en un club de Berlín en el año 1989. Contagiados por las ondas electrónicas de la época deciden darle

público, algo de la que puedo dar fe, y que tuve la oportunidad

vida a And One. Se valieron de un sintetizador y una vieja caja

de experimentar.

de ritmos para crear y experimentar; aquellos primeros pasos

En el 2006 lanzan quizás uno de sus mejores discos 'Bod-

no fueron nada fáciles pero significaron el preludio de una exi-

ypop', noveno álbum de estudio producido íntegramente por

tosa carrera.

Steve Naghavi. El disco se luce al lado de sus anteriores trabajos

La banda ha transitado por el synthpop y el EBM más elemen-

ya sea por la pulcritud de sus sonido como en el predominio del

tal, imprimiendo en cada uno de sus álbumes su sello caracte-

synthpop, además resulta muy notorio las marcadas diferencias

rístico. Desde 'Anguish', su primer álbum publicado en 1991,

con su disco antecesor 'Aggressor'. Un aspecto importante es

se percibe el arraigo hacia las raíces culturales de Naghavi que

la producción de los temas en dos idiomas (inglés y alemán).

amalgaman de forma admirable con la electrónica industrial.

Sonidos muy suaves y sintetizados, vibrante y por momentos

And One se mantuvo en la cresta de la popularidad dentro de

denso y oscuro en temas como 'The Dream', 'Dein Ende' y 'The

las bandas de electro pop alternativa, y su indiscutible calidad

Sound of Believer'. Existe un balance placentero en el paisaje

tanto fuera como dentro del escenario los elevó al nivel de estre-

sonoro del disco. La influencia de Depeche Mode se deja escu-

llas del pop europeo, mitificándolos en los confines de la escena

char sobremanera en 'Enjoy the Unknown, pero manteniendo

electro industrial gracias a su influencia viva dentro del género.

siempre el horizonte y la firma de la banda.

su performance en los escenarios ha sido uno de los aspec-

Cada uno de los doce cortes destaca sobre el resto, sorprende

tos más apreciados pues se agradece la simbiosis entre artista y

su homogeneidad, los arreglos instrumentales y la calidad vocal

de Naghavi en temas como 'Traumfrau'. De este disco se desprende uno de sus mayores éxitos, el ahora clásico 'Military Fashion Show' una muestra de su ascendencia synthpop, y con el sello inconfundible que los ha marcado en la escena. 'So Klingt Liebe' es pura sofisticación, energía y un coro tan melodioso y penetrante que podría derretir témpanos de hielo. Las sensaciones que dejó en los fanáticos la salida de este disco fue luminosa, puesto que muchos no esperaban esta especie de reinvención del synthpop, dejando atónitos a quienes pensaron que ya lo habían escuchado todo. Sin duda Bodypop aumenta los sentidos y te conduce a un estado de ánimo festivo.

REIVINDICANDO EXQUISITECES Paula Cole - This Fire (1996) [ Por Pablo Ravale ] cuestionan los roles masculinos frente a los femeninos, en un momento en que el concepto de masculinidad tal y como lo entendíamos, comenzaba a cambiar. A pesar de contener un buen puñado de canciones excepArtistas de culto con carreras irregulares los ha habido y los

cionales, este álbum sólo tuvo dos cortes más. El siguiente fue

habrá siempre dentro del difícil y competitivo mundo de la mú-

la bella balada “Me”, y el tercero “I Don’t Want To Wait”, un

sica. Hoy quisiera hablar de una artista atípica. Alguien que nos

tema que siempre será recordado por ser la cortina de una de

regaló uno de los mejores álbumes de la década de los 90 y de

las series juveniles más emblemáticas de aquella época: Daw-

la que se esperaba muchísimo más de lo que nos dio después.

son’s Creek

Aunque eso, bueno… quizás sea una cuestión de lecturas.

Como fuere, no hay ningún tipo de objeción para hacerle

Hablar sobre Paula Cole es hablar de This Fire (1996), uno

a estos tres temas. Sin embargo, lo que más impresiona de este

de esos discos que representaba la excelente salud de la música

álbum son, primero, esos golpes de piano, bajo (cortesía del

por aquel entonces y que si echamos la vista hacia atrás nos re-

bueno de Tony Levin) y batería contundentes –casi disarmóni-

cordará que hubo verdaderas joyas icónicas grabadas por muje-

cos en “Throwing Stones”, pero que de algún modo reflejan “la

res a principio y mediado de los 90 (To Bring You My Love de

marca de la casa” que tanto hemos echado de menos en trabajos

PJ Harvey, Boys For Pele de Tori Amos, Homogenic de Björk),

posteriores– y, segundo, esa voz increíble, rabiosa, encendida,

y, sin dudas, This Fire fue una de ellas.

súper-afectada, llena de emociones y de matices.

Antes de darse a conocer como corista de Peter Gabriel,

“Throwing Stones” podría decirse que contiene la letra más

Paula había arrancado de la mano de un muy bueno, aunque

explícita del disco, a causa de sus varios improperios e insultos

desconocido disco debut llamado Harbinger (1993), el cual pa-

(sus “shit”, “motherfucker”, “bitch”, “fuck”). No obstante, no es

reció haber captado la atención de nada más que el ex-vocalista

vociferando palabrotas que Paula consigue estremecer al oyen-

de Genesis.

te en canciones como “Tiger”, “Carmen”, “Mississippi”, “Niet-

Harbinger fue re-lanzado por Warner Bros., la discográfi-

zsche’s Eyes” o Feelin’ Love.

ca con la que grabaría This Fire dos años más tarde, y tuvo una

Una de las colaboraciones de lujo del álbum vino de la

otra oportunidad tras el éxito de su segundo disco; por lo que

mano del propio Peter Gabriel en un dúo apabullante titulado

se puede decir que la mayoría de las copias que se vendieron de

“Hush, Hush, Hush”.

ese álbum se hicieron a raíz de la repercusión que generó su segundo disco.

This Fire obtuvo siete nominaciones al Grammy. Pero sólo consiguió el de “Mejor artista revelación”. Paula fue nominada

This Fire llamaba la atención desde su portada con esa

también en la categoría de “Producción del año” y se convirtió

mujer desnuda columpiándose entre brasas. Y su contenido fue

en la segunda mujer de la historia nominada en esa categoría,

exactamente igual de inquietante. La carta de presentación fue

ya que recordemos que compuso y produjo el álbum, algo que

“Where Have All The Cowboys Gone?”, un alegato feminista

suscitó unas expectativas altísimas con respecto a lo que sería

para algunos, pero al que yo considero más bien como un ale-

su carrera posterior.

gato personal, como una suerte de mirada crítica en la que se

Exquisitez.

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¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

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Duran Duran Notorious & White Negroni

Duran Duran - Notorious (2006)

[ Por Maxx Wilda ]

Luego de las incursiones bipartitas de los miembros de Duran Duran en 1985 (Arcadia y Power Station) y la partida de dos de los tres Taylors de la banda, era momento de volver. Pero esa vuelta de 1986 no sería la misma, ellos no eran los mismos, algo estaba por cambiar, necesitaban una vuelta de

suena a DD, orch hits, coros con capas, para pavonearse entre

tuerca. Una buena llave (ni inglesa ni francesa) haría el trabajo:

postes en el dancefloor (para los que saben). Vuelve la manito

Niles Rodgers (Chic), sumado a una mano de obra, a mi crite-

de Niles para “So Misled”, vocalmente exigido, pero nada que

rio de lujo: el guitarrista Warren Cuccurullo (Missing Persons).

Simon no pueda resolver con su amplitud, a diferencia de los

Es así que para meterme en este trabajo del ’86 elegiré como

otros, un poco más pelado de instrumentos, pero no de recur-

compañero al White Negroni (partes iguales de Gin, Aperitivo

sos. Puro Duran Duran para “Meet El Presidente”, tiene todo

Bianco y Aperitivo Americano, con un twist de pomelo), una

para un hit de la época! Y no lo fue (#70) habiendo salido como

vuelta de tuerca de un clásico.

single (con remixes) luego del álbum. "Winter Marches On" es

Al clamor del nombre y con un clásico y livianito riff de Niles

casi un infaltable, casi conceptual, despojado, etéreo, para res-

comienza “Notorious”, al homónimo no le falta nada, vientos,

pirar y finalizar con otro White Negroni y “Proposition”, para

una bassline a la altura de John y el sello vocal perfecto de Si-

mi uno de los mejores y casi marcando lo que vendría después

mon. “American Science” es un tema duranesco pero los toques

en la vida musical de la banda.

funk lo modernizan, los solos atrás (poco común en la banda)

Es indudable que en este disco la vuelta de tuerca fue riesgo-

le dan un toque sofisticado, tanto como sus nuevos cortes de ca-

sa y difícil de digerir para los fans acostumbrados a otro Duran

bello. Llega, junto con un nuevo White Negroni, “Skin Trade”,

Duran, inclusive estéticamente. Pero es indiscutible la calidad

supersexy por donde se lo mire, para bailar pegados, firme e

de productor de Rodgers, que sin desfigurar una banda puede

intenso; este tema es la respuesta a por qué no se puede bailar

dejar su firma irreconocible. Cuccurullo estaría por varios años

lento un tema de 90 bpm (aprox), inclusive con los cortes. “A

más, aportando algo bien diferente a lo de Andy Taylor pero no

Matter of Feeling”, un tema menos británico, DX7 por doquier,

menos efectivo. Esta lavada de cara del 86 es un muy buen dis-

algo para Nick. Sube la intensidad, guitarras para “Hold Me”,

co con una no tan buera repercusión en la época, pero algo se

estructura clásica de la época, parece despegar pero no, ¿será

incubaba y explotaría en dos años… sumo el último White Ne-

un preludio para “Vertigo (Do the Demolition)”? ¡Sí! Este tema

groni para repetir el primer track y ¡Salud!

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New Zero God | Short Tales & Tall Shadows Label: New Zero God Self-released Fecha de Lanzamiento: 15 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Esta banda de Atenas (Grecia) ha lanzado un nuevo álbum, y dado la cantidad de nuevas producciones que se lanzan al mercado, nos ha quedado un poco relegado esta reseña. Cumpliendo los diez años de la banda del ex Flowers Of Romance, Mike Pougounas, acompañado por Harry Stavrakas y B.B. Romeo (también de Flowers Of Romance) y Akis Nikolaidis. Han regresado con un álbum que marca un cambio de rumbo pero siempre dentro del gothic rock. La apertura con "King Pest The First" nos introduce en un ambiente claustrofobico, pero fascinante. Puro rock con algo de glam en el estribillo "Deadly Dollhouse", es un recitado muy a lo Merciful Nuns pero son el tono apocalíptico sino más bien como un cuento narrado por Christopher Lee. "Garden Of Mazes", comienza muy lúgubre y la guitarra comienza a dibujar el ADN del gothic rock, mientras la profunda voz nos penetra, y él ritmo nos lleva hacia la eternidad. "Cloud Of Dreams" y "Shut Up" nos lleva por una nocturna pra-

dera en medio de una tormenta, puro gothic rock, el eterno gothic rock. "Down The Rabbit Hole" espesa profundidad con pocos artilugios sonoros, la voz es simple y segura para lograr este efecto, cuando entra el ritmo la canción no pierde profundidad. "My Reaper", "Bastards", "She’s Electrified" son canciones imposibles de separar, una va encadenándose a la otra en un trio de rock gótico clásico. Y el álbum se cierra con la ambiental y experimental "Ouroboros". New Zero God nos ha regalado un álbum intenso.

Carmen | Carmen Label: Carmen Self-released Fecha de Lanzamiento: 16 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Es cierto que el aluvión de bandas argentinas que editan sus primeros álbumes va en aumento y esto hace que el crecimiento de un universo de bandas vayan apareciendo algunos meses después de la salida de dicho álbum. Carmen es una de esas bandas. Con su primer lanzamiento en marzo recién hemos llegado a conocer de su existencia. Carmen es un dúo que mezcla el Dark wave, post punk, y el synth pop. El dúo formado por Pablo Spektro y Daniel Martinotti nació en el 2013, y recién este año editan su homónimo álbum debut de trece canciones, número cabalístico si los hay. Lo cierto es que Carmen desparrama en sus tracks una amalgama de sonoridades atrapantes que, más allá de tener un ritmo incesante

con tintes oscuros, nos hacen bailar y disfrutar de un producto compacto y pensado. La versión del clásico "Triángulo de amor bizarro" de New Order más que un homenaje es una declaración de principios. Una

puesta sobre la mesa de sus cartas, somos latinos (por el idioma de la versión) y porque nos gusta el electro clásico pero oscuro (recordar que New Order fue Joy División) y es algo que se escucha a lo largo del álbum. Pueden conseguir el álbum en su bandcamp, http://carmenoficial.bandcamp.com/

Speed of the Stars | Speed of the Stars Label: Red Coral Records Fecha de Lanzamiento: 03 de Junio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Este es un álbum que se ha iniciado en los años noventa, un proyecto del frontman de The Church, Steve Kilbey y Frank Kearns (Cactus World News). La historia de esta colaboración cuenta, según sus protagonistas, de una colaboración que quedó trunca en aquellos años, y que Frank encontró en sus archivos hace muy poco tiempo y decidieron terminarlo. Y como han gastado mucho dinero en este trabajo, han solicitado la ayuda de los fans por medio de la plataforma... Once bellísimos tracks en donde es indudable que el sonido etéreo, dulce y elegante viene bajo la manga del gran Steve. Y su voz profundamente bella y deliciosa hace que las canciones tengan una lumi-

nosidad única. Un trabajo para sentarse buen cómodo y relajado y disfrutarlo de principio a fin, sin alteraciones. “Speed of the Stars” es álbum simplemente placentero, con mucha luminosidad.

Sexores | Red Rooms Label: Coypu Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Julio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Esta banda de Barcelona (España) ha editado un EP hermoso, que sería el primer trabajo desde la edición de "Historias de Frío" (2014). "Amok & Burnout" fue su debut en (2011). "Red Rooms" Lanzado en cassette y en digital, es una carga emotiva de dreampop sutil y armonioso. A sus integrantes se los menciona bajo números así que todo lo relativo a información sobre la banda se cubre bajo un manto de incógnitas, sólo en sus fotos podemos ver que se trataría de un trío de dos chicas y un hombre. La dulce y embriagadora "Sasebo" abre el EP con una armoniosa melodía finamente adornada con paisajes brillantes, una instrumentación que sirve de base para que la voz se eleve de manera preciosa. "Sea of Trees", sigue en este viaje llamado "Red Rooms". Una canción más

rítmica pero sin perder esa cuota de luminosidad y calidez. El trabajo de las teclas es fabuloso, manteniendo, casi imperceptible por momentos, el hilo conductor de la melodía principal que está en la voz,

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que hipnotiza. "Me and the Void" es la tercera luminosidad de este EP. Un track que nos va envolviendo a medida que avanza, y nos prepara para la más dura de este trabajo, "U.S.S.R. Girls", con un sonido que recuerda a Curve. "Daywalkers" nos atraviesa con su brumosa belleza y nos deja listos para la última can-

ción "Loner" que es una ambientación instrumental relajada y monótona que es buen cierre pero que poco tiene que ver con las anteriores canciones. Un trabajo formidable de los españoles Sexores.potenciado a Pig.

The Eight | Missing Parts Label: Hidden Vibes Fecha de Lanzamiento: 25 de Julio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Realmente no conocía la banda y debo decir que me llamó la atención su portada. Al poner el álbum y escuchar los primeros acordes de "moom" simplemente quedé hipnotizado. Puro hipnotismo, pura brillantez, etéreo y difuso, crepuscular y somnífero. Es para sentarse, cerrar los ojos y mirar hacia dentro. Las construcciones se solidifican en el tiempo, lentamente se pierden las formas y todo queda lánguido, sin límites, etéreo y se cristalizan en gotas de rocío que caen como mantras canción tras canción. Max Dankevich logra introducirnos en un mundo sereno y nos convence que las largas y verdes llanuras están escondidas debajo de la neblina brillante de una fría tarde de otoño. Ocho tracks más un bo-

nus track confirman en este bello Missing Parts, que hay maravillosos mundos por descubrir aún. The Eight es un proyecto del guitarrista Max Dankevich de Kiev, Ucrania.

Hypnopazuzu | Create Christ, Sailor Boy Label: House of Mythology Fecha de Lanzamiento: 26 de Agosto de 2016 [ Por Alejandro Cenizacromada ]

En Hypnopazuzu convergen dos grandes, por un lado David Tibet de Current 93 y por otro Youth de los legendarios Killing Joke. Nos encontramos ante un disco fascinante, escuchamos a un Tibet más enfocado en el canto, cosa rara, con Current 93 su enfoque vocal se centra más en recitar sus fascinantes composiciones. Aquí cantando no pierde su aura obsesiva y cortante. Por su parte Youth da rienda suelta a toda su creatividad, atmósferas de carácter religioso muy bien trabajadas. Create Christ, sailor

boy es un álbum heterogéneo, tiene componentes

de música tribal, sacra, mucho ambient, mucho incienso. La dulce Sodoma cantándole al sexo de las estrellas. Sería fantástico ver en Current 93 una evolución por este corte. Hipnopazuzu se convierte en una importante pieza dentro de la obra de este par de grandes músicos. Me trae a la mente otra colaboración gestada por otros dos grandes: Eduard Ka Spel (Legendary pink dots) y cEvin Key (Skinny Puppy) bajo la encarnación de The tear garden.

Horacio.nuevatemporada | La Física de lo Posible Label: Horacio.nuevatemporada Self-released Fecha de Lanzamiento: 22 de Septiembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

"La Física de lo Posible" es un viaje encantador que nos propone la banda, surcando paisajes sonoros tan dulces por momentos, como tormentosos en otros. Una travesía por mundos tan lejanos y a la vez tan amenos. La dulzura de canciones como "Contemplando" rompe en una corriente furiosa shoegaze desde sus dos guitarras, que, como vientos estruendosos, llevan la canción a otro estado. Sí. Horacio NuevaTemporada es una banda de guitarras. La oscuridad casi somnolienta de "Prueba" se ilumina por los aportes de las guitarras que junto con la voz de Bella airean y alivianan esa carga que trae la canción. El EP se completan con dos bonus tracks grabado es vivo, y pertenecen a la etapa anterior de la banda.

Horacio es una banda que tiene todo lo que tiene que tener una banda shoegaze y con elegantes tintes de dreampop, pero que su carga guitarrística es la creadora de esos paisajes, por momentos difusos y en otros estruendosos, que hacen que Horacio sea un viaje único y mágicamente vibrante.

The Dillinger Escape Plan | Dissociation Label: Cooking Vinyl Fecha de Lanzamiento: 14 de Octubre de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

El atraco final. Coincidiendo con el vigésimo aniversario de su nacimiento, The Dillinger Escape Plan dicen adiós con un disco –el sexto– y una gira de despedida que termina por confirmarlos como una de las bandas decisivas de su generación. Cierto es que les quedaba poco por ofrecer y demostrar, siendo sus dos últimas entregas –los notables Option Paralysis (2010) y One Of Us Is The Killer (2013) – las más redondas de todas. En este recorrido final, el quinteto de Nueva Jersey retoma parte del sonido –técnicamente hablando– del mítico Miss Machine (2004), y cierran el círcu-

lo con un trabajo en el que apelativos tan corrientemente aplicados a su propuesta (“esquizofrénico”, “matemático”, “retorcido”, “enfermo”) alcanzan

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un nuevo nivel. Como si de un réquiem se tratase, la atmósfera oscura que planea durante toda la placa –más que palpable en cortes como la pausada “Symptom Of Terminal Illness”– sirve de perfecto hilo conductor para salvajadas impecablemente construidas como “Manufacturing Discontent”, “Honeysuckle” o la inicial “Limerenth Death”. Sin embargo, es en piezas como “Low Feels Blv.”, in-

fluenciada por el free jazz, o el tema homónimo que da título al disco (originalmente construido sobre un loop de percusión) en donde llegan a poner a prueba, una vez más, su capacidad de reinventarse. Quizás sea ése el gran acierto de un trabajo que, además de conciso, destaca por hacer de lo imprevisible algo verdaderamente excitante y necesario. Como para no extrañarlos…

David Bowie | Lazarus: Original Cast Recording Label: Decca Fecha de Lanzamiento: 23 de Septiembre de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

Que las discográficas aprovechen la muerte de un artista para seguir editando material no es nada nuevo. Pero con David Bowie, una vez más, las reglas naturales no aplican. Parecería haber una especie de plan maestro detrás de estos lanzamientos, una manera en que el artista extiende su vida más allá del plano mortal para seguir enriqueciendo nuestra experiencia terrenal. El segundo CD de este set empieza con “Lazarus” de Blackstar y luego incluye tres de los últimos temas grabados por Bowie en dichas sesiones. Juntos, los cuatro temas son una carta desde el más allá, lo que Alan Moore llama “upstairs” (en su novela Jerusalem, casualmente editada este año,) donde Bowie reflexiona sobre su libertad final (“Lazarus,”) sobre todo lo que lo define como individuo (“No Plan,”) sobre la siempre presente oscuridad (“Killing a Little Time,”) y sobre cómo, aún muerto, se vuelve a enamorar (“When I Met You.”) El primer disco es la banda sonora del musical de Bowie, Lazarus, grabado por el cast el 11 de Enero de este año, un día después de su muerte. Estamos hablando de un set que empieza con “Lazarus” e

“It’s no Game” y termina con “Valentine’s Day” y “Heroes,” e incluye a “Changes,” “Love is Lost” y (¡por Dios, sí) “Absolute Beginners” como parte de la misma secuencia: se trata de la grand narrative de la obra de Bowie, canciones extraídas desde 1970 hasta el 2016, presentadas de tal forma que sus ejes temáticos y mensaje final se entiendan con una claridad reveladora. Es la muerte, la perdición y el eventual triunfo, por más efímero que sea, del amor. Es Bowie haciéndonos sentir vivos aún después de su muerte (la intro a capella de “Absolute Beginners” me emocionó hasta las lágrimas.) Ampliamente recomendado para cualquier criatura parcialmente humana.

Helmet | Dead To The World

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Label: earMUSIC Fecha de Lanzamiento: 28 de Octubre de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Helmet es otra de esas valiosas bandas aparecidas en década del 90, uno de los máximos referentes de una movida que tan bien supo combinar los poderosos riffs del metal con la actitud y crudeza del punk, dando como resultado una contundente propuesta de metal alternativo, aunque Helmet se mostraba mucho más experimental e inquieto que otros colegas como para ser encuadrado excluyentemente bajo el término de crossover o hardcore-metal. Tan interesante resultaba la propuesta de Helmet para la época, que luego de su debut Strap It On (1990), editado por Amphetamine Reptile Records, terminaron siendo fichados por la multinacional Interscope, sello que editaría su obra cumbre Meantime (1992), y posteriormente el también increíble Betty (1994) y Aftertaste (1997), cosechando un importante éxito de ventas también. La música de Helmet gira en torno a Page Hamilton, único sobreviviente de la formación original, guitarrista líder, vocalista y principal compositor de la banda, un músico que a pesar de haber sido instruido inicialmente en las huestes del jazz se volcó finalmente al metal, hecho que se agradece, ya que si no nunca podríamos haber disfrutado de esta contundente música, que ofrece una notable colección de machacantes riffs, que nos aseguran un ininterrumpido headbanging. Con Dead To The World, su octavo álbum de estudio, y después de 6 años de silencio, Helmet regresa a lo grande, rescatando en parte el sonido de Size Matters (2004), ya que contaron otra vez con Jay Baumgardner en la producción. Para arrancar, tenemos “Life Or Death”, una joya que contiene absolutamente todos los ingredientes que hicieron de este grupo, es decir, desnucadores riffs (cortesía de Hamilton y Dan Beeman), absolutamente heavys, corrosivos y penetrantes, potenciados por los crudos tonos de la voz de Page, y esa base rítmica atronadora (David Case al bajo y Kyle Stevenson en batería). Le sigue “I ❤ My Guru”, inicio pletórico con un riff setentero muy logrado que es el eje del tema,

luego se da un cambio de ritmo para meter el groove nuevamente, las voces en este corte son más agresivas y ayudan a darle ese aire de épico, lleno de mala leche, un estilo que me recuerda bastante a los tonos de Page de la era de Meantime. Por cierto, buena base rítmica que va metiendo distintas fases en el tema. “Bad News” contiene un estilo más comercial, aunque nunca dejando de ser machacón y groovero. De lo más punk y pegadizo de la placa. Delicioso el solo. “Red Scare” es una canción más ajustada en las bases, con suficiente actitud y la necesaria contundencia para que te cale hasta los huesos. De nuevo, la labor de los solos es excepcional. Un tema de tinte muy agresivo y sucio. “Dead To The World” se impone un ritmo de batería y bajo muy penetrantes. Luego un riff oscuro y voces limpias, preparando la explosión, cambio de ritmo y riff. Buen trabajo de guitarras y sonidos truculentos, en plan más rock alternativo. “Green Shirt” (cover de Elvis Costello) continúa la línea del anterior tema, pero con un bajo más presente y un ritmo más enlentecido. “Expect The World” es un tema de groove metal, con un solo distorsionado y un estribillo donde Page gruñe y le echa más caña al fuego. Aplastante. “Die Alone” empieza con un riff muy filoso y machacante, y luego, nuevamente, explota en voces agresivas y un solo agónico que pone la puntilla a un tema bastante tenebroso. “Drunk In The Afternoon” es un medio tiempo con groove a tope y bastante estridente. Otra vez la base rítmica una auténtica pared. “Look Alive” es el tema más stoner, más fumón, y por una vez

buscan un poco la melodía, algo que apenas se da en el disco. O por lo menos, no de forma netamente clara. Cierra el álbum la versión slow de “Life Or Death”, la cual, bajando en velocidad, pareciera que adquiere mayor intensidad. Sublime. En definitiva, otro bombazo del cuarteto de Nueva York. Esperemos que el próximo disco no tarde tanto en llegar.

TheUse | On My Deathbed/ Journey to Truth Label: Aagoo Records Fecha de Lanzamiento: 04 de Noviembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

En el número anterior hemos entrevistado a la inquieta Rachel Mason y en este caso aparece acompañando en el primer track de este single a la banda del neoyorkino Michael Durek, TheUse. El primer track podemos escuchar la sensual voz de Rachel en una canción con altos de electrónica a lo Bjork, una canción que se vuelve intensa y la base se endurece con secuencias. Basada en un poema de Xu Lizhi, un trabajador de FoxConn en China (entre los productos fabricados por esta empresa destacan el iPhone, iPad, PlayStation 4, Xbox 360.10 y las cámaras GoPro). Pero esto no significaría mucho si no se trataría de un eslabón de una cadena de suicidios que jóvenes que trabajan explotados en la empresa. En 2014 Xu Lizhi se suicidó y dejó unos cuantos poemas sobre la rutinaria vida en la fábrica, y sus amigos tradujeron sus textos al inglés y lo subieron a la Web. En este caso, “En mi lecho de muerte” es el último poema que escribió, la última noche antes de arrojarse de la ventana de su habitación. Xu

termina el “Estaba bien cuando vine, y bien cuando me fui“. Las ganancias que obtenga la canción serán donadas al “China Labor Watch” una organización que defiende las condiciones de trabajo en China. El segundo track tiene mucho de krautrock con mucho de experimental, el theremín se utiliza de manera brillante, mezclado con la electrónica y la ejecución de la tabla hindú, lo que da como resultado un track bastante experimental. Dos tracks que poco tienen que ver uno con el otro, por lo cual nos queda la expectativa de ver que nos trae en su próxima producción.

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Silent Island | Equals Label: Silent Island Self-released Fecha de Lanzamiento: 08 de noviembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Muchas veces al sentarnos a escuchar un disco que se sabe instrumental, tal vez por pereza o simplemente por miedo al aguantar dos o tres tracks sin voz, puede hacer que perdamos joyas y queden relegadas a un aviso fortuito de alguien cercano que nos diga lo contrario. Ahora es el turno de este proyecto de Hungría que ha lanzado este EP debut de cinco bellísimas canciones. Guitarras que dibujan paisajes tan etéreos y profundos que nos transportan a un viaje interno en donde encontraremos una calma que seguramente no sabíamos que teníamos en nuestra mente. Los cinco tracks nos llevan a través de un remanso cristalino al ritmo de una primavera floreciente. Dejando que toda la ansiedad del día de ciudad se desvanezca antes de que termine

"Harbour", el primer track. Y nos sumerge en un fluorescente mundo sonoro de ensueños, que culmina en un cielo sureño (Southern Sky). Fantástico trabajo soundscape.

Nick Cave & Warren Ellis | Mars (Original Series Soundtrack) Label: Milan Records Fecha de Lanzamiento: 11 de noviembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Marte es una serie de ficción que cuenta la historia de la primera tripulación de astronautas en una misión a Marte en 2033. La serie de de televisión del canal National Geographic está dirigida por Everardo Gout y producido por Ron Howard y Brian Grazer y saldrá al aire el domingo 13 de noviembre. Nick Cave y Warren Ellis han demostrado que juntos trabajan de manera excelente en lo que se refiere a OST (bandas sonoras), y ya podemos hablar de una carrera de este dúo que tiene muchos trabajos en su haber. Las trece canciones que forman este trabajo son de la gama de sonoridades ambientales pero espaciales, obvio que la serie es del espacio, pero tranquilamente podemos olvidarnos de eso y escucharlo como un álbum melancólico y ambiental. Sonoridades calmas y por momentos etéreas, con un alto contenido de oscuridad como en

las canciones "Para Theme" o en "Life On Mars", que son las únicas de Cave canta. Hay momentos de piano, hay momentos de violines, hay momentos de oscura electrónica, hay momentos de claustrofóbica oscuridad. Fascinante viaje, a Marte por supuesto. El soundtrack ya está a la venta en Amazon e iTunes a través de Milan Records. Y disponible en Spotify.

Rachel Mason | Das Ram Label: Cleopatra Records Fecha de Lanzamiento: 18 de Noviembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuestra entrevistada en el número anterior ha lanzado lo que en la entrevista era el eminente álbum, aquel que su primer corte fue "Tigers in The Dark". Y si pensaban que el álbum iba a ser en esa temática sensualmente oscura, al escuchar la canción que abre el álbum, "Roses" tiene un aire a Siouxsie, algo que ya le habíamos encontrado en su primer corte, este track más suave pero con momentos enérgicos en el estribillo. "Heart Explodes" este track tiene algo de "Tiggers..." un hermoso track, aunque no se pierde cierta referencia a la dama del hielo. "Sandstorm" tiene un gran trabajo estructural, que va metiéndonos obligatoriamente en la locura que nos propone Rachel. Es hora de recordar el track que sirvió de adelanto al álbum, "Tiger in The Dark" y volvemos a caer en su embrujo, y danzamos al compás que ella quiere. "Marry Me" es sorprendente la soltura con la que Rachel lanza una melodía vocal preciosa sobre una base instrumental que nunca apoya a la voz, pero que ella hace que sea una para la otra. Sorprendente. "Queen Bee" se alza como la

previa al final, regalándonos una preciosa obra en la que la voz vuelve a ser la estrella. El ambiente de va volviendo arremolinado, pero llega la voz de Mason para rescatarnos. "Cancer", nos recibe con una experimental y agresivo track que sin ser un hardcore tiene mucho de punk, aunque con dosis de sucia electrónica. Y los cortes eclécticos marca registrada de Mason. "Heaven" nos trae el final con una rítmica sensual y en donde nos moveremos mientras el disco se va yendo en las voces de esta artista que es diferente, sensualmente diferente a lo escuchado antes. Gran trabajo.

Chore | The Coastaline Fire Label: Label Obscura Fecha de Lanzamiento: 18 de Noviembre de 2016 [ Por Diego Centurión ]

"The Coast" abre un álbum que se ha grabado hace más de diez años (2002), y que se ha remasterizado y para su reedición en vinilo, el álbum original contaba con once canciones pero para esta reedición sumaron hasta dejar un álbum de dieciséis canciones. Pero la banda canadiense ya está separada y sus miembros se encuentran en distintos proyectos. Pero el sello ha decidido rescatar este trabajo y actualizarlo. El sonido de lo que fuera su tercer y último trabajo va por los carriles sónicos de bandas como Helmet o hasta Fugazi. Un rock alternativo como mucha distorsión comprimida y potente. Las canciones tienen un sonido prolijo y contundente típico de las bandas de esos años, todo muy depurado y pensado (sobre todo ensayado). Las cinco canciones agregadas a la edición original, son tres cancio-

nes inéditas grabadas poco antes de la disolución, más dos versiones excelentes como "Behind The Wheel" de Depeche Mode y "Subspace Biographies" de Robert Polard de Guided by Voices. Un álbum que pasó desapercibido por argentina y el resto de Latinoamérica y que es de esos discos que tiene el sonido de una época y está bueno rescatarlo.

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DERECHO DE PISO

SUPER SUPER DUB STATION PIES DESCALZOS EN LA ARENA Y TONELADAS DE REVERB [ Por Marina Cimerilli ]

“Nos juntamos bajo el lema Lo que no se baila se pierde”, sentencia Marcelo Borrello, uno de los artífices de esta amigable bocanada sonora que es Super Super Dub Station. Como su nombre lo indica, el proyecto coquetea bien de cerca con este género musical hermano de sangre del reggae, al tiempo que le inyecta también una estructura más propia del formato canción. El origen espiritual de Super Super se remonta al año 2008, época en la que Marcelo giraba por Europa como acordeonista de la banda de música balcánica Nora Luca. Después de dar un show en el Fussion Festival y mientras paseaba por las inmediaciones, quedó hipnotizado con la performance de la banda dinamarquesa Bo Marley, la cual consistía en cuatro integrantes bajo una sombrilla en una mesa repleta de sintetizadores, un vocalista que vestía un traje de neopren azul y rojo, y mucha gente alrededor bailando descalza sobre un claro de arena al ritmo aletargado del dub. Así las cosas, Marcelo regresó a Buenos Aires y el agua siguió corriendo bajo el puente. Habiendo abandonado las filas de Nora Luca, se avocó con mayor exclusividad a Sé Pequeño, su proyecto folk-canción con el que ya lleva editados al día de hoy dos discos de estudio y un EP. Le siguieron una serie de presentaciones en vivo y grabaciones de videoclips, hasta que en 2014 llegó el momento definitivo de acercarse a los sintetizadores y evocar aquel viejo sonido. Con Sebastián Souza (su entonces compañero en Sé pequeño) como aliado en la travesía, comenzaron a convocar gente para intentar, finalmente, darle forma a un proyecto musical orientado al dub. Uno de los que aceptó el desafío fue nada menos que Sebastián Kramer, ex guitarrista de Jaime Sin Tierra, y lo que inicialmente comenzó como una búsqueda experimental derivó en una serie de tocadas maratónicas altamente productivas. De allí surgió “EP1”, el primer trabajo bajo el nombre de Super Super Dub Station que consta de 5 tracks, y para el 2 do EP, “Versiones”, se sumó Federico Dopazo (Tobogán Andaluz) en el bajo, arrimando el proyecto a un formato de banda. Sin embargo las presentaciones en vivo tienen como sello propio la continuidad sonora propia del DJ set, y es en este contexto donde más fuerza cobra la premisa del comienzo, aún sin trajes de neopren ni claros de arena alrededor: lo que no se baila, se pierde. Bandcamp: https://supersuperdubstation.bandcamp.com/ Facebook: /SUPERSUPERmusic

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