Revista The 13th Número 35 by Revista The 13th

The13th AÑO: 3

NÚMERO 35

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Alex Bretto

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jiménez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Literatura ]

Erick R. Vieyra

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Gabo Rojo

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Marcelo Simonetti

Jefe de Departamento de Literatura:

Max Wilda

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Jefe de Departamento de Música:

Esteban Galarza

Diego Centurión

Ricardo Padilla (Oriani_K)

[ Fotografía ]

Darío Martinez

Nazarena Talice, Lily Moonster,

REDES SOCIALES:

Patricia Claudia Fiori

Johannes Rossini., Ishtar Astarté.

Luca Nicolás Centurión Mogilner

Marina Cimerilli

Julieta Curdi.

Pablo Müllner Benjamín York COLABORAN EN ESTE NÚMERO Noelia Rodriguez. Claudio Kolbert. Nadia Guzmán

CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Marzo, 2017

Nos encanta decir que tenemos un nuevo número en nuestro haber. Lleno de novedades, entrevistas, shows, reseñas, redescubrimientos, y todo lo que nos gusta brindarles. Entre las novedades empezamos con la portada, nuevo artista que nos acompaña a partir de este número, ARMS. Un artista cultor de la pintura neo psicodélica, palabra que suele estar presente en nuestras páginas. Al final de la revista tenemos la presentación de este artista. La obra que nos cedió lleva el nombre de "La Puerta" y es una invitación a que la abran y se encuentren con este nuevo número de la revista The 13th. En las entrevistas tenemos unas jugosas entrevistas a Neville Staples, quien es reconocido por ser parte de The Specials, pero con motivo de la salida de un nuevo álbum de su etapa fuera de la banda icónica, nos comunicamos para hablar con él. Pero también nos engalana la posibilidad que tuvimos de entrevistar a gran John Fryer, reconocido productor de grandes discos que nos encantan, pero esta vez abordamos una faceta de músico con su nuevo proyecto Black Nedled... Otra entrevista pero esas que hacemos para presentar nuevas bandas, en este número nos acercamos a una banda inglesa llamada Control of The Coil?. Pero como siempre las bandas locales tienen su espacio y dos bandas han sido entrevistadas, El Zar y Desintegración, dos bandas que presentarán sus álbumes en esta semana, de ellos y de su historia hablamos con ellos. Presentamos una nueva banda llamada Budapest. Tenemos el agrado de presentarles un nuevo Ciclo en el que la revista participa de forma intensa, Ciclo Entrepisos, que va relacionado con la sección "Entrepisos Radio", y en el cual participan integrantes de todos nuestros departamentos. Como siempre el excelente trabajo del Departamento de Cine quien se acerca a .... Y el de Literatura que continúa con sus ácidos consejos. Como siempre shows, noticias, discos nuevos y discos que cumplen años. Más, no nos entró.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE LA MÚSICA PARA NOSOTROS ES UN EXPERIMENTO Entrevista a El Zar por Benjamín York................................................................................................................................06

SOMOS MÁS FUERTES UNIDOS Y JUNTOS Entrevista a Liam Hart de Control of the Going por Diego Centurión...............................................................................10

HAY UNA NECESIDAD DE GENERAR FUERA DEL MAINSTREAM DE NUEVO Entrevista a Neville Staple por Diego Centurión...............................................................................................................17 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Pablo Müllner............................................................................................................22 SIETE JOYAS ESCONDIDAS DEL UNDERGROUND SINIESTRO PARA REDESCUBRIR por Alejandro Cenizacromada ..........................................................................................................................................26 Entrevista a The Peppersplum por Patricia Claudia Fiori .................................................................................................... 32 BLACK NEEDLE NOISE ES Y DEBE SER UNA EXPERIENCIA QUE EXPANDA LA MENTE Entrevista a John Fryer de Black Needle Noise por Marina Cimerilli.................................................................................30 DESINTEGRACIÓN - LA POSIBILIDAD DE MUTAR Entrevista Tiago Cerra de Desintegración por Benjamín York..........................................................................................34 CICLO ENTREPISOS por Entrepisos Radio ....................................................................................................................................................... 38 MUSIC CORNER LEVEL 42 - EL AÑO EN QUE WIGHT ISLAND CONQUISTÓ EL MUNDO Por Alex Bretto. ...........................................44 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO SEIS: LOVE IS A FRIEND por Gabo Rojo. .....................................................................................................48 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 PALABRAS EN LA ARENA PORNOGRÁFICO, SATÁNICO Y PEDÓFILO: Para tenerlos bajo llave, de Carlos Carrillo.............................................. 56 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE LO QUE NO SE PUEDE CURAR por Pablo Ravale.........................................................................................................60 HIDDEN TRACK ..............................................................................................................................................................64 EN CONCIERTO EN LA GUARIDA DEL CONEJO Por Noelia Rodriguez. Fotografías: Nazarena Talice............................................................................68 SHOW PODEROSO, LLENO DE PSICODELIA Por Maxx Wild. Fotografías: Lily Moonster....................................................................74 EL BAILE DEL BOSQUE Por Claudio Kolbert. Fotografías: Nadia Guzmán...........................................................................................78 NOCHE DE AVANTGARDE ELECTRÓNICA: ANTIFLVX Y VORTEX. Por César León............................................................................82 LA CEREMONIA. Fotografías: Lily Moonster........................................................................................................................................86

RESCATE CINÉFILO ESPECIAL: AND THE OSCAR GOES TO…..................................................................................................................92

EL PREMIO INCORRECTO A LO POLÍTICAMENTE CORRECTO por Nicolás Ponisio................................................94 UN NUEVO LENGUAJE PARA LA CIENCIA FICCIÓN por Nicolás Ponisio .................................................................96 LAS ESTRELLAS, HOY LUCEN DIFENTES por Jimena Patiño .....................................................................................98 SABER LLORAR Y REÍR por Nicolás Ponisio ...............................................................................................................101 LA FÓRMULA CORRECTA por José Luis Lemos .......................................................................................................103 LA PASIÓN DE MEL GIBSON por Nicolás Ponisio......................................................................................................104

“- MIRÁ MIS CERCAS - OBLÍGAME, DENZEL!” por Nicolás Ponisio.........................................................................107 AL OESTE DEL INFIERNO por José Luis Lemos ........................................................................................................109 EL LEÓN QUE NO RUGE PERO LLORA por Nicolás Ponisio......................................................................................111 EL ESCRITOR SERIAL

LOVE por Nicolás Ponisio..........................................................................................................................................114

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................118 PURA MELOMANÍA EL POP EXPERIMENTAL. The Velvet Underground & Nico (1967) Por Diego Centurión..............................................124 UNA JOYA EN BRUTO. Butthole Surfers - Locoust Abortion Technician (1987) Por Benjamín York..............................126 MISTERIO Y SOFISTICACIÓN. Siouxsie And The Banshees - Through The Looking Glass (1987) Por Pablo Müllner ..127 MINIMALISMO PÚRPURA. Prince - Sing O The Time (1987) por Alex Bretto ..............................................................128 TAN GENERACIÓN X. Various Artists - Lost Highway (1997) Por Pablo Müllner ..........................................................129 ADULTO CONTEMPORÁNEO. Texas - White On Blonde (1997) Por Pablo Müllner ...................................................130 PERFECCIÓN, SENSIBILIDAD Y SUTILEZA. Jesu - Conqueror (2007) Por Pablo Ravale .............................................131 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? BLUR - BLUR & SIDECAR. Blur - Blur (1997) Por Maxx Wilda ....................................................................................133 THE ORB – ORBLIVION & BELLINI JELLO SHOTS. The Orb – Orblivion (1997) Por Maxx Wilda ............................134 THE HORRORS – STRANGE HOUSE & BLACK MAGIC. The Horrors – Strange House (2007) Por Maxx Wilda ......135 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................138 DERECHO DE PISO

BUDAPEST - LA BÚSQUEDA DETRÁS DEL CONCEPTO por Diego Centurión.........................................................146

SOBRE LA PORTADA LA PUERTA ..................................................................................................................................................................148

[ Entrevista a El Zar por Benjamín York ]

LA MÚSICA PARA NOSOTROS ES UN EXPERIMENTO Otra nueva banda que lanzó su álbum debut y que traemos

primero que queríamos hacer era salir a tocar a cualquier lado

por medio de una entrevista para que la conozcan y pueden

entonces adaptábamos esas ideas a las herramientas que tenía-

agendar en sus propias redes los links de El Zar. Pero además

mos nosotros dos, y quedaba un sonido más acústico si se quie-

podrán conocer sus gustos y sus intenciones como banda. Con

re. Cuando empezamos a producir Círculos para grabarlo, no

ustedes El Zar.

pusimos ningún límite estético es decir la que pintaba iba a estar grabada

Para empezar ¿por qué El Zar? Nos gusta la idea de una dualidad de imperio/decadencia….

¿Cómo definirían la música de El Zar?

en un sentido de juego, de dos estados que conviven en nues-

Las canciones son pop pero la música para nosotros es un

tras cabezas constantemente. No es que compartamos alguna

experimento. Todavía no sabemos cómo quedaron bien todas

ideología zarista ni mucho menos…

juntas en un disco.

¿Cuándo y cómo se forma este dúo?

¿En vivo se presentan como dúo o suman otros músicos?

A fines del 2014 como juntadas entre dos amigos que se jun-

Depende la fecha. Desde que salió el disco nos gusta más

tan a experimentar sonidos y melodías, un caos entre guitarras

presentarnos con una banda de cinco músicos así podemos to-

pedales y computadora que todavía estaba lejos de lo que iba a

car todo lo que pasa en el disco. A veces en fechas más chicas

ser el sonido del primer disco.

o cuando hay que moverse, vamos a dúo y hacemos versiones más electrónicas

Después de escuchar varias veces "Círculos" no puedo evitar preguntar ¿cuánto los influenció el Flaco Spinetta? Y ¿qué otros artistas los influencian a la hora de componer?

El álbum lo editaron en forma independiente, ¿cómo es ser independiente en un universo de nuevas bandas?

El flaco siempre va a estar en el ADN de cualquier canción

Es la forma que tuvimos y es hermosa. Las decisiones las to-

de rock argentino…o de muchas, es el más grande y nosotros

mamos todas nosotros y todo lo que pasa ahí salió de nuestra

lo escuchamos hace mucho, pero si hubo influencia en el disco

cabeza… lo bueno y lo malo. También ser independiente impli-

no fue directamente buscada, digo… a la hora de producirlo no

ca ocuparse de algunas cosas más aburridas que en una estruc-

escuchábamos Spinetta para bajar ideas, de repente escuchá-

tura más grande te olvidas, en fin, es lindo pero si para el se-

bamos más a Cerati o a Charly, o a muchas bandas de afuera.

gundo disco se presenta otra manera de editarlo, ¿por qué no? Hay que probar.

"Círculos" es un trabajo sutil, elegante y muy elaborado. ¿Cuánto cambió el sonido de las canciones desde los demos, esas primeras impresiones, hasta que finalizaron de grabarlo?

He leído que la repercusión en las plataformas digitales fue excelente. Cuéntenos sobre eso.

Gracias… La realidad es que mucho pero creo que desde el

Si fue buenísima, más aún para primer disco. Desde Apple

principio se podía entender la intención de las canciones. Lo

Music y iTunes Mexico nos escribieron para soportar el disco

porque les había gustado mucho y estuvo girando en la carte-

sando que el mercado ha cambiado (lanzamientos de singles,

lera al lado del de Frank Ocean o Stranger Things. En Deezer

videos y Eps). ¿Ustedes cómo se mueven en esta vida virtual?

y en Spotify se coparon con Reina y Lo Que Fuimos que se escuchan bastante.

Nos encanta toda la era virtual. La infinidad de música, data y arte de cualquier parte del mundo que está disponible es genial. Se abren una bocha de oportunidades con internet y nues-

¿Se animarían a comentarnos track por track el álbum "Círculos"? Jaja esta ya es demasiado íntima. Lo lindo también es la recep-

tra música también llego a lugares que si no hubiera sido imposible. Las redes sociales a veces cansan pero bueno, ahí apagas el celular y te olvidas….

ción del que las escucha, si bien las letras son bastante explícitas, hay una parte que la tiene que llenar el que recibe la canción

¿Qué planes tiene El Zar para el 2016?

y construir su propio entorno. La mejor forma de comentar las

Tocar mucho y queremos girar por el interior hacia fin de año.

canciones es escucharlas y que cada uno las lleve para el lado

El Jueves 23 de Marzo presentamos el disco en La Tangente en

que quiera, que no tiene porque ser el nuestro…

Palermo, ¡vénganse!

¿Ya hay canciones nuevas? Si, muchas pero todavía no pensamos en editarlas, estamos manijas de tocar Círculos En esta era de lo visual y las redes sociales hay que estar presentes constantemente y puede ser un trabajo agotador. Y pen-

Para terminar les dejamos este espacio para que digan lo que quieran. Muchas gracias por el espacio y por difundir música Agradecemos la predisposición para responder estas preguntas.

[ Entrevista a Liam Hart de Control of the Going por Diego Centuriรณn ]

SOMOS Mร S FUERTES UNIDOS Y JUNTOS

Me ha llegado el single debut de Control of the Going, llama-

brillante, y por último está Ste Ackley en la última guitarra rít-

do “She”. Y habiéndolo escuchado una y otra vez, he quedado

mica que generalmente obtiene un sonido más oscuro con un

con sus sonidos de estas dos canciones en mi cabeza, así que

poco más de distorsión. Los tres mezclados crean una mezcla

me puse en contacto con la banda para hacer esta entrevista.

muy interesante, o ¡al menos esperamos! En el bajo tenemos a Tom Sillitoe, él también filtra la guitarra acústica cuando toca-

Es raro pensar en una entrevista para un single de debut. Pero

mos sets despojados y él también canta. En el teclado y pande-

como dije en la introducción a esta entrevista, no puedo dejar

reta tenemos Minesh Mistry. Realmente es una parte subesti-

de escuchar las dos canciones en modo "repeat". Y aprovecha-

mada de la banda, llena el medio del sonido, se sumerge por

mos este contacto para dar a conocer la audiencia latinoameri-

dentro y por fuera y por lo general crea estragos a través de la

cana a la banda.

herramienta de sonido. Por último tenemos a Matt Byrne en la

La primera pregunta tiene que ver con la identidad. ¿Por qué el nombre de la banda? El nombre Control Of The Going deriva de lo que todos somos como jóvenes que crecen en los suburbios del Este de Man-

batería. De nuevo otro multi-instrumentista, Matt es por oficio un guitarrista rítmico, pero según las necesidades de la banda, se ha convertido en la columna vertebral y el control en “Control Of The Going”.

chester. A lo largo de todas nuestras vidas hemos luchado para llegar a donde estamos ahora, y a veces ha parecido que hemos

En su bandcamp, se definen como "Un eclipse formado por

sido impedidos de lograr algo significativo y a veces incluso vivir

una psicodelia surrealista con tonos de rock y roll". Para aque-

nuestras vidas de la manera que queremos. Por lo tanto, Control

llos que aún no los conocen, ¿cómo definirían Control Of The

Of The Going se trata de unirse para hacer algo especial como

Going en términos de sonoridad y concepto?

un grupo, en lugar de ir solo, porque en última instancia, Somos más fuertes unidos y juntos.

Esta es probablemente la pregunta más difícil hasta ahora. Lo que obtendrá de nosotros musicalmente, es un sonido quintaesencialmente familiar, pero con una nueva sensación a la

¿Cuáles son sus influencias? ¿Y cuánto le afecta cuando se

misma. Para resumir, la guitarra pegadiza azota, algo para can-

trata de componer? Y no porque sea malo eso, quiero dejar en

tar a lo largo de y esperanzadamente usted logrará que un par

claro. Y no porque eso sea malo, quiero dejarlo claro.

de nuestras canciones queden adheridas en su cabeza por varios

Estamos influenciados por muchas bandas, nuevas y viejas.

días... ¡Fue intencional para que esto suceda!

Y nuestro gusto musical no encaja sólo en la psicodelia y el rock and roll. Aunque posiblemente amemos nuestro rock and roll psicodélico, puedo ser encontrado escuchando delta blues un

Una nueva generación de bandas psicodélicas está saliendo a la luz. ¿Cómo se sienten entre las bandas emergentes?

día y los Beatles al siguiente. Mi hermano y compañero de gui-

Francamente, en nombre de todos nosotros, estamos absolu-

tarra Ashley es igual, un día lo encontraré escuchando el soul

tamente halagados de considerar como parte de la nueva gene-

del norte y luego el siguiente, los Beach Boys.

ración, ¡gracias!

Si bien todo lo anterior tiene un impacto importante en nosotros, creo firmemente que es la música que nos rodea lo que

He visto que suben muchas cosas a sus redes sociales. Y es-

más nos influye. Compañeros de Manchester bandas como The

tamos en la era de lo visual. ¿Cómo lidiar con este rápido ritmo

Watchmakers, Purple Heart Parade, Freakout Honey y Hey Bu-

de redes sociales, donde todo el tiempo tienes que estar "pre-

lldog siempre nos han impulsado a hacer más música, e incluso

sente" para los fans?

han colaborado con nosotros de vez en cuando.

Los medios de comunicación sociales es algo que hemos tra-

Les prometo a ustedes esto, ustedes pueden esperar algunas

tado de abrazar, ya que nos ha permitido llegar a todos los fans

colaboraciones muy cool que vienen en nuestro próximo ál-

de todo el mundo. Es dinámico y toma muchas horas del día

bum, nos encanta trabajar con otros músicos.

para organizar, pero es un activo enorme para nosotros y vale la pena cada solo segundo que ponemos en él. En pocas palabras,

¿La banda es un sexteto con tres guitarras. ¿Cómo funciona la composición? Ya que son varios miembros. En primer lugar la sección de guitarra somos: yo (Liam Hart),

nos encantan los medios de comunicación sociales, ponerse en contacto con nosotros, todos somos muy amables y queremos conocer a todos nuestros fans!

toco la guitarra principal y canto, mi hermano Ashley Hart toca la guitarra rítmica y líder, de vez en cuando con un sonido más

Uno de los preceptos del arte de la psicodelia es que el arte

debe reflejar el alma. ¿Ves tu mirada de la vida reflejada en tus canciones?

¿Qué planes hay para este 2017, además del lanzamiento del álbum?

Como cantautor principal en COTG, mi música es muy per-

Estaremos tocando algunas fechas en Inglaterra durante los

sonal y gran parte de ella es biográfica, o una observación per-

próximos meses para mantenernos en marcha, pero estamos

sonal del mundo basada en lo que he experimentado. Para citar

atados a Manchester por los próximos meses, ya que pensamos

una de nuestras nuevas pistas que deberían estar en el próximo

en el álbum. Una vez que se registra plenamente, esperamos te-

álbum "Un nuevo amanecer cielo, es un reflejo de la vida que

ner más fechas en todo el Reino Unido. Una vez que sea lanzado

vivimos"; La música es un reflejo de mi vida y mi alma. Espero

nos encantaría conseguir una gira de ultramar por primera vez.

que se trate de cómo realizamos nuestra música como banda.

Estamos apuntando a Europa en este momento, pero somos conscientes de que tenemos una base cada vez mayor de aficio-

Sabemos que el álbum debut saldrá en septiembre bajo

nados en los Estados Unidos de América. ¡Sería el sueño llegar

Wrong Way Records. ¿Ya está grabado, en qué proceso está el

allí un día! Ahora mismo, tendríamos que ver. Espero que si el

álbum? ¿Ya tiene título? ¿Qué nos pueden contar?

álbum funciona bien, podremos hacer todo lo anterior.

Lanzamos nuestro single el sábado 4 de marzo y la próxima semana vamos a entrar en el estudio para comenzar a grabar nuestro álbum. Aún no nos hemos decidido por un nombre,

Para cerrar esta entrevista. Este último espacio puedes decir lo que quieres.

pero hemos seleccionado las pistas que estarán en el álbum. No

Muchas gracias por ponernos en contacto con nosotros, real-

puedo decir ahora lo que exactamente va a estar en él, pero pue-

mente disfruté de sus preguntas. También muchas gracias a

do decir que hay una gran cantidad de nuevas pistas en que se

nuestros fans y nuestra etiqueta Wrong Way Records!

mantendrá en secreto hasta la fecha de lanzamiento. ¡También habrá algunas pistas familiares allí, y alguna colaboración con nuestros amigos en otras bandas también!

Gracias. Seguramente nos encontraremos de nuevo para la salida del álbum.

[ Entrevista a Neville Staple por Diego Centurión ]

HAY UNA NECESIDAD DE GENERAR FUERA DEL MAINSTREAM DE NUEVO Hablar de Neville Staple es retrotraernos en el tiempo y saltar al presente, ya que Neville fue un eslabón fundamental de aquella banda venerada por muchos, llamada The Specials, pero al ser un músico inquieto realizó muchos trabajos bajos distintos nombres. Su presente nos marca que ha regresado con un nuevo álbum “Return of Judge Roughneck”. Antes de empezar, quiero agradecerte por este espacio que nos das, para que nosotros podamos preguntarte sobre tu nuevo trabajo discográfico y por tu carrera. Pensando en tu carrera solista, podemos decir que tu primer álbum o mini álbum fue "Skanktastic" de 1998. Un álbum de versiones. ¿Por qué no grabaste más discos como solista? He grabado y re-grabado varios otros proyectos solos y conjuntos a lo largo de los años, pero esos álbumes fueron nombrados como The Specials, porque yo tenía 3-4 de los miembros originales de la banda conmigo en los álbumes. Estos álbumes incluyeron: The Best of The Specials & Fun Boy Three, Skinhead Girl, Ghost Town Live, Conquering Ruler, King of King (con Desmond Dekker). Luego otras bandas sonoras para películas, anuncios, Vans Clothing y con varios artistas de EE.UU., como yo. Finalmente, hice The Rude Boy Returns, Ska Crazy y ahora Return of Judge Roughneck álbumes como Neville Staple. Llegamos a este 2017, y acabas de editar un nuevo álbum "Return of Judge Roughneck". Háblanos de él.

El nuevo álbum tiene nuevos re-trabajos de clásicos con cortes jamaicanos, algún material nuevo y algunas gemas de mi pasado. También incluye un álbum bonus dub. Siempre me divertía interpretando como Siempre me divertía interpretando como Judge Roughneck en los primeros días, con la canción 'Stupid Marriage', así que tenía sentido traerlo de vuelta también en la canción principal, que es también mi homenaje personal a Prince Buster, incluso antes de que tristemente falleciera. Quería rendir homenaje a su música e influencia también, así que adapté una versión de 'Alcapone'. También hay algunas vibraciones 2Tone a lo largo de muchas canciones. Has tenido invitados en el álbum. Cuéntanos de ellos. Mi esposa, Christine Sugary Staple, toca conmigo y también maneja a mí y a mi banda. Trabajamos mucho juntos en el estudio, incluyendo en este álbum. Ella es la chica más grosera y original que conozco. Seguiremos este álbum con un álbum de ambos actuando junto a invitados como Roddy Radiation (ex-The Specials). Jesse Green participa en Return of Judge Roughneck con sus increíbles cuerdas. Ha tocado con bandas como Jayhawks y Foo Fighters. Ed Rome es un maestro en el estudio y he trabajado con él muchas veces antes. Hace unos años que editas tus álbumes por el sello Cleopatra Records, ¿Cómo te sientes trabajando en ese sello? Cleopatra son grandes chicos y los he conocido

desde mediados de 1990 cuando viví en los Estados Unidos y estaba de gira por todo el país, mientras vivía en Long Beach. Por lo tanto, supongo que para mí fue pegarme a gente que conoces y confías, como ha sido en los últimos años. Mi esposa ayudó con todo, desde conseguir las fotos correctas hechas por uno de los fotógrafos originales de 2Tones, John Coles, hasta conseguir un video en producción, ayudando a crear la funda para el vinilo, mirando inscripciones y muchas más cosas. Estos chicos son grandes para que usted tenga cierta libertad para crear las ideas con ellos. No todas las etiquetas son tan inclusivas. También aprecian que podemos saber lo que nuestros fans quieren de muchas maneras diferentes. El mercado discográfico se ha abierto gracias a Internet y las nuevas plataformas. ¿Cómo se adapta a las nuevas tecnologías? Durante un tiempo pensé que la nueva tecnología, como Internet, estaba prácticamente destruyendo la parte comercial de las cosas para que los artistas fueran honestos. Es mucho más difícil ganarse la vida con música real a menos que seas parte de una gran industria; Y aún más difícil de conseguir firmar. Todo el mundo sabe maneras fáciles de descargar música de forma gratuita o escuchar música para suscripciones muy baratas. Cuando la gente obtiene música a través de descargas o streaming, la mayor parte de la pequeña cuota que pagan va a la compañía de streaming y los jefes de los grandes negocios, con muy poco va a los artistas reales. Estar fuera de la carretera haciendo cosas en vivo sigue siendo la mejor manera de vender su música y talento, a menos que tú ya te hayas hecho de un nombre. Estoy agradecido de haber hecho mi nombre mucho antes de que salieran todos los nuevos sistemas. Para las bandas nuevas, tendrán que tener una gran presencia en línea. En el lado positivo, hay más oportunidades ahora de hacer las cosas de forma independiente directamente a sus fans, sin la necesidad de confiar en las etiquetas. Así que tener una buena presencia en línea en las redes sociales, en YouTube con buenos videos y con un montón de gira, es una necesidad hoy. ¿Cómo ves el ska y el reagge actualmente? Ha habido muchos cambios dentro de cada déca-

da y según en el país que estés. Ha habido lo que yo llamo velocidad-ska, que era muy prominente en los Estados Unidos durante los ocho años que viví y viajé por allí a mediados de los 90, entonces el Euro-ska solía tener una atmósfera muy pop. En las partes del Extremo Oriente del mundo teníamos que tocarlo en vivo de una manera muy 2Tone. Hoy en día todo es 2Tone Ska, además de la auténtica música tradicional jamaicana ska y reggae. Estos son más abarcados ahora en el Reino Unido, al igual que en los finales de los 60 y comienzos de los 70. Puedo sentir que hay una necesidad de obtener estos géneros musicales fuera del mainstream de nuevo, ya que no hay un gran reconocimiento internacional a esta icónica música. Argentina, es un país que tiene muchas bandas de reggae, ¿Conoces alguna? Sí. Mi esposa ve videos de Los Fabulosos Cadillacs y he recibido videos y mensajes de Garufas y otros. Es genial ver a los argentinos manteniendo el ska y el reggae vivos y patadas. Estarás de gira por el Reino Unido. ¿Qué planes tiene para después de esa gira? Recientemente he visitado Australia y he recorrido el Reino Unido y Europa con regularidad, así que haré más de eso este año, además en mayo de 2017 voy a estar en gira por los Estados Unidos, y más tarde en agosto haré algunos shows en Hong Kong. América Latina suele ser muy receptiva al reggae y al dub, ¿ha pensado en visitarnos este año? Me encantaría venir a hacer algunos espectáculos allí. Mi esposa ama la cultura latinoamericana. Tenemos un montón de aficionados a ska de Argentina que se comunican con nosotros y nos siguen preguntando cuando vamos a venir, así que si algún promotor bien quisiera ponerse en contacto, ellos pueden vincularme conmigo a través de www.originalrudeboy.co.uk Su cumpleaños se acerca, y siempre se espera un regalo. ¿Qué regalo todavía estás esperando y nunca te lo has dado? Un viaje a Argentina !! Jeje

Gracias por el tiempo que nos has dedicado.

“Acid Bench”, vuestro álbum debut, será lanzado el 17 febrero de este año. ¿Cómo se sienten con el resultado final? Nos ha gustado. Es todo un viaje, por cierto. Saldrá en una edición muy limitada en vinilo color blanco con tonos esfumados en negro. Asegúrate de entrar en Wrong Way Records y conseguir rápido una copia antes de que sea demasiado tarde. Lo que siento cuando escucho Acid Bench es un mantra sonoro envolvente que me hipnotiza con cada acorde. Energizante e introspectivo a la vez, con mucho poder. ¿Es lo que buscaron con la banda? Bueno, es lo que sucede con la música. Es subjetivo el efecto. Quise que el disco fuera directo al punto sin vacilaciones, como, ¡hey…aquí viene el impacto, súbete a él o quítate del camino!

TRES POR UNO Wenceslada - Nomade

CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

El video Nómade de Wenceslada reúne un conjunto de imágenes que se vinculan de manera armoniosa con el ritmo de la canción. Dicha armonía, utilizando como recurso visual los planos detalles, logra enaltecer elementos y situaciones cotidianas de manera tal que todo resulta nuevo y hermoso ante la mirada del espectador. La cercanía de los planos y el alternar entre la claridad de la imagen y el lente desenfocado en ciertos momentos, permite entrar en un estado de ensueño que ya se adquiría desde la música pero que, con el tono visual del video musical, logra brindar una experiencia completa y placentera. Planos de los pies, planos de los mismos levitando, una escalera eléctrica o la mirada perdida que se pasea por la oscuridad de los túneles del subte deposita en el foco de atención lo más común y cotidiano pera descubrirlo como algo nuevo por completo e incluso mágico. Los pasillos y andenes de la estación subterránea se presentan aquí como la entrada a un lugar perteneciente a otra realidad. Una que, al parecer, es difícil de acceder. Pero, como queda demostrado en el video, es fácil encontrar el camino a ese mundo reconocible y al mismo tiempo desconocido. Solo basta con dejarse llevar por la música y el poder visual que deja tras su paso Wenceslada al recorrer los espacios visitados y habitados por el encanto armonioso de Nómade.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Como bien ella afirmó alguna vez por ahí, las canciones de la artista indie argentina Wenceslada parecen construidas por su mismo devenir y desde las huellas del recuerdo… son como constelaciones que generan sentido más allá de los significantes, son fuerzas lúdicas que pintan un único paisaje: el paisaje de nuestros sentidos. Su discografía es acotada, un álbum (Niebla) y

tres EP (“Sara y el sol”, “AúnAûmÔm” y "Niebla Versiones", de aquí se extrae la canción del video), sin embargo, la cantautora se las arregla para hechizarnos con ese extraño y conmovedor equilibrio entre la divagación reverberante, el mantra de melodías de piano, y las estructuras de canciones simples. De esta manera, en Nómade no vamos a encontrar la excepción. La letra, igual de minimal que las otras a simple lectura, tiene varias interpretaciones a cada nueva escucha. Los versos vienen cargados de imágenes que nos hacen disparar la mente a lugares extraños («Un niño que me visitó / dijo en los sueños / mira, hay pájaros, hay nubes que van...»), como sacados de un cuento mágico o un sueño («Una rosa enhebré / en su vuelo me posé / En el canto perfumé»). Música intimista, por momentos entre lo ambient y el space-folk-rock, Nómade de Wenceslada es una canción, sí, pero bien podría pasar por un pájaro que canta con la voz de una artista cósmica («Ay Ay mi flor / Ay se hace canción / Ay ay ay ay del aire soy»), sin embargo, y para fortuna nuestra, se trata tan sólo de una mujer… un macro microuniverso que compone, graba y va publicando de a poco.

MÚSICA [ por Pablo Müllner ]

En una primera escucha los sonidos y efectos parecen aflorar en “Nómade”, como si se tratasen de un espejismo sonoro. Oímos algo más, ornamentos, detalles que van siendo sugeridos a través de pequeños guiños a lugares comunes que han sido evitados: sonidos del fondo del mar, psicodelia de guitarras. Ninguno de esos efectos especiales realmente existe. El bramido del mar ni siquiera suena desde el cuenco de un caracol. Esos arreglos nos darían apenas otra chica más que suena a Enya o a Cocteau Twins, pero Wenceslada evita encasillarse. El mérito está en las dosis homeopáticas de los arreglos que logran que todo ese mundo de ensueño vibre en la potencia de nuestra imaginación. Es que la delicada “Nómade” consiste en apenas un hipnótico coral de voces sobre-grabadas que ondula en un fondo apenas poblado por algunos sutiles teclados. No hay más efectos que los de la propia voz, aunque estos no son pocos. La ductilidad vocal de Wenceslada puede simular la dulzura de las

gaitas o el canto de gaviotas, como las de la clásica versión de “Farewell to Tarwathie” de Judy Collins. “Nómade” recuerda precisamente al épico y folk “Adiós a Tarwathie” versionado por Collins. Su aire a playa de mañana, el sentimiento de “soltad amarras”. Un himno para el inicio de un viaje (a través del océano que resuena sin nombrarse). Aunque desde los oníricos coros, surge una especie de canto de sirena, más inquietante que el estilo directo de una trovadora. La repetición de voces ejerce su

encanto, pero no para encallar barcos, al contrario: son sutiles destellos de magia blanca, guiando el timón en la oscuridad. “Una barca apareció y me subí”, susurra Wenceslada y entonces la voz se torna capitana de su propia nave. Regresando al punto del que partió, abandona la escena con la misma sutileza del inicio, haciendo honor al nomadismo del título. Un viaje circular, de inusual belleza, desde las profundidades del under.

[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

SIETE JOYAS ESCONDIDAS DEL UNDERGROUND SINIESTRO PARA REDESCUBRIR

Dentro del sonido oscuro por lo general, siempre hemos tomado referencia de las máximas figuras: The Sisters of Mercy, The Cure, Siouxsie and the Banshees, Clan of Xymox, The Fields of the Nephilim, Christian Death, Bauhaus, Joy Division y del industrial obviamente Front 242, Skinny Puppy, Nine inch Nails y muchas otras bandas más. Yo no soy el más conocedor dentro del tema, hay muchos que saben muchas más cosas que yo; pero de lo poco que conozco, me he acercado a discos que han marcado mi vida navegando en las más profundas aguas del underground. La verdad aparte de este material hay muchas más joyas las cuales es preciso reseñar por muy buenas razones, y quisiera seguir con esta serie buscando hacer justicia a discos maravillosos en próximas entregas. Bandas que en muchos casos están desaparecidas, música que debería tener más peso dentro de la cultura siniestra. La música para mi es algo inmortal, existen muchas historias detrás de la grabación de un álbum, pero los oyentes solo vemos el resultado final. Muchas bandas no llegan masivamente por falta de recursos económicos, por tener poca promoción, pero nos dejan un gran ejemplo a seguir. Para mí la música es una mane-

ra de exorcizar los demonios internos, de limpiar la mente y el corazón y para empezar, estos discos lo hacen muy bien. Siete discos que nos inculcan buscar la autenticidad, en una época en que todo se vuelve cliché. El orden de los siete no tiene que ver con cuál es mi top N° 1: Para mí todos son igual de importantes dependiendo el estado del espíritu. No podemos pasar por alto el hecho de que Cinerama llegó más tarde también, y que este proyecto coexiste con The Wedding Present. ¿Combinas ambas bandas en el momento de componer o es Cinerama todavía una válvula de escape, por así decirlo? Todavía es un proyecto separado, pero supongo que los límites no son tan estrictos como solían serlos. Creo que Cinerama ahora influye a menudo en The Wedding Present tanto como The Wedding Present influyó, por ejemplo, en el tercer álbum de Cinerama, “Torino”. Dicho esto, el lanzamiento más reciente de Cinerama fue una re-imaginación del álbum “Valentina” de The Wedding Present... ¡y en la versión Cinerama absolutamente nada suena como el original!

Primordia – The Gleaming eye (1993) Label: World Serpent distribution

Primordia fue un dúo inglés de sonido Darkwave/ industrial que existió entre 1989 y 1993. Conformado por la hoy escritora Lucy Furlong y el virtuoso tecladista y programador W.M Owens. Primordia desarrolló un sonido abisal y melancólico con contundentes programaciones y hermosas melodías de sintetizador. The Gleaming eye fue una especie de compilación donde resaltan canciones bellas que contrastaban con atmósferas terminales como What the breather brings, la terrosa Laughing torso y el Dance Industrial de Coming down fast. Curiosamente Primordia estuvo bajo el desaparecido sello World serpent distribution, un sello mucho más enfocado en la música experimental y el Neofolk, con bandas de culto como Death in June, Coil y Current 93. Si gustas de escuchar artistas tan contrastantes como Cocteau Twins o Skinny Puppy, Primordia se convertirá en uno de tus clásicos favoritos.

Pressurehed – Infadrone (1992) Label: Cleopatra Records

Tommy Grenas y Len del Rio, dos músicos procedentes de Los Angeles formaron tremenda banda de Post punk espacial en los 90. Con una tremenda influencia de Chrome y con una cuota fuerte de ambientes siniestros, este, su segundo álbum constituye su obra más redonda. Un fantástico cohete que te sumergirá en los desconocidos abismos del espacio. Canciones como Paralysis debieron convertirse en himnos con esas alucinantes atmósferas de sintes y esas guitarras mántricas. El duo se transformó posteriormente en Anubian Lights fascinados por la egiptología dejaron un poco de lado la furia y han colaborado recientemente con artistas de la talla de Lydia Lunch. Canciones como Audio energy hacen que este Infadrone brinde una energía muy cool.

Il Giardino Violetto – Danse macabre (1989) Label: Autoproducido La escena italiana ofrece cosas perturbadoras en el underground. A Il Giardino Violetto yo lo catalogaría como Rock Gótico con G Mayúscula. No hay mucha información sobre el dúo ni registros de actuaciones en vivo, solo una en el Uonna club de Roma afínales de los 80. Todo parte de la experimentación con guitarras, bajos y una caja de ritmos. La contundencia en este disco es impresionante. Minimalismo puro, una angustiosa voz femenina, líneas de bajo que taladran la mente, evocaciones a Charles Baudelaire. El hipnotismo de temas infinitos como Locusts. La perturbadora Waiting (Red Death). La banda se disuelve sin más y se forma otro proyecto que lanzó un único EP bajo el nombre de Inexpiabile obitus. Excelentísimos. Gótico sin clichés.

L’Avis G821 – Musique en la Sainte Chapelle (1991) Label: T.T.I.C.C. Contingent Kristian Dernoncourt, artista prolífico. Envuelto en muchas bandas de la escena cold wave en Francia. Bunker Strasse, Modele martial. Aquí da rienda suelta a su creatividad con una cinta de corte Dark wave. Incluso Jaqquy Bitch; vocalista de la legendaria banda Death rocker, Neva colabora en este trabajo. La ceremonia nocturna se abre paso. Invocaciones en la hora del Angelus marcadas por sintes estremecedores, vuelos oníricos sobre las catacumbas francesas. L’Avis G821 solo saco dos tapes, pero tremendo material. Para resaltar la canción Le danse etranges que tiene un aura a Xmal Deutschland, pero más oscura y llena de más atmósfera. An Old Beat es Dark wave obsesivo y envolvente, uno no quiere que termine la pista. La furia de Ennemy de humor más punk y Le long serpent con su beat anticipado al Marcial Industrial te dejaran con una sonrisa maligna de oreja a oreja.

K – Kortex – Elektric Brain Waves (1991) Label: L´Onde Associée Otro proyecto enigmático de sonido Electro experimental (uno delos mejores discos que he escuchado en mi vida sin exagerar). Pareciera que tiene tomas en vivo pero no. K – Kortex es como un Gary Numan retorcido, como unos Residents menos hostiles (hasta algo conciliadores), la electricidad se toma el ambiente mientras uno se pierde en un viaje hacia lugares inhóspitos y a veces dotados de una extraña belleza (Midi A Quatorze Heures). Aquí hay virtuosismo en la interpretación de las obras, el caos no es casualidad, todo pasa por algo, hasta por el pequeño aleteo de una mosca.

Les Vampirettes – Biomutanten (1980) Label: Autoproducido El Kraut Rock se hace presente. Dos personalidades influyentes: Conrad Plank el productor de Kraftwerk (SI! Kraftwerk!) y Holger Czukay de los magníficos Can. Murciélagos bañados en plasma, experimentos bizarros en un laboratorio sónico. Sintetizadores modulares, lobotomías eléctricas. Perturbadoras voces tratadas porque tú sabes: La demencia repta de este a oeste y los ojos se transforman en óxido. Dos temas en un maxi imperdible para que los biomutantes dancen. Lastimosamente fue lo único que sacaron bajo este pseudónimo.

Rosa Crux – Ales et Feles (1987) Label: Rosa crux production

Me parece que la labor de Rosa crux en el mundo del gótico no es valorada como debería ser. Si, son co-

nocidos, pero no lo suficiente. No son solo músicos, son ingenieros, Alquimistas, herejes, transgresores, creadores y destructores. Ellos tuvieron muchos problemas en sus inicios para grabar su música porque en los estudios donde iban, no los entendían, así que construyeron su propio estudio, sus propios instrumentos y diseñaron un performance que se pasa de excelso como provocador. Este Maxi es hermoso con versiones de clásicos de la banda como Morituri y Aglon, posteriormente grabadas en el Proficere (1995) y el Noctes insomnes (1998) respectivamente, pero personalmente las versiones de acá son las que más me encantan. Rosa crux es al Rock (no solo al gótico) lo que Leonardo Da Vinci es al arte, Punto.

[ Entrevista a John Fryer (Black Needle Noise) por Marina Cimerilli ]

JOHN FRYER: “BLACK NEEDLE NOISE ES Y DEBE SER UNA EXPERIENCIA QUE EXPANDA LA MENTE” El prolífico ingeniero de sonido y productor musical invita a una travesía cargada de atmósferas en su nuevo proyecto solista.

Definitivamente, el universo creativo de John Fryer no hace más que expandirse. Y la historia alrededor de su vigoroso presente musical se remonta a la Inglaterra de comienzos de los ´80, época en la que, casi accidentalmente, se encontró dando sus primeros pasos dentro de los estudios Blackwing como asistente en ingeniería de sonido. Allí, además de conocer a Ivo Watts-Russell, fundador del reconocido sello 4AD y junto a quien integraría posteriormente el proyecto musical colectivo This Mortal Coil, Fryer se nutrió del fructífero universo de la producción independiente y ganó renombre no sólo como ingeniero de sonido sino también como productor musical de las bandas que circulaban por el sello. La lista de los artistas con los que ha trabajado desde entonces es enorme y la componen nombres como Depeche Mode, Nine Inch Nails, Cocteau Twins, Yazoo, Peter Murphy y Love And Rockets. Y al día de hoy sigue creciendo. Como si eso fuera poco Fryer, fiel a su espíritu curioso, también encontró espacio para seguir experimentando a través de proyectos personales. Ha dado a luz a varios, y este 2017 lo encuentra con todas las energías puestas en su nuevo retoño: el hechizante

Black Needle Noise. Ya desde el año pasado viene compartiendo -vía Bandcamp/Spotify y de a un track por vez- las canciones que componen su primer disco, “Before The Tears Came”, y es en este contexto donde tuvimos la oportunidad de intercambiar con él algunas preguntas acerca del proyecto, su vínculo con las nuevas tecnologías y sus planes a futuro. “Before The Tears Came” es el nuevo material de Black Needle Noise, tu más reciente emprendimiento solista. Desde lo musical, ¿cómo definirías este proyecto en relación a tus anteriores? Black Needle Noise es mi hogar espiritual y musical. Es adonde pertenezco ahora. Después de explorar los terrenos musicales durante años, me he instalado acá. Es un lugar que me sienta bien, donde puedo ser yo mismo, ser feliz y sentirme en casa. El proyecto no sólo cautiva por su búsqueda sonora, sino también gracias a la presencia de diversas cantantes femeninas. ¿Podría decirse entonces que el espíritu colaborativo es parte esencial del mismo? Sí. Black Needle Noise se trata de colaboraciones. No podría existir sin ellas. Me siento muy honrado y

estoy muy orgulloso de que tanta gente quiera trabajar conmigo en este viaje hacia el futuro.es increíble! Escuchar a Black Needle Noise es, en cierto modo, una experiencia cinematográfica; si tuvieras que describir esos paisajes sonoros a través de una película, ¿cuál sería, o qué director te imaginás que podría realizarla? Ja ja, no sería una película o un director sino muchos. Cada canción es como una película en sí misma; tiene su propio viaje. Harían falta como 18 directores y películas hasta ahora, y muchos más para lo que está por venir

ven el mundo de Internet y cómo la usan. Así que tenía sentido para mí encarar este proyecto musical de esa manera. No tengo reglas ni límites para este proyecto, así que puedo hacer lo que quiera con él. ¿Por qué sentarme a esperar por un año o dos una vez que tengo la canción terminada? También es lindo para los cantantes ver que su arduo trabajo ve la luz tan pronto como han terminado de cantar la canción. De todos modos, es algo que funciona para mí y para Black Needle Noise; no sé si funcionará para todos el hecho de lanzar de a una canción a la vez. En este momento estoy conversando con un sello para editar en CD y vinilo. Así que estén atentos.

El streaming, las plataformas digitales y la distribución online, lejos de representar un inconveniente, son herramientas de las cuales supiste sacar ventaja incorporándolas desde el concepto mismo de tu trabajo: me refiero al hecho de lanzar los tracks por separado, escapando así al formato tradicional de álbum. Contanos un poco más acerca de ese vínculo con las nuevas tecnologías, y si pensás editar el álbum en formato físico en un futuro. Hice una lectura para algunos adolescentes en la Universidad de Oslo; es la manera en la que ellos

Como parte fundamental del sello 4AD en los ’80 (no sólo como ingeniero de sonido sino también ayudando a bandas como Cocteau Twins a desarrollar un sonido propio), ¿qué opinión tenés en relación al rol de los sellos discográficos independientes en aquel entonces y hoy en día, y cómo creés que eso repercute en los artistas y el público? Tuvo un gran impacto allá por los 80´s. Los sellos independientes surgieron con el movimiento punk; se trataba de rebelarse contra los grandes sellos de aquella época. Los que iniciaron esos sellos indie

eran gente que amaba la música y que quería compartirla con el mundo. Todo tipo de música; desde lo más “arty”, el noise, y hasta canciones pop. Abarcaban todo. No estoy tan seguro sobre cuál es el rol que cumplen hoy los sellos independientes, ya que con sitios como Bandcamp, vos podés ser tu propio sello indie y lanzar cuanto material desees. Allá por 1981, Depeche Mode grababa su primer disco, Speak & Spell, en Blackwing Studios, con vos como ingeniero de sonido y una Tascam 8-track como aliada. La evolución de las tecnologías musicales y de grabación desde entonces hasta hoy ha sido enorme, y creo que es indiscutido el hecho de que facilitó mucho el trabajo en el estudio de grabación, además de abrir muchas posibilidades. Aun así, ¿creés que se perdió algo con esa evolución? Realmente me gusta dónde estamos hoy por hoy, tecnológicamente hablando. Hace la vida mucho más fácil tanto para el que compone como para el que graba música. La única cosa que ha cambiado es la disciplina; en el ´81 y teniendo solamente 8 canales, verdaderamente tenías que estar seguro de tu canción, de lo que estabas tocando y dónde iba a ir eso en el tema. No tenías infinitos canales donde grabar cosas y decir “bueno, quizás use esto más tarde”, ya que la mayoría de las veces tenías que mezclar los diferentes sonidos y era necesario que estuvieran bien, o de lo contrario había que borrarlos y empezar todo de nuevo. Hace poco tuvimos la suerte de contar con la visita de Swans a nuestro país, y dieron un show inol-

vidable. Además de contar con la colaboración de Jarboe en una de tus canciones, también trabajaste con ella y Michael Gira en su proyecto “World Of Skin”. ¿Cómo fue esa experiencia y el vínculo con semejante material? No sé cómo es Michael Gira hoy en día, pero en aquel entonces, era muy resuelto en el estudio. Así que fue un período donde primaron la concentración y lo emocional, pero a la vez muy gratificante, ya que el disco era increíble. ¿Alguna banda o proyecto musical que haya llamado tu atención últimamente, o que recomiendes? Deberían escuchar la música de las cantantes, ya que parte de la razón por la que hago este proyecto es para acercarles a artistas de los que quizá nunca escucharon hablar, y que conozcan cómo suenan. Black Needle Noise es y debe ser una experiencia que expanda la mente. Para concluir: Dadas las características del proyecto, ¿considerás el hecho de tocar en vivo como una posibilidad? De ser así, ¿cómo adaptarías el formato? Ojalá podamos disfrutarlos también sobre un escenario, ¡y permitime decirte que la Argentina sería un buen lugar para comenzar! Me encantaría llevar Black Needle Noise de gira. La única forma en la que creo que podría funcionar, es tener sólo una cantante para los shows en vivo, a menos que sea posible que otros se nos unan en algunas fechas. Estoy evaluándolo, así que nunca se sabe qué podría pasar en un futuro.

[ Entrevista a Tiago Cerra de Desintegración por Benjamín York ]

DESINTEGRACIÓN: LA POSIBILIDAD DE MUTAR Cuando nos planteamos entrevistar a la banda argentina Desintegración obviamente nuestro espíritu The Cure se puso de manifiesto y la pregunta sabía que iba a salir en algún momento de la entrevista y salió. Pero más allá de esa pregunta nos metimos un poco en la filosofía de la banda para conocerlos y para que ustedes puedan conocerlos, de paso aprovechamos para preguntarle a Tiago sobre la presentación oficial el próximo 26 de marzo en The Roxy Live. Estamos ante los primeros 10 años de la banda. Y viajemos a ese momento ¿Cómo nace Desintegración? La banda surge instantáneamente cuando nos conocimos con Pichón López (Voz y programación). Sabíamos por dónde queríamos ir y las influencias que cada uno traía hicieron de Desintegración una fórmula muy interesante. Por otro lado, si bien hace casi 10 años la banda nacía, no tocamos todos ese tiempo. En 2015 el grupo volvió y si bien valoramos mucho la primera etapa, la nueva consiste en cierta refundación.

Mirando sus comentarios sobre sus influencias, no puedo dejar de imaginarme que Desintegración es por The Cure, aunque tal vez me equivoque, pero sería como la revista, salida del gen de The Cure. Estás en lo cierto, en parte. El nombre homenajea a ese diamante maravilloso que forma parte de la discografía de The Cure. Es un disco que nos fascina. Pero el nombre nos sugiere también cuestiones como la posibilidad de mutar, el carácter hondo relacionado a la vida en general, verdades heréticas... Es una palabra que sonoramente emana poesía maldita, algo que también cuidamos en cada frase de nuestras canciones. Su primer álbum del 2009, "Abismo", es un pop sutil un poco más oscuro. Y si bien lo han presentado en muchos lugares, ¿Qué sienten al escucharlo hoy? Es un buen trabajo. Nos siguen gustando esas canciones y de hecho seguimos tocando las que más disfrutamos hacer en vivo. Es un disco sonoramente diferente a “Pulso Mercurio”. El que lo escucha, va a notar muchas diferencias con el último trabajo

pero la línea compositiva se mantiene, la raíz se mantiene intacta. De algo estoy seguro: ambos álbumes son definitivamente “Desintegración”. ¿Por qué tanto tiempo para sacar el segundo álbum? En realidad la banda dejó de tocar por varios años, como te explicaba antes. En 2015 volvió, con formación nueva (se incorporaron Emiliano Longueira en bajo y Javier García Moreno en batería) y nuevos temas.

"Pulso Mercurio" es un fino álbum de canciones, y el marco de canciones es algo que le queda a la perfección. Y pensando en ese marco les proponemos que nos digan algo sobre cada track. "Camaleónica": Es un tema jodidamente furioso y sensual. "Ficción": El buen pop ha vuelto. "La fiebre que nos condena": Tiene todo lo que tiene que tener un gran hit: melodía, groove, poesía y calor. "Salvaje": Baile, verdad y una lírica absolutamente delicada. "Escapar": Uno de los momentos más oscuros del disco. Cuenta con la participación de Toto Nievas en los textos. "Aléjate": La dosis rockera necesaria. "En profundidad": Guitarras sónicas en un rock crudo y sexy. "Cartas": El disco cierra con la cara más industrial de la banda.

¿Ya hay nuevas canciones?

extra que tienen las bandas por mantenerse siempre activas?,

Sí. Afortunadamente aparecen temas siempre. Tienen que

que es algo muy de estos tiempos de redes sociales, por cierto.

pasar el filtro de sobrevivir varios shows en vivo. De todas ma-

Las redes son un trabajo aparte. Son una genial forma de di-

neras estamos abocados a “Pulso Mercurio”. Es posible que en

fundir la música pero van aniquilando el concepto de álbum. La

la segunda parte del año ya empecemos a mostrar esas cancio-

mayoría de la gente escucha temas sueltos y no discos. No me

nes que aún no vieron la luz.

gusta que no se comprenda la obra integralmente. Nos llevamos bien con las redes en la medida justa y necesaria. No somos una

Van a presentar el álbum en The Roxy Live ¿Qué nos pueden contar de esa noche del 26 de marzo?

banda que suba cualquier idiotez. Una banda no tiene que convertirse en una edición online de Gran Hermano.

Vamos a hacer un despliegue escénico importante. Nos gustan los artistas que hacen un verdadero show y nosotros inten-

¿Qué les espera este 2017?

tamos hacer eso mismo. Para ver a cuatro tipos parados y ves-

Estoy convencido de que hicimos uno de los mejores discos

tidos como el vecino, me quedo escuchando el disco en casa.

del género en Argentina. Este año vamos a presentarlo en todas

Vamos a tocar todo el disco nuevo, algunas canciones del pri-

las partes del país que podamos. Si se puede afuera, encantados.

mero y sorpresas. ¿Cómo ven este flujo incansable de bandas que hay gracias

Gracias por prestarnos este tiempo.

a Internet? Si bien tiene algo de romanticismo por el hecho de

Les dejamos el final para que digan lo que quieran.

que todos tienen acceso a subir a plataformas su música, lo cier-

Muchas gracias por el espacio. Los esperamos en The Roxy

to es que también hace que a las propias bandas les cueste es-

Live el domingo 26 de Marzo y les recordamos que el disco está

tar presentes en las redes de sus fans ¿Ustedes ven esta energía

disponible en todas las plataformas digitales más destacadas.

Entrepisos es un ciclo de música en vivo pensado para producir el desarrollo de 1 - músicos y todo artistas, productor o técnico que colabore en la performance. 2 - Este desarrollo incluye en forma indispensable al espacio que lo alberga “El Archibrazo” en este caso y 3- al público. Estos son los primeros tres grandes nodos que nos encontramos y podemos pensar al primero como el motor, el segundo como la carrocería y al tercero como el combustible del ciclo, cada uno indispensable para llegar al objetivo pensado. En nuestro caso el objetivo que nos planteamos es facilitar la creación y/o la expresión de todos los participantes y hacer sustentable el desarrollo y la producción artística.. En nuestro experimento totalmente abierto desde su concepción ya que creemos saber cómo inicia a partir de nuestro conocimiento de la gente convocada pero no sabemos cómo ni cuándo termina. Cada integrante de la red es un individuo que llega con su propio universo y que hará su aporte tanto desde lo artístico, lo técnico y la difusión. Esperamos lograr un ambiente altamente contagioso e inspirador para la producción de obra y una conectividad tal que cada uno se vea beneficiado por los logros de los demás. Optimizando el rendimiento de los medios con que contamos y los que iremos creando.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: LEVEL 42: EL AÑO EN QUE WIGHT ISLAND CONQUISTÓ EL MUNDO

¿Cuántas bandas conocen ustedes cuyos miembros sean ori-

sons In Love”, que fue #1 en Alemania, Dinamarca, Suiza, Fin-

ginarios de Londres? ¡¡Puf!! ¿Cuántas que se hayan originado

landia y Sudáfrica. Este éxito abrió el camino a los siguientes

en Liverpool? ¡Puf, una por lo menos! Pero… ¿Cuántas bandas

sencillos y el mundo puso los ojos sobre la banda en gira, des-

conocen cuyos fundadores sean oriundos de la Isla de Wight?

lumbrándose particularmente con la velocidad y fluidez con la

A ver, a ver... Mark King junto a sus camaradas isleños Boon

que King daba espectacularidad a su instrumento.

y Phil Gould, ¡por supuesto! A ellos se unió Mike Lindup (te-

Este álbum titulado “Running In The Family” tuvo una exce-

clados) en 1979 en Londres para dar el puntapié inicial a Level

lente recepción y cosechó para el grupo una bandada de nuevos

42. Una curiosidad es que Mark King no fue originalmente el

fans. El disco abre con “Lessons In Love” un lado A impresio-

bajista de esta banda, aunque el bajo fue el instrumento que le

nante que continúa con “Children Say”, sigue con el tema que

concedió la fama mundial y que lo convirtió en uno de los mú-

da nombre al disco y cierra con la melosa pero efectiva balada

sicos más influyentes de su generación gracias a su maestría en

“It’s Over”. El lado B baja la intensidad pero continúa la línea del

la técnica conocida como “slap and pop”. Lo cierto es que Mark

buen pop sostenido por una base new wave con canciones pega-

comenzó tocando la batería, instrumento que luego caería en

dizas y bailables, incluyendo “Fashion Fever” y el tercer single

manos de Philip Gould.

“To Be With You Again”.

Desde sus inicios, los muchachos de Level 42 fusionaron jazz

El álbum fue un muestrario de éxitos radiales como nunca

y funk y fueron introduciendo elementos ligados al pop, apun-

antes había logrado el grupo: 5 singles que fueron Top 10 en

tando hacia subgéneros como el sophisti-pop y el dance-rock.

varios países europeos. O sea que más de la mitad de los 8 te-

Por tratarse de músicos con formación académica, los roles eran

mas del disco (en CD y cassette se adicionaba como extra track

flexibles y además de lo anteriormente mencionado sobre Mark

el tema “Freedom Someday”), fueron hits. En junio de 1987 Le-

King, Boon Gould supo tocar bajo y saxofón, o Lindup podía oca-

vel 42 participó del Prince’s Trust Concert donde contaron con

sionalmente inmiscuirse con la batería. La habilidad de Lindup

Eric Clapton como guitarrista invitado en el tema “Running In

con el sintetizador dio a la banda una fuerte base synth-pop.

The Family” y donde se pudo ver a King y Lindup intervinien-

Pero la calidad de Mark King fue lo que hizo la diferencia: su

do en una versión de “While My Guitar Gently Weeps” junto a

técnica (“slap and pop”) fue muy utilizada por los contrabajistas

músicos de la talla de George Harrison, Clapton, Elton John,

en los años 20’. La misma consiste en tirar fuertemente de las

Phil Collins, Jeff Lyne y Ringo Starr. Level 42 jugó ese año en

cuerdas de modo que reboten contra el mástil produciendo un

las ligas mayores. Pero tanto desgaste pasó factura, y fue esta

chasquido, propinando a continuación una bofetada a las cuer-

la última producción que contó con todos los miembros origi-

das que genera un patrón rítmico y produce un sonido muy ca-

nales, ya que los hermanos Gould abandonarían la banda en el

racterístico y percusivo. Fue así que Mark King logró notoriedad

transcurso de 1987.

y ya colaboraba con artistas como Nik Kershaw o Midge Ure en la primera mitad de los 80’s.

En 2012, Level 42 homenajeó el 25º aniversario de su obra

Con todo este bagaje de posibilidades y experiencias, los Level

mediante una gira que abarcó UK y la mayoría de los países eu-

42 ya no eran ningunos primerizos cuando lanzaron su sépti-

ropeos, tocando el álbum completo. Al día de hoy, han pasado

mo y más exitoso álbum en marzo de 1987. Las puertas de USA

ya 30 años de su lanzamiento pero los hits de “Running In The

ya se habían abierto con su disco anterior “World Machine”,

Family” siguen sonando en las radios FM de todo el mundo y

que les dio su primer Top 10 hit en América “Something About

conquistando nuevos oyentes, para que todos recordemos que

You”. El anticipo del próximo disco sería el worldwide hit “Les-

la Isla de Wight gozó de un año de gloria en el mapa musical.

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 6: LOVE IS A FRIEND “La rebelión consiste en mirar una rosa hasta pulverizarse los ojos” -Alejandra Pizarnik

Una de las formas en que un artista puede ser relevante es si es absolutamente auténtico. Vini Reilly de The Durutti Column estaría de acuerdo con esto. Imaginemos que la vida misma, con toda su fragilidad, tristeza, pérdida, alegría y belleza, pudiese ser encapsulada dentro del sonido de una guitarra: terminaríamos con un sonido bastante parecido al de Durutti Column. Inmerso en el contexto Post-Punk y apadrinado en su momento por Tony Wilson y Factory Records, el frágil, enfermizo (“vas a tener una vida dura, muchacho” fue lo que pensó Peter Hook cuando lo vio por primera vez) y brillante guitarrista Vini Reilly decidió canalizar su rebeldía mediante la creación de música genuinamente bella. Su clásico debut The Return of the Durutti Column (1979,) una elegía instrumental folkfuturista a base de guitarra y loops de percusión ligera y brillantemente descoordinados, fue producido por el brillante Martin Hannett. La edición original del vinilo (ensamblada por los miembros de Joy Division para ganarse unos mangos) venía en un envoltorio de papel de lija que supuestamente destruía los otros discos de tu colección, idea inspirada por los anarquistas de los cuales Reilly tomó el nombre para su banda. Además de desopilante, este insólito hecho resulta simbólico de la filosofía de la belleza como forma de subversión que es tan intrínseca a la obra de Reilly. A partir del segundo disco, LC (Lotta Continua = “la lucha

continúa,”) Reilly incluiría canciones entre las instrumentales, casi susurradas por su frágil voz, perdida en la mezcla entre un mar de autenticidad. LC sería uno de los primeros discos producidos de forma casera en tener un sonido prácticamente prístino, factor que lo ha convertido en otro clásico si a esto se le suma la calidad de las composiciones, que van desde la fotográfica “Sketch for Dawn” a la oda a Ian Curtis “The Missing Boy.” Reilly es aquí acompañado en todos los temas por el baterista Bruce Mitchell, el segundo miembro más duradero de Durutti Column. Desde entonces, Reilly ha editado toneladas de música de calidad, centradas en su inconfundible manera de tocar la guitarra, descripta por el crítico Mark Prendergast como “lágrimas cayendo de un disco” y por M. Chuzlewitt como “una interpretación musical de la condición humana,” además de contribuir al debut solista de Morrissey Viva Hate. Destacan especialmente los discos Vini Reilly (1989,) con un innovador uso de samples vocales que presagia por diez años (y en muchas formas supera) al de Play de Moby, y Someone Else’s Party (2003,) tan impresionante que hasta el eternamente autocrítico Reilly tuvo que admitir que “mereció ser lanzado.” Su último lanzamiento, Chronicle LX:XL, es especialmente notable por diversos motivos. Por un lado, significa el regreso del guitarrista al estudio de grabación tras haber estado tan enfermo que se le había diagnosticado que nunca más podría tocar la guitarra. Segundo, la obra fue encarada como una

especie de “autobiografía musical”, con temas que reflexionan sobre eventos cruciales en sus 60 años de vida, incluyendo su reciente separación de su novia Poppy Morgan (quien sin embargo aporta piano en varios de los temas.) El packaging también fue particular: un lujoso boxset con dos CDs, material adicional descargable, y una selección de memorabilia personal del artista. Como resultado, Chronicle es aún más personal y emocionalmente cargado que los otros lanzamientos de Durutti Column, lo cual ya es mucho decir. Los puntos álgidos son varios. La apertura del segundo disco, “Free From All the Chaos”, con sus dispersos acordes en piano, casi parece una colaboración entre Reilly y la banda islándica Sigur Ros. “Hotel Calderon” ofrece mantras Lennoneanos (“give peace a chance”, “all we need is love”) repetidos por una cantante femenina por sobre 8 minutos de gloriosas guitarras melódicas yuxtapuestas. El

más minimalista del tema “Somebody” del glorioso Someone Else’s Party pero con una letra completamente distinta. Con la voz de Reilly más débil que nunca debido a sus penurias, nuevamente los temas enteramente instrumentales como “The Water Color Class” destacan especialmente. En definitiva, Chronicle LX:XL es más de lo que Reilly siempre nos ha ofrecido: música para la vida, brindada por un artista especialmente sensitivo cuyo único objetivo en su carrera musical, según el mismo, fue ser genuino. Por este motivo, resultará esencial tanto para los fans acérrimos como para los que deseen iniciarse en su maravilloso mundo de honestidad, calidad y sentimientos magnificados. Nota discográfica: Conseguir discos de Durutti Column puede llegar a ser tan elusivo como el mismo Reilly, pero Factory Benelux ha reditado los tres primeros álbumes en bellas ediciones remasteriza-

carácter autobiográfico de la obra se evidencia también mediante el reciclaje de música y letras de discos anteriores, algo ya común en Reilly: la desgarradora “Mercy in the Cathedral” reinterpreta su clásico Without Mercy, mientras que “Mello” combina diversos motifs del excelente álbum del 2001 Rebellion. “Sharrocks’s Tune”, por otro lado, ofrece una versión

das y expandidas. Vini Reilly también fue reditado como CD doble en el 2011. Prácticamente toda la discografía de Reilly vale la pena, pero los discos citados anteriormente ofrecen un buen punto de partida. Para feedback o comentarios: gabrielalejandrorojo@gmail. com o www.facebook.com/gaborojo67

[ “Para tenerlos bajo llave”, de Carlos Carrillo por Pablo Ravale ]

PORNOGRÁFICO, SATÁNICO Y PEDÓFILO: Me encuentro ante la tesitura de comentar un libro único desde dos perspectivas: la primera, la literaria, que es que la cuenta; y la segunda, la moral, criterio cuando menos irónico si tenemos en cuenta que el libro en cuestión supuestamente propone y abraza la inmoralidad absoluta. Se trata de Para tenerlos bajo llave, un libro de cuentos de terror cuya descripción más afinada y agradecida la proporcionó una librera limeña al catalogarlo como “pornográfico, satánico y pedófilo”. ¿Cabe mejor elogio para un libro de este género? Para mí, la mayor virtud de este libro radica precisamente en su propia definición: que se trata de un libro de cuentos de terror. Hoy es tan difícil hallar un volumen digno de tal nombre que no deja de ser reconfortante comprobar la decisión con la que el escritor peruano Carlos Carrillo se ha lanzado a cumplir las expectativas del género. Bajo una deliciosa fotografía de portada, de exquisitas idea y factura (una rubia de senos aniñados nos mira, los ojos rojos de demoníaca lubricidad, mientras asoma en su boca una llave discreta), se agazapan once relatos de horror, en su acepción más clásica: cultos demoníacos, retratos que toman vida, sexo contranatura y drogas como parte indisociable de crímenes abominables, psicopatías y patologías paidofílicas. Antes que de Baudelaire, del Marqués de Sade, de Nabokov y de Burroughs (los ennoblecidos referentes que siempre salen a la luz cuando se arma una gorda en el circo mediático), yo veo en la literatura de

Carlos Carrillo –también conocido como El Pitufo Sodomita– la influencia de Poe, Lovecraft y de las películas de terror clase B. Más de un cuento, especialmente el casi anglosajón “El coleccionista”, podría formar parte de una serie de terror televisiva como Tales From the Crypt, ya que la hoy el libro se vende, de hecho, con un DVD recogiendo varias adaptaciones de los relatos a cortometrajes. Esta influencia de la “baja” cultura, influencia que en cualquiera de los enemigos de Carrillo (porque, sin duda, Carrillo ya tiene enemigos: nada como la notoriedad para crearlos) sería un argumento para defenestrar su obra, la cual a mí me parece en sentido estricto su elemento redentor: Carrillo ignora olímpicamente los vericuetos del terror contemporáneo, desprecia de un plumazo los efectos de la “nueva carne”, pasa de largo a Cronenberg y Clive Barker, o hasta Stephen King, y salta desde Lord Dunsany hasta nuestros días, desempolvando los pentagramas, los cánticos de brujas y las orgías (vaya, la librera tenía razón) satánicas, y el tradicional concepto romántico en torno al horror non plus ultra. Lo que más aprecio en Carlos Carrillo, y lo aprecio muchísimo, es su determinación a ser un escritor que toma el medio literario como medio: no, no se trata de una banalidad. Al contrario del cómic o incluso (gracias a Dios… o a Lucifer) del cine en su vertiente más pochoclera, la literatura vive un proceso de aislamiento de la realidad del ciudadano, donde los embebidos escritores están tan desconectados de la cultura popular y lo que realmente arrastra a las

masas que conciben la literatura como un fin en sí mismo. Ya hay pocos escritores que escriban con el objetivo de contar algo. Pero contrariando a la mayoría de sus colegas más recientes, Carrillo se niega a sumarse a esa categoría de escritor enamorado de su escritura: para él, la literatura es un medio, no un fin. Un medio, principalmente, de provocar miedo, terror, asco y excitación en el lector o lectora. Me importa tres pitos que lo que escriba Carlos sea catalogado de malsano. De hecho, me gusta ese revestimiento de literatura “sucia” que envuelve Para tenerlos bajo llave. Me gusta esa apariencia de libro prohibido, esa alusión explícita a los tópicos del terror popular, ese aire de exabrupto adolescente que exhala cada página, esa impresión vívida de estar leyendo una antología de cuentos tremendistas, de los de toda la vida, escritos por funcionarios con pseudónimo. Esa aura clandestina no tiene precio. En cuanto a los cuentos en sí mismos, destacaría la sencillez poético-sádica de “Cristales rojos”; la villanía psicodélica, muy gozoso y consecuente, de “Euforia permanente”; y los encomiables intentos por resucitar la literatura gótica tradicional: “La Gorgona en el lienzo” y “Legado de los Carpatos”. Personalmente, el relato que más me ha sorprendido y agradado es el más aparentemente polémico y, por tanto, el recibido con peor predisposición: “Si a trece le quitas cuatro tienes nueve”. Esta

incursión casi gráfica y nada terrorífica en la aventura sexual entre un (nunca mejor dicho) veinteañero y la hermana pequeña de su amante ocasional, una dulce pero osada niña de nueve años, me parece sobresaliente por su candidez: al contrario de lo que podía esperar, el cuento, pese a su talante pornográfico, no hace hincapié en la explotación de lo supuestamente enfermizo, abusivo, denigrante o escandaloso que se esperaría en una crónica de la relación íntegramente física entre un adulto y una niña. Por el contrario, la niña protagonista presenta tales resolución y sabiduría innata en su actitud erótica, que más bien el cuento resalta por su vitalidad cómplice y buena vibración. Otros relatos del mismo volumen describen relaciones sexuales entre adultos mucho más agresivas, aberrantes y desagradables. Es éste pues un cuento de tono simpático y levemente humorístico, afortunadamente poco “satánico”, y donde uno no identifica a la niña protagonista con una niña real. Eso puede resultar peligroso, afirmarán los guardianes de la moral social, siempre dispuestos a denunciar cualquier conducta nociva, incluso aunque esas conductas nocivas las lleven a cabo personajes de ficción. En definitiva, y ya para ir cerrando, ante tal aserto, yo sólo podría alegar que me siento doblemente afortunado: ni me gustan las niñas ni me considero un guardián de la moral. ¡Viva Carrillo!

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

Lo que no se puede curar por Pablo Ravale

Me niego a asociar la agradable palabra hospitalidad con los hospitales. La hospitalidad consistió siempre en dar amable hospedaje, en brindar cierto ritual de agasajo al recién llegado, al peregrino sin rumbo. En Constantinopla, para determinar dónde construirían los primeros hospitales, los romanos empleaban un método muy simple: colgaban carne en distintos puntos de la ciudad; donde la carne se pudría más rápido y generaba los gusanos más voraces, allí se disponían a edificar. Así, el negocio de la medicina no es la salud sino más bien la enfermedad. A ella le conviene la proliferación de las enfermedades, la peste, la mayor virulencia de los virus, el avance descarriado del cáncer, la desnutrición, el cólera. Su negocio radica en lo que no se puede curar. Es misteriosa esa palabra “cura”. Según el filósofo alemán Martin Heidegger, la misma tuvo su origen en la fábula de Higinio. En dicha fábula un personaje de nombre “La Cura” deambula por el mundo. Se siente aburrido y desolado. Entonces llama a los dioses. Le propone a Geb (dios de la materia) que le conceda barro para poder dar forma a un ser extraordinario, y luego le pide al dios Júpiter que le insufle su aire divino. «Y qué ganaremos con ello», preguntaron los dioses. A lo que La Cura les respondió: «Podrán ser espectadores de su existencia. Y cuando este ser muera te devolveré su materia, dios Geb; y a ti su respiración, Júpiter. Pero mientras permanezca vivo este ser me pertenecerá». Los dioses aceptaron la propuesta y así fue creado el hombre. De esta manera, la palabra cura es traducida como “preocupado” o “preocupación”, y ese es el destino del hombre: ser víctima de las preocupaciones. Por eso, el objetivo de toda cura es para los

médicos generar preocupación. Porque el hombre nace y muere pre-ocupado. Ya lo ocupa de antemano otra cosa, otra idea que no es suya. El deseo del médico tiene como fin la enfermedad, porque es ella quien le brinda su identidad. El cirujano francés René Leriche dijo: «Si queremos definir la enfermedad tenemos que deshumanizarla». Y el afamado psicoanalista Jacques Lacan contragolpeó: «Ese es el efecto del discurso médico. Un discurso que se define con un solo objeto». La definición del médico se confirma entonces a través de la receta. Y aquí no vale el discurso del paciente, ya que éste es doblemente sospechoso, es decir, es incompetente y encima porta la enfermedad. Cuando el creador de la vacuna contra la poliomielitis, Jonas Salk, visitó la Argentina en 1983 para hablar sobre el HIV, dijo a un periodista: –¿Sabe a quién se considera buen médico? Al que siempre encuentra algo. Yo, en cambio, nunca encuentro nada. Le digo al paciente que se vaya tranquilo. Las enfermedades, para la medicina, son una tremenda conveniencia. Por su parte, el pensador austríaco Iván Illich demostró con eficacia en sus libros la complicidad nefasta que hay entre los laboratorios químicos y los médicos de todo el mundo. El promedio de enfermedades interhospitalarias aumenta progresivamente. De hecho, hay quienes afirman que la caída de Salvador Allende fue urdida por la casta médica, dado que el ex-presidente chileno había retomado la vieja idea del botiquín del médico de barrio con cinco drogas básicas en su interior. Y fíjense qué cosa, la definición de la palabra “droga” posee el doble significado de remedio y veneno. O sea que, lo que te sana, al mismo tiempo, te aniquila (y existen dos teorías sobre la muerte: la teoría del disco raya-

do, que es la que te dice que te morís debido a la acumulación de errores que cometiste, y la teoría del reloj despertador, que es la que te libera de toda culpa porque en el código genético ya está fijada la fecha de tu muerte). Con respecto a las internaciones en los hospitales, ¿qué decir, a ver? Que las personas allí están condenadas a orinar en un papagayo, pero encima cuando tienen que cagar o bañarse deben hacerlo acompañado de alguien… cosa que es terrible. Y es terrible porque es una invasión a lo íntimo, porque nuestros órganos sexuales son también nuestros órganos de excreción. La vida nocturna en los hospitales es harina de otro costal. De noche van las camareras con la comida y las mucamas a limpiar la habitación. A su vez, el movimiento nunca se detiene y las luces nunca se apagan. Todos lloran, todos gimen, todos gritan, todos se quejan. Los médicos te revisan en todos los turnos, siempre en patota. Y la sexualidad, para colmo, es bastante notoria. Hay olor a sexo en los guardapolvos y los ambos aunque los residentes se bañen en desinfectante. Otra cosa que siempre me llamó la atención de

estos sitios horrendos es lo enormes y laberínticos que son en su inmensa mayoría. Y ni hablar de la sala de espera: la sala de espera es la antesala del infierno. El infierno es la guardia. En la guardia podés encontrarte de todo: tipos con un balazo en el estómago, adolescentes con un tajo en la cara, mujeres con dolores de parto, viejos que no pueden defecar pero que si le hacen un enema seguro que se empiezan a tirar unos pedos hediondos, atropellados, quemados, en fin… toda la fauna típica de seres sufrientes a la que se le suman, por supuesto, los enfermeros, las juntas de médicos, las radiografías, los pinchazos, las suturas, el atroz operativo de la bolsa colgada del pie de suero, etcétera. Los domingos en un hospital son triplemente domingo (día que odio, por cierto). Sólo queda la guardia y ningún especialista. Hasta las mucamas están de descanso. Y no sé por qué, ¿pero a qué se debe que los pasillos de los hospitales sean tan fríos? ¿Será, acaso, que los médicos buscan que nos muramos de angustia, de desolación, de cafés con gusto a engrudo, de medialunas secas del buffet? No sé, no lo entiendo… No me explico todavía cómo es que nadie se ha dado cuenta de esto.

HIDDEN TRACK

EN CONCIERTO

[ Por Noelia Fernandez. Fotografías: Nazarena Talice. ]

EN LA GUARIDA DEL CONEJO Marty Wilson-Piper y Olivia en "Hostel El Sol", Buenos Aires, 16 de Febrero de 2017.

¡A semejante hora, bajo este cielo propicio al ensueño, pedir un cuento, cuando la brisa no alcanza A agitar la pluma más leve! (Lewis Carroll: Las aventuras de Alicia en el país de las Maravillas)

Jueves. Otra vez jueves, como todas las semanas. Otra vez

surdas. “Vos” –dice enfatizando el sonido de la V. “Burro” –in-

llueve. Y encima, mañana hay que ir a trabajar. Pero este no es

siste, horrorizado por la doble “rr”. Le sigo la broma repitiendo

un jueves cualquiera.

la palabra; pongo un énfasis exagerado en ese sonido vibrante

Salgo tarde del conurbano mientras la lluvia, aunque débil,

que a él le cuesta tanto repetir. Olivia, mientras tanto, se prueba

amenaza con hacer que este nuevo jueves no sea todo lo extraor-

un vestido increíblemente extravagante, entra y sale de su habi-

dinario que imagino. Es que, si llueve, el segundo concierto de

tación y hace consultas a los presentes sobre la manera de com-

Marty y Olivia, -que estoy esperando exactamente con la misma

binarlo. Se ve realmente impactante y original; Marty nos mira

ansiedad que el primero- esta vez, se suspende. Ya me lo habían

a todos y agrega, risueñamente, que ella parece “¡un persona-

advertido: es al aire libre; en la pequeña terracita con que cuenta

je de Star Trek o de ciencia ficción!”. No doy más de risa. Hace

el pintoresco hostel El Sol. Odio la lluvia. Y odio los jueves como

gestos y mohines buscando evocar grotescamente personajes y

nunca antes lo había hecho.

ambientes del mundo fantástico. La carcajada es instantánea.

Pero en cuanto cruzo a la Capital, la fatídica tormenta desapa-

Todo está en marcha.

rece casi por arte de magia; como si el Puente Pueyrredón fue-

Luego, los músicos se encierran dentro de su habitación has-

se el umbral que había cruzado Alicia para llegar al País de las

ta el momento del show. Alguien por ahí dice que van a ensa-

Maravillas, donde la lógica se esfuma.

yar. Me quedo un momento en recepción para tratar de captar

Ni bien entro al hostel El Sol, Marty se aparece de repente para

obsesivamente algún hilo de sonido, alguna cuerda de guitarra

saludarme con entusiasmo ofreciéndome la palma de la mano

o violín, pero nada… Es como si se hubieran esfumado hacia la

para chocarla. Va de un lado al otro y, como siempre, bromea

cuarta dimensión.

sobre el sonido del castellano rioplatense con los pocos que ya

Un rato después, nos vamos trasladando a la terraza donde

llegamos al lugar, que está lleno de escaleras y es la típica cons-

tendrá lugar el concierto acústico, que augura ser aún más ín-

trucción centenaria, gigante y laberíntica que probablemente al-

timo y mágico que el de la semana anterior. Un nuevo umbral,

bergaba, a principios del siglo XX, alguno de esos clásicos petit

como el de Alicia, nos espera en el oscuro pasillo del hostel; casi

hoteles de estilo parisino que abundaban en Recoleta.

un gótico pasadizo que separa, en mi percepción, distintos pla-

Le pregunto si todo va bien. En medio de preparativos culina-

nos de realidad y nos conduce a la estrechísima escalera de cara-

rios se acerca a la recepción de vez en cuando para pronunciar,

col que nos llevará al improvisado escenario, ubicado –como co-

buscando la complicidad de los presentes, alguna palabra cas-

rresponde en cualquier mundo de fantasía- más cerca del cielo.

tellana de esas que tanto le llaman la atención o le resultan ab-

La mítica Takamine descansa cual varita mágica en el piso,

71 ahora mucho más cerca del público que en El Emergente. Me

frutemos de la fantasía, que la transformemos en nuestra vida

acerco para fotografiarla antes de que desaparezca como objeto

cotidiana, que nos abandonemos al surrealismo (del mismo

encantado o como castillo lejano que nunca se alcanza. Todo se

modo que, creo yo, lo hizo Alicia en el País de las Maravillas) y

ve más genuino y espontáneo que nunca ya en los momentos

que, como pide en “Forget the radio”, inventemos mundos con

previos del concierto. El lugar está lleno de familias, de niños

reglas propias, personales, nuestras. Pero Marty aclara, rápida-

y pizzas que van y vienen, de músicos conocidos que se reen-

mente, que para lograr todo esto –que tal vez para los simples

cuentran después de décadas, que ahora no tocan más porque

mortales resulta tan difícil-, él, al menos, no necesita drogas. Se

el capitalismo les ha robado el tiempo. En medio del ameno y

trata, ni más ni menos, que de convertir el mundo cotidiano en

relajado ambiente, los músicos hacen su aparición y se ubican

un gran cuento de hadas.

en sus respectivos lugares. Después de algunos minutos de co-

En ese contexto, pide entre tema y tema, muy acertadamente,

menzar la prueba de sonido, Marty pretende dejar bien en claro

que alguien del público cuente una historia pues, finalmente,

que “this is not a show”. Es inútil: toda la atención está puesta

en eso consiste la vida misma. Mientras, yo no logro compren-

desde hace rato en ese pequeño espacio sin cuarta pared. Una

der cómo él no ve que esa noche en la que estamos todos inmer-

pequeña, íntima versión a capella de “The killing moon” (Echo

sos es ya, en sí, una historia; una de esas grandes y prodigiosas

& the Bunnymen) que el ex All About Eve ensaya espontánea-

historias que no se escribieron nunca. ¿Cómo no va a serlo, si

mente con voz profunda confirma, entre los presentes, que el

todo lo que está pasando – ¡su presencia misma en Buenos Ai-

show ya comenzó, aunque para él sólo se trate de una prueba

res! - es increíble? Sin embargo, yo no puedo apasionarme tanto

de micrófono.

en este contexto; no debo mover frenéticamente mi silla como

Es que este nuevo concierto se vive, incluso –y sin exagerar-,

hacía mi padre cuando escuchaba jazz en vivo. Este lugar está

como un prodigio que para muchos de los que estamos allí quie-

demasiado iluminado y es muy pequeño. Todos nos vemos las

bra nuestra realidad, al menos por unas cuantas horas. En ese

caras. Sin embargo, inevitablemente, cada acorde que abre la

contexto, incluso la fantasía distópica de “Five years” –el clásico

puerta a una nueva canción es como llegar al borde de un acan-

de David Bowie- se cuela durante el backstage cuando, termina-

tilado sin tener miedo de arrojarse. El esfuerzo que necesito

da la prueba de sonido, Marty, intempestiva y espontáneamen-

hacer para evitar un gesto, un movimiento o un suspiro ante la

te, empieza a cantarla en cuanto se cruza conmigo, mientras me

sorpresa que significa cada canción ejecutada en vivo es enor-

busca con la mirada, como para que yo lo siga en ese juego de

me. Aún me resulta increíble estar escuchando esas melodías,

compartida pasión melómana.

esas guitarras, esas letras. Y entonces se me ocurre pensar que

Por fin, el show propiamente dicho se inicia del mismo modo

el cambio de clima, sin rastros de la lluvia amenazadora de hace

que en El Emergente; con la poderosa guitarra arpegiada de

un rato, no es sólo por la clásica falta de puntería del servicio me-

“Water” (cuyo solo de guitarra eléctrica recrea Olivia en el violín)

teorológico: es, también, por efecto de la música, cuyo poder es,

y la melodía escalonada de “You whisper”, seguidas de “High

aún, más grande que el de Dios.

as a kite”. La primera novedad del concierto llega con “Forget

Olivia, por su parte, observa toda la escena midiendo con

the radio”; una suerte de manifiesto melómano del “hazlo tú

atención –aunque sin perder espontaneidad- sus propios pa-

mismo” (“Forget the radio / Send the DJ home / You're better

sos y los de Marty. El transporte de la guitarra está corrido. Ella

on your own”) con referencias cinematográficas que condenan

se lo hace notar a su compañero –a esta altura, ante mis ojos,

la masificación de la música (“All my favorite records / I ne-

una especie de sombrerero loco del siglo XXI- quien comenta,

ver see or hear / And here's the plague of zombies / For power

marcando visiblemente los roles, que, para todos los asuntos

and career”) y el mandato que incluye nombres de fuertes in-

serios, debemos dirigirnos a ella, pues él, aparentemente, no

fluencias musicales (“Andy Partridge, Robert Wyatt / You hear

sirve para esas cosas. “Si Olivia no estuviera aquí, esto sería un

it you buy it”).

desastre” –remata.

Entremedio del show, los niños que juegan en la terraza des-

El show continúa con los clásicos de The Church “Tristesse”

bordan sobre el espacio donde se encuentran los músicos y atra-

e “Into my hands”, sigue con “Thirteen” (cover de Big Star),

pan repetidamente la atención de Marty. Los invita a participar

“Ugly and cruel” –todas canciones ya presentes, también, en el

y bromea con ellos. Propone que todos volvamos a la niñez, que

primer show. Pero a todo esto se le agrega lo que constituía mi

los adultos aprendamos a torcer las reglas de la realidad, que dis-

gran deseo y, según percibo en la audiencia, el de muchos más:

se trata de “Spark”; la canción más rockera de Starfish, cantada

York junto a su madre, en plena década del ’80, ambos algo abu-

originalmente en el álbum por el propio Marty (a diferencia de

rridos y sin mucho que hacer, hasta que él supo que una de sus

las otras dos canciones de la banda australiana que componen

bandas favoritas –The Church- tocaba esa noche, precisamente

el set de esta noche).

allí, en la (otra) gran ciudad that never sleeps. La singular jorna-

Luego de una breve pausa, los músicos vuelven con “My mu-

da, obviamente, cobró un nuevo sentido para Paul y su mamá

seum” (otra novedad en el set list), canción que forma parte

(igual que ese jueves para mí). El músico expone, orgulloso, a

del álbum Sparks lane, del dúo Noctorum. Siguen con “Chro-

todo el público una foto tomada en esa oportunidad. En ella se lo

mium” y, una tras otra, tres canciones de la carrera solista de

puede ver muy cambiado luciendo una llamativa remera con la

Marty: “Will I start to bleed” (única gema del disco Spirit Level

portada del casi inhallable compilado Hindsight, cuya foto cen-

que se ofrece durante el concierto), “Melody of the rain” (enig-

tral en blanco y negro muestra, justamente, las piernas de Marty

mática pieza de Rhyme) y “I don’t think so” que, según Marty,

Willson-Piper junto al clavijero de una de sus clásicas guitarras.

es la canción más triste de Hanging out in heaven.

“Y bueno, veintinueve años después aparece este muchacho y

Cuando, en ese preciso momento, levanto la vista y miro el

esta divina señorita acá y mirá; me encuentro tocando con ellos”

cielo que cubre la terraza, veo, con sorpresa, que está asombro-

–remata, aún incrédulo. La historia es, a las claras, la mejor que

samente despejado. “And the stars are looking pretty in the sky”,

se podía pedir en esta jornada repentina y asombrosamente es-

canta Marty. Y ahora ya no hay nada que le preocupe a nadie:

trellada. Todos aplaudimos intensamente.

ni la lluvia, ni el madrugón que nos espera en cuanto salgamos del País de las Maravillas en que el simple hostel se convirtió.

Como no podía ser de otro modo, el show se cierra con la hermosa canción de Noctorum, “Hopes and fears”, y siendo el fi-

La delicada “Felice”, de Moat (álbum perteneciente al dúo ho-

nal, yo la interpreto como una especie de promesa para el futu-

mónimo), es otra de las canciones que, a continuación, se incor-

ro: la esperanza de que vuelvan; el miedo de que eso no suceda.

poran a la lista extendida de esta noche. El título es un nombre

Recuerdo que, un rato antes, en pleno concierto, les dije, apro-

propio; el de una joven -¿imaginaria?- que se pronuncia “feliz”

vechando un silencio, que debían volver, y que cuando él –luego

y que, por ende, alude al obsesivo interés que Marty siempre ex-

de aclarar, muy ingeniosamente, que todavía no se habían ido-

presa por todo lo relacionado con la cultura castellana. Cuenta al

me aseguró que la noche sería muy larga y que un rato después

público que el compás del tema es en seis por ocho y nos marca,

yo ya estaría aburrida, supe inmediatamente que estaba equi-

alegremente, el movimiento corporal que dicha rítmica impul-

vocadísimo. De hecho, ni bien dijo eso, estiré el brazo y agité

sa de manera inevitable e hipnótica. Los cuerpos casi se mue-

un dedo índice enérgicamente frente a sus ojos para asegurarle

ven solos –sugiere- como embriagados por la droga del sonido.

que eso era imposible. Y en cuanto terminó “Hopes and fears”

Repentinamente, luego de “After eight”, la historia tan desea-

lo comprobé. Es que yo, a diferencia de Marty, me conozco bien.

da y reclamada por nuestro anfitrión (“¡¿cómo puede ser que

Porque si esos dos conciertos de uno de los músicos más in-

nadie tenga una para contar?!” –era su queja) llega de la mano

fluyentes de mi vida fueron un sueño impensable, también el

de Paul Gallinato. Dueño del hostel y también músico, Paul

viaje de Marty y Olivia a Latinoamérica fue una suerte de ente-

se suma para tocar el bajo en el clásico “Under the milky way”;

lequia, una utopía paradójicamente cumplida, como una nueva

otro tema perteneciente al superproducido Starfish que ya ha-

aventura de Tomás Moro o Robinson Crusoe a una tierra imagi-

bíamos podido escuchar el viernes anterior, pero esa vez sin la

naria, extraña y fascinante que no figura en ningún mapa. Pero

presencia del bajo. El instrumento acústico que el propio Paul

Robinson un día volvió, y así lo harán nuestros viajeros.

construyó utilizando una vieja guitarra criolla es verdaderamen-

Mientras me alejo caminando para volver a casa, recuerdo

te sorprendente y tiene un gran sonido, además de que él inter-

lo que Lewis Carroll decía en Alicia en el País de las Maravillas

preta la clásica escala descendente -creación de Steve Kilbey- a

cuando la niña despierta del absurdo sueño: “ahora la historia

la perfección.

está terminada, y remamos hacia casa, alegre tripulación”.

Inmediatamente antes de la canción, el público entero se reacomoda para escuchar el relato de Paul con atención. La historia –entrañable y cuasi legendaria- encuentra al músico en Nueva

Y mañana, sin duda, aunque sean las 6 y tenga mucho sueño, me voy a levantar con una sonrisa esperando otras historias…

[ Por Maxx Wild. Fotografías: Lily Moonster ]

SHOW PODEROSO, LLENO DE PSICODELIA In Corp Sanctis y Los Nuevos Monstruos en La Tangente, 17 de Febrero 2017.

En una tormentosa noche de viernes en el fin de un raro febrero de 2017, se presentaron en La Tangente, moderno y prolijo espacio en el barrio de Palermo, CABA. La fecha se calentaba con un warm up electrónico, agradable y efectivo a la vez. Los nuevos Monstruos fueron los encargados de abrir la noche. En el marco de la presentación de Acto de Fe, su segundo disco (grabado en los estudios Abbey Road), ofrecieron un show con picos continuos de intensidad dentro de un mix de rock-folk y algunos climas interesantes de los albores de la psicodelia de este continente. En su playlist de nueve canciones puedo citar los puntos más altos en Supermercado, Cristian y Sincronía (La Parábola, Arenas Movedizas, En el Camino, Mas cerca de vos, Único, y Acomodado, completan la lista). Muy buena ejecución destacando la complicidad entre los integrantes. Luego de otro intervalo “deejayistico”, es el turno de los In Corp Sanctis, en mismo tren de presentación de disco, en este caso Libres Van. Con una contundente intro, desplegaron una paleta de colores sonoros y vocales entre temas instrumentales y cantados. Se destacaron Pulsar, Deus Ex Machina y Valhala (Distinta realidad, Libres van, Marionetas, Piel y la infinidad del placer cerraron el set). Show poderoso, lleno de psicodelia, ajustado y totalmente disfrutable. Una vuelta de tuerca al género, que esperemos cobre nueva vida en esta Argentina estancada de estilos. Recomiendo escuchen estas bandas y descubran o re descubran a estos jóvenes músicos.

EL BAILE DEL BOSQUE Wenceslada en elCentro Cultural de la Cooperación, 02 de Marzo 2017.

[ Por Claudio Kolbert. Fotografías: Nadia Gusmán ]

Wenceslada brindó un nuevo show en el Centro Cultural de la Cooperación, pero esta vez acompañada solo de piano, cello y maquinas. Aquí una crónica de algo de lo que se sintió esa noche, entre el ritmo de la ciudad y una fuerza natural.

El viento giraba y se chocaba contra las vidrieras de las libre-

guaje y sonido de la tierra que sumaba su propio toque, hechizo

rías y los teatros de la calle Corrientes. Era otra noche en el ca-

y visión. En cierto momento Wenceslada dejó el micrófono, re-

liente verano del Buenos Aires 2017, y esa fuerte corriente de

corrió el escenario y cantó sin amplificación. Todo se llenó e ilu-

aire arremolinándose y levantando la mugre de la céntrica ave-

minó de un color particular, como si un conjuro acabará de caer

nida presagiaba la tormenta que esperamos durante semanas

sobre los presentes, asombrados de ese canto puro y sin límites.

para apaciguar el agobiante calor reinante. Había en esa brisa

Parte de este conjuro era el movimiento, la liberación del cuer-

violenta un perfume a tierra mojada y hojas de árbol como hace

po. Ella saltaba, sonreía, bailaba, corría, se tiraba al piso sin nun-

mucho no se sentía en el centro porteño. Cuando las primeras

ca dejar de interpretar. Parecía tener una fuerza natural y salvaje

gotas empezaron a caer, tímidas, alertándonos sobre la proxi-

impulsando y movilizándola, electrificándola y transmitiendo

midad del aguacero, entramos al Centro Cultural de la Coope-

todo lo que le sucedía. Ella era un receptor/emisor del alma del

ración y sobre el escenario no había mucho: Un piano en una

bosque, dueña del trino de un pájaro gigante y superior que traía

punta, un dispositivo electrónico con un montón de cables y co-

en su cuerpo los secretos de los arboles y la fuerza del planeta.

nectores en la otra, y dos sillas vacías en el medio del escenario.

Para varios de sus temas la cantante se acompañó de una base

Algunos minutos después, dos hombres entraron a escena y to-

electro que disparó desde una computadora. En esa mixtura en-

maron su lugar. Uno de ellos tras el piano, mientras que el otro

tre canción electrónica, folclórica y experimental, los beats caían

se sentó y abrazó un cello. Junto a ellos, llegó ella, Sol Wences-

como lluvia sobre la piel del ritmo. En el piano, Gastón Massen-

lada de Oliveira, la hacedora de esta noche, la que hizo bailar al

zio daba pequeñas puntadas, delicados golpes de notas, muy

viento por las calles calientes e intrigarnos con ese aroma a sel-

ligeros y suaves toques de color que, como en un gran cuadro,

va, la que no mucho después sacudió a todos los asistentes en

cambiaban, resignificaban y potenciaban la obra.

dicho centro. Era otro show de Wenceslada, y había magia en el aire como cada vez.

Cuando Wenceslada quedó sola en el escenario, cantando y bailando sobre las pistas reproducidas, pareció no hacer falta

Cuando los instrumentos comenzaron a sonar, Wenceslada

nada más. Ella dominaba el espacio y la atención de todos los

tomó un tazón con agua y comenzó a hacerla caer con sus de-

asistentes. Es cantante pero también actriz, bailarina, una en-

dos frente al micrófono. Era como una hechicera conjugando

cantadora performer y una fuerza dorada e irrefrenable que

la naturaleza, llamando al espíritu de la tormenta que aguarda-

con ese embrujo particular rompe los géneros y convenciones,

ba afuera mientras cantaba una baguala profunda y triste. Pero

siempre con una sonrisa pícara, una mirada cómplice, y un cla-

eso era más que cantar, interpretaba. Cada uno de los gestos

ro ánimo lúdico y libre.

de su cuerpo, sus brazos extendidos, sus pies movedizos, cada

Como invitado especial subió Facundo Salgado de Rumbo

músculo de su rostro parecía estar en función de la canción que

Tumba para sumar bases, charango, poder y ritmo en los dos

en ese momento la poseía. Todo su cuerpo nos cantaba mien-

últimos temas del show, en los cuales Wenceslada cantó y bailó

tras cantaba.

mostrando su mejor costado pop. Para el cierre, una cálida des-

En los breves silencios entre temas el público no aplaudía. Se

pedida de todos los participantes que recibió una gran ovación

quedaba estático, esperando lo próximo. Es que esa forma de

de todos los espectadores. Mientras caminábamos hacia la sa-

interpretar y vivir la canción que exhibía Sol dejaba claro que

lida comentando la magia que acababa de suceder, recordamos

eso era más que un recital, que tampoco era una obra de teatro

el viento y la tempestad que asomaba cuando entramos, y espe-

o una performance, pero que era algo nuevo, que mezclaba, re-

ramos lo peor al salir, pero las gotas parecieron estar contenidos

formulaba y bebía de todo lo mencionado, dando por resultado

en una gran capa de nubes negras, como un inabarcable escu-

algo impreciso y encantador.

do de algodón oscuro. Los rayos surcaban el firmamento de ma-

En su música había pop pero también una fuerte presencia

nera horizontal, como si una cúpula invisible no dejara llegar

del folclore argentino y latinoamericano, elementos de músi-

los efectos de la tormenta a la tierra, como si ese show (¿Show?

ca electrónica y mucho de experimentación. Cantó en español,

¿Evento? ¿Obra? ¿Encuentro? ¿Comunión?) hubiera generado

portugués, alemán…era como una intérprete natural del len-

tal fuerza sobrenatural, o poderosamente natural, como si ca-

mináramos bajo el ala de ese pájaro gigante de energía que Wenceslada conjuró con sus canciones, sus movimientos y su voz. Un ave gigante que hará nido en nuestros recuerdos, cantando en la memoria de como una noche bailamos al ritmo del bosque mientras estábamos deteniendo una tormenta en el medio del calor y la ciudad.

NOCHE DE AVANTGARDE ELECTRÓNICA Antiflvx y Vortex, Avantgroud v2., 11 de Marzo 2017, Bogotá.

[ Por César León. Fotografías: Javier Benavides, Aixa Pach y César León ]

83 La noche era bien fría acorde con la temática del evento Avant-

tiempo en evolucionar. Un bajo encargado de ligar armonía y

groud v2. El cual prometía un recital de vanguardia electrónica

ritmo y que aleja de la influencia EBM que podría quedar en las

en la ciudad. Synthwave, Darkwave, Krautrock anunciaba el fl-

influencias del compositor. Hay mucho minimal electro en esta

yer. Eramos pocos pero eso no importa. Recuerdo que alguna

propuesta que en términos clásicos va del Neue Deutsche Welle

vez vi a The Legendary Pink Dots con unas 30 personas en Nue-

al hard Synthpop, otros dirían que es simplemente darkwave.

va York. Una banda que si hubiera tomado el camino tal vez no

La voz es baja, muy baja. Suelta frases de desapego y confu-

llenaría estadios pero si agotaría fácilmente entradas en cual-

sión propias del género, pero se agradece que las letras sean

quier país gracias a su tremenda discografía. Pero de eso se tra-

extensas, que no se limiten a 2 frases y un coro repetitivo. Los

ta la vanguardia. De experimentar y arriesgarse, eso no atrae a

rítmicos arpegios de los teclados podrían invitar a cualquiera a

las masas. Mucho menos en un momento en el cual el rock, así

moverse. Sin embargo las armonías piden atención. Siempre

sea su versión más comercial es amenazado por ritmos mucho

he pensado que este tipo de música tiene dos momentos bien

más fáciles de digerir, más adherentes e inmediatos.

diferentes .La percepción del en vivo puede llegar a engañarlo a uno pues las bandas tienden a ser más animosas por –más

Jose Plata un gran amigo y experto coleccionista, me conta-

que no quieran– al estar con el público y el público tiende a ser

ba el otro día que había una tendencia de los adolescentes por

más efusivo de lo que posiblemente la canción originalmente

hacer listas de canciones de las cuales escuchan 30 segundos y

proyecto y eso está bien, pues hace más rica la experiencia de

brincan a la siguiente. Es como si un aficionado al fútbol nunca

volver a casa y escuchar de nuevo el álbum/ ep / sencillo. Hubo

viera un partido sino solo viera tandas de goles. Ante estos nue-

un momento memorable en la noche cuando la banda interpre-

vos públicos nos estamos enfrentando quienes hacemos algo de

tó “The model” de Kraftwerk. Que siempre he visto la canción

música o disfrutamos de ella. Es normal que cada generación

más orgánica –pese a ser completamente electrónica–de los 4

se queje de la anterior. Pero el achatamiento cultural que gene-

de Dusseldorf. Esa canción le terminó de dar su sentido a la no-

ran los nuevos medios están dejando a las nuevas generaciones

che gracias a su extraña melancolía sintetizada. Antiflvx es un

bien a merced de la obviedad y la inmediatez y posiblemente

proyecto aún en formación pero con un par de sencillos logra ar-

sin la posibilidad de disfrutar uno de los aspectos que diferen-

mar un recital bien interesante. El setlist de la noche: Multiverse

cian la música por ejemplo de la pintura. El efecto y proceso de

Memories Like Dreams, The Crawl, The Haze, The Model (vr.

apreciación lenta, el in crescendo de un tema musical. Ahora

Aviador Dro) se puede en parte escuchar en Bandcamp.

como diría el viejo Charly García alguna vez : “Solo escucho ritmo en esas composiciones”. Yo solo veo ahora un afán por componer canciones cuya único componente son coros que se

Sobre Vortex poco puedo hablar por lo accidentado de su

alternan. Si esto fuera cine serían películas compuestas por sus

show, pero me gustó mucho mientras duró. Un sonido mucho

trailers y no más

más abrasivo y repetitivo contrastaba con Antiflvx. De ellos sabía de su existencia en la huidiza escena electrónica experimen-

Avantground inició con una interesante selección de sonidos

tal de la ciudad –llevaban al parecer más de 5 años desapareci-

electrónicos y coldwave. El espacio backpackers era bien intere-

dos–. El show fue todo performance agresivo de la cantante –me

sante porque uno se acostumbra a antros –en el sentido literal

recordó en algo a Lydia Lunch en sus orígenes– desconectada y

de la palabra– sucios, decadentes y con mal sonido, donde nor-

a la vez en trance, mientras los sintetizadores análogos hacían

malmente se realizan este tipo de eventos. Cuando llegamos

su trabajo, llenando el espacio con ritmos e impredecibles se-

sonaba Vitamin C de CAN. La noche se presentaba halagüeña.

cuencias que entre estridentes y aleatorias armaban canciones mientras la voz repetía una y otra vez frases dando la consisten-

Antiflux el otro proyecto de Leonardo Jaime, líder de Resistor

cia-inconsistencia necesaria. De vortex poco se puede encon-

uno de los referentes del EBM Bogotano, fue el encargado de

trar, pero sobre su proyecto en paralelo “Cute Heels” es bien

abrir las dos sesiones “live” de la noche. La banda presenta un

interesante, se puede buscar en Spotify.

sonido aunque electrónico mucho más ambiental. Menos contundente pero más introspectivo. Secuencias que se toman su

El contraste resultó contundente –como si hubiera sido calcu-

lado– una banda paciente y con la frialdad e introspección que

ñados. Sin entender mucho a quienes evitábamos el bullicio y

requiere su género y otra con la aleatoriedad de su música y su

la fiesta y pasábamos de largo buscando ritmos menos conven-

performance se complementaron muy bien así los organizado-

cionales o tal vez más fríos y consistentes con la ciudad. Posi-

res no estuvieran muy cómodos. Recuerdo que al otro lado del

blemente se divirtieron pero dudo que para ellos esa noche haya

venue había un evento bien diferente, mucho más efusivo con

sido tan memorable como para los pocos que estuvimos en “el

música festiva convencional. Sus asistentes nos miraban extra-

otro lado” –en sentido figurado–

[ FotografĂas: Lily Moonster ]

LA CEREMONIA Juvenilla, Los Lunautas y Perlas Tus Ojos en La Cigale, 18 de Marzo 2017.

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

ESPECIAL AND THE OSCAR GOES TO…

Una nueva entrega de los premios de la Academia ha pasado y con ella algunas sorpresas y otros tantos lugares comunes en los que a sus miembros les encanta recaer una y otra vez. Sin embargo, este año, además de premiar lo políticamente correcto para lavar culpas y conciencia, entre las nominadas se pudieron encontrar también gratas sorpresas de ser incluidas. Por eso, en esta ocasión, haremos un repaso sincero por cada una de las nueve nominadas a mejor película, haciendo lo que la entrega de premios pocas veces ha sabido hacer. Enaltecer a aquellas que se lo merecen y desmitificar a aquellas que se han subido al podio demasiado pronto. La entrega de los Oscar continúa, y a no preocuparse, esta vez no hay confusión de sobres de por medio.

El PREMIO INCORRECTO A LO POLÍTICAMENTE CORRECTO [ Por Nicolás Ponisio ]

Nada nuevo en el horizonte puede vislumbrarse bajo el hermoso azul de Luna que baña la costa y el rostro de Chiron en Moonlight. El director Barry Jenkins decora su film con buenas actuaciones, un excelente uso técnico de la cámara y la fotografía más nada innovador o mínimamente interesante en cuanto argumento para que uno, como espectador, se lleve algo consigo tras ver el film. Dividido en tres episodios, Little/Chiron/Black, titulados así por los distintos nombres que se refieren al protagonista, al contrario de lo que indican esos títulos el film no se encarga en ningún momento de ser dotado con una identidad propia. En vez de ello, el film se encarga de hacer uso de

elementos vistos y utilizados anteriormente hasta el hartazgo con ninguna impronta que lo haga destacar entre los trabajos previos. Con momentos actorales que realmente brillan entre el tedio dramático de la historia, sobre todo aquellos momentos referidos al personaje de Juan (Mahersala Ali) o los momentos de intimidad paternal que comparte con el pequeño Chiron (Alex Hibbert), el film pareciera autosalvarse momentáneamente. Pero es su espíritu políticamente correcto, su único elemento de personalidad, lo que mayormente le juega en contra a su historia. La fórmula de manual lo vuelve una obviedad estructural que se encarga de tomar a alguien perteneciente a una minoría, que

también es gay y que a eso se le suma el hecho de que se cría en la pobreza y en un ambiente poco sano debido a una madre (Naomi Harris), perdida en la adicción a las drogas en vez de estar interesada en el cuidado de su hijo. Algo que apela sin esfuerzo al sentimentalismo y la culpa pero que no termina cumpliendo ni con uno ni con otro. La escasez de elementos constructivos en cuanto a

personaje o narrativa lo vuelve un producto completamente chato, sin intenciones de escapar al lugar fácil de tomar conciencia, lo cual hace que se vuelva un discurso reiterativo y poco atractivo de ser escuchado o tomado en cuenta. Todos elementos que en conjunto son puntos extras que seguro funcionan en las entregas de premios, pero que salen perdiendo en su totalidad en cuanto al objetivo más importante de una obra: su relación con el público.

UN NUEVO LENGUAJE PARA LA CIENCIA FICCIÓN [ Por Nicolás Ponisio ]

A través de la importancia de la semiótica aterriza en las salas Arrival, el nuevo film del canadiense Denis Villeneuve. La lectura de símbolos y el entendimiento del lenguaje, el poder comunicarse, es la piedra angular (o cascarón) de la historia. Con ello no solo acompañamos a la lingüista Louise Banks (Amy Adams) para comprender las intenciones de seres de otro planeta, sino que también decodifica los elementos del film para lograr entenderlo a través del lenguaje visual y por último, pero no menos importante, para entendernos nosotros mismos como individuos. Lo que podría pecar de pretensioso y de poseer una frialdad intelectual escapa a ello gracias a una narrativa que no resulta intrincada -y en realidad lo es, lo cual muestra méritos del director para la narraciónsino que se desprende con la cadencia de toda experiencia directa que se puede tener con estos alienígenas. Claramente uno como espectador sigue los pasos de la doctora Banks, y por momentos los ocupa. Pero es la unión entre la comprensión de Banks

del lenguaje alienígena y la decodificación del espectador por parte de la narrativa visual donde el entendimiento deja de ser algo meramente intelectual y se convierte en conexión directa con los sentimientos. Interpretación sensorial totalmente humana, aunque eso no significa que pertenezca únicamente a quienes poblamos la Tierra. El punto de unión no rechaza la mirada científica representada principalmente por el físico Ian Donnelly (Jeremy Renner), sino que la abraza para que los diversos elementos individuales sean en conjunto un lenguaje poderoso y universal, de ahí que resulte tan admirable y emocionante el resultado final transmitido a todos en la forma de puro cine, el arte por excelencia creador de lenguaje que unifica al resto de componentes artísticos. Los climas nacidos de la banda sonora y la puesta estética se conforman entre el misterio y el asombro ante lo que se está viendo. El interior de la nave extraterrestre y la forma en que se decide mostrarlo, todo a través de

la mirada asombrada de Banks y por ende también la nuestra, es de las experiencias más sorprendentes que la ciencia ficción haya ofrecido en años. El cascarón espacial tiene un cercano parentesco al famoso monolito de 2001 de Stanley Kubrick. Al igual que su predecesor, es un ícono de misterio, veneración e interpretación. El cine siempre ha sido reflejo y lectura de nuestra sociedad y nuestro paso por este planeta, el cascarón también lo es como búsqueda en las estrellas de nuestra propia percepción

de mundo. Como ocurre también con ciertos films, no todos están dispuestos a profundizar y animarse a realizar una lectura a fondo de los que estos excelentes seres superiores nos quieren o pueden decir de nosotros mismos. Y no, no me estoy refiriendo a los extraterrestres sino a los grandes directores de la historia del cine. Preparados o no, Villeneuve ya ocupa su lugar privilegiado entre ellos, al menos en la estimación de quien escribe. Con un film sincero, cercano y complejo pero no por ello incomprensible, se ha vuelto a resignificar el cine de ciencia ficción.

LAS ESTRELLAS, HOY LUCEN DIFENTES [ Por Jimena Patiño ]

Bien, no me cuesta admitir que soy una rezagada. Me negaba a ver esta película porque en mi corazón sabía que no iba a ser lo épica que debía ser con catorce nominaciones a los premios Oscars, pero el incidente de Warren Beatty y Faye Dunaway hizo que mi corazón se ablandara y decidiera afrontar el proverbial elefante blanco de la habitación, en este caso bajo la forma de una película que pese a lo que digan los críticos es solamente un 45% musical y 65% fanatismo idealizado. ¿Qué clase de fandom (como se le dice ahora a la pertenencia fanatizada por cierto tema) no es un concepto idealizado? En este caso tenemos toda la idealización que como tal es escrutadora y revisionista de un hecho pasado al que adora alocadamente de la mirada de Damien Chazelle quien guía alocadamente la cámara, por lo que considero se trata el sueño de su vida hecho película. Aplausos por un hombre que decide revindicar

sus sueños y aplausos por la recepción fabulosa que tuvo su film cargado de metalenguaje y capas de nostalgia por el Hollywood de antaño. Es la clase de película que hace que me sienta inspirada y que tenga ganas de escribir mi propia historia al grito del personaje de Sebastian, interpretado magistralmente por Ryan Gosling, de “¡que se jodan!” que se jodan todos si no te aceptan, lucha por tus sueños y no los entierres en los devenires de la vida. Ahí es a donde pongo un alto. Un gran Stop colorado porque me toca ser realista y hasta fría: No todos los sueños se cumplen con una elipsis mágica de Hollywood y es ahí a donde el mensaje de La La Land parece desvirtuarse un poco. Es en la ligereza con la que soluciona el conflicto central del film se esconde una esperanza que es falsa y es cuando me toca recordar las palabras de un cineasta que estoy segura odiaría con toda su alma La La Land… “El cine es verdad veinticuatro frames por segundo”

99 (Jean Luc Godard). Tengo la certeza que odiaría la manipulación dentro de la manipulación y el mensaje de este film. No quiero hacer predicciones falsas pero estoy segura que incluso la tildaría de película vieja. “Vieja” narrativamente hablando. Pero yo no soy Godard. A mí me gusta el paseo por la calle de la nostalgia que el film plantea, sobre todo porque la mayoría de los jóvenes de hoy no tienen ni idea del Hollywood de los cincuenta. Así que el trabajo de Chazelle es como el de un curador de un museo cuando hace las cosas que hace. Como mencionar la ventana desde la que Bogart y Bergman se asoman en Casablanca (reproducía mentalmente la escena en mi mente ¿Quién no?) Habla de un cine que está muriendo como el Jazz y traza un paralelismo entre la necesidad de renovar y la necesidad de recordar. Es mucho más que un simple musical (¿O complejo? porque estoy cansada de que subestimen los musicales), es un trabajo fino sobre los caminos que la vida toma y como los sueños nos abandonan o nos encuentran. La labor musical de ambos protagonistas sobre los que descansa casi todo el peso del film, no es óptima. Lo siento podían cantar mejor, como Leah Michelle y Darren Criss, pero como se trata de una historia

intimista, sus voces van acordes con las situaciones dramáticas. Ryan Gosling es encantador con ese piano y Emma Stone… lo dejo para el próximo párrafo. Emma Stone es adorable, querible; pero ciertamente es plana. Su personaje de Mia, aunque está más desarrollado que el de Sebastian parece bidimensional. No entiendo su Oscar. Lo siento, creo que fue un premio a una actriz joven que promete mucho pero su personaje no era fantástico, como si eran fantásticas las escenas en las que se veía envuelto. Si, evidentemente, su lado desde comediante a actriz dramática sutil se hacía lucir pero en si el personaje no tenía grandes oscilaciones o arcos emocionales. Parece que fluye con lo que sucede. El único momento en que me emocioné por ella es el momento en el que decide pararse de la silla y salir corriendo del lado de Gregg para ir a los brazos de Sebastian. En pocas palabras… ver a una mujer correr de un hombre a otro. Y aunque el director se empeña en secuencias de montaje en donde muestra lo ridículo del sistema de casting, no logra otorgarle la profundidad que por ejemplo tiene Anna Kendrick en The last Five years. Ese si es un musical con todas las letras: números y cuadros y canciones completas en el que la frustración de ser actriz, joven

y las relaciones que se desmoronan justamente en el plazo de cinco años, deben ver si quieren un musical profundo sobre las relaciones humanas. Volvamos a La La Land. Me gustó más de lo que esperaba y deseaba. Tiene unos momentos de puesta en escena en los que la realidad irrumpe, como por ejemplo el cierre de los cines como metáfora de las “cosas que están cambiando”. Creo que el acierto de Damien Chazelle es su guión y la puesta en escena. La cámara como lápiz dibuja la mirada del espectador entre los cuadros. Hay momentos para citar películas y tirar al techo desde Rebelde sin causa hasta Un americano en parís o ese comienzo con un homenaje total a Jaqcues Demy y Las señoritas de Rochefort que es el cuadro musical: Another Day of Sun en medio de la autopista en LA. Es su momento en el que le dedica una verdadera oda a L.A. con toda la magnificencia posible. La fotografía, el despliegue, la música. Todo brilla en esos momentos precisos y por eso se entiende que haya tenido tantos premios. El homenaje a Un americano en Paris con su danza pictórica de catorce minutos del final es adaptada a los tiempos modernos es un intermedio entre el amor a los musicales y el amor por el videoclip. (¿No recordaron los videos de Michele Gondry acaso?) La síntesis perfecta de la posmodernidad que nos deja

una nota dulce para un final agrio. Y es que La la land debo decirles es amarga. Sin ser una gran tragedia sacada de un melodrama de los años cincuenta, el final que salta al futuro de los protagonista nos muestra una especie de epílogo que no se si era el adecuado pero es el que tenemos que soportar los espectadores y lidiar con las consecuencias de tanta melancolía junta. Chazelle echa en cara todo su armamento y equipo de ensueño para decir: no termina bien, pero ¿Termina? ¿Acaso la vida tiene finales de película o solo está plagada de finales abiertos que dan lugar a nuevos comienzos? Es en el final donde Chazelle dice su verdad y le creemos aunque la haya decorado con capas y capas de gliter y bailes en estrellas. Él es melancólico y no se arrepiente de que sus personajes alberguen una cierta oscuridad entre tanta luminaria. Bravo por el chico que soñó que podía lograrlo y lo logró. Mis aplausos a Damien Chazelle por tanta belleza junta y solo por eso, resulta paradójico que su final también fuera agrio. Le repitieron la extravagancia onírica en vivo y en directo, le dieron la gloria y se la quitaron de las manos y por eso recordaremos que La La Land brilló en la entrega de los Oscars por unos minutos antes de apagarse como las luces de candilejas.

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SABER LLORAR Y REÍR [ Por Nicolás Ponisio ]

La pérdida y el proceso del duelo son un tema fundamental que Manchester by the Sea se atreve a tocar de distintas formas. Todas ellas igual de hermosas y profundas, sabiendo hacerlo con respeto, sentimiento y gracia. Todo proceso válido para hacerle frente tanto a la vida como a la muerte. El director Kenneth Lonergan se posiciona en la relación de un tío y su sobrino para echar un vistazo a las distintas maneras en que estos personajes afrontan la pérdida de su hermano y padre respectivamente. Para lograr ello, se manejan dos líneas narrativas que alternan entre el tiempo presente, en el cual Lee (Casey Affleck) debe hacerse cargo del cuidado de su sobrino Patrick (Lucas Hedges), y flashbacks que ayudan a explorar la vida y el trasfondo de los personajes. Si bien por momentos puede darse un abuso con ese ir y venir de sucesos, la totalidad de los flashbacks van en pos de construir y desarrollar un

lazo mayor de intimidad para con los personajes y el espectador. Otorgándole a los personajes (y por lo tanto a los actores) un amplio espacio para lucirse y atravesar plenamente el espectro de sentimientos y dramatismo. Lo íntimo como aspecto compartido. Y si bien todo actor o actriz en escena cumple con su metido, sobre todo con un notable momento entre los personajes de Casey Affleck y Michelle Williams, es la relación tío/sobrino la que destaca por sobre el resto, incluso en sus escenas compartidas como también las individuales. Un recorrido rodeado por la belleza marítima e invernal de esa Manchester, por la sencillez y la calidad humana que nace del film y complementa sus paisajes. Y a la vez, como todo ello se encuentra equilibrado entre la tragedia y la comicidad, entendiendo que ambas formas parte de la experiencia de vida de estos personajes. Incluso necesitando de ambas para afron-

tar lo perdido. El personaje de Lee trabaja en el mantenimiento de hogares. Reparando inodoros, cañerías, pintando y construyendo, repara todo lo posible. La tragedia que tocó a su puerta, con los propios nudillos de Lee, y la futura pérdida de su hermano lo posicionan en parte como causante de ella y también como, a diferencia de su labor, incapaz de reparar nada del daño sufrido. El film se toma el tiempo para procesar cada estado vivido, y para sanar las heridas y conflictos a través de la relación con su sobrino, el cual lo sobrelleva a través de la música, el bote de su padre y man-

teniendo relaciones con más de una novia. Sin apresurarse, el film se toma el tiempo necesario para darle su espacio al drama y el humor. Éste segundo no con intenciones de perder el contenido dramático del film, sino con intenciones claras de alivianarlo y naturalizarlo aún más. Manchester by the Sea supone ser un pequeño gran film y una grata sorpresa para todo aquel que lo ve. Un encuentro con el dolor pero también con la caricia y el abrazo que ayuda a superarlo. Un bello acto de amor junto al mar y frente a la butaca.

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LA FÓRMULA CORRECTA [ Por José Luis Lemos ]

A estas alturas, ya es casi una tradición de los Oscar premiar la corrección política más allá de sus méritos artísticos, y sobre todo si se trata de lavar las culpas en un tema tan delicado en Norteamérica como la segregación racial. Una limpieza de conciencia que llevó a la Academia a considerar para sus nominaciones a films como 12 años de esclavitud, Preciosa o Selma, todas ellas alegatos contra el racismo que, pese a sus buenas intenciones, no pasarán precisamente a la historia del cine. Sin embargo, dicha tradición no se hizo presente en las últimas entregas, y la ausencia de artistas afroamericanos en las nóminas ocasionó una protesta en las redes sociales bajo el nombre de OscarsSoWhite, impulsada por artistas emblemáticos de la comunidad como Spike Lee. Sería ingenuo pensar que el hecho de que haya tres películas con temática racial en la entrega 2017 de los Oscar responda más a un acto de tolerancia frente a la administración Trump que a un simple acto de cubrirse las espaldas. Lo que queda claro es que, en el caso de Hidden Figures, los resultados artísticos parecen estar subordinados a una fórmula diseñada para complacer a todo el mundo, tanto a los afroamericanos que exigen un reconocimiento

a esas figuras que- como el título se encarga de indicar- quedaron ocultas en la historia oficial, como a aquellos que empatizan con la figura del “salvador blanco”. Porque los hechos que narra el film, basados en la experiencia de Katherine G. Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson, tres mujeres negras que allá por los sesenta superaron las barreras raciales trabajando en la NASA, contiene todos los elementos necesarios para ser esa historia inspiradora que, al llegar los créditos, dejan bien parados tanto a blanco como negros, en una armonía que por aquellos años era casi utópica. Theodore Melfi, director de raza blanca, construye esta historia “basada en un hecho real” cuidándose de no meter demasiado el dedo en la llaga, y el primer enfrentamiento racial que tienen nuestras protagonistas -con un policía de caminos, al costado de una ruta- se resuelve automáticamente cuando afirman trabajar para la NASA. La resolución de los conflictos en el ámbito laboral no será tan fácil -de lo contrario no habría film- pero tampoco lo suficientemente complejo como para diferenciarse de la estructura de manual de esos films de superación personal que uno ya vio tantas veces. Es precisamente esa su mayor fortaleza y debilidad: Melfi sabe cómo

atrapar al espectador durante dos horas sin que el relato se haga moroso- un montaje ágil, una banda de sonido canchera - pero los recursos son tan efectivos como trillados, y uno se queda con la sensación de que luego de los créditos recordará a sus protagonistas, pero no al film que les sirve de marco. Lo cual, claro, no sería tan malo si la única intención del film es didáctica. Esa intención didáctica, sin embargo, no puede evitar uno de los males mayores en las historias de segregación racial: la figura del hombre blanco salvador, aquí representada por el personaje de Kevin Costner. Este estereotipo, diseñado para mantener impoluta la figura del ciudadano norteamericano, nos recuerda todo el tiempo que pese a las injusticias y a la discriminación que sufren las minorías, siempre habrá allí una figura salvadora lista para protegerlas de la crueldad y, de paso, tranquilizar al espectador que a esas alturas pensaba que todos los hombres de raza blanca eran detestables. Aunque hay que aclarar que aquí uno se queda con la impresión de que además son ignorantes. Al menos eso transmiten esas escenas en las cuales nuestras

heroínas exponen sus teorías ante un auditorio estupefacto que parece haber ingresado en la NASA por acomodo. Sí, es un recurso harto conocidoSpielberg hizo uso y abuso del mismo- pero aquí resta verosimilitud y deja en evidencia el maniqueísmo del film. Más allá de los lugares comunes, sería injusto decir que Hidden Figures se trata de un film fallido. Los rubros técnicos son irreprochables, al igual que la ambientación y las actuaciones de Octavia Spencer, Janelle Monáe y, sobre todo, Taraji P. Henson. Pero su apego a fórmulas consabidas que son ejecutadas con precisión matemática -nunca mejor dichoapartan al film de todo riesgo y sorpresa. En cierto momento, el personaje de Kevin Costner le dice a una de las protagonistas que para poner al primer hombre americano en órbita se debía partir de teorías nuevas, dejar volar la imaginación y olvidarse de todo lo previo. Finalmente, descubren que la solución de ese problema se encontraba en fórmulas viejas. Allí, en esa escena, está el resumen perfecto de Hidden Figures.

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LA PASIÓN DE MEL GIBSON [ Por Nicolás Ponisio ]

Al director Mel Gibson siempre le ha atraído retratar personajes de un gran espíritu, hombres de corazón valiente. Diez años después de su último film, vuelve a traer consigo la historia de un mártir, otra de sus predilecciones, y lo hace tanto con fallas como con aciertos. Si bien el espíritu y las intenciones del joven protagonista Desmond Doss (Andrew Garfield) se encuentran en el lugar correcto, es la manera con la que Gibson opta para contar la historia la que encuentra sus propios problemas internos. Lo que demuestra cierto desgaste en el director pero con el espíritu y la destreza técnica (cuando se lo propone) que permite continuar el viaje propuesto al igual que lo hace su protagonista. Como el viaje de todo mártir, el del soldado Doss será sumamente dificultoso y no solo dentro del campo de batalla en Okinawa. El elemento clásico en la narrativa se encuentra con el contenido duro del director, ese que muchas veces lo ha puesto en boca de todos. Y si bien hay lugar para la crudeza bélica, no lo es tanto como el infierno que vive interna-

mente el personaje, llevando sobre los hombros sin flaquear el peso de un arraigado catolicismo. Su buena voluntad y el orgullo –dos caras antagónicas de la religión- son los que hacen que el soldado arrastre su promesa de no tocar arma alguna y evitar el encuentro violento a toda costa. Si Doss no encuentra la violencia, ella lo encontrará a él. Y así como él demuestra apasionadamente su poder espiritual, se hace lo mismo con la columna vertebral del ejército que se pone en contra de su patriota. Gibson no pierde el tiempo y llena de alusiones religiosas el vía crucis bélico que supone ser Hacksaw Ridge. Las manos sangrantes de Doss al bajar con una soga a cada hombre malherido, las ofensas provocadas por su propio pueblo e imágenes ya icónicas de este nuevo salvador como las aguas purificadoras que lavan los horrores vividos o la ascensión al reino de los cielos. Es muy interesante como todos los componentes clásicos, como el conflicto del personaje con su alcohólico y golpeador padre (Hugo Weaving) o el tierno y carismático romance con la

bella enfermera Dorothy (Teresa Palmer), paulatinamente dejan lugar a lo más terrible de la guerra y de toda sociedad. Porque no hay que olvidar que ese mismo mal que combaten en las trincheras también se ve reflejado en la actitud de los altos mandos y los combatientes del ejército estadounidense. Es así que el film se toma su tiempo (por momentos demasiado) para retratar su contenido crítico en la piel de Doss. Una vez llegado a tierra enemiga es el despliegue visual y encarnizado el que deslumbra visual y sonoramente. Los uniformes se confunden, la desesperación se hace presente y una tierra desprovista de otra cosa más que escombros y los cuerpos devorados por las ratas que siembran el lugar. Así como Gibson no tiene problema alguno para mostrar la guerra como pocas veces se ha visto en pantalla, y es así que brinda un extenso y anticipado clímax que eleva el nivel del film más no su final, tampoco lo tiene para cometer horrores ideológicos. El catolicismo extremo de Doss lo obliga a poner siempre la otra mejilla al ser golpeado y perdonar al otro. El del director lo hace tomar una figura nefasta como la del padre abusivo y reivindicarla no solo con

un acto heroico sino también retribuyéndolo con el amor de su hijo. Gibson siempre ha sido polémico (tanto en lo artístico como en lo personal), pero las implicancias ideológicas que supone esta elección horrorizan tanto como la batalla más cruenta. La escalada del Hacksaw Ridge que da nombre al film sitúa al infierno muy próximo al cielo. Incluso la primera vez que llegan a la cima el ambiente está colmado por la niebla cual nubes celestiales. El tener que subir y bajar por esa cuesta implica tanto un esfuerzo físico como espiritual -incluyendo que la segunda escalada ocurre en el Sabbath-, una suerte de nivel a superar para alcanzar la gracia divina. La misma pasión con la que Doss trata de salvar vida tras vida (“Señor, te pido poder rescatar un hombre más”, repite sin descanso) es la que utiliza Gibson para transmitir el dolor y esfuerzo de su protagonista. Lo hace con tal nivel de esmero y destreza que incluso un poco de esa pasión en la fe religiosa se vuelve algo contagiosa. Tanto es así que hasta el más ateo o agnóstico puede mirar a los cielos y decir “Señor, te pido poder ver pronto una más dirigida Mel”. A no perder la fe.

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“- MIRÁ MIS CERCAS - OBLÍGAME, DENZEL!” [ Por Nicolás Ponisio ]

Cuando Hollywood da lugar a la diversidad en su cine, pareciera ofrecer un espacio que es ocupado por ella más no por cualquier atisbo de empatía para con los personajes o la historia a contar. Esto ocurre con Fences, tercer largometraje de Denzel Washington como director, donde la cerca a construir en torno al modesto hogar de Troy y Rose Maxson (Washington y Viola Davis) pareciera solo encerrar al film y a sus personajes en una estática teatralidad que excluye cualquier utilización de la cinematografía como posibilidad de narrar e interesar. Toda descripción o desarrollo de una puntual familia afroamericana en plena década de los cincuenta se encuentra relegada al espacio geográfico del hogar de los Maxson y los límites de su vecindario. El problema principal no reside tanto en esa intención de estructurar la trama prácticamente en un mismo y único espacio -films como Bug o Room son ejemplos de cómo se puede aprovechar y contar desde

las limitaciones de un único y pequeño lugar- sino la forma en que toda acción dramática se encuentra desarrollada allí. La teatralidad aquí se presenta como término peyorativo debido al resultado que tiene dentro de la historia. Washington hace desfilar una y otra vez en pantalla a seis personajes más preocupados en realizar la entrada correcta y apegarse al guión que en depositar su capacidad actoral para transmitir realmente algo con sus respectivos personajes. La verborragia presente en todo momento en el relato agobia y resta naturalidad a una historia que no hace mucho por formar un vínculo o expresarse con mucha presencia de la calidad artística o cinematográfica. Solamente un pequeño montaje es el único respiro que se puede tener entre tanta dependencia del habla por parte del guión. Y si bien Fences está basada en una obra teatral, se debe entender que lo que muchas veces funciona como construcción so-

bre un escenario no puede funcionar de igual manera dentro del campo narrativo de la cámara. Algo que evidentemente Washington, ni como director o como actor, ha sabido llevar a cabo de buena manera en esta ocasión. El único personaje que logra posicionarse por encima del resto e incluso devorarse consigo no solo a sus pares, sino también a la propia trama, es el interpretado por Viola Davis. La actriz tiene una buena presencia en pantalla y algunos momentos de gran

calidad actoral que funcionan como un llamado de atención para volver a depositar la mente, al menos brevemente, en un relato que hace todo lo posible por alejar al espectador. Teniendo esto en cuenta, un personaje describe las cercas como elemento que sirve para mantener a alguien dentro de un terreno o para alejar a aquellos que están fuera. Sabiendo esto y el resultado provocado por el film, es imposible imaginar un título mejor que Fences para la obra de Washington.

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AL OESTE DEL INFIERNO [ Por José Luis Lemos ]

Si uno se deja llevar por las apariencias, podría suponer que Hell or High Water (David McKenzie, 2016) no propone nada nuevo desde su sinopsis. Repasemos: “dos hermanos tratan de salvar su granja familiar hipotecada asaltando bancos en Texas, mientras un sheriff a punto de retirarse les sigue los pasos”. Nada nuevo, ¿no? A simple vista, carne de película clase B directa a dvd. Para sumar desconfianza, también cabe mencionar que detrás de cámaras hay un director escocés. ¿Cómo? ¿Un británico dirigiendo un neo western? Sí, la cosa suena aún peor. Pero créanme: Hell or High Water ofrece mucho, mucho más de lo que se intuye en la sinopsis o en el tráiler. Como varias de aquellas películas a las que le endilgaban una B mayúscula para marcar a fuego su condición de película de relleno, hay en el film de McKenzie un conjunto de virtudes que hacen innecesario cualquier rasgo de grandilocuencia. La acción se sitúa en el oeste de Texas, escenario de enfrentamientos entre cowboys y comanches

hace dos siglos atrás que ahora parece golpeado por un enemigo más impiadoso: la crisis económica. “Tres veces en Irak y nadie nos rescata”, reza un graffiti que resume muy bien el desamparo actual de sus habitantes, a los que la esperanza les dio la espalda hace años. Entre ellos se encuentran Toby y Tanner Howard (Chris Pine y Ben Foster), dos hermanos convertidos en asaltantes de bancos en pos de asegurarles un bienestar económico a los hijos de Toby. Tanner, con un pasado criminal que lo mantuvo la mayor parte de su vida tras las rejas, es el equivalente a los bandidos de western que disfrutan lo que hacen a sabiendas de que la muerte lo espera a la vuelta de la esquina. Toby, en cambio, solo pretende tomar el dinero necesario sin mancharse las manos de sangre. Lo cual será una tarea difícil una vez que entra en el juego Marcus Hamilton (inolvidable Jeff Bridges), un Ranger algo racista al borde del retiro, que deberá asociarse con Alberto Parker (Gil Birmingham), un representante de la ley mitad

comanche, mitad mexicano. Todos los elementos están dispuestos para que el film se convierta en un fiel exponente de lo que se dio a llamar Neo western, es decir, historias que toman las convenciones básicas del género americano por excelencia, pero vistas a través de un prisma moderno que, lejos de funcionar como vehículo para la nostalgia, sitúan la trama en un contexto rabiosamente actual. “Hace 150 años todo esto pertenecía a mis ancestros, y luego llegaron tus antepasados y se quedaron con todo. Ahora a sus descendientes también les están quitando todo, pero para conseguirlo no necesitan ejércitos, basta con eso”, dice Alberto mientras señala un banco. Los enemigos ya no son los indios, que quedan relegados al desprecio y la burla de sus pares de piel blanca, sino el capitalismo que arrasa con todo a su paso, sin diferenciar color de piel alguno. Al igual que en un film de Peckinpah, la línea divisoria entre el bien y el mal es bastante difusa. El concepto de héroes y villanos, tan afín al género en sus inicios, se desdibuja cuando las figuras de cartón de antaño se vuelven de carne y hueso y muestran sus contradicciones y complejidades. Sabemos que los hermanos Howard son delincuentes que, al verse acorralados, no dudan en abrir fuego contra inocentes. Pero también sabemos que son víctimas

de un pasado violento que no quieren que se repita en su descendencia, aún cuando para lograrlo recurran a un último acto de vandalismo que es, a la vez, un acto de justicia. Del mismo modo, la figura del Ranger implacable queda desarticulada al llevarla a los terrenos de la buddy movie, con dos personajes supuestamente opuestos que comparten -bajo un disfraz de agresiones mutuas- más cosas en común de las que se ven a simple vista. “Es absurdo robar bancos. Es de otra época, ya nadie roba bancos y sale huyendo”, dice uno de los personajes en un diálogo autorreferencial que parece hablar del film en sí mismo. Es esa especie de romanticismo amargo lo que enaltece a un film como Hell or High Water que, lejos de convertirse en una simple pieza de museo, hurga en un pasado glorioso para vislumbrar un futuro oscuro. En la última escena de Erase una vez en el Oeste, Charles Bronson era testigo de la muerte de un bandido comanche, a la vez que la cámara se elevaba al unísono del resoplido de un tren, que anunciaba la llegada del progreso y, por ende, el ocaso simbólico del western. McKenzie decide cerrar su film de la manera opuesta: mostrándonos primero el “progreso”- representado por unas perforadoras de petróleo- y luego haciendo descender la cámara al ras de la tierra, dejando el plano cubierto de espigas. A la altura de una tumba.

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EL LEÓN QUE NO RUGE PERO LLORA [ Por Nicolás Ponisio ]

Si antes de entrar a la sala de cine a ver Lion, ópera prima de Garth Davis, se ofreciera un servicio para pelar cebollas, esto representaría un acto más honesto para provocar el llanto en el público y no el extenso abuso dramático por el que pasa el protagonista, en pos del efecto del golpe bajo que tiene como base el film. Es una historia real, es una construcción de identidad, es un trabajo laborioso de narración visual y un trabajo desganado para evitar los lugares comunes y sensibleros. Pero el mundo pareciera precisar de estos films y es por ello que, a través de los cambios que surge año tras año en el plano de producción cinematográfica, este es un factor que pareciera mantenerse inalterado en el tiempo. La historia de Saroo (interpretado en su infancia por Sunny Pawar y en su vida de adulto por Dev Patel), un pequeño hindú que termina perdido en

Calcuta lejos de su familia, tiene como estructura narrativa un tour por todas las situaciones traumáticas por las que pasa el niño hasta que es adoptado por una pareja australiana de clase alta (David Wenham y Nicole Kidman). La visión que hace el director tanto de la (mala) vida en la India como la que luego hace de la (buena vida) en Australia no posee una profundidad o mirada más abarcativa que lo que quiere mostrar como extremos opuestos. Más allá del hermoso lazo fraternal conformado entre Saroo y su hermano Guddu (Abhishek Bharate), la única intención de describir al territorio asiático es centrarse en la pobreza, la soledad, el abuso y la falta de contención hacia un niño perdido. Algo que, al parecer, solo puede conseguirse en tierra extranjera. En cuanto a geografía cinematográfica, el mayor acierto de Davis es el espacio no

dialogado. A través de ello expresa situaciones y conflictos que se rigen puramente por el aspecto visual del film. Recurre a ello tanto en los momentos de desdicha como en los de felicidad, sobre todo en la relación entre Saroo y Guddu logrando hacer llegar la relación de los hermanos sin abusar del efecto lacrimógeno. La melancolía y la búsqueda de identidad, algo

también explorado por Moonlight de Barry Jenkins, trazan un camino de pura sensibilidad. Algo que, si es utilizado tramposamente como lo hace Davis, es un recurso cómodo que no se atreve a arriesgarse y que, a la vez, el exceso de lo mismo le resta toda la empatía posible que se pueda desprender del personaje. Algo que termina haciendo de Lion un film con muchas penas y ninguna gloria.

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EL ESCRITOR SERIAL

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Love [ Nicolás Ponisio ]

El cariño que se tienen Gus y Mickey (Paul Rust y Gillian Jacobs) se escribe con C de codependencia y condescendencia. Los nuevos episodios de Love retoman la relación de Mickey y Gus en el punto exacto donde fue dejada un año atrás, para seguir haciendo lo mejor que sabe. Realizar una descripción acerca de los altibajos de una pareja de una manera tan universal que resulta imposible no ponerse en la piel de los protagonistas. Y como no todo siempre reside en situaciones agradables, cuando se trata de ellos -y de la mitad de la raza humana- el odio y el amor se vuelven sinónimos de un mismo sentimiento. Si bien la totalidad de episodios se ocupan tanto de Gus como de Mickey, en conjunto o por separados, la trama central de este año deposita su atención mayormente en ella. Logrando comprender de dónde viene y hacia dónde va, sobre todo con el tema de sus adicciones que pasan desde el alcohol y las drogas hasta el sexo y el amor. Los 12 episodios abordan a

su personaje con el sin fin de emociones por las que pasa tanto para afrontar una vida sin dichas adicciones a excepción del cigarrillo y su relación con Gus, la cual supone un problema en más de una ocasión. Y es que la nueva mirada que se realiza sobre la dinámica romántica es tanto positiva como negativa a través de los ojos de Mickey como de los nuestros como espectador. Hay un interés por parte de la trama de centrarse en ella y como comprender la necesidad de amar como una adicción más. Allí están los momentos de apoyo, romance y felicidad como lo son ver Die Hard en la cama, un día en la playa o el baile como elemento de goce absoluto. Son esos momentos de intimidad compartida los que son, de manera descriptiva, una celebración de la ternura que generan entre sí ambos personajes. Pero, haciendo uso de un cliché, así como se necesitan dos para bailar tango, también lo es para entrar en conflictos de manera tan adictiva como el peor de los vicios.

Allí es donde entran las dos C mencionadas en la forma de contradicciones humanas, de manera algo similar a lo que en la temporada anterior estaba enfocado en la histeria, donde Mickey es codependiente de Gus al mismo tiempo que se halla agobiada por él. Del mismo modo y del otro lado de la relación es Gus quien, a través de su amabilidad propia de alguien del medio oeste, se comporta para mal de manera condescendiente para con Mickey. Algo que se mueve entre dos extremos como lo son el orgullo o el apoyo de manera opuesta a la superioridad y el control. El resultado de todo ellos también son elementos opuestos como la cercanía entre la pareja o las fricciones que depositan una barrera en medio. El contexto del mundo de la serie, ofrecido sea por los amigos o las aspiraciones laborales, ayudan a construir la vida en pareja de los protagonistas con los pros y contras que la rodean. De esa manera, esta segunda temporada expande en cierta forma las relaciones por fuera de la pareja protagónica haciendo que personajes como Bertie (Claudia O’Doherty) y Randy (Mike Mitchell) coexistan tanto fuera como dentro de la trama principal. Es así que logran exponer los conflictos de pareja y construcción personal con otra mirada que estudie y profundice el comportamiento de estos personajes desde el drama y el humor que caracteriza a la

serie. Otros personajes como Marty (Daniel Stern), el padre de Mickey, Chris (Chris Witaske), el mejor amigo de Gus, o Dustin (Rich Summer), un ex novio de Mickey, tienen su espacio en mayor o menor medida para ser construidos en profundidad por sí solos como también en función de cómo afectan a su manera a la pareja de Gus y Mickey. El amor de estos personajes, sino de todos, se encuentra bajo una clara evidencia de que no durará o sobrevivirá a unos conflictos que, por más pasajeros que sean, también construyen una tendencia negativa a la destrucción interior que, al menos Mickey, intenta evitar con su sobriedad. La dinámica y el desarrollo que se construye a lo largo de la temporada, gracias principalmente al trabajo de guión de Judd Apatow, Lesley Arfin y Paul Rust, se encarga de pasear a los personajes por una serie de situaciones y emociones que escapan y van más allá del Love indicado por el título de la serie. Y si bien el futuro de la relación no augura un buen camino, los opuestos vuelven a unirse con el excelente desarrollo que sí augura la serie en sí misma. La incomodidad y los enojos que se sufren en la propia relación mantenida entre serie y espectador es claramente algo que se agradece, siendo uno quien se vuelve adicto al producto. Y de momento, por suerte, no hay intenciones de ponerle fin a este amor tan adictivo.

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https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

También si estás de viaje por Europa o Estados Unidos puedas ir a verlo chequeando la lista con las fechas y la ciudades que visitará en su próxima gira.

Dos de Nick Cave como protagonista. "Lovely Criatures. The Best Of Nick Cave & The Bad Seeds 1984-2014" saldrá "Charm Assault" es el nombre del pri-

el 5 de Mayo de 2017. no es un compila-

mer tema nuevo que conocemos de Ride

do más, es el más grande que ha editado

en 20 años, subido a youtube como ade-

Nick Cave & The Bad Seeds hasta el mo-

lanto de un anunciado disco para este

mento. Este trabajo rescata desde "From

año. El álbum fue producido por Erol

Her To Eternity" hasta "Push The Sky

Alkan y mezclado por Alan Moulder. Y

Away". La edición estaba prevista para

como dice Andy Bell la composición es

El trio Blonde Redhead sacó el 3 de Mar-

después de la salida de su último álbum

como si no hubiese pasado nada de tiem-

zo por Ponderosa Music & Art un exce-

"Skeleton Tree" (2016), pero por razones

po entre su último trabajo y este.

lente Ep con el nombre de “3 O'CLOCK”.

de índole familiar de Cave se atrasó. La

El álbum se puede ordenar en:

Este es el sucesor de “Barragán” pero tie-

compilación estuvo a cargo del propio

http://hyperurl.co/CharmAssault.

ne un aire al Maravilloso “Misery is a Bu-

Nick Cave y su viejo compañero de ruta

tterfly” (2004) y no es casualidad ya que

Mick Harvey, además, los miembros de

se encuentran reinterpretando en vivo

la banda, actual y pasados han colabora-

ese álbum junto al encargado en su mo-

do compartiendo sus archivos personales

mento de los arreglos orquestales Eyvind

que han sido recopilados en un libro que

Kang y el grupo de cámara ACME (Ame-

incluye ensayos originales de Cave.

rican Contemporary Music Ensemble)

Este libro está disponible como parte

quienes participaron en la grabación de

de la edición “Super Deluxe” y contiene

este EP más el trompetista Michael Leon-

un DVD, con más de dos horas de con-

hart y el percusionista Mauro Refosco

tenido audiovisual nunca antes editado.

(Atoms For Peace).

Los formatos serán Estándar CD, Tri-

El EP contiene cuatro canciones de

ple LP, Deluxe 3 CD con DVD, y una edi-

tono dream pop experimental y así como

ción muy limitada exclusiva “Super Delu-

Thurston Moore lanzó un nuevo single

en lo emocional sobresale lo sombrío y

xe”.

con esta declaración - Las armas están

melancólico, la sutiliza y el tono cinema-

diseñadas para matar y nosotros, como

tográfico hacen lo propio desde lo musi-

seres humanos no violentos, estamos en

cal, un disco para nada sobrecargado la

contra del asesinato de cualquier perso-

orquesta se integra perfectamente a la

na o animal. La canción es también acer-

banda en una simbiosis que se da con to-

ca del poder del amor, en toda su libertad

tal naturalidad.

de elección. Un poder que ningún arma

La salida del Ep fue acompañada por el

puede extinguir como el amor gobernará

video del tema 2 “Golden Light” dirigido

siempre. Derretir sus armas y besar a su

por Virgilio Villoresi quien también actúa

vecino.- El tema es "Cease Fire" el que se

junto a Elizabeth Kinnear. Debajo del vi-

Por otro lado la banda 93 Million Mi-

puede escuchar y descargar gratuitamen-

deo en yuotube se puede leer una descrip-

les From The Sun formada por Nick No-

te desde su página web. el tema hará las

ción a la cual sólo queremos agregar… No

ble y Rob Hogg de Doncaster (UK), que

delicias de todo fan de de Sonic Yhuth.

dejen de escuchar este EP y ver el Video.

ha sonado en uno de nuestros programas de radio, ha lanzado un nuevo EP

“Without You Near” que contiene 4 can-

Dos ediciones nuevas

Volvíamos del show y (ya un poco cansa-

ciones anunciadas como adelanto de su

desde la Argentina

dos y borrachos) hablábamos de los nue-

próximo álbum “The Lonely Sea & The

vos videos para el disco. Pensamos que el

Sky” a editarse en la primavera europea a

próximo debía ser el de la canción Guan-

editarse por White Light Recordings.

te (cuyo ritmo es bastante particular). Fue ahí cuando sucedió todo y por fortuna tenía la cámara conmigo.-

Lana Del Rey lanzó single en formato

El pasado 1 de marzo Pyramides el gru-

de video y una campaña alrededor de Los

po argentino que integra las filas del se-

Ángeles con carteles que anuncian Que

llo Fuego Amigo Discos lanzó el álbum

este año Lana Del Rey estrenará un nuevo

"Vacíos y Variables" El disco produci-

Steven Severin regresó con un álbum

álbum. El single es sobre el tema "Love"

do por Ignacio Castillo es el sucesor del

nuevo. El ex Siouxsie And The Banshees

y el video fue dirigido por Rich Lee don-

“Ep 2014”. Vacíos y Variables contiene 10

y The Glove está de nuevo luego de un si-

de se la puede ver a Lana junto a su banda

canciones con un tono grave en la voz y

lencio desde "Vampyr" (2012). Esta vez

cantando desde la luna mientras es testi-

punzante sonido de guitarras tiene como

lo hace con "The Vril Harmonies", un ál-

go de una historia de amor en una loca-

invitada en el tema “Ecos” a .Mora Riel

bum de seis tracks lanzado el pasado 9

lidad rural. Identificada con una imagen

quien sin duda se siente como pez en el

de marzo.

y sonido retro sigue en ese camino pero

agua dentro del sonido bien logrado por

más que repetirse cómodamente se la ve

la banda integrado por Facundo Romeo

cada vez más personal y actual.

- Guitarra y voz; Alonso Romeo - Bajo y voz; Jonathan Chendo - Guitarra; Andrés Centrone - Batería.

The Charlatans acaba de anunciar los primeros detalles de su 13º álbum de esIvana Mer lanzó un álbum de remixes

tudio. "Different Days" es el nombre y tie-

llamado “EARLY WORKS REMIXED”,

Corazón Primitivo La banda forma-

ne 13 canciones,que cuentan con partici-

una compilación que sale por Asteroidea

da por Andrés Ruiz junto a Claudio Ro-

paciones como las de Stephen Morris of

Digital Records (el flamante netlabel de

dríguez y Santiago Antar nos deja ver un

New Order y Peter Salisbury de The Ver-

Ivana) que se puede escuchar y descar-

nuevo y hermoso video, el tema es Guan-

ve en batería (ambos ya habían partici-

gar on line desde el sitio web y viene con

te y nos cuentan que fue rodado el sábado

pado del álbum "Modern Nature"). Pero

una invitación a bailar, filmarse y partici-

29 de octubre de 2016 cuando se encon-

el álbum también tiene invitados como

par con sus clips de un video colaborati-

traban de gira en la ciudad de Río Cuar-

Paul Weller, Johnny Marr, Gillian Gil-

vo mundial. Se pueden realizar con cual-

to, Córdoba y dicen - Fue una situación

bert, Anton Newcombe, y otros.

quier cámara y no importa la duración.

muy bella que se dio de manera natural.

Acá le adelantamos a portada

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PURA MELOMANIA

El Pop Experimental The Velvet Underground & Nico (1967) [ Diego Centurión ]

Es raro y difícil a la vez redactar sobre un disco que cumple 50 años y uno tiene menos de esa edad de vida. Se podría decir que yo escuchaba a la Velvet desde el vientre de mi madre, pero eso no es cierto, por más que mucha gente hoy en día se atribuya el hecho de que siempre fueron asiduos a escuchar este disco. Y la verdad es que vivimos en una época en donde el "estar", el "ser", el " pertenecer", está a flor de piel de la mayoría de la gente. Lo cierto es que estoy hablando de un álbum que salió en una época equivocada, o tal vez no tanto, pero si en una época en donde seguramente sonaba a basura, si se tiene en cuenta que eran los años del hippismo y rock psicodélico. Por ejemplo cuando este álbum sale ya había salido el álbum debut de The Doors, The Beatles venía con su "Revolver" pero ya estaba metido de lleno en su "Sgt. Peppers", Pink Floyd estaba por salir al ruedo con su primer álbum, al igual que Jimi Hendrix. El Rock psicodélico estaba en su auge y seguramente un disco como éste no encajaba en lo que se estaba gestando en el mundo musical. “Sunday Morning”, está dulzura abre este álbum, con la extraña voz de Nico, que si bien puede sonar sublime, también se tiñe de oscuridad y de somnolencia de un domingo por la mañana. Y entre la instrumentación que acompaña a esa quietud que hay en la expresiva voz de Nico, y el ambiente creado por esa celesta inocente y tierna, crean una sensación de inquieta calma. Ahora bien, examinando el verdadero motivo de la canción nos damos cuenta que la situación descrita es otra. Según Reed la idea salió de la cabeza de Andy Warhol, quien le planteó a Lou ¿por qué no escribes sobre la paranoia?. Sunday Morning fue la última canción escrita para el álbum y fue un pedido del productor Tom Wilson, con la idea de que era necesaria otra canción con la voz de Nico. La celesta se incorporó en estudio ya que Cale vio que había una y decidió utilizarla para la canción. Seguida viene "I'm Waiting for the Man" y acá se presenta uno de los tópicos que aborda en varios momentos el álbum, las drogas, pero en este caso se trata de un hombre que viaja a Harlem a comprar heroína. Con

una descripción cinematográfica del acto, hasta la conversación con un hombre de color en donde éste le pregunta: "chico blanco, ¿qué haces en este barrio?" y luego Reed detalla el momento de la compra de 26 dólares de heroína. Musicalmente hoy podemos decir que es la típica construcción armónica en la cual Lou basó toda su carrera, acordes mayores en donde no pueden faltar un Sol, Re y La. Agregada las disonancias de Cale y el ritmo casi hipnótico de Maureen. Lou diría que todo fue real menos el precio. "Femme Fatale" es una aparente inocente canción. Melodiosa y cálida, la voz de Nico logra eso. La idea de la canción es simplemente perfecta, con una aparente calma y belleza sonora, cuidada, calculada, nos presenta una personalidad muy contraria al hippismo reinante en la época. En este caso nos describe una mujer calculadora, capaz de cualquier cosa por conseguir con una sonrisa "inocente" o "actitudes bondadosas" lo que quiere y luego, una vez conseguido lo buscado, no le importará desechar a los hombres. Es exactamente la mirada de una mujer que se da cuenta, ellas suelen hacerlo, nosotros caeremos y caeremos, siempre caeremos en los engaños de una Femme Fatal. “Venus in Furs” es la canción que sigue y es otra de las que marca un paso más allá de lo acostumbrado en las temáticas abordadas en las letras, en Venus, Lou basa la letra en el sadomasoquismo, toma como inspiración el BDSM (Bondage y Disciplina; Dominación y Sumisión; Sadismo y Masoquismo), el libro homónimo de 1870 de Leopold von Sacher-Masoch. Musicalmente es una canción experimental y tiene algo de particular es

que la guitarra de Lou se llama “guitarra Ostrich” que se trata de una guitarra afinada todas las cuerdas en el mismo tono. John Cale se encargó de la viola eléctrica, con arreglos muy experimentales. Un viaje a lo más oscuro del álbum. “Run Run Run” es una especie de blues acelerado y estático en una sola nota (Re), todos los personajes son drogadictos en busca de heroína. Menciono al blues por la estructura armónica de la voz, si bien es más acelerada que un blues tradicional, se nota que la esencia en la composición fue un blues. El sólo es una delicia para el experimental, comienza con un acople. Una definición de principios en este tramo del álbum. “All Tomorrow Parties”. Para esta canción Lou vuelve a utilizarla guitarra Ostrich y John Cale utiliza un “piano preparado”. La voz de Nico vuelve a aparecer como un mantra inducido por las disonancias instrumentales. La letra está basada en la gente que pululaba por The Factory (el estudio de Warhol) y era, según dicen todos, la canción favorita de Andy. “Heroína” ya desde el título sabemos que se trata de la droga, y la letra relata el uso y abuso de la droga, con un ritmo que acompaña el Viaje, desde la introspección y la pérdida en el mundo hasta la excitación por el ingreso de la sustancia en la corriente sanguínea. La instrumentación es simplemente fantástica. “There She Goes Again" tiene una comienzo similar a The Rolling Stone “Hitch Hike” (que es una versión de la canción de Marvin Gaye). Podríamos decir que es la canción más alegre del álbum y que aparentemente no esconde nada turbio, pero no nos dejemos engañar, habla de un hombre enamorado de una mujer que parece ser una prostituta, y en algún momento, el narrador de la canción le dice “Será mejor que la golpees”, mientras que toda la canción parece estar “llenándole la cabeza”, narrando sus actitudes.

“I'll Be Your Mirror” nuevamente Nico a la voz. La canción esconde una extraña situación entre Nico Y Lou. Compuesta por Reed especialmente para Nico. Cuenta la leyenda que cuando ella se enteró que Lou le compondría una canción se alegró muchísimo y le dijo: “Tranquilo Lou, seré tu espejo”. Y en ese acto de amabilidad se esconde tal vez algo de perversión, ya que Reed armó una melodía de voz que exigía mucho a la modelo francesa, la cual en la grabación paró varias veces el registro y se puso a llorar. “The Black Angel's Death Song” es una canción experimental en donde John Cale hace uso de recursos que lleva a la canción a confines no acostumbrados para oídos convencionales. La viola chillante de Cale y la voz áspera y monocromática de Reed hace que la canción tenga un sonido totalmente experimental. Para terminar llega “European Son” de neto corte experimental. Acá hay una letra sin sentido pero el sentimiento lo pone Lou al dedicar esta canción al profesor de él y Morrison (ambos estudiaban una especialización en Lengua Inglesa) Delmore Schwartz, quien influyó mucho a Reed. Unos meses después de escribir esta canción Delmore falleció. La canción apareció en las primeras ediciones como "European Son (to Delmore Schwartz)", parece ser que la canción más que un tributo era un sentimiento de enojo porque Schwartz se había negado a ver a Lou en sus últimos meses de vida. En fin “The Velvet Underground & Nico” es un álbum emblemático, aunque en su época pasó desapercibido, más allá de imán que generaba Andy Warhol. Hoy todos lo glorifican y lo ponen en un pedestal…me gustaría saber cuántos realmente aguantan la escucha de principio a fin… El arte pop, el Andy Warhol pop, el pop expermiental, una patada al flower power.

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Una Joya en Bruto Butthole Surfers - Locoust Abortion Technician (1987) [ Benjamín York ]

Siempre pensé que había una banda extraña, que no sigue un camino identificable o predecible, en algunas de las que nombraría estarían los Butthole Surfers. Una banda norteamericana que siempre ha estado en el marco de rock industrial naciente en los años ochenta, junto a bandas como Ministry (y sus derivados), Lard, entre otras. Pero a diferencia de su gran mayoría, los álbumes de la banda de Gibby Haynes siempre estuvieron tenidos de una extrema experimentación sonora. Este álbum no es la excepción, y mientras el sonido de rock industrial comenzaba lentamente de la mano de la Ministry y se afianzaría años posteriores (los últimos dos años de la década), acá ya podemos escuchar algunos extraños riffs que luego reconoceremos en los álbumes de la banda de Al Jourgensen. Y si, todas estas bandas formaban parte de la misma comunidad que forjaba un nuevo giro al rock. Pero como hermanos de sangre, estas bandas, tomaban un poco de las otras para buscar su sonido. Butthole acarreaba todo la experimentación que no había en las otras bandas, toda la disonancia y la irreverencia de no saber cuál sería el próximo paso a dar. La banda venía de editar “Rembrandt Pussyhorse en Touch and Go” en abril de 1986, y fue uno de sus álbumes más experimentales, pero en su tercer álbum, no abandonarían la experimentación, pero a ésta le suumarían grandes dotes de ruidosas disonancias que lo convertirían en uno de los álbumes más perfectos de la banda. Anticipándose al grunge o el rock industrial. “Sweat Loaf” abre con humor el álbum, con una conversación entre padre e hijo sobre el arrepentimiento. Y reutilizando el riff de Black Sabbath de la canción, “Sweet Leaf” crean un mundo de caos y locura. "Graveyard" es una retorcida canción destrozada por un bajo lineal, que junto al ritmo de la batería, llevan un tiempo cansino, las guitarras son como dagas filosas que aparecen y cortan el aparente clima enrarecido, una voz deformada que aparece como una muestra de que si llegas al final de esta canción, estás preparado para el resto. "Pittsburg To Lebanon" aparece como un blues roto y arrastrado, con mucho ruido y una voz que aparece como un lamento distorsionado. Perfecta mane-

ra de recordar que después de todo, todo se inició con el blues negro. "Weber" es otra canción que experimenta en treinta y cinco minutos con sonidos disonantes y termina abruptamente. "HAY" es otro corto experimento, con sonidos en reversa que se convierten en el motor del track. "Human Cannonball", volvemos a “la canción tradicional” de más minutos, un dejo de punk rock se hace presente, obviamente este track es un punto de inflexión en el disco, ya que empezamos a escuchar sonidos que mucho más adelante se harían famosos, como el grunge o hasta si se quiere el stoner rock. La ácida letra es bien típica de Gibby Haynes, quien deja entrever sus condiciones de cantante punk. "U.S.S.A." empieza casi industrial, con guitarras disonantes y luego un bajo hace que cambie totalmente, tornándose un experimento sonoro perfecto. "The O-Men" es una canción netamente de rock industrial, que poco tiempo después daría camino a lo que fue y es Ministry. Puro rock industrial con altas dosis de locura. "Kuntz" es una canción de corte hindú, según el álbum esta canción fue escrita por Kong Katkamhaeng, y tocada por Phloen Phromdaen, de todas formas es un experimento en donde juegan con la canción y la deforman a medida que avanza. "Graveyard" nuevamente nos encontramos con esta canción aunque esta versión es más desquiciada que la anterior. Y cierra el álbum “22 Going on 23”, y como no

podía ser de otra manera, el final llega con una “canción” totalmente desarmada, llena de grabaciones que se mezclan sobre un ritmo muy psicodélico. Grabaciones que después oiremos en muchas bandas de rock industrial. Solos de guitarra del rock psicodélico o del space rock. “Locoust Abortion Technician” es el nexo que une a los excepcionales Captain Beefheart, Suicide y al Krautrock con el rock industrial y el rock experimental. Una joya en bruto.

Misterio y Sofisticación Siouxsie And The Banshees Through The Looking Glass (1987) [ Pablo Müllner ]

En cuanto a la decisión de hacer un disco con canciones prestadas, Los Banshees argumentaron por aquellos años que venían de una gira exhaustiva y sin ganas de ponerse a trabajar en material nuevo, pero necesitaban grabar algo que los mantuviera frescos. La idea venía desde el momento en que hicieron el cover de The Beatles, Dear Prudence y la inspiración central, de Pin Ups, de David Bowie. Entonces, rápidamente decidieron echar mano a estos 10 temas que podrían separarse al medio entre clásicos y extrañas perlas –o extraños frutos–. Con todos estos elementos, Through the looking glass no es un disco de covers mas. Siouxsie y su banda siempre tuvieron apego a lo teatral, a sugerir alguna especie de línea argumental en todos sus discos. Este disco podría haber sido la excepción –otros rockers cansados que se pone a hacer reversiones- y sin embargo es uno de los discos más conceptuales de Siouxsie y compañía. Desde el título: A través del espejo. La cita a Alicia… de Lewis Carroll no es gratuita. Ya estamos situados en un mundo paralelo o “del revés” donde las reglas son puestas patas para arriba. Así Siouxsie se encarga de versionar a Jim Morrison en “You´re lost, little girl”, un número que en este reino Banshee suena a una advertencia para el que escucha como si la cantante fuese realmente un gato de Cheshire, colgado desde una rama, apareciendo y desapareciendo al ritmo del carrousel fantasma de la canción. Otro pequeña gema es “Trust in me”, tomada nada menos que del Songbook de El Libro de la Selva. Aquí Siouxsie re interpreta la voz de la boa contrictor en la tarea de poner en trance a su víctima/oyente: “just close your eyes

and trust in me…” (“solamente cerrá los ojos y confía en mí”). Mientras la banda tensa las cuerdas de un soundtrack de suspenso que se hace cada vez más agudo. (Quién diría que un musical de Disney pudiera sonar tan estremecedor…) Entre rarezas como esas, se erigen con perfil alto versiones rimbombantes de algunos clásicos muy bien elegidos. “This Wheel´s on fire”, de Bob Dylan, con su inquietante arreglo de violines (Siouxsie declaraba entonces que ella la consideraba un cover no de Dylan, sino de la versión que ya había hecho Julie Driscoll sobre el tema de Bob). “The Passanger” incorpora bronces y le levanta el volumen a los coros, convirtiendo el original de Iggy Pop en un verdadero hit. Y la bravura de Hall of Mirrors de Kraftwerk, que pasa de ser una minimalista sinfonía de caja de ritmos a convertirse, en garras de los Banshees, en una poderosa usina de kraut rock. En Mirrors, además el título del disco resuena entre ecos y distorsión estableciendo el eslabón perdido entre lo que vio “Alicia del otro lado del espejo” y las experimentaciones de los visionarios Ralf y Florian. El resto del álbum suma muchos aciertos (la versión más directa del tema “Sea Breezes” de Roxy Music,

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“Gun”, de Television) y algún que otro pifie (la funeraria versión de la ya funeraria “Strange Fruit”), pero en pocas palabras: Through the Looking Glass tiene todo el misterio y la sofisticación de un disco Banshee de composiciones originales.

Minimalismo Púrpura Prince - Signs O The Time (1987) [ Alex Bretto ]

“In France, a skinny man died of a big disease with a little name. By chance his girlfriend came across a needle and soon she did the same…” son las líneas que dan apertura a un disco tan ecléctico e impredecible como la letra de esta canción anticipa. Y al mismo tiempo, tan rico y sorprendente que para algunos medios especializados fue el mejor álbum de los 80’s. Y si no al menos, el mejor álbum doble de esa década. Y es que Prince Rogers Nelson estaba brillando como pocas veces, y ese brillo era por momentos asfixiado por su propia discográfica y limitado por el formato tradicional de las produciones de aquellos años. Mucho material, muchas ideas, mucha energía. Desde temas herrumbrados en su inmensa bóveda de canciones aún no reveladas como “I Could Never Take The Place Of Your Man”, hasta material en vivo no editado de los años con The Revolution como “It’s Gonna Be A Beautiful Night”, pasando por géneros y estilos diversos, para llegar a lo más rozagante que su inspiración no podía cesar de elaborar. El funk que Prince venía llevando a su máxima capacidad vuelve a fusionarse en este caso con el rock, el soul y el dance que él mismo había popularizado junto a Michael Jackson entre los jovenzuelos afroamericanos. Este producto fue sazonado con una pisca de jazz, luego colocado todo junto en una imaginaria cocktelera con luces de neón, dando como resultado un brebaje fluo con sabor a pop que invitaba a dar una y otra vuelta a cada uno de los dos vinilos que conformaban esta obra. Es así como se nos ofrecen momentos bailables donde el funky groove de rigor en temas como “Housequake” o “Hot Thing” hacían saltar a la pista a todo aquel que le rindiera culto: “Shut up already, damn!”… and dance, le faltó decir. Pero todo suena tan negro que da placer

y si bien el irrefrenable dance-pop/rock se repite en temas como “Play In The Sunshine” (que vendría a ser el “Let’s Go Crazy” de este disco) o el que fuera el último single del disco “I Could Never Take The Place Of Your Man”, hay suficiente espacio para midtempos como “If I Was Your Girlfriend” o “Starfish And Coffee”. Incluso Prince vuelve a deslumbrar con esas baladas que dividen tanto las aguas entre quienes lo aman y quienes lo defenestran, y nos regala ejemplos como “Slow Love” o el inmejorable cierre con la magnífica y llorosa “Adore”. Capítulo aparte merecen tal vez los highlights del disco. “Strange Relationship” conjuga en una sola canción toda la influencia que Prince imprimió en artistas masivos internacionalmente como Janet Jackson, o de mayor consumo local yankee como The Jets, De Barge, Lisa Lisa & Cult Jam o miles de artistas Freestyle que salieron como de fabrica de hacer chorizos en el segundo lustro de los 80’s, todos con el sello Minneapolis Sound (como fue conocido este híbrido del que The Artist fue pionero). “U Got The Look”, a dúo con Sheena Easton, es la apertura del segundo disco y fue el mayor éxito en el Billboard Hot 100. Una pegadiza canción de rock caracterizada por el sonido de guitarras saturadas, marcada percusión y Prince interpretando a su alter ego Camille que juega una suerte de contrapunto con Sheena en el

supuesto “Boy versus girl in the World Series of love”. Personalmente, mi tema favorito. Y por supuesto, el eterno “Sign O The Times”, un ejemplo de minimal music con base funk que fue #1 en el R&B chart de Billboard. Un single que fue aclamado por medios como Rolling Stone o NME como uno de los mejores de todos los tiempos.

Casi 80 minutos sin desperdicio es el resultado final de este clásico de su década, “Sign O The Times” es uno de los discos que abrió las puertas a un género de transición conocido como New Jack Swing, dando lugar en el futuro a un nuevo público para artistas R&B y hip hop tales como Paula Abdul, TLC, Boyz II Men o Puff Daddy. Un disco bisagra que colocó a Su Majestad Púrpura en la vanguardia de una época.

Tan Generación X Various Artists - Lost Highway (1987) [ Pablo Müllner ]

El soundtrack de Carretera Perdida (Lost Highway) es la primera excursión de Trent Reznor (NIN) como productor musical dentro de la pantalla grande. Trent encontraría con el tiempo una fuente de éxito en sus musicalizaciones para films, ganando un Oscar por The Social Network (2010). Aquí estamos apenas en 1997, y Reznor es todavía “apenas” un gran rockstar, el príncipe de las tinieblas del rock alternativo de los noventa. Trabajando bajo consigna para el magistral David Lynch, en esta inquietante película protagonizada por Bill Pullman y Patricia Arquette. El joven hace bien su tarea. Mucho de lo que suena en esta carretera hacia la locura y la muerte tiene que ver con los sonidos que venía produciendo Reznor durante mediados de la década. Con su banda Nine Inch Nails, Trent se despacha con el hit perfecto para las radios alternativas noventeras y MTV: el ruidoso y a la vez ambiental: The Perfect Drug, que tiene bastante del sonido electrónico que el under ingles llamaba jungle. Gran parte del sonido es similar en espíritu: rockero, industrial, gótico y electrónico. Es así que Reznor invita a participar a sus colegas del lado oscuro: Smashing Pumpkins, Marilyn Manson y Rammstein. Pero hay mucho más, quizá demasiado, en este soundtrack para rescatar: el exquisito lamento “I´m Deranged” del inolvidable David Bowie. Un estándar de Bossa Nova, “Insensatez”, versionado por Antonio Carlos Jobim. Un cover de Ben E. King and the Drifters a cargo de Lou Reed. Un compilado muy ecléctico y hasta por momentos caprichoso. Aunque para el que guste del cine de Lynch, la escena del hiper tenso strip tea-

se de Arquette al bramido de Marilyn Manson en su versión de “I Put a Spell on you” será el recuerdo imborrable de esta banda de sonido: la música tomándole el pulso a la acción y al mismo tiempo conduciéndola, otra vez, hasta perder los márgenes de la sensatez y la realidad. Sin embargo, otros dos momentos igual de memorables: el temerario solo de saxo de Pullman, y la escena de sexo con “Song to the Siren” de This Mortal Coil de fondo, sorprendentemente no están incluidos en el álbum. Por suerte sí, las musicalizaciones de Barry Adamson, aportando climas jazzeros oscuros y al mismo tiempo rimbombantes, a veces casi de “big band”, que por momentos recuerdan a las oníricas partituras de la serie The Pink Panther. El resto y podría decirse casi el otro cincuenta por ciento, no en cantidad, pero si en peso específico, es la sutil mano del colaborador eterno de David Lynch, Angelo Badalamenti. Sus teclados vienen a aportar los momentos más contenidos, espectrales y misteriosos, como para ponerle un poco de balance al pánico y la locura de este soundtrack tan frenético, tan Generación X.

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Adulto Contemporáneo Texas - White On Blonde (1997) [ Pablo Müllner ]

White On Blonde es un disco pop sofisticado que se convirtió en un éxito inesperado en 1997. Al parecer un presentador de la BBC escuchó el primer corte de difusión “Say What You Want” y eligió el sencillo como cortina de su programa, dándole a Texas un revés de suerte. Así y todo el éxito tiene todavía algo de inexplicable. La banda había sido formada en 1988 en Escocia, por el bajista Johnny McElhone y la cantante Sharleen Spiteri, y no tenía un sonido especialmente moderno. Más bien todo lo contrario, tenía como influencias el roots rock, es decir el folk, el blues y el country, en fusión con las melodías soul. De más está decir que a mediados de los noventa los Texas no sonaban muy noventosos, lo que a esa altura significaba tener algo de tecno o de hip hop en la mezcla. Esto reducía a la banda a la poco atractiva etiqueta de “adulto contemporáneo”. Pero sin desanimarse por ello, la banda erigió White On Blonde con composiciones pop casi perfectas –el “casi” viene a cuento de que algunas melodías resuenan un poco a citas ocultas. Y luego supo revestir esas canciones con una producción exquisita que mezclaba sus influencias retro con un poco de trip hop, el sonido de la temporada para toda banda británica que se precie de serlo. Los hits se sucedieron como en catarata, Black Eyed Boy, Halo, Put Your Hands Around me. El resultado final es un disco de pop rock más europeo más que inglés. Podría parecer un disco de Lisa Stansfield si no hubiera tanta guitarra eléctrica ni tanto despliegue electrónico. Es decir que hay una gran voz eclipsando un poco todo lo de-

más. Pero Sharleen Spiteri, si bien tiene los aires de diva soul, nunca llega al desborde. Está siempre ocupada en ser el carisma y el frente perfecto de una banda que gusta de encerrarse en el estudio a experimentar como en un laboratorio. Se puede decir que en su propia paleta de sonidos Texas tiene la misma obsesión por los detalles de producción que Garbage o NiN. En ese sentido hay algunas perlas en el disco que merecen ser nombradas. Insane, parece un tema de Massive Attack re versionado finamente para sonar en The Top of the Pops (nótese que la canción fue co-producida por Mike Hedges, que en los ochentas trabajó para The Cure y Siouxsie). El neo soul cálido y sensual de Good Advise suena perfectamente a un híbrido entre Portishead y Sade. Ese es el modus operandi de White On Blonde: hacer más amenos algunos sonidos novedosos pero demasiado raros para la radio comercial. Así Texas se propone dejar al fan del pop adulto-contemporáneo con ganas de experimentar, siempre contento. Y lo logra.

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Perfección, sensibilidad y sutileza Jesu - Conqueror (2007) [ Pablo Ravale ]

El metal siempre ha sido un género cerrado, burdo, basado en la agresividad, sin buscar en la intelectualidad y en lado sensible del alma humana. Esa fue la fama que generó en momentos de la historia de la música. Sin embargo, a finales de los 80 y principios de los 90, algunas bandas abrieron su espectro, construyendo una cosmovisión más compleja, donde los propios nichos metaleros, no sabían dónde colocarlas, si dentro o fuera de la escena. Esta misma confusión fue inspirando a diversos músicos con un discurso más artístico: tanto en Inglaterra como en Estados Unidos, las bandas proyectaron su propia mirada, donde este giro que pudo haber sido lógico o no, produjo un nuevo brote de proyectos con propuestas frescas e interesantes, que se reflejó en la movida contemporánea del metal. Una de las figuras monolíticas de estos años –y, curiosamente, también en la actualidad– es Justin Broadrick: cantante, guitarrista y cerebro de Godflesh. Godlfesh sirvió como catalizador de la agresividad, la violencia, la desesperación y, por supuesto, cambió la forma de entender el rock pesado; se salió del esquema clásico y experimentó con la electrónica y, prominentemente, el industrial. Todo esto llamó la atención de artistas dentro y fuera del género, y llevó a Broadrick a colaborar a posteriori con nombres de gran peso, tales como Pantera (a quienes les remixó un single), Jarboe (con la que grabó un EP), Sun 0))) (como guitarrista invitado en vivo) y hasta el músico experimental John Zorn (con el que coincidió en un extraño proyecto llamado God). Siempre en constante cambio y con una carrera prolífica, Justin acabó con Godflesh en 2001, para así dar paso a otras aventuras, donde figuró una entre todas: Jesu. Jesu tiene poco que ver con el metal y más aún en la obra que aquí nos ocupa, Conqueror (2007), pues se

caracteriza sobre todo por el sosiego, la tranquilidad y la reflexión del alma del autor hacia miles de metáforas sonoras. Su armonía expresa belleza por encima de unas guitarras contundentes y una base rítmica atronadora (cortesía de Diarmuid Dalton en bajo y Ted Parsons en batería) cuya función es crear una estructura anclada en el doom, pero a una velocidad verdaderamente apaciguada y tamizada por otros estilos, como el post-rock, el industrial y hasta el shoegazing. Sus pasajes y desarrollos hipnotizan, las canciones no están dentro del género extremo ni tampoco son 100% experimentales, lo suyo es único. La emoción generada a través de títulos como “Transfigure”, “Medicine” o “Brighteyes”, plagados de esos ambientes nostálgicos y atmósferas conmovedoras, nos sumergen en universos interiores de los cuales difícilmente queramos salir. En temas como “Conqueror”, “Old Days” o “Mother Earth”, la pesadez rítmica sigue estando, pero a diferencia de Godflesh, no machaca sino que crea mid-tempos donde los sonidos acristalados y oníricos brillan ante nuestras pupilas. Todo es perfección, sensibilidad y sutileza en Jesu. Quizás lo único que contraste con su lograda armonía puede que sean las letras, la cuales se suceden como el reflejo subjetivo de los problemas sociales y la reivindicación del desastre en entonación poética. Posiblemente muchos no conozcan la obra de Justin, y de ser ese tu caso, yo que vos no lo dudaría un segundo: buscá y conseguí Conqueror, es verdaderamente sublime.

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Por Maxx Wild

Blur – Blur & Sidecar Blur – Blur (1997) Habiéndose ya instalado en el catálogo de las bandas Britpop, no solamente por su origen sino por la temática y sonido en sus canciones, Blur quiso ser tomada más en serio en su quinto y homónimo álbum. Yo también quiero tomarme algo serio y elijo un Sidecar (Cognac, Triplesec y jugo de limón) un clásico del viejo mundo que aleja los sabores dulces para combinarlos con algún ácido y reminiscencias de amargor. En una mezcla “beatleliana-grunge” aparece Beetlebum, melancolía de los 90s con la alegría de los 60s, crudeza con armonía y una letra que nos mostrará un Damon más introspectivo y sensible. Song 2, parodia punk del grounge! La más famosa de la banda y la que despertó los oídos de este lado del Atlántico (tano al norte como al sur). Country Sad Ballad Man, con una quebrada voz y algún que otro falcete, una canción casi burlona pero angustiante. Un riff modulado, intro casi punk, tensión y coro acorde para M.O.R. más cerca de Seattle que de Manchester. En On Your Own, descata la secuencia electrónica complementada con el fuzz de las guitarras de Graham, un ácido como el limón en mi Sidecar, algo distinto (pero no diferente a otras facetas futuras). Salteemos a You’re so Great, linda y cruda balada casi a lo Bowie; Death of a Party, a lo Gorillaz y Chinese Bombs otro intento new punk que no por serlo es menos valorado. Look Inside America y Strange News from Another Star, dos

temas casi baladezcos que bajan los decibles de manera justa y necesaria (14 temas es demasiado). A mi criterio Theme for Retro, I'm Just A Killer For Your Love y Essex Dogs, son totalmente prescindibles y olvidables, no aportan tanto y hasta casi rompan la continuidad. Interlude, es un track escondido al final, casi conceptual, para un cierre digno del despegue de Blur a una era diferente. Termino mi cocktail y preparo otro igual, de seguro repito algún track… ¡Salud!

The Orb – Orblivion & Bellini Jello Shots The Orb – Orblivion (1997)

Nunca es simple revisar un disco de música electrónica e ir paso a paso en el proceso. Para los que amamos el género la fórmula siempre ha sido abstraerse y dejarse caer en el espiral sonoro que plantea el artista. En este caso, estoy frente al cuarto disco de estudio de The Orb, Orblivion. El proyecto inglés del Dr. Alex Paterson, comenzado a fines de los 80s, fue cuajando dentro del género de la música electrónica, IDM (Intelligent Dance Music), Ambient, Dub y Drum´n´bass. Pensando en ese concepto, hoy me acompañará uno o varios (muy probablemente) Bellini Jello Shots (Jugo o pulpa e durazno, Espumoso blanco (Prosecco) y gelatina, en moldes para solidificar de formas asi-

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métricas). Este es un extenso trabajo, que recomiendo escuchar

y flautas) y una de mis favoritas de Orb: Toxygene, psicodeliaca-

de corrido, con remolinos de efectos reverberantes, rítmicas que

mente sampleada, un uptempo triphopp (sigo usándola en al-

mezclan lo étnico y plástico, algunos sonidos raros, pads voca-

gún warm up) alegre difícilmente olvidable. En su tiempo este

les y samples que van de lo científico, pasando por lo mundano

álbum se plantó en un momento que se creía el despegue de la

hasta lo religioso. Lo sólido (electrónico) atrapa perfectamen-

música electrónica como nuevo género popular, fuera del dan-

te lo líquido (vocales, percusiones, samples), tal como el trago

ce, algo que solo algunos abrazamos y nunca más dejamos ir.

gelificado que he preparado, generando un viaje hipnótico al

Recomiendo ampliamente escuchar este disco y transportarse

subconsciente, que perfectamente se acoplaría con imágenes

junto con la textura gelatinosa del trago a una travesía de soni-

fractales y psicodelias. Los puntos más altos son Ubiquity (so-

dos y sensaciones que tanto hace falta en estos tiempos de mú-

nidos 8bits junta a una melodía envolvente), Bedouin (samples

sica descartable. ¡Salud!

The Horrors – Strange House & Black Magic The Horrors – Strange House (2007) Cuando algo nuevo pretende emular estilos viejos, probablemente dos finales posibles pueda haber. Esos finales son un misterio y dependen mucho de los elementos y la pericia de los ejecutores. Tanto como preparar un Black Magic (vodka, Kahlua y un toque de jugo de limón). En esta ocasión, escucharé Strange House, el album debut de la banda garaje punk The Horrors. En una nueva era de bandas descartables The Horrors trajo consigo un estilo gótico-punk de los años 70. Con un comienzo poco estratégico el disco comienza con un cover Jack the Ripper de Screaming Lord Sutch (altamente recomendado), parece que todo irá bien, un moderno sonido vintage, con un lead Singer lo suficientemente freak como para un supuesto giro de tuerca. Pero no! Salvo Count in Fives y Sheena is a Parasite, el álbum es agobiantemente repetitivo, el mismo sonido una y otra vez. El mismo órgano, esos tambores graves, golpeteo de guitarras y voces frenéticas. Rescato Excellent Choice y Thunderclaps, pero

puedo rescatar que saben de ejecución tanto como de estética.

definitamente el Black Magic me vuelve bondadoso, donde de-

Puede que alguien quiera tomarlos en serio, como cultores de

bería ser implacable, por gusto al género! Mientras que su fór-

esos estilos, pero creo que no es el objetivo, a disfrutarlos como

mula no es necesariamente nueva y parece exagerada, también

son… ¡Salud!

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Revista The 13th | Pura Melomanía (Compilado Imaginario III) Label: Revista The 13th Fecha de Lanzamiento: 27 de Enero de 2017 [ Por Pablo Müllner ]

Pura Melomanía, Compilado Imaginario Vol. III (enero 2017) suena demasiado pulido y conceptual para ser tan solo un homenaje de la escena indie latinoamericana a clásicos internacionales que entran en el aniversario de su década, (primera y hasta cuarta década). Hay mucho en estos covers que revelan bandas consolidadas, con un sonido y una apuesta estética propios, adueñándose de las canciones, dando su mirada, incluso cambiando radicalmente el espíritu original de la canción. Son once temas reinterpretados y hasta “re escritos” desde sus personales visiones de la melodía y la letra. Desde la apertura con el tema punk pop por antonomasia Blitzkrieg Bop de Los Ramones que en manos de Stellarscope (Puerto Rico) va dirigido por un beat frenético y guitarras urgentes, mientras que el letargo vocal cambia radicalmente el espíritu de la consigna. Hasta la Severina de Devoción, que luce producida de manera más delicada, poniendo acento en un bajo y una voz con mayores ornamentos que en el clásico de The Mission UK. Para cerrar hay un bonus track, “no cover”, Far Away de The Nocovers. Entre tanto hay innovadores momentos de electrónica (MyTe y sus linternas verdes y Glass) y hasta folk pop (sé pe-

Alan Courtis | Los Galpones Label: Fabrica Records (Brooklyn) Fecha de Lanzamiento: 27 de Enero de 2017 [ Por Benjamín York ]

Alan es un artista que nos gusta mucho. Desde el plano experimental a veces es difícil explicar lo que es una obra discográfica si el lector nunca se ha sumergido en este rango muy amplio del género ambiental. Muchas veces se confunden los tantos y se

queño). Y dos covers de clásicos nacionales que son verdaderos highlights. La “casi” respetuosa versión de “Que ves el cielo” de Invisible por Horacio.nuevatemporada. Digo “casi” porque sin grandes cambios la canción suena como tocada por una varita mágica: la armonía vocal parece hecha a medida de la sensual garganta de Luz Jara mientras la melodía crece y levita con las brillantes guitarras de la banda. En Trátame Suavemente, el sonido queda bastante lejos de su original melodía pop. En la versión imaginada por Luncil, la canción es llevada a un territorio más etéreo, podría emparentarse más a This Mortal Coil que a los Encargados: la bella voz de Carla Desiderio se expande capa sobre capa en la oscura serenidad de un minucioso trabajo instrumental a cargo de Diego Centurión.

piensa que la música experimental es sólo ruidismo o algo que nos va a dar la sensación de una incomprensión tal que nos alejará de una escucha total de una obra. Pero también tenemos que situarnos en la época en que estamos viviendo, en donde todas las barreras sólo sirven para romperlas. Una sociedad industrializada, muchas veces atacada por la amenaza de el feroz avance de lo cibernético, y que en pos del avance tecnológico muchas veces se vuelve fría y despiadada. Podemos pensar en los problemas que acarrean para la industria latinoamericana la falta de trabajo por cierres de fábricas. Pero sin entrar en un

plano social y político, pocas veces se habla de la música experimental como un reflejo de la sociedad industrializada. El otro día leía un artículo en donde lo insinuaban y de ahí disparó esta reseña del álbum de Alan Courtis. Mas allá que el sello se llama Fábrica Records, y aumenta la idea sugerida en todo lo anterior, el trabajo de Courtis refleja ese vacío de, en este caso, los galpones, que se puede tomar como esos espacios de trabajo, muchas veces mal pagos y en donde los trabajadores pasan horas y horas produciendo seguramente con un salario muy por debajo de las ganancias que se obtendrán con lo producido. Los Galpones es un trabajo de cuatro tracks en donde Alan se mezcla con instrumentación más convencional que en otras oportunidades. Podemos descubrir alguna guitarra, algún violín, y otros instrumentos pero utilizados o grabados de manera no tradicional. El álbum me deja una sensación que me remite a un film, a la idea de que puede suceder cuando se cierran los portones de galpones y todo parecería quedar en silencio, pero en realidad un mundo de extrañas armonías del día de trabajo comienzan a sonar como un exorcisamiento de las energías acumuladas durante la jornada laboral. Una versión industrial de Toy Story, reemplazando juguetes por herramientas.

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Las cuatro canciones (Hombrear, Aparcero, Estiba y Corralón) son cuatro paisajes abstractos en donde se reflejan cuatro universos de vacíos espectrales pero a la vez se imprime una constante presencia del hombre como elemento social necesario en este relato. El mismo Alan nos contó que es el primer álbum de este año y que habrá mas publicaciones, así que volveremos a hablar de él.

Luis Marte | The Easy Fantasy Label: Plus Timbre Fecha de Lanzamiento: 24 de Febrero de 2017 [ Por Benjamín York ]

Así como antes hablé de Alan Courtis, Luis Marte es otra pieza fundamental a la hora de hablar de la música experimental en Argentina, podemos llegar a decir que son dos de los exponentes más prolíficos de este país. Luis acaba de lanzar un nuevo álbum y eso es un motivo para festejar, para aquellos que nos gusta lo que está fuera de lo convencional. Si bien este trabajo de nueve canciones está abordado desde la electrónica más experimental, nos podemos perder en sus sonidos claustrofóbicos de oscuras secuencias de base. Y los elementos que se van sumando se tornan el centro de las nueves pinturas abstractas de éste álbum. La maestría de las compo-

siciones y la complejidad sonora (con capas de pequeños sonidos que se van sumando a medida que los tracks avanzan) le suman un atractivo para aquellos que disfrutan de querer escucharlo todo, los más

obsesivos de lo sonoro. Este viaje a los confines de una construcción sólida y casi perfecta, de estructuras, a veces, marcadas por algún ritmo (pero difícil para querer seguirlo con el pie) hace que el trayecto sea muy atractivo. Marte nos demuestra una vez más que nunca se agotan las barreras para cruzar,

siempre en un camino que suele ser peligroso y en el cuál los artistas pueden llegar a perderse en una corriente sin rumbo. Pero Luis viene demostrando y actuando con gran sabiduría, y muchas veces, abriendo camino a nuevos artistas.

93millionsmilesfromthesun | Without Your Near (EP) Label: White Light Recordings Fecha de Lanzamiento: 28 de Febrero de 2017 [ Por Benjamín York ]

Un nuevo EP de los maravillosos 93millionsmilesfromthesun, a quienes hemos tenido la oportunidad de entrevistar en números anteriores. Está nueva edición consta de cuatro fantásticas canciones. El EP es previo al nuevo álbum 'The Lonely Sea & The Sky' a editarse en la primavera europea, la canción “Without Your Near” se encuentra en el nuevo álbum, y las otras tres son nuevas canciones. El EP lo abren las furiosas guitarras y batería de la canción que le da nombre al EP. Sigue la bellísima Close Your Eyes y nos invita a cerrar los ojos y dejarnos llevar por esas corrientes eléctricas que imponen el bajo y las dulces guitarras. Una dulce canción ensoñadora que abre un universo de destellos multicolores. "Sandpeople Always Ride Single File To Hide Their Numbers" es una brumosa y calma brisa shoegaze que desde sus guitarras a lo My Bloody

Pyramides | Vacíos y Variables Label: Fuego Amigo Discos Fecha de Lanzamiento: 01 de Marzo de 2017 [ Por Benjamín York ]

Disco debut de la banda y debut en el sello argentino. Anteriormente habían sacado un EP bajo el nombre de “EP 2014”. Actualmente Facundo Romeo: guitarra y voz, Alonso Romeo: bajo y voz, Jonathan Chendo: Gui-

Valentine nos mece y nos arropa cuidándonos. Para cerrar "I Know" nos despierta y vertiginosamente nos transporta a una corriente marina intensa. Muy Lush o Slowdive, lo que lo hace aún más atractivo. Como siempre suele suceder con esta banda, sus registros son siempre impecables y de elegancia exquisita. Ahora es un EP, esperemos pronto el nuevo álbum.

tarra y Andres Centrone, batería. El álbum producido por Ignacio Castillo (Temporada de Tormentas). La banda nos ofrece en diez canciones un vertiginoso viaje que se tiñe de un veloz post punk con sabor a Wire. Pero también nos sumergen en un acelerado shoegaze y la velocidad la ponen canciones

como "Mía", "Caoscalma", "Contraluz" o "Cuadros en Blanco". El resto matizan de diferentes colores y sonoridades que pasan por el shoegaze o por el dreampop. Un debut esperado luego de aquel EP, demorado, y que al fin llega. Un post punk con altas dosis noventeras.

Temples | Volcano Label: Fat Possum Records Fecha de Lanzamiento: 03 de Marzo de 2017 [ Por Marina Cimerilli ]

Cuando el disco debut de una banda consigue provocar un grado de adicción sonora que aumenta peligrosamente con cada escucha, como ocurrió con el celebradísimo Sun Structures al momento de su lanzamiento en 2014, eso es bueno y malo a la vez. Es bueno porque resulta un hallazgo muy disfrutable al tiempo que otorga a la banda en cuestión un posicionamiento inmediato, y es malo porque automáticamente se produce entre el oyente-adicto y su propia proyección una suerte de acuerdo tácito: cuando salga el próximo disco, éste ha de ser igual o mejor. Es decir, ya ansía su segunda dosis. Pero la verdadera consumación del melómano radica en superar la etapa del frenesí adictivo, puesto que no tiene demasiado sentido pensar la evolución musical de una banda en esos términos. Quizás la misión de Volcano, el segundo y esperado trabajo del cuarteto made in Kettering, sea la de darles un cachetazo y una lección de escucha aprehensiva a aquellos que todavía sigan atrapados en el síndrome de “oído yonki”, que después de todo no hace sino condicionar el desarrollo creativo de sus admirados artistas. Volcano salió a la venta el 3 de este mes a través del sello londinense Heavenly Recordings, y cabe decir que se aparta sin piedad de aquella nube de psicodelia oscura y frondosidad guitarrera que comandaba su antecesor. Pero salir de la zona de confort parece ser la máxima que hace girar el universo creativo de James Bagshaw, frontman y cerebro detrás de Temples, y ya por ese solo hecho el saldo resulta

positivo, además de provechoso. Revela madurez y permite apreciar el espectro sonoro de una banda, y lo que ésta es capaz de entregar compositivamente. La fórmula, sin embargo, no sólo sigue intacta sino que se ha pulido. Y con fórmula me refiero a la capacidad de confeccionar melodías “take-away”, que se cuelan en el subconsciente sonoro con una rapidez asombrosa, para luego introducirlas dentro de canciones en apariencia simples pero que tras sucesivas escuchas van revelando sus capas ocultas, dejando en evidencia una estructura más caleidoscópica y compleja. En ese combo radica la fortaleza de Temples. En eso, y en su homenaje al pasado, por supuesto. La devoción por la psicodelia de los ´60 y los ´70 no se manifiesta únicamente desde lo musical sino también, nobleza obliga, desde la estética: Si con su anterior portada homenajeaban a “Who´s Next” de los Who, la de Volcano vendría a ser como un “Dark Side Of The Moon” aggiornado. En cuanto a los muchachos, es prácticamente imposible no reparar en lo pulidamente retro de sus cortes de cabello, y Bagshaw mismo es un ejemplo perfecto de cómo resultaría un mash-up entre Marc Bolan y Ray

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Davies. Pero a pesar de la evocación sonora y la puesta en escena aparentemente recreativa, existe una gran diferencia entre nostalgia vacía y resignificación inteligente. Y en este caso, hay alma-mas-virtuosismo en Temples. La principal sorpresa tras darle play a Volcano es que la batuta ya no la lleva la guitarra eléctrica de 12 cuerdas sino una oleada de sintetizadores. Esto, felizmente para algunos y no tanto para otros, inclina un poco la balanza hacia la década de los ´80 y muestra a la banda en su costado más bailable. Además, el disco viene impregnado de una atmósfera mayormente jubilosa que no permite escapatoria y conduce a terrenos más linderos con Tame Impala o MGMT, si hablamos de contemporáneos neo-psicodélicos. Si los fundamentalistas de Sun Structures logran asimilar el colchón de sintes y le dan a Volcano la atención que merece, tarde o temprano se sentirán como en casa y no sólo eso, sino que además lo encontrarán tan adictivo como su predecesor. Suponiendo que los encantos de “(I Want To Be Your) Mirror” y su coqueteo con el chamber pop no sean suficientes, acabarán por sucumbir a la densidad retroespacial de “How Would You Like To Go?”

o incluso dándole repeat una y otra vez a “Mystery Of Pop” (cuya melodía, por cierto, remite a “Moonlight Shadow”, el archiclásico de Mike Oldfield), mientras menean la cabeza al ritmo de su ochentosidad. “Oh, The Saviour”, por su parte, invita a introducirse en algún mágico sueño de Marc Bolan sobre el futuro, mientras que “In My Pocket” permite a Syd Barrett participar de la velada. “Strange Or Be Forgotten” cierra el álbum, y es como si “Strawberry Fields Forever” hubiese sido compuesta en los ´80 y producida por algún Kevin Parker. Sí, ¿Y además el estribillo de “Roman God-Like Man” remite a “David Watts” de los Kinks?: sin duda, y quizás en este sentido sea el track más “desnudo” dentro del álbum; pero si algo ya había quedado basante claro con Sun Structures y vuelve a reafirmarse en Volcano, es el hecho de que la maestría y la originalidad de Temples radican en hacer de la referencia una continua reverencia, resignificando el pasado y aprovechándolo a su favor para crear canciones pop con sentimiento propio y ancladas en tiempo presente. Quienes aún no hayan tenido el placer de conocerlos, honestamente, ya deberían estar en ello.

Peter Murphy | Bare-Boned And Sacred Label: Metropolis Records Fecha de Lanzamiento: 10 de Marzo de 2017 [ Por Benjamín York ]

Peter Murphy edita este álbum en vivo grabado en su "Stripped Tour", precisamente el 21 de abril de 2016 en Le Poisson Rouge de New York (USA). Y si a primera impresión, sin ver el tracklist, uno esperaría una elección de sus hits, acá viene la primera sorpresa, no encontraremos sus más representativas canciones tal vez algunas, pero en su mayoría no pertenecen a ese grupo de canciones que encontraríamos en un Grandes Éxitos, lo cual le da un atractivo especial. Acompañado por John Andrews en guitarra, Emilio Zef China en bajo y violín, una formación acústica, lo que hace que las canciones tengan otro vuelo, formato en donde la voz de Murphy suena impecable y profunda.

El álbum trae una selección exquisita de canciones de varios de sus álbumes, "All Night Long" (de Love Hysteria de 1988), "A Strange Kind Of Love" y "Marlene Dietrich´s Favourite Poem" (de Deep, 1989), "Cascade" (del homónimo de 1995), "Your

Face" (de Dust, 2002), "Secret" y "Gaslit" (del hermoso EP, "Secret Bees" de 2011), "The Rose", "Never Fall Out" y "Lion" (Lion, 2014), Bauhaus Medley (“King Volcano” and “Silent Hedges.”) y un home-

naje a David Bowie "Bewlay Brothers" de Hunky Dory. Un álbum que distingue y hace brillar al gran vampiro.

Soda Stereo/Cirque du Solei | Sèp7imo día (No Descansaré) Label:Sony Music Fecha de Lanzamiento: 10 de Marzo de 2017

[ Por Benjamín York ]

Pensar en un disco nuevo de Soda Stereo es algo difícil de imaginar. Pensar en una compilación no sería justo con el evento. Lo cierto aunque parezca raro es un álbum de Soda sin Gustavo pero con Gustavo Cerati. El trabajo obviamente sería incomprensible sin el agregado, y como si fuera poco, del Cirque Du Solei y toda la parafernalia visual de la compañía canadiense, que se ha tomado el trabajo de crear un espectáculo con la música del trio argentino. Podemos mencionar trabajos anteriores del Cirque como el fabuloso Love con música de los Beatles, o el maravilloso con canciones de Elvis Presley o el que contenía canciones de Michael Jackson. La compañía se tomó el trabajo de encuestar a sus fans latinoamericanos y preguntarles qué banda Latina querían para su nuevo espectáculo y la respuesta fue SODA STEREO. Sin lugar a dudas la banda más grande de Latinoamérica y que dejó huellas en muchísimos países de América Latina. Pero centrándonos en lo estrictamente musical ya que el concepto general no lo podemos saber hasta ver la puesta del Cirque Du Solei. Pero la verdad es que las 21 canciones las conocemos, aunque se mezclan y cobran nueva vida, des-

de la sonoridad como desde el sentido puesto en el tracklist, por ejemplo "Ella Usó - Un Misil", o el nuevo sentido que le podríamos encontrar a la unión de dos canciones como "Sueles Dejarme Solo - En L a Ciudad de la Furia". Pero es muy divertida la unión de tres canciones como "Picnic en el 4to B Te Hacen Falta Vitaminas - Mi Novia Tiene Bíceps" todo en un mismo track, seguramente será la parte de los clawns y payasos. L amezcla de canciones o letras en otras canciones es lo más a tractivo del álbum, uno tiende a cantar en los lugares sabidos, pero siempre hay algo diferente, algo que cambia la dirección de la canción. En definitiva nos encontraremos con una nueva lectura de Soda Stereo hecha y realizada por los dos miembros que aún quedan con el Cirque du Solei, dejando bien claro lo importante de Gustavo Cerati, porque si hay algo que cuidaron, es que el trío suene como trío de manera renovada y perfecta. Se podria tomar como un The BEST of... ahora falta el contexto visual que definitivamente cerrará el círculo del "Sép7imo Día (No Descansaré).

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The History of Colour TV | Something Like Eternity Label: Cranes Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Marzo de 2017 [ Por Benjamín York ]

En un número anterior hemos entrevistado a la banda en el momento que lanzaban el single adelanto de este álbum, el single “Wreck”, luego lanzó pocos días antes de la salida del álbum el segundo single adelanto, “As Gray As Park Can Be”, otra de las canciones de este “Someting Like Eternity”. La banda berlinesa buscó como productor a Peter Deimel (quien ha trabajado anteriormente con The Wedding Present, Shellac, TheEx, entre otros). Ahora este álbum nos trae una versión de la banda más ecléctica y más refinada de lo que hemos escuchado en los singles, no porque los singles no tengan esas cualidades, sino porque en el contexto del álbum se refuerza la sensación de un trabajo pensa-

do y perfectamente producido, con picos de belleza como en los tracks “Wreck”, “Granite Verge Of Tears”, “Broken Trip”, “Pattern” o “As Gray As Park Can Be”. Un álbum que siempre es bueno escuchar en la tediosa rutina de la ciudad.

Divisionist | Daybreak Label: Mount Watatic Fecha de Lanzamiento: 17 de Marzo de 2017 [ Por Benjamín York ]

Álbum debut de esta banda de Londres nacida en el 2010. La banda está formada por Brendan Quinn: voz, guitarra, piano y órgano; Mark Bennett: guitarra, sintetizador, coros; Mike Whitaker: bajo, piano, coros; Rob McGregor: batería y percusión. Para este álbum se suman como invitados: Brian Idd: Saxo en “All Fall Down”; Gwen Knighton: coros en “Colours (Song for a Spaceman)” and “We Must Be Careful” y Lisa Makros: coros en “Freedom”. Su sonoridad es un indie pop elegante con remembranzas a Big Star, o por momentos a bandas como Pixies (el lado más pop), o Lemonheads. Tiene un sonido que remite mucho al folk, a The Byrds. Pero lo genial de este trabajo es que mantiene una identidad propia. Para amantes de Neil Young. "Estamos muy contentos por lo bien “Daybreak” se reunieron como un álbum. Para mí, que tengo suerte de estar en una gran banda: Mark, Rob,

Mike y yo tenemos fantástica sinergia para explorar un nuevo territorio, pero también la intensa (obsesivo!) Perseverancia para "hacerlo bien". Los músicos siempre dicen que un disco es un trabajo de amor - en este caso, ha sido realmente cierto. Hemos puesto lo mejor de nosotros en esta grabación, para crear una instantánea interpersonal y cultural de la sangre, el sudor, las lágrimas, la horas de la noche en el pub, el conjunto funciona - y creemos que hemos hecho algo bueno ", dice Divisionistas 'líder de Brendan Quinn.

Analogue Wave | Hope

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Label: Metropolis Records Fecha de Lanzamiento: 24 de Marzo de 2017 [ Por Benjamín York ]

Ya hemos presentado a esta banda en otra oportunidad. Ahora vienen con este single que trae la canción que titula al trabajo y dos remixes. Para aquellos que no conozcan a la banda, ellos son un dúo de Irlanda, compuesto por Del Chaney y Andy Sneyd. Este single es su primera producción en tres años de silencio. Chaney habla de Hope “es una reacción sónica a la turbulencia política y climática que actualmente amenaza a la vida moderna como la conocemos". "Fue escrito bajo la sombra de las burdas elecciones presidenciales de Estados Unidos y de las actuales consecuencias de Brexit (la salida del Reino Unido de la Unión Europea)". Sonoramente hay resabios de Depeche Mode, pero cosas de Massive Attack, pero con una solvencia y presencia desafiante. Si bien rítmicamente no tiene mucha agresividad, si tiene intensidad sonora. Siempre hay algún sonido más industrial que rompe con el confort. El remix de Hope está a cargo de Tuath, que es un colectivo experimental psico-kraut. El remix es bastante bueno y no mantiene una línea similar al original,

está es más dura y psicótica. En tercer lugar el dúo canadiense ucraniano Ummagma se ha encargado de un track del álbum debut "N.I.G.w.V." del 2013, la canción "Mezkal" y la versión es rítmica y tiene ese halo luminoso de la banda de Shauna McLaron y Alexander Kretov que siempre logran agregarle algo más al track. El próximo álbum se espera para este 2017, pero aún sin fecha.

DERECHO DE PISO

BUDAPEST LA BÚSQUEDA DETRÁS DEL CONCEPTO [ Por Diego Centurión ]

Nacidos en abril del 2016 nace Budapest, en principio como una idea de su tecladista y vocalista Emiliano Montenegro. Primero fue una búsqueda junto al baterista Braian Fernandez, de sumar músicos al proyecto y en ese período le consultan a Fabián Mendoza (Perlas tus Ojos) referencias sobre músicos y recomienda a un amigo, Cristian Altamirano que se encarga del bajo, y finalmente Fabián se suma en guitarra. Según ellos mismos sus influencias son Joy Division, Bauhaus, The Cure, Alien Sex Fiend, The Mission, entre otros. Aunque sonoramente la banda tiene una identidad propia y segura. De esta unión sale en agosto la canción "Entre Venenos" marcando así una ola de creciente interés en el medio local del post punk argentino. Las canciones siguen saliendo incluso en este 2017, mientras que la banda no para de tocar y de afianzarse como tal en el panorama novel de la escena underground local. Actualmente se encuentran en proceso de grabación de su primer EP debut, el cual aún no tiene fecha de edición. No dejamos de recomendar esta banda, síganlos en sus redes sociales y estén a la espectativa de sus shows, es una banda que renueva el panorama post punk local, algo que cuesta encontrar, sangre nueva. Sus redes sociales son: https://www.facebook.com/contactobudapest/ https://soundcloud.com/user-750051245 https://www.youtube.com/channel/UC-O5xFZbrr5xUILAm1Y0e1g https://www.instagram.com/budapestpostpunk/ https://twitter.com/BudapestPpunk

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SOBRE LA PORTADA La Puerta Año: 2007 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 50 x 70 ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”. Esta Obra es del año 2007, está hecha sobre madera entelada y tiene una historia particular. En una época había comprado una casa, en la cual vivía mientras la refaccionaba. En la habitación donde dormía, se notaba que había pertenecido a una nena, ya que tenía pegados en el techo muchos stickers fosforescentes, esos que suelen venir en los envoltorios de galletitas o papas fritas. Los stickers eran, entre otras cosas, estrellas y una galaxia. A la noche, cuando me iba a dormir, veía ese cielo fosforescente, en el centro, estaba la Galaxia y, de ahí, se empezaba a expandir. La Obra se llama "La Puerta" porque esa Galaxia, como un Cosmos, a mí me introyectaba, me abría una Puerta hacia otro lugar, a lugares interiores. Luego de muchas noches de contemplar, en particular, esa Galaxia, me inspiró esta Obra. Es una Puerta, si uno se pierde en la contemplación de la Obra, puede abrir portales interiores, pasar a diferentes lugares, Uno mismo se conecta con Todos. Porque Uno tiene una particular forma de percibir el mundo, Uno hace que el mundo sea así. Y esto abre una Puerta para poder definirse, Uno dentro del mundo y definir al Mundo. Porque todo es un juego de abrir y cerrar puertas, y de definirse e ir definiendo, de crear y recrearse. Esta Obra tiene un marco con un trabajo especial, busqué hacerlo como si fuese bronce, traté de convertirlo en metal, en un metal añoso. Ese marco te invita a pasar, a hacerse bidimensional y entrar. Uno puede entrar por el centro, por los costados, pero lo ideal es por el centro y dejarse llevar por esa galaxia, por la rotación y que comenzar el movimiento. Es un movimiento con una dinámica muy fuerte. El marco es como una ventana (la Obra podría llamarse "La Ventana" también), pero más que una ventana para mirar, es más interactivo, una Puerta en donde uno puede entrar y salir, abrir o cerrar. Porque en la contemplación uno puede abrir una puerta pero también cerrar otras, que uno tiene que cerrar para abrir otras puertas. Es un cuadro que invita a la Experiencia. En este trabajo el Marco es parte de la OBRA. Porque una puerta sin un marco que la sostenga se caería, y no nos serviría para pasar a otro lado. Es una cuadro que tiene tres colores, porque el Negro que está enmarcando, y sabemos que el Negro no es un color, en este caso lo podemos definir como otro color. Para terminar los invito a contemplar esta Obra, perderse en esos caminos y en esos laberintos interiores.

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