Revista The 13th Número 36 by Revista The 13th

The13th AÑO: 4

NÚMERO 36

UNA R E VISTA IMA GINARIA

LEVINHURST - RONNY MOORINGS THE AWAKENING

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Alex Bretto

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jiménez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Literatura ]

Erick R. Vieyra

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Gabo Rojo

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Marcelo Simonetti

Jefe de Departamento de Literatura:

Max Wilda

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión y ARMS.

Jefe de Departamento de Música:

Esteban Galarza

Diego Centurión

Ricardo Padilla (Oriani_K)

[ Fotografía ]

Darío Martinez

Nazarena Talice, Lily Moonster,

REDES SOCIALES:

Patricia Claudia Fiori

Johannes Rossini., Ishtar Astarté.

Luca Nicolás Centurión Mogilner

Marina Cimerilli

Julieta Curdi.

Pablo Müllner Benjamín York COLABORAN EN ESTE NÚMERO Sebastián Pani

CONTACTOS issuu.com/revistath13th

Instagram:

facebook.com/the13thlarevista

revistathe13th@gmail.com

http://www.instagram.com/revistathe13th

twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Abril, 2017

Nacíamos un Abril del 2013. Y en el mes de nuestro cuarto aniversario de nuestro nacimiento lanzamos un número que nos devuelve nuevamente a las raíces, a nuestro gen cureano, con la entrevista a Levinhurst nos retrotraemos a esa etapa en donde aún éramos un fanzine. Pero no todo es recuerdos tenemos una entrevista en exclusiva a Rony Moornins, la voz y cabeza de Clan of Xymox, quienes han editado un nuevo álbum y de él hablamos. Pero también presentamos a Lunar Twin, INHALT, y en el plano local tenemos a Las Bodas Químicas. Continuamos con siete bandas más del underground oscuro que Cenizacromada empezó en el número anterior. Un especial de bandas desmenuzando el Nuevo Álbum de Depeche Mode, Spirit. También tenemos el regreso de una columna que hacía tiempo que no estaba en nuestras páginas, The 13th Sixteen Elevators, a cargo de José Luis Lemos. Como siempre cine y literatura presentes, y la actualidad y el recuerdo musical. Nuevamente nuestra portada es una obra de ARMS, quien ha comenzado a acompañarnos en el número anterior.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE HAY UN FUERTE ÉNFASIS EN LAS APARIENCIAS Entrevista a INHALT por Benjamín York.............................................................................................................................06 SIETE JOYAS ESCONDIDAS DEL UNDERGROUND SINIESTRO PARA REDESCUBRIR (PARTE 2) por Alejandro Cenizacromada ..........................................................................................................................................12 Entrevista a The Peppersplum por Patricia Claudia Fiori .................................................................................................... 32 QUEREMOS QUE LA MÚSICA HABLE POR SÍ MISMA Entrevista a Equinox por Benjamín York............................................................................................................................16 EL ÁLBUM SUENA COMO UN TRABAJO SIN ÉPOCA Entrevista a Ronny Moorings por Patricia Claudia Fiori.....................................................................................................18 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Diego Centurión.......................................................................................................22 DEJAR QUE EL OTRO HAGA SU INTERPRETACIÓN Entrevista a Las Bodas Químicas por Pablo Müllner..........................................................................................................26 ESPEREMOS QUE MUESTRE EL CRECIMIENTO Entrevista a Christopher Murphy y Bryce Boudreau de Lunar Twin por Diego Centurión.................................................30 ESPERAMOS QUE NUESTRA EXPERIENCIA MEJORE LA TUYA Entrevista a Micah Gaugh por Diego Centurión................................................................................................................34 MUSIC CORNER DURAN DURAN EN LOLLAPALOOZA 2017 Por Alex Bretto. ..........................................................................................38 LA ANSIEDAD LA INFLUENCIA Entrevista a RudyDE Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 CAPÍTULO SIETE: EXTENSIÓN DEL CAMPO DE BATALLA por Gabo Rojo. ..................................................................42 PALABRASa EN LATambala ARENA(A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 Entrevista Rudy EL APRENDIZAJE DEL HORROR: El señor de las moscas de William Golding por Pablo Ravale.................................... 50 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE DE CORAZÓN A CORAZÓN (AMOR KÁRMICO) por Pablo Ravale..............................................................................52 HIDDEN TRACK ..............................................................................................................................................................56 EN CONCIERTO MATILDA + HIROSHIMA DANDYS EN LA TANGENTE Por Marina Cimerilli. Fotografías: Sebastián Pani.............................................................................................................60 FIEBRE (STONER) DE SÁBADO POR LA NOCHE

Por Marina Cimerilli. Fotografías: Benjamín York ..............................................................................................................64 ESPECIAL CICLO ENTREPISOS......................................................................................................................................68 SE ABREN LAS PUERTAS. Por Johannes Rosini......................................................................................................................................69 NOCHE 1. Fotografías: Lily Moonster...................................................................................................................................................72 NOCHE 2. Fotografías: Lily Moonster...................................................................................................................................................75

RESCATE CINÉFILO YENDO “ASIA” EL CINE…...........................................................................................................................................80

A PROPÓSITO DE LO SINIESTRO por Nicolás Ponisio...............................................................................................82 DIBUJANDO EL HORROR por Nicolás Ponisio ...........................................................................................................84 UN FILM DEL CUAL ENAMORARSE… DOS VECES por Nicolás Ponisio ...................................................................86 UN DRAMA FAMILIAR MONSTRUOSO por Nicolás Ponisio ......................................................................................88 Y CREÍAS QUE LA FORMACIÓN ROCA ERA DE TERROR… por Jimena Patiño ........................................................90 EL ESCRITOR SERIAL

LEGION: TEMPORADA 1: PSIQUIATRÍA EN TÉRMINOS DE CÓMICS por Nicolás Ponisio.......................................94

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.........................................................................................................................98 PURA MELOMANÍA THE 13TH SIXTIES ELEVATOR The Electric Prunes - I Had Too Much To Dream (1967) Por José Luis Lemos................................................................104 AHORA COMPARTIMOS UNA CASA JUNTO AL MAR. Entrevista a Lol y Cindy Tolhurst de Levinhurst por Diego Centurión.............................................................................108 LA REBELIÓN BLANCA. The Clash - The Clash (1977) Por José Luis Lemos................................................................114 PROMESAS (IN) CUMPLIDAS. David Bowie - Never Let Me Down (1987) Por Pablo Müllner .....................................118 LA ELECTRIFICACIÓN DE LA PAZ. The Cult – Electric (1987) por Benjamín York .......................................................119 CANCIONES DE DOLOR Y AGRADECIMIENTO. Depeche Mode - Ultra (1997) Por Alex Bretto................................120 LA ESENCIA FUE CAPTURADA. Entrevista a Ashton Nyte de The Awakening por Diego Centurión................................................................................122 DE MADCHESTER AL BRIT POP. The Charlatans - Tellin' Stories (1997) Por Alex Bretto..............................................128 CON EL DIABLO METIDO. Mayhem - Ordo ad Chao (2007) Por Pablo Ravale ...........................................................129 UNA PUNK ATÍPICA. Patti Smith - Twelve (2007) Por Pablo Müllner ............................................................................130 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? DIG YOUR OWN HOLE & CUCUMBER AND GREEN TEA MOJITO. The Chemical Brothers - Dig Your Own Hole (1997) Por Maxx Wilda ........................................................................132 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................134 Especial Depeche Mode - Spirit (2017).........................................................................................................................138 DERECHO DE PISO TRANSLÚCIDO - LA BÚSQUEDA DETRÁS DEL CONCEPTO por Diego Centurión....................................................146 SOBRE LA PORTADA PSICOBORO................................................................................................................................................................148

[ Entrevista a INHALT por Benjamín York ]

HAY UN FUERTE ÉNFASIS EN LAS APARIENCIAS

Con motivo del lanzamiento de su nuevo álbum llamado

ción inteligente si cogimos guitarras y bajos. Por no decir que

"Part Time Punks Sessions" a lanzarse el 14 de abril bajo el se-

no apreciamos ninguna de esas bandas. Nitzer Ebb son leyen-

llo Cleopatra Records, nos comunicamos con la banda de San

das que amamos, así como D.A.F.

Francisco para hablar con ellos. Si bien es un álbum en vivo, aprovechamos la oportunidad para indagar en la vida de IN-

En un mundo invadido de nuevas publicaciones a diario,

HALT, que en alemán significa "contenido", ellos son Philip

¿cómo es para una banda como INHALT el trabajo de difusión?

Winiger, Matia Simovich, y Steven Campodonico. Establecidos

Confiamos en el boca a boca. Hay una comunidad muy unida

como Banda desde el 2009 en San Francisco, California. Con

de personas que apoyan a bandas como nosotros y son amigos.

una discografía que está compuesta por

Así que hay mucho apoyo en los espectáculos a través de eso. La

Vehicle + Bonus Remix (2012), Occupations (2013), Simula-

estética de nuestro sonido ha resonado con esa comunidad y se

cra + Bonus Remixes (2014) y Part Time Punks Sessions (2017).

ha extendido a través de la exposición de las etiquetas que he-

Sumerjamonos en un mundo en donde la rudeza a veces tiene

mos puesto en libertad y el mundo político y socialmente incó-

brillo propio.

modo que nos encontramos actualmente. Los tiempos difíciles requieren música que presenta una forma positiva y enérgica.

Para empezar esta entrevista. ¿Cómo nace la banda? Matia y Philip se reunieron en 2009 en una gran tienda de

Ya se puede escuchar su nuevo álbum en su bandcamp. Pero

música en San Francisco, por accidente. Golpeamos ensegui-

de éste hablaremos más adelante. Ahora retrocedamos has-

da y nos dimos cuenta de que nuestros intereses y habilidades

ta sus anteriores trabajos. A cinco años de su primer registro,

mutuos eran de la misma familia. INHALT nació. Después de

¿cómo ven la grabación de esas canciones?

trabajar en nuestros dos primeros EP's - Vehículos y Ocupacio-

Estamos orgullosos de la fundación que hemos establecido a

nes con Bryan Gibbs como tercer miembro, nos separamos de

través de nuestros lanzamientos anteriores, sobre los cuales he-

él y empezamos a trabajar con Steven Campodonico, quien fue

mos construido y refinado nuestro sonido. Ha habido un claro

inicialmente nuestro asistente en las sesiones de "Máquinas del

desarrollo en nuestra escritura y producción de canciones a tra-

Deseo" de Peter Baumann en Different Fur Studios. La tremen-

vés de cada uno de los lanzamientos y no podemos esperar a pre-

da comprensión de Steven y la meticulosa atención al detalle era

sentar nuestro nuevo ep "Commerce" esperemos que pronto.

exactamente lo que faltaba en la banda. Desde el 2014 que no han editado nada nuevo, ¿qué le ha su¿Por qué el nombre de la banda?

cedido a la banda?

INHALT significa "contenido", al igual que el contenido de

Nos hemos centrado mucho en el establecimiento de nues-

un libro. Creemos que en el ambiente actual, en las artes, hay

tra configuración en vivo y la preproducción de conciertos, ade-

un fuerte énfasis en las apariencias, pero menos en el contenido

más de completar el Part Time Punks Sessions LP para Cleopa-

real de la obra. Por lo tanto, nos centramos profundamente en

tra Records. Hemos completado varias remixes para la etiqueta

el contenido de nuestra música; El mensaje es el núcleo, no las

Emotional Especial en Londres, que fueron lanzados en vinilo,

miradas o todo lo que rodea la apariencia externa.

además de jugar una gran cantidad de espectáculos tanto en la cabeza y el apoyo a los actos como Front 242, Reloj DVA ... Tam-

Su bien su sonido lo podemos acercar al sonido de bandas

bién construimos una nueva sala de producción donde recien-

como Nitzer Ebb, o el EBM old school, ¿ustedes cómo nos pue-

temente Completó la redacción y grabación de nuestro cuarto

den contar sobre su sonoridad?

EP "Commerce".

No creemos que nos hayamos considerado un patrocinio o una banda de retroceso. La intención era nunca rendir home-

¿Cómo se presentan en vivo, como trio?

naje a ningún grupo o sonido explícito. Más bien, nos concen-

Es fuerza total. Ponemos mucha atención a ser una banda, en

tramos en lo que vino del corazón, sin forzar ningún género o

lugar de esconderse detrás de las computadoras portátiles. En

estilo. Existe una masculinidad y fisicalidad dentro de nuestro

el escenario, nuestra dinámica de equipo resuena bien porque

sonido que, cuando se aplica a los instrumentos que usamos

une nuestras actuaciones individuales en un espectáculo com-

(sintetizadores, samplers, cajas de ritmos), puede referirse, in-

pleto de alta energía. Trajimos nuestro estudio en el escenario,

advertidamente, a ciertos estilos. Suponemos que seríamos un

lo que nos permitió proyectar nuestro sonido exacto en vivo. Ju-

poco de rock de arte / punk banda post con un estilo de produc-

gamos instrumentos y realizamos, que es nuestro núcleo y lo

que más disfrutamos.

más tenemos Part Time Punks Sessions que saldrán, además de otro EP Commerce, que vendrá más tarde en el año.

¿Cómo fue fichar con Cleopatra Records? Excelente, Cleo han sido absolutamente estelar para trabajar y han estado cien por ciento detrás de todas nuestras actividades creativas. Esperamos lanzar más de nuestros registros con ellos.

La gente que aún no los conoce, ¿dónde pueden encontrar su música? Puede encontrarnos en www.inhalt.bandcamp.com También estamos representados en la mayoría de las plataformas

Part Time Punks Sessions (2017) es el trabajo que saldrá muy pronto. ¿Qué nos quieren contar del registro?

en línea, ya sea iTunes, Spotify. Además nuestros discos también están disponibles en tiendas de música seleccionadas.

Esta es una versión en vivo de nuestro material. Es cruda, es real, y su estilo en vivo... John Peel de principio a fin.

Muchas gracias por el tiempo que nos brindaron para esta entrevista. Este último espacio es para que digan lo que quieran.

¿Qué planes para este año tiene la banda? Nos embarcamos en una gira europea en junio de 2017. Ade-

Un enorme agradecimiento a todos nuestros fans y seguidores.

[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

SIETE JOYAS ESCONDIDAS DEL UNDERGROUND SINIESTRO PARA REDESCUBRIR (PARTE 2) Una segunda entrega porque siempre nos quedaremos cortos a la hora de reseñar grandes obras de los sonidos oscuros. Y aun me quedarían faltando ¿Cuántas entregas más de estas de los siete?... No sé. Pero ya que estamos de ánimo, hagámosle a ver hasta donde llegamos. Lo único que puedo decir con el corazón en la mano, es que toda esta música que he reseñado ha dejado una profunda huella en mí. Así que cuando puedan poner sus oídos en estas hermosas piezas. Estoy más que seguro que no se van a arrepentir.

1- EXP – EXP (1996) Label: Dark Vinyl Records

Un sorprendente proyecto que solo realizó este álbum homónimo y un single en 1996. Liderados por Paris Sadonis (Shadow Project, Premature Ejaculation) Y Ace Farren Ford, músico de la banda experimental norteamericana Smegma. Otro personaje hace su aparición en este delicioso trabajo pero en una faceta diferente a lo que conocemos, el señor Rozz Williams fundador de Christian Death toca el bajo en un disco magnético y polifacético. Piezas que van desde el Free Jazz pasando por el Dark cabaret y el ambient más oscuro. Un valioso tesoro para deleitarse, oído a Seasons Seragio y The cannibal Banquets. Os devorará.

13 2. Elektrode – Die operative Maschine (1993) Label: Hypnobeat

Este es el proyecto alterno de Philippe Fichot, cerebro de la mítica banda Die Form. Lo confieso, este proyecto me parece más perturbador que la banda principal de este genio francés. Erotismo bizarro, electrodos conectados al cuerpo suministrando electricidad para estimular placeres perdidos. Una obra maestra que se mueve entre el industrial y el experimental más excelso. Tanto el booket del CD como el disco son toda una obra de arte con fotografía de Eugene Plan, cosa rara porque Philippe diseña los artes y la fotografía de su obra como Die Form. Este es un disco que te lleva a un lugar totalmente distinto al que hayas ido antes.

3. Trance to the sun – Urchin tear soda (1999) Label: Precipice Recordings

Uno de esos actos que merecían más atención en el underground siniestro norteamericano. Dark wave con elementos de Jazz y atmósferas difuminadas en un disco que te lleva en caída libre a territorios pantanosos y oníricos. Una década de existencia y una colección de álbumes plagados de una elegancia demencial. Liderados por Ingrid Luna Blue y Ashkelon Sain. Este es un trabajo lleno de mucho intimismo, espectacular para disfrutar con las persianas cerradas.

4- Wunderlich Ausgang – To… (1990) Label: Dyadique

El dúo francés conformado por Claude Chamox y Frederique Tardat, crearon una propuesta única de sonido Electro experimental con tintes Synthpop. Solo editaron Cuatro trabajos en formato tape. En este “To…” los sintetizadores cobran protagonismo en una delirante obra plagada de elementos dadaístas y en los que la inconfundible voz de Frederique es protagonista. Años después ya como Wunderlich a secas, editarían su único CD llamado “Ut” manteniendo su surreal estilo para así desaparecer para siempre dentro del panorama Coldwave. Una valiosa propuesta para ponerle atención. Por otro lado, si puedes escuchar la canción “Death Isle” en el compilado Dyadique de 1992 quedarás fascinado.

5. Psychopomps – Assassins Dk United (1192) Label: Zoth Ommog

Desde Dinamarca Flemming Norre Larsen (familiar de Claus Larsen de Leaether Strip) y Jesper Schmidt, crearon un concepto subversivo y agresivo de baile industrial al que ellos denominaron Terror E.B.M. Sus líricas que hablaban sobre satanismo, sexo y violencia causaban algo de escozor en el oyente. Su sonido tenia cierto matiz Lo Fi lo cual les dio un estilo inconfundible. Este fue su primer álbum con temas memorables como Godshit y Masturbation generation. Con el paso de los años y tal vez por cuestiones de madurez dejaron de lado la temática oscura y se adentraron en temas como… ¿el amor? Eso obviamente marco el final de Psychopomps en 1997 con el álbum Fiction non fiction. Pero aquí lo que hay es loops y beats enfermos, con uno que otro sampleo de guitarra y voces cortantes lanzando manifiestos apocalípticos.

15 6. Miranda Sex Garden – Suspiria (1993) Label: Mute Records

Lo que comenzó como un trio vocal que interpretaba canciones medievales, se convirtió en tremenda banda de Rock Gótico con elementos de Shoegaze e incluso el Jazz. Suspiria es el punto más alto y más rico en matices de la banda liderada por la bella Katharine Blake con canciones como: Bring down the sky, Suspiria y Ardera Sempre. Con el tiempo la banda se enfocaría en un sonido más alternativo hasta su disolución en el 2000. En suspiria viene un cover de In Heaven (Lady in the radiator song) de David Lynch y su película Eraserhead. Katharine fundaría un proyecto de sonido medieval de toque mucho más pop, llamado Medieval baebes.

7 -Lycia – A day in the stark corner (1993) Label: Projekt Muchos de sus fans consideran el Ionia el disco infaltable de Lycia, yo por el contrario, considero que A day in the stark corner da catedra de cómo hacer Dark wave plagado de paisajes desoladores y melancólicos. En su tercer álbum, todavía faltaba tiempo para que Tara Vanflower hiciera parte de la banda. Pero Mike Van Portfleet interpreta en este disco los sintetizadores y su particular sonido de guitarra no solo de manera acertada, sino precisa en cuanto a la emoción y la intención. Todo es perfecto: la música, el título del disco (un día en el rincón más extremo) y el arte de la carátula con la imagen de ese hombre llevando esa maraña de confusión en un lugar distante y desolador del planeta. Palabras más palabras menos: OBRA MAESTRA, De los discos más bellos que he disfrutado en mi puta existencia.

[ Entrevista a Equinox por Benjamín York ]

QUEREMOS QUE LA MÚSICA HABLE POR SÍ MISMA

Tu primer álbum se llamará “It's Hard To Be Happy When

tantánea. Él es un artista increíblemente original y tiene una

Your Head Is Full Of Sin”. Mi primera pregunta es ¿Es difícil

producción sorprendentemente alta de material de calidad que

ser feliz cuando tu cabeza está llena de pecado?

simplemente le preguntó si él estaría interesado en poner apoyo

Cuando tienes tantas cosas malas o acciones que has hecho

a un poema y él accedió de inmediato. Estamos muy contentos

o experimentado entonces, Sí. La maldad permanece con usted

con Goodbye, es muy oscuro pero de alguna manera alentador

y es difícil de sacudir. Gran parte del álbum está escrito sobre

al mismo tiempo.

experiencias con la depresión - algunas de ellas son factuales y algunas de ellas ficticias y depende del oyente decidir ¡cuál es

¿Dementio 13 aparece en otro track del álbum?

cuál! (Risas). Todas las grandes emociones están impresas en

Dementio13 no aparece en ninguna otra pista a menos que

nuestro ser, ya sean recuerdos felices o tristes, recuerda los bue-

esté trabajando bajo un seudónimo que no conocemos! Hay

nos tiempos y por eso los tiempos difíciles también son parte de

muchas otras colaboraciones. No queremos revelar demasia-

ti. Si usted ha pecado o ha sido una mala persona, ¿cómo puede

do todavía, pero habrá un par de sorpresas y anuncios impre-

vivir conscientemente con usted mismo en armonía?

sionantes. La primera pista que completamos fue con uno de los nombres más grandes en el pop de los últimos treinta años

En un mundo en donde todo el mundo quiere mostrarse.

que de nuevo, de inmediato accedió a ayudar. Fue un honor in-

Todo lo referente a Equinox tiene un manto de misterio. Tu

creíble y todavía no podemos creerlo. Podemos confirmar que

seudónimo, poca información sobre el proyecto Equinox, po-

habrá catorce pistas en total, incluyendo Goodbye y cada uno

cas fotos. ¿Por qué este plan de esconderse en la oscuridad de

aborda nuestro trabajo de una manera variada. Hemos esco-

la no-información?

gido artistas que son muy diferentes en estilo por lo que el ál-

Este es el primer álbum y queremos que la música hable por sí misma. No queremos que la gente conozca nuestra identi-

bum contiene temas ambientales, disco-punk, pop y guitarra, así como algunas cosas muy experimentales.

dad todavía, ya que puede dar una ventaja injusta, o de otra manera, a nuestra progresión. Nos gusta la imaginería y el arte y

¿Cuándo saldrá el álbum? ¿Qué nos puedes contar de él?

no veo ninguna razón por la que no deben ser utilizados den-

El álbum se ha grabado y actualmente se masteriza. Espera-

tro de las fotografías de nosotros después de todo es la música

mos lanzarlo dentro de los próximos meses. Estamos muy orgu-

que cuenta.

llosos de lo que hemos logrado y estamos honrados por la cantidad de alabanzas y aliento que hemos tenido de las estaciones de

Has dicho que inconscientemente William Blake ha marcado

música y escritores de toda Europa. Esperamos conseguir una

el camino de Equinox, explícanos este punto. Y ¿Qué otros auto-

buena cobertura antes del lanzamiento y ver dónde nos lleva. El

res podrías nombrar como influencia para tu trabajo?

álbum te llevará a un viaje de altos y bajos, y esperamos que sea

Con William Blake fue en particular la referencia a su poema

algo que no se ha escuchado antes.

Jerusalén. Se dice que fue escrita en la zona en la que nacimos en Lancashire, Inglaterra. Hemos comparado los 'molinos sa-

¿Lo presentarás en vivo? ¿Cuáles son los planes para Equinox?

tánicos oscuros' de nuestro lugar de nacimiento con los ángu-

Esa es una pregunta que nos han hecho mucho recientemen-

los negros e inquietantes que hemos abordado en el álbum.

te. Debido a que hemos utilizado a tantos artistas, puede ser di-

"No voy a cesar mi lucha mental" se puede utilizar como una

fícil de transponer a una actuación en vivo a menos que usemos

metáfora para el título del álbum - es difícil olvidar el pasado,

muchas grabaciones o consigamos una buena banda juntos,

pero voy a tratar.

¡los muchos estilos podrían significar una gran banda! Ya hemos guested en dos conciertos secretos con Welsh actuar Radio

He escuchado “Goodbye” y me pareció cautivador e inquie-

Europa que son una gran influencia en nuestro trabajo, y con-

tante. Cuéntanos ¿cómo nace esta colaboración con “Demen-

tribuyó a la pista Josephine en su álbum TyDbXx. Todavía no

tio 13”?

tenemos planes firmes para sacar el álbum y ver quién le gusta,

¡Gracias! Hemos sido admiradores de Dementio13 durante bastante tiempo y cuando estábamos pensando en los actos para colaborar con Paul se convirtió en una sugerencia ins-

quién sabe lo que nos depara el futuro, ¡tal vez seremos felices después de todo!

[ Entrevista a Ronny Moorings por Patricia Claudia Fiori. Fotografías: Nazarena Talice Traducción: Rodrigo Debernardis ]

EL ÁLBUM SUENA COMO UN TRABAJO SIN ÉPOCA En ocasión del lanzamiento del nuevo trabajo de los Xymox : “DAYS OF BLACK“ editado bajo Metropólis Records y Trisol, nos vuelven a sorprender luego de su último álbum “Matters of Mind, body and soul“ ( 2014) . Luego de más de tres décadas, los creadores del darkwave, vuelven a invitarnos a atravesar por pasajes y cavernas oscuras y profundas con su nueva producción. La banda holandesa desde su creación ha pasado por diferentes formaciones, siendo su frontman principal y creador, Ronny Moorings, quien permanece para nuestro deleite desde los albores. - Exactamente un año después de la última visita de Clan Of Xymox a Buenos Aires, Argentina (Uniclub), donde los Xymox tienen tantos adeptos, queremos agradecer la gentileza y el honor que Ronny Moorings nos conceda ésta entrevista para la REVISTA THE 13 TH .

¿Cómo nace la idea de un nuevo trabajo? Una banda necesita “echar para afuera” nueva música de vez en cuando. Escribo porque siento la necesidad de hacerlo. La mayoría de las veces un disco es una colección de trabajos de un determinado período en el tiempo. En este caso fueron tres años. El primer track fue “Loneliness”. Eso acomodó la manera en que vinieron los siguientes. No tuve otro concepto que el de saber que no quería ninguna influencia actual en las canciones, solamente exponer lo que había en mi interior. Para decirlo de alguna manera, en Clan Of Xymox el balance entre el uso de teclados, guitarra y bajo puede ir en cualquier dirección, enfocado más o combinado menos. Esto te otorga una gran libertad a la hora de componer, sin restringirte en tu enfoque. Para mí, este disco es en verdad un balance perfecto. Encaja estupendamente con nuestros trabajos anteriores.

Buenas Tardes, Ronny, en sucesivas escuchas del adelanto del nuevo trabajo de los Xymox “Days Of Black“, tuve la percepción a lo largo de los 12 tracks que contiene el álbum, de rasgos de cada álbum, como una suerte de perfecta síntesis de la extensa carrera por más de tres décadas, con la esencia y atmósfera intacta que los caracteriza. ¿Es ésta tu visión de “Days Of Black“? Eso espero. Uno nunca escribe deliberadamente de una manera o estilo. Eso ocurre sólo. La mezcla es importante para mí, el balance entre la guitarra y los teclados. Ese ha sido siempre la cuestión. De cualquier manera, para mí el oyente es finalmente el mejor juez. Personalmente, el álbum suena como un trabajo sin época. Siempre el principal deseo es que un disco sobreviva al paso del tiempo. Veremos.

¿Qué particularidades encontraremos en él? Las letras, como la mayoría de las veces, provienen de experiencias personales del pasado o del presente. Es la manera en la que me siento más emparentado con la canción y con el concepto general. El track “I couldn`t save you” es una retrospección acerca de mi padre, quien falleció hace 2 años. Nunca expresé con palabras mis sentimientos sobre ese hecho hasta que pude convertirlos en una canción. El proceso de composición nunca cambió para mí. Generalmente comienzo con la música y luego las letras van llegando solas a medida que la canción progresa. “La La Land…” es casi un outro instrumental del disco. La voz es de mi hija Lillly, quien un día estaba en el estudio y yo la dejé hacer lo que quisiera con el micrófono. Tiene 5 años, por lo que es imposible darle alguna clase de directiva. Es un track muy especial para mí por esa razón y porque es un fi-

nal perfecto con “Ahora nos vamos todos a la cama” “Adiós a Todos” ¿Han experimentado en “Days Of Black” algún diseño sonoro diferente que no hayan utilizado en álbumes anteriores? Siempre uso algún instrumento que no haya utilizado antes, eligiendo sonidos que me atraigan. A veces un simple sonido puede ser una inspiración para una canción, como en “Leave Me Be”, en la cual revertí el sonido de mi guitarra, y aquello se convirtió en el gancho para la canción. ¿Cómo podrías definir a “Days Of Black” desde la lírica y la composición musical respecto a álbumes anteriores? Un avance en la evolución de Clan Of Xymox. Editado bajo Metrópolis Recórds y Trisol, ¿cómo ha sido el proceso de grabación? Tengo mi propio estudio. Se llama “The Torture Chamber” (“La Cámara de Torturas”) Muchos músicos sabrán a qué me refiero con ese nombre: Sólo

trabajo cuando me siento inspirado o simplemente cuando tengo tiempo. Por suerte ya no es como en los viejos tiempos en los que debías rentar un estudio y grabar el álbum en un tiempo limitado. Estas canciones las escribí en un lapso de 3 años. Estuvimos de gira mucho tiempo, más que nunca, por lo que necesité tomarme un tiempo sin tours para poder concentrarme en la composición. Las etapas finales siempre me llevan el mayor tiempo: la mezcla. Es un proceso muy intensivo y siempre llegas a un punto lleno de dudas acerca de la posición de los instrumentos, el paneo, el tratamiento de las voces y el uso de los sonidos. Debe sonar bien en cualquier clase de equipo de sonido, por lo que es muy intenso para los oídos. Cuando finalmente entregamos todo el material al ingeniero de masterización, allí es cuando hacemos la revisión final y completamos todo el proceso. Estoy muy feliz con el resultado, suena como una grabación hecha en una sola toma, así que para mí eso es misión cumplida. ¿En qué formato será editado? CD y luego en vinilo.

¿Continua la misma formación que en “Matters of mind, body and soul”? Sí.

te”. Conociéndome un poco sé que eso nunca pasará. Siempre siento la necesidad de crear música. Es casi como que necesito mi propia banda de sonido.

En el acto creativo del álbum, te ha impulsado primero la lírica, la composición musical, ¿cómo ha sido? Casi siempre comienzo con la música y eso le va dando forma a las letras. Desde allí voy trabajando con ambas.

A lo largo de 2017 los Xymox tienen una larga gira mundial. ¿En el 2018 Buenos Aires podría ser nuevamente un destino para presentar el álbum? Acabamos de tocar en Buenos Aires en 2016. Eso fue parte de nuestro tour por Sudamérica. Por supuesto que nunca diría que no a un show en Buenos Aires.

¿Cómo podrías definir tus sentimientos luego de plasmar una obra, en éste caso, “Days Of Black“? Estoy muy feliz con el resultado final del disco. Para mí es un período terminado y ya estoy concentrado en tocar las nuevas canciones en vivo, para poder ver la respuesta del público con ellas. Esa es la prueba definitiva. ¿Cómo sientes en retrospectiva con la extensa producción de álbumes, hoy, a los Xymox con su reciente nuevo trabajo? Si me hubieras dicho que para 2017 yo habría editado tantos discos, te habría declarado loca. Nunca esperé tener una banda durante tanto tiempo. Eso prueba cómo vuela el tiempo cuando estás en un grupo de rock. Todavía siento que debo convertir a nuestra banda en algo fantástico. Ese deseo nunca se ha ido. Realmente me pregunto qué sucederá cuando llegue el momento en que diga “ya es suficien-

A propósito de nuestro país, ¿cómo percibes al público argentino? La gente es muy apasionada por la música y nos hicieron sentir muy queridos cuando tocamos allí. Ronny, deseamos transmitirte nuestra alegría por el nuevo nacimiento con “Days Of Black“, nuevamente agradecer tu gentileza de la entrevista en plena gira y esperamos tener a los Xymox con sus días oscuros/negros pronto nuevamente en Argentina, días que para nosotros serían placenteros con una nueva visita. Eso espero. Mis mejores deseos, Ronny. Acá les dejamos el link a su nuevo video "Loneliness": https://youtu.be/wBvCWPbA8UA

TRES POR UNO Fiona Apple - Hot Knife

CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

La figura de Fiona Apple como artista se ve representada en el videoclip de Hot Knife (dirigido por, en ese entonces su pareja, el director de cine Paul Thomas Anderson) como una fuerza que arremete por medio de distintos elementos. Un conjunto de ellos que logran formar una misma sintonía como fuerza sonora y corpórea. Esa energía se ve representada y protagonizada únicamente por la cantante quien, a través de su singularidad como individuo, esparce ritmo, musicalidad, en cada aspecto sonoro y visual. De alguna manera, transformándola en pluralidad. Todos los músicos, todas las voces, todos los sonidos provienen de ella y son ella. Anderson crea un collage musical y visual en el que cada aspecto del mismo tiene como eje central a la artista. Y lo hace marcando su performance con distintos compases, como si se tratara de distintas líneas de tiempo paralelas, diferentes sintonías, las cuales terminan encontrándose y es así que crean el resultado final. El trabajo compositivo del video. Distintos ritmos, variantes del registro vocal que, conforman una orquestación coral llevada a cabo por una misma persona. La división de los planos ayuda a construir esta línea narrativa que va de plural a singular y viceversa y lo remarca aún más con los elementos puramente cinematográficos. La composición de la luz, la presencia y la ausencia de colores y la utilización del juego entre sombras y figura que se van alternando conforme se desarrolla el tema musical, es lo que hace que la atención del espectador se una al sentido del oído. Se deposita dicha atención sobre los aspectos específicos que comienza a destacar musicalmente según lo es indicado por la cámara y la fotografía, con las variantes de planos generales y detalles en una ejecución admirable del montaje. La identidad del video es puramente orquestal, donde con cada elección visual se da forma a la ejecución de la artista musical y de esta conjunción es que se separa otro aspecto. Nace ese concepto del ritmo como energía transformada en arte. Como pulsión de fuerza, aún más remarcada por el trabajo de percusión, que crece sin poder ser contenida. Es

así que, semejante fuerza energética, precisa existir y expandirse a lo largo de todos los aspectos que el formato audiovisual le brinda. Y así es que lo hace. LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

El de Fiona Apple es un caso raro. Ha vendido más de cinco millones de discos en Estados Unidos sin hacer ni una sola concesión a la industria mainstream y siguiendo un ritmo de trabajo poco usual en estos tiempos: ha publicado 4 discos en 16 años, con un intervalo de hasta 7 años entre sus dos últimos álbumes. Una forma de moverse por el mercado que no sólo no ha mermado su reputación, sino que la ha ayudado a convertirse, sin mucho ruido ni grandes artificios, en una de las artistas más estimadas, tanto por la prensa especializada, como por el público de criterio sólido. Así pues, sus discos son estudios de meticulosidad y caos. La meticulosidad se ve en la música, las rigurosas construcciones de art-pop con arreglos jazzeros que hacen de Apple una digna heredera de Nina Simone o Tori Amos. ¿Y el caos? El caos es la propia Apple. Durante una década y media, ha sido una de las presencias más volátiles sobre el escenario: haciendo pucheritos, lamentándose, rabiando, apuntando su venenosa pluma al destino y a sus ex amantes, pero dirigiendo siempre sus ataques más salvajes hacia adentro, contra sí misma. Esa dramatización de sí con los ojos bien abiertos ha sido su marca registrada desde el principio. En Tidal (1996), su exitoso primer disco, editado cuando tenía apenas 19 años, era pura angustia adolescente, un manierismo que tal vez dejaría atrás con la edad. Ahora sabemos que no era así: el gran tema de Apple, de hecho, su único tema, es la lucha heroica que tiene lugar en su propia alma. De hecho, su disco anterior, Extraordinary Machine (2005), fue una crónica suntuosamente producida por su ruptura con el cineasta Paul Thomas Anderson. Por su parte, The Idler Wheel... (2012) es igual de descarnado en términos emocionales, y más duro musicalmente. En él, continúa exorcisando sus demonios en potentes canciones con letras que son como una celebración a la sangre después de haber cica-

trizado la herida. El ejemplo perfecto es el tema que hoy nos ocupa, “Hot Knife”, donde conjuga la poesía romántica («Soy la mantequilla / Él es un cuchillo caliente / Hace que mi corazón sea una pantalla de cinemascopio / Que muestra la danza del ave del Paraíso» o «Él me entusiasma / Debe ser como la Génesis del Ritmo / Me exalto / siempre que estoy con él») con el discurso propio de una rabbitboiler («Soy la mantequilla / Él es un cuchillo caliente / Si tengo la oportunidad / voy a demostrarle / que nunca necesitará a otra», sino «Quizás pueda enseñarme algo / Quizás le enseñe yo también / Sólo alcanzarlo ya es un triunfo / Ahora, te he atrapado de verdad»). Con todo, “Hot Knife” es una belleza exótica de cabo a rabo que se sostiene a la perfección sobre una base de piano y percusiones cimbreantes, haciendo que Fionna, no sólo gane en en calidad de intérprete, sino que también eleve el mensaje, produciendo sensaciones casi insólitas en ella: como la sobriedad, el arrobo y la moderación… una nueva forma de acercarse a la música, en definitiva.

MÚSICA [ por Diego Centurión ]

A la hora de ponerme a escribir sobre esta canción en particular, tenía que poner en contexto el hasta ahora último trabajo de estudio de Fiona Apple. Luego de trabado lanzamiento de su anterior álbum "Extraordinary Machine" (2005), que llevó a un trabajo demorado y hasta una campaña de fans llamada "Free Fiona", Apple pasó varios años en silencio discográfico, tal vez agotada por las idas y venidas de ese álbum. En el 2012 sale este trabajo, el cuarto en su

discografía oficial, con el larguísimo título, "The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do". Álbum que debutó en el puesto número 3 en el chart de los Estados Unidos y el disco que más éxito tuvo en ese país. Si bien el álbum es uno de los más raros de Fiona, es enteramente cautivante y audaz, pero a esta altura ¿qué podemos esperar de Apple?, una artista que va con su música para el lado que ella quiera y no se deja gobernar por la industria de la música. Cuando se le preguntó a Fiona, cuándo había empezado a componer este álbum, ella dijo que fue en el 2008, y que lo hizo totalmente en secreto, hasta incluso nunca le dijo a su compañía, Epic Records. Por lo cual lo hizo sin presiones y sin un tiempo límite. El resultado se puede oír, ya que es un disco de difícil escucha para aquellos oídos que se han quedado con los singles de "Tidal" (1996). Ahora hablando de "Hot Knife", es una canción extraña, con un ritmo tribal y muchas voces superpuestas, lo cual lo hace mucho más experimental. Maude Maggart está como invitada y no es otra que la hermana de Fiona, cantante de cabaret que en el video se la ve. Por momentos parecerá que estamos escuchando algo muy Björk pero Fiona le pone un encanto especial al track con su propia búsqueda sonora. Desde el comienzo con el timbal, acreditado a Feedy que no es otra que la propia Fiona, y las voces que se entrecruzan y juegan, creando una mixtura heterogénea que a medida que avanza el track, la mente lo transforma en un instrumento más. Las apariciones del piano hacen que la canción tenga un patrón "más normal" pero lo hace sólo en dos tramos de la canción. Lo cual resulta necesario para que el track, en cierta forma, respire para luego volverse a sumergir en un submundo de perfección vocal, que enriquece el final del álbum. Un track que desde un disco extraño cierra toda una concepción jugada para la discografía de Fiona Apple.

[ Entrevista a Las Bodas Químicas por Pablo Müllner ]

DEJAR QUE EL OTRO HAGA SU INTERPRETACIÓN

27 Las Bodas Químicas es un nombre nuevo en la escena rockera nacional, pero en poco menos de cinco años se las ha arreglado para ocupar un lugar original y propio. Si tenemos en cuenta que dos tercios de su formación (el guitarrista José Lavallen y el baterista Nicolás Daniluk) formaron parte de The Keruza durante casi dos décadas, ya tenemos parcialmente develado su secreto. Muchas horas de ruta, muchos shows, mucha sangre y sudor sobre los escenarios. Si a la experiencia le sumamos la dinámica y alquimia que surge de su encuentro con el bajista Andrés Tersoni, tenemos el otro cincuenta por ciento de la fórmula. Oficio y magia. Experiencia y frescura. Luego del disco debut de Las Bodas Químicas en 2012, y el EP de 2015, Tentempié: el año pasado editaron un álbum que vino un poco a simplificar y amplificar el sonido de la banda: “Juguete de Troya”. Aquí los encontramos a poco de dar un show en The Roxy, presentando “Juguete de Troya”. Hola, muchachos, primero que nada gracias por participar de este número de Revista The 13th. Empecemos por el principio: ¿De dónde surge el nombre de la banda: Las Bodas Químicas? Bueno… el nombre se nos apareció por “casualidad” (¿casualidad?) Hojeando un libro tremendo (“La Enfermedad como Camino”)… Las bodas químicas suceden dentro de uno... se trata de unir los polos, la unión de los contrarios… la luz y la sombra que llevamos con nosotros… la verdadera integración... ése sería el mejor “matrimonio” posible… Casi nunca nos gusta dar detalle o explicaciones que –supuestamente- develen significados (títulos, liricas, nombre de la banda) por el viejo y querido tema de dejar que el otro haga su interpretación… su apreciación lo más libremente posible… Parecería ser que cada tanto hay que hacer una excepción y largar un poco de data, como ahora... El packaging merece una mención: el tamaño aumentado pareciera darle más importancia al arte del disco. ¿Por qué un dinosaurio? Y ya que estamos indagando qué es para ustedes “Juguete de Troya”. Podrían servir como respuesta, algunas líneas

de la letra de la canción que lleva el mismo título: “Queremos guardar misterio y secreto / y luego poder pasar… a lo concreto”, “Disfruto de ser un regalo nuevo / Juguete de Troya voy… guardado adentro” Dado que antes ya hicimos la excepción de “largar data”, vamos hasta ahí, (risas), y lo demás lo dejamos a libre interpretación del que lea o escuche. He leído que ustedes definen su sonido como “cultura rock”. Lo cual es interesante pero deja un poco afuera las posibles inspiraciones internacionales. Por razones obvias, me surge Jimi Hendrix, aunque algunas canciones suyas me recuerdan también a Queens of the Stonge Age, The Black Keys. ¿Qué bandas internacionales escuchan y los inspiran actualmente? El termino Cultura Rock se viene usando por artistas, periodismo y público desde hace mucho tiempo y que yo sepa no hace ninguna diferenciación entre “nacional” o “internacional”… debe haber algún malentendido… (¡¡¡Como siempre!!!). Eso de llamarle “cultura”, de alguna manera lo hacemos como para enlistarnos detrás de esa bella idea de los años 60… de que el rock se alimentaba de, y dialogaba con, todas las formas culturales, y por supuesto que eso va más allá del arte… El “rock and roll” para nosotros aún es así y lo vemos d esa manera... Escuchamos principalmente artistas muertos y cada tanto, inevitablemente, nos enamoramos de algo actual. Bueno, igualmente el dicho dice “para novedades, los clásicos”. Te debo los nombres. Decían en un reportaje hace poco respecto del tema “El mismo enemigo”: es el tipo de canciones que les sale fácilmente cuando se ponen a ensayar. Tratándose entonces de un power trio: ¿el momento de ensayar se asimila al de componer? O suelen también trabajar por separado a la hora de componer. Las dos formas conviven casi siempre, entre ambas se van formando las canciones y se crea un “repertorio” periódicamente. Entre el debut y Juguete de Troya hay cuatro años y un EP en el medio, Tentempié. El nombre pare-

ce anunciar perfectamente que está por venirse un plato fuerte. Entonces, ¿con qué criterio eligieron el material para ese EP? Fue muy lindo de hacer, y habrá más de este tipo de álbum en un futuro cercano. El criterio era el de obra “lateral” y no por eso menos importante o interesante. Entonces ahí van a parar los deseos de mostrar temas en vivo, más crudos. Y lo mismo el tema de hacer remixes electrónicos, algo que siempre nos interesa. Además grabamos en estudio un par de canciones inéditas especialmente para ese disco. Y de paso nos daba aire para ir derecho al trabajo de pre producción y toda la previa de “Juguete”.

Pero seguramente la consigna nunca es garantía de que esa canción conmueva y emocione, ¿qué es de lo que se trata todo esto no? Nosotros no trabajamos “bajo consigna”. Esta era una de nuestras ideas, una más de nuestras canciones. Y ya hubo otras parecidas antes (se hayan editado o no) y quizás ya haya alguna nueva para el futuro. Surgió como las demás, entre lo personal y lo grupal…lo que hablábamos antes. Lo que se hace después de elegirla es pulirla y tratar de sacarle lo mejor. Y si bien nosotros siempre somos medio productores obse, esta vez tuvimos una carta brava: Ale Vasquez como productor artístico

Hay temas del disco que parecen insoslayables, por ejemplo: “Fácil y Difícil”, suena casi como un impasse entre tanta energía eléctrica y al mismo tiempo tiene el peso de un hit futuro. ¿Cómo surgió? ¿Se puede trabajar bajo consigna, componer un posible hit? Yo creo que se puede, hubo y hay grandes artesanos del hit, en cualquier área y estilo musical. Uno tiende a denostar eso y a rebelarse, pero bajando revoluciones y siendo asertivos, también es admirable.

Hay un título llamativo, y me gustaría que me cuenten de donde viene la inspiración. ¿Qué o, mejor dicho, quién es Loser de Neón? Esta idea (el juego de palabras del título) nos quedó después de ver una obra de teatro de un gran amigo. Y seguro que se engancha con esa idea a lo Leonard Cohen de los Hermosos Perdedores. Pero esto sale si nos ponemos a analizar, porque tampoco es algo que manejemos de forma muy consciente...

La canción tiene además un arreglo vocal muy interesante que la hace memorable, casi un tratamiento pop ¿cómo surgió? Ese arreglo no salió en la etapa de “pulir o producir”… salió como parte misma de la canción… de la “cancioncita” original. Como un Loser contento que va cantando, o más bien jugando a que “sabe cantar” (es como cuando Alejandro Sokol hacia esas voces raras,… el toque humorístico a lo Zappa).

cité antes!!! Digamos que sí, que es así lo que puede esperar el espectador.

Leí por ahí una frase de ustedes que me sonó a una máxima: “queremos guardar misterio y secreto para después pasar a lo concreto”. Parece explicar bien su trayectoria hasta llegar a este disco. ¡¡¡Te juro que recién leo esta pregunta, y que no sabía que me ibas a mencionar el verso este que ya te

Unas últimas palabras que quieran decirnos… No más palabras.

¿Qué rumbos o fechas notables tienen definidas? Hay varias cosas, muchas a confirmar. La idea es salir a tocar el disco nuevo por todos los lugares posibles, cortar más temas… ilustrarlos con videos… entregar todo lo que podamos.

¡Gracias Las Bodas Químicas! Muchísimas gracias a ustedes.

[ Entrevista Christopher Murphy y Bryce Boudreau de Lunar Twin por Diego Centuriรณn ]

ESPEREMOS QUE MUESTRE EL CRECIMIENTO

Este dúo originario de Los Ángeles conformado por Christopher Murphy y Bryce Boudreau, un dúo que navega por el trip-hop y un dreampop electrónico. Nacidos en octubre del 2013, han ido dando pasos pequeños y seguros en estos casi cuatro años de vida. Un EP debut homónimo en el 2014 y un álbum de remixes llamado “Champagne Remixes” del 2015. Nos contactamos con ellos para descubrir que hay en la luna gemela. ¿Cómo nace Lunar Twin? Conozco la historia de la banda Nights Weats. Pero los lectores no. Chris: Yo y Bryce nos conocimos por primera vez en un viaje a Denver cuando estaba tocando con Nights Weats. Los Nights Weats consistían en mí y algunos amigos de Salt Lake City. Scott Selfridge, el cantante de ese grupo realmente masterizó este disco para nosotros. Todavía trabajo con el guitarrista, Terrance Warburton, en otra banda también. Salt Lake tiene algunos músicos de primera categoría. Bryce: Night Sweats era una banda gótica en la que Chris estaba volviendo en 2010. Yo era un fan de lo que estaban haciendo y cuando fueron más una banda se acercó Chris y me habló de trabajar juntos. ¿Por qué el nombre Lunar Twin? Chris: Estábamos haciendo una lluvia de ideas sobre la naturaleza y el espacio, al tiempo que buscábamos un nombre que reflejara nuestro sonido. Cuando el

nombre surgió, sólo hizo clic y parece como el ajuste perfecto. Bryce: Nos gusta la naturaleza y el espacio exterior, así que pensamos que tenía una imaginería y ambiente fresco. Queríamos algo con lo que pudiéramos vivir, así que fuimos con eso. Para esta entrevista he vuelto a escuchar el primer EP, “Lunar Twin”, ¿qué sientes cuando escuchan esa grabación? Chris: Ese registro es mucho más crudo y estábamos en el proceso de encontrar la dirección que queríamos tomar con nuestro segundo disco "Night Tides". "Sirens" y "Champagne" son las pistas que se sienten más nostálgicas, muy ambientales y cambiantes, realmente me hacen pensar en mi vida en ese momento, viviendo en el centro de Salt Lake City. Bryce: Nunca escucho mi propia música una vez que la he terminado, pero mirando hacia atrás, y que nunca antes de hacer el EP habíamos trabajado juntos, se hizo rápido y, teniendo en cuenta todo eso, estoy feliz con la grabación. Y cómo la gente lo recibió. También estoy realmente feliz de tener la oportunidad de crear música con Chris. En la información que tengo, dice que, ya no viven ambos en Los Ángeles, ¿cómo es trabajar a la distancia?

Chris: Funciona muy bien para nosotros. Eventualmente me gustaría hacer un disco en el mismo lugar, pero creo que nuestro proceso se suma al sonido general, es una forma de grabación que no suele hacerse, por lo que lo hace único en ese sentido, también nos permite plena creatividad sin la influencia directa del otro. Bryce: Sí, me mudé a la mitad del Océano Pacífico, a una isla. Y Chris vive en el desierto. Eso no va a dejar que dejemos de trabajar juntos, así que utilizamos computadoras, webs e internet para facilitar nuestra colaboración. Creo que se ralentiza el proceso de escritura y grabación, pero si uno está dispuesto a ser paciente, muy buenas cosas pueden suceder en estas circunstancias. "El océano juega un papel importante en este álbum. El reflujo y el flujo de la marea y el efecto que la luna tiene en él." Y realmente siento lo que estás describiendo, que es lo que me parece maravilloso sobre este EP. ¿Sientes que este grupo de nuevas canciones se parece más a la idea original de Lunar Twin? Chris: Sí, creo que siempre ha jugado un papel en nuestra música. La naturaleza siempre ha jugado un papel importante en nuestro proceso de grabación. A menudo suelo traerme algunos demos en excursiones fuera de la ciudad para obtener una nueva perspectiva. Bryce: Es más como una extensión de lo que empe-

zamos con el primer EP, esperemos que muestre el crecimiento. No queríamos hacer el mismo disco dos veces, la vida es demasiado corta. Este disco hicimos como si cada canción fuera la última que hagamos, uno por uno, fue un proceso más complejo para nosotros. Ahora que "Night Tides" salió, ¿cuándo saldrá el nuevo álbum o continuarán lanzando EPs? Y esta pregunta me dispara otra, ¿crees en el álbum o crees más en las publicaciones más pequeñas? Chris: Finalmente me gustaría hacer un disco de larga duración, los lanzamientos más pequeños tienen más sentido para nosotros, pero todavía queremos mantener un tema general. Probablemente podríamos poner un larga duración con nuestros inéditos o lados B, pero nuestro pensamiento es la calidad sobre la cantidad y sólo queremos editar nuestras mejores cosas. Bryce: Probablemente sólo un EP por el momento. Me encanta el álbum / modelo LP, pero con el auge de las ediciones digitales y el poco tiempo de atención la mayoría de los oyentes, parecen tener que convencer al oyente casual de tratar de escuchar. Un trabajo en un cuerpo de 10 canciones no es tan realista en 2017. Espero que cambie, sin embargo, he crecido experimentando artistas principalmente a través del formato LP y creo que es una manera profunda de experimentar el arte.

33 “Night Tides” tiene seis canciones. ¿Nos podrías decir algo de cada una de ellas? Un Track By Track. Waves: Chris: Las olas literales, así bien figurativas, exuberante y sonidos binaurales. Bryce: La Madre Tierra en comunión con primitivo, el viaje.

Blood Moon: Chris: Realmente tratamos de generar espacio a través del complemento de la misma, a veces el espacio entre el sonido es muy importante. Bryce: El origen del misterio.

Coral Sea: Chris: Me encanta la introducción de este, y el cambio de coro se siente muy bien para mí. Probablemente mi canción favorita en el disco. Bryce: La vida en el exilio, nostalgia.

Birds of Paradise: Chris: Los arpegios y sintetizadores que despide son geniales en los auriculares. También me encanta el bajo profundo cuando entra en acción. Un montón de capas vocales y efectos que les ayuda a acoplarse con el ambiente. Bryce: El sagrado jardín.

Prayers of Smoke: Chris: Esta canción pasó por algunos cambios drásticos, originalmente tenía un montón de guitarras, pero cambió a sintetizadores para tener un groove más percusivo. Bryce: Viajes y migraciones.

Night Tides: Chris: Mi otra canción favorita en el álbum. Originalmente tuvimos batería en este, pero encontramos que tenía una mejor sensación mantenerlo simple y dejar que el ambiente y las voces brillantes de Bryce tomen el control. Bryce: Salir por la noche a la luz de la luna.

¿Qué planes hay para "Lunar Twin" este 2017? Chris: Emerald y Doreen están trabajando actualmente una edición de remixes que tres de nuestras canciones de este álbum. Tienen conexiones con algunos productores y DJs realmente increíbles y Eric allí es realmente impresionante, no puedo esperar a escuchar cómo resultan. Bryce: Trabajando en un nuevo disco, haciendo videos musicales y lanzando una grabación de remixes en Alemania. Gracias por el tiempo. Les dejo el último espacio para que digan lo que quieran. Muchas Gracias Revista The 13th y Diego y a todos los demás. ¡Saludos!

[ Entrevista Micah Gaugh por Diego Centuriรณn ]

ESPERAMOS QUE NUESTRA EXPERIENCIA MEJORE LA TUYA

En el 2006 lanzabas tu primer álbum solista, “Everything”,

cubes, ZZ Top, Van Halen, Ronald Shannon Jackson and the

pero antes de entrar en el mundo de tu carrera solista, ¿qué has

Decoding Society, The Veldt, Arto Lindsay, Ile Aye, Olodum,

hecho antes de “Everything”? Sabemos de tus colaboraciones y

Psidico, Maristella Mueller, Caetano Velosso, Moreno Velosso,

de “Micah Gaugh Trio”, pero cuéntanos sobre todo.

Marisa Monte, Tin Maia, Rod Stewart, Phil Collins, Beethoven,

En 1994 se me pidió que tomara una "ausencia" del Con-

Tricky, Rick James, Prince, James Brown, The Time, Burnt Su-

servatorio de Música Carnegie Mellon, sin embargo, al mismo

gar, Teaars for Fears, Gospel Hymns, Thelonius Monk, Eric

tiempo me uní a la Cecil Taylor Orchestra que estuve ensayan-

Satie, The Cure, Arthur Lee and Love, Jimi Hendrix, Handel.

do durante 6 semanas, así que me quedé con unos 90 amigos diferentes y finalmente se hizo la actuación en el Knitting Factory. El grupo se llamó Pthongos y la pieza fue 'Between Two

Hay una relación especial entre tú y Brasil. ¿Cómo nace esa relación?

Poles of Light'. Conocí a Greg Tate en el debut de esta actuación

Yo estaba caminando en el Museo de Arte Moderno y una

y a Lawrence 'Butch' Morris solo con Ted Joans y Jeffrey Wri-

mujer pasó a mi lado, ella era preciosa y me sonrió. Seguí vién-

ght. Yo tenía 22 años y recuerdo haber sido saludado por estas

dola pasar hasta que finalmente la seguí hacia el patio y me acer-

personas de nota y casi me sentí abrumado por mi nueva fami-

qué a ella. Ella me dijo que ella era una bailarina y que era del

lia, me dejó saber que había llegado al lugar correcto. Empecé

país más hermoso del mundo... “Brasil”. Después de esa reu-

a tocar en la banda de Greg Mack Diva y fui a mi primera gira

nión, empecé a tocar en un club de jazz de la calle Houston que

europea a Bélgica. Desde allí toqué con DJ Spooky en su primer

ofrecía Jazz brasileño los domingos. Estuve allí todos los do-

disco 'Songs of a Dead Dreamer' y fui incluido en un colectivo

mingos por lo menos durante 5 meses y aprendí canciones de

de arte llamado SoundLab, con Soundlab que exhibimos en la

Brasil y composiciones originales de Valtinho, Sergio Brandao

Bienal Whitney de 1997. En esos años condujeron a todo, toqué

y Cidinho Teixeira. A veces Cyro Baptista se detenía en una to-

en " The Young Philadelphians" con Marc Ribot, Jamaladeen

cada. Carlos Slinger era un buen amigo mío que era dueño de

Tacuma, G. Calvin Weston, y John Zorn. Ese grupo tocó unos

la tienda, Liquid Sky. Mis amigos y yo lo visitábamos en la tien-

4 conciertos juntos. Un grupo de rap y yo, 'The Blank Slates

da y tocaba con él shows de Drum and Bass, un día me invitó a

/ Gaugh62, más tarde conocido como Anti-pop Consortium.

tocar en Manaus en 'Jungle in the Jungle', un festival producido

También me uní a un grupo de rock dirigido por los gemelos

por MTV. Tuve que parar en el aeropuerto de Sao Paulo para ir

Chavis llamado “Apollo Heights”, esa banda era una mezcla de

a Manaus y recordé llorar en el aeropuerto porque las mujeres

programaciones hip hop y ritmos. Conocí a muchos raperos a

eran tan hermosas, también el clima me recordó a Panamá. Este

través de Danny Chavis de ese grupo y junto con el suizo Chris,

fue el año 2000 o 2001, empecé a hacer giras con Arto poco des-

Joe Chris y Slick Rick, produje una grabación para Slick Rick en

pués de mi viaje a Manaus y me introdujo a Salvador De Bahía

Lyricist Lounge. Durante los inicios de Drum and Bass estuve

Todos do Santos. Me enamoré de Salvador y vivo allí cuando vi-

en la banda de Drum and Bass de Lady Miss Kier que tocó en el

sito Brasil. También viajamos en Sao Paulo, Río y Porto Alegre.

Enit Tour creado por Perry Farrel. Arto Lindsay me pidió que

Me encanta Brasil y espero poder mudarme pronto para seguir

me uniera a su banda en 2002 y en 2004 Matthew Herbert me

estudiando música y viajar para ver las maravillas naturales que

ofreció un contrato discográfico con Accidental Records, que

el país tiene para ofrecer.

publicó “Everything”, Arto y yo trabajamos en un arreglo coral y dos óperas, “Dr. Faustus Lights the Lights” y “Untitled” con Rirkrit Tararvanija (Warhol Factory), la banda de Arto también

Llegamos a su debut solista “Everything”, Y ya han pasado más de diez años, ¿Qué recuerdas de esos años?

interpretó en la película “Di Lami Lamina / Dividia Acord” una

Bueno, no creo que haya podido tener la oportunidad de pre-

película de Matthew Barney. Estos son más de los principales

sentar realmente la música de 'Everything', hubo una tocada en

logros musicales antes del lanzamiento de mi primer álbum

una radio en Europa, pero nunca una gira. Aún me gustaría es-

en solitario.

tar de gira, para que la gente pueda tener una idea del alma intelectual que se ofrece en el disco. Arto produjo el disco y creo que

¿Cuáles son tus influencias musicales?

suena genial y es muy relevante en cualquier momento, muy

MIles Davis, Penderecki, Gorecki, Debussy, Wayne Shorter,

parecido a un disco clásico. “Everything” es experimental, pero

Archie Schepp, Arthur Blythe, Tribe Called Quest, Philip Glass,

las estructuras de la canción están muy arraigadas en la vena de

Cecil Taylor, Flip Mode Squad, De La Soul, Skinny Puppy, Mi-

la música Pop. Todavía reproduzco música del disco y tengo va-

nistry, Stockhausen, Ligeti, Cecil Taylor, Virginia Astley, Sugar-

rios músicos basados en Nueva York que han tocado la música,

por lo que el proyecto está listo para salir. He estado tocando fe-

escrito muchos poemas. Después de mi segundo año en la uni-

chas con The Burnt Sugar Arkestra como un miembro constan-

versidad fui a vivir con un amigo en Nueva Orleans. Comencé

te de la sección de trompas. Burnt Sugar celebró recientemente

una banda allí llamada “Gaugh’s Epiphany”. Cuando volví a la

su aniversario de 18 años. Burnt Sugar tuvo el privilegio de tra-

universidad me habían presentado a la música de vanguardia

bajar con Melvin Van Peebles en una versión musical de Sweet

de Cecil Taylor a través de algunos miembros de la banda que

Sweetbacks Badasss Song. Melvin, tan ocupado, llegó al estreno

tenía en Nueva Orleans. Básicamente, yo había estado tocando

de mi ballet en el Lincoln Center cerca de su casa, él es el Super-

una versión de Avant-garde Jazz sin saber que se había hecho

intendente Mayor que tiene la sabiduría para enseñar haciendo.

antes. Era como tratar de hacer helados y luego descubrir a Bas-

Cuando fui a Brasil en 2014, hice una película de fantasía / do-

kin Robbins... o como tratar de hacer sorvete e ir a Ribera en

cumental con Arto Lindsay titulado 'Dollhunter'. También hice

Salvador por primera vez. Dan Bodwell, un contrabajista de mi

'Black Surfers of Brasil', una película con mi amigo y distribui-

clase en el Conservatorio también se interesó en tocar música

dor de arte Luiz Fernando Landeiro. La banda sonora de 'Doll-

de vanguardia por lo que hicimos clic. Yo había escrito compo-

hunter' es el disco 'Pessego do Verao'. He editado la película en

siciones basadas en estudios que teníamos en la escuela y cons-

Camerún durante una estancia de 2 meses en 2014. También

truí mi versión de música clásica / moderna que Dan y yo toca-

visité a mi padre en Panamá e hice un documental sobre su vida

mos. Me habló de Kevin un día y formamos el trío. Kevin había

y la carrera de boxeo de su hermano.

ido a Berklee y se pidió una licencia también, teníamos a una edad joven comprometida con la música y practicar durante al

Editas grabaciones en vivo de Micah Gaugh Trio, “Blue Fairy

menos 3 horas a la vez durante cuatro días o cinco días a la se-

Mermaid Princess” en el 2013. ¿Qué recuerdos tienes de ese

mana. Esto continuó por cerca de 2 años, comenzamos a abrir

trío?

para las bandas que venían a Pittsburgh y eventualmente Kevin

Empecé el Micah Gaugh Trio en la universidad en el Conser-

e Ian Williams formaron el grupo “Storm and Stress” como ra-

vatorio Carnegie Mellon. El primer año que estuve en Carne-

mificación del Trío de Micah Gaugh. Figuro en las grabaciones

gie, estudié la escritura creativa. Mi maestra Hilary Masters me

de “Storm and Stress” tocando piano y cantando, lo que llevó al

instruyó en un curso privado sobre cómo escribir una novela.

Trío a ser conocido en la escena indie-rock. En 2013 Julien Fer-

Me dio las herramientas para escribir una larga novela, ya había

nández nos pidió que lanzáramos las grabaciones en vivo del

37 Trio que hicimos en el período 1992-1995.

Por lo que sé de ti, eres un artista completo. No te quedas sólo en la música. Eres pintor, escritor, hasta has actuado. Cuénta-

En 2016 llega “Pêssego do Verão” y tal vez sea su gran acercamiento a Brasil. Cuéntanos como nació este álbum.

nos sobre estas otras disciplinas. Siempre estoy pintando o dibujando cuando tengo una opor-

En 2014 viajé a Salvador Bahia y volví a conectar con mi ami-

tunidad. Terminé otra novela el invierno pasado para completar

go Luiz Landeiro, conozco a Luiz desde 2002, cuando fui a Bra-

el díptioc de “Seeing in the Dark”. Tengo un espectáculo con Ar-

sil con Arto. Luis era un surfista profesional en el momento y

thur Jafa Fielder en la Serpentine Gallery de Londres. Luis Fer-

me sacó surfeando. Cuando llegamos a la playa, vi que todos los

nando Landeiro Gallery of Contemporary Art está mostrando

surfistas eran negros. En ese momento decidí hacer un docu-

mis piezas a petición.

mental sobre Black Surfers en Brasil, así que escribí la canción 'Black Surfers in Brazil' para expresar mi deseo de hacer la pe-

Has nacido en Panamá, has colaborado con artistas brasile-

lícula. Yo había escrito la canción 'Pessego do Verao' en 2004 y

ños, has realizado una exposición patrocinada por el Consulado

lo usé como la pista del título. El resto de las canciones del dis-

de Venezuela. ¿Qué piensas de Latinoamérica?

co son descripciones de la película / documental 'Doll Hunter'.

Me gusta estar en Brasil porque me recuerda el tiempo que he pasado en Panamá. A través de Arto Lindsay, he conocido a

Llegamos al presente. Lanzarás un nuevo álbum en mayo.

muchos de los músicos prominentes en Brasil y me encanta ju-

Pero ha lanzado el sencillo principal "Remembering", que te lle-

gar con ellos y el sentimiento de familia que tenemos. Me gusta

va más hacia el lado del jazz. Cuéntanos de qué se trata este nue-

la forma en que hablan el portugués, hace que mi mente sien-

vo álbum, que cambia la dirección de tus anteriores trabajos.

ta después de estar allí durante aproximadamente un mes. La

La foto en la portada para el registro soy yo a la edad de 22

lengua es hermosa y tengo ganas de explorarla más. Realmente

años, cuando me mudé a Nueva York. La música del Micah Gau-

quiero visitar la Chapada Diamantina e Iguazú. El calor del pue-

gh Trio es de ese período. Escribí la canción 'Mariposa' cuando

blo brasileño y el clima son buenos para mi alma.

tenía 15 años. Las otras canciones, con la excepción de 'Remembering', fueron escritas hasta la edad de 23 años.

¿Cuáles son los planes para tu nuevo álbum “Stars Are a Harem”?

¿Para este álbum has estado más abierto a la improvisación

Estoy planeando dar seguimiento a nuestra última gira euro-

pero, en cierta forma, te has tomado más tiempo para pensarlo

pea en 2013 y espero visitar lugares de América del Sur. Creo

y grabarlo como lo tenías planeado en la mente?

que la audiencia sudamericana apreciará el esfuerzo que pusi-

Utilicé el enfoque que utilizo para crear mis canciones pop

mos en la grabación y en la construcción de las canciones debido

con una computadora. Toqué la base de la canción y luego la

a su sentido adepto del gusto musical. La música es una parte

loopeé para que fuera repetitiva como la música clásica, por úl-

de la vida en América del Sur y recuerdo haber ido al océano de

timo daría a Kevin ideas abstractas de cómo tocar la batería en

Río y oír a los niños cantar mientras flotaban en el agua, espe-

ciertas piezas. Por ejemplo, le pedí que tocara el sonido de go-

ro que podamos agregar algunas canciones al catálogo de Life

tas de lluvia golpeando el lado de una tienda de campaña para

en todo el mundo.

hacer parte de la batería. Él tiene la destreza de sacarlo y hacerlo musical. Henry me sorprendió con su parte de bajo, pero le doy la bienvenida a los músicos con los que toco y que escuchen en la música. Confío en los músicos y siempre mejoran la música más de lo que jamás podría soñar. También quería crear un

Para aquellos que no conocen tu música, ¿Cómo es la música de Micah Gaugh? Mi música se basa en mi experiencia de la Verdad a través del sonido y la delicadeza lírica.

ambiente diferente de “The Blue Fairy Mermaid Princess”, ese disco es muy agresivo. Realmente quería presentar el lado luminoso del Trío, que no es menos complejo, pero el espacio y la elección de las notas y fraseo hace que las pequeñas nubes que

Dejamos el último espacio para que usted diga lo que quiera. Gracias por su interés en nuestra experiencia, esperamos que mejore la tuya.

flotan en el espacio y el tiempo. Gracias Micah por tu amabilidad de respondernos.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: DURAN DURAN EN LOLLAPALOOZA 2017

“¡Mamá dijo que no me pierda esta banda, que son grosos!”

Estoy viejo. Te das cuenta de eso cuando en un Festival, el

Like The Wolf” y “A View To A Kill”: de un saque y de arranque,

artista que marcó tu adolescencia toca a las 18 hs y figura déci-

tres de los hitazos más representativos de Duran. Tiempo en-

mo en nivel de importancia en el Line Up, por detrás de DJ´s

tonces de introducir al público argentino uno de los singles de

de moda cuya especialidad es hacer hits (como máquina de pi-

su última producción “Paper Gods” que aún nunca había sona-

car carne) a dúo con cantantes en ascenso en el Top 10 inglés…

do en vivo por estas tierras: el ganchero “Last Night In The City”.

ok, I give a F**k!

Tras 4 temas ahí arriba, es hora de bajar un cambio y deleitarnos

A plena luz del día y considerando la posibilidad de que por

con aquel clásico proveniente de “The Wedding Album”, la atra-

tratarse a esta altura de mitos vivientes esto vaya a llenarse bas-

pante “Come Undone”. Y ahora sí, uno de los temas favoritos

tante más, nos apostamos cerca del escenario a las 17 hs. El sol

de la audiencia local, como toda aquella canción que tenga un

brilla con furia sobre nuestras nucas y la mala idea de haber ve-

estribillo que repita más de una vez un “Oh”, un “Yeah” o un

nido con una remera negra comienza a pasar factura. Pero el

“No”: No-No-“Notorious” para hacernos saltar a todos con un

aire circula… al menos por un rato. Porque mis sospechas se van

poco de funky de la época en que estos ingleses más supieron

haciendo realidad y a medida que se acerca la hora, la masa de

coquetear con Prince. Aprovechando el clima ya festivo, nos ti-

gente se va arrimando cada vez más al escenario y no sé cómo

ran su último gran hit radial “Preassure Off” como para cerrar

le estará yendo a Jimmy Eat World (que ya comenzó hace media

una primera mitad de lujo.

hora) en el Main Stage 1 de este Lollapalooza, pero pareciera que

Nos preparábamos para un setlist de solo 12 canciones acorde

el escenario donde estamos nosotros se está convirtiendo en el

a lo que Duran había tocado en el Lollapalooza de Brasil, corto

centro de la mayor convocatoria aquí y ahora.

y aggiornado al formato Festival. Pero el primer (maravilloso)

Lo que no puedo dejar de observar es que hay gente de todas

imprevisto de la noche fue “Planet Earth” que como bonus viene

las edades. Cuarentones es lo que espero en su mayoría, pero el

mezclada con un homenaje a David Bowie en una versión dura-

rango de edad baja hasta adolescentes casi púberes en algunos

ní de “Space Oddity”. Momento emotivo que es bien aprovecha-

casos. De la boca de una chica de no más de 16 años sale la fra-

do con un plato fuerte de los que enjugan los ojos, la inmortal

se: “Mamá dijo que no me pierda esta banda, que son grossos!”

“Ordinary World”, que es cantado por gente de todas las edades.

y todo va quedando más claro. Me ha pasado de ver recitales de

Nos agarran con la guardia baja a los fanáticos, ya que ahí no-

artistas legendario como Kiss o Paul McCartney y apreciar el fe-

más nos tiran “I Don’t Want Your Love”, tema que los más jóve-

nómeno de los padres que llevan a sus hijos a conocer aquello

nes parecen desconocer pero que hace a las delicias de los fans

que les cambió la vida, y acá se repite una vez más: veo un padre

más longevos. Segundo agregado que no fue tocado en Brasil.

y una madre con una hija de unos 11 años.

Seguimos a toda máquina con “White Lines” (pura energía) y

Todo esto pasa a segundo plano cuando el reloj marca las 18

“Reach Up For The Sunrise”, que es sazonado en la mitad con

hs y vemos aparecer por el fondo del escenario a los 4 miembros

un medley de “New Moon On Monday”. Clásico de clásicos, jun-

originales de Duran Duran que desde el 2005 son nuevamen-

to a “Girls On Film” viene la presentación de los músicos, los

te inseparables, como en los inicios de los 80’s (solo falta Andy

pedidos de “play the fucking bass, John” (es habitual que John

Taylor, el guitarrista que siempre fue la figurita difícil para po-

Taylor haga un solo de bajo, pero ésta vez no sucedió) y el cierre

der contar con el plantel perfecto). Simon Le Bon viste panta-

previo a los bises.

lón y chaqueta de jean blanca, remera celeste debajo y anteojos

Nuevamente perdió Brasil: allá volvieron, tocaron “Rio” y se

de sol: se para en el centro del universo y abre los brazos para

fueron. Acá volvieron, Simon toma la guitarra y ya nos la vemos

recibir los aplausos. John Taylor siempre sonriente, de campe-

venir… y nos pide que usemos nuestros celulares para iluminar

ra de cuero roja, se posiciona a la derecha de Simon. Nick Rho-

la escena de la manera que hace 30 años se hacía con los encen-

des luce un ambo azul brillante y tras sus gafas oscuras sonríe

dedores, con el fin de acompañar esta balada sin precedentes

y practica uno de sus hobbies predilectos: sacarle fotos a la con-

que es “Save A Prayer”. Al final, Duran Duran compensó a los

currencia con una cámara compacta. Roger Taylor, siempre de

fans argentinos por la carencia de un side show con un setlist

perfil bajo, saluda casi accidentalmente y se sitúa rápidamente

más largo, lo que nos llena de satisfacción y reafirma una vez

tras la batería. La banda se completa con Dominic Brown, gui-

más la relación especial que tiene la banda con éste país.

tarrista de gira desde hace años, Simon Willescroft en saxo, y dos coloridas coristas. Comienza a sonar “The Wild Boys” y la concurrencia estalla, pero el grupo no da respiro y continúa a todo vapor con “Hungry

No queremos que esto termine nunca, pero la crueldad de estos festivales consiste en dejar a los fans hambrientos como un lobo. De modo que solo había lugar para el fantástico cierre con “Rio”, pero de que nos vamos a quejar!

Sin darnos cuenta ya era de noche cuando Duran Duran se despide de ésta fascinada multitud. Recién entonces noto que ninguna persona del público había abandonado su posición, y ahora empieza a descomprimir la masa. Viene The Weeknd dentro de una hora a este mismo escenario, el Main Stage 2. ¡Estimado Abel, deberás esforzarte al extremo: hay que ocupar unos zapatos muy grandes!

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 7: EXTENSIÓN DEL CAMPO DE BATALLA

Todo el mundo está emocionado por el nuevo disco de Depeche Mode pero yo al que espero con ansias es al de Erasure. Al igual que Morrissey, huyo un poco de las bandas que la “tienen fácil” y son universalmente aclamadas; prefiero a las incomprendidas, a las que hay que defender. Amo con pasión a dos de las bandas más uncool del planeta, Erasure y los Beach Boys. Y me parece que tienen bastante en común. Cinco similitudes entre Erasure y los Beach Boys 1: Un período inicial de éxito comercial desbordante Los Beach Boys eran básicamente una familia que cantaba (los tres hermanos Wilson, su amigo Al Jardine y el primo Mike Love – que no es un seudónimo), convertidos hábilmente por el crápula Papá Wilson en una “gimmick band” que pasó a producir hit tras hit sobre el estilo de vida Californiano, el cual se reducía básicamente a surf y autos. Una fórmula ganadora con un solo talón de Aquiles: resultó ser que Brian Wilson era un genio musical absoluto. Pronto desplazó a Papá Wilson como productor y empezó a aplicar sus dotes aun dentro de la fórmula (véase la bizarra intro de “California Girls”). Pero, inevitablemente, pronto su ambición musical lo hizo trascender la fórmula. Lo cual, comercialmente, fue un problema. En 1966 Brian combinó un visionario enfoque modular a la grabación musical junto con unas letras que expresaban un

pesimismo más sincero que cínico sobre las vicisitudes de la vida para grabar Pet Sounds. Hoy día es considerado uno de los mejores discos de la historia y la obra cumbre del pop barroco, pero en su momento no vendió demasiado. Los Beach Boys se encontraban en una encrucijada: su contenido era ya quizás demasiado sofisticado para el público que quería más surf y autos, pero su imagen había quedado demasiado desfasada como alcanzar a un nuevo público que sí los apreciase. Aun así, el siguiente single “Good Vibrations”, súmmum del enfoque modular de Brian y repleto de innovaciones musicales (el uso prominente del theremín, el empleo de cellos como sección rítmica) llegó al número 1 de los rankings. Pero sería el último hurra comercial de los Beach Boys que no estuviese anclado en el pasado. Incluso antes de formar Erasure, el gurú de los sintetizadores Vince Clarke ya había demostrado su talento natural para la creación de Pop electrónico desde principios de los 80s con sus composiciones para Depeche Mode y Yazoo. Fue a través de un anuncio de diario que conoció al cantante Andy Bell, con el que terminaría formando una de las bandas más queridas y duraderas del Pop internacional. Combinar el purismo electrónico de Clarke (la música de la banda, con excepción de alguna guitarra acústica aquí y allá, ha sido siempre a base exclusiva de sintetizadores) con los considerables talentos vocales de Bell resultó ser una fórmula ganadora que llevó al dúo a dominar los rankings británicos en forma constante entre 1986 y 1994, generando hits esen-

ciales para el género como “Sometimes”, “Blue Savannah”, “Stop!” y “Oh l’amour” y “A Little Respect”. El éxito comercial de Erasure en esta etapa fue tremendo, al contar con 23 singles consecutivos en el top 20 británico. La racha pronto se cortaría abruptamente. 2: Un prolífico período artísticamente válido pero comercialmente indiferente La intelligentsia musical aguardaba ansiosamente al disco que sería la secuela de Pet Sounds, Smile. Todos los que habían escuchado segmentos habían quedado absolutamente fascinados. Pero debido al colapso mental de Brian Wilson (véase el cap.3) Smile finalmente no salió a la luz. En su lugar salió Smiley Smile, un pastiche de algunos temas de Smile regrabados de forma hiperminimalista (un giro copernicano al enfoque modular de “Good Vibrations”) y algunas composiciones adicionales de aire improvisacional. Escuchándolo hoy día, Smiley Smile es un pastiche bizarramente encantador y lleno de toques musicales notables (y, como señala David Leaf, en el contexto musical actual resultaría impensable que un disco con “Heroes and Villains” y “Good Vibrations” fuera decepcionante), pero en su momento dejó entendiblemente perplejo a absolutamente todo el mundo. A partir de este momento, los Beach Boys sacarían disco tras disco de calidad sin pegar una comercialmente. Wild Honey (1967) es una adictiva brisa de producción lo-fi. El épicamente bello Sunflower (1970) demostró finalmente que todos los Beach Boys eran grandes compositores, destacándose Bruce Johnston, Carl y, insólitamente, Dennis (el baterista sex-symbol de la banda, por el que nadie daba nada a nivel talento). Surf’s Up (1971) contiene canciones tanto deleitantes (“Disney Girls 1957”, una nostálgica oda a la inocencia perdida de Bruce) como intrigantemente experimentales (“Feel Flows”, un miasma psicodélico pre-Eno de Carl). El tema que da título al álbum es una sesión rescatada de Smile, que suena justamente como lo que es: el fragmento de un sueño. Para el lanzamiento de este disco la banda intentó canalizar sus genuinas preocupaciones ecológicas y políticas hacia una imagen más en sintonía con el mundo del Rock Alternativo, pero a esta altura ya era en vano: el éxito comercial de los Beach Boys durante los años siguientes sólo ascendería gracias a compilados nostálgicos como Endless Summer (1974). Para su disco homónimo de 1994, Erasure valientemente abandonó la fórmula del hit de 3 minutos, para presentar en su lugar piezas como mínimo el doble de extensas donde las infaltables melodías Pop son alternadas con elaborados interludios instrumentales al mejor estilo Jean Michel Jarre.

La pieza clave del disco, “Rock me Gently”, dura 10 minutos y cuenta con la participación de Diamanda Galás (!). Probablemente sea el mejor álbum de la carrera de la banda, la unión perfecta entre el Pop masivo y la Música Electrónica instrumental de vanguardia, pero comercialmente marcó el fin del reinado de Erasure en los rankings. Si bien para el siguiente álbum, Cowboy (1997), la banda regresó a su fórmula habitual con muy buenos resultados, las cartas ya estaba echadas y Erasure volvería a tener singles exitosos sólo ocasionalmente (el sutilmente bello “Breathe” en el 2005). La calidad de sus frecuentes álbumes, sin embargo, hasta el día de hoy se mantiene constante.

3: It’s all about authenticity Los Beach Boys lanzaron álbumes influenciados por las cosas más uncool del planeta: la comida sana (partes de Smiley Smile), la meditación zen (Friends), la ecología (partes de Surf’s Up). Si dichos discos siguen siendo escuchables es principalmente debido a su autenticidad; estos cambios de temática no eran intentos forzados de cambiar su imagen sino simplemente reflejos de las cosas que les interesaban en el momento. Incluso en su período comercial de surf y autos hay cierta pureza espiritual y conceptual; dichas canciones han pasado a formar una parte integral del mito de California, quizás más como lugar mental que físico. Cuando Andy Bell entona alguna de las líneas más cursis del planeta (“I’m dying to show you what love is about”), yo me las creo. 4: It’s all about the songs Por más que amo a las dos bandas, cada vez que abordo un nuevo disco de ellas lo hago con miedo. Probablemente se deba a que en general me gusta música de otro tipo: más contestataria, con letras intrincadas e inusuales. Más alternativa. Más (me duele decirlo) cool. Si bien hay excepciones notables (la poesía vanguardista de Van Dyke Parks en Smile), en general tanto en Erasure como en Beach Boys no hay vueltas de tuercas posmodernas; los discos deben triunfar o fallar solamente por el peso de sus canciones. Por eso cada vez que escucho un disco nuevo lo hago con miedo, miedo de que la fuerza de las canciones no sea suficiente si no hay otro concepto artístico más elevado detrás. Por eso cada vez que termino un disco nuevo de ellos mi creencia en que la canción pop, bien lograda, es el más perfecto y demandante de los formatos se ve reforzada por creces.

5: It’s all about the struggle El genio musical de Brian Wilson es actualmente reconocido por connoiseurs musicales, pero no por el público general. El genio musical de Vince Clarke y Andy Bell no es actualmente reconocido por casi nadie. Cada victoria de estos artistas (el hecho que Brian haya podido terminar Smile en el 2004, el éxito de Nightbird en el 2005) es una victoria en la vida de sus acérrimos fans. La lucha continúa. Para feedback o comentarios: gabrielalejandrorojo@gmail.com o www.facebook.com/gaborojo67

MAYO SÁBADO 6 LA VIDA EN FAMILIA Banda Invitada: Lujo Asiático Actividad: ARMS (Pintura Psicodélica) MIÉRCOLES 17 EZEQUIEL ESQUINAZI Actividad: Muestra de Fotos: Fabián Resaka SÁBADO 27 REFLECTION Bandas Invitadas: Hidden Souls - El Signo MIÉRCOLES 31 WENCESLADA Zigo Rayospineal Actividad: Cortos de José Luis Lemos

[ "El señor de las moscas" de William Golding por Pablo Ravale ]

EL APRENDIZAJE DEL HORROR: Es imperdonable para un lector compulsivo como yo que no hubiera leído hasta ahora El señor de las moscas de William Golding. Un clásico de la literatura universal, que además es objeto de minuciosos análisis y múltiples interpretaciones en los institutos del mundo anglosajón. ¿Qué hizo que no leyera esta novela? Pues simplemente los avatares del destino, aquellos que durante nuestra vida nos llevan a unas lecturas y a otras no. Fábula moral acerca de la condición humana, El señor de las moscas (clara alusión a lo demoníaco, como símbolo de la maldad inherente al hombre) cuenta sobre un grupo de niños que tiene un accidente de avión y tienen que sobrevivir, sin la presencia de ningún adulto, en una isla desierta. Las desavenencias entre ellos en seguida convertirán lo que sería una fantasía adolescente en una pesadilla. William Golding, que había servido en la Segunda Guerra Mundial, ofrece en la novela una visión auténticamente pesimista de la naturaleza humana. A medida que avanzamos en sus páginas, Golding nos introduce en la historia de estos tres muchachitos ingleses sobrevivientes y en cómo se ven obligados a colaborar y convivir en una isla polinesia, donde traban amistad y llevan una vida apacible. Sin embargo, la progresiva pérdida de la inocencia, el contexto primitivo al que son empujados y el miedo como motor de todos los actos, harán que se desaten situaciones de carácter espeluznante y hasta catastrófico. Tal como marcado recién, el miedo es el factor clave de este libro. Al principio es sólo un rumor entre los niños, luego “la fiera” será la principal causa de lo que acontece en la isla. La cabeza de jabalí que le ofrecen a la fiera, a ese “señor de las moscas” del título, es la personificación del terror y la locura que se abate sobre el grupo de jóvenes sobrevivientes.

Al final, cuando ya parece que no hay escapatoria, la pesadilla termina con la llegada de adultos a la isla. Llama la atención como éstos reprenden a los chicos por sus “juegos”, y en ese momento, toda la carga trágica de la obra salta por los aires. Es como si, con la irrupción de los mayores, todo lo que ellos han vivido quedase relativizado, minimizado a unas chiquilinadas, cuando en realidad ha sido toda una sociedad la que ha caído. Uno piensa, ¿qué ocurrió después? ¿Cómo pudieron volver a mirarse a la cara los miembros de la tribu en el barco de vuelta a casa? En fin, apabullante. Tradicionalmente se han hecho diversas lecturas alegóricas de la obra: en la más común, Ralph es el chico que representa los valores democráticos y el establecimiento del orden. Por su parte, Jack es el chico que opta por renegar del orden y volverse él y los suyos en salvajes, cuya única preocupación es cazar. Se podría ir más allá en la alegoría, y sugerir que el conflicto que viven los chicos es un espejo de la Segunda Guerra Mundial: Ralph podría representar las fuerzas de la democracia y Jack el nazismo que arrasaba con todo. Siguiendo esta metáfora, podríamos encontrar una representación para Simon (el primero que se da cuenta de que el viraje de Jack está llevando a la perdición a los chicos), los mellizos Sam y Eric (los colaboracionistas a su pesar), o incluso los oficiales del final del libro como las fuerzas exteriores (Estados Unidos) que entraron en juego para “salvar” la situación. De esta manera, Golding nos sitúa ante dos filosofías: una que intenta establecer un orden en medio de la Naturaleza y otro que se entrega a ésta de forma total. Los resultados son terribles: la Naturaleza no sabe de estructuras sociales o de conceptos como piedad o solidaridad. En la Naturaleza prevalece la

ley del más fuerte, y el hombre, en el fondo, es un animal. Conclusión: he disfrutado enormemente de una lectura como la de El señor de las moscas. Es una magnifica reflexión sobre la condición humana y un relato que habla sobre cómo nos convertimos en adultos y qué es lo que nos mueve. Impresionante.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

De corazón a corazón (Amor kármico) por Pablo Ravale

No te conocí, te reconocí. Llevo años soñando contigo. Me gustas tal y como hieres. Qué te parece si nos decimos lo que nunca nos hemos dicho, a ver si pasa lo que nunca nos ha pasado. Y no es que quiera volver a verte, en realidad quiero verte volver. Vivir es el arte del encuentro, aunque paradójicamente haya tanto desencuentro por la vida. Jamás se sabe quién te está pensando, quien te está leyendo, quien te está tratando de olvidar. Todos tenemos dos lados, el que dejamos que la gente vea y el que no. Sólo me dolería morir porque tu imagen se me borraría. Existe un proverbio chino que dice que cuando se echa de menos a alguien, un día dura tres otoños. Seamos como amantes a través de estas líneas, probémonos el alma, ella sabe tan tierna y sabrosa… la carne tiene demasiado de vasija. No nos prometamos nada eterno, si se da una historia corta, sintamos cada punto, cada coma, cada letra hasta el final. Vivamos este amor como pocos lo hacen, así, como los locos. El pensamiento “correcto” es un veneno social. Yo nací normalito, pero con el tiempo –te juro– me he ido curando. Para mí, tú eres como esas fantasías a las que de niño no me dejaba de subir. Figúrate que todos estamos hechos de barro. Más cuando la sangre de tus venas retorne al mar, y el polvo de tus huesos vuelva al suelo, quizás recuerdes que esta tierra no nos pertenece, sino que todos, por el contrario, pertenecemos a ella (y ésta volverá a quienes la trabajen con sus manos). Por ende, fundámonos a su magma, desaparezcamos unos dentro de los otros. Comámonos. El amor es parecido a una enfermedad que requiere muchos días de cama, y la vida es puro ruido entre dos silencios abismales: silencio antes de nacer y silencio después de la muerte. Por lo demás, voy poniéndote en aviso que el día en que nos morimos es aquel cuando callamos ante las cosas que verdaderamente importan. Nada en el mundo es tan peligroso como la ignorancia sin-

cera y la estupidez concienzuda. No te aferres aquí a nada ni nadie, todo tiene su momento y, obviamente, también su por qué. Empero, si en alguna oportunidad te toca llegar al fondo del pozo, di que ese es el comienzo de tu nueva ascensión. A veces lo que se ve o suena más lejano es, aunque no lo creas, lo que más cercano se encuentra de nosotros. Sé que como yo, siempre te habrás de preguntar qué es la normalidad… A mí me huele que una suerte de escondite atestado de gente muy extraña. Cada uno por su lado, ese fue el resultado de la historia de nuestra especie. Esta va regada de un montón de lágrimas, de dolor y de nostalgia, de todo lo que necesita un final para ser atravesado ignorante y de rodillas. Por eso pregona un cambio, pídeme para tus adentros; persigue la estela de tus ansias. Todo ser que ha empezado a vivir más extensa y seriamente en su interior, empieza también a vivir más misteriosamente por fuera. Se apaga únicamente quien no viaja, quien no indaga, quien no se sumerge o no encuentra inquietudes en sí mismo. Imposible entonces despertar a quien simula estar dormido. Así las cosas, no te desanimes. Debes resistir. Es cierto que este mundo es de los que caminan con rodeos. Los que vamos para adelante pareciera siempre que acabamos contra un muro. Ya que hay vacíos que se llenan, opacos espíritus que se iluminan ante el baño de los rayos de la luna. Hay luz en la penumbra, créelo, hay pasión en el odio; sentimientos inexplicables que dan nacimiento a suspiros, suspiros que en simultáneo te matan y te reviven. Todo lo que sé es que en la ilusión de ser alguien, el humano se sume en una falsa creencia, en un simulacro de aceptación e intercambio. La melancolía se revela en estas letras, como ves, mi vida… quiere florecerte de nuevo, pero en su lugar desata vocablos de lluvia. La melancolía es invierno, madura en el grito de unos labios que también han sabido llamarse a resguardo. El mundo me duele, sabes, y me duele porque se aleja y me deja

con el pavor de volver a soñarte, con el temor de despertar y no encontrarte en mi mundo de la vigilia. Tanta espera me frustra, por eso es que duermo, por eso te escribo. Relámpagos cual cuchilladas traperas de la memoria me sobrevienen en una fatal desesperación a causa de mi perenne tortura. Sigues siendo aquello que me estremece, dondequiera que ahora estés… Dormida o despierta. Desafortunadamente es poco lo que entendemos sobre eso que revota entre nosotros y que algunos pueden llamarle “relación” (entiéndelo como una enredadera de atracciones, como una carnívora fricción entre tu inquietud y mis ganas). Equidistante esta purísima negrura, este espejismo tornado en fiebre. Por sobre la flor que despabila una aurora, se corrompe la densa altitud de estas ideas tan ambiciosas propias de mí. Aunque cuando la desdicha de una nostalgia aguardentosa quiera inundar nuestra frágil mirada, tú y yo nos desprenderemos del madero del tormento para así dar alas y osadía a los hombres… Como lo fue siempre, como meta y como camino. En tanto, en la hora que te atreves a soñar, te confirmaré en

tres ocasiones después de que cante un gallo; porque ya nos hemos conocido y hoy, seguro, volveremos a hacerlo. Cuán cercana te intuyo sin ese halo que te ha abandonado, a la sombra de mis sombras permaneces gimiendo para adentro, pidiéndome que te busque, que tome, que te encarne. Mientras, tus dedos, gélidos rubíes, me reptan, me sierpen sedientos. Si bajo los párpados, corazón, te beso voraz, te incorporo en la tinta con la templanza de quien se sabe soberbiamente inmortal, con el placer orgasmándome tras percatarme de ser el poseedor de tu último aliento; con mis marfiles níveos horadando en tu vulva y haciendo a tu sangre repiquetear en tus venas. ¿Y qué ruego has de clamar ahora implorante, mi vida? ¿Títeres de qué hilos penden usurpadores de tu exhalación, al momento final en que ese rapto me endiosa, por los siglos de los siglos, como dueño de tu misterio? Dime, pues yo no lo sé… Me queda tan sólo curvar las comisuras regalándote así mi media sonrisa. ¿Qué menos y qué más puedo darte cuando tú ya me lo has dado todo?

HIDDEN TRACK

EN CONCIERTO

[ Por Marina Cimerilli. Fotografías: Sebastián Pani. ]

MATILDA + HIROSHIMA DANDYS Matilda + Hiroshima Dandys en La Tangente, Buenos Aires, 17 de Marzo de 2017.

61 Despotricar contra el desengaño amoroso en clave elegante y

chachos. De buenas a primeras su sonido retrotrae a las melo-

alimentar el espíritu reflexivo mientras se es arengado por los

días de Daniel Melero y no es una asociación errada; hay una

beats de un sintetizador, suena como un plan difícil de recha-

admiración sentida y sin ir más lejos, el mismísimo padrino

zar y el pasado Viernes 17 se hizo posible gracias al encanto del

del under porteño es quien encabeza artísticamente el sello dis-

tecnopop local. Además de atravesar un momento muy saluda-

cográfico Sólo Le Pido a Dior, a través del cual los Hiroshima

ble, la escena cuenta con exponentes sensatos, que tienen bien

lanzan su discos.

claro que retomar la posta de un período musical determinado implica, de un modo u otro, embeberlo de actualidad. Y por supuesto, ahí está la clave. La minuciosidad no es enemiga de la provocación y vaya si Federico Moura lo tuvo claro en su momento. Los muchachos

“Todo para terminar igual de mal que cuando hacemos bien las cosas”, sentencia Rivas desde el mícrófono y su registro ultra grave es puro corazón y arrojo punk; como si Tim Armstrong se copara a cantar Tecnopop.

de Matilda, emisarios de la escena indie rosarina con más de

También hay ecos del primer New Order, algo del Psychede-

quince años de trayectoria y cinco discos editados, son los en-

lic Furs más sentimental (aunque sin saxo), y si hacía falta una

cargados de abrir la velada y con su propuesta refrescan bastante

canción para constatar el propio potencial hitero de los Dandys,

aquel asunto de “poner el cuerpo y el bocho en acción”.

esa canción existe y se llama “Brisa”. Candidata al repeat infi-

La lírica, tan certera como filosa, revela un compromiso es-

nito, con un estribillo que exige cantarlo a los gritos, y al que la

piritual forjado al calor de la propia experiencia y una dinámica

interpretación de Rivas le agrega un extra-shot de pasión. “En

reflexiva que hace foco en lo individual, mas no sin plena cons-

la humedad de las paredes, duele, duele…”, se desgarra sobre el

ciencia de lo colectivo. Este diálogo constante entre lo interno y

final, y los desengañados de la vida ya tienen su nuevo himno.

lo externo encuentra su complemento perfecto en el combo que

Los amigos de la casa no tardan en acercarse a compartir esce-

capitanea Ignacio Molinos: sintetizadores que disparan beats

nario: Juan Pablo Malvasio (alias Fok Electrochongo), referen-

limpios y palpitantes, líneas de bajo con sabor a Peter Hook,

te clave de la escena electropop LGTB, honra con su musculosa

y una guitarra acústica que asoma para aportar su pizca de sa-

presencia y acompaña a Rivas en una versión bien rompepistas

bor latinoamericano. Juan Manuel Godoy, por su parte, no sólo

de “Bailando”, el hit de Alaska y los Pegamoides. Le sigue “El

es quien otorga voz a las palabras, sino que además le pone el

technopop de los trabajadores”, evocando el costado amargo del

cuerpo a lo que canta: de tanto en tanto entremezcla su figura

Do It Yourself, interpretado con bandera flameante de fondo y

con los haces de luz del escenario en una danza cargada de mo-

todo. Máximo apogeo garantizado.

vimientos hipnóticos y es ahí, en ese pequeño instante tan vulnerable como poderoso, donde la intimidad propuesta por Ma-

También participan de la cofradía Pepe Telépata (Los Telépatas) y Adrián Garbagnoli (La Mucama Mental).

tilda se consuma. Todo lo que sucede está enhebrado con una

Por supuesto hay bises y como quien no quiere la cosa, entre

prolijidad envidiable y el resultado no podía ser otro: es imposi-

ellos se desliza “Cristal”, un dulce lamento de bolsillo que nos

ble no dejarse llevar.

recuerda que no estamos solos.

Tras semejante preámbulo llega el turno de Hiroshima Dand-

Así las cosas, lo mejor que puede pasarle a estos tiempos pos-

ys, y los recibe un público con los sentidos bien estimulados. Co-

modernos de frialdad sentimental, donde esquivarle a la cerca-

manda el barco el señor Pablo Rivas, alias “Mambo”, una suerte

nía emocional es interpretado como un signo de madurez, es

de Gary Numan latino que derrama frescura y demuestra haber

que aparezcan figuras como Rivas; una suerte de tanguero de

encontrado el balance perfecto entre humildad y vigor a la hora

la revolución digital que llegó para derretir el gélido corazón de

de entregarse al modo “frontman”.

nuestros streamings.

Autodidacta, de sangre ochentosa y perdidamente enamora-

Resulta una alegrón comprobar que todavía sigue corriendo

do de la música y los discos, Rivas se carga su alter-ego al hom-

sangre por las venas del tecnopop argento, y que si bien el auge

bro para aventurarse, cual guerrero, en una cruzada en pos del

del rock chabón pudo haberlo arrinconado en su momento, no

romanticismo perdido. Lo acompañan Nicolás Gonzalez (alias

logró acobardarlo. No sólo sigue vivo y coleando sino que ade-

Babi) en guitarras, y Flori Lee en coros y sintetizadores.

más hoy ofrece propuestas nuevas, lo que es una excelente noti-

Arranca “Lo Mezquino” y mientras termina de acomodarse el sonido, vamos entendiendo de qué va la cosa con estos mu-

cia para esas almas sensibles que adoran congregarse alrededor de un sintetizador. Por suerte, todavía son muchas.

[ Por Marina Cimerilli. Fotografías: Benjamín York ]

FIEBRE (STONER) DE SÁBADO POR LA NOCHE IThe Atomic Bitchwax en Niceto, Buenos Aires, 08 de Abril de 2017.

Ya hace rato que Venado Records, el sello indepen-

diente de gestión colectiva con base en Neuquén y gran ac-

cual, además, ya van por su sexto disco de estudio.

Como aliciente, este monstruo de tres cabezas

tividad dentro de la movida stoner local, viene ofreciendo

está compuesto por dos miembros de la legendaria banda

propuestas de calidad para oídos intensos. El fin de semana

Monster Magnet (el bajista Chris Kosnik y el baterista Bob

pasado volvió a hacer de las suyas y se despachó con una

Pantella), lo cual le imprime a fuego el sello “garantía sto-

maratón alucinatoria que tuvo como broche de oro nada

ner de calidad”, además de convertirlo en una propuesta

menos que a The Atomic Bitchwax, en su primer y esperada

aún más jugosa tanto para los fundamentalistas del género,

visita a nuestro país.

como así también para aquellos curiosos que deseen zam-

El ritual sabático de la noche porteña impone sus

bullirse en un intenso trip rutero (nota al pie para los oyentes

propias reglas, y en concordancia con eso, no fue sino hasta

más nóveles: lleven todo lo que necesiten para el camino,

pasada la medianoche que pudo verse a algún músico pisar

porque no les dejarán ni un segundo para detenerse).

el escenario de Niceto Lado B.

Bordeando las dos de la mañana, Finn Ryan encaró

Los primeros caballeros de remeras negras resul-

el escenario con el entusiasmo de quien sube a recibir algún

taron ser los Mondo Dromo (quienes integran, junto a otras

premio muy esperado; sólo que en vez de una estatuilla la-

bandas, el catálogo del sello sureño), que supieron convidar

brada, alzó una botella de whisky. Con este gesto de brindis

a los presentes con un cóctel de bienvenida bastante poten-

comunitario dio inicio al ritual, y además de sacar a relucir el

te; Seba Romani dio el primer golpe a la batería y dejó claro

espíritu lúdico que mantendría a lo largo de todo el show,

que de ahí en adelante iba a ser necesario ajustarse bien los

dejó en claro que la expectativa por el encuentro era mutua.

cinturones.

Sin mucho más preámbulo el power trío le dio mecha a una

Les siguió Persona, y si algo tiene en común este

incendiaria versión de “In The Flesh” de Pink Floyd, para lue-

cuarteto oriundo de Ingeniero Maschwitz con el filme van-

go despacharse con “Stork Theme” y “Hope You Die”. Para

guardista de Bergman de 1966, además del nombre, es jus-

ese entonces, si todavía quedaba algún desprevenido en la

tamente esa audacia a la hora de expresarse. Setentismo

sala, lo más probable es que estuviera luchando por conser-

progresivo en plan crudo, una buena dosis de sonido lisérgi-

var la cabellera que los decibeles amenazaban con volar.

co y guitarras con apetito heavy metal componen esta apla-

Conforme avanzó el show, los riffs de Ryan (ácidos

nadora instrumental que da para viajar bien lejos, y cuyo em-

y afiladísimos, por cierto) se posicionaron como protago-

brujo surtió efecto de principio a fin.

nistas indiscutidos de las canciones, y al pelilargo se lo vio

Debajo del escenario también pasaron cosas: los

a sus anchas; incluso coqueteó con el público, y en un arre-

DJs tuvieron su protagonismo y se encargaron de arengar

bato de actitud rockera les permitió a los que estaban más

los entretiempos con su doom corrosivo; es que todo apun-

cerca del escenario jugar un poco con su guitarra. En la lista

taba a la que se venía, y era indispensable que el oído no

siguieron “Ain´t nobody gonna hang me in my home”, “45”,

perdiera calentamiento.

“Giant”… y los raudos golpes de Pantella en la batería, que

Si bien es la primera vez que visitan Latinoamérica,

ya es una eminencia del género, también dejaron su huella

los TAB ya vienen desde el ´93 con la camiseta puesta, agi-

profunda mientras que un ajustado Kosnik en el bajo hilva-

tando este híbrido entre psicodelia y hard rock con el que

nó las composiciones con la solidez propia del que marca el

comenzaron zapando en bares de Nueva Jersey, y con el

paso, y esto no podía ser de otro modo, ya que se trata del

fundador de la agrupación.

El trío metió quinta desde el minuto uno y avanzó sin dar tregua por su lista de 14 temas hasta embestirse contra

los bises, entre los cuales volvió a aparecer Pink Floyd, pero esta vez con el clásico “Pigs”, en una versión interpretada al mejor estilo Finn Ryan.

Luego fue el turno de “So Come On” y su adictivo riff circa 1970, mientras que el cierre, más arri-

ba todavía, fue con la aceleradísima “Force Field” y un Bob Pantella más encendido que nunca. Quedó demostrado, para regocijo de los seguidores más devotos, que este demonio viajero amante de los ´60/´70, la psicodelia y el groove blusero no sólo habita en los discos sino que es un ente muy real; definitivamente cobra vida en el escenario y una vez que el motor se enciende, nada detiene a la aplanadora Bitchwax.

A esa altura (ya las tres y media de la mañana) y con semejante adrenalina circulando por el cuerpo, sólo quedaba

agradecerle una vez más a los muchachos de Venado Records por hacer posible semejante encuentro, y por supuesto, por propiciar el mood perfecto para seguir con la noche.

ESPECIAL CICLO ENTREPISOS El Ciclo Entrepisos ha arrancado con una jornada de inauguración y hasta el momento de la salida de este número han pasadolas dos primeras fechas. Actualmente tenemos muchos canales en donde ver las novedades y lo sucedido, ellas son el Facebook, Instagram, You Tube. Este especial será un registro fotográfico a traves de cada noche, para que tengan una idea de lo que sucede en el ciclo, que siempre comienza con una performance de nuestro Maxx Wild quien recrea su sección que escribe acá en Pura Melomanía, "¿Qué beber para Escuchar Mejor?. Este Especial trae tres noches: Miércoles 29 de Marzo - Fiesta Inauguración con: Wenceslada / Lucrecia Ugena Sábado 01 de Abril - Medalla Milagrosa / Iguana Lovers. Miércoles 12 de Abril - Bárbara Togander / Cul Du Monde.

Las Redes Sociales del Ciclo Entrepisos: https://www.facebook.com/CicloEntrepisos/ https://www.youtube.com/channel/UC0_r3DCEoZXeN8YdRu01l7w https://www.instagram.com/ciclo_entrepisos/

[ Por Johannes Rosini ]

SE ABREN LAS PUERTAS

Noche Inauguración - Wenceslada / Lucrecia Ugena, Miércoles 29 de Marzo en El Archibrazo

[ Por Lily Moonster ]

NOCHE 1

Medalla Milagrosa / Iguana Lovers, Sรกbado 1 de Abril de 2017, en El Archibrazo.

[ Fotografías: Lily Moonster ]

NOCHE 2

Bárbara Togander / Cul Du Monde / Pablo Ravale en El Archibrazo, 12 de Abril 2017.

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

YENDO “ASIA” EL CINE

En esta ocasión nos trasladamos y aterrizamos en el continente más extenso. Y aunque un viaje de verdad hubiera estado lindo, nos conformamos con viajar a través de los distintos films que Asia ha sabido regalarnos. En las siguientes notas escogimos films en los cuales verán una variedad de temáticas –cine de venganza, de zombies, de animación, dramático, romántico y más- pero también una variedad de rostros, en su mayoría con ojos rasgados. Pero a no confundirse, estos son ojos que ven más allá de una simple mirada y que dicen aún más con las imágenes que saben capturar parte de esa visión tan propia y única. Imposible de imitar, por más remakes estadounidenses que hagan.

A PROPÓSITO DE LO SINIESTRO [ Por Nicolás Ponisio ]

“Muy distinto es, en cambio, si el poeta aparenta situarse en el terreno de la realidad común. Adopta entonces todas las condiciones que en la vida real rigen la aparición de lo siniestro, y cuanto en las vivencias tenga este carácter también lo tendrá en la ficción. Pero en este caso el poeta puede exaltar y multiplicar lo siniestro mucho más allá de lo que es posible en la vida real, haciendo suceder lo que jamás o raramente acaecería en la realidad. En cierta manera, nos libra entonces a nuestra superstición, que habíamos creído superada; nos engaña al prometernos la realidad vulgar, para salirse luego de ella.” Estas palabras pertenecen a Freud en su trabajo publicado en 1919 y titulado Lo siniestro, donde analiza en parte el relato corto The Sandman de E.T.A. Hoffman. Cuatro décadas después, el párrafo citado encuentra un nuevo compañero de relación con

The Housemaid, melodrama surcoreano donde la maldad y la locura tienen cara de mujer. Con un comienzo que sufre tropiezos, tres cambios de mujer protagónica que a la vez sirven para aumentar los niveles de insanidad, el film paulatinamente sufre una transformación morbosa y atrapante que no se detiene hasta el final (el cual desconcierta con un poco de humor y una moraleja al mejor estilo de He-Man y los amos del universo). La historia se nutre de la violencia psicológica que atosiga al espectador como si estuviera ante un film gore sin la necesidad de recaer en la violencia externa. El horror está presente dentro del recuadro de la cámara y dentro de la mente de los atormentados personajes. Un sinfin de actos tortuosos que abarcan desde la confesión de una infidelidad hasta el envenenamiento. Casi toda la acción del film transcurre en el hogar

de una familia laboriosa a la espera de un tercer hijo. Cuando los problemas no tarden en aparecer las paredes de la casa parecen cernirse sobre los personajes y el espectador incrementando, desde una puesta en escena muy teatral, la atmósfera claustrofóbica que los hunde cada vez más en la desesperación.

y en el piano de la sala, sustento del hombre y elemento burgués por igual. La criada, mujer de escasos recursos, más que el amor busca pertenecer a esa clase cercana a la burguesía, el marido músico (Jin Kyu Kim) y la casa de dos pisos. Aunque vivir en ella conlleve asfixiarse y destruir más de una vida.

Dentro de lo que parece una obsesión amorosa, el director esconde otro tipo de anhelo que alberga en el alma de la criada (Eun-Shim Lee) devenida en amante del hombre de la casa. Lo que busca se presenta en la forma de esa misma casa que los agobia

Atraído por ese encanto morboso, el público se acerca a esa ventana que es la pantalla y echa un vistazo a riesgo de ser descubierto y quedar atrapado por siempre en esa casa donde habita lo siniestro.

DIBUJANDO EL HORROR [ Por Nicolás Ponisio ]

De la maravilla al horror hay un solo paso. En casos como Hotaru no Haka (La tumba de las luciérnagas), la calma antecede a la tragedia y una vez que el espanto irrumpe en la vida de los personajes, la ternura y la tragedia coexistirán. Cada una dentro de la otra. El film aborda el horror de la guerra sin necesidad de situar su acción dentro de las batallas o las historias de los combatientes. Lo hace visible a través de Seita (Tsutomu Tatsumi) que debe proteger a su hermana menor Setsuko (Ayano Shiraishi), tras haber perdido su familia y hogar a causa del bombardeo enemigo. El calor humano nacido de la animación japonesa y la relación de estos niños que deben crecer antes de tiempo, da por resultado una fuerza inmensa como contenido del film. Similar a la que tienen los hermanos que, a su manera, son hijos de una guerra que les es ajena pero que de todas formas los alcanza y adentra en el corazón salvaje de la misma. Y es que la guerra también se haya en el trato de los sobrevivientes, como puede ser el maltrato generado por la

tía que les da cobijo o la desesperación de un granjero ante el hecho de que un niño le esté robando un poco de la cosecha para alimentar a su hermana. El egoísmo, la indiferencia o el ataque serán respuestas naturales en los adultos mientras que en los niños, a pesar de todo, el cariño y la ternura serán también a su modo sobrevivientes. El único atisbo de humanidad conocido, el último refugio como salvación. Es por ello que, mediante el cuidado que se brindan estos hermanos sin hogar ni ayuda alguna, el film está plagado de instantes realmente hermosos. En ellos es donde la esperanza y la inocencia brillan de forma intensa, al igual que la luz de las luciérnagas que iluminan tanto la naturaleza del campo abierto como también el pequeño rincón en el mundo donde los personajes hayan un techo donde salvaguardarse. De esta manera, el film de Isao Takahata conserva el costado más humano de los personajes con la delicadeza de las imágenes y la forma que escoge

para contarlas y unificarlas al contexto bélico. Es así como, por ejemplo, un momento de riesgo que hace escapar a los personajes de una balacera se convierte en una oportunidad para Seita de alimentar a su hambrienta hermana al ocultarse en una huerta. Nuevamente como ocurre con las luciérnagas, los

niños a causa del horror de la guerra tendrán una corta vida. Pero al igual que estos insectos, los pequeños más allá de todo sufrimiento, vivirán su vida con el amor que nace de ellos con la misma fuerza y belleza que la luminosidad producida por las luciérnagas y por este film.

UN FILM DEL CUAL ENAMORARSE… DOS VECES [ Por Nicolás Ponisio ]

Tiempo y espacio funcionan en Chungking Express como los cupidos de turno que intentan aproximar entre sí a las almas solitarias. Wong Karwai les otorga identidad a lo largo de dos historias independientes que solo tienen por unión y punto de encuentro al local de comida al paso Midnight Express. Desde una visión mayormente melancólica, la primera historia se construye a través de una relación en contraposición del melodioso ritmo del jazz y el frenético andar de la cámara y el gentío de Hong Kong. He Zhiwu (Takeshi Kaneshiro) es un detective de policía que recorre las calles tanto en busca de criminales como de un viejo y nuevo amor. Aferrado a llamadas teléfonicas a la familia de su ex y la compra de latas de piña con el fin de, como a muchos nos ha pasado, poner una fecha límite a la espera de ese viejo amor, una excusa para no proseguir. El primer relato, entre latas de piña, música de jazz y la cámara parkinsoneana (que así y todo con-

serva ciertos momentos de cinematografía hermosa dignos de ser parte de una exposición fotográfica), también se permite agregar una subtrama criminal que envuelve a la contraparte femenina (Brigitte Lin) con un halo de misterio, así como también lo hace su gabardina, su blonda peluca y sus lentes de sol. Si bien el mayor acierto de esta primera parte (siendo el peor su cansina parsimonia narrativa) yace en la apreciación simbólica del inalterado paso del tiempo (por negación propia) y por la caducidad de las relaciones, no tan alejadas de las piñas enlatadas, el relato no llega a profundizar mucho más, dejando a los protagonistas en medio de situaciones sin cierre alguno. Una historia sobre, como dice su narrador al comienzo, gente que nos cruzamos día a día y a la cual nunca nos volveremos a cruzar o nos haremos íntimos amigos. Al menos, referido a ese aspecto, el director ha sabido plasmarlo de buena forma.

87 Si bien la aletargada melancolía es parte del mundo del romance, éste se plasma de mejor manera en el segundo relato del film. Una narración más ágil que apela tanto al pesar de una relación perdida como al encanto del nacimiento de una nueva. Wong Kar-wai deja de lado el apesadumbrado jazz y revitaliza el tono de su historia con California Dreamin' de The Mama's and the Papa's, la cual llega a sonar aproximadamente seis veces sin causar la necesidad de apuñalar nuestro oído con un hisopo, y una hermosa versión de Dream Person de Cranberries interpretada por Faye Wong, la protagonista de esta segunda parte. Faye trabaja atendiendo en el Midnight Express y, a pesar de haberse cruzado momentáneamente con el solitario hombre de las latas de piña, su atención y amor será cautivado por el oficial de policía 663 (Tony Leung) quien visita a diario el lugar. Primero para comprar comida para su novia, luego para tomar café solo. Su novia azafata, nuevamente bajo el manto de lo simbólico, lo ha dejado para probar algo distinto y ha volado indefinidamente de su lado. Mientras que por un lado tenemos nuevamente al

alma en pena a la espera de que ese viejo amor regrese y que, de manera divertida, entabla conversaciones con objetos inanimados como peluches o viejos trapos dotándolos de la identidad femenina que ya no habita en ese hogar, por el otro la tenemos a Faye. Histriónica y enamoradiza, la joven mediante una carte se hace con una copia de la llave del departamento del oficial y, a su manera festiva, comienza a dotar de otro color el desahuciado hogar. La creciente relación se desarrolla prácticamente sin mantener contacto entre la parte femenina y la masculina. El director establece todo el tiempo una fina distancia, una línea divisoria que se ve expresada en la imagen, sea a través de la barra que separa a quien atiende del cliente o por medio de las capas de cristal: vidrieras, espejos y peceras. Casi de manera imperceptible, al igual que el oficial 663 yendo al hogar y apenas notando los cambios realizados por Faye, la relación crece poco a poco. Los personajes, separaciones mediante, logran aproximarse, con encanto y pesar, y el amor plasmado en las imágenes llega a ellos al igual que al espectador, ahora enamorado del film... o de su segundo relato al menos.

UN DRAMA FAMILIAR MONSTRUOSO [ Por Nicolás Ponisio ]

Los monstruos vienen en muchas formas, la hermosura de un drama familiar también. El film Gwoemul (o The Host como se lo conoció en casi todo el globo) de Bong Joon-Ho presenta distinto tipos de monstruosidades que, entre el caos y la desesperación, logra que el centrarse en la familia Park resalte la humanidad en un mundo carente de ella. La aberración mutante salida del río Han de Seúl nace del desinterés destructivo por lo que nos rodea. Un científico norteamericano, irónicamente preocupado por la extremada limpieza de su laboratorio, ordena que se arroje una infinita cantidad de residuos tóxicos que devendrán en el bestial crecimiento de la criatura devora humanos. El cine asiático siempre ha hecho despojos de sus ciudades con el ataque de mutaciones monstruosas, siendo Godzilla (Gojira) la más conocida. El cine de Hollywood no tardaría a hacer lo mismo con invasiones frecuentemente ligadas a una amenaza externa, sea perteneciente al espacio o a una nación sin la banderita con estrellas y franjas por

siempre.Aquí, es un norteamericano el responsable de la catástrofe en vez de ocupar el rol de los salvadores del planeta, en un mensaje que parece decir: “Ustedes se apropian de nuestras invenciones, ahora háganse cargo de una de ellas”. Acá no hay lugar para que sean héroes sino verdugos. El miedo infundado de un virus inexistente, el riesgo al que exponen a una población con un ataque bioquímico o el salvajismo médico al que someten a Gang-du (Song Kang-ho), el desesperado padre protagonista, es su semilla plantada que se retroalimenta de un ambiente catastrófico. Pero es en medio de todo ello donde el director sabe contar mucho más que un film de monstruos. Lo hace desde el punto de vista de la familia Park, víctimas del ataque de la criatura que se llevó consigo a Hyun-seo (Ko A-sung), la joven hija de Gang-du. A raíz del dolor, el director logra reunir a este padre de pocas luces con su hermano desempleado Namil (Park Hae-il), su hermana Nam-joo (Bae Doona), una deportista experta en el lanzamiento de arco y

flecha, y el padre de todos ellos Hie-bong (Byeon Hee-bong). El film alterna constantemente entre las situaciones de esta familia desesperada por rescatar a la niña y la superviveencia de la misma en compañía de otras víctimas (una viva, el resto muertas), cautiva en una alcantarilla, el nido del monstruo. Es a través de la unión de estos personajes, todos ellos imperfectos a su modo y lidiando no solo entre sí sino con sus propios demonios (otra variedad de monstruos en el film), que la historia logra centrarse en el factor humano. Desde el drama y la comicidad se crea una química perfecta entre ellos que aleja al

film de recaer meramente en el género de horror. Se crea un lazo de unión empática que permite al espectador ser un integrante más de la familia, de disfrutar y sufrir junto a ellos. Centrando como eje protagónico a la familia, ésta misma y su supervivencia pasan a ser el interés primordial, un transfondo y presencia tridimensional mucho mejor que cualquier efecto digital que pudiera salir de la pantalla con ponernos unos lentes. Los monstruos son reales, el amor también. La unión hace a la fuerza… de un film tan poderoso como lo es este.

Y CREÍAS QUE LA FORMACIÓN ROCA ERA DE TERROR [ Por Jimena Patiño ]

Hace muchos años, mucho antes de ese horror llamado The Walking Dead, recuerdo una acalorada charla en la que decía cosas exaltada tales como que: “ Romero con sus zombies en 1968 era lo que Godard con La chinoise para el cine”. Con esto ni quiero decir que estaba fumada, sino que para mí, los zombies siempre fueron crítica social hasta que Hollywood comprendió que vendían. En un comienzo eran un medio para criticar el consumo de masas, la evolución tecnológica y química desmedida y sobre todo la conducta de los humanos frente a una de las catástrofes más bizarras del planeta en la que el mismo hombre es el arma de destrucción masiva del mismo hombre. Romero hablaba hasta del racismo en La noche de los muertos vivos y la gente lo amó pero Hollywood luego se encargó de arruinarlo. Cuando terminé de ver Train to Busan, dos ideas surcaron mi mente. La primera fue "Lo hiciste genial Sang-ho Yeon, Romero aplaude desde primera fila" y segundo la impotencia de tener que reconocer que jamás voy a poder escribir y dirigir una película tan genial y excelente. ¡Bravo! Desde el primer plano, debo confesar que la película no me interesaba. Estaba reticente: un camión pasa por un control que están haciendo porque hubo

un incidente químico en una planta, el camionero se queja y ahí largue un suspiro del tipo "cuántos derrames químicos vamos a necesitar..." cuando pasa por el camino, hay un venado muerto, entonces se baja el conductor, se queja y mi cara de "oh dios que aburrimiento" a estas alturas era memorable, estaba mal predispuesta por el cliché. De repente, mi apatía se ve interrumpida porque cuando el hombre se marcha, ¡el maldito venado resucita en un plano genial y parpadea con sus ojos zombies!. Simplemente wow, el sonido de esa escena es genial, creo que se me escapó un Wow, por lo bajo en la sala.En ese entonces vuelve a cortar para contarnos la historia de un empresario y su hija a la que tiene un tanto abandonada pero en el fondo de tu mente, como espectador, ya estas saboreando todo el estrago que se vendrá . Inesperadamente el trabajo sobre los personajes del tren es lo principal para que el film funcione como un todo. En pocos minutos el director te los presenta y cada plano es dosificado a la perfección. No sobra nada. Al principio uno odia a Seok-woo, ese empresario capaz de dejar a una embarazada y su marido encerrados mientras todos se van transformando en zombies pero luego ¡Ay de mi! Lo que

sufrí con todos los personajes de esta película .Es cierto, no puedo pronunciar ni un solo nombre sin googlearlo pero eso demuestra que un puñado de anónimos pueden convertirse en héroes o villanos en un abrir y cerrar de ojos. Los zombies son geniales, la epidemia ocurre en un abrir y cerrar de ojos y son veloces como los de 28 Days Later pero mejores y menos boludos que esas cosas por computadora que solo se apilan y ruedan de World War Z .El gran acierto que tiene el director es un recurso de guión fundamental y es que si los zombies no ven no atacan y entonces usa los momentos de oscuridad y luz magistralmente. Cuando pensás que la película no se va a sostener, siempre aparece un mecanismo que la sigue complicando más, al mismo tiempo que te obliga a estar aferrado a la butaca como una garrapata. La fotografía es excelente, la ciudad es fría y desprovista de naturaleza exceptuando esa vorágine de muertos vivientes y el caos reina por todas partes excepto en Busan, donde dicen los rumores que lograron neutralizar la amenaza. De hecho esta película es un logro porque tiene todos los clichés de cine de zombies (desde la embarazada hasta los militares) pero se las arregla para darlos vuelta y hacerlos tra-

bajar en su favor. Pocas veces se me cayeron las lágrimas con una de zombies. Las amo, me encantan y las miro siempre pero esta película me hizo llorar con el inesperado final, te prometo que no te olvidás del empresario y su hija en tu vida. Un amigo me dijo que en la realidad todo era inverosímil, sobre todo el final pero yo dije "Al demonio, si creo que la invasión zombie es real, es porque la película funciona y si sufro como una condenada es porque el guión es perfecto". Y así Train to Busan cuenta con planos secuencias que nos recuerdan a la pelea de Old boy en el pasillo y el aprovechamiento al extremo de los usos espaciales del tren y las estaciones aledañas. No hay una sola cosa fuera de lugar en esta película. La fórmula es puramente narrativa. Si algo aparece (algo pequeño incluso, como un mensaje o una información en la tv, es porque en algún momento del desarrollo va a tener peso dramático). El único personaje ausente y que moviliza todo el relato es la madre de la nena y así permanecerá. Sang-ho Yeon, juega todo el tiempo con el espacio afuera del tren ¿Cómo es el mundo afuera de ese maldito tren? Obviamente hay momentos en que lo deja entrever pero creo que estoy segura que el sabría que esa

sería la historia que Hollywood contaría "la invasión mundial", mientras que Sang-Ho a la vieja usanza decide encerrarse con esos personajes que el mismo construyó desde la escritura del guión: el marido, la esposa embarazada, la anciana buena, hermana de la anciana mala, el ejecutivo del mal, el empresario y su hija, los adolescentes enamorados deportista y porrista: todos arquetipos bien desarrollados y fácilmente empáticos; que ahora que funcionó y fue un

suceso para el cine Coreano va a ser hecho remake por Hollywood y a nosotros nos queda decir (agarrándonos la cabeza) ¿Con que necesidad? La película es perfecta y no es de ustedes... Así que, te invito, antes de que Hollywood te arruine la experiencia, a que mires esta joya del cine de terror que como esta tan bien realizada cuenta mucho del alma humana y los mecanismos que nos hacen una sociedad, esos que nos pueden salvar o nos pueden destruir.

EL ESCRITOR SERIAL

LEGION: TEMPORADA 1: PSIQUIATRÍA EN TÉRMINOS DE CÓMICS [ Nicolás Ponisio ]

Noah Hawley se ha convertido desde hace algunos años en uno de los grandes dioses televisivos, como en su momento lo fue Vince Gilligan con Breaking Bad. Desde la escritura hasta la realización técnica, ha sabido apropiarse de mundos ya existentes con intenciones claras de arriesgarse en todo momento en pos de la excelencia del material que le ofrece al espectador. Lo hizo con dos grandes temporadas de Fargo, expandiendo el mundo del film de los Coen que por momentos supera al original, y ahora lo ha vuelto a hacer irrumpiendo en el universo de las adaptaciones comiqueras de Marvel. Hawley, como a quien le queda chico el espacio que habita, es un ladrón de mundos preexistentes tan solo para recrearlos a su propia medida o incluso agrandándolos para luego, como un buen Dios, poder crear a los habitantes e historias a su semejanza. Con Legion, opta por escoger un personaje

de historietas no muy conocido que, a la vez, es el mutante más poderoso del universo de los X-Men. Es así como la historia se centra en David Heller (Dan Stevens), hijo del conocido profesor Charles Xavier creado en 1985 por dos genios como Chris Claremont y Bill Sienkiewicz, pero sin depositar demasiado la mirada en el factor del género superheroico. Más bien todo lo contrario, se hace de los elementos y personajes fantásticos para bajarlos a tierra (sobre todo a aquellos que pueden volar y/o levitar), volviéndolos humanos y defectuosos, logrando posible una unión de empatía más poderosa que cualquier habilidad sobrehumana. Es allí donde, con la excelencia de distintas líneas narrativas encuentra la forma de que el dramatismo real y los elementos fantásticos se toquen y entrecrucen. Que se paseen entre el tiempo presente, el pasado, las memorias, los falsos recuerdos y la

construcción de palacios mentales y planos astrales. Un constante interés por sorprender al utilizar todos los recursos distintos y posibles que, sin parecer un mero capricho, se arriesga a jugar con la imagen a la vez que construye una enigmática historia que le exige al espectador también hacer uso de todos sus sentidos para acompañarla. Con cada elemento narrativo y audiovisual al que se recurre a lo largo de los ocho episodios que componen a esta primera temporada, hay una clara búsqueda de extrapolar todo lo previamente conocido en cuanto al género de historietas a un plano sumamente realista y sobre todo psicológico. La esquizofrenia que le es diagnosticada a David y que se traduce también en la forma de poderes telequinéticos y telepáticos, es presentada y estudiada a lo largo de toda la temporada paulatinamente, volviendo casi imposible discernir entre lo que es real y lo que no. Lo que transcurre dentro de la cabeza de David y lo que sucede en el tiempo real, si es que realmente alguna vez se ha estado allí. Lo que si se presenta como algo muy real es la enfermedad de David, quien pasó los últimos seis años de su vida internado en el hospital psiquiátrico Clockworks. Dicha enfermedad también es traducida en términos visuales en la forma de un aterrador virus mutante conocido por muchos nombres como The Devil with the Devil Eyes, The Shadow King para

los fanáticos de los cómics, o Lenny (Aubrey Plaza) como la identidad más querida para el público de la serie. La descomunal locura carismática que desborda Aubrey Plaza en su caracterización la vuelve una de las grandes villanas jamás vistas, demostrando que no solo controla la mente de David sino que también lo hace con toda la serie y la perpleja mirada de quien la ve. A través de ella, y sus distintas versiones, la serie hace también un interesante recorrido por el trastorno de personalidad disociativa e incluso en un episodio en particular, se permite traducir las “habilidades” de los personajes como distintos tipos de enfermedades mentales respectivamente. Un ejemplo más del subtexto de la serie que termina apoderándose de la totalidad de los personajes y de la atención del público, más interesado en entender el estado del pobre David que en ver batallas con héroes en mallas. Pero allí donde hay una enfermedad, generalmente hay una cura, y ésta se presenta en la forma de la bella Syd Barrett (Rachel Keller, cualquier semejanza del nombre de su personaje con cierto integrante de Pink Floyd es pura coincidencia). Y es a través de la trama romántica, lejos de toda cursilería, donde se permite dialogar a cerca de la enfermedad y lo que implica el amor y la compañía en una situación y relación que va más allá del contacto físico –Syd

padece de un toc que le impide tocar o ser tocada por otra persona-. Gracias al cambio constante y la forma en que lo simbólico se traduce al plano mental del protagonista y de quienes lo rodean, se da forma a distintos géneros- allí están el drama, la comedia, el romance, el terror, el musical, la acción, el surrealismo- todos unidos en pos de realizar una suerte de escaneo cerebral. Todo ello acentuado aún más por el aspecto psicodélico enfatizado también por una ambientación atemporal con reminiscencia de los sesenta. A través de ello se desprende lo genérico, o el burdo convencionalismo narrativo (sobre todo en relación a la unión que debe responder en relación a ciertos personajes o fórmulas de las viñetas), para no dar demasiada cuenta de su familiaridad con el mundo de los X-Men sino para enforcarse desde un aspecto mucho más complejo y psicológico. La (de)construcción de la historia y cómo ésta, desde el lado visual, se permite jugar con las imágenes y los cambios de formato (cosa que Hawley ya había experiementado en Fargo, más que nada en su segunda temporada), dotan tanto al material como al espectador de la sensación de estar ante algo original y nunca antes visto. Y eso, en un mundo cada vez más plagado de la sensación de que ya se inventó todo, vuelve a Legion en un verdadero mutante entre sus colegas televisivos y el vasto mundo compartido de las series y el cine. Legion gana mucho en el diseño de guión, escenarios, personajes y en la traducción de todo ello en los aspectos visuales y trans-

gresores del género. Sin embargo, su genialidad por momentos no puede escapar a los lugares comunes u obviedades de estructura (mayormente al momento del climax resolutivo de la temporada) o también a un lamentable uso de los efectos digitales que, por menores que sean, descuidan en parte la belleza visual y fotográfica de la serie. Volviéndola un tanto desprolija cuando ciertos VFX entran en juego. Y si bien los momentos finales de la temporada le juegan bastante en contra a lo que fue la mayoría del desarrollo de la serie, la elección de no ofrecer un cierre al menos a una parte de la trama principal podría resultar un descuido a futuro, todo el camino enigmático y profundo que llevo a los personajes hasta ese punto es de un nivel elevado y elaborado. Tan así que no termina por echarse a perder por más convencionalismo que haya sufrido en su etapa final. Noah Hawley y su equipo de guionistas han sabido aportar una nueva mirada, por no decir radiografía humana, al sobreexplotado mundo de las adaptaciones comiqueras. Una suerte de lado oscuro de la Luna Marvelita. Un camino a seguir construyendo en pos de no deberle tanto al material original, sino hacerlo propio para contar las historias que realmente merecen ser contadas y entendidas para no terminar tanto tiempo encerradas como David, sin nadie que lo comprenda realmente. Al fin y al cabo, locuras como estas hacen más bien que cualquier cura.

https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

nueva banda Laetitia Sadier Source Ensemble y un disco lanzado la semana pasada por Drag City llamado “Find Me Finding You” ya habíamos escuchado un par de adelantos donde la mostraban continuando en la línea que viene trabajando desde su primer trabajo junto a EstereoRide presentó video de "Charm Assault", lab en 1991. el segundo tema que conocimos de su nue-

El álbum fue acompañado por la salida

vo álbum con fecha de lanzamiento el 16 del video sobre el tema "Galactic Emerde junio “Weather Diaries” es el primero gence" dirigido por David Thayer and

Niños Envueltos lanzó el 5 de abril su

en 20 años tras “Tarantula” (1996). Está Laetitia Sadier.

segundo Ep “Un negocio de alquiler de

claro que son ingleses y su composición es

bombas” al cual podremos acceder en

la continuación natural de sus trabajos an-

principio en formato digital y más ade-

teriores como nos dice Andy Bell y se nota

lante en formato físico editado por el

claramente en el primer adelanto “Home

sello independiente peruano “Colecti-

Is A Feeling” pero también es cierto que

vo Manifiesto”. Ahora la banda renova-

este "Charm Assault" trae un trabajo de

da se alista para realizar unas fechas en

guitarras que nos recuerda más al sonido

Perú incluyendo la participación en el

del Noise norte americano de Sonic Youth que al Noise del Shoegazer Ingles.

festival de “Lima Pop Fest” pero antes La cantante francesa Prochet, líder de

tienen una fecha programada en el país

Andy Bell dice "Charm Assaultes es una la banda Melody’s Echo Chamber acaba

vecino de Uruguay. Aquí las fechas para

expresión sencillamente de frustración y de compartir por el canal de yuotube de

nuestros lectores que esten por la zona.

disgusto por las personas que actualmen- la banda la canción “Cross My Heart” un

Jueves 27 de abril en Montevideo (Uru-

te dirigen nuestro país. El tour en el año adelanto de su nuevo álbum anunciado

guay) "Tundra Bar" Esq. Durazno y Con-

2015 fue una buena manera de recordarnos para este año que se llamará “Bon Voya-

vención, 21hs. Sábado 29 de abril, Lima

lo que fuimos y Charm Assault se siente ge”. El álbum que será editado en forma

(Perú), "Lima Popfest" en "Fuga" Grau

como una continuación natural de nuestro independiente fue grabado y producido

701, 23hs. Sábado 6 de Mayo en Huan-

pico. Cuando empezamos a escribir juntos por Prochet, Fredrik Swahn y Reine Fis-

cayo (Perú). "Local Santa Rosa" Jr. Santa

otra vez intentamos imaginar que nos ha- ke.

Rosa 560, 21hs. y cierran la gira con un

bíamos mantenido haciendo música todo

concierto en nuestra Ciudad Autónoma

este tiempo, y esto es lo último que hici-

de Buenos Aires el Sábado 17 de Junio en

mos"

Buenos Aires "Club Cultural Matienzo", Pringles 1249, 21hs

El buen video concebido por Anton Newcombe y por Jean de Oliveira es una superposición de imágenes coloridas de estética psicodélica de la banda con manifestaciones callejeras ilustrando fielmente el sentir político de la banda. Los Melvins anunciaron para el 7 de julio el lanzamiento de un álbum doble “A Walk With Love and Death” el mismo está integrado por la música de una pe-

Laetitia Sadier a sus 48 años llega con

lícula que ellos mismos produjeron del

The Telescopes acaba de anunciar la sa-

mismo nombre, más otro LP que incluye

lida de un nuevo álbum llamado "When

temas que no están en el film.

Light Return" para el 07 de julio, bajo el sello de Hamburgo tapete records. La

banda editará su noveno álbum luego del

"Space Oddity" de David Bowie; "Trans-

mer álbum bajo el nombre de Lucas Ortiz

hermoso "Hidden Fields" de 2015.

former", "Coney Island Baby" o "Berlín"

Facu Efes, pueden escucharlo y bajarlo en

de Lou Reed; "Raw Power" de Iggy Pop

su bandcamp.

and The Stooges, entre muchoossssss....

Canciones folk pop, acústicas con gran

Dirigido por Barnaby Clay y producida

belleza y lucidez, Facu Efes y Lucas Ortiz

por Magnolia Pictures. De paso les con-

hacen un gran trabajo.

tamos que La muestra “Bowie by Mick

Si quieren en formato en físico pueden

Rock” llega a nuestro país del 4 al 28 de

pedirlo por inbox en su página de face-

mayo en La Rural de Palermo.

book, según ellos: "¡Te lo llevamos hasta tu casa!"

La banda italiana CLUSTERSUN acaba de lanzar el primer single “Raw Nerve” como adelanto de su próximo álbum "Surfacing To Breathe" con fecha de lanzamiento para el 19 de Mayo bajo el sello Seahorse Recordings el 19 de mayo. La canción se puede escuchar por bandcamp o por youtube mientras disfrutas del video producido por Visualazer. Dirigido por Samir Kharrat y Adriano Spadaro Video Productions

Nuestro amigo Kristian Conde acaba de lanzar un track homenaje a George

La banda post-punk The Foreign Re-

Michael con video y single. Sabemos que

sort acaba de lanzar un nuevo single,

está en vías de lanzar un EP de versiones

"She Is Lost". El trío de Copenhague (Di-

en este 2017. Por otra parte continúa con

namarca) lanza el primer adelanto de su

su nuevo proyecto KOMGO, acompaña-

nuevo álbum, aún sin nombre y sin fecha

do por Inma Gomes, quien participa en

de lanzamiento.

este single. También acaba de lanzar su nuevo video de la canción "Fly" y pronto se centrará en KOMGO, así que tendremos más noticias pronto.

SHOT! The Psycho-Spiritual Mantra Of Rock. Es el nombre del documental

La banda Rancho Relaxo acaba de

sobre Mick Rock, que se estrenó el 7 de

anunciar la salida de un EP nuevo llama-

abril en Estados Unidos, en cines, en

do "POLARIZED" bajo el sello Wrong

Amazon Video, OnDemand e iTunes,

Way Records para el 27 de Mayo de este

Mick, uno de los más grandes fotógra-

Como dice en su facebook:

año. Acaban de lanzar el nuevo videorea-

fos de la historia del rock y retratista de

"Un dúo formado por seis o siete per-

lizado por Psychoactiv.

grandes portadas de álbumes, entre ellas,

sonas" son los que conforman Lucas Ortiz/Facu Efes, quienes han editado su pri-

¿Bandas que reviven la psicodelia? ¡Rancho Relaxo, obvio!

101

PURA MELOMANIA

THE 13TH SIXTIES ELEVATOR Por José Luis Lemos

¿Será que lo que está roto tampoco hace falta arreglar? The Electric Prunes - I Had Too Much To Dream (1967)

La historia de los Electric Prunes es similar a la de tantas bandas de garaje que, a mediados de los 60, buscaban su pedacito de fama en una escena en constante movimiento. Muchas de ellas solo alcanzaban a lanzar un single y luego caían en el olvido al no tener el suficiente talento como para perdurar más allá de dos o tres canciones, y los que lograban publicar un longplay solían perder en éste toda la frescura de sus singles, presionados por las compañías discográficas a repetirse una y otra vez o adaptarse a la fuerza a estilos más redituables. Los Prunes lograron sortear la primera etapa gracias a dos singles enérgicos con sobredosis de fuzz y reverb. También la segunda, aunque terminaron perdiendo la batalla por el control creativo luego de tres discos. Una batalla que comenzó con la canción que los llevó al éxito y que le dio nombre a su primer álbum. Cuando los Prunes aún no eran los Prunes y se hacían llamar Jim and The Lords, fueron contratados para tocar en una fiesta sorpresa para el marido de Anette Tucker, compositora que, aunque ahora pueda jactarse de haberle escrito canciones a Tom Jones, Sonny and Cher, Nancy Sinatra y los Jackson Five, por entonces era solo una incipiente artista. Tucker, sorprendida por la performance de Jim Lowe y compañía, logró que llegaran a la oficina de Dave Hessinger, un ingeniero de sonido que estaba interesado en producir un disco luego de participar del Aftermath de los Rolling Stones. Obligados a cambiar de nombre, los ahora denominados Electric Prunes grabaron un single –conteniendo Little Olive y Ain´t it hard- que pasó totalmente desapercibido. Tuvieron una segunda oportunidad, pero en esta ocasión –y debido a la falta de confianza de Hessinger respecto a las composiciones originales de la banda- la encargada de componer la canción del nuevo single sería la propia Annette Tucker junto a otra escritora, Nancie Mantz, quienes tenían una melodía para ofrecerles. No hay nada que represente más la psicodelia garagera que se cocinaba en Los Angeles allá por 1966 que el zumbido que abre I had too much to dream. Descubierto por accidente en las sesiones de grabación, Lowe –can-

tante y líder de los Prunes- decidió que era el comienzo ideal para una canción que retrata una historia de desamor que también puede entenderse como el final de un viaje de ácido. La atmósfera ensoñadora así lo sugiere, con una guitarra en reversa que acompaña un ritmo galopante que bien podría componer un Ennio Morricone pasado de LSD. Siendo una condensación tan perfecta del espíritu psych garaje en menos de tres minutos, no es de extrañar que Lenny Kaye inicie su emblemático compilado Nuggets con esta joya que aún hoy sigue sonando tan fresca como antes. Luego de su primer hit, los Electric Prunes pensaron que, ahora sí, tendrían libertad creativa para componer su propio repertorio. Pero el mercado se manejaba con otras reglas, y una de ellas era “si no está roto, no lo arregles”. Dicho de otra forma, Tucker y Mantz ya habían demostrado tener la clave del éxito, y Dave Hessinger impuso la dupla para escribir todo el material del primer álbum. Una decisión que no cayó nada bien en los integrantes de la banda, cuya función ahora se limitaba a ejecutar ideas ajenas. Peor aún, Hessinger les dio indicaciones para que las nuevas canciones se abran a otros géneros con fines puramente comerciales. Dada la situación, I had too much to dream se trata de un álbum increíblemente cohesivo. Si bien casi nin-

105

guna de las canciones supera el impacto del single que los llevó a la fama, lejos está de parecer un álbum con un hit y 11 temas de relleno. En Get me to the world in time suenan como si Bo Diddley fuera al espacio,-antes que los Stones intentaran un sonido similar en Please go home- y en Try me on for size, con un piano marcando el ritmo, nos vuelven a recordar a la banda de Jagger y cia. Sold to the highest bidder da muestras del origen surf rock de la banda, con una melodía que no hubiera quedado mal en el soundtrack de Pulp fiction, mientras que Are you lovin me more (but enjoin’ it less) se anticipa al sonido que luego tendrá The piper at the gates of Dawn. La paleta sonora se extiende aún más cuando escuchamos Bangles y su ritmo cortado que se vuelve vals en el estribillo y, sobre todo, en la melancólica balada Onie. Train for tomorrow y Luvin –las dos únicas composiciones de la banda- coquetean respectivamente con el jazz y el blues de Missisipi pero ahogado en toneladas de reverb. Los momentos donde el disco flojea son aquellos donde se quiere disfrazar a los Electric Prunes de lo que no son, intención que es más notoria en canciones como About a quarter to nine , Toonerville Trolley y The King is in the counting house, que en pos de replicar el folk y el music hall inglés agregan cuerdas, clavicordios y trompetas a una propuesta que podía (debía) prescindir de tales instrumentos. Los Prunes lo sabían, pero ya habían firmado un contrato y ahora solo debían limitarse a cumplirlo a regañadientes. Aun así, salen airosos y logran imprimirle cierta dignidad a canciones que, en otras manos, hubieran sido prácticamente insufribles.

Luego de pagar derecho de piso, los Electric Prunes tuvieron la ansiada revancha en Underground, su segundo disco, donde pudieron componer la mitad de las canciones (siendo la otra mitad, nuevamente, del dúo Tucker/ Mantz) y tener un poco más de control sobre el resultado final, logrando un disco superior aunque sin un hit como I had too much to dream. Lo que causaría, eventualmente, una mayor presión sobre la banda que, culpada del fracaso y casi forzada a grabar un disco de rock psicodélico con influencias de música gregoriana (Misa en F menor), es finalmente reemplazada por otros integrantes al no estar a la altura del virtuosismo musical que exigía la ambiciosa idea. De ese modo, los integrantes originales fueron despedidos y de la banda solo quedó el nombre, además de breves destellos del sonido original. En 2001, algunos miembros de la primera formación se reunieron con el fin de grabar un nuevo disco, que llevaría por nombre Artifacts. Pese a que la relación de los Prunes con Annette Tucker y Nancie Mantz lejos estuvo de ser armoniosa, decidieron llamarlas para que vuelvan a dar su aporte, en un intento de saborear las mieles del éxito una vez más. Después de todo, era un reconocimiento justo a quienes habían sido las artífices de sus canciones más populares. La colaboración no terminó de la mejor forma: los Prunes cambiaron las letras de sus composiciones y otras nunca fueron utilizadas, por lo que ambas partes solo pudieron saborear antiguos rencores. ¿Será que lo que está roto tampoco hace falta arreglar?

107

AHORA COMPARTIMOS UNA CASA JUNTO AL MAR

[ Entrevista a Lol y Cindy Tolhurst de Levinhurst por Diego Centuriรณn ]

El 17 de abril del 2007 se lanzaba el álbum de Levinhurst, House by the Sea. Y como esto es parte de nuestro gen, queremos traerles la mirada de la banda sobre ese álbum que nos sorprendió por su belleza. Y Levinhurst ya es una de las bandas que siempre regresan a nuestras páginas. Ya la estábamos extrañando. No podemos negar la alegría que nos causó escuchar en febrero del 2007 la salida de The Grey, ese EP que sería la antesala del álbum que salió en abril. Si bien solían incluir alguna versión de canciones de la ex banda de Lol en vivo, ¿Cómo fue regrabar una canción de The Cure? Lol: Fue muy bueno ya que ya conocíamos la canción y tiene un lugar especial en mi memoria sobre la muerte de mi madre. Luego las dos canciones que siguen en este EP, son dos canciones que aparecen en el álbum, pero las versiones son diferentes. ¿Cuáles fueron las versiones originales y cuáles fueron reinterpretadas nuevamente? Lol: Yo quería que Michael Dempsey remixara una canción para presentarlo a la gente como parte de Levinhurst. Ya entrando en House By The Sea. Se cumplen 10 años del lanzamiento. Y el tiempo parece no haber

pasado en cuanto a lo estrictamente sonoro. ¿Cómo lo sientes hoy, a diez años? Cindy: Para nosotros es una instantánea de nuestro matrimonio en ese momento y un buen lugar para estar. Sigue siendo muy real. En este álbum participa remezclando Michael Dempsey, ¿cómo sucede este reencuentro? Lol: Siempre hemos sido amigos incluso después de que él dejó The Cure, es algo natural trabajar con él otra vez. ¿Cindy qué recuerdas del trabajo de las letras? ¿Tú ingresas al estudio con las letras definidas o te permites el jugar dentro de él? Cindy: De la misma manera que Lol colaboraba con las letras de Robert en The Cure. Colaboramos ambos en las letras de Levinhurst. Son personales a esa relación y parte de la relación. ¿Y cómo fue la etapa de la composición de las canciones? ¿Cuánto tiempo les ha llevado la escritura de las canciones del álbum? Lol y Cindy: Creo que vinieron durante un período de un año. Pensando en esta y otras publicaciones de la banda, siempre me parece que las canciones no pertenecen a un tiempo específico. Es decir como que no

109

reflejan una época particular, como decir "esto suena a tal década" o algo así. ¿Cómo sientes esto? Lol: Siempre nos esforzamos mucho para no hacer música de moda. Así como la moda muere, lo hace la música. Está encadenada a nuestros sentimientos no a una moda. Así que siempre es relevante. ¿Qué significa en la vida de Levinhurst "House by The Sea"? Cindy: Es el lugar donde vivimos tanto en la realidad como en el sentido figurado. Ambos venimos de una casa junto al mar y ahora compartimos una, juntos.

Ya hemos realizado una entrevista sobre "Perfect Life" y en ella le habíamos pedido un track by track. No podemos dejar de hacer lo mismo para " House by The Sea". Nobody Cares: Sobre morir y sobre la realidad de vivir. Never Going To Dream Again: Un amigo tuvo una angustia por lo que se trata de amor perdido. Beautiful Life: El título lo dice todo. Unreality: Un lugar para esconderse. I Am: Mi experiencia en el desierto de Mojave. Heart and Soul: Lo que buscamos. Another Way: Buscando. Forgiven: Para vivir verdaderamente tienes que perdonar a todos, incluso a ti mismo. House by The Sea: Un lugar tranquilo.

111

Lol, has estado presentando su libro “Cured: The Tale of Two Imaginary Boys”. ¿Fue una especie de exorcismo de su pasado en The Cure? ¿Cómo cerrar definitivamente un ciclo?

yas dado cuenta cuando recibiste el producto terminado? Lol: ¡Siempre hay otro libro! Y habrá otro como lo estoy escribiendo ahora...

Lol: Ciertamente fue catártico pero no es un fin en sí mismo En marzo se han cumplido treinta años de la primera preHas escrito el libro después de muchos años de haber abandonado a The Cure. ¿Te llevó mucho tiempo tomar la decisión de sentarse y escribir? Lol: Parecía el momento adecuado. He tenido mucho tiempo para reflexionar sobre la verdad de The Cure y mi relación

sentación de The Cure en Argentina, Cindy ¿alguna vez él te ha contado el caos que fue? Y Lol, ¿Qué recuerdas? Cindy: Sí, él me dijo, pero dijo "lo que recuerdo está en el libro Una razón para escribir era conmemorar para que la gente sepa la verdad".

con ella. He leído que el libro te dio la oportunidad de hacer algo que Digamos, que tú Lol, eres parte de nuestras vidas, por lo menos en mi caso, desde la adolescencia. Y siempre estamos atentos a lo que haces, y seguimos en las redes sociales sus presentaciones en diversos lugares del mundo. ¿Tú cómo ves la

siempre habías querido realizar. ¿Qué debemos esperar un nuevo álbum o un nuevo libro? Lol: ¡Ambos! El libro ha abierto un canal de creatividad que exploraré.

aceptación del libro? Lol: ¡Ha sido muy bueno! Me di cuenta de que para que el li-

Y para terminar la entrevista que muy amablemente ustedes

bro sea aceptado tengo que ser verdaderamente honesto y así

nos han concedido, ¿habrá algo nuevo de Levinhurst? ¿Pode-

siento a la gente.

mos decir que hay un año activo para Levinhust? Lol: ¡Habrá, pero tomará tiempo todavía estoy muy ocupado

¿Qué posibilidades hay para la publicación del libro en varios

con el libro!!

idiomas? ¿Habrá español? Lol: ¡Ya en francés pronto en español y finlandés y checo!

Quiero agradecer a ambos por el tiempo que nos han dado. El último espacio se deja para decir lo que quieren.

¿Crees que quedó algo sin escribir en el libro? ¿Algo que te ha-

Gracias por todo el apoyo y amor.

113

La Rebelión Blanca The Clash - The Clash (1977) [ José Luis Lemos ]

Abril de 1976, Nueva York. Cuatro pelilargos, que parecen salidos de una banda de garage de los 60, posan desafiantes delante de una pared de ladrillos, para lo que será la portada de su álbum debut. El nombre de éste es el mismo con el que bautizaron a la banda: Ramones. Estos cuatro inadaptados no saben que están cambiando la historia del rock para siempre y que acaban de consolidar un nuevo género musical: el punk. Abril de 1977, Londres. Tres jóvenes de pelo corto y respingado, que parecen salidos de una banda mod de los 60, posan desafiantes delante de una pared de ladrillos para lo que será la portada de su álbum debut, cuyo nombre es el mismo con el que bautizaron a su banda: The clash. Pero algo ha cambiado. Si bien la imagen sigue siendo monocromática como la de Ramones, ahora parece intervenida, sobreexpuesta y con un marco que simula una fotografía rota sobre un verde militar. Al punk, además de una sonoridad y una actitud, se le suma una estetica y una ideología que alcanzan su máxima expresión en dos álbumes fundamentales: uno es, claro está, el ineludible Never mind the bollocks de los Sex Pistols. Y otro es el que nos ocupa hoy, ese prodigio adrenalínico llamado The clash. “¡Mierda, nos copiaron!”, fue lo primero que atinó a decir Johnny Ramone al escuchar el primer single de la banda. No era para menos. En el lado A teníamos White riot, que toma el ritmo de Blitzkrieg bop, lo duplica y, allí donde antes estaba la melodiosa voz de Joey Ramone, ahora tenemos los alaridos de Joe Strummer, escupiendo con rabia un llamado a la rebelión blanca. La virulencia política de este auténtico himno punk revela que los Clash, además de tomar nota de lo que hacían los Neoyorkinos en su primer álbum, también tenían los ojos puestos en MC5, la banda que unió activismo po-

lítico con energía punk casi 10 años antes, y a la cual justamente los Ramones tomaron como referencia para definir su indumentaria. Pero para recordarnos que estamos escuchando a una banda británica, en el lado B estaba 1977, fresco apocalíptico que, si bien implica un borrón y cuenta nueva en la escena musical (“en 1977 no hay Elvis, Beatles ni Rolling Stones”) lo hace sobre una base que recuerda a los primeros Kinks mientras cuela guiños a los Stooges. Comenzar de nuevo, sí, pero sin dejar de reconocer a los padrinos del movimiento. “Es el mejor tema que da comienzo a un disco”, dice sin dudar el personaje de John Cusack en Alta fidelidad, mientras que Martin Scorsese afirma que se trata de la mejor canción británica de rock n´roll. Quizás sea meterle demasiada presión a una canción tan sencilla como Janie Jones, pero lo cierto es que esta descripción cariñosa de un joven hastiado de su trabajo que solo quiere salir con su chica, escuchar rock y drogarse es la que mejor resume el espíritu de The Clash. Por un lado tenemos el contraste sonoro que se genera entre la voz desvencijada de Strummer -que no parece preocupado por afinar ni mucho menos por que se entienda el 100% de lo que dice- y los coros Beatlescos de Mick Jones que reducen la aspereza que brota de su guitarra. Y las letras, claro

115 está, que hablan de desempleo, rebelión y aburrimiento al compás del bajo tosco de Paul Simonon (que aprendió a tocar el instrumento durante las grabaciones) y la batería marcial de Terry Chimes, quien no llegó a aparecer en la tapa del disco porque se fue de la banda antes del lanzamiento. La energía de ese primer track es solo una pequeña muestra de lo que sigue. I’m so bored with the USA expresa el descontento ante la americanización de la cultura inglesa, pero también una resignación presente en el “Pero que puedo hacer?” que aúlla Strummer. La influencia americana, precisamente, sería el motor de los próximos álbumes de la banda, aun cuando seguirían manifestando desprecio ante los yanquees en muchas de sus composiciones. El retrato de una población atontada frente a la caja boba continúa en London´s burning, que vuelve a hacer foco en el aburrimiento de una generación que solo encuentra placer en la velocidad...o en la autosatisfacción. Pareciera que todo disco punk que se precie de tal debe contener al menos una canción sobre masturbación, y Protex blue viene a llenar ese espacio con algunas dosis de humor que dan un respiro ante la angustia y el odio que destilan What’s my name y Deny. Si bien el nombre de la banda hace alusión a la confrontación, al choque que se produce entre dos posturas opuestas –perfectamente ilustrado en la contratapa, donde unos policías apalean a unos manifestantes- también se podría aplicar al choque de géneros musicales que cultivaron desde sus inicios. Su primer álbum es el menos ecléctico de su discografía, y las canciones se ciñen a la fórmula punk modelo 77, pero hay pequeños destellos de lo que vendrá por aquí y por allá. En Hate and war y Remote control, por ejemplo, se las ingenian para convertir diatribas sobre odio y represión policial en pegadizas canciones pop que le deben más a Ziggy Stardust que a los Ramones. En garageland introducen una armónica para hacer más evidente el orgullo de ser una banda de garage, mote utilizado negativamente en una reseña publicada en el New musical express. Pero es en Police and thieves, cover del clásico de Junior Murvin, donde pueden encontrarse más indicios de lo que vendrá. Jones, tratando de adaptar ese reggae a un ritmo más acelerado, entrecorta su guitarra y crea un nuevo género

que exprimiría hasta la saciedad el rock alternativo de los 90. Tal como lo bautizó Bob Marley luego que Lee Perry le acercara un ejemplar del disco de los Clash, se trata de música para punkie reggae partys. Ambas razas y géneros musicales unidos con un fin en común, luchar contra la intolerancia y el autoritarismo que estaba proliferando en Inglaterra de la mano del Frente Nacionalista. Y, como símbolo de fraternidad entre colegas, Strummer abre la canción citando el Blitzkrieg bop de los Ramones. Hay dos maneras de acercarse por primera vez a The Clash, el álbum, y la única recomendable sería escuchando la versión original inglesa. Pero allí está también la edición americana, una ensalada de tracks extraídos del primer disco, de lados B de Giv’em enough rope y singles previos a London Calling. Editado dos años después de la versión oficial –debido a que en su momento fue rechazada por las discográficas americanas al considerarse demasiado cruda para pasarse en la radio- el The Clash americano omite 4 de las mejores canciones de éste: Cheat, Protex blue, Deny y la anfetamínica 48 hours. Vale solo para completistas de la obra de Strummer y cía, ya que todos los temas pueden encontrarse en otros compilados oficiales de la banda. La influencia que ejercieron estas 14 canciones sobre el punk nacional es inmensa. Quizás las más notorias pueden encontrarse en los primeros discos de Los violadores, pero sobre todo en 2 minutos, la banda de Valentín Alsina que, además de sonar muy parecidos a los primeros Clash , reinciden en las mismas inquietudes temáticas. Después de todo, la Argentina de finales de los 90 no difería demasiado del estado calamitoso en que se encontraba Inglaterra en aquel entonces. Pero la huella más memorable que dejó este disco en el rock argentino es la desenfadada versión que hizo Flema de Career opportunities en el disco tributo Buenos Aires City rockers. Allí, Ricky Espinosa tararea la melodía despojando a la letra de cualquier sentido, pero reivindicando en ese gesto la actitud del punk original, donde ser feo, desafinado y ruidoso era casi una condición para pertenecer a la tribu. Características que los Clash fueron perdiendo desde su segundo disco, fruto de la irrefrenable curiosidad musical de sus integrantes. Pero esa, claro, es otra historia.

Promesas (In)cumplidas David Bowie Never Let Me Down (1987)

[ Pablo Müllner ]

Si el título del decimoséptimo álbum de estudio de David Bowie sugiere una declaración de principios, o al menos una promesa Nunca me decepciones–, el álbum se parece más la invitación a una cita a la que finalmente El Duque Blanco no asistirá. El mismo Bowie reconocía años más tarde no haberse involucrado demasiado con los arreglos y la producción, que estaban a cargo de él mismo y David Richards, un productor que venía de trabajar en A kind of magic de Queen. Esta decepción puede tener entonces que ver con que Bowie haya perdido el control creativo del proyecto, sí. Pero también esa decepción parecía sonar como una mueca pop. Corría 1987 y la música se juzgaba más por cómo se veía que por cómo sonaba. MTV gobernaba la cultura juvenil, y ser una estrella pop “de onda” requería formar parte del universo televisivo y las revistas de moda y tendencia. El alto perfil de Bowie no le permitía quedarse afuera. Entonces en este nuevo contexto este álbum parecía dirigido a dos objetivos básicos. Por un lado, cimentar a Bowie como un ídolo juvenil, a sus cuarenta años y luego de dos décadas de carrera, absolutamente vigente. Y por otro lado, ser la excusa ideal para una monumental gira. Así las cosas, Bowie arrancaba la era posando sonriente con un altísimo jopo en la tapa de Rolling Stone, abrazado con alguna estrella femenina del momento o en solitario en varias publicaciones teen. Los videoclips, llamativos, coloridos, ruidosos, lo mostraban vital y en completo control de su personaje, mientras rotaban sin parar en MTV y hasta causaban un poco de polémica y algún problema de censura. En particular, el recarga-

do video para el tema Day In Day Out, dirigido por el cineasta Julien Temple, que tenía escenas de desnudez (femenina) y cierta dosis de violencia para la época (la policía y el ejército destruyendo una casa de familia). En paralelo el álbum se convertía en el soporte para su teatral gira “Glass Spider”. El concepto del tour justamente estaba basado en el sexto track del disco, un número spoken word, bastante ambiental, donde Bowie explica la forma de cazar de las viudas negras. El escenario estaba diseñado verdaderamente como una araña de vidrio. La gira fue también muy criticada, precisamente por un grupo de puristas que le exigían a Bowie, que en determinado momento incluso bajaba del techo con una silla colgante, abandonar la pirotecnia y las acrobacias y dedicarse a tocar con la banda. En ese sentido esta gira también sería desdeñada y nunca reconocida como influencia para las extravagancias en vivo de otros artistas pop como Michael Jackson y Madonna. Si se tienen en cuenta esos parámetros: Never Let Me Down no decepciona. Aunque Bowie nos plante en la cita, no haciendo honor al (altísimo) standard de sus mejores discos. A pesar de las mediocres críticas de Never

Let me Down, David se alzaba como el rocker favorito hacia fin de año, al disco le fue bastante bien en ventas y la gira fue un éxito rotundo. En retrospectiva queda un sonido soft rock bastante típico de los trabajos de estudio de los ochenta, con la voz

y la batería bien al frente, y un puñado de buenas canciones: Beat of the Drum, el tema del título y el exquisito Time will crawl, que con los años se volvió uno de los favoritos del propio David.

La Electrificación de la Paz The Cult – Electric (1987) [ Benjamín York ]

Para entender este gran álbum de The Cult y el porqué de que esta sea una de esas bandas que van derecho a mi Top Five de bandas, hay que tomarse el trabajo de escuchar, obviamente Electric (el álbum de que me ocuparé hoy) pero también al CD de 1988 llamado “The Manor Sessions” o el “Electric Peace” de (2013). Más que nada para entender la historia de un disco que quebró la carrera de la banda. Para este escrito estuve leyendo entrevistas de la época época y otras en donde hablaban del álbum, la historia es bien conocida, después de “Love” (1985) la banda estaba en la cresta de la ola del Gothic Rock más mainstream. El éxito del álbum hizo que repitieran la fórmula, mismo productor, nuevas canciones con el mismo sonido que les estaba dando sus satisfacciones… pero… ¿realmente querían eso? Un golpe de timón desbarató el barco de la estabilidad y cambió el rumbo de todo. Ahora bien, es necesario el ejercicio antes planteado, si no saben de dónde sacarlo, simplemente usen Youtube (The Cult - Peace) o busquen directamente “Electric Peace”. Las versiones de las canciones son totalmente distintas y como suelen hacer muchas bandas, que encuentran la fórmula del éxito, repiten los esquemas y lanzan discos muy similares hasta agotar la receta que da resultados. El álbum se iba a llamar “Peace” y el sonido es tan similar a “Love”, con su ritmo medio, sus guitarras “floreadas” de acordes y capas psicodélicas, todo muy cargado, todo muy gótico… Como veníamos diciendo varios puntos importantes

en la historia derivó en uno de los mejores discos de The Cult. ¿Qué es lo que hace tan importante a este álbum? De raíz el jugarse a más y, en cierta forma, salir de la zona de confort, aunque el intento por quedarse en esa posición privilegiada que le dio Love, lo hicieron. Pero el artista realmente tiene que darse cuenta si lo que hace es más de lo mismo. Y The Cult se dio cuenta que algo no funcionaba con el producto terminado (Peace). Y ahora les contaré la historia... “Love” y Steve Brown (el productor) habían sido el soporte en el cuál The Cult había logrado el reconocimiento tanto del público como de la prensa. “Love” fue la gallina de los huevos oro, y el paso más obvio era seguir amarrado al cuello de esa gallina. Por eso para la grabación del nuevo álbum, se volvieron a unir a Steve, el paso lógico. Entraron al Manor Studios... ¿El resultado? Algo no está bien. Las canciones suenan muy a lo demostrado en Love y Billy Duffy, Ian Astbury y Jamie

117

Stewart no estaban conformes. Este es el momento cuando Ian Astbury escucha la canción “Cooky Puss” de Beastie Boys en una discoteca de Toronto. Pregunta qué es eso y averigua quien había producido y mezclado el álbum, Rick Rubin. Pero una vez terminado el álbum, la banda decide mezclar el primer single, Love Removal Machine y pedirle a Rubin que mezcle la canción. Pero Rick le pide que en vez de mezclar, regraben la canción. Y luego les pide que regraben todas las canciones. ¿y en qué cambió la nueva grabación? Básicamente en que el sonido se volvió más crudo, más hard rock, la guitarra de Duffy perdió todos los efectos que había utilizado en la grabación anterior, y se puso más rockero, más áspero y simple; más base y menos arpegios. Billy demostró su lado más salvaje y su histrionismo para realizar solos de guitarra a lo ACDC. E Ian pudo desplegar su canto

más visceral y mostrar lo gran vocalista que es cuando se encuentra a gusto. Jamie es una pared, simple y conciso, pero logrando que el bajo suene como un apoyo necesario e imprescindible para las escapadas de Billy en los solos. El baterista Les Warner aporta unas bases de batería implacables, llenos de sutilezas y mucho poder. El dúo bajo y batería suena tremendo en la nueva grabación. El aporte de Rick Rubin fue determinante para este nuevo sonido de The Cult. El lado más salvaje dela banda se ve en este álbum. Nuevamente The Cult vuelve a cambiar de sonido como lo venía haciendo en cada uno de sus anteriores álbumes. Es imposible hablar de algunas canciones en particular ya el disco es una aplanadora de principio a fin, sólo voy a mencionar que en esta etapa, de regreso a un sonido más zeppeliano, sientan sus bases homenajeando a Steppenwolf y su canción de 1969, “Born To Be Wild”.

Canciones de Dolor y Agradecimiento Depeche Mode - Ultra (1997) [ Alex Bretto ]

Hacía mucho que no veía a Dave en aquellos años, y cuando lo volví a ver lo noté, básicamente, destruido. Y no es que no supiera que Dave la había estado pasando muy mal (o muy bien) con determinados consumos en exceso, pero una cosa es leerlo y otra es verlo. Así de variados fueron los sentimientos que me invadieron cuando aprecié por primera vez el video de “Barrel Of A Gun”, primer single adelanto del que sería el regreso de Depeche Mode tras el mnumental “Songs Of Faith And Devotion”. No por nada sería un álbum íntegramente compuesto por Martin Gore, algo que por lo visto solo puede ser una garantía de excelencia. Aun así, no es un tema menor el alcoholismo que transitaba Martin, ni la etapa depresiva por la que pasaba Andy Fletcher. Todas estas experiencias personales enriquecerían la música y las letras de “Ultra”. Como tantas otras veces en la historia, la prensa hizo

en 1996 un vaticinio donde le erró de acá a la China. La predicción (o pifie descomunal) era que tras la salida de Alan Wilder, el fin de Depeche Mode era inevitable. Si a eso sumamos la mencionada adicción de Dave Gahan a la heroína, tal vez no era tan descabellado: fue ese el verdadero motivo que llevó a Gore y a Fletcher a considerar la expulsión de su cantante, lo que hubiera

derivado en “Ultra” como un álbum solista de Martin Gore. Hoy en día resulta irónico pensar en semejante posibilidad, viendo lo precisión con la que Depeche reagrupó sus piezas como trío, y los años de vida activa que le sucedieron a la partida de Wilder, llegando al día de hoy (2017) con un novísimo lanzamiento (“Spirit”) para reafirmar su vigencia. Dejando atrás todas estas anécdotas, “Ultra” nos coloca frente a una de las producciones más logradas de la banda. El álbum abre precisamente con la mencionada “Barrel Of A Gun”, inspirada en una experiencia límite padecida por Dave. En mayo de 1996, producto de una sobredosis, Gahan estuvo clínicamente muerto durante dos minutos antes de ser revivido por paramédicos. La oscuridad de este primer corte sería un anticipo de los estados por los que nos conduciría el disco: “What do you expect from me? What is it you want? Whatever you planned for me I´m not the one” canta Dave comenzando la estrofa dulcemente pero terminándola con una voz que entremezcla furia y desidia. La oscuridad del Depeche más industrial de antaño regresaba pero recargado. La sensación de dejadez y negligencia se vuelve a poner de manifiesto en “It’s No Good”, segundo corte en cuyo video Dave representa una suerte de proxeneta y juerguista que vive cada noche como si fuera la última y se desempeña como un artista de bajo nivel cantando en tugurios de cuarta categoría. Aun así, toda esta locura no deja de sangrar belleza sonora por donde se la escuche. En busca de algún tipo de redención, la pluma y la maestría de Gore se manifiestan a través de canciones como “The Love Thieves” o “Sister Of Night”. El primero es una oda a aquellos para los que el amor representa un desafío ante el cual fracasan constantemente pero aún así no dejan de intentarlo. Casi un homenaje a “La inutilidad de la existencia y la necesidad del eterno retorno” de Friedrich Nietzsche, donde todo lo vivido ha de

repetirse hasta la eternidad pero siempre regresa de un modo diferente. Uno de los dos temas junto a “Freestate” con una musicalización más volcada a lo acústico y en detrimento de lo electrónico (que no desaparece) con el fin, tal vez, de conectar más desde lo humano. En cambio, lejos del alternative folk, “Sister Of Pain” vuelve a la base electrónica con batería cargada, en una tribulación prácticamente dedicada a un ser sobrenatural a quien se eleva una plegaria suplicando protección y sanación. En resumen, el leit motiv de todo el álbum. En un disco de temas largos, probablemente los interludios instrumentales como “Uselink” o “Jazz Thieves” sirvan para alivianar todo el dolor y la angustia que sobrevuelan sobre cada paso de este recorrido. El otro gran paleativo es la voz con la que nos acaricia Martin Gore en dos temas estratégicamente colocados en el track list. Uno es “The Bottom Line”, regocijante metáfora fantástica donde el propósito final parece ser plantear el amor como aquella línea de fondo hacia donde todo se dirige y todo acaba inexorablemente. Y el otro es el mejor tema del álbum, la conmovedora balada “Home”. Si un tema resume a la perfección el agradecimiento a que este disco se haya hecho realidad contra todos los obstáculos, es este: “And I thank you for bringing me here, for showing me home, for singing these tears. Finally I’ve found that I belong here”. Aquel que conociendo la historia de este disco no se le escape una lágrima ante este himno a la gratitud tan finamente orquestado, será un insensible sin remedio. “Ultra” debutó en el #1 del ranking inglés, en el #5 del Billboard 200, y es considerado por la crítica como uno de los mejores álbumes de Depeche Mode, tanto desde lo musical como desde lo lírico. Ningún aplauso será más sentido que el de los fans, que recibieron el disco con los brazos abiertos y adoraron la ultra-introspección que el ahora devenido trío supo manifestar en un disco excelente y por momentos salpicado de genialidad.

119

LA ESENCIA FUE CAPTURADA

[ Entrevista a Ashton Nyte de The Awakening por Diego Centuriรณn ]

En abril se conmemoran veinte años del álbum debut de la banda sudafricana The Awakening. “Risen” se ha publicado en abril de 1997. Parece que el tiempo vuela y la memoria de una época de ebullición del gothic rock en los noventa nos quedan sólo para los artículos o algunos libros. Por eso siempre buscamos rescatar y pensar como en esos años y tener la palabra de sus protagonistas, para que nos cuenten ese momento. Hola Ashton, gracias por concedernos está entrevista en la que trataremos de recordar aquel 1997, en donde se lanzaba el álbum debut de The Awakening. Hola Diego, es un placer, gracias por preguntar. Para empezar, ¿qué piensas cuando lees 20 años del disco "Risen"? Una mezcla surrealista de nostalgia y alegría, mientras que me maravillo con el extraño paso del tiempo. En algunos casos, no me siento lo suficientemente mayor como para haber lanzado un álbum hace 20 años, en otros casos parece que hace muchas vidas. En la actualidad, veinte años después, ¿cómo escuchas al disco? Con un sentido de curiosidad y una sonrisa. Disfruto de la ingenuidad, la pasión y la solidez de álbumes debut como éste. Todavía estoy orgulloso de

esto. ¿Qué errores crees que han cometido en la grabación o en la mezcla, que hoy podrías haberlo hecho diferente? Bueno, hice lo que pude con lo que tenía. El álbum fue autofinanciado y grabado en un espacio de aproximadamente un año, ya que podía permitirme el tiempo de estudio. Creo que siempre hay cosas que haría diferente al mirar hacia atrás en cualquier álbum, pero la esencia fue capturada y eso es algo hermoso. ¿Cómo llegan a grabar el álbum debut? ¿Cómo consiguen fichar con Tic Tic Bang? Yo estaba viviendo y trabajando en ese momento y los fines de semana, cuando podía ir a grabar o trabajar en el álbum, lo hacía en un estudio en Johannesburgo. Como he dicho, pagué todo yo mismo, así que tomó un tiempo. Uno de los primeros shows que tocamos fue en un lugar propiedad de Helgard De Barros, uno de los representantes de un pequeño sello independiente llamado Tic Tic Bang. Helgard fue el primer representante del sello en mostrar interés en The Awakening y fue una persona encantadora, así que me fui con ellos. Una vez editado el álbum, ¿qué satisfacción les ha traído?

121

Creo como tantos artistas, comencé simplemente queriendo crear y querer editar lo que estaba dentro de mí; Para poner algo en el mundo y ver un sueño realizado. Todavía me sorprende que el álbum haya alcanzado a tanta gente y que aún signifique mucho para muchos. ¿Qué canciones aún siguen tocando en vivo, y cuáles quisieras tocar en el 2017 que no hayan tocado mucho? Lamentablemente, debido a que he lanzado tantos álbumes a lo largo de los años, hay muchos conciertos donde solo una o dos canciones de "Risen" llegan al setlist. "The Sound Of Silence" y "Standing" son probablemente las que se tocan más a menudo. En 1997, naturalmente tocamos el álbum entero, ¡ya que es todo lo que teníamos! Avanzando, me gustaría volver a ver algunas de esas canciones en

Nos gustaría que nos cuentes algo de cada track de álbum. Un track by track. Nightfall Realmente una introducción cantada, que es también la cama vocal para el "Niño de la Luna” (Child Of The Moon). Me gustó la idea de completar el ciclo en el álbum. Past Idol Una canción sobre una "estrella del rock" que da la espalda a sus creencias y convicciones por la búsqueda de lo que él piensa que es un mejor camino a seguir. En última instancia, no le va bien. Change Filosofía, debilidad y salvación. Focus Mis frustraciones con divisiones dentro de iglesias o sistemas de creencias. Perderse en los detalles, en lugar de centrarse en la belleza de la imagen más grande. The Sounds Of Silence Tendrías que preguntarle a Paul Simon, yo solo lo cantaba lo mejor que pude.

un ambiente en vivo de nuevo. "Sacrificial" siempre fue un favorito en vivo y "Child Of The Moon" es mi favorito personal. Hoy con el alcance de Internet es más fácil estar al tanto de lo nuevo, pero en 1997, aún era complicado obtener (sobre todo en Latinoamérica) un álbum de una banda nueva, pero así y todo acá su álbum se conseguía. ¿Cómo fue para ustedes meterse en un mercado tan complicado? Honestamente, seguimos haciendo lo que estábamos haciendo. Hemos tocado muchos, muchos shows y escrito y grabado muchas, muchas canciones. Afortunadamente, hay personas por ahí que parecen disfrutar de lo que hago, por quienes estoy sinceramente agradecido. Creo que en los primeros días, la música se repartió, como es hoy en día, se utilizan diferentes formatos y vías.

Difference Preguntando si nosotros, como una sociedad distraída en el día de hoy, seríamos conscientes del regreso del Mesías. Intervention Relaciones, Dios y las muchas opciones y caminos que tenemos delante. Holocaust Disgusto en Neo Nazis y Fascismo. Standing De pie por lo que crees, incluso cuando te sientes roto. Turn Away Tratando de permanecer en el camino. Jezzebel Tentación y confusión. Sacrificial La crucifixión de Jesucristo. Child Of The Moon El amor por alguien o algo que no es de este mundo. Más probable es que el amor de un amor trascendental.

123

Hoy la banda está activa y por sacar un nuevo álbum. ¿Piensan realizar algo especial con "Risen"? Sí, The Awakening lanzará una edición especial de lujo de 20 años de "Risen". Se lanzará a finales de este año e incluirá una gran cantidad de material inédito y otras delicias, en varios formatos físicos. Resumiendo, a veinte años del álbum debut, ¿qué crees que deberías haber hecho de otra manera con The Awakening a lo largo de estos años? Mi mayor arrepentimiento es probablemente no viajar más extensivamente mucho antes en mi carrera. Hay muchas partes del mundo que nunca he tocado, incluyendo Sudamérica, donde siempre hemos tenido mucho apoyo. Espero remediar eso durante este año y el año que viene. Se viene lo nuevo. Cuéntanos sobre lo que se vie-

ne. Además de la edición de lujo de "Risen", The Awakening lanzará un nuevo álbum este año. También tengo un lanzamiento en solitario programado para este año, así como una colaboración con MGT (alias Mark Gemini Thwaite, anteriormente de Peter Murphy & The Mission) que será lanzado como "MGT + Ashton Nyte". También estoy involucrado en algunos proyectos de cine emocionante y como un vocalista invitado y letrista en un nuevo proyecto de Michael Ciravolo (Human Drama, Gene Loves Jezebel) llamado "Beauty in Chaos". Gracias Ashton por esta entrevista y nos volveremos a contactar para la salida del nuevo álbum. ¡Gracias Diego! Por favor visite www.theawakening.com y www.ashtonnyte.com para actualizaciones de noticias y detalles de la gira.

125

De Madchester al Brit Pop The Charlatans - Tellin' Stories (1997) [ Alex Bretto ]

El 22 de julio de 1996, a los 33 años, muere en un accidente de auto el tecladista y miembro original de The Charlatans Rob Collins. La sorpresiva muerte, que dejó pasmados a sus colegas y amigos, sucedió unas semanas antes de la histórica presentación de Oasis en Knebworth, donde los Charlatans serían uno de los artistas teloneros. Liam Gallagher dedicaría el tema “Cast No Shadow” a Rob en dicho concierto. Antes de partir, Rob había comenzado a grabar las partes de teclado y órgano de lo que sería el quinto álbum de su banda. Asimilando el golpe con rapidez, The Charlatans continuaría trabajando en el estudio para cumplir con los tiempos previstos, y ya en agosto de ese año llegaría “One To Another”, primer corte adelanto de la nueva producción. La exposición recibida en esos meses sumado al innegable punch del single que incluía un loop de batería realizado por Tom Rowlands (The Chemical Brothers), lo convertirían en #3 en Inglaterra y pasaría a ser el sencillo que más alto rankeó en la historia de la banda. Inmejorable situación que les permitió tomarse el tiempo necesario para la reorganización y finalización del trabajo en estudio. Rob fue temporalmente reemplazado por Martin Duffy, tecladista de Felt en los 80’s, y que en ese momento ya tocaba con Primal Scream. El segundo adelanto de lo que vendría fue “North Country Boy”, que también fue un éxito Top 5 en Inglaterra y al igual que “One To Another”, fue #1 en Escocia. Finalmente “Tellin’s Stories” sería editado el 21 de abril de 1997. El disco tuvo una recepción excelente y llegó al número 1 del UK chart, como ya lo habían logrado antes sus álbumes “Some Friendly” y “The Charlatans”, solo que “Tellin’ Stories” certificó platino y fue su producción más vendida hasta la actualidad. El sonido neo psicodélico que Rob Collins había logrado imprimir en producciones anteriores continuaba vivo, más notoriamente en tracks como “Get On It” u “Only Teethin” que eran fieles al sonido Madchester que supo darles notoriedad. Pero la banda había logrado mime-

tizarse bien con la movida brit pop en auge y este disco sonaba fresco y apto para un nuevo público más orientado al rock alternativo. Animándose a jugar con un perfil más acústico por momentos florecen temas como “You’re A Big Girl Now”, pero la electrónica no deja de estar presente a través de beats mecanizados en temas como “Area 51”. Como bien dijimos, los temas que sonaban más actuales y que mejor representaban la adaptación de The Charlatans al sonido mainstream británico de 1997 (dominado por Radiohead y Oasis) eran los pasajes más rockeros de la placa. El tercer corte “How High” era el típico hit de manual de aquellos años, potenciado por el aporte que un artista experimentado en las mieles del acid rock puede ofrecer, al igual que la ya mencionada “One To Another” o la perfecta apertura con “With No Shoes”, para obtener el punto óptimo de equilibrio en el tema más logrado: el que da nombre al disco. Como no podía ser de otro modo, el cierre del álbum se trata de un track instrumental co compuesto por todos los miembros del grupo incluido Rob Collins, llamado a modo de homenaje “Rob’s Theme”. Sería el último disco bajo contrato con Beggars Banquet, ya que el siguiente trabajo “Us And Us Only” ya sería firmado con Universal Records. Una nueva etapa había comenzado. Pero 20 años más tarde, “Tellin’ Stories” se ha convertido en un clásico del indie rock.

127

Con el Diablo Metido Mayhem - Ordo ad Chao (2007) [ Pablo Ravale ]

El Black Metal es un género que nació por la voluntad de un puñado de bandas, bien sean Venom, Hellhammer, Celtic Frost, Bathory y, seguramente, en mayor medida, Mayhem. Lo curioso, es que si avanzamos unos veinte años desde su fundación, poco que ver encontraremos con lo que antaño fueron, ya que Mayhem siempre anduvo con cambios de alineación y desde la muerte de su cantante Dead y su guitarrista Euronymous, mucho más. De hecho, podría decirse incluso que lo que hicieron desde el De Misteriis Dom Sathanas (1994) no fue otra cosa sino dar tumbos, al menos hasta el Chimera (2004). Sin embargo, llegados a 2007, intentaron recuperar un poco de la vieja escuela, regresando a su versión más enfermiza y podrida, aunque con un enfoque –paradójicamente– más maduro y profundo, trayendo otra clase de oscuridad a sus seguidores. Es un intrincado asunto tratar de describir a estos renovados Mayhem. Para comenzar, diré que en este Ordo Ad Chao (“Orden del Caos”) por fin tenemos un cambio de alineación que es importante, por no decir significativo: la salida de Maniac y el consiguiente regreso de Attila Csihar (una auténtica leyenda de las voces diabólicas) al micrófono. De manera que, ahora, el cambio no puede ser mejor: Hellhammer, el demonio percutor, como siempre haciendo gala de sus aptitudes aporreando cráneos, el gran Attila en su puesto como frontman definitivo, Necrobuster con su baje trepidante y Blasphemer, el cual se gana los galones como un auténtico guitarrista de metal extremo, con una excelente capacidad de crear atmósferas corrosivas y sombrías. A mi juicio la mejor formación de Mayhem desde el ya lejano De Mysteriis Dom Sathanas. Respecto al terrorífico y negro cauce que toma el cuarteto noruego, las cosas quedan bien claras desde el principio. La virulencia de su tema inicial, “A Wise Birthgiver”, con sus poco más de tres minutos de vida da pistas de sobra sobre lo que se nos viene encima, un aluvión de insanos riffs claveteados por las artes sísmicas de Hellhammer, formando un conglomerado que te com-

prime y agita no sin dejar de estremecerte con su carácter de malignidad suprema. Con paso firme y tétrico, la atmósfera que nos envolverá durante el resto del Ordo se está tejiendo poco a poco y sin darnos cuenta, entre los tambores, voces espectrales y ecos de guitarras, su metraje llega a su fin dejándonos ante el auténtico peligro: “Wall Of Water”, la cual recurre a una batería bastante técnica. Aquí la velocidad entra en acción. Parece que nos encontramos ante los auténticos Mayhem, los del pasado... y realmente no resultaría ridículo pensarlo, dada la calidad del tema. Impresionantes los registros de Attila, solo con su modo de ir desarrollando su voz vale la pena escucharse este Ordo Ad Chao de principio a fin. En “Great Work Of Ages” recurren bastante a los mismos detalles de batería del tema anterior, pero le suben un poco más las revoluciones para luego pegar una frenada inesperada y volver a avanzar poco a poco. Es un caos, una tormenta de black metal que transcurre en varias direcciones y nos deja un sabor agónico en la boca. Nada nos puede preparar para el salvajismo de “Deconsecrate” y las desconcertantes voces que ejecuta Attila a lo largo de todo ese tema, además, claro, de la grotesca manifestación de poder de la que Blasphemer no deja de tomar parte con sus zumbadoras guitarras que tratan de quedar en un segundo plano la mayor parte de tiempo pero que cobran un protagonismo total, eclipsando de a momentos a Attila y los blast beats demenciales de Hellhammer. “Psychic Horns” juega con los slow-tempos al igual que “Great Work Of Ages”, y los silencios también, sin

desmarcarse de lo ya escuchado. En el transcurso del Ordo Ad Chao podría decirse que una de las mayores lecciones que uno aprende es que memorizar los tracks se hace prácticamente imposible, que de eso no va este disco, sino que lo que realmente llama la atención aquí es la composición en sí misma, la visión abyecta y unificada que intentan transmitir con esa atmósfera. “Key To The Storms” es otra de esas canciones inspiradas por la aura vil de su álbum clásico De Misteriis Dom Sathanas, en especial por su crudeza y brutalidad en las líneas de de batería. Atentos también al delirante pasaje vocal, ¿a quién se le ocurriría semejante desvarío?

Para rematar cierran con “Anti”, descarga violenta plagada de blast beats y guitarras malignas de primera ley. Si buscabas un tema de velocidades endiabladas es este: una pieza sin pausa ni piedad, una avalancha de notas y pulsaciones que no hacen sino cambiar vagamente los compases para continuar la agresión sensorial hasta el hartazgo. Repito: esto no es un álbum convencional, es algo de intenciones bastante más complejas. Podés llegar a apreciarlo en su conjunto como no; podés salir despavorido o abrazarlo para siempre como un regalo que te hizo Lucifer.

Una Punk Atípica Patti Smith - Twelve (2007) [ Pablo Müllner ]

Vale la aclaración: Patti Smith no es la típica punk rocker. Si bien estuvo vinculada al momento fundacional de la escena punk norteamericana en el CBGB de Nueva York, junto con Los Ramones, Talking Heads y Blondie, Patti nunca se caracterizó por tener un sonido del todo rupturista y tuvo siempre un gusto especial por el roots rock, desde el blues de Jay Hawkins, a Bob Dylan y los Rolling Stones. Si recordamos bien, uno de los momentos definitivos de su carrera es el cover de Gloria de Van Morrison, el primer track en su disco Horses de 1975. Desde aquella primera histórica grabación pasaron tres décadas de grabar álbumes, tocar en vivo y escribir (Patti también tiene varios volúmenes de poesía y dos novelas publicadas), hasta llegar a un 2007 que la veía entrando al Rock and Roll of Fame donde quedaría inmortalizada junto a varios de sus ídolos. Para festejarlo esa misma noche Patti se despachaba con un cover de Gimme Shelter de The Rolling Stones. Es probable que el éxito de esa rendición de Gimme Shelter le haya inspirado a Smith este disco completamente integrado por covers. El único problema es que son en su mayoría covers bastante esperables conociendo sus propias apetencias. Sin embargo, la más o menos previsible lista no deja de

brillar en la voz de Patti, que ofrece lecturas, si bien no del todo originales, sí muy apasionadas de algunos de sus temas favoritos. La banda integrada por su mítico acompañante, Lenny Kaye en guitarra, Jay Dee Daugherty en batería, y Tony Shanahan en bajo, es ajustada y por momentos tan adusta que permite descubrir las composiciones clásicas desde su lugar más despojado y crudo. Por ejemplo, “Are you experienced?” de Jimi Hendrix, suena más espiritual que sexual en los labios de Patti, Soul Kitchen de The Doors, pierde su lado funky y se vuelve mística y misteriosa. El ya nombrado clásico de los Rolling Stones suena por lo menos tan amenazador como el original. Mientras el lisérgico “White Rabbit” de los Jefferson Airplane gana en suspenso. Pero no hay nada que se

destaque con rareza como su cover de Prince, “When Doves cry” de 2002. Así y todo hay varios hallazgos en álbum: los covers menos obvios como “Everybody wants to rule the world” de Tears For Fears que desnudado de su sonido kitsch suena más atractivo, el góspel de “Pastime Paradise” de Stevie Wonder, y una sentida versión “The Boy in the bubble” de Paul Simon. Pero por sobre todos el pla-

to fuerte es una versión bluegrass y oscura de “Smells like teen spirit” de Nirvana, que incluye una recitación poética de Patti inspirada por el tema de Kurt Cobain y Kris Novoselic, acompañada por Tom Verlaine en guitarra acústica. Así, Twelve desnuda incluso desde su ángulo más conservador a Patti tal como es: una punk atípica.

129

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Por Maxx Wild

Dig Your Own Hole & Cucumber and Green Tea Mojito The Chemical Brothers - Dig Your Own Hole (1997) En la justa época donde la música electrónica-bailable iba tomándose como cosa seria y no como un mero condimento de recintos iluminadamente sonoros, los Chemical Brothers aparecen con su segundo álbum Dig Your Own Hole (1997). Recuerdo perfectamente esa época ya que pocos éramos los que tratábamos de mover las pistas con big beat, pero estos muchachos me hicieron la cosa fácil con este disco. Tan fácil como preparase un Cucumber and Green Tea Mojito, mojito de té verde y pepino (ron liviano, infusión dulce de té verde, algo de menta, pepinos y hielo), refrescante y efectivo como este disco, el cual en este momento está en mis manos. Con una espectacular entrada Block Rockin' Beats, un exponente del género, con cortes y arranques que no dejan respiro (inclusive en la pista, hasta el día de hoy me sirve como activador) y una voz andrógina y su “We are about to rock steady” como presagio de lo que se viene. En segundo lugar tenemos al homónimo Dig Your Own Hole a puro break, elástico, hipnótico. Sin pausa ni respiro aparece Electrobank con una introducción de la leyenda del Hip Hop DJ Kool Herc, sonidos extraños, samples, altibajos para ocho minutos de pura adrenalina. El juego samplistico (alma de break beat) se puede saborear en Piku. Setting the Sun, a mi gusto uno de los mejores, sin más ni menos que Noel Gallagher, refresca tanto como mi coktail con capas sobre capas, drones y un corito pegadizo. Continua It Doesn't Matter, más oscuro, más tecno, casi cansador pero no menos del estilo. En la misma línea encuentro a Don't Stop The Rock, más dancefloor, progresivo que acídicamente se fusiona al super break Get Up on It Like This, aquí hay turntablism, recurso usado pero no abusado en la carrera de estos muchachos. Baja un poco el tempo para Lost In The K-Hole, lo que era necesario después de tanto movimiento, un bajo bien funk, línea de sintes clara y drones para un track de otro disco, bien lounge. Empiezo a recorrer el principio del fin con la voz de Beth Orton en Where Do I Begin, también abajo, a mi criterio no una buena elección de posición. El final es para The Private Psychedelic Reel, un largo y épico track, que me dejan la sensación de no querer despedirse, algunos cambios de climas, estructura bien inglesa de puentes y fraseos. Un gran final para un excelente disco que catapultó a la fama a este dúo que hizo de la electrónica (junto con otros pocos) un lugar no común, un elemento extraño en un ámbito diferente, tanto como un pepino en un mojito. ¡Salud!

131

133

ESPECIAL SPIRIT de Depeche Mode

Para reseñar el nuevo trabajo de Depeche Mode se nos ocurrió armar como una gran reseña pero, en vez de que alguno del staff se explaye sobre éste, convocamos a varios artistas de la escena electro de habla hispana. Así que para el decimocuarto álbum de estudio de la banda de Basildon, Essex (Inglaterra), nos tomamos el trabajo de proponerle una canción a cada uno y que nos den su parecer sobre este track y si querían un pantallazo general del trabajo. La sensación de la respuesta es muy favorable y éste es el resultado:

DEPECHE MODE | SPIRIT (Deluxe Edition) Label: Columbia / Mute Fecha de Lanzamiento: 17 de Marzo de 2017

Artistas Que participan: CD1 - Spirit Going Backwards (Marcelo Andrea Expreso Maniqui) Where's The Revolution (Kristian Conde) The Worst Crime (Javier Rendo) Scum (Richard Lerin) You Move (Senitran -Richter) Cover Me (Mambo Rivas - Hiroshima Dandys) Eternal (Gabriel Stanizzo – The Mode) Poison Heart (Rodrigo Mende - Droopy Electro) So Much Love (Leo Satragno - El Signo/Ultratango) Poorman (Cristian Estrella – Ivana Mer) No More (This Is The Last Time) (Tomás Stagnaro - El Gran Búfalo Blanco) Fail (Maru Pardo Saguier - Cosaquitos en Globo) CD2 - Jungle Spirit Mixes (Franco Colombo - Reflection)

135

Track 1: Going Backwards (Autor: Martin L. Gore)

Por Marcelo Andrea Expreso Maniqui Me es más que complejo hacer una crítica sobre Depeche Mode y su último trabajo en mi calidad de fans y más con la firme creencia de que Depeche Mode se ganó el título de banda incuestionable, he nacido escuchando Depeche me crie escuchándolos desde adolescente llevo la cruz Celta de Dave tatuada y hoy lo comparto con mi hija, por otra parte me genera un desafío que con el mayor de los respetos afrontaré, sobre "Going Backwards" encuentro un Depeche Mode maduro, y creo que la palabra maduro es la más correcta para calificar el disco, encuentro en "Going Backwards" un tema profundo con la oscuridad propia que tiene que acompañar la letra, un uso exquisito de la tonalidad de F#menor y la oscuridad propia de su modo, remarco el uso de dicha tonalidad la cual cuenta entre las que a mi parecer son prácticamente la base de la música popular teniendo una gar potabilidad al escucharla la densidad de la cadencia de la guitarra tocando el 1/7 en las introducciones de las estrofas es fantástica y nos recuerda grandes canciones que no se logran sin el recurso de la guitarra eléctrica el ambiente que crece y se tensiona paulatinamente que nos pide prestar atención al contenido vocal de una canción donde encontramos frases como "Vamos hacia atrás, hacia una mentalidad cavernícola" "Aun no lo hemos logrado no hemos evolucionado" "no tenemos respeto" no podemos dejar de lado el uso único de los sintetizadores, los coros de Gore que ya son parte de nuestra genética y las líneas vocales de Gaham siempre impecables, finalizo escuchando un disco actual profundo de vanguardia pero para quien esté dispuesto a digerirlo creo que más que una escucha se merece un estudio de música y letra para los músicos y una gran respeto y atención por los escuchas

Track 2: Where's The Revolution (Autor: Martin L. Gore)

Por Kristian Conde A Dave Gahan y Martin Gore les impresionó tanto la victoria de Donald Trump -como supongo a una gran parte de nosotros- que decidieron hacer un nuevo trabajo más comprometido políticamen-

te: “SPIRIT”. El single de presentación “Where´s The Revolution?” subraya la opresión sobre los derechos humanos y la mala influencia de la religión: “They manipulate and threaten With terror as a weapon”? Y a pesar del buen hacer de James Ford el resultado final no ha sido el esperado por la mayoría de sus fans... “Where’s the revolution? Come on, people You’re letting me down”... Parece que se lo están diciendo a sí mismos finalmente... “Never Let Me Down”... Aunque esa misma cadencia de ritmo tan pausado que caracteriza últimamente a la banda nos recuerdan unos lejanos ecos del “Personal Jesus” sobre todo en el uso de las guitarras y en los giros melódicos de su estribillo. Conclusión: tema muy random de su última época, aunque tengo que confesar mi debilidad por volver a oír de nuevo la voz de Dave Gahan a pesar del autune, etc… también los coros del estribillo son correctos y la atmosfera oscura, pero falta garra… quizá a estas alturas no se les puede pedir crear un nuevo clásico, pero no transmiten nada, sobretodo como carta de presentación de su nuevo proyecto. ...me quedó mejor con su tema “Wrong”...

Track 3: The Worst Crime (Autor: Martin L. Gore)

Por Javier Rendo (Rendo) Depeche Mode regreso después de 4 años con su catorceavo disco “Spirit” y como admirador de la banda de Dave Gahan, Martin Gore y Andrew Fletcher me cuesta bastante abstraerme para analizar este nuevo trabajo tan esperado. La primera impresión fuerte es de una atmósfera nocturna y sentida, que deja entrever un mensaje de decepción con los tiempos que corren, con el amor, con las revoluciones prometidas y con las guerras sin sentido, pero siempre, mostrándonos un dejo

de luminosidad a pesar de este incierto presente que nos toca. El sonido es una de las claves, su impronta synth pop tiene en este caso compases sombríos con prolongados pulsos electrónicos, a veces industriales, donde la voz de David Gahan nos lleva con su melancolía hacia estados de introspección. En esta, su primera colaboración con el productor James Ford, nos entregan un disco interesante, acorde con la historia de la banda y canciones de una electrónica densa y oscura, directamente proporcional a estos tiempos que corren… En “The Worst Crime“ nos encontramos con una suave y densa balada, donde la voz nos introduce en un estado de melancolía y decepción, la entrada tardía de la batería le da sobre el final un aire épico y trágico. Una canción oscura y hermosa que nos remite al sonido de trabajos anteriores y donde la letra reflexiona: Culpa a la desinformación, a los líderes equivocados Esa apática vacilación, lectores sin educación Por cualquier razón nos encontramos en esto ahora Todos somos acusados de traición Y nadie queda para escuchar OH tuvimos tanto tiempo…como pudimos cometer el peor crimen

Track 4: Scum (Autor: Martin L. Gore) Por Richard Lerin (DJ Productor Undertecno Records) Scum la canción trackeada con el Nº 4 en el nuevo disco Spirit, cargado de un lirismo sombrío, oscuro, que llega a las fauces de la realidad del mundo, en este disco dónde la política, la religión, y el sentimiento de Gore al sentir, como se está moviendo el mundo hacia una cataclismo global sin precedentes, y cual Morpheus en la Matrix que evidencia a Neo, que fuera de la realidad ordinaria, existe algo en las sombras que se está gestando en forma sucia, Martin Gore quiere dar aviso no solo a sus fans, que viene abriendo la mente disco a disco, ya que DM es una banda con una lírica profunda, sobre un Manifiesto Musical.

137 Justamente Scum le da el lugar tras las canciones que abren el disco «Going Backwards» «Where´s the Revolution» «The Worst Crime» con una fuerte temática política a una canción como you Move que guarda más el perfil del Depeche Mode de antaño, con letras más románticas o pasionales. Scum en su letra dice: Hey Escoria ¿qué has hecho por alguien? Hey Escoria. Hey escoria... ¿Qué vas a hacer cuando llegue tu karma? Claramente habla de los líderes del mundo, presidentes o quienes gobiernan de turno, quienes están llevando al mundo a un cataclismo o guerra nuclear, ellos antes que nadie saben que personajes como Trump, pueden hacer miserias del mundo, porque están huecos y pobres de alma, Depeche Mode sabe que el mundo se salva, y el peso de la salvación es el Espíritu y así título su álbum, te lleva a los más oscuro para mostrarte una vez más, como lo afirmaba Gustavo Cerati en Adiós con la frase, pones canciones tristes para sentirte mejor, en este álbum y por cosas de la religión Depeche Mode vuelve a darnos una cuota de Fe y Devoción, y esos los fans lo valoran sintiendo una nueva comunión con la banda, sin dudas el disco generara un nueva Revolución en su carrera, y como el arte de tapa muestra, levantan las banderas en alto de un nuevo paradigma musical, jugado, profundo, intimo, y que marca un fin de un tiempo, de una era... lo demás está por venir.

Track 5: You Move (Autor: Dave Gahan, Martin L. Gore) "You Move" - Senitran (Richter) Hace ya tiempo que no espero sorpresas de DM. Cada disco se parece más bien a un retorno al hogar paterno después de 4 años de ausencia (el tiempo que se toma rigurosamente la banda para sacar un nuevo álbum desde hace 2 décadas). Llega el álbum y descanso en ese sonido que tanto me reconforta, que tan bien conozco, ese rock electrónico cada vez más cercano a las raíces bluseras y más lejano al pop. No les pido nada más, y les agradezco por eso (¡no todos los fans son así, ja!). Pero cada tanto, la sorpresa llega igual, y entonces eso, que para otros estaba

en la expectativa, para mí es un plus. En “Spirit” ese momento me llegó dos veces, y consecutivas, primero con “Scum”, y enseguida con “You Move”, sin dudas el tema que más me gustó del álbum. “You Move” fue para mí una especie de “sorpresa y contrasorpresa” (no sé definirlo de otra manera), ya que en lo estrictamente musical me sacudió la cadencia trabada de la estrofa (¡¡¡la ubicación de ese clap por favor!!!) que se desata en el estribillo hacia un riff oscuro, descendente y… sexual. Y justamente en lo sexual de la letra es donde está la “contrasorpresa”, ya que en un álbum donde la novedad pasa fundamentalmente por la temática reflexiva político-social (nunca visto en Depeche Mode a esta escala desde “Construction Time Again”, de 1983), “You Move” vuelve al tópico preferido de Martin Gore: el amor y el sexo en todas sus facetas (sobre todo las dolorosas). La canción es un gran electro-rock que circula espeso y caliente como aceite por el interior de un motor que tiene una pequeña falla conocida por su dueño, y que lo hace sonar único, por eso, justamente, no lo arregla. Es lubricante mecánico y sexual al mismo tiempo. Me encantó. Para mí, otra joya en el alhajero ya repleto de la banda. Que a 36 años de su primer disco Depeche Mode siga entregando estas pequeñas maravillas cada tanto me hace sentir orgulloso como fan, por eso solito, sin más ambiciones, es que les sigo agradeciendo.

Track 6: Cover Me (Autor: Christian Eigner, Dave Gahan, Peter Gordeno)

Por Mambo Rivas (Hiroshima Dandy's) Spirit: Depeche Mode es una banda que me entró de grande, o no de grande, pero no era una banda que me gustaba en la primaria, la asociaba a la Z95, a Ritmo de la noche y esas cosas. Mala mía porque hoy día me parece más valioso Snap o Scatman John que Luis XV o esas bandas que sonaban en la radio que yo escuchaba. Más tarde mi amigo Dani Acosta me enseñó a escucharlos y ahí sí, supe que eran unos genios, pero de lo que hicieron a partir de Songs Of Faith And Devotion solo me interesó Ultra, un disco que a pesar de la falta de Wilder está lleno de buenas canciones. Spirit es un mastodonte, es un disco grande, fuerte y lento. Si bien le encuentro menos atractivo, me-

nos hit que a Playing the angel, por ejemplo, lo siento como un disco más genuino, les creo más que es el disco que quieren grabar en este momento más allá de si van o no a romperla. No necesitan romperla. Cover Me: La primer impresión que me da este tema es un aire al David Sylvian post Blemish, hasta que se transforma en una especie de “Sacred” y ahí es donde volvemos a extrañar a Wilder. ¿Alguna vez dejaremos de extrañarlo?

Track 7: Eternal (Autor: Martin L. Gore)

Por Gabriel Stanizzo (The Mode) Pienso que es un tema muy íntimo de Martin, con un sonido que me remite al segundo interludio de Violator entre blue dress y Clean, una canción romántica, que parece dedicada pura y exclusivamente a su hijo menor Eternal muestra la protección de un padre a su hijo ante un posible cataclismo, el sentimiento de amor paterno: Estaré ahí para ti, siempre Y cuando suba la nube negra Y se derrame la radiación Te veré a los ojos Y te besaré Y te doy todo mi amor Así como cualquier hombre puede Así como cualquier hombre podría Tú eres mi eterno, eterno amor

Track 8: Poison Heart (Autor: Christian Eigner, Dave Gahan, Peter Gordeno)

Por Rodrigo Mende (Droopy Electro) Leí malas críticas de Spirit, pero creo que esto se debe a que estamos tan desbordados de música que las exigencias se potenciaron y las opiniones comenzaron a perder objetividad. No soy de los que consideran que tras el éxito rotundo de una banda se le pueda perdonar todo, pero en algún punto hay que entender que Depeche Mode es y será lo que son, exigirles que nos sorprendan con un disco totalmente alejado de lo que suelen hacer sería querer escuchar otra banda. Spirit no es un disco lanzado por

lanzar, se nota el gran trabajo que tiene por detrás y una vez más nos enseñan cómo debe sonar una buena mezcla! Supuse de antemano que sería un disco tenebroso y así fue, en otras palabras SPIRIT es mi dosis dark de la semana. Mis favoritos "You move" & "Fail". Poison Heart: Siempre amé las baladas y ésta en particular me llega mucho por su letra. A los 48 segundos nos encontramos con un hermoso y suave arpegio que nos prepara para lo que viene, a partir de ahí solo podemos percibir de modo ascendente como los sonidos desgarradores nos van hundiendo en un dolor tan único como suelen ser las despedidas.

Track 9: So Much Love (Autor: Martin L. Gore)

Por Leo Satragno (El Signo/Ultratango) No soy objetivo. Soy fan eterno desde que escuche "Pipeline" del 3er disco y me hice cargo de que soy un Tecnoboy absoluto. Fanático desde lo primero hasta lo último. Creo que por eso también les puedo exigir más y que me vuelen la cabeza como en tantos, tantos discos. Justamente los últimos aflojaron en propuesta aunque siempre me gustó mucho algún que otro tema suelto. Afortunadamente este lo considero mejor. Es más parejo y pensado en los recursos que saben que les rinde. Decididamente con un sonido más al Rock, basado en la voz de Dave y las Guitarras de Martin, tiene su lado muy electrónico aunque seguimos extrañando teclados con mucha personalidad como los de Alan Wilder (Que Karma!). Pero tenemos "Scum" con algo de ese sonido electrónico dark que les pedimos siempre. Y "So Much Love" uno de los que más me gusta, con "No More (This is The Last Time)" y "You Move", levanta mucho el disco cuando entra. Tiene ese golpe en negras repetitivo que sostiene toda la canción. Con una guitarra que por simple no deja de ser hitera. También me gusto la versión en vivo que vi por la web. Y el Remix Trance del cd2 es muy interesante que junto a los otros remixes refresca la propuesta del cd1 con un sonido más actual. "Fail" por ejemplo resulta más lograda. La crítica estaría, y verán ¡qué es grave! jaja, en que los temas lentos son demasiado leeeennntos, teniendo que cambiar de Farmacia siendo irrespetuoso. Debo reconocer que se pone

muy depresivo en partes que hasta mi mujer me bardea que lo saque porque no sirve para el sexo. Y bueno, yo avise que era fan!

Track 10: Poorman (Autor: Martin L. Gore)

Por Cristian Estrella (Ivana mer) "El hecho de encontrarme en un país como Eslovaquia donde el idioma es un enigma a descifrar cada día, hizo que me interese particularmente por la publicidad en la vía pública. Y dentro de ese universo, hubo una campaña que me llamó mucho la atención. ¿Por qué –y con casi un año de antelación– se viene anunciando el concierto de Depeche Mode en Bratislava? Lo pude constatar a lo largo de la hermosa geografía eslovaca durante meses. Carteles en estaciones de bus, en paseos comerciales, pero también en pequeños pueblos. No dejo de pensar si será así en todo el mundo. Se trata de una apuesta de proporciones. El Global Spirit Tour que los llevará por 32 ciudades de 21 países europeos –durante casi 3 meses a partir de mayo– tiene el mazazo a punto caramelo. La propuesta de The 13th llega justo a tiempo. Vamos a ver de qué se trata este retorno. Auriculares listos. Play. El sinte paneado con el que abre "Poorman" prepara a las neuronas para un sacudón. Tras un coro potente el campo auditivo está vulnerado. Y no tarda en aparecer la letra. "Hey, no hay noticias, pobre hombre todavía tiene el blues, merodea con zapatos gastados, sin nada que perder". Definitivamente no es una clásica y complaciente canción de amor. El climax sigue in crescendo. Depeche Mode está en forma, y de eso no hay dudas. Me alegro. Mientras escucho le busco un "por qué" a eso de que en los ómnibus de estas latitudes la música de los años 80 sea la mandamás. Quizás, con la caída del comunismo, la primera oleada de cultura anglo se transformó en un tsunami que logró instalarse en perpetuidad. La primera década espermatozoide fecundó al massmedia eslovaco con su rendidor y hitero bebé ochentoso. Me llama la atención entonces esa foto congelada, pero también ayuda a entender la apuesta de marketing de los Depeche

139

Mode. Me regocijo pensando en que este parece no ser un disco para tibios. Y bienvenida sea la propagación entonces. Noto que el trío británico se tomó muy en serio eso de no hacer un trabajo pasatista. Suena contemporáneo (como siempre) y además, heavy. Denso. Filoso. Porque crítica al sistema, porque habla de personas en situación de calle, de empresas insaciables. Pero también amenaza con des-

Track 11: No More (This Is The Last Time) (Autor: Dave Gahan, Kurt Uenala)

Por Tomás Stagnaro (El Gran Búfalo Blanco) El Búfalo me encargó reseñar una canción de Depeche Mode, una banda de la que no se absolutamente nada más allá de haber movido epilépticamente los brazos alguna noche alcoholizada circa 3am al ritmo de "My own personal jesus". Y con ese poco conocimiento, a los cinco segundos de poner el onceavo track de "Spirit" es inconfundible quien es el intérprete. La voz profunda, dramática, levemente saturada, esos sintes helados y calientes a la vez, un gancho pegadizo, y estoy de vuelta en la pista de baile. Aunque en este caso más cerca de las 6am, ya

pertarnos de la alienación milenial, en líneas como la que cierra "Poorman": "las corporaciones tienen las oportunidades, manteniendo casi todo lo que hacen, dígannos cuánto tiempo tomará para que se derrame, cuándo caerá?". Afortunadamente en su web ya anuncian la continuidad de su gira a partir de marzo del 2018, y Argentina está en la lista. Donde sea que sea la revolución, quiero estar ahí."

terminando la noche, con los ojos cerrados y el último trago (innecesario) en la mano, rodeado sólo de barriletes que no quieren irse a su casa. Hay humo de máquina por doquier y tal vez una bola de boliche oxidada cuelga sobre mí. Le faltan algunos espejitos. Termina el tema, miro el vaso vacío en mi mano y mando un mensaje de texto a algún amigo perdido: "¿Te fuiste?".

Track 12: Fail (Autor: Martin L. Gore)

Por Maru Pardo Saguier (Cosaquitos en Globo) No pasa mucho en este tema. Encontramos varias reminiscencias de canciones de otros discos. Claro,

con 40 años de carrera es imposible no caer en ello, pero nos gustaba más la dirección que habían tomado con su disco anterior, Delta Machine, que nos encantó. Necesitamos más tiempo para para terminar de tomar una decisión, pero a primera escucha no nos impactó y emocionó como lo hizo Delta. La producción está muy buena, eso no es novedad, pero volviendo a 'Fail', si bien nos involucramos y compartimos la lírica, sentimos que no pasa demasiado con la melodía. Martin está haciendo un uso exagerado del vibrato -ya lo venía anticipando en discos anteriores- y eso nos saca bastante de clima. A nuestro gusto en lugar de sumarle, le resta expresividad; se escucha sobreactuado en contraste con Dave, quien con su performance vocal y expresividad mejora disco a disco.

CD2 “Jungle Spirit Mixes” Cover Me (Alt Out) Scum (Frenetic Mix) Poison Heart (Tripped Mix) Fail (Cinematic Cut) So Much Love (Machine Mix) (Remixes Depeche Mode, Kurt Uenala, Matrixxman) Por Franco Colombo (Reflection) Si Depeche Mode no es la banda que más remixes oficiales y piratas ha tenido a lo largo de toda su carrera, debe estar entre las tres primeras en la historia de la música. Décadas atrás quedaron aquellos años dorados de las Extended Version o 12', como así también los reconocidos "Razormaid", los cuales representaban fielmente una re mezcla del tema original, utilizando en un gran porcentaje sonidos de las pistas originales con algunos cambios o agregados para las discotecas o con intenciones de difusión radial. Entrados los años 2000 y en la actualidad este concepto fue mutando, desembocando en un trabajo de re versión o rework, hasta en algunos casos perdiendo el sentido y alma de la canción original. El disco 2 de Spirit en su versión Deluxe, no tie-

ne ningún desperdicio, comenzando con uno de los temas que sobresaltan en este último trabajo del trío de Basildon llamado “Cover Me” en su versión Alt Out, predominan los sonidos análogos y climas que nos remontan a los temas instrumentales como Painkiller (nótese que Spirit no contiene canciones instrumentales, como ya es un clásico en sus discos). Seguida por “Scum” (Frenetic Mix), a mi gusto este es el Depeche Mode que debería sonar en la actualidad, sonidos que nos llevan a los trabajos más oscuros de Recoil (Alan Wilder) como así también la rítmica compleja y relajante de Daniel Myer (Haujobb, Architect). “Poison Heart” (Tripped Mix) genera un excelente viaje, justamente queriendo acercarse al sonido de Bristol a lo Massive Attack; anteriores remixes como el single Home transitaron por estos lares, al respetar el sentido de la canción y salir de las versiones “Dub” nos logra sumergir en ese clima tan especial que han preparado para nosotros. Llegado el turno de “Fail” (Cinematic Cut) en la voz de Martin Gore, fanático coleccionista de sintetizadores análogos y subido (desde ya hace varios años) a la nueva ola de modulares, nos muestra un campo fílmico sonoro retro futurista tan actual como de moda pasajera. Para cerrar llega “So Much Love” (Machine Mix), como bien lo dice el nombre, han dejado encendida una máquina poco más de 7 minutos para luego darle stop… ¿una referencia? chequear los trabajos de Martin Gore junto a Vince Clarke (VCMG), y de esta manera dar por finalizado una excelente muestra de que no son una banda pseudo rock o electro rock, sino que aman y adoran las máquinas. Estos remixes fueron realizados por Depeche Mode bajo la marca de su productor estrella James Ford, alabado por la prensa por sus trabajos en la banda británica Simian. En resumen, este disco de cara B debería ser la cara A del Depeche Mode vanguardista al que fuimos mal acostumbrados durante la época de los 80’s y 90’s. Pero siguen, sin lugar a dudas, siendo los reyes del buen gusto en el mundo de la electrónica de culto.

141

MIKE OLDFIELD | Return to Ommadawn Label: Universal Fecha de Lanzamiento: 19 de Enero de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

Return to Ommadawn salió a fines de enero pero no pude encontrarlo en Google Play ni en ningún servicio de streaming. Tuve que esperar hasta poder encargar el CD y que me llegara a casa para escucharlo. Lo cual, dada la naturaleza del disco y los recientes comentarios de Mike, resulta realmente apropiado. “En la música moderna todo es tecnología y mentiras,” le dijo Oldfield en febrero a ABC, revista de su fiel España. “No escuchas el arte de una persona, sino de sesenta. Todo va sobre la tecnología, sobre la mentira, sobre ciertas formas de editar la música con el único objetivo de gustar a todo el mundo, de hipnotizarlo. La gente termina oyendo productos de diseño, no arte (…) Diciéndolo de otro modo, la música moderna no tiene nada que ver con Bob Dylan y su guitarra.” En Return to Ommadawn (el primer disco instrumental de Oldfield desde el 2008 y secuela directa de su clásico Ommadawn de 1975,) por lo tanto, no hay ningún rasgo de modernismo ni de lejos: tanto la composición, el formato (dos piezas “part one” y “part two” de 20+ minutos de duración cada una) y hasta la tipografía parecen sacados directamente de los 70s. Al igual que en sus atesoradas primeras obras, Oldfield hace prácticamente todo por

ELBOW | Little Fictions Label: Polydor Fecha de Lanzamiento: 03 de Febrero de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Las expectativas ante la publicación de un nuevo disco de Elbow siempre son altas. No en vano el grupo ha cumplido en todas y cada una de sus entregas, y también ha firmado algunas obras tan memorable como su debut Asleep In The Back (2001), su continuación Cast Of Thousands (2003), The Seldom Seen Kid (2008) o el más reciente The Take Off And Landing Of Everything (2014). Su séptimo

su cuenta: compone, toca 26 instrumentos (!), realiza la mezcla 5.1 y hasta saca las fotos internas del booklet. Al igual que con el recientemente editado Oxygene 3 de Jean Michel Jarre, escuchar el disco nuevo de este gigante de la música instrumental es volver a casa después de bastante tiempo, y notar que a pesar de ciertas modificaciones y cambios la esencia de hogar sigue siendo la misma. Es la magia Oldfield: perfección técnica no al servicio del virtuosismo, sino de la autenticidad y de una visión inherentemente positiva de la vida. El arte de tapa será neblinoso, pero no cabe duda que el mundo es un lugar aunque sea levemente mejor gracias a la existencia de este disco.

álbum de estudio –u octavo, si contamos la recopilación de lados B Dead In The Boot (2012)– presenta escasas novedades verdaderamente representativas con respecto a su sonido habitual, y en efecto se revela como otro buen trabajo, es decir: cuidado, profundo y solvente. Devenidos ahora en cuarteto debido a la salida de su baterista de toda la vida Robert Jupp (reemplazado en estudio por el sesionista Alex Reeves), Little Fictions contiene canciones notables. Entre ellas, “Magnificent (She Says)”, “Gentle Storm”, “All Disco” (uno de las composiciones más hermosas de toda su discografía), “Montparnasse” o el corte que da nombre al disco, que se va a los ocho minutos y medio. En su aspecto global, se trata de un disco sensiblemente más solemne que entregas anteriores, ya

que la habitual épica (elegante y emotiva) del grupo continúa presente pero de manera menos melancólica. Así, la personal y cálida voz de Guy Garvey toma clara ventaja sobre una instrumentación sofisticada y meticulosa, pero sonando esta vez más relajada y jovial. Alejándonos entonces de las expectativas y las buenas o malas intenciones de la crítica, diría que Elbow es una banda que nació madura, apartada de las modas, esencialmente ingleses. Un grupo que ha llegado hasta aquí por su compromiso con el arte, por su devoción a la música. Y Little Fictions es un disco que no viene a derrocar su estilo pero sí a redirigirlo hacia paisajes más vastos como más pacíficos, un trabajo que funciona como clara muestra de que sus intenciones son tan puras que siempre van a tocar el oído y el corazón de muchos.

DISREPAIR | Cold Hand Blues (Disco Tributo A Pizarnik) Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 03 de Febrero de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Esta es una obra mágica, más una plegaria o un acto de comunión, más una joya literaria que musical. La confirmación de que a Alejandra Pizarnik la veneramos no sólo los escritores, sino también los amantes de la música. Secundado por la expresiva voz de Mai Etcheverry, Gabo Rojo se decide a hacer una jugada riesgosa... y le sale bien: musicalizar textos recitados de la mítica poeta suicida argentina. El resultado es más que interesante. Por un lado la música sensual y desesperada, compuesta para la ocasión por Gabo, y por otro esas poesías oscuras, desoladoras, angustiantes, abstractas, donde nos encontramos con pasajes oníricos sombríos, aunque también con momentos de luz y revelación, con cierto sentimiento de por ahí lograr redimir tanta tristeza. El disco abre con “Para los días sin retorno” (frase extraída del poema “Sueño”) y ya de entrada asistimos a una especie de viaje interior. A partir de allí, el resto es pura osadía: poesía de mil kilos de ca-

lidad, amalgamada a una desasosegante sensación de que la muerte rondaba a Alejandra a todo momento, de que vivía en una pesadilla, de que era una criatura de palabras más que una niña vieja; alguien obsesionada con organizar una orgía o con invocar a los muertos; una anarquista en el sentido metafísico, una bruja que prefería la más sufriente de las soledades a la compañía de familiares y amigos… una loca iluminada, bah. En Cold Hand Blues hay además frases lapidarias que ponen los pelos de punta, como la archiconocida: «La rebelión consiste en mirar una rosa hasta pulverizarse los ojos». Línea que, probablemente,

143

hasta sea la que mejor refleja el espíritu de tenebrosa belleza de este álbum. Como fuere, espero que quienes escuchen el disco perciban que se trata de una experiencia en toda regla. Que no sirve para escuchar mientras se

lavan los platos o se tipea un trabajo práctico para la Facultad. Hay que darle play y sentarse a volar. Requiere eso, sólo pide cuarenta y tres minutos de tu tiempo, y si se lo dedicás yo te aseguro que te va a llevar a algún lugar donde quizá no estuviste nunca.

The Jesus And Mary Chain | Damage And Joy Label: Warner Fecha de Lanzamiento: 24 de Marzo de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Lo primero que se me vino a la cabeza al terminar la primera escucha de este disco es que no parece que hayan pasado casi veinte años desde la publicación de Munki (1998), aquel potente testamento que nos dejaron los hermanos Reid antes de terminar a las piñas en la posterior gira de presentación. Damage And Joy, su flamante álbum de regreso, podría haber sido publicado tranquilamente un par de años después del anterior y muchos hubieran dicho que era más de lo mismo: exactamente lo que yo esperaba. Desde su vuelta a los escenarios allá por 2012 le han dado vueltas y más vueltas a la posibilidad de volver al estudio, han limado asperezas, han desterrado fantasmas y una vez que se vieron con fuerza para grabar lo han hecho con ganas. De entrada, la tarjeta de presentación de Damage And Joy fue la simplona pero efectiva “Amputation”, que no es ni más ni menos que una relectura de “Dead End Kids”, editada por Jim Reid como solista, hace más de una década, en formato single. Lo mismo ocurrió con “The Two Of Us” y “Facing Up To The Facts”, temas pertenecientes al único Ep publicado por Freeheat, banda fundada y liderada por Jim tras la ruptura de TJAMC. Está claro entonces que Jim y William no se enfrentaron al miedo de la hoja en blanco en su esperada vuelta al estudio. Una vez allí, contaron con la mano experta en producción de Youth (bajista de Killing Joke), y las labores de sus nuevos compañeros de andanzas en vivo: el bajista Phil King (ex-Lush) y el baterista Brian Young (ex-The Posies). Entre todos –más la intervención en las voces de la ex-Belle & Sebastian Isobel Campbell y de su herma-

na menor Linda (la Sister Vanilla)–, le pegaron una regia lustrada a la vieja chapa rockera del dúo, confiriéndole así un aspecto sólido a este regreso. Pero vamos con las canciones. El segundo corte que ha anticipado el disco, “Always Sad”, incide en el gusto de los hermanos Reid por la melodía, al igual que la hermosa “Song For A Secret”. Y frente al lado más pop y retomando esa eterna dualidad que ha presidido la carrera de los escoceses, surgen también los arrebatos más rugosos como “Mood Rider” o “Get On Home”, aunque con “War On Peace” los chicos deciden darle con ganas al fuzz para adornar el cuadro de furia. Aquí, en suma, hay buenas canciones. Sin embargo, Damage And Joy no deja de ser un hijo menor que ha llegado, a pesar de los 19 años de espera, cuando ya muchos no confiábamos en que no lo haría. Y como tal, se le mira con cariño. Da casi bronca escribir que los picos de discos como Psychocandy, Darklands o Honey’s Dead quedaron muy lejos y me parece más útil decir que estamos ante un disco que, tirando de oficio y alguna que otra artimaña, alcanza el aprobado y mira de

cerca al notable, lo cual, teniendo en cuenta algunos antecedentes en la carrera de estos muchachos, es todo un logro.

De este modo, podemos decirlo alto y claro: The Jesus And Mary Chain están de vuelta, y con canciones nuevas, y ésa es la única victoria.

Niños Envueltos | Un Negocio de alquiler de Bombas Label: Niños Envueltos bandcamp Fecha de Lanzamiento: 05 de Abril de 2017 [ Por Benjamín York ]

Los elegantes Niños Envueltos regresan al lanzamiento discográfico después de un tiempo en donde desde problemas internos y excursiones de Tonga, con un dúo Yuli y Tonga, hicieron que los Niños se queden en stand by. Pero por suerte han regresado. Un EP de tres canciones en donde despliegan su maravillosa inocencia musical que contrasta con las ácidas y divertidas letras. Aquellos que seguimos a la banda y al dúo antes mencionado, conocemos estás canciones de ver a Yuli y Tonga en vivo. Pero el registro le hace justicia a tres canciones maravillosas. Qué decir de Niños Envueltos... es la banda que puedes compartir con tus hermanos menores en el pa-

tio de tu casa y divertirte junto a ellos, pero a la vez es una banda que tiene una búsqueda sonora exquisita.

Merciful Nuns | A-U-M Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 07 de Abril de 2017 [ Por Benjamín York ]

La gran banda gótica Merciful Nuns acaba de lanzar este nuevo álbum. Esperado, anticipado, adelantado desde fines del año pasado. Artaud y Jawa Seth, luego de álbumes y shows con otros proyectos como Near Earth Orbit, quien Artaud comparte con Ashley Dayour (The Devil & The Universe y Whispers In The Shadow) y el regreso a los escenarios de The Garden of Delight, al que también se le sumó Jón Tmoh. Ahora vuelven al seno de la banda que más álbumes saca dentro de la actualidad del Gothic Rock. "A-U-M" no nos va a sorprender, encontraremos exactamente lo que esperamos de Merciful Nuns, pureza y calidad, un paquete de ocho excelentes canciones, sobresalen "Beyond Nirvana", "Eternal Decay" (con aires a New Order, si, leyeron

bien), "Cremation" o "Kundalini Express" marcan la diferencia en un álbum exquisito como siempre. Un álbum que no presenta quebraduras o altibajos, un nuevo álbum de Merciful Nuns, una nueva joya del Gothic Rock actual.

145

DERECHO DE PISO

TRANSLUCIDO LA BÚSQUEDA DETRÁS DEL CONCEPTO [ Por Diego Centurión ]

Translúcido es una banda a la cual hemos visto en nuestras páginas en shows que hemos cubierto, y siempre quisimos hacer una presentación en nuestras páginas. Tal vez más adelante podamos entrevistarlos, pero sabiendo que harán una presentación de su último disco “El último latido de Lao” (2016) en Niceto Club, el próximo jueves 4 de mayo. Ellos mismos se definen como una banda de "Electro Go", pero lo hemos escuchado bastante y su calidad técnica y compositiva aborda géneros como el space rock, la psicodelia, el synth pop y el rock progresivo. Translúcido es una banda formada en el año 2010 y luego de editar dos EPs y dos discos llamado “Bioma” (2014) y el mencionado “El último latido de Lao” (2016), en donde apuestan a mejorar e incrementar su sonoridad con el aporte de arreglos de cuerdas a cargo de Alejandro Cornes e introducirse un poco en la electrónica. Los invitamos a explorar su música y vivir la experiencia multimedia de un show, por eso reiteramos la invitación para el próximo jueves 4 de mayo, que realizarán la presentación de su último disco “El último latido de Lao” (2016) en Niceto Club, acá les dejamos el evento: https://www.facebook.com/events/1868979200025996/

Pueden encontrar a Translúcido y seguirlo en sus redes sociales: https://www.facebook.com/Translucidofanpage/ https://twitter.com/translucidoarg https://soundcloud.com/translucido https://www.youtube.com/channel/UCc3YTWS85OQTbjvCAM6syQg https://www.instagram.com/translucido_/ https://open.spotify.com/artist/0TaviXG8EOXxlAiXPSHz0M http://www.deezer.com/artist/7464064

147

SOBRE LA PORTADA Psicoboro Año: 2009 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 1 x 1 mts. ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”. Este cuadro tiene que ver con los procesos alquímicos. Tienen un movimiento, un movimiento circular, que tiene relación con el Oro Boro, que era una figura alquímica que representaba un proceso de la Gran Obra de la Piedra Filosofal y el Elixir de la Larga Vida. Porque decía que todos veníamos del Uno y al Uno íbamos, una sustancia o espíritu Primordial o Vibración Primordial. La atracción con las escamas, esa repetición aritmética de una escama, más otra escama, y luego otra y otra; los círculos, que no terminan, pareciera que en la lengua tiene una terminación, pero no. Es como que habla de la no terminación de la palabra en la Obra Alquímica. Porque al nombrar las sustancias, al mezclarlas, ellos pronunciaban ciertas palabras, secretas, de poder, que hacían a la Obra. Los cuadros tienen más de aéreo que de terrenal, se ve en la contrapartida según el que lo observa. Mucha gente lo relacionó con la Pachamama, como una forma de ir hacia la Tierra. El verde puede tener que ver con la Tierra, pero con la que da frutos; el rojo, también; el dorado y amarillo con el Sol; y el violeta con la Transmutación, con lo que vamos cambiando. Y muchas cosas cambiamos desde lo simbólico, porque la humanidad evoluciona desde lo Simbólico. Y la Palabra es el símbolo que ahora nos gobierna. Para mí es como un tapiz, para, delante de él, realizar la obra alquímica, para mezclar sustancias, para inspirar en volver hacia el Uno, a buscar ese toque primordial de la Piedra Filosofal, para fundirse con el Universo. Eso significa "Fundirse con el Universo", ser el Uno con el Todo.

http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

The13th U NA R EVISTA IMA GINA RIA