Revista The 13th Número 37

The13th AÑO: 4

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NÚMERO 37

UNA R E VISTA IMA GINARIA

JAY ASTON - GREG DULLI RESPLANDOR - CLUSTERSUN THIS OTHER KINGDOM | VICTORIA REAL | THE STEVENSON RANCH DAVIDIANS | SYSTEM CORPORATION UNDERGROUND SINIESTRO III | SLOWDIVE CICLO ENTREPISOS | ALIEN | MUCHO MÁS...

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Alex Bretto

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jiménez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Literatura ]

Erick R. Vieyra

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Gabo Rojo

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Marcelo Simonetti

Jefe de Departamento de Literatura:

Max Wilda

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión y ARMS.

Jefe de Departamento de Música:

Esteban Galarza

Diego Centurión

Ricardo Padilla (Oriani_K)

[ Fotografía ]

Darío Martinez

Nazarena Talice, Lily Moonster,

REDES SOCIALES:

Patricia Claudia Fiori

Johannes Rossini., Ishtar Astarté.

Marina Cimerilli

Marina Cimerilli

Julieta Curdi.

Pablo Müllner Benjamín York COLABORAN EN ESTE NÚMERO Fabián Resakka, Damián García Ferro, Ferran Pont Verges, Pedro Damián, Rebecca Bayse, Nick Noble, David Yépez, Orquídea, Tom Lugo, Roman Kalitkin, Gardy Perez Ruiz

CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Mayo, 2017

Al filo de que termine mayo está saliendo un nuevo número. Demorado por la cantidad de información que hemos recibido hizo que nos demoremos un poco más de lo acostumbrado. Para este número les traemos muchas entrevistas exclusivas y de alto vuelo, un especial sobre Alien, información y mucha data para ustedes.

En materia de entrevistas tenemos a raíz de sus nuevos álbumes a Jay Aston quien nos habla del nuevo álbum de Gene Loves Jezebel, un álbum que ha salido en estas semanas y ya tenemos una entrevista.

También tenemos a Greg Dulli quien, entre otras cosas, nos habla del nuevo álbum de The Afghan Whigs. Pero nos comunicamos con una banda "relativamente" nueva, aunque tienen varios discos en su haber, The Stevenson Ranch Davidians" quien nos hablan de su nuevo álbum "Americana". Y hay más, tres artistas nuevos a los que también hemos entrevistado, de Londres This Other Kingdom quienes acaban de lanzar su álbum debut "Réveur" y los novatisimos de System Corporation quienes recién salen al ruedo y nosotros decidimos apoyarlos. Pero también miramos a América del Sur y nos pusimos en contacto con los fabulosos peruano de Resplandor, quienes han regresado luego de varios años de silencio, y nos pusimos a charlar con Antonio Zelada su cantante y mentor. Luego bajamos hasta la ciudad de Córdoba, Argentina y entrevistamos a Victoria Real. Pero continuamos con la tercera entrega de "Siete Joyas Escondidas del Underground Siniestro para Redescubrir".

Y así como en el número anterior hemos realizado una reseña especial del último trabajo de Depeche Mode, en este convocamos a bandas de todo el mundo a hacer lo mismo con el nuevo álbum de Slowdive.

Como siempre las secciones fijas de la Revista.

Así que estamos felices de esta edición, esperemos que la puedan disfrutar, no dejen de comunicarse con nosotros en nuestras redes sociales.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE RESPLANDOR NUNCA SE FUE Y NO SE IRÁ Entrevista a Antonio Zelada de Resplandor por Ricardo Padilla (OriaNi_K)......................................................................06 SIETE JOYAS ESCONDIDAS DEL UNDERGROUND SINIESTRO PARA REDESCUBRIR (PARTE 3) por Alejandro Cenizacromada ..........................................................................................................................................12 Entrevista a The Peppersplum por Patricia Claudia Fiori .................................................................................................... 32 EL ANTIHÉROE MÁS ENTRAÑABLE Entrevista a Greg Dulli de The Afghan Whigs por Pablo Ravale........................................................................................16 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Pablo Müllner............................................................................................................22 ESTE ÁLBUM ESTÁ A LA ALTURA DE CUALQUIER MÚSICA DE HOY Entrevista a Declan Dunne de The Other Kingdom por Diego Centurión.........................................................................26 TENEMOS MUY ALTAS EXPECTATIVAS Entrevista a Clustersun by Benjamín York..........................................................................................................................30 MÚSICA PARA SANAR Entrevista a Victoria Real por Pablo Müllner......................................................................................................................34 UN BEBÉ HA NACIDO Entrevista a Jay Aston de Gene Loves Jezebel por Rodrigo Debernardis.........................................................................38 ¡SIEMPRE COPIA DE SEGURIDAD DE SUS DISCOS DUROS! Entrevista a Scott Newth de System Corporation por Benjamín York................................................................................42 ¡DEL LADO LUMINOSO DE LA FUERZA Dwayne Seagraves de Stevenson Ranch Davidians por Marina Cimerilli..........................................................................46 MUSIC CORNER RADIOHEAD: "Algo más que un momento en la Historia" Por Alex Bretto. ...................................................................50 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO OCHO: 5 BIG ONES por Gabo Rojo. ............................................................................................................54 Entrevista a Rudy Tambala PALABRAS EN LA ARENA(A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 REVOLTIJO DE TRIPAS: “Fantasmas” de Chuck Palahniuk por Pablo Ravale................................................................. 60 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE UN FANTASMA, UN ÁNGEL, UN EXTRATERRESTRE por Pablo Ravale........................................................................63 ENCUENTRO CON EL FUTURO, QUE SE PUEDE MODIFICAR por Valeria Pomidoro..................................................64 HIDDEN TRACK ..............................................................................................................................................................66 EN CONCIERTO ESPECIAL CICLO ENTREPISOS.......................................................................................................................................70 MÁS PUNK QUE ROCK. Fotografías: Lily Moonster...............................................................................................................................71

LA GALA ACÚSTICA. Fotografías: Damián García Ferro........................................................................................................................76 CUANDO LA CANCIÓN TIENE PESO PROPIO. Fotografías: Damián García Ferro.............................................................................80 EXPERIMENTO CON CONTENIDO. Fotografías: Fabián Resakka.......................................................................................................84

RESCATE CINÉFILO BREVE HISTORIA DE LOS XENOMORFOS - ESPECIAL SOBRE ALIEN -…................................................................90

ORIGEN Y CAMBIO DEL CINE DE CIENCIA FICCIÓN por Nicolás Ponisio...............................................................92

LA MATERNIDAD SEGÚN JAMES CAMERON por Nicolás Ponisio............................................................................94 THE ALIEN BASTARD SON por José Luis Lemos ........................................................................................................96 CUANDO UN ALIEN Y UN ANDROIDE SE AMAN por Jimena Patiño ........................................................................98 FRANKENSTEIN O EL INDECISO PROMETEO por Nicolás Ponisio .........................................................................100 ¿SOÑARÁN LOS ANDROIDES CON CREAR XENOMORFOS? por Nicolás Ponisio ................................................102 EL ESCRITOR SERIAL

FEUD: BETTE & JOAN: -LA FICCIÓN RECREANDO LA VERDAD DETRÁS DE LA FICCIÓN- por Nicolás Ponisio..106

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................110 PURA MELOMANÍA FIJANDO PRECEDENTES. Fields of the Nephilim - Dawnrazor (1987) por Diego Centurión..................................................................................116 MUÑECA BRAVA. Tori Amos - American Doll Posse por Pablo Müllner.....................................................................................................119 16 AÑOS Y LA FURIA INTACTA Manic Street Preachers - Send Away the Tigers (2007) Por Alex Bretto........................................................................120 INVASORA DEL ESPACIO Björk - Volta (2007) por Pablo Müllner .........................................................................................................................121 CANCIONES DE DOLOR Y AGRADECIMIENTO. Erasure - Light at the End of the World (2007) Por Gabo Rojo .....................................................................................122 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? IRISH DREAM. Dolores O’Riordan - Are you listening? (2007) Por Maxx Wilda .................................................................................124 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................126 Especial Slowdive - Slovdive (2017)...............................................................................................................................128 DERECHO DE PISO EZEQUIEL EZQUENAZI - EL ESTUDIO DE LA EXPERIMENTACIÓN por Diego Centurión...........................................142 EXPRESO MANIQUI - ENTRE COLOMBIA - ARGENTINA - LA PLATA por Diego Centurión........................................144 SOBRE LA PORTADA ESTRELLA DE MAR......................................................................................................................................................146

[ Entrevista a Antonio Zelada de Resplandor por Ricardo Padilla (OriaNi_K) ]

RESPLANDOR NUNCA SE FUE Y NO SE IRĂ

Han transcurrido veinte años desde que Resplandor pisó un

Directa y musicalmente al momento de armar la banda, Slow-

escenario por primera vez para emerger en una todavía inci-

dive, My Bloody Valentine, Cranes, toda la 4AD, Cocteau Twins,

piente escena shoegaze limeña. La prominencia de su primer

Clan of Xymox, His Name is Alive, Dif Juz, Swallow, The Jes-

EP 'Sol de Hiel' publicado en 1998, hacía presagiar lo que hoy

us & Mary Chain, pero la influencia es lo que ha sido y es parte

en día se ha materializado con excepcional calidad artística y

de tu vida y parte de mi vida es todo lo que te genera sensacio-

creativa.

nes, vengo de escuchar música desde muy chico como trash,

La banda ha producido tres álbumes, dos EPs y ha participa-

doom , punk, hard core, a los 15 años descubrir a Sonic Youth,

do en más de una decena de compilaciones editadas por impor-

Pixies, Nirvana, Soundgarden y a los 16 a Curve, The Jesus &

tantes y reconocidos sellos como Claire Records, Mindsummer

Mary Chain y en el 91 a Slowdive, My Bloody Valentine, Chap-

Madness, Tonevendor, Alison Records y Saint Marie Records.

terhouse, Cranes, Lush etc, actualmente me gusta mucho Wild

Han compartido escenarios con grandes bandas y artistas como

Nothing, DIIV, Savages, Daughter, The National, Beach Fossi-

Robin Guthrie, Asobi Seksu, Radio Dept., Ulrich Schnauss, The

ls, The Drums, Beach House por mencionar algunos, en cine,

Ocean Blue, Duran Duran, The House of Love, The Cure, en-

Kubrick, Lars Von Trier, Kieślowski, Wim Wenders, Amená-

tre otras.

bar, etc, y muchas cosas que son parte de mi vida.

El camino hacia su consolidación musical ha sido espléndido, detrás de los escenarios el trabajo ha sido arduo. Resplandor es quizás una de las primeras bandas peruanas de la escena independiente que hicieron las cosas bien desde el inicio, su propuesta artística y empresarial ha sido sería y bien orientada a lo

Su primer trabajo 'Sol de Hiel', lanzado en 1998, les trajo muy buenas críticas. ¿Qué recuerdos tienen de esa época?

Mucha experimentación, buscar un sonido, la emoción y ansiedad de los primeros conciertos y primeras grabaciones.

largo de su trayectoria.

La banda vuelve a los escenarios luego de su presentación

Sus trabajos siempre han sido de largo aliento, su primer ál-

junto a The Cure hace cuatro años. Antonio Zelada, líder y fun-

bum 'Elipse' aparece en el año 2000, dos años más tarde publi-

dador de la banda, nos cuenta sobre los inicios de la banda, sus

can 'Ambar' bajo el sello Alison Records. ¿Qué diferencias en-

influencias, sus planes a futuro y algunos datos de su próximo

cuentras entre los primeros trabajos de la banda?

disco.

Hace poco alguien colgó los demos de 'Sol de Hiel' de febrero de 1996, y es una sensación que cada persona que deja un

Para todos aquellos que no conocen la trayectoria de la banda, cuéntanos Antonio ¿cómo nace Resplandor?

registro debe sentir de distinto modo al escuchar algo que hiciste hace 21 años atrás, por una lado fue refrescante escuchar y

Venía de tocar un par de años con unos amigos, pero nada

trasladarte a esos años de universidad, amigos y sustancias pero

en serio, en verano del 1996 decidí armar un proyecto y puse

grabado en una four track en directo en una sala donde ensayá-

un aviso buscando baterista, en la tienda de música de Lalo Lec-

bamos. Por otro lado el sonido en ' Elipse', es bastante personal,

ca en Calle Los Pinos; pasaba tiempo ahí escuchando música

las baterías las trabajé con una Drum Machine Alesis SR16 y los

de la 4AD, Creation y descubriendo bandas nuevas, hasta que

bajos y secuencias con un secuenciador Yamaha QY20, las at-

me llamó Carlos Mariño, nuestro primer baterista y empeza-

mósferas eras creadas con Delays, Chorus y Reverbs y Wilmer

mos a tocar en Febrero de 1996, grabando los demos de Sol de

que en esa época me acompañaba hizo las melodías de teclado,

Hiel y Ninfa.

en 'Ámbar' seguí trabajando en el Estudio de Rocco Flores Oneto con el mismo hardware pero con un sonido de guitarras más

El nombre de la banda es sugerente, ¿lo eligieron por algo en particular?

En esa época yo estaba en la Facultad de Derecho de la Univer-

fuerte y distorsionado, en 'Pleamar' entro Chris y regresamos a tocar con un baterista y tener la producción de Robin Guthrie hizo que el disco tenga el sonido al que quería llegar.

sidad de Lima, pero paraba mucho con la gente de la Facultad de Comunicaciones, donde tenían una videoteca y una sala donde

Con 'Ambar' llega la internacionalización de la banda, reco-

ver películas y por mi parte había una fascinación por las pelí-

rrieron muchas ciudades de los EE.UU y compartieron escena-

culas de Stanley Kubrick, los claroscuros de El Resplandor, fue-

rios con importantes bandas como Malory, Skywave, Highspire

ron lo que me llevaron a poner el nombre al proyecto que tenía.

y Stellarscope. ¿La experiencia de tocar para un público foráneo es distinto al de tocar para uno latinoamericano?

¿Cuáles son las influencias de la banda?

“Ámbar” se editó en la segunda mitad del 2002 y salimos de

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gira a comienzos del 2003, en esa época en Lima la escena indie

desde nuestro show debut en 1997 y está Chris en batería, quién

era bastante reducida, cosa que ha cambiado en el último lustro,

grabó las baterías y nos acompaña desde Pleamar.

definitivamente fichar para Alison Records en Alemania y salir de gira con bandas del sello por Estados Unidos fue algo genial

Cuando lanzaron del EP ‘Sol de Hiel’ apostaron por un sonido

para nosotros como banda, el público foráneo está acostumbra-

atmosférico, evocador y melancólico que los ha caracterizado.

do a una escena indie y nos apoyó mucho, igual que las bandas

¿En esta nueva etapa mantendrán la esencia y la fórmula que

con las que compartimos y vivimos esos días y con los cuales

posicionaron sus anteriores producciones?

hicimos grandes amigos.

Sí, aunque con guiños a otras cosas que me gustan como la electrónica.

Hace unos días a través de las redes sociales anunciaste el regreso de la banda. ¿Cómo es que decides retomar nuevamente el camino?

La banda dejó los conciertos en vivo, pero nunca dejó la actividad, en este tiempo compuse el nuevo álbum que está listo

¿Está en sus planes realizar giras en Sudamérica?

Sí, no sólo en Sudamérica, la distribución de Saint Marie Records es a lo ancho del mundo, así que esperamos hacer una gira extensa.

para grabar, en 2013 nuestra nueva disquera en Estados Unidos Saint Marie Records, editó el tema Feel, en 2014 fue incluido en Static Waves 3 nuestro cover de la canción Morningrise

Cómo ves la escena Shoegaze en Perú y Latinoamérica. ¿Crees que existe verdaderamente una escena consolidada?

de Slowdive y en Noviembre de 2016 fue incluido en el último

Aún no consolidada pero en definitiva ha crecido, lamenta-

compilatorio de Saint Marie records, el tema Bocana (Faraway

blemente es difícil hacer una gira por distintas ciudades que no

Whispers FromThe Sea) mezclado por Darko Saric en su estu-

sean capital, si bien existe mucho entusiasmo de parte del pú-

dio en New York City.

blico, logísticamente es difícil.

¿Piensan lanzar el nuevo álbum en el 2017?

Tomamos las cosas con mucha calma, si bien el nuevo álbum lo puedo tener listo este año, prefiero no lanzarlo a fines de año, sino esperar a Marzo o Abril del 2018.

En sus inicios la banda ha sufrido muchos cambios en su alineación. ¿Quiénes te acompañan ahora?

En el bajo, ha regresado Henry Gates, nuestro bajista original

¿Actualmente qué bandas peruanas y sudamericanas te cautivan?

Altocamet (Argentina), Mellonta Tauta (Argentina), APZOO (Argentina), Liquidarlo Celuloide (Perú).

Pleamar, el último y uno de sus mejores discos a mi gusto, fue trabajado junto al gran Robin Guthrie (ex Cocteau Twins). ¿Cómo fue trabajar con alguien que siempre admiraron, y es el

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principal referente de muchas bandas de la escena shoegaze/

acto tan significativo que marca el regreso de Resplandor a los

dreampop?

escenarios?

Fue genial y más que una relación de trabajo fue una relación

Emocionados, hace 20 años nunca hubiera pensado que esto

de amistad, anécdotas, almuerzos, cenas, piscos, vinos y más,

podría pasar y estamos a pocos días que suceda, en el 2002 me

Robin es una gran persona, y la admiración no sólo es como mú-

comuniqué con Christian Savill, guitarrista de Slowdive, él tie-

sico, sino también como amigo.

ne otro proyecto Monster Movie editado también por Alison Records quienes editaron Ámbar, en esa época nos invitaron a

¿Cómo conocieron a Guthrie, cuál es su relación en la actualidad?

Manejo Automatic Entertainment, productora y disquera con la que traje, en marco de su gira Sudamericana, a Robin Gu-

ambas bandas a un festival en Bello Horizonte, Brasil, que finalmente nunca se dio, fue una pena, pero hace pocos días nos comunicamos nuevamente y con muchas ganas de conocernos personalmente y encontrarnos en Lima.

thrie a tocar a Lima por primera vez en el 2007. Antes de que llegara a Lima, fui a Santiago a ver su show y hacer la antesala

¿Cuáles son sus planes a corto tiempo?

a su presentación en la capital, la noche de la presentación con

Grabar.

Resplandor abríamos el show y él estaba en el backstage escuchando el concierto, cuando terminamos nos dijo que le había

¿Tenemos Resplandor para rato?

gustado mucho el show, así que salió la propuesta de trabajar

Sí, como te dije anteriormente Resplandor nunca se fue y no

juntos y regreso en setiembre de ese año para producir Pleamar.

se irá, sólo estuvimos en una etapa menos productiva y no tocando en vivo.

¿Cómo es el proceso de creación de sus composiciones, suelen ser totalmente metódicos o prefieren apelar a su estado de ánimo?

Cuáles son los medios que están utilizando para promocionar su música. ¿En dónde podemos conseguir sus discos?

Definitivamente es muy personal y apela a mi estado de áni-

En eso estoy ahora, todo ha sido muy rápido y he estado un

mo, todos los discos han sido así y es por eso el motivo de que a

poco apartado de todo este avance de distribución digital, por

veces tardemos mucho en un disco, hay épocas largas en que no

ahora Pleamar está en iTunes, pero debo estar colocando todo

cojo la guitarra y otras en que sí y las cosas fluyen, luego preparo

el material pronto en todas las plataformas digitales y lo físico

las secuencias y en base a eso, se trabaja lo demás.

espero reeditarlo lo más pronto, ya que los discos están casi sold out y tengo muy pocas copias, en Argentina nos edita y distri-

¿Qué es lo que hacen los integrantes de la banda cuando no están creando música?

buye Casa del Puente Discos y por ese medio lo pueden conseguir físicamente.

Chris tiene un estudio de producción musical y toca con Mobivstrip, Henry es Director y co-fundador del estudio de animación Zeppelin y yo manejo Automatic Entertainment, productora y disquera indie, corro y tengo una consultora legal.

Muchas gracias Antonio por la atención y el tiempo brindado a nuestra Revista.

Muchas gracias a ustedes siempre por el apoyo y toda la buena onda.

Han trabajado e interpretado temas de otras bandas. Entre ellas se encuentra 'Morningrise' de Slowdive que goza de mucha aceptación. ¿Qué otros covers han interpretado?

La gente que aún no los conoce, ¿dónde pueden encontrar su música?

Tenemos algunos que no han visto la luz en grabaciones pero

Puede encontrarnos en www.inhalt.bandcamp.com Tam-

si en vivo como ‘Christine’ de The House of Love, otros que si

bién estamos representados en la mayoría de las plataformas

hemos grabado y hemos tocado en vivo como ‘Sensitive’ de The

en línea, ya sea iTunes, Spotify. Además nuestros discos tam-

Field Mice y ‘April’ de Chapterhouse, ‘Killing Moon’ de Echo

bién están disponibles en tiendas de música seleccionadas.

& The Bunnymen (editado por el sello español Lunar Discos), ‘Happy When It Rains’ de The Jesus & Mary Chain y ‘Virginia’ un cover de Salón Dada.

Han sido invitados a tocar junto a los míticos Slowdive este 18 de mayo próximo. ¿Cuáles son tus sensaciones frente a este

Muchas gracias por el tiempo que nos brindaron para esta entrevista. Este último espacio es para que digan lo que quieran.

Un enorme agradecimiento a todos nuestros fans y seguidores.

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[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

SIETE JOYAS ESCONDIDAS DEL UNDERGROUND SINIESTRO PARA REDESCUBRIR (PARTE 3) Una tercera entrega de los siete sin más preambulos un poco más enfocado en sonidos experimentales y discos que aunque no están emparentados con la cultura Post punk, tienden puentes grandes con la vanguardia. Siempre he considerado que los mejores álbumes en la historia de la música son aquellos que tienden puentes sin distinción de géneros. Así es como deberíamos ser las personas.

1- 1.

1. Clair Obscur – Play (1988) Label: Apocalyptic Vision

Clair Obscur es un explosivo y polifacético dúo de Coldwave francés formado por los hermanos Nicolás (Guitarra) y Christophe Demarthe. Play es una compilación que reúne sus dos primeros trabajos: La casette Noire (1982) y The pilgrim’s progress (1986). Aquí hay una combinación demencial de Post punk, Industrial y experimental. La banda ofrecía una excelsa teatralidad en su puesta en escena y sus posteriores trabajos reúnen elementos del Dark Cabaret y el Art Rock. Cada trabajo de esta banda es calidad garantizada. Recomendado su proyecto alterno CO2.

13 2. Corpus Delicti – Sylphes (1994) Label: Glasnot Records

Procedentes de Niza (Francia), ellos fueron uno de los actos más grandes de los 90, usando elementos del Death Rock como del Post Punk. Una clara influencia entre Bauhaus y Christian Death. El golpe de batería característico de la hermosa Laurence Romanini (Roma) le daba mucha identidad al sonido de la banda. La hermosa voz de barítono de Sebastien Pietrepiana (Una de mis voces favoritas de todos los tiempos) y sus manifiestos existencialistas demostraron porque la escena francesa aportó tanto al sonido siniestro en el mundo. Aquí viene el clásico Sarabands.

3. Kirlian Camera – Schmerz (1995) Label: Discordia

El prolífico músico italiano Angelo Bergamini siempre ha permanecido en un punto discreto de la escena. La obra valiosa de su proyecto Kirlian Camera ha quedado para los oídos de unos pocos verdaderos amantes de los sonidos oscuros, tal vez por su carácter introspectivo, pero si abrimos nuestros sentidos terminaremos expuestos a ver nuestra aura retratada. Desde el Darkwave más sublime (como lo es este disco) hasta la electrónica de vanguardia pasando por la eucaristía Neofolk (ellos también aman a Death in June y de hecho le rinden tributo). Es un deber casi que obligado escuchar su obra para todo aquel que se precie de amar la cultura siniestra.

4- NON – Easy Listening from Iron Youth (1989) Label: Mute

El norteamericano Boyd Rice quien fuese el sumo sacerdote de la iglesia satánica tras la muerte de Anton La Vey, es el padre del Noise Industrial en Norteamérica, tipos como Charles Manson lo definieron como “El padrote negro”. Como dato curioso fue de los primeros en experimentar con la técnica del Scratch que es abanderada del movimiento Hip hop. Este disco es una compilación en la cual hay aportes del grupo experimental esotérico Coil y el gran Daniel Miller. Sonidos para escuchar en un estado no tan triste, pues los resultados pueden ser catastróficos debido a la claustrofóbica atmósfera que destila el compilado. Noise, industrial y experimental de gran contundencia.

5. Raison D’etre – Within the depths of silence and Phormation (1995) Label: Cold Meat Industry

Desde Suecia Dark Ambient de atmósfera escatológica. Peter Andersson es un artista prolífico (Atomine elektrine, Grismannen) el cual ha indagado en lo ruidista y lo experimental. Este disco es perfecto para cuando solo queda el silencio, una funesta procesión por memorias olvidadas, lamentos en medio de ruinas de una humanidad a un paso de la extinción. Recomendado también su primer álbum Prospectus I (1993).

15 6. Besvikelsens Dystra Monotoni – Demo (2012) Label: Autoproducido

Sí, es reciente pero me parece valioso. En este demo de este enigmático proyecto de Moscú he encontrado cosas que he querido escuchar desde hace mucho. Rock espacial y una clara influencia del lado más ambiental de artistas como Burzum, crean una alucinante propuesta vanguardista para días grises y apocalípticos, tiene un buen toque de industrial, un viaje cósmico en espiral. Y sí la decepción, la depresión y la monotonía suenan a lo que suena este demo, pueden terminar siendo algo muy cool.

7. Hybernoid – The last Day Begins? (1994) Label: Displeased Desde Inglaterra, una extinta banda de Doom Industrial Metal. En su momento compartieron escenario con grupos emblemáticos como Paradise Lost. Su propuesta radicaba en un sonido Post apocalíptico, riffs densos de guitarra arropados por ambientaciones árticas de sintetizador, voces guturales y una voz femenina como hablando entre sueños.

La crítica los definió como un cruce curioso entre Carcass Y Cocteau Twins. Tras este disco el grupo se empezó a disolver lanzando un álbum volcado totalmente a los sonidos electrónicos sin perder su aura crepuscular. Recientemente se ha hecho una reedición de este “Last Day begins?” con temas extra.

[ Entrevista a Greg Dulli de The Afghan Whigs por Pablo Ravale ]

EL ANTIHÉROE MÁS ENTRAÑABLE Uno de mis pocos héroes musicales de toda la vida.

En un mundo perfecto, Greg Dulli sería una súper estrella. Cumple de sobra con los requisitos: postura desafiante, credenciales punk, un profundo conocimiento de la música afroamericana, rollo high class, agresividad sónica y una elasticidad virtuosa que le permite hacer tanto un cover de Fleetwood Mac como de Björk, y todo unido por una personalidad de macho herido melancólico que recuerda a los antihéroes más entrañables del cine negro estadounidense.

Sin embargo, a sus casi 50 años, el nativo de Ohio se mantiene como una figura ajena al reconocimiento popular. Greg ha sido la fuerza motora de tres proyectos esenciales de rock alternativo: Afghan Whigs, The Twilight Singers (banda en el que la única constante es el mismo Dulli) y Gutter Twins (su proyecto junto a Mark Lanegan). Tras una serie de desencuentros que derivaron en su disolución en 2001, Afghan Whigs volvieron a los escenarios en 2012 y, dos años después, lanzaron Do To The Beast, álbum que la crítica calificó como un regreso triunfal, aunque lo cierto es que se trata de otro logro más en la notable carrera de Dulli. La diferencia con antes, es que ahora el mundo pareciera comenzar a tomar nota.

Con motivo de querer sacarme el gusto de cruzar alguna vez unas palabras con él, le escribí a la cuenta de Facebook de Afghan Whigs y pasados unos meses, su agente de prensa me contestó que sí… que Greg tenía un rato para mí. Aquí la nota: Cuando empecé a escuchar a Afghan Whigs, allá por 2005, recuerdo que me fasciné como pocas veces me pasó con una banda. Fue algo que me marcó profundamente. Al día de hoy vuelvo a discos como Gentlemen, Black Love y 1965, y no puedo evitar

conmoverme.

Es todo un halago lo que me cuentas. Me alegro de que nuestra música te generara eso.

Dime, si Gentlemen y Black Love hablaban del infierno amoroso y la violencia; si 1965 transmite el delirio festivo de un carnaval en Nueva Orleans; si Twilight, Blackberry Belle o Powder Burns (de The Twilight Singers) son quizás los mejores discos sobre la nocturnidad, ¿de qué se trató Do To The Beast?

En Do To The Beast hay varias referencias a recuerdos de infancia, mitos y fantasías juveniles. En ese sentido quizá sea más nostálgico que los anteriores. Conforme envejeces, pones en perspectiva las cosas y decisiones que te han llevado al punto donde estás ahora. Durante el proceso de grabación me puse de nuevo en sintonía con música que no escuchaba desde niño. La mayor parte de lo que escribo son abstracciones. Más que construir una narrativa, lidio con sensaciones e imágenes. Se trata de explorar al individuo: crear un tapiz de reminiscencias para reflexionar sobre la persona. Es complicado, porque por otra parte quería un disco fresco, inmediato, para el ahora. Por eso el sonido es directo, al punto. Durante los últimos años he tenido la fortuna de viajar por casi todo el mundo. La confrontación con otras culturas fortalece tu capacidad de adaptarte y disfrutar. Eso también se refleja en las canciones.

En “Matamoros”, la segunda canción del disco, cantas: «Dicen que el destino es una carta / y que el sol es una estrella / Yo arrojo sombras / nosotros las creamos». ¿Ahí te estás remitiendo a qué?

Fue una de las últimas canciones que grabamos.

La idea surgió cuando un amigo nos contó una experiencia sobrenatural que le sucedió en Tulum.

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Mientras vacacionaba ahí con su novia, conoció a un hombre extraño que decía ser originario de Matamoros. Tras convivir con él, ambos se sintieron enfermos y desolados, atrapados en la oscuridad. Al regresar a su casa en Italia, revisaron las fotos del viaje y notaron que el hombre de Matamoros lucía deforme, casi como un demonio. La anécdota me recordó un artículo que leí hace algunos años sobre unos cultos satánicos donde se traficaban drogas y se sacrificaban mujeres en Matamoros. Todo el asunto cobró la forma de una cinta de tres minutos en mi cabeza. ¿Qué te hizo volver con Afghan Whigs?

Me pasaron dos cosas: la primera fue que, mientras estaba en una gira acústica en 2009, con Gutter Twins, en la cual toqué canciones de toda mi carrera, incluyendo algunas de los Afghan Whigs que no había tocado por años, lo disfruté mucho así como también noté la emoción que le causaron al público. Y la segunda fue que cuando lancé el último álbum de los Twilight Singers, me di cuenta que sonábamos cada vez más rock, y ése era un proyecto que yo inicié como una vía de escape al sonido de los Whigs… Por lo que era evidente que estaba volviendo a aquella época y que me interesaba de nuevo el rock de mi antigua banda. Y en ese momento me contacté con los demás y programamos unas fechas. ¿Cuál es tu opinión acerca de los que criticaron su regreso sin Rick McCollum? ¿Qué pasó con él?

Bueno… yo no puedo hacer nada, él no quiso participar en el disco (Do The Beast). Y actualmente tampoco tenemos diálogo. Las bandas cambian todo el tiempo, así como en la vida hay cambios. Es igual que en las parejas o en la familia. Eres mi hijo y me separé de tu madre, pero sigo siendo tu padre. La banda es mi proyecto y debe de seguir adelante. Con o sin Rick.

Cuéntame ¿cuáles son los planes para Gutter Twins?

Mira, esta mañana desayuné con Mark (Lanegan) y él está preparando la gira de su nuevo álbum, que por cierto está fabuloso. Va a estar ocupado con eso por el resto del año. Y yo, a su vez, estoy centrado en el lanzamiento de In Spades, el nuevo de

Afghan Whigs. Con Mark queremos grabar otro disco, pero no te puedo decir cuándo, porque todavía no lo sabemos. ¿De qué va In Spades?

In Spades es un disco de rock con alma soul que enfatiza sus instintos pop. No es un LP conceptual, pero sigue una senda definida que se inició al empezar a moldear el material. Desde el punto de vista de las letras, se trata de canciones con el foco puesto en momentos emocionales oscuros, en dolor, pérdida, rencores, así como también en cosas más propias de la creencia vudú. Algo de eso ya hemos querido adelantar con el clip de la canción “Oriole”. ¿Qué tipo de bandas te gustan actualmente?

Escucho de todo. Pero lo último que recuerde que me impactó fue Grinderman y un cantante de soul de Brooklyn llamado Sinkane. El que está genial, como te decía antes, es Gargoyle, el nuevo de Mark Lanegan.

Eres muy asiduo a realizar covers. Dime algo de ¿por qué tenés esta afición y cuál es la fórmula para hacerlo?, porque además son realmente buenos. A veces mejores que los originales.

Tienen que ser canciones que ame demasiado y que me hubiera gustado poder hacerlas yo y que se adapten a mi manera componer. Ésa es un poco la forma en que las hago. Amo hacer covers y en ocasiones sólo hago la versión de determinada parte de alguna otra canción en la que encuentro alguna conexión con lo que estamos tocando.

Cuando miras para atrás y recuerdas al Greg Dulli compositor de discos como Gentlemen o Black Love, ¿qué sientes?

Si bien soy una persona distinta a la que grabó Gentlemen, conozco bien al hombre que canta en el disco. Ya no me siento así, pero aún hablo con él y le guardo afecto. Quizá sea un autoengaño, pero me gusta pensar que soy un ser en constante evolución. No creo que sea sano pensar en términos comparativos. Creo que compuse excelentes canciones cuando era joven, pero también considero que las que compuse hace unos meses son igual de buenas. Para mí es imposible decir cuáles son mejo-

res. No es mi papel. Lo único que puedo hacer es mantener el compromiso de sólo hacer cosas que me interesen.

Greg Dulli es tan buen compositor, que a mi entender cualquier cosa nueva que publique va ser fabulosa.

Gracias otra vez por el halago… Como compositor, creo que lo he hecho por tanto tiempo que ya sé cuánto tomarme en cada cosa. Si una canción se resiste, la dejo ir y persigo las canciones que querían convertirse en canciones en vez de seguir con algo que tomaba mucho tiempo. De esta forma, ya

después puedo regresar con una perspectiva fresca.

Ha mejorado mi estrategia y ahora trabajo de forma más efectiva. Para componer Do To The Beast hacía bocetos en las noches y al otro día iba al estudio a empezar a darle forma a las ideas. Me volví bueno para hacer las cosas rápido.

Es un honor enorme haber podido conversar con uno de mis héroes musicales. Espero ansioso verte otra vez en Argetina.

Toqué dos veces allá, una con Gutter Twins y otra con los Whigs… Seguro habrá una tercera.

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TRES POR UNO The Afghan Whigs - Honky's Ladder:

[ por Nicolás Ponisio ]

El video referente al tema Honky’s Ladder de The Afghan Whigs toma dos ejes centrales en su construcción para, justamente, deconstruirlos. Uno de ellos es el referido al formato de video musical en el que se puede ver a los miembros de la banda interpretando el tema en cuestión. El otro, la imagen de la iglesia. En ambos casos se haya una línea de unión que se encarga de reformular esos conceptos a través de la estética.

Es así que la performance de la banda es para el espectador un ritual de misa, la fe en las palabras del cantante y el ritmo que retumba en las paredes (del lugar y de la cámara) que los contiene. Y la misa en sí, la figura de la iglesia y los fieles que asisten a ella, es una exacerbación y una fuerza de choque que representa todo lo que para “la casa del señor” es una abominación. Aquí no hay castigo divino, sino una celebración de los instintos y comportamientos más salvajes y naturales.

Por ello es que la clásica fórmula de manual de una banda tocando, aquí representa una destrucción de la santificada imagen católica en pos de arremeter contra ella, contra lo políticamente correcto, y de las ruinas recrear el concepto de video musical. El cual alterna entre imágenes de la misa recitalera y el fervor que despierta entre sus fieles, una vorágine de imágenes furiosas, sensuales, adictivas y transgresoras. Definitivamente el tipo de iglesia a la cual me gustaría ir y, por supuesto, el tipo de vídeo que indignaría hasta al mismísimo papa.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Contaba Greg Dulli que cuando empezó a trabajar en el material de lo que fue el álbum Black Love de su banda Afghan Whigs, varias de las ideas que tenía para el disco le fueron inspiradas tanto por la estética neo-noir de los thriller que predominaban por entonces en la pantalla grande como mismo por las novelas negras. Este cambio de sonido y de ima-

gen de la banda llegó justo para cuando el Grunge se extinguía. Dulli pulió ciertos detalles y acrecentó otros (teclados, cuerdas, coristas), y llevó su rock nocturno y lleno de lujuria violenta a un nivel altísimo. Una versión musical del cine de Tarantino y Fincher donde conviven el post-punk, el hard-rock, el soul y el funk.

Centrándonos en la canción que hoy toca atender, la ruda, elegante y misógina “Honky’s Ladder”, podríamos decir que trata sobre la historia de un hombre que, por un lado, parece haber pescado in fraganti a su esposa con otro y decide matarlos a ambos («Te tengo donde quería, hija de puta / Te agarré con las manos en la masa / Y si querés fisgonear alguna cosa / fisgoneá la que te puse entre los ojos»; «Te atrapé mientras esperás llegar a tu machito / para que te la clave de nuevo»), aunque, por otro, clamar por redención («En la cima de la escalerilla ellos cantan: / “¿Qué tan alto / tienes que subir, hermano?” / ¿No vas a llevarme hasta allí con vos? / Dijiste que lo harías / No hay nadie que pueda agitar esa escalerilla / como yo lo logro»; «Si me dices “No te mezcles con el Diablo” / es exactamente lo que voy a hacer»), algo que se ha convertido en una constante en las letras de Dulli: vicio y perdón, luz y oscuridad, amor y odio.

Asimismo, desde su letra, “Honky’s Ladder” plantea la idea de alguien que es una víctima pero que de repente se alza como un ser demoníaco, sórdido y lleno de misterios y secretos, transformándose en el peor asesino posible, en un despiadado individuo capaz de condenar a la aflicción más terrible a quien tenga la mala suerte de cruzarse en su camino y fallarle.

Ese “amor negro” del que nos habla el título del álbum se refleja perfectamente en el tema, en especial por su épica arrebatadora, por su aura de canto de resurrección donde las emociones se convierten en algo funesto: en monstruos fagocitadores de vidas ajenas, en succionadores de tuétano insaciables.

Sostenido por una oscuridad sobrecogedora y sentimiento de tragedia griega, “Honky’s Ladder” es en definitiva el viaje conceptual de un homicida bajo la mejor tradición film-noir.

Bellamente espeluznante.

MÚSICA [ por Pablo Müllner ]

Antes de entrar al estudio a grabar el material de “Black Love”, el álbum de 1996 de donde se extrae la canción “Honky´s Ladder”, Greg Dulli, cantante y líder de The Afghan Whigs había considerado producir la banda de sonido de un film policial negro. Por problemas de financiación la película nunca se llevó a cabo, pero Dulli comentó que parte de las ideas que tenía para el soundtrack terminaron influenciados el sonido y los arreglos del material de “Black Love”. Escuchando los primeros segundos de “Honky´s Ladder” esto no parece para nada un invento.

Si bien la banda no se aleja totalmente de su estilo clásico de garaje-grunge, parece que la atmósfera de un film de suspenso invadiera la melodía para llevarla a un territorio bastante más sofisticado. El tema comienza lento, sinuoso. Las primeras guitarras chillonas no suenan del todo crudas sino más bien trabajadas en el estudio, como sucede en los mejores momentos del primer álbum de Garbage, o en Nine Inch Nails. Tanto es así que el puente hacia el estribillo recuerda un poco al insistente riff de

“Only Happy When It Rains”, agudo y dramático.

Pero hay mucho más que una influencia para relucir. Mientras la canción va escalando en tensión, sin prisa, interfieren la melodía algunas explosiones de guitarras metaleras que años más tarde serían parte inseparable del sonido nü metal de Korn o System of a Down, pero que aquí nos asaltan como novedad. Por si todo esto fuera poco, en el estribillo hay una erupción de palmas al mejor estilo de coro de gospel. Esto no es de extrañar dado que la banda cuenta entre sus influencias sonidos de R&B y soul como The Temptations y Marvin Gaye.

Lo que sí resulta extraño es lo bien que cuajan todos estos elementos de estilos tan disimiles. Y quizá la clave para entender cómo se combinan todas estas piezas sea la voz de Greg Dulli que en la canción funciona casi como un instrumento más. Dulli arranca casi susurrando con frialdad sus palabras y va tomando temperatura hasta alcanzar una elegante rabia contenida. Finalmente estalla en emotividad casi como un líder devocional al frente del púlpito justo para recibir las palmas del coro. Sobre el final no nos quedan dudas de que “Honky´s Ladder” hubiera sido una excelente canción para sonar en los momentos más intensos de un film como “Pecados Capitales”.

[ Entrevista a Declan Dunne de The Other Kingdom por Diego Centurión ]

ESTE ÁLBUM ESTÁ A LA ALTURA DE CUALQUIER MÚSICA DE HOY

¡Hola Chicos!

Gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Empecemos por el principio. ¿Qué existió primero la banda o el nombre?

La idea de la banda estaba viva mucho antes de que el nombre, ¡pero el nombre llegó antes de la música, sin embargo!

Las dos preguntas siguientes son obvias. ¿Cómo nace la banda? ¿Y por qué This Other Kingdom?

Yo y Del (Kerton) empezamos a escribir música juntos hace unos 7 años, pero no fue hasta que nuestro baterista Git (Sweeney) se unió a nosotros en 2014, que realmente nos tomamos en serio la banda y la dirección que queríamos tomar con la música parecía venir naturalmente a nosotros desde allí. El nombre The Other Kingdom proviene del poema de Jim Morrison “A Feast of Friends” para la que más tarde The Doors escribió la música.

"No más dinero, no más vestido de disfraces Este otro reino parece de lejos el mejor" ¿Por qué o quienes se sienten inspirados?

Todos nos inspiramos en las bandas de hoy como The Black Angels, Holy Wave, Night Beats, el Black Rebel Motorcycle Club junto con bandas psicológicas más antiguas como The Doors, Love, 13th Floor Elevators. “Revolver” de los Beatles estaba sonando mucho cuando estábamos escribiendo nuestro nuevo álbum.

Ustedes hacen un debut discográfico en abril de 2013, con el EP "Sunlight". ¿Hoy cómo escuchan esa grabación?

"Sunlight" se utilizó para obtener el nombre de la banda por ahí y para conseguir que la gente hable de nosotros. Se grabó en un día, un día largo, por lo que es un poco áspero y desordenado en partes, pero siempre será la primera grabación de las bandas y por eso ¡siempre nos encantará!

Su álbum debut es "Telescopic" del 2015. ¿Qué diferencias sonoras encuentras entre este y su EP debut?

Ambos EPs, "Telescopic" y "Sunlight", fueron escritos en un corto espacio de tiempo de los demás por lo que siento que ambos tienen un ambiente simi-

lar entre ellos. Dos de las canciones del EP incluso terminaron en "Telescopic". La principal diferencia fue que nuestro baterista Git solo se unió a la banda después de que "Sunlight" fue lanzado y como resultado añadió su propio estilo de tambor distintivo a "Telescopic".

El nuevo disco se llama "Réveur", ¿qué nos puedes contar sobre la grabación de las canciones?

Grabamos el álbum en Orphan Studios en Dublín con la ayuda de dos excelentes ingenieros, Barry Murphy y Daniel Lopes. Fue bastante tranquilo y relajado durante todo el proceso de grabación.

Entramos en la grabación sabiendo 100% de lo que queríamos lograr con el álbum y cómo queríamos que sonara. Grabamos una gran parte del álbum en vivo. Si había una cosa que sentíamos que faltaba en "Telescopic" era que en ciertas partes del álbum no se puede sentir la energía que tenemos como banda en vivo porque todos grabamos en momentos por separado, así que cambiamos esta vez. Un hecho interesante es que la toma de nuestra canción (New Delhi Seven) se hizo una toma con un micrófono en medio de la sala de grabación de la guitarra, tabla y armonio.

Hablando del disco "Réveur", ¿qué ha cambiado (si algo ha cambiado) en la forma de escribir las canciones?

Me siento como si en este álbum estuviéramos un poco menos asustados del espacio. Había quizás un impulso en "Telescopic" para llenar el espacio a veces. Con el nuevo álbum teníamos mucha más confianza en el sonido que queríamos crear y tuvimos la oportunidad de expresarnos un poco más. Cuando estábamos escribiendo "Réveur" estábamos un poco más influenciados por la escena "psych" americana de hoy, que consideraría en general un poco más brillante y más ritmo que lo que encuentras en Europa. Cuando vas a visitar una ciudad con una escena psicodélica en auge como por ejemplo en Austin, Texas, no puedes dejar de regresar a casa y quieres escribir, es contagioso.

Al escuchar el álbum se percibe que desde la canción Comatosed, el álbum se vuelve más mántrico. ¿Esta idea es premeditada?

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Nunca nos sentamos a escribir canciones que son mántricas pero justo ese el espacio creativo que teníamos durante la escritura de este álbum. Queríamos tomar el álbum desde algún lugar completamente diferente y ser más creativo, más aventurero. La idea es que cualquier álbum siempre debe llevar al oyente en un viaje contigo. Puede ser una línea delgada entre un álbum y un montón de canciones lanzadas juntas y es por eso que los listados de pistas son tan importantes para nosotros. Si tuviéramos que escribir 11 canciones como “Comatosed” entonces el álbum se convertiría en aburrido y predecible y ¿no hay diversión aquí? ¿Cuáles son los planes para este año?

Estamos de gira por el Reino Unido en mayo y estamos planeando gira europea para más adelante en

el 2017. ¿Por qué nuestros lectores deben escuchar a la banda?

Creemos que este álbum está a la altura de cualquier música de hoy y estamos seguros de que quien se tome el tiempo para escucharlo, ¡estará de acuerdo!

Este último espacio es para que expresen lo que deseen.

Todos los lectores deben ir a la página de bandcamp de Wrong Way Records y recoger una copia de nuestro nuevo álbum "Réveur". https://wrongwayrecords.bandcamp.com/ album/r-veur Muchas gracias chicos por esta entrevista.

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[ Entrevista a Clustersun por Benjamín York ]

TENEMOS MUY ALTAS EXPECTATIVAS

Italia se ha convertido desde hace ya varios años en una fuente inagotable de bandas que entre sus sonidos más destacados se encuentra el shoegaze.

Ya hemos tenido a varias bandas en nuestras páginas, pero ahora es el turno de esta hermosa banda de Catania, donde además de un equipo de fútbol que suele albergar jugadores argentinos, nos trae a Clustersun, con una sonoridad maravillosa.

Para empezar me gustaría que me cuenten ¿cómo nace la banda y el nombre?

Todo comenzó en 2013, como una mutua diversión entre cuatro viejos amigos adictos al shoegaze/ psych/wave y ese amor a zapar a volúmenes súper fuertes. Después de unas pocas semanas de tocar melodías con fuzz y reverberación, tuvimos un montón de borradores de canciones y empezamos a pensar en dar un nombre a nuestro proyecto. Uno de estos primeros proyectos fue llamado "Cluster Sun", principalmente porque tenía una sección que recuerda la pista instrumental de Pink Floyd "Cluster One" (Cambiar el título de esa manera era una broma y un tributo al mismo tiempo), Así que cuando hablamos del nombre de la banda, todos estuvimos de acuerdo en que este podría funcionar perfectamente, pero escrito como una sola palabra: tiene una especie de ambiente flashero y espacioso, y al instante pensamos que podría representar muy bien la música y la estética que queríamos entregar.

En el 2014 publican "Out of your ego". Y eso despierta un interés en el corazón de la escena shoegaze. ¿Cómo vivieron el primer paso y la repercusión del debut?

Tuvimos la suerte de ser notados por Paolo Messere de Seahorse Recordings muy pronto, gracias a nuestro primer single auto-producido "Be Vegetal". Así, después de unos pocos meses desde el comienzo de la vida de la banda, Paolo nos trajo al estudio para grabar "Out Of Your Ego" con el ingeniero de sonido Giuseppe Barbera. Ver nuestras canciones tomando forma en el estudio era tan emocionante, pero lo mejor estaba por venir. Cuando el álbum salió, en abril de 2014, las reacciones fueron increíbles, tanto en Italia como en todo el mundo, y en la ola de nuestro único single, "Hipgnosis", ganamos gran aprecio en la escena shoegaze. También tuvimos la oportuni-

dad de apoyar el álbum con una gira que nos llevó a los Estados Unidos, tocando en NYC, Boston, Filadelfia y otras ciudades en la parte oriental de los Estados Unidos, gracias a la ayuda de Dave Allison de Custom Made Music: que fue fácil, una de las mejores experiencias en toda nuestra vida.

Ya tres años después de su debut, Clustersun ha participado en varias compilaciones y homenajes. ¿Cómo escuchan hoy ese álbum debut? ¿Cambiarían algo, algo que hoy escuchen mal de lo que fue grabado en este álbum?

Tres años después seguimos pensando que "Out Of Your Ego" fue un debut fuerte y una representación fiel de cómo nuestra banda sonó en 2014. Todas las canciones nacieron en los ensayos con un enfoque en ambientes etéreos y fríos, pero en estos años, y especialmente tocando mucho en vivo, hemos desarrollado un sonido más muscular, enfatizando al máximo el rango dinámico. Escuchándolo hoy sentimos que tal vez hay una falta de poder, arena y suciedad; elementos que son, en su lugar, mucho más en el centro de atención en el nuevo álbum "Surfacing To Breathe". Pero esto es algo que muestra la evolución en el camino artístico de la banda, y al final nos gusta que los dos álbumes tengan un enfoque de sonido diferente del mismo género.

Y pensando en una transición de tres años. ¿Cuánto tiempo les ha llevado a escribir las nuevas canciones?

Las nuevas canciones salieron de manera muy espontánea y también en muy poco tiempo, ensayando entre un concierto y otro. Eso explica la actitud más poderosa de las cosas nuevas. Siempre escribimos música a partir de zapadas libres, y cuando llegamos con riffs interesantes, sonidos, partes entonces la canción se estructura alrededor de estos elementos prístinos con la contribución igual de todos nosotros. Casi todas las canciones fueron escritas en 2015 y por lo menos la mitad de ellas se tocaron regularmente en vivo desde entonces. Eso ayudó mucho en el desarrollo de las versiones finales de las canciones antes de las sesiones de grabación. Una gran fuente de inspiración en estos tres años también fue ofrecida por el crecimiento de toda la escena italiana shoegaze/psych/dreampop/wave, con tantas grandes bandas que están conquistando acla-

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mación internacional, tanto por la crítica como por la audiencia. A pesar de eso, la prensa italiana y los aficionados a la música parecen no prestar la merecida atención a los artistas que ofrecen sonidos no convencionales, y eso es una gran decepción.

Llegamos al segundo álbum, "Surfacing To Breathe", que por cierto es mucho más bonito que su debut.

Muestra un gran crecimiento. ¿Cómo te sientes con este segundo álbum? ¡Me alegra que te haya gustado! De hecho, estamos tan orgullosos y felices de cómo salió y sentir que es un gran paso adelante en comparación con el debut, más sólido y en su cara. Intentamos levantar la barra sonora entregando una mezcla más compleja y acodada de reverberaciones shoegaze, masivas paredes de sonidos y paisajes sonoros psicodélicos. Hay un ambiente cósmico / espacio-y oscuro que rodea todas las 8 canciones, emparejado con una sensación onírica de melancolía y fragilidad emocional que viene de las letras. El gran objetivo para nosotros fue tener a Alessio Pindinelli (también guitarra y voz en La Casa Al Mare) y Fabio Galeone mezclando

"Surfacing To Breathe" en el Wax Recording Studio de Roma: su trabajo en dar forma a nuestras ideas sonoras fue simplemente excepcional (Alessio también co-produjo el álbum con nosotros). También estamos muy orgullosos porque la sesión de grabación fue dirigida por nuestro tecladista Piergiorgio Campione en su propio Studio12 en Catania: así que teníamos un control total sobre las pistas y un gran espacio para la experimentación. El mastering proporcionado por Carl Saff en Chicago fue sólo la frutilla del postre: finalizó el álbum con un sonido fuerte, fuerte y profundo. Otra bendición fue la colaboración con Ilaria Facci, internacionalmente aclamada fotógrafa italiana con sede en Londres, para el arte del álbum. Estamos totalmente enamorados de su arte y de ella: ella es apasionada, inspiradora y de gran corazón. Al final, no podríamos estar más contentos con el nuevo álbum y las retroalimentaciones que surgieron después del lanzamiento del primer single "Raw Nerve" y su impresionante videoclip de Samir Kharrat y Adriano Spadaro de Visualazer, son aún abrumadores. Tenemos muy altas expectativas en "Surfacing To Breathe", seguro.

¿Podemos pedirles que nos cuenten algo sobre cada track?

Un Track By Track.

Raw Nerve: Es el single y el manifiesto principal del nuevo álbum. Puro muro de sonido con una línea de bajo amenazante, tambores atronadores, sintetizadores hiper densos, guitarras tempestuosas y voces soñolientas lavadas.

Antagonize Me: Un himno Psycho-Gaze para paranoicos. Habla de miedos interiores y muestra otro ataque completo de fuzz & reverb: pista perfecta para volar tu vecindario.

Lonely Moon: Escrito con Slowdive en el corazón y la mente, es una inmersión, canciones suaves y densas que suavemente te abrazan.

The Whirling Dervish: Una suite psicodélica con un pequeño tributo a una de nuestras primeras influencias, Pink Floyd. Es un viaje con muchas variaciones en el tempo y el rango dinámico.

Don't Let The Weight Of Your Soul Drag You Down: Pista instrumental destinada a dar una especie de sensación de ascensión, ya que sigue creciendo en intensidad, capas y volumen desde el principio hasta el final.

Surfacing To Breathe: La pista del título del álbum, es una suite psico-dark poderosa con una sección intermedia flashera que crea una atmósfera suspendida y lisérgica antes de explotar en un final glorioso.

Emotional Painkiller: Para los amantes del New Wave y el estilo de los años 80, infeccioso riff de bajo: esta es definitivamente nuestra melodía "pegadiza".

Event Horizon: El álbum termina con esta canción poderosa y oscura, introducida por un patrón de batería épica y muy afectada; Habla del sentido de la impotencia y la distancia.

Pensando en el sonido de la banda, ¿cuánto han crecido como banda y como músicos?

Sentir como que en estos años hemos experimentado una expansión creativa tanto en términos de sonido y composición de canciones, y también una mayor conciencia de sí mismo. Tocar en vivo y siempre escuchando música nueva y vieja nos da inspiración, más influencias y ayuda a empujar nuestros límites aún más.

Y ahora que el álbum ha salido, tienes que añadir

vida en los conciertos, ¿tocarán todas las canciones del álbum? ¡Sí, ahora no puedo esperar para salir y tocar "Surfacing To Breathe" en vivo! Todas las nuevas canciones definitivamente serán tocadas, junto con 3 o 4 favoritas del álbum de debut. ¿Cuáles son sus planes para este año?

Estamos planeando una gira para apoyar el álbum con conciertos en Italia y Europa y debemos volver a tocar en los EE.UU. en 2018. También vamos a salir con dos singles más antes de fin de año.

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[ Entrevista a Victoria Real por Pablo Müllner ]

MÚSICA PARA SANAR

Victoria Real es el nombre del proyecto solista de Victoria Caregnato. Cantante y guitarrista, Victoria ha vivido en Francia, España, Inglaterra y Alemania, donde se ha nutrido artísticamente con estudios de música experimental y performance. De regreso al país formó junto a Marlen Safon, pianista y cantante de jazz, el dúo Tía Luisa. Luego se dedicó de lleno a su carrera solista, realizando su álbum debut “Música para sanar máquinas rotas” en 2016, de manera independiente. El trabajo es un delicado equilibrio entre composiciones cortas e intimistas y momentos experimentales de una belleza hipnótica que está entre lo más destacado del año pasado.

Hola, Victoria. Antes que nada queríamos preguntarte por el nombre del disco “Música para sanar máquinas rotas”, parece parte de una poesía surrealista. ¿Cómo te surgió?

Surgió de la observación de que somos máquinas, el concepto está bien definido en lecturas esotéricas de Gurdieff. Dice algo así como que el humano es una máquina que reacciona a las diferentes impresiones que cree estar viviendo, por ejemplo empieza feliz el día pero sale a la calle, se encuentra con alguien que le dice algo que no le gustó y se pone de pésimo humor… O al revés está triste y de repente lo halagan y otra vez cambian de estado. Y así vamos por la vida viviendo y actuando “bajo reacción” sin ningún control. Al hecho de ver que somos máquinas le sume el estado de rotas porque todas nuestras falsas impresiones nos van averiando los centros emocional, motor e intelectual. El nombre del disco está dedicado a aquellas heridas que nos cuesta mucho sanar pese a todo, algunas parecieran haber hecho un daño irreparable, aunque no sea así, es la sensación de estar “roto”. Las canciones fueron creadas para sanar las mías y como lo logre en esos momentos lo quise compartir con otras máquinas.

Ya que la mencionaba, ¿qué importancia tiene la poesía en tu música?

Es importante lo que quiero transmitir. Siempre leo mucho y escribo desde muy chica. Me encanta escribir narraciones que te transporten mentalmente al lugar que te insinúan con unas palabras bien ordenadas, con los acentos, signos de expresión, pun-

tos y comas en el lugar exacto… Me encanta jugar con eso. Pero al escribir letras de canciones tampoco quiero ser pretensiosa simplemente salen las palabras que quiero expresar y eso tal vez sale así de fácil porque tengo una gran biblioteca adentro supongo, y porque me gusta mucho escribir. Podría ser escritora en algún momento de mi vida también.

Entre tu “curriculum vitae” nos aparece el curioso dato de que participaste de un curso dictado por Robert Fripp en París. ¿Querés contarnos un poco sobre esa experiencia?

En París viví cuatro años, ahí conocí a la persona que me llevo a esos cursos y de ahí me movía adonde fuera para asistir. Fui a todos los que pude durante siete años seguidos en España, Alemania, donde estaban, iba. Algunos Workshops se hicieron en París pero sin Robert. Es difícil contar solo un poco de una experiencia así, te puedo decir que cambio mi vida completamente, me hizo hacerme consciente de mí misma y de mi propio funcionamiento.

Sos además la diseñadora del arte de tapa, por cierto muy bella, ¿Cómo elegiste la imagen?

Cuando me fui a vivir a París creía que lo mío era el dibujo y buscaba por ahí. Tomaba clases municipales y después cuando vivía en Madrid fui a la escuela de artes y oficios un par de años, para ingresar tuve que hacer un examen de ingreso que me puso a dibujar la mitad del día. Dibujaba en las iglesias, en donde hubiese una estatua o personas en el metro, en donde pudiera, me gustaba mucho, me desafiaba. Tuve la suerte de ir a un taller para estudiar el ingreso donde di con unos maestros de alta calidad.

En el taller llamado “El Subsuelo”, elllos me enseñaron a disfrutar del dibujo, y a eso le sume mis técnicas aprendidas en los cursos de guitarra que frecuentaba, aplicando la consciencia corporal. De esos carboncillos salieron el arte de tapa y contratapa del disco, los elegí porque los hice durante un estado de mucha conexión, lo recuerdo y lo veo así.

Hay temas del disco que tienen título y letras en inglés. ¿Cómo surge componer en otro idioma?

Creo que porque la música que más me gusta a mí es de origen inglés. Además que es un idioma

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37 que usaba cotidianamente en los cursos, con gente, amigos, novios. Me salieron naturalmente así y hay muchas cosas que me suenan mucho más bonitas cantadas en inglés. O tal vez son más fáciles para decirlas en otro idioma.

“Una estrella brillará” es un tema hermoso, y tiene una letra que parece muy personal. ¿Está dedicado a alguien en particular?

El año pasado (2016) durante la gira de “Música para sanar máquinas rotas”, fuimos a tocar a rosario donde vimos a un amigo en común de los cursos de guitarra (la misma de Europa). Nos fue a ver, nos hizo un asado, fue una despedida sin saberlo. Él tenía 36 años, a las dos semanas se fue al cielo de repente. Yo no sabía que lo quería tanto, fue muy triste. Lo conocí en España en 2007, una persona muy, pero muy especial. No es que éramos íntimos amigos pero se ve que lo quería mucho, tocamos juntos varías veces, vivimos cosas en común. Nunca me voy a olvidar de su sonrisa y su mirada. La canción la hice el mismo día que él se fue, con mis ojos llenos de lágrimas, con mucha angustia, salió sola ni bien me puse a cantar, así como está. Él es Leonardo Martínez, esa estrella que brilla y ahora nos acompaña así, en esa forma.

En tu voz y tu estilo, resuenan no de manera directa, sino más bien sugerida, otras voces femeninas como Rosario Bléfari, Juana Molina. ¿Te reconocés en esas comparaciones? ¿Qué artistas te inspiran?

La verdad que no. Alto respeto a las artistas que mencionas, a Juana la tengo un poco más escuchada. Pero no tanto. A mí me gusta David Bowie, Morrissey. Mujeres cantando: PJ Harvey, Nina Persson, por ejemplo a ellas si las escuche bastante...

Mirá, yo nunca fui cantante, esto es nuevo y creo que fui descubriendo mi propia voz. Primero que lo podía hacer y después hice lo posible para que sea mi voz más allá de gustos o disgustos, que sea auténtica, que salga de mi interior.

Tu música en vivo está presentada por vos en guitarra y voz y el bajista Sergio Paniagua, que además es tu pareja. Me imagino que la dinámica es distinta

que la de estar en una banda. ¿Cómo lo vivís?

Es genial. Algo que aprendí es que la conexión entre las personas hace mucho a la hora de ponerse a realizar un proyecto comprometedor. Más allá de lo musical, lo más complejo son las relaciones personales, si hay fricción o distintas maneras de vivir la música, por más que funcione bien por un tiempo, a la larga tocar con esa fricción-diferencia sería una pesadilla insoportable e insalubre, falsa, anti real y para nada armónica.

Al ser menos personas, hay menos posibilidad de fricción, es más viable la parte económica, de movilidad, etcétera, al conocerse más, es más fácil la comunicación. Hay que simplificar porque un proyecto musical tiene muchas cosas en juego, es muy jugado de hecho, desde todos los puntos de vista. Sergio me acompaña y lo hace muy bien, tocando con él me solté más, me siento mucho más libre en el escenario porque hay confianza y apoyo sincero, es simple.

En tu bandcamp ya se puede escuchar “Tiempo de placer” ¿Es una adelanto de un nuevo álbum? ¿Querés comentarnos algo de este proyecto?

Durante el “Puedo Ser Tour” (la gira de presentación de “Música para sanar máquinas rotas”, 24 fechas en un año exacto, junto a Sergio Paniagua en bajo) allí surgieron ocho canciones nuevas que me entusiasman mucho, Tiempo de Placer fue una de las primeras que apareció, probablemente en el disco sea una versión con algunos arreglos distintos que la del video.

Y no te cuento más por ahora (aunque me den ganas): ¡sorpresa para fin de año, principios del 2018!

El disco ya se llama “Tu Propio Poder” y esta vez estoy incluyendo más artistas a participar en arte de tapa y pre-producción. Un nuevo desafío…

Unas últimas palabras que quieras decirnos…

Muchas gracias Revista The 13th, saludos a todos los que están leyendo y los que escuchan y aprecian mi trabajo. Buenas vibras, los mejores deseos y toda la polenta. ¡Muchas Gracias Victoria Real!

[ Entrevista a Jay Aston por Radrigo Debernardis ]

A BABY BORN

20 años no es nada...

Hace exactamente dos décadas Gene Loves Jezebel (o al menos el 80% de su formación original, ya que, como veremos más adelante en esta entrevista, no hay ninguna posibilidad de que Michael Aston vuelva algún día a integrar la banda) editaba su, hasta hace poco tiempo, último disco de nuevas canciones.

En el medio hubo bastante, por supuesto: álbumes solistas, giras, recopilaciones y hasta un disco con versiones acústicas de sus grandes éxitos. Pero nuevo, lo que se dice nuevo, nada por parte de Jay, James Stevenson, Peter Rizzo y Chris Bell.

La espera fue larga y por fin, con la participación de los fans a través de la plataforma PledgeMusic, “Dance Underwater” acaba de ser editado. Sobre el disco y otros temas, el cantante y líder de la banda, Jay Aston, amablemente accedió a conversar con The 13th ¿Cómo te sientes con el disco ya en la calle? (aún no está editado pero algunos afortunados ya hemos recibido el producto final vía pledgemusic), ¿fue desgastante el proceso?

Emocionante. Estuvimos todos muy metidos en él. Maravillosamente colaborativo. Mucha diversión y por supuesto… ¡baile! ¿De dónde llegaron las canciones? sabemos que, por ejemplo, "How Do You Say Goodbye (to Someone You Love)" ya existía bajo otro nombre (...) en el disco de Ugly Bugs. ¿Hay otros casos en este disco de canciones que ya hayan visto la luz antes, ya sea pre-grabadas o en vivo?

“IZITME” es una canción que la banda tomó de las muchas que tengo en mi archivo. Originalmente yo quería hacer otra canción, pero no encajaba con la vibra “positiva” del disco. No soy muy bueno para juzgar mis propias composiciones. A James siempre le encantó la canción “Ain’t it Enough”, en la cual yo venía trabajando para mi próximo disco solista y que en el álbum quedó bastante diferente a la original. Ésta tiene un toque de humor, mientras que la otra era más introspectiva. Incluso le cambió una parte de la melodía que yo nunca hubiera retocado ni un millón de años. Tengo tantas canciones. Peter

Rizzo y yo hemos escrito muchas juntos. Algunas las desarrollamos a través de “Ugly Bugs” (banda junto a Peter Rizzo con la que editaron un disco homónimo). Él es un artista tremendamente talentoso.

“Charmed Life” surgió de un track de fondo que él creó para un show en Italia (¡solamente dimos dos conciertos allí!). Nunca la tocamos en vivo, pero a mí me encantó, y por suerte a la banda también. Peter Walsh (Productor) y todos los integrantes de GLJ contribuyeron tanto en este álbum. James también trajo algunas canciones. ¿Cómo fue la experiencia de editar un disco utilizando una plataforma como pledgemusic, en donde los fans colaboraron en hacerlo posible?

Bueno, sentíamos que teníamos muy buena música para compartir, pero todo dependía de si a alguien le interesaba escuchar un nuevo disco de Gene Loves Jezebel. Nuestros grandiosos fans respondieron esa pregunta enfáticamente. Nos encantó interactuar con ellos. Una experiencia maravillosa. ¿Cómo fue escribir para Gene Loves Jezebel otra vez?

Siento que nunca antes fuimos tanto una “banda” como lo somos ahora. Todos estuvieron muy metidos en la música. La atmósfera que había en el estudio Barrie Barlow (de Jethro Tull) era en verdad magnífica. Un momento muy especial.

En el pasado, Peter Walsh produjo dos bellísimos discos en la carrera de GLJ ("House Of Dolls" y "Heavenly Bodies"), en donde logró un sonido final magnífico y poderoso, capturando el espíritu de la banda en aquel momento. ¿Cómo llegaron a él esta vez? ¿Estás conforme con el resultado final?

Nos encanta el disco. ¡Peter produjo “Desire” también! Es brillante y puso muchísimo de sí en este álbum. Es el único con quien queríamos trabajar. Ha colaborado (y lo sigue haciendo) con muchísimos artistas maravillosos. ¡Y tiene una gran voz también!

Eres un activo usuario de las redes sociales. ¿Consideras útil esta herramienta para los artistas en general y para los músicos en particular?

Es muy útil para mí. Me gusta poner cosas allí, especialmente lo que yo llamo mi música “Pura”. Gra-

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bo algo sencillo y rápidamente lo subo. Es lo que es.

Capturado en el momento. Lo mismo con videos y fotos. Soy muy apasionado acerca de los Derechos Humanos, los Derechos de los Animales y de Nuestro Planeta. Es muy satisfactorio ser capaz de compartir y debatir ideas abiertamente.

El proyecto Ugly Buggs (con Peter Rizzo) está terminado o puede haber nuevos discos y shows?

Ugly Buggs es muy divertido y creativo a la vez.

Si la gente lo quiere, seguramente volveremos, pero hoy todo está enfocado en el nuevo disco de los Jezebel.

¿Qué opinas de la industria musical hoy, en donde vemos que la mayoría de los charts y las radios están llenas de productos pre-fabricados, en los que pareciera importar solamente el envase y no el contenido?

No le presto demasiada atención. Vivo en mi propia burbuja. Las maravillas del mundo moderno.

Vienen unos conciertos junto a The Mission en Europa. ¿Qué opinas de Wayne Hussey y su música?

Wayne es único. Nadie suena como él y creo que ese es el mayor cumplido que se le puede hacer a un artista. Conecta increíblemente con sus fans. Además, ¡es un tipo muy divertido!

Estuviste en Bs As dos veces en el pasado, una en 1988 (tu hermano Michael estaba en la banda) y la otra en 2000. ¿Qué recuerdos tienes de aquellas visitas? ¡Agotador! Conocí tanta gente maravillosa. Los conciertos fueron fantásticos. Como fan de los Spurs (Tottenham, club de fútbol inglés) ¡los argentinos son muy importantes para mí! Ossie Ardiles, Ricky Villa y nuestro gran manager Mauricio Pochettino son todos argentinos. ¡Siempre aliento por Argentina en la Copa del Mundo! Espero que nosotros podamos volver pronto (Jay es galés). Me encantó recorrer Buenos Aires y encontrarme con los fans.

¿Qué bandas escuchas actualmente?

Siempre estoy buscando voces originales. Amo la melodía y las palabras. Bob Dylan, Neil Youn y Joni Mitchell están arriba en mi lista. Me encantan Liz Fraser, Lee Hazlewood y el guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood. También Nick Drake y un millón de otros artistas con los que me topo en Spotify y Youtube.

A propósito... ¿podemos soñar con verlos en el futuro nuevamente juntos en un escenario a tí y a tu hermano, o ese es un tema cerrado?

No me interesa para nada.

¿Cuáles son los planes de GLJ para este año? ¿Están Argentina o Sudamérica en el horizonte?

Realmente eso espero. Tenemos un agente, un sello discográfico y lo que creemos es un gran disco. “Summertime” en Sudamérica sería verdaderamente sublime. ¡Muchas gracias Jay por tomarte el tiempo de responder nuestras preguntas! ¡Gracias a ustedes por el interés!

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[ Entrevista a Scott Newth de System Corporation por Benjamín York ]

¡SIEMPRE COPIA DE SEGURIDAD DE SUS DISCOS DUROS!

A veces pasa que tenemos la oportunidad de entrevistar a una banda muy nueva, éste es uno de esos casos, tan nueva que sólo han editado una sola canción. Y si bien puede sonar absurda conocer a una banda por una sola canción, nos ha gustado tanto que quisimos saber de System Corporation y no esperar a que empiece a ser muy conocida porque sabemos que eso vendrá sólo si mantienen la calidad de “Dismal Universal Hiss”, el primer single. Así que va a ser una entrevista donde vamos a descubrir una banda que acaba de empezar. Y este es también el espíritu de Revista The 13th.

Antes de empezar con la entrevista queremos agradecer la oportunidad de realizar la misma. He leído sobre ustedes y conozco varias de las respuestas, pero los lectores no. Y para conocer a la banda empezamos desde el principio. ¿Cómo nace la banda? ¿Y cómo llegan al nombre de la banda?

Comenzó cuando Phil y yo estábamos en Estocolmo. Phil me tocó algunos demos que tenía, y yo tenía algunas canciones propias, así que decidimos colaborar, y empezó desde allí. El nombre vino de una conversación con un amigo nuestro. Estaba explicando cómo funciona el sistema sueco de Bolaget, y dijo que se tradujo libremente en System Corporation, así que tomamos el nombre de allí. La ironía en el nombre es que el sistema de Bolaget suena muy corporativo, pero en realidad es una entidad controlada por el gobierno. ¿Quiénes son los miembros de System Corporation?

Ben Cole (batería y percusión): Actualmente estoy alargando mis tendones y buscando pulmones más grandes. Scott Newth (voz, producción, bajo): Supongo que soy un productor de música. Si eso es lo que usted llama manipular a la gente a tomar su música en una dirección determinada. Andrew Newth (guitarra, teclados) Guitarrista y sus pedales de guitarra, pero también le gustan los teclados y los ruidos locos que hacen. Kent Newth (guitarra) Hago ruidos de teclados locos también, pero con guitarras y pedales. Philip Somervell (guitarra) Escritor de muchas ideas diferentes de las canciones, y observador ocasional de lo que sucede después.

¿Cómo es la manera en las que componen las canciones?

Bueno para mí hay muchas maneras. Phil podría darme una demostración y yo trabajo en las voces para eso, y cortar y organizar. O podría trabajar en una canción con Andrew y Kent y construir todos juntos. O podría escribir una canción entera y usarla, pero como bajista, necesito que esos guitarristas me ayuden mucho. Phil es prolífico y él obtiene muchas ideas musicales. Algunas son canciones complejas con múltiples partes y algunas son una o dos ideas. También escribe lo que piensa que podría ser melodías vocales, pero tienden a dejarlas como melodías musicales y llegar a otra cosa que no había pensado. Andrew escribe en la guitarra y los teclados, y no hemos desarrollado realmente esa línea tanto en este álbum como lo haremos en el futuro.

Más allá de haber escuchado varias veces el single Dismal Universal Hiss, ¿cómo describen su música?

Supongo que como la mayoría de la gente, nuestra música es un mashup gigante de todas nuestras influencias. Pero con cinco personas que contribuyen al resultado, terminamos en algún lugar que no es un reflejo directo de ninguna de esas influencias.

Cuando el álbum salga, creo que encontrarás una gama de diferentes canciones e ideas y tratamientos, sin tener nunca el objetivo de ser un estilo musical.

Para aquellos lectores que no los conocen, por qué crees que deberían escuchar a System Corporation?

No estoy seguro. Inicialmente deberías escucharlo para ver si te gusta. Entonces, una vez que decida, usted debe escucharlo para el disfrute, o nunca otra vez. Pero creo que necesitas escucharlo ahora, y luego escuchar de nuevo mañana. Luego espere dos días y luego vuelva a escuchar. Después de la tercera escucha, y sólo entonces, debe tomar su decisión.

Esto es cierto para todas las canciones. En cuanto a System Corporation, creo que estamos entusiasmados con el álbum cuando sale, y esperamos que la gente lo escuche, ya que hay mucho que hacer musicalmente. Tiene mucha variación. ¿Cuáles son sus influencias?

En este momento, entre los cinco de nosotros: So-

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nic Youth, OMD, Joy Division, Ty Segal, Thee Oh Sees, Band Of Horses, Alt-J, Fat White Family, Grizzly Bear, Bailterspace, The Marked Men, Shovels & Rope, Fleet Foxes, The Sonics, Pond, Kurt Vile, Savages, Built To Spill. Sinceramente, la lista sigue y sigue. A todos nos gustan las cosas diferentes. ¿Sonamos como cualquiera de esos actos? Realmente no. ¿Cómo suena la banda en vivo, cómo son sus shows?

No tenemos planes para tocar en vivo en esta etapa, ya que todos vivimos en diferentes ciudades, y todos tocamos en otras bandas, que tocan en vivo. Nos estamos concentrando en la grabación por ahora, y vamos a ver qué pasa.

Cuéntenos acerca del primer álbum "Fiction Dept.". ¿Cómo sonará y cuándo lo lanzarán? ¿Ya se grabó? ¿En qué etapa se encuentra?

Todo ha sido grabado, pero no mezclado. Como la gente registra diferentes partes en diferentes lugares, hay un montón de compilación para hacer.

También tuvimos un gran revés debido a un fallo en el disco duro, y un montón de audio perdido, todo lo que hemos logrado recuperar, durante un largo y complicado período de tiempo. No hemos fijado una

fecha como tal. Nuestro productor es bastante perezoso. Creo que sonará sorprendente. Hay algunas canciones muy pesadas guitarra como Dismal Universal Hiss en este disco. Pero también tenemos algunas canciones con influencias electrónicas allí, y un par de canciones pop reales.

Hoy las posibilidades de autogestión son muy variadas, ¿Cómo se las arreglan para que la banda sea conocida?

Bueno, creo que muchas bandas se auto manejan en estos días. Pero tienes que dividir tus trabajos y externalizar algunos a otras personas u organizaciones. Así que una gran parte de la gestión de System Corporation, fue encontrar personas de ideas afines que nos pueden ayudar a lograr lo que queremos.

Nuestro único objetivo es ser escuchados. Así que las dos primeras cosas en las que decidimos enfocarnos, fue la publicación y las relaciones públicas (PR).

No podemos hacer nuestra propia publicación; necesitas un editor con todos sus recursos para hacer eso por usted. Tú podrías ser tu propio agente de relaciones públicas, pero lo mejor que hicimos fue encontrar una empresa de relaciones públicas, que creían que podían promocionar. Las personas de las (PR) son especialistas, por lo que necesitas encontrar a uno que pueda llegar a las personas que están

tratando de alcanzar. Tienen todas las conexiones y recursos en el lugar, por no mencionar la reputación. No hay manera de que podamos llegar a eso, como nuestra empresa de relaciones públicas tiene. Si usted se autogestiona, todavía necesita una empresa de relaciones públicas para ayudarle, especialmente cuando usted es una banda nueva como nosotros. Ni siquiera estaríamos hablando contigo en este momento, si no fuera por nuestra gente independiente PR (Shameless Promotion PR en este caso). Sabíamos esto por supuesto de experiencias pasadas con nuestras otras bandas. ¿Le temen a la piratería?

Como Ben Cole dijo, "Me gusta comprar vinilo, pero si alguien puede conseguir algo gratis, no me sorprende que lo hagan. Si usted puede dar la posibilidad de pagar por algo fácilmente muchas personas lo harán". No puedes luchar contra eso. Tenemos la canción para la venta digital, pero ¿por qué comprarla si ya tiene acceso a ella en Spotify o Apple Music?

Yo soy una de esas personas que les gusta comprar un disco y ponerlo todo, y mirar las ilustraciones y leer las notas. No puedes descargar vinilo. Todavía…

Cada uno de nosotros todavía compra copias físicas de la música. Todos tenemos bandejas en casa, y al menos 4 de 5 todavía funcionan. ¿Qué planes hay para este 2017?

Tengo que terminar el álbum. Todavía hay un poco de trabajo por hacer para terminar las últimas canciones. Estoy trabajando con unas bandas en sus proyectos por lo que es un malabarismo de tiempo.

Ben tiene otro álbum en camino con su banda The Joint Chiefs, por lo que está ocupado mezclando eso.

Andrew y Phil siguen escribiendo. Andrew tiene un proyecto en solitario en construcción. Nadie sabe de Kent realmente... Es muy misterioso. ¿Dónde pueden encontrar a System Corporation?

Estamos por todos los lugares. Buscar “System Corporation” en Spotify y iTunes, o Amazon. O pueden comprar nuestro single directamente desde: https://systemcorporation.bandcamp.com. Por favor, regístrese para más información sobre nuestros lanzamientos en: http://systemcorporation.co/ Y estamos en facebook como "SystemCorporation" y @System_Corp en Twitter y tenemos un par de cuentas Instagram si usted busca Systemcorp (informal) o systemcorporation (deadly serious announcements).

Para terminar.

Este espacio se los damos para que digan lo que quieran. ¿Te refieres a una anécdota, o alguna sabia palabra de sabiduría?

Todo lo que puedo decir es que nos ha llevado un tiempo muy largo para conseguir sacar finalmente esta canción. ¡Siempre copia de seguridad de sus discos duros!

Gracias por la entrevista.

Gracias por tomarse el tiempo para hablar con nosotros Benjamín. No podemos esperar para enviarle algunas canciones más un poco más tarde.

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[ Entrevista a Dwayne Seagraves de Stevenson Ranch Davidians por Marina Cimerilli. ]

DEL LADO LUMINOSO DE LA FUERZA

De cara al lanzamiento de su nuevo material y a modo de adelanto del mismo, los Stevenson Ranch Davidians (a.k.a the Davidians) dieron a conocer recientemente dos sencillos, cuyos videoclips ya están circulando por las redes. Se trata de la indomable “Wack Magic”, un cachetazo de psicodelia densa y aguerrida, y “Holy Life”, que podría leerse como su contracara: una celebración de la existencia con pulso Dream-Pop y agradable perfume a The Byrds en su época más experimental. Vale decir que, como carta de presentación, ambos tracks dejan la vara bien alta respecto a lo que se viene.

Con dos álbumes editados a la fecha y el tercero próximo a salir vía Picture In My Ear Records – sello independiente con base en Minneapolis-, la cuestión con estos californianos siempre ha girado en torno a la figura de Dwayne Seagraves, fuerza motora del proyecto además de cantante, compositor y el encargado de la producción del disco. En sintonía con el espíritu de innovación que lo caracteriza en esta etapa, optó por agrandar la cofradía y uno de los invitados a sumarse fue nada menos que Rob Campanella, actual miembro de Brian Jonestown Massacre.

En 2006 el sello inglés Northern Star Records incluyó a los Davidians en su compilado “Psychedelica Volume One”, una suerte de versión contemporánea de los legendarios Nuggets y Pebbles, que contribuyó a visibilizar los exponentes de la nueva ola de psicodelia y del que formaron parte bandas como The Black Angels, Electric Prunes y The Telescopes. Y es que el universo musical de los S.R.D, aparte de emparentarlos con el sonido de bandas como James, The Verve, Mazzy Star o Spiritualized, también tiene las botas bien embarradas con la psicodelia californiana de los ´60.

“Amerikana”, que saldrá oficialmente el 9 de Junio, es el primer trabajo de la banda desde 2009 y viene acompañado no sólo por la ya mencionada renovación de plantel, sino además por un re-direccionamiento en torno a la filosofía que impregna las canciones; y tanto el arte de tapa del disco como los hipnóticos videos creados por Jacob Kedzierski son un fiel reflejo de este nuevo y potente mensaje. El proyecto se encuentra en su punto más maduro, y en este contexto charlamos con Dwayne Seagraves, comandante de esta travesía psicodélica altamente comprometida, para que nos lo cuente con sus propias palabras.

Pasaron casi ocho años desde el lanzamiento del último trabajo de la banda, “Life And Death”. ¿Qué fue de Dwayne Seagraves durante todo ese tiempo?

Ah, no demasiado, realmente. Hice mucha jardinería, aprendí a cultivar comida, trabajé, viajé y viví la vida.

Esta nueva etapa de la banda los encuentra con una formación renovada; cuéntanos un poco acerca de estas nuevas incorporaciones.

Bueno, sabía que si iba a empezar a tocar en vivo de nuevo tendría que ser con un nuevo grupo de gente. Era necesario que así fuera, para avanzar. Jessica Latiolait todavía está en el bajo; Rob Campanella siempre ha sido un gran amigo/colaborador de la banda, y realmente tengo que atribuirle el hecho de que esta actual formación se reúna. Cuando él se sumó para tocar la guitarra, trajo a su hermano Andy Campanella a tocar la batería y también a Misha Bullock para que tocara la guitarra rítmica. Realmente quería liberarme de tener que tocar la guitarra todo el tiempo, para poder enfocarme más en

cantar y estar más conectado con la música y el público. Ahora suena y se siente mejor que nunca, y estoy muy feliz por eso.

Tras escuchar los tracks de adelanto de “Amerikana” (sobre todo “Wack Magic”), uno siente que debe prepararse para algo más intenso. ¿Cómo viene el sonido del resto del disco? ¿En qué se diferencia de los anteriores?

Bueno, para ser honesto, Wack Magic probablemente sea la canción más “intensa” del disco. Fue la primera que compuse y grabé de las nuevas, y salió a gritos de mí un día, durante un período muy extraño y crucial en mi vida. El resto del disco es bastante ecléctico, al menos comparado con mi trabajo anterior. Está arraigado en el Gospel, el Blues, el Country, el Folk, el Soul y el Rock And Roll, todo eso salpicado con un poco de Psicodelia. Es diferente de otros trabajos previos en el hecho de que esta vez hay más confianza y energía detrás de lo que hacemos.

La influencia de la psicodelia californiana de los

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´60 parece estar más presente que nunca; ¿quiénes son tus referentes musicales, o tus favoritos, de ese período?

Amo toda la música de los 60´s. Surgió durante un período de levantamiento social y cultural tan asombroso, alimentado en parte por ciertas moléculas psicoactivas, por supuesto; y sucedió en una época en la que se estaba usando la mejor tecnología tanto de sonido como de grabación. Por supuesto que amo a los Beatles. Por supuesto que amo a los Stones. Por supuesto que amo a Bob Dylan. The Doors es probablemente mi banda favorita de California. Love también es otra de mis favoritas. Ambas fueron tan únicas en medio de todo ese pop simplón y ridículo que sucedía alrededor de ellas en LA por aquel momento. Ah, los Byrds, por supuesto.”Notorious Byrd Brothers” es uno de los mejores discos de todos los tiempos. Los primeros dos o tres discos de los Bee Gees me dejaron alucinado. Tan bellos, tan perfectos, y muchas mejores armonías vocales que los Beatles o los Beach Boys, si me preguntas. Los primeros Pink Floyd fueron mi introducción real a la música psicodélica. De hecho los había escuchado sin saber siquiera quién era Pink Floyd, porque era un chico muy retraído. De algún modo me topé con una biografía de la banda e inmediatamente me encargué de ir a buscar “Saucerful of Secrets” y “Piper at the Gates of Dawn”. Obvio, finalmente me di cuenta que esa era la misma banda que había escuchado todos los días en la radio de rock clásico, pero desde entonces nunca tuvo el mismo efecto. Otra influencia grande fue Lee Hazlewood. Ni siquiera me acuerdo la primera vez que lo escuché, o dónde estaba en ese momento, pero fue mucho más adelante en mi vida y nunca había estado tan obsesionado con los discos de alguien hasta ese entonces. Los mejores seis dólares que he gastado, fueron en la primera compilación de Creedence Clearwater Revival. También amo a Leonard Cohen, así que los siguientes mejores seis dólares invertidos fueron en sus Greatest Hits; aquel disco con la tapa amarillenta en donde aparece él mirándose a un espejo. También de ese período me gustan mucho el Soul negro y la música Country blanca.

Dices que “Amerikana” reivindica el poder individual del ser humano, y lo importante de preservar la

libertad de espíritu. Esto se ve reflejado también en el video de “Holy Life”, que celebra la unión y evoca una vuelta a los orígenes. ¿Puedes contarnos qué te inspiró a trabajar este concepto en el disco?

Sí. Bueno, soy del tipo de persona que prefiere confrontar las verdades incómodas mientras que el resto de la gente parece que prefiere bloquearlas, ignorarlas, o suprimirlas; y la verdad que yo veo es que la población humana en general está bajo ataque en esta ciudad, y alrededor del mundo. Entiendo que puede resultar una novedad para mucha gente, pero créeme, hay cada vez más gente dándose cuenta de esto todos los días. Nuestras mentes, nuestros cuerpos, nuestra comida, nuestra salud, nuestros niños, nuestro dinero, nuestra cultura, nuestro planeta, nuestros futuros, todo eso sufre un ataque constante por parte de la élite global de poder, y siento que estamos en un momento muy crucial, en el que realmente tenemos la habilidad para contraatacar y vencer. Tenemos las herramientas para hacerlo y muchos de nosotros sabemos contra quién estamos peleando. Por supuesto que los enemigos de la humanidad también están al tanto de esto y están presionando más que nunca, así que existe una batalla muy real del bien contra el mal, y esto es precisamente de lo que se trata el disco.

La portada del álbum (muy bella, por cierto), además de verse como el ambiente ideal para un concierto de los Davidians, también refleja un cambio en la dirección estética de la banda. Cuéntanos un poco acerca de ella y lo que representa.

Es perfecta. Estoy muy feliz con ella. Pasé como un día buscando imágenes y pinturas online en viejos dominios públicos. Sabía que quería incorporar la imagen de la pirámide de alguna manera y cuando me topé con esta pintura con estos dos tipos señalando hacia algo, supe enseguida que iba a funcionar. Para mí, la pintura es una gran representación de la libertad y la belleza, lo cual yuxtapuse después con esta pirámide negra, ominosa y opresiva y el ojo que todo lo ve, que es un símbolo que a los enemigos de la humanidad les encanta usar. Está en nuestro billete de un dólar acá en los Estados Unidos, y es un símbolo prominente en la Francmasonería. La pirámide representa el poder centralizado; de arriba hacia abajo el control jerárquico, y el ojo se dice

que es “el ojo de la providencia”, que supongo es la manera que tienen de convencerse a ellos mismos, o a nosotros, de que están haciendo su “gran trabajo” bajo el ojo atento de algún poder más alto. No son más que un montón de tonterías elitistas. Así que ahí está. Es más que lo que querías saber sobre la portada del disco.

A propósito de ese paisaje que vemos en la portada: ¿qué tipo de ambiente eliges para componer, si es que tienes alguna preferencia?

Definitivamente me siento en casa cuando estoy en la naturaleza, así que ese resulta un ambiente muy propicio, donde puedo ser lo suficientemente contemplativo y abierto como para dejar que una canción entre o salga. No he descubierto todavía de qué manera funciona. Probablemente de ambas. La actual composición de una canción, en cambio, sucede casi por completo en mi cabeza, y muchas veces cuando estoy manejando, o trabajando en el jardín, o acostado antes de dormirme.

Para nosotros, que aún no tuvimos la oportunidad de disfrutarlos en vivo: ¿Cómo es un show de la banda?

Al momento de esta nota hemos hecho sólo un show con la nueva formación; así que es difícil decirlo, pero sé que es una experiencia auténtica en la que es muy importante para mí poder comunicarme y conectar con la gente en persona, cara a cara.

Internet, las redes sociales y los discos grabados son grandes herramientas para la comunicación, pero es tan impersonal, es tan fácil pensar demasiado las cosas; además hay tantos matices que se pierden en

esos formatos. Pienso que las formas de comunicación en tiempo real son tanto más efectivas así que en ese sentido, y a riesgo de sonar grandilocuente, siento que nuestros shows realmente van a ser experiencias espirituales. Sé que lo serán para mí. No me estoy refiriendo a algo sobrenatural o místico, sino al espíritu humano y la habilidad que tienen el arte y la música de realmente mover a la gente en formas que resuenen con eso. Así es como pienso que serán nuestros shows. Al menos es la manera en la que espero que sean.

Como como compositor/productor y corazón del proyecto, ¿cuál es tu filosofía de trabajo en torno a la banda, los discos, shows, etc…?

Mi filosofía respecto a la música y la promoción/ propagación de ideas en torno a ella, es la de simplemente hacer todo lo que esté a nuestro alcance para que llegue a los oídos de la mayor cantidad de gente posible. Nunca estuve interesado en hacer esto con nuestros trabajos previos. Estoy orgulloso de todo ese material, pero no estaba tan confiado con él como lo estoy ahora con lo nuevo, así que vamos a ir por eso y veremos qué sucede esta vez.

Para concluir: En breve arrancarán una gira de varias semanas que los llevará por la Costa Oeste de los Estados Unidos. ¿Planean visitar Sudamérica en alguna otra oportunidad?

No. Desafortunadamente no tenemos planes de hacer eso todavía, pero me encantaría. Creo que necesitamos conseguir más fans por allá, primero. ¡Quizás algunos de ellos estén leyendo esta entrevista ahora mismo! Muchas gracias.

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: RADIOHEAD: “ALGO MÁS QUE UN MOMENTO EN LA HISTORIA”

Tengo un amigo con el que solemos afirmar que el 90% de

rural en Somerset. Algunas partes serían posteriormente graba-

los artistas son solo un disco, un momento, un hito histórico a

das en Abbey Road a comienzos de 1997, y allí mismo se llevaría

veces, donde los astros se alinearon y el artista logró dar lo mejor

a cabo la masterización. Todo estaría listo en breve.

de sí y un poco más, justo en el único instante en que el mundo

Pero cuando la discográfica escuchó el producto final, las ex-

estaba listo para recibir su obra maestra. “The Bends”, siguien-

pectativas cayeron en un pozo al igual que las estimaciones de

do este concepto, era el momento de Radiohead en la historia.

ventas. No por la soberbia calidad del nuevo material, sino por

Es un disco increíble, atrapante y desgarrador. Confieso que

el erróneo análisis comercial que se hacía. Todos esperaban

“Pablo Honey” no me había movido tanto en su conjunto, más

“Creep” segunda parte, o al menos no algo tan oscuro y terro-

allá de la ineludible devoción que debí rendirle a “Creep”. Pero

rífico. Pero ¿era eso lo que debía esperarse de Radiohead? Hu-

“The Bends”… era el punto culmine, la gloria.

biera sido una visión muy corta. Las atmósferas logradas eran

Fue así que en los Brit Awards 1996, Radiohead fue nomina-

densas y las letras mucho más abstractas que “The Bends”, y eso

do en las principales categorías, incluyendo Best British Album

preocupaba. Encima, el tema elegido como primer corte, “Pa-

y Best British Group. Lamentablemente, la Oasismanía devo-

ranoid Android”, era demasiado largo como single y no conta-

raba todo a su paso en aquel momento, y Radiohead no fue la

ba con un estribillo ganchero. No era nada apto para la difusión

excepción. Pero mientras Oasis y Blur parecían haber llegado

radial, y de hecho, tuvo poca. Aun así, tras ser lanzado el 26 de

al tope de su popularidad y sobre todo de su crecimiento creati-

mayo de 1997, llegó al #3 del chart y se convirtió en la más alta

vo (aunque Damon Albarn demostraría más tarde que aún te-

posición para un single de Radiohead.

nía muchas ideas por revelar), Radiohead silenciosamente iba a pegar un salto de calidad que sorprendería al mundo entero.

Finalmente el álbum fue lanzado el 16 de junio en Inglaterra y el 1° de julio en USA. La crítica lo alabó desde el primer momen-

Hacia el fall de 1995, la banda entró a estudios para dar a luz

to en Inglaterra, desde medios como NME, Melody Maker o Q.

al primer tema de su próxima producción. Se trataba del tema

Pero aún mejor, del otro lado del Atlántico: Rolling Stone y Spin

“Lucky”, cuyo demo nació durante los conciertos en Japón de

entre otros hablaron maravillas. Y no era para menos: estába-

la gira de “The Bends”. La canción sería el primer adelanto de

mos descubriendo uno de los mejores álbumes de la década del

lo que vendría, y se lanzó como parte de “The Help Album”, un

90. El éxito comercial fue apabullante y el álbum debutó en el

disco compilatorio que recolectó fondos para la tragedia huma-

#1 del ranking inglés, permaneciendo en el Top 10 por semanas.

nitaria que se vivía en aquel momento en Bosnia. El resultado

Tal vez haciendo honor a su nombre, “OK Computer” fue

final sorprendió a los mismos miembros de la banda, que la con-

un disco que supo procesar múltiples y variadas influencias,

sideraron por entonces la canción más fuerte que habían escrito

combinándolas para generar novedosas estructuras de canción

hasta ese momento.

y un nuevo sonido que sirvió de referencia para muchos artis-

Recién volverían a estudios en julio de 1996, cuando con la

tas hacia fines de los 90’s e inicios del nuevo milenio. Tomando

colaboración de Nigel Godrich (hasta entonces poco conocido

elementos de la electrónica en boga y del ambient, ligándolos

como productor) comenzarían lentamente a dar forma a “OK

de alguna forma a los resabios de un rock progresivo y el indie

Computer”. Godrich había sabido dar una nueva orientación al

rock en el que el grupo supo forjar sus inicios, el resultado era

sonido de Radiohead cuando trabajó con ellos en dos temas del

un sonido avant garde tan poco ortodoxo que de alguna forma

EP “My Irong Lung” y en el mencionado “Lucky”. El resultado

chocó con el mismo rock alternativo de la época y por supuesto,

de esta primera etapa de trabajo serían 4 temas, entre los que es-

se mofó a carcajadas del brit pop reinante para dar lugar a un

taría el futuro single “No Surprises” además de “Subterranean

nuevo formato dentro del brit rock.

Homesick Alien”, “Electioneering” y “The Tourist”. Se tomaron

Más que el legado que pudo haber dejado un álbum, tuvo que

un break para oficiar de teloneros de Alanis Morrissette, que en

ver con un momento en la historia en el que Radiohead repre-

ese momento la estaba rompiendo en Norteamérica. Entre las

sentó la vanguardia, y esta posibilidad de experimentar obte-

nuevas canciones que experimentaron en esa gira, había una

niendo tal reconocimiento, sirvió de base para el surgimiento de

en particular que por entonces duraba 14 minutos pero que fue

una camada de nuevos grupos entre los que podemos destacar

mutando hasta convertirse en algo más parecido a la versión que

a Muse o Snow Patrol, así como cantantes fuertemente influen-

finalmente se conocería en el futuro álbum… bajo el nombre de

ciados por Thom Yorke como es el caso de Francis Healy (Tra-

“Paranoid Android”.

vis) o Tom Chaplin (Keane). Por lo que dicho momento, tras-

A partir de septiembre de 1996 la banda retomó el trabajo de composición, ensayo y grabación en otro lugar: una mansión

cendió. No en vano NME consideró en 2014 a Radiohead como la banda más influyente de la industria musical.

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[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 8: 5 BIG ONES “Yo he tratado más de releer que de leer, creo que releer es más importante que leer, salvo que para releer se necesita haber leído.”

-Jorge Luis Borges

No hay mejor inversión que un buen disco. Un buen disco se amortiza tanto con el paso del tiempo que hasta quedamos en deuda con la disquería. Tiñe nuestros días, alumbra nuestras noches, decora nuestros paisajes, nos da un hogar al que siempre podemos regresar.

Para elaborar el siguiente listado de mis discos favoritos no tuve en cuenta ningún criterio objetivo. Simplemente es un recuento de los que más frecuentemente he escuchado a lo largo de los años, los que podría escuchar todos los días sin cansarme, independientemente de mi humor o de las experiencias que esté transitando.

The Beach Boys- Friends (1968) Pet Sounds es objetivamente el mejor disco de los Beach Boys. Sunflower es el sumum de la colaboración de sus miembros. Surf’s Up los encuentra en su faceta más profunda y alternativa. Pero el álbum de mi banda favorita que podría escuchar en cualquier momento es Friends (es el favorito de Brian Wilson por el mismo motivo.)

Friends abre con una canción de 40 segundos.

Un órgano, un piano, unas leves armonías y la letra “Me siento, cierro los ojos y hay paz en mi mente, y espero que vos también la encuentres. Y sé que estos sentimientos en mi corazón son para vos.”

Resume toda la esencia del disco: es corto (¡25 minutos con un total de 12 temas!), es pacífico, es sutil, es puro. “Wake the World” dura un minuto y medio y aun así tiene todo lo que uno podría pedir en una canción. “Anna Lee, the Healer” cura de verdad. Las instrumentales, en particular “Passing By”, elevan. Y la forma en que Brian Wilson torna a la inactividad

por culpa de la inestabilidad mental en una forma de arte en “Busy Doing Nothing” es representativa de la magia que sólo puede ocurrir en una obra de Beach Boys.

(Este álbum es también el debut de Dennis Wilson como talento compositivo inesperado.)

Su título no podría ser más apropiado: este disco es un amigo.

NEU! - NEU! ’75 (1975)

Posiblemente el disco de Krautrock más jovial de todos los tiempos. Desde las primeras barras de “Isi”, la casa se llena de optimismo por el futuro logrado mediante la nostalgia. Que las baterías metronómicas y los sintetizadores de NEU! sean capaz de lograr música de tanta calidez implican que la humanidad moderna no está condenada. Con su alternancia entre paisajes Ambient y Rock desenfrenado, este disco tiene casi todo lo que la música puede ofrecer.

Air- Talkie Walkie (2004)

Las letras de Air serían dignas de burla en cualquier otro contexto, pero en conjunto con la perfección instrumental de estos temas se vuelven obras dignas para los museos del futuro. El sonido de este disco es cristalino. Transporta sin viajar. Es Pink Floyd sin la pretensión rockera.

Es The Orb y Brian Eno sometidos, y magnificados, por el formato de la canción Pop. “Alone in Kyoto” es una narrativa instrumental perfecta, es pintar con las notas. “Mike Mills” es Philip Glass hecho bello. Talkie Walkie es el casamiento ideal entre la vanguardia y el Pop.

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The Velvet Underground- The Velvet Underground (1969) Es ciertamente una genialidad que una banda tan subversiva como la Velvet haya grabado uno de los discos más calmos de todos los tiempos. Si pones el volumen bajo casi ni se escucha. Pero cuando se llega a escuchar, es la perfección misma: las palabras, las melodías, la armonía entre las guitarras de Lou Reed y Sterling Campbell… este disco es un tesoro para cualquiera que lo descubra (es el favorito de gente tan variopinta como Brian Eno o Neil Gaiman, quien basó su obra cumbre, The Sandman, en una línea del glorioso tema “I’m set free”) Desde las primeras líneas de “Candy Says” (“he llegado a odiar mi cuerpo y todo lo que necesita”) hasta el cierre de “After Hours”, el himno a la soledad más tiernamente cantado de todos los tiempos, no hay ningún momento de desperdicio. “What Goes On” es música Ambient en formato Rock, podría durar una eternidad. “Pale Blue Eyes” es “Pale Blue Eyes”. Y el que la Velvet le pueda pedir ayuda a Jesus de forma convincente nos vuelve a todos creyentes.

Erasure- Union Street (2006) Este disco es un regalo. La lista de temas es un regalo: rescata canciones memorables pero mayormente desconocidas de toda la trayectoria de la banda, favoreciendo álbum tracks y b-sides, con la presencia de solamente dos singles de su más subestimado disco: “Stay With Me” (famosamente reseñada en su momento como “más bella que lo que este mundo merece”) y la épica canción de cuna para adultos “Rock Me Gently.” Los arreglos son un regalo: desprovistos de sintetizadores y realizados a base sólo de guitarras acústicas y pedal steels, las canciones se reducen a su esqueleto más básico y brillan por lo que realmente son: verdades eternas y trascendentales. La voz de Andy Bell, como siempre, es un regalo. Erasure es un regalo. Sólo hay que estar dispuesto a tomarlo.

Durante la redacción de este capítulo sonó el disco Return to Ommadawn de Mike Oldfield

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[ “Fantasmas” de Chuck Palahniuk por Pablo Ravale ]

REVOLTIJO DE TRIPAS: Chuck Palahniuk es un escritor que tiene la particular habilidad de hacer que la gente sienta nauseas o estremecimiento cuando lee sus libros. Al menos eso me sucedió en la lectura de “Tripas”, uno de los fragmentos que aparecen en el libro que hoy nos ocupa. Y una vez leído no es de extrañar que la incomodidad, el retorcerte en la silla mientras lees, no es porque la historia sea mala, sino todo lo contrario: está tan bien contada que parece que va directamente de la mente del autor a la del lector, y lo que cuenta es tan horrible que te dan ganas de cerrar la puerta a semejante mundo, pero por alguna razón no podés hacerlo. En otras palabras, Palahniuk es todo un descubrimiento, en mi caso tardío puesto que ya lleva unos años en la categoría de escritor de culto, sobre todo desde el éxito cinematográfico de El club de la pelea, basado en una de sus novelas.

Fantasmas gira en torno a unos personajes que tras acudir a la llamada de un anuncio donde se prometía una temporada de retiro para escritores, se ven dentro de un sitio donde sus sueños y pesadillas se mezclan. Cada personaje tiene en el libro su parte de protagonismo, dividiendo la historia en pequeños relatos en primera persona de los personajes y en el relato y/o poema que cada personaje escribe y expone al resto. Como nota curiosa, hay que fijarse que algunos de los elementos de las primeras historias acaban por utilizarse en las siguientes, por lo que se entiende que las ultimas historias beben de las primeras, tanto las reales (o supuestamente reales) como las creadas por los personajes.

Fantasmas es además una historia muy actual en cuanto que relata algo que vemos a diario en televisión: el afán de notoriedad, de convertirse en alguien importante de la noche a la mañana y, sobre todo, de ganar montones de dinero por no hacer prácticamente nada. De hecho, la premisa del libro es similar a la de programas como Gran Hermano u

Operación Triunfo: un grupo de freaks (que conoceremos por apodos como “San Destripado”, “Madre Naturaleza”, “Condesa Clarividencia” o “Camarada Sobrada”) se encierran durante tres meses en un teatro abandonado para escribir su obra maestra apartados de todo lo que se lo impide en el mundo exterior.

El retiro para escritores, organizado por un extraño personaje, el señor Whittier, se convertirá pronto en una casa de los horrores en la que cada uno estará más preocupado de convertirse en “producto” que en escribir su obra.

La novela está estructurada en un hilo conductor, que son las peripecias de nuestros aspirantes a escritores, y los diferentes poemas e historias más o menos autobiográficos de cada uno de ellos, que nos muestran un crudo retrato de la sociedad norteamericana. A lo largo de ellas descubriremos los peligros de masturbarse desnudo en una piscina, sabremos cómo se las arreglan jóvenes con progeria (enfermedad genética de la infancia extremadamente rara, que se caracteriza por presentar envejecimiento brusco y prematuro en niños entre su primer y segundo año de vida; las personas que lo padecen viven un promedio de 13 años, aunque algunos pacientes pueden vivir hasta poco más de los 20) que para conseguir tener sexo, oiremos hablar del hijo nonato de Marilyn metido en un frasco de formol o de las reflexoputas, que ganan un dineral por estimular los centros de placer que tenemos en los pies. Y sabremos que en realidad lo que construye nuestras vidas son las historias que somos capaces de relatar, y que las que no nos atrevemos ni siquiera a contar son las que poco a poco acaban con nosotros.

Fantasmas se trata pues de una magnífica antología de relatos –la mayoría de ellos de horror cotidiano– que, en algunos casos, recurren a toques fantásticos, desgranando las contradicciones de una sociedad cuyo sueño consiste en hacer de uno mis-

mo algo que se pueda vender. Todos ellos reflejan la increíble facilidad para fabular de Palahniuk, capaz de crear historias satíricas, provocadoras y llenas de humor negro a partir de leyendas urbanas o anécdotas mínimas en una cantidad, variedad y, sobre todo, calidad que produce vértigo. Sin embargo, hay una trama que hila perfectamente todas las historias y que se irá poco a poco fusionando con ellas para conseguir una obra para mi gusto espléndida.

Si Bret Easton Ellis se afianzó como el nove-

lista más truculento de los noventa, Palahniuk deja en pañales al autor de Psicópata americano, demostrando que la literatura es un arma cargada de futuro, arma que más que nunca necesitamos ante esta guerra sin cuartel que vivimos día a día contra la alienación consumista En resumen, un libro muy recomendable, aunque puede crear adicción, y eso que me han dicho que es de los peores que tiene el autor.

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CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

Un fantasma, un ángel, un extraterrestre por Pablo Ravale

Estamos en un tiempo de caos, de suma violencia; nuestra relación con nosotros mismos es difícil. El sufrimiento es una excavación mental que el hombre ha instalado. Es un dolor por no aceptar lo que nos toma por desprevenidos. Es una mentira. Yo he trabajado muchos años en escuelas esotéricas. Estudié y aprendí sobre control mental, tarot, reiki, numerología, geometría sagrada, kabbalah, espiritismo, budismo, astrología… Me ilustré mucho para luchar contra el dolor. No obstante, el dolor siempre me desprevino. Me desprevino como a todos, bah. Igual eso me sirvió para comprender cómo escaparme de mí mismo. Porque hay muchas muertes que uno va teniendo a lo largo de la vida: la decepción del amor, el desengaño de la amistad, el descubrimiento de que sos quien no imaginabas ser, la sobrevaloración de metas materiales, etcétera. Y yo no estaba preparado para eso.

No estaba preparado para la caída de una máscara, de un disfraz.

Me acuerdo la primera vez que me di cuenta que todas las mujeres que se habían acostado conmigo lo habían hecho sólo porque yo era un símbolo en sus mentes, una idea a la cual se subían y luego se sujetaban. Se lo comenté a mi terapeuta, le dije: «Siento que tanto ellas como yo nos enamoramos de un personaje que ninguno de los dos somos en realidad». Y ella me contestó: «¿Pero vos quién sos? Vos sos Pablo». Me sentía acorralado por mi vida. Yo no quería ser este que soy. Ahora mismo sigo en esa encrucijada.

Lo único que sé hacer es escribir.

Cuando era muy joven, durante la adolescencia, me fui de la casa de mi vieja a vivir con mi papá en una pensión. Ellos recién se habían separado y yo, dense una idea, no entendía un culo del mundo. Después me constituí en este rol que, creo, fue para poder sobrevivir. Descubrí que soy un narrador, un antropólogo de la vida, por llamarlo de alguna manera. Mi ámbito fue siempre lo cotidiano, no el mundillo literario o los recitales de poesía.

Tengo una especie de capacidad innata para describir, para observar y captar cosas que nadie ve. Así que, sin saberlo, desarrollé un oficio. Empecé a presentir que era capaz de tener una profesión: indagar, sincerar la vida. Ya hacía unos años que venía leyendo a todos los que tuve que leer y entonces ocurrió que me convertí en un autodidacta. Pero supongo que más por resentido que por genio. Pues, muy en el fondo de mí, siempre quise demostrarle a todos que yo era capaz de algo. Algo que no tenía que ver con las bobadas típicas que hace cualquier hijo de vecino. Algo distinto, raro, impersonal… Sí, eso, impersonal, que me desenmarcara de lo que es ser una persona. Porque yo no soy una persona: soy un fantasma, un ángel, un extraterrestre. Soy alguien que asevera que Dios es un asesino maldito que nos trajo acá para matarnos a todos.

Encuentro con el futuro, que se puede modificar. por Valeria Pomidoro

Más que genital, cuasi hipocondríaco. Pensar menos, mientras se prende el auto y las posibilidades de las vueltas y las gracias y mañanas azules de frío caliente.

Tengo el cerebro contento, pero se avecina algo que conozco y desconozco a la misma vez, y el olor a gasoil quemado.

Las piernas me llevan de espaldas por la calle, me rapo la cabeza para tener ideas, me afeito las piernas hasta arriba y más allá, calculo como se modificará mi vida. Cuando todos tengamos todo y la aguja marque y te sientes y vayas de acá, ¿para adónde?

Las etiquetas están separando a la gente, como siempre lo hicieron.

La necesidad de prender fuego el intento ajeno, sólo para una auto aceptación. Y sí, hay muchos y muchas, como hay pocos y pocas. Pero, ¿para qué pensar en el mundo cuando tengo un pucho en la mano? Y el calendario me dice que lo tendría que haber pagado antes.

Me río en sueños y vos te ahogás, me río en sueños y te corto parte de la oreja, con la sabiduría a medias. Todo se va dando, de una manera u otra, y somos personas que sienten con angustia.

Entonces, idiota, no me vengas a decir cómo tengo que pensar. No tengo por qué ser como vos. No tengo por qué ser como nadie.

Soy políticamente humana. Mi vagina tiene forma de cerebro.

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HIDDEN TRACK

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EN CONCIERTO

ESPECIAL CICLO ENTREPISOS El Ciclo Entrepisos continúa con cuatro jornadas que mezclan Pop, Rock, Experimental, Electrónica. Actualmente tenemos muchos canales en donde ver las novedades y lo sucedido, ellas son el Facebook, Instagram, You Tube.

Este segundo especial será un registro fotográfico a traves de cada noche, para que tengan una idea de lo que sucede en el ciclo, que siempre comienza con una performance de nuestro Maxx Wild quien recrea su sección que escribe acá en Pura Melomanía, "¿Qué beber para Escuchar Mejor?.

Este Especial trae tres noches: Sábado 22 de Abril - Error Positivo / Gente Conversando.

Miércoles 26 de Abril - Sé Pequeño / Fóbicos.

Sábado 22 de Abril - Feli / La Vida en Familia.

Miércoles 26 de Abril - Ezequiel Ezquenazi / Orquesta Roja.

Las Redes Sociales del Ciclo Entrepisos: https://www.facebook.com/CicloEntrepisos/ https://www.youtube.com/channel/UC0_r3DCEoZXeN8YdRu01l7w https://www.instagram.com/ciclo_entrepisos/

[ Por Lily Moonster ]

Mร S PUNK QUE ROCK

Noche 3 - Error Positivo / Gente Conversando, Sรกbado 22 de Abril en El Archibrazo

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[ Por Damián García Ferro (Dynamo Visual) ]

LA GALA ACÚSTICA

Noche 4 - Sé Pequeño / Fóbicos, Miércoles 26 de Abril de 2017, en El Archibrazo.

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[ Por Damián García Ferro (Dynamo Visual) ]

CUANDO LA CANCIÓN TIENE PESO PROPIO

Noche 5 - Feli / La Vida en Familia, Sábado 06 de Mayo de 2017, en El Archibrazo.

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[ Por Fabián Resakka ]

EXPERIMENTO CON CONTENIDO

Noche 6 - Ezequiel Ezquenazi / Orquesta Roja, Miércoles 17 de Mayo de 2017, en El Archibrazo.

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RESCATE CINÉFILO

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BREVE HISTORIA DE LOS XENOMORFOS

-ESPECIAL SOBRE ALIEN-

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En 1979, la primera Alien cambiaría la historia del horror y la ciencia ficción para siempre y sembraría el inicio de una de las sagas más grandes de la historia del cine. Si bien ninguna entrega se volvió a acercar demasiado a la grandeza de la primera parte, cada capítulo nuevo supo contar con la visión de grandes directores.

Ridley Scott, James Cameron, David Fincher y Jean-Pierre Jeunet, con sus pros y contras, aportaron lo suyo para la construcción de ese mundo en las estrellas. Es por eso que hoy, con excusa del estreno de un nuevo film de la saga, es que repasaremos cada una de las entregas de la saga Alien y sus precuelas, exceptuando ese mamarracho en forma de spin-offs que son las dos entregas de Alien vs Predator.

Así que acompáñenos a visitar ese mundo hermoso y desconocido que al día de hoy sigue maravillando y horrorizando a sus espectadores. Antes de despegar, una advertencia: recuerden que en el espacio nadie puede oírlos gritar. Buen viaje.

ORIGEN Y CAMBIO DEL CINE DE CIENCIA FICCIÓN [ Por Nicolás Ponisio ]

Hablar de Alien significa hablar de crecimiento, de transformación, de una evolución que comenzó a madurar a partir del estreno de 2001: Odisea del espacio. El serio tratamiento estético y narrativo que tenía la historia del astronauta Dave, Hal 9000 y cía. sin lugar a dudas sentaron las bases evolutivas de un género antes no tomado tan en serio. El film de 1968 no solo hizo historia por cuenta propia sino que abrió las puertas para que otros hicieran lo mismo, como es el caso de Star Wars (1977) y Alien (1979), el film que concierne a esta nota. Si bien 2001 rescataba a la ciencia ficción, también pecaba por momentos de poseer una pretensión que, en ciertos aspectos, podía terminar agotando al espectador.

Si se puede decir que el que esté libre de pecados tire la primera piedra, entonces Ridley Scott con Alien puede tirar un aluvión de ellas. Se supo aprovechar el momento justo de renovada vitalidad del

género para convertir al film en un producto netamente comercial, a la vez que se dejaba a la vista las marcas de una obra de autor. Allí, la ciencia ficción recibiría a otro compañero de género. El terror, también tantas veces bastardeado por el público y la crítica, encontraría su esplendor dentro de los pasillos de la nave espacial Nostromo, tratado con respeto y devoción. ¿Es Alien un mero entretenimiento comercial? De seguro que sí, pero es tal la dedicación artística puesta en él, que logra resaltar en cada aspecto, sea éste visible o no. Historia, actuación, decorados y efectos especiales tratados por igual. Sí, de seguro quien lee aguarda el momento de abordar el tema criatura espacial. Pues deberá esperar un poco más, ya que no se puede hablar del xenomorfo sin mencionar antes la construcción de uno de los escenarios más importantes y por consiguiente hablar del genio artístico

de H.R. Giger.

La habitación del Space Jokey (el misterioso y gigante esqueleto que hayan los exploradores espaciales) asombra no tanto por lo extraño de ese cadáver humanoide sino por la dimensión del lugar y la composición de su arte. Una cámara con paredes esqueléticas que, sumado al suspenso y al tono oscuro de la misma, parece hacer respirar esos singulares recovecos. Una pulsión que da la sensación de encontrarse dentro de una estructura orgánica. El trabajo de Giger siempre se destacó por dotar a sus creaciones de aspectos vivos, terroríficos y sexuales.

Aspectos que lo envuelven todo en un clima atrapante, que desorbita la mirada y la asusta a la vez.

Desde el encuentro de Kane (John Hurt) con el huevo y su parásito interior (otro escenario oscuro ambientado por el tono azul de la luz láser que el mismo Scott pidió prestada a los miembros de The Who que preparaban la puesta en escena de su show en un estudio contiguo al set de filmación), pasando por la larva fálica que atraviesa su pecho y finalmente la aterradora forma final del ser alienígena.

Una evolución por etapas que funciona como metáfora de la transformación que vivía el propio género.

La criatura termina por poseer la apariencia entre un droide y un reptil. Al menos cuanto se puede ver de él. Porque allí reside otra de las destacadas resoluciones a la hora de seguir apostando por un ambiente atemorizante y por sobre todo exitoso. Si bien siempre se sintió temor por lo desconocido, en este caso será también hacia aquello que no se puede ver. El extraterrestre aparecerá pocas veces en pantalla, logrando que sea aún más intensa la odisea de los protagonistas y más efectivo el susto cuando la criatura aparezca. Scott y su equipo entienden que es preferible un monstruo que se vea escasamente y cause terror a uno que se lo vea constantemente, haciendo visible lo artificial del mismo.

Es así que, al enfrentarse Brett (Harry Dean Stanton) al ser espacial, se ve poco o nada de lo que sucede. La cámara se centra en la mirada temerosa de Jonesy, el gato de la tripulación. El grito y el entorno sucio y oscuro basta para mantener al público en vilo. Los ojos expectantes quedan desorbitados como al estar frente al decorado y los diseños de Giger. Es en ese momento aterrador que todo el público pasa a ser Jonesy y lo será por el resto del film.

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LA MATERNIDAD SEGÚN JAMES CAMERON [ Por Nicolás Ponisio ]

El instinto maternal, la fuerza de unión entre madre e hijo como fuerza de combate, de protección es siempre muy interesante de ver cómo es trabajada en el terreno cinematográfico. Ahora, trasladar ese conflicto a un plano de ciencia ficción, envuelto entre planetas, naves espaciales y violentos xenomorfos puede resultar en algo mucho más interesante.

En Aliens, el director James Cameron traslada la base de un drama típico dentro del género sci fi y de acción para que encaje perfectamente en el mundo creado en 1979 por Dan O’Bannon y Ronald Shusett.

Pero también lo hace para conformar un paralelismo entre el instinto salvaje y maternal, aquí casi sin diferenciarse uno del otro, que representa a la oficial Ripley (Sigourney Weaver) y a la reina de la colmena de criaturas, la madre de los aliens. Como si se tratase de una suerte de prototipo de lo que haría luego el director con el personaje de Sarah Connor en la segunda parte de Terminator, el personaje de Ripley se vuelve más brutal a la hora de relacionarse tanto contra las terroríficas criaturas como con los humanos que la rodean. Al mismo tiempo, Newt (Carrie

Henn) es al igual que Ripley una víctima sin lugar en el mundo. La madurez alcanzada por ambos personajes como seres extraños entre la multitud, alienígenas también en su propia forma, los dota de una carga dramática que funciona en pos de afianzar con naturalidad esa relación de madre/hija que puede suplir la necesidad sentimental.

Si bien esa relación protagónica y la forma en que el director maneja los sucesos previos como buen disparador del trauma por el que pasan los personajes es de lo mejor del film, es en parte también el cambio de tono y el abuso de estereotipos los que hacen que Aliens recaiga en lugares comunes y poco atractivos de visitar. El factor de terror del que gozaba la primera parte se ve diluido para dar lugar al género de acción más puro y con ello una serie de personajes (soldados del ejército estadounidense) sin profundidad ni carisma alguno, lo cual delata su intención de ser simplemente carne de cañón para el ataque enemigo. Los únicos que llegan a destacarse son el soldado Hicks (Michael Biehn) y el androide Bishop (Lance Henriksen) y más que nada por una

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cuestión de actuación que de personajes en sí.

El exceso de chistes, los personajes estereotipados y las situaciones típicamente bélicas acartonan de más un film que se revela como artificial. El factor de horror se presenta brevemente en secuencias como las del primer ataque de los xenomorfos camuflados en las paredes o en todo el ataque final entre Ripley

y la madre en un escenario industrial al mejor estilo Cameron. Esto ayuda a elevar un poco más al film del lugar común en el que le resultó cómodo posicionarse, pero lo cierto es que ni todo el amor de una madre puede rescatar entero a la criatura cinematográfica del director. Madre hay una sola… y esa es la primera Alien.

THE ALIEN BASTARD SON [ Por José Luis Lemos ]

Las circunstancias que rodean la concepción de un film pueden desembocar en un nacimiento feliz y sin complicaciones, con los padres orgullosos del hijo que han traído al mundo, o en un parto tan doloroso como el que sufría John Hurt en la primera entrega de Alien, con muchas manos involucradas y, eventualmente, con los padres renegando de una criatura cuyo examen de ADN sería tan exhaustivo como frustrante. Y es que la concepción de Alien 3, el niño huérfano en cuestión, es fruto de una orgía de guionistas y productores en la que participaron William Gibson, David Twohy, Vincent Ward, David Giler y hasta Walter Hill, pero que en términos legales solo tiene un responsable: un padre primerizo llamado David Fincher.

Siendo la primera opción en la dirección Vincent Ward, realizador de Navigator (1988), abandonó su silla de director apenas comenzada la producción tras varios desacuerdos con los productores del film que le exigían un enfoque más comercial y digerible del que tenía en mente. Con un guión reescribiéndose mientras se destruían decorados a la vez que se preparaban otros, Fincher entró en el medio de la tormenta con la condición de retocar el guión de Ward. Si acaso los productores pretendían que ese

director de publicidades contratado a las apuradas baje los niveles de oscuridad es porque, obviamente, no contaban con una bola de cristal que los ayude a vaticinar que ese tipo haría, apenas tres años después, películas como Se7en y Fight Club.

Desde los primeros minutos, Fincher nos deja en claro que no tiene intenciones de continuar ni la línea argumental ni el tono de Aliens (James Cameron, 1986): la nave que transporta a Ripley, Hicks, Bishop y Newt, sobrevivientes del film anterior, sufre un desperfecto y cae de emergencia en el planeta Fiorina 161, cerca de una refineria perteneciente a una prisión de máxima seguridad. Solo Ripley sobrevive al impacto, pero la aguarda una pesadilla más grande, si cabe aun: rodeada de convictos que no ven una mujer en años, calva y sin ningún tipo de armas, deberá enfrentar a un xenomorfo más rápido y letal. Y, como si esto no fuera suficiente, algo parece crecer en su interior poco a poco.

El planteo devuelve a la saga a los claustrofóbicos climas de la primera entrega, con un grupo humano sin preparación alguna haciendo frente a una criatura en un espacio cerrado. No hay lugar aquí para el humor y la ternura, y la niña encargada de proveerlo en el film anterior es despachada brutalmente y

hasta nos vemos obligados a presenciar su autopsia.

Tampoco hay fuerzas militares con armamento sofisticado: la supervivencia es reducida al mínimo y, aunque estamos hablando de un film de ciencia ficción, sus protagonistas parecen hombres de las cavernas que ante un peligro desconocido solo se valen del fuego para enfrentarlo. Ese primitivismo es acentuado por el aspecto del planeta-prisión, una especie de monasterio medieval, resabios de las ideas visuales y argumentales planteadas por Vincent Ward, quien pretendía desarrollar la acción dentro de un templo de madera habitado por monjes.

Aunque los monjes hayan sido reemplazados por convictos, las metáforas religiosas sobrevivieron.

Temas como la redención, el sacrificio y existencialismo son debatidas en el film: los prisioneros que han adoptado una apocalíptica religión como forma de encontrar el perdón y alejarse de toda tentación, ponen a prueba sus creencias con la llegada de Ripley (Sigourney Weaver), la única mujer que ven en mucho tiempo. Una vez que Ripley les informa que la corporación Weyland-Yutani quiere el embrión de Alien que crece dentro de ella para poder utilizarlo como arma biológica, los prisioneros comprenden que a pesar de todos los horribles crímenes que cometieron aún son capaces de redimirse.

Ripley es retratada, entonces, como una figura mesiánica que pierde a sus seres queridos y que acaba sacrificándose para salvar a la humanidad, y como forma catártica de liberarse del sufrimiento por el cual había pasado.

No es de extrañar que un film que relegaba la espectacularidad en pos de temáticas religiosas y metáforas sobre el HIV resultara un fracaso comercial.

La mayor parte del público quería a Ripley recitando por segunda vez su clásico get away from her, you bitch, y se encontraron con un film de horror puro y duro en el cual les era difícil identificar a los personajes, siendo todos calvos y con idéntica vestimenta; y con un final que, además, ya habían visto en Terminator 2. Sí, el mismo film que reniega de James Cameron lo termina “reivindicando”. La decepción no fue solo de los espectadores, y el mismo David Fincher decidió abandonar a su primogénito luego de ser obligado a filmar nuevamente varias escenas y ver que su visión original se difuminaba en la sala de montaje.

Once años después del estreno de Alien 3 se lanzó al mercado el Assembly Cut, una reedición oficial del film a cargo de varios montadores de la Fox, con el objeto de acercar al público una visión más cercana a la planteada por Fincher… y de hacer más dinero, claro está. Aún con muchos cambios que mejoran notablemente a Alien 3, de por sí una película muy interesante, y le otorgan más coherencia y profundidad. El director de Zodiac decidió no involucrarse en este relanzamiento y al día de hoy sigue renegando de su ópera prima, con comentarios del estilo “la odio, la odio más que nadie en el mundo.”

Tal vez, dentro de algunos años, el padre se reconcilie con su hijo en lo que será una escena conmovedora. Por ahora, Alien 3 sigue siendo un hijo bastardo.

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CUANDO UN ALIEN Y UN ANDROIDE SE AMAN [ Por Jimena Patiño ]

Estaba tan emocionada de poder ver Alien: Resurrection que tengo un blur mental de en qué año la vi finalmente. Sé que en cine no me dejaban ni asomarme a la puerta, tenía once años y mi familia no era muy devota del Xenomorfo que se morfa a la gente. Pero es esa época cuando la terminabas viendo de cualquier modo. Le estimo que la vi en el 99 luego de maratones interminables de Alien el octavo pasajero, Aliens y Alien 3. ¿Se acuerdan cuando debían esperar dos años para ver las cosas por tv? Si era esa época. Winona estaba a punto de robar en una tienda y toda esa locura. Yo amaba a Winona porque ¿Cómo no amarla? con su corte pixie y sus enormes ojos marrones en esa cara flacucha. Winona I still Love you! (En caso de que leas esto) pero ¡Cómo me desilusioné con la película! Era como una sucesión de escenas que en ese entonces me aburrieron. Pero como el cine cambia con los años decidí que era hora de verla una vez más para ver si mis impresiones de la primera vez eran parecidas.

Debo hacer un alto y decir que Jeunet su director, antes de Amelié, era fantástico y por si no la vieron, hagan patria y vean Delicatessen. Dicho esto continuemos con las impresiones. Primero ya conoce-

mos al bicho, el bicho no nos da ningún misterio, de hecho el espectador está esperando con ansias que todo se desmadre y la chancleta vuele por la ventana. Se nota que a Joss Whedon y los guionistas se les hizo casi imposible encontrar un medio para “reinventar” al alien en la nave y darle un giro sorpresivo al final de todo. Un giro que se viera como cierre para toda la saga, al menos en ese entonces.

Hoy a mis treinta y uno me adentro en el director’s cut y pienso que “No la hicieron tan mal como me parecía en ese entonces.” Vamos a lo bueno: Winona con Call es genial pero nunca sabemos cómo hace ciertas cosas como por ejemplo: Conocer la historia de Ellen Ripley y aparecer de pronto cuando se la necesita detrás de una puerta que se abre. Con esto que quiero decir: hay cosas de guion que no tienen sentido y es muy raro viniendo de Joss Whedon. Lo bueno es que como Resident Evil se aprovecharía después de ese recurso, es que a los personajes a los que le iría muy bien en Firefly son aquellos que mueren primero. Moraleja, en esta película si sos fuerte y no sos el clon de Ripley, entonces la vas a pasar muy mal.

De hecho detengámonos porque una cosa es la tensión entre los tripulantes de la nave Augira y los

piratas de la Betty. Son dos grupos de victimas distintas para los aliens y Whedon y Jeunet lo saben.

Los tripulantes de la nave en su mayoría son evacuados pero algunos permanecen para que los aliens se cobren venganza al mejor estilo Frankenstein.

De hecho me atrevería a decir que si la tercera de Fincher tiene reminiscencias de Juana de Arco de Dreyer, esta tiene reminiscencias con el relato de Mary Shelley y esa moraleja del sci fi de que la ciencia avanza más rápido que lo que debería, entre otras ciertas cuestiones morales. En esta versión Ripley, desde aquí en adelante Ripley 8 (porque es el octavo clon de la teniente) es la criatura de este relato.

Ella es el monstruo que da vida a todos esos seres Xenomorfos y eso la convierte en una fuerza de la naturaleza: Madre, Creadora, y Destructora. Es directamente la encarnación de Shiva.

Por eso también existe una tensión entre esa manga de rechazados que tienen poco tiempo para causar una impresión en el espectador, los soldados, científicos y Ripley 8. Ella está más conectada con los aliens que con los humanos.

Ron Perlman y Dominique Pinon son otros dos de los logros de esta película. Vriess y Johner realmente impactan en el espectador, uno por guarro, odioso e insoportable pero buen socio para el escape y el otro por raro, bueno y paralítico. El uso de la no movilidad y la falta de sensibilidad en las piernas de Vriess tiene su punto álgido en la escena en la que están trepando por el hueco del ascensor. Y simplemente es creo que mi escena favorita.

Antes hablemos de los aliens nadadores, se nota mucho el cgi pero… esa será la mejor escena de persecución y enfrentamiento que tendrá la película.

Es muy buena sobre todo porque no habíamos visto nunca que los aliens pudieran ser tan buenos nada-

dores y le aporta una vibra de Tiburón que encanta.

Luego la historia comienza a irse por las ramas que de verdad le importan a Whedon y es: El nacimiento de una nueva especie.

Llegamos al momento en el que nace la mariposa y Brad Dourif, el Victor Frankenstein, científico loco de esta nave paga las consecuencias de sus actos solo luego de explicarnos obviedades sobre la nueva criatura. La criatura es más antropomorfa y tiene un cráneo más humano. De hecho eso te genera una especie de empatía con el bicharraco porque “Es un bebe y hace soniditos de bebe bueno”. (Fin de la empatía cuando comienza la carnicería nuevamente).

El cierre de la saga es reconsiderandolo mejor, varios años después, bastante digno. De hecho ocurre cuando esta nueva Ripley decide de qué lado está realmente y lo que quiere proteger. Hay referencias a la tercera y segunda parte y no es un horror desconectado. Claro que los aliens tienen su momento para lucirse pero entran en juego otros conflictos como ya mencionamos con anterioridad.

El final de la edición de director con ellas (que las re veo como pareja dispareja a la androide con emociones humanas y al clon semi alien, semi humano) en la tierra observando un paisaje desolador es poético y esa Paris destruida habla volúmenes sobre porqué los humanos eligen las estrellas y sus criaturas siniestras. ¿Habrá lugar en la tierra para ellas dos? Eso no queda muy claro en el film pero mi corazón cinéfilo me dice que esa resurrección fue una redención para el personaje de Ripley que la deja con la posibilidad de una vida nueva. ¡Ripley el cielo es el límite!

Dejá de correr atrás (o mejor dicho delante) de esos xenomorfos y ámense libremente con Call. Al menos en mi final imaginario sucede eso.

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FRANKENSTEIN O EL INDECISO PROMETEO [ Por Nicolás Ponisio ]

Después de treinta años alejado del género, Ridley Scott volvió a la ciencia ficción y no solo eso. Volvió al universo Alien. Los fans temían. Los fans estaban algo equivocados… más no del todo. Prometheus fascina y desencanta entrando en una constante contradicción a lo largo de su trama y cómo es contada. Sin embargo, Hacía mucho que no se veía un film de ciencia ficción que deslumbrara tanto y no solo visualmente (Increíbles escenarios naturales y una gran puesta en escena que conserva los diseños de Giger, quien también supervisó todo el trabajo del film), sino también con los planteamientos filosóficos que hace y con los cuales el director se juega mucho. La moneda ganadora que hace valer la pena el viaje propuesto.

Prometheus se detiene en un lugar abandonado donde nadie removía ya las aguas con preguntas como de dónde venimos y cuál es nuestro accionar.

Al menos no a través de la ciencia ficción. El film plantea eso. Una teoría sobre el origen de la vida y ese deseo humano de siempre querer saber todo y

creerse dioses.

Prometheus es una suerte de repaso de sus anteriores trabajos en el género. Tiene no solo una cadena de adn con Alien sino también con Blade Runner. La idea de ir a conocer a los creadores de la humanidad, la búsqueda de la longevidad y un androide (Michael Fassbender en un tremendo trabajo actoral. El mejor y quizás único en todo el film) que siente curiosidad por los humanos, por la vida per se y que hasta quizás podría tener sentimientos.

Obviamente el film no da casi ninguna respuesta (sobre todo porque está planeada para convertirse en una saga y eso es una de las cosas que molesta de ella) pero tampoco busca hacerlo. Todo pasa por vivir la experiencia y creer en ella y eso es difícil que se logre con un film que transcurre en el espacio sideral: poder creerse lo que sucede y allí es donde se encuentra al mismo nivel que Alien. Toda su estructura y la forma en que se dan los acontecimientos remiten a ella pero carece del tremendo clima creepy de la primera.

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Un elenco que no destaca y tomas de decisiones en lo que implica el guión que son simplemente idiotas le aporta al film unos huecos enormes que terminan devorándolo, solo pudiendo salvar la maravilla visual y el trasfondo filosófico. Lo cual no es poco, ya que aún así funciona y tiene varios momentos incómodos y que lo mantienen a uno expectante al borde de la butaca.

Desprolijo y sin saber cómo meterse de lleno en

una temática nueva que, de hacerlo, es sumamente interesante sin la necesidad de hacer una tomada de pelo a los fans de Alien (lo cual en gran parte hace), el film sale perdiendo ante estos elementos que le juegan un gran punto en contra. Pero, a pesar de ellos, el viaje en sus momentos más destacados termina valiendo la pena. Después de treinta años Ridley volvió al género que mejor le queda... y uno lo celebra y lo putea por igual.

¿SOÑARÁN LOS ANDROIDES CON CREAR XENOMORFOS? [ Por Jimena Patiño ]

“Mi nombre es Ozymandias, rey de reyes: ¡Contemplad mis obras, poderosos, y desesperad!”

A un tiempo distante nos encontramos hoy día del film Alien de 1979, tan distante como en su época lo habrá sido el futuro espacial que presentaba a los integrantes de la nave espacial Nostromo. Sin importar el tiempo transcurrido, el primer film de Ridley Scott en tierras yanquis sigue siendo una obra de arte inmensa que no envejece, única e inmortal.

Casi 40 años después, o 40 años antes si seguimos la línea cronológica de la narración, ese film de Scott encuentra un lazo sanguíneo con el androide David (Michael Fassbender). Autonombrado así por el David de Miguel Ángel, el ser sintético presentado anteriormente en la precuela Prometheus y que también protagoniza el nuevo film, es el elemento que reboza tanto dentro como por fuera de la diégesis del relato esa perfección que lo hace único a él y por lo tanto al film.

Alien: Covenant, por más de lo que sugiere su título, es más una secuela directa del film de 2012 que una precuela del clásico indiscutido de 1979.

Manteniendo un balance entre la temática filosófica de Prometheus y el horror más descarnado que por

momentos se asemeja al film original y por otros al de la secuela de James Cameron, Covenant se encarga de borrar casi todo signo de los errores y horrores cometidos en el pasado con Prometheus. La torpeza narrativa y todos los plot holes cuasi ridículos que arruinaban en parte las buenas ideas del film predecesor, aquí arrancados de raíces dando lugar al sembradío de un nuevo origen, uno que no olvida el pasado sino que lo reescribe.

La fórmula es clásica y harta conocida. Un grupo de astronautas se embarca en una misión, en esta ocasión el colonizar vida humana en otro planeta, y a medida que avanza la trama es bien sabido que irán pereciendo uno por uno de los miembros. Pero el interés del film no pasa tanto por la fórmula de manual, sino por lo que está puede contar, preguntarse y aplicar la visión y los grandes interrogantes humanos en un contexto totalmente ajeno a ello.

Es por ello que el Alien del título es más un elemento de marketing que de contenido. Y hasta incluso podría resultar en un error, ya que muchos podrían salir algo decepcionados. Esta nueva saga

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centrada en el universo de los xenomorfos no está tan interesada en el horror de la ciencia ficción y de las criaturas diseñadas por Giger, sino que el centro de atención está puesto en la vida sintética y cómo esta puede ser tan o más consciente que la de un humano.

Si en Prometheus el personaje de Fassbender resultaba ser lo mejor del film y el único personaje con arco en verdad importante, inteligente y conciso, lo que esta secuela propone es olvidar los errores y centrarse en lo que en verdad funcionó. Y lo hace redoblando la apuesta al tener en pantalla no a uno, sino a dos Fassbender. Uno, el viejo y más que humano David, quien posee una gran escena de génesis a pocos minutos de haber comenzado el film. Una secuencia que reúne todos los elementos que forjan su identidad y las herramientas para que uno, como espectador, logre entender su lugar en ese mundo. Por otro lado, se encuentra Walter, una versión (des)mejorada de David, menos humana y sin la posibilidad de pensar o de crear por sí mismo. En ambos casos, el factor principal que traza a la trama es la empatía para con estos androides.

La comprensión tanto por el héroe como por el villano, una proeza del guión y la actuación, es un diálogo acerca de la humanidad y el horror, muchas

veces sinónimos de lo mismo. Cada pequeño momento compartido entre ambos personajes en pantalla es de una grandiosidad absoluta. Con cada acercamiento o línea de diálogo se construye la identidad de estos personajes que incluso mantienen una tensión sexual, resultado del carácter de David, un simbolismo más de construcción que acentúa más ese narcisismo tan propio de la humanidad, y claro está, de este sintético.

Algo que refuerza los aciertos del film es el completo casting que, a diferencia del pasado, cuenta con grandes actuaciones como las de la no tan protagonista Daniels (Katherine Waterston) o el capitán Oram (Billy Crudup). Si bien son opacados por la doble genialidad de Fassbender, ellos brindan contexto y nivel artístico al tono general del film, sin ser relegados a figurar para morir de inmediato. Quizás no tan marcados o tan bien desarrollados como los interrogantes principales del film, estos personajes le dan forma a ideas como la pérdida y la fe, sirviendo como pequeños elementos que continúan aportando a una trama compleja en sus intenciones, prácticamente carente de todo signo banal.

Una imagen que puede pasar desapercibida para muchos desemboca también todo un simbolismo en relación al relato. La imagen en sí, un exterior

rodeado por pinos, hace referencia a la pintura “La isla de los muertos” de Arnold Böcklin, algo que remarca de contexto en relación al planeta en que los personajes se encuentran. Una necrópolis que se mantiene en pie sobre los cuerpos fosilizados de sus habitantes, algo que también en cuentra su punto de unión en el infierno de Dante. Todos esos aspectos de índole visual y temática poseen una gran sensibilidad artística, una belleza acerca de lo que la mano del hombre puede crear y destruir. Sea como fuere, el crear como un dios conlleva también una maldición en relación a la obra o vida creada.

Es por ello que el film se encarga de hacer entender la humanidad en aquellos que aparentemente no la tienen, para luego comprender la necesidad de crear la perfección que, en estos seres en prin-

cipio perfectos, es completamente ajena. La inconformidad humana y artística en toda su expresión a través de seres que son plástico y cables. O al menos hasta que den vida a los xenomorfos, el organismo perfecto.

Al igual que esas bellas obras de arte como La isla de los muertos y la Divina Comedia se sustentan sobre el caos y la destrucción, Alien: Covenant logra algo semejante con sus intenciones filosóficas y contextualizadas en el horror y la ciencia ficción.

Es así como el soneto de Ozymandias se abre paso entre la crueldad humana y la creación artística. Y al mismo tiempo hace que el mejor film de la saga, luego del original, se posiciona frente a nosotros, el espectador, quienes nos desesperamos y maravillamos por igual.

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EL ESCRITOR SERIAL

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FEUD: BETTE & JOAN: -LA FICCIÓN RECREANDO LA VERDAD DETRÁS DE LA FICCIÓN[ Nicolás Ponisio ]

Cuando a Ryan Murphy se lo encuentra alejado de las producciones que el mismo sobreexplota, como son los casos de Glee o American Horror Story, y pone todo su talento al servicio de una miniserie, es ésta la que perdura eternamente sin la necesidad de contar con años de temporadas en el aire. El año pasado lo demostró al ponerse a cargo de una miniserie descomunal como lo fue American Crime Story: The People v. O.J. Simpson, y ahora lo ha vuelto a conseguir con Feud: Bette & Joan.

Conocida hasta el hartazgo por los cinéfilos es la eterna rivalidad que mantuvieron por décadas dos grandes estrellas del Hollywood clásico como lo fueron Bette Davis y Joan Crawford. El conocimiento de esa disputa de egos fue también la que creó un aura de mito y pesadilla alrededor de What Ever Happened to Baby Jane?, el único film que pudo reunirlas en pantalla. Quizás la única forma de retener-

las juntas por más de cinco minutos en un mismo sitio. El film de Robert Aldrich forja su propia identidad y sus más que merecidos méritos con la fuerza agobiante del thriller de horror, nutriéndose mucho de todos los conflictos internos pero también independizándose de ellos gracias a sus claras intenciones críticas hacia Hollywood y su star system de la época dorada.

Si Aldrich a comienzos de los sesenta entendía la importancia de llevar a cabo un material transgresor como éste, quizás solo adelantado en su época por un genio como Billy Wilder y su Sunset Blvd., y forjaba una interconexión entre ficción y realidad, más de cincuenta años después Murphy agregaría unas capaz más de profundidad a esa gran obra. En cierta forma, contando todo el detrás de escena, lo que el showrunner televisivo hace posible es extender lo planteado por Aldrich, dotándolo de mayor con-

texto, y arremetiendo contra el malsano sistema de Hollywood y la farándula. Centrándose en la época dorada pero también utilizándolo como alegoría de los tiempos que corren y que, al parecer, nunca dejarán de hacerlo. Así como alguna vez Bette Davis supo decir: “Uno nunca debe decir cosas malas sobre los muertos, sólo se deben decir cosas buenas…

Joan Crawford ha muerto, ¡Bien!”, lo que Feud propone es hablar tanto bien como mal de los muertos para llegar a entenderlos. ¡Y lo hace más que bien!

La miniserie se encarga en todo momento de recrear a la perfección la época, pasando por una secuencia de créditos al mejor estilo Saul Bass o los distintos films que aparecen brevemente en pantalla (Mildred Pierce, All About Eve, Strait-Jacket, Trog).

Pero el centro de atención claramente está puesto en Davis (Susan Sarandon) y Crawford (Jessica Lange), tanto en su enemistada relación como en ellas individualmente como artistas y personas. Pero también, algo muy acertado que propone Murphy y sus guionistas, es el hecho de realizar un acercamiento a su lugar en el mundo (de los estudios y fuera de ellos), de las personas que rodeaban a las figuras de las aclamadas actrices.

Es así que la mirada crítica se aleja por momentos de la dupla principal y decide posarse sobre la figura del director Aldrich (Alfred Molina), quien padece tanto el caos provocado por sus estrellas como el

abuso y el desmerecimiento de sus superiores, de las cabezas del estudio resumidas todas en una en la presencia de Jack Warner (Stanley Tucci). ¿Cuánto dominio tiene un director sobre su obra y qué tan artista lo es cuando lo que hay detrás de todo son meras intenciones comerciales? Éxito y frustraciones que van de la mano y el interés de quienes deciden narrar estas inquietudes y verdades respecto al mundo cinematográfico.

La miniserie también se sitúa en los roles secundarios ofreciéndoles la oportunidad de ser estrellas en sus propias subtramas, como lo es el caso de Pauline (Alison Wright), la capaz asistente de Aldrich quien también aspira a ser una artista de la dirección pero que se le es negado por su condición de mujer o las frustraciones artísticas de la periodista amarillista Hedda Hopper (Judy Davis). Y es que si hay que centrar una temática principal por la cual se destaca Feud, es el abordaje que realiza sobre el lugar de la mujer en un mundo dirigido (literalmente) por hombres y donde la belleza de la misma juega un papel contradictorio de bendición y maldición.

Si bien la lucha de egos entre estrellas fue algo siempre presente, los medios y las productoras aportaron lo suyo para que, más allá de sus intenciones artísticas, el film fuera un suceso mediático, acrecentando una cizaña que no finalizaría entre las actrices hasta el fin de sus días. El costo a pagar por

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una fama fugaz y el verdadero arte que las perpetúa en la memoria sabe a poco por la soledad y la tristeza descrita en Feud. Un punto interesante de la misma es el hecho de que la realización de What Ever Happened to Baby Jane? solo es el eje central en los primeros cuatro episodios, permitiendo que la segunda mitad de la historia se centre aún más por separado en el pesar detrás de las luces deslumbrantes de la frivolidad y el carisma hollywoodense.

Si hay algo que criticar en contra de la miniserie de Ryan Murphy es que en gran parte de su desarrollo no hay una igualdad protagónica entre el personaje de Sarandon y el de Lange, siendo el de la segunda el mayor centro de atención donde le gusta posicionarse a su creador (un favoritismo que ya se demostraba en los primeros cinco años de American Horror Story). Como si de otra rivalidad protagónica se tra-

tase, el personaje de Davis se hace bastante a un lado, apagado en comparación al de su compañera.

Cada aparición de Sarandon en pantalla es un deleite sin igual pero que, en vista general, pareciera encontrarse en desventaja. No permitiendo que se destaque o desarrolle con la misma fuerza e importancia que posee el de Lange.

Sin embargo, con su conclusión la miniserie haya un balance entre las dos artistas, sin inclinar la balance a favor de ninguna de las figuras de renombre, sino firmando con sus nombres la caricia en forma de carta de amor que la producción de Murphy ha logrado dictar durante ocho episodios. Un gesto mucho más cálido y sentido que el aplauso de los colegas y la premiación de una estatuilla dorada. Después de tantos años, en algún lugar, Davis y Crawford sonríen al recibir lo que siempre añoraron.

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https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

Records. El tema se llama “Coolverine”.

La edición de lujo incluirá un vinilo blanco, un 12", demos inéditos, un conjunto de impresiones fotográficas, y más. Este es el sucesor de “Rave Tapes” del 2014

Ratificando que Faming Lips está pasando uno de sus mejores momentos sale este video de la banda en vivo del tema Thurston Moore lanzó video del tema

“"There Should Be Unicorns" grabado

“Aphrodite” contenido en su último y

recientemente durante su gira presen-

fabuloso álbum ROCK N ROLL CONS-

tación de su último álbum 'Oczy Mlody'

CIOUSNESS. Recomendamos visitar el

'There Should Be Unicorns' Tour 2017

canal de youtube del Moore.

Guillermo Rodríquez el año pasado editó “Momia” un disco que se consigue en un pendrive personalizado bajo el nombre de “AVTO” y ahora nos llega este fabuloso video del tema “Barriendo” dirigido por Lisandro Rodríguez con la actuación y baile de Flor Dyszel. “Momia” fue

“Disfrutar” es el primer adelanto de

producido por Yul Acri y post-producción

The Zombies han empezado a celebrar

de Daniel Melero, editado por RED distri-

el 50 aniversario de su disco “Odessey &

buidora de conceptos.

Oracle”, publicado el 19 Abril 1968, con

“Cristales de tiempo” el nuevo disco de

una gira y un libro titulado “Odessey: The

Daniel Melero, próximo a estrenarse a fi-

Zombies in Words and Images”. Acaban

nes de mayo. El video fue realizado por

de lanzar un Lyric Video de la canción

Pepa Astelarra y la letra del tema nos

que abre el álbum: ‘Care Of Cell 44’.

muestra a Melero tan observador como siempre y como dice la descripción debajo del video -Con un humor característico esta canción se adentra en el presente proponiendo una crítica satírica de la normalidad.El año pasado tuvimos la tan esperada visita de Brian Eno (compositor, produc-

Con un toque de pop elegante con el

tor pensador y artista visual) quien exhi-

nuevo adelanto del nuevo disco de Ste-

bió en el CCK dos instalaciones (77 Mi-

ve Kilbey & Martin Kennedy, "Glow And

llion Paintings y The Ship). Ahora nos

Fade" a editarse en CD y formato digital

enteramos que participará como asesor

el 26 de Mayo próximo bajo el sello Gol-

internacional del CCK y en pocos meses

den Robot Records.

comenzará un ciclo artístico que se lla-

Steve Kilbey (The Church) y Martin

Mogwai dio a conocer un primer ade-

mará “Lumen” con recitales y clases ma-

Kennedy (All Indiana Radio) formaron

lanto de su próximo álbum 'Every Coun-

gistrales y los primeros convocados son el

este dúo a finales de la primera década

try's Sun' anunciado para el 1 Septiem-

estadounidense Reggie Watts y al británi-

del 2000, editando su primer álbum en

bre 2017 a salir por el sello Rock Action

co Phil Manzanera.

el 2009.

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Traemos un recuerdo de una gran banda como Cocteau Twins con esta canción

La banda de Dark/Gothic norteameri-

Nuestros amigos mendocinos de Oto-

del disco de Blue Bell Knoll (1988). La

cana Human Drama, la banda de John-

ño acaban de lanzar un single llamado

hermosa canción "Athol-Brose", que por

ny Indovina ha lanzado un nuevo álbum

"Caminar" el pasado 2 de mayo, acá les

estos días estuvo en las redes sociales, por

"Broken Songs for Broken People" bajo el

dejamos su bandcamp donde lo pueden

el recuerdo del bajista de la desaparecida

sello Fonarte Latino. El lanzamiento fue

descargar o escuchar.

banda Simon Raymonde y el manager de

el 25 de abril y es el prímer álbum de la

los Guns N’ Roses, sobre un caso en que

banda en quince años, desde "Cause and

el manager de la banda de Axl Rose le es-

Effect" (2002).

https://otonio.bandcamp.com/album/caminar La banda formada por Carina Lourdes

cribió pidiendo información y una copia

Staiti, Elizondo Máximo Mario Lorda,

de una canción que Cocteau había escrito

Aníbal Alejandro Rivero y Leopoldo Ma-

en honor a Axl Rose, obviamente la can-

nuel Gigena están de vuelta y eso ya es

ción en cuestión poco tiene que ver Rose,

motivo de alegría.

más allá de ser "una canción" aunque no como las de Axl, pero una canción al fin.

Nuestros amigos de Stellarscope, la banda de Tom Lugo va a editar un nuevo álbum llamado "Standing In The Shadow Of Your Ghost" que se lanzará el 30 de

The Blog That Celebrates Itself el pasa-

mayo bajo el sello Patetico Recordings. El

do 9 de mayo ha lanzado un nuevo álbum

álbum escrito por: Tom Lugo (Bajo, Gui-

tributo. Tarea incansable de este blog bra-

La banda sueca Principe Valiente acaba

tarras y voces ) y Bob Forman (Batería).

silero al cual apreciamos mucho y siem-

de lanzar un nuevo álbum "Oceans". Es

Producido, Mezclado y Masterizado por

pre nos sorprende con tantas publicacio-

su tercer álbum que se editó el 12 de Mayo

Tom Lugo. Recordamos que sus anterio-

nes y con tanta calidad. “New Dark Age,

bajo el sello afmusic y Manic Depression

res álbumes son: "Stellarscope" (2011),

A Tribute to The Sound” es el nombre

Records & Events. Sus primeros álbu-

"March of the lonely" (2013), "The end is

de este nuevo álbum que rinde homena-

mes "Principe Valiente" (2011) y "Choirs

near. I'm not prepared" (2014), "Shades

je doce canciones de la carrera del gran

Of Blessed Youth" (2014). Ellos acaban

of Sadness and Sorrow" (2015).

Adrian Borlan.

de lanzar el segundo single de adelanto "Wildest Flowers" pero aún no han confirmado fecha de presentación del nuevo trabajo, ni shows.

Como adelanto han editado el video de “Only Strangers Now”.

Seguramente los tendremos en próximas ediciones de nuestra revista.

¡¡¡APLAUSOS!!! ¡¡¡APLAUSOS!!! ¡¡¡Y MÁS APLAUSOS!!!

PURA MELOMANIA

Fijando Precedentes Fields of the Nephilim - Dawnrazor (1987) [ Diego Centurión ]

Álbum debut de la banda de Carl McCoy y sus cowboy fantasmas.

Si bien venían precedidos de los EPs "Burning The Fields (1985)" y “Returning To Gehenna” (1986), y del single “Power” (1986). En su momento el álbum Dawnrazor fue criticado por ser muy parecido a The Sisters of Mercy, pero que mientras la banda de Andrew se encontraba sumergido en su futuro “Floodland” (venía de un 1986 con sus disputas legales con The Misssion), los Fields of The Nephilim iban en busca del trono que Sisters comenzaba a descuidar, más que nada por estas lagunas que correrían del eje de la música a los Mercy (sus problemas internos).

Fields se presenta en este debut como una amalgama perfecta entre el sonido típico del Gothic Rock (acuñado por TSOM) y una mirada más allá de un sonido que iría creciendo en sus sucesivos álbumes de manera armoniosa y brillante. Hoy es uno de los mayores y mejores exponentes del género y a pocas bandas se las puede comparar con Fields.

Pero volviendo treinta años atrás y situándonos en una incipiente escena Gothic Rock en donde los primeros exponentes llegaban a los rankings de Inglaterra, la banda edita un single de adelanto que posiciona de forma inmejorable la salida del álbum, ya que “Preacher Man”, se edita en abril y llega al puesto número 2 del ranking independiente inglés. La fórmula es una ampliación del sonido que se venía haciendo y llevándolo a un terreno más oscuro y con armonías complejas. El trabajo de las guitarras de Paul Wright y de Peter Yates fortalecen con una mirada mucho más profunda y compleja de arpegios y construcciones mucho más elaboradas, el sonido del bajo “rickenbacker” de Tony Pettit se hace profundo y pegado a la batería, dándole a las canciones un tono mucho

más duro y por momentos seco a la base. Pero algo que en Fields se rescata (como en The Mission) es al baterista, en esta banda Nod Wright, hace que las cajas de ritmos ni se piensen en que podría ejecutar todo lo que Nod realiza.

Todo este material estuvo acompañado por el subsello de Beggars Banquet, “Situation Two”, sello hermano de 4AD, Rough Trade Records. Y para el subsello edita los dos singles "Power" y "Preacher Man" y su álbum debut, aunque la versión en CD sale bajo el sello madre. Si bien es una mera suposición del que escribe, este cambio habrá acrecentado la confianza en la banda y por eso, tal vez, podamos ver un crecimiento en su sonido. Y sobre todo en el paso de un single a otro. Y este cambio se nota en dos cosas principales, la voz de Carl McCoy en su primera etapa aún tenía vestigios de quien marcó el camino al cantar, Andrew Eldritch. Pero también en el sonido de la grabación y el disco. La banda llega al disco y es notorio que el productor cambió, ahora es Bill Buchanan, y el que mezcló el álbum y remezcló los agregados fue John Fryer.

Se ponen a analizar los tracks, entenderán cuales son los

tracks agregados a la versión original, el sonido es muy diferente. La banda suena diferente, y Carl canta distinto, se nota que encontró su personalidad vocalista, su identidad que lo alejaría de las odiosas comparaciones.

Desde la aparición de la banda, con todo su aspecto de cowboys salidos de un spagueti western, se mezcló con temas ocultos, religión sumeria, Alesteir Crowley, y temas relacionados con lo pagano, algo que luego retomarían varias bandas del género años después.

Si bien la versión original del álbum trae menos canciones que la versión de la que voy a hablar que es la versión del CD, a la cual se agregan los tracks “Preacher Man" y cuatro tracks del EP "Returning to Gehenna”. Éste álbum arranca con el homenaje que deja todo más claro, "Intro (The Harmonica Man)", track de la banda sonora de la película de Sergio Leone de su película "Once Upon A Time In The West” la canción original pertenece al gran compositor Ennio Morricone y el título del track

arriba de una tormenta nocturna en una cabalgata por el fantasmal oeste. "Vet For The Insane", este track fue utilizado para musicalizar un pequeño instante de la serie "Miami Vice", en el capítulo 3 de la cuarta temporada, "Death and the Lady". Oscura y pantanosa canción, con un trabajo impecable de la base, bajo y batería, que le dan el clima denso y claustrofóbico para que los arpegios de las guitarras le den un tono más onírico a la canción, aunque se convierta lentamente en una dulce pesadilla.

La calidad interpretativa de la melodía de Carl hace que todo tenga sentido, que tono se cubra de un manto climático perfecto. "Secrets" es otro track que no pertenece a la edición original, está canción viene incluida en el single "Power". Y la canción es un clásico Gothic Rock, con guitarras más rockeras a lo Gods own Medicine de The Mission. Si bien es una canción diferente a la nueva estructura sonora de este álbum, acá se puede escuchar la veta más visceral de FOTN. "Dust" es la que sigue, con

es “Man With A Harmonica" de 1968. "Slow Kill" abre el verdadero fuego del álbum con unas maravillosas melodías arpegiadas bien típicas del Gothic Rock, pero con una contundencia sonora que cubre y envuelve toda la estructura de la canción. El primero de los tracks agregados a la versión original del álbum es "Laura II", que pertenece al EP “Returning To Gehenna”. Es una canción bien Sisters, si bien tiene una primera versión, esta es más prolija y más larga. Acá se puede entender las críticas del momento sobre el sonido de la banda de Andrew Eldritch.

La segunda canción que no pertenece a la versión original es "Preacher Man", fue el primer single de adelanto del álbum, pero que no apareció en la primera versión del mismo y es uno de los mejores tracks del álbum, con un trabajo instrumental impecable, el bajo es atronador y le da un pulso casi imposible de obviar, el bajo mueve la canción imprimiéndole una coloración psicodélica. El clima de las guitarras es simplemente perfecto y sólido. La voz de Carl es tremenda y cabalga sobre el caballo sonoro del resto de la banda. "Volcane (Mr. Jealousy Has Returned)" es una canción de una belleza instrumental pocas veces escuchada antes (hasta ese año). Las guitarras hacen una entramado, con sus arpegios y melodías, de manera fabulosa, el bajo siempre presente y marcando junto la batería el pulso del tiempo. La voz de McCoy ya toma un color más fantasmal y oscuro, para mí gusto alejándose del registro de ediciones anteriores, más similar al de Andrew Eldritch. La construcción de la canción nos va llevando

un comienzo a puro bajo rickenbaker, sonido profundo y tajante, con la voz de McCoy en su grado imperturbable.

“Reanimator” es la que continua y es otro de los grandes tracks del álbum, enérgico e intenso. Las guitarras tienen un encanto y una vertiginosidad muy especial, ya que ni entran en el riff rockero, sino que amplían el espectro sonoro y abren el sonido como una fuente inagotable de recursos técnicos impecables. El bajo es la bandera punzante que golpea y empuja la estructura de la canción desde una posición energizante. La batería inquieta nos lleva a través de campos inhabitados y peligrosos escapando de la ley. Y la voz de McCoy es impenetrable y suena como un trueno enojado en la cabalgata fantasmal de estos jinetes del Apocalipsis. Sin lugar a dudas una clase magistral de las posibilidades técnicas e interpretativas de una banda súper ajustada. Como para reanimar a cualquiera. "Power" pertenece al single del mismo nombre y es la única canción no mezclada por John Fryer, sino por Vic Maile. Y si bien es una gran canción queda un poco atrás en comparación con la anterior con respecto a lo estrictamente sonoro, pero más que nada en la mezcla, porque la canción podría sonar mucho más contundente con la misma mezcla del álbum, es decir de Fryer.

Power es potencialmente una gran canción, creo que falla en la mezcla que queda un poco opaca y seca, sin cuerpo, muy plana. "The Tower", otra que pertenece al single "Power" y es la última agregada a esta versión en CD. Podemos escuchar rezagos de la época en que la banda te-

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nía a Gary Wisker en saxo. Si escuchamos atentamente al arpegio del comienzo tiene una similitud con el utilizado en "Volcane (Mr. Jealousy Has Returned)". Una canción que si bien se siente de una época anterior de la banda, ya que su dureza es mayor y el clima sonoro es más plano y con menos cuerpo, la estructura de la canción es buena y volvemos a tener una voz más Eldritch. Es parte del crecimiento. "Dawnrazor" no es solamente la que titula el álbum, sino que es una profunda y oscura composición, en un tiempo de blues muy quebrado, muy arrastrado, hiriente, quejoso, desesperado. Es una canción en donde las guitarras son las protagonistas en lo sonoro. Los arpegios son simplemente hermosos y la base de bajo y batería sostienen todo el esqueleto de la canción de manera

brillante. Es para escuchar atentamente. La voz de Carl es atrapante, oscura, pasando por varios estados, introspección, atormentada desesperación o vehemencia. Una de las canciones más climáticas y oscuras de álbum. "The Sequel" es el track final. Y con “fade in” comienza esta excelente canción, nuevamente las guitarras se llevan la atención y nuevamente el bajo y la batería se encargan de sostener la estructura. La canción más corta del álbum y un cierre a puro Gothic Rock, y cuando nos acostumbramos al clima del track, un “fade out” se lo lleva y nos quedamos con ganas, pero hemos escuchado un excelente álbum debut y que ha crecido y captado la atención de muchos oyentes, fijando precedentes para lo que vendría años después.

Muñeca Brava Tori Amos - American Doll Posse (2007) [ Pablo Müllner ]

El primer track de American Doll Posse (Equipo de Muñecas Americanas), “Yo George” declara las intenciones de Tori Amos sin medias tintas: “I salute to you Commander/ And I sneeze/ 'Cause I have Now An Allergy /To your policies it seems...” (“Lo saludo Comandante, y estornudo porque parece que ahora tengo una alergia a sus políticas…”) En este álbum de 2007 la cantante y pianista de Carolina del Norte, hija de un sacerdote metodista, deja un poco de lado su carácter íntimo y confesional para asumir por primera vez una voz definidamente política y de combate. Si su álbum de 2002 Scarlet Walk retrataba el viaje de una mujer a través de las ruinas de una sociedad confundida y aterrorizada luego del atentado del 11 de Septiembre, American Doll Posse es la reconstrucción de su subjetividad y la puesta en marcha de una política de resistencia. Por primera vez también un álbum de Amos cuenta con una total claridad conceptual. Sus principales blancos son: George Bush y su feroz declaración de guerra de Irak, el sexismo norteamericano y el pensamiento y estilo de vida WASP. Quizá por esa misma claridad a la hora de elegir sus objetivos Tori abandona sus largas e intrincadas composiciones de piano llenas de arreglos clásicos que por momentos citan a Bela Bartok o Erik Satie, y se pone al frente de una banda, o un equipo como indica el título: bajo, guitarra y batería. Sus composiciones son más directas y contundentes, siempre con los teclados y su particular voz al frente.

Un tema que resume bien el espíritu del disco es “Big Wheel” (Gran Rueda), un veloz piano rock acompañado por slide guitar con melodías que recuerdan a Elton John y The Scissor Sisters. Allí Tori le da un ultimátum a un hombre que la asfixia: “So you are a superstar?/ Get off your cross /We need the Wood” (“Entonces sos una superestrella? Bajáte de tu cruz, necesitamos esa madera.”)

Al momento que le recuerda: “I am an MILF Don´t you forget” (“Soy una Madre-que-te-quisieras-coger no lo olvides!”) Los arreglos de cuerdas, otro elemento clave en el sonido de Amos, aparecen solo ocasionalmente para

ornamentar los momentos más introspectivos, que los hay pero en menor medida: “Girl Disappearing” (Chica desapareciendo) es una balada sombría que nos recuerda porque desde el primer momento se la comparó con Kate Bush. Entre ambos extremos Tori alterna algún midtemo de intensa belleza como “Bouncing Off Clouds” (Saltando nubes) que le da espacio para lucir todo el rango de su voz.

Quizá el único elemento que vuelve las cosas complicadas de manera innecesaria sea el juego de roles que está desarrollado en el booklet. Si leemos atentamente nos enteramos que este Equipo de Muñecas son cinco personajes jugados por las diferentes voces de Tori, que se van alternando para cantar cuatro o cinco canciones cada una. Todas tienen sus características personales y a la vez representan cualidades de diosas de la mitología griega. Parece un recurso rebuscado para expresar sus propios pensamientos y emociones. Sin embargo, este dato no obstruye demasiado a la hora de escuchar a una cantante única, con una personalidad y una voz singulares, y suficiente elocuencia como para comandar un ejército propio.

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16 Años y La Furia Intacta Manic Street Preachers - Send Away the Tigers (2007) [ Alex Bretto ]

La carrera de los Manic Street Preachers fue en constante ascenso desde la edición de su primer álbum “Generation Terrorist” (1992) hasta 1998.

Aquella primera producción no permitía prever un futuro tan fértil para el posteriormente devenido trío de Gales: personalmente, el disco tenía sus momentos clave como la magnífica “Motorcycle Emptiness”, pero no mucho más que eso. Sin embargo, cada disco fue un paso adelante y quienes apostaron a ellos no se arrepintieron. Años después llegarían dos obras muy difíciles de superar como fueron “Everything Must Go” (1996) y “This Is My Truth, Tell Me Yours” (1998). Por estos dos álbumes, el grupo sea alzaría con los Brit Awards a Mejor Álbum y Mejor Grupo Británico en dos ocasiones. ¿Tal vez fuera posible alcanzar algo del mismo nivel? No en lo inmediato… hubo que esperar casi 10 años.

De eso se trató “Send Away The Tigers”, obra con la cual James Dean Bradfield y compañía alcanzaron picos insospechados de inspiración que reflejaban la imagen de un grupo sin desgaste ante el paso de los años. Fue lanzado el 7 de mayo de 2007 y se resume ahí lo mejor y lo más clásico de los Manic: en el riff de “Send Away The Tigers”, en la cadencia de “Indian Summer”, o en los coros épicos de “The Second Great Depression”, ejemplos dignos de mencionar. Es mi recomendación de siempre tener mucho cuidado con las letras y su impronta política (un buen ejemplo sería el tema “Rendition” sobre la violación de DDHH): haciendo dicha salvedad (a quién concierna), este disco es musicalmente impecable. Sin desperdicios y con la energía intacta, la placa abre con el puro rock fantástico del track “Send Away The Tigers”, un tema con un riff moldeado en “Ready For Drowning” de “This Is My Truth...”. El segundo track “Underdogs” fue en su momento el primer adelanto del álbum por venir, y se ofreció como free download en la página oficial de la banda. “This one’s for the freaks” versaba, acompañado de una guitarra del más puro estilo “The Holy Bible” (1994).

El caballito de batalla y primer single oficial fue “Your Love Alone Is Not Enough”, un hit comercial cuidadosamente pensado para entrar en la rotación radial, con la voz de Nina Persson (The Cardigans) como invitada. Fue un éxito que llegó al #2 del ranking inglés, y hace referencia en su letra a viejos clásicos del rock como “Wish You Were Here” de Pink

Floyd (“Did they get you to trade your heroes for ghosts?”), otros de The Who y Rolling Stones, y a la mismísima “You Stole The Sun From My Heart” de su propia autoría. “Indian Summer” es un tema que bien podría haber sido parte de “Everything Must Go”, con un fuerte aroma a “A Design For Life”: imperdible. Continuando con la línea netamente rockera, “Autumnsong” destaca con su introducción de guitarra tan “Sweet Child O’Mine” (Bradfield ha reconocido ser admirador de Slash) y una canción perfecta para ser cortada en segundo lugar. Cabe acotar que todas las guitarras que no estuvieron en el disco previo “Lifeblood” (2004) se hicieron presentes aquí, lo que terminó dando a “Send Away The Tigers” un perfil por momentos cercano al hard rock y en ese sentido más emparentado con la crudeza del mencionado primer álbum. Aunque tampoco faltó lugar para algo más rockabilly como “Imperial Bodybags”, y el cierre glorioso de la mano de “Winterlovers”, una suerte de “If You Tolerate This” pero con guitarras y coros más estruendosos. El hidden track bien podría ser un homenaje a Johnny Cash, lo que no está mal y además ¿qué más se puede pedir?

En 2007 y con 16 años de vida, los Manic sacaban un disco bisagra que supuso un antes y un después en su carrera. La crítica lo consagró como el mejor disco que habían sacado en una década, y el éxito comercial fue de la mano. “Send Away The Tigers” es simplemente Manic Street Preachers en uno de sus picos más altos.

Invasora del Espacio

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Björk - Volta (2007) [ Pablo Müllner ]

Björk es ante todo una cantante pop. Claro que “pop” en el universo de Björk no es lo mismo que para, por ejemplo, Celine Dion. La islandesa nunca persiguió el sonido edulcorado de un hit para sonar hasta el hartazgo en la radio. Su música está más bien influenciada por el avant-garde de compositores como Karlheinz Stockhausen, Meredith Monk, Sun Ra y Philip Glass, así como por la electrónica de Kraftwerk y Brian Eno. Pero luego de sus experimentaciones con el soundtrack Selmasongs (2000), Vespertine (2001) y Medulla (2004), en el cual las sobre grabaciones de voces eran usadas en lugar de instrumentos, Björk estaba lista para su regreso a su sonido pop, que la hizo famosa en los noventa con álbumes como Debut y Post. Volta, su sexto disco, es la crónica de ese regreso a la Tierra del Pop como una verdadera “Invasora del Espacio Exterior”.

Si bien desde el momento en que supimos de su existencia (los que no la registramos como la exótica cantante de la banda New Wave The Sugarcubes) Björk parecía realmente una extraterrestre (óigase/véase el tema/video “Human Behavior”) nunca había sonado tan alienígena como en el primer track de Volta: “Earth Intruders”. Allí después de un corto preámbulo electrónico Björk entona: “We are the earth intruders/ Muddy with twigs and branches/ Turmoil! Carnage!” (“Somos los invasores de la Tierra, embarrados, con ramas y troncos. Confusión! Carnicería!”) al ritmo de una percusión tribal. Algo del pulsante ritmo de este tema tiene que ver con la producción de Timbaland, pero que el rapper norteamericano participe en la producción no significa para nada que Björk se haya vuelto hip-hop. Al contrario, Björk parece arrastrar a sus colaboradores a sus propios paisajes sonoros y extraer lo mejor de ellos como una vampiresa de cuento de hadas. Timbaland vuelve a colaborar en “Innocence”, un número de sofisticada y minimalista electrónica donde la cantante hace ostentación de su flexibilidad vocal, al momento que advierte: “Fear is a powerful drug/ Overcome it and /You think you can do Anything!” (“el miedo es una droga poderosa, supéralo y pensarás que eres capaz de Todo!”). El otro pico

pop del disco es “Declare Independence” que empieza como un synthpop bastante despojado pero a medida que aumenta la intensidad de su coro-mantra (“Declare Independence!/ Don´t let them do that to you!”: “Declara tu independencia, no dejes que te hagan eso!”) se desata una tormenta de beats y distorsión apocalíptica a través de la cual Björk alerta en un alarido: “Raise your flag!” (“Levantá tu bandera!”).

El resto del álbum se debate entre algunos números orquestales. La deslumbrante balada Wanderlust, con un suntuoso arreglo de bronces y cuerdas, que según la misma cantante es “el corazón del disco”. O la igualmente épica “The Dull Flame of Desire”, un dueto con el intrigante Antony Hegarty (Antony and the Johnsons, Anhoni). Pero también hay momentos de mayor intimidad e introspección. La delicadísima “I See Who You Are”, donde un tradicional instrumento japonés de cuerda y el incidental ruido de una corriente de agua son los únicos acompañantes a la casi susurrada vocalización. De manera parecida “Hope” se construye sobre un beat mínimo y una exótica guitarra que por momentos parece flamenca. “My Juvenile”, dedicada a su hijo Sindri, cierra el álbum, otra vez con musicalización mínima: tan solo un clavicordio y la voz de Hegarty, esta vez más que en un verdadero dúo, resonando como la de conciencia de Björk.

Momentos en los Que Podría Enamorarme Erasure - Light at the End of the World (2007) [ Gabo Rojo ]

El momento de nuestras vidas en que nos empezamos a tomar a Erasure en serio es un punto de inflexión.

Es el momento en que nos damos cuenta de que las letras de Andy Bell no son solamente clichés que escribió en cinco minutos sino al mismo tiempo verdades trascendentales de la vida.

“Hay momentos en que podría enamorarme de vos / Hay momentos en que gritaría hasta ponerme azul.”

La principal virtud de Erasure es mostrarnos un mundo libre de cinismo. Donde hay demonios, Andy ve ángeles –lo dice él mismo en “When a Lover Leaves You”, el punto álgido de este disco, una balada de redención para la era post-Nintendo (“Sé mi escape, mi recompensa”, ruega Andy. Ciertamente lo es para el oyente).

Hasta tiene una canción llamada “Sucker for love”, donde canta sin demasiada vergüenza líneas como “sin amor, no soy tremendo”.

El problema de Erasure (lo que es decir, su genialidad) no es tanto que pertenecen a otra época sino a otro mundo.

A mediados de la década pasada Erasure sacó tres notables discos en tres años consecutivos, de los cuales Light at the End of the World es el tercero y, por lo menos en sus primeros tres temas, el más uptempo. La cuarta canción es “Storm in a Teacup”, una de las composiciones más personales de Andy y secuela de la añeja “Hideaway”, donde el cantante utiliza las capas de sintetizadores de

su fiel compañero Vince Clarke como alas para volar por encima de sus traumas pasados. El resto del disco es simplemente, genialmente Erasure –exploraciones diversas del único tema, según el crítico Tim Burrows, acerca del cual vale la pena escribir una canción Pop: el amor, y sus complicaciones.

A esta altura, ni Vince ni Andy ponen sus apellidos en los créditos del álbum.

“El objetivo de este disco es mostrarle a la gente que nuestro pop no está acabado; mostrar que todavía podemos hacerlo, todavía podemos escribir grandes canciones”, dijo Andy en su momento.

Como si alguien lo hubiera dudado.

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¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

IRISH DREAM Dolores O’Riordan - Are you listening? (2007) En el año 2001 los Cranberries lanzan Wake up and smell coffee tomándose un impasse que duró hasta el 2012. En ese lapso, era más probable y esperado otro disco de la banda pero en 2007 Dolores O’Riordan, luego de algunas colaboraciones sin pena ni gloria, lanza su primer disco solista Are you listening? Pensando el Irlanda y sin dejarme llevar por lo fácil, el cocktail de elección es uno de mi autoría, Irish Dream (un whiskey con infusión de café, licor de coco, de chocolate y de casis, todo a la cocktelera y a disfrutar).

Tranquilamente podríamos creer que este es un disco que se continúa a la saga de Cranberries, y es completamente lógico hacerlo, Dolores compuso la mayoría de la música y letras. Pero he aquí la diferencia (tanto como en Irish Dream, el coco), una vuelta de tuerca, más intimista, más oscura si se lo quiere, menos hard rock. Sí, las estructuras son simples, sí las melodías son pegadizas, pero cuál es problema? No tengamos miedo a lo meloso, dulce y penetrante del disco, ni del Irish Dream. El primer single, Ordinary Day, es una de las mejores canciones que ha hecho, tiene todo, lo mejor de sus mundos, tan relajante como incitador. Tanto como este track, cada una de las canciones del álbum toma y devuelve una emoción diferente, la fuerza de Angel Fire, la penumbra de Black Widow o la furia de Loser, dan como resultado atmósferas muy divertidas de escuchar. Se encuentran diferentes elementos que los acercan y alejan de lo ya conocido y distintivo de Cranberries, haciéndolos los más destacados del disco junto a Human Spirit y When we were Young. Fuerza, ira, amor, melancolía, todo en resumen y en extensión para In the Garden, el mejor para mi gusto. Otro recomendado es October, atmosféricamente furioso y predecible. Lo restante, When We Were Young, Stay With Me, Apple of My Eye, Accept Things y Ecstasy, no es de despreciar y completan un disco a la altura del post-grounge modernizado que propone Dolores, como una continuación más íntima de su proyecto anterior. A disfrutar con un complejo Irish Dream y volar por los planos íntimos que este disco propone… ¡Salud!

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Slovdive - Slowdive (2017)

Slowdive ha regresado al álbum luego del casi disco solista de Neil (dicho por la propia Rachel en una entrevista que nos dio hace unos años), Pygmalion de 1995 y que marcó el fin de la banda. En el 2014 nos encontramos con la alegría de su regreso a los escenarios y redondean el regreso con este nuevo álbum. Para reseñar el álbum nos decidimos a hacer lo que empezamos en el número anterior con el nuevo álbum de Depeche Mode. Pero ahora hemos convocado a personas de todo el mundo. ¡Disfruten!

SLOWDIVE | Slowdive Label: Dead Oceans Fecha de Lanzamiento: 05 de Mayo de 2017

Artistas Que participan: SLOMO: Ferran Ferran Pont Verges (Horacio.NuevaTemporada) STAR ROVING: Pedro Damián (shoegazeralive Bolgspot) DON'T KNOW WHY: Rebecca Bayse (The Emerald Down) SUGAR FOR THE PILL: Nick Noble (93millionmilesfromthesun) EVERYONE KNOWS: David Yépez (Sexores) NO LONGER MAKING TIME: (Orquídea) GO GET IT: Tom Lugo (Stellarscope) FALLING ASHES: (Sounds of Sputnik) BONUS TRACK: 30TH JUNE: Gardy Perez Ruiz (Un.Real)

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Track 1: Slomo (Autores: Neil Halstead, Rachel Goswell, Christian Savill, Nick Chaplin, Simon Scott)

Por Ferran Pont Verges Slomo, La canción que abre el nuevo disco de Slowdive, me impuso escucharla al menos tres veces para empezar a degustarla. Es que la primera vez me pareció un tema grabado con cierto apuro, sin llegar a terminarlo... Tiene tres partes (una de ellas solo un acorde de separación), y las repeticiones son casi idénticas.... Pero al cabo de un par de escuchas más, Slomo se asienta en el paladar y se convierte en un típico tema de esta genial banda... mi problema fue haber escuchado antes el magnífico Star Roving, que parece haber mezclado a Sonic Youth con The Cure y Bowie, más The Moody Blues, en un mantra sónico antológico. De todas formas, Slomo merece abrir el disco: compuesta como una canción folk, (se podría cantar con una criolla frente al fogón) se viste con los ropajes del sonido shoegazer pero en plan minimalista, con un bajo prácticamente tocando solo blancas y redondas, las guitarras tejiendo contrapuntos de pocas notas y todo apoyado en el colchón de sintetizador, sobre lo que las voces de Rachel y Neil hacen lo que saben hacer, que es convertir gargantas poco privilegiadas en melodías como dagas. Slowdive en uno de sus mejores momentos...

Track 2: Star Roving (Autor: Neil Halstead)

Por Pedro Damián El segundo single de Slowdive es el disco menos Slowdive y más Mojave 3 de toda la historia de la banda - Mojave 3 fue formado por Neil Halstead y Rachel Goswell después de la separación de la banda en 1995. El progreso acelerado y las voces más holgadas de Neil Haldstead causan una extrañeza a la primera audición, pero ganan una mayor simpatía oyéndola más veces. A diferencia de la mayoría de las canciones de la banda, donde las guitarras de Christian Savill y Neil Halstead se sobresalen por ser mezcladas delante de los otros instrumentos y de las voces, en Star Roving eso no es tan fácil de reparar, pues las partes del batería Simon Scott y el bajista Nick Chaplin están más cerca del mix. Interesante que en el clip oficial aparece sólo la voz de

Neil, mientras que en vivo Rachel comparte el estribillo casi que sobreponiendo su voz. No es mi música preferida del disco, sin embargo, es una de las que apuntan a trabajos futuros de Slowdive, probablemente con menos “wall of sound” y más experimentalismos pop.

Track 3: Don't Know Why (Autor: Neil Halstead)

Por Rebecca Bayse (The Emerald Down) Permítanme comenzar diciendo que yo soy músico, no un miembro de la prensa musical. Me siento un poco extraña reseñando la música de otra banda, especialmente una que, como tantas otras, me inspirado tanto en el movimiento shoegazer. En cualquier caso, me honra hacerlo, y me han solicitado que dé mi opinión acerca de todo el álbum basándome en una canción en particular.

Comencemos con lo que pasó por mi mente mientras escuchaba esa canción de principio a fin.

En las mañanas de verano suelo beber café en mi balcón mientras escucho cantar a los mirlos. Tienen un canto como ninguno, y si se pusieran de acuerdo entre ellos para formar una banda, seguramente compondrían una canción tan adorable como “Don`t Know Why”. El timbre brillante del staccato arpegio de guitarra, flotando; las suaves voces y el redoblante marcando el ritmo en el comienzo crean hábilmente la tensión que nos prepara para salir en un emocionante vuelo.

Los mirlos en realidad deben mantener en movimiento esas pequeñas alas para moverse de un lado a otro.

El siguiente contraste rítmico proveniente del coro crea un cambio dinámico maravillosamente épico.

Aquí el bajo se adelanta poderosamente, completando con redobles, un enfático ride, y legato, creciendo a la deriva en esa melodía de guitarra, marca registrada de los Slowdive, pero esta vez en la primera parte matizada con un vuelta de tuerca en la exquisita, mágica, inspirada en Frazier, pero a la vez tan innegablemente personal voz de Rachel, y luego espejada en la segunda como un fraseo de guitarra.

Luego viene un pequeño descanso que se transforma en una segunda estrofa modificada, en la cual aquel arpegio de guitarra con voz de mirlo se repite

sutilmente en la mezcla sobre una estructura rítmica parecida a un coro moderado, lo suficiente para alcanzar la simetría narrativa cuando Neal se hace cargo y canta la estrofa una octava más abajo, con esa calidez y brillo que tanto amamos en él.

A Neal lo acompaña un indicio de lo que yo describiría como una guitarra con delay inspirada en Pygmallion, manteniendo la forma y el flujo del coro, cuando de repente nos vemos sorprendidos por el regreso del ritmo staccato, traído por el flanger de un guitarra que se repite, transformándose en la versión de Rachel de la estrofa más que en otro coro propiamente dicho, y descendiendo finalmente en una suave versión instrumental de la estrofa modificada anteriormente, mientras la canción va terminando en una alienante línea vocal de Rachel.

Al final, los mirlos se fueron volando y yo me sentí un poco como Blancanieves. Es por lo cual Slowdive, y en realidad todo el shoegaze, han estado para mí, siempre relacionados con la pasión y el romance.

Este track no es la excepción. En Fast Times at Ridgemont High Mike Demone sugiere “Cuando llega el momento de la verdad, y siempre que sea possible, pongan el lado A de Led Zeppelin IV”. Bien, pueden hacer eso, y Dios sabe que amo a los Zepellin, pero yo usualmente elijo Slowdive. ¿Qué pienso de “Don’t Know Why” en su conjunto?

Como es tan buena en lo que hace, la banda ha elaborado una canción superior. Las estrofas en las que se complementan las voces hombre/mujer, junto con los cambios de dinámica y los sorprendentes cambios de ritmo hacer el gran trabajo de mantener al oyente atento, deleitándolo y evitándole la monotonía. Francamente, una canción bien elaborada estructuralmente como esta es la deslumbrante diferencia entre una música grandiosa y una que está “ok”, y eso destaca a Slowdive de mucha otra música que escucho por ahí, sin forma y con una textura etérea que se repite ad-nauseam, sin que me provoque nada.

Si bien es hermosa y esencial, es la subyacente estructura lo que la hace una canción genial, y no hay pedal carísimo o cool que reemplace la habilidad para escribir buenas canciones.

Y con respecto al resto del disco, es por supuesto maravilloso. Creo que las canciones más adecuadas

para la radio son Star Roving”, “Sugar for the Pill” y “No Longer Making Time”.Estos fueron algunos de mis favoritos mientras escuchaba, pero este álbum tendrá un favorito cada vez y eso es muy bueno. Si me hubieran preguntado mis favoritos hace 25 años, habría escogido canciones ligeramente diferentes, pero hubiese evolucionado hacia Slowdive. Lo que encuentro en este disco es una maduración en su sonido, junto a una inclinación hacia toda la música que los miembros de Slowdive han realizado, junto a las creaciones solistas de los miembros de la banda y todas sus influencias a lo largo de las últimas dos décadas. Al mismo tiempo veo una exploración de nuevos estilos, los cuales encontramos en los tracks anteriormente citados y en el muy suspicazmente titulado “Everyone Knows”. ¿Qué es lo que ellos saben? me pregunto ¡Dios, espero que no!. O la bellamente minimalista “Falling Ashes”, acompañada de un piano que me recuerda a una maravillosa obra nunca oída de Dustin O`Halloran Creo que leí en algún lado que, con este álbum, quisieron logran el tipo de música que se consigue en las sesiones en vivo, y ciertamente las canciones que lo componen son el producto de ese tipo de ambiente. Así que, si esa era la meta, la han conseguido con éxito.

Los fans de Slowdive y del shoegaze deberían abrazar nuevos horizontes. La música debe evolucionar.

Su próximo disco, el cual parece estar ya pronto a comenzar, debe bucear aún más profundo en esta investigación estilística y reflexión personal. Slowdive, aquí va un gran saludo con amor, y deseo que continúen haciendo muchísimos más discos tan buenos como este.

Track 4: Sugar for The Pill (Autor: Neil Halstead) Por Nick Noble (93MillionMilesFromTheSun) Vi que el nuevo single de Slowdive estaba disponible la mañana en que me dirigía a Liverpool para ir a verlos. Lo descargué, lo puse en mi iPod y me prometí que no lo escucharía hasta que estuviera en el camino. Menos de un minuto después presionaba el Play y salía de mis altavoces a volumen. Star Roving había salido un mes antes o algo así y como muchos otros, había esperado mucho tiempo para ese mo-

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mento. No me decepcionó. Esto sin embargo sonaba muy diferente. SUGAR FOR THE PILL sonaba mínimo, frágil y completamente hermoso en comparación con Star Roving. La línea de guitarra de la introducción de Neil, el bajo de Nick y el bombo de Simon, la guitarra de Christian por encima y luego la voz de Neil. ¿Qué estaba diciendo? 'Hay una botella de chicas, ahogándose en el viento' Nah eso no puede estar bien. Rachel entonces se unió a la voz.

Todo lo que sabía era que sonaba increíble. Fue mejor a medida que la canción avanzaba. Construyendo y cambiando pero manteniéndose completamente bella hasta el final. Lo escuché y lo repetí por el viaje de 2 horas de Doncaster a Liverpool y todo suena tan bien y tan derecho a mis oídos. Perfecto Slowdive pero diferente a todo lo que habían hecho en el pasado. El concierto esa noche en el Arts Club fue increíble. El lugar era minúsculo y me quedé justo en frente de la mesa de mezcla. Cuando Neil tocó la guitarra de apertura para 'Sugar For The Pill' los pelos en la parte posterior de mi cuello se levantaron.

Es muy raro que una canción pueda tener ese efecto en mí tan rápidamente. Cuando salió la pre-orden del álbum, pedí el vinilo y el libro lírico para que finalmente pudiera ver lo que Neil y Rachel decían...

“Hay una ventisca de gaviotas, tamborileando en el viento” Gracias Slowdive y la canción era tan digna de la espera.

Track 5: Everyone Knows (Autor: Neil Halstead) Por David Yépez (Sexores) Debo admitir que lo pensé dos veces cuando me pidieron reseñar un tema de Slowdive. ¿La razón? La nostalgia. No me gusta esto de las reuniones de bandas separadas hace décadas. Tiendo a pensar que todo su público únicamente los sigue por el simple recuerdo de haber vivido el nacimiento de algo que de cierta forma se está convirtiendo en una moda: hacer shoegaze o dream pop, al menos en Ecuador.

Me atreví a escribir esto desde el punto de vista de alguien que siempre tiende a pensar a futuro, al menos en cuestiones musicales, el pasado está ahí, y nos sirve de referencia, pero vivir de joyas como Souvlaki o Pygmalion, no comparto esa idea; esa tendencia a enfocarse sólo en lo que ya se hizo.

Después de escuchar el Slowdive en repetidas ocasiones, incluso antes de su lanzamiento oficial gracias a las filtraciones, admito que es uno de los más poderosos retornos de una de las primeras bandas que expusieron este sonido. Es un álbum lleno de frescura, no teme explorar nuevas dinámicas y se han esforzado en diseñar un sonido particularmente distintivo dentro de esas toneladas de reverberación. Me pidieron que reseñe Everyone Knows, un tema que por su tempo me atrapó a la primera escucha junto a Star Roving. No es un Slowdive que vive de la nostalgia, las guitarras tienen otra textura y armónicamente está perfectamente elaborado, Neil Halstead y Rachel Goswell juntos hacen de Slowdive una insignia sonora. Simon Scott nos regala la aventura de la banda hacia otros tempos; tiendo a pensar que ahora son mucho más versátiles. Era bastante raro escuchar temas que sobrepasen el andante en Just for a Day, Souvlaki y Pygmalion, ahora hay algunos que lo hacen, y eso es lo que más me atrapó del nuevo Slowdive. Me gusta pensar que es una banda nueva, o al menos una reinvención de uno de los íconos de la escena que se celebra a sí misma.

Track 6: No Longer Making Time (Autor: Neil Halstead)

Por Orquídea El inicio perfecto con la melodía de las guitarra dan pie a una canción tan dulce que invita a soñar y, con la mezcla perfecta de la voces de Rachel y Neil, crean una belleza más además esperando ese momento donde la canción comienza erupcionar de manera tan Slowdive haciendo recordar que han vuelto.

A pesar de tanto años sin sacar un material y sobre todo separados este disco demuestras que nunca los perdimos haciéndonos añorar esos tan maravillosos años 90 Disco que nos lleva a la nostalgia y volver a creer en la buena música.

Track 7: Go Get It (Autor: Neil Halstead, Rachel Goswell, Christian Savill, Nick Chaplin, Simon Scott)

Por Tom Lugo (Stellarscope) Go get it empieza con una melodía de guitarra hermosa como la batería y el bajo suavemente acariciar la

superficie y luego son abrazados por guitarras brillantes y melodías flotantes. Neil Halstead canta dos líneas líricas que se desvían hacia el subconsciente hasta el estribillo cuando Neil se une a Rachel Goswell y la magia se abre en una gloriosa pared de sonido. “Go get it” trae un elemento de rock crudo a la belleza de otra manera etérea del álbum.

Track 8: Falling Ashes (Autor: Neil Halstead, Simon Scott)

Por Roman Kalitkin (Sounds of Sputnik) El estribillo de piano repetido es como un rayo de luz, perforando una columna de agua, disolviéndose en las profundidades de una armonía hermosa y ligeramente triste, entretejida con melodías paralelas y voces conmovedoras. 'Falling Ashes' ya está en camino de tener esta canción reconocida como otra contribución musical clásica, como las canciones de

Leonard Cohen, que por desgracia nos ha dejado.

Bonus Track: 30th June Por Gardy Perez Ruiz (Un-Real) Por alguna razón, esta canción me trae a la mente grupos que fueron influenciados por Slowdive. Para ser más preciso, ·Difference Engine·. También me da una vibra más cercana a Souvlaki o Just for a Day por la densidad del sonido.

Simon Scott está también más presente en la batería (siempre bueno). Siento este tema alejado de Pygmalion y la nueva producción, que los instrumentos conservan más sus espacios y distancias en el espectro estéreo. Temazo, de todos modos.

La nueva producción me parece excelente y tomando de los mejores elementos de sus anteriores.

Definitivamente, uno de los discos del año.

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Ghost Transmission | Ecoes Label: El Genio Equivocado Fecha de Lanzamiento: 03 de Marzo de 2017

Nos acercamos a España, precisamente a Xàtiva (Valencia). Allí nos encontramos con el segundo álbum de Ghost Transmission y con ellos nos adherimos a un mundo de difusas distorsiones y feedbacks que nos atrapan por ósmosis, por sólo apretar play en el primer track “Don’t feels like home anymore” y no vamos a querer sacar ni saltear ningún track de los diez que componen este álbum. “Hit The Road” es una bella melodía cansina pero llena de luminosidad, “Echoes of You” fue el primer adelanto del álbum lanzado como single en febrero de este año. La canción contiene el sonido más My Bloody Valentine. “I’m Going” las mareas distorsionadas se abalanzan sobre los oídos creando una suave capa de dulzura. “Curse and shoot” los torrentes de energía de los feedbacks de las distorsiones y la velocidad imponen un paso vertiginoso. “I’ll kill your mark” este track viene con algo más de clama y algo de psicodelia con esa guitarra a los The Black Angels. Fue el segundo single del álbum. “Lustful and ebony eyes” es pura ternura, por momentos me recuerda a la Velvet Underground de Nico, pero se va transformando en una dulce canción dreampop.

“If you take your pride (and decide to leave)” una canción que empieza calma y que luego rompe en un ritmo simple y brillante. “Feeling from jail” uno de los tracks más aguerridos del álbum, para buscar una similitud sería a The Jesus and Mary Chain pero cantado por Mimi. “Love is strange” es tal vez de mis preferidas del álbum, tremenda, la pared sonora que crean la guitarra, el bajo y la batería es una aplanadora que se lleva, como una hoja seca en una tormenta, la voz de Mimi dejándola cubierta y protegida por el caos sonoro que avanza y avanza y nos lleva al final del álbum. Ghost Transmission es una de esas bandas para escuchar y estar atentos a sus lanzamientos, y en este número los volveremos a tener.

DIAMANDA GALÁS | All The Way Label: Intravenal Sound Operations Fecha de Lanzamiento: 17 de Marzo de 2017

A decir verdad escuchar a Daimanda Galás no es para cualquiera y aunque diga que las canciones de este nuevo álbum son en su mayoría standarts del jazz, no significa que los amantes del jazz puedan soportar este álbum. Esto es para pocos, por no decir para iniciados. Aquellos que no conozcan el fructífero trabajo de la Galás les recomiendo que no empiecen por este álbum ya que puede causarle una mala impresión.

Bien ahora que he prevenido a los desprevenidos me enfoco en el trabajo. Nuevo trabajo de la Bruja, no teníamos nada nuevo desde "Guilty Guilty Guilty" del (2008) y esto es ya una alegría saber que está de vuelta (encima a los pocos días sacó otro álbum,

que ya mencionaremos). En este álbum expresa y expone su talento vocal (5.4 octavas y 1 semitono) y toda su expresividad descontracturando y desarmando los clásicos. ¿Esa es su meta? No, ella es así,

"You Don't Know What Love Is" mantiene una nota tanto tiempo que pareciera no ser de este mundo y en definitiva ¿lo es?

Seis tacks que van desde los cuatro a los casi once minutos de duración, un poco más de cuarenta mi-

nutos de locura y una voz tan diabólica como majestuosa. Ella y el piano, Su voz y su calidad. En vivo y en estudio. El blues y el Jazz pasado por el filtro de su canto, deformado, asombroso, diabólico.

Diamanda está de vuelta... sientan el miedo.

TREMENTINA | 810 Label: Burguer Records Fecha de Lanzamiento: 24 de Marzo de 2017

Cada vez asoma algo nuevo bajo el dream pop en Latinoamérica, aunque esta vez no es una nueva banda pero si un nuevo trabajo. Tercer disco de la banda de Valdivia (Chile) formada por Cristobal, Vanessa, Lucas y Andrés. Luego de sus anteriores "Brilliant Noise" (2013) y "Almost Reach The Sun" (2015) llegan de la mano del sello Burguer Records de California con este nuevo álbum de nueve canciones. Desde su apertura con "Please, Let's Go Away", nos insertamos en un mundo de luminosidades brumosas en donde vamos cambiando el ritmo según su antojo. Y vamos desacelerando en "All I Wanted" y dejando que los brillos tomen el control de nuestro alrededor. "Oh Child", nuevamente caminamos por los senderos del pop con mucha luz.

"Out Of The Lights", es tal vez la canción más rara del álbum, ya que no parece ser parte del mismo álbum, un track que se despega sonoramente del resto. "No Control", tiene un interesante juego de ritmos y contra ritmos que hacen del track un ilusionismo creativo atractivo. "The Sound & The South", nos adentramos en el océano con este ambiente ins-

DIAMANDA GALÁS | At Saint Thomas The Apostle Harlem Label: Intravenal Sound Operations Fecha de Lanzamiento: 24 de Marzo de 2017

Nuevamente La Bruja aparece en esta sesión.

Esta vez con una grabación en vivo realizada en mayo del 2006 en la iglesia "St. Thomas the Apostle" de Harlem (New York). Diamanda mezcla musicalizaciones suyas y “prestadas” a textos de muchos poetas y escritores como el italiano Cesare Pavese (1908-1950), el grego Eleftherios Papadopoulos (1935), el alemán Hermann Ferdinand Freiligrath

trumental. "A Place Up In The Sky", nos eleva hasta u las nubes con un ritmo manchesteriano y con gran luminosidad. "Fall Over Myself", nos prepara para el final con este track netamente dream pop de suma belleza, tal vez el mejor del álbum. Y el cierre llega con "810", una hipnótica canción que concluye un bello tercer trabajo de la banda chilena. Demostrando que en América Latina hay excelentes exponentes del dream pop sumándose al revival que está aconteciendo desde hace unos años.

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(1810-1876), el belga Jacques Brel (1929-1978) y el francés Gérard De Nerval (1808-1855).

En un marco más "eclesiástico" Diamanda desgarra su talento de manera que con el correr de los ocho tracks uno se queda hechizado con la interpretativa expresión sonora de su voz, si la viéramos a ella creo que la sensación sería mucho más fuerte.

Es tremendo dejarse llevar por su voz que son estig-

mas en la piel y que cuando ella lo decide sangran, aunque esto nos de placer. Los tracks se suceden y nos vamos hundiendo en un mundo de oscuridad tenebrosa provocado sólo por su voz y el piano que puede ser punzante e hiriente o puede acompañar levemente la interpretación vocal.

Como en el anterior disco reseñado... sólo para iniciados.

Ghost Transmission | Covers Label: El Genio Equivocado Fecha de Lanzamiento: 06 de Abril de 2017

Anteriormente loanunciamosGhostTransmission iban a estar de nuevo en esta sección. Ahora con un single de dos tracks que no queríamos dejar pasar.

Con la excusa del lanzamiento de la versión que realizaron de “I Wanna Be Your Boyfriend” de Ramones en el compilado “Here Today, Gone Tomorrow, A Ramones Reverence” de marzo de este año de “The blog that celebrates itself”. La banda grabó una versión de Keep Your Dreams de Suicidepara empezar el single y la verdad es que para aquellos que no conocen a la banda es una muy buena manera de empezar a escuchar a esta banda de Valencia, España.

Dream pop, un gaze del mejor.

Snow in México | Breathe (EP) Label: Saint Marie Records Fecha de Lanzamiento: 15 de Abril de 2017

Show in México es una banda de esas que uno se enamora desde que la escucha por primera vez.

Su magia siempre sorprende y nos trae gratas sorpresas. Su ruidoso dream pop, se mezcla con esos pasajes de luminosidad que podemos encontrar en bandas como Slowdive, pero en esta banda todo se vuelve más etéreo. Aurora es el comienzo y acá podemos escuchar lo que antes les mencioné, en Thrirteen las voces crean una dulzura casi fantasmal. Breath es como un mantra que nos hace bailar.

Y Nibiru, además de ser el último track, un instrumental que nos hace volar en la calma de una tormenta por nacer, ahí en el medio de nubes oscuras que avanzan y cargando el aire de humedad, es el

cierre perfecto para esta pequeña muestra de Snow in México. Recomendado.

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Mark Lanegan Band | Gargoyle Label: Heavenly Recordings Fecha de Lanzamiento: 28 de Abril de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Mark Lanegan continúa evolucionando en su carrera a la búsqueda de la discografía perfecta. Nos llega ahora su octavo disco en solitario, si no contamos sus discos a medias con Soulsavers, Greg Dulli (de Afghan Whigs) o Isobel Campbell (ex-Belle & Sebastian), y sus infinitas colaboraciones (Mad Season, Queens Of The Stone Age, Masters Of Reality, The Twilight Singers, Martina Topley-Bird, etcétera), todos rayando la perfección. Y lo hace entrando de lleno en el rock y los sintetizadores con raíces inglesas de los 80. Si bien ya había incursionado en ese terreno con los grandísimos Bubblegum y Blues Funeral, y con en el mediocre Phantom Radio (su único traspié), ahora vuelve a probar suerte con ello y el resultado no defrauda.

Los adelantos “Nocturne” (oscura, profunda, hipnótica) y “Beehive” (con esa cadencia lo-fi y esas bases electrónicas irresistibles) lo presagiaban, y efectivamente el disco sigue en esa línea y cumple con creces. Además, como es habitual en él, Mark se ha rodeado de colaboradores de lujo, desde el productor del disco y guitarrista principal en la grabación, Alain Johannes (ex-Eleven), a Jack Irons (ex-batetista de Red Hot Chili Peppers, Eleven y Pearl Jam), Greg Dulli y el mismísimo Josh Homme (Queens Of The Stone Age) Firmando como Mark Lanegan Band, Gargoyle

se compone de varios medios tiempos y canciones lentas marcas de la casa (bellísima “Goodbye To The Beauty”), y sólo la hommeana “Emperor”, o su primer contacto con el post-rock en “Drunk On Destruction”, rompen un poco con esa tónica, quedando todo bastante equilibrado, con la voz acojonante del de Ellensburg por encima de todo, en uno de sus mejores trabajos vocales probablemente, con un vibrato y un dominio de su instrumento natural tremendo que sigue sorprendiendo a los que llevamos años largos siguiéndolo.

Hacer mención a las letras, tan introspectivas y espirituales como acostumbra, también es necesario.

Un disco ideal para escuchar de noche y perderse en él, que crece con las escuchas y que seguro se convertirá en uno de sus clásicos con el tiempo.

Afghan Whigs | In Spades Label: Sub Pop Fecha de Lanzamiento: 05 de Mayo de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Afghan Whigs es una banda de rock alternativo que se ha movido desde principios de los 90 bajo el impulso de Greg Dulli, su particular frontman, como motor para llegar más lejos de lo que cualquiera hubiera esperado.

A Greg le interesan no sólo los dramas amorosos en tonos pastel, sino también la sangre, la carne con rasguños, los cuerpos sudados y desnudos en momentos de pasión espontáneos, desesperados e inverosímiles.

En In Spades la lógica de siempre continúa en sus ya clásicos escenarios –la noche, los excesos, el desamor, la soledad, el pecado, la redención– pero ahora el giro es un poco más sobrio, más contemplativo, incluso más reflexivo, como si esas espadas a las que hace alusión el título del álbum sirvieran de arquetipo de lo que nos “pincha” a los mortales.

Parte de ese dolor, asimismo, se encuentra en el hecho de que a uno de los integrantes actuales de la banda, el guitarrista Dave Rosser (colaborador de Dulli ya en The Twilight Singers), le fue diagnosticado un cáncer de colon, por lo que éste no es un álbum más, sino todo un disco de transición… una instantánea de un momento delicado.

In Spades se inicia con “Birdland”, canción donde la voz de Greg es acompañada sólo por unos arreglos de cuerdas y ningún elemento tradicional del rock (guitarra-bajo-batería), de modo que suena profunda y emotiva, con un sentido de la épica que, en este caso, instala un grado de belleza lúgubre que no se va jamás del disco.

Dulli es inevitablemente la presencia estelar

(pero no le quitemos mérito a los otros cinco: los guitarristas Jon Skibic y Dave Rosser, el bajista John Curley, el tecladista y cellista Rick Nelson, y el recién incorporado nuevo baterista Patrick Keeler). La música suena más sofisticada que nunca y los recursos utilizados muestran que su habilidad como compositor y productor es nuevamente sobresaliente. No obstante, siguen siendo las letras y la potencia de la interpretación vocal los elementos centrales de las canciones, por eso a Greg le lucen creíbles las historias de amor (“Toy Automatic”), de deseo (“Demon In Profile”, “Light As A Feather”), de odio (“Copernicus”), de traición (“Arabian Heights), de drogas induciendo a estados alterados (“Oriole”), de poderes maléficos (“The Spell), de tristeza (la antes citada “Birdland”).

En definitiva, Afghan Whigs vuelve a demostrar que todavía tiene la cadencia de una cama en movimiento y la fuerza de una espada atravesando entrañas, aunque ahora hay mayor madurez para comprender que en las sombras también puede existir un lugar sorprendentemente cálido.

Stars Crusaders | Welcome to Hydra

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Label: WATII Records Fecha de Lanzamiento: 05 de Mayo de 2017

Los Crusaders se formaron en la primavera de 2014 después de que Davedax, Symorg y Yeda recibieran una convocatoria del antiguo orden para unir y defender al planeta de invasores del otro mundo.

Desde ese momento la historia de ciencia ficción se empieza a desarrollar con su primer álbum de noviembre del año de gestación, New Horizonts.

Electro Sci-Fi es el género con el que han definido su música y todo gira en torno a la historia, mezclando el EBM y el electro. Su segundo álbum continúa la historia planteada en su debut. En julio del año pasado tuvimos un adelanto con el EP "Under Attack" y recién acaban de lanzar "Welcome to Hydra" en donde nos sitúan en el año 2517 y una nueva amenaza se hace presente en La Tierra, los "Impostores" son los extraños que quieren dominamos y evitarlo es la Misión de los Stars Crusaders. Musicalmente el

álbum ni se aparta de EBM y el electro, con bases sólidas y ritmos incesantes. Todo el tiempo nos vemos sumergidos en vertiginosas persecuciones interestelares que no bajan sus decibeles. Los once tracks son potentes y brutalmente rítmicos. Bienvenidos a la batalla estelar.

Amáutica | Rectificando El Sueño Label: Sonorium Fecha de Lanzamiento: 05 de Mayo de 2017

Hace ya un tiempo que esta banda argentina viene dando batalla en una escena que es muy reducida, el Gothic rock. Formados en Lavallol (Provincia de Buenos Aires) en 2008. Formados por El Gurú, en guitarra y voces, Romina Dusk, en batería y Christian Vega en bajo. En este trabajo Aidan S, se suma como invitado en guitarra y teclados. La banda lanzó su debut "El Oscuro Toque de lo Impersonal" en el 2010 y luego los EPs "El Centro Secreto" (2012), el single "Alunizaje - Nemesis Remix by Rotten" (2014) y "Rectificando el Sueño" (2016).

Ahora lanzan este álbum que lleva el mismo nombre que su último EP y trae los primeros cinco tracks del EP más los tracks agregados de algunas canciones de las ediciones anteriores que forman parte de este álbum. Podríamos decir que puede ser una compilación de lo mejor de la banda.

Desde lo estrictamente sonoro es un Gothic Rock actual, con mucha distorsión rozando el metal gótico. Canciones prolijas y cuidadas, pensadas y maduradas. Podría ser una puerta de entrada interesante para descubrir que en Argentina hay bandas de Gothic Rock.

Moon Duo | Occult Architecture Vol.2 Label: Sacred Bones Records Fecha de Lanzamiento: 05 de Mayo de 2017

En febrero nos encontrábamos con el gran Vol.1 y unos meses después nos regalan este segundo volúmen de cinco canciones. El trío de Portland vuelve a la carga con tremendas canciones.

Con un tímido comienzo abre este trabajo "New Dawn", con una melodía que me recuerda en algunos tramos a "Dancing in the Street" esa canción de Martha and The Vandellas (luego versionada por Bowie y Jagger). La voz se desliza tiernamente sobre una pared sonora creada por la guitarra. "Mirror's Edge" continúa mostrándonos el lado más psicodélico de la banda, pero en forma instrumental.

"Sevens" comienza a buen paso y tiene algo en su sonido que me recuerda a Joy Division, pero que buena manera de seguir en una ruta desierta al ritmo de esta canción. "Lost in Light" esta canción tiene video propio y fue el track que eligieron para promocionar el álbum, una canción con más de hipnotismo psico-

délico y luminoso. Tal vez el más relajado del álbum y con una belleza típica de esta gran banda. "The Crystal World" cierra el álbum en forma instrumental y de manera más mántrica con el track más largo, nos va llevando lentamente a un desenlace que sabemos que no podremos evitar y se va apagando en un largo "fade out" y desaparece y con él se van nuestras ilusiones de seguir unido a este mantra psicodélico. Brillante.

Danzig | Black Laden Crown Label: Evilive / Nuclear Blast Fecha de Lanzamiento: 26 de Mayo de 2017

¡Danzig está de regreso!

Con este nuevo trabajo de estudio, el de Nueva Jersey no es que pretenda arriesgar (como ya lo hizo en el pasado con su álbum de rock industrial Blackasidevil) o demostrar algo, pues la verdad no lo necesita. Él ya tiene sus 61 añitos y sus fieles seguidores (entre los que me incluyo) que esperan ansiosos nuevo material, después de siete largos años de silencio (si no contamos el disco Skeletons, donde versionaba a algunas de sus pasiones no tan secretas como Black Sabbath, Elvis Presley o ZZ Top) se quedarán más que satisfechos.

Black Laden Crown es un sólido trabajo hecho tan sólo por el amor a la música y que ve la luz en el

momento que Danzig ha creído conveniente, sin ninguna prisa, donde las mayores influencias son el doom metal, la oscuridad, le estética gótica y unas letras cargadas de imágenes diabólicas. Temas len-

tos, densos y sombríos donde su potente voz destaca y brilla por encima de todo.

Con todo, el álbum no es el disco para descubrir y engancharte al siniestro mundo que siempre crea el ex vocalista de Misfits y Samhain, para eso ya están el Danzig I o el Danzig III: How The Gods Kill, no obstante este último trabajo es para la gente que ya sabe lo que hay y que les gusta.

Si bien a medida que van pasando las canciones vas viendo que esa voz tan reconocible ya se nota algo “gastada” de tanto camino recorrido, el carisma y la potencia están ahí, a la orden del día, y para colmo secundado por dos músicos de la talla de Tommy Victor (Prong, Ministry) como guitarra principal y Joey Castillo (Sugartooth, Queens Of The Stone Age) como baterista. El instrumental es pesado y demoledor, y el tío Glenn no para de dar muestras de

que lo que le sigue sobrando es talento para cantar y componer como nadie. Un ejemplo perfecto de esto son sus nuevos himnos “Eyes Ripping Fire”, “Devil On Hwy 9”, “Last Ride” o “Blackness Falls”.

También hay lugar para las composiciones más sosegadas, pero no por ello menos intensas. Tales son los casos de “The Witching Hour” o “Skulls & Daisies”. El broche de oro lo pone “Pull The Sun”, un tema en el que Glenn canta en ese tono tan de crooner que lo caracteriza y en el que se deja el culo exudando pasión.

En definitiva, un disco del que disfrutarán mucho quienes crecimos con su música. A los que no lo hayan escuchado nunca, no hay mejor oportunidad que esta para no solo escucharse este Black Laden Crown, sino para descubrir a uno de los más grandes cantantes de punk, hard-rock y heavy metal.

Stellarscope | Standing in The Shadow of your Ghost Label: Patetico Records Fecha de Lanzamiento: 30 de Mayo de 2017

Nuevo trabajo de la banda de Filadelfia. Luego de su primer álbum “Living Under The Radar” (2005), “Stellarscope” (2011), “March of the lonely” (2013), “The end is near. I'm not prepared” (2014) y “Shades of Sadness and Sorrow” (2015) regresan con este “Standing in The Shadow of your Ghost”.

El inquieto Tom Lugo (que también lidera las bandas “Under the Wire” y “Panophonic”) nos trae un caos sonoro de feedbacks y distorsiones, típicas del shoegaze pero ellos lo transmiten de manera certera al corazón de las canciones, por momentos en forma caótica y ruidosa, pero esa es la lucidez de la banda.

Crean este nuevo álbum de diez canciones en las que nos llevan por todos los estados, velocidad, introspección, ensueño, pesadilla, baile, descontrol. Si recuerdan nuestro último compilado ellos lo abren con una versión de Ramones, una declaración de principios. Y digo esto porque su música bien po-

dría explicarse como punk gaze. Un álbum en donde las distorsiones crean climas tan diferentes en cada track que hacen que cada canción sea un universo diferente.

En este nuevo álbum podremos descubrir tal vez el mejor trabajo de Stellarscope.

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DERECHO DE PISO

EZEQUIEL EZQUENAZI EL ESTUDIO DE LA EXPERIMENTACIÓN [ Por Diego Centurión ]

Hablar de Ezequiel es hablar de un mundo, tal vez, desconocido para los lectores que no estén familiarizados con el mundo de la música experimental.

Académicamente estudió composición con el compositor Jorge Sad Levi y es profesor de composición por el conservatorio de música de Morón (Argentina). Compuso piezas para orquesta, ensambles, instrumentos solistas, electroacústicas y mixtas. Sus obras fueron estrenadas y programadas en festivales de Argentina, Suiza, Bélgica, Francia, Chile, Méjico y España. Durante 2010 fue becario en el Laboratorio de Investigación y Producción Musical de Buenos Aires. En 2011 su pieza electroacústica “Caída, memoria y restitución” recibió el segundo premio en el concurso organizado conjuntamente por las fundaciones Destellos (Argentina), Motus (Francia) y Phonos (España). Actualmente es coordinador de producción del festival de Música Contemporánea “Nuevas Músicas por la Memoria”.

En el 2015 el sello Kohlenstoff de Quebec (Canadá) editó su álbum "Conflictos con la metáfora".

Ezequiel es un improvisador, compositor de obras electrocústicas y mixtas. Su música es acusmática (derivado de la música electroacústica). Pero él es un músico que puede transformar el ruidismo en pulsos electroacústicos que crean una atmósfera, que muchas veces, nos puede parecer abstracta pero que la raíz de cada sonido le ha llevado mucho tiempo de elaboración e investigación sonora.

Ezquenazi es un artista que puede presentarse sólo o en colaboración con otros músicos, es un artista que se adapta al formato que se le presente. Y esto no es muy común en un estilo de música en donde lo experimental no siempre se conlleva con la frase “experimentar en colaboración”.

Ezequiel Ezquenazi es un artista que se basa en el estudio de la experimentación.

Pueden encontrar a Ezequiel Ezquenazi y seguirlo en sus redes sociales: https://www.facebook.com/ezequieles https://soundcloud.com/ezequiel-1 https://myspace.com/ezequiel_esquenazi http://kohlenstoff.ca/album/conflictos-con-la-met-fora glosolalia@hotmail.com

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DERECHO DE PISO

EXPRESO MANIQUÍ ENTRE COLOMBIA - ARGENTINA - LA PLATA [ Por Diego Centurión ]

Expreso Maniquí nace como idea en Bogotá, Colombia a comienzo del 2014, y se terminó de gestar en el 2015 en La Plata, Buenos Aires, Argentina. Formado por Marcelo Andrea (voz y programaciones) y Liliana Herrera (sintetizadores y teclados) comienzan a grabar las maquetas, pensaron todo para que se pueda trabajar tanto como banda o como dúo, siempre dentro del género Electro pop/synthpop.

Lo primero fue darle forma a un EP, "Ficción Vintage"(2015) distribuido por una pequeña distribuidora de Nicaragua, Vynilito Records. El segundo paso el disco en estudio y realizaron videos de promoción. “Las Calles de Neón” llegó y se unieron a prensa virtual (Azul Electra). El alcance de la música los hizo sonar en Inglaterra, España, Francia, país vasco, entrar en tops de medios especializados europeos y Latinos sonar en cadenas de Perú, México, Colombia, Chile, Venezuela.

Actualmente se encuentran abocados al ensayo para presentar el disco y a la espera de la edición Física que se planifica para fines de este año.

Ellos dicen sobre Expreso Maniquí: El expreso es señal de movimiento de viaje y que mejor figura para poder mostrar una tendencia, colores, moda que un maniquí por lo que el nombre está dirigido al continuo movimiento de poder mostrar y marcar una tendencia.

Busquen "Las Calles de Neón"en: Spotify Google Play Y todas las tiendas virtuales Redes Sociales: https://www.youtube.com/watch?v=zQMezAqecPk https://www.instagram.com/marceloandreaexpreso/ https://twitter.com/ExpresoManiqui?lang=es https://www.facebook.com/marcelo.andrea.12 https://www.facebook.com/marceloandreaexpresomaniqui/

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SOBRE LA PORTADA

Estrella de Mar Año: 2009 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 1 x 1 mts.

ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri.

"ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta.

Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”.

Este cuadro pertenece al Período del artista denominado "Período Mandalas". Este período tiene un gran significado para el artista, ya que explota el concepto de la psicodelia de una manera espiralada y a la vez, pertenece a unos de los períodos en donde las obras son de mayor tamaño.

Redes Sociales del artista: http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

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