Revista The 13th Nº 39 by Revista The 13th

The13th AÑO: 4

NÚMERO 39

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alex Bretto

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Benjamín York

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Darío Martinez

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Bernardo Jimenez Mesa

Gabo Rojo

[ Departamento de Literatura ]

Jairo Mansur

Pablo Ravale

Julieta Curdi.

Jefe de Departamento de Cine:

Max Wilda

Nicolás Ponisio.

Rodrigo Debernardis

[ Departamento de Artes Visuales ]

Jefe de Departamento de Literatura:

Ricardo Padilla (Oriani_K)

Diego Centurión y ARMS.

Pablo Ravale.

Marina Cimerilli

Jefe de Departamento de Música:

Pablo Müllner

[ Fotografía ]

Diego Centurión

Patricia Claudia Fiori

Nazarena Talice, Lily Moonster,

Jefe de Departamento de Colombia:

Marina Cimerilli. [ Departamento de Colombia ]

César León

Alejandro Cenizacromada Bernardo Jiménez Mesa César León Jennifer Isania Fonseca Sánchez COLABORAN EN ESTE NÚMERO Agustín Fadel, Alfonso Herrero, Cristian Z.Castillo, DeAnna Avis, Fernando Alemán, Iván Mirabal, Jason Edmonds, John Treanor, John-Paul Hughes, Josiah Webb, Marcel Willou, Mike Bee, Mike Nesbitt, Marc Crane, Paul Curry, Prins Obi, Stephen Lawrie, Stevie Moonboots, Vincent Van Fläuers, Mai Etcheverry, Verónica Ganún. Agradecemos la hospitalidad de Casomera Belgrano (donde se realizó la entrevista de Hurricane Heart Attacks). CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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EDITORIAL Agosto, 2017 Un nuevo número que sale. Un nuevo ciclo cumplido. Nace un nuevo desafío. Nace una nueva visión a futuro. Todo lanzamiento marca un final de mucho trabajo y, a la vez, el comienzo de otro, que terminará en el próximo número. Así estamos todo el tiempo buscando expandir la mirada de The 13th. Y hablando de expansión, en este número y soñando con más uniones en los próximos números, tenemos el agrado de contar con Jairo Mansur, quien viene haciendo un tremendo trabajo con su blog "Latino América Sonidos que Permanecen". Y a partir de este número su trabajo tendrá su espacio en la revista. En materia de contenidos venimos con un súper número, las entrevistas se multiplican y podemos encontrar una variedad como tal vez pocas veces hayamos conseguido en una misma entrega. Tuvimos la posibilidad de conseguir una entrevista al gran Andy Vella, fotógrafo y diseñador de portadas icónicas que seguramente algunas tendrás en tu colección de discos. También tuvimos una exclusiva entrevista a Stephen Lawrie de The Telescopes, banda que recién ha editado un nuevo trabajo, “As Light Return” y de él nos habla. También anticipamos la llegada a Latinoamérica de Ash Code, con una entrevista a Alessandro Belluccio, antes de su concierto del 23 de agosto en Requiem Club. En este tour pasarán por Perú y allí los encargados de abrir el fuego será Varsovia, banda que también hemos entrevistado en este número. Anticipamos el lanzamiento de su nuevo single y su gira europea junto a los psico-misioneros de Hurricane Heart Attack, y también de esa mesopotámica provincia de la Argentina tenemos una entrevista a Ignacio del Pórtico de la Otra Cara de la Nada, quien nos cuenta sobre sus proyectos. Otras bandas de Argentina que entrevistamos son Simón Fuga y los ascendentes Césped. Y dentro de “La Ansiedad de la Influencia” hay una entrevista a Germán Minuz. Pero saliendo de las fronteras del idioma español nos pusimos en contacto y entrevistamos a John Andrew Fredrick de The Black Watch, a John Treanor de Tombstones In Their Eyes, a Paul Curry de Parsons Rocket Project, y a Demian Castellanos de The Oscillation. La reseña especial de “En la mirada de los Otros” está dedicada a The Brian Jonestown Massacre - Don't Get Lost (2017), con un seleccionado mundial de artistas que dieron sus psicodélicos pareceres sobre las canciones del álbum. Tropica Obscura vuelve con su mirada colombiana. En materia de cine traemos un especial sobre Edgar Wright y la serie que les traemos es “Spaced”. Y la Literatura siempre está presente en su sección “Palabras en la Arena”. Como siempre las secciones sobre música que vienen marcando su camino desde hace un buen tiempo y dándole identidad a la Revista. Sólo nos queda decirles que disfruten de este nuevo número… nosotros… ya estamos trabajando en el próximo.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Gin C-Tonic Thievery Corporation - The Mirror Conspiracy (2000) por Maxx Wild..............................................................................06 NO NOS COLGAMOS UN INSTRUMENTO... Entrevista a Hurricane Heart Attacks por Marina Cimerilli.................................................................................................08 SEDIENTOS DE ARTE Entrevista a Andy Vella por Diego Centurión....................................................................................................................18 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Benjamín York...........................................................................................................24 ¡SOMOS BUENOS PARA USTEDES! Entrevista a John Andrew Fredrick de The Black Watch por Benjamín York......................................................................28 FRACASO COMERCIAL, O LA HISTORIA DE UNA FUGA EXITOSA Entrevista a Simón Fuga por Pablo Müllner.......................................................................................................................34 NECESITO QUE ALGO ME PRESIONE Entrevista a Ignacio del Pórtico de La Otra Cara de la Nada por Diego Centurión...........................................................40 SERÁ ALGO PARA RECORDAR Entrevista a Alessandro Belluccio de Ash Code por Diego Centurión..............................................................................50 QUEREMOS HACER MÚSICA POTENTE Entrevista a Varsovia por Ricardo Padilla (Oriani_K)...........................................................................................................54 ¡REALMENTE APRECIAMOS QUE USTEDES LO COMPRUEBEN! Entrevista a Parsons Rocket Project por Benjamín York.....................................................................................................60 ¡ES AGRADABLE NO SENTIRSE COMO UN FORASTERO COMPLETAMENTE! Entrevista a Demian Castellanos de The Oscillation por Diego Centurión........................................................................64 NOS GUSTA PRESERVAR LA LIBERTAD DE EXPLORAR DIFERENTES TERRENOS Entrevista a Césped por Marina Cimerilli..........................................................................................................................70 LAS COSAS PUEDEN CAMBIAR MUCHO PARA EL PRÓXIMO LANZAMIENTO Entrevista a John Treanor de Tombstones In Their Eyes por Benjamín York......................................................................76 LA MIRADA DE LOS OTROS THE BRIAN JONESTOWN MASSACRE - DON'T GET LOST (2017) ................................................................................80 DESCUBRIENDO LA MAGIA Entrevista a Stephen Lawrie de The Telescopes por Diego Centurión..............................................................................90 MUSIC CORNER MUSE: LA ÚLTIMA GRAN BANDA DE ROCK Por Alex Bretto. ........................................................................................96 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO DIEZ: TENER TUS FETICHES por Gabo Rojo. .............................................................................................100 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98

PALABRAS EN LA ARENA SUMERGIRNOS PARA HORRORIZARNOS: En el polvo de este Planeta, de Eugene Thacker por Pablo Ravale.......... 106 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE EL DIABLO SE LLAMA FEMICIDIO por Pablo Ravale..................................................................................................108 HIDDEN TRACK ............................................................................................................................................................112 TROPICA OBSCURA DOS - UNO MAS UNO... por Bernardo Jiménez Mesa. Fotografía: Jennifer Isania Fonseca Sánchez .......................116 NOCHE FRÍA: Cenizacromada Vs The Question por César León................................................................................118 LATINO AMERICA SONIDOS QUE PERMANECEN FESTÍN DE MITAD DE AÑO: Selección De Compilaciones De Música Latino Americana por Jairo Mansur ..............122 RESCATE CINÉFILO EDGAR WRIGHT: EL EMBLEMA DE LA GENERACIÓN DE GÉNERO…..................................................................132

ONCE UPON A TIME IN THE UK por Nicolás Ponisio...............................................................................................134

COMEDY OF THE DEAD por Nicolás Ponisio............................................................................................................136 THIS SHIT GONE REAL por Jimena Patiño ...............................................................................................................138 AN EPIC EPICNESS FOR THE MASSES por Jimena Patiño .......................................................................................140 A BEER WITH FRIENDS por Jimena Patiño ...............................................................................................................142 FAST & FURIOUS… & MUSICAL por Nicolás Ponisio ................................................................................................144 EL ESCRITOR SERIAL

SPACED: LA SITCOM NERD POR EXCELENCIA por Nicolás Ponisio.......................................................................146

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................150 PURA MELOMANÍA SOLES MORIBUNDOS. Dead Can Dance - Within the Realm of a Dying Sun (1987) por Alejandro Cenizacromada...156 UNA EXPERIENCIA ENVOLVENTE Y LISÉRGICA Primal Scream - Vanishing Point (1997) por Alex Bretto ................157 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................160 DERECHO DE PISO HIDDEN SOULS - EL OSCURO SONIDO DE LAS ALMAS ELECTRÓNICAS por Diego Centurión...............................170 SOBRE LA PORTADA FISH PSICODÉLICO.....................................................................................................................................................172

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

GIN C-TONIC Thievery Corporation - The Mirror Conspiracy (2000)

En 1996 los productores y Djs Rob Garza y Eric Hilton se lanzaron a combinar musicalmente estilos, en el depósito del Eighteen Street Lounge (Washington DC) sonidos, instrumentos y artistas itinerantes, en un cocktail llamado Thievery Corporation. Su segundo disco de estudio The Mirror Conspiracy vio la luz en el año 2000. Este será el material musical que me acompañará para jugar un poco con elementos no tan comunes, tal como Rob y Eric, pero en el ámbito etílico. Para este relajante pero no menos excitante disco me prepararé un Gin C-Tonic (Gin o ginebra estilo holandés, jugo de pepino, unas gotas de limón y agua tónica), una vuelta de tuerca al clásico infalible de todos los tiempos. El primer y refrescante sorbo, abre la puerta para Treasures, un dub mezclado con downtempo y las voces de Brother Jack que nos invita a este paseo etéreo que continúa con la dulce voz de LouLou Ghelichkhani en Le Monde, a volar. Indra es la próxima parada, perfecto match para el sabor refrescante del pepino que trae reminiscencias orientales, muy presentes también a lo largo de toda la discografía de TC, aquí las tenemos en instrumentos de percusión y cuerdas tanto como en el canto. Siguiendo por el mismo rumbo Lebanese Blonde, con una intro de Rob Myers en el sitar, con un beat reforzado por vientos estilo reggae y la voz de Pam Bricker (actualmente podemos escuchar en el vivo la voz de Natalia Clavier, la talentosa argentina adoptada por la “Corporación”); sin dudas a mi gusto el tema más bello del disco. Sigue subiendo la “vibra” (o el C-Tonic) con Focus on Sight, SEE-I en las voces, superdubby percusivo, casi bailable… en eso estoy. Ahora el viaje va hacia las calidas tierras del Brasil, otra constante en TC, percusiones de batucada, e-piano, cuerdas y Pam nuevamente, mi cocktail sigue estando acorde a pesar del cambio de latitudes. Baja el tempo para Só com você y con la voz de Bebel Gilberto redonde un track supercool para danzar acompañado. Pero nos tenemos que despegar un poco, solo un poco al venir Samba Tranquille, qué más decir con ese título, mejor callar, bailar y beber al son percusivo y sensual de este hermoso tema. Shadows of Ourselves y The Hong Kong Triad parecen repetir fórmula, pero no, no se dejen engañar, bajen las luces (como estoy haciendo yo) y déjense llevar, no las enciendan, inclusive en Illumination, donde casi teletransportados volvemos a oriente… El track que le da nombre al disco llega como un pequeño oasis, tan sensual que es imposible escucharlo y no pensar en recorrer algunas suaves y peligrosas curvas, tan peligrosos como los basslines en TC, que ahora están a cargo de Ashis Vyas. Tomorrow, el más experimental del disco, con un drum’n’bass deja paso a Barrio Alto, con impecables e hipnotizantes guitarras del venezolano Ramón Gonzales, es un track que habla sin palabras. El final de este excelente disco es para A Guide for I and I, bien chill como mí ya tercer C-Tonic, que pone el broche a un trabajo impecable de los inicios de esta banda que me ha gustado desde el momento que la escuché y sobreutilicé como Dj de espacios donde la danza pasa a un segundo plano. Lo que no está en segundo plano es el contenido de las canciones de TC, no solo en este disco, sino que a lo largo de sus producciones la mirada crítica y contestataria al sistema, la lucha de las minorías, los oprimidos son una constante. Por ahí leí o escuché en algún reportaje que Rob autocatalogaba a la banda como gitanos recorriendo el mundo mostrando su arte. ¿Será asi? ¿O mis cocktails me hacen una mala pasada y es exactamente la definición que yo le pondría? Espero poder algún día preguntárselos. ¡Salud!

[ Entrevista y fotografías a Hurricane Heart Attacks por Marina Cimerilli. ]

NO NOS COLGAMOS UN INSTRUMENTO Y EMPEZAMOS A HACER PAVADAS DICIENDO QUE ES PSICODELIA; SIEMPRE HAY UNA ESTRUCTURA, HAY UNA MELODÍA, HAY UNA CANCIÓN.

Además de la inminente gira por Europa que durará todo Septiembre, se viene nuevo single vía Wrong Way Records, y fechas ya confirmadas en Capital. Para amenizar la espera, charlamos con Jota, Charly y Pablo sobre el pasado, presente y futuro de este universo abrasador, alucinógeno y huracanado. Los hermanos sean unidos, y si además se cuelgan una guitarra y se las ingenian para hacer música con una producción exquisita y en forma 100% independiente, mejor. Ese parece ser el lema que marca los pasos de la dupla Jota Humada-Charly Leoni, que al momento de esta entrevista se prepara para embarcarse, junto a sus compañeros de aventuras psicodélicas, en su primera gira por Europa donde los esperan nada menos que el Liverpool y el Zaragoza Psych Fest, entre otras fechas prometedoras. Los Hurricane Heart Attacks, aquella semilla que supo germinar allá por 2010 al calor de un intenso

nos escuche y nos conozca”, agrega. Casi pisándole los talones a “Summer EP”, siguió “Hurricane Love” (2011), y con él la incorporación de la banda al plantel del sello independiente Sadness Discos. Si bien este sucesor conservó bastante de aquel condimento acústico originario, la búsqueda empezaba a volverse más eléctrica; tanto es así que dejaron atrás el formato dúo, e incorporaron batería, bajo y teclados. Los cambios vinieron acompañados, además, de una evolución importante en el sonido, de la mano de Gonzalo “Pájaro” Rainoldi en la mezcla y el mastering. Tras sucesivos toques y una recorrida intensa por el circuito porteño, la

verano misionero y sus silenciosas siestas, fueron madurando su sonido sin prisa, pero lo que es más importante, sin pausa. “Hay que trabajar y hacer las cosas”, sentencia Jota; “vos no podés tener esa noción hippie de que te colgás una guitarrita y tocás, y la gente mágicamente va a venir, te va a alabar y te va a editar un disco”, argumenta, y en lo que a metodología de trabajo se refiere, reconoce en la figura de Anton Newcombe, el líder de Brian Jonestown Massacre, un referente clave: “Aprendí mucho de él, aún sin conocerlo”. Es gracias a esa rigurosidad, y a su trip mántrico e implacable (cualidades que en el vivo se magnifican), que estos litoraleños con pulso bonaerense pisan fuerte en la escena; y si todavía queda algún despistado que nunca los vio tocar, seguramente habrá escuchado hablar de ellos más de una vez. “Summer EP” supo capitalizar esas siestas misioneras mediante una sobredosis de folk rutero condensada en siete tracks - aunque sin escatimar en atmósfera psicodélica-, y resultó ser su carta de presentación como dúo. El EP fue compuesto y grabado en el transcurso de un mes, todo en forma completamente casera: “Es no tener ningún tipo de noción técnica de audio, tener lo mínimo de lo mínimo para grabar; una CPU mala, un micrófono directo a la placa, y ya. Bueno; suena como suena, pero lo queremos porque es el primer disco”, argumenta Jota, fiel a su filosofía. “Fue plasmar y congelar una etapa. Y sirvió. Ayudó a que la gente

formación decantó hasta devenir nuevamente en dúo, y fue a raíz de ese borrón y cuenta nueva que los hermanos reafirmaron su compromiso musical reinventándose a través de “Happines Revisited” (2013), una expedición a los paisajes sonoros del góspel, pero resignificados mediante el prisma Hurricane. En su último disco “Incredible Machine” (2015) retomaron el formato banda; Pablo Gorostiaga y Facundo Dangelo se incorporaron a la cofradía, creció la pared de sonido (¿más guitarras?, ¡sí, más guitarras!), y es en este combo lisérgico, nocturno y súper amplificado, con una producción más ambiciosa que nunca, donde el huracán alcanza su pico máximo de intensidad. La travesía viene dando sus merecidos frutos: no sólo gozan de un feedback saludable a nivel local, sino que además tuvieron el honor de abrir para Brian Jonestown Massacre y The Dandy Warhols en sus respectivas visitas a nuestro país. También compartieron fecha con los tejanos Holy Wave, e incluso llevaron sus mantras psicodélicos a tierras peruanas durante la quinta edición del Festival Integraciones en 2015. Así es como funciona la fórmula entonces: estar siempre en la ruta, en movimiento; ser capaces de sacarle el jugo tanto a la selva misionera con su letargo colorado y los 45° a la sombra, como a la obscenidad del caos citadino, sin desaprovechar tampoco el trayecto que los une. Y todo esto, apostando siempre por la autogestión.

¿Cómo es esto de nacer desde el calor, la siesta, la quietud, y hacer ruido? ¿Hay una conexión entre eso y la psicodelia? Jota: Yo no creo que nosotros hagamos psicodelia misionera. Aunque la situación allá, en sí, es súper psicodélica; en el verano, por ejemplo: estalla el calor, la humedad, los colores… hay como mucha recarga de información; entonces por ese lado es bien tropical. Hay un condimento fuerte, colorido, desde ese punto de vista... Charly: Sí, pero la escena musical allá está bastante dormida todavía... salvo “La Otra Cara De La Nada”, ahora... Jota: Misiones nunca fue una usina musical, (hablando siempre desde el rock, ¿no?). Nosotros tenemos allá a nuestro Atahualpa Yupanqui que es Ramón Ayala. Ahora le hacen un montón de homenajes, la gente lo está empezando a valorar; me parece fantástico que le esté pasando eso ahora, en vida. Él creo un estilo musical que se llama “gualambao”, que es un ritmo propio y su idea es que sea un ritmo misionero, la música oficial misionera. Pero volviendo al tema, como decía antes: Misiones nunca fue un polo de bandas de rock, nunca hubo una que pese muy fuerte a nivel nacional. Ahora en los últimos años hay una nueva generación de pibes súper chicos, que tienen alrededor de 20 años, un par de ellos ya instalados acá en capital, que están tocando. Ignacio del Pórtico con

“La Otra Cara de la Nada”, por ejemplo; que les está yendo bien, la prensa habla de ellos, se abrieron un par de bandas para afuera, todo eso me parece excelente. Son cosas que no pasaban hace décadas. Y gracias a Internet, que a su vez tiene tanto, que hay cosas que pueden pasar de largo; por suerte esto no pasó de largo, y celebro eso. Y además de ellos, que ahora están acá en capital, hay montón de otras bandas interesantes en Misiones, que siguen allá pero se la están jugando a hacer algo distinto; porque allá lamentablemente lo que más abundaba eran las bandas de covers, bandas sin personalidad… Charly: Para mí es una lástima tener que venir a capital para que la banda crezca, porque si nos quedábamos en Misiones, no pasaba nada… Jota: Pero hay una semilla...

Está empezando a haber una escena... Pablo: Claro, pero no hay lugares para tocar... Jota: Es una ciudad que está en el medio; está creciendo, pero tiene un montón de agujeros para solucionar. Pablo: Hace un tiempo coincidimos que Ignacio Del Pórtico le abría a Mac De Marco, y nosotros a Brian Jonestown Massacre… Jota: Claro, exacto; dos bandas misioneras abriendo para los mejores shows de la temporada. Y fue re loco eso; de repente hay una invasión misionera...

Como está pasando también con Mendoza... Jota: Claro, la camada de bandas de Mendoza, que son de una misma generación... Así que eso está bueno.

Y con los Holy Wave, además de haber compartido dos fechas acá, hay también un vínculo; ¿cómo se dio esa onda? Jota: Fue el año pasado, en unas vacaciones en Europa; de casualidad pescamos tres shows de ellos, y en la última fecha en París, después del show, Pablo va al bar, se pide una birra y justo estaba el cantante haciendo lo mismo; empezaron a hablar y él lo trae al grupo en el que estábamos. Ahí charlando, nos dimos cuenta de que había algo que unía a las dos bandas: un sello de Córdoba, Volante Discos, que les editó su segundo disco en cassette, una edición oficial. Él lo conocía a Juan que es el que lo maneja, y bueno, ahí fue donde les dijimos “¡tienen que venir!”.

Y así surgió la fecha… Jota: Claro; él tenía muchas ganas de venir a Argentina, ya conocía un montón de cosas de acá, y así se fue armando. Súper independiente todo, muy entre amigos. Ellos se autofinanciaron el viaje, sus pasajes, y yo me encargué de hacer que acá se les reditúe lo más posible; pero todo a nivel independiente, nunca tuvieron una exigencia fija; eso me pareció muy piola y de confiar, porque fue como una cosa de amigos, sin ser amigos.

Claro…bueno, ¡ahora lo son!

Jota: ¡sí, claro! Todas las fechas que hicimos con ellos estuvieron muy lindas. La mejor fue San Miguel, que fue más íntimo... La verdad que, al cabo de menos de seis meses, tocar con una de nuestras bandas insignia… si querés te digo más: en un año, tocar con dos de nuestras bandas pilares, las que originaron nuestro sonido, que son The Dandy Warhols y Brian Jonestown Massacre, y a los meses hacer una mini-gira por Argentina con la banda que más nos gusta, nueva, actual… la verdad que en ese sentido estamos espiritualmente satisfechos. Al 100%.

Ustedes dos son el gen de la banda, los hermanos. ¿Cómo se fueron acoplando los otros músicos? Pablo: Yo soy de Misiones también, y nos conocimos en la facultad Charly: En realidad nos conocíamos previamente, de vista, pero no hablábamos. Lo conocí en la facultad a él y a faca que es el batero, ahí pegamos buena onda; justo teníamos otros integrantes que se estaban yendo de la banda y ellos se acoplaron, se re coparon, y hasta el día de hoy están tocando. Jota: Claro, esto fue en 2014; la banda comenzó en el 2010 y también pasó por otras etapas, otras formaciones que hicieron que crezca, pero esta fue la última encarnación. Igual no hay formaciones fijas; él se pasó al bajo por una necesidad, pero si quiere puede volver a la viola, o puede comprarse un sinte y tocar los sintes.... Charly: Todo sea por la banda, digamos Jota: Por el sonido

Bueno, se los ve contentos. Pablo: ¡Sí, obvio; más ahora que nos vamos!

¿Cuál es el itinerario del tour? Jota: La idea del tour es arrancar por Francia, luego España, donde se confirmó hace poquito el Zaragoza Psych Fest, que lo organiza gente súper piola que conocimos en Manchester. Ellos tienen una productora; el sello se llama Analog Love. De ahí a Inglaterra, donde hacemos Livepool Psych Fest, y varias fechas más con las que Al Boyd nos está dando una mano. Hay también unas fechas con Helicon, que son de Escocia. Mucha organización, mucha logística, pero tenemos tiempo todavía. Lo más importante ya está confirmado, así que....

¿Tienen pensado disco nuevo? Jota: Ahora con Al Boyd, del sello Wrong Way Records, vamos a editar un simple que ya está en fábrica, con dos temas nuevos, un lado A y un lado B, que obviamente el lado A va a ser parte del futuro disco. El disco está en proceso todavía; no hay fecha, no hay nada. La verdad que preferimos experimentar, llegar a un sonido buscado, y que el resto decante solo.

¿Son de probar cosas en estudio, o ya van directamente con todo mezclado y listo para grabar? Jota: Hay mucho laburo de laboratorio, mucho trabajo previo… se intercambia, se van pasando cosas y

nos vamos juntando; nos reunimos en el estudio, no a grabar, sino a maquetear, a probar ideas...a pre-producir, a probar efectos, y así se va armando. Por eso digo que es algo más de laboratorio.

¿Y cómo componen? ¿Ustedes dos, o toda la banda? Jota: Sale de ideas; él puede traer una idea, o la puedo hacer yo, y eso se va maqueteando. Pablo también es ingeniero de sonido y tiene en su casa su propio estudio. A veces varias ideas decantan en una tercera y sale una canción que se nutrió de cosas separadas. Charly: Lo más importante es que nos entendemos; vamos todos para el mismo lado. Eso está buenísimo que pase.

¿Y cómo es esto de compartir una banda con tu hermano? No son como los Gallagher, ¿o sí? Jota: Y, a veces sí. Charly: Es una relación de amor y odio. Jota: Lo que está bueno es la dinámica: te podés pelear, pero a las dos horas está todo bien porque la sangre sigue siendo la misma. Así que eso está buenísimo, porque lo que pasa con el 80% de las bandas es que por ahí son amigos de toda la vida, comienzan a tocar, se pelean, y son peleas que quizás duran meses, o incluso son finales. Y acá no. Como el resultado tiene que ser el mismo y es único, entonces lo que

manda es eso. Ese es el Norte. Aunque haya diferencias, siempre vamos a volver a encausar. Charly: Igual, siempre son discusiones para sumar. Jota: No hay una discusión en la que gana uno, o el otro, o en la que uno tiene razón...lo que tiene razón es la música. Son discusiones para mejorar, se entiende que es por ese lado.

En cuanto al mix Misiones-Buenos Aires, ¿cómo sienten que influye eso en la música, el factor geográfico? Jota: Estamos en la ruta. Nuestros dos primeros discos se hicieron en la ruta 14, pensando en los temas, es más: hasta escuchando los temas en el auto, que se te ocurran ideas, llegar y grabarlas...y así fue Hurricane Love, sobre todo. Que está bueno, porque la gente que lo escucha y percibe eso; les encanta escucharlo mientras viajan. Pero sí; la verdad que yo vivo acá desde el año 2000 y me siento de los dos lugares.

Claro; eso se nota al escucharlos. Se percibe algo muy urbano, oscuro, nocturno, pero a su vez algo...muy brillante. Jota: Sí; en el último disco no sé si hay cuota misionera sinceramente; me encantaría decirte que sí, pero....fue el punto de partida, digamos. Nosotros tenemos un disco así, a medias, como más folklórico, entre comillas; más inspirado en la selva misionera, en la naturaleza, pero quedó ahí porque fue justo cuando ellos entraron y empezamos a meter otro sonido. En realidad era como una continuación de Happiness Revisited; era nuestro próximo paso como dúo.

¿Por qué en inglés? ¿Es una búsqueda para romper fronteras, o simplemente te sentís más cómodo cantando en inglés? Jota: No hay una teorización muy profunda…en casa cuando era chico se escuchaba más música en inglés que en español, y yo mamé más eso, así que salió natural. No significa que no nos haya abierto puertas...con Summer EP nos empezó a escuchar gente de afuera y hoy en día estamos cerrando nuestra primera gira por Europa gracias al idioma. Editamos un vinilo en EE.UU gracias al idioma. No quiere decir que el próximo disco no pueda ser en español, no hay un cierre a eso. No hay una búsqueda de marketing o un producto definido, se fue armando así. Lo

que sí te puedo decir es que se fue afirmando con el tiempo por la repercusión que teníamos afuera; acá también nos fue bien. Antes de que la banda exista como banda, ya nos había fichado Sadness Discos; el 2012 fue el mejor año de Sadness; hubo un montón de fechas, tocamos con nuestras bandas favoritas de acá, de la escena porteña, nos hicimos muy amigos de Los Álamos, abrimos para ellos...fue nuestro primer sueño cumplido, abrir para nuestra banda favorita de acá, que también es una banda que aportó mucho al sonido de nuestros primeros discos, y eso hay que mencionarlo.

¿Cambió algo desde que empezaron a trabajar en el marco de un sello, en relación a la etapa anterior, donde todo se venía haciendo de manera súper independiente? Jota: Nosotros siempre fuimos independientes; el sello lo que hace es darnos una envergadura cuando sale, pero todo lo que viene antes es independencia absoluta, nosotros no creemos en trabajar con estudios, nos grabamos todo nosotros. En la banda hay un funcionamiento casi socialista, donde todo el dinero que entra se usa para la banda, y obviamente los recursos se cuidan. Todos colaboramos, tratamos de hacer que el dinero valga y llegar al mejor producto que podamos, de la forma más eficiente posible. Hay todo un trabajo con eso; no despilfarramos la plata, porque nuestro recurso más importante es el tiempo y no ir a un mega-estudio. Eso no nos cambia nada porque todos sabemos de audio, tenemos amigos que colaboran con nosotros, entonces el tiempo es nuestra mejor herramienta, y el tiempo es justamente lo que en un estudio bueno te lleva a la ruina. Charly: Estar en un estudio te limita; no hacés cosas que por ahí sí probarías en tu casa. Jota: Es hermoso estar en un estudio, pero no nos podemos dar el lujo por todo lo que te cuento. El sello que paga la producción de un disco ya no existe; sí te da una envergadura, y eso te sirve cuando tiene que ver con lo que vos hacés. Entrar a Sadness fue el primer gran paso que dimos como banda, y estuvo fantástico. Charly: Lo bueno de eso es que también aprendimos mucho a la hora de organizar fechas.... Jota: Había mucha amistad con Janín, que era el que nos manejaba, y así fuimos aprendiendo lo que es

organizar bien un show, que sea puntual, que suene bien, que haya plata, que todas las bandas se lleven un dinero por igual, que rinda....

¿Qué es la psicodelia para ustedes? Jota: No creemos en una etiqueta, y eso es lo bueno de la psicodelia: yo organizaba un ciclo que se llamaba Technicolor Club donde, justamente, lo que celebrábamos era la psicodelia universal. Pienso a la psicodelia como un gran círculo, donde quizás adentro no hay nada, o adentro hay todo, y lo único que importa son las miles de tangentes que hacen al círculo. Un círculo son infinitos puntos unidos en una curva que nunca termina, y cada punto puede cruzar una línea imaginaria; entonces hay infinitas tangentes. Cada una de esas tangentes es un tipo de música que puede ser psicodélica. Si querés que te diga las más obvias: shoegaze, el dream-pop, la neo-psicodelia....nosotros fuimos transitando un camino en ese sentido, haciendo folk psicodélico, si querés, después un gospel más espacial, en el último disco nos tiramos más a lo nocturno, más oscuro, con algunas cositas kraut....yo creo que el universo de la psicodelia nos da esa libertad. Siempre nos importó la melodía, no nos colgamos un instrumento y empezamos a hacer pavadas diciendo que es psicodelia; siempre hay una estructura, hay una melodía, hay una canción. Charly: Y la simplicidad, también... Jota: Sí, no caer en complicar por complicar... nuestra complicación está en la producción, en hacer una pared de sonido, pero que quizás son cinco guitarras haciendo lo mismo. Charly: Es lo que nos sale, no es que nos sentamos y decimos "vamos a hacer un tema psicodélico".

Es un laburo muy pensado lo que se escucha de ustedes. Se nota que cada disco llevó mucho trabajo. Jota: Es lo que hablábamos antes; hay muchísima pre-producción...en el home studio yo escucho los temas todos los días a ver qué me resuena, se prueban cosas...eso es lo que más vale y ese laburo está. Me parece buenísimo que se escuche. Está buena la pregunta de la psicodelia porque la palabra está un poco bastardeada... se puso de moda. Así como a finales de los 90 o 2000 se bastardeó la palabra "diseño" (yo soy arquitecto también); traés cosas de China, les po-

nés la etiqueta diseño y las vendés, y no es así....esto es lo mismo. O esos restaurants de comida de autor, donde después ya no sabés qué significa “comida de autor”, porque en realidad es una pizza. Con la psicodelia pasa lo mismo. Charly: Como cuando salió la moda de Tame Impala: todas las bandas comprando el mismo pedal, los temas similares... Jota: El caso Tame Impala fue impresionante en el sentido de cómo influenció instantáneamente a un montón de bandas y, como él dice, al otro día estaban todos con el Phaser....

Lo bueno, en realidad, es que cada uno haga su propia interpretación de lo que es la psicodelia. Jota: Por eso; yo creo que esas cosas decantan solas. Quizás estas bandas que arrancaron por la moda, el año que viene están haciendo de vuelta lo suyo, o lo próximo que esté de moda.... nosotros no nos quedamos en la psicodelia, sino en todo ese universo que la rodea.

¿Qué diferencias encuentran, más allá de lo sonoro, entre la psicodelia de los ´60 con la de hoy? Jota: Es que hay de todo; tenés una banda como Brian Jonestown Massacre, que es una enciclopedia; Anton es una licuadora, agarró todas las frutas e hizo jugo de psicodelia. Y eso está buenísimo, porque cada disco es como una muestra del mejor gusto posible de lo que es la psicodelia de cada época... Charly: O también tenés bandas que copian la onda “sixties” Jota: Hay bandas que son más sónicas, más tipo Jesus & Mary Chain de los 90...bandas electrónicas y más robóticas pero con mucha distorsión, después tenés otras más clásicas que le meten un citar y hay más violas acústicas, más hippie si queres, y está buenísimo también...me parece que no hay una “psicodelia modena”. Porque si no, es como caer en lo que decían ellos recién de Tame Impala, y no: Tame Impala es Tame Impala. Y ahora es una banda pop más; son Coldplay ahora.

Van a estar todo Septiembre girando por Europa… ¿cuáles son los planes para la vuelta?

Charly: Empezaremos con la producción del nuevo disco Jota: Aprovecharemos el veranito y las siestas misioneras. Ya hay un camino marcado, así que... ¿Fechas por ahora? Jota: Sí; tenemos una el 5/8 en La Tangente, y después la fecha despedida el 19/8 en Plasma, que es como nuestro lugar, nuestra casa.

Bueno, allí estaremos; gracias por su tiempo, ¡y los esperamos a la vuelta para que nos cuenten sobre la gira! Jota: ¡Obvio, gracias a ustedes!

[ Entrevista a Andy Vella por Diego Centuriรณn ]

SEDIENTOS DE ARTE

Casi como por arte de magia hemos conseguido una entrevista en exclusividad con el hacedor de muchas portadas de álbumes que, seguramente tengamos en nuestra colección de álbumes, cd’s o cassettes. Sus fotografías ilustraron gran parte de nuestras vidas, y de las grandes revistas de mundo del rock. Muchos retratos o fotos grupales que seguramente han estado colgadas en nuestras paredes. Hoy forma parte de esos icónicos fotógrafos que admiramos. Y las casualidades nos llevó a tener la oportunidad de hacerles unas preguntas en las cuales repasamos un poco su historia y hablamos de uno de sus últimos trabajos para las portadas del single “Glaciar” y “Atrapando Rayos”, el último álbum de la banda argentina Altocamet. Tenemos el agrado de presentarles a continuación al señor, Andy Vella. Conociendo parte de tu gran trabajo yo trataré de ahondar en él con preguntas que nos hagan conocer tu historia. Para empezar con tus inicios, ¿cómo te conviertes en fotógrafo? Yo estaba en la escuela de arte a los 16 años, me dieron una Cámara de Formato Medio, con negativos de formato cuadrado (Yashika Mat), y me dijeron que vaya y capture algo increíble... me enganchó y he sido así desde entonces. ¿Sientes que con las tecnologías actuales el trabajo del fotógrafo está un poco distorsionado? Es nuestro trabajo distorsionar, las nuevas tecnologías han hecho más fácil capturar y mostrar el mundo de una manera diferente. Como nuestro gen como revista es The Cure, es imposible no preguntar por tu trabajo con ellos. ¿Cómo nace la relación con la banda? ¿Empiezas con Faith? Primary fue la primera portada, luego Faith. ¿Cómo y cuándo se crea Peached Art? Porl y yo bebimos un montón de té cuando estábamos creando, estábamos todo el tiempo sedientos... sedientos de té y sedientos de arte.

¿Hay una metodología de trabajo en las portadas con la banda o siempre fue distinto? No nos propusimos crear arte diferente, sino que siempre estuvo relacionado con la música, que cambia constantemente y por eso fuimos con ella. Este año se cumplen Treinta años de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, ¿qué recuerdas de este trabajo? Recuerdo haber tenido un tiempo increíble, Robert voló a Río para aprobar la obra de arte, lo pasé bomba con Boris en Copacabana. Y ya que estamos en este año también conmemoramos 20 años de "Galore". ¿En este trabajo tenías más libertad para no ser una foto de la banda? Galore fue una colaboración entre Robert y yo, él me dio la libertad para hacer un arte realmente genial. Has participado hasta en los últimos lanzamientos de la banda (en la mayoría de sus álbumes). En el nuevo y esperado trabajo, ¿también participas? El que espera la luna espera la oscuridad. ~ Proverbio africano "Obscure" fue la compilación de su trabajo con The Cure. ¿Era una manera de cerrar un ciclo y comenzar otro? No, no necesariamente. Yo sólo quería crear un libro de fotos sin muchas palabras que capturaron a The Cure y su carrera desde mi perspectiva, Robert fue tan dulce para ayudarme a poner esto juntos, así que fue creada como una portada de The Cure. Escuchamos que trabajaste con una banda argentina. Pero hablaremos de esto más tarde. Sabemos que has trabajado con muchos artistas. Ahora, cuéntanos ¿qué trabajo has disfrutado además de The Cure? Mogwai sin duda, me encanta, me encantó tanto que les escribí y les pregunté si podía estar involucrado, su compañía discográfica me lanzó

contra otra compañía, sabía que lo conseguiría, y lo pasé genial. Altocamet es la banda que mencioné antes. Cuéntanos ¿cómo surgió esta colaboración? Pedro de Altocamet me escribió, escuché la música, bebí un poco de té y creé el arte... afortunadamente a todos les gustó. ¿Qué piensas de su música? ¿Por qué esta banda llamó tu atención? Significaba algo para mí, me tocó, aunque no puedo entender las letras, pero el título del álbum me envió a un giro cargado eléctricamente.

¿Desde el sonido, la banda ha sugerido muchas imágenes? No, sólo me mostraron lo que les gustaba de mi sitio www.velldesign.com y luego dijo hacer lo que te gusta básicamente, ¡¡¡brillante!!! ¿Te gustaría seguir trabajando con bandas latinoamericanas? ¿Conoces otras bandas? Ah sí, entonces puedo ir a la Argentina, ¡¡¡Un lugar que siempre he querido ir!!! ¿Cuáles son sus próximos planes? Estoy en el proceso de escribir un libro sobre el diseño, también estoy reuniendo un par de libros

de fotografía y por supuesto siempre estoy creando un montón de obras de arte con la esperanza de obtener una exposición en algún momento. Muy agradecido por esta oportunidad de entrevistarlo. Gracias, ¡Dios te bendiga! Andy Vella xx

TRES POR UNO THE EIGHTIES MATCHBOX B-LINE DISASTER - PSYCHOSIS SAFARI:

CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

The Eighties Matchbox B-Line Disaster es una banda que desconocería totalmente si no fuera porque el videoclip de su tema Psychosis Safari está dirigido, ni más ni menos, que por Edgar Wright. El director de grandes comedias como Shaun of the Dead, Scott Pilgrim vs. The World o la más reciente Baby Driver, adapta el frenetismo musical de la banda inglesa llevándolo a la transformación total en el plano de la estética de cómic. Es así como, comenzando con el boceto de un guitarrista y la vida que cobra al pasar velozmente las páginas donde fue dibujado, pasa de utilizar un garabato con pulsión rítmica a combinarlo entre realidad y ficción. Lo que hace a fin de cuentas es transformar a su idioma la identidad del tema musical, respetando el trabajo de los intérpretes y decodificándolo a su propio modo. Se crea un espacio rítmico donde música, cine y cómic son las tres personalidades estéticamente destacadas. Esto lo logra manteniendo una vertiginosa pulsión narrativa en la que el videoclip siempre se traslada hacia adelante, sin frenos que detengan la velocidad con la que los músicos y su auto vintage arremeten en pantalla. El juego con recursos como la intervención animada en los miembros de la banda o tomas difusas que indican al espectador que se debe poner lentes 3D para ver, son elementos que brindan al video de cierta interacción y disfrute estético . La saturación de colores también es otro factor que se luce, sirviendo para poder brindarle al vídeo una mayor presencia a la realidad del entorno creado por y para la banda. Así como está presente esa tríada de identidad de géneros, también lo está la personalidad del grupo y del director detrás del vídeo. El auto conducido estará abarrotado por sus miembros que viajan y tocan a la vez, pero la sensación final dejada tras la

huella del asfalto animado, es que el camino visual fue considerablemente amplio y bien utilizado para dar lugar a la carismática ejecución audiovisual.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Lo de esa particular mezcla de garage-rock sucio con rockabilly tenebroso ha sido marca registrada por años de artistas como The Cramps o The Birthday Party. Sin embargo, con el surgimiento de bandas como The Eighties Matchbox B-Line Disaster a principios del 2000 podríamos decir que el futuro del género está salvaguardado por varias décadas más. El cantante Guy McKnight y su corte suenan como si vinieran haciendo lo suyo hace más de cien años, y en un tema tan refrescante y pantanoso como “Psychosis Safari” dan sobradas muestra de que tienen cuerda para rato. Así las cosas, nos encontramos con una canción que narra la historia de un reventado que parece no saber cómo salirse de su infierno personal («Bebo toda la noche / y duermo todo el día»; «Tengo las manos atadas y una venda sobre los ojos / Siento que sé que voy a contar una mentira / Mi corazón está en mi boca y mi mente está furibunda / Ya no puedo creer y sé que estoy soñando, no puedo despertar») y que se regodea en el dolor que le genera la culpa por haber cometido tantas macanas («No voy a besar / No voy a hablar / No voy a dar / No voy salir»; «Estoy sintiendo que me encamino hacia la oscuridad / pero no puedo salir»). ¿Problemas de drogas? ¿Mucha jarana y poco sentido de la responsabilidad? ¿Fracaso amoroso? Lo que sea que el personaje de la canción nos esté contando, no deja de hacerlo en un sentido que es tal cual reza el título del tema: un safari psicótico, un recorrido por los distintos salones de la Galería Desesperanza.

MÚSICA: [ por Benjamín York ]

Ok. Tengo que reconocer que nunca había escuchado de esta banda y cuando me propusieron escribir, al mejor estilo desafío, inmediatamente salí a buscar la canción en YouTube, más allá que mi propuse mi propio reto, conocer esta banda. Ahora sé que la banda no está en actividad y que este single, canción o vídeo fue el punto más exitoso de la banda, que tan sólo existió entre 1999 y 2013. Está canción fue el tercer single del álbum debut "Horse of the Dog" (2002), le siguió a los dos primeros "Morning Has Broken" y "Celebrate Your Mother". Si bien su música es una mezcla interesante de psychobilly, garage rock, actitud irreverente similar al punk, para que se den una idea es la mezcla perfecta entre The Hives y The 69 Eyes, sin dejar de lado a The Stray Cats o a Reverend Horton Heat.

Pero centrándonos en la canción empieza con una guitarra y se acopla la batería y el resto de la banda al mejor estilo Psychobilly, ritmo frenético y contenido, la voz de Guy McKnight es digna de una banda más gótica como los anteriormente mencionados The 69 Eyes, las guitarras de Marc Norris y Andy Huxley están todo el tiempo explotando en riffes y bases aceleradas e histéricas, el ritmo incansable y variado de Tom Diamantopoulo le da una potencia enérgica e histérica a la canción. El bajo de Sym Gharial sostiene todo el andamiaje de la estética de la canción. ¿Quieren que una canción le golpee directamente en la quijada sin previo aviso? Esta es la manera… abran YouTube y busquen la canción… aunque ya estarían avisados… pero el impacto sería el mismo.

[ Entrevista a John Andrew Fredrick de The Black Watch por Benjamín York ]

¡SOMOS BUENOS PARA USTEDES!

Los treinta años de existencia de esta banda me hace acomodar en la silla para comenzar la entrevista de otra manera. No puedo dejar de pensar en lo que puede haber pasado en tantos años y llegar al lanzamiento de su álbum de estudio número 15. The Black Watch tiene tantos años como álbumes. Y las historias deben ser muchas para una simple entrevista en donde la mayor parte de esta se la dedicaremos a "The Gospel According to John", editado hace unos días. Hola John, gracias por responder nuestras preguntas. Y para empezar vamos con el principio. ¿Cómo y cuándo nace la banda? The Black Watch comenzó cuando finalicé mi Doctorado en UCSB y había allí un estudiante que tocaba la batería y escuchaba REM y The Smiths. Comenzamos a hablar de música y él me introdujo en todas aquellas bandas alternativas. Le conté que tenía escritas diez canciones (eran nueve en realidad) y que quizás pudiésemos juntarnos a tocar un rato ya que, como el decía, mis composiciones eran “como si The Cure se juntara con los American Music Club”. Yo no tenía idea de quiénes eran los AMC pero sí había escuchado un par de canciones de los Cure. ¡Practicábamos los sábados en el salón de clases en donde Jeff era estudiante mío durante la semana! Luego reclutamos a un chico Americano Nativo para que tocara el bajo y a un surfista reconstituido del heavy metal para la guitarra líder y así nació The Black Watch. Nuestro primer concierto fue de teloneros de Toad the Wet Sprocket, ¡en polleras escocesas! Nosotros, no ellos. Rompí una cuerda en la primera nota que toqué y no tenía cuerdas de recambio. ¡Fue tan vergonzoso! ¿Por qué el nombre de la banda? ¿Es por el ejército escocés? Si, tiene que ver con el regimiento de gaitas. Soy mayormente escocés, inglés e irlandés y tenía en mente un nombre marcial/militar. Finalmente lo puse en minúscula porque amaba a e.e. Cummings, algo que todos los escritores deberían. Todavía lo amo, pero no tanto como cuando tenía 20 años. Este año se cumplen treinta años de la banda. ¿Cómo describiría estas décadas al frente de la banda?

Las últimas décadas han sido un empañado sin parar de producción musical. Muchas canciones nuevas ensayadas y grabadas con entusiasmo, montones de shows en vivo (buenos y malos), gente estupenda nos escribe para decir que son nuevos conversos al culto de The Black Watch, y buena gente diciendo cosas buenas en la prensa sobre nuestro trabajo. Fue muy gratificante. ¿Qué momentos difíciles tuvo que pasar la banda? Cada banda tiene momentos difíciles. ¡Hay sólo una especie de conjunto de problemas que el dinero sortea y el dinero crea! Más psicología; y el ego; y control creativo. Podría seguir y seguir. ¡De hecho, lo hago! En mis dos novelas de rock indie, The King of Good Intentions and The King of Good Intentions II me tiro en contra del sistema, pero tampoco para tanto ya que, por supuesto, a pesar de todas nuestras penurias hemos tenido los grandiosos momentos para hacer álbumes y hacer amigos. ¿Cuál fue la mayor satisfacción en estos treinta años? La mayor satisfacción - esto va a sonar raro - es que conocí el amor de mi vida a través de mi banda. Indirectamente, en realidad. ¡Y no pasó hace mucho tiempo! Rob Campanella, productor de nuestros dos últimos álbumes y el nuevo que estamos en el medio, tiene una prima llamada Christina Campanella y él me presentó a ella cuando ella estaba de visita y mientras estábamos terminando de grabar “The Gospel According to John”. Yo me enamoré locamente de ella, sólo locamente. Ella es una compositora maravillosamente talentosa que vive en Nueva York y es por supuesto asombrosamente hermosa e inteligente y amable - una persona asombrosa. Tengo mucha suerte de conocerla. Estuve de gira por unos conciertos en la costa este - algunos geniales, algunos horribles - y algo, una voz, un presagio, me dijo que fuera a casa y estuviera con mis dos amores. Ahora sabía que uno de mis amores era este nuevo LP. Lo que no sabía era que mi otro amor y, por supuesto, mayor sería Christina. ¿No es la vida extraña y hermosa? Su material es muy hermoso y extraño y se puede escuchar en: https://soundcloud.com/xtinasworld. Estoy tan emocionada por su música. Sólo había escuchado clásicos y The Beatles durante un par de años y luego,

Wow, aquí viene Christina. Brillante. Todos mis amigos también se quedan estupefactos: están muy cansados, ¡pero piensan que es genial! La banda tuvo una continuidad que persiste hasta hoy. Cada tres años o menos un disco nuevo. Parecería que la fuente de inspiración no va a acabarse. ¿Cuál es la fórmula? The Black Watch no tiene una fórmula. Parece que escribo una canción que engendra una segunda canción. Allí podríamos tener un single. Pero los singles son tontos estos días - o no. No lo sé. “Las obras de arte engendran obras de arte”, dijo W.H. Auden (Wystan Hugh Auden). Yo le creo. En su mayoría tenemos grandes productores con estupendos estudios que nos grabarán en bloques de tiempo increíblemente baratos. ¡¡¡Somos amigos con mucho más ingenieros y productores que músicos!!! (Risas) ¡No me gustan muchos músicos de Los Ángeles! Shhhhh. ¡No digas, aunque…! Nos gustaría seguir con la historia, pero nos reclama el presente. Cuéntanos sobre el nuevo álbum. El nuevo álbum surgió principalmente a causa de lo que acabo de mencionar. Más reunión Andy Creighton, nuestro otro guitarrista principal aparte de Tyson

Cornell (ellos giran). Andy es el guitarrista más inventivo y melódico y desafiante y compositor (echa un vistazo a su banda, The World Record). Tyson es realmente melódico y al instante se torna sucio, pero Andy es de otro mundo. Así que se equilibran mutuamente - con mi guitarra rítmica rudimentaria y esas cosas. Trabajaron con Rob Campanella de The Brian Jonestown Massacre. ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo es trabajar con Rob? Hmm. Él está realmente “en el conocer” sobre el tipo de amplificadores Vox-ish y en las guitarras Epiphone Casino Beatles, sonidos que nos gustan y tratamos de darle un vuelta, si sabes lo que quiero decir. Es muy musical y meticuloso. Lucha duro por sus ideas. ¡Demasiado duro, a veces! Tal vez porque lucho duro también. Él es una alegría. Lo que él no sabe sobre la música de The Association o The Zombies ¡no vale la pena saberlo! Hice un concierto en solitario recientemente en Buffalo, Nueva York y este tipo se acercó a mí, antes de que incluso desempacara mi guitarra, y él dice: "¿Dónde está Rob Campanella? ¿Por qué no trajiste a Rob Campanella? ¡Él hace los mejores registros de sonido en el rock indie!" Historia verdadera. Me encanta Rob. Podría decir que soy difícil. ¡Pero eso es porque lo soy! Además, real-

mente odio la tontería de Brian Jonestown. Bueno, Anton… desprecio a ese tipo. Sin embargo, ¡tengo toda su música! (risas). ¡Hola, Anton!

Zeppelin Five y Lime Green Girl. ¿Qué piensas? Yo nunca diría. ¡Estoy demasiado ocupado para trazar el próximo disco!

He leído muchas comparaciones sobre tu manera de cantar, aparecen nombres como Robert Smith, Ian McCulloch, Colin Newman, entre otros… ¿No estás cansado de las comparaciones? No estoy cansado de ser comparado con Robert Smith o Ian McCulloch. Me encantan tanto The Cure como los Bunnymen. ¡¡¡Nunca he sido comparado con Colin Newman!!! Eso es lo que estás haciendo, ¿no es así, Benjamín? (risas). Me encanta Wire. Increíble banda. Pero nadie ha notado las similitudes. Su nuevo trabajo es maravilloso.

¿Qué planes tiene la banda en este 2017? Como autor tengo algunas promociones que hacer de mis libros más recientes, una sátira del imperialismo y la crianza moderna, fijados en la antigua Roma, llamada Your Caius Aquilla; Y mi nuevo libro sobre Wes Anderson.

Si tuvieras que decirnos por qué es el mejor disco de The Black Watch, ¿Por qué crees tú que lo es? Bueno, mi hijo Chandler dice que alcanzamos el pico con The King of Good Intentions en 1999. Y toda la prensa dice que The Gospel, el nuevo es el mejor aún. Y nuestro anterior sello diría The End of When. Y Trouser Press dijo que Amphetamines eran nuestra "apuesta fallida para el estrellato indie". Rob apuesta por Highs and Lows, y tengo un punto débil para Led

¿Dónde podemos encontrar a The Black Watch? ¿Por qué la gente debe descubrir The Black Watch? ¡Porque somos buenos para ellos! No lo sé. Si te gustan las canciones muy pegadizas, canciones muy literarias que son borrosas y soñadoras, y mediados de período Beatleseque, bien, entonces… no puedo evitar que vayas a: https://theblackwatch.bandcamp.com Te agradecemos la posibilidad de la entrevista y te dejo este espacio para que digas lo que quieras a nuestros lectores. Nada más que añadir, gracias Benjamín. Buen chat-cibernético contigo.

[ Entrevista a Simón Fuga por Pablo Müllner ]

FRACASO COMERCIAL, O LA HISTORIA DE UNA FUGA EXITOSA

Simón Fuga se formó en 2010 y un año más tarde editaron su primer disco, After Chaban, que fue grabado en un sólo día. Como dejan en claro en este reportaje los pilares de esta banda son el mismo barrio –Villa Devoto–, su amor por la música y el fútbol y una indestructible amistad, por encima de cualquier cosa. Sin encasillarse en un género sus composiciones contienen elementos de rock progresivo, funk, soul, música electrónica. En 2013 editaron su segundo disco "Simón Fuga", aunque en el medio fueron publicando una serie de EPs experimentales grabados en una sola toma. La banda volvió a editar en 2016 un simple y el álbum "Fracaso comercial”. En ese disco, compuesto por cinco canciones instrumentales nombradas con números romanos, Simón Fuga lleva a nuevos niveles su virtuosismo técnico y la naturalidad para fusionar el jazz, el rock y la música experimental. A fines de julio la banda se presenta en Niceto Vega para despedirse la era de “Fracaso Comercial” y abrirse a nuevas aventuras sonoras. Hola, muchachos de Simón Fuga, ¿Cómo les va? Antes que nada quisiera que me comentaran como surgió formar a Simón Fuga. Los estuve rastreando y veo que desde 2010 al presente desde nunca cambiaron su formación. Me imagino que la base de la amistad debe tener mucho que ver en eso. Es que en realidad Simón surgió de juntarnos a zapar como los amigos que se juntan a jugar al fútbol el fin de semana. El Canario vivía en Londres, se vino a principios de 2010 y volvió con ganas de juntarse a tocar. Él y Alexis eran amigos desde que compartieron banco en primer año del secundario, Carlitos era compañero de ellos. Jere y Totó eran amigos de Ale del otro colegio. Siempre tocamos juntos, pero nunca todos. En un momento fue casi orgánico y terminamos siendo los que somos. En síntesis: Simón se formó como grupo humano en el pasaje Padre Fahy, que es donde nos juntábamos a tomar birra y a charlar de la vida desde nuestra adolescencia. Tocar juntos fue como un paso natural. Y nunca cambiamos de formación porque nunca lo haremos, de acá no se va a ir nadie. Tanto es así que el Canario volvió a vivir a Londres hace dos años y ese tiempo estuvimos parados en lugar de salir a buscar a otra persona.

Si repaso los créditos de cada disco leo que Juan Manuel Mayorano es el bajista, Fernando Martínez Vergara y Jeremías Lentini Mouzzon tocan guitarras, Alexis Valido es el baterista y Carlos Gronstein “todo lo demás”. ¿Es Carlos una especie de miembro comodín de Simón Fuga? ¿Qué abarca ese “todo lo demás”? Carlitos es el tecladista, pero al mismo tiempo es el valor agregado. Siempre su aporte es algo que nos sorprende a nosotros porque quizás no va a tocar 500 notas en 5 segundos, pero va a tocar la nota que tiene que ser, con el sonido que tiene que ser. Después, cuando lo escuchas, te das cuenta de que entiende todo. Simón es una banda que a nosotros nos tiene que movilizar algo, algún tipo de conexión que trascienda lo que estamos tocando. Cuando Carlitos aporta, eso se da. Por eso es que su presencia es tan omnipotente, es el arquitecto de todo esto. “Todos tienen un paquetito que te quieren poner adentro como si tu cabeza fuera un buzón”… se escucha en el track II del disco “Fracaso Comercial” ¿De dónde sale esa voz? Se parece mucho al audio de una película. Ese y varios otros detalles me hicieron oír en “Fracaso Comercial”, además de todos los estilos que venían trabajando en los discos anteriores algunos momentos muy cercanos al soundtrack. Sí, es una escena de Tango Feroz. En todo ese tema hay varios extractos de la película. En el resto de los tracks también hay audios sueltos de otras cosas que nos gustan, nos llegan y son en muchos casos chistes internos. Cosas que nosotros sabemos que están ahí y que no importa si se entienden o no, son guiños para uno mismo. El hecho de que el disco lo hayamos tenido que mezclar nosotros, sin restricciones de tiempo ni de plata (pero con muchas desde lo técnico) hizo que nos tomáramos esas atribuciones de poner algunas cositas que nos hacen bien, y la historia del soundtrack es algo que se terminó advirtiendo al final. La pista IV es un gran tema para una película de la Blaxplotation de los años setenta. Me imagino los afros, los zapatos con plataforma, las armas y los negocios sucios. Es un tema bastante particular en el disco por ser un funk conciso y redondo. ¿Los influencian algunas bandas de sonido de

películas? Todo lo que escuchamos termina siendo influencia. Tenemos un espectro tan amplio que en sí es el clásico “De todo” pero con un criterio que intenta tener un mínimo de coherencia. Por ejemplo, el Soundtrack de Nino Rota de “La Strada” es algo que me conmueve, pero al mismo tiempo me conmueven Kiss y Coltrane. Cuando uno escucha una canción y le gusta, se siente como si fuera un milagro. Es algo que está ahí, y te atraviesa. Trabajar con la música es que lo que está hecho deje de ser un objeto de acabada perfección y comience a ser materia maleable. Todo lo que se escucha está ahí. Inclusive hasta cosas que quizás no entrarían en lo que es “El estilo de la banda”, pero tenemos la enorme suerte de que esas cosas terminen siendo nuestras. De ahí que escuchas Simón y reconocés varias influencias en una.

terminan saliendo, pero de ninguna forma son pensados como una continuación entre sí. Quizás los hilos conductores sean otros, y por ahí el hecho de estar adentro no los podes advertir, pero es interesante sentarse y buscarlos: ver por qué tal disco suena más fresco, tenga una mayor influencia de tal cosa o se vaya viendo algo que más adelante termine decantando en otra cosa. Hay mucho de improvisación, por lo cual sí te tengo que decir que cada tema tiene origen cuando empezamos a tocar, porque nunca tocamos el mismo tema dos veces igual. De eso se trata: lo que está grabado está íntimamente relacionado a cómo estábamos ese día, cómo salió el tema y cómo nos sentíamos.

Desde el inicio son una banda que no tiene voces. A pesar de esto, ¿piensan en un posible hilo narrativo a través de lo musical? Me refiero tanto a los temas por separado como a los discos. El hilo narrativo de lo musical creo que tiene que ver siempre con los contextos en los que los discos son grabados. A donde estamos yendo y qué tenemos en la cabeza en ese momento, pero no es algo buscado. Los temas tienen todos una idea madre, y en base a ir aflojándolos o ir buscando cosas entre todos es que

Como parte de la banda no, pero quizás sí pueda venir alguien a cantar. En el último show, tocamos con el T&K y él se subió a rappear en un tema nuestro. Creo que el añadir a un cantante como invitado responda no a la experimentación sino a todo lo contrario. Por ahí alguna vez tenemos ganas de tocar una canción, lisa y llanamente.

Al tener como premisa la experimentación, ¿cabe la posibilidad de contar con alguna voz cantante como un elemento más para experimentar?

El DVD "Gordo paradoja del agite" fue lanzado gracias al crowfunding, que es el pago de parte de los

seguidores de un artista por adelantado a la salida del producto. He leído casos de varios artistas independientes que lo implementaron. ¿Cómo les resultó? ¿Volverían a utilizarlo? ¿Lo recomiendan? El crowfunding del DVD nació a partir de que era un material que teníamos disponible, para el cual nuestros amigos de Pichón habían puesto un año y medio de laburo. Nos encontramos con eso para sacar y sin un peso para hacerlo, y la verdad es que resultó bien. Pero fue una experiencia que quedó ahí y no creo que volvamos a utilizar. Todo lo que sería la cuestión administrativa de envíos y demás es muy complicada y recién pudimos terminar enviando todo unos 2 años después de haberlo hecho. La verdad es que nos sentimos más cómodos juntando la plata para lo que haya que hacer y pagándolo nosotros. Más allá de que el crowfunding es una herramienta válida y te da la pauta de que hay un montón de gente dispuesta a colaborar

les nuevos. Durante los dos o tres primeros años de la banda lo hicimos mucho, fundamentalmente porque también nos encontrábamos con esa idea de que lo que hiciéramos era más efímero, la cosa del momento. Son diferentes estadios, quizás más adelante se vuelva un poco a eso.

en cuestiones artísticas, que la demanda es real, creo que en nuestro caso en particular es mejor manejarnos entre nosotros.

los shows) tenga más calidad que cantidad. Pasa que al mismo tiempo, se nos ocurre una idea que necesita muchas repeticiones y ensayo. Y cuando eso lo haces sonar ajustado, es otro tipo de satisfacción.

Además de tres álbumes tienen editados varios EPs y también lanzaron un cassete en 2013 que fue grabado en una toma única y sin edición, mezcla, ni mastering. Me imagino que siendo esa manera de grabar debe ser la que mejor les sienta. ¿Es así? ¿Fue igual de libre el proceso de grabar “Fracaso Comercial”? No es lo mismo porque en el caso de los discos, los temas fueron compuestos y ensayados previamente, y también te corre el tiempo de estudio, la cantidad de plata que podes gastar y otros tipos de cuestiones que siempre van por el mismo lado. Con los EPs pasó que terminaron siendo zapadas con nombre y nos sirvieron para mantener activo el lanzamiento de materia-

Por otro lado, hay bandas que experimentan mucho a la hora de grabar pero que en vivo funcionan más bien como un relojito. ¿Cómo es su caso? ¿Sienten que su hábitat natural es el del escenario? ¿Cuánto espacio se dan para improvisar? El hábitat natural nuestro es el de la sala, en el ensayo. Ahí es donde nace todo. Pero siempre que tocamos lo tocamos de la misma forma: sin saber hacia dónde terminará decantando todo. Lo que sí es cierto es que con el correr de los años, tratamos de que la improvisación (que sigue siendo -como mínimo- el 50% de

Una curiosidad pero no menor: desde “After Chabán” (que por cierto es un gran título) nos tenían acostumbrados a nombres originales y divertidos como “Leyendo la cosmo en el 166”, “Toalla para la cola” o el homenaje a la actriz porno “Tori Welles”, ¿por qué eligieron la sobriedad de titular los temas con números romanos para Fracaso Comercial? Cuando empezamos a tocar, los temas no tenían nombres. Para poder diferenciarlos en el primer ensayo que grabamos, fue que les pusimos esos nombres. Que son cosas que salían de charlas con amigos, o inclusive nuestros. El problema fue cuando se llegó a un

punto en el que generaba más expectativa el nombre del tema que la música en sí. Entonces, como fracaso fue compuesto, ensayado, deseado y grabado casi en simultáneo, el nombre de los temas quedó para el final. Y como no hubo quorum con ninguno en particular, salieron con números. También fue una especie de guiño a Soft Machine, Faust o Matching Mole, que también tenían esa manía de ponerle número a la música con el solo fin de que se separen los temas. ¿Qué nos pueden adelantar del show en vivo en Lado B de Niceto del 29 de julio? La idea es ir despidiéndonos de a poquito de Fracaso Comercial porque va a haber un par de temas nuevos que irán en un próximo disco, que en un mundo ideal estaríamos haciendo a fin de año. Al mismo tiempo tenemos ganas de tocar canciones que no hacemos en

vivo desde hace un rato. No habrá muchas sorpresas más que el hecho de la banda en vivo. ¿Qué otras cosas por venir hay en el horizonte de la banda? En diciembre estaremos haciendo un Niceto Lado B más, hay un par de posibilidades de tocar antes. Pero el porvenir está claro: hay un horizonte que es la grabación del disco, con algunas cosas nuevas como por ejemplo el uso de la “electrónica” para hacer la música. Al mismo tiempo, estamos adentrándonos en otros géneros, como para ver qué nos podemos llevar de ahí para que termine siendo nuestro. De todas formas, siempre termina siendo igual: es el día a día lo que nos hace seguir tocando. ¡Gracias Simón Fuga!

[ Entrevista a Ignacio del Pรณrtico de La Otra Cara de la Nada por Diego Centuriรณn ]

NECESITO QUE ALGO ME PRESIONE

Hace un tiempo que queríamos entrevista a Ignacio y la salida del primer álbum de La Otra Cara de la Nada nos dio la excusa perfecta para encontrarnos con él y hablar de todo. En una tarde fría de Buenos Aires mientras Ignacio (Acevedo su verdadero apellido) prepara unos necesarios cafés, empezamos a charlar y a situarnos en un pasado, presente y futuro de los proyectos que involucran a nuestro entrevistado... que son varios... pasen y lean... Empezamos con la pregunta básica, ¿Toda la banda es de Misiones? Si, somos todos de Misiones. Todos nos conocemos desde los seis años, hicimos juntos la primaria y la secundaria. La Otra Cara literalmente nació en el colegio. Teníamos 13 o 14 años y en la Semana del Estudiante hacían como un concurso de talentos y el profesor de música armó como una banda de covers para ese concurso. Llamó a Ariel, que era de un curso más grande que nosotros; Germán para el bajo, que era mi amigo y de mi curso; Nicolás que tocaba la batería, que era de un curso más chico que nosotros; los llamó a ellos y alguno que otro más. En esa semana de ensayaban en el patio o en la iglesia del colegio, temas de Manal o cosas así. Y yo siempre estaba ahí porque era amigos de ellos y siempre que el profesor se iba al baño o desaparecía un rato, agarraba la guitarra y empezábamos a hacer temas de Joy Division y cosas así. Y de repente pasaron los días y el profesor empezó a dejar de ir, empezó a faltar y dijimos ¡Ya fue, hagamos una banda, toquemos el día del Talento y hagamos una banda! El colegio nos prestó el lugar, empezamos a ensayar en el curso y en la Iglesia, hicimos covers, un cover de El Mató a un Policía Motorizado, hay un video en YouTube y me acuerdo que El Mató lo retwitteó, te estoy hablando 2011 y capaz que es el primer cover que le hicieron, así en banda. Y ahí tocamos, éramos todos muy amigos y el ensamble salió súper rápido, porque Nico tocaba re bien la batería (de muy chico toca muy bien, digamos nació con la música) Ariel tocaba muy bien la guitarra, Germán estaba empezando a tocar el bajo y lo estaba manejando bastante bien, y yo es como tenía la energía de "¡vamos, vamos, vamos metámosle, metámosle!" y hacía canciones. Tocamos mucho, hicimos covers de los Ramones, de El Mató a un Policía Motorizado,

Nirvana y cosas así. Nos gustó mucho como salió, nos pareció que estaba bueno, que sonaba bien. Entonces dijimos ¡Bueno ya está ahora sigamos! Y ahí empezamos. Primero teníamos un nombre muy bizarro porque teníamos un chico que nos ayudaba, era un chico que tenía cara de vampiro, y todo el tiempo como gestos de cachorrito, como un perrito, entonces nosotros en su honor nos pusimos el nombre de Vampyres Puppies. La Otra Cara de la Nada se llamó un montón de tiempo así, como cinco meses, empezamos a tocar en vivo en lugares y en los flyers aparecía "Vampyres Puppies". Hicimos las primeras canciones y a la hora de sacar el material nos dijimos cambiemos el nombre. Y ahí nos pusimos La Otra Cara de la Nada. ¿Acá cambiaron el nombre? No, allá en Misiones. Esto fue en el 2011, teníamos 14 años. Sacamos el primer EP, horrible (risas), no está en ningún lado, bah creo que en youtube... ¡pero no importa! (risas). El primero se llamó "La Otra Cara de la Nada EP", después hicimos más canciones y grabamos un LP, que nunca lo consideramos un disco porque también lo hicimos a los 15 años, lo grabamos en un estudio de un amigo del guitarrista, el profesor de guitarra tenía un estudio, nos grabó, nosotros no teníamos idea de nada. Yo no entendía lo que estábamos tocando, y de repente fuimos al estudio, y era descubrir lo que el otro tocaba, y decíamos "¡Ah, vos hacés eso, está bueno lo que hacés!", en la sala de ensayo está todo tan fuerte que no escuchábamos lo que hacía el otro. Por eso cuando lanzamos "Sobre Premios y Tormentas" decimos que es nuestro primer disco, porque lo que habíamos sacado antes que eran seis canciones, que se llamó "Todas las corrientes que rompieron". Ese LP lo habíamos sacado con Triple RRR Discos, cuando estaba en su mejor momento, cuando los Viva Elásticos y Los Reyes del Falsete estaban bien arriba, siempre fui muy fanático de todo y desde chico mi idea era ser un rockstar. Y como que siempre buscaba las oportunidades y les escribí a los chicos del Falsete y se re coparon, le pasé el disco, y me dijeron que hablara con Verna, y ahí él le vio futuro a la banda y nos pidió otro material y lo sacamos con el sello. En su momento aparecíamos en la página oficial del sello como banda, y eso nos motivó, teníamos 15 años y para nosotros era el mejor sello de la Argentina. Y ahí entra Bruno en la banda, después de grabar

este LP, que nos había ayudado en la grabación, nos había prestado su guitarra, entonces él empezó a tocar la guitarra y también era nuestro amigo del colegio, con él nos conocemos desde los 6 años. Cuando entró él cambió un poco la dinámica, empezamos a enfocarnos un poco más, él también tenía otra idea musical, y eso estuvo bueno porque él lo enfocaba más del lado profesional. Ahí empezamos a componer lo que terminó siendo "Sobre premios y tormentas", todas las canciones que están en el disco las empezamos a hacer a los 16 años. El primer tema que hicimos fue el segundo del disco "Mirando las Luces", que es muy simple y estábamos como muy fans de Él mató... entonces empezamos a ir musicalmente por otro lado. Y hoy las canciones del disco son muy viejas para nosotros. Son "Imágenes del pasado" más que nada... Si eso lo escuché en una entrevista decírselo a

Germán... A mí me parece una muy buena definición... ¿Y eso fue todo en Misiones? El disco lo hicimos todo en Misiones, este álbum lo tenemos compuesto hace muchos años. Son canciones que vienen perdurando en nuestra sala de ensayo desde el 2013, y tuvimos mucho tiempo de impasse porque muchos estuvimos de viaje. Y en ese tiempo yo me aburrí y ahí me hice solista. En ese momento yo grabé mi disco, con las cosas que habíamos comprado con los chicos, una placa de audio, micrófonos, yo no sabía nada, no sabía usar ningún programa de grabación. Y dije: ¡Ya fue, y empecé a grabar! Y después los chicos volvieron de viaje, yo saqué el disco y me fui de viaje también un par de meses, entonces tuvimos casi un año y medio varados, con todos esos temas ya hechos, y muchos temas más que los dejamos afuera,

había temas que nos dejaron degustar por el paso del tiempo y no quedaron en el disco y cuando yo saqué mi disco me fui de viaje, al disco le empezó a ir bien, empezaron a salir reseñas en todos lados, y cuando nos encontramos todos en Misiones de nuevo, todos habíamos terminado la secundaria y nos habíamos tomado un año sabático. El plan era empezar todos el 2016 en Buenos Aires, y lo primero que teníamos que hacer en Buenos Aires era grabar el disco, en Misiones no lo podíamos hacer, porque nosotros apuntábamos a lo que se escucha y en Misiones es muy difícil conseguirlo...

la vida. Agradecemos mucho que nos hayan pasado todas esas cosas porque terminamos con Diego, el mejor para nosotros, porque entiende muy bien todo y es una gran persona. Ahora es un gran amigo. De todas las personas que participaron en el disco, él es el más amigo nuestro y es que más nos acompaña ahora. Él nos hace sonido a todos los lugares que tocamos, somos amigos. Y sacamos el disco y estamos contentos con el resultado. Estamos entusiasmados con la idea de presentarlo, ya que son además canciones que la venimos tocando hace muchos años, ya tengo ganas de empezar a componer cosas nuevas...

Un Estudio y un ingeniero que te entienda... Eso...productor, técnico, las herramientas, muy difícil, osea, hay un sólo estudio en Misiones, muy precario, y el tipo que lo maneja no tiene criterio, si vos hablás con él te dice "no, no tengo criterio y así maneja

¿Y ya hay fecha pensada para el nuevo disco o hay canciones nuevas? Hay canciones nuevas, queremos sacar un EP, a principio del 2018, ya tenemos varias canciones maqueteadas, y nos gustan bastante. Son canciones que

todo" (risas). Y él nos grabó todos los anteriores EPs. Entonces nosotros grabamos todas las maquetas del disco, que suenan bastante bien, bueno como me manejo con el Ableton, grabamos todo, yo produje todas las maquetas, y con esas grabaciones nos vinimos acá, y empezamos a buscar estudio, empezamos a movernos para soportar el disco. Algo que es bastante relevante, y que nos marcó nuestra vida como banda, es que todos nos mudamos acá con la idea de seguir con la banda, es decir todos vinimos acá con esa idea, ése era el propósito... Ariel ya había arrancado una carrera allá... todos íbamos a estudiar allá... pero no, todos queríamos tener la banda y seguirla acá en Buenos Aires.

ya compusimos acá en Buenos Aires.

¿Y cuándo se vinieron a Buenos Aires? 2016. ese año nos movimos todos para acá. Y llegados acá estuvimos prácticamente casi un año con la grabación del disco, porque en realidad pretendíamos venir y grabarlo en dos o tres meses, pero tuvimos muchos percances, como el primer estudio que nos metimos el técnico que nos tenía que grabar, mezclar y masterizar, a las dos semanas de grabación, cayó internado por cacoinómano y desapareció con nuestro dinero, después otra persona del estudio se hizo responsable y nos devolvió parte del dinero y ahí perdimos más tiempo en buscar otro estudio, buscar otra persona y así fue, pasamos por tres estudios, hasta que encontramos ahí a Acosta (Diego) que nos salvó

¿Y qué diferencia hay? Y todo... Porque yo pienso, componer acá debe ser diferente que componer allá... Si,aparte allá, primero cuando compusimos todas estas canciones, lo hicimos todas en la sala de ensayo, esas canciones nacieron así, zapando. No teníamos las herramientas para hacerlo de otra forma y ahora, sin embargo, todos tenemos una placa de audio o un programa para hacer cosas, entonces podemos experimentar un montón de cosas y decimos ¡Che, mirá! apretamos un botón y tenemos toda la estructura de un tema. Y metemos el resto de los instrumentos. Y ya cambia todo. Es la idea de cómo queremos hacer la música, que igual no va muy lejos, tiene el mismo enfoque, pero hay más herramientas y tenemos mucho más conocimiento. Yo ahora estoy estudiando grabación y producción de audio. Germán está estudiando música, composición. Acá abajo tenemos un estudio. Estamos en esa, digamos. Todos metidos en el horno. Una de las canciones nuevas fue una canción que dijimos "hagámos lo de siempre" y nos pusimos a zapar y salió una de las canciones que más me gusta. ¿El nombre cómo nace? Yo sé que algo tiene que

ver Alvaro Torres de Tolosa... Es un nombre que nació hace muchos años, en el 2014, Germán lo propuso, y nos pareció increíble, va mucho con la estética de la banda, nosotros jugámos mucho con los nombres largos... La Otra Cara de la Nada, el primer disco era "Todas Las Corrientes que Rompieron", "Sobre Premios y Tormentas"... todo tiene un juego de palabras. Nos representa bastante porque, justamente como te digo, tuvimos mil problemas en el medio de la grabación y de la composición del disco, en algún sentido fue como un tormenta... y el premio simbolizaría el logro. Entonces nos pareció que tenía que ver con todo el proceso. Es muy épico. Es lo que buscamos. ¿Cómo salió la portada? La portada es una foto que sacó Bruno, es la foto es un amigo nuestro que tocó un tiempo con nosotros, se llama Juan Pablo. Una foto que sacó Bruno en el viaje que hizo a Europa con los chicos de mochileros. El disco se retrasó mucho por la portada, porque teníamos todas las canciones, todo el master, y no teníamos la portada. Necesitábamos algo increíble, buscamos en todos lados, estuvimos mucho tiempo buscando. Bruno sacó la foto en el 2015, la tenía ahí y nunca se le ocurrió. Un día vi que la subió a Instagram y le dije

"¡Ésta es la foto de la tapa del disco!". Es más, está la foto en Instagram y está mi comentario. Nos pareció que iba bien, una persona, un paisaje, en medio de la inmensidad... Ya que el disco se gestó en Misiones. ¿Qué le ves de Misiones a las canciones? ¿Qué tiene de Misiones? Y tiene que ver mucho con nuestra adolescencia en la provincia, con ese sentimiento de sentarnos un domingo a zapar, o con todas nuestras historias amorosas o lo que fuere. Son todas historias que tienen que ver con Misiones, con la gente de allí. Son todas las personas que nos inspiraron a escribir esas canciones y tiene que ver con todo eso, con nuestras casas, con irnos de nuestras casas. En realidad nunca lo buscamos, es más, siempre quisimos no parecernos a una banda de Misiones. Ahora lo vemos desde acá y si, ¡Aguante Misiones! Pero en ese momento estábamos un poco renegados a eso, nunca buscamos que suene a la selva... No, te digo más que nada por las sensaciones que uno le da sabiendo que son de allá y como que ve ciertas estructuras que por ahí acá no las verías... Claro, eso está buenísimo, creo que eso es algo que

va más allá de nosotros. Es una impronta ya nuestra, que está en nuestra sangre, y hasta quizá nosotros ya ni las vemos. Ahora que me lo preguntas, me cuesta ver qué tiene de misionero, pero si, la manera en cómo cantamos, cómo pronunciamos… Y volviendo al primer disco, que sería éste, y no todo lo anterior que lo obviamos. ¿Es un Grandes Hits de la primera etapa? porque son todas canciones viejas. Eso es como sentar una base, construir el piso para edificar arriba. Como cerrar ese Ciclo de Misiones a Buenos Aires, y empezar algo nuevo, menos apegado a esa época. ¿Lo sienten así? Si, claro. Nosotros ahora queremos hacer algo distinto, queremos mantener la esencia de la banda, que siempre va a estar, pero como te decía, con los conocimientos, con las experiencias, con las nuevas cosas que nos fueron pasando que nos lleva a desear ir por otro lado musical como espiritualmente. Es como una base que a nosotros nos sirve mucho porque ya definimos bastante el sonido de la banda. Ya sabemos por dónde queremos ir. La manera en cómo nos enfocamos en la música. Como hacerlo lo más profesionalmente posible. Crecer. Nos sacamos un peso de encima gigante. Porque cantar esas canciones ahora no nos representan... Como que ya pusieron el sello que tenían que poner y ahora están para otra cosa... ¡Sí! Y tuvo mucha repercusión... Sí, supongo que sí. ¡Ojalá! (risas) Fue coproducido por Ignacio Castillo (Temporadas de Tormentas). Y yo pensaba Temporadas... La Vida en familia... Acá Hay truenos... son bandas y personas que parecen como hermanos. Da la sensación como que son todos conocidos. Eso es muy típico del Indie, por decirlo de alguna manera... ¿En Buenos Aires se sorprendieron de eso? ¿De cómo la gente se conoce entre sí? Si, nos sorprendió bastante... porque al ser una ciudad tan grande uno piensa que todo es mucho más distante, pero no, el poco tiempo que estamos acá conocimos a todo el mundo y ya sabemos con quién relacionarnos y con quién no. Y está bueno, por ejemplo, nosotros éramos

muy fans de Temporada de Tormentas antes de conocer a los chicos, antes de hablar con Nacho por primera vez, y como me parecía que él entendía mucho del género que hacíamos nosotros, nos pareció que estaba bueno invitarlo a él a que nos ayude. Y él estuvo en todo el proceso de grabación y nos ayudó un montón y también nos puso los pies sobre la tierra, dejen de flashear tanto y hagamos las cosas. Y Acá Hay truenos también es una banda que siempre nos voló la cabeza y también tiene que ver que todos los discos de la banda los produjo Diego... nosotros éramos conscientes de eso pero no fue tan intencional, nació y está bueno, porque fue como el sonido de la generación, es como la vibra que hay en el mundo ahora. Y está buenísimo ser parte de eso, y me pone re contento. Desde que salió el disco hasta hoy, ¿qué te sorprendió? Me sorprendió mucho la gente. Yo, sinceramente, no le tenía mucha fe al disco, porque me parecía algo pasado de moda. Me parece que ahora la gente busca otra cosa. Como que no está escuchando algo tan instrumental, o que tenga una letra difícil de entender. Siento que tal vez dos años atrás a la gente le gustaba más, Explosions In The Sky o Mogwai, Temporada de tormentas o Atrás hay truenos, ese tipo de bandas. Ahora siento que la gente está en otra, que son mucho más simples... Pero yo no le tenía mucha fe y me decía "che, estamos haciendo algo que ya pasó de moda hace tres años, pero bueno lo hacemos igual, tenemos que hacerlo. Y me sorprendió viendo en YouTube me encuentro que habíamos salido como banda Movistar Free o algo así, en Vorterix y hay una nota de Pergolini presentándonos y me sorprendió. Me pone re contento que la gente siga escuchando este tipo de música, porque pensé que ya estaba todo en otro lado. Como nosotros somos de la escuela post rock y más de lo que es el dreampop... De hecho si te ponés a ver en el mundo, el dreampop y shoegaze está a full... ¡Está súper a full! Y ustedes encajan ahí, más que en el dream pop, por ahí… En realidad desde mi punto de vista, no lo veo tan dream pop, lo veo más post rock. Pero lo que más me

sorprendió es que a la gente le llegue. Pensé que capaz en la mitad del disco hay una canción que se llama "Antes de sentirte bienvenido", la gente escucharía esto y sacarían el disco y pondrían cualquier otra cosa, alguien que cante finito... No estoy en contra de eso, lo escucho, me gusta. Pero en eso pensé que la gente estaba en otra frecuencia. ¿Qué te decepcionó desde la salida del disco hasta ahora? No sé, es como que es medio ambiguo todo lo que siento con respecto al disco, porque como también pensaba que no le iba a llegar a nadie, pensándolo optimistamente, pensaba que tendríamos cien reproducciones al primer mes, que es algo que no pasó, pero depende por donde lo mires no?, porque en YouTube tiene menos reproducciones pero en Spotify un tema tiene veinte mil, y está re bueno porque el disco salió hace poco, creo que hace un mes. Creo que no me decepcionó nada. Aunque de la grabación mil cosas, la grabación me encantaría ahora poder re grabar. O re grabarlo en tres años cuando cante mejor o toque mejor la guitarra. Hay parte de temas que nosotros las sacamos del master, las borramos, y después el día que el disco salió en Spotify nos encontramos que

esas partes... están en el disco. ¿Cómo está en este momento tu carrera solista?¿Conviven tranquilamente las dos? Y bien... Yo le doy mucha prioridad a La Otra Cara de la Nada, porque tiene que ver con el esfuerzo de varias personas, entonces no quiero dejar de lado a todo ese esfuerzo que venimos haciendo hace varios años con mis amigos. Me trato de organizar de manera que las dos cosas puedan funcionar bien, y que los dos proyectos se complementen. Yo a toda la gente que hizo reseña sobre mi disco le mando el disco de la banda. La gente que me dice “me encanta tu disco” yo le digo tengo otro disco con otra banda, escuchála. Trato de manejarlo así de esta manera. Mi carrera solista está yendo bastante bien, todo el año pasado fue una locura. Ya vine acá y toqué con Marc de Marco, y con la Otra Cara con Radio Dept., que es una banda de la cual somos fans. Si en un año pasaron muchas cosas, igual yo me esforcé para que pasaran esas cosas, no es que cayeron del cielo. Y me divierte poder compartir musicalmente con otras personas que no sean los chicos que comparto hace seis años, aprendo un montón y es divertido porque no tengo que estar esperando a que el disco de La Otra Cara... se escuche para tocar,

porque tengo Ignacio del Pórtico, hace dos meses estuvimos tocando en Chile, y fue una locura. Estar cruzando la cordillera y mirar el micro y ver a mis amigos y las guitarras, estar viajando gratis, y estar en Chile y que la gente se cante todo, fue un flash. Y todo en un año. A mí me alegra el alma y me entusiasma, ahora estoy con la cabeza en el nuevo disco de Ignacio Del Pórtico, que justamente son canciones muy distintas a la idea que tiene La Otra Cara... es divertido porque puedo jugar con facetas, con herramientas, no me pierdo de nada. Este disco ¿tenés pensado sacarlo este año? Si, este año, este disco lo tengo hace un montón, lo tengo maqueteado desde tres o cuatro meses de terminado mi disco. O sea, lo hiciste en Misiones... Si, lo hice casi todo en Misiones. Después me empezaron a pasar un montón de cosas, la gente me empezó a escribir y me puse a hacer canciones. Y son canciones que las tengo ahí guardadas hace un montón de tiempo, y por distintas circunstancias no lo pude grabar, también porque estoy esperando más sonidos, mejor calidad, todo ese tipo de cosas me fueron demorando y ahora que me mudé hace poco a esta casa, tengo un estudio, conozco gente que me puede ayudar, le puedo dar más forma y estoy entusiasmado con eso. Ahora nos vamos a tocar a México y quiero ir con el disco nuevo. ¿Vas con Ignacio del Pórtico o con La Otra Cara de la Nada? Con Ignacio del Pórtico. Entonces tengo que hacerlo. Yo soy una persona bastante dejada, necesito algo que me presione. Mi disco anterior pude haber estado un año grabándolo, pero lo grabé en dos meses porque me iba ir de viaje y quería irme con el disco ya hecho, entonces es como metí todo rápido. Yo siempre digo que los discos no se terminan sino que se abandonan... Sí, es que es así. Además vas escuchando nuevas bandas y decís ¡La Puta por qué no lo hice así! Así que estás con el nuevo disco de Ignacio del Pórtico, el EP de La Otra Cara de la Nada, a full.

Si también las giras, que ya la tenemos agendadas. ¿Por dónde van a estar? Hasta ahora tenemos Córdoba, planeamos meter Rosario, Misiones, Paraguay, y a media que se vayan sumando. Nos tenemos que organizar porque estamos cortos de tiempo. Somos cinco y todos hacemos como muchas cosas... ¿Volvieron a Misiones desde que están acá? Si, fuimos dos veces. Y fue muy lindo. Aparte la gente de allá nos dicen: "Ay, fueron a Buenos Aires" o "Guauu". La gente se emociona. Y ahora desde que sacamos el disco no fuimos. Ahora el mes que viene vamos a ir a presentarlo. Si después a Paraguay. ¿Fueron a La Plata? Fuimos dos veces, hay una linda movida, los chicos de Dice Discos, los chicos de Bautista Viajando, Mora y los Metegoles, Fabricio Algo, Nunca fui a un Parque de Diversiones, personas a quienes queremos mucho y nos entusiasma mucho la música que hacen. También vamos a presentar el disco en La Plata, fuimos a tocar antes de terminar el disco y ahora es la idea de armar algo lindo, bien hecho. ¿Qué queda para este año, aparte de los shows y las grabaciones? ¿Tenés algo pensado nuevo, algo diferente? Porque yo te imagino un tipo ansioso pero que le cuesta llevarlo adelante... Si, ahora estoy armando una banda nueva, cuando me fui todo el verano a Misiones, me junté con un amigo y grabamos un disco en una semana. La idea era grabamos el disco y lo lanzamos como un juego, la banda se llama “Mudanza”. La verdad es que salió algo muy bueno, y lo escuchamos y dijimos de grabarlo bien, está bien grabado pero en una semana, muy rápido, hacer un tema en dos horas y pasar a otro. Y ahora eso que ya registramos queremos usarlo como maqueta y regrabar todo, e invité a otros amigos de acá a que toquen. Todo lo grabé en Misiones con Luciano Domínguez, y ahora quiero invitar a dos chicos más de acá, en realidad quiero invitar a todos mis amigos a que graben algo... pero quiero armar una banda. Más que nada para irnos de gira, no quiero estar trabajando, como unas vacaciones de mis otros proyectos. De todo lo que compuse en este último tiempo

es lo que más me gusta. Pero también voy a producir varios discos, de varios amigos. Todos van a salir por Yolanda Discos. Quiero meterme más de lleno en el mundo de la producción. Hablemos un poco de Yolanda Discos. ¿Cómo nace? En Misiones con La Otra Cara... habíamos hecho varios ciclos que cambiaba de nombre dependiendo del lugar en donde lo hacíamos el recital. Primero lo hicimos en el patio de la casa de Nico (el batero de La Otra Cara de la Nada) le pusimos "Patio Sonoro", e invitamos bandas de Chaco y a varias bandas de amigos... después nos mudamos a la casa de otro amigo que tenía una mansión y tenía un patio con vista al río, un muelle y ahí lo llamamos "Muelle Sonoro". Y a partir de eso empezamos a generar un montón de movida, un montón de recitales, gente que hacía cosas. Así nació un sello en Misiones que se llama "Celiac Discos", ahí empezamos a tener la aspiración de tener un sello de amigos y generar contenidos, empezar a tener una visibilidad más concreta, más centralizada en los medios. Siempre tuvimos ese espíritu de hacerlo nosotros mismos. Cuando vinimos acá "Celiac Dis-

cos" era un sello de Misiones, y me hice muy amigo de los chicos de Yolanda Festival y al no tener un sello para lanzar el disco de La Otra Cara y centralizar la música de las bandas como Gativideo, Francisco Villa, Renzo Montalbano, todos queríamos pertenecer a algo pero no sabíamos bien por dónde ir. Entonces con los chicos del Festival tuvimos la idea de formar Yolanda Discos. Y la parte administrativa la maneja los chicos de Yolanda Festival, que vienen haciendo el Festival hace años y yo y Bruno, que somos los de la Otra Cara. Y se fue armando, llamé a todos mis amigos. Y ahora con Yolanda estamos tratando de organizarnos de la manera más profesional posible para que todo esto no sea sólo un colectivo de bandas sino que sea un sello, que pueda tener editorial, que pueda editar discos, que genere plata. Estamos arrancando, Yolanda Discos tiene menos de un año, pero estamos haciendo un montón de cosas, este año van a salir un montón de discos... somos más de veinte bandas, estamos muy entusiasmados. Para mí es como el sello de la nueva generación. Es nuestro sueño, siempre quisimos generar eso y que eso se empiece a ver y que la gente lo note y que entre a la página de Yolanda que escuche un disco y luego otro, y así sucesiva-

mente, como marcar tendencia. Y para terminar ¿Dónde pueden encontrar a Yolanda Discos? Por ahora, más que nada en YouTube, digamos que es el centro del contenido, dentro de poco va a salir Yolandadiscos.com, que aún está en proceso. En Facebook, Bandcamp (en donde están todos los discos) y pronto en Spotify. La Otra cara de la Nada en bandcamp, en Spotify, YouTube, en todas las plataformas. Ignacio del Pórtico también en todas las plataformas, bueno dentro de poco también va a salir en Spotify gracias a Yolanda. Este último espacio te lo dejo para que le digas lo que quieras a la gente que va a leer la entrevista. Me gustaría que la gente crea en sí misma, que se anime a hacer cosas. Creo que todo lo que está pasando musicalmente a nivel nacional, la nueva música tiene que ver con eso, proponerse cosas, tomar una decisión y llevarla a cabo, ir al frente... bancar lo que venga... y hacer las cosas... creo que concretar algo es el sentimiento, concretar cualquier cosa, es el sentimiento más lindo y lo más satisfactorio que se puede sentir como humano. Crear algo es una locura. Y ahora con las miles de herramientas que existen es como más fácil y puede ser muy satisfactorio. Creo que es

un buen momento para que la gente empiece a ver que hay mucha data muy importante y muy buena a la vuelta de su casa. En todos lados, en Mendoza, Misiones, Córdoba, Capital, La Plata, en todos lados. Hay muchas cosas que están pasando y creo que la gente tiene que interesarse porque muchos piensan que el rock murió, que la música de ahora es una mierda, pero porque no despega los ojos de la tele y lo único que ven es a Chano (Tan Biónica) y ese tipo de cosas, pero hay cosas más allá de eso, con más contenido, con poesía, con buena música. Me parece que es un buen momento para que abran sus cabezas y busquen en Internet, que escuchen nuevas bandas. Veo todos los días amigos que están haciendo canciones, y que nacen simplemente de un sentimiento o de una idea o solamente ganas de querer hacer algo y ese "algo" puede llegarle a muchas personas y puede hacer bien y creo que es algo que la vida te lo va a devolver en cosas buenas, si sacás un disco o sacás un libro, o si hacés una pintura o lo que hagas... creo que nunca va a tener una vuelta negativa, siempre va a generar algo bueno y estás haciéndole un favor a mucha gente y a vos mismo principalmente... y al arte en general. Bueno Muchas Gracias. A vos...

[ Entrevista a Alessandro Belluccio de Ash Code por Diego Centuriรณn ]

SERร ALGO PARA RECORDAR

Los italianos de Ash Code se presentarán el 23 de agosto en Requiem, acá en Buenos Aires, pero esta fecha será parte del Tour que ellos realizarán por Latinoamérica. Su primer tour latinoamericano. Cuando suban al escenario de Requiem ellos ya habrán pasado por Chile y por Perú, así que nos contactamos con Adriano para conocerlos y anticipar su inminente llegada a Latinoamérica. Para empezar ¿Cuánto tiene que ver su nombre con el “Código Ash Ra”? Personalmente no sabemos lo que significa "Ash Ra Code", ¿es una banda? Tenemos que googlearlo. ¿Cómo es tener una banda con tu hermano? Desde que toco con mi novia Claudia también puedo considerar a la banda mi familia. Como en todas las familias hay altos y bajos pero tenemos mucha suerte porque hay mucho sentimiento entre nosotros y rápidamente superamos todas las dificultades. ¿Cómo definirías la personalidad y la actividad más importante de cada integrante del trío? Cada uno de nosotros tiene peculiaridades; Lo que nos interesa dentro de la banda refleja nuestras personalidades, pero también depende de cuánto tiempo tiene cada uno que dedicar a la música. Adriano se ocupa del lado de la gestión, Claudia y yo nos encargamos de todo el lado de la composición. Hoy en día, ¿Cuáles son los álbumes que más escuchas? “Trentemøller - Fixion” y “Hante - Between Hope & Danger” sobre todo. Nacen en 2014, es decir son una banda joven, pero ya han lanzado dos álbumes en tres años. Ustedes son una banda inquieta, ¿cómo es el proceso de composición de las canciones? Nosotros realizamos demos de nuevas canciones cada semana, podemos empezar de un beat

o una simple idea de sonido. Después de hacer las baterías y la línea de bajo, Claudia hace las melodías sintetizadas; En este punto si todo funciona continuamos con Bass VI y voz. Es increíble lo rápido que hicimos "Oblivion" y "Posthuman", pero para ser honesto es cada vez más difícil hacer nuevas canciones, porque no queremos repetir nosotros mismos. Oblivion y Posthuman lo han editado bajo los sellos Swiss Dark Nights y Manic Depression Records, pero el último single, Icy Cold, se editó bajo Synth Records, ¿hubo cambio de Sello? Normalmente trabajamos con "Swiss Dark Nights" y "Manic Depression Records" solo para formatos CD y LP pero "Icy Cold" fue lanzado en 7 "single, un formato diferente, por lo que pensamos publicar el vinilo de 7 pulgadas con Synth Religion, Por la amistad que nos une a Helene y llegar a un público diferente. Han hecho algunos remixes en estos años, ¿cómo trabajan un remix? ¿Lo piensan y realizan los tres juntos? Es muy divertido hacer remezclas para bandas que nos gusten, trabajamos solo en voces pensando juntos en un arreglo nuevo y diferente, en algunos casos intentamos nuevas soluciones cambiando las estructuras o melodías, realmente nos gusta experimentar. Empiezan una gira por Latinoamérica. ¿Qué expectativas tienen? Estamos haciendo esta gira principalmente porque desde el principio recibimos muchos mensajes y peticiones de la zona de Latinoamérica. Sabemos que la gente es más caliente que las multitudes europeas por lo que esperamos espectáculos increíbles. ¿Qué bandas conocen de esta parte del mundo? Mmm... Werner Karloff, Plastique Noir y Balvanera ¿Qué canciones tocaran en estos concier-

tos, habrá canciones nuevas? Sí lo haremos, vamos a tocar algunas canciones nunca tocadas en los últimos conciertos... ¡Será una sorpresa! Con la salida del single "Icy Cold", uno se ilusiona, ¿tienen pensado un nuevo álbum? Estamos trabajando en una nueva realización, "Icy Cold" es el primer paso de este nuevo proyecto, de todos modos no tenemos plazos, vamos a tomar tiempo para hacerlo. Agradecemos tus respuestas y esperamos verlos en Buenos Aires. Este último espacio es para que les digas a los fans lo que quieras. Nuestro primer concierto en Argentina será algo para recordar... ¡te esperamos para que no te lo pierdas y únete a nosotros!

[ Entrevista a Dante Gonzales y Fernando Pinzรกs de Varsovia por Ricardo Padilla (Oriani_K) ]

QUEREMOS HACER Mร SICA POTENTE

Cuando se extinguía el último año del siglo veinte, en Lima se gesta un circuito de música electrónica muy apartado al mainstream dominante de la electrónica de esa época. Este desarrollo de nuevas tendencias musicales individuales y colectivas traía consigo una propuesta que apuntaba a sonidos más industriales, oscuros y experimentales. De este circuito underground emerge Varsovia quien tiene como protagonistas a Dante Gonzales, Fernando Pinzás y Carla Vallenas, abanderados y hélices propulsoras del Synth Punk en Perú. Es Dante uno de los referentes indiscutibles de la electrónica nacional quien está inmerso en la movida electrónica hace más de 20 años con distintos y enriquecedores proyectos musicales, y dueño de una de las colecciones más grandes de sintetizadores en el Perú. Varsovia no solo está emparentado al synth, presenta también una abundancia sonora ligada al post punk y al noise. Su sonido es inquietante, reaccionario y penetrante, y sus líricas son críticas, contestatarias e incómodas que no son más que la consecuencia de un país convulsionado y agitado por la política y el malestar social. La banda accedió amablemente a responder a nuestras preguntas para conocer un poco más sobre su música, trayectoria y sus planes del futuro. Para empezar, cuéntanos Dante ¿Cómo nace la banda? Dante Gonzales: Recuerdo una noche que me presentaron a Fernando, llevaba un sintetizador digital y le di unos tips de como programarlo, luego me contó su idea sobre armar un proyecto musical y nos aventuramos en esto. ¿Quiénes conforman la agrupación? D.G.: En este momento la conforman Fernando Pinzás, Carla Vallenas y yo. ¿Cuáles son sus principales referencias musicales? D.G.: A mí me encanta Kraftwerk, Devo, Avia-

dor Dro, el Kraut Rock en general y la música clásica contemporánea. Fernando Pinzás: Hablando de la música que me influyó para hacer Varsovia: Liaisons Dangereuses, Malaria, Fad Gadget, Throbbing Gristle, SPK, November Novelet, Screamers, Suicide, Lydia Lunch, Siouxsie and the Banshees, Kraftwerk, New Order, Depeche Mode, DAF, Joy Division… ¿Por qué eligieron el nombre Varsovia para la banda? F.P.: No lo pensamos mucho, pero creo que el sonido que tenemos, que es entre fuerte, oscuro y minimalista nos remite a esa palabra. Muchos nos has preguntado si era por Warsaw, el primer nombre de Joy Division… pero tampoco se trata de un homenaje a esa banda. Creo que la palabra en sí está muy presente en muchas canciones que escuchamos (Warsaw Ghetto de Nitzer Ebb, Warzsawa de Bowie y más) Muchos medios han catalogado su música como synth punk o electro punk ¿Creen que su música se ajusta concretamente a este subgénero o hay un acercamiento también hacía otros estilos? D.G.: Definitivamente se trata de experimentar con las herramientas de que disponemos y también con los estilos que nos gustan, en lo personal no me gustan las etiquetas sin embargo es evidente que no hacemos synthpop o ítalo disco. F.P: Fue en parte porque nosotros describimos nuestra música de esta manera. Otros lo metieron en el saco del “minimal synth” o hasta el coldwave. Puede sonar cliché, pero no queremos cerrarnos en un estilo o género musical. Su primera producción, Recursos Inhumanos, fue lanzada en el 2014 y han obtenido buenas críticas ¿Cómo fue el trabajo de composición y producción del álbum? D.G.: Cuando empezamos el proyecto nos costó encontrar una vocalista adecuada, Sheri Corleone (la primera vocalista) fue una buena opción, sin embargo era de esperar que en algún momento abandone la banda por asuntos per-

sonales, nos demoramos en grabar también por cuestiones meramente técnicas, todos los instrumentos son hardware y sólo usamos la computadora para grabar ya que incluso la mezcla fue analógica, además desde los temas en versión demo hasta la versión definitiva pasaron por un proceso muy largo en producción y diseño de sonido. F.P.: Fue un proceso más largo del que debió ser. En realidad solo tiene canciones y lo demoramos en terminar en más de dos años, desde que empezamos a componer juntos. Hubo algunos hechos al interior del grupo que retrasaron un poco todo. En lo personal, hubiera querido hacer más canciones. Grabábamos donde Dante, en El Paraíso del Silicio, a medida que creábamos la música. De hecho, muchas canciones se quedaron “en el tintero”. El tema de producción lo hacíamos Dante y yo principalmente, y Sheri aportaba las guitarras ruidosas. Se mezcló ahí y la masterización la hizo nuestro buen amigo Eduardo Neira. Otro detalle es que fue un poco a la apurada por que Sheri tuvo que viajar a Europa.

Después de tres años de haber grabado su álbum debut ¿Hoy cómo escuchan esa grabación? D.G.: Aun suena potente y vigente, además de las letras que tocan temas sociales y políticos por decirlo de alguna manera. F.P.: Con un poco de autocrítica, pero en general, me gusta como quedó. Suena muy potente. Hubiera querido, eso sí, que tenga más canciones y hubiera querido experimentar con otros sonidos que, asumo, se hará en el nuevo disco Las letras de sus canciones son desafiantes y tienen un sentido de protesta, nos hablan de la iglesia, sangre y muerte ¿Qué es lo que quieren transmitir a su público? D.G.: Se trata también de buscar una coherencia entre las letras, la forma en que son cantadas y los sonidos que la acompañan, no se trata de agradar a todos sino de mantener una visión clara de las cosas que suceden cotidianamente. F.P.: Cuestionarlos un poco… las letras hablan de violencia política en general, temas cercanos a nuestra historia reciente. Queremos hacer mú-

sica potente y con letras que hagan pensar a las personas. De hecho, a algunos les ha causado rechazo el contenido de algunas canciones… En Sudamérica la música electrónica en general va ganando más espacios ¿Cómo ven a la escena electro en Perú? D.G.: No creo que exista una escena realmente, solo proyectos aislados, algunos interesantes y otros no tanto, sin embargo el problema de fondo se debe más a la falta de espacios donde poder tocar, hacer festivales y compartir con bandas similares. Por otro lado resulta gratificante ver jóvenes que se interesan lo suficiente por usar sintetizadores hardware y no depender de programas o plugins con millones de presets. F.P.: Hay muchos proyectos interesantes, pero me gustaría que salgan cosas de gente más joven. De hecho, los hay, pero sería interesante que crezca, como en México, donde hay muchos grupos en la onda del minimal synth conformados por jóvenes de menos de 25 años. Hablar de escena electrónica implica meter en el mismo saco a gente que hace IDM, techno, EBM, industrial, techno pop, house y más, que son estilos que muchas veces no van de la mano. Si hay algo que los caracteriza, en todo caso, es el espíritu underground e independiente ¿Qué proyectos o agrupaciones peruanas pueden destacar o suelen escuchar? D.G.: Perú siempre ha tenido un legado musical muy rico en varios estilos y disciplinas, así que sería injusto mencionar 10 o 20 bandas que me gustan y tal vez olvidarse de aquella que realmente me influenció, se hacen cosas muy buenas a pesar de las limitaciones. F.P.: Hablando en general (no solo de música electrónica), siempre destaco a Bondage, que es noise rock. También destaco a bandas de hardcore y punk como Dios Hastío, Narcosis, G3, Ataque Frontal. Y los grupos de los 60 y 70 como Los Saicos, Traffic Sound, Los Yorks, Tarkus, El Polen y más. ¿A qué se dedican cuando no están tocando o componiendo?

D.G.: Yo me dedico a la música al 100% y en mis tiempos libres tengo un trabajo estable de instrumentos musicales. F.P.: Soy periodista y terminé una maestría en historia, pero prefiero hacer música. En vuestro medio ¿Es difícil publicar un disco y difundirlo? ¿Cómo afronta Varsovia el trabajo post productivo? F.P.: Depende desde qué perspectiva lo veas. Hemos tenido la suerte de tener a un sello como Buh Records que se encargó de la producción del disco y su difusión en medios básicamente alternativos, aunque la grabación y masterización, además del diseño de arte fue trabajo nuestro. La otra alternativa era hacerlo nosotros, con el riesgo que eso implica. Somos una banda independiente, no sonamos en radio ni en televisón porque los medios acá le dan poca cabida a bandas de rock o música electrónica. Sin embargo, se van abriendo cada vez más espacios, sobre todo en internet. Desde el lanzamiento de Recursos Inhumanos no han editado nada nuevo ¿Está entre sus prioridades trabajar en un nuevo álbum? F.P.: Hemos participado con un tema nuevo en el recopilatorio “Memorias de un continente” que salió en vinilo el año pasado con el sello Infravox Records y donde participan otras bandas de Latinoamérica. También salimos en el disco de tributo a Voz Propia titulado “Hasta el fin” con casi 30 bandas peruanas. Desde que Carla ingresó a la banda en el verano del 2015 hemos compuesto canciones nuevas que saldrán en un segundo disco, que debe estar listo antes de fin de año Un punto importante e imponente dentro del sonido de la banda es la incorporación de una voz femenina. Carla Vallenas ingresa en una especie de segunda etapa para la banda ¿Seguirán manteniendo la estructura y sonoridad inicial? D.G.: Los nuevos temas suenan distintos, algunos más orquestados que otros y la idea es no ser purista con respecto a algún tipo de ins-

trumento o herramienta, generalmente las bases salen de cajas de ritmo y sintetizadores analógicos, luego se pueden añadir más cosas de diferentes fuentes, el hecho que ahora toquemos con secuenciador y módulos MIDI ya nos marca una gran diferencia de cómo era al principio cuando empezamos. F.P.: No. Toda banda debe evolucionar y lo que estamos haciendo con Carla es distinto a lo que hicimos en la etapa anterior. Qué planes tiene la banda para lo que resta del 2017, cuéntennos sobre sus presentaciones. F.P.: El objetivo es terminar el disco antes de fin de año y seguir componiendo canciones nuevas. Sería genial hacer un videoclip también. Hay algunas propuestas para tocar fuera del país que nos gustaría que se concreten y también para tocar en otras ciudades del Perú. Lo más cercano es el concierto con los italianos de Ash Code, este 19 de agosto.

Para la gente que aún no los conoce ¿Dónde pueden encontrar su música? D.G.: A través de Buh Records pueden adquirir el disco físico así como virtual en su página del Bandcamp, también estamos en YouTube y el Soundcloud entre otros… Finalmente, les dejo este espacio para expresar lo que quieran. D.G. A los nuevos valores, nunca se frustren por dominar una herramienta que al final puede ser prescindible. Apóyense en lo que tienen si la conocen bien, antes se hacía mejores cosas con menos recursos y eso siempre hay que tenerlo en cuenta, lo importante son las ideas y la actitud. Muchas gracias chicos por aceptar la entrevista y por la buena onda, a nombre de la Revista The 13th les deseamos lo mejor. D.G. Gracias a ti Ricardo y a la Revista The 13th. Ya nos vemos pronto, con nuevas ideas, nuevo material y mucha buena onda.

[ Entrevista a Parsons Rocket Project por Benjamín York ]

¡REALMENTE APRECIAMOS QUE USTEDES LO COMPRUEBEN!

El quinteto Parsons Rocket Project es de Atlanta, Georgia (USA) y bajo el sello New Texture Records lanzarán el 11 Agosto 2017 su álbum debut homónimo. Después de escuchar varias veces este álbum en primicia hemos conseguido contactarlos y conocerlos mediante una entrevista en donde nos cuentan todo sobre la banda y su debut. Hola Parsons Rocket Project por darnos la oportunidad de esta entrevista. Si bien ustedes son una banda nueva siempre nos gusta profundizar un poco en la génesis de los proyectos. Y para empezar su nombre tiene mucho de ocultismo, aunque también, si uno mira a simple vista el “Parsons Project” nos recuerda a Alan Parson Project. Pero sabemos de John Parsons. De todas formas ¿hay algún tipo de juego con ambos nombres?

La banda se formó en 2015. ¿Cuáles fueron los primeros pasos? ¿No existieron grabaciones anteriores a este trabajo que editarán en breve? Jody tenía algunas letras y algunos esbozos de las melodías. Los llevamos al estudio de Ben Price y empezamos a grabar. Pusimos mucho trabajo en esas sesiones y tomó un tiempo conseguir el vocalista correcto. Llevamos a K Michelle y ella vino y clavó esas canciones rápidamente. Las próximas cosas que saldrán de nosotros será todo material nuevo, y estamos muy entusiasmados con eso.

La banda se inspiró en Jack Parsons, que era un personaje realmente interesante, muy degenerado. El nombre de la banda era una especie de broma nuestra con el enlace a Alan Parsons Project.

en su bicicleta. Estuvo en coma por un tiempo y aún está recibiendo terapia física. Combine eso con los problemas del matrimonio y las batallas de adicción a las drogas en algunas de las vidas de otro y todo se sentía como una receta para el desastre. Esto terminó creando algo hermoso. Hubo algunos parches ásperos seguro, pero la finalización y la eventual edición de la grabación era todo el tiempo el objetivo y ayudó a cementar cosas en su lugar. Ben mezcló el disco mientras estaba confinado a la cama y de alguna manera su post producción terminó siendo otro instrumento. Seguro hizo el mejor registro.

Cuando asocié al “científico loco” aún no había escuchado su disco. Y pensé ¿la música tendrá relación con el nombre de la banda? Pero al escucharlo creo que tiene más que ver con el cráter lunar Parsons que con lo oculto. ¿Cómo describirían su música? El cráter lunar se hace referencia en la pista "Solar Flare". Hay una línea que dice “…y me reiré de la luna" eso es acerca de cómo hay un cráter (en el lado oscuro por supuesto) de la luna que fue nombrada después de Parsons. Él estaba en un montón de cosas extrañas y se hizo un montón de enemigos, esa línea hace alusión a la última carcajada. Describiríamos nuestra música como una mirada de dream-gaze. Hay algunos enlaces al shoegaze, pero no creo que suene muy parecido al shoegaze clásico. Pero estamos muy inspirados por esas cosas. Además del nombre del ingeniero aeroespacial, Parsons, ¿qué tienen de él? Jody escribió las letras, una gran parte de ellas están ligadas de alguna manera a Jack Parsons y su trabajo de cohetería y sus opciones de la vida; "Exit Launch" y "Solar Flare" en particular.

He leído que han tenido contratiempos en estos primeros años. En cierta manera, ¿ésta grabación era el paso para sobrevivir como banda? Sí. Después de hacerse todo el tracking, Ben estuvo involucrado en un accidente horrible en el que fue golpeado por un coche a alta velocidad mientras estaba

¿Hoy como están después de estos difíciles momentos? ¿Se sienten más seguros con la salida de este primer álbum? Algunas de esas dificultades todavía están por desafortunadamente. Pero estamos muy contentos de tener el disco saliendo y esperando poder tocar algunos shows para apoyarlo. Nos sentimos más seguros sabiendo que esas mismas dificultades han creado una acumulación de material que el próximo disco tiene una buena oportunidad de ser mucho mejor que éste. Siempre pienso que el primer álbum de una banda siempre es un “Grandes Hits” de la primera época de la banda. Cómo crear la base, el suelo, luego construir una carrera a partir del primer álbum. ¿Algunas de las canciones son las primeras

que han escrito? Algunas fueron escritas hace mucho tiempo, algunas fueron escritas más o menos recientemente. Afortunadamente somos un grupo de personas que tenemos el mismo interés de crear un buen disco en lugar de preocuparse por ser contemporáneos.

He leído que Jody ha dicho que “Exit Lunch” es una alegoría basada en la caída de Lucifer. Nos gustaría saber que nos pueden decir de cada track. Un “Track By Track”. Exit Launch Exit Launch se inspiró en la descripción de Lucifer en Ezequiel 28 y la prevalencia de la cocaína asociada con las industrias materialistas. Interlude I Una pista instrumental que salió de una pieza que Jeff, Paul y Jody habían tocado hace años en otra banda. Lo actualizamos con el sonido de bajo sintetizado, que me recuerda a Ulrich Schnauss. Pienso en esto como en tomar drogas psicodélicas -el estado de ánimo está determinado por tu mente- éste podría ser oscuro y malhumorado o podría ser brillante y esperanzador sonando dependiendo de tu mente. Burn Perder la batalla contra las drogas una noche y resolver estar bien con ellas . One Moor Call El título original era One More Call; Es una referencia oscura a Dog of the South por Charles Portis de su personaje del Dr. Reo Symes. El título proviene del libro de ficción dentro del libro llamado The Collected Works de John Selmer Dix: "El buen vendedor debe hacer una llamada más, dijo Dix, antes de parar el día". Solar Flare Reencarnación y volver sintéticamente mejor la próxima vez. Es también una referencia a la contribución de Parsons a la cohetería y a la exploración espacial. Interlude II Esta es otra pista escrita por Jeff, Paul y Jody en otra banda hace mucho tiempo, como Interlude I. Encontramos un viejo casete con una grabación de esta y lo trajimos de vuelta a la vida, ha sido completamente actualizado desde cuando se nos ocurrió originalmente. Es muy emotivo al principio, muy reflexivo y bastante triste. Sin embargo esas voces femeninas etéreas entran (Anne, Michelle y Jenn) y suenan esperanzadas, entonces la pista se rompe y luego despega para el hiperespacio. Ben Price puso una tonelada de texturas sonoras en esa parte; Hay una parte de la guitarra que si la escuchas de cerca suena como alguien que canta "keep going". Por lo que comienza incierto pero termina muy esperanzado. ¡Hay un final feliz!

¿Cuáles son los planes de la banda para este año? Estamos muy contentos con la grabación y queremos asegurarnos de que se escuche, por lo que estamos trabajando duro en eso, también estamos listos para hacer algunos shows y estamos en el proceso de escribir nuevo material que es muy emocionante. ¿Cuáles son sus mayores aspiraciones para este año, más allá de lo planeado? Obviamente la pregunta va dirigida a las expectativas y a los deseos. Apoyar el disco con algunos shows en vivo y empezar a traquear material nuevo. ¿Nuestros lectores dónde pueden encontrar a Parsons Rocket Project? https://www.instagram.com/parsonsrocketproject/ https://www.facebook.com/parsonsrocketproject/ https://twitter.com/parsonsrocket https://www.youtube.com/channel/UCWyloOvwXR7mM7YAIA5tXsA https://soundcloud.com/parsonsrocketproject Para ir terminando esta entrevista, dejo este espacio para que expreses lo que quieras a nuestros lectores. Escribimos la música para disfrutarla y nos humillamos por el interés. ¡Realmente apreciamos que ustedes lo comprueben!

[ Entrevista a Demian Castellanos de The Oscillation por Diego Centuriรณn ]

ยกES AGRADABLE NO SENTIRSE COMO UN FORASTERO COMPLETAMENTE!

Nacidos en el 2006 como un proyecto de Demian Castellanos, quien se mantuvo al frente de la banda dirigiendo las direcciones que tomaría la banda en estos once años de existencia. “Evil in The Tree” es su nuevo single, y entre tantas cosas que hablaremos Demian nos contará sobre este nuevo lanzamiento. Una banda que enlaza psicodelia, space rock, y mucha experimentación. Hola Demian, un placer poder hacer esta entrevista contigo. Para empezar vamos con el inicio de la historia de la banda. ¿Cómo y cuándo nace la banda? Hola Diego. No hay un comienzo claro para The Oscillation, es una búsqueda constante para encontrar el sonido que se ajuste al nombre. Terminó convirtiéndose en el proyecto principal para la realización de la música y tuve la suerte de conseguir algunos discos por ahí, tocar algunos shows y un poco más de reconocimiento que los otros alias que estaba usando. Es más un proyecto que una banda en el verdadero sentido de la palabra por lo que ha sido un trabajo en progreso durante muchos años. Fueron bastantes años en el desierto trabajando en cosas que eventualmente se convertirían en The Oscillation. El nombre tuvo modificaciones, ¿primero fue Mesma, luego The Orichalc Phase y finalmente llegó The Oscillation? ¿Cuál fue la razón de tantos cambios? Sí, fue todo un poco aleatorio. Originalmente pensé que tendría un montón de alias diferentes para liberar la música en diferentes géneros y ser muy prolífico, pero que no ha demostrado ser el caso, (risas). También al final parecía más fácil concentrarse en una cosa y progresar y cambiar dentro de eso. La mayoría de las bandas / músicos que me gustan se mueven y cambian de álbum a álbum. ¡Sentí que la música que estaba haciendo necesitaba un nombre para describir el sonido, y que en sí mismo era también una cosa en curso! El primer álbum se editó en el 2007, pero hasta el 2011 no hubo grabaciones, que es cuando llega el segundo álbum, "Veils" ¿qué pasó en el medio de ambos álbumes? Oh, es una larga historia, básicamente me tomó mu-

cho tiempo para completar un segundo álbum, ya que había algunos problemas con los contratos, las ventas de discos y la dirección que quería ir (cosas aburridas). Al final el sello parecía dejar de funcionar de todos modos así que entonces no tenía un sello. Grabé un montón de canciones que terminé perdiendo cuando mi disco duro murió antes de completar el álbum correctamente (¡y no se copia de seguridad que era una verdadera resistencia!). Acabé teniendo que volver a grabar muchas canciones de nuevo y había algunas pistas en las que era demasiado doloroso volver a tratar de grabarlas de nuevo, así que les dejé morir. También era generalmente un punto extraño en la vida pero eventualmente "Veils" salió de él. Creo que ahora lo veo como un buen trampolín para "From Tomorrow", que es más pesado y tiene guitarras más ruidosas. "Out Of Phase" era básicamente mi idea de un Club de grabación, pero no estaba seguro cómo progresar en esto de manera que fluya bien. ¡No quería hacer el mismo tipo de álbum de nuevo porque, en ese momento, mi cabeza estaba en un lugar diferente, así que "Veils" fue un proceso bastante lento! Al final fue auto-lanzado con la ayuda y el estímulo de Tom Relleen en nuestro propio sello que empezamos, All Time Low. “From Tomorrow” llega en el 2013. Se incorpora Valentina Magaletti a la banda, ¿se afianza la formación de la banda? Valentina es una excelente baterista y realmente cambió los shows en vivo, ahora tienen más groove, y la improvisación en vivo parecía venir muy naturalmente. Ella y Tom interactuaron y conectaron muy fácilmente juntos que, obviamente, es muy importante en vivo. También grabó grandes baterías en "From Tomorrow" y "Monographic". Ella es muy muy natural y una fluida sensibilidad al tocar. Luego llegan los álbumes “Live Beursschouwburg” de 2014 y “Monographic” de 2016. ¿Podemos decir que el campo sonoro continuó expandiendo? Fue genial tener un álbum en vivo, ya que es muy diferente a los álbumes de estudio, en el que son muy metódico y hago todo de una manera muy OCD (Trastorno Obsesivo-Compulsivo). Creo que "Live in Beursschouwburg" capta un buen momento en el tiempo en el que algunas de las pis-

tas como “Future Eco” fueron realmente larguísimo y repetitivo que es cómo me imaginé que debería ser en vivo. “Monographic” fue un disco difícil de escribir porque sentí una fuerte necesidad de alejarme del sonido de "From Tomorrow". Quería incorporar algunas otras influencias y obtener un sentimiento punk nihilista más desolado mientras mantiene el mismo tipo de producción (muchas capas sonoras). A veces era un verdadero desafío creer en él. Yo sabía que el sonido tenía que ir a otro lugar, así que fui con él, pero no tenía tanta confianza en él como en el disco anterior. Realmente estaba disfrutando de hacer las pistas, pero un poco preocupado por cómo se traduciría a un oyente. Pero al final del día creo que la principal motivación es mantenerse interesado y no tomar una ruta fácil o pegarme demasiado a las fórmulas estilísticas. Todavía estaba muy interesado en ver lo que se podía hacer dentro de una canción basada en la composición, pero quería cambiar el paisaje sonoro del registro anterior. ¡Lo que más puedo decir es que es diferente para mejor o peor!

Este año lo empiezas editando “Ether” viejas grabaciones de 1995. Si bien ya tenías otro trabajo de recopilación “The KYVU Tapes Vol. 1”. ¿Pensaste alguna vez en una carrera bajo tu nombre “Demian Castellanos”, además de estas ediciones? Sí definitivamente haré más bajo mi propio nombre, acabo de terminar de mezclar The KYVU Vol.2” que son más grabaciones inéditas de 1990-94. Esto debería estar saliendo en 2017 en Cardinal Fuzz / Out Of Phase Frequencies. Sólo decidí lanzar estas pistas con mi nombre porque siento que The Oscillation sólo se convirtió realmente en un proyecto hace 10 años y este antiguo material es otro mundo de años atrás. Tengo un nuevo material que podría ser genial para poner, tiene como una vibra similar a lo que estaba haciendo en 4 pistas hace muchos años, pero tal vez un poco mejor grabado. Experimentos con retroalimentación y drone. No estoy seguro de cuando se materializará un adecuado álbum, pero estoy trabajando entre eso y concentrándome en el nuevo material de The Oscillation.

Ahora la banda cambió de sello y están bajo el ala de Wrong Way Records y para ellos estrenan un single “Evil in the Tree”. Cada track marca un camino diferente. Cuéntanos sobre este single. Yo no diría que he cambiado de sello porque nunca he tenido ningún acuerdo vinculante con cualquier sello, aparte al principio con DC Recordings, fue un acuerdo de contrato adecuado. Espero poder continuar las relaciones con todos los sellos que han publicado mis solistas y los registros de The Oscillation. He estado en contacto con Al Boyd que maneja Wrong Way Records durante un buen tiempo sin saber que tenía un sello, solía reconocer su nombre mucho cuando publicaba los registros de Bandcamp, así que sabía que era un fan de la música.. Él se puso en contacto conmigo y me dijo que le encantaría lanzar un single y así que hablamos por teléfono y me pareció una gran idea lanzar un 7" single que no he hecho muchos.

No puedo recordar por qué lo escribí, pero a veces tienes una idea que no encaja, pero todavía tienes que hacerlo y espero que eventualmente haya una razón para eso.

"Evil In The Tree" se grabó casi al mismo tiempo que "Monographic", pero el estilo de la canción realmente no encajaba en el álbum como probablemente entenderás. Hay un montón de pistas que se registran, pero luego terminan sentadas esperando un lugar, así que estaba muy contento de que salga de la hibernación y obtener un lanzamiento. "Evil" es un homenaje prácticamente homenaje a Nuggets / See Emily Play.

bien en ninguna escena en particular en ese momento, estaba a medio camino entre algunas de las cosas funk punk, pero también tenía este shoegaze/Loop/influencia de MBV. Por lo tanto, era demasiado danzante para ser psique, y demasiado laxo para ser dance. Pero en los últimos años ha habido bandas mucho más interesantes que salen a explorar todo tipo de influencias, que abrió la escena Psyche mucho más. Me

¿Ya tiene canciones para un nuevo álbum? Sí, hay un nuevo álbum de Oscillation terminado y acaba de ser enviado para ser masterizado, estará saliendo en Fuzz Club a finales de este año. Es una dirección muy diferente de "Monographic". De alguna manera es una vuelta a "Out Of Phase" sónicamente y puedes sentir que tiene más groove más Synth/Club. Ustedes ya tienen unos años de carrera. ¿Cómo ven este aluvión de nuevas bandas neo psicodélicas? Sí, ahora han pasado 10 años desde que salió el primer álbum de Oscillation que no parecía encajar muy

gustan mucho las bandas como 10000 Russos, Throw Down Bones, Lumerians, Folakzoid... hay un montón de grandes bandas alrededor que me gustan escuchar mucho. Hace 10 años, no había demasiadas bandas con las que sentía mucho espíritu afín pero ahora hay demasiadas, lo cual es genial. ¡Es agradable no sentirse como un forastero completamente! ¿Qué planes tienes para la banda para este 2017? Estoy pensando principalmente en escribir y grabar en el estudio tanto como sea posible. Estoy a medio camino de otro álbum de Oscillation que espero terminar en los próximos meses, estoy deseando seguir adelante, va a ser bastante pesado y en algunos lugares extraño. Estoy emocionado de trabajar en ello correctamente ahora que el nuevo disco está terminado, del cual la mezcla me ha vuelto loco. ¡Probablemente gasté 10 veces más tiempo mezclándolo que grabándolo! Creo que en lo que respecta a tocar en vivo va a haber un tiempo antes de que suceda de nuevo, no estoy seguro de cuánto tiempo para ser honesto, tengo que volver a tener ánimo y la confianza para eso, y aún

no estoy listo para eso. El nuevo álbum de Oscillation que saldrá este año será bastante difícil de tocar en directo, pero el siguiente será posible, creo, y entonces ese será probablemente el momento adecuado para volver a la carretera otra vez... Supongo que en algún momento en 2018, ¡No lo sé con seguridad! ¿Dónde podemos encontrar la música de la banda? Supongo que el lugar más fácil es bandcamp: https://theoscillation.bandcamp.com/ El nuevo single está disponible aquí también. La mayor parte de él está también on-líne en los lugares habituales, así como en algunas tiendas de discos indie. Agradeciéndote las respuestas y esperando que pronto podamos hacer una nueva entrevista. Te dejamos este espacio para que les digas a nuestros lectores lo que quieras. Bueno, sólo gracias por escuchar y apoyar, ya que hace que ¡todo valga la pena!

[ Entrevista y Fotografía a Césped por Marina Cimerelli ]

¡NOS GUSTA PRESERVAR LA LIBERTAD DE EXPLORAR DIFERENTES TERRENOS!

Estar frente a una banda en pleno ensayo, además de un voto de confianza, probablemente sea una de las situaciones más jugosas que un melómano pueda ser invitado a presenciar; una suerte de voyeurismo, pero de raíz musical. Y si también da la casualidad de que esa banda está estrenando disco e integrante, la experiencia se potencia. Es en ese contexto que los muchachos de Césped reciben al team 13th, y entre mates, bocanadas varias y un felino que deambula por arriba de los sillones sintiéndose uno más de la cofradía, confiesan que seremos los primeros “extraños” en escucharlos tocar en vivo el material del nuevo disco. “El Destierro” es el segundo álbum de estudio de este trío-devenido en cuarteto-devenido en quinteto, que ya hace un tiempo trasladó su base de Bahía Blanca a Buenos Aires, y ahora acaba de incorporarse al catálogo del sello independiente Fuego Amigo Discos. Con Mariano Di Césare a cargo de la producción y aportando también su magia desde los arreglos, la apuesta de “El Destierro”, a diferencia de su antecesor, “La Calma”, que ofrecía un sonido más crudo y rutero, esta vez es código pop, actitud electrónica y pulso postpunk -no sin una buena dosis de atmósfera psicodélica-. Después de pasar largo rato metido en el estudio y sin tocar en vivo, el ahora quinteto integrado por Juan Manuel Gardés, Martín Spinelli, Juano Saldaño, Santiago Naya y Juan Pablo Mareco, vuelve a la carga con cuatro fechas de presentación en el teatro La Lunares, todas con localidades agotadas. En este marco, y atrincherados en la guarida cespediana (una casa tipo PH en el barrio de Almagro, que a su vez funciona como sala de ensayo, fraternalmente compartida con los camaradas de Mi Amigo Invencible), conversamos cara a cara con los artífices de esta elegante aventura sonora. Acaban de lanzar su segundo disco de estudio. ¿Cómo funciona la dinámica de la banda a la hora de componer una canción, y qué

nos pueden contar del proceso de grabación de “El Destierro”? C: “El Destierro” fue un proceso de composición y grabación simultánea; un tiempo largo donde el mecanismo era encerrarnos, primero, a componer cada instrumento y después, a grabarlo. Teníamos decidido tomarnos el tiempo que se necesite para logar un trabajo lo más depurado y prolijo posible. En cuanto a la composición, se fue haciendo todo de manera colectiva; no hay una dinámica fija a la que nos atemos a la hora de componer, ya que a veces comenzamos pensando la música y luego la letra, y en otras canciones pasa lo contrario: de una hoja de papel pasamos a la canción. Creemos que hay una línea conceptual que une este último disco con los anteriores; como si nuestra discografía fuese una saga: La batalla de Yatay como el origen, “La Calma”, como el momento posterior a eso, una suerte de declaración de paz, y “El Destierro”, como la partida en busca de nuevas tierras, nuevos rumbos. En el disco hay varios temas con “beats” bastante bailables. ¿Lo pensaron desde ese lugar, como un disco con el que se pueda bailar? C: A diferencia del disco anterior, en “El Destierro” no nos concentramos tanto en las guitarras, sino en lograr una base que mantenga el “beat” de los temas, con el bajo y la batería; sabíamos que esos serían los pilares que sostendrían el disco. Así que sí; hay algo en eso de los beats, que también tuvo mucho que ver con la mano de Mariano Di Césare en la producción. Él nos dio vuelta la cabeza con cómo quería que sonaran las baterías, bien airosas y “beateras”. Al principio nos costaba entenderlo, pero nos entregamos a su idea y el resultado está genial. ¿Cómo surgió trabajar con él? C: Con Mariano nos conocemos hace varios años y nos fuimos haciendo amigos, incluso ahora compartimos la sala de ensayo. La verdad que lo admiramos mucho por su trabajo en Mi amigo invencible y El príncipe Idiota. Esto hizo que todo el proceso sea muy natural, un poco por nuestra

admiración hacia él como músico, y otro poco, por la amistad que tenemos. ¿Y el vínculo con los chicos de Fuego Amigo Discos? C: A los Fuego Amigo los conocimos el mismo día que a Mariano. Fue en un festival que se llamaba Pasto, y lo organizaban Juan Borón (mendocino también) y Alejandro Duro. Hace años que venimos tocando en fechas de ellos, y que colaboran con nosotros cuando producimos las nuestras. En ambos casos se dio primero el vínculo de la amistad, y lo laboral vino después. “Mi Enemigo” recuerda por momentos a Kraftwerk: por más que usen instrumentos tradicionales, tiene una actitud muy electrónica. ¿Les interesa incorporar lo electrónico a la banda, o por lo menos tenerlo presente como un influencia? C: Sí, nos gusta escuchar música electrónica. De hecho nos gusta mucho Kraftwerk, ese minimalismo hipnótico que busca más que nada meterte adentro de un viaje por sobre el perfeccionismo virtuoso. Hay mucho de eso en Césped. Y la forma de grabar también está muy influencia-

da por lo electrónico: por ejemplo, muchas de las baterías del disco fueron grabadas en pequeñas partes, y después reunidas en el estudio; esa es una forma de encarar la música bastante parecida a la electrónica, a diferencia de una banda más rockera, tradicional, donde quizá sea el riff el que funcione como loop. La llegada de Juano Saldaño a la banda con el sonido vintage del Farfisa también aportó mucho de esa estética. ¡Sin ir más lejos, en el ensayo hubo un octapad! La canción más larga del disco dura poco más de tres minutos; el resto, de ahí para abajo; en realidad esto viene desde el disco anterior. ¿Hubo una búsqueda en relación a eso, fue una decisión? ¿O fue espontáneo? C: Tuvo que ver con la intención de abocarnos a componer canciones, a diferencia del material anterior, donde teníamos más cuelgues psicodélicos. Con El Destierro la voluntad fue que todo se ponga al servicio de la canción, y en ese sentido todo lo que sintiéramos que sobraba o no aportara, o fuera un mero adorno, preferimos dejarlo afuera. Queríamos poner sólo lo justo y necesa-

rio; nada de más. Así que sí; en ese sentido se podría decir que hubo una decisión. “La sangre derramada” es una canción que sorprende por todo lo que puede transmitir en tan poco tiempo, tiene un clima muy de cine de suspenso, cuenta una pequeña historia en poco más de un minuto, y en ese sentido el videoclip está muy bien resuelto, acompaña esa búsqueda; ¿cómo surgió? C: Sí, claramente no es un tema que surja a primera escucha como un potencial primer corte, y también nos gustó jugar con eso; elegirlo como el sencillo menos esperado. El video lo grabamos con la producción de Mauro Fernandez Arizzi y la dirección de Francisco Rosso, y queríamos hacer algo que se viera profesional, con las herramientas que estaban a nuestro alcance. Estamos muy contentos con el resultado; además tiene una idea argumental que fue de la banda, y está hecho de manera completamente profesional, como queríamos en un principio. La portada del disco es otro acierto… C: Sí; en realidad trabajamos con el artista Nicolás Guardiola de manera muy colaborativa; le fuimos expresando ideas que teníamos en men-

te durante la grabación. El proceso de grabación duró casi un año, y cuando le pedimos que se encargara de la portada, todavía no teníamos el título del disco definido. Definitivamente fue una parte importante dentro del proceso creativo. Cuando vimos la imagen que había pintado, el nombre El Destierro surgió casi de inmediato. Escuchando “El Destierro”, también resuenan ecos de bandas representativas de la escena local como Adicta o Babasónicos; hasta podría pensarse en Daniel Melero en canciones como “El friso de la vida”, por ejemplo… pero más allá de estas citas particulares; ¿qué música los inspiró? C: Sí, claro; hay algo de todo eso. Con respecto a Babasónicos, tuvimos muy presente el disco “Miami”, y “Miedo”, de Adicta, también estuvo entre las referencias. Melero nos gusta mucho; no podemos imaginar su música sin verlo a él al frente cantando como el gran crooner, y en ese sentido, nosotros también quisimos que la voz estuviese bien al frente en la mezcla. Otra banda que podemos citar es a los Residents, hay un disco que tiene como cincuenta temas y todos duran aproximadamente un minuto; ese concepto nos inspiró “La Sangre Derramada”. También nos influyeron bandas como Deer-

hunter, o el disco “Mala”, de Devendra Banhart. Además nos gustan mucho las bandas de nuestros amigos, o las bandas con las que compartimos fechas y salimos a tocar. Son parte fundamental de nuestras influencias.

demos entre nosotros con que se llamaría “Césped Sintético”…la verdad es que, en ese sentido, nos gusta preservar la libertad de explorar diferentes terrenos sin atarnos a un género en particular.

Ahora que mencionás el vínculo con las bandas locales: ¿cómo ven y como viven la escena independiente; qué bandas escuchan? C: Estamos muy conectados; ¡vemos bandas todo el tiempo! Hay una gran comunidad dentro de la escena y nos bancamos mutuamente con las bandas amigas: Atrás Hay Truenos, Pyramides, El príncipe Idiota, etc. Pero más allá de eso, también somos completos admiradores de esas bandas y disfrutamos mucho los shows desde ese lugar. Por otro lado, hay dos integrantes de la banda que también tienen otros proyectos: Los Días y Chico Láser.

Ahora se encuentran presentando oficialmente el disco en el Teatro La Lunares. Son 4 funciones, y vienen agotando todas las localidades. ¿Cómo están viviendo esos shows, el debut de Juano y la puesta en escena de “El Destierro”, este retoño en el que tanto tiempo y trabajo invirtieron? C: El show está centrado casi completamente en El Destierro, excepto algunas cosas del disco anterior. Tratándose de la presentación oficial, queríamos un lugar íntimo, con butacas, que nos permitiera presentarlo con todo un trabajo audiovisual muy cuidado y que la gente estuviera atenta al show; ya habrá tiempo de girar por el circuito y tocar en otros escenarios. Por lo que viene pasando, estamos sobre nuestras expectativas; todas las fechas se vendieron sin necesidad de abrir boletería, las 3 que hicimos hasta ahora fueron muy distintas y emotivas. Estamos agradecidos, y ya programando la agenda para salir a tocar.

En su catálogo está la curiosidad de un tema editado como single: “Vas a volver”; que a propósito, suena muy distinto al resto de sus temas. ¿Cómo surgió? C: Muy al contrario del largo proceso que llevamos adelante con “El Destierro”, este tema nació jugando en estudio con los instrumentos y nuestras voces. Surgió mediante un proceso de experimentación, y lo hicimos en 2014 para un disco compilatorio, "Superbeat invierno mixart". La intención de ese single era que sonara medio electrónico; de ahí surgió la idea de, en un futuro, hacer un disco que vaya por ese lado. Incluso jo-

Fechas confirmadas: 17/08 en la Dark Side Of The Party (Emergente Almagro), el 9/09 en Roseti, en el marco del ciclo de Fuego Amigo Discos, y el 13/10 en La Tangente.

LAS COSAS PUEDEN CAMBIAR MUCHO PARA EL PRÓXIMO LANZAMIENTO

[ Entrevista John Treanor de Tombstones In Their Eyes por Benjamín York ]

El nuevo rock psicodélico nos sigue dando bandas que brotan como agua entre las piedras. Uno levanta una piedra en una carretera de cualquier parte del mundo y aparece una banda de rock psicodélico, y la mayoría con una calidad y personalidad exquisita. La lista sería interminable y mencionaríamos excelentes bandas nuevas. Hoy les presentamos a otra banda de los Estados Unidos, precisamente de Los Ángeles, Tombstones In Their Eyes, quienes lanzarán a principio de agosto un EP de cinco canciones, que nos elevan al cielo gris cargados de feedbacks y reverberaciones que nos sacuden una y otra vez pero de manera celestial. Hablamos con su líder, John Treanor, para conocerlos e invitarlos a que busquen en sus redes sociales y los sigan. Para empezar vamos al principio de todo. ¿El nombre sale de la letra de la canción de Steppenwolf “The Pusher Man”? Sí, el nombre proviene de la canción "The Pusher", que fue hecha famosa por Steppenwolf. Originalmente fue escrita y realizada por Hoyt Axton, cuya versión es muy buena también. Por alguna razón, esa línea “You know, I've seen a lot of people walkin' 'round With tombstones in their eyes” realmente me atrapó en el momento en que este proyecto comenzó a tomar forma. Las canciones eran oscuras, y sentía que encajaba. He leído que la banda empezó como un intercambio de demos con tu amigo James Cooper. ¿Es eso así? ¿Cuándo sucedió y cuando decides armar una banda? James y yo nos conocemos desde que teníamos unos 13 años. Nos fuimos por caminos separados después de la escuela secundaria, y vivimos vidas muy similares, curiosamente - una especie de estilo de vida rock drogadicta - antes de que ambos nos limpiáramos. Cuando volvimos a conectar a finales de 2012, era como si no hubiera pasado el tiempo. Decidimos intentar escribir algunas canciones juntos y comenzamos a hacer eso, a pesar de que él vivía en NY y yo estaba en LA. Garageband y Dropbox lo hicieron posible. Me gustaba escribir algo, luego despertar a la mañana siguiente para encontrar que ha-

bía sido editado, las baterías añadidas, etc. Eso fue genial y James realmente alentó mi composición. En cierto momento, formé una banda en Los Ángeles para volver a grabar los demos y ahí fue cuando se convirtió en Tombstones In Their Eyes, la banda, más que el proyecto. En el primer álbum, “Sleep Forever” (2015), James no aparece en los créditos y ni en los del EP “Bad Clouds” (2016) tampoco. Pero sí en el nuevo EP. ¿James se ha unido definitivamente a la banda? James tiene créditos de composición en algunas de las canciones del primer disco, pero no tocó en las grabaciones. Debería haberle dado un crédito, como lo hice en el nuevo disco, por la Guía Musical, ya que ese es su papel. Él todavía ayuda, en el fondo, empujándome y contribuyendo sus propias ideas y opiniones ¿Cómo describe la palabra psicodélico en su música? Esa es una pregunta difícil de responder. Técnicamente, con esta banda, proviene de opciones de acordes, opciones de melodía y ciertos efectos como fuzz, delay, reverb, así como capas. En nuestra música y composición, realmente viene de influencias musicales. Todo de los Cramps, Butthole Surfers, Lyres, Pussy Galore, Devo, Spacemen 3, Brian Jonestown Massacre, Catherine Wheel, Built To Spill, Love, Beach Boys, el garage de los 60’s, de las bandas revivals garage/psicodelia de los 80’s, Electric Wizard y mucho más. Sé que algunas de esas bandas no se consideran psicodélicas, pero yo creo que sí (risas). Soy básicamente un chico que comenzó con los Beach Boys, Elton John, Rolling Stones, luego pasó por Kiss, Aerosmith y luego el punk rock me voló la mente y realmente abrió las cosas. De punk rock, se ramificó en el ruido, indie, garaje, metal, etc. Nunca he sido uno de esos tipos que quiere tener una banda que se vea vestido y sonando como si hubiese salido de 1966. Me gusta algunas de esas bandas, pero mi música es una mezcla de todas mis influencias y soy demasiado perezoso para averiguar cómo vestirme como un perfecto hombre de los años 60. ¿Qué te ha enseñado el trabajo con las dos primeras publicaciones? ¿Qué error (si hubo

alguno) no has repetido en este nuevo EP? Desde el primer lanzamiento, “Sleep Forever”, me di cuenta de que debería haber hecho un EP, o dos EP. Me enamoré del proceso de grabación y seguí agregando canciones. Creo que habría sido mejor mantenerlo corto y centrarse en que las canciones que encajan mejor. Así que aprendí de eso e hice el EP de “Bad Clouds”, y bastante rápido. No sé si aprendí algo del EP de “Bad Clouds”, excepto que estoy muy orgulloso de ello, (Risas). Las canciones encajan bien y pude estar detrás de cada una. Desde la portada de las dos primeras publicaciones se nota un cambio en “Fear”. Podemos decir que los dos primeros forman un díptico de la obra “Ships in Distress off a Rocky Coast” (1667) de Ludolf Backhuysen. Este cambio es también sonoro. Es indudable que algo cambió en la banda, ¿puedes decirnos qué fue lo que ha cambiado? La obra de arte que había estado utilizando para los lanzamientos anteriores, y para todos los demos de Soundcloud, eran principalmente pinturas de barcos en peligro en mares tempestuosos. Eso se convirtió en un tema que me gustó, y que se ajustan a la música, ya que la mayoría de ella se trata de una persona en peligro. Esta vez, decidí hacer algo diferente y encargué una pieza de Darren Grealish, un artista bien conocido que hace pósters psicodélicos, portadas de discos, etc. Le pedí que incluyera una nave en la obra de arte. Y, sí, la banda había cambiado un

poco. Josh Drew, que tocó el bajo en los lanzamientos anteriores, había cambiado a la guitarra y ahora teníamos a Mike Mason en el bajo. Por lo tanto, se había convertido más en una banda, en vez de yo y amigos que me habían ayudado a hacer un disco, como fue en la grabación de Sleep Forever. Si bien el diseñador de las portadas sigue siendo el mismo, Steve Gerdes. Ahora en “Fear” adoptan un trabajo de Darren Grealish, quien realiza muchos posters. Y ahora es que uno ve la portada y sabe que hay psicodelia en el sonido. ¿Esta búsqueda es intencionada? Steve Gerdes, un buen amigo, también montó el packaging para el nuevo EP. Él es un profesional y ha estado haciendo portadas de discos por más de 30 años, creo, así que me siento honrado de que me ayude con mis pequeños lanzamientos, (risas). Steve básicamente toma la obra de arte y monta el packaging. Con el EP “Fear”, en realidad hizo más, ya que sólo tenía la portada, así que consiguió el archivo original de Darren y utilizó elementos de la portada en la parte posterior e interior de la funda del CD. Pero sí, quería algo para la nueva portada que diera un poco más de pista de lo que contenía. Así que, encontré a Darren después de ver un gran cartel que había hecho para Brian Jonestown Massacre. Por alguna razón, nunca había tenido la idea de buscar el arte de esta manera, ya que había estado apropiándose de las viejas pinturas durante tanto tiempo.

¿Puedes hacer un “Track by Track” de las canciones del EP?

Esta era una canción nueva, y algo diferente de los demos anteriores. Quería hacer algo más heamuy suaves. Se trata de la depresión y querer morir o escapar.

y agregó algunas fuertes baterías electrónicas y las líneas de sintetizador. Fue genial, tan diferente a el sintetizador de James y sus baterías electrónicas. Así que tiene tanto las baterías electrónicas y neas de heavy fuzz.

droga heroína. “Another Day” ya que está escrito desde la perspectiva de una mujer. Una canción bastante simple con un montón na, pero terminamos metiéndolo y lavó la canción con una guitarra heavy con flanger. Otra canción sobre alguien con la soga al cuello. “Fear” Una nueva canción que acabé de demear antes de iniciar la grabación. Quería algo más fiel a mis propio temor generalizado y la preocupación de vivir la vida, algunos de ellos tienen sentido y otroscompleto todo el tiempo).

¿Cuáles son tus planes para la banda en este 2017? James y yo estamos empezando a escribir canciones de nuevo. También me reuniré con Josh y Mike para escribir juntos, lo cual serían las primera. Eso les daría más participación en sus propias partes y cambiaría un poco la dinámica, así que las cosas pueden cambiar mucho para el próximo lanzamiento. No puedo esperar a volver al estudio, así que probablemente haya rápido otro EP apenas tengamos algunas canciones nuevas. Entonces, esperemos algunos shows, ya que nos hemos convertido en un proyecto de estudio (que no me importa). Necesitamos un baterista para los shows en vivo, por lo que la búsqueda comenzará en breve.

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

Hoy: The Brian Jonestown Massacre Don't Get Lost (2017)

The Brian Jonestown Massacre - Don't Get Lost Label: A Records Fecha de Lanzamiento: 24 de Febrero de 2017

En este número nos hemos propuesto elegir un nuevo álbum de una de las bandas que llevan adelante el nacimiento de la Neo psicodelia en lo estrictamente musical. La banda de Anton Newcombe ha influenciado de manera vertical a la mayoría de las bandas que hoy dominan la escena psicodélica del mundo. Para esta nueva entrega de "En La Mirada de los Otros" nos propusimos hacer un relevamiento de las opiniones de varias bandas de todo el mundo acerca de Don't Get Lost. Así que la dinámica fue asignarle a cada artista o banda un track del álbum para que desarrolle sus sensaciones. Algunas canciones tienen a dos artistas que la han reseñado, con distintas miradas… Y este es el resultado... Agustín Fadel

Stevie Moonboots

Stephen Lawrie

(In Corps Santic)

(The Orange Kyte)

(The Telescopes)

Argentina

Canadá

Marcel Willou

A Victim

(Nuvem Leopardo)

of Society

Brasil

(Grecia)

John-Paul Hughes (Helicon) Escocia

Prins Obi (GRECIA)

Alfonso Herrero

Jason Edmonds

(Berlina)

(Dead Gurus - Magic

España

Castles) UK

Iván Mirabal (Iguana Lovers) Argentina

Mike Nesbitt (Little Cloud Records) USA.

Josiah Webb

Cristian Z. Castillo

(Magic Shoppe)

(Cuarto Flotante)

Chile.

Marc Crane

(Deportivo Alemán) Argentina.

(Parsons Rocket

Muertos

Project)

(UK)

EEUU.

Vincent Van Fläuers (Flores de Sinaloa)

Mike Bee (Last Bee On Earth) UK.

Fernando Alemán

Paul Curry

DeAnna Avis

Argentina

John Treanor (Tombstones In Their Eyes) EEUU

Open Minds Now Close Agustín Fadel (In Corps Santic) Es un track que nos transporta a la esencia psicodelia de los 60’s cayendo directamente en comparaciones con las etapas más oscuras de The Velvet Underground. El beat bien marcado de la línea del bajo, simple y constante le da un color punk noventoso. Nos hace encontrar en una zapada constante con sonidos lisérgicos invadiendo de principio a fin. Un mantra de 8 minutos donde se suman y se quitan elementos durante el transcurso de este. Las guitarras están utilizadas para generar atmosferas acidas y las voces bien podridas le dan el tinte oscuro a esta gran introducción de álbum. Marcel Willou (Nuvem Leopardo) Es la canción que abre el decimosexto álbum de larga duración de los Brian Jonestown Massacre. Ocho minutos de un asombroso viaje Krautrock donde los bajos profundos complementan perfectamente las baterías en un loop hipnótico y extremamente adictivo. Las melodías creadas por el sintetizador/melotron y guitarras tremolo en estilo drone crean una atmósfera singular y humeante. Anton canta en tono enigmático y la letra esta envuelta en una niebla que cautiva el oyente, mimetiza una especie de ser pos-apocalíptico que corre en velocidad por las calles taciturnas de Berlín.

Melodys Actual Echo Chamber Prins Obi “Baila al ritmo de los muertos vivientes // ¿Dónde está tu Dios ahora, gente en trance? // Tocino de domingo para la generación del lunes // ¿parafraseando el proyecto de Melody Prochet o una sutil invitación a un éxodo parecido a una cena?”

Resist Much, Obey Little Iván Mirabal (Iguana Lovers) “Resiste mucho. Obedece poco” Llego a mi casa después del laburo, pongo el último de los BJM en random y empieza con este tema. En simultáneo prendo la tele sin audio. La imagen TV muestra la represión en Pepsico. Mientras suena la banda, me fijo el nombre del tema. Es eso. No soy muy fan de BJM, me gusta cuando lo escucho. Mi amigo y socio en Iguana Lovers, Ariel Soriano, tiene locura por estos changos, de hecho estuvo con ellos cuando tocaron hace poco en Buenos Aires, recordando la anécdota que Mark Gardener nos contaba cuando Anton Newcombe y su pandilla se instalaron en su estudio de Oxford y se lo dieron literalmente vuelta, y no pudo mezclar nuestro disco "Psicoclash"... Sin saberlo, Anton nos hizo un favor. Cuando empieza, el tema me hace acordar a Sister Of Mercy. Es un fraseo que sigue, no se detiene, y eso le da la fuerza a la canción. Las imágenes de la tele se montan sobre el tema que suena, y viceversa. Es un tema duro, carece de esa cosa "psicodélica" que yo escuchaba en temas de otros discos. Ahora siento una psicodelia combativa, me atrevo a imaginar. El disco está grabado en el propio estudio que la banda instaló en Berlín. Todos los temas tienen esa onda de viaje, que no se detiene, de minimalismo Krautrock, Free-rock / Música en libertad, medio antipop por momentos, es eufórico también, pero nunca carente de sensibilidad. Tal vez no sea

nada que no se haya escuchado, pero es ecléctico y experimental. Me gusta que varios tracks, no tengan estribillos, no hacen falta. Ya estás arriba, y seguís subiendo. Me imagino a los BJM sonando en luchas futuras, en radios rebeldes de ese momento... La canción terminó. La represión no. Hay que resistir mucho todavía... Mike Nesbitt (Little Cloud Records) ¡Sube a ese que hace dedo, éntralo en tu coche y comienza a conducir en una carretera recta del desierto! Esta melodía posiciona al oyente entre el guardabarros de un Ford Mustang 1967 y una pared de ladrillo cubierta de polvo del desierto. Rítmicamente “Resist Much, Obey Little” suena como una continuación de "What You Isn’t" del 2014, pero un poco más crudo. El título de este track es un guiño directo a “Leaves Of Grass” de Walt Whitman, la combinación de guitarras acústicas y eléctricas en esto es perfectamente abrasivo. He estado enamorado de BJM desde que era un jovencito y ellos nunca han fallado en presentar una oferta seria… como ésta. ¡Me agrada!

Charmed I'm Sure Mike Bee (Last Bee On Earth) Este es un comienzo perfecto para una canción para mí. ¡Un patrón libre de batería tribal, como también los patrones hipnóticos y rítmicos de las teclas que comienzan a entrar y a mezclarse y a afectar al lóbulo frontal! Hay belleza en la simplicidad de esta pista. Me encanta el caminar del bajo justo en el punto medio. Es como que se encontrara de vacaciones y decide ir, para una aventura poco inesperada, a unos bares (o tal vez a unos pocos bares) antes de regresar al vórtice del torbellino donde comenzó. De primera.

Groove Is In The Heart Stevie Moonboots (The Orange Kyte) Un malévolo holgado groove y una insistente e hipnótica guitarra con fuzz y trémolo son la estructura de esta. Estoy enamorado del sonido dela batería en esta, ¡estelar! Para mí, la canción trae a la mente el cover de Spacemen 3 de los Elevators “Rollercoaster” Y el tratamiento suena como si fuera algo del disco de Munki de The Jesus and Mary Chain. Un bajo libre que parecería ser de un álbum de Heavy, la energía de esto miente dentro del escaso del arreglo. Las voces de llamada y respuesta de Tess y Anton son distantes y peligrosas, mientras que también a veces se sienten frágiles. Roto y hermoso. El libre solo catártico la guitarra hollow-body hacia el final es tan bueno que quiero comerlo. Y tal vez lo haga.. A Victim of Society “The Groove Is In The Heart” es oscuro como el corazón del hombre. Con un ritmo que te arrastra hacia delante, lo suficiente para que el trémolo de los sintetizadores te mantenga en línea. Las voces de Anton Newcombe en yuxtaposición a la voz de Tess Parks hacen lo mismo, uno te asusta y el otro te hace querer volver por más. Si hay algo que The Brian Jonestown Massacre pueden hacer, es que pueden meterse fácilmente con tu psiquis, y eso es lo que hace esta canción.

One Slow Breath

Alfonso Herrero (Berlina) En un disco cargado de drones, sonidos industriales, kraut, estructuras minimalistas, grooves bailables con

olor madchester, encontramos esta canción única, mostrando el lado más amable de todas esas características marca de la casa, y en el que se impone un recitado más propio de un Lou Reed o Nick Cave. Un obstinato melódico de piano conduce esta pieza musical de principio a fin, que dialoga con una línea de bajo sintético, junto a un tono sinusoidal agudo (a veces incluso molesto), creando una atmósfera de misterio y angustia que, de alguna manera, prepara el camino a una letanía u oración recitada. En los espacios sin voz sobresale una textura de guitarras reverberadas, que nos hacen desviar la atención de ese fondo obsesivo y nos induce un inevitable estado de trance pasados los primeros minutos. Y es que es el segundo corte más largo del disco. Josiah Webb (Magic Shoope) ¿Alguna vez has querido apagar todo y sólo una jodida fianza sobre la realidad o quizás reunirse con un ser querido alejado? Si lo tienes, entonces entenderás la sensación que evoca esta pista. La canción comienza con un bajo sintetizado compacto y un hi-hat hiperactivo, junto con un repetitivo piano lo-fi que añade melodías profundamente melancólicas. Justo cuando comienzas a perder el contacto con tu mente, un cambio de clave mellotrón-esque entra y te lleva en un camino ligeramente alternativo. El camino es más como un desvío, sacándote del curso, pero sólo por un momento. Es difícil distinguir las letras, pero están extrañamente presentes, casi reafirmando. Todo va a estar bien... siempre es... y siempre lo será. Un jodido plus.

Throbbing Gristle Marc Crane (Muertos) Déjame sacar el chorro del camino primero. The Brian Jonestown Massacre es mi banda favorita, por lo que es difícil no ser imparcial al mirar cualquiera de sus tracks. Incluso las canciones que no me enamoro al instante terminan siendo repetidas en mi casa y hay un catálogo tan enorme de música para disfrutar (¡gracias Anton!). Entonces, Throbbing Gristle. La primera vez que escuché esta canción fue en LA, donde estaba lidiando con algún jet-lag serio y siempre me transportan de vuelta a esa zona espaciada cada vez que la escucho. La pista se abre con gigantescos nubarrones de distorsión. Suena como un amplificador de guitarra que está siendo pateando una y otra vez con el ritmo hipnótico y al instante me da ganas de bailar y golpea mi cabeza. También soy un gran tonto para canciones que tienen una sensación inminente de desesperación y 'Throbbing Gristle' ciertamente tiene esto. La canción golpea de pleno con el efecto de la voz áspera de Tess Park y en la medida en que el título del álbum sugiere que no, me pierdo en un carnaval de sonidos industriales, electrónicos, psicodélicos y distorsionados que me envían a un baile en forma. DeAnna Avis (Muertos) Esta canción me hace cosquillear. El digitalizado bajo de “square-wave” en la intro es como una nave alienígena que baja para aterrizar. Luego entran las guitarras con trémolo con algo de sonido oriental. Es increíblemente relajado y un viaje mental al mismo tiempo. Nada beats un poco de pandereta para mover las caderas. Sonidos distorsionados como las olas que se estrellan golpeándonos como la orilla de una playa arenosa sobre el groove hipnótico. Y trémolo - posiblemente la única cosa mejor que la pandereta de nuestro libro. No se puede tener suficiente - tremolo generoso es realmente el sonido de la Ommm universal. Este tipo de canción me hace querer hacer yoga y tener un porro al mismo tiempo. Termina con los pitidos alienígenas como una transmisión desde el espacio exterior - ¿a dónde vamos? Suena como si estuviéramos en un barco que se alejaba de la tierra. Hermosa.Entonces, Throbbing Gristle. La primera vez que escuché esta canción fue en LA, donde estaba lidiando con algún jet-lag serio y siempre me transportan de vuelta a esa zona espaciada cada vez que la escucho. La pista se abre con gigantescos nubarrones de distorsión. Suena como un amplificador de guitarra que está siendo pateando una y otra vez con el ritmo hipnótico y al instante me da ganas de bailar y golpea

mi cabeza. También soy un gran tonto para canciones que tienen una sensación inminente de desesperación y 'Throbbing Gristle' ciertamente tiene esto. La canción golpea de pleno con el efecto de la voz áspera de Tess Park y en la medida en que el título del álbum sugiere que no, me pierdo en un carnaval de sonidos industriales, electrónicos, psicodélicos y distorsionados que me envían a un baile en forma.

Fact 67 Vincent Van Fläuers (Flores de Sinaloa) Anton cabalga al galope sobre el oscuro beat Manchester, lleva consigo su inconfundible y reverberante guitarra eléctrica. Tim Burguess señala el rumbo, nocturno, filoso. Es un buen momento para entregarse de lleno a Brian Jonestown Massacre. Keep music evil.

Dropping Bombs On The Sun Stephen Lawrie (The Telescopes) ¿Suena un poco como algunos de los materiales anteriores de The Telescopes? Con Mazzy Star en voces... quizás con el respaldo de Beta Band? Buena melodía.

UFO Paycheck John-Paul Hughes (Helicon) Ha sido un camino rocoso. Hemos tenido buenos y malos momentos. Caído dentro y fuera del amor. Se han dado por sentado. Aburrirse. Nuestros defectos, nuestros fracasos. Supongo que es de esperar cuando hemos estado juntos por tanto tiempo... Pero luego haces lo que siempre haces... Me sorprendes. Apuñalas en mi corazón con su generosidad de espíritu. Tu negativa a ceder a las tendencias, las modas y la opinión popular... Perturbar o someter... Me deleitas. De nuevo... Nosotros perduramos. Porque como cualquier relación que valga la pena luchar por vos me hace sentir algo, cualquier cosa. Un campo unificado como ningún otro... Así es con UFO Paycheck. Su drone amenazador y su feedback ofrecen el vislumbre tentador del viaje por delante antes de que las baterías se encajen en un ritmo implacable complementado por notas cálidas del bajo, guitarras fuzz, zumbidos y teclas siniestras. El groove se basa suavemente en la intensidad y al mismo tiempo inquietante, misteriosa línea melódica me agarra por la garganta ya estoy en el camino. Agarrando la rueda, acelero. Detenerse para nada y por nadie. Atravezando el desierto con sólo el polvo, el caos y el desorden en mi espejo retrovisor. Este no es el sonido BJM clásico en cualquier tramo de la inventiva. Por eso me gusta. Siempre interesante. Siempre innovando. Siempre inspirador. Anton, estoy en esto por mucho tiempo. Sigamos rodando bajo un cielo tempestuoso. ¿A dónde mierda nos llevas?

Geldenes Herz Menz Jason Edmonds (Dead Gurus - Magic Castles) “Cálida lluvia estival. Berlín por la noche, las horas tranquilas. El ayer es lavado. Lluvia de libras en la ventana. Un hombre solo en el tren mirando fijamente. Una niña perdida en el parque Tiergarten espera para siempre. Los patios de recreo están abandonados". Cristian Z. Castillo (Cuarto Flotante) “una de las tantas canciones instrumentales que hay dentro de este disco, pero en donde esta vez el saxofón se toma el protagonismo del track demostrando la capacidad para dejar de lado las ruidosas guitarras y adentrarse en una atmósfera lisérgica que a ratos hace recordar a las líneas instrumentales de "Us and Them" de Pink Floyd." BJM tiene el control absoluto de esta jam "We control the jams".

Acid 2 Me Is No Worse Than War Paul Curry (Parsons Rocket Project) “La diversión no es lo que esperaba del heavy título "Acid 2 me is no worse than war" pero eso es lo que he ingerido de esta pesada dosis de ritmo de Brian Jonestown Masacre de "Don’t Get Lost" cargado con el bajo, esa trompeta loopeada como en casa con una lista de reproducción de Groove Armada, sobre la pista de baile o de los parlantes del estéreo del coche en el calor del verano. Las voces retrasadas y los sintetizadores, que van y vienen, lo mantienen hipnótico sin sentirse repetitivo. Esto es una explosión”.

Nothing New To Trash Like You Fernando Alemán (Deportivo Alemán) Fue como estar viendo en un sueño a Sonic Youth y que de la nada aparezca Chuck Berry a cantar su clásico rock en un estado de conciencia alterado. Tres minutos y medio de psicodelia metronómica o cómo fundir una sencilla melodía rockera que apenas fluctúa sobre un trémolo acorde distorsionado con un kraut furioso, mecánico. Eso es Nothing new to trash like you, un breve estado de hipnosis cuya resaca puede durar horas, y quiero que dure horas. El azar puso esta canción como primer acercamiento al último disco de una banda que no tengo muy escuchada (por no decir que sólo conocía su nombre) y es la que mejor me queda. Ese trance que lleva a perderse en el ritmo repetido de un bajo que en su gordura se disocia siguiendo su línea a contratiempo para unirse en los cortes y volver a su lugar que no es el de la canción y que tan bien le queda no serlo. El efecto estroboscópico que genera esa bola sónica contribuye al trance con una mezcla difusa de guitarras noisy y la voz cargada de reverb que la hace casi ininteligible. Todo el garage que te atrapa y envuelve en un viaje psicotrópico con breves quiebres que funcionan como alarmas que casi me despiertan pero que no son más que alertas, sobresaltos que en una sacudida me hunden más en el goce soporífero alejándome de la vigilia, provoca la sinestesia final, la que no se puede explicar, la que no quiero intentar explicar, la que marca la sensación. Para ser sincero, no creo que escuche más canciones de BJM (apenas piqué las otras del disco por curiosidad) pero sí sé que Nothing new to trash like you va a formar parte de esos compilados eclécticos que suelo armar cuando no escucho los discos enteros de las bandas que me gustan.

Ich Bin Klang

John Treanor (Parsons Rocket Project) “Grabado en el nuevo estudio de Anton Newcombe en Berlín, este es el BJM más experimental. No para todos, y seguro para apagar a algunos fans que quieren los mismos viejos estilos y sonidos, pero definitivamente no puede decir que el extremadamente prolífico Anton tiene miedo de seguir adelante. Ich Bin Klang es una pieza hipnótica, muy apropiado para el final de un conjunto de 2 discos. Comienza con teclados oscilantes (que permanecen como un elemento clave a lo largo del track), seguido por samples repetidos de mujeres que hablan frases en alemán y luego un hipnótico, Línea simple del órgano que repite, subrayado todo con un bajo profundo, y una melodía del glockenspiel. La canción hipnotiza con la repetición, y gradualmente se eleva en una especie de clímax discreto, perfecto para el final de una larga noche (o grabación).

DESCUBRIENDO LA MAGIA

Hoy: The Telescopes - As Light Return (2017) Entrevista a Stephen Lawrie de The Telescopes por Diego Centuriรณn. Traducciรณn: Rodrigo Debernardis

The Telescopes es una de las bandas más hermosas y que han permanecido en las sombras, ocultos, generando su propio mundo sonoro, ganando adeptos que llegaban a ellos y descubrían una coloración tan perfecta como abrasiva, que erosiona esas impurezas de los sonidos convencionales, transformándolos en una amalgama que hipnotiza. Este 2017 cumplen 30 años de existencia y lo festejan editando un nuevo álbum "As Light Return". Nos comunicamos con Stephen y hablamos del noveno álbum de estudio de la banda.

guí escribiendo después de que Hidden Fields estaba terminado y ahí es donde me llevó.

Hola Stephen es un honor poder hablar contigo de este nuevo álbum. Pero no podemos dejar de empezar por el principio de todo, 30 años de The Telescopes, ¿Cómo puedes definir la historia de la banda en estos treinta años de vida?

¿Cuándo has empezado a componer las canciones? There was no conscious decision, I just carried on writing after Hidden Fields was finished and that’s where it led me.

Hola Diego, un viaje que abarca todo el mundo más allá del ámbito de la visión natural es cómo yo definiría a The Telescopes. Sin mapas para guiarnos. A pocas semanas de la salida del nuevo álbum, ¿cómo ubicas sonoramente a "As Light Return" entre tus trabajos realizados? ¿En qué puesto de tus actual ranking? Cada álbum tiene su propia identidad. De muchas maneras As Light Return es una continuación de Hidden Fields. No hubo una decisión consciente, sólo se-

Ahora entremos de lleno en el álbum. ¿Cuándo empezaste a pensar en grabar un nuevo álbum? Es difícil decir, algunas partes se han escrito durante mucho tiempo, otras partes más recientemente. No me siento con una pluma y una hoja de papel en blanco y escribo un álbum. Es una amalgama de muchos pensamientos e ideas reunidas con el tiempo que eventualmente colisionan en un ser mayor. Una serie de momentos eureka.

La conceptualización de un disco muchas veces es un motor de creación y otras un invento de difusión. Pero escuchando el disco una y otra vez uno no puede dejar de percibir una unidad desde lo sonoro y estético (desde la portada). ¿Existe algún concepto con el que hayas trabajado en este álbum? ICreo que es más un caso de mi percepción de lo que es un álbum. No soy un artista basado en singles, soy más un artista basado en álbumes que también

crea algo de música que Suites en formato single. Así que mis álbumes no son una colección de singles con una foto de la banda en el frente. Tengo el control completo de todos los aspectos de The Telescopes, cada liberación es toda una visión creativa, de la misma manera que una pintura o un poema representa las visiones de su creador. ¿Cómo y dónde fue el periodo de grabación de las canciones? Y“You Can’t Reach What You Hunger”, “Hand Full Of Ashes” y “Something In My Brain” fueron grabadas íntegramente en Riverside Music Complex en Busby, al sur de Glasgow. Las tres canciones fueron grabadas en vivo en el estudio, sólo bajo, batería y guitarra rítmica, todo lo demás sobrecargado después. “Down On Me” y “Handful Of Ashes” son tracks que empecé en casa y luego envié al resto de los músicos para ter-

Koolaid Electric Company. Los guitarristas suelen estar en rotación, sujeto a disponibilidad. Los guitarristas regulares son Stuart Gardham de Venn, Samuel Toms de Templos y Sam Barrett de Koolaid. Sin embargo, también toco espectáculos con ayuda de One Unique Signal (Londres), LSD And The Search For God (California), Flavor Crystals (Minneapolis) y JB y Marco de Coman'Shee (París). A veces es un híbrido de todas las constelaciones. Hoy, con tantos años de carrera, muchas bandas te nombran como influencia. ¿Cómo te sientes al respecto? Yo trabajo para asegurar que la música no sea desechable, así que hay alguna inevitabilidad en que otros sean influenciados. Es el tipo de música que se te pega una vez que entras en él, no algo que se desgasta.

minar en Riverside. The Telescopes es tu proyecto y eres el único integrante estable desde hace treinta años. ¿Éste álbum por quien fue grabado? ¿Y quiénes te acompañarán en los shows en banda? Ayudándome en estas grabaciones están Brian McEwan (bajo/armonía vocal), Jamie Cameron (guitarra) y Ross Cameron (baterías/Ingeniero/Co-producción), todos tocan con St Deluxe de Glasgow. Martin Kirwan también tocó la guitarra en “Something In My Brain”. Martin solía tocar la guitarra en St Deluxe. Los shows en vivo pueden ser muy diferentes. Muy a menudo, cuando toco con St Deluxe, Brian se moverá a la guitarra y Martin se unirá a nosotros, así que hay tres guitarras y luego Kevin Hare por lo general toma el bajo de Brian. La mayoría de las veces toco en vivo con John Lynch (batería) y Dave Griffin (bajo) de The

Actualmente con internet todas las reglas de mercado han cambiado. Tú que has vivido la etapa previa a internet, ¿cómo ves este cambio? ¿Qué encuentras de positivo y también de negativo? La conectividad y el acceso a la información son aspectos positivos para mí. Puedo ver cómo eso es amenazante para aquellos que no quieren que estemos conectados y compartiendo información. Nos hace más difíciles de controlar. En términos de reglas de mercado, personalmente, todavía disfruto navegando por tiendas de discos, de modo que el mundo sigue ahí para mí. Internet funciona como un fanzine, es un buen lugar para descubrir música que voy a comprar. El inconveniente es que más personas son capaces de piratear y distribuir más fácilmente o simplemente escuchar música en lugar de comprarla. Que tiene su ventaja en términos de los desperdicios. Creo que

muchas de las compañías discográficas solían presionar sus lanzamientos, por lo que los contenedores de ofertas de las tiendas de discos estaban llenas de cosas que nadie iba a comprar nunca. Que es algo que no ves tanto de estos días. A pesar de los beneficios que trae una mayor accesibilidad, existe una mentalidad que la creatividad debe ser gratuita en línea, lo que sería un concepto utópico si todos los demás proporcionaran sus servicios de forma gratuita. El arte es una actividad válida que nos beneficia a todos y debe ser reconocida como tal. Los artistas deben ser capaces de proveer para ellos y sus familias como todos los demás. El arte es una actividad válida que nos beneficia a todos y debe ser reconocida como tal. Los artistas deben ser capaces de proveer para ellos y sus familias como todos los demás. Muchos de los proveedores en línea no ofrecen un trato justo a los creadores, y con muy poca regulación para que se respeten, es muy fácil para ellos sentarse y hacerse rico a costa de alguien más. Lo que no es nada nuevo...

Me gustaría que nos cuentes algo sobre cada track. Un track by track. "You Can't Reach What You Hunger” Elvacío interior. “Down on Me” Perder el ser en otros. “Hand Full of Ashes” La Muerte de toda esperanza. “Something in My Brain” La grieta en el huevo cósmico. “Handful of Ashes” Harto de la muerte de toda esperanza.

¿Qué esperas de "As Light Return"? Lo mismo que cada disco que edito, la gente ahora dirá que estoy loco y luego en 10 años lo van a comprar. ¿Qué planes tienes para The Telescopes para este 2017? Tenemos un par de festivales, Liverpool y Manchester Psych Fests, Rock Valley Festival en Italia y luego después del verano estaremos girando el álbum. Habrá otro álbum en octubre que será muy diferente. Agradeciéndote la participación en la reseña colectiva de The Brian Jonestown Massacre ¿Qué bandas disfrutas mucho hoy en la actualidad? Deceased Squirrel On The Phone. Muchas gracias Stephen. El final te lo dejo a ti para que digas lo que quieras... Mantenga el oído atento.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: MUSE: “LA ÚLTIMA GRAN BANDA DE ROCK”

Supermasivos llegaron a ser, a todos sorprendieron y tuvieron con qué hacerlo. Una banda que alcanza popularidad en plena intrascendencia globalista del nuevo milenio y lo logra ejecutando un rock indie/alternativo que por momentos rinde tributo a la música progresiva que tanto supo enriquecer los años 70 salpicándola con pasajes de rock espacial y electrónica, algo debe aportar. La evolución de Muse es digna de ser destacada. Hay bandas que hacen siempre lo mismo: algunas de ellas son criticadas por eso, y curiosamente otras son alabadas por la misma razón. El verdadero desafío consiste en crecer profesionalmente, darse el lujo de reflejar ese avance en cada nueva producción, y para colmo recibir con el tiempo la aprobación de cada vez más público alrededor del mundo. Se conserva aún la furia propia de sus primeros EP’s y de “Showbiz” (1999), y pese a los años transcurridos algunos himnos como “Unintended” o “Uno” no pierden vigencia ni dejan de ser momentos tremendamente festejados al ser revividos en un show. Contemporáneo de una época donde la adolescencia se sufría como un desgarro de soledad y perspectivas oscuras ante un futuro incierto, su segundo álbum “Origin Of Symmetry” (2001) profundizó el camino de un estilo lírico que fácilmente podría identificarse con la movida Emo que por aquellos años sabía incorporar cada vez más jóvenes a sus filas. Sin embargo, la melancolía y oscuridad que supo imprimir Matt Bellamy a sus composiciones distan de estar emparentadas exclusivamente a una tribu urbana. Con el transcurrir de los años y los discos, sobrevinieron tres obras maestras: “Absolution” (2003), “Black Holes And Revelations” (2006) y “The Resistance” (2009), donde los límites de cada integrante en particular y de la banda en su conjunto parecen expandirse hasta lo inimaginable. Así quedaría plasmado en su placa en vivo “HAARP” (2008). Inalterables en su esencia, sus dos últimos lanzamientos “The 2nd Law” (2012) y “Drones” (2015) supieron mantener el nivel alcanzado previamente. Y es que Muse ha sabido plasmar influencias de una forma tan natural como excelsa, y procesarlas de un modo exquisito para instaurar así un sonido que hoy podemos considerar propio. Nunca olvidaré la primera vez que escuché al maravilloso trío de Teignmouth:

fue en febrero del año 2000. En aquellas épocas existía en una radio FM una repetidora de la BBC de Londres que solía hacer un repaso del British Chart de la semana y mencionaba algunos nuevos lanzamientos. Allí fue donde presentaron a Muse y ni bien oí los pianos introductorios de “Sunburn” (el primer tema que escuché de Muse en mi vida) supe al instante que se trataba de algo distinto, y promediando el tema estaba convencido de que estaba ante la presencia de los nuevos Radiohead. Matt Bellamy comenzó a tocar el piano a los 6 años y la guitara a los 11. En cuanto al piano, el influjo de Sergei Rachmaninoff y de otros compositores clásicos del romanticismo (Chopin, Liszt) se percibe en múltiples pasajes a lo largo de su carrera, desde “Space Dementia” (2001), pasando por “I Belong To You” (2009) y hasta “Explorers” (2012), entre tantos otros ejemplos. La habilidad con que Bellamy maneja la guitarra merece un capítulo aparte, siendo reconocido por medios especializados como uno de los mejores guitarristas de los últimos 15 años. Adicionemos a estas cualidades la del rango vocal de un tenor (incluidos sus famosos vibratos y falsetes) y la excentricidad de un frontman excepcional. Habiendo hecho un paneo de lo que a la cuestión musical refiere, el otro factor descomunal en la holística de Muse es la temática de sus letras. El clamor constante por la libertad, el libre albedrío, la necesidad de romper las cadenas de un sistema autoritario que nos engaña y nos deglute, y una constante denuncia contra las teorías conspirativas. Odas contra la corrupción y el deseo del ardor eterno para quienes la ejercen en “Take A Bow”, proclamaciones de victoria contra el control imperante y la opresión en “Uprising”, llamados de atención sobre el tiempo para emanciparnos que está llegando a su fin en “Supremacy”. Solo ejemplos de la impronta que Muse transmite desde sus creaciones. Canciones introspectivas que reflejan la soledad, insignificancia y alienación del individuo y las dificultades de las relaciones humanas, fueron más propias de los primeros tiempos, para tornar con posterioridad hacia la política, las guerras catastróficas y el Apocalipsis. La influencia de la obra de George Orwell (por ejemplo, en “Citizen Erased” o “Resistance”) se hace constantemente presente ante la disyuntiva opresión/levantamiento, y el lavado de cerebros

como herramienta del poder. “Kill yourself, come on and do us all a favour”, le pedimos a todos los psicópatas del mundo en la canción “Animals”. Casi dejamos a propósito para el final la mención de un detalle: los compañeros de ruta de Matt Bellamy son Chris Wolstenholme (bajo, teclados y voz) y Dominic Howard (batería y percusión). Si bien la gran mayoría de las composiciones corresponden a Bellamy, sus compadres han sabido dar el toque justo para convertir a Muse en la banda que es hoy, gracias a su particular capacidad interpretativa y virtuosismo. Los tres recibieron el reconocimiento por su trabajo en el campo de la música en el año 2008: la Universidad de Plymouth nombró Doctor Honoris Causa a cada uno de

ellos. ¿Premio exagerado? Así lo consideraron los beneficiarios, mas algunos creemos que no lo es. De este modo llegamos a una actualidad con mucho futuro. Recientemente editado el single “Dig Down”, una suerte de “Madness” reciclada cuyo objetivo es contrarrestar la negatividad brindando optimismo y esperanza, se anticipa un nuevo álbum para el 2018. Demasiado tiempo para los fans. Necesitamos más poesía paranoica, arrogante y densa musicalizada con deslumbrantes arpegios, arreglos orquestales finos y riffs apasionados dentro de monumentales sinfonías posmodernas. Esperemos ser bendecidos con otra obra de categoría, y por qué no, con otra gira que nos incluya en su itinerario.

[ Por Gabo Rojo. Transcripción y edición: Mai Etcheverry ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 10: TENER TUS FETICHES La temática inicial de esta columna era analizar la forma en que un artista puede ser relevante en este siglo XXI, tan saturado de información. Mientras pondero estas cuestiones, hay gente que simplemente actúa: el incansable Germán Minuz, por ejemplo, que estuvo involucrado en siete discos en el último año. Nos sentamos a hablar con él de las ansiedades de sus influencias.

Hay distintos modelos de productores de discos. ¿Con cuál te sentís más identificado? En realidad, se podría decir que no hay un tipo de productor musical específico. Cada uno, igualmente, tiene sus fetiches, si se puede decir de alguna manera, y algunos aspectos básicos. Rick Rubin se encargaba de hacer un sonido stripped down, de no contar tanto con los teclados o los elementos de orquesta, y tiraba más a lo que es rock, metal, incluso hip-hop, con los Beastie Boys, con Slayer y los RHCP. Incluso produjo a Jay-Z y a Kayne West. Cada uno tiene sus fetiches pero hay muchas cruzas, no hay un tipo específico. Para mí, se tiene que buscar enfatizar los logros del artista con el que estás trabajando. Siempre se busca hacer sonar lindo lo que uno produce, pero depende también de lo que el artista quiera. Recordarás el caso de Martin Hannett, que para el primer disco de Joy Division hizo lo que quiso contra los deseos de la banda, poniendo esos efectos especiales que contrastaban con su sonido en vivo —con Barney y Hook odiándolo por eso. Muchos años después reconocieron que es una genialidad, igualmente. Peter Hook, en su autobiografía Unknown Pleasures, reconoce que Hannett customizó el sonido característico de Joy Division desde entonces. Pero impuso su visión artística en contra de los deseos de la banda… ¿Lo harías vos? Tiene que ser demasiado necesario para llegar al punto de ir en contra de los deseos de una banda. ¡Echaba a la banda y mezclaba los temas solo! Para mí, lo que tenés que hacer como productor es hacer que se sientan en Disney, estar de su lado, que sientan que sos uno más de la banda. Es el punto de partida, la base para que te tengan en cuenta en cuanto a sonido y demás. También hay productores que colaboran en las letras a veces, pero yo por ejemplo pediría créditos. Es el caso de Eno con Talking Heads, que estaba tan en sinergía con Byrne que terminó alienando al resto de la banda. Yo creo que Byrne siempre fue un loco de mierda. Un artista muy prolífico, pero....

101 “Una persona incapaz de reciprocar amistad”, según Tina Waymouth. Eno ayudó a que Talking Heads sea lo que es ahora. Explotaron después del primer disco, con un sonido mucho más expansivo… también con Remain in Light, que es más innovador, más repetitivo, pero les buscás la vuelta [a las canciones] y te terminan llegando siempre. Tienen su encanto, porque aunque sean repetitivas no son monótonas. Podés tener un productor que tenga un tema que todo el tiempo suena igual, pero siempre tenés que incluir variantes. Lo bueno, si vos querés una canción sea monótona, es que tenga densidad, variantes. Flood (¡como “inundación”!) es más como el modelo de productor que tenés vos. En general, en un disco que produjo Eno se nota que el productor fue él, pero en un disco de Flood no sabés nunca cómo puede llegar a sonar, porque sonará como el artista quiera, entonces puede ir desde Nick Cave hasta Erasure. En algún momento de la carrera de cualquier artista de trayectoria hay un disco producido por Flood, desde lo lo-fi y lo bare hasta discos más electrónicos de U2 y Depeche Mode. Siempre cuando entra Flood en acción cambia el sonido de la banda. Los dos primeros discos de los Smashing Pumpkins, producidos por Butch Vig, son re polished. En cambio, Melon Collie, producido por Flood, si bien tiene un sonido limpio, también cuenta con un grado mayor o menor de caos —me refiero a que siempre hay un sentido de densidad, en cuanto a que es bastante denso lo que te planteás con ese disco. Después produjo The Boatman’s Call de Nick Cave: deja su impronta sin imponer un sonido particular. Yo siempre digo: cuando necesitás experimentar recurrí a Flood. Y si estás en Argentina, llamá a Ger Minuz. Sos un músico tan talentoso, ¿por qué te interesa tanto la producción, quizás incluso por encima de hacer tu propia música? Porque soy bastante ambicioso. Hoy, por ejemplo, venía pensando que le querría agregar otra guitarra a

[Revenge of the] Starcrossed [Lovers]1 . Yo me preocupo mucho por la producción porque todas las cosas que más me han llegado tienen un sonido pulido, twisted pero pulido. Pero eso mismo podrías hacerlo con tus temas. ¿Por qué te interesa producir también el material de otras personas? Porque creo que hay canciones que lo valen, que merecen ser presentadas al mundo de forma bonita, como tus canciones. Otras veces, el material de base es una mierda, pero igualmente con la producción se puede salvar: vos tenés que hacer de la mierda una escultura. [NdE: remitirse a “El canal del sufrimiento”.] Pero vamos a la pregunta central de nuestra columna: ¿de qué forma podemos llegar a la gente con nuestro trabajo en este mar de material? Quizá simplemente habría que hacer las cosas bien, e ignorar lo demás. Creo que ésa es la clave del éxito: hacer lo que se te cante pero bien. Por eso me considero ambicioso y algo rebelde [NdE: porque la rebeldía es, siempre, hacer las cosas lo mejor posible.] Yo creo que no hay una clave del éxito, en realidad, pero las cosas las tenés que hacer porque te apasionan. Te tenés que preocupar y ponerle garra a lo que te gusta. Presentar las cosas bien, pulidas, limpias y que todo se entienda, pero que nunca falte un grado de experimentación. Es cuestión de hacer las cosas bien y que te guste lo que estás haciendo, y no perder la motivación.

Ignacio Amud: La gran mayoría de los temas pop son sólo un sabor de momento. Para llegar a la gente tenés que expresar lo que ellos sienten. Con tu disco [Farther] (NdE: a Gabriel), le sacaste una foto a la sociedad y la cantaste. El problema, me parece, es la indiferencia: cómo hacer que te escuchen en primer lugar, si el conflicto es que no se pone play. Pero al fin y al cabo es una consideración secundaria y hasta superflua comparada con la satisfacción personal por haber realizado un buen trabajo. El nuevo disco de Ger Minuz con Gabo Rojo, “It Was Good While it Lasted”, sale en CD este 12 de agosto, y será promocionado por un show ese mismo día en POMO Distrito de Arte. Mientras tanto se puede escuchar en gaboandtheothers.bandcamp.com. Discografía de Germán Minuz: Tributo (2016) Ximer (con Facundo Lugo) (2016) Farther (Gabo Rojo) (mezcla) (2017) It Was Good While It Lasted (con Gabo Rojo) (2017) Edición Invierno (2017) What I Cherish the Most (Gabo and the Others) (TBD) More Magnetic Mapmaking (Gabo Rojo) (edición y sonido) (TBD) Sus trabajos se pueden escuchar en germanminuz. bandcamp.com y gaboandtheothers.bandcamp.com.

Tema de “What I Cherish the Most” de Gabo and the Others.

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[ "En el polvo de este Planeta" de Eugene Thacker por Pablo Ravale ]

SUMERGIRNOS PARA HORRORIZARNOS:

De vez en cuando tenemos la suerte de hallar un libro curioso, perspicaz que consigue apasionarnos. A priori, el tema no podía ser más sugerente: un ensayo que analiza, desde distintas perspectivas, el horror de la filosofía. Y realmente su deliciosa lectura convoca una serie de reflexiones sobre la literatura, el terror y la filosofía existencialista. El autor, Eugene Thacker, es profesor universitario y sus estudios están centrados en la filosofía nihilista y pesimista. Si bien los cruces entre filosofía y la literatura de terror no son nuevos –Edgar Allan Poe, Ambrose Bierce, H. P. Lovecraft, Thomas Ligotti–, en el caso de Thacker es diferente por el método que usa para abordarlo: su forma se basa en poner sobre el tapete el concepto materialista del horror cósmico hasta sus últimas consecuencias, desnudando al ser humano de toda pretensión de trascendencia, para mostrarlo en su condición no ya de mono desnudo, sino de

escribiera también el brillante y oscuro ensayo cosmológico Eureka, o del ya antes citado H. P. Lovecraft. Su reconocimiento como pensadores e intelectuales de altura gana terreno cada día en los ámbitos académicos y universitarios, empezando a ser poco menos que cuestión de cultura general tener un mínimo conocimiento de sus teorías e ideas, tal y como se manifiestan a través tanto de sus obras de ficción como ensayísticas. De esta manera, Thacker nos propone explorar “la relación entre la filosofía en sus fronteras y el género del terror sobrenatural, en tanto se manifiesta en la ficción, los cómics, la música y otros medios”. Por lo que no escatima en analizar tópicos como la música Black Metal y su posible relación con lo demoníaco, la imagen de lo satánico a través de la cultura, sobre todo a partir del siglo XIX, cuando se vuelve un concepto antirreligioso.

tosca marioneta esclava de su propia naturaleza. Un autómata que se crea a sí mismo ilusiones de libre albedrío, nutriéndose de fantasías consolatorias que se derrumban al mínimo esfuerzo intelectual coherente. En el polvo de este planeta está construido mediante distintos apartados, que van de la demonología al horror en la teología, pasando por la filosofía oculta. Estos apartados, a su vez, contienen distintos capítulos. Pese a que tradicionalmente la ficción terrorífica ha sido despreciada y relegada a los márgenes de la cultura académica, lo cierto es que desde siempre, en todas sus variantes –que incluyen también, en cierta medida, la ciencia ficción– ha existido un núcleo de preocupaciones, ideas y conceptos filosóficos relevantes, profundamente identificado con las cuestiones modernas y, a menudo, adelantadas a su tiempo en muchos aspectos. Obras como Frankenstein, de Mary Shelley, El Dr. Jekyll y Mr. Hyde de Robert Luis Stevenson o El retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde, se encuentran inmersas y ejemplifican a su vez problemas filosóficos y dilemas morales como la creación de vida artificial, la naturaleza del Bien y del Mal, la idea de decadencia, la experimentación con seres humanos o la búsqueda de la inmortalidad a cualquier precio… Pero, además, ciertos autores de horror, con un universo de potencia y alcance tan enorme como coherente, pueden erigirse, por derecho propio, en genuinos filósofos. Es el caso de Edgar Allan Poe, que

Con respecto a Satán y la filosofía oculta en nuestros días, es curioso atender al desarrollo que la figura del Diablo ha mostrado a lo largo de las épocas, desde su manifestación como un artefacto meramente religioso hasta erigirse como un fenómeno más del imaginario cultural de nuestra sociedad. En relación a esto, Thacker cita el Infierno de Dante, y comenta su interés, no sólo por la “amplia colección de demonios que habitan sus páginas, sino por la forma en la que cuidadosamente estratifica distintos tipos de ser y noser demoníaco”. El autor, para analizar los aspectos antropológicos y culturales de la filosofía subyacente en el satanismo no dudará en convocar a filósofos como Schopenhauer, abanderado del pesimismo cósmico. El filósofo alemán llegó a escribir: «…lo que queda tras la total supresión de la voluntad es, para todos aquellos que están aún llenos de ella, nada». Thacker, además, lo emparenta ideológicamente con Lovecraft, escritor que configuró su teoría literaria en un mundo que evoca el terror cósmico. Es interesante este lúcido ensayo por las constantes relaciones que Thacker establece entre arte y filosofía, entre la literatura (de terror, sobre todo), el cine, la televisión y el pensamiento. Una de las cuestiones sobre las que el autor se interroga son los límites de la inteligibilidad. Qué somos capaces de percibir, qué hay más allá de nosotros mismos y del mundo en el que vivimos. De hecho, al final, analizando una extinción

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total de la raza humana se cuestiona si no será esta una mera cuestión especulativa, ya que nadie quedaría para dar testimonio de la misma. Kant, nos explica, cree que por este motivo dicha idea es tan sólo una presunción moral, basada en nuestra concepción antropomórfica de la realidad. El capítulo que dedica a analizar la simbología del Círculo es bastante interesante, ya no tanto por el concepto filosófico en sí mismo, sino también por la utilización de obras literarias en las que se apoya para defender su tesis. Desde el Fausto de Goethe, pasando por obras menos conocidas de Wheatley o Blish. El círculo mágico en la literatura es, para Thacker, una puerta, una “delimitación entre lo natural y lo sobrenatural”.

Los últimos capítulos son ensayos sobre la ecología –el Apocalipsis y los zombis de Romero ya muestran una visión del fin de la naturaleza- y la muerte, y el autor se pregunta si no será la vida la que nos provoca terror. De nuevo, trae a colación la figura de Lovecraft y de Dante, para hablarnos de los infiernos que ambos artistas proyectaron en sus obras. En este ensayo, el amante de la especulación, del terror como una manifestación del pensamiento, encontrará un lugar de regocijo y descubrirá a un filósofo que conecta con nuestro imaginario cultural para arrojar luz sobre esos espacios de sombra en los que la literatura y el cine nos obliga a sumergirnos para horrorizarnos, es decir, comprendernos a nosotros mismos.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

EL DIABLO SE LLAMA FEMICIDIO por Pablo Ravale

Desde hace años, mi trabajo como escritor no es otro que el de presentar como esclarecedoras las cosas más oscuras. No obstante, los sucesos de los que ahora quiero hablar son demasiados “llamativos” como para seguir considerándolos en secreto. La sombra a la que aluden no es precisamente humana. Muerte es una palabra que se puede leer a diario en los titulares. Pero a veces se te ofrece con tintes muy vividos. A veces resulta una palabra que esconde una carga de realidad insospechada. A veces el gusano de la muerte te susurra sin dejar de masticarte. Crimen es una palabra, también. Y a alude al poder de la muerte, un poder que a veces se apropian los hombres, como si fueran dioses. Hombres que disponen de las vidas ajenas como los dioses. Si nos ponemos a pensar de verdad en lo que ocurre, llegaremos a la conclusión de que hay, cuanto menos, una obscenidad cósmica en todo eso, en la sola idea de quitarle la vida a alguien. No hablo de los casos en que se dispara un arma de fuego en el fragor de una reyerta, ni tampoco del golpe atestado por un individuo desencajado; menos que menos de un accidente fatal o de las muertes causadas a raíz de una pelea. Todo eso forma parte de la vida habitual, de lo corriente, lo común; pero pensar que un hombre pueda premeditar la muerte de un semejante, con toda frialdad… Pensar que alguien pueda sentarse a cenar en compañía de su esposa y mascullar tranquilamente: «Son las doce. Te quedan cinco

horas, hija de puta; y nadie lo sabe, ni tus amigos, ni tus parientes, ni vos misma siquiera… Sólo yo lo sé. La muerte y yo lo sabemos. Dispongo de tu cuerpo y de tu alma; soy tu amo y tu señor; yo mismo soy la muerte. Naciste y viviste para llegar a este instante supremo. Yo soy quien decide tu suerte. Existís hasta que yo quiera que mueras». Sí, realmente es obsceno, lo sé. «Subí a la habitación, querida». Pensar en eso, en que el asesino puede decir eso tranquilamente, lleva a uno a imaginar, no sólo cuáles serán sus pensamientos, el tono espantosamente hipócrita de sus palabras, sino también qué es lo que hay detrás de eso; qué tipo de fuerza mueve los hilos en el interior de una persona para llevarla a matar a otra. En mi opinión, y como dije al principio, algo que no es precisamente humano. Según las estadísticas, en Argentina una mujer es asesinada cada treinta y siete horas. Y las cifras no dejan de crecer ni de ser alarmantes. Pero lo que hace al fenómeno aún más aberrante es que quienes lo ven desde afuera culpan a las víctimas porque “debió darse cuenta que eso iba a pasar” o “porque le gustaba que le pegue”, y otra mujer vuelve a morir día tras día ante esa señal de incomprensión que demuestra que la sociedad, no sólo no entiende que nadie muere ni se deja matar porque quiere, sino que además está cada vez más enferma, más mancillada, más tomada por alguna clase de poder tenebroso. Por ende, ¿qué pensar? ¿A qué atribuirle el

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motivo de toda esta locura? Es evidente que algo monstruoso puja por salir desde dentro de nosotros. Algo como fenómeno terrible y social. Las leyes de varios países y las resoluciones de la Corte Interamericana de Derechos Humanos definen feminicidio como el ‘homicidio de una mujer por razones de género’. En tanto, femicidio, como concepto, se aplica a todas las formas de asesinato sexista, es decir, “los asesinatos realizados por varones motivados por un sentido de tener derecho a ello o superioridad sobre las mujeres, por placer o deseos sádicos hacía ellas, o por la suposición de propiedad sobre las mujeres”. La definición ha variado de acuerdo con la propia transformación del fenómeno y con el debate de amplios grupos de activistas, académicas y defensoras de los derechos de las mujeres. En América Latina, la expresión femicidio ha sido definida de diferentes formas: “el asesinato misógino de mujeres por los hombres”; “el asesinato masivo de mujeres cometido por hombres desde su superioridad de grupo”; o “la forma extrema de violencia de género, entendida como la violencia ejercida por hombres contra las mujeres en su deseo de obtener poder, dominación y control”. Sin embargo, y a mi entender, estas definiciones advierten acerca de la existencia de

sistemas patriarcales más amplios de opresión de las mujeres. La investigadora mexicana Marcela Lagarde definió el término feminicidio como el acto de matar a una mujer sólo por el hecho de su pertenencia al sexo femenino pero confirió a ese concepto un significado político con el propósito de denunciar la falta de respuesta del Estado en esos casos y el incumplimiento de sus obligaciones internacionales de garantía, incluso el deber de investigar y de sancionar. Por esta razón, Lagarde considera que feminicidio es un crimen de Estado («Se trata de una fractura del Estado que favorece la impunidad», afirmaba). El concepto abarca el conjunto de hechos que caracterizan los crímenes y las desapariciones de niñas y mujeres en casos en que la respuesta de las autoridades sea la omisión, la inercia, el silencio o la inactividad para prevenir y erradicar esos delitos. De esta manera, lo que me quedaría por agregar es que hasta donde yo lo veo la maldad consiste en obrar deliberadamente de una forma que dañe, maltrate, humille, deshumanice o destruya a personas inocentes. Pero, ¿puede una persona verse inducida por una fuerza externa desconocida a obrar con maldad? Que cada uno crea lo que quiera creer…

HIDDEN TRACK

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Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

TROPICA OBSCURA

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[ Por: Bernardo Jiménez Mesa Fotos: Jennifer Isania Fonseca Sánchez ]

DOS - UNO MAS UNO...

117 El formato dúo es cada vez más exótico en la música experimental. Generalmente nos enfrentamos, como público, a músicos solistas, bandas o colectivos. El dueto es más asociado con otras músicas (folklore, balada, entre otros). Usualmente uno de los dos miembros cumple una función lírica, pero esto ciertamente no es el caso que nos ocupa. Ahora, pensar que uno de los dos instrumentos es una percusión (batería) deja un menor margen de posibilidades melódicas y armónicas...en teoría... Si nos dicen que vamos a escuchar a una banda conformada por un baterista y un saxofonista, pensaríamos entonces que se trata de un recital de saxofón con acompañamiento de batería: de nuevo estamos equivocados. El nombre de la banda es absolutamente apto, no por lo obvio, sino por el resultado. La sinergia que crean Juan Felipe Pinzón Hartmann y Sergio Rodríguez Vitta es realmente 50/50. Lo más sorprendente de este dúo bogotano es que tanto el ritmo , como la melodía y armonía son resultado de la interacción de sus dos integrantes, y cada uno de estos

elementos ocurren al mismo tiempo, con solo una batería y un saxofón. Diálogos veloces, atmósferas tranquilas, pasajes sónicos minimalistas que se tornan complejos en minutos... Todos quienes hemos visto a DOS en vivo nos hemos llevado una grata sorpresa, al encontrar un dueto tan bien logrado, ensayado, concebido. Es muy difícil para dos músicos llegar a este nivel de interacción. Ellos han trabajado para lograr un diálogo sonoro de gran nivel. Un diálogo al que, como público, asistimos espiando, y nos llevamos mil historias, impresiones, imágenes. La música de Dos dispara imágenes en nuestras mentes, rompe con nuestra cotidianeidad y nos invita a sumergirnos en un mundo creado por dos, pero para todos. DOS está ad-portas de lanzar su primer EP, y en la revista The 13th tendremos la primicia, en el próximo número, con una entrevista exclusiva y reseña de este primer trabajo. Por ahora, disfruten este promo de la banda: http://bit.ly/2uRmPgN http://bit.ly/2ureaka

[ Por César León ]

NOCHE FRÍA: CENIZACROMADA VS THE QUESTION [‘NYO’, 16 de Junio de 2017, Bogotá, Colombia]

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En los noventa cuando el Apocalyptic Folk tuvo su mejor momento siempre me pregunté si el género lo homogenizaba el sonido o la amistad alrededor de ese maravilloso sello que fue World Serpent distribution–antes de irse a la quiebra y volverse una pesadilla para sus artistas–. El sonido lo compartían Currrent 93, Death in June Sol Invictus –muy guitarreros folk– pero otros como Coil y Eliha’s mantle, Chris and Cosey, hacían música completamente ajena a aquello que pudiéramos encasillar dentro del Apocalyptic Folk y sin embargo juntábamos todo en un mismo saco. Cenizacromada y The question son dos proyectos bien diferentes y sin embargo me animo a juntarlos no solo porque sus frontmen sean amigos e incluso tengan colaboraciones, sino porque parten de la misma premisa que termina volviéndolos proyectos medio hermanos... La búsqueda de lo íntimo y la exploración de lo más profundo del alma en forma de expresión musical. La introspección es transmitida y hecha música estos dos proyectos que llevan buen tiempo en la escena under Bogotana. Como viene –afortunadamente– siendo usual el pasado Junio en NYO –un valiente bar dedicado a sonidos oscuros de la ciudad– tuvo un hermoso recital de estas dos bandas. Es difícil ser objetivo cuando se trata de amigos escribir objetivamente... Pero este no es el caso donde se deben maquillar las palabras... Ambos proyectos tienen suficiente peso y madurez como para tener que ser indulgentes Alejandro –CenizaCromada– con su voz contundente y estoica guitarra arrancó la noche. Si somos puristas CC es el más apocalyptic folk de los dos proyectos. Es folk al extremo de haber alguna vez sido muy bien catalogado como un híbrido entre Joy Division y Silva y Villalba –un grupo de música tradicional colombiano– Cenizacromada en vivo tiene aún más poder. –así como para mi gusto Death in june pierde en vivo al acelerar la métrica. A Cenizacromada le va muy bien

el “en vivo”. Gana pues la voz se vuelve indómita y la naturaleza rústica de las vocales de Alejandro no tiene el control que tal vez la consola de grabación le exige. El setlist completo comprendió varios de sus canciones clásicas sumadas a un par de estrenos 1. En lo sucio que hay en mí 2. Beatriz 3. The passion of lovers (Bauhaus cover) 4. Tu fuego 5. El juego 6. Entre hemisferios 7. ¿Quién sabrá? Una de las virtudes de Ceniza es la simplicidad de sus composiciones: guitarra, voz y a veces una flauta o acompañamiento electrónico permiten que uno como espectador pueda concentrarse no en fragmentos o instrumentos parciales sino en la unidad del performer. Pese a ser tan básico el lineup de la banda suena como un cañón. Adicional a las nuevas canciones cabe destacar el cover de Bauhaus, una reinterpretación que me gustaría escuchar con más detenimiento pues en guitarra acústica obtiene una profundidad diferente. Y como siempre mi favorita “En lo sucio que hay en mi” una de las más hermosas progresiones guitarreras que se han dado por acá The Question llevaba buen tiempo exiliado en Buenos Aires y este era ya su tercer recital de regreso, –pero creo yo– era la confirmación de la nueva idea de lo que nos va a proponer la nueva alineación del proyecto. La última vez que los vi –previo a su hégira– era una banda un poco más rockera –si se puede decir esto de TQ – Esta vez ya no había etéreos fondos de Guitarra, o la flauta deslizándose por entre la armonía, tampoco estaba allí la potencia de la batería. The Question volvía un poco más al camino del Darkwave que le conocí en su origen. Tal vez por eso eligieron “Waiting” con sus casi 20 años de poder sublime para comenzar la velada. Un setlist híbrido con “estrenos” y “clásicos” conformaron la noche: Waiting, Endless Sea, Darkroom, A Little Mistake, Arian Rhod, Ausente, Suicide, Pluto Drive, Matando Sombras. La estructura de la banda sacrificaba un poco la potencia en aras de intimidad, y de verdad lo lograron. Algunas texturas generadas

por sintetizadores eran el plato experimental que se cruzaban con el piano clásico y virtuoso de Bernardo. Las “angelic voices” que tanto han marcado a la banda volvían muy bien ejecutadas y tal vez más protagonistas que en ocasiones anteriores. TQ es una banda que muta en cada concierto por eso es difícil comparar entre alineaciones y entre setlists. Me gustaría mencionar Arianrhod (a silver dream) como

un nuevo despertar de TQ una favorita instantánea con esa voz profunda y ese piano-órgano factura de la banda que deja sin aliento de lo bello que suena. Es una pena que estos conciertos nos sean más concurridos... merecerían muchísimos más asistentes... y sin embargo es bello también disfrutar la intimidad –un poco de forma egoísta– de ser uno de los pocos afortunados que disfrutó ese momento.

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LATINO AMERICA SONIDOS QUE PERMANECEN Por Jairo Mansur

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Personalmente me suele gustar una compilación cuando siento que no puedo hablar de un tema (o temas) en particular sino del disco como un todo. En décadas pasadas los grandes (y ahora clásicos) compilados como C-86 o Back from the Grave estaban precedidos por factores culturales y musicales fuertes que daban como resultado su aparición lo que hacía de los mismos una consagración grupal de una escena y época (sería el caso de c-86) o el rescate de un momento de la historia musical (en el caso de la serie Back from the Grave). Hoy en día creo que nos enfrentamos a un problema, la velocidad y facilidad de la tecnología nos permite hacer compilaciones sin mucho esfuerzo mostrando en muchos casos un afán por compilar pero la clara falta de un concepto o sustento. Así, muchas veces nos saltamos ese paso coleccionando canciones pero no reflejando el trasfondo que las une. Esta selección (¿de selecciones?) no es el caso, aquí he tratado no solo de reunir los compilados que más me han gustado (buena parte los he reseñado en mi sitio personal: Latino América Sonidos Que Permanecen) sino los que siento se sustentan solos por su carácter, por su “afán” de mostrar una escena, una idea, una preocupación y no solo un grupo de bandas ordenadas de algún modo:

Feminoise Latinoamerica – Compilado de mujeres latinoamericanas en experimentación con sonidos Voy a comenzar esta lista rompiendo ya una regla pero por un motivo necesario. Este compilado salió en los últimos meses del 2016, pero representa de excelente manera la idea de un compilado que se construye con un fundamento fuerte y claro. Aquí encontramos una monumental muestra de 60 canciones hechas por mujeres en el campo de la experimentación. En contexto este compilado es una respuesta clara a la falta de inclusión de la mujer en latino américa como un componente activo en la música, la respuesta es una bofetada ya que calidad y cantidad hay de sobra.

MMXVII -El Fuego Es Nuestra Lengua Madre Este interesante compilado donde podemos encontrar algunos exponentes del hardcore punk y el emo latinoamericano. Sin embargo lo más interesante (y rescatable) es la clara alusión a un modo de expresión a través de esos sonidos tanto con el título de la compilación como con la selección de los proyectos participantes. Con 16 bandas de países como Perú, México, Chile, o Venezuela este disco es una buena manera de ver el estado de una escena imponente unida más allá del sonido por una afinidad que se podría calificar como social y cultural. Las bandas de este compilado están unidos por una historia.

Abstrakt Muzak Compilación Vol. 3, 2017 Personalmente este es uno de mis compilados favoritos de este año. Aunque ciertamente es un compilado mucho más “personal” dado de que reúne a los artistas del sello mexicano Abstrakt Muzak este tercer showcase muestra muy bien la vitalidad de una escena musical como la mexicana. Lanzado en febrero de este año esta compilación rápidamente fue seguida por una serie de lanzamientos de las bandas del sello lo que ha logrado que en retrospectiva este compilado “crezca” y resulte un documento premonitorio de lo que ha sido (y será) un gran año para estas bandas y para Abstrakt Muzak como sello y proyecto de grabación, para la muestra están los excelentes discos de Yo Maté a tu Perro, Virtual Haze y Mentira Mentira:.

VA – Come On Feel The NoiZe, BraZil Class´17 (The Blog That Celebrates Itself) Renato Malizia ha hecho un fuerte y constante trabajo a través de su sitio The Blog That Celebrates Itself para promover bandas independientes de todo el globo. Son ya famosos sus compilados, especialmente la serie de tributos a bandas clásicas del shoegaze, noiserock y dream pop (es una larga lista pero pueden encontrar desde un extenso tributo a David Bowie a otro dedicado a The Telescopes), sin embargo este nuevo lanzamiento me resulta especial ya que reúne una larga y excelente lista de bandas brasileñas lanzando temas nuevos para la ocasión. El mensaje de esta compilación es claro, busca mostrar el gran momento de la música en Brasil inspirado por los 90s pero ya en plena simbiosis con la cultura brasileña dando como resultado este compilado de artistas.

Border Tapes / Fanzine Ki3br3 (Argentina) Vol I y Vol II Estos dos compilados reúnen diferentes artistas latinoamericanos en el campo de la música experimental, están disponibles a través del Fanzine Argentino Ki3br3 en formato cassete. Por una parte el primer volumen está construido para generar la experiencia clásica del lado y lado del tape, es por eso que en la versión digital las canciones están unidas en dos lados de más de quince minutos que de cualquier manera están unidos también por la afinidad sonora. En su momento entrevisté a Yamil Noise curador de este proyecto, luego aparecería una segunda entrega de este compilado más enfocada a la electrónica experimental completando una buena colección de canciones indispensables para quien quiera adentrarse en la música experimental hecha en Latino América.

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Disco/Compilado: Resonancias Atmosféricas (Sonido Atmosférico Ediciones) MMXVII -El Fuego Es Nuestra Lengua Madre Lanzado a finales de abril por la plataforma cordobesa Sonido Atmosférico Ediciones, este compilado reúne 13 artistas de la escena experimental actual latinoamericana. Hay proyectos de bastante recorrido comoFiorella16 (Perú), The Wiesenground project (Costa Rica) o Pablo Reche (Argentina) pero también una buena cuota de artistas nuevos y menos conocidos lo que hace de este disco una buena oportunidad de conocer jóvenes artistas en el marco de la experimentación. “Este álbum es una compilación de Sonido atmosférico realizada entre marzo y abril de 2017 en el cual compartimos un breve y superficial resumen del actual, basto y rico underground musical que hay en algunos lugares de Argentina y Latino américa.”

Compilaciones de música experimental peruana: Lego 8 LACASAZULTarinakuy (Chip Musik)/ Electrónica simultánea (Bifronte Records) El 2017 comenzó con dos extensas compilaciones de música peruana, perfectas oportunidades para acercase a lo que esté pasando actualmente en una escena tan efervescente como la de ese país. En el mapa latino americano Perú es sin dudas un caso especial, no solo por la cantidad de proyectos nuevos sino por tener una escena avocada a la experimentación, lo que ha logrado con los años que un terreno musical que en muchos países aun parece mito o tabú tenga un espacio en la agenda y una resonancia cultura cada vez mayor. Estas dos compilaciones son buenas tanto para el conocedor como para el curioso, ya sea porque ahondan en nuevas composiciones (gran parte del material es inédito y hecho especialmente para cada compilado) o por su carácter de guía para nuevos conocedores.

Lego 10 Evas (Chip Musik Records+ Bifronte Recs) Un poco tal vez con un eco de “Feminoise Latinoamerica” el sello mexicano Bifronte Records y el sello peruano Chip Musik Records lanzaron a fines de mayo esta colección de canciones que dio inicio a una serie de compilados enfocados justamente a la creación musical femenina. Aquí podemos encontrar desde nombres ya conocidos a artistas bastante nuevas con un trabajo más que interesante. Para las interesadas, estos dos sellos tienen abierta una convocatoria para el próximo compilado que ser llamará “Lilit”.

No hay más fruta que la nuestra 2- Piraton Records Esta es la segunda entrega del compilado que este sello mexicano comandado por Carlos Huerta lanzó en mayo del 2016. Este compilado surge como reacción del mismo Carlos al encontrar y él mismo desconocer sobre la producción musical femenina en Latino América, esto lo ha llevado a investigar y buscar diferentes proyectos hechos por mujeres los cuales han dado vida a estas dos entregas que no resaltan por una lógica o “secuencia” musical sino más bien por un sentido histórico, social e ideológico. Hay una excelente y extensa entrevista en el sitio Ultramarinos donde pueden conocer a fondo sobre el trabajo de Carlos Huerta con esta serie y con su sello.

Mun Discos: Greatest Hits 2002-2017 Mun Discos es un sello Argentino que este año cumplió 15 años de actividades, sobre sus orígenes, trabajo y aventuras durante todo este tiempo recomiendo una extensa entrevista que le hice en mi sitio personal Sus 15 años vinieron junto a una fecha de celebración y una extensa compilación que recorre minuciosamente los lanzamientos que han hecho en todo este tiempo (desde el primero al último). Si bien esta es una historia personal ( o más bien de Manuel y sus fundadores) durante todo su existencia Mun Discos ha apoyado en muchas maneras a diferentes artistas latinoamericanos, así que considero que escuchando este compilado escuchamos una parte también de esa historia común:esta serie y con su sello.

Radicante / Electrónica simultánea Compilado michoacanoBifronte Records Este sello mexicano ha tenido un año bastante interesante y parte de esto han sido sus compilaciones. Esta puntualmente me llama la atención ya que nos acerca a un estado no central mexicano como Michoacan teniendo como centro la ciudad de Morelia. Como en muchos otros casos se hablan mucho de las capitales y poco de lo que pasa en otras ciudades, es por eso que estos casos que podríamos llamar particulares son los más interesantes. La música que surge más allá de los focos centrales logra crecer de una manera más natural aunque siempre manejando una tensión entre lo propio y lo externo. Aquí el eje es la electrónica pero como bien explica la nota de lanzamiento “Radicante. Alude a una condición, un clima, una atmósfera, un campo de intereses y espacio en el que la búsqueda, la experimentación y el desplazamiento continuo forman parte de un horizonte común. Aquel que hace de la inestabilidad y el cambio su lugar y su posibilidad de apertura y comunicación".

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Invenciones: La Otra Vanguardia Musical En Latinoamerica 1976-1988 Este compilado entraría en la categoría del rescate. Lanzado por el emblemático sello español Munster Records, este compilado comprende una época de cambio importante en Latino América tanto en lo político / cultural afectando obviamente también lo musical. Muchos de estos artistas no tuvieron mucho reconocimiento en su momento y su trabajo reunido aquí representa las huellas de una generación unida por una historia y legado común. Al escucharlo podemos notar que aunque influenciados por sus raíces estos músicos transgredían los límites de lo popular construyendo así un sentido de vanguardia que aun hoy estamos terminando de entender. Este compilado está disponible en vinilo doble y la selección y notas que lo acompañan fueron hechas por Luis Alvarado del excelente sello peruano Buh Records..

Mexican Cassette Culture Recordings 1977-1982 Monumental compilación de 6 discos que podemos catalogar, como la anterior entrada, en la categoría de rescate. Este compilado lanzado en vinilo por el sello alemán “Vinyl On Demand Records” está limitado a 400 copias (200 de ellas con un séptimo disco) y viene además con un booklet de 24 páginas que documenta el contexto y proyectos que hacen parte de esta compilación. “Mexican Cassette Culture Recordings” recopila diferentes grabaciones hechas entre fines de los 70s y comienzos de los 80s en México en el auge de la grabación en cassete en ese país; cobra especial relevancia aquí el trabajo de Carlos Alvarado tanto como solista como con su proyecto de “cosmic music” Via Láctea junto a otros proyectos como Hilozoizmo, Oxomaxoma, Aristeo y Voldarepet. Este colección de sonidos nos devuelve a una época en la que los intercambios entre fronteras eran primordiales, los cassetes donde originalmente venían estas composiciones cruzaron la frontera llegando en California a manos de personas como Archie Patterson de Eurock-Magazine que eventualmente seria clave en difundir esta música por todo el mundo. Disponible desde la web de Vinyl On Demand Records”

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RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

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EDGAR WRIGHT: EL EMBLEMA DE LA GENERACIÓN DE GÉNERO

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Con el estreno de su sexto film, no podíamos hallar mejor excusa para dedicarle un especial a ese inglés brillante que es Edgar Wright. Un fanático del cine que despierta fanatismo. Con un estilo visual arrasador y una ironía referencial al mismo nivel de excelencia, ha sabido dejar una marca estilística en su corta filmografía. La misma, no hace más que expandirse con cada nueva obra realizada pero sin perder en el camino la identidad que el director supo forjarse, fiel a sus gustos cinéfilos. Todo aquel que se considere un verdadero amante del séptimo arte no puede serlo del todo sin detenerse a apreciar a uno de los genios audiovisuales más importantes del siglo XXI. Y sí llega a haber dudas de ello, entonces mejor consultar este especial en el cual decidimos celebrar su cine y su persona. Cheers.

ONCE UPON A TIME IN THE UK [ Por Nicolás Ponisio ]

Con tan solo veinte años, en 1995 un joven Edgar Wright daba sus primeros pasos como director de cine con A Fistful of Fingers, una comedia que toma todos los elementos y arquetipos clásicos del western americano para parodiarlos de la manera más absurda. La llegada de un forastero sin nombre (Graham Low) a un pequeño pueblo es el disparador –literalmente- para una seguidilla de gags que supone el viaje que emprende este sujeto en pos de darle caza al criminal The Squint (Oliver Evans). Un asesino en busca de un importante tesoro y que comparte cierto pasado con el protagonista del film. La ópera prima de Wright es un gran ejemplo de lo mucho que se puede lograr con escasos recursos económicos. Pero aquello que le falta en cantidad, lo supera con el ingenio para resolver esas faltas y

volverlo un elemento a favor de la comicidad. A Fistful of Fingers está lejos de ser lo que años después, tanto en cine como en televisión, resultarían pruebas fehacientes del talento y el conocimiento de este cinéfilo convertido en cineasta. No obstante, este primer film da pequeñas muestras, sobre todo en su primera mitad, del ingenio humorístico y el entendimiento de los géneros cinematográficos por parte de su director. Quizás el guión en cuanto a historia carezca de una fuerte consistencia como historia a desarrollar, pero funciona muy bien como una seguidilla de sketches cómicos los cuales varían entre momentos buenos, súper graciosos o simplemente algunos episodios del relato que lo vuelven algo tedioso. Pero es el terreno que prepara para el absurdo lo que permite que en esta aventura a galope de

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caballo (caballo de juguete, claro), haya lugar para que el sin sentido y el vale todo hagan de las suyas. Wright, director que ama los géneros pero más que nada ama intervenirlos a su modo con la comedia -como luego demostraría en el terror, la acción y la ciencia ficción en su trilogía del cornetto-, toma todos los elementos fácilmente reconocibles del western clásico y los deconstruye. Esto lo logra gracias al tono caricaturesco de sus personajes y situaciones, donde hay lugar para tabernas que solo cobran vida cuando alguien entra al establecimiento, disparos en el bosque con irrupciones de tiros al blanco de prueba policial, videos musicales e inclusive programas de cámaras ocultas. El absurdo entendido como tal, sin necesidad de lógica alguna. Los tiempos modernos se entrelazan con los

últimos años del siglo XIX, creando y rompiendo reglas a su antojo con la única intención de hacer reír al público. Lo que da como resultado un balance disparejo entre lo que logra y lo que no, pero que sin duda alguna es el trabajo de alguien que aún estaba puliendo su estilo y que ya demostraba un talento innato para ello. Respetando los géneros que lo vieron crecer, pero también burlándose de ellos. A Fistful of Fingers adopta los valores y las iconografías del western, los muestra ante la cámara y a la vez, también detrás de ella. Rompiendo la cuarta pared para reírse del género, del espectador y del propio carácter de la obra como film. Un cigarro en la boca, un poncho polvoriento sobre el cuerpo y una mirada profunda en el rostro como simbolismo de seriedad. Tan serio como el trabajo que se toma Wright para hacernos reír.

COMEDY OF THE DEAD [ Por Nicolás Ponisio ]

Cuando no haya más lugar en el infierno, los muertos caminarán la Tierra. Lo que nunca anunció el slogan de Dawn of the Dead (George A. Romero, 1978) es que, a comienzos del siglo XXI, el despertar de los muertos sería motivo de carcajadas. Con Shaun of the Dead inicia lo que más tarde sería conocida como la trilogía del Cornetto, llamada así por el simple hecho de que sus protagonistas en algún momento degustan un cornetto (helado) con un sabor relacionado al género en cuestión a parodiar. En el primer caso, el color rojo del helado representa la sangre y el gore de los films de temática zombie. Edgar Wright y Simon Pegg, quienes co-escribieron el guión, nos cuentan esta historia de romance en tiempos del apocalipsis zombie, con un gran amor y respeto por el cine de Romero y Fulci. Las referencias, guiños y detalles están allí todo el tiempo, algunos más evidentes que otros, desde la banda sonora, los nombres y hasta las imágenes icónicas de ese cine. Si este género de horror en manos de Romero encontraba un trasfondo de crítica social, en manos de los comediantes británicos lo que juega un rol fundamental es la romcom (comedia romántica) como nú-

cleo de conflicto dentro de lo que es el masivo ataque de muertos vivientes. Wright y Pegg, emblemas de la generación del género, pueden tomar elementos tan disímiles entre sí y darles cohesión en el absurdo. Esto no quiere decir que, al ser así, todo está permitido (como lo que ocurría con el primer film de Wright), sino que en la estructura narrativa y visual los autores toman las bases fundamentales de ambos géneros y los estructuran en función del humor. Siempre continuando una línea que siga lo establecido dentro de esta simbiosis sin llegar a desvirtuarlo por completo. Lo que construyen los cineastas es una estructura de delirio conforme a un estilo dinámico y todo lo que puede suceder dentro de ello. El director ironiza constantemente con una agilidad visual centrada en los momentos mundanos de la vida de los personajes. Es así como cepillarse los dientes o agarrar una taza de té es retratado con acercamientos vertiginosos procedentes de la “escuela” de Sam Raimi o muy propio de las secuencias de preparación de batalla de un héroe de acción. Es así que todo elemento que rodea la vida de Shaun (Simon Pegg) es

presentado ante el público con una sobrevaloración de género. Un mundo y una vida que es presentada con un tedio en su protagonista pero que sin embargo habla mucho de la muerte en vida de este personaje y la despreocupación total. Y cuando no se trata de Shaun y la pobre vida carente de romanticismo que mantiene con su novia Liz (Kate Ashfield), estos elementos se refuerzan con su amigo Ed (Nick Frost), una mole que se pasa el día tirado en el sillón jugando videojuegos o con la somnolencia en que la población realiza sus tareas diarias. Algo que, si bien tiene una búsqueda exagerada, no se aleja demasiado de los muertos vivos que podemos encontrar a diario en la calle, el trabajo o incluso al mirarnos en el espejo. El unificar la parsimonia total de los personajes con el puro dinamismo visual resulta en una mezcla ideal. Ya que logra mantener, en un mismo nivel de importancia, la gracia del grupo

el mismo no pueda sorprender o integrársele un nuevo factor de originalidad. Esto mismo, sumado a la dinámica dispareja del grupo protagonista, al que se le agregan pequeñas grandes participaciones de grandes comediantes como Dylan Moran, Lucy Davis y el siempre querido Bill Nighy, permite que el recorrido en pos de salvarse del apocalipsis sea totalmente caótico. Pero lo es más gracias a las relaciones interpersonales de los personajes que por los zombies en sí, llenando de conflictos familiares, de pareja y amistad (aunque estos últimos a veces pueden confundirse con lo mismo) al grupo liderado por Shaun. Hay un gran sentido de la narrativa humorística en la a manera de narrar entre lo que es la complicidad y los conflictos del grupo con los enfrentamientos de zombies. Los cuales pueden ir desde arrojar discos de vinilo a las cabezas de los muertos, hasta una danza de batalla al son de Don’t Stop Me

de supervivientes con la agilidad extrema con que es contado su enfrentamiento con los seres que están un poco menos vivos que los vivos mismos. El film mantiene ese ritmo de ironía social, acompañado por varias imágenes y personajes secundarios que, al volverlos a ver más tarde como zombies, se resignifican tanto en su sentido inicial como también en el hecho de retomar gags ya usados, aportándoles un nivel de remate diferente al de un comienzo. Uso y reciclaje de un mismo gag del propio film. El hecho de pensarlo y hacer que funcione ya de por si es algo brillante con lo que el director demuestra que el hecho de conocer un género o un arquetipo, no significa que

Now de Queen. Wright y Pegg reviven un género aportándole una nueva mirada, estilo y lectura al mismo. Y si bien es cierto que hace tiempo que las historias de zombies gozan una larga vida, más de la que debería para ser sincero, Shaun of the Dead es un claro ejemplo de que no todo ya está visto. Sino que se le puede aportar grandes elementos que lo hagan vivir de mejor forma. Y de no ser así, al menos se lo puede utilizar en pos del humor. Hecho que nunca le va hacer mal ni al público ni al cine. Sobre todo si viene de parte de toda esta hermosa gente.

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THIS SHIT GONE REAL [ Por Jimena Patiño ]

Es increíble que la segunda entrega de la trilogía cornetto ya cumpla diez años. Lo más increíble es que yo no la haya visto antes y es que debo decir que la evadía con el argumento de “meh, policías” y que gran tonta que fui. Reconozco mi error y lo expongo al castigo de los benevolentes dioses del séptimo arte, escribiendo esta reseña sobre Hot Fuzz. Soy muy fan de las películas de acción de los noventa. En especial Point Break y debo decir que toda la cita/ homenaje del film de Wright y Pegg es ¡Fantabulosa! (si asesino a la gramática española, es simplemente para demostrarles en el proceso lo mucho que me gustó este film). De hecho me hizo reflexionar sobre algunas cosas como por ejemplo: Nunca pensé qué pudo haberle parecido a los británicos la versión cinematográfica de Baz Lurhman de Romeo + Juieta, digo Shakespeare es la institución del teatro isabelino… y la escena en la que en el pueblo montan un remake inspirado en la película de Lurhmann me hizo pensar en eso. Oh, la dulce ironía de todo el cast cantando Lovefool de The Cardigans al final de la representación. Es una de las mejores maldades que le vi imaginar a un director para bardear a otro director. Porque está claro que es una bardeada ¿O me equivoco? *guiño, guiño*.

Hot Fuzz juega con las citas y los géneros a diestra y siniestra. Pasa de una comedia policial a una slasher en un abrir y cerrar de ojos, pero a parte de esa ductilidad tan propia del director, la trama se abre por caminos inesperados y giros dramáticos que logran desembocar en una oleada de violencia, con la calidad película de acción noventera en medio de un “pacífico” pueblo rural británico. Thimothy Dalton, es una genialidad de elección de rol, no sé cómo hace para mantener su estatus de Bond al mismo tiempo que lanzarse como “villano” épico e irrisorio. El personaje de Skinner es Brillante. De hecho es brillante la elección simbólica de los apellidos de todos los vecinos y también de nuestro protagonista que se apellida Angel. No los vamos a spoilear pero es un detalle muy cool que se puede escapar si no se conoce inglés y lo repiten en toda la trilogía. Si Shaun of the Dead era como un símbolo de la vida en Londres durante una invasión Zombie, ésta es un fresco siniestro y despiadado del estilo de vida de las pequeñas villas campestres de Inglaterra. Se ve que algo de pueblo chico infierno grande debe haber, pues varias películas y series retratan esto de sectario y anquilosado de los pueblos pequeños. Edgar Wright lo hace cargándose toda la mochila de un chico fan de

las películas hollywodenses, la comedia y la acción. En un principio la acción la reparte el montaje. La edición es maravillosa y casi te permite sentir la neurosis de Nicholas Angel (el aquí caricúlico Simon Pegg) en el papel del policía duro y perfecto de la gran ciudad, destinado a un origen muy pacífico que va en contra de su naturaleza de perro policía. Si Nicholas es medio robótico como personaje, su choque (literal) con Danny Butterman (Nick Frost) lo va a comenzar a humanizar lentamente. La escena del bromance mas excelente es cuando en la casa de Danny él le enseña cómo desconectarse a través del cine de acción del cual es un súper fan. Dos citas saltan como explícitas y referentes de todo el film: Bad Boys II y (mi preferida, ya lo dije) Point Break. Esta es una cinta que ahora se convierte en algo más humano: un bromance policial más cerca de Starsky y Hutch que de los grandes duros de Hollywood (o al

En un continuo juego de máscaras, nunca sabemos realmente qué esperar en esta historia y eso es lo que la hace una excelente y superadora secuela de Shaun Of the Dead. ¿Quién dijo que las segundas partes no pueden mandar a volar todo por los aires como lo haría Michael Bay? Y eso lo saben sus dos autores y sobre todo su director. Pegg y Frost son insuperables. Frost pone todo lo grosero, descarriado, mal hablado y tontuelo mientras que Pegg es el tipo super policía. Por eso también nos recuerdan a Arma mortal y tantas otras cintas de acción. Logran desde su humilde lugar en Inglaterra convertirse en verdaderas herederas del género y dignos exponentes de la comedia inglesa actual. Jim Broadbent es un genio. Porque él es tan inglés… ¡es Ziddler de Moulin Rouge, y el papá de Brigitte Jones! o sea… su papel como padre y jefe del departamento de policía es fantástico. Su aparición tea-

menos eso nos quiere hacer creer). Cuando la cinta adquiere ese rumbo, Edgar Wright y Simon Pegg (sus guionistas) fueron más inteligentes que nosotros y nos abrieron toda otra trama sin que nosotros notáramos el verdadero sentido del film. Wright y Pegg dan un volantazo y en lugar de ir por el giro interesante, van por el giro ¿Desubicado? ¿Incoherente? del film y eso lo vuelve realmente encantador. Cuando el verdadero propósito se descubre es cuando todo se desmadra realmente. ¡Bang! Fuiste Edgar Wrighterizado. Son esas clases de cosas que podrían desestabilizar un film que se tomara muy en serio así mismo y afortunadamente este no lo hace y por eso esos giros de trama solamente agrandan la gran comedia que representa.

tral, con el uniforme oscuro durante la escena de la Alianza… es simplemente brillante. Uno de esos momentos en los que se revela el pastel en los que decís: Dios mío ¡Me engañó todo el tiempo con helado y torta de chocolate! ¿Cuántas cosas más podría decir de esta locura descarriada, excepto rescatar la puesta de cámara durante el duelo final parodiando a Bad Boys y destacar la muy genial falta de líneas de diálogos ingeniosas cuando alguien es asesinado groseramente a balazos. Esta película está tan consiente de ella misma y sus recursos cinematográficos que los fans del género nos descostillamos de risa en el proceso. Nada mal para una película de cornetto, acción y sangre.

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AN EPIC EPICNESS FOR THE MASSES [ Por Jimena Patiño ]

Desde los títulos de inicio la metatextualidad es manejada hábilmente por Edgar Wright, a partir de estos momentos vamos a abandonar el verosímil y suplantar nuestro mundo con los códigos del video juego. La primera vez que vi Scott Pilgrim Vs the World pensé que era la película definitiva de una generación. No, no necesitamos Superbad… necesitamos esto, esta psicodelia de intertextos que maneja la conjunción de textos e hipertextos mezclados con la comedia de adolescentes que por suerte no se inspira solamente en John Hughes. Basta de secundarias (para algunas cosas). Edgar Wright le dio voz a esa generación de veinteañeros que no estaban en la Universidad ni en la preparatoria. Esta es su oda a esos momentos en los que la vida es realmente un sin sentido total: porque no te sentís lo suficiente adulto para la vida ni lo suficientemente joven para ser simplemente un adolescente. Bienvenidos al momento que puede decidir tu futuro, pero todo parece detenido en el tiempo: juventud enloquecida bendito tesoro. El Hollywood Mainstream no había tenido hasta ese momento una película para esa generación que aún sigue (y seguirá) enganchada a los comics y a los juegos de playstation. Podemos decir que Clerks era eso en los noventa y que Wright hace contemporáneo lo que Kevin Smith hacía con sus jóvenes unas déca-

das atrás, lo mismo que Richard Linklater con sus Slackers . Chicos de los suburbios que no tenían la vida definida ni por asomo y, como cara representativa de todo esto, ubica a Michael Cera en uno de sus mejores films de adolescentes con cara de nada de todos los tiempos. El que más onda y estilo derrocha. Primero nuestro héroe es imperfecto y accesible. Se enamora de la chica de sus sueños (una adolescente de preparatoria de origen asiático) para luego conocer a la verdadera chica de sus sueños: Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead). Claro que esta chica no viene sola, si Scott quiere lograr algo con ella primero tiene que enfrentarse a la liga de ex novios malvados. Más precisamente siete, como en los siete samuráis o los siete enanitos ¿Quién sabe si ramona no era una Blancanieves Posmoderna? Scott es inconstante y generalmente sigue el lugar al que el viento lo lleve. Es infantil, inmaduro y parece que lo único en lo que se enfoca son los arcade o su banda de garaje. La banda sonora del film es alucinante. Beck se vuelve épico en una canción cómica y hermosa al mismo tiempo: Ramona… los retamos a no amar esa canción. Y The Clash at Demon Head… la banda de la Ex de Scott. ¡Dios!… no me hagan empezar. Esta película tiene uno de los mejores repartos juveniles/adultos que hacen de adolescentes de todos los tiempos…

hasta están el Capitán América, el Superman de Bryan Singer y mi amado Jason Schwartzman. Cada ex es uno mejor que el otro. En este universo delirante, hasta ser vegano te transforma en una especie de personaje de Dragon Ball Z con poderes. ¡Y eso es la Hostia! El humor absurdo que maneja y los estereotipos son simplemente un derroche de originalidad de la comedia y el estatus bristish del director. Esta película es muy inteligente para los standares de Hollywood: pasan tantas cosas sobreimpresas en la pantalla al mismo tiempo, que uno necesita verla más de una vez para captar todo. Con esta película descubrí a Anna Kenrick, Brie Larson, Aubrey Plaza y por supuesto a Mary Elisabeth Winstead. Las chicas se roban la trama todo el tiempo, y está bueno que eso suceda. El futuro le daría la razón a Edgar Wright porque las cuatro se han convertido en sendas actrices con carreras brillantes en series y películas. Otro que se roba toda la pantalla con

una muy baja recepción de audiencia en su momento. El mundo simplemente no estaba preparado para tanta genialidad. Pero el tiempo… hace maravillas con las obras de arte y por eso la crítica es muy buena con este film. Con un guión engañosamente simple, la comedia desborda de las situaciones más inverosímiles para quienes están más acostumbrados a buscar realidad en la ficción. Es un fresco posmoderno que da nuevos significados al artificio recurriendo al género del cómic y los videojuegos. El film con grandes participaciones y en donde el personaje de Scott (odioso a veces, un poco bastardo en otras) realiza el nunca tan bien conocido camino del héroe hasta probarse lo suficientemente apto y crecer como ser humano para lograr validar su relación con Ramona. Sin embargo… Scott es siempre Scott y solo le basta ganar la lucha para no saber qué hacer con la guerra. Quizás esa “debilidad” sea la que hace que nuestro héroe no sea el típi-

su no-humor es Kieran Culkin como el roomate gay de Scott que sale con otro Scott… El guión de Edgar hace maravillas por la historia. Si bien admito no estar familiarizada con el comic en el que está basado (vale: ¡lo ojeé por encima!) si se puede decir que en lugar de esa compulsión de llevar cuadro por cuadro a la pantalla el director se queda con la esencia del mismo y la adapta. Como por ejemplo alternando momentos ilustrados, en los flashbacks de los noviazgos de Ramona y en la acción al imprimirle esa estética J-pop que rodea el aura de todo el film. Siete años después de su estreno es que podemos ver muchas cosas: primero que el mundo está podrido y Superbad fue un éxito arrollador de taquilla, mientras que esto, que era verdaderamente innovador obtuvo

co carismático querible. Son las situaciones las que lo van haciendo más simpático a los ojos del espectador. Esas imperfecciones, esa calidad de vago sin empleo, con mucha infantilidad a la hora de luchar contra el mundo es un rasgo que tenían y tienen muchos de los protagonistas de Wright. Pero también están los valores: la amistad y la camaradería de los personajes que se apoyan entre si en las situaciones más adversas. Scott tiene todas las características que Edgar pone en sus películas inglesas pero también tiene algo de combo de comida rápida y basura que chorrea queso y que sus fans sabemos apreciar. Todo magnificado por un presupuesto que le permitió enloquecer sin perder su esencia. Por eso Scott Pilgrim vs the World es la película juvenil que define el estilo de una década.

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A BEER WITH FRIENDS [ Por Jimena Patiño ]

Tres referencias primordiales se me vienen a la mente cuando pienso en este revoltijo gramajo e intergaláctico de Edgar Wright: A Hitchhickers Guide to the Galaxy, Doctor Who e Invasion of the Body Snatchers y eso suena raro pensando que se trata principalmente de un Bromance… ¿o no? Tercera y última entrega de la Cornetto trilogy en las que actúan y colaboran Simon Pegg y Nick Frost como King y Knightley. Traducido sería algo como rey y caballeroso, una metáfora que explica un poco los roles que cada uno ocupa dentro de la dinámica de grupos de amigos, en la que Pegg lidera y Frost acompaña como un héroe por tercera vez. En esta ocasión el director y los actores plantean una vuelta a la juventud y a los orígenes. Veinte años después de su noche de egresados, un grupo de amigos intenta repetir el desmadre supremo de llevar a cabo la mítica “milla dorada”. Una ruta a seguir en la que todos deben beber de los doce pubs que hay en el pueblo para terminar sus días en el Pub que da título al film: The World’s End. Título profético como pocos. Se nota en esta trilogía que su participación en Hollywood y sobre todo en Scott Pilgrim le daría a Wright una faceta más “profesional” si se quiere o más pulida que en sus otras dos entregas que rebozaban

más corazón. Esta historia goza de una limpieza más profunda y una efectividad de guión más original que las antecesoras. Las escenas juveniles del comienzo son una muestra de ello y lo mismo ocurre con el enfrentamiento con los robots adolescentes. Las luchas parecen mejor coreografiadas, más cuidadas y la acción al mismo tiempo tiene otro vuelo más rápido que nos hace dudar si es un bromance o una película sci fi (son las dos cosas obviamente). No es de extrañar la influencia de lo Sci fi inglés. Desde pequeños y desde hace más de cincuenta años Inglaterra siempre está al borde del exterminio a causa de una invasión alienígena y con eso meriendan todos los niños de Inglaterra (y queremos creer que Wright, Pegg y Frost no fueron la excepción, de hecho ellos actuaron en la nueva entrega de la serie de la que hablamos.) Doctor Who es una referencia universal hoy en día pero es más histórica para los Ingleses. Y lo mismo ocurre con la novela (película, radioteatro) Hitchhicker´s Guide to the Galaxy con quien comparte al reconocido Martin “Watson” Freeman. Que en las otras entregas de la trilogía tenia papeles más pequeños aunque memorables. Esas referencias parecen una inspiración fundamental para el grupo creador de Wright, Pegg y Frost.

Como ya mencionamos al igual que en las otras dos películas de la trilogía del cornetto, este film tiene papeles “pequeños” pero contundentes para grandes actores. Entre ellos Pierce Brosnan, Bill Nighy por tercera vez y Rosamund Pike como la hermana de Oliver Chamberlaine (Martin Freeman) y objeto amoroso y de rivalidad entre el líder del grupo, Gary King (Simon Pegg) y su amigo Steven Prince (Paddy Considine). La película juega con los géneros solo como el director nos tiene acostumbrados. El verosímil es empujado al infinito y de una noche entre amigos que se reencuentran todo se transforma en una de acción para convertirse en una película de ciencia ficción que alegraría a todos los fans del género. Lo lindo de todo esto es que también podría funcionar como publicidad de Cerveza. Es gracioso ver como el director y sus actores usan los lugares comunes de su identidad cultural: el pub inglés, los ritos

cendo. Algo que en un momento uno piensa que es difícil de mantener y Wright te demuestra que bajo su tutela la acción y los conflictos solamente pueden empeorar con cada oleada, para terminar en un fin del mundo como pocos que hayan visto en el séptimo arte. Si el fin omitía el epílogo postapocalíptico, terminaba todo cual Escape from Los Angeles. Con el epilogo final y el nacimiento de una nueva sociedad, Wright les da un nuevo significado y posición a esos jóvenes díscolos del comienzo. Un poco nos recuerda al final de Shaun of the Dead donde la humanidad debe rehacerse pero los monstruos a veces encuentran su lugar adaptándose o encerrados en algún garage para jugar videojuegos. Los robots forman una nueva clase mundial y Gary King finalmente logra encontrar un sentido como persona, reviviendo continuamente sus días de glorias pasadas al mando de un grupo de jóvenes… lo que

de pasaje de edad y lo transforman en algo absolutamente épico y universal. Gary King es un poco creído, insoportable y ególatra pero durante este viaje terrorífico se convierte en el héroe que todos queremos. Para el final no digan que no lo aman porque sino son unos mentirosos y no entienden nada de cómo funciona el cine y la vida ficcional de la construcción de los personajes. La película tiene una estructura de continuo cres-

nos lleva a pensar que ese quizás es el papel de Wright en todo lo que hace… convertirse en el nuevo héroe de cineastas jóvenes y guiarlos hacia nuevas fronteras. Toda una tribu de socialmente inadaptados le agradecemos eternamente que se ponga al frente de la muchachada sedienta de películas rápidas, agiles, inusitadas con una violencia paradigmática y una humanidad dolorosamente querible e inusual como su cine. ¡Edgar te queremos!

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FAST & FURIOUS… & MUSICAL [ Por Nicolás Ponisio ]

Edgar Wright, como ha sabido demostrar en trabajos anteriores, siempre ha sabido hacer un buen uso del dinamismo visual, en conjunto al humor que sus imágenes y personajes despiertan. Resultado de lo mismo, ha sido el recurso de amalgamar distintos géneros. Y si bien éstos responden a ciertos rasgos y arquetipos para nada nuevos, logran ser reutilizados y contados de una manera tal que terminan resultando nuevos ante la mirada del espectador, quien se divide entre la risa y la imposibilidad de mirar por un segundo a otro lado que no sea la pantalla. Con Baby Driver, Wright conforma el punto más álgido hasta el momento de su creciente carrera cinematográfica. Y lo hace con un carácter dinámico y vertiginoso que escapa a pertenecer solo a las hermosas secuencias de persecuciones, sino que lo extiende a lo largo de todo el film con la edición, la música y sus personajes. Y es que su sexto film, y el segundo perteneciente a su etapa estadounidense, el director británico incursiona enteramente en el género de acción y a la vez, crea una nueva categoría de film: el musical de acción. Al frenético y estimulante ritmo de las imágenes se

suma la banda sonora como un personaje más de la historia. Y por más que es cierto que el director siempre le ha dado su importancia en los films a la música, aquí funciona como una extensión del mismo Baby (Ansel Elgort), el protagonista del relato. Conductor de un capo criminal (Kevin Spacey) para saldar una deuda del pasado, Baby solo precisa ponerse detrás de un volante y darle play a su Ipod para escapar de las autoridades con cada nuevo robo a un banco. Explicando por completo al personaje en la introducción y los créditos iniciales (y dejando en claro la identidad de género tanto como acción y musical), el film destila una combinación de disfrute total al ver a Baby dentro y fuera del auto. Sea por su destreza al volante o por su danza al andar, la edición del film da una pequeña probada de cómo sabe poner en la misma sintonía la acción, el humor y la música, coordinando a los tres elementos para que el film en sí mismo sea una pista asesina. Y como los buenos discos, en Baby Driver todo irá en aumento en pos del placer del público. Diseñado constantemente con una coreografía digna de los más grandes musicales, el film nos conduce,

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con Wright al volante, a través de su narrativa repleta de detalles en el diseño del arte, que entran en juego con el ritmo y el tema perfecto en la escena adecuada. Lo cual ya es decir mucho sabiendo que el soundtrack cuenta con 43 temas, produciendo de alguna forma el mismo efecto que el director realiza con los géneros cinematográficos al escoger un sinfín de estilos y ritmos musicales (Rock, Jazz, Pop, electrónica y más). Todo crea un deslumbre audiovisual acentuando su virtuosismo en la aceleración originada por la velocidad al volante y el montaje que por momentos sobrepasa a la rapidez y la violencia de colisiones. Cada aspecto, por más distinto que sea uno del otro, cumplen

con un cometido en común: el disfrute absoluto por casi dos horas. Baby Driver sin lugar a dudas es una aplanadora que se posiciona con toda su furia y estilo en la delantera como una de las mejores producciones de esta segunda década del siglo XXI. Y si alguien piensa que la adrenalina generada se irá luego de pasar por la experiencia arrolladora de verla, ésta solo irá acrecentándose a niveles inimaginables. Tomen el consejo de alguien que mientras escribe, no puede parar de escuchar el soundtrack. Mucho menos de dejar de sentir la fuerza de choque del film en el cuerpo. Abrocharse el cinturón, de más está decir, no va a servir de nada.

EL ESCRITOR SERIAL

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SPACED LA SITCOM NERD POR EXCELENCIA [ Nicolás Ponisio ]

“Dicen que la familia del siglo XXI está hecha de amigos, no de parientes”. Si bien esta frase es dicha en el episodio final de la serie, podría decirse que es el punto de partida y el fuerte concepto bajo el que se desarrollan las dos temporadas de Spaced. Poco tiempo antes de que hiciera gran carrera en el cine, y mucho antes de que lo hiciera dentro de la industria hollywoodense, el británico Edgar Wright y un grupo de amigos creaban su propio estilo visual y humorístico en la televisión. Allí nacía Spaced, una serie sobre amigos, hecha por amigos. Escrita y protagonizada en su totalidad por Simon Pegg y Jessica Stevenson, la serie británica se acerca a la vida de dos perdedores con gran química, lo que los hace adorables e irreverentes, a través de un vínculo que crece en medio de una situación desesperante. Daisy es una chica sin empleo con deseos de ser escritora y Tim un chico que quiere reali-

zar sus propios comics pero que, en cambio, trabaja en una casa de historietas y acaba de ser abandonado por su novia, quien le fue infiel con su amigo Duane (Peter Serafinowickz). ¿La solución para ambos? Hacerse pasar por una pareja para que Marsha (Julia Deakin), la alcohólica casera de un edificio de apartamentos, les permita alquilar un piso. Es allí, en los terrenos de su nuevo hogar, donde el delirio y los personajes más extravagantes se abren paso. Yendo de aquí a allá con el único sentido de esparcir en dicho espacio el delirio humorístico. Y las bases de ese humor, que más tarde se vería mayormente expresado en las obras cinematográficas de Wright (Shaun of the Dead, Hott Fuzz, Scott Pilgrim vs The World), se encuentran en lo caricaturesco y en expresar el gag en cuestión bajo la semiótica de la cultura popular. Esto quiere decir, hablando en los términos de lenguaje de su propia

generación. Así como Quentin Tarantino o Kevin Smith son algunos de los primeros exponentes de esa generación en los terrenos del cine, Wright conforma, en el traspaso al nuevo siglo, su propia voz a través del nerdismo de la generación del vhs. Siguiendo por el plano arquitectónico que describe los cimientos de la serie, el carácter eficaz de la misma se debe a tres elementos: la dinámica visual, el humor como referencia generacional y la química carismática que reúne a los personajes en pantalla y que, en ocasiones, borra toda diferencia entre actores y personajes. El estilo a la hora de filmar una típica sitcom, sea británica o estadounidense, nunca se presentó como elemento a destacar. En cambio, con Spaced la edición, los movimientos de cámara aberrantes, los veloces encadenados, son fuertes constructores del humor de manera tan importante como la situación o el diálogo humorístico a contar. Quienes realizan esta serie, desde el guión hasta la dirección, son hijos de una generación que consumió en gran medida los clásicos modernos del cine y la historia. De allí es que, a diferencia de Tarantino que utiliza la referencia más como un homenaje y una reinterpretación de algo icónico, el trío creador de esta serie lo hace desde la completa ironía. Siempre dándole forma dentro del contexto de la historia del episodio en cuestión, pero con una fuerza tan presente que capta tanto a la obra referen-

cial como al espectador entrenado. Una doble capa de humor que se alimenta del gag original y lo fusiona a la vez con el cine del siglo XX. Así es como hay lugar para todo tipo de guiño o absurdo cinéfilo, desde The Conversation, The Shining (en más de una ocasión), The Sixth Sense, Fight Club, One Flew Over the Cuckoo’s Nest. A veces como simples guiños momentáneos y en otras, integrados por completo al desarrollo de la trama. Aunque el mejor de todos ellos debe ser aquel en el que el episodio termina con un importante cliffhanger y los amigos se disponen a embarcarse en su misión final. Todo ello emulando épicamente al desconsolador final de Star Wars: The Empire Strikes Back. Conforme transcurren los episodios, y más allá de que en su mayoría se tratan de historias autoconclusivas, la amistad y el carisma de estos personajes van en aumento, siempre trabajándose en función de ser imposible no encariñarse con todos ellos. Lo que en un principio puede resultar meramente como caracterizaciones que solo cumplen una función humorística, y hasta algo unidimensionales, terminan por crear su propio mundo personal y, por ende, se los entiende en su proceder y sus lazos. Los personajes adquieren contexto y forma, mayormente en la segunda temporada, y terminan dando forma a un grupo tan raro como entrañable. Vecinos y amigos como Brian (Mark Heap) el artista que crea a través

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de la ira, el dolor, el miedo y la agresividad pero es pura ternura, Mike (Nick Frost, eterno sideckick de Pegg), el mejor amigo de Tim que ama las armas militares y no puede escapar de su, literalmente, borroso pasado y Twist, la atontada y superficial amiga de Daisy. Ésta última quizás la menos interesante o explotada de la troupe. Pero sin lugar a dudas, el vínculo mejor formado es que el que concierne a esa relación de pareja falsa y amigos en convivencia que son Tim y Daisy. La interacción de ellos dos en pantalla en conjunto es carcajada asegurada, siempre comprendiendo las personalidades individuales de cada uno y cómo estas

funcionan también a la par. Un juego entre diálogos astutos, tonteras inmaduras y el fiel compañerismo hace que su relación sea una de las más hermosas y tiernas jamás vistas (para ustedes Ross y Rachel). Incluso la serie juega en ciertos momentos específicos con una tensión romántica en el aire que, si bien nunca llega a concretarse, es un claro ejemplo del valor de la amistad y el entendimiento que se tienen entre ambos. Si la familia del siglo XXI está hecha de amigos, entonces Tim y Daisy son el romance de los tiempos que corren. Y Spaced… Spaced el lugar de pertenencia para ellos y nosotros, the children of the nerdvolution.

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https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

La banda Canoa acaba de lanzar un nuevo video "Kodama" es el ade-

Septiembre por Rock Action Records

Songs From A Broken World" a lanzar-

lanto de su próximo álbum que se edi-

(Temporary Residence in North Ame-

se bajo BMG el 15 de septiembre próxi-

tará en agosto. La banda nacida en Jar-

rica / Spunk Records in Australia) Pre

mo. Y unas semanas después liberó

dín América (Misiones) y mudada a La

order on heavyweight black vinyl / CD /

el correspondiente video dirigido por

Plata está formada por los hermanos

Digital Download and Box set at http://

Chris Corner of IAMX, en él se puede

Ale Antúnez y Charly.

mogwai.co.uk. ¡¡¡¡La canción es canta-

ver a Gary junto a su hija Persia, quien

da!!! y se llama “Party In The Dark”

participa en el clip y hace los coros en la canción. Y esta semana ha lanzado el audio de “What God Intended” el segundo adelanto.

Matilda acaba de lanzar un nuevo video de su último álbum "El Río y su

Mientras tenemos frescas las imáge-

Continuidad", la canción, "Un Amor".

nes y los sonidos del show que Pau-

Matilda es un dúo electropop integrado

la Trama dio sola con su guitarra en el

por Juan Manuel Godoy e Ignacio Mo-

Ciclo Entrepisos y cuando aún resue-

linos nacido en la ciudad de Rosario.

na en nuestros oídos el reciente álbum

Escuchá en Spotify y en Bandcamp.

que sacará junto a su banda, Los Besos “Helados Verdes” vimos el video que hiciera Michelle Gualda con pro-

Lost Horizon es el nuevo dúo de

ducción de Natasha Gurfinkel para el

Simon Raymonde (Cocteau Twins y di-

tema que da nombre al disco con la

rector de Bella Union Records), y el ba-

actuación de Pia Patruno y Miyamura

terista Richie Thomas, (principalmente

Tomoko. Excelente. Sugerente. Sutil y

tocó con Dif Juz, y además con los Coc-

para ponerlo en palabra de los autores

teaus Twins, Jesus & Mary Chain, Felt,

La banda Tan Frío El Verano aca-

- A veces un aroma es suficiente para

Moose y otros). El álbum de la ban-

ban de lanzar un nuevo single llama-

transportarnos a un limbo entre pasado

da saldrá el 3 de noviembre por Bella

do "Vueven los Muertos", según dicen,

y fantasía. Pero, ¿y si pudiésemos evo-

Union Records y se llama Ojalá. El ál-

este single adelanta a su nuevo traba-

car eso que es demasiado misterioso

bum cuenta con varios vocalistas invi-

jo llamado "Verano" que será el princi-

para las palabras? Un nuevo lenguaje,

tados.

pio del fin. Des pués de "Invierno" EP

libre de interpretaciones y de la tiranía

(2010), "Primavera" (2012), "Otoño"

de la lengua.-

(2015), "Verano" será el fin de las estaciones de la banda.

3 DOS EN UNO

La otra noticia es que dos singles de adelanto se pueden escuchar en el soundcloud de Bella Union. “The Places We've Been” y “Frenzy, Fear” fueron lanzados con una semana de di-

Mogwai nos ha deja escuchar un

El Gran Gary Numan ha lanzado

adelanto más de su anunciado álbum

en audio "My Name Is Ruin", el primer

“Every Country's Sun” a salir el 1 de

adelanto del nuevo álbum "Savage:

ferencia. Ojalá se puede encargar siguiendo este link smarturl.it/LH-ojala

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Luciana Tagliapietra lanzó un nuevo álbum hace unos días producido por Ignacio Molina. El disco lleva por nombre “Kawaii” y hoy compartió un tema Tori Amos ha anunciado la salida de

Ha salido en video el tercer adelan-

de adelanto con el nombre de canción

su nuevo álbum "Native Invader" para

to de “Uniform” el décimo tercer disco

uno el cual puede escuchar aquí abajo.

el 8 de septiembre de este año bajo el

de Tricky el tema es “When We Die” y

sello Decca Music Group. Su trabajo

es cantado maravillosamente por Mar-

de estudio número 15 llega después

tina Topley-Bird. El video que le deja-

de "Unrepentant Geraldines" del 2014.

mos aquí abajo es dirigido por Jenny

El 24 de Octubre comenzará en los

Marie Baldoz y nos muestra el sufri-

EEUU., la gira que apoyará al álbum.

miento de mucha gente en las calles

El primer adelanto del álbum se lan-

de New York de forma cruda, imágenes

zó una semana después del anuncio,

suavizadas por la música calma y bella

"Cloud Riders" salió sólo en audio y en

compuesta por Tricky que a juzgar por

Mi Amigo Invencible ha lanzado un

estos días ha salido el “Lyric Video”.

los adelantos que fue lanzando espe-

nuevo single llamado "Nuestra Noche"

ramos un disco imperdible para el 22

contiene tres canciones "Nuestra no-

de septiembre.

che", "El mismo sol" y "Souvenir". Editado bajo el sello Mansos Discos.

A fines de Enero dábamos cuenta del lanzamiento de “#A” un EP de Atlante, este potente trío de Rock Argentino, que acompañó el lanzamiento con

Ya dimos cuenta del nuevo disco de

Ya hay fecha y adelanto del nuevo

el video realizado por Nómade Convo-

Lee Ranaldo “Electric Trim” anunciado

single de Hurricane Heart Attacks. Des-

cado (Rama) haciendo un montaje con

para el 15 de septiembre que saldrá por

de el sello inglés Wrong Way Records

imágenes del mediometraje “Las 77

Mute Records del cual hace un mes pu-

nos llega la información del anuncio de

páginas” realizado por Diego Arando-

dimos ver el video y escuchar el prim-

la edición del single "OCD" de la banda

jo y Mauro Savarino. Recientemente

er adelanto “Circular”. Desde ayer se

argentina. Este lanzamiento está pre-

compartieron un video también reali-

puede ver en su canal de youtube otro

visto para el próximo 18 de septiembre.

zado por Rama y otra vez se trata de

tema fantástico, entre irónico y mel-

Ya se puede escuchar en el bandcamp

un montaje, esta vez sobre imágenes

ancólico con un dejo a Lou Reed la can-

el lado A, que es la canción que le da

del realizador audiovisual experimental

ción se llama “New Thing” y el video

nombre al single. Este single es parte

Ernesto Baca y el tema elegido es “1 3

que le compartimos también exquisito

de la gira que la banda realizará por

5 7” El tercero del EP antes menciona-

fue dirigido por Naomi Yang (bajista de

Europa presentándose con gran parte

do de cuatro temas.

Galaxie 500).

de la escena neo psicodelia mundial.

PURA MELOMANIA

Soles Moribundos Dead Can Dance - Within the Realm of a Dying Sun (1987) [ Alejandro Cenizacromada ]

El salto de Dead Can Dance hacia un sonido más ambiental, despojándose de las raíces Post punk de sus primeros dos álbumes dejó una huella imborrable en el mundo de la música oscura, basta escuchar el rastro de este disco en grupos como Arcana, Irfan o Rajna. Una portada enigmática, la foto tomada por Bernard Oudin en un mausoleo del cementerio Pere Lachaise de Paris. La producción del álbum realizada entre Dead can dance y el señor John A Rivers (Clan of Xymox, Sopor Aeternus), con un sonido sublime oscuro y elegante. EL reino del sol moribundo empieza con una canción llamada Anywhere out of the world, para mi uno de los mejores temas en toda la historia de la banda basada en la dinámica del bajo repetitivo e hipnótico, los sintetizadores y la hermosa voz de Brendan haciendo una reflexión sobre nuestra búsqueda en la vida, sobre lo trascendental y lo banal. Sobre como sucumbimos ante las falsas ilusiones disfrazadas de paraíso. Es increíble que sea una canción que poco o nada toquen en vivo. Windfall es un track instrumental; bastante acertado el otoñal nombre pues eso es lo que refleja en sus decadentes pero hermosas melodías de cuerda. En Windfall hay una influencia de ese minimalismo del maestro Philip Glass que va ganando en magnificencia a medida que avanza la pista, una fuerte ventisca nocturna en un bosque fantasma. In the Wake of adversity es uno de esos temas que dan cátedra de cómo hacer sonido Dark wave, con ese intro de cuerdas que lo transportan a uno a otro tiempo y esos sintes que van entrando de a poco y a medida que avanza la canción cobran protagonismo. Soy consciente que Dead Can Dance nunca se han considerado a sí mismos como una banda gótica, pero este álbum es una prueba en su contra. Xavier entra con una melodía de piano y la voz de Lisa, para dar paso nuevamente a Brendan en una hermosa pieza en donde se habla de la inevitable ley del karma, o así la interpreto yo. Xavier es una de las más hermosas canciones cantadas por Brendan en todo el repertorio de DCD. Dawn of the iconoclast es una pieza que ya intuye el advenimiento de lo ritual y lo tribal, la voz de

Lisa Gerrard usada como otro instrumento en su rito de iniciación que entre sonidos de viento dan paso a ese mantra llamado “Cantara”, canción que se convirtió en un clásico de la banda. Cantara parte de ese sonido minimalista con elementos de músicas que oscilan entre lo medieval y el medio oriente en una parte muy meditativa de inico y que explota con el poder de lo tribal. Soberbias y detalladas percusiones que en conjunto con la voz de lisa brindan una especie de liberación espiritual. Para redondear el poder de la canción el manejo de los sintetizadores perfectamente confabulados con los instrumentos de cuerda oscurecen la pieza dando esa aura arcana a todo el conjunto. Pienso que Dawn of iconoclast y cantara funcionan muy bien juntas como si fuesen una sola canción. Como dato curioso el grupo de música electrónica The future sound of London usa un samplers de la voz de lisa de Dawn of the iconoclast en su mega clásico Papua Nueva guinea. Como una dramática procesión apocalíptica aparece el tema Summoning of the muse, Se graba una primera y una segunda voz de Lisa para un hermoso juego vocal que danza sobre una obsesivas campanas donde la decadencia hace presencia y las atmósferas añaden un fuerte dramatismo. Nunca los muertos bailaron tan bien y para finalizar Persephone, un tema

lento, denso con instrumentos de cuerda y sintes, la verdad es de esos temas que prefiero escuchar medio alegre porque aunque es indescriptiblemente hermoso es muy deprimente. Tiene dos fases un intro que parece una macabra procesión con una sentida voz de Lisa Gerrard que parece un lamento, para pasar a un estado etéreo en la canción. Recuerdos de más allá de la niñez aparecen. Una promesa celestial se hace presente para culminar con broche de oro una obra maestra por donde se le mire. 30 años de una de las más grandes joyas del Darkwave de todos los tiempos. Si no lo has escuchado es tu deber perderte en el laberinto de esta serpiente.

Una Experiencia Envolvente y Lisérgica Primal Scream – Vanishing Point (1997) [ Alex Bretto ]

Aquel 24 de abril de 1998 nos encaminamos con un grupo de amigos a Museum, en San Telmo. Yo no dominaba mucho el material de Primal Scream por aquel entonces, pero si los había oído nombrar con frecuencia. Visto a la distancia, puedo parecer peligrosamente poco culto por confesar que en abril del ‘98 aún no había escuchado entero “Screamadelica”, pero nadie es perfecto. Puedo decir a mi favor que después de experimentar a Primal Scream en vivo aquella noche, al día siguiente no dudé en ir corriendo a mi disquería de cabecera (por aquellas épocas, “El Oasis” en Belgrano) a adquirir mi ejemplar de “Vanishing Point”. Años después caería en la cuenta de que de las veces que tocaron en Buenos Aires, aquel fue el mejor show ofrecido y tenía mucho que ver con que probablemente la banda presentó el mejor álbum en su haber. Sí, creo que “Vanishing Point” es mejor que “Screamadelica”, y si tuviera que hacerlo competir por el primer puesto con alguno de sus otros discos, sería con el demoledor “XTRMNTR” que lo sucedería. Bobby Gillespie y sus muchachos se lucieron en esta ocasión. Tras considerar seriamente la disolución luego del fracaso del decepcionante “Give Out But Don’t Give Up” (1994), y con algunos cambios de formación (Gary “Mani” Mounfield, ex Stone Roses, en el bajo y Paul Mulreany en batería), “Vanishing Point” es lanzado en julio de 1997. El single adelanto había salido en mayo y significó el regreso del grupo al Top 10 británico: “Kowalski”, una hipnótica rola trip-hopera que incluye samples de “Halleluhwah” de CAN y “Get Off Your Ass and Jam” de Funkadelic. Densa, oscura y atrapante, permitió al flamante integrante Mani lucirse con una línea de bajo grandiosa. “Kowalski” fue promocionada con un video que se jactaba de contar

con la presencia estelar de la supermodelo Kate Moss. A decir verdad, el adelanto más temprano había sido un año antes, cuando acertadamente Primal participó en la banda de sonido de “Trainspotting”, una de las más exitosas de 1996, y ni más ni menos que con el tema que daba nombre al film. El quinto álbum de Primal Scream es una elegante combinación de distintos géneros como el ambient, el dub y el krautrock, felizmente orientados hacia el club dance londinense de aquellos años. De modo que se supieron rescatar algunas fusiones que ya se habían destacado en “Screamadelica”. La reverberación en el sonido de las guitarras y los teclados psicodélicos imprimen a la obra una resonancia envolvente y lisérgica, bien trippy como las tendencias del bullicio under supieron imponer. Optima apertura del disco con “Burning Wheel” y nuevamente Mani en primer plano con una canción de ritmo marcado, toques dub y reminiscencias al pop

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de los 60’s. Tras el hit “Kowalski”, sobreviene el momento más exquisitamente sinestésico de la placa que es “If They Move, Kill ‘Em”, sin desmerecer la narcótica “Stuka”, otro espacio magnético con tufillo a raga rock promediando la mitad la producción. No falta un instante extremadamente “rolinga” como “Medication” para quebrar tanto éxtasis, que emula al hit “Rocks” de su lanzamiento anterior, pero a no asustarse: en la dosis justa cae bien. “Motorhead” es el típico dance rock track donde Primal se da el lujo de saturar guitarras sobre un ritmo adictivo. Entremezclados con los referidos remolinos de acid rock, se encuentran momentos instrumentales calmos como “Get Duffy” o la

ya mencionada “Trainspotting” para equilibrar: un pasaje cannábico en el medio de tanta electrónica acida. Las críticas fueron positivas tanto del público como de la crítica especializada. NME lo consideró un disco brillante. Llegó incluso a ser incorporado en el libro “1001 Albums You Must Hear Before You Die” (2005). Alcanzó el puesto número 2 en el ranking británico, certificando Oro tanto en UK como en Japón. Lo más significativo es que Primal Scream revalidó con esta producción todo el crédito que se creía dilapidado años antes. “Vanishing Point” pudo haber sido para el futuro de la banda lo que su nombre literalmente indica, pero fue lo contrario. Ironías de la vida.

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Nuvem Leopardo | Quintessencia Label: Aumega Project Fecha de Lanzamiento: 13 de Enero de 2017 Segundo disco de la banda brasileña, el primero del 2015, Revolver Mercurio. El cuarteto nos ofrece este trabajo de doce fosforescentes canciones, enmarcados en la Neo psicodelia, que sigue creciendo y que saben que en la revista va ganando espacio. Hoy es el turno de este álbum que hace rato queríamos reseñar, y como todo lo bueno en algún momento llega, éste ese momento. Escuchar psicodelia, space rock, y sonidos lisérgicos se está haciendo costumbre en el que escribe. Y si bien hay muchas, muchas bandas y muchos más álbumes, aún encuentro cosas interesantes en nuevos álbumes como éste. La particularidad, además del idioma portugués, es que uno se pierde en los sonidos desde el primer track introductorio y uno pierde la noción del tiempo, y queda atrapado en los ritmos que bajan, suben, se intensifican, se apaciguan, los climas nos sumergen en décadas pasadas (60s, 70s) y nos traen a la actualidad. Logrando que se pierda la brújula del espacio y tiempo. Por momentos nos encontraremos en los inocentes 60s, luego saltaremos

a la actualidad y luego retrocederemos a los 70s, sin escalas. Vuelo, furia, introspección, explosión, expansión... son algunas de las sensaciones que sentiremos en este "Quintessencia". Si te sentís que te falta un poco de energía y expansión sonora... es hora de que escuches está banda.

PABLO RIBOT | Invasive Voices Label: Plus Timbre Fecha de Lanzamiento: 10 de Marzo de 2017 Siempre que hablamos de música experimental nos encontramos ante un universo de suposiciones y de contradicciones. Como así también ante un terreno en donde la subjetividad depende del propio escucha. Hablar de un disco de música experimental nos lleva a pensar en el momento en el que uno se encuentra y en la predisposición para abrirse a nuevos rumbos. Este álbum nos lleva a un lugar en donde todo pierde el sentido de la música establecida (ese es un poco la misión de lo experimental). Pablo retrata silencios y estructuras sin formas que terminan dándole forma a un trabajo atrapante. Desde “November” (track que abre el álbum) parte desde un sonido reconocible como un instrumento de cuerda y luego desarma esa ilusión de conocimiento que nos sugiere y desde ahí todo puede pasar. Y el álbum va pasando y nos va llevando por

distintos estados, desde la reflexión hasta la oscuridad post industrial, o por un soundtrack. Visiones, sabores, aromas, sonoridades cambiantes en un álbum de canciones cortas para un trabajo del estilo (la mayoría de las veces pueden extenderse por largos minutos). Una sumatoria de escenas diferentes que nos hipnotizan y nos sumergen en un sugestivo mundo de sonidos.

CENIZACROMADA | Entre Hemisferio Label: Cenizacromada bandcamp Fecha de Lanzamiento: 23 de Mayo de 2017 Cenizacromada es un proyecto de Colombia de larga data. Aquel que lo conozca se encontrará a continuación con un paso adelante en la sonoridad de la banda. Sin perder la esencia de su sonido se lanza de lleno a una instrumentación más industrial, más acorde a un synth pop oscuro (no olvidemos que estamos hablando de Cenizacromada). Las regrabaciones es una marca de datos últimos años, y por más que nos hayamos acostumbrado al sonido de guitarra acústica, más folk, este cambio trae aparejado un nuevo campo de experimentación, fértil en su sonoridad. Una amalgama perfecta entre un paso hacia adelante en su evolución sin dejar atrás lo conseguido. Esperamos ansiosos la nueva muestra para ver si este camino si-

gue o si vuelve a marcar un nuevo rumbo. Una incógnita como siempre ha sido el próximo paso.

LAST BEE ON EARTH | Prologue Label: Last Bee on Earth bandcamp Fecha de Lanzamiento: 27 de Marzo de 2017

Prologue es el debut EP de 'Last Bee on Earth'. Y este proyecto que esconde a Mike Bee, quien ha estado en la banda “The 66” y ha decidido comenzar esta nueva aventura, entrelazando sonidos del space rock y la psicodelia con algo de krautrock pero con un acento muy inglés. Planteada como una historia de un viaje de Bee y cómo llegó desde el Espacio, a este lugar parecido a la Tierra. Prologue trae cuatro tracks. "Mossed in Space" es una hermosa mezcla de space rock con una psicodelia con tintes guitarrísticos que me recuerdan a los primeros The Mission. "5 AM" es un corto instrumental de menos de 2 minutos con Aires ambientales krautrock. "World on Fire" es una excelente canción que mezcla el britpop con el space rock con toques mantricos de psicodelia y una capa de canción épica por la orquestación. Tal vez sea la mejor del EP. "The Concept of Alan Watts" cierra el EP. Se trata de un viaje sonoro sobre una conferencia realizada por el filósofo británico. La instrumentación es compleja, el

ritmo es un loop que no respeta una métrica, es como que el pegado del loop desarma el patrón rítmico convencional, pero logra que uno se acostumbre a ese "error". Pero el resto de los instrumentos son capas de experimentos sonoros que van desde la electrónica krautrock hasta experimentos con cítaras, dándole un aire de viaje introspectivo. Esperemos que sea un avance de un próximo álbum. Excelente.

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LUCKYandLOVE | Lucky + Love Label: Southern Record Distributors Music Fecha de Lanzamiento: 30 de Junio de 2017 Álbum debut de este dúo de Los Ángeles, California formado (como la regla lo dice) Loren Luck (baterías y sintes) y April Love (voz, teclados y guitarra). En ocho tracks nos trae un synthpop elegante y sólido, sin momentos en que no dejemos de mover el pie al compás de los ritmos perfectamente pensados y procesados ambientes que mezclan el dream y climas envolventes y sensuales. He leído comparaciones que siempre suele hacerse, pero nadie nombra a la reina del hielo, a Siouxsie Sioux. El dúo navega y amplía la sonoridad de los Banshees en la canción “Red Light”. En estas canciones nos mueven por distintos paisajes sonoros haciéndonos bailar, nos hacen soñar y nos abrazan con alas de plumas multicolores en otros haciendo que nuestros oídos se deleiten con esas amplitudes vocales y sonoras. “Lucky + Love” es un álbum que

abre una brecha que se abandonó en los ochenta y se rescata y se amplía con suma belleza.

A Shoreline Dream | Room For The Others

Label: Southern Record Distributors Music Fecha de Lanzamiento: 30 de Junio de 2017

Cuarto single de adelanto del nuevo disco de A Shoreline Dream, los anteriores "Whirlwind", "Revolvist" del 2016 y "Time is a Machine Gun" del 2015. El nuevo álbum se editará directamente en formato de vinilo, una vez que todo el trabajo se haya lanzado como singles. La banda de Ryan Policky y Erik Jeffries estuvo en nuestras páginas y siempre son bien recibidos sus canciones. Y si bien nos tienen acostumbrados a canciones con alto contenido de reverberancias en sus guitarras, en esta canción no desaparecen pero podemos decir que "están más limpias" y que el track es "más pop", aunque no dejan de sonar siempre exquisitos y elegantes. Tal vez es un track que es simple y bello. Ellos han dicho que es una

de las canciones que más están disfrutando tocar en vivo. Mientras disfrutamos del nuevo single seguimos a la espera de un nuevo álbum, aunque para eso tendremos que seguir esperando.

Carta | The Sand Collector's Dream Label: Saint Marie Records Fecha de Lanzamiento: 27 de Julio de 2017 Partamos de una idea que saliendo del sello Saint Marie Records ya me predispone a escuchar este álbum de una manera más amigable. Lo cierto es que Carta edita su nuevo álbum (sé que tienen lanzamientos anteriores), pero realmente nunca había escuchado nada de la banda. Así que puse Play y me deje llevar por estas 10 canciones que forman The Sand Collector's Dream. Y luego de terminar de escuchar los tracks me he quedado con una grata sensación de bienestar y calma, con un sabor dulce en los oídos, que me hicieron volver al Play. Carta, como su nombre lo indica, me suena a una banda que describe paisajes en cada canción pero sin olvidar el todo (el álbum). No es una obra conceptual, pero tampoco son canciones sueltas. Cada track está puesto en un lugar justo, tal vez estratégicamente, o tal vez no. Pero el álbum avanza y vamos quedando atrapados en imágenes

lúdicas y oníricas. Su sonoridad deambula libremente sobre el dreampop, en otros momentos la electrónica se pone al servicio de estructuras etéreas, y en otros lo etéreo se pone al servicio de lo ambiental refinado. Llanuras sonoras, espacios de gran belleza, calma, ritmo, paisajes oníricos. Un bello álbum.

Pet Shop Boys | Nightlife/ Release / Fundamental (reissues) Label: Parlophone Fecha de Lanzamiento: 28 de Julio de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

Los Pet Shop Boys pertenecen al atormentado linaje de grandes bandas (Beach Boys, Bee Gees, Abba, Erasure) menospreciadas por hacer música bailable y, eminentemente, disfrutable. Relanzamientos como éstos sirven para revaluar su legado artístico. Ninguno de estos discos tiene hits importantes (con excepción del revival de Village People “New York City Boy” en Nightlife), pero todas y cada una de sus canciones son un tesoro. Nightlife es un recorrido sonoro por el mundo nocturno, y quizás el disco mejor producido del dúo en toda su carrera. Release es lo más cercano a un disco acústico que han hecho (con guitarras de Johnny Marr en casi todos los temas), pero lejos de ser folky, tiene algunas de sus canciones más extrañas (“The Night I Fell In Love”, sobre un fan masculino que tiene una noche de pasión con Eminem y le pone un “9 de 10”, y la maravillosamente inefable “London”), así también como algunas de las más conmovedoras (la canción de amor sin vuelta posmoder-

na “Here”). Fundamental es todavía mejor, una oscura reflexión pop de nuestros tiempos donde los PSB explotan a pleno su talento para relacionar lo político con lo personal. Si todavía no sos un converso, escuchar brevemente “Casanova in Hell” y “Luna Park” bastará. Los lados b incluidos en estas rediciones también son de lujo, aunque ya se habían publicado anteriormente en el boxset Format hace un par de años. No importa: para volver a escuchar a estos grandes de la música no hace falta excusa.

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Rex Brown | Smoke On This… Label: Steamhammer / SPV. Fecha de Lanzamiento: 28 de Julio de 2017

[ Por Pablo Ravale ]

El disco más inesperado, poderosísimo y repleto de grandes momentos de este mes es, sin lugar a dudas, Smoke On This…, debut en solitario de Robert “Rex” Brown, ex bajista de Pantera y Down. Un disco que resume su discografía por contraste, una auténtica demostración de facultades, que tomará por sorpresa a quien espere un sonido concreto o compacto. La brillante y directa “Lone Rider” abre el álbum, en un inesperado y rompedor ejercicio de sucio rock pantanoso, con una pujanza y precisión destacables, menos de tres minutos como primera declaración de intenciones. Su voz rota y berreante, que recuerda desde cierta lejanía a la de Izzy Stradlin, lleva a sus lomos el tema con un espíritu sosegado y suficiente, un primer puñetazo en la mesa ciertamente intrigante. Rock de la vieja escuela setentera al que sigue “Crossing Lines”, deudora de Corrosion Of Conformity de la época de Wiseblood, por su carácter lento, pesado y arenoso. De nuevo, destaca el derroche de ideas en menos de tres minutos. La conmovedora introducción acústica de “Buried Alive”, donde Led Zeppelin planta un indiscutible pie, precede a una de las paradas más fascinantes del álbum. La llegada del riff eléctrico, a caballo entre el legado de zeppeliano y la oscuridad de Black Sabbath, junto con las voces cavernosas, es la prueba de que nos encontramos con el sello Pantera. Obvié conscientemente hasta ahora la mención a aquel proyecto que Brown, Dimebag Darrell y Vinnie Paul (en opinión del que firma, una de las bases instrumentales más formidables de los 90) montaron junto al veterano músico de country David Allan New Single Coe, aquel fantástico Rebel Meets Rebel, donde dicha July, 14 2017 mutación de country y metal mostraba una capacidad de encaje admirable entre dos estilos aparentemente tan distantes entre sí. Esta tercera pieza recuerda poderosamente a aquel álbum, con su muro de sonido marcado y sus alternancias rítmicas, luciendo detalles sureños a lomos de una psicodelia brillante, con solos de guitarra introducidos con una destreza y una capa-

cidad de desarrollo notabilísimos. “Train Song” es la cuarta prueba consecutiva de la grandeza del disco. La voz a estas alturas ya se ha aceptado sin dificultad, por costumbre; evidentemente, Rex no es un gran vocalista, pero se las arregla bastante bien. Brown suena auténtico y personal, porque no se esfuerza por sobresalir con ejercicios vocales innecesarios que le resten credibilidad a este rock pesadón de la vieja escuela. Tras un primer tercio del álbum directo y consistente, Brown expande su paleta considerablemente. En “Get Yourself Alright” Brown tiene algo de chamán, guiándonos hasta la explosión del estribillo de la mano de un flanger, un efecto de sonido en desuso, al igual que discos como este. Canción rica en matices, donde echa mano de un tandoori hindú y superpone varias capas de voces. El hombre que se unió a Pantera en 1982 y vendió miles de discos es, ante todo, un hombre de pueblo que se crió conmovido por la música de Zeppelin, Sabbath, AC/DC, Mötorhead, Thin Lizzy, y también de Kiss. Y “Fault Line” es puro hard-rock, hay algo hasta de Van Halen allí, por lo que resulta grato descubrir cómo, tras una temporada lejos del negocio de la música, Rex ha viajado hasta reencontrarse con sus raíces, y ha sido capaz de sacar un disco como este rodeado de amigos, zafándose de cautelas y sin miedo de ver dónde llega con esta nueva aventura musical. Las letras son personales y catárticas, “Buried Alive” habla abiertamente de la pérdida de su ex compañero Dimebag, cuya trágico asesinato llevó a Rex

167 a ahogarse en pantanos de whisky. En “What Comes Around…” asoman de nuevo las acústicas, con una cadencia deudora de Jimmy Page. A su lado, el guitarrista Lance Harvill, suena como su fiel mano derecha; mientras Christopher Williams se encarga de un soporte de batería majestuoso. Hay un buen bloque de límites e ideas preconcebidas que el disco ya ha sobrepasado con creces a estas alturas, como si Rex disfrutase de una libertad total de enfoque y sintiese una absoluta indiferencia ante unos más que posibles resultados negativos a nivel de ventas. Y cuando uno escucha “Grace”, con ese aire medio funky, el más fundamentalista del rock de los 90 puede sospechar que Rex va a colisionar de lleno con ventas inexistentes. “So Into You” nos devuelve al heavy pantanoso, ligerísimamente deudora del II de Down, obra maestra

dad llevase años peleando por salir. La recta final del álbum llega con una fuerte dosis de psicodelia al comienzo de “Best Of Me”, saludando desde el final de la sala. Casi puedo ver aparecer a Phil Anselmo con su voz de caverna, pero Rex es más sutil, abraza el feeling y canta con una confianza y una delicadeza sorprendentes, antes de que la canción vuelva a romper en una progresión de riffs pesados y fuertemente marcados por el influjo de Black Sabbath. Un tema largo, saciado, con un lap steel y teclados aportando calidez. Para terminar, en “One Of These Days” se vuelve a congraciar con Led Zeppelin, a base de arpegios de eléctrica y acústica, golpes de timbal hueco y una voz cálida y oscura, antes de que la canción dé un vuelco sobrecogedor, cantando prácticamente en solitario, sin apenas más apoyo que el de un teclado grave

del metal de lo que llevamos de siglo. A media canción el tema se abre a los cielos (pura épica a base de un bajo magistral, coros sublimes y guitarras certeras) y uno empieza a sentir el cosquilleo, pues Rex suena liberado y expresivo, espontáneo, como si su creativi-

de fondo. Un cierre legendario con el tono SUREÑO apretada hasta el fondo. Como afirmé al principio, estamos ante uno de los discos del mes (y quizás hasta del año). No lo dejes pasar, de verdad que es bueno.

The Goa Express | Goa/Kiss Me

Label: Wrong Way Records Fecha de Lanzamiento: 11 de Agosto de 2017

Sin lugar a dudas uno siempre mira para donde quiere encontrar algo. Y esto es tan antiguo como el instinto de sobrevivir del ser humano. El caso en este espacio de la revista es buscar lo nuevo y lo que asoma a la luz. The Goa Express son un quinteto de Inglaterra que asoma en un universo plagado de Neo psicodelia, y lo hacen con este simple de dos canciones muy, muy arriba. Goa abre de manera explosiva y el ritmo no cesa en todo el track, aunque varíen las intensidades, pero la explosión irreverente y psicodélica nos divierte y nos invita a no quedarnos estáticos. Kiss Me es el otro track de corte pop psicodélico con unos teclados muy a go go. Y acá tampoco vamos a querer quedarnos quietos. Dentro del

reavivado mundo de la Neo psicodelia The Goa Express es un poco de diversión con dosis de los sixties y algo de garage rock. A disfrutar y a bailar.

Crash City Saints | Are You Free? Label: Saint Marie Records Fecha de Lanzamiento: 11 de Agosto de 2017

Segundo álbum de la banda de Kalamazoo, Michigan. Después de siete años de editar su debut "Glow In The Dark Music" (2010), vuelven con este trabajo lleno de luz y elegancia. Canciones que nos llevan por muchos estilos que incluyen en dream pop, nu gaze, brit pop, por momentos se vuelve rock alternativo, pero siempre con una cuota de diversificación sonora que asombra como se unen en una misma canción. Siempre el manto de la excelente ejecución de los instrumentos y por momentos las capas de efectos en las guitarras son simplemente exquisitas. Para sumarle un toque de distinción al álbum el track seis, “Spirit Photography”, cuenta con la partici-

pación estelar de Simon Raymonde. Como si faltara algo más para no dejar escapar a este álbum.

Glider | 45

Label: Wrong Way Records Fecha de Lanzamiento: 11 de Agosto de 2017

Shoegaze, shoegaze, shoegaze. No busquemos otro calificativo, ni ahondemos en explicaciones absurdas y coloridas. Esto es así, bien directo, Shoegaze clásico y directo. Glider nos ofrece en este single todo lo esperado y en forma perfecta. Qué encontramos en los dos tracks? En "See You There", si te gustan las guitarras que rozan el drone y que están cargadas de capas de efectos y voces detrás de los instrumentos, Glider es para vos. En "When" encontrarás todo el caos sonoro que tiene que tener el estilo y la velocidad imperante en las mejores canciones del género. Si te gusta My Bloody Valentine o Lush, Glider es para vos. En fin, a veces no hay que experimen-

tar o buscar la diferencia sonora, sólo hay que hacer buenas canciones y Glider sabe hacer ese trabajo.

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DERECHO DE PISO

HIDDEN SOULS LA OSCURIDAD ELECTRÃ&#x201C;NICA

171 [ Por Benjamín York ]

Hay bandas que llevan la ideantidad de una manera seria y controlada, sin dejar nada al azar o al "que vendrá. Hay bandas que están en la búsqueda de oportunidades sin esperar que caigan del cielo, es decir, con mucho trabajo y esfuerzo. "Hidden Souls" es uno de estos casos en donde la banda no se queda quieta esperando que los planetas se alínen y, de forma casi celestial, aparezcan las oportunidades deseadas, ellos salen en su búsqueda. Este trío argentino de música electrónica (con elementos del synthpop, EBM y futurepop) formado en el 2005, es originario de Mar del Plata, pero establecida en la ciudad de Buenos Aires, y desde ahí busca insertarse y expandirse en la escena mundial con su excelente sonido. La banda está formada por Leo Carden, Guillermo Pardo Neira y Alejandro Visoná. Recién ha finalizado de grabar su primer álbum llamado “The Incorruptible Dream”, ha editarse en los próximos meses, tanto en Europa como en su país natal.

Pueden encontrar a Hidden Souls y seguirlo en sus redes sociales: Facebook: http://www.facebook.com/neil.apart Bandcamp: http://neilapart.bandcamp.com/ Soundcloud: http://soundcloud.com/neilmusic YouTube: http://www.youtube.com/channel/UC-ELzFdr29C5HRNl-dle2lQ/videos Instagram: http://www.instagram.com/neilapart/ Twitter: http://twitter.com/Neil_Apart

SOBRE LA PORTADA ARQUETIPOS Año: 2011 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 60 cms de diámetro. ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”. Esta Obra se llama Arquetipos, de mi Período Circular. Y ¿porqué Arquetipos?. La fuerza del cuadro, las imágenes, justamente Arquetipos, son esas fuerzas primordiales, esas posibilidades de acción. Y esta obra tiene esa fuerza, por ejemplo, estas guardas griegas, que nos remite a experiencias que tienen que ver con lo colectivo, con el inconsciente colectivo. Los diferentes animales que aparecen en la Obra, pájaros, serpientes como dragones, como una especie de seres mitológicos, que van circulando en una dinámica, en un movimiento, que se entrelazan con los colores. Es un cuadro que tiene que ver con la experiencia de ir hacia el pasado, pero tratando que ese pasado nos defina de otra forma en el presente. Es una experiencia a la que se la denomina "Complejo del Semejante", buscar en la experiencia nueva ese semejante y al no encontrarlo tratar de instaurar algo nuevo de esa experiencia. Porque hay cosas que no tienen semejante en la experiencia personal, pero el semejante aparece en la experiencia arquetípica del inconsciente colectivo, lo que tiene que ver con la vivencia de la humanidad que todos tenemos adentro. Entonces, por eso "Arquetipos", porque nos ayuda a encontrar una referencia, fuera de nuestra vivencia personal, para poder vivir y adaptarse al mundo y lograra hacerlo novedoso. Esto traté de volcar en esta Obra. Esta obra es un mandala, esa forma sagrada que nos define, que nos ayuda a hacer ese movimiento interior para lograr vivir. Es una Obra para contemplar activamente, que mueve y hace que uno quede perdido en ese juego de proyecciones e introyecciones de una percepción que va más allá de lo particular. Uno también puede contemplar los ojos, hay diferentes tipos de ojos, y, en esa mirada, uno se puede reflejar como en un espejo y mirar eso arquetípico, eso antígüo, que nos define también, cuando falta la experiencia individual en esta vida. Eso nos lleva hacia un camino interior que está más allá de nosotroos. Nos define desde otro lugar. Redes Sociales del artista: http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

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