Revista The 13th Nº 41 by Revista The 13th

The13th AÑO: 4 | NÚMERO 41

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alex Bretto

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Benjamín York

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Darío Martinez

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Bernardo Jimenez Mesa

Gabo Rojo

[ Departamento de Literatura ]

Jairo Mansur

Pablo Ravale

Julieta Curdi.

Jefe de Departamento de Cine:

Max Wilda

Nicolás Ponisio.

Rodrigo Debernardis

[ Departamento de Artes Visuales ]

Jefe de Departamento de Literatura:

Ricardo Padilla (Oriani_K)

Diego Centurión y ARMS.

Pablo Ravale.

Marina Cimerilli

Jefe de Departamento de Música:

Pablo Müllner

[ Fotografía ]

Diego Centurión

Patricia Claudia Fiori

Nazarena Talice, Lily Moonster,

Jefe de Departamento de Colombia:

Marina Cimerilli. [ Departamento de Colombia ]

César León

Alejandro Cenizacromada Bernardo Jiménez Mesa César León Jennifer Isania Fonseca Sánchez COLABORAN EN ESTE NÚMERO José Navarro, Ryan Policky , Clustersun, James Douglas Clarke, Daniel Chavis , Clay Andrews, Patrick Casey, Alban Hajduk , Sean Laffan, Git Sweeney, Lee Stevens, Dandy Lee Strickland, Le Crowley, Nameless, Oliver Overton, Don Jam, Kevin J. Moriarty Gibbard, Sophia Lacroix Landers, Natalia Vkrayt, Natalia Storm, Javier Benavides. CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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EDITORIAL Octubre 2017 Acercándonos lentamente, aunque el tiempo se nos pasa volando, al final del año 2017. Habiendo pasado la barrera de los 40 números, las energías se renuevan y en este números damos lo mejor de nosotros con grandes, grandes entrevistas y mucha información jugosa para los lectores. La cantidad de entrevistas aumentan en relación a los números anteriores. Presentamos a Mis+Ress, When The Sun Hits, Black Doldrums, en muy buenas entrevistas, en el plano local, Flores de Sinaloa, De Trueno, Manuel Embalse y Ese Perro fueron entrevistados también. El plato fuerte lo representan tres súper entrevistas, Mike Pougounas de New Good Zero y de la legendaria banda Flowers of Romance, luego tenemos a la gran Morgane Lhote quien nos cuenta sobre su presente en Hologram Teen y su pasado en Stereolab; y como si fuera poco nos dimos el lujo (una vez más) de hablar con Dean Garcia, quien nos habla de las reediciones remasterizadas de dos álbumes de Curve y también nos habla de lo nuevo de SPC ECO, Calm. Con estas entrevistas ya nos sentiríamos más que satisfechos, pero tenemos más... Una entrevista en exclusiva con la directora de la Semana Gótica de Madrid quien nos cuenta sobre este festival de artes que dura como un mes. Pero esperen... hay más... Un grupo de músicos internacionales se animan a reseñar el último álbum de The Black Angels, Death Songs. Pero estuvimos también en los conciertos de The Cult y U2. Y mucha información más sobre música. Extendemos Entrepisos.Radio con una nueva sección "Canción + Banda". En Literatura (Palabras en la Arena) nos empezamos a reordenar y tenemos la participación por segunda vez de Franco Doglioni. Todo lo referente al cine y las series tenemos que buscarlo en Rescate Cinéfilo, quienes nos trean dos especiales, uno sobre Stephen King y el otro de Twin Peaks. Tropica oscura nos trae dos conciertos ocurridos en Colombia. Como viene siendo costumbre la portada es una obra de ARMS. Mientras trabajando en un número especial nuevo para noviembre les dejamos éste, nuestro mejor esfuerzo.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Mediterranean Guey Camouflage – Bodega Bohemia (1993) por Maxx Wild..............................................................06 LA EXPANSIÓN SINALODÉLICA Entrevista a Vincent Van Flaüers de Flores de Sinaloa por Benjamín York.........................................................................08 ONCE AÑOS CON MUCHAS HISTORIAS QUE CONTAR Entrevista a Mike Pougounas de New God Zero por Diego Centurión.............................................................................16 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Diego Centurión.......................................................................................................24 ME GUSTA ESTAR OCUPADO EN TANTAS COSAS COMO SEA POSIBLE Entrevista a Dean García de SPC ECO - Curve por Darío Martinez...................................................................................30 SEMANA GÓTICA DE MADRID Entrevista a Marjorie Elijach por Alejandro Cenizacromada..............................................................................................34 "YA VES NADA ES CASUALIDAD" Entrevista a Mariano Ponce de De Trueno por Benjamín York...........................................................................................40 LA BANDA ESTÁ EVOLUCIONANDO TODO EL TIEMPO Entrevista a Martin Orton de When The Sun Hits por Diego Centurión............................................................................44 MIEDO A LA CHICA DEL TECLADO Entrevista a Morgan Lhote de Hologram Teen por Pablo Müllner....................................................................................48 PERROS DE LA CALLE Entrevista a Ese Perro por Pablo Müllner...........................................................................................................................54 ES UN HERMOSO DISCO Entrevista a Brian Wenckebach de MIS+RESS por Benjamín York.....................................................................................60 NO QUIERO DEJAR NUNCA DE INTENTAR NUEVAS FORMAS Entrevista a Manuel Embalse por Marina Cimerilli............................................................................................................64 NOS GUSTA PLANIFICAR TODO LO QUE SEA POSIBLE Entrevista a Black Doldrums por Diego Centurión............................................................................................................72 TROPICA OBSCURA TUMBA VILLA Y EL AQUELARRE DE LAS BRUJAS VIOLENTAS por Por Alejandro Cenizacromada. .............................72 LUTHIERS ELECTRÓNICOS por Por César León.. ...........................................................................................................86 LA MIRADA DE LOS OTROS THE BLACK ANGELS - DEATH SONGS (2017) ...................................................................................................................92 MUSIC CORNER NOCHE DE GOLES Y DISCOS QUE SON AMORES Por Alex Bretto. ...........................................................................102 LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 CAPÍTULO 10: Brian Wilson y Fiona Apple No Jugaban al Tenis (Pero Bien Podrían Haberlo Hecho) Por Gabo Rojo. ..................106 por Diego Centurión.........................................................................................................................................................98

PALABRAS EN LA ARENA PRODIGIO DE INSINUACIÓNA: Otra vuelta de tuerca de Henry James por Pablo Ravale............................................................................................. 112 ESCRITOR INVITADO: Franco Doglioli - Next.................................................................................................................................................. 116 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE EL TIEMPO por Pablo Ravale..........................................................................................................................................118 HIDDEN TRACK ............................................................................................................................................................120 EN CONCIERTO SONREÍ Y ME MOVÍ UN POCO The Cult en Luna Park por José Navarro. Fotografías: Nazarena Talice....................................................................... 124 RESCATE CINÉFILO KING FILM…...............................................................................................................................................................130

KYOU’RE GONNA “CARRIE” THAT WEIGHT por Nicolás Ponisio............................................................................132

TOTAL ECLIPSE OF THE HEART por Jimena Patiño..................................................................................................134 DEAD TRAVELS FAST por Jimena Patiño ..................................................................................................................136 LA MAGIA DETRÁS DEL HORROR por Nicolás Ponisio ...........................................................................................138 EL ESCRITOR SERIAL

TWIN PEAKS: THE RETURN por Nicolás Ponisio......................................................................................................140

Un Lugar En El Mundo Y Otros Mundos ................................................................................................................142

Inversión De Roles: Acerca De Doppelgangers Y Otras Dimensiones ...................................................................143

Quiebre De La Estructura Narrativa: Las Locas Aventuras De Dougie Jones .........................................................145

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................148 CANCIÓN + BANDA por Diego Centurión..................................................................................................................152 PURA MELOMANÍA ME LO QUEDO CON LO MÍO. Nico - Chelsea Girl (1967) por Gabo Rojo...................................................................156 PATADA A LA AUSTRALIANA. INXS - Kick (1987) Por Alex Bretto ..............................................................................157 GEORGE EN LA CÚSPIDE. George Michael - Faith (1987) por Alex Bretto .................................................................159 RABIA, FRUSTRACIÓN, SEXO Y MELANCOLÍA Deftones - Around The Fur (1997) por Pablo Ravale .......................162 FRÁGILES ARMAS DE GUERRA. Annie Lennox - Songs of Mass Destruction (1997) por Pablo Müllner .....................164 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................166 DERECHO DE PISO SENSIBILIDAD FOLK - THE BLUE HOUR por Benjamín York.........................................................................................180 EN AGUAS CRISTALINAS - THE RAFT por Diego Centurión........................................................................................182 SOBRE LA PORTADA ESCUADRA Y COMPÁS...............................................................................................................................................186

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

Mediterranean Guey Camouflage – Bodega Bohemia (1993)

Si unos alemanes (Heiko Maile, Marcus Meyn y Oliver Kreyssig (no presente en este capítulo)) pueden hacer temas en inglés y llamar a su disco de 1993 Bodega Bohemia. ¿Por qué no puedo hacer un cocktail con tequila, aperitivo blaco seco, espuma de limón (claras de huevo y limón batidos a nieve) y polvo aceitunas negras secas y llamarlo Mediterranean Guey (alcoholes en partes iguales, coronados de espuma de limón espolvoreada con polvo de aceitunas)? La realidad en que en ambos casos el resultado supera las expectativas. El 4to disco de Camouflage llega como un trabajo de unos experimentados en el synthpop, quienes luego de éxitos indiscutibles y tracks que nadie recuerda, ofrecen una visión avanzada para la época en materia de música electrónica. Pedestrian's Adventures, un casi instrumental como intro (salvo algunas voces y frases), no siempre es buena idea, pero los germanos quisieron algo más conceptual que de efecto, como mi cocktail, para dejar lugar a Crime (primer single del disco) y un tema a mi criterio muy logrado desde todo punto de vista, melódico pero con la potencia suficiente para no ser algo naif. Sigue (de manera enganchada, algo que vemos en todo el disco) Jelousy, groovy, rockerito, tercer single que invita a bailar, un dejo de chicos males, una guitarra poco escuchada en los temas de esta banda, pero que en este disco tiene destellos muy interesantes, tanto como la programación de baterías, que no buscan la simetría característica del género. Con una intrigante intro casi eurythmiquesca de la primera ola, Time Is Over, es una baladita al estilo de la banda pero sin mucho impacto. Falling, supermoderno, cool, climático, sexy, cantado a media voz, con cambios de ritmos, como los sabores del Mediterranean, van mutando a medida que avanzan y permanecen en la boca, incluso cuando ya no están. Suspicious Love, probablemente el más conocido pero que nunca fue single (inclusive la versión del video oficial es diferente), es un tema a la altura de la banda, no decepciona y vuelve a traer lo que resulta atractivo de estos alemanes (además de su estética). Bondage People, más al estilo DM, inclusive en la temática, oscura, hermosa, la guitarra vuelve a cobrar protagonismo desestructurando y dando un toque extraño, pero muy interesante. Close, el segundo sinlge, es un clásico tema estructurado y arreglado al estilo Camouflage, no entiendo el porqué de que sea un single, teniendo temas mejores, pero bueno, no siempre decide el gusto. Cierra este pequeño paseo In Your Ivory Tower, no agrega mucho, pero si completa un disco que tranquilamente puede ser escuchado en 2017, sonidos que son actuales, sin ser vintage, siempre la melodía vocal adelante, synthpop que va más allá, no eran novatos. Recomiendo ambos experimentos para un atardecer tranquilo y cálido, nunca solos… ¡Salud!

[ Entrevista a Vincent Van Flaüers de Flores de Sinaloa por Benjamín York. ]

LA EXPANSIÓN SINALODÉLICA

Hay momentos en que se abre una puerta y esa puerta nos introduce a un universo nuevo o nos abre otra paleta de colores de donde buscar nuevas formas y nuevos pensamientos o simplemente nuevas bandas que descubrir. En el número anterior reseñamos un concierto en donde la psicodelia emanaba de cada una de las bandas que tocaron esa noche. Conocíamos una banda, el número anterior conocimos otra y en este número conoceremos a Flores de Sinaloa. Nos hemos contactado con Vincent Van Flaüers para que nos cuente sobre la banda y muchas cosas más. Hola Vincent, gracias por acceder a responder estas preguntas. Para empezar vamos el principio: ¿Cómo nace la banda y por qué el nombre de Flores de Sinaloa? Flores de Sinaloa nace en mayo del 2015. Primero en formato de trío, con Marcellus Von Lares en guitarra eléctrica, Fausto Stone Rivara en batería, percusión y voces, y yo en guitarra acústica y voz. Así

banda no me cerraba. Y por otro lado está "Sinaloa" que hace referencia al Cartel de Sinaloa, que como ya se sabe es un tema bastante complicado por todo lo que significa el narcotráfico, las mafias y toda la muerte que eso implica. Digamos que la unión de esos dos nombres me hizo ruido en la cabeza, y de ahí sale "Flores de Sinaloa". Realmente no sé muy bien que significará, por ahí a veces lo pienso y la verdad es que no tengo una explicación de eso. Creo que cada uno pue-

estuvimos un año, con canciones que yo ya tenía compuesta, antes de empezar a ensayar, y en la búsqueda constante del sonido al que llegamos hoy en día. Para marzo del 2016 editamos el single "Lowtakes", con dos reinterpretaciones de "Higher than the sun" (Primal Scream) y "Hey man" (Spacemen 3). En octubre del 2016 se suman Máximo Disfrute en el bajo y León Kowalski en percusión. Ahí Flores de Sinaloa adquiere formato de banda eléctrica, porque primero al no tener bajo éramos una especie de semi acústico y a partir de estas incorporaciones la banda ya opera como formato eléctrico. Si bien hay una guitarra acústica, la intención y la intensidad que la banda emana en vivo rinden culto a lo eléctrico. Con estas incorporaciones debutamos como quinteto en el Nuevo Emergente en el "Para la Monada Festival", octubre del 2016. Estamos tocando constantemente, organizando nuestras fechas y también sumándonos a fechas a las que nos invitan, tanto en capital como en el conurbano. Tuvimos la suerte de salir un poco del circuito capitalino, tocando primero en Lanus y hace unas semanas en La Plata en un evento muy lindo y muy bien organizado que se llama "Club Psicodélico Clandestino". Con respecto al nombre, todo un tema. Voy a tratar de explicarlo... Flores de Sinaloa sería la unión de dos cosas, por un lado, la idea viene del título de libro de Baudelaire "Las Flores del mal", un título que siempre me gustó mucho, pero ponerle Flores del Mal a una

de hacer una interpretación de eso si quiere y es libre de hacerlo. A mi lo que me atrae de esa conjunción de cosas es la idea de una poesía oscura, la atracción entre lo bello y lo feo, la eterna lucha entre el bien y el mal, que es algo innato al ser humano. A la vez esa poca claridad se identifica bien con la banda al momento de describir lo que es nuestro sonido, que no es un estilo musical estricto. Tomamos influencias de todos lados, si bien la base es el rock psicodélico, todos venimos con muchas ideas, además todos tenemos proyectos paralelos, por ejemplo, Marcellus, Fausto y Máximo, junto a Juani Lalla, forman Los Feriados. Y también tenemos otro proyecto más experimental que se llama Drone Head, mas enfocado al Blues y a patrones repetitivos. Entonces creo que el nombre de Flores de Sinaloa encaja bien con lo que queremos transmitir en cuanto a la música, que no es un estilo definido, como te decía, si bien es rock psicodélico, sumamos otros sonidos y estilos que nos gustan. No podría decirte qué bandas influyen directamente en nuestra música porque todos venimos con mucha data, tenemos historia tocando y pasamos por diferentes estilos, como el punk, el folk y el rock. ¿Cómo ves la escena de la Neo psicodelia en Buenos Aires? Algo que va en aumento desde hace unos pocos años. La verdad es que la escena la veo muy bien, como decís, está creciendo hace muy pocos años, quizás

comienzos del 2000. Recuerdo en esos primeros años 2004, 2005, 2006, nombres como Shaman y los Hombres en Llamas, La Patrulla Espacial, Los Álamos, y obviamente Los Natas, bandas que empezaron a plantear un nuevo sonido tomando elementos de otras épocas. Hoy a la escena la veo que está creciendo de a poco y todavía falta más por explotar, no veo quizás algo muy consolidado, pero si hay muy buenas bandas editando discos y quizás eso llevó a algunos amigos y a mí a empezar a mover un poco eso, la idea de consolidar la psicodelia en Argentina. Armamos una suerte de “comunidad/plataforma virtual”, a la que bautizamos Elevatorio, para subir más que nada primero nuestros trabajos, de Flores de Sinaloa hasta nuestros proyectos paralelos. Así fuimos conociendo bandas que nos gustaron y que fuimos sumando a esta comunidad Elevatorio, por ejemplo Los Ácidos, Nuvem Leopardo, Pez Globo, Elefante Mutante y también una banda de la Plata que se llama Mansión Manija, y su proyecto hermano "No hay banda Club". Y en esa idea de expandirnos más, con un amigo, que produce y conduce el programa de radio "Para la Mo-

nada Radio Show" y realiza ciclos y festivales, como "Toque Relámpago" o "Festival Para la Monada", con este amigo, te decía, decidimos armar lo que llamamos muy grandilocuentemente "Federación Internacional de la Nueva Psicodelia", no sólo para expandir lo que hacemos nosotros y las bandas amigas sino también para descubrir y hermanarnos con músicas de otras latitudes. Y en esa dirección, conocimos a la banda de Chile "Cuarto Flotante" que va a venir a tocar a la Argentina ahora en octubre, cerrando una gran gira, y obviamente estaremos acompañándolos. La premisa de la Federación Internacional de la Nueva Psicodelia es el apoyo mutuo entre bandas y artistas en general, algo totalmente necesario. Creemos que podemos hacer algo mucho grande entre todos, con esfuerzo y trabajo. El carácter “internacional” de la federación nace también a raíz de la amistad con los chicos de Nuvem Leopardo, que es una banda mitad brasilera y mitad argentina. Eso nos dio el marco y el hincapié para que la Federación sea Internacional. ¿Qué es para vos la psicodelia? La idea que tengo acerca de la psicodelia es que

más que un estilo musical es un punto de vista de la música y por ende de la vida, de la cultura y el arte; y que se basa en la libertad total del ser y en la exploración de los sentidos, sin importar los métodos. En lo musical la psicodelia se amalgama muy bien con muchos estilos como el folk, blues, metal, cumbia, pop. Y eso es lo que la hace tan atractiva. Es un prisma por el que podemos observar las cosas de otra manera, un tercer ojo. Por todo esto, vuelvo a considerar a la psicodelia como un punto de vista de la música y un estado de consciencia sobre todo lo que nos rodea. ¿Cómo vivió el cambio el trio? Es decir ¿se dio naturalmente o hubo que debatirlo mucho? Se dio naturalmente, notábamos que se necesitaba expandir un poco más, las canciones lo pedían, la batería lo pedía, pedía un bajo, así que dio naturalmente, no tuvimos que debatir mucho, lo que sí tuvimos en cuenta es que no queríamos que el lugar lo ocupase alguien que no conociéramos. A Máximo Disfrute ya lo conocíamos porque él es productor y organiza un Ciclo que se llama "Buencebú" en Naranja Verde. Como ya lo conocíamos y había muy buena onda todo fluyó, nosotros buscábamos bajista, él era un bajista sin banda, y no lo charlamos mucho, se dio naturalmente y él entendió bien el sonido al que apuntábamos como banda. Y a León Kowalski también lo conocíamos de hace varios años atrás y también fue todo muy natural con él, necesitábamos una percusión y vimos en él a la persona indicada y él también entendió perfectamente la propuesta de Flores de Sinaloa. No hubo grandes debates, y tampoco los hay en lo que se podría decir el “trío fundador”, no hay mucho debate entre nosotros, nos conocemos hace muchos años entonces cuando decidimos armar la banda ya sabíamos cómo íbamos a sonar. Simplemente disfrutamos de componer, de ensayar, así que por suerte la banda está bien como grupo humano, nos llevamos muy bien entre todos, y todos vamos por los mismos caminos. Estamos muy contentos con nosotros mismos, por cómo está yendo la banda, y cómo disfrutamos los shows en vivo. Pensando en sus comienzos como un trio acústico y ahora ya como una banda eléctrica. ¿Qué crees que perdió el sonido de la banda (si es que algo perdió) y que ganó?

Me parece que no perdió nada con en este cambio, ganó más fuerza y consistencia, y si bien, al comienzo quizás tratábamos de mantener los volúmenes bajos, al ser semi acústicos, ahora como quinteto seguimos manteniendo esas intensidades y sutilezas. Por momentos hay calma, pero también nos gusta el caos sonoro. La autogestión es parte de la actualidad, hoy no se espera a que aparezcan productores por arte de magia y que organice eventos, lanzamientos, etc. Hoy está más que viví el "hacerlo tú mismo". Es un cambio de paradigma en el arte. La autogestión es la herramienta que hace que las formas sean más libres. En cierta forma es algo que ni el punk pudo romper. ¿Cómo se subsiste con este cambio? lo digo porque aún está ese pensamiento de los dueños de los lugares para tocar que parecen que te hacen un favor o ponen poco interés en el producto de las bandas que convocan. El "Hacélo vos mismo", "Hazlo tú mismo" o "Do It Yourself", es la gran enseñanza que heredamos del punk, y retrocediendo un poco más en el tiempo, del anarquismo y los ideales libertarios. La autogestión es muy importante, no sólo en la música sino en todos los ámbitos, para subsistir como banda independiente y para subsistir como ser humano también. En mi caso, yo soy diseñador gráfico, y en un momento la autogestión era un tema complejo, porque no hay una cultura de la autogestión muy arraigada en la sociedad, no hay una educación profunda sobre los métodos autogestivos que genere consciencia y que nos permita vivir de esto. Entonces en el caso de la banda se subsiste poniendo el pecho a todo, organizando las cosas nosotros mismos, tener el control total de todo lo que hacemos, ya sea desde la composición hasta la organización de un evento. Esto nos garantiza que todo salga como queremos que salga, no vemos otra manera posible hoy en día de llevar a cabo las cosas, el "hazlo tú mismo" es un camino que transitamos hace muchos años y que vamos a seguir haciéndolo. Lamentablemente aún existe ese pensamiento “bolichero” en ciertos espacios. Yo creo que nadie debe hacerle haciendo un favor a nadie, nosotros somos músicos y queremos tocar y necesitamos que haya lugares que tengan el mismo espíritu que tenemos nosotros para hacer las cosas. Nosotros necesitamos

mostrar lo que hacemos y la gente que está cargo de un boliche o centro cultural, o lo que sea, también necesita de nosotros. Entonces es ahí donde hay que afianzarnos y trabajar mas en estos temas, entre músicos y gestores culturales; se que el termino “gestor cultural” es muchísimo más amplio pero lo empleo a modo generalizador. Resumiendo, la autogestión es la herramienta principal y la única posible para que hoy en día podamos llevar a cabo todo esto, no hay otra manera, y creo que da sus frutos, por ahí el camino es más largo y es eterno a la vez, pero es el único modo de trabajo que garantiza que las cosas salgan bien. Pensando en el tema de la autogestión y los lanzamientos, el crecimiento de internet fue un cambio que también modificó las reglas de juego. Hoy las compañías perdieron ese monopolio de decidir qué vender y no vender. Y pensando la llegada que una banda puede tener con la web... Hasta ahora ¿Hasta dónde llegó Flores, que te haya sorprendido, hasta qué lugar lejano? Internet cambio las reglas del juego y hoy en día una banda o un artista ya no necesita de un sello discográfico para dar a conocer su proyecto. Basta con grabar su material y subirlo a alguna red social, y ya está en la nube disponible para que lo escuche quien lo desee. Y

en nuestro caso, internet es una herramienta muy importante; no somos vecinos del mismo barrio, somos de San Francisco Solano, Ramos Mejía y Capital Federal. Por eso a la hora de compartirnos ideas y canciones la web es fundamental. Y todo lo que venimos planeando y compartiendo con otras bandas se da en principio por el contacto a través de las redes. Tratamos que no quede solo en eso, el encuentro es más importante aún, por eso para un evento queremos que no sea solo ver bandas en vivo, sino que además haya exposición de artistas, imprimimos volantes y afiches y los repartimos donde podemos. Hay un deseo explícito de mantener los formatos físicos, internet ayuda muchísimo pero para nosotros es más importante que la comunión se de en términos menos virtuales ¿Cómo hacen para sumar bandas a las fechas, te lo pregunto más desde el lado tuyo de productor de eventos? Generalmente cuando organizamos nosotros las fechas llamamos a bandas que nos gustan, y no siempre son de psicodelia pura y dura, por ejemplo hemos tocado con bandas como Perro Volador, LAM, Rampage, Excursionistas, Los Bluyines o Vlad Tepes. No hay un criterio fijo para eso. Quizás lo hay cuando organizamos algo a través de Elevatorio y la Federación, y ahí invitamos a los amigos de Los Acidos, Nuvem

Leopardo, Metadron. Y cuando nos invitan a una fecha también nos gusta disfrutar de diferentes propuestas. Fuimos invitados por bandas como Ayermaniana, Las ceremonias, o los amigos de sellos como Mínima Discos, Fauna Records o CGR discos. Nos gusta mucho compartir con bandas o sellos que trabajan a todo pulmón para llevar adelante sus proyectos. Es ahí donde reside la fuerza del Hazlo Tú Mismo. Hay algo que está sucediendo es que cuesta sacar un poco a la gente de sus casas para ver bandas en vivo, lo he visto mucho en estos últimos años. ¿Ustedes ven está lucha? Es un tema complejo este. Habría que analizarlo más detalladamente y no tengo una opinión formada al respecto. Lo que si veo es que hay una teoría errónea de que el rock está muerto, sin embargo uno ve que hay muchísimas y excelentes bandas que no llegan a un público más amplio. Hay cierto desinterés por ver qué sucede con las bandas emergentes, pero estaríamos hablando de un desinterés por parte de un sector de la prensa. Y acá podemos hablar otra vez del "hazlo tú mismo": hay muchas radios y medios de comunicación independientes que si están interesados en lo que sucede en la noche, y son a ellos a los que hay que prestarles el oído, y los ojos, para conocer las propuestas que tiene para ofrecernos la música en argentina. Y la falta de interés en ir a ver bandas en vivo quizás se deba a cierta comodidad que nos ofrece internet, de tener todo a un click de distancia, y eso podría llegar a generar falta de sorpresa y estímulo. No lo sé. Por eso decía en un comienzo que no tengo una opinión formada al respecto, estoy basándome en supuestos, es algo que trato de comprender día a día. Han pasado un poco más de dos años de la creación de la banda. Desde ese primer embrión como trío a este quinteto. ¿Crees que están en el punto ideal para grabar el primer álbum? La grabación de nuestro primer álbum es inminente, estamos analizando el método. Y si bien hace rato queríamos grabar material, hicimos bien en esperar a madurar nuestro sonido. Esto nos va a dar la confianza necesaria para entrar al estudio con las ideas claras.

Como hemos dicho antes el mercado ha cambiado. Hoy hay que estar siempre presentes y manteniendo la atención del público, por eso muchos artistas han empezado a estar más presentes en las redes con ediciones de singles, EP de remixes, Videos, y el álbum es como que ha pasado a ser un objeto "casi de culto". Eso si nos ponemos a pensar en la inmediatez con la que hoy se vive. ¿Vos crees en el álbum o piensan en la posibilidad de los singles como arma de promoción? En este punto no tengo ninguna duda. Creo en el álbum y en la edición física del mismo, que vendría a ser el registro sonoro de un momento histórico en una banda, ya sea un single, un EP o un LP. Nosotros somos amantes del formato físico, de lo que se puede tocar con nuestras manos, puede ser un vinilo, un cd o un cassette (y hasta un libro te diría). Todo esto forma parte del ritual de la escucha. Y con respecto a la presencia, si bien tener material actualizado en la web es importante y acorde a nuestro tiempo, creemos más importante mantenernos activos con los shows en vivo, es el eje central de todo esto, el momento donde la magia te eleva y te comunica con el universo. Hablando de magia, química, alquimia, y otras yerbas... ¿Cómo es el método de trabajo de Flores de Sinaloa a la hora de componer? No hay un método único para componer en la banda, hay canciones que llegan al ensayo bastante terminadas, otras son ideas que van desarrollándose de a poco y que quizás surgen de melodías más antiguas que la banda misma. También las ideas surgen de largas improvisaciones. Dejamos que la magia se apodere del ensayo para que así surjan canciones nuevas, es algo que disfrutamos mucho hacer. ¿Qué planes para los próximos meses y fechas? Hay mucho trabajo por delante. Vamos a participar de un disco homenaje a Babasonicos que está llevando adelante el sello CGR Discos. Y como ya te había mencionado, estamos empezando a trabajar en nuestro primer disco con vista a tenerlo listo para los primeros meses del 2018. Y más importante aún es seguir expandiendo lo que nosotros llamamos la "Sinalodelica".

[ Entrevista a Mike Pougounas de New God Zero por Diego Centuriรณn. ]

ONCE Aร OS CON MUCHAS HISTORIAS QUE CONTAR

En el número anterior tuvimos al vocalista griego Mike Pougounas reseñando una canción del último trabajo de Merciful Nuns. Hoy nos introducimos en su historia y en la actualidad de su banda New God Zero, quienes recientemente han editado un EP de cuatro tracks llamado “Under the Influence of Captain Pan Ikatac”. Nos volvimos a conectar con Mike y hablamos de su pasado con Flowers of Romance y otros proyectos pero hicimos hincapié en su banda “New God Zero”. Hola Mike gracias por aceptar realizar esta entrevista. Para llegar hasta New God Zero tenemos que empezar muchos años antes de la gestación de la banda. Tenemos que retrotraernos a principios de los 80's en Grecia. Tomando el nombre de la mítica banda de Syd Vicious, nace The Flowers of Romance, y si bien es conocida como una banda de rock gótico, nació como una banda punk. ¿Qué recuerdas de aquellos primeros años de la banda en esa Grecia de principios de la década? Bueno, las cosas eran duras pero nos divertimos. Causa Difícil, Grecia estaba saliendo de una guerra civil que comenzó con el final de la Segunda Guerra Mundial y siete años de una dictadura de derecha que terminó en 1974. El tiempo para el país se detuvo y cuando las primeras bandas griegas de punk rock aparecieron los griegos todavía estaban alcanzando la música hippie de los años 60 y principios de los 70's. Formamos a Flowers of Romance en 1981 tocando en un estilo cercano a The Clash y The Damned. En aquel entonces, en Atenas, éramos alrededor de 250-300 punks y fuimos constantemente atacados por los policías o los hooligans del fútbol. Por lo tanto, esto nos reunió a todos para tener seguridad en números. Estábamos ensayando en los mismos estudios, yendo a los mismos clubes del centro de Atenas, pasando por las mismas tiendas de discos, yendo todos juntos a los mismos conciertos y en cuanto a nuestras propias bandas, no importaba si no podíamos tocar muy bien. Todo fue pura diversión. Cuando mi guitarrista lle-

gó a casa un día, para escuchar el primer disco de The Church of The New Church en 1984, decidimos que ese era el sonido al que queríamos dirigirnos. Incluso estábamos tocando una versión de su canción "Holy War" en nuestros shows en los años 80... Así es como el sonido punk rock de The Flowers of Romance se estaba convirtiendo en algo más oscuro ... ¿Cómo era el rock griego de esos años? Era en su mayoría rock clásico (no lo estábamos llamando “clásico” entonces, por supuesto, porque no era "clásico" todavía… jaja) y también había algunas bandas de rock progresivo dando vueltas. La principal banda griega era una banda de rock duro blues llamada Socrates que había estado alrededor desde finales de los 60's. Las bandas de punk rock aparecieron a finales de los 70 y como la escena del punk rock fue evolucionado, se formaron una nueva ola, onda oscura y más proyectos experimentales. Después de “Dorian Grey” mutan a un sonido más rockero, más gótico. Que es el sonido de la banda que más se conoce en Latinoamérica. ¿Cómo fueron esos años dentro de una banda de Europa pero no de Inglaterra o Alemania, que son las más promocionados por la prensa? Grecia estaba siempre aislada. Este no es un país de Europa central o del norte de Europa que una banda puede saltar en una camioneta y conducir por unos pocos kilómetros para tocar en vivo. Los gastos son mayores para que una banda griega toque en países europeos con una audiencia interesada en el rock'n'roll. Además, como nación, no somos famosos por exportar bandas de rock, pero sobre todo por nuestra música tradicional. Esto es algo que las grandes discográficas locales hicieron y siguen haciendo. El brote de punk rock fue la razón por la cual algunas discográficas independientes fueron fundadas en Grecia. Eso le dio a The Flowers of Romance la oportunidad de lanzar el primer álbum y obtener alguna distribución en Alemania, Australia y partes de los Estados como Wisconsin. Estamos hablando mucho antes de Internet y fue un gran

éxito cuando el álbum "Pleasure & the Pain" que lanzamos un poco más tarde, nos aseguró un contrato de grabación con una etiqueta alemana y una distribución mundial... Todavía estábamos en Grecia pero habíamos conseguido poner un pie en las fronteras... Aparece Wayne Hussey y el álbum “Brilliant Mistakes” ¿Qué recuerdas de esos años? Conocí a Wayne en Londres y le gustó lo que estábamos haciendo con la banda, así que él me dijo que quería producir el álbum. Tuvimos momentos estupendos en su estudio en el Old Fire Station en Bristol grabando el álbum. Nos hicimos buenos amigos y él hizo voces adicionales y tocó algo de guitarra también en el álbum. Creo que nos tomó algo así como 700 horas para este álbum y fue en el momento en que The Mission

lanzó "Blue". Estuvimos de acuerdo en ir a una gira europea con The Mission, pero desafortunadamente no sucedió como Wayne decidió poner su banda en pausa durante un tiempo. Steve Whitfield era el ingeniero de sonido. Trabajó con The Cure en "Wish" y también con The Mission. Más tarde producirá un gran número de bandas como Terrorvision. Hoy está tocando la guitarra para una banda post punk de Leeds, llamada Klammer. Una noche fuimos a tomar unas cervezas con Wayne y Gary Numan que pasaron a tocar en vivo en Bristol. Wayne es un músico muy bueno y un hombre maravilloso. Tu actual banda, de la cuál hablaremos más adelante, siempre tuvo muy presente las canciones de Flowers of Romance. ¿Qué impacto crees que tuvo Flowers of Romance para vos

dentro de la escena del rock gótico? Después de trabajar con Wayne Hussey, Flowers of Romance abrieron para los The Sisters of Mercy y los New Modern Army. La banda estaba en programas de televisión nacionales desde 1990 y con "Brilliant Mistakes" tuvimos una canción en el # 5 y una en # 12 en las listas griegas y por supuesto esto trajo nueva audiencia a la escena gótica griega. Como ustedes saben, con una distribución mundial a través de una discográfica alemana, nos conectamos con más gente alrededor del mundo. Gracias a esta banda conocí a gente que nunca hubiera conocido de otra manera, viví una vida de rock'n'roll y tuve la oportunidad de viajar a lugares. Había un hombre de Brasil que me envió un mensaje hace unos años para hacerme saber que compró nuestros álbumes en Japón y que éramos una de sus bandas favoritas. Esto es siempre tan halagador. Incluso hizo dos videos de New Zero God... No es que inventamos la rueda, o vivimos como los Beatles, pero hice lo que hice para expresarme y cuando los extraños me dicen que nuestra música tiene algún impacto en sus vidas siempre me hace sonrojar.

Ni bien se disuelve Flowers of Romance nace Nexus, un proyecto orientado más al electro industrial, al mismo tiempo que nace Cyberdelia Records. ¿Cómo fueron esos años? Era por lo menos educar. A mediados de los años 90 descubrí que el sonido de bandas como Nine Inch Nails, Prodigy o Die Krupps era muy interesante. Así que me llegó con la canción "Channel Z", una pista electro-industrial para el álbum "Brilliant Mistakes", que alcanzó el # 5 en las listas griegas. Encontré la combinación de músicos y samplers en el escenario para ser una idea muy tentadora. Así que formé Nexus en 1999 y lancé un CD single que se convirtió en el primer sencillo industrial lanzado con letras griegas. Nexus me ayudó a convertirme en un mejor productor, y me dio la libertad de experimentar con el sonido. Experimenté con letras griegas para un álbum más y luego sacamos tres álbumes más completos en inglés y toqué en vivo con The Mission de mi viejo amigo Wayne Hussey. Al mismo tiempo fundé Cyberdelia Records porque me cansé de estar con etiquetas que estaban cometiendo un error tras el otro. Creo que los músi-

cos deben ser plenamente dueños de su trabajo y que todos debemos tener plena responsabilidad de nuestros actos buenos o malos. Así que en 2000 creé Cyberdelia Records y lancé álbumes como "Aura" de The Mission, la banda americana Casualty Park, los cuatro álbumes de Nexus, las bandas griegas Past Perfect, Genetic Variation, Rag, Into The Abyss e importé EBM, Goth y lanzamientos de Post Punk al mercado griego. Tuve la distribución de LTM Recordings que lleva el catálogo de Factory Records, World Serpent, Momento Materia, Dependent Records etc. En 2005 llega el quiebre de ambos proyectos y al año siguiente nace New Zero God. Por lo que he visto muchos miembros fueron parte de tus anteriores bandas. ¿Se puede decir que es una banda de amigos? Siempre es agradable tocar con gente que conoces... New Zero God se formó porque queríamos matar el tiempo tocando canciones de mis dos anteriores bandas. Nunca tuvimos la intención de verlo como algo más... En algún momen-

to, por supuesto, surgió con nuevo material... En 2009 editan el álbum debut “Fun Is A Four Letter Word”, con un sonido que te regresa al rock gótico. ¿Qué recuerdas de este primer álbum? Bueno, después de ser soportes a The Legendary Pink Dots y Christian Death en 2007 y 2008, pensamos que sería bueno para grabar esas nuevas pistas que teníamos así que reservamos un estudio de grabación. Después de hacer todos esos números, recibí un día una llamada telefónica del dueño de Puzzlemusik Records diciendo: "Fui al estudio y escuché sus nuevas canciones y me gustaría lanzar su álbum". Así es como salió el álbum. "Fun Is A Four Letter Word” pasó dos meses en el top 10 de Dominion, la sección gótica de la principal revista de música británica Terrorizer que nos exponía a un mundo completamente nuevo... Nuestra canción "Kiss the Witch" parecía ser la favorita de todos... En 2013 llega el segundo álbum “MMXIII” y

con él un salto de calidad. ¿Qué cambió de un álbum a otro? "MMXIII" era una bestia totalmente diferente. El éxito de nuestro primer álbum nos consiguió un trato con un sello discográfico inglés que inicialmente lanzó un mini álbum titulado "Club Bizarre" y luego, el álbum "MMXIII". Una cooperación muy honesta y amistosa. Antes de eso, fui invitado por el cantante de Curehead, Gary Clarke, a hacer una versión de David Bowie "Everyone Says Hi" con músicos ingleses y estadounidenses. Un poco más tarde, New Zero God grabó la canción "Second Chance" para una organización con sede en Massachusetts llamada HAWC (Healing Abuse, Working for Change) como New Zero God and Friends, con la participación de músicos internacionales como Will Crewdson, Chris Tuke de Berlin Black, Raymond John Ross de la banda sudafricana ANKST y otros... Fue # 1 en CD Baby así que con la banda siendo más famosa, las cosas cambiaron. Incluso apareció en una película inglesa titulada "Athens Drift" dirigida por Paul Druce. "MMXIII" tenía un sonido gótico más pesado del primer álbum y estaba abriendo con Damaged. Una canción influenciada por el libro del autor francés Anatol France "The Revolt of Angels". Fue entonces cuando la radio inglesa DJ, DJ Po, dijo que "New Zero God es una de las bandas líderes de la escena Goth". Por el mismo año pusimos la pista "The Night Calls Your Name" para el beneficio de la Fundación Sophie Lancaster y el año cerró lanzando el single de 7 "vinilo" Destination Unknown "... En el 2015 editan el primer álbum en vivo, “Zona Pericolosa - Live in Italy”, ¿Has quedado satisfecho con el resultado del registro? Queríamos compartir con nuestros amigos el tiempo divertido que tuvimos tocando en Italia. Decidimos hacerlo disponible de forma gratuita en Bandcamp y la gente lo está descargando desde entonces. Incluso alguien lo ha subido en YouTube. Tomamos el título de "Danger Zone" de una señal en la carretera, advirtiendo a la gente que se trata de un camino peligroso con muchos accidentes...

Un año después sale un nuevo trabajo llamado “Short Tales & Tall Shadows” y el crecimiento sonoro de la banda se puede oír claramente. ¿Cómo fue el proceso de escritura de este trabajo, y cómo fue el de grabación? Hicimos nuestro propio estudio. Se llama QZN y produje el álbum con mi viejo baterista de Flowers of Romance, de los días "Dorian Gray", Babis Efthimiou. Queríamos crear algo así como un libro con historias cortas de miedo. Es por eso que el álbum se abre con "King Pest" una canción sobre un cuento que E.A. Poe escribió y es por eso que el álbum se cierra con el sonido de cuervos en un cementerio mientras llueve. Es como un pequeño homenaje a Poe. También se me ocurrió un personaje para la aparición en vivo con un sombrero de cochero, guantes y un abrigo largo. Utilizamos mucho humo en el escenario y funciona bien... En lo que respecta al álbum, realmente le dedicamos muchas horas. Experimentamos con muchas cosas. "Short Tales & Tall Shadows" es el comienzo de algo nuevo: voy a tratar de hacer que el oyente sienta el ambiente de la canción ... como estar en una película ... El año terminó con un lanzamiento de un nuevo 7", esta vez fue un single 7 " split con la banda escocesa Savage Cut... Llegamos a este 2017 y lanzan un EP “Under the Influence of Captain Pan Ikatac” que para mí es el mejor de la banda, muy rockero, con una grabación y edición casi perfecta, y cuatro canciones potentes y directas. Una trompada en la quijada. ¿Crees que es la mejor versión de “New Good Zero”? La banda está compuesta por mí en las voces y teclados, Akis Nikolaidis en las guitarras, John Psimopoulos en la batería, Michalis Semertzoglou en el bajo y Babis Efthimiou en la producción y la programación. Quería escribir sobre un nuevo problema de la sociedad griega: los ataques de pánico. Desde que comenzó la recesión, mucha gente está visitando psicólogos o se une a terapias de grupo, usa un montón de medicamentos y casi todo el mundo sufre ataques de pánico. De repente las parejas comenzaron a romper y la gente se dio cuenta de que no están conten-

tos con su trabajo, con sus decisiones y con sus vidas en general. Es la forma moderna de vivir y esto es lo que el EP es todo. Me alegro de que te guste porque este oscuro rock'n'roll era algo nuevo para nosotros y todo el mundo está contento con él. También tuvimos un proyecto amigable con el nombre Dark En Ciel, haciendo un remix en una de las canciones y creo que todo salió bien para el EP.

puede traerle sólo alegrías. Fueron once grandes años con mucha diversión y muchas historias que contar...

Como dije antes lo importante de Flowers of Romance en los shows de New God Zero, ya que suelen recrear algunas canciones de tu primera banda. ¿Qué significa hoy Flowers of Romance para vos? Le di 18 años de mi vida a The Flowers of Romance. Si no fuera por esa banda no sé si sería músico. Se puede decir que New God Zero es una continuación de The Flowers of Romance y esto puede ser correcto.

¿Qué planes tiene la banda para este 2017 y el 2018? Normalmente tenemos un par de esas viejas canciones de Flowers of Romance en nuestra lista de reproducción, pero este año iremos de gira con New Zero God tocando un homenaje a The Flowers of Romance tocando solo canciones de Flowers of Romance, comenzando en Atenas el 15 de diciembre. Vamos a visitar todas las principales ciudades griegas a principios de 2018 y estamos buscando para reservar conciertos en Europa. Ya hemos comenzado a grabar nuestro próximo álbum de estudio, que estimamos que se lanzará alrededor de septiembre-octubre de 2018 en CD, así como en LP de vinilo. Vimos esto sucediendo a “Short Tales & Tall Shadows" que fue lanzado en ambos formatos y lo hizo bien.

¿Qué diferencias encuentras entre el primer álbum “Fun Is A Four Letter Word” y la última producción de la banda “Under the Influence of Captain Pan Ikatac”? Acordamos no usar ningún tratamiento adicional en "Fun Is A Four Letter Word" porque queríamos que sonaran crudas. Como los viejos álbumes de punk rock. Además no teníamos el dinero para producciones de gran tamaño... No olvides que estábamos grabando solo por diversión. No teníamos la intención de liberar nada... New God Zero ha cumplido más de diez años de carrera. ¿Qué alegrías y tristezas te trajeron en estos once años de existencia? Me siento feliz porque a la gente le gusta la banda. La música es la vida y una banda como ésta

Hoy New God Zero está posicionado en un lugar de expectante en Europa, ¿Qué crees que carece la banda para pegar un salto de popularidad dentro de la escena? Un gran error... jajaja...

Para ir terminando y agradeciéndote, una vez más, tu predisposición para responder estas preguntas, te dejo este último espacio para que les digas algo a los lectores de nuestra revista. Gracias también por esta entrevista. Lo único que puedo decirles a sus lectores es seguir sus sueños y desearles a todos que estén bien. ¡Gracias Mike!

TRES POR UNO

TOOL - SCHISM

CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Schism de Tool describe una sucesión de imágenes pertenecientes a otro mundo en la forma de la reiteración, un movimiento oscilante de las criaturas que lo habitan, al igual que lo hace esa especie de aguja de balanza en la cual nos sumergimos para conocer el mundo nuevo que el video nos presenta. Como si contáramos con una mira microscópica, obsevamos un espacio cerrado, una dimensión en forma de cubo donde habitan estos seres. Una ambientación que, en la forma de criaturas y el espacio rellena los espacios de un ambiente de extrañeza. Pero como si al video ya no le sobrara elementos de un nuevo espacio, opta por poseer un segundo aspecto de identidad visual y espacial. Uno ligado a la animación en stop motion donde la cámara se sumerge en el interior de estos seres como si de otro microuniverso se tratase. Un ambiente opresivo dentro de otro espacio similar que no hace más que exponer la realidad asfixiante que tiene todo ser en ese mecanismo de muñecas rusas. Uno de los seres comienza a arrancar de raíz, ramificaciones de su interior, ese lazo que une al encadenamiento sinfín de sus vidas, y por qué no de las nuestras, logrando separarse de ello en la forma de un nuevo híbrido. Un elemento de esperanza, de escape, dentro de la gran caja de pandora a la que todos pertenecemos.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Tool es de esos grupos que te despierta sentimientos, estados de ánimo y una forma de amar la música diferente. Tool son un grupo de culto en toda regla, no los podés odiar, sólo es de esos pocos que sacan discos cuando les salen de los huevos y te tienen en la expectativa de que es lo próximo que se les pasará por sus cabezas para que nos sorprendan con una nueva obra, casi siempre maestra, con la que, como yo, siempre deseás que vuelvan a aparecer. Tras Ænima, un disco increíble, barroco, perfecto, parecía que Tool no pudieran superarse, pero a Ænima le siguió otro álbum que, quizás, fue igual de

genial o hasta superior que éste: Lateralus. Es con esta obra con la que Tool regresaba a la palestra –después de 5 años de silencio– de una manera sublime despachándose un trabajo que no puede ser menos que catalogado como ARTE musical, elevándose a un nivel compositivo al que sólo ellos parece que pueden acceder. Siempre impregnados de un intrigante misticismo e insondable simbolismo (personificados en ese mesías de voz bellamente oscura llamado Maynard James Keenan), las temáticas de las letras de Lateralus continuaron condensando toda la intencionalidad, intensidad y alquimia sonora que Tool vierte en este disco, pero siempre con el ser humano como referencia. Así pues, la letra de la canción que analizaremos hoy, la tribalesca y tenebrosa “Schism” (traducido del inglés, “Cisma”, término que refiere a la división o separación que se produce en el seno de una organización), nos sumerge de lleno en el pensamiento de que para poder construir una relación interpersonal, es necesaria la comunicación, cuando esta se fractura, no solo divide, sino que destruye una sociedad, una familia o una pareja (“Sé que las piezas encajan, porque las he visto caer / Enmohecidas y ardientes, difiriendo en sus fundamentos”) Partiendo del mensaje explícito de la canción, hay un dejo de amargura y nostalgia por la realidad inminente de un colapso, donde la comunicación habitual ente un núcleo cercano, se degrada y se desmorona, ante los ojos de las “almas” o individuos que lo conforman (“La luz que alimentaba nuestro fuego en aquel entonces / ha quemado un agujero entre nosotros / para que no podamos ver y alcanzar un final / lisiando nuestra comunicación”). De esta manera, la apatía, la violencia, la alienación, las sociedades en decadencia (“Ninguna falta, nadie a quien culpar / no significa que no desee / apuntar con el dedo, culpar al otro, ver el templo estar a punto de caer”), donde las personas se alejan cada vez más unas de otras, donde los muros personales crecen a pasos gigantescos (“El frío silencio tiene una tendencia de atrofiar cualquier sentido de compasión / Entre supuestos hermanos / Entre supuestos amantes”), son la prueba cabal de que hubo un pasado menos sacrificial y más benevolente, y que debemos hacer algo para poder recuperarlo (“He hecho suficientes cálculos para saber los peligros de nuestras críticas / Condenados a desmo-

ronarnos, a menos que hagamos crecer / y fortalezcamos nuestra comunicación”). En definitiva, una canción profunda, sombría, distinta, para no dejar de reflexionar.

MÚSICA: [ por Diego Centurión ]

Lateralus es el tercer álbum de estudio de la banda Tool y su primer single fue Schism, el cual le trajo un Grammy por "Mejor Interpretación de banda Metal" en 2002. Así como muchas canciones de Tool no son fácil escucha, la banda se caracteriza por c sus tracks retorcidos, con armonías no convencionales y el uso de riffes y estructuras complejas y ésta canción no es la excepción, y por eso, es más disfrutable. La estructura de esta canción posee distintas rítmicas en su composición, por ejemplo, el riff principal está en un

compás alternado de 5/8 + 7/8, mientras en el interludio se utilizan un patrón de compases 6/8 + 6/8 + 6/8 + 3/8 + 3/4, y muchos otros cambios de compás. La banda bromeaba diciendo que la canción está en 6.5/8. Pero el cambio de ritmos hace que los casi siete minutos que dura la canción no tenga un estrofa, estribillo, estrofa, reconocible, porque la banda va mutando a lo largo del track, y los instrumentos pasan de empezar en algo semi acústico, pasa a algo más oscuro y ritualezco, y luego a distorsiones aguerridas sin perder ese halo de oscuridad, luego se va endureciendo cada vez más, con las distorsionadas guitarras y una batería más activa, y termina con la potencia máxima, causada por los riffes pesados y heavys. Párrafo aparte para el sonido del bajo, es fundamental en la estructura de la canción, un sonido de bajo duro con mucha resonancia, que ilustra de manera inquietante a la canción. Las guitarras son el plato fuerte del track, los riffes son raros y letales. En fin, como los tracks de Tool, a escucharlos varias veces y prestarles mucha atención a los detalles, que lo hacen sublime.

[ Entrevista a Dean Garcia de SPC ECO - Curve. Por DarÃo Martinez ]

ME GUSTA ESTAR OCUPADO EN TANTAS COSAS COMO SEA POSIBLE

Se cumplen 25 años de Doppelgänger (1992) y de Cuckoo (1993) dos grandes discos de Curve una banda que dejó una gran marca en esa década para mucho de nosotros y decidieron festejarlo con la remasterización y reedición de ambos. Primero gracias y segundo cuéntanos ¿qué cosas te movilizó ese proceso? Hola y gracias, re proceso/motivación, etc. fue más un caso de volver a encontrar y desenterrar todos los masters que se usaron junto con cualquier extras que pudieran ser útiles en el camino, supongo que fue inspirador, en un momento me sorprendí, todavía estoy vivo y con una capacidad cerebral razonable para poder recordar algo acerca de eso, y ni hablar de qué tipo de mezclas se utilizaron de forma similar, digo que sí recuerdo un poco y que fue un buceo interesante en esas canciones que a su vez trajeron de vuelta algunos recuerdos cariñosos (y no tanto) de esa época. Estoy satisfecho con los resultados y en resumen con todo, algunas de las canciones han resistido la prueba del tiempo, especialmente Horror Head, que siempre será mi canción favorita de Curve. Es bueno tenerlo todo en un espacio de tiempo diferente y, con suerte, convertir a algunas personas nuevas a él, así como traer esos tiempos más jóvenes y recuerdos peculiares para todos aquellos que navegaron con nosotros en esos días. Hay temas inéditos. Cuéntanos ¿qué recuerdas de ellos en el momento que fueron grabados y que los motivó a incluirlos en esta reedición? Fue todo un caso de tratar de encontrar algo nuevo que incluir, lo cual no es fácil, ya que sólo grabamos lo que se requería en ese momento, no puedo recordar alguna vez que grabemos solo por el bien de hacerlo, esas dos canciones fueron las únicas que pude encontrar, así que valió la pena incluirlas, ellas fueron un poco el santo grial, creo que fue una perfecta opción, sin dudas. Además, en realidad son bastante buenas. ¿Volviste a grabar algunas líneas nuevas, volviste a mezclar alguna canción o solamente te dedicaste a re-masterizar? No volví a re grabar, ni nada, sugerí que grabáramos una nueva canción o dos para acompañar el lanzamiento, pero Toni no estaba dispuesta a hacerlo.

Algunas de las pistas fueron remasterizadas, algunas no, creo que todas las canciones de Cuckoo eran las masterizaciones originales de Howie, pero las pistas de Doppelgänger fueron ajustadas en una reciente sesión sin supervisión sugerida por el sello. Creo que han salido bien a juzgar por los comentarios que he leído. Sabemos por el Facebook de la banda que de momento no van a volver a tocar en vivo estos discos. Toni por ahora prefiere mantenerse alejada de los escenarios. ¿Tenías ganas de tocar en vivo? Toni ya no quiere tener nada que ver con el negocio de la música, lo cual es una lástima, pero entiendo sus pensamientos y sentimientos, a partir de las preguntas preliminares que hicimos sobre algunos shows de Curve que trajeron muchos sentimientos que ella simplemente ella no quiere lidiar más con eso, solo puedes respetar eso y seguir adelante. Yo habría estado dispuesto de sacar a Curve nuevamente y siempre lo estaré, solo digo lo que siempre digo que “nunca hay que decir nunca”. Hablando de tocar en vivo. ¿Qué posibilidad tenemos de una gira de SPC ECO? Nos gustaría tocar en vivo otra vez, pero solo si la situación es correcta y la demanda está ahí, estamos buscando algunas fechas en los Estados Unidos (más si funciona) durante el próximo año, Rose está muy interesada en el modo Tour, lo cual es exactamente correcto teniendo en cuenta su edad, por otro lado, yo soy mucho más cauteloso y la vibra mata al respeto, y lo último que quiero hacer es arrastrar a mi hija a través de un mundo de mierda, que es lo que puede convertirse una gira mal planificada sin demanda. Así que de nuevo Sí / No / Tal vez todas estas consideraciones. Hay números que parecen ser especiales, 25 años de los discos de Curve y 10 años de SPC ECO. ¿Encararon la grabación de Calm de manera especial? No de forma consciente o inicial, pero sí pareció estimularnos cuando obtuvimos la fecha de lanzamiento para la reedición de Curve, fue un gran impulso y motivación para nosotros terminar de grabar el álbum de SPC ECO y vincularlo todo junto, todo ordenado, todo en su lugar y tópicamente histórico.

Escuche en algunas canciones de Calm un sonido más cercano a Curve del que venían mostrando en SPC ECO. ¿Puede ser o es mi imaginación? ¿Será que influyó de alguna manera que estabas escuchando Curve para las reediciones? Siempre fue nuestra intención explorar más el elemento de guitarra/ruido cuando comenzamos a grabar para el disco de Calm, “Waking Up Again” es una de las pistas que tiene un sonido de Curve, creo que mucho de esto se debe a la entrada de Jarek y al pensar que él y yo nos estábamos preparando para traer nuevas canciones a la mesa cuando la sugerencia de grabar nuevas canciones de Curve estaba en el aire, esta canción se grabó originalmente en ese momento pero no fue usada con esa intención, así que Jarek se la envió a Rose y a mí y trabajamos en ello. En cuanto a los demás, no estoy seguro, como dijimos que queríamos traer de vuelta y explorar el ruido/guitarras más y cada vez que esto sucede está obligado (y natural) a tomar algunos elementos de Curve a lo largo del camino. Leí que Rose dijo que grabaron muchas más canciones de las que contiene el disco. ¿Se vienen algunos EPs? Sí, grabamos casi tres álbumes de canciones, estoy

seguro de que saldrán a la superficie de alguna u otra forma en algún momento, pero por ahora solo nos sentaremos en ellas. Siempre preferimos grabar en el momento en que escribimos, así que es muy posible que se aniden en los discos rígidos hasta que alguien las necesite o se las desentierre, con toda honestidad, nunca están tan lejos de mi mente y las buenas tienden a pegarse, todas están marcados para un día lluvioso. Tú sueles trabajar en muchos proyectos distintos, y siempre pienso que tú vives dentro de un Estudio. Cuéntanos del remix que has hecho para Ummagma. Me gusta estar ocupado en tantas cosas como sea posible, incluso si eso significa estar en la cama todo el día, lo que a veces es algo crucial para hacer. Trabajar con Ummagma fue uno de esos raros que te piden que saltes, me gustan las sensaciones de sus canciones, así que me perdí en ellas, lo que siempre es una buena señal para mí, tiendes a cerrar el exterior y perderme en la traducción. Trabajar en las remezclas de Ummagma fue parte de esos momentos. Me gustaría hacer más por ellos en el futuro. ¿Tienes otros proyectos paralelos actualmente?

Jarek y yo siempre intercambiamos ideas y estamos buscando un nuevo EP de Blurred City Lights en algún momento. También trabajando con Preston Maddox en este momento en un nuevo disco de S T F U, estamos a mitad de camino en un álbum que está pateando y gritando, ruidoso, oscuro y con extraños presentimientos, como era de esperar. Me encanta y espero poder conseguirlo. Me gustaría involucrar a S T F U

en la posible gira que mencioné anteriormente en los Estados Unidos, un festival de ruido de montaña rusa con todas las personas que amo involucradas. Suena divertido para mí. Muchas Gracias Dean!!! ¡¡¡Gracias a vos también!!!

[ Entrevista a Marjorie Elijach por Alejandro Cenizacromada ]

SEMANA GÃ&#x201C;TICA DE MADRID

35 Nos encontramos ante un gran evento que se realiza en Madrid de manera anual y que reúne artistas y personalidades importantes alrededor de lo gótico de una manera más profunda de la habitual, adentrándose en territorios de la literatura, el cine, las artes plásticas, la moda, la música e incluso la ciencia con el fin de profundizar en sus raíces. Escribo sobre la 9a semana gótica de Madrid y muy generosamente su directora Marjorie Elijach ha concedido a Revista The 13th una pequeña entrevista: En estos años que han realizado la semana gótica de Madrid ustedes se han esforzado por cambiar la mentalidad de la gente de ver la cultura siniestra más allá del maquillaje, el rollo vampírico, el gusto por la muerte y el cuero negro. ¿Qué cambios positivos han visto dentro de la escena en los últimos años? El hecho de que haya tantas instituciones involucradas como son el Ministerio de Cultura, el Museo del Romanticismo y el de Ciencias Naturales, entre otras, así como la riqueza de los contenidos de carácter multidisciplinar y la existencia de un congreso académico, han hecho que el público en general vea que la escena gótica se nutre de muchas fuentes artísticas y literarias, y que es un movimiento cultural que permanece vigente. ¿Cuándo y cómo surgió la idea de hacer un evento tan completo acerca de toda esta cultura? En 2008. Yo llevaba tiempo pensando en hacer un evento cultural dedicado a la literatura gótica específicamente, pero una vez comencé a trabajar en el proyecto el espectro se fue ampliando porque el movimiento mismo, por su riqueza cultural, así lo exigía. Este año cuentan con dos grandes actos musicales dentro de este magno evento como lo son los legendarios Two Witches y NU: N ¿Qué show recuerdan emotivamente de ediciones pasadas y que bandas les gustaría traer en un futuro? Recordamos todos los conciertos con especial cariño. Por la SGM han pasado grandes nombres como Gitane Demone, Bloody Dead and Sexy, Mercyful

Nuns, y también grupos jóvenes e igualmente talentosos como Joy Disaster o Sweet Ermengarde. Cada festival es muy significativo para nosotros y en el futuro nos gustaría seguir con la orientación que hemos tenido, grupos ya tradicionales del gothic rock y talentos emergentes continuadores del género. Para este año hay un especial muy emotivo alrededor de la figura de H.P Lovecraft. Dentro de esta cultura gótica que nos apasiona, tanto Lovecraft como Edgar Alan Poe son dos referentes obligados ¿Qué escritor dentro de este tipo de literatura recomendarían y que consideran ustedes no se le ha hecho el reconocimiento que se merece? Actualmente se celebra y se difunde la obra de H.P. Lovecraft pero en su momento no fue valorado. Cada época tiene uno o varios escritores con los que sucede exactamente lo mismo y al final es la historia la encargada de ponerlos en el lugar que merecen. Un género como el horror cósmico está lleno de casos similares al de Lovecraft por eso en la SGM nos gusta explorar, revisar y por supuesto difundir a autores como August Derleth o Frank Belknap que son más de culto entre iniciados y que merecen ser leídos tanto como Poe o Lovecraft. ¿Hay alguna banda de América del sur que les interesaría para llevar a tocar dentro del marco de una futura Semana gótica de Madrid? Conocemos bandas de Sudamérica y nos encantaría poder contar con su participación en nuestro evento. Lamentablemente el presupuesto hasta el momento no lo ha permitido. La semana gótica de Madrid es un evento bastante completo que gira en torno a la literatura, la música, el cine, la pintura y el arte. De lo más completo que uno puede encontrar en torno a la cultura gótica ¿Cuánto tiempo les toma preparar este evento? ¿Qué es lo más difícil? Nos toma exactamente un año. Una vez finalizamos el evento comenzamos a trabajar en el siguiente. Lo más complicado es coordinar tantos eventos y personas de distintas disciplinas, pero el trabajar con tanta anticipación nos permite solucionar a tiempo y de forma sa-

tisfactoria los problemas que puedan surgir. ¿Algo en particular de las tantas cosas que hay para disfrutar que les gustaría recomendar de la semana gótica de Madrid? Como directora del evento estoy completamente parcializada y por supuesto lo recomiendo todo. Lo que favorece al público es al cubrir tantas disciplinas, cada uno puede elegir según su predilección e intereses. ¿A futuro que piensan añadir a la ya enriquecedora temática de este gran evento? De momento creo que nos quedaremos con las áreas en las que trabajamos: literatura, música, artes escénicas, artes plásticas, moda, cine, ciencia. Tenemos también Virus G nuestro webzine sobre música underground, el congreso académico y la revista anual Herejía y Belleza. Con esto consideramos que hacemos nuestro aporte desde España a mantener viva la cultura gótica urbana. Yo sé que no es un tema que se relacione, pero inevitablemente termina tocando la historia y la cultura ¿Qué opinan de lo que está pasando aho-

ra con Cataluña? Aunque prefiero abstenerme de opinar sobre política, personalmente considero que estamos viviendo un momento muy triste en cuanto a la convivencia y la tolerancia se refiere. Las acciones violentas, las posturas nacionalistas y el pensamiento radical que parecían haber quedado en el pasado, están a la orden del día no solo en España sino en el mundo. Lo triste es que ante todo prima el ego, y el querer convencer al otro a cualquier precio de que se tiene la razón, y a ello se suma el “tragar entero” lo que dicen los medios de comunicación sin detenerse a analizar y a reflexionar sobre una noticia o determinada postura política. Es triste y confío en que al final del día se vea la luz hacia un camino en el que la conciliación sea la única vía para solucionar diferencias. Anexamos enlaces sobre Virus G y la página de La semana gótica de Madrid. Mil gracias a Marjorie Elijach y a Juan Carlos Somolinos por el tiempo. http://www.besarilia.org/ virus-g-zine-streaming-catalogue/ https://www.facebook.com/semanagotica/

[ Entrevista a Mariano Ponce de De Trueno por BenjamĂn York ]

"YA VES NADA ES CASUALIDAD"

41 Si de algo nos podemos jactar en Argentina es que hay tantas bandas, pero tantas bandas que siempre me terminó sorprendiendo de esto. Las bandas tienen un nivel sonoro que demuestra que desde hace unos años es muy importante el producto cuidado. Cosa que encontramos en De Trueno. Es una banda de Buenos Aires que nace en 2014. Está formada por Martín Ponce en guitarra y voz, Joaquín Ferrer en batería, Luis María Cabezas en bajo. Tienen un primer álbum llamado "Ahora" (2015) producido por Juampi Dicesare (Monotoro). Y en septiembre de este año editan "Elemento" con la producción de Leandro Lacerna. De esto y mucho más hablamos con la banda en la siguiente entrevista.

re para terminar de darle un carácter a las canciones. ¿Qué diferencias pueden encontrar entre los dos álbumes? Para mí "Ahora" es más oscuro, mientras que "Elemento" tiene más luz. Tal cual si Ahora es noche y ocuridad reflejada en temas como “Adentro lo oscuro” Elemento es Luz. Las tapas también generan ese contraste. Ahora con esas dos chicas grafiteando de apuradas en cualquier calle de Buenos Aires a altas horas de la noche. En cambio, los colores de Elemento me remiten a los que veo cada día que me despiesrto con mi hijo, las primeras luces del día, está definitivamente atravesado por su llegada.

Hola chicos, gracias por aceptar esta entrevista.

¿Cómo fue la grabación de "Elemento"? ¿Qué aprendieron de la primera grabación que no han

Para empezar ¿Por qué el nombre "De Trueno"? Recuerdo que me encontraba ensayando con Karamelo Santo un caluroso día de Febrero de 2012 cuando alguien levantó la mirada de su celular y dijo “ se murió el flaco”…no sonó una nota más, recuerdo a Diego Aput a mi lado quitándose el bajo y conteniendo el llanto. Todo se tiñó de gris. Me sentí descuartizado. Adopté el ávatar de Aguila De Trueno en FBK y quedó ahí…En el 2014 cuando decido dar un paso al costado de Karamelo y emprender mi carrera solista el nombre ya estaba allí.

repetido en esta segunda? Hay una diferencia importante en cuanto a que todas las canciones las compuse mas o menos en el mismo período y eso las hace más contemporáneas. Otro factor fue trabajarlas desde muy simple y pequeñas con Leandro Lacerna y lograr feedback con el trabajo en la sala de ensayo. Las maqueteabamos, iban a la sala, las tocábamos con la banda, surgían otras ideas y volvíamos aproducir sobre eso, se hizo muy lúdico ese ida y vuelta con ideas que aportaron Joaquín y LuisMa.

Tres años desde que se formaron. Dos álbumes, muchos shows... ¿Tres años intensos? Tres años intensos y de mucho aprendizaje, presentamos disco en Buenos Aires y en Mendoza. Si bien no tocamos mucho este año por una situación personal (fui padre) laburamos las canciones de nuestro segundo disco en la sala y eso nos puso un norte.

En este nuevo álbum aparecen invitados como la gran Ignacia, también Gimena Alvarez Cela y Carlos Villafañe. ¿Cómo fue trabajar con otros músicos en el estudio? Es una sensación de felicidad y tranquilidad que semejentes mostros se prendan en participar en el disco. Con ignacia nos conocimos poco antes de grabar Ahora y me impactó la potencia y musicalidad que maneja en sus canciones y cuando estábamos grabando Elemento (la canción) no dudé en pensar que ella era la indicada para terminar de darle esa magia. Con Gime también, justamente fue Ignacia que me habló de ella y su grupo Milhojas y Mi Ansiedad era el tema funky del disco donde ella se podía lucir. Carlos Villafañe es un amigo de años, cursamos juntos la carrera de comunicación audiovisual hace mu-

Llegan a grabar "Ahora". ¿Cómo fue ese camino del nacimiento hasta grabar el primer álbum? Ahora es un compendio de los años previos, con canciones de 8 años de antigüedad y canciones nuevas. Muchas de ellas habián quedado fuera de otros proyectos por diferentes razones. La elección del repertorio se hizo difícil, pero llegamos a una acuerdo estético y temático. Luego se sumó Juampi Dicesa-

chos años en el cercano Lanús y desde allí que sigo su carrera con Sick Porky, una de las mejores bandas del rock stoner de nuetro país y más allá! Hoy el trabajo que una banda tiene que hacer en las redes sociales es mucho y hay que estar a diario creando contenidos. ¿Ustedes cómo se llevan con este tema de la información en las redes? La verdad por ahora lo hago yo pero me encantaría pasar ese tiempo haciendo otras cosas, música por ejemplo, pero es como decís vos, es una necesidad de estos tiempos, una herramienta que hay que saber aprovechar sobre todo bandas emergentes como nosotros que quizás no nos conoce tanta gente.

bargo no puedo explicar porqué. De hecho son 7 temas mas un track de intro que terminó siendo un outro, una invitación a otra galaxia. Por lo general me gustan los discos cortos, que te los escuchas yendo al trabajo en bici. Tardo media hora yo. Por último, ¿qué planes hay para lo que queda de este año y el 2018? Para lo que queda del año tocar y tocar este disco nuevo y el año que viene, que está más cerca de lo que pensamos, muy probablemente nos encuentre ¡grabando un nuevo video clip! ¡Pero esta vez lo va a dirigir otro!

Algo que me llamó la atención en ambos álbumes es que hay 8 canciones... ¿Por alguna razón

Muchas gracias y les dejo este espacio para que digan lo que quieran. Escuchen bandas de acá, salgan de la tele y la radio,

especial o sólo pura casualidad? “Ya ves nada es casualidad” decía Gustavo, sin em-

vayan a charlar con sus amigos, amen, tomen helado y ¡sean felices que eso se contagia!

[ Entrevista a Martin Orton de When The Sun Hits por Diego Centuriรณn ]

LA BANDA ESTร EVOLUCIONANDO TODO EL TIEMPO

El gen de la canción de Slowdive dio distintos frutos, por un lado un fascinante blog acerca del shoegaze y el dreampop y la banda que hoy entrevistaremos. Nacido hace ocho años, a las sombra de otros proyectos que sus integrantes tenían, hasta que decidieron poner a “When The Sun Hits” al frente de todas sus actividades musicales. El quinteto es de Nottingham, Inglaterra, y está formado por Chris M, Rob M, Chris D, Martin O, Rich D. Recientemente acaban de lanzar su EP debut y me ha llamado tanto la atención que decidí contactarlos para esta entrevista. Gracias a Kool Things por proveernos de este EP y gracias a ustedes por aceptar esta entrevista. Para empezar hay dos cosas que me gustaría preguntar. Primero: ¿sabían de la existencia del blog? Y en segundo lugar ¿por qué el nombre de esa canción de Slowdive y no otra? Hola... perdón, no he oído hablar del blog pero me gusta lo que veo. Chris se le ocurrió el nombre, siempre hemos sido fanáticos, pero era un nombre genial para una banda y parecía adaptarse a nuestra música. Incluso nuestra última banda siempre quiso evocar ese sentimiento al atardecer, y es ese sonido que a menudo capturamos. Según lo que pude encontrar de datos en la web, ustedes venían posponiendo este proyecto por otros. ¿Qué fue lo que los hizo revivir a When The Sun Hits? Bueno, por dónde empezar. Chris M, Rob y yo estábamos todos en una banda llamada Model Morning, y nuestro cantante se tomó un tiempo para tener su primer hijo... durante ese tiempo escribimos y grabamos algunas pistas que eran una especie de proyecto paralelo. Model Morning terminó y conseguimos a Martin y planeamos lanzarlo, el único problema es que no teníamos baterista. Le preguntamos a Chris Davis como lo conocíamos desde hace años, pero dijo que estaba muy ocupado con Spotlight Kid, así que ten-

dría problemas. Estuvimos de acuerdo en que lo ayudaríamos con Spotlight Kid y él ayudaría con When The Sun Hits, pero Spotlight Kid despegó y los WTSH quedaron en el olvido. Nunca pensé que volvería a trabajar con los chicos, pero volvimos a mezclarnos uno por uno y ahora tenemos una banda... se siente muy natural, y creo que es porque todos tenemos la misma taquigrafía musical para poder entender de dónde venimos musicalmente. El EP fue enviado a Saint Marie Records justo cuando la banda comenzó otra vez y finalmente ha sido lanzado, pero ha sido una larga gestación... hemos escrito un álbum dos veces desde entonces, ¡así que ahora estamos trabajando en las mejores canciones para grabar! Si tuviera que describir su música a aquellos lectores que aún no los han descubierto, ¿cómo lo harían? Etéreo y ecléctico. Como una banda sonora de una película que aún no se ha hecho. ¿Cómo es el trabajo de composición de las canciones?, porque hay dos instrumentales muy ambientales. ¿Tienen una metodología? Hmm... durante mucho tiempo fue Chris M, Rob y yo intercediendo cuando otros miembros de la banda (de bandas anteriores) que estaban ausentes (teniendo bebés, en giras). Chris M tocaba la batería y tiene un estilo de toque único y muy matemático. A medida que la banda se formaba, hemos comenzado a hacer más una banda entera, ya que la batería de Chris D le da a la banda una nueva sensación y se siente más como una unidad... él no toca en el EP, así que será bueno esperar por el álbum. Suena genial en este momento. Las voces generalmente se agregan después, pero no hay una regla establecida, y la banda está evolucionando todo el tiempo. Acaban de lanzar un EP "Immersed Within Your Eyes" de seis canciones bajo el sello Saint Marie Records. ¿De qué periodo de la banda son estas canciones? Creo que en general 2009 o 10, no estoy seguro... Agregamos la batería a “Stereopium”, pero ni siquiera fue Chris D, ya que todavía no se ha-

bía unido. Estos últimos años el sonido shoegaze ha crecido de manera llamativa y, por suerte, uno puede descubrir mucha música nueva. ¿Cómo conviven ustedes con el oleaje incansable de bandas nuevas? Estamos cerca de las bandas de Nottingham,

Six. By Seven obviamente Amusement Parks on Fire y hemos tocado conciertos con muchas de las bandas shoegaze y nugaze. Nuestro sonido es muy diferente, menos psicodélico, pero las mismas guitarras bien arriba. Intentamos no inclinarnos demasiado al pasado, sino traer un sonido nuevo a las cosas.

Me gustaría hacer un track by track del EP. The Last Night: Es la aceptación del destino, y el cumplimiento de todos los días hasta su llegada – Martin Lie To Me: Es la fuerza y el despertar, ha crecido y la sabiduría. Finalmente bajó la guardia porque a lo largo de todo el tiempo estabas a prueba de balas. Twlight: Un instrumental. Stereopium: Es la salvación que nunca supiste que necesitabas y la consumiste corazón y alma. Lovedead Town: Está tratando de arreglar lo inconcebible y la comprensión de que un nuevo comienzo en otro lado es el único camino a seguir. Coopers Secrets Todo lo que puedo decir es que Cooper es el agente Cooper de Twin Peaks.

¿Qué bandas cercanas a ustedes nos recomiendan? Amusement Parks on Fire. Iamlono.

No estamos seguros de cómo será la cosa final, será sónicamente un paso desde el EP, más fuerte y más suave al mismo tiempo.

Sé que tienen pensado el primer álbum para el 2018. ¿Qué nos pueden anticipar? 10 pistas que son casi todas inauditas y únicas.

Por último le dejamos este espacio para que digan lo que quieran a nuestros lectores. Hola lectores. :)

[ Entrevista a Morgan Lhote de Hologram Teen por Pablo Müllner. Fotografías: Elena Kulikova ]

MIEDO A LA CHICA DEL TECLADO

Morgane Lhote fue una de las tecladistas de Stereolab durante los años cruciales de la banda. La señorita tiene sus credenciales en el mundo del rock. Punto. Y loops, muchos loops… Ahora acaba de editar “Between the funk and the fear” (Entre el funk y el miedo), su primer album solista bajo el nombre de Holgram Teen (Holograma Adolescente). Con el mismo seudónimo había sacado ya dos EPs, con un similar gusto por lo siniestro y la extrema absurdez que nos viene a la mente cuando miramos películas de terror icónicas como Suspiria o Inferno. Probablemente también con elementos combinados de los escenarios distópicos de Blade Runner o 1984. Y para mantenernos ocupados moviendo los pies una gruesa base rítmica que por momentos nos recuerda a Kool and The Gang e incluso el más experimental Giorgio Moroder. Aquí, está para todos ustedes, jóvenes y viejos, lectores digitales y espías de internet, la Srta. Morgane Lhote, “La” Hologram Teen. Hola, Morgane, ¡es un placer encontrarte! Primero lo primero: si leí las fuentes correctas “Hologram Teen” es tu proyecto solista más que una banda. Entonces, ¿cómo surgió el nombre y por qué decidiste usarlo en vez de firmar como Morgane Lhote? ¡Es un placer para mí también! Es mi proyecto solista y empezó hace cuatro años en Nueva York. Necesitaba conseguir rápidamente un nombre, entonces me puse en un generador de anagramas de internet, y escribí mi nombre y apellido. Cuando vi “Hologram Teen” entre la lista de resultados, fue como si saltara sobre mí y lo adopté de inmediato. ¡Todo el proceso llevó apenas unos 10 minutos! En otra entrevista decías sobre el proceso creativo de “Between the funk and the fear”: “Quería crear la banda de sonido para la película de terror más flashera de todos los tiempos… con una estética muy irónica, tanto en lo musical como lo visual”. Creo que esa declaración tiene mucho sentido escuchando el álbum. ¿Estás muy en contacto con el mundo

de las películas, no es así? Sí, bastante. Estudié cine en Londres y hoy día trabajo para Netflix, eso me lleva a ver el más variado rango de películas semanalmente. Es maravilloso. Además estuve involucrada en bandas de sonido de TV y cine desde que era prácticamente una niña, la experiencia cinematográfica dejó una huella duradera en mí. Personalmente tuve en mi mente mientras lo escuchaba el trabajo musical hecho para las películas de Darío Argento, por Goblin y Ennio Morricone, probablemente algún material del primer John Carpenter también. Pero hay una pesada sección rítmica que toma esos sonidos reconocibles y los lleva a un territorio diferente, inesperado. A veces suena casi parecido a la música disco más futurista de Giorgio Moroder. ¿Cómo se unen todos esos elementos? ¡Buen oído! Sos el primero que se da cuenta de la relación con Ennio Morricone. Amo a todos esos artistas que mencionabas. Definitivamente me super inspiran Goblin y la banda de sonido de la película de John Carpenter “Escape de Nueva York”. Y es correcto, la sección rítmica es la parte más importante de cada canción para mí: el bajo y las baterías. Quería ofrecer una lectura fresca de todas esas bandas de sonido, con un elemento más bailable, casi funky, juguetón, con sampleos que agreguen una capa extra, inesperada. También adoré que los temas sonaran siniestros, porque soy un gran amante del cine de terror, especialmente lo vintage, y lo europeo, pero al mismo tiempo disfruté de que lo siniestro viniera dado en pequeñas dosis. Es más bien como el sonido de “una vuelta de tuercas en la trama”, o de esas escenas que “juegan con tu mente” más que el sonido de una exhibicionismo sangriento. ¿Es lo mismo para los films que para la música: menos significa más? No estoy segura… Desafortunadamente, una cosa en la que trato de trabajar como compositora es en depurar mis composiciones: muy a menudo mis canciones tienen demasiado sucedien-

do: motivos, ideas. A veces tengo que eliminar secciones completas o incluso muchos tracks. Quizá por eso las canciones te suenen más desnudas. Ahora estoy tratando de experimentar con estructuras más directas. Pero estoy de acuerdo y me gusta la idea de que hay suspenso y el suspenso se va construyendo canción tras canción, cosa que hice en dos canciones cortas del álbum: “Bleecker Street! Chase Me!” y “Brooklyn´s Broken! You Caught Me!”. Me enteré de que empezaste a escribir y grabar sola cuando descubriste la más nueva tecnología para grabar música y te la compraste, ¡lo cual es bastante punk dicho sea de paso! ¿Pero podés contarnos cómo es trabajar de esa manera (solitaria)? Es maravilloso. Trabajo en mi música todos los días y no me siento “solitaria”, para nada. Colaboro mucho con mi productor y los encargados de las mezclas en las etapas finales de las canciones, así que hay espacio para interactuar con otros y discutir. Lo que es maravilloso es tener completa libertad y no tener que pelearse o com-

prometerse con los miembros de otra banda. No lo volvería hacer de ninguna otra manera. Fuiste parte de una de las bandas más icónicas de los 90´s, Stereolab. Creo que desde “Emperor Tomato Ketchup” (1996), álbum que hoy día es un clásico de culto. ¿Podés comentarnos que se sentía ser parte de la escena “brit pop”, si es que existió tal cosa y cómo decidiste abrirte camino? No estoy segura de que fuéramos parte de la escena brit pop, pero estábamos definitivamente alrededor mientras un montón de cosas musicalmente interesantes sucedían en Inglaterra. Yo no decidí abrirme camino un día, pero mi partida de Stereolab no fue super armoniosa, pero sin embargo se puede decir que sucedió a tiempo. En esos días debés haber hecho bastantes giras. ¿Cómo es ahora? No sé si Hologram Teen ya ha realizado alguna performance en vivo. ¿Elegirías hacerlo con un formato de banda otra vez? ¡Ay, hombre!, era algo así como estar de gira

ocho meses al año por seis años seguidos. Se volvía extenuante por momentos. No tengo ninguna fecha planificada por el momento y estoy muy feliz de trabajar en mi estudio casero y grabar mis cosas. Pero hay gente preguntándome por presentaciones en vivo, y lo tengo en cuenta. Y sí, me armaría una banda para salir a tocar, así que veremos…

Laetitia (Sadier, la cantante de Stereolab) tenía un forma muy personal de cantar y las letras estaban influenciadas por algunas vanguardias como el surrealismo, algunos incluso encontraban “mensajes marxistas” en ellas. Pero el hecho de que Hologram sea un proyecto instrumental no quita que haya un elemento “narrativo”, ¿no es así?

Hay definitivamente un fuerte sentido narrativo en mis canciones. Y lo expreso a través de “climas” o sonidos específicos al no tener una línea vocal. Pero también uso un montón de voces sampleadas en lugar de un cantante. Es algo que me gustaría a empezar a experimentar para el próximo álbum: usar cantantes para algunas canciones, tengo un montón de letras escritas que puedo usar. Me pregunto cómo y dónde conseguís los audios vocales… Por ejemplo en el track “Hologram Teen and Brasil 666”, que es un melodía bien Kraftwerkiana con unos momentos de suspenso tipo “ritual satánico” Jajaja… ¡Diste bastante cerca del blanco! No quiero que me demanden, por lo que voy a dejar ese tema de los audios bajo un aire de misterio. Pero escucho todo tipo de música, de todos los géneros, de diferentes décadas y de diferentes partes del mundo, así que tengo mucho para inspirarme. Stereolab era una banda muy autoconsciente de su imagen, y a la vez su sonido era mucho más femenino, donde Hologram Teen es mucho más dura, potente. ¿Tenés algún proyecto visual en mente, como hacer la banda de sonido de una película o grabar un corto para el disco? Considero que “Between the funk and the fear” es bastante una banda de sonido en sí mismo. Y

me encantaría escribir música para una película, creo que mi música encaja perfecto en ello. Hablando de potencia “Lesbian Death Drums” es un título que podría pasar un tema de Rob Zombie. Pero al escucharlo suena más a jazz experimental. Y el disco en general, después de una segunda, tercera escucha suena bastante a avantgarde jazz. ¿Te influencia la música de jazz? ¡Amo el jazz! Cómo cualquier otro género, en realidad. Hay un tema al final del álbum “Magique Afrique”, que es mi interpretación del “astral jazz”, y de artistas como Pharoah Sanders y Alice Coltrane. Creo que es el resultado de vivir en Los Angeles, donde la gente ama el astral jazz, y a artistas como Kamasi Washington. Aquí se escuchan sus canciones mucho por radio y eso seguro se debe haber metido en mi subconsciente. Por último quería dejar un espacio donde hablar sobre el futuro cercano de Hologram Teen o de Morgane o cualquier cosa que vos consideres necesaria mencionar antes de decir “adiós” Bien, estoy trabajando en un nuevo álbum justo en este momento y ya tengo algunas canciones listas. Por ahora el estilo se extiende entre el hip hop y la Tropicalia, y estoy muy excitada tratando de encontrar un camino musicalmente narrativo para unir esos estilos.

[ Entrevista a Ese Perro por Pablo MÃ¼llner. ]

PERROS DE LA CALLE

Ese Perro son una banda de indie pop/ rock alternativo, formada por Bruno Chattás (voz, guitarra acústica), Pedro Devoto (guitarra, programaciones), Rocco Aguado (teclados), Alejandro Crimi (bajo, synths) y Mauricio Tovar (batería, pads). Residen en la Ciudad de Buenos Aires y tocan juntos como Ese Perro desde 2008. Tienen tres discos grabados, el último de ellos, “Hacer un fuego”, se editó en septiembre del año pasado. Recién este 18 de octubre lo presentarán oficialmente, en La Tangente, luego de haber girado durante la mayor parte de 2017 por EEUU y México, realizando más de 15 shows y participando del famoso festival SXSW en Austin (EEUU). Pero hay muchos otros hitos de Ese Perro en la ruta. Tienen tras sus espaldas haber sido la banda soporte de Dave Matthews Band en 2010. También realizaron una gira de 45 shows a lo largo de Argentina, Perú, Chile y

nera impecable. Alejandro: Es muy buena la referencia que marcas, al menos siempre que surja la palabra Radiohead en cualquier comparación con nosotros nos va a parecer agradable jajaja… Pero si, es un disco bisagra para nosotros, la canción es algo que tenemos muy arraigado y que nunca dejamos de lado, siempre fue vital para nosotros que las canciones en su estado más primitivo (con solo una guitarra o un piano) se pudieran defender y disfrutar y esa era nuestra premisa a la hora de elegirlas para un disco. En este caso si bien seguimos con esa premisa, al componer de otra manera nos dejamos seducir por canciones completamente arregladas y nos enamoramos de su complejidad y luego aprendimos a desnudarlas y ver su origen.

Ecuador durante 6 meses, recorriendo las rutas de América del Sur sobre una Motorhome modelo ’61. Verdaderos Perros de la Calle.

ría dejar pasar que en el medio han estado girando sin parar, con una cantidad de tiempo y fechas que se ve abrumadora, y lo que suele suceder en la mayoría de las bandas es que surjan temas más concisos, compuestos y tocados en la ruta. ¡Qué contradicción! Alejandro: Nuestros discos en principio siempre surgen de la necesidad de buscar algo nuevo, de liberar canciones que vamos acumulando individualmente y que nos queman, cuanto más tocamos y giramos y hacemos con el disco anterior más rápido nos dan ganas de generar el siguiente, nos aburrimos rápido y queremos siempre hacer música nueva. Este disco lo compusimos de una manera muy distinta a los demás, muy digital, cada uno en su casa, con sus tiempos y sus espacios pero compartiendo todo a través de una plataforma digital en la cual todos interactuábamos con la música del otro, entonces no hubo límites de ningún tipo, ni de tiempo, ni de horarios, ni de roles, ninguna limitación. Luego sí, llegó la hora de juntarnos y armar los rompecabezas jajaja… Por otro lado los últimos 2 discos vinieron luego de grandes giras, los viajes siempre nos dan inspiración para volver y grabar así que ahora que volvimos de México y USA no será la excepción.

Buenas muchachos, ante todo, felicitarlos por el disco “Hacer un fuego”, me resultó muy creativo, experimental y al mismo momento con un sonido fresco, disfrutable, cosas que a veces no ocurren de una y en paralelo, ¿no es así? Alejandro: ¡Muchas Gracias! Sí, siempre buscamos esas cualidades que mencionas y en este disco creemos haberlas alcanzado como nunca antes. Trabajamos de una manera radicalmente distinta al resto de los discos y eso nos trajo resultados muy ricos, la producción estuvo a cargo de Alejandro Zapiola de Damasco que es nuestro ingeniero de sonido en vivo desde hace tiempo y un gran amigo entonces fue muy relajado el proceso y nos sentimos muy cómodos en la forma y el método a pesar de ser nuevo, creo que todas esos ingredientes nos llevaron a ese lugar exótico pero a la vez confortable. Trataba de tomar alguna referencia de mi “compactera”, y me saltó enseguida el título “Kid A”, no tanto porque se parezca demasiado, la verdad sino por el cambio de dirección que significó para la banda (Radiohead) en su momento, me parece que algo de eso hay también en su discografía, venían más “sujetos” al formato canción casi de ma-

Por otro lado, y a propósito de preguntar ¿cómo surge componer y grabar un disco así? No que-

Otro punto novedoso que encontré en comparación con los otros dos discos, es que en más de una ocasión hay un juego con voces que ra-

ppean o recitan a lo hip hop, bien desde el comienzo (“Hay un final”, “Nadie culpa”), también la base rítmica va en ese sentido, pero al mismo tiempo hay elementos muy reconocibles del sonido de la banda. Alejandro: Se ve que escuchaste con mucha atención el disco y eso nos encanta! Jajaja… Exactamente, si bien hace tiempo que venimos es-

rizontes, 2014 y Las Partes, 2011), me parece que algo que se destaca siempre es el trabajo que tienen en los arreglos de las voces. Por momentos hay muchas capas, y juegos bastantes interesantes, cosa que no escucho demasiado en la escena local. Parece que viniera del pop de los sesenta (Beatles, etcétera.) Alejandro: Es algo que simplemente no podemos

cuchando mucho hip hop y ritmos del estilo, en el pasado nos costaba integrar este género de una manera orgánica a nuestra música, lo sentíamos forzado o simplemente no sabíamos cómo. En este disco que compusimos de una manera más digital y cerebral tuvimos el tiempo para integrar eso sin perder nuestra esencia, no es fácil amalgamar ritmos de hip hop, rimas o rappeos o introducir samples en una sala de ensayo en el ámbito tradicional, por eso ahora que pudimos trabajar las canciones desde la maqueta en la compu pudimos jugar más con esos elementos y nos encanta.

evitar jajaja… En parte se debe a que tenemos grandes cantantes en la banda y varios timbres distintos, entonces en cada canción se abren varias oportunidades sobre quién debe cantar, quien debe apoyar, etc. Por otro lado nosotros solemos ver a la voz no solo como el medio para comunicar o recitar una letra sino como un instrumento más, es por eso que nos gusta mucho introducir coros que cumplen funciones rítmicas más que armónicas o melódicas.

Decía recién que veía elementos comunes con los discos anteriores (Empezaremos por los ho-

En la voz de Bruno me parece oír en ciertos momentos de “cita” a fuentes del rock nacional, el Spinetta más clásico, o el Dárgelos más crooner, pero siempre como una apropiación muy consciente, una referencia pop. Y como decía el juego

de coros es algo también muy personal, ¿cómo surgió trabajar con voces invitadas, especialmente femeninas? Alejandro: En cuanto a las letras solemos escribir varios y a veces en una misma letra hay distintas voces (al igual que musicalmente), entonces eso genera que haya referencias tan distintas como las que nombras que nos enorgullecen. En este disco tratamos de darle un lugar especial a la lírica, de que sea más conceptual el disco en ese aspecto. En cuanto a las invitadas, ¡nos encanta sumar voces femeninas en los discos! En el disco anterior tuvimos la participación de Mariana Baraj y fue un lujo y en este contamos con las chicas de No Lo Soporto haciendo un aporte bellísimo en Sabes - No te preocupes y Jazmín Esquivel simplemente elevó “La Colina” a un nivel al que no hubiésemos llegado nunca sin ella.

deos para el disco. Este lo dirigieron ustedes mismos, tenían una idea visual y narrativa esta vez, ¿o siempre es así? Bruno: Todo lo que rodea a las canciones creemos que son una extensión de ellas, como si fuera un instrumento más. Por eso nos es difícil delegar 100% desde el diseño de un sticker hasta algo como un videoclip. En todos los videos tuvimos participación en la idea y estuvimos presentes en la ejecución por más que en muchos no tenemos un papel protagónico los cinco. El de “La Colina” en particular surgió de una reunión que tuve con Zapiola, con quien terminamos realizando el video.

Con Jazmín Esquivel grabaron además el video para “La Colina”, pero ya habían grabado otros vi-

vientos, tienen una bajada “más rockera” en vivo. O nada qué ver.

¿Cómo les resulta o resultará trasladar el sonido de “Hacer un fuego” a los escenarios? Digo, es un disco muy electrónico, lleno de sampleos y muchas sutilezas como algunas cuerdas, algunos

Bruno: La verdad que fue un desafío llevar cada una de las canciones al vivo porque la manera de armar el disco fue completamente digital, no hubo ensayos. Tuvimos que sacar uno por uno nuestros propios temas. Creo que la pulsión “rockera” en el vivo está, pero desde una cuestión de agitación e intensidad, no desde los arreglos. Este disco tratamos de llevarlo al vivo tal cual es. Hablando de los escenarios tienen una historia “en vivo” muy nutrida y variada, desde ser soporte de Dave Matthews Band, a girar por Latinoamérica en una motorhome. O tocar enel festival SXSW de Austin. Un poco bromeando con el nombre de la banda y la película de Tarantino, titulaba la nota “Perros de la calle”, ¿esto de vivir en la ruta se vuelve una forma de vida? Bruno: Jajaja sin dudas es algo muy placentero viajar llevando tu arte. Nosotros tuvimos la suerte y la convicción de hacer 3 giras importantes en 5 años. Esperamos que cada vez sean más y mejores. ¿Qué cosas hay que hacer entonces estando de

gira para que tocar no se transforme en una rutina, como decir “ir a la oficina”? Bruno: Yo creo que justamente los viajes tienen la función de sacar la parte rutinaria de tener una banda. Por más que armar una fecha desde el minuto uno hasta el final siempre conlleva prácticamente lo mismo, el estar con la mente abierta a un nuevo lugar y nuevas costumbres, hace que todo el plato tenga otro sabor completamente. Tienen además una búsqueda estética sobre el escenario desde lo visual, ¿no es así? ¿en qué consiste? Bruno: Hace mucho tiempo que estamos trabajando con Iván Moles que es un realizador visual de la puta madre. Con él nos pasó un poco la excepción a lo que te mencionaba antes, nos sentimos cómodos relegando CASI el 100% de la tarea. Jajaja… ¿Algo más que quieran agregar, alguna data sobre el futuro cercano de la banda? Bruno: Se vienen temas nuevos, pronto… pronto.

[ Entrevista a Brian Wenckebach de MIS+RESS por Benjamín York. Fotografías: Evagelia Maravelias, ]

ES UN HERMOSO DISCO

61 Brian Wenckebach es un músico que lleva adelante este proyecto solista que sintetiza en una colección de suma belleza, sonidos que se podrían encuadrar en esas brillantes y etéreas melodías que se esconden dentro del género llamado soundscapes o dream pop instrumental. Pero quedarnos con las etiquetas sería tomar una parcialidad de la totalidad. El álbum debut contiene diez piezas únicas y que es el soundtrack perfecto para una noche con lluvia de estrellas, o ese momento de soledad reflexiva bajo un manto de estrellas en el campo o en una montaña, ahí donde la inmensidad del cosmos nos hace muy pequeño. Hola Brian gracias por aceptar esta entrevista. Para empezar ¿cómo nace MIS+RESS? Cumplí 40 años y me di cuenta de que era un padre de mediana edad de 2 niños con una esposa, una casa y una carrera. Para muchas personas, ese debería ser el final de su historia, pero no me sentí hecho. No sentía que la chispa creativa se había extinguido. Lo más importante es que no quería que mis hijos crezcan con un padre que solo hablaba del pasado. Aunque había estado trabajando en la música con Thee Koukouvaya y haciendo muchos trabajos de mezcla y masterización a través de Electric Blue Studios, todavía quería más. La mayoría de mis bandas habían sido vocales y enfatizaban la electrónica, así que tenía sentido ir en una dirección diferente. Pensé que era hora de usar una mínima paleta de sonidos. ¿Por qué elegiste específicamente este nombre? Tenía una lista de nombres entre los que estaba rebotando mientras pensaba en este proyecto. Quería usar algo completamente diferente a las otras bandas en las que había estado. Elika, mi banda con mi esposa, siempre había sido el foco principal, pero Mis+ress era esa cosa oculta que estaba desarrollando al lado. Entonces, conceptualmente, el nombre tenía sentido. El signo

"más" se agregó para ayudar con las búsquedas en Internet y también como una vaga referencia al grupo +/-. Quería un significante que tuviera múltiples niveles de significado. Tú vienes trabajando hace varios años y has tenido varios proyectos como Elika y Thee Koukouvaya. Pero este nuevo proyecto es distinto, más introspectivo. ¿Cómo lo definirías? Creo que tienes razón al observar la naturaleza introspectiva de Mis+Ress. Es más simple y más suave y delatado por la crianza. Lo principal era demostrar moderación. Esto comenzó utilizando la guitarra como la única fuente de generación de sonido. Además, quería mantenerlo realmente limpio, así que tiré todos los pedales de fuzz a la parte posterior del armario. Sin embargo, viniendo de un fondo experimental, no había forma de que al menos no pudiera usar algunos pedales de efectos, pero en general lo mantuve mínimo. Ninguna ridícula pedalera shoegazer ni nada por el estilo. Todos esos límites terminaron liberándome ya que pude concentrarme en la composición y la emoción en lugar de obsesionarme con las combinaciones de pedales. El énfasis estaba en la vibra y la técnica de tocar. Yo he tenido la oportunidad de escuchar todo el álbum y la sensación que me da es que cada canción pareciera encerrar un secreto, como si hubiera una historia oculta en cada track. ¿Qué nos puedes decir al respecto? Hay un secreto irrecuperable dentro de las canciones. Me las imagino como muñecas mamushka, excepto que en vez de muñecas es un regalo. Abrirlo y adentro es otro regalo. Continuamente así hasta el infinito. La anticipación de obtener algo, deseando desesperadamente poner tus ojos en ella, pero nunca encuentras lo que es "eso". Para complicar las cosas, cuanto más profundo vaya, más se distorsionará la anticipación alejándose más de la verdad. Es como que cuanto más te esfuerces, más difícil se vuelve hasta que por fin te das cuenta de que deberías

rendirte. ¿Cuánto tiempo te ha llevado escribir estas canciones? Tres o cuatro meses, por la noche, cuando los niños estaban durmiendo. Básicamente, pondría a mi hijo George a la cama después de nuestra rutina de caricaturas, libros y leche mientras mi esposa amamantaba a nuestro bebé Paulina. Una vez que todos estaban metidos en la noche, bajaba de puntillas, vertía un buen whisky y tocaba la guitarra. Los fines de semana, durante las siestas de los niños, repasaba las tomas, las editaba, las revisaba y las mezclaba. Las ideas iniciales se las enviaba a mis amigos para que me den su opinión porque realmente este fue un territorio inexplorado para mí. Debo gritar a mi amigo Anthony Crage por su inestimable comentario en el comienzo de Mis+Ress. ¿Piensas llevarlo al vivo? Y de hacerlo... ¿Lo harías con otros músicos? Definitivamente tengo la intención de tocar

shows. Parte de la idea detrás de Mis+ress era que me permitiría volver a actuar, lo que he extrañado mucho desde que Elika tuvo una interrupción indefinida. Mis+ress fue concebido como un proyecto individual, por lo que no involucraría a otros músicos en un ambiente en vivo. Bajo un manto de etéreos paisajes oníricos y un dream pop ambiental vas desmenuzando sonidos fantásticos. Por lo que se escucha hay mucho trabajo de capas y capas de grabaciones. A la idea original de las canciones ¿le has sumado muchas cosas más? Las canciones se juntaron de diferentes formas. Normalmente, comenzaba a tocar en una clave y un tempo específicos. Escuchaba estos pasajes extendidos y aislaba secciones. Luego, con esas partes en bucle, creaba capas adicionales. La mayoría de las canciones tienen 5 o 6 capas de guitarra en cada sección. La canción más densa del álbum tiene probablemente 25 o 30 pistas, lo que puede parecer mucho para algunos, pero después de trabajar con mezclas en

63 el rango de 1 a 200 pistas, se sintió extremadamente íntimo. ¿Cuáles son tus próximos planes para Mis+ress y para ti? Me gustaría completar otro álbum, asegurar un lanzamiento de vinilo (¡los sellos me golpean!) Y hacer algunos shows. Personalmente, mi esposa y yo estamos construyendo una casa en este momento que es una empresa tan increíble, tanto estrés, pero tanto entusiasmo al mismo tiempo. Tengo muchas ganas de tener un estudio adecuado nuevamente. Básicamente será la realización del sueño que he tenido en Electric Blue Studios desde sus inicios. Hace unos meses hemos entrevistado a Ulrich Schnauss y sabemos que tienes una amistad con él. ¿Han trabajado juntos? Ulrich ha sido amigo y partidario de mis esfuerzos musicales desde el principio. Ha colaborado

en una pista con Thee Koukouvaya y ha ayudado a Elika de innumerables maneras. Actualmente estamos trabajando en algo muy bueno que, con suerte, verá la luz del día. Él es una de las primeras personas a las que busco para obtener comentarios honestos, pero lo más importante es compartir música entre nosotros. Ulrich es un diamante en un mundo de tierra. He quedado maravillado con las diez canciones. Y para terminar la entrevista, ¿qué sentiste cuando escuchaste el álbum terminado por primera vez? Al final, es solo una sensación de alivio. En ese momento, has escuchado las canciones tantas veces que pierdes perspectiva sobre lo que está sucediendo; obsesionado por los detalles que nadie notará. Es importante alejarse, dejar que sus orejas se restablezcan y regresen más tarde. Soy parcial, pero creo que es un hermoso disco.

[ Entrevista y FotografÃas a Manuel Embalse por Marina Cimerilli. ]

NO QUIERO DEJAR NUNCA DE INTENTAR NUEVAS FORMAS

Cada segundo que transcurre en el universo de Manuel Embalse, vale por diez del nuestro. Se mueve rápido, y cualquier distracción significaría perderse de data valiosa, de esa que exige ser decodificada; así que hay que abordarlo con detenimiento. Dicho esto, su quinto y último lanzamiento discográfico bajo este seudónimo, “Fotocopias de algo que no existe”, vio la luz el 23 de Septiembre a través del sello Fuego Amigo Discos, y lo encuentra tan leal a su espíritu lúdico y experimentador, como a aquella responsabilidad, ahora más asumida que nunca, con el contexto social y el universo que lo rodea. Con un pie en la canción de autor made in seis cuerdas y otro en el eclecticismo pop de arenga electrónica, este multidisciplinario mensajero del existir-consciente sigue explorando nuevas formas de reflexionar con sus pares generacionales, y en este sentido, no limitarse sólo a lo sonoro es una decisión que ha tomado hace rato. Por esta y otras razones, es que el acercamiento a su nuevo trabajo requiere de un compromiso mayor -enhorabuena por eso-, y en estas circunstancias tuvimos la oportunidad de profundizar en él, mediante un mano a mano más que inspirador, junto al artífice de estas ocho canciones rebosantes de sensibilidad urbana y cotidianeidad devenida en poesía. Además de ahondar en el detrás de escena de su disco y ser un fiel reflejo de que apostar al Do It Yourself siempre vale la pena, Manuel nos recuerda una vez más que la clave para abrazar el futuro, está en hacerse cargo del presente. ¿Cómo fue que Manuel Peralta se transformó en Manuel “Embalse”? “Embalse” surgió porque es un tema de A-Tirador Láser, que en esa época los escuchaba mucho (tuve una etapa de escuchar mucho a Bochatón, A-Tirador Láser, Los Brujos… fue mi momento de conocimiento de la buena data de música argentina de los ´90); justo estaba teniendo una charla con un amigo sobre los apellidos de Facebook y me dijo que me lo cambie, y sonaba la canción Embalse, que es el track 4 del disco “Tropas de bronce”. Entonces quedó.

Cuando tocaba en Tostadora Moderna, en paralelo tenía mi proyecto solista que se llamaba “Envejecido” (del cual hay cuatro discos para escuchar y descargar en la página de fuego amigo discos), y ese era mi anterior seudónimo. Todo el tiempo que le dedicaba a Tostadora Moderna, sumado al tiempo que le dedicaba a Envejecido, en definitiva era yo… así que eso devino en mi disco del 2012, ya con el nuevo seudónimo. Otra cosa muy loca: en el secundario había otro Manuel Peralta. Y bueno, con eso también me quedó algo marcado respecto de la autenticidad, la originalidad…al fin y al cabo, decían “Manuel Peralta” y podíamos ser cualquiera de los dos. Así que cuando llegó “Embalse” lo abracé y lo recibí, porque me parece divertido incluso; no se sabe si es real o qué. Ojalá algún día Lucas Martí sepa que mi apellido es por un tema instrumental re flashero de su disco. En tu anterior trabajo, “Ilusión”, exploraste una faceta tuya bastante más desnuda y folk. Aunque eso tiene mucho q ver con la forma en la que componés, era la primera vez que lo llevabas a un disco. ¿Cómo fue esa experiencia? “Fotocopias de algo que no existe” es como la continuación de “El Nacimiento”, que es el disco anterior a “Ilusión”. Ahí había hecho el mismo proceso, esto de que estén las guitarras, que tengan una presencia; pero en “El Nacimiento” eran quince temas, mucha información, y traducía el tipo de composición para que vaya a algo más electrónico; fue como una transición extraña hacia lo que es ahora. ¿Consciente o inconsciente esa transición? Inconsciente; "Ilusión" fue un retrato de mi voz. Yo siempre fui autodidacta con el canto, y las canciones al ser acústicas, requerían otro enfoque desde lo vocal. Me acuerdo que me re preparé porque pensaba, "che, estás canciones son hermosas y muy sensibles, tiene algo muy inocente” (ahora que lo veo en retrospectiva), pero a la vez había algo que tenía ganas de conservar: cómo sería mi voz pelada. Toqué mucho en formato acústico y conocí mucha gente tocando en viajes, etcétera… soy un ser humano; hoy tengo 26 años pero soy un pibe,

soy un cuerpo, soy carne, y quería retratar ese lugar mío en lo acústico. Sentía que nunca lo había hecho bien. De hecho, los discos con Envejecido tenían algo de esa inocencia de cuando empezás a grabar, de la pureza de la guitarra criolla. Pero después con el paso del tiempo siempre lo hago electrónico, o lo rompo; entonces con "Ilusión" mi idea era hacer este retrato, pero como para no hacerlo nunca más. Para que quede un registro.... Claro. Y después de ese puntapié, en paralelo yo ya estaba craneando canciones que podrían haber estado en este disco pero no están. En "Fotocopias…" dejé afuera diez canciones que podrían ser tranquilamente otro disco, donde hay coros femeninos, arreglos de violines… Hasta que en un momento me dije: estos temas ya no me dicen nada; no quiero hablar de amor, no quiero hablar de otra cosa, quiero hablar de esta realidad social; mundial. Entonces, los ocho temas que elegí para “Fotocopias…” retratan lo que pienso actualmente del mundo contemporáneo. De esta consciencia urbana. Y esa fue la búsqueda entonces; porque los temas ya los tenías, y la intención fue transmitir eso haciendo un recorte en la selección... Claro. Sonoramente, cuando entré al estudio con Pablo Acosta, sabía que algo electrónico iban a tener seguro; me gusta grabar los bajos,

me gusta grabar guitarras eléctricas porque soy fan de Sonic Youth y de Pavement y los tengo presentes, y también estuve escuchando muchísimo Dinosaur Jr. este último tiempo; esa fue la principal referencia para las guitarras. También hay un espíritu muy 80´s… Sí; es algo que tengo muy incorporado. Desde los 15 años escucho a The Cure, por ejemplo. Y después también Flaming Lips, New order, Joy Division, Sumo, Spinetta, Zappa, Pavement, Pixies… ¿y dónde quedan todas esas raíces? yo siento que uno las va acumulando. Todo este año y el anterior me la pasé escuchando “Fear of Music” de Talking Heads. Capaz que en el disco no hay nada de eso, pero después cuando toco en vivo sí; son como fusiones que me hicieron pensar en elegir bien los temas, en que las letras tengan que ver… desde "Ilusión" hasta "Fotocopias…" pasaron muchísimas cosas en mi cabeza... Bueno, como todo el tiempo... Sí; es que para mí sacar un disco después de dos años es: "¿Cómo pasó tanto tiempo?" pero en esos dos años, yo como montajista y editor, aprendí a editarme. Antes era consciente de que tenía una necesidad de sacar los discos para sacármelos de encima: "Che, esto lo tenés que decir hoy"; y con este disco me pasó otra cosa: "Si esto lo vas a decir hoy, decilo bien". Más allá que

hay una reminiscencia sonora a “El Nacimiento”, esta vez me atrajo muchísimo más la poesía visual y esta especie de ensayo teórico - político de la consciencia del presente. En ese sentido, el videoclip que acompaña al disco, muestra una suerte de espacio post-apocalíptico; un escenario bastante opresivo… pero sin embargo, “Fotocopias…” tiene un sonido esperanzador más allá del mensaje. Está presente esa contradicción... Sí; es una contradicción que convive. Yo sé que el mundo se va a destruir tarde o temprano, pero mientras, ¿por qué no disfrutar, por qué no ir hacia la naturaleza?; si la próxima guerra va a ser por el agua, ¿por qué no vamos a cuidar el agua ahora? Antes quizá no era consciente de que yo era sensible y hablaba del amor, de lo efímero de las cosas; ahora soy consciente. Respecto al disco, me gustaría que la gente lo escuche no sé si como algo esperanzador, pero sí que le den ganas de vivir, de hacer cosas, de hacer un disco, de ir a la playa… por eso para mí es muy importante el concepto visual. Cuando uno vive en la ciudad, piensa estar en la montaña o en el agua; y la tapa y la contratapa del disco dialogan con esa idea de espejo roto, esa contradicción de verse reflejado en algo roto. Porque va a ser eterna esta dicotomía entre el "estoy acá" y "quiero estar allá", o "las cosas deberían ser así, pero son de esta forma". Es como si toda nuestra generación se estuviera entrenando para aceptar este mundo tan contradictorio. Por más que yo quiera ver el reflejo, hay algo que corta; suena medio cortamambo esta contradicción porque uno quiere flashearla, soñar, estar tranquilo, pero todo tiempo son aprendizajes de aceptar ambos mundos. Siento que desde "Ilusión" a "Fotocopias de algo que no existe" me pasó algo así; como una aceptación del loop eterno, de que el mundo se autodestruye y el hombre quiere poder. Esa fue la consciencia más general para mí. Las redes sociales y la tecnología en sí, si bien tienen este grado de toxicidad que remarcás constantemente, hoy por hoy son una herramienta vital para lo que vos hacés. ¿Cómo aceptás esa contradicción? Creo que la acepto porque es también un me-

dio de vida; en este paso de los años hubieron unas ganas de poder vivir del arte y aceptarme como creador, y no es que sea un manija y por eso hago cine, teatro, dibujo... sino que tuve la facilidad creativa de plasmarlo en distintas plataformas, y eso hizo que empezaran a aparecer trabajos donde puedo hacer las cosas que me gustan hacer. Quizás trabajo de más y tengo que equilibrarlo un poco; pero la posibilidad de hacer música en teatro, en cine, editar películas, dar un taller... fue un poco también gracias a la difusión cibernética. A mí no me interesa tanto mostrar mi vida personal en las redes, sino construirme como creador. El sentido viene cuando esa virtualidad se destruye y aparece el taller, o aparecen las fechas, las muestras, etcétera. Si uno toma la virtualidad como un paso único estamos completamente perdidos, no entendimos nada ni aprendimos nada. Todo lo reprimido del ser humano, la virtualidad se lo come. Hay que usarlo con cuidado, porque es un universo paralelo y hay mucha data de la que no tenemos idea. Uno se entrega a empresas multinacionales que destruyen el mundo, por usar el celu. Son un montón de cosas que complementan el absurdo y el cotidiano. Pienso mucho en el exceso de información y el data overload; es una de las cosas que estoy problematizando tanto en cine como en mis canciones; qué hacemos con lo que estamos haciendo, lo que estamos generando. Si hacés videos, ¿para qué son?, ¿por qué? ¿Lo vas a dejar en tu celular para que te quedes sin memoria, o vas a hacer algo combativo, para reflexionar con tus pares? En ese sentido me inspiró muchísimo un cineasta filipino que vi en el festival de Mar Del Plata; él dijo algo así como “no podemos negar a la tecnología, pero que la tecnología no te use; usala vos a ella”. Yo en ese momento filmaba con una Handy; en ese entonces ya se filmaba en 4k...pero pensé “claro, esta es mi herramienta, este es mi medio”. Uno es el medio, ya sea económico, ideológico; uno construye a partir de lo que tiene. A mí me encantaría tener millones de cosas, pero acepto el presente, acepto que las cosas son así, y me gusta también estar inmerso en el constante desafío de crear en base a las herramientas que tengo.

Así como somos víctimas de este exceso de información, internet, etc. ¿Sentís que una consecuencia positiva de eso puede ser esta especie de híper-creatividad que te caracteriza? Me parece que esto de ser híper-creativo es algo más característico de mi personalidad; no sé si es porque soy de Acuario con luna en Piscis y ascendente en Escorpio, que me gusta terminar las cosas que empiezo y es así; pero siento que todos tenemos las mismas capacidades para hacer cosas y estar entregados a la virtualidad, depende de los intereses de cada uno; a mí me interesa cuestionarme el uso de internet, porque creo que quedarse callados es ser víctimas. No sé si victimas es la palabra, sino consecuencia de una era digital. La híper-creatividad creo que es aleatoria y azarosa. En todo caso, me parece que está más relacionada con la multiplicidad de posibilidades que me doy; me siento a veces sofocado y pienso “che, ¿toda esta data después cómo la edito?” por eso estudié montaje en un momento, para poder decir lo que quiero decir sabiendo que tengo miles de posibilidades para decirlo. Hay gente que es más minimalista en ese sentido… ¿Te cuesta depurar tu trabajo cuando vas al estudio?

Dentro del estudio, las cinco veces que grabé con Pablo fueron muy diferentes entre sí, y dependía mucho del estado en el que estaba en ese momento. Cuando grabé “Ilusión” eran 25 temas y yo quería grabarlos todos, no me importaba; ahora lo pienso y es muy diferente armar los arreglos de 8 temas, porque te enfocas en esos 8 temas, le das vida y cuerpo a un disco entero. Antes no tenía conciencia de las posibilidades creativas que puede tener el paso del tiempo; eso es otra cosa que aprendí mucho de amigos, de verlos estar un tiempo laburando en las cosas. Entonces sentís que hubo una evolución… Sí; me sigo considerando impulsivo para tomar decisiones y demás, pero hay ideas que si las trabajás, pueden tener un vuelo mucho más interesante. Antes era muy fanático de la experimentación, de la improvisación, porque sentía que ideas me sobraban; hay mucha gente que le sobran ideas. Pero una idea trabajada puede ser mejor que diez dispersas. Te pregunto esto también porque en el disco se percibe un trabajo muy minucioso con los arreglos… Es que no es lo mismo estar pensando “necesito complementar 18 temas”, que pensar “uy, le estoy dando mucha bola a este tema porque

me encanta, porque siento que tiene que decirlo todo”.... es un trabajo muy diferente. Siento que les pasa también a las bandas cuando graban... pero al ser solista, todo el tiempo estoy “in my mind”, en mi cabeza; y cuando voy al estudio es bajar esa idea. Edito en mi cabeza y después voy a grabar. Fue un poco esa la decisión, pero esto no lo había hecho antes; antes improvisaba mucho en el estudio. Este fue el primer disco en el que incorpore gente, de hecho...eso es algo que me parece súper valioso como aprendizaje. Santiago Carlini grabó voces, Gustavo Obligado grabó saxos, Luciano Madia grabó trompeta, Manuel Del Río grabó trombón... soy solista pero a la vez sé que con los demás me fusiono x3, por eso el próximo disco va a ser con humanos. Va a ser el primer disco que voy a grabar con banda. ¿Era la primera vez que usabas vientos? Empecé a incorporarlos apenas después de “Ilusión”; ya estaba tocando estos temas y aparecían el trombón, la trompeta y el saxo. Ahí es donde me remonto un poco más a Sumo, al punk... me siento muy nerd musicalmente; todo el tiempo estoy explorando, y hubo un momento de mi vida en que no podía parar de escuchar Morphine y Sumo. ¿Cuál es el vínculo en común en todo esto? después me di cuenta que quizás eran los vientos. El primer cover que toqué fue Next Week de Sumo. Con Tavo, el chico que toca el saxo ahora, a los 17 años en el patio del colegio tocá-

bamos Next Week de Sumo, Fire In Cairo de The Cure… siento que es un instrumento que lo tengo adentro hace diez años. Y salió ahora, en este disco..... Y salió ahora; no en modo digital, sino como un dispositivo de fuerza. El saxo me dispara al jazz, al rock, y un poco al futuro; mi futuro musical, o el porvenir, que siento que va un poco por ahí. En la improvisación que hago con Tavo a veces (yo toco en vivo también con él), me lleva a lugares que yo no conozco. La respuesta está en los demás; en cómo te vinculás con los otros. Ahí es donde el máximo potencial aparece. Esa es la premisa que quiero dispersar en el mundo; no como un profeta, sino para abrir un diálogo. Ahí está la verdadera virtualidad, ahí podés llegar a imágenes desconocidas; cuando te conectás con el otro físicamente, cuando estás ensayando, creando, cuando programás una revista, una radio.... lo único que me motiva es cuando una idea es tuya, pero la complementan miles de personas. Me motivan mis amigos, no es que me motivo yo. Lo menos “yóico” que puedo hacer, es hacer. Todo lo que hago es para seguir movilizando la creación. Este eclecticismo que te caracteriza lo trasladas también al vivo. ¿Te interesa el factor sorpresa? Siempre. En un momento planeaba más los

shows; había un presentador, una presentación de videoclip, escenografía...el otro día un amigo al que le gusta mi música, me dice: “yo en realidad un poco te odio; porque cuando tocás en vivo quiero que toques los temas que me sé de memoria....los del disco anterior, por ejemplo”. Y yo le digo que no puedo, si estoy pensando en el próximo...ahí es donde hay una dicotomía entre el espectador y yo como creador, para quién hago las cosas, para qué las hago. En vivo me gusta la fuerza del error, el factor sorpresa y el sonido de banda. Es esta magia de la conexión física y humana lo que me atrae, más allá de que haya dispositivos eléctricos; de poder tocar la canción y generar una conexión con el espectador, porque tocar es conectar con el otro. En un momento, llevaba un cuaderno y quería que la gente dibuje mientras yo tocaba, porque me interesaba lo que veían ellos, no lo que veía yo. No siento que esté atado a las costumbres tradicionales a la hora de presentar un disco. ¿Por qué tengo que tocar los temas del disco anterior, si ya puedo tocar los del próximo, que son muchísimo mejores? El factor sorpresa lo quiero mantener porque es algo que me abre la cabeza en vivo...de hecho en vivo han salido cosas que nunca más pudieron pasar. Hay bandas que se rompen el lomo para tocar en vivo exactamente como grabaron el disco; yo al ser multidisciplinario no tengo el mismo objetivo que una banda, me siento más libre en ese sentido. La idea no es confundir al espectador, pero sí soy fan de los que improvisan. Quizás seré un nerd que le guste a pocas personas, pero mismo a mí me gustan bandas que no son muy populares. En el vivo me gusta mantener la energía de la sorpresa. Sos de componer temas cortos; o de una duración más ligada al formato tradicional de canción…es algo que se mantiene en todos tus discos. ¿Tiene que ver con tu personalidad inquieta? ¿Nunca te dieron ganas de colgarte a componer una canción que dure 7 minutos, por ejemplo? Sí; de hecho, cuando improviso con otros músicos veo que tengo otro potencial...es como si no

tuviera el tiempo necesario para crearlo. Es una cuestión de tiempo entonces Es una cuestión de práctica...hoy en día siento que ya experimenté demasiado la canción. Estoy escuchando mucho a Jon Hassell, por ejemplo; que es un músico de los ´60/´70, que experimenta y hace discos de 50 minutos, casi como si fuera jazz, pero donde hay tribal, techno.... Al sacar el disco con un concepto súper concreto, aprendí que me gustó hacerlo, pero que ahora quiero hacer otra cosa. Empiezo a pensar que la canción es un formato que no sirve en cuanto al despertar espiritual o creativo; hay un reciclaje constante que no es que te diga que me aburre, porque de repente escucho el nuevo disco de Ariel Pink o Homeshake y me gusta, no es que crea que todo ya está hecho...siento que es un formato que lo voy a tener siempre; si quiero me pongo a grabar un disco mañana y lo saco en tres meses y está, pero la experimentación y la improvisación sumaron capas a la música que todavía estoy desconociendo. Me siento un pendejo, por más que esté hace 8 años haciendo canciones no sé nada, siento que tengo un montón para aprender, ni siquiera soy productor de mis propios discos...hay todo un lenguaje de ser músico y ser productor que me interesaría mucho descubrir. También tengo canciones cortas porque tengo un espíritu punk en algún lado. Usaba pins de Sex Pistols y me gustaban porque el disco duraba media hora, me gustaban los Ramones… una canción de tres acordes te puede cambiar la vida, y a mí me pasó eso. Yo hice una canción de tres acordes y nunca más dejé de hacer canciones. Pero no quiero dejar nunca de intentar nuevas formas; ese eclecticismo que siento que tengo incorporado, le quiero dar de comer. ¿Qué más estás escuchando últimamente? Ahora además de Jon Hassell estoy escuchando mucho a Susumu Yokota, que me parece el más grande creador de electrónica japonés. Se murió hace un par de años, y subieron todos sus discos. Un tipo ermitaño; no hay recitales en vivo, no hay nada. A mí me interesa el momento espiritual de la música, ese mantra que te va llevando

por distintos lugares... por eso este año estoy investigando mucho la electrónica desde sus múltiples facetas. Siento que hay algo de explorador que todavía tengo ahí muy vivo, muy manija...no me puedo quedar acá ensayando todos los días los mismos temas. Me pasa eso. Tengo sed de indagar. Además, todo el tiempo aparecen cosas nuevas… Y cosas viejas, de las que uno no tiene idea... internet es la nueva enciclopedia, por así decirlo... pero ahí volvemos a esto de que la tecnología no te use a vos. Yo la uso para absorber, como una esponja, y después lo canalizo y lo suelto. Sé que como yo hay millones de pibes, no soy el único que hace esto. Hay gente muy creativa y en ese sentido agradezco ser argentino. Eso es lo único donde la patria, aparte de lo geográfico, me interesa. Tengo pares que me inspiran y amigos que son mis maestros. En tu canción “Esta noche”, decís: “Si pudiera excluirme de esta sociedad, ¡claro que lo haría!”. ¿Y adónde irías? Esa canción la escribí cuando leí “Walden” de David Thoreau, que es un hombre que a fines de 1800 en EE.UU, se fue de la ciudad y construyó su propia casa, y no pagaba impuestos. Un anarquista. Yo siempre soñé con vivir en el Sur, porque no me veo despertándome todos los días

acá, y siento que el Sur argentino es como un lugar de ensueño. Pero a la vez ahora el Sur no sólo es un terreno donde desaparecieron al primero en esta presidencia absurda, sino que cada vez los territorios mapuches están siendo más absorbidos por las multinacionales, y pienso… ¿qué lugar es lindo para vivir entonces? todo lugar está siendo habitado, invadido… ¿hoy dónde quiero vivir? no tengo idea. No sé; me iría a vivir a cualquier lado, creo que sólo son escenarios. Hoy me excluiría de esta sociedad porque no tolero ver carteles de Lilita Carrió abrazándose a María Eugenia Vidal...o cuando veo gente de mi barrio que me cierra la puerta en la cara, o cuando leo un diario y veo la realidad…pero a la vez me siento responsable de compartir un buen mensaje y que esa data siga circulando acá, porque soy argentino, porque me toco ser porteño. Y te hacés cargo. ¡Me hago re cargo! No me puedo quejar; me toco estar en este lugar, con este exceso de información del que yo también soy parte y al cual contribuyo, pero si me voy de la sociedad me gustaría irme tranquilo. Todavía no estoy tranquilo; siento que todavía tengo algo para decir o para compartir. Así que el día que me vaya a otro lado, cuando me excluya de una sociedad, ojalá que sea de esta sociedad. Pero que conviva con otra sociedad mucho más hermosa.

[ Entrevista Kevin J. Moriarty Gibbard y Sophia Lacroix Landers de Black Doldrums por Diego Centuriรณn. ]

NOS GUSTA PLANIFICAR TODO LO QUE SEA POSIBLE

Londres es uno de los puntos en donde la neo psicodelia y el garaje rock han renacido con gran fuerza, si bien podemos encontrar exponentes en el planeta como lo venimos mostrando a lo largo de entrevistas a bandas de varios puntos del mundo. Hoy nos acercamos hasta una gran banda nueva, Black Doldrums. Ellos se forman en el 2014, es un dúo conformado por James Moriarty (guitarra y voz) y Sophia La Croix (batería) y ya llevan editado un EP "Exit City Lights" (2016), su álbum debut “People's Temple”, de febrero de este 2017. Inundados de una psicodelia oscura y enérgica, mezclado con sonidos que provienen del stoner rock, han dado el primer paso y llegamos a entrevistarlos ya con su debut en la calle.

ghts" fue el primer movimiento en el juego de ajedrez que significa una carrera musical, en donde cada movimiento es casi muy planeado. ¿Te gusta planear todo o prefieres dejar que la energía fluya hacia el lugar que ella quiera? Nos gusta planificar todo lo que sea posible para asegurarnos de que nuestra música llegue y llegue a las personas. Todos son solo pasos naturales hacia lo que hacemos.

A unos meses del lanzamiento de "People's Temple" ¿cómo les está yendo con él? Nos complace decir que ha sido bien recibido y ha vendido una gran cantidad de copias en todo el mundo hasta los EEUU., Australia e incluso China. Estamos bastante contentos con el álbum, pero nos gusta concentrarnos en lo siguiente, el próximo álbum o la próxima Hola Black Doldrums gracias por acep- gira, así que mantenemos las cosas frescas tar esta entrevista. Y para empezar vamos e interesantes para nosotros mismos. Actuala preguntarles por el principio. ¿Cómo mente estamos trabajando en un nuevo álnace la banda y por qué elijen el nombre? bum y pronto giraremos. Kevin: Nos conocimos en algún momento Ustedes han lanzado un EP el año pasadespués de habernos conocido a través de la música en una noche de psicodelia y mú- do, y las cuatro canciones aparecen en el álbum ¿qué diferencias hay en esas cansica garaje. Sophie: Nos mudamos a Londres en 2013 ciones en ambos trabajos? Son las mismas canciones pero re-imagiy todo el día en el Shacklewell Arms, un hombre llamado Bertie nos dijo que teníamos que nadas y mezcladas. Creemos que las cantener una banda juntos con quien nos encon- ciones nunca están realmente terminadas y tramos después de 3 años. Pensamos, sí, todo es solo conceptual. realmente podemos hacer eso y nos pusimos ¿Cómo fue el período de grabación del a trabajar en él casi de inmediato. Kevin: Sí, fue extraño ya que no lo vimos álbum debut? Muy estresante. Un montón de gritos pero ni escuchamos por años hasta que vino a uno de nuestros shows. Básicamente, estu- extremadamente productivo. Parece que hay ve escribiendo canciones y experimentando mucha energía volando alrededor del estudio con diferentes proyectos durante algún tiem- para solo dos personas. po sin ningún éxito real y Bertie se puso sanAl verlos uno enseguida se le viene a la dalias a mediados de noviembre para sugerir la pieza que faltaba en el rompecabezas. cabeza bandas como The White Stripes, Sophie, que estaba justo frente a mí todo el The Black Keys, hasta incluso The Doors (por la falta de bajo). ¿Alguna vez sintietiempo. ron necesidad de algún integrante más? Sophie: Nunca, ahora mismo no, de vez en El EP debut de la banda "Exit City Li-

cuando, muy ocasionalmente si nos apetece arrastrar a alguien para tocar la pandereta. Kevin: Sí, primero lo hicimos en Glasgow con Seb (el baterista de Helicon) fue divertido tener a alguien en el escenario con nosotros. Continuamos haciéndolo en la gira por Estados Unidos, ya que parecía romper el hielo un poco. Podemos considerar tocar con otras personas en el futuro, pero no hasta que se sienta bien. A ninguno de nosotros nos gusta White Stripes y no sonamos como ellos, así que es extraño cuando la gente nos dice eso. Supongo que la gente escucha con los ojos demasiado.

es difícil categorizar, ya que puede incluir una amplia gama de géneros y también estamos inspirados por muchos tipos diferentes de música de punk, new wave, britpop, psych y Goth. Supongo que nos sentimos parte de eso... sea lo que que sea. Hoy ¿con qué bandas se sienten más unidas, por amistad o por sonoridad? La amistad es lo primero. Algo muy raro y precioso.

¿Qué planes tienen para lo que queda del 2017 y el 2018? Salimos de gira a fines de octubre con 10,000 Russos del sello Fuzz Club, con muHay una gran cantidad de bandas que chos de los shows. Esta vez, en el Reino Unipertenecen a lo que se ha denominado do, hemos tocado este año en los EEUU., "Neo Psicodelia", ¿ustedes se sienten será agradable tocar más en nuestro país parte de esta etiqueta impuesta? de origen. También estaremos terminando Sí lo hacemos, sin embargo, supongo que nuestro disco que saldrá en 2018.

TROPICA OBSCURA

[ Por Alejandro Cenizacromada. FotografÃas: Natalia Vkrayt y Natalia Storm ]

TUMBA VILLA Y EL AQUELARRE DE LAS BRUJAS VIOLENTAS

Tengo 41 años de los cuales llevo 23 cautivado por los sonidos oscuros. Desafortunadamente en mi adolescencia (mediados de los 90) fue algo que tuve que disfrutar solo, limitándome a escuchar el género por emisoras universitarias especializadas y comprando música en los almacenes de sonido underground que habían en el centro de Bogotá como Mort Discos, o en el norte como Antífona. No había una escena, y obviamente para las personas promedio, mis gustos eran muy extraños y me veían como un bicho raro. El Rock gótico fue algo que amé con el alma desde que supe que existía y que llegó para quedarse. Hoy, en 2017 nos encontramos con una escena que hasta ahora empieza a crecer. El uso de las redes ha permitido el acercamiento de los jóvenes a la cultura del underground descubriendo en esta paleta nuevos colores dentro de esta gama cultural. Hoy escribo sobre un colectivo Do It Yourself (Hazlo tú mismo) bogotano, llamado Tumba Villa que postra su interés en aportar autogestionada y

creativamente a la diversa movida oscura/gótica/ siniestra de Bogotá, ya sea desde fanzines, ilustraciones decadentes, tétricas, lúgubres y desesperanzadas, como de conciertos que buscan el disfrute colectivo de músicas y bandas clásicas, como nuevas tendencias Deathrock/Goth Rock/ Post punk y Dark Anarco/Peace punk. Su nombre proviene de “Canción triste de Tumbavilla” de la banda de Deathrock de España “Sudores de Muerte” y han realizado dos eventos: el primero de ellos en noviembre de 2016 llamado “Mal de Ojo”, en referencia a una de las creencias populares colombianas para festejar e iniciar su enfoque de eventos, seguido por “Brujas Violentas” (2017), un encuentro en donde se resaltó el papel femenino en las bandas oscuras. Ellos nos dicen: “(Tumba Villa) más que un colectivo es una red, por más que seamos algunos quienes empezamos con una idea, terminando siendo muchos (jajaja), porque contamos con el apoyo y la cola-

boración de diversas personas, no solo de amigos, sino los lugares y las personas que asisten, las bandas, todos. Sin toda esta unión no sería posible vivir experiencias tan sentidas como las que hemos vivido…" Tumba Villa en sus conciertos se preocupa por rescatar el genuino sonido gótico gestado no solo desde la Bat cave, sino de la movida dark latinoamericana y anarco postpunk: Sonidos que nos llevan a un Punk oscuro, mórbido, existencial, de guitarras catatónicas, baterías tribales y bajos hipnóticos que terminan convertidos en un mantra salvador entre tanto esnobismo que invade las diferentes culturas del Rock. Sus eventos terminan convirtiéndose en un ritual de autodescubrimiento y reconocimiento del uno y del otro, más allá de las etiquetas y de los géneros. “Tumba Villa intenta tener en lo posible una perspectiva crítica en torno a los espacios, ya que nuestro interés está enfocado en crear ambientes oscuros de disfrute y goce en grupo, autogestionados y hechos a nuestra manera. Nunca ha

sido nuestra intención mirar afuera, sino más bien aportar a lo local guiados por nuestras emociones y sentires colectivos, la música nos con-mueve y se vive en pogos, gritos, bailes y por ello cada evento es una manera de aquello que queremos expresar, apoyar y compartir con quienes se sientan convocados e interesados.” Al igual que ellos, comparto la idea de rescatar esas bandas no tan conocidas de todos los tiempos que merecerían más difusión. Así que les pido el favor me recomienden algo de lo que escuchan y me dan un suculento listado: “Internal Autonomy, Libra, CO2, Voodoo Church, Psh Psh, Paralisis Permanente, Hagar the Womb, Clan of xymox, Rudimentary Peni, Cocteau Twins, Sor Obscena, Trance to the sun, Flowers in the Dustbin, The Eternal Fall, Blood and Roses, La procesión de lo infinito, Smartplis, y las bandas que nos han acompañado, Los Malkavian, Sxmbrxs, Maldito Finado, Tumbas, Clavos y Agujas.” Terminé conmovido por la experiencia que tuve

ese 16 de Septiembre al asistir al evento organizado por Tumba Villa llamado “Brujas Violentas”, que bien podría haber sido un festival por que se presentaban cuatro bandas de gran calidad: Sxmbrxs, Los Malkavian, Clavos y agujas y Tumbas. Hay que resaltar el trabajo previo que se hizo en la publicidad, los flyers diseñados por ellos son bellos dibujos hechos a lápiz, igual que el año pasado con su primer evento llamado “Mal de ojo”. La noche arrancó con la programación musical de Jennifer Vélez una diseñadora gráfica que administra una página llamada Bogotha N’Batcave donde también se promueven estos sonidos oscuros. Una muy buena selección y de paso tuve la oportunidad de entrevistarla porque me pareció interesante saber su punto de vista sobre la escena, antes de arrancar con lo que pasó esa noche: ¿Cómo te llegaste a interesar por esta música y desde hace cuánto? Comencé a interesarme y a saber que existía una "movida" hace aproximadamente 10 años,

más o menos cuando finalicé el colegio, en el transcurso de mi bachillerato no salía mucho, la verdad y bueno la música siempre estuvo presente, el rock siempre estuvo ahí. Siempre me ha gustado estar presente en los eventos y hacerle seguimiento a las bandas que van saliendo y pues a partir de eso fui conociendo a muchas personas que se interesaron en promover bandas, hacer eventos, hacer lo que se pueda para visibilizar y acercar a más gente a los proyectos locales, no ha sido un ejercicio constante por razones personales pero cada vez que se puede y se encuentra a gente que apoye, se hace. Aparte del trabajo con Bogotá n`Batcave, tuve la oportunidad hace unos años de organizar un par de eventos con Dark Cabaret Colombia. ¿Qué es lo que te atrae de esta movida? ¿Qué me atrae? Principalmente la música, siempre ha sido eso, más allá de estéticas y demás me gusta mucho la música en general, pero específicamente estos géneros me atraen por su alta capacidad de experimentación, el siempre querer romper esquemas dentro del punk, el rock, la música electrónica, etc. eso siempre me

ha gustado, es música que no deja de sorprender. Por supuesto hay momentos y sobre todo actualmente, en que muchas bandas tratan de repetir fórmulas que en los ochentas y noventas funcionaban muy bien y que hoy siguen sorprendiendo, pero pues siempre he creído que no se trata de eso sino de aprovechar ese pase de creatividad que ofrecen estos géneros. Afortunadamente no todo está escrito en la música. ¿qué bandas colombianas te gustaría recomendar y por qué? Bueno, la historia de nuestra bandas nacionales es siempre complicada, han existido muy buenas bandas que me han gustado pero que tristemente se disuelven al poco tiempo de su formación, entonces en mi caso siempre es una constante sensación de “lo que pudo ser” cuando recomiendo bandas, pero bueno el legado es lo que queda y en esta era digital es poco probable que esas pocas cosas que se hicieron desaparezcan. Es el caso de Zelfish Perez, una genial e incomprendida banda bogotana que siempre me gusta recomendar. Los conocí en un rock al parque en

el 2005, me cautivaron sin mucho esfuerzo; no temían experimentar con muchos instrumentos inusuales, no se afanaban por encajar en algún género específico y siempre sonaron y se vieron auténticos. Sacaron dos trabajos un Ep y un álbum, recomendadísimos ambos, pero desafortunadamente se disolvieron en 2013 dejándonos una sincera y punzante carta de despedida que aún debe rondar por la web. Otra banda que conocí hace relativamente poco, pero que me sorprendió bastante fue Luna Cáustica de Medellín, de esta banda es poco lo que sé sobre su formación y los motivos de su inactividad. Me las topé por causalidad buscando música en internet y bueno de entrada su atmosfera oscura, unas bellas voces femeninas y una guitarra que cala la espina, me fascinaron. Sin muchas pretensiones logran un bello post punk que personalmente me recuerda un poco a esas épocas oscuras de soda stereo con unas voces que difícilmente se olvidan. Su único trabajo se encuentra en bandcamp. Lo recomiendo sin ninguna duda. Una joya oculta que desde Medellín

brilla con música propia. En el presente continúan surgiendo nuevos y buenos proyectos que vale la pena darles una oportunidad, De las bandas activas recomiendo el trabajo de los Malkavian y de la joven banda La Procesión de lo Infinito, ambas tienen un proyecto que considero muy sólido y de calidad, sus presentaciones en vivo me lo dejaron muy claro. La lista la dejó hasta aquí porque es bastante larga. ¿Bandas que escuches desde hace años y que aun te sigan cautivando? Bueno, siempre me gusta estar buscando música nueva, soy muy curiosa con eso, pero el tiempo que le dedico a re-escuchar bandas, que sin importar que sean de hace mucho años o que solo tengan un álbum o un hit, es absurdo jajaja me encanta escucharlas las veces que sean necesarias y no solo de géneros underground, me pasa con el resto de cosas que escucho. Cinema Strange es una de esas bandas de las que disfruto escuchar su discografía completa toda una tarde ¡me encantan! les tengo un cariño muy especial porque siempre es una sensación distinta, siempre me han parecido músicos

tremendos y considero que reinventaron el Deathrock y, con el respeto que se merecen los puristas del Deathrock, nunca había encontrado un sonido tan progresivo en una banda de este subgénero, esas composiciones parecen laberintos. Es de esas bandas que uno empieza a tararear de un momento a otro en cualquier lugar sin estar escuchándola y pues tal vez no sea la banda de toda la vida, empecé a escucharlos justo cuando me interesé por la movida, pero desde entonces nunca falta en el reproductor. Y por supuesto las bandas clásicas también pasan por esa escucha y re escucha, sobre todo The Cure, el “Japanese Whispers” me fascina pero siempre he tenido la sensación que como álbum está muy subestimado a pesar de que contiene un par de joyas imprescindibles de la banda.

Tras esta entrevista comenzamos con lo que siguió después de la selección musical de Jennifer, cerca de las 11 de la noche apareció el cuarteto Sxmbrxs el cual hizo su debut en el escenario. Días atrás venían promocionando su canción Varsovia en las redes. Arrancaron con una versión más punk del clásico de Lebanon Hanover,

Gallowdance. La puesta en escena de Anastasia (la vocalista) era muy enérgica secundada por sus compañeros ejecutando un punk bastante oscuro y afilado. Tras su relativamente corta presentación con relación a las otras bandas, improvisaron un poco al final del set intercambiando roles entre cantante y bajista. Realmente de ahí en adelante hubo poco espacio para poner música mientras se iba acomodando el sonido de los artistas que vendrían. Los Malkavian son la banda que viene de Medellín. Para Colombia, Medellín es una potencia en cuanto a sonidos de vanguardia se refiere al igual que Cali. No en vano hemos tenido la fortuna de disfrutar de grandes actos, algunos siguen, otros no están, pero han dejado una importante huella en el Rock nacional: Frankie ha muerto, Co2, Estados Alterados, Luna Caústica, Los árboles y muchas otras bandas más. Los Malkavian no se quedan atrás, están condenados a convertirse en otro gran clásico del rock colombiano. Un sonido compacto, enérgico la buena vibra de su batería y vocalista Alex Pela. Post punk sideral, licuante callejero y abrasivo. El carisma del bajista Jean Pierre Guarin y los guitarristas Caro y Mario López. Un bombazo tras otro, canciones insignias de la banda como Pornorama, M5 o Paredes no dieron espacio para que los asistentes se quedaran quietos. Tras la presentación de Los Malkavian, siguieron Clavos y Agujas una banda que desde mi punto de vista debería ser más conocida. Eso se debe tal vez a que han tenido largos lapsos de tiempo en que se han alejado de los escenarios. Clavos y agujas no es una banda de Post punk, tampoco de Punk o de Noise. ¿Art punk quizás?... Ellos así mismos se definen como Punk /Rock Escicionista en el cual se toma referencia de muchos sonidos que los influencian como: No wave, Noise, Punk pero que a la vez suenan a algo totalmente distinto. En palabras de su guitarrista Rojo Molido, es Punk pero tiene una parte bastante “pensada”, una ruptura, una división. Este power trio generaba una sensación magnética al verlos tocar: la voz, el surrealismo lírico y el bajo de Teresa Guerrero creando una cálida conexión con el público, la experimentación y virtuosismo de Rojo Molido a la hora de tocar la guitarra, a ve-

ces cambiando de instrumento dependiendo de la afinación. La batería de Diego Garcés quien parecía que se le fuese la vida en cada golpe de tambor. Por mucho tiempo tuvieron que recurrir a una batería programada ya que ningún baterista encajaba en el concepto deconstructor de la banda, solo con Diego pudieron crear ese equilibrio (y tremendo equilibrio!) Para el final una de las bandas que ha tomado más fuerza en la escena underground no solo Bogotana sino también nacional, Tumbas. Ellos van directo a la yugular ejecutando ese punk oscuro con visos Death rock incluso Shoegaze, las distorsiones en las guitarras ayudan a potenciar la atmósfera terminal de las canciones. En vivo el efecto de reverberación en la voz de la vocalista Luisa Fernanda me hacía acordar de esas voces claustrofóbicas de discos clásicos como la banda de Alan Vega, Suicide de 1977. Uno de los guitarristas de Tumbas de espaldas al público como si le practicara exorcismos a su instrumento y estuviese pendiente de una que otra psicofonía saliendo del amplificador. Tumbas tiene un EP fascinante en la red llamado S/T que salió el año pasado con cuatro temas contundentes entre los que se destacan: Decidí que ya estoy muerta, Placeres innecesarios y Oscuro silencio. En medio del delirante pogo que se formó durante el show de Tumbas hubo espacio hasta para que uno de sus guitarristas, Marcelo S Tiusaba se lanzara sobre público y este lo paseara sobre sus manos. Un momento mágico al final del recital, un amigo fascinado por la experiencia que se hace llamar Nada López, veterano conocedor de música me dijo: “Hace años nunca llegué a imaginar que algo así se llegaría a realizar”, la verdad yo tampoco lo imaginé. Al final del show de las cuatro bandas la noche no podría terminar mejor con un corto pero brillante set de buena música oscura a cargo del gran conocedor que se hace llamar Humanoide de color, un personaje que ha promovido a través de podcasts y eventos la cultura siniestra. Durante todo el evento también hubo un espa-

cio disponible para la comercialización de hermosos artículos hechos a mano, relacionados con la movida como: botones, parches, calcomanías.

Una noche inolvidable, un evento de lujo con artistas y personas de lujo, esperamos que haya más Tumba Villa por mucho tiempo.

[ Por César León. Fotografías: Javier Benavides ]

LUTHIERS ELECTRÓNICOS

Estados Alterados (Medellín 1987) es un referente dentro de la historia de la música electrónica latinoamericana. Son 30 años sonando en bares, clubes conciertos multitudinarios y llegando a conquistar medios mainstream como MTV –cuando aún programaba música y no dedicaba su espacio a realities irrelevantes– Apareciendo y desapareciendo de la escena el que alguna vez fue llamado el Depeche Mode colombiano, muestra vitalidad no solo con sus publicaciones y toques en vivo, sino con los proyectos en solitario y colaboraciones de sus integrantes. El turno esta vez era para Fernando Sierra, uno de los fundadores y voz de Estados alterados (Don Elvis – llamado así en referencia tal vez a Elvis costello) hacía parte de un evento llamado Retrowaveparty. Revista the 13th estuvo allí presenciando el acto Experimental vanguardiasta ejecutado por Fernando. Lo interesante de este concierto fue el setup del performance: Elvis en solitario ejecutando todos los secuenciadores, máquinas de ritmos y aparatos de ruido que generaban un ambiente de improvisación sonora experimental. Las visuales de Álvaro O’Byrne ejecutando live coding hacían el ambiente aún más geek. Instrumentos no convencionales entrelazándose y logrando cadencias diferentes e irrepetibles eran una gozada, los bajos y pitidos análogos sumados al performance visual del VJ se convertían en una experiencia tecno-retro-psicodélica. Lo que podría ser un ejercicio sonoro muy agreste, se volvía atractivo gracias al carisma de los mismos instrumentos pues algunos emiten luces o son reactivos al tacto haciendo espectacular el performance. Algo interesante es el hecho de interpretar con máquinas modificadas intervenidas normalmente es una tarea que no atrae muchos fans o genere posiblemente éxitos radiales, pero que sí abre puertas y caminos a la exploración sonora y musical. Algunos hablaban de este tipo de experimentación como una mirada al futuro. Yo por el contrario lo veo una interesante evocación al pasado, un homenaje a Buchla a Moog y al mismo Léon Theremin. Porque originalmente los sintes no se hicieron para imitar a los instrumentos convencionales, sino que nacieron siendo herramientas para construir nuevos senderos sonoros. Que el pop los haya domesticado es otra cosa, pero experimentos como los que Fernando presenta son muy positivos al recordar que el sonido electrónico es indómito.

M.O.R.S.E el nuevo album de The Question (eLaMoRTe) Vox Humana (Diciembre 2017)

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

Hoy: The Black Angels Death Songs (2017)

The Black Angels – Death Song Label: Partisan Records Fecha de Lanzamiento: 21 de Abril

Como venimos haciendo desde hace unos números atrás, en esta sección nos hemos propuesto elegir un nuevo álbum de una de las bandas que eleva la vara de la Neo Psicodelia, The Black Angels. Para esta nueva entrega de "En La Mirada de los Otros" nos propusimos hacer un relevamiento de las opiniones de varias personalidades de la escena de la neo psicodelia del mundo. Así que la dinámica fue asignarle a cada artista o banda un track del álbum para que desarrolle sus sensaciones. Y este es el resultado...

Track 01: Currency

Por Ryan Policky de A Shoreline Dream

En primer lugar, debo decir que las voces de esta canción son absolutamente simplemente adictivas. Un mundo tan enorme y expansivo que han traído desde los primeros segundos hasta que la pista se despliega en un sonido de éxtasis. Es una verdadera joya de una banda que redefine constantemente qué sonido necesita que suene. Me da una estado de concentración real durante las cortes y los mini solos que se arrastran y remolinan en tu mente durante horas después. Amo las vibraciones lentas derretidas en la olla de groove sabático, junto con las pinceladas psicodélicas por los que siempre han sido conocidos. Una canción que va a lugares que nunca esperarías, dejando caer el formato común para algo bastante único. Me encanta y me encuentro escuchándola demasiadas veces... Un fan renacido...

Track 02: I’d Kill For Her Por Clustersun

Con su ritmo estridente, guitarras ardientes, voces giratorias,"I'd Kill For Her” es el himno psicodélico / viajero perfecto. Al principio parece ser una historia clásica de muerte romántica, obsesionada con la muerte pero, debajo de las capas, revela el peligro de seguir ciegamente los ideales nacionalistas. Ganchos pegadizos y melodías cementan la canción como candidata a ser favorita de los fans: seguramente se abrirá camino en el setlist de la banda en rotación regular. Por James Douglas Clarke de The Goa Express

Después de perdernos el primer día de Liverpool Psych, llegamos el sábado, a la moda del festival; pero perfectamente a tiempo para The Black Angels. Un sistema de puerta estúpido, creado por los porteros del festival, restringió una entrada fácil en el lugar, devanando a muchas personas ya que se les impidió entrar con calma. Tras un tumulto muy apretado, numerosas caídas y un

montón de tiempo perdido, entramos en el lugar para ver The Black Angles. Acompañados por un magnífico espectáculo de luces, un animado Liverpool Psych Fest, comenzaron. Hablando con Christian, guitarrista principal, nos dijo que la razón por la que el espectáculo de luces funcionaba tan bien era porque era su amigo, un conocido baterista que lo hacía. Por lo tanto, los tiempos de las canciones en correlación con las luces estaban en punto. Su uso de ritmos de batería constantes y simplistas, al igual que en la canción "I'd kill for her", crea una cierta intensidad y progresión a la canción que deja varias cabezas perfectamente en el tiempo, incluida la mía. A medida que entra el estribillo, se incrementa con fuerza una batalla como el ritmo de los tambores, aparece un riff difuso muy parecido a "seeds", fácilmente imitado por la voz humana como coros. Nuevamente, la simplicidad de la letra, al igual que con la mayoría de las características de The Black Angles, deja un coro memorable en su cabeza que no se va hasta que duerme. Después de mudarme recientemente a Manchester y caminar por las calles pobladas, “I’d kill for her”, la segunda canción del álbum Death song, encaja perfectamente cuando corres rápidamente. Después de todo, cuando se vive en la ciudad, es imposible vivir lento.

Track 03: Half Believing

Por Daniel Chavis de The Veldt

Siempre equiparo a The Black Angels para ser la voz de un marginado demonio perdido entre el Cielo y el Infierno con una gota de angustia para establecer la escena. Más melancolía de lo habitual "Half Believing" libera todo el tormento de la indecisión de perderse en el purgatorio. La voz única de Alex Maas siempre penetra como una hoja de afeitar solitaria en el corazón, en su oído sintió letras de traición y desconfianza, uno de mis cantantes favoritos de esta década. La más reciente oferta de Black Angel en su conjunto le da angustia en ese momento, como ahora, en medio del género Psych rock que ha recorrido el medio oeste y la costa oeste. Uno solo puede esperar que sigan entregando y creciendo como tales. Gracias Black Angels Estoy tan feliz de que haya una banda como ustedes. Por Clay Andrews de The Spiral Electric

“Half Believing” Esta pista tiene una sensación espacial y soñadora con un trasfondo de... ¿es pavor? ¿Presentimiento? La canción en sí se mueve fluidamente a través de cambios en la intensidad, mientras que la voz flota sobre los procedimientos como un nadador que se está ahogando perdido en un océano tempestuoso. Al igual que con gran parte del trabajo de los Black Angels, existe un dominio colectivo de los sonidos, y la sorprendente resonancia emocional que es el sello distintivo de la buena música.

Track 04: Comanche Moon Por Patrick Casey de 68Creep

Con un verso suave, arremolinándose, polvo diabólico yuxtapuesto contra un pesado riff de un coro, "Comanche Moon" consigue convocar al fantasma nativo norteamericano del gótico / psicodélico del The Cult de "Horse Nation". Los tejanos trabajan bien la dinámica de empuje / tire en esta limpieza de telarañas, pista sobresaliente. "Confiamos en la ambición ciega. Prometiste con apretones de manos y mentiras". Aunque musicalmente muy endeudado con el rock psicológico del pasado, líricamente" Comanche Moon "mantiene un pie firmemente plantado en el presente. Por Alban Hajduk de Junkyard Liberty

Construido sobre un riff masivo y furioso, la canción "Comanche Moon" es un verdadero himno de los nativos americanos. Al cambiar entre el riff rockero principal y los sonidos melódicos psicodélicos, la canción es relativamente sencilla pero muy eficiente. El sonido blues y truculento de la guitarra durante los versos se convierte en un arma enorme en el coro, creando una auténtica pared de sonido... la voz, llena de reverberaciones, nos devuelve a un ritual tribal nativo como podemos imaginar... En realidad, esta es una verdadera canción de protesta, que denuncia el daño causado a los nativos estadounidenses durante siglos: "han robado la tierra que hemos estado vagando", y sigue siendo relevante con lo que sucedió en standing rock en Dakota del Norte. Tratando con temas políticos a través de todo el álbum, "Comanche Moon" es probablemente una de las canciones y momentos más fuertes de estos 50 minutos de puro dron psicodélico.

Track 05: Hunt Me Down Por Sean Laffan de Psychoactive TV

Lo que siento cuando escucho esta canción es una conformación de que The Black Angels están de regreso con un sonido que todos conocemos y amamos, esa atmósfera psicodélica de conducción oscura que captan tan bien está en evidencia en todo este álbum y esta canción en particular, las grandes guitarras, el bajo y las voces y ese distintivo movimiento de percusión casi tribal que te chupa y te lleva a otra dimensión de color y sonido.

Track 06: Grab As Much As You Can Por Git Sweeney de This Other Kingdom

Esta pista realmente te atrapa con esa línea de bajo llamativa. La canción en general tiene el sonido de los Black Angels que todos amamos. Brillantes guitarras y tambores oscuros. Hay algo realmente espeluznante en esta pista que me encanta y el outro es fantástico. Muy buena canción para relajarse y definitivamente uno de mis favoritos en el álbum. Por Sophia Lacroix Landers de Black Doldrums

Esta canción nos arrastra al mundo ácido de The Black Angels, una vez más, utilizando su clásico bajo heavy, sección pesada de rtimo de toms. Agreguen guitarras de reverberación, voces espaciales y tendrán una receta para la canción típica de los Black Angels. Esta pista simplemente se mueve muy bien.

Track 07: Estimate

Por Kevin J. Moriarty Gibbard de Black Doldrums

Un ligero alejamiento de su sonido habitual, nos presenta un sonido quizás más reflexivo y cinemático. Con un sonido que refleja el trabajo de Ennio Morricone, esta canción funciona instantáneamente en un sentido visual, arrastrando los pies, creando suspenso y creando imágenes de senderos polvorientos y espacios abiertos de América. Una verdadera cabeza girando.

Track 08: I Dreamt

Por Lee Stevens de The Swagger

Esta canción me recuerda a la era psicodélica de los 60 y The Doors de nuestra generación con elementos de Tame Impala dirigiéndose al sueño moderno. La canción en sí está bien producida y bien escrita y es muy recomendable escucharla.

Track 09: Medicine Por Dandy Lee Strickland de reverends

La canción llegó y pensé que era otra cosa, pero ahora lo entiendo. Es un poco más intenso de lo que estaba buscando. ¿Como te sientes? Codazo. He estado mirando la parte posterior de mis retinas ahora durante un minuto y medio. ¿Cómo se llama la pista? ¿Medicina? Dios recuerda cuando los Black Angels estuvieron en Austin Psych Fest y ¿la banda tocó Medicine? Creo que fueron la mejor banda en ese momento. Quizás no, pero recuerdo que el tipo que estaba frente a mí me resultó ser Fellows. Tiene sentido. Wow, están sucediendo muchas cosas que tengo que volver a visitar. Play de nuevo................. Creo que está cantando sobre jugar al ajedrez. Sí, definitivamente canta el Libro del Génesis. Oye, hombre, ¿puedes ponerlo una vez más? Estoy preguntando por un amigo.

Track 10: Death March

Por Le Crowley de Astral Elevator

En 'Death March' tenemos una pista oscura y temperamental, como era de esperar del título, que se ejecuta con un estilo que solo The Black Angels podía crear y salirse con la suya. El latido del tambor amenazante está siempre presente agregue una línea de bajo audaz, letras evocativas y guitarra efectuada y lo convierte en una mezcla embriagadora. Este es uno para escuchar varias veces para que pueda apreciar las complejidades más finas; el arpegio del puente, el contenido lírico y el groove profundamente arraigado. Nadie crea la oscuridad como los Black Angels. Por Nameless

Un ritmo expansivo de marcha, apoyado por una parte brillante del bajo, despierta al oyente a las sombrías fantasías góticas. Voces sonoras de otro mundo con las notas de elegancia y vibraciones características de McManus traen algo que aparentemente nos atrae y luego nos aleja de las aterradoras imágenes de esta canción. La profundidad y amplitud del sonido, así como también la atmósfera, se entrelazan con el aleteo de vibraciones. “Death March” se acerca a nosotros, junto con el fortalecimiento y el creciente canto emocional de McManus y nos deja con una sensación de desesperación e impotencia. Esta es la psicodelia gótica.

Track 11: Life Song Por Oliver Overton de My Little Underground TV

"Life Song es para mí uno de los mejores momentos del álbum; ¡tal vez sea solo porque soy un imbécil para una balada de álbum! Sin embargo, la canción está ahí para evocar emociones dentro del oyente y está escrita desde un lugar personal. Lo cual queda claro por las voces, ya que puedes comenzar a escuchar una tensión en la voz de Alex Mass que no escuchas en las otras canciones del álbum. Sin embargo, creo que la música es algo personal y la misma canción puede significar evocar una gama de sentimientos para muchas personas diferentes; como dijo Bob Dylan, "el significado del texto está en manos de la audiencia". Y el título de la canción reitera por completo esta idea, "Life Song", ¡está abierta a todo! Es fácil sentir que esta canción trata de una relación / ruptura. Sin embargo, para mí siento que el narrador de la letra soy yo... hablando conmigo mismo (que creo que es igual al significado de The Black Angels). Me identifico tanto con la letra, ya que está vocalizando todo lo que me está sucediendo en el tiempo presente. Como sé completamente qué es lo que quiero lograr, pero al mismo tiempo estoy perdido y solo - "Flotando a través de la oscuridad / Esperando Transmisión / A la deriva en la misión solo". El siguiente verso va junto con todo lo que he estado sintiendo y haciendo durante los últimos años, poniendo todo mi esfuerzo en mi pasión pero sin verlo suceder: "Transmitir a través de la creación / Tratar de reírse / Cegado por la oscuridad / .... Seis billones de millas de distancia, cariño / La tarde me sigue //. Luego, el resto de la canción continúa con "¿Cómo puedo explicar / Sin voz?". Ahora estas líneas realmente me hablan mucho, ya que ha sido un sentimiento constante a lo largo de toda mi vida, no ser capaz de explicar mis verdaderos sentimientos a nadie y esas letras hacen que esta canción evoque tanta emoción dentro de mí. Pero la última línea de la canción me da esperanza: "Te debo, te veré del otro lado". Y al final de lo que ha sido una canción muy emotiva y personal para mí, esa última línea es tan alentadora como que me dice que no me preocupe o lamente nada en el pasado, ya que son las cosas que te harán lograr lo que tú te propusiste crear en tu vida".

Track 12: Hope This Is What You’re Looking For Por Don Jam de Politburo

Invitando a las comparaciones con Space Oddity de David Bowie y 'Shine On You Crazy Diamond' de Pink Floyd, este triste número ve a The Black Angels lidiando con lo inefable; los temas de la correspondencia, el espacio, la distancia y el sufrimiento que viene con la iluminación. Los acordes menores rompen el flujo de la pieza, lo que da lugar a sacudidas repentinas en territorio incierto. Sin duda, una característica de diseño, en lugar de un error. La canción tiene un ambiente agradablemente épico con bastante aplomo, aunque es resuelto en sus esfuerzos por garantizar que no toquemos las esferas de euforia, que ciertas otras canciones de su misma calaña y que a menudo no logran alcanzar. Para

mí, este es un punto importante: ¿deberíamos tratar de acercarnos a la 'Deidad' en el arte / la música? El precio por el fracaso a menudo es una burla. ¿Es quizás mejor lamentar las limitaciones de una manera agradablemente conmovedora? Yo diría que no, aunque puedo simpatizar plenamente con aquellos que eligen el camino de la menor resistencia. Los sentimientos expresados en Life Song indican una cierta derrota. Si vamos a ser participantes minuciosos en el ámbito psicodélico, solo podemos estar satisfechos si, como dijo Terence McKenna, uno "realmente puede llevar a casa algo que es comida, alimento para la comunidad humana en el que podemos mantenernos y seguir adelante". "En cualquier caso, una canción que invita a la reflexión".

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: NOCHE DE GOLES Y DISCOS QUE SON AMORES

Primero lo primero. Si, otra vez U2 en La Plata, y esta vez en una gira homenaje a la obra que hace 30 años le dio a la banda reconocimiento a nivel mundial: “The Joshua Tree” (TJT). La última vez que estuve en este Estadio llovió durante horas pero hoy las expectativas eran mejores a nivel climático…un poco al menos. A las 19.30 hs se presenta el perfecto aperitivo: Noel Gallagher sale a escena para hacer una presen-

pié inicial a la primera parte del espectáculo, sobrecargado con otros 3 demoledores hitazos: “New Year’s Day” es el segundo tema, luego “Bad” (ya el primer snippet de Bowie se hace presente: Bono canta algunos versos de “Heroes”) y “Pride” a continuación. No puedo evitar comentarle al amigo que me acompaña “Si esto empieza así, ¿cómo van a hacer para que no nos embolemos con el lado B de The Joshua Tree?”. No imaginé que había una gran sorpresa dentro de la galera: versiones mejoradas que hicieron que temas buenos del disco pasen a ser excelentes, como veremos en un momento. Por lo pronto, estamos cerrando esta primera parte. La pantalla de fondo con el contorno del famoso árbol empieza a adquirir un tinte rojizo hasta tornarse incandescente mientras suenan los primeros acordes de “Where The Streets Have No Name”, iniciando el hat-trick de una de las mejores aperturas para un ál-

tación corta pero efectiva donde no faltaron los clásicos de Oasis, destacados hits junto a su banda High Flying Birds y hasta un tema nuevo, “Holy Mountain”. El mismo Noel es consciente del partido que se viene, y se retira 20.25 hs antes de ser abucheado (conociendo la pasión futbolera argenta, no me cabe duda que así hubiera sido). Y 20.30 hs empieza el partido Argentina-Ecuador, ultima fecha de las eliminatorias sudamericanas para el Mundial Rusia 2018, y un país al borde del infarto ante la posibilidad de quedarse afuera de tan imprescindible cita deportiva. Si había chilenos en el Estadio, la deben haber pasado bastante mal, pero no es nuestro problema ahora. Solo basta mencionar que el resultado fue el que la inmensa mayoría deseaba, y que la multitud que colmaba el recinto quedó a punto caramelo para que lo que venía hiciera de esta una noche inolvidable. Lights out para dar lugar a la irrupción de ese redoblante que tan bien conocemos y que no es otro que el de la base de “Sunday Bloody Sunday”, dando arranque al show mientras nuestros cuatro amigos irlandeses aparecen y hacen estallar al público ya cebado por obra y gracia del fútbol. Como buenos irlandeses, simpatizan con la selección argentina gracias a nuestra eterna rivalidad con Inglaterra (algo que Noel Gallagher no compartiría). Pero el fútbol queda atrás, o la euforia generada por los goles de Messi se fusiona con estos clásicos del rock en su más puro estado… quien sabe. Lo importante se que ya se dio el punta-

bum en la década del 80. Las imágenes en pantalla son perfectas, evocativas e inspiradoras, ideales para acompañar la banda de sonido de este increíble álbum. Luego de los más grandes hits de U2 en USA, o sea “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” y “With Or Without You”, viene la primera gran rola rockera de The Joshua Tree: la arrasadora “Bullet The Blue Sky” (tan arrasadora que hasta Sepultura ha hecho un cover de este tema), y las imágenes que reflejan una vez más la constante crítica a la mecánica de las primeras potencias mundiales de mantener guerras en países tercermundistas (más en boga aún en plena Guerra Fría, contexto de TJT). Bono no para de hacer política en todo el show, y eso puede ser un punto negativo en algunos momentos, más allá que uno esté o no de acuerdo con el tema puntual del que trate. Se cierra el primer capítulo de TJT con “Running To Stand Hill”, dando lugar a una apertura del lado B distinta, con una nueva versión de “Red Hill Minning Town” recientemente lanzada para el Record Store Day 2017. El que originalmente había sido pensado como segundo single de TJT pero fue reemplazado a último momento por “I Still Haven’t Found”, tiene ahora su digna revancha. Continuamos, como la lógica lo indica, con “In God’s Country”, “Trip Through Your Wires” (excelente versión) y “One Three Hill”, donde en todo momento la banda no deja de hacer honor al concepto que dicho álbum irradia: la admiración por la cultura yankee de la que Bono es víctima incondicional. Y

¿Fútbol + rock en un estadio con casi 50 mil personas? Nunca me había pasado algo similar en mi prolongada peregrinación recitalera, y eso en parte fue lo que hizo más especial esta experiencia. Pero no solo eso. El despliegue visual y la posibilidad de ver por primera vez temas que jamás había visto en vivo, constituyeron el otro factor determinante (y fundamental) para que este show revista características de único e irrepetible.

llega entonces otra de las que para mí fue una versión satisfactoriamente sorprendente: la de “Exit”, con una energía cuasi punk, una merecida mayor duración que permite mostrar un Bono más exaltado y filoso, y que da un primerísimo plano de su rostro ante la pantalla gigante, dejando ver que los años han pasado pero que los mismos benefician con toda la experiencia a aquel que sabe absorberla y hacerla carne. Llegamos al final de TJT con el tema que le da cierre. Bono, hábil demagogo, ensalza a los argentinos y nos augura un futuro brillante si trabajamos juntos. Y pretende eliminar la antinomia izquierda-derecha (en pleno auge de “la grieta” argentina), pero lo hace con una canción que dista de ser neutral en sus intenciones. ¿Desconocimiento por parte de Bono del folklore local? Lo dudo. Fin de la segunda parte. Por supuesto, la última parte del show debía incluir hits de la era post-Joshua Tree (así como la primer

rio aclarar que Bono es un frontman sin igual, su carisma se refleja en un manejo del escenario que cualquier político de alto vuelo envidiaría. Se da el lujo incluso de hacer un extraordinario manejo de cámaras, tanto aquella que permanece fija en el centro del escenario, como otra que hábilmente maneja él mismo a su antojo. Continuamos con el gran estreno de la noche: “You’re The Best Thing About Me” es el single adelanto del próximo álbum “Songs Of Experience”. Para la despedida, alguito del gran ausente de la noche hasta ahora: “Achtung Baby!”. De esa placa, U2 nos regala dos delicias. La primera es la fantástica “Ultra Violet”, con una sentida dedicatoria a todas las mujeres luchadoras, pero excesivamente politizada a la hora de seleccionar las féminas cuyas imágenes aparecieron en pantalla. Y ahora si, hemos llegado al final, y que mejor que un himno como “One”, aquella

parte solo incluyó temas previos). Que mejor que atacar con un “Beautiful Day” que incluya un pasaje de “Starman” de Bowie…no, si no somos tontos. Pegado a esto, dos clásicos que tienen particular llegada al público argentino. El primero es “Elevation”, seguramente ganchero en estas latitudes como cualquier tema que tenga un estribillo muy coreable. Y luego, “Vertigo”, (con “Rebel Rebel”, el tercer de snippet de Bowie esta noche) donde las partes en castellano hacen a las delicias de la concurrencia (y Bono lo sabe, y nos dice: “¿Quieren recibir lecciones de español de una banda irlandesa?”. Qué jugador!). No sé si es necesa-

oda a la reunificación alemana post caída del Muro de Berlín, aplicable al aquí y ahora de cualquier sociedad como la nuestra. Un adiós con un fuerte mensaje de pluralidad e integración, tan justo y necesario hoy en día. Y tan acertado. Una noche donde un partido de fútbol y unos señores irlandeses que abogan por la eterna reconciliación, nos hicieron olvidar por algunas horas todas nuestras diferencias y disfrutar en comunión una bendición tan grande como es la vida misma. Solo nos faltó el Gracias! (y hasta mañana, para quienes tuvieron la suerte).

[ Por Gabo Rojo y Maite Etcheverry ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 11: BRIAN WILSON Y FIONA APPLE NO JUGABAN AL TENIS (PERO BIEN PODRÍAN HABERLO HECHO)

El cliché de que un artista es más productivo si sufre es un punto de partida que abre una dicotomía interesante para analizar cómo la sensibilidad del artista está relacionada con su arte. Por un lado, todo parece indicar que para crear arte se necesita cierta sensibilidad especial. A veces parecería ser que mientras más sensible se es, más genial es lo que se produce, pero un exceso de sensibilidad también puede traer de la mano un exceso de sufrimiento, algo que puede resultar incluso difícil de sobrevivir. Fiona Apple decía, en una entrevista, que si no está desbordante de emociones entonces no tiene nada para escribir. Hay un rol que la escritura cumple que es, sin duda, catártico, que es como una especie de vómito de todo lo que se lleva adentro. En ese sentido, quien más siente más tiene de qué escribir, o por lo menos el material parte desde un lugar, en cierto modo,

cil para Brian. O está completamente inmerso en algo hasta el punto de obsesionarse, o se cierra, se bloquea o finge desconocimiento o ignorancia porque no puede lidiar o no quiere intentarlo. Con Brian, suele ser todo o nada.” “Muchos de nosotros tenemos incorporado cierto sentimiento de que todo va a estar bien, y automáticamente nos apreciamos a nosotros mismos, y nos sentimos amados y seguros en nuestro fuero interno. Brian y (su hermano) Dennis no contaban con eso.”. Desde los 20 años Brian escucha voces en su cabeza que le dicen constantemente que lo que está haciendo no es lo suficientemente bueno, que va a fracasar, e incluso voces diciéndole que lo van a matar. Hoy día, a los 75 años, las sigue escuchando, e incluso cuando no lo hace le preocupa hacerlo. Algunas voces suenan como su padre, otras como su ídolo el innovador productor

más honesto. Por otro lado, escribir o producir en cualquier otro campo artístico requiere de disciplina, de sistematización, de una constancia que se mantenga un día sí y al otro también. Y es en este momento en el que el sufrimiento no ayuda: cuando vivir es difícil, producir se vuelve, en el mejor de los casos, irrelevante y, en el peor, una tarea imposible. La dicotomía, de todas maneras, quizá no sea irreconciliable. La poetisa Clementine Von Radics, que en este caso se refería a Van Gogh pero también a ella misma, hablaba de cómo su enfermedad se convirtió en su genio, y éste en su revelación. Hablaba de cómo la manía de Van Gogh era la que le permitía ver el cielo moverse de esa manera; decía, también, que no había que pedir perdón por lo que nos permite ver el cielo. El libro The Beach Boys FAQ de Jon Stebbins, a pesar de lo clínico de su título, es una obra altamente emotiva y repleta de apreciaciones interesantes y valiosas. Especialmente interesante es el análisis que Stebbins hace sobre Brian Wilson, sus tristemente legendarios problemas mentales y su, justamente, “extrema sensitividad. Su habilidad para procesar información sensorial a un nivel más profundo que el de la persona promedio es una de las razones por las que la creatividad de Brian es tan excepcional, pero también el motivo por el cual la vida cotidiana le es un desafío más grande. Lidiar con las cosas es simplemente difí-

(y bully) Phil Spector. Otras “no suenan a nadie que conozco, pero aún así las conozco muy bien.” Los conflictos internos de Brian parecen haber sido inmortalizados en su icónica canción de 1964, “Don’t Worry, Baby”. No es sólo una canción de amor disfrazada de canción de autos: la canción de amor a su vez esconde una súplica no desprovista de desesperación. El narrador no para de sentir que algo va a salir mal, y necesita urgentemente que su amada aplaque sus temores. Es una especie de guerra entre las voces asesinas de Brian y las voces positivas de la gente sana, en la que, aunque sea durante los casi 3 minutos de la canción, gracias a los coros inmaculados de los Beach Boys y al falsette de Brian en su mejor momento, parece ganar el bien. Es interesante cómo podemos volver a Fiona Apple, y establecer un paralelismo entre “Don’t Worry, Baby” y “On the Bound”, la primera canción del segundo disco de Fiona. Al igual que Brian —y que muchos de nosotros—, Fiona nació sin esta especie de dispositivo innato que podría ayudarla a creer que, a pesar de todo, al final triunfará el bien. La desesperación se refleja en toda la letra, en cada una de sus líneas, desde el título mismo —que podría traducirse como “en el límite” o “al límite” y reaparecerá luego en la letra para mencionar cómo su futuro está al límite, o al borde del precipicio. Fiona, también como Brian,

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buscará la redención en el amor: dirá que quizás un poco de fe le haría bien, y le pedirá a su amado que le diga que todo va a estar bien. Pero el final es demoledor: “yo creo que no lo estará.” Con esa línea tan sencilla todos sus demonios se alzan vencedores. El problema no es la falta de amor o la falta de fe, de todos modos. El poeta Neil Hilborn, en su libro Our Numbered Days, cita a Rollo May: “la depresión es la incapacidad de construir un futuro”. Iría más allá y me atrevería a decir que, quizá, el problema ni siquiera alcanza el plano de lo factual: el problema, en realidad, es la incapacidad de ver o proyectar un futuro posible: un futuro, al menos, vivible. Pero quizás, a fin de cuentas, es la misma creación artística la que crea ese futuro. [...] Otrora viajé por países imaginarios, fáciles de habitar, islas sin problemas, no obstante exhaustivas y convocando al suicidio. Mis amigos se fueron a las islas. Las islas pierden al hombre. Sin embargo algunos se salvaron y trajeron la noticia de que el mundo, el gran mundo está creciendo todos los días, entre el fuego y el amor. Entonces, mi corazón también puede crecer. Entre el amor y el fuego, entre la vida y el fuego, mi corazón crece diez metros y explota. -¡Oh vida futura! Nosotros te crearemos. Carlos Drummond de Andrade, “Mundo grande”.

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ “OTRA VUELTA DE TUERCA" de Henry James por Pablo Ravale ]

PRODIGIO DE INSINUACIÓN

En el siglo XIX se despertó un especial interés por los fantasmas. Con el Romanticismo, cuya visión estética se solía inspirar en lo sobrenatural, lo oculto o la muerte, nace la novela gótica, que siente especial predilección por los ambientes tenebrosos como castillos, monasterios medievales, casas en ruinas, pasadizos, bosques sombríos o cementerios, todos ellos bien poblados de fantasmas, esqueletos y toda clase de demonios. En este contexto hay que situar Otra vuelta de tuerca de Henry James, que comienza con una situación muy habitual en la época: una reunión entre varias familias donde se cuentan relatos de fantasmas para matar el tiempo durante las vacaciones. En el prefacio que escribe James a la novela se lamenta el autor de que las buenas historias de fantasmas, las realmente efectivas y estremecedoras, parecen estar ya todas contadas y que las nuevas no estaban a la altura de ese profundo terror sagrado que suscitaban las primeras. Así que lo que se proponía James con su novela, declara, era hacer una historia de fantasmas inusual, darle otra vuelta de tuerca al género, usando un recurso escalofriante que a estas alturas ya ha sido explotado hasta la saciedad: una pareja de niños en un lugar alejado de la civilización. Y vaya si lo consiguió. Llama la atención que Henry James utilizara también el recurso del manuscrito encontrado, en un juego narrativo que hace que el relato tenga dos niveles de narradores. El primero de los narradores es anónimo aunque la historia nos llega a través de un personaje, Douglas, que podría limitarse a contar su historia de fantasmas de forma oral, como el resto de sus compañeros, pero que se empeña en leer el relato escrito del segundo narrador, la institutriz que además va a protagonizar la novela. Con este procedimiento, habitual en la historia de la literatura, no sólo se consigue una mayor verosimilitud sino que, y ahí es precisamente donde radica el gran acierto de James, se juega con una ambigüedad que da pie a dos posibles interpretaciones completa-

mente contradictorias. En una primera lectura Otra vuelta de tuerca puede parecer una historia de fantasmas al uso, con sus sustos convencionales, como sombras que te observan a lo lejos, caras extrañas que aparecen de repente en una ventana o figuras oscuras que se sientan al final de una escalera. Una serie de horrores ante los cuales la institutriz que protagoniza el relato quiere salvaguardar la inocencia de los dos niños que cuida. Sin embargo, hay toda una serie de detalles que nos indican que hay mucho más. Lo primero es la construcción de los personajes infantiles, Miles y Flora. No son los niños tenebrosos a los que nos tienen acostumbrados las historias de terror. Antes bien, con seis y diez años respectivamente, son criaturas cautivadoras, que van mucho más allá del sumun de la inocencia o el encanto. Son tan perfectos en todos los aspectos que casi podría decirse que no son reales; o, en todo caso, que hay algo escondido detrás de semejante perfección que no acaba de contarse. La única pista que nos pone sobre aviso es que el pequeño Miles ha sido expulsado del colegio por algún comportamiento grave, sin que sepamos el motivo exacto hasta prácticamente el final. Esa inocencia extrema contrasta con la extrema maldad de los dos fantasmas, Quint y Jessel, sin que los límites entre uno y otro mundo estén siempre del todo claros. El autor juega con esa ambigüedad y, a medida que avanza la novela, la institutriz sospecha cada vez más que la supuesta inocencia de los niños no es tal. De hecho, es la destreza con la que James maneja esta ambigüedad lo que hace que la novela sea una experiencia tan inquietante. Esa capacidad para decir tanto con tan poco. Sabemos que Quint y Jessel tuvieron un comportamiento pérfido con los niños, que los pervirtieron y que, por tanto, esa inocencia que muestran ahora es impostura. Pero la maldad se trata desde un punto de vista muy impreciso. Sabemos que Miles y Flora son malos porque usan un lenguaje inadecuado,

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pero no conocemos con exactitud sus palabras. Hay en la novela vestigios de abusos sexuales en forma de pedofilia, pero tan delicadamente insinuados que casi cabría pensar que es el lector quien está haciendo esa interpretación. Tampoco se tiene claro en ningún momento qué pretenden los fantasmas o en qué consiste su poder sobre los vivos. Lo único que sabemos es la sospecha de la institutriz: que quieren poseer a los niños y sumirlos en la maldad más absoluta. Pero esa información sólo la obtenemos a través de lo que nos sugiere el narrador. Sin embargo, ¿qué pasa cuando esto no es del todo claro? También con esta ambigüedad juega Henry James. Es ahí donde radica esa segunda lectura, no ya como una historia de fantasmas sino como novela psicológica. Uno de los primeros críticos en afirmar esta interpretación es Edmund Wilson. En un análisis de 1934 Wilson asegura que los fantasmas no son más que invenciones de la imaginación de la institutriz, algo que se demuestra por el simple hecho de que nadie más en el libro pa-

rece verlos. Echando mano al psicoanálisis freudiano Wilson afirma que la institutriz se enamoró a primera vista del tío de los niños y que al sentirse rechazada ‒ya que no podía molestarlo bajo ningún concepto‒ comenzó a desarrollar una especie de psicosis. Sin ir más lejos, en muchos momentos la institutriz parece estar proyectando, al menos de forma inconsciente, sus más terribles pensamientos y defectos en los fantasmas. Antes incluso de conocer a los niños, la institutriz, hija de un estricto padre anglicano, demuestra tener ciertas tensiones internas. Haciendo caso de esta lectura, Otra vuelta de tuerca sería una especie de batalla interna sobre la forma en la que se percibe la realidad. Se ha llegado a insinuar, incluso, que la protagonista se enamora de Miles, lo cual no es completamente descabellado teniendo en cuenta la obsesión tan intensa que siente por él y su negativa a abandonar la casa cuando se ve superada por la situación. Existe en la época victoriana un prejuicio contra las institutrices como corruptoras de niños que, sin

duda, sirvió de inspiración a Henry James para crear el personaje. Si la pedofilia está en la institutriz y no en los fantasmas, ésta podría haber utilizado a aquellos como una especie de defensa inconsciente, a modo de proyección, para protegerse a sí misma de sus deseos sin dejarlos a un lado por completo. En esta interpretación, más terrible si cabe que la primera, la institutriz habría traumatizado a Flora y matado a Miles, en un estado de absoluta locura. Como fuere, es a cada lector a quien corresponde determinar la inocencia o la culpabilidad de la institutriz. Mismo si los fantasmas

son reales –entonces ella estaría sana– y sus desesperados esfuerzos para proteger a los niños, aunque al final no lo consiga, son nobles. Si son meras ilusiones, hay que aceptar que sufre un ataque de locura y que sus visiones son resultado de traumas reprimidos. En cualquier caso, gracias a su maestría, Henry James consigue una escalofriante historia que encaja a la perfección en el concepto de clásico que perfiló Italo Calvino, es decir, como «un libro que nunca termina de decir lo que tiene que decir». Todo un prodigio de insinuación. Mucho tendría que aprender de él el terror moderno.

ESCRITOR INVITADO: FRANCO DOGLIOLI

NEXT No se trata de otro predecible laberinto tauromáquico o sobrevalorado salón Versallesco de los Espejos. Se trata de mi carne. Carne recipiente de órganos en red. Como sostén de un jeroglífico animado. Recubierto por un macro-órgano: la piel. Muro portal fortalecido por tratamientos y telas descaradamente narcisistas. Lo cual establece un perímetro complejizado entre tu cocktail googleado, ese traje de Oulet y este compendio malcriado, perverso, auto-referencial y finito, denominado “yo”. Finito. O sea, no eterno. Suerte.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

EL TIEMPO por Pablo Ravale

Immanuel Kant en uno de sus libros, en un ensayo que hace sobre el origen del Cosmos, sostiene que el tiempo y el espacio no existen, que son coordenadas de nuestra mente para no enloquecer. Todo cabe en la palma de la mano de un bebe, todo sucede ya. A veces por la ventana de un bar, me he sentado a perder el tiempo y he estado una eternidad. Sin embargo, el tiempo me acosó finalmente. Cuando era joven no creía en el tiempo. Los días corrían velozmente, semana tras semana, y así se pasaban los meses, casi como años. Caminaba entre una turba de fantasmas y zombis por la ciudad, todos venían de una parte e iban hacia alguna parte, pero no estaban, y la ausencia es el pecado más grave que se puede cometer contra la existencia. Yo me distraía, me entretenía. Hasta que un día el tiempo me alcanzó. Un día vi que el sol corría cada vez más rápido hacia el poniente, y que yo me aburría: me aburría ir a la playa, me aburría mirar la lluvia por la ventana, me aburría besar a la que por entonces era mi novia, me aburría levantarme de la cama para introducirme en el mundo, pero sobre todo me aburría ese maldito parque de diversiones abandonado que es la ciudad. Y qué es la ciudad: casa, casa, casa, institución, comercio, casa, casa, casa, institución, comercio, casa, casa, casa. Y qué es una casa, sino la construcción de

una cueva para el gorila atravesado por los rayos catódicos y no por el fuego. Y qué hay en la casa, sino esa maldita trilogía de la cama y la mesa y la silla y las ventanas y las puertas y las paredes y los pisos y los techos y los zócalos, todos cómplices de esa ruindad. Pero un día decidí irme al bosque. Tomé una carpa, una radio, me puse un piloto, una petaca de licor en el bolsillo. Me perdí en el bosque. Armé la carpa en cualquier sitio. Encendí la radio, estaban pasando un tema del Flaco Spinetta. Me fui alejando del sonido de la radio desnudándome del sonido, como quien se quita la ropa lentamente... Hasta que dejé de escucharla, ahora escuchaba el sonido de mis pies pisando las hojas amarillas del otoño que ya no pertenecían a nadie. Como yo, que nunca pertenecí a nada ni a nadie. Cuando llegué al río, le pregunté a las aguas del río si nos estaban vigilando; el río me contestó que él venía de la cima de la montaña, que desde allí arriba, la palabra “cima” nos vigilaba a todos, y que sólo había eso: palabras vigilando palabras. A mi lado, en una piedra, había una trucha muerta, la vi y me puse a llorar, me dio vergüenza; le expliqué que un día yo también estaría tirado sobre una piedra, comido por los gusanos. Cuando volví, nos besamos y me preguntaste si te quería. Te dije que sí, ¿qué iba a responderte? Que te engañé, que te mentí, que te traicioné, que te abandoné en esta absurda

HIDDEN TRACK

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Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

EN CONCIERTO

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Sonreí Y Me Moví Un Poco the cult Luna Park, Buenos aires, 03 de octubre de 2017 [ por josé navarro `. FOTOgrafías: Nazarena talice ]

He de confesar que fui a ver a The Cult un poco temeroso. No por la seguridad en sí, sino porque su último disco se llama "Hidden City" (Ciudad oculta) por una remera que Ian Astbury le vio al futbolista Carlos Tévez al festejar un gol en Europa, y que al ser una banda de Manchester, y aficionada al fútbol, se cruce esa barrera entre la pasión deportiva y la música, que al menos en la Argentina ha creado híbridos y monstruosidades a través de los años. Lo híbrido. Esa era el encabezado de una nota que leí sobre la banda en una revista Española en 1985 (Rock de Lux) y luego me viene a la mente 'The gathering of the tribes' un espectáculo concebido por el mismo Ian Astbury allá por los años 90 que fue una especie de mini Lollapaloza. Un Lolla para pobres, vamos... Menciono esto porque ayer realmente fue una congregación de la más variopinta fauna musical entre el público que llenó el Luna Park. Estaban los aficionados post punks (ya no con gesto adusto sino muchos más descontracturados y sin parafernalia), los simpatizantes de la

vertiente más dura, los que están en todo espectáculo, y los que no les interesaba la banda y estaban ahí sabe Dios por qué. Todos mezclados en perfecta y redonda unión. Ningún herido, ningún desmán. La banda en sí, sonó sólida, haciendo un repaso a conciencia de su catálogo y sacando a relucir su carta dorada a menudo: Las innegables dotes musicales de William H. Duffy, Billy para los amigos, en su sempiterna Gretsch White Falcon, que ayer se vio más grande y blanca que de costumbre. Ian Astbury lució en buena forma, por momentos recordando a aquel frontman que a mediados de los años 80, parecía que se movía en escenarios electrificados a través del mundo. Quizás un poco exagerado en arengas 'revolucionarias' que hacían sobrevolar el fantasma de Maradona (sí. El fútbol otra vez) hablando de Cuba, la revolución y demás mientras conducía una Ferrari. Así, sonaron "Wild Flower", "Lil devil", "Nirvana", "She sells sanctuary" una versión 'Psicodélica' (en propias palabras de Astbury) de "Phoe-

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nix", y las ya consabidas más ligadas a la vertiente hard rock que hicieron saltar a la mayoría del público, lo que me trae a la cabeza una nota que leí hace años en algún lado, que afirmaba que hay mucha gente que piensa que el primer disco de la banda es "Electric" de 1987. "Sweet soul sister", "King contrary man", "Peace dog" y "Love removal machine" se sostuvieron en el abanico musical pintado por un bajista y un guitarrista/tecladista de apoyo y un John Tempesta en batería, que se aprendió los temas tocados en su momento por Les Warner, Nigel Preston y Matt Sorum con gran fidelidad, quizás exagerando un poco en algunos momentos, pero cumpliendo al final. Ian Astbury invocó a personajes fallecidos del espectro musical, desde Andrew Wood hasta Da-

vid Bowie, pasando por Nigel Preston. ¿Quién? Nigel Preston, el primer baterista de la banda, que toca en el primer disco "Dreamtime" de 1984 y fue expulsado de la banda por su consumo de drogas, que le costaría la vida en 1996. ¿Y qué significa esto? Que Ian se ha arreglado con su pasado, sonríe y hasta abraza a su colega/socio Billy Duffy, dando el marco ideal para un show correcto y disfrutable. Pero no nos olvidemos que a esta altura, The Cult no sorprende ni asusta a nadie. ¿Esto es bueno? No lo sé. Queda en sus psiquis. Yo, al menos, tengo (casi) todos sus discos. Y hasta sonreí y me moví un poco. Lo cual es bastante

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RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

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KING FILM

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Octubre es el mes de Halloween, y si bien en Argentina no se celebra esta festividad, es la excusa perfecta para visitar films pertenecientes al género y más aún para visitar algunas adaptaciones al cine de las obras del maestro literario del horror. El especial armado no intenta rankear las mejores obras adaptadas o aquellos films relacionados al autor que merecen ser vistos por sobre otros. No, en esta ocasión solo nos dimos la libertad de escoger films que queríamos ver o reveer y escribir sobre ellos siempre teniendo en cuenta lo más importante: lo mucho que queremos al señor King.

YOU’RE GONNA “CARRIE” THAT WEIGHT [ Por Nicolás Ponisio ]

Nadie mejor que Brian De Palma, uno de los grandes maestros del suspenso y el horror en términos cinematográficos, para traducir al lenguaje visual la primera obra publicada por Stephen King, otro maestro del horror, en este caso del literario. Lo que logra De Palma con Carrie es un ejercicio estético que se abre camino al captar el horror nacido en las páginas de King en cada construcción compositiva de sus imágenes. Los créditos iniciales del film se deslizan entre un sinfín de adolescentes semidesnudas que juguetean y ríen entre ellas mientras se cambian en el vestuario del colegio. El delicado plano secuencia que narra estos hechos, con una estética fotográfica de ensueño, termina con Carrie (Sissy Spacek) en la ducha. El shock inicial no tardará en ocurrir, del manantial de agua que corre por sus piernas irrumpirá la sangre, y la narración de la escena pasará del ensueño a la más perturbadora pesadilla.

Es así como el director introduce dos factores de vital importancia para la búsqueda narrativa de su film. Por un lado la idea del factor sobrenatural como símbolo de las inseguridades y la etapa de crecimiento de una niña que siempre ha estado en el foco de atención de la burla y el abuso. Por el otro el manejo de las imágenes, con esa estética bien del giallo italiano, que plantean un juego estético de composición con el fin de significar cada plano, en sintonía con lo que le ocurre a la protagonista. El nerviosismo presente y la importancia de lo que le ocurre a Carrie va desde la incomprensión y las molestias ocasionadas por sus compañeras lideradas por Chris (Nancy Allen), pasando por el abuso en el hogar de una madre dominada por el fanatismo religioso (Piper Laurie), hasta esa etapa de confusión y cambio adolescente. Algo que aquí se enfatiza todavía más con la presencia del despertar de sus poderes telekinéticos. Una vida

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de opresión y abusos constantes no puede carecer de tensión y es lo que De Palma hace de igual forma con el desarrollo de su film. Si bien desde la dirección se permite insertar algunos momentos que rozan la comedia, y que algunos de ellos desentonan bastante con el tono principal, la tensión y el horror se encuentran mayormente presente gracias a la elección de cómo narrar. El director sin necesidad de apresurarse se toma el tiempo necesario con planos largos, más nunca estáticos, para contar e incrementar el caos venidero. Se construye al mismo tiempo el espacio geo-

gráfico de la escena junto a las acciones de los personajes logrando depositar la atención en lo que verdaderamente importa. Tal es así que cuando el horror estalla, el uso del montaje que utiliza le da forma y entendimiento al caos desatado por la ira de Carrie. Es así como De Palma le otorga importancia narrativa y estilismo estético a todo lo que filma, dando un uso provechoso a lo que encierra a través del lente de la cámara para luego desatarlo en el ojo del espectador. El resultado de ello es la identidad del film en la forma de un encanto terrorífico. Tan propio del director, de King y de Carrie, por supuesto.

TOTAL ECLIPSE OF THE HEART [ Por Jimena Patiño ]

Me decidí por Dolores Claiborne porque me parece un espejo ideal de Kathy Bates a la que todos recuerdan de Misery. Kathy es simplemente monumental. Lo que esa mujer transmite en su actuación es de antología, pero ya se había llevado el Oscar con Misery así que la ignoraron miserablemente acá. La historia es una historia de mujeres. Me gustaría llamarlo melodrama pero es más suspenso. Por supuesto basado en una obra de Stephen no podía ser de otro modo. Pienso que cuando se le pone el sustantivo de “King” a la película la gente ya espera que sea todo terror, pero en el transcurso de los años, The Green Mile, The shawshank Redemption y Stand By Me, nos muestran que sus obras pueden rondar un sector sombrío de la vida o hasta sobrenatural, pero ser tratados básicamente como dramas de la vida cotidiana. En esta obra los fantasmas, son los recuerdos que retornan a atormentar a la protagonista innegable, Dolores Claiborne y a su extrañada hija Selena Saint George, interpretada por Jennifer Jason Leigh en el presente de la historia y por Ellen Muth en su adolescencia. Amo los conflictos entre madre e hija (o madre e hijo) que suele plantear King. En este caso no habla con dios o lo santos ni es tan aterradora como la madre de Carrie, pero a su manera, Dolores es un personaje memorable.

Como un mantra del film se repite la frase “A veces ser una perra es lo único a lo que una mujer se puede aferrar”. Si la frase la van a repetir casi bordeando el hartazgo de guión, pero en cada momento que es dicho en un marco diferente como una especie de profecía que va recrudeciendo cada vez que es pronunciada. Los personajes femeninos son absolutamente brillantes. Son esa clase de personajes que una actriz mata por interpretar. Vera Donovan a la cabeza y luego por supuesto, Dolores y Selena (de joven y de adulta) ¿Pero eso es lo suficiente como para decir que nos encontramos frente a un gran film? La historia del cine está hecha de películas con grandes actuaciones que no son grandiosas o que por algún misterio inexplicable son olvidadas. Vera dice “es un mundo dolorosamente masculino” y tiene razón. ¿Cuántos directores vs cuantas directoras? Es cierto que recordamos a muchas actrices pero seamos honestos. ¿A cuántos íconos recordamos por su belleza descomunal en detrimento de sus carreras? Todos recuerdan a Audrey cuando era encantadora y simpática, cuando hacía de una muñequita de lujo en Desayuno en Tiffany’s pero no la recuerdan en The Children’s Hour o en Historia de una monja. Y no me hagan empezar con Marilyn Monroe… Por eso me gusta esta película que no está plagada de mujeres fáciles de tratar.

A veces pienso que a Kathy Bates la encasillaron en Misery, Dolores no es Annie Wilkes y por eso me encanta. Es una mujer fuerte, pero no es una psicótica de mente que no razona. El razonamiento de Dolores es el de una mujer torturada y aunque sea fuerte y dura y tenga una coraza de mil kilómetros; su marido le arruinó la vida a ella y su hija. El marido (David Strathairn) es un flor de puto. No hay términos medios en su interpretación y caracterización. Es la forma más humana y machista de la maldad. La que se puede encontrar en la vida cotidiana y por eso realmente golpea el film. Que alguien como King pueda hablarnos de un infierno tan cotidiano es lo que me interesa rescatar de esta historia. La película dirigida por Taylor Hackford, es un constante juego de flashbacks y apariencias. Cuando una mujer ex socialité muere (Judy Parffait como Vera Donovan), nadie duda en culpar de asesinato y comenzar a investigar su muerte como tal luego de en-

ría. Las dos en pantalla son dos monstruos sagrados de esos que te hacen pensar dos veces si vas o no vas a ser un buen actor. El manejo de los flashbacks es otra cosa que me gusta destacar de esta obra. El tiempo se las arregla parecer continuo cuando en verdad está constantemente fracturado en un ir y venir que va en crescendo hasta la escena en donde todos los patos se alinean y el público se entera de lo que pasó el dichoso día del eclipse que Cristopher Plummer (un policía local) no puede olvidar pues se convirtió en su caso 86 de 85 que no resolvió. Plummer tiene razón todo el tiempo, excepto cuando decide elevar su razón a vendetta personal contra Dolores, entonces se convierte en una especie de molesto antagonista mete quilombos que funciona como catalizador para hacer saltar todos los tapones de la memoria de ambas mujeres. Por eso todo concluye en una pulseada final que nos

contrar a Dolores con un rodillo de amasar de mármol a los pies del cuerpo. Es que es un personaje verdaderamente digno de Crimen y castigo de Dostoievski. Es de origen humilde, es tosca, bruta, mal hablada y no teme guardarse opiniones y eso ya la encasilla dentro de “potencial criminal”. Existen momentos en los que un actor te hace al personaje. Y yo creo que Kathy Bates realmente te hace que ames a Dolores Claiborne. Su actuación es épica y Jennifer… Jennifer es mi preferida. Uno tiene que imaginar que de una familia así sale una hija torturada con la vida y ella es simplemente una pieza de reloje-

alegra y culmina con una especie de entendimiento implícito y acercamiento entre madre e hija que no es, a diferencia de lo que uno esperaría, un momento melodramático de tarjeta del día de las madres, sino que es frio y duro… con una cualidad distante. Dolores observa a su hija alejarse pero esta vez con la promesa de que todo puede mejorar en el futuro incierto. Si lo creemos somos optimistas si no lo creemos pesimistas y quizás haya que conformarse con que finalmente se abracen un poco sin palabrerío berreta, luego de una relación eclipsada por un hombre que no lo merecía.

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DEAD TRAVELS FAST [ Por Jimena Patiño ]

Vi esta película hace menos tiempo del que pensaba, es del 2004 y creo que la alquilé en dvd alrededor de esa época. En ese entonces tenía 18 y al igual que el protagonista, Alan Parker, estaba cursando en mi universidad, no arte, sino Postproducción. Eran años emocionantes y vívidos pero siempre fui un toque melancólica e irónica, quizás para guardarme la distancia justa de las cosas. Podría decirse que esta película me gusta porque, es muy yo, en algunos momentos de mi vida. Nunca pude subirme a una montaña rusa porque soy muy cobarde. Guardo el trauma desde entonces y cierta noche viajé con un muerto al volante *Fin de la reseña* (mentira sigue abajo…) ¿Vieron eso que hice antes? ¿Esa especie de digresión del relato?, interrumpirlo para contar una tangente del pensamiento que está relacionada, pero solo indirectamente, para narrar un suceso que devela una característica de un personaje. Ese recurso es una constante que tiene este film que para mí lo vuelve muy atractivo. Lo recordaba más viejo y es que en mi memoria no recordaba que se trataba de una producción “de época” hasta que recientemente volví a verlo para la reseña. Solamente es del 2004, pero será que asocio a King con tantas producciones de los noventa para la TV que por momentos tengo un blur mental muy importante. La recreación de época es muy engañosa, para co-

menzar es como si varias épocas estuvieran mezcladas dentro de esos años sesenta que finalmente se convertirán en un flashback y creo que eso es un punto para la dirección de arte. Alan (Jonathan Jackson) parece un chico de ese presente, de los 2000 pero todo es raro y parece una mini-producción B que se jacta de serlo. Es una de esas películas para Halloween y muy orgullosa al respecto. No hay nada como una buena historia de fantasmas y traumas personales que se unen en un tiempo acotado de relato. No les voy a mentir, no es una película de horror con la que vas a vivir sustos memorables, es para mi parecer, un cuento gótico regado de momentos sobrenaturales que tienen a un personaje muy atormentado como recipiente para la fórmula. Es como un cuento de Poe, “a la” King: problemas con la madre, problema con la muerte y un personaje depresivo o taciturno. Tengo que contar un momento muy teen de mi parte, tenía un crush con Jonathan Jackson y ahora que lo miro no puedo dejar de verlo muy parecido a una versión masculina de Rachel Mc Addams. ¡Oh lo que nos hacen los años! Igual sus ojos celestes son demasiado hermosos para este planeta y es tan parecido al protagonista de Hocus Pocus (Omri Katz) que a Ridding the bullet la suelo llamar “mi Hocus Pocus teen”. Lo que resulta gracioso porque Mick Garris, su director y guionista es el mismo escritor de Hocus

Pocus. ¡Ah, la maravillosa simetría del destino! Hay un tono de “terror para toda la familia” que comparten ambas películas y eso es innegable. Cuando uno ve como elige disimular “la era del ácido y la experimentación sicodélica” con simple…marihuana y los efectos exagerados, es irrisorio. También la gran infantilidad del protagonista en ciertos momentos te puede ocasionar un dolor de cabeza, lo admito. Hay una puesta en escena en un parque de diversiones que parece más propia de R.L. Stine que de Stephen King. Si su señoría lo admito pero, argumentalmente, la película cierra por todas partes cuando llega a los momentos finales. Es como que toda esa película se resignifica y hasta se te puede llegar a caer un lagrimón si no tenés una piedra en el corazón. El eje de esta historia me fascina: me encanta cuando la premisa es un hecho completamente común y trágico como que tu madre ha caído enferma y toda la psicosis que se te puede ocasionar pensando en todas

La película juega constantemente como la montaña rusa con nuestras emociones, que sí, que no, que no es real, que es real. Lo verdaderamente sobrenatural bien podría ser la imaginación desbocada de Alan, pero eso está por verse. ¿Qué les puedo decir? Es una pieza que en guión es fantástica, pero vendida como género “terror”, como ocurrió en su momento, no cumple las expectativas de “¡miedo, miedo vas a tener mucho miedo!”. Lo que a mí me genera es mucha empatía, lo dije al comienzo de la nota, y eso es todo lo contrario, no podía dejar de amar la neurosis de Alan. Creo que bien puede ser vendida como una película de humor negro. En ese sentido si desborda el ácido que le falta a la representación de 1969. Y si la pensamos de ese modo la actuación de Arquette es simplemente genial, y solamente aparece ya pasada la mitad del film para enloquecer aún más el panorama. George Staub es el fantasma más hijaputense y gracioso con el que te podés encontrar en medio del ca-

las probabilidades de que todo salga mal… y suceda lo peor. La película dice en un momento que “se necesita un toque de muerte para apreciar la vida” y creo que ese punto es el que quiero rescatar y destacar. La relación de Alan y su madre es lo esencial del film, el corazón. Una genial Barbara Hershey la interpreta. Luego vienen las sacudidas del cerebro: las visiones diurnas del personaje y su desdoblamiento, los flashbacks y finalmente llega el inconsciente, lo sobrenatural: El personaje de David Arquette, George Staub y su viaje por “la bala”, una simbólica y a la vez verdadera, montaña rusa que asustó al protagonista de pequeño.

mino. El guiño a Christine (aunque sea un modelo de automóvil completamente distinto) no pasa por alto y se ve que simplemente, Mike Garris ama a King. El final con un Alan adulto es lo que realmente se lleva los laureles de todo. Creo que todo ese epílogo es lo que la eleva ante mis ojos para decir que es un film que aprovecha todas las herramientas del género para excederlo y hablar de la delicada locura que es la vida vista a la distancia y con la “sabiduría” de los años: diversión es diversión y lo hecho, está hecho. Y sobre eso no podemos hacer nada. La bala como símbolo de lo que se esquiva o se enfrenta es el cierre ideal para la vida misma, si uno lo piensa bien.

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LA MAGIA DETRÁS DEL HORROR [ Por Nicolás Ponisio ]

“Niños, la ficción es la verdad que se encuentra dentro de la mentira y la verdad de esta ficción es muy sencilla: la magia existe”. Dichas palabras pertenecen a Stephen King y marcan el comienzo de su novela IT. Un mensaje que nunca ha de ser olvidado, ni a la hora de leer el libro en cuestión, ni tampoco al adaptar el relato a la pantalla grande. Andrés Muschietti demuestra de buena forma que alrecordar estas palabras, y por lo tanto al espíritu del material original, su film tiene el corazón en el lugar correcto. Esta nueva adaptación de IT no es una remake de la miniserie de los noventa, ya que su relación está directamente focalizada en reinterpretar el trabajo de King y en ningún momento en el trabajo audiovisual previo. Y es por ello que a la hora de traducir el material literario al campo de las imágenes, su grandeza se halla al enfocarse en los niños y en realizar los cambios necesarios para que funcionen en este nuevo entorno. Cuando Muschietti aborda de lleno a los niños y las relaciones entre sí, el film despliega una magia única, sostenida en parte por la nostalgia pero mayormente el muy sentido retrato que realiza del fin de la infancia, y por ende de la inocencia. Esa etapa en la que los per-

sonajes están dejando de ser niños pero a la vez les falta mucho para ser personas adultas, se ve tratada y reforzada por el lazo de la amistad, los miedos del crecer y los sentimientos del primer amor. Algo vital en la historia, ya que no solo construye el vínculo de los siete miembros del club de los perdedores, sino también la conexión sentimental del espectador para con ellos. Obviamente, tratándose de una adaptación del trabajo de King, lo terrorífico no puede estar ausente. Sin embargo, cuando el director acude puramente al género del horror no sale tan invicto que cuando se centra en la fuerza del vínculo de la amistad. El ser maléfico conocido como Pennywise (Bill Skarsgård) cumple a la perfección su rol. Su mera presencia se impone de forma perturbadora ante todo aquel que lo vea, dentro y fuera de la pantalla, creando una atmósfera inquietante a la vez que genera cierto disfrute que impide el apartar los ojos de su figura. El ser que adopta la imagen del payaso bailarín, es la maldad y el miedo en su forma física, pero el problema del film es cuando quiere optar por ser completamente terrorífico y termina por caer en lo burdo del género. Pennywise cumple con su función inquietante, pero

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son los adornos de género que lo rodean los que sobrecargan el factor miedo. Elementos rutinarios, una seguidilla de sobresaltos que terminan por ser no más que pobres intentos de asustar en un film que en realidad podría prescindir de ello. Puestos allí como para atraer a un público masivo. Algo que se aleja del sentimiento, la base de la historia que es mucho más profunda que cualquier pozo o alcantarilla. Pero lo que persiste a lo largo de todo el desarrollo,

contra algunos de los desaciertos, es esa empatía por el grupo de niños y la pasión al narrar una historia clásica de amistad y el fin de la inocencia. El elemento de unidad que fortalece al grupo protagonista contra las intenciones del mal es también el núcleo, nacido de la obra literaria y perfectamente trabajado en la adaptación, lo que rescata al film. Lo importante son los personajes, el director lo entiende y se preocupa por ellos al igual que lo hacemos nosotros. Y eso es lo importante de todo relato. La magia existe y queda demostrada.

EL ESCRITOR SERIAL

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TWIN PEAKS: THE RETURN [ Nicolás Ponisio ]

“Te volveré a ver en 25 años”. Las palabras, dichas por Laura Palmer (Sheryl Lee) en el último episodio de la serie original, suponían no solo una afirmación hacia el querido Dale Cooper (Kyle MacLachlan) sino también una promesa para los fans. Un mensaje críptico, como todo lo que se desarrolla dentro de la atmósfera abstracta de la Black Lodge, que con el paso del tiempo adquirió la forma concreta de ser un verdadero hecho a cumplirse. David Lynch y Mark Frost, los magos detrás de la cortina (en este caso roja en vez del verde de Oz), retoman la extraña criatura de culto que transformó a la televisión a comienzos de los noventa; pero así como los tiempos cambian, su hijo televisivo también lo ha hecho. Como si se tratase del bebé de Eraserhead, la nueva Twin Peaks es una rareza conformada entre belleza y horror. Olvídense de la vieja y clásica ciudad del estado de Washington, del policial con toques de soap opera. Usted está ingresando a un mundo totalmente nuevo. Uno del que quizás nunca logre salir.

TWIN PEAKS: UN LUGAR EN EL MUNDO Y OTROS MUNDOS Escapar de una dimensión maléfica, luego de estar atrapado en ella durante 25 años, y encontrarse con el mundo actual debe ser muy similar, en el campo terrenal, a despertar de un largo coma. Y es que por medio de lo visual, todo contexto que rodea a Twin Peaks tiene su lógica en el mundo concreto y su alegoría, o doppelganger, en el campo de lo místico y sobrenatural. Al igual que ocurría con la serie original, donde el afligido Leland Palmer (Ray Wise) era tanto un padre abusivo como también alguien poseído por un demonio, la construcción narrativa y sensorial de esta nueva serie se conforma con la retroalimentación de diversos mundos. Todos ellos igual de existentes, con lecturas diferentes pero válidas de forma individual o en conjunto. La identidad propia de la serie, dentro de su lógica, permite que lo abstracto sea concreto y viceversa. Sin que ninguno de ambos aspectos ponga en jaque al otro, todo fluye y coexiste gracias a la forma de contar y explorar dichos mundos. Una relación creada mayormente por Lynch, pero que adquiere su existencia y aspecto final de forma recíproca, en las sensaciones y pensamientos del espectador. Así como la idea del

sueño es creadora de mundos y vidas, además de esclarecer misterios como Cooper puede dar fe de ello, lo onírico aquí se traduce en lo único y excepcional. La experiencia que no se puede transmitir del todo al ponerla en palabras, sino que funciona de distinta manera en cada caso, en cada relación del material y el espectador. La serie de Lynch y Frost apela a lo intuitivo y sensorial, así como Cooper también lo hacía a la hora de seguir las pistas del asesinato de Laura. Por ello es que la construcción y desarrollo de la historia, con sus aciertos y desaciertos claro está, conforman su sentido en dependencia de la vivencia de cada espectador. Hay tantas posibilidades, sensaciones y pensamientos como lo hay en ese sentido infinitos mundos, vidas y sueños que alberga la existencia misma. El absoluto (des)control de Lynch en sus ideas traducidas al contexto audiovisual le ofrecieron la posibilidad de dar rienda suelta a su imaginación y volcarla en un sinfín de ramificaciones artísticas. Nosotros, espectadores, tan solo somos el huésped pasajero de la experiencia que nos ofrece Lynch. El sujeto que nos paseará a su antojo por este mundo, conocido y desconocido por igual.

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INVERSIÓN DE ROLES: ACERCA DE DOPPELGANGERS Y OTRAS DIMENSIONES En este trayecto al interior de la mente Lyncheana que supone ser la experiencia de la nueva Twin Peaks, su desarrollo con el correr de las 18 horas de esta serie limitada es una retroalimentación de conceptos trabajados anteriormente. La idea del doble, trabajada por el director en Lost Highway, Mulholland Drive y la serie de los noventa, funciona como elemento abstracto y metafórico de lo extraño dentro de lo cotidiano. La dualidad humana y el balance entre las fuerzas del bien y el mal como exteriorización de la condición mental. Así es como la historia de abuso sufrida por Laura ante su padre, esclarecida del todo con la fuerza dramática del film Fire Walk with Me, se interrelaciona con el elemento sobrenatural –la maldad como disociación de la realidad personificada en la entidad maléfica conocida como Bob (Frank Silva)-. La lógica de este mundo permite que los actos y pensamientos más aberrantes adquieran forma humana, para hacer del mundo cotidiano el terreno donde lo más aberrante y terrorífico tiene lugar. Algo que les permite a Lynch y Frost depositar a su criatura en el realismo trágico mientras juegan con la idea de lo cósmico y lo interdimen-

sional. Algo que, con la libertad creativa otorgada a Lynch por los ejecutivos de Showtime, ha sabido aprovecharse en pos de extender el universo a límites inimaginables. Eso mismo nos lleva al que es, sin lugar a dudas, no solo el mejor episodio del total de la serie sino también una de las obras visuales más grandes que sobrepasa a su condición televisiva. No es cine, no es televisión, no es pintura, es todo ello y más con un despliegue artístico que rebosa de profundas emociones. Todas ellas siendo despertadas de la forma más abstracta posible, similar al trabajo en cine de Terrence Malick con films como The Tree of Life o el más reciente Voyage of Time. Sin embargo, la parte ocho de Twin Peaks, es un material único que sirve para entender en parte la mitología de la serie de una forma experimental que nunca antes hubiera podido ocurrir en la televisión. Y que de seguro nunca vuelva a ocurrir. Tomando como creadora de la vida espectral a una de las pruebas de la bomba atómica en el desierto de Nuevo México a mediados de los cuarenta, el guión de Lynch y Frost encuentra su traducción en un ejercicio cinematográfico y pic-

tórico. Reúne y mezcla una variedad de poderío audiovisual que permite que, esa idea del joven artista que deseaba lograr pinturas en movimiento, se haya hecho realidad y alcanzado su máxima expresión. La inclusión de distintas vertientes artísticas, donde predomina la pintura y el cine experimental entre otras, logra crear un lenguaje propio nacido de lo sensorial que a la vez termina de crear las ideas argumentales sin necesidad de una narrativa clásica. Incluso el episodio en cuestión prescinde casi en su totalidad de diálogo alguno, más que el que se relaciona puntualmente con la experiencia generada a través de las imágenes. Las mismas contienen un remolino de sensaciones que van desde la maravilla de estar ante un material único, la desazón de cómo el mal adquiere una forma y lugar físico a raíz del caos humano y la armonía generada por aquella bondad que existe para equilibrar al mundo. Lo que no se puede poner en palabras, lo indescriptible, halla la forma de dirigirse al entendimiento del espectador con solo acudir al despertar emocional, resultado de la orquestación magistral del director. La creación de un mundo de horror, la abstracción y el frenetismo en escenarios como las implosiones de energía, la convenience store, los inquietantes Woodsmen y el concepto de que a través de las ondas hertzianas, de la electricidad y el factor moderno, la maldad se abre paso de mejor forma. Nacimiento de la destrucción en forma de una intrigante criatura, la madre (Jowday o Judy para los amigos), que da a luz cual vómito a las semillas de maldad (entre ellas Bob). Todo ello confluye de manera orgánica y encuentra en la imagen de una niña, la inocencia y el amor, el núcleo de lo que siempre trató Twin Peaks: la imagen inocente corrompida y coartada antes de tiempo. Es hermosa la atmósfera con la que el episodio cuenta, ya que toda la angustia que se a da a raíz de esa explosión nuclear, de ese acto del hombre, también obtiene su calma y bienestar en el espacio de arquitectura mística que es la White Lodge. El hogar del gigante, más tarde conocido como The Fireman (Carel Struycken), transmite su identidad a través de su diseño completamente

opuesto a la tan conocida red room de la Black Lodge. Aquí no hay lugar a interminables pasillos saturados de cortinas rojas y suelos frenéticos. Lo abrupto no tiene lugar en este territorio bañado por las olas de un mar calmo, por tonos monocromáticos, música ambiente y un alfombrado uniforme. De allí, de esa calma atmosférica, nace la fuerza antagónica del mal y, así como Bob representa todo el caos y el horror del mundo moderno, Laura nace aquí como energía del bien. Pero también lo hace como el sacrificio humano que es y que basa su existencia y destino en traer consigo a una de las más grandes personificaciones del bien: el agente especial Dale Cooper. Así y todo, como bien dejaba en claro el final de la serie original donde Cooper terminaba atrapado y su doppelganger ocupando su lugar fuera de la Black Lodge, donde hay uno hay dos. Y si de algo se interesa abordar la nueva serie es en el lugar mental y físico que ocupa esta dicotomía. En palabras de la querida Lady Log (Catherine Coulson), “Donde una vez hubo uno, ahora hay dos. ¿O siempre hubo dos?”. La idea del doble, llamado Mr. C, funciona como antagonista del relato, como el elemento de maldad que ronda el espacio físico pero también como símbolo de que todo lo bueno puede perderse, dejando tan solo una sombra de lo alguna vez esa persona fue. Cada presencia y escena violenta protagonizada por Mr. C, posee una fuerza absoluta de la actuación de Kyle MacLachlan y el ambiente cuasi estático de la imagen. Lo violento no se haya tanto en el acto en cuestión, a excepción de momentos como la muerte de Darya (Nicole LaLiberte) o la gran escena de pulseada que juega Mr. C para atrapar a Ray (George Griffith), sino en la mera presencia extraña de un personaje que supimos querer y que vemos caracterizado de forma tan diferente. Una piel quemada por el sol, las pupilas negras que cubren casi la totalidad del ojo, un cabello descuidado hasta los hombros y la parsimonia del dialecto construyen un aire de incomodidad entorno al personaje. Cada momento en pantalla reescribe el talento actoral de MacLachlan a la vez que lo hace en la personalidad y el aura terrorífica del personaje.

La idea del Doppelganger o tulpa, responde a seres duplicados ligados a una fuerza malévola o manufacturados con un propósito (aquí el concepto místico de tulpa fuertemente ligado a la obra pictórica de Magritte como El autómata). Ambos conceptos pueden ser creados a raíz de la fuerza mental o espiritual, lo cual habla particularmente de esta idea del doble no como algo ajeno o diferente al original, sino como algo tan propio de uno que puede coexistir en el interior, despierto o no. Lo cual agrega a la doble interpretación de MacLachlan a un tercero en discordia. Un personaje generador de controversia, malestar y comicidad a la serie y el espectador. Sin más preámbulos, comencemos a explorar el mundo de Dougie Jones.

QUIEBRE DE LA ESTRUCTURA NARRATIVA: LAS LOCAS AVENTURAS DE DOUGIE JONES Y el hablar de este personaje, que en realidad se trata de Cooper en estado catatónico, implica también abordar la disrupción narrativa de la que hace uso Lynch para poner en contexto a este extenso arco de la historia. Algo que en gran parte resulta como una tortura del director para hacer desear más la presencia del verdadero Cooper, y por ende, no darle al público lo que quiere. La pasividad con la que decide contar las situaciones vividas por “Dougie” es una atmósfera aletargada que funciona tanto como creadora de identidad del personaje, descrito con una lentitud y escasa

presencia de diálogos, así también como construcción del campo visual. La atmósfera de la ficción trasladada al estatismo de la imagen. El silencio prolongado halla su forma como dilatación de lo temporal, algo que va en contra del espectador moderno, acostumbrado bien o mal a una narrativa más dinámica e inmediata. Aquí se ve obligado a hacer a un lado la ansiedad para poder disfrutar, o al menos experimentar, la geografía espacial que el director hace del relato. Porque si bien la televisión actual es un manantial de estímulos visuales y narrativos, lo logra

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desde el clasicismo de su estructura, la cual opta por quien disfruta de ello desde una postura de espectador pasivo. Algo que, en términos de lo que se propone Lynch, jamás ha existido e imposibilita con su obra su mera presencia. La utilización de la fijeza, de lo estático en el desarrollo de la narración permite romper con la estructura clásica del relato televisivo, sin importarle al autor que moleste o no. Factor que vuelve aún más valerosa su visión artística que no deja limitarse por nada ni nadie. Que ocurra esto, hoy en día donde más allá del gran abanico de talento artístico que hay en la antigua caja boba se continúa rigiendo por las exigencias de las cadenas y la comodidad del público, es una nueva demostración de lo lejos que se puede ir con las ideas y la pasión artística. Guste o no, un quiebre televisivo del que quizás nadie siga su ejemplo, pero que ha vuelto a deconstruir lo establecido. Una disrupción de lo clásico en pos de la imagen y la experiencia nacida en relación a ella. Y si bien ese valor que se puede hallar en la elección y la libertad artística que se le ha dado y que se ha ganado Lynch es una realidad, también lo es el hecho de que esas faltas de limitaciones puede resultar un peligro para el desarrollo de la obra. Mientras que hacia las últimas horas de esta serie limitada los eventos ocurridos en la vida de “Dougie” confluyen positivamente, es el derroche de tiempo y los pocos niveles de relevancia argumental lo que arruina parte del viaje ofrecido. Sea viviendo con Janey-E (Naomi Watts), sobreviviendo a intentos de asesinatos, trabajando como puede en una agencia de seguros o haciéndose amigo de los carismáticos mafiosos Mitchum (Robert Knepper y Jim Belushi), las aventuras de “Dougie Jones” protagonizan una serie de gags cómicos de los que tan solo unos pocos logran ser verdaderamente graciosos. Algo similar a lo que solía ocurrir en la, no tan buena, última mitad de la segunda temporada de Twin Peaks con Nadine (Wendy Robie) creyéndose una colegiala, ya que todo lo referido a “Dougie” termina siendo un mal chiste contado por Lynch y Frost del cual solo ellos se ríen. Este Cooper adormecido, que cada tanto tie-

ne atisbos de su viejo yo logrando despertar brevemente un interés fugaz por parte del público, sufre en la primera mitad de la serie de un abuso presencial. La constante participación del personaje en una serie de situaciones que se reiteran en diferentes ámbitos no posee, a excepción de pequeños momentos, demasiada importancia a grandes rasgos. Sea argumental o visual. En cierta forma, denotando un adormecimiento en partes iguales: del personaje, el artista y el espectador. Pero así como le ocurría al protagonista, ese aspecto adormecido de la trama también logra sus despertares en la forma del subtexto como trasfondo de la imagen. Este personaje de escasas palabras, un lenguaje limitado a repetir las últimas palabras oídas, implica la presencia del manifiesto del surrealismo de André Breton que adopta la forma humana del otrora agente del FBI. En gran parte del primer manifiesto de Breton se puede hallar varios rasgos que describen el comportamiento de “Dougie”. Una forma de denotar aquello ligado a la grandeza y el entendimiento a través de lo extraño. El personaje que se maneja a través de un comportamiento autista, logra moverse en el caos cotidiano con una inocencia que le permite en cierta forma salir airoso de cada situación y ganarse el afecto de quienes lo rodean. Algo que, dentro del letargo del que se hace uso, es necesario para forjar un lenguaje y comportamiento ligado al vínculo de la niñez y la familia. Algo que repite en más de una ocasión “Dougie” es la palabra hogar, algo que no solo indica hacia dónde se dirige el personaje, sino también algo que define la necesidad del propio Cooper. Un hombre que durante 25 años perdió toda posibilidad de contacto humano y de poder formar lazos de amor y amistad, un cuarto de vida que le fue negada de la misma forma que a Laura le fue arrebatada su inocencia. Ahora, al menos para Dougie/Cooper, todo ello se le es dado en gran cantidad. Y gracias a ello, uno de los vínculos más hermosos que duele en el alma ser despedido, en la forma de un abrazo entre tres seres queridos. La incapacidad de comunicación en “Dougie”

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termina siendo el manifiesto de Lynch tomando al lenguaje como elemento de desintegraciĂłn. A la vez, ocurre lo mismo con la personalidad de Cooper, perdida o derruida para desarrollarla de manera diferente a partir de cero. Algo similar a tomar un material viejo y conocido como Twin Peaks y dotarlo de un aspecto nuevo y diferente. AsĂ es como Lynch termina presentĂĄndose, con todo su derecho le pese a quien le pese, como constructor y destructor de su universo.

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Bing & Ruth – el colectivo dirigido por el compositor y pianista David Moore – tiene un nuevo EP, “Dorsal”. Una colección de 3 canciones escritas y grabadas durante las sesiones de “No Home of the Mind” (2017) disco del que diéramos cuenta en estas páginas. Moore dijo que cuando escucho las grabaciones sintió que estos temas formaban una familia de sonidos diferentes y que merecían ser editados por separado y así fue, el Ep editado por el sello 4AD contiene tres temas instrumentales 1Dorsal 2 - Toche ll y 3 - Wighout, En donde el piano es el instrumento principal y el objeto de variadas exploraciones tendientes a sacarle diferentes sonoridades que junto al retardo de cintas forman la materia prima para que los músicos armen espacios y climas minimalistas.

Null + Void es el proyecto solista de Kurt Uenala, que desde hace años viene colaborando con Depeche Mode. El 1º de noviembre lanzará su primer álbum llamado "Cryosleep",entre las colaboraciones que tiene el álbum se encuentran los Black Rebel Motorcycle Club (Official Page), y Dave Gahan, entre otros. Justamente la colaboración del Depeche Mode tiene video y el tema se llama “Where I Wait feat. Dave Gahan” y fue dirigido por Tim Saccenti.

Morrissey anunció un nuevo disco para el 17 de Noviembre llamado “Low In High Schoo” y nos presentó su primer single "Spent the Day in Bed" el tema ya tiene su video en donde se lo ve intacto, lleno de magia y sentado. El albúm sale por Etienne Records.

UUUU es una banda nueva que acaba de lanzar su álbum oficial sin título. Hasta ahora no decimos nada pero sus integrantes son: Thighpaulsandra(Coil y Spiritualized), Graham Lewis y Matthew Simms de Wire; y Valentina Magaletti -Drummer. Experimental que roza a cosas de Einsturzende Neubauten o Test Dept. Infaltable!

Con el video para el tema "When The Body Breaks" del muy buen álbum "Mysterium" del Dúo Hammock que hace ya un par de meses venimos dando cuentas se completa la serie dirigida por Andrew Thompson quien hizo un video para cada uno de los temas del disco. Pueden acceder al disco y a los videos desde su página o desde su canal de yuotube. http://www.hammockmusic.com/

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Brian Eno (electrónica) y Tom Rogerson (piano) realizarón un álbum en colaboración “Finding Shore” y compartieron un adelanto. El disco está anunciado para el 8 de diciembre y será editado por Dead Oceans en cuya tienda ya se puede pre - ordenar. El tema se llama "Motion in Field" y lo pueden escuchar por Sound Cloud o el youtube del sello.

Slow Meadow el proyecto de Matt Kidd anunció un álbum de nombre "Costero" que se podrá escuchar completo el 17 de noviembre. Por el momento en el Bancamp han liberado dos temas "Lamellophone and the Gulf of Mexico" y “Hurricane”, ambos instrumentales el disco sale por el sello Hammock Music

Belly ha anunciado un nuevo álbum para el 2018 y pide a sus fans el apoyo y ofrece premios para quienes ordenen el disco antes de su salida. El mensaje es el siguiente: "Así que aquí estamos, después de un breve receso de 22 años, de nuevo en el estudio grabando nuestro tercer álbum. Antes de nuestra gira de reunión en el verano de 2016, habíamos escrito un puñado de canciones con el plan de lanzar un EP más tarde en ese año, pero al final de esa alegre experiencia, decidimos ampliar la idea a un álbum completo con otro tour que seguirá en la primavera de 2018. Hemos comenzado a grabar temas básicos en Stable Sound Studios con nuestro viejo amigo Oaul Q. Koderie en la consola. Estamos muy entusiasmados con estas nuevas canciones y te invitamos a unirte a nosotros en este proceso pre-ordenando el nuevo álbum y experimentando otros beneficios ofrecidos que cambian la vida con PledgeMusic" https://www.pledgemusic.com/projects/belly

Justo al cierre de este resumen nos llega "Cristales del tiempo" el nuevo disco de Daniel Melero y dice que se trata de "Un conjunto de canciones inspiradas en la ciencia y la ficción. Una apuesta interesante a la idea de la información, falsa o no, como motor primario de inspiración. La creencia como religión personal, y el conocimiento como un proceso ramificado. ¿La fuerza de los deseos y las intenciones podrían generar fenómenos? Cristales de Tiempo se construye como respuesta"....Ampliaremos.

DE CANCIÃ&#x201C;N + BANDA

[ Por Diego Centurión ]

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Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias. Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda. La llamamos "De Canción + Banda".

Hoy tenemos un caso que no sitúa en la década de los 60's, precisamente hace 50 años. The Velvet Underground lanzan, en 1967, su icónico álbum debut llamado "The Velvet Underground & Nico", ¡sí con la bella Nico!. En dicho álbum se encuentra la canción que ayudó a la banda de Texas, a poner un nombre a su banda, The Black Angels. Estamos hablando de la canción "The Black Angel's Death Song". Dicho sea de paso, el ábum de la Velvet es recordado también por tener como portada la banana de Andy Warhol, quien en ese momento era como "el motor creativo", aunquesabemos que Lou Reed y John Cale siempre estuvieron al frente de las composiciones. Ahora pasando al presente... el ciclo del nombre de la banda de Texas se cierra este año con su disco "Death Song", en lo que sería el cierre del título del álbum que le dio su nombre. (En este mismo número pueden ver la reseña colectiva realizada por distintas personas del álbum de The Black Angels). Los Links ambos discos son: https://open.spotify.com/album/6MqUvJry4Z87cCWebJmzcu https://open.spotify.com/album/0Wea7o6DfKCkcGKbn5djdz

PURA MELOMANIA

ME LO QUEDO CON LO MÍO Nico – Chelsea Girl (1967) [ Gabo Rojo ]

Muchos músicos de renombre que escucharon este disco cuando salió, como Peter Hook o Morrissey, lo consideran uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos. A 50 años de su lanzamiento, ¿seguirá Chelsea Girls siendo relevante para las generaciones posteriores? No es difícil enamorarse de Nico. Sería un error considerar a Chelsea Girls, su debut solista tras los tres míticos temas que la cantante/modelo/actriz interpretó en el descriptivamente titulado The Velvet Underground and Nico, como un disco de covers. La mayoría de las canciones fueron escritas específicamente para ella por gente que la conocía. Gente como Bob Dylan, John Cale, Lou Reed y Jackson Browne. Como dije, no es difícil enamorarse de Nico. Como resultado, Chelsea Girls es, lejos, el trabajo más accesible de la “chanteuse de las catacumbas”. La combinación de las canciones (escritas, como se vio, por simplemente los mejores) y el delivery vocal logran encapsular perfectamente el misterio, la soledad, el amor, el aislamiento, la tragedia y el triunfo que es Nico, pero sin los aspectos más shockeantemente experimentales de los que estarían teñidos sus discos posteriores. Con excepción de la disonante “It Was a Pleasure Then” (ominosamente, el único tema del disco en el que Nico figura como co-compositora), los arreglos son tradicionales y hasta barrocos: guitarras, cuerdas, flautas. Nico los odió (supuestamente incluso lloró cuando escucho las flautas – y no de emoción), pero aun así funcionan y realzan la calidad

de Lou Reed que da título al disco, con su inolvidable retrato de decadencia urbana, es esencial para cualquier fan. Los fans de Jackson Browne lo atesoran por contener 3 de sus primeras composiciones (hubo una cuarta que el californiano escribió para Nico pero desafortunadamente no se materializó, “The Birds of St. Marks”, sobre una “reina que canta sobre morirse”) Algunos simplemente se cansan de verlo en listas de “mejores discos de los 60s” y deciden finalmente escucharlo. Gente más joven llega a él gracias al uso de “These Days” y “The Fairest of the Seasons” en el querido film de Wes Anderson The Royal Tenenbaums (Jackson Browne dice haberse olvidado de que había autorizado su uso, y cuando los temas sonaron en el cine pensó “yo tocaba la guitarra exactamente así”). Tanto la calidad como la relevancia cultural del material asegura que los caminos que llevan a él se segui-

atemporal de las melodías y letras. Hay muchos caminos para llegar a este álbum. Muchos llegan por la Velvet – después de todo, el tema

rán multiplicando, y la revelancia de Chelsea Girls estará asegurada. Por mi parte, como dice la canción de Dylan que abre el disco, yo “me lo quedo con lo mío.”

PATADA A LA AUSTRALIANA INXS - Kick (1987) [ Alex Bretto ]

Un amigo heterosexual me dijo una vez: “El único hombre del cual podría enamorarme es Michael Hutchence. Es perfecto en todo sentido!”. Es cierto que Hutchence tenía un magnetismo escénico difícil de describir con palabras, y definitivamente no se puede decir que INXS haya sido una “boys band” en el sentido tradicional que se le da al término, pero la sensualidad y el carisma de su cantante fueron factores fundamentales para entender la razón de su éxito. También es cierto que los chicos carilindos vendieron siempre y que INXS perdió por muy poco la batalla por la conquista de Norteamérica contra Duran Duran. Solo porque Duran sacó una obra imprescindible y monumental como “Rio” unos 5 años antes de que INXS llegara al súmmum de su potencial comercial con “Kick”. Cuenta la leyenda que en algún momento de 1987 y a punto de volar a Honk Kong para reunirse con sus compañeros, el guitarrista Andrew Farriss estaba en la puerta de su hotel esperando el taxi que lo llevaría al aeropuerto, cuando se le cruzó por la cabeza un gran riff. Le pidió al taxista que lo espere porque se había olvidado algo, subió a su habitación y grabó el riff en un cassette (despertando la ira del tachero, que tuvo que esperarlo un largo rato). Cuando llegó a Honk Kong, le mostró la pista a Michael Hutchence y el mismo escribió una letra en 10 minutos. Este demo se convertiría en el adelanto del próximo álbum, se editaría en septiembre de 1987 y llegaría al #1 en Estados Unidos: estamos hablando de “Need You Tonight”. Cabe acotar que el single recién sería un éxito tras ser reeditado luego de la salida de “Kick”. “Kick” sería editado el 19 de octubre de 1987, y se convertiría en una placa esencial de los años 80. INXS estaba en su plenitud y había terminado de asimilar la madurez que venía gestando desde el álbum “Listen

Like Thieves”, que también había sido producido por Chris Thomas. Auspiciosa apertura con “Guns In The Sky” como muestra de los tensos riffs de guitarra que darán energía a varios pasajes del disco. A continuación, una ráfaga de hits: primero “New Sensation”, pop funk estilizado de alto nivel y “Devil Inside” un dance rock de tinte oscuro muy apropiado para el mainstream de su época. En cuarto lugar, el primer sencillo y más grande hit de INXS. Cabe mencionar que el video de “Need You Tonight” recibió altísima rotación en MTV contribuyendo el éxito masivo del single. El mismo era generalmente emitido junto al tema “Mediate” a continuación (al igual que en el disco), cuyo video es un claro homenaje a “Subterranean Homesick Blues” de Bob Dylan (también referenciado años después por Radiohead), donde la letra de la canción es acompañada por láminas de cartón que van siendo descartadas por los distintos miembros del grupo. Para cerrar el lado A, otra rola rockera que es “The Loved One”. Del otro lado no había tantos hits singles como en la cara A, pero si una calidad que no decae ni un ápi-

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ce. “Wild Life” es otra fusión de rock y funk, modesta apertura para dar lugar a esa excelsa balada llamada “Never Tear Us Apart”: una belleza que hace honores a un moderno vals vienés por el tiempo en el que fue escrita, con un Kirk Pengilly inspiradísimo en el solo de saxo, y promocionada con un video filmado en Praga. Y a continuación, un máximo exponente de la dupla Andrew Farriss- Michael Hutchence como autores de la música y la letra (respectivamente) de grandes clásicos: “Mystify” fue el quinto corte de “Kick”, pero para mi gusto debió haber sido cortada en segundo lugar al menos (calculo que en aquella época, se habrá especulado con mantener por más tiempo el álbum vivo en los rankings, postergando un single impostergable). Nunca dejó de sorprenderme la versatilidad de Hutchence para cantar “All veils and misty streets of blue / Almond looks that child divine” y el resto del primer párrafo, de una forma completamente distinta e

igualmente ganchera en el puente de la canción. Se necesita una fuerte dosis de inspiración para duplicar dicha de belleza compositiva y unirla con un simple “Mystify, mystify me” como nexo. Para cerrar, “Kick”, “Calling All Nations” y “Tiny Daggers”, más prototipos del rock alternativo de su época, elegantemente logrados para habilitar la reproducción en cualquier radio universitaria. “Kick” fue un éxito comercial sin precedentes para la banda, y la crítica lo alabó por haber logrado amalgamar el rock más duro que venía de “Listen Like Thieves” con los ganchos más masivos propios de “The Swing”. INXS continuaría mutando y experimentando con excelentes resultados en discos posteriores, pero fue “Kick” el producto que los ubicó en las grandes ligas y lo alejó de ser solo un simple fenómeno local australiano.

GEORGE EN LA CÚSPIDE George Michael - Faith (1987) [ Alex Bretto ]

A poco menos de un año de la triste e irreparable pérdida que significó la partida de George Michael, se cumplen 30 años de la edición de “Faith”, el disco que lo colocó en la cresta de la ola del pop mundial. Es uno de esos casos donde la vigencia de una obra supera al propio maestro que la ha creado retroalimentándose de su mito: es un hecho que el nombre de George Michael fue revalorizado con el correr de los años, y ha recibido el reconocimiento de todo tipo de fanáticos de la música de los más variados estilos y géneros, y de gente de todas las edades, nacionalidades y razas. ¿Qué fue lo que hizo posible un fenómeno como “Faith” en su momento, y qué fue lo que lo convirtió en un clásico incluso para generaciones que no lo vivieron cuando fue lanzado? Además del acontecimiento en sí, es necesario identificar los prejuicios que existen y existieron en todas las sociedades a lo largo de los tiempos, y que lo contrarestan. Cuando George Michael entrega esta obra maestra a fines de octubre de 1987, él mismo podía catalogarse como una estrella pop en ascenso tanto por sus composiciones como por su rol de sex symbol. El George bronceado, de barba casi dibujada y con chaqueta de cuero motoquera impactó visualmente en forma muy positiva, pero también generó reacciones negativas por tanto exceso de producción. Tras sus gafas de sol destilaba hormonas e incomodaba: el propio George renegaría años después de ese personaje que tan cuidadosamente armó para vender. Pero de algún modo, necesitaba hacer esto para romper con las cadenas que lo ataban a la imagen de Wham!. Y el sonido de ésta nueva etapa ya no era ya más el de Wham!, contra todos los pronósticos acerca de lo que George tenía que hacer para seguir mantenien-

do su éxito. Si bien algunos pasajes de “Faith” pueden sonar hoy en día anacrónicos y excesivamente ochentosos, el disco en su generalidad logró una atemporalidad propia de los clásicos. Sin embargo, aquella impronta vintage es la que da ese toque de color a un álbum que también marcó a fuego el dance tan propio de su década. Por ejemplo a través de “I Want Your Sex”, que ofició como single adelanto al ser lanzado en junio de 1987 como parte de la banda de sonido de “Beverly Hills Cop II”. Tan irresistible invitación a la pista de baile ameritó un #2 en Estados Unidos y fue top 5 en varios países del mundo. Dado el tiempo transcurrido hasta que se editó el LP (30 de octubre de 1987), hubo lugar para un segundo adelanto que se convertiría en instant classic y que se coronaría como el single #1 del año 1988 para la revista Billboard: el homónimo del álbum, “Faith”. Una canción corta, simple, muy impregnada de la década del 50 y altamente efectiva. Verdaderamente algo inespe-

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rado, ya que cualquier entendido sobre cómo funcionaba el mercado en esos años, sabía que para lograr un éxito seguro George necesitaba solo una balada. Pero las baladas las dejó para después. Y por dios, que baladas… “Faith” es un disco tan impecable y solo cuenta con 9 canciones, no existiendo desperdicios. Si insistiéramos en seleccionar un tema como el menos relevante, o más “flojo”, quizás elegiríamos “Look At Your Hands”, tal vez de aquellos que suena vintage pero que cuenta con una lírica tan actual como comprometida: la violencia contra la mujer. Honestamente, no hay modo de encontrar un defecto en este disco: lo que no desgarraba el alma desde las letras, nos transportaba a otra época como una máquina del tiempo, o nos obligaba a mover el esqueleto a morir. Los singles cortados luego de “Faith”, que da apertura al álbum, son un mazazo tras otro. “Father Figure” es una can-

morables y destinados a ser clásicos. “Cause teacher, there are things that I don’t want to learn / And the last one I had made me cry”: exuda pasión la lírica de un George inspirado como en sus mejores momentos, acompañada por un video donde el divo canta con el cuerpo y con el alma. El lado B era más simple y más efectivo, reservándose un cierre de lujo. “Hard Day” y “Hand To Mouth” eran frescas y bailables, aunque en el caso de “Hand To Mouth” se advertía una letra más dura y comprometida. Se trataba de una fuerte crítica al sueño americano desde la identificación con aquellos excluídos del mismo: “I believe in the gods of America, I believe in the land of the free / But no one told me that the gods believe in nothing / So with empty hands I pray”. De hecho, está canción estaba pensada para ser el corte posterior a “Faith”, pero ante el posible impacto negativo en Norteamérica, fue colocada como cara B

ción oscura de amor con tintes posesivos, cuyo video muestra un George que alimenta su imagen de macho duro manejando un taxi y jugando el rol de amante de una modelo que lo elige como fetiche. Porque hay que decirlo: MTV ayudó a construir esa percepción de un George recio. Tan recio, que en el video de “Faith” el mismo George reconoció que se colgó un collar de perlas del hombro de su chaqueta de cuero solo para ablandar un poco su figura. Hablando de canciones desbordadas de sentimiento, introspectivas y destinadas a la cima de los charts, no existe mejor ejemplo que “One More Try”. Fue el cuarto corte y cierre de un lado A cargado con hits me-

de dicho single. El siguiente tema era el ya mencionado “Look At Your Hands”, seguido por otro track de base netamente funk que sería próximo número 1 en USA, “Monkey”. Editado en julio de 1988 con una versión remezclada y un video que reflejaba escenas de la gira mundial de “Faith”, no había forma que este neo George con tiradores y sombrero adornando su jopo con reflejos no llegara directo a la cima. Y para cerrar la obra maestra, el tema que George se tenía guardado desde antes del último lanzamiento de Wham! Una balada suprema, minimalista y jazzera, que transporta a una década pasada y que constituye uno de los temas del disco

que mejor maduró con el paso del tiempo. Una anécdota: “Kissing A Fool” iba a ser el nombre original del álbum, trastocando a último momento a “Faith”. El resto de la historia es conocida: “Faith” arrasó los charts y los premios correspondientes al año 1988, es considerado hoy uno de los mejores discos de todos los tiempos por distintos medios especializados, y fue

número 1 en decenas de países alrededor de todo el mundo certificando ventas por más de 25 millones de copias. La vida de su autor cambió radicalmente después de esta placa, pero la genialidad de George Michael se mantendría intacta y llegarían en el futuro obras de la misma calidad o incluso superior. Pero si se trata de recordar un año a partir de la música que lo marcó, 1988 fue el año de “Faith”.

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RABIA, FRUSTRACIÓN, SEXO Y MELANCOLÍA Deftones - Around The Fur (1997) [ Pablo Ravale ]

No todo en las viñas del Nü-Metal pertenece a la moda que nefastamente inició sin querer el productor Ross Robinson (único responsable del nacimiento de esta movida musical) a mediados de los 90. Lo que era como la explosión Grunge pero en California, se fue degenerando hasta el punto de que la mayoría de los degustadores del Metal Alternativo les resultaba asqueante escuchar grupitos como estos que iban surgiendo. Sin embargo, hubo algunos representantes de esta escena que poseían calidad y que fueron forjando interesantes carreras. Deftones, por ejemplo, es el caso. El grupo lo formaron cuatro amigos de Sacramento –amantes de la música de Faith No More, Sepultura, Helmet, Bad Brains, My Bloody Valentine, The Cure, Cocteau Twins y Depeche Mode– cuando todavía iban a la escuela secundaria. Ellos eran el cantante Camilo “Chino” Moreno, el guitarrista Stephen Carpenter, el bajista Chi Cheng y el baterista Abe Cunningham. Deftones es un grupo que disco a disco fue evolucionando significativamente, acercándose cada vez más a una propuesta “trascendental”. La banda lanzó su primer trabajo discográfico, Adrenaline, en 1995, producido por un gigante como Terry Date (Soundgarden, Pantera, White Zombie, Prong). Y dos años después retomaban su camino editando este delicioso Around The Fur, el álbum que para muchos es la cumbre de su carrera. Incluso podría decirse que es uno de los discos indispensables de los 90. Lleno de furia y con un estilo muy personal, Around The Fur es un trabajo enérgico y emotivo. El disco combina guitarras cortantes y baterías sólidas con atmósferas inquietantes y pasajes melódicos de

un Chino Moreno lacrimoso y desgarrado que nos habla de rabia, frustración, sexo y melancolía, en letras de lo más abstractas. Para la ocasión, ya contaban además con el aporte (aunque en carácter de colaborador) de Frank Delgado en sintetizador y bandejas, quien acrecienta los climas densos y claustrofóbicos de algunos temas. Abre “My Own Summer (Shove It)”, una clásica canción de corte nü-metalero pero con el sello distintivo de los californianos. Su letra es críptica y la solidez de su sonido es envidiable. “Lhabia”, un tema sobre perversas prácticas sexuales inquietantemente susurrado, empieza a dejar claro por qué este trabajo es especial. Un riff original y acertadísimo, y un estribillo melódico, con una gran demostración de registro vocal. Una pieza esquizofrénica con una belleza algo macabra. Otra enfermiza canción de amor como “Mascara” vuelve a dar una vuelta de tuerca en el disco, enlenteciendo el estilo. Un poco etérea y plasmado la sensación de un vacío emocional, el tema es una especie de grito desgarrado de angustia, probando la admirable

capacidad del grupo de crear atmósferas inquietantes. La intensidad sube en “Around The Fur”. De nuevo con un inicio claustrofóbico, el estribillo rezuma potencia y cierto aire a Helmet de la época de Betty que se mezcla con el sólido beat de la batería. La voz pasa del lamento a la rabia hardcoriana y ya se introducen partes de sintetizador, cosa de la que se abusará en los próximos años. En mi opinión, uno de los mejores temas del disco… variado e intenso. “Rickets” es uno de los temas más agresivos del disco, con un estribillo muy potente e interludio ambiental incluido. De nuevo una demostración de versatilidad. Otro de las composiciones destacadas del disco es “Be Quiet and Drive (Far Away)”, una acertadísima canción melódica no exenta de fuerza con letra melancólica y de una calidad sorprendente pese a ser la más comercial del disco. Aquí el grupo suena como

te pegadizo y vuelve a sacar lo máximo de la banda, conformado otro “highlight”. “Headup” es un tema curioso por cuanto suena tremendamente a Soulfly, aunque interpretado por los Deftones. La colaboración de Max Cavalera en los coros aumenta esa sensación, claro. El grupo vuelve a coquetear con el hip-hop (como ya lo había hecho en temas de su primer álbum) de forma evidente y la potencia del sonido de las guitarras es muy destacable. De lo más heterodoxo e interesante de la placa. Una apisonador riff abre la intensísima “MX”, otro punto alto y atmosférico del disco. Efectos de voz y sintetizador se unen a un bajo protagonista y una guitarra errática en una canción de pura rabia contenida cantada delicadamente. El componente del sintetizador añade matices muy climáticos al tema y aumenta la sensación de angustia que destila todo el disco. El tema se pierde en el silencio para que el gru-

un muro, y con tres acordes extiende un sólido tapiz de sonido en un tema con cierto aire hipnótico y shoegaze. Una canción adictiva. A partir de este punto el disco se encamina a su cénit con “Lotion”. El sonido de las guitarras es brutal. El tema, otra vez con estribillo melódico, escupe rabia por los poros y los puentes con el riff machacón y Chino Moreno berreando cual cerdo degollado son de lo más intenso del trabajo. “Dai The Flu” vuelve a poner sobre la mesa la originalidad de la propuesta de los Deftones en cuanto a composición y su amalgama de estilos. Distorsión a muerte para un bajo que comanda una melodía terrorífica y una letra agónica que Moreno interpreta de forma escalofriante. El estribillo es tremendamen-

po reaparezca en el minuto 32 con la canción secreta “Damone”, una pieza oculta con un sonido extrañamente optimista y una letra de desamor. La canción es ciertamente intensa y con un gran trabajo de toda la banda, que vuelve a sonar con una grandísima potencia para cerrar un disco absolutamente redondo. En resumidas cuentas, un álbum muy agresivo y muy melódico al mismo tiempo, de inquietante belleza y descarnada rabia, emocionante, con una banda totalmente en forma, unas letras poéticas y un estilo personalísimo que se beneficia de una producción brillante. El grupo, el disco y el momento adecuado, que ya pasó, pero aquí quedó reflejado.

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FRÁGILES ARMAS DE GUERRA Annie Lennox - Songs of Mass Destruction (1997) [ Pablo Müllner ]

Annie Lennox es una estrella pop bastante difícil de “encasillar”. En los ochenta era (casi) tan popular como Prince o Madonna, pero siempre fue demasiado inglesa para triunfar masivamente en EEUU. En Reino Unido, tiene el karma de ser muy “butch” (masculina) o muy “izquierdista”, o muy “escocesa”, como para ser la indiscutida reina del pop. Sin embargo, como la parte “femenina” (y a veces no tanto) del dúo Eurythmics supo recorrer el mundo y los siete mares con su música y sus videos. En 1992, su debut solita “Diva”, fue bastante más popular que el polémico “Erotica” de Madonna, que salió casi en paralelo. En Diva, Annie sonaba como una verdadera soul diva yankee aunque revestida con las texturas lánguidas y celtas de Enya. Así conquistó la corona de Diva (con Diva), y en el acto se quitó el disfraz y se perdió en el horizonte. Huidiza y camaleónica, como una “Bowie” mujer, Annie siguió su desigual camino por el mundillo pop. Si bien su música nunca es ni será tan compleja u oscura como digamos, la de Siouxsie o Kate Bush, siempre tendrá cierto estatus de culto. Podría decirse que su sonido es un pop comercial muy difícil de “comercializar”. Así de contradictoria como suena esa afirmación, suena “Songs of Mass Destruction”. Pasaron 15 entre Diva y este álbum, en los que la cantante estuvo más preocupada por su activismo político y sus problemas del corazón que cerrar un buen disco. Pero finalmente en Songs lo consigue, gracias no intentar el mismo camino... Desde lo caustico del título, “Canciones de destrucción masiva”, una cita bastante directa al “fantasma nuclear” de la era Bush. Hasta la portada donde aparece como una bruja del medioevo quemándose viva, bajo un cielo rojizo apocalíptico. Algún incauto podrá esperar un disco perturbador como los de Diamanda

Galás o Marilyn Manson, pero Annie nunca fue adepta al extremismo en términos sonoros, aunque sí a innovar (el primer Eurythmics mezclaba el post punk con el kraut-rock de una manera bastante original). En este caso, nos sorprende con un sonido de piano rock directo, sin edulcorantes femeninos. “It´s a Dark Road… And you´ll never find me there, oh no…” (“Es un camino oscuro, pero nunca vas a encontrarme ahí, oh no!”) arranca en “Dark Road”, una balada amarga, llena de frustración, que parece hablar más del estado del mundo en 2007 que de una relación afectiva en problemas. Los estados de ánimo personales sirven de punto de partida para hablar, “quejarse”, de varias injusticias sociales (Love is Blind, Womankind) e incluso hay temas que podrían sonar más ligeros en manos de otra artista “no tan antipática”. Hay una canción dedicada a la lucha contra la transmisión uterina del HIV, “Sing”, que no sería demasiado relevante sino fuera que cuenta con la voz invitada de (su amiga-enemiga) Madonna y un ejército de coristas, algunas bienvenidas (Beth Gibbons, k.d. lang) y otras indeseables

(Shakira, Celine Dion). Sin embargo lo mejor del disco está bien lejos de esas condescendencias… Se halla en espacios más oscuros, crispados: la (hiper) electrónica “Coloured Bedspread”, la explosiva “Big Sky”. O el lamento anti belicista de “Lost” donde Annie se limita a decir: “We are lost…” (“estamos perdidos”) como si cantaran miles de voces dentro de una caja negra recién hallada. Y con eso solo logra conmover e impactar. Sin ser una maestra de la ironía como Morrissey, ni una poeta zarpada como Patti Smith, Annie sabe qué decir y cómo decirlo. Y además, tiene mucha razón: Estamos perdidos. Casi tan perdidos como este gran disco de los oídos del mundo.

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ALL OUR EXES LIVE IN TEXAS | When We Fall Label: Universal Music Australia Fecha de Lanzamiento: 03 de Marzo de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

Hay poco que no les pase a estas cuatro muchachas en su disco debut: se enamoran, se separan, quieren volver, quieren alejarse, superan lo insuperable, vuelven a caer de nuevo. El humor chispeante que es componente esencial de sus shows en vivo está en cierta forma ausente aquí: estas chicas no sólo poseen talento y actitud, sino que saben asignar a cada cosa el lugar que le corresponde. El contenido aquí es serio. El vehículo musical no podría ser más acertado: un sonido limpio con rica instrumentación barroca, fluidas melodías folk-americana e impecables melodías BeachBoyescas. Está tan lejos del pop saturado de

reconciliación “Oh Lover of Mine”, se realiza un corte para satirizar a la gente que postea fotos de sus bebés contantemente. Y lo que es más, el disco cierra con una performance a capella donde las chicas la-

bleeps, vocoders y autotune de hoy día que parece venir de otro planeta (casi – viene de Australia). La música recuerda a mejores tiempos, pero el contenido lírico es eminentemente moderno y refleja la realidad de una generación particularmente desencantada con el sueño suburbano. En el medio de la plegaria de

mentan no poder comprarse una casa, un jardín y un Cadillac “aunque sea para probar que pueden”. La dedicatoria del disco reza “here’s to strong women. May we know them. May we raise them. May we be them.” Algo indiscutible – especialmente si sacan discos tan buenos como este.

TRÓPICO DE CANCER | Pecado de Amor Label: tropicodecancer.bandcamp.com Fecha de Lanzamiento: 31 de Agosto de 2017

Este proyecto tiene todo lo que tiene que tener un dúo, bajo - guitarra, batería electrónica, hombre - mujer, y que son pareja. Como seguramente estarán pensando... Pero no, no hacen synth pop o electro pop. Muy por el contrario, Trópico de Cáncer no tiene ningún condimento de esos ritmos. Es más sus estructuras sonoras que nos pueden llevar al The Birthday Party menos explosivo sino el más oscuro, al Phantom Chords de Dave Vanian, o al psichobilly negro de The Cramps. Es decir un sonido bastante alejado al que nos tiene acostumbrados los dúos que en un principio mencionábamos. Para buscar un paralelismo con alguna banda que sea un dúo y que esté más cerca del sonido de Trópico de Cáncer podrían ser los Di Giovanis, aunque la banda se la que hablamos hoy tenga menos explosión punk y más oscuridad post

punk. Trópico de Cáncer se presenta en sociedad con este EP de cuatro tracks en donde despliegan todo su amor por la música que no suele ser la más fácil de escuchar pero seguramente que de las más disfrutables para aquellos que nos gustan los sonidos más ocultos o prohibidos.

ASK FOR JOY | A Blow and A Kiss Label: Infinitely Recursive Records Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre de 2017 Un nuevo EP de Aaron Rossetto quien lleva adelante este proyecto llamado Ask for Joy, que ya ha estado presente en nuestra revista. En esta oportunidad nos encontramos su noveno EP, que cuenta con cinco bellos tracks bañados de guitarras shoegaze de gran resolución y espectrales pero con gran presencia. Aaron se encarga de todo en estas cinco canciones, voces, guitarras, bajos, teclados, y las programaciones de las baterías. La muralla que logra con las guitarras se vuelve tan estridente como neblinosa, creando una marea que arremolina tantas sensaciones como belleza. Una pared sonora que arrastra al oyente de un lado a otro según las canciones lo vayan marcando, casi ordenando. Un trabajo que no presenta riesgos sonoros a lo que viene haciendo Ask for Joy desde hace unos años, no muchos (7 años), pero que cada

vez la calidad va en aumento reforzando la sensación de placer al escuchar una nueva producción de este proyecto de Rossetto.

93MILLIONMILESFROMTHESUN | Victory Is Ours Label: White Light Recordings Fecha de Lanzamiento: 14 de Septiembre de 2017 Nuevo EP de la banda de Nick Noble, quienes hace unos meses habían lanzado el EP dedicado y llamado “Slowdive”. Ahora regresan con este trabajo de cuatro canciones en donde nos demuestran porque este proyecto de Doncaster (Inglaterra) es de los mejores en la escena actual del shoegaze. La energía latente y desbordante en “Victory Is Ours” sirve para entender de qué se trata la banda si no la conoces. “When The Light Has Gone” es un remanso en donde nos podremos recuperar de la velocidad del track anterior, tal vez, tirados en el pasto mirando al soleado cielo con blanquecinas nubes que pasan a velocidad. “Forever Gone Today” nos despierta en medio de una tormenta de viento provocada por esas guitarras sedientas de nubosidad aunque nos dejan ver un poco de sol. “Kings Of The 80's” es un viaje de 15 minutos en donde no nos daremos cuenta del paso del tiempo y nos quedaremos tan cómodamente adormecido en esas

ilusiones sonoras creadas casi hipnóticamente por el ritmo y las guitarras que aparecen en dosis calmas y también tormentosas. Un EP que nos trae a una de las mejores bandas del nuevo shoegaze de vuelta.

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GARY NUMAN | Savage (Songs from a Broken World) Label: BMG Fecha de Lanzamiento: 15 de Septiembre de 2017

Nuevo álbum de Gary Numan. Un trabajo conceptual que se centra en la mezcla de culturas occidentales y orientales en un mundo que se ha desertificado como resultado del calentamiento global. "Las canciones son acerca de las cosas que la gente hace en un ambiente tan duro y aterrador", declaró Gary en una reciente entrevista. Aunque también tiene una mirada que no le esquiva a la era Trump. ¿Con qué nos encontramos? Con un álbum maduro, casi sin fisuras, por momentos épico y momentos post industrial, con muchas secuencias y guitarras a lo Nine Inch Nails, pero con un poco menos de agresividad pero más de densidad y profundidad. El sonido de Numan no ha variado en los últimos álbumes, pero en este se nota que el sonido terminó de madurar. Es todo más compacto y contundente. Cada track tiene un impacto sonoro estremecedor y crea el clima ideal para el siguiente track. Ya hemos tenido varios adelantos del álbum por youtube, pero al escuchar el álbum entero, cosa que hoy en día nos estila, encontraremos un sonido pro-

fundo y plagado de sutilezas que nos llevan a prestar atención a todo. Las diez canciones que tiene el álbum traen un golpe certero que nos hunde en el corrosivo mundo de Numan. Desde el primer track "Ghost Nation" hasta el último "Broken" iremos redescubriendo al verdadero Gary Numan. Como última recomendacion es que escuchen

BRIAN WILSON | Playback – The Brian Wilson Anthology Label: Warner Music Group / Rhino Records Fecha de Lanzamiento: 22 de Septiembre de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

Se suelen afirmar muchas cosas de Brian Wilson ampliamente discutibles (que los Beach Boys son él, que la ha pasado mal pero “ya está bien”, etc), pero no hay mucho que se pueda cuestionar acerca de este disco. Cualquier inconsistencia que la carrera solista de Brian pueda haber tenido queda absolutamente filtrada en esta compacta selección de 18 temas que abarcan desde su disco debut de 1987 hasta su reciente No Pier Pressure (2015). La ausencia de singles exitosos resulta provechosa ya que deja al buen gusto como único juez del tracklist – y el buen gusto aquí abunda. La trascendental plegaria pop “Love

and Mercy” ya marca el tono del álbum y deja patente la magia de Wilson: el que un alma tan torturada nos

pueda ofrecer música de contenido tan espiritual y armónico realza nuestra fe en el potencial humano. Le siguen dos cortes del fatídico Smile, regrabados por la banda de Brian en el 2004. Cualquier oportunidad de escuchar “Surf’s Up” de nuevo siempre es bienvenida. Es posiblemente la composición más avanzada que se haya hecho dentro del reino del pop, un atisbo de otra realidad, un fragmento de un sueño. No todos los otros temas son tan complejos (aunque la suite

“Rio Grande” no se queda atrás), y tampoco hace falta que lo sean. La simple alegría musical de temas como “Let It Shine” y la inédita “Some Sweet Day”, que sin embargo siempre esconde complejas progresiones y arreglos armónicos, es suficiente para alegrar cualquier penumbra. Y ENCIMA está incluida la versión de Brian del tema de Pocahontas. Hay cosas que todos necesitamos en esta vida: amor, piedad. Podemos sumar también este disco.

JuJu | Our Mother Was A Plant Label: Fuzz Club Records Fecha de Lanzamiento: 22 de Septiembre de 2017

Banda que descubro en este momento y éste es su segundo álbum, el homónimo primer álbum se editó en mayo del 2016. Como definir este proyecto que esconde al multinstrumentista siciliano Gioele Valenti (Herself), que se las ingenia de manera prodigiosa y casi religiosa para ponernos en un trance místico, iniciático, psicodélico, mántrico, con momentos de ritmos más brit pop con altas dosis de psicodelia a lo The Charlatans o Kula Shaker. Un álbum que desde el play del primer track nos va encerrando en un espiral que nos hunde en un viaje astral colorido y caleidoscópico. Si uno se lleva por la portada se imaginaria algo más para el lado de Black Rebel Motorcycle Club o un rock psicodélico con más guitarras, pero eso llega recién en el cuatro track, justamente "James Dean" que si bien tiene guitarra el peso de la canción lo lleva el contundente bajo distorsionado. En las primeras tres canciones nos sumerge en un space rock con un

ambiente lisérgico. "I got your soul" tiene algo de Motown con algo del rock psicodélico de los 70's, afrobeat, drone. A lo largo del álbum va cambiando de ritmos y paisajes pero seguiremos enlazados a lo dicte JuJu. Un gran trabajo, por momentos se torna experimental, en otros aguerrido y rockero, en otros es un viaje alucinógeno en un tren del cual no pretenderemos bajar.

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THE KILLERS | Wonderful Wonderful Label: Island Records Fecha de Lanzamiento: 22 de Septiembre de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

Tengo un poster de Brandon Flowers en mi living, y aun así siempre estoy nervioso antes de escuchar un nuevo lanzamiento suyo. Brandon es posiblemente el mejor compositor de los últimos 15 años, y sin embargo está en una posición delicada: desmerecido con frecuencia como nada más que como una cara bonita, su banda menospreciada en una época que valora más actitud que canción. ¿En algún momento se venderá? El single “The Man” (que ahora aprecio) no aplacó mis miedos; líricamente era interesante, pero musicalmente se acercaba demasiado al retro-pop que satura al mercado de hoy, sin demasiados elementos de lo que verdaderamente hacen a los Killers únicos:

rista Ronnie Vannucci (Jr.) y su capaz productor Jac-

justamente tomar todo lo que es uncool e injustamente pasado de moda y volverlo accesible a la generación actual. Pero no debería haberme preocupado. “Have all the songs been written?” Brandon cree fervientemente que con una sola canción puede devolver la alegría a los desdichados, unir a amantes alienados, enmendar errores y hacer que los barcos vuelvan a puerto. Su banda está fragmentada (dos de los cuatro Killers no van de gira y no tocan en todos los temas, y uno ni se dignó a acudir a la sesión de fotos del disco), pero la fé de Brandon es tal que, con ayuda de su fiel bate-

knife Lee, le alcanza para comandar al coro de misa de Las Vegas (!)y brindarnos 10 impecables nuevas viñetas sobre los triunfos y tragedias del hombre común. Todos los elementos esenciales están en su lugar: los tintes de Americana, Bruce Springsteen (quien está finalmente mencionado explícitamente en una de las letras) y The Joshua Tree, a veces en configuraciones épicamente familiares (“Run for Cover”), otras en formatos novedosos (el neo-Gospel de “The Calling”). Si es verdad que necesitamos sólo una canción para salvarnos, los Killers nos ofrecen material para varias vidas.

SATYRICON | Deep Calleth Upon Deep Label: Napalm Records Fecha de Lanzamiento: 22 de Septiembre de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Todos los que siguen a Satyricon desde hace unos años saben que los noruegos llevan como cuatro o cinco discos haciendo prácticamente lo mismo. De hecho, el álbum homónimo de 2013 hasta fue algo innovador por el simple hecho de ser más suave y lento. Muchos fans se quejaron de que Satyr bajara revoluciones por aquel entonces, aunque a mí personalmente me pareció una bocanada de aire fresco. El caso es que a raíz de esa “polémica”, llegamos a 2017. Cuando escucho Deep Calleth Upon Deep no puedo evitar pensar en discos como Volcano, Now, Diabolical o The Age Of Nero; época que, ojo, no es mala, sino

y convencionales– al que enseguida se le van unien-

la menos conservadora –en el sentido blackmetalero de la palabra–. La producción, como de costumbre, es impecable, y la instrumentación continúa machacando (guitarras gordísimas y repetitivas; batería marcial) y pregonando oscuridad por doquier (Satyr canta con un enfoque maligno y venenoso digno de una bruja posesa). El álbum empieza con un latigazo como es “Midnight Serpent”, tema agresivo que deja patente un nivel compositivo soberbio, afilado y orgánico. El primer corte ya muestra las cartas: nada es lo que parece, las canciones presentan ideas básicas, tanto en melodías como en tempos, pero luego mutan y evolucionan de forma imprevista. Así, tenemos, por ejemplo, la extraña y progresiva “Blood Cracks Open The Ground”, con unas baterías inmensas en su laberíntico desarrollo; o la tenebrosa “To Your Brethren In The Dark”, de aura épica y en la que encontramos arreglos orquestales. El tema homónimo, “Deep Calleth Upon Deep”, posee un riff contagioso –mezcla de guitarras barítonas

do coros, cellos y violines. De este modo abre el trío central de temas de instrumentación barroca, junto a “The Ghost Of Rome” y “Dissonant”, esta última la más alucinógena del álbum, y en la que un saxo perturbador irrumpe como el aullido del más feroz de los lobos. En “Black Wings And Withering Gloom” las guitarras vuelven a tomar protagonismo a toda velocidad, con la fuerza de una fría ventisca de un invierno nórdico, congelándonos con sus más de siete minutos de amarga melancolía. El cierre viene de la mano de la intensa “Burial Rite”, de riffs pesados y poderosos, y con un Frost se vuelve a lucir a baquetazo limpio. En resumidas cuentas, Deep Calleth Upon Deep es un trabajo con alma, que no deja de estremecer. En todos y cada uno de los cortes uno no gana para sustos, pues la evolución de los temas es siempre intempestiva, en constante metamorfosis. Un álbum para perderse, para abandonarse… Una dosis de oscuridad rebosante y emotiva.

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The Sheneral | Burzapalooza Label: The Sheneral Self-released Fecha de Lanzamiento: 27 de Septiembre de 2017

Hay veces que decimos está canción es igual a tal o podemos pensar en los comienzos de Sandro (de América) en donde con sus "y los de Fuego" se encargaban de utilizar las canciones de otros y cambiarle la letra... ¡Ojo a mí me encanta esa etapa! Soy de creer que hay talento a todo nivel de composición, un artista que escribe sus tracks me merece respeto, me guste o no, ese derecho lo tiene asumido para mí. Pero también creo que hay otro talento en aquellos que ven otra mirada de un track grabado, podemos pensar en las reinterpretaciones, pero también en este artista que hoy traemos. The Sheneral es un seudónimo de un artista que viene del lado de la cinematografía, y que tiene una mirada tan ácida, sagaz y divertida de sus reseñas de películas. Toda esa inteligencia despierta de sus reseñas la ha volcado en este nuevo proyecto, en donde con letras divertidas y parodiando a situaciones cotidianas o una mirada sagaz de las modas actuales como en "Los 80's" en donde en un

ritmo hip hop retrata este revival de esa década mostrando la verdad de las cosas que pasaban en esos años acá. O "Hipster", "Burzapalooza" es una álbum en donde podemos ver situaciones cotidianas como en "la cajera del chino" narradas de una manera en donde el humor se junta con la realidad. Un álbum para pensar en que hay vida en las canciones instrumentales.

NICOLÁS MONTI | Alter Fieri Label: Solo le pido a Dior Fecha de Lanzamiento: 28 de Septiembre de 2017

Cuando vi el nombre enseguida me vino a la cabeza el cantante de ópera italiano Nicola Monti y pensé que era una broma, una jugada de marketing, pero no, me encontré con un producto muy serio y exquisito. Cinco tracks en los que no podremos mantener el pie quieto. Situaciones cotidianas con un cuidado ritmo synth pop es lo que a simple escucha podemos encontrar en el EP debut de Nicolás Monti. Si pensamos que en la producción está nuestro adorado Pablo Mambo Rivas de Hiroshima Dandys entendemos de qué se trata esta nueva producción del sello Solo le pido a Dior.

Si profundizamos en una segunda escucha es-

cucharemos canciones tratadas desde lo musical como un paso de baile teniendo de partenaire a la cotidianeidad de Buenos Aires, lugares que enseguida nos lleva a lugares como "Los Pasillos de Puán" (sede de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires) o "Noches de Pompeya". Pero si buceamos en el campo instrumental reconoceremos eso que se suele mencionar como "grabaciones de campo", aun-

que en esta ocasión son de ciudad, como en "Los Pasillos de Puán" en donde se escuchan discursos estudiantiles, mezcladas con voces de films, como por ejemplo "Yo vivo en la música". Todo con un manto de seriedad y letras pensadas y articuladas para que no pierdan la armonía de toda la instrumentación. Un excelente trabajo debut que no hace más que queramos que pronto venga el próximo.

DAVID GILMOUR | Live at Pompeii Label: Columbia Fecha de Lanzamiento: 29 de Sptiembre de 2017 No hace falta decir quién es Gilmour, ni hace falta decir qué importante es su influencia para la música que nos gusta. Podremos debatir sobre su música solista pero nunca podremos poner en tela de juicio la calidad de sus shows y de sus producciones. Live at Pompeii es otra muestra de ello. Un álbum que trató de rescatar el espíritu en vivo de su presentación en el mítico anfiteatro romano de Pompeya, ahí mismo donde décadas anteriores se filmó y se grabó el fascinante Pink Floyd in Pompei. Ahora como es costumbre en casi toda la discografía de David, después de un nuevo álbum viene el álbum en vivo. Y si bien nos encontraremos con los clásicos de Pink Floyd que siempre están en los álbumes en vivo como "The Great Gig in The Sky", "Wish You Were Here", "Money", "One of These Days", "Shine On You Crazy Diamond", "Run Like Hell", "Time/Breathe (In The Air)", "Confortably Numb", también están los del Pink Floyd post Waters "What do You Want from Me", "High Hopes", "Coming Back To Life", "Sorrow" y vuelve a rescatar "Fat Old Sun". Pero no todo es Pink Floyd, también hace lugar

a canciones de sus discos anteriores solistas como "On An Island" o "The Blue" y su último álbum está casi completo. Un gran trabajo que tiene su versión en vídeo, para entender que la historia nunca se repite, siempre hay una mirada distinta al pasado y no siempre tiene que ser igualitaria, puede ser evocativa pero diferente, las reinterpretaciones de las viejas canciones tienen algo nuevo, sino escuchen "The Great Gig in The Sky", maravillosa versión. David es historia y si bien la cuenta, no la copia.

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EL GRAN BÚFALO BLANCO | Tarde Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 29 de Septiembre de 2017

“El viernes sale "Tarde" nuestro 1er Lp, van a poder escucharlo en spotify, bandcamp y youtube, de ahí a sus teléfonos, de ahí a sus asados, casamientos, caminatas por el parque, idas al chino, en la cola del pago fácil, mientras cocinas con un fa en el diome, como banda de sonido de la transmisión del satélite que se fundió en Saturno.” Esto rezaba en su Facebook unos días antes de la salida del disco. Y la verdad es que nos encontramos con un álbum exquisito, de un pop elegante con electrónica al servicio de las delicadas canciones de El Gran Búfalo Blanco. La banda no es una banda de música disco aunque que

ta de baile o por paisajes oníricos, o como en “Fe” que te llevan por los dos estados. Tarde es un álbum que

te hace bailar, no es una banda que transpire sobre el escenario, pero es intensa, la banda no es synth pop (porque no es un dúo), la banda es, a la vez, todo eso junto y más. Situaciones cotidianas contadas de manera poética y sagaz. EL Gran Búfalo es un viaje de ida, en cuanto te consiguen atrapar ya no te quieres soltar de su mano, mientras te van llevando por la pis-

te hace bailar solo o acompañado según te encuentres en el momento de darle play al dispositivo en donde lo escuches. Como he dicho en el Facebook de la Revista: “Prepárense, pónganse su mejor traje, Tomen un Martini, pongan Play y muévanse lentamente y disfruten de estas diez canciones.”

COURTNEY FARREN | Nothing Like It Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 04 de Octubre de 2017 Cuando me senté a escuchar el álbum debut de Courtney Farren llamado "Nothing Like It", miré la portada, simple, despojada de efectos relucientes, una simple unión de varias fotos de casi de entrecasa (exactamente seis casi retratos), sin post-producción… pensé folk, y no estaba tan errado en el concepto general, pero quedarme con el folk como única arma para describir esta obra, es quedarse con una parte del contenido. Asociada con su amigo Brett Sullivan de American Anymen quien la ayudó a organizarse para lanzar este primer trabajo como así también en la búsqueda de shows y el arte en general del álbum. Ahora entrando más en el terreno de las canciones, puedo empezar diciendo que su música crepuscular y simple, no está muy adornada de instrumentaciones pomposas ni electrónicas, simplemente una guitarra, un piano y su voz. Nada más y nada menos que con esto Courtney se las ingenia para com-

poner maravillosas canciones que despiertan la admiración de aquellos amantes de la simpleza sonora, haciendo hincapié, casi imperiosamente, en la sobriedad y la importancia del formato canción. Un álbum de seis canciones que dan la sensación de querer escuchar más. Altamente adictivo.

Pure Phase Ensemble 6 (feat. Anton Newcombe) | Live at SpaceFest! Label: Nasiono Records Fecha de Lanzamiento: 29 de Septiembre de 2017 Hacia finales del año pasado hemos entrevistado a Anton Newcombe de The Brian Jonestown Massacre para charlar un poco sobre esta propuesta, y si bien conocíamos este festival porque en unas de sus ediciones estuvo invitado y como curador Mark Gardener de Ride, ahora Pure Phase Ensemble fue Anton Newcombe. El ensamble es coordinado por Anna Szynwelska y Karol Schwarz de Nasiono Records, quienes se encargan de invitar y armar esta cohesión musical, a lo largo de los días que dura este festival en la ciudad de Gdansk. El Festival no es sólo este show sino que es una feria en donde se realizan clínicas y en donde los músicos encuentran el punto de unión y de colaboración. El resultado final, o el evento que cierra este festival es una semi jam sesión improvisada por el curador (Anton) y un grupo de músicos de distintos músicos que se seleccionan previamente. En este caso, la banda seleccionada se trata de Emil Nikolaisen de la banda escandinava Serena Maneeshy, más músicos de distintas bandas polacas: Karol Schwarz (7faz, KSAS), Olga Myslowska (Polpo Motel), Maciej Karminski (Jesien), Marcin Lewandowski (Judy's Funeral, Castlings, Soon), Jakub Zwirello (Oslo Kill City, Szezlong), y Kacper Graczyk (Aiodine, coding). El resultado de esta unión en el escenario es

este trabajo en vivo que lleva el nombre del Festival “SpaceFest!” y que se lleva a cabo en Centro Laznia de Arte Contemporáneo en el distrito de Nowy Port. Esto es lo que han tocado en vivo, es decir, esto no se volverá a escuchar en otra presentación, ni se grabará en estudio, esto tiene la belleza de lo efímero de esa reunión. Por suerte todo queda registrado para estos álbumes en vivo. Escuchar este álbum de ocho tracks es, sinceramente, un viaje, que si se pone en modo “repeat all” puede ser una experiencia alucinógena sin apoyo de drogas. Este álbum tiene noise, shoegaze, acoples, psicodelia, trance, mucho trance… un sueño aturdido de imágenes difusas.

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Marilyn Manson | Heaven Upside Down Label: Loma / Caroline Records Fecha de Lanzamiento: 06 de Octubre de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Y finalmente se hizo la luz... o la oscuridad. Heaven Upside Down, el esperado nuevo disco de estudio de Marilyn Manson, aterriza en la tierra, y lo hace con una seguridad y contundencia que pocos esperábamos tras meses de retrasos, rumores e incertidumbres. En un principio, se anunció a bombo y platillo que el nuevo disco del Reverendo, el décimo de su carrera, aparecería el 14 de febrero bajo el título de Say10 (juego de palabras que, traducido del inglés, sería “Satán”) y supondría la segunda colaboración con el músico y productor Tyler Bates tras The Pale Emperor (2015), álbum que tuvo un estupendo recibimiento entre los fans y la prensa especializada. Pero dicha fecha llegó y pasó de largo, dejando a sus seguidores desorientados y llenos de ansiedad. Los meses se sucedieron sin ninguna nueva fecha o explicación por parte del músico, que por el contrario se dedicó a subir extraños vídeos acompañados de citas crípticas en su cuenta de Instagram. Ahora sabemos que estos meses los pasó batallando con diversos problemas personales, entre ellos la muerte de su padre Hugh, y buscando la inspiración para redondear un disco con el que no se encontraba ciento por ciento satisfecho. Cuando finalmente se anunció una nueva fecha y Manson comenzó a hacer declaraciones, nos advirtió que el disco no seguiría la senda de The Pale Emperor, sino que sería un disco más pesado, intentando acercarse a sus orígenes y definiendo su sonido como un híbrido de los legendarios Antichrist Superstar (1996) y Mechanical Animals (1998). De esta manera, el primer single, lanzado hace unos días y titulado “We Know Where You Fucking

Live”, así lo confirma, mostrando un estilo mucho más duro e industrial, y una actitud al micrófono mucho más rabiosa que en el disco anterior, acercándolo por momentos a la época de Antichrist. En tanto, ahora que he podido disfrutar del disco en su totalidad, puedo afirmar que, aunque algo de eso hay, nos encontramos más bien con un disco de balance, un trabajo muy directo y variado, en el que el Reverendo nos convida de todas las facetas por las que ha pasado en su ya extensa carrera. El comienzo del disco es el que más nos puede retrotraer a sus primeros años, con un auténtico puñetazo en la cara como es el tema “Revelation #12”, uno de los tracks más cañeros que ha dado Manson en años y que incluso contiene guiños a aquel lejano Portrait Of A American Family (1994), con el que se dio a conocer hace ya más de dos décadas. Tras él llega “Tattooed In Reverse”, otro gran tema, pegadizo y marchoso pero más calmado y electrónico, más en el estilo de Mechanical Animals. A continuación el ya mencionado “We Know Where You Fucking Live” y “Say10”, del que ya se habían podido escuchar algunos extractos, un tema de comienzo e interludios inquietantes y un estribillo diseñado para ser

179 coreado por el público en los directos. Tras estos dos nos encontramos con “Kill4Me”. Planteado como segundo single, es el tema más comercial y accesible del disco, con un sonido que bebe directamente de Depeche Mode y un planteamiento descaradamente pop, sin que por ello se trate de una canción floja en absoluto. Y nos situamos a mitad del disco con “Saturnalia”, una de las últimas incorporaciones dentro del proceso compositivo, un tema extraño, de ocho minutos de duración, que nos trae inmediatamente a la mente el rock gótico de los 80, en especial a Bauhaus, con una producción y una base rítmica totalmente dominada por unas interesantes y omnipresentes líneas de bajo (¡grande Twiggy!) por las que van serpenteando las guitarras y teclados, dando lugar a uno de los puntos álgidos del disco. Seguido a éste, el intento algo descafeinado que es “Je$u$ Cri$i$” pasa un poco sin pena ni gloria, aunque de todos modos tiene algunos atmósferas interesantes, sobre todo en la parte de las guitarras (cortesía del más que cumplidor Tyler Bates) que dan nuevamente el contrapunto

a una línea de bajo y una batería (ejecutada otra vez por Gil Sharone) omnipresentes. En los tres últimos temas nos encontramos con la faceta más pausada y de romántica melancolía del Manson de discos como Eat Me, Drink Me (2007) o The High End Of Low (2009). Mención aparte merece el último de estos tres temas, “Threats Of Romance”, que contiene unas estupendas melodías vocales y un teclado que es una auténtica delicia. Fácilmente este Heaven Upside Down puede ser uno de los mejores discos de 2017 y de la reciente etapa de Marilyn Manson (con permiso de The Pale Emperor), a su favor juega la duración y número de temas, que lo hacen más directo y conciso, sin rellenos. Este nuevo disco cuenta con una producción estupenda, llena de detalles y matices, y cuenta con un buen puñado de temas. El Reverendo esta vez no inventa nada ni da una nueva vuelta de tuerca a su personaje, pero nos obsequia un poco de todo lo conocido hasta ahora y eso, quiérase o no, es algo que se agradece.

AIRIEL | Molten Young Lovers Label: Shelflife Records Fecha de Lanzamiento: 13 de Octubre de 2017 Regresa a una de las bandas que me gusta mucho. Después de un período de inactividad de varios años, su primer álbum “The Battle Of Sealand “es del 2007 ha venido editando singles y EPs. Airiel al igual que muchas bandas no son números rutilantes en los carteles de festivales o primeras páginas de las revistas más "importantes" del rock. Ellos son una banda que viene con años de trayectoria y con álbumes hermosos que seguramente pocos conocemos pero que seguramente el fan de dreampop y el shoegaze conoce y aquel que no, es la oportunidad ideal.

DERECHO DE PISO

THE BLUE HOUR SENSIBILIDAD FOLK

181 [ Por Benjamín York ]

En los Estados Unidos existió una banda de rock gótico llamada Black Atmosphere que no tuvo mucha repercusión en la escena mundial del género, pero que sirvió para que su tecladista Brian Hodges despertara con este proyecto de tintes folk góticos con incrustaciones de post industrial. Nacidos en Seatle en el año 1993 ya llevan lanzado varios discos y varios EPs, sembrando un camino de bellos trabajos como su debut “Evensong” (2001) o “The Windless Path” (2003) y llegando a este 2017 con la promesa del lanzamiento de un nuevo trabajo bajo el nombre de "Always", la fecha de publicación es el 27 de octubre próximo. Brian secundado por la dulce voz de Marselle forma este dúo que nos llevan a paisajes desiertos y ensoñadores, en donde todos los instrumentos se confabulan para que la voz de Marselle se eleve en nubes que nos hamacan en oníricas corrientes de cálido aire de primavera. La sensación al escuchar The Blue Hour es que los años 80’s de 4AD está en su sangre y que rescata ese halo de misterio y paganidad latente en bandas como Sol Invictus o esos oscuros momentos de Current 93 aparecen en el ambiente pero que en The Blue Hour se eleva hacia un folk mucho más cercano a lo terrestre y ambiental. Pueden descubrir a The Blue Hour en:

https://www.thebluehour.us/ https://www.facebook.com/bluehoursongs https://soundcloud.com/the_blue_hour https://thebluehour.bandcamp.com/ https://www.youtube.com/channel/UCiJQB33hAVzCPu3hfEIe2bg https://twitter.com/brianthodges https://www.reverbnation.com/the_blue_hour

DERECHO DE PISO

THE RAFT EN AGUAS CRISTALINAS

183 [ Por Diego Centurión ]

Hay bandas que aparecen como por arte del azar y del buceo cibernético y llegan para quedarse en nuestras vidas para siempre. Es una buena y necesaria costumbre que traigo de la década de los 80’s, donde en Buenos Aires era una de las pocas formas de conocer música nueva. Si bien en esos años no había internet y todo era mucho más rudimentario. Hoy con la posibilidad de la Web, el océano es tan inmenso que las bandas van apareciendo como corrientes marinas renovando y embelleciendo la discografía personal. Así llegó “The Raft” (“La Balsa” en español), inundando de calidez sonora mi, siempre despierto, oído a bandas de dream pop. The Raft se formó en Neston (Liverpool) hacia el 2003 y su único miembro actualmente es Phil Wilson, quien no ha dejado de editar sus canciones desde sus comienzos. Actualmente tiene en su discografía The Raft (2003), Yesterday, Today, Tonight And Tomorrow (2003), Through The Dark (2005), welcomeback2thehumanrace (2006), RR (2009) y Waves (2010). Y los Eps Go Higher (2004), A Better Day (2016), Coming Up For Air (2017) y A Lullaby (2017). Más el single "Summertime Blues/December (Again)" de septiembre de este 2017, que cuenta con la colaboración de Claire O'Neill. Bellas melodías acompañadas por una cuidada y exquisita instrumentación onírica, a cargo de Phil, envuelven al oyente en unas oleadas mecedoras que nos hacen relajar y abrir el alma y elevarnos. The Raft es una de esos proyectos que merecen ser escuchados por los amantes de los sonidos ensoñadores. Sus redes sociales:

https://philtheraft.bandcamp.com/music https://www.facebook.com/The-Raft-55224752347/ https://soundcloud.com/the-raft

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SOBRE LA PORTADA ESCUADRA Y COMPÁS

Redes Sociales del artista: http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

Año: 2005 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 40 x 50 cms.

ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”.

Esta Obra pertenece al Período Simbólico. Es un simbolismo típico de la Masonería. Tiene inscripciones que pertenecen al griego y hierático. Los Ojos, el simbolismo de Dios que todo lo ve, La Diosa Razón, La Escuadra y el Compás, que se relaciona con los Constructores, con el Templo de Hiram Abiff, muy arraigado a la mitología masónica. Los Laureles, Los Colores, el juego de lo oculto. En varias oportunidades he tenido problemas con este cuadro, porque me creían masón. Por eso suelo decir que el Arte es soberano, el Arte está más allá de toda ideología. Y si siento la necesidad de expresarme por medio de estos símbolos, lo haré, sino estaría coartando la libertad de la Creatividad. La gente se moviliza con la imagen y en ella pone significados que pertenecen a grupos con cierta ideología, pero nosotros tenemos que estar más allá de esa ideología, de esa proyección preestablecida, porque si no nos perdemos de lo Real y nos quedamos atrapados en algo menor, en una porción del mundo. Porque el símbolo no ofende a nadie, todo lo contrario, realza la Libertad. Con esta Obra me incliné por la Masonería, pero eso no significa que está de acuerdo con esa doctrina, sino que busco la belleza de las formas. Si se logra despojar a las obras de la ideología, y nos quedamos con las formas, podremos lograr una apertura mental de la deberíamos llevar a la vida cotidiana. Lamentablemente se ha criticado a la obra, pero no por la obra en sí, sino por creer que tiene un mandato oculto. Esta Obra trata de acercar a la gente a buscar otra percepción de los símbolos, de pensarlos desde otra perspectiva, de no quedarse con el pensamiento "¡Esto es así!". Sino conjugar y volcarse desde otra perspectiva hacia la realidad, no prestar atención tanto a lo que dicen los demás.

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