Revista The 13th Nº 42 by Revista The 13th

The13th AÑO: 4 | NÚMERO 42

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO REALIZACIÓN Y DISEÑO Diego Centurión sobre un diseño de

[ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Julieta Curdi.

Alex Bretto

Nicolás Ponisio

Benjamín York

José Luis Lemos

TRADUCCIÓN

Darío Martinez

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Bernardo Jimenez Mesa

Gabo Rojo

[ Departamento de Literatura ]

Max Wilda

Pablo Ravale

Pablo Müllner

Franco Doglioli

Jefe de Departamento de Cine:

Rodrigo Debernardis

Nicolás Ponisio.

Ricardo Padilla (Oriani_K)

[ Departamento de Artes Visuales ]

Jefe de Departamento de Literatura:

Marina Cimerilli

Diego Centurión y ARMS.

Pablo Ravale.

Jairo Mansur

Jefe de Departamento de Música:

Marianarchy Deadbilly

Diego Centurión

[ Fotografía ] Nazarena Talice

Jefe de Departamento de Colombia:

[ Departamento de Colombia ]

Lily Moonster

César León

Alejandro Cenizacromada

Marina Cimerilli.

Bernardo Jiménez Mesa César León Jennifer Isania Fonseca Sánchez COLABORAN EN ESTE NÚMERO Vincent Van Flaüers. Ruslan Onishchenko y Roman Shalamov con las fotos de On The Wane. Paul Takeuchi con las fotos de The Dayoffs. Paul LFcon las fotos de Jenn Vix. CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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EDITORIAL

Diciembre 2017 - Enero 2018 Se fue el 2017 y no quisimos dejarlo ir sin tener un número nuevo, pero nos hemos pasado de la línea de tiempo que separa el 17 del 18. Y entre brindis y brindis celebramos la música y el arte en general, con un número cargado de sensaciones y emociones. En un año en donde han pasado muchísimas bandas de Latinoamérica y de varios rincones del mundo. Hemos buceado en los océanos de Internet y encontrado bandas nuevas, removido nuestros recuerdos y nos hemos acercado a músicos a los que admiramos, hemos surfeado olas de bandas que se nos han acercado su material y les hemos dado un espacio. Hemos trabajado mucho, hemos investigado mucho, hemos disfrutado mucho. Nos hemos quedado con ganas de muchas cosas, que seguramente serán parte de los próximos números del 2018. Cerramos este 2017 con todo, para empezar con más energía el 2018. Y agradecemos a todos los que fueron parte de este 2017, ya sea participando y animándose a escribir en nuestras secciones o participando de nuestro último especial. A las bandas y artistas que accedieron a nuestras entrevistas. A todos lo que han participado haciendo contactos, a todos los que sus nombres no aparecen en los créditos. A todos los que se animan a apoyar esta publicación. A todos... Gracias.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Sandría Cristal Gus Gus – Mexico (2014) por Maxx Wild...............................................................................................06 CREENCIA EN LA EVOLUCIÓN DE LA EXPERIENCIA Adiós a Marcel Willou........................................................................................................................................................08 ES NECESARIO ADAPTARSE A LOS TIEMPOS Entrevista a Cristian Castillo y Paulo Cifuentes de Cuarto Flotante por Diego Centurión.................................................14 ¡ES NUESTRA SANGRE! Entrevista a Stanley Belton de Black Market Karma por Diego Centurión........................................................................20 UNA OPORTUNIDAD AL SYNTHPOP Entrevista a Franco Colombo y Franco Doglioli de Reflection por Diego Centurión........................................................26 ¡SOLO LA MÚSICA IMPORTA! Entrevista a Rein Fuks de Pía Fraus por Benjamín York......................................................................................................36 DEJANDO LIBRE A LA MUJER QUE NO TIENE MIEDO Entrevista a Jenn Vix por Pablo Müllner............................................................................................................................42 SE TRATA DE CONFIAR EN TI MISMO Entrevista a Simon Raymonde de Lost Horizons por Darío Martinez.................................................................................48 LA PARTE FALTANTE QUE ESTABA ESPERANDO Entrevista a Emma Mario de Astrobal por Benjamín York..................................................................................................54 UN VIAJE POR LA AUTOPISTA MENTAL CON LOS ÁCIDOS Entrevista a Los Ácidos por Pablo Müllner.........................................................................................................................58 NO HAY OTRA BANDA COMO ESTA EN EL MUNDO Entrevista a Vladimir Komarov de Dayoffs por Diego Centurión.......................................................................................62 HAZ TODO LO POSIBLE PARA HACER LO QUE AMAS Entrevista a Dari Maksimova y Eugene Voitov de On The Wane por Benjamín York.........................................................68 DESCUBRIENDO LA MAGIA Entrevista a Chris Fu-Manchu Islec de The Stompcrash por Marianarchy Deadbilly.........................................................74 TROPICA OBSCURA SIXTH JUNE - VESTIGIOS Y RECONSTRUCCIÓN por Por César León.. ..........................................................................84 LA MIRADA DE LOS OTROS NUVEN LEOPARDO - QUINTESSÊNCIA (2017) .................................................................................................................92 MUSIC CORNER HAIM - ESAS CHICAS TAN POCO ORTODOXAS Por Alex Bretto. .................................................................................98 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 11: BENDIGO A LA LLUVIA: Lo que “AFRICA” de Toto y Master of Kung-Fu nos Revelan Sobre la Dualidad Humana Por Gabo Rojo. ................102 por Diego Centurión................................................................................................................................................................98 PALABRAS EN LA ARENA EN LA DESOLACIÓN DE LA SOLEDAD: Poesía completa de Alejandra Pizarnik por Pablo Ravale............................................................................................ 108 ESCRITOR INVITADO: Franco Doglioli - Manual.............................................................................................................................................. 112 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE LA DESHUMANIZACIÓN DE LA HUMANIDAD por Pablo Ravale..................................................................................114 HIDDEN TRACK ............................................................................................................................................................116 RESCATE CINÉFILO LO MEJOR DEL 2017…..............................................................................................................................................120

Y CREÍAS QUE LA FORMACIÓN ROCA ERA DE TERROR por Jimena Patiño..........................................................122

AL OESTE DEL INFIERNO por José Luis Lemos........................................................................................................124

MÁXIMA MUSICALIDAD por Nicolás Ponisio............................................................................................................126 LAS ESTRELLAS, HOY LUCEN DIFERENTE por Jimena Patiño .................................................................................128 LA FÓRMULA CORRECTA por JoséLuis Lemos ........................................................................................................130 DELICIOSAMENTE PERTURBADOR por Nicolás Ponisio ..........................................................................................132

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................134 CANCIÓN + BANDA por Diego Centurión..................................................................................................................138 PURA MELOMANÍA EL REGRESO A LAS LIGAS COMERCIALES. George Harrison - Cloud Nine (1987) por Alex Bretto...........................142 EL ENCANTO DE LA TENTACIÓN. Suicide - Suicide (1977) Por Diego Centurión ......................................................144 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................146 DERECHO DE PISO PARTIDO DE LA COSTA - EL BEA(T)CH BAILABLE por Benjamín York.........................................................................164 SOBRE LA PORTADA ANIMALES DE PODER por ARMS...............................................................................................................................166

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

Sangría Cristal Gus Gus – Mexico (2014)

El ser humano siempre ha buscado moverse a lugares de mayor confort, abundancia, es un instinto evolutivo, pero también no podemos dejar de lado el sentimiento inconformista de anhelar lo que no tenemos. En este duro verano, nuestro anhelo sería un lugar de temperaturas bajas y refrescantes que eviten el sofocamiento de la jungla de cemento (para los que vivimos en ella). Esto podría ser ir hacia el hemisferio norte… Islandia es el punto. Pienso en Gus Gus, estos muchachos nórdicos, anhelaron otra cosa… ir al oeste (como el humano en sus inicios) y concibieron de manera metafórica su deseo llamando a su álbum del 2014 Mexico. Un caluroso oasis para estos muchachos cansados de gélidos vientos y vasto paisaje volcánico. Mi oasis será escuchar este álbum tomando una Sangría Cristal, mi versión de un clásico para una jarra: una botella de Moscato, un vaso de Brandy (u otro espirituoso), cubos de sandía y ananá, rodajas de lima, hielo y azúcar… servir ¾ de vaso y completar con soda o lima limón. Obnoxiously Sexual, abre este viaje con un beat uptempo y la inconfundible voz de Högni Egilsson (Hjaltalín, banda altamente recomendable), fluye tan bien como el arreglo de cuerdas que dan un toque cuasi disco de la primera ola. Another Life, típico vocal house, pero con una vuelta de tuerca en la estructura, tengo que seguir bailándolo, las percusiones son espectaculares. Con un toque más oscuro, una línea de bajos al estilo Jarré y la majestuosa voz de Daniel Ágúst Haraldsson, llega Sustain, hipnótico pero no menos interesante, climático y bailable a la vez. El bien comercial Crossfade, no decepciona en ese aspecto, progresivo, tenso por momentos, es a mi parecer, el sello evolutivo de la banda que cristaliza en Airwaves, majestuoso y apto para cualquier dancefloor del planeta. God Application, casi oldschool, analógico, con falsete, etéreo, coquetea con el pop, alejándose del camino de la segunda etapa de la banda (cuando dejaron de ser nueve integrantes en un concepto multimedia para pasar a las pistas de baile europeas con una propuesta más comercial); aquí la incorporación de Högni, fue fundamental para este propósito. Not The First Time sigue explorando los caminos del progressive sin aportar más que un buen momento para seguir bebiendo mi refrescante Sangría. Mexico es una interfase, sonidos interesantes para un tema instrumental que deja lugar a un final espléndido con This Is What You Get When You Mess with Love, una balada futurista, sensual, melancólica… habrá más de esto en el futuro? Veremos… Un disco maduro, excelentemente producido, Birgir Þórarinsson (Biggi Viera) y el ya alejado de la banda Stephan Stephensen (President Bongo) reflejan su gusto y expertisse en la materia yo los apruebo, vaso en mano y de pie… bailando! ¡Salud!

[ Adiรณs a Marcel Willou ]

CREENCIA EN LA EVOLUCIร N DE LA EXPERIENCIA

Nos ha dolido mucho la noticia de la partida de Marcel Willou (guitarrista, y vocalista de Nuvem Leopardo), hace muy poco que lo hemos conocido a través de una entrevista realizada por Pablo Müllner, tan sólo hace unos pocos meses. Pero la vida es injusta y se lleva presencias importantes para muchos, para los amigos, para los que lo han tratado, para quienes se lo han cruzado arriba y abajo del escenario. A la hora de pensar en un tributo a esa persona que físicamente nos ha abandonado pero que su espíritu nos seguirá encada uno de los que lo conocieron, nos pareció que los que más lo han conocido son los que tienen una mirada más real de Marcel, así que acá les dejamos los pensamientos de muchas de las personas que han cruzado sus caminos con el de Willou.

Florencia López: "Prefiero enfocarme en Marcel más allá de cualquier vínculo terrenal tocando puntualmente su esencia como ser humano. Fue un ser humano que sencillamente fluía, desafiando pacíficamente preconcepciones, luchando arduamente en una búsqueda innata y constante por romper con barreras propias de la mente humana, siempre transmutando, consiguiendo alejar cualquier imposición que le impidiese un adecuado fluir. Hallando como vía canalizadora de ideas y emociones; diría casi sin elección, la música y la poesía. Siempre encontré en él una exquisita y sutil forma de transmitir de un modo muy simple mensajes de gran complejidad. Su percepción del entorno junto con esta facilidad que encontraba para plasmarla siempre me significó y continúa significándome una inmensa inspiración. Como máximo impulso de su creatividad puedo destacar en Marcel su ferviente creencia en la evolución de la experiencia. Esto lo habilitaba a hallar, a través de su música, la forma más concreta de expresar su brillante visión del Universo, de forma que las barreras del lenguaje eran disueltas permitiendo una comprensión más allá de las palabras. El mensaje contenido tanto dentro de su arte como en su existencia misma está expreso en el hecho de vivir la libertad de ser uno mismo, vivir el amor y vivir las pasiones con intensidad, con plena entrega y consciencia de que nuestro paso por esta vida es fugaz y que nuestro tiempo en este suelo está contado. Buscar nuestra propia paz, hallar la revolución interior primero para dar lugar a la revolución exterior luego, abriendo así nuestros ojos y dejándonos atravesar por el resplandor implacable de la existencia."

Matías Burgos: Productor y organizador del Festival Woodstaco, Chile. Un Destello de Marcel La primera vez que escuché el álbum debut de Nuvem Leopardo, fue gracias a su baterista y amigo cercano de nosotros, Roberto Figueroa. Sabiendo que siempre estamos en búsqueda de sonidos psicodélicos nuevos que nos vuelen la cabeza, el argentino me recomendó hablar con Marcel Willou, su líder y guitarrista, para invitar a la banda al festival. De inmediato quedé enganchado: lo que escuché fue una oleada de acordes que sonaban como arpas cósmicas, sobre las que navegaban letras cantadas en portugués dando un espectro misterioso a esta música fascinante. Luego de chatear extensamente con Marcel y hablar de bandas, guitarras, discos y demases, cerramos el trato y concretamos su visita a Chile. La Montaña de Teno, lugar dónde se hace el Festival Woodstaco, era el destino donde sus canciones se elevarían

hasta lo más alto para los miles de asistentes. Debido a complicaciones en su viaje el día anterior a su presentación, Marcel y otro músico tuvieron que dormir en el departamento de mi madre en Santiago, gestión que realicé a distancia en medio del caos del festival, en plena pre cordillera. Confiando a ciegas, encargué a mi vieja que por favor recibiera a estos dos muchachos que jamás había visto en mi vida. Después, ella me contó sobre lo agradables y gentiles de sus huéspedes, a quienes derivó al bus que los trajo al evento. La banda tocó de día, bajo un calor intenso, haciendo volar sus espíritus frente a la multitud que disfrutó alucinada de sus sonidos. Afortunadamente grabamos aquel show y podemos revivirlo con la misma emoción que me embargó al verlos ahí, al fin sobre el escenario. Ese mismo día, la banda programó el lanzamiento de “Quintessencia”, su segundo álbum, marcando la proeza de haber logrado cruzar la cordillera para llegar a este festival lleno de hippies y buena onda. Tras esa experiencia, con Marcel hablamos todo el año sobre su próximo disco y sobre su próxima visita al festival. En medio de esas conversaciones, me envió algunos avances de lo que sería su obra futura y era, por supuesto, algo de otro mundo. Él sabía como innovar, mantenerse en la senda psicodélica sin repetir fórmulas y tocando suelos desconocidos, tocando la guitarra con un estilo único acompañado de la suave voz que le caracterizaba. Estoy seguro que esta vez, Marcel estará presente en nuestro festival en espíritu puro. Su música resonará en La Montaña, escucharemos su canto para recordarlo como él quería y así

invocaremos su mística llena de sinceridad, pasión y un amor inigualable por lo verdadero. Martín Rodríguez: (Poseidótica, El Festival de los Viajes, Cobra Rod) La primera vez que lo vi a Marcel Willou tocando fue alrededor de Mayo del 2016 como integrante de Los Siberianos. Era una fiesta en La Cofradía, una casa ubicada en pleno barrio del Abasto que oficia como bunker para toda la movida pampeana. Aquella noche Los Siberianos me cautivaron con su rocanrol rural cantado a dos voces y sus líricas que cuentan historias de realismo autóctono. Marcel calzaba un bajo Höfner - con la clásica forma de violín, el mismo que usaba Paul McCartney -, y poco tiempo después me enteraría que era su última fecha en la banda. En ese entonces yo ya estaba muy copado con Knei, trío oriundo de Santa Rosa asentado hace varios años en Capital, y de hecho en el 2017 me daría el gusto de editarles su disco “Juventud de la Gran Ciudad” a través de mi sello Aquatalán Records. Además de escuchar en repeat los únicos 4 temas de Los Siberianos disponibles en internet, me puse a investigar que había sido de Marcel, y vi que tenía su propio proyecto llamado Nuvem Leopardo, en el cual tocaba la guitarra y cantaba, y evidentemente era el principal compositor. Así fue que encontré su primer disco que lleva por título “Revolver Mercurio” en el cual participaban dos amigos de la casa: Nico Lippoli, viola/voz de Knei y Las Sombras, aportando guitarras adicionales; y Dylan Lerner, ex baterista de Soldadores, a cargo de los parches, los teclados y la ingeniería sonora. Un álbum debut con reminiscencias a Black Sabbath, The Beatles y Tropicalia, que me acercaba una propuesta fresca y misteriosa: voces en portugués, viajes profundos, mucho fuzz, y un ascendente fuertemente psicodélico. Quedé Fascinado. Tuve la fortuna de ver a Nuvem Leopardo en vivo varias veces, más que nada con la última formación que incluía a Florencia López, su novia, en bajo, y a Roberto Figueroa de Knei en batería. Incluso los invité a participar del volumen 5 de Paranoid, ciclo de vinilos que programo cada dos meses en Club V.

Ayermaniana: No paso tanto tiempo de la primera vez que nos cruzamos hasta que juntos estábamos planeando cambiar un poco este mundo con nuestra música, recién empezaba el camino y vaya uno a saber porque llegó a su fin antes de tiempo… Pero todo fin trae un nuevo comienzo entre sus manos, y el que explore el arte y la música de Marcel Willou podrá comprobar por sus propios medios de lo que hablo: climas, paisajes, trances, poesía, colores, psicodelia y ese toque magistral que lo convertía en alguien diferente, la aglomeración del rock clásico de los 60s y 70s junto a la vanguardia contemporaria hacen de su música un viaje único y exquisito. Acompañado siempre de grandes músicos y amigos Marcel fue un fiel creyente de esta religión en la que estamos todos metidos, el arte como camino hacia la eternidad, la paz y la conciencia absoluta de un mundo mejor Su música ya es nuestra, se grabó en nuestras mentes y corazones para nunca más borrarse y llevaremos con nosotros sus canciones para siempre. Hasta luego querido amigo, aquí seguiremos adelante con tu recuerdo a flor de piel y la música como antídoto para nuestras vidas.

Christian Van Lacke (Comeflor) Canción para Marcel. Fui a buscar dulce de leche y no estabas más fuiste un halo y un reflejo de la Música Las notas que nos dejaste no se quemaran... Ey Marcel, gen Leopardo, Ey Marcel, félido y rayo. En tus ojos vi lugares, la profundidad, vi la luna y los volcanes que agitan el mar, los Mutantes y las Hamstróm (Kuc) me recordaran… De Marcel, gen Leopardo, de Marcel, félido y rayo. "Abriendo puertas, transmutación superior, yo quiero ahora desabrochar la flor de amor" Hoy cantamos para hacer de tu luz una semblanza libres sin obedecer las pálidas que nos mandan Gracias por la inspiración tus relatos brasileros Tu sonido espiritual Buscando sonidos nuevos…

Las Ceremonias: -Los arboles mecen el cielo mojado que nos cobija hoy. Tu espíritu convertido en Leopardo surca las selvas que te conducen a la eternidad toda. Esa Eternidad donde el fuego ya no quema, ya no arde, ILUMINA, ILUMINA todo, en cuanto te acercas a CANTAR-

13 Máximo Sarrabayrouse (Buencebú) A Marcel lo conocí producto de organizar un ciclo de bandas en Naranja Verde llamado Buencebú. La primera vez fue cuando invite a participar a Los Siberianos, donde el tocaba el bajo. En principio no hubo mucha onda, quizás por una barrera idiomática o por alguna cuestión del azar...la cosa es que no hablamos mucho… simplemente un abrazo y felicitación luego de la tocada y ahí quedo, tan solo una admiración hacia el como músico. Luego de un tiempo Marcel se encamina en su propio proyecto llamado Nuvem Leopardo y comienza a haber una conexión más fluida. El primer paso fue cuando, con mi banda Flores de Sinaloa, lo invitamos a tocar con Nuvem a la fiesta de los 2 años de Buencebú. Fecha memoriosa donde recuerdo que Marcel olvido sus pedales de efectos en el taxi jaja. Se nos venía el mundo abajo pensar que corría riesgo su tocada. Momentos de tensión y suspenso se vivieron, pero finalmente un gran alivio para los allí presentes enterarnos que había contactado al taxista y ya estaba en camino con sus pedales. ¡¡Buena suerte para todos!! A partir de ese día, donde pude escuchar a Nuvem por primera vez, comenzó una relación más cercana a Marcel. Varios amigos en común, algunos encuentros en recitales y por suerte varias fechas que tuvimos el gusto de compartir con nuestras bandas. Fue quizás un muy fugaz encuentro de música y sueños en común, pero con alguien que sin dudas será recordado como persona y se mantendrá latente entre nosotros con su música.

[ Entrevista a Cristian Castillo y Paulo Cifuentes de Cuarto Flotante por Diego Centuriรณn. ]

ES NECESARIO ADAPTARSE A LOS TIEMPOS

En este 2017 estuvimos muy cerca del género de la nueva psicodelia, tanto desde las bandas como del arte en general, es algo que se fue abriendo paso sin darnos cuenta y hoy ocupa gran parte de nuestras publicaciones. Las bandas nacionales como internacionales comenzaron a estar más presentes en nuestras páginas. Las bandas nuevas empezaron a hacerse asiduas en nuestras páginas y desde hace unos números la banda que hoy les presentamos estuvo haciendo pequeñas participaciones en nuestras reseñas. Hoy le damos la bienvenida oficialmente a nuestro pequeño mundo de Revista The 13th a la banda chilena de Cuarto Flotante. Para empezar, ¿Porqué "Cuarto Flotante"? La banda toma forma un día de grabación de lo que sería nuestro primer single "hung" en uno de los cuartos de la casa de Paulo. Los sonidos de esta canción fueron producto de una experimentación lisérgica dentro de la banda y quisimos plasmarla lo más clara posible en la canción y dar la ilusión de estar flotando. Luego de terminar de grabar la canción comenzamos a buscar nombres para la banda y nos pareció que Cuarto Flotante calzaba perfecto con la experiencia vivida. Esto que nos contás ¿cuándo sucedió? Esto sucedió el día sábado 4 de junio de 2016 Y ¿la banda cuándo nació y cómo fue ese inicio? Nació ese mismo día. ¿No venían ensayando antes? La primera formación de cuarto flotante venia tocando en otra banda y hubo una inesperada ruptura. Y con los chicos no queríamos dejar de tocar, teníamos un montón de ideas dentro de esas estaba la maqueta de "Hung". No perdimos tiempo y nos pusimos a trabajar en lo que hoy es hoy la banda. ¿Y la otra banda tenía el mismo sonido que Cuarto Flotante? ¿Cuarto Flotante es una continuación de la otra banda o es un giro distinto? Manteníamos algo de la esencia en el principio, actualmente la banda está explorando en otros sonidos, desligándonos un poco de lo que es la "Psicodelia", lo que menos queremos es encasillarnos en un estilo.

Y si hoy tienes que explicarle a alguien que no conoce la banda ¿Cómo es el sonido de Cuarto Flotante? El sonido de Cuarto Flotante se caracteriza por la creación de atmósfera, por una espacialidad y por la exploración de sonidos combinados con melodías, guitarras sónicas y estructuras simples pero envolventes. ¿Cómo es la formación actual de la banda? Paulo Cifuentes: Voz y guitarra; Dante Parodi: Guitarra y coros; Francisco Matus: Bajo y coros y Cristian Z.: Batería y secuencias. Sebastián, encargado de los sintentizadores dejó la banda a principios de este año y en su lugar cambiamos el formato de la banda. Reemplazamos los sintetizadores por secuencias, su espacio abarcaba bastante por lo tanto decidimos incorporar a Dante ¿Cambió el sonido con esa partida? El sonido cambio, pero para mejor, en vivo Dante con sus guitarras hace que todo se una mejor. La banda tomo un sonido más crudo con otra guitarra más. Hace un mes estuvieron en Buenos Aires. Contános experiencias y por donde anduvieron. Fue una tremenda experiencia la gira a Buenos Aires, compartimos escenario con bandas increíbles, hicimos grandes amigos y queremos volver pronto. Nos encantó la escena independiente qué hay en Argentina, hay mucho compañerismo y buena onda entre las bandas, sentimos que tuvimos un gran crecimiento como banda y como personas. Agradecidos de Fuego Amigo Discos,

Minima Discos, Fuck Folk, Matias Rivara y a todos los que nos ayudaron a gestionar las fechas en Buenos Aires. "Insonme" es el EP debut del año pasado. ¿Cuántas satisfacciones les ha traído ese trabajo? Bueno, gracias a "Insomne" hemos podido estar moviéndonos harto con la banda para llevar 1 año activos, hemos podido tocar en varios lugares fuera de nuestra región, como ya te contamos fuera del país, festivales, ciclos de bandas y radios. Dentro de todo ese trayecto hemos conocido mucha gente, gente que sigue a la banda y nos apoya. Creo que esa es la mayor satisfacción, sentir que hay gente que disfruta lo que haces. Y ¿qué crees que es en lo que han fallado y merecen revisarlo? Yo creo a veces la ansiedad nos juega en contra, al principio nos propusimos y sobre-exigimos en muy poco tiempo tener el EP y a veces pensa-

mos que pudimos haber obtenido mejores resultados si nos hubiéramos dado más tiempo. Hablo de algo de nivel de sonido final. Por eso ahora nuestra próxima producción le vamos a dedicar el tiempo necesario para poder lograr una mejor satisfacción personal dentro de la banda. Escuchando "Insonme" se nota la idea de viaje a través de un espiral. Como un viaje lisérgico dulce. ¿Es algo que se pensó o todo fue dándose naturalmente? Si, en ese momento estábamos experimentando esos sonidos más lisérgicos, queríamos explotar al máximo esa sensación de estar viajando bajo narcóticos. Era lo que nos salía más natural dentro de la banda. Para aquellos que aún no han escuchado aun “Insomne”, ¿cómo lo describirías? Insomne parte con la Introducción titulada "Prologo" un viaje donde los pasajes nos llevan a sonoridades más apegadas al post-rock, a medida

que avanza el disco, va entrando en sonoridades más cercanas a la psicodelia, al pop y al rock, con temas como "luces de cuarzo" y " El cielo estallo otra vez". "Vuela en círculos" y el comienzo de "Hung" llevan el EP a un terreno más introspectivo y profundo para rematar con un Loop de teclados y guitarras que terminan en un caos de sonoridades disonantes. El último track llamado "Epílogo" es un outro que mantiene la armonía y melodía del prólogo pero con una mayor intensidad que crece a medida que el tema avanza. ¿Dónde pueden encontrarlo? Nuestro disco lo pueden adquirir escribiéndonos al correo cuartoflotante@gmail.com Ustedes son independientes (se autogestionan) ¿Cómo hacen con el trabajo que eso implica, se separan las actividades en la banda? Exacto, distribuimos funciones dentro de la banda para para que esto se pueda mover. Las cosas no se dan porque si todos trabajamos fuera de nuestros roles como músicos y vemos el otro lado de la música, que son manejo de redes sociales, arte, fechas, contactos y todo lo que implica este rollo.

¿En qué estado está la nueva grabación? ¿Tienen planeadas fechas para la grabación? Solo está la maqueta y la estamos probando en los en vivo. Aun no tenemos fechas estipuladas pero será para el 2018. ¿Será un álbum o un EP? Nos gustan mucho los EP, es un formato super amigable pero aún no tenemos definido, puede ser EP o LP. Ahora se usa mucho el formato single y el EP. Las bandas adoptan estos formatos para editar más material, como para mantenerse activos, y en cierta forma abandonan el proyecto de álbum. ¿Ustedes cómo ven el tema de las publicaciones? ¿Por qué formato se inclinan? Nos gusta mucho el formato disco larga duración y todo lo que eso conlleva, trabajar en un bonito arte para el disco y todo ese romanticismo, pero a la vez también es necesario adaptarse a los tiempos, hacer un disco es muy costoso, pagar largas jornadas de estudio de grabación no siempre es factible. Por ahora queremos hacer muchas canciones y después tomar la decisión

correcta, si estamos en condiciones de hacer un LP nos encantaría hacerlo, pero no nos cerramos a la posibilidad de hacer un EP o primero lanzar un par de sencillos antes y después recopilarlos en un disco. ¿Qué les queda para lo que queda del 2017? Ahora estamos en proceso de composición, y nos tomaremos un tiempo breve fuera de los escenarios por el mes de noviembre. En diciembre se están gestionando un par de fechas en Santiago. Para terminar y agradeciendo el tiempo brindado y lamentamos el no habernos encontrado en Buenos Aires. Te dejo este último espacio para que digas lo que quieras a nuestros lectores. Estos últimos días han ocurrido una gran can-

tidad de denuncias por abuso y acoso sexual de hombres hacía mujeres dentro de la escena musical chilena, cada vez la sociedad condena con mayor fuerza este tipo de conductas, más allá de apuntar con el dedo nos gustaría hacer un llamado a que desde nuestro entorno más cercano comencemos a erradicar todo tipo de conductas machistas y de violencia tanto hacia las mujeres, como homosexuales, extranjeros, etc. Cada uno de nosotros puede ser un pequeño aporte para construir una sociedad mejor. https://www.facebook.com/cuartoflotantebanda/ https://open.spotify.com/artist/6CcPNvAZDER46lGaJbdmNc https://www.instagram.com/cuartoflotante/ h t t p s : / / w w w. y o u t u b e . c o m / c h a n n e l / UC7rRe-sFeuzzkVczS_4mDtg/videos

[ Entrevista a Stanley Belton de Black Market Karma por Diego Centuriรณn. ]

ES NUESTRA SANGRE

21 Hace mucho tiempo que queríamos hacer esta entrevista, sin lugar a dudas Black Market Karma es una de las bandas que mejor manifiesta el renacimiento de la nueva psicodelia. Nacidos en South East London en el 2011llevan editados ocho álbumes y dicen tener cinco álbumes más listos para lanzar. Los invitamos a entrar al mundo BMK de la mano de su líder, Stanley Belton… ¡Hola Stanley! Gracias por permitirnos hacerte esta entrevista. Para empezar ¿por qué el nombre de la banda? Crecí con ese nombre cuando tenía 17 años. Ya no lo pienso mucho, pero si me presionan por un significado, supongo que se puede ver como que atrae el buen karma al difundir nuestra música desde el subsuelo. ¿Cómo y cuándo nace la banda? Comenzó como una salida cuando comencé a escribir mi propia música. A la edad de 20 años me volví mucho más capaz de traducir el sonido de mi cabeza a una grabación con cierta precisión. Terminé el primer álbum de la banda el año siguiente, escribiendo y produciendo todo yo mismo. Esto es lo que considero que es el verdadero comienzo de la banda. Nada antes de eso era solo naciente. Pensando en la psicodelia o la música lisérgica que nos hace viajar. ¿Cómo definirías tú el concepto de música psicodélica? Siempre he visto esa palabra como libertad para hacer lo que quieras. Creo que hay muchas ideas preconcebidas asociadas, pero realmente no lo considero cuando estoy escribiendo. Ni siquiera veo realmente lo que hacemos como abiertamente psicodélico, es solo un término general para mucha buena música y una forma rápida de categorizar el sonido de BMK para nuevas personas. Siento que últimamente se ha vinculado fuertemente a la música heavy droney, perdiendo

mucho de su color y, lo que es más importante, canciones reales. A casi diez años de la primera grabación de la banda. ¿En qué crees que ha cambiado la banda? Odio esas grabaciones con una pasión, ja, ja. Como dije antes, veo el 2012 como el verdadero comienzo de la banda. Esto fue cuando comencé a producir todo yo mismo, acercándome a lo que podía escuchar dentro de mi cabeza. Han lanzado una decena de grabaciones en estos pocos años. Pero en el 2012 han lanzado tres álbumes. ¿Fueron escritos en ese año o muchas canciones ya las tenías escritas? De hecho, publicamos 4 registros ese año. Una de ellas se escribió a finales de 2011 y las otras 3 se me ocurrió durante 2012. "Animal Jive" (2016) es hasta ahora el último álbum de la banda. ¿Qué ha cambiado en la forma de escribir las canciones de aquel 2012 al presente? Además de un puñado de aproximadamente 4 canciones, escribí y grabé todo desde el principio. Una puerta de inundación se abrió en mi cabeza a principios de 2012 y ha estado funcionando desde entonces. Es difícil de explicar, pero siento que estoy recibiendo las ideas como una señal de radio. Desde entonces, acabo de seguir mis instintos, grabar la música como viene y organizarlos en LP en orden. Quiero que las personas puedan mirar hacia atrás a través de la discografía y hacer que sea un archivo de la progresión natural. Definitivamente se está moviendo y evolucionando a medida que avanza. Han venido lanzando un álbum por año. Y en este 2017 aún no han editado nada. Y la pregunta inevitable es ¿Se viene un nuevo álbum en lo que queda del año o tendremos que esperar al 2018? Hay mucho en preparación para nosotros. He terminado nuestros próximos 5 álbumes y actual-

mente estoy trabajando en el día 14. Tenemos una colección de colaboraciones que hemos realizado con otros artistas como The Confederate Dead, The Underground Youth, Tess Parks, Les Big Byrd (joakim åhlund) y Ruari Meehan. También remezclaré y mastericé algunos de nuestros álbumes más antiguos, incluida una nueva imagen completa del EP All That I've Made y una gran repetición de Comatose. Esperamos lanzar algunas de estas cosas el próximo año, así que ¡mantente atento! Hoy la autogestión es un arma que facilita el no perder autonomía en sus productos, pero tal vez eso hace que el trabajo sea más arduo y constante para una banda independiente. Pero en el caso de Black Market Karma ustedes hicieron que sean conocidos en todo el mundo. ¿Cuánto trabajo les ha llevado hacerse un lugar en las preferencias de los fans? Es un esfuerzo continuo e interminable. Todo lo

que podemos hacer es ser sinceros en nuestro trabajo y ser fieles a medida que crece. Ustedes tienen sus álbumes en descarga gratuita. Esto es algo que suele ser un tema de discusión. ¿Cuál es su política con respecto a que la gente descargue sus álbumes? Vamos a terminar esto muy pronto. No contamos con el respaldo de grandes sellos y dinero, amigos famosos o padres famosos. Ofrecer nuestra música gratis era una forma de alentar a la gente a escucharla entre la saturación masiva de hoy. Además, la gente puede hacerse cargo de su trabajo de forma gratuita sin importar nada y de esta manera, al menos, hemos estado en contacto directo con los fanáticos y hemos creado una gran lista de correo. Aparte de esto, la gente todavía paga por las descargas digitales de nuestros álbumes en sitios como iTunes y Amazon, además de comprar productos físicos como vinilos y camisetas. El problema princi-

pal es un ingreso de transmisión tremendamente bajo para los artistas. Si esto se elevara, incluso por la cantidad más alta, sería una gran diferencia para todos nosotros financieramente. Hace unos meses han compartido escenario con una banda Argentina, Hurricane Heart Attack. ¿Qué conocen de la música de Latinoamérica? Esa fue una gran noche en París en Le Supersonic. Habíamos estado hablando en línea con esos tipos durante casi diez años, pero solo nos habíamos encontrado muy brevemente en el Cosmosis Festival en Manchester el año anterior. Fue agradable conocerlos correctamente y armar un gran ruido juntos en un espectáculo agotado.

¿Cómo ha sido este 2017 para Black Market Karma? Productivo. Tuvimos algunos grandes shows recorriendo el Reino Unido, España y Francia, y como mencioné anteriormente, he grabado una gran cantidad de música nueva de la que estoy muy orgulloso. No puedo esperar para compartirlo con la gente y comenzar a jugarlo en vivo. Y ¿cuáles son los planes para la banda? Obtener estos nuevos álbumes presionados y lanzados, juega lo mejor posible y sigue siendo creativo en el estudio. Agradecemos mucho esta oportunidad. Te dejamos este espacio final para que digas lo que quieras.

Gracias por su tiempo y por ayudar a difundir el sentimiento de BMK. ยกEs nuestra sangre! ยกGracias Stanley!

[ Entrevista a Franco Colombo y Franco Doglioli de Reflection por Diego Centurión. Fotografías: Edgardo Delfino ]

UNA OPORTUNIDAD AL SYNTHPOP

La escena electro y synthpop en Argentina está creciendo en cantidad y calidad de bandas. Reflection es uno de esas bandas que se perfila como una de las puntas de lanza dentro de la escena como otros (no muchos). El dúo conformado por Franco Colombo y Franco Doglioli viene perfeccionándose año a año. Si bien ya han aparecido en nuestro medio como banda y ambos han participado en reseñas o como invitados, hoy hacemos la presentación oficial entrevistándolos para conocer su mundo, plagado de búsquedas estéticas y sonoras, en un momento en el que acaban de lanzar un EP adelanto de lo que será su segundo álbum para el próximo 2018. Hola chicos y gracias por aceptar esta entrevista. Para empezar vamos desde el principio: ¿Cuándo nace Reflection y cómo se juntan ambos a crear la banda? Colombo: Nos juntamos en el 2011 por primera vez a grabar un tema para un tributo a Depeche Mode. Y a partir de ahí, nos planteamos la idea de hacer algunos temas nuestros. Empezamos a hacer algunos demos; pero en 2012 decidí irme a vivir a México. Quedamos en contacto y dejamos el proyecto en suspenso. En 2013, cuando decido volver a Buenos Aires nos sale una oferta para ir a Perú a tocar como "Sequencia", el anterior proyecto de synthpop de Frank (Doglioli). Mariano Lozano, el anterior integrante y creador de la música de Sequencia, como yo conocía el proyecto desde antes, me ofrece que vaya como tecladista de la banda, básicamente porque él no se iba a dedicar más a la música. Ahí empezamos a crear temas para ir a Perú, fundamos “Reflection” y fuimos a presentar dos o tres temas que luego formaron parte de un demo al que titulamos "Grand Bolivar". Ahí nace "Due Sono uno A Roma". A partir de allí, comenzamos a crear y grabar más temas y a darle forma al proyecto. Durante los años 2014 y 2015, además de comenzar a tocar nuevamente en Perú y en otros lugares de Argentina, nos dedicamos a gestar nuestro primer disco. Y es así como en 2016 nace Theorema. Doglioli: Lo que relata Franco es así. Después del Tributo a Depeche Mode empezamos a pensar en componer juntos, porque pegamos buena onda y

percibimos que se de daba algo interesante a nivel creativo entre ambos, algo que fluía. Así arrancamos. Franco ya venía por su lado, haciendo muchísimas cosas a nivel musical como BTB. Yo venía de ser el cantante de Sequencia, y de un proyecto posterior, como parte de una banda de electro rock que se llamó INVITRO, con la cual también grabé un disco que se llamó “Morir Intentando”. Para cuando Fran (Colombo) me convoca, yo ya me había retirado de ese proyecto y no estaba pensando en armar algo nuevo. Pero se dio esta posibilidad y cambié de opinión. Porque creo en las señales. Así empezó a gestarse Reflection. Es importante destacar esta sinergia que se da entre los dos cuando armamos una canción. La idea puede venir de parte de Colombo: él me manda la base o la pista que pensó y yo, en el acto, escribo una letra y pienso una melodía para la misma, que luego encastra casi perfectamente. O al revés, en mi surge una idea, escribo una letra, se la paso y él empieza a crear en base a ella, Así nacieron “Sin Retorno”, "Los Viernes siempre Llueve" y muchas de nuestras canciones. Y cuando nos juntamos a probar lo que creamos por separado, ambas partes coinciden, se fusionan, con una coherencia que suele sorprendernos. Por supuesto, haciendo luego los arrreglos y retoques necesarios en la estructura, en la melodía, etc. Pero la esencia de esa nueva canción ya ha tomado forma. Así es como nacen nuestras canciones. Hasta ahora, creo, no pasó nunca que alguno de los dos arme y proponga algo que no guste o cierre con la idea del otro. De allí la elección de "Reflection" como nombre del proyecto: porque en lo musical nos sentimos siendo uno reflejo del otro. Si bien somos muy diferentes en otras cosas, a nivel creativo nos sentimos súper conectados. Sumado a que existen otras coincidencias en nosotros y en nuestras respectivas familias, en cuanto a nombres. Tenemos el mismo nombre, también nuestros respectivos hermanos varones y nuestras madres. Algo casí místico. ¿Se conocían de antes? ¿Cómo llegan a juntarse para ese Compilado de Depeche Mode? Depeche Mode Tributo Argentino 2.0 Doglioli: Colombo conocía a Mariano Lozano, el músico que armó Sequencia, desde antes. Estaba al tanto de sus temas musicales y de mí. Mariano le cuenta que había encontrado la voz que buscaba, refiriéndo-

se a mi. Además Colombo había escuchado los primeros demos de Sequencia y hasta participado en el armado de algunas de las canciones. Por eso solemos decir que Colombo era el tercer integrante de Sequencia, aunque no aparecía en escena. Porque estuvo muy presente. De todo esto yo me fui enterando posteriormente. Ambos Francos nos encontramos en una fiesta que organicé en mi casa, no recuerdo si era por un cumpleaños o algo así, y él vino con una amiga en común y ahí nos pusimos a charlar y quedó el contacto. Pasó un tiempo largo hasta que decidimos juntarnos por lo del tributo antes mencionado. La persona que los organizaba era amigo de Franco y lo había invitado a participar. Fue cuando se le prendió la lamparita de convocarme para darle voz a esa canción. Lo que compusieron a partir de ese track del tributo ¿fue lo que salió bajo el nombre de "Grand Bolivar"? Colombo: Sí, básicamente después de ese tributo tuvimos un impase de casi un año y medio. Recién en 2013, cuando volvimos de Perú, después de presentarnos como Sequencia en La Oroya, ciudad serrana de Perú, reconocida por ser la capital del synthpop, ya que su juventud consume mucho este estilo de música y es el lugar en donde se llevo a cabo durante varios años el “Oroya Dreams Festival”. Como contamos

antes, seguimos grabando al regresar y fue ese mini EP compuesto por cuatro temas, en donde aparecen por primera vez "Due sono uno a Roma" y "Dejar ir", dos cortes que después serían parte de Theorema, También figuran "Ser vos en vos" y "Abandonado", dos temas que quedaron como demos y una serie de remixes de varias bandas de Latinoamérica (Este EP está disponible sólo en el bandcamp de Reflection)."Grand Bolivar" se debe a que porque en el 2013 (también en 2014) estuvimos alojados en un hotel de antiguo esplendor que lleva ese nombre, ubicado en la Plaza San Martín en pleno centro histórico de Lima. Así es como surgió el nombre y esas grabaciones, como los primeros demos que nos motivaron a crear un disco. 2016 fue un año muy importante para la banda, comienzan en enero con un EP de remixes de “Sin Retorno”. Y luego llega el debut de “Theorema”. Para terminar con "Pensar No Es Sentir" otro EP. Apareciendo varias veces mencionados en nuestra Revista. ¿Qué nos pueden contar del 2016, cómo lo pueden sintetizar? Colombo: Sí, tal cual, 2016 fue uno de los más movidos porque en realidad ese año hicimos tres videos. Nuestro primer video surge en 2014: "Due Sono a Roma", porque nos pareció más importante generar un videoclip que lanzar otro EP o algo así. Ya habíamos realizado un demo y luego vendría el disco.

Después llegaron los videos de "Dejar ir" y "Esa Luz". Que conformaron una trilogía romántica y melancólica, cada uno de ellos enmarcado en una ciudad europea diferente. Pero volviendo al 2016, fue realmente genial. Hicimos dos Eps, el disco, dos videos, y nos fuimos a Chile (Valparaíso y Santiago) y a Perú (Lima) a presentarlo y después acá en Capital Federal (en Kirie, en el Centro Cultural Rojas y en Bonito Hotel). Lo más loco fue que lo presentamos (como si fuésemos una banda grande) (Risas) en dos países vecinos, para de allí recién traerlo a Argentina. Como experiencia fue buenísimo todo. Ese año pudimos ampliarnos en alcance, ganando un público más latinoamericano, que ya había comenzando a afianzarse en Perú. Contamos con más seguidores en Chile, Perú y México que en Argentina. Por ahí ése fue el gran logro que tuvo el 2016. Durante este año que ya finaliza, Reflection, creo, ha

bien synthpopero, pero que también pueda ser lo suficientemente flexible como para abrirse a otras guiños musicales dentro del estilo. Nos vamos definiendo y reinventado al mismo tiempo. Sin perder nuestra esencia, buscamos siempre poder contar algo diferente, tanto desde lo sonoro como desde la imagen. Considero que este nuevo disco va a ser diferencial. Por lo seguros que estamos en cuanto a lo que queremos producir y hacia que mercado. Siempre respetando y valorando al público latinoamericano que nos brinda tanto; pero también orientándonos a ganarnos el reconocimiento del público europeo. Colombo: Al plantearnos la idea de comenzar a trabajar en “Umbra”, nos propusimos el objetivo de realizar un disco superior en calidad de audio a “Theorema”, en base a la experiencia adquirida. Creo que vamos logrando cerrar mejor las ideas y conceptos de lo que planteamos desde un inicio con Reflection. ¿Madurez artística quizás?

pegado un salto de calidad, tanto desde lo estético como desde lo sonoro. ¿Ustedes como lo sienten? Doglioli: Si, creo que con “Lumen” nuestro EP promocional como adelanto de “Umbra”, nuestro próximo disco, hemos dado ese salto a nivel musical y estético, como vos decís. Porque cada vez estamos más seguros de lo que queremos proyectar como banda y hacia qué tipo de público apuntamos. Un público, si

Ahora que tocaron el tema de lo estético, si hay algo que en un show de Reflection se va a encontrar, es calidad sonora y visual. Ya sea desde su look, hasta el ingreso, del que yo considero, el tercer Reflection: Dan Chelger. La pregunta es: ¿Cómo buscan el sentido y la dirección estética en la que va un show? Porque siempre son dife-

rentes y nunca se repiten. Dogioli: Nosotros desde el principio estuvimos de acuerdo en que lo visual, lo estético, la imagen es tan importante como la calidad musical, cuando se aspira como banda a un formato profesional. Si uno suena bien pero no muestra coherencia y respeto por ese sonido en vivo, descuidando detalles como la vestimenta, la iluminación, las visuales, el armado del escenario, la ubicación de la computadora, de los sintetizadores, del pie de micrófono, para poder visualizarse bien durante el show y moverse comodamente, se pierde un 50% de lo que se desee representar en escena como banda. Y hevisto últimamente muchas bandas, dentro del estilo, que no tienen en cuenta estos aspectos. En cuanto a la indumentaria, los dos al principio nos descubrimos fanáticos de la serie Madmen. Nuestro look inicial nace en su mayoría de esa serie. Tanto en las primeras fotos cono en los primeros videos. Traje negro entallado, camisa blanca, corbatín negro, za-

optamos más por remeras en su mayoría en tonalidades oscuras, de diseño, con diferentes tipos de telas y estilos, pero que se note que son prendas de calidad, con algún toque retro o también, digamos, apocalíptico. Varía de acuerdo a las cosas que vamos encontrando. Lo ya fijo en nosotros es el uso del chupín negro acompañado por unos buenos pares de zapatos o borcegos. Contamos con el asesoramiento de alguien que ha ayudado mucho a definir nuestro estilo. Nosotros también vamos proponiendo opciones y usamos solo aquello en lo que coincidimos. Buscamos proyectarnos prolijos y en sincro con nuestras ideas. Los dos vestidos iguales, busca representar esa unidad, en donde todo está pensado para el show. En los videoclips también seguimos esa misma línea. Para lo que viene, en el segundo álbum, decidimos redoblar un poco esa apuesta: sumamos simbología, dándole a lo visual un sentido más profundo. En cuanto a Dan, lo hemos catalogado como el tercer Reflection,

patos negros. Sentimos que iba acorde a lo que queríamos proyectar como banda. O sea, prolijidad. Dos tipos con un toque retro y formal. Remitiendo además a otras bandas del synthpop de los 80's, pero bien actuales. Después fuimos cambiando. Dejamos un poco de lado el saco, la camisa y la corbata. Si bien cada tanto volvemos a utilizar estos accesorios, hoy en día

porque ha estado en muchos shows haciéndonos las visuales y ha captado perfectamente la esencia de lo que queremos contar como banda. Si bien hemos tenido la participación de otros vj's, que son excelentes también y nos han acompañado fantásticamente, con Dan logramos mucha empatía y sinergia.

Colombo: Yo quiero agregar algo más sobre Dan. Cuando me contacté con él, flasheé desde un principio con lo que me planteó en relación a las anteriores visuales que veníamos utilizando: “esto no va con la estética de ustedes" – me dijo. Justo en relación a lo que estaba diciendo Doglioli con respecto al cuidado de la ropa, simbologías y ese tipo de cosas. Luego me comentó que trabajaba con equipos retro de los 90's, interviniendo señales. Le respondí que eso era específicamente lo que buscábamos: salir de lo que es el 4K, de la excelencia de la imagen e ir hacia lo contrario a todo eso, algo que nos identifique y nos haga salir de ese cliché, de esa moda a la cual todo el mundo, bajándose un software, puede acceder. Por lo tanto, nos pareció súper copado experimentar con su propuesta, o sea, que él vaya creando imágenes e interviniéndolas en vivo. Más allá de que lo pueda hacer con un software, él genera todo con hardware, incluso con equipos que él mismo fa-

un 80%. Estimamos terminarlo para los primeros meses del 2018. Creo que para febrero o marzo va a estar listo. Nos gustaría que sea en formato físico y digital. Estamos trabajando para decidir como y por donde será su edición. Aún tenemos contrato con ScentAir Records, que es el sello ruso con el cual editamos Theorema.

brica para intervenir imágenes. Usando para cada video un color y una forma geométrica. Es lo que nos encantó: crear algo moderno utilizando herramientas de los años 90's. Ese fue el plus en las visuales de todo el 2017. Y ya estamos trabajando con Dan en lo que vendrá para el 2018. Otro punto muy importante, más allá de nuestra estética, de nosotros como dúo, ha sido poder formar un equipo de trabajo, el cual se fue formando, por ejemplo, con Edgardo Delfino, fotógrafo, el nos ha tomado casi todas nuestras fotos y ha realizado varios videoclips con nosotros. También contamos con los chicos de Dynamo Visual que se ha unido más recintemente al equipo. Shadow Play, que actualmente se encarga del diseño de Lumen y de lo que será Umbra. Carlos Alvarez, desde el comienzo, en vestuario y como traductor. Mynoshka Castle, actualmente, en accesorios y maquillaje. Dan, como ya antes mencionamos y ni hablar de Carlos Shaw, nuestro coproductor estrella, que consigue llegar al sonido que buscamos. Contamos con un equipo de diez personas aproximadamente que siempre están apoyándonos en lo que necesitamos. No somos sólo nosotros dos. Reflection está conformado por todo un equipo y una gran familia.

más house, que en nuestro próximo álbum ya no aparecerán. “Umbra” se acerca más a lo que hoy queremos: Un sonido más pop que cubre otros sonidos más electro y duros, como el futurepop, algunos temas más cálidos y catchy digamos, como en “Los Viernes Siempre Llueve”, con esa melodía de sintetizador muy synthpop. Otros temas más de banda electrónica, rozando un electro pop “más escuchable”. La idea de lo nuevo va orientada a lograr cubrir un poco de los dos mundos que nos interesan. Por un lado nuestro público en Latinoamérica, el cual consume más lo cantado en español y por otro lado, el mercado europeo, al que tratamos de ingresar tímidamente con “Theorema” y nuestros temas en inglés, resultando a veces un poco complejo, ya que al no ser nuestro idioma nativo nunca vamos a sonar igual a una banda de allá. Desde lo estético, queremos ahora mostrar esa diferencia bien marcada, combinando lo frío y oscuro del lado europeo con la mística y calidez de lo latinoamericano. Apareciendo en escena los huayruros, que son semillas de una planta selvática utilizada por el pueblo ashaninca del Perú con profundo significado. Así como cierta pintura roja. Todo ello aparecerá en forma de accesorios y como maquillaje. En cuanto a logo y tipografía también presentamos cambios. Utilizando para una de las letras la forma de la chacana, la cruz andina, junto a letras a su vez que representan runas de la mitología nórdica. Una mixtura entre ambos mundos. Y eso es lo bueno, lo diferencia que queremos proponer en relación al disco anterior.

¿En qué estado está la grabación del nuevo álbum? Colombo: El disco Umbra está compuesto por trece canciones, de las cuales seis son en español, seis en inglés y una en francés. El disco se encuentra en la etapa de grabación de voces y mezcla. Avanzado en

Qué se viene con el nuevo álbum, qué diferencias estéticas y sonoras nos encontraremos con Umbra? Colombo: “Lumen” es como un aperitivo de lo que va a ser “Umbra”. Quisimos mostrar parte de lo que va a ser la gráfica y la estética del nuevo disco, que será más oscuro en cuanto a la música y las letras. Siempre nuestra música es más o menos oscura, melancólica. “Theorema” representa, como primer disco, la búsqueda del rumbo de Reflection. Fue un mix de cosas, orientado a la pista de baile, con sonidos

Agrego que con ambos discos buscamos no ser demasiado homogéneos en lo que respecta a sonido ya que al tratarse de más de diez canciones, con lo difícil que actualmente resulta poder captar la atención del público para que se tome su tiempo en escuchar todo un álbum como concepto, cuando hemos comprobado que la gente quiere todo rápido, inmediato, tendiendo a escuchar dos o tres temas y pasar rápido el resto. Siempre hemos combatido la idea de hacer trece canciones que sean exactamente iguales, con la misma onda, porque aburren. Es lo que pasa con muchas bandas del estilo. Por eso tratamos de ir mezclando, cubriendo gustos dentro de la misma estética y sonido, obviamente. Eso si nos parece atractivo. Vos podés escuchar nuestros discos como si fuera un compilado, pasando de una balada de piano a un tema pop electrónico y después escuchar un tema electro para la pista o un tema más house. Por eso decidimos siempre apuntar a abarcar ese amplio mundo de la música electrónica que nos gusta. Y consideramos que hemos podido reflejar esto en nuestros trabajos. Está bueno porque al escucharlos, como melómanos, más allá de ser los creadores, no te aburren. Si bien ya mencionás algo, en relación a la manera en que hoy la gente escucha música, desde un paradigma diferente, que se presenta como habitual, en la que el público escucha casi parcialmente una obra, ante lo cual muchas bandas optan por

los singles o EPs y luego, en muchos casos, los discos son recopilaciones de esos singles y Eps, ¿ cómo ven este momento en lo que se refiere a ediciones y a cómo enfrentan este no tan nuevo paradigma? Colombo: Y si, casi todo lo que comentás es lo que nosotros también lo pensamos. La industria de la música cambió mucho en estos últimos años. Los sellos discográficos ya no apuestan a invertir mucho dinero en bandas. Actualmente, es más que nada el tema de la autogestión a través de PledgeMusic, Spotify, Itunes, Bandcamp, etc. Se trata, por lo tanto y según observo, de una era de la autogestión de las bandas, más que la era de las multinacionales ofreciendo contratos 360, que obviamente destruyen al artista. Entonces, a nosotros, siendo banda independiente, nos cuesta todo y mucho, dos o tres veces más, porque cada cosa que hacemos es a pulmón. Cuidar la estética visual, indumentaria, producción musical, las ediciones, redes sociales, cuesta dinero pero es necesario hacerlo. Es pura inversión que de una u otra forma da sus frutos. En cuanto a cómo cambió todo… hoy las bandas promocionan una canción como single (incluyendo un remix o no) como si fuera un disco. A la gente, que vive a mil por hora, eso le sirve, y a las bandas también. Hoy, escuchar un disco con diez canciones ya es para pocos y lo mismo comprar un cd o un vinilo o lo que sea en formato físico también. Todo debe ser rápido, de fácil acceso. Nosotros lo experimentamos día a día.

Cuando publicás un video en YouTube, la gente ni si-

diente. Lo cual nos posiciona de otra manera en la es-

quiera hace click para ir a YouTube. Lo tiene que auto ejecutar Facebook para que puedan verlo, sino ni lo ven. Pero no queda otra, hay que ir adaptándose a los cambios y a los tiempos que corren, sin perder las ganas y el gusto de lo que a uno le gusta hacer. Doglioli: Coincido plenamente en todo lo que respondió y explicó Colombo. Adaptación, e innovación, cuidando cada aspecto y sin resignar nunca nuestra esencia y objetivos. Esa es la clave para nosotros.

cena local e internacional dentro del guetto del mundo del pop de sintetizadores.

Y ya pensando en el nuevo álbum "Umbra" y en un 2018 que está acá. ¿Qué podemos esperar del próximo año? Doglioli: El próximo año incluirá terminar el segundo álbum, presentarlo, empezar con la promoción, dependiendo del sello con que decidamos editarlo. También hacer el videoclip de uno de los dos nuevos cortes que ya presentamos en "Lumen". Después, de acuerdo a como podamos ir organizándonos, progamar los shows que realizaremos durante el año para presentarlo, que probablemente serán pocos pero bien pensados, como fue durante 2017. Todo sujeto a lo que decida el sello que elijamos. De ello va a depender la prensa y la difusión que le podamos dar, cuestión de la cual, hasta ahora, nos hemos encargado nosotros. Colombo: Para cerrar lo que dice Fran, el 2018 nos va a encontrar con dos LP, varios singles y videoclips en este corto tiempo transcurrido para un dúo indepen-

Y para ir finalizando las últimas dos preguntas. Como acaban de decir ustedes no tocan mucho, sobre todo, en los "lugares tradicionales". ¿Es una búsqueda de apertura a nuevos espacios o simplemente es que sienten que no encuentran lugares desde lo sonoro, acordes a la búsqueda de perfección en sus presentaciones? Colombo: Nosotros somos de tocar poco porque, como comentábamos antes, así como cambió la forma de edición de discos, también el concepto de show ha cambiado. Por ende, para lo que son bandas independientes, conseguir lugares que puedan tener buenas visuales, buen sonido, para brindar un buen show, es dificil. Los lugares bien preparados son pocos. Limitados en cuanto alternativas, preferimos esperar a sumarnos a algunos festivales o fechas específicas durante el año y no a tocar por tocar. Porque no somos una banda de rock. No nos suma eso. Prefiriendo invertir tiempo en grabar y hacer más cosas por internet que hacer shows. Estamos muy conformes con los pocos shows que damos por año. Eso es a lo que aspiramos desde un principio y lo estamos haciendo. A la gente le cuesta mucho salir, más a ver una banda independiente. Por eso hacemos pocas fechas, así que la gente que nos sigue debería aprovechar para

vernos en vivo. (risas). Doglioli: Coincido con lo que dice Colombo. Nos hemos focalizado más en generar movimiento, en potenciar todo lo que hacemos y estar más presente desde lo digital, desde las redes. De esa forma estamos siempre presentes. Y en cuanto a tocar en vivo, como los lugares escasean, los lugares bien armados desde el sonido, las visuales, etc., son muy pocos como decía Fran. Por eso estudiamos muy bien las posibilidades. Para reducir al máximo el margen de incertidumbre. Y eso es algo que hemos aprendido con el tiempo, el hecho de no tirarse a la pileta sin conocer previamente el lugar donde vamos a tocar. Igual seguimos aprendiendo, porque a veces uno espera una cosa y después se encuentra con otra y es ahí donde suelen surgir los problemas. Uno se prepara para dar un determinado tipo de show y el público espera lo mismo. Si fallan el sonido, las visuales, la dinámica u organización del lugar, automáticamente eso va a influir en

ir supervisando y controlando cada vez más estos aspectos para poder fluir artísticamente.

lo que uno ofrece desde el escenario. Es importante conocer hacer un reconocimiento previo. Conocer antes el lugar, pedir referencias. Así uno, como artista, termina dando el 50% de lo que puede dar y el público, si es amigable, también se ve afectado. Lo percibe, se tensiona, siente que tiene que arengar de más y ayudarte de alguna manera, porque se da cuenta que la estás pasando mal en el escenario. El público que nos sigue comprende el concepto de la banda, lo que hacemos y queremos mostrar, entonces, cuando ve que no estamos pudiendo lograrlo por alguna cuestión externa, termina pasándola mal a nuestro lado. Para reducir todo este tipo de situaciones, esperamos poder

sica, tal vez por desconocimiento, y que se han sorprendido al venir a escucharnos. Llegan al principio por amistad o curiosidad, y luego continuan asisitendo a nuestros shows por elección. Cuando eso sucede sentimos una enorme satisfacción porque confirmamos que nuestro trabajo, si se le da la posibilidad, puede trascender fronteras.

Bueno y para terminar y agradeciéndoles esta entrevista... Les dejo este espacio para que digan lo que quieran a nuestros lectores. Colombo: Que la gente pueda darle una oportunidad a este estilo de música, al synthpop y al tecno pop de industria nacional. El cual ha sido bastante maltratado en nuestro país, por tratarse de una tierra muy rockera. Por suerte hay muchas bandas que la vienen peleando desde muy abajo y ojalá que algún día puedan ser respetadas en el circuito local. Doglioli: Me sumo a lo que dice Fran. Esperamos que comiencen a dejar de lado los prejuicios y le den una chance al estilo. Van a encontrar mucho laburo y calidad en lo que ofrecemos. Nos ha pasado con varias personas que no se interesaban por este tipo de mú-

¡Gracias chicos! Colombo: A vos Dieguito, por la buena onda de siempre. Doglioli: Gracias querido Diego por el espacio y atención que siempre le has brindado a Reflection.

[ Entrevista a Rein Fuks de Pía Fraus por Benjamín York ]

¡SOLO LA MÚSICA IMPORTA!

Hay bandas que desde su lugar de origen empiezan a andar su camino y, con el tiempo, van cargando su discografía con muchas publicaciones que engrosan su historia y, poco a poco, su nombre empieza a aparecer en el mundo de Internet que uno navega y cuando se escucha por primera vez no se puede dejar de hacerlo. Kool Things nos mandó su último álbum, "Field Ceremony" y nos decidimos a contactarlos para conocerlos y presentárselos a ustedes. Con ustedes la banda de Estonia, Pía Fraus. En el 2018 se cumplirán veinte años desde el nacimiento de la banda. ¿Qué recuerdan de ese inicio de Pia Fraus? Y ¿cómo nace de la banda? Por supuesto que lo recuerdo. Fue en la primavera de 1997 cuando obtuve mi primera guitarra eléctrica, y comencé a escribir algunas canciones extrañas. Mi amigo Reijo obtuvo un viejo bajo de Margus Voolpriit. Comenzamos a ensayar después de la escuela en el departamento de mi hermana. También grabamos algunos demos con una grabadora de mierda. En septiembre de 1998, Tõnis Kenkmaa se unió a nosotros y le pi-

dió a Joosep Volk que tocara la batería. Poco después, llegó Kristel a cantar y le pidió a su amigo Kärt que tocara el sintetizador. ¿Por qué el nombre de la banda y cómo lo eligieron? Recuerdo cuando elegimos el nombre de la banda. Fue Reijo quien escribió varios nombres en la pizarra en el aula y acabamos de recoger el mejor. Hace veinte años recién nacía Internet, ¿Cómo fue el trabajo de difundir a la banda de un país tan apartado de los charts europeos? Sabiendo que no existían las redes sociales como hoy las conocemos. Fue bastante diferente, por cierto, obtuve mi primera PC en 2001, antes de eso usaba sitios de internet y cafés. Nuestro baterista Joosep estaba más familiarizado con las computadoras, él nos hizo, la dirección de correo electrónico y también el primer sitio web en nuestra clase de informática. Obtuvimos mucha información sobre los sellos de nuestro amigo y técnico de sonido Lauri Liivak, quien también hizo música con una banda llamada Bizarre. Nos contó sobre Clairecords,

Shelflife, Darla Records, etc. Luego, enviamos algunos demos, y así es como todo comenzó a crecer. Como dijimos antes, hoy en día, internet es una herramienta indispensable para llegar a una gran audiencia. ¿Cuánto ayudan las redes sociales en el crecimiento de la banda? Creo que es importante estar activo en las redes sociales, Facebook e Instagram. Como fanático de la música, me gusta ver cómo funcionan las bandas y cómo se comunican con sus fanáticos. La banda publicó en el 2001 el primer álbum, "Wonder What It's Like". ¿Qué recuerdan de esa grabación? La primera canción que grabamos para "Wonder What It's Like" fue "Moon Like a Pearl". Accidentalmente, resultó bastante bien y Lauri Liivak nos ofreció un tiempo de estudio gratuito para grabar todo el álbum en su estudio. Para ser ho-

nesto, no fue tan fácil, porque todos éramos adolescentes en ese momento y no teníamos ni idea de cómo trabajar en el estudio y esas cosas. Por supuesto, lo pasamos muy bien en el estudio. Pero creo que también fue difícil enfocarse en las grabaciones. Luego publican “In Solarium” (2002) y Nature Heart Software (2006), que junto a “Wonder What It’s Like” ya tienen más de diez años de vida. ¿Cómo sienten el paso del tiempo en esos discos? Grabamos "In Solarium" poco después de lanzar "Wonder What It's Like". Conseguimos el contrato con Clairecords y querían lanzar un nuevo registro lo antes posible. Para mí, hay pocas canciones en el disco que no estoy contento, pero vamos, tenía 19 años. Me gusta mucho "Nature Heart Software" como un álbum. Fue el primer disco que grabamos en nuestro propio Seksound Studio. El sonido no era el mejor, pero

después de que lo remasterizamos en 2016 es bastante perfecto. ¡Estoy 100% contento y orgulloso de ello! En mayo del próximo año se conmemora diez años de “After Summer”. ¿Piensan en algún festejo especial de ese trabajo? Ya celebramos en 2016 lo lanzamos en vinilo de 180g. Tal vez haremos algo grande cuando cumpla 40 años. Ese año también colaboran con Ulrich Schnauss, ¿Qué nos pueden contar de ese trabajo? Creo que sigue siendo la mejor colaboración que hemos hecho. Afortunadamente, podemos trabajar con Ulrich también en el futuro. Por cierto, acaba de hacer otra remezcla fantástica para nosotros. Fue lanzado en "That's Not All EP". También obtuvimos excelentes mezclas de Airiel, Mahogany y Picnic para el EP. Este año publican "Field Ceremony", ¿qué sienten que cambia en la banda en este nuevo álbum? Como muchos de ustedes ya saben, nuestro

viejo amigo y antiguo miembro de Pia Fraus Tõnis dejó la banda porque tiene muchas otras cosas que hacer. Entonces toda la situación ya es diferente. El proceso de grabación también fue muy diferente para nosotros. Grabamos el álbum y comenzamos a ensayar y aprender las canciones para los conciertos. Pero el nuevo álbum nos dio mucha energía nueva y nos hizo creer en “Thats Not All!”. Simplemente tienes que creerlo. El mercado discográfico ha cambiado. Hoy se suelen publicar más EPs o singles que álbumes de muchas canciones. ¿Ustedes cómo se llevan con esta tendencia mundial? Me gustan los singles y los EP, también los álbumes. Creo que no hay diferencia cuál es el formato. ¡Solo la música importa! En la medida en que haya suficientes canciones hermosas, todo estará bien para siempre. ¿Hay planes de nuevas ediciones pronto? Siempre tengo demasiadas ideas. Espero que podamos lanzar algunos singles divididos, videos EPs, y ¿tal vez un nuevo álbum en 2020? Y, por supuesto, siempre estoy interesado en proyectos de remixes.

¿Qué podemos esperar del 2018 para Pia Fraus? Queremos tocar conciertos en todo el mundo tanto como sea posible. Vamos a tocar algunos conciertos en Japón, Taiwán y China. Con suerte, EE. UU. Y Canadá, Reino Unido y algunos conciertos en Europa. Agradecemos la oportunidad de entrevistarlos, dejamos este espacio para que usted diga lo que quiera cerrar esta entrevista y nos diga dónde encontrar a Pia Fraus. ¡Gracias por las excelentes preguntas! ¡Fue un honor y divertido hacer la entrevista!

[ Entrevista a Jenn Vix por Pablo MÃ¼llner ]

DEJANDO LIBRE A LA MUJER QUE NO TIENE MIEDO

¿Cómo suena Jenn Vix? Cierren los ojos e imagínense… Suena, bueno, no hay nada que se le parezca en realidad. Pero mantengan los ojos cerrados y pónganse en contacto con sus miedos más profundos: ella suena así de atrapante, y sí: color negro, profundo. “Unlocked” (que puede traducirse como “Liberada”, pero que en inglés además hace alusión a abrir con una llave) es su último EP, y es además una buena oportunidad para descubrir a una cantante con un verdadero don. Jenn posee un sorprendente rango vocal: a veces suena oscura, a veces mucho más oscura, a veces poderosa, a veces etérea, otras veces inquietante y otras, luminosa; pero incluso por momentos logra transmitir todas esas cosas al mismo tiempo. Y no se confundan, ella no es solo la hermosa voz de un productor o un músico varón, es algo así como una mujer-orquesta por derecho propio. Por eso, déjenme presentarles, señoras y señores, a Jenn Vix, La Mujer Que No Tiene Miedo. Hola, Jenn, es un placer encontrarte. Para comenzar quería preguntar sobre el nuevo EP “Unlocked”. Sin desmerecer tu larga y rica trayectoria, realmente se siente y suena como un nuevo capítulo, suena fresco, un nuevo comienzo. Quizá “Alive Again” (Viva de nuevo, la primera canción) me haya creado esa sensación, tiene una energía increíble. ¿Cómo lo vivís vos? Gracias, es un placer para mí también. “Unlocked” es un paso en una dirección diferente para mí, ya que mi vida cambió por completo en los últimos tres años. En este EP quería crear una atmosfera variada, y para mí, las canciones van progresando de un sentimiento a otro, y así van contando una historia. La colección de temas es muy ecléctica, lo cual es una constante en tu música: desafiar los géneros. Pero la verdad que al principio tu voz me transfiguro por un buen rato, no podía prestar atención a otras cosas. Es asombrosamente expresiva. ¿Tuviste una formación musical clásica? Gracias, es un honor lo que decís sobre la for-

ma en que canto. No tengo un entrenamiento musical clásico, pero me entreno como cantante, desde los doce años. Soy una música autodidacta. Mi primer instrumento fue la batería a los tres años! Y enseguida arranqué con un poco de piano también. Aprendí de manera autodidacta a tocar el bajo a los 18. Mi padre, que ya falleció, era pianista de jazz, y es posible que algunas de sus habilidades me hayan venido de él. Tu estilo es totalmente personal, pero me trae ecos de algunas grandes como Chrissie Hynde o Annie Lennox, principalmente porque, al igual que ellas podés expresar muchas emociones, incluso contradictorias, al mismo tiempo. ¿Dirías que eso es posible por un don natural o por un largo camino de búsqueda interior? Solamente se trata de cantar sobre lo que siento. ¿A qué cantantes admirás? Algunos de mis favoritos: Nina Simone, Frank Sinatra, Bobbie Gentry, Peggy Lee, Arthur Lee de Love, Dave Vanian, Cher durante la era 1960s-1970s, Nico, Annie Lennox, Shirley Manson, Stevie Wonder, Pauline Murray, Curtis Mayfield, Marc Almond, Siouxsie Sioux, Scott Walker, Thom Yorke, Richard Ashcroft, Graham Lewis de Wire, Reggie Watts, Lisa Gerrard, Iggy Pop, Bryan Ferry, David Bowie, Lee Hazlewood… he escrito una canción inspirada en Lee, y la pienso editar pronto. Cantar es un aspecto de tu arte, entiendo que además estás muy involucrada en el proceso de grabación de tus canciones, que producís y tocás guitarras y bajos. Esto te convierte virtualmente en una mujer-orquesta. ¿Disfrutás cumpliendo con todos esos roles o cuál es la motivación al hacerlo? Empecé a aprender sobre el proceso de grabar en los noventa, con el baterista e ingeniero de sonido Robert Leonardo. También tuve grandes consejos de un antiguo ingeniero que trabajó para Motown Records. Pero prefiero grabar y colaborar con otros músicos, aunque he hecho un

montón de composición y grabación en total soledad. La razón por la que disfruto de colaborar es porque siempre trae nuevas ideas, nuevos sonidos a la mezcla. ¡Es una experiencia fabulosa! Tenés un currículum de colaboraciones increíbles. ¿Con quienes trabajaste para ‘Unlocked’ y cómo resultó? Es un honor haber trabajado con músicos tan brillantes. Me siento agradecida de haber tenido esas oportunidades, y espero poder repetirlas en el futuro. En "Unlocked," trabajé con John Ashton, Frank Coleman, y Danny C. Chavis. Tengo la impresión de que amás trabajar con guitarristas sobre todos porque vos misma sos guitarrista, ¿será una cuestión de identificación, quizá? A decir verdad, no me siento muy guitarrista, por eso busco guitarristas que puedan lograr lo que yo no consigo hacer sola. De nuevo, los guitarristas con los que trabajé aportaron una nueva perspectiva al sonido de mi música, y me eriza la piel escucharlos rockear! Trabajaste con algunos de los mejores: Re-

eves Gabrels (guitarrista de Bowie y luego de The Cure) and John Ashton (Psychedelic Furs), Marco Pirroni (Adam Ant, Siouxsie). No son cosas que pasen todos los días. ¿Cómo accediste a esas oportunidades? Reeves y yo nos hicimos amigos por internet, hace muchos años, poco antes de que él se uniera a The Cure. Yo le había dicho que quería trabajar con él hace tiempo, incluso antes de que habláramos por primera vez, así que grabar con él fue muy excitante! A Marco lo conocí en persona hace varios años; lo mismo que a Dave Barbarossa de Bow Wow Wow. Después los reencontré online. A John lo conocí por Facebook. Los músicos con los que fui trabajando tienen amigos en común conmigo, y un contacto va llevado a otro, y es así que generalmente se dan las cosas. Además solía vivir en New York, y me la pasaba saliendo y haciendo fechas con los músicos de la escena, cuando era adolescente. Tu anterior EP ‘Strange Buildings’ (Extraños Edificios) es quizá más oscuro, mientras que ‘Unlocked’ suena más despojado y tiene momentos más electrónicos, pero creo que el nombre “Extraños Edificios” sirve de metáfo-

ra para tu trabajo como compositora, creo que tus canciones podrían ser extrañas, surreales piezas arquitectónicas. ¿Cómo es que surgen esas construcciones? Gracias. En realidad hay un montón de guitarras en “Unlocked”, pero no en todos los tracks. Y respecto a los temas en los que yo toco las guitarras me propuse crear un sonido más “post punk”. "Strange Buildings" fue escrito en el medio de la noche, en completa soledad, en mi estudio. Gran parte de los temas del EP tienen que ver con un periodo extraño de mi vida, durante el cual tenía sueños muy vívidos, y esos sueños se convirtieron en canciones. Una de las cosas más extrañas que ocurrió, luego de que salió el EP, es que me encontré con el edificio con el que había estado soñando recurrentemente. ¡Es el edificio donde ahora ensayo con mi banda! Aquella primera vez estaba en el ascensor de carga, y lo mire a Michael, el nuevo guitarrista de mi banda, y le dije: “éste es el edificio con el que vengo soñando y nunca había vis-

to antes”. No tengo idea cuál sea el significado de eso, pero me shockeó profundamente… Cada detalle era exactamente igual a lo que había visto antes en sueños. Ahora amo tocar en ese edificio, me siento cómoda y segura allí. ¡La vida puede ser tan rara a veces! “The woman with no fear” (La mujer que no tiene miedo) es una gran canción de guitarra. Intensamente atrapante: “…and yes you can wrap those snakes around me” (“…y sí, podés envolver esas serpientes en mi cuerpo”) cantás en un momento, wow! Podré preguntar si “la mujer que no tiene miedo” es autorreferencial… El tema es sobre querer tener menos temores. Lucho contra la ansiedad desde que soy una niña, como resultado de situaciones de violencia doméstica que no podía controlar. Un día leí la historia real de una mujer que tenía un problema en sus amígdalas, dos grupos de núcleos del tamaño de almendras localizados

en lóbulo temporal de su cerebro. Como resultado de esto ella no sentía miedo, incluso podía exponerse a potenciales situaciones de riesgo sin darse cuenta. Pero me inspiró imaginarme cuanta libertad debía tener, por el hecho de nunca estar asustada. Escuché otra gran canción tuya “Escape from the toy box” (Escape de la caja de juguetes), que tiene una historia real muy fuerte como inspiración. Es un gran tema para sacar a la luz. En el presente, en Argentina por ejemplo, los temas de violencia y abuso de género dan lugar a debates políticos muy candentes, creo que pasa lo mismo en todo el mundo. ¿Pensaste que era necesario crear mayor conciencia cuando lo escribiste? Estaba muy shockeada por todo lo que le había pasado a la mujer que inspiró esta canción. Su fortaleza mental, su deseo de seguir viviendo, a pesar de estar secuestrada y torturada, me inspiraron intensamente. Ella se rehusó a abandonarse al destino. Los tipos que la tenían secuestrada, ya habían matado a muchas antes, y en un flash ella pudo liberarse y correr. Corrió hasta la ruta, desnuda, con los pies ensangrentados, y no se detuvo hasta encontrar ayuda. Le dediqué esta canción porque ella es una heroína para mí. ‘Complicated Man’ (Hombre Complicado) parece hablar en un tono similar, de una relación llena de manipulaciones. Además filmaste un hermoso video para la canción. ¿Podés contarnos de la experiencia? ¿Disfrutaste de actuar en el video? En la canción hablo de una la relación con ciertos aspectos de manipulación, pero de ambos lados, no hay una crueldad inherente. En el fondo, mi personaje busca a este hombre para que la arrastre lejos del caos total que es su vida, pero él no puede: es un hombre complicado. Pase unos momentos maravillosos en el set de filmación, trabajando con Renan (el director) y con Michael (que interpreta el papel del hombre complicado). Retozando en una habitación de hotel, medio desnuda, filmando escenas de sexo, debo decir que no fue para nada aburri-

do, me venían a la mente tantos recuerdos en las esquinas de mi mente, durante la filmación. A veces, el pasado vuelve por vos, como suele decirse, pero también en el mejor de los sentidos… ‘Unlocked’ (Liberada) es una excelente canción de cierre, y es también un final abierto... Me devuelve la idea de una mujer atrapada en un círculo vicioso que finalmente encuentra su salida… Todo cobra sentido después de escuchar y observar varias veces. Incluso la pequeña llave negra sobre tu cuello en la foto de portada, que dicho sea de paso es una hermosa foto tuya. ¿Qué puedes contarnos sobre ‘Unlocked’? Gracias de nuevo. "Unlocked" surge de un intenso anhelo de ser liberada del dolor, el miedo y el sufrimiento. Hace unos pocos años, casi me muero por una enfermedad mal diagnosticada. Sinceramente fue la cosa más aterradora que me pasó en toda la vida. Seguro que atravesé otros momentos intensamente dolorosos, pero estar cerca de la muerte te cambia de maneras que son imposibles de explicar… Puede que suene un poquito cursi pero la llave sobre mi piel en la portada representa la llave que libera a mi alma. Mientras me tomaban la foto, pensé en la llave del Tardis, de (la serie de TV) Doctor Who. Quería que viniese Twelfth Doctor a rescatarme. Creo que tendría mucho más para preguntarte, pero quizá podrías contarnos algo sobre tus planes para el futuro y dejarnos algunos pensamientos tuyos para nuestros lectores… Tengo planes de hacer presentaciones en vivo otra vez, de grabar nuevos videos y grabar nuevas canciones. Necesito seguir haciéndolo. Me rehúso a bajar los brazos. Hay un gran dicho: “No renuncies a soñar despierto”. Creo firmemente en eso. Fue genial charlar con vos, Jenn. ¡Gracias y hasta la próxima! Gracias por el interés en mi música, y por esta nota. ¡Fue un placer! Jenn xx

[ Entrevista a Simon Raymonde de Lost Horizons por Darío Martinez ]

SE TRATA DE CONFIAR EN TÍ MISMO

Primero quiero felicitarlos por el Hermoso álbum que hicieron y manifestarles mi admiración por sus trabajos anteriores con Cocteau Twins como con Dif Juz. Simon has estado activo en el negocio de la música con Snowbird (para el disco “Moon” te hemos entrevistado) pero desde la disolución de Cocteau Twins hace exactamente veinte años, te has puesto al frente de Bella Union, primero junto a Robin Guthrie y luego has quedado al mando. Cuéntanos ¿Qué fue lo que te ha dado fuerzas para volver a armar una banda? Cuando me di cuenta de que hacer música no se trataba de cosas como "LANZAR UN ÁLBUM" o "ESTAR EN UNA BANDA", se trataba solo de hacer la parte de la música, entonces pude ver la empresa con una nueva perspectiva. Habiendo estado en una banda icónica, no te restringe automáticamente, aunque me costó bastante tiempo resolverlo, así que solo pude encontrar una situación en la que QUISE hacer música, es decir, encontrar la persona y el entorno que encajaba ¡YO! Solo tomó 20 años ¿eh? Richie sabemos de tus estadías en Dif Juz, Butterfly Child, The Hope Blister. Pero ¿A qué te has dedicado todos estos años? Richie estuvo de gira con la cadena Jesus And Mary y también con Moose y algunas otras cosas interesantes aquí y allá, pero como yo, Richie no ha trabajado mucho en la música, en parte por no enamorarse de las partes de la "industria" y al evitar las escenas que han estado creciendo a nuestro alrededor. Ambos fuimos estafados bastante mal a lo largo de los años, por lo que te hace dudar antes de sumergirte en algo nuevo. Es una pena, pero le ha sucedido a muchos antes y le sucederá a muchos después de nosotros. Si bien sabemos que Richie ha colaborado en algunos tracks de Cocteau Twins. ¿Qué los motivó a juntarse a hacer este álbum y salir a tocarlo? Nos habíamos unido juntos en la década de 1980, toqué el bajo con los otros chicos en Dif

Juz por un par de ensayos solo por diversión y siempre disfrutamos de la compañía del otro y yo personalmente sabía que si iba a hacer un disco en el futuro Richie tenía que ser el baterista, pero sobre todo porque creo que es totalmente original y su estilo es perfecto para mi interpretación. No creo que realmente hayamos tenido la intención de salir a tocar en vivo y ciertamente no ha sido fácil de armar, pero ha sido extremadamente gratificante desde que terminamos nuestra primera gira el mes pasado. ¿Cómo nace el nombre de la banda? Mi película favorita de Frank Capra, Lost Horizon. Imágenes, imaginación, historia. ¿Qué ven en el Horizonte? ¡Más shows, segundo álbum! Leí que la base instrumental del disco fue improvisada en dos sesiones de 4 días, luego Simon transformó en su estudio esas improvisaciones en canciones. Esto me hace pensar en dos preguntas: A) - ¿Cómo fluyeron esas sesiones? La segunda Sesión coincidió con la muerte de Bowie, y hemos leído la historia del padre de Simon y Bowie. ¿Quieren decir algunas palabras sobre él y cómo influyó ese día durante la grabación? B) - ¿Qué instrumentos eligieron para hacer la base de lo que iba a ser su álbum? A- Las sesiones fueron bastante sorprendentes. El primero generó 7 piezas, seis de las cuales terminaron en el álbum, y una vez que las traje a casa y las desarrollé un poco, era solo cuestión de averiguar quién quería cantar con ellas. Lo improvisamos todo y llegó muy fácilmente, me sorprende decirlo. No esperaba que nada de eso fuera tan bueno o emocionante como resultó. Con la improvisación que nunca se sabe, puede ser impredecible, pero para ser honesto, con mi antiguo grupo de Cocteau Twins se escribía de la misma manera, así que esto no es nuevo para mí. Se trata de confiar en ti mismo. El día de Bowie, sí, desgarrador, pero decidimos entrar, y usar la energía, sea lo que sea, bue-

na / mala, triste / orgullosa, etc. para canalizar nuestras improvisaciones. Creo que realmente lo hicieron. Era un héroe para los dos y estoy seguro de que estuvo en la habitación con nosotros de alguna manera ese día. B- ¡Solo los que puedo tocar realmente! nada sofisticado. El mellotron tuvo un gran papel en la segunda mitad de la grabación y eso le dio al álbum un nuevo capítulo seguro. Así como en This Mortal Coil y The Hope Blister, proyectos de los que ambos fueron parte, distintos vocalistas participaron como invitados. Con tantos invitados en Ojalá. ¿Cómo fue el proceso de selección y grabación de las voces? ¿Quién hizo las letras? Elegí los vocalistas, basados en la música y que sabía que serían perfectos para cada pieza. A mí me resultó muy fácil, un par más duro que otros, pero la mayoría de los minutos después de terminar la canción instrumentalmente, sabría quién debería ser. Las letras eran en su mayoría de los propios cantantes, mi parte en eso fue simplemente para darles sugerencias sobre lo que es-

taba sucediendo conmigo durante la grabación / escritura y para que los usaran para ayudarlos o ignorarlo por completo. No me importó. Solo quería nuestra libertad para crear la música que todos los protagonistas puedan replicar. ¿Cómo forma la banda con la que están presentando el disco? 7 personas en el escenario. 3 cantantes y 4 de nosotros detrás. Dos cantantes que están en el álbum y uno que no. La banda es perfecta. ¡No podría estar más feliz con cómo va! ¿Están tocando solo los temas de Ojalá o agregaron más para el vivo? ¿Cuáles? Solo las canciones de Ojalá. Quién sabe sobre el futuro, ya veremos. Como hemos mencionado antes Bella Union cumple 20 años. ¿Cómo es tener un sello hoy en día? Imagino que debes disfrutar mucho de estar rodeado de música, pero un sello implica mantener una estructura formada por gente. ¿Está más difícil mantenerla ahora que

en los ochenta o es sólo diferente? No, es más fácil tenerlo ahora, porque ya está establecido. Tenemos la misma gente central durante muchos años, somos amigos, no lo vemos demasiado en serio o con los mismos criterios que utilizaría una empresa más corporativa. Amamos lo que hacemos y tratamos de alentar relaciones increíbles con nuestras bandas. ¿Qué recuerdos buenos y malos has tenido con Bella Union en estas dos décadas? Demasiados para mencionar, en ambos lados sugeriría. Bueno, la historia de John Grant / Father John Misty y Beach House nos acompañan desde hace 11 años y se convirtieron en artistas

aclamados internacionalmente / Fleet Foxes vendiendo 1 millón de discos aquí en Europa / Dirty Three / trabajando con Jambinai de Corea / trabajando con Wayne Coyne y Flaming Lips, Mercury Rev, fichando a Spiritualized. Bad-Fleet Foxes saliendo y firmando para una etiqueta importante. ¿Ya piensan en un segundo álbum? Pensando en eso, ¡sí! Gracias por concedernos la posibilidad de entrevistarlos. Muchísimas gracias chicos.

[ Entrevista a Emma Mario de Astrobal por BenjamÃn York ]

LA PARTE FALTANTE QUE ESTABA ESPERANDO

Finalizando el año 2017 hemos encontrado a esta banda llamada Astrobal, que es el proyecto que esconde a Emmanuel Mario, un músico francés que ha colaborado con varios artistas entre los que se encuentran Laetitia Sadier, Arnaud Fleurent-Didier, Holden, Institut, Monade, Hyperclean, e Iko Chérie. Y en el número anterior hemos entrevistado a la ex Stereolab y Emma fue su productor y baterista en algunos álbumes de Sadier, de hecho aparece como invitada en el nuevo trabajo de Mario. Entonces, en cierta forma, continuamos esa línea trazada en la entrevista realizada por Pablo Müllner en el número 41, para ingresar a ésta. Hola Emma, gracias por permitirnos realizar esta entrevista. Y para empezar nos encantaría saber tu opinión sobre ¿cómo es trabajar junto a Laetitia Sadier dentro de un estudio? ¡Salut Benjamin! Bueno, trabajar con Laetitia es fácil porque nos conocemos muy bien... hemos estado haciendo música juntos desde hace 12 años. Tuve una banda llamada Momotte y le enviamos nuestro CD, porque ella representa todo lo que amamos en la música. Luego nos preguntó si podíamos trabajar con ella para su proyecto Monade. Asombroso... Laetitia sabe exactamente lo que quiere, compone las canciones y escribe las letras, hace algunos arreglos y luego, le da este material a otros músicos y yo recupero todo esto y hago el resto. Es un placer único colaborar con ella desde todo este tiempo. ¿Cuándo decides crear Astrobal? Lancé mi primer EP en un cdr en 2004, sin etiqueta. Se llamaba "Viens quand tu peux, mais peux bientôt" (significa Ven cuando puedes, pero puedes hacerlo pronto). ¿Por qué el nombre Astrobal? El nombre de Astrobal vino de un sueño que tuve. Por la mañana, estaba claro para mí que este nombre era la parte faltante que estaba esperando. Y me dio la energía para crear mi propia música y crear un mundo para este nombre. Llegas al primer trabajo en el 2011, “Poetry & Science-Fiction”. ¿Qué recuerdas de este primer

trabajo como Astolab? Estuve haciendo música durante 10 años, tocando o grabando para otras bandas y me encantó eso. Mi proyecto en solitario no era una prioridad para mí en ese momento. Seguramente porque era tímido para enfrentarlo. Siempre me han fascinado los vínculos entre el infinito del espacio y la intimidad de la vida real, entre la naturaleza y la tecnología, comiendo películas y libros desde que soy un niño. Siempre estoy desarrollando esta temática... Poesía y ciencia ficción es mi primer álbum real, incluso si se lo llama EP ... para este álbum, solo tenía mi computadora y un micrófono, así que es más electrónico que lo que estoy haciendo hoy. Y luego vino el álbum de remixes llamado “Reworked”. Pero hasta 2016 no publicas nada. ¿Qué has hecho todo este tiempo? Produje muchas bandas e hice giras, con Institut, Holden, Little Tornados, Orion Rigel Dommisse, Marker Starling, Hyperclean, Iko Chérie, Laetitia,... muchas nuevas experiencias. En realidad, "Reworked" es una mezcla de versiones de covers y remixes de Poesía y ciencia ficción. Pedí a todos mis amigos que transformaran y adaptaran estas canciones. El resultado fue más allá de mis esperanzas... “Australasie” se publica en el 2016 y es tu segundo álbum, ¿qué nos puedes contar de este álbum? Para Australasie, estaba buscando un mundo lejano y desconocido para crear las canciones y descubrí un libro sobre las islas Kerguelén cerca de la Antártida, en Australasia. Este lugar me fascinó... Compuse todo en las montañas, en el sur de Francia, lejos de la civilización. Desde mi ventana, solo veo las montañas, llenas de tomillo, y desde mi ventana este, veo el mar de Mediterráneo. Las canciones de este álbum están hechas de esto, una mezcla de naturaleza y tecnología, una distopía musical de felicidad experimental. Y ahora has editado un nuevo EP "Memories of Stars", en donde retomas el track “Australasie” junto a Sadier. ¿Qué nos puedes contar acerca de este EP? Envié la canción instrumental Australasie a Laetitia

y ella escribió estas letras perfectas sobre nuestra especie, nuestro ADN, nuestra civilización. ¡Esa fue la primera vez que trabajamos juntos para Astrobal! Las otras canciones en este EP son pistas inéditas de Australasie. He visto que a finales de noviembre has posteado una foto que decía sesiones de grabación con Nina Savary en La Bergerie. ¿Se viene algo nuevo? Nina Savary es una actriz y cantante, y vivimos juntas. Ella canta todas las voces de fondo en Australasie, y también la hermosa lírica soprano en Trois beaux Oiseaux du Paradis, una versión de Ravel. Nina también es parte de Laetitia Sadier Source Ensemble con la que acabamos de regresar de una gira de 5 meses. Vivimos la mitad del año en París, y la otra parte en el sur, solos en las montañas, especialmente durante el invierno. Estamos terminando su nuevo álbum, con canciones originales de Marker Starling, Laetitia Sadier, Julien Gasc, Nina y yo. Es realmente emocionante, pero fue un proceso largo... en cuanto a mi álbum, tenemos que encontrar la brecha entre todos los otros proyectos que tenemos. Y también estoy trabajando

en un nuevo álbum de Astrobal, una especie de música progresiva francesa para el mundo... que se lanzará el próximo año en Karaoke Kalk, el mejor sello de toda la Vía Láctea. ¿Te has presentado en vivo como Astrobal? ¿Cómo lo haces con otros músicos o en plan solista? Tuve la oportunidad de abrir para Laetitia en la última gira, en Alemania, España y en los EE. UU. Y para la presentación en vivo de Astrobal, toco la batería y canto, con Nina (teclados, guitarra y voces) y Xavi Munoz (bajo y teclas) y también somos el Source Ensemble. Sabemos que tienes un proyecto INSTITUT, en donde participó Nina. ¿Cuéntanos sobre este proyecto? Institut es el proyecto de Arnaud Dumatin. Él compone y escribió las letras, arreglo y produzco. Nina también canta. Lanzamos dos álbumes que fueron muy famosos en Rumania. Institut es una especie de ola de frío social en francés... ¿Qué planes hay para el 2018 para Astrolab?

Todavía no sé cuáles serán los planes... planificar es siempre un gran desafío cuando eres músico... pero espero que pueda hacer algunos shows para seguir mi nuevo álbum. ¡Merci!

[ Entrevista a Los Ácidos por Pablo Müllner. ]

UN VIAJE POR LA AUTOPISTA MENTAL CON LOS ÁCIDOS

59 Los Ácidos editaron su LP debut bajo el nombre de la banda. Sin mencionarlo “el viaje” está presente en todo el disco. El viaje en más de un sentido, y en particular el viaje temporal, que atraviesa por la psicodelia en todos sus matices: desde un purismo más sesentoso hasta momentos en que se encuentran en el camino con hitos sonoros como los de Marc Bolan o Primal Scream, Tampoco pierden de vista el pasaje por ciertas raíces nacionales. Sentarse a escuchar el “Los Ácidos” es un poco desplazarse hacia otro espacio, o adentrarse al vacío... Por otro lado, toda esta fuerza está encauzada en un formato bien riguroso y exacto de canciones con melodías brillantes. Brillantes como el Sol/Naranja que se levanta en el horizonte de una ruta desértica. No estoy alucinando: es exactamente la portada del álbum Los Ácidos. Ellos son Miguel Piermarini (voz y guitarra), Sebastián Gentile (teclados, sintetizadores), Javier Foppiano (batería, percusiones) y Santiago Rodriguez (bajo), y los seguimos un trecho en su viaje para conseguir que nos contesten algunas preguntas. Como suele decirse en algunos viajes aéreos: “¡Ajusten sus cinturones, ingresamos a zonas de turbulencia!” Cómo va, Ácidos, un gusto charlar virtualmente un rato. Primero que todo, felicitarlos por el disco: está cumpliendo un año, ¿no? Antes de meternos más profundo en el tema del disco, quería preguntarles si lo pensaron así, esto que digo más arriba, que propone un viaje en varios sentidos. Muchas gracias. Si, de una, la idea es tratar de llevar a quien nos escuche por distintos lugares, y pasearnos también por los distintos mundos que la música tiene el poder de proponer. En realidad yo los descubrí tocando en vivo este agosto, en la Noche Psicodélica (03/08, Niceto Club), y fue una sorpresa, de las buenas, claro. La fecha estuvo muy arriba, todas las bandas aportaron algo distinto, y muy pa-

rejas en calidad. Me parecía que cerrar la noche era un doble desafío, por un lado hacernos viajar una hora más y después ponerle un cierre, que nos fuéramos todos contentos. Sí, fue todo un reto tocar después de bandas con semejante nivel de talento. Estamos muy contentos que haya sido una buena sorpresa jaja, nosotros la pasamos muy bien en esa fecha. Unos meses antes entrevisté a Marcel, de Nuvem Leopardo, y le pregunté si sentía que a diferencia de otros momentos en este momento había una “escena”, y si eso le resultaba más “inspirador” que hacer música de manera más aislada, digamos. Y me dijo que definitivamente, sí. ¿Les pasa algo parecido? Bueno es complejo, nosotros nunca nos pudimos sentir parte de una escena realmente. Cuando recién empezamos (2010) éramos bichos muy raros realmente. Ahora es cierto que hay mucha más movida dentro de nuestro tipo de música, así que eso ha progresado definitivamente jaja, aunque sigue bastante embrionaria la escena psicodélica aún. En el momento se me ocurrió para la reseña que de la “Noche Psicodélica”, que eran la más “glam” de la noche, me venían a la mente T-Rex, Bobby Gillespie, gente que hace melodías muy deslumbrantes, como si hicieran música de R&B o soul con guitarras eléctricas. Bueno no tenemos una estética tan cuidada como para sentirnos glam jaja, aunque como diría William Blake la exuberancia es belleza, así que punto a favor si se percibe de esa forma. Las melodías si son algo a lo que estamos muy atentos porque es un idioma universal de entendimiento, aunque nada de lo que hacemos es calculado realmente. Creo que es lo más “nuevo” del LP. Venían con un perfil mucho más bajo, en el terreno de lo instrumental y la experimentación, en “El Maravilloso Estanque” (un EP lagarteado

e irregular, de 2012) y “Exceso de Psicoldelia (un simple “con dos zapadas psicodélicas”, 2010). De repente pusieron mucha canción (Viajes, Blusas, Empatía de Cristal) mucha letra, melodía, coros… Es realmente “lo nuevo” o lo tenían guardado y lo venían trabajando de a poco. Bueno la intención de la banda fue siempre la misma, solo que en esta oportunidad lo pudimos plasmar de una manera más efectiva, pero la idea de la banda fue siempre la de hacer canciones y que lo instrumental e improvisatorio esté dando vueltas. Les pedimos disculpas a todos por el sonido no tan logrado en los trabajos anteriores jaja Hablamos un poco antes con Sebastián, sobre el (pre)lanzamiento de “Los Ácidos” en vinilo, por Capitan Beefart Records, y me parecía importante tener una idea más clara de los dos cosas: del vinilo, qué me parece espectacular que se materialice, y por el otro su participación el sello. Sí, veremos que sucede con eso. Nos pusimos en contacto con el administrador del canal de música Captain Beefart después de que subiera nuestro disco y que para nuestra sorpresa tu-

viera montones de vistas y buenos comentarios. Después de hablar un poco con él nos contó que estaba con idea de fundar un sello discográfico también, así que nos pareció genial tratar de hacerlo con él. Ahora es nuestro sello y estamos orgullosos de ser parte del mismo. Hablábamos un poco también sobre los “estados alterados de la conciencia” como momentos de experimentación y de creación artística. La charla nos llevó a “Estados Alterados” de Ken Russell que tienen unas escenas psicodélicas alucinantes, creo que las mejores que dio el cine. ¿Los estados alterados son una fuente de inspiración? Cada uno puede aportar su visión. Si por supuesto, desde el lado recreativo y desde el lado más profundo. Hay un alto nivel de ocultamiento de parte de como está construido el mundo acerca de estos distintos estados en los que nuestra mente y nuestro ser se pueden encontrar. La música es una la más poderosas formas artísticas de evocar tales estados incluso sin la necesidad de otra cosa que la música, asi que nos aprovechamos de eso lo más que podemos

61 Hablando de películas… Hay momentos del disco, en particular para mí: Excentricidad, con esa psicodelia rutera y acústica, o “Jinete Psicodélico” que parece que estuvieran componiendo un soundtrack para una película. “Espejos” recuerda un poco al viaje cósmico de Odisea del Espacio, que hoy día parece un protector de pantallas pero no deja de ser un flash. ¿Los inspira el cine? Totalmente, nos algo consciente en absoluto, pero así nos sale. El uso de teclados y el contenido de las letras ayudan mucho también a que se perciba así. Nos gustan mucho bandas que tienen una cualidad así también como los primeros Pink Floyd o The Doors, los escenarios musicales la verdad que nos fascinan, además de que es genial que son interminables las posibilidades. Por otro lado, por más cósmicos y viajados creo que en algún punto retoman cierta “tradición nacional”. Aunque claro, el rock nacional

nace en los sesenta, y está conectado a pleno con la psicodelia. Pero sí hay cierta sensibilidad argenta a la hora de componer una buena melodía pop, no sé, ¿lo sienten así? La verdad que no hay nada que se haga de manera consciente y calculada. Lo que está en nuestros discos es lo que nos sale, la música que nos sale por los poros. Somos muy fans de bandas de afuera pero también queremos tener un sonido que hable acerca de dónde venimos y vivimos, así que probablemente sea tal cual decís, aunque no es adrede. Los Ácidos nos dan: Cinco Grados de Acidez Te decimos 5 discos de 1967 que nos encantan si querés: “Cauldron” de Fifty Foot Hoose, “Something Else” de The Kinks, “Their Majestic Satanic Request” de los Stones, “Hamburg Recordings” de The Monks, y la biblia de la psicodelia…”The Doors de los Doors.

NO HAY OTRA BANDA COMO ESTA EN EL MUNDO [ Entrevista a Vladimir Komarov de Dayoffs por Diego Centuriรณn ]

Las bandas siguen apareciendo en un mundo musical que parece estar en expansión como el mismísimo Universo. Lo cierto es que la calidad siempre está aumentando, y los nuevos proyectos comienzan a tener muchísima calidad. Este es el caso de estos dos productores, Vladimir Komarov y Atsuo Matsumoto, que mientras trabajaban en un estudio de Manhattan para otros artistas decidieron formar The Dayoffs. El 10 de noviembre pasado han lanzado bajo el sello Emerald & Doreen Recordings su homónimo álbum debut y de esto y otras cosas hablaremos con ellos. Hola y gracias por permitirnos realizar esta entrevista. Para empezar ¿cuándo y cómo nace el proyecto? ¿Qué inspiró el nombre de tu banda? ¡Hola Diego! Creo que nuestro proyecto comenzó naturalmente a partir de nuestra compatibilidad musical entre nosotros. Me refiero no solo al gusto musical sino también a la técnica de grabación y mezcla y la forma en que tocamos nuestros instrumentos. El nombre... No sé, creo que fue mi idea y soy muy malo con los nombres ... pero sé 2 cosas con seguridad: 1) no hay otra banda con el mismo nombre en el universo , 2) la forma en que se deletrea se ve bien, esto es más que suficiente)))

63 Entiendo que usted es originario de Rusia, donde estuvo involucrado con 2 de las bandas underground más importantes del país, y que ha remezclado previamente pistas para Ian Brown, Ash, SPC ECO de Dean Garcia, Craig Walker, Electric Mainline, The Nova Santos y Aerofall. ¿Puedes contarnos sobre esto? Cada remix tiene su propia historia única. No soy una fábrica de remixes, pero a veces los amigos, los músicos o las etiquetas me piden que lo haga, o a veces la iniciativa viene de mi lado. Algunos de ellos fueron lanzados, y algunos no fueron por varias razones. Pero cada uno de ellos (a pesar de los nombres) fue muy importante para mí. En este momento tengo dos canciones en mi mesa de remezclas, una es para Naik Borzov (una superestrella del rock ruso) y otra para SPC ECO de Dean Garcia. Ambos son muy interesantes y personales para mí. ¿Cuánto tiempo les llevó escribir las canciones del álbum? Nos estábamos preparando para estos registros durante demasiado tiempo, estábamos hablando de "deberíamos empezar o no" (porque ambos entendimos que no podemos permitirnos que "no sea perfecto"). Somos

perfeccionistas. Entonces - había muchas dudas (especialmente por mi parte, supongo) al principio. Pero una vez que comenzamos las canciones, fue muy fácil y rápido. Y trabajando dentro de un Estudio, ¿Cuánto tiempo le dedicaron a la producción del álbum? Si bien las canciones llegaron muy rápido, la producción tomó mucho tiempo. Años... Estábamos buscando el equilibrio ideal de todo: voces e instrumentos, guitarras y electrónica, tambores en vivo y cajas de ritmos (o incluso "sin batería"). El orden de las canciones era y es muy importante también. Pero, para ser honesto, esto es lo que nos gusta hacer, además no tuvimos presión de nadie. Nadie nos conocía y teníamos todo el tiempo del mundo antes de terminar el álbum.

Les pido un Track by Track. 15 Esta canción fue escrita y grabada al final: tuvimos que hacer casi el álbum completo para darnos cuenta de cómo queríamos comenzarlo.

Love Love Love Soñaba con escribir una canción como esta por muchos años. Rápido, popero y shoegaze.

Bottled Rainwater Puedes escuchar una fuerte influencia de Sonic Youth aquí, ambos estamos locos por ellos. ¡NYC también es una gran influencia!

I Can't Believe I'm Dead Esta es una canción muy extraña con un vocalista invitado (y mi amigo) Sergey Kiselyov. Le pedí que cantara porque no tenía letras ni ideas sobre qué podría ser esta canción. Sergey ya nos ayudó con la letra de algunas canciones, así que mi plan era (como decimos los rusos "matar a dos conejos de una sola vez") pedirle que escriba la letra de una canción más y mostrar nuestro agradecimiento invitándonos como invitado vocalista. No tenía idea del resultado final, ¡pero a mí me salió genial!

Nobody Knows Her Estoy muy orgulloso de esto, nunca había hecho nada ni siquiera cerca de esto antes. Sé que es muy popular, pero espero que no suene vulgar. Hay una línea muy pequeña entre la gloria y el pop vulgar: sigo creyendo que no hemos cruzado esa línea.

Two Actors In A Cage Otra gran canción pop para mí. Hecho de un millón de piezas como un rompecabezas difícil.

A Million Days La escritura de esta canción comenzó a partir de la improvisación en un Jenco Celeste que encontramos en un estudio. He escuchado este instrumento de teclado único en los registros de mi Thelonious Monk favorito, pero nunca antes había tocado el Celeste, así que su sonido me sorprendió instantáneamente y grabé algunas ideas en el dictáfono de mi teléfono.

Next To Nothing Un gran ejemplo de lo bueno que puede ser el baterista de este álbum (Sergey Ledovsky). Grabé su demo en el verano de 2011, y 5 años después, lo dimos vida cuando nos dimos cuenta de que necesitamos más pistas rápidas)))

Illusion Este vino completamente solo de las improvisaciones del estudio, no hubo ideas pregrabadas. Uno de los más conmovedores en este álbum para mí.

State Of Madness Otro bebé de improvisación. Fue nuestra primera canción completada. Tal vez es por eso que lo ponemos al final del registro))

Eleven Improvisación pura otra vez e ideal outro instrumental para mí.

¿Puedes compartir alguna anécdota o historia sobre la grabación de este álbum o la realización de tus videos? Puedo decir que el video 'Next To Nothing' está basado en un metraje lo-fi de 8 mm muy divertido que encontramos de un hombre de mi ciudad natal (Novosibirsk). Es un entrenamiento de esquí alpino para niños en los montes bajos, no muy lejos de Novosibirsk en 1973. ¡Video único! ¿Y te sorprendió algo durante este tiempo? Me gusta leer. Rediseñé muchos libros durante este período: uno de los más impactantes fue "Of Human Bondage" de W. Somerset Maygham, y otro fue "The Soft Machine" de William S. Burroughs. Tal vez encuentres los rastros de estos libros en mis letras. Y muchos más, por supuesto... ¿Planeas presentarlo en vivo cómo un dúo o con una banda completa? Nos gustaría tocar en vivo, esto es todo lo

que puedo decir a estas alturas. Y con un 2018 ya por nacer. ¿Qué planes tienen, para cada uno y como banda? Ya hemos comenzado a generar demos para un nuevo álbum: entiendo que es mejor que lo publiquemos lo antes posible. Pero no tengo idea de cuándo podemos tener la mezcla final del Álbum 2. Para terminar… ¿Por qué creen que nuestros lectores no deberían dejar de escuchar a The Dayoffs? Y ¿Dónde pueden encontrar a The Dayoffs? Porque no hay otra banda como esta en el mundo, suena moderna, pero no se ve y suena como otras bandas "modernas". Y esta música no es aburrida))) Puedes descargar nuestro álbum desde iTunes o Amazon. Está en todas partes. Y ya sabes, mucha gente ya me dijo: este álbum tiene una duración perfecta; 30 minutos es exactamente el tiempo que me lleva desde mi casa hasta el trabajo por la mañana y la noche. ¡Tienes que intentarlo!

[ Entrevista a Dari Maksimova y Eugene Voitov de On The Wane por BenjamÃn York. ]

HAZ TODO LO POSIBLE PARA HACER LO QUE AMAS

Formado en marzo de 2014, en una tierra lejos de nosotros (en Kiev, Ucrania), Shameless Promotion PR nos presentó a la banda On The Wane. Llamado "Schism", lanzaron esta belleza en noviembre, este segundo álbum del cuarteto, que consiste en Anna Lyashok, Dari Maksimova, Eugene Voitov y Eli Laika. A través de su música, revelan un mundo donde el post-punk se eleva como una bandera salpicada de shoegaze. Así que abrimos la puerta a un mundo oscuro y ruidoso, donde todo puede pasar, ya que, desde el principio, la banda ha estado en constante mutación. Hablamos con On The Wane... Hola, antes que nada quería agradecerles la posibilidad de hacer esta entrevista. Para empezar, nos gustaría viajar en sus recuerdos al principio de todo de la On The Wane. ¿Cómo se formó la banda? A principios de 2014, Eugene y Alexander (nuestro ex guitarrista) tocaban en otra banda. Y todas las cosas sobre esa banda estaban equivocadas: a los miembros no les gustaba esa música, nadie quería ir a los ensayos y realmente nadie quería verse. Así que estábamos cansados de esta situación y decidimos hacer la nueva banda con solo miembros que están grabando con música, para tocar solo la música que amamos, para tenerlo de forma natural y honesta. Así que On The Wane comenzó con el punto principal: haz todo lo posible para hacer lo que amas. Leí que en un principio se habían endeudado para comprar equipo y que también vivían en la sala de ensayo durante algún tiempo para perfeccionar tu sonido. ¿Es esto cierto? ¿Ya pagaste esas deudas? Sí, nos endeudamos para comprar equipos, eso es cierto. Queríamos tener tiempo ilimitado y nuestro propio lugar para tocar, y esa fue la decisión. No vivíamos literalmente en nuestro garaje, pero pasamos mucho tiempo allí. Y sí, hemos pagado esas deudas en aproximadamente un año. Ahora, nuestro estudio de ensayo se mudó a un lugar nuevo, un poco más grande y con mejor acústica.

En menos de un año, ya habías sacado tu primer álbum "Dry". ¿Qué impresiones tienes hoy cuando escuchas ese álbum? ¿Qué piensas del trabajo como principiantes en la toma de decisiones durante la grabación? Un músico es una especie de transformador que recibe de fuera sonidos del mundo, palabras, impresiones no verbales, lo pone todo por sí mismo y obtiene nueva música en el exterior. Como músicos, hemos tenido poca experiencia y todas las influencias de nuestros ídolos fueron bastante obvias en nuestra música desde el principio. Pero este ingenuo sonido que hicimos en DRY tiene su propio encanto, supongo. La sesión de 27 horas en ese frío octubre fue la mejor manera de grabar y lanzar esa primera música cruda. Hicimos nuestro mejor esfuerzo en ese momento. ¿Qué fue primero, el nombre de la banda o la canción? No puedo decirlo con certeza Estábamos buscando el nombre de una banda y al mismo tiempo escribimos algunas de nuestras primeras canciones, pero no tenían nombre. Así que tal vez la canción fue primero, pero sin este nombre. Su paleta de sonido le permite pasar rápidamente por cualquier estilo sin problemas. ¿Planeaste esto o todo fluye naturalmente? Fluye naturalmente. Nos aburrimos con el mismo sonido bastante rápido, por lo que siempre estamos buscando algo nuevo. Ely puede cambiar totalmente todos los pedales en su pedalera dos veces por semana. A veces, el 80% de nuestro ensayo suena como ruido atonal, y los vecinos piensan que estamos haciendo rituales de Satanás más o menos. Somos bastante raros. Luego vino el EP "Sick". Las canciones aquí llevan las cosas un paso más allá en la transformación de tu sonido. Esto hace que sea interesante y difícil para mí prever el próximo paso. ¿Pueden prever lo que les espera? Sí, podemos prever en términos generales. Como dijiste al principio, estamos en un estado constante de mutación y estaremos más en este

estado. Ahora intentamos que el sonido sea más transparente y brillante y las melodías más dramáticas y emocionales. Es hora de usar menos para decir más. Además, ahora nos apasionan los sonidos electrónicos (sintetizadores, cajas de ritmos, etc.). Llegamos a 2017. Tu segundo álbum es brillante (uno de los mejores de 2017) y también un nuevo paso en la historia de la banda. Ade-

más, el sonido es más oscuro que en "Dry": ¿qué diferencias encuentras entre ambos? Son muy diferentes en la base. Mientras escribíamos y grabamos el primer álbum, no sabíamos cómo hacerlo, así que fue como el primer paso semi-ciego. Y después de tres años tocando en shows y escribiendo nuevas canciones, visitando muchos espectáculos y festivales, escuchando un océano de música nueva, Scism llegó como un trabajo consciente sobre música y sonido.

Track by Track Truth Isn’t Bright Fue la primera canción escrita con el sintetizador. Para nosotros, "Truth Isn’t Bright" vino como la apertura de la nueva paleta de sonido y un nuevo lado de la voz de Ann. ¡La dulce melodía pop era inusual y nos gustó! Fear Todas la letras de Scism se tratan de problemas internos dentro de nuestras cabezas y problemas generales en el mundo que en realidad comienza en las cabezas de las personas. El "miedo" es nuestro himno minimalista al tema más antiguo y más fuerte. Human Race Puede ser la canción más melódica y cinematográfica de nuestro álbum. La ilustración de sonido del plato principal de toda la historia humana. Todo es temporal y nuestra parte en esto no es tan grande como queremos pensar. Sultry Song La única canción en el álbum sin drama en la letra. Yo y Eugene hemos visitado Lisboa, nos enamoramos del encanto de las calles estrechas de la noche en el caluroso verano. Cuando volvimos a casa en Kiev y compartimos nuestras impresiones con Ann y Ely, "Sultry Song" salió de forma natural. Revenge (Deeper Than You Can Imagine) Esa canción fue escrita hace mucho tiempo, pero varias veces la hemos cambiado totalmente. Quizás lo más gótico, oscuro y frío de nuestra discografía hasta ahora. Tiene una estructura incómoda, difícil y melodías dulces. Al igual que ese sentimiento, cuando estás herido, estás enojado y soñando con tu venganza. Alcohol Algunas veces estamos tratando de evitar enfrentar nuestros demonios internos. Usamos alcohol, drogas, fiestas locas, lo que sea necesario para no enfrentar la realidad tal como es. Pero no ayuda. The Real Coward “The Real Coward” es una larga caminata solitaria por el pantano brumoso entre ramas mojadas y negras. Drop Bombs Mezclado con baterías de la jungla, las voces y las melodías sureñas de guitarra "Drop Bombs" es una de las canciones más serias del álbum. Home Todos quieren una vida mejor, pero no todos quieren hacer algo por ella. Los llorones perezosos son molestos, ¿verdad? Bad news Durante la vida, un hombre obtiene una experiencia, conocimiento y una especie de sabiduría. Pero para todo tú necesitas pagar.

Ahora que ya has alcanzado el interés de todos, ¿cuáles son tus planes para On The Wane en 2018? Vamos a tocar muchos shows, participar en festivales y trabajar en las nuevas canciones, por supuesto. Por cierto, 2018 comenzará con la presentación de nuestra pista más nueva en el show de video en vivo en enero. ¡Manténganse al tanto!

Descubriendo la Magia

hoy: The Stompcrash - Requiem Rosa (2007) Entrevista a Chris Fu-Manchu Islec por Marianarchy Deadbilly

¿Cómo fue el proceso de grabación de Es un placer poder conversar con vos. Para ello vamos a utilizar la excusa de los "Requiem Rosa"? En esos momentos no teníamos dinero diez años del lanzamiento de "Requiem para invertir en The Stompcrash, éramos Rosa", el álbum debut de tu banda. muy jóvenes y la producción era muy pobre, ¿Qué piensas al pensar en que han pa- así que grabamos muchas cosas en casa, incluso voces y guitarras, el trabajo en el essado diez años de esa realización? Me siento muy viejo (risas), solo bromeo tudio se centraba en la batería, creando el hombre... Debo decir que me siento muy or- ambiente adecuado para cada canción y la gulloso de estar todavía en la escena con The creación de un sonido extraño para poner en Stompcrash. Vi muchas bandas desaparecer él. Recuerdo que usamos incluso un micróen estos años y entiendo eso, es muy difícil y fono dentro de una ampolla y cosas así de lonecesitas mucha fuerza para mantener viva a cas. Se dedicó mucho tiempo a los arreglos, una banda, es como una familia y tienes que como te dije, y nuestro productor artístico en estar unida y puedo jurarte en 10 años, las ese momento, Alessio Camagni, hizo un gran personas cambian mucho, crecen y cambian trabajo. Nos divertimos mucho y todavía creo de opinión, de hecho, el único miembro origi- que RR sigue siendo nuestro trabajo más exnal de esos días somos Dani y yo, pero tengo perimentado en el estudio. muchos buenos recuerdos de esos días y de ¿Qué expectativas tenían en ese motodas las personas ha sido parte de este proyecto. Tengo que decir que es muy fácil hacer mento con la edición del álbum debut? Como todas las bandas en su primer lanuna banda, estar en la escena un par de años y luego dejarlo solo porque te cansas o sim- zamiento, teníamos muchas expectativas, ya plemente para moverte en una escena más que les dije que éramos muy jóvenes e inexseguida, respeto a todas las bandas como pertos, así que con solo un álbum nos sentinosotros que todavía creen en lo que hacen mos como estrellas del rock and roll, ehh ... y eso tiene una identidad directa incluso des- Como entendimos muy pronto la realidad es completamente diferente, pero aún me siento pués de años en el camino. feliz y orgulloso de ese trabajo. Me gustaría Aunque ya había lanzado un EP llamado volver a grabarlo hoy y ver cómo sonaría con "I Will Kill Myself" ¿Qué diferencias se en- la mayor experiencia y conciencia que obtucuentran entre ese EP y el primer álbum? vimos en todos estos años. Fue un acercamiento completamente dife¿Cómo ves hoy a la distancia tu primer rente entre nuestro primer EP y nuestro primer álbum Requiem Rosa. Grabamos el EP trabajo? Lo siento muy distante de lo que somos hoy, en casa sin ninguna ayuda del mundo exterior, puedes sentir que es muy ácido pero de diez años es mucho tiempo y muchas cosas la misma manera también fresco y libre de cambian dentro de nosotros y fuera de nosocualquier condición. Trajimos parte del mis- tros. A veces, cuando lo escucho, siento que mo material al estudio donde grabamos RR otra banda toca esas canciones, incluso las (Requiem Rosa), nunca antes habíamos es- canciones que todavía tocamos hoy, como tado en un estudio, donde un productor nos "Dorian" y "Moscow". Creo que no podríamos ayudó a reorganizar todas las canciones de escribir un álbum como ese hoy, pero todavía una manera más madura, a veces también me gusta y hay algunas gemas que me gusde una manera extraña en la que nunca pen- taría llevar a una nueva vida como "Mountain saríamos. Entonces, los sonidos, los arreglos of Madness". y el ambiente general del álbum son comple¿Modificarías algo de esa grabación o lo tamente diferentes. dejarías cómo está?

Sí, ¡hay muchas cosas que cambiaría hoy! Cantaría nuevamente cada canción, nuestras voces ahora son más maduras y probablemente las canciones se interpretarían de una mejor manera. También hay algo en la disposición de algunas canciones, todavía tengo demos realizadas antes de entrar al estudio y hay canciones en las que, creo, hemos experimentado demasiado. Pero lo que más cambiaría es la masterización, lo siento demasiado oscuro y confuso hoy, creo firmemente que Requiem Rosa con un nuevo y claro dominio sería una maravilla.

nos gusta hacer las cosas lo mejor posible y este año estuvimos demasiado ocupados con nuestra vida privada como para hacer un buen trabajo para una nueva emisión.

¿Cómo es el proceso creativo de la banda? ¿Primero hacen la música, luego las letras? No tenemos una regla para escribir, pero generalmente, la música viene primero con una idea de lo que queremos contar. Siempre escribimos música para crear una atmósfera, para crear un ambiente, una casa para las letras. Luego vienen palabras que tienen ¿Piensan hacer una edición especial o poder, a veces, para cambiar la música. festejar los diez años de alguna manera ¿Qué cosas los inspiran? especial? A veces tomamos inspiración de los escriNo planificamos nada, principalmente porque acabamos de lanzar nuestro nuevo disco tores, de las novelas y las historias que nos "Swear by the Moon" en enero y luego porque golpean y, a veces nos inspiramos en lo que

sucede a nuestro alrededor o lo que sentimos en un momento particular de nuestra vida.

promotores locales.

¿Recuerdan algún concierto de ustedes ¿Qué cambió en la banda en estos diez que no se olvidarán jamás? Contanos años? cuál y por qué. Cambiamos algunos compañeros de banda Seguramente es un concierto de The Cure, y es un gran cambio para una banda como la creo que fue hace quince años aquí en Itanuestra porque siempre lo hemos visto como lia. Durante el concierto, hubo una tormenuna familia y porque cada miembro siempre ta muy fuerte, caía una fuerte lluvia fuerte y ha aportado sus contribuciones e ideas para de repente vino una atmósfera sombría y osescribir canciones. cura. Recuerdo que la banda tuvo que detenerse tres o cuatro veces para protegerse de Cuéntanos acerca de cómo es la escena la lluvia y muchas personas cayeron al baen Milano. rro como un soldado en el campo de batalla. Milán y la escena gótica italiana en general ¡Sólo épico! está llena de bandas muy buenas, como italianos tenemos una gran herencia de las ar¿Sabés algo acerca de la escena en Artes, la música y el cine, sabemos cómo ha- gentina y Latinoamérica? cerlo, no tenemos que emular a otra persona, Para ser sincero, simplemente sé que aman pero el problema es que a menudo no esta- la música en general y, en particular, la múmos seguros y conscientes de eso y prefe- sica gótica tiene muchos seguidores. Sé que rimos apoyar a las bandas del exterior más mucha banda viene a tocar a América Latina, que a las bandas locales. Creo que la escena nuestros amigos Frozen Autumn (Diego Meritaliana merece más atención por parte de los letto filmó el primer video clip tomado de "Re-

quiem Rosa"), por ejemplo.

la sociedad se arriesga a ser hoy, es un momento muy oscuro para que la inspiración ¿Tienen algún plan de venir a Sudamé- provenga de lo que vemos y vivimos todos rica? los días. Me gusta ver a la banda como una Sin planes pero nos gustaría hacer eso, ya bandera, bien anclada al gótico, pero libre de veremos en el futuro. moverse siguiendo el viento que nunca se ha dejado solo porque no está en la esfera gótiHablemos de "Swear by the Moon" (el úl- ca. Nosotros siempre comenzamos con una timo trabajo de la banda), ¿qué nos podés imagen, creamos la atmósfera adecuada con decir acerca del sonido actual? la música y luego escribo las letras, la mayo"Swear by the Moon" es un álbum para ría de las veces después de la música, pero a amantes del gótico y la oscuridad que tam- veces tengo en mente las líneas vocales anbién adoran la música y el estilo original. Un teriores. Los sintetizadores y sonidos siemálbum empapado de literatura gótica, ro- pre tienen una parte predominante de ese manticismo oscuro y atmósferas lúgubres. proceso porque podrían ser muy poliédricos Hay muchas influencias en el interior, pero si se usan bien. siempre mantuvimos nuestro sonido y nuestra visión de la música gótica. "Swear by the ¿Cuáles son los próximos planes de la Moon" representa un paso adelante para la banda? banda, un gran trabajo, bien producido desTodavía estamos planificando conciertos de la música hasta los conceptos visuales. para apoyar nuestro último trabajo "Swear El título "Swear by the Moon" incluso cuen- by the Moon" lanzado en enero en Trisol Muta sobre las letras del álbum, hay letras más sic, ese es nuestro principal enfoque ahora, orientadas al gótico como "Plague Doctor" o pronto lanzaremos un nuevo video / single y literatura inspirada como "The Wedding Kne- comenzaremos a escribir nuevas canciones ll" y "Mirrors", pero todas las letras tienen en para nuestro próximo lanzamiento. Mantencomún una urgencia para contar sobre lo que gan el contacto.

TROPICA OBSCURA

[ Por César León ]

SIX JUNE: VESTIGIOS Y RECONSTRUCCIÓN

A veces es imposible desligarse de los clisés geográficos pero es difícil cuando uno escucha que una banda viene de Serbia dejar pensar en ese país con algo de tristeza, algo de pesadumbre por los sucesos ocurridos hace un par de décadas. Especulo que ese eco de tristeza y drama parece estar ligado a cada acorde que Sixth June compone. Tal vez me equivoco y los integrantes de este bello dúo Laslo Antal y Lidija Andonov no son hijos de la pesadumbre de su tierra pero en mi cabeza es difícil desatar esto. Es synthpop bien melancólico el de este par de músicos, me recuerda un poco a Love is colder than death, aquella banda que por los noventa tomó algo del sonido de Dead can dance y mediante máquinas lo acerco a un elegante tecno taciturno. Por octubre dieron un hermoso recital en Bogotá en el Bar Asilo donde alternaron temas de sus dos álbumes. La puesta en escena fue simple. Laslo es encargado de la música, a partir de un atrevido manejo de secuenciadores y máquinas de ritmos, que quiero recalcar pues ante la posibilidad de tener todo automatizado –una notebook– opta por llevar las melodías

desde su teclado; expuesto a la dificultad del “en vivo” le da vida a lo que podría ser un poco robótico y eso le da gran valor. Lidija por su lado hace un impecable trabajo vocal en vivo y sin extralimitarse en el baile acompaña los apesadumbradas arpegios. Su voz es contundente, hermosa y acorde al género sin tener que forzar por parecer trágica, posiblemente su formación actoral le permite con sutiles movimientos expresar mucho más. Sixth June es de los descubrimientos musicales que más he disfrutado en los últimos años. Junto a Lebanon Hanover o Tropic of cancer confirman una especie de renacimiento del darkwave electrónico. Back for a day su single más exitoso es realmente un himno y clásico instantáneo y buen punto para empezar a escucharlos. Sus videos producidos por Laslo quien es cineasta son simples y bellos y ayudan a enriquecer el velo melancólico de la banda (también es interesante su proyecto artístico visual en instagram). Los Sixth June ahora radicados en Berlín tiene un mayor contacto con la escena musical, tanto así que en 2017 estuvieron en una mini gira latinoamericana por México Colombia Perú y Brasil. Recomendada su discografía en Bandcamp donde se encuentran sus álbumes y Eps completos. “Back for a day” aparece en el single homónimo y en el compilado “Mannequin compilation. The synth wave years 20082011”.

M.O.R.S.E el nuevo album de The Question (eLaMoRTe) Vox Humana (Diciembre 2017)

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

Hoy: Nuvem Leopardo Quintessencia (2017)

Nuvem Leopardo – Quintessencia

Label: Aumega Project Fecha de Lanzamiento: 13 de Enero de 2017 Este espacio suele ser de reseñade un álbum entero de un artista, pero diciembre ha sido un mes difícil para todos, y nos ha costado conseguir cubrir a todas las canciones, pero no queríamos demorar más este homenaje a la música de Marcel Willou. Así que los dejamos con este parcial especial.

Track 01: "Fluorescente Nascente Estrelada"

Por Franchi Picone (Horacio nuevatemporada – Niños Envueltos)

“El pulso es cósmico en "fluorescente nascente estrelada", el primer track del lado A. La melodía parece salida de una cajita musical tenebrosa y enorme. La voz de Marcel evoca misterio, gravidez, profundidad nocturna: era entrada la madrugada cuando Marcel sentía el momento de grabar sus voces. Mientras la ciudad enmudecía, él buscaba esa conexión con la potencia mística de las plantas, los astros y los libros sagrados. Un bajo henchido de fuzz martilla obstinadamente sobre la solidez de una base anclada en un hi-hat certero, simple y de color sombrío. Los acordes marchan en lenta procesión desde los colchones de guitarras, y sonidos de órganos de antaño terminan de crear una imagen sórdida. Como un remolino de viento sobre el predio de un circo recién abandonado y la hojarasca flotando en círculos, incandescente. Para llegar a un final que se abre en acordes mayores, iluminando un destello de vigor. Un halo de luz. Un bosque diáfano con el espíritu eterno. Intacto.

Track 02: Irreal

Por Super Quercus

“No tuvimos el placer de conocerte. Pero seguimos el camino de tu luz leopardo que es vuestro grito de Revolução Interior transformado en canción. Para eternalizar una poesía suprema y directa, sembraste tu música en campos de psicodelia clásica con las herramientas que te dio la modernidad. Logrando un sonido característico y auténtico. Estuvo muy cerca la posibilidad de realizar una fecha en conjunto, en el Club Cultural “Otra Historia” de Villa Ortuzar, el pasado mes de Noviembre, también con otras dos increíbles bandas: Biruta y Ayermaniana. Solo que la noche anterior, por orden de las fuerzas políticas y represoras, clausuraron el lugar dejándonos a todos con las ganas. Era una propuesta interesante para quienes anduviesen merodeando la zona. En nombre de Super Quercus, abrazamos a los familiares y amigos de Marcel, también nuestros amigos y camaradas. Que nunca deje de brillar la infinita luz de la Flor Dourada.”

Track 04: Half Believing

Por Karloncho Lihn de Vago Sagrado

“Una canción hermosa, nada menos la que lleva el nombre de la banda. Se abre paso con la melodía de Marcel, que fluye oscura a través de una línea de bajo reverberante. El beat de Roberto se combina desde el primer segundo, en un viaje sutil, pero plagado de arreglos de platillos. Así transcurre el primer verso, donde la voz va serpenteando entre las capas mágicas, que hacen de éste uno de los mejores temas del disco. Hasta que llega el interludio en que se enciende la distorsión y lo envuelve todo, sin perderse nunca la sutileza de los instrumentos que complementan. El segundo segmento me gusta mucho porque, si bien el tema se construye bajo el mismo beat del comienzo, los arreglos psicodélicos de guitarra le dan una textura completamente diferente a la canción. A ello se suma que en voces aparece una técnica mas recitada, que se complementa de manera increíble y que le da todo el toque brasileño a esta canciónn. Lo que más me gusta de esta canción es el manejo de las capas tanto de guitarra como de sintetizador, como éstas se van entrelazando sin dejar nunca espacios descubiertos. El final es tremendo. Cómo se desenvuelve en ruidos hasta combinarse con el tema siguiente. No muchos son capaces de internalizar los sonidos y distribuirlos de manera tal que logren combinarse y producir ese sentimiento en quien escucha. Marcel lo era… Uno de mis temas favoritos sin duda.”

Track 05: Pitanga

Por Martin Rodriguez (Poseidótica, El Festival de los Viajes, Cobra Rod)

“La primera vez que lo vi a Marcel Willou tocando fue alrededor de Mayo del 2016 como integrante de Los Siberianos. Era una fiesta en La Cofradía, una casa ubicada en pleno barrio del Abasto que oficia como bunker para toda la movida pampeana. Aquella noche Los Siberianos me cautivaron con su rocanrol rural cantado a dos voces y sus líricas que cuentan historias de realismo autóctono. Marcel calzaba un bajo Höfner - con la clásica forma de violín, el mismo que usaba Paul McCartney -, y poco tiempo después me enteraría que era su última fecha en la banda. En ese entonces yo ya estaba muy copado con Knei, trío oriundo de Santa Rosa asentado hace varios años en Capital, y de hecho en el 2017 me daría el gusto de editarles su disco “Juventud de la Gran Ciudad” a través de mi sello Aquatalán Records. Además de escuchar en repeat los únicos 4 temas de Los Siberianos disponibles en internet, me puse a investigar que había sido de Marcel, y vi que tenía su propio proyecto llamado Nuvem Leopardo, en el cual tocaba la guitarra y cantaba, y evidentemente era el principal compositor. Así fue que encontré su primer disco que lleva por título “Revolver Mercurio” en el cual participaban dos amigos de la casa: Nico Lippoli, viola/voz de Knei y Las Sombras,

aportando guitarras adicionales; y Dylan Lerner, ex baterista de Soldadores, a cargo de los parches, los teclados y la ingeniería sonora. Un álbum debut con reminiscencias a Black Sabbath, The Beatles y Tropicalia, que me acercaba una propuesta fresca y misteriosa: voces en portugués, viajes profundos, mucho fuzz, y un ascendente fuertemente psicodélico. Quedé Fascinado. Tuve la fortuna de ver a Nuvem Leopardo en vivo varias veces, más que nada con la última formación que incluía a Florencia López, su novia, en bajo, y a Roberto Figueroa de Knei en batería. Incluso los invité a participar del volumen 5 de Paranoid, ciclo de vinilos que programo cada dos meses en Club V. A principios del 2017 vio la luz “Quintessência”, su segundo LP, uno de los mejores discos del año. Súper atractivo desde la tapa, una hermosa ilustración realizada por Foti -quién luego me contaría que Marcel le acercó una gran cantidad de referencias para tomar como punto de partida-, hasta las canciones, que alcanzan una identidad propia, con un sonido tan vintage como moderno, cruzando a Os Mutantes con la actual vanguardia lisérgica proveniente tanto de Australia como de Estados Unidos. “Pitanga” es un tema que se inscribe directamente en el movimiento neo psicodélico tan en boga en los días que corren, pero a su vez tiene un sello personal nacido de la errante e inquieta mente de Marcel. Comienza como un beat a go-go y posee una influencia brasileña muy marcada, sobre todo por la cadencia de la voz tan rítmica como melódica. El final de la canción, luego de un ardiente solo de guitarra, es invadido por un sorpresivo y extenso giro en reversa, que tal vez funcione como reescritura de un característico artilugio propio de la década del ´60. La letra es absolutamente profética. Habla de amor, fuego, renacer y hace foco en la eternidad, esa misma que logró Marcel con la maravillosa música que creó y que nos acompañará por siempre.”

Track 06: Flor Dourada 666 Por Los impulsos

“Canciones como Flor Dourada 666, con esas guitarras phasereadas, voces reverberadas y batería setentosa son para nosotros, como toda la obra de Marcel, una fresca y fiel expresión latinoamericana de la neopsicodelia, cuyo principal exponente mundial es Tame Impala, banda que Los Impulsos admiramos mucho. A partir de esta admiración que teníamos con él, nos conectamos en largas charlas de música, ya sea compartiendo escenarios o entre el público de bandas amigas.”

Track 07: Irreal Por Julio Murillo (La Gente Exacta)

“El séptimo surco de Quintessência comienza ligero y contundente, en la atmósfera del Pink Floyd con Syd Barrett, introducción que decanta en un pesado groove cuya voz de Marcel comienza lentamente a describirnos lo que pareciera una mujer cuyas cualidades le parecían Irreales. La canción fue compuesta enteramente por Marcel, y la misma ya había tomado forma por completo cuando yo —Julio— comencé a tocar el bajo semanas antes de grabar el disco de Nuvem Leopardo. El final de la canción solía extenderse en sus presentaciones en vivo, desarrollando una improvisación de unos minutos más. La base rítmica la grabamos en una sesión en un gélido fin de semana de julio del 2016 en Espacio APA, en el barrio de Villa Crespo. Pocas semanas después volvimos a regrabar todas las guitarras y bajos de éste y varios temas en la casa de mi padre, en Villa Madero, en un tiempo donde él no tenía dónde vivir, y estuvimos allí, viviendo y grabando. El álbum se mezcló durante largas noches en enero de este año, en la casa que él habitó en San Telmo hasta septiembre, poco antes de su lamentable partida.”

Revista The 13th sobre "Quintessência" Por Diego Centurión

En el número 39 de Agosto del 2017, hemos reseñado el álbum y para cerrar este sentido "En la Mirada de los otros" ponemos lo que hemos dicho del álbum. Segundo disco de la banda brasileña/argentina, el primero del 2015, Revolver Mercurio. El cuarteto nos ofrece este trabajo de doce fosforescentes canciones, enmarcadas en la Neo psicodelia, que sigue creciendo y que en la revista va ganando espacio. Hoy es el turno de este álbum que hace rato queríamos reseñar, y como todo lo bueno en algún momento llega, éste es el momento de "Quintessência". Escuchar psicodelia, space rock y sonidos lisérgicos se está haciendo costumbre en el que escribe. Y si bien hay muchas, muchas bandas y muchos más álbumes, aún encuentro cosas interesantes en nuevos álbumes como este. La particularidad, además del idioma portugués, es que uno se pierde en los sonidos desde el primer track introductorio y uno pierde la noción del tiempo, y queda atrapado en los ritmos que bajan, suben, se intensifican, se apaciguan, los climas nos sumergen en décadas pasadas (60's, 70's) y nos traen a la actualidad. Logrando que se pierda la brújula del espacio y tiempo. Por momentos nos encontraremos en los inocentes 60's, luego saltaremos a la actualidad y luego retrocederemos a los 70's, sin escalas. Vuelo, furia, introspección, explosión, expansión... son algunas de las sensaciones que sentiremos en este "Quintessência". Si te sentís que te falta un poco de energía y expansión sonora... es hora de que escuches esta banda.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: HAIM - ESAS CHICAS TAN POCO ORTODOXAS

Este, Danielle y Alana son tres hermanas californianas que desde pequeñas escucharon mucho rock setentoso gracias a que sus padres (los señores Haim) se lo fomentaban. Ya estando en la escuela formaron una bandita junto a sus progenitores, con los que hacían covers de artistas como The Beatles, Billy Joel o Van Morrison, y se presentaban en ferias locales o eventos de caridad. Las chicas fueron adquiriendo experiencia con los años: Este Haim fue la más estudiosa de las 3 hermanas y se recibió de Etnomusicóloga; Danielle Haim se convirtió en multi instrumentista además de cantante; Alana Haim es la hermanita más joven que aprendió a tocar guitarra, teclados y percusión.

Su primer EP sería “Forever” y saldría en febrero de 2012, un lanzamiento con bajada gratuita por internet. “Forever” es un single con un sonido tremendamente vintage que remonta a mediados de los 80´s, al mejor estilo de lo que entonces podían estar haciendo artistas como Janet Jackson, Lisa Lisa o Exposé, y le abrió las puertas a HAIM para la firma de un contrato con Polydor en junio de ese año. Con el lanzamiento de “Forever” en formato de vinilo de 10” para julio de 2012 y las críticas a su favor, HAIM pasó a ser soporte de artistas en alza como Mumford & Sons o Florence + The Machine. Ya para octubre saldría el segundo single “Don’t Save Me” como anticipo del gran lanzamiento del álbum debut, “Days Are Gone”, el 27 de septiembre de 2013.

Este y Danielle formaron The Valli Girls, una banda de pop-rock que logró editar algunas canciones en bandas de sonido de películas a mediados de los años

“Days Are Gone” es una producción sorprendente por su simpleza y efectividad. Sus 5 primeros singles

2000. Luego de esta experiencia, y siendo que la pequeña Alana abandonó la universidad para dedicarse a la música, decidieron unirse como trío y HAIM se convirtió en un proyecto con mucho potencial. Bajo la influencia de artistas como Blondie, The Pretenders y principalmente Fleetwood Mac, fueron incorporando más elementos R&B a su música. Mientras iban abriéndose paso en el ámbito musical, lograban reconocimiento y participaron (a veces por separado) en tours con Jenny Lewis, Cee Lo Green o Kesha.

son totalmente aptos para su difusión en la radio, pegadizos y entradores, siendo “The Wire” el que más destacó en los charts: probablemente gracias a su jocoso video donde las 3 chicas Haim pateaban a sus novios, quienes desesperan por volver con ellas. Mi tema favorito es “If I Could Change Your Mind”, lanzado como simple en marzo de 2014, una clásica rola de depresión post ruptura: “Back when you were mine / I was too young to know you were the one to find”. Y el sexto single del disco, “My Song 5”, probablemen-

te sea el más difícil de digerir para los neófitos, pero curiosamente fue el elegido por U2 para ser sampleado en el tema “Lights Of Home” incluido en su más reciente álbum “Songs Of Experience”. No es poca cosa que U2 tome un tema tuyo y te ponga en los créditos. Con su álbum debut llegando al #1 en Inglaterra, ya no estamos hablando de ningunas ilustres desconocidas: fueron invitadas para cantar en un disco de Calvin Harris (el single “Pray To God” es la oportunidad de escuchar a las HAIM en modo electrónico) y se hicieron amigas de Taylor Swift, para quien abrieron en varias fechas de su “1989 World Tour” en 2015. Focalizadas en su crecimiento profesional y sus méritos, rechazan ser catalogadas como una “girls band”. Principalmente porque no se puede decir que sea un producto comercial cuidadosamente estudiado y sostenido por el trabajo de terceros, sino más bien un conjunto de chicas de bajo perfil y consideradas por los medios como excelentes cantautoras. Rompen con los cánones tradicionales de belleza femenina pero sin caer en posturas feministas: las HAIM son lo que son, y no venden otra cosa. Y eso es lo que más agrada de escucharlas o ver sus videos: parecen chicas normales de barrio que formaron una banda de amigas y se ríen haciendo videos caseros. Claro que hay producción en todo

esto, pero no da la sensación de ser forzado sino más bien espontáneo. Actualmente las HAIM se encuentran promocionando su segundo álbum “Something To Tell You”, lanzado el 7 de julio de 2017. Previamente fue lanzado como single principal “Want You Back”, acompañado por un encantador one-shot video que muestra a las chicas caminando y bailando unas simpáticas coreografías a lo largo de un desierto Boulevard de Los Ángeles. El presente disco agita menos que su predecesor, pero subsisten las mismas ideas y melodías frescas que en el debut. Si anteriormente supo haber un tufillo a Fleetwood Mac, la influencia de Steve Nicks u otros artistas soft rock de los 70´s y 80´s como Eagles o Tom Petty configuran el aura que flota sobre la esencia de esta producción. Once canciones simples con atractivas y pegadizas melodías. Canciones de romance y frustración, de relaciones y rupturas, todo por el mismo precio. Resumiendo: a prestar oídos a HAIM. Una receta retro-pop salpicado con R&B y sostenido por un gran trabajo vocal y de guitarras. Tres hermanas que no quisieron ser Fifth Harmony: si debiéramos trazar un paralelismo, serían las Bangles del nuevo milenio.

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 11: BENDIGO A LA LLUVIA: LO QUE “AFRICA” DE TOTO Y MASTER OF KUNG-FU NOS REVELAN SOBRE LA DUALIDAD HUMANA

103 ¿Qué hace que una canción siga siendo relevante 25 años luego de su lanzamiento? El que siga sonando no es suficiente: en cualquier fiesta de los 80s suenan montones de canciones cuyo único valor es nostálgico. Pero entre ellas siempre hay algunas que trascienden la mera nostálgica; canciones que, en medio de la liberación eufórica del pop, nos acercan más a nuestra propia humanidad. Es sábado a la noche y me debato si quedarme o salir. El confort, comodidad y seguridad del hogar, tan familiares por tanto tiempo, versus la emoción, la incertidumbre y la promesa del exterior, negado por años y recientemente redescubierto. “Africa”, el megahit de 1982 de la banda Toto, expresa (más elocuentemente) una disyuntiva similar. Como casi todo el resto del mundo, amo “Africa” por sus virtudes musicales - es número 32 en el ranking de “los 50 estribillos más explosivos” de la NME (???) - pero hasta hace poco nunca me había puesto a analizar la letra. Aun así, incluso escuchándola superficialmente uno es capaz de percibir que evita los clichés del pop para hablar de algo más misterioso, más exótico. El tecladista de la banda, David Paich, la explicó de forma terriblemente sencilla: “A principios de los 80s miré un documental sobre lo que estaba padeciendo la gente de África. Me consternó y conmovió al mismo tiempo, y no me podía sacar las imágenes de la cabeza. Traté de imaginarme qué haría y cómo me sentiría si estuviese ahí.” Pero cuando yo escucho “Africa”, pienso en un montón de cosas más. Pienso en el choque entre civilización y naturaleza. Pienso en Hemingway y “The Snows of Kilimanjaro”. Pienso en las pulsiones que conducen a los hombres en direcciones irreconciliablemente diferentes. “I hear the drums echoing tonight / But she hears only whispers of some quiet conversation / She’s coming in twelve-thirty flight / Her moonlight wings reflect the stars that guide me towards salvation” El narrador parece estar distanciado de su amante, quien llegará pronto a su lado en un vuelo. Pero la distancia no es sólo física sino emocional: él escucha un llamado tribal que lo conmueve, pero ella no lo entiende, sólo le es un susurro. Sin embargo, todavía sigue viendo a su amor como su posible salvación. En otra parte de la canción, nos enteramos de que el narrador está perdido, buscando curar su alma, asustado de la “cosa” en que se ha convertido. ¿Pero cómo logrará eso? Confundido, busca el consejo de un viejo sabio, quien le da entender que “se apure porque lo está esperando”. Sin embargo, en el primer bridge se usa el pronombre “it” y en el último “she”. Por lo tanto, ¿qué es lo que lo está esperando? ¿El vuelo que trae a su mujer, la civilización, el confort, la comodidad y la seguridad, o la Savannah Africana y su emoción, incertidumbre y promesa? ¿Y cuando declara su amor en el estribillo (“It's gonna take a lot to drag me away from you / There’s nothing that a hundred men or more could ever do,”) se lo hace a su mujer o a la jungla? Probablemente a ambas cosas, pues la disyuntiva es propia al ser humano. Pocas veces la dualidad humana ha sido tan bien expresada como en la serie de comics de culto de Marvel de los 70s, Master of Kung-Fu. Su protagonista, Shang-Chi (cuyo nombre significa “el ascenso y avance del espíritu”), es un personaje diferente pero esencialmente Marveliano. Su aislamiento con respecto al mundo es constante dada la forma en que fue criado y los valores que sostiene, mientras que su transformación terrible es de corte interno y espi-

ritual, además de ser el tema central de la serie: el conflicto del pacifista convertido en eterno luchador por el sólo hecho de tener que vivir en el mundo. El comic era tan elocuente que hasta la sección de cartas de los lectores desbordaba genialidad. En el correo del número 105, T.M. Maple, estudiante de física, elabora una teoría de ciencia-pop mediante la cual intenta explicar que la dualidad, lejos de ser un constructo humano, es simplemente un reflejo de la naturaleza. Según explica el Sr. Maple, los científicos por mucho tiempo se habían debatido si la luz era una onda o una partícula, dos cosas mutuamente excluyentes. “Tradicionalmente se pensaba que esta contradicción era sólo aparente y que eventualmente se podría explicar mediante un factor desconocido al día de la fecha, pero recientemente algunos físicos modernos plantearon la posibilidad de que la luz en realidad posee una doble naturaleza, y que de alguna forma es dos cosas distintas en una”. No he chequeado la veracidad científica de esta teoría, pero tampoco necesito hacerlo. Sé que es verdad. La naturaleza es dos cosas: las lluvias de África y un día soleado en Plaza Noruega. Shang-Chi es dos cosas: el pacifista y el guerrero. El narrador de “Africa” es dos cosas: el hombre del mundo que quiere volver a su hogar con su esposa y el joven inquieto que no puede negar el llamado de la jungla por más que quisiera. Y yo también soy dos cosas: el sujeto plácido que puede ser perfectamente feliz quedándose un sábado a la noche escribiendo, leyendo y escuchando discos, y el hombre que se siente que fue viejo por demasiado tiempo y anhela la promesa de vida de la noche. Y aunque todos en general optamos por vivir la mayor parte del tiempo en el lado menos tormentoso de las cosas, aun así, cuando llega, bendecimos a la lluvia. Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos Reflection de Brian Eno y Best Ballads de Toto.

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ “POESÍA COMPLETA" de Alejandra Pizarnik por Pablo Ravale ]

EN LA DESOLACIÓN DE LA SOLEDAD

La poesía de Flora Alejandra Pizarnik nunca deja indiferente a quien la lee. La fuerza de su lenguaje y su capacidad de subversión arrastra al lector como un remolino de ese viento que habita sus poemas, empujándola –“(...) Pero no. Mi infancia / sólo comprende al viento feroz/ que me aventó al frío/ cuando campanas muertas / me anunciaron (...)”– o destruyéndola –“El viento me había comido / parte de la cara y las manos / Me llamaban ángel harapiento /Yo esperaba”. Heredera del surrealismo, una cita de Rimbaud abre su primer libro, y de una escritura irracionalista que va desde el Conde de Lautréamont al dadaísmo de André Breton, pasando por Proust, George Trakl, Charles Baudelaire, Artaud y Olga Orozco, su extremada sensibilidad y el uso de poderosas imágenes dotan a su poesía de una tensión emocional y verbal que nos estremece: “Una mirada desde la alcantarilla / puede ser una visión del mundo/ la rebelión consiste en mirar una rosa / hasta pulverizarse los ojos”. Alejandra, tras una vida de continuo sufrimiento y depresión, con períodos de internamiento en centros psiquiátricos y a la que decidió dar fin a la edad de 36 años, ha sido tildada por algunos críticos de escritora maldita. Sin embargo, la magnífica obra poética que nos ha legado debe permitir situarnos a una distancia prudente de esas circunstancias biográficas y sabernos ante una de las voces más potentes de la literatura en lengua castellana de la segunda mitad del siglo XX. La editorial Lumen reeditó para esta ocasión su Poesía completa, recogiendo así la obra publicada en vida de la autora –La tierra más ajena (1955), La última inocencia (1956), Las aventuras perdidas (1958), Árbol de Diana (1962), Los trabajos y las noches (1965), Extracción de la piedra de la locura (1968) y El infierno musical (1971)– y los poemas inéditos compilados a partir de manuscritos. Un volumen que, como dice la poeta Ana Becciu, traductora y amiga de Pizarnik y encargada de esta edición, “no pretende ser definitivo, en un sentido académico; es sólo

una compilación, hecha, eso sí, con lealtad a Alejandra Pizarnik, y devoción a su obra, única e irrepetible”. Esta Poesía completa, celebrada por sus seguidores, permite acercarse a la obra de esta gran poeta argentina a aquellos que todavía no han sucumbido a la sensualidad desgarrada de sus versos, a su necesidad de “volver a la memoria del cuerpo” (“he de volver a mis huesos en duelo, he de comprender lo que dice mi voz”), a ese intento suyo de “explicar con palabras de este mundo / que partió de mí un barco llevándome”. El conjunto de la obra de Pizarnik manifiesta una preocupación por el lenguaje y la perfección estética. Su voz poética surge como interrogante que se abre ante la imposibilidad de explicar el mundo, de explicarse ella –“ella se desnuda en el paraíso / de su memoria / ella desconoce el feroz destino / de sus visiones / ella tiene miedo de no saber nombrar / lo que no existe”–, ante la dificultad de encontrar la palabra precisa –“Por eso cada palabra dice lo que dice y además más y otra cosa”–. Al tema de la insuficiencia del lenguaje, perturbador e insistente en toda su obra, debemos añadir el tema del silencio y el de la otredad que van evolucionando junto a éste, de manera paulatina: “El poema que no digo, / el que no merezco. / Miedo de ser dos / camino del espejo: / alguien en mí dormido / me come y me bebe”. La poesía de Alejandra está permanentemente ante el espejo, en búsqueda incansable de sí misma. Porque el espejo refleja la imposibilidad de decir y la imposibilidad de encontrarse, de saberse, porque, como bien decía ella, “más allá de cualquier zona prohibida / hay un espejo para nuestra triste transparencia”. A través de magníficos oxímoron, sinestesias y metáforas impactantes, alejada de cualquier formalidad métrica, la poeta argentina va desplegando ante nosotros temas como la infancia y la muerte pilares fundamentales sobre los que sustenta su obra poética: “Recuerdo mi niñez / cuando yo era una

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anciana / Las flores morían en mis manos / porque la danza salvaje de la alegría / les destruía el corazón”. El yo poético, en la desolación de la soledad, exiliado de sí mismo se ve arrastrado hacia la fragmentariedad y la destrucción: “Ya no sé de la infancia más que un miedo luminoso y una mano que me arrastra a mi otra orilla”. Toda la poesía de Pizarnik parece necesitar responder a una pregunta: “¿quién soy?”. Acompañémosla en ese viaje al poema, el lugar donde todo sucede.

ESCRITOR INVITADO: FRANCO DOGLIOLI

MANUAL Río en carne viva

vestigio de amo Río en baba presa de lo inoculado Río en vino sacro sobre lo vejado

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

LA DESHUMANIZACIÓN DE LA HUMANIDAD por Pablo Ravale

El Universo real, siendo despojado de sus atributos queda reducido a materia y movimiento. Y todo movimiento es el resultado de una configuración anterior de las Partículas Universales que, eterna y ciegamente, se mueven en un proceso sin fin. Deberíamos, pues, considerar el estado actual el Universo como el efecto de su estado precedente, y como la causa del estado que le ha de seguir. Una inteligencia que durante un instante dado conociese todas las fuerzas que animan la Naturaleza y los diversos fenómenos que la constituyen podría incluir en la misma fórmula los movimientos de los cuerpos más grandes del Universo y los del átomo más leve. Y nada sería incierto para ella. Ante sus ojos estaría presente el futuro no menos que el pasado. Pero todo esto no implica el abandono de la idea de Dios, por el contrario, considérese que ese admirable orden matemático es la prueba más cabal de la existencia de un Ser Supremo que lo ha impuesto, de un Sublime Ingeniero que ha organizado y puesto en marcha la formidable Maquinaria Cósmica. Para muchos filósofos y hombres de ciencia, el conocimiento consiste en convertir lo oscuro y lo misterioso en lo claro y lo determinable. Pero, ¿qué es, de acuerdo a su lectura, lo claro y lo determinable? Lo cuantitativo, lo mensurable. No es extraño que al enfrentar el problema de la vida estos mismos filósofos y científicos busquen volverlo claro y determinable mecanizándolo, metiendo el alma en una campanilla. Así, los sentimientos y pasiones, todo lo que no entra bajo el paraguas del pensamiento racional, es eliminado o clasificado de superstición o enfermedad de la psique; por lo que el hombre, afirman, podría vivir tranquilo, exento de emociones, guiado por el solo impulso del intelecto. De una u otra manera, la ciencia y la filosofía son responsables directos de la deshumanización de la humanidad. Tanto el análisis científico como el filosófico son una cosa deprimente: en ellos la realidad funciona como esos hombres que ingresan en una penitenciaria, sus vidas pasan a ser números y letras (es decir, abstracciones). Y lo que es peor: nada más que eso. Pero el hombre no es un simple objeto físico, desprovisto de alma; ni siquiera un simple animal: es un animal que no sólo tiene un alma sino espíritu –la diferencia entre uno y el otro está en que “alma” es la verdadera esencia del hombre y “espíritu” el principio de la vida consciente, lo que actúa como mediador entre éste y el alma–, y el primero de los animales que ha modificado su propio medio. Sin embargo, el hombre no ha tenido tiempo para adaptarse a las bruscas y potentes transformaciones que su técnica y su sociedad han producido a su alrededor y no es arriesgado afirmar que buena parte de las enfermedades modernas sean los medios de los que se está valiendo el Cosmos para eliminar a esta orgullosa raza humana. Vista así, la mecanización de Occidente es la más vasta, espectacular y siniestra tentativa de exterminio de nuestra especie… Con el agregado de que esa tentativa es obra de los mismos seres humanos.

HIDDEN TRACK Mientras muchos en el hemisferio sur ya piensan en sus vacaciones nosotros... tambiĂŠn.

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

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RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

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LO MEJOR DEL 2017

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Llega fin de año y los balances parecen ineludibles. Realmente es una costumbre que puede resultar más o menos dolorosa y en esos últimos días de diciembre en los que querés lograr metas descabelladas… en The 13th te vamos a hacer el trago menos amargo. Vamos a aligerarte la marcha, recordando las mejores películas, sobre las que tuvimos el placer de escribir y disfrutar. Suena música de violines melancólica, se abre el telón y la pantalla se ilumina con nuestras reseñas para el número de hoy….

Y CREÍAS QUE LA FORMACIÓN ROCA ERA DE TERROR… [ Por Jimena Patiño ]

Hace muchos años, mucho antes de ese horror llamado The walking dead , recuerdo una acalorada charla en la que decía cosas exaltada tales como que: “ Romero con sus zombies en 1968 era lo que Godard con La chinoise para la historia del cine”. Con esto no quiero decir que estaba fumada, sino que para mí, los zombies siempre fueron crítica social hasta que Hollywood comprendió que vendían. En un comienzo eran un medio para criticar el consumo de masas, la evolución tecnológica/química desmedida y sobre todo la conducta de los humanos frente a una de las catástrofes más bizarras del planeta en la que el hombre es el arma de destrucción masiva del mismo hombre. Romero hablaba hasta del racismo en La noche de los muertos vivos y la gente lo amó pero Hollywood luego se encargó de arruinarlo. Cuando termine de ver Train to Busan, dos ideas surcaron mi mente. La primera fue "Lo hiciste genial Sang-ho Yeon, Romero aplaude desde primera fila" y segundo la impotencia de tener

que reconocer que jamás voy a poder escribir y dirigir una película tan genial y excelente. ¡Bravo! Desde el primer plano, debo confesar que la película no me interesaba. Estaba reticente: un camión pasa por un control que están haciendo porque hubo un incidente químico en una planta, el camionero se queja y ahí largue un suspiro del tipo "cuantos derrames químicos vamos a necesitar..." cuando pasa por el camino, hay un venado muerto, entonces se baja el conductor, se queja y mi cara de "oh dios que aburrimiento" a estas alturas era memorable, estaba mal predispuesta por el cliché. De repente, mi apatía se ve interrumpida porque cuando el hombre se marcha, ¡el maldito venado resucita en un plano genial y parpadea con sus ojos zombies! ¡Simplemente wow!, el sonido de esa escena es genial, creo que de hecho, se me escapó un “wow”, por lo bajo en la sala. En ese entonces vuelve a cortar para contarnos la historia de un empresario y su hija a la que tiene un tanto abandonada pero en el fondo de tu men-

te, como espectador ya estas saboreando todo el estrago que se vendrá. Inesperadamente el trabajo sobre los personajes del tren es lo principal para que el film funcione como un todo. En pocos minutos el director te los presenta y cada plano es dosificado a la perfección. No sobra nada. Al principio uno odia a Seok-woo, ese empresario capaz de dejar a una embarazada y su marido encerrados mientras todos se van transformando en zombies pero luego ¡Ay de mí! Lo que sufrí con todos los personajes de esta película .Es cierto no puedo pronunciar ni un solo nombre sin googlearlo pero eso demuestra que un puñado de anónimos pueden convertirse en héroes o villanos en un abrir y cerrar de ojos. Los zombies son geniales, la epidemia ocurre en un abrir y cerrar de ojo y son veloces como los de 28 days later pero mejores y menos boludos que esas cosas por computadora que solo se apilan y ruedan de World war Z. El gran acierto que tiene el director es un recurso de guion fundamental: si los zombies no ven no atacan. Entonces usa los momentos de oscuridad y luz magistralmente. Cuando pensás que la película no se va a sostener, siempre aparece un mecanismo que la sigue complicando más, al mismo tiempo que te obliga a estar aferrado a la butaca como una garrapata. La fotografía es excelente, la ciudad es fría y desprovista de naturaleza exceptuando esa vorágine de muertos vivientes y el caos reina por todas partes excepto en Busan a donde dicen los

rumores que lograron neutralizar la amenaza. De hecho esta película es un logro porque tiene todos los clichés de cine de zombies (desde la embarazada hasta los militares) pero se las arregla para darlos vuelta y hacerlos trabajar en su favor. Pocas veces se me cayeron las lágrimas con una de zombies. Las amo, me encantan y las miro siempre pero esta película me hizo llorar con el inesperado final, te prometo que no te olvidas del empresario y su hija en tu vida. Un amigo me dijo que en la realidad todo era inverosímil, sobre todo el final pero yo dije "Al demonio: sí creo que la invasión zombie es real, es porque la película funciona y si sufro como una condenada es porque el guion es perfecto". Y así Train to Busan cuenta con planos secuencias que nos recuerdan a la pelea de Old boy en el pasillo y el aprovechamiento al extremo de los usos espaciales del tren y las estaciones aledañas. No hay una sola cosa fuera de lugar en esta película. La fórmula es puramente narrativa. Si algo aparece (algo pequeño incluso, como un mensaje o una información en la tv, es porque en algún momento del desarrollo va a tener peso dramático. El único personaje ausente y que moviliza todo el relato es la madre de la nena y así permanecerá. Sang-ho Yeon, juega todo el tiempo con el espacio afuera del tren ¿Cómo es el mundo afuera de ese maldito tren? Obviamente hay momentos en que lo deja entrever pero creo que estoy segura que el sabría que esa sería la historia que Hollywood contaría

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"la invasión mundial", mientras que Sang -Ho a la vieja usanza decide encerrarse con esos personajes que el mismo construyó desde la escritura del guión: el marido, la esposa embarazada, la anciana buena, hermana de la anciana mala, el ejecutivo del mal, el empresario y su hija, los adolescentes enamorados deportista y porrista: todos arquetipos bien desarrollados y fácilmente empáticos; que ahora que funcionó y fue un suceso para el cine Coreano va a ser hecho re-

make por Hollywood y a nosotros nos queda decir (agarrándonos la cabeza) ¿Con que necesidad? La película es perfecta y ¡No es de ustedes! Así que, te invito, antes de que Hollywood te arruine la experiencia, a que mires esta joya del cine de terror que como esta tan bien realizada cuenta mucho del alma humana y los mecanismos que nos hacen una sociedad, esos que nos pueden salvar o nos pueden destruir.

AL OESTE DEL INFIERNO [ Por José Luis Lemos ]

Si uno se deja llevar por las apariencias, podría suponer que Hell or high water (David McKenzie, 2016) no propone nada nuevo desde su sinopsis. Repasemos: “dos hermanos tratan de salvar su granja familiar hipotecada asaltando bancos en Texas, mientras un sheriff a punto de retirarse les sigue los pasos”. Nada nuevo, ¿no? A simple vista, carne de película clase B directa a DVD. Para sumar desconfianza, también cabe mencionar que detrás de cámaras hay un director escocés. ¿Cómo? ¿Un británico dirigiendo un neo western? Sí, la cosa suena aún peor. Pero créanme: Hell or high water ofrece mucho, mucho más de lo que se intuye en la sinopsis o en el tráiler. Como varias de aquellas películas a las que le endilgaban una B ma-

yúscula para marcar a fuego su condición de película de relleno, hay en el film de McKenzie un conjunto de virtudes que hacen innecesario cualquier rasgo de grandilocuencia. La acción se sitúa en el Oeste de Texas, escenario de enfrentamientos entre cowboys y comanches hace dos siglos atrás que ahora parece golpeado por un enemigo más impiadoso: la crisis económica. “Tres veces en Irak y nadie nos rescata”, reza un graffiti que resume muy bien el desamparo actual de sus habitantes, a los que la esperanza les dio la espalda hace años. Entre ellos se encuentran Toby y Tanner Howard (Chris Pine y Ben Foster), dos hermanos convertidos en asaltantes de bancos en pos de asegurarle un bien-

estar económico a los hijos de Toby. Tanner, con un pasado criminal que lo mantuvo la mayor parte de su vida tras las rejas, es el equivalente a los bandidos de western que disfrutan lo que hacen a sabiendas de que la muerte lo espera a la vuelta de la esquina. Toby, en cambio, solo pretende tomar el dinero necesario sin mancharse las manos de sangre. Lo cual será una tarea difícil una vez que entra en el juego Marcus Hamilton (inolvidable Jeff Bridges), un Ranger algo racista al borde del retiro, que deberá asociarse con Alberto Parker (Gil Birmingham) un representante de la ley mitad comanche, mitad mexicano. Todos los elementos están dispuestos para que el film se convierta en un fiel exponente de lo que se dio a llamar Neo western, es decir, historias que toman las convenciones básicas del género americano por excelencia, pero vistas a través de un prisma moderno que, lejos de funcionar como vehículo para la nostalgia, sitúan la trama en un contexto rabiosamen-

de antaño se vuelven de carne y hueso y muestran sus contradicciones y complejidades. Sabemos que los hermanos Howard son delincuentes que, al verse acorralados, no dudan en abrir fuego contra inocentes. Pero también sabemos que son víctimas de un pasado violento que no quieren que se repita en su descendencia, aun cuando para lograrlo recurran a un último acto de vandalismo que es, a la vez, un acto de justicia. Del mismo modo, la figura del Ranger implacable queda desarticulada al llevarla a los terrenos de la buddy movie, con dos personajes supuestamente opuestos que comparten-bajo un disfraz de agresiones mutuas- más cosas en común de las que se ven a simple vista. “Es absurdo robar bancos. Es de otra época, ya nadie roba bancos y sale huyendo”, dice uno de los personajes en un diálogo autorreferencial que parece hablar del film en sí mismo. Es esa especie de romanticismo amargo lo que enaltece a un film como Hell or

te actual. “Hace 150 años todo esto pertenecía a mis ancestros, y luego llegaron tus antepasados y se quedaron con todo. Ahora a sus descendientes también les están quitando todo, pero para conseguirlo no necesitan ejércitos, basta con eso”, dice Alberto mientras señala un banco. Los enemigos ya no son los indios, que quedan relegados al desprecio y la burla de sus pares de piel blanca, sino el capitalismo que arrasa con todo a su paso, sin diferenciar color de piel alguno. Al igual que en un film de Peckinpah, la línea divisoria entre el bien y el mal es bastante difusa. El concepto de héroes y villanos, tan afín al género en sus inicios, se desdibuja cuando las figuras de cartón

high wáter que, lejos de convertirse en una simple pieza de museo, hurga en un pasado glorioso para vislumbrar un futuro oscuro. En la última escena de Erase una vez en el Oeste, Charles Bronson era testigo de la muerte de un bandido, Commanche, a la vez que la cámara se elevaba al unísono del resoplido de un tren, que anunciaba la llegada del progreso y, por ende, el ocaso simbólico del western. McKenzie decide cerrar su film de la manera opuesta: mostrándonos primero el “progreso”- representado por unas perforadoras de petróleo- y luego haciendo descender la cámara al ras de la tierra, dejando el plano cubierto de espigas. A la altura de una tumba.

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MÁXIMA MUSICALIDAD [ Por Jimena Patiño ]

Edgar Wright, como ha sabido demostrar en trabajos anteriores, siempre ha hecho buen uso del dinamismo visual, en conjunto al humor que sus imágenes y personajes despiertan. Resultado de lo mismo, ha sido el recurso de amalgamar distintos géneros. Y si bien éstos responden a ciertos rasgos y arquetipos para nada nuevos, logran ser reutilizados y contados de una manera tal que terminan resultando nuevos ante la mirada del espectador, quien se divide entre la risa y la imposibilidad de mirar por un segundo a otro lado que no sea la pantalla. Con Baby Driver, Wright conforma el punto más álgido hasta el momento de su creciente carrera cinematográfica. Y lo hace con un carácter dinámico y vertiginoso que escapa a pertenecer solo a las hermosas secuencias de persecuciones, sino que lo extiende a lo largo de todo el film con la edición, la música y sus personajes. Y es que su sexto film, y el segundo perteneciente a su etapa estadounidense, el director británico incursiona enteramente en el género de acción y a la vez, crea una nueva categoría de film: el musical de acción. Al frenético y estimulante ritmo de las imágenes se suma la banda sonora como un personaje más de la historia. Y por más que es cierto que el director siempre le ha dado su importancia en los films a la música, aquí funciona como una extensión del mismo Baby

(Ansel Elgort), el protagonista del relato. Conductor de un capo criminal (Kevin Spacey) para saldar una deuda del pasado, Baby solo precisa ponerse detrás de un volante y darle play a su Ipod para escapar de las autoridades con cada nuevo robo a un banco. Luego de eso, solo le sigue una continua carrera que coordina violencia y música. Explicando por completo al personaje en la introducción y los créditos iniciales (y dejando en claro la identidad de género tanto como acción y musical), el film destila una combinación de disfrute total al ver a Baby dentro y fuera del auto. Sea por su destreza al volante o por su danza al andar, la edición del film da una pequeña probada de cómo sabe poner en la misma sintonía la acción, el humor y la música, coordinando a los tres elementos para que el film en sí mismo sea una pista asesina. Y como los buenos discos, en Baby Driver todo irá en aumento en pos del placer del público. Diseñado constantemente con una coreografía digna de los más grandes musicales, el film nos conduce, con Wright al volante, a través de su narrativa repleta de detalles en el diseño del arte, que entran en juego con el ritmo y el tema perfecto en la escena adecuada. Lo cual ya es decir mucho sabiendo que el soundtrack cuenta con 43 temas, produciendo de alguna forma el mismo efecto que el director realiza con los géneros

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cinematográficos al escoger un sinfín de estilos y ritmos musicales (Rock, Jazz, Pop, electrónica y más). Todo crea un deslumbre audiovisual acentuando su virtuosismo en la aceleración originada por la velocidad al volante y el montaje que por momentos sobrepasa a la rapidez y la violencia de colisiones. Cada aspecto, por más distinto que sea uno del otro, cumplen con un cometido en común: el disfrute absoluto por casi dos horas. Baby Driver sin lugar a dudas es una aplanadora que se posiciona con toda su furia y estilo

en la delantera como una de las mejores producciones de esta segunda década del siglo XXI. Y si alguien piensa que la adrenalina generada se irá luego de pasar por la experiencia arrolladora de verla, ésta solo irá acrecentándose a niveles inimaginables. Tomen el consejo de alguien que mientras escribe, no puede parar de escuchar el soundtrack. Mucho menos de dejar de sentir la fuerza de choque del film en el cuerpo. Abrocharse el cinturón, de más está decir, no va a servir de nada.

LAS ESTRELLAS, HOY LUCEN DIFERENTE [ Por Jimena Patiño ]

No me cuesta admitir que soy una rezagada. Me negaba a ver esta película porque en mi corazón sabía que no iba a ser lo épica que debía ser con catorce nominaciones a los premios Oscars, pero el incidente de Warren Beatty y Faye Dunaway hizo que mi corazón se ablandara y decidiera afrontar el proverbial elefante blanco ¿O es rosa? de la habitación, en este caso bajo la forma de una película que pese a lo que digan los críticos es solamente un 45% musical y 65%fanatismo idealizado. ¿Qué clase de fandom (como se le dice ahora a la pertenencia fanatizada por cierto tema) no es un concepto idealizado? En este caso tenemos toda la idealización que como tal es escrutadora y revisionista de un hecho pasado al que adora alocadamente de la mirada de Damien Chazelle quien guía alocadamente la cámara, por lo que considero se trata el sueño de su vida hecho película. Aplausos por un hombre que decide revindicar sus sueños y aplausos por la recepción fabulosa que tuvo su film cargado de metalenguaje y capas de nostalgia por el Hollywood de antaño. Es la clase de película que hace que me sienta inspirada y que tenga ganas de escribir mi propia historia al grito del personaje de Sebastian, interpretado magistralmente por Ryan Gosling de “¡que se jodan!” que se jodan todos si no

te aceptan, lucha por tus sueños y no los entierres en los devenires de la vida. Ahí es a donde pongo un alto. Un gran Stop colorado porque me toca ser realista y hasta fría: No todos los sueños se cumplen con una elipsis mágica de Hollywood y es ahí a donde el mensaje de La la land parece desvirtuarse un poco. Es en la ligereza con la que soluciona el conflicto central del film se esconde una esperanza que es falsa y es cuando me toca recordar las palabras de un cineasta que estoy segura odiaría con toda su alma La la land… El cine es verdad veinticuatro frames por segundo (Jean Luc Godard). Tengo la certeza que odiaría la manipulación dentro de la manipulación y el mensaje de este film. No quiero hacer predicciones falsas pero estoy segura que incluso la tildaría de película vieja. “Vieja” narrativamente hablando. Pero yo no soy Godard. A mí me gusta el paseo por la calle de la nostalgia que el film plantea, sobre todo porque la mayoría de los jóvenes de hoy no tienen ni idea del Hollywood de los cincuenta. Así que el trabajo de Chazelle es como el de un curador de un museo cuando hace las cosas que hace. Como mencionar la ventana desde la que Bogart y Bergman se asoman en Casablanca (reproducía mentalmente la escena en mi mente ¿Quién no?) Habla de un cine que está muriendo como el Jazz y

traza un paralelismo entre la necesidad de renovar y la necesidad de recordar. Es mucho más que un simple musical (¿O complejo? porque estoy cansada de que subestimen los musicales), es un trabajo fino sobre los caminos que la vida toma y como los sueños nos abandonan o nos encuentran. La labor musical de ambos protagonistas sobre los que descansa casi todo el peso del film, no es óptima. Lo siento, pero podían cantar mejor, como Leah Michelle y Darren Criss lo hacen en Glee, pero como se trata de una historia intimista sus voces van acordes con las situaciones dramáticas. Ryan Gosling es encantador con ese piano y Emma Stone… lo dejo para el próximo párrafo. Emma Stone es adorable, querible; pero ciertamente es plana. Su personaje de Mia, aunque está más desarrollado que el de Sebastian parece bidimensional. No entiendo su Oscar. Lo siento, creo que fue un premio a una actriz joven que promete mucho pero

ejemplo tiene Anna Kendrick en The last Five years. Ese si es un musical con todas las letras: números y cuadros y canciones completas en el que la frustración de ser actriz, joven y las relaciones que se desmoronan justamente en el plazo de cinco años, deben verlo si quieren un musical profundo sobre las relaciones humanas. Volvamos a La la land. Me gustó más de lo que esperaba y deseaba. Tiene unos momentos de puesta en escena en los que la realidad irrumpe, como por ejemplo el cierre de los cines como metáfora de las “cosas que están cambiando”. Creo que el acierto de Damien Chazelle es su guión y la puesta en escena. La cámara como lápiz dibuja la mirada del espectador entre los cuadros. Hay momentos para citar películas y tirar al techo desde Rebelde sin causa hasta Un americano en parís o ese comienzo con un homenaje total a Jaqcues Demy y Las señoritas de Rochefort que es el cuadro

su personaje no era fantástico, como si eran fantásticas eran las escenas en las que se veía envuelto. Si, evidentemente, su lado desde comediante a actriz dramática sutil se hacía lucir, pero en si el personaje no tenía grandes oscilaciones o arcos emocionales. Parece que fluye con lo que sucede. El único momento en que me emocioné por ella es el momento en el que decide pararse de la silla y salir corriendo del lado de Gregg para ir a los brazos de Sebastian. En pocas palabras… ver a una mujer correr de un hombre a otro. Y aunque el director se empeña en secuencias de montaje en donde muestra lo ridículo del sistema de casting, no logra otorgarle la profundidad que por

musical: Another Day of Sun en medio de la autopista en LA. Es su momento en el que le dedica una verdadera oda a L.A. con toda la magnificencia posible. La fotografía, el despliegue, la música. Todo brilla en esos momentos precisos y por eso se entiende que haya tenido tantos premios. El homenaje a Un americano en Paris con su danza pictórica de catorce minutos del final es adaptada a los tiempos modernos es un intermedio entre el amor a los musicales y el amor por el videoclip. (¿No recuerdan los videos de Michele Gondry acaso?) La síntesis perfecta de la posmodernidad que nos deja una nota dulce para un final agrio.

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Y es que La la land es debo decirles: amarga. Sin ser una gran tragedia sacada de un melodrama de los años cincuenta, el final que salta al futuro de los protagonista; nos muestra una especie de epílogo que no se si era el adecuado pero es el que tenemos que soportar los espectadores y lidiar con las consecuencias de tanta melancolía junta. Chazelle te echa en cara todo su armamento y equipo de ensueño para decirte: no termina bien, pero ¿Termina? ¿Acaso la vida tiene finales de película o solo está plagada de finales abiertos que dan lugar a nuevos comienzos? Es en el final donde Chazelle dice su verdad y le creemos aunque la

haya decorado con capas y capas de gliter y bailes en estrellas. Él es melancólico y no se arrepiente de que sus personajes alberguen una cierta oscuridad entre tanta luminaria. Bravo por el chico que soñó que podía lograrlo y lo logró. Mis aplausos a Damien Chazelle por tanta belleza junta y solo por eso, resulta paradójico que su final también fuera agrio: le repitieron la extravaganza onírica en vivo y en directo pues le dieron la gloria (Oscar) y se la quitaron de las manos…quizás por eso recordaremos que La la land brilló en la entrega de los Oscars por unos minutos antes de apagarse cual luces de candilejas.

LA FÓRMULA CORRECTA [ Por José Luis Lemos ]

A estas alturas, ya es casi una tradición de los Oscar premiar la corrección política más allá de sus méritos artísticos, y sobre todo si se trata de lavar las culpas en un tema tan delicado en Norteamérica como la segregación racial. Una limpieza de conciencia que llevó a la Academia a considerar para sus nominaciones a

films como 12 años de esclavitud, Preciosa o Selma, todas ellas alegatos contra el racismo que, pese a sus buenas intenciones, no pasarán precisamente a la historia del cine. Sin embargo, dicha tradición no se hizo presente en las últimas entregas, y la ausencia de artistas afroamericanos en las nóminas ocasionó

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una protesta en las redes sociales bajo el nombre de OscarsSoWhite, impulsada por artistas emblemáticos de la comunidad como Spike Lee. Sería ingenuo pensar que el hecho de que haya tres películas con temática racial en la entrega 2017 de los Oscar responda más a un acto de tolerancia frente a la administración Trump que a un simple acto de cubrirse las espaldas. Lo que queda claro es que, en el caso de Hidden figures, los resultados artísticos parecen estar subordinados a una fórmula diseñada para complacer a todo el mundo, tanto a los afroamericanos que exigen un reconocimiento a esas figuras que- como el título se encarga de indicar- quedaron ocultas en la historia oficial, como a aquellos que empatizan con la

queda con la sensación de que luego de los créditos recordará a sus protagonistas, pero no al film que les sirve de marco. Lo cual, claro, no sería tan malo si la única intención del film es didáctica. Esa intención didáctica, sin embargo, no puede evitar uno de los males mayores en las historias de segregación racial: la figura del hombre blanco salvador, aquí representada por el personaje de Kevin Costner. Este estereotipo, diseñado para mantener impoluta la figura del ciudadano norteamericano, nos recuerda todo el tiempo que pese a las injusticias y a la discriminación que sufren las minorías, siempre habrá allí una figura salvadora lista para protegerlas de la crueldad y, de paso, tranquilizar al espectador que a esas

figura de “el salvador blanco”. Porque los hechos que narra el film, basados en la experiencia de Katherine G. Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson, tres mujeres negras que allá por los 60’ superaron las barreras raciales trabajando en la NASA, contiene todos los elementos necesarios para ser esa historia inspiradora que, al llegar los créditos, dejan bien parados tanto a blanco como negros, en una armonía que por aquellos años era casi utópica. Theodore Melfi, director de raza blanca, construye esta historia “basada en un hecho real” cuidándose de no meter demasiado el dedo en la llaga, y el primer enfrentamiento racial que tienen nuestras protagonistas -con un policía de caminos, al costado de una rutase resuelve automáticamente cuando afirman trabajar para la NASA. La resolución de los conflictos en el ámbito laboral no será tan fácil -de lo contrario no habría film- pero tampoco lo suficientemente complejo como para diferenciarse de la estructura de manual de esos films de superación personal que uno ya vio tantas veces. Es precisamente esa su mayor fortaleza y debilidad: Melfi sabe cómo atrapar al espectador durante dos horas sin que el relato se haga morosoun montaje ágil, una banda de sonido ganchera - pero los recursos son tan efectivos como trillados, y uno se

alturas pensaba que todos los hombres de raza blanca eran detestables. Aunque hay que aclarar que aquí uno se queda con la impresión de que además son ignorantes. Al menos eso transmiten esas escenas en las cuales nuestras heroínas exponen sus teorías ante un auditorio estupefacto que parece haber ingresado en la NASA por acomodo. Sí, es un recurso harto conocido- Spielberg hizo uso y abuso del mismo- pero aquí resta verosimilitud y deja en evidencia el maniqueísmo del film. Más allá de los lugares comunes, sería injusto decir que Hidden figures se trata de un film fallido. Los rubros técnicos son irreprochables, al igual que la ambientación y las actuaciones de Octavia Spencer, Janelle Monáe y, sobre todo, Taraji P. Henson. Pero su apego a fórmulas consabidas que son ejecutadas con precisión matemática -nunca mejor dicho- apartan al film de todo riesgo y sorpresa. En cierto momento, el personaje de Kevin Costner le dice a una de las protagonistas que para poner al primer hombre americano en órbita se debía partir de teorías nuevas, dejar volar la imaginación y olvidarse de todo lo previo. Finalmente, descubren que la solución de ese problema se encontraba en fórmulas viejas. Allí, en esa escena, está el resumen perfecto de Hidden figures.

DELICIOSAMENTE PERTURBADOR [ Por Nicolás Ponisio ]

¿Cuánto está dispuesto alguien a sacrificar en contra de aceptar sus propias culpas? Una pregunta que todos pueden hacerse pero que pocos se contestan, o al menos deniegan la existencia de la pregunta. Yorgos Lanthimos es una de las máximas mentes cinematográficas de la actualidad y desde que despertó el interés del público, insertándose inmediatamente a partir de Kynodontas (2009), se ha atrevido a formular las preguntas que nadie quiere oír o responder. Pero en manos del director griego, un más que digno sucesor de Michael Haneke, es casi imposible no hacerle frente a la verdad. Su provocador cine es el espejo ante el que nos vemos y por más duro que sea nos obliga a no apartar la mirada. Con su nuevo film, The Killing of a Sacred Deer, Lanthimos hace uso del mejor terror psicológico al continuar construyendo su particular estilo en sintonía con la mirada cruenta sobre el ser humano. Perturbadoramente delicioso, el film transmite (e impone) su incomodidad a través de espacios fríos y personajes extravagantes, cuasi autómatas. Desde un primer instante se puede percibir la intranquilidad como atmósfera. La pantalla en negro es invadida por

música operística que enseguida da a lugar a los latidos de un corazón que está siendo sometido a una cirugía. Cual director de orquesta el autor marca su tempo audiovisual con elegancia e impresión. Algo que mantendrá a lo largo de todo el film y que es muestra de la genialidad artística con la que logra alterar su ficción y a su espectador. Paso a paso, o mejor dicho plano a plano, la vida del cirujano cardiovascular Steven Murphy (Colin Farrell) es presentada y desarrollada como una pesadilla sin fin, sensación aumentada por el uso fílmico de grandes angulares que alteran el orden del espacio, construyendo arquitectónicamente los extensos pasillos que recorre. Una calma intranquila que se va acentuando cada vez más desde la composición de la imagen y desde la extrañeza en situaciones que no deberían serlas. Sea desde el comportamiento frío que Steven mantiene con su familia, especialmente por ese deleite cercano a la necrofilia que tiene en la cama con su mujer Anna (Nicole Kidman), o con la amistad malsana que roza el acoso por parte de Martin (Barry Keoghan), el hijo de un paciente que murió en la mesa de operaciones.

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El nivel de tensión y suspenso se ve reflejado en lo

normal al brindarle un aspecto cuasi inexplicable pero

extraño y perturbador, en la incomodidad como experiencia cinematográfica y en la forma de la “enfermedad” que ataca a su familia cuando los hijos de Steven y Anna pierden la movilidad en las piernas, aparentemente sin explicación alguna. El trastorno es estudiado en la mirada del director como síntoma, como factor de causa y efecto en todo lo acontecido. El hecho de que le suceda a un matrimonio de médicos (Anna es oftalmóloga) refleja la incapacidad de entendimiento y de hacer algo al respecto que escape al raciocinio científico. Lanthimos altera el orden de lo denominado como

muy vívido al igual que el mal que aqueja a los niños. Transmite y castiga las culpas de su protagonista a través de la creciente sensación de malestar por la que nos pasea, transformándonos también a nosotros, su público, en víctimas y pa(de)cientes. La enfermedad en forma de obra de arte que no tiene otra cura más que la de experimentarla. Sentirla, vivirla y sobrevivirla. ¿Cómo? Aceptándola al ser consciente de ella, haciéndose cargo sin apartar la mirada. Disfrutando lo extraño, lo perturbador, como parte de todos. Abrazando el cine de este director.

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https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

Glass (Lu Glass) estreno video dirigido por Segundo Siro Bercetche (Siro Bercetche) sobre “Song to John Maus” de su álbum “El Rayo” (2016). El tema es instrumental, melódico, con un tempo lento de esos que estimulan la imaginación y el video va en el mismo enigmático camino y nos deja ver entre sonidos de sintetizadores, fuertes luces y tules imágenes que intentan hacer foco sobre mujeres y unos pocos elementos como un gallo, un sable, una tetera, agua y un sintetizador entre unos pocos más. Hermoso, sugestivo, para dejarse llevar con la imaginación. Puedes escuchar el álbum "El Rayo" en el bandcamp: https://luglass.bandcamp.com

Belle and Sebastian ha lanzado el primero de la trilogía “How to Solve Our Human Problems (Part 1). La segunda Parte está anunciada para el 19 de Enero y la tercera para el 16 de Febrero. Los tres EPs salen por Matador Records, fueron producidos por Belle y Sebastian y Brian McNeill. La parte 1 se puede escuchar en el link de Spotify y también se puede escuchar el audio de "I'll Be Your Pilot" (perteneciente al EP 2) en su canal de youtube. Esta canción también ya tiene su video pero por ahora está disponible sólo para suscriptores de TIDAL.

Iggy Pop y Jarvis Cocker reinterpretaron el clásico de Nick Cave & The Bad Seeds "Red Right Hand". El track aparecerá en la nueva temporada (la tercera) de la serie Peaky Blinders.

Moby siempre muy activo y dispuesto a colaborar con sus colegas ha anunciado un nuevo álbum “Everything Was Beautiful y Nothing Hurt”. El título proviene del libro Slaughterhouse - Five de Kurt Vonnegut y y sale por Mute Records el próximo 2 de marzo. Recordemos que el año pasado sacó un álbum que dura apenas cuatro horas cuatro minutos y cincuenta y dos segundos “Long Ambients 1: Calm. Sleep” Aqui abajo de dejamos el adelanto de “Everything Was Beautiful y Nothing Hurt” que ya tiene su video dirigido por Rob Gordon Bralver.

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El 16 de febrero el sello Nonesuch Records publicará el disco “Landfall”. Y si bien aparentemente mucho no decimos con esto, si lo hacemos al decir que es un trabajo discográfico que trae 30 canciones y que es la colaboración entre Laurie Anderson y el Kronos Quartet. Según se cuenta las canciones fueron inspiradas en la experiencia de Anderson durante el huracán Sandy. ¿El primer adelanto? ‘We Learn to Speak Yet Another Language’.

Nuevo single y video de ABducidos que es el adelanto de su tercer álbum. "Para mí es muy normal" es el nombre del single que se editó el 18 de diciembre bajo el sello amigo de la casa Fuego Amigo Discos. El single se completa con las canciones "Juego" y "Luciérnagas (acústico)" completando un bello retorno de la banda que ya tiene en su haber los álbumes "ABducidos" (2008) y "Recuerdos del futuro" (2013). Un single que invita a soñar y a reposar entre melodías que giran en torno a luces difusas en una noche calma y húmeda. El video fue realizado por Fernando Blanco (100% Films). Pueden descargar el single desde el bandcamp de la banda o el sitio web de Fuego Amigo discos.

Hurricane Heart Attacks ha lanzado su nuevo single el 24 de noviembre bajo el sello inglés Wrong Way Records, "OCD/ Fake Gold", así es el nombre del single, se encuentra disponible en la tienda del sello en (http://wrongwayrecords.com/). La banda argentina ha regresado de su gira por Europa en donde han participado en varios festivales de música psicodélica, y aprovechando su estadía en Inglaterra lanzaron el single.

DE CANCIÃ&#x201C;N + BANDA

[ Por Diego Centurión ]

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Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias. Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda. La llamamos "De Canción + Banda".

Hoy tenemos un caso que no sitúa en la década de los 90's, precisamente en el año 1990. Uno de los grandes regresos de este 2017, editaba en noviembre de 1990 su EP debut homónimo. Estamos hablando de los Slowdive. En este álbum se encuentra la canción que dio nombre a la banda de Hamilton, Ontario, hablamos de la canción "Avalyn". Si bien se encuentra en dos partes (“Avalyn I” y “Avalyn II”), de la misma forma aparece en la reedición del álbum debut, “Just for a Day” del 2005. Ahora pasando al presente la banda canadiense ha empezado su carrera discográfica este año con una serie de EPs y singles, “Asleep" de mayo, “Despondency” de agosto, y dos singles "When You Sleep" (versión de la canción de My Bloody Valentine) y "Tugboat" (Versión de la canción de Galaxie 500) ambos lanzados de noviembre de este año.

Los Links a las bandas: Slowdive: http://www.slowdiveofficial.com/ https://www.facebook.com/Slowdive/ https://twitter.com/slowdiveband https://www.instagram.com/slowdiveofficial/ Avalyn: https://avalynpop.bandcamp.com/ https://twitter.com/Jamesz222 https://www.instagram.com/jamesz222/

PURA MELOMANIA

EL REGRESO A LAS LIGAS COMERCIALES George Harrison – Cloud Nine (1987) [ Alex Bretto ]

Después de la edición de “Gone Troppo” en 1982 (que comercialmente no caminó), George Harrison se relajó y pasó unos años de solaz, esparcimiento y escaso trabajo. Un tema para la película “Porky’s Revenge”, un trabajo para un álbum de Bob Dylan, conciertos de caridad, y una participación en el estrepitoso fracaso “Shanghai Surprise” (1986), patético film protagonizado por los tortolitos Madonna y Sean Penn para el cual Harrison compuso dos temas. Y no mucho más hasta inicios del ’87, cuando reingresaría a estudios de grabación. Harrison se sentía apartado del sonido de los tiempos que corrían, así que solicitó la ayuda de Jeff Lynne (Electric Light Orchestra) para aggiornarse. Esta sociedad trabajó en las composiciones de “Shanghai Surprise” pero aportó también otras que formarían parte del primer álbum de George en cinco años. Las nuevas creaciones provendrían en gran parte del uso de la técnica conocida como overdubbing: se trata de escuchar grabaciones preexistentes con los auriculares mientras simultáneamente se toca con un instrumento una nueva línea de acompañamiento, la cual es grabada como una nueva base, combinando a veces la misma con segmentos de la pista original. Entre enero y marzo se grabaron 17 nuevos tracks que posteriormente fueron pulidos, para terminar con todo el trabajo hacia agosto de ese año. Durante estas grabaciones, desfilaron por el estudio Friar Park músicos de la talla de James Keltner (mítico baterista de sesión que en el futuro sería miembro de los Traveling Wilburys), Ringo Starr, Eric

5 de junio de 1987 con una recordadísima versión de “While My Guitar Gently Weeps” junto a Clapton, Starr, Elton John, Jeff Lynne, Phil Collins, Mark King y Jools Holland. Era el ex guitarrista de los Beatles preparando el terreno para lo que vendría. Curiosamente, el adelanto del disco sería un tema originalmente grabado en el año 1962 por James Ray (compuesto por Rudy Clark): Harrison compró una copia del disco de Ray en 1963 en una visita a USA. James Ray moriría por una sobredosis en 1964, pero más de dos décadas después, la versión de George Harrison de “Got My Mind Set On You” sería un éxito abrumador que llegaría al #1 en 18 países en todo el mundo. Fue lanzado como single el 12 de octubre de 1987, un mes antes que el álbum que lo contendría. Sería el tercer y último número 1 de Harrison en Estados Unidos, además de colocarse como tema

Clapton y Elton John. Entusiasmado por los resultados obtenidos, Harrison se preparaba para su gran regreso y se presentó en el Prince’s Trust Concert el

#3 del año en el ranking Billboard de 1988 y de revalidar las credenciales de su intérprete como artista mainstream.

El 2 de noviembre se editaría “Cloud Nine” y sería alabado por la crítica: la revista Rolling Stone lo consideraría su mejor producción desde “All Things Must Pass” (1970). Fue una elaboración compacta y pulida, un regreso sobresaliente con 11 canciones puramente “harrisonianas” pero con agradables reminiscencias a ELO. Las condiciones de Harrison como compositor, cantante y guitarrista estaban intactas. Los siguientes cortes del disco, si bien no fueron éxitos comerciales de la talla de “Got My Mind Set On You”, si fueron excelentes elecciones: “When We Was Fab”, un autohomenaje a los años con The Beatles, y “This Is Love”, un anticipo del próximo megaproyecto The Traveling Wilburys que vería la luz en octubre de 1988. Varias

otras canciones descollaban a lo largo del álbum, entre ellos: la excelsa balada “Someplace Else”, previamente incluida en la banda de sonido de “Shanghai Surprise”; “Devil’s Radio”, una rola muy ganchera que si bien no fue corte se lanzó como single promocional; o “Wreck Of The Hesperus”, otro de los momentos donde Clapton tuvo oportunidad de lucirse. Sería este el penúltimo álbum de estudio de Harrison. Recién en el año 2002 saldría “Brainwashed” (su décimo álbum), el disco póstumo editado un año después de su fallecimiento a la edad de 58 años. “Cloud Nine” dejó una huella indeleble y se convirtió en una producción necesaria a la hora de repasar las mayores conquistas del magnífico Dark Horse.

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EL ENCANTO DE LA TENTACIÓN Suicide - Suicide (1977) [ Diego Centurión ]

Siempre es una tentación hablar de este álbum y si nos ponemos a pensar, ya hemos escrito sobre este primer álbum y también hemos hablado de Alan Vega. Pero sinceramente caigo rendido al encanto de la tentación de reincidir en escribir sobre algo que se ha escrito antes. ¿Por qué? Porque se cumplen cuarenta años de su lanzamiento. Y si hicimos un especial del Punk 1977, ¿éste ni es un disco que debería haber entrado? A mí entender si, aunque sonoramente poco tiene que ver con el Punk Rock. ¿Pero no tiene nada que ver? Si empezamos con el primer track, Ghost Rider, la pregunta empieza a sonar más profundamente en nuestra cabeza y empiezan las dudas a qué llamamos Punk, porque la actitud y ese punk cibernético no deja dudas de que es muy punk. Pero a la vez es una banda de sintetizador y sin guitarras, bajos o baterías, bueno las únicas baterías son las que necesita el sampler para funcionar (mal chiste). Pero si vemos la actitud de la banda bien podría catalogarse dentro de la escena punk. Pero dejando de lado en que escena los ubicamos a este dúo, empecemos a hablar de este debut. En el número 29 hemos hablado de la banda con relación a la muerte de Alana Vega. Un Alan Vega que emula a Gene Vincent. Como mencione antes, Ghost Rider abre este viaje con un "riff" de sintes que ya suena aguerrido y tormentoso, y las interrupciones de ese sonido tajante y tan, tan... industrial, aunque claro, todavía ni existía ese estilo de no musicalidad tan definido. La voz de Alan es tranquila, como si nos contara un secreto. Pero la energía es abrumadora y de a poco Vega nos empieza a hacer desesperar, nos van envolviendo en

un espiral de enajenación, y la voz de Alan sigue imperturbable y al igual que la base que no cambia pero que va incrementando el controlado caos, los quiebres de voz inesperados de Vega empiezan a aparecer. Soberbio y clásico. "Rocket USA" el ambiente no cambia seguimos dentro de ese espiral casi claustrofóbico que nos planteó el track anterior. La voz de Alan va tomando una presencia fantasmal mientras que la secuencia base de Martin sigue y sigue impávida ante las armonías vocales. En algún momento podemos escuchar una interrupción con un teclado más psicodélico, que interrumpe la hermosa oscuridad monótona instrumental. "Cheree" bien podría ser una canción de la Velvet Underground, ese paisaje ensoñador que le imprimía Nico, y esa instrumentación casi aniñada pero que la voz de Vega la tiñe de siniestra. "Johnny" con una base sintetizada de rock and roll, Martin va dibujando los compases para que la voz de Alan surfée en compases conocidos pero lejanos. "Girl", uno enseguida puede recordar a los primeros Sisters of Mercy, aunque algunas intervenciones de "Mercury" lo

145 vuelven más sesentero. “Frankie Teardrop” es una larga canción intensa y tensa, dramática y experimental, en donde con un ritmo ahogado y casi como el pulso sanguíneo de una taquicardia, nos vamos involucrando en una historia basada en la vida real. Mientras Martín va haciendo que su base sea monótona e invariable, nos va introduciendo en la locura de Alan, quien nos narra con suma expresión la vida de un trabajador que decide asesinar a su familia y luego suicidarse. Lo fantástico del track es que acá se puede percibir el grado de experimentación en Suicide, tanto desde lo sonoro como desde la post producción, las reverbs en la

voz de Vega como el fondo musical de Rev va demostrando que la genialidad del dúo yo la comparo con la genialidad de la Velvet Underground y su álbum debut. Y así podríamos hablar de todos los tracks del álbum. Sin darse cuenta o tal vez si, Suicide ha creado un monstruo que cimentó el desarrollo de una conciencia de minimalismo, que tal vez provenía de la escuela del krautrock, y lo llevó a la mínima expresión, pero a la vez abrió un abanico de ideas para futuros movimientos que se avecinarían años después. Atrevido, audaz, lisérgico, atrevido, único, paradigmático, precoz, inigualable, crudo.

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A-HA | MTV Unplugged: Summer Solstice Label: Polydor Fecha de Lanzamiento: 06 de Octubre de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

Este disco es un regalo inesperado por tantas razones que es casi ridículo. Es un nuevo lanzamiento de una banda que nunca queda claro si sigue activa o no (en las liner notes aclaran que no piensan a largo plazo sino que van “de proyecto a proyecto”) Es un MTV Unplugged en una época en que ya no hay MTV Unpluggeds (muchos dirían que ni siquiera hay MTV). Pero principalmente, la combinación de ambos factores es una idea tan genial que no había forma que fracasara. En los ochentas, A-ha suplo emplear el sonido del momento, los sintetizadores, para catapultarse a la fama mundial. Pero por más bien que suenen,

nos temas nuevos. Lo que no es tan perfecto es el reparteé entre tema y tema (Magne hace lo que puede pero el carisma de la banda es meramente musical) y la incursión de invitados especiales. Todos amamos a

los sintes y baterías electrónicas no son un elemento esencial de su música: esta es una banda de canciones. Canciones oscuras, melancólicas, llenas de sensibilidad pop pero a su vez inescapablemente nórdicas. Los arreglos acústicos aquí presentados las hacen sonar como siempre deberían haber sonado: no importa cuántas veces hayamos escuchado “Take On Me”, esta vez será como la primera. El setting es perfecto: la isla nórdica de Giske, representación física del aislamiento tan explorado en las canciones de la banda. El setlist es perfecto: los mejores hits (dejando de lado los más superfluos como “Cry Wolf”), algunos cortes de disco y lados B, material reciente, dos dig-

Ian de Echo and the Bunnymen, pero es cierto que su voz está rota, y ponerlo a cantar un tema tan demandante como “Scoundrel Days” junto al querúbico y vocalmente inmaculado Morten Harket lo deja demasiado en evidencia (es muy efectivo, sin embargo, como una publicidad ante los efectos adversos del tabaco). Estas son cosas menores. Para los fans este set es un tesoro, y para los curiosos casi no hay mejor exponente para adentrarse en el mundo de A-ha: un agridulce mundo donde los veranos pasan y los amantes separados no se reúnen, pero la belleza de la voz humana hace que el sol aun así siempre brille, no sólo en la TV sino en nuestras vidas.

SCOUR | The Red EP Label: Housecore Records Fecha de Lanzamiento: 03 de Noviembre de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Scour es el flamante nuevo súper grupo de Phil Anselmo, el conocidísimo cantante de Pantera. Esta vez se ha reunido con Derek Engemann (Cattle Decapitation) y Chase Fraser (Animosity) a las guitarras, John Jarvis (Pig Destroyer) al bajo y Jese Schobel (Strong Intention) a la batería. Que a Phil le encante el black metal no es ninguna novedad. Desde hace muchos años se lo ha visto con camisetas de grupos como Mayhem o Darkthrone, y nunca ha ocultado su amor incondicional por este subgénero.

Por otro lado, tampoco es nuevo que la hiperactividad de Anselmo lo lleve a formar bandas fugaces en

las que canalizar su furia y energía. De hecho, ya formó proyectos en esta línea con los grupos Eibon (junto a Satyr de Satyricon, Killjoy de Necrophagia y Fenriz de Darkthrone) y Christ Inversion. Scour no pretende innovar ni reinventar nada, es sólo diversión para Phil Anselmo y sus amigos. Este nuevo álbum, The Red EP, es, al igual que su primera entrega (The Grey EP, del año pasado), un disco de seis canciones con una media de dos minutos y medio de duración cada una, lo cual nos termina volviendo a dejar con ganas de más. Lo que da muy buena pinta a esta banda son, obviamente, las voces de Phil. Hacía bastante que no se lo escuchaba en tan plena forma. Aquí ofrece variados registros en plan growls (tonos guturales muy propios del black y el death metal) y, teniendo en cuenta todos los problemas de adicciones en los que se ha metido

este hombre, el resultado es espectacular. El estilo practicado por Scour es un black metal bastante tradicional pero muy bien ejecutado. Blast beats por todos lados, algún medio tiempo para rebajar, y líneas de guitarra que suenan como verdaderas hachas. Tendremos mucha suerte si Scour pasa de ser un par de grabaciones, porque Anselmo es un tipo muy ocupado y en sus proyectos en paralelo no suele prodigarse más allá de un álbum o dos. Aunque ya lo veremos, porque Down y Superjoint Ritual comenzaron precisamente así, pero luego prosperaron. En definitiva, una más que recomendable banda tanto para fans del mítico Anselmo como para los amantes del buen black metal (entre los que me incluyo).

THE VELDT | Thanks to The Moth and Areanna Rose Label: SonaBLAST! Records Fecha de Lanzamiento: 03 de Noviembre de 2017 [ Por Benjamín York ]

La legendaria banda dreampop regresa con un nuevo lanzamiento tan bello que se posiciona como un de los grandes EPs del 2017, si bien no soy de realizar ese tipo de rankings, pero seguramente este de lo más cálido que he escuchado en los últimos meses. Seis hermosos tracks componen este EP. Que abre con Coctoniano "The Colour of Love Is Blue" en donde hasta parece cantarlo la mismísima Elizabeth Fraser. El trabajo de los hermanos Chavis es simplemente conmovedor y alucinante. Las guitarras crean paredes difusas que llenan de imágenes solares el fondo de las canciones. Mientras que el resto de los instrumentos nos recuerdan que es una banda, y juntos con las guitarras que dan sus pinceladas impresionistas, que le dan la posibilidad a las voces de volar, bien alto. Y a medida que las canciones van pasando nos vamos elevando más y más, hasta volvernos formas luminosas. La producción está repartida y acá se ve la mano 4AD, el track 2 y 3 por Robin Guthrie (Cocteau Twins), track 06 por Rudy Tambala (A.R.Kane) y tracks 1, 4 y 5 por los mismos The Veldt. La formación de la banda

es Daniel Chavis (voz y guitarra), Danny Chavis (guitarra), Hayato Nakao (bajo) y Marvin Levi (batería). Si vemos quienes participaron en la producción de las canciones no quedan dudas de la importancia de este trabajo. La producción fue de Robin Guthrie (tracks: 2, 3) y The Veldt (tracks: 1, 4, 5), además la producción de los remixes fue realzado por A.R. Kane (tracks: 6) y Rudy Tambala (tracks: 6). Para cerrar el círculo para la materización estuvo el Ummagma, Alexander Kretov. Exquisito, bello, sutil, delicado, apacible, brillante, luminoso, etéreo trabajo.

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TRÓPICO DE CÁNCER | La Sentencia Label: Trópico de Cáncer Self-released Fecha de Lanzamiento: 12 de Noviembre de 2017

[ Por Darío Martínez ]

Trópico de Cáncer el dúo formado por Fer Carpenter: Guitarra, Voz y drum machine y Carolina Gisele Forcinittii: Bajo; con la practicidad de trabajar en la casa de Temperley donde vive la pareja hace un tiempo, este año afianzados además como dúo musical nos entregaron dos EP. Primero fue “Pecado de Amor” disco el que se comentó en el número anterior de la Revista (Número 41) y ahora nos llega “La Sentencia” el que ha sido acompañado por un video de “Nuestro Puente” tema que da inicio a su primer EP. Tanto la música y las letras como el video nos remite a imágenes fuertes y crudas como el nombres de los temas 1 - La sentencia 2- Las Culpas 3 - En las frías paredes, al estilo de Leonard Cohen y Nick Cave cruzados por el rock de Garage y el Punk pasado por mucha mucha reveb pero nunca de más, son minimalistas, la guitarra filosa, el bajo punzante, directos, sinceros, con un

pie en Temperley y otro en Twin Peaks. Ya pueden escuchar los EPs en https://tropicodecancer.bandcamp.com/ album/la-sentencia.

TOMBSTONES IN THEIR EYES | Shutting Down / Take Me Home Label: Send Me Your Head Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Noviembre de 2017 [ Por Benjamín York ]

El quinteto de Los Ángeles formado por John Treanor, Josh Drew, Mike Mason, Stephen Striegel, James Cooper y Paul Roessler regresa luego de su EP "Fear" de agosto pasado y de haber pasado por la Revista en una jugosa entrevista (N°39). "Shutting Down" es una somnolienta y cadenciosa melodía lisérgica con mucho vuelo y mucha psicodelia calma e hipnótica. La voz de Treanor suena mántrica e iniciática, como un colorido fantasma que incita a levitar. Take Me Home las guitarras provocan ese efecto de radiación solar que se espeja en la melodía vocal, mientras que detrás hay un muro sonoro de guitarras, bajo

Nueva York y la banda intentaba recrear los demos. Ahora, con la inclusión de Stephen Striegel como ba-

y batería que sostiene con mucho noise controlado a las frecuencias altas de la canción. Grabado en Kitten Robot Studio de Los Ángeles por Paul Roessler. Como en sus anteriores trabajos la portada fue diseñada por Steve Gerdes. John ha comentado que "Estas canciones es un esfuerzo de colaboración entre la banda completa", "El viejo método era que John escribía las canciones, James mandaba los ritmos desde

terista full time, quería que la composición de canciones fuera más inclusiva. Esto salió mucho mejor de lo esperado: las canciones son realmente muy diferentes a las que hubiese obtenido yo solo. Fue increíble, en realidad, escuchar lo que se les ocurrió. Me quedé impresionado". De más está decir que a nosotros nos encantó el resultado.

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CHARLOTTE GAINSBOURG | Rest Label: Because Music Fecha de Lanzamiento: 17 de Noviembre de 2017

[ Por Darío Martínez ]

Charlotte Gainsbourg, hija de Serge Gainsbourg y de Jane Birkin, estrenó el pasado 17 de noviembre un gran álbum llamado “Rest” tal vez el mejor de los que tiene hasta el momento, producido por Sebastián. Suena incuestionablemente Francés y mientras lo escuchaba se me presentaban imágenes de Francia, Inglaterra, Italia, Alemania, Rusia... y si al agente 007 persiguiendo villanos por toda Europa en plena guerra fría pero el álbum no trata sobre la guerra fría y no fue hecho en Francia sino en Nueva York donde se mudó hace unos años tras el suicidio de su media hermana Kate Berry, hija de su madre Jane Birkin y del compositor John Barry con quien estaba muy unida y esta tragedia fue el disparador para el álbum donde por primera vez Charlotte se anima a cantar sus letras. El primer verso del tema que da nombre al disco “Rest” (el track 6) coescrito y producido por GuyManuel de Homem - Christo (Daft Punk) dice “Dame la mano, por favor. No dejes que me vuele. Quédate conmigo, por favor. No me dejes olvidarte” y si este fue el principal incentivo para la realización de este disco también escribe sobre las relaciones sentimentales como en el tema que da inicio al álbum Ring-A-Ring O' Roses y Deadly Valentine (track 4). También hay un homenaje a Sylvia Plath en el tema “Sylvia Says” (track 7) donde usa en el estribillo los dos versos que dan inicio a su poema Mad Girl's Love Song “Cierro los ojos y todo el mundo cae muerto. Sylvia dice. Levanto

los párpados y todo nace de nuevo. Sylvia dice. La única letra que ella no firma es “Songbird In A Cage” (Track 8) compuesta para ella por Paul McCartney. El disco en general mantiene un tono muy sensual, algo que parece ser que viene implícito en ella, es nostálgico, introspectivo en las letras y la voz pero en lo musical hay iguales dosis de orquesta, electrónica y funk en donde hecha a bailar su tristeza. Durante la grabación se realizó un mini-documental llamado “Charlotte by Charlotte” que se estrenó el 2 de diciembre en Apple Music dirigido por ella misma quien además dirigió los 3 videos que sirvieron de adelanto al lanzamiento del álbum y que se pueden ver en su canal de you tube.

MORRISSEY | Low In High School Label: Étienne ‎/ BMG Fecha de Lanzamiento: 17 de Noviembre de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

Desde que Moz “abrió sus piernas” en su tema del 2006 “Dear God Please Help Me”, parecería sentirse (¡me atrevo a decirlo!) menos miserable. La pesadilla ahora es el mundo externo, no el interior; el sistema, no los individuos. Ya lo dice en el tema que abre el disco: “la sociedad es un infierno, me necesitás tanto como yo te necesito a vos.” Y es verdad que necesitamos a Morrissey. En una época donde el discurso tanto mainstream como alternativo está cada uno enfrascado en sus propios círculos viciosos, Morrissey sigue siendo la estrella de Rock a la antigua que verdaderamente sorprende y ofrece una genuina tercera perspectiva. Ninguna otra celebridad de hoy día podría hacer un tema llamado “Israel” y decir algo fresco al respecto. Musicalmente, el disco se beneficia enormemente gracias a la incorporación del multi instrumentalista Gustavo Manzur, quien ha expandido beneficiosamente la paleta de sonidos de los dos últimos discos de Morrissey. Sus cuatro composiciones en el álbum son probablemente sus momentos más álgidos: dos notables temas a piano, el brillante single de cabecera “Spent the Day in Bed,” donde Moz pa-

rece adaptar a Ivan Illich al formato de canción Pop, y el espectacular tango insólitamente titulado “The Girl from Tel-Aviv Who Wouldn’t Kneel”. El álbum, en definitiva, es político, pero Morrissey sabe poner cada cosa en su lugar. En el décimo tema declara que todo lo que sabe lo “desierta” cuando su amante abre sus piernas, y en el noveno, en medio de palmas y coros, afirma acertadamente que “los presidentes van y vienen pero toda la gente joven debe enamorarse.” Por mi parte, es un desafío que estoy dispuesto a tomar.

SLOW MEADOWS | Costero Label: Hammock Music Fecha de Lanzamiento: 17 de Noviembre de 2017 [ Por Diego Centurión ]

Slow Meadows es un proyecto de Matt Kidd quien lo inició junto a Marc Byrd de Hammock. Casi de casualidad ambos se vieron teniendo largas charlas sobre variados temas y empezaron a sentarse a producir ambientes sonoros. Ahora acaba de lanzar el segundo álbum bajo el ala protectora de Hammock Music. “Costero” es una colección de diez hermosas piezas ambientales, en donde las imágenes luminosas son recurrentes si uno llega a entrar en el clima del álbum. Hay ciertos brillos de ambientaciones épicas pero

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sin demasiados sobresaltos, todo es muy cálido y nos lleva de viaje por llanuras sin interrupciones visuales y sonoras. Todo es un bálsamo auditivo para los que vivimos en grandes ciudades, en donde todo es velocidad y locura. La pausa justa y necesaria es sentarse a disfrutar casi sin luz a Costero, y dejarse llenar con la profundidad de los pianos y los teclados que sirven de base propicia para que los violines de Maxine Kuo y Joanna Becker, la viola de Yvonne Smith y el che-

llo de Aimee Norris, hagan sus bellos fraseos y acompañen y se bañen de la dulzura casi hipnótica del entramado de teclas (de piano y teclados) creados por Matt. Sumamos a los invitados Katie Farrell en chelo en "Palo Volador" y Jay Snider en la sutil percusión en "Cielo Rojo". La versión del bandcamp del álbum trae como bonus track una versión en vivo de “The Tragedy of the Commons” que la banda lo había lanzado como single en agosto de este año.

THE TELESCOPES | Stone Tape Label:Avalanche Recordings Fecha de Lanzamiento: 17 de Noviembre de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Si existe un grupo que sepa manejarse con soltura entre riffs monolíticos y ritmos industrialmente hipnóticos no les quepa duda que se trata de los británicos Godflesh. El padre de esta bestia es además uno de los músicos más versátiles que se recuerde; basta escuchar a los ambientales y emotivos Jesu (su otro proyecto) para entenderlo todo. Pero, ¿qué decir de la banda que anticipó un sonido y que vio como el mismo fenecía tiempo después? Con todo, Godflesh siguen aquí; y en tremendísima forma. Ya lo demostraron hace tres años con el contundente A World Lit Only by Fire. Así las cosas, con Post Self no sólo no decepcionan, sino que superan a su predecesor. Cansados de la auto indulgencia compositiva, Justin Broadrick y G. C. Green decidieron encarnar una gran cantidad de sonidos diferentes, particularmente post-punk y electrónica de potencia, explorando “temas de ansiedad, depresión, miedo, mortalidad y relaciones paterno / maternas”. Esto no debería ser algo que debería venir como una sorpresa descomunal para cualquiera que alguna vez haya agotado y hasta fatigado escuchando algo con el nombre de Godflesh en él. Lo que podría ser un poco más de un giro en lo ordinario es el tono y la táctica que toma el mate-

rial. Las diez pistas que se ofrecen abarcan todo el ancho y el aliento de la obra, sonando rítmicamente calculadora y taladradora ruidosa como obras tempranas, por un lado, y más matizadas por el otro, con episodios de amorfa belleza entretejidos en varias secciones. Son estas canciones menos convencionales las que tienen el mayor impacto. Aunque bastante decente, las tres pistas iniciales se miran de reojo, sonando demasiado como la salida de mitad de período de la banda. La sección media de las canciones es diferente, más fresca. El dúo, al mirar más atrás en el tiempo, parece haber cambiado su perspectiva musical, redefiniendo sus influencias de maneras absorbentes y hábiles. Esto inicia con la escucha de la amargura

de tambores que suenan como fragmentos metálicos y progresiones de guitarra congeladas inaugurándose con el tema de apertura “Post Self” se aferra al latido repetitivo del bajo, ahogando los fragmentos del típico ruido de metal industrial del grupo en su oleaje apocalíptico. G.C. Green, proporciona aún más poder a la columna vertebral carnosa de Godflesh; viajando más profundo en el abismo electrónico. “Parasite” presenta un pulso de ritmo más rápido. Más prominentes chirridos de guitarra, una presencia de batería programada más pesada y los renombrados gruñidos de Broadrick alzándose en primer plano, decorados con fragmentos de disonancia de guitarra atonal, contienen esos latidos palpitantes reconocibles al instante. “No Body”, la tercera pista, es esencialmente un poco más de lo mismo, sin embargo, cuando el bajo irrumpe, sofoca la mezcla, acompañado de pulsos crujientes y tambores de martillo neumático a las progresiones de guitarra congeladas. Se produce una mayor variedad a medida que el álbum avanza. Menos severo, pero igual de ominoso, “Mirror of Finite Light” combina las lamentaciones vocales más suaves de Broadrick con ecos, clichés rítmicos y zumbidos. Las guitarras son una textura distante, tan distantes que eventualmente desaparecen cuando la canción llega a su punto estéril, sombrío, distópico y parece que tiene el poder de calmar a los bebés que lloran y desestabilizar los nervios como en las películas europeas experimentales. El futuro es ya pasado, y la maquina continúa destruyendo y construyendo, deconstruyendo y reinventado la galaxia a su antojo. La agonía espetada desde “Be God” es embriagadora, adictiva y tenaz. “The Cyclic End”, como uno podría adivinar,

cíclico y repetitivo. El sonido aquí es aún más escaso que antes, los tonos graves más simples, los bufidos secos, muertos que llega desestabilizar y profundizar la sensación de desesperación que tiene la canción, además de agregar una capa extra de riqueza a la mezcla. En “Pre Self” la plácida espiral nos devuelve a aquellos excitantes y renovadores finales de los 80’s. Se cierra un ciclo de verdad musical y no podemos evitar sentirnos felices de nuevo. “Mortality Sorrow”, una pista que combina sonidos de sintetizador de alta frecuencia con un tono de bajo de tinte subterráneo, es como un guiño al Killing Joke de la primera época, pero combinado con elementos de ciencia ficción y ampliado para parecer un suicida en la era espacial. “In Your Shadow”, es un profundo acelerador de bajos, ritmos hip-hop límite y el humor hipnótico que se crea en su lugar. Cerrar con “The Infinte End” es, precisamente, un final apropiado. Repetitiva, empapada de reverberación, la apertura del tema es un espasmo melancólico de golpes de tambores programados, de guitarras disonantes y fuelles doloridos. Sin embargo, el último minuto es visitado por la calidez ambiental que eleva la canción a los reinos angelicales. Post Self es una escucha deprimente e incómoda que tiene éxito cuando los elementos atmosféricos y electrónicos se colocan en primer plano. Como gran admirador del proyecto de estos caballeros ingleses, es interesante escuchar la influencia de estos proyectos fusionados con la dureza de la electrónica de potencia y la repetitividad del metal industrial y post-punk. Esta producción es un muy buen registro, de lo mejor que se han despachado desde los tiempos de Songs Of Love And Hate.

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THE TELESCOPES | Stone Tape Label:YARD PRESS Fecha de Lanzamiento: 20 de Noviembre de 2017 [ Por Benjamín York ]

Hay veces en que hay discos que pueden pasar inadvertidos y no está bien que pase eso. Una de las bandas más extrañas y geniales como The Telescopes está de vuelta con un nuevo álbum llamado Stone Tape. La banda de Stephen Lawrie nos deslumbra con este trabajo editado el 20 de noviembre pasado por el sello YARD PRESS. Después de "As Light Return" de julio de este año, por el cual hemos entrevistado a Lawrie, regresan con este álbum de seis canciones, en donde por más de una hora, nos sumergen en un mundo hipnótico, oscuro y sombrío, con altas dosis de experimentación sonora. En donde las capas de guitarras se empiezan a sumar de tal manera que vamos cayendo en su espiral mántrico, sintiéndonos parte de algún ritual a la luz de luces difusas, y nos vamos nosotros sintiendo difusos.

Un viaje a través de mixturas fantásticas y de sonoridades que rozan el ambient y una oscura psicodelia, por momentos podemos meditar, pero también nos puede sacar de este mundo y hacernos volar por mundo lánguidos y difusos. Un excelente trabajo, esperemos que no quede en el olvido...

LOLA LINARES | Hago todo tranquila Vol.1 Label: https://lolalinares.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 20 de Noviembre de 2017 [ Por Darío Martínez ]

Lola Linares lanzó el 20 de Noviembre “Hago todo tranquila Vol.1” un Ep de 5 canciones de las cuales tres se encuentran en su trabajo anterior que es también su primer álbum “Vengo de Marte” (2014). Lola tiene formación electroacústica y el piano es el instrumento que eligió para acompañarse en las canciones desde hace bastante tiempo pero este Ep lo grabó con un pequeño casio de los 80 que comenzó a utilizar a partir de la invitación para ir a tocar a Chile y en su palabras “no daba para llevar el piano”, así que adaptó los temas a ese pequeño sintetizador y se fue transformando para ella en una forma nueva de hacer música y esta forma ameritó volver a grabar los temas que son el La vie en rose, Futuro Anterior y Corazón, que le aportan una sonoridad distinta, lima los bordes y le quita la solemnidad que si se quiere le puede imprimir el piano. Otra característica de este Ep es que los dos primeros temas son covers y composiciones de un temprano siglo XX. Ya mencioné el tema dos “La vie en rose” del símbolo de la canción Francesa Édith Piaf, de este hizo una adaptación que ya tiene profundamente incorporada, lo canta en francés salvo dos estrofas que las hace en español donde le deja impresa toda su impronta Cuando me toma en sus brazos me habla al oído y muero del amor /Il me dit des mots d'amour / Des mots de tous les jours / Et ça me fait quelque chose / Es para mí soy para él, el me lo dijo es por siempre. El otro cover es el primer tema del Ep. Nature Boy del músico de jazz Norte Americano Nat King Cole, el tema refleja su gusto para la canción de

esos tiempos que se le nota cuando toca el piano tanto rítmica como melódicamente que también me recuerda a Charly García en general y al de Pubis Angelical en particular, la letra de Nature Boy también le queda muy bien y está en sintonía con su universo mágico y de referencias a la infancia., lo hace en ingles pero prefiero dejarles la traducción “ Había un niño / un chico encantado muy extraño / dicen que vagó muy lejos / muy lejos / sobre tierra y mar / un poco tímido y triste de ojos / pero muy sabio era él. El único estreno es el tema 5 que también tiene la responsabilidad de darle nombre al Ep. “Hago todo tranquila” con un comienzo firme y fiel a su estilo mágico y tranquilo donde dice vivir en una rama / cerca de las nubes y donde hace por supuesto Todo tranquila pero al final cambia y se convierte en un reclamo en tono de Blues. Desde su título nos dice que es el primero, así que nosotros desde aquí esperar tranquilos un Volumen 2.

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Noel Gallagher's High Flying Birds | Who Built the Moon? Label: Sour Mash / Universal Fecha de Lanzamiento: 24 de Noviembre de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

En el single de cabecera “Holy Mountain”, en medio de psicodelia glam Bowiera y falsetes Brian Wilsonísticos, Noel Gallagher, anacronismo viviente, afirma que su chica ideal es mejor que las de la literatura, “huele a 1969” y “cayó en su hechizo”. En un principio puede que no sea tan fácil caer en el hechizo de Who Built the Moon; es ciertamente un disco que desafía las expectativas. La presencia de Johnny Marr en guitarra y armónica en el épico duelo de amor Western “If Love Is the Law” no es sólo bienvenida sino que simbólica: este álbum parece ser una exploración de la Inglaterra de los 90s que casi coexistió con Oasis pero bien podría haber pertenecido a un universo paralelo: Madchester, Screamadelica, Electronic, New Order de la época de Technique y Republic. Pero una vez que uno finalmente sucumbe al hechizo, lo hace de lleno. No sería desacertado predecir que siempre que suene este disco el verano parecerá estar más cerca, el mundo un poco más maravilloso, la posibilidad de que

alguien te enseñe a volar más cercana. A pesar que el detour sonoro es en última instancia exitoso, el punto álgido del set quizás sea justamente su momento más esencialmente Noelístico: la bella balada acústica “Dead in the Water”, que goza del mejor momento lírico del álbum (“cuando tenga unos manguitos te voy a llevar de cita”). Recomendado ampliamente salvo para el cínico incurable.

THE 69 EYES | Christmas in The New York City Label: Nuclear Blast Records Fecha de Lanzamiento: 24 de Noviembre de 2017 [ Por Benjamín York ]

Hacía tiempo que no sabía nada de la vampírica banda de Helsinki, The 69 Eyes y me he vuelto a encontrar con ellos con este single navideño. Es imposible no despegarse de la imagen (o en este caso la sonoridad de la voz) entre Pete Steele (Type 0 Negative) y Jyrki 69. Pero más allá de las absurdas comparaciones siempre siento que los 69 son una banda que me divierte. Desde el sonido de los cascabeles ya le suman una impronta descontracturada y relajada. El track es una típica canción 69 Eyes, guitarras muy cui-

dadas con riffes pegadizos, una potente instrumentación que roza el hard rock y una voz oscura y melodiosa. La portada navideña nos trae a la banda con gorros navideños y barbas a lo Papá Noel (todo muy siniestro por cierto) y un Jyrki como Santa Claus. Pueden ver el video también lanzado el mismo día. "Esto es lo último que aún no hemos hecho, ¡así que es hora de lanzar una canción de Navidad!" dijo Jyrki 69. "Este

es también nuestro tributo a los RAMONES y Nueva York, que han sido nuestras principales influencias”. "Este es nuestro 'gracias por un gran año' para nuestros fanáticos. ¡El próximo álbum de 69 EYES estará en camino pronto!" Después de la promesa de un nuevo álbum regresan para esta navidad, para hacértela más oscura.

LOS DARWIN | 168 Label: https://losdarwin.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 28 de Noviembre de 2017 [ Por Darío Martínez ]

Los Darwin tienen älbum y se llama “168” el que está formado por 12 canciones que se pasean por el rock alternativo y el indie, siempre con actitud post punk pero en esto de las comparaciones lo primero que se me viene a la mente es el disco de los Pixies Surfer Rosa. Seis de estos temas, todos firmados por Los Darwin, conforman su primer Ep, homónimo del 2016 y fueron grabadas nuevamente con producción de ellos y Santiago De Simone quien se encargó de la mezcla. El arte de tapa es de Héctor Barreiro y Martin Chlerici, este último también se ocupa de la guitarra y hace voces. Una banda con un fuerte sentido de pertenencia a la ciudad que dejan plasmado desde el nombre del disco ya que el 168 representa a la línea de colectivo que recorre de punta a punta la ciudad de Buenos Aires y de la cual José L. Peralta el baterista de la banda trabaja como chofer, por supuesto también vemos ese sentimiento en el nombre de las canciones “Once”, “Av Jujuy” y una de mis preferidas “Orgullo catastral” donde se plantan y hacen una defensa a ultranza de su barrio. Las letras nos hablan con crudeza, sin vueltas de lucha, de entrega con tristeza y en este sentido el punto más alto es el tema “Místicos”(track 7) - El sentimiento que nos falta te lo puedo mostrar, / te lo quiero mostrar yo. / Las cicatrices del alma te las puedo mostrar, / te las quiero mostrar yo. / Es de místicos lamer dolor, cicatrices de dolor. Es de místicos lamer dolor, cicatrices de dolor. El amor aparece en temas como “Amor Peatón” (track 11) y en el tema que tiene la responsabilidad de abrir el disco y muy bien que lo hace “Fotografía” -

Me invitó, la invite / sin plan de evacuaciones a la tragedia de la vida. Un gran disco para tener siempre a mano porque es una excelente compañía y seguro que levanta pero para terminar comparto la letra de “Algo Nuevo” (track 10) porque tiene la actitud que puede llevar a una banda a hacer un álbum como este. - Dijo, ya vengo, estoy peleando. / Ahora es distinto, pelea conmigo. / Vamos hacer algo nuevo, / vamos hacer algo que nunca hicimos. / Estamos tan contagiosos, /somos nuevos todos los días, /vamos hacer algo nuevo, /vamos hacer algo que nunca hicimos. Darwin son: Adriana Gomez, voz y teclado en tema 6. Nino Gelpi, guitarra y coros, Leando Andres, teclados, guitarra, y coros. Jose Luis Peralta, batería. Enrique Szlendak, bajo, voz y coros. Martin Chlerici, Guitarra, voz y coros. Aparecen como invitados Cé Genaro voces en Amor Peatón. Yuli Bonello voces en Tepotesh. Coros, Tonga, Malena Cannavo, Guillermo Masse, Santiago de Simone en Tepotesh.

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GLASSJAW | Material Control Label: Century Media Fecha de Lanzamiento: 01 de Diciembre de 2017 [ Por Pablo Ravale ]

Glassjaw: otra vieja perla del metal alternativo de principios del 2000. Un grupo de corta producción –apenas dos discos (Everything You Ever Wanted To Know About Silence de 2000 y Worship And Tribute de 2002) y dos EP’s (Our Color Green de 2010 y Coloring Book de 2011)–, pero que supieron llamar la atención del mítico productor Ross Robinson (quien ya había trabajado con Korn, Sepultura, Limp Bizquit, Soulfly, Amen, Machine Head, Slipknot, At The Drive-In, The Cure y Dead Cross) y de un gran número de seguidores, convirtiéndose en una banda de culto tras su separación. Así las cosas, Glassjaw vuelven tras su primer intento fallido de regreso y lo hacen cumpliendo con creces. Su estilo sigue siendo el post-hardcore potentísimo de siempre, el cual se caracteriza por sus guitarras afiladísimas, su base rítimica frenética y un Daryl Palumbo que es la cereza del postre y que hace con su voz (la cual muchos comparan con la de Chino Moreno o la de Mike Patton) que el sonido Glassjaw sea inconfundible. Centrándonos en Material Control, su nuevo y esperado nuevo trabajo, puede decirse que es un disco donde parece que Palumbo y los suyos han querido grabar un álbum sin pensar en nadie más que en ellos mismos, o en su versión más feroz pero a la vez más madura. Si bien desde el inicio, con esa dupla rompedora que son “New White Extremity” y “Shira”, la fuerza de antaño está ahí a la orden del día, atmósferas oscuras sobrevuelan estas doce canciones, y en varios momentos te van a llevar a que te preguntes qué está pasando, como si abriesen la puerta al climax para luego decir “Chupala, hacemos lo que nos canta”. Un ejemplo de esto es “Strange Hours” (con ese aire dub), o los interludios instrumentales “Bastille Day” y “Material Control”.

Con respecto a todo lo demás, se siente como un disco único e irrepetible de Glassjaw, sin quedarse bajo la segura sombra de su legado. Impresionantes “Golgotha” –donde guitarras y bajo (ambos instrumentos ejecutados por la otra pieza clave de la banda: Justin Beck) se conjugan de forma apabullante con la batería (cortesía de Billy Rymer de The Dillinger Escape Plan), sonando como un puñetazo en la cara–, “Pompeii” –rozando casi el Trash– o “Bibleland 6” –épica, lenturra, monolítica–. Pero no nos equivoquemos, el verdadero valor de este álbum no está en la agresividad sino en los contrastes, en esa belleza escondida, en las armonías de voces de temas como “My Conscience Weighs A Ton” Como unidad, Material Control sólo se comprende tras varias escuchas, donde paso a paso descubrirás que el fuego interno y la rabia le vuelven a dar sentido a un disco como tal, y no una colección de singles. Canciones como “Closer” o “Cut And Run” le devuelven el cetro de maestros en la composición de himnos que remueven todo lo que tienes dentro, y te hacen sentir incómodo. Al final del día este álbum vuelve a demostrar lo mismo sobre Glassjaw de siempre: que aunque los odies por ser tan erráticos con su carrera musical, la calidad compensa el tiempo de espera.

U2 | Songs of Experience Label: Island Records Fecha de Lanzamiento: 01 de Diciembre de 2017 [ Por Gabo Rojo ]

Canciones de experiencia. A veces miramos hacia atrás y nos preguntamos, “¿valió la pena?”, o peor aún, miramos hacia adelante y dudamos si lo hará. A veces nos “despertamos a las cuatro de la mañana” y “toda nuestra inocencia ha muerto”. Y entonces consideramos a U2. No es fácil que luego de 40 años de carrera en el Rock tu nuevo disco no sea sólo bueno sino también relevante. No es fácil enunciar “el amor es lo único que nos queda” y que suene más como una conclusión inevitable que un cliché. En este disco metieron mano 9 productores y, como no podía ser de otra forma, el sonido francamente no es espectacular. Pero como dice Bono en la pieza central del disco, “son las cosas pequeñas las que te delatan.” Y el álbum está justamente repleto de cosas pequeñas que lo hacen funcionar. Las palabras de “Landlady”, una de las mejores y más sutiles canciones de amor de los últimos tiempos. La complejidad de las relaciones humanas plasmada en canciones aparentemente sim-

ples como “You Are The Best Thing About Me.” El verso que canta The Edge en ese tema. El neologismo “RefuJesus”. Las guitarras en “Summer Of Love.” Nos damos cuenta de que, en última instancia, la producción es irrelevante: este es un disco de canciones. Verdaderas canciones de experiencia donde el viviente, lejos de estar hastiado, sigue creyendo. Este es un disco para que los viejos se sientan un poco más jóvenes y los jóvenes sientan que pueden envejecer sin miedo.

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THE HOUSE OF USHER | Victory of Love Label: https://thehouseofusher1.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 02 de Diciembre de 2017 [ Por Benjamín York ]

Regresó de la banda emblemática de la segunda ola del gothic rock europeo de principios de los 90's, adelanto de su nuevo y décimo álbum de estudio “Roaring Silence”. Este single es el segundo que lanzan este año, anteriormente nos habían presentado “Inmaginarium” y será la espera para la continuación de su último álbum “Inauguration” (2015). Este nuevo single, trae dos hermosos tracks que no se encuentran en el nuevo álbum y fueron escritos poco después de la Navidad de 2015. El que le da nombre al single y Black Snow. Para empezar por el que titula el single es una canción escrita por el guitarrista Markus Pick,

y fantasmal, la guitarra con ebow suena tan dulce y a

del cual sólo se utilizó las pistas originales de guitarra y fue terminada después de la grabación del nuevo álbum. El manejo de los delays de los guitarristas (Markus y Georg Berger) deja entrever el fino sustento de los dioses en su sonoridad, que hace que suene celestial, aunque luego se cargue de oscuridad, el tratamiento de la sonoridad es bastante crepuscular. La voz de Jörg Kleudgen siempre impecable y el tiempo ha hecho madurar esa tonalidad sombría. En Black Snow los delays vuelven a crear ese aire entre etéreo

la vez le da una ambientación que hace que el track se eleve. Basado en un poema del escritor alemán Uwe Voehl, que habla de la comercialización y la pérdida del verdadero sentido de la Navidad. La voz es tan calmada y apacible que nos hace sentirnos parte de un sueño invernal. El single anticipo del nuevo álbum de The House of Usher es muy prometedor y hace que las ganas de escuchar un nuevo álbum empiece a crecer a gran velocidad... mientras tanto... voy a escuchar su discografía...

REFLECTION | Lumen (EP) Label: https://reflectionzonear.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 05 de Diciembre de 2017 [ Por Diego Centurión ]

El synthpop argentino está en un momento de florecimiento desde ya hace unos pocos años, la calidad de las publicaciones está a la altura del synthpop internacional y al estar en nuestro idioma le agrega un plus. El caso del dúo Reflection (Franco Colombo y Franco Doglioli) es un claro ejemplo de superación y de no quedarse en los laureles del gran Theorema, su último álbum. Nuevo trabajo, dos nuevas canciones y dos remixes. Adelanto de su próximo álbum “Umbra”. Para aquellos que los disfrutamos en vivo, las dos nuevas canciones que ya se convirtieron en clásicos de sus shows, al menos de este año. Según lo conver-

y ese “no encontrarse así mismo” de nuevo. El ritmo es eléctrico y las secuencias se vuelven densas y oscu-

sado con Doglioli, “Lumen” (Luz) es una contracara de “Umbra” (Sombra), en el idioma latín, pero también el próximo álbum es un reflejo de la vida sentimental de ambos Francos (Doglioli y Colombo), por lo que anticipa un próximo disco más oscuro y más Synthpop. Pero empezando a desmenuzar la presente edición, "Los viernes siempre llueve" abre este EP con una base densa que se aclara con el ingreso de las teclas, obviamente es una canción para bailar y bailar (acompañado). Más allá del synthpop impecable y elegante se nota un oscurecimiento y un endurecimiento en su sonido con su anterior trabajo, la fuerza sonora de la instrumentación creada por Colombo crea un manto impecable y dócil para que la voz del otro Franco (Doglioli) despliegue su lírica de manera precisa y armoniosa. En una conversación con el letrista y vocalista nos contó que la canción nació un día viernes a raíz de una frase que una compañera de trabajo de él le dijo entrando a la oficina (Lule Barker), mientras Doglioli miraba por la ventana de su oficina… “Franco, los viernes siempre llueve y vos siempre mirando por la ventana”. "Take it All" es otro de los nuevos clásicos de sus conciertos, (recomiendo ver el vídeo en vivo en el Ciclo Entrepisos con las magníficas imágenes de Dan Chelger, en el que esta revista ha participado este 2017). La primera canción que aparece en inglés, tal vez pensando abrir fronteras, como alguna vez me han contado. La letra habla de una ruptura amorosa y el vació que una ruptura puede crear, dejando espacios vacíos

ras, el toque de Colombo nos va llevando sin darnos cuenta a un tormentoso y tormentoso baile frenético, mientras la voz de Doglioli se vuelve casi chamánica y juntos nos van marcando el paso para llegar al fin de la primera parte de este EP. En este nuevo trabajo nos encontramos con unos Reflection involucrados estéticamente con la cultura precolombina, desde la portada podemos ver la chacana inca y las cuentas de huayruro de los ashaninkas (aborígenes de la selva peruana) que se utilizan para ayuntar malos espíritus. Pero también nos contaron sobre un giño al oscurantismo europeo, una síntesis de lo Europeo y una cosmogonía de las culturas originarias latinoamericanas. La segunda parte del EP son dos remixes, dos excelentes remixes de Mr. Kitty, quien se encarga de darle una nueva forma a cada uno de las canciones anteriores, de manera excelente y sin caer en la obviedad de sólo ponerle un ritmo distinto… Mr. Kitty se encargó de jugar con las voces, los tonos de las melodías de las voces, con las secuencias. Se puso a jugar de manera magnífica con todos los audios de las dos canciones y el resultado es tan distinto a las versiones originales que parecen dos canciones más. Aquel que le guste el synthpop no puede dejar de escuchar y sorprenderse con este nuevo trabajo de Reflection, un EP que nos abre una nueva perspectiva de la banda, más oscura, más profunda, más atractiva. Lumen es un aire fresco en la discografía del synthpop argentino y, es más, latinoamericano. Un paso adelante en el sonido de Reflection.

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DERECHO DE PISO

PARTIDO DE LA COSTA EL BEA(T)CH BAILABLE

165 [ Por Benjamín York ]

Partido de la Costa puede sonar a vacaciones y está muy bien que así sea, porque el proyecto que lleva adelante Baby Dior, que también es guitarrista de Hiroshima Dandys, es un viaje veraniego a los sonidos ochenteros como el tecno dance, el house o el electro pop. Baby logra que nos transportemos a colores fluos, o playas que (a los argentinos) nos llevan a recordar a personajes de la farándula Nacional de los años 80's. Y ver a Partido de la Costa en vivo es una experiencia divertida, bailable y que seguro nos sacará una sonrisa de aprobación. Más allá de su música, a Baby se lo nota transparente y dispuesto a no ocultar sus gustos musicales, como podemos escuchar en si primer EP, #1, lanzado el día que comenzó el verano en el hemisferio sur. Y si escuchamos el EP, abre con la frase SPD Recordar, sólo le pido a Dios, el sello que lo edita. Estamos en verano... ideal para ponerse una reposera como la de la portada de su primer EP, ponerse los auriculares y dejarse llevar por la música veraniega. Los links de Partido de la Costa: https://sololepidoadior.bandcamp.com/album/spd-28-partido-de-la-costa-ep-1 https://open.spotify.com/album/1XuxS4SCiBfOX3vqt1DeZ2 https://www.facebook.com/PartidoDeLaCostaOK https://soundcloud.com/partidodelacost https://www.instagram.com/neoperreame/

SOBRE LA PORTADA ANIMALES DE PODER

ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”.

Esta Obra pertenece al Período Circular.

Redes Sociales del artista: Año: 2011 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 60 cms de diámetro.

http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

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