Revista The 13 th N° 43 by Revista The 13th

The13th AÑO: 4 | NÚMERO 43

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO REALIZACIÓN Y DISEÑO Diego Centurión sobre un diseño de

[ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Julieta Curdi.

Alex Bretto

Nicolás Ponisio

Benjamín York

José Luis Lemos

TRADUCCIÓN

Darío Martinez

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión

Bernardo Jimenez Mesa

Gabo Rojo

[ Departamento de Literatura ]

Max Wilda

Pablo Ravale

Pablo Müllner

Franco Doglioli

Jefe de Departamento de Cine:

Rodrigo Debernardis

Jimena Patiño.

Ricardo Padilla (Oriani_K)

[ Departamento de Artes Visuales ]

Jefe de Departamento de Literatura:

Marina Cimerilli

Diego Centurión y ARMS.

Pablo Ravale.

Jairo Mansur

Jefe de Departamento de Música:

[ Fotografía ]

Diego Centurión

Nazarena Talice

Jefe de Departamento de Colombia:

[ Departamento de Colombia ]

Lily Moonster

César León

Alejandro Cenizacromada

Marina Cimerilli.

Bernardo Jiménez Mesa César León Jennifer Isania Fonseca Sánchez COLABORAN EN ESTE NÚMERO Pepe Navarro. RMike Pougonas, Luis Marte, Richie Thomas, Mike Bee, Emiliano Montenegro, Mark Gemini Thwaite, Dany Punx, Lee Stevens, Zenitram, Benjamín Holton, Billy TeQuiero, Alfredo Bonillo, Carlo van Putten, Fidel Araujo, Néstor Fernández, Rubén Torres. CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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EDITORIAL

Marzo 2018 Este 2018 arrancó con aires de renovación. En este número cargado de sensaciones y emociones, seguimos empeñados en ir mutando para encontrar nuevas formas de expresión denuestras ideas decómo hacer una revista completa. En un año en donde cumpliremoslos primeros cinco años de exstencia seguimos buceado en los océanos de Internet y encontrando bandas nuevas, removiendo nuestros recuerdos y seguimos acercándonos a los músicos que admiramos, hemos escuchado a muchas bandas nuevas y les hemos dado un espacio. Traemos un gan número para este marzo. A todos los que se animan a apoyar y creer en esta publicación les decimos ¡Gracias!

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE MARK EDWARD SMITH por José Navarro..............................................................................................................................................................06 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? Melting Snow Spandau Ballet – Journeys to Glory (1981) por Maxx Wild.....................................................................10 ES MI REGALO PARA ELLA Entrevista a Ricardo Gómez de Maff por Diego Centurión................................................................................................14 LA ESTRELLA OCULTA Entrevista a Andy Wickett por Diego Centurión................................................................................................................20 CUANDO LAS PIEZAS SE AJUSTAN, LA MAGIA EMERGE Entrevista a James Poulos y Mark Reback de Vast Asteroid por Benjamín York................................................................26 MASSONICO REPRESENTA LO QUE QUEREMOS SER Y HACER Entrevista a Mauricio Valenzuela de Massonico por Benjamín York..................................................................................34 (UNA CHARLA CON) EL ARQUITECTO DE SU PROPIO SOLITARIO UNIVERSO Entrevista a Eraldo Bernocchi por Pablo Müllner...............................................................................................................38 ROSARIO Y JULIAN NOS TRAEN LAS MÁS HERMOSAS FLORES DEL FUTURO Entrevista a Rosario Blésfari y Julián Perla de Los Mundos Posibles por Pablo Müllner....................................................48 SANTA SANGRE ES NUESTRO MEJOR ÁLBUM Entrevista a Japan Suicide por Benjamín York...................................................................................................................52 CULTIVANDO FLORES NEGRAS PARA LOS OÍDOS Entrevista a Ayermaniana por Pablo Müllner.....................................................................................................................56 EL RECOMENDADO THE DHARMA JERKS - Es una coincidencia afortunada por Diego Centurión .................................................................. 64 DESCUBRIENDO LA MAGIA Entrevista a Carlo Van Putten de Dead Guitars por Diego Centurión...............................................................................68 MUSIC CORNER AVE FENIX - "Duran Duran - The Wedding Álbum" por Alex Bretto. .............................................................................76 LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 12: LA LLAMA ETERNA por Gabo Rojo. .......................................................................................................80 Entrevista a Rudy Tambala NETLABELS - El Futuro al(A.R.Kane) alcance depor un Diego Click Centurión.............................................................................................98 NEBULAR SILENCE por Diego Centurión ......................................................................................................................... 84 LA MIRADA DE LOS OTROS THE FALL - THE FRENZ EXPERIMENT (1988) .................................................................................................................... 88 TROPICA OBSCURA LA GNOSIS SÓNICA DE SIXTH COMM por Alejandro Cenizacromada.. .......................................................................104 AMANROUGE. CABARET CARMÍN OSCURO Entrevista a Amanrouge por Cesar León.. ..............................................108 MATIK MATIK - DIEZ AÑOS por Bernardo jiménez Mesa.. ..............................................................................................114

SONIDOS QUE PERMANECEN IN SEARCH OF SPACES: LA RECONSTRUCCIÓN DE FLYING SAUCER ATTACK EN VIVO por Jairo Mansur.. ...............120 "DOS, FORMATOS Y EXPERIENCIAS DE COLABORACIÓN EN DÚOS”- PARTE 2 por Jairo Mansur.. ...........................124 PALABRAS EN LA ARENA LA MUERTE LE SIENTA BIEN: "Arcano Trece" de Pilar Pedraza por Pablo Ravale...................................................................................................... 132 FRANCO DOGLIOLI Bicho I - Bicho II........................................................................................................................................................... 136 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE EL CEREBRO REPTIL por Pablo Ravale...........................................................................................................................138 HIDDEN TRACK ............................................................................................................................................................142 RESCATE CINÉFILO LOVE STRANGE LOVE…............................................................................................................................................146

LARS AND THE REAL GIRL. LOVE DOLL por Jimena Patiño.....................................................................................148

CRASH (1996) WARM LEATHERETE por Jimena Patiño.............................................................................................150 HEATHERS TEEN PSICHO LOVE por Jimena Patiño .................................................................................................152 LES AMOURS IMAGINAIRES. LOVE IS IN THE AIR por Jimena Patiño ......................................................................154 SCRETARY-WILLTHE REAL MR. GREY PLEASE STAND UP? por Jimena Patiño .........................................................156

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................158 CANCIÓN + BANDA por Diego Centurión..................................................................................................................162 PURA MELOMANÍA CHILDE LEONARD TO THE SONG TOWER CAME. Leonard Cohen – I'm Your Man (1988) por Gabo Rojo...............166 CEDIENDO EL PASO A LA MADUREZ. Pearl Jam – Yield (1988) Por Alex Bretto .......................................................168 BAJO EL INFLUJO DE UNA ESTRELLA DE MAR. The Church – Starfish (1988) Por Benjamín York ...........................172 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................174 DERECHO DE PISO JON LINDSAY - EN LA SIMPLEZA ESTÁ LA BELLEZA por Benjamín York.....................................................................198 SOBRE LA PORTADA LABERINTO DRACONIANO por ARMS......................................................................................................................200

[ Por José Navarro. ]

Mark Edward Smith Mark Edward Smith 05/03/1957—24/01/2018

A veces los ángeles no están vestidos de blanco. Son seres comunes, dotados de una extraordinaria lucidez, destinados a dejar enseñanzas a quien se digne a acompañarlos en sus viajes personales, en los que generalmente, se cruza la ficción y la realidad, en una especie de ópera multimedia, por momentos dolorosa, y hasta tragicómica. Mark E. Smith, que se alejó sin despedirse de este plano hace unas horas, a los 60 años, fue un ángel en su propio medio, En su particular mezcla de cielo de color gris y su infierno multicolor. Bajo una dirección cuasi mesiánica, su vehículo musical llamado The Fall, nos deja un legado extremadamente rico y a la vez insondable.Voz de la real clase obrera que emergió directamente de las entrañas más profundas de Manchester, siguió una ruta trazada de antemano, a sabiendas que no sería fácil. 1976 fue el año cero.Y la sucesión de obras que Mark y su ejército nos dejaban año tras año, era su guiño a los calendarios musicales, que miraban para otro lado, por las obligaciones contractuales con las generaciones, con las modas. Palabras que no existían en el universo de Mark. “Si soy yo y tu abuela en bongós, aun así es The Fall” es su frase más conocida, y reafirma su posición ante un desfile interminable de músicos que recalaban en la banda por años, meses e inclusive hasta por horas. Nada debía alterar el rumbo de la nave. Las órdenes eran estrictas.Y así fue. Hasta el final. En un océano musical plagado de barcas que deambulan sin sentido con la radio prendida a todo volumen, navegó con un silencio asombroso, por más de 40 años, con la radio a un volumen bajo. Pero suficiente como para ser considerada una de las bandas de mayor influencia en las generaciones musicales posteriores, que aprendieron con urgencia y esfuerzo, siguiendo pistas dispersas por el universo musical, que el verdadero motor de las cosas, está en el corazón. Siempre estuvo en el corazón. Multitudes de discos, compilaciones, y demás, hace casi inabarcable la discografía de la banda, en una macabra broma que deja a los seguidores más acérrimos de la banda en suspenso, incapaces de poder completar el acertijo final. Ese que nos lleva a bares, caminos, escenarios. Poesía confesional, puntos de vista de una lucidez/iluminación total. La importancia de asumir la posición correcta. El total compromiso con la causa. Los valores que no se pierden en un medio corrupto y cínico, la famosa picadora de carne e ideas, supeditada siempre al dinero y los intereses creados. Quizás esas sean las claves que estábamos buscando todos estos años. Las piezas faltantes de ese acertijo que nos deja desnudos y asombrados, a mitad de camino entre el arte y la vida. Ese horrible y hermoso acertijo, que nos deja en el medio de la nada, incapaces de asumir que Mark… El Gran Mark E. Smith ha partido.

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

Melting Snow Spandau Ballet – Journeys to Glory (1981) Muchas veces poco tiene que ver las relaciones entre dos cosas que se tienen que mezclar, no necesariamente deben tener un hilo conductor, solo una idea inicial puede llevarlas a estar juntas en este plano universal. Una idea que puede ser tan poco pensada, tan visceral, que le otorgan una autenticidad única. Todo esto para decir que tenía ganas de escuchar Journeys to Glory (1981) de Spandau Ballet y tomarme un refrescante cocktail que contenga sake. Algún iluminado podrá decir que me inspiré en el video de estos bellos muchachos ingleses Highly Strung (1984), pero no… ¿o sí? Tal vez me conozcan más que yo mismo. La estrella líquida será un Melting Snow (½ de sake, ¼ de Grand Marnier o símil y ¼ de jugo de lima, agitar, servir sobre hielo… y dejar caer al fondo una cucharada de granadina, hermoso efecto visual) y la sonora este disco debut de los SB. La velada se abre con To Cut a Long Story Short, sintetizadores y batería new wave para acompañar la inconfundible voz de Tony Hadley, ultra moderno, ultra actual para toda esta vuelta retro que estamos viviendo, pero con una diferencia, ellos la vivían de primera mano. Bailable, digerible, casi uno de los himnos del new romantic. El segundo, Reformation, es de manual, up tempo, cíclico, bassline simple pero efectiva, si nos remontamos a la época, una novedad para las pistas de baile. Mandolin, ahora sí, va tomando forma, mas presencia de guitarras, coros y melodías de sintetizadores, digno exponente. El Melting Snow se me hizo corto, ¡a por otro! para encontrarme con el clásico Musclebound, a mi entender, el mejor del disco… complejo. Más post punk llega Age of Blows, épico, una rareza para este tipo de bandas tener un instrumental. Buscando la identidad de la banda y lo que la definirá por siempre, The Freeze trae esa sensación de canción bailable, algo que sería moneda común para las bandas de los próximos años. Todo cuaja con Confused, balance perfecto de lo antes mencionado. Para cerrar, uno cocktail más en mano, Toys, linda canción, al estilo de las que vendrán y recordamos de SB. Pocas veces un disco debut identifica a una banda en su evolución, este lo hace, también nos da una idea de lo que hizo del este estilo un emblema sonoro y estético, SB, tanto como Duran Duran, tenían una clara concepción de no separar la música de la estética… y eso es un símbolo de esa época. Rescato la calidad compositiva de Gary Kemp, multi instrumentista (todos los temas son de él), su hermano Martin en el bajo (dato de color, ambos aparecen en la película The Bodyguard), Seve Norman (aquí en guitarras, pero sería su saxofón que daría la pincelada final de estilo a la banda en los próximos discos), John Keeble en la batería y la maravillosa voz de Tony. Un disco para re descubrir, refrescar este caluroso febrero y bailar como en aquellos tiempos… ¡Salud!

[ Entrevista a Ricardo Gómez de Maff por Diego Centurión. Fotografías por Simon Gallardo. ]

ES MI REGALO PARA ELLA

17 Hace tiempo que no sabíamos nada de los chilenos de Maff y nos complace saber que están haciendo música nueva. Melaniña es el nuevo EP que acaban de lanzar y nos conectamos con Ricardo para conocer las novedades de la banda. Hola Ricardo, gracias por la oportunidad de esta entrevista. La verdad es que ha pasado mucho tiempo desde la entrevista anterior así que deseamos ponernos al día y saber sobre su presente y futuro. Hola Diego. Para empezar ¿qué ha pasado desde nuestra última entrevista, allá por octubre del 2015 (Número 22 de la revista) hasta finales del 2017? En estos últimos dos años principalmente tocando en vivo en varios lugares en Santiago y consolidando la formación en vivo que tenemos hoydía: entro Valentina Cárdenas al bajo, se fue Talo (guitarra) y yo me cambie del bajo a la guitarra. Después de tocar aproximadamente un año, nos dimos un descanso y fue ahí en donde compuse y grabe Melaniña. Recién publicamos el primer single "Desfile", nuestra primera canción en español. Y en abril 2018 publicaremos el EP completo. En aquella entrevista estaban entusiasmados con la grabación de un EP que querían editarlo en el 2016. ¿Es ese EP “Melaniña”? Así es. ¿Cómo fue el período de escritura de las canciones? ¿Cuánto tiempo fue la grabación del EP? Después de tocar varios meses en vivo, nos dimos un descanso. En ese periodo nace mi primera hija Augusta y me introduje en el mundo de la guitarra (distorsiones, ritmos, delays, reverbs. Yo creo que el hecho de estar sintiendo cosas nuevas fue lo que hizo que la composición fluyera. Teniendo ya varias maquetas de las canciones contacte a mi amigo Víctor Schelsinger, productor de música, y le planteé que quería hacer otro

EP. Fue aproximadamente un año el proceso y gracias al estudio portable de Víctor, lo grabamos en muchas partes (en la ciudad, campo y playa / Santiago, Casablanca y Mantagua, respectivamente.) Cuéntanos acerca del nombre del EP "Melaniña". Melaniña viene de Melanina He leído que el álbum está inspirado por tu hija. ¿Es esto verdad? Así es, Augusta es mi primera hija y nació con un grado de albinismo. La melanina es un pigmento que tiene la mayoría de los seres vivo y es la encargada de determinar el color de nuestra piel, el pelo, el iris del ojo, etc.Ella ha estado presente en todo el proceso del EP. Es mi regalo para ella. Recientemente han editado el single adelanto, "Desfile", y si bien ha pasado poco tiempo desde el lanzamiento, y sabiendo que es el primer single en español. ¿Cómo percibes que fue la recepción? Bien, se ha movido bastante y hasta el minuto hemos tenido buenas críticas. El arte de la portada del álbum está basado en un dibujo de Augusta, ¿recuerdas el momento en que decidiste que ese sería la portada? Si, lo recuerdo. Tuvimos varias reuniones con Nicolás (baterista) para definir el concepto y arte del disco. Y después de darnos mil vueltas, estábamos en mi casa y en el suelo había una pintura de Augusta, y ahí me hizo click. Más que definir un concepto, me gustó la idea de hacerle un homenaje ocupando algo que había hecho ella misma. Hablando un poco del EP, lo abres con "Act 2", ¿sería la segunda parte de “Act 1” del primer trabajo? No, son temas independientes. Denomino "Act" a mis temas instrumentales.

Apelamos a tus recuerdos para que nos cuentes algo de cada track de "Melaniña". Act 2 Me gusta comenzar con piezas instrumentales para que el oyente pueda hacerse una idea de los diferentes sonidos e intensidades que aparecerán en el álbum. Dato interesante, el mismo director Tim Busko de Pensilvania hizo el video del Act 1 y el Act 2, ambos están en el canal de youtube (maffmusica). Desfile Esta canción se trata de sentirse atrapado, estancado. Rodeado de gente toxica y situaciones venenosas. Hawaii Hawaii fue escrita en Roatán (una hermosa playa al norte de Honduras) es sobre esa sensación nostálgica cuando sabes que un viaje que cambia la vida ha terminado. Deserts Deserts se escribió en el lago Ranco, al sur de Chile. La canción es una oda al hermoso paisaje que tiene Chile (El desierto de Atacama, el desierto más árido del mundo, que en ocasiones está cubierto de coloridas flores. La "cordillera de los andes", la cordillera más larga del mundo. Valle central de Chile lleno de campos y viñedos, entre otros). Appear Se trata de perder a alguien que amas. Queriendo creer que todavía están caminando a tu lado, y preguntándote si alguna vez volverás a verlos.

¿Ya tienen pensado presentarlo en vivo? y ¿cómo es la formación actual de Maff en vivo? Porsupuesto, a partir de Abril 2018 retomamos los escenarios. La banda está compuesta por Ricardo Gómez (voz, guitarra), Nicolás Colombres (batería), Valentina Cárdenas (bajo) y Martín Colombres (guitarra). ¿Qué planes hay para la banda en este 2018?

Vamos a tocar este nuevo EP en vivo por un buen par de meses y en paralelo estamos escribiendo canciones para lo que sería nuestro primer LP. Gracias Ricardo por esta entrevista. Un placer Diego.

[ Entrevista a Andy Wickett por Diego Centuriรณn. ]

LA ESTRELLA OCULTA

La leyenda dice que hubo vida antes del éxito y también dice que hubo otros actores que comenzaron el camino en busca de un ideal. Muchas veces se dice "que la historia está escrita por los que ganan".Esta historia que les presentamos tiene uno de los primeros actores que escribió una de las canciones más conocidas de la banda que triunfó sin él.Comenzaremos mostrándote una leyenda, aunque no es una de las más conocidas de la banda que es hoy icónica, este hombre ha escrito una de las mejores canciones de la New Wave, aunque seguramente muchos de ustedes no lo sepan. Señoras y señores... ¡Andy Wickett! ¡Hola Andy! Gracias por aceptar llevar a cabo esta entrevista. Comencemos desde el principio y tu banda de punk TV. Eyes Cuéntanos cómo nació el trío que tuviste con Dave Kusworth y David Twist. Dave y yo fuimos juntos a la escuela de arte Moseley. Dave Twist se unió más tarde. Este sería el punto de conexión con los que más tarde formarían Duran Duran. Cuéntanos en el momento en que te unas a la banda. Los Durans solían venir a vernos. Les encantó nuestra apariencia y sonido. Salí de TV Eye y me uní a Durans y Steven Duffy dejó a Durans y se unió a TV Eye para convertirse en los Hawks. De esa banda traes "Stevie's Radio Station", que luego se convierte en "Rio". Y compones "Girls on Films". Aunque su versión está más orientada a la oscuridad de las estrellas. Leí que estaba inspirado en la película donde Gloria Swanson interpreta el papel de Norma Desmond (Sunset Boulevard, 1950). ¿Qué recuerdas de esos años? Sí, fue influenciado por las viejas estrellas blancas y negras. Una gran cantidad de tragedias detrás del glamour y el brillo. La sala donde ensayamos los Durans y yo estaba pintada de negro, aunque luego la pinté de blanco porque estaba demasiado oscura. Hubo mucha bebida y consumo de drogas. Leí muchos libros en ese momento. Y hablando de Duran Duran, te compraron las canciones por muy poco dinero y tuviste

que dar clases de canto a Simon Lebon. Cuéntanos sobre esto. Sí. Me dijeron que llamara a mi abogado cuando estaba en la oficina de administración de Durans. Me dijo que firmara la exención y aceptara las £ 600 ofrecidas, ya que esto sería una prueba de que participé en la redacción de su material. Más tarde fui a verlo y me dijo que EMI me compraría fuera de la corte. Un poco de abroche realmente. La gerencia me pagó para dar clases de canto a LeBon cuando fui al club Rum Runner donde estaban basados. Querían que le mostrara cómo cantar como yo. Cleopatra Records acaba de lanzar un EP de esa época, "Girls on Films 1979 Demo". Con las versiones que has grabado. ¿Qué recuerdas de esa grabación? Fue en el estudio de Bob Lambs en su piso de Moseley. Tenía una mesa de mezclas y una grabadora debajo de su cama elevada y una sala de grabación con cajas de huevos en las paredes. Nos mostró una cinta en la que estaba trabajando que fue el primer álbum de UB40. Tengo un amigo (Pablo "Mambo" Rivas) que dice que la canción "Working The Steel" es la mejor canción post punk de la historia.Y tomo una pregunta que él quería que te preguntara. ¿Qué diferencia había en ser punk y postpunk en Birmingham en relación con lo que estaba sucediendo en Londres? ¡Gracias Pablo! Creo que estábamos separados de los punks. Estábamos entusiasmados con el electro y el glam, así como con Iggy y los Stooges. Creo que había bolsas similares de perso-

nas en otras ciudades. Después de Duran Duran (y lo que te pagaron por las canciones) compras un teclado y creas The Xpertz. Un cambio radical. Cuéntanos sobre estos años. Había descubierto el Dub. Estaba experimentando con eso al mismo tiempo que estaba en Duran. Ranking Roger, quien más tarde se uniría a 'The Beat', me mostró cómo tocar un dub beats en la batería. Solía hacer cortes de Dub cuando fui Dj en las noches punks en el pub Crown y Ranking brindaba en la cima mientras yo tocaba la armónica. ¿Y qué sentiste cuando viste lo que pasó con tus viejos compañeros de banda? Me sentí un poco molesto al leer sobre ellos en el periódico de Sun mientras parado en la cola del seguro de desempleo. Luego viene "World Service" y sabemos que "Creatures of Love" llegará en marzo. Cuéntanos sobre esta banda y el nuevo álbum. World Service comenzó cuando me pidieron que grabara con una banda. La sesión tuvo lugar en los estudios BBC Pebble Mill en Birmingham. Ha habido muchos cambios en la alineación a lo largo de los años. En 1990, la banda cruzó el Sahara para recorrer Argelia. En 1996, otra formación apoyó a los Durans en su gira por el Reino Unido. El nuevo álbum es una mezcla de mis influencias hasta ahora. Sé de su dedicado trabajo en animación digital, cuéntenos sobre esto y especialmente

la experiencia de haber trabajado con el gran Nusrat Fateh Ali Khan. Trabajé con la música de Nusrat y otros artistas asiáticos para crear un álbum de remixes. Volviendo al plano musical, has colaborado con Nikki Sudden, Dave Kusworth, entre otros. Díganos con quién le gustaría colaborar y aún no lo ha hecho. Me encantaría trabajar con Iggy Pop. Hoy con tantos años de carrera y muchas decisiones tomadas. ¿De qué te arrepientes y por qué te felicitas? Lamentos, he tenido algunos. Pero igualmente, muy pocos como para mencionarlos. Mi mayor logro es convertirme en un dios del sexo del Sahara. ¿Dónde puedes encontrar tu música e información sobre ti? www.andywickett.com https://www.facebook.com/Andy-Wickett-356361854475204/ ¡Nuevo álbum disponible en CD o descarga en Spotify, iTunes, Amazon y Google! Para finalizar... ¿qué planes hay para este 2018? Estoy planeando una gira por los Estados Unidos y he comenzado a grabar mi segundo álbum. ¡Gracias Andy! Hablaremos nuevamente para el lanzamiento del nuevo álbum. ¡Gracias Diego!

[ Entrevista a James Poulos y Mark Reback de Vast Asteroidpor BenjamÃn York. ]

CUANDO LAS PIEZAS SE AJUSTAN, LA MAGIA EMERGE.

Suele suceder que la unión de varios músicos de varias bandas nos cautiva desde el principio y luego al escuchar sus canciones nos encanta o puede pasar que no llegan a las expectativas generadas desde los nombres propios. Vast Asteroid tiene un magnetismo más desde la escucha de su álbum debut que desde los integrantes, si bien al mencionar los que forman la banda nos llama la atención desde sus antecedentes. Pensar en la ex bajista de The Warlocks, Mimi Star, en el baterista de Slaughter and The Dogs, Mark Reback, y en el escritor y editor James Poulous, ya nos trae la sensación de una buena unión.Lo interesante, en este caso, es que el homónimo álbum debut es superior a las expectativas generadas desde la historia de los integrantes. ¿Esto está bien? ¡Sí! Después de todo lo más importante siempre es la música. Gracias a Laura de Kool Things que hizo el contacto para que podamos organizar esta entrevista. Hola y gracias por la posibilidad de realizar esta entrevista... Para empezar vamos al gen de Vast Asteroid, ¿cuándo y cómo nace la banda? James: Mark y Mimi habían tocado juntos antes de que yo apareciera. Yo para esa época necesitaba una banda. Mi manager en ese momento decidió que Mark era el tipo a la batería. Después de que básicamente audicioné para él, él estuvo de acuerdo. Adelanté un par de grabaciones y, por primera vez, los dos éramos un dúo. En parte porque audicionar a los bajistas puede hacer que te cuestiones tus elecciones de vida. Por suerte, Mark vuelve de tocar en Japón con Slaughter, publica un montón de fotos de Tokio y Mimi aparece para recordar su antiguo barrio y preguntar si Mark conoce a alguien que está buscando un bajista. Todos nos encontramos en una habitación, enchufamos y comenzamos a hacer ruido. Miramos alrededor y pensamos, bueno, aquí vamos. Mark:Sí, James y yo hemos estado tocando música juntos en varias bandas y proyectos

nuestros desde 2004, y cuando estábamos buscando al bajista adecuado, me volví a conectar con Mimi, con quien había tocado hace un tiempo, y ella encajaba bien y se unió a nosotros a mediados de 2016. La experiencia compartida de todos nosotros tocando juntos anteriormente, crea una familiaridad donde no tenemos que hablar mucho sobre quién va a tocar qué... El ambiente musical ocurre de forma natural y orgánica. Es algo raro y hermoso, y es la esencia de lo que debería ser una "banda" de todos modos, aunque es algo que falta en la mayoría de las bandas hoy en día, que tienden a confiar en Pro Tools y pistas de acompañamiento y edición. ¿De dónde sale el nombre de la banda? James: El proyecto dúo tenía un nombre diferente. La lluvia de ideas en los nombres de las bandas también puede hacer que te cuestiones tus elecciones de vida, por lo que nos sentimos tentados de mantenernos con lo que teníamos. Pero una banda de covers en Nueva Jersey había presentado una solicitud de marca sobre el nombre. Así que fue de vuelta a la mesa de dibujo. Afortunadamente, todas las ideas terribles que surgieron ya habían sido tomadas. Estaba tumbado en el sofá mirando al techo, atascado, y luego pensé en una noche hace mucho tiempo que me tumbé en el suelo en las montañas a las afueras de Los Ángeles mirando la mayor lluvia de meteoritos. Y yo estaba despegado. Mark: Solíamos llamarnos Night Years, pero otra banda en la costa este también tiene ese nombre, así que James inventó Vast Asteroid después de una lluvia de ideas sobre nuevos nombres que reflejaban nuestro sonido, que llamamos SPACEGAZE. Para aquellos que no conocen el sonido de la banda, ¿cómo lo definirían? James: Shoegaze secuestrado por Desert Rock, Britpop y grunge de arte. Mark: SPACEGAZE = Shoegaze + Space Rock + Desert Rock. Épico, heavy, cinemático y dramático, pero con ganchos pop y partes de improvi-

sación también. Ustedes tienen un EP de 2016 llamado “Half Apart”, que es una pequeña muestra de lo que vino en su primer álbum. ¿Qué recuerdan de esa grabación? James: Tuvimos un poco menos de 24 horas, repartidas en dos días. Andy Freeman, que produjo el disco Vast Asteroid, dirigió las cosas en Coast Recorders en San Francisco, que cerró poco después. Este lugar tenía las placas de reverberación usadas en Rumors. The Tower of Power fue grabado allí. Al otro lado de la calle estaban colocando "micro-apartamentos de lujo", y en la calle manoteaban las heces humanas de la acera. Ese es el distrito de la Misión. Olvidé lo que comimos, en todo caso. El ron y las cocas demostraron ser útiles. Mark tenía el bombo más grande que jamás había visto. Él clavó sus partes tan bien que involuntariamentele hice improvisar la canción que da título.

Mark: Nuestro EP "Half Apart" fue nuestro primer lanzamiento y fue solo James y yo, además de un poco de ayuda de nuestro productor Andy Freeman en el bajo. Fue nuestro primer intento de realmente perseguir un sonido más épico y en capas y hacer exactamente lo que queríamos sin preocuparnos por el sabor del momento. Si bien el sonido de ese EP es, por decirlo de alguna manera, “inocente”, el cambio con el álbum es enorme. ¿Qué creen qué es lo que cambió en la banda? James: Mimi lo hizo todo posible. Obviamente, un tercer instrumento fundamental es una invitación a crecer y profundizar el sonido. Pero su interpretación cambió el resto de nuestro enfoque. Nos quitó algunas cosas que habíamos adquirido el hábito de pensar que teníamos que hacer. Y nos dio a Mark y a mí la oportunidad de buscar opciones que habíamos descartado o ignorado antes. Y la atmósfera era ahora dos músicos de gira internacional más yo, que tenían completa liber-

tad (dentro de lo razonable) para hacer todas las voces y guitarras. Afortunadamente para la música, el año anterior había sido realmente agotador. Las canciones son una suma de eso. Finalmente, Coast fue magnífico, pero nuestra configuración para el nuevo disco fue mágica. Mark: Ahora tenemos una banda completa con Mimi involucrada, lo que realmente ayudó a que nuestro sonido se uniera en su totalidad, y también habíamos trabajado con nuestro productor Andy Freeman durante un tiempo y en el EP. Nos enfocamos en lo grande que queríamos que nuestro sonido fuera en este álbum. Tuvimos tiempo para concentrarnos realmente en la mezcla y las capas y la vibra, no solo en la composición y los arreglos. Cuénteme acerca de la grabación en el legendario "Rancho de la Luna Estudios". James: Legendario es otra palabra para eso. Salimos allí casi en el momento en que el período Trump fue inaugurado. Fue un momento apropiado para estar completamente desconectado del mundo. Hacía demasiado frío para estar afuera. La lluvia helada golpeó las ventanas. Toda la energía de la banda permaneció en el estudio al que pertenecía. Andy montó los tableros, Johnny Burik diseñó, Dave Catching era como cinco tipos diferentes, cada uno igualmente sabio y servicial. Chef, guía, anfitrión, gurú y la figura de confianza más importante que no está obligada a hacer

nada en el estudio y se cuelga brindando fuertes vibraciones estables. Tres días que pasaron muy rápido, cuando no sentían que el tiempo se estuviera quieto. Mark: Un breve período de escritura y ensayo en el estudio de la cabaña de Mark en el vecindario de Highland Park en Los Ángeles condujo rápidamente a una sesión de grabación en el estudio Rancho de la Luna, que fue trackeado durante una hermosa y torrencial lluvia y tormenta de viento en una semana mágica el invierno pasado en Joshua Tree, California. Los consejos fueron dirigidos por el productor / ingeniero Andy Freeman, y el ingeniero Johnnie Burik. Buenas vibraciones proporcionadas por el anfitrión extraordinario y co-conspirador Dave Catching de Eagles Of Death Metal, Mojave Lords, earthlings?, y anteriormente de Queens Of The Stone Age. Ya han pasado unos meses desde la publicación del álbum. ¿Cómo sienten que lo ha recibido el público? James: La gente lo entiende y me gusta. Extraños, amigos, personas en el medio. Ese es un sentimiento alentador y pacífico. La gran sorpresa es cuánto entusiasmo ha habido por las pistas más largas. Llevando ese aspecto de nuestro sonido a los extremos, no sabíamos qué esperar. Sabes que una canción bien elaborada con golpe y levantamiento se conectará de una manera específica. Es más difícil saber qué tan

lejos en una extremidad la gente quiere ir contigo. Sabíamos que estábamos en eso. Ahora sabemos que es una forma efectiva de comunicarnos a nosotros mismos musicalmente también. Mark: Estamos realmente agradecidos por la recepción muy positiva que recibimos en Europa. Hemos estado establecidos en Los Ángeles durante algunos años, por lo que esperamos obtener una buena respuesta aquí, pero hemos obtenido una respuesta más grande en países como Italia, Francia, España, Austria, Alemania, Portugal, Grecia y el Reino Unido, junto con lugares en América del Sur, como Argentina, Brasil, Venezuela, y no nos olvidemos de Australia. ¡Es muy gratificante! En "Spacegaze" participa Dave Catching (Eagles of Death Metal). Un mantrico e hipnótico track de más de 17 minutos de experimentación sonora. ¿Cómo se produjo está participación? James: Fue el final de los tres días. Todos estábamos como incoherentemente imaginando qué lanzamiento y simplemente resolvimoshacerzapada después de que el trackeo estuviera termi-

nado. Ceremonias de clausura. Pero no querrás pensar en eso mientras estás corrigiendo tomas y modificando los tonos, y mucho menos en voz alta. Y luego allí lo estábamos haciendo. Andy había grabado un registro muy silenciosamente. Johnny estaba hurgando en un pequeño teclado de sintetizador con la puerta del porche abierta y una fría lluvia que hacía girar el viento. Lo grabaron todo en cinta durante la interpretación en vivo de lo que terminó siendo llamado "Spacegaze". Nos tropezamos y fue como, mmm, probablemente deberíamos haber grabado eso, y los chicos tenían este brillo en sus ojos. Mark: Una noche en el estudio alrededor de la medianoche, después de haber terminado el trackeo del día, y durante una tormenta torrencial del viento del desierto y la lluvia, Dave dijo: "¡Vamos a zapar!", Y así lo hicimos... La magia de la guitarra de Dave realmente se sumó a nuestro sonido, y la canción entera fue improvisada, hecha en el acto, que tuvimos la suerte de capturar en cinta, y se presenta en el álbum sin sobregrabaciones... No puedo pensar en otra banda que haya hecho esto recientemente, por lo que estamos orgullosos.

¿Podemos hacer un "track by track" del álbum y cuénteme lo que quieran de cada track? Mincemeat: Es una introducción, no una canción completa... Establece el tono del álbum y el tema vuelve al final de Spacegaze para completar el círculo. Sleep: Los coros épicos realmente hacen que este penetre en tu cabeza. Drown: Éste realmente no estaba saliendo hasta que a Mark se le ocurrió el ritmo adecuado del tambor y después de eso todo cayó en su lugar. Vivid Dream: Estábamos pensando en el primer Interpol para la vibra en este. Sick: Es nuestra canción que suena más auténtica, además de Spacegaze. Pregúntele a Henry Rollins, quién realmente lo captó y lo tocó en su programa de radio. Encrypted: Mark quería que esta canción suene como las primeras canciones de Jesus And Mary Chain, como "Upside Down" y "Never Understand"... Hermosa distorsión sobre una simple canción pop con batería básica. PoisonFang: Esta canción estaba casi en nuestro primer EP "Half Apart" pero no estaba del todo bien, así que esperamos hasta que los arreglos actuales y el ambiente se resolvieran con Mimi a bordo. Es la canción favorita de la mayoría de la gente en el álbum y es realmente rockera, especialmente cuando la tocamos en vivo. Spacegaze: Ya hemos abordado esto anteriormente, pero fue pura magia sónica. Sin palabras pueden explicarlo. ¡Tuvimos suerte de que Andy lo grabara! He leído que se viene la edición De Luxe. Cuéntame sobre esto. James: En vinilo, mayo de este año, todo gracias a TBMR Records en Atenas, Grecia. Estará físicamente disponible en toda Europa, en el Reino Unido y, por supuesto, aquí en los EE. UU. Hay una pista adicional y tiene a Dave y es larga. Para nosotros, el vinilo es un objeto placentero para tener y mantener, uno que ofrece una experiencia auditi-

va única y especial especialmente adecuada a cómo nos gustaría que este disco te haga sentir. Mark: Somos realmente afortunados y agradecidos de trabajar con Vice Lesley y todos en Think Baby Music Collective en Atenas, Grecia. Realmente lo están haciendo bien, con lanzamientos curados, de lujo, limitados por artistas que están fuera del mains-

tream, pero tienen algo que decir con sus letras y sonido. Aquí hay una publicación en su sitio que resume el lanzamiento de vinilo que está programado para fines de mayo: https://www.thinkbabymusic.com/single-post/INTRODUCING-VAST-ASTEROIDDELUXE-LP-DUE-IN-SPRING-ON-TBMR ¿Hay planes para otra grabación? ¿Qué planes hay para este 2018? James: Ahora podemos tocar en vivo otra vez, que es un lienzo completamente nuevo para pintar. Naturalmente, apuntaremos a la actividad máxima cuando llegue la edición especial. Hay una pequeñamúsica de película que planeo llegar a algún lado en la mezcla. Será divertido ver lo que trae el verano. Mark: Tenemos un show en Hollywood el 27 de febrero y luego estamos preparando un fin de semana de lanzamientos de álbumes para finales de mayo en L.A. y en el desierto de Joshua Tree, posiblemente con el proyecto paralelo de Dave Catching llamado Earthlings? en Pappy & Harriet's. Después de eso, comenzaremos a pensar en la próxima grabación... ¡Podría hacer solo un lanzamiento en el otoño!

Quiero agradecerles por la posibilidad de hacer esta entrevista y, para cerrarla, dígales a nuestros lectores... ¿por qué deberían escuchar VastAsteroid? y ¿dónde pueden hacerlo? James: Las cosas siempre pueden ser peores, pero estos son tiempos bastante heavys, e incluso en tiempos frívolos he extraído mucha fuerza y pasión de la música que es heavy en una buena forma, como una estatuilla que recoges en un estudio y tienes el peso en tu mano y piensas, sí, esto tiene algo de especial. Esto no va a ser revoleado por la calle cuando llega la brisa. Estas canciones tienen la intención de hacer algo de reverb para ti. Estamos en todas las plataformas habituales como Spotify, iTunes, Amazon y puedes transmitir y comprar el disco (y su EP predecesor) en vastasteroid.bandcamp.com Mark: Vive el momento y pasa menos tiempo en tu teléfono. Ama más, odia menos. Escucha nuestra música a volumen alto y alejará cualquier energía negativa y te llevará a un lugar mejor. ¡Gracias Vast Asteroid!

MASSONICO REPRESENTA LO QUE QUEREMOS SER Y HACER [ Entrevista a Mauricio Valenzuela de Massonico por BenjamÃn York ]

35 Siempre tratamos de estar atentos a lo que pasa en Latinoamérica, pero hay tantas bandas que nos cuesta abarcar un océano con las manos, por suerte tenemos gente que nos acercan datos de bandas, como es en este caso gracias a Rock City, gracias a ellos hemos conocido a la banda Massonico, que viene desde Chile abriéndose paso en un mercado plagado de bandas, que no deja mucho espacio para ver el horizonte detrás de la Cordillera de Los Andes. Pero por suerte pudimos acceder a ellos y hablar y conocerlos. Hola Chicos y gracias por aceptar esta entrevista. Para empezar ¿en qué año nace la banda y cómo se gestó ese nacimiento? Gracias a ustedes por este espacio. Veníamos haciendo algunas cosas juntos desde el año 2012 pero “Massonico” nace a comienzos del año 2016,en medio de un café donde decidimos emprender un proyecto original y con canciones propias. El trío cuenta con un argentino y dos chilenos, ¿cómo se unen? Marcelo llegó a Chile el año 2010 por razones de trabajo y Sebastián y yo (Mauricio) somos hermanos. Dos años después coincidimos en un evento y desde ahí continuamos haciendo algunas cosas… nunca imaginamos que sería el inicio de “Massonico”. Está bueno el mix que conseguimos a partir de nuestras influencias y cultura. ¿Ya estamos bastante Argentinizados “viste?” ¿Por qué Massonico, es la unión de “más + sónico” o hay algún tipo de simbología masónica? Totalmente alejados de simbologías y adoración masónica. El nombre proviene de las iniciales de nuestros nombres, a lo que agregamos el término “sónico” y quedó bueno como concepto. Representa lo que queremos ser y hacer… “Más Sónico”.

¿Qué mencionan a la hora de hablar de influencias? Sin duda todo el rock sudamericano de los 7080´s e inicios de los 90´s. Crecimos e hicimos música influenciados por grandes bandas argentinas y chilenas, como también de la ola musical británica y americana que surgió en esa época. “Despertar” es su primer “EP”. Cuéntenos sobre ese trabajo. Como bien lo dice el título del EP, fue nuestro “Despertar”. Nuestro primer trabajo juntos componiendo y grabando, con muchas expectativas respecto al recibimiento del material por parte del público y que nos permitió ser reconocidos como “Mejor Intérprete Rock” en los Premios Fox Music USA 2017 y estar nominados a otros premios independientes en Chile.Estos reconocimientos nos motivan a seguir trabajando y buscando oportunidades. Llegamos al nuevo álbum “Morir en el Intento”, su primer álbum, lanzado en diciembre de 2017. ¿Cómo fue el proceso de escritura de las canciones, cuánto duró ese período? La base del disco son canciones que veníamos trabajando desde el EP, pero el trabajo de composición nunca se detiene y en medio del proceso aparecieron 3-4 canciones que finalmente terminaron por desplazar otras. En este disco las letras hablan más de temáticas sociales, como la inmigración y la invasión de cámaras de vigilancia que estamos viviendo en Chile, del poder y abusos, del amor en todas sus formas. ¿Y la grabación cuánto les llevó? Todo el proceso, incluido mezcla y masterización, poco más de un mes. Once tracks, ¿quedaron canciones afuera del álbum? Sí, varias. Incluso algunas que veníamos tocando en vivo desde el EP y que para nosotros estaban seguras en el álbum, quedaron fuera dando paso a nuevas canciones que compusimos du-

rante el proceso de pre-producción del álbum. Cuéntenos sobre sus shows en vivo, ¿cuánto tiempo les lleva armar un show, más allá del setlist? Siempre enfrentamos la preparación de los shows como si fuera el primero. Tratamos de sorprender y de incorporar nuevos elementos. Desde invitados, arreglos, audiovisual, etc. Buscamos que todos nuestros shows se diferencien uno del otro.

2018? Continuar mostrando nuestro nuevo material en vivo y expandir fronteras… para eso estamos organizando un par de fechas en México para los próximos meses y esperamos hacer lo mismo en Argentina y Perú durante el año, junto a la agenda de presentaciones que ya tenemos confirmadas en Chile.

Si tuviesen que decirnos por qué nuestros lectores no deberían dejar de escuchar a Massonico. ¿Qué nos dirían? Que nuestra propuesta es muy distinta a lo que suena hoy en Latinoamérica. Nuestro mix cultural y musical hace de “Massonico” una banda única.

Para terminar díganos ¿dónde podemos encontrar y seguir a Massonico? Nos pueden seguir en nuestras redes sociales @ massonicorock y estar al día de nuestras actividades en nuestro sitio web http://www.massonicorock.com. Un fuerte abrazo a todos los lectores de “Revista The 13th” y a ti Benjamín por la entrevista.

¿Qué planes hay para Massonico en este

¡Gracias Chicos!

[ Entrevista a Eraldo Bernocchi por Pablo MÃ¼llner ]

(UNA CHARLA CON) EL ARQUITECTO DE SU PROPIO SOLITARIO UNIVERSO

“Solitary Universe” (Universo Solitario), editado en febrero de este año por Agoo Records, es el álbum en colaboración entre Eraldo Bernocchi y el guitarrista ambient japonés Chihei Hatakeyama. Como anuncia su comunicado de prensa, consiste en “cinco maravillosas, extensas composiciones que te harán sentir que tratas de atrapar el humo, o que ves la niebla arremolinarse antes de desaparecer en el agua”. La grabación está ejecutada por solo dos guitarras tratadas. La edición física será acompañada por un libro de fotos de la artista visual y fotógrafa Petulia Mattioli y Yasushi Miura, músico y fotógrafo japonés. Gracias a la evocativa belleza de este “Universo Solitario” tenemos la perfecta excusa para comunicarnos. Y el privilegio de hacerlo nada menos que con EraldoBernocchi, el compositor, músico, productor, director creativo de proyecto, y en pocas palabras, un verdadero arquitecto sonoro. Eraldo tiene una carrera impresionante como artista solista y muchísimas notables colaboraciones, tantas que es difícil elegir alguna para ejemplificar. Por eso, vayamos a lo importante y hagámosle algunas preguntas Es genial poder hablar sobre tu música, y sobre la música en general, y quizá también tu vida. En primer lugar, disfrute mucho de “Universo Solitario”, es una experiencia casi diría “restauradora”. Además es un álbum en colaboración con el artista japonés Chichei Hatakeyama. ¿Cómo surgió? Amo el trabajo de Chichei. Su música es tan única como su forma de tocar la guitarra. Un par de años atrás lo contacté para ver si se sumaba a un proyecto conmigo. A él le gustaron mis ideas y empezamos a cambiar archivos y pistas con música grabada. Existen en realidad más piezas que las que fueron editadas, pero no quedaron para el corte final. Nos llevó un buen tiempo, tanto Chichei como yo, fuimos muy minuciosos a la hora de mezclar. Hace un tiempo empecé a meditar y no me gustaban para nada las músicas hechas para eso, ni el género “new age” ni nada que es-

tuviera hecho especialmente para relajarse. Pero descubrí que se puede meditar con algunas composiciones clásicas. Todo esto era para decirte que encontré a “Universo Solitario” muy cercano en espíritu a Las Gnossienes de Erik Satie. Es música para piano, y Universo Solitario es solo guitarras, pero ¿crees que tiene algún sentido lo que pienso? En cierta forma, creo que sí tiene sentido. Este disco es una serie de “capturas” del estado de las cosas, de emociones. Siempre estoy interesado en saber cómo las personas perciben mi música y como la utilizan. Me refiero a que para mí, el sonido y la música son herramientas, las primeras herramientas. Entonces, si este álbum sirve de soporte para una meditación, para escribir, para tomar fotos o para tomar una buena copa de vino, para mí está perfecto. Tan contradictorio como suena, tenés un catálogo música muy impresionante, que constantemente se debate entre la oscuridad y la luz, como pasa también en el universo, de algún modo. ¿Reflejar ambos lados es una decisión muy pensada o es lo que surge cuando te ponés a tocar? Son los dos lados de todo lo que veo y vivo cada día. Tan solo sucede. Hay muchas emociones fuertes en la música que hago, siempre han estado ahí. Son necesarias para mí. “Blackwood” (otro de sus proyectos solistas) es el retrato de lo está ocurriendo del otro lado de mi ventana, de tu ventana. Es el mundo desintegrandose, día tras días. Se pone peor semana tras semana, está a la vista de todos. El siguiente volumen de Blackwood será aún más pesado y oscuro, si es posible. Estamos destruyendonos. “Universo Solitario” es el retraro de lo que sucede dentro de mi ventana. Es un viaje interior. Es la cara que nunca habías abierto y que descubrís de casualidad, y que te cambia la mirada sobre alguien que ya ha muerto, entonces ya no podés hacer nada. Es lo que podrías haber estado haciendo, pero no hiciste. Es una caja llena de errores que crece y crece. Al fin y al cabo, son la misma cosa. Yo, solo o con alguien más, pero yo, las cosas que ese “yo” ve.

Me imagino que las colaboraciones artísticas influencian o nos potencian partes de nuestra personalidad que quizá nosotros mismos no conocíamos antes. ¿Cómo fue colaborar con Chichei Hatakeyama? Y con más precisión, con tu esposa Petulia Mattioliy Yasushi Miura, que hicieron las imágenes. ¿Sonidos e imágenes se inspiraron mutuamente? Fue muy sencillo de verdad. Chihei es una persona muy sencilla. Es un completo perfeccionista cuando se trata del sonido y sus matices, pero está siempre abierto a experimentar, y nos entendimos muy bien. Con respecto a las imágenes, cuando el álbum estuvo listo, y Agoo Records no quería editar, Petulia Mattioli, que hizo todas las fotos en color y el diseño gráfico, tuvo la idea de editarlo junto con un pequeño libro de imágenes. Ella estaba trabajando con Yasushi Miura en un proyecto, él solo utiliza imágenes en blanco y negro, así que fue casi natural el terminar colaborando entre los cuatro. Creo que el sonido inspiró

las imágenes en este caso, ya que el álbum estaba hecho cuando las imágenes entraron el cuadro. Alec Dartley de Agoo inmediatamente quedó encantado con la idea y nos dio su completo apoyo, diría que la colaboración por eso lo incluye a él también. El álbum “As the World Rots Away” (“Mientras el mundo se pudre”, 2016) de tu Proyecto Blackwood es muy perturbador, me encantó, desde la primera escucha. No puedo decirte que otra música me recuerda, pero inmediatamente tuve en mente la trilogía de Lars Von Trier Anticristo/Ninfómana/Melancolía. Hubiera sido excelente soundtrack para Anticristo, en el sentido que es terrorífica pero es mucha más que una pieza de terror. Es además terriblemente triste, y tiene mucha belleza y mucha contemplación al mismo tiempo. Me pone contento que hayas subrayado el hecho de que ese álbum es triste. Lo es. Uno de los

más tristes que haya compuesto. Lo interesante es que ninguna crítica lo había notado hasta ahora, se quedaron en la superficie, y la tristeza es lo que está en la parte profunda. Podría haber sido un soundtrack para una película, pero la mayoría de mi música tiene esa huella. Pero estas en lo cierto, es horroroso, pero muy triste al mismo tiempo. Retomando un poco la analogía con Von Trier, él llamo a esas tres películas su “Trilogía de la Depresión”. Me vino a la mente esa misma falta de esperanza, desconexión total con el mundo, deseos nihilistas. ¿Tuviste todas esas sensaciones mientras componías “As the World Rots Away”? Creo que afortunadamente seguir creando, haciendo música debe permitirte moverte de esos estados mentales y seguir adelante, ¿es cierto? En algunos momentos, sí. Blackwood es como una caída infinita. Tuve momentos bien pesados, pero la música siempre me “cuida” muy bien. Me encantaría hacer música para una película de Von Trier, siempre y cuando no sea un musical, no soporto los musicales. Escuchar detenidamente estos dos discos, Solitary Universe y ATWRA, me hizo pensar en vos como una especie de “arquitecto sonoro”. Pienso en gente como Angelo Badalamenti o Richard D. James (Aphex Twin) o Geoff Barrow (Portishead) en esos términos. ¿Estás de acuerdo con esa idea? Me gusta mucho ese concepto. Me han puesto el mote de “escultor del sonido”, ahora “arquitecto”. ¡Es un montón! ¡Gracias! El sonido es una construcción, un medio, un material crudo que puede tomar vida e influir sobre nosotros tal como es o que uno puede manipular, construir algo con él, darle forma a la luz y a las emociones, conjurar la oscuridad, crear nuevos rituales para nuevos cultos, es una búsqueda infinita. Por lo tanto, sí, de alguna manera es un rol que me gusta. Estuviste en incontables proyectos, y aún seguís, es difícil hablar de todos. Pero Somma, me llamó la atención poderosamente.

Primero porque fue una colaboración con tu mujer Petulia, y además porque se trataba de experimentar con las músicas del mundo. Me da mucha curiosidad el álbum “Hooked Light Rays” (algo así como “Rayos de luz enganchados”). Siete monjes tibetanos cantaron para el proyecto. ¡Esa historia merece ser contada! Somma es en realidad una idea que ella tuvo un tiempo atrás. Es también mi primer proyecto con Bill Laswell. Surge de la voluntad de reunir a diferentes músicos de diferentes culturas, con diferentes historiales musicales junto a los monjes tibetanos y hacerlos improvisar juntos con un mínimo ensayo. El costado visual del proyecto es también profundamente importante, en este caso sonido e imagen están inspirandonse mutuamente en tiempo real. Es un proyecto dificil de poner en escena dado que es economicamente costoso, y tiene obviamente implicancias políticas, que muchas veces no permiten que se lleve a cabo. No te das una idea de la cantidad de festivales que tenía agendados Somma y que luego cancelaron sus fechas por presión política de China. Leí algo más sobre Somma, en 2001, en oportunidad de la visita official del Dalai Lama, Somma tocó en Trento, en el Centro Santa Chiara, para unas 2000 personas. ¿Cómo fue esa fecha? ¿Tuviste un encuentro con el Dalai Lama en persona? ¿Estabas interesado en su filosofía? La causa del Tibet es la única que apoyo, desde que soy adolescente. Estoy comprometido con la filosofía de Su Santidad Dalai Lama. Y en esa oportunidad tuvimos un encuentro privado de una hora. Bastante intenso, debo admitir. El Concejo de la Ciudad nos contactó para llevar a Somma al escenario y felizmente lo hicimos, un recital único, todo grabado. Fue una noche mágica, la gente adoró la música y tocar frente a un ser humano tan grande fue muy intenso. Hace poco miraba un documental de la BBC sobre electrónica / synth pop en Inglaterra, y hubo algunas frases que me hicieron reír y pensar. Una decía que la “electrónica” más

allá de las intenciones de su compositor era algo visto y escuchado en una luz muy negativa, como algo oscuro, alienante, distópico. ¿Vos que has experimentado en ese territorio lo ves así? ¡Por Dios!... Cada vez más seguido me pregunto si es mejor callarse. ¿Qué quiere decir eso? Electrónica/synth pop son solo etiquetas, fin de la historia. Como dije antes, la música trabaja de acuerdo al entorno, las emociones, la comida, la historia, los lugares. Que frase más idiota. Es realmente un acercamiento anticuado al sonido y a la música. Como si esta entrevista fuese en cuenta regresiva desde tu último disco hasta los inicios, inspirado en la explosión electrónica que sucedía en Londres, que era llamada “post-punk” y básicamente “post-todo”, quería preguntarte: ¿Te sentiste parte de esa escena en Italia? Por un rato fui parte, pero mi gran problema fue, y es, que necesito evolucionar, cambiar, hacer nueva cosas/proyectos. Luego de un tiempo en una banda se vuelve aburrido para mí, necesita trabajar con caras nuevas, nuevos jugadores, nuevos lugares. Así que fue parte de la escena por un corto tiempo, porque era en realidad muy “derivativa” y poco abierta a experimentar. Ese fue el principal motivo por el que cree Sigillum S, tener un contenedor vacío, abierto a cualquier cosa. ¿Fuiste también un punk de la primera generación, en los últimos años setenta? Algo así, pero de nuevo, siempre rechacé los encasillamiento sobre mi persona, por lo que mi historia en esos movimientos siempre fue corta. Estuvo limitada a la rabia y la furia de los inicios. ¿Podría decirse que lanzar en 2009 RareNoise Records es parte del espíritu del DIY (hazlo tú mismo, consigna punk)? En el estado actual de la “industria musical” ¿es mejor hacerlo uno mismo? RareNoise es un sello que edita a muchos otros artistas. Mi discos editados en RareNoise son

unos pocos. Nunca quise convertirlo en mi espacio de juego personal. Cuando Giacomo Bruzzo me propuso crear un sello, tuve ese punto bien claro. Por otro lado el sello no podría contener a muchos de mis discos que no encanjan en el catalago de géneros con el que trabaja. Pero “Verba Corrige” fue un sello bien “hazlo tu mismo”, lo usamos por unos 25 años para sacar albumes con Sigillum S y gestionar nuestras actividades. Seguimos haciendolo para nuestros discos juntos con una nueva compañía que cree en el Reino Unido. Por último quisiera que nos contaras algo sobre la música que estás trabajando en este momento, o cualquier cuestión que creas conveniente comentar antes de despedirnos. Hay un montón en camino para este año y el próximo. Hay un nuevo álbum de Sigillum S, el primero en reunir una formación que tiene a Bruno Dorella de OVO/Ronin. Un nuevo material de“Equations Of Eternity” un proyecto colaborativo con Bill Laswell. Ambos están basados en los “Aghoris Sadus”, la más oscura de las ordenes de hombres sagrados en India. El año pasado fui a India, y estuve en el Festival Kumbh Mela para grabar sus rituales. Hay en camino una edición limitada de Blackwood, un sencillo de12” de un solo lado, con dos invitadas especiales, Stefania Also Pedretti (OVO) y Emilia Moncayo (Minipony) en voces. El lado B va a tener unos grabados en laser con diagramas mágicos. Un nuevo album con Toshinori Kondo para“Glacial Movemnets”, basado en grabaciones en aguas profundas de la Palaoa (Estación Antartica). El primer album del maravilloso clarinetista Gareth Davis, un disco muy delicado y ambient, solo con guitarras y clarinete, concebido como una banda de sonido. Un proyecto que cree con un diseñador gráfico que convina indumentaria, conceptos, mensajes, un sello discográfico. Algo así como discos financiados con la venta de ropa, mensajes transportados a través de sonido y la imagen, otra vez. Será un poco extremo pero elegante, belleza en la crudeza. Además de sountracks, remixes, música para publicidad, fechas en vivo. Me detendré cuando muera...

[ Entrevista a Rosario Blésfari y Julián Perla de Los Mundos Posibles por Pablo Müllner. Fotografías: Eugenia Kais ]

ROSARIO

JULIAN

NOS

TRAEN LAS MAS HERMOSAS FLORES DEL FUTURO

A Rosario (Bléfari) es ya casi redundante presentarla, una voz, un estilo y por sobre todo, una poética –una poeta- omnipresente en la escena del rock y quizá más allá, en la música popular nacional. Una de esas figuras que trascienden el medio que eligen para expresarse y rizoman en todas las direcciones: música, literatura, cine, teatro, siempre con el hilo conductor de la coherencia poética. Como Patti Smith, Laurie Anderson. Quizá como a Debbie Harry, cuando la llaman Blondie, muchos habrán pensado alguna que Rosario se llamaba Suárez. Y claro, Suárez es una pieza fundamental y a la vez difícil, que define el rompecabezas del rock de los noventa. Pero Rosario, es Bléfari, como bien supo llevarlo en sus discos solistas de la primera década del 2000. En sus muchas películas. Y sus libros de poesía. Y más acá en el tiempo como líder y alma mater de Sue Su Mont. Rosario

cerradas sobre las figuras de “la pareja”, mientras que en la música popular está siempre más presente la figura del tercero/la tercera en discordia. Aquí“los enemigos” son más impersonales, invisibles, filosóficos quizá: el tiempo, la distancia, “la mente del otro” como dice el tema “En otra Dimensión”. En la última canción “La ciudad más austral del mundo”, y seguro no es casual, Rosario canta sola: “el amor que creía eterno fue un rayo nada más en el cielo”. Es un final que deja un sabor triste, pero al mismo tiempo no se desvanece en la nostalgia sino que ve ahí mismo surgir “la más hermosa flor del futuro” (podrían referirse a preciosas canciones, seguramente).

es un ícono inquieto e inconformista, que no se deja iconizar. Una artista que goza siempre de relevancia y juventud, que vive proyectando y creando, sin prisa pero sin pausa. A Julián (Perla) es quizá un poco más difícil de rastrearlo. Pero si tuvimos la buena suerte de escuchar la exquisita banda indie Mi Pequeña Muerte, sabemos de quien hablamos. El muchacho supo ser también de la banda de Rosario durante un período de su carrera solista, cuando se presentaba en vivo. 2018 los encuentra juntos y entrelazados, como dos enamorados, al menos en el terreno musical: “Los mundos Posibles”, es el nombre del dúo creativo que acaban de formalizar con “Pintura de Guerra”. “Pintura de Guerra” se trata de un disco “conceptualmente” anclado en el amor y al mismo tiempo usa mucho el campo semántico de lo bélico: “estrategia”, “ganar”, “perder”, “guerra”, “condenados”. Creo que eso, desde el título mismo, no tiene que ver para nada con el azar. Casi como un oxímoron de esos que usa el mundo oriental que podría aconsejar:“si querés hacer buenas canciones de amor, dale un lugar a la disputa.” La música en cambio, nos trae un perfume diurno, un aire rural, entre el folk y el pop barroco, con un medido encanto que pone las voces en un primer plano. Esto nos permite concentrarnos en las voces, en las deliciosas letras que están muy

cionan binariamente como en muchas canciones a dúo femenino/masculino. Lo rosa, lo celeste. La bella, la bestia, y todo ese imaginario. Sino que a veces resuenan como lo femenino y masculino que resuena en la conciencia de todo ser. ¿Puede ser? Julián: Claro, la idea era salir de esa tradición interpretativa del dúo hetero clásico. “Daba para más” es de Rosario y la voz principal es la mía. Quedaba bien ese registro y esa mirada sobre la canción. Después “la Ciudad Más Austral … “ es una composición mía que se transformó con la voz de Rosario. Ahí es donde se rompe la dualidad y desaparecen los límites.

Un detalle que para mí fue muy precioso es que las voces se entrelazan, fluctúan, a veces, medio cambian el lugar más común. Quiero decir no fun-

Y ya que hablamos de dúos pensé mucho y no me acordé de notables bandas pop que sean dúo mujer/varón. Alguno medio bizarro quizá. Pero me parece que no es una tradición muy nacional el dúo f/m. Me parece que está mucho más presente en canción pop francesa. Qué apropósito me recuerda bastante.También pensé enMazzyStar, Seventree el disco de Goldfrapp. Hay algo más de naturaleza de fondo, acústico, menos ruido, más diáfano. ¿En qué música pensaron ustedes? ¿O qué escuchaban mientras lo hacían? Rosario: Bueno, siempre que escuchábamos cosas juntos, en los viajes en auto por ejemplo (Fuimos hasta Chile en auto con la banda y escuchamos mucho juntos) marcábamos cosas, aspectos que nos gusta-

ban de una u otra grabación, pero era muy azaroso y variado, para mí era más como señalar un aspecto de muy diferentes artistas o grabaciones. Pero le dejo esta respuesta más a Julián que como productor y quien estuvo al mando del registro, edición y mezcla, sabrá contestar. Julián: Cuando empecé a pensar un disco por fuera de MPM era justo para pararme en otro lugar, más acústico y con menos capas e instrumentación. Me venían a la cabeza los discos acústicos de Cave, “Closing Time” de Tom Waits. Arreglamos mis canciones así, en esa dirección junto a Javi Diz, pero cuando aparecieron las canciones de Rosario nos fuimos dejando llevar por ellas y aparecieron otros climas, y en algún momento esas dos ideas se entrelazaron y llegamos al sonido del disco. Tendrá que ver con las relaciones que se transforman quizá la metáfora. Muchos artistas hacen proyectos creativos luego de ser pareja, se viene a la mente Eurythmics por ejemplo. Parece que en el momento la relación amorosa se vive a pleno y lo que queda después son mucho más que cenizas por suerte. En ese sentido quería preguntar cuál

sería “Un futuro Brillante” para este dúo, pensado de a dos. Sé que no tienen aún muy definido el tema de tocar en vivo. ¿Alguna extensión audiovisual del disco? ¿Pensaron en darle un soporte a estas canciones desde la imagen? Rosario: No lo pensamos, tal vez porque está bueno dejar que las canciones, con la letra, la melodía y los timbres de los instrumentos, generen al ser escuchada, sus propios soportes visuales, tal vez compuestos por recuerdos o imágenes vistas en otro lado como una película, o la vida de alguien cercano. Es la libertad que da la música al ser un elemento invisible. Si de todas maneras tuviera que pensar en un acompañamiento visual para una presentación en vivo, creo que optaría por algo que no tuviera exactamente que ver, como travellings desde trenes, la ruta, lo que se ve a través de una ventanilla, pero es mi tipo de imágenes preferidas para escuchar música en general, travellings, con distintos puntos de vista. Julián: No planificamos nada pero supongo que el entusiasmo nos va a llevar a presentarnos en algún momento del año. La pasamos muy bien juntos y nos vamos a divertir armando un show a dos voces, empezar desde cero. También me gustaría seguir hacien-

do discos y contar otras historias. Y sobretodo hablar de esas cosas, una actividad preferida que tenemos con mi socia. El título de la banda me hizo acordar al título de un libro de Ana María Shua “Todos los universos posibles” que reúne sus microficciones ya editadas. Y me parecía una coincidencia muy buena: pensar cada disco de la carrera de Rosario, como Rosario, Suarez, SuéMonMont o Los mundos posibles, como pequeños universos, microrrelatos para escuchar. Rosario: Si, el título nos costó mucho porque nada nos terminaba de convencer de miles de cosas que proponíamos, hasta que recordé una unidad de la carerra de Artes de la escritura en Narrativa I, que era ese, "Los mundos posibles", una teoría que con solo escuchar su nombre dan ganas de escribir. Y sobre el que se podría discurrir inlcuso antes de haber leído de qué se trata, porque incita a la imaginación teórica. Por qué no para estas canciones, que a su manera, cuentan historias y hacen mundos.

Julián: Estuvimos un montón de tiempo para encontrar el nombre para el proyecto, en algún lugar guardo la lista con las alternativas. No nos convencía salir como “Rosario Bléfari y Julián Perla”, la idea era justamente lo contrario, era atomizarse, cambiar la piel, mirar desde otro lugar. Un día Rosario me mandó una foto de una hoja con un título escrito a mano y hermosa caligrafía. Decía “Los Mundos Posibles” y le dije enseguida que sí, que ese era el nombre. Finalmente, ¿”esta estúpida estrategia del amor” nos servirá para ganar alguna guerra? Rosario: No, de ninguna manera, las estrategias solo sirven para jugar un rato, a riesgo de perderlo todo. En el terreno del amor, nada nos asegura nada. Y si algo nos interesa en serio no podemos someterlo al juego de las estrategias. Julián: ¡La guerras están hechas para perderlas! Es muy cierto… Gracias por sus palabras y esperamos (im)pacientemente escuchar más de Los Mundos Posibles pronto!

[ Entrevista a Japan Suicide por Benjamín York. Fotografías: Luca Sola.]

SANTA SANGRE ES NUESTRO MEJOR ÁLBUM

Siempre sucede que nos encontramos con bandas que para nosotros parecen nuevas y, en realidad, tienen muchos años de trayectoria; este es el caso de los italianos de Japan Suicide, quienes se han formado en el 2007 y llevan publicados dos álbumes (Mothra, 2010 y Se Die Un Such A Plece, 2015) y algunos singles y EPs. Nos han acercado su tercer álbum, "Santa Sangre", editado bajo el sello Unknown Pleasures Records el 14 de febrero pasado. Como nos interesó y nos gustó el nuevo trabajo decidimos entrevistarlos.

Italia es un asombroso semillero de bandas de cold wave, post punk o shoegaze. Estilos que a ustedes los atraviesan. ¿Cómo es la escena italiana y con qué bandas son amigas? Somos amigos de bandas italianas y europeas como The Foreign Resort, Hapax, Velvet Kills y Brandenburg. También hemos compartido el escenario con placer con muchas otras bandas.

Después de más de diez años de existencia de Japan Suicide. ¿De qué se arrepienten? Y ¿de qué se sienten orgullosos? Hola chicos antes de comenzar quería Personalmente, creo que podríamos haber agradecerles la posibilidad de charlar con perdido menos tiempo y publicar más músiustedes.Y para iniciar este camino de pre- ca, pero de todos modos estoy satisfecho con guntas y respuestas... he leído que entre las cosas bonitas que nos sucedieron y que sus influencias ustedes mencionan a Ja- hemos mejorado nuestra música. Tal vez hepan y a Suicide. ¿De ahí viene el nombre mos cometido algunos errores sobre la gesde la banda? tión. Viene de Mishima Yukio. Por lo que he visto, "Santa Sangre" es su Desde el 2010 vienen editando material tercer álbum. Contános sobre el proceso discográfico. ¿Cuál es el registro que más de escritura y de grabación del álbum. adoran? Consideramos que Mothra es un error juveBueno, “We Die In Such A Place”combina nil, entonces para nosotros "Santa Sangre" diferentes buenos aspectos: después del lan- es nuestro segundo registro. Sobre el prozamiento por Unknown Pleasures Records y ceso de escritura seguimos este proceso de esto algo cambió para nosotros, hemos he- pasos (también para “We Die In Such A Placho más shows y más gente conoció nues- ce”): Matteo (bajo) comienza desde una estétra música.Entonces, es nuestro primer disco tica inicial y un sonido general para el álbum. que considero bueno tanto para la compo- Después de eso usualmente comenzamos sición como para la producción.Pero Santa desde una línea de bajo. Luego lo combinaSangre es mejor, y el próximo será mucho mos con voz y otra línea para tener algo así mejor. como el hueso de una canción. Luego probamos esto en la sala de ensayo con los demás ¿Cuál o cuáles volverían a grabar y por para completar las pistas. En el estudio, paqué? samos más tiempo para sonidos específicos Hay algunas canciones que nos gustaría y para verificar mejor si todo funciona. grabar nuevamente. Se grabaron cuando teníamos menos conciencia sobre cómo hacer ¿Qué puedes contarnos acerca del víuna buena canción de una buena idea, por lo deo de "Circle"? que nos gustaría hacer un mejor trabajo para Lo hemos hecho con nuestro amigo direcnuestro placer y también para otras perso- tor, Francesco Brunotti, con la ayuda de algunas. nos amigos. Afortunadamente teníamos las máscaras, así que hemos hecho diferentes

55 cide en este 2018? Habrá nuevos vídeos, Singles, EPs? Estamos tratando de producir nuevos videos, también habrá estas dos nuevas ediciones y estamos escribiendo material nue¿Cuándo tienen pensado presentar el vo. nuevo álbum? Sé que se viene la primera gira por Norteamérica y México. Para culminar ¿Por qué dirías que hay Presentaremos el álbum en Italia, pero los que seguir a Japan Suicide y por dónde shows en Los Ángeles y Ciudad de México pueden seguir a la banda? podrían ser la mejor manera de presentar el La única razón para seguir a una banda es álbum a los estadounidenses, también por- si su música mejora tu vida. Nos puedes enque habrá un lanzamiento de vinilo y otra edi- contrar y escuchar en Bandcamp, Youtube, ción de cd, respectivamente con Wave Re- Spotify, Soundcloud. También puede ponercords y AAMI Records. se en contacto con nosotros en Facebook, Instagram y por (e-) correo. Gracias a ti Ben¿Qué podemos esperar de Japan Sui- jamin y a los lectores. personajes al mismo tiempo. Hemos filmado cerca de donde vivimos y nos arriesgamos de quemar el bosque y asustamos a algunos niños.

[ Entrevista a Ayermaniana por Pablo Müllner. Fotografías: Dana Ogar y Santi Sombra ]

CULTIVANDO FLORES NEGRAS PARA LOS OIDOS

Ayermaniana es Maximiliano Leivas (Guitarra y voz), Nicolás Granado (Bajo), Santiago García (Batería) y Leonel Calo (Guitarra y Saxo). A veces se los define como a una banda de rock psicodélico. Pero sería mezquino describirlos con esa única etiqueta. Hay mucho más para escuchar en casi ocho años de tocar juntos y dos discos de estudio. Su último álbum “Flores Negras” del año pasado, parece ser la condensación de sus variados intereses musicales y horas, incontables horas en la sala de ensayo. Más allá de los géneros reconocibles, como rock psicodélico, rock progresivo, blues rock, se oye y se siente un sello muy personal, tanto desde la lírica como desde lo musical, la producción y la experimentación en el estudio parece haber jugado un rol fundamental a la hora de gestar estas extrañas siete canciones, que realmente se meten profundo en nuestros oídos y nos traen la imagen de verdaderas flores exóticas, alucinógenas, negras, pero también de colores cromados, cambiantes, como el ánimo de las expresivas guitarras de Maxi y Leonel. En Flores Negras ya no están los tracks puramente instrumentales como sucedía en el primer disco “Ayermaniana” (2013), aunque si hay largos momentos de “solos” instrumentales. Todos los temas tienen voces y letras, algunas bien escuetas como pequeños poemas haikus. Otras que responden perfectamente al formato canción como “Tras la bruma” (el single de difusión) y “Atraviesa”. Pero hay momentos donde las voces se trabajan de una manera mucho menos convencional, como mantras, como ecos. Cuando les menciono una posible comparación de su disco con OK Computer de Radiohead, los muchachos de Ayermaniana asienten con satisfacción. Es la forma de hacer un disco experimental, progresivo que parece la más natural, la menos forzada. Es lo que Ayermaniana se propuso hacer. Reunir las partes sonoras que cada uno trae, trabajarlas juntos con mucha paciencia, como si se tratara de cultivar flores para nuestros oídos. Leyendo un reportaje reciente, el periodista

los definía como una banda de rock progresivo psicodélico. Yo no quisiera seguir sumando etiquetas, pero sentí que la búsqueda va un poco por el lado de experimentar en el estudio. En un sentido me recuerda a OK Computer, no porque suene inglés y melancólico, sino porque es el disco donde juntaron todas sus influencias y se jugaron a hacer algo “progresivo”, “experimental”… En el caso de Ayermaniana, el estilo es una consecuencia directa de cómo se formó la banda. La banda nació adentro de una sala zapando. No había un objetivo claro de lo que queríamos hacer. Cuando uno escucha la banda siempre aparecen cosas que están asociadas a algo que nos gustan, por ejemplo a veces nos dicen “mirá esto tiene algo de Led Zeppelin”, también hay mucho blues, mucho rock de los setenta, mucho rock progresivo. Cuando uno hace un tema es básicamente partir de las cosas que a uno le van gustando. Cada uno de los integrantes trae con él lo que le gusta y de ahí surge nuestro “estilo” por así decirlo. Lo de experimentar medio que se dio sin calcularlo. En este disco empezamos a componer mucho a partir de “loops”. Dijimos hagamos una base sobre la que tocar el tema encima. Por ejemplo en el primer tema, “Ya no estás”. Es el mismo loop desde que empieza hasta que termina y encima yo (Maxi) canto, y está el solo de guitarra y el solo de saxo… Al mismo tiempo me parece interesante que no abandonan algunas tradiciones del rock nacional como es el caso del blues. De hecho Tras la Bruma es un blues rock bastante definido. En otros momentos escucho también bastante percusión, que es un elemento muy “rioplatense” y asimilado en nuestro rock. Por otro lado el fraseo de Maxi, en el último disco por momentos suena parecido a ese estilo tan Cerati de estirar las palabras como para extraerles alguna sonoridad desconocida. Si, lo del parecido con Cerati nos los han dicho hace poco también. Y la verdad es que nos dimos cuenta después. Sinceramente, Cerati es

un artista que empecé a escuchar más de grande la verdad, de adolescente era de los Redondos. Y no, no fue algo consciente pero está bueno que surja porque es indiscutible que Cerati fue un grosso. En cuanto al sonido, Primero teníamos la idea de grabar todo como trio, pero después fueron apareciendo estas ideas de producción, que nos hicieron ver cuál es realmente el formato de la banda. Recién ahora que sacamos el disco, que lo presentamos en vivo que lo tocamos, nos dimos una idea de cuál es el formato de Ayermaniana. También un poco por lo que hablábamos antes, la idea de trabajar con loops surgía la posibilidad de trabajar con amigos bateristas, percusionistas que aportaran al sonido de la banda. Me llamó la atención que las letras son bastante cortas, pero lo digo en el mejor sentido. Sentí que hay una condensación del sentido de cada palabra. Que son pocas, pero que brillan y tienen un peso específico. ¿De dónde viene esa inspiración? Bueno, la verdad viene de un lugar muy personal de Maxi en realidad. Hace unos años atrás(Maxi) estaba pasando por una situación de vida muy terrible. Una gran pérdida. Y a instancias de

él surgió el de juntarnos y ponernos a hacer música como una forma de sobrevivir. Todos lo seguimos incondicionalmente y es por eso que hoy estamos acá. Pero bueno, no es casualidad que en la poética de las letras esté presente la idea de dos cosas opuestas, la vida y la muerte, la felicidad y la tristeza, un poco por eso, entre otras cosas, es que el título es Flores Negras, que parecen dos conceptos opuestos, por más de que existan las flores negras, uno siempre tiene la idea de que una flor no puede ser negra. El disco debut era más conceptual y tenía mucha más presencia de vientos. Por momentos me recordó el acid jazz, el free jazz. Tenía algo de improvisación. Ese espíritu sin embargo no está del todo perdido en el segundo disco, ¿no? Sí, en el primer disco tenemos por ejemplo un solo de guitarra que salió de una y así quedó grabado. En el segundo también nos pasó eso bastante. Creo que eso pasa naturalmente porque somos una banda que se junta a tocar en la sala, y no tenemos una lista de temas, ni una idea previa de lo que queremos hacer ese día, y entonces ahí mismo van surgiendo las ideas, de manera espontánea, así que nos sorprendemos a noso-

tros mismos con el resultado. Sus canciones les dan una base para seguir experimentando en vivo o funcionan de manera más rigurosa cuando toca ante una audiencia. El año pasado tocamos mucho en vivo, casi continuamente. Y el resto del tiempo nos juntamos mucho a ensayar. Entonces todo lo técnico ya está bastante controlado, por eso el momento en vivo pasa por otro lado, casi diría espiritual, llevar la música a otro plano. Siempre hay partes que son abiertas en nuestros shows. Si bien hay una estructura donde cada uno sabe lo que tiene que hacer. Pero naturalmente tenemos un momento donde uno se manda con un solo y el resto lo entiende y lo sigue. No hay ningún problema entre nosotros con eso. Por ejemplo también cambiamos un tema del primer disco para que el batero tenga un solo.Le damos la posibilidad a cada uno de que se suelte con su instrumento, viaje y el resto lo sigamos. Leí por ahí que además de autogestionar la banda también ayudar a otras bandas, ¿cómo es eso? Sí, somos autogestionados. Un poco por decisión propia. Y otro poco porque sinceramente, de lo más mainstream no nos copa mucho lo que se hace. No se trata de armar una polémica, decir “el mainstream nos parece todo una mierda”. Somos músicos, tenemos amigos músicos, escuchamos de todo. Pero sentimos que lo nuestro pasa, por otro lado, no sé muy bien por qué. Sabemos que hay toda una escena abriéndose, eso interesante, nuestra búsqueda pasa más por hacer nuestro. Autogestionamos todos nuestros shows. Cuando armamos una fecha llevamos nuestras cosas, no tenemos nadie de intermediario. Recién este año estamos viendo de hacer algunas cuestiones burocráticas como para conseguir algunos facilidades. Creo que pasa por ser consciente de que no sos el centro del universo, de que no van a venir a oírte si no te movés. Además nos interesamos mucho por conocer lo que hacen las bandas que tocan con nosotros, nos tiene que gustar lo que hacen para subirnos

a una fecha. Y esta bueno sentirse parte de ese colectivo. Para otras bandas amigas que siguen el mismo camino tenemos a disposición nuestra sala y estudio. ¿Cómo viene el 2018 para la banda? El disco tuvo muy buenas repercusiones por suerte. Ya cumplió un año. En enero estuvimos en Chile. Hicimos cuatro fechas muy buenas. Estuvimos en el Festival Woodstaco, un lugar increíble al pie de la Montaña de Teno. Este año tenemos fechas hasta julio. Una por semana en Capital, seguro. El 23 de febrero tocamos en Almagro en El Emergente. El 24 con los Bluyines en La Plata. El 13 de abril tocamos con Nautilus de Córdoba y Guacho en Capital. En mayo vamos a Uruguay. Tenemos fechas en La Pampa y Córdoba con Knei. En mayo tenemos la presentación del disco de los Hijos Amigos. Durante junio tocamos en Club V. Y varias cosas más entre las que estamos armado temas nuevos, tenemos la convicción de hacer un disco nuevo. Igual siempre decimos que lo vamos a hacer en una semana y tardamos mucho más así que no me puedo arriesgar a que sea seguro. Una de sus letras dice: “eleva tu ser/que los días sin amor/ alteran tu realidad/ hasta la crudeza de estar vivo” ¿Tiene qué ver con los tiempos de crudeza que se vive a nivel social? Sería el consejo para un artista independiente que quiere vivir de su música en 2018? Sí, que se yo. Una vez escuché que Lennon decía que él escribía las letras sin pensar demasiado en que “decir” porque le gustaba que cada uno las interprete como quiera, eso esta bueno. Me gusta que se pueda aplicar a muchas situaciones, por ejemplo que se pueda tratar de algún tipo de droga. O que se trate del amor, quizá que es básicamente eso “elevarse”. Pero bueno, si puede servir para alguien que este necesitando un mensaje de esperanza, bienvenido sea. El tema se trata básicamente de eso. También está bueno salirse del pensamiento de que está todo mal. Digo por lo que contaba antes de mi situación personal, hacer música me permitió sobrellevar una situación de mierda y me pone contento mirar

atrás y mirar al presente al que llegamos juntos. Estamos muy contentos porque se nos amplió la visión de lo que queremos hacer, que es vivir de la música. Y entonces nos ponemos a la altura de las circunstancias, sonamos como queremos sonar. Ensayamos todos los días.

¿Alguna otra cuestión que quieran mencionar antes de despedirnos? Les agradecemos la onda. El periodismo independiente es importante para difundir lo que hacemos.

EL RECOMENDADO The Dharma Jerks

[ Entrevista a Matthieu Schny de The Dharma Jerks por Diego Centurión. ]

ES UNA AFORTUNADA COINCIDENCIA

Nos encanta conocer nuevas bandas, y las posibilidades para hacerlo son múltiples, por medio de agentes de prensa que nos acercan materiales, las redes sociales, las mismas bandas que nos envían su material, por charlas con amigos que nos recomiendan a otros artistas, o simplemente buceando en youtube o por páginas de streaming. El caso de los franceses de The Dharma Jerks llegó hasta mí por el canal de you tuve de Psychoactivtv, el cual recomendamos su lo tuyo es lo referente a la psicodelia. Y luego una cosa trajo a la otra, en el facebook de la revista publicamos el vídeo de la canción "Mary-Anna" y llegó el contacto con parte de la banda. Entonces pensamos acaban de editar el EP debut, entonces por qué no hablar con ellos y conocerlos... Y esto hablamos con nuestros RECOMENDADOS...

No es un proyecto viejo. Existe en la línea actual durante un año y medio. Antes de eso, solo el cantante y el bajista componían algunas canciones juntos. ¿Quiénes integran la banda? Bastien cantante principal y guitarra solista. Él escribe la mayoría de las canciones e ideas. Matthieu, que hace un poco de todo, especialmente guitarra solista y teclas. Algunos tamboriles, y puede ser un poco de mandolina. Aurélien, también conocido como "Daddy" porque no quiere que sus hijos vengan a nuestros conciertos y tiene razón, nuestro bajista. Louis, el baterista. El tipo que se junta con músicos.

¿Cómo llega This Is Not A Method...? Hola.... Es una afortunada coincidencia. El producLa primera pregunta tiene que ver con el tor de una banda con la que tocamos una nonombre de la banda. ¿Cómo nace el nom- che, Charles, estaba en la audiencia y le gusbre? tó nuestro desempeño. Ponemos un cartel en El nombre original se refiere al libro "The el escenario con "Band for sale" escrito en él. Dharma Bums" de Jack Kerouac. La inser- Pocos días después, recibimos un mensaje ción de "Jerks" significa que todos estamos suyo en nuestro buzón y nos fuimos al este inspirados en la Generación Beat (en el mun- de Francia para grabar seis canciones en dos do del rock psicodélico), pero nadie está vi- días en condiciones increíbles. viendo en los valores que se extienden en el trabajo de Kerouac, y es un poco irónico. ¿Qué bandas los influencian? Hay muchas bandas que pueden inspirar¿Cuándo y cómo nace la banda? nos, desde la música de los años cincuen-

ta hasta la música rock reciente. Pero como marcador, usualmente damos tres nombres que abarcan nuestro tipo de música: The Velvet Underground (Raíces de las raíces), Brian Jonestown Massacre, Black Lips y Nana Mouskouri, por supuesto. ¿Qué planes tienen para este 2018? Nuestro objetivo es hacer todos los conciertos posibles, principalmente en Francia, donde vivimos, estar en el escenario, conocer gente, descubrir lugares y mostrar nues-

tro trabajo y habilidades. Al mismo tiempo, cuando nuestros horarios nos permiten hacerlo, trabajamos en nuevos sonidos y canciones para grabar un segundo EP durante los siguientes meses. ¿Por qué los oyentes no deben perderse la música de The Dharma Jerks? Porque es genial y porque nuestro cantante es vegetariano. ¿Quién escucha música por otros motivos?

Y para terminar, ¿dónde pueden encontrar a The DharmaJerks? Si buscas música: https://www.youtube.com/channel/UC59aBbcGNbliukSQ7l3mSZg https://open.spotify.com/artist/755wPulO5CeQWhAEdXEEXH https://www.deezer.com/fr/artist/11344942 https://thedharmajerks.bandcamp.com/ Si buscas cosas estúpidas y noticias: https://www.facebook.com/thedharmajerks/ https://www.instagram.com/thedharmajerks/ Si buscas a los miembros de la banda, probablemente en el bar.

Descubriendo la Magia

Hoy: DEAD GUITARS - FEELS ALRIGHT (2008) Entrevista a Carlo Van Putten por Diego Centuriรณn

Siempre hay un motivo real para brindar, decía una publicidad en Argentina, y traspasando esa frase a Dead Guitars siempre encontramos un motivo para comunicarnos con la banda. En esta ocasión el motivo es la conmemoración del décimo aniversario del EP "Feels Alright" pero también saber sobre las noticias actuales de Dead Guitars. Así que otra vez nos comunicamos con Carlos Van Putten, la voz de la banda. Hola Carlo un placer volver a comunicarnos contigo. Para dar comienzo a esta entrevista te pregunto por las sensaciones que te genera saber que desde el lanzamiento de "Feels Alright" han pasado diez años. Hey Diego, gracias por preguntar. Sí, ha pasado mucho tiempo desde ese lanzamiento. ¡Pasaron muchas cosas en esos 10 años! Mirando hacia atrás, creamos cuatro álbumes de estudio, Airplanes, Flags, Stranger y Shelter. Una gran gira en 2008 con nuestro amigo Wayne Hussey y The Mission, hicimos algunos conciertos con nuestro amigo Mark Burgess y The Chameleons y nos divertimos muchísimo por nuestra cuenta, así como en algunos festivales de Europa. Mencionar todas las sensaciones tomaría mucho tiempo y espacio en este momento. Creo que éramos una banda sensacional. Nunca salimos del escenario sin un bis. Las personas con conjeturas notarán eso cuando nos hayamos ido. Después de “Airplanes”, extraen la canción “Feels Alright” y publican estas canciones. ¿Es material que quedó fuera del álbum debut o se trata de canciones escritas para este lanzamiento? Sí, esas canciones no llegaron al álbum. "I See" la tocamos varias veces en vivo y era una canción real en vivo. Siempre ha sido genial tocarlo en vivo, porque realmente se sacudió. "Delicate" y "Secrets" fueron demos que empezamos con Pete Kurt y yo, antes de que Ralf se uniera al grupo. De alguna ma-

nera, todos decidimos sacar un EP con esas pistas. Supongo que la compañía discográfica nos dijo que les encantaría sacarlo. ¿Qué recuerdas particularmente de la grabación de las canciones que están en este EP? Sí, lo recuerdo exactamente. Fue en un encantador estudio "Blubox" con nuestro amigo Guido Lucas quien lo produjo. Tristemente, Guido falleció el año pasado. Fue una gran vibra y la banda estuvo tan cerca como una banda puede ser. Solo algo bueno podría salir de esa simbiosis. Hablamos de los primeros años de la banda, año en el que fueron soportes de The Mission, aún se pueden ver muchos videos en youtube, como Cologne o Barcelona ¿2008 fue un gran año para la banda? ¡En realidad lo fue! Hicimos una gran gira como grupo soporte. The Mission nos amaba, la multitud nos amaba y nos amamos. Creo que no podríamos acercarnos más y tener más éxito. Toda la tripulación de The Mission nos cuidó como si tuvieran dos bandas para cuidar. Los miembros de la banda de The Mission fueron generosos y siempre amigables. No hay sonido típico de mierda para la banda soporte. Vendimos muchos cd's y todavía estamos cerca de The Mission. Trajimos "Flags" directamente después de la gira y algunos miembros de The Mission se unieron durante las grabaciones. También hice un dúo con Wayne en "Isolation". Todavía tenemos un contacto cercano. Cuando escucho Airplanes siento la obligación de seguir con Feels Alright. La sensación es que ambos se fusionan para dar paso a una nueva sonoridad que llega con Flags. ¿Crees que Airplanes y Feels Alright es la base del sonido de Dead Guitars, desde el cual comienzan a edificar el sonido de la banda? Es decir, ¿ambos son la base de todo el sonido de Dead

Guitars? Creo que tienes razón, ahora que lo pienso. Esas canciones crearon la sonoridad y construyeron la base que hizo que Dead Guitars suene como lo hicimos. Una base de sonido fundamental que llevamos a la recreación de material nuevo desde entonces.

¿Nos puedes contar algo de cada track? Feels Alright

Todo se sentía bien, después de años de dificultades, crisis de relaciones, un divorcio, la muerte de un amigo cercano, todo parecía comenzar de nuevo... luz al final de un túnel.

I See (Long)

Empecé a ver de nuevo, finalmente, después de haber estado ciego durante un par de años. Ciego por el amor que recibí. Ciego para el éxito.

Delicate

Dedicado a las personas que fallecieron en mi vida... mi padre, mi madre, mi hermano Adrián, todos los que están a mi lado. Pero también un "gracias" a mi ex esposa (oh dulce y delicada hermana). Que siempre estuvieron ahí para mí... incluso cuando los defraudé de muchas maneras.

Secrets

Todos los tienen, ¿no? Simplemente no deberíamos avergonzarnos de eso.

Estamos dando los primeros pasos del 2018, ¿en qué anda la banda hoy? En este momento no jugamos en absoluto, porque tenemos un descanso creativo. Después del último álbum "Shelter" decidí que no quería hacer otro álbum inmediatamente. La banda quería, pero tenía miedo de repetirme. Creo que necesito ser y sentirme libre y proponer buenas letras y melodías de canciones. Pensé que "Shelter" era un gran álbum, no se puede subir de inmediato. No soy una fábrica de melodías y letras. La banda decidió comenzar un nuevo proyecto con Pete Brough como cantante. Creo que es bueno que lo hagan. Pete de alguna manera siempre quiso cantar, ¡y creo que tiene una voz brillante! Escribió "Should I" y lo cantó antes de que me pidiera que cantara en la canción. Estoy trabajando en nuevos demos con mi antigua banda The Convent y acabo de grabar 4 pistas para un nuevo álbum de White Rose Transmission con "Florian Bratmann" que también tocó en el primer álbum

de WRT con Adrian Borland. En abril de este año toco con el Convent y Mike Dudley (el baterista original de The Sound) en Bremen / Alemania. Tocamos 9 canciones de The Sound. Será después de que el documental de Adrian se muestre en un cine allí. Como ves, tenemos mucho en común. No sé si Dead Guitars volverán a tocar para ser sincero contigo. Todos estamos muy ocupados en este momento. Ya veremos, también pensé que The Convent nunca volvería a tocar. De repente lo hacemos después de casi 15 años de silencio. Este último espacio es para le digas a los lectores lo que tú quieras. Vive tu vida, abrázate, cuida a los indefensos, envía amor, permanece despierto, permanece cerca y resplandece para siempre. ¡Gracias Carlo! ¡Gracias Diego!

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: AVE FENIX DURAN DURAN – “THE WEDDING ALBUM”

La primera vez que escuché “Ordinary World” quedé deslumbrado. Un amigo me preguntó en aquel momento que tal estaba el nuevo tema de Duran Duran, y yo respondí en forma inequívoca: “Es el nuevo Save A Prayer”. Y eso me generaba una inmensa alegría como fan de Duran, porque por aquel entonces, realmente creía que Duran Duran tenía sus días contados. El motivo principal para tal creencia era el estrepitoso fracaso que comercialmente significó el lanzamiento de 1990 “Liberty”. Y no es que fuera un disco tan malo como se decía, pero sí era un disco bastante irregular e indefinido. Para hablarlo en términos de vinilo: el lado A era espectacular, el lado B era decepcionante. Y en general, todo artista tiene sus años dorados y después viene un período de decadencia. Algunos logran recuperarse, otros no: si hasta le pasó a U2! En un documental de MTV de fines de los 90’s, Nick Rhodes hablaba de lo mal que le fue a “Liberty” en Estados Unidos, y con honestidad le preguntó al entrevistador, en referencia al público: “¿Por qué no lo compraron?”. “Liberty” contiene dos temas que Simon Le Bon considera de las mejores creaciones alguna vez lanzadas por Duran: “Serious” y “My Antarctica”. A esa lista yo agregaría el track “Liberty” (que fue pensado como tercer corte, pero nunca llegó a serlo debido al escaso interés que despertó el disco). Sin embargo, fue el propio Simon Le Bon quien lo definió alguna vez como un álbum hecho sin concentración y a las apuradas. La reseña especializada de AllMusic.

com le pega con un caño: “the group has no idea what direction it wants to pursue”. En esta novela tiene un rol fundamental el ex Frank Zappa y ex Missing Persons, Warren Cuccurullo. Retrotrayéndonos al año 1986, Warren supo antes que nadie que Andy Taylor (guitarrista oficial de Duran desde sus inicios) no pensaba volver a grabar con Duran Duran (o sea, que iba a dedicarse full time a su carrera solista). Oportunamente Warren pidió una audición para postularse como guitarrista de Duran Duran, y así empezó a formar parte de esta historia. Primero como músico de sesión para los álbumes “Notorious” y “Big Thing”, y hacia 1989, Cuccurullo ya era nombrado miembro oficial. Justo para la época del bajón. He leído alguna vez que el verdadero artífice de “The Wedding Album” fue Warren: cuenta la leyenda que el resto del grupo estaba absorto ante la hecatombe post “Liberty”. En aquellas épocas, John Taylor estaba luchando contra su adicción a la droga, y Simon Le Bon muy desanimado. El futuro no parecía nada brillante. Pero Warren sacudió el avispero, los molestó, los hizo levantarse de la cama, los hizo componer y los hizo grabar. Gracias a él y a Nick Rhodes, hubo otra oportunidad. Claro, nadie hace magia: cuando para principios de 1992 el nuevo álbum estaba cocinado, hubo que sortear el poco interés de las discográficas en editar nuevo material de un grupo al que había que revivir con

electroshock. Pero algunas canciones comenzaron a filtrarse por ese fenómeno en auge que era internet, y mientras viejos fans volvían al redil, nuevos fans se generaron. Para diciembre de1992 “Ordinary World” era lanzado como single (previa difusión por la radio) y los resultados no se hicieron esperar: Duran Duran volvía a existir en el Top 5 de EEUU y en varios otros países del mundo. “Ordinary World” es una balada cálida, con un riff ganchero excelentemente logrado por Warren Cuccurullo. La letra fue compuesta por Simon Le Bon y es la segunda de una trilogía dedicada a su amigo David Miles, que completan otras dos sobresalientes composiciones del cancionero duraní, a saber: “Do You Believe in Shame?” y “Out of My Mind”. El camino allanado por “Ordinary World” fue bien aprovechado y el 11 de febrero de 1993 se edita el disco “Duran Duran”, más conocido como “The Wedding Album”. La recepción

exclusivos para países como Japón, Francia o Brasil. Ahora más maduros, los Duran comenzaron a ser reconocidos por la misma gente que años atrás los denostaba y solo los consideraba un producto fabricado para calentar colegialas. Con este insospechado giro, la banda reformulaba su imagen para convertirse en un fenómeno del rock respetado por seguidores de otros géneros. Cosecharon así nuevos seguidores no solo entre adolescentes, sino también gente de mediana edad de una década distinta de aquella que había visto a Duran Duran consagrarse como fenómeno masivo a nivel mundial. Fue particularmente notorio el impacto que produjo “The Wedding Album” en Latinoamérica: de la mano de la recientemente iniciada MTV latina, los singles recibieron amplia difusión. Los lazos con América del sur se fortalecieron y los ex chicos salvajes grabaron su primer video por estas tierras, que correspondió al

fue excelente: desde los años de “Rio” que una producción de Duran no recibía tantos elogios. Con la crítica positiva, el interés del público recuperado y todo el viento a favor, en marzo de 1993 sale un acertadísimo segundo corte, “Come Undone”, segundo top 10 consecutivo en Norteamérica. Esa maravillosa composición iniciada por Cuccurullo y Rhodes iba a formar parte de un proyecto alternativo a Duran, pero cuando Simon Le Bon tomó la posta y empezó a escribir la letra que dedicó a su esposa Yasmin, la suerte quedó echada. Un tema que entró al disco a último momento para darle al mismo un toque más suave y menos dance que como venía perfilando. Tras dos excelsas baladas, el tercer corte sería la energética “Too Much Information”. Siete singles se cortaron en total de esta placa, algunos de los cuales fueron

tema “Breath After Breath” a dúo con Milton Nascimento y que se nutría con imágenes de Argentina, Brasil y Uruguay, países por los que estuvieron de gira por primera vez. Pasaron 25 años de aquella epopeya, de aquel regreso inesperado. Aun así, es bueno tener claro que los altibajos nunca fueron extraños para los Duran, que volvieron a caer con el disco siguiente, perdieron a John Taylor como bajista y se volvieron a recuperar años después, especialmente con el regreso de los 5 miembros originales del grupo en el álbum “Astronaut” (2004), que padeció como contracara la triste partida de Warren Cuccurullo y el final de su ciclo. Como ha quedado expuesto, de estas cenizas el Ave Fénix ha resurgido varias veces… y no dejará de hacerlo.

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 12: LA LLAMA ETERNA

81 ¿Escucho canciones de amor porque estoy enamorado, o estoy enamorado porque escucho canciones de amor? Escribo esto a horas de San Valentín, día tan festejado como defenestrado, lo primero cuando uno está enamorado y lo segundo cuando no, todos siguiendo la filosofía de Jim Morrison (“People are strange when you are a stranger / Faces look ugly when you are alone). Pero la falta de indiferencia ante la fecha es otro argumento más a favor de la relevancia del amor. El amor romántico es un concepto muy combatido por la posmodernidad, y se lo ha reducido a tanto reacciones químicas del cerebro como a un constructo burgués (casi todo es reducido a un constructo burgués por la posmodernidad salvo, sospechosamente, la posmodernidad misma. Los siempre sagaces Pet Shop Boys parodian esta perspectiva en un brillante tema del 2013 titulado, justamente, “Love is a Bourgeois Construct”). Hacer esto, sin embargo, equivale a negar la historia de la canción y, por ende, la historia de la humanidad. Las canciones han anhelado al amor romántico desde tiempos inmemoriales. Como explica Johnny Cash en “Before My Time”: There were songs before there was radio / Of love that stays and love that goes / They were writing melancholy tunes / And tearful words that rhyme / Before my time / Before my time Old fashioned love words spoken then / Keep coming back around again / Nothing’s changed except the names / Their love burns just like mine Aun así, incluso dentro de la música tenemos mensajes muy contradictorios. “Love will tear us apart” canta Joy Division; “Love is all we have left” canta U2. Una vez más, de todas formas, el tópico no deja indiferente a nadie. Es el poder del amor el que puede elevar hasta a la letra de un tema de Backstreet Boys a una plegaria: “No me importa quién sos / qué haces / ni donde estuviste / mientras me ames.” Las diferencias entre una canción y amor y un himno religioso, después de todo, son solamente contextuales. Si nos despojamos del cinismo posmoderno y tomamos, por lo tanto, al anhelo del amor romántico como axioma universal, podríamos considerar a “Eternal Flame”, el single de 1989 de las Bangles, como la mejor canción de todos los tiempos. El tema se basa principalmente en un estribillo sencillo que sin embargo parece encapsular todas las esperanzas de la humanidad, el deseo universal de ser entendidos, amados y correspondidos: “Close your eyes / Give me your hand / Do you feel my heart beating / Do you understand / Do you feel the same? / Am I only dreaming / Or is this burning an eternal flame?” Estas líneas resultan tan efectivas que la canción no necesita mucho más: hay un pequeño (aunque épico) bridge, un deliciosamente elegante arreglo instrumental de guitarra, pero básicamente el tema funciona gracias a la repetición cual mantra del estribillo, que cobra una intensidad abrumadora al final de la canción gracias a las voces añadidas de las Bangles, aquí representando a la raza humana rezando por encontrar ese tan anhelado fuego inolvidable. Una visión menos idealizada pero igualmente conmovedora del amor romántico es la que nos ofrece Nelly Furtado en “Try”. Es difícil perdonar a Nelly por “Maneater”, pero encontremos en nuestro corazón la fuerza y comprensión para recordarla por tiempos mejores (en San Valentín, después de todo). Su disco del 2003, Folklore, es una delicia más cercana musicalmente a la obra de David Byrne que a la de cualquiera de sus contemporáneas. Lo que es más, la composición de las canciones en sí está a la altura del sonido. “Try”, el tema en cuestión, es notable no sólo por su hermosura sino por ofrecer una perspectiva adulta del amor no demasiado común dentro del pop radial. “Todo lo que sé / es que no todo es como te lo venden / pero mientras más crezco menos sé / Y aun-

que no soy vieja / he vivido tantas vidas / Y mientras más veo, menos crezco / Mientras menos semillas, más planto” El tono de la canción, desde un principio, es hastiado. Pero después irrumpe el estribillo, con la infalible secuencia de acordes Em / C / G / D, donde Nelly contrasta esta perspectiva con la influencia de su amor: “Y entonces te veo parado ahí / Queriendo más de mí / Y todo lo que puedo hacer es intentarlo.” Lo que Nelly parece estar diciendo es: sí, estamos rotos. Sí, no es fácil. Pero la presencia de un ser amado en nuestras vidas nos impulsa hacia lo imposible: a “seguir cuando de ninguna forma podemos seguir”, como define Tom King a la condición humana en su maravilloso comic The Vision. De vuelta a la estrofa, continúa la visión hastiada. “Mientras más aprendo, más aprendo; mientras más lloro, más lloro.” No hay finales perfectos ni cierres cual narrativa, sólo experiencias acumuladas. Pero después el estribillo vuelve a redimir, con el añadido de esta potente línea: “Y entonces te veo parado ahí / Soy todo lo que voy a llegar a ser / Pero todo lo que puedo hacer es intentarlo.” Somos lo que somos, pero aunque sea imposible llegar a dar más, no podemos evitar tratar de hacerlo por alguien más. En vez de abusar de este estribillo matador, Nelly no lo vuelve a repetir (dejándonos con ganas de más), sino que opta por cerrar la canción con un clímax casi improvisacional. “Todas las cosas que queremos que el otro sea / Nunca las seremos / Y eso es maravilloso / Esa es la vida”. Ya anteriormente en la canción Nelly se había despedido de “el estilo de vida que pensaba haber diseñado para mí.” El amor destruye todos los planes, y probablemente para bien, si uno se abre lo suficiente (ya lo había dicho Steve Nicks: “El trueno sólo ocurre cuando llueve.” La línea final de la canción es “somos libres en nuestro amor.” Lejos de parecer cursi, después de toda la lucha narrada en las estrofas, la declaración toma proporciones trascendentales. Es como si Nelly hubiera sometido a “Eternal Flame” a la prueba de las vicisitudes de la vida y descubierto que, una vez dicho todo, la llama sigue ardiendo. Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos Whoa, Nelly! de Nelly Furtado, Yours to Take de Gabo and the Others y The Collection de The Bangles.

NETLABELS EL FUTURO AL ALCANCE DE UN CLICK

SIGLO XXI. Estamos ante un cambio de paradigma en la manera de distribuir y comprar música, las grandes compañías se aferran a viejos códigos y las estructuras comienzan a tambalear… pero esto no es nuevo esto pasa desde el nuevo milenio. Y los pequeños sellos han proliferando y una cantidad incalculable de bandas y artistas asaltaron las redes sociales para promocionarse. Como dije antes, la cantidad es incalculable e inabarcable, más si tenemos en cuenta que muchos artistas editan y lanzan sus productos independientemente. Si sumamos esto último la cantidad aumenta considerablemente. En el Universo de los sellos independientes, o que tratan de subsistir autónomamente podemos encontrar sellos especializados en estilos particulares de música y esto es lo que queremos mostrar en “Netlabels”. Pero lo queremos presentar desde sus últimos lanzamientos, con la idea de que el interesado busque y se entere de estos sellos o netlabels.

Hoy presentamos a la Netlabel:

NEBULAR SILENCE

"Desde viajes siderales y atmósferas evocadas, el netlabel Nebular Silence nos trae la música interestelar de su discografía. Tal como su nombre lo indica, se trata de una nebulosa que reúne varios artistas ubicados en distintos puntos del planeta Tierra para tratar de acercarnos a la principal fuente de la música ambient: el silencio. Por esta razón se recomienda escuchar la propuesta musical completamente a oscuras para así dejarse llevar por los soundscapes."

Nebular Silence es un proyecto fundado en febrero del 2015, que crece a paso lento pero firme. Ha publicado más de treinta discos incluyendo dos compilados “Nebular Silence Various Artists” en los cuales han participado algunos músicos de renombre como Ulises Labaronnie y Pablo Suárez. En 2016 publicó un cooperation sampler junto al sello alemán Aumega Project titulado “A Trip Into a New State of Mind”. Ya en 2017, Harald Gramberg publicó “Gravitation” bajo el ala del netlabel. Su creciente popularidad hizo que sea considerado uno de los mejores discos progresivos en lo que va del año, de acuerdo a Snake Oil Audio2. Redes: https://www.facebook.com/nebularsilence/ https://www.instagram.com/nebularsilence/ http://nebularsilence.tumblr.com/ https://www.youtube.com/channel/UCphr2ez1uhGhpOeF-JyESUQ/featured https://soundcloud.com/nebularsilence Red Plane - Edison Signet Origen: San Petersburgo, Rusia Fecha de lanzamiento: 09 de Enero de 2018 Red Plane es el proyecto de David Red. Está construido sobre la creencia de un avión rojo es un reflejo del mundo que lo rodea y viceversa. Estados de cosas vivientes reflejadas a través de cosas sin vida. Descomposiciones musicales con una sensación surrealista. Harald Gramberg & Sylvia Koloski - Spring Time Origen: Mülheim, Alemania Fecha de lanzamiento: 06 de Febrero de 2018 Es un periodista, musicalizador y artista de sonido de Alemania. Su música es un viaje electrónico-psicodélico con una atmósfera melancólica y un tono espacial, en el espíritu de los sesenta y setenta. Va desde soundscapes ambientales a electrónica experimental y avant-garde. Todos los instrumentos son interpretados y arreglados por Harald Gramberg, entre los años setenta y la actualidad. Santolo Marotta - The Origin of the Universe Origen: Nola, Napoli, Italia Fecha de lanzamiento: 13 de febrero de 2018 Es un DJ, compositor y escritor italiano. Su formación musical es bastante amplia y ecléctica: parte de la música clásica y llega al House French y al Techno, con preferencia por la Kosmische Musik alemana de los 70, la IDM británica de los 90 y el minimalismo de artistas como Erik Satie, La Monte Young y Terry Riley , Steve Reich y Philipp Glass.

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

Hoy:

The Fall TheFrenzExperiment (1988)

The Fall - The Frenz Experiment Label: Beggars Banquet Fecha de Lanzamiento: 29 de Febrero de 1988. Este espacio suele ser de reseña de un álbum entero de un artista o banda, pero reciéntemente hemos tenido la noticia de la partida de Mark E. Smith. Si bien ya nos hemos encargado de hacerle un tributo al comienzo de este número, no queríamos dejar de hacer otro sobre su banda.

Track 01: "Frenz"

POR MIKE POUGONAS Pougonas (The Flowers of Romance – New Zero God)

Abre el décimo álbum de estudio de The Fall, "The Frenz Experiment". Lanzado en 1988, el álbum alcanzó el número 19 en la lista de álbumes del Reino Unido por lo que es el primer top 20 de la banda. Originalmente Smith quería que el álbum se titulara "Gene Crime Experience" hasta que se dio cuenta de que se deletreaba GCE (Certificado General de Educación). "Frenz" es una canción triste. Encuentra a Mark E. Smith repitiendo que sus verdaderos amigos son tan pocos que "no es suficiente por un lado"... A Smith siempre le gustó crear circunstancias caóticas en la banda. La música es minimalista, la estructura se divide en lo esencial, y desde un lugar oscuro y antipático, la voz de Smith es alta, clara e incolora, creando un anuncio poético: "No hay muchos amigos de verdad en nuestra vida..." Es triste que algunos artistas como Mark E. Smith no reciban la apreciación que merecen mientras están vivos, incluso si influenciaron a otros artistas famosos como Morrissey...

POR LUIS MARTE

La cadencia casi hipnótica de una canción, a veces te lleva a lugares que en este caso de Frenz de la banda The Fall, se trastoca en una esquizofrenia casi contenida. Mark Smith y sus secuaces comienzan un disco con este track, haciéndonos la advertencia AJUSTENCEN LOS CINTOS QUE SE VIENE LO BUENO. Sin dudas The Fall y el mismo y querido Mark son inmaculadas perlas casi perdidas en un mar de ostras gigantes, son de esas bandas que por ahí no se te ocurren escuchar habitualmente, pero, que ni bien suenan un poco saltan de inmediato a un panteón de celebridades que amas, tal vez muy rockers y a la vez con muchos colores under. Frenz nos recuerda a un Joy Division más casual, no tan cuidado, pero con ese mismo espíritu, y sobre todo repetitivo una y otra vez sobra una misma idea, que hasta tomada en una sola frase parece inocente, pero que se vuelve opresora con la constante repetición……. My friends don't add up to one hand My friends don't amount to one hand Simplemente escucharlos……… (Do you count them?)

Track 02: Carry Bag Man POR RICHIE THOMAS (Lost Horizons – Dif Juz)

La bolsa de plástico sugiere la idea de que el contenido de la bolsa no puede ser de alguna manera lo suficientemente importante como para transportarse en una adecuada tipo de bolsa duradera. Esos niños de la escuela, por ejemplo, que venían luciendo sus adorables bolsas de Adidas y Gola / Nike, llevaban sus cosas en una bolsa de plástico de aspecto temporal porque sabían que no era la bolsa lo importante, sino lo que había en ella. ... y además no querías parecer como si te importara, esto me recuerda a Mark E Smith y The Fall. La exquisita actitud indiferente del norte, observando la desesperación de nuestra vida cotidiana con humor e ironía y enviándonos de regreso para que no nos tomemos demasiado en serio... no fue solo música y poesía, fue la medicina perfecta.

Track 03: Get A Hotel POR MIKE BEE (Last Bee on Earth / The Winachi Tribe)

A medida que el redoble de la introducción nos lleva a un ritmo impulsado por los bajos, Mark nos dice que tenemos que conseguir un hotel hoy, en un estilo Crooner más de lo habitual.La canción comienza con un excelente sonido y un riff de órgano, añadiendo algo de vibración de Halloween en torno al riff de bajo para que Mark... bueno, Mark E Smith lo supere.Toda la pista me recuerda, extrañamente, de una manera retorcida, retrospectiva, a la vibra de Doors. Escondido en lo profundo debajo de las guitarras disonantes y el paisaje sonoro industrial que de alguna manera siempre se junta, sin importar su encarnación, como The Fall... Líricamente es liviana en comparación con la mayoría y la producción se elimina. Pero no me importa. ¡Me gustan las canciones de The Fall que ni siquiera me gustan! Esa es la magia de Mark E Smith. Un talento único que no se comprometió. Una verdadera estrella. ¡Gracias por tu existencia!

POR EMILIANO MONTENEGRO (Budapest - postpunk)

Buscar. Antes que todo concluya. Antes que nada sea. Antes de que culmine esta frase. Seguimos buscando. El simbolismo va más allá de cada acto. De cada acción. Se imprime. Se inyecta. En lo que realizamos. Un hotel es un hotel. ¿Pero acaso no todos buscamos refugio? Ante lo inevitable. Lo perecedero. Antes de dejar de ser. Debemos al menos; Buscar.

Track 04: Victoria Por MARK GEMINI THWAITE (Gemini Nyte / The Mission / Peter Murphy)

"The Fall siempre fue una de esas bandas que parecía estar siempre a mi lado, creciendo en la escena musical de finales de los 70 y 80. Parecían lanzar un álbum cada año, si no más, y en Mark E Smith tenían el líder indie rock consumado, tan desafiante e importante como Ian Curtis en esa escena alternativa del Reino Unido de principios de los 80. Curtis falleció al principio de su carrera, y ha sido idolatrado desde entonces. Smith continuó, por supuesto, haciendo su propia marca única de comentario social que es exclusivamente británico, hasta su desafortunada muerte este año, y parecíacambiarla formación de la banda casi en cada álbum, pero su contribución a la escena musical británica no es menos importante. “Victoria” fue uno de los singles más melódicos de la banda, por supuesto que ayudó que era un clásico de Kinks, compuesto por el legendario Ray Davies, pero como de costumbre, Mark E Smith insertó su propia marca de tiempo y entrega para hacer de este uno de mis singles favoritos de finales de los 80.

POR DANY PUNX

Excelente cover de THE KINKS –al buen ARTHUR 1969-adaptado al sonido postpunk de THE FALL MARK SMITH aprovecha la letra ,el sarcasmo y la critica tan propia de RAY DAVIES para darle una vuelta de tuerca al tema y explorando la critica a la sociedad inglesa del siglo 19... Entre otras versiones están la de THE KOOKS ,CRACKER Y SONIC YOUTH.

Track 05: Athlete Cured POR LEE STEVENS (THE SWAGGER)

POR ZENITRAM (RICHTER)

A veces "Creo que pienso que esta canción el post-punk está magnace cuando níficamenel punk, en te hecha con el paroxismo letras bien de la alienahabladas y ción y la ratiene una forbia, después ma única de del ataque de expresar las furia, larga una estrepitosa risotada, una carpalabras a su manera. Esta canción cauti- cajada de humor dudoso, desequilibrado. Lo va el sonido y la imagen de The Fall. Mark pienso, por ejemplo, cuando escucho “AthleE Smith es una leyenda completa y tiene un te Cured”. Si bien The Fall ha logrado proestilo y una voluntad única. Será tristemente longar esta especie de locura postraumática extrañado, gracias por la música RIP." del punk por décadas, el track 5 de su fundamental “The Frenz Experiment” es un extracto condensadísimo de esta… patología(?) artística tan fabulosa. Está “Frankie Teardrop” de Suicide ahí, y también “Age of Consent” de New Order. Hay surrealismo sociopolítico desopilante, más narrado que cantado al purísimo estilo Mark E. Smith, sobre una base sólida (esos riffs de bajo que propulsan a The Fall!!!), y aunque ya sonara un tanto demodé para la época (se trata de un post-punk bastante tardío), luce una impecable producción bien 1988. Me encanta cuando en un solo tema confluyen varias ideas, y lejos de descuajeringarse, se complementan… esto es lo que siento en “Athlete Cured”.

Track 06: In These Times POR BENJAMÍN TOMAS HOLTON (EPIC45 / MY AUTUMN EMPIRE / WAYSIDE & WOODLAND RECORDINGS LTD.)

Todos los rasgos distintivos están ahí. La Conducción incesante del ritmo, la repetición, la repetición, la repetición y, por supuesto, esa voz. Pero han sido rediseñados y refundidos en un nuevo material brillante. Si esto fue un avance de un Sonido The Fall más elegante y suave, es un testimonio de la visión singular de Mark E Smith y la fuerza de la banda en ese momento que, incluso dentro de este nuevo caparazón brillante, su poder hipnótico primario apenas está contenido. En los próximos años, la materia orgánica del grupo se incluiría cada vez más en una armadura de batalla tecnológicamente avanzada. Un exoesqueleto Cyber-Fall hibridizado por tecnología (del que se liberaría en una fecha posterior). Pero aquí fue un pre-cyborg Fall. Aerógrafo tal vez. Pero no encadenado.

POR BILLY TEQUIERO (PERLAS TUS OJOS / BUDAPEST-POST PUNK)

Entre edificios semi-vacios,y zonas industriales lúgubres ubicándonos en el Reino Unido, exactamente en Manchester, se cuenta que a mediados de los setenta Ian Curtis mientras se dirigía a su trabajo solía cruzarse con ser muy parecido a él: Mark E. Smith, voz de The Fall. Lo podría definir como un brujo chamánico expulsando en sus embrujos una gran infinidad de semas, rasgos, narcóticos, fracturas, características propias de alguien que intenta cambiar, criticar y crear ¿la realidad? En “In these times” canción extrema y delirante no deja de apreciarse un realismo tan propio como el que se vive hoy en día, y lo mejor, lo que transmite es que uno tiende a pensar que sí, que a lo mejor, abandonar este planeta no sea tan mala idea. Algo similar y con sumo realismo escribió Ray Bradbury en un cuento cuyo nombre termina perdido en mi cerebro pero que guarda estrecha relación con “In these times”. Realismo, abandono, perdido, vacío, realidad, brujo, cambiar, chaman, semas que le dan forma al texto a la hora de escribir sobre la sonoridad, la repetición constante entre bajo y guitarra y esos ritos escupidos por Mark E. Smith que transmiten lo genuino y poderoso de su escritura.

Track 07: The Steak Place

POR ALFREDO BONILLO (ORQUESTA ROJA / AMORE E ANARCHIA)

La cabeza baja, la cabeza baja Un tonto de la Comunidad Británica condujo hasta aquí, desde la autopista desesperado por comida, desesperado por un descanso. Manchester: urbe industrial en decadencia, desempleo, pobreza, polución. Camus, Burroughs, Ginsberg, Orwell, Philip Dick, Mailer, Can, Captain Befheart, Velvet Underground, The Monks, todo el Rockabilly de Sun Records , Italo Disco, el partido socialista de los trabajadores y tres cosas como lema: Repetición, Repetición y Repetición Alfombras baratas marcan el camino Puertas con manijas de tachuelas de aluminio Candelabros con cabezas de leones Carniceros se exponen también Tres acordes; E, G, A….Mi mayor, Sol mayor, La mayor Brix Smith y Craig Scanlon en guitarras, Steven (el sonido de The Fall) Hanley en bajo, Simon Wolstencroft en batería, Marcia Schofield en teclados, Simon Rogers en producción y Mark E. Smith (“el renegado”, en su biografía) en las voces. 3:56 minutos de realismo mágico, mezcla de mugre industrial con lo sobrenatural y misterioso, estructura y tufo rockabilly, pero en mid tempo, minimalismo puro y repetición, no sobra nada, no falta nada,el maravilloso y aterrador mundo de The Fall. A través de reses colgadas traen cosas para comer Veo los rincones llenos de asesinos a sueldo dos jóvenes abogados están cuchicheando en el restaurante del bife (restaurante al paso) Desconfiado de todo lo académico y de cualquier tipo de arte aceptado por el sistema, Mark E. Smith después de ver a los Sex Pistols en junio de 1976 se dijo a sí mismo y a sus amigos: “yo también puedo hacer esto, no parece difícil”…. 31 discos de estudio, 32 discos en vivo y más de cuarenta años de carrera le dieron la razón.

97 Fue como un director técnico de músicos en su mayoría inexpertos. Quiero quedarme aquí no quiero ir a ningún lado podría quedarme aquí Detendría la automatización, me sentaría detrás de manteles sucios, hablaría con asesinos a sueldo, mostraría una cara plácida. Un grupo inusual desde el principio, no iban a la moda, no eran cool, como la mayoría de las bandas de Manchester; gente común de la clase trabajadora. Siempre diferente, siempre igual. Corriendo a los gritos desde New York, hasta los estados de New England, un hombre no debería hacer esto, un hombre no debería usar sus puños en el el restaurante del bife Quiero quedarme aquí no quiero ir a ningún lado podría quedarme aquí La cabeza baja, la cabeza gacha La cabeza gacha, la cabeza baja Su música fue inspiración e influencia para montones de bandas a cada lado del océanoLa música de TheFall ha sido utilizada como banda sonora de películas y programas de tv, “necesitaba la plata, no todos somos Elton John” diría en referencia a una campaña de la televisión inglesa. Originales desde el primer día, para nada cómodos, construyeron un culto combinando música primitiva con letras inteligentes. Son catalogados de Post punk pero exceden ese género. Un cocktail explosivo siempre con la rabia intacta. Quiero quedarme aquí no quiero ir a ningún lado, Me quedaré aquí. Mark E. Smith 1957-2O18

Track 08: Bremen Nacht POR CARLO VAN PUTTEN (DEAD GUITARS / WHITE ROSE TRANSMISSION / THE COVENANT)

“Something happened in Bremen, I know Something I don't want to Something under the ceiling muttered Something in its steel shutters Underlining my usual timing Aligning casual set-list And it aligned? Knowing where right room is I was more than usual pissed” (Mark.E Smith) Parece que Mark.E Smith ha estado en los lugares a los que solía ir cuando vivía cerca de Bremen. Me emborraché, desperdicié y sin encontrar un camino de vuelta a casa esa noche. Recuerdo esas noches en Bremen yo también. Mark era un cantante, compositor y cantante singular e inusual. No llegué a TheFall de inmediato para ser honesto. Tomó su tiempo como un buen vino tinto... lo dejó por un tiempo en mi sótano. Incluso tuve boletos para verlos en abril de 1988 en Bremen. Tuve una fiebre fuerte y no pude ir tristemente y le di mis boletos a un amigo cercano. Me dijo al día siguiente que era uno de los conciertos más impresionantes que había visto en su vida. Incluso me puse más enfermo después de eso. TheFall tuvo que permanecer en mi sótano por unos años más hasta que Mark Burgess (TheChameleons) me tocó el álbum "Heads Roll" en 2005. ¡La ceguera de la canción me golpeó la cabeza enseguida, mi cabeza también rodó! Las líneas de bajo son increíblemente ruidosas, profundas y sucias. Me encantó todo el álbum. Es hora de sacar todo el material de vinilo olvidado del sótano de nuevo. De vuelta a las raíces de la banda, de vuelta a la mía, de vuelta a "Bremen Nacht". La caída de Mark E Smith un par de semanas atrás me sorprendió. Desaparecido, como muchos otros antes, nos dejó algo puro, conmovedor, líneas pesadas, canciones y emociones. Un buen vino negro, pasa mucho tiempo en mi sótano, es el momento adecuado para abrirlo de nuevo. ¡Me voyaenojarmás de lo usual! Saludos, ¡salud, Bremen!

POR FIDEL ARAUJO (RENDO)

Bremen Natch......el inolvidable Mark E.Smith y los suyos se despachan con esta canción potentísima minimalista y quizá mal encasillada post punk o quizá no... es interesantísima su instrumentación en contraste con la voz de Mark el ostinato creado por la guitarra bajo crea un clima más que hipnótico que incita a la danza o al trance de todo tipo en solo de movimiento... también es muy fuerte y cabe destacar el nivel de producción artística que el tema tiene, teniendo en cuenta el año que fue grabado pero en esto, los ingleses, dan catedra batería bajo adelante, guitarra un poco más atrás dialoga con los teclados que también emulan guitarras con diferentes procesos creando tipo de climas caóticos y de ruido totalmente armónicos y acordes con la idea de la canción otra página aparte es la voz personalísima de Mark E. Smith en una especie de recitado que también lleva al trance junto con los instrumentos pulsados más allá q a mí me apasiona el ostinato y la repetición jugando con el minimal punk me parece un temazo donde los timbres los climas y q lo q nombre anteriormente llevan a esta gran pasión que fue y es TheFall.

Track 09: Guest Informant (Excerpt) / Guest Informant POR NÉSTOR FERNÁNDEZ (RICHARD COLEMAN – ASALTO AL PARQUE ZOOLÓGICO))

En lo personal y en esta canción más que nunca, The Fall siempre me pareció un rico licuado Post-punk entre The B52's y P.I.L. Conocí este disco en la casa de un amigo, que lo había comprado en vinilo, éramos jóvenes y el vinilo estaba dando sus últimos estertores en aquel entonces. La grabación original (Track 4, Lado B contiene un pasaje instrumental no mucho menos rítmico que el resto del tema, en el que destaca el walking de bajo de Steve Hanley. El verdadero frenesí comienza cuando la frase "Bahgdad-spacecog-analist" es vocalizada como un mantra endemoniado por Mark Smith y Marcia Schofield, y el ritmo back beat de la batería toma el sonido de un tren en marcha gracias al violento efecto de reverb del tambor, (me recuerda el sonido de Jumping someone else 's train de The Cure). En las guitarras encuentro cierto ADN del Joy Division más punk (Warsaw). Con respecto a la letra, lo que creí originalmente una letra que hablaba de espionaje (la mente es un laberinto...), su autor la explica así, en una entrevista de 1989: "Se trata de la paranoia del hotel, del incompetente personal del hotel. Siempre hablan de lo maravilloso que es su hotel, pero ni siquiera pueden mantener su habitación cerrada. Intenté pasar mis sospechas sobre los hoteles al resto del grupo (riendo)". Como sea, hable de lo que hable, el contagioso espíritu de esta pista hizo que llegara al N° 40 en Festive Fifty de John Peel en 1988.

Track 10: Oswald Defence Lawyer POR RUBÉN TORRES (CONDUCTOR DE “EL CAMINO DESNUDO” PROGRAMA DE RADIO LUMPEN)

Comisión Warren o la moderna pos-verdad Cuando una canción tiene en una de sus líneas la frase; Abraza el cadáver disecado de Walt Whitman...o Mark Twain, es basta para mi basta para todos, pero si además le sumamos, nuestro gusto por muertes misteriosas...Lee Harvey Oswald, o mejor dicho John F. Kennedy...bien el combo completo es lo llevamos. Pero además, esta canción está escrita por Steve Hanley y Mark E. Smith de humor sombrío, oscuro e irónico, talentoso por donde se lo mirase, hace algunas semanas partió de este mundo, y nos dejó huérfanos de plumas valiosas... Oswald Defence Lawyer; En 1988, el grupo británico The Fall lanzó el álbum The Frenz Experiment, que contenía la canción "Oswald Defence Lawyer", escrita por Steve Hanley y Mark E. Smith. El Oswald mencionado en el título es Lee Harvey Oswald, acusado del asesinato del presidente John F. Kennedy. Sin embargo, Oswald nunca tuvo representación legal, ya que fue asesinado a tiros por Jack Ruby dos días después del asesinato de JFK, antes de que pudiera obtener los servicios de un abogado. The Fall expresa su disgusto con lo que claramente consideran una farsa con las líneas "Abraza el cadáver desgarbado" de Mark Twain y Walt Whitman, lo que sugiere que estas figuras históricas, que murieron muchos años antes del El asesinato de JFK, estaría rodando en sus tumbas. Invocan una especie de imagen rústica consistente con estos iconos estadounidenses, y también aprovecha el tipo de indignación que representan. Mark Twain era un satírico fuertemente antiimperialista. Tal vez The Fall creía que Kennedy fue asesinado porque estaba a punto de reducir la participación estadounidense en el sudeste asiático… Una novela de Albert Camus, The Fall, un poeta Mark E. Smith...todo eso le hace falta a este mundo que cada día que pasa va perdiendo el norte, estos, verdaderos iconos que nos cuentan a través del arte, la mentira que por repetida no deja de ser mentira, donde los grandes medios de comunicación las glorifican, y ellos, con palabras y música las hacen caer. Para cerrar, algunos se empeñan en seguir llamando la generación inconclusa a la vanguardia de post-punk en bandas como PiL, Joy Division, The Fall, Gang Of Four, Talking Heads, Throbbing Gristle, ellos en verdad estaban entregados a la tarea de concretar la revolución musical inconclusa del punk, a nuestro parecer, se logró...aunque tal vez nunca haya sido buscado conscientemente, lo cierto es que, exploraron nuevas posibilidades al incorporar la electrónica, el noise, el jazz y la música contemporánea a las técnicas de producción del reggae, el dub y la música disco. El efecto colateral de todas estas divisiones y desacuerdos fue una gran diversidad y una fabulosa riqueza de sonidos e ideas...y escuchando canciones como estas que nos toca reseñar, bueno, la idea de inconcluso no será desde justamente la del silencio... Y si tuviese que compilar un álbum con canciones de The Fall, Oswald Defense Lawyer estaría no solo porque suena y muy bien, sino que es divertida, con coros voladores...y los falsetes tirados por Smith son mágicos.

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TROPICA OBSCURA

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[ Por Alejandro Cenizacromada ]

LA GNOSIS SÃ&#x201C;NICA DE SIXTH COMM

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Dentro de las bandas pilares del Neofolk o Apocaliptic folk (Death In June, Sol Invictus, Current 93) hay un artista que aunque perteneció y fue miembro fundador de la primera, no ha tenido ese reconocimiento que realmente merece, tal vez hasta ahora está recogiendo sus frutos. Uno, porque la carrera de Patrick Leagas tras la marcha de Death In june fue muy arriesgada y cambiante. Dos, por ese largo silencio de casi media década y tres, por una muy pobre distribución acargo de los sellos disqueros de aquel entonces. Pero analicemos desde el inicio lo vital que el señor Leagas fue en los inicios de Death In June y la huella indeleble que dejó para la cultura Neofolk. Él fue el principal responsable de la imaginería militar en la estética de la banda (de hecho por unos buenos años hizo parte del ejército) y por lo tanto podemos decir que él fue de los pioneros en toda esa onda marcial para la escena. El primer álbum de Death in June,Theguiltyhave no pride (1983)en canciones contundentes como We drive east y StateLaughter, logra una combinación muy equilibrada del sonido Post punk de The Cure y JoyDivision con los característicos redobles militares donde sobresale el talento como multi instrumentista de Patrick interpretando batería, trompetas y cantando con su potente voz de barítono, que se caracteriza por un acentuado vibratto. Nada (1985), otro disco pilar dentro de la obra de D.I.J tendría su sello; en temas como Thecalling y Foretold incursionaron en el sonido synthpop gracias a las composiciones de Patrick y su talento con los sintetizadores. Es ahí cuando decide dejar la banda para buscar nuevos horizontes creativos. En 1985 Death in June queda bajo el mando del famoso Douglas

P con colaboraciones importantes de David Tibet. Patrick Leagas cambia su nombre a Patrick O ‘kill y empieza a buscar su propia identidad músical con su proyecto SixthComm, uncomm que podría significar comunicación;él se muestra enigmático al respecto. Patrick empieza atrabajar en discos en los que se mantiene esa vena de synthpop con visos experimentales y algo rituales. Graba discos como Content withblood (1987) Se confabula con la intérprete delas runas y escritora inglesa FreyaAswynnpara sacar ala luz discos de corte ritual como Fruits of Yggdrasil (el árbol de Yggdrasil en la religión nórdica es el equivalente al árbol del bien y del mal de la religión cristiana). Es ahí cuando junto con la performistaAmodalientabla una relación artística y arma un híbrido fascinante entre el proyecto de él,SixthComm y el proyecto de ella, Mother of destruction. A partir de ese momento el monstruo formado por ambos destila un vertiginoso veneno tribal evocando paganismo, magia sexual, el espíritu de los bosques y las runas, una ceremonia ancestral guiada por la voz de Amodali. Para publicar toda esta música crean su propio sello llamado Kenaz. Durante esta etapa destacan discos brillantes como Seething (1990), Pagan Dance(1994) el concierto White rose (1995) y Chemantra en el que reducen ya el nombre aMotherDestruction (2000). Vale la pena destacar en esta etapa mística de su obra, que el señor O’KillLeagas despliega un inagotable talento para crear alucinantes piezas electrónicas (un genio como programador) así como demuestra ser un virtuoso multiinstrumentista con piezas que ponen al oyente en el cen-

tro de tambores febriles.Lamentáblemente la música se ve afectada por un mal manejo a la hora de distribuir el material por parte de los sellos que los distribuyen en Europa, de hecho hay cintas masters que se pierden y Patrick deja el mundo musical por unos 6 años, con poca posibilidad de reeditar material de sus primeros años. Entonces en ese tiempo sabático se lanza a experiencias extremas como un viaje por tierras del medio oriente ( Afganistan, Iran, Marruecos) . Hay que aclarar que aunque Patrick tiene nacionalidad inglesa, el nació en Libia. Obviamente ese contacto con sus raíces que de alguna manera fue motivado por su hermano mayor lo hacen enfocarse mucho en el manejo de las percusiones y para 2004, regresa con un nuevo trabajo bajo el nombre de 6 Comm y el álbum Headless ,letthemoonspeak .Patrick hace lo mismo que los norteamericanos Swans en su resurrección, crea música demoledora que mira hacia adelante sin vivir del pasado.Headless - letthemoonspeakes un álbum doble de una fuerte carga tribal como también experimental. Una obra que bien podría recordar lo más avezado de Death in June pero también a artistas como Dead can dance o a el mismo Muslimgauze. Música meditativa que parece inspirada en la figura del escritor armenio George Gurdjieff. “Ud. está dormido, no sabe quién es porque no se conoce a sí mismo. Hoy es una persona, mañana es otra, Ud.

no hace las cosas, las cosas lo hacen a Ud., Así que me atrevería a decirle, que si no se toma en serio Lo que le digo, si no asume un trabajo sobre sí mismo, como lo más importante que haga en su vida, seguirá durmiendo hasta el día de su muerte….” A partir de ahí gradualmente la carrera de este músico empezaría a obtener justicia, involucrándose de nuevo con los escenarios y empezando a tocar en importantes festivales alo largo de Europa (Entre muralhas, wave gothictreffen, The villa festival). Aparece un nuevo compilado llamado Likestukasangelsfall(2009) donde hay versiones renovadas de clásicos de Sixthcomm(6 comm) como Neiflheim, Winter sadness y Kirato and sonfelte. Seguirían discos fantásticos como Onemanshel (2015) y proyectos alternos donde se deja atrapar de nuevo por la estética marcial como en SchrägeMusik y su álbum de 2014 Fleischmaschine. Por otro lado y hurgando de nuevo en sus raíces arma el proyecto Godlesstate de naturaleza tribal en 2016. Muchas veces esos artistas que incansablemente buscan cambios en su sonido son incomprendidos. Sixth Comm es un proyecto fascinante en todas sus variantes, solo queda esperar a lo que venga ¿con que nos sorprenderá Patrick Leagas en próximas entregas? ¿Cuántos conejos más sacará del sombrero?

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[ Entrevista a Amanrouge por César León. Fotografía: Edgar Humberto Alvarez ]

AMANROUGE. CABARET CARMÍN OSCURO

Estuvimos en el concierto de Amanrouge a propósito del lanzamiento de su álbum I’m a witch. Fue un hermoso recital llevado en el teatro del Museo nacional que repasó varios momentos de de la artista. Ella virtuosa en el piano y su voz con varias matices, que van desde la suavidad de un arrullo hasta la potencia del canto lírico, lanzó una a una sus historias musicalizadas para ir avanzando la noche. Historias y melodías que ahora acompañadas por una banda conformada por cello, violín y theremin consolidan aún más el poderoso sonido de esta exponente del dark wave con muchos visos del dark cabaret y la teatralidad vodevil. Hola, Para comenzar puedes decir a quienes no te conocen ¿Quién o qué es Amanrouge? Amanrouge es un personaje que he venido creando durante varios años. Sin tenerlo muy claro, desde los inicios de la propuesta, ya de alguna manera se estaba forjando. Amanrouge es donde se mezclan los estudios que realicé en teatro -me interesa el teatro hacia la música-. ¿Cómo se creó este personaje? Básicamente se trata "del Mundo" de este personaje. El nombre viene de mi nombre y rouge -rojo en francés-. Tenía que ver un poco como amor al rojo. Y el rojo simboliza como todo lo que es la sangre humana, la naturaleza humana, con sus dualidades sus fragilidades, sus fracturas. Es un poco como esa moral a la naturaleza humana.

baret. Yo lo podría simplemente como darkwave -la onda con tintes oscuros- con cierta melancolía. La melancolía como un estado de contemplación tenido como un interés por los sonidos más intensos, dramáticos. Y a veces como ahondando en la profundidad de ciertas cosas, pareciera que los tintes que puedes encontrar tienden a ser más tristes un poco, como hacia los grises. Hacia tintes un poco más oscuros. Entonces yo diría que no. Tal vez no hay algo exactamente qué define el género de lo que se haciendo. Pero más un concepto. Aquel donde de la oscuridad sale la luz, surge el claroscuro. Que es con lo que me gusta jugar. También me considero como un músico muy visual. Entonces pienso en los sonidos. Como visualmente en imágenes y en colores. Entonces tengo muchos intereses como a nivel de literatura. De los grandes influencias en mi vida; Edgar Allan Poe o Kafka entre otros. Digamos que a nivel visual me interesaban al principio Tim Burton y este tipo de cosas. Hay como una influencia estética. Pienso que el gótico también es aparte de ser sólo un género musical, es toda una estética. Visual Sonora. Hay muchas influencias por todos lados.

Criterios técnicos. Se nota mucho virtuosismo en la ejecución del piano y las vocales. ¿Cuál fue tu formación? Yo estudié en principio piano de niña. Como a los 11 años Empecé a tener interés por el piano. Tomé clases con Bernardo Jiménez -Elamorte, The question- un proyecto con Sin entrar a clasificarte. Veo que hay como una gran trayectoria en Colombia. Fue mi visos al dark cabaret al gótico, al vodevil, profesor de piano cuando yo tenía alrededor ¿Con cuál género te sientes más identifica- de 13 años. Tomé clases de piano un par de da? años con él. Después la verdad yo abandoné En realidad he tenido varias influencias. Di- un poco la música y me concentré más en el gamos que lo del cabaret puede ser por el lado del teatro. Estudié en la ASAB pero no lado teatral. -Unos buenos años los dedique terminé, allí estudié artes escénicas. Mienal teatro como actriz-. También hubo un in- tras tanto tenía un grupo como de new age terés por la música de las películas.-tal vez- se llamaba "Tierra azul". Mi enfoque era el Eso influye como la parte teatral del proyecto. teatro pero después de eso al irme a la ciuAhora pues el género, digamos fue algo que dad de Los ángeles, me fui a estudiar teatro se podría considerar lo que tú dijiste; dark ca- musical. Pero la vida es la vida. Y yo me dejo

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llevar un poco por donde la vida te va apuntando y terminé estudiando música. Terminé estudiando piano y canto lírico. Estudié con muy buenos maestros - tuve la fortuna de tener buenos maestros-. En general Bernardo que fue el despertador en muchos sentidos, una gran influencia, él me enseño piano clásico -más que decirme que hiciera gótico-. Creo que no solamente me influenció -obviamente- sino que yo pienso que las personas se encuentran. Tú tienes que encontrar con las personas clave y eso te va a definir. Y bueno... maestros en Los ángeles muy buenos de canto y si le he dado importancia a la parte la técnica, pues es importante para mí. Es como apropiarte la técnica de la manera que tú puedas ser libre al punto en el que... ya la técnica está tan integrada y tú tienes más libertad. Es más una herramienta. Que quedarte en la técnica como tal.

años nueve años. Entonces ha tenido varias etapas por decirlo así. Siempre como que la esencia está ahí. Yo creo que la esencia se conserva. Pero sí ha habido un cambio. A nivel de lo que estoy haciendo, creo que ya la propuesta está llegando a un punto un poco más donde hay más claridad de lo que lo que se hace. Lo que busco tanto a nivel sonoro como a nivel estético como a nivel de concepto. Entonces digamos que. De todas maneras aprecio mucho lo que hice al principio. Porque era muy sincero. Sigo manteniendo esa sinceridad. Sólo que aquello del principio tiene como algo aún más osado. Es inevitable. Al principio, era la manera en la que salía como un poco más despojado de ciertas cosas. Desde entonces siempre ha sido como algo muy teatral. Siempre he pensado como en personajes, historias, en lugares. Y lo sigo haciendo de esa manera. Digamos que yo saqué unos sencillos, pero este es el primer Vamos al álbum -este es tu último trabajo- álbum que saco... I'm a witch. Por cuestiones Se que antes tenías trabajos sueltos como de... porque es difícil. Como artista indepenuna especie de sencillos ¿Cómo ha sido la diente y todo es realmente difícil sacar un álevolución de tu trabajo? bum. Requiere mucho esfuerzo. La verdad Bueno, sí. Esta propuesta ya lleva nueve tengo bastante repertorio, varios temas. Pero

escogí algunos en los que realmente en lo que estoy ahorita, los más recientes. Combinados con algunos de de mi trabajo previo. Yo lo divido en tres etapas. Mis inicios, en la parte de la mitad y en lo que estoy un poco ahora. En principio yo tenía -tengo como 50 temas- escogí doce entre los recientes y los de la mitad. Y realmente yo tenía la idea de haber sacado un disco anterior. Que no se iba a llamar "Dream within a dream" con los temas anteriores. Pero pienso sacarlo después en algún momento. Con otro tipo de arreglos. y de esta manera son temas que quiero rescatar. Veo que hay mucha importancia. En las letras en las historias. ¿Cómo es el proceso creativo? Mi proceso creativo es un poco como que a veces una melodía o algo musical que me puede remontar a una historia. O a veces alguna historia o personaje me remonta a la música como tal. Entonces van muy de la mano. Como que se me venga algún personaje. También pienso mucho en personajes. Amanrouge es un personaje que tiene muchas máscaras que por ejemplo asume personajes como la mujer de las flores secas, es el fantasma de la Candelaria. Es un personaje, que es varios personajes al mismo tiempo. Una especie de fémina fatal, pero no exactamente. Es un personaje y con ciertos detalles como el humor negro con ciertas perversiones. Pero hacia un lado como con otros matices. Ciertas letras un poco se podría de-

cir que son retorcidas otras no tanto. Siempre me gusta jugar con las capas, y es asi . Es curioso decir que normalmente no escribo mis letras en papel. Porque no es como que me siento a escribir una letra. Todo, mi música -bueno esto no es algo de lo que me siento orgullosa- mi música no está escrita en nada ni las letras, ni la música ni nada está escrito. -Si le pasa algo le pasa a mi cabeza en estos días...- Por eso la importancia de grabar las cosas... y en algún momento empieza a ser más necesario -bueno, ya a cincuenta y pico de temasTe conocía antes como solista. Ahora con banda ¿cómo funciona? La dinámica es un poco distinta. Más que banda lo he visto por ahora como músicos invitados, aunque finalmente sí se está armando como un grupo base. Porque los músicos invitados terminan siendo los mismos. Empiezan a acompañar más y más. En ese sentido pues sí cambia claro con todo lo que ellos aportan, le aportan al proyecto. Pienso que es ganancia. De todas formas es una propuesta que está un poco consolidada. Entonces yo busco músicos que me quieran acompañar. No es como armar la banda desde el principio y voy a empezar de cero. Siempre busco músicos que me acompañen a lo que estoy haciendo y que aporten algo muy valioso a esta propuesta y que hasta por momentos con lo que ellos aportan me hacen ver como otras cosas.

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[ Por Bernardo Jiménez Mesa ]

MATIK MATIK 10 AÑOS

En una ciudad como Bogotá, no es nada usual que un bar tenga vida más allá de unos cuantos años. Los pocos que lo han hecho, lo han logrado porque el lugar mismo se ha afiliado, de una manera u otra, a una escena en particular. Hay un par de lugares de salsa que se han mantenido por décadas, ciertamente; esto obedece a lo anteriormente mencionado: el bar se vuelve lugar de reunión y en el corazón de una sub-cultura especifica. El caso de Matik Matik es bastante diferente, e inédito en Colombia. En este bar/centro cultural es posible escuchar propuestas entre sí realmente disímiles, y a pesar de esto, la curaduría, a cargo de su dueño y fundador (Benjamin Calais) es estricta. Los lineamientos que rigen las propuestas llegan a Matik, se podrían resumir en una palabra: Experimentación. Desde bandas que buscan y ahondan en ritmos latinoamericanos hasta el noise más extremo. En tanto que haya un alto grado de experimentación y un rompimiento con esquemas tradicionales, todo es bienvenido en Matik Matik. Por ende, el público de Matik, son muchos públicos realmente. Hay, claro, quienes confían (no ciegamente, sino de manera muy consciente) en el filtro que supone Benjamin, y se convierten así en visitantes constantes del lugar. Esto en el caso de quienes tienen un gusto muy ecléctico pero aman la experimentación (ambas características comunes a Benjamin). El resto es un público cambiante (de acuerdo al tipo de mùsica) pero recurrente, ya que una vez a Matik,

siempre querrás regresar. Quienes no han estado allí y leen estas líneas, podrán ya darse cuenta que es imposible separar a este lugar de su dueño, y es que Matik es una extensión del espíritu de Benjamin. Siempre se le podrá ver a el entre el público. Siempre es el quien lleva las riendas, y es el quien disfruta más de este lugar, ya que el sabe que si a el le gusta la música que allí se toca, el público de Matik, muy seguramente, también lo hará. Matik Matik es una versión mucho más experimental de lo que pudo ser un CBGB: un lugar cuna y bastión del arte subterraneo (aquel que no tiene cabida en los lugares de exposición masiva) y el cual es regentado por su fundador y dueño, quien escucha en detalle cada propuesta que golpea las puertas del lugar y que elige cuidadosamente las mismas, asegurando que estas representen realmente el espíritu del recinto. Al haber llegado Matik Matik a sus 10 años de existencia, quisimos en la Revista The 13th rendir homenaje a uno de los bares más interesantes y especiales de latinoamérica y toda una institución en la capital de Colombia. Felicidades para Matik Matik en su primera década de existencia , y que sean muchos más. En el próximo número les contaremos de los recitales que están teniendo lugar en Matik Matik con motivo de la celebración de sus 10 años y tendremos una entrevista exclusiva con Benjamin Calais.

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Por Jairo Mansur

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IN SEARCH OF SPACES: La Reconstrucciรณn de Flying Saucer Attack en vivo

Los balances alrededor de las presentaciones en vivo de Flying Saucer Attack no son del todo claros, definidas por algunas personas como legendarias, tanto David Pearce como los diferentes músicos que hicieron parte de estos live perfomances, guardaron siempre cierta distancia de ellas, llegando hasta al punto de catalogarlas como un desastre. Matt Elliot, alma detrás de The Third Eye Foundation y uno de los músicos que acompañó a Pearce en vivo, comentó a la revista The Wire en un extenso reportaje titulado “Bristol UFO’s” que la encarnación en vivo de Flying Saucer Attack era un embarazoso desastre. En 1994 Bruce Rusell del sello neozelandés “Corpus Hermeticum” le propuso a David Pearce lanzar un disco compuesto de algunas de sus presentaciones en vivo. Aunque largamente se ha dicho que Pearce nunca estuvo satisfecho con el resultado (y que el disco final tuvo diversas reducciones y cortes) “In Search of Spaces” se convirtió en un documento único para todos los fanáticos de la nave espacial de Bristol. El disco reunía en un impresionante collage de 50 minutos varias presentaciones en vivo de Flying Saucer Attack hechas por el público, la edición física hecha en papel lija con un marcado estilo manual ayudó a forjar ese aire atemporal de un disco que se convertiría en una pieza de colección con el paso de los años.

Buena parte de los discos de Flying Saucer Attack fueron grabados de manera casera por Pearce y Rachel Brook. Pearce usualmente llamo a esta etapa “FSA Phase one” para diferenciarlo de la “segunda fase” en la cual se encargó él íntegramente de la grabación, sin embargo, cuando decidieron presentarse en vivo fueron juntando a diferentes músicos amigos de la escena underground de Bristol los cuales a la postre terminarían formando proyectos de gran trascendencia para la historia musical de esa ciudad. Para le época en que “In Search of Spaces” fue registrado Flying Saucer Attack estuvo completado por Sam Jones ( de “The Balky Mule”

y hermano de Matt Jones fundador de Crescent), Debbie Parsons (parte de The Third Eye Foundation and Foehn) y él ya mencionado Matt Elliot, Esta formación encarnó la versión más salvaje de Flying Saucer Attack, el quinteto en vez de buscar interpretar las canciones de los discos que habían grabado para ese momento se decidió por hacer improvisaciones en vivo cargadas de ruido y percusiones tribales. Discos como “Further” o “Rural Psychedelia” se alimentaban de la influencia de cantautores ingleses como Nick Drake o Roy Harper, en ellos Pearce y Brooke fueron construyendo un sonido que bebía tanto del folk como del ruido, constru-

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yendo un hibrido entre la vanguardia y el folclore. Mientras tanto las presentaciones en vivo se centraban en la improvisación libre, un flujo de corriente que podía llevarlos hacia la psicodelia, el ruido y el trance.

Si bien buena parte de la crítica y el público suele coincidir en cuanto a la alta calidad de estas presentaciones, dentro de la banda las opiniones no eran las mismas. Pearce, que siempre se confesóescondiendo su voz tras la cortina del ruido, vio siempre las presentaciones en vivo de Flying Saucer Attack como momentos frustrantes y agotadores. Tras el lanzamiento de “In search of Spaces” en 1996 y la partida de Rachel Brook de la banda, la banda entraría en lo que Pear-

ce llamó “Phase 2”, en gran parte el motivo del alejamiento de Brooke y la separación de la banda en vivo fue debido a las fricciones surgidas de las presentaciones. De esa segunda etapa saldrían varios discos clásicos como “New Lands” (1997) o “Mirror” (2000) en los cuales Pearce se encargaría íntegramente de la labor creativa y de grabación, durante esta segunda fase las presentaciones en vivo fueron pocas y mayoritariamente en solitario. Esto haría aúnmás difícil la relación

de Pearce con los conciertos. En 1997, aceptó presentarse en el míticoFestival Terrascope en Providence, Estados Unidos. El motivo principal fue su admiración y amistad con el organizador Phil McMullen, fundador además del magazine Ptolemaic Terrascope. La accidentada presentación terminaría frustrando a un ya disminuido Pearce quien decidió desde entonces retirarse de los escenarios. De alguna manera la timidez, las frustraciones y la depresión terminarían llevando a Flying Saucer Attack al silencio, un silencio de 15 años que se rompería intempestivamente en el 2015 con el lanzamiento de “Instrumentals”. Este disco daría lugar a lo que me gusta ver como la “Phase 3” de Flying Saucer Attack, la cual además de contar con nuevo material ha propiciado la re-edición de sus discos clásicos, los cuales estuvieron descontinuados por muchos años. En ese panorama de revisión y re-edición, Bruce Rusell se propuso revisar esas viejas grabaciones en vivo antes de que fueran comidas por el olvido del polvo. “In Search of Spaces” fue no solo re-editado a finales del 2017 por VHF Records, esta nueva ediciónrestaura la idea original que Rusell quiso editar en los 90s, la cual según las liner notes fuerechazada por David Pearce por sonar demasiado “rockera”. Esta es también la primera vez que este material es editado en vinilo. Con cuatro lados y más de una hora de música este disco reconstruye la problemática historia de Flying Saucer Attack como acto en vivo, digo reconstruye porque la labor ha sido la de armar un rompecabezas. Tres caras corresponden a grabaciones en vivo, las

cuales pertenecen a diferentes conciertos, principalmente a una de sus presentaciones en Bristol en 1994, las grabaciones han sido masterizadas y depuradas para crear más que un disco en vivo, un reporte documental de lo que fue la banda en directo. Mientras que algunos “momentos” muestran la cohesióntribal entre las guitarras, bajo y percusiones creando trances hipnóticos y cargados de ruido, otras reflejan el desvarió sonoro. Flying Saucer Attack podía lograr momentos coherentes y armónicos, así como también adentrarse en el ruido mismo como experiencia. El cuarto lado es una nueva mezcla arreglada especialmente por Jim O’rourke, admirador de FSA desde los 90s, un interesante ejercicio que toma diferentes momentos de las grabaciones y los arregla a su modo.

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"Dos, Formatos y Experiencias de Colaboración en Dúos” Parte 2 Esta es una segunda parte del especial que preparé en mi blog “Sonidos que Permanecen” bajo el título "Dos, formatos y experiencias de colaboración en dúos”. El tema central de análisis de esa nota era revisar lanzamientos de los últimos meses hechos por dúos musicales bajo diferentes formatos de colaboración. Tras la primera entrega fui encontrando o me llegaron algunas otras recomendaciones que hicieron necesario preparar una segunda parte. Uno de los formatos de colaboración más explotados actualmente es el dúo, con esto me refiero a las múltiples posibilidades y formas de interacción musical que permite la colaboración entre dos personas en un mismo proyecto. Parte de su popularidad viene de un hecho simple, si bien la premisa es sencilla ofrece múltiples maneras distintas de crear música. Hay además una cierta reminiscencia a la comunicación básica persona-a-persona, muchos de estos trabajos surgen bajo la idea de una pregunta que debe ser contestada y que requiere un intercambio musical para responderse. En esta nota revisaremos varios lanzamientos que fueron apareciendo durante el 2017 bajo esta fórmula. Analizaremos los diferentes "modos" de interacción que posibilita el trabajo como dúo y trataremos de perfilar la perspectiva de intercambio geográfica tan latente en estas colaboraciones. Volviendo sobre las múltiples formas que toma la colaboración-dúo, hay un antecedente histórico de importancia en la música electrónica y experimental, terrenos en los cuales la participación es más espontánea y permite ir más allá de la idea de una "alineación" o "banda". Las posibilidades son muchas: el split, por ejemplo, pone en un mismo disco dos artistas que colaboran de manera individual construyendo un disco en base a sus afinidades (o divergencias) musicales. En las dos últimas décadas con el avance de las tecnologías de grabación e intercambio las colaboraciones por Internet se han convertido en un fértil terreno en el que la comunicación musical se transporta al plano virtual permitiendo además otro ritmo de transferencia y creación. La música experimental por ejemplo tiene una larga historia de colaboración en directo, además la colaboración in situ (ya sea en estudio o de manera casera) es también bastante común. Lo interesante es que estos modos no son estrictos, una colaboración a través de Internet puede transformarse en una grabación presencial, un split puede implicar la colaboración entre sus partes o la grabación en vivo puede ser manipulada posteriormente en estudio.

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KURUNDU “Kurundu” es la unión del argentino Zigo Rayopineal y la paraguaya Camila Dos Santos, su primer disco se titula “Yvykua Ipuva” y ha sido lanzado por el sello griego Plus Timbre. Una de los factores que hace interesante este disco es el cruce generacional y geográfico que representa, Zigo Rayopineal es un artista argentino con una trayectoria de al menos tres décadas que incluye trabajos en la grabación de campo y la electrónica experimental, mientras tanto Camila Dos Santos es de origen paraguayo, aunque vive en Argentina desde el 2010 donde ha desarrollado una carrera en el ambiente académico desempeñándose además como cesionista y chelista freelance. Un antecedente importante de este disco fue la participación de Zigo y Camila en el encuentro sonoro “Río Derivadas de la Escucha" que tuvo lugar en Asunción Paraguay el año pasado entre fines de Julio y comienzos de agosto. Ya en este encuentro el dúo brindó un taller “sobre técnicas expandidas de interpretación instrumental, grabación, procesamiento en vivo de instrumentos y grabaciones de campo”. Aunque el disco como tal fue grabado en Buenos Aires “Yvykua Ipuva” contiene grabaciones de campo realizadas en Paraguay. Su estilo de composición está basado justamente en buena parte de los temas que presentaron durante el encuentro, los cinco movimientos que lo componen son improvisaciones en las cuales Zigo y Camila van creando sonidos a través de la exploración de sus instrumentos.

MARK SO Esta colaboración entre el músico chileno Christian Alvear y el artista audiovisual mexicano Gudinni Cortina entra en una categoría colaborativa entre dúos de la que no estaba consciente en la primera entrega de este especial. Por una parte, hay que reconocer una tercera entidad en este trabajo, en este caso seria "Mark so" compositor experimental norteamericano quien preparó la partitura de esta grabación compuesta por una serie de imágenes y textos los cuales son codificados por Alvear y Cortina desde su percepción al lenguaje musical. Este estilo se puede relacionar a lo conocido como "Graphic scores", una práctica que data de compositores como John Cage o Brian Eno y que presenta la no-

tación musical a través de imágenes e instrucciones que pueden ser "leídas" de una manera más libre. Entonces este trabajo nos presenta una perspectiva compositiva "transversal" en la cual el lenguaje musical se mezcla con lo visual y lo textual, la interpretación del dúo de "And suddenly from all this there came some horrid music" es minimalista y cuidada, cada decisión parece ser tomada desde una inmersión en la partitura, una inmersión que no obstante requiere otro tipo de concentración ya que si bien la notación está abierta a interpretaciones, la ausencia de un "valor determinado" hace esta experiencia más demandante. Ambos músicos juegan con el silencio, cada sonido se extiende y extingue y la siguiente toma su lugar pacientemente dejando espacios vacíos y necesarios. Sin embargo, la interpretación de su interpretación vuelve a ser abierta, el juego continuo en el ejercicio de escuchar e imaginar que puede representar cada sonido. Esta colaboración grabada en SOFA,Santiago de Chile el año pasado fue lanzado en versión CDr por el sello canadiense Caduc. recordings, el disco contiene también la notación textual y grafica preparada por "Mark So", la cual se puede ver en su web también.

BLAU GRISENC / POSTESTÉTICA ANTINIHILISTA INTERNACIONAL Corto pero interesante split entre dos actos costarricenses. Blau Grisenc es el proyecto de Carla Alfaro artista que desde hace dos años viene sumergiéndose en la creación electrónica logrando un sonido muy interesante; a través de dos EPs ("Ópalo" y Beton Brut" ambos lanzados en el 2017) y varios singles Blau Grisenc ha ido mostrando una capacidad para evolucionar su estilo y manejo de las melodías, este track por ejemplo es tal vez su composición más minimalista y atmosférica. Postestética antinihilista internacional tiene una discografía bastante amplia hecha en relativamente poco tiempo (tomando en cuenta que al menos en Bandcamp su primer lanzamiento es de febrero del año pasado) su sonido está orientado hacia la experimentación con diferentes técnicas e instrumentos, el track de este split se centra en una lánguida secuencia de guitarra y acompañada de unos teclados difusos. Una buena manera de conocer dos proyectos interesantes de Costa Rica, país con una escena electrónica y experimental siempre interesante.

AOI Este es un proyecto compuesto por el dúo Tristán Sotomayor &amp; Mandu González, no sé mucho sobre su historia musical, lo cierto es que su debut como AOI ha sido lanzado por el excelente sello chileno NonLocal Research. Este disco está compuesto por piezas extensas en las cuales el dúo explora melodías repetitivas construidas con teclados, samplers, y metales como campanas y cuencos. El estilo de AOI se basa en la interacción tipo tándem y la profundización de los sonidos en el tiempo. Las composiciones son largas ya que esta es la mejor manera en que las melodías logran esos puntos álgidos construidos de manera minuciosa y lenta. Un disco muy bien logrado que conjuga de manera acertada los sonidos electro-acústicos. El sello Non local Research tiene edicionesfísicas en cassete muy interesantes y un estilo estético que recomiendo mucho revisar.

BARDO TODOL AND ADAM CADELL "King of the Tierra / Lord of the Giles and Master Serene Serigne” es un Split transoceánico entre el argentino Pablo Picco, músico y realizador audiovisual, y Adam Cadell, violinista, compositor e investigador australiano. El trabajo está compuesto por dos tracks de más de 20 minutos, el lado de Adam es una larga e intensa exploración del violín con ocasionales percusiones con una composición más frontal, mientras tanto del lado de Bardo Todol encontramos una composición segmentada donde se pueden escuchar arreglos de cuerdas, grabaciones de campo y cintas. Ambos artistas mantienen un enfoque experimental desde sus modos particulares de acercarse a la composición, ambos estánguiados por la aversión a los formalismos ya sea jugando con un solo instrumento en una sola toma o reconstruyendo diversas grabaciones.

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ â&#x20AC;&#x153;ARCANO TRECE" de Pilar Pedraza por Pablo Ravale ]

LA MUERTE LE SIENTA BIEN

Si bien el género de terror y fantástico en España es un coto que, de forma muy injusta, recibe más bien poca atención por parte de los medios, la injusticia se torna directamente agravio cuando nos referimos a determinados autores más o menos ninguneados, pese a que su impecable calidad va mucho más allá de géneros y modas. Es el caso de Pilar Pedraza (Toledo, 1951), magnífica autora que bien parece importarle poco convertirse en best-seller, ya que lo que a la señora Pedraza le va en el terreno literario es escribir lo que le dé la gana cuando le dé la gana... y no saben lo afortunados que somos de tener escritores que hagan precisamente eso. Sobre todo, cuando poseen un talento tan fuera de toda duda como el suyo. De momento, sólo he podido leer un libro de Pilar. Pero ése nada más me ha bastado para constatar la extraordinaria autora que me había estado perdiendo hasta ahora. Una autora que, según he podido leer en algunas entrevistas, manifiesta cierta predilección por escritores como Shirley Jackson o Clive Barker. Lo cual, desde luego, se nota en sus escritos. Y mucho. Pero de la mejor forma posible. Pues, pese a que he de decir que he encontrado una narrativa de poderosos ecos jacksonianos y barkerianos, generosa en metáforas ingeniosas e imágenes inusuales, hay que reconocer que Pedraza la sabe llevar a su terreno y hacer de ella algo indudablemente personal. Pero, ¿cuál es ese libro que he leído? Nada más ni nada menos que Arcano Trece, antología de trece relatos que, sin embargo, toma el título precisamente de la carta del Tarot que simboliza “La Muerte”. No en vano, todos los relatos nos hablan, de un modo u otro, de la visión poliédrica, rica en resonancias y significados, que esta autora tiene sobre este tema –irónicamente– inmortal. La antología queda dividida en tres apartados diferenciados: La carreta de las osamentas (tres relatos ubicados en la tradición barroca y gótica), Eros melancólico (siete relatos un tanto más viscerales y violentos, con

grandes dosis de humor negro) y, por último, La muerte sobre ruedas (tres historias de ambiente contemporáneo, aunque no por ello menos perturbadoras). El volumen se inicia con “Mater Tenebrarum”, nombre éste que reaparece con frecuencia en la obra de Pedraza: se refiere a una figura femenina y perversa, que en ocasiones puede identificarse con la diosa Hécate y en otras, trascender esa divinidad. Es un relato donde se nos cuenta las aventuras de una niña, Ángela, y su perro Lupo. Para sobrevivir, Ángela se dedica al hurto y a proveer de material mágico a la bruja y ensalmadora Crisanta, de paso que procura aprender todo lo posible de los conocimientos de ella. Otro relato con niños como protagonistas es “¿Qué demonios...?”, que nos cuenta sus vacaciones en la gran casa de campo de la abuela moribunda. En el texto predominan el humor y la ironía sobre lo macabro y oscuro; la historia es de nuevo de aprendizaje e iniciación, al suponer el primer contacto de los niños con la muerte. Muestra asimismo la imprecisa frontera entre realidad y fantasía, sobre todo desde la mirada de los protagonistas. “Anfiteatro” es una deliciosa recreación del tema de la mujer pantera, con un inicio muy típico de libros y películas de miedo: la llegada de un forastero perdido a una siniestra localidad llena de gente también siniestra, donde no consigue encontrar alojamiento, hasta que por fin se lo ofrecen en una hermosa y decadente casa llena de misterios. Una cadena de motivos nos va poniendo en la pista del secreto que ha de desvelarse al final. “Días de perros” es un diario escrito por un investigador que realiza un trabajo sobre camafeos antiguos, sometido a una beca a causa de sus escasos recursos económicos. Pusilánime, neurótico, enfrentado a unas circunstancias que él siente amargas y mezquinas, y a una sucesión de contratiempos, infirmezas y humillaciones, se va deslizando en silencio, como en una pesadilla –mientras entra y sale de la biblioteca donde investiga, se encuentra con un mendigo cuya mirada y

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actitud le perturba enormemente–, hacia la demencia. Otros cuentos destacables son “Mascarilla”, por su mordacidad, “Amigo del hombre”, un texto interactivo, totalmente abierto a la interpretación del lector, y “Artículos de piel”, compleja y densa narración donde se superponen dos argumentos, en el presente y en el pasado, unidos a través de varios objetos fabricados con piel humana. La mayor parte de los cuentos aquí presentes aparecieron en la agotada antología Necrópolis, y este volumen incluye también una novela breve, “Las novias inmóviles”, que fue publicada originalmente por la editorial Tusquets y que merece comentario singular, pues se trata de una fantasía necrófila completamente romántica, de una exquisitez absoluta pese a sostenerse sobre la idea de que

no hay nada como amar a una muerta. A esta altura creo que debe quedar claro que, a mi juicio, deleitarse sólo con archiconocidos Edgar Allan Poe, H. P. Lovecraft o Stephen King es un ejercicio de poca apertura intelectual; ya va siendo hora de que Pilar Pedraza sea reconocida como lo que esta antología pone de manifiesto: que es la autora fundamental del fantástico oscuro español en la actualidad. Para terminar, una mención aparte sin conexión alguna con lo dicho, pero que redunda en mi recomendación hacia este libro, es la naturaleza de la edición. Valdemar, por lo general, edita bien; pero este libro, un grueso tomo de letra grande y pequeño tamaño, es un auténtico placer que suma un nuevo factor de placer sensorial al propio contenido.

FRANCO DOGLIOLI

Bicho I Premeditación araña desde la negrura conciente, Rosa de carne en tu olor a libido untable. Fiel a presencias subterráneas famélicas de ensamble E invernar post desgarro de parir al indecente. . Bicho II Provocación mordaz de sonrisa compuerta, Dedicada al lince como a la mosca. Lacrado en rojo el amor de la presa, Manta caústica sobre su inocencia. Masticas su lamento y no le cobras.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

EL CEREBRO REPTIL por Pablo Ravale

El cerebro humano es una maquina compleja, un órgano lleno de incógnitas, del que se desconoce aún casi todo. En el cerebro habita una mente que comanda todas y cada una de nuestras acciones, todos y cada uno de nuestros aciertos, pero también todos nuestros errores. Dentro de este prestigioso e importante órgano, en lo más profundo de sus pliegues, habita un pequeño intruso, un pequeño tramposo, que milita y maneja desde las sombras, desde tiempos inmemoriales. Este pequeño polizón, se coló en los albores de nuestro desarrollo, fue insertado con unas instrucciones rudimentarias, las cuales son muy difíciles de formatear. Lograr reducir su influencia es básico para dar el salto evolutivo que se nos presume y es esencial para ser “humanos”, para ser personas civilizadas. Ese insidioso polizón, es nuestro cerebro reptil. Este órgano primario incrustado en lo más profundo de nuestro cerebro es el encargado de recordarnos nuestros instintos más primarios, como: la identidad, la territorialidad, la competitividad y el miedo. Somos como somos y estamos como estamos, en parte, a que muchos de nosotros todavía funcionan básicamente con ese cerebro reptil. Humanos en apariencia, meros lagartos en su intelecto. El poderoso sentimiento de identidad provoca que tengas la necesidad imperiosa de etiquetar todo cuanto se cruce en tu camino; es decir, marcar: lo bueno y lo malo, lo beneficioso y lo antagónico, lo útil y lo inútil… pero sobre todo tu nombre y tus números, esas etiqueta identificativas que son tu primer estandarte, una bandera entre muchas que cargarás a lo largo de tu vida, que son grabadas a fuego en ese cerebro reptiliano y que procurará que nunca las olvides y que las muestres con orgullo.

Tu identidad te persigue tras tu muerte, es tu legado en este mundo, y antes de dejarlo, procurarás que quede grabado para continuar vivo en las memorias de los que te preceden. La medida del éxito está basada en la cantidad de personas que pueden recordar tu nombre una vez hayas muerto, pero tu identidad no sos vos, ese es el avatar que diseñaron para vos cuando llegaste a este mundo. Recordá que te debes ir con lo mismo que traías puesto y todas esas etiquetas te las pusieron a posteriori. Tu tierra, ese trozo de planeta que ya no marcás con orina porque tenés paños de colores que delimitan aquello que crees tuyo, que te define, te diferencia, es parte de tu orgullo y trasciende a tu propia identidad. Tu patria está grabada a fuego en cada una de tus venas y por ellas corre el sentimiento patriótico que hará que mates y mueras por asegurar el redil que guarda a tu manada. Ampliar horizontes y perder la identidad nacional, borrar las fronteras mentales y quemar las banderas, dejar de ver el planeta como un trozo pequeño de tierra, una caverna de cavernas, un bloque donde las relaciones con los vecinos requieren ciertos dones diplomáticos. Tenemos todo un planeta, ¿ por qué seguir identificándonos con trocitos cada vez más pequeños, por qué seguir obedeciendo al reptil que vive en nuestra cabeza, por qué cerrarnos puertas y posibilidades fuera de donde circunstancialmente nacimos? Los nacionalismos y los patriotismos son sólo etiquetas con las que reducir nuestra inteligencia como auténticos bárbaros sociales. Competimos, todos contra todos, en un inmenso mar de caos en el que constantemente competís contra todos los elementos. Competís cuando caminás, cuando conducís tu auto, cuando comés, cuando amás.

Debés ser el primero en todo, ser el más de lo mas, el único, vos solo... Porque eso es competir, quedarse solo y no ganar nada, nuestro pequeño polizón nos incita a tener que sacar lo peor de nosotros, para ganar, para ser el primero en todo lo que emprendemos, para ser el que más… Como hombre o mujer, como trabajador, como padre o madre, como hijo, para al final no ganar nunca nada, y dejar atrás a todos esos vencidos, que como nosotros, sólo pretendían hacerse un hueco, y ganar. Cerramos la posibilidad a la colaboración, a la unión, a la humanidad, para salir victoriosos en una carrera en la que nadie te espera para darte una medalla, si no, quizás, sólo soledad; la soledad del vencedor, puede que pienses, sí, pero al fin y al cabo, la soledad del único vencido. La distinción entre especies es otra tara reptiliana, las diferencias dentro de una misma raza no son motivos para fomentar la distinción entre sus miembros, uno no deja de ser menos humano por una simple diferencia de tono en la piel, de hablar distinta lengua o de creer en distintos dioses. La diferencia sólo está en la mente de aquel que la ve. Su parte reptiliana lo engaña y le hace creer que es superior por su pertenencia a cierta clase o raza distinta, pero la gran masa a la que pertenecemos esta tan mezclada que no existen grandes rasgos distintivos salvo las evidencias de color. De esta manera, cualquier estudio pseudo-científico que estudie y pretenda demostrar las diferencias raciales, es sólo el alimento de la justificación racista con un lenguaje académico. Debemos trascender al reptiliano, superarlo

y ganarle en su propio terreno. Debemos desterrarlo y con él, todo lo que representa, todo aquello que creímos que nos identificaba y que formaba parte de nosotros. Debemos quitarnos las etiquetas, las identificaciones, los patriotismos, los clasismos. Sacar todo lo que ese “reptil” te dice que te hace distinto, todo aquello que te pone fronteras y delimita tu mente. Sacar todo lo que te empequeñece, todo lo que te deshumaniza, todo lo que te provoca odio, todo lo que te hace olvidar el amor y la hermandad, la compasión y la empatía. Si superás los conceptos territoriales, nacionalistas, ideológicos y teológicos, estarás entronando al reptiliano que vive en vos. Es doloroso desprenderse de tu bandera, de tu tradición, de tu identidad, pero más doloroso es que sigamos matando hermanos por trozos enanos de un planeta que nos pertenece a todos y que podemos compartir todos, que nos ofrece lo que necesitamos y que nos regala todo lo que le pedimos. El reptil te obliga a cobrar, a facturar, a estructurar y a fraccionar. Te obliga a ser egoísta y a pensar en vos como único ser viviente sobre la faz de la Tierra, impidiendo el acceso a unos recursos que no te pertenecen, alambrando o amurallando un territorio que no es tuyo y etiquetando a unas personas que crees inferiores a vos. Siempre podés elegir, siempre vas a tener delante la opción correcta, siempre vas a poder decidir si llenar tu boca de veneno o de amor, si ser víbora o humano. Ese es el libre albedrío y esa es tu oportunidad de demostrar la verdadera raza que habita en vos, humano o reptil…

Desaparición de los Oráculos El último libro de Pablo Ravale

Puedes pedirlo por email a: p.ravale@yahoo.com

HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

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RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

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LOVE STRANGE LOVE

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San Valentín, ese invento mercantil y de

capitalismo en el cual los enamorados deben acordarse de comprar cosas para sus

amantes, nos da la excusa perfecta para

hablar de películas en donde el amor se

enrarece acercándose a psicopatologías extremas pero que en última instancia

demuestran que el sentimiento es lo que

importa. Cinco películas de amores raros.

Para aquellos que no temen amar aunque sea

extraño o como dice la canción de Depeche Mode: Strangelove, Strangehighs, Strangelows.

LARS AND THE REAL GIRL. LOVE DOLL [ Por Jimena Patiño ]

El gran problema de Ryan Gossling es cuando lo encasillan de A) Galán B) Héroe de acción. Cuando se las arregla para eludir esos molestos estereotipos, nos encontramos con un hombre que asombrosamente puede actuar bien y ser camaléonico en papeles diametralmente opuestos a su usual filmografía. Lars y la chica real, como se la conoció por estos lares es una de mis comedias indie norteamericanas favoritas, y ya casi cumple una década. Ryan como Lars se transmuta en un ser estrafalario con serias ansiedades sociales que lo llevan a comprar una novia en una página de muñecas sexuales. El hecho es que élno lo asimila como una muñeca. Él la llama Bianca y se la presenta a la familia. Patricia Clarkson tiene una presencia que siempre brilla en cualquiera de sus personajes y aquí es la encargada, a través de su papel de doctora, de ir guiando las situaciones dramáticas y la macro estructura del film, trabajando con el persona-

je de Lars y por extensión su familia. Ahora es cuando el film comienza a abrirse y se vuelve un canto a la aceptación. El pueblo se compadece de la situación de Lars pero en lugar de aislarlo e ignorarlo por ser “el raro de la muñeca sexual” la historia apela a la utopía de que es el corazón del pueblo el que va a ayudar a la familia de Lars y al propio Lars a lidiar con su situación. Entonces es cuando comienzan a pretender que Bianca es real. Las actuaciones son tan buenas que le juro que a los cinco minutos de aparecer, Bianca les va a causar emociones como si fuera un humano… real. Es tan humana como sus coestrellas de carne y hueso. Eso es gracias al glorioso nivel de la narrativa del film que te va envolviendo oscilando entre la comedia y el drama. Bianca es el objeto/ sujeto a través del cual el verdadero Lars aprende a lidiar con el mundo y se da cuenta que el mundo está dispuesto a recibirlo con los brazos abiertos pese a sus excentricidades.

149 Emily Mortimer y Paul Scheider (que actúan de cuñada y hermano de Lars) pasan con maestría de la risa al llanto. Lo mismo que hará usted señor espectador, porque esta es una historia de superación y si no somos demasiados cínicos vamos a caer en la ilusión cinematográfica de creer que todo va a operar al favor de las circunstancias y la vida de Lars. Cuando llega el final, y Lars y Bianca dan su último paseo, los reto a no llorar cual margaritas. Ni en The Notebook, Ryan Gossling tuvo tantos sentimientos en su rostro. Es la clase de film en la que el clima exterior refleja un poco el espíritu del personaje. La película, fue, pese a Gossling, un fracaso comercial. No llegó a recaudar lo que puso en la producción y yo me creo porque es pese a todo un film demasiado inteligente en el que el tipo que siempre veías de Galán hace un papel completamente radical y hasta afectado psicológicamente. Las chicas no querían ver a Ryan besarse con una muñeca o quizás no querían ver sus bigotes de tipo raro con patillas. (OK chiste malo) La verdad es que la crítica la amó. Esta crítica que escribe también LA AMA. No todos los días

te encontras con un cast con actuaciones sólidas y melodramáticas que logran hacer creíble todo el fantástico guión original de Nancy Olvier. Lo cierto es que el mismo Gossling fue nominado a los Globo de Oro y al SAG por su actuación y al Oscar por guión original. Yo creo que es la clase de película que crece y mejora con los años. Tan difícil de acotar que solamente con los años y su descubrimiento casual la gente aprende a amarla: tiene romance, tiene drama, tiene comedia y tiene emoción a raudales. Las comedias suelen sufrir ese estigma de que son consideradas “más simples” que el más choto de los dramas y bodrios soporíferos (calificados como “Serios”) pero es nuestro deber recordar que el fino arte de emocionar y hacer reir por partes iguales es realmente difícil. Por eso hay que destacar cuando la magia ocurre. Esta película habla con una extrema delicadeza y sin rozar lo vulgar o lo estúpido, el difícil camino del amor y los otros, de la auto superación que nunca es un camino solitario y que siempre necesita de la vida de los demás. Corran a verla ya mismo o voy a pensar que sus corazones están hechos de un plástico más duro que el de Bianca.

CRASH (1996) WARM LEATHERETE [ Por Jimena Patiño ]

Estoy releyendo una reseña de la primera vez que la vi y me rio de lo traumada que quedé. Literalmente tardé dos días para escribir al respecto de la misma. Cronenberg es y era, muchísimo más en los años noventa, un maestro de causar impresiones fuertes. Scanners, Videodrome, nos tenía acostumbrado a todo ese despliegue shockeante para el espectador. La amorosa pareja protagonista de este film, James y Catherine Ballard, interpretados por un sexy (me re agarro la cabeza lo mal que le hicieron los años con lo bello y loco que era pero es comprensible) Jampes Spader y Deborah Kara Unger. Un matrimonio quenecesita de emociones fuertes para poder sentir la llama de antaño. Nuevas experiencias que abarcan psicopatologías varias que giran en torno a los fierros retorcidos (como ellos) de un automóvil estrellado. Porque todo el mundo sabe que no hay nada mejor que un buen accidente de autos por la mañana para mantener vigorosa la llama matrimonial. (Estoy siendo irónica pues nunca está demás aclarar para oscurecer) La psicopatología se llama Sinforofilia (Lo googlee porque pff no sabía que siquiera tuviera nombre.) y está libremente basado en la novela sci fi de James

Graham Ballard. Algo que es un hecho, y que siempre llamó mi atención es como en los accidentes automovilísticos, son las personas que se quedan mirando las que causan más demoras que el accidente en si. De hecho a mí me repele, paso corriendo y sin mirar si me encuentro con algún "espectáculo" de ese tipo, porque considero que ver la muerte en los demás es como recordar mi propia muerte que anda rondando por ahí. Sin embargo están los que miran, a quienes tal vez debería preguntarles ¿porque lo hacen?, como no puedo hacerlo, les recomiendo el film de Cronenberg que apunta a eso. Apunta a que sientas ese "morbo" de ver o no ver, de cuál es tu límite, porque sin dudas (y no sé pero a mí me da más tristeza que morbo) sus personajes no tienen ninguno. La tristeza que siento o mejor dicho el patetismo es pensar que "la carne" y el contacto humano no es suficiente para estos personajes. Necesitan "algo" más y esa búsqueda de ese "algo" de emociones violentas y auto satisfación es el que eventualmente los va a matar. Claro que todo esto Cronenberg no lo ve así, ni lo muestra tampoco. Su visión no es partidista sino

casi diseccionadora, como un coleccionista de insectos raros. Es el pobre espectador bombardeado con tanto fierro el que no puede dejar de ver la tragedia y el patetismo que todo el film encierra. Tan patético como ver un accidente de autos con varios muertos en el camino. Seguramente alguien que venga detrás de mi parecer diga "es un film de porquería están todos locos y lo único que hacen en c*ger entre fierros todo el tiempo, no tiene trama es casi como ver una porno" y probablemente también tenga razón. Lo que marca la diferencia de todo essin dudas la mirada del autor, y en definitiva se trata de una obra maestra que busca un impacto en la audiencia, sólo que todavía no me decido cual. Lo irónico y terrible de todo es que incluso en estos momentos, tus vecinos, que se esconden detrás de ese matrimonio perfecto que aparentan, podrían llegar a ser así. Y ese es el nervio que Cronenberg deci-

las pelis de David, y en el rock de mote "industrial" que suelo escuchar y mucho se luce en la excelente banda sonora del film. La fotografía es en tonos oscuros y muy noventera. Yo la miraba y decía “se ve como una película de esos años, bah como un comercial de esos años” pero todo bajo la mirada distópica de su director.

de explotar. Podría decirse que en parte es muy Sci fi y que al igual que Videodrome, explora la creación de una nueva carne en la unión con las máquinas. Pero es al mismo tiempo una obra muy denotada de su época. Está en el colmo de los noventa entre ese cine hiper violento y al extremo que se usaba en esa época. Incluso el cine de Cronenberg cambió mucho con las décadas y eso se nota. Escándalo, arte, reflexión, horror, con toques de futurismo en busca de esa síntesis perfecta entre el hombre y la máquina que para mi ciertamente significa el horror, pero que sin dudas queda muy bien en

ne la capacidad de "chocarte" en una pantalla de tv, ¿Se imaginan verla en una tremenda sala de cine? En la oscuridad, sin posibilidad de poner pausa, retomar, sin finales interrumpidos o rebobinadas. Supongo que sería IMPRESIONANTE pero como con tantas otras es muy posible que nunca lo sepamos. PD: no tiene nada que ver con el bodrio del 2004 del mismo nombre. Excepto un accidente de autos. Ya quisiera la del 2004 ser todo lo extrema que es esta película. Ah el amor por la esposa y el amor por los fierros es eterno.

Supongo que James Spader (Recalco que es quizás mi perversito favorito del cine norteamericano desde "Pretty in pink") revoleando piernas ortopédicas se luce en la historia de David Cronenberg. El otro que se luce y se pasa de hot es Elias Koteas en el rol del misterioso y enfermo de Vaughn. Finalizaré diciendo que es una pena mía no haber tenido la oportunidad de poner a prueba mi cinefilia con esta película en una sala de cine. Si esta peli tie-

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HEATHERS TEEN PSICHO LOVE [ Por Jimena Patiño ]

La historia comienza como cualquier historia de preparatoria con una abeja reina y su cortejo en el que todas se llaman Heather y una se destaca por llamarse Veronica (Winona Ryder) Ella, tiene sus dudas existenciales al respecto de si encajar o no. Esto se precipita cuando conoce a ….waitforit. Un chico malo. Y el chico malo de la historia que la enamora es Jason “J.D” Dean interpretado por el (déjenme este momento para babear a montones y fangirlear al respecto, yo soy una loca fanática de él y lo amo de acá a True Romance y Entrevista con el vampiro, no saben lo mucho que lo amaba en los noventa a este bello actor) carismático y memorablemente épico Christian Slater. (listo lo dije, Slater for life. *Pone las manos en forma de corazón al recordarle de adolescente hermoso*) Creo que el título en España y Argentina le saca toda la gracia al film. La llamaron “Escuela de jóvenes asesinos.” Listo eje central de la historia spoileado miserablemente. Gracias tituladores de películas en Latinoamérica por arruinar la premisa central del film. La verdad que cuando armaba esta lista de filmes, contemplé la idea de reemplazarla por “Wild at heart” o “True romance” pero dije “Nah.” Heathers lo hizo pri-

mero. Su humor negro. Sus diálogos irónicos. Frases como “Chaos is what kill the dinosaurs, Darling!” Creo que su influencia se hace notar hasta el día de hoy en cosas como The end of the f***ingworld y mas también. Francis Kenny con su fotografía le aporta ese tono de cuento de hadas del infierno que tiene la película. Narrada por Verónica quien escribe en su diario, el arte del film es colorido y abunda en colores irreales escapando a una ambientación naturalista. JD parece un cuervo que llega a ir trastocando el colorido mundo de Verónica. Cuando una broma se escapa de manos y termina en muerte… ambos muchachos comienzan un viaje hacia la destrucción.¡Fahh! eso sonó como re dramático y existencialista cuando es una comedia acida. La película cuenta las peripecias de estos dos asesinos y como su relación va tornándose cada vez más tóxica. Lo gracioso surge porque la historia está rodeada de todos los clichés y el universo de las comedias de John Huges de preparatoria norteamericana en tono psicópata. La actuación de Christian Slater como JD es de antología. Es para guardar en la galería de psicópatas

153 de películas de terror. Aunque esto no sea terror perse. Él es un agente del caos antes que el Joker de HeathLedger se anime a serlo. La verdad es que el actor confesó en una entrevista en el ciclo interminable de “Insidetheactors Studio” que se inspiró e imitó a Jack Nicholson en El resplandor y Atrapado sin salida y mostró como le imitó el detalle de las cejas de loco. Detalle que le queda perfecto a JD. Es un loco de mierda, la verdad sea dicha, pero te hace reír con sus maldades. Verónica es genial. Es un personaje femenino que no se deja amedrentar por su “Tóxica relación” que siempre termina con muertos en el conteo permanente de cuerpos. Pasa del amor al odio y el amor a la vida y la supervivencia en un abrir y cerrar de ojos. Es una luchadora. Winona está perfecta porque ella no es para el mundo de las Heathers, ni para el mundo os-

están vivas y cuando están muertas. Michael Lehmann, su director, ganó el Independent Spirit Award por su rol en la dirección que la verdad es muy merecido. La historia esta cuidada en todos los aspectos remarcando esa cualidad de onírica y bizarra que otras películas juveniles de los noventa aprovecharían luego (Clueless a la cabeza y ahora Pretty Little Liars.). Heathers es intensa porque aparte la juventud es intensa. La pareja de Verónica y JD trae mas desastres que Bonnie and Clyde pero se inscriben en el imaginario a causa de tantos suicidios sospechosos y finales explosivos. Las fantasías macabras de cualquier adolescente que tuvo que atravesar la secundaria : encontrar el amor y asesinar a la maldita popular que los tiene entre ojo y ojo. ¿Acaso quieren decir que quien escribe

curo y siniestro de JD. Verónica esta para otra cosa. Pese a parecer ligera, la película no elude problemáticas como la violencia en las escuelas y se puede decir que casi anticipa los hechos que condujeron a la masacre de Columbine y otras tantas tragedias escolares. El film, de una manera exagerada, lidia con el Bulling y la percepción social de las personas, cuando

tuvo la fantasia de hacer saltar la escuela por los aires? Eso nunca podrán pobrarlo, pero para ser realistas,Heathers estuvo ahí para esos momentos en el que te das cuenta que no sos el único psicópata del instituto. XD. Esos no van a ser los mejores años de tu vida. (Tendrían que haberle dicho alguien a Verónica y JD).

LES AMOURS IMAGINAIRES. LOVE IS IN THE AIR [ Por Jimena Patiño ]

¿Seguimos con la juventud? Ahora no son taaaaaan psicópatas pero vienen con una importante sobrecarga de histeria. Me gustaría pensar que mi amor odio por Xavier Dolan es tan popular que es de público conocimiento. (Hasta tengo un videocast en YouTube para probarlo) realmente recuerdo la primera vez que vi “Yo maté a mi madre” y sentí esa especie de “amorodio”eterno por la figura del JOVENCÍSIMO director. La verdad es que comencé a verla toda prejuiciosa pero cuando vi que el chico tenía talento, realmente me indigné, simplemente porque yo a su edad estaba papando moscas con el traste. Desaprovechando la vida y no triunfando en Cannes o en Canning siquiera. Esperé su segunda película con toda emoción porque realmente parte de mi quería que probara que no era un genio y otra parte de mi quería ver que triunfara frente a esa manga de intelectuales, porque Joven gay y canadiense… es como un personaje de una no-

vela contemporánea destinado a ser un Enfant terrible y exitoso. Luego Les Amoursimaginaires se estrenó. Parte de mi quería defenestrarla, pero me había gustado tanto la malicia y la acidéz del director que nos terminamos reconciliando y Dolan sabe que soy fan suya. Se nota el control que tiene de su obra desde el comienzo y eso demuestra una inteligencia muy grande. La malicia podría llevarnos a decir que abusa de los montajes en cámara lenta con fugas de Bach. Que los personajes son extremadamente artys y representan la clase de estereotipos que se esperan del cine independiente, pero luego uno es conquistado por la malicia y la dulce ironía que rodea el relato. Marie (MoniaChokri) y Francis (Xavier Dolan) son amigos. Los mejores. Los planos que le dedica a presentar al personaje de Marie nos cuenta todo el amor que Dolan le tiene. Ambos se apasionan por Nicolás (Niels Scheneider) con ambos actores ya había cola-

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borado en su opera prima. Evidentemente se le da bien colaborar con gente que conoce pero a Dolan se le da bien todo. La historia de amor se va retorciendo cuando ambos amigos llegan al colmo de hasta rodar por el barro por el amor de Nicolas, arrancando risas del patetismo en la audiencia. La banda de sonido (apuesto que elegida por Dolan y su Ipodsuper pijo de chico canadiense refinado) es espectacular. Desde canciones italianas con coversde BangBang de Nancy Sinatra hasta fugas de Bach. Todo el delirio le pertenece a la mente de este muchachito quien a parte tiene un ojo especial para ser visualmente minimalista e interesante a través del uso del colorido y el arte del film.

sesión en las tres puntas del relato. Pero también es cierto que existen enamoramientos así en la vida que nos hace actuar como niños enloquecidos. Lo simpático del relato es que para darle un tono más de cine arte, la historia corta contando en montajes paralelos en blanco y negro, historias de amores de personas que podemos suponer son amigos de Dolan. Y ver gente filosofando sobre el amor es muy hermoso. La película busca en su estructura exorcizar los demonios personales de aquellos amores que no están destinados a ser correspondido y sobre todo el valor del amor de la amistad. Rodarán por el barro, Marie y Francis pero al final del dia se aman y su locura igualada es la que los hace mejores amigos. Por eso cuando la película cierra con la aparición estelar del actor mas

Niel Scheneider es tan bello para el relato y está tan inteligentemente utilizado como objeto de afecto para ambos personajes que duele. En parte el disfrute de él pasa por boludear a ambos amigos, que evidentemente le idolatran y eso hace que te enojes con su personaje. Pero algunos están para amar y otros para ser amados e idolatrados y sacan todo su disfrute de eso. Es cierto que el film es el colmo de la histeria y la ob-

bello (que es uno de mis amores imaginarios) Louis Garrel la historia te arranca una sonrisa final recordándote que la vida y las obsesiones solo se pasan con la muerte pero que por el momento, solo están condenadas a repetirse. PD: Louis Garrel vale la pena la obsesión toda la vida. Y el plano final es un diez para cerrar esta tragicomedia mortal.

SCRETARY-WILL THE REAL MR. GREY PLEASE STAND UP? [ Por Jimena Patiño ]

Que pase adelante el verdadero señor Grey… El que vale la pena, con los fetiches complicados. Antes de que piensen que quien suscribe está hablando de Jamie Dornan… déjenme vomitar un rato y lavarme luego con pasta de dientes mentoladas porque… El verdadero señor Grey, el jefe explosivo y sexy es ni más ni menos que el interpretado por James Spader. La gran y cruda verdad es que el verdadero Grey, fue Dorian, pero si lo pasamos por alto un rato y hablamos de tipos ricos con fetiches, nos damos cuenta que la novela de E.L James parece un mal robo de esta historia a la que defiendo a muerte. La defiendo principalmente porque el personaje de “La secretaria” Lee Holloway, interpretada por Maggie Gyllenhaal fabulosamente, es una “Sumisa” muy particular. En el comienzo de la historia ella sale de una institución mental por lo que desde el inicio, el personaje recatado y retraído oculta un secreto muy importante y es que solía (y esta tentada) a autolesionarse.

Es una película que usa muy inteligentemente las psicopatías de dos personajes “enfermos” que se encuentran. Su historia de amor es muy particular. Es un tira y afloje de tensiones que intrigan al espectador que piensa que esto puede no terminar bien… Ella se va transformando en una especie de maestra en la manipulación cuando el que piensa que tiene el poder en la relación es él. El tira y afloje de poderes y las situaciones si bien rozan lo hilarante no dejan de ser juegos sexuales algunos más graciosos que otros. Poniendo el enfoque sobre la gracia de las prácticas sexuales desdramatiza los momentos y las pulsiones de los protagonistas. En otras palabras a través de esos juegos, tales como: “Si escribís mal una palabra hay tabla” los personajes llegan a conocerse íntimamente y enamorarse. ¡Que son dos locos hermosos! Lo más lindo de todo es que es una experiencia audiovisual completa y satisfactoria *guiño, guiño*

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el tono irónico, sexy y gracioso se completa con una banda sonora que incluye a Leonard Cohen y Angelo Badalamenti, responsable de cosas geniales para David Lynch. El ambiente y la fotografía del interior de la oficina es muy diferente en tono a cuando Lee está en contacto con su prometido o su familia. Es casi teatral y artificioso. Todo está en su sitio y parece responder a los gustos y psicopatías del personaje de James Spader al dedillo. Steven Shainberg su director, realmente controla los ambientes en los que los personajes se mueven y el timing de todo es una delicia. Todo se complica cuando Edward Grey piensa que con su “secretaria” se está convirtiendo en un mons-

una pareja hecha y derecha.Perfecta, como es el ideal de Edward que tiene su mambo con la perfección y los errores. En un plano final magistral la historia cierra demostrando que la que tiene el control de lo que quiere es ella. Su sonrisa cómplice y una cucaracha puesta en un determinado lugar cierran esta historia de humor ácido que no teme abordar el tema del BSDM desdramatizando y naturalizando la situación para que comprendas que es lo más normal del mundo estas relaciones conflictivas de poder cuando la aceptación de ambas partes está dispuesta a ello. Eso quizás sea lo más fundamental de todo. Ambos están de acuerdo en su relación de poder y sumisión. Por eso la película aunque quizás pueda sorprender

truo. Que lo de ellos no puede ser aprobado por el mundo real. Entonces la trama se enreda. Sin embargo, las mujeres siempre saben lo que quieren y Lee lo quiere a Edward porque ¿Si vas a amar a un loco que sea compatible con tu locura? El final llega y ellos parecen haberse convertido en

un poco, tiene un tratamiento que no resulta chocante, sino que por el contrario te lleva a suspirar animadamente al son de la frase: “Siempre hay un roto para un descocido.” A veces el roto es él y la descosida ella y viceversa. Chas chas en la colita para todos los que quieran.

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David Byrne anunció su próximo disco solista, el primero desde “Grown Backwards” (2004) ya que entre este y "American Utopia" (2018) hay discos en vivo y colaboraciones con Brian Eno, Fatboy Slim, Caetano Veloso y St. Vincent entre muchos otros proyectos muy variados que lo han mantenido muy activo. American Utopia se lanzará el 9 de marzo de 2018, a través de Todomundo / Nonesuch Records, acompañado por una gira mundial que lo traerá a Buenos Aires el 18 de Marzo en el marco del Lollapalooza Argentina. El álbum fue grabado en la ciudad de Nueva York y contó con varios colaboradores que se fueron sumando luego de dar comienzo junto a su amigo Brian Eno con quien hizo la canción ya se puede escuchar, ver y bajar y nosotros le dejamos aquí abajo. “Everybody's Coming To My House” en formato de clip dirigido por Robert Edridge-Waks con ilustraciones de Doug Henders. El tema nos remite al mejor Byrne funky, bailable y con unas excelentes orquestación que nos remiten al ya mencionado “Grown Backwards”.

The Breeders anunció “All Nerve” el sucesor de “Fate to Fatal” (EP 2009), tiene fecha para el 2 de marzo de 2018, será editado por 4AD y tiene dos singles de adelanto "Wait in the Car" y “Nervous Mary” que pueden escuchar por Spotify. All Nerve reúne a los miembros de la banda Kim y Kelley Deal, Josephine Wiggs y Jim Macpherson, la clásica formación detrás del icónico y platino álbum de Breeders, Last Splash. El cuarteto regresó al escenario en 2013 para celebrar el 20 ° aniversario del álbum y ha estado trabajando en silencio en el nuevo material desde entonces.

Yo la tengo lanzó un adelanto con 4 temas de su nuevo álbum que lleva el nombre de “There's a Riot Going On”. este es el sucesor de “Fade” (2013). El álbum es una producción propia, cuyo título está inspirado en el clásico de 1971 de Sly and the Family Stone, sale el 16 de marzo a través de Matador Records y estará disponible aproximadamente para el 16 de Marzo y ya se puede encargar desde el store del sello. La banda formada por Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew lo hicieron todo ellos mismos, en su sala de ensayo, sin ningún ingeniero ni equipo complicado (John McEntire más tarde ayudó a mezclar). No ensayaron juntos de antemano; Encendieron la grabadora y dejaron que las cosas se fusionaran. El resultado fue impecable, los adelantos son excelentes tanto para iniciarse con la banda como para sus seguidores y los pueden escuchar por Spotify.

Belly la banda de la ex- Throwing Muses, Tanya Donelly, confirma su regreso con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio "Dove" para el 04 de mayo Será la confirmación de un regreso que se gestó en el 2015 con las presentaciones en vivo. Dove ya tiene un adelanto "Shiny One" del queTanya dice: “Tengo mucho cariño por "Shiny One". Fue la primera canción completamente colaborativa que hemos hecho alguna vez: Gail escribió el riff y el estribillo, Tom y yo escribimos el verso y el bridge, las partes de Chris dieron forma a la dirección y al ambiente. Cuando lo escucho, nos escucho a los cuatro por igual”. La banda ya ha confirmado un tour que incluye varias ciudades de los Estados Unidos para los meses de agosto a octubre.

Atlante lanzó el primer corte de lo que será su quinta producción #B, el sucesor de #A (2017). Recordemos que tienen dos discos de estudio (2010 y 2014) y una sesión acústica grabada en vivo (2015), todo disponible en su bandcam y en Spotify. El tema se llama “Lengua”, el video fue dirigido por Ramiro Cornidez y la edición es del mismo Ramiro Pinto quien és el compositor. Atlante viene alternando entre un sonido de pop directo y un sonido de rock más complejo. Lengua es tal vez el trabajo más minimalista y de síntesis pop que han realizado hasta la fecha producto de un trabajo de más horas en el estudio que en la sala de ensayo.

Catch The Breeze adelanta su álbum debut con el single/video "Paper Lantern". El trío danés con base en Copenhague, que lleva por nombre una canción de Slowdive formados en el 2014 por Aage Hedensted en voz y guitarra, Lars Madsen en bajo y Andreas Bundgaard en batería, acaban de lanzar el single, "Paper Lantern" elegido para anticipar la salida de "Glow", que se lanzará el 16 de marzo bajo el sello Kundalini Records (DK). La banda había editado un EP homónimo en el 2014 que pueden ver en su canal de youtube todos los videos.

In Corp Santics estrenan "Que no digan nada" que es el segundo single adelanto de su tercer álbum "Eres Diferente" que saldrá en abril. El cuarteto argentino que lleva unos años como uno de los referentes de la neo psicodelia local, estrena single y video oficial de "Que no digan nada". El primer adelanto había salido en el 2017, "Todo lo que intento". El video del nuevo single fue filmado por Max Teves, producido por In Corp Sanctis y Max Teves. Realizado y editado por Manuel Manso y el bailarín es Nico Illbele. El cuarteto formado por Jeronimo Alderete, Agustin Fadel, Ignacio Iñiguez y Camila Montenegro.

Stone Temple Pilots anuncia nuevo álbum. Después de Scott Weiland y Chester Bennington (ambos fallecidos) la banda con un nuevo cantante (Jeff Gutt) ha anunciado su regreso discográfico. Bajo el nombre de la banda el nuevo álbum podría suponerse como un nuevo comienzo, pero en realidad en palabras del guitarrista Dean DeLeo dijo: “Estamos emocionados por lo que nos depara el futuro”. El 16 de marzo bajo el sello Atlantic Records y Rhino se lanzará el nuevo álbum de 12 canciones, y si bien se puede prestar a confusión con el último álbum del 2010, que también fue el último de Scott, este contiene canciones totalmente nuevas. Ya tuvimos el estreno del primer single en noviembre del año pasado ("Meadows") y ahora lanzan el segundo single de adelanto "Roll Me under", que fue estrenado el 31 de enero pasado.

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DE CANCIÃ&#x201C;N + BANDA

[ Por Diego Centurión ]

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Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias. Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda. La llamamos "De Canción + Banda". En el caso de hoy el nombre de la banda fue tomado de un video de otra banda, es un caso en el cual tendrán que ir a ver el video para comprobar lo que acá les cuento. En el 2001 la banda New Order edita su séptimo álbum, “Get Ready”, que será recordado, además por ser el último (hasta el momento) con la formación original, por unas canciones que devolvieron a la banda a la primera plana de los rankings.En este álbum se incluyen canciones como “60 Miles an Hour”, “Someone like You” o la que hoy nos trae esta sección “Crystal”. En el video de Crystal (dirigido por Johan Renck) aparece una banda ficticia llamada The Killers, pueden verlo en el logo en el bombo de su batería. Formados en ese mismo año vieron en el logo de la batería su nombre. La banda de Brandon Flowers (voz, teclados, bajo) y Dave Keuning (guitarra, coros). Mark Stoermer (bajo, guitarra, coros) y Ronnie Vannucci, Jr. (batería, percusión) son mundialmente conocidos a base de canciones como "Mr. Brightside", "When You Were Young", "All These Things That I've Done", "Human", "Somebody Told Me", "Smile Like You Mean It" o "The Man". Ya han editado los discos “Hot Fuss” (2004), “Sam's Town” (2006), “Day & Age” (2008), “Battle Born” (2012) y “Wonderful Wonderful” (2017). Los Links a las bandas: New Order: http://www.neworder.com/ http://www.neworderonline.com/ https://twitter.com/neworder https://www.instagram.com/neworderofficial/ The Killers: http://www.thekillersmusic.com/ https://www.facebook.com/Thekillers https://www.instagram.com/thekillers/ https://open.spotify.com/artist/0C0XlULifJtAgn6ZNCW2eu https://twitter.com/thekillers https://www.youtube.com/user/TheKillersVEVO

PURA MELOMANIA

CHILDE LEONARD TO THE SONG TOWER CAME LEONARD COHEN – I'm Your Man (1 988) [ Gabo Rojo ]

Hay una torre donde habitan los compositores, dice Leonard Cohen. Hank Williams vive 100 pisos más arriba que él; Cohen le pregunta si se siente solo pero Williams no le contesta. Éste es el planteo detrás de “Tower of Song”, el tema que cierra I’m Your Man, uno de los discos más celebrados de Cohen. Sólo peca de humilidad: de existir una Torre de la canción (y todo parece indicar que, por lo menos metafóricamente, sí la hay), Cohen estaría en la cima de la misma. Las canciones de este disco son prueba fehaciente de ello. Son absolutamente esenciales y canónicas dentro del repertorio de Cohen: 6 de los 8 temas de este disco se incluyen tanto en el compilado The Essential como en Live In London. Atrás quedaron los arreglos austeros de los 60s – aquí la producción es absolutamente ochentosa (“First We Take Manhattan” suena como Depeche Mode + saxo + la voz de Cohen, lo cual es absolutamente fantástico,) a veces quizás demasiado, pero contribuyó tanto a hacer de este disco uno de sus más accesibles como a convertir a sus canciones en éxitos duraderos. Y qué canciones. Casi todas las facetas de Cohen están aquí representadas: el comentarista social apocalíptico (“Everybody Knows”), el espiritual (“Ain’t No Cure for

Love”), el que flirtea con la locura (el posiblemente psicopático narrador de “First We Take Manhattan”), el amante de Lorca (“Take this Waltz” está basada en un poema de su ídolo, traducido y adaptado por Cohen), el amante (“I’m Your Man”.) Las temáticas que el poeta que decidió ser cantante explora, como siempre, son las mismas. Lo sagrado y lo profano se yuxtapone. La vida está llena de horrores, “todo el mundo sabe que los dados están cargados”, pero un encuentro casual entre un hombre y una mujer puede ser un atisbo de lo divino. No queda otra que “bailar el vals”, pues. La magia particular de I’m Your Man reside en disfrazar las canciones para que, en ocasiones, Cohen parezca un crooner radial más haciéndose el listillo declarando que “no hay cura para

167 el amor.” Pero en sus manos, esto deja de ser un cliché, y el que ahonda en la letra del hit pop se verá más que recompensado con otro fragmento de divinidad: “No necesito ser perdonado por amarte tanto / Está en las escrituras, escrito en sangre / Hasta escuché a los ángeles declararlo desde arriba / No hay cura para el amor.” Entre tanto clásico, es fácil olvidar la discreta canción que quizás sea la perla más hermosa del álbum: “I Can’t Forget”, con su gentil Pedal Steel, lánguido ritmo y significados

dentro de significados dentro de significados: “Te amé toda mi vida, y así quiero terminarla / El verano ya casi termina para dar paso al invierno / Sí, el verano se va pero hay mucho que sigue para siempre / Y no puedo olvidar / No puedo olvidar / Pero no recuerdo qué.” Ciertamente no olvidaremos a este gigante, y si alguna vez llego a adentrarme en los sagrados pisos de la Torre de la Canción, aunque no me conteste me contentaré con saber que está allí arriba.

CEDIENDO EL PASO A LA MADUREZ PEARL JAM – Yield (1988) [ Alex Bretto ]

Después de la edición de “Gone Troppo” en 1982 (que comercialmente no caminó), George Harrison se relajó y pasó unos años de solaz, esparcimiento y escaso trabajo. Un tema para la película “Porky’s Revenge”, un trabajo para un álbum de Bob Dylan, conciertos de caridad, y una participación en el estrepitoso fracaso “Shanghai Surprise” (1986), patético film protagonizado por los tortolitos Madonna y Sean Penn para el cual Harrison compuso dos temas. Y no mucho más hasta inicios del ’87, cuando reingresaría a estudios de grabación. Harrison se sentía apartado del sonido de los tiempos que corrían, así que solicitó la ayuda de Jeff Lynne (Electric Light Orchestra) para aggiornarse. Esta sociedad trabajó en las composiciones de “Shanghai Surprise” pero aportó también otras que formarían parte del primer álbum de George en cinco años. Las nuevas creaciones provendrían en gran parte del uso de la técnica conocida como overdubbing: se trata de escuchar grabaciones preexistentes con los auriculares mientras simultáneamente se toca con un instrumento una nueva línea de acompañamiento, la cual es grabada como una nueva base, combinando a veces la misma con segmentos de la pista original. Entre enero y marzo se grabaron 17 nuevos tracks que posteriormente fueron pulidos, para terminar con todo el trabajo hacia agosto de ese año. Durante estas grabaciones, desfilaron por el estudio Friar Park músicos de la talla de James Keltner (mítico baterista de sesión que en el futuro sería

dos obtenidos, Harrison se preparaba para su gran regreso y se presentó en el Prince’s Trust Concert el 5 de junio de 1987 con una recordadísima versión de “While My Guitar Gently Weeps” junto a Clapton, Starr, Elton John, Jeff Lynne, Phil Collins, Mark King y Jools Holland. Era el ex guitarrista de los Beatles preparando el terreno para lo que vendría. Curiosamente, el adelanto del disco sería un tema originalmente grabado en el año 1962 por James Ray (compuesto por Rudy Clark): Harrison compró una copia del disco de Ray en 1963 en una visita a USA. James Ray moriría por una sobredosis en 1964, pero más de dos décadas después, la versión de George Harrison de “Got My Mind Set On You” sería un éxito abrumador que llegaría al #1 en 18 países en todo el mundo. Fue lanzado como single el 12 de octubre de 1987, un mes antes que el álbum que lo conten-

miembro de los Traveling Wilburys), Ringo Starr, Eric Clapton y Elton John. Entusiasmado por los resulta-

dría. Sería el tercer y último número 1 de Harrison en Estados Unidos, además de colocarse como tema

169 #3 del año en el ranking Billboard de 1988 y de revalidar las credenciales de su intérprete como artista mainstream. El 2 de noviembre se editaría “Cloud Nine” y sería alabado por la crítica: la revista Rolling Stone lo consideraría su mejor producción desde “All Things Must Pass” (1970). Fue una elaboración compacta y pulida, un regreso sobresaliente con 11 canciones puramente “harrisonianas” pero con agradables reminiscencias a ELO. Las condiciones de Harrison como compositor, cantante y guitarrista estaban intactas. Los siguientes cortes del disco, si bien no fueron éxitos comerciales de la talla de “Got My Mind Set On You”, si fueron excelentes elecciones: “When We Was Fab”, un autohomenaje a los años con The Beatles, y “This Is Love”, un anticipo del próximo megaproyecto The Traveling

Wilburys que vería la luz en octubre de 1988. Varias otras canciones descollaban a lo largo del álbum, entre ellos: la excelsa balada “Someplace Else”, previamente incluida en la banda de sonido de “Shanghai Surprise”; “Devil’s Radio”, una rola muy ganchera que si bien no fue corte se lanzó como single promocional; o “Wreck Of The Hesperus”, otro de los momentos donde Clapton tuvo oportunidad de lucirse. Sería este el penúltimo álbum de estudio de Harrison. Recién en el año 2002 saldría “Brainwashed” (su décimo álbum), el disco póstumo editado un año después de su fallecimiento a la edad de 58 años. “Cloud Nine” dejó una huella indeleble y se convirtió en una producción necesaria a la hora de repasar las mayores conquistas del magnífico Dark Horse. Creo que para un conjunto de rock que vende desde sus letras el in-

conformismo, la frustración o la disidencia, mantener dicha postura es casi natural mientras continúe siendo under. Pero cuando el éxito masifica su música, los estadios más grandes de Norteamérica comienzan a llenarse con sus giras y los carteles de “Sold Out” se convierten en moneda corriente, el proceso de aburguesamiento es prácticamente inevitable. ¿Y entonces? Era la pregunta que surgía para Pearl Jam en un momento bisagra de su carrera. ¿Cómo encajarían en los oídos de los “Jeremy” del mundo (haciendo referencia al icónico tema del álbum “Ten” sobre un adolescente frustrado e introvertido que decide acabar con su vida) las nuevas líricas escritas por un grupo de muchachos exitosos y adorados por multitudes? ¿O donde estaba ahora el “Disidente” de los años de “Vs”? ¿Seguirían Eddie y sus muchachos en la postura inequívoca de no dormir en la “Cama de Satanás” de la que renegaban en “Vitalogy”? La marginalidad, después de todo, tenía sus beneficios: todos podemos quejarnos desde ese lugar, pero cuando la realidad que nos rodea se modifica ¿cómo nos transformamos? Este planteo que fue un dilema para muchas bandas (luego acusadas por sus fans de “venderse” al sistema), fue capeado con holgura por Pearl Jam. Aunque aún estaba por verse como lo lograría. Tras la interesante incursión en “No Code”, la producción de 1996 que marcó un cambio de rumbo en la línea artística respecto a entregas anteriores, soplaron vientos de cambio pero era necesario reafirmarse con trabajos que contuvieran la sinergia de los primeros tiempos: furia, calidad y buenas letras. En diciembre de 1997 vería la luz el simple “Given To Fly”, adelanto del próximo disco, que se convertiría en uno de los singles más significativos en la carrera del grupo. Una clásica composición de rock con una buena melodía rabiosa, y la energía de la voz de Eddie Vedder manifestándose intacta. Una oda a la rebeldía adolescente que choca contra muros oxidados pero se regenera para poder seguir desplegando sus alas: relato autobiográfico sobre los golpes que la vida sabe dar. El quinto álbum de la banda contó nuevamente con

la producción de Brendan O’Brien, y sería lanzado el 3 de febrero de 1998 con el título “Yield”. La idea sobre la que giraba esa denominación era la de “Ceder a la naturaleza”, extraída de una novela filosófica del autor Daniel Quinn, “Ishmael”. Y de eso trata en varios pasajes, relacionándose con las catastróficas consecuencias de vivir en una moderna civilización globalizada. Por ejemplo: “I´m the first mammal to wear pants / I am at peace with my lust / I can kill ‘cause in God I trust, yeah” (“Do The Evolution”, tal vez el hit más difundido de este álbum). “Yield” es un disco menos furioso que la trilogía inicial de PJ, pero aun así vuelve en parte a las raíces, y los indicios se muestran desde el primer track “Brain of J.”, donde se renuevan las referencias al control de pensamiento y opresión en el contexto de un clásico hard rock ganchero. Pero a diferencia de “Ten” o “Vs” donde las letras reflejaban una confrontación constante, aquí hay lugar para el optimismo y los sentimientos positivos. Da fe de ello “Wishlist”, la primera canción de Pearl Jam que pudo entrar felizmente en la rotación de radios AOR (Adult Oriented Rock) por su mensaje plagado de buenos deseos y una línea tan positiva como “I wish I was as fortunate, as fortunate as me”. Y no es que Pearl Jam no hubiera hecho temas lentos o mid tempo agradables al oído distraído, pero con letras como “Black” o “Daughter”, el centrismo cristiano bien pensante podía llegar a arder en llamas. Aquí en cambio, tenemos algunos momentos de melancolía y reflexión, donde podemos darnos el lujo de parar y descansar, donde hay concesiones, como “Low Light”, “All Those Yesterdays” o esa gema que es “In Hiding”. Para que los hard fans no extrañen, mezclados con estos pasajes de empatía y buenas vibras encontramos la ya mencionada “Do The Evolution”, una crispada crítica al desenfreno arrasador del ser humano, que nos remite a la ya conocida veta punk de rolas como “Spin The Black Circle” o “Lukin”. Y los clásicos llamados de atención como “Faithfull”, que nos recuerdan que no todo está tan bien como nos hacen creer. Más no estamos solos, y en “No Way” buscamos esa conexión con los demás. Hay mucho engaño: la situación sigue siendo desesperante, los políticos y sus medios masivos conspiran para dominarnos… pero hay esperanza.

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Decir que Pearl Jam maduró es algo que, precisamente, cae de maduro. No estaríamos hablando de ellos como uno de los shows en vivo más importantes del planeta de no haber sido así. Si PJ no hubiera logrado ese progreso a mediados de los 90’s, quizás hubiera pasado a ser solo un recuerdo, una más de aquellas bandas que posibilitaron la explosión del grunge como una movida fundamental en la Norteamérica inquieta de Bush padre. Como conclusión y con los años, todo se transformó. Por un lado, Eddie y sus muchachos durmieron finalmente en la “Cama de Satanás”: en 1994 habían declarado una guerra al monopolio Ticketmaster, pero el día de hoy es Ticketmaster quien comercializa las entradas a sus conciertos. Gajes del oficio: no se puede ser más papista que el Papa. Pero desde lo creativo, Pearl Jam también supo cambiar convenientemente de acuerdo a los requerimientos que los tiempos imponen. Los cambios no siempre son bien asimilados y tal vez por eso “Yield” fue un disco muy criticado por algunos medios especializados (AllMusic entre ellos), pero los fans supieron entenderlo y atesorarlo. Por eso hoy en día es uno de los álbumes infaltables en la discografía de Pearl Jam.

BAJO EL INFLUJO DE UNA ESTRELLA DE MAR The Church – Starfish (1988) [ Benjam´´in York ]

Es totalmente creíble pensar en treinta años desde el lanzamiento de Starfish, ocurrido un 15 de febrero de 1988. Y digo que es creíble ya que ha pasado mucho en estos treinta años tanto en la banda como en nuestras propias vidas. Pensar en el desafío que significó grabar un nuevo álbum tres años después del gran Heyday (1985), los miedos y la obligación de sacar un nuevo trabajo que iguale o supere al mencionado no era tarea fácil. Lo cierto es que la banda se tomó tres años para editar un nuevo álbum y el tiempo sirvió para que nos entreguen éste, para muchos, el mejor álbum de la banda. Por lo menos el más exitoso, el que de la mano de su gran hit "Under The Milky Way" que lo coloca dentro de cualquier compilado de las mejores canciones de los años 80's. Pero se supone que el éxito siempre llega en un momento de calma y buena vibra en las bandas, caso que no es el de The Church. En medio de la gira de 1986 Marty Willson Piper abandona la banda, aunque luego regresa. El anterior álbum tuvo más éxito fuera de Australia, por lo cual EMI los abandona y con esto la posibilidad de un álbum en vivo llamado “Bootleg” quedó trunca. La banda decide irse a grabar el nuevo disco fuera de Australia, específicamente a Los Ángeles, sumado a un nuevo contrato con Arista Records en 1987. Se pone a disposición de los productores Waddy Wachtely Greg Ladanyi quienes presionan para que Kilbey tome clases de canto. Pero la convivencia con la banda fue un caos y estalló con el sonido de las guitarras, las estructuras de las canciones y la metodología de trabajo; pero no sólo eso fue lo que provocó que su estadía en Los Ángeles fuera odiosa, sino que la banda estaba en un lugar que no

les gustaba. Steve Kilbey dijo al respecto: "The Church vino a Los Ángeles y realmente reaccionó contra el lugar porque a ninguno de nosotros nos gustó. Odiaba el lugar donde vivía. Odiaba conducir este horrible pequeño coche rojo por el lado equivocado de la carretera. Odio que no haya nadie caminando en las calles y extrañaba mi casa. Todas las publicidades, las conversaciones que escuchaba, los programas de televisión, todo lo que nos estaba pasando estaba yendo a la música". Cuatro semanas les bastó tener “Starfish” y trataron de grabarlo lo más crudo posible, buscando el sonido interno de la banda sin regrabaciones posteriores o agregados de otros instrumentos. Y la diferencia con el anterior álbum Heyday está en eso, en el sonido. Un sonido no tan “alegre” como en el álbum anterior, este tiene más de introspección y una atmósfera mucho más íntima, el trabajo de producción ha hecho que el

disco suene realmente superior a lo registrado anteriormente. Una claridad y brillantez en la mezcla hace que las canciones se iluminen y brillen de principio a fin. Desde el comienzo con “Destination” con esa guitarra con delay, luego con el pulso del bombo y el bajo y las guitarras nos introducen en un clima mágico que explota con la entrada de la banda y desde ahí no deja de crecer, la canción y el álbum. Obviamente todos los laureles se los lleva el mayor hit del álbum y de la banda, “Under The Milky Way”, con la bella guitarra acústica de Marty Wilson Piper que le da la cadencia exacta al ritmo de la canción. Blood Money es tal vez una de las canciones más lindas de la banda, tiene el tiempo justo y el detalle de la guitarra del comienzo es hermoso, la voz de Steve es simplemente abrazadora. “Lost” es otra de mis favoritas del álbum, esa guitarra dream pop empieza abriendo un cielo estrellado que toma color cuando entra la banda, la cohesión perfecta entre

está puesto como apertura del Lado B del disco vinilo. Atronador. “Antenna” en tiempo de vals se construye esta hermosa canción que nos hace bajar la vertiginosidad del track anterior, pero le imprime un ambiente soñador desde el estribillo que parece salido de algún cuento de niños, ensoñador y si se quiere de cuento infantil. “Reptile” es otro golpe al mentón del oyente, soberbia composición de la banda, con una intensidad que nos lleva a caminos intransitables en un automóvil polvoriento. "A New Season" es otra canción no cantada por Kilbey, esta vez Peter Koppes se encarga de la voz de la canción que escribió él. No es de las mejores del álbum pero mantiene la esencia The Church y le imprime un gusto post-punk interesante. "Hotel Womb" cierra el álbum original, con esta canción “made in” Kilbey que es muy buena para el cierre del álbum, de ritmo cansino y somnoliento con unas guitarras que dibujan fantasía en sus intervenciones.

las guitarras y la voz hace que la canción sea un viaje placentero, que se amplía en destellos luminosos en el estribillo, con esos coros que abren puertas celestiales. “North, South, East and West” es un recuerdo del sonido de álbumes anteriores, como una demostración de que siguen siendo el The Church de canciones como “Myrrh”, “Electric Lash" o “Almost With You” de álbumes anteriores, aunque con un tiempo más lento. “Spark” con Marty en la voz es un himno de la banda, infaltable en los conciertos de The Church como en los de Marty como solista. Es brillante y bien rockero, que

Otro Clásico de la banda. Sin lugar a dudas estamos ante un quiebre en la historia de la banda, el éxito de “Under The Milky Way” lo hizo pertenecer por primera vez a la elite de bandas mainstream, aunque ellos nunca se lo creyeron mucho (por suerte) y estuvieron al margen, pero el éxito llegó y merecido que se lo tenían. Como dije al principio, esa canción los coloca dentro de cualquier compilado de las mejores canciones de los años 80's. Pero además es un tremendo disco.

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ONBC | Travelmate Label: Crunchy Frog Recordings Fecha de Lanzamiento: 03 de Noviembre de 2017 [ Por Benjamín York ]

nizar las directrices de la atención (Inglaterra y EEUU) llega, casi en silencio, ONBC para mostrarnos que, como en Latinoamérica, hay países que hacen música soñada.

SENTIDOS ALTERADOS | Vibró Label: https://sentidosalterados.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 17 de Noviembre de 2017 [ Por Diego Centurión ]

Es indudable que se pueda abarcar todas las ediciones en el mes de su lanzamiento. La verdad es que a veces uno encuentra nuevos álbumes mucho después (o no tanto después de sus lanzamientos), pero un puede sentir que muchas veces el hallazgo es bien recompensado. Esto me pasó con ONBC, este cuarteto dinamarqués de Copenhague, formado por Camilla Florentz (voz y bajo), Tanja Forsberg Simonsen (voz y sintetizador), Mikkel Max Jorn (guitarra) y Ivan Petersen (batería) lanzaron su segundo álbum, luego de “Crash, Burn & Cry” (2015). Luego de que el proyecto cambiara varias veces de rumbo y de nombre y que se replantearan la existencia de la banda frente a los shows en vivo, ahora llegan con su segundo álbum y con shows programados. ¿Pero de qué va este proyecto?... de belleza, de dulzura, de un dreampop, cuidado, delicado, con guitarras que por momento nos deslumbran por su cristalinidad y en otros nos sumergen en tormentosos sueños de reflejos. Voces dulces, bajos y baterías que llevan el tiempo de cada canción de manera excepcional, guitarras que emanan con ríos llevando el alma apoyada en las melodías vocales. Descubrir esta banda es como encontrar un tesoro fuera del lugar de búsqueda, porque de un lugar tan alejado de donde se pretende hegemo-

Después de su debut con "Ensayo primero" de marzo del 2017, la banda el quinteto de Buenos Aires regresan con este intenso EP. Formado por Pájaro Rainoldi (guitarra y voz); Nacho Noceti (guitarra y voz); Mar Lasbats (bajo); Cocko Rainoldi (percusión y teclados) y Octavio Bermejo Villarreal (batería) ellos mezclan sonidos crudos con algo de locura psicodélica. Grabado en Estudio El Attic por Patricio Claypole en Junio de 2017.Mezclado en Crudo por Gonzalo Rainoldi. Masterizado en Saff Mastering por Carl Saff. Si bien son sólo cinco canciones, la energía es suficiente para que nos quedemos recargados luego de terminado el EP, es más, si lo ponemos en modo “repeat” la sensación es mejor aún. ¿Y qué es Vibró? Si pudiésemos convertir el sonido de bandas en gustosos líquidos bebibles en una coctelera finamente adornada, y pusiésemos el líquido explosivo de The Jon Spencer Blues Explosion, la psicótica jalea de The Cramps, el toque ácido de The Sonics, y lo batimos con la furia rítmica de The Hives… y el resultado es el explosivo “Vibró”. Tremendo shot energizante….

AUTUMN | The Fall

ZENITRAM | La Casa de Ceniza

Label: Sett Records Fecha de Lanzamiento: 24 de Noviembre de 2017

Label: Poligono Sonico Fecha de Lanzamiento: 05 de Diciembre de 2017

[ Por Benjamín York ]

El trio de post-punk de Minneapolis formado en 1994 por Julie Plante en Voz, Jeff Leyda en Bass y Neil McKay en guitarra, regresan con este EP que adelanta el nuevo trabajo que vendrá, "Chandelier" el 14 de Febrero de 2018. Dos track y un remix son los tracks de este adelanto llamado TheFall, y esa es la canción que abre el trabajo con un ambiente gótico con grandes y hermosas guitarras. La voz de Julie suena impecable como hace en su álbum debut "TheHatingTree" de 1997. Aunque un poco mås endurecida y más climåtica. "Before and After" es el track que sigue con una hermosa melodía instrumental y vocal. Es imposible no caer en la tentación de dejarse llevar por esas guitarras tan climáticas.El remix es de la canción "TheFall (Broken RMX)" realizada por William Faith quien le imprime una acentuación más electro y la hace más bailable, aunque le aplica capas de sintes más duros que la hacen mucho más aguerrida y le da un poco de velocidad que nos hace bailar aunque no sea el deseo de hacerlo. Un gran remix que no pierde el encanto de la canción original. Sólo nos queda esperar que nos llegue el nuevo álbum.

[ Por Diego Centurión ]

"La Casa de Ceniza" es el nuevo y Tercer álbum de Zenitram, vocalista de la banda electro rock Richter. Bajo esta modalidad solista Zenitram nos trae once habitaciones de esta casa de ceniza, en donde con suma elegancia nos va llevando por los distintos trajes que puede ponerse dentro del electro o synthpop. "La Casa de Ceniza" es el primero en 18 años, anteriormente había lanzado "Surveyor" (1996) y "Animal digital" (1999). Sobre el origen de las canciones, Zenitram nos comentó: "Todos los temas de la casa de ceniza, excepto el primero, "desde las rocas", son temas que alguna vez llevé a Richter, pasaron por al menos un ensayo de la banda, fueron demeados con la banda en la sala, pero por una razón u otra nunca fueron grabados ni fueron tocados en vivo por la banda... son temas que quedaron fuera de los discos de Richter (y de los shows) en las selecciones previas a las grabaciones... de ahí un poco el nombre... temas que "ardieron" y con las cenizas construí una nueva casa." Si buen podría sonar a Richter porque fueron pensados para la banda, Zenitram, logra despegarse bastante del sonido de la banda y logra imprimirle una sonoridad propia, sin ser opuesto al sonido para la banda que fueron escritas,

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cada track nos cuenta una historia con un trabajo de experimentación en su propio estudio (UsineDeluxe) y realizado con el tiempo suficiente y sin la presión de editarlo inmediatamente, Zenitram se tomó tres años para producir artesanalmente el álbum. Excepto las voces que fueron grabadas en Bulsara Records, y el mastering, que lo hizo Sebastián Cordovés (Cosaquitos en Globo) en Cuarto Eléctrico. Sobre el trabajo del sonido Zenitram nos dijo: "respecto al sonido también lo trabajo bastante, acá pude darme el lujo de experimentar sin apuro con diferentes sintes (virtuales), efectos, ideas, trato de repetirme lo menos posible (aunque repetirse es inevitable), pero no me gustan en general los discos muy homogéneos, me gustan un poco los golpes de efecto, tal vez por eso está "Feriado" al final del disco." Y sobre el proceso agregó: "disfruté cada uno de los pequeños momentos que me dediqué al álbum, cada arreglo, cada decisión, y me siento muy contento de cómo quedó, siento como si hubiera aprobado una asignatura pendiente que tenía hace muchos años." Creo que sólo tienen que sentarse y disfrutarlo tanto como lo hice mientras escribía está reseña.

LOS IMPULSOS | Adelanto Mismas Historias

Label: https://losimpulsos.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 16 de Diciembre de 2017

[ Por Benjamín York ]

Los Impulsos es una banda de La Plata que acaba de lanzar el primer EP debut llamado "Adelanto Mismas Historias" y nosotros le hacemos el especio que necesita una nueva banda que nos gusta. El cuarteto que ha participado en nuestro último número reseñando la canción de Nuvem Leopardo “Flor Dourada 666”.El cuarteto formado por Juan Cruz Astengo en batería, Nicolás Bardella en voz, guitarra y sintetizador, Tetu Mansilla en voz, guitarra y Juan Manuel Moralejo en bajo. Con músicos invitados: Nicolás Lippoli (guitarra), Gregorio Jauregui (congas) y Fernando Naon (guitarra). Grabado en el Conservatorio de Música Gilardo Gilardi (La Plata) durante el mes de agosto 2017 por Santiago Monroy, Nicolás Urquía y AgustinBuaon. Mezcla: Agustín Buaon. Masterización: Lucas Iurchuk. El EP Arranca con el rítmico “Como si no te conociera” que cabalga en un psicobillyintenso y demoníaco, con riffes de guitarra contundentes, el ritmo de la batería incansable nos lleva en un auto por una ruta sin destino y escapando con cierto humor en la letra. “Mi punto de Vista” continua el ritmo acelerado pero este tiene un aire mucho más garaje rock, por momentos se vuelve un rock and roll cincuentón efectivo y luego vuelve para el solo al frenético ritmo. “Dicen Saber” es la tercera canción y acá volvemos a subirnos y lanzarnos hacia a la ruta al mejor estilo de los Hives. “Mismas Historias” genial apertura con la frase “Ella escuchaba Sonic Youth, mirada perdida a través de la ventana azul”. Desde ahí se convierte en una extraordinaria canción que no te dejará quieto y saltarás a bailar esos pasos espasmódicos al mejor estilo JarvisCocker. Interesante… muy adictivo EP… salvaje… intenso… y por sobre todo… profesionalmente grabado y perfectamente mezclado, lo cual hace que los tracks se escuchen de manera contundente y puedas subir el volumen de tu reproductor sin miedo…

LOWERCASE NOISES | Of Course It's All Things (single) Label: http://music.lowercasenoises.com/music Fecha de Lanzamiento: 05 de enero de 2018 [ Por Diego Centurión ]

llamado “Terra Incognita: Live from the Ojito Wilderness” en donde se grabó no sólo el audio sino la serie completa en video en Ojito Wilderness, en Nuevo Mexico. Cada track fue grabado a distintas horas del día. Este tipo de cosas suele hacer Andy, o simplemente desde su canal de youtube se graba tocando. Ahora acaba de lanzar un nuevo single que es adelanto de su nuevo EP “The Ironic Distance” se lanzará el 16 de marzo. Y esta vez fue mezclado por Matt Kidd (Slow Meadows), y la canción de cuatro minutos diez segundos, nos eleva por un cielo virtual nocturno en donde las estrellas fugaz van muy lentamente moviéndose hasta desaparecer, mientras bajamos la respiración y nos introducimos en una relajación, porque son “Ruidos minúsculos” desde Albuquerque.

SYD BARRETT HOMENAJE ARGENTINO | Homenaje Argentino a Syd Barrett Algunas veces nos sorprendemos con artistas que viene trabajando desde hace un tiempo creando música que es difícil de conocer, pero que, tarde o temprano, su camino se cruza con el nuestro de empezamos a seguirlos. Éste es el caso de Andy Othling, quien he descubierto por youtube y en él descubrí un mundo tan fascinante como desolado. Hablar de la magnificencia de lo sonoro, lo elegante de sus construcciones armónicas, lo espacial de las deformaciones estructurales que conocemos como canción clásica, la fantasía que generan sonidos que se suman como capas de pintura en un cuadro impresionista abstracto, y el colorido difuso de los efectos que utiliza, es hablar de un intérprete del alma. Un alma que encuentra paz y relajación ante cada nuevo sonido que emana de otro que está sonando (sanando). Porque de esto trata el soundscape, de sanamiento del alma. Andy viene trabajando en múltiples grabaciones que son instalaciones en distintos momentos de su vida, entre el 2010 y el 2013 editó tres álbumes seguidos con los nombres de sus tres hijos, nacidos en esos años, “Marshall” (2010), “Vivian” (2011) y “Blake” (2013), pero tiene varias grabaciones más. En diciembre pasado editó un EP en vivo

Label: https://homenajeargentinosydbarrett.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 06 de Enero de 2018 [ Por Benjamín York ]

Traemos un álbum doble y un álbum tributo al genio de SydBarrett, la cantidad de bandas son muchas y ellas son Implosión con Astronomy Domine, Olfa Meocorde con Apples and Oranges, Las Bodas Químicas con Tía Gigoló, Martín Misenta con Wolfpack, Mansión Manija con Gato

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Siamés, Humpback con The Gnome, Objeto A con Octopus, Lucas Gunner con If It´s In You, Los Acidos con Barley Wine y Riphle con Jugband Blues, quienes cierran el primer álbum. El segundo álbum nos trae a Entidad animada con "Dominos", Yo No Soy Yoko con "Here I Go", Demián Visgarra con "Long Gone", Gonzalo Aguerrido con "Ella Me Dio Un Vistazo Largo y Frío", Evil Cannibal con "Rats", Lisergic Acid Diethylamide Orchestra con "Golden Hair", The Rayos con "No Man´sLand", Pablo Krantz con "L'acide à Syd", Inmovilaria con "Late Night", Tormentas Solares con "No Good Trying", Los Senderos del Pobre Cocain con "Viaje Interestelar". Está grabado y producido casi íntegramente en Estudio Pronoise por Miguel Saturno y Nacho Rayo Sarka. Ante tantas miradas diferentes sobre la obra del genio loco de la psicodelia es casi imposible no caer rendido ante tamaño trabajo de una idea tan inspiradora e iniciática para aquellos que no se han puesto a descubrir el enorme abanico sonoro de Barrett está es una gran oportunidad de hacerlo. Cada banda logra darle una expresiva y auténtica mirada a cada track. El amplio margen de error, en este caso, se diversifica en un excelente doble álbum en donde se repara en los Pink Floyd

(1966-1968) y sobre su obra solista. Hay versiones en español que le dan el plus de la novedad de escuchar en nuestro idioma. Pero el gran trabajo de las bandas es impecable y en muchos casos, el resultado es tan interesante que parecerían canciones nuevas, sólo reconocibles por la melodía de voz o algo de lo instrumental. Un magnífico y maratónico trabajo, muy cuidado y con un excelente tracklist. Las bandas argentinas debían un homenaje semejante al gran Syd Barrett.

CORROSION OF CONFORMITY | No Cross No Crown Label: Nuclear Blast Fecha de Lanzamiento: 12 de enero de 2018 [ Por Pablo Ravale ]

Y un día volvieron… con Pepper. No Cross No Crown es el primer disco en 14 años con el cantante y guitarrista Pepper Keenan, tras su paso por el supergrupo Down –el cual integró junto a otros monstruos del Metal como Phil Anselmo, Rex Brown, Kirk Windstein y Jim Bower–. Los de Carolina Del Norte regresan con un álbum que de alguna manera es como la continuación de su In The Arms Of God (de 2004), ya que no parece haber pasado el tiempo en relación a su sonido. Con John Custer nuevamente en las consolas, Corrosion nos regalan una colección de quince temas inéditos donde brilla como nunca su particular estilo, en el que encontramos reminiscencias de grupos tan dispares como Led Zeppelin, Black Sabbath, Mötorhead, Thin Lizzy, The Allman Brother Band, Saint Vitus y Black Flag. Músico de un talento innegable, en No Cross No Crown Keenan ejerce otra vez como cerebro y alma mater del grupo, despachándose con su voz (la cual está entre la agresividad de James Hetfield y la melosidad de Ozzy Osbourne) un tra-

bajo soberbio, mientras la mayor parte de sus riffs demuestran un claro regusto por la vieja escuela del Heavy y el influjo sureño. En la maraña de rock pesado y grave tan propia del cuarteto conformado por Pepper y esas otras fieras salvajes que son Woody Weatherman (guitarra principal), Mike Dean (bajo) y Reed Mullin (batería), encontramos cortes totalmente genuinos como “The Luddite”, “Cast The First Stone” o “Wolf Named Crow”, que constituyen una apertura sin concesiones ni paliativos, 100% COC. Arriesgado, inspirado, versátil e indispensable, este disco ofrece una nueva vuelta de tuerca respecto a In The Arms Of God, liberándose en parte de los sonidos más densos y sabbathicos (no obstante, perduran varios coletazos de Stoner para degustar), pero tampoco alejándose mucho de su contundencia característica, lo cual es un acierto pues le da a la placa más frescura y dinamismo. Sin embargo lo que más deslumbra, estimula y emotiva de este gran disco es el ENORME feeling con el que Corrosion encara tanto los temas más directos como mismo los más reposados, sin caer bajo ñoñerías de ningún tipo; visto y considerando, algunas de las genialidades destacables son “Little Man”, “Old Disaster” “Nothing Left To Say” y la homónima “No Cross No Crown”. Aunque no hay concesiones posibles sin antes reparar en un pedazo de composición como es “A Quest To Believe (A Call To The Void)”, ya que ni siquiera en los legendarios Down –donde Pepper seguiría explorando con notables resultados esta faceta más blusera y sucia– hallarán una pizca de la grandilocuencia presente en esta apabullante suite metalera. Este tema solo, vale ya la compra del álbum. En la variedad está el gusto, dicen, y No Cross No Crown rebalsa de ambas, y por ello, por su diversidad y su desborde de talento compositivo, al menos de antemano, a mí no se me ocurre que ningún amante del buen rock pesado no sea capaz de conectar y disfrutar con esta gran propuesta. Stoner, Sludge, Trash, Hard-Rock, Crossover, Rock Sureño, ¿qué más querés? Y todo a base de fuerza y exquisitez, y encima hecho por una banda que siempre, a mi modo de

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ver, se encontraba en su pináculo creativo. Sobresaliente.

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB Wrong Creatures Label: Vagrant Records Fecha de Lanzamiento: 12 de Enero de 2018 [ Por Diego Centurión ]

Esperado álbum de la banda que mezcla el garage rock con la psicodelia y el country como pocas en la actualidad. Luego de un período de quietud en la espera de la recuperación de su baterista LeahShapiro regresan con un nuevo álbum. WrongCreatures es oscuro, introspectivo, ruidoso, distinto a lo anterior, con dosis de psicodelia nocturna, rock crudo en cuenta gotas, y con un aire a pureza en bruto. ¡Sí! Porque no deja de tener ese grado de impureza característico de los BRMC. Desde su introducción "DFF" nos introduce en un nuevo mundo oscuro, oculto, sucio, pero a la vez elegante y siniestro. "Spook" nos devuelve al BRMC que conocemos rockero, aguerrido y en el estribillo furioso, reconocemos a quiénes estamos escuchando Con "King of Bones" seguimos en la senda esperada y en la que disfrutamos. "Haunt" caemos en la trampa y bajamos los decibéles y nos intro-

ducimos en un mundo de destellos fantasmas en un cuarto a oscuras. En "Echo" el ambiente se abre un poco dejando pasar un poco más de luz y nos deja volar con esas guitarras tan dreampop y la dulzura de la voz. "NinthConfiguration" es una canción que se podría pensar como dreampop, pero en un dreampop menos luminoso y mucho más cargado de claroscuros, que dejan entrever una calidez elegante e introspectiva. "Question of Faith" nos vuelve a sumergir en un agujero sucio y cavernoso en donde una oscura psicodelia se empieza a vislumbrar a medida que avanza la canción. Gran track. "CallingThemAllAway" una canción sombría con una ambientación que encierra sonidos de cítara, piano, e instrumentos no comunes para la banda, y luego se va convirtiendo en una noise pero calma melodía. "Little ThingGoneAway" el primer track que conocimos de este álbum y es marca registrada de BRMC. Intensa, rockera, ruidosa, potente... perfecta. "CircusBazooko" una extraña canción para la banda, pareciera salida de un circo o un vodevil. De aspecto inocentemente oscuro, hipnótico y por momentos salido de una pesadilla alucinógena y ácida. “CarriedFromtheStart” es una canción en donde queda manifiesta esa psicodélica oscura y sucia que suelen manejar a la perfección los BRMC, cruda mezcla de blues y shoegaze a lo Jesus and Mary Chain, simplemente perfecta. “AllRise” cierra el álbum a pura oscuridad y reflexión, como si se tratase de esas canciones de The Wall de Pink Floyd, con un piano mortuorio y una voz entre calma y quejosa, me recuerda a los espectáculos solistas de Wayne Hussey (¿extraña comparación? Si, tal vez lo sea). Un track que confirma que a medida que avanza y las cuerdas y la percusión empiezan a crecer se llena de angustia la canción, como una despedida en donde nos hemos quedado sin fuerzas y sólo queremos descansar… pero hasta la próxima escucha… para volvernos a levantar.

MANSIÓN MANIJA | Crudas Pieles Label: mansionmanija.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 16 de Enero de 2018

TANGO WITH LIONS | The Lights Label: Inner Ear Records Fecha de Lanzamiento: 19 de Enero de 2018 [ Por Diego Centurión ]

[ Por Benjamín York ]

La Plata es una ciudad que hace varios años viene lanzando bandas al nuevo movimiento musical argentino, aunque en su mayoría en el rock indie, pero Mansión Manija es una de la bandas que no posee una identidad lugareña (en este caso, platense). La banda tiene una interesante mezcla de psicodelia con aditivos del garage rock, pero principalmente tiene una identidad propia que se aleja de toda etiqueta modernista. Mansión Manija tiene el atractivo de ser una banda con grandes dosis de psicodelia pero también de canción pop, pero no esconde su lado de experimentación, como en "Remis Espacial" en donde se distingue un amor por los ambientes mantricos, o como en "Lluvia Ácida" en donde se puede respirar ese aire de sonidos hindúes típicos de la psicodelia de los años sesenta. Una banda que nos encanta, un álbum que nos hace volar hacia lugares desconocidos dentro nuestra alma.

Llega el tercer álbum de la ascendente banda griega Tango WithLions. Sus antecesores "Verba Time" (2010) y "A Long Walk" (2013) le sirvieron para crecer y trascender los límites de su Grecia natal e imponerse en Europa como una de las buenas propuestas del folk con aires dreampop. Este tercer álbum trae nueve canciones que nos llevarán por caminos en los que nos encontraremos vestigios de Hope Sandoval, Be Forest, pero todo encadenado a un exquisito buen gusto y personalidad. Canciones que se acomodan a tu estado de ánimo pero te invita a que desaceleres y a que tu mente se descomprima. La dulce voz de Kat Papachristou logra transportarte a esos mágicos paisajes de sueños brumosos en los que las luces no son más que fantasmas que difuminan la claridad pero que acaramelan la visión de un mundo hostil. Kat dice del álbum: “El álbum muestra mi oscilación entre la luz y la oscuridad por un período prolongado de tiempo. Lidiando con la pena y sufriendo apagones, mi único pensamiento fue aferrarme a la música

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para resolver las cosas y alcanzar la luz nuevamente. Considero este álbum como una vívida impresión de todos los altibajos que experimenté al crearlo: esperanza exagerada, sarcasmo, nihilismo, nostalgia, amor, relaciones rotas, muerte y vida, todo mezclado con la única visión de volver a sentirme completo. " Con nueve canciones finamente instrumentadas porYannosParamithiotis, NikosVergetis, JimStaridas y ThodorisZefkilis forman uno de los discos más dulces de este año. Un quinteto que empieza a demostrar en su nuevo álbum los laureles que le preceden. Mágico.

THE BLUE HOUR | How Soon Is Now? Label: NO Devotion Records Fecha de Lanzamiento: 19 de Enero de 2018 [ Por Benjamín York ]

The Blue Hour es un dúo formado en Seattle allá por 1993, por Brian Hodges y Marselle Hodges, ha lanzado un nuevo single en este naciente 2018. El single es una bella versión de la icónica canción de los Smiths, "How Soon Is Now?" ajustada al oscuro so-

nido etéreo de la banda, delicado y por momentos con una ingeniería electrónica agónica, la voz de Marselle se eleva y retumba fantasmalmente, mientras la voz de apoyo de Brian hace que la canción sea más terrenal. Una versión que le da un enfoque mucho más oscuro y fantasmal a la canción, que de por sí es perfecta, y el reto está más que superado, porque hacer una versión a una canción tan conocida es un arma de doble filo, y The Blue Hour, pasa la prueba de recrearla de manera brillante. "Weel and Web" contiene un paisaje post-industrial mezclado con los luminosos y etéreos aires del 4AD de los años 80's. La voz de Marselle se eleva como una Fraser en sus dorados años, aunque vistiéndose con las ropas de Kate Bush, pero dando un giro acercándose a sonidos paganos. La estructura rítmica e instrumental creada por Brian es la banda sonora perfecta entre un ritual pagano y la elevación celestial. Sobre la canción de The Smiths Brian dice: "Marselle y yo estábamos en un club. Todos estaban sentados, charlando y atendiendo a sus bebidas, y luego, la icónica introducción de guitarra que abre How Soon Is Now? nos llamó a bailar en la pista de baile con la misma urgencia que lo hizo en la década de 1980. Viendo a todos en la pista de baile, me obsesioné un poco con la canción: es demasiado larga, extrañamente estructurada, nihilista, burlona. No debería funcionar, pero lo hace." Al hablar del lado B Brian nos afirma: El single, "Wheel and Web", fue compuesto para un espectáculo de danza de fuego Witches' Ball in Port Townsend, Washington. Una ceremonia local de equinoccio. Re-grabado en Piksie Nest y lanzado como B-Side a nuestro cover de "How Soon Is Now?" en enero de 2018.

EQUINOX | It's Hard To Be Happy When Your Head Is Full Of Sin Label: Recordiau Prin Fecha de Lanzamiento: 26 de Enero de 2018

MACHINE HEAD | Catharsis Label: Nuclear Blast Fecha de Lanzamiento: 26 de enero de 2018 [ Por Pablo Ravale ]

[ Por Diego Centurión ]

Hace unos meses conocíamos y charlábamos con Equinox, en ese momento nos había sorprendido con su single de adelanto "Goodbye". Hoy les contamos sobre el álbum. Catorce tracks que mezcla el spoken word con la música ambiental, del tipo soundtrack, y con sonoridades del synth pop (Don't Die On Me) y hasta el folk con reminiscencias de shoegaze (Mule), hasta indie rock (Humankind) o una bella suite de piano acompañando un recitado (Belief). Un álbum ecléctico, no lineal, con climas cambiantes de track a track, experimental. Con variosinvitadoscomoVince Clarke, Ashley Reaks, Feral Five, Dementio13, Ceiling Demons, Rosie Bans, Snippet, Radio Europa, Nat Lyon, Pulco, Jay Stansfield, DeuxFurieuses, Superhand y Will Harris. Un álbum para que lo disfruten aquellos que encuentran en lo experimental una vía de comunicación con el artista.

Cuatro años después de su magnífico Bloodstone & Diamonds, la banda de RobbFlynnvuelve con otro estupendo trabajo de Groove Metal marca de la casa. Catharsis es la demostración de que la banda continúa en estado de gracia, compositiva y de popularidad. Este Catharsis, su noveno álbum de estudio, es una pincelada más y más profunda del estilo propio que Machine Head ha ido esculpiendo a lo largo de los años (es decir, Groove/Trash/Alternative Metal). Temas intensos, potentes, majestuosos, de larga duración, donde también hay espacio para la calma, la tristeza y la melancolía. RobFlynn junto a los suyos (es decir, el guitarrista Phil Demmel, el bajista Jared MacEcharen y el baterista DaveMcClain) han vuelto a conseguir la unión perfecta entre esa sonoridad que rinde tributo a los grandes clásicos del Metal y el impulso de riffs y ritmos más contemporáneo. La definición que señala la Real Academia Española del término catarsis es “efecto purificador y liberador que causa la tragedia en los espectadores suscitando la compasión, el horror y otras emociones”; y vaya si han cau-

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sado horror entre los metaleros más puris- ocho temas predilectos de Catharsis y sentas las declaraciones de Rob hace unos me- tirse más que satisfechos. ses cuando afirmó que Catharsis es el álbum más melódico de la banda (algo así como un TAN FRÍO EL VERANO | El Portal The Burning Red pero con producción de The Blackening). Label: Scatter Records 15 temas en más de 75 minutos se hacen Fecha de Lanzamiento: 26 de Enero de 2018 muy cuesta arriba, pero al final te das cuen[ Por Diego Centurión ] ta de que Catharsis va más al grano de lo que parecía. Hay canciones de riffs y melodías prototípicas (“Volatile”, “BeyondThe Pale”, “California Bleeding”, “Kaleidoscope”, “Psychotic”, “GrindYou Down”) junto a otras piezas más arriesgadas (“Catharsis”, “Bastards”, Behind A Mask”, “Heavy LiesThe Crown”) que dan mucha variedad y dinamismo al recorrido del disco. En un principio puede empachar tanta cantidad de ideas hilvanadas a toda velocidad, percibiéndose como una especie de Frankenstein con tantos temas, tan diversas estrofas, melodías y riffs, pero conforme te vas haciendo al nuevo trabajo se percibe un hilo conductor que da sentido a toda la placa. El aroma a Machine Head es la clave, el fan que los descubriese en su etapa más agresiva quizá no llegue a entenNuevo single de la banda venezolana/arder este disco, pero pocos son los ingredientes de Catharsis que la banda no hubiese uti- gentina Tan Frío el Verano, quienes vienen prometiendo la salida del álbum que cerrará lizado en el pasado. En resumen, un muy buen trabajo que se esta etapa de las estaciones climáticas que sale del camino de lo previsible. Posiblemente, abrió con el EP “Invierno” de 2010. Y que cada uno de los fans de Machine Head po- se cerrará este año con el lanzamiento de drá hacer una recopilación con sus siete u “Verano” aún sin fecha exacta (aunque ellos esperan para agosto) y con horas y horas de

trabajo. Una de las apuestas del año de la vista con Rafael. Mientras tanto…. Abramos el portal de Tan banda de las máscaras es tocar por tercera vez en el Festival SXSW y la salida del álbum. Frío el Verano. Hablando con Rafael el líder de la banda me contaba: “Verano”, a nivel técnico está siendo superior a “Otoño” (2015). Otoño es más de mo- PHILIP H. ANSELMO & THE ILLEGALS Choosing Mental Illness As A Virtue mentos, éste está más pensado y por eso Label: Seasons Of Mist cuesta más”… “La composición es lo más diFecha de Lanzamiento: 26 de enero de 2018 fícil porque voy armando la estructura de la nada, para que luego Carlos Astros cuadre [ Por Pablo Ravale ] la letra, luego de eso va cambiando más el tema, ya que las voces definen la estructura final del tema, pero ha sido duro, es decir hacer este tipo de música te puede volver loco.” Pero hemos tenido “Vuelven los Muertos” como adelanto el año pasado y ahora llega la canción “Portal”, un track en donde la ingeniería es mucho más intrincada y agresiva que las anteriores producciones. Una elaborada estructura sonora que es post-industrial, con muchos sonidos sucios y estridentes, pero sin olvidarse de la agonía que hay en el clima de “Portal”. Rafael me contaba… “Pasé más de 60 horas mezclando “Portal”, por momentos pensé en abandonar todo. Es muy difícil producir ese tipo de música.” Son archi conocidos los diversos proyectos Y el resultado es tan espeluznante con inquietantemente atractivo. Como adelanto musicales de Phil Anselmo. Yendo del doom exclusivo he podido escuchar un track más al sludge, pasando por el black metal, el harllamado “Fantasmas” y suena realmente ate- dcore y hasta el rock sureño, con el transcurrador y el trabajo de la banda es asombroso. rrir de los años el vocalista fue aumentando La banda promete darle un cierre (aún cada vez más la lista de discos publicados no están tan seguros) a la historia de en su haber. Aunque ya saben lo que se dice, "Snegúrochka", que empezó tímidamen- que cantidad no siempre implica calidad, dite en “Invierno” (2010)… Rafael me cuen- cha frase, sin embargo, no aplica a esta nueta: “En “Invierno” empezó aunque de for- va etapa prolífica de Mr. Anselmo. Ahora, con ma más vaga, en realidad, tomó forma con un nuevo disco de su proyecto en solitario, Philip H. Anselmo &TheIllegals, el frontman “Primavera”. El resultado del track es algo que nos lleva vuelve a la carga con toda la potencia y la a un submundo épico pero pesadillesco, con mala leche de siempre. Con algunos cambios dentro de la banda altas dosis de genialidad como así también de locura. Seguramente hablaremos de las que lo acompaña (se fue el virtuoso guitarrissimbologías de esta leyenda rusa/islandesa ta MarziMontazeri y entró en su lugar Mike más cerca de la fecha de la salida del álbum DeLeon; Stephen Taylor se pasó del bajo a en donde seguramente haremos una entre- la segunda guitarra, tomando su lugar Walter

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Howard IV) los fieles seguidores de Anselmo esperábamos oír una versión mucho más elaborada o digerible que su desquiciante debut solista WalkThroughExitsOnly. Así las cosas, Choosing Mental Illness As A Virtuebusca, en principio, continuar con ese estilo agresivo y brutal, pero añadiendo más voces guturales y no tanto grito enfermizo. Denotando asimismo una mejor producción en la mezcla de los instrumentos y con ideas más compactas en comparación con su predecesor, “Little FuckingHeroes” abre la placa de forma más estándar. Luego, con “Utopian”, la banda sí se pone de lleno salvaje y pisa terrenos más deathers, con guturaciones malsanas y agudas, pero siempre alternando su matriz grindcore que sigue en “Choosing Mental Illness”, con detalles de guerra que alcanzan su pico de intensidad en el minuto con treinta y nueve segundos. En “TheIgnorant Point”, qué manera de seguir fracturando cráneos a puro riff disonante, blast beat y tonos de gorilote enojado. Con “Individual” comienza la segunda parte del álbum, donde la banda se inclina más por los medios tiempos, ganando así mayor predominancia la voz de Phil y las atmósferas psicodélicas. Canciones como “PhotograhicTaunts”, “Finger Me”, “InvalidColubrine “Frauds” y “MixedLunaticResults” dan sobradas muestras de ello. Como Philip H. Anselmo &TheIllegals, parece que el ex vocalista de Pantera ha vuelto a ese sentido desenfrenado de sus días de gloria en la banda de Texas, aunque ahora bajo la óptica de la madurez y la experiencia. Choosing Mental Illness As A Virtuenada tiene que ver con las distintas producciones de todas sus otras bandas, no obstante, se trata de un nuevo calibre metalero, completamente disfrutable y original, una buena dosis de adrenalina y violencia sónica.

MARY AND THE RAM | The Cross Label: Anonymous Records Fecha de Lanzamiento: 26 de Enero de 2018 [ Por Benjamín York ]

Single debut de este dúo post-punkbritánico, con base en York, integrado por KiranTanna, en voces, guitarras, teclados y programación) y el baterista Dom Smith, ambos de The THING (TheTrembling Hellish Infernal Nightmare Generator). Y si a este dúo le sumamos la producción del gran John Fryer, sumamos un trío que desborda arquitectura sónica oscura.Es single es un adelanto de su primer EP que saldrá a mediado de año, aún sin fecha confirmada. The Cross abre este single de dos tracks, tiene un aire sonoro Rezniano (Nine Inch Nails) pero como si hubiese pasado por un tamiz fusionandolas voces de Jirky6 9 (The 69 Eyes),un Peter Murphy bajado una octava hasta llegar al registro de Peter Steele (Type 0 Negative) y a un Nick Cave. Para dar el estilo personalizado que tiene Kiran. “La creciente digitalización de nuestras vidas nos une más y más estrechamente… Pero en muchos sentidos nos estamos separando cada vez más. Este material proviene de un lugar que está a la deriva e incier-

to y quizás un poco condenado” dice Tanna. "Nos conocemos desde hace años", agrega, "Nos tomó algunos años adaptar nuestros horarios, pero finalmente comencé a programar y tocar sintetizadores con una de las bandas existentes de Dom, ¡un acto mucho más triste llamado The THING! No pasó mucho tiempo hasta que nos dimos cuenta de que nuestro amor compartido por la electrónica industrial, arty-punk y el rock electrónico oscuro y arenoso necesitaba otra salida". El lado B, The Dream” es más bauhaulesco. La oscura y claustrofóbica estructura de la instrumentación, mínima al principio (unas secuencias, un mínimo bajo y percusión casi ritualesca de Dom) logra que la voz de Kiran sea muy interpretativa (recuerda a Nick Cave) y a medida que el track avanza se vuelve inquietante y desesperante, como una pesadilla que crece en intensidad. Y cuando todo parece que se torna muy negro aparece una guitarra que enseguida nos traerá a la mente a Daniel Ash. Y entra el ritmo de la batería y la canción se vuelve potente y da un golpe certero al mentón del menos optimista. Sobre este track Tanna comenta: "The Dream es como una alucinación. Es un intento de capturar ese sentimiento, esa cosa que se propaga un poco más cada día, algo que no desaparecerá. Y luego para ritualizarlo. Es una sombra del personaje sobre el que estoy escribiendo... Pero ese personaje solo soy yo en otro lugar y tiempo. En la parte inferior. Yo soy toda esta gente Y parte de la desolación electrónica del sonido, y luego la agresión, surge de un intento de contar una historia sobre dónde estoy creativa y emocionalmente en este momento. Y un intento desesperado de acercarse a quien esté del otro lado, escuchando. Tal vez es un grito de ayuda... Si es así, en realidad no espera respuestas ". Lo cierto que los amantes de los sonidos oscuros, agobiantes y penetrantes, Mary and TheRam se perfilan como una de las promesas de nuevas pesadillas en tus oídos.

HAMMOCK | Repeat/Texture Label: Hammock Music Fecha de Lanzamiento: 02 de Febrero de 2018 [ Por Diego Centurión ]

El dúo conformado por Marc Byrd y Antony Thompson acaba de lanzar un EP y los que nos siguen sabrán que somos fanáticos de este dúo, cada vez que lanzan algo (música o video) lo estamos subiendo a nuestras redes, y, así como subimos a una publicación del sello "Slow Meadows", ahora ha llegado el momento de que hablemos de la banda dueña del sello. Hammock es una banda que nos deja con una vibración suave de calma y ensueño, que nos endulza ante cada nuevo trabajo. En este caso se trata de un EP de cuatro tracks celestiales, en donde las capas de instrumentación nos hacen perder la certeza de tiempo y espacio. Hammock te transporta a niveles de quietud que pocas bandas logran, te envuelven lentamente en sonidos de otras realidades y te hipnotizan sin dejar de maravillarte (Siempre y cuando logres entrar en ese estado que todo lo vuelve permeable, ese momento de calma antes del sueño). Marc dice sobre el EP: "A veces un sonido simple puede inducir un estado de ánimo específico. El tipo de humor que deseas repetir y no alejarte demasiado

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pronto... un tipo de espacio en el que solo quieres vivir. Estas cuatro piezas forman una instantánea de audio de un ambiente de humor influenciado por textura de sonido... inspirando una forma específica de acercarse a la música y el proceso a través del cual la creamos". Si te gusta el dreampop, el ambient, la música para relajar, o cualquier estilo de belleza sonora que emane reflejos multicolores y que logre penetrar en tus entrañas con suma delicadeza y elegancia... Hammock es para vos.

STEVE REICH | Pulse / Quartet Label: Nonesuch Records Fecha de Lanzamiento: 02 de Febrero de 2018 [ Por Darío Martinez ]

Steve Reich a los 81 años ha lanzado el pasado 2 de Febrero a través de Nonesuch un nuevo álbum “Pulse / Quartet” ambas obras fueron grabadas en vivo, Pulse, una pieza es del 2015 interpretada por el International Contemporary Ensemble (ICE) y Quartet grabada en el 2013 interpretado por Colin Currie Group, un conjunto dirigido por el percusionista Colin Currie. Steve Reich es uno de los grandes músicos minimalistas junto a Philip Glass y Terry Riley que irrumpieron en la escena de la música académica allá por la década del 60 y sin

duda uno de los movimientos musicales que más ha influido e interactuado desde entonces en diversas ramas del rock. Su anterior trabajo es “Radio Rewrite” (2014) y se produjo en colaboración con Jonny Greenwood y tuvo motivación en dos canciones de Radiohead “Everything in It’s Right Place” y “Jigsaw Falling into Place”. Respecto de este álbum Reich dice: "Pulse, para vientos, cuerdas, piano y bajo eléctrico, se completó en 2015 y fue, en parte, una reacción a “Quartet”, en el que cambié las claves con más frecuencia que en cualquier trabajo anterior. En Pulse sentí la necesidad de mantener la forma armónica y producir un viento más suave y líneas melódicas de cuerda en canon sobre un pulso constante en el bajo eléctrico y / o piano. De vez en cuando este pulso constante se acentúa de manera diferente mediante el cambio de patrones de alternancia manual en el piano. Una pieza más tranquila y contemplativa". Continúa, "Quartet, cuando se menciona en el contexto de la música de concierto, generalmente se supone que significa cuarteto de cuerda. En mi caso, el cuarteto que ha desempeñado un papel central en muchas de mis piezas (además del cuarteto de cuerdas) es el de dos pianos y dos percusiones. Aparece así o en forma expandida con más pianos o más percussion en The Desert Music; Sextet; Three Movements; The Four Sections; The Cave; Dance Patterns; Three Tales; You Are (Variations); Variations for Vibes, Pianos and Strings; Daniel Variations; Double Sextet; and Radio Rewrite. In Quartet, solo hay este grupo: dos vibráfonos y dos pianos… La pieza es una de las más complejas que he compuesto. Con frecuencia cambia la clave y a menudo interrumpe la continuidad para agregar nuevo material. Aunque las partes no son excesivamente difíciles, requiere un alto nivel de virtuosismo de conjunto. La forma es común a lo largo de la historia: rápido, lento, rápido, tocado sin pausa. El movimiento lento introduce armonías que generalmente no se encuentran en mi música".

NAX | Partida

PANAPHONIC | Endlessly

Label: https://naxmusic.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 11 de Febrero de 2018

Label: Patetico Recordings Fecha de Lanzamiento: 13 de Febrero de 2018

Nuevo single de la banda argentina Nax, quienes habían lanzado en octubre del 2017 un single llamado “Haceme Olvidar”. En el cual nos acercaban a un sonido mucho más etéreo y más refinado, que en su álbum “Lunas Azules” (2016). “Partida” redoblan la apuesta y se animan a ir un poco más allá en la sensación etérea y de ensueño. En estas dos canciones que compone este nuevo single nos demuestran un crecimiento sonoro importante, creando capas brillosas de caricias sonoras de una belleza cristalina. El instrumental “Post-Sueño” abre el single llevándonos por nubes soleadas y logrando que el pulso se desacelere y podamos mirar más allá de un sueño, como un arrullo a la hora de la siesta. En el segundo “Partida” sólo una pequeña letra que dice “Todos te vamos a extrañar. De ahora en más sólo extrañar y admirar.”, mientras que la instrumentación nos eleva y nos hace fluir como almas de luz. Con momentos que nos hacen recordar a los mismísimos CocteauTwins, este single nos deja con ganas de saber si se viene un álbum nuevo.

Nuevo y octavo álbum de la banda de Filadelfia, Panophonic, uno de los proyectos de Tom Lugo (Stellarscope, Under The Wire, MAYU). Por lo que pudimos saber es un trabajo que se ha perdido en los archivos de una computadora que se ha roto el disco rígido, y todo el proceso de grabación se tuvo que realizar desde cero. Al respecto nos comenta Tom: “Yo grabe la mayoría del disco entre el verano del 2016 y el invierno del 2016, se suponía que fuera lanzado el verano del 2017. Cuando perdí toda la información de mi computadora utilicé una versión demo que tenía grabada en cd para replicar los sonidos creados.” Once tracks conforman este viaje adictivo llamado "Endlessly", en donde las guitarras forman un muro en el cuál se adaptan de manera impecable el resto de los sonidos (voces, bajos, teclados, baterías y otros sonidos). Todo parte de "Naughty Games" y las corrientes armónicas y caóticas de las guitarras nos van llevando en una travesía que

[ Por Diego Centurión ]

[ Por Benjamín York ]

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nos induce a la velocidad, a la calma, al estruendoso estallido de guitarras entrelazadas entre sí, creando una trama que sirve como un mantradifuso pero que llena todo el espectro sonoro de vitalidad. "Infinitamente es sobre este nuevo capítulo en mi vida. Cuando pensé que todo lo que me quedaba era pérdida y dolor, encontré una nueva inspiración y una razón para sonreír nuevamente ", dice Lugo. Algunas notas sobre el álbum: "What can I do?” cuenta la participación de Paul Baker de Static Daydream. El álbum está dedicado a la memoria de Chris Tressler, un activista y promotor de la música, que desde Filadelfia se dedicaba a la difusión de bandas de todo el mundo. Muchas veces el caos contribuye al ordenamiento de un universo, “Endlessly” es un álbum en donde el caos de ese muro de distorsiones, convierte a las canciones en mantras sónicos.

LOWTIDE | Southern Mind Label: Rice is Nice Fecha de Lanzamiento: 16 de Febrero de 2018 [ Por Darío Martinez ]

Lowtide lanzó su segundo álbum llamado “Southern Mind” (2018) es el sucesor de “Lowtide” (2014) Este álbum, junto a un single de dos canciones “Julia / Spring 7''” (2015), tuvo una segunda edición internacional en 2016 a través del sello londinense Opposite Number. Sus primeros trabajos son el “EP You Are My Good Light” (2010) y "Underneath Tonight / Memory No. 7" (2011) Southern Mind fue grabado en Noviembre del 2017 por el atípico cuarteto australiano de dos bajos, guitarra y batería compuesto por, Lucy Buckeridge (bajo, voces), Gabriel Lewis (guitarras), Anton Jakovljevic (batería) y Giles Simon (bajo, voz principal) pero junto con el anuncio de la salida del disco vino el anuncio del alejamiento de la banda de este último así que actualmente forman como un trío clásico de rock. El disco publicado por el sello australiano Rice is Nice contiene 9 canciones con un sonido denso a base de reverbs, chorus y delay sobre el que cantan Lucy y Giles. el antecedente más directo que tienen sin duda son los Cocteau Twins y queda claro desde el tema 1 que da nombre al disco y fue el segundo adelanto que conocimos hace un par de semanas, el primero fue el tema 2 “Alibi” con un sonido más relajado a lo The Cure, ambos temas tienen videos que les compartimos aquí abajo. el disco es compacto sin fisuras no decae en ningún momento va alternando entre esos momentos densos y más relajados con melodías muy bien logradas entrelazadas entre las voces (masculina-femenina), las guitarras y los bajos creando texturas hipnóticas y evocativas con una batería sólida, el tema 6 “Olinda” es el más corto y el único instrumental, finalmente Lowtide demuestran que manejan todos los recursos posibles del dream pop y el shoegazer para hacer hermosas canciones que conforman un disco que fácilmente le encontrara un lugar en mi batea y al que espero regresar con frecuencia.

BLURRED CITY LIGHTS | Volker Label: eLaB Recordings Fecha de Lanzamiento: 16 de Febrero de 2018 [ Por Diego Centurión ]

Dean Garcia y Jarek Leskiewicz tienen un proyecto llamado "Blurred City Lights" que ha lanzado anteriormente un EP "Neon Glow" (2013) y un álbum debut "Anamorphic" (2014). Ahora el pasado 16 de febrero han lanzado el segundo álbum "Volker" en donde demuestran que hay un universo aún por explorar y Blurred City Lights, abre un portal hacia ese nuevo universo sonoro. Dean y Jarek vienen colaborando también en SPC ECO (la banda que tiene Garcia junto a su hija Rose Berlin) y este álbum se comenzó a gestar mientras grababan el álbum "Calm" y no tardaron a ponerse a trabajar en el nuevo álbum de esta banda. El resultado es una maravilla y difícilmente se pueda explicar en palabras, porque al escucharlo las palabras no le harían justicia a la belleza sonora. En este nuevo trabajo el dúo cuenta con las colaboraciones de la mencionada Rose Berlin, pero también S Monti, Adriana,

Filippo Gaetani y WomB Baby. Una selección de diez borrosas imágenes sonoras que se asemejan a una obra maestra del impresionismo, lleno de colores, pero con formas no tan visibles, sino más en formas impuras que seducen e hipnotizan, creando un manto de bruma excitante y por momentos oscuramente etéreo. "A medida que la habitación se oscurece, la multitud se enciende cuando los primeros destellos de luz comienzan a tomar forma, tus ojos siguen hipnóticamente los amplios y dispersos bleeps dispersos y los pulsos de fractales de luz", explica Dean García. Jarek nos cuenta: Este disco cobró vida de forma bastante natural. Empezamos a dibujar ideas y escribir canciones con el proyecto BCL en mente nuevamente a principios de diciembre de 2017. Al principio presenté una colección de varias imágenes que hice durante todo el año. Dean siempre fue muy estimulado por imágenes evocadoras y de inmediato apuntó a la primera y dijo que debería ser la portada de nuestro nuevo lanzamiento. Estuve de acuerdo. Creo que esa imagen nos motivó / inspiró un poco y selló el destino del disco como una visión creativa que debe completarse." El álbum fue lanzado bajo el sello de Dean, eLaB Recordings, el pasado 16 de febrero. Como Dean Garcia anunció en su Facebook: "Póngase sus ropas más oscuras, tome un trago fuerte y haga un viaje borroso con Volker, el nuevo álbum de Blurred City Lights. Sale del escenario en una nube de humo azul mientras las multicapas de zumbidos difusos penetran y el escenario se transforma en un parpadeo borroso..."

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LAURIE ANDERSON & KRONOS de diciembre sobre el track 12 “We Learn QUARTET | Landfall to Speak Yet Another Language” el segunLabel: Nonesuch Records Fecha de Lanzamiento: 16 de Febrero de 2018

[ Por Darío Martinez ]

Por fin podemos escuchar “Landfall” la primera colaboración entre Laurie Anderson y el Cuarteto Kronos (David Harrington, John Sherba, Hank Dutt y Sunn). Harrington (fundador y violinista del cuarteto) quien no se guarda elogios al hablar de Anderson asegura haberle preguntado si estaría interesada en escribir para ellos ya en 1989 y Anderson se tomó algo más de 20 años para hacerlo pero la espera sin duda lo valió. La obra fue compuesta entre 2012 y 2013 año que se estrenó con un concierto en la Universidad de Maryland y fue creciendo y evolucionando con las sucesivas presentaciones. En lo visual el show se completa con el uso de un software “erst” que convierte los sonidos musicales en palabras y frases que se proyectan en una pantalla. La versión que nos llega grabada está hecha en estudio, editada por Nonesuch Records y contiene 30 tracks donde se unen en forma maravillosa las cuerdas del cuarteto con la electrónica y la narrativa procesada y característica voz de Anderson. El álbum fue adelantado con 4 temas en 3 videos, el primero lo compartieron en el mes

do incluye los track 3 y 4 “The Water Rises / Our Street Is a Black River” y el más reciente sobre el tema que da inicio al álbum “CNN Predicts a Monster Storm” Landfall está inspirado en el huracán Sandy a quien se hacen muchas referencias pero también Anderson ve paralelos on otras noticias ecológicas, políticas y personales. Anderson: Estamos pegados a nuestros teléfonos, temerosos de que nos perdamos algo... Nos estamos ahogando en nuestras propias historias. Es demasiado, demasiado rápido, demasiado corto, demasiado idiota, demasiado sensacional. Y está haciendo que todos los que conozco estén completamente locos. Harrington: Estábamos ensayando Landfall en la Universidad de Maryland, Lou Reed estuvo a menudo presente, aunque gravemente enfermo y dijo 'Laurie es una jodida belleza, no cambies una nota'. Creo que de muchas maneras esta pieza es para él.

MGT | Gemini Nyte

Label: Cleopatra Records Fecha de Lanzamiento: 23 de Febrero de 2018 [ Por Diego Centurión ]

Esperado álbum debut de esta magnífica dupla de gothic rock, del mejor, de dos personajes que tienen una importante afición por parte de los cultores del género. Los pergaminos de cada uno tienen varias personalidades allegadas y este trabajo no es la excepción. Hace un año, más o menos, que teníamos la promesa de este trabajo, desde el álbum solista "Volume" de Mark Gemini Thwaite, en donde una entrevista que le hemos realizado nos había contado de este proyecto con Ashton Nyte, quien a su vez nos adelantó este álbum en otra entrevista que hemos realizado. En "Volume" nació esta colaboración ya que Nyte participó en dos canciones de ese álbum y a partir de ese momento surgió la idea de "Géminis Nyte". Pero a todo esto hay que sumarle otros factores que merecen ser contados. El dúo vienen lanzando singles desde el año pasado y hace muy pocos días han lanzado un single de la canción "The Assembly Line" con los remixes de los ex- Cure Lol Tolhurst y Pearl Thompson. Y si faltaba más en este seleccionado de invitados de lujo, el álbum cuenta con la participación del gran Paul Ferguson de Killing Joke en batería y también cuenta con las participaciones de Burton C Bell de Fear Factory, Richard Vernon ex The Mission y Robin Diaz. Ahora adentrándonos en el álbum, si quieren un gran disco de gothic rock no duden en comprarlo o escucharlo, la experiencia es totalmente satisfactoria y es un lujo poder tener este álbum en la colección de discos. Sumado a los singles que han lanzado con anterioridad, el que abre el álbum "All The Broken Things" y el que le sigue "Every Little Dream", más el mencionado "The Assembly Line" y el enérgico "The Reaping" podemos encontrar tremendos y potentes canciones como "Everything Undone" o "Armageddon's Sideshow". Pero también hay gemas más oscuras como "Hide Your Secret" o la hermosa "Atlanta" en donde Ashton despliega todo su carisma vocal acompañado por la versión acústica de Thwaite. Pero el álbum tiene todo el potencial que a priori uno se imagina, pero seguro que les sorprenderá.

HOLLY MIRANDA | Mutual Horse Label: Dangerbird Records Fecha de Lanzamiento: 23 de Febrero de 2018 [ Por Benjamín York ]

Quinto y nuevo trabajo de este bello proyecto de la chica de Detroit. Después de sus trabajos “High Abovethe City: Evolution” (2004), “The Magician's Private Library” (2010), “Holly Miranda” (2015) y “Party Trick” (2016) no teníamos mucha información sobre ella, y nos llega este trabajo de catorce tracks. “Mutual Horse” es una ampliación del sonido reconocible de Holly Miranda que, si bien no lo abandona, tiene muchos menos del folk ambiental, casi dreampop, de trabajos anteriores. En este nuevo álbum podemos encontrar más ritmos y sonidos de banda, aunque no es pop, sino que por momentos roza ese sonido reconocible como Dark cabaret, aunque no llega a hacerlo, pero se asemeja a cantantes como Fiona Apple, sin la prepotencia del piano, o a Rachel Mason y a Amanda palmer Los ambientes creados varían de track a track, por momentos nos encontramos en melodías más orientadas al indie pop, con toques electrónicos (muy pocos toques). Por momentos nos sentiremos cerca de Beach House, en otros nos sentiremos cerca de Norah Jones, con ese medio tiempo folk. Los juegos oscilatorios conseguidos con la melodía de voz en algunos tracks se convierten en espirales

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oníricos que nos embelesan (All of The Way o Do You Recall) o baladas como Single Like My Life, que nos invitan a cerrar los ojos y dejarnos llevar por la voz a lo Hope Sandoval. Pero tenemos esos paisajes simples y folk que esperamos de la banda como en Mt. Hood. Un álbum que abre un camino inexplorado por la banda anteriormente, pero que nos muestra un abanico de posibilidades desde lo sonoro que despierta, al menos, mucha atención.

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DERECHO DE PISO

EN LA SIMPLEZA ESTA LA BELLEZA

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A veces la simpleza de la sonoridad de un artista suele ser muy atractiva. En este punto solemos presentar artistas relativamente nuevos, pero en este caso no detenemos en un artista que tiene una trayectoria amplia y hemos pensado que es un buen artista para esta sección. Con ustedes, Jon Lindsay. Jon Lindsay es un solista estadounidense y productor de Carolina del Norte. Comenzó su carrera grabando y haciendo giras con las bandas The Young Sons, Benji Hughes, The Catch Fire, y ha sido solista bajo su propio nombre desde 2009. Con tres álbumes “Escape from Plaza-Midwood” (2010), "Summer Wilderness Program" (2012) y "Cities & Schools" (2016) y varios singles y EPs, ha venido trabajando en su música y en diciembre ha lanzado un nuevo single llamado “Zebulon”. Pero más allá de su historial de registros, lo interesante de la música de Jon es su simpleza y su delicado powerpop, con algo de psicodelia, con algo de folk, pero todo con una fineza elegante. Como un Morrissey sin esa carga oscura de The Smiths. Los links de Jon Lindsay: https://www.jonlindsaymusic.com/ https://jonlindsay.bandcamp.com/music https://www.facebook.com/Jonlindsaymusic/ https://open.spotify.com/artist/0zcrg5444bwXi59QClPIEv https://www.youtube.com/user/jonlindsaymusic https://twitter.com/jonlindsaymusic https://www.instagram.com/jonlindsaymusic/ https://soundcloud.com/jonlindsay

SOBRE LA PORTADA LABERINTO DRACONIANO

ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”.

En una conversación ARMS responde a la pregunta "Sobre la significancia del Arte en su vida" y en la respuesta aprovecha para explicar esta pintura: "Laberinto Draconiano". "El Arte es lo más importantepara mí. La creatividad es fundamental para vivir, sino caemos en la frustración. Hay que lograr encontrar soluciones, y, como vivimos en un laberinto, el Arte nos ayuda a encontrar las posibles salidas a ese laberinto. Y justamente este cuadro, que el título es "Laberinto Draconiano", es como una especie de Laberinto para mí. Aparte tiene otras connotaciones, no nada más de laberinto sinolas dos polaridades, "Ánimus y Ánimas" diría Jung, "Ying y Yang" para el Oriente. También se ve como una especie de intestino, el laberinto intestinal, esta cuestión primordial de la comida. Es muy primitivo y que tiene que hace al Ser, porque la Madre lo primero que hace es Nutricia. Y habla de esa Nutrición. A mí, el Arte me nutre, me ayuda a ser.Por eso es muy importante el Arte, la vida es Arte."

Año: 2010 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 1,20 x 1 mts.

Redes Sociales del artista:

http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

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