Revista The 13th N° 45

The13th AÑO: 5 | NÚMERO 45

UNA R E VISTA IMA GINARIA

KEVIN HASKINS - LOTTE KESTNER MARK THWAITE Y ASHTON NYTE EVA O - ETERNA INOCENCIA

FLESH EATING FOUNDATION | RODNEY CROMWELL | VERDE Y LOS CABALLOS A MARTE | VANDAL MOON AMÖNIACÖ | AMUSEMENT PARKS ON FIRE | AND WE ALL DIE LA LIGA MATRIZ | JUANJO SCALA | PASAJEROS DEL ÚLTIMO TREN Y MUCHO MÁS...

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

REALIZACIÓN Y DISEÑO

[ Departamento de Música ]

[ Departamento de Literatura ]

Diego Centurión sobre un diseño de

Alex Bretto

Pablo Ravale

Julieta Curdi.

Benjamín York

Franco Doglioli

Darío Martinez TRADUCCIÓN

Diego Centurión

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Müllner

Gabo Rojo

Diego Centurión y ARMS.

Max Wild

Jefe de Departamento de Colombia: César León Jefe de Departamento de Literatura:

Pablo Müllner

[ Fotografía ]

Marianarchy Deadbilly

Nazarena Talice

Franco Colombo

Lily Moonster

Marina Cimerilli

Marina Cimerilli.

Jairo Mansur Franco Colombo

Pablo Ravale.

Jefe de Departamento de Música:

[ Departamento de Colombia ]

Diego Centurión

Alejandro Cenizacromada Bernardo Jiménez Mesa César León Jennifer Isania Fonseca Sánchez

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Pepe Navarro. Nicolás Castillo, Al Boyd, Rubén Torres, John Richter, Cindy Tolhurst, Krissy Vanderwoude, Mario Alberto Cabada, Pablo Damián Díaz, Bryce Boudreau, Gabriel Boccanfuso, Brian Hodges , Fer Apzoo, Gastón Massenzio, Gonxalo Verde , Andy Jossi, Daniel Anselmi, Phil Wilson, Tom Lugo, Ezequiel Ezquenazi, Jarek Leskiewicz.

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EDITORIAL

Abril 2018 Este mes de abril cumplimos cinco años desde que nació este proyecto.

En este número cargado de sensaciones y emociones, muchísimas entrevistas, como nunca tuvimos en un mismo número. ¿Será demostración que estamos creciendo?.

En el mes que cumplimos nuestros primeros cinco años de exstencia nos complace presentarles un nuevo colaborador, Franco Colombo.

Gracias a todos en los que fueron parte de estos años en los que hemos crecido y a aquellos que aún nos acompañan. ¡Gracias!

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE

CINCO AÑOS

LOTTE KESTNER

EVA O

AMUSEMENT PARKS ON FIRE

06

30

¿QUÉ BEBER PARA

FLESH EATING

ESCUCHAR MEJOR?

10

VERDE Y LOS

38

KEVIN HASKINS

62

JUANJO SCALA

CABALLOS A MARTE

56

PASAJEROS DEL

76

LA LIGA MATRIZ

ÚLTIMO TREN

80

FOUNDATION

AMÖNIACÖ

16

44

68

84

ETERNA INOCENCIA

24

RODNEY CROMWELL

50

VANDAL MOON

72

AND WE ALL DIE

90

DESCUBRIENDO LA MAGIA

EN LA MIRADA

GEMINI - NYTE

DE LOS OTROS

100

112

EL RECOMENDADO

?

SONIDOS

138

QUE PERMANECEN

PALABRAS

146

HIDDEN TRACK

EN LA ARENA

PURA MELOMANÍA

178

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

130

MUSIC CORNER

160

ENTREPISOS RADIO

188

134

162

Five Years Revista The 13th 12/04/2013—12/05/2018

Sin parafrasear la canción de David Bowie de 1972 del álbum de "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", en donde la mirada es apocalíptica sobre un final que se acerca en cinco años. En esta ocasión nosotros festejamos nuestros primeros cinco años de existencia.

El empuje de cuatro amigos fanáticos de The Cure (Ariel Mason, Emiliano Herrera, Ligia Berg y Diego Centurión), que trabajaron y soñaron un fanzine para el 12 abril de 2013, fecha en que nos volvió a visitar The Cure en Buenos Aires. Luego salieron cinco números más como fanzine y nos convertimos en Revista.

De esa primera idea mucho hemos cambiado y mucho nos hemos extendido, crecido. Pero aún sabemos que el camino es largo y seguimos buscando maneras y formas para estar siempre adaptándolos a los tiempos que corren.

Cinco años, mucho tiempo en tan pocos años, y sabemos que lo bueno...

Siempre está por llegar.

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¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

Sweet Abortion Nine Inch Nails – The Downward Spiral (1994) Vivimos tiempos complicados donde a pesar de que todos toman posición sobre todo, los limites e interfaces parecen estar más indefinidos que nunca. Mi fascinación por NIN, obviamente por Trent Reznor, es tanto como por el existencialismo más crudo. Para encarar este espiral en caída (interpretación del título) que propone Trent en primera persona para el segundo álbum de la banda (1994), decidí crear el Sweet Abortion: un shot que contiene 3/4 de Scotch, una capa (1/4) de licor de frutos rojos y un chorro de licor denso de chocolates (blanco y negro). ¿El resultado? Una masa sanguinolenta flotando en un halo amarillento (también a este disco se lo conoce como Halo 8), dulce y terrible como la existencia misma. Con pasos solitarios entra Mr. Self-Destruct, que rápidamente golpea con aceleración y guitarras distorsionadas y comprimidas para ir a un clima etéreo, susurros y vuelta al golpe… altibajos de un suicida (soy el castigador, soy la puta) para terminar en un hipnótico loop. El inocente Piggy (Nothing Can Stop Me Now), tiene la simpleza efectiva del gusto de Trent, tensión y final abierto para una canción casi romántica. Heresy, industrial, deformado, bailable, como el shot, fuerte: “Dios está muerto y a nadie le importa (ahogado en su propia hipocresía)” hermoso! El primer single del disco, March of the Pigs, no fue elegido en vano, alterna la locura y tormento previo al matadero con la tranquilidad del piano al saber que la muerte es liberadora. Closer es todo lo que puede estar bien en este disco, musicalmente, estéticamente (ver el video es mandatorio), el poder sexual como herramienta de dominación y alienación, la estructura es perfecta, los sonidos tan secos como el aire que se respira en ese ambiente sofocante, la letra, sublime, es un punto de inflexión, al menos lo fue para mí en mi vida musical. ¡Amerita dos shots más! Ruiner, puro industrial, grandilocuente y europeo al paladar tanto como The Becoming, que con el agregado de unos riffs pelados de guitarra le dan un giro interesante. I Do Not Want This, es un extraño pero seductor tema, sincopado con altibajos, cual bipolar, amor-odio… Big Man With A Big Gun corto pero al pie abre la puerta para A Warm Place , que con un inicio climático me invita a pasar y tomar un respiro de tanto poder sonoro, que sane mi psiquis, solamente para recibir más con Eraser, más americano, más de lo que vendrá en los años posteriores.

El clásico Reptile es uno de mis favoritos, debería haber estado entre los primeros del disco, inclusive haber sido un single, refleja el camino que estaba forjando Reznor y que muchos copiaron. El homónimo The Downward Spiral, lánguido, una guitarra, algo enfrascado, como poniéndose al lado de la puerta del infierno y escuchar desde allí a quienes están del otro lado. Si paso, el gran final Hurt, el paso a lo que viene después, una balada para la post existencia,¿ será así? Veremos… Excelente viaje conceptual usando los elementos más crudos de la existencia, amalgamados en una excelente selección sonora, que al día de hoy sorprende, una producción de “Flood” Ellis (U2, Depeche Mode) que fue grabada en la casa donde el clan Manson asesinó a Sharon Tate, reformada y acondicionada para hacer el estudio Le Pig el cual fue demolido luego de la grabación del disco. Este disco es energía, odio, verdad, existencia cruda, la cual podemos consumir y retroalimentarnos… como tomando un (o muchos) Sweet Abortion y esperar lo que viene en tiempos donde es más necesario ser nihilista que adoctrinado, ¡Salud!

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[ Entrevista a John E. Smoke de Flesh Eating Foundation por Diego Centurión Fotografías: Fraser Hinch, Jak Matin-Rayez y Flesh Eating Foundation ]

LA MAQUINA FEF NO SE DETIENE

Hay muchas maneras de sentir la música, hay muchas formas de entender la música.

Algunos necesitan sólo escucharla, otros necesitan tocarla, otros escribirla, u otros, simplemente, tenerla de fondo sonoro. Lo cierto es que la música es tan importante para muchos como el respirar. Actualmente, y desde ya hace unos años, las formas de hacerse de ella han cambiado el panorama de distribución y hasta de almacenamiento han mutado con el tiempo. Todo se vuelve más pequeño y todo tiene que ser rápido y divertido, las nuevas generaciones quieren todo ya, y las campañas de publicidad tienen que vender todo de manera colorida, llamativa y rápida, hasta la comida debe “verse linda”.

John E. Smoke lleva adelante este proyecto con más de diez años de trayectoria, con sólidos álbumes en la línea del industrial alternativo, con dosis de EBM o Cyber Punk. A veces tenemos todos los sentidos en pleno funcionamiento pero solemos caer en la tentación de “lo mejor” y suprimimos algunos de nuestras habilidades para discernir y pensar por nosotros mismos. ¿Qué pasaría si se nos suprimen dos sentidos (el oído y la visión)? ¿Seríamos capaz de hacer lo que nos gusta?

John es la persona que al menos nos demuestra que nada es un impedimento para hacer lo que nos gusta. En mayo editarán un nuevo álbum llamado “We Are Fucked”. Con ustedes Flesh Eating Foundation. ¡Hola John!

Cuando vi tu nombre me vino a la cabeza la canción de Butthole Surfers, “John E Smoke del álbum “Hairway To Steven” (1988), pero si bien FEF comparten algo sonoro con los de San Antonio, Texas. ¿Cómo definirías a Flesh Eating Foundation? ¡Primero, Hola! Gracias por interesarse en lo que estamos haciendo. Tu observación de Butthole Surfers es correcta. Tanto a mí como a Steve (el otro miembro fundador) siempre nos ha encantado esa banda. Tengo un brazo cubierto de tatuajes de las letras de esa canción en particular, así como el payaso de la portada de 'Live PCPPEP'.

De todos modos, Flesh Eating Foundation en su núcleo, es dos tipos de Midlands en el Reino Unido (territorio de Peaky Blinders) que creció escuchando música sintetizada de los 80s antes de descubrir sonidos más eclécticos en el programa de radio John Peel. No pudimos encontrar ningún músico adecuado para estar en nuestra banda, así que usamos cajas de ritmos y cualquier otra cosa que pudiéramos encontrar. En estos días tenemos más confianza y nos vemos como un colectivo de músicos y artistas intérpretes o ejecutantes con Steve y yo a la cabeza. Para el nuevo álbum nos acompaña el talentoso Jules en guitarras y algunas voces, con el poeta punk Adam Probert también haciendo una aparición.

Tú realizas varias formas de arte… ¿Cómo sientes al arte como una forma de expresión?

Es esencial para mí, y creo que todos deberían tener acceso a tantas formas de arte como sea posible. Tomo el enfoque punk: que cualquiera intente cualquier forma de arte, sin miedo a los juicios ni a la condescendencia. Yo mismo no tengo formación artística o musical, pero me gusta crear y probaré cualquier cosa. La mayoría de las veces no tengo idea si es bueno, pero eso es menos importante que poder expresarme.

Siempre me ha encantado el cine, y hace poco decidí que si podía fanfarronear en la música, quizás debería intentar filmar también. Me rompí el hombro mientras tocaba, lo que me impidió tocar la guitarra y generalmente afectó mi movilidad, así que me lancé a hacer una película en medio año, y 'The Doxey Boggart' fue sorprendentemente bien recibido por quienes lo vieron. Y ahora, mi segunda película 'Bones Picked' está lista y debutará muy pronto, y se proyectará en Cannes, por lo que agradezco a mi amigo Rodriquez de la banda E-MEN. El diseño de sonido ha sido una parte integral de mi filmación ya que el sonido es tan importante como la visión. También intenté pintar (¡no muy bien!), Fotografía, drama y palabra hablada. ¿Por qué no?

Te calificas con sordera y ceguera y me pregunto ¿cómo te enfrentas a un espectáculo?, ¿cómo lo preparas? De hecho me pregunto

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¿Cómo lees estas preguntas?

Me alegro de que pueda preguntar acerca de la discapacidad, con demasiada frecuencia se la trata como un tabú. Soy muy abierto sobre mis discapacidades con la esperanza de que pueda ayudar a otros. Tengo una condición genética llamada síndrome de Usher. Nací con una pérdida auditiva severa, casi no tengo audición de frecuencia media o alta y uso dos audífonos. Sin embargo, puedo escuchar bien el bajo, lo cual me alegra. Cuando era adolescente empecé a quedarme ciego. Ahora he perdido la mayor parte de mi visión y tengo un perro guía llamado JJ que es increíble. Efectivamente, tengo una visión de túnel extrema, como mirar a través de un orificio, para poder ver un poco, como las preguntas de tu entrevista. Puedo ver una palabra a la vez con mis gafas puestas.

Actuar siempre ha sido desafiante. Ahora raramente toco la guitarra en vivo ya que tengo dificultad para ver mis pedales de efectos e incluso el mástil de mi guitarra en el escenario. No tenemos técnicos y hacemos todo nosotros mismos, por lo que la guitarra no es posible. Ahora canto más y toco sintetizadores y otros instrumentos electrónicos. La mayoría de estos he diseñado y / o construido yo mismo, así que sé cómo controlarlos incluso cuando no puedo verlos. Tengo un sintetizador de batería específicamente diseñado

para que, si coloco mi mano en una esquina, pueda acceder a todos los disparadores de batería con mis dedos. Tocar en vivo es estresante pero sigue siendo un verdadero alboroto. Sin embargo, el aspecto social puede causarme más problemas. Si el lugar es oscuro y ruidoso, entonces no puedo ver ni oír a las personas que me hablan y me siento socialmente incómodo, ¡y probablemente parezca grosero o ignorante!

Obviamente has elegido un camino en tu vida que muchos no elijarían. ¿Cuál piensas que fue ese momento en el que te decidisteexperimentar con los sonidos y las imágenes? ¿Y cómo percibes lo que estás haciendo, es decir, cómo evalúas el material realizado?

Que gran pregunta. No estoy seguro de haber elegido este camino, parece que ha sucedido.

Como mencioné anteriormente, no soy muy educado ni soy un artista consumado, pero estoy motivado e implico tantos límites como sea posible debido a mis limitaciones artísticas y sensoriales. En cuanto a cómo evalúo mis creaciones, es suficiente con que me gusten y las disfrute. Si los demás también los aprecian, eso es una gran ventaja. ¿Qué es lo que más disfrutas de la presentación en vivo o en video?

En el fondo, soy un poco fanfarrón y me gusta desafiar mis discapacidades y hacer cosas que la gente no esperaría que hiciera. Me gusta crear un espectáculo también. Prefiero actuar con un sintetizador de aspecto extraño con controles extraños que ocultar detrás de una computadora portátil. Es satisfactorio obtener reacciones y hacer que la gente se rasque la cabeza.

"Ser un insecto terco esto no me impide hacer tanto", esto está escrito en tu Mixcloud. Y me pregunto ¿qué tan terco eres?

La mejor manera en que puedo describirlo es este: cuando me estaba quedando ciego, me dijeron que usara un bastón blanco, pero me negué porque no quería aceptar que era menos capaz de lo que solía ser. Me costó algunos accidentes y lesiones convencerme de que comenzara a usar el bastón. Entonces no aceptaría que mi vista estaba empeorando y que me estaba convirtiendo en un peligro para mí mismo. La gente me rogaba que tuviera un perro guía y yo seguía diciendo que no. Seguí tercamente haciendo frente. Entonces, un día, accidentalmente me bajé de un pavimento y casi fui atropellado por un automóvil. Entonces decidí que quizás necesitaba más ayuda. Seguiré haciendo cosas que la gente quizás piense que no debería estar haciendo

tanto como sea posible.

Regresando a FEF, en 2007 lanzan el álbum debut, ¿qué recuerdas de ese primer trabajo?

Ah, eso fue 'Seethe'. Fue nuestro primer lanzamiento formal en un sello a través de los ahora extintos Rebco Records. En realidad, hemos estado haciendo música de vez en cuando desde principios de la década de 1990, auto edité varios CDrs y demos, aunque son casi imposibles de encontrar ahora. Sin embargo, 'Seethe' fue un paso adelante y un esfuerzo más cohesivo. Fue lo primero que pusimos seriamente en el dominio público. Todavía amo el álbum, es caótico y parece que podría desmoronarse en cualquier momento. En cierto modo, nos hizo estar más seguros de que no queríamos ser convencionales o predecibles. Lo único que cambiaría sobre ese álbum fue la masterización, ojalá lo hubiéramos hecho nosotros mismos como lo hemos hecho desde entonces.

Este año se cumplen diez años de su segundo álbum, “Purging”. ¿Qué piensas cuando escuchas que hace diez años ya estaban lanzando un nuevo álbum? ¡Diez años! No me dí cuenta. Creo que con 'Purging' intentamos ser deliberadamente incó-

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modos, hay algunos buenos momentos pero también algunas cosas bastante desafiantes para el oyente. Todavía estoy contento con ese lanzamiento también.

Lanzan dos trabajos más, “Dead Shall Rise” en el 2010 y “So Yeah” en 2011. Luego viene un álbum bajo el nombre “Fun Every Friday”, “Heart Puke” del 2014, pero bajo las mismas estructuras sónicas. ¿Qué buscaste con este proyecto paralelo?

Siempre hemos jugado con el acrónimo de FEF, tomando algo de influencia de JG Thirlwell, quien tenía muchos nombres para sus lanzamientos de Foetus. Hemos interpretado música trance con el pretexto de Frantic Ecstatic Frenzy, sonidos experimentales e improvisados bajo Futile Escapist Front y varias otras versiones. Fun Every Friday fue un nombre que no le dio al público ninguna pista sobre qué esperar del sonido. Musicalmente percibí el lanzamiento de 'Heart Puke' como un álbum de rock más basado en guitarra, y el material estaba escrito principalmente en una guitarra en lugar de una laptop / secuenciador. Nuevamente

me encanta ese álbum.

Pensando en los otros lanzamientos, 'So Yeah' sigue siendo muy diferente: audaz, impetuoso y pegadizo. Obtuvimos permiso para hacer un cover de una canción de Babyland, quienes nos gustan mucho. Se llamaron a sí mismos "punk junk funk" y tenían el mismo enfoque para las performances y la composición que nosotros, y fue genial poder cubrir su tema "Worst Case Scenario". El álbum 'Dead Shall Rise' era una bestia extraña.

Nuestro propósito original era simplemente regalarlo, pero nuestro sello nos convenció de "actualizarlo" a un lanzamiento de CD apropiado.

Lamentablemente, es el lanzamiento en el que tengo menos confianza, aunque todavía disfruto de muchas de las canciones. Creo que podríamos haberlo hecho sonar mejor con más tiempo y esfuerzo.

El mercado discográfico de otras décadas se ha quebrado y los viejos sistemas han caído con Internet. Aunque todavía hay quienes se aferran a esos modelos obsoletos de mercado. ¿Cómo te sientes con este cambio

de paradigma en lo referente al flujo de información a través de la web, los netlabels y la autogestión?

No estoy seguro de cuánto ha afectado a la banda. Siempre hemos tenido un sonido de nicho que nunca será de interés para una disquera tradicional. Las relaciones que hemos tenido con las etiquetas más pequeñas también se han mezclado debido a sus propios desafíos financieros.

Tenemos una relación continua con un gran sello del Reino Unido llamada Armalyte Industries pero es informal y amigable sin obligaciones. También tengo una pequeña imprenta llamada Sonic Entrails. Lanzamos cassettes / CD empaquetados a mano, etc., tiradas muy pequeñas. Internet obviamente ha cambiado las cosas. Se parece al movimiento de punk DIY cuando cualquiera puede sacar un disco, con total libertad. Ahora, en una escala aún mayor, cualquiera puede lanzar cualquier cosa en cualquier lugar. Volviendo a su pregunta anterior, esta libertad para expresarse creativamente es asombrosa. Sin embargo, como no hay control de calidad, puede dificultar que el oyente encuentre el tipo y la calidad de la música que está buscando. Otro problema es que Internet claramente favorece a las bandas que tienen dinero para gastar en publicaciones promocionadas. A veces, las bandas más visibles no son las mejores, pero quizás siempre ha sido así.

Siempre estoy buscando música nueva, disfruto la caza. Afortunadamente hay muchos otros que hacen lo mismo y algunos de ellos incluso descubren bandas como FEF. Sabemos de tu dedicación con respecto a los Homeless, y en estos tiempos parece recrudecer este injusto aspecto, en donde a una persona no se le puede ofrecer lo mínimo e indispensable que es un lugar donde vivir.¿Qué es lo que haces como activista?

Estoy totalmente a favor de la comunidad. No estoy directamente involucrado con ninguna organización benéfica de personas sin hogar, aunque soy partidario de esas causas. También hago mi mejor esfuerzo para elevar el perfil de los efectos de la austeridad del gobierno en los pobres, enfermos y discapacitados, un tema muy importan-

te en mi país. Sin embargo, trabajo con organizaciones benéficas locales, una de las cuales está tratando de abrir un centro comunitario de arte en un viejo edificio de la biblioteca, y uno que financia proyectos de arte dentro de mi ciudad natal.

También hago una gran cantidad de recaudación de fondos para nuestra caridad perro guía.

Recientemente han realizado un EP tributo a The Fall, ¿qué significa The Fall para ustedes?

Nos encantó The Fall, Mark E Smith fue un escritor y vocalista único, extremadamente prolífico y muy británico. Él solo hizo lo suyo y no le importó lo que pensaran. Su música no era pulida y comercial, de hecho, a veces era todo lo contrario. The Fall usó guitarras, electrónica, escribió canciones poco convencionales y tocó en shows caóticos en vivo. Admiramos todas esas cosas y queríamos celebrar la música de The Fall de alguna manera ahora que Mark E Smith ya no está aquí.

Se viene el nuevo álbum, “We Are Fucked”. ¿Qué nos quieres contar de él?

Este álbum nos encuentra en un estado de ánimo beligerante. Es tan impetuoso y caótico como 'Seethe' o 'Purging', pero creo que tenemos más confianza ahora. A lo largo de todos los años, ha habido motivos para enojarse, pero parece que este es el caso ahora más que nunca. Es pura Flesh Eating Foundation, así es como sonamos.

Hay una densidad, hemos empaquetado mucho en el sonido. Hicimos algunos sintetizadores nuevos y estos nos han dado algunos sonidos crudos para trabajar. A veces comenzamos con nada más que ruido, pero los moldeamos en estructuras y canciones. Este es también el primer álbum que lanzamos completamente en vinilo. La versión digital estándar contiene 10 canciones nuevas y 5 remixes. El vinilo es un prensado de peso pesado negro, con letras de látex pintadas a mano y estampado de tinta. Cada uno es único. La descarga que acompaña al vinilo es enorme, con más de 30 pistas que incluyen demos, remixes y variaciones. Es un lanzamiento masivo para nosotros. Los primeros indicios son que a la gente le gusta el sonido de este disco.

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Esto nos hace felices. ¿Qué es lo que te gusta y no te gusta de estos tiempos que vivimos?

Me gusta la libertad y la libertad. De alguna manera, al menos en mi país, vivimos en tiempos liberales con buenos estándares. Internet y la era de la informática nos han dado un medio para expresarnos, colaborar e innovar. No me gusta la desinformación en los medios y en la política.

Todavía no he encontrado un proveedor honesto e imparcial de asuntos de actualidad y nuestros gobiernos flagrantemente nos mienten, para dar excusas para ir a la guerra, para cortar el cuidado de los enfermos o discapacitados, y para darse más poder. No me gusta el hecho de que muchas personas consuman este vil político deshonesto y noticias falsas cuando es tan fácil verificar los hechos y llegar a sus propias conclusiones. Creo que en este momento vivimos en un momento en el que todo es una reacción instinti-

va a otra cosa. Violentas oscilaciones hacia ideologías políticas opuestas o extremas sobre enojo por algo, sin considerar el resultado. Tome la elección de Trump, o la decisión del Reino Unido de dejar Europa como ejemplos. Hay tanto giro que es casi imposible para la persona promedio tomar decisiones informadas. Tanto combustible para los fuegos creativos.

Para finalizar la entrevista y agradeciéndote la oportunidad de conocerte ¿Qué planes hay para este 2018 y cuéntenos sobre el nuevo proyecto "The Mannequin Factory"?

Estoy más ocupado que nunca, mi nueva película tiene mucho trabajo asociado, y tengo otros tres proyectos de película planeados. Hay numerosos eventos de arte y música en los que me involucraré y Flesh Eating Foundation tiene algunas fechas en vivo que incluyen un espacio en el respetado festival Infest en agosto.

The Mannequin Factory somos nosotros y Adam

Probert. Hemos elegido trabajar con este nombre ya que nos refleja con más precisión como un equipo. El álbum debut 'The Battle For Tomorrow' fue lanzado bajo el nombre de Adam a pesar de que ya éramos un equipo creativo. El proyecto parece estar llamando la atención ya que no creo que haya mucha gente haciendo lo que estamos haciendo. Es algo abrasivo, algo así como un cruce entre Throbbing Gristle y Crass. El álbum número dos se entregará este año junto con numerosas fechas en vivo.

¿Hay algo que quieras agregar que no lo hayamos hablado? ¡Sí! Siempre estamos hambrientos de oportunidades para crear, colaborar, mezclar y producir.

Se trata del ruido. Queremos hacer más trabajos de bandas sonoras para películas, por lo que estamos buscando oportunidades para hacerlo también. En resumen, la máquina FEF no se detiene en el corto plazo. Y finalmente, gracias por sus preguntas inteligentes y entusiasmo.

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[ Entrevista a Guillermo Mรกrmol de Eterna Inocencia por Diego Centuriรณn ]

POR UNA LATINOAMร RICA LLENA DE ABRAZOS

Con 23 años de carrera la banda de Quilmes (Provincia de Buenos Aires), Eterna Inocencia viene dando batalla desde el underground, aunque seguramente han tenido posibilidades de pasar a pertenecer al grupo de bandas que se las consideran “mainstream” o de tener la posibilidad de conseguir miles de seguidores por medio de alguna gran compañía discográfica, pero ellos se mantienen fiel a sus inicios, en donde todo se hacía a base de la autogestión. Crearon su propio sello, se inclinan por lo social, se comprometen, aparecen en shows benéficos, y siempre dando una mano a otras bandas. De profesión profesor de Historia, Guillermo Mármol, conlleva su vida de profesor con la de cantante de Eterna Inocencia. Hablaremos de todo, de lo que entre en esta entrevista… ¡Hola Guille!

Un placer poder hablar con vos. Para empezar con esta entrevista me gustaría saber ¿Cómo nace el nombre de la banda? ¿Cómo estás? Ante todo muchas gracias por contactarnos. El nombre de la banda surgió porque, cuando arrancamos en 1995, varios de los que tocábamos por entonces nos conocimos realizando tareas comunitarias en un Hogar de Niños llamado “Casa del Niño, Gotita de Amor”, que aún continúa trabajando en esa dirección. Al día de hoy continuamos colaborando con el hogar. De allí nació la idea de ponerle a la banda Eterna Inocencia. ¿Qué ha quedado de aquella “inocencia” con la que han creado la banda? Más que nada lo digo en relación a la inexperiencia de una joven banda que da sus primeros pasos.

Yo creo que conservamos mucho de esa inocencia, eso está registrado en nuestra forma de trabajo, ¿no? El hecho de hacer las cosas nosotros mismos por opción, viendo la potencia de los frutos nos acerca más a

nuestros días primarios, cuando soñábamos hacer las cosas como las hacemos hoy.

La banda tiene un sonido que siempre me hizo acordar a Bad Religion. ¿Cuáles son tus bandas preferidas cuando comenzaste con Eterna Inocencia y más de veinte años después?

Bad Religion, Nofx, otras tantas bandas del estilo que escuché muchísimo pero ya no tanto. Después del 2000 ingresó a mi vida mucho repertorio latinoamericano: Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa, Atahualpa Yupanqui, entre otros grandes cantautores. Hoy sigo escuchando música en esa dirección. ¿Cómo te sentís siendo parte de una banda que ha aguantado los embates políticos, los cambios de modelos económicos, y sigue casi intacta?

El “casi intacta” me mató, jajaja… pero sí, algún golpe tiene que acusar una banda que tiene más de dos décadas… pero creo que estamos bastante firmes, y con mucha experiencia acumulada, lo que nos permite transitar este período de tormentas con un poco más de días atrás del timón… ¿Cómo ves el momento político-cultural en la era Macri? Aunque no debemos olvidarnos del avance de la derecha en el mundo y sobre todo Trump.

Creo que hay un fuerte viraje a la derecha en toda la región. Y respecto a la cultura, no siento que sea una prioridad para este gobierno, ni mucho menos. Hay persecución de artistas en la calle, algo impensado en otros tiempos. Y no hablemos de economía o política, porque tendríamos material para un reportaje aparte.

Somos de una generación que se contactaba por carta, íbamos a la disquería a comprar discos, nos llamábamos por teléfono (si teníamos). Hoy internet acerca a la gente, pero a la vez, las redes puede saturar, hay gente que realmente vive en las

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redes sociales. ¿Vos cómo te llevas con este tema?

Creo que internet vino muy bien para difundir propuestas, obtener herramientas para grabar discos, relacionarte de manera aceitada con otras partes del mundo. Extraño de los tiempos de intercambios epistolares el hecho de que la correspondencia siempre viniera acompañada de material (un cassette, CD, flyers, fanzines, etc.-). Fuimos los últimos románticos mandándonos cartas de un lado al otro del país y del planeta. Una época maravillosa cargada de sentido y con tiempo para la reflexión.

problema para nosotros de pescar lo que emerge, si bien nos llega y podemos acceder a bandas nuevas, se nos escurren miles de propuestas, debido en gran parte a la saturación de información. Históricamente, tomando el pasado, y mirando hacia el futuro, ¿Qué reflexión te merece este cambio que estamos viviendo?

Como lo venía señalando, creo que antes se tomaba más conciencia de lo que costaba producir una obra, sea un disco o un libro, aún un fanzine. Hoy en día disponemos de los discos ni bien ven la luz, y tenemos gente que va haciendo su análisis directamente on line, mientras escuchan el trabajo por primera vez. Luego a los días ves que la misma persona cambió de opinión, seguramente porque su oído fue decantando las canciones… eso es lo que falta, tiempo para una reflexión pausada, que nos saque del vértigo en el que nos han metido la mayoría de las redes sociales, que intentan impartir su urgencia improductiva.

Volviendo a tu rol de historiador, siempre digo que estamos viviendo una época de cambio de paradigmas, la llegada de internet logró que las grandes compañías, los monopolios discográficos, buscaran la manera de sobrevivir a los nuevos tiempos. La libre circulación de archivos por la red ha modificado su distribución, su llegada, como así también la comercialiMuchas veces te preguntan por los dezación de música y videos de las bandas.

Pero a la vez, esta facilidad se ha vuelto un rechos que ustedes empezaron a mencio-

nar. Y no voy a preguntar por eso puntualmente, ya que deberás de estar cansado de responder sobre lo mismo. Pero lo que te quiero preguntar es, actualmente, ¿sobre qué derechos hoy aún no se hablan, que vos veas que tienen que cantarlo, de acá en más?

Creo que cada vez se habla más de los derechos en general, se debate, pero un tema pendiente pasa por el respeto a dichos derechos. Cuando empezamos pensábamos en los derechos de los niños, luego fuimos viendo que el problema era un poco más complejo y abarcador; transitamos distintos espacios que nos enseñaron a pensar críticamente y por eso estamos agradecidos. Luego transformamos en canciones todo eso que rumiamos durante años. Y seguimos haciéndolo.

Hoy por hoy sigo como hace 20 años. Mis referentes fueron los abuelos que pelearon en la Revolución española, los viejos anarcos del puerto, los jóvenes ácratas de los ´90. Todo eso me hizo bastante escéptico en cuanto a cuadrarme dentro de un partido, pero tengo excelente relación y un gran cariño por muchxs compañerxs que militan en la izquierda o en fuerzas progresistas.

Estamos viviendo días convulsionados, tanto políticos como culturales, hay un cambio (por suerte) en la enseñanza en el hombre sobre la mirada de la mujer. ¿Cómo ves esta “posible nueva etapa” en el país?

Me parece muy positiva. Muchos de los planteos que se realizan hoy en día tienen raíces muy viejas pero ahora comienzan a ¿Te sientes representado por alguna marcar presencia en el tejido social. Varios fuerza política hoy o crees que la política de estos puntos fueron los pilares en los que está tan contaminada que tu pensamien- creció nuestra escena, ya por entonces, anti to va más allá de nombres e ideas que nos sexista, anti especicista, etc.- así que estavenden? Tal vez más anarquista. mos más que conformes de ver que ya no es

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un debate que se da entre aquellxs que transitan hace mucho estos espacios sino que en nuestros días son temas que debate prácticamente toda la sociedad.

Los años se nos vienen encima, y te digo yo, que ya pasé los 45, y si bien el cuerpo ya no es el mismo de los 20, la cabeza sigue a full, creciendo. La Revista es totalmente autogestionada y sé lo que significa conseguir algo. Hoy, ustedes, podrían tenerlo todo, lo que se dice una banda “mainstream”, pero han elegido mantenerse al margen de todo el mundillo del rock monopólico. ¿Los han venido a buscar de alguna compañía discográfica grande? Porque me imagino que en tantos años los habrán tentado.

Ofertas nunca faltaron. Pero la verdad es que la única manera que Eterna Inocencia tiene de hacer las cosas en a través de la autogestión. Esa es la razón de ser de la banda. Y ojo, creo que la mayoría de los grupos transitan el mismo camino, eh! No es ninguna novedad esto del Házlo Tú Mismo. Pero hay que expandir el mensaje. Un camino que no es duro sino más bien todo lo contrario. Eso sí, tenés que estar dispuesto a transitarlo, de lo contrario podría resultarte un suplicio.

queremos cuidar… son muchos años tocando y la idea es sacar cosas que nos gusten y convenzan. De esa manera sabemos que van a destilar lo que queremos y serán una caricia para la gente que escucha eterna.

Sé que no eres de escuchar mucha música punk o rock en general, pero si tuvieras que elegir cinco discos para recomendarle a un chico que escucha Eterna Inocencia, si bien los “momentos” de cada ser humano son diferentes, ¿Qué le recomendarías?

Los cantautores que cité más arriba, y agregaría Paco Ibáñez y Mikel Laboa. Y de rock, John Frusciante y Omar Rodríguez, en especial su último trabajo, “Se dice Bisonte, no Búfalo”. ¿Cuál es la actualidad de Discos del Sembrador?

Tenemos estudio propio y allí grabamos las canciones nuevas de eterna inocencia. Por el momento no estamos editando otras bandas, como supimos hacerlo en otros tiempos.

Ustedes no suelen tocar mucho. Pero se viene un show. Contános sobre lo que se viene.

Tenemos cinco conciertos en 15 días, arranHoy su último disco de estudio es del cando el jueves 17/05 en CABA, continuan2014, “Entre Llanos y Antigales”‎. ¿Hay do el sábado 19/05 en Montevideo. Al otro planes de nuevo álbum? fin de semana viajamos a Chile para tocar Hay planes de nuevo álbum, sí. Segura- el 25/05 en Concepción y el 26/05 en Valpamente para el año que viene. Estamos ha- raíso. ¡Tres países en 15 días! Le pusimos a ciendo muy lindas canciones, muy tranquilos la gira “Por una Latinoamérica llena de abracomponiendo hace poquito en nuestra fla- zos”, como ya lo hicimos en otro tour hace mante sala nueva. unos años.

Hoy en día se utilizan distintas formas de lanzamientos de pocas canciones, ya sean EPs o simples. ¿Eterna Inocencia haría estos tipos de lanzamientos? ¿O siguen fieles al álbum tradicional?

No creo que nos pleguemos a ese formato, no lo veo por ahora… nos cuesta mucho hacer canciones, las juntamos como agua que

Bueno si hay algo que no preguntado y quieres decirnos, este es el momento. Y decínos dónde pueden encontrar a Eterna Inocencia. ¡Gracias chicos por la nota! Nos buscan en FB e Instagram si quieren info de la banda. ¡Gran abrazo para todxs!

Saludos cordiales

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[ Entrevista a Lotte Kestner por Pablo Müllner . Fotografías: Anthon Smith y Stanton Stephens ]

LA REINA DE LOS HIELOS DE SEATTLE

En algún lugar entre la calidez de la primera mañana, de la mesa del café que transmiten las melodías de Norah Jones y el aullido de Bansheee en la noche blanca que sugieren los nerviosos blues de Beth Gibbons podríamos ubicar a una chica que se hace llamar Lotte Kestner y a su último –quinto- fantástico disco “Off White” (2017). Me voy a lamentar de hacer estas comparaciones con ella más tarde, incluso le pediré disculpas en esta entrevista... La música de Lotte Kestnerm cantante y compositora con base en Seattle, merece una mejor y más profunda investigación. Lotte nació como Anna-Lynne Williams, de hecho. Durante los últimos ´90, cantó, tocó guitarra y compuso muchas de las canciones de la banda indie Trespassing William, etiquetada por la crítica como “Shoe-gazer” o “Dream pop”. Después, ya una década atrás, empezó como solista bajo el misteriosamente encantador seudónimo de Lotte Kestner.

En el medio colaboró con Chemical Brothers, en una de sus más logradas canciones “trance”.

Por último, pero no menos importante, editó cuatro volúmenes de poesía, uno de ellos bajo el nombre de “In the night I go sailing” (Por la noche salgo a pescar). Algo así como la evidencia que necesitabamos para probar que Lotte puede ser una verdadera sirena.

Toma dos: si el lector quiere imaginar como suena “Off White”, debería pensar en la canción de la película Bagdad Café, I´m calling you, y llevarla de su blues del desierto a un enorme y helado bosque nórdico. “Somewhere over the rainbow” es otra canción que podría caberle como un guante, transformandola en una melodía gélida y misteriosa en su boca y sus pausadas notas de guitarra. Eso sería más justo para ella.

Hola Lotte Kestner, qué bueno encontrarte! Perdón por haber usado tantos nombres de otras artistas. Como dijo alguna vez Tori Amos, con mucha razón “las chicas que hacemos música somos comparadas un montón, a los hombres no les pasa igual...” Muy cierto, pero es una forma práctica de describir un sonido, una voz para los analfabetos musicales como yo. Prometo que le doy el mismo trato a los hombres. En defenitiva, trataba de describir en el efecto “ensueño” de escuchar tu voz, que me deslumbro de una, me sonó de otro mundo y familiar al mimso tiempo. Es como un Deja Vú... ¿Alguien te lo dijo antes?

No creo que nadie me haya dicho que mi voz sea como un “deja vu”! Y amo a Beth Gibbons, así que tomo en cuenta ese comentario. En lo que respecta a las artistas femeninas siendo comparadas todo el tiempo, y lo que Tori decía, creo que parte de la queja viene de que las mujeres tienden a ser comparadas solo en base a sus voces.

Hay tantos otros componentes en la música de un artista, o el sonido de un album, a pesar de que la voz femenina es un instrumento distinto que la de un hombre.

A nosotras nos comparan por tener voces similares mientras que a los varones los ven similares

en cuanto a letras, tono, forma de tocar la guitarra, etcétera. Sería refrescante que esos elementos entraran en discución tan seguido como el parecido de nuestras voces. Pero en fin, es una buena forma de comenzar.

Por otro lado, esta el “modelo” de la chica cantautora, desde Joni Mitchell en adelante, probablemente. Creo que desde los 90s las cantautoras fueron una verdadera revolución: Tori, Natalie Merchant, Sarah McLachlan, cientos de mujeres talentosas... Creo que empezó a suceder al mismo tiempo en que la mayoría de los muchachos, con expceción de algunos buenos tipos, empezaron a jugar en un terreno demasiado seguro, tanto en lo músical como en sus letras. Desde entonces las mujeres son las que se animan, las que innovan, las que tocan temas incómodos, incluso traen asuntos políticos a su música.

Te gusta jugar en ese terreno?

No encuentro un lugar necesariamente en mi música para los temas políticos. Tengo fuertes opiniones políticas y sobre temas sociales, pero por lo general mis observaciones en el tema están restringidas a las conversaciones. Mi interés en hacer música pasa más por mi paisaje in-

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terior, lo que anhelo, la belleza, el dolor... Puedo entender que otras compositoras hayan podido mezclar melodías y política con éxito, pero en lo personal no es algo que me atraiga. Para mi hablar de la experiencia propia, de lo personal no es para nada jugar a lo seguro... es como pintar un autorretaro, puede ser una de las cosas más desafiantes, en mi opinión...

Contame algo sobre la genesis de “Off White”, porque es tan desconcertante por momentos. Como cualquier buena pieza de arte, quiero decir. El sonido es hermosamente pausado. Con una orquestación minimalista, o incluso solo un piano, tu guitarra, tu propia voz.

Pareciera que tratas de aferrarte a cada cuerda, cada nota, cada respiro como necesitando atesorar ese pedacito de silencio antes de ir al siguiente sonido. Es casi como el Zen! En lo lírico, sin embargo tratas algunos sentimientos complicados, incómodos. ¿Cómo hacés para

poner todo eso junto?

Es una buena descripción! Hay un poco de discrepancia entre mis letras y la forma en que las canto... Y todo en el disco esta bastante medido y expuesto de manera gentil, en parte por algunas heridas que tenía al momento de grabar (en mis dos brazos), pero también mi propio gusto por tomar respiros y dejar espacio en mi música... tratar de que suene íntima y real. Y entonces cuando entran unos pocos nuevos ingredientes, como las cuerdas que Andrew Joslyn provee, se siente inseperado y especial. Sé que mi música suena como si hubiera apenas un par de “pistas” en cada canción, pero por lo general hay docenas de pistas. Me la pasé el último par de años afinando la mezcla de esas canciones para que esas “pistas” queden bien armadas de manera de que todo suene como una sola pieza. Y hay algo de oscuridad en el disco, eso es seguro, pero más que nada en las letras, como sugeriste. El disco empieza con una canción que hablar de mo-

rir en soledad, otra canción trata sobre el fin del mundo... Pero también están las canciones sobre enamorarse!

A pesar de que “Off White” suene tan fresco, tan desafectado, no sos nada nueva en la música. Haz estado haciendo música por 20 años! Cuando empezaste con Trespassers William, había una historia muy linda detrás del nombre de la banda, sobre una historia de Winnie The Poo. Por eso me intriga preguntarte por la historia detrás de Lotte Kestner. Debe haber una, porque Anna-Lynne es un nombre muy bonito.

Gracias! Nunca sentí que fuera el momento correcto para empezar a usar mi propio nombre.

Tuve antes otros proyectos solistas y no lo use tampoco... Como podía de repente tener un proyecto que fuera “la verdadera Anna-Lynne”, por eso elegí un seudónimo. Al principio Lotte Kestner era el nombre de mi página de MySpace, donde sacaba algunas canciones mientras seguía trabajando con Trespasses William en nuestro cuarto album. El “feedback” era bueno, y me di cuenta de que podía trabajar mucho más rápido yo sola, y era más aceptable ponerme muy personal a nivel lírico si fueran solo mías las canciones.

Lotte Kestner es un nombre que tomé prestado de una mujer real, alemana (Charlotte Kestner Buff) que era la musa de Goethe. Ella aparece también como un personaje en su novela más famosa, Lotte S. ¿Disfrutabas siendo la “frontwoman” de una banda? ¿Cuando consideraste ser solista? Cómo te sentís ahora en ese rol?

Nunca consideré ser una solista, por lo menos por los diez primeros años... Disfrutaba colaborar con mis compañeros de banda, de los ensayos de la banda. Además cuando empezabamos yo apenas tocaba la guitarra. En nuestro primer disco, Anchor, yo no escribí casi ninguna de las progresiones de cuerdas, ni estaba involucrada con las mezclas de las canciones. Para el tiempo en que estabamos trabajando en “Different Stars”, yo ya escribía las canciones sola en mi casa, y después pasabamos tres días seguidos hacien-

do las mezclas con Matt en el estudio. Despues, mientras grababamos “Having”, me familiaricé con ProTools y podía armar mis propias pistas y editar mis voces, y una cosa fue llevando a la otra... Después de Having, armé un pequeño estudio casero para trabajar con Trespasser y en material de Lotte, usando el material más flokie y personal en esta última. Adoro escribir y grabar en soledad, pero no disfruto de tocar sola sobre un escenario. Nunca toqué un concierto en total soledad, creo, sin alguien más que subiera a tocar en guitarra o en teclados para mí.

En la época de Trespassers William creo que hiciste muchas giras, no? Creo que la gira por Inglaterra con Damien Rice o una fecha compartida con Morrissey habrán sido algunos picos excitantes... ¿Cómo es tocar en vivo ahora? ¿Armaste una banda en vivo? ¿Has presentado el album en gira?

Trespassers tuvo un año entero de gira al principio, fue un momento de mucho trabajo, muchos festivales, y después el tour con Damien Rice...

Años más tarde tuvimos nuestra primera gira encabezando, eramos solo Matt y yo, poco antes de dividirnos. Creo que anduvimos por trece países.

Ese fue un gran momento, encontrandonos con gente que conocían realmente nuestras canciones, que querían vernos a nosotros en particular.

No nos había sucedido algo así antes.

Abrir para un gran artista, incluso uno que adoras, es excitante en general pero lo cierto es que la audiencia no está muy inmersa en lo que haces.

Respecto a Lotte Kestner, tengo una banda para tocar en vivo, pero me estoy tomando mi tiempo, quiero asegurarme de que mi salud esté del todo bien antes de meterme a una gira. Por ahora, toco modestamente, en Seattle. Creo también que mi música funciona mejor cuando uno la escucha solo, preferentemente con auriculares. Pero sí espero estar del todo bien como para poder compartir mi música en vivo más seguido.

Estuve explorando tu bandcamp y me encontré con un album completo de B-Sides

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para Off White... Cual fue el motivo para llamar a esos temas “b-sides”, y no Off White Vol II, o incluso un album nuevo?

La mayor parte de esos temas los compuse y grabé durante el periodo de Off White. Muchos de ellos nunca los sentí parte del album o los reemplacé por canciones que sentí que encajaban mejor. Hay algunas canciones sobre “rupturas sentimentales” que no quería que formaran parte del disco. Cosas que no quería revivir una y otra vez, pero que me sentía segura realizandolas como “lados b” También tengo otra docena de canciones de la misma camada que todavía no las pulí lo suficiente y no las edite con la idea de madurarlas mejor y darles su lugar en un nuevo album.

Volviendo al tema de lo “Zen” en tu música.

Siempre le he querido preguntar a los compositores que evocan mucha paz, mucha mirada interior meditativa en sus canciones... ¿Sos vos misma esa persona o es algo distinto? ¿Puede ser el proceso de escribir un tema introspectivo y etereo un verdadero rompedero de nervios?

Escribir canciones es siempre algo intenso y excitante, incluso cuando la canción sea muy suave, muy dulce, por lo menos esa es mi experiencia. Por lo general me olvido de comer y probablemente de respirar adecuadamente mientras escribo. Las palabras tienden a venir en explosiones y no puedo dejar de prestarles atención, es como que tenés que aprovechar ese instante y atraparlo. Pero sí disfruto del proceso de escuchar el trabajo en progreso, y mi propia música me ha calmado en varias ocaciones. En cuanto a mi vida personal, creo que es una combinación bastante parecidad de ansiedad y total tranquilidad Tengo que preguntarte por tu colaboración con los Chemical Brothers, no solo porque son tan cool, pero porque realmente la canción que armaron juntos es tan maravillosa: Hold Tight London… Después pude escuchar tu cover de “Halo”, una tema de Beyoncé, y me pareció que tenía mucho sentido, muy

cool también... Es como que jugueteas por momentos con el pop: Eso quiere decir que no estás interesada en hacer un verdadero “crossover” al pop o que te gusta jugar a ser dificil de atrapar?

Ja, gracias! De verdad que no estoy evitando la música pop a propósito. Pero siento que mis composiciones y mi voz me van marcando un rumbo que es cada vez más lejano y lejando de la pop music. Necesito de un lguar donde pueda controlar y jugar con mi voz, ese lugar tiene que ser un lugar propicio, gentil, no es posible hacerlo en escenarios grandes, en espacios demasiado teatrales. Pero me gusta tomar canciones pop y traducirlas a mi estilo. Cuando empezamos a tirar las pistas para la canción con Chemical Brothers, creo que les pedí que me pusieran las baterías en “mute” así podía soltarme y estar en mi zona de confort.

Quiero preguntar por tu poesía, es un interés particular, porque escribo poesía también. Para ser conciso: crees que la música y la poesía es en tu caso en mismo cuerpo de trabajo? Crees que la poesía está ahí en algun lugar entre los sonidos y los silencios de música?

Es una linda forma de verlo... Sí siento que los espacios en las canciones son como “palabras” en sí mismo. O como suspiros silenciosos. Pero hay una gran diferencia entre mis poemas y mis canciones. Excepto en algunas pocas ocaciones donde algun poema se convirtió en una canción.

Pero para que eso suceda hace falta mucho trabajo de edición. En mi caso las canciones pasan más por la melodia, y por como las palabras suenan y riman juntas. En mis poemas no hay melodía, no tiendo a rimar salvo que necesite llevar la atención a algun verso. Pero lo que sí tienen en común mis canciones con mis poesías es algo que tomé de e.e. cummings, que se construyen alrededor de una o dos lineas que son “clave” y que anclan el resto de los elementos que son como el decorado o la almohada sobre la cual descansa esa clave. Es como “esta linea es la que mantiene todo junto”.

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Hablando de covers, decía más arriba que me encantaría oirte en un cover de “I´m calling you”, el tema de Bagdad Café en tu voz, con tu estilo tan helado, casi celta. Espero que te guste ese tema por lo menos! O la canción del Mago de Oz... Pero más allá de mis propios desesos, que canciones te gustaría interpretar de otro artista, así sin dudarlo un segundo?

No conozco la canción que mencionas, pero voy a buscarla. He hecho tantos covers hasta ahora, algunos para tributos, otros a pedido de fans, algunos solo porque me siento compelida a hacerlos.

Así que estoy tratando de no hacer tantos covers estos días, para no dejar desdibujado el material que estuve escribiendo. Que siempre es más importante para mí, por su puesto. Pero me

siento agradecida por la atención que desperté con un par de covers que he hecho. Si tuviera el tiempo suficiente, problablemente querría hacer un cover de cada una de las canciones que Radiohead hizo alguna vez.

La última pregunta es abierta, antes de la despedida, algo que te parezca importante decir sobre futuros proyectos o lo que sea...

Recientemente tuve el honor de cantar las harmonías on el nuevo album de Damien Jurado, que sale en mayo. Amig@s, deberían oír ese material!

Muchísimas Gracias, Lotte Kestner! Fue un placer!

Gracias, xo

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[ Entrevista a Gonxalo Verde de Verde y los Caballos a Marte por Diego Centuriรณn ]

EL CABALLO DEL PLANETA VERDE

En la apertura de la nueva temporada del Ciclo Entrepisos he conocido personalmente a Gonxalo y su Verde y los Caballos a Marte, si bien ya conocía su música. Y no quisimos dejar de pasarla oportunidad de hablar con él y de profundizar un poco en el mundo de ese Caballo del Planeta Verde.

Para empezar con la entrevista ¿Cuándo y cómo nace Verde y los Caballos a Marte?

El primer show fue el 4 de abril de 2015 en el Festilimbo, un festival que organizan las chicas de Panorámica en Traslasierra. Así que nos fuimos para allá y fue un hermoso debut. Tocamos en el atardecer al pie de una montaña. En el cielo había un montón de nubes pequeñas y de pronto toda la montaña y el cielo se tiñeron de rojo.

En ese momento éramos trío, Alf Rojo en bombo legüero, PeluGarcia en guitarra y yo, Gonxalo Verde en guitarra y voz. En 2017 se suma Nacho Sarka en synthes. Igual ya todos nos conocíamos de años, de un montón de bandas en las que tocamos. ¡¡¡Felíz cumpleaños!!!

Tomando de parámetro ese nacimiento.

Digamos que la montaña (por la altura), el cielo rojo, música... todo se conjuga para que tome forma el Planeta Rojo (Marte), entonces ¿cómo nace el nombre de la banda? ¡Gracias! Nunca lo había pensado, pero si, parecía un paisaje marciano. Es un nombre largo, así que divido la explicacion por partes. Lo de "Verde" es por mi apellido, porque en un primer momento fue un proyecto solista. Lo de "los Caballos" es por cierta tradición de algunos cantantes folk como Neil Young y los CrazyHorse o Gieco y los Caballos Cansados. Aparte me gustan los caballos. Y la parte final de que los caballos van "a Marte" es la parte mas espacial o psicodélica de la banda. Al principio deciamos que hacemos Folk Espacial, aunque cada vez sonamos menos folk y más espacial. O según, depende el lugar donde toquemos también. Y que tanto volumen podamos usar.

La otra noche alguien me dijo "es shoegaze

con bombo leguero" y pensaba en la unión entre la fuerza de las guitarras, la tierra del bombo y la psicodelia de los syntes. Y me pregunto, y lo hago extensivo a vos, el sonido de la banda tiene algo de todo un poco, pero es muy propio de ustedes, se nota en sus álbumes. ¿Todo el sonido es muy pensado o son más de la zapada y ver qué sale?

Nosotros zapamos siempre. Nunca tocamos las canciones iguales. O sea, tenemos una estructura de canción y sobre eso vamos viendo que va saliendo. Y está bueno porque cada noche sale algo distinto e influenciado por cómo se sienta cada uno en ese momento. Con respecto al sonido, todo lo que sea shoegaze, noise rock, dreampop, kraut, space rock o el indie más lowfi es una influencia grande para nosotros, tanto ahora como en todas las bandas que tuvimos.

Pero en los Caballos a Marte tal vez lo encaramos desde otro lado, es más un viaje psicoactivo. Una búsqueda del trance casi espiritual y de introspección. Y el bombo legüero es un instrumento hermoso. El de Alf fue hecho en Santiago del Estero por Mario Paz con un tronco ahucado y cuero en los parches. Es como que las guitarras nos llevan a Marte y el bombo legüero nos trae de vuelta a nuestra tierra, a nuestro lugar en el mundo. Para que no se nos vuelen los pájaros.

En el primer EP “Gracias por el Viaje” (2015), dice “Grabado con los brazos en alto y buscando claridad”. Y el sonido es bastante espiritual, ¿Cómo fueron grabadas estas canciones, bajo qué circunstancias?

Seguramente cada uno de nosotros lo vivió de manera distinta. En lo personal fue un momento difícil. Pero también fue un momento de búsqueda de respuestas. Fue grabado en Estudio Pronoise, como todo lo que grabamos y algunas de las pistas fueron grabadas para una sesion en vivo del programa Abajo al Costado. Pero es un año que lo tengo medio borrado.

El año pasado lanzan su primer álbum “Música para Sectas”. Otro nuevo cortejo guitarrístico con un vuelo estéreo más marcado.

Sé que fue una grabación más cargado de es-

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piritualidad. Cuéntanos sobre este sentimiento casi religioso que se percibe en las canciones.

No lo consideramos un disco, sino un segundo EP. Tiene 6 canciones. Y si, es como que tiene una cosa más espiritual, pero no sé porqué.

La música que hacemos tiene una cosa de introspección que tal vez ayuda. Y el título, Música para Sectas, tiene que ver con eso. En los teclados grabó como invitado Entidad Animada. Y este es el primero que sale editado por Fuego Amigo discos.

Muchas veces hago esta pregunta porque creo que los tiempos han cambiado. Hoy El mercado, al menos local, ha cambiado mucho. Los singles y EPs están a la orden del día, y es más simple grabar música, hasta se puede hacer de manera casera con una calidad cada vez mejor. Lo cierto es que cada vez hay menos álbumes y más ediciones con pocas canciones. ¿Cómo piensas que esto impacta en la banda, se lo cuestionan?

Creo que no sólo cambio el formato de disco sino también la forma de escuchar música. Tal vez un poco se perdió el ritual de comprar un disco y escucharlo tranquilo en tu casa. Las plata-

formas digitales te dan una mayor amplitud a la hora de escuchar una canción pero es una escucha más "express". Igual a mí me gusta el formato de Ep, me resulta más contundente. Lo que sí, eso de grabar "en casa" mucho no me gusta. Yo prefiero el estudio de grabación. ¿Existe en Buenos Aires, una escena musical, en la que ustedes se sientan cómodos?, lo pregunto porque a “Verde Y los Caballos a Marte” es difícil verlos dentro de una sola escena, es decir, nos es shoegaze (aunque acá no exista una escena shoegaze) pero tampoco los veo muy dentro de la escena psicodélica.

La verdad que ya no le doy mucha bola a los estilos. Cuando manejaba Black Fish Discos tal vez sí estaba más atento a eso. Debe haber sido unos de los primeros sellos orientados al shoegaze y noise rock en Argentina. Pero si hay algo que me gusta de los caballos a marte es que podemos tocar con bandas de ese estilo y también en una peña o con bandas hardcore. Pero la escena son mis amigos y otros cuantos con los que compartimos musica y momentos.

Y ¿qué pasó con Black Fish Discos?

Cumplió su ciclo. Nada más que eso. Quedaron hermosas amistades. Igual tal vez lo revivamos en algún momento. Fue muy divertido pero demandante también.

Por el show de marzo en el Ciclo Entrepisos, en el cual cuál además de vos y Alf, tuvieron un guitarrista invitado. ¿Verde y los Caballos a Marte tiene una formación que se ajusta a cada show?

En esa oportunidad toco Ariel Krakovsky (Fuzz X) en guitarra porque Pelu estaba enfermo. Pero en general mantenemos la misma formación.

Igualmente nuestra idea es la de agrandar la formación este año. Vamos a tener un teclado más y percusionista. ¿Hacia dónde está yendo el sonido de Verde y Los Caballos a Marte en las nuevas canciones, si las hay?

La idea es que vaya para un lado más rítmico y no tan oscuro. Igual va a faltar un tiempo para eso. ¿Es decir que la banda está más "iluminada" que en el pasado? Digo esto en el sentido que en las otras producciones tenían un tinte más oscuro.

Si, podría ser. Menos oscuro seguro. ¿Cuáles son los planes para este año?

Planes 2018 los caballos: Lo primero es sacar un nuevo EP que ya lo tenemos grabado. Y probablemente un disco en vivo de un show que hicimos en Casa del Bicentenario. Y esperamos a fin de año ser varios más sobre el escenario.

¡¡Gracias Gonxalo!!

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[ Entrevista a Kevin Haskins (Bauhaus – Poptone) por Pablo Müllner.

Fotografías: Paul Rae, Dave Kaple y Bobby Talamine ]

PERO ELLOS SIEMPRE EXISTIRÁN, PORQUE ELLOS SIEMPRE EXISTIERON

Algunas bandas impactan en tu mundo adolescente como “la nueva moda” de la cual no podés resistirte a quedar afuera. Otras rockean tu mundo de una forma más secreta, como un especie de placer culposo, como el dulce para tus oídos que necesitas devorar en soledad.

Un tercer y mucho más selecto grupo apenas aparece en tu vida, desde la primera escucha sacuden todos tus sentidos, fascinando tus oídos pero también trascendiendo los límites del sonido. Le dan un nuevo significado a eso que creías que era “la música”, y también las artes visuales, la performance, la poesía, el arte en general, y de algún modo, la vida misma. En esa última categoría yo pondría a Bauhaus, a Bauhaus como único ejemplo, en realidad. En los 90´s era un adolescente que corría detrás del último sonido de moda, pero al mismo tiempo sospechaba que existía un mundo musical mucho más excitante, intelectualmente provocativo y salvaje que Smashing Pumpkins, Marilyn Manson o Garbage, o lo que quedaba del grunge y había sido “estilizado” para verse “cool” en MTV. El misterioso, monolítico compilado llamado “Crackle” (1998) me dio prueba científica que semejante cosa realmente existía. Enseguida supe a través de Les Inrockupibles sobre una gira de reunión de Bauhaus, sobre sus cuatro álbumes de estudio, sus proyectos solistas y sus bandas posteriores, sus míticas performances en vivo, y otros asuntos Bauhaus. Por ejemplo que tocaban “Bela Lugosi´s Dead” en el mismo salón chic donde los vampiros aristocráticos David Bowie y Catherine Deneuve buscaban a sus esclavos sexuales. (Se trataba solamente de una película, por desgracia). Pero lo que sí es bien real era el impacto inmortal en la música y en las artes visuales, tan verdadero como uno de esos edificios de vanguardia que habían cambiado para siempre el paisaje urbano de Weimar o Berlín. Como ellos, Bauhaus existirá por siempre… ¡Gracias, Pablo por un reconocimiento tan hermosamente escrito, espero que mis respuestas puedan hacer justicia a todo eso que decías!

Estoy muy emocionado de encontrarte aunque más no sea, virtualmente, Kevin. Como contaba, soy un fan de Bauhaus, y todo el trabajo de sus miembros desde que soy un adolescente. La primera cuestión que me vino a la mente respecto de “Undead”: La intención fue escribir unas últimas palabras y compartir la historia de la banda a través de imágenes, diseños de arte y algunos momentos más íntimos?¿Y después viene un “Punto Final”? ¡En tal caso el título “Undead” (No Muerto) es bastante engañoso!

Yo no tengo la visión de esto como “unas últimas palabras”, porque espero que muchas más palabras sean escritas y que el legado viva a través de las palabras, y por supuesto la música.

Quise que este libro fuera una celebración de la banda y que revelara aspectos de Bauhaus que no sean los más aparentes.

Para ser más preciso, yo tengo la idea de

que Bauhaus es una especie de criatura mítica, probablemente como Frankenstein o incluso el Orlando que interpretó Tilda Swinton, ese personaje que volvía a la vida cada nuevo siglo, adaptándose a la nuevas circunstancias, cambiando el sexo incluso, pero siempre permaneciendo fiel a su visión. Parece que siempre existe terreno propicio para una reencarnación de Bauhaus. ¿Por qué crees que eso sucede?

No creo que no hayamos adaptado a nada, nosotros nos inventamos nuestras propias reglas y forjamos nuestro camino.

Para este libro, que se ve como algo para atesorar, incluso si no sos un coleccionista maniático, ¿escribiste todas las palabras, seleccionaste las imágenes, no es así? Dado que es básicamente un “proyecto solista”, ¿hubo algún consejo o ayuda del resto de los miembros de la banda?

Al embarcarme en el proyecto solicité las bendiciones del resto de la banda, y luego me puse a navegar por mi cuenta, sin un curso definido. La mayor parte del tiempo fue un viaje disfrutable,

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¡aunque haya chocado con algún iceberg en un par de oportunidades! Sí, escribí todas las palabras y elegí la mayoría de las imágenes. Tuve la valiosa asistencia de tres grandes artistas: Jeff Anderson, Donny Phillips y Kaylee Carrington.

Ellos aportaron sus perceptivos aspectos de diseño al proyecto. También debo mencionar a Vincent Forrest y Andrew Brooksbank que aportaron valiosa ayuda con ideas y su propia colección de material.

Supe que tus más recientes “ocupaciones musicales” incluyen ser el baterista de Poptone, un proyecto que reúne material de Tones on Tail, tu primera banda post-Bauhaus con Daniel Ash, Love and Rockets, e incluso canciones de Bauhaus. En la banda tu propia hija oficia de bajista, ¡finalmente una Lady Bauhaus! ¿Cómo cobró vida Poptone?

Durante los últimos años, Daniel y yo le dimos vueltas a la idea de salir de gira y tocar canciones

de Bauhaus. Siempre pasamos buenos momentos juntos haciendo de DJs, y Daniel sugirió que hagamos una gira como DJs. Yo pensé, ¿por qué en cambio no tocamos? Sabía que mucha gente que nos sigue jamás había visto Tones On Tail en vivo por ejemplo, entonces me pareció que podía ser una propuesta atractiva. Y así fue, dado que estamos disfrutando de una maravillosa respuesta del público.

Volviendo un poco a “Undead”, no quiero soslayar que ese en realidad un libro de fotografías, que la imagen siempre fue un fuerte complemento del sonido Bauhaus… Ambos elementos formaban la “estética Bauhaus”, más tarde extensamente imitada para mejor o peor. Blondie, por ejemplo, dijo una vez que ellos habían tenido la suerte de ser “preMTV”. Me pareció apropiado porque son casos parecidos: bandas que han elaborado artesanalmente su sonido y su estética visual,

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alcanzando una originalidad icónica. ¿Será posible hacer una cosa así hoy en día? Al menos, parece que Poptone estuviera forjando una estética propia…

Siento que es más difícil en estos tiempos crear algo que ya no haya sido hecho antes pero al mismo tiempo sin pensarlo demasiado… Tal como sucedió con todas las bandas en las que hemos estado, la música y la imagen deberían darse de manera bien orgánica. Si uno intenta aplicarle demasiado intelecto creo que el resultado termina siendo algo pretensioso.

Bueno, ya lo hemos hecho, en cierto grado.

Digo en cierto grado porque no hemos compuesto música juntos, todavía… Actualmente se trata de un proyecto retrospectivo. Pero con la influencia de Diva (la hija de Kevin y bajista de Poptone), siento que hemos traído un nuevo elemento, más sutil a las canciones y eso cuaja maravillosamente en vivo. Los fans más “hardcore” de Bauhaus me han dicho que temían que Diva no pudiera llenar los zapatos de David y Glenn (anteriores bajistas), pero luego ella les voló la cabeza con su talento.

David J una vez explicó el estilo Bauhaus de hacer música: como mezclar cuatro elementos químicos en un tubo de ensayo y esperar las reacciones de cada uno. Siempre sospeché eso. La volátil belleza de esas personalidades juntándose para crear un sonido único, una forma diferente de tocar los instrumentos, de cantar, que va más allá del “punk”, el “goth” o cualquier género. (Nirvana me parece un caso similar, pero afortunadamente Bauhaus no es así de auto-destructivo). Por otro lado, esa genialidad solo puede darse por un cierto tiempo. ¿Están en situación de crear esa química con la nueva banda, Poptone?

Pronto van a editar el debut de Poptone por Cleopatra Records. ¿Hay planes de gira? ¿Piensan componer canciones nuevas para la banda?

Vamos a regresar a la Costa Este y Oeste de América este verano, y tenemos la expectativa de llevar el Proyecto a nuevas orillas internacionales.

Genial, Kevin, espero que no te haya molestado mi “tartamudeo”. Todavía no me lo creo estar entrevistándote. ¡Muchas Gracias! ¡Gracias a vos!

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[ Entrevista a Adam Cresswell de Rodney Cromwell por Benjamín York. ]

HAGO MÚSICA SIN COMPLICACIONES

Fuimos presentados por primera vez a Rodney Cromwell hace un tiempo: ha participado en algún momento de nuestra revista y hemos revisado sus EP anteriores. Finalmente, nos pusimos en contacto con él para entrevistarlo y conocerlo un poco. Acaba de lanzar un nuevo single llamado "Comrades" y pronto lanzará su nuevo EP "Rodney's English Disco". Rodney Cromwell es su nombre artístico. Su verdadero nombre es Adam Cresswell, así que vamos a conocerlo. ¡Hola Adam!

Gracias por hablar con nosotros hoy. Para empezar, me gustaría preguntarte cuándo comenzaste a enfrentarte a tu nuevo alter-ego Rodney Cromwell y qué inspiró tu elección de seudónimo.

Hola Benjamín. Encantado de conocerte y gracias a Revista The 13th por todo el apoyo. Para responder a tu pregunta, comencé Rodney Cromwell hace mucho tiempo cuando estaba en la banda Saloon. Había escrito mi primera canción en solitario y Matt, nuestro guitarrista, se inventó el seudónimo de "Rodney Cromwell"; la broma sonaba como si alguien hubiera entendido mal mi verdadero nombre. No se me ocurrió nada mejor, así que lo hice.

La primera canción que aparece en tu bandcamp es "Radagastthe Brown" (2002), Un tributo al juego de computadora Spectrum de "El señor de los anillos". Grabado con un Korg MS-10 y Casio MT-30. ¿Este sería tu debut como solista?

Absolutamente. Alan de Bearos Records preguntó a Saloon para hacer una canción para su álbum de compilación inspirado "The Lord of theRings", ninguno de Saloon quería hacerlo, ya que todos pensaban que Lord of TheRings era demasiado friki, pero me encanta. Lo he leído tres veces, de hecho, incluso leí el increíblemente difícil Silmarillion en la playa en mi luna de miel. Bueno, no iba a perder la oportunidad de contribuir con algo. Estaba viviendo encima de un pub con mi novia y su familia en ese momento y no tenía espacio para nada. Recuerdo haber montado el Korg y el Casio en la cama de su abuelo mientras él estaba en la cancha y escribí y grabé la canción en 90 minutos y eso se convirtió en mi debut como solista.

¿Puedes contarnos sobre tu participación en Saloon y Arthur & Martha antes de esta nueva aventura? ¿Cuál es tu conexión con John Peel?

Estuve en Saloon durante 5 años y medio, grabamos innumerables singles, tres álbumes, incluido uno que mezclamos en Nueva York.Actuamos constantemente incluyendo varios tours en Europa. John Peel tocó todos los discos que sacamos de nuestro debut hasta el álbum final, grabamos 3 sesiones de Peel y teníamos 4 canciones en su Festive 50, incluida una controvertida número uno en 2002.No se puede negar el hecho de que nuestro éxito en Festive 50 se debió a la movilización de nuestra base de fans a través de nuestra lista de correo. Fuimos efectivamente pioneros de la web 2.0, pero a mucha gente no le gustó en ese momento, de ahí la llamada “controversia”. Por supuesto, todos hacen cosas así en estos días. Pero en ese momento sentimos que recibimos una patada injusta y definitivamente contribuyó a la división de la banda.

Arthur & Martha fue la banda que armé después de la separación de Saloon. Hicimos un gran álbum, "Navigation", pero nos enlodaron y tuvimos el LP atrapado en la lata durante dos años. Luego nos perdimos toda la onda de electro cuando bandas como Little Boots y La Roux estaban sucediendo. Todo ese proyecto tuvo mucha mala suerte, de hecho finalmente vamos a lanzar el álbum de remixes de Arthur & Martha en nuestro sello Happy Robots a finales de este año como el número de catálogo 13 en reconocimiento a toda esa mala suerte.

Tu primer álbum "Age of Anxiety" (2015) es una compilación de sonoridades que nos llevan a los principios del synth pop de principios de los años 80's. ¿Cómo ves ese álbum

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hoy a tres años de su lanzamiento?

Todavía me gusta mucho. He tenido muchas pistas dando vueltas durante varios años, y realmente pensé que “Age of Anxiety” sería un final de página en mi carrera, pero a mucha gente le gustó y aquí estoy tres años después, todavía estoy hablando de eso. Si hubiera sabido que sería un éxito, me habría dado un nombre más genial que Rodney Cromwell.

Luego llegan los dos EPs, "Black Dog" (2015) y "Fax Message Breakup" (2016). ¿Crees en los álbumes aún o estás cambiando al formato EPs o singles?

Todavía soy un gran fanático de los álbumes y todavía compro muchos LP. “Rodney's English Disco” pasó como un EP porque quería sacar algo antes de que la gente se olvidara de mí y yo soy un escritor lento. Además, estas canciones están muy inspiradas por las tribulaciones sociales y políticas actuales (pop post-verdad como yo lo llamo). Y aunque temáticamente funciona como un EP de "pista" de 4 pistas, no creo que estos sean temas que quisiera explorar como un álbum completo, sería demasiado deprimente. Ah.

¿Cómo nace y cuándo está fascinación por la electrónica (ya sean software o teclados?

Encontré una caja de discos en nuestro basurero local en la década de los 90, vi a una pareja de ancianos que los bajaba a la papelera y, en cuanto me dieron la espalda, arrastré el lote. Había un montón de gemas reales de artistas y compositores como John Keating, Claude Den jean y Jean-Jacques Perrey. Esos tipos estaban trabajando a finales de los 60 y 70, a menudo grabando versiones cinemáticas de éxitos pop como The Beatles o Simon & Garfunkel, pero usando sintetizadores analógicos masivos junto con ritmos funky y orquestas completas. Me enamoré de esas cosas y me fascinaron los sintetizadores a partir de ese momento. ¿Qué sensación tienes cuando te entregan remixes de tus canciones? ¿Quién te ha remezclado hasta la fecha?

Me encanta escuchar lo que otros artistas le hacen a mi material: a menudo los remixadores superan mis propias mezclas. Por ejemplo, la brillante actuación indietronica francesa Rémi Parson remezcló mi nueva canción 'Barbed Wire'

incluso antes de mezclarla yo mismo. Cuando escuché su mezcla, me dejó alucinado, así que tuve que salir de mi camino para asegurarme de que mi propia mezcla final pudiera hacer justicia al remix. Como Rodney Cromwell, he vuelto a mezclarme ahora con Pattern Language, Hologram Teen, The Leaf Library, AUW, Vieon, Alice Hubble y Rémi. Hay cuatro remixes en el nuevo EP y todos son geniales. Nunca le pido a alguien que me remezclé solo porque tienen un gran nombre o seguidores, solo les pregunto a las personas cuya música realmente me gusta. La música primero, es la regla. ¿Has realizado remixes para otros artistas?

No hay suficiente gente realmente. Hice un remix para la brillante banda de electrónica Vieon, que ahora está en su nuevo álbum de remixes.

Se suponía que debía hacer un remixes para The Leaf Library y Lilies of Mars, dos bandas que realmente amo, pero tampoco terminé nunca. El próximo año intentaré más.

En el nuevo single, profundizas algo que ya habías demostrado en los EPs anteriores, influencias de la electrónica de los años 70's, léase Giorgio Moroder, Kraftwerk, Jean Michel Jarre. ¿Cómo influencian estos sonidos en tu actualidad?

Bueno, 'I Feel Love' es la mejor pieza de música popular que se haya producido, así que todo lo que hago está a la sombra de eso. Sin embargo, no considero que cosas como Moroder o Kraftwerk sean una influencia, sus canciones están conectadas a mi ADN. No se trata de influencia, es la fuerza de la naturaleza.

Se viene un nuevo EP, “Rodney’s English Disco”, cuéntanos sobre él.

Son cuatro nuevas canciones con cuatro remezclas. Toma el sonido de 'Age of Anxiety' y simplemente lo expande un poco más. Las canciones todavía me están uniendo con el mundo loco en el que vivimos ahora, pero hecho de una manera que sigue siendo melódica y dulce. Es un poco más oscuro que el álbum, pero hay mucho humor en él. Si a alguien le gustará es otra

pregunta. ¿Por qué crees que hay tanta mirada hacia el pasado en la actualidad? Y la pregunta no es ninguna crítica ni nada parecido. Es simplemente que me extraña la fascinación con la historia cuando la tecnología ha avanzado tanto.

No estoy sorprendido en absoluto. Vivimos en un mundo súper complejo: nuestra tecnología es súper compleja, nuestra política es súper compleja, incluso la forma en que nos relacionamos entre nosotros, ya que las personas han cambiado por completo debido a las redes sociales. No es de extrañar que hayamos visto una explosión de atención y meditación en los últimos años que nos ayude a reconectarnos con nuestro yo interior o incluso la elección de Donald Trump porque presenta una versión en blanco y negro simple de nuestro súper complejo y multifacético mundo.

La gente anhela la simplicidad porque en última instancia seguimos siendo monos glorificados. A mucha gente le gusta mi música porque hay poco uso de computadoras, no hay corrección de tono y las canciones tienen melodías simples y temas fáciles de identificar. Hago música sin complicaciones que recuerda a la gente tiempos menos complicados ¿Cómo ves la escena de la electrónica actual?

Hay buenas bandas, hay bandas pobres. Como cualquier escena, en cualquier momento, realmente. He hecho muchos buenos amigos en la escena británica de sintetizadores, y solo tengo cosas positivas que decir. Estoy de gira por el momento con tres bandas de escenas geniales en Vieon, Nature of Wires y The Frixion. Mi banda favorita de sintetizadores en este momento es probablemente Knight $, ya que los disfruté inmensamente en la última celebración en vivo de Radio Artefaktor, pero hay muchas bandas para elegir. Está todo bien. ¿Qué planes tienes además del EP? Más conciertos durante el próximo año y luego, si estoy inspirado, comenzaré a escribir un nuevo

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álbum. Nada masivamente inesperado. También tengo el sello discográfico Happy Robots Records y tengo muchos lanzamientos en proceso con Happy Robots que me mantendrán ocupado.

Para finalizar vamos con las dos últimas, ¿Hay algo que yo no haya preguntado y quieras contarnos?

Si te gusta la música y tienes algún ingreso disponible, sigue demostrando tu apoyo comprando discos y camisetas y sigue viniendo a conciertos.

Es lo más difícil que he conocido para bandas y sellos indie en este momento: la transmisión ha arruinado los ingresos de ventas récord, los costos de producción han subido enormemente, particularmente en el Reino Unido, y las bandas underground están compitiendo contra tantos actos patrimoniales en estos días es difícil ser escucha-

do por encima del ruido, y mucho menos ganar dinero. ¡Estoy seguro de que no necesito decir nada de esto a los lectores de Revista the 13th!

Y agradeciendo la posibilidad que nos brindas de hablar contigo, ¿Dónde nuestros lectores pueden escuchar tu música y seguirte?

Finalmente configuré una página de Facebook, por lo que cualquier “me gusta” allí sería genial.

También regístrese en la lista de correo en el sitio web del sello en www.happyrobots.co.uk donde también puede comprar todo el registro. Y, por supuesto, puede escuchar a Rodney Cromwell en Spotify, iMusic, Deezer y todas las otras plataformas principales. ¡¡¡Gracias Rodney!!!

Gracias de nuevo. Ha sido un placer.

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DESDE EL CORAZÓN [ Entrevista a Evo O por Alejandro Cenizacromada. ]

Para esta ocasión en revista The 13Th, tenemos el honor de entrevistar a tremenda artista, toda una leyenda y que ha dejado mucha influencia en la escena siniestra mundial. Una cantante y multi instrumentista con un estilo único y protagonista de muchos capítulos importantes sobre todo en la onda de lo que conocemos como el Death rock, fundadora junto a Rozz Williams de la banda Shadow Project y quien también participo en piedras angulares de la discografía oscura como el álbum Only theatre of pain y la reencarnación de Christian Death con Rozz en los noventas. No solo eso, también se le suma su prolífica discografía, su banda de punk oscuro Super Heroines en los 80, su trabajo como Eva O halo experience y sus últimos discos como el interesante proyecto Eva O MXD1 y discazos como Mental Mayhem, ahora estamos ante su último trabajo, un álbum de 8 temas bastante intimistas, con cierta dosis de melancolía y bastante atmósfera, The Rise of Eva O.

lar que tienes en la voz ¿cuáles han sido tus principales influencias a lo largo de tu vida artística?

Para mi voz, cuando era niña mi padre escuchaba a estas cantantes extremadamente apasionadas y lloraban mientras cantaban Siempre me sentí "wow, quiero poder invocar las emociones de la gente". Es importante que me aleje de una actuación sintiendo que te han conmovido en tu corazón, en tu alma.

Siempre me gusta preguntar esto ¿hay algún tipo de géneros diferentes a la música que haces que te guste escuchar en la intimidad?

Casi nunca escucho música. Me gusta el silencio. Me encanta la música de los años 70 y 60.

Me parece muy bonito y profundo el sentimiento en este nuevo disco sobre todo en temas como Yesterday’ spain. Tu nuevo disco refleja canciones muy personales que hablan de los traumas que dejan las perdidas y el desamor ¿tus letras Hola Eva es un honor que nos conce- reflejan algo vivencial? dieras esta entrevista para empezar me Mis canciones siempre son sobre experiengustaría preguntarte ¿siendo tu una de cias de vida que viví o presencié. las pioneras del punk oscuro y la movida Deathrock como ves la escena hoy en Tu nuevo disco está bajo el sello Cleodía? ¿Qué tan fácil es para un músico que patra Records y me recuerda el imperdiame estos sonidos abrirse paso en esta ble “Demons falls for an angel Kiss”, de tu movida? proyecto Eva O halo Experience de 1994, Realmente no sé cómo responder esta pre- en el que trabajaste con personajes imgunta. Nunca intenté entrar en ninguna esce- portantes como Johnny Indovina (Human na. Acabo de hacer música porque era una Drama) e incluso Patrick Mata de Kompasión que tengo. Siento que la gente no de- munity Fk ¿Hay alguna colaboración esbería hacer música para pertenecer a una es- pecial de algún artista en este nuevo discena si es una pasión que creas y lo que se cotherise of Eva O? crea es de tu corazón. Si a nadie le gusta, ese The Rise of Eva O es 100% Eva O. Incluso es su problema, siempre y cuando esté ha- la mezcla, grabación y edición. En la canción ciendo lo que cree.

Rejection My daughter tocó la flauta que sería la única aparte de mí.

Siempre he sentido mucha fascinación por tu estilo de canto bastante macabro Has vuelto a sacar material bajo el sello que evoca ese terror de películas de se- Cleopatra records. En los noventa el sello rie B (según yo) y ese vibrato tan particu- tenía mucho enfoque hacia la cultura si-

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niestra teniendo en su catálogo a artistas como Mephisto Walz, Big Electric Cat o la renovación de Christian Death con Rozz.

Hoy en día el sello ha cambiado mucho su enfoque hacia otros sonidos distintos a lo oscuro ¿Qué te motivó a volver a sacar material bajo Cleopatra records?

Me gusta trabajar con ellos.

yecto?

Tengo la esperanza de lanzar todo el proyecto. Ese lanzamiento fue solo una parte del proyecto. Entonces sí, habrá más... ¿Te has vuelto a encontrar con tu ex compañero Paris Sadonis de Shadow Project? ¿No han pensado en volver a trabajar en algo juntos?

No creo que esté haciendo música. Sí, lo he visto.

He escuchado tu disco “Mass for the Evilon your soul destruction” de 2015, que es una tensa banda sonora para esa película de terror en nuestros corazones. ¿Hay ¿Qué tipo de literatura es tu influencia, elementos de este álbum en las atmósfe- que libros nos recomendarías? ras de The Rise of Eva O? Lo siento, no leo. Sé que la gente piensa No. que eres ignorante si no lo haces, pero eso es algo que no retiene para mí. Todos tienen sus Hablando de otros álbumes he quedado formas de aprender y experimentar la vida. fascinado con trabajos como Mental Ma- Aunque sí tengo un título universitario. Enyhem de Eva O MDX1 por su experimen- tonces, lo que sea que eso signifique. tación y su crudeza rockera ¿volveremos a escuchar nuevo material de este proTuviste un tiempo de tu vida en que bus-

caste cierta espiritualidad. Y te convertiste al cristianismo y después lo dejaste ¿Hoy en día en qué cree Eva O y en qué no cree?

Nunca me fui, simplemente no lo estaba viviendo. Soy cristiana. Yo soy Cristiana Ortodoxa. Tengo altibajos como todos. Soy una creyente / seguidor a Cristo.

Un gran abrazo de parte de todo el staff de revista The 13th desde Argentina y Colombia y gracias por tu música y tu presencia. Esperamos que algún día gires por América Latina. Ha sido un honor compartir estas palabras contigo.

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ANEXO A ENTREVISTA 30 aniversario del lanzamiento de Shadow Project - "From the Heart" (1998)

Es el trigésimo aniversario del último álbum de Shadow Project, From the Heart. Y es el álbum final del proyecto. ¿Qué piensas cuando escuchas que has pasado tantos años de ese álbum?

Creo que me estoy haciendo viejo. Lo cual es bueno porque todavía estoy vivo y muchos de mis amigos han fallecido, por lo que estar vivo todavía para mí es una bendición. ¿Qué recuerdas de las grabaciones de este álbum?

Cuando grabamos el piano. Me encantó ver los dedos de Nathan Van hala de (Savoir Machine) tocando al fondo. ¿Crees que podría haber continuado con "Shadow Project" o el camino de la banda

ya estaba agotado?

No, terminó cuando Rozz y yo lo terminamos. Era hora de que siguiéramos. ¿Has vuelto a escuchar todo el álbum en estos años?

Sí, mi esposo Edwin solía amar ese CD. ¿Cómo describirías este álbum para aquellos lectores que nunca lo han escuchado?

Lo describiría diciendo ir a buscar una copia y decidir por ti mismo. Te hará emocional.

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[ Entrevista a Daire Jaire de Pasajeros del Último Tren por Benjamín York. ]

ES NECESARIO SER MÁS CONCISOS.

En nuestro compilado del 2016 “En el Aire (Compilado Imaginario II)”, tuvimos la canción de este trío chileno, “El Precipicio de tu Alma”. Unos años después conectamos con Daire para conocer su actualidad y dar una presentación oficial a Pasajeros del Último Tren en nuestras páginas.

Si bien nuestro contacto es muy cercano ya que has colaborado en la revista. ¿Cuánto hace que existe Pasajeros del último tren?

Pasajeros del Último Tren comenzó el año 2013, comenzó como dúo entre Mario Fuenzalida y yo (Darío Daire), quienes nos conocíamos desde muy chicos, y hacía tiempo que queríamos hacer música juntos ¿En qué momento tomó forma de banda como la que hoy tiene?

Ha sido un largo proceso... durante 2014 estuvimos funcionando como cuarteto junto a dos amigos músicos en bajo y batería. Llegamos incluso a hacer una primera grabación en estudio que lamentablemente no pudimos terminar bien. Tiempo después estuvimos medio dispersos y con Mario volvimos a desarrollar el material como dúo y finalmente lanzamos el disco hecho por ambos. En 2016 integramos a nuestro viejo amigo Fernando Plá, guitarrista quien se hizo cargo del bajo de Pasajeros y con quien ya pudimos preparar shows en vivo y movernos más con un formato a guitarras y secuencias, lo que nos dio cierta libertad en cuanto a logística y posibilidad de presentar en espacios pequeños. Sin embargo la necesidad de un baterista se hacía cada vez más evidente, sobre todo considerando el hecho que nuestro disco lo hicimos buscando un sonido más bien orgánico, nunca trabajamos sobre un concepto sonoro electrónico ni sintético. Gracias a una invitación a tocar con la banda Kran, en febrero 2018 invité a su baterista Cristóbal Benavides a colaborar con Pasajeros para dicho show (el 28 de marzo). Los ensayos y el trabajo con él resulta ser muy positivo y rápido, por lo que se concreta finalmente la formación de pasajeros nuevamente como banda de cuatro (a

pesar de que en dicho show no pudo participar Fuenzalida). ¿Cómo definirías el sonido de la banda para aquellos que no los conozcan y lean la entrevista?

Pasajeros del Último Tren es una banda con influencias directas del New Wave, Post Punk, Goth Rock y Dream Pop de los 80 y 90, que es la música con la que crecimos. También del avant-garde y algo del rock progresivo desde Bowie, David Sylvian hasta King Crimson y Steven Wilson.

Digamos que nos inspira todo eso por un lado desde la dimensión musical y sónica de esos estilos, melancólica y sombría por lo general (incluso cuando escuchas canciones "alegres" de esas bandas), y todo el trabajo de guitarras desarrollado en esos estilos, que es lo que más no empujó desde siempre ya que somos fundamentalmente guitarristas. Y por otro lado todo el aspecto estético muy ligado a lo anterior: el blanco y negro (que lo puedes rastrear en el expresionismo alemán, el film noir, la nouvelle vague), expresado en la visualidad de Bauhaus, el paisaje industrial y suburbano y la fotografía de Anton Corbijn.

En 2016 participan de nuestro segundo compilado, “En el Aire (Compilado Imaginario II)”, con la canción “El Precipicio de tu Alma”, ¿esa canción es parte de la grabación que no pudieron culminar bien?

No. Lamentablemente no rescatamos casi nada de dicha grabación. Salvo algunas tomas de guitarras acústicas no utilizamos nada de eso.

El disco lo volvimos a trabajar desde la autoproducción, que si bien puede representar un estándar más bajo en términos de calidad de sonido, para mí es una forma de trabajo más libre y significativo, ya que permite trabajar en casa, día a día, ir escuchando las mezclas con calma, convivir con la música e ir construyendo el concepto artístico y musical del disco sin el apremio y la distancia que propone un estudio del que entras y sales en un tiempo muy acotado. "El Precipicio de tu Alma" fue una canción que tuvo ese proceso, fue evolucionando en sonido y estructura, se le quitó una estrofa y un puente, hubo unas dos

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o tres versiones anteriores, formas diferentes de enfocar las guitarras de la canción, hasta que se llegó a lo definitivo. Ese crecimiento y desarrollo de las canciones fue gracias a trabajar de manera libre y a producir el disco nosotros mismos.

Y pensando en las maneras de trabajar y publicar, hace ya varios años que el mercado ha cambiado, cada vez menos álbumes y más EPs y singles (hasta la canción solitaria o con remixes). ¿Ustedes cómo sienten esta transformación?

Hoy la gente y las redes sociales funcionan a base de botones de muestra. Se abarca mucho, se consume mucho pero en pequeñas dosis, por lo que una sola canción o video pueden abrir puertas, generar cosas. Personalmente echo de menos el concepto de "álbum", como una obra integral del trabajo de toda una etapa de una banda o solista, donde se puede desarrollar un concepto, una historia o una curva dramática dentro del disco. Nuestro disco "Monumentos" (al que lla-

mamos "mini LP", por lo mismo), de alguna manera quiso evocar a la idea de un álbum con un relato, una historia y concepto, pero en pequeña escala (son 6 canciones más una intro). Lo próximo que lanzaremos (esperamos dentro del segundo semestre próximo), seguramente va a seguir en esa línea: 6 o 7 canciones, uno o dos singles, un videoclip; y esta vez probablemente incluyamos algún par de lados B con remixes o versiones de canciones que ya hicimos. Siento que hoy no existe la misma disposición a escuchar un disco de 12 canciones cuando se trata de una banda nueva, emergente. A nuestro nivel creo que es necesario ser más concisos, porque es muy fácil saturar a la gente cuando la oferta es mucha, cuando hay muchas bandas mostrándose y muchos medios y canales. Ser concisos pero aun así generar una curva, un relato o una narrativa, que no se pierda el sentido de obra. Esa es nuestra intención al menos.

Cuéntanos sobre "Monumentos", para que

el lector pueda conocerlos.

Monumentos es nuestro primer trabajo de 6 canciones, trabajadas entre 2013 y 2015, se puede escuchar en varias plataformas: Soundcloud, Bandcamp, Spotify, Deezer, iTunes y se puede descargar desde portaldisc.com, además de la página de SA Discográfica, que es una plataforma de difusión y apoyo con la que venimos trabajando desde hace más de un año y han sido de mucha ayuda. ¿Qué crees que deben mejorar en la grabación de lo que se viene en base a lo realizado en “Monumentos”?

Muchas cosas sin duda. Monumentos fue un disco de debut en muchos sentidos, ya que como te comenté antes, nos decidimos por la autoproducción y por hacerlo a nuestro tiempo, por lo cual hubo todo un proceso de aprendizaje técnico, harta investigación, prueba, experimentación, de probar distintas opciones de cómo grabar, etc., todo eso sumado al proceso creativo de las canciones, de cómo interpretarlas y terminarlas, y todo eso envuelto también en las ganas de terminar y publicar, ansiedad por mostrar. Eso obviamente condujo a errores técnicos, a no preocuparnos por algunos aspectos que no vimos, quedaron algunas mezclas que pudieron ser mejores, voces que pudieron ser mejores, abuso de algunos dispositivos y efectos, sonidos que gustaron en su momento pero que luego con el tiempo ya no nos suenan tan bien logrados, etc. Es un

disco bastante imperfecto donde prima la intención y predomina el criterio subjetivo, de un modo muy aislado y casi arrogante, por el hecho mismo de querer hacer todo nosotros y no recurrir a opiniones de otros ni nada que pudiera hacernos volver atrás o revisar nuevamente el material. Sin embargo es un resultado que, como debut, me gusta que sea así, ya que posibilita mostrar una evolución y un aprendizaje en la medida que vayamos haciendo nuevas cosas, por lo que para un segundo disco, ya aplicaremos una visión más abierta, más asistida por amigos y colaboradores, con más feedback durante el proceso, estamos más abiertos a que lo que compongamos pueda desarrollarse y transformarse dentro de un proceso más compartido, no tan solitario como fue Monumentos. Además esta vez ya somos banda, se integran dos visiones importantes al momento de terminar las canciones, pues se deben desarrollar ya no solo desde una batería, sino desde un baterista, ya no solo desde el bajo, sino desde un bajista, con sus personalidades y formas propias de tocar.

Por último, creo que se debe mejorar mucho en cuanto a la interpretación de las canciones, tanto como el aspecto sonoro que ya ha sido toda una búsqueda. Esperamos lograr un próximo disco bien interpretado y con un sonido tal vez más limpio, pulcro.

Actualmente ¿en qué proceso está involucrada la banda, en la escritura de canciones,

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en pre-producción, grabación?

Escritura, composición, trabajo de maqueteo.

Una buena parte de la dificultad siempre está en las letras, que sea lo que sea, siempre representan un decir, pueden expresar mucho dentro de la música. Algunas llegan en una tarde de trabajo, otras pueden tardar meses... Pero esta vez espero que el proceso sea más rápido. ¿Qué planes tienen para este año?

Planes concretos tenemos en primer lugar realizar un segundo disco (que puede ser un nuevo "mini LP", según te decía antes), ese es un plan digamos, más a mediano plazo. En corto plazo, tenemos una fecha importante el 31 de mayo en La Batuta que es un local emblemático de Santiago, un excelente espacio para tocar en vivo. Estaremos con un par de bandas más y estamos produciendo nosotros. Para ello estoy preparando material visual para acompañar nuestro show, que es harto trabajo. Y lo otro es la grabación de un video para una canción del nuevo disco que se está trabajando. Este video lo haremos con SA Discográfica que son nuestros aliados en difusión y apoyo audiovisual. Esto dentro de mayo-junio como para tenerlo listo en agosto (es-

peremos). Ya lo otro son cosas no planificadas, cómo conseguir más fechas y estar presentes lo más posible.

Acaban de lanzar un nuevo video. Cuéntanos sobre él.

El video lo teníamos grabado hace harto tiempo, pero la edición quedó postergada mientras no pudiésemos tener algo de material tocando y algo de imágenes para complementar, además que tampoco estábamos muy convencidos del resultado de lo que habíamos grabado. Ya en mayo de 2017 registramos un par de temas en vivo para SA Discográfica así que aprovechamos algo de esas imágenes para completar el video.

Finalmente, a pesar de que el video lo lanzamos bastante tarde en relación con el disco, ha servido de alguna manera como para sellar todo ese largo proceso de inicio, como para cerrar toda la etapa del primer disco y abrirse a una nueva, con canciones nuevas, banda completa, sonido renovado y un nuevo video que grabaremos junto con SA Discográfica (http://www.sindicatoalternativo. cl/) dentro de los próximos meses. ¡Gracias Daire!

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UN VIAJE AL FIN DE LA NOCHE – EN ESCALA DE NARANJA FLÚO [ Entrevista a Juanjo Scala por Pablo Müllner. ]

“Flúo” (2017) es un disco tecnopop, el debut de Juanjo Scala como solista. Contradictoriamente, en sus anfetamínicos diez temas que apenas pasan la media hora de escucha, se oye una banda bien afilada, filosa. Ya desde la tapa se ve un Juanjo frontman que recuerda al Johnny Lydon post-punk de PiL, o al David Byrne más psycho(delic). ¿Qué es esto? ¿Qué es éste “Flúo que habla de correr y prenderse fuego entre bloques de hielo verde fluorescente y humo de discoteca? ¿Quién es Juanjo Scala de quién tenemos referencia poruna larga tradición en el circuito alternativo del indie pop participando de bandas como Interama, Push Up, Suami y Caballos Rojos pero sigue resultando un misterio? Quizá la respuesta esté en el sonido, el Groove de un disco que como el malditísmo de Louis Ferdinand Céline nos propone un verdadero viaje al fin de la noche, esta vez, en escala de naranjas, luego hacia los rojos, y desde ahí a la más flúo oscuridad.

Buenas tardes, Juanjo. Qué buena onda tiene Flúo. Pensé varias cosas mientras lo escuchaba y lo oía, creo que todo lo que uno escucha pasa de la atención flotante a la atenta audición, pero no de manera gratuita, algo tiene que ganarse ese segundo espacio. Y Flúo lo logra con su aparente levedad…Digo aparente porque a pesar de ser solo diez canciones, de ser apenas media hora de escucha hay mucho condensado. Un montón, me parece. ¿Lo sentís así vos que sos el padre de la criatura?

La realidad es que sí y me encanta. Tiene una cantidad de sonidos impresionante, es en lo que menos se escatimo ja. Lo que ocurre es que no quería quedarme con nada adentro quería expresarlo todo. Siempre cuento que cuando el disco ya tenía casi toda la forma me cope con la música dubstep y quise que aparezca también. Soy fanático del modernismo y de las novedades. Como así también detesto la melancolía por el pasado “fue mejor”.

Yo siento que hay mucho de los ochentas

metido en la mezcla, el synthpop inglés, sí, claro, pero también la “new wave” de fines de los setenta, guitarras funky, momentos más setentosos disco, algo de glitch... Y ese coqueteo entre sonar a un disco de laboratorio o una banda hecha y derecha como suele hacer algunos artistas grosos tipo Depeche, Goldfrapp, por nombrar solo un par.La pregunta sería ¿hay una banda hecha y derecha detrás de Juanjo o es solo la ilusión que crea el disco?

Los procesos fueron varios pero muy rápidos, grabaron dos bateristas, dos bajistas, 4 guitarristas y múltiples teclados y programaciones. Lo que si te puedo contar es que con ninguna banda grabé un disco en simultáneo con todos los músicos adentro de un estudio a la misma hora y en el mismo lugar. Nunca compongo tampoco de la misma forma, hay composiciones compartidas hay temas míos y temas que empezaron conmigo cantando encima de un loop e imaginando el resto. En vivo yo lo lleve a otro formato que es con un artista electrónico llamado Kame que pone todas las pistas en el ableton y me procesa mi voz en vivo, y otro chico llamado Arieru que también procesa imágenes con una pantalla gigante, en vivo con cámaras y aparatos incluso analógicos, más mi guitarra, convierte al show en un verdadero e increíble espectáculo.Es súper divertido y dinámico para bailar y mirar. Estamos atrás de las novedades de imagen y audio. No queremos hacer lo mismo que hacen todos, la bandita que toca y listo. Cuando voy a ver festivales, están llenos de producción, y me digo ¿Por qué no hacerlo yo también en lugares más pequeños?

Y la otra pregunta que se desprende es ¿cuánto cambia esa banda cuando se pone a grabar un disco? ¿Hay un productor que le da otra vuelta de tuercas al sonido?

Hubo un productor en este disco y se llama Luciano Chiesa Pastor, el llevo a cabo el sonido del disco poniendo todo tipo de herramientas técnicas y artísticas, tocando instrumentos, la verdad es que pude trabajar espléndidamente con él,pudimos compartir ideas y llevarlas a cabo. Fue una gran experiencia.

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Justo en este momento que escribo me entero de que hay un video para Flúo que ya se puede ver, aparece una chica muy linda además que hace lipsync sobre tu voz… ¿Podés contar algo sobre ese video?

La chica muy linda se llama Camila Holzinger es una modelo muy buena onda que eligió Antilope, la productora del video. Ella fue muy buena onda y los productores Manlio y Martina. Hay también otro video dirigido por Florencia Frassi del tema Truenos protagonizado por Florencia Antonucci. El video al cual vos haces referencia es el de Flúo. Bueno imagínate que yo no soy actor ni cineasta pero es verdaderamente una historia bastante espacial en donde una chica angelical vestida de plateado me dice cosas al oído, me busca con una linterna y me busca a mi enredado entre cables. (Quiero decirte que cuando me ponían cables en mi cara no la pase bien jaja)

Filmado todo a un nivel de exactitud terrible. Trato de que todas las cosas tanto video como música estén trabajadas con todo el profesionalismo y calidad posible, que sea todo lo mejor posible para eso elijo a los mejores.

Para lo que queda de 2018 ¿vamos a poder verte tocar en vivo? ¿Tenés alguna fecha inminente o importante para contarnos algo?

Para mediados de junio aproximadamente estamos preparando un show streaming llamado JUANJO SCALA 360, que va a salir por Instagram y facebook en el cual vamos invitar a todos los periodistas posibles a presenciarlo en vivo, en el lugar, que vivan una experiencia de muchas cámaras y pantallas trabajando en sincro con la música, estamos muy ilusionados con Kame y Arieru de poder hacer algo único y demente en audio imagen. Por supuesto te espero a vos para que

disfrutes de este show único degustando tragos que te serán servidos jajaja Como adelantaba un poco en la presentación antes de las preguntas, llevás un tiempo considerable y formaste parte de varias bandas de la “escena electrónica”. ¿Tenés un balance de esa experiencia? ¿Te llevás mejor siendo solita o puede que sea una etapa más?

Me siento bien de cualquier forma en la que esté haciendo música, pero la actual es la mejor siempre. Ser solista ahora me permite hacer todo lo que tenga ganas sin límite. La verdad es que me aburre mucho el indie argentino y toda esa escena que suena como Palito Ortega en año 67 entonces decidí hacer todo lo contrario y sonar como en el 2045.

Cuando entrevisté a la gente de El Gran Búfalo Blanco, me contaron que el nombre venía

de una peli de Charles Bronson y que la idea era un poco sonar así… ¿Qué película o qué películas podrían ser un correlato del sonido de “Flúo”?

Flúo es lo que está pasando ahora, la psicodelia de esta generación que quiere revelarse en presente continuo del pensamiento único y los autoritarismos de quienes nos gritan y ordenan como si fuéramos esclavos, yo creo en la libertad de mi mente más que en cualquier cosa. Soy libre y así lo cuento en este disco.

Si quedó algo importante por decir, por favor, no nos dejes con ese comentario pendiente antes de despedirnos…

Gracias por la nota, Pablo y te espero en junio. ¡Abrazo!

Por supuesto que sí, Juanjo. ¡Gracias, y un gusto!

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[ Entrevista a Blake Voss de Vandal Moon por Benjamín York.

Photographs: Nicole Fraser-Herron y Don Alderon ]

EL ESPECTRO COMPLETO DE LA EMOCIÓN HUMANA

En su nuevo álbum “Wild Insane” el sonido de la banda se mueve en la línea de los padres del synthgoth Clan of Xymox o los americanos de Cruxshadows, como pez en el agua.

Pero también podemos diferencias claras influencias de la banda de Robert Smith, The Cure. De una ciudad como Santa Cruz, California viene a presentarnos su nuevo álbum, Wild Insane y ese es uno de los temas que abordaremos en esta entrevista con Blake Voss, el cerebro detrás de este proyecto.

Hola Blake y gracias por brindarnos está entrevista.

Para empezar cuéntanos ¿cuándo y cómo nace Vandal Moon?

Primero soñé con el concepto de Vandal Moon en 2012. Estaba cansado de ser un artista de tipo cantautor. Quería darme absoluta libertad creativa para explorar nuevos sonidos. Me pinté en una esquina y quería salir. ¿Cómo nace el nombre de la banda?

Para mí, la luna representa algo sagrado y eterno sobre la experiencia humana. Conecta a todos los humanos, a través de todos los tiempos. Vandalizar es profanar. Vandal Moon es lo bueno y lo malo de la humanidad. El espectro completo de la emoción humana.

Los dos primeros trabajos, Dreamless (2013) y Synesthesia (2014) son discos más oscuros y experimentales de la discografía de la banda. ¿Qué te interesaba mostrar sonoramente en los inicios de la banda?

Créalo o no, “Dreamless” fue mi expresión personal de música psicodélica. Pero también fue influenciado por la banda sonora de la película 'Drive'. “Synesthesia” era yo aprendiendo a tocar sintetizadores.

Parafraseando la canción del álbum Teenage Daydream Conspiracy (2016), ¿Amas a Robert Smith desde tus seis años de edad? ¿Cómo nace esa canción?

The Brian Jonestown Massacre tiene una canción llamada 'David Bowie, te amo desde que te-

nía seis años.' Mi canción es una continuación de ese legado de deuda con nuestros héroes musicales. Y creo que Robert Smith y David Bowie están cortados del mismo estilo. Ambos brillante y hermoso.

En Teenage Daydream Conspiracy (2016) se nota el cambio hacia el synth goth. ¿Fue algo buscado o parte del crecimiento del sonido de Vandal Moon?

Fue muy natural. Ni siquiera me di cuenta de que estaba haciendo música gótica. Simplemente salió de mí. De hecho, me sorprendió mucho cuando fui acogido por la comunidad gótica. Tengo un gran respeto por la cultura. Además, son algunas de las personas más agradables que conozco.

Escuchamos a "Baby Sounds" adelanto del nuevo álbum "Wild Insane" y el sonido profundiza mucho más el synth goth que en las anteriores producciones, como señalándolo en el intensivo uso de los sintetizadores. ¿Crees que es el sonido que buscabas desde el anterior álbum?

Intento no pensar demasiado sobre el sonido que estoy tratando de hacer. Solo intento crear lo que suena más bonito para mis oídos. Estoy muy contento con el sonido de Wild Insane. Cubre mucho terreno, pero tiene tejidos conectivos claros.

Espero que crear algo único.

El álbum tiene un sonido retro 80’s, es más, tú te encargas de describirlo así en tus redes sociales. ¿Qué es lo que te llama la atención de esa década? La pregunta es porque yo que la he vivido siento que el sonido actual es superior al de esa década.

Wow, eso es muy amable de tu parte Esa es una pregunta difícil de responder. Para mí, los 80 son punk rock y sintetizadores. Post punk. Creo en un ethos DIY y en lo que el punk rock contribuyó a ese movimiento. Creo en la individualidad y la autoexpresión. Entonces, en esa medida, mi música se basa profundamente en ese sistema de creencias. También mi mamá me llevó en su Carmengia escuchando The Eurythmics. Eso lo

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dice todo.

La descripción en el bandcamp del álbum dice: Este álbum está dedicado a todos los ciudadanos traumatizados de la Tierra del siglo XXI. ¿Nos quieres explicar este punto?

Vivimos en tiempos interesantes. No es fácil ser un ser humano racional, atento y amoroso en un mundo lleno de dolor y caos. Realmente puedo identificarme con lo que todos están pasando, incluso si ellos mismos no se dan cuenta de que están sufriendo. Es importante que las personas no se sientan solas.

Actualmente la banda es un dúo que tienes con Jeremy Einsiedler. Para los shows en vivo ¿se presentan con invitados especiales o lo hacen como dúo?

Solo seremos nosotros dos por ahora. Pero estoy trabajando en reclutar a alguien para tocar todas las partes del sintetizador. No me gusta tocar mucho con pistas de acompañamiento. ¿Cuáles son los planes para este año?

Un montón de cosas secretas en las obras.

Quiero seguir haciendo amigos en todo el mundo. Y alimentar nuestra creatividad infantil juntos.

Agradecemos la oportunidad de esta entrevista, nos gusta mucho “Wild Insane” y para finalizar ¿Qué quisieras agregar que no hemos mencionado?

Gracias a todos los que leen. No seas un extraño ¡Pero tampoco seas un acosador! :) ¡Gracias Blake!

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[ Entrevista a Michael Feedrick de Amusement Parks On Fire por Diego Centuriรณn ]

ES EL TIPO DE COSAS QUE ME GUSTARIA ESCUCHAR EN LA RADIO

Hace unos años que muchas bandas del shoegaze vienen siendo parte de la renovación del género que ha comenzado ya hace varias décadas. Si bien las nuevas tecnologías nos acercan todo el tiempo nuevos artistas que se multiplican en las redes, siempre buscamos la manera de acercarnos a bandas con años de trayectoria, aprovechando nuevos lanzamientos. Éste es el caso de los ingleses de Nottingham, Amusement Parks On Fire, quiénes con más de una década de existencia, siguen editando excelentes trabajos.

Recientemente hay lanzado un nuevo single "AllThe New Ends" y aprovechamos para hablar con Michael Feerick. ¡Hola Michael!

Gracias por aceptar responder estas preguntas.

Para empezar preguntaremos ¿cómo nace el nombre de la banda?

Era una especie de letra de secuencia de la canción que terminó convirtiéndose en "Ochenta y Ocho", creo. Hace tanto tiempo, ahora apenas puedo recordar. No hay una gran historia detrás, solo una imagen abstracta. Hubiera pensado más, pero los nombres de las bandas son inherentemente tontos de todos modos.

cerveza.

De todos los registros que ustedes han realizado, ¿cuál te gusta más?

Realmente no es posible tener esa perspectiva sobre ellos. Se suponía que todos debían ser diferentes, se suponía que debían darse mutuamente el contexto, así que los considero como partes diferentes de un todo en constante expansión. Además, son increíbles, ¿cómo podrías elegir? ¿Y cuál desearías regrabar y por qué motivo?

No puedo imaginar nada peor que volver a grabar un álbum. Ni siquiera demuestro nada siempre que sea posible. No quiero pasar por el proceso dos veces. No soy partidario de volver a visitar estas cosas. Remasterización tal vez. En realidad, me gustaría volver a grabar el primer álbum y meter un maldito CG ET ahí.

Muchas formaciones han pasado por la banda, actualmente ¿quiénes te acompañan en la banda?

Bueno, ¡no tantos como puedas pensar! Todavía no somos The Fall. Es casi exactamente la misma alineación que ha sido desde 2006. La única excepción es que hemos tenido el multiinstrumentista Rafe Dunn oficialmente incorporado desde 2012. Es completamente legítimo.

Hoy estamos en un momento en donde los proyectos musicales se multiplican día a día.

Todos los días tenemos varios lanzamientos en el mundo y es muy difícil abarcar todo, escuchar a todos. Ustedes acaban de lanzar un single en abril. ¿Cómo ves este momento en donde ha cambiado tanto el mercado de los singles, los EPs, y los álbumes?

Soy el hombre equivocado para preguntarle a hombre. Nunca he estado particularmente comprometido con ese lado de las cosas. Lanzamos lo que sentimos cuando tenemos ganas. Si eso es un EP, LP o lo que sea. Una cosa que disfruto sobre el clima actual es que no hay reglas definidas en cuanto a la liberación. Eso parece adecuarse a nuestro enfoque, o falta de eso.

¿Qué piensas que el proyecto ya haya cumplido más de diez años?

Creo '¿por qué diablos todavía estoy haciendo esto?'. Entonces creo que es increíble que aún haya público para eso después de todo este tiempo. Entonces pienso '¿por qué mierda todavía están metidos en esto?' Entonces creo que debo ser realmente viejo. Luego pienso en tomar una

Hay una cierta fascinación con el sonido de otras décadas, en distintos estilos musicales, gran parte de las bandas tratan de replicar ese sonido. Y si bien ustedes tienen cierto sonido del shoegaze de los noventa, creo que tienen una explosión sónica más de esta época. ¿Cuál crees que es el porcentaje de sonido de aquellas bandas y el actual que ustedes

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tienen?

Bueno, crecimos y descubrimos la música en los años noventa, así que eso explicaría mucho de eso. No creo que ningún músico se refiera conscientemente a décadas específicas, ¿verdad? Eso suena muy aburrido. La estética está sobrevalorada. Ahora me siento viejo otra vez.

No, son los niños quienes están equivocados...

En un negocio musical que aspira al individualismo, ustedes ¿cómo se relacionan con otras bandas? ¿Con qué bandas sienten una amistad?

Musicalmente hablando, supongo que sentimos cierta afinidad con otras bandas que discrepan con que su música se describa como "shoegaze". En la parte superior de mi cabeza diría Autolux, Blonde Redhead y Silversun Pickups con quienes tenemos una gran amistad en el sentido tradicional. ¿"All The New Ends" es el nuevo single, cuéntanos sobre él?

Pensé que la combinación del rock ligeramente irónico y el pop excesivamente serio ofendería

al elemento más frío de nuestra audiencia, pero estaba encantado de que la gente lo haya tomado exactamente en el espíritu que se pretendía.

Es el tipo de cosas que me gustaría escuchar en la radio, si escucharía la radio. Especialmente si eso incluye los varios minutos de ruido que lo siguen. ¿Qué se viene en este 2018?

Bueno, acabamos de terminar una gira por Europa. Estamos a punto de anunciar un par de shows al final del año con una alineación ligeramente expandida. Me imagino que lo principal de este año será trabajar en el nuevo álbum. ¡Es hora de sacar esa mierda por ahí! Me ha estado volviendo loco por mucho tiempo.

Agradeciéndote la posibilidad de poder entrevistarle le hago una última pregunta. ¿Hay algo que no hayamos preguntado que quieras decirnos? ¡No es que yo pueda pensar! ¡¡¡Muchas gracias!!!

No, ¡Gracias a Ti!

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[ Entrevista a La Liga Matriz por Marina Cimerilli. ]

LA INTENCIÓN ES FUNDIR ESE "PSICOMOOD" CON ALGO FRESCO Y NUEVO

Primer acto: Corre el año 2008 y nace en Quilmes el proyecto musical Los Brazos Largos, donde se cruzan por primera vez los caminos de Martín Amendola y Miguel Reguera. La banda edita su primer simple a través del netlabel Mamushka Dogs, y luego un LP vía My Space.

Segundo acto: Miguel Reguera se traslada a Santiago de Chile. Lejos de disolver la alianza, ambos deciden que la distancia geográfica no será un obstáculo y fundan La Liga Matriz, una nueva apuesta donde toman como punto de partida la paleta sonora de los sesentas, y la reinterpretan hasta adaptarla a su propio pulso. A fuerza de trascender fronteras, redoblan su compromiso creativo y en 2016 lanzan “Clamor Infinito”, un EP con dos canciones, al que le sigue “Dharma”, su primer Larga Duración. Ambos son editados por el sello Queruza, el primero en formato vinilo de 7’’, y el segundo en CD y digital.

Ciberespacio mediante, la dupla M&M continúa intercambiando ideas y grabando desde sus respectivas ciudades, hasta que en Marzo de este año ve la luz su tercer simple compuesto por dos tracks: “Talismán” y “Velatropa”.

Tercer acto: Miguel se vuelve a vivir a Buenos Aires. La Liga Matriz sigue haciendo de las suyas, pero ahora, a un bondi de distancia. ¿Quién dijo que la era digital aniquiló el romanticismo, y quién se atreve a decir ahora que las relaciones a distancia no funcionan? Así es como debería llamarse esta película. Aquello que la tecnología facilita no siempre nutre el espíritu, dicen, y nadie lo refutaría; pero el caso de estos trovadores lisérgicos entra dentro de las excepciones. El resultado de este experimento creativo es tan particular como su propia historia, que por cierto, todavía sigue escribiéndose.

A la hora de grabar, ustedes tocan todos los instrumentos. Así sucedió en su disco debut, y también en el nuevo EP. Teniendo en cuenta esto, ¿les resultó difícil delegar tareas al momento de subirse a un escenario?

Contamos con el entusiasmo de grandes amigos que también son grandes músicos, por lo que no resultó tan laborioso migrar la esencia de las grabaciones a los ensayos. De todas formas, sucedió que el ensamble de banda suena bien distinto a las grabaciones, más fuerte y contundente, y nos gusta esa distinción. ¿La actual formación en vivo es fija, o está sujeta a variaciones? Últimamente y finalmente, podemos decir que hay un cuarteto fijo: Fernando Centurión en guitarra rítmica, Alejandro Allall en batería, y nosotros dos. También nos complementa de gran manera David Gutierrez tanto en percusión como en guitarra, en la medida que no se cruce con las labores de sus otras bandas, Sombrero y Cristos. Para ocasiones especiales también participan, alternándose en percusión, Matías Rivara y Guido Colzani.

Participaron de un homenaje a Eduardo Ma-

teo, donde hacen un cover de “Nombre de bienes”. ¿Qué significan él y su música para ustedes?

Eduardo Mateo es un buen indio; la transparencia de su música nos llegó en un momento dado y la acuñamos de buena gana. Si bien no es algo que esté siempre latente, en uno de esos momentos de empatía con su música, y aprovechando el proyecto de homenaje impulsado por los hermanos Centurión, hicimos ese cover y lo disfrutamos mucho.

Cuando se habla de géneros como el punk, el metal o el reggae, no se hace especial hincapié en esa música como algo del pasado; en cambio con la psicodelia sí, agregando el adjetivo "retro". ¿Les parece injusta esa diferenciación? ¿Les molesta que les pongan esa etiqueta, la de “psicodélicos”?

Siempre y cuando la música tenga psicodelia, entonces el adjetivo está bien puesto. La intención, igual, es fundir ese “psicomood” con algo fresco y nuevo, pero siempre atemporal; y en las últimas ideas bocetadas empieza a aclararse más y más la fórmula. Esperamos poder mostrar algo de eso durante el año.

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¿Y ustedes, cómo definirían el estilo de La Liga Matriz?

La búsqueda es amplia, y es la que venga también; es algo completamente mutable, con tintes fantásticos y visuales. Es lo que es, no tiene mucha explicación. Como los sueños.

Hablando de psicodelia, Chile tiene una escena bastante interesante en ese sentido. ¿Qué aceptación tuvo allí la propuesta?

Tuvimos dos shows muy amenos, y a pesar de ser 100 % novedad, o sea: no nos conocía ni Magoya, en “Loreto” que es un lindo bar central ahí en Santiago, vimos como desde el segundo tema empezaban a moverse los zapatos. O quizá fue un terremoto… ¿Cuánto tiempo les llevó la grabación/producción del EP, y cómo adaptaron el proceso creativo a la distancia geográfica?

Son canciones que se gestaron y consumaron rápidamente, y las elegimos entre un montoncito por ser las que estaban más terminadas y combinaban entre sí. Así que no sabría decir… entre pito y flauta, un par de meses. El proceso a distancia fue más rápido y fluido que en la experiencia anterior de realizar un LP entero. Ahora que

vivimos en la misma ciudad, ya estamos encarando futuros materiales.

En “Talismán”, si bien mantienen la esencia respecto a su anterior trabajo, se percibe una evolución sonora; además, incluyeron un tema instrumental. ¿Cuál fue la búsqueda?

Como en todo, la cosa va cambiando sin dejar de ser la misma, y el foco se va agudizando; más o menos eso reconocimos en estas dos ideas, como para mostrarlas de adelanto de lo que se viene. El costado instrumental es algo que se nos está dando cada vez más, y pensamos seguir explotándolo. ¿Las canciones del EP formarán parte de un próximo disco?

“Talismán” va a ser el primer tema del LP. “Velatropa” se queda piola. ¿Se vienen fechas en Capital?

Por el momento en Capital no hay fechas. Vamos a estar tocando el 16 de Mayo en Quilmes, en Blend, y seguidamente, en el Litoral invitados por Mencho, pero sin fecha fija aún; pronto la anunciaremos.

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[ Entrevista a AMÖNIACÖ por Pablo Müllner ]

VIENTOS DE CAMBIO CON PERFUME DE AMONIACO

Amöniacö es una banda chilena de rock gótico con un sonido ecléctico que traspasa los límites del género incorporando influencias de la electrónica y el pop. Fundada hace ya una década por Carlos Vandal en guitarra, voz y secuenciadores, la formación actual incluye al bajista Janoperverso y a la intrigantemente bella baterista Joanne. Casi en los inicios de esta publicación, allá por 2013 hacíamos un reportaje a Amöniacö en el marco de haber sido escogidos para telonear a The Cure en su paso por Chile, por el mismísimo Robert Smith. Cinco años después nos ponemos al día con una banda completamente nueva, como ellos mismos lo admiten, que se ha reinventado y evolucionado musicalmente, pero que ha mantenido sus principios y la buena predisposición a charlar con nosotros.

Hola, muchachos, y muchacha, de Amöniacö, vengo de escuchar bastante elmaterial discográfico de la banda. Tengo fresco en mis oídos el nuevo single “Castigarás”, mesorprendió precisamente eso la frescura, se puede decir que es menos barroco queotros temas de la banda, aunque se nota que hay un trabajo muy delicado deproducción. ¿Es el nuevo rumbo para Amöniacö, un anticipo de máscanciones para este año?

Precisamente. La banda actualmente es muy distinta a la banda de hace 2 o 3 años atrás. Hemos madurado un sonido más post punk y evidentemente que la inclusión de una batería de manera permanente fue clave para este cambio.

Entre 2013 y 2015 estuvimos experimentando con las baterías pero no llegamos a una solución sino hasta mediados de 2015. El sonido de Castigarás marca un nuevo rumbo en lo que hacemos.

Los primeros días de Mayo grabaremos un nuevo sencillo que trae esta misma energía renovada.

Cuando Diego, el editor de The 13th, los entrevistó en 2013, la revista ibapor su tercer número. Ustedes contaban si muchas vueltas que también habíanarmado la banda en 2008, que se consideraban una banda bien under, que lo de telonear a The Cure les había caído como una gran sorpresa teniendo en cuenta lacantidad de bandas que se barajaban. De todo esto hace ya ¡diez años!... ¿Sientenque han madurado en más de un aspecto? ¿Qué recuerdan de esa etapa?

Si bien el proyecto comenzó en 2006 cuando se crearon las primeras maquetas, 2008 fue el año cuando empezamos a juntarnos a ensayar pero nada sucedió hasta aproximadamente fina-

les de 2009 y comienzos de 2010. Todo el tiempo hemos tratado de hacer las cosas bien y hemos avanzado y tropezado, lo cual nos ha dado mucha experiencia. Hemos pasado por escenarios grandes y humildes, pero siempre hemos mantenido un foco y una meta clara. Hoy tenemos ya una fórmula de trabajo más estable y hemos cosechado ciertos logros, pero hay mucho aún por hacer y sueños que cumplir. Tener una oportunidad como la que tuvimos en 2013 es algo que por inexpertos no pudimos aprovechar al 100%, pero la experiencia queda y nos ha servido para avanzar en lo que hacemos.

Me imagino que una consecuencia directa de toda esa exposición habrá sido poderllegar a un mayor público con el disco debut, que había salido a fines de 2011. ¿Fuecómo volver a presentar en sociedad “Tu Fuego” (2011)?

Al contrario de lo que se pudiera pensar, no tuvimos la exposición que pudimos haber tenido de haber conocido más a los medios o como funciona esta industria. Dentro de ese periodo, hubo importantes cambios de integrantes lo que dificultó bastante tener un ritmo fijo de trabajo. De hecho muchos de los temas de “Tu fuego” no se han vuelto a tocar y nos enfocamos en la creación y búsqueda de un sonido nuevo, algo que recién en 2016 pudimos hacer. Hay canciones que aún son parte de nuestro show en vivo como “Tu fuego”, “Caer”, “Tu nombre en mármol”, “Under the rain” y recientemente rescatamos “Flowers in autumn”.

Quizás en el futuro hagamos versiones nuevas del resto del disco.

Encontré que a partir de 2014 han hecho

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unas grabaciones esporádicas pero muy interesantes realmente. “Time to Change” que por cierto fue producido por una leyenda como Barry Sage, que produjo Some Girls para Rolling Stones, por ejemplo. También hicieron un video muy onírico y surrealista para ese tema. ¿Cómo surgiótodo ese proyecto?

En 2013 se presentó la oportunidad de grabar la canción con Barry luego de trabajar un tiempo con un manager con experiencia dentro de los medios chilenos. Se dio la casualidad que Barry venía recién llegando a Chile para establecerse, por lo que fuimos los primeros en trabajar con él desde que se mudó de forma definitiva a Chile. La experiencia fue muy grata y pensamos que para “Time to change” era necesario el tener un buen video. Fue muy entretenido el rodaje, pudimos trabajar de manera profesional con una productora audiovisual y con una gran post producción.

Siempre hemos disfrutado el disfrazarnos y jugar un rol dentro de los videos. ¿Les pasa algo diferente cuando graban en inglés? Pregunto porque en el discodebut ya había un par de temas en inglés… ¿Cómo lo

sienten el cambio de idioma?¿Les representa algún desafío más grande que componer en castellano?

Componer una canción en inglés o español no es problema ya que Carlos habla el idioma. Las canciones nacen, en algún momento se crean en inglés o español y hay cosas que no suenan tan bien en español o viceversa, depende mucho del estado ánimo que se esté viviendo. En estos tiempos no es tan raro crear canciones en distintos idiomas y es una herramienta que abre puertas a los artistas a que público de otras latitudes pueda conocer el trabajo realizado.

Hablando de las grabaciones que mencionaba también está “No volveré”, más acáen 2015, si tengo buena información es un tema que grabaron para un compilado que armó Converse, Rubber tracks. ¿Es así? ¿Cómo surgió el proyecto?

Converse realizó el llamado a través de sus redes y sitio. Pensamos que era una gran oportunidad de trabajar con Pablo Giadach quien es un productor reconocido en Chile.

Además la canción marcó la despedida de

nuestros compañeros de banda Julia y Claudio quienes se mudaban de manera permanente meses después a Estados Unidos.

sonido más cercano al Post Punk pero a la vez tenemos material nuevo que es bien comercial y esperamos que sea de agrado de todos.

Creo que el tema pone bastante más en evidencia sus contactos como el tecno pop, El Fuego, si bien tenía elementos electrónicos es mucho más rockero, y acá está mucho más expuesta una base bien electro. Algo parecido pasa en Time to Change… Castigarás al contrario parece mucho más post punk de la primera época. ¿Se amplió la paleta de colores musicales para Amöniacö?

Efectivamente, Castigarás marca un cambio en lo que hacemos, algo que tomó bastante tiempo dado los cambios que la banda sufrió entre 2013 y 2015. Fue como empezar de nuevo. Hoy somos un trio (lo fuimos en algún punto antes también) pero la diferencia está en que tenemos una energía y visión distinta. Estamos trabajando con un

Siempre los mencionan a The Cure, New Order, La Ley, por razones bastanteevidentes, pero también a Soda Stereo… más que nada en algunos momentos, en elfraseo de Carlos, escucho algo del fantasma de Gustavo, en el mejor de lossentidos ¡claro! Gustavo Cerati cambió mucho la forma de cantar en español, en mihumilde opinión… ¿Lo habían notado o es algo que surge sin demasiadapremeditación?

La verdad es algo que habían mencionado en el algún momento, pero no es algo común. Soda ha sido influencia pero en menor medida, si bien nos encanta el trabajo y la leyenda que son, nuestra influencia viene más de bandas como The Mission o Clan of Xymox. De todas formas la can-

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ción que grabaremos próximamente lleva por título “Será a ti” o “Cerati” como le pusimos casi de broma, por el sonido y estilo que tiene. Sin duda algo hay.

Leía el primer reportaje y nos decían que solo había andado por Buenos Aires comoturistas, pero no como banda… ¿Y ahora? ¿Ya han pisado un escenario porteño osigue entre los pendientes?

Visitar Argentina está dentro de nuestros objetivos. Posiblemente a finales de este año o comienzos de 2019 podamos ya concretarlo.

La estética del arte de sus ediciones tiene mucho también de banda de metal gótico, muyeuropea, no sé, a mí por lo menos me remite a ahí. Me refiero a que tienen loselementos como para radicalizar la propuesta sonora, pero quizá tengan un sensibilidadmás pop... ¿Alguna vez pensaron en hacer algo más extremista sonoramente, doom metal o algo así?

Cuando comenzó todo esto, la idea era hacer algo un poco más obscuro y “pesado” con harta guitarra. Pero el proyecto fue evolucionando, cambiando y la propuesta fue hacer algo más

transversal. Irónicamente el nombre de la banda surgió al escuchar un disco de una banda Doom por allá en 1995, aquel disco no tenía nombre porque estaba pirateado y tenía la etiqueta “Amoniac” y la idea y el nombre quedaron en la memoria. Luego supe que el disco era “Mandylion” de “The Gathering”. Pasados los años la banda se bautizó gracias a ese evento.

Finalmente, antes de despedirme, dejar espacio para que comenten todo lo quedebamos saber sobre el futuro cercano de Amöniacö.

En Mayo entraremos al estudio para grabar nuevo material y a rodar el video de “Castigarás” por lo que podremos compartir nuevas cosas con todos ustedes. Los dejamos además invitados a seguirnos en Facebook, Twitter y Spotify.

Pueden visitarnos en www.amoniacobanda. com Muchas Gracias, Amöniacö!!!

Muchas gracias a ustedes por el espacio, dejamos un gran saludo al equipo de The 13th. ¡Nos vemos pronto!

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[ Entrevista a Raymond Burton Estes de And We All Die por Benjamín York.

Fotografías: Fleurette Farley Estes ]

ES MI DEBER HACERLO POR ELLOS

Un alma. Una mente. Una idea. Una visión. Una fuerza interna.

Raymond Burton Estes se para al frente de este proyecto llamado "And We All Die", y decide llevar adelante una serie de grabaciones con las colaboraciones de artistas excepcionales. En abril ha lanzado "Modern Day Privateers (Remixes) + Outtakes" una colección de remixes de la canción "Modern Day Privateers". De esto y de todo hablaremos con Raymond.

Hola Raymond, gracias por dejarnos hacerte estas preguntas.

Pienso en el comienzo de "And We All Die" allá en el 2000 ¿cómo nace este proyecto y de dónde surge el nombre?

Después de unos años de tocar música, particularmente punk y hardcore, quería hacer algo pesado y enérgico que fuera fresco. Había muchos artistas inspiradores post-punk y post-hardcore, pero simplemente no habían desarrollado el sonido que yo buscaba. Realmente quería escuchar melodías oscuras con instrumentación pesada y voces de estilo hardcore, pero no estaba interesado en hacer nada remotamente de metal.

No recuerdo si las palabras... And We All Die se usaron por primera vez para el nombre del proyecto o la letra de la canción. De todos modos, están en referencia al sentimiento de que vivir es sufrir. No están destinados a ser pesimistas o morbosos, pero una llamada de atención que el dolor, la agonía y la muerte son inevitables, por lo que depende de nosotros encontrar la bondad y la alegría en nuestras vidas. ¿Cómo llevas adelante un proyecto en el cuál hay tantas colaboraciones?

Por un lado, es fácil porque soy responsable de todo lo que sucede y puedo lograr cosas a mi propio ritmo. Por otro lado, es terriblemente difícil y frustrante, porque tengo que gestionarlo todo.

En cierto sentido, es como la pregunta: "¿cómo se come un elefante?" Claramente, no se puede comer todo de una vez, por lo que se come pieza por pieza, mordedura por mordisco. Eso no quiere decir que haga todo un bocado a la vez, es solo decir que no puedes hacer todo a la vez.

En mi caso, hago todo lo que puedo siempre que puedo.

En cuanto a las colaboraciones, fueron geniales. Una vez que alguien acepta hacer algo, la parte más difícil es seguir el calendario y a la vez

tener paciencia. Pero, tuve la suerte de colaborar con Jason Rufuss Sewell de One-Eyed Doll con las grabaciones originales y con todos estos otros artistas increíbles para los remixes. Ha sido una experiencia humilde que me inspiró a escribir y producir mejor música. ¿Cómo trabajas la elección de los artistas que remixan las canciones?

La experiencia ha sido educativa y me ha llevado a reexaminar cómo trabajo con la música. En cuanto a trabajar con los artistas, es un poco confuso decir que trabajamos juntos, porque la gran mayoría del trabajo del artista de remixes se hizo de forma remota e independiente. Proporcioné a los artistas algunas especificaciones técnicas, un plazo y mucho espacio para ser creativo y volver a trabajar la canción de acuerdo con su propio sonido y visión. El proceso me ha enseñado mucho sobre paciencia y planificación. Confiaba mucho en mi amigo y colaborador Guillermo Murillo, quien me ayudó con la producción, la ingeniería y el control de calidad de los archivos que me enviaron los artistas, asegurándome de que tenían la velocidad adecuada, tenían espacio suficiente y estaban listos para dominar. ¿Planeas formar una banda para tocar en vivo?

Sí. Estoy hablando con la gente y tengo una buena idea de cómo se verá una alineación. Estamos planeando tocar, por lo que estaríamos interesados en hacer shows o hacer giras con bandas similares.

En el 2016 lanzas, lo que muchos llaman, tu álbum debut "And We All Die", pero es un EP de tres canciones y seis remixes. ¿Tienes pensado grabar material nuevo?

Sí. He desarrollado demos de entre 10 y 15 canciones, que espero grabar el próximo año. Las

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canciones son fuertes y sorprenderán a la gente. Incorporan muchos más elementos de la era post-punk, goth y darkwave, pero son pesadas, enérgicas y ruidosas.

Cuéntanos ¿quiénes han colaborado en esta nueva colección "Modern Day Privateers (Remixes) + Outtakes"?

Trabajar con todos estos artistas fue genial ya que cada uno tenía su propia forma de trabajar en sus remixes. Algunos querían más discusión que otros... queriendo saber qué estilo y cuánto tiempo debería durar el remix. Otros buscaron una entrada mínima y entregaron su remezcla cuando terminaron. Dicho esto, con cada uno de estos artistas, mi ventana a sus mundos creativos era limitada.

Me gustaría decir que si tuviera que emprender ese proyecto nuevamente, sabría lo que haría diferente, pero como cada artista o grupo es diferente, es difícil de decir. Creo que si tuviera algún consejo que compartir con los artistas que bus-

can compilar un álbum de remixes, diría que prepararse para ser paciente con el proceso y sorprenderse con los resultados.

Hablemos un poco de las tres canciones: ...And We All Die Esta canción trata de abordar la mortalidad de nuestra existencia y puede, quizás, darle un poco en la nariz. Pero la realidad es que tenemos una vida y tenemos la oportunidad de hacerlo buena o mala y hacerlo bien o hacerlo mal. Podemos quejarnos de nuestro destino, o podemos hacer lo mejor posible. Me gusta la actitud de que debemos vivir la vida al máximo y tratar la muerte como algo dado, un conocido conocido, y no tenerle miedo.

Modern Day Privateers Esta canción es realmente sobre un fantasma de hoy en día. En nuestro ambiente acalorado y partidista, muchos se apresuran a arrojar calumnias hacia las personas, los grupos y las co-

munidades que han escogido para convertirse en chivos expiatorios. A veces no es fácil saber quién es el antagonista, especialmente cuando son héroes para algunas personas. El punto es que hay personas malas que hacen cosas malas y, a veces se salen con la suya. Quizás estos son los malos. O tal vez estos son los títeres creados para caer mientras que los tipos realmente malos se salen con sus crímenes. De todos modos, son malvados y hacen que la gente tenga miedo.

Bodhisattva Esta canción está dedicada a tres seres humanos increíbles: Su Santidad el Dalai Lama, Palden Gyatso y Adam "MCA" Yauch. He visto hablar al Dalai Lama en varias ocasiones. Su sabiduría y tranquilidad son inspiradoras, particularmente

dado lo que él y su comunidad continúan soportando. Respecto a, Palden Gyatso, tuve la suerte de encontrarme con él tres veces y recibirlo para varios compromisos de conferencias. Pasó 30 años en prisión y soportó torturas y otras indignidades, pero a pesar de todo eso ha mantenido su resolución y sentido del humor. Su capacidad de recuperación, humildad y dedicación me motivan a quejarme menos. Y, un día, pasé una tarde con MCA y su familia en un evento y me inspiré en su humildad y generosidad. Realmente perdimos una gran persona con su muerte.

Entonces, ¿de qué se trata esta canción? Se trata, en primer lugar, de admitir que a veces con algunas personas necesitamos ayuda y tenemos que pedir esa ayuda. En este caso, se trata de lidiar con nuestra mortalidad y la condición huma-

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na. La vida es difícil a veces y podemos perder nuestro camino. Espero que esta canción pueda servir como un ejemplo para que otros busquen ayuda cuando la necesiten. No podemos saber todo y echaremos de menos signos de problemas en otros. A veces, necesitamos que las personas extiendan sus manos y nos pidan que las tomemos. Y, cuando lo hagan, debemos ser como el Dalai Lama, Palden Gyatso y MCA y brindarles la ayuda que necesitan.

El proyecto desde hace unos pocos años, comenzó a ser una realidad más palpable. ¿Cuál fue el cambió?

Prioridades. Empecé... And We All Die como un proyecto de diversión y una excusa para hacer la música que quería escuchar. Ahora, estoy listo para hacer tiempo para presentar esta música a las personas en un formato en vivo. A decir verdad, mi esposa Fleurette me ha inspirado para ser creativo y compartir mi sonido y mi visión con los demás. Cuando muchas personas no tienen la oportunidad de celebrar la vida de esta manera, puedes decir que es mi deber hacerlo por

ellos. ¿Qué planes tienes para este 2018 con la banda?

Tenemos material inédito que nos gustaría publicar. Cuando grabé las canciones para el primer lanzamiento, Jason Rufuss Sewell y yo trabajamos en una versión de The Cure de “Give Me It” con copias de canciones de Kimberly Freeman de One-Eyed Doll. Es pesado y ruidoso y conserva parte del sonido psicodélico del original. Planeo lanzarlo después de grabar algunos covers más de Cure, por lo que puede pasar un tiempo.

También hemos grabado dos covers de Misfits que suenan muy bien. Canto y toco el bajo, Guillermo Murillo (The Half Guided Hearts) toca la guitarra, Walter Lee (Rockett Queen) toca la batería y Gost contribuyó con partes de sintetizador.

Las canciones necesitan algunos toques finales, antes de lanzarlas más adelante este año.

Agradeciéndole la amabilidad de responder mis preguntas y para culminar ¿hay algo que no haya preguntado que tú quisieras contar-

nos?

Animo a tus lectores a ser creativos y llegar a las personas que los inspiran. Si tiene la suerte de estar rodeado de personas creativas, involúcrese con ellos para aprender cómo hacen lo que hacen.

Estoy trabajando con Nikhil Potdar para producir un documental sobre nuestro amigo Jason Hamacher (Regentes, Frodus, Decahedron, Combatwoundedveteran y Battery) para contar su historia. Jason fue uno de los últimos fotógrafos en trabajar en Siria antes de que comenzara la guerra actual.

También estuvo allí grabando y documentando antiguos cánticos cristianos e islámicos. Estamos ayudando a contar la historia de su viaje, porque nos inspira y creemos que inspirará a otros. ¡Gracias!

Gracias por tomarse el tiempo de entrevistarme.

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Descubriendo la Magia

Hoy: MGT- GEMINI NYTE (2018) Entrevista a

Mark "Gemini" Thwaite y Ashton Nyte por Diego Centuriรณn

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Hemos hablado con ambos de este álbum que al fin ha llegado a publicarse. Hemos tenido varios avances antes de su publicación. Y la sorpresa del single con los ex Cure Pearl Thompson y nuestro conocido Lol Tolhurst. Lo cierto es que Mark Gemini Thwaite y Ashton Nyte han editado su álbum y con ellos hablaremos de esto.

¡Hola chicos!

Gracias por aceptar esta entrevista acerca de un álbum que hemos venido siguiendo sus pasos desde sus respectivas entrevistas que le hemos hecho. Hoy el álbum ya está en la calle. ¿Qué sienten cuando escuchan el álbum íntegro?

Mark: Llegó un largo tiempo... es genial poder escuchar todo el cuerpo del trabajo, todo secuenciado y masterizado, creo que hicimos un buen trabajo, algunas canciones de calidad de las que estamos muy orgullosos, y un poco de algo para todos... queríamos que el álbum fuera un viaje y una experiencia auditiva y pensamos que lo logramos...

¿En qué momento de la grabación del otro álbum decidieron escribir un nuevo álbum?

Mark: Una vez que habíamos escrito 'The Reaping' y 'Jesamine' para ese primer álbum de MGT, seguí enviando a Ashton más demos para cantar y él seguía enviando estas fantásticas voces completas. Grabamos 'Tear The Sun' a continuación, y posiblemente 'Armageddon's Sideshow' y era obvio dentro de dos o tres meses que tendríamos rápidamente todo el material de un álbum para poner, así que dejamos 'Reaping' y 'Jesamine' en el Álbum 'Volumes' y stock inicial acumulando canciones para un nuevo álbum.

Ashton: Fue una experiencia maravillosaAshton: Sí, de hecho, estoy aliviado y cier- mente fluida y muy orgánica. Empezamos a tamente feliz de que esté ahí afuera. escribir y seguimos escribiendo. Sí, teníamos la intención de lanzarlo como un nuevo proSi bien ambos son conocidos dentro de yecto llamado "Gemini Nyte", pero debido a la escena, ¿desde cuándo se conocen? las intervenciones de la etiqueta que se convirtió en el nuevo nombre del álbum MGT en Mark: En el verano de 2015, cuando estaba su lugar. En cualquier caso, la música ahora cantando para el primer álbum de MGT 'Vo- está disponible. lumes', Adrian Skirrow de ASP en Sudáfrica me recomendó ver a Ashton y considerarlo Desde "Volumes" que sabemos de este para una canción en el álbum. Adrian solía álbum, ¿cuánto tiempo tardaron en escriser El chico del sello de The Mission allí aba- birlo? jo. No estaba al tanto del trabajo de Ashton así que lo revisé, me encantó su voz y Adrian Mark:En cuanto a 'Gemini Nyte', diría que nos puso en contacto... teníamos dos tercios del nuevo álbum demeado al final de 2015, esto fue aún seis Ashton: Sí, después de hablar por teléfo- meses antes de que el álbum 'Volumes' fueno, Mark me envió 4 o 5 demos instrumen- ra lanzado... disminuimos un poco cuando tales. Elegí la que más me gustaba, escribí la etiqueta nos avisó que promocionarían el algunas letras y las melodías vocales y se la álbum 'Volumes' durante el verano de 2016 devolví unos días después. Eso fue The Re- hasta 2017, así que nos dimos cuenta de que aping y el resto, como dicen, es historia :-). lo haríamos Tengo que sentarme en el nuevo

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Mark: Algunas de las demos eran completamente nuevas para 'Gemini Nyte', y algunas eran ideas más antiguas que había tenido durante algunos años, como la demo básica que se convirtió en 'Dystopia', y la can¿Las canciones las escribieron para ción 'Tear The Sun' demo, que se remonta a este álbum o hay resabios de canciones varios años ... pero había usado muchas de que ambos tenían archivadas? mis ideas para el álbum 'Volumes', gran parte del nuevo álbum fue escrito con la voz de proyecto por un tiempo ... pero seguimos escribiendo y lentamente agregamos más canciones, de hecho dejamos varias grabaciones nuevas del álbum final.

Ashton en mente, definitivamente teníamos un sonido original creado por 'The Reaping' y 'Jesamine' y tomaron la decisión de enfocar el álbum en esa dirección de rock oscuro de alta energía ...

conds” en el álbum “Volumes”, y la otra idea, para versionar una canción de ABBA, estuvo dando vueltas durante algunos años en realidad, pero anteriormente no tenía una banda para grabarla... una vez que se me ocurrió la idea de hacer un solo álbum de MGT, hice un Ashton: Todo era nuevo para mí, pero para demo de la versión con una onda más oscura Every Little Dream, que era uno de mis de- de 'Knowing Me Knowing You' y se la envié a mos más antiguos. mi amigo Ville Valo de ÉL para que la cantara ... y el resto es historia Como ya es costumbre, al menos en el Debido al éxito de ese cover de ABBA, tenía último trabajo de Mark, han incluido en el sentido volver a visitar algunos covers para el álbum dos covers, ¿cómo fue la elección? nuevo álbum. Previamente había compuesto riffs de guitarra en 'Say Hello Wave Goodbye' Mark: Algunas personas que han segui- de Soft Cell y 'Love Action' en la Human Leado mi carrera pueden conocer el proyecto de gue. Los 80, por lo que era lógico probarlos “Metalmorfosis” en el que estaba trabajando con Ashton y el resultado final es en el álbum. hacia 1999, añadiendo guitarras y baterías y bajos nuevos a antiguos clásicos de sinteAshton: Y luego, por supuesto, tenemos tizador de Human League, Depeche Mode, Atlanta, que es mi favorita de nuestras coSoft Cell, etc. ... reviví una de estas pistas vers. Más sobre esa canción un poco más renovadas con Saffron of Republica en “Se- tarde...

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Les pido un track by track All The Broken Things

Ashton: Recuerdo vívidamente a Mark regresando de una gira con Ricky Warwick y enviándome el demo instrumental para lo que se convertiría en "All The Broken Things". Creo que una vez que escribí esa estrofa lírica / melodía es cuando supe que el nuevo álbum sería genial. ¡Y sí! me encanta ese solo de guitarra...

Mark: De hecho, esta fue una de las primeras cosas que escribimos después de que acordamos comprometernos en un álbum completo a fines de 2015, lo vimos como el hermano bastardo de 'The Reaping' y al principio pensamos en escribir un álbum completo en este veta de rock oscuro de alta energía ...

Every Little Dream

Ashton: Esta es en realidad un demo muy antigua que pensé que funcionaría bien en nuestro álbum. Se lo envié a Mark, quien estuvo de acuerdo y luego agregó su magia y ahí lo tiene.

Mark: Una gran canción, siempre me recordó a Jesus y Mary Chain y una vez que agregué las guitarras de staccato chugging y los solos inspirados en el punk rock, la introduje en el territorio clásico de Generación X para mí.

Dystopia

Mark: Una de las últimas canciones para hacer el álbum. Como un Frankenstein de un viejo demo y luego insertó la música que se convirtió en el coro, y Ashton hizo algunos arreglos y por supuesto agregó las voces y letras y luego todo tuvo sentido. Las baterías siempre fueron un problema, siempre sentí que las programaciones lo hacían sentir muy rígido, pero una vez que conseguimos que Paul Ferguson de Killing Joke repitiera la batería con su sensación increíble, todo encajaba en su lugar. Fue genial conseguir Burton of Fear Factory para invitarlo también.

Ashton: Sí, ese tomó un poco de reorganización para que funcione. Creo que porque lo estaba escuchando todo por primera vez, fue fácil para mí mover las cosas hasta que tuviera sentido con lo que quería decir líricamente. Ha resultado ser un gran favorito en vivo y el hecho de que Burton se haya unido a nosotros en el escenario para esa canción en The Whiskey A Go Go fue lo más destacado.

Trading Faces

Mark: Otro de mis favoritos. De nuevo se escribió hacia el final del ciclo de escritura del álbum, y comenzó con unos pocos cambios de acordes grabados en mi iphone, una idea básica de estribillo y estribillo, que envié a Ashton. Por lo general, demostraba estas producciones completas, pero debido a limitaciones de tiempo, una demostración de iphone debería ser suficiente. Ashton vio el potencial así que lo grabé / realicé correctamente en mi estudio, cargándolo con batería, bajo, teclados y lo envié a Ashton, quien luego añadió una voz y letra increíbles y luego la frutilla del postre fue la batería de Paul. Es una de mis mezclas favoritas en el álbum.

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Ashton: Estoy de acuerdo. Probablemente mi actual favorita. Creo que escribirla hacia el final del proceso de grabación del álbum realmente ayudó con la evolución natural de la canción. Ya teníamos el álbum prácticamente escrito y demeado, así que nuestra máquina creativa se sentía como si estuviera trabajando muy bien en ese momento. Amo la intimidad de la canción.

Everything Undone

Mark: Esta fue un demo que originalmente hice, hace unos años, con Gary Numan en mente para el álbum 'Volumes', de ahí su ambiente más electrónico e industrial. Gary nunca encontró tiempo para cantar sobre él... después agregué el riff pesado en los coros una vez que lo consideramos para su inclusión en 'Gemini Nyte', y se convirtió en una canción de Nyte / Thwaite. Me encanta tocarla en vivo.

Ashton: Sí, esto también pasó por algunas evoluciones. En última instancia, se hizo más y más pesado.

The Reaping (Reprise)

Mark: Cualquiera que esté familiarizado con el último álbum de MGT sabrá que aparece prominentemente en ese lanzamiento, y grabamos un video promocional para SPV con la actuación del brillante Robin Diaz en la batería ... algunas personas nos preguntan por qué incluimos esta misma canción en ambos álbumes ... bueno, nos impresionaron las partes de batería de Robin que estaba añadiendo cuando estábamos remedando la versión de batería programada de 'Volumes' a finales de 2015, metimos a Robin en un estudio para escuchar cómo sonaría la canción con la batería en vivo, y fue increíble. El problema era que todas las pistas en 'Volumes' tenían mis ritmos programados, por lo que incluir la versión de batería en vivo de Robin se hubiera quedado sónica.

Nuestro ingeniero de masterización Mao rAppelbaum sugirió que nos apeguemos a la versión de batería programada de 'The Reaping' que escuche en 'Volumes'. Así que dejamos esa versión en vivo de ese álbum, pero le sugerí a Ashton que volviéramos a grabar las guitarras y las voces sobre la versión alternativa de Robins en vivo, además añadimos un nuevo solo de guitarra y nuevos sintetizadores y, por supuesto, una nueva mezcla, y esa es la versión mejorada que tienes aquí en este álbum. ¡Preferimos esta versión rockera!

Ashton: Sí, al igual que Paul, Robin definitivamente aporta mucho a la fiesta. Es genial tener esta versión por ahí.

Say Hello Wave Goodbye

Mark: Debido al éxito de la portada de ABBA y la cálida recepción de la portada de Human League en el último álbum, sugerí que incluyéramos este cover de Soft Cell para Ashton. Él absolutamente clavó la voz en este caso.

Ashton: ¿Por qué gracias? :-). Todavía tengo un video de iPhone de Mark y yo grabando una demostración acústica de esto en su sala de estar, creo que para ver si podría cantar

esas partes altas. No hace falta decir que es un espectáculo entretenido.

The Assembly Line

Ashton: Uno de mis favoritos absolutos. Las progresiones y melodías de acordes de Mark fueron el lienzo perfecto para la historia que terminé contando sobre esta. Me encanta el espacio y la atmósfera de esta canción.

Mark: Este fue cuando decidimos que teníamos suficientes canciones de rock gótico en el nuevo álbum y que íbamos a estirar el sobre un poco. El riff de la guitarra de introducción es muy evocador de Radiohead para mis oídos, somos grandes fanáticos, pero irónicamente, una vez que pesamos los coros en un estilo de Marilyn Manson, ¡se convirtió en otro rockero oscuro!

Armageddon's Sideshow

Mark: Uno de mis favoritos en el álbum. Un montón de guitarras en este caso, fue una verdadera perra para mezclar, pero salió genial. Definitivamente rindiendo homenaje a mis héroes Killing Joke y mi vieja banda The Mission en este. Todavía me pone la piel de gallina.

Ashton: Sí, la canción tiene un atronador sentido de urgencia y alrededor de 500 guitarras.

Estoy sorprendido de que haya espacio para que yo cante.

Tear The Sun Ashton: Probablemente la pista más cambiante del álbum. Líricamente introvertido y musi-

calmente decididamente atmosférico.

Mark: Una de las demostraciones más antiguas que hizo el disco... gran atmósfera y espacio en esta, casi llegó a 'Volumes' como la tercera canción que escribimos juntos, pero me alegro de haberla guardado para el nuevo álbum.

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Waiting For A Sign

Mark: Esta canción comenzó musicalmente como una canción de The Mission del álbum 'God is a Bullet', le había enviado la demo a Wayne Hussey en 2006 y le gustó, pero terminó escribiendo nuevas intro y versos y 8 secciones centrales la canción final en GIAB no tuvo mucha relación con mi demo original, que utilicé para el núcleo de 'Waiting for a Sign'... como el bajista de Mission Rich Vernon había tocado el bajo en la versión de GIAB, fue agradable hacer que Rich grabar su bajo en esta versión también ..

Ashton: Amo a Rich y sí, su bajo trajo la canción a casa. Otra de las canciones de temática distópica líricamente. Difícilmente, con el estado del mundo.

Hide Your Secret

Mark: Otra canción escrita y mostrada al final del ciclo del álbum, creo que estaba homenajeando un poco a STP aquí en lo que a guitarras se refiere, también hay ecos de The Mission en lugares... como siempre una gran voz de Ashton, además de nuestra amiga Kie Vasquez, invitada a introducir una vibra gospel en la canción.

Ashton: Este definitivamente agrega aún más diversidad al álbum. Kie hizo un trabajo encantador con la vibra vocal gospel que aporta a la canción.

Atlanta

Ashton: Los dos estábamos emocionados por el fallecimiento de Scott Weiland y contacté a Mark para hacer una versión de mi canción favorita de STP, "Atlanta". Originalmente tenía la intención de ponerlo como solista, rindiendo homenaje a Scott. Una vez que Mark comenzó a agregar varias partes, sabía que tenía que ser una canción de Gemini Nyte. Solo puedo esperar que nuestro amor por el trabajo de Scott y STP se manifieste en nuestra interpretación de esta exquisita canción.

Mark: Tan pronto como hicimos un demo de esta canción, acordamos que tenía que ser para el álbum más cercano. Una canción tan hermosa, increíbles voces de Ashton, una excelente manera de finalizar el álbum.

Han participado amigos en la grabación y en el proceso, Big Paul Ferguson de Killing Joke, Burton C. Bell de Fear Factory, Pearl Thompson y Lol Tolhurst de The Cure, Die Krupps, Richard Vernon. ¿Qué sienten al mirar los créditos y ver los nombres que han participado?

Sabemos que luego de la Gira de presentación del álbum se vienen muchos, muchos proyectos individuales. Nos gustaría que nos cuenten acerca de ellos.

Mark: Continuaré trabajando con Paul Ferguson en su material solista, que creo que planea lanzar como EP a finales de este año.

Mark: Siempre es un honor trabajar con al- Todavía estoy involucrado con Ascension of gunos de nuestros héroes, que se han hecho the Watchers, y espero ver un nuevo disco amigos a lo largo del tiempo... Yo ya había publicado pronto... también colaboré en el úlcolaborado con Big Paul en solitario y Bur- timo álbum de Primitive Race, 'Soul Pretenton con su proyecto paralelo Ascension of the der', que presentó al fallecido Chuck Mosley Watchers el año anterior, así que fue un paso de Faith No More en la voz, por desgracia falleció poco después de que el álbum fuera lógico conseguirlos en el nuevo álbum. lanzado. Una gran adición a su legado.

Ashton: Sí, es una bendición absoluta que Ashton: He coescrito 3 canciones para estos maravillosos artistas contribuyan a el proyecto "Beauty In Chaos" de Michael nuestro álbum.

Ciravolo. El álbum presenta una variedad de artistas maravillosos, como Wayne Hussey (The Mission), Simon Gallup (The Cure), Al Jourgenson (Ministry) y muchos más. Aparte de eso, he estado amenazando con lanzar el nuevo álbum Awakening, desde hace un tiempo, junto con un nuevo álbum en solitario. ¿Habrá un nuevo trabajo de este dúo?

Mark: Creo que tenemos potencial como dúo de covers de Simon & Garfunkel, aunque lucho un poco con las notas altas de Art Garfunkel.

Ashton: Pero el arte tenía el peinado más original de todos los tiempos, lo que siempre

es muy útil.

Mark: Buen punto, esto es verdad.

Para finalizar y agradeciéndoles la entrevista. ¿Quieren agregar algo que no hayamos mencionado?

Mark: Gracias a todos los que nos apoyaron en la gira reciente y chequearon el nuevo álbum, ¡significa mucho!

Ashton: ¡Muchas gracias por apoyar lo que hacemos!

Muchas gracias chicos.

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EN LA MIRADA DE LOS OTROS

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Hoy:

Massive Attack Mezzanine (1998)

Massive Attack - Mezzanine Label: Beggars Banquet Fecha de Lanzamiento: 20 de Abril de 1998. .

Este espacio suele ser de reseña de un álbum entero de un artista o banda, en esta entrega nos dejamos llevar por los sonidos oscuros y electrónicos de una de las grandes bandas de trip hop.

Track 01: "Angel" POR NICOLÁS CASTELLO (NAX)

POR AL BOYD (WRONG WAY RECORDS)

La canción principal y el 3er single tomado de su álbum más grande "Mezzanine".

Cuenta con la leyenda del reggae Horace Andy en la voz, que se presenta en otras dos pistas. Es una reescritura suelta de su single de 1973 "You Are MyAngel", pero relajado Canción que arranca el disco, con una le- es la palabra operativa, ya que convierte una tra en los cuales los pequeños y minimalis- asunto de belleza en un vigilante bíblico. "On tas versos podrían tener algún punto compa- the dark side / Neutralize every man in sight". rativo con la poesía de Charles Baudelaire. Poco a poco construyendo trip hop, a medida Comienzahablando del amor de una mu- que se agregan más y más instrumentos al jer \ ángel, que "viene desde muy lejos ha- constante del ritmo de batería. Potente y oscia arriba" y que al mismo tiempo está "en curo con guitarras distorsionadas, con todo, el lado oscuro". Seguida de la letra del es- incluidas las voces, cargadas de delay y retribillo que utiliza un recurso minimalista di- verb. Ha sido versionado por artistas como la ciendo "te amo" sucesiva y repetitivamente banda brasileña de heavy metal Sepultura y como si fuese una especie de loop obsesi- el psycho pop australiano de Tame Impala. vo. Los instrumentos y la música en general A su vez, 'Angel' samplea el 'Last Bongo in evocan una suerte de trance hipnótico, oscu- Belgium' de The Incredible Bongo Band. Esta ro, entre tribal y futurista; sello característico es una excelente porción de electrónica, el del grupo. La armonía se mantiene constante tipo de pista que pondrías en modo“repetir” al igual que los arreglos generando, satisfac- en una habitación oscura con velas mientras toriamente, una sensación de introducción se va extendiendo, toma el control y te envía a uno de los mejores discos de nuestra era. en una alfombra mágica al inframundo.

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Track 02: Risingson POR RUBÉN TORRES (EL CAMINO DESNUDO RADIO)

Hablar de Massive Attack es hablar de los padres y madres del trip-hop, junto a bandas como Portishead, Morcheeba o Tricky…

Un estilo que bien de la música electrónica de finales de los 80 y principios de los 90, break beat principalmente, y que se caracteriza por ser generalmente tranquilo dominado por downtempos, oscuro, relajante, sugerente y excitante...

Massive Attack llevan en escena desde 1988, y siempre se les ha considerado un gran referente ya que, además de ser de los pilares del estilo, el carácter de la banda es ecléctico y suelen incorporar muchísimas novedades disco tras disco…

Mezzanine es el tercer álbum de estudio del grupo británico enmarcado por completo como sus anteriores trabajos en el género casi universalmente conocido por ellos... trip-hop!

Este disco supone un punto de inflexión en la carrera discográfica de la banda liderada por Robert Del Naja, debido fundamentalmente al acercamiento a terrenos musicales más oscuros.

En esta su tercera producción, ya sin la colaboración de Tricky, que ya había comenzado su carrera en solitario, Massive Attack alcanzó la cumbre de las listas de Reino Unido.

Con sonidos más orientados hacia la música electrónica y el rock, fue muy bien recibido por la crítica y sus seguidores, considerado como un disco de culto y como una muy importante evolución de la banda a un sonido más maduro… Dicho esto, hablaremos de Risingson que terminó siendo la primera canción completa de Mezzanine y se lanzó diez meses antes de que el álbum saliera como single de edición limitada solo en el Reino Unido.

El lanzamiento tenía como objetivo servir de adelanto al tan esperado tercer álbum de Massive Attack ya que llegaron a la conclusión de que el álbum no cumpliría con la fecha límite original de 1997 y también como herramienta de promoción para la gira de ese mismo año.

Risingson junto con una muestra de algunas otras pistas de Mezzanine, se conocieron por primera vez durante la girade 1997 en parte para medir las reacciones de la multitud ante estas canciones recientemente compuestas.

Durante la gira de 1997, el telón de fondo del escenario era un gran póster de lona de la imagen del single de Risingson.

Desde la gira de 1997, Risingson se ha convertido en un elemento permanente en el setlist en vivo en todas las giras posteriores. Por lo general, es la segunda o tercera pista que se reproduce en cada espectáculo…

"La forma en que abordamos las voces en

esa pista y el hecho de que era una forma totalmente diferente de hacer las cosas de lo que solemos hacer...una manera bastante poco ortodoxa de acercarse a una pista de rap " Robert Del Naja "3D" ("D")

de esta introspección. El Trip Hop es eso, en un mundo Down Tempo los ánimos también tienden a bajar y uno a ponerse introspectivo, a preguntarse, a cuestionarse, a preguntarse por nuestra existencia, sobre nuestro pasado, sobre el futuro y en el presente a mixturar Risingson es parte de la canción "I Found los géneros musicales de donde el Trip Hop A Reason" de The Velvet Underground que toma influencias. Por un lado el Dark, Post aparece en su lanzamiento de 1970 "Loaded" Punk de los finales de los 70 y 80 de la esy es la canción tres del lado B, por si quisieran cena Europea y por otro lado el Hip Hop tamcompararlas, pero les decimos que deberán bién es una gran influencia en el Trip Hop de afinar muy bien el oído, porque el scratching los 90, el sonido del Dub es imprescindible a realizado por Andrew "Mushroom" Vowles es la hora de construir Trip Hop. Esta es la mezsencillamente extraordinario...pero por sobre cla exacta entre electrónica y oscuridad, por todas las cosas definió el trip-hop y su ver- eso aquí no se esperen luces de colores y britiente más oscura para siempre. llos glamorosos.

En la década de los 90, en Inglaterra se desarrolla una escena muy particular a la que POR JOHN RICHTER la prensa denomina Trip Hop y esta compe(RICHTER) tía con la escena de Manchester que tomaba mucha más relevancia. En Bristol se mixturaban sonidos provenientes del Dark, del Post Punk, el beat electrónico que podría ser tomado tanto del Rap como del Tecno Pop o el Synth Pop. El sintetizador y las bandejas como principales instrumentos en escena y el Rap como forma de declamar una lirica existencialista. Dentro de la escena de Bristol se destacan, acompañando a Massive Attack, nombres como Tricky, que también participa como invitado en Massive Attack, Portishead, Morcheba etc.

Lo más oscuro del Trip Hop se muestra en escena en el tema Risingson cuando resuena la voz oscura, grave y segura de Daddy G Cuando imaginamos la electrónica la ima- o en la base de un bajo que parece ahogarse ginamos con muchas luces, luces de colores, de tanto grave que está intentando transmitir. mucho brillo, mucho glamour por mostrar, El tema comienza con el Rap de Robert Del bueno, aquí va a suceder todo lo contrario.

Naja que parece haber quedado a mitad de Una noche de insomnio me llevará escribir camino entre el Rap y la canción Pop, esto una reseña sobre Risingson de Massive At- no es una crítica negativa sino todo lo contack. Porque el trip Hop se merece, noches trario. Risingson es una canción que puede de insomnio, con ayuda de música, barbitú- proveer de mucho loop a otros artistas, tiene ricos, pócimas o hierbas medicinales y de una construcción electrónica poderosa, bien atmosferas oscuras. Los graves invaden la dentro de los parámetros del LowFi, mucho escena y como en un lodazal, no sabemos grave rompiendo, mucho loop, mucho coro, si vamos a salir bien de esta circunstancia, todo aporta a la atmosfera oscurísima en la

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que este tema nos introduce. La sensación es esa, la de lodazal, no se puede ver más adelante, pero si escuchar el raspaje de una púa leyendo vinilos desgraciados que nos guiarán.

Solo hay que dejarse llevar por una noche de insomnio y Trip Hop. Y la tapa con el escarabajo, vaya coincidencia con Richter, mi banda, con la cual el Trip Hop es parte fundamental de nuestra esencia. ¡¡¡Saludos¡¡¡ John………..

TRACK 03: TEARDROP POR CINDY TOLHURST (LEVINHURST)

La canción Teardrop de Massive Attack me recuerda que todo es imperfecto. Como la mayoría de las canciones son sobre la muerte, el amor o ambas cosas. Esta canción se centra en los dos temas que siento. La voz etérea de Liz Fraser se adapta al tema sublimemente. Teardrop es una hermosa canción que resistirá la prueba del tiempo.

POR KRISSY VANDERWOUDE (WHIMSICAL)

Teardrop ha sido una de mis canciones favoritas durante muchos años. Inicialmente, me llamó la atención el hecho de que la querida Liz Fraser (Cocteau Twins) fuera una vocalista invitada en este álbum. Soy un gran admirador de su voz, así que ya asumí que realmente amaría lo que ella contribuyó. ¡Esta canción superó mis expectativas!

Como vocalista, realmente escucho con atención las voces en las canciones. Hay algunas cosas que realmente se destacan en particular sobre su voz en esta pista para mí. En contraste con su trabajo con Cocteau Twins, sus letras son claras como el día en esta canción y muy fáciles de descifrar. También estoy acostumbrado a sus armonías en capas y "aleteo vocal" experimental con CT, pero no hay mucho de eso en esta canción. Está bastante despojado de una sola línea vocal y se entrega con una intención directa, lo que creo que encaja perfectamente con el estilo trip-hop de Massive Attack. Me encanta que aunque haya elementos distintivos reconocibles sobre su voz presente en esta canción, también sea algo realmente diferente de lo que estamos acostumbrados a escuchar de ella. Teardrop pinta una imagen que es oscura, pero delicada, seductora, misteriosa y seductora. Casi siempre escucho con los ojos cerrados y esta canción me lleva a otro lugar. ¡Las voces etéreas de Liz brillan como una luz brillante y colorida en una habitación llena de humo!

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TRACK 04: INERTIA CREEPS Por MARIO ALBERTO CABADA (NODEVOTION RECORDS)

"¿Qué se puede decir a cerca del fracaso y el rompimiento cuando viene plasmado y formado con un sonido çiftetelli - proto industrial de MASSIVE ATTACK? Acostumbrados a la política mundial, el desamor y decadencia invertida en forma de trip-hop Massive Attack nos dejó una huella con su cuarto sencillo de MEZZANINE, que para su tiempo logró explotar el sonido ya Clásico y solo hecho por un selecto grupo (de aquel entonces) genios perdidos y ahora consolidados que jamás han dejado ni dejarán de ser relevantes... y aun pasen 50 años después habrá alguien que escuche INERTIA CREEPS y decida contundentemente explorar las infinitas rutas de la mente y el alma de la mano de este gran sencillo y álbum.

POR DANNY C CHAVIS (THE VELDT)

Una gran influencia para mí el ritmo progresivo y la percusión.

A uno lo deja en una vorágine del profundo Groove, se recuestan sin esfuerzo para dar paso a una acumulación explosiva de ahí los sonidos progresivos, en vivo esta es una experiencia totalmente diferente que uno debe ver, si alguna vez tiene la oportunidad. Un bajo que bombardea los sentidos golpeando duro hasta el final. Definitivamente uno para tocadiscos...

TRACK 05: EXCHANGE POR FRANCO COLOMBO (REFLECTION – BTB)

Cuando hablamos de Mezzanine, podemos hablar de la era del Trip Hop en su máxima expresión. Este álbum de los chicos de Bristol es un hito importante en la historia de la música electrónica, contemporáneo a discos como Sacrebleu de Dimitri from Paris, Juxtapose de Tricky quien visita Buenos Aires este 2018, y al excelente Tourist de St. Germain.

Todos ellos influenciados por el Jazz, y ritmos downtempo o house.

Exchange es el quinto tema del álbum, instrumental, el cual nos lleva a tiempos de dandys de los 70s, recordando los ambientes generados por el histórico Bistró Málaga de los Estupendo, todo esto en la justa combinación del hermoso arte del sampleo.

Mezzanine es un infaltable en tu colección de discos, si gustas de la buena música electrónica y clara, un buen Dry Martini para disfrutarlo mejor.

POR PABLO DAMIÁN DÍAZ (FÓBICOS)

Un viaje musical donde pasa TODO... Están todos invitados, ¡Enjoy it!

Decido escuchar “Mezzanine”, para mi uno de los mejores discos de Massive Attack y luego de pasar por toda la oscuridad de Angel, sigo un poquito más adelante hasta el clásico y tan versionado “Theadrop” (una de las mejores canciones que escuche en mi vida) para llegar al quinto tema… Exchange… intercambiar…

Amo aquellas bandas que buscan constantemente salir de los moldes y tratan de meternos en su viaje, de hacernos volar en sonidos y logran llevar las emociones al límite con todo lo que tienen a mano. Será que Massive Attack no es solo una banda, es un concepto, tuve la oportunidad de verlos en vivo y experimentar no solo canciones, a diferencia de otras bandas con Massive Attack los sentidos se movilizan en su totalidad, el efecto audiovisual de la música es increíble y acompaña una historia. Por ello luego de verlos logre entender que sus canciones son una experiencia compleja que necesita mucho más de uno que simplemente escucharlos.

Exchange es una canción instrumental, pero como por arte de magia esos sonidos dicen cosas, es la canción que hace saltar al disco de la oscuridad profunda a la luz, sus acordes

transmiten una alegre tranquilidad y en unos segundo se transforma en todo lo que necesitas escuchar esa tarde de primavera sentado en un sillón y con los ojos cerrados.

El arranque es percusivo, con un loop de cuerdas sintéticas… el bajo está muy distante, todo es minimalista pero todo está ahí. De golpe un contrabajo que casi no tiene sutain pero si tiene un chorus al mango se desliza cual bajo fretless y te dice “vení, te llevo al espacio”…

La canción se pone más rica cuando desde un lado al otro de los parlantes / auriculares (mucho mejor) va modulando ese soplido sintético que deja a tu cerebro en trance.

Exchange es una canción que podría durar horas, días, meses, no tiene comienzo ni final, no tiene estribillo ni puentes ni preludios ni comienzos ni finales abruptos, es como la vida, como los viajes, simplemente van de un lado al otro y en el medio pasa TODO.

TRACK 06: DISSOLVED GIRL POR GABRIEL BOCCANFUSO (THE NOCOVERS)

primeros 15 segundos iniciales, preparando ese misterio para la melodía de Sara Jay, que comienza sintiéndose avergonzada por haberse quedado cuando tendría que haberse ido, y que solo está reclamando amor para aliviar su dolor. En ese viaje apacible, a los 2' 40", estallan las guitarras envueltas en distorsión extrema, dándole el dramatismo severo que necesitan esos párrafos. Luego de casi un minuto de tensión guitarrera, los sonidos se entrelazan volviendo al dub inicial, con bostezos de guitarras que fueron, pero que amenazan con volver. La cantante vuel"Dissolved Girl" es el sexto tema de Mez- ve a la melodía, pero esta vez juega un poco, zanine y uno de los 2 temas del disco que no y casi rapeando da a conocer su lado auto tienen samples de otras bandas, y dura un flagelante, justo en ese momento la base se poco más de 6 minutos, además de haber repite junto con el mismo loop que comienza sido incorporado en las películas "The Ma- desde el segundo 0, y define la canción como trix" y "The Jackal". propia, generando esa ilusión de estar escuSara Jay, cantante de jazz y soul, fue invi- chando un tema sin fin hasta el final. tada junto a Matt Schwartz, ingeniero de soEn sí es la canción del disco que más me nido, productor y compositor, a participar de gusta, la considero atemporal (bueno… la composición. como el disco) y creo que si bien fue editada La canción te sumerge en un abismo dub, en 1998, podrían haberla hecho ayer, y sonacon esa base groovera entrando desde los ría igual hoy y dentro de 20 años.

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POR CHRIS MURPHY (LUNAR TWIN)

POR BRYCE BOUDREAU (LUNAR TWIN)

"Al escuchar esto ahora es una locura qué "¡Amo esta banda! Y esta canción es una moderno suena, pero qué edad tiene esta pisde las pistas más poderosas del Masterwork ta. Como un animal de acecho, esta canción que es Mezzanine". Están sucediendo mu- es primitiva de gran alcance y tiene un gran chas cosas en esta canción, desde la intro- peso. Realmente me gusta la simplicidad y ducción lisa y elegante hasta la guitarra áspe- cuán oscuro llega a ser. Es así que adelanra y frágil que llega inesperada en la sección tándose a su tiempo sonoramente, "las granmedia y la brillante voz en todo. Esta pista es des voces del alma ahumada se encuentran totalmente relevante incluso en el 2018. con el canto fúnebre y las vibraciones del trip hop”.

TRACK 07: MAN NEXT DOOR POR BRIAN HODGES (THE BLUE HOUR)

Es tarde y estoy rodeado de una neblina electrónica. Beats cede para ser escuchado a través del gris filtrado de un televisor sintonizado en un canal muerto: intenta acallar el ruido de los vecinos. Estoy químicamente agotado, mirando la ventana sudar con condensación. Las gotas palpitan, golpeadas por una línea de bajo que se filtra a través de las paredes desde el piso de al lado. Las voces entran en erupción. Las paredes se cierran.

El reggae manchado de humo se inmiscuye en mi ritmo perfecto de máquina, tirando del latido del compás, vulgarizado y desprovisto de contexto. Temblando y temblando. Desorientador y claustrofóbico. Un pedal wah-

wah abierto anuncia otra pelea a punto de comenzar. Subí mi estéreo. Las guitarras líquidas distraen con arpegios de ensueño. Los sintetizadores resuenan vertiginosamente detrás de mi cabeza, pero es solo un susurro. No es suficiente para cubrir los sonidos de la violencia creciente, una y otra vez, siempre lo mismo. Una voz grita en mi cabeza, clara y puntuada por vibratos de longitud alterna, diciéndome que salga. Un lugar tranquilo, un lugar donde pueda reclinar la cabeza. Aún así, las ventanas sudan, gotean, gotean. Como el tictac de un reloj. Las paredes no detendrán la ira por mucho más tiempo.

POR FER APZOO (ASALTO AL PARQUE ZOOLÓGICO)

A finales de 1970 Jimmy Page producía Led Zeppelin IV en la casona-estudio Headley Grange. Para el tema “When the levee breaks” (cover de un bluegrass de fines de la década del ’20), y a modo de experimento sonoro, armaron la batería Ludwig de John Bonham en un pasillo y la grabaron con dos micrófonos desde el piso de arriba.

27 años después, con sampler en mano, los de Bristol usaron un loop de esa batería como basamento rítmico del séptimo tema de Mezzanine.

Sumándole una gran melodía en la voz de Horace Andy, un jamaiquino leyenda del reggae de los ‘70s, por momentos reminiscente de la faceta más soul de Mike Patton, con una letra en primera persona que mezcla la paranoia y las ansias de mudarse de un barrio complicado. Además de un sampleo ralentado de la guitarra de Robert Smith en “10:15 Saturday night” de The Cure (1980). Man next door es una coctelera que incorpora sonidos de diferentes décadas y estilos, sazonados con ecos, delays y reverb que le dan un inconfundible aire de dub que la recorre de principio a fin.

TRACK 08: BLACK MILK POR GASTÓN MASSENZIO

Si tuviera que mandar una canción al espacio para que otras civilizaciones sepan qué es el trip-hop enviaría esta. El ritmo lúgubre y aletargado, las texturas delicadas y el canto espectral con los coros respondiendo -casi como una consciencia alternativa- hacen de este tema junto a Teardrops el punto más alto de este magnífico álbum. Una canción para escuchar tranquilos, en una nave, alejándonos del planeta tierra y preguntándonos por qué estamos acá.

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TRACK 09: MEZZANINE POR GONXALO VERDE (VERDE Y LOS CABALLOS A MARTE)

La fábrica trabaja con dos turnos de 8 horas al día. Los sábados sólo un turno. Y los domingos está cerrada. Son 360 horas al mes aproximadamente. Dos operarios trabajan en la última línea de producción. Hablan lo más bajo que pueden, lo más bajo que les permite el ruido de la fábrica. Sus cabezas están cerca, cada una acercando la oreja derecha a la boca del otro. Están planeando un boicot. F siente el aliento caliente de R en su cuello y gira levemente la cabeza a la derecha para respirarlo. Son más de 4000 horas al año de continua producción, dice.

POR ANDY JOSSI (THE CHURCHHILL GARDEN)

Por supuesto, nunca he sido fanático de los ataques masivos y trip hop en general.

Tomé nota del registro en 1998, que se debió principalmente a la participación de Elizabeth Fraser. La canción "Mezzanine" tiene algo así como una banda sonora de películas de los últimos tiempos.Oscuro, claustrofóbico e intenso, se extiende durante 6:15 min.

Un paseo por el gris "GOTHAM" pasando por personajes sombríos y letreros de neón parpadeantes, detrás de cada esquina acechando villanos asesinos.La verdadera intensidad de "MEZZANINE" llegó a mí, pero solo después de varias veces repetida, a volumen alto escuchándolo en los auriculares.La monotonía y el sonido del bajo aburrido penetran lentamente en todo el cuerpo y deja una sensación opresiva.Y eso es exactamente lo que me gusta de la música cuando te toca de alguna manera. "Probablemente escuche todo el disco varias veces y a un volumen muy alto.

TRACK 10: GROUP FOUR POR DANIEL ANSELMI

Si Teardrop es uno de los polos del disco, definitivamente Group Four es el otro, lo cual para mucha gente tendría una lógica interna por la colaboración en ambos temas de Liz Frazer y el estilo que vestía a Cocteau Twins de esa bipolaridad tan bien llevada.

El contrapunto de voces entre ella y Del Naja, en un duelo de paranoia terrenal e hipnotismo etéreo marcan la línea argumental principal, soportada por una instrumentación que potencia el discurso en cada uno de los diferentes momentos de la canción La evolución y dinámica tímbrica, de estructura, planos y ambientes sigue sus propias reglas y se extiende por poco mas de 8 minutos, saliéndose de cualquier formato standard y tomando un riesgo que permite al disco empujar un poco más aun los límites de lo confortable, hábito que retomaron en sus últimos trabajos Desde el comienzo la sensación de ritual pagano y una conexión con una espiritualidad de ética neutra, de la cual Massive Attack parece ser devoto y predicador, alcanza un punto alto en este track. El lugar que ocupa en la playlist (justo antes del epilogo) es como si el resto del disco fuese el camino necesario para llegar a las revelaciones que despiertan en este punto y donde ya no hay que guardarse nada.

La exposición es explícita, evidente, sin trucos, y al mismo tiempo uno no puede evitar preguntarse cómo está lograda tan bien sin tener que sacrificar algún valor musical, incluso los más banales como el buen gusto para con el oyente. De alguna manera la banda se las arregla para desplegar un arsenal de recursos musicales evocativos de lo visual. La experiencia de escucha es la de estar frente a la banda sonora de una película corta, en vez de un tema largo, como puede pasar con Blackstar de Bowie, lo cual termina de potenciar la atmósfera onírica de todo el disco.

POR PHIL WILSON (THE RAFT)

Si no supiera que Mezzanine fue lanzado en 1998, indudablemente me retrotraerían a ese período de tiempo con los 8 minutos completos del "Group Four". El primer minuto y medio evoca sentimientos de paranoia y me hace sentir siniestro y sórdido, como si un investigador privado de Colombo me sospechara de cualquier cantidad de crímenes callejeros en un lluvioso pueblo

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británico a altas horas de la noche. Cuando pienso en finales de los 90, parece recordar mucha música evocando sentimientos similares. Como si ahora estuviéramos sufriendo la resaca de la euforia del éxtasis de principios de los 90 y la cocaína de mediados de los 90.

Las cosas ahora habían tomado un giro más siniestro y nuestra inocencia parecía cada vez más perdida...

Luego, en la mezcla entra Liz Fraser para calmar los temores (como solo ella puede hacer) pero su llegada solo los alivia brevemente cuando te das cuenta de que ahora estás melancólico y perdido en el frío y la lluvia una vez más. La voz de Fraser a menudo evoca sentimientos confusos para mí. El sonido tranquilo y soñador y la naturaleza relajante y flotante de su voz a menudo hablada, pero es increíblesu capacidad en esta pista para calmarnos y herirnos a los dos al mismo tiempo. Lo que es aún más increíble es lo fácil que parece.

A medida que la pista avanza, este patrón de paz y pánico continúa. Me hace sentir segura y asustada al mismo tiempo, lo cual es algo que Massive Attack parece hacer sin problemas.

Como si esos dos sentimientos opuestos existieran al mismo tiempo. Durante la sección instrumental, que comienza hacia el final de la canción, siento que estoy nervioso, la droga y el montaje inducido por Jack Daniels en una película de Guy Richie y estoy anestesiando la desesperación de enfrentar a los villanos que probablemente irán a dame de comer a los cerdos...

Entonces Fraser entra una vez más para salvarnos. Excepto que ella no. Una vez más, ella nos recuerda que la belleza y el miedo pueden existir simultáneamente y que el placer y el dolor son los dos lados de la misma moneda... Mientras contemplamos esto, el ritmo de la canción aumenta y aumenta, luego se ralentiza y se detiene. Su último aliento, justo a tiempo para que nosotros tomemos nuestro primero.

TRACK 11: (EXCHANGE)

POR TOM LUGO (STELLARSCOPE - PANOPHONIC)

Exchange, la canción que cierra el hipnótico álbum Mezzanine, es una magnífica pieza de arte. Trip hop late suavemente enredado por las muestras sutiles y la instrumentación suave. Las voces flotan suavemente en equilibrio delicado con la música hipnótica. Las letras son una ventana a la súplica emocional en el contexto secundario a la dulzura de la canción: “You see a man's face, But you don't see his heart, You see a man's face, But you will never know his thoughts” ("Ves la cara de un hombre, Pero no ves su corazón, Ves la cara de un hombre, Pero nunca conocerás sus pensamientos"). ¡Un perfecto cierre a un excelente álbum de los pioneros del trip hop Massive Attack!

POR EZEQUIEL EZQUENAZI

Intercambios Escucho “Exchange” de Massive Attack mientras EEUU, con apoyo de Francia y Gran Bretaña, bombardea Siria y parece ser que escuchar discos sucede a veces así, a veces y todo el tiempo ¿Sabían que los Massive Attack tuvieron que cambiar su nombre durante la guerra del golfo? Por un breve período aparecieron en la prensa y los anuncios (sugerencia de los promotores) como ‘Massive’, sin el Attack, porque una cosa es atacar masivamente y otra es escribirlo, decirlo… La cosa y el signo, el ataque y la masividad. Bueno.

“Never mix love with hatred / You see a man’s face /You will never see his heart.”

“Exchange” aparece 2 veces en Mezzanine, al promediar el disco –versión instrumental- y como ‘reprise’, es decir al final, en una versión con parte cantada que se va en ‘fadeout’ con ruido de púa. Podemos pensar ambas como una canción larga dividida en 2 apariciones.

Una de las cosas que con más fuerza se nos viene al frente cuando escuchamos Exchange es el sampleo -o un sampleo-. La técnica de sampling, cuyo concepto nace con la música concreta a mediados del siglo pasado, tuvo una suerte de veranillo durante la década del 90 del mismo siglo.

El sample (o muestra) principal sobre el que se construye Exchange está tomado de una canción de Issac Hayes llamada “Our day will come”. Todos parecen coincidir en que Exchange es básicamente una idea de Andrew “Mushroom” Vowles miembro fundador de Massive Attack quien precisamente abandonó la banda después de la publicación del disco.

Mushroom tenía la canción de Hayes entre sus predilectas cuando era DJ en los días de “The Wild Bunch”, comunidad artística que derivó en Massive Attack.

Una posible forma de concebir el concepto sampling -aunque no la única- es como link, como reenvío, por ejemplo, a otras músicas. Vamos sobre “Our day will come” entonces. De pique una canción ‘soul’ muy bien orquestada, con un desarrollo armónico bastante complejo y con una línea de bajo bien presente como es habitual en este estilo musical.

“Our day will come/And we'll have everything/We'll share the joy/Falling in love can bring” Mushroom tomó la base que queda como flotando luego de la liquidación la última estrofa (3’51’’). Después de esta última estrofa, se arma un instrumental sobre tres acordes que dura 1 minuto y medio, una especie de coda larga. Mushroom usa un pedazo de ese instrumental para armar Exchange. Escuchar ambas piezas resulta una experiencia bien interesante.

Mientras “Our day…” es una canción con una estructura armónica trabajada en base a intercambios modales y modulaciones que por momentos resultan desconcertantes, los de Bristol eligen construir una especie de mantra loopeando 4 compases de la coda de la primera. Podríamos pensar que Exchange es una especie de coda expandida de “Ourday…” una suerte de resonancia (en música, notemos, resonancia es lo que sigue al Attack).

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Pero quisiera, antes de terminar, proponer otro link; uno que tal vez resulte un tanto antojadizo, pero allá vamos: La idea de construir una pieza musical alrededor de una célula repetitiva es quizá una suerte de evocación a músicas de lugares lejanos, física, espiritual y culturalmente. Exchange utiliza, como se dijo, 3 acordes o en realidad 2, ya que el tercero sería lo que conocemos como un paso, un artilugio ornamental. Los otros 2 son el primero y séptimo de una “escala mixolidia”. Con “escala mixolidia” estamos hablando de los así llamados ‘modos antiguos’, antiguas formas de organizar los sonidos a partir de su altura.

Hay otra canción con una base también repetitiva e hipnótica que utiliza los mismos grados (primero y séptimo): me estoy refiriendo a ‘Tomorrow never knows’, de John Lennon grabado por The Beatles en el álbum Revolver.

Los de Bristol ‘samplean’ a Hayes un instrumental sobre los tonos Fa mayor y Mi bemol mayor, los de Liverpool utilizan los acordes Do mayor y Si bemol Mayor. Es a esta altura por todos conocida aquella historia de la fascinación que los Fab Four llegaron a tener en algún momento por la música hindú (como grupo, en solitario George Harrison siguió por el resto de su vida). Música para el trance hipnótico y la introspección, otro plan.

Si “Tomorrow…” habla de vaciar la mente, “Exchange” afirma que podemos ver el rostro del hombre pero no sus pensamientos.

Si la canción de The Beatles propone una especie de aquí y ahora y nos dice que mañana no se sabe, la de Hayes nos esperanza con un “nuestro día vendrá”.

No sabemos si habrá mañana pero escuchar discos sucede a veces así. A veces y todo el tiempo escuchar es escuchar mientras el mundo se derrumba.

“Never mix love with hatred / You see a man’s face /You will never see his heart.”

BONUS TRACK: SUPERPREDATORS (THE MAD PROFESSOR REMIX) POR JAREK LESKIEWICZ (SPC ECO - BLURRED CITY LIGHTS)

Mientras que conocía (y disfrutaba) Unfinished Sympathy, realmente me enamoré de Massive Attack durante la era PROTECTION, tentado por el single SLY. En ese momento estaba explorando el lado más pesado y más experimental de la música... sin embargo, en mi interior siempre tuve un punto dulce para el pop inteligente con arreglos vívidos e interesantes y voces íntimas. Como primera aventura real en el mundo del triphop, jugué mucho ese disco.

Luego, 3 años después, el single de Risingson fue lanzado antes del LP MEZZANINE que compré de inmediato. Su diseño minimalista de cartón vintage y su portada de estilo Rorschach ofrecían algunas vibraciones seductoras y la música definitivamente no decepcionó en ese frente. Sonaba mucho más oscuro

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que los lanzamientos anteriores de Massive Attack, con un borde más duro y "más rocoso".

El "lado b" de ese single era una canción llamada SUPERPREDADORES (The Mad Professor Remix).

La combinación de esas dos canciones parecía que los muchachos se habían puesto sus equipos antidisturbios esta vez y no tomaban prisioneros. SUPERPEDADORES era como sugiere su título: una bestia carnívora que desgarra sin piedad a su presa. La mezcla era bastante cruda y primordial... algunos tambores en vivo mezclados con programados, mientras se empapaban de efectos de bajo y dubby. Las agresivas y distorsionadas pinchaduras de guitarra se activan repetidamente, lo que aumenta su naturaleza angular. El paisaje sonoro incluye una parte más introspectiva más adelante que ayuda a contradecir el caos con un momento de paz... ... un breve respiro.

Casualmente durante este período estuve hurgando en el catálogo posterior de Siouxsie & TheBanshees y, para mi sorpresa, una canción llamada Metal Postcard de su álbum debut sonaba muy familiar. Sí. SUPERPREDADORES fue ampliamente muestreado de esa canción de Siouxsie. Como era antes de la era de Internet (al menos para mí) estaba increíblemente emocionado de conectar los puntos así por mi cuenta. El espectador en mí también notó que la canción de Massive Attack aparece (en su mezcla original) en los títulos iniciales de una nueva versión de The Day Of The Jackal... buenos momentos.

EL RECOMENDADO DIEGO BERTONI

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[ por Pablo Müllner. ]

ES MEJOR DEJAR

QUE LAS CANCIONES HABLEN

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“¿Te parece que ponga algo de tu militancia ecologista en la nota?“ le pregunto a Diego Bertoni, el neo-trovador de Concordia, y muy en el estilo folk-pop, neo-hippie de su primera colección de canciones, “Diferente” (2017) me responde: “No, está bien, es mejor dejar que las canciones hablen…” Y hay mucho de cierto en eso que dice Bertoni, pero también hay que decir unas palabras sobre él y su música para orientar los oídos hacia esta primera pequeña gema que es “Diferente”, musicalmente un piedra preciosa, y claro, diferente, un elemento que antes no estaba contabilizado por el hombre en la naturaleza y por eso es imposible calcular su precio.

Podemos decir entonces que nació en Baradero, Buenos Aires, y al poco tiempo se mudó con su familia a Concordia, Entre Ríos. Allí, estudió y comenzó desarrollarse poco a poco dentro de su pasión musical. Antes de Diferente, Diego tuvo varios proyectos como cantante y guitarrista. El más resonante fue “Once Poetas, un continente”, que combinada su música con la poesía de, entre otros: José de Diego, Gabriela Mistral, Javier del Granado, Amado Nervo, Juana de Ibarbourou, Julio Cortázar. Todas estas voces tienen algo muy en común con los temas y las canciones que se pueden oír en Diferente: el amor por la naturaleza, la lucha inherente a la vida por la libertad, la identidad latinoamericana.

Y así es como su disco abre con un tema llamado “Animal”, acústico e introspectivo, pero (tan bien) vestido por la moderna producción que le da una reverberación estilo dub. Animal, como un diálogo generacional y juego de espejos con el inmortal “Oso” de Moris, habla de un hombre, en cambio: “Las luces de la ciudad me golpean sin piedad, voy al bosque, quiero entrar, convertirme en Animal”. “Viento llévate hoy, las lágrimas del sol, traéme un día gris, para sentirme mejor”, empieza Viento, un tema pop, diáfano, embellecido por un acordeón que suena equidistante entre un arreglo de tango y el dream pop de Sixpence Non TheRicher. En un registro parecido,“Cuidado” levita y aterriza como un barrilete cerca del río, sobre un cielo lapislázuli.“Algunos también quieran morir sin haber nacido (…) Algunos prefieren vivir en la oscuridad, yo prefiero el brillo”, enumera Diego en el tema que le da nombre al disco y que concluye que para ser diferente hay que vencer la hipocresía, bajo un arreglo de teclados casi ambient. El tema final, “Es amor” empieza con pájaros cantando, muy cerca del litoral, y solo sigue con la voz prístina, el silbido de Diego, y sus pausadas notas de guitarra: “Vos me das, yo te doy, simplemente es amor…” Sin más que eso, su música habla con elocuencia.

Facebook: https://www.facebook.com/diegobertonimusica/ Escucha “Diferente”: https://open.spotify.com/album/0z6whG5BcEfM3nBClaZyQt

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: MÚSICA EN PAL-N PALE WAVES

composiciones melancólicas, siempre en guitarra acústica. El aporte de Ciara en este sentido fue el de comenzar a imponer la idea de un formato “banda” un poco más orientado al dream pop: un estilo ochentoso que es más bien un subgénero del rock alternativo y emparentado con el shoegazing. La sociedad funciona así: Heather se ocupa más de las letras, Ciara de la música.

El single debut de Pale Waves fue “There’s a Honey”, que fue producido por The 1975 (sus compañeros de sello), banda para la La banda está conformada por Heather Ba- cual oficiaron de soporte y que los apadriron-Gracie como cantante principal y guita- nó. No es de extrañar que algo del sonido de rrista, Ciara Doran como baterista (ambas The 1975 haya impregnado acertadamente líderes fundacionales), Hugo Silvani como las composiciones de Pale Waves. En agosguitarrista y Charlie Wood en bajo y teclados. to de 2017 lanzaron un segundo single, “TeHeather y Ciara se conocieron en el 2010 por levision Romance”, cuyo video contó además internet, cuando ambas tenían 18 años, y se con la dirección de Matty Healy (cantante de convirtieron en mejores amigas. Ciara decla- The 1975).

Las ya mencionadas influencias del pop de ró en una entrevista para NME que quedó instantáneamente impactada por el sentido los 80´s están relacionadas con artistas como de la moda de Heather: o sea, la “no moda”. Prince, Madonna o Cocteau Twins, y Heather En el 2015 comenzaron a postear algunas reconoce a “Purple Rain” como una de sus canciones online y llamaron la atención del canciones favoritas. Pero lo primero que uno sello Dirty Hit, con el cuál firmaron en 2017. recuerda al ver un video de Pale Waves es inevitablemente a The Cure. Y si de cine haHeather fue en su adolescencia una chi- bláramos, tanto Heather como Ciara parecen ca introvertida de bajo perfil, y solía realizar ambas extraídas de algún film de Tim Burton.

En la era en que todo lo vintage está en boga y los millennials proclaman el descubrimiento de nuevos universos sin ser conscientes de que en realidad se tomaron el De Lorean y volvieron a los 80’s, surgieron estos chicos góticos de Manchester con su pop tan sencillo de digerir. Pero de excelente calidad: algo bastante diferente al pop mainstream de hoy en día, una suerte de indie pop, también asimilable con el synth o el goth-pop. Se llaman Pale Waves.

Es curioso que los otros dos miembros de la banda, Hugo y Charlie, sean el contrapunto al lucir una imagen tipo indie brit boys.

En enero de 2018 la banda anunció que había comenzado a grabar su álbum debut. Mientras esperamos, podemos saciar el apetito con su primer EP “All The Things I Never Said”, lanzado en febrero por internet y en versión vinilo el 16 de marzo. Dicho EP contiene los simples “New Year’s Eve” (que fue el adelanto), “My Obsession” y “The Tide”. ¿Y qué más? En lo inmediato, a esperar. La percepción de la crítica sobre el material editado hasta ahora por la banda ha sido positiva. En lo personal, le pongo muchas fichas a Pale Waves. Espero con ansias este disco, que se calcula, recién llegará para el 2019.

Por Jairo Mansur

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APRIL, UNA CUESTIÓN DE TIEMPO

Cada proyecto de Mark Kozelek ha sido, en muchos sentidos, un vehículo para su memoria y sus vivencias. Por eso no es raro encontrar ciertas conexiones entre canciones, discos y épocas. Una de las más fuertes es aquella que ata “April” con uno de los temas más fuertes y emocionales de los Red House Painters: “Katy’s Song”. Esta última canción fue editada en el segundo disco de los RHP, llamado en general Rollercoaster en relación a la portada, lanzado en 1993 por 4AD. Con un profundo tono melancólico la canción describe el rompimiento de Kozelek con su pareja de aquel entonces, Katy. La canción tuvo un fuerte impacto en los seguidores de Kozelek. Al igual que otros temas con referencias directas a personajes de su vida personal, tales como Michael o Carissa, Katy se convirtió en un personaje de la mitología artística de Kozelek. Para él mismo ella se convirtió en una huella imborrable y una “musa inspiradora” de otras canciones como "Summer Dress,” o "San Geronimo".

Años después Kozelek tendría que volver dolorosamente a ese personaje, a esa relación. Katy fallecía en el 2003 tras luchar contra el cáncer a los 34 años. Buena parte de ese duelo dio origen a “April”, el tercer disco de su segundo gran proyecto Sun kil Moon, lanzado en el 2008. Una operación rápida deja ver que pasaron 5 años entre el evento mismo y la aparición el disco, un detalle no menor que Kozelek ha atribuido a necesitar“que pasaran algunos años, que pasara el tiempo, antes de poder manejarlo del todo, de escribir y cantar sobre su muerte de una manera gentil en la cual realmente le estuviera rindiendo

un tributo en vez de solo lamentándome por la partida de alguien”. Esos cinco años intermedios fueron de hecho, creativamente, una de las épocas menos activas de Kozelek, alguien acostumbrado componer y lanzar música constantemente.

Narrativamente “April” está construido desde diferentes ángulos. En sus canciones se mezclan épocas, lugares, visiones, viajes, estaciones y detalles tomando forma en una única unidad: el recuerdo. Hay un fuerte trabajo de memoria tras de la composición; “Lost Verses”, el tema que abre el disco,

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parece comenzar desde lo físico y real ( I came out from under her warm sheets / Into the brisk late October) para ir adentrándose en lo onírico (All shapes and shadows move in and out / And hover round my bed). Ese un vaivén entre lo real y lo soñado se va repitiendo en otras canciones, la transición en sí, es un movimiento que Kozelek usa como una figura propia de la memoria representando el estar “en un lugar” con el “pensar en un lugar”, el “estar en un momento” con el “rememorar un momento”

Tal vez la mejor prueba de esa técnica este en la majestuosa, pero sencilla, “Tonight in Bilbao”, aunque el título parece posicionarnos en una noche y en un lugar específicos, la narración esta surcada por múltiples viajes y lugares. En una estrofa Kozelek está en “Bilbao went to Madrid / To Barcelona, to Pamplona” donde “every ghost runs in me now Haunting me”, en la siguiente “I left Milan I went to Rome / And carried her aroma to Verona”.

La canción se desarrolla así por nueve minutos, no hay lugar ni momento preciso, lo único que anima la narración es el recuerdo, el volver sobre lo vivido desde el presente.

Aunque “April” contó con una lista importante de participantes, Anthony Koutsos, Geoff Stanfield, Will Oldham, Ben Gibbard entre otros, fue un disco que sentó una base en lo musical para Sun Kil Moon. Los arreglos son primariamente acústicos, con algún detalle sutil apareciendo cada tanto, con la voz y guitarra de Kozelek como vehículos principales. Es sin dudas un disco que marcó un punto de inflexión en su carrera, en él se pueden leer las huellas futuras de trabajos como”Benji” (2014) o “Universal Themes” (2014) los cuales continúan

143 la exploración de la muerte y lo cotidiano.

A pesar de ser un disco cargado de sentimientos y vivencias personales “April”, que cumplió diez años hace unas semanas, ha sabido escapar de la dimensión personal para ascender a una categoría más alta. Sus canciones no solo hablan de la perdida de Katy, hablan de un sentimiento y un ejercicio universal: el del recuerdo de los que se han ido.

Esta nota toma algunos datos y referencias de entrevistas hechas a Mark Kozelek: • SUN KIL MOON’S MARK KOZELEK DISCUSSES FIVE OF HIS NON-MUSICAL INFLUENCES: http://www.self-titledmag.com/2014/02/14/mark-kozelek-explains-what-reallyinspired-the-new-sun-kil-moon-album/ • Ben Gibbard Talks To Mark Kozelek: https://music.avclub.com/ben-gibbard-talks-tomark-kozelek-1798213942

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor.

Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?).

Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío.

Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ “CUENTOS DE AMOR, DE LOCURA Y DE MUERTE" de Horacio Quiroga por Pablo Ravale ]

BELLAMENTE MACABRO

La vida de Horacio Quiroga fue una parábola trágica. Mató a un amigo accidentalmente, su primera mujer se suicidó a los pocos años de casados, fue abandonado por su segunda esposa, enfermó de cáncer y, finalmente, no pudiendo lidiar con sus fantasmas, se suicidó. Cuentos de amor, de locura y de muerte es la resultante de esa vida atormentada y es, sin lugar a dudas, la obra donde mejor desplegó todas sus dotes literarias.

En estos cuentos, el misterio es amo y señor, aunque siempre inmerso en situaciones cotidianas, lo cual aumenta el impacto. La locura y el amor se aúnan constantemente, para llevar irremediablemente a la muerte. Las narraciones, llenas de una violencia tácita, le abren paso a una opresiva tensión sólo redimida con el más impensado de los finales. Asimismo, el ámbito agreste y salvaje de la selva de Misiones que Horacio conoció, le da un marco épico a las historias; por lo que nos encontramos con toda la destreza del cuentista uruguayo, como también con su particular visión del mundo.

A lo largo de este libro, el lector sí podrá constatar que Quiroga conoció bien de cerca las realidades del amor, de la locura y la muerte, pues éstas, en última instancia, son la constante fatal que pregona en los cuentos de un ser ermitaño y atormentado, un hombre incomunicado en medio de la selva misionera, y también ya alejado de lo que aprendió leyendo a Rudyard Kipling.

Algunos cuentos reunidos en el este volumen parecer de a ratos fuera de quicio y morbosos, pero así y tod, no dejan de ser el homenaje a la maestría en un género –el de terror; con sus admirados Edgar Allan Poe y Guy de Maupassante a la cabeza–, que es casi dominio absoluto del mercado literario anglosajón. ¿Son, como he leído en algún lugar, relatos de amor y de locura, por un lado, y de muerte, por otro; es decir, de amor en-

loquecido o loco y de amor mortal o aniquilador? Podría ser. A mí me parecer, sin embargo, el título sólo alude a dos clases de relatos: los que tratan de un amor trágico y los que tienen por motivo la muerte.

Un último grupo, aquellos que no son una cosa ni otra (como, por ejemplo, “Los pescadores de vigas” o “Nuestro primer cigarro”), quedarían fuera, no obstante, no dejan de ser textos muy logrados.

La edición consta de dieciocho relatos, los quince que incluyó Horacio en la publicación original del libro, y los tres que excluyó. Éstos se titulan: “Los ojos sombríos”, “El infierno artificial” y “El perro rabioso”. Sobre la inclusión de dichos textos excluidos, hay opiniones para todos los gustos. Porque así como Max Brod diera a conocer la obra de Franz Kafka, en contra de sus disposiciones testamentarias, el asunto es que se agradece en lo que vale por ser una oportunidad para conocer toda la obra de Quiroga, aún aquella que él quiso apartar de la vista del público.

Como afirmaba antes, en los cuentos aquí incluidos el autor nos representan tres palabras: amor, locura y muerte. Tres palabras que dan un significado tan especial a cada historia, de las cuales sólo voy a decir que casi ninguna tiene un final feliz.

Hay algunos relatos que narran historias de amor, como “Una estación de amor” o “La meningitis y su sombra”, las cuales retratan el lado dulce y doloroso que un romance puede tener. Otros presentan la faceta más terrible del ser humano, como es el caso de “La gallina degollada”, con ese espeluznante ritmo de la narración, donde la frialdad impera con una lógica inconmovible y mortífera.

Otro de los temas que se presenta en la obra es la deshumanización del hombre que cede su voluntad a los instintos más primitivos; pongo por caso a “Los mensú”, donde la percepción que los protagonistas tienen de sus vidas es tan brumosa como una pesadilla.

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Hay también relatos en donde los protagonistas son los animales, y que nos muestran que la muerte a veces puede ser inevitable (véanse “El almohadón de plumas”, “La insolación”, “La miel salvaje” y “El perro rabioso”).

Como puede entreverse, todas son historias con temas que difícilmente se entremezclan y que terminan siendo tensos o dolorosos. Y es que en Quiroga no subsiste la idea de éxito o de felicidad forjada; los seres tan sólo se limitan a luchar, a en-

frentarse entre sí y a debatirse contra los obstáculos que le presenta la Naturaleza.

Ya para ir cerrando, podría decir además que todos los relatos de Cuentos de amor, de locura y de muerte están enmarcados por un ímpetu señalado por el interés que despiertan desde el vamos.

Son implacables. En escasa líneas, dibujan como nadie el escenario que rodea al hombre y el horror que enseguida puede emerger de éste.

FRANCO DOGLIOLI

LA PROMESA DE CLARA Ese túnel, hecho de oprimidas columnas jónicas bajo un entramado vegetal tan complejo como frondoso, plagado de diminutas flores rojas, raptadas constantemente por el viento, para mantener una alfombra sobre los vencidos baldosines negros del pasaje, a pocos metros de la frágil espalda del casco de la casona familiar, sería el lugar de Clara. Allí conoció a Diego, el jardinero. Ella aún no había dejado de ser niña cuando el nuevo encargado de todo lo verde fue contratado.

Diego era mayor. La amistad entre ambos surgió sin preámbulos. Él, le enseñaba a cuidar cada planta, compartiendo secretos de su oficio.

Ella, como retribución, le hacia compañía, leyéndole novelas o poemas en voz alta, mientras él sembraba, regaba o durante sus recesos.

Clara fue creciendo hasta convertirse en mujer. Cierta tarde de calor intenso, mientras ayudaba a Diego a atar con jirones, a cada columna del patio, los gajos de varias enredaderas incipientes, se miraron y la atracción cobro vida. Fue amor. De esos amores marcados.

La familia los descubrió besándose y no aprobó la relación. Don Salomón, el padre de Clara, hombre duro y conservador, salió al patio armado con su antiguo rifle Mauser calibre 22, directo hacia Diego. A su paso iba dejando una estela invisible de sueños frustrados con respecto al futuro de su hija. La madre gritó asustada desde una ventana.

Clara corrió tras su padre. Diego, hasta ese momento en cuclillas por estar distribuyendo semillas en un cantero, se incorporó sobresaltado al ver a su patrón caminar hacia él apuntándolo. No pudo defenderse.

El estruendo del disparo se fue junto a una bandada de aves mixtas, huyendo del posible peligro. Clara se lanzó sobre Diego. Columnas, tallos y hojas, de forma abrupta, tornaron hacia el rojo. Y hubo una frase de su elegido antes del estertor: “Ahora soy estas enredaderas. Si me cuidas viviré”. Ella asintió a modo de promesa.

Clara se convirtió en un fantasma para sus padres. Ellos, tomados por la culpa, aceptaron resignados y en silencio, su presente ausencia.

El crimen paso desapercibido. Por la época y el contexto no fue algo poco usual. Pasaron los años. Los padres de Clara se esfumaron.

Heredó la casa y un buen pasar. Pero nunca dejó de cuidar de aquella maraña trepadora. Ni de leerle. Y de a poco ese símbolo a su tragedia amorosa fue adquiriendo forma de corredor. Comenzó a dedicarle horas de su vida, a veces la recorría, otras veces, detenida en el centro, observando cada forma circundante. Fue allí cuando descubrió como, cada tanto, las ramas parecían secarse, adquiriendo las hojas un atemorizante color amarillo. Al tocar una para revisarla, sufrió un pequeño corte. Dicha herida tiñó la hoja y frente a sus ojos extasiados, la misma comenzó a recobrar vigor. Entonces comprendió la señal. Diego

no solo necesitaba agua. Eso la llevó a revisar, detenidamente, sus cedidas herramientas de jardinería.

Durante tres décadas fueron varios los seducidos. Clara envejecía lentamente. Eso ayudaba. No perdía sus gráciles atributos. Comenzó a pasearse muy arreglada por el pueblo aledaño. Y todos los solteros hambrientos, bien al tanto de la propietaria solterona, respondían por hombres y por codicia, dispuestos a entregarse. Los conocía y luego, la cita se daba a mitad de su galería de clorofila. Cual visión, los esperaba siempre descalza, luciendo un vestido blanco y suelto. Su pelo oscuro enlazado al viento. Toda ella envuelta en un rojizo espiral.El pueblo comenzó a notar la ausencia de varios hombres. Solían ser vistos por última vez caminando rumbo a la casona. Cuando se acercaban familiares y amigos a preguntar por ellos, Clara reaccionaba con sorpresa, desconociendo sus paraderos, mostrándose ofendida por estos individuos sin clase, tan capaces de abandonarla luego del primer encuentro. También irían quedando en el olvido dichas desapariciones. Por la época y el contexto no sería algo poco usual.

Todo iba bien. Diego seguía creciendo porque Clara cumplía. No obstante, después de un período de armonía, las ramas secas y las hojas amarillas, volvieron. Clara, al percatarse del peligro, corrió hacia la descuidada casona en busca de un espejo. Observó en silencio sus canas y acarició la piel arrugada de su rostro. Lloró. Volvió a mirarse fijamente y una vez más, pudo entender. El cielo y algunos roedores como testigos, la vieron regresar al patio, internándose en su Diego con unas tijeras de podar.

Algunas personas la encontraron días después, advertidos por la danza circular de varios cuervos sobre el jardín. Clara yacía boca arriba bajo la sombra de sus ramas. Llevaba puesto un camisón color marfil. Con un par de tijeras clavadas en su abdomen. Y su cuerpo, completamente seco. Como drenado. Cubierto por pequeños pétalos de cierto familiar tinte. Develar el misterio de esa escena no le quito el sueño a nadie. Pasó desapercibido. Por la época y el contexto no sería algo poco usual.

El tiempo sin piedad siguió su curso. Y según comentan, la casona quedó en manos de la Municipalidad del pueblo. Fue convertida en salón de bodas. Hoy en día un predio muy solicitado por su gran jardín. Y por el delicado altar, creado para recién casados, en el centro de aquel enorme pasadizo verde de natural alfombra roja.

CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

NUESTROS NOMBRES OLVIDADOS por Pablo Ravale

¿Recordaremos alguna vez quienes fuimos? Porque, de hecho, yo podría estar ahora leyendo en otro libro, con otras palabras, lo que siendo otro autor hube de escribir.

Hay un lapso de memoria que tal vez sea la única cosa que podría salvarnos del olvido. Quizás la verdad la conocen sólo aquellos que creen en el paso de una vida a otra y que aseguran que entre cierta muerte y cierto nacimiento hay un intervalo en el que no se recuerda un nombre viejo antes de aprender uno nuevo. Y recordar el nombre de una vida anterior es comenzar a deslizarse de vuelta a aquella negrura en la que todos los nombres poseen su origen y se encarnan en una sucesión de cuerpos como versos innumerables de un escrito infinito.

Descubrir que tuviste tantos nombres es perder el derecho a reclamar ninguno de ellos. Recuperar el recuerdo de tantas vidas es perderlas todas. Así, mantenemos nuestro nombre en secreto, nuestros muchos nombres. Ocultamos unos de otros, para que no se pierdan entre sí mismos. Para proteger nuestra vida de todas nuestras otras vidas, nos ocultamos tras la máscara del anonimato.

Pero incluso aunque no podamos saber nuestro nombre, siempre reconocemos entre la multitud un rostro de otra vida. Eso es algo que no podemos evitar a pesar de que esa cara nos suene a muchas voces distintas. Sin embargo, reconocemos las facciones de la cara cuando la escuchamos hablar, porque siempre es la misma cara, con la misma voz, hablándonos de las mismas cosas, pronuncian-

do todos nuestros nombres olvidados.

Lograr desembarazarse de los anhelos de certeza, es salirse de esos múltiples yoes que fuimos, somos o podríamos ser. Por ende, ¿cómo no convertirnos en vagabundos del karma? ¿Cómo no volvernos criaturas a la deriva entre espacios donde la existencia fluye sin límites?

No sería de extrañar entonces que no podamos decir para dónde vamos ni de dónde venimos. Todo es tan caótico en este viaje. Paradójicamente, siempre regresamos a este corral, como si fuéramos animales persiguiendo el rastro de un olor. Más pareciera que esos lugares a los que llegamos nos arrastran hacia ellos, como si hubieran sido puestos, o quizás acondicionados, para perpetuar la canallada de nuestro arribo. Porque siempre hay situaciones, personas o circunstancias que justamente resultan ser lo que nos aguarda.

Todo está tan desconcertantemente interconectado. Todos pretendemos tratar de entender, no obstante, es una tarea imposible. Vamos como partículas, como plumas flotando en el viento, más lo único que hay alrededor no es otra cosa que oscuridad. Pero no la oscuridad de como en ocasiones está oscuro dentro de una casa, o como el bosque permanece en las sombras debido a la inclinación de sus árboles, cuando éstos repelen la luz exterior; está oscuro porque no hay nada que oculte la oscuridad. ¿Cómo lo sé? Porque puedo ver con algo más que mis ojos… puedo ver también con la propia oscuridad. Con la oscuridad veo la oscuridad.

Nos rodea una inmensa… una extensión

infinita… un oscuro horizonte fundiéndose a un oscuro horizonte...

Pero también hay cosas en la oscuridad, y creo que con nuestras formas, de manera que si estiráramos el brazo para tocarlos a través de un universo de negrura, también se estiraría un brazo hacia nuestro propio interior.

Todo lo que podemos sentir cuando creemos que estamos por recordar, de algún modo, nuestros nombres olvidados, es tan sólo el registro de haber tocado esas formas en la negrura, de haber permitido a aquella oscuridad que se revuelva como un amasijo de gusanos dentro nuestro y nos moldee la otra nueva cara.

Tras tomar esta forma actual, nos abandonamos y nos arraigamos en este terreno de aquí. Nos abrimos camino por la vida y hasta nos convencemos que nos gusta estar donde estamos ahora.

Podemos ver por nosotros mismos como nos retorcemos de un lado a otro, diciéndonos felices.

Pero, ¿qué pasa cuando se destapan estas palabras? ¿Alguien siente miedo, en realidad? ¿Alguien se reconoce en la noche del alma, brillando de regocijo como una luz que arroja sombras más allá del manto de oscuridad que nos rodea?

Recuerden que hemos sido nosotros quienes insistimos en volver a este maldito lugar. Recuerden que las situaciones, las personas, las circunstancias, nos arrastran hacia ellas para evitar hacernos dar cuenta que nunca somos quienes pensamos. De modo que, ¿puede alguien llamarme por mi nombre? ¿Puede alguien reconocerme, mientras me lee?

No, no lo creo. Aún así, usen algo más que los ojos… vean también con la propia oscuridad.

Desaparición de los Oráculos El último libro de Pablo Ravale

Puedes pedirlo por email a: p.ravale@yahoo.com

HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂ­benos a revistathe13th@gmail.com

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JOHNNY MARR llama al cometa

Johnny Marr lanzará el 15 de junio “Call the Comet” a través de New Voodoo de Piccadilly Records. Grabado con su banda en Manchester en los estudios Crazy Face, es el tercer disco en solitario del guitarrista de Smiths y sigue “The Messenger” (2013) y “Playland” (2014).

Para el lanzamiento del nuevo álbum, Johnny Marr anunció 12 espectáculos especiales en el Reino Unido, Irlanda, Europa y Norteamérica.

El álbum ya tiene un single de adelanto en la mejor tradición inglesa de los últimos años y el tema se llama “The Tracer” que lo pueden escuchar por spotify.

Dice Marr Call The Comet está ambientado en un futuro no muy lejano", dice Marr, "y se preocupa principalmente por la idea de una sociedad alternativa. Es mi propio realismo mágico Los personajes de las canciones están buscando un nuevo idealismo, aunque también hay algunas canciones personales allí. Es algo con lo que las personas como yo podemos identificarnos

THE BLUE HOUR y su nuevo EP "Moving Forward" En febrero los teníamos con un single, ahora llegan con un nuevo EP llamado "Moving Foward".

En febrero en nuestra web les presentábamos un single de The Blue Hour llamado "How Soon Is Now?". Ahora nos complace presentar un nuevo EP que se ha editado hoy por NO Devotion Records. "Moving Forward" es el nuevo EP que trae tres canciones, la que le da el nombre al EP es una canción escrita por Marselle Hodges para su madre quien falleció.

Brian Hodges nos contó: "Es una colección muy personal de canciones que quizás nunca haya visto la luz del día. Marselle escribió la canción principal, "Moving Forward", para su madre que falleció en el día del cumpleaños de Marselle. La canción fue una forma de expresar sus emociones y se grabó en esos momentos."

La explicación que da la banda sobre el track principal, el que tiene un video realizado por Marselle, es: La canción abraza el amor, el dolor y la esperanza. No estábamos seguros de si alguna vez íbamos a soltar la canción, que Marselle grabó a finales del año pasado, pero nos persiguió, pidiendo sus propias alas. Esperamos que encuentre un hogar en sus corazones.

Y Brian nos contó sobre el resto de las canciones: La segunda canción, "The Broken Man", es una historia sobre encontrar tu fuerza cuando te ahogas en el dolor. Cuenta con el trabajo de saxofón de Amy Denio (de Kultur Shock). La tercera pista es una bella y brutal repetición de "Moving Foreward", con la obra de violín de Maria Grig — un final emotivo para esta liberación.

Pueden escuchar el EP en los bandcamps del sello y de la banda: https://nodevotionrecords.bandcamp.com/album/moving-forward https://thebluehour.bandcamp.com/album/moving-forward https://www.facebook.com/bluehoursongs/ https://www.thebluehour.us/

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Una Dupla Soñada lanzan EP "Inventar El Paraíso" El Sello Sólo le Pido a Dior acaba de lanzar un EP que reúne a amigos de la casa.

Como si supiera que el verano se ha extendido hasta abril, el pasado 6 de este mes se ha lanzado un EP que trae una unión de varias bandas en un trabajo exquisito e inteligente que nos deja con las ganas de más cruces como estos. Una reunión de amigos que trae consigo un producto final soñado.

Hiroshima Dandys y Niños Envueltos se han liado (para mantener el espíritu español que recorre este EP) durante el verano en Villa Domínico (Provincia de Buenos Aires) en Nos pone felices que amigos se junten y graben. Hiroshima Dandys y Niños Envueltos son dos bandas que amamos, más allá de la amistad, pero a esta grabación se suman otros amigos, Gente Conversando, El Gran Búfalo Blanco, Los Darwin y otros músicos como Yuli, Cariño y Danilo Raffa. La ocasión es el fiel reflejo de los que son sus ambas bandas, de una charla nace un universo nuevo y amigos se suman a aportar su granito de arena para crear esta bella música de playa.

La idea principal es realizar una versión de la canción "Para Ti" de los españoles de Paraíso, la canción original es de 1980 y si bien es muy parecida a esta versión, es una versión más seca y directa. La que abre este EP, es la versión "Hiroshima Envuelta" o "Niños Dandys" que le agrega más colorido a la versión original. Obviamente después de la voz de la locutora que nos dice "SPD Records". Enseguida las guitarras nos acomodan en una playa con un brillante sol. Enseguida la dulce voz de Tonga nos hace sentir esa sensación de libertad del adolescente, y cuando entra la voz de Mambo, es como encontrar ese consejo que reafirma lo que Tonga cuenta. El contrapunto entre ambas voces suena simplemente perfecto, una melodía liviana y la otra baja y oscura, como esa mente adolescente que puede ser tan cambiante como nos propone esta canción.

Simple y liviana pero que tiene un tono oscuro y mágico.

Para lo que queda del EP han pensado un cruce interesante y que acerca aún más a ambas bandas. El segundo track, los Niños Envueltos endulzan una canción de Hiroshima Dandys, El Interna de la Tristeza. En esta canción aparecen los amigos que antes mencionamos y la versión de los Niños es súper dulce y le da ese aire poético y etéreo de una canción que originalmente suena más dura. Esa efervescencia festiva que hace de la versión una mirada nueva e interesante, las palabras de Mambo en boca de Tonga quedan ajustadas y se imprimen de una nostalgia veraniega del "club del clan" (para aquellos que no entiendan

era una agrupación de artistas emergentes argentinos de la década del 60). Para cerrar Hiroshima Dandys se encargan de realizar un astuto remix de la canción "No Veías" en donde las secuencias y los teclados crean un mundo ilusorio y ácido, bien a lo "Hiroshima Dandys".

La versión está un poco acelerada (mínimamente) pero lo necesario para que tenga otra dinámica que la versión original, los ritmos agregados enriquecen el trabajo, y la voz de Tonga se vuelve como un mantra que resuena dentro del espiral creado por los agregados del remix, dándole un clima más sombrío.

La frase: "Estoy cerca de un infarto" suena más potente y desgarradora, y ni siquiera el resto de la frase, que en la versión original suena más romántica, en el remix suena suena como una amenaza por la instrumentación: "Y te tengo que decir que me muero por vos".

"Inventar el Paraiso" trae sólo tres canciones, pero seguro que si lo ponen en modo "repeat" pasará muchas veces y no pensarán en ponerle "stop", a menos que tengan que salir.

Links: https://sololepidoadior.bandcamp.com/album/spd-29-inventar-el-para-so https://youtu.be/7BuaibSBaWY https://open.spotify.com/album/3Wi0hvuMGsMgSH2LUuhTnF https://www.facebook.com/soloadior/

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NUBES EN MI CASA adelanta nuevo álbum con el tema ¿Qué viene después?

Nubes en mi casa sin dudas una de las mejores bandas de Pop Indie de Buenos Aires, el grupo liderado por Josefina Mac Loughlin y Hernán Dadamo con 10 años en la escena musical y dos discos “Nubes en mi casa” (2008) y “Me suelto y vuelvo” (2012) editados por Molécula Records (México - España) y por Plastilina Records (Perú - Brasil - USA - Inglaterra Francia - Alemania - Japón) !!!y si¡¡¡ extrañamente no publicados aquí en Argentina.

Por fín están de regreso y dejaron en Spotify un adelanto. El tema se llama ¿Que viene después? Más electrónicos, más luminosos, igual de minimalistas y cuidadosos en los arreglos como siempre. Grabado y producido por Norman Mac Loughlin en Estudio Daktari, Mezcla de Juan Stewart y Master de Manza - Mariano Esain. La imagen es de Dara Scully. ¿Qué viene después? https://open.spotify.com/album/2muWISYAQ7biRhSP9IcnEq Discografía https://nubesenmicasa.bandcamp.com

THE FLAMING LIPS se asocia con una marca de Cerveza para lanzar un single

The Flaming Lips se asoció con Dogfish Head Brewery para lanzar el pasado 21 de abril en el marco del Record Store Day un single con dos canciones originales inspiradas en una nueva cerveza Dogfish, Dragons & YumYums. Los temas son “The Story Of Yum Yum and Dragon” y “Beer in Your Ear” se vendieron 5700 copias del siete pulgadas de las cuales 100 tenían cerveza adentro, lo que las hará un objeto de colección, el resto estaban impresas en vinilo rosa.

El tema “The Story Of Yum Yum and Dragon” tiene video, como siempre muy colorido y con peluches. Musicalmente una hermosa balada ácida que nos encantó.

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ROSAL y sus tres nuevas Rosas

Rosal no entraba a un estudio a registrar canciones nuevas desde el 2013. Con María Ezquiaga como único miembro original, nos regalan un nuevo trabajo llamado "Te agradezco el Amor" bajo el sello PopArt Discos.

Con 16 años de carrera y varios trabajos discográficos hermosos, el, ahora, trío Rosal regresa con un nuevo EP de tres canciones en donde las cálidas melodías se entrelazan para el placer de ese oído ávido de música que su única complejidad es el buen gusto por canciones perfectas.

Sin perder su esencia, que durante años mantuvo Maria Ezquiaga al frente de la banda, de partir de composiciones complejas pero con una sensibilidad femenina que nos arrulla en la dulzura de una tarde veraniega, post somnolencia de una calma siesta.

Tres canciones en donde los instrumentos más relevantes son la guitarra acústica y la dulce voz de María. Sé que está de moda las canciones simples con guitarra acústica, pero aquellos que no conozcan a Rosal, seguramente se llevarán una agradable sorpresa, porque Rosal no es una banda más, Rosal tiene una historia que los respalda como una de esas bandas que nunca se olvidan, Rosal es la madre naturaleza hecha canción, en donde a base de bellísimas canciones intimistas, con un dulce condimento, en varias canciones, de aires de

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bossanova en sus melodías, pero su cándido pop es una caricia para el alma. Y este EP "Te Agradezco el Amor" no es más que una justificación que con los años no han perdido esa magia de encantarnos con hermosas canciones.

Está para descarga gratuita en: https://rosal.bandcamp.com/album/te-agradezco-el-amor Pueden encontrar el álbum en: Spotify: http://bit.ly/TeAgradezco_Spotify Apple Music: http://bit.ly/TeAgradezco_AppleM Deezer: http://bit.ly/TeAgradezco_Deezer Napster: http://bit.ly/TeAgradezco_Napster Google Play: http://bit.ly/TeAgradezco_GoogleP

TRÓPICO DE CÁNCER sin Drama de ser oscuros Ya hablamos antes de Trópico de Cáncer en donde les contábamos de un EP. Ahora nos traen su álbum debut, Drama.

A casi treinta años de la edición de "Shine", tal vez el mejor álbum de la banda Crimen & The City Solution, y si se quiere, a modo de capricho del destino, que ve en éste "Drama" de Trópico de Cáncer una suerte de tributo a la banda de Simon Bonney y Mick Harvey. Tal vez parezca un pensamiento rebuscado y muy lunático.

Pero al sumergirnos en las oscuras y asfixiantes atmósferas del universo de "Drama" encontraremos esos cansinos deseos psicóticos que la banda australiana lograba generar.

A la sugerencia de los Crime & The City Solution, Fer nos responde: Posiblemente e inconscientemente invocamos la atmósfera que tenían esas bandas. Lo loco es que jamas durante la grabación escuchamos Crime & the City Solution ni a The Birthday Party, es más, yo venía de DDR de asistir a artistas de hip hop , trap y dub y volvía fascinado de como trabajaban las canciones, las improvisaciones y las ecualizaciones de y uso de efectos de reverb y delays. Todo lo que aprendí en esas sesiones lo apliqué en el disco.

Lo tomo como un cumplido lo del tributo a Crime & the City Solution.

Cortes, silencios y vértigo para contar historias oscuras, nocturnas, de barrio, disparos, puñaladas, lagos de sangre, humo, personajes en desgracias, personajes enamorados y otras miserias.

Luego de sus EPs del año pasado "Pecado de Amor" y "La Sentencia" regresan con su álbum debut para redondear lo insinuado en sus anteriores entregas.

Grabado y mezclado en Redrum Temperley entre Febrero y Abril del 2018 por Trópico de Cáncer. Masterizado por Marcelo Belen en DDR. El dúo formado por Carolina Forcinitti y Fer Carpenter traen estas siete canciones nuevas en las que la luz nunca brillará y siempre estaremos inmersos en una oscuridad corrosiva, psicótica, "pero la noche me dice que ya estás acá".

Fer nos cuenta: Las sesiones eran prácticamente místicas, el cuarto donde grabamos se ambientó para

que el aire ya tenga esa atmósfera claustrofóbica, el cuarto encerrado, luces rojas y todo lleno de humo (ahora quedó un olor a cigarrillo insoportable, voy a tener que llamar a un exorcista), eso ayudó un montón a estar concentrados solo en eso. No tardamos mucho, fueron unos meses de estar encerrados, los temas iban saliendo solos, al principio iba a ser solo un EP de tres temas, como veníamos haciendo, y cuando nos dimos cuenta estaba el disco.

Con respecto a la presentación del álbum, Trópico de Cáncer participarán en nuestro Ciclo Entrepisos en la fecha del 25 de mayo y Fer nos cuenta: La presentación oficial va a ser en mayo en el Espacio Cultural Mi Masa en el Ciclo Entrepisos. Si bien el disco ya se puede escuchar por bandcamp estamos cerrando unos detalles con un sello de EEUU para su edición en físico el mes que viene, Si se atrasa tal vez sacaremos en cassette una edición ultra limitada. Y si llegamos seguro tendrá también un video, el tema es que no nos decidimos que tema elegir para el video.

Seguro que este dúo se debe sentir satisfecho con el producto de su álbum debut.

Y le preguntamos a Fer cómo se sentía y nos respondió: Es ambiguo lo que siento. Por un lado súper satisfecho de poder haber logrado plasmar esos temas tal cual me los había imaginado en mi cabeza sonando, por el otro pánico y con miles de preguntas, es el miedo de que no me quedó nada en el tintero, ni ideas, ni acordes , nada y a veces pienso ¿¿qué pasa si no se me ocurre mas nada?? ¿¿se agotan las ideas??? ¿de dónde vienen las ideas?.

Ritmos simples que se vuelven caóticos por el resto de la instrumentación, las elegantes y, por momentos, furiosas disonancias son el leiv motiv que enmarcan a las historias maníacas y nocturnas.

Obviamente ellos se presentan sin Drama por sentirse oscuros.

Pueden encontrar el álbum en su bandcamp: https://tropicodecancer.bandcamp.com/album/drama

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DE CANCIÓN + BANDA

[ Por Diego Centurión ]

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Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias.

Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda.

La llamamos "De Canción + Banda".

En el caso de hoy el nombre de la banda fue tomado del nombre de un EP debut de otra banda.

Nos remontamos a 1982 y el, por entonces, miembro de Psychic TV, John Balance comienza un proyecto paralelo, pero con la incorporación de Peter Christopherson de Throbbing Gristle y Psychic TV, el proyecto pasó a ser el más importante y ambos se dedicaron full time a su nuevo proyecto, Coil. Este dúo fue el gen de la banda hasta 2004 donde fallece John y la banda deja de existir. Luego Peter reedita unas grabaciones de material de Coil.

Coil debuta discográficamente con un EP en 1984 llamado “How to Destroy Angels”, que trae dos tracks (uno a cada lado) el que le da nombre al EP de casi 17 minutos y el lado B, "Absolute Elsewhere", de casi 23 minutos. Experimental puro.

En los años noventas Peter Christopherson tuvo colaboraciones con Nine Inch nails, tanto musicales como los remixes de Coil en canciones como: "Gave Up" en Fixed (1992), "Closer (Precursor)" en "Closer To God" (1994) o "The Downward Spiral (The Bottom)", "Erased, Over, Out", "Eraser (Denial; Realization)" en "Further Down The Spiral (1995); como así también en videos como director en "Broken Movie" de 1993 o el video clip de "March Of The Pigs".

Ahora nos trasladamos a febrero del 2009, Trent Reznor publicando en sus redes: "He estado pensando desde hace un tiempo que es hora de hacer que NIN desaparezca por un tiempo".

De todas formas la banda de Reznor, Nine Inch Nails sale de gira en su “Wave Goodbye Tour” que termina en septiembre y ya se sabía el impasse en el que entraría la banda, aunque no se sabía de cuánto sería.

En octubre de ese año Trent se casa con Mariqueen Maandig, y ambos se embarcan en un nuevo proyecto musical junto al Nine Inch Nails, Atticus Ross. El nombre del nuevo proyecto lleva el nombre de aquella canción de Coil “How to Destroy Angels”. En mayo del 2010, cuando ya se había develado el misterio del nuevo proyecto, Reznor habló del nombre de la

banda y su relación con Christopherson: "Obviamente di con la elección del nombre primero y hemos discutido sobre su contribución al material de próxima aparición de una forma u otra".

Lamentablemente unos meses después a la salida del homónimo EP debut de la banda Peter fallece.

Los Links a las bandas: Coil: https://www.facebook.com/Coil-189787564422/ https://open.spotify.com/artist/37KB5e6cGsN1AQAB9Omm1U http://www.brainwashed.com/coil/ How to Destroy Angels: https://www.facebook.com/howtodestroyangels/ https://soundcloud.com/howtodestroyangels https://vimeo.com/destroyangels https://twitter.com/destroyangels http://howtodestroyangels.de/ https://open.spotify.com/artist/1yDbenrXWhaQij3SCpsXe7

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PURA MELOMANIA

CRIME AND THE CITY SOLUTION: “SHINE” 30 AÑOS CRIME AND THE CITY SOLUTION – Shine (1988) [ Pepe Navarro ]

Como hacer que una película filmada en color sea apreciada aún más en una pantalla que solo admite el blanco y negro, es una labor ardua y especial. Más aun teniendo en cuenta que en la obra en cuestión, los fotogramas se han de traducir en notas musicales.

Crime and the city solution estaba pasando por su resurrección por esos años tras arrastrar su cadáver fresco por Melbourne, Londres, y finalmente recalar en Berlín.

Simon Bonney, su cabeza pensante y heredero de su propia prole musical, tenía en sus manos la ardua tarea de recomponer una vez más su banda, tras las abruptas salidas del inimitable Rowland S. Howard y de su hermano Harry Howard tras grabar el estupendo “Room of lights” en 1986, y de paso, llevarse a el baterista Epic Soundtracks para armar su propio modelo estilístico/musical llamado These Immortal Souls.

Bonney ya estaba acostumbrado a este tipo de situaciones. No en vano, su vehículo musical venía a los tumbos y cambiando de tripulantes desde 1977. Las huellas de los latigazos de Rowland y su guitarra no serían fáciles de suplantar. Eso lo tenemos claro. Pero ahí es cuando el valor real de la banda y sus órganos intactos aparecen. Súbitamente, el planteo musical se aclara, se vislumbra luz

donde debería haber sombras, y aire fresco en los pulmones de la maquinaria corre otra vez.

Bronwyn Adams, violinista y compañera sentimental de Bonney emerge con sublime posición a dar con su violín las coordenadas a seguir, y Alexander Hacke, compartiendo su trabajo en Einsturzende Neubauten, demuestra que la guitarra no tiene demasiada complejidad. Mick Harvey, con la mitad del cuerpo metido en la banda y la otra mitad en los Bad Seeds como compañero de Nick Cave, aporta su experiencia como baterista, tras haber dejado de lado la guitarra a favor de coherencia musical y dinamismo sonoro.

Chrislo Haas, en teclados y Thomas Stern, en bajo, terminan de redondear la ecuación.

“Shine” Es el segundo disco de la banda,

y se aleja tangencialmente del pantano sonoro y confesional que fue “Room of lights”, en favor de una banda de sonido de una película imaginaria, en la que las fantasías son contadas por el propio espectador, que a fin de cuentas, se expone a hojas en blanco, en las que escucha tras escucha, se deben llenar de ideas, ordenadamente, para al final de todo, apreciar el tríptico maravilloso Músico/ oyente/fantasía.

Es el disco, también, en el que Simon Bonney se encuentra como narrador, y que sienta las bases para el camino de la banda,

que seguiría como entidad hasta más o menos 1991. El año 2012 vería una nueva resurrección de Crime and the city solution, pero eso es otra historia.

Muchas personas rechazan celebraciones y demás, pero el tiempo siempre corre a la inversa. Quizás el mejor halago sea que han pasado 30 años de esta obra, y que sigamos hablando de ella como algo que vale definitivamente mencionar. 30 años no es nada. Al menos en este universo paralelo y en blanco y negro, que –curiosamente- nos ciega con su color.

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AMBICIÓN Y TALENTO YENDO DE LA MANO DAVE MATTHEWS BAND - Before These Crowded Streets (1998) [ Pablo Ravale ]

En 1991, el sudafricano David John Matthews decidió hacer de la música su profesión. Luego de haber aprendido a tocar la guitarra desde los nueve años, de trabajar como barman en Virginia, Estados Unidos, y de ver pasar cientos de músicos por las tarimas del bar donde servía tragos, una noche empujado por el guitarrista estrella del lugar, Tim Reynolds, dejó a los asistentes con ganas de más. Esa noche se empezó a formar una de las bandas fusión (rock, jazz, country, funk y soul) más completas, sólidas, e ingeniosas de la historia de la música contemporánea, su banda: la Dave Mattews Band.

A él se le unieron el bajista Stefan Lessard, el saxofonista Leroi Moore, el violinista Boyd Tinsley, el baterista Carter Beauford y, brevemente, el tecladista Peter Griesar. De allí empezaron a girar tocando en pubs y universidades haciéndose cada vez más renombrados.

Luego de grabar varios demos, en 1993 llegarían a firmar con RCA para registrar su álbum debut, Under the Table and Dreaming (1994), disco donde ya se ponía en evidencia no sólo el gusto del grupo por la conjunción de ritmos sino también el virtuosismo con el que ejecutan ese delicioso coctail sonoro.

Dos años más tarde crearían, sino el mejor, uno de sus más sobresalientes trabajos, Crash (1996), el cual se convirtió en disco de platino y con el cual la banda se dio a conocer por todo el mundo.

Sin embargo, fue en 1998 cuando lanza-

rían su disco más sombrío pero simultáneamente el más rico: Before These Crowded Streets. Producido por Steve Lillywhite (Peter Gabriel, The Rolling Stones, Talking Heads, Simple Minds, U2, Morrissey, Counting Crows, The La's), Before es el auténtico punto álgido de la carrera de Dave y los suyos, pues al antes mencionado virtuosismo del grupo, se le suma una solidez y una paleta tan amplia de melodías, mid-tempos y jams majestuosas que, al final, no puede dar otra cosa que una propuesta embriagadora… redonda… tremendamente especial.

En Before también resulta clave el buen uso de la tradición. El compromiso de Matthews con las raíces musicales del norte de América evita, mediante un sinfín de escapes, caer en un principismo rocambolesco (al que en esta ocasión se le agregó el pop y

183 la world-music). La mayoría de los temas, sí, son de largas improvisaciones, de solos, de mucha jam, pero DMB jamás abandona su perfil claro y distendido; espontáneo, podríamos llamarle.

Al igual que The Grateful Dead, los abuelos de las bandas de jam, o sus contemporáneos Phish, a este grupo le cuesta entrar a la convención estructurada de la grabación de un disco y reflejar en este formato su potencia y versatilidad del en vivo. No obstante, Before es un disco que gana –y cómo– por su ambición, por empujar los límites, lo cual se refleja en su aura oscura y orquestada, ya que todo el tiempo se trata de una colección de canciones sutilmente amenazadora que recuerda que todavía hay artistas de los que siempre pueden surgir grandes e inspirados momentos.

Como sus predecesores, Before These Crowded Streets es un disco del que sólo podemos esperar un registro perfectamente diseñado, de ejecución magistral y de compe-

tencia musical avanzada, canciones que a veces caen en lo épico y lo soporífero, pero que, en resumidas cuentas, es lo característico del catálogo Dave, es decir, el que te hechice a fuerza de capas y capas de sonido y genialidad compositiva.

Aunque casi todas las estrofas de las canciones y las partes instrumentales están plagadas de polirritmias y complejas claves, al menos en los estribillos reconocemos el buen oído de Matthews para componer temas gancheros. Ejemplos son el medio tiempo rabioso “Don't Drink the Water”, o la balada melosa “Crush”, de elaboración romántica por donde la mires (o la oigas). Como uno de esos temas más vigorizantes está “Rapunzel” y su funk sincopado, o la excelente “The Last Stop”, en donde Dave se destaca vocalmente por sus tonos ásperos hasta la exasperación.

Muy a menudo el disco se balancea peligrosamente al lado sensible del alma como se evidencia en la tristemente bella “The Stone”, o en la soñadora pero también me-

lancólica “The Dreaming Tree”, donde parecieran acercarse al terreno de un Sting de la época de Ten Summoner’s Tales. Con “Stay (Wasting Time)”, tenemos, por el contrario, uno de los momentos en que dada la versatilidad musical de esta agrupación y la entendible ambición estilística por texturas elegantes en sus temas, resultan en algo más bien alegre, movido y simpático, pero falto de urgencia por no decir carente de bordes filosos.

El álbum cierra impecablemente con la solemne “Pig”, a la que le sigue pegadita “Spoon” (con Alanis Morrissette de invitada a las voces), suite apabullante donde da la impresión que el quinteto juega por un rato a ser los Pink Floyd de las jam band americanas.

Si bien con los años publicaron otros trabajos discográficos excelsos (como Busted Stuff o Big Whiskey & the Groo Groux King) nunca un disco me pareció mejor tocado por estos monstruos que Before These Crowded Streets. Fino, versátil, dramático y fresco. Ambición y talento yendo de la mano.

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ENTREACTO Last Shadows Puppets – The Age of the Understatement (2008) [ Alex Bretto ]

“Pop has become too predictable” supieron sentenciar ellos mismos en el marco de la más reciente gira de The Last Shadow Puppets, durante una entrevista a The Telegraph. Si se trata de hacer un pop que no sea tan obvio, los Arctic Monkeys triunfaron holgadamente y se convirtieron en uno de los artistas de indie rock mejor posicionados en la escena inglesa de la última década.

Cuando comenzaron parecía ser solo una bandita más de nenes jugando el papel de malos y acelerados, pero a medida que transcurrieron los discos se fueron puliendo y supieron mantener su energía aún ganando en calidad. Está claro que no todos pueden ser como The Ramones y repetir prácticamente lo mismo durante toda una carrera.

do fue soporte de los Arctic Monkeys con su banda previa, The Little Flames.

El álbum debut de Last Shadow Puppets Arctic Monkeys estaba en la cresta de la vió la luz el 21 de abril de 2008 e inmediaola tras su segundo álbum “Favourite Worst tamente se colocó en el #1 del UK Chart.

Nightmare”, que entre otros logros, se lle- La semana previa se había sido lanzado el vó en los Brit Awards del año 2008 los pre- single que da nombre al disco, “The Age of mios a Mejor Banda Británica y Mejor Álbum the Understatement”: una rola muy particuBritánico. Curiosamente, fue justo cuando se lar dentro del género conocido como pop baapartó por un instante de la ascendente carre- rroco, una fusión entre el rock y algunos insra con su banda, que Alex Turner encontró la trumentos y arreglos orquestales propios de excelencia a través de este proyecto alterna- la música clásica. Una versión alternativa de tivo que se dio a conocer en el año 2008 como este hit es el track #6 “Only The Truth”, cuya The Last Shadow Puppets. El anuncio ya ha- principal diferencia es la variante en el tempo bía sido hecho por la revista NME en agos- promediando la canción, algo más propio del to de 2007: Alex Turner se estaría juntando rock progresivo.

El segundo corte del álbum fue también con Miles Kane (cantante de The Rascals), James Ford (de Simian Mobile Disco) y Zach el segundo track, “Standing Next To Me”. Si Dawes, para grabar un disco. Miles Kane bien las influencias declaradas por los intese había hecho amigo de Alex Turner cuan- grantes de LSP serían los primeros discos

de David Bowie y aquel ícono pop inglés de los 60’s que fue Scott Walker, en esta canción es evidente la influencia de los Beatles. Es un contrapunto entre dos hombres relacionados sentimentalmente con la misma mujer: el que canta es el que la posee y sabe que el otro la desea, y este punto de vista es lo que hace más interesante la lírica.

questa consiste hacia el final en ir saturando sonidos hasta convertirlos en algo similar al zumbido de una abeja que se acoplará con los gritos de un grupo de hombres atrapados como presas.

El tercer corte es la bellísima “My Mistakes Were Made For You”, inspirada en un tema de Scott Walker de 1969. Difícil describir con palabras que es lo que hace que esta canción Los siguientes temas del disco son “Calm sea hermosa, pero podemos redundar en lo Like You” y “Separate and Ever Deadly”, an- ya dicho sobre el pop barroco y su exquisiticipos de lo que sería el próximo disco de tez a la hora de incorporar trabajos de cuerlos Arctic Monkeys: art rock como experimen- da y generar atmósferas clásicas. En este to en las texturas y las métricas, buscando caso gracias a la participación de la London un apartamiento del rock como fenómenos Metropolitan Orchestra dirigida ni más ni menetamente adolescente. Como a lo largo de nos que por Owen Pallett, violinista de Arcade todo el álbum, cada canción tiene que ver con Fire. distintas situaciones en relaciones de pareja, reflejando sus vaivenes, aciertos y erroLa fórmula Alex Turner- Miles Kane garantires. Como “The Chamber”, el ejemplo de lo zó entendimiento en muchos sentidos. El perque sobreviene como arrepentimiento tras fil de rock experimental y post-punk de The haber tomado una decisión difícil: “Cornered Rascals no desentonaba con la línea seguida by yourself / you must admit / that you are por los Monitos del Ártico, y el caldo de culthe instigator / hanging on to arguments”. En tivo fue óptimo para desembocar en produc“Only The Truth” se destacan los trabajos ciones como “I Don’t Like You Anymore”, más de vientos, y por tratarse su letra sobre una emparentada con un garage rock al estilo “I “Devoradora de hombres”, el juego de la or- Bet You Look Good On The Dancefloor” que

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con el trabajo más refinado que éste álbum en su conjunto representa. Aun así, no desentona y sirve como equilibrio para melodías melancólicas que irán llegando hacia el cierre del disco, como esa delicada pieza que es “The Meeting Place” y su impecable trabajo de vientos que aporta emotividad a una típica letra de ruptura irremediable ante la pérdida de la química: “I´m sorry I met you darling / I´m sorry I left you”. Sin duda, de las mejores composiciones de la dupla Turner-Kane.

Tras este breve paréntesis, un entreacto en

sus carreras, Turner volvería más inspirado que nunca a los Arctic Monkeys y aportaría toda una variedad de estilos al siguiente trabajo del grupo, “Humbug”. Miles Kane trabajó ese mismo año en el disco debut de The Rascals “Rascalize”, para finalmente abandonar la banda en 2009. Las puertas quedarían abiertas para que ambos se reencontraran en los estudios varios años después y nos regalaran en 2016 un segundo disco de The Last Shadow Puppets. Tengamos fe que esta colaboración no morirá.

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GUSGUS | Lies Are More Flexible Label: Oroom Records Fecha de Lanzamiento: 23 de Febrero de 2018 [ Por Franco Colombo ]

del álbum con el climático No Manual, como si fuera extraído desde los mismísimos paisajes de las afueras de Reikiavik.

Es el momento de escuchar al tema que da nombre al disco, utilizado para dar apertura a los nuevos live sets. Amo sus directos, Biggi con su MPC2500 al mando, inyectado de modulares Doepfer y sus efectos. Sí, todo tocado en tiempo real.

Towards Storm, un mantra nórdico que nos hace de interludio para darnos paso al final del disco con Fuel, el track más oscuro y reflexivo, dejándonos con ganas de más, siempre más GusGus.

RODNEY CROMWELL | Comrades Label: Happy Robots Records Fecha de Lanzamiento: 02 de Marzo de 2018 [ Por Diego Centurión ]

Como ya nos venían adelantando con su primer single Featherlight, Biggi y Daniel no nos defraudan con Lies Are More Flexible. Nos siguen alimentando con un sonido parejo a sus antecesores México y Arabian Horse, mezclando con gran sutileza los ritmos tecno/house con una voz inconfundible ya marca registrada, generando ambientes para el baile pero a la vez poder disfrutar de bellas melodías.

Como comentaba, Featherlight da comienzo al disco de ocho canciones. Aparece a mediados del 2017 con un video clip donde destella la simpleza y delicadeza visual característica de GusGus, generando ambientes sonoros con grandes reverbs y marcados bajos que dan el puntapié inicial a un nuevo clásico.

Sin perder el ritmo nos metemos en Don't Know How To Love con el norteamericano John Grant como invitado, quién me hace recordar al "Vikingo" Högni Egilsson.

El destacado del disco es Fireworks, con llamadas al house old school sin perder esa sensibilidad melódica sin salirnos de la pista. Como si ya estuviéramos inmersos en el Expreso GusGus seguimos sin parar de bailar con Life time, otro gran futuro clásico de la banda.

Es hora de detenernos, ya llegando a la mitad

El inglés regresa con este single adelanto de su próximo EP "Rodney's English Disco" a lanzarse próximamente bajo el mismo sello. Dos versiones de la canción "Comrades', la primera la versión original y luego un remix "Vieon Extended Dance Remix". Luego de su álbum debut "Age of Anxiety" (2015) y los EPs "Black Dog" y "Fax Message Breakup", llega con este single para demostrar que sigue en la línea de sus anteriores trabajos, con un toque más bailable, pero con un fuerte acento kraftwerkiano que seduce por el sonido puro de una indietrónica elegantemente cuidada.

En su bandcamp dice que: “La instrumentación del nuevo EP se ha mantenido intencionalmente mínima con sus sonidos de batería tomados en su totalidad de una caja de ritmos Boss DR-55 vintage y un límite autoimpuesto sobre la cantidad de equipo analógico usado en su realización”.

Estaremos atentos a la próxima publicación.

ser, pero seguro tiene más que ver con lo teatral y con lo sonoramente más cabaret que con el pop.

"ShapeShiftingAliens" es su debut lanzado en octubre del año pasado y tiene una colaboración de Nolan Cook de The Residents, en la canción que cierra el álbum, "Shadows". Este track es la puerta ideal para acceder a su álbum.

SHAPESHIFTINGALIENS | Showing My Face

Label: bandcamp Fecha de Lanzamiento: 12 de Marzo de 2018

MI AMIGO INVENCIBLE | Ciencias Naturales [ Por Benjamín York ]

Label: The Sublunar Society Fecha de Lanzamiento: 08 de Marzo de 2018

[ Por Benjamín York ]

Presentamos el cuarto single del dúo sueco formado por Niklas Rundquist y J.P Cleve. Después de los tres singles de adelanto, "Just a Boy", "Stay" y "Cut To The Bone", llega "Showing My Face" con un aire teatrístico con dosis vocales que nos recuerdan a Bowie, pero con un halo de misterio y electrónica llega este track que seduce al oído más selecto. ¿Synth pop?... puede

Nuevo EP de la banda mendocina, así como fue su anterior entrega “Nuestra Noche” de agosto del año pasado con tres canciones nuevas, Ciencias naturales trae tres nuevas composiciones, “Colmillo”, “Temblor” y “Piñas” son nuevas escrituras simples y bellas de Mariano di Cesare, con letras compartidas con Mariano Castro.

Canciones simples para escuchar a cualquier hora, con finesa estructural, una arquitectura sonora que rinde dentro de cualquier estado de ánimo que uno tenga, estas canciones te devuelven la sonrisa y el amor por lo simple.

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THE ORANGE KYTE | The Orange Kyte Say Yes! Label: Little Cloud Records Fecha de Lanzamiento: 16 de Marzo de 2018

[ Por Diego Centurión ]

7, psicodelia pura.

Nuevo álbum de The Orange Kyte, y ¡Sí!

Digámosle ¡Sí, al segundo álbum de The Orange Kyte!

BLACK NEEDLE NOISE La Diosa y el Hombre

|

Label: NoDevotion Records Fecha de Lanzamiento: 27 de Marzo de 2018 [ Por Benjamín York ]

The Orange Kyte ha lanzado su segundo álbum, y siempre es un tema los segundos álbumes para varias bandas porque es el momento de ratificar lo sugerido en el primer álbum. Y la banda de Vancouver había lanzado su debut “Grow It Right” hace menos de un año, precisamente en agosto del 2017, y ya tiene su segundo en la calle. La banda de Stevie Moonboots se la escucha más segura y apuntando a nuevos horizontes en este nuevo álbum. La banda renueva su sonido agregando teclados sesentosos, saxo como lo mejor de The Sonics, máquinas de ritmos básicas y guitarras que no abandonan la psicodelia pero que le suman el fuzz del shoegaze una buena muestra de todo esto lo podemos ver resumindo en su quinto track “Elvis Shot JFK”. Si bien el primer trabajo es muy bueno, en este las canciones tienen un sonido pleno y tiene una homogeneidad que lo hace un trabajo amplio pero que corre del primer track hasta el octavo como un flujo de energía eléctrica dentro de un cable, avanza a gran velocidad llevándonos y arrastrando todo a su paso. Los dos singles de este álbum, “Looks Like Me 2 Me” (track 6) y “Goats” (track 7), marcan bien la temperatura del álbum, el track 6 es una psicodelia envolvente e hipnótica y el track

Nuevamente el proyecto del gran John Fryer edita un nuevo single. La canción en cuestión, como es costumbre en BNN, tiene una nueva colaboración, en este caso firmado con la banda de Tijuana (Méjico) Madame Ur y sus hombres. "La Diosa y el Hombre" es un bello track que esconde una maravillosa interpretación de Azzul Monraz (vocalista de la banda mejicana), en donde despliega una gran cantidad de recursos vocales interesantísimos y la ambientación creada por Fryer oscila entre el dream pop de 4AD y el dark wave casi cabaret con intensos y elegantes pasajes oníricos y por momentos fantasmales, lánguidos, y todo construido de manera fantástica para que la voz se eleve de manera brillante. El estar cantada es español le agrega un condimento extra que lo hace aún mucho más atractivo. Azzul despliega todo su magia y atracción vocal dejando volar a su alter ego “Madame Ur” en una magnífica muestra de elegancia y carisma.

Una gran joya en la discografía de Black Needle Noise.

93MILLIONMILESFROMTHESUN | New Fuzz Label: White Light Recordings Fecha de Lanzamiento: 30 de Marzo de 2018 [ Por Diego Centurión ]

un baño tranquilizante de mareas de guitarras shoegaze que nos caen repentinamente y nos inunda y quedamos flotando en esas aguas mientras duren las canciones. ¡Altamente recomendado para los Shoegazers!

TIM LINGHAUS | Memory Sketches Label: Schole Records / 1631 Recordings Fecha de Lanzamiento: 30 de Marzo de 2018 [ Por Diego Centurión ]

El año pasado hablamos mucho de 93MillionMilesFromTheSun, ya que han realizado varias ediciones, tres EPs ("Without You Near", "Slowdive" y "Victory Is Ours") y el álbum “The Lonely Sea & The Sky”. 2018 arranca activo para el proyecto de Nick Noble, en este caso el nuevo EP, “New Fuzz” trae cinco tracks, que nos sumerge en sus océanos de guitarras que surcan las aguas en grandes cantidades de shoegaze. Escuchar estas canciones nos transmite esa belleza que este proyecto mantiene desde sus primeros trabajos como “Towards The Light” (2015). Todo el material fue grabado y producido en los 93 Labsy Supernova Studios Doncaster. Las canciones "Feel It Come" y "Rise" son nuevas canciones. "Slow/Fall" fue grabada originalmente para la versión en vinilo de su último álbum "The Lonely Sea &The Sky", pero nunca fue lanzada; "Lie Down" es una canción que fue grabada en el 2017 y terminada en este año; y el último track es “Never Knowing Why (Supanova Studio Mix)” cuya versión original nunca fue publicada. La música de la banda es semejante a recibir

Si me pongo a hurgar en mis recuerdos sería un trabajo que me traerían distintos momentos en los cuales he pasado por varios estadíos sentimentales, algunos felices y otros tristes. Pocas veces nos ponemos a traer a la memoria esos recuerdos y con el tiempo ellos desaparecen y se distorsionan. El ejercicio puede ser una manera de entender lo que somos en el presente o viéndolo más negativamente, podemos ver lo felices que fuimos...

Es raro pensar en una "colección de recuerdos" como premisa de un álbum, ése es el trabajo que se ha tomado el alemán Tim Lighaus para este "Memory Sketches". Como él nos dice: “La idea detrás de "Memory Sketches" es dar a los recuerdos particulares una forma, para preservarlos si lo desea. Así que recopilé una colección de mis recuerdos más preciados, como llevar a nuestra abuela al hospi-

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tal en una casa rodante, cruzando la frontera interior alemana en Bornholmer Street por primera vez poco después de la caída del Muro de Berlín en 1989, el momento de volver a casa desde la graduación, el funeral de mi padre y tratando de comunicarse con él a través de la radio, solo por mencionar algunos. En general, es una colección de momentos íntimos que cubren un período de aproximadamente veinte años. Los recuerdos más antiguos se remontan a mi infancia / juventud en los años 80 y 90, el último se remonta a 2002, año del fallecimiento de mi padre.”

Basándose en el piano como interlocutor principal, pero también hace uso de los sintetizadores. Aparece como invitado Sebastian Selke (CEEYS) en violonchelo en algunas pistas.

Y como una banda de sonido de su vida nos trae este álbum de una belleza majestuosa, pasajes sonoros de calma y reflexión, apaciguadas imágenes en color sepia, como instantáneas de un pasado lejano y conservado en el tiempo. Pequeños tracks con pequeñas impresiones de lo que fue transmutado a lo que es, y lo que será de acá en más. Un conjunto de pequeños recuerdos que se fusionan para crear un bello álbum de sonoras fotografías crepusculares.

ROB ZOMBIE | Astro-Creep: 2000 Live Label: Universal Music Enterprises Fecha de Lanzamiento: 30 de Marzo de 2018

[ Por Benjamín York ]

Así como las grandes bandas que deciden tocar íntegros sus mejores álbumes respetando el tracklist original, Rob Zombie echa mano de su archivo de su antigua banda White Zombie y decide sacar a relucir la fortaleza y perfección del mejor álbum de los zombies blancos, Astro-Creep 2000. Registrado el 18 de Septiembre del 2016 en el Douglas Park, Chicago, Illinois.

La banda que lleva adelante la tarea de encarnar esa formación legendaria de la

banda de los noventa está formada por los ex Marilyn Manson, Ginger Fish en baterista y John 5 en guitarra, y el bajista Piggy D., que viene trabajando con Rob Zombie. El resultado es muy bueno, el álbum de 1995 no pierde potencia y audacia con los veinte años desde su lanzamiento y las canciones son tan, pero tan buenas que suenan muy actuales, sin tanto agregado por parte de los "nuevos músicos" que se cargan al hombro estas nuevas versiones. Actualización?

Tributo a tiempos mejores? Nostalgia de lo bueno? Todo puede ser en estas épocas de recuerdos y de desempolvar viejos álbumes, o de tributos de álbumes memorables. White Zombie ha creado su mejor monstruo veintiún años antes de esta grabación, y el tiempo parece no haberle hecho daño, es más lo conserva tan espectacular como entonces.

Sólo faltó a la fiesta la formación original, pero todo no se puede.

DREAMTIME | Dreamtime Label: Gothic Music Records Fecha de Lanzamiento: 31 de Marzo de 2018

material del trío finlandés de Tampere, desde su primer lanzamiento “The Sleeper Awakes” (2007) rescatando material de compilados y EPs hasta su último EP del 2017, “Radium”. Un trabajo impecable que sirve para conocer esta banda de rock gótico puro, comparaciones siempre hay al pie del cañón, podemos decir que tiene lo necesario para gustar a los fans de The Sisters of Mercy, The Garden of Delight y Merciful Nuns, o algo de los primeros The Mission, con una tonalidad de voz que por momentos recuerda a Carl McCoy pero que mantiene un estilo propio. Un sonido pulcro, ceremonioso y refinado del más clásico rock gótico, sin aditamentos del metal, sino el sonido cristalino de guitarras arpegiadas y con algunos riffs sisterofmercianos de la época de Foodland o Vision Thing.

MERCIFUL NUNS | Anomaly (Grandmaster Pack)

Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 06 de Abril de 2018

[ Por Benjamín York ]

[ Por Benjamín York ]

Este lanzamiento es una compilación realizada por Oskar Terramortis para su sello Gothic Music Records. Para este álbum se tomaron el trabajo de remasterizar todos los tracks (16) que contiene la mayoría del

A esta altura hablar de calidad en los lanzamientos del trío de Artaud Seth, Jawa Seth y Jón Tmoh podría ser algo redundante sabiendo que siempre esa cualidad está por delante en sus entregas y "Anomaly

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(Grandmaster Pack)" no es la excepción a esta regla interpuesta por ellos mismos. Aquellos que conocen sus trabajos anteriores (los tantos trabajos ya editados) se encontrarán con lo que vienen a buscar, el sonido más puto del actual rock gótico, directo, sin muchas ornamentaciones instrumentales, bajo, guitarra, teclados, caja de ritmos y la profunda voz de Artaud. ¿Se necesita más para hacer rock gótico de alto vuelo? No! Sólo inteligencia y expresividad compositiva y esto es lo que diferencia a Merciful Nuns del resto de las actuales bandas del género. Fiel a su estilo de rock gótico tradicional y puro se mantienen en lo más alto de las bandas clásicas del género. Siete tracks que nos devuelven esos aires puros del estilo oscuro y rockero del movimiento que ha nacido en el siglo pasado y se mantiene inalterable a casi más de treinta años de su nacimiento.

La leyenda continúa...

GASTÓN MASSENZIO | Niebla Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 06 de Abril de 2018 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo álbum de Gastón Massenzio a quien entrevistamos a fines del 2017 por su álbum an-

terior, "La Presencia". En este nuevo trabajo de nueve bellas canciones nos trae un mundo de brillantez y magia, con el sobrevuelo casi consejero de un Luis Alberto Spinetta. En una charla que mantuvimos con Gastón nos decía: "dejé la vida en este disco". Pero si el aire spinetiano se hacía sentir, Massenzio lo deja bien en claro y aceptando lo que viene de eso, se anima a realizar una muy linda versión de "Bosnia", canción de Luis Alberto de su disco... La cuidadosa ejecución de las melodías y la instrumentación de la banda que acompaña a Gastón (Juan Irusta, Sebastian Briganti y Mene Savasta) hacen que el sonido vuele bien alto como una pájaro libre y sin destino, llevándonos a distintos paisajes con mucha belleza. Una minuciosa producción de Lucy Patane que hace que los arreglos se luzcan y embellezcan de manera sutil las composiciones de Gastón. Hay invitados como Daniel Tarrab, Claudio Lafalce, Sofía Malagrino y Jesica Mastromano.

Sobre Luis Alberto Spinetta, Gastón nos decía: "Es un referente gigante para mí, y siempre tengo pavor de copiar".

Y si uno escucha el álbum íntegro se da cuenta que el alma de diamante está presente pero Massenzio le da su propia espiritualidad y se adueña de un sonido que conocemos para crear un álbum hermoso, personal e irrepetible.

"Niebla" es un álbum conceptual según las palabras del propio autor: "El concepto son las distancias, las pérdidas, lo inalcanzable. Tengo muchas referencias visuales del mar de noche y lo difuso de la niebla.

Un poco la realidad. Los sueños.

Y todo eso mezclado entre las letras que atraviesan ese período de mi vida. Referencias literarias. Viajes."

Lo cierto es que "Niebla" es uno de los mejores lanzamientos discográficos del primer semestre del año. Un viaje por las estrellas que todos tenemos en nuestro interior y que pocas veces le dedicamos un tiempo para escuchar sus secretos. "Niebla" abre ese mundo interno que siempre queda relegado por la vertiginosidad de nuestros tiempos.

THE DAMNED | Evil Spirits Label: Search And Destroy/Spinefarm Records Fecha de Lanzamiento: 13 de Abril de 2018 [ Por Marianarchy Deadbilly ]

A diez años de su último lanzamiento y a seis de su visita a Argentina los fans de The Damned esperábamos ansiosos este nuevo material.

Para los que no los conozcan, podemos resumir que The Damned es una banda ecléctica. Influenciados por distintos estilos musicales, como el garage y la psicodelia, crearon en sus tres primeros álbumes un estilo particular de punk en el que destacaba la voz de Vanian.

Especialmente a partir de su cuarto lanzamiento (The Black Album) sumaron sonidos góticos y rockabilly. Esta especial mixtura de influencias fue "naturalmente" incorporada por la banda y de forma espontánea crearon su propio sonido.

Actualmente la banda está formada por: Dave Vanian (voz), Captain Sensible (guitarra), Paul Gray (bajo) Monty Oxymoron (teclados) y Pinch (batería). Como invitado Chris Coull en trompeta. Producidos por Tony Visconti (quien trabajó con T-Rex, Bowie, Iggy Pop, The Stranglers y Morrissey, entre otros).

El album abre con el épico "Standing On The Edge Of Tomorrow". El primer bien elegido corte

del álbum. Al comenzar la canción nos hace sentir dentro de una serie retro de agentes secretos y enseguida comienza el coro con melodías ya típicas de la banda. Dave Vanian pregona: "This time could be the last time" (Esta vez podría ser la última). Esperamos egoístamente que no...

“Devil in Disguise”. Tiene una vertiente más rockera, aunque el teclado aliviana la crudeza brindando sonidos garage-pop. Dave no pierde potencia, hasta parece fortalecido por los años, nos demuestra tener un amplio registro vocal y se confiesa en el coro: "Cause I'm a devil / A complicated rebel" (Porque soy un demonio/un rebelde complicado) .

“We ´re so nice” es una canción pop y psicodélica con reminiscencias de Syd Barret. Tanto las estrofas como el coro rebalsan melodiosidad conocida en anteriores trabajos de ellos. Aquí Captain Sensible nos muestra un trabajo impecable con la guitarra.

“Look Left” pareciera ser una canción de The Bee Gees o de The Beatles, pero la voz de Vanian nos canta una balada romántica y a la vez crítica del contexto en el vivimos actualmente en occidente.

“Evil Spirit” es la canción que da nombre al trabajo, encaja perfectamente en la marca "The Damned". Aquí nuevamente se destaca el solo de Captain Sensible y el bajo contundente de Paul Gray. Presten atención a las letras de Vanian, que siempre tiene mucho para decir.

“Shadow Evocation” el tema más oscuro del álbum, susurrante se te clava en la yugular, y como niebla penetra en tu respiración. No vas a poder dejar de repetir “Faster than ever before (whispering in my ears)” -Más rápido que nunca (susurrando en mis oídos)- cada vez de forma más aguda.

“Sonar Deceit” nos presenta un beat hipnótico en el cual el bajo juega en toda la canción. Al ritmo soul la vital voz de Vanian es acompañada por un coro de sirenas.

“Procastination”: la maldita y aburrida postergación es acompañada con una base acorde al sentimiento de la letra, y de a poco va mutando en un puente de melodias sesentosas.

“Daily liar”: trompetas para esta gran canción, en la que el “reverendo” Vanian nuevamente nos

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demuestra la versatilidad para cantar desde melodías pegadizas hasta un frenético-gospel-Elvis.

“I don´t care” esta es la última canción del álbum en donde la voz profunda nuevamente se luce con un acompañamiento de piano: "I don't care at all” (No me importa nada en lo absoluto), se agrega la banda, el equipo completo, todos brillan. El sonido final de una trompeta con sordina me inspira a elegir un buen scotch y a brindar con ustedes por el regreso de esta gran banda. The Damned se despide.

En conclusión, “Evil Spirits” tiene un sonido retro y actual a la vez. Está magistralmente mezclado, podemos escuchar detenidamente todos los detalles y arreglos. La banda suena prolija, potente, creativa, incluso continua incorporando nuevas combinaciones. Cada integrante tiene su lugar bien puesto en el grupo y lo demuestra en cada canción.

La eclecticidad sigue siendo parte de la fórmula: punk, oscuridad, psicodelia y alguna sorpresa nueva.

The Damned nos demuestran una vez más que tienen el mismo sentir desde la adolescencia, renovado y actualizado por la experiencia. Esto se nota en la forma de tocar, en sus letras, en sus recitales y en las producciones. Siguen adelante con la energía juvenil que los caracteriza desde 1976.

Les recomiendo aprovechar este álbum acorde a la calidad de The Damned. Melancólicos setentosos abstenerse, estamos frente a unos "Sesentones frescos".

A PERFECT CIRCLE | Eat the Elephant

Label: BMG Fecha de Lanzamiento: 19 de Abril de 2018 [ Por Pablo Ravale ]

Nuevo álbum de estudio, después de catorce largos años –y una gira de “regreso” con la que venían amagando desde 2011–, de la banda paralela a Tool del incomparable Maynard James Keenan.

Eat the Elephant nos invita a emprender uno de los viajes más placenteramente inesperados que podamos realizar este 2018. El piano y la batería se erigen como los principales propulsores de una pieza minimalista con mil matices en los que este quinteto (integrado, aparte de Keenan, por los guitarristas Billy Howerdel y James Iha [The Smashing Pumpkins], el bajista Matt McJunkins y el baterista Jeff Friedl [al igual

que Keenan, también en Puscifer]) nos conducen a una travesía de 57 minutos hecha a la justa medida de los amantes del mejor rock alternativo; y, en especial, dirigido a aquellos para los que el ruido no siempre es suficiente, para los que gustan de buscar más… aquellos realmente despreocupados de qué instrumento se luce más que otro.

Con una lírica fascinante, Eat the Elephant toma forma en un trabajo de estudio artesanal, con un férreo Dave Sardy a los mandos para que esta vez Billy Howerdel despliegue todo su oficio de hombre orquesta (guitarra principal, piano, teclado, programaciones y coros), y con un pletórico Maynard James Keenan en el trabajo vocal más sutil y melancólico de toda su carrera. En este, su cuarto álbum de estudio, encontramos a unos A Perfect Circle con un ingrávido tejido sonoro que arropa de esa reconfortante manera capaz de hacerte brotar las lágrimas, en doce emotivas piezas pacientemente meditadas.

Lo admito, con este álbum bajé la guardia, me dejé llevar por Maynard y Billy, y el resultado no pudo ser más reconfortante. Celebré los nuevos registros de un Keenan inconmensurable, rayando el aura propia de artistas como Antony Hegarty o Peter Gabriel, y todos aquellos arreglos de auténtico tratamiento analógico que contiene el disco, como en la extrañamente luminosa “So Long, and Thanks For All the Fish”, dedicada a los astros de la música recientemente perdidos (Bowie, Prince). También me emocioné con la evocadora “By and Down the River”, en la que Keenan directamente se muestra como un ser superior, al igual que puedo afirmar que pasarán lustros hasta que me aburra de piezas como “Hourglass”, experimento electrónico con filtros vocoder en el que Gary Numan y Trent Reznor podrán verse reflejados. Clásicos más encuadrables en el universo APC (con el innegable gusto por el catálogo de Failure) como “Talk Talk”, o “Feathers”, mantienen el asombroso nivel en el que todo es alma y nada resulta tibio… Y no tengas miedo a derretirte con “Delicious”, preciosista y romántica hasta un punto que causa cierto rubor. Inabarcable si le sumamos los nuevos mundos que nos traen “Disillusioned” o “The Contrarian”, de una intensa delicadeza, o la mordacidad agazapada de la amenazadora “The Doomed”.

Sí, este es el disco que algunos estábamos esperando, un nuevo tesoro escondido para el que sepa dejarse conmover. Un trabajo altamen-

te adictivo, donde una aparente palidez se torna carmesí. Sin un patrón previsible, y con una autoimpuesta negación a lo inmediato, A Perfect Circle han querido sorprender sin hacer ruido, y bien que lo han conseguido.

Delicadamente intenso.

MARK PETERS | Innerland Label: Sonic Cathedral Fecha de Lanzamiento: 20 de Abril de 2018 [ Por Diego Centurión ]

Aunque parezca mentira, después de seguir tantos años la carrera de Mark, ya sea con sus Engineers o con sus colaboraciones, ha llegado el momento de ponerle el pecho a las balas y mostrarse bajo su propia mirada, desnudando su mente frente al público, con sólo su nombre como referencia.

Si bien en diciembre existió la posibilidad de poder obtener unas primeras copias en cassette, es indudable que el lanzamiento oficial es éste. Su primer disco solista. Innerland es un viaje de ocho tracks instrumentales que nos hacen comprender que la música sin voces que nos cuenten algo, también nos narran estados de ánimos que florecen con cuidados acordes, o con perfectas sincronías que nos abordan desde la simpleza y las delicadas composiciones que Peters nos regala en éste, su debut como solista. Pequeños parajes verdes en medio de una ruta, como nos deja entender desde la portada diseñada por Marc Jones. Un que nos lleva por sonoridades diferentes pero siempre sugerentes.

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