Revista The 13th N° 47 by Revista The 13th

AÑO: 5 | NÚMERO 47

THE 13th UN A R E V IS TA IM A GINA RIA

STAFF Julio 2018 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Literatura ]

REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Pablo Ravale

Diego Centurión sobre un diseño de

Benjamín York

Franco Doglioli

Julieta Curdi.

Darío Martinez Diego Centurión

[ Departamento de Artes Visuales ]

TRADUCCIÓN

Gabo Rojo

Diego Centurión, ARMS.

Pablo Müllner

Maxx Wild

Pablo "Mambo" Rivas

Pablo Müllner PORTADA

Marianarchy Deadbilly

[ Fotografía ]

ARMS

Marina Cimerilli

Nazarena Talice

Jefe de Departamento de Colombia:

Jairo Mansur

Lily Moonster

Franco Colombo

Marina Cimerilli.

Rubén Torres

Fabián Resakka

César León Jefe de Departamento de Literatura: Pablo Ravale. Jefe de Departamento de Música:

[ Departamento de Colombia ] Alejandro Cenizacromada

Diego Centurión

Bernardo Jiménez Mesa César León Natalia Storm

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Marian Dames - Paulo Cifuentes - Aldo Bernuzzi – Cristián Chavarri - Nicolás Granado – Sebastián Gentile - Cristián Moreno.

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

Pronto Novedades...

ÍNDICE

¿QUÉ BEBER PARA

ESCUCHAR MEJOR?

THE BLUE HOUR

NUESTROS AMIGOS ELÉCTRICOS

ACTOR DE REPARTO

EL CAMINO DESNUDO

THE ROOM

CASTLEBEAT

IN THE WOOD

IN HER EYE

MUSIC CORNER

MAGIA MARVEL

? JAVIER CORCOBADO

JÜBL

HIDDEN TRACK

EL RECOMENDADO

NETLABELS

WHIMSICAL

TRÓPICA OBSCURA

PURA MELOMANÍA

116

146

184

SWOONE

EN LA MIRADA

100

RAT SCABIES

DANIEL LAND

DE LOS OTROS

NOT YET

ENTREPISOS RADIO

126

152

112

PALABRAS EN LA ARENA

EN CONCIERTO

132

168

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

192

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

Godfather Róisín Murphy– Mi Senti (2014) Es muy difícil que una persona sorprendente mantenga el factor sorpresa con un nivel constante, generalmente uno se va inmunizando de sorpresas en el arte pero Róisín Murphy no deja de sorprenderme. Esta hermosa irlandesa en 2014 editó un EP completamente en italiano, reviviendo algunas canciones clásicas del pop italiano junto con un tema propio. De la mano de su eterno partner musical Eddie Stevens y su partner en el amor Sebastiano Properzi crearon un espectacular mix de ingenio, música electrónica y tradición de la canción romántica. No me puedo quedar atrás en sorpresas para este disco elegiré un Godfather (1 parte de Amaretto y dos de single malt whisky, junto con una roca de hielo) una mezcla italo-irlandesa tan sorprendente como este trabajo y muy reconfortante para estos meses fríos. El viaje comienza con Ancora Ancora Ancora, originalmente cantado por Mina, un crescendo desde el más pálido lo-fi downtempo a un ensamble neo-retro casi caricaturesco pero tan atractivo que enamora. Pensiero Stupendo de Patty Pravo es la segunda estación, frenéticamente electrónico pero tan tranquilamente cantado (junto con juego de voces) que balancean perfectamente como las dos bebidas que no combaten sino que se potencian en mi vaso corto. El súper bailable Ancora Tu de Lucio Battisti es tan sexy como complejo, perfecto para escuchar de a dos en una terraza mirando un atardecer amalfitano. En este momento llega el único tema que no es un cover, In Sintesi, una reminiscencia Italo-Disco de bajas bpm, pícaro y bailable, refrescante. Otro de Mina, Non Credere, versión muy similar a la original y así debía ser para este clásico romántico que en boca de ambas, transporta y eleva la temperatura (casi tanto como el Godfather). La Gatta de Gino Paoli es la última parada, casi naif, nos transporta a un tejado para esperar la caída de la noche y seguir soñando un romance musical interminable. Este experimento en forma de EP, que podría estar tanto en la batea Lounge como en la clásica, podría haber tenido el doble de canciones y ser el doble de genial, con una Róisín que no habla una palabra de italiano (y se nota en la pronunciación de las erres) llevando adelante con presencia que la caracteriza; una joya escondida en estos tiempos donde la falta de creatividad abunda. Rescato la preservación de la esencia de los temas originales, que recomiendo escuchar, para darse cuenta del valor de este trabajo, que respeta y no rompe sino que construye sobre lo construido y destruye cualquier prejuicio sobre el meloso género. Luego de varios Godfather, luz tenue y otra pasada de Mi Senti, solo queda decir… ¡Salud!

[ Entrevista a Aldo Bernuzzi de In Her Eye por BenjamÃn York. ]

UN RIO QUE FLUYE INTERMINABLEMENTE CON FUERZA Y PASION

El 1° de junio pasado se ha editado el tercer y nuevo álbum de la banda italiana “In Her Eye”. Nacido como trío en el 2011 y que para este trabajo se transforman en cuarteto. Con un shoegaze impecable, pulcro y bello, la banda ha respondido a nuestras preguntas, estableciendo un puente que nos regresa al Italogaze que suma otro gran álbum a su historia.

¿Cómo nace la banda y por qué el nombre? La banda nació oficialmente con este nombre en 2011, a pesar de que ya existía con un nombre y un estilo musical diferentes. Hemos sido amigos por una vida y comenzamos a tocar juntos. El nombre nació cuando decidimos complacernos con el cambio musical que sentimos la necesidad de hacer. En ese momento teníamos un nombre diferente pero similar (que no le vamos a decir, queremos mantener un pequeño secreto al respecto) pero necesitábamos algo "más dulce". A Giuseppe se le ha preguntado varias veces por qué lo femenino se usa a menudo en sus letras. Y dice que la mujer puede representar perfectamente el sentido de la vida. Entonces, el nombre de la banda en sí representa el ojo femenino. El punto de vista femenino está en todas las canciones de In Her Eye. En 2011 lanzan el álbum debut "Anywhere Out Of The World", ¿qué recuerdan de aquellos años? Estábamos muy emocionados. Básicamente, grabamos el álbum en nuestra sala de ensayo con un amigo que acababa de empezar a trabajar como ingeniero de sonido, por lo que pudimos pasar mucho tiempo trabajando en él, experimentando sonidos y efectos. Grabar y mezclar tomó casi un año de trabajo. Demasiado probable, pero teníamos mucho material, incluso material antiguo, así que teníamos que hacer todo esto homogéneo. Desafortunadamente, la etique-

ta que lanzó el álbum realmente no nos apoyó. 2014 lanzan "Bordeline" un EP y luego se mantienen poco activos, contribuyendo para tres compilados de "The Blog That Celebrates Itself", además de estas colaboraciones, ¿qué han estado haciendo? Trabajamos en el nuevo material y lo tocamos en vivo. A veces somos muy activos, a veces somos lentos, pero siempre trabajamos sobre algo. Y mantuvimos contacto con las otras bandas italianas de la escena que crecía... Ya han cumplido los primeros diez años de existencia como banda. ¿Qué han aprendido que no hay que volver a hacer? Es mejor trabajar solo que trabajar con alguien que realmente no te apoya y que sólo quiere ganar dinero. Segundo álbum de la banda se llama "Change", cuéntame sobre esta sensación de cambio al que refiere el álbum. Consideramos "Change" como nuestro tercer álbum en realidad. "Change" está dedicado al movimiento, a la transformación. En los últimos años, pasamos por muchos cambios: relaciones rotas, nuevas relaciones, nuevos nacimientos, nuevas filosofías de vida. Todos nosotros tuvimos su cambio de cara. La alineación también ha cambiado. Se trata de despertar a la verdadera esencia de la vida, que es un cambio constante. El punto de

demarcación es aceptar y no ser víctima de la transformación. Cambiarte constantemente y adaptarte como el agua a las situaciones. Es como un río que fluye interminablemente con fuerza y pasión. Queríamos que esta energía y fluidez se sintieran en el álbum. Se acaba de incorporar Raffaele Bocchetti ex Stella Diana. ¿Qué le ha aportado Raffaele al sonido de In Her Eye? Raffaele ha traído la experiencia de un gran músico. Es un arreglista increíble, con un gran sentido de la melodía y un tipo genial también. Él nos ayudó a estar más enfocados. Y él vino de una banda que siempre amamos. Al principio no estamos seguros de la integración de otro miembro de la banda, porque ya sabes, tres es el número perfecto. Pero estábamos equivocados. El cambio hubiera sido imposible sin Raffaele.

punk. ¿Ustedes con qué bandas tienen amistad? Tenemos amistades con muchas bandas geniales, todas involucradas son la escena llamada "Italogaze": Stella Diana, Rev Rev Rev, Clustersun, Electric Floor, Klam, The Mystic Morning, Novanta, y muchas otras. Es una escena muy genuina con un fuerte sentido de "underground", que comenzó a crecer espontáneamente con un grupo de bandas que se respetaban y se apoyaban mutuamente. Luego, este movimiento comenzó a escucharse fuera de Italia, gracias al trabajo de dos grandes blogs que ayudaron a mantener un rumor constante: Shoegazin 'Your Waves (que ahora también es una radio web) y Shoegaze Blog. Estos dos blogs, con Seashell Records y Vipchoyo Sound Facotry, acaban de lanzar el "Chiaroscuro". Italogaze 2018 "compilación y le recomendamos que la escuche, si desea tener una idea más clara sobre este fenómeno.

La escena italiana tiene muchos referentes dentro del shoegaze y el post Si tuviesen que elegir el sonido que

más los identifica ¿qué canción del nuevo álbum sería? No sabemos si nos identifica más, pero nuestra canción favorita de Change es "As in a Dream". Esta canción proviene de un sueño. Giuseppe de repente se despertó con la melodía y el estado de ánimo en su mente y lo probó en su guitarra acústica. No estábamos tan seguros de esta canción al principio porque en ese momento la canción se conectaba a la mente de Giuseppe mejor que al resto de la banda. Pero la música es más fuerte que las palabras, así que al final encontramos una forma de conectar y la canción comenzó a tomar forma. Añadimos sintes en esta canción también, para crear un ambiente evocador, para representar el sentido de la eternidad de la existencia, la visión de un posible futuro mejor y la conciencia de ser parte del todo. Conexión entre todos y cada uno. En esta canción, Giuseppe tocó una tercera guitarra para darle a la melodía un tono perfumado, suave para la oreja. Al final de la canción, puedes sentir

nuestra determinación de hacer realidad el sueño y tal vez (con un poco de pretensión) lo logramos. ¿Cuánto tiempo les llevó escribir y grabar el nuevo álbum? Tomó un par de años escribir todas las canciones y tres meses para grabar, mezclar y dominarlo. ¡Así que hemos sido bastante rápidos esta vez! El álbum está pronto a editarse, ¿ya piensan presentarlo en vivo? ¡Por supuesto! Nos encanta grabar discos, pero nos encanta aún más tocar en vivo. Te da emociones y energía increíbles, es como un estado catártico. Y te permite conectarte directamente con las personas. Para ir finalizando ¿qué planes tiene In Her Eye para este 2018? Queremos tocar en vivo lo más que podamos y nos gustaría tocar en vivo en el extranjero. Seguiremos promocionando el álbum: estamos trabajando en un video

DYI para la canción "Change" y estamos planificando otro video para "As in a dream". Así que estén atentos porque aún está por llegar. Si hay algo que no haya preguntado y quieran contarnos, éste es el momento. Sea de mente abierta y recuerde siempre mirar sus zapatos. Gracias In Her Eye por responder nuestras preguntas. ¡Gracias Benjamín!

[ Por Pablo Müllner ]

Esperando Ansiosamente La Hora Más Azul Un Adelanto del Nuevo álbum de The Blue Hour En la edición de Mayo de The 13th charlamos largo y tendido con el dúo The Blue Hour (ver la nota: “Moviéndose a través de un cielo florecido), sobre su carrera y sus contratiempos. Ellos –Brian y Marselle Hodges- fueron tan encantadores y elocuentes como su propia música, que puede ofrecernos calma y calidez sin nunca resignar su densidad e intensidad. Hay algo trascendental, siempre están preguntándose sobre cuestiones filosóficas con sus sonidos y sus letras, incluso con sus pausas y silencios, The Blue Hour se mueve entre los extremos de luz y oscuridad, vida y muerte, el mundo occidental y el Oriente, la vigilia y el sueño. Como preciado obsequio por nuestras preguntas, que intentaron ser interesantes, ellos nos dieron tres canciones bellamente desgarradoras, canciones que estarán entre los doce temas de su próximo álbum “In Every Breath” (En cada respiro). Acá les presentamos algunas reflexiones sobre el Nuevo material de The Blue Hour, que para nosotros es algo así como un regalo celestial:

Embrace Not the Hand (algo así “No tomes mi mano”) Bien, hablamos mucho sobre el elemento etéreo, lo barroco, de su música, y claro las hermosas vocalizaciones al estilo Cocteau Twins. La voz expresiva, cálida de Marselle sube y sube el tono hasta llegar al registro más agudo, con total naturalidad. Por supuesto, el trabajo de capas de voces está presente muy a la manera de Cocteau, pero con la diferencia de que aquí las voces no están manipuladas al extremo de no entenderse las palabras como sucede con la banda de Liz

Frazer. En lo instrumental varias percusiones electrónicas entran y salen sin entrometerse demasiado, más bien empujando el ritmo como latidos, latidos nerviosos como de pequeños pájaros, y también algunas máquinas de escribir afiebradas, en estado de pura inspiración. La guitarra de Brian suena extremadamente gentil y suave, como proveyendo las perfectas hojas de loto, para que las hadas se posen y canten sobre sus historias mágicas.

Marselle: Esta canción vino a mí de una manera completamente distinta. Escuché primero la melodía vocal en mi cabeza muy clara, como si existiera en otro plano. Todo lo que tuve que hacer es forzarla a existir buscando palabras que encajaran en lo que estaba escuchando, dejando que mi boca cree las palabras. Fue casi automático, pero tenía confianza en que al final saliera algo con sentido. Por eso atribuyó las letras a algo que hablaba a través de mí, produciendo algunas imágenes interesantes como: “El poder del amor proyectando un rayo” (Love power reflecting beam). ¡Amo eso! Brian: Quería que la canción fuera etérea y frágil como una telaraña. Quería que pareciera como si pudiera desintegrarse en un respiro, sin substancia como un fantasma (escuchen detenidamente y se escuchará una cadena siendo arrastrada de fondo), para servir de apoyo a las voces fuera de otro mundo de Marselle. Las baterías fueron pensadas para sonar ansiosas y fuera del centro, sumando a la idea de “arrastre” de la canción, dando una sensación de delirio. Knots: Aquí los beats están mucho más en el foco, sonando tan rítmicos como grandes bloques de hielo quebrándose pacífica pero peligrosamente sobre las más frías, azules aguas. El ambiente “noir” (policial negro) está presente y nos lleva a otro escenario: Marselle se oye celestial pero ahora más como una cantante “torch”, una cantante de un lounge de otro mundo, como lo era Alison Goldfrapp durante su primera era de Felt Mountain. Entre los neones de un night club, Marselle suena tan prístina, que casi nos rompe el corazón: “You breath me in, In breathyou in…” (Vos me respiras/ Yo te respiro) (suspiro del que escucha) Teclados y guitarras se funden un delicado pero turbulento índigo que se arremolina detrás. Una tormenta se anticipa en el oscuro horizonte. Marselle: Para mí la música estaba llena

de ambiente y humo. Al instante me pareció que necesitaba menos capas de voces que otras canciones, para realmente darle esa intimidad y llevar al oyente a un lugar nuevo. ¡Encontraste la imagen de la canción inmediatamente! Es un bar semi iluminado de ensueño en una noche encendida, con un aire de humedad tormentoso. Me imagino como una cantante “torch” moviéndome lánguidamente por el escenario usando un vestido largo, sexy, con guantes largos haciendo juego, seduciendo a mi audiencia con mis movimientos femeninos. Brian: Me encanta como David Lynch interpreta el cine negro. La música de “Knots” es la versión Lyncheana de una canción “torch”, tomando cosas tanto de Marc Almond (de la era “Open All Night”) como de Portishead para crear un escenario desorientante pero atractivo, de un night club sensual. Quería que la música fuera más simple que una típica canción nuestra, entonces me enfoqué en una sola nota de guitarra tremolo y un “beat” muy directo para que la canción se meciera como emborrachada sobre una base sólida. A fevered dream (Black Heart) (Un sueño afiebrado, Corazón Negro) ¡Guau! Esta canción es realmente esa noche tormentosa que se veía venir! Es como una fogata en una cabaña en el medio del bosque durante la noche más cruel del invierno. En estos momentos es cuando siento que The Blue Hour componen perfectas melodías del Oriente. Cuerdas disonantes, y flautas, se entretejen con total gracias entre las guitarras acústicas que arrastran la melodía. Aquí Brian y Marselle hacen un contrapunto vocal: “Where do you sleep? Where do you dream?” (¿En dónde estás durmiendo? ¿En dónde estás soñando?) ¿Hay preguntas más hermosas para hacerle a un ser amado que ésas? No creo. Las voces se fusionan en sus contrastes de graves y agudos, como si Nick Cave y Kate Bush cantasen a dúo, pero con una química que solo conseguirían si además

fuesen amantes. ¡Un sueño afiebrado, nada menos! Brian: “A Fevered Dream” es muy simple, pero muy evocativa. Es mi intento de hacer un estilo Gótico Americanoy Etéreo. Había estado leyendo “Sueños en la Casa de la Bruja” de H.P. Lovecraft, y me pegó eso de crear una historia muy íntima para que el lector pudiera sentir lo mismo que el protagonista está experimentando. Escribí la letra pensando en el imaginario de Lovecraft, para desdibujar la línea entre la historia de amor y la de terror. Me sorprendió lo oscura y sexy que quedó, cuan visual es, dándole al oyente un sentido del tiempo y el espacio.

Esta canción me sorprendió, ojalá sorprenda a nuestros fans también Marselle: Ésta es actualmente mi favorita. Me recuerda al Sur Profundo o al estilo de marcha fúnebre de Nueva Orleans. Sexy y siniestra al mismo tiempo. Moving Forward (Moviéndome hacia Adelante)/ The Flowering Sky (El Cielo Florecido): Hablamos ya en la entrevista de estas canciones. Después del reportaje supimos exactamente que trágicos sucesos inspiraron la letra de “Moving Forward”: la mamá de Marselle murió el año pasado. “How can you

be in a better place? When I am here, without you?” se pregunta: “¿Cómo es posible que estés en un major lugar ahora? ¿Si yo estoy aquí, sin vos?” Es el desgarro de la pérdida llevado a otro nivel. Es filosófico y crudamente emotiva al mismo tiempo. Brian se oye como si tocara sitaras y golpeara pequeñas campanas percusivas, como un gurú tratando de “armonizar” el dolorido espíritu de Marselle. “The Flowering Sky” funciona como el perfecto contrapunto: ambas canciones son como yin/yang. En cuanto a lo lírico, “Sky” habla del regreso de la Primavera, es una oda a todas las cosas que florecen, y se puede entrever que además hace referencia al momento donde el dolor te deja ser libre otra vez. Esa clase de momentos siempre seguirán viniendo a nuestras vidas, mientras estemos vivos. ¡Gracias a dios! Nos complace que hayas encontrado ese balance entre las dos canciones, que son

además los dos primeros sencillos. La decisión de editar “Moving Forward” y enseguida “The Flowering Sky” tuvo esa intención. Moving Forward, es muy devastadora, el dolor en la voz de Marselle es real. Terminamos usando las grabaciones que hizo Marselle, grabadas en su propio iPhone! Porque las hizo tan pronto como su mamá falleció, y nos pareció que nada podía reemplazar la autenticidad de esas voces. Después de eso, necesitamos la celebración embriagada de “The Flowering Sky”, levantar nuestros ojos hacia el sol, luego de un periodo tan oscuro, necesitábamos recordarnos a nosotros mismos de la vida que florece alrededor nuestro. ¡Muchas Gracias, Brian y Marselle, estamos disfrutando mucho de las nuevas canciones! ¡Gracias, Pablo! ¡Siempre interesados en leer sobre tus impresiones respecto de nuestra música!

[ Entrevista a Mejor Actor De Reparto por Pablo Müllner. ]

PÁNICO Y LOCURA EN HAEDO

29 Mejor Actor de Reparto es una banda formada en 2012, en la Zona Oeste, en Haedo, más precisamente. Para quienes no los conocen, ellos son Mauro Duek en voz y guitarra, Alejo Lecoura en Bajo, Ramiro Colomer en batería y Julián Gandara en sintetizadores y guitarra. Y para quienes no conocen Haedo podría describirse como un barrio “modelo”, con casas elegantes de clase media alta, jardines prolijos, parques bien cuidados, una estación de trenes muy pintoresca. Un aire de confort recorre sus calles, y el forastero no puede dejar de pensar que hay cierto alarde de “no estar apremiados por el dinero” ni tampoco por la velocidad maniática de la Capital. Si fuéramos una revista inmobiliaria de la zona nos quedaríamos con esa primera imagen. Pero siendo una con ánimo más detectivesco por ahí descubramos que por debajo de esa fachada elegante hay algo mucho más incómodo, áspero. Como nos gusta hurgar en la herida y toparnos con lugares inhóspitos, elegimos entrevistar a Mejor Actor de Reparto, cuya música angulosa, irregular, filosa, sus letras sobre la alienación y la soledad urbana nos parece un gran soundtrack para esa Ciudad Oculta. Así como Nirvana nos daba una postal poco amistosa de Seattle, o Portishead nos desaconsejaba la zona balnearia de Bristol, las canciones de esta banda nos sugieren algunas memorables viñetas sobre el pánico y la locura de vivir en la Buenos Aires modelo 2018.

Hola, muchachos, un gusto. Espero que la intro no les haya parecida demasiado dramática, pero debo admitir que me metí de cabeza a escuchar los discos (“Mejor Actor de Reparto” de 2013 y “Humilde frente al mar” de 2016), y desde el principio me comí ese viaje, arrancando por la primera canción “Probablemente Nada”. ¿Les parece que va por ahí? Hola, muchas gracias por la reseña de sensaciones que te generó el recorrido de la banda. Hay algo muy acertado en eso, en la búsqueda de la herida, de mostrar el lado oculto y guardado, algo neurótico y enfermo de la forma de vida que llevamos. Yo creo que el primer disco habla de cómo se siente vivir en cualquier ciudad, no solamente Haedo. Creo que habla de las sensaciones normales que atraviesa una persona que llega a los veintipico y empieza a sentir frustraciones, desencuentros. El disco habla principalmente de un desamor, una gran desilusión. No con terceros, si no propia. En aquel momento, cuando fue escrito, yo estaba atravesando tanto rupturas amorosas, como amistades fallidas. Y todo me hacía sentir que hacía mucho tiempo

venía guardando muchas cosas y me sentía abiertamente falso con mi entorno y conmigo mismo. Un poco la vida moderna te pasa por encima y vos tenés que estar lo suficientemente preparado y armado como para no dejarte caer en la depresión o la distracción constante para mantenerte en foco. En esa época claramente no estaba pudiendo y de esa sensación sale el disco. Por eso el mismo termina con la canción "Construcción", que plantea la idea de que a veces hay que dejar que algunas construcciones se derrumben, para armar nuevas. Enseguida me encontré con “El Oscar”, que además es el primer single del primer disco, y sentí que el tema de la frustración, la obsesión, la locura estaba bien claro como propuesta “argumental”, mientras que en sonoramente los sentí bien cerca de Londres año ´77, quizá más pulidos desde lo instrumental, pero desde la voz, la forma de cantar de Mauro, se me vino el primer Johnny Rotten. Gracias por el halago. Un poco la canción "El Oscar", como también "Probablemente

(y por suerte la verda ) tuve que bajar un poco la guardia, olvidarme del berrinche sobre si soy el principal o no, porque a fin de cuentas todos somos el personaje principal de nuestras vidas y es una gran pérdida de tiempo y Ya con el segundo disco de 2016, me pa- energía estar mirando a los costados, vienreció que no abandonaban del todo ese do que le toca al vecino. Y darme cuenta que “suciedad” y esa “furia”, pero que le in- no importa con cuanta fuerza peleé y nade, corporaban algo más de introspección, siempre voy a perder si la pelea es contra el desde lo compositivo canciones más len- mar, siempre la marea va a ser más fuerte, tas, melodías más “aéreas”, más espa- por eso "Humilde frente al mar" cios de silencio. Eso está bien claro desde Por otro lado el disco desde el título misel primer tema “Caminando sin fondo”… El segundo disco poco y nada tiene que ver mo “humilde frente al mar”, pasando por con el primero. Para empezar el primer dis- algunos títulos de canciones me hacían co fue compuesto cuando todavía estaba sa- flashear un poco la historia de este ideal liendo de mi adolescencia, entrando muy len- porteño de tener un departamento o una tamente y sin conciencia en mi adultez. El casita frente al mar, pero como algo más segundo disco me agarra ya de lleno en ese cercano a la pesadilla que al sueño. Una proceso. Con mi madre muriéndose, mi fami- ciudad balnearia bastante triste, destruilia devastada ante la situación. Involucrado da por la recesión económica. Puede ser, nunca lo había pensado de esa en una relación sentimental mucho mas adulta y real. Y el disco habla de eso, de ese mo- manera. Siempre lo vi mas como la idea de mento de mi vida. En el cual por fuerza mayor querer imponerse ante cosas que no tienen Nada", plantean la esencia de esta idea de ser "el mejor actor de reparto", que no es el principal, pero tampoco es cualquier actor del cast, es el mejor entre los que no son nadie

sentido hacerlo. Quizá fui llegando a esas conclusiones medio extrañas porque fui siguiendo también la historia que van construyendo con sus videos, que la verdad son bastantes y con mucho trabajo. Me parece que la parte “visual” se la toman bastante en serio y tienen muchas ideas para plasmar en ese terreno, no? Con los videos tratamos de plasmar de la manera más fiel la idea de la canción. En el video de "Caminando sin fondo" tenemos a un personaje que es perseguido constantemente por una presencia, que no logra interpretar ni definir, pero que lo agobia. Un videoclip bastante kafkeano. Con "No hay que desperdiciar" tratamos de plasmar la idea de que aunque las cosas no salgan como uno las espera, hay que tratar de sacar lo mejor de las situaciones.

humor irónico, pero a la vez habla desde personajes tristes, solitarios, medio borders, creo que en ese sentido los videos que siguieron construyendo “ese argumento”. ¿Cómo se dio? ¿Se fue dando así o fue un plan fríamente calculado? Fue bastante pensado todo, los videos los realizamos nosotros mismos. De hecho los escribo y dirijo yo.

El último disco salió en 2016, a fines del año pasado sacar un single “APAPAMONONO” que suena tan filoso como el resto de lo que hicieron pero como novedad tiene una sensibilidad más pop, en los estribillos, los arreglos de voz, que se yo, como un Virus mucho más punk, grunge. ¿Lo nuevo de Mejor Actor de Reparto vendrá por ahí? El próximo disco de la banda, que saldrá en muy poco tiempo, tiene una cuota más romántica, nostálgica y frágil que los anterioYa desde el primer video “El Oscar” hay res. Es por lejos mi disco favorito de la banalgo muy cinematográfico que tiene un da. Habla ya de lleno sobre la vida adulta,

sé a mí me dicen, quien ese ese tipo, y yo al toque veo a Kevin Spacey en Los Sospechosos de Siempre, por ejemplo. ¿Para ustedes quién es/son ese/esos Mejor Actor de Reparto? ¿Cómo viene el 2018 hasta ahora para la Yo creo que Kevin Spacey no está en la cabanda? ¿Y cómo ven lo que falta del año tegoría por el simple hecho de que conoces en lo que hace a shows, proyectos, gra- su nombre, es una estrella. Hace unos años baciones? hubiera dicho Steve Bucemi, pero también se Por lo pronto en muy poco tiempo, un mes, volvió demasiado famoso para la idea. Hoy va a salir un nuevo adelanto del disco. Mi can- en día te diría un Sam Rockwell, que si te digo ción favorita también de la banda que se lla- el nombre lo más normal es que no tengas ni ma "Collage". Luego, en Agosto. Sale el dis- puta idea de quién es, pero si ves una foto lo co completo sacas al toque. los recuerdos, el peso del pasado y el roll que juega en el presente y las distintas formas de sobreponerse a eso y reconstruirse constantemente.

Finalmente, creo que el título de la banBueno, quería ahora sí despedirme, y da deja mucho a la idea que tiene el oyente dejarles un espacio para comentar si falto de quien es el Mejor Actor de Reparto, el mencionar alguna cuestión. ícono de esa categoría por excelencia, no ¡Saludos, Mejor Actor de Reparto, y un gusto!

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: JACK AANTONOFF UN NOSTÁLGICO REMOZADO

Jack Antonoff es uno de esos personajes que, al menos por estas latitudes, poca gente registra como el multifacético creativo que en realidad es. En mi caso, fue a fuerza de leer su nombre en reiteradas ocasiones que empecé a prestarle mayor atención. Si pensáramos en lo más destacado de su carrera, sin dudas coincidiríamos que el punto máximo de reconocimiento mundial lo logró en el año 2012, cuando junto con su banda Fun alcanzó el puesto número 1 en decenas de rankings alrededor del mundo con su megahit “We Are Young”. En Billboard, “We Are Young” llegó a ser el tema #3 del año 2012, y en los Grammy Awards del año 2013 se llevó el premio a la Canción del Año y el grupo Fun alzó el galardón a Best New Artist, además de varias otras nominaciones. Si dejáramos todo aquí, poco estaríamos contando sobre Jack Antonoff.

Para empezar a ampliar un poquito, digamos que Fun no es el único proyecto de Jack Antonoff, y que ha sido nominado y ganador del Grammy en otras ocasiones además de las mencionadas. Antonoff es un norteamericano judío oriundo de New Jersey de 34 años: es músico, cantante, compositor y productor, y en esta última de sus actividades es donde puede sorprender a más de uno con su currículum: ha producido discos para Taylor Swift, Lorde y St.Vincent. Trabajó con Tay Tay en “1989”, álbum que en el año 2016 se llevó el Grammy al Disco del Año, y en el más reciente álbum “Reputation” (2017). La colaboración con Taylor Swift se extiende a la co-autoría de varios temas junto a la diva, entre ellos los singles “Out Of The Woods” y “Look What You Make Me Do”. Claro, ha participado también en la composición de muchísimos hits para otros artistas como Sia, St. Vincent, Fifth Harmony, Lorde, Pink o Christina Perri. Su primer proyecto data del año 2000 con la banda Outline (años de rebeldía punk), aunque comienza a adquirir mayor notoriedad hacia el año2002 cuando forma la banda Steel Train con su amigo Scott Irby-Ranniar. Con Steel Train se editaría una serie de EP’s y álbumes hasta que en el año 2008 Antonoff formó junto a Nate Ruess y Andrew Dost la ya mencionada banda Fun. Navegan-

do entre el rock alternativo y el pop barroco, Fun debutó con el disco “Aim and Ignite” en 2009. Pero todo el éxito antes descripto llegaría con su álbum “Some Nights”, gracias al cual Fun fue comparado en algunas ocasiones con Queen. Del éxito comercial ya hablamos: “We Are Young” se convirtió en la primera (y única) rola que consiguió más de 300.000 bajadas semanales durante 7 semanas consecutivas. Sin separarse, Fun anunció en 2015 que se tomaba un tiempo para la realización de otros proyectos personales de sus miembros. Antonoff ya había sacado para entonces nuevo material bajo el nombre de Bleachers. Esta etapa se orienta más hacia el synth pop y new wave, y muestra tal vez el lado más ochentoso de Jack. Los primeros singles y el álbum debut datan del año 2014, obteniendo sendos números 1 en los rankings alternativos y bubbling under. “Strange Desire” es el nombre este primer disco de Bleachers (co-producido entre otros con Vince Clark), y que incluye “I Wanna Get Started” y “Rollercoaster”, una canción que se ha vuelto a escuchar este año en la banda de sonido de la película “Love, Simon”. Aprovechemos este comentario para ver las conexiones del buen Jack con la industria del cine. En 2016 Antonoff participó en la composi-

ción del tema principal de la película “Fifty Shades Darker” (segunda de la trilogía) que fue cantado por Taylor Swift y Zayn (ex One Direction), y que no solo fue Top 5 tanto en USA como en UK, sino que obtuvo una nominación al Grammy 2018 como Mejor Canción para Banda de Sonido. Antes que esto, Antonoff había sido nominado en 2014 a un Golden Globe compartido con Taylor Swift por la canción “Sweeter Than Fiction”, correspondiente a la película “One Chance”. Más allá de esto, Jack cuenta con más de 60 créditos en lo que refiere a composición en medios audiovisuales, incluyendo cine y series de televisión. Su más reciente trabajo es la producción de la banda de sonido de la película “Love, Simon”, una exitosa comedia romántica donde no solo grabó el tema principal “Alfie’s Song” bajo su seudónimo Bleachers, sino que usó otros temas propios y de otros artistas con los cuales ha trabajado, como Troye Sivan y MØ. A veces los creativos que mejor saben llevar sus conflictos al arte suelen resaltar. Jack

ha manifestado diversos tipos de conflictos internos relacionados con la ansiedad, la depresión y un trastorno obsesivo compulsivo que se potencia con su germofobia (miedo patológico a la suciedad, la contaminación y los gérmenes). Algo en común con Lena Dunham había: la guionista, actriz y productora fue su pareja hasta fines del año 2017, y ambos adictos al trabajo se retroalimentaron en forma positiva durante su tiempo juntos. Si la música ha sido su manera de canalizar sus luchas, bienvenida: con esa musa la relación continúa. Considerado un genio por su generación, ha trabajado generalmente con mujeres y ha manifestado que le atraen las féminas brutalmente honestas. Por eso declara inspirarse en referentes como Kate Bush, Björk o Fiona Apple. Como vemos, un espíritu intranquilo. Por momentos ansioso e inquieto, pero en su intimidad muy sincero, personal y con un enorme potencial.

El Camino Desnudo

Por rubĂŠn Torres

En la primera entrega de notas que iremos desarrollando en este espacio les presentamos a Josh Hwang, el hombre detrás de CASTLEBEAT, y el sello Spirit Goth Records que finalmente lanzo el segundo álbum "VHS" en marzo de este 2018...

El nuevo material que amplía el proyecto de lo-fi que comenzó en 2015, ahora nos trae en los sonidos la sensación de nostalgia con respecto a la era de los años 80 y 90 de televisores antiguos y cintas de cassette que proporcionan un ambiente retro…

La canción de apertura "Research" comenta la propuesta de Josh de producir efectos de sintetizador, batería electrónica y algunas capas de guitarra en modo estéreo mezclando suavemente en un sonido ruidoso. ("Wasting Time", "Zephyr", "These Days" y "Heart Still Beats") y ("Tennis" y "Here"). La diferencia del disco anterior es que Josh optó por tocar en un tempo rápido como "Downstairs" y "Poolside" para hacer algo shoegazing que recuerda sus éxitos principales "Dreamgaze" y "Change Your Mind". .. VHS presenta sin lugar a dudas es un crecimiento en la producción de composición y calidad sin perder la esencia de un verdadero registro lo-fi que Josh ha estado haciendo durante todo este tiempo... La duración de 31 minutos pasa rápidamente lo que nos deja con ganas de seguir escuchando canciones y el sonido por momentos nos transporta al universo de guitarras de "What A Pleasure" de Beach Fossils.

La verdad es que Josh Hwang ha estado haciendo un trabajo a conciencia y honesto, ademas de dirigir sus proyectos musicales les da oportunidades a muchas bandas para que conozcan su música que desde sus sótanos o habitaciones lanzan hacia afuera... para que los escuche el mundo.

Hablamos con Josh Hwang ; CASTLEBEAT

[ Entrevista a Josh Hwang de Castlebeat por RubÃ©n Torres. ]

CASTLEBEAT: FIDELIDAD Y MADUREZ...

¿De dónde viene Josh Hwang además de haber nacido en Los Ángeles, California?... Cómo está compuesta tu familia y esas cosas, para saber como te formaste... Crecí en Irvine, CA con una madre española, papá coreano y un hermano pequeño. Cuando era niño, mi juego favorito fue el fútbol y mi sueño era poder jugar en el Real Madrid. Sin embargo, durante la escuela secundaria me metí más en la música y empecé a aprender guitarra. Fue entonces cuando empecé a hacer canciones lo-fi garage rock como Jaded Juice Riders. Finalmente me cansé de la música rock de garaje y empecé a escuchar post punk y la nueva ola de 1980. Grabé mi primer disco CASTLEBEAT 'CASTLEBEAT' en 2016, el verano, mientras que ir a la universidad en Los Ángeles. ¿Sobre Casltebeat. se registró todo el trabajo en casa, sin ingenieros, sin tiempo o productores de estudio. Y la verdad, el resultado final es extraordinario. En su música se destaca la idea de baja fidelidad, el shoegaze y Dreampop estilos de la década de 1980? Siempre me ha gustado el estilo de música lofi, ya que muestra que la música está completamente hecha por el artista. Eso significa que no hay ningún productor, ingeniero de audio, mezcladores o que cambian el sonido de la música. A veces, el sonido no es el mejor, pero al menos se sabe que es directamente hecho por el artista. ¿Las influencias musicales se remontan a la 60/70, sino también a las bandas de su generación como DIIV o nada salvaje aunque Beach House, y solistas con talento, como vos o dream Split? Creo que mis mayores influencias para CASTLEBEAT son bandas como The Cure, Joy Division, The Chameleons, Beach Fossils, Elliott Smith. ¿Al hablar de sus álbumes, primero el excelente CASTLEBEAT... hablemos de tu último disco; VHS ... ¿Cómo se grabó, escribió y cuá-

les son las repercusiones de las críticas sobre el álbum ... y su sensación sobre todo eso? Mi último disco VHS es básicamente una continuación de mi álbum debut homónimo. Lo describiría como 'pop gótico', ya que es básicamente la música pop con un lo-fi / ambiente triste. La verdad hice VHS porque quería hacer otro álbum basado en la guitarra antes de empezar a experimentar con otros sonidos. Creo que podría conseguir más en sonidos con los sintetizadores con el tiempo... ¿Sos el creador de un sello discográfico llamado; Spirit Goth ? Si es así, nos contás un poco acerca de eso ... y por otro lado a través de ese sello descubrimos a Seventeen Year, Holy Vision and Vansire. Big projects? Spirit Goth es una sello discográfico con el cual empecé a ser capaz de editar la música en cassette en los primeros tiempos. Yo solía hacer cada cinta una por una, era un trabajo muy duro. El primer lanzamiento fue para mi proyecto de rock de garaje mayor, Jaded Juice Riders, y el cuarto lanzamiento fue el homónimo 'CASTLEBEAT'. Desde entonces también he estado liberando algo de la música de mis amigos como Vansire, Seventeen Years, High Sunn, Foliage etc. ¿Alguna banda latina o de América del Sur que han llamado tu atención? Me gusta mucho la banda The Blenders, que son una banda de rock surf de México. ¿Qué música estás escuchando en ese momento o artista que estés siguiendo últimamente? Ahora estoy escuchando a Tyler the Creator . ¿Cómo te imagina el proyecto castlebeat en unos pocos años? No estoy muy seguro, pero tengo la intención de empezar a tocar este verano mucho en Nueva York y luego vendrá la grabación de nueva música, así que supongo veremos que pasa con CASTLEBEAT.

Desde la habitaciรณn mas recรณndita de Irvin California, se componen y se graban distintos sonidos que mas tarde serรกn los que alimenten la generaciรณn de ARTร STAS independientes y autogestivos.

[ Entrevista a Dave Jackson de The Room in The Wood por Diego Centurión. Fotografías: Sarah Ryan. ]

DALE UNA ESCUCHA A THE ROOM IN THE WOOD. NO TE ARREPENTIRÁS.

Entre el final de los años 70's y mediados de los 80's existió una banda post-punk llamada The Room. Esa banda llegó a ser una de las preferidas del gran John Peel. Y a treinta años de la edición de su Peel Sessions, dos de sus integrantes se unen nuevamente para hacer lo que más le gusta, escribir canciones. Paul Cavanagh y Dave Jackson se vuelven a reunir después de la separación de The Room en 1985, bajo este nuevo proyecto que hoy les presentamos. The Room in the Wood.

¡Hola Dave! Gracias por permitirme realizarles estas preguntas. Para empezar pareciera que desde el nombre de este proyecto no quieren dejar de lado su pasado juntos en The Room, pero si me pongo a pensar es como que lo llevan hacia un lado más folk, más oscuro, como a un misterio encerrado en un bosque. ¿Qué esconde el nombre de la banda? El nombre surgió originalmente como una fusión del nombre original de la banda, “The Room”, con el título del proyecto instrumental solista de Paul Cabin “In the Woods”. Queríamos reconocer nuestra historia conjunta al indicar que íbamos a presentar material nuevo y no repetir el pasado.También hay un elemento en el nombre, como dices, que tiene un borde misterioso y encaja con las variedades folk más oscuras y las letras de canciones como Raven Girl, Baba Yaga, Dragonfly y Grey Wolf Lullaby. T H White's Once y Future King Cycle tiene un libro titulado The Witch in the Wood. También tiene una resonancia del mundo civilizado que reclama la naturaleza. Este año se conmemoran los 30 años de la edición del “Peel Sessions” de The Room. ¿Qué recuerdan de esa sesión y de John Peel? Hice cuatro Peel Sessions con The Room, y Paul estuvo en el último de

ellos, que luego se lanzó en Strange Fruit después de ser elegido como una de las sesiones del año en 1985. Lo grabamos con Becky Stringer (bajo), Alan Wills (batería) y Peter Baker (órgano) con Dale Griffin (anteriormente Buffin de Mott the Hoople) produciendo. Recuerdo que Dale siempre tuvo fama de ser un poco duro con los bateristas, pero que él y Alan se entendieron bien. La sesión consistió en cuatro nuevas canciones que nunca fueron grabadas o lanzadas de ninguna otra forma porque la banda se separó ese mismo año. Nuestra primera sesión se produjo en 1980 después de que Becky y yo le enviáramos a Peel una copia de nuestro primer single, Motion / Waiting Room, y nuestro álbum de cassettes Bitter Reaction. Llamó por teléfono y me preguntó si podía tocar cuatro pistas del cassette como una sesión, prometiendo invitarnos a Maida Vale para luego grabar una en el estudio. Hicimos dos más con esa alineación de la banda antes de que Alan, Paul y Peter reemplazaran a Robyn Odlum y Clive Thomas. Recuerdo a Peel con cariño como un personaje amistoso y alentador que logró promover nueva música sin hacer de su vasto conocimiento y gustos variados un viaje del ego. Lo conocí una vez en un lugar llamado The Warehouse en Liverpool después de que él ha

estado haciendo su gira en otro lugar y me mostró el bolsillo en el que puso solicitudes escritas de música. Tenía un gran agujero. Más tarde, mi banda Benny Profane tocó en sus presentaciones en la Universidad de Liverpool y estaba genuinamente entusiasmado con nuestras cosas. ¿Qué diferencias sonoras encuentran entre ambas bandas? Existen las similitudes obvias en que es Paul en la guitarra y yo en la voz, una gran parte del sonido de la sala y ambos siempre hemos tenido una variedad de influencias, que van desde los Velvets, Televisión, Hank Williams, Psicodelia, Bert Jansch a Krautrock. Sin embargo, probablemente hemos recogido un montón de nuevos tics musicales a lo largo de los años y confiamos en la combinación de nuestras "voces" musicales para crear algo distintamente propio.

¿Cómo nace The Room in the Wood? Hace aproximadamente 3 años, cuando estaba descansando de trabajar con los Cathedral Mountaineers, Paul se puso en contacto conmigo para ver si quería probar algunas covers para 'reír'. Hicimos un par de conciertos, a guitarra y voz, haciendo una mixtura de Bowie, Dylan, Velvet y viejas canciones country. También hicimos un par de canciones mías y una vieja canción de The Room, Crying Red. Algún tiempo después, sugerí que intentáramos escribir cosas nuevas y, durante aproximadamente 18 meses, golpeamos ideas entre nosotros. Paul es bastante prolífico, así que tuve que levantar mi manera de escribir las letras. En general, él me enviaba mensajes de texto o correos electrónicos con una parte de la guitarra, o con una melodía vocal sugerida, a veces no, y yo resolvía una respuesta lírica con la esperanza de que se adapte perfecta-

mente a la melodía. He leído que el año pasado han escrito 30 canciones. ¿Muchas ideas nacieron desde que se volvieron a juntar? Sí. Las 30 canciones extrañas han surgido desde que comenzamos a trabajar juntos de la manera que mencioné anteriormente. Escribimos Magical Thinking y Snowblind cuando pensamos que habíamos terminado el álbum y tuvimos que cambiar el orden de ejecución para incluirlos. Han lanzado el EP de 3 canciones "Magical Thinking" en abril, después tu álbum homónimo, ambos a través de A Turntable Friend Records (gracias a Shameless Promotion PR por compartir eso con nosotros). ¿Cuál ha sido la respuesta hasta ahora a estos dos lanzamientos? Hasta ahora, no hemos tenido más que respuestas favorables. Y nuestro reciente concierto en vivo en Liverpool acompañado por el baterista George Hitchmough, el bajista Joel Goldberg y Steve Powell en la guitarra rítmica, cayó en una tormenta. Natalie James y Mary McCombs se nos unieron en coros para tres canciones. Era la primera vez que tocamos en vivo con una banda completa y funcionó muy bien, creo. En diferentes puntos del set, tuvimos entre siete y dos miembros de la banda en el escenario.

Shauna McLarnon en Shameless Promotion PR ha estado manejando la mayor parte de nuestras redes sociales, así como nuestro alcance de prensa y radio, y haciendo un gran trabajo al conseguirnos una presencia. Pero también publicamos videos, canciones y actualizaciones regularmente en el sitio The Room in the Wood, así como en nuestras páginas personales. También repito publicaciones en las páginas de The Room, Benny Profane, Dave Jackson y The Cathedral Mountaineers y Violet City. También me acabo de convertir en el último niño de la cuadra en meterme en Twitter. Hablemos un poco del álbum debut. ¿Cuánto tiempo les llevó grabarlo? Grabamos el álbum durante un período de 9 meses, en una serie de sesiones de dos o tres días en Ark Studio de Steve Powell. Hubo grandes diferencias entre las sesiones debido a compromisos laborales, la disponibilidad del estudio y la disponibilidad del baterista Colin George Lamont. Paul tocó todas las guitarras y bajos y trajimos a Andy Wilson para hacer las teclas en algunas pistas, así como a un violonchelista, Alistair Ligertwood, para tocar en “Grey Wolf Lullaby”. Natalie James y Mary McCombs vinieron a hacer coros en “Greedy Stars”, “Snowblind” y “Sky Pool”. Pero Paul y yo habíamos demeado previamente muchas de las canciones en el estudio de la casa de Dave 'Yorkie' Palmer, así que trabajamos rápidamente. Colin fue un estudio rápido y bajó la mayoría de sus pistas de batería en un par de días.

Siempre suelo preguntar sobre lo que significa Internet y las Redes Sociales. Algo que en otros tiempos no era así. Hoy la gente puede escribirles a ustedes desde cualquier parte del mundo con sólo un click. Han realizado dos videos uno para ¿Cómo se adaptaron a estos cam- la canción que le da nombre al EP bios? y el último “Greedy Stars”. ¿Tienen

pensado lanzar más videos este año? El video de “Magical Thinking” fue grabado y editado por Jacob Epstein Bell de la banda Phaedra de Liverpool. Lo basamos alrededor de una legendaria tumba en forma de pirámide en Rodney Street que se rumorea tiene un jugador enterrado en ella sentado en una mesa de juego con un Royal Flushin en su mano, y la trastienda de 81 Renshaw, el lugar local donde jugamos, y lo intercalaron con tomas de los signos de los testigos de Jehová y referencias bíblicas y folclóricas. Greedy Stars presenta imágenes de mí y Paul rodadas por Yvonne Marsden en nuestro piso contra una pantalla japonesa. Le enviamos esto a Helen Stringer (hermana de The Room's Becky) y ella produjo el video terminado, tratando el metraje en crudo y en escenas de películas mudas y otras tomas atmosféricas. Helen pensó que la canción le recordaba a FW Murnau's Sunrise. Y es una de mis películas favoritas, junto con la actuación de Louise Brooks en Pandora's Box de GW

Pabst. También publiqué un par de videos de montaje de Dragonfly y Baba Yaga, pero planeamos grabar algunos videos más pronto. Para ir terminando y agradeciéndoles la oportunidad de poder realizar estas preguntas. ¿Qué planes tienen para este año? Grabaremos más canciones pronto y también nos concentraremos en buscar conciertos más alejados para promocionar el álbum, algo de lo que estamos muy orgullosos y agradecidos con Ulrich Hoffmann en A Turntable Friend por permitirnos la oportunidad de llegar a un público más amplio, y Shauna en Shameless por ayudarnos con la promoción y los medios acertados. Y ahora terminando… por hoy… ¿hay algo que no he preguntado que quieran decirnos? Dale una escucha a The Room in the Wood. No te arrepentirás. ¡¡¡¡Muchas Gracias Dave!!!!

LA MAGIA MARVEL UNA HISTORIA INTEGRADA DE MARVEL COMICS Y SU RELEVANCIA LITERARIA.

Por Gabo Rojo INTRODUCCIÓN “Discúlpenme por emocionarme demasiado, pero no puedo evitarlo. Cuando hablás sobre algo genial, tenés que estar emocionado. Y la gracia de los comics es que sean emocionantes, ¿no?” -Glenn Dressler, lector, en el correo de Master of Kung Fu #111

Hace 20 años, en junio de 1998, leí un comic que me cambió la vida: el número 467 de Incredible Hulk. Era una historia increíblemente oscura con la cual el guionista Peter David cerraba sus 12 años ininterrumpidos escribiendo la colección. En el número anterior, la esposa de Hulk, Betty Banner, había fallecido. Este número contaba todo lo que ocurrió durante los años siguientes. Es una escena en particular la que se quedó grabada en mi mente: Hacia la mitad del número, el alter ego de Hulk, Bruce Banner, está encerrado en un manicomio. En una ilustración que abarca dos páginas, se lo ve rodeado de casi todos los personajes de Marvel, tanto sus ocasionales aliados como sus antagonistas, todos productos de su imaginación. Y Banner, sonriente en su locura, les recita: “’My name is Ozymandias, king of kings: Look on my works, ye Mighty, and despair!’ Nothing beside remains. Round the decay Of that colossal wreck, boundless and bare, The lone and level sands stretch far away.” Se trata de las últimas líneas del poema “Ozymandias” de Percy Bysshe Shelley, escrito en 1817; un icónico poema del Romanticismo sobre la naturaleza efímera del poder. A los 13 años, yo no sabía esto-- francamente, ni siquiera entendía la muchas de las palabras. Pero hay algo en el poder de la escena y en la forma en que las palabras “the lone and level sands” reaparecían al final del número como título de la historia, que me fascinó inmediatamente.

Éste no es el uso más famoso de “Ozymandias” dentro de un comic Marvel. El honor se lo lleva Avengers #57, de 1968 (exactamente 30 años antes), por Roy Thomas, que fue también el primer número en el que apareció la Visión, un personaje fundamental en el desarrollo de Marvel. Pero eso lo descubrí mucho más tarde. Fue el número de Hulk el que me marcó a una edad temprana, el que despertó una pasión por la poesía y por la intertextualidad que hoy me persigue más que nunca. En el 2011 incluso escribí una canción llamada “The Lone and Level Sands”, una transposición del personaje de Ozymandias a un contexto moderno, que incorpora también líneas de comics de Roy Thomas. Y todo esto comenzó gracias a un comic. Un comic que era un comic y algo más que un comic. A esto me refiero cuando digo “la Magia Marvel.” Y a medida que seguí leyendo y metiéndome más a fondo en la historia de Marvel, me di cuenta de que lo que tenía de especial Hulk #467 no fue una rareza, una genialidad aislada, sino más bien una norma dentro de la editorial. “La Magia Marvel” es una historia cronológica de estos momentos mágicos. Empieza con el primer número de Fantastic Four en 1961 y termina con la reciente maxiserie de The Vision, culminación de más de 50 años de temáticas e intertextos, y protagonizada apropiadamente por el androide que fue introducido dentro de la continuidad de Marvel al mismo tiempo que el poema de Shelley. Como dijo el autor Joss Whedon en su introducción a Earth-X (un comic moderno que ofrecía una historia integrada del Universo Marvel): “es volver a contemplar a las historias tontas de nuestra juventud bajo la hastiada mirada del adulto, y darse cuenta de lo que realmente son: verdades necesarias y eternas.”

HOY: LO QUE ES SAGRADO (Parte 1) El siguiente paso en el desarrollo de Marvel consistió en convertir a la transformación terrible no sólo en una forma de concebir a los superhéroes sino es una temática fundamental de las tramas. A mitad de los 60s, esto se manifestó principalmente en tres series: Fantastic Four, Doctor Strangey Thor. Durante los años posteriores a 1963, Lee y Kirby habían seguido apostando fuerte a Fantastic Four, prácticamente creando el Universo Marvel paso a paso: recuperaron al Príncipe Namor, en problemático antihéroe de la Marvel de los 40s, introdujeron villanos único como el Doctor Doom (monarca de su propio país y provisto de inmunidad diplomática) e instauraron conceptos y personajes provocadores como el Vigía (miembro de una raza dedicada únicamente a observar los sucesos del cosmos) y el Área Azul de la Luna. Pero todo esto resultó ser un mero preludio; el apogeo de la serie ocurrió entre 1966 y 1968. Por un lado, Kirby por primera vez contaba con un entintador digno, Joe Sinnott. Por el otro, “el rey” ya no llevaba la carga de tener que lanzar todas las nuevas series de la editorial y podía finalmente dedicar todas sus energías en las dos series que más le interesaban, Fantastic Four y Thor (que se vio completamente reinvigorada tras el regreso de Kirby). Como resultado, estas series pasarían a ser un vehículo para el enfoque mítico y las preocupaciones cósmicas de Kirby, lo cual desembocaría en un deleite tanto visual como filosóficamente desafiante. En Thor, la combinación entre el delirio cósmico de Kirby, el tono poético de Lee (los Dioses Nórdicos hablan en el inglés antiguo de Shakespeare, y los otros personajes, como contagiándose, no se quedan demasiado atrás en elocuencia) y la majestuosidad misma del personaje principal convierte a la serie en una especie de poema épico visual para los hijos de la Edad Atómica. Tan épica es la calidad que no llega a ser disminuida ni por el mediocre entitado de Vince Colletta. Por poner tan sólo un ejemplo de este bombardeo constante de conceptos y lenguaje: en tan sólo tres números, se nos presenta a los Colonizadores del Planeta Rigel, quienes mandan a Thor, acompañado por un Archivista parlante humanoide, a luchar contra “Ego, el Planeta Viviente” (inmortalmente introducido por un collage clásico de KIrby), habitante de la Galaxia Negra, la cual es descripta como “un mundo que no es un mundo--- que existe en un tiempo que es más que tiempo…!”

53 Cada número se divide entre un episodio principal “contemporáneo” y una sección más breve titulada “Tales of Asgard”, que narra aventuras del pasado mítico de Thor. El tono aquí también es solemne, y desarrolla la temática del viaje trascendental y transfigurador que es tan importante para entender la obra de Kirby y la esencia Marveliana. El número 132, por ejemplo, gira enteramente alrededor del Caballo de la Muerte , que viene a reclamar al enemigo derrotado por Thor tras el fervor de la batalla. A Thor le parece que su rival sobrevivirá, pero éste sabe muy bien lo que le depara. En el número siguiente, el líder bárbaro es transportado por Hela, Diosa de la Muerte, a “un lugar que es más que un lugar… en un tiempo que es menos que tiempo.” Por un momento parecería como si Lee se estuviese repitiendo a sí mismo, ¿pero cómo sino expresar estas experiencias que realmente son más que lo que meros lectores pueden comprender? Al final del trayecto, el bárbaro alcanza el Valhalla, el Cielo de los Dioses, donde otros valientes guerreros le dan la bienvenida a una existencia post humana llena de batalla, aventura y gloria. “Debes saber, Harokin, que la muerte es más que un final… ¡es el comienzo más grande de todos!” le afirma alegremente un soldado, aparentemente citando las palabras del poeta T.S. Eliot: “en mi principio está mi fin.” En definitiva: un lugar que es más que un lugar, un tiempo que es más que un tiempo, y un comic que es más que un comic. La idea del Valhalla se retoma luego en la trama principal: en el número 154, Hela, Diosa Nórdica de la Muerte, trata de tentar a Thor para que finalmente desista a la vida con estas épicas visiones del paraíso. Se trata de un número donde la extrañeza particular de la serie sale más a la luz que de costumbre: a lo largo de las mismas 20 páginas, Thor se encuentra con un puñado de “dropouts”, hippies que dejaron la facultad, y les ofrece

un romántico discurso sobre cómo “el gurú que buscan yace dentro de ellos mismos” y el afrontar las dificultades es lo que define a la condición humana. Es tan ridículo como extrañamente relevante, al igual que la traumática relación entre Thor y su muchas veces caprichoso padre todopoderoso Odín. Es en las páginas de Thor donde aparece también un importantísimo personaje para la historia de Marvel: el Alto Evolucionario y sus Caballeros de Wundagore, animales parlantes evolucionados artificialmente por su Dr Moruesco amo. La tapa del número en que se los introduce, el 134, reza: “aparición especial de Quicksilver y la Bruja Escarlata, ¡en lo que posiblemente sea la aparición especial más breve e innecesaria que hayas visto!” En realidad dista de ser así: el origen de ambos personajes, como se desarrollaría años más tarde, quedaría inextricablemente relacionado a la Montaña de Wundagore. En Fantastic Four, el primer arco argumental con Sinnot como entintador (FantasticFour44 al 48), Kirby introduce a la familia real de los Inhumanos, alienígenas superpoderosos que viven aislados de la humanidad en un “Gran Refugio”. Su trama no terminaría de cerrar del todo hasta años más tarde, pero algunos de los personajes son brillantes: Karnak es un maestro de artes marciales automáticamente capaz de “discernir la falla en cualquier estructura”, mientras que el majestuoso rey, Black Bolt, debe permanecer siempre en silencio ya que el poder de sus cuerdas vocales es tal que si hablara generaría un apocalipsis. Pero lo mejor seguía por venir. Tras su regreso del Gran Refugio, los Cuatro Fantásticos encuentran a Nueva York sumida en pánico. Los cielos están rojos. Parece ser el día del Juicio Final, y lo es, por lo menos en su versión marveliana: un misterioso alienígena llamado Silver Surfer (fruto de la genialidad kirbyeana, es efectivamente un ser que usa una tabla de surf para volar) anuncia que su

amo, Galactus el Devorador de Mundos, se acerca a la Tierra para consumirla. Galactus es un nuevo tipo de adversario que está más allá del bien y del mal: es simplemente una criatura cósmica que necesita de planetas para alimentarse (casi dos décadas después, en una memorable historia de John Byrne titulada “El Juicio de Galactus”, se terminaría decidiendo que el gigante debe seguir existiendo para mantener el balance del cosmos). La idea del personaje supuestamente surgió a partir de que Lee le expresara a Kirby que quería que para el número 50 de la colección los 4F se enfrentaran a Dios. La llegada de Galactus a la Tierra es espectacularmente retratada en uno de los impresionantes collages que Kirby había empezado a incorporar en sus revistas:

Pero el momento más trascendental de la saga de tres partes ocurre casi detrás de las escenas. El Vigía posee un arma capaz de detener a Galactus, pero el código de su raza le impide participar directamente en los conflictos del cosmos. En su lugar, envía a la Antorcha Humana a buscar el artefacto (fabulosamente bautizado “Ultimate Nullifier”) a los confines más recónditos del universo. La Antorcha tiene éxito, pero regresa a la Tierra increíblemente perturbado. La caption reza: “Y entonces, comienza la reacción tardía, y el adolescente de repente toma consciencia de lo que ha hecho… de lo que ha visto… de dónde ha estado.” “Viajé por mundos tan grandes… tan grandes… no hay palabras… somos como hormigas… sólo hormigas… ¡hormigas!” declara el superado superhéroe. El Vigía afirma que el chico pronto se olvidará

de todo ya que “el cerebro humano no puede retener por mucho tiempo conceptos de magnitudes tan indescriptibles,” mientras que su hermana lo consuela diciéndole que “ya está de vuelta donde pertenece.” El viaje transformador de la Antorcha a un estadomáselevadodeconscienciacósmicaes el momento más desgarradoramente humano de la historia, y serviría como precedente de una temática fundamentalmente marveliana que se seguiría desarrollando con éxito durante las siguientes décadas. La Antorcha ha sufrido su propia transformación terrible, esta vez intelectual en vez de física. Al final del número 50 se anota en la universidad, pero es absolutamente consciente de que para alguien que ha “presenciado un atisbo de las maravillas del desconocido cosmos” intentar llevar una vida “normal” será prácticamente imposible. Ante la presencia del Ultimate Nullifier, Galactus promete saciar su apetito en otra parte y no regresar a la Tierra. Pero antes de hacerlo levanta una barrera invisible que encierra a su heraldo, el Silver Surfer (quien lo había traicionado al presenciar el potencial noble de la humanidad) en la Tierra para siempre. Privado de su libertad, el Surfer se convertiría en una figura trágica que pasaría a ser el personaje favorito de Stan Lee, al poder utilizarlo como pontificante vehículo filosofal. Tras la “trilogía de Galactus”, la colección sigue sin respiro, y el número 51 presenta una de las más grandes historias unitarias de Marvel, la mítica “This Man, this Monster.” Un villano se hace pasar por la Cosa y se infiltra en el cuartel

de los 4F, donde Reed Richards está a punto de explorar una dimensión desconocida mediante un dispositivo tan complicadamente enorme que Kirby se toma una página entera para presentar en todo su esplendor (parte de la tendencia Kirbyeana que Hatfield bautiza como “the technological sublime”). Hacia el final de la historia, el villano queda tan impresionado con la valentía y el desinterés de Richards que decide sacrificarse para que éste pueda regresar a su hogar a salvo. Lo que hace que “This Man, This Monster” funcione tan bien es probablemente el epítome de la colaboración Lee-Kirby, la síntesis entre la moral naíf pero inherentemente correcta de Lee y la preocupación de Kirby por trascender las fronteras del cosmos, inmortalizada en otro épico collage donde Richards declara estar “¡en la intersección del infinito--- el cruce a todas partes!” En llamas creativas, en el número 52 Lee y Kirby presentan al primer superhéroe negro del cómic norteamericano, la Pantera Negra. Se trata de un personaje tan original como rico, el rey de una nación africana donde la tradición tribal convive mano a mano con la innovación tecnológica. La siguiente trama preocupada con las temáticas de la transformación terrible y trascendental se presenta en los números 66

y 67. Una comunidad secreta de científicos ha supuestamente desarrollado al “ser humano perfecto”, pero el sujeto se les sale de control y se ven obligados a encerrarlo detrás de una compuerta. Los científicos se desesperan por contemplar a su creación, pero les es imposible ya que ésta “irradia un poder cegador”. Por este motivo secuestran/ reclutan a Alicia Masters, escultura ciega y novia de la Cosa, para que se acerque a “Él” y luego les retrate lo que pudo percibir con su tacto. Pocas páginas sintetizan tan bien la esencia marveliana como la décima de Fantastic Four # 67, en la que Alicia por fin se acerca al caparazón de la criatura: la exposición a lo desconocido, la terrible, trascendental transformación filtrada por la necesidad de comprensión humana. “Estoy por… ¡nacer!” exclama la criatura, “Lo que sientes… ¡es mi caparazón! Pronto se abrirá… y entonces… ¡emergeré! Pero ahora… una debilidad me supera… estoy tan sólo… tan indefenso.” (Si bien esta historia había sido concebida como autoconclusiva, el “Hombre Nuevo” que emerge del caparazón años más tarde contaría con su propia serie y se terminaría convirtiendo en uno de los personajes más importantes de la faceta cósmica de Marvel, bajo el nombre de Adam Warlock.)

PROXIMO CAPITULO: "LO QUE ES SAGRADO (Parte 2)"

57 Aquí reside el éxito de Fantastic Four: durante la etapa de Kirby, los 4F más que superhéroes eran pioneros. La serie significó un vehículo para expander la imaginación, para concientizarse de la magnitud del universo y de la humanidad necesaria para abordarlo. Esta visión fue explícita y elocuentemente expresada en una memorable escena del número 62, en la que Reed reflexiona lo siguiente tras quedarse varado en otra dimensión desconocida, aparentemente para siempre: “Todavía queda tanto por aprender… ¡tanto que ver, tanto por lo que maravillarse! Qué pena que tenga que terminar así tan pronto, antes de que tuviera chance de desentrañar el sinnúmero de misterios de este extraño, imposible universo. Pero habrán otros que seguirán mis pasos, y ellos sí develarán los secretos del cosmos, de a uno a la vez… ya que la mente es la más grande llave del mundo… ¡la llave que algún día quizás abra la puerta hacia la inmortalidad! Y cada uno de nosotros, a su forma, hace lo que puede por aquellos que vendrán después. Ese es el único legado verdadero que podemos dejarles a los que amamos… haber dejado al mundo un poco mejor que como lo encontramos.” Tras la partida de Kirby, la colección nunca volvería a ser tan relevante como lo fue en los 60s, ni siquiera en sus mejores etapas.

Descripción que hace eco del título de un episodio del Doctor Strange de Ditko, “A Nameless Land, a Timeless Time!” (Strange Tales #133, junio 1965). A su vez, los anticuerpos humanoides de Ego el Planeta Viviente no son demasiado distintos visualmente a los “Nameless Ones” de Ditko. La sincronicidad entre Kirby y Ditko se desarrollará a lo largo del capítulo. II Un precursor del más bizarro “Black Racer”, personficación de la muerte en New Gods, la posterior obra maestra de Kirby para DC.

LO QUE ES SAGRADO ANEXO: LOS ETERNOS MUNDOS DE STEVE DITKO

Otra serie que tuvo su apogeo cerca de 1966 fue Doctor Strange. Creado en 1963 por Lee y Ditko para la revista Strange Tales, el doctor era un “maestro de la magia negra” que protagonizaba breves y altamente atmosféricas aventuras con toques de orientalismo. Su origen fue revelado recién en su cuarta aparición, en una obra maestra de ocho páginas cuyopoder de concisión recuerda al de Amazing Fantasy #15. Stephen Strange era un arrogante y mezquino cirujano de fama internacional. Tras un accidente automovilístico, sus manos se ven inutilizadas, incapaces de volver a operar. Desesperado, como último recurso emprende un viaje hacia la India con el objetivo de encontrar al mítico “Ancient One” y hacer uso de sus legendarios poderes curativos. Pero cuando finalmente encuentra al anciano, éste no le ofrece ninguna cura inmediata y milagrosa, sino que lo invita a estudiar con él y “quizás encontrar dentro de sí mismo” la cura que busca. Strange se rehúsa, pero antes de partir se entera de que el discípulo del Anciano, Mordo, planea secretamente su destrucción. Demostrando abiertamente la “chispa de bondad y decencia” que el Anciano había percibido dentro suyo, Strange trata de

advertir al místico. Ahora convencido tanto de la existencia de la magia como de su voluntad para mejorar, Strange acepta convertirse en el discípulo del Anciano, camino que lo llevaría eventualmente a convertirse en “maestro de las artes místicas”. Strange quizá no sufre su transformación tan abiertamente como otros personajes clásicos de Marvel, pero en cierta forma la suya es la más aislante de todas: de ahora en más su razón de ser es interactuar con planos de la realidad que el resto de la humanidad desconoce completamente. Como señala el crítico Dean Mullaney, varias de las historias primerizas de Doctor Strange casi podrían haber pertenecido a la era pre-superheróica de Marvel, aunque con los agregados del fantasmagórico arte de Ditko (nuevamente entintando por él mismo salvo contadas excepciones) y ocasionales inspiraciones de Stan Lee en la prosa: en el número 118, Strange declara que “no hay poder más grande que el que poseo yo… pues mío es el poder de la imaginación… el sutil hilo con el que se tejen los sueños,” frase que en cierta forma resume la esencia de la serie.

Los números 126 y 127 marcan un punto de incisión, con la introducción de un intrigante nuevo villano, Dormammu. Dormammu es lord tirano de la “Dimensión Oscura”, pero su rol es complejo: si bien sus súbditos lo sufren, también lo necesitan, ya que su poder mantiene a raya a unas criaturas bestialmente hostiles llamadas “los Sin-Mente”. Sólo Dormammu cuenta con el poder para erguir una barrera mística que previene que los MindlessOnes crucen al resto de la Dimensión Oscura y arrasen con todo. Al igual que los mejores villanos de Marvel como el Doctor Doom y (luego) Magneto, Dormammu se rige por un extraño pero genuino código de honor. También en estos números aparece por primera vez un interés romántico para Strange. Se trata de Clea, una muchacha de épico cabello que habita la Dimensión Oscura y ayuda al hechicero arriesgándose a la ira de Dormammu. En un toque magistral, Strange no se enteraría del nombre de su amada hasta casi dos años más tarde, en el último número de Ditko. El arte de Ditko se va volviendo cada vez más surrealista, factor principal por el que la serie se volvió un clásico de culto y es especialmente recordada hoy día. Ditko fue capaz de utilizar la influencia de Salvador Dalí y utilizarla como disparador de historias, los cuadros surrealistas ahora integrados dentro de una trama en vez de ser imágenes sueltas (y éste podría ser considerado un factor en el que los comics superan a la pintura como arte). Según Mullaney, “Ditkotomó lo etéreo y lo volvió tangible. En sus dimensiones, no hay tierra firme, sino un conjunto infinito de formas geométricas, alfombras voladoras, portales a otras partes, y estrechos caminos interconectados, rodeados por un abismo de nada (…) su existencia no era tridimensional, se trataba de una fluida realidadextradimensional a medida que un plano se transformaba en otro”.

Todos estos elementos llegaron a su clímax en la saga de 17 partes que comenzó en el número 130 y terminó en el 146, una innovación total en la época y una refutación de la creencia generalizada de que las tramas extendidas a tal nivel comenzaron en los 80s. A esta altura, Ditko ya figura como co-argumentista en los créditos, al igual que en Spiderman. Con el Ancient One convaleciente, y perseguido sin tregua por los secuaces de Mordo, Strange viaja por el mundo tratando de encontrar “el secreto de Eternidad”, que supuestamente lo ayudará a derrotar a su enemigo, quien está enormemente fortalecido tras una alianza con Dormammu. Al final, la única forma de develar el secreto es extraerlo de la misma mente del Anciano, superando sus mecanismos de defensa místico-psicológicos. Resulta ser que Eternidad es nada más que nada menos que la personificación del Universo, icónicamente diseñado por Ditko. Semejante revelación ocupa una página entera: Eternidad vuelve a aparecer en el último número de Ditko, el 137, aptamente titulado “The End… at Last!” (y en el que Ditko figura en los créditos como “prestidigitador.”) Dormammu trata de atrapar a la entidad cósmica, lo cual prueba ser un grave error. “Te metiste con aquello que es sagrado, Eternidad le anuncia ominosamente antes de que se desate una batalla entre ambos seres de tal magnitud (dos de las diez páginas de la historia son explosivas splashpages) que Strange sólo puede hacer de testigo impotente (“¡Ningún humano ha contemplado semejante conflicto antes!”). A medida que la tormenta va subsidiendo, Strange se da cuenta de que está regresando a su propio cosmos ya que “vuelve a sentir cómo su cuerpo envejece,” lo cual lo lleva a la conclusión de que está de vuelta en “una dimensión donde el tiempo existe”. Ya en la Tierra, Strange se da cuenta que “ninguna mente humana puede retener las cosas que he visto. Los recuerdos ya se empiezan a desvanecer…”. Nuevamente nos encontramos ante un viaje trascendental en el que la consciencia del héroe (y seguramente también la del lector) se ve terrible e irremediablemente expandida, plasmado en forma visual mediante la excitante emoción de que el secreto del universo puede estar en la página siguiente.En este sentido, en 1966 Ditko y Kirby, a pesar de sus diferentes estilos y sensibilidades artísticas, estaban en perfecta sincronía, determinando para siempre la esencia Marveliana.

IN MEMORIAM STEVE DITKO (1927-2017) “O God that madest this beautiful Earth, when will it be ready to receive Thy saints?”

[ Entrevista a Javier Corcobado Por Pablo Müllner ]

SIN CORAZÓN NO HAY NADA

Javier Corcobado es en primer lugar un poeta. Como bien lo dice él mismo: “puedo ser poeta con o sin música, pero mejor con música”. Y para afirmar lo que siente y piensa, están ahí unos treinta años de carrera como solista, que comprenden un registro de géneros deslumbrante, desde la chansón francesa hasta el bolero, pasando por el tango y las coplas, pero que siempre están en diálogo con su visión poética y su raíz rockera vanguardista. Por eso entrar en el universo musical Corcobado es aventurarse en sinuosidades sonoras que van desde la caricia de su voz aterciopelada, al estallido industrial de su furia y descontento con el estado del mundo. Podríamos decir que Corcobado es además de poeta, un verdadero poeta maldito, en la tradición de Baudellaire, Rimbaud, Artaud. Hay varios volúmenes de poesía editados y una novela con un título sugestivo (El Amor no está en el tiempo). Además durante los ochentas se ha movido con gracia por una serie de bandas de rock noise, hasta culminar en la ya mítica “Mar Otra Vez” con la que, por ejemplo, fue telonero de Sonic Youth en su primera visita a España. Pero es difícil mencionar un solo hit o un solo hito en una carrera tan prolífica y ecléctica como la de Javier. Sin embargo, a la hora de encontrar un elemento unificador, es más que evidente trazar un eje: el deseo, la pasión… El amor como condena o como redención, pero eso sí: sin condicionamientos.

Primero que nada, es así tan claro, para Javier Corcobado: ¿Sin corazón no hay nada? Aparte del sentido metáforico relacionado con el amor con que siempre se trata al corazón en las canciones de amor, incluido yo, es una evidencia que sin corazón no somos nada; es el órgano que mueve todo, hasta el pensamiento, como dice la canción.

amor es mejor. Escuché con creciente atención “Mujer y Victoria”, me dejó muy impresionado como uno de esos discos que me parecen imposibles si el artista no tiene detrás una larga carrera, y momentos distintos: tiene esa virtud de ser totalmente ecléctico en los estilos: desde la chansón al punk rock industrial, pasando por momentos más de soundtrack, pero siempre bajo una lírica y estética muy propia. Con Mujer y Victoria conseguí el álbum número 18 de mi carrera discográfica. La mayoría de edad. Es como una especie de catálogo de Javier Corcobado. Fue un álbum hecho bastante deprisa y por exigencias de mi banda de entonces y mi manager, pues por aquel entonces aún estaba terminando Canción de amor de un día. La canción que abre el disco, Sin corazón no hay nada, da pistas sobre lo que estoy haciendo ahora.

La pregunta era casi un chiste, porque se nota que en toda esta apabullante carrera hay muchísima pasión, eso como observación más superficial. Son treinta años como solista, entre España y México, creo que un espíritu desapasionado hubiera flaqueado en algún punto, pero no lo sé a ciencia cierta: ¿hubo momentos difíciles que sin amor hubieras dicho basta? He dicho basta a la música en varias ocasiones, pero siempre he vuelto al redil, es una adicción muy fuerte el amor a la música y no siempre uno es correspondido. He cantado En cuanto a lo estético creo que es muy y compuesto canciones sin amor, pero con fuerte, muy definido, detallista, sin caer

en lo barroco, pero que tiene muchos elementos en juego y ninguno al azar. Por otro lado, nos pasa a los argentinos, como les debe pasar a los yanquis cuando oyen a un británico que tienen otro peso sus palabras, todo suena más estilizado más refinado, también más distanciado casi teatral. ¿Te gusta eso o te molesta? No me gusta lo barroco en la música pop. Tiendo cada vez más a la sencillez, y en ella caben la ternura y la violencia expresivas, así como la sutilidad y lo estruendoso en la esencia.

esas melodías quedaron incrustadas en mi mente. Eso, junto al rock’n’roll y mi vicio por explorar en el ruido y lo disonante, creo que me han definido a lo largo de los años. Mi audiencia se ha ido haciendo e incrementando con las décadas, a base de resistencia, de seguir creyendo en mí mismo, de insistir, de renovar mi banda una y otra vez y de convencer a la gente desde el escenario que esto va muy en serio. Para mí el escenario es sagrado y procuro ofrecer un espectáculo que aporte belleza, inquietud y emociones fuertes, para que el público salga de auditorio como si acabara de bajar de una montaPor otro lado, siento algo parecido como ña rusa. con un disco de Nick Cave and the Bad Seeds, aunque él es demasiado “british”, Creo que México es un lugar clave para pero es australiano, ja… Esto de tener un el desarrollo de tu carrera, ¿esto fue por veta marcada de crooner, de cantante po- azar, fuiste tú en busca de ese lugar o el pular, pero al mismo tiempo incluir mo- lugar te eligió? mentos bien vanguardistas, bien ruptuMe eligió México a mí. Es una larga historistas, que una audiencia muy tradicional, ria, que no procede relatar ahora. Comencé no se las podría digerir creo yo. ¿Cómo a ir a actuar en 1992. Desde entonces, y casi fue que encontraste una audiencia que se sin promoción de discográficas, el público ha atreva a esa amplitud de registro? ido creciendo, en gran parte gracias al boca En mi caso, la canción popular en castella- a boca. Suelo ir a hacer conciertos prácticano, el tango, el bolero, la ranchera, el flamen- mente una vez al año. Este año, gracias a co, la copla… formaron parte de mi niñez y Corunda Producciones, he hecho la gira más

2016, en este tiempo el movimiento feminista, que aquí por lo menos es una verdadera revolución está cambiando la agenda política, la forma de relacionarse… Eso Me parece que Argentina tiene una re- ha hecho “desaparecer” a un par de canlación bastante especial con cantautores tantes populares por dichos y actitudes españoles, casi devocional, pero no sé si misóginas. ¿En tu larga carrera como has alguna vez estuviste lo suficiente por aquí visto el tema del machismo y el feminismo como para poder experimentar ese trata- desde tu lugar? miento. Tambiénme parece que el argentiDesde que tengo uso de razón y gracias a no es un público muy conservador, como mi madre, siempre he comprendido la igualque espera cierta “fidelidad” de su artis- dad entre hombres y mujeres en cuanto a ta jeje… derechos sociales, etcétera. Considero que Nunca estuve en Argentina. Deseo de co- en la mujer están la belleza y la inteligencia razón acudir allá a actuar, pues sé de buena más sublimes. También vislumbro un futuro tinta que hay público esperándome. Espero gestionado por la mujer. Eso es maravilloso. que esa oportunidad se dé pronto y, desde Lo malo es que para llegar a ese futuro aún luego, si voy una vez, volveré si se me recla- tendremos que soportar esta guerra absurda ma, suelo ser muy leal a mi público sea de que estamos viviendo entre hombres y mudónde sea. Tengo muchas ganas de ir, pero, jeres. ya sabes, depende de los promotores. Algo que siempre pregunto a un músico Me llamó la atención del último disco que es escritor y poeta: ¿Creés que todo que hablaras ya desde el título de la mujer es consecuencia de ser poeta? ¿O qué al como futuro y futuro victorioso, y esto fue menos el mundo poético de tu música y tu larga por allá en el mes de abril, y volveremos en noviembre para hacer todo el norte de México y Estados Unidos.

poesía se tocan en algún punto? Soy poeta con o sin música, pero mejor con música. Procuro que las letras de mis canciones antes de ser letras sean poemas y que tengan vida propia, pero mejor con música, repito.

ble en la actualidad su edición. No comprendo esa ceguera… La variedad de artistas que colaboran conmigo es increíble, y también la disposición que tuvieron para aportar sus piezas. Hay artistas españoles, mexicanos y argentinos, como mi amigo Andrés Calamaro, que aportó una canción magnífica. Puedes Además de la poesía has escrito nove- ilustrarte mejor en www.canciondeamordeulas, al menos sé que has publicado una ndia.com novela. ¿Cuánto de autobiográfico hay en tus historias? En el último disco una tema que me llaClaro que hablo de mí en mis canciones y mó mucho la atención fue “Bienestar” que poemas, aunque me encanta inventarme his- me parece que tiene una letra muy polítitorias; considero que escribir ficción es mu- ca, pero que no es para nada panfletaria, cho más trabajoso y procuro hacerlo en mu- que habla más desde una realidad terrichas ocasiones, como hice en mi novela El blemente descriptiva ¿Cómo te pega en lo amor no está en el tiempo. Finalmente, fic- personal y en lo artístico la realidad polítición y realidad han de convivir estrechamen- ca de estos tiempos? te en el mundo del arte, si no, la obras serían Cuando comencé a grabar discos, allá por inocuas, olvidables y pocos se identificarían 1985 con Mar Otra Vez, hablaba mucho de con ellas. La vida es mi principal fuente de aspectos sociopolíticos e incluso de sociedainspiración, la mía y la de los demás. des distópicas, como la que nos está tocando vivir ahora. Es imposible no escribir al resHe tenido que hacer un recorte impor- pecto, sería irresponsable dar la espalda a tante, dado lo extensa e interesante que todo lo que ocurre en este mundo desquiciaes tu carrera, me quedo con ganas de sa- do. Prefiero, indudablemente, escribir canber de tu paso por la escena rocker de los ciones de amor. 80, tus bandas, haber tocado con Sonic Youth, pero quiero que nos cuentes un ¿Cómo viene este 2018 en términos poco de tu increíble proyecto de Canción creativos? ¿Qué tenés el horizonte cercade amor de un día, ¿cómo surgió y cómo no? ¿Presentaciones en vivo, más grabafue el resultado? ciones? Canción de amor de un día ha sido una Estoy componiendo canciones para mi nueaventura de gran envergadura, como atrave- vo disco, que saldrá el año próximo 2019, en sar el Atlántico y cruzar el Cabo de Hornos, que se cumplen, como bien decías al princicon muchas satisfacciones, impedimentos, pio, 30 años de mi carrera en solitario. Tengo destrucciones y reconstrucciones. Nos llevó conciertos en otoño. Habrá reediciones de al6 años. Pero logramos terminarla, en su parte gunos de mis discos en vinilo; habrá gira por musical, en 2106. Nos está costando mucho España, México y Estados Unidos, esperepublicarla, pues es un solo track de 24 horas: mos que también por Sudamérica, entonces no cabe en ningún disco y pesa 26 Gb’s. Hay ojalá nos encontremos. alguna que otra editorial interesada en editar la novela homónima, que dio pie a generar Crucemos los dedos para que ese entoda la música (100 piezas musicales enlaza- cuentro finalmente suceda: queremos das hasta formar una de un día de duración), verte y oírte en vivo y en directo!Ha sido junto a un pendrive con la canción, pero nin- un placer, Javier Corcobado!!! guna discográfica ni plataforma digital ve viaGracias a ti, Pablo. Un abrazo.

[ Entrevista a Rudy Tambala de Jübl por Diego Centurión. Fotografías: Tanel Tero, Dani Canto, Mattias Malk y Matis Veltman. ]

UN PRESENTE FORJADO POR EL PASADO

A la hora de plantear esta entrevista pensé buscar un punto de partida para llegar al nuevo EP que acaba de salir, este punto de partida lo podemos encontrar exactamente hace 30 años, aunque la banda tenía otro nombre, los 30 años de historia abruptamente cambió y la banda cambió su nombre y, en cierta forma, empezar con una nueva identidad, pero con el mismo sonido brillante.

Hola Rudy, gracias por aceptar hacer esta entrevista. Y para empezar no podemos obviar los 30 años de “69”, el álbum debut de A.R.Kane. ¿Qué recuerdas de ese momento en que grabaron esas canciones del álbum? Hola Diego, gracias por esta oportunidad de hablar de música. Muchos de mis recuerdos de esta época están atrapados como insectos en ámbar; están claros, como si solo hubiese pasado la semana pasada. Acabábamos de completar un año increíble con los dos discos lanzados en 4AD, y todo parecía posible. A los críticos les encantó la música y teníamos una creciente base de fans, además de un nuevo sello discográfico (Rough Trade) que acordó adelantarnos algo de dinero para que pudiéramos construir nuestro propio estudio para la realización de nuestro LP debut. Compramos el equipo y comenzamos a aprender a usarlo mientras rastreamos las nuevas canciones, solo Alex y yo la mayor parte del tiempo, simplemente haciendo sonidos, tocando con ideas musicales y grabándolos sobre la marcha. Hubo muy poca discusión, poca preparación. Creo que fueron años de creatividad reprimida los que solo necesitan estar en el mundo. Se hace un circuito, cuando los amantes de la música muestran su aprecio y los músicos crean, es un tipo de ciclo de retroalimentación que puede crecer muy rápido, estábamos en ese círculo. La libertad que nuestro propio estudio nos proporcionó fue clave para

nuestra capacidad de experimentar, y la experimentación, la exploración y la diversión fueron las raíces del LP. Sin lugar a dudas “69” es una referencia ineludible a la hora de hablar del sonido dreampop de los años 80’s. ¿Tú cómo lo ves a la distancia? Fuimos fuertemente influenciados por las generaciones anteriores de creadores de música y aunque utilizamos la instrumentación de una banda indie, nunca usamos los instrumentos o el estudio como lo haría una banda independiente. Es por eso que sonamos muy diferentes a nuestros contemporáneos, nos negamos a ponerlos en categorías existentes y porque inventamos el término Dream Pop para describir nuestra música. Creo que estábamos tratando de capturar simultáneamente las técnicas de producción y rendimiento trascendentes que uno podría asociar con King Tubby, Syd Barret o Sun Ra, junto con las simples canciones pop. En retrospectiva, veo sesenta y nueve como un híbrido de psicodelia, free jazz y dub, con una sensibilidad groove y una mentalidad punk inglesa. El lanzamiento del álbum da rienda suelta al éxito, alcanzando el número 1 en la lista de álbumes independientes en el Reino Unido. ¿Cómo fue ese momento? Alex y yo estuvimos en estado de shock desde 1986 hasta 1989. Parecía que todo

nos estaba sucediendo y nos sentimos como en un sueño. Ya habíamos tenido un éxito global y alcanzamos el número 1 con Anitina, pero sesenta y nueve encabezando las listas fue el momento más increíble para nosotros.

ensayos, etc., sin la participación de Alex. Él aparecía para el último ensayo. La diferencia ahora es que él no apareció en absoluto (Risas) - al principio esto me dejó pasar de vocalista de ensayo a vocalista real. Ahora he derivado los deberes del canto a Maggie ¿Qué es lo que les dio a ustedes como y Andy, para que las cosas se vuelvan más banda el álbum “69”? naturales de nuevo, puedo aparcar mi ego y Creo que un LP debut es una declaración centrarme en la guitarra y los sonidos. que se toma en serio, y establece la trayectoria para el resto de la carrera. Sesenta y nueve Se puede decir que Júbl es un presente nos permitió el espacio para experimentar forjado por el pasado. más, para refinar nuestro sonido y nuestra Jübl nace de la imposibilidad de técnica, para trabajar en cualquier género remasterizar este álbum de A. R.Kane. que deseáramos, y para conectarnos con Cuéntanos esta historia. otros músicos y escritores que tenían un Odio decir esto así lo mantendré breve; Los pensamiento similar al nuestro. derechos de A.R Kane (marca y catálogo) son un área muy turbia y me arrastraban hacia En 2015 decides reformar la banda abajo, impidiéndome crear música nueva. y realizas conciertos. ¿Cómo fue el Necesitaba escapar de esto, necesitaba momento de decidir reformar la banda sin la libertad que tenía cuando grabé sesenta Alex? y nueve; libertad material, psicológica y Era una sensación familiar porque muchas emocional. Cuando cambié mi nombre por el veces en el pasado había manejado la banda, de Jübl, parecía como si un gran peso hubiera contratado músicos, había establecido sido levantado, como si Jübl hubiera estado

allí todo el tiempo, esperando pacientemente a que mi obstinado y lento cerebro se pusiera al corriente y diera el salto. Hay algo que une a A.R.Kane con Jübl. Además de tu presencia. Dime cómo es trabajar con tu hermana, que es tu compañera inseparable en tus expediciones musicales (A.R.Kane, Sufi y Jübl). Es muy fácil y divertido trabajar con Maggie. Ella es muy callada y reflexiva, rara vez necesita que se lo digan más de una vez cuando estamos tratando de llegar a un enfoque específico. Ella tiene una voz genial; conmovedora, frágil, tonal y rítmicamente preciso, muy fácil de grabar; “one-take Maggie” la llamamos. Mi principal problema es que cuando se junta con mi esposa Anita, se ríen como colegialas, incesantemente. Me vuelve loco, Síndrome del hermano mayor.

quiero mucho, funcionan bien de acuerdo con el algoritmo que controla mi cerebro musical, la relación de los cuatro componentes principales de Dream Pop; armónico, rítmico, sónico, lírico, con frecuencia en Kane y ahora Jübl, la prevalencia de los elementos sónicos y rítmicos, modulados a través del género y los estilos, las técnicas y la tecnología, el contexto y las actitudes.

¿Qué planes tienes a futuro? Hoy estoy en el estudio trabajando en una nueva colaboración con Ummagma, que sigue a nuestra colaboración previa 'Winter Tale'. Está tomando una dirección RNB, deepgroove, perfecta para este verano “increíblemente caliente”inglés. Además de eso, Jübl está grabando nuevas canciones para el LP debut, que esperamos lanzar este mes de octubre. También estamos empezando a pensar en laspresentaciones en vivo, pero todavía no hay fechas ¿Ustedes cuándo escriben las canciones establecidas. ShamelessPromotion PR nos de “ThinkingSweet”? está ayudando a promocionar este álbum, “Thinking About You” fue escrito por lo que parece que también hay muchas en la primavera de 2017; sufrió varias entrevistas por delante. interpretaciones hasta que alcanzamos el sonido que ahora escuchas: ¡todos ellos! - y Para terminar. ¿Hay algo que no he ahora es el punto de referencia contra el cual preguntado que nos quieras contar? se miden las nuevas grabaciones. “Sweet El EP de Jübl se encuentra en todas las Dreams” fue escrito para un show de A.R. tiendas digitales y servicios de transmisión, Kane en 2016; se estrenó en Primavera y hay una versión de edición limitada de USB Sound en Barcelona, ha evolucionado para coleccionistas disponible en bandcamp desde entonces. La larga canción 'Thinking https://jublband.bandcamp.com/merch/ Sweet' es una fusión de las dos canciones thinking-sweet-ep-limited-edition-usbanteriores, con un fundido cruzado entre el signed-card-exclusive-bonus-track-boxed final y el principio; ésta fue una técnica de Queremos que tantas personas escuchen escucha inmersiva que adoptamos en el lado nuestra música como sea posible, así que si dos de sesenta y nueve, y quería hacer esto la quiere pero no puede permitirse comprarla como referencia de ese LP. ahora, envíenos un mensaje a facebook y le enviaremos un código gratuito. ¿Nos puedes contar las sensaciones https://www.facebook.com/jublband/ que encierran las canciones para ti? Las canciones son como niños nuevos, los protegemos pero ya los han empujado del Gracias Rudy por permitirnos hacerte nido y tienen que valerse por sí mismas en estas preguntas. el mundo grande y malo. Personalmente, las Gracias. La paz sea con vosotros.

HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

EL RECOMENDADO Planeta Extraño

[ por Diego Centurión. ]

Un Viaje de Ida a Un Jardín Espacial

Su gacetilla comienza… “Son dos seres humanos, terrestres, más precisamente argentinos, aunque por su capacidad musical, su oído extraordinario y su talento podrían provenir de un...PLANETA EXTRAÑO.” Formado por Ricardo Penayo y Alejandro Albarracín (ambos con sendos pergaminos musicales). El punto de partida fue una noche de rock en el 2016, cuando dos bandas compartían escenario, una era la banda de Ricardo (Alumbra)yla otra de Alejandro (Moda Eterna) en un local de San Justo. Entre charlas y anécdotas nace la amistad entre estos dos seres. Consecuencia directa de ello, nace a comienzos del año 2017 PLANETA EXTRAÑO, un dúo musical donde Rycz hace las veces de programador, guitarrista y voces y Alejandro Alba Teclados y voces. Este proyecto se destaca fundamentalmente por ser conceptual. En un primer ensayo ambos acuerdan que todas las letras de las canciones de PLANETA EXTRAÑO serán sobre la base espacial, astronómica, intergaláctica y en algunas ocasiones con referencias a la vida fuera del planeta tierra, este acuerdo da un resultado que los lleva a grabar un primer EP titulado Viaje trascendental, que contiene 4 canciones. El dúo de Alba & Rycz, debido a la positiva repercusión del primer EP y los conciertos energéticos, ya se encuentran grabando y mezclando el nuevo EP con 6 canciones más. Nuestras redes Facebook @PlanetaExtranoMusic Instagram planetaextrano Bandcamp https://planetaextrano.bandcamp.com/ Prensa / Contacto proyectosalba.argentina@gmail.com

UN PODEROSO PROCESO CREATIVO [ Entrevista a Siobhan DeMare y Gary Bruce de Swoone por Diego Centuriรณn. ]

Hace un tiempo que este proyecto de Siobhan De Mare (ex Mono, Violet Indiana) y Gary Brucehan lanzado el primer single, allá por julio del 2016, “This Bullet Never Kills” y dos años después nos traen su álbum debut llamado “Handcuffed Heart”, donde el sonido lánguido y la mezcla de trip-hop y dream pop es tan exquisita que nos recuerda los caminos sembrados por Violet Indiana, proyecto con el que Siobhan se unió con Robin Guthrie. Pero no podemos olvidar de los pergaminos de Gary Bruce, quien lo último que vimos hacer es acompañar al genial Daniel Land, quién se ha encargado de la mezcla y producción del álbum.

Hola Gary y Siobhan, es un placer para mí poder realizarles está entrevista. Siobahn sabemos de tus bandas anteriores, Mono y Violet Indiana. Gary me encanta tu trabajo “Maps” (2011) y sé que has estado en la banda del gran Daniel Land. ¿Ustedes encuentran diferencias entre sus anteriores proyectos y Swoone? Siobhan: Sí, veo diferencias con Swoone y otros proyectos. Swoone es más experimental y mezcla elementos de estilos vocales que no he podido transmitir antes. Creo que es más conmovedor en algunos lugares, y mucho más libre, tanto musical como líricamente. Gary: La música que produje antes fue pensada como música para televisión, más como música de fondo con estructuras de canciones menos definidas. Cuando nos reunimos por primera vez, produjimos algunas canciones en diferentes estilos usando esta música, pero nada parecía muy bien estilísticamente. Sabía que podíamos hacerlo mejor y trabajé duro para crear un sonido e identidad Swoone distintivo en la música. La mayor parte de mi música es bastante conmovedora y atmosférica, por lo que fue un buen punto de partida para Swoone. Ustedes han lanzado el single adelanto en el 2016. ¿Qué ha pasado en estos dos años que no tuvimos más singles adelantos? Gary: Sí, ¡ha sido una larga espera! Después de que el álbum fue terminado, sabía que

tenía que dárselo a alguien con orejas frescas para hacer la mezcla final y pulirla. Daniel Land muy amablemente se ofreció a hacer esto y ha hecho un trabajo fantástico, pero le llevó un año hacerlo. Entonces estábamos esperando que Saint Marie Records sacara el álbum y eso ha tomado otro año, ¡pero ahora estamos muy emocionados de que finalmente salga a la luz! Si hay algo que ustedes manejan a la perfección son los ambientes cálidos y lánguidos, con mucha reverberación y mucho sustain, volviendo el clima dulce y brillante, aunque sombrío o melancólico. Un poco dreampop, un poco trip-hop... Y si bien podríamos hablar de influencias mí pregunta irá directo a lo que consumen ¿qué música han escuchado últimamente que tenga que ver con el producto Swoone? Gary: ¡Gracias, lo describes perfectamente! Casi toda la música que produzco es un poco melancólica, que proviene de experiencias de vida que se canalizan inconscientemente en la música. No hay música contemporánea que haya influido en el sonido de Swoone, ya que todavía escucho todos mis viejos discos la mayor parte del tiempo. Estos registros han sido absorbidos en mi psique. No soy lo suficientemente bueno como para emular ningún registro, así que creo que tenemos que volver atrás y hablar sobre las influencias que pueden estar actuando de formas en las que no somos plenamente conscientes. Para mí serían los ambientes de Pink Floyd, los

ritmos de Portishead, las cuerdas de Motown y la reverberación de Slowdive. Siobhan: Realmente no asocio ninguna nueva música con el sonido Swoone. Es bastante único en su estilo y sonido, pero tomando influencias del pasado, en lugar del presente. Con Swoone pude ser inspirado por las grandes cantantes de soul del pasado. Es por eso que nuestra música se prestaría perfectamente a una Película Bond. ¡Ese sería mi mayor deseo de todos!

música, la moldearía en forma de canción y luego enviaría la pieza terminada a Siobhan. Cuando Siobhan estuviera lista, iría al estudio de mi pequeña casa en mi ático y grabaríamos la voz. Las letras y la melodía de Siobhan estaban casi completas, pero siempre había algunos retoques y modificaciones por hacer. Fue muy relajado y nos reímos mucho mientras trabajábamos en las canciones, a menudo con Siobhan haciendo varias imitaciones ya que es una excelente imitadora. ¡No te diré de quién hizo las imitaciones! Como ambos tenemos compromisos de trabajo, el álbum tomó aproximadamente 18 meses para grabar.

Cuéntenme ¿cómo ha sido el período de escritura del álbum y cuánto tiempo les llevó grabarlo? Gary: Escribimos y grabamos cada Siobhan: El proyecto no comenzó como canción, una a la vez. Escribiría y grabaría la un álbum, no se planeó de esa manera.

Acabamos de comenzar como un equipo de escritura y grabamos nuestras ideas. Dos artistas que colaboraron en una explosión de ideas experimentales que parecían funcionar casi de inmediato. Una vez que supimos que teníamos una conexión musical increíble, la desarrollamos para crear un álbum de gran riqueza y profundidad.

poca antelación. Solo se trata de encontrar el ambiente y la audiencia adecuados. Personalmente, tocaría casi en cualquier lugar para la multitud correcta, ¡pero el castillo suena bien!

¿Cuáles son los planes para este año? Siobhan: Los planes para este año son comenzar a grabar un nuevo álbum que es ¿Qué nos pueden contar de las incluso mejor que el anterior, y hacer nuevas canciones? canciones increíbles que adquieren vida Siobhan: Las canciones no seguían propia. Queremos mostrarle a la gente que ninguna regla, solo tenían que estar en lo Swoone está aquí para quedarse. correcto. ¡Esa fue la única regla! Debían estar llenos de emoción honesta. Líricamente, son Gary: Estoy ansioso por grabar el nuevo las canciones más abiertas y autobiográficas álbum y promocionar “Mancuffed Heart”. que he escrito. Fue una experiencia catártica y Estoy muy orgulloso de eso y espero que la recuerdo el momento como de gran angustia, gente lo disfrute. pero también de poderoso proceso creativo. ¿Podremos esperar otro álbum de Gary: Musicalmente, para mí, las canciones Swoone en el futuro? están a punto de expresar un sonido más Siobhan y Gary: ¡Sí, habrá otro álbum de oscuro y sofisticado de lo que había producido Swoone! anteriormente. Cada canción para mí es como una mini película y tuve que hacer cada ¿Consideran que hay algo que no haya una de ellas, única y diferente en sí misma. preguntado que nos quieran contar? Mantener una paleta musical restringida me Siobhan: Bueno, hay muchos nuevos ayudó a formar una identidad musical clara, artistas talentosos y es bastante interesante al tiempo que me permitía experimentar con escuchar cuánta influencia han tomado de diferentes estilos musicales. la otra música. Incluso el trabajo del que he sido parte. Se trata de cruzar fronteras y, ¿Planean llevarlo al vivo? con suerte, hacer llegar sus mensajes de la Siobhan:“El Vivo” es algo de lo que manera más expresiva posible con la que las hablamos a menudo. No es un plan personas puedan relacionarse y encontrar inmediato, pero posiblemente en el futuro. consuelo. Especialmente si recibimos una oferta para Creo que cierta música tiene que ser un actuar en algún lugar especial. Es decir, un poco más responsable con el mensaje que castillo en las montañas de Italia, con vistas transmiten en las letras, ya que vivimos en a la bahía. (Risas). O una fiesta de estreno tiempos difíciles donde la influencia y los de una película en Hollywood. ¡Eso sería muy mensajes negativos pueden ser glamorosos, atractivo! pero peligrosos si se toman fuera de contexto, afectando las elecciones de la gente en la Gary: Creo que las canciones sonarían vida. fantásticamente en vivo y sería una verdadera Como músicos, tenemos que asumir esa lástima que nunca las hayamos interpretado responsabilidad cuando entregamos un de esa manera, ya que tenemos una banda mensaje en una canción. en vivo que estaría lista para actuar con

Gary: Me gustarĂa dar las gracias a todas las personas que se toman el tiempo para escuchar nuestro ĂĄlbum, "Mancuffed Heart"

¡NO HAY NADA MÁS HERMOSO QUE TORTURAR UNA BATERÍA!

[ Una charla con Rat Scabies por Pablo Müllner. Fotografías: Nelia Torres, Rob Wade y Tim Hart. ]

Todo lo bueno entraña también algo de maldición. Anoche soñé que me habían invitado a una fiesta muy rara en la casa de Siouxsie Sioux, tiempo y lugar: desconocidos. Ella me toma de los hombros apenas toco el timbre de su puerta: Acá está Rat Scabies, y me está haciendo pasar un mal momento! Tenés que ir derecho a encararlo y decirle que la corte!... “OK, voy!¿Pero qué es lo que debo decirle?” “No sé, hacé lo que puedas!” Y se ríe con sadismo”. Solo pienso: “Dios, estoy jodido!”. Entonces me despierto.Es casi la hora del almuerzo y tengo un calambre estomacal, probablemente mi estómago hace ruidos nerviosos. Tengo la oportunidad de entrevistar a Rat Scabies, el glorioso Rat Scabies de The Damned. Es tan solo una charla vía Skype, pero su figura es imponente, como el héroe punk rock que es, no hay dudas de eso. Trato de explicarle que para mi y seguro la gran mayoría de nuestro staff The Damned es una de esas bandas que son más grandes que la vida. Pero además de eso, él es un único por derecho propio, manteniéndose en buena actividad, entre su álbum solista PHD, editado hace escasas semanas y sesiones de grabación con la banda The Mutants. Ah, y yendo detrás del Santo Grial, les juro no miento, son cosas que un héroe hace.

Hola, Rat Scabies. Él me saluda cortésmente. En principio quiero decirte que The Damned es una de las bandas favoritas de toda la redacción de Revista The 13th. Una banda Top Five de todo el grupo. Es por eso que tengo un montón de preguntas, algunas mías, otras de otros miembros, pero voy a tratar de ser directo y sin rodeos para no quitarte mucho tiempo. Él agradece y espera la primera pregunta.

podían tomar nuestras vidas era: o el futbol, o la música o la cárcel. Nosotros habíamos decidido probar con la música primero.

Wow! Que decisión tan afortunada, para nosotros que disfrutamos de la música también. Bueno, la portada del álbum debut Damned Damned Damned en mi cabeza es realmente la cúspide de lo punk. ¡Quiero decir! Esos muchachos, nada puede ser más punk que eso. Hay muchísimo para decir sobre los días Gracias, bueno, ¡es cierto! La idea del iniciales de la banda, a distancia, y como fotógrafo era crear una imagen de banda fan de The Damned, e incluso como parte en lo forma menos glamorosa posible, cero del Movimiento Punk… Desde este lado, estetizada, y así fue nomás. todos ustedes se veían como esos chicos alocados de Trainspotting, corriendo Entonces le pregunto si era crema, y por las calles de Londres, después de él me dice que era crema de afeitar real, haberse robado algo de una tienda. ¿Hay que ellos se embadurnaron el crema de algo de cierto en esa imagen o es solo una afeitar, y jugando hasta se lamieron un imagen? poco unos a otros. Qué una cosa muy No, no, es así, era bastante parecido a eso. loca, muy divertida, me confirma que claro Todos nosotros veníamos de unos barrios de que estaban bastante fumados para poder clase trabajadora, y el camino más posible que hacer semejante cosa. Luego se ríe, nos

reímos, cuando recuerda que enseguida después todos volvían en colectivo a sus casas cubiertos de crema. Creo que en ese mismo momento que habla, el arma un cigarrillito, pero no puedo saber porque no lo puedo oler. ¡Tampoco se lo pregunto! La estética The Damned era una cosa mucho más elaborada que la del resto de movida punk. En un punto me recuerda mucho a lo que hizo después la banda The Cramps en América, el uso de la imagen y el imaginario de una manera muy orgánica, incluso desde las letras y el target era siempre la Cultura Clase B Americana. En el caso de The Damned veo mucho de B Horror inglés, por supuesto la genial productora Hammer Horror Films. ¿Cómo se les ocurrió? Creo que nos influenciaron los films mucho, en lo visual. Ahí lo teníamos a Capital Sensible haciendo todas sus locuras, que shockeaban y

confundían a las audiencias, a todos nosotros nos gustaban ese tipo de cosas siniestras. No solo lo que eran los films de terror, también películas más bizarras como The Wickerman (El hombre de mimbre), conocés ese film, muy sicodélico, pero también aterrador. También nos gustaba la estética siniestra de las Ferias, y claro también el Hammer Horror. Le menciono que mirando detenidamente a Dave Vanian, el tenía ese estilo de un vampiro de película blanco y negro. Siniestro pero carismático, lleno de sarcasmo… Le digo que estoy seguro que el alter ego de Bono, de los primeros noventas Mac Phisto le tomo “prestado” mucho a Vanian. Él está de acuerdo, y me dice que muchas de las cosas que hacían era demasiado adelantadas, y que por eso muchos otros artistas hicieron mejor uso de esas ideas tiempo después. Le digo que estoy totalmente de acuerdo.

Siempre creí que los punks elegían sus seudónimos de manera muy graciosa, parodiando esa locura hippie de llamarse “Arco Iris”, “Trueno de la Montaña”, ese tipo de cosa… ¿Es así? ¿Los estaban burlando? Bueno ahí en parte algo de eso, pero la cosa más importante es que queríamos hacer lo nuestro de una manera medio anónima, entonces protegíamos nuestras identidades en caso de que esta idea de hacer punk no prosperara y tuviéramos que salir a trabajar, ¡era una cosa muy necesaria! Le pregunto, por qué eligió el suyo

“Rat Scabies” (algo así como “Sarnas de Rata”), él se ríe, y me aclara: no, yo no lo elegí, me bautizaron así, mis amigos. A mí solamente me gusto, y me lo quedé. “Not of this Earth” (No de este mundo) fue el octavo álbum de la banda en 1995, y fue el último de Rat Scabies con The Damned. ¿Cómo sucedió la partida? ¿Y qué pensás de lo que sucedió después con la banda, los siguientes trabajos de estudio y giras? Bueno, llegamos a un punto en el que sentí que la banda no tenía nada que ver conmigo, creativamente no estaba saliendo nada

bueno, los shows no estaban resultando tan excitantes como antes, y en lo personal yo estaba pasando una mala etapa con Dave. Entonces llegó un punto que me dije: ¡esto fue suficiente! Y realmente, ¡no me arrepiento al día de hoy! Unos años atrás estuve entre el público y pensé “esta no es la dirección que hubiese querido tomar”, por eso, no hubiera estado cómodo en el escenario haciendo ese tipo de show, pero está todo bien con ellos. Bueno, ¡suficiente del pasado entonces! Hablemos del álbum solista, que se llama PHD y las siglas responden a: PrisiónHospital-Deudas, es un nombre infernal, ¿cómo se te ocurrió? En principio es porque juega con la noción de PHD, designación que se una para el título de grado de una universidad. Pero es juego de palabras, en el que también pensaba el peor de los caminos en el que puede andar una persona, como espiral descendiente: Prisión-Hospital-Deudas… ¡Sí, es un golpe! Le digo al menos no es “prisión-hospital-muerte” y que si, que es una manera más optimista de verlo si termina en “deudas” y los dos reímos. Me gusta mucho del disco que sea tan, tan ecléctico, casi esquizofrénicamente ecléctico. Por ejemplo, empieza con par de momentos muy rock duro, hacia el medio se va poniendo más cool con tonos jazzeros y hacia el final hubo un par de tracks que me sonaron como música del medio oriente, creo es muy cool, es loco que hacia el final todas las partes parecen coherentes, me encanta eso.

así resultó! Le comento que la onda que me dio el disco es estar escuchando una de esas locas, esotéricas bandas de cool jazz zapando entre nubes de hierba, y que por eso me gustó tanto. El agradece, se siente complacido, ¡gracias a dios! Hablando de esoterismo le digo que me llamo mucho la atención su dedicación a la búsqueda de Santo Grial. Y que descubrí incluso un libro sobre eso, el libro se llama Rat Scabies y el Santo Grial, que me parecía uno de esos extraños chistes ingleses, pero que leí más y más y supe que era completamente real, lo cual hace a la historia aún más asombrosa. ¿Cómo empezó todo esto? Bueno, es muy sencillo en realidad. Me iniciaron en esa sociedad, mis propios padres. Es algo que ellos hacían y me lo pasaron, así que para mí fue muy natural. Ellos formaban parte de una sociedad que activamente estudia sobre el Santo Grial, en este caso. Lo que puedo decir sobre ello es que no se trata de una actividad que mistifica la vida, que no tiene una visión mitológica de la realidad, sino todo lo contrario trata sobre la propia vida y sobre mirarla con mayor detenimiento.

Lo interrumpo en un momento muy franco, muy sincere, porque creo tener una cita suya que es casi perfecta y se la quiero recordar: “Buscar el Grial, es el Grial, no es realmente encontrarlo. Lo importante es lo que te encuentras en el camino” Bueno, le digo, yo me encontré un bonito Tesoro en el camino con la versión que grabaste de la canción de Dylan “This El me agradece y probablemente dice Wheel’s on fire”, la que canta en ese algo más sarcástico que no logro alcanzar. sencillo es tu mujer, ¿no es así? Pero suena agradecido, y suma a la idea del Sí, es mi mujer, Viv, la firmamos bajo eclecticismo que realmente el quiso poner el nombre “Rat and the Whale”, y fue tan juntos todos esos elementos tan distintos, divertido hacerla juntos, la hicimos solo por sinimportarcuandesconectadospudiesen el placer de hacerla, es que es una canción oírse, y que finalmente sí, darles una idea tan increíble. de cohesión a través de la producción. ¡Y

Yo le digo: Sí es un tema genial, más allá de lo que quiera decir, no? Y el agrega: Sí, la letra esta buena, porque es tan enigmática, es como pasarle un mensaje en código a alguien, me encanta! Entonces vuelvo a preguntar: Además debe haber sido un inspiración para Siouxsie que la grabó unos cuantos años más tarde, pero la de ustedes es de una manera mucho más cruda y rockera. ¿Tu esposa ha vuelto a cantar desde entonces? Oh, no, realmente, ello lo hizo como un juego. Aunque ha aparecido en alguna ocasión cantando coros en vivo con The Gun Club. Pero ella nunca canto como una ocupación central en su vida. Hablando de eso, no cantás en tu álbum, la mayor parte de disco son instrumentales, y algunas voces vienen de parte de invitados ocasionales. Él me explica nunca se ha sentido cómodo en el rol de cantante, y si tiene que hacer algo solista prefiere que sean instrumentales como en PHD. Entonces le pregunto si tiene planes de presentar el álbum en vivo. Él enseguida dice que no, que solo hubo un par de eventos en vivo para la prensa para presentar el álbum, pero no hay planes de futuros shows. La forma en la que concibe una presentación incluyendo juegos de luces y pantallas y efectos, y que eso haría demasiado caros los shows para poder mantener una serie de conciertos. Anoche vi el documental sobre The Damned “Don´t you Wish that We Were Dead?” (¿No te gustaría que estemos muertos?) ¿Que sentimientos tenés sobre esa película? Oh, está bien creo. Es un buen film, de Buena calidad, pero no deja de ser un film. Quiero decir es en muchos casos una ficción, y fue bueno porque dio ganancias. Pero muchas de las historias que cuenta ahí no son verdaderas. Y creo que es una lástima

que se haya enfocado en eso y no tanto en la música que fue lo que nos convirtió en un banda con una buena reputación. Pero en balance, estoy conforme, porque imagínate yo era un flaco de clase trabajadora que ambicionaba una carrera en la música y terminar con una película sobre mi banda de cualquier manera, ¡te vuela la cabeza! En 1985, The Damned sacó el disco “Phantansmagoria” y resultó ser un punto bien alto para la banda, seguro un éxito comercialmente y una forma de redefinir el estilo: antes habían jugado con lo siniestro, a veces más cómicamente a veces de manera más sugestiva, pero en Phantasmagoria hicieron uso de un sonido más directamente goth rock. ¿Cómo viviste esa parte, la extrañas en la distancia? Sí, en algún sentido, la extraño. Fue como el momento de dar vuelta una situación bastante mala, en ese período Captain Sensible no estaba trabajando para la banda, nosotros seguíamos para adelante sin saber bien el rumbo, hasta que nos decidimos a afilar un poco todo: hacer algo muy profesional, muy bien producido y eso fue Phantasmagoria. Y funcionó súper bien, el público respondió excelente, le dimos algo que revivió a nuestros fans y que hizo que nueva gente se interesara por nosotros. Creo que eso es lo que extraño de esa etapa. Pero por otro lado, nunca hicimos el mismo disco dos veces con The Damned, si escuchas nuestro catálogo no hay uno que se parezca al otro. Así que no hubiéramos hecho la misma fórmula dos veces, pero ¡sí son lindos recuerdos! ¡Es muy cierto! Siempre hicieron cosas inesperadas como el cover de White Rabbit (de la banda hippie Jefferson Airplane) que es un himno de los 60, lo cual ya resulta irónico, pero tiene sentido porque es un tema que siempre sueña arriesgado desde la letra, y tiene una batería ¡¡¡bien marcial!!!

¡Amo esa canción! Y tengo una tendencia hacia las baterías marciales, podés verlo ¿no? ¡Y la letra del tema es genial! Pero es muy difícil tocar esa canción en vivo, hay un punto donde la voz se va arriba, a un agudo imposible y ¡eso le ha dado a Dave momentos difíciles en vivo! Hablando de cosas inesperadas hay un video por youtube de ustedes tocando “Looking at You”, y la versión en vivo es tremenda, le están volando la cabeza al público, y de repente vos rocías la batería con gasolina y la prendés fuego, todo el drum kit ¡se enciende literalmente! Es un tributo a Jimi Hendrix o se salió el pirómano que hay en vos. Voy a decirte una sola cosa sobre el tema: no hay cosa más bella en el mundo que torturar una batería, es una experiencia de éxtasis. Y la verdad no estuvo para nada programada, solo surgió, y lo hice, y el público se puso loco. Creo que los que hacían la seguridad también, pero de otra manera, sabes. ¡Fue muy divertido!

nosotros. Era genial, cuando andaba con nosotros, siempre era para pasar un gran momento. Pero no pudo quedarse mucho, porque enseguida Motörhead despegó y el tuvo que seguir su camino, pero tengo las mejores memorias de Lemmy. Entonces estuviste tocando la batería para varios proyectos recientemente, para Professor and the Madman y su último álbum, como baterista invitado. Y sos un miembro regular de The Mutants, ¡es así no? Oh, sí. Estamos por sacar Nuevo material con The Mutants, será nuestro cuarto álbum de estudio. Y a diferencia de mi disco solista es un álbum de canciones, con muchas influencias distintas. Y esta vez sí vamos a tocarlo en vivo, en realidad nuestra primera fecha es el 10 de agosto, estoy muy entusiasmado con este proyecto particularmente.

¡Es genial! ¡Me encantará escuchar el disco! Así, sí todo anda bien, ¿quizá podremos estar hablando del disco y la gira pronto? No quiero tomar más de tu ¡No lo dudo ni un segundo! Necesito tiempo Rat Scabies, y fue un verdadero preguntar esto, porque nuestro equipo placer, aunque debo admitir que al tiene muchos fans de Lemmy, bueno la principio estaba bastante asustado. Y mayoría adora a Lemmy, pero ¿cómo fue en ese instante: “Si lo sé, es por esto” y que tuvieron a Lemmy con ustedes por un entonces hace la mímica de una rata dando par de años? mordiscos, de una manera diría persona. ¡Lemmy era un grande! Una gran compañía, Es gracioso y da un poco de miedo, y se un buen amigo, y como era bastante mayor ha convertido en una memoria inolvidable que el resto de nosotros, él era un verdadero para mí. hippie, y asumió el rol del tío cool con ¡Dios Salve a Rat Scabies!

NETLABELS EL FUTURO AL ALCANCE DE UN CLICK

SIGLO XXI. Estamos ante un cambio de paradigma en la manera de distribuir y comprar música, las grandes compañías se aferran a viejos códigos y las estructuras comienzan a tambalear… pero esto no es nuevo esto pasa desde el nuevo milenio. Y los pequeños sellos han proliferando y una cantidad incalculable de bandas y artistas asaltaron las redes sociales para promocionarse. Como dije antes, la cantidad es incalculable e inabarcable, más si tenemos en cuenta que muchos artistas editan y lanzan sus productos independientemente. Si sumamos esto último la cantidad aumenta considerablemente. En el Universo de los sellos independientes, o que tratan de subsistir autónomamente podemos encontrar sellos especializados en estilos particulares de música y esto es lo que queremos mostrar en “Netlabels”. Pero lo queremos presentar desde sus últimos lanzamientos, con la idea de que el interesado busque y se entere de estos sellos o netlabels.

Hoy presentamos a la Netlabel:

NECIO RECORDS

Continuando con este Nuevo segmento en donde presentamos los sellos virtuales, hoy nos aprestamos a enseñarles un sello de Lima (Perú.) llamado Necio Records. La fundación del sello se dio a mediados del 2013 bajo la idea de Joao Orosco, Israel Tenor y Arturo Alonso Quispe Velarde, realizando un concierto de presentación en LA CASA IDA, un antiguo espacio independiente para este tiempo de emprendimientos. El primer lanzamiento fue el primer álbum de Rapa Nui titulado Rigel Kentuar. Pasaron los años y, tanto Joao e Israel decidieron abandonar el proyecto y todo quedó a cargo de Arturo. El desafío fue grande pero el sello comenzó a realizar ediciones y conciertos, siempre estuvieron vinculados a la psicodelia y música experimental. Desde 2015 hasta hoy se encargaron se realizar varios eventos, shows, festivales y más de 30 producciones, este 2018 siguen con los mismos planes y siempre ir más allá de su propio horizonte. Links: neciorecordsperu@gmail.com facebook.com/neciorecords www.instagram.com/neciorecords/ neciorecords.bandcamp.com/ soundcloud.com/neciorecords-peru www.youtube.com/channel/UCnF9-SBVEjiQ3Shts6rxclQ

99 La Ira de Dios - Hacia el Sol Rojo Origen: Lima (Perú) Fecha de lanzamiento: 30 de Marzo de 2018 Esta es una re-edición deluxe del primer álbum de la banda en donde contiende un libro de 20 páginas contando la historia del comienzo de la banda y fotos de época. Prácticamente es una banda de culto de la neo-psicodelia/space-rock peruana y referente para muchas bandas que vinieron después.

The Slow Voyage - Time Lapse Origen: Los Ángeles (Chilec). Fecha de lanzamiento: 15 de Mayo de 2018 Su álbum debut fue estrenado a finales del 2017 y se publicó en CD en abril de este año. Su música oscila entre el shogaze, la psicodelia y el space-rock.

Familia de Lobos - Familia de Lobos Origen: Lomas de Zamora, Buenos Aires (Argentina). Fecha de lanzamiento: 15 de julio de 2018 Se hará una edición especial en CD + poster A4. Su álbum debut for publicado en vinilo por Riot Season, importante sello inglés que tiene entre sus filas a bandas como Acid Mothers Temple, Hey Colossus, Comacozer, etc.

Rito Verdugo - Cosmos Origen: Lima, (Perú) Fecha de lanzamiento: 21 de Julio de 2018. Pronto a publicar su primer álbum y el estilo que van es una mezcla de heavy-psych, garage y stoner-rock. Dará mucho que hablar este lanzamiento pero esto ya es una apreciación personal.

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

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Hoy:

Pink Floyd A Saucerful of Secrets (1968)

Pink Floyd - A Saucerful of Secrets (1968) Label: Columbia / Capitol Fecha de Lanzamiento: 29 de Junio de 1968. Este año se han cumplido 50 años del lanzamiento de este álbum que ha marcado varios cambios dentro de esta banda que ha guiado los caminos de varios géneros musicales. Este es el álbum en donde conviven Syd Barrett y David Gilmour, quien lo reemplazaría de aquí en más.

Track 01: "Let There Be More Light" POR MARIAN DAMES MARIAN DAMES PROYECT - ALTOCÚMULUS QUINTETO (ARGENTINA)

Este álbum es bisagra en la historia de Pink Floyd y no por su éxito justamente sino porque es donde Barrett ya no forma parte y aparece un joven llamado David Gilmour como su potencial reemplazo en guitarra y voz. Todo un desafío para los integrantes quienes se encontraban trabajando en 1968 en este disco. “Let there be More Ligth”. Es una de esas piezas musicales que sin dudas marcan la relevancia de la obra de Pink Floyd, pero sin embargo es prudente reconocer que alejado la banda Barrett es una gran influencia en las composiciones, tanto las formas como en la lírica. Pero ahí,en esta canción,es donde realmente David Gilmour coloca su sello personal y sonoridad,que mas adelante dejará una huella que perdura hasta hoy. Podrán apreciarlo hacia el final del track que sus fraseos en guitarra toman mayor claridad y definición dejando lo incidental como una capa sobre la cual se desliza. El comienzo claramente marcado por su autor Roger Waters en bajo, seguramente un Rickenbacker, sosteniendo un ostinato junto a los teclados y órganos entre sacros y misteriosos de Wrigth pulsados por las marcas entre marciales y orquestales de Mason actúan como una obertura casi perfecta a lo que va a mostrar la obra. Quizá no transiten los caminos del virtuosismo o del futuro Rock sinfónico,pero no caben dudas de que Pink Floyd abre nuevos mundos en la música desde sus orígenes, tanto en lo musical como en lo estético logrado claramente en esta canción. Ligados a la Psicodelia de aquellos momentos son promulgados como baluartes de ese movimiento; y esta es una de las primeras señales,para mí,de querer correrse de esa etiqueta y pasar a una narración más teatral si se quiere. Viajes espaciales, citas a The Beatles en "Lucy in the sky with diamonds" Lugares y personajes desconocidos y quizá encuentros cercanos y algo de fábula, un compromiso artístico con las partes más inexploradas por aquel entonces en la narrativa crean un clima de misterio profundo. El final épico, lo definiría como un "Medioevo futurista y lisérgico"en cuanto a sus tonos y dinámica. Solo basta con darle Play y escuchar las primeras líneas que dicen en español algo así como "lejos, lejos, lejos...".

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Track 02: Remember A Day POR PAULO CIFUENTES CUARTO FLOTANTE (CHILE)

“Remember a day”, track número 2 del segundo disco de estudio de Pink Floyd. Esta canción compuesta y cantada por Richard Wright, es una de las últimas grabaciones de los británicos en donde participa Syd Barret. La canción comienza con una introducción de piano y bajo mezclada con la disonante guitarra con slide de Barret, la cual da paso a una línea de bajo que inmediatamente trae a la memoria el famoso standard de jazz “My favorite things” en la majestuosa interpretación de John Coltrane. La canción se construye sobre una interesante base rítmica a cargo de Roger Waters y Norman Smith, productor del disco, quien reemplaza en la batería a Nick Mason para este track. La mixtura de los instrumentos se ensamblan de manera perfecta con la interpretación vocal, sencilla pero eficaz de Wright, la cual le da sentido al texto lleno de nostalgia y preguntas existenciales. La canción va creciendo en intensidad y densidad, para finalizar con una sonoridad llena de disonancias y oscuridad. “Remember a day” es sin duda una composición que muestra la genialidad y versatilidad de Richard Wright y a la vez se puede escuchar aun la fuerte influencia sonora de Syd Barret.

Track 03: Set The Controls For The Heart Of The Sun POR ALDO BERNUZZI IN HER EYES (ITALIA)

"Cuando tenía 18 años, tuve una fulguración: escuché The Piper At The Gates Of Dawn. Me enamoré del disco y con el personaje de Syd Barrett de inmediato. Luego decidí comprar el segundo álbum. A Saucerful Of Secrets es sin duda un álbum de transición, un pasaje del loco absurdo de Barrett a la crítica de Water de la sociedad moderna. The Controls For The Heart Of The Sunes el primer intento de hacer lo que Pink Floyd dominaría más tarde: pintando paisajes sonoros inmensos. Es una letanía hipnótica, un mantra susurrado creado sobre el obsesivo riff de bajo y en los tones rituales de Mason. Los teclados de Wright añaden un halo suave y gentil, que nos acompaña en un vuelo sobre paisajes de otro mundo. Todo es tan delicado y delicado. Realmente amo esta canción."

TRACK 04: CORPORAL CLEGG

POR CRISTIÁN CHAVARRI OBJETOS INANIMADOS / PLAGAS FESTIVAL (MENDOZA - ARGENTINA)

“Bélico-cómica canción que juega el papel de cortar tanto con la humedad como con la seriedad astral de las primeras tres canciones de este disco opaco, aportando una ráfaga de frecuencias estridentes principalmente a través del aporte del nuevo guitarrista, David Gilmour. Esta canción podría colocarse perfectamente junto a otras posteriores en un álbum compilado de "traumas heredados de guerra" de su letrista Roger Waters, quien plantea el encuentro con la (tal vez alcohólica) viuda de un muerto en combate apellidado Clegg, haciéndonos cómplices de extractos de diálogos y otras descripciones: como la pata de palo que el héroe de la corona "ganó" en la guerra. El tempo es moderado y oscila entre pasajes binarios y otros liberados (donde la canción se relaja de la tensión). Esta tensión es acompañada, musicalmente, por teclas marcadas y punzones de guitarra eléctrica que te atraviesan el corazón. Luego de cada estribillo aparece una especie de marcha militar festiva con la cual finalmente termina la canción, dejándole paso a las lluvias ácidas, dramones marrones y humedad, que continúan A Saucerful Of Secrets”.

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TRACK 05: A SAUCERFUL OF SECRETS POR NICOLÁS GRANADO MONTAÑA ELÉCTRICA –AYERMANIANA (ARGENTINA)

Saucerful of Secrets una obra pionera en la música tanto progresiva, cómo psicodélica. La particularidad de este track es la división en cuatro partes, la cuales difieren las versiones en distintas épocas. Particularmente me quedo con la versión de Pompeya, una exquisitez que me influenció fuertemente.

TRACK 06: SEE-SAW

POR SEBASTIÁN GENTILE LOS ÁCIDOS (ARGENTINA)

Es muy importante y gratificante poder escribir sobre alguien a quien admiro, y a la vez volcar una apreciación sobre esta canción se torna muy difícil para mí, porque no logro encontrar las palabras desde el corazón para describir la vivencia de la escucha. Más allá de su rol como tecladista en Pink Floyd post 69, fue con See Saw me halle con Wright en lo humano, musical y en alma. Es única canción que existe íntegramente compuesta por él, en donde la letra y la música van juntas en el sentido poético sonoro lírico, ambas se complementan en tiempo haciéndolas una, logrando una preciosa historia narrativa pictórica. Esto es característico en el, dedicándose de lleno a lo instrumental, ya del 69 en adelante, pero teniendo a Waters y Gilmour como compositores en las letras. Desde un primer momento pude vivenciar la canción como un gran abrazo. Me resulta fascinante poder escuchar una obra como esta, en donde los 3 mundos artísticos, la música, lo visual y lo poético narrativo, son una sola cosa. Lo visual, si esta, en la imaginación. Por esto mismo tengo gran admiración por él, como tecladista, porque mas allá de las composiciones propias que tiene (que son pocas, en sí) en esta en particular se resume todo lo que representa para mí como alma musical, el antes y el después. La canción marco un antes y un después en dos etapas de mi vida. La primera vez que la escuche fue por el 2008. En ese momento estaba dándole un descanso a los estudios por la necesidad tener más tiempo para tocar en banda. Quede asombrado con el mundo sonoro que había creado, fue lo primero que me cautivo en sí, ya que me costaba demasiado seguir lo que cantaba porque no se entendía muy bien. Logre conseguir la letra de la canción y a partir de ahí fue cuando quede encantado por él. Me alegro poder escuchar algo con tanto peso humano, mas allá de lo triste que pudiera resultar la letra. En ese momento fue cuando realmente tomo sentido su obra para mí, cuando pude escuchar que la lírica y la música iban para el mismo lado, cuando pude visualizar, desde mi interpretación, lo que él había plasmado en la canción y ser parte. La segunda vez fue unos largos años más tarde, cuando una persona especial, única en mi vida, me compartió la canción. Este momento no me lo voy a olvidar nunca, motivos ligados al corazón mío y de ella. Haciendo referencia temporal, creo que es el único tema de Pink Floyd nexo entre las dos etapas de la banda (Barrett - Post Barrett), tomando y plasmando cambios rítmicos repenti-

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nos propios de las canciones de Syd, sumando los arreglos instrumentales, y texturas timbrísticas de teclados que son características en Wright 69/70’s en adelante. En cuanto a la interpretación de la letra, creo que puede estar abierta hacia varios caminos pero conociendo las canciones de Wright de autoría propia en “Saucerful of Secrets”, la temática recurrente es la nostalgia basada en los momentos de felicidad de la niñez (el sol) y la pérdida de la misma mediante los cambios de las personas en el tiempo (“remember a day “, “See saw”). También creo que tiene sentido mencionar una segunda interpretación que está directamente relacionada con la primera desde una metáfora en sí, haciendo referencia al triste alejamiento de Barrett de la banda. Por otro lado la canción “Paintbox”, primera canción compuesta por Wright que se incluye en el disco “The piper at the gates of dawn” (disco 3), que hace referencia a las relaciones banales entre personas, creando una sensación de vacío en el, puede relacionarse con el alejamiento, la perdida de la niñez (la felicidad) mencionada en “Remember a day” y “See Saw”. Creo que la obra de Wright tiene un gran valor en las dos etapas de Pink Floyd y en la historia musical general. Creo que lo volcado en sus letras es muy importante para enten-

der la visión que tenia sobre la banda hasta el 69, ya que las canciones compuestas íntegramente por él tienen puntos comunes fuertes entre sí que abarcan sus estados en lo personal y en relación a todo lo que lo rodeaba. Creo en él como un artista músico poeta sonoro que podía pintar un gran cuadro escribiendo o tocando y mezclando ambos. Creo que su personalidad se ve reflejada en todo de lo que hizo Pink Floyd, su identidad. El siempre estuvo por eso, ahí, expandiendo, expandiéndose ———Claro oscuro instrumental, alegría rechazo depresión y tristeza en los cantos, día noche, sube baja, abandono del amor fraternal, llegada al amor idílico, -crecer-, nostalgia. ———— Titulo: “See saw” ( sube baja/columpio ) referente al juego para niños: referencia metafórica a los estados animo y el balance de los mismo. La canción tiene 3 versos, en cada uno describe 3 estados y etapas de vida diferentes narrados cronológicamente, haciendo referencia a la relación entre un hermano y su pequeña hermana en la vida. 1- Verso 1

109 “Las caléndulas (flores) están muy enamoradas, pero a él no le importa Recogiendo a su hermana, él hace su camino hacia la tierra del columpio Todo el camino Ella sonríe Ella sube mientras baja, baja “ Referencia e interpretación lírica: La protección de un hermano mayor a su pequeña hermana Ella sube, sonríe. El baja, se deprime “Las caléndulas (flores) están muy enamoradas…” (flores que representan la felicidad y alegría bajo el manto del sol, necesitan estar expuestas al mismo para crecer) frase que resume la canción. 2 - Verso 2 “Se sienta en un palo en el río Risa en su sueño La hermana tira piedras, esperando un golpe Él no sabe entonces Ella sube mientras baja, baja” Referencia e interpretación lírica: El rechazo de ella hacia el “Mientras descansa, ríe en sueño (descanso, reposo) le tira piedras esperando pegarle” ella está cambiando, ella sube y el baja.

3- Verso 3 En otra ocasión Otro día, La forma en que un hermano se va En otra ocasión, Otro día, Ella va a vender flores de plástico un domingo por la tarde Recogiendo malas hierbas, ella no tiene tiempo para preocuparse Todos pueden ver que él no está allí Ella crece para otro hombre, y él está abajo Referencia e interpretación lírica: El hermano ya no está, ella esta desprotegida, ella va a crecer para otro hombre (“Las caléndulas están muy enamoradas…”, ella ya no sube, ella va crecer para otro hombre como las caléndulas enamoradas crecen bajo el sol, ella crece para el amor) - Breve reseña musical compositiva: Musicalmente la obra está ligada a la letra directamente en su totalidad y viceversa. Los estados sonoros en versos y los dos ganchos/ remates 1 (“Ella sube mientras baja, baja”), y 2 (“Ella crece para otro hombre, y él está abajo”) van a la par entre música y letra (ej. > arreglos de piano descendentes”… mientras baja, baja descendiendo, hasta el remate cadencial final del tutti instrumental, que marca el final de los versos, hasta la muerte del estado de ánimo)

TRACK 07: JUGBAND BLUES POR CRISTIÁN MORENO ROBINSON (ARGENTINA)

Te estoy muy agradecido por dejar en claro que no estoy aquí... Final anunciado. Jugband Blues cierra “A Saucerful of Secrets” segundo disco de Pink Floyd. Tristemente no es solo el último tema del disco sino que también es la última participación de Syd Barret, como músico mas no como musa de la banda, dejando o mejor dicho, diluyéndose en el tiempo como artista y fundiéndose en la obra. Jugband Blues, es sin lugar a dudas una balada folk con rasgos progresivos dignos de la época. Como siempre Floyd, junto a los músicos del ejército de salvación pintan un paisaje sonoro, de una canción casi pop que desemboca en un clima de caños, vientos, sinthes y repeticiones de delay psicodélicos pero apagándose de corte abrupto donde un tímido y despojado Syd nos acompaña hacia el final de su obra. Final anunciado.

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[ Entrevista a Daniel Land por Diego Centuriรณn. ]

IMAGINANDO UN OCTUBRE ENCANTADOR

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Originalmente lo que a continuación sigue iba a ser parte de una reseña del EP “Imagining October” de Daniel Land & The New Painters, que cumplió diez años de su lanzamiento, pero dado que hemos estado hablando con Daniel sobre el EP y sus recuerdos, hemos decidido publicar la entrevista y esto es lo que nos contó Daniel.

En Buenos Aires hace varios días que llueve y que está nublado. Estamos en invierno y esto no es raro que suceda, pero recién se acaba de asomar el sol entre nubes oscuras y es un sentimiento similar al comienzo de este EP. Cuando empiezan los primeros acordes de "Off Your Facebook Again" uno siente que sale el sol y puedo sentir la tibieza en mí rostro. Daniel Land es un artista que a mí me produce un enorme placer y una pacificación del ambiente que me rodea, con su música veo todo mí alrededor mucho más brillante. "Imagining October" es la grabación que continúa el camino comenzado por el EP "Voss" del 2007 (pueden leer una entrevista sobre este EP al mismísimo Daniel que le hice el año pasado). Es el paso previo al álbum debut que lanzaría el año siguiente, "Love Song Form The Chemical Generación" (2009). Hola Daniel, gracias por aceptar respoder estas preguntas sobre "Imagining October”. ¿Qué recuerdas de este trabajo? Este fue un momento encantador para nosotros, como banda. Estuve haciendo música con mis compañeros de banda Graeme Meikle y Oisin Scarlett durante cinco o seis años, pero solo nos convertimos en Daniel Land & The Modern Painters un año antes, en 2007, cuando agregamos a nuestro baterista Marcus Mayes y al bajista Andrew Galpin. Imaginar octubre fue lo primero

que grabamos después de convertirnos en una banda completa. Queríamos guardar algunas canciones realmente buenas para nuestro primer álbum, que se lanzaría un año más tarde, en 2009; estábamos interpretando canciones como "Codeine", "Glitterball" y "Benjamin's Room" en este momento, pero no queríamos grabarlas. “Imagining October” fue todo lo nuevo, escrito y grabado entre enero y abril de 2008. La única excepción fue "Off Your Face Again", que junto a Graemela escribimos en 2005. De cualquier forma, muchos de los arreglos de la canción fueron desarrollados por los Modern Painters en nuestros ensayos y shows en vivo. La grabación fue un verdadero acercamiento práctico, y trabajamos con varios amigos para ayudarnos, incluido mi amigo Nick Froud, quien me ayudó con parte de la ingeniería, así como tocando algunas partes de la batería. El EP se grabó en el lugar donde Graeme y yo vivíamos en ese momento: una cabaña de 500 años en el sur de Manchester con mucha luz natural y vistas a la iglesia y al cementerio. El espacio de grabación era, en realidad, mi dormitorio, ¡pero era lo suficientemente grande como para que toda la banda ensayara! Era un lugar increíble para vivir y grabar. ¿Qué piensas cuando piensas que han pasado diez años? Tengo un buen recuerdo de las fechas, así que sabía que se acercaba el décimo aniversario. Y,

sin embargo, no puedo creer que ya haya pasado una década.Me da mucha nostalgia pensar en mi tiempo en Manchester. Pero también me hace sentir muy orgulloso del trabajo que hemos logrado. ¿Qué sensaciones trae este trabajo a la mente? Este EP se grabó cuando las cosas realmente empezaban para nosotros: habíamos empezado a hacer nuestras primeras giras, habíamos apoyado a Ulrich Schnauss y Airielen Manchester, como parte de la gira de Sonic Cathedral, y comenzamos a llamar la atención. También habíamos adquirido otro baterista, Jason Magee, que se unió a nosotros temporalmente cuando Marcus se enfermó, y luego se quedó allí. Durante un tiempo éramos un grupo de seis, con un baterista y un percusionista. Estábamos realmente en llamas en los shows en vivo en ese momento. Para cuando salió este EP, Sonic Cathedral nos pidió que pusiéramos un single de 7 "en su etiqueta, un sencillo mezclado por Ulrich Schnauss y Mark Peters, y estábamos siendo redactados en lugares como The Guardian y NME.

Fue un momento increíble, muchas grabaciones, muchos conciertos, muy productivos y satisfactorios, y no creo que pueda separar esta música del ambiente de esa época. Para ir finalizando esta corta entrevista ¿qué novedades tienes? Mientras tanto, les diré que he lanzado una canción que es el primer sencillo de mi próximo álbum, que saldrá a finales de este año. La canción se llama Skindivers y está disponible desde: https://danielland.bandcamp.com/track/skindivers y también desde iTunes, Amazon, y todos los lugares de descargas digitales habituales. Más allá de la nueva canción sobre el EP puedo decir que las cinco canciones que componen este trabajo tinien de magia cristalina el momento en que lo escuches, cinco canciones que harán reposar tu alma castigada por la rutina de la ciudad, cinco canciones que harán de los más de treinta minutos que te llevarán escuchar estas canciones un momento único y repetible, si vuelves a darle "play" nuevamente.

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[ Entrevista a Neil Burkdoll y Krissy Vanderwoude de Whimsical, por Pablo Müllner. ]

TODAS LAS PIEZAS SE REORDENARON PARA QUE NOS JUNTÁRAMOS OTRA VEZ

Whimsical es una banda con base en Indiana que supo hacerse un nombre el escena indie de finales de los 90. Su primer álbum “Setting Suns Are Semi Circles” (Las puestas de sol son semicírulos”, 2000) es hoy en día un clásico de cultos para los fans del dream pop/shoegaze/ noise rock. Con tristeza, la banda se disolvió un par de años luego cuando tenían su álbum sucesor prácticamente terminado. Como describe poéticamente la página web de su sello editor, Saint Marie Records: “todos se sintieron arrastrados por la desolación y la confusión, como suele suceder en todas las relaciones que se acaban. Pero pasó el tiempo y algunos corazones desean lo que alguna vez fue…” El guitarrista y mente maestra de la banda, Neil Burkdoll y su exquisita cantante Krissy Vanderwoude se reunieron en 2015, para intentar completar el álbum, y entonces el punzantemente vivo “Sleep To Dream” (Dormir para Soñar, 2017) finalmente se materializó, poniéndole fin a un largo silencio. Esta es una historia de esfuerzos y éxito artístico que es tanto inspiradora para cualquier artista novel como para los que disfrutar de escuchar buena música. Y por supuesto, es un nuevo comienzo, y el prospecto de nueva y hermosa música por venir. Por eso: ¡Bienvenidos para siempre, Whimsical!

Hola, Krissy y Neil, que es igual a decir hola a Whimsical en el presente, ¿no es cierto? Están trabajando como un dúo en el presente. ¿Grabaron completamente solos “Sleep To Dream” como dúo con invitados en el estudio? ¿Cómo se siente ser una compañía creativa de dos, luego de haber sido una banda? Krissy: Sí, estamos trabajando en dúo actualmente. En casi todo aspecto, vamos a continuar así, con la excepción de un par de invitados en nuestro próximo disco. Neil y yo trabajamos realmente bien juntos, nunca tenemos miedo de decirnos cuando algo no funciona, cuando necesitamos cambiar algo de una canción. Compartimos ideas, probamos cosas, nos damos una devolución y siempre estamos abiertos a las sugerencias del otro. Al fin y al cabo, ambos queremos lo mismo: hacer una gran canción y hacer lo que sea necesario para eso suceda. Es un proceso colaborativo que funciona muy bien. Y estamos muy honrados y felices de que el resto de los músicos con los que hicimos Sleep To Dream: Brian, Mark y Andy estuvieran dispuestos a tocar en vivo con nosotros y nos quisieran ayudar a completar el sueño. Extrañamos componer con ellos, pero ahora todos viven en un lugar distinto, en otro estado, por lo que es muy difícil lamentablemente juntarnos los cinco a componer música. Neil: Sleep To Dream fue grabado con una ban-

da de cinco personas, ellos son: Mark Milliron, Andy Muntean y Brian Booher. Cuando la banda se disolvió en 2005, todos quedamos como amigos y no hubo mala sangre al respecto. La banda se había quedado sin curso, y yo estaba demasiado involucrado en otros proyectos musicales en ese momento. Cuando encontré el material del segundo disco en un Disco Duro en 2015, enseguida supe que quería terminar el álbum. Krissy y yo terminamos Sleep To Dream solos, y decidimos que íbamos a continuar así. Empezamos a grabar algunas canciones que ahora van a formar parte de Brought To Light (Traído a la Luz) nuestro próximo álbum. Fue recién después de editar Sleep To Dream que nos ofrecieron un show de presentación y de reunión, y dijimos que solo lo haríamos si los cinco miembros originales estuvieran de acuerdo. Los cinco andábamos en diferentes rincones de América, ¡pero lo hicimos posible! Siento haber tardado en entregar mis preguntas, pero necesitaba escuchar bien su música, quiero decirles que se apoderaron de mis oídos muy naturalmente. ¡Leyendo sobre la banda encontré además algunas coincidencias que me inspiraron! Pero en primer lugar los felicito el disco suena victorioso, como un corcel galopante. ¡Es difícil de creer que tenga

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una historia tan compleja detrás! Krissy: Bueno, gracias por haber prestado atención a todas nuestras canciones y llegar a entender lo que hacemos antes de preguntar. Me pone contenta que te haya gustado! Sobre las dificultades para editarlo y la historia de la grabación voy a dejarlo hablar a Neil que fue el verdadero motor para todo esto. Neil: Como decía, un día encontré el viejo Hard Drive en una caja en el garaje de casa, hacia 10 años que no lo veía. Le tuve que pedir a un programador que me ayude a reconvertir los archivos a mi nueva computadora. Una vez que tuve cargado todo en mi Pro Tools, estuve feliz de darme cuenta que el 90% del álbum estaba listo. Esas canciones habían sido escritas entre 2000-2004, es lindo que la gente las oiga y escuche algo fres-

co, Nuevo. Esta versión del álbum es mucho mejor que la de 2005. Pude meterme en cada canción y editar/cambiar algunas partes y dejarlas lo más perfectas posibles. En 2005 no tenía esa capacidad técnica y la aprendí después de ver muchos tutoriales por youtube. Yo creo que Whimsical tiene nuestro sonido personal y que cada álbum será bastante diferente, pero retendrá ese aspecto melódico y de formato “canción pop” que nos ha hecho un nombre, creo. La historia esa me parece muy inspiradora en lo personal: tengo una novela que lleva unos años escribiéndose y estoy esperando publicar. Pero al margen… Tengo cierto conocimiento del “dream pop” y el “shoegazing” y entre todo lo que ya conocía Whimsical me

parece una banda con una actitud distinta, como la chica nueva que es muy fuerte y se hace rápido su lugar en la escena. ¿Creen que las circunstancias los hicieron más duros? Krissy: Desde el primer momento para nosotros estuvo claro que no queríamos componer canciones como un molde para armar galletitas. Nunca quisimos sonar como otra banda, o seguir la típica formula del dream pop o el shoegazing. Nos atraía una larga variedad de diferentes influencias. Y creo que así pasa: la gente no puede pensar en una banda que se nos parezca mucho. Estoy encantada de saber que estamos haciendo algo original. En algún aspecto me parece que no somos suficientemente “shoegazer” para el gusto de algunos, pero el resto adora que hagamos algo distinto y propio. Estamos probando nuevas direcciones para nuestro próximo álbum y nos excita mucho ver cuán diferentes las canciones van a ser. Siempre tendremos un sello “Whimsical” sin embargo, algo que nos haga identificables y dueños de nuestro propio sonido. Neil: Soy la minoría cuando digo que para mí el “Shoegazer” es otra cosa que lo que piensan otros Shoegazers. Puedo discutir todo el día sobre eso, pero todo lo que tratamos es de hacer música de ensueño y que sea atrapante. Siempre digo que tenemos más en común con The Cure que con My Bloody Valentine. Y estoy orgulloso de eso. Hay demasiadas bandas tratando de emular a MBV y ese no era el caso durante el boom shoegazer. Compongo el 90% del material en guitarra acústica y luego las paso a guitarra eléctrica y le agrego efectos. Pero nunca somos súper heavy en efectos para darle vida a una canción. Creo que las nuevas canciones serán muy distintas porque ya no tengo que preocuparme por cómo va a sonar en una banda de cinco piezas. Siento más libertad de hacer las cosas como están impuestas. Algunos fans del género nos consideran demasiado “limpios” y eso está bien. Lo hacemos para disfrutarlo a nuestro modo y eso es lo importante al final del día. Necesitaba recuperar la idea de que “Whimsical” es un adjetivo (Caprichos@) que te hace pensar en una niña o un niño. Me parece

que está muy bien cuando un artista se conecta y también abiertamente declara que está en contacto con su lado infantil, caprichoso. Y mejor si tiene es estilo de niño o niña arrogante. ¿Pensaron en todo eso cuando eligieron el nombre? Krissy: Para serte honesta nunca fui muy fan del nombre, pero tampoco tuve vergüenza de hacérselo saber a Neil año tras años. Jaja Él tuvo la idea del nombre así que ese capítulo de la historia se lo dejo a Neil… Neil: Jaja, así es, Krissy odia el nombre y me lo dijo muchas veces. A mí se me ocurrió en 1995, después de que se acabara mi anterior banda, Mystified Thinking. Esa banda era muy dark, tenía canciones muy largas, y yo quería empezar de vuelta. Quería hacer música onírica, pero quería canciones más cortas, con algo más positivo no tan bajón. Whimsical, Caprichos@, resumía esas ganas. Seguro no le pondría ese nombre hoy a mi banda pero también creo que lo hecho, hecho está. Creo que enseguida que lo elegí me di cuenta de que el nombre da risa. Oh, bueno, ¡es un nombre que siempre será exclusivo para nosotros y nuestra banda! Estuvieron tocando en vivo el álbum desde que salió, ¿tienen una banda fija? Krissy: Tocar juntos todos otra vez nos parecía imposible. Pero sucedió gracias a April Zimont, que es la genia que organiza el Kalam Shoegazer, esta genia nos dijo si nos interesaba tocar… en su legendario festival de bandas de la escena. Yo le tiré: “¡Dale, me encantaría… encontrar la forma de hacerlo posible!” Y ahí Neil se volvió loco y ¡empezó a llamar al resto! Y para nuestra sorpresa: ¡todos se subieron a bordo! Y tocamos juntos por primera vez en 13 años. Este increíble show fue el 4 de Noviembre de 2017. Todos se vinieron de un estado diferente y tuvimos una sola noche de ensayo. Quedamos con una sonrisa enorme después de ensayar la primera canción. Era como si nunca hubiésemos colgado, estuve tan orgullosa de los muchachos. Me sentí tremendamente agradecida de tener la oportunidad de armar esto todos juntos. Estábamos convenidos de que podíamos hacerlo, y así fue:

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lo hicimos. Al margen de un problemita de sonido nuestro set no pudo hacer salido mejor. Mucho mucho feedback positivo al final del show, yo estaba tan emocionada e inspirada, me sentía levitar a través de toda la situación. No hemos tocado juntos desde entonces, pero tenemos fecha para un show en Chicago, ¡gracias al amigo y compañero shoegazer Cory Osborne! ¡No nos aguantamos hasta dar todos los detalles oficiales! Neil: Estamos en una situación rara, en el estudio somos solo Krissy y yo, pero tenemos una banda en vivo de cinco personas, que son la gente con la que empezamos a grabar Sleep to Dream. Rara vez se nos presenta tocar juntos, y la verdad no es un gran problema, pero es medio rara la situación. Nos seguimos considerando amigos, e incluso antes de empezar con la banda éramos amigos. No creo que vaya a ser un gran problema al tocar todos juntos una vez más. Cuando eso sucede nos reímos porque nos volvemos a sentir adolescentes. Nos gustaría tocar al menos un show por año juntos, como para te-

ner la excusa de juntar los cinco y pasarla bien como cuando éramos chicos. No soy músico, pero me dicen seguido que tengo un buen oído…Escuché un trabajo complejo, detallista de guitarra, para mí siempre eso que hacen los guitarristas en el estudio es tan familiar como meterse en un Laboratorio Espacial, se que se ponen muy perfeccionistas. Pero escuché melodías muy hermosas como Glow, que brilla de verdad, o Part of Me, por nombrar algo. ¿Cómo sucede una canción? Krissy: Esta respuesta se la dejo a Neil, que está a cargo. Neil: Bueno escribí el primer disco yo solo, el Segundo 60% yo, y el otro 40% lo escribió Mark. Creo que solo queríamos que las canciones tuvieran un gancho, algunas nos salieron mejor que otras, pero creo ya que teníamos un estilo. No queríamos hacer algo aburrido y básico tan solo para que Krissy cantara encima, siempre nos

gustó que las guitarras ofrecieran mucho, quiero decir que siempre pensamos en que la música tuviera su propio gancho, que se sostuviera sin una voz. Estoy todo el tiempo tratando de escribir un buen gancho o una buena melodía. Por otro lado la voz de Krissy me sorprendió mucho, en concreto porque me sonó “sin esfuerzo”, cero manierismos, muy cool de verdad… ¿Te parece que eso fue así desde el primer momento o encontrar tu propia voz fue algo que lo trabajaste “en el camino”? Krissy: Por lo que puedo acordarme amé cantar desde siempre, pero nunca me creí que debía tener un estilo o un forma de cantar predeterminada. Hice lo que me salió más espontáneo. No tengo una verdadera técnica para cantar, e incluso algunas terminologías musicales siguen siendo otro idioma para mí. Jaja. No tengo otra formación que algunas lecciones de canto que tomé antes del Kalama shoegazer, para ayudarme a entonar y hacer una performance mientras tocábamos. Amo la música, amo cantar. No estoy siquiera segura de que me salga muy natural, pero

si siento que es muy natural el proceso de escribir una letra, una melodía, una harmonía vocal. Me ha dicho mucha gente que instantáneamente reconocen cuando es mi voz la que canta, eso está bueno, pero creo fui desarrollando mi estilo o mi sonido con el tiempo. Neil: La primera vez que la escuche cantar a Krissy fue para cantar Skyward at Twilight para mi banda, Mystified Thinking. Era principio de 1995, estábamos todavía en la secundaria. Mi banda se había terminado y yo quería empezar una nueva, con canciones más cortas y pop y se lo dije a Krissy antes que nadie. Creo que antes había escrito buenas canciones, pero no fue hasta que Krissy empezó a cantar que me di cuenta que estaban buenas, pero que sin su voz no eran lo mismo. Ella siempre me sorprende, con sus letras, con la forma en que suma harmonías, nadie lo había hecho así antes. Yo no hubiera podido, no puedo cantar nada. A veces creo que los guitarristas y las cantantes tienen su “místicas” personales, y éticas de laburo muy diferentes, pero que al fi-

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nal del día es siempre un milagro sostener esa complicidad. ¿Entonces como se manifestará esto en lo próximo, van a tocar en vivo? Krissy: Creo que lo que más ayudo en ese sentido es que Neil y yo somos los mejores amigos desde hace más de 20 años. Antes que nada, tenemos una increíble amistad, respeto por el otro y un lazo irrompible. No hay rápidos entre nosotros, pero estamos suficientemente cómodos como para que no haya problemas de decir lo que pensamos cuando hay algo que no nos gusta. Nos damos una crítica constructiva y nos sugerimos cambios en lo que el otro escribió, sin

ofendernos, y eso está genial cuando estamos escribiendo juntos una canción. Estamos escribiendo y grabando nuestro próximo disco, que lo va a salir a través de Saint Marie Records. Empecé a grabar las voces de la 5° canción esta semana y tengo varias otras en proceso. Y en cuanto a tocar en vivo, ¡tenemos un show agendado para Septiembre en Chicago! Neil: Tengo alrededor de 13 canciones escritas y con suerte 10 u 11 estarán en el disco. Es bastante distinto, pero sigue siendo Whimsical. No escribí una sola canción para la banda, por casi 11 años, por eso obviamente el estilo dife-

rente, pero siempre algo hay de la misma esencia. En realidad nuestros dos discos ya editados son bastante diferentes entre sí, así que creo que continuamos evolucionando mientras vamos caminando. No quiero terminar la nota sin comentar que me encantan los covers y auto covers que grabaron y subieron a su cuenta de bandcamp, en especial “Kiss Them For Me” de Siouxsie, amo esa canción desde mi infancia. Siempre pensé que era lo más psicodélico que podía ser un tema pop. Creo que hicieron un trabajo excelente, haciéndolo en su estilo, con mucha guitarra, pero manteniendo esa onda “oriental”, tipo mantra. Y el de Nirvana, “On A Plane”, ¡genial! ¡Creo que hicieron unos cuantos covers pero espero que saquen otros pronto! Krissy: ¡Muchas Gracias! Nos divertimos mucho haciendo esos covers y los seguiremos haciendo. No hicimos tantos últimamente porque estamos concentrados con los temas del disco Nuevo. Pero seguramente vayas a escuchar otros en el futuro. Tenemos una versión de “Crash” de The Primitives que vamos a sacar pronto, que será uno de los temas del Compilado C86 de la legendaria Estella Rosa (del sello fade away ra-

diate). Neil: Disfrutamos mucho haciendo covers, pero empezamos hace poco con eso, antes no hacíamos canciones ajenas. Empezamos a hacerlas para promocionar la salida Sleep to Dream, aunque nos dio un poco de miedo de que terminemos siendo más conocidos por los covers. Pero ahora que el segundo disco ya salió no nos molesta seguir sacando temas de otros artistas. Setting suns are semicircles (2000), es como una vida anterior, ¿no? Y así y todo les sirvió para mantener una reputación por años. Ahora muchos lo consideran un disco de culto, ¿no? ¿Qué recuerdan de esa época? Krissy: Bueno, grabar ese disco con Neil es mi mejor recuerdo de toda la vida. Me río cada vez que me acuerdo de eso, fue un tiempo hermoso, lleno de risa e inspiración musical. Tener la posibilidad de grabar música con tus mejores amigos es un tesoro y algo que nunca podés dejar pasar. Neil: No recuerdo haber oído que alguien dijera que era un clásico, pero te lo agradezco. Si soy honesto, yo nunca me quedé conforme con el disco del todo, suena distinto a lo que yo esperaba, a cómo sonaba en mi cabeza. Si tuviera tiempo lo reescribiría. Creo que por eso re grabamos

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dos temas: Beautiful Virtue (Bella Virtud) y Never Come Down (Nunca Bajar). En esa época nos divertíamos pero también trabajábamos mucho. Estuvimos ensayando todas las semanas, y tocábamos cada 4 o 6 semanas en Chicago, durante cuatro años seguidos. Setting Suns lo escribí yo solo, 4 años antes de armar la banda. Con Krissy tratamos de comenzar la banda mucho antes, pero nunca la podíamos sacar hasta que lo logramos, el verano de 1999. En Chicago siempre nos dieron apoyo, pero era un tiempo distinto, en 1999 ya no había una escena Shoegaze o Dream Pop, por eso estoy muy contento ahora, mucho más que antes, ¡pero extraño tocar en vivo!

Se me ocurre más de una banda que termina siendo más fuerte en su segunda encarnación, más potente más decidida. ¡Entonces podrían decir que son una nueva banda, en qué forma? Krissy: Seguro que sí. Nos sentimos en el lugar y en el momento indicado. Estaba predestinado a ser, todas las piezas se armar para hacerlo posible. Pudimos logras todas estas cosas que antes nos parecían imposibles. Eso me terminó de convencer que los sueños realmente se pueden hacer realidad. Si hubiésemos terminado Sleep To Dream en 2005 nunca hubiese sido el álbum que

quisiéramos en 2017. Las canciones ya estaban pero hubiera sido otra cosa. Está buenísimo volver a esas canciones después de tantos años y verlas desde una nueva perspectiva. Me dio otra apreciación de nuestro trabajo y me hizo querer seguir escribiendo con Neil. Tanto paso, y el nuevo material que hicimos juntos me hizo sentir segura de que estaba donde tenía que estar. Este es el momento y estamos excitados de saber que hay futuro para Whimsical. Neil: Sí, somos felices de estar en este momento y lugar. Sleep To Dream estuvo olvidado por doce años, es gracioso, pero todo pasa por una

razón. Somos más viejos y apreciamos a Whimsical más que antes, justo antes de separarnos. ¡Ya no sentimos que haga falta “lograrlo!” o estar de gura todo el año a esta altura. Cado uno está casado, con hijos, y la vida es otra que la de 1999. Somos felices creando y sacando el material en este momento, solo eso. ¡Gracias, Whimsical, ha sido un placer! Krissy: Muchas Gracias por pedirnos hacer este reportaje. ¡Fue un honor! Neil: ¡Gracias por el reportaje y por apoyar a Whimsical!

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[ Entrevista a Not Yet por Benjamín York. ]

SIEMPRE CONFIAMOS EN NUESTRA MÚSICA

127 Formados en 2011 por Kevin Feito (Guitarra y Voz), Federico Feito (Guitarra), Pedro Castagnola (Batería) y Manuel González Triguero (Bajo), cuentan con un EP homónimo lanzado en Mayo de 2016. El cual se compone de cinco canciones que representan el primer período de composición de la banda, producidas por ellos mismos, con un sonido crudo y letras en inglés. En mayo de este año lanzan su álbum debut "Jaspe”. Y nos tomamos un tiempo para conocerlos y, de paso presentarlos en la revista.

Si bien el nombre de la banda viene justamente de una falta de nombre y en respuesta a la continua pregunta sobre la manera en que llaman al proyecto. ¿Qué es lo que "No, todavía" han conseguido? Creemos que en estos años con la banda conseguimos muchas cosas, pero siempre nos fijamos nuevos objetivos y cada vez más grandes, en este momento estamos enfocados en llegar a la mayor cantidad de gente con nuestro nuevo disco “Jaspe”, y esa es una de las principales metas, darnos a conocer y con esto conseguirque más gente venga a los shows, mejores fechas y nuevas bandas amigas que nos acompañen en el camino. Para nosotros lo más importante es seguir creciendo y mejorando, confiamos en el trabajo diario y sabemos que de esta forma vamos a poder alcanzar todo lo que nos propongamos. Se lo han preguntado varias veces pero en esta actualidad de la banda ¿cómo definen el sonido de la banda para aquellos que aún no los conocen? Nuestro sonido podría definirse como rock de guitarras con una voz muy expresiva por delante y una base sólida atrás. Es directo y poderoso pero al mismo tiemponos gusta la creación de ambientes y atmósferas, todo esto logra una combinación que quedo bastante bien reflejada en el nuevo álbum,en vivo la experiencia es todavía más intensa.Nos proponemos llegar con cada tema a distintos lugares para hacer del viaje completo algo memorable. ¿Qué cambió en la manera de componer desde el EP debut a Jaspe? Además del idio-

ma... La forma de composición se mantuvo bastante parecida, seguimos usando la misma dinámica a la hora de desarrollar los temas. Pero también es cierto que muchas cosas cambiaron en el proceso, el pasar al español fue un factor fundamental que nos ayudó a forjar una identidad sonora mucho más propia. Otro cambio que impactó fue la incorporación de Manu en la banda que trajo nuevas ideas. Sin dudas la experiencia en estudio de la grabación del EP influyó, tal vez no tanto en la forma de trabajar, como en la manera de pensar en los temas, intentando ser más claros y definidos, tomando la composición como un paso anterior a la grabación. Por último, el hecho de seguir mejorando como músicos, no solo desde lo técnico, sino principalmente desde lo expresivo nos ayuda a la hora de pensar los arreglos y conseguir composiciones que se acerquen cada vez más a lo que estamos buscando. He leído que ustedes fueron agregando influencias al mismo tiempo que comenzaron con la banda. ¿Actualmente que es lo que están escuchando que califique como influencia? Podríamos nombrar algunas bandas pero creemos que lo mejor es que la música hable por nosotros. Antes de la salida de Jaspe armamos una playlist con las principales influencias que tuvimos los cuatro a la hora de componer el disco. Creemos que es un buen momento para mostrarla, así que invitamos a todos los que estén leyendo esta nota a buscarla en nuestro perfil de Spotify. Aparece como NotYet: Influencias.

¿Cómo es ser independiente en esta Argentina y en estos tiempos? Creemos que es un gran momento para ser independiente no solo en Argentina sino a nivel global, vemos artistas de diferentes géneros, producciones y eventos desarrollarse y crecer desde la independencia y nos parece que eso está buenísimo. Pensamos que la escena local se encuentra en un gran momento, con un montón de bandas moviéndose y tratando de hacerla cada vez más grande y un público que cada vez le está prestando más atención a la movida emergente. El avance y el profesionalismo en cada una de

las áreas relacionadas es un factor fundamental ya que creemos que el entregar un material de calidad es una de las claves para el éxito de los proyectos. Por otro lado, también es una realidad que es muy difícil para las bandas nuevas lograr visibilidad entre tantas propuestas y así poder llegar a un primer público por fuera de su círculo, este es uno de los principales desafíos a superar en el plano independiente, en ese sentido estaría bueno que se le dé una mayor oportunidad a lo nuevo en el terreno de las producciones y festivales para poder mostrarse y así ir achicando este bache.

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Me gustaría que realicen un track by track del nuevo álbum. “Bronce” Es el tema que abre el disco, y es también una buena representación del sonido de la banda en este momento. Tiene una energía muy especial que se refuerza cuando la tocamos en vivo, logrando transportarnos a un lugar que no sabemos muy bien cómo definir pero que nos gusta mucho. “Jaspe” Es el corte del disco y muestra el costado más directo de la banda, podemos definirlo como un tema rápido y explosivo. Pueden ver la sesión en vivo en Estudios Panda que grabamos a fines del año pasado y comprobarlo por ustedes mismos. “Caracol” La idea de este tema es crear una atmósfera y envolverte adentro de una espiral de la cual no puedas salir, la explosión de los estribillos sirve para tomar un poco de aire y liberar esa energía contenida que tarde o temprano todos tenemos que sacar.

“El Gato” Es un tema que queremos mucho, el primero que escribimos en español y el que ayudó a la transición y a ver que podíamos cambiar las cosas. También fue el primer tema que trabajamos con Martin Eduardo, el productor de Jaspe. Material que sacamos con vídeo incluido, pueden verlo en nuestro canal de YouTube. “Ido” Ido es el tema más viejo del disco, viene de nuestras primeras composiciones y nació de una zapada en la sala, tiene su versión en inglés en el Ep “Gone”, desde ese momento pasó por cambios que la llevaron a lo que es hoy. También es un tema climático que propone un viaje que saben disfrutar aquellos que se dejan llevar. “Caen” Fue el último tema que escribimos. Es la relación de nuestro camino en el ambiente y nos pareció un gran cierre para el disco.

Si bien pasó muy poco desde la salida del "Jaspe" ¿Qué respuestas han obtenido del álbum? Sinceramente, la respuesta que está teniendo el álbum está superando nuestras expectativas previas. Siempre confiamos en nuestra música, pero esta vez todo empezó muy bien, el mismo día del lanzamiento nos enteramos que Jaspe había entrado en la lista Novedades Viernes Sudamérica de Spotify y esto fue un gran impulso para nosotros, después de eso también entró en la lista Rockeando que es una playlist que se encarga de rotar artistas nuevos, y nos parece muy copada esa movida. Además, nos empezaron a llegar mensajes en las redes de gente de Mar del Plata, Córdoba, Rosario, Mendoza, Chaco, y hasta de Chile y México. Es algo nuevo para nosotros y realmente nos emociona recibir mensajes y tener contacto con gente que le gusta nuestra música en diferentes lugares, es alentador y nos motiva a seguir trabajando cada vez más duro en la banda. Si bien el recorrido de Jaspe es corto, pensamos que nos va a abrir nuevas puertas y hacer llegar a nuevos lugares pronto. Hoy la tecnología ha cambiado el rumbo y las formas en la industria musical. Colaboraciones entre artistas de diferentes lugares del mundo, la despolarización del mercado y las posibilidades técnicas de llegar a otros países, etc... ¿Cómo se maneja Not Yet en este cyber mundo tan cambiante? Sabemos que las redes sociales y el mundo digital son importantes, la gente pasa mucho tiempo mirando Facebook o Instagram y escucha música fundamentalmente por YouTube o Spotify, por eso tratamos de estar atentos a los cambios y las nuevas tendencias que van apareciendo, tener presencia activa en las redes, ya que las vemos como un canal de comunicación con nuestro público y difusión de nuestras actividades. Por otro lado, las playlists son cada vez más im-

portantes, ya que vendrían a funcionar como una especie de nuevas radios donde la gente descubre música, por lo que lograr meter temas en diferentes listas es algo fundamental a la hora de dar a conocer nuevo material. En cuanto a las colaboraciones con otros artistas, todavía no realizamos ninguna, pero tuvimos una charla con un productor mexicano que escuchó el disco, le gustó y nos ofreció hacer una colaboración, así que capaz salgo algo por ahí. Somos conscientes del poder y la llegada de las redes, y nos parece un punto a favor, el hecho de llegar a otras provincias o países con nuestra música en tan poco tiempo es genial, y nos parece muy copado que se den cosas así, poder conectarte con quien quieras, crea puentes y abre posibilidades que antes no hubieran sido posibles. ¿Qué planes tienen para la segunda mitad de este 2018? Ahora estamos enfocando todas las energías en la presentación oficial de Jaspe el 18 de Agosto en Lucille, va a ser la fecha más ambiciosa de NotYet hasta el momento y nos estamos preparando con todo para dar un show integral que va a ser inolvidable para nosotros. Después de eso, el plan es tocar lo más posible para dar a conocer el disco, tanto en capital como en el interior del país, nuestra idea es conseguir entrar en festivales o fechas con bandas afines para lograr una movida más copada, creemos que unir bandas e ir armando una comunidad es clave para crecer. ¿Hay algo que quieran agregar que no he preguntado? En primer lugar muchas gracias a vos Benjamín y a la revista por darnos el espacio para mostrar lo que hacemos y algunas de las cosas que pensamos. Por último, invitamos a todos a escuchar Jaspe! ¡Muchas Gracias chicos!

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ "VIAJE A IXTLÁN" de Carlos Castaneda por Pablo Ravale ]

PARA APRENDER A PARAR EL MUNDO

Este es el tercer libro de la serie de las “enseñanzas de don Juan” y, según muchos de sus lectores, el mejor de la saga. Fue escrito por el Carlos Castaneda para presentar su tesis doctoral en la Universidad de California, y con él obtuvo el doctorado, al mismo tiempo que un enorme reconocimiento popular tras su publicación, en 1973. Este éxito catapultó sus anteriores obras (Las enseñanzas de don Juan [de 1968] y Una realidad aparte [de 1971]), así como las que estaban por venir (Relatos de poder [de 1975], El segundo anillo de poder [de de 1977], El don del águila [de 1981], El fuego interior [de 1984], El conocimiento silencioso [de 1987], El arte de ensoñar [de 1993], El lado activo del infinito [de 1997] y Pases mágicos [de 1998]) a una popularidad sin precedentes, de tal forma que los libros de Castaneda podrían considerarse como uno de los iconos culturales del siglo XX. Emplazados en el plano de la realidad mágica –entre las enseñanzas y la alegoría–, y haciendo gala de una enorme habilidad para la narración, los libros de esta serie han cautivado a toda una generación de personas que buscaban un camino espiritual y que quedaron fascinadas por el acopio de sagaces conversaciones que brotaban del encuentro entre un joven antropólogo deseoso de conocer las plantas visionarias, y un enigmático indio yaqui, chamán, fuente de todos los desvelos de Castaneda. Es por el ánimo de formar parte de una tesis doctoral que Viaje a Ixtlán retoma el encuentro entre el autor y don Juan Matus desde su inicio, pero con la suficiente habilidad como para contar nuevas historias y ver lo sucedido desde un ángulo distinto, hecho que convierte el libro en perfectamente válido para las personas que conozcan las anteriores entregas de la serie. Esto, unido a la amenidad de los relatos y la excepcional capacidad del autor para describir situaciones y adentrar-

se en estados de ánimo propios y ajenos, convierten este libro en uno de los relatos más atractivos de la literatura esotérica y popular de los últimos tiempos. De hecho, una de las características de esta saga de libros es la facilidad con la que el lector se identifica con el personaje encarnado por el autor, participando de las enseñanzas y contrastando sus estados de ánimo con lo que va aconteciendo en los libros. En relación a las plantas psicotrópicas –como peyote o datura–, Castaneda inicia en este libro un suave distanciamiento, reconociendo en la introducción que don Juan le había contado que los alucinógenos eran sólo uno de los posibles caminos para adentrarse en el arte de percibir la realidad desde un ángulo distinto al habitual. Así, las enseñanzas expuestas en este volumen cuentan con menos relatos de viajes lisérgicos, y toman un sendero mucho más poético y espiritual, con la narración de un diálogo más completo entre alumno y maestro. En estas conversaciones, nos enfrentamos al camino y a la mística del guerrero («Un guerrero no es más que un hombre. Un hombre humilde. No puede cambiar los designios de su muerte. Pero su espíritu impecable, que ha juntado poder tras penalidades enormes, puede ciertamente detener a su muerte un momento, un momento lo bastante largo para permitirle regocijarse por última vez en el recuerdo de su poder»), a la estrategia del cazador («Un cazador digno de serlo no tiene rutinas. No es de ningún modo como los animales que persigue, fijos en rutinas pesadas y en caprichos previsibles. Es libre, fluido, imprevisible. Un cazador no sólo debe conocer los hábitos de su presa (…) Debe vivir como cazador para sacar lo máximo de su vida»), a la premisa de volvernos inaccesibles («Ser inaccesible significa tocar lo menos posible el mundo que te rodea. No comes cinco perdices; comes una. No dañas las plantas sólo por

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hacer una fosa para barbacoa. No te expones al poder del viento a menos que sea obligatorio. No usas ni exprimes a la gente hasta dejarla en nada, y menos a la gente que amas. Ponerse fuera del alcance significa que evitas, a propósito, agotarte a ti mismo y a los otros»), a perder la importancia («Te das demasiada importancia. ¡Eso hay que cambiarlo! Te sientes de lo más importante, y eso te da pretexto para molestarte con todo. Eres tan importante que puedes marcharte así nomás si las cosas no salen a tu modo. Sin duda piensas que con eso demuestras tener carácter. ¡Eres débil y arrogante!»). El cenit de estas enseñanzas es el arte de “parar el mundo” («Don Juan declaraba que para llegar a “ver” primero era necesario “parar el mundo”. La frase “parar el mundo” era en realidad una buena expresión de ciertos estados de conciencia en los cuales la realidad de la vida cotidiana se altera porque el fluir de la interpretación, que por lo común corre ininterrumpido, ha sido detenido por un conjunto de circunstancias ajenas a dicho fluir. En mi caso, el conjunto de circunstancias ajeno a mi fluir normal de interpretaciones fue la descripción que la brujería hace del mundo. El requisito previo que don Juan ponía para “parar el

mundo” era que uno debía estar convencido; en otras palabras, había que aprender la nueva descripción en un sentido total, con el propósito de enfrentarla con la vieja y en tal forma romper la certeza dogmática, compartida por todos nosotros, de que la validez de nuestras percepciones, o nuestra realidad del mundo, se encuentra más allá de toda duda»), que le conduce nuestro autor a Ixtlán: un aprendizaje para concebir el acontecer como una emanación de espíritu y no como un juego de la materia, que es como nuestra mente representa al mundo. Leyendo Viaje a Ixtlán cualquiera puede no diferir si se trata de un libro de ficción, un diario de sueños o un thriller místico. De todos modos, podemos intuir que lo que tenemos en nuestras manos es una obra maestra literaria y nunca dudar de su valor estético. Más allá de todo, es claro que Castaneda logró crear su propio sistema de conceptos singulares, al que uno no puede sino admirar, un sistema que cambia la percepción humana de la realidad y que deja al lector pasmado por el entrelazamiento de sus verdades y alucinaciones, mistificaciones y experiencias.

FRANCO DOGLIOLI

COTIDIE Desde el ave Negra Me miro Al despertar Cuerpo Cual nido Sin clamor En soledad Cada sol Mismo hilo En sus alas Caducidad Pero cede A su trena Y en graznido A imperar

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

EL HECHIZO DE LO ALEGRE por Pablo Ravale

Uno de los mayores inconvenientes de la consciencia –es decir, de la consciencia considerada como la madre de todos los horrores– es que exacerba los sufrimientos necesarios y que crea otros innecesarios, como el miedo a la muerte. Quienes no tienen el valor como para quitarse la vida y sufren insoportablemente, aprenden a esconder sus aflicciones porque el mundo no se rige por el tiempo del dolor sino por el tiempo de la felicidad. Y esa felicidad, a su vez, se siente tan cierta como lo es esta máscara para tapar el negro abatimiento. Todo esclavo sabe mostrarse alegre y sumiso en presencia de su amo. Y aquellos que se sientan tras los escritorios de los edificios desde donde se dirige el destino del planeta saben que es preciso arrojar oleadas de cháchara feliz sobre la gente corriente que necesita escuchar todo el tiempo que las cosas van bien o que, si no van bien, pronto lo irán. Si la ambición es manejar a nuestros semejantes así como nos maniobramos con la mentira entre medio de todos ellos, la clave está en hacer gala de un agradable optimismo. El optimismo en ocasiones se revela como algo nocivo y hace incluso que quienes prefieren habitualmente vivir bajo el hechizo de lo alegre, experimenten arcadas de asco al com-

probar la perversidad con la que los comandos de la máquina del mundo se vienen manejando. Perversidad, como se sabe, se trata tan sólo de un término moral para quienes se preocupan por esas minucias. No obstante, quienes no nos centramos en los temas de conceptualización, comprendemos que a veces hay situaciones que nos obligan a ladrar recriminaciones de índole filosófico cuando el rostro horriblemente bufonesco del optimismo ilumina el cielo para hacer resplandecer aún más los cuerpos y las mentes de los que estamos siendo mutilados aquí abajo. Optimistamente perversa o no, la mayoría de la gente no puede permitirse preocuparse, o preocuparse demasiado, de si el mundo en el que viven es el mejor o el peor de los mundos posibles. Sólo pueden preocuparse de la única cosa de la que, si uno tiene que pensar que estar vivo está bien, merece la pena preocuparse: de sentirse bien. Si te preguntaran qué estás haciendo, podrías contestar «Me estoy preparando un sándwich» o «Me estoy clavando una paja», pero lo que siempre vas a estar diciendo es «Estoy intentando sentirme lo mejor que pueda». Según ciertas ramas de la psicología evolutiva, las emociones y sensaciones

placenteras surgieron a raíz de un mecanismo adaptativo (decía Schopenhauer que sólo el dolor es real mientras que el placer es una ilusión). Por citar un ejemplo, en épocas pasadas la descarga culminante de la tensión del deseo sexual era únicamente un catalizador para la supervivencia generativa de nuestra especie, empero, éstos eran dos fenómenos (la pulsión sexual y la voluntad de supervivencia, quiero decir) que todavía no se conocían. Tras el advenimiento del lenguaje, todo el mundo empezó a hablar y a vanagloriarse de cómo fornicaba mientras que otros pocos celebraban el impulso biológico que propiciaba los embarazos, y lo hacían de la misma manera en que una persona puede alabar lo rica que es una comida pero no al hambre que la vuelve tan placentera. Ahora bien, la analogía entre estos dos hechos y otros que también son inducidos por alguna clase puntual de apetito (véanse drogadicción, alcoholismo, ludopatía) pareciera volverse clara: el liberarse de un deseo es ciertamente un placer. Sin embargo, si el placer humano no tu-

viera un tope como lo es el límite temporal, no nos esforzaríamos por hacer las cosas que no son placenteras, y entonces no sobreviviríamos. Del mismo modo, si nuestra mente colectiva llegara alguna vez a sentirse descontenta con los placeres restringidos que reparte la Naturaleza, así como también contrariada por la falta de restricciones al dolor, podríamos suprimir los mandatos de supervivencia de nuestras vidas por una indignación implacablemente acerba y, en efecto, dejar de reproducirnos. De todas formas, como seres desmesuradamente evolucionados que somos podemos inferir que nunca será así. La creencia en la posibilidad de placeres duraderos y exaltados es un fraude engañoso pero con un fin adaptativo. Conclusión: todo da cuenta que la Naturaleza no nos hizo para que nos sintamos demasiado bien durante demasiado tiempo –lo que no sería bueno para la supervivencia de la especie– sino sólo para que nos sintamos suficientemente bien durante el tiempo conveniente y así impedir que nos quejemos de no sentirnos bien todo el maldito tiempo.

Desaparición de los Oráculos El último libro de Pablo Ravale

Puedes pedirlo por email a: p.ravale@yahoo.com

TROPICA OBSCURA

[ Por Alejandro Cenizacromada. Fotografías: Violeta Nicole y Daniel Sierra ]

ABDUCCIÓN EN EL ASILO Drab Majesty en Bogotá

La noticia cayó de sorpresa, últimamente la escena underground bogotana recibe con beneplácito la visita de bandas representativas que uno ve como algo impensable. Aún sigo por ejemplo con el lindo recuerdo del concierto de Swans en 2016, la legendaria e inclasificable banda de Michael Gira a la que uno creía difícil que vinieran pues es complicado concebir que haya público para un recital de ellos en Colombia. A estas alturas el recuerdo de ese concierto no lo he podido superar y le he tomado un amor inconmensurable a la obra de Swans. Pero vamos alo que nos concierne en esta humilde reseña, hemos tenido el privilegio de la visita de la banda de Los Angeles exponentes de lo que ellos mismos definen como Tragic wave, los Majesty. El dúo conformado por el guitarrista y vocalista Deb Demure y el tecladista Mona D, se vinieron con todo su retrofuturismo andrógino y sus obsesiones espaciales en una febril noche en el sitio que es el referente obligado de la escena post punk bogotana, el bar Asilo. Una gira intensa por américa latina promocionando su álbum The demonstration de 2016, un álbum que a mi parecer ha redondeado el sonido Drab Majesty y en el que la melancolía y la oscuridad se juntan en un delicioso coctel a partes iguales. Personalmente creo que con el álbum anterior Careless del 2015 aún estaban buscando su sonido, en The demonstration la belleza de Drab Majesty explota en todo su esplendor. Pero no vinieron solos, para la gira por América Latina vinieron con el grupo argentino Altocamet. El concierto fue realizado el Sábado 9 de junio y ya se habían presentado días antes en Medellín. Quienes les abrieron por Colombia fueron nada más y nada menos que el dúo de Rock gótico de Medellín La procesión de lo infinito. Una banda que sin temor a equivocarme ha firmado un hermoso disco que desde ya auguro será un clásico del sonido siniestro colombiano, su

álbum “La era oscura”. Pero vamos a Bogotá, la cuota colombiana fue a cargo de un grupo que me impactó mucho, la banda “Teatro Unión” que con un sonido poderoso me parecían perfectos con la explosión interestelar de sus sintetizadores y sus guitarras; me traían a la mente bandas de rock espacial como Pressurehed e incluso algo de los Chrome, solo que mucho más orientados en arrojar a su público al vértigo danzante. Canciones como bajo el sol pusieron a bailar al público congregado en el bar Asilo.Teatro Unión está lanzando por estos días su disco CEO bajo el sello discos la modelo donde también hay artistas importantes de la escena independiente colombiana como Nanook el último esquimal. Altocamet, una banda de gran trayectoria procedente de Mar del Plata (Argentina) bajó un poco las revoluciones, sin bajar la calidez con una propuesta mucho más de medios tiempos, planos etéreos, un azul profundo, mucho glamour, casi como los legendarios Virus de Argentinapero más oníricos. Altocamet han compartido escenario con artistas como Gustavo Cerati, Sonic Youth y Robin Guthrie. La banda liderada por Pedro Moscuzza, Adrian Valenzuela y la tecladista y vocalista Adriana Monjeau nos cautivó con canciones hipnóticas como Glaciar, Tormenta de verano y Carro de fuego promocionando

su último disco Atrapando rayos de 2017. Dreb DeMure y Mona D aparecieron sin sus atuendos cuadrando el sonido, afinando instrumentos y probando la consola, algunos asistentes pensamos por un momento que iban ofrecer su recital sin sus distintivas caracterizaciones de seres andróginos venidos del espacio, pero no fue así. Entraron a su camerino y como a los diez minutos subieron al escenario ataviados con sus chaquetas de cuero, piel plateada, pelucas rubias y lentes oscuros. Mona D dió inicio a la liturgia sacando ruidos que parecían de una tormenta de meteoritos de su sintetizador (Induction) para así arrancar con el primer corte de su último disco The demonstration, la canción Dot in thesky. La euforia embriagadora del público se hizo presente y se acentuó cuando el dúo tocó la melancólica 39 by design. Es impresionante el profesionalismo de Drab Majesty, la técnica de guitarra de Dreb y obviamente Mona D no se queda atrás con los teclados y las secuencias, esa puesta en escena tan sencilla de sintetizadores y una guitarra es complementada con un gran poder interpretativo, donde manejan con sabiduría la cadencia y rotación de las voces, no en vano se han ganado un lugar de culto en la escena siniestra mundial y claro, ellos no niegan su gusto por grandes como Clan

of Xymox o The sisters of mercy. En el caso mío yo deliré con mi favorita, la vertiginosa Kissing the ground una convulsa y oscura supernova sónica con un riff de guitarra pegajoso. Vinieron temas de su primer álbum Careless como Unknow to the I que tiene muchos ecos en las guitarras difuminadas y en el compás de ¾ a Cocteau Twins. En otras como Cold souls una nevada de arrebatadora nostalgia arropaba las almas brindando a la noche un halo de intimismo y complicidad. Para la gira latinoamericana hubo espacio para interpretar canciones del E.P Unarian dance de 2012 y la elegancia electrónica ya con visos New wave llamada Y.K.E.D.A. En canciones como Not just a name las ruinas de una catedral gótica dejó entrever la procesión constelaciones de estelares al ritmo de una sublime interpretación de acordes de guitarra. Un concierto que me dejó sin palabras no solo por lo grandes que son Drab Majesty sino por descubrir actos de trayectoria y de gran profesionalismo como el caso de Altocamet y propuestas prometedoras como Teatro Unión. Es bueno ver como la escena underground empieza a tomar una nueva dimensión gracias en este caso a espacios como el bar Asilo, Casa del puente discos y Dais records que se han anotado un hit tremendo con este evento. Me he ido a la lejanía de mi hogar con una sonrisa en el rostro y mucho fuego en el corazón.

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EL PELIGRO DE UNA FANTASÍA La banda Medalla Milagrosa acaba de lanzar su nuevo trabajo "Fantasía Peligro". Diez canciones que nos dejan un sabor dulce y emana pequeñas preguntas que le hemos hecho a Dot Gain. Sin lugar a dudas lo que a principios del año pasado era una promesa, hoy ya es una confirmación y que el sendero milagroso lleva a este cuarteto a lanzar un nuevo álbum fue ganado con perseverancia y excelentes canciones. El lunes pasado acaban de lanzar su nuevo trabajo "Fantasía Peligro" en un día porteño gris, frío y lluvioso, justo todo lo contrario a lo que es el álbum. Qué es una combinación de diez canciones brillantes y primaverales. Florecidas en un sonido que mezcla las armonías casi dreampop de las guitarras con ritmos pop y por momentos se escapan estridencias shoegazers. Edita nuestros amigos de Fuego Amigo Discos Días atrás tuvimos el primer adelanto llamado "Fuerza Débil" y el crecimiento sonoro de la banda es audible con respecto a su primer EP, " Pasadizo". Hablamos con Dot Gain: ¿Ustedes sienten ese crecimiento sonoro? ¡Claro! son cosas muy diferentes y eso nos gusta; existe una evolución de nuestro sonido y nos parece algo lógico y esperable. Pasamos de grabar íntegramente en nuestras casas, a hacerlo en su totalidad en un estudio profesional, y ese proceso quedó plasmado a lo largo de todo el material que editamos hasta la fecha. ¿Cuál es la sensación de lanzar un nuevo álbum a un año de su debut? Fue un año de trabajo intenso y consolidación del grupo, así que editar nuestro primer disco largo a un año del EP debut, es sin dudas una sensación muy gratificante. ¿Cuánto tiempo les llevó grabar el álbum? En realidad, la grabación fue lo que menos tiempo nos llevó, grabamos la totalidad del disco en 3 jornadas en Invisible Estudio. Antes de eso estuvimos alrededor de 4 meses con la pre-producción y luego fueron 2 meses de mezcla y finalmente el master, todo a cargo de Pablo Acosta en su estudio. Desde que lanzaron el Debut hasta “Fantasía Peligro" han editado un segundo EP y un single. ¿Están dejando algunas canciones sin grabar? Fabián viene grabando y creando canciones desde hace algunos años, la idea de los dos EP's y el simple 'Combo Negro' fue empezar a lanzar el material que teníamos acumulado, en pequeñas dosis, para dar lugar a las nuevas canciones. Sin embargo, algunos de los temas que componen 'Fantasía Peligro' son canciones de aquellas épocas. Aun así, hay canciones viejas y nuevas esperando a ser grabadas.

Es decir que seguramente en este año tendremos más. No creemos que este año salga algo más; queremos disfrutar y aprovechar el lanzamiento de 'Fantasía Peligro' para tocar lo máximo posible, en todos lados donde nos inviten, aunque nunca se sabe... Algo que nos llamó la atención es el nombre del álbum por eso decidimos hablar con el cantante Fabián ¿Cómo nace el nombre de "Fantasía Peligro"? Igual que las letras de las canciones el nombre del disco sale de acumular palabras, frases cortas o expresiones en una especie de catálogo de colección, para luego elegir y completar las partes. Ahí encontré este dúo que fue el cierre perfecto para este conjunto de canciones. Cuando han escuchado el álbum por primera vez entero. ¿Qué sentiste? El álbum lo escuchamos entero y terminado en su totalidad, hace solo algunas semanas. Sentimos una gran satisfacción y tranquilidad de saber que dimos todo, no nos guardamos nada; también agradecidos por haber trabajado junto a Pablo que sacó lo mejor de nosotros y nos tuvo mucha paciencia también. Si bien las canciones van por esos estilos que mencionamos antes, también podemos ver perlas de una psicodelia al mejor estilo The Brian Jonestown Masacre o Moon Duo, como en el último track "Transeúntes", pero como dije antes, en formas de perlas que adornan la canción. En fin, a veces uno puede fantasear con el peligro de lanzar muchas canciones a lo largo de un año, pero peor es El peligro de la una Fantasía sin cumplir. Y es muy claro que Medalla Milagrosa no se quedan con ninguna fantasía. Madalla Milagrosa está compuesto por los entrevistados, Fabian Tripi, en guitarra y voz, Marcos Díaz en guitarra y coros, Leandro Farina en bajo, Martín Saralegui en batería y Nicolas Tomassino en teclados y sintes. Los Links a la banda: https://medallamilagrosa.bandcamp.com/ holamedalla@gmail.com https://www.facebook.com/fuegoamigodiscos/

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DELFINA CAMPOS – AURORA Aurora es el segundo Ep de Delfina Campos el sucesor de Los Valientes (2016).

En plan canción pop con una instrumentación clara que transita naturalmente del tecno pop al pop de guitarras acompaña ajustadamente a la voz de Delfina que interpreta bellas y pegadizas melodía que nos hablan del día a día del amor y es casi imposible no dejar el disco sin salir tarareando alguna de las canciones. Para los que gustan de alguna pista antes de darle play piensen en un pop a lo Natalia Lafourcade o Julieta Venegas. Dos de los singles que integran este trabajo, "Lento" y "Casi Extraños", fueron lanzados a principios de este año, momento en el que también realizó una gira por Estados Unidos. En paralelo, colaboró en el debut de Amigos Raros (Emanuel Ortega). El EP de Amigos Raros cuenta a Delfina Campos como intérprete en dos de sus canciones. Una de ellas, ‘’A Punto’’, fue elegida como la cortina de 100 Días Para Enamorarse, la nueva ficción del prime time de Telefé. Para escuchar Aurora en Spotify. https://open.spotify.com/album/6zn3DXebOAKUK9r7v5KEVU

THE WIZARD (Wich House made in Argentina) y su EP debut The Wizard es un proyecto nuevo de Gastón Paz y acaba de lanzar su EP debut llamado "First EP" The Wizard es un proyecto nuevo de Gastón Paz, quién además lleva otro proyecto llamado Lyuba. En este proyecto se sumerge en los sonidos muy poco convencionales del dark ambient con cierto sabor a paganismo. En el diccionario de la música electrónica esto se llama "Witch House", que encierra un oscuro mundo de electrónica industrial, dark ambient, construcciones arquitectónicas sonoras de tenor ocultistas, y con reminiscencias al cine y TV. Hablando con Gastón nos cuenta: Soy productor de música desde hace más de 15 años, hace 4 o 5 años me contrataron para producir canciones que fusionaban varios estilos dentro de la música electrónica, si bien siempre trabajé con bandas de rock me pareció muy interesante la propuesta y siempre estoy dispuesto a experimentar con nuevos sonidos (nuevos para mí al menos) así que acepté, a raíz de eso empecé a investigar sobre la amplia variedad de géneros y subgéneros que abarca la electrónica (hasta ese momento escuchaba y se podría decir que soy fan de bandas como Kraftwerk, Depeche Mode, And One...también de bandas más rockeras que utilizan elementos de la elecrtónica como Nine Inch Nails, Primal Scream, Portishead...) a partir de ese momento se abrió todo un universo musical nuevo que no conocía y di con un estilo relativamente nuevo (Witch House) empecé a involucrarme cada más dentro del mismo y fuí descubriendo muchos grupos. A partir del 2015 con mi compañera encaramos un protyecto dentro del mismo estilo (Lyuba) con el cual ya lanzamos 2 eps y un single y estamos trabajando para lanzar nuestro primer álbum antes de fin de año, ahí aparece este alter ego The Wizard, hace unos meses separé algunas de las composiciones que dejamos de lado para Lyuba y decidí hacer este EP por mi cuenta, vale mencionar que ya estoy trabando en lo que será el segundo ep y que saldrá a la luz dentro de un par de meses espero. "First EP" trae siete tracks, siete paisajes oscuros, siete membrecías disponibles para que puedas ingresar a este mundo, siete... ¿un número cabalístico?... Gastón nos dijo que no. Estás canciones fueron escritas para su otro proyecto, Lyuba, pero que Gastón las ha separado para comenzar este proyecto paralelo. Sobre las canciones Paz nos cuenta: "El EP fue grabado en mi estudio, la mayoría de las pistas fueron programadas en PC utilizando FL Studio en conjunto con Cubase y varios plugins de instrumentos virtuales, algunas líneas melódicas las grabé en tiempo real utilizando un viejo teclado yamaha como controlador MIDI. Las canciones fueron compuestas entre enero y abril de 2018, eran parte

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de una lista de alrededor de 25 tracks propuestos para Lyuba pero que decidimos dejar de lado y darle prioridad a las primeras composiciones. El EP nos crea la ambientación perfecta para esos momentos cuando la introspección se hace profunda y, por momentos, mantrica. Le preguntamos a Gastón sobre los planes... Con The Wizard este año voy a estar lanzando otro EP en los próximos meses y si me da el tiempo habrá un tercero, también concretar la realización de al menos un videoclip. Con Lyuba en octubre vamos a estar publicando el primer LP y también esperamos la misma suerte con respecto a un videoclip. Por el momento ya tienen la apertura del portal a este mundo raro, desconocido, profundo, y fantasmal, ese portal que todos tenemos dentro y pocos se atreven a abrirlo. Si lo hacen... ya tienen la banda sonora. Pueden escuchar y adquirir este trabajo en: https://soundcloud.com/thewizardofnoise https://thewizardofnoise.bandcamp.com https://www.facebook.com/thewizardofnoise/ Lyuba: https://lyuba.bandcamp.com https://soundcloud.com/witchlyuba https://www.facebook.com/witchlyuba/

JÜBL LANZA SU EP DEBUT Rudy Tambala modifica la historia de su proyecto A.R.Kane cambiándole el nombre y edita su debut a treinta años de hacer historia con el álbum "69". Jübl es el nuevo nombre de lo que conocimos como A.R.Kane. Rudy Tambala acompañado por Andy Taylor y Maggie Tambala. El pasado 20 junio acaban de editar una EP de tres canciones llamado "Thinking Sweet" bajo el sello Eighth Son Records. Este proyecto viene funcionando del 2015, bajo el nombre de A.R.Kane, pero Rudy ha decidido lanzar este nuevo proyecto en el mismo momento que se cumplen el trigésimo aniversario del álbum debut llamado "69" editado el 1° de julio de 1988. En mayo después de unas trabas con las canciones de la banda, deciden nombrarse "Jübl" y lanzar este EP de tres canciones. Rudy explica: 69 fue el trabajo más innovador de A.R.Kane, y con los años se convirtió en el favorito de las personas que les gusta nuestra música. Quería hacer algo para el 30º aniversario, para devolver a las personas el sentimiento que compartieron con nosotros y marcar el momento. Hablamos de remasterizaciones, camisetas, juegos de cajas, regrabación de algunos de los temas, conciertos, mezcla de todo el LP, etc., pero hubo problemas de propiedad y derechos que se convirtieron en barreras impenetrables, así que solo di un paso arriba. A las dos canciones nuevas, "Thinking About You" y "Sweet Dreams", se le suma la reversión "Thinking Sweet Füsion", conformando un bello EP, que reúne el sonido de "69" pero mirando al futuro. Rudy cuenta: Entonces, una mañana de mayo, pensé: "A la mierda, falta un mes para salir de la cama y hacer algo". Mientras tomaba café me di cuenta de que solo podíamos seguir adelante y liberarnos del sinsentido al renombrar la banda , de ahí "Jübl". A partir de ese momento todo encajó en su lugar. Con este lanzamiento tomamos dos de nuestras nuevas canciones y las abordamos intencionalmente de una manera que celebra tanto el espíritu como la forma del "69".

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¡A BAILAR COMO UN DANDY EN HIROSHIMA! Acaban de lanzar un EP de remixes llamado "Confort y Desesperación". Hace muy poco habían participado en un single junto a Niños Envueltos. Los Hiroshima Dandys no paran.

Nuestro informe dice: En la espera de un partido mundialista de la celeste y blanca (Argentina) una de las bandas más inquietas nos traen algo para amenizar esta nerviosa espera. Si hay algo que caracteriza a este trío de electro pop argentino (formado por Mambo Rivas, Babi Dior y Flor Li es su cuota de alegría y ritmo que le impone a los oídos cada vez que sale una nueva producción. En este caso han lanzado un EP de remixes de cinco canciones que no nos van a pasar desapercibido cuando le demos play a la primera canción. Nos llevará entre ritmos bailables que va en aumento y que nos dan respiro en la cuarta canción "Desprenderme" en donde bajamos la intensidad con esta versión melerezca que nos hace prepararnos para el tramo final. El EP cierra con la noventosa "Confort y Desesperación" en donde nos hace retomar el ritmo de las primeras raves de Manchester. Ritmo, locura, reinterpretaciones libres y magníficas de canciones que pueden encontrar en su último álbum "El camino de lo Horrendo (2016)". Lo interesante de este trabajo que está armado en forma de un largo track de casi 18 minutos, todo unido y que si bien está trackeado, el escucharlo sin cortes tiene el encanto de poder ser utilizado como banda sonora de tu fiesta, sin un DJ que tenga que mezclar los tracks, ya que se los Hiroshima Dandys se convierten en su propio DJ. ¡¡Escuchálo desde tu plataforma favorita!! Spotify: https://spoti.fi/2loStMe Youtube: https://youtu.be/aMOKI7_zDX8 iTunes: https://apple.co/2JVAStZ Deezer: https://www.deezer.com/es/album/64945112 Bandcamp: https://sololepidoadior.bandcamp.com

¡A BAILAR COMO UN DANDY EN HIROSHIMA! Glass lanzó un Ep de Covers de nombre “Covers” y lo que deja bien claro es la enorme personalidad de la banda, todo suena a Glass, el EP tiene cinco canciones y cada una de las versiones tiene el tiempo, el sonido y el alma del trío argentino integrado por Lu Glass, Nina Seeber y Manuela Vecino. Un tiempo lento ocupado por colchones de sintetizadores y las voces de las chicas nos invitan a pensar el presente musical a partir de la revisión y reflexión sobre casi cinco décadas que abarcan las fechas de las versiones originales. (Nota personal: yo crecí pensando que más o menos esa es la definición de Post Rock llevada a composiciones propias pero la impronta tan personal del trío que le pusieron inmediatamente me hizo olvidar que se trataba de temas no compuestos por Glass y me llevó a pensar en ese concepto). Los temas fueron grabados entre 2016 y 2017 para distintos compilados en Suspiria y Estudio Maqueta, excepto Plainsong, que fue grabado en vivo en la terraza de Yolanda Discos en Altolaguirre. Los temas que integran el EP, los autores y años de las versiones originales son los siguientes. 1. El Rey de la TV Italiana (El Mató a un Policía Motorizado, 2006) 2. Camino Difícil (Almendra, 1970) 3. Fallas (Todos tus Muertos, 1991) 4. I´m losing You (Dwight Twilley Band, 1976) 5. Plainsong (The Cure, 1989) Hablando con Lucila nos dijo: “El Rey de la TV Italiana” apareció originalmente en el compilado “Chicas ruteras: A 10 años de Un Millón de Euros” editado por FAN El Programa de Radio Colmena, y la consigna era reversionar un tema del disco de “El Mató a un policía motorizado”. “Camino Difícil” y “Fallas” aparecieron en los compilados de Yolanda Discos, Días de

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Adolescencia y Noches de Rouge, y las consignas eran reversionar temas del rock nacional de los setenta y noventa. “I´mlosingYou” apareció en el compilado de la Revista The 13th, "Pura melomanía III", cuya consigna fue reversionar un tema cuya fecha de publicación terminara en “6”, y en este caso elegimos uno del ‘76. El único que no pertenece a ningún compilado es “Plainsong”, y lo hicimos porque somos fans de The Cure nomás. También nos dijo que la elección de los temas representa una música que escucho mucho y fue muy significativa en distintos momentos de su vida. Y yendo a los temas en particular nos dijo: Plainsong me parece que tiene un nivel de perfección tal en el sonido que detiene el transcurso del tiempo. Pero la estructura de I´mlosingyou y la letra de Fallas también me parecen sobresalientes. Producido por Ariel Schlichter& Lu Glass en Estudio Maqueta, Masterizado por Juan Stewart en Estudio El Arbol. Arte de tapa: Macarena Viva Fatne. Participan como invitados Ariel Schlichter en platos & Javier Diz en Moog Prodigy en “El rey de la TV Italiana”. Sigue a Glass en: http://glasssynthpop.com/ https://open.spotify.com/artist/7pwqvT1MD9zOUbJEtEy1IA https://www.instagram.com/glasssynthpop/ https://luglass.bandcamp.com/releases https://youtu.be/oWthCtB1idA https://www.facebook.com/glasssynthpop/

A SHORELINE DREAM REGRESA CON SU EP "WAITOUT" Nuevamente nos encontramos con un nuevo EP de esta hermosa banda de Colorado liderada por Ryan Policky y Erik Jeffries, A Shoreline Dream, que tan bien me hace escucharlo. Este nuevo "Waitout" lanzado a principio del mes julio salió bajo el sello Latenight Weeknight Records tiene la particularidad de que repartían al baterista original de la banda Gabriel Ratliff. Para hablar de esta reunión y del EP nos comunicamos con Ryan y esto nos dijo: ¡Hola Ryan! Un placer para nosotros charlar contigo. Y aprovechando el lanzamiento del nuevo EP vamos ponernos al día con la banda: Aparentemente se han reunido con el baterista original, Gabriel Ratliff, es decir, la formación original de "Avoiding The Consequences". ¿Cómo fue esta reunión? Esta es la alineación original antes de "Avoiding TheConsequences". El único miembro que no está en ese álbum que no está con nosotros es el bajista Enoc. Todos hemos sido buenos amigos a través de los años e incluso hemos colaborado en proyectos fuera de la música, pero personalmente tuve la necesidad de agregar percusión real en la mezcla ya que había estado escribiendo todas las partes de batería digitalmente en muchos de nuestros lanzamientos recientes después de Sean dejó la banda. Le propuse la idea a Gabriel y él estaba súper emocionado de hacerlo realidad. En realidad, solo preguntaba en el momento adecuado y ahora volvemos a nuestras sesiones semanales de práctica / registro. Se lleva a cabo en una nueva ubicación, pero sigue siendo tan mágico como lo era en los primeros días. Estaba pensando en el momento en que no lanzan algo y lo último fue "Room for the Others". ¿Qué has hecho en este momento? Hemos estado trabajando canción por canción, preparando cada uno para un álbum solo físico. Vinilo para ser específico. El comienzo de 2018 comenzó con la canción de este último EP titulada "In the Ready Sound", y mientras desarrollábamos eso paramos para volver a ensayar con Gabe. Nos llevó un poco llegar al punto de ser un álbum para finalizar este EP y movernos con más material. Ha sido un proceso, pero ahora estamos de vuelta en la pista.

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Cinco canciones ¿Cuánto has estado escribiendo las canciones? Yo y Erik siempre hemos sido los principales compositores de canciones. Siempre estoy trabajando en nuevas canciones, escribiendo, grabando y produciendo. No solo para A Shoreline Dream, sino también para mis otros proyectos "BrimLiski" (que es similar) y "Genessier", que es más un experimento industrial. ¿Esto es parte del avance de un nuevo álbum? Sí, como estaba hablando antes de que nuestro objetivo de lanzar cada single / ep digitalmente haya sido recopilar todo este nuevo material en una versión solo en vinilo. Nos estamos acercando mucho. Vamos a grabar 2-3 pistas más y estaremos listos para que eso suceda. Pensar que este trabajo llega casi diez años después de la colaboración con Ulrich Schnauss "NeverChanger" (2008). Para aquellos que aún no conocen A ShorelineDream ... ¿Qué ha sucedido en la banda en los últimos diez años? Vaya, es difícil responder sin escribir un libro al respecto. Hemos estado pasando por muchos cambios diferentes. Perdimos la mitad de nuestra banda en 2011 después del irónicamente titulado "LosingThem All to This Time" (Perdiéndoles a todos en este momento), pero tuvimos algunos momentos memorables tocando conciertos increíbles en SXSW, haciendo apariciones en la radio en todos los estados y haciendo que las cosas sucedan. Volé y produje una canción con Ulrich en 2010, e incluso hice un remix para Engineers. Lanzamos un single con Rocket Girl Records y nos aseguramos de mantener nuestra presencia a pesar de la dificultad de mantener intactos a los miembros. Erik y yo hemos mantenido nuestro vínculo a través de toda la locura del drama de la banda, y todavía podemos sentarnos con la acústica en la mano y mágicamente crear música sin siquiera hablar. Eso es lo que nos ha mantenido trabajando por más tiempo. El hecho de que nunca tenemos que explicarnos qué es lo que estamos tratando de sacar de este arte, y en su lugar simplemente lo logramos. ¿Harán un video de alguna de las canciones? Acabamos de terminar de grabar un video de "Waitout", que es el más ambicioso hasta la fecha. Es un thriller de ciencia ficción envuelto en un video musical. Una historia en la que he estado trabajando durante los últimos 3 años. Ahora está en post producción y saldrá el próximo mes. ¡Estén atentos a nuestra página de Facebook para todos los detalles! Para terminar y después de tener las palabras de Ryan, sólo nos queda dejar que ustedes tengan el placer de sentir lo mismo que nosotros sentimos cada vez que escuchamos a A Shoreline Dream... Links: https://ashorelinedream.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/ashorelinedreamband/ https://www.facebook.com/latenightweeknight/

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DE CANCIÃ&#x201C;N + BANDA

[ Por Diego Centurión ]

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Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias. Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda. La llamamos "De Canción + Banda". En el caso de hoy nos llenamos de luces y bellezaen el año 1988. Una de las bandas más representativas del nacimiento y florecimiento del dream pop, de uno de los álbumes más brillantes “Blue Bell Knoll”. La canción “Carolyn’s Fingers” que contiene un vídeo promocional hermoso. Hablar de Cocteau Twins en esta revista es poner palabras en una de las bandas pilares de gran parte del sonido que impregna las páginas de The 13th. Banda escocesa nacida en 1979 y que se mantuvo activa hasta 1998 (es decir hace 30 años que no tenemos más Cocteau Twins). “Carolyn’s Fingers” es una de las canciones más bellas de este álbum y tuvieron que pasar varias décadas (casi 30) para que un trío en Inglaterra tome el nombre de esa canción para usarlo como marca o identidad. La banda formada en el 2017 por Chess Boughey, Jess Berry y Carmen Palacios Berraquero, han lanzado dos singles oficiales lanzados este año, “Her Howl” y “Twice Born”. Una banda que recién comienza a escribir su historia. . Los Links a las bandas: Cocteau Twins: www.cocteautwins.com/ https://open.spotify.com/artist/5Wabl1lPdNOeIn0SQ5A1mp https://www.facebook.com/ctwins/ https://twitter.com/thebeatles Carolyn’s Fingers: https://www.facebook.com/carolynsfingersband/ https://www.instagram.com/carolyns_fingers/ https://twitter.com/CarolynsFingers https://soundcloud.com/carolynsfingers/ https://www.youtube.com/channel/UC8geKL7o91udhRfjjdlJMjw/featured https://itunes.apple.com/us/artist/carolyns-fingers/1339989217 https://open.spotify.com/artist/6yhfbUcfz7aRVOYQDKClSh

En Concierto

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[ Por Pablo Ravale. ]

LA QUINTA REVELACIÃ&#x201C;N DE LUCIFER EN LA TIERRA Mayhem en Uniclub,16 de Junio de 2018

«Heic Noenum Pax» («Aquí no hay paz»), rezaba la letra de “De Mysteriis Dom Sathanas”. Y no mienten, en ninguna canción de esta polémica y legendaria banda de black metal hay algo cercano a la armonía o la calma. Cada lanzamiento o presentación de estos desgraciados resulta ser una bestial demostración de malevolencia (de ahí su nombre), sin importar la calidad del mismo. Así como tienen discos muy buenos, algunos aceptables y otros más flojos, lo mismo ha sucedido con sus “en vivo” a lo largo de sus 34 años de carrera. Aunque lo que les aseguro es que en cada despliegue sónico de este grupo lo único encontraremos es una atmósfera negra, pesada y enferma. Hay cosas que jamás se olvidan, todos conocemos la historia. Los oscuros capítulos de Mayhem (con quema de iglesias, un suicidio y un asesinato incluidos) parecen haber marcado de por vida el resto de su trayectoria y, por tanto, cualquier paso que estos tipos den se tratará de un elemento de demencia total. Así, conociendo lo fieles que somos sus seguidores, no era sino una obligación para mí asistir al concierto que dieron el pasado sábado 16 de junio en Uniclub, un show que no hizo más que sumirnos a aquellos que asistimos en un lago de perversidad y aura fúnebre. Pero rebobinemos… Después de haber publicado en 2014 un muy notable Esoteric Warfare, la banda decide seguir brutalizando a los devotos de su delirante parroquia, de manera que nace el proyecto de revivir una vez más su más famoso trabajo, el diabólico De Mysteriis Dom Sathanas. Si el árbol es bueno no hay razón para no seguir explotando sus frutos, por consiguiente, la banda otra vez se adentran en las catatumbas, limpian los sepulcros de piedra y reviven con magia negra aquellas canciones perpetuas que todo seguidor del black metal debe saber ya de memoria. Acordes y letras malditas, de luciferino origen, la más grande obra del psicópata Euronymous (guitarrista original)

y el tristemente célebre Dead (segundo cantante, después del poseso Maniac). En estos términos, se anuncia que el grupo realizaría una gira para rememorar el tan citado álbum, interpretando la totalidad de su contenido. ¿Suena a refrito? Tal vez, pero no mentiré que la idea me entusiasmó. Pues bien, entrado los primeros meses del año en curso se dio a conocer la noticia que el tour los traería por tercera vez a nuestras tierras, presentando la totalidad del disco de 1994 en pleno corazón del barrio de El Abasto. ¿Acaso había algo mejor que hacer, una oscurísima noche de temperaturas heladas, que asistir al sabbat de la banda emblema del pináculo del Black? No lo creo. Saliendo con una hora de retraso (problemas técnicos del lugar), sólo noventa minutos bastaron para demostrar que Mayhem no es una banda muerta como muchos creen, se trata de una agrupación potente e malsana. Sus shows no serán los más espectaculares, más allá de la parafernalia satánica y mortuoria (muy al estilo de una misa negra) no tienen mayor bombo, son tipos que llegan, tocan y se van, tienen su setlist ajustado y no suelen congeniar mucho con el público. Sonido y atmósfera, nada más. Pues bien, la reseña que hoy traigo para ustedes la escribí exactamente dos semanas después del show y puedo decirles que todavía el recuerdo de su performance me produce un macabro regodeo. Hablar de cada tema interpretado sería irritante teniendo en cuenta que la mayoría aquí no conocen como la palma de sus manos la sustancia de la placa en cuestión, así que sólo mencionaré a grandes rasgos las sensaciones del directo como tal. Como primer comentario, debo decir que uno de los puntos altos del recital fue el jodido de Hellhammer. Un tipo con casi cincuenta años masacrando sus tambores como un demonio percutor, haciendo el mejor de los honores a su espléndido alias (“martillo del infierno”). Fiel a su sonido, se trata de una ametralladora de ritmos que no cesa en ningún

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momento, los que lo hemos escuchado en sus discos bien sabemos que es humano, sin embargo, en aquella noche en Uniclub, Jan Axel Blomberg no sólo cumplió a rajatabla su dura misión sino que además imprimió un ápice suculento de perfección: es como escuchar el disco de estudio, tal cual. De hecho, esta es una de las razones por las cuales muchos desprecian los directos en el black metal, primero porque el sonido no es siempre el mejor y segundo porque lograr emular el registro de las canciones en estudio suele ser una dura tarea, en especial para los bateristas, encomendados a galopar a velocidades inalcanzables, sin excusa de errar una sola nota, más aún con el riesgo de arruinar toda la atmosfera y el propio ritmo de la pista. Como he dicho, esto no ocurre con Hellhammer, de inicio a fin su calificación es de 11 puntos. El trabajo del resto fue también sobresaliente, Teloch (ex-Gorgoroth) y Ghul (ex-Cradle of Filth) dándole a sus guitarras como desquiciados, y Necrobutcher con su bajo distorsionado a más no poder liderando la muralla sónica. No entiendo muy bien la necesidad de incluir dos guitarras en una banda como Mayhem y más aún en un directo como éste, no obstante, le imprimieron una solidez jugosa en los solos y otros pasajes.

Con respecto a Attila Csihar, ¿qué decir? No deja de hacer gala de sus horrendos rugidos, muy especiales para la escena y que aquí sonaron ciertamente más guturales que en la grabación de estudio. Nada que recriminar, es versátil, carismático y muy eficiente, y nadie podrá negar que en vivo la presencia del tipo es intimidante y fría. Para bien o para mal, Attila se convirtió en el cantante definitivo del grupo y De Mysteriis Dom Sathanas es un álbum tan suyo como lo es para el ya extinto sueco (Dead, autor de sus letras). Creo que lo justo es calificar este show como la quinta revelación de Lucifer en la Tierra. Seguramente verlos en vivo será mucho más disfrutable para los fanáticos acérrimos de la banda, así que no había excusa en mi caso para no estar ahí y quedar extasiado con toda esa caña de sobra. Como dato final están los bises violentos donde Attila y Necrobutcher bajaron a patadas y empujones a moshers del público que intentaron subirse al escenario, y la niebla artificial que acompañaba a las campanadas tenebrosas como música de fondo. Mayhem en Uniclub, damas y caballeros. Una terrorífica pero deliciosa manifestación del Príncipe de las Tinieblas.

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[ Por Diego Centurión. Fotografías: Fabián Resakka. ]

LOS PORTALES DE LUZ Alcest en The Roxy Live, 26 de Junio de 2018

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A cuatro años de su última visita, a dos años de su “Kodama”, en pleno fixture del mundial de fútbol lo que no quedó de lado, ya que Neige felicitó a la Argentina por la victoria contra Nigeria y alguien del público le respondió por la siguiente fase, justo contra Francia, ¡Y les vamos a romper el culo! o se escuchó un ¡Sos más lindo que Messi! Más allá de las cargadas futboleras de turno, a la banda se la nota muy a gusto en Buenos Aires. El show arranca con el disco “Kodama” íntegro. La banda es la misma que suele acompañar a Neige y a Winterhalter en sus presentaciones en vivo, Zero (Guitarra y coros) e Indria (Bajo) y eso se nota ya que afianza el sonido a una perfección casi de disco. “Souvenirs d’un autre monde”, "Percées de lumière", "Autre temps", "Sur l'océan couleur de fer", "Là où naissent les couleurs nouvelles", son los clásicos que repasaron de su historia, en donde lavanda despliega sus mejores momentos, no porque en el nuevo disco no lo hayan logrado, que a esta altura ya era un show hermoso, pero la gente respondió de otra manera. El final llega con “Délivrance” y es en ese momento en que Alcest abrieron los portales de luz para bañar de brillos a un público que realmente se siente seducido por estos franceses.

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[ Por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Moonster. ]

IR HACIA LADO B Atlético Chipset y Ministerio de la Nueva Alianza en Club Niceto, Lado B, 13 de Julio de 2018

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La cita de esa noche parecía echa a la medida de nuestra Revista The 13th. Viernes 13, 20:30 horas en el Lado B de Niceto. La noche helada afuera, la calle todavía bastante fantasmal, tal vez por la hora temprana de la velada. Para seguir acumulando referencias “creepy”, cruzo el puente de la Avenida Juan B. Justo, con “Tubular Bells” de Mike Oldfield en mi MP3, y se me aparece una banda de teens que parecen a mitad de camino entre estar lookeados para Halloween o ir super producidos a un fiesta privada. La sensación es la misma que en la única escena que aparece Tubular BellsPartOne en el Exorcista, la protagonista se da una vuelta por el vecindario mientras suenan las teclas inquietantes de Oldfield y observa que ese barrio donde vive ya no le es tan familiar como creía: ve a los chicos disfrazados para salir de ronda al grito de “TrickorTreat”, ve la capilla del barrio y esta vez se le aparece sombría, llena de secretos, pasa por una escalinata junto a un parque que ahora se convirtió en la escena de un crimen. Pero todo eso no es tan terrible: en su propia casa, su propia hija se está metamorfoseando en un demonio. Sin exagerar algo así me pasó, al querer entrar por la entrada principal y que el guardia me mandara a la entrada del costado, un callejón oscuro, claro. Yo estaba sacando mi pase de prensa y ya se escuchaban los primeros acordes de Atlético Chispet. No creo que haya sido del todo un azar haber calentado mis oídos en el frio callejero, para prepararme a escuchar en vivo al cuarteto Atlético Chipset. Enseguida estábamos adentro, con Lily Moonster, la fotógrafa de The 13th y el clima era así de natural y perturbador, neones azulados, humo psicodélico y un

buena cantidad de público que hacían del lugar un espacio mucho más cálido. Un lugar que nos parece de lo más familiar y sin embargo esa noche tenía otro aire, otra vibración. No podía asegurar si para bien o para mal. Pero ya estaba un poco embrujado. Desde los instrumentales, de Vol. II, editado a fines del año pasado, algo de esa misma atmosfera que va entre el sueño y pesadilla se percibía: empezando por el precisamente titulado “Intro”, que tiene esa combinación de unas notas de teclado muy espaciadas en una especie de marea de disonancias, donde lentamente van entrando y entrando más y más instrumentos, y zas, se evapora en apenas dos minutos. Luego “Transitorio” igual de preciso en su nombre, se asienta, hace el clima más “pesado”, más marcado por la batería, pero no es precisamente “heavy”, al contrario, tiene guitarras potentes pero que levitan, más allá, al aire, al éter, guitarras astrales, aunque nunca dejan de estar ancladas a la tierra, por la base rítmica, pero

también por quizá una idea del goce, de lo efímero, de aprovechar lo mejor posible el tiempo en el Hotel del título? Domingo Negro, pone más al frente las influencias electrónicas de Altético Chipset, pulsante, con una especie de base disco de fondo, casi ahogada por teclados y guitarras burbujeantes, pero calientes, como lava, es un momento más ácido y onírico, que puede coquetear con el Black Sabbath de la película de Mario Bava y también con la banda de Ozzy, pero que finalmente se decide por algo más sutil, más moderno y principalmente más personal. Entre el set también estuvieron algunos momentos de su álbum anterior Vol I, que quizá sonaba igual de progresivo e inventivo que este esteVol II, pero con un aire más diáfano, acogedor (ver por ejemplo: Caracol) Como encore del set, no dejan su sencillo de 2018, un joyita progresiva, llena de vibraciones de sintetizador, y guitarras heladas, una pieza verdaderamente sugestionadora que bien podría ser el soundtrack de una

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película retorcida que suceda en la Berlín de la Guerra Fría entre callejones humeantes y empedrados mojados. Un encore más “Joya” (del Vol I) nos relaja de tanta tensión pero no del todo: es ácido, eléctrico y está lleno de visiones como un viaje nocturno por una ciudad deshabitada, fantasmal… Los muchachos de Altético dejan sobre el escenario unos rastros de fuego azul y movedizo. El cuarteto de Juan Alberto Badaloni, en guitarra, el bajista Federico Bianchi, David Vinazza en sintetizadores y la batería de Alejandro Fieres, en su set de apenas una hora, logra algo que

es poco frecuente: consiguen que una banda que no tiene voces, más que las que comentan algo entre tema y tema, se imponga con un carisma propio y una personalidad, oscura pero cálida. Si bien todos sus elementos más visibles nos pueden dar la idea de una banda de prog rock bien setentosa, cosas como Kraftwerk y AngeloBadalamenti, musicalizador de David Lynch están también ahí con sus juegos de disonancias y circularidad. Campanas Tubulares?Está sonando TubularBells esta vez dentro del Club? No, pero casi: es el clásico HappyHouse, de Siouxsie and theBanshees, que

seguramente el DJ ha sabido sintonizar para mantener en flotación la atmósfera que dejó Atlético Chipset. HappyHouse es como la traducción pop perfecta de las campanas de Oldfield: siniestras, pero también dulces, pegadizas, casi sedantes… como un buen caramelo ácido. Sihastaesemomentotodalapropuesta de la noche venía siendo “ir hacia el Lado B”, de la música, la psicodelia, pero también de la noche y su poética. Lo que vino después de la mano del Ministerio de la Nueva Alianza, fue un giro muy al estilo de TheBanshees, tomar todos esos elementos “lowkey” y llevarlos bien al frente de un pop rock rugiente, hiper recargado. A Ministerio se lo puede emparentar también al estilo Psycho Candy, clásico noise de los Jesus and Mary Chain, aunque

también saben gastar melodías pop bastante brillantes y despreocupadas; Infierno, Los Lobos y particularmente la Montaña, que anda entre montañas de agua Babasónicas y el fuego sónico de la VelvetUnderground. Estos temas junto a Cuentas Pendientes un pop veloz y liviano, forman parte del EP “MDLNA”, y hacen de Ministerio de la Nueva Alianza, una banda de la que en todo sentido nos gustaría saber un poco más. En balance, tanto desde la propuesta más experimental de Atlético Chipset, como desde la adrenalina pop rock de Ministerio, la cita de la noche del Viernes 13 tuvo en todo momento una fuerte apelación a la sorpresa y el misterio. Brindamos por eso, una vez más amigos!

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PURA MELOMANIA

UNA PLEGARIA POR VIETNAM The Doors - Waiting for the Sun (1968) [ Pablo Ravale ]

1968 fue un año en que la guerra de Vietnam no dejaba de conmocionar al mundo, avisando inminentemente de que la fiesta se estaba por acabar. Una parcela de la realidad pretendía huir de las grandes miserias de la vida, en busca de un “algo”, un ideal de felicidad, un mundo mejor a toda costa... Los años dorados de la psicodelia, la paz, y el amor universal parecieron debilitarse por cada sacudida histórica. Por aquel entonces, el hombre medio podía llenar sus vacíos con LSD a la par que podía observar cómo lo ocurrido en Vietnam se televisaba grotescamente, no sin antes poder poner en la bandeja del tocadiscos una joya como el recién salidito del horno Beggars Banquet de The Rolling Stones. Sea como fuera, algo debió ocurrir ese año en el que musicalmente los grandes genios despegaron mientras daban un cambio a su estética, The Beatles y su incomprendido The White Album (maná para unos, fracaso para otros), y en este caso que nos acontece Waiting for the Sun de los americanos The Doors, no exento de controversia. Influencia histórica o no, The Doors fueron partícipes de este leve giro en lo que se pretendía proyectar de ellos en su música e impronta. Waiting for the Sun supone el tercer álbum de Morrison y cía, un álbum ampliamente críticado por sus detractores, tanto, que su defensa supone más un acto de condes-

cendencia que de objetividad. ¿Es esto del todo cierto? Es complicado hablar de un disco malo de The Doors, teniendo en cuenta que cualquier adjetivo negativo en una reseña de ellos está de sobra y, más aún, cuando Waiting for the Sun incluye grandes temas clásicos de The Doors, quizá en menor medida que sus congéneres Strange Days o ese magnífico debut The Doors. Así las cosas, en este trabajo sí que podemos percibir esa aura compleja que se describe al principio: Por un lado Waiting for the Sun pretendió ser un disco ambicioso y completo en lo que suponía inyectar una última gran dosis de psicodelia como colofón a un mundo que se estaba tornando gris y sobrio. El mayor problema, como contraste, fue que se acabó convirtiendo en el disco en el que el creciente alcoholismo de Jim o la

falta de ideas del cuarteto acabó decantando en un buen disco, pero precipitado, inconexo y un tanto ambiguo. La idea de crear una súper producción no era nada nuevo, The Doors sabía cómo pero se estaba haciendo evidente que la fórmula del sonido de los angelinos permanecía demasiado anclada en temas de discos anteriores, los cuáles se estaban acabando y la inspiración del momento no acompañaba para crear suficientes canciones nuevas a la altura. Como respuesta al entuerto, no podía consentirse que The Doors fuera un fenómeno volátil y efímero de poco más de un año. Tocaba hacer frente a la cruda realidad: The Doors se encontraba en su mejor momento mediático y se le acababan las ideas, por lo que urgía tomar aliento y reescribir la historia, como los días previos a “Light My Fire” o “Break On Through (To the Other Side)” en 1965. Metiéndonos de lleno en el disco, para empezar, podemos decir que la lista de temas está fuertemente condicionada por los problemas ya comentados, por lo que en su escucha se irán alternando temas “excesivamente” suaves (es evidente que pretendieron agradar) con otros puramente Doors (más conservadores) y otros cortes de carácter experimental (y polémico), considerablemente más arriesgados. Sin embargo, cabe señalar que algunos de los temas del disco sí que son descartes de anteriores, los cuáles se reciclaron inteligentemente con una estética diferente y un mínimo de pegada para poder llegar a un público ansioso de nuevas noticias. Este fue el caso de “Hello, I Love You”, un pop-rock sofisticado escrito en 1965 que descansa en fraseos tan ñoños como adictivos por parte de Morrison. A ello, es imposible no destacar esa estructura insistente por parte de la batería de John Densmore. He aquí el punto clave: el tema muestra una progresión engañosa comenzando con lo que parece un tema pop e incrementando la intensidad hasta un punto sublime de pseu-

do-distorisón “fuzz” de la guitarra de Robby Krieger, la cual hace armonías casi indistinguibles pero certeras mano a mano con los teclados de Ray Manzanarek, acabando por dibujar un tema festivo e imprescindible en sus grandes éxitos. Los picos en intensidad no tardan en llegar. De pronto, pasamos a “Love Street”, un poema de Morrison sobre la bohemia de California del cual brota una balada soberbia de piano, guitarra y líneas de bajo delicadas (cortesía del sesionista Douglas Lubahn). En este tema el tono desenfadado tanto de Morrison como el que desprende la banda en sí parece cortar de raíz esa pesada losa que se comenzaba a impregnar en la época a base de una inyección vitalista tanto en letras como en melodía. Llegados al tercer tema, hay para hablar y mucho; “Not to Touch the Earth” será, seguramente, el tema más desquiciado y ácido de toda la discografía de The Doors. ¿Por qué digo esto? Porque teóricamente esta canción era solamente una parte del plato fuerte del álbum, una suite épica y caótica denominada “Celebration of the Lizard”, compuesta por varios sub-temas improvisados que pretendían evocar la cúspide de la psicodelia más salvaje y caótica. No se puede decir más, claro, se quiso crear una ópera magna que englobara todos los elementos que caracterizaban el lado más espacial de The Doors, incluso el que no se conocía aún. Pese a que el disco quede deslucido por la falta de su principal razón de ser (esta suite), “Not to Touch the Earth” cumple holgadamente con su cometido y transmite, en esencia, lo que se planteó: disonancias, cambios de ritmo, estridencias, desorden, pasión, trance, letras tan inconexas como libres de interpretación. Si algo es esquizofrénico en este disco, es este tema, con un Morrison embrujado que da para mucho (este tema ocupa una escena entera en la película de Oliver Stone, y vaya escena, rozaba lo demoníaco) y estribillos que cambian de tono constantemente. En mi más sincera opinión, la locomotora del áci-

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do está perfectamente capitaneada por cada miembro, sin excepción. Aquí Jim se eleva a la categoría de rey... Rey Lagarto, que a lo largo de su vida y al final de este insano viaje sentencia: «Yo soy el Rey Lagarto, yo parto y reparto». La densa neblina de la coctelera de alucinógenos se diluye con “Summer's Almost Gone”, un vals tan inofensivo como correcto, con cierta ambientación tenue tropical. Su atmósfera sosegada, ayudada por el dulce slide de Krieger y el bluesero piano de Manzanarek logran crear un punto y aparte para seguir encarando las escuchas con mejor predisposición y frescura. Se agradece la presencia de este tema, además del trabajo excelente en las líneas de bajo. “Wintertime Love”, muestra precisamente ese lado excesivamente refinado y suave, dejando entrever ese dote de preciosismo instrumental, con un Jim encarnando su papel de crooner, cosa que ya terminaría de concretarse en The Soft Parade. Pasando el ecuador del álbum, el más flojo en términos creativos, llega una triada experimental curiosa, donde encontramos el broche de oro para esa faceta innovadora y políticamente maleducada de The Doors. “The Unknown Soldier” representa el relato de la guerra de Vietnam desde Norteamérica y su prisma. Para ello, se basan en un tema conceptual de estructura inusual; unas líneas desconcertantemente melódicas y rítmicas que dan paso a un fragmento sombrío de marcha militar, estallando enérgicamente en una variación del ritmo principal hasta su fin. Se hace inevitable no admirar el tono de celebración y deseo de cese de dicha guerra, iniciado por el cántico de Morrison y las pinceladas de Krieger en su guitarra. De nuevo, una incursión de un fragmento que incluye campanadas y clamores de un público que pone fin a un tema que, por aquel entonces, parece expresar y compartir con la sociedad del momento la visión del incomprendido y soez Rey Lagarto. El tímido Manzarek parece gozar de ma-

yor protagonismo en “The Spanish Caravan”, una oportunidad para cambiar de foco y dejar que la luz la proyecte el maestro Krieger con una pieza de rock progresivo de la mano de las influencias del flamenco español y su cultura musical. Su habilidad en tal disciplina se pone de relieve a lo largo del tema, haciendo alarde y oda a él y a las seis cuerdas. Si bien la anterior pista no está exenta de calidad sin ser memorable, “My Wild Love” encarna la actitud minimalista ácidamente chamánica de The Doors. Actuando como un todo, erigen un tema a capella, único en su catálogo, repleto de rareza, fascinación, misticismo y complicidad. Este tema parece trasladarnos al espíritu indómito, joven y tribal de la época previa a The Doors, con esa presencia implícita de la psicodelia más primitiva y peculiar del propio Morrison. Encontrándonos en el tramo final del disco, nos encontramos con el pegadizo “We Could Be So Good Together”. Este tema se aprovechó como descarte del Strange Days. La labor de recicle da como resultado un balance favorable; un rock clásico y simpático, tanto al público como a la radio. “Yes, the River Knows” conforma parte del elenco de baladas, de carácter netamente meloso. Su fuerte influencia del Swing y el Jazz de los 50 otorgan gran validez al tema en cuestión, con labor encomiable de los incombustibles Krieger y Manzarek. Para rematar la llegada del sol, The Doors se presentan con el mítico “Five to One”, un tema que llegaría a catalogar como un híbrido temprano de la psicodelia y del incipiente Hard-Rock. Este himno de carácter siniestro e impúdico no se sabe a ciencia cierta si habla sobre la masturbación, pero lo cierto es que lo que destaca a la canción es Jim siendo simplemente siendo él, es decir, atrevido, incómodo, genialmente maleducado o visionario, en su frase «Tus días de baile se han acabado, nena», donde parece confirmar ese carácter enrarecido de una época que marcaba el principio de un fin. Con otra afirmación como: «Ellos tendrán las pistolas,

pero nosotros los ganamos en número» se pone de manifiesto sus grandes habilidades como líder de masas enfervorecidas, invitando a la revolución, a la insubordinación o a vivir al límite como si no hubiera un mañana. Quizás mejor que The Soft Parade, pero muy eclipsado por el resto de sus obras,

Waiting for the Sun es probablemente de los discos menos sorprendentes de The Doors, aunque cada nota que desprenda sea un segundo de historia viva. Un álbum que te hará sonreír, te hará llorar, pero que no logrará hacerte vibrar.

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REVOLUCIÓN Y REINVENCIÓN Coldplay – “Viva La Vida Or Death and All His Friends” (2008) [ Alex Bretto ]

Transcurría el año 2008 y los primeros comentarios de Chris Martín y sus compañeros de Coldplay acerca del futuro nuevo disco de la banda estaban apuntando a la idea de algo diferente, refiriéndose a su predecesor “X & Y” (2006) como el cierre de una trilogía (perfecta, por cierto). Pero... ¿experimentación? ¿reinvención? ¿revolución, como indica el cuadro de Delacroix en la portada? Había que ver que se traían entre manos estos muchachos, por entonces lookeados como mozos de restaurante de Palermo Hollywood. El hit anticipo “Violet Hill” se ofreció gratis durante una semana en la página oficial coldplay.com, y fue bajado en esa primera semana por 2 millones de usuarios. Se lanzó oficialmente el 9 de mayo. Si bien era un anticipo interesante ¿quién osaría comparar “Violet Hill” con primeros cortes de antaño como “In My Place” o “Speed Of Sound”? Sin perder las esperanzas, nos adentramos en la escucha de aquella nueva producción que salió bajo el título de “Viva La Vida Or Death And All His Friends” aquel 12 de junio. De movida se percibía una novedad: apertura con un tema instrumental, “Life In Technicolor” (aún no sabíamos que conoceríamos la versión cantada más tarde ese mismo año 2008). El segundo track es de los mejores temas del disco, “Cemeteries Of London”: un Coldplay clásico con ese touch más oscuro que lo habitual. Bellísima canción con letra inspirada en historias de fantasmas y musicalmente en el folklore español. El bajista Guy Berryman dijo a propósito: “When I imagine the song in my head, I see London in 1850”. Primer toque

con tintes ancestrales. Luego viene “Lost!” y la ambientación eclesiástica que caracteriza la placa ya va pisando firme: órgano, ritmo marcado con aplausos y un coqueteo con el góspel, con un dejo de música tribal. Otro canción sobre como mantenernos firmes frente a los obstáculos. “42” es un tema con un cambio de ritmo interesante hacia la mitad, que trata sobre la muerte (concepto sobre el que gira el álbum) con líneas como “Those who are dead are not dead / there just living inside my head” que es lo más cercano a un estribillo en esta canción. ¿Coldplay mostrando su lado progresivo? Sorprende también la introducción de elementos árabes o latinos en temas como “Yes” o “Strawberry Swing”, pero todo en su justa medida, y sin perder las ambientaciones que han caracterizado siempre a Coldplay y que mejor se reflejan en temas como “Lovers In Japan” o “Viva La Vida”. Si bien todo parece girar tras la fachada de un álbum de rock cristiano (“Reign of love by

the church we’re waiting / Reign of love on my knees go praying”), se tratan en las líricas temas como el amor, la guerra y la revolución. Pero es un recorrido interesante lleno de sorpresas y hidden tracks. Por ejemplo “Chinese Sleep Chant” al terminar “Yes”: puede ser normal que creamos estar escuchando un tema de Snow Patrol, pero todos sabemos con qué grupo se hizo famoso aquel sonido. Coproducido entre otros por Brian Eno, se aprecia de entrada una nueva identificación con U2, banda que tanto supo influir a Coldplay. ¿Y qué es lo que básicamente había cambiado? La ausencia de excesivos ganchos y la claridad para identificar los singles que revestía tanta obviedad en producciones anteriores. ¿Un disco menos comercial? No way! Cuando llega el megahit “Viva La Vida”, todo lo previamente descripto se conjuga en una rola perfecta que refleja todo lo que conceptualmente representa este álbum. Y que será de ahí en adelante uno de los temas que más identificará a Coldplay en todo el mundo. Primer #1 del grupo en ambos lados del

Atlántico y ganadora del Grammy a la Canción del Año. Su título se inspira en una pintura de Frida Khalo, y su letra habla de un rey que ha perdido su Reino, remitiéndonos nuevamente a la idea de revolución. Para cerrar esta obra de arte, excelente material: “Strawberry Swing”, una canción con influencias de afropop según el mismo Chris Martin, y la despedida con “Death And All His Friends” y su hidden track que culmina con el mismo loop del inicio de “Life In Technicolor”… la idea es hacer un álbum cíclico. En un disco tan experimental como político, Coldplay hace un llamado a la unión de todos sus fans alrededor del mundo. En lo personal “Viva La Vida or Death And All His Friends” fue un álbum que me llevó tiempo digerir y entender como conceptual. Pensaba que el disco era muy bueno, pero menos entrador a primera oída y habría que ver cómo maduraba con el tiempo. Diez años después estoy en condiciones de afirmar que es una de las 3 mejores producciones en la discografía de la banda.

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SEA OF SIN | Future Pulse Label: Self-Released Fecha de Lanzamiento: 20 de Abril de 2018

[ Por Franco Colombo ]

Una vuelta esperada. Desde hace unos meses este dúo alemán nos venía adelantando singles y un excelente EP llamado Twilight en el 2017. Ahora es el turno de Future Pulse de exquisitas 11 canciones a puro Synthpop y Electropop clásico. Desde el año 2000 Frank en voces y letras, y Klaus encargado de los sintetizadores y de la producción no nos traían noticias. Se trata de un álbum con re ediciones (rework) de anteriores tracks, llevándolos a un sonido más actual y con el agregado de una nueva canción llamada Star, la cual cuenta con su versión online "Stockholm Nights Remix" especial para la pista de baile. Si te gusta el tecno pop clásico y de calidad, este disco es un infaltable para tu biblioteca musical.

SEADRAKE | Isola

Label: Megahype Records Fecha de Lanzamiento: 27 de Abril de 2018

[ Por Franco Colombo ]

Desde hace un buen tiempo estábamos a la espera del álbum debut del trío SEADRAKE. Se hicieron esperar unos largos años luego de cambio de nombre del proyecto, singles y video clips; por fin un 27 de abril de 2018 está con nosotros Isola, con un arte gráfico frío y encantador de la mano del ex-And One, Chris Ruiz. Un deleite del buen Synthpop en sus 10 canciones, al mando de su mastermind "Mathias Thürk" ex-Minerve. El álbum comienza con el excelente What You Do To Me uno de los favoritos, Something Durable nos recuerda a Mesh, dando un respiro a la mitad del disco con Room 316 mostrando un lado más íntimo con sus guitarras acústicas. Ojo, no todo es máquinas en este disco. Se destacan los Singles On The Run, Daydream (mi preferido) y Lower Than This (Someday) con la voz de Frank Spinath de Seabound. Cabe remarcar un sonido peculiar sobre una gran camada de discos de estos últimos tiempos y de diferen-

tes artistas, donde ese oído y mano mágica tiene nombre, el productor Olaf Wollschläger. Ojalá no tengamos que esperar años para escuchar nuevo material de los Seadrake y nos traigan novedades pronto.

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PALM GHOSTS | Architecture

Label: Ice Queen Records Fecha de Lanzamiento: 08 de Junio de 2018

[ Por Diego Centurión ]

Si ponemos dentro de una licuadora un poco de Post-Punk, un poco de Dream Pop, un poco de Indie rock, otro tanto de Dark wave, otra medida de Synth Goth... mezclamos bien, agregamos un poco de hielo, obtendremos un trago fresco de Palm Ghosts. Lo cierto es que el nuevo álbum de la banda de Nashville es un compendio entre el pasado y el presente, sonidos que nos recuerdan por momentos a Brendan Perry de Desde Can Dance ("The Hound" o "The Crown and The Confidant"), en otros a Shout Out Louds ("Rhythm To Rage" o "Red Horizon"). Un álbum que es tan variado y complejo que termina siendo una gran cóctel para esos días en que estamos indecisos en qué música escuchar.

DAVE MATTHEWS BAND | ComeTomorrow Label: RCA Fecha de Lanzamiento: 08 de Junio de 2018

Una de las ventajas de ser verdaderamente capaz de tocar tus instrumentos es que las crisis compositivas, a menudo, asustan menos. En los más de cinco años desde que la Dave Matthews Band se pusiera de acuerdo para escribir y grabar un nuevo álbum (el último fue Away from the World, de 2012), que sus miembros hayan es-

[ Por Pablo Ravale ]

tado varias veces de gira por el mundo, que hayan publicado una colección de discos en vivo (al mejor estilo de sus héroes, los Greatful Dead) y también que se hayan tomado un tiempo de descanso mientras el líder de la banda realizaba shows acústicos de forma solista, el grupo juntó una cantidad y calidad suficiente de canciones como para volver al ruedo por la puerta grande. «Este álbum»–declaraba Matthews hace poco en el programa radial de Howard Stern–«es sobre el amor, la vida, Dios, la muerte y el sexo». Podés creerle cada palabra, pero Come Tomorrow es además el disco veraniego por excelencia, una colección de ritmos sólidos, compuestas por Dave pero amasadas y amasadas en grupo (Tim Reynolds en guitarra principal, Stefan Lessard en bajo, Carter Beauford en batería y coros, Jeff Coffin en saxo, Rashawn Ross en trompeta, y el recién incorporado Buddy Strong en teclados [supliendo el violín iluminado de Boyd Tinsley, quien fue separado del septeto a principios de año por

una acusación de abuso sexual]), hasta que los tempos y el feeling apropiado parecen flotar con mucha facilidad. Dave Matthews Band siempre ha trabajado sobre un principio de placer que ha hecho que todos los amantes de la buena música los amen; la aventura y la pericia instrumental del jazz enmarcadas de manera que el rockero promedio pueda entenderlas, presentadas por unos tipos modestos con los cuales no es necesario estar borracho para escucharlos. En la década pasada, se aferraron a esa onda, incluso mientras simplificaban su sonido y pasaban silenciosamente de ser un grupo de culto entre universitarios hasta convertirse en la mayor banda de Estados Unidos. Mientras que el pulido Everyday hizo de DMB una aplanadora en los listados, Stand Up, Big Whiskey & the Groo Groux King (un homenaje al fallecido saxofonista original del grupo, el talentoso LeRoi Moore) y Away from the World los hicieron volver a su forma primigenia (la de jam band), navegando otra vez entre la magia de la fusión (rock, jazz, folk, funk, soul) y la eficiencia de la sobriedad. Bajo las órdenes, ahora, del productor veterano John Alagia (Herbie Hancock, Paul Simon, Ben Folds), el líder y cantautor se reunió por separado

con cada miembro de la banda y grabó ideas instrumentales a partir de las cuales se construyeron las catorce canciones de Come Tomorrow. El resultado es un disco cuyo comportamiento descomplicado esconde una montaña de overdubs y arreglos hábilmente encarados. Quizá no haya suficientes solos de saxofón y violín (Tinsley interviene sólo en un tema) para satisfacer a los viejos seguidores, pero hay grandes cantidades de riff-rock arrollador (“She”), explosiones de color (“Samurai Cop (Oh Joy Begin)”, “Do You Remember”), melodías que derriten (“Idea of You”, “Black and Blue Bird”)", y grooves contagiosos (“Can't Stop”) para llenar ese vacío. Y, mejor aún, la batería de Carter Beauford suena más fresca que nunca. En cortes prominentes, como la jocosa “The Girlis You”, y la pensativa “Again and Again”, donde los timbres de voz (cruza de divertida extroversión con cálida sensibilidad) aparecen bien cohecionados, actuando como hilo conductor de todo el viaje. Come Tomorrow de DMB es, en definitiva, la demostración más cabal de que el singular ritmo del septeto es más autónomo que nunca y que este alegre tipo (su cantante y compositor) simplemente se contenta con dejar que las canciones vengan como sea.

JOHNNY MARR | Call The Comet Label: Warner Bros. Records Fecha de Lanzamiento: 15 de Junio de 2018 [ Por Benjamín York ]

A diferencia de Morrissey, Johnny le ha costado su tiempo decidirse salir y dar la cara en un registro discográfico bajo su nombre, si recuerdan lo tuvimos escondido en Electronic, junto a Bernard Sumner, y luego lo encontramos bajo Johnny Marr and The Healers. Pero recién en el 2013 ha decidido hacerse cargo de su historial y salir bajo su responsabilidad como Johnny Marr. "The Messenger" (2012) fue su debut y luego "Playland" (2014). Pero no terminaba de definir su mejor álbum. Su tercer álbum "Call The Comet" es el mejor álbum de Johnny post-The Smiths, de esto no cabe duda y hasta pelea por un podio entre los mejores diez álbumes del año, aunque su

lugar entre ellos se lo ha ganado, recién vamos por la mitad del año y sería apresurado definir esos puestos. De todas formas esto se trata de música y no de una competencia. Qué encontramos en este álbum, simplemente al Marr que conocemos y que paga esa deuda que tenía en su carrera solista, de hacer un álbum a la altura de su, si quiere, leyenda. Johnny coquetea con el rock como el sonido Smiths ("Hi Hello" o "Day in Day Out"),

pero hay gemas como "Walkin to The Sea" o "The Tracers", aunque todas las canciones tienen una impronta favorable y que necesita un espacio en esta reseña, el repaso y las conclusiones se las dejamos a ustedes, porque cada álbum es especial según el momento que uno lo escuché. Pero pensando en mi opinión estamos ante uno de los mejores álbumes del año y, sin lugar a dudas, el mejor de Johnny Marr.

WILKO JOHNSON | Blow Your Mind Label: Chess Records Fecha de Lanzamiento: 15 de Junio de 2018

Si bien el regreso del Gran Wilko se produjo por medio de una colaboración con Roger Daltrey ‎y el gran álbum “Going Back Home”. Sin dudas este es el regreso al estudio a grabar nuevas canciones a casi treinta años de su último álbum de canciones propias, “Barbed Wire Blues” (1988). Para esta ocasión se rodea de viejos amigos como su inseparable

[ Por Diego Centurión ]

compañero de ruta Norman Watt-Roy y el baterista Dylan Howe, quien ha apoyado a Wilko desde hace un tiempo. Hablar de la guitarra que deslumbró al punk cuando estaba en la mejor época de Dr. Feelgood, es hablar de una leyenda que nada lo detiene, y su andar es tan seguro que define su Rhythm & Blues y Pub Rock de una manera que pocos pueden hacerlo. Él había dicho que “éste es el álbum que pensé que nunca grabaría”… El cáncer terminal pasó… el anuncio de que no le quedaba mucho de vida… esos conciertos que sonaban a despedida… Un álbum que sirve de muestra lo que fue su carrera, porque acá se encuentran todo su historial en canciones nuevas. Wilko está de vuelta y en este álbum demuestra lo mejor que sabe hacer, grandes canciones con un ritmo enérgico y atemporal. Aquellos que quieran saber de qué se alimentó el punk inglés de los 70’s, acá tienen a un fiel exponente que tiene mucho para regalarnos aún. ¡Gracias a Dios que existe Wilko Johnson!

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A VEIL OF WATER | Late Night Loneliness Label: Hidden Vibes Fecha de Lanzamiento: 18 de Junio de 2018 [ Por Benjamín York ]

A Veil Of Water es un proyecto que llega de Noruega y tiene como único miembro a RuneTrelvik. Su música es un remanso para este trajín alocado de las grandes ciudades. El instrumento principal del álbum es un pia-

no melancólico que dibuja nubes en nuestros oídos de manera calma y tranquila. No hay sobresaltos, las diez canciones de este segundo trabajo de este artista se van sucediendo mientras nosotros nos hundimos lenta y plácidamente en donde hayamos escogido sentarnos. Un mantra que nos amansará entre sonidos tímidos e intimistas. Como describe en su bandcamp: “Autodidacta en piano, batería, guitarra y bajo, Rune Trelvik se ha inspirado en una amplia gama de estilos musicales que utilizan esencias en lugar de influencias directas de las bandas y géneros que aprecia. “A Veil of Water” trata de capturar sensaciones fugaces, destellos momentáneos y sentimientos de nostalgia, produciendo una representación musical de su mundo interno”. Y después de escuchar su primer trabajo Reminder (2013), “A Veil of Water” reafirma lo prometedor de ese debut. Una gema para sentarse a escuchar sin pensar.

THE ORB | No Sounds Are Out Of Bounds Label: Coockin Vinyls Fecha de Lanzamiento: 22 de Junio de 2018 [ Por Gabo Rojo ]

El flamante nuevo álbum del colectivo liderado por Alex Paterson hace honor a su nombre. Ningún sonido está fuera de los límites: ni el electro vocal devenido en raggae de la apertura “The End of the End”, ni el trastornado pop árabe-británico de “Rush Hill Road”, ni el Hip-Hop sublimado de “Isle of Horns”. Pero toda esta travesía de géneros no es más que un preludio para lo que todos realmente queremos en un disco de The Orb: el Ambient. ¡Oh, y qué Ambient! La impactante tríada que cierra al disco, con la deliciosa melodía de “Easy on the Onions”, la etérea melancolía de “Ununited States” y la épica culminación de 15 minutos de “Soul

Planet”, es el broche de oro para un álbum que en su totalidad conforma un viaje sonoro de proporciones floydianas. De hecho, el mismo bajista de David Gilmour, Guy Pratt, es uno de los tantos colaboradores de lujo que Paterson ha sabido convocar bajo el manto

de la Orbe, y que incluyen también a Roger (“Reverend”) Eno, el bajista Jah Wobble, el fiel minimalista Thomas Fehlmann y el mítico Martin “Youth” Glover. En definitiva, un lanzamiento tan abarcador y fino que es imposible no recomendárselo a todo el mundo.

UK SUBS | Subversions Label: Cleopatra Records Fecha de Lanzamiento: 22 de Junio de 2018 [ Por Diego Centurión ]

más antiguos integrantes. Ellos han lanzado un álbum de versiones de las canciones que aman, muchas de ellas de sus pares de ruta como "Boston Babies" de Slaughter And TheDogs (1978), "Tired Of Waking Up Tired" de TheDiodes (1979), "ThisPerfect Day" de TheSaints (1978) o "Bomber" de Motrohead (1979). Pero también se dan el gusto de versionar a "KickOutTheJams" de MC5 (1969) o "FeelGood Hit Of TheSummer" de Queen of The Stone Age (2009), entre otros, sin que falten los Stoogeso Jonathan Richman. Mientras esperamos ellanzamieto de dos Box Setscon toda su discografía llamado “U.K. SUBS A-Z”, en donde repasan todos sus discos, que dicho sea de paso, ellos han A esta altura son unos de los sobrevivientes mantenido la idea de editar cada álbum con la de la mejor época del punk originario de la inicial de una letra del abecedario (que habían década de los 70’s. Aunque como suele comenzado con su debut “AnotherKind Of suceder en estas formaciones sus integrantes Blues” (1979) y que han llegado a la “Z” recién originales son pocos, en este caso su en el 2016 con “Ziezo”. cantante Charlie Harper y AlvinGibbs (si bien Nos regalan este explosivo y enérgico ha ingresado en 1980 y ha ido y venido de álbum de “Subversiones”. la banda) se lo puede considerar uno de sus A subir el volumen y sentirse joven de nuevo.

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A SHORELINE DREAM | Waitout (EP) Label: Latenight Weeknight Records Fecha de Lanzamiento: 06 de Julio de 2018 [ Por Benjamín York ]

Nuevamente nos encontramos con un nuevo trabajo de A Shoreline Dream, que tan bien me hace escucharlo. Este nuevo EP tie-

ne la particularidad de que repartían al baterista original de la banda Gabriel Ratliff, lo cual, junto a Ryan Policky y Erik Jeffries conforman un trío en donde las espiraladas oleadas descienden y ascienden como un surfer perdido entre los mantos de agua salada. Las canciones aparecen surfeando la cálida corriente marina, en donde las guitarras crean climas fantásticos y cargados de reverberancia y una ambientación encantadora. Pero la energía de sus guitarras se potencias por el sólido peso del bajo y los ritmos de la batería. El EP trae dos nuevas canciones, "Waitout" y "In the Ready Sound", y se completa con remasters de las canciones "New York", "Barnum" y "Projections", una de las primeras canciones que escribieron juntos en 2005. En la sección "Entrepisos Radio" pueden leer una pequeña entrevista que le hemos hecho a Ryan y que nos habla de este EP.

KLAMMER | You Have Been Processed Label: Under Dogz Records Fecha de Lanzamiento: 10 de Agosto de 2018 [ Por Diego Centurión ]

La banda de Leeds anunció el lanzamiento de su segundo álbum y tuvimos la posibilidad de anticiparnos y escucharlo antes de su salida. El cuarteto formado por Poss, Steve Whitfield, Bruno Almeida y Mike Addy tiene un debut que se lanzará el próximo 10 de agosto. Klammer fue creado en 2014 por el productor británico Steve Whitfield (The Cure, The Mission, Terrorvision, Jane Weaver). Klammer ofrece una mirada atractiva del post-punk, mezclando elementos del rock gótico y el Dark Wave, todo esto cubierto con un excelente dark pop. Doce tracks que no hace otra cosa que abrir una puerta a un mundo oscuro, oculto… pero encantador.

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