Revista The 13th N° 48 by Revista The 13th

AÑO: 5 | NÚMERO 48

THE 13th UN A R E V IS TA IM A GINA RIA

STAFF Septiembre 2018 ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO DIRECCIÓN GENERAL [ Departamento de Música ]

Diego Centurión

Alex Bretto

[ Departamento de Literatura ]

REALIZACIÓN Y DISEÑO

Benjamín York

Pablo Ravale

Diego Centurión.

Darío Martinez

Franco Doglioli

Diego Centurión TRADUCCIÓN

Gabo Rojo

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Müllner

Maxx Wild

Diego Centurión,

Pablo Müllner

ARMS.

PORTADA

Franco Colombo

Pablo "Mambo" Rivas

ARMS

Rubén Torres [ Fotografía ]

Jefe de Departamento de Colombia: César León Jefe de Departamento de Literatura:

[ Departamento de Colombia ]

Nazarena Talice

Alejandro Cenizacromada

Lily Moonster

Bernardo Jiménez Mesa

Fabián Resakka

César León

Pablo Ravale. Jefe de Departamento de Música:

Natalia Storm

Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Laura Palomino.

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Pronto Novedades...

ÍNDICE

DE/VISION CITY BEATS

OSCAR BRAHIM

PALM GHOSTS

M.I.N.E UNEXPECTED TRUTH WITHIN

TRÓPICO DE CÁNCER

MUSIC CORNER

50 LISA GERRARD & DAVID

THE RAFT

THE DEATH NOTES

ROBINSON

KUCKHERMMAN – HIRAETH

DANZIG

GENTE CONVERSANDO

DANZIG

LOS NUEVOS ÍDOLOS DE LA JUVENTUD

HIDDEN SOULS AND ONE

HIDDEN TRACK

KLAMMER

MAGIA MARVEL

JON SPENCER

NETLABELS

SPENCER SINGS THE HITS

EL CAMINO DESNUDO

THE SWAGGER

ENTREPISOS

DJAKARTA

HEART N' SOUL

RADIO

106 TRÃ&#x201C;PICA OBSCURA

118 BLUME -ASHES

[ ReseÃ±a de "De/Vision - City Beats" por Franco Colombo. ]

DE/VISION CITY BEATS

De/Vision - City Beats Label: Popgefahr Records Fecha de lanzamiento: 22 de Junio de 2018

El dúo integrado por Steffen Keth y Thomas Adam ha dado que hablar con su nuevo material, y esta vez ha recibido distintos tipos de críticas. Un disco de 10 canciones cercano a lo conceptual, alejándose de las melodías catchy como en sus comienzos allá por los gloriosos años 90s como: Unversed In Love (1995), Fairyland? (1996) o Monosex (1998). "City Beats" se destaca no por su intención hitera o de pista de baile, sino por su profundidad lírica dando especial lugar a la escucha, esa sensación de intimidad e introversión de cuarto en penumbras. Da comienzo In The Sill Of The Night, con un beat a lo De/Vision, bellas melodías en sentido alegre rozando la melancolía, marca registrada de los alemanes. Joys Of Paradise se acerca a raíces industriales, lejanas a un industrial rock Nine Inch Nails o primitivo de Einsturzende Neubauten, pero sí más cercano al Some Great Rewards de Depeche Mode. Seguida de la balada Dystopia cargada de muchísimo sentimiento sintetizado. El primer corte They Won't Silence Us, es el track número cuatro, acompañado de su video clip nos muestra un sonido impecable, maduro como nos han brindado en su álbum antecesor: 13. Not In My Nature y A Pawn In The Game, mis favoritas sin lugar a dudas, synthpop elegante las cuales dan lugar al momento más pseudo rock con The Brightest Star y A Storm is Rising, algo cercano a la banda Seadrake la cuál realizamos el review en el número anterior de Revista The 13th. Para despedirse, su último track llamado Last Goodbye, lo tomamos como un hasta pronto, ya que esperamos con ansiedad futuros trabajos de la calidad a la que ya nos tienen acostumbrados. Ellos se han ganado su merecido lugar en la escena del synthpop mundial, lo cual los acredita a regalarnos material para digerir y saber disfrutar tal buen vino añejo.

A MÍ ME GUSTA JUGAR CON EL INCÓGNITO

[ Entrevista a Oscar Brahim por Pablo Ravale ]

Entrevistar a Oscar fue, para mí, un acto masturbatorio del ego. No era por curiosidad, o por sentido periodístico, ni mucho menos noticioso. Sólo la satisfacción personal del “lo hice, logré retener algo del alma del artista”. Entrevistar a Oscar fue, de alguna forma, como jugar al torero. Enfrentar a un animal fuerte e indomable, mucho más impredecible que el paso del tiempo y, atentos a esto, un toro acostumbrado ser él quien sostiene la capa. Sin embargo, corría con una ventaja: había una complicidad previa, una brisa de entendimiento y empatía que a ambos nos hizo guiñarnos el ojo del corazón meses atrás, en un encuentro ocasional. Comprendiendo como venía la mano, ¿cómo referirme a él –aquel misterioso hoy ex taxista que dejaba sus mensajes poéticos y hilarantes en puentes y carteles de la ciudad, cuya obra y vida fueron plasmadas en el excelente documental de Sergio Morkin que lleva su nombre– sin hacer más que evidente mi cariño a su persona y mi admiración a su trabajo? Oscar es un todo y para todos... ya que sigue activo y dejando sus frases en rincones ocultos de la ciudad, para quienes los sepan encontrar. Cambió los baldes de pintura y el engrudo en el baúl, por vasos de plástico con los que se inventó una nueva forma de comunicación. La técnica es simple: vasos de plástico blancos que encajados entre los rombos de los alambrado (como, por ejemplo, en el recorrido de las vías del tren San Martín en los límites de Paternal y Villa Crespo) recrean letras que forman frases. Concretamos una cita en un bar de los de antes, en Devoto, con mesas de billar y cafés y una porción de torta de ricota (la cual compartimos casi batiéndonos a duelo cada uno con su respectiva cuchara), y tan sólo nos dedicamos a charlar, jugando a que nos habíamos olvidado de que el grabador de sonido de mi celular registraba todo. De dos horas y pico de conversación, lo que quedó en limpio fue la siguiente nota. Acomódense y disfruten.

Hay puse a grabar y que salga lo que Sí. salga… Entonces se empieza a generar todo un Y sí. foro en torno a uno. Es divertido, pero bueno hay gente que está… A ver, con Me daba risa recién, cuando antes de los que son amigos, con los conocidos, llegar, por teléfono, me dijiste “¿Me me refiero… Bah, yo no conozco a mucha vas a reportear?”. gente personalmente del Facebook. Pasa No, no te dije eso. que me agregan, me mandan solicitudes por la película. ¿Y qué me dijiste? Si me ibas a reconocer. (Risas) A lo mejor si los conocieras, no quisieras conocerlos. Bueno, vos sos vos. No, el problema es siempre uno. No el En realidad yo siempre juego a eso… Por otro. El otro, justamente, cuando vos lo ejemplo ayer, en mi Facebook, viste que ves, lo que sentís, nada que ver… porsubí esa frase “Nadie tiene la culpa”. que nada que ver. En cuanto sumaste una

percepción tuya, fuiste. Entonces, cuando yo tiro esa frase, la gente la carga de otras cosas. De hecho, con Felipe, que es un gran amigo, fuimos a dar un taller en Rosario que se llamaba “Guerrilla de la Comunicación”, él daba los módulos, todo lo que es el diseño, cómo es el tema de la comunicación de guerrillas, y yo fui a aportar lo mío desde mi experiencia en la calle. Y para mucha gente que estaba ahí y que vio la película, como el director del Instituto donde dimos el taller, yo era… bueno, no sé…

(Risas) Podría ser un “cóbrese”. Cóbrese, claro. Es decir, hasta ese momento eran siempre manos. Manos parando el bondi, manos pagando… Y es genial eso del lenguaje no interviniendo. Bueno, nos manejamos muchas veces así. Pero cuando pasa es más por un tema de empatía, calculo, de la misma frecuencia en la que estés con el otro… Cuando vibramos parecido, como dicen ahora… Pero en verdad es afinidad, es un ida y vuelta, es algo misterioso pero a la vez es lindo.

Eras un rockstar. Sí, sí, algo por el estilo… (Risas) A veces me cuesta reconocerlo, pero la verdad es que estoy en cierto lugar de privilegio O sea, de reconocimiento. Un reconocimiento que a lo mejor no pasa por la frivolidad, sino porque la gente sabe apreciar mi arte. Es un lugar muy narcisista, pero lo tengo que manejar. Por eso manejo un perfil bajo. Entonces evito caer en mi propia trampa de creérmela; porque tuve dos etapas: mi desarrollo en la calle, de la calle como un escenario, donde poder dejar plasmado mi curiosidad… mis inquietudes con respecto a lo visual… y después lo otro, la película y todo eso… Pero a lo mejor, lo segundo, pienso ahora, sea una asignatura pendiente.

Desde ya. Así y todo, aún cuando noto cierto fastidio en otro, me abro a esa persona. Incluso cuando una parte mía me dice “Mirá cómo te está mirando”. Pero eso es el ego, es ese sistema de conflicto de la mente que siempre está buscando algo. Te engañás, esa vocesita en tu cabeza te engaña.

¿En qué sentido? Y, mirá, en los 80 yo hacía cómics.

Ahora que te escucho pienso que viste que cuando le preguntás a alguien quién es, siempre te responde en función de las cosas que hace o los roles que asume. Tal cual. Ayer, justamente, una chica que me escribió al Facebook me puso en el mensaje “Hola Oscar, soy periodista… soy directora de… soy, soy, soy, soy… quería saber si las últimas frases que aparecieron en el puente tal son tuyas”. Y yo le respondí de esta manera: “Hola, ¿vos sos periodista o trabajás de periodista? ¿Vos sos directora de tal, o trabajás de directora?”. Y me respondió, obvio, cagándose de risa: “No, disculpame, yo trabajo de periodista”. Y le volví a contestar: “No, te pregunto, porque me quedó mucho el ‘soy, soy, soy, soy”. Y se quedó como trabada al momento de responderme por segunda vez.

¿Sí? No sabía. Sí, con una gente amiga hacíamos cómics… Yo me destacaba porque no tenían diálogo. Usaba la imagen. Quizás eran cinco viñetas que expresaban una situación. Por ahí era un colectivo, se veían las manos dando los boletos o el vuelto, y de repente dos manos colgadas del pasamos, pero el flaco estaba desnudo… con la cosa al aire… con una seño- Pero está muy bueno lo que le dijiste. ra mirando. Es que date cuenta como uno a veces

compra esos papeles; la tarjeta de pre- nota de algunas cosas que decís. sentación, ¿no? O sea, para qué tanto (Risas) preámbulo, tantas credenciales, si… si… Sabés qué, me sonaba hasta chapeada. No en serio. Para mí vos sos un gran poeta… de incógnito. En todo lo que Claro… El tema de la imagen que nos hacés, hay mucha poesía. hacemos de nosotros mismos. De hecho, a mí me gusta jugar con el inVolvemos a lo de la percepción. Ojo cógnito. Con eso del misterio. Me gusta que a mí me pasó eso también, eh… aparecer de sorpresa, el misterio… Mirá, Pero me pasó durante poco tiempo, te cuento una anécdota cortita… Cuando por suerte. Después comprendí que se estrena OSCAR, se estrena en un cine bueno… yo era otro, es decir, no era del Abasto, en los cines estos… ¿cómo eso… así como el otro es cómo es, y es que se llaman los cines éstos? que eso no tiene que ver muchas veces con lo que uno capta de ese otro. Y ¿Los Hoyts? está perfecto. Hay que reconocerse en ¡Los Hoyts, sí! No me salía el nombre… las diferencias. Y si podemos compar- Bueno, te decía, en los Hoyts del Abasto. tir, compartimos… Y si al otro le pasa Y después se estrenó en el Centro Cultural igual, perfecto, charlamos, comparti- Rojas. Y en el Malba. Y yo estaba en otra mos el café, estamos acá… Y si no va, etapa, estaba en la etapa de las frases; no va. Al fin al cabo, ¿por qué yo tengo ya me había alejado de lo que es trabaque venir a contarte lo que es la vida o jar con imágenes… y a su vez me pasaba mi visión del mundo? que ya estaba aburrido, la verdad, de ver OSCAR… Entonces iba al Malba, hablaMás vale. Voy a tener que empezar ba con el cuidador del lugar, y abría el te-

lón en plena función y miraba para adentro. Una noche voy y abro y veo que había cincuenta personas mirando el documental, por lo que le digo al cuidador ya vengo… y fui a buscar al auto, que tenía en el baúl, un montón de recortes de fotos con la cara de Saddam Hussein… Era la época en que lo habían agarrado, que estaba con la barba larga.

la gente estaba ahí como alborotada?”. Y me contesta “Sí, acabo de ver un documental que es sobre un colega tuyo… un loco bárbaro, no sabés…”. Cuestión que empieza a contarme la película, y yo la interrumpía y le decía “Qué raro, nunca vi nada de él en la calle”. Y ella me respondía “Depende, puede ser porque era otro el momento del país”, y qué sé yo y qué sé cuánto. El punto es que, bueno, llegaSí, me acuerdo. mos… Llegamos, prendo la luz, para que Entonces esas fotos, que eran una pila me pague, miró así, y le digo “¿Y ahí que así, se me ocurrió tirarlas en el piso del tiene en la mano?”. “No, es un Saddam hall del Malba, para que cuando la gen- Hussein”, me contesta y de golpe me mira te saliera se las encontrara. y se queda así la tipa… y se agarra la cabeza y empieza, te juro, a llorisquear. (Risas) Bueno, las dejo. Y desde donde están las (Risas) Se emocionó. escalinatas del Malba, en el taxi, yo podía Sí, le dio como una cosa nerviosa, no sé ver todo. Entonces veo que la gente sale qué le agarró. “¡No me podés hacer esto! de la función, y todos agarran su Saddam; ¡No me podés hacer esto!”, me balbuceó. algunos hacían grupitos de dos o tres y “Perdón, ¿cómo?”, le contesto. “No, mi se ponían hablar en la puerta. Hasta que hija… Ella es diseñadora gráfica, y estuvino una mujer y me dice “¿Está libre?”, dia en la FADU, fue a ver la película tuya y le digo que sí. Y claro, de noche, yo y me dijo que la venga a ver… Y salgo pelo corto y afeitado, en la película vis- de ahí con la cabeza partida. ¿Qué es te que estaba con bigote y la melena lar- de tu vida?”, me siguió diciendo. “Nada. ga, entonces agarra y me dice “Vamos a Acá”, le contesté. “Pero cómo me hacés Belgrano”. Y yo le digo “¿Qué pasó, que esto... Me dejaste hablando durante todo

el viaje”. Pero debe estar bueno poder observarte desde afuera. Claro, y yo por eso siempre soy así. No me gusta hablar de mí. Con esta pasajera, lo que estaba esperando oír era de lo que ella había visto. Y hasta me pidió de bajar y tomar un café en su casa. Me contó que era psiquiatra y que estaba por armar un evento que se llamaba ‘Amor al Humor’, o algo por el estilo; que ya habían invitado a algunos artistas y que quería que yo estuviese también, que era en el Palais de Glace… y hasta me dio una tarjeta para que vaya con no sé quién… A lo que voy, o sea, es que yo siempre generé eso.

en relación al documental, sabés que jamás tocaba el tema de la película. O sea, hablaba de otra cosa. Hablaba de que un tipo me dijo tal cosa en el auto y que me quedé pensando. Una vez, uno, en una de esas charlas, me dijo “Perdón, ¿pero qué te inspiró hacer todas esas cosas que hiciste?”.

(Risas) La vida. Y qué sé yo, loco... De hecho, le contesté que era una buena pregunta, y que hasta le podría decir qué, pero que no hacía justicia lo que yo diga… porque el momento, la adrenalina, la experiencia, fue algo único, y lo que se vio ahí fue nada más que una anécdota. Que el mundo de Oscar en ese entonces era un universo surrealista, si se le puede llamar de alguna forma, y Sí. Yo creo que vos tenés, algo que está que no tenía fin… y tampoco tuvo comienfaltando hace mucho tiempo, y que se zo. Eso, esa película, fue como una insllama palabra transformadora. tantánea. Nada más. ¿Cómo? Bueno. Estamos, creo. Corto la Claro. Esto que va más allá de la pa- grabación. labra escrita, o de que aparezcas ha- Ok. blando ante una determinada cantidad de personas, un público… Me refiero Gracias, Oscar. al mensaje. No, por favor. A vos… Bueno, cuando he ido a dar alguna charla

[ Entrevista a Joseph Lekkas de Palm Ghosts por Benjamín York. Fotografías: Kaedi Maney ]

UN POPURRI ECLECTICO DE MIS INTERESES MUSICALES

El 1° de junio pasado se ha editado el tercer y nuevo álbum de la banda italiana “In Her Eye”. Nacido como trío en el 2011 y que para este trabajo se transforman en cuarteto. Con un shoegaze impecable, pulcro y bello, la banda ha respondido a nuestras preguntas, estableciendo un puente que nos regresa al Italogaze que suma otro gran álbum a su historia.

He leído que en cierta forma la música fue una salvación para ti. Este proyecto nació en 2013. ¿Cómo fue el momento en que decidiste crear Palm Ghosts y en qué circunstancias lo has hecho? Me había tomado algunos años sabáticos de crear y tocar música para trabajar como promotor de festivales y cazador de talentos en Filadelfia. Esa carrera tomó más de 60 horas a la semana durante bastante tiempo y cuando llegué a un final abrupto y desafortunado, me quedé con un vacío en mi vida que rápidamente se llenó de depresión clínica, trastorno de pánico y agorafobia. Después de un tiempo con asesoramiento comencé a idear nuevas ideas musicales y aprendí a usar herramientas profesionales. Tocando la mayoría de los instrumentos, escribí y grabé el primer disco de Palm Ghosts, y ese proceso me ayudó muchísimo con mis problemas mentales.

barrio urbano muy difícil de Filadelfia durante varios años. Era muy ruidoso y sucio. Había borrachos gritando afuera de mi ventana a las 4 a.m. y drogadictos asintiendo en mi primer escalón. Encontrábamos agujas hipodérmicas en el macetero frente a nuestra casa. Realmente amo a Filadelfia, y gran parte de la ciudad es muy diferente de lo que era, pero había hecho todo lo que quería creativa y profesionalmente allí y ansiaba un entorno muy diferente. Nashville es muy amigable y limpio, una ciudad muy suburbana, verde y bonita. Toneladas de música por todos lados y ¡sin nieve! Entonces, realmente lo estoy disfrutando.

¿Por qué el nombre de Palm Ghosts? Vino de la idea de que la oscuridad se puede encontrar a plena luz del día. Los fantasmas pueden vagar entre los que viven en las costas soleadas de las ciudades turísticas, tanto como se los puede encontrar en espacios oscuros y abandonados. Siempre he estado fascinado con el concepto de dualidad.

Para aquellos que no conocen la banda, ¿cómo la presentarían? Palm Ghosts es un popurrí ecléctico de mis intereses musicales. Soy un fanático enfermo de la música y casi, como comer y respirar, de muchos estilos de música y creo que se nota en Palm Ghosts. El primer disco fue indie folk, el segundo disco fue influenciado por power pop, música electrónica e indie rock y “Arquitecture” es fruto de mi obsesión por la música alternativa de los 80. Creo que el vínculo que une a todos los discos es la letra introspectiva y un enfoque cinemático de la producción y la composición.

¿Cómo fue el cambio de Filadelfia a Nashville? Fue un cambio muy necesario y bienvenido. Viví en lo que alguna vez fue un

Acaba de lanzar el tercer álbum de Palm Ghosts. ¿Qué diferencia encuentras en este nuevo álbum con respecto a los dos anteriores?

Soy un niño de los 80, crecí escuchando bandas como Duran Duran, New Order, Depeche Mode, The Smiths y The Cure. Ese tipo de música es lo que he escuchado de forma más consistente a lo largo de mi vida y quería hacer un disco que pareciera hecho en ese período de tiempo, una celebración de esas bandas creativas y coloridas. Quería estudiar la "arquitectura" de lo que hizo que esa década fuera tan grandiosa y esos discos tan asombrosos. Hay un poco de nostalgia allí, pero quería que el disco suene moderno también. Si no entendí mal, este es un proyecto que nació como muy personal. ¿Cómo está la alineación actual de la banda? La alineación actual de la banda consiste en Benjamin Douglas en guitarras y teclados, Jason Springman en guitarra y voz, Erica Whitney Wilkes en voces y teclados y Rene Lambert en la batería. He trabajado con Benjamin desde que me mudé a Nashville, grabé su increíble disco debut y coescribímos canciones juntos. Cuando decidí que quería volver a tocar música en vivo, fue el primero a bordo. Rene escuchó las primeras grabaciones a través de

amigos comunes y quería tocar la batería y le sugirió a su compañera de trabajo Erica como una buena candidata para las funciones vocales. Jason acababa de mudarse aquí desde Arkansas y respondió un anuncio para guitarrista. Hasta ahora, trabajar juntos ha sido genial. Son personas increíbles y les encanta tocar música por encima de todo. ¡Eso es todo lo que necesitas! ¿Nos puedes contar cómo creas tus canciones, tienes un patrón de trabajo? Solía crear canciones escribiéndolas en una guitarra acústica y zapándolas con una banda, pero eso ha cambiado con la grabación de “Arquitecture”. Escribo estrictamente en el estudio ahora. Comenzaré con batería y bajo y construiré primero a partir del ritmo. Una vez que tengo una pista de ritmo que me gusta y los cambios esbozados en el bajo, agrego guitarras y teclados y finalmente la voz. Enviaré la canción a los demás miembros y ellos agregarán sus partes e ideas y luego Erica cantará sus voces. Pasaré los próximos días o semanas escuchando, quitando cosas, remezclando, escuchando en varios estéreos y auriculares antes

de que la canción termine. Dices que “Arquitecture”, en cierta forma, es un trabajo pensado como una intención. ¿Puedes explicarnos un poco este concepto en relación a los dos anteriores trabajos? Creo que “Architecture” es más un trabajo de intención porque comencé a tratar de crear un registro cohesivo con ideas de canciones y producción enraizadas en una estética específica. Quería que sonara como un lanzamiento del joven 4AD o de Factory Records. Quería que el registro contenga ciertos sentimientos y emociones que absorbo de esos registros. El

primer disco de Palm Ghosts fue básicamente escribir sobre mi enfermedad mental y aprender a grabar, el segundo fue una colección de canciones que escribí y grabé durante un período de dos años que realmente no tienen ninguna relación entre ellas, además de que fueron escritas y grabadas atentamente, Nunca quise tocarlos en vivo y honestamente, por mucho que los ame a muchas, los lancé juntos para sacarlos de mi disco duro y salir al mundo. “Architecture” comenzó como un grupo de canciones que estaban destinadas a estar juntas y que se tocaban para una audiencia.

¿Puedes realizar un track by track del álbum?

Love In Winter “Love in Winter” es una canción pop inflamable sobre la disolución de una relación y todo el desamor que la acompaña. The Hound "The hound" es una canción sobre la depresión y sobre lo difícil que es sacudirla. Cortisol "Cortisol" es la hormona del estrés. La canción trata sobre mis ataques de ansiedad y agorafobia que me dejaron incapacitado.

donde finalmente se puede ver tanto lo bueno como lo malo en la persona. Rhythm To Rage “Rhythm to Rage” es otra canción sobre el estado actual de los asuntos políticos tanto aquí como en el extranjero. Se trata del aumento de la protesta política aquí en los EE. UU. Y de la guerra cultural que se libra a diario. A Lover’s Quarrel Esta canción tiene el mismo título, una discusión entre dos amantes. Este fue uno de los más rápidos para escribir y grabar, probablemente tomó uno o dos días en total para resolverlo. Este es probablemente el sonido más moderno de las canciones en el disco y tiene un poco de humor.

The Crown and The Confidant “The Crown and The Confidant” es una canción que reflexiona sobre la desesperanza en un mundo que parece haberse vuelto completamente loco. Parece que no importa cómo uno trata de escapar, los elementos oscuros están trabajando y tienen demasiado Red Horizon control de nuestras vidas. Los gritos de “Red Horizon” se trata de un soldado que civilidad caen en oídos sordos y la prueba regresa de un conflicto que sufre de trastorno científica se ríe como ficción. Estamos en el de estrés postraumático y qué podría pasar momento tecnológicamente más avanzado en su cabeza. de nuestra historia y algunos optan por creer que la tierra es plana y que el cambio climático Swan Dives es una mentira. “Swan Dives” es una canción sobre el suicidio en respuesta al final de una relación. Who Knew Me Better Than You? Personalmente he perdido a personas en mi Esta canción fue la primera del grupo que se vida por su propia mano porque no podían escribió y estableció el tono del disco como ver el otro lado de la angustia y es algo tan un todo. Es otra canción sobre el final de una horrible. relación, parcialmente vista en retrospectiva,

¿Qué planes tienes para la banda para este 2018? Planeamos tocar todos los shows que podamos en los estados que nuestros horarios permitan y nos encantaría viajar al exterior eventualmente. Por lo tanto, cualquier promotor por ahí quiere tenernos, ¡comuníquese! ¡Nos encantaría ir a tocar para vos! Para terminar y agradeciéndote la oportunidad de realizar esta entrevista. ¿Hay algo que quieras decirle a los lectores que yo no te haya preguntado? ¡Gracias por escuchar nuestro registro y esperamos verte en tu ciudad! ¡Gracias Joseph!

[ M.I.N.E - Unexpected Truth Within por Franco Colombo. ]

M.I.N.E UNEXPECTED TRUTH WITHIN

M.I.N.E - Unexpected Truth Within Label: OBLIVION Fecha de lanzamiento: 25 de Mayo de 2018 M.I.N.E es el nuevo proyecto de Marcus Meyn (el nombre de la banda se debe a la correcta pronunciación de su apellido), conocido por ser un excelente voz y frontman de la banda synthpop alemana Camouflage, nos entregan "Unexpected Truth Within", uno de los mejores discos de este año 2018. Este álbum consta de 12 canciones las cuales tienen todo lo que aquel fanático del buen technopop clásico necesita, lleno de hermosas melodías pop y sintetizadores. The One da comienzo transformándose en un nuevo clásico digno de la envidia de bandas consagradas como Depeche Mode o U2. Same but different nos da un dejo introspectivo para dar lugar a la pista de baile de Meormy, la versión en vivo no deja a una sola persona sin saltar y bailar. Lean On, Wonder y Reach Out nos dan ese dejo más "rock" alejándose del centro de atención de los sintetizadores, pero esto no durará mucho tiempo ya que Things We've Done y Dangerous se suman a la lista de nuevos éxitos synthpop junto a White Trash, todos adelantos con los cuales ya se habían mostrado en el 2017. Jochen Schmalbach en batería y Volker Hinkel en guitarra complementan a Marcus de la mejor manera tal cual lo vienen haciendo durante estos últimos años junto a Camouflage. Podrán variar las etiquetas, pero este disco podría haber sido la continuación de Greyscale de Camouflage sin ningún tipo de problemas. Altamente recomendado y candidato a llevarse los laureles este 2018.

Sabemos Lo Que No Queremos Hacer [ Entrevista con Trópico de Cáncer por Darío Martinez. ]

El Azar no suele ser algo en lo que se pueda construir una base sólida y una metodología de trabajo, casi siempre se suele pensar y planear cada paso. Éste no es el caso del dúo Trópico de Cáncer, formado por Fer Cenzabella y Carolina Forcinitti, quienes además de nacer del azar viven de los deseos y los caprichos del momento. Fuertemente influenciados por la estética visual, suelen hacer hincapié en la mirada más que en lo auditivo, claro el dato fundamental para esta virtud es que ambos son fotógrafos y amantes del cine, con lo cual hablaremos mucho de lo visual sin dejar de lado lo musical.Si bien ellos escapan de las etiquetas que se le suelen imponer, se sienten fuera del post punk, al cual siempre se los haya conectados, lo que si nos dejan en claro que su mejor definición es saber lo que no quieren hacer.

En el corazón del barrio del Abasto, en el Montacargas Estudio, donde nace mucho del material que para Entrepisos Radio, el espacio y la web hermana de la Revista, me encuentro con el dúo Trópico de Cáncer, con quiénes nos sentamos para conocerlos y presentarlos a los lectores... Hola Chicos, gracias por venir para poder charlar sobre Trópico de Cáncer. Para empezar voy a preguntarles sobre la génesis de la banda. Ustedes tienen una relación sentimental mucho antes de armar este proyecto... ¿Cómo nace la idea de formar una banda? Carolina: Claro y teníamos bandas por separado... Fer: Si, nos costó muchísimo tocar juntos, no sabíamos cómo hacerlo, nos agarrábamos de una influencia y cometíamos ese pecado de querer ser esa banda... ¿qué componés? bueno querés ser The Jesus and Mary Chain, bueno componés tres canciones como TAMC y a la cuarta se te acabó... entonces cometíamos ese error... entonces no le dábamos importancia, entonces no lo hacíamos y cada uno iba haciendo la suya... Carolina: Creo que cada uno pasó por bandas y tomó la experiencia de eso y de lo

que no quería hacer, justamente. Fer: y una de esas cosas era que yo tenía la idea hace mucho tiempo de hacer algo que tenga una mentalidad punk, de minimalismo, y que sea transportable, de no requerir batería, teclados, dos guitarras, osea, sí me encanta MyBloody Valentine... pero decís, dos guitarras en vivo, con los recitales que acá son muy precarios, ya que uno no tiene una estructura con un sonidista, las pruebas de sonido todos las conocemos son de cinco minutos y sonás totalmente diferente a lo que probaste y es muy complicado hacer sonar dos guitarras bien, osea me encantaría... y también llevarte bien con esas personas, pero hoy cada uno tiene sus tiempos y era como: "A ver… ¿Qué podemos hacer?... ¿Qué tenemos en casa para trabajar esto? y tal vez teníamos el sonido, cómo queríamos sonar... no las canciones... nos importaba eso, planteamos un sonido, el minimalismo de las baterías, ella aportaba el bajo minimalista con la distorsión, y la guitarra tenía que ser con toda esa reverb... sabíamos que ese era el sonido... después las canciones creo que puede salir cualquier cosa, el próximo disco puede ser ambient o hip hop, creo que nunca pensamos en eso, pero sabíamos que teníamos una imagen que llama la atención.

¿Y cuándo nace Trópico de Cáncer? Carolina: Fue el año pasado... Fer: En realidad yo venía de una muy mala experiencia con mi banda anterior... la falta del compromiso de la gente, no sólo de la banda... un ejemplo, yo doy clases y los alumnos me suspenden o me llegan a cualquier horario... es decir, hoy hay tantas formas de avisar, no puede ser que antes, cuando no había Whatsapp ni nada, sabías que los miércoles de 20 a 22hs era el ensayo, y era inamovible, ni se preguntaba si se ensayaba, me pasaba que los pibes no venían, fuimos a grabar, tuvimos la suerte que un chico nos quiso producir, y teníamos el estudio para grabar, tiempo ilimitado, y no podía creer que los músicos no me venían, y decís: "Es un estudio gratis que está buenísimo... con una persona que te puede aportar un montón, no puede ser la falta de interés... y ahí dije ¡bueno ya está!... ya estoy grande para esto"... entonces estábamos en casa y empezamos como un juego, nos disfrazábamos, porque nosotros ensayamos en casa, en el departamento, en un cuarto lleno de humo, con un velador rojo... es más... nos pasó algo muy loco, ambientamos con luces, cuando sacamos la primera canción, un chico escribió: "La banda suena a un cuarto rojo lleno de humo..." y yo le escribo: "¿Cómo sabés que en el cuarto tenemos una luz roja?"... claro la música lo llevaba a ese ambiente... y era eso, nos disfrazábamos y empezábamos a probar cosas, cualquier cosa, desde covers de Billy Idol en castellano, después empezaron a salir cancionesy cuando nos dimos cuenta estábamos grabando... Carolina: Y grabando así... hay canciones que las grabamos casi sin ensayar... A mí me gusta eso porque la tenés ahí a la canción y tenés la emoción del momento, no es lo trabajaste y ya adquirió una frialdad... no está ahí, lo hiciste recién y toquémoslo y que salga como salga. Fer: Es más, ni siquiera nos habíamos planteado tocar y Di Giovanis nos invitó a tocar y no teníamos ni nombre...

Carolina: El nombre... siempre se nos ocurría nombres de bandas punks... hasta que empezamos a jugar con la palabra cáncer... y él dijo, Trópico de Cáncer.... Fer: Pero fue como un caso de emergencia... pero a veces es más difícil poner el nombre a una banda que componer un disco. Si fuera por mí no le pondría nombre a la banda, pero tenés que ponerle algo. Uno de los que habíamos pensado era "Perno y Corona" y eso era porque tenemos un amigo que hace prótesis dentales y viene muy seguido a casa. Carolina: Todos nos preguntaban "ah es por el libro"... no, no leemos... no soy tan culta... (Risas)... Fer: Tampoco lo pensamos, salió naturalmente... Hoy pensaba hablar sobre la imagen porque los dos son fotógrafos, Fer estudió cine, así que la imagen debe ser una parte muy fuerte... Fer: Cuando nos conocimos las primeras conversaciones eran sobre fotografía y cine, no sobre música. Y juntos empezamos a sacar fotos. Carolina: nos gustaban las mismas películas... Fer: y siempre las fotos de los grupos, Jesus and Mary Chain (siempre vestidos de negro con esos pelos), Bowie, creo que a todos nos gusta eso... y también me parece que lo de tocar en vivo, siempre lo tomé como que soy un actor, me tengo que poner en personaje, porque a mí me decís "traeme la guitarra" y el fogón no te toco una canción porque soy tímido y no me sale... y hay gente que sí, le das una guitarra y te hace un recital... yo me tengo que concentrar y ponerme en ese personaje... que es un fantasía, que decís: "vivís como un rockstar", que de hecho mucha gente viene a casa y ve la casa muy ordenada y te dicen "pensé que íbamos a entrar y encontrarnos con una casa de yonkies"... y nos gusta tener la casa ordenada, la mesa que tenemos es porque la quisimos tener, capaz que pecamos de superficial en eso... pero nos gusta tener

un lindo vaso...

años... Fer: jajaja siempre quise tener la voz un ¿Está pensado lo del look? poco más grave y no de ardilla, pero creo que Carolina: No,eso ya lo tenemos muy es por la ansiedad, soy muy ansioso... incorporado. Carolina: Aparte yo fumo todo el tiempo... Fer: Nos divierte eso... si fuera por nosotros Yo fumo en cadena... nos vestiríamos todo el día así, además la Fer: yo empecé a fumar por las fotos, comodidad, no es lo mismo estar con las cuando salís en la fotos queda bien... crocs, que con unas botas con taco. Lo del look siempre nos gustó, a mí siempre De hecho lo mencionaba porque tanto desde chico y a ella también, de hecho está en las letras como en los videos, el humo haciendo teatro, siempre la parte teatral está. siempre estuvo... Fer: En las letras es como un influencer, necesitás algo para inspirarte… Yo a Fer hace tanto que lo conozco, pero Carolina: Siempre nos gustó eso de la me he llevado la sorpresa de verlo fumar... decadencia de los bares, de los restos de porque nunca te vi fumar… cigarrillos en los ceniceros. Carolina: Es un fumador a partir de los 38 Fer: de hecho, capaz que sacamos fotos

del cenicero lleno de cigarrillos y además mi mamá siempre fue fumadora, mi mamá y mi papá se fuman dos atados de cigarrillos por día, es un asco.... siempre hubo humo en la casa... Carolina: de hecho, cuando vivíamos con Florencia (la hermana de Fer), él nos decía "Nicotina y Alquitrán" (risas)... (Florencia es la portada de "Drama")

con otra cosa...

En una de la fotos que tenés de perfil, estás con una copa que tiene... no sé parece brandy... o un vino blanco... pero es muy cool, a mí me das Leonard Cohen que Iggy Pop. Es como que apuestan más al bar de Tom Waits... Fer: Tampoco nos enroscamos tanto... pero sí son artistas que nos marcaron, pero Pero en sí la imagen es de mucho también desde el cine, de Argento con los cigarrillo, podría ser incluso café, vino o guantes de cuero negro... whisky... a mí no me da imagen de drogas... Carolina: no, claro, ayer él me cargaba Yo igual eso lo asocio más con una porque estaba el café, los cigarrillos, las madurez, después de ser muy punk y más pastillas, el kit del yonkie, pero la verdad no, despojado, años después, tienen esa es una cuestión más estética... a mí me pasó madurez con clima oscuro, humo y todo que una banda me entre más por lo visual, eso... ver un disco en la vidriera y que me llame la Fer: De hecho Blixa, al principio tenía los atención la tapa... pelos así, todo de cuero, y ahora toca en Fer: además muchas veces escuchas una traje... pero es más, nuestra influencia es más banda y te lo imaginás, o sea, escuchas un de cine y fotografía que musical... no siento disco de Nick Cave y sabés que no van a que tanto lo de la música, somos más cinéfilos hacer tipos en bermudas, sabés que te vas a que oyentes de música. No sé yo flasheaba encontrar con algo... y capáz que te encontrás más con fotos del Einstien de Omar Chabán o

de Cemento, en esos recitales de Sumo, que la gente estaba más lookeada que Sumo, porque en realidad, Sumo, eran bastante despojado en cuanto a la imagen, si bien tienen todo esa mística, pero veía a las minas con el pelo rubio, los ojos delineados, tipo Blade Runner, bueno… la imagen de Blade Runner a mí me impactó y lo transformamos a la música. Mucha gente nos dice "Uh nos hace acordar a Twin Peaks", si a la banda la podés poner en la última temporada de la serie, en el último capítulo, tranquilamente, pero nunca lo pensamos por ese lado. Son casualidades, cosas que nos gustan...

nos gustan a nosotros. El primer video ella me había filmado a mí... Carolina: para un tema que había hecho yo... Fer: me había filmado a mí vestido de mujer bailando en fondo blanco y había hecho como un efecto, y estaba re bueno... y le dije "Nos filmamos nosotros como estamos siempre y lo compaginamos con eso" y salió el video... Pero cualquier cosa puede disparar... de hecho, en ese tema el humo... salió porque se me había cortado la luz también y en una parte dice: "las velas se encienden la carne que muere"... y en realidad porque habíamos ido al supermercado y se cortó la luz, llené la Me da la impresión que el dúo es heladera... la carne que muere,la leche se me climático, y que la imagen y el sonido lleva corta... uno no piensa que es un corte de luz... a crear un clima determinado... piensa que es algo más profundo... ¡pero no! Fer: Igual tardamos 40 años, ella un poco (Risas). menos (porque es más chica)... risas... pero tardé 40 años en lograr eso... porque ¿Cómo viene la respuesta del disco? tampoco cuando armamos esto realmente no Fer: La verdad es que no lo esperábamos. pensamos en nada... El proyecto en realidad era una cuestión nuestra, que estaba destinado a quedar En este tiempo ya grabaron mucho... entre cuatro paredes. Y desde que tocamos Fer: Dos EP's de cuatro canciones y un la primera vez no paramos. Estamos tocando disco que tiene siete canciones, es...un... entre una a dos veces por mes, sin mover mediometraje (risas)... Si me pongo a pensar, un dedo. Y un montón de cosas que no "Funhouse" de The Stooges, que es un disco nos venían pasando con otros proyectos. Y que nos encanta, tiene siete canciones tocamos y nos hicieron un montón de notas, también, también nos pareció para qué ahora el disco sale en un sello de EEUU. que seguir componiendo, salió así. Teníamos se llama Calar Music. El Director me pidió una que terminar ahí para seguir hacia adelante, canción para un compilado, le pasé el disco porque sino nos estancábamos ahí. y elegí vos, le encantó y decidió editarlo. Carolina: lo grabámos todo en casa, en el Es increíble. Salen cosas impensables sin departamento... planearlo. También la gente nos ve y le gusta Fer: hacemos todo nosotros, los videos, y no saben cómo reaccionar, es como raro, las fotos. Cualquier cosa puede disparar una muchos piensan que somos una banda idea, de hecho el último video, estábamos electrónica, por la batería... no, la batería en casa, se había cortado la luz, estaban las suena a batería. La gente más darky esperan velas... y pensé... si ponemos el fondo negro, un Bauhaus, un The Cure, un Joy Division o tenemos el estudio de fotografía en casa, un post punk, pero no se esperan encontrar unas velas acá y a mí una amiga mía me algo más Crime & The City Solution, que tal había regalado una túnica Jedi de Star Wars vez nunca lo hayan escuchado. Pero tampoco podemos hacer algo... ni lo guionamos... nos queremos caer en eso... sabemos lo que no propusimos hacerlo así. Y hay guiños a Darío queremos hacer, está más claro de que lo que Argento con los guantes de cuero, cosas que queremos hacer. Y el formato también nos da

esa diferencia, ¿no?... porque si yo tuviera la estructura más grande... si, tendría un baterista, una guitarra acústica y terminaría siendo Nick Cave o Reincidentes... Carolina: Si, también no depender de un baterista, porque ahí también dependeríamos de una sala de ensayo... Fer: Hoy en día hay un montón de cosas que no podemos hacer por cuestiones económicas, y cuestiones de robo... porque están robando muchos instrumentos... y la cuestión de que uno te falte, suspender ensayos y todo eso, por dinero, por seguridad, y otras cosas,nos conviene ensayar en casa. Al vivir juntos ensayamos sin microfonear las voces y a un volumen muy bajo... así que dejamos muchas cosas al azar... que te pueden pasar un montón de cosas... que se te cae la máquina de ritmos y no quiere arrancar... (Risas)... hay algunos temas que no tienen batería, son sólo las dos voces, bajo y guitarra... y creo que no nos importa eso... Es bastante personal lo que hacen... se los pueden incluir en cualquier etiqueta pero no terminan de encajar en ninguna... Fer: Pero le pasa lo mismo a Crime and The City Solution, volvemos a nombrar a ellos, o a Nick Cave también puede ser... Si, ahí podemos hablar de una fusión muy sólida de blues y casi rock and roll mutado... mutado al extremo... Fer: Pero igual sabés que un género que para mí, por ejemplo, lo que es el country y el blues, hay un montón de bandas nuevas que están adoptando esas raíces y la están modificando a gusto. "Sun Intro", que son del sur, para mí son muy bluseros y muy country, pero en vivo, las canciones duran diez minutos... bueno uno encasilla, es horrible... pero busco un referente... A mí me hace acordar a Spaceman 3 y, cuando salió Spiritualized, para mí esa banda de blues, no es B. B. King, pero lo interpretaba así. Cuando lo escuchás decís es rock, es blues, es garage, pero a la vez no lo es. Pero veo una

tendencia en los grupos de revival y dándole una vuelta para que no sea un revival igual a eso. Es más la idea de lo que hacían esos tipos. Lo hacían los Cramps... Somos todos grandes, nos estamos acostumbrando a las redes... Fer: creo que no nos vamos a acostumbrar nunca... Carolina: A mí me aburren bastante las Redes, es como que llegan a un punto en donde me satura tanta información... muchas invitaciones a eventos y esas cosas, que se terminan perdiendo... Por ejemplo si él sube el flyer de una fecha, yo no lo subo porque tenemos los mismos amigos. Fer: A mí siempre me gustaron los grupos que haya poca información porque no podés escuchar toda la discografía de Siouxsie and The Banshees, son un montón de discos y porque lo agarramos más tarde, entonces ¿por qué disco empezás? Capaz escuchas un disco y te vas enganchando y vas para atrás. Es algo que decidimos... no tenemos ni Facebook de la banda, no tenemos Instagram, si bien somos fotógrafos no llenamos de fotos... Carolina: No gusta que haya cierto misterio... que nos pasaba cuando éramos chicos, que de repente te gustaba una foto. Fer: Qué nos gustaría ver a nosotros, qué es lo que me gustaría ver a mí de una mega banda, yo me considero más público que músico, me encanta ir a recitales y ver bandas y que la banda me guste y me sorprenda. Tal vez llegar por el boca a boca, tal vez sea el camino más largo.... Pero eso lo pensamos en dar la menor información posible a nivel de las redes sociales. Pero también son los tiempos que cambian, un chico que tiene 20 años está acostumbrado con este formato a ver todo. También la gente sale menos, hoy es mucho más barato tener spotify y netflix que salir a un concierto, también hubo una mala costumbre que durante mucho tiempo hubo conciertos gratis, entonces el músico comenzó a desvalorarse.

Carolina: de hecho habíamos pensado veces tenés una foto de la banda y el tema hacer un concierto en casa y transmitirlo en sonando... y no pasa nada... pero bueno vivo, ya que no salen... ustedes tienen el asunto de la imagen muy incorporado... Y van a tener que usar las redes sociales... Fer: si, es verdad... y buenos la idea es (Risas) seguir tocando todas las fechas que podamos Fer: Es verdad, pero es adaptarse a los y salir de Buenos Aires... Yo a veces me pongo nuevos tiempos, hoy un chico que está a pensar, tocar una vez por mes en Buenos acostumbrado a las redes sociales, cuando Aires... y la gente sabe lo que hacemos, por tenga nuestra edad,la vida cambie la forma más que no te den un "Like" todo el mundo de su juego, ese pibe va a decir... cando yo se está mirando con todo el mundo... Pero era chico estaba re bueno porque yo prendía la otra vez gente de Colombia me ha escrito Facebook o Instagram y veía esto o ponía que había leído en la revista y está bueno el youTube y bla bla bla... y va a recordar eso, uso de las redes sociales, que podes llegar seguramente en 20 años va a cambiar todo, a otra persona y poder gestionar una fecha, y ese pibe va a ser como nosotros ahora, en otro lugar. que somos los nuevos tangueros... Antes los Carolina: Y también desde EEUU. nos cambios sucedían cada 10 años en cambio escribieron apenas editamos el primer EP. ahora es todo mucho más rápido. Fer: Nosotros tenemos el bandcamp gratis... y de repente nos dimos cuenta que por Pay Volvemos al principio... el tema de la Pal había unos dólares... y obviamente que imagen en ustedes es muy fuerte, entonces no de Argentina. es lógico que puedan transmitir bien eso... Carolina: Obviamente devolvimos el dinero yo me la paso viendo videos... y muchas porque no tenemos tarjeta de crédito...

Fer: Más allá de esto, el gesto nos pareció buenísimo, que sea de otro lado, cabe la fantasía de decir... no es imposible vender la música y salir a abrir la cancha. Para no morir tocando en los mismos lugares de siempre para los cuatro mismos borrachos. Carolina: te saca un poco ese pensamiento nihilista de que nada vale la pena... Fer: y también está eso de que yo no sé si quiero tocar para mis amigos... está bien... al principio está bueno que te hagan el aguante, que vengan... pero también está bueno que la se incorpore gente nueva y que la venga a pasar bien... que venga porque quiera. Y también que la gente sea consciente de que viene a ver un espectáculo, porque no sé si son consciente de que "van a ver un espectáculo", que tiene una estructura... por más simple que sea, pero juntarse, ensayar, crear música, buscar una identidad...

forma complaciente... Pero son conscientes de que el otro lado hay alguien...pero no están pensando en qué le gustaría escuchar... Fer: no, pero también sabemos que hay gente que le gusta investigar... que podemos llegar a ellos... pero si lo hago para mí queda en mí, en mi casa, cuatro paredes... de hecho empezó así y cuando vimos que había aceptación fue como: "Qué bueno que hay gente que le gusta esto y motiva". ¿Cuáles son los planes a futuro? Fer: Seguir tocando, grabar un disco nuevo y algún video. Somos bastante vagos con la música. Pensá que tocamos todos los meses, podemos hacer un video todos los días y no lo hacemos. Igual también vimos que por la imagen y los videos entró mucha más gente que por el disco.

Por lo que dicen está claro que ustedes piensan en el otro, en el público... no como Gracias chicos... muchos que dicen "Yo hago la música Fer y Carolina: Gracias a ustedes por la para mí"... charla. Carolina: Si... tal vez no pensamos en una

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: SODA STEREO – 30 AÑOS DE “DOBLE VIDA” FURIA, AMOR Y MADUREZ

Cuando Soda Stereo estaba en la cima y con Latinoamérica a sus pies, todo eran sonrisas y los desafíos por venir eran grandes. La Gira Signos había durado dos años (1986-1988) y resultado tan fructífera que hasta había generado el primer disco en vivo de la banda, “Ruido Blanco”, además de llevar a Soda a países en los que nunca antes habían tocado y batiendo sus propios records de público en otros. Entre estos recuerdos fue inolvidable la mítica presentación de la banda en el Festival de Viña del Mar (Chile) en marzo de 1987, donde se desataron en sus fans reacciones similares a las registradas durante los años de Beatlemanía. En marzo de 1988 fue el momento de iniciar algo nuevo, un antes y un después.

Con la mente a mil y muy inspirado, Gustavo Cerati toma la acertada decisión de contratar como productor para el próximo disco a Carlos Alomar (se barajó a Mark Knopfler pero fue descartado). Este muchacho es un puertorriqueño que cuenta con un interesante curriculum tras haber trabajado como músico, compositor y productor con gente como David Bowie (incluso en su “Trilogía Berlín”), Iggy Pop, Paul McCartney o Mick Jagger entre otros. Cuenta la leyenda que la relación Cerati-Alomar se inició gracias a un encuentro fortuito en una tienda Neoyorquina en abril de 1988, que dejó abierta la puerta para que Cerati le enviara más tarde los demos del próximo disco de Soda. Alomar respondió que le había interesado el material y que estaba dispuesto a trabajar con ellos. Alcoyana-Alcoyana.

ria de un departamento en el que vivió Cerati en el barrio de Belgrano. Y para completar, la imagen de portada es aquella ya clásica foto en blanco y negro tomada en la céntrica esquina de Hipólito Yrigoyen y Presidente Roca (Diagonal Sur). Fotografía en 35 mm emulando la ambientación de “Metropolis”, film de Fritz Lang del año 1927. Nota aparte, en este disco se estrenaría el logo más emblemático de Soda Stereo, diseñado por Tite Barbuzza y definido por su autora como “un simpático perfil humano”: casi pensado a propósito para contrarrestar todo lo urbano previamente mencionado.

Musicalmente, el crisol de estilos que el nuevo álbum desplegaba era novedoso para la banda. Mucho, mucho funk (algo que no era tan ajeno a Cerati en sus inicios); toques de R&B, disco y hasta rap por primera vez, en El álbum fue grabado íntegramente en New el tema “En el borde” (que incluye un rapeo York y fue una experiencia edificante para el en inglés del mismísimo Carlos Alomar). Batrío argentino, que quedó marcado por dicha ses rítmicas y muy bailables: fuerte influencia vivencia y supo plasmar una repentina madu- afroamericana. Respecto a las letras, había una apreciable rez que se reflejó en un salto de calidad. Cabe destacar que lo foráneo se amalgama con lo evolución: pertenecen casi en su totalidad a nativo inherente a Soda en este disco, dán- Cerati y abarcan desde el inicio con “Picnic dose una curiosa particularidad: varias refe- en el 4°B” una serie de experiencias persorencias porteñas, o sea, a la ciudad de Bue- nales (cuentan que aquel departamento era nos Aires. Qué más porteño que la ineludible un verdadero hábitat fuera de control). “Lo alusión encarnada “En la ciudad de la furia”, que sangra” es una canción sobre el mundo cuyo video además es toda una referencia a de la fama y la política, y el camino hacia la la capital del Plata. Pero además, tenemos cima (la cúpula): el fraude, el careteo, la pér“PicNic en el 4° B” que se basa en una histo- dida del honor, y el amor como única salva-

ción posible. Se aborda la infidelidad desde “En el borde”. Hay una referencia a un cuento de Edgar Allan Poe en la balada “Corazón delator” de la cual dijo Cerati en su momento “Sentí que había dado con algo que creí que nunca iba a poder mejorar” y por cierto que la canción es un fuerte impacto dentro de su cancionero. Cuando el corazón nos delata y nos deja al desnudo. Pero sin dudas merece un capítulo aparte la canción más oscura que haya escrito Gustavo Cerati en toda su carrera: “En la ciudad de la furia”. Es el perfecto calvario del drogadicto que sabe que está todo perdido, todo es un eterno retorno a aquello que lo posee y lo seduce casi como la más dulce e irresistible relación sexual. El mito de Icaro se hace presente en “con las luz del sol se derriten mis alas”, es por eso que usa la metáfora del hombre alado que prefiere la noche, para ocultarse y desaparecer. La ciudad de la furia es ese lugar del que no tiene fuerzas para escapar, dentro de un clima siniestro y deprimente, motivo por el cual cierra con la tan conocida cita “Me verás volver”. En 1989

saldría a la luz el video de “En la ciudad de la furia”, una producción fuera de lo común para la época en lo que al rock latino refiere, y que reflejaba perfectamente los aspectos angustiosos y oscuros de la letra. “Doble Vida” fue editado en septiembre de 1988 y se apoderó al instante de toda América hispanoparlante, permitiendo a Soda Stereo perpetuar un reinado sin interrupciones que ya se había iniciado con “Signos”. Muchos opinan que “Signos” fue mejor álbum en muchos sentidos, pero las preferencias están divididas y no cabe duda que fue una época de cambios importantes para el trío. Con “Doble Vida” se inició una gira que alcanzó a nuevos países en todo el continente americano, llevándolos a la conquista del mercado latino de Estados Unidos, donde iniciaron las presentaciones con un show el 7 de julio en New York y el 13 de julio en la fiesta de lanzamiento de MTV Internacional. Luego siguieron 25 shows en México y 3 shows en Colombia, para cerrar 1988 en Argentina. Primero, ante 25.000 personas en el Estadio Obras el

3 de diciembre, y el 27 de diciembre en el Festival “5 años de Democracia” ante 150.000 personas. Y así arrancarían 1989: en lo más alto, y ya no hay fábulas. Y pese a todo lo antedicho, Soda Stereo aún no había llegado a la cúspide de su carrera como artista (otra historia es la de Gustavo Cerati como solista). Solo unos años más tarde llegaría la consagración definitiva e inapelable con la obra maestra “Canción Animal”. Pero hoy, a 30 años del lanzamiento de “Doble Vida”, amerita este recuerdo de una época de oro para una de las bandas que más hizo por la difusión del rock argentino a nivel internacional. .

[ Entrevista a Phil Wilson de The Raft por Diego Centuriรณn. ]

THE RAFT - THE JELLYFISH EP'S

The Raft - The Jellyfish EP's Label: Shore Dive Records Fecha de Lanzamiento: 25 de Agosto de 2018 Mucho he esperado poder hablar un poco con Phil Wilson y el lanzamiento de esta colección de Ep’s en forma de álbum me dio la posibilidad y laexcusa justa para mantener una breve charla con el ideólogo de The Raft.

Hola Phil gracias por aceptar este breve entrevista. Para comenzar... ¿Tu colaboración con Xeresa es lo que te llevó a lanzar este nuevo trabajo bajo el sello de Nico Beatastic? Sí, creo que Nico reseñó uno de los The Jellyfish EP's y nos hicimos amigos. Esto me llevó a cantar en uno de sus temas, lo que nos llevó a lanzar mi álbum en su sello.

punto culminante en la discografía del proyecto. ¿Cómo te sientes con respecto a este álbum? Creo que estas catorce canciones son buenas canciones y estoy particularmente orgulloso de haberlas escrito. Creo que es la producción lo que los diferencia de las cosas más antiguas. Trabajé con un productor llamado J. Pedro en este álbum y ha aportado cierta claridad y brillo a las canciones. Él de alguna manera logró obtener un sonido muy comercial sin que suene cursi. Creo que el álbum es genial y estoy orgulloso de ello, pero puedo hacerlo mejor y eso es lo que voy a intentar hacer la próxima vez.

¿Qué puedes decirnos sobre este nuevo trabajo? Hemos compilado los tres Jellyfish EP's más el doble cara de Summertime Blues y diciembre como un álbum por derecho propio y se lanzará en Shore Dive Records. No se ha escrito ¿Cuánto tiempo te ha llevado granada para futuros lanzamientos, pero bar este trabajo? ¿Dónde lo grabasha sido genial trabajar con Nico hasta te? ahora y puedo vernos haciendo más El álbum se grabó entre el verano de 2016 y principios de 2017. Lo grabé en cosas juntos. mi casa y se hicieron fragmentos adiHas estado trabajando la músi- cionales en el estudio de JP en Portsca de The Raft con gran elegancia. mouth. Pero creo que este trabajo es un El álbum revela una sensación de

calma y dulzura. ¿Qué puedes decirnos sobre la sensación que te ha invadido en este álbum? Se ha dicho mucho sobre esta colección de canciones y lo tomo como un cumplido. Sin embargo, es extraño porque dentro no soy una persona calmada y sufro bastante con la ansiedad en mi vida cotidiana. Creo que por esa razón escucho mucha música melódica y tranquilizadora que inevitablemente ha encontrado su camino hacia

la escritura de canciones. Cualquiera sea la razón, ¡me encantan las melodías calmantes y las armonías dulces! Para terminar... ¿cuáles son los planes para este año? El siguiente álbum es rastreado y JP está trabajando actualmente en mezclas. Probablemente lo tengamos entre nosotros durante unos meses, pero espero tenerlo a principios del próximo año.

Coming Up For Air (2017)

Orion (2017)

A Lullaby (2017)

Summertime-Blues/December (Again) (2017)

[ Entrevista a Jamie Laws y Martin Bradley de The Death Notes por BenjamÃn York ]

SOMOS PERSONAS NORMALES QUE LLEVAMOS VIDAS NORMALES

The Death Notes es un quinteto de Nottingham, Inglaterra, formado hace ya una década. Dentro del marco del Post-Punk saben cómo hacer canciones profundas con ese clima sombrío y bello característico de las bandas de ese lado del Atlántico. Recién han publicado un nuevo EP llamado "The Black EP" que en cinco canciones nos transporta a diferentes estados de ánimo, que confluyen en un trabajo intenso y profundo. Nos comunicamos con ellos para conocerlos...

Hola y gracias por dejarnos hacer estas preguntas. Para empezar ¿Quiénes son The Death Notes? Jamie: Un grupo de cinco personas (por un corto tiempo fueron cuatro personas) que solo hacen la música que quieren hacer y no tienen que responderle a nadie.

res que representan diferentes sentimientos. Martin: Tuvimos tanto material en un punto y cuando miré las canciones tuve la idea de agruparlas con un color que coincidiera con el estado de ánimo de la música. Black EP es definitivamente un título muy apropiado para ese conjunto de canciones.

No hay mucha información sobre la banda en la web, ¿Está situación es adrede? Jamie: No realmente. Aunque creo que somos personas bastante privadas. Probablemente tampoco hay mucho que contar. Simplemente somos personas normales que llevamos vidas normales manteniendo trabajos normales para pagar nuestras cuentas y en las tardes y los fines de semana escribimos y tocamos la música que queremos tocar. Realmente no es una vela para los excesos del rock and roll que crecimos leyendo en el NME. Recuerdo que en los primeros días, cuando tocábamos Whitby Goth Weekend sentados detrás de la mesa de merchandise y mucha gente quería que firmes sus copias de nuestro nuevo álbum. Todo lo que podía pensar era el lunes, voy a sentarme detrás de un escritorio haciendo un trabajo de oficina, ¿por qué querrías mi autógrafo? Martin: Ninguno de la banda son presumiAcaban de lanzar The Black EP, luego de dos o "grandes personalidades" y son persosu "The White EP", ¿Cuál es la razón de nas muy arraigadas. A todos nos encanta toestos trabajos? porque me imagino que car música y encontrarla terapéutica (bueno, hay una razón planeada. lo hago de todos modos). Prefiero que la genJamie: Martin quería lanzar una trilogía de te simplemente ame la música en lugar de EP de diferentes colores con diferentes colo- querer carteles de nosotros en sus paredes. ¿Cómo nace el nombre de la banda? Jamie: En los primeros días tuvimos una sesión de lluvia de ideas. A todos se les ocurrieron sugerencias de nombres para la banda y escribimos una gran lista de nombres. Tachamos los que ya estaban en myspace (eso es hace cuánto tiempo). Luego, la lista fue leída una por una y vimos el nombre que más nos gustaba. "The Death Notes" fue el ganador. Martin: Creo que en realidad fue la sugerencia de Jamie de usar las The Death Notes, y como soy un gran admirador del Anime japonés y de las películas, pensé que era una buena elección. Me encantó la idea de que The Death Notes sea un libro en el que puedes escribir el nombre de alguien y luego mueren 40 minutos después como un concepto muy original. Además, las películas son muy buenas.

The Black EP tiene cinco canciones y me gustaría si me hacen un track by track.

Gift Of Fear Jamie: Este ha sido una de las favoritas par tocar en vivo durante mucho tiempo. Es grandioso tocar este lento y lento canto fúnebre de 7 minutos para que todos se relajen y luego inmediatamente golpeen a la multitud en la cabeza con algo rápido y fuerte como “Akuphaze”. El sonido de ciencia ficción que entra al final de la pista (también conocido como el efecto Doctor Who) es el sonido de un Korg Monotron Delay que se enciende con las perillas de retardo configuradas en alto para que comience a retroalimentarse sin que se toquen notas. Martin: Las letras son también una furia contra las compañías farmacéuticas multinacionales que hacen miles de millones de medicamentos aditivos que se supone que ayudan a las personas con problemas de salud mental, pero no pueden permitir que el usuario funcione sin él. Aunque este medicamento puede ser 'útil', la dependencia a largo plazo del mismo puede tener un gran impacto en la vida del usuario sin el apoyo de las compañías farmacéuticas que no sea para mantener el suministro de medicamentos.

Evolver Jamie: la corta pista aguda del EP. Esta fue la primera canción que grabamos con Mike. Él también tocó en Syncretise. Ya teníamos versiones de ambas pistas grabadas, pero presioné para que las dos fueran regrabadas en vivo como banda para intentar capturar el nuevo sonido en vivo de la banda. Creo que ambas pistas resultaron geniales. Closer to Truth Jamie: Esta es una de las canciones que grabamos hace un tiempo cuando estábamos entre bajistas. Mark toca el bajo en él. Él es un hombre de muchos talentos. Es una canción que solo hemos tocado en el estudio y que nunca se tocó en vivo. Martin: Me encanta cómo terminó esta pista. En mi opinión, ésta tiene una de las mejores actuaciones vocales de Mark. Syncretize Jamie: Esta es probablemente mi canción favorita del EP. Tomamos un enfoque diferente para grabar este EP. Hicimos grabaciones en vivo como banda en Psyrex Soundlab (Martin también hizo doblajes de guitarra), Mark

tiene un set en su casa donde hizo todas sus sobregrabaciones vocales y grabé pistas de sintetizador adicionales en el estudio de mi casa también. Luego enviamos todo a Adam Whittaker en Rumania quien mezcló las pistas para nosotros. Syncretize fue la pista que le dimos a Adam para hacer una mezcla de prueba para nosotros (para ver si todos queríamos usarla para todo el proyecto) y cuando lo escuché, quedé impresionado por los resultados. Martin: Esta es también mi canción favorita en el EP. Se gastó mucho tiempo en hacer que la guitarra suene bien para que cuando empiece el crescendo tenga que sentirlo. Definitivamente es un placer para los oídos. Theme Jamie: Esto fue tomado de una vieja grabación de hace años. La pista de batería

son mis dedos tocando en un pequeño Korg Kaossilator pasando a través de una cadena de pedales de guitarra baratos. Toqué en vivo junto con la parte de guitarra de Martins. Practicamos en un pequeño estudio de grabación en Nottingham llamado Psyrex Soundlab y conseguimos que Mark P, propietario del estudio, nos grabe esto antes de una de nuestras sesiones de práctica. Los otros sintetizadores se agregaron recientemente para hacer que la pista suene aún más sombría. Martin: Esperábamos tener un invitado vocal en la pista con nuestro buen amigo Justin de Feeding Fingers, pero no pudo perder el tiempo debido al trabajo de promoción de su último álbum. Sin embargo, creo que todavía funciona como una buena pista instrumental, así que lo dejamos así.

Ahora que han editado el EP ¿ya hay nuevas canciones? Jamie: No hay nuevas canciones con The Death Notes. Mientras trabajábamos en el EP, parecíamos haber tenido una mala suerte lejos de la banda. Mi pareja fue diagnosticada con un tumor cerebral. Otras personas tenían problemas familiares y personales. Entonces, no estamos trabajando en material nuevo en este momento. The Death Notes están en espera. Martin: han sido unos pocos años difíciles para varios miembros de la banda y ahora estamos descansando hasta que las cosas vuelvan a la normalidad. ¿Qué planes tienen para este 2018? Jamie: Estoy en una nueva banda llamada Hurtsfall con Mike. Tiene influencias post punk similares a The Death Notes, pero más electrónica y es un toque más pop. New Order a The Death Notes, Joy Division. Acabamos de empezar a tocar y hemos recibido una gran respuesta. Me imagino que probablemente tenga un single o posiblemente un EP listo para compartir con el mundo para fin de año. Estamos en Facebook también. Martin: Tengo un nuevo proyecto llamado After Daylight que está explorando más avenidas “shoegaze/dream pop” que se insinúa en Syncretize. Tengo algunos demos on line en Bandcamp y YouTube si quieres verlas. Espero tener un álbum a finales de este año o principios de 2019. También hay una página de Facebook para ver más detalles. Para finalizar ¿hay algo que no haya preguntado que nos quieran contar? Jamie: Originalmente me uní a la banda porque Martin (con quien había sido amigo durante años) estaba teniendo problemas para encontrar un bajista para su banda. Sabía que había tocado teclados mientras crecía "Puedes tocar notas graves en un teclado, ¿verdad?". Para mí ese fue el comienzo. Martin: Siempre hemos diseñado nuestras propias portadas de discos.

[ Reseña de "Lisa Gerrard & David Kuckhermann – Hiraeth" por Diego Centurión. ]

LISA GERRARD & DAVID KUCKHERMANN HIRAETH

Lisa Gerrard & David Kuckhermann – Hiraeth Label: Besant Hall Records (part of Air-Edel Records) Fecha de lanzamiento: 06 de Agosto de 2018

Siempre es un placer inmenso encontrarnos con material nuevo de Lisa Gerrard, si bien no me sorprende sus trabajos y su voz, siempre me cautiva. Sus colaboraciones no son nuevas y siempre se las ha arreglado para compartir momentos discográficos con interesantes artistas. David no es un desconocido de los amantes de Dead Can Dance ya que él fue parte, y supongo que lo seguirá siendo, de la banda en sus últimos años, hasta incluso en su última gira ofició como artista soporte de la banda y luego se acoplaba al line-up de Dead Can Dance. David es un músico extraordinario que deslumbra con el manejo del Handpan y su calidad como percusionista es innegable. En “Hireath” sus ritmos delicados y por momentos ritualezcos sirven de base para que Lisa haga lo que mejor sabe hacer expandir su bella voz a través de los tracks.

[ Entrevista a Jesús Macharoli de Robinson por Benjamín York. ]

NADA TAN VALIOSO COMO ALGUNA REACCIÓN DEL PÚBLICO

Desde la ciudad de las diagonales (como se la conoce a La Plata) llega en el 2011 esta banda liderada por la dupla Jesús Macharoli y Cristian Moreno. Con un sonido que evoca al rock alternativo con influencias marcada en gustos variados han logrado a través de estos siete años una estructura sonora sólida y recién acaban de lanzar un single adelanto de su nuevo álbum, la excelente “Espejismos” que los sitúa un peldaño más arriba en su crecimiento sonoro.

Hola chicos, gracias por aceptar esta entrevista. Para empezar… ¿Quién es Robinson? ¿Por qué el nombre? ¡Hola! Gracias, desde ya, a ustedes por el espacio. Robinson ya lo sentimos como un ente autónomo, que nos excede, que se mueve y siente a través de nosotros. Es quien nos atraviesa para componer y la mejor forma de hacerlo visible era con un nombre propio, sin género, y especialmente Robinson, vino a nosotros, no nosotros hacia él, como las canciones.

He escuchado algunas versiones que han realizado, como “Zona de Promesas” o “Mejor no Hablar de Ciertas Cosas” o “Wicked Game”… esto me lleva a preguntarles por sus influencias… Supongo que es un lugar común, pero son de verdad muchísimas. Hoy sobretodo tenemos una regresión importante a nuestra adolescencia en los 90s y 00s, algo así como una visión retrofuturista revisitada desde música mucho más antigua como el surf, las grandes bandas de sonido como las de Ennio Morricone o el cine clase B y el blues que la población negra esclava cantaba como un modo de escapar de una ¿Qué diferencias encuentran entre “Mar” realidad maldita. (Depeche mode, Garbage, (2011) y “El Jardín de los Tormentos” Smashing Pumpkins, NIN, Pear Jam, U2, (2015)? Nirvana, Deftones, Moby, Babasónicos, Siempre creemos que los discos son Underworld, Placebo, Radiohead, etc.) Los fotografías de un momento en particular, con guiones de muchas series y películas. La el tiempo podés verte más flaco, más gordo, poesía de Alejandra Pisarnik, Oscar Wilde, más arrugado o en tu mejor momento, por lo Poe, etc. Y sobretodo nuestra imaginación, tanto la visión que tenemos de nuestros discos las imágenes que se construyan después de en el tiempo es tan cambiante como nuestras toda esta ensalada. ganas de explorar cosas nuevas. Pero “Mar” es un EP que queremos muchísimo, fue Llevan varios años y la formación ha el primero, fue como una exorcización de cambiado. ¿Hoy cómo es la alineación de demonios que teníamos en ese momento, Robinson? siempre dije que hoy podría cantar muchísimo Hoy con la formación de 4 integrantes mejor esas canciones, pero nunca podría logramos una armonía con la que estamos volver a sentir lo que sentía mientras las muy felices. Diego Colavitta en batería esta grabé, fue un disco honesto, una carta de hace ya 4 años y Juan se sumó hace más presentación. Y el Jardín, creo que fue un de 1 pero se integró desde el primer día disco que tiene grandes canciones, pero que como una inyección de adrenalina a alguien no logramos reflejar eso en el sonido final, que ya estaba por pedir el desfibrilador. Y si nos gustaría remezclarlo, estamos en eso. bien siempre tenemos recuerdos de quienes

pasaron por el proyecto, la formación actual es la que de alguna manera siempre buscamos, aun con todas nuestras diferencias, que en definitiva nos mantiene vivos. Acaban de lanzar “Espejismos” y se nota un salto grande en la estructura de la canción, un cambio que se nota en “El Jardín de los Tormentos”, pero en el nuevo single se percibe un crecimiento más marcado que el visto en sus anteriores trabajos. ¿Ustedes ven este cambio y a qué creen que se debe? Si, lo notamos una vez que terminamos de grabar el disco, pero más una vez que fue mezclado por Guillermo Porro que sumó algunos detalles de producción. Creo que se debe a una cuestión de edad, de dejar pasar el agua turbia bajo el puente hasta que pudiera ser bebible. Dejamos madurar las ideas, las rompimos en mil partes, para volverlas a unir y nos permitimos volver a ser esas antenas emocionales que transcriben radiaciones emocionales que están en el aire. Nos propusimos ser auténticos, y si

eso significa oscuridad y melancolía, que así sea, volvimos un poco a lo que fue el inicio con “Mar”. Y gracias a esto surgieron tanto letras como melodías y arreglos mucho mas naturales. Hablando específicamente de “Espejismos”, se los escucha más afianzados en lo electrónico, cómo más seguros de meter secuencias. ¿Así viene la nueva etapa de Robinson? Siempre las utilizamos y de hecho para nosotros es como el 5to R. Convivimos muy bien con ellos, nos preocupamos y ocupamos de eso, de que la tracción a sangre converse en armonía con las máquinas, sobre todo para los shows en vivo donde buscamos un plus. Pero en cuanto al disco específicamente si, decidimos ir más a fondo con las máquinas. Hoy el mercado está bastante saturado de información y el trabajo de promoción es muy dificultoso y agotador ¿Qué herramientas piensan que hoy son las más nobles para llegar a más gente?

Aunque somos conscientes de que hoy un poco pasa todo por las redes sociales y los smartphones, confiamos en que todos los espacios tienen algo para brindarnos. La sobresaturación de información nos hace estar más desinformados que nunca y nos hace ser más críticos que sentimentales. No nos dejamos atravesar por los sentimientos. Y tal vez obliga a los músicos a convertirse más en standaperos o youtubers antes de lo que verdaderamente son, músicos, ¡artistas! Creemos en que el apoyo mutuo con nuevos medios es fundamental, nos gusta ir a todos los lugares donde nos llamen. Después de todo, ya sea de ideas, sentimientos o información, compartimos el punto de la comunicación.

“Lucy”. La presentación oficial estimamos que será a comienzos del 2019. ¿Qué le queda para este 2018 a la banda? Nos queda una recta final bastante movida y emotiva para nosotros ya que el lanzamiento de un single y un nuevo disco siempre significa regalar una parte de lo que somos al mundo. Tocarlo y ver, leer o sentir sus reacciones es el motor que necesitamos siempre para continuar, asi que para eso nos quedan varias fechas que siempre comunicamos a través de nuestras redes sociales. (Facebook: Robinson - lp / Instagram: somosrobinson / Tw: @RobinsonArg)

Para terminar ¿Hay algo que quieran agregar que no haya preguntado o que ¿Cómo viene el nuevo álbum? ¿Hay quieran decirnos? fecha de lanzamiento y de presentación Quesepermitanescucharnuevosproyectos, oficial? nuevas radios, leer nuevos medios, sentir El disco ya está terminado, grabado en nuevas cosas, que estén atentos a lo que le nuestro bunker London Estudio en La Plata, pasa al de al lado. Lo que encuentren puede mezclado por Guillermo Porro y masterizado sorprenderlos y ser fundamental para escapar por Diego Crisálida en Puromastering y de la jaula panóptica que nos proponen los estará en todas las plataformas digitales el 7 grandes medios. NADA tan valioso como de septiembre, aunque antes el 24 de agosto alguna reacción del público. ¡Gracias por lanzaremos un single adelanto más llamado estar del otro lado!

[ Danzig - Danzig (1988) Por Pablo Ravale. ]

PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS

Caso curioso el de Glenn. Desde la edición en 1982 de Walk Among Us, el primer disco de los Misfits, banda emblema del Horror-Punk, hasta 1994, la trayectoria de cantante y compositor discurrió por un continuo estado de evolución hacia los niveles de interpretación, experimentación y composición perfectos. Con Samhain, la siguiente aventura, proyecto Deathrock olvidado por muchos, de precioso nombre que alude al año nuevo celta, comenzó a experimentar y a introducir estructuras levemente metálicas en sus canciones, y conoció al bajista Eerie Von, quien le acompañaría a partir de ese momento en la travesía. Más consciente de su poder y sus facultades con cada nueva experiencia, se lanza como solista hacia 1987 junto a Von, y recluta al guitarrista John Christ, y al baterista Chuck Biscuits, músicos que lo acompañaron entre 1988 y 1994, grabando cuatro discos de estudio que conforman una de las mejores discografías del rock duro del siglo pasado. Danzig será la primera piedra, diez canciones que suenan a Heavy Metal por encima de todo, diez puñetazos en la boca del ñoñerío que había reinado en la industria mainstream en los 80, y todo un homenaje actualizado al seminal sonido de Black Sabbath, en una época en que Iommi giraba con Tony Martin como nuevo vocalista Así las cosas, estábamos en 1988, época en la que a Sabbath se les tenía como un dinosaurio de credibilidad mermada, sostenida únicamente por el tesón de su líder y guitarrista. Tuvieron que llegar los 90 para que Henry Rollins, Corrosion of Conformity, Soundgarden, White Zombie o Pantera nos recordaran quienes eran los “todopoderosos Sabbath”. Es en este, su primer álbum, que Glenn pasa a ser un integrado en la nómina de Rick Rubin, el productor de Reign in Blood de Slayer y el Electric

de The Cult, por nombrar un par de ejemplos que demuestran que ese sujeto no dedicaba su tiempo a cualquiera. Por tanto, se pone manos a la obra y compone un disco que suena compacto, que evoca en determinados momentos el espíritu de Vol. 4 y Master of Reality de Sabbath, y en el que se aprecia que este genio va modulando su garganta, aprendiendo a desenvolverse en registros que en sus anteriores grupos aún no había tenido tiempo de experimentar, y si bien el Metal es el ingrediente estrella, el ceñudo Glenn descubrirá a posteriori que es un campo que le queda pequeño, ya que él tiene capacidad de sobra para engarzar con estilos hermanos, en apariencia opuestos, como el Doom o el Blues-Rock. Sólo con escuchar la guitarra que inicia “Twist of Cain” entenderás toda esta palabrería. Una nota que se alarga y contorsiona creando un ritmo HardDoom demoledor, hasta que entra esa voz profunda (de tonos crooner, mezcla de Morrison con Elvis), donde cada verso, cada inflexión, suena como el bramido de una pantera que acecha agazapada. Jamás su garganta había sonado así hasta ese momento, nítida, limpia, envolvente, poderosa. Y cargada de esencia y de feeling. Escuchen ustedes como juega, como mima cada palabra al iniciar la siguiente, “Not of this World”, ese «…and nothing bites like I do» que emite tras citar el título del tema. Otra pieza llena de bravura, con el primer gran punteo de John Christ, un lead guitar infravalorado, al frente de una gran banda de acompañamiento. Atentos al final, pura épica, esencia de guerreros centenarios, nada de power metal para bebés. En “She Rides”, la tercera, aparece aquí el Danzig lascivo y reptante, el vampiro que ralentiza las estrofas igual que esa pantera negra que mencionaba antes, replegándose en silencio para

saltar sobre su presa. Escúchenle ahora vocalizar con voz de serpiente los versos. Demasiado bueno para ser apreciado por las grandes masas. Claro que todas las virtudes del enfurecido cantante se disuelven ante la belleza que encierra esa entrada, esas primeras líneas en “Soul on Fire”: «Angels fall to Earth/World heats down…». Uf, un Glenn inédito hasta ese momento, asustándonos con su suave e indescriptible susurro, alertando de que la Tierra se puebla de traicioneros ángeles caídos. De nuevo John Christ conduce el tema con un riff sustentado por tres notas omnipresentes, y el cambio de tiempo a partir del minuto cuatro nos corta la respiración. “Am I Demon”, la pieza más directa del disco, estribillo enorme, instrumentación galopante, Danzig convertido en lobo bajo la luna llena saltando de túmulo en

túmulo, y de nuevo un par de electrizantes punteos. En todo cuanto he hablado hasta ahora les recomiendo que se metan a fondo, pero es que, aunque estas primeras cinco canciones fuesen normalitas, habría merecido la pena llegar hasta aquí, porque el track 6 no es otro que “Mother”. La canción más famosa del artista, la que lo hizo inmortal. No es necesario describirla sección por sección, tan solo presten atención a ella. Esa caída de la diestra de Christ sobre las cuerdas marcando la disparo de inicio todavía me acelera el pulso. Las cuatro restantes mantienen una muy buena tónica, pero da la impresión de que quedaron un poco apagadas, escondidas tras el impacto de “Mother”. “Possession” (con James Hetflied a los coros) tiene un ritmo curiosísimo, como un zapateo extrañamente aflamencado, y

Danzig entona con una mala hostia que abrasa. En “End of Time” nos vuelve a descolocar con otra entrada susurrante, que no tardará en estallar, y que tiene otro momento de fábula en la envolvente galopada que crea la guitarra justo antes de que oigamos el punteo que, esta vez, es crujiente, tenuemente distorsionado. Un nuevo acierto. “The Hunter” evoca el aura de la música de Free, y tiene también ese ritmo Blues-Rock eléctrico de la banda de Paul Rodgers: amenazantes chirridos semiocultos, una vocalización perfecta, cabalgadas y parones de los tres

instrumentos, cada segundo en definitiva, golpeando con el impacto de una rueda de molino. En conclusión, inolvidable. Como todas las canciones, la calavera cornuda de la portada –un Snaggletooth mucho más chungo y agresivo, desprovisto del deje vacilón de la mascota de los de Lemmy-, y la foto interior del cuarteto: las ropas de cuero, las gafas bien 80´s de John Christ, las patillas de Eerie Von, el aire algo imberbe de Biscuits, y, por supuesto, la mirada, el mentón del fornido Glenn (un verdadero “Evil Elvis”). Menudo debut solista, señores.

[ Reseña de "Gente Conversando – Los Nuevos ídolos de la Juventud" por Diego Centurión. ]

LA JUVENTUD TIENE NUEVOS ÍDOLOS

Me preparo para contarles algunos momentos álgidos de este EP de Gente Conversando. Sinceramente todo lo que les pueda contar no tendrá ningún valor sino lo escuchan por ustedes mismos, toda palabra que escriba en esta reseña carecerá de peso existencial si ustedes no presionan Play a este trabajo. Este tono solemne se desvanecerá cuando empiece con la reseña en sí. Antes de empezar les quiero aclarar algunos puntos, la instrumentación es impecable, la banda goza de una lucidez excelente y de un magistral entendimiento de cómo crear el clima ideal para que las letras brillen… La consistencia de las canciones tiene mucho que ver con la solidez instrumental, que en gran parte es la base para que las locuras vocales tengan un fundamento y un peso propio. Gente Conversando no es una banda más… Gente Conversando no es una banda del montón… Gente Conversando es esa banda de amigos que tiene que estar en tu fiesta. Pero también Gente Conversando es esa banda que roza momentos en donde no te sentirás cómodo y hasta algo reaccionario. Gente Conversando es na banda que bordea los límites y los atraviesa con gran elegancia y con mucho de inconsciencia (consciente). Gente Conversando atraviesa entre el humor cosas que no son tan disparatadas, buscando desafiar al oyente… No hay muchas bandas que logren incomodar y que encima lo hagan con excelencia punk. Ahora damos paso a las canciones… ¿Estamos ante una bomba, la desactivamos o la dejamos estallar? Play.¡Que Estalle! La voz de Amparo Viau... "Aún en el silencio más intenso... El fantasma de la Conversación"... Así se da comienzo a lo nuevo de Gente Conversando... “Arriba Brilloso” La canción avanza como una ola a surfear con desenfreno casi a gogó. Y el coro es tan playera que recuerda esa sensación de sol en

la cara, mientras nos preparamos para la fiesta... pero a ritmo de funky setentero. Como un Nick Cave de impecable traje practicando los pasos de moda vintage... "¿La están pasando bien?... probando… probando." “Placer Subversivo”… Al ritmo de la banda vamos desgranándonos con el placer de sentirnos un subversivo… ya nos queda más fe… ya no queda café… ya no queda más nadie con quien quiera conversar… Como si fuera un momento de reflexión y de sinceridad Guille nos dice… “Me puse una oficina en los montes tucumanos, me puse un parripollo para disimular… Me puse una oficina en los montes tucumanos, me puse un boliche sin habilitar… Hay qué placer me siento un subversivo… hay qué placer me siento mucho más…” y se va tarareando tranquilamente… como sabiendo que nada le pasará… La música entre disco y música de matiné de película argentina de los años setenta…la sentencia de la canción llega en forma distraída y distendida… “Ohhhh, la cosa se puso bien, ohhh, el mundo se puso bien… a levantar las manos… Ohhhh, la cosa se puso bien, ohhh, la vida se puso bien… esto es un asalto…” a ritmo bailable casi disco funky… y toda la fiesta termina abruptamente con la palabra “muerte”. “Los Bloopers de la Guerra”. Estamos ante una de las mejores canciones del EP y del año. A ritmo de un jazz antiguo o un vals rockero se deviene esta gran canción. La letra… sin desperdicios… “Un soldado vuelve a casa, ve a su hijo y dispara… son los bloopers de la guerra…” mientras nos pasea por distintos géneros del cine… La musicalización es simplemente impecable… el bajo caminante, la guitarra acompañando de manera eficiente y elegante, la batería firme y sólida… ¡UNA BANDA DE LA PUTA MADRE! “Dormir vestido”. En plan de medio rap a lo Cypress Hill el bajo empieza a dibujar un ritmo y con la entrada de

la banda se vuelve un funk arrastrado, sinuoso, oscuro, pero elegante. Este track tiene una de las frases del año… pero arranca diciendo: “Acá todos se casan y yo sin poder besar, la estructura del mundo me puede lastimar”… y no pasa mucho para la mejor frase del rock de los últimos años… “En la isla de Caras la suelo pasar mal, la comida no es buena, la cabaña es normal”… ¡Simplemente Brillante! Sin lugar a dudas para quien escribe esta reseña… la mejor canción del MUNDO. “Qué suerte que el vino me vino a rescatar, en la fiesta de todos no puedo respirar… hay muchas caras… hay mucho rostro… me saco el saco, me pongo el pongo”… Destaca el piano que siempre suma seriedad y locura a la vez al combo GENTE CONVERSANDO. El solo de guitarra es una belleza digna de música experimental, porque en cierta forma la banda explora y explora sensaciones y sonidos en todas las canciones, sin barreras y sin

divismos de una banda que se sabe distinta al resto. “El Estado del Clima”. El track más tranquilo del álbum, el más largo, pero no por eso deja de ser una belleza digna de cierre del este trabajo. Un remanso “serio” entre tanta locura… ¿Serio?... no estaría tan seguro… aunque todo pareciera que nos lleva a una de esas baladas de los años 70’s… pero la letra nos va develando una situación tensa y claustrofóbica… “Ascensor… ascensor…ascensor”… y se disfrazan de balada con un solo de guitarra de Detective Juan en donde demuestra sus habilidades guitarrísticas. Y la canción se va apagando con grabaciones de radios dando el estado del clima… y el remate… es una promoción… que nos deja el alma de Gente Conversando… “un pasito, otro pasito, millones de pasitos con calzados Carlitos”… Una belleza.

[ Por Maxx Wild. Fotografías: Fabián Resakka. ]

FRÍA NOCHE PARA CALENTAR LAS ALMAS AL RITMO DE AND ONE Hidden Souls y And One en Museum, 22 de Agosto de 2018

Nada mejor que para una fría noche de un 22 de agosto, una visita al mítico barrio de San Telmo para, más específicamente en Museum, para calentar las almas al ritmo de uno de los mejores exponentes del Synthpop/EBM europeo: And One. La agrupación alemana fundada por Steve Naghavi en el marco de su World Vibration Tour, desembarcó en nuestras tierras tras 10 años de ausencia y ¡vaya que se hizo esperar! Caras de los años 80s castigadas por el tiempo pero con el mismo espíritu de antaño, estricto negro y un toque de sangre nueva fue el marco humano de esta convocatoria. El warm up estuvo a cargo de Hidden Souls, banda local quienes acababan de lanzar "The World is Falling...", el primer single de su próximo álbum. Muy buen feedback con el público, presentaron un show prolijo y a la altura que seguramente despertó curiosidad en muchos que comenzarán a seguirlos. Luego de una musicalización “depechera” por demás, lo esperado... ¡And One! Irrumpiendo con “Krieger” y “Timekiller” para no bajar nunca la intensidad hasta el “encore”. Steve es el showman perfecto, da todo, es cómplice del público y su calidad vocal se encuentra intacta, los puntos más altos de la etapa de 16 temas fueron obviamente “Metalhammer”, “Deutschmaschine” y “Second Voice”, para pasar a un bis de 4 (para un total de 20) con el clásico “Technoman” y “Shouts Of Joy” como gran final. El público no paró de bailar y cantar los temas exigiendo al máximo a la banda, que respondió con creces ofreciendo un recital redondo. ¿Deberemos esperar otros 10 años para que vuelvan?

[ Entrevista con Steve Whitfield de Klammer por Diego Centurión. Fotografías: Lesley Whitfield, Steve Dutton y Steve White. ]

ELIGE A LOS JUGADORES DE TU EQUIPO CON PRECISIÓN Y NO TIRES TU DINERO

Sólo les menciono tres discos: Wish (1992) de The Cure. Neverland (1995) de The Mission. Brilliant Mistakes (1996) de Flowers Of Romance. Denominador Común: Steve Whitfield como parte de la técnica. Steve ha creado hacia el 2014 la banda que hoy nos convoca, Klammer, quienes han lanzado su tercer álbum llamado “You Have Been Processed”. Y aprovechamos para contactar a Steve y hablar sobre la edición.

Hola Steve, gracias por contestar nuestras preguntas de hoy. Para empezar, abordemos su trabajo en los álbumes que mencioné. ¿Qué nos puedes decir sobre tu carrera como ingeniero y tu papel en estos excelentes álbumes? Aunque he producido muchos registros, solo tengo que corregirlo en los registros que acaba de mencionar. En 'Wish' y 'Neverland' fui el ingeniero y el ingeniero de mezcla en 'Brilliant Mistakes'. Tuve mucha suerte al principio de mi carrera al conocer a The Cure y lo primero que hice con ellos fue producir e ingeniero 'Hello I Love You' con ellos para el álbum Elecktra Records Rubaiyat. Robert, Wayne y Mike son tres personas excelentes para trabajar y hablar, y estoy muy contento de que todavía esté en contacto con todos ellos. Estoy agradecido de que la primera mitad de mi carrera profesional haya sido analógica (máquinas de cinta y grandes mesas de mezclas) y que la segunda mitad haya sido en la era digital. Estoy muy contento de saber ambas formas de trabajar. Mi opción preferida sería la mejor de ambas. En Analógico (escritorio de gran sonido y preamplificadores), mezcla en la computadora (Pro Tools) y luego mezcla de nuevo a través de un escritorio analógico (sumando mezcla). Una máquina de cinta de extremo superior suena genial, pero es una forma muy lenta de trabajar en comparación con la computadora, ¡aunque echo de menos todas esas conversaciones que la gente solía tener cuando la cinta se estaba rebobinando! También había algo muy zen sobre limpiar las

cabezas de cinta cada mañana antes de que alguien más llegara al estudio. Entiendo que fundó Klammer en 2014 y no conozco ningún proyecto de música por separado que haya tenido antes de esto. En cualquier caso, te has tomado un tiempo para armar una banda. ¿Cuál fue la razón por la que esperó tantos años para escribir sus propias canciones? Todos hemos estado en muchas bandas antes, pero ninguno de ellos llegó a mucho. La diferencia con esta banda es la asociación de escritura con Poss, ¡mi música y sus voces / letras parecen funcionar muy bien juntas! Esta es la primera banda en la que he estado y en la que solo soy un guitarrista. ¡Empecé como un sintetizador! Creo que también aprendí mucho de todas las bandas con las que trabajé en el estudio, a veces qué hacer y, a veces, qué no hacer. ¿Qué quiere decir Klammer? ¿Es esta una palabra alemana? Comenzamos a pensar en 'Clamor' (un ruido fuerte y confuso) y luego cambiamos la ortografía. Más tarde descubrimos que significa clavija o abrazadera en alemán. "You Have Been Processed" es tu tercer álbum, precedido por "Auslane" y "Klammer". ¿Qué diferencias encuentras en este nuevo álbum en comparación con los dos anteriores? Creo que es nuestro álbum más consistente, siento que todas las canciones suenan como si fueran de la misma banda y álbum, pero

post-punk de principios de los ochenta, donde todos los sonidos se hicieron más duros pero fueron mucho más refinados que el punk, sin perder la fuerza que el movimiento punk dejó como legado. Tienes ese refinamiento y esa energía. ¿Cómo definirías tú mismo el sonido de Klammer para aquellos lectores que aún no han descubierto tu música? Bueno, no somos del todo punk, no somos del todo góticos y no somos del todo rockeros, pero sí de todos. Supongo que si le ponemos una etiqueta, entonces somos post-punk con el espíritu del punk corriendo por nuestras venas. Todavía ambriento, todavía tratando de experimentar y seguir haciéndolo a nuestra manera. Es extraño cuando revisas tus discos y los periodistas comienzan a mencionar y compararte con bandas que nunca escuchaste realmente. Siento que estoy influenciado por todo lo que he escuchado, El sonido de Klammer nos lleva al desde Bowie y principios de Roxy Music a

no es la misma canción repetida 12 veces. También tal vez es un poco más pesado que los dos anteriores. Comencé a experimentar con Dadgad y eso es en un par de canciones. También compré una guitarra Fender Vi baritone cuando comencé a escribir ésta. Me hace escribir riffs en lugar de acordes. Todavía hay mucha experimentación. Al principio de “Coast To Coast” no se trata de teclados sino de una pared de comentarios de guitarra grabada y luego ralentizada a la mitad de velocidad, lo que le dio un sonido realmente misterioso y orgánico. También hice muchas más voces de acompañamiento en este álbum, algo que todavía es bastante nuevo para mí. ¡Realmente disfruto haciéndolos en vivo! Las voces de Poss en este álbum son realmente fuertes, él realmente clavó para grabarlas.

hizo posible que casi cualquier músico grabara, mezclara y dominara su propia producción musical en casa. Has estado en ambos lados del mostrador. ¿Cómo ves este crecimiento de posibilidades del DIY? Hoy la tecnología ha avanzado tanto que Todavía me encanta estar en un gran el DIY que el punk impuso está más vivo estudio, con todo el asombroso equipo de que incluso en aquellos años. El "home hardware y la energía de la banda estando studio" tiene una calidad similar a la de todos juntos. Pero el avance en la tecnología los estudios de grabación. E Internet lo ha hecho más accesible para que todos The Stranglers y Joy Division, a Kraftwerk y Boards Of Canada, a bandas nuevas como Hookworms. Escucho mucho la BBC 6 Music cuando estoy cocinando, es genial para escuchar cosas nuevas.

puedan grabar por sí mismos a una fracción del costo. Así que supongo que eso está muy en el ethos punk original. Aunque escucho muchas mezclas de bandas bonitas, es por eso que monté un estudio en casa. Obtuve mucho trabajo ahora donde la banda se ha grabado a sí misma pero no puede hacer que las mezclas suenen como lo quieren. Todos nuestros registros se han realizado con un presupuesto reducido. Entramos en un estudio para grabar la batería por un par de días y luego todo lo demás se hace en mi estudio en casa. Pasé enero y febrero de este año con amplificadores y micrófonos en toda la casa, grabando bajo, guitarras y voces para el álbum y luego en marzo.

ensayar y tocar, lo que en la vieja industria discográfica era prácticamente todo lo que necesitan para ser buenos. Me encontré con algunas grandes bandas con buena música, pero no llegaron a ninguna parte porque no eran buenas en todo lo anterior. También es importante que consigas un buen publicista si puedes pagar uno. Nos conectamos con Shameless Promotion PR para este álbum y marcó un amplio mundo de diferencia, lo que nos valió reconocimiento en más de 60 países y nos abrió todo tipo de puertas. Consejos: elige a los jugadores de tu equipo con precisión y no tires tu dinero.

¿Qué planes tiene la banda para este año? El álbum acaba de salir y tratando de planear una gira por el Reino Unido para Hablando de las posibilidades que principios del año que viene y de ver venir a tenemos hoy en día, y pensando en la Europa. Entonces, si hay alguien con buenos situaciónactualdelaindustriadiscográfica, contactos para tocar en Europa, por favor que en términos de registros y libertades, póngase en contacto con nosotros. hoy los artistas han recuperado su propio dominio. ¿Qué piensas sobre esto? Y para finalizar esta entrevista y Es cierto que las bandas probablemente agradecerle por el espacio que nos ha tengan más libertad artística y financiera brindado, ¿le gustaría agregar algo para que nunca, y cualquiera puede subir pistas nuestros lectores? a Internet. La otra cara de la moneda es que Gracias por la entrevista Diego y por ahora las bandas tienen que ser expertas cualquiera que se haya tomado el tiempo de en grabación, mezcla, diseño gráfico, redes leer. Si miran nuestro álbum, ¡espero que les sociales, promoción, venta de su música en guste lo que hemos estado haciendo! línea, etc. Todo esto toma tiempo de escribir,

HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

LA MAGIA MARVEL UNA HISTORIA INTEGRADA DE MARVEL COMICS Y SU RELEVANCIA LITERARIA.

Por Gabo Rojo INTRODUCCIÓN “Discúlpenme por emocionarme demasiado, pero no puedo evitarlo. Cuando hablás sobre algo genial, tenés que estar emocionado. Y la gracia de los comics es que sean emocionantes, ¿no?” -Glenn Dressler, lector, en el correo de Master of Kung Fu #111

Hace 20 años, en junio de 1998, leí un comic que me cambió la vida: el número 467 de Incredible Hulk. Era una historia increíblemente oscura con la cual el guionista Peter David cerraba sus 12 años ininterrumpidos escribiendo la colección. En el número anterior, la esposa de Hulk, Betty Banner, había fallecido. Este número contaba todo lo que ocurrió durante los años siguientes. Es una escena en particular la que se quedó grabada en mi mente: Hacia la mitad del número, el alter ego de Hulk, Bruce Banner, está encerrado en un manicomio. En una ilustración que abarca dos páginas, se lo ve rodeado de casi todos los personajes de Marvel, tanto sus ocasionales aliados como sus antagonistas, todos productos de su imaginación. Y Banner, sonriente en su locura, les recita: “’My name is Ozymandias, king of kings: Look on my works, ye Mighty, and despair!’ Nothing beside remains. Round the decay Of that colossal wreck, boundless and bare, The lone and level sands stretch far away.” Se trata de las últimas líneas del poema “Ozymandias” de Percy Bysshe Shelley, escrito en 1817; un icónico poema del Romanticismo sobre la naturaleza efímera del poder. A los 13 años, yo no sabía esto-- francamente, ni siquiera entendía la muchas de las palabras. Pero hay algo en el poder de la escena y en la forma en que las palabras “the lone and level sands” reaparecían al final del número como título de la historia, que me fascinó inmediatamente.

Éste no es el uso más famoso de “Ozymandias” dentro de un comic Marvel. El honor se lo lleva Avengers #57, de 1968 (exactamente 30 años antes), por Roy Thomas, que fue también el primer número en el que apareció la Visión, un personaje fundamental en el desarrollo de Marvel. Pero eso lo descubrí mucho más tarde. Fue el número de Hulk el que me marcó a una edad temprana, el que despertó una pasión por la poesía y por la intertextualidad que hoy me persigue más que nunca. En el 2011 incluso escribí una canción llamada “The Lone and Level Sands”, una transposición del personaje de Ozymandias a un contexto moderno, que incorpora también líneas de comics de Roy Thomas. Y todo esto comenzó gracias a un comic. Un comic que era un comic y algo más que un comic. A esto me refiero cuando digo “la Magia Marvel.” Y a medida que seguí leyendo y metiéndome más a fondo en la historia de Marvel, me di cuenta de que lo que tenía de especial Hulk #467 no fue una rareza, una genialidad aislada, sino más bien una norma dentro de la editorial. “La Magia Marvel” es una historia cronológica de estos momentos mágicos. Empieza con el primer número de Fantastic Four en 1961 y termina con la reciente maxiserie de The Vision, culminación de más de 50 años de temáticas e intertextos, y protagonizada apropiadamente por el androide que fue introducido dentro de la continuidad de Marvel al mismo tiempo que el poema de Shelley. Como dijo el autor Joss Whedon en su introducción a Earth-X (un comic moderno que ofrecía una historia integrada del Universo Marvel): “es volver a contemplar a las historias tontas de nuestra juventud bajo la hastiada mirada del adulto, y darse cuenta de lo que realmente son: verdades necesarias y eternas.”

HOY: LO QUE ES SAGRADO (Parte 2) Steve Ditko, como vimos en el capítulo anterior, se marchó de Marvel al poco tiempo, pero Jack Kirby continuó algunos años más desarrollando su concepto de lo sublime, como si fuese una especie de Herman Melville de los comics . En las páginas de Thor, siguió desarrollando sus más grandiosos conceptos introducidos en FantasticFour, como Galactus y el “HIM” que emergió del caparazón, combinándolos con la ya rica mitología de la serie del Dios del Trueno. La (si nos lo ponemos a pensar, inevitable) batalla entre Galactus y Ego el Planeta Viviente en Thor #160-161 es tan grandiosa que es imposible que no recuerde a la de Eternidad y Dormammu. “For I am GALACTUS!!!” reza el Devorador de Mundos, “The BE-ALL and the END-ALL AM I!” Igualmente fascinante es una subtrama de corte personal; el romance prohibido entre el noble Balder y la villanesca reina Karnilla. La revisión del origen de Thor en el número 168 (noviembre 1968), que incluye las páginas originales de la versión de agosto de 1962, permite ver con claridad cuán increíblemente evolucionó la narrativa de Lee y Kirby durante esos 6 años. Explicaciones simplistas como las de antaño (un doctor encuentra un martillo mágico en una cueva y de repente se transforma en un Dios nórdico) ya no sirven: la intención es buscar las razones detrás de esto, hilar estas improvisadas explosiones de creatividad en una narrativa coherente y linear. Visualmente, el número de paneles por página fue disminuyendo, el número de splash-pages simples o dobles incrementando, como si el tamaño de los paneles hubiese aumentado en proporción a la cada vez mayor grandiosidad de los conceptos presentados. Grandiosidad que con el pasar de los números incrementa cada vez más. Las historias comienzan con créditos de la índole “producido en un paroxismo de pasión por Stan Lee y Jack Kirby”, pero esto dista de ser una exageración. En el número 166, luego de que la bella Sif, amada de Thor, fuese capturada por el infantil HIM, el Dios del Trueno es poseído por “La Locura del Guerrero”, una aflicción considerada criminal bajo la ley Asgardiana . La furia descontrolada que Thor expresa en las primeras tres páginas del número aún hoy día resulta aterradora. La Locura del Guerrero solo puede ser redimida, según el código de Odín, mediante el sacrificio. Thor es sentenciado a merodear el cosmos en busca de Galactus, vivenciando de este modo, al igual que la Antorcha en FantasticFour, su propio viaje trascendental. La nave de Thor es guiada por el Ojo de Odín: “Lo puedes comandar con apenas un pensamiento,” le explica a Thor su omnipotente padre, “Revelará los secretos el universo--vistas nunca vistas--- vistas que nunca habéis soñado!” Estos secretos resultan ser nada más y nada menos que el origen de Galactus, pues cuando el Devorador de Mundos permite que Thor lo encuentre, no desea pelea sino comprensión. “¡No es tu enemistad lo que busco--sino tu entendimiento!” El perturbado gigante le narra a Thor su propia historia marveliana de transformación terrible y aislamiento, casi citando al poeta romántico John Keats:

“Myheartis heavy--- and a great weariness now lies upon me!” La escala de la narrativa es ya tan épica que no puede sostenerse . Tras el “té con Galactus”, Thor regresa a la Tierra para protagonizar una serie de aventuras genéricas, con tramas mucho más infantiles y desprovistas del cast de personajes secundarios que se veían desarrollando. Sólo las salva la majestuosidad misma del personaje. Al igual que en los últimos números de Spiderman de Ditko, se nota que Kirby ya estaba planeando dejar Marvel y que su corazón estaba en otra parte. El Rey seguiría desarrollando su cosmovisión de lo sublime en DC Comics, pero este no sería el fin de su historia en Marvel. Mientras tanto, otros autores dejarían su huella durante estos años clave en el desarrollo de la editorial.

i En el capítulo 86 de Moby Dick, Melville, comunicándose con Kirby a través de los siglos, parece defenderlo de los detractores que lo han acusado de “hacer musculosos hasta a los árboles”: “En todo lo que es imponentemente bello, la magia se debe en gran parte a la fuerza. Quítale los atados tendones a la estatua de Hércules, que parecen querer estallar fuera del mármol, y se perderá gran parte de su encanto (…) Incluso cuando Angelo pinta a Dios en su forma humana, nótese la robustez.” ii El novelista Brandon Sanderson trabaja prácticamente el mismo concepto (bajo el nombre de “TheThrill”) en su reciente saga de fantasía épica TheStormlight Archive. iii Comparar con las líneas iniciales y el sentimiento prevalente del poema “Odeto a Nightingale” (“Oda a un Ruiseñor”) de Keats. iV ¿No pudo o no se quiso? En unas páginas inéditas recientemente descubiertas que había preparado Kirby para el número 169 (el último número de la saga de Galactus), Galactus decidía acompañar a Thor a la Tierra para “por una vez, salvar en vez de destruir”, y el Dios del Trueno lo aceptaba como aliado. La versión que se terminó publicando es drásticamente distinta: Odín interrumpe el teté-ateté de Thor y Galactus para decirle a su hijo que ya consiguió la información que anhelaba y devolverlo a la Tierra por su cuenta. No es descabellado sospechar que el cambio de dirección fue sugerido por Stan Lee, desmotivando a Kirby todavía más, y conduciéndolo a “vengarse” entregando las mundanas historias autoconclusivas de los números subsiguientes.

PROXIMO CAPITULO: "La Tirania de las Visiones"

[ Reseña de Jon Spencer - Spencer Sings The Hits por Diego Centurión. ]

EL REGRESO DEL HIJO REBELDE DEL ROCK ALTERNATIVO

Jon Spencer - Spencer Sings The Hits Label: In The Red Recordings Fecha de lanzamiento: 29 de Julio de 2018

El hijo rebelde del rock alternativo ha regresado para hacer que su figura vuelva a molestar a esos conformistas del rock. Jon Spencer después de "esconderse" en bandas como Boss Hog o Heavy Tracks, entre otros, se reúne con Sam Coomes y M. Sord para volver a poner su nombre por delante en este "Spencer Singapur The Hit". Conn la portada a cargo de Katie Skelly, ya empezamos a encontrarnos con el Jon que queremos. Los Blues Explosion fueron imitados pero nunca alguien pudo igualar el desenfreno sonoro perturbador de Spencer y Jon ha regresado para demostrar que el único rey del desenfreno siempre será él y para demostrarlo nos trae está artillería de doce canciones que destila crudeza y energía. El disco en vinilo negro y en cd, más la portada de Skelly, impresa en tinta negra, estará disponible exclusivamente en las fechas de la gira de julio / agosto de 2018. Sobre sus acompañantes en esta nueva aventura Jon dice: "Sam es alguien con quien me he cruzado muchas veces a lo largo de los años, siempre he sido un fanático de su estilo de teclado salvaje y su sintonía gifrica". "Conocí a Sord de muchos proyectos realizados en Key Club (Andre Williams, JSBX, y Boss Hog), él fue el operario y el ingeniero asistente que resultó ser un gran baterista". El álbum es una clase sonora de Garage Punk para que las nuevas generaciones entiendan que sus rebeldías que nos quieren vender ya fueron realizadas. Una mezcla subversiva de rock, blues y ciencia ficción, atestado de actitud punk, que termina martillando al adormecido rock y destrozándolo como lo viene haciendo desde varias décadas atrás. La energía de Jon Spencer ha regresado y viene, una vez más, a explotar las convenciones impuestas de lo que debe ser el Rock.

NETLABELS EL FUTURO AL ALCANCE DE UN CLICK

SIGLO XXI. Estamos ante un cambio de paradigma en la manera de distribuir y comprar música, las grandes compañías se aferran a viejos códigos y las estructuras comienzan a tambalear… pero esto no es nuevo esto pasa desde el nuevo milenio. Y los pequeños sellos han proliferando y una cantidad incalculable de bandas y artistas asaltaron las redes sociales para promocionarse. Como dije antes, la cantidad es incalculable e inabarcable, más si tenemos en cuenta que muchos artistas editan y lanzan sus productos independientemente. Si sumamos esto último la cantidad aumenta considerablemente. En el Universo de los sellos independientes, o que tratan de subsistir autónomamente podemos encontrar sellos especializados en estilos particulares de música y esto es lo que queremos mostrar en “Netlabels”. Pero lo queremos presentar desde sus últimos lanzamientos, con la idea de que el interesado busque y se entere de estos sellos o netlabels.

Hoy presentamos a la Netlabel:

SHORE DIVE RECORDS

Hoy presentamos al sello Shore Dive Records, manejado por Nicolas Pierre Wardell. Para que él mismo nos cuente sobre el sello nos hemos comunicado para que en sus palabras nos presente a Shore Dive Records. Hola Nico, Gracias por responder estas preguntas que nos servirán para presentar a Shore Dive Records. ¿Cómo y cuándo nació la etiqueta? Hace aproximadamente un año comencé mi proyecto Xeresa y lancé un álbum a través de Vesper Records. El propietario de Vesper Records, que permanecerá sin nombre, fue una figura prominente en los grupos shoegaze en Facebook. Ofreció lanzar mi álbum. Después de unos meses, se dio cuenta de que no era quien decía que era en absoluto, que estaba en libertad bajo fianza por posesión de pornografía infantil y por ir a la cárcel. Luego desapareció. Supliqué con bandcamp que me liberara de la etiqueta. No quería que mi música financiara a alguien como él. Eso me convenció de que realmente debería hacerlo solo, así que decidí comenzar una etiqueta. Principalmente para lanzar mis cosas, pero espero que otras cosas también. Así que la etiqueta comenzó en diciembre con el lanzamiento de 40 Moons Project de Beatastic. ¿Cómo resumirías el contenido de la etiqueta? ¿Hay un estilo musical que define la etiqueta? Creo que la idea es estar a la altura de las cosas que me gustan y me gustan muchas cosas, pero supongo que el ambiente principal es shoegaze / iindie / metal / dreampop / psychedelic / electronic etc... Si me gusta y la gente no parece ser un idiota, lo lanzaré.

¿Hay algo nuevo que estás a punto de lanzar? Hasta ahora hemos lanzado el álbum de Beatastic, que es yo haciendo todo, en una especie de estilo shoegaze / post punk. Were beast, que es una mezcla de punk / metal industrial de Nick Rocks. Un poco como Nailbomb / Slayer. Solo un single hasta ahora. The Mwydu from wales, un proyecto electrónico de Kelvyn Williams, todos los títulos de las canciones en galés. Eso fue un EP. El segundo álbum de Xeresa, que también es mi proyecto, hago el 95% de las pistas instrumentales y canto en un grupo de canciones, las otras presentan invitados musicales. El último lanzamiento es una colección de los últimos 4 EP de The Raft de Phil Wilson. Cocteau Twins / Stone Roses / The Sundays. Intentamos lanzar CD de edición limitada, hechos a mano. Y para finalizar ¿Dónde podemos encontrar al sello? https://shorediverecords.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/shorediverecords https://www.instagram.com/shorediverecords/ https://twitter.com/shorediverecord

BEATASTIC - 40 Moons Project Origen: Brighton (Inglaterra) Fecha de lanzamiento: 03 de Diciembre de 2017 BEATASTIC es un proyecto musical en donde el único miembro es Nicolas Pierre Wardell. Este álbum doble se inspiró en el estado del mundo en los últimos años y cómo podemos elevarnos y hacer del mundo un lugar mejor. Cómo podemos encontrar fuerza e inspiración en estos tiempos horribles.

Werebeast - Stop The Rot Fecha de lanzamiento: 07 de Enero de 2018 Este es el single debut de la banda punk / metal / equipo industrial Werebeast. 2 canciones alimentadas con veneno político. Todo realizado por Nick Rocks.

Mwydu - Ymyriadau Effeithiol Origen: Wrecsam (Gales) Fecha de lanzamiento: 14 de Abril de 2018 El EP se creó durante un período de cuatro meses y se concretó principalmente a fines de febrero y principios de marzo. La inspiración vino de los discos de hard rock de los 70 con ritmos adecuados, el ambiente de vivir en una pequeña ciudad costera donde no sucede mucho, la improvisación de ver lo que sucede cuando distorsionas el software de batería electrónica, líneas de bajo y atmósferas oscuras.

Xeresa - II Origen: Brighton (England) Fecha de lanzamiento: 16 de Julio de 2018. Xeresa es otroproyecto de Nico que mezcla ritmos electrónicos, glitchy, vocalistas invitados, guitarras shoegaze, guitarras limpias en una sintonía abierta F # Maj 7 inusual dando a las composiciones un distintivo, sonido abierto, líneas de bajo difusas y melodías de teclado.

89 The Raft - The Jellyfish E.P.s Origen: Neston (Inglaterra) Fecha de lanzamiento: 25 de Agosto de 2018 Phil Wilson ha estado grabando y actuando bajo el nombre de The Raft desde 2003. Influenciado por gigantes como The Stone Roses, The Beatles, My Bloody Valentine, Cocteau Twins, The Beta Band, The Sundays, Ride y muchos más ha grabado diez discos. y un puñado de EP como The Raft hasta la fecha. The Jellyfish es una colección de los últimos 4 EP de The Raft.

Pueden leer la entrevista a Phil Wilson en la página 34.

El Camino Desnudo

Por rubĂŠn Torres

Djakarta es el dueto que nos ofrece su primer disco lleno de sonidos delicados, invita al viaje interior como a un cruce de paisajes entre maravillas y naturalismo, gracias a una colección de pinturas musicales de una belleza inmutable y esencial… Explorando la melodía en su núcleo más sensible, nuestros dos artistas extraen tesoros inesperados de dulzura exquisita, melancólica y motivadora. Los franco-australianos Raphael y Tristan Stuart, también conocidos como Yakarta, es la banda con la que charlamos para esta edición, y la verdad nos alcanza con un primer EP homónimo, y al escucharlo, sentimos que han sido inspirados seguramente en viajes íntimos y que motivados por estos se hunden en el pop mas puro...en la maravillosa música universal. Ep Djakarta 2018

El intercambio musical de "Paranoid", sugiere los túneles de un mundo paralelo, ambos atractivos y extraños, en una claridad deslumbrante y tranquilizadora, la continuidad espontánea y los acordes de piano afirman y guían nuestros pasos en un laberinto instrumental tan virtuoso como embriagador."My Friend", un llamado a la amistad, así como al miedo a perder a aquel sin el cual nuestra vida ya no sería la misma, nos mueve con el dolor de coros intoxicantes y dolorosos, pero que no podemos resistir. Djakarta no se reproduce: progresa, a través de sus composiciones, pasando de un sentimiento a otro sin que parezca inapropiado o impactante. "Rising Tide" para nosotros el mejor tema, mira hacia el oeste hasta el desierto donde todo queda por construir, donde el agua pronto alimentará una tierra fértil donde algunos han perdido la esperanza; una contemplación cargada de ambición y voluntad, que continúa en la dinámica y baile "You and me", como si la creatividad de Djakarta no conociera límites, "On The Moon" escapa, vuela a nuevas alturas, incluso más allá, entre las estrellas, mientras que las letanías y seis cuerdas épicas y sensoriales se funden en nuestras mentes y nos arrastran con ellos. Cinco maravillosas canciones de presentación... Djakarta se parece a lo que es: estas melodías antiguas, estas historias nocturnas; todo se ofrece con corazón y humanidad, dejándonos admirados e hipnotizados por esos minutos de pureza y confesión. Cerra los ojos, libera tus sentidos y dejate llevar por la música pop pura, aérea y fugaz de Djakarta, una banda cuyas influencias incluyen Alt-J, Radiohead, Grizzly Bear y Tame Impala…pero que con este su primer Ep, caminan por si solos, y lo celebramos emocionados. Entrevista a DJKARTA

[ Entrevista a Djakarta por Ruben Torres. Fotografías: Lenita Visan y Mark Stuart. ]

DJAKARTA: PUREZA Y CONFESIÓN...

Se formaron en 2015, entre Francia, Australia y con sede en París... ¿quiénes son los que forman la banda y si pueden explicarnos un poco sobre ser una banda tan cosmopolita, es por eso que es un poco de cada uno lugar? La banda está compuesta por nosotros dos que somos hermanos, Raphael Stuart y Tristan Stuart. Siempre hemos vivido en París pero nuestro padre es australiano (de Melbourne). Vino a Europa para convertirse en pintor, escultor y conoció a nuestra madre en Francia... ¿Los músicos que componen Djakarta provienen de otros proyectos otras bandas en el camino? Sí, de "The Ankers" (2009 - 2012) y "The Wankers" (2006 - 2008) Djakarta que es un dúo, ¿toca en vivo? Si tocamos en vivo como un trío con un joven baterista talentoso y amigo llamado Robin Betelu. Hablando de su primer trabajo, EP Djakarta, ¿durante cuánto tiempo han madurado las canciones para ponerlas en el disco? ... ¿Y el álbum en sí es conceptual inspirado en letras íntimas? Nos tomó de uno (1) a dos (2) años encontrar el sonido, escribir y refinar las canciones. Luego fuimos a un sorprendente estudio llamado “Studio Saint Germain” en París y grabamos el EP allí con nuestro amigo Productor Stanislas Neff (que trabajó con bandas como HER, Polo & Pan, Lilly Wood & The Prick) El EP no es intencionalmente un álbum conceptual basado en letras íntimas, pero elegimos canciones que significaron algo especial para nosotros, ya que las palabras son una especie de salida para nuestros pensamientos y sentimientos ... y esperamos que las personas puedan identificarse con eso. Cinco son las canciones que componen este EP, este EP contiene canciones que estarán en tu primer LP? Y si es así... ¿cuándo editarías el nuevo trabajo? No creemos que el álbum contenga canciones del primer LP. Actualmente estamos trabajando

en un segundo EP que saldrá en 2019. Seguramente aquellos que conforman Djakarta tendrán diferentes corrientes musicales en sus gustos. Nos encanta Indie Pop Rock Music, pero también escuchamos Hip Hop, música electrónica y clásica. Nos inspiran bandas como Alt-J, Radiohead, Tame Impala, Grizzly Bear, Balthazar, Glass Animals, Junip. ¿Cómo ven el mundo de la música en esta evolución o es tan cíclico que pasan de malos a buenos momentos casi sin parpadear? Sí, la música siempre está evolucionando, la generación más joven está influenciada por lo que se ha hecho antes, tratando de hacerlo a su manera y, a veces creando un nuevo estilo musical, pero al fin y al cabo en es una cuestión de gusto. Que los compare con bandas contemporáneas como Portugal, the man u otros similares, les molestan o creen que la comparación dentro de la música es lógica? No conocíamos a Portugal, the man cuando grabamos el EP para ser honestos, pero no eres el primero en hacer la comparación. Tienen buenos temas y una producción musical en sus canciones increíbles como; Feel it still, Modern Jesus & Live in the moment. En París, hay movimientos musicales muy fuertes, de hecho, Francia marca el ritmo de la música a nivel mundial. ¿Vienes de uno en particular? Hay una escena electrónica de música pop en Francia que es grande internacionalmente, no especialmente de París sino también de Reims (Yuksek, The Shoes), Versailles (Daft Punk, Air). No creemos que nuestra banda pertenezca a ningún movimiento musical en París, pero hay una buena escena para Indie Pop Music con grandes salas (Supersonic, Pop up du label, Bus Palladium) y festivales (Rock en seine, Paris psychedelic Festival, Days Off festival, festival de mamá)

¿Dónde creen que estarán con la música y con Djakarta en los próximos cinco años? En los próximos cinco años, esperamos haber lanzado al menos otro EP y tal vez uno o dos álbumes. ¡Sería grandioso estar de gira por el mundo haciendo una verdadera vida con nuestra música! ¡Por supuesto que será un verdadero placer ir a tocar a Argentina, y muy felices de llegar a Buenos Aires! Gracias por la cordialidad y la música...

[ Reseña de The Swagger - Heart N' Soul por Benjamín York. ]

THE SWAGGER HEART N' SOUL (SINGLE)

The Swagger - Heart N' Soul Label: Self-Release Fecha de lanzamiento: 31 de Agosto de 2018

Si nos ponemos a buscar un enlace entre su anterior EP homónimo, que en su momento hemos reseñado, seguramente podremos encontrar alguna mínima relación con la canción "Show Gonna Blow My Mind", pero no estaríamos siendo muy justos, ya que "Heart N' Soul" tiene una melodía que abandona un poco el sonido duro y estridente de las guitarras filosas y las cambian por la melodía con influencias beatlescas o, si se quiere, sus hijos Oasis, hasta incluso de The Stereophonics. Pero también por la voz de Ian Brown de The Stones Roses o del mismísimo Brett Anderson de Suede. Pero es cierto que esté single tiene mucho más que eso. El dúo compuesto por los hermanos Paul y Lee Stevens, cuentan en esta oportunidad con Roger Malaquias en batería. El single es la primera canción que conocemos luego de un tiempo de silencio de la banda, sabemos que pronto vendrá un nuevo single, que aún no han grabado, pero sabemos que están por hacerlo. Sobre la canción Lee dice: "Quería escribir una melodía pop melódica indie pegadiza con grandes armonías con un toque de oscuridad. Prefería a una chica en ese momento y quería expresar lo que sentía por ella. La canción casi se escribió sola. La simplicidad era la clave. Esta es una canción de amor con un ambiente Kinks and Madness, escuchando a estas bandas que me han inspirado por muchos años". Y sí, hay un cambio sonoro, ¿para mejor o para peor? eso decídanlo ustedes, para nosotros es un apertura de una ventana nueva al mundo sonoro de naciente universo de The Swagger. Pulgar arriba.

https://www.entrepisosradio.com/ https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

Como parte de una nueva etapa dentro del Ciclo Entrepisos, del cuál hemos realizado muchos videos que pueden ver en nuestra página y en nuestro canal de YouTube, hemos empezado a producir unas sesiones en vivo dentro de nuestro reducto en donde tantas ideas han salido de excursión a otros lugares de Capital Federal. En esta nueva etapa con los inseparables Dynamo Visual, hacemos las cosas dentro de nuestra casa "El Montacargas Estudio". Esta es una crónica de lo que ha sucedido esa noche a cargo de las sensaciones de Pablo Müllner. Episodio 1: Flores de Sinaloa

[ Por Pablo MÃ¼llner ]

FLORES EN UN SUBSUELO DEL ABASTO Flores de Sinaloa, en Entrepisos Sesiones, El Montacargas Studio, Abasto, 30 de Julio de 2018

101 CALLES VIOLENTAS Son las nueve de la noche y en las calles del Abasto hace un frío infrahumano. Nada salva. Ni el abrigo, ni llevar un aguardiente encima. Solo por eso conseguir que alguien abra su puerta, es ya un acontecimiento digno de celebrar. Estaba en la puerta, pasando la contraseña para que se abra el Sésamo (esto es el estudio de Entrepisos Radio), desde afuera ya se oíanlos primeros golpes de una batería todavía helada. El camino era hacia abajo nomás. Una larga escalera de escalones cortos, como para rodar hasta el final y dejar de contar. Abajo las cosas ya empezaban ponerse menos desoladas. Había vino tinto como para precalentar y salir del entumecimiento. Y claro, ahí estaba Flores de Sinaloa. Cado uno en su mambo, hay que decirlo como es. Pero no por eso menos en sintonía. Al contrario, ya se notaban bastante sincopados. Afinando, tuneando, alineando instrumentos, quizá también los chakras de la zona media que dicen los que entienden es el lugar de donde surgen la creatividad y las artes. Hace cosa de un año había oído en vivo a FDS en el Lado B de Niceto y me había llevado una buena impresión. Esa fechaera un evento bien para “insiders” de la Movida Psicodélica (compartían escenario con Los Ácidos, Hurricane Heart Attacks y Nuvem Leopardo, la banda de Marcel Willou, trágicamente fallecido el año pasado). El recital para un recién llegado era como ponerse al día de una larga bibliografía a consultar. Y en ese sentido, FDS sonaban como la banda más “familiar” dando espacio a los literalmente recién llegados con “Llamador de Almas”, un tema bien rutero, una “jam” que invitaba a acercarse a los que aún distraídos, sin llamar la atención sino dando espacio a un pausado trance. Esa misma actitud me doy cuenta funciona entre ellos mismos, dejar que todos se vayan poniendo a punto y después salir a jugar el juego, como una buena troupe, un grupo de seis gitanos muy al estilo de los ensambles de los sesenta. Esos músicos que adoptan la ruta como un espacio propio, un lugar para habitar sin apuros ni un objetivo muy puntual.

SIT BACK AND ENJOY!

En la consola de sonido, estaban los cultores del ciclo Diego Centurión, Maxx Wild y Darío Martínez, poniendo un poco de orden y cauce a toda esa profusión de sonidos, ideas, idas, vueltas y mantras oscuros. Como explicaba el cantante y guitarra de Flores, Vincent, en un breve reportaje durante el ensayo: el nombre de la banda es una fusión de Las Flores del Mal, libro del poeta maldito Baudelaire y Sinaloa, una ciudad de México que es celebre por tener un importante Cártel de Metanfetaminas. Cosas familiares y al mismo tiempo, siniestras. Otra vez, me parecía (esto no lo mencioné aquella noche de Niceto), que quizá el elemento más unificador a nivel estético eran esas camisas con diseños Op Art, tan distintivas. Eso, y una buena forma de congeniar sonidos y estéticas tan diferentes: La Psicodelia de los Sesenta, claro, pero también el Kraut Rock, el Punk, el Garaje Rock, el Post Punk. Sobre eso podría ensayar largo, y sin ningún resultado, para entenderlo, lo mejor es darlesPlay y Escuchar. Todos esos elementos que parecen caóticamente arrojados al aire como en una pelea de egos y antojos adolescentes cuando la banda se pone a tocar cobran sentido y no parecenni capciosos, ni forzados ni barrocos. De ninguna manera. Otra vez: se configura la banda de personalidades al parecer antagónicas como una troupe que toma una Carretera Perdida de México y se pega un viaje de cuatro canciones, lisérgicas, voladas, pero también saludablemente terrenales, llenas de sabor a buena cerveza importada y exudantes de deseos vitales. Cuando uno quiere darse cuenta, ya está sumergido en el ambiente que crea Flores de Sinaloa.

FLORES EN EL AIRE

Esperaba oír “Síndrome de Otro Lugar” para arrancar,que para mí es un“tema signatura” de FDS, melancólico y animado a la vez, fusionando lo acústico con lo eléctrico en un medio tiempo supersónico, que recuerda el fabuloso sonido de guitarras de “Show Your Bones” de Yeah Yeah Yeahs, pero sin tanta ansiedad, con menos presionespor cerrar una canción de tres minutos.Para abrir en cambio vino, vinieron “Esos Ojos” que sigue en ese mismo espectro de sonidos (acústicos, eléctricos, psicodélicos, folkies, garajeros) pero los profundiza aún más. La banda arranca reluciendo esas guitarras tremolo que, por lo espaciadas e inquietantes, nos hacen sentir en una roadmovie vía David Lynch (Corazón Salvaje, perfectamente). Con un detallismo precioso donde se puede hasta escuchar el cascabel de la serpiente que ondula a varios metros del camino. Sin saber nada de cine uno quisiera meterse de lleno en ese sonido mientras aspira el aire frío de la ruta y la flashea viendo figuras fantasmagóricas bajo la luz de la luna. “Cegado por la sangre”, el segundo tema, continua el camino por ese escenario, bajo esa luna. No es una luna dulce, es demente ycavernosa como una calavera llena de golpes. Los teclados circulares cargan la atmósfera de una locura paranoide. Las letras pronunciadas con sutileza nos enfrentan a preguntas existenciales como: ¿De qué habrá muerto el muerto? ¿Y quién mató está Laura Palmer? La tercera canción, “Velas Rojas” brilla, se derrite, deja un agua plateada a los pies, precisamente como las velas (rojas) que los muchachos encienden en torno a los objetos ceremoniales de Leon Kowalski, percusionista y gurú carismático del grupo. Un grito gutural de Vincent parece la contraseña para que toda la banda despegue en un instrumental largo y poderoso… Finalmente, con“Humo del Sol”, FDS exhibe sus raíces bluseras más sanguíneas, recién desenterradas, parece un blues cósmico y al mismo tiempo un saludo al sol que se repite como mantra en un estado bastante fisurado. Lo mejor de todo es que recrea en el espacio una energía totalmente positiva, un deseo de seguir enraizado a la vida y afilados para el nuevo amanecer.Las alfombras persas, las proyecciones, hacen un templo perfecto para ese hogar que no deja de ser la ruta misma que queda zigzagueando tranquilamente, como una proyección, incluso cuando Flores dejan de tocar. Para ese momento, se me ocurre otra posible influencia no tan obvia, pero si persistente, es la de Ry Cooder y sus soundtracks para el camino, apacibles pero llenos de cactus. Reverberantes, como una migraña de buen tequila. Sí, creo que esto va a funcionar. Canciones: “Esos ojos”, “Cegado por la sangre”, “Velas Rojas”, “Humo del Sol” Flores de Sinaloa son: León Kowalski (percusión), Máximo Disfrute (Bajo), Fausto Stoneich (batería, percusión y voces), Marcellus Von Lares (guitarras), Pity Lalla (sintetizadores) Vincent Van Fläuers (guitarra y voz)

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DE CANCIÃ&#x201C;N + BANDA

[ Por Diego Centurión ]

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Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias. Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda. La llamamos "De Canción + Banda". Punk 1977. Una de las bandas pioneras del punk rock The Vibrators se formaron en 1976. Participaron del icónico “100 Club Punk Festival”, junto a bandas como The Damned, Sex Pistols, The Clash, y Siouxsie & The Banshees. Fueron asiduos participantes del Roxy Club de Londres. En 1977 fueron la banda que acompañóa Iggy Pop en su gira británica. Luego firmaron con Epic Records. Y en junio de ese año lanzan bajo la producción de Robin Mayhew, quien fue ingeniero de sonido de la Gira de Ziggy Stardust de David Bowie. Mimados por John Peel quien les hizo grabar tres sesiones entre octubre de 1976, junio de 1977 y febrero de 1978. “Pure Mania” es el álbum debut y 17 años después de su lanzamiento, la Enciclopedia Guinness de la Música Popular nombró al álbum como uno de los 50 mejores álbumes de punk de todos los tiempos. Uno de los tracks de este álbum se llama "Stiff Little Fingers" y eso les sirvió a la banda del norte de Irlanda para adoptar el nombre para su banda de punk rock. Jake Burns, Henry Cluney, Brian Falloon y Gordon Blair, después de llamarse como la canción de Deep Purple, “Highway Star” y de ver un show de The Clash, deciden hacer versiones de bandas punks, y elijen el de la canción de The Vibrators para nombrarse. Después de un par de singles y de un cambio de bajista (sale Gordon Blair y entra Ali McMordie), graban y editan su primer álbum “Inflammable Material”. Ambas bandas continúan hoy en día. Los Links a las bandas: The Vibrators: http://www.thevibrators.com/ https://www.facebook.com/thevibratorsofficial/ https://www.reverbnation.com/thevibrators Stiff Little Fingers: https://www.slf.rocks/ https://www.facebook.com/StiffLittleFingers/ https://twitter.com/RigidDigits

TROPICA OBSCURA

[ Entrevista a Camilo Alfonso por Alejandro Cenizacromada. ]

BAILA EL MURCIÃ&#x2030;LAGO

Aún recuerdo a finales de la década pasada cuando muchos amantes de los sonidos oscuros nos dábamos cita en un foro argentino llamado Dark Side music. Ahí muchos melómanos procedentes de diferentes partes de Latinoamérica compartíamos gustos por la música underground. En ese lugar supe de otro colombiano inquieto que buscaba consolidar a través de sus escritos en el blog ya desaparecido Etterna, bandas de corte gótico en Colombia. Un país que a mi parecer continúa teniendo una escena que hasta ahora crece. Camilo Alfonso ha permanecido fiel a su convicción de construir escena y es el mentor de un equipo de trabajo llamado Bat Beat. Ahora Camilo también hace parte de un proyecto musical llamado Antiflvx, como programador al lado del señor Leonardo Jaime, una figura importante dentro de la escena siniestra colombiana por su proyecto de EBM, Resistor y su banda de rock gótico, Circo del luto. La escena siniestra hasta ese momento (más o menos año 2008) estaba un poco difusa, había espacios como Abnocto, pero no había una intención de consolidar una escena. Tras la fundación de Bat Beat como una marca que comenzó como un colectivo de diferentes artistas bajo la iniciativa de Camilo, terminó siendo el trabajo de dos personas: Leonardo Jaime y Camilo Alfonso. Esta dupla a punta de tesón, han traído artistas tan importantes como Clan of Xymox y Eyaculación Postmortem a Colombia, y su logro más reciente ha sido el traer a uno de los grupos más importantes de Synthpop en el mundo, la banda alemana And One, quien ha dado un espectacular concierto en Bogotá. La razón de esta entrevista también es por la serie de compilados Lets go bats, que iniciaron en 2009 y para este año 2018 va por su sexta versión. Una serie que recopila sonidos siniestros en todas sus variantes de artistas colombianos (Darkwave, Post punk, Goth Rock, Industrial, Death rock entre otros) La primera edición fue reseñada nada más y nada menos que por el periodista No 1 de la escena siniestra mundial, el inglés Mick Mercer responsable de compilar discos clásicos para Jungle Records como Gothic Rock (Stygmata Martyr) y Gothic Rock II (Out of the 80s, Into the 90s), y escritor de libros como The Black Bible. Esta es una entrevista con Camilo Alfonso de Bat Beat mentor de esta genial iniciativa, así que comencemos:

Hola Camilo, gracias por compartir tu tiempo con Revista The 13th, como primera pregunta quisiera saber ¿Ves de una manera prometedora el futuro de los sonidos siniestros en Colombia? Gracias a ti por la invitación, yo considero que, si hay un futuro prometedor, aunque esta movida se ha caracterizado por oleadas de talento que luego parecen aplacarse, nunca había visto o sentido que hubiera tantas personas interesadas y haciendo sonidos siniestros en este país al mismo tiempo, por lo que soy optimista en ese sentido y creo que puede marcarse como un gran momento para la movida.

hay artistas que han dejado de hacer música. ¿Qué crees que afecta que la carrera de muchas bandas termine? Hay muchos artistas que tienen proyectos muy interesantes pero que desafortunadamente con el tiempo los dejan atrás, en mi opinión sucede porque es muy difícil dedicarle el tiempo necesario, debido a que cuando creces y comienzas a tener obligaciones y a ser presa de un sistema donde vivir del arte es realmente difícil, entonces para sobrevivir debes sacrificar gran parte de tu tiempo, relegando la música o similares a un segundo plano, de igual manera sucede con las bandas pues es difícil en esta escena mantener una estabilidad entre los miembros, pues cada uno tendrá que buscar mejor ¿Qué te motivó a sumergirte en suerte, es algo con lo que muchas esta música? ¿Qué es lo que te bandas deben luchar. inspira a seguir? En algún momento de mi vida, pasados ¿Cuál ha sido tu mejor recuerdo, o los 14 o 15 años me interese mucho por algo que te llene de satisfacción de la música y conocí bastantes cosas que tu trayectoria al frente de Bat Beat? me gustaron, pero no fue sino hasta Hay muchos recuerdos gratos y descubrir el rock gótico con bandas momentos que atesoro que se han como The Cure, Bauhaus y Sister Of logrado gracias al trabajo en Bat Beat, Mercy que sentí que realmente estaba uno de ellos fue haber logrado ver a enganchado y creció una pasión Clan Of Xymox en directo en Bogotá, diferente en mí, encontré algo que pues es una de mis bandas favoritas era diferente a lo que escuchaban la de siempre, haber trabajado en la mayoría de mis compañeros y amigos gestión del concierto en mi país, haber en cuanto a las letras, estructura y compartido algunos momentos con la todo lo que me transmitía, así que banda y cuando los ves en escenario, te estoy me causo aún más curiosidad; motivan y te hacen pensar que valió la con el tiempo lo que me ha inspirado a pena tanto esfuerzo por esos instantes continuar es encontrar otras personas de felicidad. con esta pasión y ver como entre todos podemos lograr espacios y momentos Alguna vez sacaron un disco en únicos, también el hecho de intentar físico autografiado por diferentes dejar alguna huella en esta movida bandas para rifarlo a un fan. ¿Has haciendo lo que me gusta. pensado sacar una edición en físico de Lets go bats? Hetenidolaoportunidaddehacerun Si, en aquella ocasión surgió la idea seguimiento a todos los compilados de hacer algo especial y único, y hemos Lets go bats y desafortunadamente tenido esa idea presente, es un tema

que hay que coordinar con las bandas participantes pues no queremos utilizar ningún material sin autorización, con el formato actual sería un disco doble, por lo que tendríamos que evaluar opciones, es posible que en el futuro se republiquen Lets go bats anteriores o se creen nuevas compilaciones en físico, ya sea con un sello o alguna auto producción, esperamos poder concretar esta idea en un futuro. Entre los proyectos que ha hecho Bat Beat ¿Que banda o artista te gustaría poder traer? Uff hay muchísimos proyectos y bandas que me gustaría poder escuchar en directo en nuestro país, por mencionar algunos que tengo en la mente en este momento serian: Lebanon Hanover, VNV Nation, Peter Murphy, Neue Strassen, London After Midnight, Laibach, y todas las bandas que iban a venir al Bat Beat Festival, entre otras más que seguro se me escapan ahora. De todos los artistas colombianos que han salido en los compilados Let’s Go Bats, menciona cuales recomendarías y ¿porqué? Difícil elección pues todas ha tenido su mérito para participar, sin embargo mencionare bandas que aun estén activas y que aun podamos seguir, una de ellas es El viejo matadero, esta banda desde que al conocí le tome un gran aprecio por su gran calidad, Los últimos romantikoses otra de las bandas importantes que ha participado en las compilaciones ya un referente del post punk colombiano, Los Malkavian, la procesión de lo infinito, son bandas relativamente nuevas y que no hay que dejar de escuchar, también hay que prestar atención a ElaMorTe (thequestion) y circo del luto que han

estado presentes en la historia de la compilación con excelentes aportes ¿Qué se viene a futuro para Bat Beat? Bueno seguiremos apoyando y difundiendo los sonidos y los proyectos colombianos, continuaremos realizando algunas fiestas y toques esperando crear experiencias únicas en cada una de ellas, también queremos incluir de una manera más efectiva otro tipo de actividades como charlas, cine foros, y diferentes espacios más allá de la música o que converjan en un mismo espacio, así mismo si tenemos oportunidad de gestionar eventos o conciertos trabajaremos en ello. Bat Beat hace periódicamente fiestas temáticas alrededor de los subgéneros de música siniestra (EBM, Goth Rock, Post Punk) ¿Hay algún evento en particular que recuerdes con cariño o te gustaría hacerlo más seguido? Particularmente me gustaría hacer con más frecuencia las Bat Beat Party, que son fiestas que incluyen un par de bandas o proyectos en vivo, también hacer más de “el ritmo del murciélago” pues es una fiesta diferente que disfruto mucho y que tiene gran potencial para exponer música en nuestro idioma, seguramente vendrán más así como las más nuevas como Totentaz que es un espacio pensando en el darkwave, folk, y similares. Veo que en el portal de Bat Beat aparte de los compilados LGB, hay material para libre descargas de bandas como Jester La Juste o Violetas ausentes, algo que ha funcionado como una especie de sello disquero virtual. ¿Han pensado en sacar más material de ese tipo

enfocándose en el demo o EP de alguna banda en particular? La idea de compartir ese material era de poder hacer más fácil de encontrar los proyectos colombianos o latinoamericanos que tuvieran material de libre acceso, durante algún tiempo nos hemos planteado la idea del sello, de hecho durante algún tiempo hemos hecho algunas pruebas piloto llamándolo Bat Beat Records, y hemos aprendido algunas cosas de este ejercicio, aunque sinceramente nos ha faltado algo de tiempo para poder hacerlo realidad, es posible que lo fortalezcamos de la forma que mencionas, es decir virtual, ya veremos que sucede, espero poder sacar tiempo para ello. He visto que te encanta ese sonido genuino del Rock gótico vieja escuela. ¿Podrías por favor recomendarnos música para escuchar? Si, como te mencionaba fue la música con la que inicie mi aventura en estos sonidos, en este momento les recomiendo escuchar Angels Of Liberty, Then Comes Silence, Christine Plays Viola, Plastique Noir, Merciful Nuns y por supuesto el álbum debut de La Procesión de lo Infinito. ¿Cómo ha sido la experiencia de ser programador en un gran proyecto como lo es Antiflvx? Ha sido una gran experiencia y un proyecto en el cual me siento muy cómodo pues el sonido del proyecto es uno en el que estaba pensando hace un buen tiempo, y ahora con la oportunidad que se ha abierto pues estoy muy

contento, en poco tiempo hemos tenido momentos muy gratificantes, vamos paso a paso, y trato de poner lo mejor de mí en cada presentación, realizar aportes que muestren un poco de ese sentimiento y amor por estos sonidos, además existe una gran relación con Leonardo, líder del proyecto y eso nos ha permitido hacer que las cosas surjan de una mejor forma en el momento de trabajar con antiflvx pues es algo que se disfruta hacer. Regresaron hace algún tiempo de tocar en Perú en un reconocido festival en Lima llamado circuitos oscuros ¿ves mucha diferencia entre la escena Post punk en Lima a como loes en Bogotá? Cierto, fue una gran experiencia y quedamos enamorados de Perú; Toda la onda new wave y post punk en el país vecino tiene una gran historia y en ese sentido es más amplia que la colombiana, pues ha tenido más bandas y un público un poco más conocedor de estos sonidos, aun con ello en la actualidad nuestras escenas se parecen en el sentido que ya hay una nueva generación que está llegando a esta movida y esta ansiosa de conocer nueva música, esta nueva ola es común en latino américa, aunque Perú no tiene tantas bandas vigentes en la actualidad (quizás pueda equivocarme), las que hay son de gran calidad, considero que es un público exigente por su misma historia musical, y cuando escuchas buenos comentarios de ellos frente a lo que haces es bastante alentador, otra diferencia que encontré es que en mi impresión el público está más dispuesto a invertir en adquirir música, desde vinilos hasta DCs.

[ Por Laura Palomino. ]

LARGA NOCHE CON HUMAN TETRIS EN EL FESTIVAL ANSIA 2018 Human Tetris en Festival Ansia 2018, en Asilo, 23 de Junio de 2018

Human Tetris es de esos grupos que logran conectar con el público a través de su energía al momento de tocar. Un ukelele azul, luces rojas, pedales y stickers pegados a las paredes: la suma de tiempo y espacio que se vivió el pasado viernes 1 de junio en Asilo Bar. Para ser sincera, fue la segunda vez que escuché a Human Tetris; la primera había sido el día anterior en YouTube por recomendación de primera mano y sin dudarlo, asistí.

Llegué aAsilo a eso de las 8:30 p.m… bastante temprano. Me acomodé junto a la barra y pedí un par de Poker mientras sonaban mezclas, algo de The Cure, Motorama, Joy Division, La femme, Violent Femmes, New Order. Había proyecciones al estilo del ballet mecánico, con las influencias dadaístas y surrealistasa la orden. La gente llegaba por grupos directo a los sillones, la pista de baile se llenaba poco a poco. Me levanté de la silla a mover el esqueleto y a sumergir mi cabeza en estos sonidos, que aunque conocidos, me generaron nuevas sensaciones. Más entrada la noche el espacio se llenó con los sonidos rasgados y rebeldes por parte de la banda Sinestësicos, junto con las distorsiones y máscaras de la agrupación Sadkó, cuota colombiana de la noche de ANSIA: Festival de Post punk y melodías oscuras. Para su segunda edición, el Festival apostó al talento nacional e internacional contando con bandas como: Antiflvx, Espinoza, Vltra Delta Drive de Bogotá e INSTITUTE (Austin, Texas/USA), RAKTA (Sao Paulo, Brasil), Void Vision (Filadelfia, USA). A eso de la 1:00 a.m. entraron tres hombres y una mujer, acompañados de varias personas con camisetas negras, maletas e instrumentos. Arvid Kriger (voz, guitarra), Tonia

Minaeva (voz, teclado), Maxim Zaytsev (bajo), Ramil Mubinov (batería), empezaron la noche con uno de sus temas más conocidos: Things I don’t need. La voz de Arvid tuvo una fuerza sólida durante el evento, junto a la apacible presencia de la voz de Tonia. La cercanía del escenario al público permitió que el concierto se sintiera más como una sala de ensayo en el que dejan entrar a muchas personas, quienes cantaron canciones como Cold wind, y bailaron al ritmo de Summer in Crimea del álbum Happy way in the maze of rebirth. Siguieron con material de su más reciente proyecto, Memorabilia lanzado en 2018, del cualresaltaron temas como Long flight, cuyo nombre parece hacer una oda al propio álbum en el que, tanto las melodías como la métrica, introducen al oyente en un viaje musical. A mí parecer, hay un punto de inmersión en el que las canciones no se diferencian una de la otra, pues están muy ligadas y trabajadas en cierto orden a lo largo del álbum para crear una experiencia, que puede ser personal (oyendo esto en la sala de la casa, o en un avión) o colectiva (en conciertos, toques, sesiones). El pogo estuvo presente con canciones como Ugly night y Warmmemory, versionadas en vivo de una manera diferente al álbum, con un sonido estridente y ruidoso

(en el buen sentido de la palabra). Éste se podría decir que fue el momento clímax de la noche, una banda rusa tocando en un bar de Teusaquillo, en Bogotá, a cientos de colombianos (y uno que otro extranjero), el público alzando a personas en la multitud, moviendo los brazos a destiempo, otros a tiempo, pues realmente eso no importaba, cada quien bailando a su manera, cantando sus propios lyrics, en resumen sintiendo la música. Es valioso que festivales independientes como ANSIA, inviten a bandas de otras latitudes con las cuales se amplíe el panorama musical de aquí para allá, y se generen nuevos puentes de comunicación para el arte local y global.

[ ReseĂąa de "Blume - Ashes" por Franco Colombo. ]

BLUME ASHES

Blume – Ashes Label: WTII Records Fecha de lanzamiento: 04 de Mayo de 2018 El trío italiano BLUME regresa luego de una larga espera. Sus antecesores: Rise From Grey (2010) y Autumn Ruins (2013) y ahora cinco años han pasado para que llegue "Ashes", realmente no nos defraudan en absoluto. Un álbum con un sonido potente y maduro, predominando las melodías sintéticas futurepop (cercanas al trance) pero sin perder ese toque darkwave que los caracteriza. Iron age da comienzo al álbum de 10 excelentes canciones, seguido de Scarlet y Blackening, su corte adelanto 2017. Los beats no bajan los 130bpm, imposible no dejar de moverse en los primeros 20 minutos del disco. Llega el mejor momento del disco con la hermosa canción Fade Away, la más cercana en calidad sonido a sus antecesores, y sin dar tregua Desolation Road nos lleva hasta el fondo de un mar de melancolía, un futuro hit. Astutos en incorporar un interludio nos dan respiro para retomar el ritmo frenético con Ajax, Nightmare y Spleen. Se despiden con Ideal, mostrando una cara más electro rockera con un denso sonido mezclado con arpegiadores de sintetizador y muchísimas ganas de que pronto regresen con más música.

The13th U NA R EVISTA IMA GINA RIA