Revista The 13th N° 49 by Revista The 13th

AÑO: 5 | NÚMERO 49

THE 13th UN A R E V IS TA IM A GINA RIA

STAFF Septiembre 2018 ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO DIRECCIÓN GENERAL [ Departamento de Música ]

Diego Centurión

Alex Bretto

[ Departamento de Literatura ]

REALIZACIÓN Y DISEÑO

Benjamín York

Pablo Ravale

Diego Centurión.

Darío Martinez

Franco Doglioli

Diego Centurión TRADUCCIÓN

Gabo Rojo

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Müllner

Maxx Wild

Diego Centurión,

Pablo Müllner

ARMS.

PORTADA

Franco Colombo

Pablo "Mambo" Rivas

ARMS

Rubén Torres [ Fotografía ]

Jefe de Departamento de Colombia: César León Jefe de Departamento de Literatura:

[ Departamento de Colombia ]

Lily Moonster

Alejandro Cenizacromada

Fabián Resakka

Bernardo Jiménez Mesa César León

Pablo Ravale. Jefe de Departamento de Música:

Natalia Storm

Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Kazeria, Fer Azpoo, Gabriel Boccanfuso, Chess Boughey, NicolásCastello, Marselle Hodges, Tom lugo, Aldo Bernuzzi, Gurdy Pérez Ruiz, Billy Tequiero, Phil Wilson, Daniel Land, José Navarro

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Pronto Novedades...

ÍNDICE

FRONT LINE ASSEMBLY NICHOLAS MERZ

RE-WIND

28 BLOODBATH

MAGIA MARVEL

TYPE O NEGATIVE

THE FANTHOMLESS MASTERY

BLOODY KISSES

MUSIC CORNER

50 SULPHER

SEASURFER

DAVID J

NO ONE WILL EVER KNOW

HORACIO

COCTEAU TWINS

NUEVATEMPORADA

BLUE BELL KNOLL

ARDILLA

PALABRAS EN LA ARENA

? HIDDEN TRACK

VICTORIA REAL

LOST CHOCOLATE LAB

TOMBSTONES IN THEIR EYES

KILLING JOKE

NOTHING HERE

104

102

MELOTRON

PARADISE LOST

FÃ&#x153;R ALLE

108 SKINNY PUPPY VIVISECT VI

[ Reseña de Front Line Assembly - Re-Wind por Franco Colombo y Kazeria. ]

20 AÑOS DE UNA KAZERIA SONORA QUE NO PASARÁ DE MODA

Front Line Assembly - Re-Wind Label: Metropolis Records Fecha de lanzamiento: 17 de Agosto de 2018

En esta ocasión tengo el agrado de compartir un review con un invitado especial. [S], es el artista detrás del proyecto industrial/marcial/dark ambient de producción Argentina llamado: Kazeria. Quien desde el año 2008 ha cosechado varios álbumes por reconocidos sellos europeos como Skull Line, Gradual Hate y el local Twilight Records. Su sonido con alto contenido épico, de marcha imperial y símbolos del ocultismo han sabido captar la atención de sus seguidores alrededor de todo el mundo. Nihilist Militant, su última producción del 2017 engloba sus primeras exploraciones en el dark ambient, el cual se puede adquirir en formato CD digipack en una interesante edición limitada (incluyendo una máscara de gas) editado por el sello Gradual Hate Records (España).

Leeb –para ese momento único miembro originario del grupo- convoca a Chris Peterson a sumarse para FOTW. Peterson es un viejo conocido; había toureado con FLA en las giras de “Caustic Grip” y del sublime “Tactical Neural Implant” a principios de la década de 1990. Leeb y Fulber siempre desarrollaron con éxito, tanto en FLA como en sus spins-off (Noise Unit, Delerium, Synaesthesia, Intermix, etc.), las ideas propias, en eficaz coherencia con el sonido del mainstream y de la escena electrónica alternativa del momento. En la década de 1990 esa dinámica se tradujo en la incorporación de guitarras pesadas, como en Milennium (1994) y después en Hard Wired, a tono con la emergente escena industrial/metal; pero también en una orientación bailable, sobre Los dejo en manos de la Kazeria a FLA: todo a partir de la segunda mitad de la déEn 1997 Front Line Assembly (FLA) edi- cada, incorporando elementos del Tranta su decimosegundo álbum: “FLAvour of ce, Acid, Rave, IDM y del Trip Hop. the Weak”, algo así como “El Sabor de los Débiles”. En 1998, la banda editará “ReFOTW plantea un cambio de orientación Wind”, disco doble de remixes propios y que abandona las influencias industrial/ ajenos del material de FOTW. Este año se metaleras de Milennium y electro-apocacumplen dos décadas de su lanzamiento. lípticas de Hard Wired, para explorar aún FOTW es un disco muy diferente a su mo- más ese lado bailable. El disco está plaganumental y poderoso predecesor -Hard do de poliritmia; de patterns y loops basaWired (1995)- por diversas razones. dos en el jungle y el breakbeat. Algunos Fulber no participa ni del proceso creati- tracks, como “Evil Playground” y “Predavo ni de la grabación por encontrarse em- tor” (que cierra la obra) apelan a flirteos barcado en otros proyectos. Tampoco en- con el Trip Hop en clave oscura y atmoscontramos a Greg Reely, histórico técnico férica. de mezclas de FLA. El disco suena mucho más rústico que

su predecesor. Hay un componente “inyour-face” en la composición y mezcla, con mucha menos atmósfera que en Hard Wired y con los sonidos machacando en primer plano, resaltando la percusión, las líneas de bajo (más ácidas que estrictamente EBM) y el extremo y agresivo empleo de filtros de generador de envolvente. El producto final puede sonar algo hueco o vacío, aunque pulsante; una aproximación minimalista ante la complejidad casi sinfónica del álbum previo. La voz de Leeb, hiper tratada con efectos, oscila entre líneas melódicas, el recitado robótico y deslices hacia el hip hop. FOTW tiene elementos típicos y reconocibles de FLA: tonos menores, acordes ominosos, líneas de bajo amenazantes, oscuras cuerdas sintéticas y colchones (pads) que destacan en “Corruption”, seguido de “Colombian Necktie” que nos recuerda -aunque menos potente y agresivo- al fenomenal Plasticity (1996); y luego en “Evil Playground”, un crossover ambient y exótico entre FLA, Delerium y Synaesthesia. Incluso hay algunos destellos electro-pop en “Sado-masochist” y en el veloz y bailable “Life=Leben”.

ganando en una orientación más “electro” mientras mantienen los clichés de FOTW: lo bailable, ácido y trabado de sus bases. Posiblemente, estos remixes sean lo que debieran haber sido sus originales, para que FOTW hubiera evitado transformarse en el disco más bien débil que parece ser. La segunda parte “Re-Wind” es la más interesante: los remixes operan sobre seis de los ochos temas originales de FTOW, incluyendo dos versiones de “Comatose” a cargo dos de bandas tan significativas como diferentes; Front 242 y Eat Static. En el primer caso, se trata de un ataque veloz, mayormente instrumental, lisérgico y fuertemente bailable. En el segundo, el acercamiento es mucho más “tripero” y ambiental, pero con una cualidad ácida y sin abandonar el territorio del Trance, propio del entonces dúo británico. El remix de “Predator” a cargo de Collide está en algún punto entre el FLA de ese período y el ambient/world music de Delerium. Se luce una voz femenina, hipnótica y esotérica. Quizás esta pista es la que representa mejor al sonido de la época, como una síntesis de varios estilos que tanto FOTW como “Re-Wind” pretendieron englobar. Sin dudas, es uno de los puntos fuertes del disco. Por su parte, “Re-Wind” contiene una Las versiones de “Evil Playground” (lenprimera parte con remixes de Leeb y Pe- ta en su original) y “Colombian Necktie”, terson, ahora asistidos por el histórico en manos de Chainsaw y Cydonia respecReely, sobre cuatro pistas de FOTW: “Pre- tivamente, se encuadran en el Psy-Trance dator”, “Life=Leben” (“Life” para la oca- corriente de la segunda mitad de la décasión), “Colombian Necktie” y “Comato- da. Sin ser originales, resultan en asaltos se”. Las otras tres pistas de esta primera potentes, veloces, bailables y bastante sección no están incluidas en FOTW: “Afsombríos. termath”, “Electrocution” y “Oblivion”, “Life=Leben” es un ejercicio de deconsaunque sus estilos respetan el canon de trucción operado por Kalten Forben: el ese disco y bien podrían haber sido par- electro veloz y oscuro del original, muta te de él. en loops erráticos, en territorio breakbeat Los remixes de FLA a priori suenan más con un trasfondo ácido y pulsante en la abiertos y sofisticados. Son versiones vena de The Chemical Brothers, DJ Shamás barrocas y atmosféricas, alejándose dow o Josh Wink. del minimalismo de sus originales -la exEl álbum cierra con “Auto Erotic” de la perta mano de Reely se nota claramente- y mano de Fini Tribe. Una interesante ver-

sión que combina de forma efectiva un Trip Hop degradado y lo-fi, nuevamente ese ingrediente lisérgico que parece atravesar a todas las versiones del disco, y un destacable tratamiento de la voz de Leeb. La pista deja una sensación inquietante y terminal, adecuada para un final que haga justicia a un disco de FLA. FOTW y “Re-Wind” se relacionan en base a contrastes. Si bien el segundo es superior al primero en tratamiento sonoro, ideas, solidez y originalidad, ambas ediciones representan al vínculo forjado entre el estilo propio de FLA y las tendencias de los tardíos noventas. Son discos insoslayables para seguir la evolución de una de las bandas pioneras y fundantes de la electrónica alternativa, que hasta hoy influye a muchísimos artistas y de la cual, en este sentido, me considero tributario y discípulo. [S] Kazeria se estará presentando por primera vez con un show en vivo el jueves 15 de noviembre en Mvseo Rock, junto a la visita Mortiis en el marco de su mini tour por Sudamérica. Podes encontrar más información acerca de Kazeria en su sitio: http://kazeria.bandcamp.com/ Remember, it is hunting time.

[ Entrevista a Nicholaz Merz de Darto por Diego Centurión Fotografías: Matt Burink y Gordon De Los Santos. ]

SOY UNA PERSONA DE PERSONAS

11 Nicholas Merz es parte de una banda llamado Darto. Y eso no significaría mucho pero para esta entrevista se abren dos frentes de preguntas bien distintos, por un lado el disco debut de Nicholas como solista, y por el otro, un nuevo EP que lanzará Darto. Dos mundos realmente diferentes, dos realidades diferentes, dos sensaciones diferentes. Dos trabajos completamente diferentes. Tal vez Unidos por Merz y por Aagoo Records, quién es la etiqueta que publica ambos trabajos.

Hola Nicholas! Gracias por tomarte el tiempo para responder nuestras preguntas. Para empezar empecemos por Darto. Para aquellos que no conocen a la banda, cuéntanos ¿cuándo nace y por qué el nombre? Candace y yo formamos Darto alrededor de 2010, y lo llamamos así por un sobrenombre que le dieron a mi padre cuando era más joven. Honestamente elegimos el nombre porque significaba algo para nosotros y estaba muy abierto a la interpretación para cualquiera que lo encuentre. Somos fanáticos de los nombres simples, y es bueno no ser pesados con algo tan significativo como eso. Algo que se pueda moldear. Después del álbum del año pasado "Human Giving" regresarán con un nuevo EP, "Fundamental Slime". ¿Cuéntanos sobre este nuevo trabajo? Fundamental Slime es un lote de canciones que surgieron del proceso de escritura de un nuevo LP. Teníamos estas canciones que se sentían como una idea cohesiva temáticamente, así que decidimos poner esto entre registros para dar más tiempo al próximo LP y tocar mientras la plancha estaba caliente con estas melodías.

tante ecléctico, hacen base mucho en la experimentación. ¿Qué sensación te deja este nuevo EP de la banda? Siempre nos acercamos a diferentes formas de construir canciones. Realmente amamos las limitaciones y cómo eso puede afectar el trabajo y el proceso. Establecemos algunos límites con esto y nos volvimos mucho más interactivos con la escritura lírica. Siento que estamos trabajando para ser lo más vulnerables posible con cada lanzamiento. Tienen unos shows para noviembre. ¿Qué planes tienen para lo que queda de este año con Darto? Estamos en el proceso de negociar una posible gira por la Unión Europea en noviembre, pero aún no hay nada seguro. Tenemos nuestro show de lanzamiento en septiembre y un show más en Seattle a fines de octubre, y después de noviembre, tomamos un descanso para descansar y escribir.

Damos vuelta la página y nos centramos en tu "TheLimits of Men", tu álbum debut. ¿Qué te llevó a pensar en un disco solista? Era una combinación de cosas, pero principalmente situacional y este tipo de idea reprimida que había estado en mi menSi bien el sonido de la banda es bas- te por muchos años. Acabo de tener esta

gran oportunidad para dejar mi trabajo y concentrarme en escribir y grabar antes de mudarme a Arizona para un programa de capacitación laboral temporal. Decidí aprovechar al máximo esa situación y salió un disco.

sexta línea de la primera pista... El miedo a la sección en Generación. Aagoo es una gran parte de mi mundo creativo en este momento. Sin su creencia en Darto o en mí, no estoy seguro de que sea responsable de este trabajo físico.

Puedo decir que siento que el álbum es una colección de canciones despojadas de complejidades y si se quiere de un ambiente mucho más relajado. ¿Tú como sientes al producto final? ¿Cómo terminaste trabajando con Aagoo Records para estos lanzamientos? Yo diría que es probablemente el disco más líricamente complejo hasta la fecha. Fue muy intencionalmente escasa instrumentación en cuanto a dejar tanto espacio como sea posible para las palabras. Todas las grabaciones importantes ocurrieron a altas horas de la noche, por lo que probablemente ayudaron con la vibra. En ese momento no tenía ninguna intención real de lanzarlo, solo quería completarlo. Lo compartí con Aagoo y dijeron que se vendieron después de la quinta o

En el álbum hay momentos en que pareciera que el ambiente y los climas me traen a la mente a trabajos de Nick Cave o Michael Gira. ¿Hay algún fanatismo declarado o no declarado o sólo es simple coincidencia? Soy fanático de lo que hacen ambas personas, pero siento que no profundizo en la oscuridad. Realmente quiero un buen equilibrio entre la luz y la sombra, y el humor, no puedo olvidarme de eso. También pienso en ellos como personas enormes e intimidantes, casi inalcanzables. Yo nunca quiero ser eso. Soy una persona de personas. Siempre quiero estar en las trincheras, con la gente común. Además, soy mucho más alto que los dos, así que no tengo que compensarlo tanto en mi música.

Me gustaría pedirte un track by track de tu álbum. "Generation" Escenas de mi Generación. Y diferentes ideas que toco en el álbum. Es una especie de resumen antes de entrar en las cosas. "Fashion" Este se explica por sí mismo. "Man Without Woman" Relaciones de hermanosvarones. "Bulled Rose" Trabajar, familia y entender su lugar en la sociedad. "The Empress Of The Garden" Esta canción fue escrita para mi hermana. Ella me enseñó todo lo que sé sobre la masculinidad. "Neon Figures" Undespertarespiritual. "Domestic Dispute" Una disputadoméstica. "Down Range" Hacer las paces con dónde estás y lo que eres. "The Great American Tail" Todo está en la letra. No tenía suficiente espacio para el coro.

Ahora que el álbum fue editado ¿cuáles son los próximos pasos en tu carrera solista? Voy a ir a Joshua Tree con mis amigos Adrienne H., Candace H., Cory H., Evan B. y Robbie C. para grabar otro disco solista a fines de octubre. Prepárate, este será el verdadero negocio. Para terminar... ¿Hay algo que quieras decirnos para cerrar esta entrevista? Sí, me gustaría agradecer a todos los oyentes serios que hay. ¡Gracias Nicholas!

LA MAGIA MARVEL UNA HISTORIA INTEGRADA DE MARVEL COMICS Y SU RELEVANCIA LITERARIA.

Por Gabo Rojo INTRODUCCIÓN “Discúlpenme por emocionarme demasiado, pero no puedo evitarlo. Cuando hablás sobre algo genial, tenés que estar emocionado. Y la gracia de los comics es que sean emocionantes, ¿no?” -Glenn Dressler, lector, en el correo de Master of Kung Fu #111

Hace 20 años, en junio de 1998, leí un comic que me cambió la vida: el número 467 de Incredible Hulk. Era una historia increíblemente oscura con la cual el guionista Peter David cerraba sus 12 años ininterrumpidos escribiendo la colección. En el número anterior, la esposa de Hulk, Betty Banner, había fallecido. Este número contaba todo lo que ocurrió durante los años siguientes. Es una escena en particular la que se quedó grabada en mi mente: Hacia la mitad del número, el alter ego de Hulk, Bruce Banner, está encerrado en un manicomio. En una ilustración que abarca dos páginas, se lo ve rodeado de casi todos los personajes de Marvel, tanto sus ocasionales aliados como sus antagonistas, todos productos de su imaginación. Y Banner, sonriente en su locura, les recita: “’My name is Ozymandias, king of kings: Look on my works, ye Mighty, and despair!’ Nothing beside remains. Round the decay Of that colossal wreck, boundless and bare, The lone and level sands stretch far away.” Se trata de las últimas líneas del poema “Ozymandias” de Percy Bysshe Shelley, escrito en 1817; un icónico poema del Romanticismo sobre la naturaleza efímera del poder. A los 13 años, yo no sabía esto-- francamente, ni siquiera entendía la muchas de las palabras. Pero hay algo en el poder de la escena y en la forma en que las palabras “the lone and level sands” reaparecían al final del número como título de la historia, que me fascinó inmediatamente.

Éste no es el uso más famoso de “Ozymandias” dentro de un comic Marvel. El honor se lo lleva Avengers #57, de 1968 (exactamente 30 años antes), por Roy Thomas, que fue también el primer número en el que apareció la Visión, un personaje fundamental en el desarrollo de Marvel. Pero eso lo descubrí mucho más tarde. Fue el número de Hulk el que me marcó a una edad temprana, el que despertó una pasión por la poesía y por la intertextualidad que hoy me persigue más que nunca. En el 2011 incluso escribí una canción llamada “The Lone and Level Sands”, una transposición del personaje de Ozymandias a un contexto moderno, que incorpora también líneas de comics de Roy Thomas. Y todo esto comenzó gracias a un comic. Un comic que era un comic y algo más que un comic. A esto me refiero cuando digo “la Magia Marvel.” Y a medida que seguí leyendo y metiéndome más a fondo en la historia de Marvel, me di cuenta de que lo que tenía de especial Hulk #467 no fue una rareza, una genialidad aislada, sino más bien una norma dentro de la editorial. “La Magia Marvel” es una historia cronológica de estos momentos mágicos. Empieza con el primer número de Fantastic Four en 1961 y termina con la reciente maxiserie de The Vision, culminación de más de 50 años de temáticas e intertextos, y protagonizada apropiadamente por el androide que fue introducido dentro de la continuidad de Marvel al mismo tiempo que el poema de Shelley. Como dijo el autor Joss Whedon en su introducción a Earth-X (un comic moderno que ofrecía una historia integrada del Universo Marvel): “es volver a contemplar a las historias tontas de nuestra juventud bajo la hastiada mirada del adulto, y darse cuenta de lo que realmente son: verdades necesarias y eternas.”

HOY: LA TIRANiA DE LAS VISIONES “Mi afecto por los comics es hoy día tan grande como siempre lo fue. Siempre fui motivado por la tiranía de mis visiones, y nunca nada de lo que produje me terminó de satisfacer. Soy como un tiburón que tiene que nadar o morir; no tengo elección salvo la de seguir creando compulsivamente minuto a minuto. Es simultáneamente una maldición y un regalo.” -Jim Steranko “De grande, me di cuenta de que no tenía ningún deseo de dejar de lado lo que comúnmente se denomina “cosas infantiles” (generalmente por gente adica a repeticiones de “La Isla de Gilligan”). En vez de eso, quise quedarme con lo mejor de esas cosas, y transformarlas en algo un poco más nuevo, un poco diferente.” -Roy Thomas Queda claro a esta altura que el motor de Marvel en los 60s era primariamente visual. El “Método Marvel” desarrollado accidentalmente por Stan Lee, en el que el texto era precedido por una historia planteada mayormente por el ilustrador, dio como resultado una época donde los conceptos visuales venían primero y las tramas luego giraban en torno a ellos. El artista que más brilló dentro de este entorno (aparte de Kirby y Ditko, para quienes el método había sido diseñado en primer lugar) fue Jim Steranko. Steranko era dibujante, músico, mago y escapista. De no ser porque efectivamente se pueden encontrar pruebas de su existencia física, parecería ser más un personaje inventado que un ser de carne y hueso. En el mundo del cómic, deja una obra tan inolvidable como breve, retirándose para siempre y sólo volviendo a acercarse al medio de forma tangencial (ya sea adoptando, también brevemente, la faceta de uno de los primeros historiadores de comics, o apareciendo jovialmente en las Comic Cons). El fugaz destello del genio de Steranko en el mundo comiquiero ocurrió afortunadamente en Marvel, y en una colección por la que nadie daba mucho: SHIELD. El protagonista de SHIELD era el coronel Nick Fury, un veterano héroe de guerra de Marvel a quien el gobierno promovía al cargo de director de la agencia homónima, una especie de servicio secreto hipertecnologizado que operaba desde un “helicarrier” espectacularmente plasmado por Kirby en el número 135 de Strange Tales, debut de la serie. El objetivo de SHIELD era neutralizar a Hydra, una organización terrorista que operaba bajo el lema “corta una rama y dos más ocuparáns u lugar” y resulta estar más en tono con el siglo XXI que con la época de la Guerra Fría. Tras un emocionante primer capítulo, la serie pronto bajaría su calidad hasta la llegada de Steranko en el número 150, quien empezaría trabajando sobre bocetos de Kirby pero en pocos números se terminaría haciendo cargo no sólo de los lápices completos sino también del guión, el entintado, el coloreado y hasta ocasionalmente de la rotulación.

Steranko no se había metido en los comics por el (escaso) dinero sino meramente para experimentar con el medio. Bajo su control casi total, SHIELD se convirtió en un laboratorio de innovación visual, un ejemplo paradigmático de diseño gráfico puesto a servicio de la narrativa que llevó a Marvel a autoreferirse como “Marvel Pop-Art Productions” por un tiempo. Como en los mejores comics de Kirby, las historias eran emocionantes pero básicamente un pretexto para llevar a cabo ideas visuales; es la gráfica lo que mueve la narrativa de una forma que sólo puede plasmarse en un cómic. El placer del lector reside en la adrelina que genera saber que al dar vuelta la página uno puede encontrarse con cualquier cosa. Según el mismo Steranko: “Mi enfoque combinó técnicas cinematográficas tales como simetría dinámica, metáforas visuales, batallas de diálogo, montajes simbólicos, ángulos de visión, ritmos visuales, paneos y rastreos, paneles de profundidad múltiple, paralelismos y disoluciones en las transiciones. También empleé un considerable rango de recursos gráficos y efectos especiales de formas que nunca se habían visto antes en la historia de los comics: arte óptico, fotomontajes, colores psicodélicos, efetos estroboscópicos, y otros conceptos poco convencionales.” En el número 162 aparece el auto invisible que llegaría al cine 35 años más tarde en el film de Bond Die Another Day. La batalla climática de una saga multiparte es tan épica que Steranko decide plasmarla en una splash-page cuádruple: la única forma de visualizar la imagen completa era comprar dos copias de la revista y ponerlas lado a lado. La conclusión de dicha saga es filosóficamente perturbante: Fury descubre que su enemigo, la Garra Amarilla, había sido un robot todo este tiempo, y en las dos últimas páginas se sugiere la posibilidad de que toda la historia se trató meramente de un juego de ajedrez entre el Doctor Doom y una inteligencia artificial (¡!). A fines de 1968 Strange Tales cierra y SHIELD pasa a tener colección propia. No sólo se duplica la cantidad de páginas de las historias sino las innovaciones. El primer número abre con una cinemática escena de tres páginas desprovistas de diálogo (el jefe de producción de Marvel, Sol Brodsky, no le quería pagar a Steranko el porcentaje del guión correspondiente a dichas páginas. Sólo accedió cuando Steranko amenazó con tirarlo –a Brodsky- por la ventana). En el segundo número hay una sugestivamente silenciosa escena de sexo, torpemente “censurada” por el Comics Code: en uno de los paneles Steranko había dibujado un teléfono descolgado para transmitir la idea de que los amantes no querían ser molestados, pero en la versión final el teléfono aparece colgado (Steranko a partir de ese momento se pondría cachondo cada vez que veía un teléfono colgado).

Desafortunadamente, Steranko sólo completaría cuatro números de la colección propia de SHIELD (los primeros tres y el cinco, el cuatro siendo un fill-in). Tras su partida, la serie trataría en vano de imitar su inimitable estilo, y terminaría cerrando en el número 15. Antes de su partida, Steranko realizaría tres memorables números de Captain America (110, 111 y 113, con un brillante número conmemorativo de Kirby en el medio). El Capi había conseguido su serie propia en 1964, primero como parte de Tales of Suspense y luego en solitario. Había comenzado con un rumbo bastante incierto (primero cuatro aventuras aisladas, luego una serie de relatos situados en la Segunda Guerra Mundial, incluyendo remakes de historias de Kirby y Simon de los 40s, luego de vuelta al presente), pero pronto se convertiría en uno de los títulos más consistentes de Marvel. En los números de Steranko, nuevamente cualquier argumento tradicional del cómic se convierte en un disparador de genialidades visuales. Hydra secuestra a Rick Jones, el compañero del Capi, pero el gas del sueño que le hacen inhalar desata dos splash pages completas de pesadillas Hitchcock-surrealistas. La batalla final es tan épica que ninguna película de acción se puede comparar: la estaticidad de la imagen del cómic la inmortaliza en vez de disminuirla. El texto no se queda atrás: “¡Se puede destruir a un hombre! ¡Se puede destruir a un equipo o a un ejército! ¿Pero cómo destruyes a un ideal, a un sueño? ¿Cómo destruyes a un símbolo viviente, a su voluntad indomable, a su espíritu inquebrantable? Quizás son estos los pensamientos que truenan dentro de las asesinas mentes de los que han elegido el camino de Hydra…” A la serie del Capi le va algo mejor que a SHIELD tras la partida de Steranko: pronto se hace cargo del arte Gene Colan, un veterano con un estilo intensamente personal que combina el fotorrealismo con el dinamismo visual pronto de Marvel, y quien salvaría por años a la serie de Daredevil a pesar de la mediocridad de sus guiones. En Captain America, ciertas historias como la primera aparición del Halcón (otro de los primeros

25 superhéroes negros) son apenas lógicas, pero el moméntum visual y la pasión de la prosa las vuelven emocionantes de una forma que sólo un cómic de Marvel de los 60s puede serlo. Este aire de emoción también se mantiene en Amazing Spiderman, que sigue siendo el bestseller de Marvel, a pesar de los cambios drásticos que la serie sufrió tras la partida de Ditko. Su sucesor artístico, John Romita, estaba acostumbrado a dibujar comics de romance (quizás el género de comics más comercialmente exitoso de los 50s), y Stan Lee aprovecha la ocasión para que por la serie anden dando vuelta dos muchachas hermosas, Gwen Stacy y Mary Jane-Watson, compitiendo por el amor de Peter, quien ahora parece un actor de Hollywood. Como consecuencia, su entrañable aislamiento disminuye drásticamente. ¡En uno de los primeros números de Romita hasta se compra una moto! (Si bien es cierto que la tiene que vender pocos números después, el concepto mismo de Peter Parker con una moto es demoníaco.) Ciertos grandes “eventos” de la serie, como que Peter abandone momentáneamente su identidad de Spiderman en el número 50, son meras extensiones o reciclajes de cosas ya cubiertas en la etapa de Ditko, ninguno de los villanos nuevos es tan emocionante como los clásicos, y la serie empieza a emplear recursos de culebrón (el Duende Verde descubre la identidad secreta de Spidey, pero convenientemente pierde la memoria luego) de las que siempre había estado honorablemente desprovista. Aun así, no se puede negar que el arte de Romita es atractivo, bello y dinámico, y que Stan Lee sigue teniendo un buen dominio del personaje de Peter, motivos suficientes para que la serie siga manteniendo su moméntum. Nuevamente, y como consecuencia del Marvel Way, el motor narrativo es el visual, cosa que cambiaría completamente en los 70s durante la era de los escritores-editores. El balance perfecto entre la espectacularidad visual de los 60s y la sofisticación de guiones que vendría en los 70s se daría en las páginas de The Avengers, título en el que más se destacó Roy Thomas, quien sucedió a Stan Lee como escritor cuando éste fue promovido a editor general. Thomas, un ex profesor de literatura clásica con conocimiento enciclopédico de los superhéroes de los 40s, otorgaría a sus comics una fineza literaria que, acompañada del trabajo de grandes artistas como John Buscema y Neal Adams, abriría el camino para que Avengers se convirtiera en el título cabecera de Marvel de los 70s. En el número 57 (octubre del 68), Thomas y Buscema introducen a la Visión, un “sintezoide” creado por el villanesco Ultrón para destruir a los Vengadores. En su primera misión, sin embargo, el inherentemente noble androide desafía a su condicionamiento y pasa a formar parte del heróico grupo. Con un origen terrible (¡creado por un supervillano!) y eternamente aislado por su condición de híbrido (ni robot ni enteramente humano), la Visión es un nuevo personaje arquetípico de Marvel. Según el escritor Grant Morrison, “a medida que iniciaba su largo y turbulento viaje hacia la humanidad, la Visión se convirtió de a poco en el héroe de todos los lectores introvertidos, escondidos detrás de una armadura emocional”. La última escena del número 57 es sublime: Ultrón fue derrotado por los Vengadores y su cabeza yace en un basural. Un niño la encuentra, empieza a jugar a la pelota con ella, pronto pierde el interés y la descarta. A lo largo de los paneles se lee “Ozymandias”, el clásico poema de Percy Shelley sobre la naturaleza efímera del poder. Se trata de una combinación magistral entre texto e imagen, que según Morrison seguramente introdujo a muchos lectores a la poesía romántica: “Roy “The Boy” Thomas, el docente convertido en hippie, fue mucho más efectivo que mis propios docentes a la hora de lograr que me interese en la literatura y cultura de la Europa del siglo XVIII.”

Thomas aprovecharía cada ocasión que pudiese para dotar al cómic de toques literarios, desde utilizar títulos extraídos de Shakespeare (“Let Slip the Dogs of War!”) hasta hacer que la Bruja Escarlata le recite un poema de Alfred Lord Tennyson al villano Arkon, terminándolo de enamorar. Para cuando llega el clímax de su extensa etapa Avengers, la saga multiparte titulada “La Guerra Kree-Skrull”, la prosa propia de Thomas ya está en llamas. Morrison describe a Thomas como “inmerso en la corriente temporal de la experiencia Marvel, incapaz de parar de transcribir la avalancha de imágenes y sonidos hasta que llegaba a la última página de cada número” y compara a esta intensidad con la de Jack Kerouac. Muchas de las captions de “la Guerra Kree-Skrull” merecerían ser leídas en voz alta. No describen lo que se ve en la imagen sino que la entaltecen. Véase la apertura de la saga en el número 93. La Visión, malherido, irrumpe en la mansión de los Vengadores, y el texto que se lee es éste: “Sonidos: vivimos en un cosmos de cacofonía y cadencia. Bocinas de auto chirriantes, obscenidades erucatadas, martillos en staccato… y otros miles de ruidos que la carne civilizada ha heredado. Y, quizás una vez cada doce vidas, un sonido que desgarra el tejido del mismo destino… ¡y sentencia a muerte a toda una era!” O la forma en que se describe la partida de los Vengadores hacia una batalla en el espacio exterior: “Ninguna trompeta los convoca a la batalla, absolutamente ningún sonido hace eco en el vacío casi total del espacio. Y aun así, los héroes verdaderos no necesitan ningún clamor, ningún resonar de trompetas ni golpe de tambores. Sólo necesitan una causa en la cual creer, como la libertad… no, la vida misma… de un mundo todavía lo suficientemente joven como para atesorar ideales.” Espectacularmente ilustrada por Neal Adams, cuyo híper-realismo fisionómico marcaría la nueva tendencia en los comics de la incipiente década, la Guerra KreeSkrull (que concluye con Rick Jones ganando la batalla tras conjurar a los héroes de su juventud) se convertiría en la heliografía de la multisaga cósmica de Marvel. Thomas y Adams también colaborarían en unos memorables números de X-men que llegaron demasiado tarde: la serie ya estaba condenada por bajas ventas y cerró en el número 66. Antes, sin embargo, ambos autores volverían a sintetizar la magnanimidad tanto visual como literaria de Marvel en páginas como la penúltima del número 58. Los Centinelas, robots programados para exterminar mutantes, concluyen que la “cuestión” no se solucionará hasta que neutralicen la fuente misma de la radiación que provoca las mutaciones, el sol (“el lugar al que conduce el canto de la sirena de la lógica” -en los comics de Thomas hasta los

robots poseen alma poética), por lo tanto deciden volar hacia él, destruyéndose a sí mismos en el proceso. Para acompañar la contundente ilustración de Adams de los Centinelas volando hacia su suicidio, un escritor menor hubiera simplemente descripto lo que estaba ocurriendo. Lo que Thomas incluye en las captions, en contraste, es lo siguiente: “El sol posee un diámetro de 864,400 millas… la temperatura de su superficie es de 6000 grados centígrados… su masa casi 700 veces mayor a la de todos los otros cuerpos del sistema solar. En la superficie de este mundo de vientos solares y constantes cataclismos termonucleares… la ola causada por un puñado de formas humanoides será de lo más imperceptible.”

PROXIMO CAPITULO: "EL FACTOR QUE NOS SUSTENTA"

[ The Fanthomless Mastery de Bloodbath por Pablo Ravale. ]

EL MAL NUNCA MUERE

Bloodbath - The Fathomless Mastery Label: Peaceville Records Fecha de publicación: 29 de septiembre de 2008

Bloodbath. Su nombre ya lo dice todo: baño de sangre. Suena curioso el hecho de que los señores que cranearon un proyecto como éste sean conocidos principalmente por meter florituras y matices varios que salen de lo establecido en el Death Metal. ¿De quiénes estoy hablando? De integrantes de bandas suecas de Metal como Opeth (Mikael Åkerfeldt [voz]), Katatonia (Anders Nyström [guitarra y coros] y Jonas Renkse [bajo y coros]) y Edge of Sanity (Dan Swanö [batería]), los cuales unieron fuerzas en 1999 para formar este “supergrupo” que rinde tributo a la vieja escuela del género en donde se descarta toda floritura utilizada en material de las bandas madres. Aquí no hay lugar para elementos progresivos ni jazzísticos, como tampoco ambientaciones góticas, aquí se va directamente al grano, buscando la vuelta para saltar a la yugular de la manera más diabólica y violenta posible. Es así que luego de dos discos de estudio (Resurrection Through Carnage de 2002, y Nightmares Made Flesh de 2004), y algunos cambios de formación (Åkerfeldt se marcharía en 2003, debido a su apretada agenda con Opeth, para ser reemplazado por Peter Tägtgren [Hypocrisy], aunque luego regresaría en 2005; Swanö se pasaría a la segunda guitarra dejando su puesto en los tambores a Martin Axenrot [Satanic Slaughter, Opeth], para entrado 2007 también abandonar el barco y ser sustituido por Per Eriksson [Genocrush Ferox, Katatonia]), este engendro maligno del Death Metal regresaría más monstruoso que nunca (incluso en vivo parecen psicópatas asesinos, vestidos con unos harapos destrozados y “ensangrentados”, tal como lo hicieron en el Wacken Open Air del año 2006, de donde grabaron un CD en vivo y un DVD, titulado The Wacken Carnage), exudando brutalidad y tecnicismo por todos los costados. The Fanthomless Mastery se inicia a hachazo limpio con “At the Behest of Their Death”, donde los primeros minutos de la canción son Death técnico y machacón, pero hacia la mitad hay un fragmento acústico algo progresivo y luego Mikael Åkerfeldt hace uso de esas voces limpias. “Process of Disillumination” es más épica, aunque no menos aplastante; Martin “Axe” Axenrot –en compañía de Jonas “Lord Seth” Renkse– se despacha aquí con una labor que es endiablada. En “Mock the Cross” las guitarras malsanas de Anders “Blakkheim”

Nyström y Per “Sodomizer” Eriksson repercuten a lo largo de todo el tema, con un gustito Groove y unos solos muy virtuosos, vibrantes y con un sentimiento que se vuelve incontenible. La segunda mitad del LP se despacha con la brutérrima “Devouring the Feedle” (capaz de dejarle un tic en el ojo a cualquiera con su fierísima) y la igual de enfermiza “Earthrot”, con un Bloodbath que ahora parece desguazarnos mecánicamente para que la faena sea más agónica que de costumbre; impresionante la sección rítmica otra vez. “Devouring the Feeble”, por su parte, no da respiro alguno, y si bien contiene un inevitable influjo melódico a mitad de su estructura, luego explota de nuevo enchastrando todo de sangre y tripas recién arrancadas. “Hades Rising” nos trae para nuestro deleite un Åkerfeldt demoníaco e implacable, utilizando un tono vocal guturalízimo. La letra de esta canción es otro punto a destacar, pues es un manifiesto bastante anti-clerical y satánico. Uno de los punto álgidos del disco, sin lugar a dudas, y con una marcada influencia de Morbid Angel. Ya casi como broche de oro, llega “Weak Aside” (bonus track que se desprende de su EP Unblessing the Purity) con su aura malévola cuya épica no para de crecer hasta que la oscuridad y la violencia arrasan con todo. Mención aparte es el gran trabajo de producción por parte de Jens Borgen, quien logra que la cosa suene, si bien hosca y pesadillesca, también fresca y pegadiza, volviéndose, escucha tras escucha, una experiencia adictiva. En definitiva, un álbum demencial y excelso. Una formación AllStar cuya existencia es imprescindible para fans del Death Metal de la vieja escuela.

[ 25 aĂąos del Bloody Kisses de Type O Negative por Alejandro Cenizacromada. ]

EL VERDE INSONDABLE

Debo decirlo, soy un fan tardío de Type O Negative. Y eso que conocí su álbum Bloody Kisses de 1993 al finalizar mi servicio militar en 1995. Quedé prendado de un tema llamado Suspended in dusk que era el lado B del sencillo Christian Woman y que apareció en algunas ediciones limitadas del álbum. Lo escuché en un programa especializado de música underground y quedé cautivado con esa voz vampirezca tremendamente densa, más esas guitarras de ultratumba que cortaban el aliento. Yo era demasiado obvio, buscaba oscuridad seria, vampiros serios. No tenía tiempos para sarcasmos y contradicciones y yo no entendía que el combo liderado por Peter Ratajczyk a.k.a Peter Steele también cuestionaba esa etiqueta de lo que llamamos gótico y que tenían la facultad de burlarse de sí mismos. Un gran amigo me dijo un día que en la música cuando se toman las posturas muy en serio, se corre el riesgo de volverse predecible y eso fue algo que me costó con el tiempo entender de Type O Negative. Tal vez el punto donde me alejé de ellos fue cuando al señor Steele le dio por posar desnudo para la revista Playgirl, entonces esa dignidad underground no entendió la jugada y dejé de interesarme en la banda; aunque en dos buenos compilados me topé con dos canciones grandiosas que se quedaron en mí de manera subliminal, Wolf Moon y Haunted de su siguiente álbum October Rust (1996). De todas maneras me había aprendido los acordes de guitarra del riff principal de Christian womany a veces con mis amigos rockeros del barrio lo tocaba en medio de bromas. La percepción de ellos es que TON era la banda favorita de las chicas. Obviamente la figura del tipo grande musculoso, de mirada penetrante y cabello largo no pasaba desapercibida para nadie, pero de alguna manera esa percepción nos impedía a muchos entender la magnitud y la verdadera esencia de la banda. Por otro lado, aparte de ser el frontman y compositor de la banda, Peter Steele debido a su imponente presencia era el hombre que atraía la atención, pero obviamente los otros miembros del cuarteto eran parte indispensable en el engranaje sonoro del grupo. Es triste entenderla grandeza de un artista cuando ya no está. Han pasado 8 años de la muerte de Peter Steele y el legado de su banda ha cobrado fuerza. Parece que en la mayoría de los casos estamos destinados para matar aquello que terminamos adorando después. Se cumplen 25 años de Bloody Kisses un álbum que mostró al mun-

do una banda como pocas, de esas que trazan un camino y por la naturaleza de Type O Negative, es un camino difícil de trazar o al menos de seguir debido asu gran originalidad. La magnificencia de unas guitarras por debajo de esa afinación estándar propias del Doom Metal, con un sonido denso y la vez sofisticado con visos shoegazers. Aunque su principal influencia eran Black Sabbath y The Beatles, Steele nombró entre sus álbumes favoritos en una entrevista el Loveless de My bloody Valentine. Pero ahí el mérito es para el gran Kenny Hickey, hurgando por encontrar un sonido perfecto en las seis cuerdas y apoyando con su voz guerrera y algo gritona la potente voz de bajo barítono de Steele en canciones como Black Number 1. Los teclados de Josh Silver, co productor también, con esas atmósferas crepusculares, melancólicas y cuidadosamente trabajadas en las canciones que lo llevaban a uno a descubrir un lugar hermoso dentro de uno mismo y aprender a hacer un pacto sano con el dolor. Sal Abruscato con su batería sabiendo moderar el fuego y el hielo para cada ocasión,dando pulso a las almas en coma donde las canciones de progresiones complejas, se transformaban en canciones dentro de otras canciones. Aunque el ábum posterior October Rust de 1996 es una obra maestra en producción y en crear canciones en que la melancolía y la furia tocan el cero absoluto, Bloody kisses fue el equilibrio de la banda. Lo que comenzaron como una juerga en Slow, Deep and hard (1991) y lo que finalizaron con un Doom muy agradecido de Sabbath en Dead again (2007), a eso le añadieron un marcado humor negro y pasajes dotados de sublime melancolía. Uno de mis temas favoritos del Bloody Kisses es Too late / Frozen una canción que arranca con un feedback y un delicioso riff de bajo. Un bajo tocado como una guitarra más, otro sello personal del señor Steele. La canción tiene mucho caracter con elementos que parecen beber de esas grandes bandas ruidosas como Swans y My Bloody Valentine y un interludio de Doom sub acuático. Una magia que tiene este disco es el uso de samplers que le dan un aire cinematográfico a la producción. Una especie de nefasto ritual en Faywray come out and play, Cantos étnicos y autos que chocan en 3.O.I.F, el siniestro llanto de un bebé fundiéndose con el gemido de una mujer en Dark side of the womb. En los discos posteriores dejan un poco de lado este genial recurso para centrarse más en las canciones. Otro gran punto es el invitar a músicos como Paul Bento guitarrista de Carnivore para aportar sensibilidad en su intervención de sitar en la depresiva I can´t Loose you. El cover de Seals & Crofts de Summer brezee original de 1972 con un sello muy personal de Type O Negative. El lado más Doom y gótico con el tema Bloody kisses que da nombre al álbum. La incendiaria Blood and fire

con el sonido más rockero de todo el disco desde mi punto de vista y un profundo interludio con guitarras y voces casi sacras. La crítica al extremismo de We hate everyone entre la oscuridad del gótico y el vértigo del punk. Kill all the White people una clara influencia del hardcore de Carnivore, la otra gran banda de Peter Steele. Obviamente Black number 1 con su sonido inspirado en esas películas de serie B y burlándose un poco de la parafernalia gótica. Y ni hablar de la legendaria Christian Woman que en su versión completa ofrece preciosos pasajes de guitarra y teclados; obviamente también queda sobre la mesala temática polémica de la mujer que tiene fantasías sexuales con Cristo. Aun suelo ver con nostalgia ese grandioso show en el Wacken festival de 2007 interpretando esa canción llamada Anesthesia de su álbum Life is Killing me (2003), ante la multitud y una hermosa puesta de sol y debo confesar que el corazón me da un vuelco. Como hace de falta en el mundo de la música la mística y personalidad de grupos como Type O Negative, como hace de falta el hombre verde con su profunda voz, sus chistes y su manera de ver al mundo, debe estar en algún lugar del cielo haciendo un buen jam con Lemmy y los hermanos Abboth de la banda Pantera, con quien tuvo una gran amistad en vida. A veces la falta de madurez, el aprender air un poco más lento y el no aprender a aceptarnos como somos nos priva de apreciar cosas geniales en la vida. Larga vida al verde profundo de Type O Negative.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: PALE WAVES – “MY MIND MAKES NOISES” GOTHIC POP PARA NIÑOS FELICES

¡Nos mintieron y me encantó! Los pronósticos indicaban que hasta el 2019 no aparecería el primer full álbum de Pale Waves, más siendo que el EP “All The Things I Never Said” había sido lanzado en febrero por internet y en vinilo el 16 de marzo de este año. Con eso los fans estarían sosegados ¿si? Pues no, y Pale Waves lo sabía. Por eso ya fue lanzada la preventa del ansiado debut hace más de un mes, y el 14 de septiembre el álbum titulado “My Mind Make Noises” fue compartido en Spotify para delirio y satisfacción de los seguidores.

Como la misma banda lo describe, este álbum es una colección de historias: vida, muerte, amor, sexo, amistad, ansiedad, familia. Pop masivo, pero verdaderas joyas del pop. Para ello, la formula sigue siendo efectiva desde el inicio: Ciara Dolan (batería) escribe principalmente la música, y Heather Baron-Gracie las letras. Ciara acompaña en la producción a otros como Jonathan Gilmore, que siempre ha trabajado en proyectos geniales con otras bandas: The 1975, Wolf Alice, Nothing But Thieves, Twenty One Pilots, etc. Heather siempre ha destacado que sin Ciara nunca habría existido Pale Waves como banda, sino algún disco solista y acústico de Heather Baron-Gracie. Y sin dejar de rescatar los aportes y la participación de sus otros dos bandmates: Hugo Silvani (guitarra) y Charlie Wood (bajo y teclados). ¿Y de dónde viene el nombre del disco? Es la primera estrofa del tema “Noises”, pero más allá de esta obviedad, es una frase que tiene tatuada Ciara en un brazo. ¿Ayudan estos “ruidos” a componer mejor? Parece que sí! El disco abre con la fabulosa “Eighteen”, tema bien orientado al ser adolescente y lo que es enamorarse por primera vez, la nueva sensación de sentir mariposas en el estómago. Fue el quinto single del disco, lanzado el 24 de julio de 2018 y primer corte en rankear fuera de Europa: un suceso moderado en Japón. Buen pop electrónico para empezar. “This city depresses me” es la línea de apertura, tan representativo de lo que es Pale Waves y a lo que apunta: huir de aque-

llo que sentimos como opresión, a través del amor, pero sin olvidar sufrir muchísimo en el intermedio. Perfectamente representado con el video, en que la protagonista escapa por una ruta hacia un bosque, hacia un lago, buscando una salida. Luego sigue “There’s a Honey”, que fue el single debut de Pale Waves: una canción sobre revestir con un manto de duda a quien se ama. Llega en tercer lugar otro hit contundente: “Noises”. Primera apuesta comprometida donde Heather se atreve a hablar de una condición mental, de un estado que podría indicar un trastorno límite de personalidad, pero que la autora describe como su letra más personal. Heather escribió esta canción con un tinte autobiográfico en un momento difícil de su vida, viéndose a sí misma como una chica con baja autoestima y sobreexigente consigo misma, permanentemente expuesta a la crítica y obsesionada con su cuerpo y con la imagen que mostraba a los demás. Dramática en su cierre repitiendo como un lamento: “Look at me, look at me, look at me…”. Según Heather, es una canción por la que ha recibido muchísimos agradecimientos de sus fans, por la identificación que la misma produce. “Ojalá alguien hubiera escrito una canción así cuando yo tenía 17 años”, supo decir. “Come In Close” llega en el momento preciso del disco para introducir un poco de frenesí con una prerrogativa dance pop, y la propuesta de avanzar y confiar cuando el amor nos llama. Un tema bien arriba para equilibrar pero sin perder el nivel: europop de aire ochentoso, y del bueno. Es el paso previo a

“Loveless Girl”, un midtempo sobre un reencuentro con un amor (tal vez) no concretado en el pasado. Nuevo relato autobiográfico de Heather, que solía ser percibida por su entorno como una chica algo fría y distante durante su adolescencia. “Drive” es lo que sigue: puede ser definida como una segunda parte de “Noises”: “Is it all in my head, what they said? I´m not feeling too good, I´m feeling misunderstood” reza un estribillo de una canción con una base muy poderosa. También autobiográfica, Heather describe sus años de colegio como solitarios y en donde su gran compañía era la música. Y al mismo tiempo, “Drive” refiere al sentimiento de vacío y contrarrestar el mismo: “Manejo rápido así puedo sentir algo”, twitteó Baron-Gracie oportunamente como anticipo de lo que sería esta emotiva canción. Suena injusto pero debo decir que el sonido me trajo remembranzas de Samantha Fox, año 1986, y su hit “Touch Me (I Want Your Body)”: aquel fue un hit mundial, merecía un revival! Lentamente fuimos llegando así a la primera balada del disco: “When Did I Lose It All?”, una nueva historia de corazones rotos, otra

decepción en la vida de la pequeña Heather, que tan bien sabe transmitirlas a través de su voz y sus composiciones. Desde el disco debut de Glasvegas en 2008 que no escuchaba una producción pop con letras tan tristes pero tan bien ambientadas. Para coronar este pasaje del disco, y en referencia al dolor que fluye a través de cada track, “She” profundiza la angustia del sentirse engañado y el desgarro del abandono. Es siempre un dolor pasivo, una exposición ante algo que no se puede reaccionar: así transmite Pale Waves cada vivencia. La levantada llega a tiempo para rescatarnos con el último single, “One More Time”, coescrita con Ciara y con un aire a los primeros tiempos de Avril Lavigne. Enseguida el hit “Television Romance”: personalmente, el tema con el que conocí a Pale Waves cuando los vi por primera vez en YouTube. Un video que llama la atención por el look tan lúgubre de Heather y Ciara, y que remite casi inmediatamente a alguna película de Tim Burton. Curiosamente, nadie debe esperar que esa representación gótica de la banda se refleje en lo musical, que es un estilo soft-rock

ochentoso. Desde este punto y hasta el final, el disco ofrece algunos potenciales hits. La trilogía “Red” / “Kiss” / “Black” es una sinfonía continua para oídos de adolescentes conflictuados y sus problemas existenciales. El amor impulsivo con alguien de quien lo único que sabemos es cuál es su color favorito; o pedirle a ese amor que se está diluyendo que nos parta la boca de un beso como la primera vez; o darse cuenta que aquello que era amor ha devenido en odio. Todas temáticas que sí, son adolescentes, pero por otro lado tampoco tienen edad. Y para finalizar el disco, un sentido homenaje de Heather Baron-Gracie a su abuelo y un cierre acústico que hace la diferencia. Un auténtico duelo sin conclusión en la vida de la cantante. Cabe acotar que cualquier similitud al tema “Joe” de The Cranberries, donde Dolores O’Riordan recordaba a su abuelito, es pura coincidencia (?). Desde el primer single “There’s A Honey” en febrero de 2017 hasta hoy, todo ha sido una maratónica carrera para este cuarteto de Manchester. Ir teloneando a The 1975 por su gira norteamericana por distintos pequeños escenarios, darse el gusto de tocar con The Cure, y en el mientras tanto ir lanzando singles y videos que iban haciendo agrandar más y más la imagen de Pale Waves en las redes. El trabajo duro que toda buena ban-

da under debe hacer, pero cuando se cuenta con la materia prima necesaria, el reconocimiento llega tarde o temprano. Finalmente, el ranking oficial de la BBC mostró el 21 de septiembre el debut de “My Mind Makes Noises” en el #8 del Official UK Top 40 Albums Chart, y en el #1 del Indie Albums Chart. NME lo describió como “Un álbum impresionante y un cuidadoso debut”. No hay dudas que cada detalle está obsesivamente atendido en este disco. Mientras Pale Waves se encuentra actualmente de gira por el Reino Unido, el reciente lanzamiento de su ópera prima recibe excelentes comentarios por parte de la crítica especializada (NME, Album Of The Year, The Line Of Best Fit), que lo amó. Aunque otros medios como The Guardian pusieron sus reparos. La principal objeción que algunos seguidores hacen es que muchos temas se parecen entre sí. Ya hace un tiempo atrás, cuando la banda solo tenía 2 singles que sonaban parecido, Heather dijo: “¿Y que esperaban? Somos la misma banda!” Basado en que se trata de un álbum debut, que la banda muestra un gran potencial y que he sido testigo de la notable evolución de Pale Waves con el correr de cada single en estos últimos meses, “My Mind Makes Noises” es un disco que me ha deslumbrado y apostaría que estos chicos padecientes van a llegar mucho más lejos.

VAMPIRES ES MÁS ETÉREO [ Entrevista a Dirk Knight de Seasurfer por Diego Centurión. Fotografías: Christian Klepp ]

Proyecto nacido de la cabeza de Dirk Knight en Hamburgo (Alemania). Seasurfer se caracteriza por realizar colaboraciones con distintos cantantes en sus trabajos. Dirk estuvo en la llamada escena "Heavenly Voices" con su antigua banda Dark Orange en el sello de culto alemán HYPERIUM en los años 90, trabajando con tipos como Robin Guthrie de Cocteau Twins. Con Apolonia como vocalista, Seasurfer recientemente ha lanzado un EP llamado “Vampires”.

Hola Dirk! Gracias por aceptar realizar está entrevista. Para empezar preguntaré por el nombre del proyecto, ¿Cómo eliges el nombre de Seasurfer? Hola Diego. Seasurfer... Sé que de alguna manera suena como una banda de música de surf. Para mí es más como la sensación de estar en una tabla de surf haciendo ritmo. Algún tipo de sonido. Nos estamos volviendo más lentos en este momento, pero la idea al principio era tocar canciones más rápidas. ¿Cuándo decides empezar a componer bajo el nombre de Seasurfer? Fue a finales de 2013. Me cansé un poco de las canciones más lentas que hice con mi otra banda, Dark Orange. Justamente el día que pienso estás preguntas, se conmemora los primeros 30 años del álbum de Cocteau Twins, Blue Bell Knoll, y pensaba en las influencias, ¿Cuáles son? Blue Bell Knoll es un gran álbum. Estuve trabajando con Robin Guthrie en el pasado y aún estoy feliz de que él sea genial y amigable. De lo contrario, tengo que quemar todo lo relacionado con Cocteau Twins ;-) Crecí aquí en Hamburgo con toda esta música que viene del Reino

Unido y, por supuesto, hay influencias. Pero mis principales influencias son las guitarras que suenan geniales, creadas con pedales. No importa si es de grandes como MBV o bandas más pequeñas. Pero también estaba en la música punk y en el oscuro trip-hop. Fue más el ambiente lo que me atrapa. ¿Cómo llegan las colaboraciones con Apolonia y con Änni Bird y Steven Burrows? Apolonia y Änni también son de Hamburgo y siempre es mejor tener miembros de la banda en la ciudad. Ambos son geniales y con Apolonia comparto nuestro crecimiento con Dreampop. No encuentras músicos que estén bien de esta forma hoy. Es un regalo más grande para mí. Steven... él es el ex bajista de ingleses And Also The Trees y un viejo amigo desde que hicimos varios shows de apoyo para ellos con Dark Orange. Acaba de editarse "Vampires", cuéntame sobre él... Simplemente decidimos con nuestro sello Saint Marie de Texas lanzar EPs digital y no esperar un año para lanzar álbumes. Se siente mejor lanzar tus canciones cuando estás en su estado de ánimo. Más tarde, nuestro sello hará un CD y un vinilo con todos los lanzamientos digitales rea-

lizados antes.

todo el EP. Siempre se siente mejor crear algo diferente en comparación con lo que ¿Qué diferencias encuentras en se hizo antes. "Vampires" con respecto a "Dive in" y a "Under the milky way… who cares"? ¿Tienes pensado realizar shows? Vampires es menos ruidoso y rápido, más ¿Tienes una banda para hacerlo? etéreo. También depende de la cantante ¿Quiénes integran esa banda? y queríamos crear una atmósfera más os- Solo unas pocas el año que viene y solo cura de ensueño que se extendiera sobre las ubicaciones o ciudades en las que

estamos interesados. Por el momento, Porto está en Portugal los próximos años en abril, tal vez algunos más por venir. Tendremos más electrónica y tal vez solo yo y la cantante Apolonia estarán en el escenario. Tenemos que ser más pequeños si queremos jugar ciudades de todo el mundo.

que queda del 2018 y el próximo año? En este momento, estoy trabajando con Elena Alice Fossi de Kirlian Camera para lanzar un EP, las mezclas también las hará John Fryer, quien estuvo trabajando con 4AD en el pasado. También estoy trabajando en el próximo EP con mis cantantes de Hamburgo para salir lo antes posible.

Para terminar y agradeciendo la posibilidad de realizar está entrevista... ¿Qué ¡Gracias! planes tienes para Seasurfer para lo Gracias Diego

Track by track de "Vampires" por Dirk Knight

Into Dust Cambios en la atmósfera más oscuros, etéreos, trabajando con sintetizadores. Todos los instrumentos hechos por mí mismo.

Sad Song

Más tempo, más como viejas canciones de Seasurfer. Letras un poco dedicadas a la "Song To the siren".

The Calling

¡Amo las Voces!

Bring Me His Head

Alguien acaba de mencionar que el espíritu de Robin Guthrie está en él. ¿Vio esta canción en vivo el año pasado y la gente dijo que era un ambiente tan brillante cuando hicimos esta canción?

[ Entrevista con David J. por Pablo Müllner. Fotografías: Eric Hanes , Judy Lyon, Circle23 y Louis Rodiger. ]

EL VAMPIRO MÁS ENIGMÁTICO DE LA TIERRA

No me quiero extender en reverencias hacia Bauhaus y su fenomenal impacto en mis oídos, estilo personal y en mi vida, como mucha otra gente que evitó el “círculo flojo” del rock mainstream. Bauhaus fue, es y será siempre el monstruo perfecto del Rock And Roll: bizarro, glamouroso y lleno de peligros. Si quieren leer mis halagos completos hacia Bauhaus, podrían consultar nuestra edición de Junio, donde entrevistaba a Kevin Haskins, su baterista. Esta es la oportunidad de preguntar con miedo algunas preguntas a David J (Haskins, bajista de la banda, hermano de Kevin, y también fundador de otros grupos como Love and Rockets, The Bubblemen…) David J es quizá la personalidad menos estridente, más intrigante de Bauhaus, que siempre se destacó por ser el conjunto de varias personalidades poderosas, viéndose delgadísimo como todos ellos, pero incluso más vampírico detrás de sus velos de timidez, un rigidez “cool”, y quizá alguna droga venenosa creciendo en su interior como veneno. Como solemos verlo -gafas oscuras, nada de sonrisas, tan solo bajos tonos helados por donde el anda. La figura misteriosa de David está una vez más bajo el sol, siguiendo un trayecto de varios recitales como solista, que coinciden con la re edición de “Crocodile Tears and The Velvet Cosh” (originalmente realizado en 1985). Luego estará embarcándose en un largo Tour con el cantante de Bauhaus, el genial Peter Murphy para celebrar los 40 años de la banda. Si tenemos suerte podremos verlos el 11 de Octubre cuando toquen en vivo en el Teatro Vortex de la Ciudad de Buenos Aires, presentando en vivo “In the flat fields”, el álbum debut de Bauhaus. Mientras tanto tuve el privilegio de entrevistar a David, quien pasa sus días en EEUU con su familia, trabajando como músico, artista solista y compositor de sountracks. ¡Hola, David! Es un honor hablar con vos: nunca me cansaré de decir que Bauhaus significa un montón para mí! Así que acá estoy, preguntándome que clase de show nos espera en Octubre. Supe que ya tocaste unas fechas como solista, pero que Peter se estará uniendo durante el resto del Tour… ¿Cómo te sentís al borde de un gran gira por Europa y más? Impidiendo el tiempo tormentoso. Recuerdo siempre la expresión: “¡nunca hagas negocios con tu familia!”… es una generalización muy grande, pero también es un refrán. ¿Qué significa para vos compartir no una sino dos bandas con tu

hermano? ¿Hay alguna dinámica similar a la de los hermanos Gallagher? Es un negocio familiar que se parece a los gemelos Kray. Hablando en serio: disfruté mucho tu álbum solista “Crocodile Tears and The Velvet Cosh”. Es un sonido muy distinto a Bauhaus y a Love and Rockets, pero bastante diferente a todo lo que sonaba a mediados de los 80s. Lo sentí muy desnudo y suave, con unas hermosas secciones de saxo, algunas reminiscencias a Bowie y Dylan. Es algo se nota muy personal: ¿por qué decidiste re editar ahora y con Glass Records? Todas las ovejas negras deben irse a

casa.

sentí tan similar en espíritu a “American Pie” de Don McLeod, no tienen ni el mismo ¿Podés contarme sobre las fechas tempo pero hay algo… Acá en 13th todos con Peter? ¿Qué planean tocar de la amamos a Bowie, pero quizá el perderlo discografía de Bauhaus? Me imagino que es parte de un mundo que ha cambiado el sonido original -pulsante, galopante, para peor… socialmente. ¿Pensás algo lleno de estímulos- de la banda sería difícil parecido? de recrear sin los otros dos miembros Una estrella negra elevándose. originales -Kevin y Daniel Ash-. ¿Cómo se completa la banda que los reemplazará? Bueno, y hablando de Bowie y su Con el espíritu. increíble legado, todos tenemos nuestro Bowie favorito. Debo decir que el mío es ¡Estaba escuchando y viendo tu su papel en “Laberinto”, la película con performance para KEXP, y supe algunas Jennifer Connelly. ¿Cuál es tu película cosas como que estabas viviendo en favorita de David Bowie? California, por ejemplo! Toda una sorpresa La que sucede en mi propia cabeza. viniendo de el más vampiro y distante de los miembros de la banda… ¿Alguna vez Aparte de Bowie, ¿qué otros artistas tomás sol o aunque sea te arrimas a las tuvieron un gran impacto en tu playas? adolescencia? Vivo en la oscuridad de junio. Los oscuros y brillantes. Cuando tocaste “The day that David Tocaste en vivo con Black Francis, Bowie died” en KEPX, tuve varios e incluso grabaron una canción en el pensamientos encontrados. Primero: lo estudio juntos. ¿Cómo sucedió? ¡Es una

colaboración artística muy inesperada y cool! La alineación de los planetas y sus lunas. Hace poco entrevisté a Rat Scabies de The Damned, él me resultó un tipo muy gracioso y con los pies bien sobre la tierra. Siempre me intrigó saber si Bauhaus en su inicio tenía algún tipo de relación con otras bandas, quizá un poco anteriores en la escena, como Siouxsie, Killing Joke o The Damned? ¡Barcos fantasmas pasando por la noche! Leí que compusiste un par de soundtracks para teatro, una obra de teatro radial basada en el escritor irlandés Samuel Beckett, y también una obra sobre Edie

Sedwick, socialista sesentosa y musa de Warhol. ¿Podés contarnos de eso? ¿Es una cuestión muy distinta a escribir canciones de rock? Una es la luna, la otra es el sol. Bien, David, podría seguir por horas… Pero en esta oportunidad quiero hacerte solo una pregunta: “¿Hay algo más que quieras decirnos antes de decir adiós?” Un acertijo, envuelto en enigma. Dentro del enigma, a veces el interior del enigma es mucho más sencillo de lo que parece Fue un verdadero placer oscuro, David J !Muchas Gracias! ¡Gracias a usted, señor!

[ ReseÃ±a de "Sulpher - No One Will Ever Know" por Pablo Ravale ]

BIENVENIDOS DE VUELTA SULPHER

Sulpher – No One Will Ever Know Label: Oblivion Fecha de Lanzamiento: 31 de agosto de 2018.

La primera vez que vi a Rob Halliday (hermano de Toni, la cantante de Curve), quizás el “mercenario” más infravalorado del Rock Industrial (tocó con la banda de su hermana, con The Prodigy, con Marilyn Manson [primero como bajista y luego como guitarrista] y ahora con Gary Numan), me sorprendió su gran parecido con Danny Lohner (ex-bajista de Nine Inch Nails) y tras sucesivas escuchas de Spray (2002), el álbum debut de Sulpher, la banda que capitanéa junto a Steve Monti (ex-baterista de The Jesus and Mary Chain y Curve), se hicieron más que evidentes sus conexiones con la propuesta de Nine Inch Nails. De hecho, Rob, le hizo de guitarra al grupo de Trent Reznor allá por 2001, cuando Robin Finck acababa de reincorporarse a los “renovados” Guns N' Roses (circa Chinese Democracy). Pero Sulpher no podrían estar más lejos de ser unos meros clónicos del sonido y la lírica de la banda de Mr. Reznor, pues canciones como las que nos encontramos en su primer disco de estudio como, mismo, en el recién salidito del horno No One Will Ever Know, se han revelado como una de las propuestas más feroces de los últimos tiempos dentro de la escena rockera internacional. No es de extrañar entonces que este álbum haya sido esperado con ansias y que por parte de la prensa británica sea sido considerado como la respuesta europea al metal industrial americano. Primero que nada hay que destacar que Halliday es un buen guitarrista que ha enfocado el álbum desde un punto de vista netamente más compacto que el anterior trabajo de Sulpher y que a su vez, No One Will Ever Know, ha sido ambientado magistralmente dentro de las corrientes más actuales del Dark y la música electrónica. Las canciones reflejan todo ello: riffs metáleros, voces susurrantes, estallidos de rabia, ambientaciones misteriosas y oscuras con un sonido elegante y moderno claramente influenciado por el de NIN. Pero no es de extrañar que en un futuro Sulpher puedan llegar a convertirse en algo muy serio e incluso llegar a gozar de un prestigio similar al de los grandes exponentes del género (Ministry, Rammstein, Marilyn Manson y, por supuesto, Nine Inch Nails). Y es que el excelente gusto con el que ha sido realizado este disco dice mucho de Sulpher y parecen destinados a abarcar batallas mucho mayores que las que el circuito europeo pueda ofrecerles. De momento nos quedaremos con magistrales canciones como la homónima “No One Will Ever Know”, “Follow You Down”, “Used”, “Take A Long Hard Look”, “Nothing” o “Fell Trough” que son toda una delicia para los amantes del rock duro de tintes electrónicos... y esperemos a que Sulpher no tarden dieciséis años más en publicar otro disco. Como sea, bienvenidos de vuelta Sulpher. Es un gozo absoluto escuchar este No One Will Ever Know, el cual deja muy claro que son –hoy por hoy– una de las bandas de rock con más talento y elegancia, y unos dignos sucesores de la época dorada de Nine Inch Nails.

[ Por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Monster. ]

LUCES DE NEÓN AZULADO Y ERUPCIONES DE LAVA Horacio.nuevatemporada en EL Montacargas, 25 de Septiembre de 2018

El show de Horacio Nuevatemporada fue un pequeño y gran acontecimiento, para los que de alguna manera conocemos a esta banda que es un ejemplo de inconstancia, magnetismo, misterio y vuelo poético rockero. Por inconstancia me refiero exactamente a eso: una banda que tuvo sus inicios a principios de los años noventa, en pleno auge sónico, que bien podía estar inscripta en esa escena sin comprometer su individualidad, que al poco tiempo se esfumó y que volvió a la rueda de grabar y tocar en vivo hace unos pocos años por una cuestión bien íntima y personal. ¿Qué se debe entender por magnetismo, misterio y vuelo poético? Es difícil poner en palabras un sonido, una actitud, una forma de pararse en el escenario. Pero en las siguientes palabras vamos a tratar de hacer el retrato más fiel a los hechos.

Cuando le pregunto a Luz Jara, la cantante, recién concluido el show, como lo vivió ella, me contesta: “Yo me sentía muy mal! Pensé que no iba a poder cantar.” Y ante mis preguntas, me contesta un poco a regañadientes que había estado en una fiesta, había bebido de más y tenía una migraña alcohólica difícil de tolerar. Ahora mi incertidumbre pasa por saber cómo hizo para sobrellevar su resaca y dar ese pequeño gran show junto con el resto de la banda, que nos puso a todos los que estábamos presente en estado de querer más y con más frecuencia. La respuesta es una dosis homeopática del propio veneno que consumió. Su bajista le aconsejó tener una copa de vino tinto cerca e ir tomándola de pequeños sorbos. “Lo demás lo hizo el público”, me dice Luz, muy modestamente, “llega el público con su buena onda y cambia

la energía, todo empieza a funcionar de manera muy relajada…” Esto puede sonar muy cándido, muy prístino, si uno cierra los ojos puede esperar ver a una Luz vestida de rosa, con sus músicos perfectamente peinados y de traje con la backing band de una cantante de la New Wave. Pero muy lejos de eso, Horacio (que agrega el “apellido” Nuevatemporada en esta segunda encarnación) es una criatura mucho más desprolija, caprichosa, nada de lo que estás esperando escuchar o ver realmente sucede, simplemente porque tiene la virtud de ser un grupo de músicos que no se paran sobre ningún cliché, que tienen un oído y un pulso que no les permite habitar el lugar común, Por suerte. La apertura de “Solo con vos” desde el primer acorde puso un tono (falsamente) melancólico, ensoñado, etéreo, cercano en espíritu a esos momentos de la serie Twin Peaks donde Julee Cruise toma el escenario, bañada de luces y canta en tono a veces susurrado y a veces nervioso, crispado. En ese mismo registro nos habla Luz, una suerte de fiebre pentecostés de lenguas extrañas, que sin embargo son palabras en nuestro común español rioplatense: “Mi verdad es mi deseo”, dice y no cabe una partícula de duda de que estamos en presencia de un fenómeno real. Me refiero a ella, pero también a toda la banda, que responde a ese mismo aliento creativo, cada cual aporta un matiz, un rasgo de personalidad distinto y común a Horacio. Si en “Solo con vos” se limitaban a ser la correcta banda de un bonito y algo decadente lounge retro, con el paso de los temas la banda empezará a demostrar que ese tono en primer momento tan solo melancólico es otra cosa, una cáscara de huevo, un esmalte

que se sacan en pleno escenario ante todos para mostrar una coraza, un corazón volcánico, abrazador. En un punto muy alto que es la hermosa “Apertura”, la voz Luz despliega sus tonos más cálidos, dulces, pero la lírica no es tan sencilla: “(…) Tu sonrisa tu nariz, tu piel son la perfección/ arrancarte de mí no podrás nunca jamás./ Porque antes de vos yo no era quien soy”. Hay verdadero trabajo poético de la palabra y la oración, desde su génesis hasta su destrucción. Esto me hace pensar bastante en escondida detrás del nombre propio (Horacio) está la “oración”, desmantelada, derruida. En ese mismo sentido, opera la banda tocando un tema pop rock perfecto en la superficie, pero que en una escucha más atenta destila disonancias, arrastra unas vibraciones que por momentos incomodan, se vuelven corrosivas, Y sin embargo, nos llevan encantados como niños a feliz destino. “Amanezco” es el momento más “tradicionalmente rockero” y tiene mucho de declaración de principios (poéticos): “amanezco con mis bordes afilados y mi interior en expansión”. En esta canción el estribillo explota como suele suceder en las mejores bandas femeninas y la distorsión resuena con los fantasmas de Sonic Youth y Jesus and Mary Chain. Luego de un intervalo, donde aprovechamos a beber y hacer sociales con algunos miembros nuevos de la banda y preguntarles por sus influencias y gustos musicales, arrancó la segunda parte del show. Interesante que una banda pueda encarar una segunda parte con una sorpresa, sonando como otra banda distinta: así es “Prueba”, misteriosa, sinuosa, bañada de un neón azulado. “Estoy bien predispuesta” parece una

frase inocente, pero en las ropas que le da la canción parece una amenaza aterciopelada y bañada de sordidez”. Para el cierre “Contemplado”, trae pequeña caja musical sin aviso explotará en una tormenta de distorsión y electricidad. Está la melodía pop, sí. Esta el noise, también, pero esta vez es otra vuelta de tuercas. El ruido alcanza la energía de lo industrial, la electricidad de una usina, y sin embargo en el interior se desgaja un corazón hecho de pétalos de flores. Flores alucinógenas quizá, pero flores al fin!!!

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

Hoy:

Cocteau Twins Blue Bell Know (1988)

Cocteau Twins - Blue Bell Know Label: 4AD Fecha de Lanzamiento: 19 de Septiembre de 1998. Se cumplieron 30 años de este gran disco de los fabulosos Cocteau Twins, sin lugar a dudas este álbum es el comienzo de la era más refinada del trío formado por Liz Fraser, Robin Guthrie y Simon Raymonde. Catalogar este álbum como de "clasico" o "fundacional" dentro del dreampop no sería una locura, y estaríamos diciendo que es un álbum que ha marcado un cambio en la sonoridad, no tanto de la banda sino de las estructuras sónicas del género. Hablar hoy de esta época de la banda escocesaes entrar en un mundo de brillantez musical, aunque ya no tanto en lo personal de sus miembros. Pero Cocteau Twins tiene esta escencia que lo hace tan especial... ante momentos difíciles personales ellos supieron crear discos que irradiaban luces brillantes en un mundo que se iba apagando y oscureciendo. Acá les dejamos la mirada de muchos músicos que supieron entender esta magia.

Track 01: "Blue Bell Knoll" POR FER AZPOO (ASALTO AL PARQUE ZOOLÓGICO)

30 años atrás, en 1988, los Cocteau Twins editaban Blue Bell Knoll, su quinto disco (anteúltimo en salir por el mítico sello 4AD), un disco de esos que rompen los esquemas y el sonido, dentro de la misma banda y hacia el exterior, pero no de forma explosiva como podría ser Nevermind de Nirvana, si no de forma más silenciosa. Un disco destinado a influenciar a algunos músicos de su misma generación y a muchos otros durante las tres décadas posteriores a su salida. El primer track, que le da el nombre al disco, abre con una base de teclados, a la que se va sumando en un crescendo la voz de Liz Fraser, suave y airosa, que logra emocionar casi sin decir palabras, como creando su propio lenguaje con inflexiones y pronunciaciones alteradas. Las guitarras de Robin Guthrie se van entretejiendo como los hilos de un tapiz, con los colchones de acordes y arpegios con chorus y delay que son su marca registrada y con un feedback que sobrevuela la atmósfera en la parte final del tema potenciando su gran melodía. Un clásico de uno de mis disco favoritos de Cocteau Twins, junto a su sucesor Heaven or Las Vegas (‘90), Treasure (’84) y el debut Garlands, de 1982

Track 02: Athol-Brose POR GABRIEL BOCCANFUSO THE NOCOVERS (ARGENTINA)

Athol-Brose es el segundo tema del quinto disco de Cocteau Twins, y además de tener la particularidad de haber sido lanzado en 1988, y ser el primer disco de su carrera en tener la distribución de las más grandes discográficas de Estados Unidos, no fue hasta 1990 en que fue lanzado como simple en Japón, acompañado por los temas "Carolyn's Finger" y "Iceblink Luck", luego de tener la mejor recepción en el país a través de un comercial en tv de una importante automotriz. El tema comienza con un sonido percusivo que podría igualar al sonar de un satélite submarino, y se agregan a ese sonido un suave juego con platillos cerrados trayendo en 2 palmas, o lo que serían en total los 7 segundos iniciales, el impacto de un gran viaje que da esa sensación de paseo por la galaxia que transmite Cocteau Twins, un ascenso a lo celestial embarcado en las melodías sopranas de Elizabeth Fraser. El cambio que surge es como un descanso (a ese ascenso) impactado como en nubes ondeantes de cuerdas etéreas que caracterizan a Robin Guthrie, mientras la voz juega con tonalidades hermosas y casi naif en las que sigue desarrollando toda la canción como si fuera parte de un sueño implantado en efectos de reverberancias y ecos. Athol-Brose dura casi 3 minutos, pero cada segundo es un fractal eterno a distintas formas y colores que te dejan esas ganas de darle "Play" otra vez.

Track 03: Carolyn's Fingers POR CHESS BOUGHEY, JESS BERRY Y CARMEN PALACIOS BERRAQUERO CAROLYN'S FINGERS (UK)

"Yo (Jess) he estado familiarizado con The Cocteau Twins desde que era adolescente, cuando mi madre me tocó su disco de Blue Bell Knoll, que compró cuando se lanzó por primera vez. Mi madre ganó un sólido respeto por mi parte ese día. Escuché la voz reluciente y sin líricas de Liz Fraser y supe que me había revelado algo muy especial para mí. Algo verdaderamente único y brillante con una delicada magia de otro mundo, que se filtraba a través de las barreras de adolescentes que había colocado y aterrizado en mi corazón, un símbolo de todo lo que era similar y verdadero entre mi madre y yo. Siempre mi favorita en el álbum, le envié a Carmen la canción "Carolyn's Fingers" mientras ella estaba esperando para tomar un avión en la puerta de embarque de un aeropuerto. Tenía la impresión equivocada de que Carmen estaba familiarizada con The Cocteau Twins; no lo estaba, y no estaba preparada para las voces incandescentes de Liz Taylor que casi muere. Los primeros días de nuestra banda están firmemente vinculados a la entonces casa de Carmen en King Street. Abarrotábamos la sala de estar de esta casa con cables polvorientos y enormes parlantes mientras ensayábamos para los conciertos, y en la cocina nos sentábamos, comíamos, conversábamos y establecíamos los principios rectores de nuestra banda. En esta cocina jugamos al ajedrez "Carolyn's Fingers" y nuestro nombre fue establecido. El nombre de la pista es tan misterioso como las melodías flotantes de otro mundo. ¿Quién es Carolyn y por qué sus dedos? Dedos, para muchos de nosotros una de las partes más expresivas de nuestro cuerpo. Implementos creativos, creación de arte, música, amor, excitación, dolor. Los ruidosos sonidos fonéticos de Liz Fraser no hacen mención de Carolyn o sus manos, y sin embargo, permanecen presentes a lo largo de la canción. Para nosotros, Carolyn es todos y nadie. Sus manos brillan, ahuecando la belleza de su canción en una suave luz amarilla. Las melodías de Liz caen en cascada, surgiendo de estas manos como brillantes chorros de agua, bañadas por la guitarra tenue tan característica del sonido de The Cocteau Twins. Ciertamente, cuando escuchamos esta canción, para nosotros, Carolyn es la propia Liz. Sabio, intemporal y eterno, sabio y visionario. Un mito de nuestro tiempo. Los delicados dedos de su voz continúan inspirándonos y apoyándonos, y es con gran respeto y amor que tomamos su nombre para nuestra banda."

TRACK 04: FOR PHOEBE STILL A BABY POR NICOLÁS CASTELLO NAX (ARGENTINA)

Mis letristas preferidos a menudo engañan al lector haciéndoles creer que hablan de algo, cuando en realidad: hablan de otros asuntos. Es una habilidad en el arte de hacer enjambres de palabras: la cual muchas veces resulta ser algo admirable. En el caso de esta canción, leo la letra, pero no estoy seguro de que habla, parece un poco confusa. Empieza mencionando a una " pequeña Phoebe a quien nunca vio ": ¿Una canción de amor quizás a un nuevo ser por venir al mundo? no puedo confirmarlo ya que luego enumera acciones, como: “correr” y " brillar toda la noche". Parecería que hay una especie de contradicción lógica en las sentencias y eso me llama la atención (si es que hablara de un bebé). Podría intentar buscar a ver si en alguna entrevista Elizabeth dice sobre que trata la canción, pero prefiero no hacerlo, prefiero quedarme con esa incertidumbre que me simpatiza. Como es característico de los CocteauTwins, la dulzura de las melodías te van llevando y envolviendo hacia otro lugar celestial. Esta canción especialmente luminosa tiene el sello de las canciones lentas del grupo, suaves, con un dejo nostálgico y más que escuchable. Por un lado: los arreglos de pianito \ sintes adornan a la canción de un modo excelente que condimentan y embellecen la sólida estructura que llevan las guitarras, el bajo y la batería. Por otro lado: las múltiples voces de Elizabeth son sublimes y se llevan todos mis halagos. No encuentro, ni me alcanzan las palabras para describir lo hermoso de esas voces; son como ángeles que te acarician los oídos y el alma, mientras te llevan lentamente hacia otro lugar.

TRACK 05: THE ITCHY GLOWBO BLOW POR MARSELLE HODGES THE BLUE HOUR (USA)

Una voz de color y luz. Ella canta iridiscente como una libélula que baila sobre un pantano de guitarras soñolientas y resonantes bajos acuosos. Itchy Glowbo Blow rebosa de recuerdos de felicidad y calidez. Angie, mi mejor amiga, y yo estábamos obsesionadas con el álbum, Blue Bell Knoll. Era parte de la banda sonora de la vida en aquel entonces. Escuchando ahora, con la pluma en la mano, me acuerdo de cómo pocas veces entendimos las palabras de la música de Cocteau Twins, de cómo había inventado mis propias palabras para esta canción y las había mantenido en mi mente desde entonces. ¿Pero no es esa parte de la maravilla de ello? ¿La magia de su éxito, independientemente? No es tan extraño si piensas en bellas artes. Cómo un cuadro captura a cada espectador de manera diferente. Les habla a través de sus propias imágenes personales. Eso es lo que hicieron los Cocteau Twins. Hablaron con muchos a través de impresiones e imágenes, lo que nos permitió a cada uno de nosotros una experiencia personal con su música, estableciendo una relación que es más grande que una letra de una canción. Las voces de Elizabeth suben y bajan, brillan y emocionan, serpenteando alrededor de una melodía, tomándome de la mano y guiándome en un viaje que trasciende las palabras. La canción es una pintura. Es personal y habla un idioma propio. No solo se ve con los ojos, o se escucha con las orejas o los dedos de felton. Se envuelve con su propio aliento y espíritu. Todos estos años después, leí las letras, algo que nunca pude respaldar en los días de casetes copiados y hojas de letras perdidas. Son hermosas, pero también lo son las palabras que inventé. Tan bueno, de hecho, que puedo usar esas palabras para una nueva canción. El arte inspira, se paga con el tiempo.

TRACK 06: CICO BUFF POR TOM LUGO STELLARSCOPE, PANOPHONIC, CIELO OCEANO (USA)

Cocteau Twins empujó los límites de la melodía y el sonido. Su enfoque etéreo a la música pop era único, cautivador y estimulante. Las brillantes guitarras y los arreglos de composición de Robin Guthrie, acompañados por la voz celestial de Elizabeth Fraser, que iban desde susurros suaves hasta canturreos melodiosos. Su progreso y crecimiento pueden escucharse de las tendencias góticas y post punk de "Garlands" para encontrar el sonido que olvidaría su legado influyente en el momento en que grabaron su álbum “Head over Heels”. El álbum “Treasure”, trajo al frente los sonidos etéreos y de ensueño que afilarían durante el resto de sus carreras. En el álbum “Victorialand” los encontramos trabajando en una música basada más en el ambiente y el álbum “Blue Bell Knoll” pone de relieve el enorme muro de sonido mientras que controla sus sensaciones de ensueño. “Heaven of Las Vegas” fue un éxito comercial, desde los arreglos, el enfoque contenido y los estilos vocales más accesibles, la banda había perfeccionado su sonido y el mundo escuchaba. “Four-Calendar Café” y “Milk and Kisses” los encuentran luchando contra sus propios demonios internos: alcohol y droga dependencias, psicoterapia, conflictos internos, así como una pelea con su etiqueta de larga data 4AD. ¡Todos estos problemas en última instancia causaron la desaparición de una gran banda cuyo catálogo de música fue brillante e innovador que ha capturado la imaginación de los fanáticos y músicos durante más de dos décadas!

TRACK 07: SUCKLING THE MENDER POR ALDO BERNUZZI IN HER EYES (ITALIA)

¿Qué decir de una canción de Cocteau Twins? Su música es un viaje de ensueño y surrealismo, durante el cual las palabras no son tan importantes. "Suckling the Mender" es un baile suave. Percusiones amables le dan a la canción un toque exótico. Fragancia de flores y sugerencias orientales. Un rítmico lleno de baches, pero delicado y elegante, se agita a través de las notas y se entrelaza con los arpegios cristalinos de Simon y los gorgeos angelicales de Liz. El bajo de Simon es sutil y suave. La banda sonora perfecta para el cielo.

TRACK 08: SPOONING GOOD SINGING GUM POR GURDY PÉREZ RUIZ UN.REAL (PUERTO RICO)

Siempre me estuvo curioso el sonido de “congas” en estas producciones de Los Twins. Que más podríamos decir de los padres de facto del Dreampop. Elizabeth Fraser tan magistral como siempre y en perfecta armonía con Robin y Simon. En esta tema siento que los super poderes de los Cocteau están al 50%. Como si se aguantaran un poco. Cosa que no es así en el próximo LP. Tan inspiradores, no importa lo que hagan y como lo hagan. Temazo como preparación a Heaven or Las Vegas.

TRACK 09: A KISSED OUT RED FLOATBOAT POR BILLY TEQUIERO BUDAPEST POST-PUNK (ARGENTINA)

“Mientras otros perciben belleza, yo estoy sintiendo dolor” Casi dance, casi sad, casi…casi son muchas de las turbaciones que experimentamos al escuchar “A kissed out red floatboat” de la fabulosa banda de Grangemouth. Cuando la obra trasciende, muta, y se hace parte de los oyentes “flota”. Recostado, parado, caminando, pesando sea cual sea la situación en la que uno se encuentre, es unánime esta sensación que experimentamos con su música. Flotar, flamear, sobrenadar, caer, hundirse, sumergirse hasta los propios antónimos parecieran encajar en este cocktail que se llama “Blue Bell Knoll” En una entrevista realizada a Elizabeth Fraser esta antinomia, este des-encuentro que experimentamos los escuchas de CocteauTwins ,se manifiesta en sus palabras “Al cantar, no me siento como otros dicen sentirse cuando me escuchan. Mientras otros perciben belleza, yo estoy siento dolor”.

TRACK 10: ELLA MEGALAST BURLS FOREVER POR PHIL WILSON THE RAFT (UK)

Esta canción comienza como la mayoría de mis canciones favoritas de Cocteau, todos los instrumentos a la vez. Las guitarras suenan como sintetizadores, los sintetizadores suenan como guitarras y el bajo arando una melodía suave debajo de lo etéreo de todo esto. Liz está en modo de letra completamente indescifrable en esta pista. Si escuchas con la suficiente atención, es posible que puedas elegir alguna palabra extraña, pero si escuchas con tanta atención, probablemente estés perdiendo el "sentimiento" de la canción. Para un hombre con mi vocabulario limitado, es difícil de describir. Se siente como todas las estaciones a la vez. Se siente triste pero al mismo tiempo edificante. Se siente como si estuviera tratando de despertar mi alma ... Y me gusta. Estos sentimientos solo aumentan a medida que la canción llega a su fin. El bajo cae una muesca y Robin interviene como solo él puede con un par de arreglos de guitarra en capas que parecen obligar a Liz a empujar las cosas aún más. Ella acepta el desafío, elevándose y lanzándose en picado, acercándose más a nosotros con su sonido y sus "palabras". Me quedo con un sentimiento extrañamente familiar durante estos momentos finales y es esto. Aunque no tengo idea de lo que Liz ha estado diciendo, de alguna manera he entendido cada palabra.

POR DANIEL LAND DANIEL LAND AND THE MODERN PAINTERS (UK)

Blue Bell Knoll tenía ya una década cuando lo escuché por primera vez. Era el verano de 1998, y había estado obsesionada con los Cocteau Twins durante seis meses. Blue Bell Knoll, lanzado cuando tenía ocho años, parecía increíblemente antiguo. El verano de 1998 fue el final de mi primer año de universidad de sexto año, el verano de mi primer romance tentativo. También fue el verano de 'Teardrops' de Massive Attack, que tiene, sorprendentemente, veinte años ahora. Por pura coincidencia, vi un video del video de 'Carolyn's Fingers' durante una entrevista con Massive Attack, en el período previo al lanzamiento de Mezzanine. Fue mi primer atisbo de cómo lucían en realidad los Cocteau Twins: Guthrie con su brillante guitarra Gretsch; Raymonde estabilizador de la nave y fresco; Fraser parecido a un pájaro, con ojos increíblemente como dardos. Por supuesto, en estos días solo podía poner "Carolyn's Fingers" en YouTube, pero en aquel entonces, nadie que yo conociera tenía Internet en casa. Estaba tan feliz de haber visto a las tres personas que se estaban convirtiendo rápidamente en mis héroes. Massive Attack dijo que los Cocteau Twins eran una de esas "bandas súper geniales" en la década de 1980. Entonces, ¿por qué nadie en mi círculo de amigos los conoce? Definitivamente, fui el niño más raro de mi grupo de años: gay, de pelo largo, snob, inclinado a la literatura, y hablando de Brian Eno y Cocteau Twins y Harold Budd cuando todos los demás escuchaban a Gomez, Morcheeba y Manic Street Preachers. Nada parecía más fuera de lugar en la cálida ciudad de Devon en la que crecí que la música espaciosa y etérea de los Cocteau Twins. “Tear tearteartear tear…” Compré los álbumes en este orden: Milk & Kisses, Victorialand, Heaven o Las Vegas, Head Over Heels, Treasure, y luego Blue Bell Knoll. No me sorprende que prefiero a los Cocteau Twins en su forma más etérea, fue su último material el que me enganchó. Milk & Kisses sigue siendo mi álbum favorito de todos los tiempos, una elección impopular incluso para un fanático de los Cocteau Twins. Pero mientras que Milk & Kisses es mi favorito, no me cabe la menor duda de que Blue Bell Knoll es el mejor álbum de Cocteau Twins. Deseo que más personas, de hecho, más críticos, hagan la distinción entre "favorito" y "mejor". Compré el álbum de HMV en Exeter en una tarde calurosa. Oh, los días emocionantes de la década de 1990, cuando mi ciudad más cercana contaba con diez, quince buenas tiendas de discos (ahora solo hay una). La noche del martes fue la noche gay en el club nocturno de Boxes, Exeter Quay, y me invitaron a la casa de mi tutor de inglés (un amigo cercano en ese momento) para una cena antes de la noche El club resultó ser una quiebra, y el hecho de que alguien que era casi una cita lo pusiera de pie significaba un viaje en autobús desamparado a mi pequeña ciudad dormida en el crepúsculo. Mientras avanzábamos por los profundos bosques de Stoke Cannon, coloqué Blue

Bell Knoll en mi reproductor de CD personal. Era a mediados del verano y el día era largo; a través de los árboles, pude ver destellos de luz solar reflejada en el río Exe, propenso a las inundaciones. Supongo que estaba un poco harta de que mi noche no hubiera ido al plan, pero la música también me distrajo y me fascinó. En muchos sentidos, el canto sin palabras de Elizabeth Fraser articulaba emociones con las que apenas estaba en contacto en ese momento. Y esa imagen: el dosel oscuro sobre mi cabeza, los destellos de la luz del sol a través de los árboles, incluso ahora, veinte años después, este es el lugar al que voy cuando escucho este álbum. "Acabo de tener esta imagen de ella girando, y esto sigue y sigue para siempre, eternamente. ¡Y así debería hacerlo!" - Elizabeth Fraser Cocteau Twins siempre guardó lo mejor hasta el final. 'Ella Megalast Burls Forever' es un punto final lógico para Blue Bell Knoll y, en mi opinión, la mejor canción del álbum. Es una pieza musical a la que he vuelto una y otra vez durante mi desarrollo, tanto como persona como músico. Cada vez, me doy cuenta de algo nuevo que me sorprende. Por ejemplo, solo recientemente me di cuenta de lo extraño que es el bajo en esta canción. La mayor parte del bajo proviene de esas puñaladas de piano eléctricas al principio de cada compás. El bajo real está apagado haciendo otra cosa: algo melódico y sinuoso; el tipo de parte que tocarías en una guitarra. Una cosa sutil, pero un ejemplo del tipo de experimentación estructural en la que participó Cocteaus todo el tiempo, y que rara vez se acredita. La belleza de la secuencia de acordes es lo que primero me impresionó; ese era el tipo de cosas en las que pensaba en 1998. Solía pasar horas recogiendo acordes en el piano, tratando de idear secuencias de acordes imaginativas. ¿Cómo demonios podrían los Cocteau Twins hacer que el C Major, el E Minor y el F Major suenen tan asombrosos? No tenía sentido para mí. Fue solo más tarde, cuando comencé a grabar correctamente, que me di cuenta de cuánto del estado de ánimo de una pista puede provenir de las texturas de guitarra y las inversiones de acordes. Una vez que me di cuenta de eso, me sorprendieron los Cocteau Twins de nuevo, al ver el esfuerzo que Guthrie y Raymonde pusieron en sus arreglos y producciones. Escucha los últimos veinte compases o más, desde 2:23 si estás escuchando digitalmente. Justo cuando crees que no puedes meter más instrumentos en la pista, llegan dos partes de guitarra acústica de alta frecuencia, interconectadas y con sonido, que se mueven alrededor del espectro estéreo. He intentado en vano conseguir ese tipo de sutileza en mis mezclas; 20 años después, todavía estoy sorprendido de cómo funciona esa parte. Después de que finalmente reuní el coraje para comenzar a cantar (en 2002), fue el poder y la sutileza de las voces de Fraser lo que me impactó. Cómo se cierne sobre todo como el ángel más triste que hayas escuchado. De hecho, cuanto más aprendo sobre el canto, más me doy cuenta de que Elizabeth Fraser es la mejor y más distintiva cantante del siglo pasado. Más que eso, ella es tres de las mejores cantantes del siglo pasado. Porque tiene esta biblioteca de voces (la soprano, la que grita, la tierna maternal), cada una tan completa y tan poderosa como las demás. Qué valiente era la banda, para liberar esto. Cómo en una extremidad estaban; Trabajando en una forma de su propia concepción, y solo relacionada tangencialmente con la cultura de la época. Sé que Heaven o Las Vegas es el álbum de Cocteau Twins favorito de muchas personas, pero creo que Blue Bell Knoll es el mejor porque es, en muchos sentidos, la expresión más refinada del sonido de Cocteau Twins. No es casualidad que después de esto, el único lugar que quedaba, realmente, fuera hacia el centro, un sonido más despojado, más obviamente letras en inglés. Mientras que Blue Bell Knoll se traduce únicamente en su propio idioma, nunca fueron más abstractos o distintivos.

[ Entrevista a Ardilla por Diego Centuriรณn. ]

Ahora estamos enfocados en este show

Nacida en el 2013 y próximos a un gran show nos contactamos con la banda porteña “Ardilla” ha lanzado este año su segundo álbum llamado “El Progreso” y la presentación oficial la realizaránen octubre en el CAFF (Club Atlético Fernandez Fierro). ¡Hola chicos! Gracias por aceptar responder estas preguntas. Para empezar vamos con el principio de todo. Nacen de la unión de dos bandas… cuéntenos esa historia… Nosotros tres (Juan, Luks y Lito) nos conocimos en la UMI (Unión de Músicos Independientes) Juan y Lito tocaban en Somos Jardin y Luks en Cindi. Compartíamos sala y fechas, nos hicimos muy amigos. Ambas bandas se separaron casi al mismo tiempo y empezamos a ensayar para hacer algo, no estar inactivos. De a poco empezaron a aparecer los temas y sin darnos cuenta ya éramos Ardilla. En ese momento también estaban Damo y Chisty que venían de Cindi y estuvieron en la primera etapa de Ardilla. Muy poco después ya tenían su primer álbum, “Catálogo de Bellos Dolores”. Cuéntenos esa primera experiencia de grabar como “Ardilla”. Ensayamos durante un año y aparecieron los temas. Sonábamos mucho más punk en ese momento, éramos tres violas y tocábamos con mucho volumen. Nos quedó la espina de que en Catálogo no quedó el sonido de la banda en vivo que era muy poderoso.

Pero fue una linda experiencia. Difícil y estimulante como todo primer disco. Después de “Anexo V” y algunos remixes llega el cambio de integrantes… ¿En qué cambió la banda con los cambios? Cuando se fueron Chisty y Damo pasamos de 5 miembros a 4 porque no trajimos otro guitarrista. Cuando entró Facu en la batería nos sentimos completos y que había una química entre los cuatro que estaba buenísima. La banda se sofisticó un poco más por decirlo de algún modo... bajamos un poco el volumen, empezamos a buscar matices, laburar las voces con, más atención. Un laburo más a conciencia sobre la canción Llega “El Progreso”. ¿Qué diferencias encuentran entre “El Progreso” y el primer álbum, además de los integrantes? Todas. El Progreso se laburo con el productor (Sergio Álvarez) desde el día uno. Grabamos las canciones acústicas para escuchar la canción en sí, empezamos a sumarle la banda, se laburo mucho, muchísimo ensayo... después pudimos grabar en un estudio buenísimo como el Pie y quark, contamos con Facu Rodríguez que es un ingeniero de grabación tremendo, pudimos masterizarlo en Londres con Neil Pickles... trabajar así y poder ponerse en manos de gente que sabe tanto nos enriqueció muchísimo.

El trayecto del disco nos hizo crecer como músicos. Además este disco lo grabamos prácticamente en vivo, todos juntos en El Pie y luego algunas cosas adicionales o las voces en Quark, lo que le da un carácter muy vivo al disco...

noche.

¿Cuáles son los planes para los últimos meses del año? Ahora estamos enfocados en este show, ensayando mucho. Tenemos algunas fechas más antes que termine el año y tenemos proyecto de grabar algún tema nuevo y unas versiones Ya han tocado las canciones del dentro de poco. nuevo álbum en vivo en varios shows, ¿cómo las sienten en vivo? ¿Tienen planeado nueva Muybien,alserundiscoprácticamente grabación? grabado en vivo no nos costó pasarlas De a poco están apareciendo nuevos al show. Disfrutamos mucho tocarlas y temas, pero están en tubos de ensayo, el carácter que toman en las canciones. porque sentíamos que todavía no podíamos sacarnos el clima de "El Se viene la presentación oficial. progreso" de encima. Entonces estaba ¿Qué podemos esperar de esa bueno cuidar esos momentos, disfrutar noche? este disco y cuidar a las nuevas Vamos a tocar El Progreso entero canciones. Estamos pensando grabar y repasar temas del primer disco con unas versiones de algunos temas de el sonido que tenemos ahora. Habrá rock nacional que nos gustan mucho y invitados que tuvieron que ver con el el año que viene empezar a proyectar disco, visuales... será una gran reunión el nuevo disco.

PALABRAS EN LA ARENA

Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ "LA DAMA NÚMERO TRECE" de José Carlos Somoza por Pablo Ravale ]

EL PODER DE LAS MUSAS

Creo que fue en vísperas del Halloween pasado cuando, en una publicación de Facebook de una de las páginas de libros que sigo, se recomendó La dama número trece de Jose Carlos Somoza. Recuerdo que alguien dijo algo así como que era una novelón hecho y derecho. Mi relación con el terror, como género, es casi de amantes. Si bien devoro todo tipo de autores (desde Bukowski a Hermann Hesse, pasando por el Conde de Lautréamont), suelo atiborrarme también de novelas o cuentos de terror. Disfruto muchísimo de hacerme de esta clase de historias, de hecho, es por eso que con el tiempo terminé deviniendo en un autor local del género. Sin embargo, no me llaman la atención demasiado los típicos relatos de vampiros o en las que sólo hay tripas, sangre y escenas gore. Me gustan las historias de ocultistas, las de brujas y poseídos, las de sectas… Y si encima están narradas en primera persona –siguiendo la escuela de maestros como Poe, Lovecraft o Thomas Ligotti– mejor que mejor. La flipo en colores. En fin… Como suelo leer bastante en estas directrices, sucedió entonces que un día me enteré sobre José Carlos Somoza, un escritor nacido en Cuba pero radicado en España bastante reputado en lo que al género concierne y que, sin ir más lejos, tiene muchísimas novelas; y éstas, traducidas, también, a muchísimos idiomas. Visto y considerando, uno nunca se va a la cama sin haber aprendido algo nuevo. La dama número trece es su obra

más célebre y reciente, además de haber sido la más apreciada por los lectores. No hay duda alguna de que está muy bien escrita y que es absolutamente atrapante, pero también debo reconocer que es una obra bastante compleja, pues te exige que te comprometas de lleno con su lectura. Suceden tantas y tan sorprendentes cosas en La dama número trece que no veo el modo de dar una información satisfactoria de su laberíntico argumento, ni soy capaz de definir con claridad el meollo o la intención última del autor. Todo ello al margen de reconocer, de entrada, la mucha originalidad y las excelentes cualidades imaginativas y fuerza novelesca que adornan a una historia con el suficiente gancho como para retener la tensión y el interés hasta la última página Por dar una idea un poco aproximada de la misma, diré que es una especie de descenso a los infiernos de la mente atormentada de Salomón Rulfo, un profesor de literatura y poeta traumatizado por un doloroso episodio de su vida. La trama global se desarrolla entre un breve paréntesis costumbrista, en el cual Rulfo consulta sus pesadillas nocturnas con un médico y lo hace cómplice de su problema, y la peripecia onírica que recrea un mundo dominado por “las damas”, unos seres sobrenaturales que adoptan formas femeninas, y en el cual la poesía es un arma no en el sentido metafórico sino en uno tan real que alguien muere al disparársele un par de versos. Dicho así, suena un poco disparatado, pero ese mundo sostenido en el poder

de la palabra, lleno de citas poéticas que funcionan como sortilegios, y de musas demoníacas y vengativas, posee la coherencia interior propia de la literatura fantástica. Y aunque Somoza haya izado la bandera de la invención hasta el extremo, tal misterioso universo finge con su peculiar verosimilitud una espeluznante realidad, que es lo que la novela pretende. Con este propósito, el autor tiene el acierto principal de arrancar su historia en los borrosos límites de lo onírico y la vigilia, de dejarla en el terreno de la calculada ambigüedad de lo real y lo imaginado. Gracias a un relato fluido, barroco y apoyado en leves técnicas narrativas no convencionales, los extraños fenómenos de lo paranormal adquieren una consistencia que pone los pelos de punta. Así las cosas, La dama número trece resulta un compendio de procedimientos narrativos. Hay aquí intriga, crímenes acompañados de su investigación, muertos que resucitan, misterio, terror, goticismo, hermenéutica literaria, aventuras peligrosas, amores malditos, drama existencial y traiciones. En síntesis, una suma irresistible de elementos aplicada a una aproximación a la vida que desborda nuestra acostumbrada óptica racionalista. Existe, parece decir Somoza, algo más allá de la realidad empírica. Y a ese misterio nos asoma La dama número trece. A su vez, esa existencia fuera de lo cotidiano se presenta con una clase de relato de acción que añade el prestigio de lo literario a unas anécdotas muy marcadas y a un fuerte gusto por narrar, ya que tiene una prosa cuidada y una virtuosa organización, y está pensada para un lector mayoritario sin caer en la pobreza habitual de la literatura de consumo. Por último, podría agregar que el libro acaba de ser adaptado el cine de la mano del reconocido director español Jaume Balagueró, autor de la saga Rec. La película, con el título de Musa y producida por Filmax, cuenta con un reparto internacional encabezado por Elliot Cowan, Ana Ularu, Franka Potente, Christopher Lloyd y Leonor Watling, y tiene previsto su estreno en nuestro país para el 1 de diciembre del corriente año. Ahora a esperar que salga y a seguir recreando los frescos pesadillescos de las escenas de la novela. Alucinante.

FRANCO DOGLIOLI

ESTOPAS trío de oscuros tamaño pastilla para la seca lengua de tu sombra nuestra miserable demostración desgarrarnos pretendemos con vacío saturando cada hueco como tristes sonajeros juegan con nosotros los hijos de los vivos muertos durante horas eyaculando carencias simulamos nuestras muertes luego vos te dormís el otro pica hielo y yo escapo en taxi

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

LA LUCIDEZ por Pablo Ravale

La lucidez es un estado de ánimo doloroso. Estar lúcido implica “conocer” en su sentido más amplio. Es percibir hasta en las menores cosas las distintas facetas de la vida. Es un sueño ligero, una vigilia en medio de la noche. Estar lúcido es alcanzar un nivel de conciencia trascedente que provoca la complejidad del ser y sus circunstancias. Es ver claramente, como decía Pablo, el apóstol de Jesucristo, no por un espejo, sino cara a cara. Es no intuir la realidad sino abarcarla en su conjunto con todo lo que ello implica. Estar lúcido es asimilar la esencia del conocimiento primordial. Es un aprehender en la milésima de un segundo las viejas claves perdidas en el tiempo. Y saber de veras. Saber que el equilibrio supremo está en soportar las vicisitudes cotidianas con una mirada “más allá del bien y del mal”, como decía Nietzsche, quizás el más atroz de los desesperados. Estar lúcido es alcanzar el punto culminante del hombre y de las cosas. Es el “estar iluminado”, el “entender” soportando los mayores dolores con los más desenfrenados placeres. Es estar abierto al Todo, al Todo, así con mayúsculas. Y es aterrarse por ese conocimiento que alguna vez estuvo vedado a los hombres, pero que algunos lograron alcanzar. Estar lúcido es traspasar los umbrales de lo cotidiano. Es ver más allá. Es advertir una forma total, circular. Estar lúcido es descarnarse. Ser una torre en la soledad como Ezequiel, profeta en medio

de Israel. Saber las verdades y tolerar ese conocimiento que puede ser atroz, es estar lúcido. Porque es ver hacia adentro y hacia afuera al mismo tiempo. Es “asir” lo inasible. Es “vivir de verdad”. Es ver sin los filtros de la costumbre. Alejandra Pizarnik, esa otra gran desesperada de nuestra literatura lo supo. Es que los artistas alcanzan ese estado pavoroso de lucidez. Por eso escribió: «La lucidez es un don y es un castigo, está todo en la palabra, lúcido viene de Lucifer, el arcángel rebelde, el demonio. Pero también se llama Lucifer, el lucero del alba, la primera estrella, la más brillante, la última en apagarse. Lúcido viene de Lucifer, y Lucifer viene de Lux y de Fergus que quiere decir, el que tiene luz, el que genera luz, el que trae la luz que permite la visión interior, el bien y el mal, todo junto: el place r y el dolor. La lucidez es un dolor y el único placer que uno puede conocer, lo único que se parecerá remotamente a la alegría, será el placer de ser consciente de la propia lucidez, el silencio de la comprensión, el silencio del mero estar, en esto se ven los años y en esto se fue la bella alegría animal». Han alcanzado esa lucidez, entre otros, los místicos y los locos. Por eso es que la lucidez pocas veces se perdona y que a algunos ha llevado al destierro o al cadalso.

LAS PISTAS EN EL ÁLBUM FLUYEN NATURALMENTE ENTRE SÍ

[ Entrevista a Damian Katzbauer de Lost Chocolate Lab por Benjamín York Fotografía: KB Kastbauer. ]

Damian Kastbauer es el arquitecto de este trabajo que combina drones, ambient, shoegaze, pero sobre todo, el rock espacial y la improvisación como un arma compositiva. Damian ha sido parte de una banda de shoegaze de Minneapolis llamada February, que ha lanzado discos bajo el sello Saint Marie Records. Y ahora, establecido en Seattle, Damian basa sus composiciones en improvisaciones con efectos e imágenes en vivo. "Lost Landscapes" es una combinación perfecta entre el laboratorio de efectos y la inspiración del momento.

¡Hola Damian! Gracias por aceptar responder estas preguntas. Para empezar, ¿cómo y cuándo nació la idea de Lost Chocolate Lab como proyecto musical? Después de que la banda y el anuncio de February siguieran su curso, me interesó explorar las estructuras de canciones abiertas sin la limitación de la composición de versos / coros tradicionales. También descubrí que el tiempo dedicado a refinar un concepto musical en realidad podría restar valor a los momentos de inspiración en los que se basaba una idea. Entonces comencé a avanzar más hacia una metodología de composición espontánea o improvisación; primero con mi (que pronto será) esposa Julie, luego con el percusionista interestelar JP Hauer y ahora de pie solo como improvisador en solitario. ¿De dónde viene el nombre del proyecto? El nombre vino de viajar en autobús entre Minneapolis y St. Paul en Lake St. en mis primeros veinte años. Julie y yo vimos un folleto para un "Laboratorio de chocolate perdido" y nos sorprendieron en ese momento con la dualidad de su significado potencial. Es un nombre que puede desafiar las suposiciones y canalizar un tipo de juego que encarna el proyecto en sus diversas formas.

siento que puedo doblar el tejido del tiempo y subvertir la naturaleza de la guitarra de una manera que permite una expresión que habla desde dentro de mí. Cambios perceptivos, dinámicas y ruidos compuestos en oleadas de emoción. El álbum tiene 10 canciones, pero más allá del tiempo de grabación, ¿has retocado algo en la postproducción? El día de mi trabajo es trabajar con el sonido para los videojuegos, por lo que estoy pateando ruidos todo el día con un mouse y un teclado que apoyan la interactividad. Cuando llegó a Lost Landscapes, estaba más interesado en captar la música a medida que fluía y la postproducción fue más sobre la eliminación de piezas para obtener la representación más clara de la interpretación. Entonces, cuando llegó el momento de producir las grabaciones, me limité a la automatización de volumen y la ecualización en todas las pistas grabadas.

¿Cómo grabaste este disco? ¿Has grabado más canciones o estas son solo diez? Las canciones se grabaron durante un período de 3 días en el invierno de 2017 en casa aquí en Seattle. Grabé una sola improvisación de 1 a 2 horas en cada uno de los primeros 2 días y luego usé el 3er día para improviPensando en la sonoridad y los efectos, sar un segundo pase a través de muchos de ¿cuáles son los efectos que nunca puede las secciones que eventualmente comprendejar de usar en cualquier improvisación? derían Lost Landscapes. Muchas de las pisDelay, reverb y distorsión. Con estos tres, tas en el álbum fluyen naturalmente entre sí

y en lugares donde no puede haber pasajes html que finalmente llegaron al piso de la sala de despiece Ahora que el disco ya está publicado. ¿Qué planes tienes? Lo bueno de los efectos es que tienen Estaré en algunos shows en vivo en Seamandos para manipularlos en vivo, y jue- ttle este otoño y espero encontrar lugares y gas con esa posibilidad. ¿Con qué efecto audiencias adicionales para compartir estos te gusta jugar más? sonidos. Tener una pedalera (o dos) de efectos me permite controlar dinámicamente e improvi- Y para finalizar esta entrevista y agradesar con el sonido resultante de una mane- cerle el tiempo que se le ha dado para resra que me permite contar la historia que se ponderlas, ¿hay algo que no haya pregunestá desarrollando desde la punta de mis de- tado que nos cuente? dos. Tengo 4 pedales de expresión y un Cry Además del álbum Lost Landscapes, tambaby wah que me dan control en tiempo real bién he creado un acompañamiento visual sobre las propiedades de diferentes efectos completo para el álbum que se lanzará a fiy toda una red de procesamiento de sonido nales de este mes. El video para el primer que puede invocarse con solo presionar un sencillo "Squall" se puede ver aquí: interruptor de pie. Todo el sistema es un me- https://m.youtube.com/watch?v=V6P9Ncanismo de juego que se describe aquí: RiuAVk http://blog.lostchocolatelab.com/2018/09/ lost-landscapes-pedalboards-processing. ¡Gracias por las amables palabras y su apoyo a esta música!

¡SOY ESPIRITUAL, AUNQUE SÚPER PUNK EN ACTITUD: CREO! [ Entrevista con Victoria Real por Pablo Müllner. ]

Como adepto al hinduismo practico yoga y meditación desde hace más de diez años, y una de las cuestiones esenciales de la existencia, según la filosofía hindú, es que la naturaleza se nos presenta divida en por lo menos cuatro elementos: Agua, Aire, Tierra y Fuego. Esto se trata de una apariencia. “MAYA” se le dice a la ilusión de que los elementos están por separado en la vida material, es una especie de “espejismo” para los que solo creen en la existencia material. Siempre pienso desde esos lugares el arte y la vida en general. El segundo disco de Victoria Real, “Mi Propio Poder” me parece una colección de canciones de base rockera en primer lugar, pero que tiene un fuertísimo Elemento Aire presente. Hay una sensación muy aérea, muy suspendida, lo digo desde el elogio, sin dudarlo. Por último, el rock viene recubierto en “Glitter”: ropas de terciopelo, boas de plumas, las tinturas modernas y maquillaje turquesa. Muy en sintonía con sus influencias musicales: David Bowie, PJ Harvey, St. Vincent, y Cerati (“La música de Gustavo como solista, siempre está presente. Bocanada un antes y un después en mi vida… musical.”) Ya había entrevistado a Victoria el año pasado, en ocasión de reseñar su sorprendente debut “Música para sanar maquinas rotas” (2017), una pequeña maravilla entre el minimalismo experimental y las lecciones de guitarra de Robert Fripp, por donde se filtra la sensibilidad pop de las composiciones de Victoria como una ráfaga de aire fresco, mentolado, perfumado, reanimando todo alrededor.

Victoria Real me responde: ¡Gracias! Yo medito, también… Soy espiritual, aunque súper punk en actitud. Creo… Me parece que por lo “espacioso”, o mejor dicho “espacial” del trabajo compositivo de MPP, porque te hace levitar de alguna manera, si uno se dispone a oírlo sin resistencias. Pero pensando con mayor agudeza diría: no lo usaría para meditar de manera estática, porque te mueve, te da ganas de bailarlo. Es un disco muy “Vinyassana Yoga”, una rama del Yoga que nos propone una meditación basada en el movimiento y la música, es decir, completamente en contradicción con el modelo de meditación estática del “Hatha Yoga”, que además es silenciosa, o casi, y guiada por la voz del instructor. La voz de Victoria Real no es mesiánica, ni se propone guiarnos como un “Gurú Espiritual” para aprender a respirar o develar los secretos de la vida sutil. Casi diría, en las antípodas nos propone una especie de juego de espejos, donde el espacio de su composición nos permita elaborar a nosotros mismos: sobre nuestros deseos, sueños, triunfos y fracasos. Esa suerte de lugar para jugar que nos hace la música de Victoria nos da en si misma la fuerza, potencial o real de ser Escuchas Activos. Participar, llenar los espacios en blanco, pintarlos de un color, como puede ser el rojo violáceo de la noche o el celeste lapislázuli de un cielo en estado de pura primavera.

Victoria se entusiasma, como si hubiese tocado el botón adecuado: “Esoooo… Siiii… Aire en la composición”, como dice (el A todo este discurrir mío de la conciencia, compositor de música experimental John)

sus proyectos visuales. Y hablando de proyectos… ¿tenés música nueva en el horizonte? Claro, estoy muy entusiasmada con lo nuevo. “La Lección” es el nuevo disco que estoy trabajando ahora. Es un disco de lecciones cada Lección saldra como single, la que está por salir en unos meses espero es La Lección 2: El Juego. Estoy super guerrera con este proyecto, conectada cada vez más a quien soy. En ese mismo sentido, durante el proceso de composicion hago casi todo De todos los temas de MMP, quizá el yo sola porque no quiero que se rompa esa más nocturno y bailable, pero también unicidad. rockero sea “Woo Hoo”. Pero bailar pero en estado de contemplación, algo más “Ah, bien” le digo, y justito me da trascendental, no un pogo demencial ni el pie para preguntarle qué opina de un tema para chapar. Le cuento que el usar Elementos del hinduísmo, o del video me gustó muchísimo, tiene unas orientalismo en general, en la música o imágenes digitales muy potentes, y al en la literatura. Se lo pregunto por qué mismo tiempo me sorprende que no yo siempre lo uso de disparador, y a aparezca ella, ya que Victoria es una chica veces pienso si no es mejor no hacerlo muy bonita y sexy, y su presencia física tan evidente, o si será mejor usarlo en el le daría siempre un “gancho” especial a borrador y luego sacarlo… Cage. “No asfixiar una composición es la base fundamental de la música experimental. Y respecto de la parte de la meditación en Vinyassa: el acto creativo es como buscar a Dios para mí. Qué lindo! Woo Hoo, bailar! Buenísimo pensarlo así, que sirva para meditar y bailar al mismo tiempo, ¡me encanta!” Es un paso al frente después de mi debut, “Música para sanar máquinas rotas”, al que define sin vueltas: “…fue como salir desnuda e indefensa!”

Yo nunca pienso así sobre mis composiciones. Me sale lo que necesito expresar, sale solo, y no lo cuestiono, eso es lo más importante:que sea real, no una pretensión, si dice lo que quiero decir y como lo quiero decir. La pregunta que me hago yo en esos casos es: “es genuino”? ¿Nace de una necesidad? Si es positivo, entonces hay que laburla, involucrarse en ese mambo. Si no nace como una necesidad, que siga por otro lado. Lo dejás pasar.

https://www.instagram.com/ vrvictoriareal https://www.twitter.com/VRVictoriaReal https://www.facebook.com/ VRVictoriaReal https://m.youtube.com/c/VictoriaReal https://open.spotify.com/ artist/1MGrpHYQwSEuRd5aaelclH https://www.victoriareal.bandcamp. com/

Las próximas fechas de Victoria Real en ¿Podés ver la frase que encierre todo el vivo son: sentido, lo que llaman la epifanía, de Mi *Sábado 13 de Octubre Propio Poder? “Lo demari” Mi Propio Poder es la victoria de la realidad, Belgrano 224, Corrientes algo así: “La victoria de la realidad es invencible *Domingo 14 de Octubre tarde o temprano gana la realidad.” Listo, “Miranda Social Club” fue fácil! Catamarca 1128, Corrientes Podés seguir a Victoria Real en:

*Lunes 15 de Octubre "Concierto Privado"

HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

[ Reseña de "Tombstones In Their Eyes - Nothing Here" por Diego Centurión. ]

AMBIENTACIONES NEBULOSAS

Tombstones In Their Eyes - Nothing Here Label: Send Me Your Head Records Fecha de lanzamiento: 24 de Agosto de 2018 A un año del EP "Fear" y del single "Shutting Down/Take Me Home", la banda de John Treanor, Stephen Striegel, Josh Drew, Mike Mason y James Cooper (como guía musical) regresan con este nuevo EP de tres canciones. En donde ratifican el buen sendero tomado el año pasado con las publicaciones mencionadas. "Sihouette" abre con una densa atmósfera corrosiva de las guitarras distorsionadas y arrastradas que elevan con la entonación lisérgica de Mike, que como una deidad se eleva sobre esa marea de guitarras que se entrecruzan formando un tejido difícil de penetrar y que nos impulsa a seguir instintivamente el sendero de una borrosa luz en una espesa neblina. "Take Me Away" irrumpe oasicamente (de Oasis) estridente pero luego se apacigua en el verso y vuelve a ponerse espinosa en el falso estribillo. De ritmo cansino e inundado de feedbacks y reverberancias distorsionadas, nos deja a la espera del último track. "Nothing Here" no solo le damos nombre al EP sino que es un cierre perfecto para este trabajo, sin acelerar el ritmo y la sobrecarga fascinante de distorsiones difusas, nos encontramos ante el track "más calmo" de los tres. Solos lánguidos, ambientaciones nebulosas, voces que aparecen fantasmales... simplemente fantástico trabajo presentado por la banda.

[ Por José Navarro. Fotografías: Marianarchy Deadbilly. ]

KILLING JOKE. SIMPLEMENTE ESO Killing Joke en The Roxy, 24 de Septiembre de 2018

La fórmula post punk, si se pudiera traducir en una especie de elemento químico, es simple. Unos postulados que se heredan directamente del punk, pero con los bordes suavizados. Ideas que son en realidad espejos de realidad apuntando hacia su audiencia. Actitud que se transforma en energía colectiva. Todo eso arropado por supuesto, en una especie de ritmo monolítico y repetitivo, formando un espacio ambiguo, en el que algunos se pueden perder. Y otros, encontrarse. El show de Killing Joke en Buenos Aires, dejó secuelas difíciles de subsanar. Puso en evidencia a bandas de generaciones posteriores con infinitamente mayor éxito comercial, y nos trajo su mensaje intacto. Venimos a hacer lo que sabemos. Lo venimos practicando hace 40 años. Y lo hacemos bien. Con una lista de temas que dio un repaso a su extensa carrera de manera lúcida y real, dieron una lección de que el cartel que decía “Nostalgia” quedó sepultado en el medio del público, que sabía a lo que se exponía, pero que quizás no estaba preparado del todo para compartir esa especie de comunión mundial que la banda –sin decirlo jamáspropugna. Y es que en tiempos que corren, en los que se cometen crímenes musicales en nombre de tal o cual tendencia, con apellido revisionista, ya tener unos señores mayores al frente, y escupiendo su obra In situ, y con una visceralidad asombrosa, se agradece infinitamente. “Love like blood” indudablemente su canción más conocida, fue el primer tema del show. Un acto de no concesión, que dio la tónica del espectáculo. Nada de esperar a ese clímax en forma de gráfico lineal. Simplemente, para ellos, es una canción más. Así, se sucedieron “Auto zone”, “New cold war”, Una versión acelerada del himno “Eighties”, “Requiem”, “Follow the leaders”, “Bloodsport”. En una especie de sermón que servía como introducción a cada una de las canciones, el sumo pontífice Jaz Coleman, nos dió a entender que su posición política estaba clara desde el principio. Que al día siguiente, día del paro contra las políticas económicas del gobierno actual, todos deberíamos ir, que el FMI debería quedarse con las ganas de cobrar sus deudas, y que Los Estados Unidos vienen en busca de todos nuestros recursos. Las barreras idiomáticas no hicieron estragos entre los acólitos presentes. Hace muchísimos años, leí una crítica sobre una banda en una revista Española, en la que se decía que dicha agrupación, apuntaba a una dirección sin decir una palabra. Esta vez, los presentes en el show de Killing Joke, lo atestiguamos. Una ráfaga más de canciones, como “Loose Cannon”, “Corporate elect”, “Asteroid”, Una extraordinaria “Psyche”, “Wardance” y un cierre con “The Pandys are coming” para sellar una noche extraordinaria. Unos de los últimos héroes nos ayudaron a sentirnos parte de la imagen, parte de nuestro tiempo. Ese tiempo que se va, y regresa en forma de canción, grito y actitud. PD: Abrieron el show la banda Juvenilia. Un show insípido, con elementos trillados y ensalzados con actitudes de “Banda nueva emergente” que no conducen a nada.

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[ Reseña de "Melotron – Für Alle" por Franco Colombo. ]

TIBIO REENCUENTRO CON EL SONIDO ALEMÁN

Melotron – Für Alle Label: Out Of Line Fecha de lanzamiento: 29 de Junio de 2018 El trío alemán comandado por el vocalista Andy Krüger (el Dave Gahan alemán, por su impactante parecido físico) nos viene brindando exquisito material desde finales de los gloriosos años noventas. Pioneros en el sonido futurepop junto a bandas como VNV Nation, Apoptygma Berzerk, Neuroticfish, Assemblage 23 entre otros, los cuales llevaron el sonido del synthpop a la veloz pista de baile trance. Melotron ha visitado el continente sudamericano en varias ocasiones dando excelentes conciertos en Buenos Aires recordando en especial su primera presentación en el año 2004, regalando excelentes canciones como Wohim, Brüder, Gib Mir Alles, Kein Problem o Manchmal por nombrar algunos de los clásicos que sonaron durante la era 2k. Ya en el 2013 nos adelantaban Stuck In The Mirror, un nuevo himno sumado a los mencionados anteriormente, incluido en Werkschau, una especie de compilado con reconstrucciones en nuevas versiones de algunos de sus anteriores trabajos, hasta llegar al año 2018. Ahora sí, es el turno de Für Alle, flamante nuevo álbum de 11 canciones las cuales vamos a pasar a comentar. Willkommen nos da la bienvenida con un beat bien marcado, dando paso firme y soberbio al comienzo del disco. Alles auf Anfang nos transporta por un sonido clásico donde indudablemente nos hace recordar al dúo Wolfsheim con la tan particular voz de Peter Heppner, el emperador del synthpop germano. El single, Menschen, cargado de energía nos hace comenzar a bailar, algo que en este disco escasea, excelentes beats y estribillo épico rodeado de arpegiadores sintetizados. Junkie y Wo ist dein Problem llevan al disco a una meseta sonora la cual repunta con el track Hatte, wenn und aber, sorprende con un sonido particular llevándonos a los Alpes Bávaros a bailar tal canción tradicional en canto tirolés futurista. El turno para la meditación espacial llega con Der 2.Planet, como sacada de un film de sci-fi dirigida por Christopher Nolan lleva el disco a su estado épico máximo, triunfal. Sleep Well sin dudas lo mejor que nos regala este nuevo disco con una canción perfecta en todo sentido, letra en inglés saliendo del durísimo alemán de los Melotron, nos transporta en un viaje futurepop lleno de melodías espaciales para bailar con los ojos cerrados y conectar con la delicia sonora de los sintetizadores. Eigentlich nos saca del ensueño y nos deja en la entrada del Oktoberfest en Múnich con una buena Schöfferhofer de trigo en mano, recordando a un caso similar de los De/Vision en el apresurado álbum Rockets and Swords con su tema Kamikaze. ¿Humor alemán acaso? Und dafür nos regresa al sonido que destaca a Für Alle pero no lo deja brillar, para despedirse con Dein Glück en medio de la calma, una calma que fue hilo conductor durante estos minutos dejándonos con sabor a incomodidad a la escucha y ganas de que todo debería haber sido de otra manera.

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[ Por Pablo Ravale. ]

EL CONCIERTO PERFECTO Paradise Lost en Uniclub, 04 de Septiembre 2018

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La noche del martes 4 de septiembre fue para el recuerdo. Poder ver en directo por primera vez a unos ídolos de siempre, para mí, como son Paradise Lost, es una experiencia única en la vida. Si a eso le añadimos que lo hacían presentando su excelente último trabajo de estudio Medusa (2017), estábamos con todas las de ganar. Mi hora de llegada al evento coincidió casi con la apertura de puertas de lo que es el recinto conocido como Uniclub, en el barrio de El Abasto. Poco más de media hora después empezaban a calentar motores los locales Frater y Num, dos bandas que desconocía pero que se despacharon unos sets soberbios cuya propuesta era a base de riffs gordísimos y voces guturales (Frater, muy en la línea de Lamb of God, y Num con un aura entre Crowbar y Clutch). Tras estas dos agrupaciones, llegó el momento de Paradise Lost. Tuve la suerte de poder colocarme bien cerca del escenario, ya que la sala no es muy grande. Es un privilegio poder ver de cerca a un grupo tan importante en la historia del Metal. El concierto comenzó a las 21:35 y duró una hora y media prácticamente clavada. A las 11:05 estaban terminando, por lo que me quedé con ganas de más pero a la vez les estuve muy agradecido, pues al otro día madrugada como todo trabajador. El recital arrancó con la cañera “From the Gallows”, tercera canción de su último álbum del que interpretarían otras cuatro y que lógicamente iba a ser el protagonista de la noche. Entre todo la lista de temas iban a caer grandes clásicos de la banda mezclados con temas de su última y afianzada etapa. De esta manera, tocarían en segundo lugar por ejemplo “Tragic Idol”, de su álbum homónimo de 2012, seguida de la maravilla “One Second”, que hacía que el público estuviéramos disfrutando al máximo del show. La primera época fue la que, quizás, quedó más marcada en nuestras retinas, tímpanos y corazones, ya que nos hicieron cagar de gusto tocando varias perlas de discos como Gothic (la homónima “Gothic”), Shades of God (“As I Die”) Icon (“Embers Fire”) y Draconian Times (“Forever Failure”), sobre todo teniendo en cuenta el magnífico estado de la voz de Nick Holmes y el regreso de los guturales al día a día de la banda. Pero los 90 quedaron perfectamente relegados al meterse de lleno en temas que los devolvieron a la segunda parte de su carrera, tocando suites de aire más alternativo e industrial como “Erased” del álbum Symbol of Life (2002); sin olvidarme, claro, de un muy coreado “Faith Divides, Death Unite Us” del álbum del mismo nombre de 2009. Los temas del reciente Medusa sonaron potentes y fueron

muy bien recibidos por el público, especialmente el demoledor “Blood & Chaos” que hizo que toda la sala se entregase al máximo. Otro álbum bien representado fue su anterior y magnífico The Plague Within (2015) con tres temas como impresionantes como “An Eternity in Lies”, el muy death-doom “Beneath Broken Earth” y “No Hope in Sight”, con los que se fueron y regresaron para el bis. Un bis que se completó con el reciente mazazo “The Longest Winter”, que refleja a la perfección lo que es al día de hoy Paradise Lost. Para terminar, dejaron caer el clásico “Say Just Words”, que cerró un concierto perfecto como pocos a los que he asistido. Es para destacar que los cinco integrantes de la banda estuvieron sublimes en su papel: el joven baterista Waltteri Väyrynen (de apenas 24 años) demostró una técnica brutal en su instrumento; Steve Edmonson también arrollador con sus líneas de bajo profundas y penetrantes; Aaron Aedy a la guitarra rítmica era pura energía y simpatía con el público; Gregor MacKintosh, el genio zurdo siempre luciéndose a la guitarra principal; y por último, una de las mejores voces del Metal contemporáneo, Nick Holmes, tremendo cantante, pasando de los guturales a los tonos melódicos como si nada. En definitiva, estamos ante una banda que vive una segunda juventud y que ha encontrado una identidad que les representa a la perfección y a la vez muestra todo lo que han sido, son y serán. Tenemos Paradise Lost para rato, señores. Y si todavía, vos, no los escuchaste, ponete a la tarea ahora mismo.

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[ ReseÃ±a de Skinny Puppy - VIVISect VI por Franco Colombo. ]

EL PORTAL CYBERPUNK QUE NUNCA SE HA CERRADO

Skinny Puppy - VIVISectVI Label: Nettwerk Fecha de Lanzamiento: 12 de Septiembre de 1988 Treinta años no son nada. Recuerdo claramente haber escuchado "Testure" single que se desprende de este maravilloso álbum Cyberpunk (del verdadero), sonando en la NRG101. Al parecer era un mix que sonaba todos los sábados programado por algún genial musicalizador, donde acto seguido comenzaban los primeros beats de The Bog de Bigod20. Lejos de existir apps como Shazam, era tarea de arqueólogo tener grabada esa canción en cassette y salir a la búsqueda de recortes de revistas en la Galería Jardín de la calle Florida o encontrar alguna referencia en la feria del Parque Rivadavia, hasta leer atentamente cada párrafo de la jugosa revista especializada Esculpiendo Milagros. ¡Dimos en la tecla! luego de buscar e investigar (sin internet), encuentro en formato CD "VIVISectVI" en la ya extinta disquería Gapul de Galería Corrientes Angosta de la calle Lavalle en el microcentro porteño. Estamos hablando del año 1992 donde a mi temprana edad pre adolescente cae en mis manos este libro musical oscuro. Lleno de energía, beats agresivos y samples por donde se lo pueda mirar y escuchar. Ya nutrido de los primeros discos que iba adquiriendo de Front242, Nitzer Ebb, Front Line Assembly, inevitable entrada al mundo de la música industrial me dio apertura a bandas como Einstürzende Neubauten, Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire y otras que comenzaban a sonar en esa época como Nine Inch Nails (quien iba a imaginar lo que son hoy), y claro: Ministry, una aplanadora de sonido con su disco Psalm69. En estos momentos estoy sacando de mi batea de CDs esta belleza adquirida hace años y demos play para dar comienzo con Dogshit, la cual me lleva a dar un paseo por uno de los carros retro-apocalíptico-futurista de Mad Max, mientras que VX Gas Attack nos presenta una muralla de sonido entre golpes y sampleos cercanos entre Back catalogue de Front242 y Twitch de Ministry, seguida de Harsh Stone White, una balada dark industrial llena de distorsión y tortura, marca registrada de esta agrupación de Vancouver, Canada. Human Disease, sigue la misma línea donde las baterías electrónicas, la distorsión y las voces procesadas convierten al disco en un huracán de sonido sin frenos. Momento para Who's Laughing Now? la cual ya va mostrando un sonido más tecno utilizando sonidos de pads similares al gran himno Cyber punk Testure, uno de los momentos más emocionantes del álbum. State Aid, nos regresa como interludio al caos de baterías y sampleos a manos de cEvin Key entre gritos desesperados y de agonía de la voz de Nivek Ogre. Hospital Waste y Yes He Ran cercanas al primitivo EBM, líneas de bajo y baterías llenas de efectos sonoros nos dan lugar a Punk In Park Zoo's, otra de mis favoritas, con un ritmo electro, como si hubiesen tomado un tema de Kraftwerk y lo hayan puesto en una licuadora en corto circuito. Ya cerrando The Second Opinion, una marcha electro industrial le deja el camino abierto para la apertura del portal demoníaco de Funguss. Skinny Puppy fue la escuela a lo que hoy podemos escuchar y llamar Música Industrial. Bill Leeb de Front Line Assembly, Al Jourgensen de Ministry y muchos más han pasado por esta gran banda. Creo que hoy por hoy ningún adolescente millennials podría sobrevivir a la primera escucha de tan poderoso y preciado tesoro como lo es VIVISectVI.

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