Revista The 13th N° 50 by Revista The 13th

AÑO: 5 | NÚMERO 50

THE 13th U N A REV I S TA I M A GI NA R I A

MARTY WILLSON-PIPER - NOCTORUM BEAUTY IN CHAOS - LUNAR TWIN MUSTA PARAATI - STARFRAMES GENTE CONVERSANDO - NAX - CHILLAN LAS BESTIAS HORACIO.NUEVATEMPORADA - PLANETA NO! WALTER LURE - REFLECTION Y PLANETA EXTRAÑO THE CURE | ADRIAN BORLAND | FRONT 242 Y MÁS...

STAFF Diciembre 2018 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alex Bretto REALIZACIÓN Y DISEÑO

Benjamín York

Diego Centurión.

Diego Centurión Franco Colombo

TRADUCCIÓN

Franco Doglioli

Pablo Müllner

Gabo Rojo Maxx Wild

PORTADA

Pablo Müllner

ARMS

Pablo Ravale Rosco Rosco Coltraine

Jefe de Departamento de Colombia:

Rubén Torres

César León Jefe de Departamento de Literatura: Pablo Ravale. Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

[ Fotografía ] Lily Moonster Fabián Resakka

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Maia Triñanez con las fotografías de Alejandro Alba y Franco Colombo.

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NÚMERO 50 LA SENSACIÓN DE QUE EL CAMINO RECORRIDO... NOS GUÍA A SEGUIR CRECIENDO...

Por Pablo Ravale. ]

CINCUENTA NÚMEROS YA, ¿QUÉ TAL?

50, la cifra que muchos denominan como “la mitad de la vida”, pero que en este caso, espero, sea apenas una de las tantas vueltas que tenga que pegar el devenir de la existencia de éste, nuestro espacio de encuentro por amor al arte llamado Revista The 13th. Si analizamos desde la tradición esotérica el número 50, tendríamos en primer lugar que detenernos en el 5: cifra que habla de tensiones internas, de la necesidad de liberar (¿por qué no de “editar”, de “publicar”?), sacar, moverse, hablar, comunicar y sanar. ¿Y qué otra cosa, además del amor, nos hace sanar y enriquecernos interiormente, que no sea el arte? El arte y el amor son las pocas posibilidades de encuentro que el Universo presenta. Por tanto, el 5, como cifra, refiere a la voluntad de sacar cosas para empezar a sanar y lograr trascender a uno mismo… como sucede con la creación artística. Con respecto al 0, es una cifra que simboliza las potencialidades en estado latente; es el poder, la posibilidad de poder lo que sea, pero en la fase previa a generarse el producto, la creación. De hecho, si lo meditamos un poco, a mayor cantidad de ceros haya al lado de un número, de más poder reunido estamos hablando, y de muchísimos más recursos para lograr concretar un logro también. Así que queridos lectores, como dije al principio, estamos en la antesala de muchas aventuras más. Lo mejor siempre está por venir en Revista The 13th. A su salud.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES

MARTY WILLSON-PIPER

THE SOUNDS

NOCTORUM REFLECTION PLANETA EXTRAÑO MICHEL CIRAVOLO BEAUTY IN CHAOS CHILLAN LAS BESTIAS

STARFRAMES GENTE

18 24 32 48 70

CONVERSANDO

100

MUSTA PARAATI

114

NICOLAS CASTELLO NAX HORACIO NUEVATEMPORADA

PLANETA NO!

118 144 158

EL CAMINO DESNUDO LUNAR TWINS MAGIA MARVEL

64 84

EL FACTOR QUE NOS SUSTENTA

RESEÑA SHOW:

DISCOS

THE CURE

WALTER LURE

FRONT 242 FRONT BY FRONT AFGHAN WHIGS 1965

PALABRAS

126

R.E.M.

156

MINISTRY

HIDDEN TRACK MUSIC CORNER PLACEBO

164

& THE WALDOS

PETER MURPHY VORTERIX

EN LA ARENA

4:13 DREAM

38 42 76 80

THE LAND OF RAPE AND HONEY AUTHOR & PUNISHER BEASTLAND HOLOGRAM TEEN

92 110

BETWEEN THE FUNK AND THE FEAR

DISCOS

BLOODBATH

138

THE ARROW OF SATAN IS DRAWN MARISSA NADLER FOR MY CRIMES

168

ECHO & THE BUNNYMEN

140

THE STARS, THE OCEANS AND THE MOON

TESLA BOY REMEDY THE WIDE PARAMOUNT

170 172

SIMON HINKLER MOVING ON

162

SESIONES ENTREPISOS EN EL ESTUDIO MONTACARGAS YA TENEMOS VARIAS SESIONES LISTAS PARA LANZAR... INGRESEN Y SUSCRÍBANSE A NUESTROS CANALES PARA RECIBIR INFORMACIÓN SOBRE LAS SESIONES Y PODER VER LOS VIDEOS. WEB: https://www.entrepisosradio.com/ FACEBOOK: https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/ INSTAGRAM: https://www.instagram.com/ciclo_entrepisos/

[ Reseña de The Cure - 4:13 Dream por Pablo Ravale. ]

HACERLO SÓLO CON GUITARRAS

The Cure - 4:13 Dream Label: Suretone Fecha de lanzamiento: 27 de Octubre de 2018

Más de treinta años de carrera contemplan a The Cure, una de las pocas bandas que puede presumir de haber logrado algo tan inverosímil como seducir por igual al gran público, a los indies más intransigentes (Dinosaur Jr., My Bloody Valentine, The Smashing Pumpkins, Jesu), al mundo gótico (Siouxie and the Banshees, Placebo), a los progresivos (Steven Wilson), e incluso a algunos metaleros (Marilyn Manson, Deftones). Desde su fundación en 1976, el grupo de Robert Smith no ha parado de reinventarse y llenar de sombrío sentimentalismo una prolífera carrera con trece álbumes de estudio. 4:13 Dream, al igual que el disco homónimo de 2004, mira a los inicios de la banda, al pop de oscura sencillez que impregnó Three Imaginary Boys (de 1979), pero especialmente Seventeen Seconds (de 1980). En gran medida Robert Smith y los suyos firmaron su mejor etapa creativa, en términos globales, tras su segundo trabajo al que hay que añadirle Faith (1981) y Pornography (1982) para completar la trilogía siniestra. Smith siempre se ha mostrado contrario a dicha etiqueta, pero parece imposible que consiga desprenderse de ella por la inquietante melancolía que desprenden estos discos y el desarrollo coherente que siguen. Todo se agudiza, además, con la que puede considerarse su gran obra maestra, Desintegration (1989). Más que una desintegración es una bendita resurrección en la que The Cure retomó el sendero del pasado pero logrando llevar las canciones hasta una atmósfera, si cabe, hipnótica, a través de una concepción pop minimalista y unos arreglos soberbios. “Plainsong”, “Pictures of You”, “Lovesong”, “Lullaby” o “Fascination Street” son un mero ejemplo de la homogeneidad de un trabajo que tiene un lugar asegurado entre los mejores de la historia de la música popular. Pero pasaron casi veinte años desde que Robert Smith llegara a lo más alto. Un tiempo en que la banda se ha dedicado a alternar sus propias fórmulas, en algunos momentos cercanas al período de transición entre Pornography y Desintegration, y en otros, como el disco que trataremos hoy (de 2008, el último de estudio editado hasta el momento), retomando el sonido de sus inicios. En tanto, 4:13 Dream puede considerarse una continuación lógica de su anterior trabajo pero, sin embargo, opta por otros matices, en gran medida debidos a la desaparición de los teclados tras la marcha de Roger O’Donnell (aunque aquí incluidos y ejecutados, sólo en algunos temas, por el propio Smith). La por entonces alineación de la banda se redujo a un cuarteto formado por Smith (voz y guitarra), Simon Gallup (bajo), el “retornado” Porl Thompson (guitarra) y Jason Cooper (batería), factor que se vuelve fundamental para comprender la dirección que el grupo había decidido tomar por aquellos días. “The Only One”, primer single, editado el 13 de mayo y que abrió el lanzamien-

to de otros tres sencillos el día 13 de los meses posteriores en honor el decimotercer disco de estudio, ya marcaba las líneas generales de todo el álbum, con la guitarra de Thompson tomando las riendas hacia un sonido más melódico y despojado, por lo que también menos ambiental. La mayoría de temas oscilan entre los tres y cuatro minutos, con la excepción de “Underneath the Stars” (quizás la canción más bella de toda su discografía), la encargada de abrir el álbum, un verdadero viaje por debajo de las estrellas que emula a los Cure más dream-poperos (y hasta pinkfloydescos), pero con el mérito que conlleva hacerlo sólo con guitarras. No hay más sorpresas en un álbum del que los otros tres sencillos anticipados al lanzamiento (“Freakshow”, “Sleep When I’m Dead” y “The Perfect Boy”) ya habían adelantado. Aun así, se hace inevitable rendidos ante gemas preciosas como son “The Reason Why”, “Sireng Song” (muy Neil Young), la desasosegante “The Hungry Ghost”, “This. Here and Now. With You” y “The Scream” (la más My Bloody Valentine de la placa), todas ellas conceptuadas bajo el mismo patrón ejecutado por las guitarras y con un Robert Smith que se pasea a sus anchas con esa voz tan dulce, profunda y rota. Los mejores años ya han quedado atrás, de eso casi todos estamos seguros… De todos modos, (el anhelo de) un nuevo álbum de The Cure un día de éstos siempre garantiza una escucha distendida y momentos para adentrarse en el melancólico, disfrutable y colorido legado de la banda. ¡Te extrañamos demasiado, Roberto!

[ Reseña de Walter Lure & The Waldos - Wacka Lacka Boom Bop A Loom Bam Boo por Diego Centurión. ]

EL PORQUÉ DE SER UNA LEYENDA

Walter Lure & The Waldos - Wacka Lacka Boom Bop A Loom Bam Boo Label: Cleopatra Records Fecha de lanzamiento: 17 de Agosto de 2018

Para algún lector distraído el nombre de Walter Lure puede ser desconocido, pero para aquellos que disfrutamos esa primera ola del punk neoyorquino sabemos que junto a The Heartbreakers, también conocidos con el nombre de su carismático vocalista Johnny Thunders & The Heartbreakers. Lo cierto que con la muerte de Johnny la banda se separa y Walter se tomó un tiempo, ha participado de grabaciones con los Ramones en "Subterranean Jungle" (1983), "Too Tough To Die" (1984) y "Animal Boy" (1986), y reaparece en 1994 con "Rent Party" junto a su nueva banda The Waldos. Y 24 años años después del lanzamiento de su primer álbum, los ahora renombrados Walter Lure and The Waldos regresan con este nuevo álbum, en donde la energía de aquel sonido de The Heartbreakers no se ha disminuido en lo más mínimo. Un álbum intenso y lleno de energía, con dosis de punk rock originario de la Nueva York de los años setenta, pero con la calidad de estos tiempos. Walter mantiene la llama del rock más primario, y está a la altura de cualquier leyenda que regresa después de muchos años de inactividad discográfica demostrando el porqué de ser una leyenda. Cómo dato de color: el disco lo abre "Crazy Kids" que fue utilizada para la banda sonora de la película film 'Thunders: Room 37', que dramatiza los días finales de Johnny Thunders. Pero también nos encontramos con dos versiones de los Heartbreakers "London Boys" y "Take A Chance On Me". Una clase de historia para los más jóvenes.

[ Adrian Borland por Rosco Rosco Coltraine. ]

ADRIAN BORLAND WORLD FAIL ME

15 En sus últimas entrevistas, Adrian Borland aseguraba haber escrito unas 300 canciones y sugerir, que el número es lo de menos, lo más importante es ¿Cuántas de ellas serán recordadas?. La búsqueda de la canción perfecta seria la sustancia que llevo a borland a tener ese compromiso tan fuerte desde su primer banda The Outsiders, y con un disco de sonido amateur pero preciso, respondiendo a la urgencia del punk en 1977. Con más experiencia y refinamiento, su proyecto posterior y más conocido The Sound, Borland construye canciones con climas oscuros y claustrofóbicos, incorpora sintetizadores, y explora todas las posibilidades del post punk. Líricamente, expresa el descontento de su tiempo, en sintonía a la de bandas como Joy Division, The Cure y Echo And The Bunnymen. Sus discos "Jeopardy" (1980) y From The Lion's Mouth (1981) canonizan un sonido, para después entregar 3 discos que no responden ni a la critica ni al propio borland, que siente el desgaste creativo y separa la banda en 1988. En los años con The Sound, Borland no resigno colaboraciones u otros proyectos, junto a Graham Bailey le da vida a Second Layer, editan 2 EPs y un álbum "World Of Rubber" en 1981. El álbum esquiva el Post Punk y se descubren canciones monótonas, sonidos líquidos, con pulso sintético. El disco fracasa y desaparece, pero inaugura un nuevo lenguaje (sonico y poético) que comparte con bandas como Chrome, Nagamatzu y Algebra Suicide.

Su nueva aventura entre los años 1987 y 1991, se llama Honolulu Mountain Daffodils, y bajo el personaje de Joachim Pimento, edita 3 discos donde profundiza su devoción por sonidos eléctricos, sucios y primitivos, de bandas como Suicide, Bo Diddley, The 13th Floor Elevators y Kraftwerk. En el año 2004 el Ex Spacemen 3 (Peter Kember) homenajea a Borlan seleccionando el track "Psychic Hitlist Victim No. 8" para el compilado "Spacelines Sonic Sounds For Subterraneans." En 1989 Borland trabaja como productor en el álbum de FELT "Me And A Monkey On The Moon", luego de un fallido intento en 1982. La ultima entrega del etéreo Lawrence Hayward, reivindica el glam rock y a su héroe Lou Reed. Con este disco, Hayward se reinventa y forma Denim, la antesala de Go-Kart Mozart. Entrado los 90s, Borlan se siente renovado, y con The Citizens edita 2 discos, donde encontramos coqueteos con el pop "Light The Sky" y canciones introspectivas como "New Century Smile" o "Dangerous Stars", sin perder el tinte actual. Avanzado los años, su carrera no se detiene, pero su carácter intenso y esquizofrénico, lo traiciona, para romper contrato con su vida, y cometer suicidio a los 42 años. Con el tiempo, su muerte agranda el marco de héroe de culto, y confirma su naturaleza, la de un genio de felicidad incompleta.

[ Entrevista a Marty Willson-Piper de Noctorum por Diego Centurión. Fotografías: Simon Green, Olivia Willson-Piper y Anthony Collins. ]

SEGUIMOS SIENDO ECLÉCTICOS

19 Tal vez uno de esos músicos más interesantes desde su música pero también desde sus palabras, un músico, que en su hablar nos enseña y nos demuestra que la sabiduría musical lleva sus años de estudio, tanto de escuchar, de leer y de saber hacer historia con su talento musical. Aprovechando la salida del single adelanto de Noctorum, el dúo conformado por Marty Wilson-Piper y Dare Manson, que lanzará el tercer álbum en el 2019. Nos contactamos con Marty.

Hola Marty un gusto poder hablar contigo nos centraremos en Noctorum y el próximo álbum "The Afterlife". Ok Diego ¡Gracias! Para empezar cuéntanos ¿cómo nace este proyecto? Mi socio en Noctorum, esencialmente un proyecto de estudio, es Dare Mason y hemos estado trabajando juntos desde que éramos adolescentes. Después de nuestra adolescencia, Dare siguió el camino del ingeniero / productor mientras yo gravitaba hacia el guitarrista / cantante / compositor. En consecuencia, era inevitable que trabajáramos juntos y cuando comencé a hacer álbumes en solitario, Dare se involucró en todos menos uno. Después de un tiempo, decidimos que sería bueno tener también a Dare involucrado en el proceso de escritura, por lo que formamos Noctorum para ese propósito. Estamos a 16 años del debut de la banda, "Sparks Lane" (2002). Pasaron "Offer The Light" (2006) y "Honey Mink Forever" (2011). ¿Hay algo que haya cambiado en Noctorum en estos años? No, en realidad no. Seguimos siendo eclécticos, pero nuestro eclecticismo está más enfocado, si eso no suena como una contradicción. ¡Jaja! Hoy la tecnología ofrece muchas nuevas oportunidades para la composición de canciones. Puedes estar de un lado del mundo y Dare en en otro extremo del planeta, y componer sin ningún tipo de problemas. ¿Cómo fue el trabajo de composición de este nuevo álbum?

Es cierto que pueden trabajar juntos de forma remota, pero no es así como lo hacemos. Nos reunimos en Penzance, Cornwall, en las oficinas centrales de VIP Lounge Studio y en In Deep Music Archive, y escribimos sentados en una habitación con guitarras o bajos en la mano, a veces trabajando con un loop de batería, a veces no. ¡Eso es! Trabajamos con ideas, ritmos, partes de guitarra y bajo y luego grabamos una versión aproximada y luego, por lo general, obtendré una idea de melodía vocal y, más o menos, la recordaremos y trabajaremos más adelante. ¿Durante cuánto tiempo lo han trabajado en este nuevo álbum? ¿En qué estado se encuentra hoy el álbum? Comenzamos a trabajar en el álbum en octubre de 2016 y Olivia comenzó a grabar fragmentos del proceso, a menos que ella estuviera tocando el violín, por supuesto, luego me apoderaría de la cámara. Así que hemos estado dentro y fuera del estudio durante un período de dos años, auto invirtiendo en él y es por eso que emprendimos una campaña PledgeMusic. Esto le dio a los fanáticos la posibilidad de apoyarnos en el proceso y también darles la oportunidad de adquirir una copia a través de la campaña 3 meses antes de la fecha de lanzamiento de la calle. Los Pledgers recibirán el álbum en noviembre, fecha de la calle es febrero a través de Schoolkids Records. Pensando en tu extensa carrera ¿En qué momento te encuentra a ti éste álbum de Noctorun? Bueno, espero que sea un proceso evolutivo en todos los proyectos en los que estoy involucrado,

aunque en música parece que lo que antes eran artistas prolíficos a menudo deja de serlo. La producción de Pete Townshend, The Stones, Bowie, fue esporádica después de su sorprendente e innovadora década desde 1969-1980. Stevie Wonder lanzó Music Of My Mind y Talking Book en 1972. Tanto Please Please Me como With The Beatles se lanzaron en 1963. Pero, ¿qué pasó con The Psychedelic Furs? Su último álbum fue en 1991 y aún siguen en gira, no hay nuevas canciones para ¿27 años? ¿Cómo puedes ser tan bueno y dejar de escribir? ¡Hay muchos ejemplos pero luego está Neil Young! Para mí, el único enemigo es el tiempo, especialmente estar involucrado en muchos proyectos diferentes. Debes priorizar tu creatividad antes de aspirar la casa o pintar el gato. Como estoy involucrado en muchos proyectos diferentes, la participación de otras personas es un ímpetu para crear. Me imagino que es difícil para un artista que siempre ha escrito solo, tuvo éxito y ya no puede encontrar la inspiración en un mundo musical diferente: Neil Young rompe ese molde. Jagger /

Richards probablemente no se vean mucho. Para mí, mantenerse entusiasta nunca ha sido un problema, por lo que puedo crear por sí mismo, las consecuencias, como en, vale la pena ser creativo porque si nadie lo compra no tiene sentido, es realmente irrelevante y no es la razón por la que creo. En primer lugar. Sé que estás preparando un álbum solista. ¿El trabajo de Noctorun hace que se postergue los planes que tienes? Más que nada lo pienso por la posibilidad de presentarlo en vivo, si es que existe esa posibilidad. Noctorum siempre ha sido un proyecto de estudio. Dicho esto, Olivia y yo tocamos canciones de Noctorum en vivo. Regularmente tocamos “Hopes And Fears” de Offer The Light, “High As A Kite” y “Hey There” de Sparks Lane y más recientemente “My Museum” de ése álbum. Pero es difícil con Noctorum porque usamos el estudio como instrumento: hacemos varias pistas, creamos camas de sonido, mezclamos instrumentos para crear paisajes sonoros, voces de varias pis-

tas. Necesitaríamos una banda de nueve miembros para interpretar correctamente las canciones en vivo: metales, percusión, cuerdas sobre dos guitarras, bajo y batería. Por lo tanto, es poco probable que haya una producción en vivo de Noctorum en toda regla, pero nunca se sabe. Depende de qué tan exitoso sea, al final se trata de lo que puede pagar. Estoy escribiendo canciones para otro álbum en solitario entre todo lo demás. Esperemos que para fines del próximo año tenga suficientes canciones para grabar un álbum con Olivia, posiblemente en Texas. Cuéntanos acerca de tu colección de discos, películas y libros... Y el trabajo qué haces con tu web. Bueno, el trabajo de amor que es el “In Deep Music Archive” continúa creciendo a medida que viajamos y recogemos todo tipo de registros interesantes y, a menudo, olvidados en tiendas de discos de todo el mundo. Escribo sobre música tanto como puedo en el sitio web (indeepmusicarchive.net) según lo permita el tiempo. Estimamos que el archivo ahora tiene algo así como 50.000 títulos, pero nos hemos quedado sin espacio y necesitamos un espacio más grande. El sueño es convertir el archivo en un centro de cultura musical, pero eso requiere financiación y no creo que los partidarios vean una ganancia por su dinero y, si no hay ganancias, no hay ayuda. Necesitamos un filántropo de las artes que vea el valor de esta inmensa y hermosa biblioteca de música y la valore como eso. Tampoco creo que los museos de arte y cultura, los teatros de ópera y las así llamadas instituciones de arte se beneficien, pero sin ellos estaríamos buscando la preservación de

nuestras almas en un mundo vacío de dinero y supervivencia. El alma necesita arte, música, baile, lectura, para sobrevivir; de lo contrario, usted es Donald Trump. Se cierra el 2018, tu vida ha tenido muchos momentos memorables en este año, ¿Cómo ves a principios de noviembre lo que te ha dejado este 2018? Un gran éxito, una esposa maravillosa, una de mis hijas que me hizo un abuelo, viajar, nuevas amigas en Texas después de producir el álbum de Salim Nourallah, el nuevo álbum de Noctorum, Inglaterra bien en la copa del mundo, ¿qué más podrías pedir? 2019 está posando su mano sobre nosotros. ¿Cuáles son los planes para Noctorum y para vos para el nuevo año? La campaña de Noctorum termina en noviembre, pero continuaremos promocionándola en el nuevo año para un lanzamiento de fecha de calle de mediados de febrero. Olivia y yo tocaremos en Alemania. Tocaré con Anekdoten y comenzaré a trabajar en un nuevo álbum de Anekdoten en Estocolmo. Tenemos el nuevo álbum MOAT iniciado, continuaremos con eso en Penzance el próximo año, así como el proyecto Atlantium en abril. En diciembre iremos a Liverpool para ver a Paul McCartney y en marzo a Londres para ver a Roy Harper. Un álbum en solitario se convertirá en una realidad una vez que haya escrito las canciones, es un trabajo en progreso. Tantos sueños, tan poco tiempo. Gracias Marty, nuestros buenos deseos para ti, Dare y Olivia.

[ Entrevista a Franco Colombo de Reflection y Alejandro Alba de Planeta Extraño por Diego Centurión. Fotografías: Maia Triñanes. ]

UN PAR DE DÚOS DINÁMICOS

Un bar del centro de Buenos Aires, la tarde se preparaba para llover, me refugié en un lugar pactado anteriormente con ambos para realizar esta entrevista. Por un lado un amigo de la casa, uno de los Francos de Reflection, Colombo, por el otro lado Alejandro de Planeta Extraño y la mirada atenta de Maia Triñanes, quien nos enfocaba con su cámara y ustedes lo pueden comprobar. Ambas bandas ya han estado presente en nuestras páginas pero dado que han estado compartiendo una fecha juntos, decidimos juntarlos y hablar de sus proyectos.

Para empezar me gustaría que se presenten y nos presenten sus bandas. Alejandro: Mi nombre es Alejandro Alba, soy uno de los compositores e integrantes de Planeta Extraño, un dúo que ya tiene dos años de vida, que comparto junto a Ricardo Penayo, productor del proyecto, guitarrista y compositor. Franco: Mi nombre es Franco Colombo, soy tecladista y productor del dúo Reflection, junto a Franco Doglioli que es el que compone las letras y los arreglos vocales. Alejandro: El Sandro del tecno... (Risas) Ambos están con material nuevo, uno ya editado y el otro en proceso. Cuéntenme sobre ellos... Alejandro: El 11 de noviembre editamos el primer disco, que se llama "Galaxia Perdida", durante el final del 2017 y el principio del 2018, editamos dos EP, que fueron adelanto de este disco, "El viaje trascendental" y "Un Jardín en el Espacio", cada uno de cuatro canciones. Franco: Nosotros ya terminamos de grabar y masterizar el segundo disco que se llama "Umbra", que nos llevó casi dos años de trabajo, apenas terminamos de lanzar el disco del 2016, a los tres o cuatro meses ya teníamos algunos demos y nos pusimos a grabar, pensamos que nos iba a llevar cuatro o cinco meses, pero en realidad cuando pensamos a trabajar nos empezaron a pasar cosas en nuestras vidas personales que retrasó y lo terminamos ahora en septiembre ya con el mastering, es un disco de trece canciones. El año pasado ya habíamos presentado un EP que se llamó "Lumen" y traía dos adelantos con dos remixes de Mr. Kitty, un chico de EEUU. que

nos encanta lo que hace, es una especie de electro punk y hace muchos remixes, un pibe muy talentoso. Seguimos trabajando en "Umbra" y nos fuimos encontrando con varios temas que le podíamos hacer muchísima más producción y la hicimos con Carlos Shaw que es el co-productor, fuimos agregando, a diferencia del anterior, guitarras que no teníamos en el disco anterior, que fue muy sintético, que tenía el synth pop o el house, en este nos fuimos más hacia el synth pop y el future pop, y sonidos más new wave. Entonces tenemos en dos canciones guitarras con Ramiro de Atlante, y estamos en el corte que viene un bajo, entonces eso le dio más fuerza, le dio ese toque darkwave de los 80's. Son seis temas en inglés y seis en castellano y uno en francés. Es un disco para nada homogéneo y tiene una variedad de matices sonoros muy importante. Estamos hablando de un sello, todavía no podemos contar mucho, porque aún no está cerrado, si bien está muy avanzado, si no es a fin de año será a principio del año que viene cerramos trato. Nos van a editar en físico y digital y es en Europa. Reflection tiene varios años de trayectoria y pensando en eso la contracara sería que Planeta Extraño es una banda muy nueva, pero ambos tienen su larga trayectoria dentro de la música electrónica... Cuéntenme un poco de su pasado. Franco: Ale tenía como 300 bandas más o menos... (Risas)... al mismo tiempo. Alejandro: algunas sobrevivieron... (Risas)... Básicamente tenía muchos proyectos, como dice Fran, y algunos sobrevivieron a la crisis otros no, Rycz también su banda de rock llamada

"Alumbra", que van a sacar disco nuevo, el cuarto. Y si bien nos conocíamos casi 18 años porque somos de la misma ciudad y caminamos las mismas calles y escenarios, no habíamos hecho nada juntos, entonces surgió de compartir una fecha en 2016, yo con "Moda Eterna" y él con Alumbra, y de una juntada en su estudio HG, empezamos a ver qué podíamos hacer juntos y salió esta locura. Porque somos dos tipos totalmente diferentes musicalmente, pero bueno salió esto y es una constante creación, porque ya estamos trabajando en el material del año que viene, porque somos muy inquietos y a la vez, yo me convertí en el manager de su banda y él se convirtió en el productor de mis otros proyectos. Franco: Bueno más o menos hemos contado la historia en otra entrevista. Franco (Doglioli) fue la voz de Secuencia, que fue una banda de synth pop del 2000, y tuvo mucho éxito en Perú, gracias a esa banda nosotros arrastramos seguidores en ese país, al cual ya fuimos tres veces. Yo ya lo conocía ya que yo estuve trabajando con BTB, que es un proyecto mío de música instrumental y experimental, IDM, ambient, que hoy sigo. Estuve varios proyectos que tenía más que ver con el drum bass, y ahora un proyecto nuevo con

el synth wave, Ricosyx. Así que siempre estuve en movimiento en distintos estilos de los que me gustan. pero Reflection es el que concentra todo esas ideas que se me van ocurriendo. Con tantos años en la escena, ¿cómo ven hoy las bandas electrónicas argentinas? ¿y cómo ven el movimiento con respecto a los lugares para tocar? Alejandro: Es muy complicado. Yo me metí en la escena muy de joven, yo llegué a tocar en Cemento, en el Dorado, pude llegar a ver, disfrutar y formar parte. Ahora está todo mucho más difícil, creo que todo se dificultó después de Cromañón. Pero creo que en ese momento había más apoyo de los colegas, ahora hay mucha competencia y, como diría un amigo, hay mucho auto tributo. Y todo eso complica, nosotros somos remadores y vamos igual y armamos una fecha con todos los riesgos que eso implica, porque es lo que nos gusta hacer. No esperamos hacernos millonarios con esto, sabemos en qué lado del continente nacimos. Pero lo hacemos porque nos gusta. Hoy hacer es difícil que la gente salga, es muy difícil convencerla que vaya a ver algo nuevo, pero bueno eso no nos pone un freno porque también

está el amor por lo que hacemos. Sí, para mí, es la época más difícil de salir a hacer música. Pero personalmente me siento en mi mejor época, en la más creativa, aprendí a hacer todo lo que no hay que hacer. No sé lo que hay que hacer, pero sé todo lo que no hay que hacer... (Risas)... así que eso es bueno. Franco: Un poco estuvimos hablándolo fuera de la entrevista... en la pre mesa... Tengo dos visiones. Una es como público y como fan de la música, y la otra es como artista. Tengo una visión encontrada de que hoy es desalentador el panorama como decía Ale, porque todo cambió. Yo tuve la suerte de vivir los 90's, más que los 80s, más allá que en esa década escuchaba mucha música, empecé de muy chico a consumir mucha música electrónica, a los 13 años, dónde todavía no había música electrónica, más allá que si nos remontamos a los 80's estaba El Cubo, El Signo, todos coqueteaban con el tecno, pero no había una escena electrónica. Eso arrancó en los 90's, a mediados de esa década, empezaron a aparecer géneros en Europa de música electrónica, en serio, empezó a aparecer "Intelligent techno",

Downtempo, Trip Hop, Drum Bass, Trance, todo eso que se vino derivando de fines de los 80's, el éxtasis, el house, el new beat, el EBM, se fue deformando y se abrió un abanico de música increíble. Entonces todo eso consumirlo a los 15 años era una cosa que te partía la cabeza, y hoy todo eso no existe. Más allá que hoy tenés acceso a todo eso, la gente no lo consume, como ya está y ya pasó, no llama la atención, es como te sorprenda Kiss hoy. Kiss sorprendió en los 70's, o Rammstein se prende fuego un tipo en el escenario y eso es lo que llama la atención. Eso es lo que puede llamar la atención de un chico. Entonces todo cambió y porqué es desalentador para nosotros, porque no quedamos con la melancolía que todos queremos que sea como nosotros lo vivimos y los chicos no lo van a vivir igual, porque no lo sienten igual y no vivieron lo que nosotros vivimos. Lo mismo te lo va a decir alguien que vivió en los 80's, que vivió el new romantic, te va a decir que fue la mejor historia de la música, y a su vez, el que vivió la psicodelia en los 60's y el rock sinfónico en los 70's, y cada uno te va a decir que esa fue la mejor época de

la música porque la vivió en la época en que había que vivirla. Y cuando nosotros tengamos 70 años, el que ahora escucha trap, te va a decir... "No, el trap estaba buenísimo" y no sé qué vamos a estar escuchando dentro de 30 o 40 años. Por ejemplo estoy escuchando Euro dance, que es toda la música comercial de los 90's que todo el mundo odiaba, yo la estoy disfrutando y me encanta porque la consumía, pero es la música que hoy odia la gente porque es la masiva, entonces ahí es donde hay que encontrarle la vuelta y acomodarse y ver realmente que querés mostrar, y decir "Ok, lo hago por la melancolía y de los que me siguen, que somos muy pocos, o lo vamos a hacer para que esto sea un negocio". Y creo que los dos que estamos sentados acá, representamos a los dúos, creo que ninguno quiere ir para ese lado, osea es medio traicionar un poco lo que hacemos, que es lo que hoy pasa. Si tuviéramos que hacer un cover de Soledad o de Tini, porque nos lo pide un sello, no lo haríamos porque no es lo nuestro. ¿Cómo ve cada uno a la otra banda? Alejandro: Los conocí con el EP "Grand Bolívar"... primero no sabía que eran argentinos, pensé que eran de otro lado, después los vi en un show, una de las tantas Fuga que hace Luis Marte, y me encantó. Yo soy muy fan del synth pop y de todos los ruidos, a mí me gusta mucho las bandas de la escena, y Reflection, ahora son amigos, pero es una de las mejores tres bandas de la esce-

na nacional. Son muy prolijos, impecables, la voz de Franco es sublime, del otro Franco (Risas)... también me puedo animar a decir que son de los pocos que tocan todo en vivo. Son una de mis bandas favoritas, siendo objetivo, a mí como productor de eventos también, tengo que ser objetivo, he dejado de tener amigos por decirle no me gusta la banda que tenés. Pero creo que no ayuda en nada mentirle a un artista. Franco: Muchas Gracias... A mí me pasó con Ale que yo siempre lo vi como un pibe que está siempre buscando y buscando, por eso tuvo muchos proyectos. Es como que siempre tenía una línea, pero es como que siempre estaba pendiente del que tenía al lado, entonces se lo dije hace poco, creo que Planeta Extraño es realmente él, más allá de que es un dúo y se complementan, eso es lo bueno también de tener un dúo, llegás a entenderte de cierta manera y cuando eso funciona, es que como que el engranaje anda perfecto. Es como que está todo muy aceitado, cuando es una banda más grande, siempre hay más discusiones, se dividen las opiniones, todo lleva siempre más problemas, pero un dúo es genial. Yo le dije a él, encontraste tu sonido, porque sé lo que le gusta a él, y yo encuentro todos esos sonidos y las letras, los modos de cantar y los arreglos, encuentro todo eso que a él le gusta. Entonces no está tan pendiente de producir, estar o ser parte de... entonces esto es lo que más me gustó y en estos últimos años yo aprendí que es lo más valioso, que es un buen pibe. Entonces eso cuando

lo hablamos con Fran, y estamos muy desalentados con el tema de cómo presentar un disco nuevo y qué hacer, esto que hablábamos de la no escena que existe en Buenos Aires, no sé en el resto del país, creo que directamente no existe. Entonces nos dijimos qué hacemos, hablemos con Ale, porque es el único que nos puede dar una mano y nos va a encaminar por algo que lo vamos a disfrutar y va a estar bueno, para no ir a buscar cosas que hoy podrías agarrar y decir, voy a buscar un productor para pagarle no sé cuánto miles, más allá que le vamos a pagar (Risas)... Alejandro: Aunque sea con torta que es mi cumpleaños... Franco: Mientras tanto con tanta gente que hoy, ya a esta altura hemos recorrido un montón de camino y decís "lo tenés a mano, hacés cosas juntos, entonces decís obviamente es de confianza porque no hacer cosas juntos, justo él me comenta que es su cumpleaños, presenta su disco, presenta video clip, ¡¡¡fusionemos!!!. Entonces quedó como un dúo de bandas... entonces cerró todo, qué mejor que disfrutarlo de esa manera, es como que

nos acercamos en gustos, no sé si Planeta tiene mucho que ver con Reflection pero en cierta forma sí... -Alejandro: el espíritu es el mismo...Franco: Ellos tienen más alimento del rock y nosotros por ahí más del DJ, pero en cierto punto nos complementamos. Pronto tendremos la fecha Stranger Synths Nights. ¿Qué sensación les dejó esta noche? Alejandro: Simplemente superó nuestras expectativas,en todo sentido,todo salió como o mejor de lo que esperábamos,la asistencia del público fue casi perfecta ,su respuesta a los shows fue pasional,es inevitable emocionarse al darse cuenta de que no estamos equivocados con lo que elegimos hacer. Franco: Pasó una gran noche. Algo que esperamos con ansiedad por varios meses. Muchos obstáculos se interpusieron pero los derribamos con energía, trabajo, y ante todo la amistad. Agradecidos por siempre por los que vinieron y nos apoyaron. A todos los involucrados esa ano-

che, MIL GRACIAS. Cuéntenos sobre el Tributo a El Signo... Franco: Estamos participando en el tributo que se está haciendo al El Signo, donde hay alrededor de 30 bandas, van a hacer 3 discos, nosotros vamos a estar en la sección synthpop. Alejandro: Está todo dirigido por Leo Satragno, él va hacer la edición y todo, es un mimo a uno de las bandas pioneras de la electrónica, los chicos desbordan humildad, tanto Leo como Gastón, jamás tuvimos un No cuando los invitamos a tocar. Siempre fueron muy cordiales, así que creo que más que merecido el homenaje. Franco: Por eso también la rapidez, creo que en 3 meses salió la idea. Si mal no recuerdo creo que se gestó con un post de Carlos Shaw en Facebook que publicó la portada de "Eternautas", comentando algo como que este disco "Guau!", por que para esa época era diferente. Toda la discografía de El Signo está en Spotify, parecemos promotores de la banda... (Risas)... Habían sacado uno que se llamaba "Undermalabia" que fue el primero, "Güeris de Party, Loco", e iban a sacar uno que se llamaba "Rockermalabia" y se lo rebotaron del sello, porque era muy rock y querían algo más tecno. Y el disco está para escucharlo, está buenísimo porque parece de ahora y esta-

mos hablando de principio de los 90's. Entonces como se lo rebotaron dijeron entonces hagamos otro, e hicieron "Eternautas", que es una locura porque es una mezcla de The Shamen, pop, con rock, con la onda sónica que estaba en ese momento, quedó, para mí, uno de los mejores discos por la gama de sonidos que tiene que es increíble. Y de ese posteo de Shaw se empezó a subir un montón de gente y ahí alguien propuso hacer un tributo, y se empezó a sumar bandas y hay como 30, y en poco tiempo se armó todo. Que tenga esa respuesta tantas bandas, toda la gente que se dedica a algo de la electrónica está ahí. Después del 17 de noviembre, ¿qué sensación les queda para los últimos meses del 2018? Alejandro: Nosotros en diciembre vamos a sacar un single con Planeta, que será un adelanto del próximo EP. Tenemos seis canciones, pero no vamos a utilizar esas 6 canciones para el EP. Sí tenemos ganas de sacar una canción antes de fin de año, porque tiene todo un mensaje, que no tiene nada que ver con lo que escucharon de Planeta, por eso es un single. Y en febrero sacaremos el EP nuevo. Nuestros ensayos de ahora los dividimos en dos, la primera parte para el show del 17 y la otra mitad a terminar los detalles de esos seis temas. Con Ricky estamos trabajan-

do en las ediciones de mis otros proyectos, que Fran tiene mucho que ver porque él es el encargado de subir todo ese material. Franco: Nosotros tenemos toda una batería de trabajo toda lista para salir, entonces falta que el sello nos ponga fechas y empiece a salir. Está el single, video y álbum listo, y esto lo del tributo a El Signo, eso es lo que va a ser inmediato, en los próximos meses. El 2019 nos tiene medio en la incertidumbre a nivel shows, porque Fran ya está radicado en Madrid (España), yo sigo en Buenos Aires, entonces esa distancia para hacer shows es muy compleja. Pero sí, aprovechando todo lo que es la parte tecnológica, podemos seguir grabando, haciendo colaboraciones, remixes, y eso nos mantiene todo el tiempo. Entonces todo eso nos va a ayudar en el 2019, pero la verdad lo que nos va a deparar no lo sabemos. Veremos. Alejandro: Yo creo que en el 2019 vamos a hacer

una gira europea y nos vamos a quedar todos en la casa de Franco... (Risas) Agradeciéndoles por el tiempo. La última pregunta es ¿Hay algo que no pregunté y que nos quieran contar? Franco: ¿Quién paga la cuenta? Alejandro: Yo no tomé nada... (Risas) Franco: Un saludo a nuestro co-equipers que no nos están escuchando y dijimos cosas que nosotros pensamos y por ahí ellos no. Pedimos disculpas... (Risas). Alejandro: Seguramente estén en total desacuerdo con todo lo que dijimos. Franco: No, yo creo que lo están y si no, hubieran venido... Alejandro: Si no lo están, hagan un dúo ustedes dos y yo con Franco... (Risas)... Los esperamos a todos el 17...

[ Entrevista a Michel Ciravolo de Beauty In Chaos por Benjamín York. Fotografías: Christina Godepski y Eloisa Limon ]

ESTOY REALMENTE ENTUSIASMADO CON ESTE DISCO

LOS TIEMPOS CAMBIAN...para bien... En estos últimos tiempos la tecnología nos ha permitido disfrutar de álbumes que décadas atrás nos hubiese sido imposible hasta soñarlos. Pensar en unir artistas de distintos continentes para crear, bajo la idea cautivadora de un soñador, es hoy algo totalmente posible. Existen algunos casos en las páginas de nuestra Revista, algunos de los componentes de éste nuevo trabajo de este particular estilo se encuentran nuevamente bajo un mismo techo. En este caso el guitarrista Michael Ciravolo (Human Drama) ha realizado un trabajo excepcional al seleccionar un grupo de invitados de primera línea, todo para dar vida vocalmente a Beauty In Chaos, un sueño hecho realidad de Michael.

Hola Michael, gracias por permitirme hacerte estás preguntas. Antes de empezar quiero felicitarte por "FindingBeauty in Chaos", un álbum exquisito. Muchas gracias por sus amables palabras y por tomarse el tiempo para hacer esto.

vidad... en las noticias, en todas las redes sociales, incluso en películas y música. El odio, la política y el apocalipsis están por todas partes. Un amigo mío fotografía el edificio abandonado, y lo que me impresionó fue cómo la naturaleza con su belleza retoma las estructuras en ruinas. Se devuelve la belleza natural. Mi concepto en este registro fue "encontrar" esa bePara empezar ¿cómo nace la idea de lleza, donde sea que esté en el caos que este álbum? nos rodea. La idea de hacer este disco realmente comenzó durante la grabación del disco de ¿Cómo fue el proceso de pensar quién Human, "BrokenSongsforBrokenPeople". cantaría cada canción y cómo fue Obvio que se hizo luego de que nos ha- el momento de recibir la respuesta bíamos separado musicalmente;cuan- afirmativa? do digo "nosotros" me refiero a mí y a Había hablado con la mayoría de los arlos otros miembros de la banda.Mientras tistas acerca de hacer este álbum primegrababa las partes de mi guitarra para el ro, así que tenía una buena idea de quién disco, mi productor debió tener claro que sería parte de él. Cuando completamos estaba frustrado. Me dijo: "¿Por qué no una pista de música, el productor Michael haces tu propio disco?". Entonces, fue Rozon y yo nos sentábamos y escuchárealmente esa simple idea. Terminé de bamos y conversábamos sobre quién hacer mis partes de guitarra en el álbum creíamos que sería una buena opción. Human Drama, pero comencé a escribir Realmente fue así de simple en la mayoy grabar canciones para lo que era aho- ría de las canciones. ra mi disco "solo". BEAUTY IN CHAOS "Memory Of Love" fue una canción que se convirtió rápidamente en mucho más. escribí para captar lo que sentí que era la energía de Human Drama y Johnny ¿Beauty in Chaos nace para éste sería el cantante de esa canción. Pero álbum? la mayoría de las otras canciones era Estamos bombardeados con tanta negati- simplemente juntar las "piezas" correc-

tas. Afortunadamente, todo parecía venir puerta para que otros se unan a nosotros juntos. a medida que BIC evolucione. ¿Ha faltado algún músico que no ha podido participar? En realidad, le había enviado una canción a Robert Smith, pero con él trabajando en las letras del tan esperado nuevo álbum de CURE, no era algo que él sintiera que tendría tiempo de hacer. Él dijo que le gustó la pista, así que quién sabe... tal vez haga algo con BEAUTY IN CHAOS en el futuro. ¡Eso sería maravilloso! Espero que con la respuesta positiva que está obteniendo “Findingbeauty in chaos”, se abra la

Como decía al principio la tecnología ha avanzado tanto que este álbum es posible en parte al crecimiento de internet y a todas las formas de grabación. En otros tiempos un disco como el tuyo hubiese llevado mucho más tiempo del que seguramente te ha llevado. ¿Qué piensas del mundo digital? Bueno, eso es ciertamente correcto. Este registro probablemente no hubiera sido posible sin la tecnología de grabación di-

gital. ProTools y DropBox fueron los principales comentarios de nuestro proceso de grabación. Al menos la mitad de los cantantes en este álbum grabaron sus voces en sus propios estudios caseros. Wayne Hussey cantó en su estudio en San Paulo, Simon Gallup grabó su bajo en el estudio de su hijo Eden, etc.... todo basado en "tecnología". Así que sí, soy un fanático de lo digital hasta cierto punto, pero no puedo decir que me encanta la forma en que la gente escucha o compra música en el mundo digital. ¡Pero te ahorraré mis opiniones por ahora!

que hicimos juntos, incluido el single debut "Storm", que es como una configuración "desconectada" la próxima semana para algunos supervisores de música de TV/cine... ¡así que hay la primera presentación en vivo de BIC!

Me gustaría que nos contaras el contacto con cada invitado Me enorgullece decir que la mayoría de los increíbles artistas de este álbum también forman parte de mi colección de discos y los llamo mis amigos. Honestamente, la única persona en este álbum que no conozco personalmente es ICE T, aunque ¿Tienes pensado presentarlo en vivo? nos reuniremos pronto. Ha sido un verda(si la respuesta es afirmativa) ¿Con dero placer reunir a algunos artistas muy icónicos, algunos que nunca han estado qué banda lo harías? Honestamente, nunca pensé en BEAUTY juntos en una canción. IN CHAOS en el contexto "en vivo", pero debo admitir que ahora estoy pensando Ahora que el álbum ya ha sido liberaen ello más de lo que pensé. Supongo que do, ¿Cuáles son tus siguientes pasos? veremos lo que es posible. AshtonNyte Estaremos lanzando varios videos más y yo interpretaremos las tres canciones después de nuestro primer video, 'Storm'.

También tenemos un álbum de remixes llamado "Beauty re-envisioned". Tim Palmer, quien produjo TheMission, The Cure, Tin Machine, U2 y más, ya ha mezclado varias canciones, con John Fryer y otros haciendo remixes. Estoy realmente entusiasmado con este disco, ya que también habrá algunas versiones acústicas geniales de algunas de las canciones. Deberíamos tener este registro en marzo de 2019, luego irá al BIC3, ¡y planeo imponer un nuevo conjunto de limitaciones creativas! ¿Tienes pensado un segundo trabajo de Beauty in Chaos? Supongo que llamaría a mi segundo trabajo o "día" de trabajo como Presidente de SchecterGuitars. Suena glamoroso pero es mucho trabajo. No me quejo porque puede ser una salida muy creativa y me encanta diseñar guitarras. También me ha puesto en una posición para reunirme y hacerme amigo de muchos grandes artistas que están en este disco. Para terminar y agradeciendo tu amabilidad para respondernos. ¿Hay algo que quieras agregar que no haya preguntado? Cuando decidí hacer este disco, realmente quería desafiarme a mí mismo, así que puse dos "limitaciones" en su creación. Primero, sería el único guitarrista en el álbum y segundo, no habría sintetizadores. Quería que todas las texturas y paisajes sonoros fueran creados solo con guitarras. Creo que logramos lo que nos propusimos hacer y creo que ayuda a que este sea un álbum con un sonido cohesivo extraordinario... que creo que todos deberían tener.

[ "Front By Front" de Front 242 por Franco Colombo. ]

LOS CREADORES DEL EBM MÁS VIGENTES QUE NUNCA

Front 242 - Front By Front Label: Wax Trax! Records Fecha de Lanzamiento: 28 de Octubre de 1988

Bloodbath. Su nombre ya lo dice todo: baño de sangre. Suena curDesde hace unos años se ha declarado oficialmente el día internacional del EBM el 24 de Febrero (24/2) en tributo a los pioneros y legendarios Front 242. Treinta años han pasado para el mega hit, el himno HEADHUNTER (no es dato menor que Anton Corbijn fuera el director de su video clip), perteneciente al flamante Front By Front, un emblema de los belgas luego de su predecesor Official Version, el cual ya los consagraba en la escena electro body music mundial, dando la patada inicial a los nuevos sonidos del New Beat. Su primera edición para el histórico sello de Chicago, Wax Trax! Records contiene 10 excelentes canciones, llenas de ritmos duros, bajos marcados y líneas vocales bien rítmicas orientadas a la pista del baile, aún luego de tres décadas siguen tan vigentes en los clubs de hoy en día como en sus comienzos, el claro ejemplo: Im Rhythmus Bleiben, Welcome To Paradise, Circling Overland y Never Stop! infaltables en las fiestas de la escena dark/gothic/electro. Mis preferidas, la que da la patada inicial al disco: Until Death (Do Us Part), poderoso sonido FM y arrollador como pocas, y claro, Work 01, a su primera escucha imposible no pegarse a esos sampleos y sonidos cyber futuristas, junto a su reversión Work 242 N.Off is N.Off: ¡TERRIBLE! Ya para el año 1992, se reedita el álbum por Epic Records (perteneciente a Sony Music Entertainment) con el agregado de seis remixes lo cual lo hace aún más interesante logrando trascender el ghetto underground de la electrónica contemporánea. Aún recuerdo, verano de 1993, por aquel entonces se podía conseguir información y discos en la Galería Jardín de la calle Florida en el microcentro de la Capital Federal. Junto a varios fanáticos de Depeche Mode (Club para las Masas), descubríamos en un recorte de alguna revista extranjera, Bravo de Alemania o Popcorn de España, donde su alma máter Martin Gore vestía una remera de Front 242. Inmediatamente debíamos saber de que trataba esto. Rápidamente ingresé a la extinta Amigos de la música, un local con varias sucursales por la peatonal Lavalle, la cual podías ser socio y encontrar todo tipo de bootlegs (rarezas, discos no oficiales), singles, y novedades de todo el mundo a lo cual Musimundo se le iba a sumar en esta cruzada, y muy lejos de vender electrodomésticos, uno podía conseguir

realmente joyas que lo hace algo impensable a un adolescente en este 2018. Al encontrar el single Tragedy (For You) y Front By Front, ambos ya en mis manos y en la desesperación por llegar a casa para poder disfrutarlos daba comienzo mi camino en el mundo 242. Para esos años, estaba muy vigente Tyranny (For You), un discazo potente, agresivo y oscuro, y comenzaba la trilogía que lo cambiaría todo: 06:21:03:11 Up Evil, 05:22:09:12 Off y Angels Versus Animals, obras maestras las cuales considero como pura influencia. Front 242 formado por Jean-Luc De Meyer en las voces, Richard23 un excelente y particular frontman en baterías y voces adicionales, y los cerebros cyberneticos Patrick Codenys y Daniel Bressanutti, nos han visitado en dos ocasiones, en Museum en el año 2000 compartiendo escenario con nuestros abanderados Unidad de Transmisión y en el 2015 en el Teatro Vorterix junto a D+D (Diego Ro-k y Diego Cid). Larga vida a los creados de un género, una estética, un sonido y que ya son parte de la historia de la música universal. Front By Front es un infaltable en tu biblioteca musical, si no aún no lo tienes, ¿qué estás esperando para ir por él? You catch the man! Bonus track: buscar en YouTube la belleza de Daniel Myer, el gran heredero del sonido 242 >> "Haujobb featuring Jean-Luc De Meyer – We Must Wait" y podrás jugar al juego de las siete diferencias con HEADHUNTER.

[ "1965” de The Afghan Whigs por Pablo Ravale. ]

EL ROCK ES PELIGRO Y ES SEXO

The Afghan Whigs - 1965 Label: Columbia Records Fecha de Lanzamiento: 27 de Octubre de 1998

El rock es peligro, sí, pero sobre todo es sexo. Cuando los pioneros del estilo (Elvis Presley, The Rolling Stones) tomaron las raíces negras y las pervirtieron en un polvo rotundo que unió blues y soul, lo tuvieron claro: su música les servía para expresar ya no sólo tristeza sino también deseo, pasión, necesidad biológica… calentura, en definitiva. Ahora bien, el rock es peligro y es sexo, okey, pero además es negro. Por mucho que las compañías de discos hayan tratado de falsificarlo, de vendernos miles de ídolos blancos que podrían salir de las más típicas familias anglosajonas, los verdaderos héroes del rock, los que le dieron forma, los que le dieron su carácter fogoso y lo inyectaron de miedo eran gente “de color”. El más salvaje de ellos, el siempre reivindicable Little Richard, homosexual declarado (bisexual practicante) cuando a muchos se les aplicaban tratamientos eléctricos y lobotomías como métodos para curar la enfermedad. Quien quiera acercarse al rock y revisarlo desde sus conceptos básicos, ha de partir por tanto de estas premisas: violencia, sexo, tristeza, soledad. A finales de los 90, cuando muchos iluminados proclamaban la muerte del estilo (como consecuencia del revival imperante que fue el grunge y el rock alternativo en general), un grupo norteamericano se atrevió a insuflar vida al estilo en varios discos imprescindibles y uno definitivo. Ellos eran los Afghan Whigs y su opus magnum, el insuperable 1965. El título no es casualidad: 1965 fue un año casi épico para la historia de los EE.UU. y la portada y el libreto del disco clarifican aún más las cosas. En primer plano, un paseo espacial de un astronauta, en plena carrera por llegar a la Luna. En el interior, la marcha negra a Washington, vigilada por helicópteros militares, fotos de Vietnam, barras y estrellas en blanco y negro y, por último pero no por ello menos importante, un top 30 de lo más vendido en aquel año, con las Supremes reinando con su vibrante “Stop: In the Name of Love”, seguidas de los Impressions. ¿Eso es todo? No, porque casi arrinconado aparece un vinilo de Highway 61 Revisited de Bob Dylan. El soul, por tanto, es un ingrediente fundamental en este 1965 que debía haber significado el empujón comercial definitivo de los Afghan Whigs, uno de las pocas bandas (junto con Screaming Trees, Mudhoney y Tad) a las que metieron dentro del saco sin fondo del grunge que no logró ni una pizca de éxito comercial. Canciones para lograrlo tenían, especialmente en este disco expansivo y sexy, muy sexy.

Porque la sensualidad domina ya desde el riff que da inicio a “Somethin´Hot”, la canción que sirve de apertura. Un fósforo encendido y esa guitarra acompañada de una sección rítmica contagiosa abren el disco, con una vitalidad inesperada y un cantante, Greg Dulli, siempre con la magia en los pulmones. La letra lo deja claro: «I got your phone number, baby / I´ll call you sometime / I think I might be out tonight / Maybe give you a ride / and dream awhile about yout smile and the way you make your ass shake». La forma en la que ella mueve el culo es tan importante como su sonrisa: no hay medias tintas, hay ganas de pasarlo bien. Todo el grupo se contagia de la vitalidad de Greg y lo acompaña con un piano que hierve, una batería a punto de estallar pero que se mantiene siempre en el punto máximo de ebullición y no pasa de la raya y unas guitarras que puntúan cada frase con la vitalidad necesaria. La primera canción es sublime, pero es que toda la primera mitad del disco lo es. “Crazy” arranca con bullicio de bar lleno de gente y de humo y se regodea en guitarras puramente rockeras para dar entrada, por primera vez en el disco, a unos violines de acompañamiento que dejan la sección de cuerdas de “Bittersweet Symphony” de The Verve en pañales. “Crazy” es el clásico ejemplo de canción que crece con el paso de los segundos para cortarse en pleno crescendo vocal. Porque, ante todo, 1965 es el disco en el que Greg Dulli se muestra totalmente seguro de sí mismo y se convierte en el perfecto sucesor de Marvin Gaye o Barry White. Tanto tiempo buscando una voz negra que relevase al malogrado genio para que venga un blanquito y lo ponga todo patas arriba. ”Uptown Again” es el siguiente ejemplo de que todo en 1965 funciona a la perfección: el grupo al completo apuesta ahora por un ritmo casi funky, lleno de barroquismo, y sin embargo firmemente rock. Las guitarras suenan épicas, las que se oyen en segundo plano dan ganas de llorar por su hermosura (imprescindible Rick McCollum) y el fraseo de Dulli se acopla a la perfección al ritmo para llegar a un estribillo mágico, en el que las contradicciones del personaje de la historia se plasman de lleno en la letra: «Baby, untie me now / I'm ready to get down / Get down and move around / Baby, you cry too much, I'm tired of the sound / Yer such a baby». Un breve interludio de gemidos sexuales llamado “Sweet Son of a Bitch” (y el insulto suena dulce y todo) precede a LA CANCIÓN, la que debería haberles hecho famosos si el mundo de la música fuera justo y no una inmundicia y una farsa. “66” es un single perfecto, donde las ansias sensuales de Dulli se extienden por toda la canción. El cantante de los Afghan Whigs parece al borde del orgasmo, en un susurro continuo y tremendamente sexy, mientras la sección rítmica (ajustadísimos John Curley en bajo y Michael Horrigan en batería) toma el mando, con una guitarra acústica y un piano dando el toque melódico y un loop de batería entrecortado ribeteando la gema. Dos momentos para el recuerdo: ese «I have never felt so out of control» que suena precisamente a lo que dice, a locura de amor, y ese «Come on, come on» que Dulli repite una y otra vez antes de que regresen los gemidos de la fémina. “66” es tan perfecta que no me

resisto a aseverar que es la canción más sensual que he oído en toda mi vida. Con todo, dicha canción –“66”– marca también un punto y aparte en 1965. El disco, que se grabó en la mítica Nueva Orleáns, se contagia del espíritu de una ciudad que nunca duerme y en la que hay bares que se jactan de no haber cerrado nunca (ni siquiera en pleno huracán). Tras “66”, toda la música se vuelve pantanosa, húmeda, abigarrada y de tonos afrancesados. Precisamente por eso es que “Citi Soleil” se habla en algunos pasajes con un recitado en francés acompañado únicamente por un punteo que pronto se ve desbordado por coros femeninos y un aire soul de pura cepa. Si las guitarras estuvieran en primer plano, serían un gesto innecesario de virtuosismo. Así como están, sepultadas bajo capas de seducción, suenan a paso valiente para un grupo de rock. El tema perfecto para oír en un bar con una buena copa (vino, licor, whisky; elijan lo que quieran) justo antes de darte cuenta de que, este sábado por la noche, necesita de la aparición de una mujer para ser perfecto. “John the Baptist” es un nuevo tiempo rockero con una sección de vientos febril, un tema agresivo y fiero en el sentido más romántico de la palabra. Imaginen la escena de la película de Alejandro Magno en la que la esposa del joven amo del mundo lucha con él para evitar hacer el amor, pero queriendo hacerlo. Ahora piensen en esa escena filmada por alguien que no sea Quentin Tarantino (y por tanto, por alguien capaz de no convertirla en algo ridículo, sino pasional). Y ahora pónganle música: sólo puede ser “John the Baptist”, ejercicio de seducción otra vez explícito: «Hey... Welcome home / I got a little wine / Some Marvin Gaye / Come on and taste me / Come on and take me, I'm yours». Pero en realidad, “John the Baptist” es un espejismo, porque el disco ya ha entrado en una dinámica melancólica imparable. Si 1965 puede ser el retrato de una noche de juerga, “The Slide Song” (en español: “La Canción del Declinamiento”) es el momento en el que la realidad aparece de nuevo ante los ojos: los ojos tristes de ella, la conciencia de que uno es un vampiro de almas, la certeza de que esto también tendrá un final y de que hay gente para la que la redención no es posible en el amor. En palabras del propio Dulli: «Miles away and miles above / The vampire only wants a little love / You might be right, you might be / Everything that you said that you were / But, so?». Sí, las palabras suenan duras cuando vienen de boca de un amante que las utiliza como un juguete, pero aquí nadie está a salvo. Ni siquiera el Greg Dulli cachondo de este disco, que a la altura de “Neglekted” se da de bruces con su propia medicina: «I knew a girl, extraordinary / Suggested something, unsanitary / As I asked her for a moment / To consider her kind offer / She blew a kiss and said to me... // I know you know / You want it so / I want it too, so see it through / Cause when I do what I'm gonna do to you / Make sure you remember my name». Ella es la horma de su propio zapato y al final, él, el amante imbatible, el Casanova rompecorazones, acaba suplicando: «You can fuck my body, baby / But please, don't fuck my mind». Todo en un tono (de nuevo) soul, casi lúgubre, y, claro, con una guitarra slide acompañando el desarrollo. Así las cosas, llegamos a la penúltima parada: “Omerta”; la canción filosó-

fica que te surge en la mente después de cuatro, cinco, seis copas de más. Si alguna vez han oído o leído la palabra “groovy” y no saben a qué se refiere, sólo tienen que escuchar este tema para comprender de qué va. Violines y trompetas se van apropiando de la melodía hasta convertirla en un hechizo vudú que contiene frases como «I don't sleep 'cause sleep is the cousin of death» o «Unchain your mind, become divine». Y si toda película debe tener un final que te deje espacio para pensar, que te haga desear más, pero que cierre por completo el círculo de la historia, 1965 no puede concluir mejor. “Omerta” se empalma con la instrumental “The Vampire Lanois”, el broche de oro para una obra excelente, la demostración de que las jams aún pueden tener sentido y el pedazo de música sin palabras más imaginativo, libre y jazzy de toda una década. Conclusión: acongojante, fresco, exquisito, emotivo, sexy. Todo lo que el rock (la música) debe ser y ya casi nunca es.

DOS EXTRANJEROS BIEN PORTEÑOS [ Entrevista a Chillan las Bestias por Diego Centurión. Fotografías: Fabián Resakka. ]

En un departamento del centro de Buenos Aires Fabián y yo nos encontramos con dos de los seis integrantes de la banda. Pedro Dalton y Pepe Navarro, se puede decir que son los extranjeros de Chillan Las Bestias, nos reciben en la antesala a un nuevo álbum de la banda. Y del nuevo trabajo y de ellos mismos nos hablan a continuación…

Hola chicos gracias por dejarnos hacer esta entrevista. Para empezar con las preguntas, se suele decir que Chillan Las Bestias es una banda rioplatense entre Uruguay y Buenos Aires, pero yo diría que es más sudamericana con la presencia de Pepe, que proviene del Perú. ¿Hay algún integrante de otro país? Pedro: Sí, los demás son de Bariloche. Digamos que no sé si son extranjeros. Pero Pablo y Franco son de Bariloche y Marcos es porteño y Luis también. Me interesa que me cuenten la mirada como extranjeros (aunque su parte de argentino es muy grande), ¿cómo ven la escena musical de acá con respecto a la de sus países de origen? Pedro: Y acá es alucinante, no puedo hablar mucho de lo nuevo, porque desconozco, no soy muy consumidor de música nueva, pero la gente alrededor mío me dice "escuchate esto"... pero está lo clásico, mi banda para mí era Sumo, muy poco más, me gustan cosas de Divididos, cosas de Las Pelotas, pero después gracias a Franco empecé a escuchar cosas más underground, por ejemplo "Don Cornelio y la Zona", que desconocía, "Nietos de Nadie" me encantó, me hizo viajar como para el lado de The Birthday Party, me pareció una música súper interesante, desconocida, y ya vieja, es de los 90's. Yo

todo eso desconocía eso a Uruguay no llega, allá llega Calamaro, Soda Stereo, Charly, Spinetta, si bien su música mucho no me gusta, pero claro lo respeto mucho como músico, pero sí me gusta mucho el disco Bocanada de Cerati. Bueno cuando conocí a Ángela Tullida, me encantó, como de las bandas semi darks-tangueras, son los más auténticos, eran súper interesantes. Ahí nos hicimos amigos con Buenos Muchachos y ahí empecé yo a venirme a Buenos Aires, año 1998 o 1999. Empezamos a hacer intercambios y acá encontré como una familia, que en un principio mi familia fue Ángela Tullida. Hay cosas de Catupecu Machu que me gustan, hay mucho y yo desconozco casi todo. Pero me gustan Los Espíritus y Paquidermos. Pepe: Yo llegué a la Argentina en marzo del 1994 e inmediatamente, casi sin querer, mi idea era trabajar en una disquería desde los 15 años me salió bien el plan, entonces empecé a conocer mucha música. En Perú el rock argentino es muy valorado, yo me crié en Perú, básicamente escuchando música en inglés, y en castellano era lo que entró, valoramos mucho el rock español de los ochenta... Pedro: En Uruguay también... Pepe: Pero acá es curioso que el rock español de los ochenta no se escuchó... Pedro: Lo que pasa es que ellos nunca pararon de hacer rock, Argentina nunca

paró de hacer rock, tuvieron referentes en plena dictadura también, en Uruguay en la dictadura desapareció. Entonces en los ochentas amigos de clase media, que viajaban a Europa, empezaron a traer disco, más que nada cosas inglesas, yankies y españolas. Entonces se consumió mucho... Pepe: En Perú también... yo me acuerdo que me gustaba Gabinete Caligari, los primeros discos de Parálisis Permanente, cosas más siniestras, y me gustaba mucho el Aviador Dro, era una banda española de tecno pop, no tecno pop simplemente hacían algo medio industrial, al principio, de hecho, en Argentina, hay un vinilo editado que se llama "Cromosomas Salvajes", que lo tengo por ahí. Viene con un cromosoma. Pedro: Por ejemplo de España me gustaban mucho los Ilegales, La Polla Records, todo lo que era el rock vasco escuchaba bastante... Cicatriz... Después me quedé más con lo Ilegales que eran de norte.

Pepe: Entonces yo ahí empecé a escuchar mucha música y me metí de lleno, lo que más me gustaban de los ochenta, de hecho el primer show internacional que vi en mi vida fue cuando en Lima vi Virus en el 86,en la Feria del Hogar en Lima. Después vi a Charly García presentando Clips Modernos, me acuerdo que la banda telonera era G.I.T. y después regresaban con Fito Páez porque eran la banda de Charly. Entonces empezamos a buscar algo diferente, entonces me pasaban miles de cosas cuando yo trabajaba en Parque Rivadavia, y pasaban muchas cosas hasta que un día de casualidad, alguien me pasó un cassette y era de Ángela Tullida, y me volví loco. Dije es la banda que me gusta, y con ella (Luz Robles) empezamos a ir a los shows, hasta que, por supuesto, tanto fui y jodí que me hice amigo. Yo siempre quería ser el baterista de Ángela Tullida, yo era muy amigo de Miguel (el batero) y yo quería que se muera de hecho, para entrar yo

(Risas). Sin decirle nada...le deseaba la muerte, de hecho salíamos a tomar y le daba más alcohol a él... (Risas)... Y luego pasaron los años, yo seguí mi camino en las disquerías y después, en la última etapa de Ángela Tullida, yo no sabía... me enteré después... que siempre había estado en la nómina para entrar en la banda, porque conocía el concepto, pero por una cuestión u otra... quizá por lo de Gonzalo Fabrio o por otras cosas, se barajó en algún momento, y al final cuando las cosas no estaban bien, los últimos tres o cuatro meses, me llamaron por teléfono y me dijeron si no quería tocar en la banda. Y me puse muy contento porque se había ido Miguel, no se murió. (Risas). Y estuve ensayando con ellos pero ya la situación interna de la banda era insostenible. E inmediatamente se disolvió en noviembre y en enero me llamó Pablo, fue como una audición por teléfono, me dice ¿sabés tocar con escobillas? yo le dije "Sí, ¿por qué?... Ahora voy... y apareció con

unas escobillas y me dijo "te las regalo, ¿querés venir el sábado a tocar?... Y así fue. Al principio... él ya lo contó muchas veces pero ellos se querían juntarse a tocar música incidental, cosas tipo soundscapes, mucho más inspiración en canciones instrumentales como Dirty Three o Tindersticks y justamente apareció Pedro que iba a recitar algo, e iba a escribir poesía... ¿no, era algo así?. Pedro: Sí, era así, iba a recitar poesía arriba de la música incidental, que no era música incidental, eran canciones, aparte yo odio recitar, odio leer, es más mi primer libro de poesía, me acuerdo se lo hice leer a mis amigos... me sale esa voz medio de poeta trucho... un embole (Risas). Pepe: Pero así fue... nosotros queríamos hacer como una especie de colchón musical para que paso algo encima, y supuestamente él tenía que hacer eso. A Pedro lo conocí en una disquería, cuando vino a presentar el disco, "Amanecer Búho" (2003) y de hecho yo tengo ahí la copia

que vos me regalaste, que es la copia promocional. A mí me gusta preservar las cosas, las cosas que realmente me interesan, y ese disco "Amanecer Búho" de los Buenos Muchachos me pareció alucinante y entonces lo tengo... y me dicen está Pedro Dalton de Los Buenos Muchachos. Y yo dije... "Ah mirá qué bueno hace años que no lo veo"... Pedro: Sí, habíamos ido una vez con el Topo (Cuarteto de Nos) aun boliche que pasabas música... Pepe: Yo ponía música en Jack de Ripper, en Uruguay y Paraguay, y los invité y fueron, yo ponía vinilos... Pedro: No es buen DJ porque entre tema y tema saca el disco, lo guarda, lo pone todo prolijo (Risas)... salían con la bolsa impecable, y yo decía éste apenas los escucha, qué hace, no dejaba nada tirado... Pepe: Y así se fue dando todo... Me acuerdo que los primeros ensayos que estaba Pedro, en el primer ensayo ya hubo un bosquejo de una canción... que fue

"Hasta el Hueso"... que es el que abre el primer disco. Y ya en el segundo estaba "Zarpando". Pedro: Ese lo habíamos armado con Chacha... en el balcón del departamento donde estaba viviendo... Pepe: Yo tengo la letra original que las escribiste vos, y después estabas puteando porque había desaparecido... Yo me la robé... yo la tengo ahí... Vos decías.... ¿Dónde está?.... y yo te decía... "No sé Pedro"... yo la tenía en el bolsillo... (Risas)... Yo soy como el archivista tengo un montón de cosas ahí guardadas.... Es raro que ambos no se consideran músicos… cuéntenme esto… Pedro: Y no... yo soy cantante...cantante sí me considero, músico no. Porque a veces se confunde... ¡ah no tenés que porqué saber leer música! me dice el Topo, que estudió guitarra clásica. No el músico es el que toca todo el día, porque yo lo veo a mi guitarrista y lo veo en el batero,

los tres están todo el día tocando. Yo estoy todo el día dibujando, no canto en la ducha, yo sólo canto en los ensayos y en vivo, punto. No agarro una guitarra criolla y me pongo a cantar. Soy cantante y escritor. Pepe: Lo mismo pasa conmigo, yo no tengo experiencia previa en esto, si bien había aprendido a tocar la batería desde muy chico, cuando estaba en el Perú, de casualidad, no estudié nunca, no tengo ni un minuto de estudiar batería, no sé leer música, pero con los años he aprendido ciertas cosas, yo entré por el lado del oyente, pasivo, (no pasivo sexualmente... que no se interprete mal).... Pedro: Ahh... (Risas)... Pepe: Parecemos Les Luthiers... (Risas)... Entonces empecé a escuchar música y me di cuenta lo que me gustaba, qué es lo que no me gustaba... pero yo tampoco me considero músico, siempre que me dicen que soy músico, digo que soy un tipo corriente que ejecuta un instrumento, quizás de manera empírica, pero quizás eso en el fondo es ser músico, ¿no?... El único momento que pongo que soy músico es cuando viajo en avión... Pedro: Ahí va.... Pepe: Cuando subo al avión, Profesión: Músico. Pedro: (en tono irónico) Ay somos muy respetados... "Ayyy viene un músico... Cuidado... déjenlo pasar... señor por qué no pasa a primera clase, por favor señor Músico" (Risas). Es verdad yo en el pasaporte cuando lo ven dice Músico. Pepe: pero yo tampoco practico en mi casa, yo no estoy practicando, estoy escuchando música. Podría estar tocando la batería electrónica con auriculares y no lo hago. Yo acá leo, escribo.

dula, en el pasaporte. Y Pedro Dalton es un sobrenombre, en realidad, compuesto, por un lado en el liceo me pusieron Pedro por Pedro Picapierdra, con mis hermanos cuando éramos chicos íbamos a un club de Básquet, como éramos tres, que en realidad está errado porque éramos cuatro los hermanos Dalton. En el año 86 hicimos una revista con unos amigos, una revista ilegal, todos firmamos con seudónimos y yo puse Pedro Dalton y quedó, porque parece un nombre propio, parece un nombre. Pepe: Todo el mundo piensa que te llamás Pedro Dalton... Pedro: Todo bien, me dicen, ¿pero no tenés cara de Alejandro? Pepe: Vos sabés que mucha gente no sabe eso. Y a mí me preguntan, che qué buena onda encima se llama Dalton. Y le explico lo de la historieta... Pedro: lo que pasa es que no es muy conocido "Lucky Luke", en Argentina no es conocido. En Uruguay en las librerías, esas que tienen más o menos todo, la colección de Lucky Luke o Asterix, salen carísimas. Pepe: En Uruguay, yo he viajado mucho y me encanta... Pedro: Lo conoce más que yo... y eso que es chiquito. Pepe: ¿Yo?... Pedro: No, no Uruguay... vos sos enorme... Pepe: Ahhh.... (Risas) estando tan cerca de Buenos Aires, me llama la atención la diferencia cultural que hay... hay cosas que allá y en el Perú son muy conocidas pero acá no. Pedro: A mí me gustó de Argentina es que son muy nacionalistas, tienen tanta gente creativa y tan buena, que se auto abastecen, no es necesario que vayan a ¿Cómo conviven Alejandro Fernández buscar afuera, en el caso de Uruguay, es y Pedro Dalton? un país chiquito, y Montevideo, es como Pedro: Son el mismo... Alejandro un barrio de acá, de tamaño. Sin embarFernandez es legal, el que está en la cé- go es sorprendente la cantidad de gen-

te que hay haciendo cosas. Los argentinos cuando van a tocar allá quedan de cara, porque dicen "acá hay cuatro músicos por baldosas"... Sí, es verdad. Pero el uruguayo, a través de la dictadura, que fue muy larga, en mi caso, que yo tengo conocimiento, siempre miró hacia afuera. El rock lo tenías que ir a buscar a Estados Unidos o a Argentina, pero ojo, con las letras en castellano, que tenían solapado, historia que a los militares no les servían, no entraban tampoco en Uruguay. En la dictadura fue a tocar Sui Generis a Uruguay, y sí, para ellos eran canciones de amor... También lo que se da mucho en Montevideo, por ejemplo en la música, que es bastante variada. No hay tanta música de género, sino bandas que se conforman que van desapareciendo todas al instante, porque claro, no hay sustento económico. Eso es lo que nos mata. Y entrar en Buenos Aires, así como entró La Vela Puerca, Cuarteto de Nos, No te va a Gustar, fue por una razón particular, es como que estaban en el momento jus-

to y exacta donde tienen que hacer esa música y acá se estaba vibrando, y lo que yo noto como diferencia con las bandas de acá, es que acá antes de meter el corazón son muy profesionales, allá... estoy hablando como en Capital, ¿no?... empezamos tocando con el Topo que se había comprado una caja en Calle Rondó, que no es calle Talcahuano de Buenos Aires. Calle Rondó es una calle donde se compran cosas para pisteros (amante de los accesorios para autos)... Ahí compró un parlante y un amplificador Pentronic, que era de lata, con ese empezó a tocar la guitarra, allá Buenos Muchachos se arma porque nos aburríamos los domingos, sólo por eso. No teníamos idea que íbamos a ser una banda, la primera vez que vinimos a tocar acá, tocamos con una banda que se llamaba Auge, en el centro cultural Rojas, y yo me acuerdo que los locos tenían equipos con ruedas... y nosotros decíamos "Opa, mirá eso" (Risas)... la parte intención y emocional es la que nos tapaba los errores profesionales. La gente

quedaba más impactado por ver todo ese desorden, pero intenso, que ver una banda tocando bien. Acá eso se da mucho, para mí hay un estilo de música argentina, clarísimo. Sin embargo en Uruguay no hay un estilo de música uruguaya, es como mucho más abierto, justamente por el consumo de cosas de afuera, nosotros estamos entre Argentina y Brasil, por lo tanto, la música brasilera entró mucho con Eduardo Mateo, está también la mezcla del candombe con Jaime Roos y Rubén Rada, y el argentino queda muy de cara, parece una música con mucha identidad, por ejemplo, la primera vez que fueron Los Piojos a tocar a Montevideo yo los recibí, y preguntaban "Che, ¿toca Rada?, ¿toca Mateo?..." y yo decía estos locos conocen, son más chicos, porque tienen menos edad que yo. Y menos cantidad de tiempo la banda y yo quedé sorprendido... sabía que acá viene a tocar Fernando Cabrera, que viene Jaime y Rada, y sabía que gente como Charly,

que capaz lo conocen y se copan... nunca pensé que los jóvenes, y acá consumen uruguaya pero es difícil entrar, entonces las bandas van despareciendo y eso también te genera una identidad de consumir cosas de afuera. No sé que quise decir con todo esto.... (Risas) En realidad era saber si Alejandro y Pedro... Pedro: Ah sí.... sí, son la misma persona... (Risas)... pero me hiciste alguna preguntita más... o ¿no?... Pepe: No, está tu ego que piensa que no es la misma persona... Pedro: Eso no es ego, eso es locura.... Si uno lee tu biografía o entrevistas, Chillan las Bestias podría tomarse como un proyecto paralelo de Pedro, pero en realidad son dos cosas diferentes. Buenos Muchachos por un lado y Chillán las Bestias por el otro…

Pedro: Totalmente… Lo que a mí me pasas es que siento que en Chillan tenés un lado más personal, como te podés expresar más (tal vez desde la poesía) rozando tal vez lo tanguero o lo lunfardo. En Buenos Muchachos me parece que es más correcto. ¿Puede ser esto? Pedro: No... no, lo que seguro es que vos entendés más Chillan las Bestias porque es mi costado argentino. Yo tengo muchísimos años viviendo acá, más que nada viniendo, laburé durante dos años pintando casas y conozco el ritmo de la ciudad y sé lo que es tomarse un subte a las 8 de la mañana para el lado de San Telmo desde el Abasto, o sea, cuando yo escribo está Buenos Muchachos y está Chillan las Bestias, y mi vida es así, son mis dos bandas. Así lo considero. Entonces el ejercicio que hice, porque yo temía eso de que cómo hago para escribir para ambas bandas, y los muchachos me decían "Che, ¿Cómo elegís?"... No, yo no elijo. Yo compongo Buenos Muchachos en Montevideo y compongo Chillan las Bestias acá, en Buenos Aires. Así tuve que empezar. Hoy en día puedo escribir en Montevideo para Chillan las Bestias, porque últimamente mi laburo me impide venir como venía una vez por mes y me quedaba una semana, me era más sencillo escribir, sentarme a tomarme un café en un bar. Pero empecé así. Capaz que justo lo que te pasas a vos es justamente, entendés más claramente mi versión argentina de escritura que la uruguaya. En realidad ninguna de las dos es correcta. ¿Qué diferencias y similitudes encontrás entre Buenos Muchachos y Chillan las Bestias? Pedro: Las similitudes es que las dos me gustan y mucho. Las diferencias, es casi igual, en Montevideo se habla de tango, que el tango esto, que el tango lo otro,

que el tango es la Cumparsita, todo lo que quieras, pero lo cierto es que vos te bajás en Montevideo y no vibrás tango por ningún lado, salvo que vayas a tres lugares específicos que hay donde hay tango y algunos centritos donde veteranos bailan en las plazas, se da un poquito de eso. Acá el tango existe. yo me bajo del buquebús en Córdoba, vengo caminando por Córdoba hacia el lado de Bulnes, ponele, y ya pasaste por el tango, ni que hablar si vas a San Telmo, La Boca, y otros barrios que yo desconozco, que me dijeron que también se vibra el tango, y Chillan las Bestias es una banda que vibra tango, tiene dos instrumentos con los que yo no estaba emparentado, como es el piano y el violín. Y en un comienzo tenía un aire bastante más arrabalero que hoy en día lo cual a mí me generaba un desafío encantador. Dale Pepe trabajá un poco.... Centrándonos en tu arte, encontramos varias facetas, más allá del letrista en una banda de rock, encontramos un escritor, poeta, un dibujante, un pintor, hasta actor y conductor de un programa de radio. Cuéntanos un poco sobre todo esto... Pedro: A mí siempre me gustó el arte, yo consumía de todo, cuando tenía 15 años entré en la casa de un amigo, que la madre era actriz, que el padre era pintor, era Bi arte en las paredes, muchos libros, entonces ahí es donde conocí a Sex Pistols, The Clash, The Cure, Joy Division, o sea, yo fui el único amigo de él que era del Liceo, que estábamos todos para la pavada, lo más oscuro verdadero que podías escuchar era Queen, entonces veía los pósters de Johhny Rotten, The Clash, fotos de Joy Division pegados en la pared y yo decía, "¿Y esto qué es?". Y ahí arranqué, ahí me cambió la cabeza. Leí el libro "Punk la muerte joven" y me siguió cambiando... y después ahí empecé, yo

dibujaba desde chico, yo era guacho de departamento, por lo tanto lo único que podía hacer es jugar con los autitos o dibujar, elegía dibujar, mi abuelo sabía dibujar muy bien y más o menos me tiraba y fui dibujando mientras escuchaba música. Yo empecé con la música recién a los 22 años, empecé bastante tarde, he tragado tantos discos, estaba un poco más maduro que empezaron los demás que tenía 18 años. Y ahí todo fue acomodándose, me transformé medio en un personaje del underground, lamentablemente el underground en Montevideo no supera las mil personas y no es muy activo tampoco. Yo escribía poesía, porque hacía canciones, empecé con la escritura antes de las canciones. Escribía arriba de las canciones que escuchaba de Tom Waits, Nick Cave, escribía como si fueran traducciones de la letra. Y me llamó un loco que quería publicar algo, se había enterado que yo tenía una novelita hecha, yo

le dije la novela jamás... si querés tengo un libro de poesía. Y ahí empecé con los libros y una cosa lleva a la otra y conozco todo el medio, empezó "25 watts" (película uruguaya del 2001), metimos dos canciones, éramos amigos de los pibes que hicieron la película, el mundo del cine también es muy chiquito. Y ahí también hicimos el video de "He never wants to see you (once again)", el director de fotografía fue el director de la película donde yo trabajé. Escribió para un amigo de él que estaba en Estados Unidos, que era ex adicto, y vio que el único que lo podía representar en Montevideo era yo, y que el Plus que tenía era que no era actor. Todo se va dando y yo soy chupa Arte, me saco las ganas, jamás haría cine, no me interesa en lo absoluto. Me saqué las ganas de actuar, es como arriba del escenario si bien nadie me dice movete acá o así, pero ahí si me lo decían.

Y Dibujos… Pedro: Y dibujos me está yendo muy bien. Yo no hago pintura, soy dibujante, con tinta china y pluma, a la vieja usanza, en papel. Y empecé a dibujar en Buenos Aires, como no tenía banda, estaba separado, todavía no estaba Chillan las Bestias, cantaba los lunes con Ángela Tullida, un poco, teníamos una canción que habíamos compuesto con Gonzalo. Entonces necesitaba un escape entonces empecé a dibujar, me compré una pluma después de ver un exposición de Carlos Alonso de dibujo, que es uno de los mejores artistas plásticos que tiene Argentina. Me dije esto lo que tengo que hacer, porque la casa donde estaba viviendo no tenía espacio y dibujaba chiquito, y ahí arranqué con el dibujo de vuelta, pero seguí dibujando y dibujando, también había vuelto al dibujo porque le hacía los centro de las tortas de cumpleaños para los hijos de mi mujer, cuando cumplían años le decía que bicho querés, entonces les hacía los de Pixar y de Dream Works, con lápices de colo-

res. Y así empecé de nuevo con el amor con el dibujo, que lo había perdido con la música. Y ahora sigo dibujando y algunas cosas vendo, me va bien. Entonces tengo como escapatorias, que son interesantes, que son tres, cantar, dibujar y escribir. Siempre uno tiene la mirada de espectador de una banda, hasta incluso en los shows, pero vos Pepe, como baterista, ¿cómo ves a la banda desde atrás, porque me parece que tenés que estar muy atento a lo que pasa arriba del escenario para mantener todo en orden? Pepe: Todos tienen feo culo. (Risas)... ¿Cómo se ven Chillan? es una buena pregunta. Los veo como una pared sólida, sobre la cual yo tengo que apoyarme. Es curioso pero en las bestias, el manejo de los ritmos y de las bases, se tienen mucho cuidado con eso, musicalmente hablando, creo que he tenido que aprender a no tocar, más que tocar en las Bestias, aprendí a tocar con escobillas para gene-

rar texturas y cosas diferentes que vayan de acuerdo al clima que te pide la canción, pero cuando yo estoy atrás y siempre los veo adelante, y el escenario es grande, sobre todo cuando tocamos en La Trastienda de Montevideo, los veo como una pared, sobre una pared sobre la cual yo descanso, pero es curioso, porque ellos tendrían que descansar en la base. Y me dejo de preocupar, yo soy nervioso de por sí, cuando voy a tocar, cinco minutos antes me como las uñas y esas cosas. Es curioso, lo veo así, los veo como una pared en la que yo me apoyo, los instrumentos logran como una textura que hacen que yo me apoye y me sienta muy cómodo a la hora de tocar. Y me dan ideas que hacen que la canción se enriquezca. Nosotros buscamos la canción, quizás en las Bestias buscamos la canción y una expresión, indicar algo sin decirlo explicitamente. Reitero los veo como una pared en la cual yo me apoyo y me siento seguro, es curioso, porque cuando terminamos me dicen lo mismo a mí, en-

tonces yo digo entonces estamos en problemas, hay un problema de comunicación. Pero funciona. Porque lo que tiene Chillan es que parecería que cada uno va por su lado y vos como el nexo que los une... Pepe: Soy el catalizador. No podría ser el catalizador si no me sintiera seguro. Veo como todos se van uniendo, él es como el centro, quizás porque es el cantante y tiene la responsabilidad de las letras y sobre todo del punto focal, la gente mira al cantante. Yo veo como todo se va ensamblando, entonces yo me siento mucho más confiado, no nos miramos, pero nos sentimos apoyados. En realidad el batero tiene ese síndrome, la gente no lo mira, está siempre atrás pero yo creo que si uno puede sentir la confianza de tener la pared adelante, sale. Es imposible no estar sentados acá y que no pregunte Pepe sobre tu inmensa discografía, es intimidante y es algo

no menor, uno se perdería todo el resto de la vida escuchando esos vinilos, uno por uno. ¿Desde cuándo coleccionas discos? Pepe: En realidad en Lima, desde chico, ya coleccionaba, pero eran cassettes grabados, pero era por una cuestión de dinero, porque no tenía. Y empezamos como todos en los ochenta a grabar cassettes, hasta que tenía una colección impresionante, pero de alguna manera siempre había pensado que no iba a vivir siempre en Lima. Y por eso cuando llegué a la Argentina, es como que me dije, "Esto es lo que me gusta, esto lo que quiero hacer y quiero quedarme acá", entonces empecé a comprar en serio en 1994. Yo tenía 24 años y gasté todo lo que gané. ¿Cuál fue el primero vinilo que compraste, te acordás? Pepe: Pepe: Bauhaus "In the flat field", la edición argentina. Tengo una italiana y la argentina. Porque en los 90 la gente odiaba los vinilos, ¿se acuerdan?. Y ¿sabés

cuál fue el primer CD que me compré? Y tengo hasta la boleta, "Henry's Dreams" de Nick Cave and the Bad Seeds, edición nacional de 1994. ¿Y el último? Pepe: Uff ¿qué buena pregunta? Ya ni me acuerdo. Ya me acuerdo (mientras busca en los estantes) dame un segundo... "The Eight Legged Groove Machine" de The Wonder Stuff de 1988, que lo tenía en CD, en cassette grabado y nunca lo tuve en vinilo y al final lo conseguí en una edición original, es un lindo disco, después los odio, pero éste es un lindo disco. Si tuvieras que elegir un disco que represente lo que signifique Chillan las Bestias para vos ¿Cuál sería y por qué? Pepe: Ufff... Pedro: Lo tenés a mano... yo me muero por contestar... (Risas) Pepe: Mirá... hace un par de días...viste que venimos con la resaca (no por Resakka, nuestro fotógrafo)... sino de ver

a Nick Cave and the Bad Seeds... estuve escuchando a The Triffids... y dije esto es Chillan las Bestias. Pero muchos de acá no lo saben, Sobre todo por cómo suena el violín... Pepe: sobre todo por cómo suena el violín pero también porque tiene esa intención de que va a pasar algo y no pasa, me parece que eso es algo así. Y me gusta mucho esta banda, me gusta mucho toda la carrera, pero si tuviera que buscar un disco, probablemente sería el primero, "Treeless Plain", este disco es Chillan las Bestias. Está firmado... (Risas) Pepe: Sí, está firmado... lo siento... ¿qué querés que haga?... Resakka: y borrale la firma... (Risas) ¿Cómo preparan un show de Chillan con Pedro viviendo en Uruguay? Pedro: Lo tenemos bastante calados... en realidad ellos ensayan mucho... todos

los sábados... Pepe: Nosotros todos los sábados de 10 a 12 del mediodía estamos ensayando. Pedro: Esa fue la razón clave por la cual en la banda, te lo digo en serio. Se ensayaba de 10 a 12, una experiencia que yo nunca había vivido y me pareció que se entiende la música pero por otro lado, por ejemplo, no te olvidás más de lo que hiciste. No se bebe, tomamos un café antes, una previa para ver cómo estamos, bla bla bla... y después a ensayar. Es algo muy diferente, yo no lo había probado... un ensayo semanal te rinde mucho, cuando se ensayaba de noche, con Ángela Tullida ensayábamos los lunes a la noche, el lunes llegabas y nadie sabía qué había hecho el lunes anterior. Pepe: A la noche te tomás una cerveza… Pedro: En general, ellos trabajan mucho, todos los sábados, cuando yo vengo metemos algún ensayo... Pepe: y cuando estamos ensayando a veces hemos hablado por cámara, y es gracioso, porque mucha gente no me

puede creer que nosotros ensayamos de 10 a 12, piensan que estamos metidos en una cripta, en la noche, tocando... para nosotros es una cosa vital la música, pero mucha gente lo ve como algo siniestro, oscura, rebuscado, y me dicen... me imagino esas noches que pasan ustedes componiendo... Pedro: A mí me ayuda mucho leer las letras, tardo años en memorizarlas... me cuesta memorizar... las leo y listo. Ya del primer disco ya no leo nada, del segundo leo algún párrafo, que es más que nada un disparador, y los nuevo que estamos haciendo, más o menos los voy llevando... en este tiempo me parece que escribo más complejo... Pepe: Porque el disco es poco más complejo. Esa es la próxima pregunta… ¿Qué diferencias encuentran en este nuevo álbum con sus dos anteriores? Pedro: Y, primero seguimos componiendo todos, lo cual eso es importante para

la integridad musical y la interpretación de cada uno, porque cada uno tiene un momento diferente, y una manera musical diferente de mostrar su momento, el día que está viviendo. Pasó algo, no sé si lo del Chacha... en realidad ya estaban compuestas desde antes, cinco de las siete que grabamos, ya las habíamos grabado previamente en la sala de ensayo, tocando el Chacha, y después se fue y empezó otra etapa de la banda... y yo siento que son canciones diferentes, hay más cosas pop, siento eso, más canciones... para mí el primer disco tiene algo muy arrabalero... más raro... ahora para mí está más raro que el primer disco... Pepe: tienen una base más sincopada... Pedro: para mí, no me preguntes por qué?, pero es como diferente la armada a excepción de "C.A.B.A.", me parece que todos los temas tienen cierta rareza que me hizo que escriba más letra, más palabras, no sé tienen más cambios, son como más largos los temas... Pepe: Bueno, lo cual está bueno, porque

quizás sentís una evolución, que no estamos repitiendo la fórmula que hicimos anteriormente... Pedro: no... está como diferente... igual yo interpreto viéndolo de afuera, que eso es lo bueno también, que alguien que esté adentro pero que vea de afuera, porque yo veo mucho más los cambios que ellos... en ese sentido... porque estoy en Uruguay, me empiezan a mandar cosas y me mandan cosas que parece tocado por otra gente, eso me pasó con "La Vida"... me pasó lo mismo con el tema de Franco, "Un dedo tapa al Sol", el primer single. Pero esto de la visión desde afuera, cuando ellos me mandan la grabación de un ensayo, realmente suena como otra banda. Parece una banda que está buscando su identidad, pero en realidad cuando escuchás los discos, es una banda que tiene identidad. Pero hay cierto cambio que está yendo para un lado que no sé cuál es... y tal vez ése sea el sustento de la banda. Yendo siempre para un lado que no se sabe cual es, por ejemplo con Buenos Muchachos, entiendo la estética y lo que diferencia una canción de un disco al otro es el sonido del disco, porque lo grabamos siempre en lugares diferentes. Pero acá siento que sigue sonando a Chillan las Bestias y hay grandes cambios, por ejemplo detecto que Franco es un loco que, al estar laburando en el dia-

rio, percibe música nueva. Él es bastante compositor o arreglista en la banda, y eso fluye... y eso a mí me encanta. ¿Qué planes hay para Chillan? Pedro: Vamos a tocar el 8 de diciembre en Bluzz Live de Montevideo. En Uruguay nos falta el lugar de pertenencia, como puede ser El Imaginario, acá. Nos falta un lugar más chico, en donde tocás más cómodo, porque La Trastienda es enorme, sale muy caro tocar. Ahora Bluzz Live es un lugar para 300 personas, tiene un escenario lindo, buenas luces, un lugar donde el alcohol sale barato, antes era un boliche y ahora es una sala de conciertos chiquita, pero rendidora. Tiene un tamaño en donde van 200 personas y parece que está lleno. Y yo quiero tocar ahí porque es un lugar donde Chillan las Bestias puede recalar ahí cuando quiera, a medida que vayamos sumando más gente. Pepe: y es el único lugar en Montevideo donde nunca tocamos. Es el único que nos faltaba del circuito más o menos interesante. No está yendo bien en Montevideo, el último show la gente cantaba las letras, lo cual es raro. Para finalizar podemos decir que los ¡Chillan las Bestias son Buenos Muchachos! Gracias chicos.

El Camino Desnudo

Por rubĂŠn Torres

Hablamos con el dúo de Hawaii-Salt Lake City, Lunar Twin. Sobre sus discos, sus intenciones musicales y el nuevo álbum que los tiene súper felices; NEON MOON...y que nosotros esperamos con entusiasmo! En abril de 2016 entrevistamos a Chris Murphy y Bryce Boudreau los hacedores de este maravilloso proyecto de nombre Lunar Twin, y en esa ocasión nos contaban sobre la forma extraña en que se formaron y componían sus maravillosas canciones. Comenzaron haciendo música juntos un 31 de octubre (noche de brujas) de 2013 entre Hawai y Salt Lake City, sitios que eligieron como su lugar en el mundo. Nos contaron que tenían el EP Lunar Twin a punto de editarse, además de hablar de musica, The Ronettes, Bowie, Velvet Underground, gothic music, MIA y Leonard Cohen, pero también sobre literatura como, Kathleen Norri, Jorge Luis Borges (historias cortas) de William S Burroughs, Anais Nin, George Orwell, John Steinbeck, Gary Snyder, Edward Abbey, Ghandi, Black Elk, e Ishmael Reed, y todo eso mezclado resulta Lunar Twin. Hoy a dos años de aquella charla, y que de algún modo fue el disparador para comenzar a pensar en la teoría sobre las dos lunas, donde se dice que la luna que existe hoy, tal como la conocemos no siempre ha sido tan solitaria. Se cree que hubo un "gemelo" más pequeño que solo duró unos pocos millones de años y luego se estrelló con su hermano mayor. Bueno ahí es donde Lunar Twin comienza su viaje inspirador. Ya es octubre de 2018 y volvemos hablar con Bryce Boudreau y Christopher Murphy, porque tienen nuevo disco debajo del brazo con nombre que nos deja un atisbo de lo que se escuche de lo nuevo de Lunar Twin; Neon Moon. Que lo conoceremos en forma completa en febrero de 2019, aunque hace unos días nos dejaron espiar un poco dentro del álbum con un adelanto (Drunken Sky) que nos hace sentir el porvenir y el viento, ese que imaginamos, y el, nos dice al oído que estamos ante un gran disco…

[ Entrevista a Lunar Twin por RubÃ©n Torres. ]

LUNAR TWIN EL YIN Y EL YANG EN PERFECTO EQUILIBRIO...

67 La última vez que hablamos, lo hicimos antes del lanzamiento de su EP Lunar Twin, que fue en marzo de 2016. ¿Salió el EP y tuvo repercusiones, que sucedió con los críticos y los oyentes con ese EP? Chris: Tuvimos una respuesta muy positiva a ese álbum, especialmente por su lanzamiento propio. Todavía me encanta ese EP y me recuerda un cierto tiempo de mi vida cada vez que lo escucho. Bryce: Estamos realmente agradecidos porque a la gente le gustó el primer EP y nos dio un poco de impulso para continuar haciendo esto que era definitivamente una versión más joven de nosotros. Para mí, el EP es una instantánea de ese momento particular. Sin embargo, en retrospectiva, parece que hace ya una vida. Seguro me alegra seguir creando con Chris.

lanzar nuestro próximo álbum esta primavera. Bryce: Sí, lanzamos nuestro debut Lunar Twin EP en noviembre de 2014 y seguimos a Night Tides en marzo de 2017.En el ínterin, participamos en algunos discos de remixes (Champagne Remixes2016, Night Tides Remixed2018) con Berlin Label, Emerald y DoreenRecordsungenialsintetizadorfuturista y un sello del estilo balérico en Alemania.

Los registros de voz en este 2018 tienen un álbum a punto de darte una salida, este disco lleva el nombre de Neon Moon, cuéntenos un poco sobre el nuevo trabajo. Chris: Este álbum es mucho más refinado, ya que hemos definido nuestro sonido. Todavía siento que capturamos ese sentimiento de nuestros dos últimos pero más evolucionado. Un poco más oscuro y más frío. Bryce: Neon Moon saldrá a la venta en ¿Continúan aún componiendo febrero de 2019, es diferente de nuestros desde lugares tan lejanos entre registros anteriores, ya que no solo Chris y sí, como Hawai y Salt Lake City? yo hemos cambiado a medida que la gente Chris: Sí, todavía estamos grabando en en el mundo en que vivimos ha crecido y diferentes estados por el momento. Poder ha enfrentado muchos nuevos desafíos grabar por separado podría ser parte de desde su creación como Lunar Twin. estos nuestro sonido único. Creo que nos da a factores influyeron en el estado de ánimo los dos más tiempo para ser creativos con y la vibra de nosotros y las canciones que nuestras ideas sin la influencia directa del otro. construimos para este disco. Usamos algunos Bryce: sí, vivo y grabo en Hawái, así que instrumentos y métodos diferentes que nos no llego a la parte continental de EE. UU centramos en tratar de ser más libres. Dejando muy a menudo donde está el estudio de caer las fichas como quieran que caigan. Chris. Por eso, para mí, esta es una línea de vida para el mundo exterior más allá de mi Lo que se compone en este nuevo disco; propio horizonte personal. Chris me muestra Neon Moon, es diferente de lo que hacen, una nueva perspectiva y me conecta con el o las composiciones llevan la misma ola mundo en general más allá de mi comunidad Dream Dream, como Cocteau Twins, para aquí, lo cual creo que es algo positivo nombrar algo especifico. ¿esto del que hablamos? Espero que no me equivoque, ¿han Chris: Creo que tenemos nuestro propio editado dos EPs o tiene más álbumes en proceso de colaboración, es más relajado su haber? y nos permite a ambos tener nuestro propio Chris: Sí, dos EP nuestros, aunque también proceso de creatividad. A mí me gusta tenemos dos álbumes de remixes de Emerald experimentar en mi estudio hasta que y Doreen Records. Estamos planeando encuentre algo a lo que realmente me estoy

refiriendo. También creo que tengo a Bryce en mi mente para encontrar la clave y el formato que creo que él también podrá grabar. Bryce: Creo que tenemos diferentes estados de ánimo, vibraciones e instrumentos en este disco. Su fundamento se basa en las ondas de los sueños, pero hay una corriente oculta más oscura y quizás se diferencie de Night Tides en que el ambiente es más urbano tarde en la noche o solo a pie. En el desierto, un solitario viajero, algo así. Pero puedo decirles que estamos muy emocionados de compartir el disco con todos ustedes.

construyendo un impulso hacia eso y ese es nuestro objetivo final. ¡¡Espero verte pronto!!

Sus obras tienen una marca que podría ser fuerte como visual, en este nuevo álbum, ¿habrá videos? Chris: Estaremos lanzando un par de videos más para coincidir con el lanzamiento de nuestro álbum. Bryce: ¡Gracias! Siempre nos ha gustado ser un artista así. En octubre de 2018, acabamos de lanzar el primer video "Drunken Sky" que puedes ver en nuestra página de Facebook de Lunar Twin o en el canal de Sabemos que Lunar Twin no toca en YouTube de Lunar Twin. Estamos lanzando vivo por los motivos que ya sabemos, el próximo video antes de fin de año. eso puede cambiar con el tiempo o es algo que no les importa mucho? Cuando escuchamos su música, Chris: Sí, planeamos tocar en vivo recordamos que hablamos sobre el eventualmente. Estoy emocionado nombre de la banda, la comparación por el día cuando eso suceda. con el yin y el yang, lo electrónico y lo Bryce: Es de esperar que haya suficientes natural. Es una banda sonora para que la personas en Europa y Sudamérica sean búsqueda del yo se libere de los límites conscientes de nosotros, nos conozcan y se conecte consigo misma... diciendo y quieran ver una gira, ya que estamos esto, si alguien les pregunta cómo suena

Lunar Twin, ¿cuál sería la respuesta? Chris: sí, no sé, básicamente, Lunar Twin puede sonar o decir lo que sea que usted o cualquier otro intérprete que sea realmente personal para cada uno. Es más divertido de esa manera. Bryce: También me cuesta mucho definir eso. Hacemos esto por razones muy personales, compartirlo con el público es, supongo, una alegría incómoda y necesaria para nosotros. Solo estoy agradecido de poder hacer música y me sorprende que a alguien le importe.

se parece a un triángulo. Los dos estamos en lados opuestos de su creación, pero se encuentra en un punto. Esto es cuando nuestra colaboración realmente se une para reflejar nuestras dos intenciones musicales. Bryce: Me encanta la idea de Chris de un triángulo o quizá, la idea antigua de un Círculo como todos los sistemas naturales, el Círculo es ininterrumpido, desde el nacimiento hasta la muerte, como la luna.

Gracias amigos por la amabilidad y la música que le dan al mundo, con su arte hacen de este un Para cerrar... Si la música fuera una lugar mejor... otra vez ¡GRACIAS! forma geométrica definida, por ejemplo, Chris: Gracias por las preguntas bien un cuadrado, un triángulo, un rectángulo elaboradas, ¡ha sido muy divertido! o un círculo... ¿en cuál de estas formas ¡Felicitaciones! se reflejaría la música de Lunar Twin y Bryce: ¡Gracias por tu amabilidad Rúben por qué? y gracias a cualquiera que haya leído esto! Chris: Me imagino que nuestra música ¡Aloha!

[ Entrevista a Starframes por Rubén Torres. ]

LA INSPIRACIÓN ESTILÍSTICA

Cuando nos pasaron para que escucháramos a la banda Starframes, primero hay que decir que lo hicimos con mucha suerte, porque nos encontramos con cosas que fueron adelantando de su ultima producción el álbum; Nicht Vergessen y una gran canción llamada Berlin is love, que en el final de la canción nos proclama como diciéndonos todo; “Berlin is in love, everyone around us seems to enjoy this lovely time” (Berlín está enamorada, todos los que nos rodean parecen disfrutar de este hermoso momento)

...Y eso es precisamente lo que nos sucedió al escuchar por primera vez a Starframe, nos enamoramos, nos involucramos al poner el oído emocional, eso, nos encanto... Porque suena moderno, porque convinan generos que nos gustan mucho, porque nos parece que cada melodía ya la hubiésemos escuchado tantísimas veces, porque reconocemos el sonido inmerso en cada canción de la banda Italiana... y porque en definitiva, parecería ser que todos vamos a disfrutar de este hermoso momento, el tiempo de descubrir a la banda Napolitana Starframes, que recomendamos...para que al escucharla sanemos todos de manera mágica...los dolores del alma. STARFRAMES

Starframes formados en 2004 en Nápoles (Italia). Durante sus primeros años, la banda publicó algunos demos influenciados por el power-pop, el rock de garaje moderno y allí realizó una cantidad considerable de conciertos especialmente en el sur de Italia. En junio de 2009, su álbum debut Street Politics fue lanzado en el sello independiente inglés Mile High Music Records. Colaboro con el disco Jon Astley que había trabajado para artistas como The Who, Eric Clapton y George Harrison. La banda tocó los primeros tres conciertos promocionales en Londres, luego regresó a Italia y siguió tocando durante los meses siguientes. En abril de 2010, Starframes lanzó Acoustic live session vol.1 con transmisión en vivo y comenzó a promocionar su acústico durante sus conciertos. Durante el mismo período, volvieron al estudio para su segundo álbum Ethereal underground, que fue lanzado en enero de 2011 por el sello independiente italiano BulbArtWorks.

El álbum estaba profundamente arraigado en atmósferas neo-psicodélicas y cambió la trayectoria creativa de Starframes. Ethereal Undergound obtuvo una buena respuesta de audiencia y las revistas, eso hizo que le dieron a la banda la oportunidad de enfrentar una larga gira que terminó en Londres en agosto de 2012. Después de eso, Starframes pasó dos años silenciosos y, a fines del verano de 2014, lanzaron Unwired, que fue un EP de producción propia disponible para descarga gratuita en Soundcloud. Después de eso, la banda comenzó a trabajar en su tercer álbum Nicht Vergessen, que tardó casi tres años en completarse. Es un álbum conceptual que consta de 15 canciones que van a través de una novela escrita por su guitarrista y cantante Raphael Bramont. La historia se basa libremente en el libro de Anna Funder Stasiland. La trama se lleva a cabo en Berlín desde la década de 1940 hasta los días contemporáneos y ofrece una visión amplia de la sociedad moderna siguiendo los dramáticos acontecimientos de la vida del personaje principal Friederich Braun. Cada uno de los quince capítulos de la historia proporciona el título de la canción que evoca los ambientes y la dinámica de los mismos a través de la música y los textos. Nicht Vergessen se lanzará a finales de 2018.

Para aquellos desprevenidos a los cuales les queremos presentar a la banda napolitana Starframes, primero queremos conocer a aquellos que integran la banda, como se conocieron, viven todos ahora en el mismo lugar, son de Nápoles pero tienen su base en California? [Raphael Bramont]: Sería genial vivir en California, pero somos de Nápoles, Italia. Nuestra ciudad es un excelente lugar para vivir, si logras encontrar tu propio camino. Nos conocimos hace varios años en la escuela primaria y tocar juntos ha sido uno de nuestros sueños desde entonces. La banda se formó en 2004 y se allí a esta parte de su historia, han pasado ya más de 14 años desde que trabajan en este proyecto, como ven que han evolucionado, si es que lo hicieron, y además de canciones sueltas, tienen tres discos; 2009 Street Politics. 2011 Ethereal Underground. Y lo nuevo; Nicht

Vergessen. La pregunta es; estos son los tres discos que quisieron hacer y ademas, se identifican con el momento en el cual fueron hechos? [RB]: Sí, queríamos hacer esos tres álbumes y representan diferentes momentos de nuestro crecimiento. En realidad, grabamos "Street Politics" cuando la mayoría de las canciones eran antiguas y ya estábamos escribiendo "Ethereal Undeground". Nuestros sonidos y gustos fueron cambiando rápidamente durante ese período y es por eso que nuestro primer álbum parece estar tan lejos de nuestra identidad actual. De todos modos, "Street Politics" fue importante para saber cómo grabar y mezclar un álbum y nos dio la oportunidad de tocar en Inglaterra por primera vez. Además, un amigo y músico especial, Giovanni Vicinanza, que es la misma persona que produjo "Nicht Vergessen", lo mezcló, por lo que podemos decir que nos hizo más ricos. "Ethereal Undergroud" es un

buen álbum; Todavía lo amamos después de años. "Nicht Vergessen" es nuestro espejo perfecto, lo mejor que podemos hacer con algunos instrumentos y una pluma. Sabemos que existen en Italia bandas como La Casa al Mare o Stella Diana, por nombrar solo algunos...ustedes se formaron o se identifican con algún movimiento musical en Italia, o más precisamente en Nápoles? [Pacific Loon]: Seguramente, hay algunas bandas clandestinas importantes como Stella Diana, Ash Code, Geometric Vision con una idea clara del sonido, pero no hay un movimiento real. Podría decir que nacimos de la atmósfera que se respiraba en el bar Slovenly Rock and Roll Bar, que se cerró hace varios años. Ese fue un período importante porque formó nuestra actitud, cultura y conciencia, incluso si hemos cambiado mucho a través de los años. Hoy la ciudad es muy diferente, pero aún tenemos la oportunidad de sentir atmósferas mágicas. Algunos colectivos organizan conciertos en grandes lugares históricos. El concierto de William Basinski, por ejemplo, fue algo extraordinario.

con estas más de 14 canciones, ésta basada libremente en la novela "Stasiland" de Anna Funder? [RB]: Estudiamos muchos libros y documentos, pero "Stasiland" es el pilar principal de la novela "Nicht Vergessen". Ese libro es una investigación tan emocional en personas comunes que vivieron durante la edad de DDR. Solo explican algunos eventos de sus vidas, verdaderos eventos documentados. Esas historias inspiraron la creación de Friedrich Braun, quien es el personaje principal de nuestra novela. Técnicamente, él nunca existió, pero si usas un punto de vista diferente, verás que es real, ya que representa la mezcla de personas vivas. A través de su trágica vida, podemos probar todas las contradicciones del socialismo y el capitalismo y todas sus reflexiones sobre la Europa moderna.

Su inspiración estilística es variada, hay registros dream-pop, shoegaze y referencias psicodélicas, ¿su sonidos es todos eso y les suman otros géneros más? [RB]: Esas son las influencias más evidentes en nuestra música. Yo añadiría 80s new wave Volviendo a sus trabajos, su último disco, y ambient. Nunca hemos estado atrapados en le llevo más de tres años en su elaboración, un género porque hay muchas cosas buenas esto fue porque querían tomarse más que nos gustan y escuchamos. Cada uno de tiempo que en sus anteriores discos? nosotros tiene un camino musical peculiar, [RB]: Me tomó mucho tiempo estudiar todos nos influenciamos y por eso podemos ir de los eventos sociales y políticos involucrados una atmósfera a otra. Nunca nos hubiera sido en la novela para estar preparado para posible escribir un álbum conceptual como escribir los capítulos y las letras. Juntos "Nicht Vergessen" sin una amplia cultura pasamos más de un año para organizar las musical. canciones y encontrar el sonido del álbum. Luego fuimos al estudio donde mejoramos Seguramente cada uno de los integrantes ese trabajo. "Nicht Vergessen" es más que un de Starframes tendrán su banda preferida, hijo para nosotros. Cuando lo escuchamos, pero Starframes en sí, ¿tiene algunos nos sentimos tan orgullosos que todavía no referentes musicales como ejemplo a podemos creerlo. seguir? [RB]: Seguimos a muchas bandas y artistas Nicht Vergessen es un disco y nunca dejamos de descubrirlos. Nunca verdaderamente conceptual, nos cuentan diremos que los tiempos actuales son peores un poco la historia que quieren desarrollar que los viejos tiempos son mejores. Depende

de la forma en que busques nueva música. Nunca debemos sentirnos completamente satisfechos con la música que ya conocemos. De todos modos, si tuviera que decirle un nombre, diría que David Bowie por su genio, cultura, talento y actitud. Es uno en mil millones. Sudamérica es un extraordinario lugar donde hay innumerables cantidad de música y bandas de muy buena calidad. Conocen alguna banda de Sudamérica? [PL]: Hoy en día es fácil escuchar a bandas que viven y tocan en diferentes partes del mundo. Ese es el buen aspecto de la globalización de la música, que comenzó hace

unos 15 años. Personalmente, realmente me gusta Neon Indian y Coma Pony. Otro buen descubrimiento ha sido Laikamorì, de quien actualmente escucho "Persōna". Volviendo a su disco; Nicht Vergessen... ¿cuáles son sus expectativas, que repercusiones esperan del el público, y de la crítica en general? [RB]: Este trabajo necesita algún tiempo para ser apreciado en su totalidad. Por lo tanto, sabemos con certeza que es para pocos. A algunos les pueden gustar "Querido Akelei", "Muro creciente" o cualquier otro, a algunos les pueden disgustar, pero sabemos de antemano que si descubre

"Nicht Vergessen", quedará impresionado por sus profundos mensajes y su cultura. Es algo distante de los estereotipos italianos actuales. No es desechable. Es más como "tómalo para siempre o déjalo". ¿Cuál creen ustedes es el futuro de Starframes? [RB]: En realidad, no sabemos ahora. Por supuesto, sería difícil escribir algo como "Nicht Vergessen" de nuevo. Haremos otro disco si queda algo especial que decir. Tenemos algunas canciones nuevas, pero tomaremos una decisión el próximo año.

Por último, ¿saldrán de gira presentando Nicht Vergessen? [RB]: Tenemos algunos conciertos planeados en Italia y Alemania durante la primera parte de 2019. El primero será en Nápoles el 14 de diciembre. Creemos que es bueno empezar a tocar en casa y luego si moverse. ¡Gracias amigos por la predisposición para la charla y su tiempo para esta entrevista!

[ Reseña de REM. - UP (1998) por Rubén Torres. ]

MELODÍAS LODOSAS CON PUREZA, COMO UNA FLOR DE LOTO.

REM. - UP Label: Warner Bros. Fecha de lanzamiento: 27 de Octubre de 1998

Poner en marcha la máquina del tiempo y hacer rodar las agujas del reloj hacia atrás, es un juego fascinante para quienes vemos a la música como una continuidad de un todo...Por más de treinta años que nos duro el AMOR de la banda de los 80tas surgida de la independencia y la bien sabida autosugestión, esa misma que supo sobrevivir al éxito sin perder la cabeza, y teniendo siempre presenta que la identificación y creación artística esta por sobre el resto...por eso para nosotros serán siempre ARTISTAS raros y visionarios, nos fascina ese instante en que los artistas se adelanten a su época, y creemos muy seriamente que es UP es eso, como un Picasso cubista sin tiempo. Up nace de una crisis interna de la banda, de hecho es posterior a la partida un año antes de Bill Berry, y el hecho de que a partir de ese momento fuese un trió, casi pasa desapercibido para el resto de la gente, pero no así para Michal Stipe...y es por eso que escribe canciones de ausencias y desamores. Up es un disco duro en todos los sentidos, con letras en las que el aislamiento, la duda y la muerte están siempre presentes. Y un cambio de sonido, más ambiental y experimental, donde las guitarras ceden protagonismo a teclados y sintetizadores.

primario, y por eso entre otras cosas es un disco complicado. Complicado para el propio grupo, que durante su gestación sufrió una experiencia tan traumática que les llevó incluso a decidir que había llegado el momento de terminar con todo. Complicado por su concepto, es el trabajo más largo de la carrera del grupo, posiblemente el más triste y oscuro e indudablemente el más impenetrable…igual es uno de los mejores trabajos de la banda de Athens a nuestro modesto saber, y siempre en este lugar de privilegio, que es el de escribir esta reseña desde la idolatría por esta banda.

Airportman es el tema más aislante que hubiésemos esperado para comenzar este álbum. La primera escucha de Up es desoladora tanto que se nos apretuja el corazón, escuchar los primeros segundos de Airportman la primera canción era absolutamente demoledora, sentí que estábamos delante de un disco que no todos iban a entender y muy pocos iban a valorar…y así sucedió. Luego llegaría Lotus, y este tema es la muestra clara que nunca hay que dar las cosas por sentadas con la banda liderada por el genial Stipe, que pueden ir y venir sin darnos el menor respiro, ya que ellos son quienes conducen el viaje, y eso es lo Up no es un disco fácil de escuchar y que adoramos de R.E.M. mucho menos para defender, pero ese Lotus es casi como una metáfora del inno es nuestro propósito, al menos no el fierno en el que está sumergido el protago-

nista de la canción, y del que pretende escapar comiéndose una flor de loto, como símbolo de algún extraño ritual religioso que acaba de descubrir y que anuncia y pregona como fin de todos sus males, y también establece el estado de ánimo, ya que suena como alguien dispuesto a ponerse de pie después de una mala caída. Suspicion es la canción de amor o romántica del disco, donde el diablo o demonio le susurra al oído y lo enloquece de celos. Llega la canción Hope que viene a ser uno de los momentos más electrónicos y alejados de su sonido habitual de la banda. Es el turno de At my most Beautiful. Esta canción es la que uno se anima a cantar en el disco, planteada casi como una especie de homenaje a los momentos más intimistas de Brian Wilson, es uno de esos temas en los que Mills se sienta al piano y hace equilibrios sobre esa fina línea que separa la clase y la elegancia. En The Apologist el protagonista de la canción es un pobre desgraciado que pide perdón (I'm sorry, so sorry ) a todos aquellos a los que hizo daño en el pasado pero que en realidad no ni más ni menos que la bien ponderada falsa redención… Y Sad Professor que comienza lenta como una balada acústica, pero va tomando impulso e intensidad, y va elevando la canción con una atronadora guitarra en el estribillo, y la lírica nos cuenta la triste vida de un profesor que le hablara a sus alumnos sobre sus desamores. You're in the Air aquí encontramos de nuevo el amor en el detalle sutil que comprendemos con ese "tu estás en el aire y te estoy respirando"… La primera vez que escuchábamos el disco y apareció la canción Walk Unafraid, dije, señor! bienvenidos al universo de so-

nidos de R.E.M. Una canción completa, inteligentemente musical y desde la formación de sonidos electrónicos y bailables. Momento de luminosidad después de tantos amores frustrados, aunque también es uno de los personajes característicos de Michael, con esos espacios para la superación, y la transformación, de la nada a la valentía absoluta, a derribar barreras que antes parecían infranqueables. La canción Why not Smile sigue la misma línea pero es más oscura, con un personaje lúgubre que tiene un intento de suicidio, y luego de ello continua su marcha por la vida. La primer línea no nos deja ninguna duda sobre eso. "El hormigón amortiguó tu caída para oírte hablar de aquello" una preciosa melodía sobre la que se van sumando capas de instrumentos, arreglos y ritmos hasta estallar en una segunda parte instrumental donde dominan las guitarras eléctricas y un solo de Peter. Siempre nos vamos a ir encontrando con mejores canciones como Daysleeper, es que Up es un mundo en si de sonidos, colores y palabras, una pequeña y gigante obra de arte hecha disco. Daysleeper prolonga la calidez y pone al frente la voz más cálida de michael, y allí describe muy bien esa sensación así como las dificultades para dormir de una persona que lo hace cuando el resto del mundo se levanta. Diminished “¿Puedo encantar al jurado en mi defensa? tal vez estoy loco, tal vez estoy disminuido” Diminished es uno de los temas más lúgubres y tétricos que ha escrito Michael en toda su carrera, con un personaje que acaba de asesina a la persona a la que ama. Casi llegando al final del álbum esta gran canción de nombre Parakeet, y es otro de los personajes encerrados de Stipe, y que solo quiere ser libre, pero para eso pasa-

ra por una serie de situaciones para escapar del mundo donde vive y alcanzar otros lugares, otras metas. Y la frutilla del postre debería ser Falls to Climb, y la verdad anda muy cerca de ser esa frutilla que lleva a mirar la cima de algo grandioso. Este es sin dudas uno de los momento más bellos del disco, y otra vez Michael decidido a asumir culpas, propias y ajenas que puede ser interpretado de mil maneras. Quizás como la consciencia colectiva de todos los personajes anteriores, quizás como el responsable que toda sociedad necesita para delegar sus culpas, si, como el chivo espiratorio del mundo... Hoy que lo escuchamos y hablamos de de este disco de forma retrospectiva, y que es el tiempo quien nuevamente hablo de cómo debería ser calificado este disco, si se quiere dentro de la extraordinaria discografía de la banda de Athens, o si queremos fuera de ella, viéndolo solamente como un disco difícil de escuchar y también de digerir, pero hoy cuando cumplimos ya 20 años de la salida de Up deberíamos decir para terminar con el facilismo de hablar de un disco que nadie comprendió en aquel momento, y que tal vez si hoy le dan una nueva oportunidad al disco, quizás los sorprenda, porque eso es también parte de R.E.M, la de adelantarse como aquella vieja literatura de ciencia ficción, y eso solo los consiguen los que están más allá de su tiempo, y sabemos que el artista total lleva a la perfección plástica su capacidad para adelantarse y abrir nuevos territorios. Y es por lo que consideramos a R.E.M y su disco UP raros y visionarios...

[ Reseña deThe Land of The Rape and Honey de Ministry por Benjamín York. ]

ABRIENDO EL PORTAL DE LA LOCURA

Ministry - The Land of The Rape and Honey Label: Sire Records Fecha de lanzamiento: 11 de Octubre de 1988

Estamos a treinta años del tercer disco de Ministry, que demolió todo preconcepto sobre la mezcla del heavy metal y la electrónica, más que demolerlo, lo hizo estallar por los aires cual bomba atómica. Y utilizo ésta figura por varias razones, una se deduce desde la portada de éste álbum, una foto procesada de un cadáver calcinado en un campo de concentración. Tal es el efecto de estupor que puede causar una imagen así de fuerte y terrible como cuando uno termina de escuchar el último track del álbum. Otra razón por la cual utilizo esa figura monstruosa del estallido nuclear, es por el hecho de que este disco abrió un enorme agujero por donde se colaron muchas bandas con este sonido extremo, después de Ministry. Por otro lado, y para terminar con esta explicación sobre la figura utilizada, la onda expansiva de Ministry se propagó muy rápido por el mundo "infectando" a muchos escuchas de sonidos nuevos, corrosivos y extremos. Uno de los puntos que marca el quiebre en la historia de la banda, primero es el cambio sonoro, pero más que un cambio es una perfección de lo que mostró tímidamente en “Twitch” (1986), a todo ese EBM industrial le suma un sonido demoledor, corrosivo, distorsionado y procesado de manera agresiva, que se convertirá en el sonido clásico de la banda años después. Vuelven las guitarras y se incorporan ritmos infernales, potentes y rápidos, que rozan el trash metal pero realizados con baterías electrónicas. Otro punto importantísimo es la anexión de Paul Baker como miembro estable de la banda, que junto con Al Jourgensen se convertirían en la pieza fundamental en los años dorados de Ministry, y de sus miles de proyectos paralelos. Pero ¿por qué es tan importante musicalmente este álbum? Bueno, situémonos en 1988, el mundo musical se debatía entre el rezago del Post-Punk, el rock alternativo, el mainstream popero y el underground en donde se venía mezclando y creando ensaladas sonoras interesantes, algunas bandas aún buscaban su identidad musical, entre estas últimas, se encontraba Al Joursengen con el proyecto Ministry. The Land of The Rape and Honey es la amalgama perfecta entre la fuerza de las guitarras casi trash metal y ritmos por momentos

hard-core y la electrónica llevada a un extremo casi de experimentación, las voces procesadas con una alienación pocas veces escuchadas (hasta ese momento). Pero podemos dividir el álbum en dos partes, por un lado la bestialidad sonora propuesta en canciones como “Stigmata”, “The Missing”, “Deity”, que son las del comienzo que nos dan un mazazo al escucha desprevenido. Luego hay otro momento que se puede unir al anterior en donde la banda deja un poco de lado la velocidad y utiliza esa brutalidad sonora utilizando lo que pretendía en su disco anterior, un agresivo EBM, pero con dosis industriales de nerviosismo y corrosividad. Estamos hablando de las canciones “I Prefer” y “Flashback”. El otro lado del álbum lo forman canciones como “Golden Dawn”, “Destruction”, “Hizbollah”, “The Land Of Rape And Honey”, “You Know What You Are” y sumamos al cierre “Abortive” en donde los sonidos se vuelven más experimentales, asfixiantes, alienados, con ritmos monótonos, secuencias intensas y oscuras, los samples de discursos o frases, algunas de las canciones tienen un dejo de danza primitiva, de ritual, de paganismo (en “Golden Dawn” aparece la voz de Aleister Crowley). Todo con un tinte post apocalíptico y decadente. Pero lo increíble es que uno entra en ese estado de ritualidad, entre lo paganamente mágico y terrorífico. Ministry y su “The Land of The Rape and Honey” ha abierto el portal a la locura de Al Jourgensen y su aliado Paul Baker.

LA MAGIA MARVEL UNA HISTORIA INTEGRADA DE MARVEL COMICS Y SU RELEVANCIA LITERARIA.

Por Gabo Rojo INTRODUCCIÓN “Discúlpenme por emocionarme demasiado, pero no puedo evitarlo. Cuando hablás sobre algo genial, tenés que estar emocionado. Y la gracia de los comics es que sean emocionantes, ¿no?” -Glenn Dressler, lector, en el correo de Master of Kung Fu #111

Hace 20 años, en junio de 1998, leí un comic que me cambió la vida: el número 467 de Incredible Hulk. Era una historia increíblemente oscura con la cual el guionista Peter David cerraba sus 12 años ininterrumpidos escribiendo la colección. En el número anterior, la esposa de Hulk, Betty Banner, había fallecido. Este número contaba todo lo que ocurrió durante los años siguientes. Es una escena en particular la que se quedó grabada en mi mente: Hacia la mitad del número, el alter ego de Hulk, Bruce Banner, está encerrado en un manicomio. En una ilustración que abarca dos páginas, se lo ve rodeado de casi todos los personajes de Marvel, tanto sus ocasionales aliados como sus antagonistas, todos productos de su imaginación. Y Banner, sonriente en su locura, les recita: “’My name is Ozymandias, king of kings: Look on my works, ye Mighty, and despair!’ Nothing beside remains. Round the decay Of that colossal wreck, boundless and bare, The lone and level sands stretch far away.” Se trata de las últimas líneas del poema “Ozymandias” de Percy Bysshe Shelley, escrito en 1817; un icónico poema del Romanticismo sobre la naturaleza efímera del poder. A los 13 años, yo no sabía esto-- francamente, ni siquiera entendía la muchas de las palabras. Pero hay algo en el poder de la escena y en la forma en que las palabras “the lone and level sands” reaparecían al final del número como título de la historia, que me fascinó inmediatamente.

Éste no es el uso más famoso de “Ozymandias” dentro de un comic Marvel. El honor se lo lleva Avengers #57, de 1968 (exactamente 30 años antes), por Roy Thomas, que fue también el primer número en el que apareció la Visión, un personaje fundamental en el desarrollo de Marvel. Pero eso lo descubrí mucho más tarde. Fue el número de Hulk el que me marcó a una edad temprana, el que despertó una pasión por la poesía y por la intertextualidad que hoy me persigue más que nunca. En el 2011 incluso escribí una canción llamada “The Lone and Level Sands”, una transposición del personaje de Ozymandias a un contexto moderno, que incorpora también líneas de comics de Roy Thomas. Y todo esto comenzó gracias a un comic. Un comic que era un comic y algo más que un comic. A esto me refiero cuando digo “la Magia Marvel.” Y a medida que seguí leyendo y metiéndome más a fondo en la historia de Marvel, me di cuenta de que lo que tenía de especial Hulk #467 no fue una rareza, una genialidad aislada, sino más bien una norma dentro de la editorial. “La Magia Marvel” es una historia cronológica de estos momentos mágicos. Empieza con el primer número de Fantastic Four en 1961 y termina con la reciente maxiserie de The Vision, culminación de más de 50 años de temáticas e intertextos, y protagonizada apropiadamente por el androide que fue introducido dentro de la continuidad de Marvel al mismo tiempo que el poema de Shelley. Como dijo el autor Joss Whedon en su introducción a Earth-X (un comic moderno que ofrecía una historia integrada del Universo Marvel): “es volver a contemplar a las historias tontas de nuestra juventud bajo la hastiada mirada del adulto, y darse cuenta de lo que realmente son: verdades necesarias y eternas.”

HOY: EL FACTOR QUE NOS SUSTENTA (EL REINADO DE LOS ESCRITORES-EDITORES) “Me encantan los comics. Tienen algo especial. Son burdos y cursi. Son renegados. Quizás sean una forma de arte punk (…) Cuando en los comics hay dibujantes y escritores buenos me recuerda a los directores de películas de clase B (como Tourneur y Ulmer) quienes, contra todo pronóstico y en el ambiente más recóndito, crearon algunos de los momentos más maravillosos del cine, más maravillosos todavía por el milagro de que estuvieran trabajando ahí. Así, pues, salgo al kiosco de diarios a comprarme algunos de estos vulgares momentos cuatricomios de verdad y belleza.” -Hilary Barta 1

Como señala Charles Hatfield, la primera mitad de los 70s en Marvel se caracterizaría por un giro copernicano con respecto a la década anterior, en la que los guiones pasarían a tomar precedencia por sobre la espectacularidad visual. Es en esta época en la que llegaron a Marvel escritores jóvenes que se habían criado con los trabajos de Kirby, Ditko y Lee, y ahora llegaban a la compañía no sólo con un amor genuino por sus personajes y continuidad, sino también con el deseo de utilizarlos para explorar sus inquietudes más profundas. Dichos escritores proliferaron bajo las políticas libertarias de Marvel en esos tiempos (básicamente “mientras venda, hagan lo que quieran”) y la posibilidad de editarse a ellos mismos, logrando un control realmente grande sobre sus proyectos. A lo largo de los siguientes meses exploraremos la trayectoria de cada uno de estos autores por separado. Steve Englehart Injustamente ignorado por el lector moderno, Englehart fue el Grant Morrison de su época, y no hay prácticamente ningún cómic de su autoría que no valga la pena leer. El Comics Journal lo describió como “el escritor de superhéroes para el fan pensante, autor de historias complejas que centradas alrededor de temáticas relevantes para el adulto tales como la desilusión, el sentimiento de no estar a la altura, y los peligros de la influencia corporativa en la política”. Su obra marveliana durante los 70s se centró en tres ejes: el cósmico (desarrollado principalmente en Avengers), el místico (en Doctor Strange) y el político (en Captain America), con el factor humano atravesando todos ellos. Los primeros trabajos de peso de Englehart para Marvel fueron suceder a Roy Thomas en Avengers y en Defenders, una colección acerca de un “no-grupo” conformado por el Doctor Strange, Namor, Hulk y el Silver Surfer. De forma innovadora, Englehart entrelazó las tramas de las dos revistas para generar una mega-historia de 6 partes, creando lo que efectivamente fue el primer crossover de verano de la historia del comic. Si bien en principio la “Avengers/Defenders War” está planteada siguiendo un formato propio a DC (los héroes se dividen en pequeños equipos y se unen todos juntos recién al final) y a 1 Carta publicada en el correo de lectores de Master of Kung Fu #88 (Mayo 1980) Barta luego trabajó profesionalmente en Marvel, entintando a John Byrne. Otro frecuentador del correo de MKOF que luego trabajaría profesionalmente en la editorial fue el escritor Kurt Busiek.

clichés del comic de superhéroes (los dos equipos se pelean a muerte tras ser manipulados por Loki) el manejo de la prosa y la caracterización de Englehart no sólo cumpla sino que cuente con escenas memorables (la batalla entre la Valkyria y el Espadachín en el #117, y todo el episodio de la Visión y la Bruja Escarlata en el #116, por ejemplo). E inesperadamente, es el temperamental Namor quien actúa como voz de la razón y hace que los Vengadores vean más allá de los engaños de Loki. El crossover celebró los 10 años de publicación de Avengers, y su cataclísmica conclusión en el #118 deber haber sido el equivalente de 1973 del film Infinity War: una batalla verdaderamente épica integrando no sólo a ambos grupos sino también a SHIELD, al Vigía, a la Dimensión Oscura de Ditko y referencias oscuras a historias anteriores de Strange Tales y Thor. Y todo lo que quedaba de Marvel que Englehart no pudo integrar directamente en la trama (es un número de 19 páginas, después de todo) quedó homenajeado en la página 11, tan maravillosamente sobrecargada que casi no entra el texto de la caption inicial, en la que las consecuencias del conflicto en cuestión son enfrentadas por: ¡los 4 Fantásticos, Spider-man, los Inhumanos, Luke Cage, Ka-Zar, Ghost Rider, el Hombre Cosa, el Doctor Doom, Warlock, Thanos y hasta Drácula! Toda una sentida celebración del Universo Marvel de entonces, rematada por un epílogo en el que Englehart revela casualmente que Dormammu, “como todas las entidades místicas”, existe gracias a la energía generada por “criaturas inferiores que creen en él y lo alaban",2 antes de cerrar con una reflexión sobre la naturaleza humana infaltable en una historia Marveliana que se digne de serlo. Es de destacar también que la batalla se termina ganando gracias a la Bruja Escarlata, presagiando la importancia que su poder tendría en el Universo Marvel durante las próximas décadas. En sus primeros números en Avengers, Englehart intentó emular el estilo de Thomas, pero pronto fue encontrando una voz propia, particularmente con la introducción de un personaje propio, Mantis, en el número 114. Mantis era una enigmática maestra de las artes marciales vietnamita que se refería a sí misma en tercera persona (ej: “This one does feels no empathy with this concept”) y pronto se veía involucrada con el Espadachín, un ex villano que había sido el mentor de Hawkeye. Mantis lo ayudaría a reformarse y unirse a los Vengadores, lo cual no resultaría demasiado bien: el Espadachín se siente inferior y todo le empieza a salir mal, frustrado especialmente porque Mantis empieza a seducir a la Visión (Englehart opinaba que a los superhéroes siempre se los mostraba intensamente reprimidos y quería volverlos más sexuales.) Mantis es una figura clave para el punto álgido de la etapa de Englehart, “la saga de la Madona Celestial,” una especie de versión marvelita del Nuevo Testamento (el villano, Kang el Conquistador, quiere casarse con Mantis, a quienes las profecías señalan como la mujer que dará luz al ser más poderoso del universo) mezclada con intrincadísimos viajes y paradojas temporales. La historia abarcó 7 números de la serie mensual (129 al 135) y 3 especiales “Giant-Size”, y cimentó a la colección de Avengers de los 70s como el equivalente a Fantastic Four en los 60s, no en cuanto a nivel visual (Englehart fue acompañado por artistas mundanos durante casi toda su carrera) sino en cuanto a expansión conceptual del lector y principal vehículo para explorar el cada vez más complejo cosmos Marvel. A partir del número 130 queda claro que, aun en medio de la vorágine súper heroica, la saga de la Madona Celestial es esencialmente una historia sobre los conflictos, las victorias y las pérdidas inherentes al proceso de crecer y madurar. Kang el Conquistador lucha contra su yo futuro, aterrado por la posibilidad de convertirse en un hombre que ha abandonado al fervor de la batalla por la tranquilidad de la compasión. Mantis debe lidiar con el misterio de 2 Este concepto, aquí ofrecido al pasar, luego sería la tesis central de American Gods (2001), la novela del exitoso autor Neil Gaiman. También se retoma unos meses más tarde en Captain Marvel #33, escrito por Englehart junto con Jim Starlin, y resulta ser una concepción clave para derrotar a Thanos. Y por cierto, volviendo al #118 de Avengers, en este número también descubrimos a quién le reza Dormammu: cuando se sorprende ante la aparición del Vigía, exclama “¡por mi hermana!”

su propio pasado y abandonar facetas de su personalidad incompatibles con su inminente rol de madre mesiánica… muy a su pesar (“esta no tiene ningún deseo de alcanzar nuevas alturas. Era feliz… como era antes.”) La Visión, con su eterna inocencia lógico-robótica, debe primero afrontar el hecho de verse atraído por una mujer que no es su pareja, y en segundo lugar terminar de cerrar la significación de su propio pasado para poder dar un paso adelante en su vida y proponerle matrimonio a la mujer que realmente ama. Finalmente, el Espadachín debe asumir su propia irrelevancia en la compañía de campeones… o fallar en el intento. Al mejor estilo Marveliano, la acción súper heroica no decae, pero el tono de la historia es solemne y reflexivo. El número 131 abre con una emotiva elegía ofrecida por Thor a un Vengador caído. 3 El número 131 abre y cierra con unas taciturnas captions que señalan los efímeros que son los atisbos de paz en la vida de nuestros héroes, al mejor estilo Master of Kung-Fu. 4 Se revela que Kang, Immortus y el faraón Rama-Tut, tres villanos previamente inconexos, son en realidad la misma persona en tres estadíos distintos de su personalidad. 5 El motor de la trama es, esencialmente, la lucha de Kang y Mantis por tratar de evitar su transformación terrible. Otro motif Marveliano clásico presente en la saga es el viaje trascendental que expande la consciencia: a partir del número 133, varios héroes utilizan el “synchro-staff” parlante de Immortus (amo del limbo, manipulador maestro de la corriente temporal y, como se dijo, el yo “más futuro” de Kang) para viajar por la historia del Universo Marvel. La Visión finalmente descubre su origen, mientras que los otros héroes, al mejor estilo de revelación Kirbyeana, son testigos de la historia integrada de su mismo cosmos (que incluye el origen de la rivalidad entre los Kree y los Skrulls, la construcción de la ciudad del Vigía y la introducción de una raza de vegetales telépatas llamada Cotati, ) Es en este momento donde queda claro, quizás por primera vez pero ciertamente no por última, que ciertos comics Marvel son como libros de historia, eternamente resignificados para explicar el presente. La saga concluye con la boda entre Mantis y un miembro de la raza vegetal Cotati (quien asume la forma humana del difunto Espadachín para que la cosa no resulte tan perturbante), y, finalmente, la Visión y la Bruja Escarlata (a quien Visión rescata del infierno de Dormammu, cual versión con final feliz del mito de Orfeo.) Décadas antes de que la palabra “diversidad” se volviera parte del establishment, Marvel les mostraba a sus lectores que un androide se podía casar con una mutante y que una ex prostituta vietnamesa se podía casar con una planta y estaba todo bien. 6 La boda de la Visión y la Bruja Escarlata es especialmente relevante ya que simboliza en 3 "Allfather Odin, we who be immortal are ofttimes tempted to forget the meaning of mortality: that life is but a temporary gift for most. A man cannot exist without the knowledge that he may forfeit that gift whenever he places himself in the path of peril... yet men do risk their lives and sometimes lose them, for many and varied reasons. And the greatest of these... is love." 4 Véase cap.5 para poder apreciar del todo esta sincronicidad. En el número 132 Englehart también rescata brevemente a uno de los personajes que creó durante su breve estadía en Master of Kung-Fu: Midnight, el hermanastro de Shang-Chi. 5 La única aparición de Immortus previa a esta saga había sido en Avengers #10. Rama-Tut, un viajero del futuro que había viajado hasta el Antiguo Egipto para hacerse pasar por faraón y oprimir a la gente con su tecnología de avanzada, había aparecido en el número 19 de Fantastic Four. En el segundo anual de dicha serie se había dejado enterver que quizás Rama-Tut y el Doctor Doom eran la misma persona, pero aparentemente fue una pista falsa. Kang, por su parte, ya había aparecido en varias historias de los Vengadores, todas y cada una de ellas memorables, en particular la de Avengers 23 y 24, una tragedia romántica digna de Victor Hugo. 6 “Two men who are more than men stand proudly beside two women who are more than women--- and bonds beyond words unite each with his own.”

cierta forma el casamiento entre las distintas tramas de Marvel. Pocos personajes nuclean tantas décadas y facetas de la historia de la editorial como esta peculiar pareja. La Visión fue construido por Ultrón, creación del Vengador fundador Hank Pym, a base del cuerpo de la Antorcha Humana de los 40's,7 incorporando los patrones cerebrales de Wonder Man, un difunto villano arrepentido de los Vengadores que luego renacería y se convertiría en otro personaje longevo de la serie. Por su parte, el origen de la Bruja Escarlata, aún por revelarse en ese momento, integra personajes y tramas de los Vengadores, los X-men (su parentesco) Thor (el Alto Evolucionario y sus Caballeros de Wundagore), la Marvel de los 40s (en el magnífico Giant-Size Avengers #1 de 1974, escrito por Roy Thomas, se había revelado que sus padres eran los añejos héroes Miss America y The Whizzer 8) y los 4 Fantásticos (es la discípula de la hechicera Agatha Harkness, niñera del hijo de Sue y Reed.) El manejo de las personalidades de ambos a cargo de Englehart es notable, en especial con respecto a la Visión, a quien el autor va humanizando progresivamente mediante su uso cada vez más coloquial del lenguaje (“you know”). En una escena, incluso, le dice a Mantis que se está “tomando las cosas demasiado en serio” (¡él, que era la solemnidad misma!). Se trata de un sutil trabajo de caracterización que desafortunadamente no sería continuado por los autores inmediatamente posteriores, aunque sí por el mismo Englehart durante su regreso a los Vengadores en la segunda mitad de los 80s. Además de su calidad literaria (algunos capítulos cuentan con argumento de Englehart y guión de Roy Thomas, encapsulando de esta forma a dos de las más grandes eras de la revista) la Saga de la Madona Celestial sienta precedente para las épicamente convulsas sagas9 que harían de los Vengadores, en su versión clásica, una de las revistas más eminentemente Marvelianas de Marvel hasta su culminación en la etapa de Kurt Busiek al principio del nuevo milenio. Mantis se convertiría en un personaje insignia de Englehart, y el autor continuaría su trama durante su segunda etapa en Marvel en los 80s e incluso en trabajos para otras editoriales (!) Pero la secuela directa de “la Madona Celestial” se publicaría recién a fines del 2001 en la miniserie Celestial Quest, donde Englehart retomaría sus caracterizaciones de los Vengadores como si el tiempo no hubiera pasado, a la vez que mostraría dominio sobre personajes nuevos creados durante su ausencia. Una perla mayormente desconocida, Celestial Quest revela el destino del hijo de Mantis, el primogénito de Thanos y la Muerte (¡) y nuevamente un Visión más humano que nunca, en lo que es básicamente una historia sobre la maternidad, el amor, la vida, la muerte y cómo llevarlas. 7 La primera pista de que la Visión era la Antorcha original se había dado en el número 102 de Avengers, cuando un Centinela había señalado que el Vengador tenía “partes vintage de más de 30 años.” La confirmación se dio en Giant-Size Avengers #3, pero no sería el último giro en esta convulsa trama (véase la etapa de John Byrne en West Coast Avengers y posteriormente Avengers Forever.) La Antorcha Original fue creada por Carl Burgos y apareció por primera vez en Marvel Comics #1 de 1939. Se trataba del primer androide, quien por un defecto de fabricación se prendía fuego al entrar en contacto con el oxígeno. La Antorcha fue inmediatamente denunciada como una amenza pública y su creador, el doctor Phineas Horton, se vio forzado a enterrarla bajo tierra. Eventualmente escapó y se convirtió en un superhéroe, pero es interesante notar como incluso en su época primitiva y embrionaria, 20 años antes del inicio de “la Era Marvel” propiamente dicha, el héroe Marveliano ya lidiaba con la transformación terrible y el aislamiento. 8 Ese número fue dibujado por Rich Buckler en un estilo totalmente Kirbyeano, y es lo más cercano que tendremos a una versión de Mantis dibujada por Kirby. 9 Al final del número 133, tras anunciar lo que vendría en el próximo número, una caption jocosamente reza: “Whatever happened to simple stories?”

Pero regresando a 1976, a Englehart todavía le quedaban buenas historias para contar dentro de Avengers. Acompañado en los dibujos por la futura superestrella George Pérez, el guionista integra a lo largo de dos tramas paralelas a personajes de la Marvel pre-Fantastic Four: por un lado manda a algunos Vengadores al siglo XXIX, donde hacen equipo con los héroes Marvel del oeste (otra de las aficiones del autor) para hacer frente a un nuevo ardid de Kang, mientras que el resto del grupo se encuentra con Patsy Walker, la protagonista de los comics de romance de Marvel de los 50s, quien ahora asume una identidad súper heroica, “The Hellcat.” Juntos viajan a una Tierra paralela donde los superhéroes trabajan en conjunto con el gobierno (aquí se presenta como una distopía, pero en el Universo Marvel del siglo XXI se convertiría en la triste norma) y el presidente es Rockefeller (!) En una escena tan insólita como brillante, la Bestia (quien tras la disolución de los X-men se había unido a los Vengadores) se disfraza de Rockefeller y brinda el siguiente sermón sobre la naturaleza de los políticos y los conglomerados económicos: “Nos la pasamos hablando de honestidad, orgullo y trabajo en equipo --- ¡pero lo único que queremos es poder! La parla es nada más para que ustedes nos lo otorguen… ¡y lo hacen! Cometemos los actos más viles, corrompemos todos los valores que decíamos tener… ¡y ustedes nos siguen el juego, haciéndose los que no se dan cuenta! ¡Eso es lo que es extraño! ¡Los hechos no afectan nuestra imagen! Ustedes simplemente miran para el otro lado, y después se preguntan por qué el dólar pierde valor…” Lo que es aún más genial es que es este discurso el que “derrota” a los rivales de turno: tras escucharlo, los secuaces del presi, el Escuadrón Supremo, deciden reflexionar sobre el tema en vez de seguir persiguiendo a los Vengadores. La relación entre la Visión y la Bruja Escarlata, mientras tanto, es cada vez más intensa (“¡Increíble! ¡Mi hombre es increíble! ¡Nunca pide aplausos, pero sus poderes ponen a todos los demás en vergüenza!”, piensa ella mientras lo ve en acción). La página final del número 147 es la que quizás mejor representa la gloria de ambos. Wanda es momentáneamente poseída por la Corona de la Serpiente, un ícono maligno, pero logra escapar a su influencia. En un principio, la Vengadora atribuye su éxito a “la fuerza interna de una verdadera bruja” o a su “alma mutante.” Esta explicación alcanzaría para resolver el conflicto un comic de superhéroes estándar. Pero entonces su marido ofrece una explicación alternativa: “O quizás, mi hermosa Wanda, fue otro factor… el factor que siempre nos ha sustentando en nuestros momentos de dificultad.” Ella lo mira, sus manos tomando su rostro. “¿El amor…?” Lo besa, una lágrima en sus ojos. La Visión agarra la Corona: “Vámonos, Wanda. Deja que yo lleve este maldito ícono. Dudo que pueda atacar mi mente computarizada. Y si me equivoco… yo, también, seré salvado por el amor.” 10

10 La frase “I, too, shall be saved by love” fue, 40 años más tarde, usada por Tom King como título para el capítulo 7 de su maxiserie de La Visión, justamente el que recapitula su relación con Wanda. Véase el último capítulo de este libro.

Desafortunadamente, la Saga de la Corona de la Serpiente sería la última historia de Englehart en Avengers por casi 10 años, debido a conflictos con Gerry Conway, quien había sido ascendido a editor en jefe.

PROXIMO CAPITULO: "LA SAGA DE LAS DOS AMeRICAS"

[ Reseña de Beastland de Author & Punisher por Benjamín York ]

MECÁNICA APOCALÍPTICA DE SUEÑOS TORTURADOS

Autor & Punisher - Beastland Label: Relapse Records Fecha de Lanzamiento: 05 de Octubre de 2018

La música industrial lleva más de treinta años o más buscando nuevas formas de desectructurar las convenciones de la canción. Algunas buscando una manera desestabilizar lo establecido y otras formas, más impuras, tomando elementos de lo establecido y deformándolo hasta niveles de corrosión sublimes. Podemos nombrar a los alemanes de Einsturzende Neubauten como una de las bandas que cumplen la primera regla y podemos nombrar a Ministry o Nube Inch Nails, en el segundo grupo. Lo cierto es que "Autor & Punisher" se encontraría en el medio de ambos grupos. Este es un proyecto del ingeniero mecánico y artista Tristan Shone, y desde su nacimiento en 2004 ya lleva editado varios albums, de hecho, Beastland es su octavo álbum. Para aquellos que no conozcan a este proyecto les recomiendo dos cosas, antes de escuchar este álbum, es indispensable que vean su el vídeo del primer single "Nihil Strength". Ahí pueden sentirse atraídos o rechazados por la estética sonora de Autor & Punisher, o al menos intrigado por los instrumentos que utiliza Shore, y si este bestial álbum les sosprende pueden ingresar a su web y ver las explicaciones de sus instrumentos, que no son otros que los del video. Una forma distinta de generar música, mezcla de industrial, Doom y energía destructiva, que no basa su fuerza en la velocidad sino en los climas densos y asfixiantes, generados por la mecánica apocalíptica de sueños torturados de su creador Tristan Shore.

[ Por Diego Centurión. Fotografías: Fabián Resakka ]

40 AÑOS DE GRACIAS POR LA VIDA ETERNA 40 years of Bauhaus Ruby Celebration featuring David J.

En el marco de los festejos de los 40 años del nacimiento de la banda el tour de festejo de su música su vocalista Peter Murphy decidió salir de gira volviendo a meter mano al archivo sonoro de la banda. Para esta ocasión se unió su amigo y bajista original David J., lo que supuso que todo tenía otro marco de felicidad para los amantes de Bauhaus. La gira comenzó en el ROXY Festival 2018 de Guadalajara (México) el 21 de abril y al pisar Latinoamérica…Brasil. John Andrews debe dejar la gira por problemas de salud. Regresa al lado de Peter el Gran Mark Gemini Twaite, quien había venido en el 2012 y 2013 cuando Murphy festejaba los 25 años de Bauhaus con el Mr. Moonlight Tour. Entonces teníamos en el mismo escenario a Peter, David y Mark, y no olvidar al baterista Marc Slutsky. Amigos y caras de otras décadas se hicieron presentes como una cita de vampiros que salen cuando el Maestro y guía regresa al país, Peter Murphy, pero venía con uno de sus más antiguos secuaces David J. Se apagan las luces y el sonido del bajo distorsionado de David J. con ese riff tajante, seco y demoledor de “Double Dare” hace que mi alma salte a principio de los años 80, en un viaje tajante, veloz, e intenso… y Vorterix estalla. La banda impecable, si bien no es la banda original, Mark y Marc hacen que sonoramente nada se extrañe. “In the Flat Field” destroza con el ritmo de batería y el bajo es

una aplanadora que, impávida,ve como Mark desarma la guitarra en sonidos histéricos, y Peter…. Impecable. Los que estuvimos presentes (muchos, ya que Vorterix estaba lleno) pudimos disfrutar del álbum “In the Flat Field” completo… David J hizo que el público vea en sus imagen lo más cercano a Bauhaus, si bien había venido en el 97 con Love and Rockets, obviamente no era Bauhaus. Después se encargaron de repasar otros clásicos de otros álbumes para dejarnos con ganas de más. Un Peter que mostró todo su expresión corporal y sus juegos con las luces, su voz impecable y como siempre, nos deja esa ilusión de que podría convertirse en murciélago y escaparse volando de escenario. David J como un fantasma vampírico aparece entre el humo (al mejor estilo Universal Studios) y te lanza un acorde que te parte el alma y te deja sin aliento, y así como llega se vuelve a ocultar en las penumbras. Sus gafas infaltables. Mark tremendo, haciendo que todo tenga un sentido más histérico, con las guitarras inquietas e hirientes, demostrando que puede suplantar tranquilamente a quien quiera, un guitarrista impresionante. Marc le aporta una seguridad al cuarteto que es fundamental para el sonido de Bauhaus, ya que muchas veces queda como único nexo entre los instrumentos y la voz. Un show casi perfecto, en donde escuchar las canciones de mi adolescencia fue como regresar a esos años en qué todo era experimentación y esa locura de escuchar bandas que luego marcan la vida de uno, como persona y como amante de la música. ¡Gracias Peter y David por todo lo hecho!, como alguna vez dijo quien sacó estas fotos…. ¡Gracias por sus vidas!

[ Entrevista a Guille Masse de Gente Conversando por Diego Centurión. Fotografías: Ezequiel Yrurtia y Mariana Manuela ]

SOMOS UNA IDEA CONCRETA DE DESEO Y PLACER

En un bar de Colegiales me encuentro con Guille Masse, un tipo muy extrovertido y muy inteligente, que sabe muy bien su rol de frontman en la banda Gente Conversando. La banda acaba de lanzar un EP llamado “Los nuevos ídolos de la Juventud”, en donde con cinco canciones, desafían el conformismo y rompe con esa tan mencionada “zona de confort”y donde todo parece ser lúdico, hay horas y horas de trabajo. Hablamos con Guille de todo y cerveza de por medio, esto es lo que nos contó…

Para empezar y citando una frase Sí, claro, ayer hoy y mañana. de una canción del último EP ¿Cómo está el parripollo con esta crisis? Hablando del EP ¿Cómo lo recibió ¿El parripollo? y ahí anda, las ofertas la gente y la prensa? están quedando caras. Y hay como una idea de una leve sospecha de que está bueno, que es Una de las primeras entrevista que inteligente, y de que te guste o no, está hice frente a frente fue a ustedes, hecho con una inteligencia... cómo aquella noche en la Cigale. Y la decirlo... como una sospecha de algo, verdad es que siempre quise volver como si dijeran: "estos se las traen". a ustedes, y trato de hacerlo cada Eso no quiere decir que vaya a ser real, vez que puedo. Desde aquella vez pero la cara de la gente... esta cosa de en 2016 hasta hoy, ¿en qué cambió "Che... ¡está bueno!". Sí, ¿porqué no la banda? estaría bueno?... ¿Quién te traicionó No fue hace tanto... pero para los tanto? ¿Quién hizo tanto mal? (risas)... tiempos que corren... (Risas)... lo Lo que para mí es importante es que que sucedió es que tocamos mucho. le gustamos mucho a la gente que son Entonces cuando estás mucho en el los “anti”, a los que por lo general no escenario hay algo que se acelera le gusta nada, a ellos les gustamos y aunque no quieras. Fue justo una etapa eso para mí es todo… Que de repente de mucho florecimiento, fueron dos te digan “Che, esta banda es buena” años en donde no paramos de activar y hay mucho de la recomendación, ideas y sobre todo fechas... cuando como “Creéme que es buena”, como nos quisimos acordar ya éramos otros. una sospecha, como un misterio de Es como si fuera una edad... en enero que ¿por qué nos va a estar buena?, de los 14 tenés un corte de pelo, una hay un montón de bandas que están remera y a los 16 tenés una cresta, buenas, “¡Che, escuchá esto!” “Ah entendés... y tu madre te dice "pero está buena, me gustó”… más simple… ¿por qué?"... (Risas)... "No quiero ir pero con nosotros es como si hubiera a lo del abuelo mamá"... (Risas) es algo, como si hubiese un perla medio como eso... fueron dos años buenos escondida… Eso es lo que veo en los y rápidos. gestos en las caras… “¡Ahh!... ¡está bueno!”… ese “Ahh”… de sorpresa… Aprovechando que mencionamos y honesto, totalmente honesto. al EP, "Los nuevos ídolos de la Juventud"... ¿Se sienten los ídolos Hablando un poco de gen de la de la juventud? banda, son sonoramente una banda

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subversiva,volviendoatomaralgode una canción del EP, pero tomando la palabra "Subversivo" como un acto de desestabilizar lo establecido, si se quiere, culturalmente, con la idea de provocar al oyente i al espectador de un show de ustedes. Es decir, no hacen música por que sí, yo veo una intensión de desacomodar, de molestar al que está del otro lado del EP o del escenario. Lo que trato de decir es que el margen subversivo que veo es que el público ni esté indiferente frente a Gente Conversando. ¿Cómo lo ves vos? Yo creo que los finales de los 90's y principio de los 2000, nos dejaron una especie de idea neo derrotera de la idea del espectáculo, del rock o de lo que quieras llamarlo, digo, porque no deja de ser un show que uno va a dar, del artista si se quiere, donde la idea del "Loser" se comió todo, o sea, como si ser un Loser significara ser realmente ser un Loser. Si vos escribís algo, y tenés algo para decir,

porque no tenés otra cosa, porque uno tiene que hacerlo, le surge, lo vas a mostrar, lo preparás, lo ensayás, hacés que alguien pague la entrada, y ¿le vas a dar un show de mierda? ¡Sos un hijo de puta! para mí está mal. Sos un irrespetuoso... entonces si vos te vas a subir al escenario y vas a dar la espalda a alguien como si eso no te importara... no te subas al escenario, no lo hagas. Yo creo que en algún punto a algunas bandas le ha dado un buen efecto, la idea de lo que se parece lo descontracturado... o algo como el anti algo, el anti rock, o el anti showman, y se olvidan que la gente está pagando la entrada, invirtiendo... no sólo de la plata, hablo de la plata como ejemplo concreto... digo salir, invertir cuatro o cinco horas de su tiempo, ver algo que los entretenga y que ese entretenimiento sea algo que ellos valoren porque fueron a ver algo que estaban buscando... Si voy a estar triste, tiene que ser la tristeza más perfecta o acercarme a esa inquietud

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de la tristeza, y vos sos un eufórico que tenés que gritar, bueno, tienen que ser buenos gritos... lo mismo si hacés algo correcto, si se quiere, hay muchos ejemplos de eso, no lo inventamos nosotros. Hay para todos los casos. Tampoco entiendo muy bien como habiendo tanto monstruos, que generalmente son los que quedan en la historia, los que uno valora y con los que se educa, no se trata de seguirlos en ese sentido... teniendo a Bowie, Iggy Pop, Lou Reed, Rotten, ¿uno busca ser un tipo que no tiene nada para decir y nada para mostrar? el cuentito del chabón que no le gustan las luces, esas cosas... me pudre bastante, porque entonces no te subas al escenario, no me mientas... pero eso es lo que a mí me pasa, hay gente que busca otra cosa.

Ustedes tienen esto desde lo gestual, sobre todo vos porque sos el que más te movés... Sí, me toca el rol de frontman... yo que los vi varias veces en vivo, sos como el que arengás al público para que no se quede estático, eso es muy fuerte. También es cierto que hay algo de real también, yo soy muy histriónico, me muevo mucho, entonces cuando me subo al escenario hay algo que se puede acelerar, pero soy eso. Pero también me divierte mucho, uno no se da cuenta mucho de eso... hay algo ahi de esa fuerza o energía que corre que cuando te querés acordar estás arengando. La arenga pueden ser de muchas maneras, no sé, habrá otra gente que arengará de otra manera

Joao Gilberto arengará a su manera por algo llena estadios. No sé cómo se da, pero sí que cuando estoy ahí arriba me dan ganas de arengar. "Me saco el saco, me pongo el pongo". Es José Marrone (Humorista y actor argentino). ¿Hay algo de eso? ¿Te gusta Marrone? Sí, me gusta Marrone. Lamentablemente nunca lo vi en teatro, dicen que era muy dark, si se quiere. No es tanto por Marrone, pero sí apelamos a una idea bastante reconocible y entendemos que es porteño y algunas frases que nos gustan porque las usamos o las escuchamos mucho y forman parte del imaginario, y sería un desperdicio no usar, porque son poéticas, o sea, es poesía, ¿por qué no usarlas?. "Me saco el saco me pongo el pongo" es un acto hasta patafísico, ¿o no?... podría haberlo dicho Groucho Marx, ahora te lo dijo tu abuelo... y vos decís... ¿qué está diciendo? eso es fantástico, ¿a qué se refiere? para mí es una idea totalmente esquizo, y está en todos lados lo idea del ezquizo. Y en ese sentido, no hay necesidad de ser

un artista o algo para entender que... (Guille se distrae mirando a un hombre sentado mirando a la nada y me dice por lo bajo "Mirá ese tipo… podría pertenecer a una poesía")... que hay una actitud poética en todos lados, que lo único que hay que hacer es sacarla de contexto, entonces "me saco el saco me pongo el pongo" es sacar de contexto algo y ponerlo en otro lugar, nada más. El trabajo tuyo de las letras es interesante. Siempre buscás la manera de sugerir un escenario, una escena en donde el escucha te puede seguir, pero encontrás la forma para crear una falsa ilusión y mandás una frase que cambia el rumbo de las cosas, puedo citar líneas como "123 probando, probando...123 Hola Hola Hola" poniendo al espectador en una prueba de mics... y luego viene el "La están pasando bien, probando, probando"; otra líneas puede ser... "La vida se puso bien... El mundo se puso bien... A levantar las manos..." volvés a repetir más l menos lo mismo con otras palabras

y terminas desestabilizando con "Esto es un asalto".... ¿Todo está pensado y calculado? o ¿sale en la improvisación antes de terminar de cerrar la letra? Sí, salen en el ensayo pero también lo pienso constantemente. Pero hay algo de la idea de la contradicción puesta en palabras, digo, en la contradicción la vivís vos, la vivo yo, no necesitamos mucho para pensarla mucho para saber que estamos todo tiempo en una contradicción. Pero cuando tenés que ponerla en palabras salen cosas más concretas, entonces ahí está el chiste de decir, ¿cómo hablo de una contradicción? También nos gusta mucho la idea de lo divertido, de lo alegre, como forma de espectáculo que en realidad no lo es, como esta idea estúpida que está desde siempre, sobre todo desde los grandes poderes y al mismo tiempo claramente es una mentira, en ese sentido entraría el cinismo de decirte que está todo bien pero al mismo tiempo, al mismo tiempo. Ahora, no quiere decir que eso está muy mal... eso de "probando, probando" es bastante esperanzador, te diría. Y también es un juego de palabras con la idea del "un, dos, tres" clásico, voy a probar el micrófono y al mismo tiempo decís... "probando, probando", y vos decís... ¿qué estás probando? Estás probando algo maravilloso, podés estar probando cosas maravillosas, entonces ahí es donde digo que hay algo muy esperanzador con probar... como probar algo con una manera de riesgo copado, en ese sentido yo lo veo como algo muy positivo, no lo veo como oscuro si se quiere. Lo que sí, no apelamos a la idea de "estoy triste" o la idea de "estoy contento", sino más bien poner imágenes que te dicen que estoy triste y contento al mismo tiempo. Eso me aparece sólo. No soy

ni un melancólico ni un tipo positivo. Porque es muy llamativo la capacidad con el que cambiás el chip de está todo bien y de repente está todo mal... osea, te estoy engañando... Sí, pero tampoco es un engaño, es eso todo junto, no hay mucho más, a veces está todo bien y está todo mal y viceversa. Y hay veces que estoy bien así, vos también... no estoy diciendo nada nuevo... como gritarte una canción de amor... ¿quién te dijo que una canción de amor tiene que estar de una manera? o ¿por qué una canción feliz tiene que ser Palito Ortega? Bueno Palito Ortega es bastante siniestro en ese sentido, porque el tipo se está poniendo en juego que está alegre y en realidad es terrible lo que está cantando. Eso es cinismo (risas)... Una de las frases más geniales es la de Isla de Caras. ¿Hay alguna historia detrás de esa frase? Y es esa idea de los grandes titulares establecidos en donde... uno se pone a pensar ¿Qué es la Isla de Caras?... realmente ¿Qué es eso?(risas)… cuando bajás a tierra conceptos, la Isla de Caras... No sé... te empezás a reír un poco de eso también... un poco reírse de lo que pareciera que ya está, sobre todo por lo escrito por estas grandes cadenas, pero cuando te reís un poco de ellos... es muy fácil reírse porque es una isla donde llevan famosos (risas)... es una isla de mierda de Brasil, que le pusieron la isla de Caras que es mentira... "No es la isla de Caras señora"... pero hacen una revista que vende muchísimo, y te dicen La Isla de Caras... ¿qué es esto de la Isla de Caras?"... y es muy gracioso esa mentira... es terrible, pero muy gracioso... decir "en la Isla

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de Caras suelo no la pasarla bien"... además como si fuera todos los días... como si yo tuviera acceso a eso... de alguna manera tenemos acceso a eso, ¿qué son las Islas de Caras? no son esos dos forros que fueron un fin de semana, la Isla de Caras es eso. La comida es una mierda... si yo ya la vi, es una mierda... ¿No crees en mí?... Porque no crees en mí si yo la vi. La banda en vivo suena cruda, impecable, fuerte, apocalíptica y por momentos profetizan un duro post punk que puede transformarse de repente en punk, aunque su actitud en vivo es muy punk. El resto de los chicos musicalmente suelen mantener la línea de cordura necesaria para que todo se mantenga en los caminos de un show, pero a la vez sin el marco justo para sostener tus impulsos ¿Sentís esa seguridad? Sí, lo que pasa es que como es

en vivo también aparece la idea del histrionismo, pero en realidad es una banda, en ese sentido es totalmente grupal, y cada uno tiene un rol sumamente marcado, donde vamos todos de la misma manera, entonces el guitarrista (Detective Juan) es un tipo que no hace muchos solos, y jugamos sabiendo que no va a hacer ningún solo, entonces cuando aparece uno, sabemos cómo está jugando, quiero decir, lo mismo con Cajales en el bajo, Sucari en teclados, hay algo de tener bien marcadas las posiciones estratégicas en donde todos vamos para un mismo lado. Y en el vivo tal vez se ve mucho la idea de lo histriónico mío, porque es una idea fresca del vivo, pero en realidad es una banda sonando y cada uno sabe lo que tiene que hacer y todos sumamos a ese factor. Si sabemos que hay una canción que tiene una letra vale la pena decir, por supuesto, hay momentos en la música tiene que bajar para que se

entienda la letra, y si sabemos que ese Es una idea medio latente. Lo que teclado está bueno lo que hace y tiene pasa es mucho trabajo grabar un disco, que estar primero y solo, va a estar ahí. entonces a veces entre las fechas En ese sentido... es una banda. y todo lo que necesita una banda autogestiva y grabar un disco, hay Para mí Detective Juan tiene algo una idea inclusive de comprometerse de los guitarristas de la música en lo psicológico, es arduo grabar un disco... no destaca... pero si no está disco, bueno sí... más o menos hay no es lo mismo. un fantasma que dice "en cualquier Es un guitarrista que justamente momento tienen que grabar un disco en tiene algo de eso. Es una sola guitarra serio", digo ¡bueno dejen de fantasear además, y jugamos con el poco show y pónganse a grabar un disco!. Pero de la guitarra, pero al mismo tiempo por otro lado nos gusta mucho tocar mete algunas cosas que son cuchillos mucho en vivo, nos va bien, lo sacamos y sabemos que es así y él lo busca, es hace dos meses, en teoría es poco, esa la idea. En todos los instrumentos pasa que es corto, pero bueno... los buscamos que esa sea la idea, que tiempos que corren no sé qué exigen sean como una especie de cuchillos, para esos formatos. Tal vez saquemos Cuchillos tiernos. un disco de cinco canciones, tal vez uno de diez, no sé eso todavía, pero ...hablando de las sí tenemos canciones y los vamos a contradicciones... grabar. Y no vamos a dejar que pase Sí, total. Si porque ahí queda feo. mucho tiempo. Tenemos cuatro temas nuevos, que a veces los probamos Si bien el EP salió hace unos en los shows, para ir probando ideas. meses, ¿ya tienen pensado grabar Hay cosas que se acomodan en vivo, de nuevo? por la frescura, por el impulso, por los

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tiempos que se manejan ahí, no está opinión me parece interesante. mal. Ustedes son una banda que usan Además... es tirar en el asador a mucho el momento... como motor, ver qué sale... pero en realidad piensan mucho lo Exacto. Después volvemos al ensayo que hacen... con otra mirada. Si... pensamos mucho en general, no nos queda otra, pero además ¿por qué ¿Qué planes hay para lo que queda no pensar?, pareciera que hay pocas para este año, y si bien falta para el formas, digo pensar o no pensar, y en 2019, está cerca? realidad se pueden hacer un montón de Hay tres meses en el medio que cosas pensando de una manera salvaje, uno no sabe qué va a hacer... Tocar se pueden hacer un montón de cosas mucho en vivo nos gusta y además la súper sutiles y finas, digo en relación idea de ir descubriéndonos, porque no de lo que se supone. Palo Pandolfo es dejamos de ser una banda nueva, para un ejemplo, para mí, un tipo que puede nosotros mismos. Entonces como ir hacer algo sumamente salvaje, bruto, descubriendo a donde podemos llegar animal, y hasta desencajado y, sin sin aburrirnos... hasta donde podemos embargo, vos te das cuenta que hay llegar en un tiempo determinado, más un pensamiento sumamente claro, allá de que puede durar veinte años, Johnny Rotten otro, no dejan de ser hablo por ejemplo... ¿Cómo seremos artistas que crearon algo, a veces de el año que viene? en el medio hay manera sanguinaria, y a veces le llevó ensayos, improvisaciones, probar más tiempo, pero siempre con esa cosas diferentes, decir... a ver... ya idea pensada. Después también hay hablamos de esto... a ver hablo de algo tácito que el pensamiento fluye esto... me intriga mucho eso, ¿qué y uno ya va creando en base a esa pasará en seis meses? como si fuera estructura de pensamiento, tampoco un proyecto, además de grabar un no vamos a tener que poner a pensar disco, tocar en vivo, salir de gira, que absolutamente todo. Pero sí hay una es lo que hace básicamente una banda. idea marcada de algo que va fluyendo, Porque no somos una banda que vaya no nos da lo mismo. Yo considero que a hacer un documental ahora. Pero sí si hay que decir algo voy a tratar de me intriga qué puede llegar a pasar, decirlo de la mejor manera posible. porque somos una banda muy abierta en ese sentido. Y si el día de mañana Para terminar y pensando que hay sale hacer algo, un cassette de tres personas que van a leer y no sabe canciones con otra banda, decimos que quiénes son Gente Conversando. sí, y si hacemos un disco noise, ¡arriba! ¿Quién es Gente Conversando? y si hacemos decidimos un disco lo-fi, Uhh... podría responderte como esa y estamos de acuerdo, ¡nos encanta! gente que te dice... ¡Y una banda... Eso sí me intriga mucho, porque sé gente sencilla!... y yo no soy sencillo... que lo que hagamos va a tener una de hecho aborrezco un poco la idea de opinión interesante de parte nuestra, si lo sencillo. Somos una idea concreta decimos "Ok, vamos a hacer un disco de deseo y placer.... noise" pero va a estar bien encarado, no se da así porque sí... entonces esa Gracias Guille.

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[ Reseña de Between The Funk and The Fear de Hologram Teen por Pablo Müllner ]

MORGANE LHOTE, ‘LE MINISTRE’OF NEW SOUND'

Hologram Teen - Between The Funk And The Fear Label: Happy Robots Records Fecha de Lanzamiento: 06 de Julio de 2018

Date la oportunidad de conocer este disco, uníte a este nuevo sonido, gástalo, porque así es mejor, rendirse y disfrutarlo, ya que no hay escape, de una forma u otra Hologram Teen va a suceder. Morgane Lothe, conocida por ser tecladista de Stereolab, es la Chica IT. No vamos a abundar en cómo ella se desvinculó de la icónica banda de art-rock, y se convirtió por gracia de un software buscador de anagramas en “Hologram Teen” (Holograma Adolescente). Sí, es un anagrama de su propio nombre, y sólo le llevó tocar una tecla. Y sí, le cayó en gracia. Le queda tan bien como un encanto. Todo el disco, bajo el descriptivo nombre de “Entre el Funk y el Miedo” es y debería ser en cualquier revista de rock respetable, parte de lo mejor de 2018. Seguramente con el tiempo se convierta en un nuevo sonido cool, al cual recurrir de manera caliente y apresurada. Mientras este mundo pastiche en el que vivimos nos sigue pasando, por noticias de guerra, desastres sociales y naturales, ésta es la nueva forma de bailarlo en la disco o al menos, mopearlo soles en casa. Sonoramente, el debut de Hologram Teen tiene un basamento firme: los giallos de Dario Argento o Mario Bava, el maestro del terror art house John Carpenter, la primera electrónica, como Kraftwerk y el genio de la disco, Giorgio Moroder, y también, el más freaky jazz del mundo. Es un álbum de rock electrónico, sólido y robusto con un encanto y un embrujo propios. Es correcto decir, que por sobre la apariencia de pastiche, hay una historia original, y su creadora es Morgane. Claro que los detalles siguen siendo un misterio para nosotros. (Aún?). En reportaje el año pasado, ella me dijo que es el soundtrack de un film hipotético. Para “spoiler” Lothe no canta una sola línea, las partes de voces, son samples, posiblemente de films, de la televisión. Ella definitivamente cumple con ese ideal de usar la “voz” (sampleada) como un instrumento. Comenzando con “Post apocalip tea cakes” (tortas para el té post-apocalípticas), ustedes van a ser arrastrados de la oreja al Sound/Vision de Morgane, una pista que recuerda la entrada de la bailarina Suzy Banion al Círculo Secreto de la Bruja en Suspiria, la magistral película de Argento. Pero es como si Daft Punk hubiera remixado la banda de sonido de Goblin. Luego de un Preludio de un minuto, que se oye suave y calmo, arranca otro track importante: “Track suit Minotaur” es un tema disco pulsante, que suena en una pesadilla donde hay un ritual caníbal de una Logia Corporativa, en uno de esos clubes estilo “Ojos Bien Cerrados”, donde los teclados y las guitarras “engordan” la tensión que se construye en torno al ritual que seguro termina en un baño de sangre.

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“God(d) of Thunder” es cadenciosa y sombría, con algunos sampleos de sphaguetti western, pero con vampiros en lugar de aborígenes. “Roller Love Döppleganger” parece la cortina musical del cartoon “El Inspector”, pero en lugar de empatizar y ser cool, se vuelve fría y apática. “Hologram Teen and Brasil 666” es más oscura aún. Un hermoso número kraftwerkiano, espacioso y futurista, o quizá “distópico” en el peor de los sentidos, con la perturbadora presencia de un Pastor Evangelista, que suena igual de loco al líder de una secta diabólica (¿Manson?) Afilada y con cola de escorpión “Bartokk in C” es más que seguro una escena de persecución. Incluso cuenta con un “twist”: posiblemente las presas nunca sepa que las persigue. Como sucede en Mulholland Drive, es difícil entender de que se está hablando, pero hay un “código secreto” a punto de ser divulgado. “Brooklyn´s Broken, Caught you!” es otro intermezzo antes de que comience un Tormenta de Beats: “Lesbian Death Drums” suena a algo que Rob Zombie soñó afiebradamente. Pero en cambio, está mejor armado: como uno de esos proyectos de rock gótico de Geoff Barrow (Portishead). Pero, esperen, Morgane no tiene nada que envidiarle a Geoff, ella nos lleva hipnotizados a un túnel de ruidos percusivos y voces monstruosas que se nos quedan pegadas al subconsciente por días y días. El Track 10 es más jazzero, por suerte, podemos respirar luego de la asfixia, incluso fantasear alguna luz azulada o roja, de sórdido neón. Flautas y cuerdas entran y salen de la mezcla como cualquier buen soundtrack de un film de Blaxplotation. El último track es otro “momento clave”, esta vez parece que escapamos, cosa que sucede recién después de una buena escena de sexo. El escape de París, así se llama exactamente la canción: ¿se dan cuenta? Se trata de alguna acción al estilo de John Carpenter: la ciudad en ruinas, alarmas vibrando por todos lados, la noche escura, truenos que anticipan una gran tormenta, y sintetizadores que resuenan como desde la banda de sonido 1984, compuesta por Eurythmics para la película del mismo nombre (otro disco altamente recomendable). El tema crece hasta una altura épica y pocos segundos después se empieza a disolver como la misma determinación. Definitivamente el viaje vale la pena, y queremos seguir profundizando en él. Porque es el futuro, pero también está pasando ahora mismo. Y no hay salida: ¡Amén!

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[ Entrevista a Saku Paasiniemi de Musta Paraati por Diego Centurión. Fotografías: Stefan Bremer y Anabel Dflux ]

MUSTA PARAATI Y JYRKI PODRÍAN SER LA COMBINACIÓN INCREÍBLE

A la hora de pensar en estas preguntas me dispuse a escuchar el nuevo disco de los finlandeses Musta Paraati, un acertijo post punk en donde el Gothic Rock seguramente iba a estar presente por la simple presencia de Jyrki Linnankivi (The 69 Eyes, 69 Cats). Y no estuve tan lejos al escuchar "Black Parade" que es un álbum que va mucho más allá de las etiquetas que quiera ponerle. El álbum es una demostración de carácter y de sensibilidad en cada acorde, en cada ritmo, en cada riff, en cada melodía, en cada pad de teclado, en cada frase de voz. Nacieron en 1982 y su primera separación en 1984, luego realizaron algunos conciertos con distintas formaciones pero el dúo original de Saku Paasiniemi (guitarra) y Panda Nikander (bajo) se mantuvo unido cada vez que la banda se reactivó. 2015 fue el año que los volvió regresar y este 2018 regresan con su tercer disco, luego de 30 años de su último álbum, Käärmeet (Snakes) (1984). Para esta entrevista nos hemos contactado con la banda para conocerlos y hablar de su nuevo álbum.

Hola Chicos, gracias por responder estas preguntas. Para empezar ¿cómo fueron aquellos primeros años en donde todo sucedió muy rápido? Dos años, dos discos, varios cambios de formación. Esa vieja frase es la forma correcta de describir que lo que sucedió a principios de los 80 "demasiado, demasiado pronto" jajaja, todos estábamos en esa primera ola de punk rock y de repente nos convertimos en la banda de rock más vendida en Finlandia sin ningún plan y durante esos 3 años grabamos música con tres cantantes diferentes, lo cual fue bastante raro y creo que es un récord mundial y también jajaja, pero después de todo creo que hicimos algo bien porque Peilitalossa se ha convertido en una especie de álbum de culto. En 2015 regresan definitivamente. ¿Cómo fue reencontrarse de nuevo después de tantos años con un proyecto que estuvo guardado? En 2014, nos reunimos para celebrar el cumpleaños de nuestro teclista original y decidimos tocar algunas canciones también, y se sintió muy bien después de que grabamos Uusi Musta

/ New Black EP y terminamos tocando en vivo en casi todos los festivales principales de Finlandia. ¿Cómo y cuándo ingresa Jyrki como vocalista? Empezamos a hacer un nuevo álbum en finlandés justo después de esos conciertos, pero pronto noté que Herra Ylppö, el cantante, está demasiado ocupado con sus otros proyectos, así que comenzó a afectarnos de manera negativa y algunos de nosotros nos frustramos porque las cosas simplemente sucedieron demasiado lentamente. Así que una noche estaba en casa tocando guitarra y bebiendo cerveza, tuve la idea de enviar algunas demos a Jyrki. Ya tenía la idea de que deberíamos hacer algunas cosas en inglés, porque de todos modos me di cuenta de que también tenemos fanáticos en el extranjero y también ayuda, porque Cleopatra lanzó Peilitalossa en los EEUU. Pero quería hacer esas nuevas canciones con una vibración diferente, porque el cantante y el idioma eran cosas nuevas para nosotros, pero todavía querían tener nuestras raíces en ellas y convertirlas en la forma habitual de Musta Paraati.

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Estaba pensando que Musta Paraati Porque todavía quiero que suene lo y Jyrki podrían ser la combinación suficientemente crudo cuando tocamos increíble para eso. en vivo en el escenario. ¿Qué creen que le ha aportado él al Ya el álbum fue editado... ¿Cuál es sonido de Musta Paraati? la sensación? Jyrki tiene esa cosa brillante que más Creo que fue bueno mantenerlo envejece, mejor se pone su voz. Él es simple, guitarra, bajo y batería. como el Johnny Cash de Goth... jajajaja Y para ir terminando ésta entrevista, Hablemos un poco más de Black haré las últimas dos preguntas. Parade. ¿Cuáles son los próximos planes ¿Qué desafíos le impuso este nuevo de la banda? renacimiento de Musta Paraati? Si En diciembre comenzamos una gira bien el sonido es bastante natural y por Finlandia y hacemos algunos directo... ¿es un disco pensado para conciertos también en enero, y después llevarlo al vivo? de eso veamos Europa, Japón, Rusia Estaba un poco estresado por la y Estados Unidos... El tiempo lo dirá... forma en que la gente tomará esa De todos modos, los conciertos en nueva ola de Paraati durante la sesión vivo son las cosas para mí, por qué hago de estudio, pero ahora, cuando tengo esto, en realidad ya tenemos canciones ese álbum en mis manos, sé que para el próximo álbum porque creo hicimos lo correcto, creo que es un que no deberíamos tomarnos otros 30 álbum moderno y moderno de rock años de descanso.... Jajaja gótico, pero todavía están nuestras raíces en ella. ¿Hay algo que yo no haya preguntado y nos quieran contar? ¿Cómo se empezaron a escribir Rock gótico, rock, post punk o lo que las canciones para "Black Parade"? sea. Esa música y así es como debe Tocamos en vivo en el estudio ser apreciada. porque ¿qué sentido tiene hacer ¡Paz, Saku! que sea demasiado complicado?

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[ Entrevista a Nicolรกs Castello de Nax por Diego Centuriรณn. ]

ME LLENA EL ALMA SABER QUE HICE ESO

Nax es una de las bandas más prometedoras del shoegaze y el dreampop de Buenos Aires, con una calidad como la de las grandes bandas de ambos géneros. Acaba de lanzar una colaboración con The Churhhills Garden, “Atrapado (En el ámbar eterno)” que presenta una de las más hermosas canciones de Nax hasta ahora escrita. Me encontré con Nicolás Castello en un bar y hablamos de todo, del pasado, presente y futuro de Nax. En una conversación jugosa con Nicolás esto es lo que rescatamos…

Ya hace casi dos años que hemos entrevistado a la banda (septiembre de 2016). Allí era una banda, aunque el resto de los integrantes marcaba la diferencia en que vos eras el que manejaba los tiempos de Nax, y si bien todo nace de tocar en vivo tu disco solista “Infinito”, ¿Hoy es más un proyecto de Nicolás Castello? Siempre el espíritu fue que sea una banda. Ahora ni es una cosa ni otra o es ambas cosas al mismo tiempo, yo siempre quise que fuera una banda, de hecho lo sigo queriendo, pero es muy difícil que un grupo de personas siga junto a lo largo del tiempo, es complicado... no sé... la vida misma. Mi idea siempre fue esa, después con el tiempo empecé a ver que cada uno tiene sus prioridades, sus tiempos, sus cosas y es muy difícil congeniar en un millón de cosas... como en ponerse de acuerdo en “vamos a meterle pilas a esto”. Entonces se fue cómo decantando que quizá yo sea el que tome las decisiones. Por eso te decía que "sí y no". En un punto siempre fui yo el que llevó todo adelante, por otro lado siempre estuvo la banda en vivo.

terminada y me decían "yo lo haría de este modo"... y cambiaban algo... y estaba bien. Nunca fue así como Trent Reznor, "toca esto así porque que ya está hecho y no hay otra chance"... Siempre intenté darles voz en el asunto. Creo que a los músicos tenés que darles libertad, si no; se sienten como un pájaro dentro de una jaula, cuánto más artistas son más les pasa eso. Está bueno darle el espacio para que ellos se expresen también. En esa entrevista eran dos guitarristas, vos y alguien más... Sí. Siempre fuimos dos guitarras, en una época hasta fuimos tres guitarras. Casi todos mis amigos que tocan instrumentos tocaron en Nax: Pablo Bertier. Jonathan Sansone, Joaquín Karpins y Daniel Sagasta, Nicolás Garimano, Gabo y Juan Hernández. Ahora somos todos amigos. Han tocado en Nax y la mayoría ahora no lo están haciendo, pero yo siento que son de la familia, siguen siendo de la familia de Nax.

Es decir, es una banda, pero grabas y decidís todo vos... Algo así. Las canciones generalmente vienen de mi lado.

Y la banda en vivo ¿hoy quiénes son? En el show de septiembre en Panda Rojo toqué con Juan Marcos Hernández (bajo) ysu hermano: Gabriel Hernández (Gabo), que nos acompañó en la batería.

¿Los arreglos vienen de tu lado? Sí, aunque también siempre le di un espacio a cada músico que tocó conmigo para poder hacer lo que quería, dentro de un límite normal. Quizá escuchaban la canción

¿Cómo es llevar las canciones al vivo? porque vos sos de poner muchas capas de guitaras. Ahí está, esa la parte difícil de llevarlo al vivo y tener que conformarte con una de

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todas esas, es cruel. Me gusta tocar en vivo, creo que ahí la parte que a todos les cuesta me encanta sobre todo cantar. crecer y entender, y vas creciendo a la par con eso. Buenos creo que eso es lo que cambió, Por lo que veo sos de buscar el lugar el enfoque más sobre la difusión o de prensa. donde tocar... Estamos tocando muy poco, cada vez Si hacemos un repaso por las grabaciones menos... cada medio año, tal vez. Por ejemplo desde “Lunas Azules”, este 2018 ha sido el en Panda Rojo siempre me gustó, me siento año con más lanzamientos. ¿Qué cambió cómodo. Tocamos en muchos lugares, hace en la estructura de Nax que han salido casi diez años que estamos tocando en vivo. tantas canciones este año? Estoy en ese proceso, de tratar de hacer Desde aquel “Lunas Azules” a hoy algo y sacarlo y lanzarlo rápido, esa es la parte mucho ha pasado bajo el Puente celestial copada de todo esto... vi gente que hacía eso de Nax. ¿En qué crees que ha crecido el y me pareció admirable como alguien pueda proyecto en este tiempo? hacer algo tan rápido y publicarlo en tan poco Creo que el enfoque cambió bastante o tiempo y me gusta eso de hacer las cosas el -qué hacer- con lo que hay, creo que ese rápido. Es como que tengo una sed de lanzar cambio fue fundamental. Como que siempre cosas, creativa y si mi sed no está saciada en estaba ahí lo que creábamos, la música, o el un tiempo me empiezo a sentir mal, empiezo arte, o la imagen, lo que faltaba era el otro a sentir como si empezara a morir lentamente costado, cómo llevarle eso la gente. Y creo por dentro entonces; necesito saciar esa sed que desde este año 2018 lo que más cambió que tengo por dentro para no sentirme de ese fue eso y para bien, creo que lo que cambió es modo, hacer cosas en tan poco tiempo me cómo difundirlo. Creo que muchos músicos mantiene como entretenido. generan algo y después la parte difícil, es una vez que creaste eso, ¿qué haces con eso?, Varios singles han salido este año,

pero también has hecho muchísimas colaboraciones, con otros músicos. Podemos nombrar colaboraciones con Nico Beatastic tanto para un single tuyo como para su proyecto Xeresa, Krissy Vanderwoude para el cover de Adorable, The Churchhill Garden y otros más… Se ve que disfrutás mucho de las colaboraciones… Meencanta.TodoempezóconNicoBeatastic, con quien hicimos “Atlanta to Mumbai” hace un buen tiempo ya. Es curioso como podes hacer algo con otra persona de la otra punta del Planeta Tierra. Es divertido. Como te decía antes entre el orden de entretenido y divertido, esas dos cosas la cumplen. Hacer cosas con otra gente que está ahí, quizá en un lugar parecido al tuyo... porque están ahí haciendo sus músicas desde sus casas quizás casi como lo hago yo. Estoy muy contento, este año me llenó como el corazón de alegría, de orgullo, de decirme mirá estás cosas que pude hacer... ¿por qué antes no hacía esto? ¿Por qué tardé tanto tiempo en darme cuenta que podía hacer una canción con alguien de otro país?... siempre colaboré mucho con bandas de acá y este año hice

muchas cosas. Por ejemplo hice una canción con un artista de acá de música electrónica que se llama Mario Rustom, una canción que está en proceso. Este año también había empezado a trabajar con un chico de La Plata que se llama Emanuel, del grupo Banco de Suplentes al igual que colaboré el año pasado y durante algún tiempo con un proyecto paralelo de Nicolás Garimano que se llama "El camino de los Caminos". Con “Venusians” colaboré bastante, toqué con ellos, este año había empezado a hacer una colaboración de un piano que al final no salió, pero está ahí, hicimos muchas cosas. Pero siempre estuvo ese espíritu de colaborar. Estoy muy orgulloso de eso, las cosas que hice con Nico Beatastic, Krissy Vanderwoude y Andy Jossi son como tesoros que voy guardando ahí, y al fin del día los veo o los escucho y me llena el alma saber que hice eso con ellos, ojalá vengan muchas más. ¿Qué crees que cambió en el sonido desde “Lunas Azules” hasta ahora? Mirá es curioso y está bueno que lo preguntes. Desde Lunas Azules hasta hoy cambió, pero creo que la intención fue

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siempre la misma. De hecho ese disco abrió una pequeña brecha en el tiempo. Sí te fijas lo que venía haciendo hasta Lunas Azules era una onda bastante distinta y después se convirtió en otra onda, quizá no lo pueda definir en dos o tres palabras, pero el cambio remite un poquito a ese EP, hay algo que quise hacer en ese EP, y que sigo tratando de hacer lo que quise mostrar en Lunas, que salió de un modo… y aún sigo tratando de hacer algo para ese lado… como un despegue hacia algo… Osea abriste la puerta... Ahí está es eso, encontré algo que quería hacer, es más, quería hacer ese disco antes de lo que lo hice y ya sabía cómo quería que suene… estuvo bueno, logré bastante el objetivo… y eso me abrió la puerta y sigo tratando de hacer algo en esa corriente. Tu último single, sacando las dos canciones del compilado, que de eso hablaremos después, es la colaboración con Andy Jossi, contanos cómo nace esta colaboración… Bueno la música de Andy la conocí por Krissy, después de conocer Whimsical el año pasado, y ella siempre habla con bombos y platillos de la música de Andy siempre dijo cosas lindas de su música, y gracias a ella empecé a escuchar la música de Jossi. Y fue una buena sorpresa, porque Andy es una gran músico, lo admiro mucho al señor, lo admiro como músico y como persona. Y haber colaborado con él fue genial, ya antes de haberlo visto en persona, de haber estado ahí con él, ya veníamos con plan de hacer la canción y él ya me había pasado pistas, después de un tiempo de trabajar en la canción, me lo encontré, lo ví y le dije que estaba muy bueno lo que había hecho. Lo de Andy fue genial, un gran tipo, muy humilde y él nos hizo un tour en un día por su ciudad, casi un día entero llevándonos a recorrer un montón de lugares. Fuimos a su casa, a su estudio, estuve mirando sus cosas de música,

hasta me acuerdo que me mostró un proyecto de una canción que estaba haciendo con Krissy, en ese momento, no recuerdo cual, y me mostró todas las cosas que él hacía adentro de ese proyecto. Me sentía un nerd, me mostraba las automatizaciones que hacía en el programa, me comentaba los procesos que hacía él con las cosas, estuvo bueno ver ese costado de ver cómo trabajaba. Todo un honor haber hecho una canción con él, haberlo conocido, le agrega un plus, una profundidad extra. Me encantaría conocer a los otros que hice colaboraciones... algún día quizás... Tengo la sensación que el sonido conseguido en “Atrapado (En el ámbar eterno)” es la culminación de una búsqueda de un sonido perfecto. Me parece que es el piso de lo que Nax puede realizar sonoramente, guitarras que son como olas que acarician los oídos, y un bajo que lleva el ritmo con una solvencia sutil… la voz etérea y luminosa… el ritmo conteniendo esas mareas sónicas que mueven al oyente como el agua de mar. ¿Sientes que es lo mejor que haya grabado hasta ahora Nax? Sí, es lo que vos decís, es como un piso, como que yo sé que puedo lograr eso como base, igual aún así, a veces me gusta como cambiar todo y encontrar otro sonido completamente distinto. Respondiendo a tu pregunta... ¡Sí y No! Sí, en el sentido de que van a haber más cosas que van a sonar muy parecidas a esta, pero también sé que van a haber otras cosas, con otros timbres o bien distinto a esto. Si yo no lo digo tanto por la canción sino por el sonido conseguido, sino por el sonido en sí, por la calidad de las guitarras, la calidad de todo... Si creo que sí, ya conseguí eso... estoy ahí con mi lupa puesta en seguir explorando eso y seguir creciendo en ese género. Aún así anteriormente y este año hice cosa que

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son bien distinta entre sí, más ambientales o más shoegaze, un poco más electrónicas, o un poco más crudas, que parecen más "rock", siempre hubo una dualidad en Nax, canciones más rápidas, más crudas, y más lentas, más sofisticadas, están esos dos costados, no lo puedo evitar.

modo. Haber hecho eso cover junto a ella fue una de las mejores cosas que me pasaron en este año.

Nax participa de nuestro compilado “NDR Session Argentina”. Con las canciones “Esmeralda” y de la cual estoy enamorado “Lluvia de invierno (Para Pero mi pregunta va más dirigida Gala)”. Cuéntanos de estas dos canciones. a la producción de esta canción... la Tenía que elegir algo de "La bóveda" y al producción de “Atrapado (En el ámbar principio iba a elegir una que estaba casi lista, eterno)” es tu base... pero me di cuenta que podía trabajarla más Bueno justo la canción y la producción entonces quedó guardada. Es muy parecida a tiene mucho que ver también lo que hice con "Lluvia de Invierno", tiene una onda parecida. Krissy, aunque no lo creas, haber trabajado Entonces busqué que era lo que sonaba con las voces de Krissy estuvo muy bueno... mejor, qué es lo que estaba más terminado y quedaron estas dos canciones. Hablamos del cover de Adorable. Con respecto a "Esmeralda" es muy linda, Si, exacto. Fue un sueño hecho realidad: me encanta lo que cantan las guitarras, haber trabajado también con ella me impulsó tiene algo interesante, a pesar de ser un a que lo que sacara después sonara de tal instrumental tiene su belleza interna, tiene

algo especial. Hay unos videos que hice para esa canción, hay un video corto y una versión larga que no está publicada. "Esmeralda" es una canción nostálgica, introspectiva, pero que también es bonita. Es así de triste como bonita, tiene ambas cosas a la vez. Y la de "Lluvia de Invierno (Para Gala)" esa canción es muy curiosa, se la mostré a mucha gente, la tratamos de ensayar en algún momento pero no funcionó, mucha gente me la criticó, me decían “eso es basura”… me han dicho de todo de esa canción. Y me pareció una buena forma de decir "¿así que no les gustaba?", ¡mirá acá está! Esa canción la escribí en la casa de mi hermano, fue una cuestión "Impresionista", fue un día que estuve en lo de mi hermano, que escribí diez canciones en dos o tres horas, las grabé todas en una grabadora de mano, junté un montón de letras y me propuse ponerle música. Y en el medio de todo eso salió ésta, que era para la perra de mi hermano, una perra a la que quería mucho, que se llamaba Gala, ella era la hija de Terra, que es otra canción que tiene su nombre en Nax. "Lluvia de Invierno (Para Gala)" habla de Gala y una gatita que eransonde mi hermano. Una canción impresionista que escribí, como tratando de capturar un instante, una impresión, como los pintores impresionistas, bueno es fue un poco la idea de la letra, generalmente las letras de Nax son bastante distintas. Esta es más explícita, habla de cosas muy puntuales...

qué es lo que tenés pensado? Tiene que salir algún disco en algún momento, es inminente, como el fin del mundo, tiene que pasar. Es un combo de canciones nuevas y de la "bóveda". canciones que ya están más canciones nuevas, voy a tratar de hacer eso, sin dudas. Quizá agregue alguna que ya haya sido editada pero re grabada. ya estuve re grabando una. Voy a tratar de hacer un lindo conjunto de eso. Y en el medio o antes planeo sacar algún sencillo más. Entonces sería, algún sencillo, algunas colaboraciones nuevas y eventualmente el disco, no sé si este año o a principio del que viene y seguir en esa línea. Creo que tengo material para varios discos. Aunque no produjese nada nuevo, tengo bastante material, tal vez lo más difícil sea darle forma, da hacerlo cohesivo, como vas grabando cosas en distintos tiempos y medio desprolijamente, después darle cohesión es difícil. Porque un día te despertás y lo hacés de un modo y al otro día lo hacés de otra manera, y eso causa que tengas dos canciones muy distintas. Entonces mi idea es que sea algo muy sólido.

¿Qué hay para lo que queda del año y el próximo 2019 para Nax? Más que nada seguir sacando material, el remix de Luncil, estoy muy contento de que esté encaminado eso. Y hay un remix de The Raft, estamos haciendo un remix de una canción que se llama "Glad I Don't Know", que sale ahora en diciembre, sospecho que el remix de Luncil sale este año. Si el disco de Es un momento... Nax no sale este año, seguramente saldrán Ahí está, es eso. Me gustó capturar eso, y algunos sencillos más. Seguramente alguna cada vez que escucho esa canción vuelvo a colaboración nueva, tengo ganas de hacer ese lugar, a ese momento. Es muy sencilla... algo con Demi Haynes, que hizo algo muy lindo con The Churchhill Garden, con Demi A veces lo sencillo suele ser muy hablo hace mucho y hablamos de hacer gratificante... cosas juntos hace mucho tiempo, desde el Creo que en la música, menos es más, es año pasado que le había mostrado "Celebrar completamente así. En el arte en general aniversarios" que le había gustado mucho y también. ahí empecé a escuchar Seashine, su banda que es hermosa. Y ahí empezamos a hablar ¿Se vendrá disco nuevo, algún simple o de colaborar. Y hay más colaboraciones con

Luncil donde grabaré algún bajo y guitarras, hay otra canción con Mario Rustom, que quizás haga este año, espero. Y hay una colaboración posible con una cantante de Estados Unidos: Dani Mari, que es una gran cantante. Sería muy lindo hacer algo con ella, así como con Demi son dos cantantes que admiro mucho y ojalá salga algo este año o comienzo del que viene.

hago. Yo trabajo ahí, doy clase, grabo, trabajo con clientes que viene a mi estudio a grabar o a mezclar, producir, etc. Es mi sostén de vida, mi trabajo, mi pasión y la música que hago. Todo lo que hice existe gracias a esa caja de zapatos... y me pone orgulloso a veces, mirar y decir "Eh, adentro de esa caja se hicieron miles de cosas" ¿quién hubiese pensado? Incluso en un entorno no ideal, como me las rebusqué…. como hacemos todos los Para terminar... contanos un poco de argentinos. Logré hacer algo genial con un "Espectral", el estudio donde pasas la espacio que no era el ideal, pero lo logré, eso mayor parte del día. me pone muy contento y orgulloso de llevar a Espectral es mi estudio hogareño, es un Espectral adelante. cuarto, una caja de zapatos… técnicamente, la acusticé, la equipé y la ambienté. Gracias Nicolás Básicamente es el corazón de todo lo que Muchas gracias Diego

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ “TAO TE CHING”, de Lao Tsé por Pablo Ravale ]

LA ARMONÍA ENTRE LOS OPUESTOS

Lao Tsé, también llamado Lao Tzú, es una personalidad china cuya existencia histórica se debate. Se lo considera uno de los filósofos más relevantes de la civilización china. La tradición de su país establece que vivió en el siglo VI A.C., pero muchos eruditos modernos argumentan que puede haber vivido aproximadamente en el siglo IV A.C., durante el período de las Cien Escuelas del Pensamiento y de los Reinos Combatientes. Lao Tsé significa en chino “Viejo Maestro”. La explicación de este apodo viene dada por una leyenda acerca de su nacimiento: quiso la tradición que fuera hijo de una virgen, y parido por la axila izquierda de la mujer tras 80 años de gestación. Fue causa eficiente del parto un rayo de luz que penetró por la boca de su madre, mientras descansaba bajo un ciruelo. Nació con los rasgos de un viejo, el rostro arrugado y los cabellos y la barba de color blanco, tal como se le representa en la iconografía china; su senectud era símbolo de innata sabiduría. El Lao Tsé más real fue bibliotecario del reino de Zhou, en el oriente de China, acumuló grandes saberes y descolló por su prudencia sobre los hombres de su tiempo. Hacia 490 A.C. decidió abandonar la vida pública y se retiró a las montañas del Himalaya, de las que nunca regresó. Cuando iba a franquear las fronteras chinas, el aduanero Lin Yinxi le pidió que plasmase por escrito los principios de su doctrina, señal de que esta había alcanzado notoriedad en el país. Lao Tsé le dictó entonces su testamento espiritual, el Tao Te Ching, título que debería traducirse al castellano como: Libro del Camino y la Virtud. El Tao Te Ching es un libro breve, apenas consta de 81 máximas. Su enseñanza se centra en el Tao, o “camino que el ser humano debe seguir para alcanzar la felicidad”, tanto en el trato con los demás humanos (su dimensión social) como en la

relación con la naturaleza (su dimensión cósmica). Pero cabe recordar que «El Tao que puede ser expresado / no es el verdadero Tao. / El nombre que se le puede dar / no es su verdadero nombre». No se trata de una cosa tangible ni de una regla deducible, sino de un principio inmaterial que inspira el Universo. Según el Tao Te Ching, el orden natural se basa en la acción de dos fuerzas cósmicas, la positiva y la negativa, sendas manifestaciones del Tao. Aunque parezcan opuestas, estas realidades se complementan íntimamente entre sí, y reciben los nombres de “Yang” (principio luminoso y activo, propio de la masculinidad) y “Yin” (principio oscuro y pasivo, propio de lo femenino). Así pues, todo se compensa con su opuesto: la vida con la muerte, el placer con el dolor. Es más, no habría vida sin el juego complementario del Yin y el Yang, en el sentido más físico del término. Las contraposiciones aparentes sólo son aspectos, manifestaciones parciales de la unidad cósmica superior. No hay un estado superior a otro. Todo adquiere su valor en el marco global del Tao. Al no tener entidad material ni conceptual, el Tao no viene dado, sino que se alcanza. ¿Cómo? A través de la meditación. El taoísmo es una doctrina ascética: sólo a través de la práctica de la espontaneidad y de la introspección individual se alcanza la sabiduría que nos hará felices. Y cuando el alma entiende la armonía entre los opuestos, alcanza un estado de gozo místico, denominado Tô, que como el Nirvana búdico no puede ser expresado mediante un discurso lógico; sólo cabe esbozarlo de modo impreciso, con auxilio de metáforas. En la práctica, ¿cómo adecuarse a ese camino o principio general que rige el Universo? La respuesta de Lao Tsé es muy simple: la armonía se obtiene mediante el “Wu-Wei” (literalmente, “no-hacer”). Sin embargo, esta inacción no debe confundirse con la pasividad; con el “no-ha-

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cer-nada” contemporáneo. El taoísmo no es la filosofía de los perezosos o de los pusilánimes. La inacción predicada significa no contravenir con los propios actos los principios rectores del Cosmos. Dicho de otro modo: el “no-estorbar”. A la hora de poner en práctica esta norma general del Wu-Wei, ¿cuáles son las acciones humanas que no contradicen el Tao, desarrollo armónico de los sucesos naturales? Un primer consejo prescribiría el respeto a la Naturaleza, concebida como un todo en el que cada una de sus partes ejerce una función necesaria. El ser humano también es una de esas partes, con igual dignidad que las demás, y no el escalón superior del conjunto por el sólo hecho de disponer de una inteligencia racional. La humanidad debería renunciar al dominio instrumental de la Naturaleza, con el cual sólo se persigue la satisfacción de apetitos contrarios a la pervivencia de ese todo unitario. El mismo rechazo a la dominación se trasplanta a la esfera social. El seguidor del Tao obrará por amor a éste, incluso por encima de las limitaciones que la ley o la costumbre puedan interponer a su acción. En nuestra sociedad, y no digamos en tiempos antiguos, la práctica de esta norma podría resultar desastrosa para quien la siguiera al pie de la letra: el hombre feliz que tenga hambre debe tomar la fruta del árbol… ¿aunque para ello penetre en la propiedad privada? La respuesta sería: en un mundo regido por el Tao, los seres humanos sólo atenderían a la satisfacción de sus necesidades de un modo justo e inmediato, sin caer en el vicio de acaparar que conlleva la propia noción de propiedad. En esta respuesta se aprecia el sentido subversivo del no-hacer predicado por Lao-Tsé, que implica no atender los prescritos que dificultan la satisfacción de los impulsos primarios del ser humano. Por tanto, segunda virtud del seguidor del Tao: es libertario e igualitaris-

ta en asuntos referidos al orden social. Extraemos del libro: «Cuando los ricos negociantes prosperan / mientras los granjeros se arruinan; / cuando los gobernantes dilapidan / en armas en vez de en salud; / cuando la clase alta es extravagante e irresponsable / mientras los pobres no tienen adónde ir; / todo ello es latrocinio y caos. / No es permanecer en el Tao». Como vemos, el Tao no es un camino para iniciados, su mensaje es tan sencillo que todos los seres humanos pueden entenderlo. Y no será universal la iluminación, pero con el recurso de la conducta espontánea pueden seguirse los cauces del Tao y alcanzarse altos grados de felicidad. En efecto, tercera virtud del taoísta consecuente: carece de inquietud especulativa y se conforma con el sentimiento de plenitud que conlleva la conciencia de pertenecer al Tao. No oprimir, no servir, no divagar. Estas tres actitudes se resumen en una virtud esencial: la humildad. En el taoísmo, modestia individual y sumisión al Tao informan la clave última de la felicidad. Y de este modo quedó expresado en el Tao Te Ching: «Producción sin posesión, / acción sin imposición, / evolución sin dominación. / Ni siquiera el maestro pretende crear escuela, porque se contenta / con servir de ejemplo / sin imponer su voluntad. / Señala, pero no horada». Por último, cabe destacar que la felicidad no sobrepasa en el taoísmo una dimensión intimista. No se trata de una ilusión mesiánica, porque carece su mensaje de una promesa utópica o de redención en el acto. Lao Tsé se abstuvo de predicar el fin de ninguna era corrompida que fuera a sustituirse por un tiempo mejor. La virtud y la felicidad son bienes personales e intransferibles que cada individuo debe alcanzar por sí mismo, y que nunca perderán su valor ni su intensidad por mal dados que vengan los tiempos.

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FRANCO DOGLIOLI

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BRUTAL insurrección de niño frente al relámpago con su tazón de leche proliferar de termitas en el parquet de tu nuevo comienzo corazón de vacuno sa(n)grado en la palma de occidente maíz de promesa tan austral como incumplida tranquilidad de antílope entre el zarpazo y la carcajada negra equilibrio de red social en el hedor de tu ausencia

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

NECROFILIA por Pablo Ravale

El conocimiento de lo humano muestra que siempre existen excepciones a la norma, comportamientos de diferente índole al punto de que existen actitudes que van en contra de la ética y de las normas que rigen la relación entre el Bien y el Mal. Una de las acciones más censurables desde el punto de vista de la moral es la necrofilia. Acunado por el doctor Alexis Eupalard (médico a cargo por más de treinta años de la Facultad de Medicina de Lyon), en 1901, el concepto de necrofilia refiere a un tipo de patología, o parafilia (patrón de comportamiento en el que la fuente predominante de placer se encuentra en objetos, situaciones, actividades o individuos atípicos), caracterizada por una atracción sexual hacia los cadáveres tanto en humanos como en animales. La palabra proviene del griego nekro (“muerto”) y filia (“amor”). El origen del término aparece en la obra escrita en 1886 por el psiquiatra alemán Krafft Ebing, Psychopathia Sexualis. El acto sexual con cadáveres generalmente está considerado como algo socialmente inaceptable; se presume que la persona no habría consentido ese acto cuando estaba viva. Virtualmente todas las sociedades humanas consideran este acto como una falta de respeto simbólica. En algunos casos, sin embargo, los actos de necrofilia pueden ser consensuales, como por ejemplo sucedió con Armin Meiwes (denominado por la prensa mundial como “El caníbal de Rotemburgo”, debido al asesinato y posterior descuartizamiento y canibalismo de una persona), en el que Bernd Jürgen Armando Brandes, la

víctima, dio su consentimiento a la mutilación (Meiwes cortó el pene de Brandes en dos trozos y lo cocinó para ambos) y muerte infligidas hacia él. Según la psicología criminal la necrofilia no es la expresión de un instinto sexual que deriva en la muerte, sino la consecuencia de llevar una vida sin estar vivo. Es decir, lo opuesto a la biofilia (el amor por todo lo viviente, nuestro sentido de conexión con la Naturaleza y con otras formas de vida de carácter innato y producto evolutivo de la selección natural que actúa en especies inteligentes). Visto entonces de esta manera, bien podría pensarse que la carencia de amor en las sociedades modernas es lo que conduce a la necrofilia. El necrófilo vive mecánicamente, convierte los sentimientos, procesos y pensamientos, en cosas. Además, tiende a querer controlar la vida, a hacerla de cierto modo predecible. Por ende, la única seguridad de la vida que tiene es la muerte, y por eso la anhela y la adora. La profanación de tumbas y la retención de un cuerpo sin vida para fines sexuales está penalizada por la mayoría de las leyes que conforman el derecho social en el mundo, no obstante, han existido numerosos casos famosos –aparte de Meiwes– de excitación erótica causada por la contemplación, el contacto, la mutilación o la evocación mental de un cadáver; algunos de ellos fueron: el de Periandro, tirano de Corinto, que vivió durante años con el cadáver de su esposa, Melissa; el de Juana la Loca, que conservó durante tres años el cuerpo sin vida de su amado Felipe el Hermoso, tras su muerte en 1506; el de Víctor Ardisson, apodado

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“el vampiro de Muy” y que cometió más de cien exhumaciones en Francia, entre finales del siglo XIX y principios del XX; el de Henri Blot, también francés y de 26 años, detenido en 1886 acusado de vandalismo y necrofilia, ya que fue sorprendido en el cementerio de Saint Queen después de haber desenterrado el cadáver de una joven de 18 años, realizar el acto sexual con éste y quedarse dormido; el de Le Van, un vietnamita que no habiendo logrado superar la pérdida de su mujer, en 2004 desenterró los huesos de la difunda y decidió guardarlos en el interior de una muñeca de arcilla de tamaño real, para así sentir su compañía en todo momento; y el de Chadil Deffy, un tailandés de 28 años que en enero de 2012 se casó con el cadáver de su novia muerta en un accidente de tráfico). Pero la historia de necrofilia “más conmovedora” quizás sea la del radiólogo estadounidense de Key West, Florida, Carl Tanzler, quien en 1931 desarrolló una obsesión por María Elena de Hoyos, de 22 años, una de sus pacientes a quien trataba por tuberculosis. Profundamente enamorado de la joven, tras su muerte pidió permiso a la familia para pagar los gastos del entierro y construirle un mausoleo en el que la visitaba todas las noches y preservaba su cuerpo en metanadal. El médico nunca había tenido relación con María Elena más allá de la consulta, pero para él era mucho más que una paciente. Desde niño había tenido visiones en las que se aparecía una tía fallecida y le mostraba el rostro de una hermosa mujer de cabellos negros que estaba destinada a ser el amor de su vida. Cuando Elena entró en el hospital, Tanzler supo que era ella. La muerte de la joven no podía ser un obstáculo.

Después de dos años visitando el mausoleo cada noche, Tanzler exhumó el cuerpo de María Elena y lo llevó a su casa en una pequeña carretilla de juguete. Según él, la propia joven le había pedido que lo liberara para que pudiesen estar juntos. Durante los siguientes siete años, Tanzler hizo todo lo posible para cumplir el deseo de su amada: unió los huesos con alambre y perchas para la ropa, llenó las cuencas vacías con ojos de vidrio, reemplazó la piel podrida con sedas empapadas en yeso, extrajo las vísceras y rellenó la cavidad abdominal y el pecho con trozos de tela manteniendo la forma original. Cuando el pelo comenzó a caerse del cráneo por la descomposición del cuero cabelludo, Tanzler le colocó una peluca que previamente María Elena había usado y que su madre le había facilitado poco después de su funeral, en 1931. Todos los días, Tanzler cambiaba las ropas, las joyas y los guantes de su amada y la rociaba con perfumes y agentes preservadores de tejidos para enmascarar el olor y retrasar los efectos de la descomposición del cadáver. El 1940, la hermana de María Elena descubrió el robo del cuerpo e inmediatamente llamó a la policía. Tanzler fue detenido, pero se le absolvió durante el proceso judicial porque sus delitos habían prescrito. Los forenses que examinaron el cadáver descubrieron un tubo metálico envuelto en seda e insertado en la cavidad vaginal del cadáver, pero Tanzler negó las prácticas necrófilas y no pudieron demostrarse. El médico murió varios años más tarde, en 1952. Junto a su cadáver se encontró una máscara mortuoria de Elena, con la que Tanzler había recreado una efigie de tamaño natural.

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[ Reseña de Bloodbath – The Arrow of Satan is Drawn por Pablo Ravale. ]

ASÍ DE PERVERSO COMO BRILLANTE

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Bloodbath – The Arrow of Satan is Drawn Label: Peaceville Fecha de lanzamiento: 26 de Octubre de 2018

Bloodbath están de vuelta. Tras cuatro años de su anterior trabajo, el majestuoso y tenebroso Grand Morbid Funeral, lo que nos encontramos en esta nueva pieza es a unos Bloodbath que suenan más diabólicos, brutales y pútridos que nunca; y es que la superbanda ha decido subir al máximo sus viejos pedales para sonar más hoscos que nunca. Bajo la espectacular e inquietante portada, obra de Eliran Kantor, este The Arrow of Satan is Drawn recoge 10 cortes de puro death metal en apenas 40 minutos, en una vena totalmente Dismember y Entombed. Canciones como “March of the Crucifers” o “Chainsaw Lullaby” hacen que no puedas dejar de mover la cabeza al ritmo de esos viciosos hachazos, pero también hay espacio para la oscuridad en temas como “Morbid Antichrist”, “Deader” o “Only the Dead Survive”, donde la influencia también de Morbid Angel es más que palpable. No sería ético dejar pasar el excelente trabajo vocal en este disco de Nick Holmes (Paradise Lost), que pese a tener un registro menos gutural y profundo que sus antecesores en el puesto (Mikael Akerfeldt [Opeth] y Peter Tägtgren [Hypocrisy]), dota a este trabajo de una maldad vocal que va como anillo al dedo al sonido de la banda. Es cierto que hace años entre muchos fans de la banda se sembró la controversia cuando se anunció que Holmes sería el vocalista de Bloodbath, y más cuando por aquel entonces el bueno de Nick llevaba sin hacer guturales desde los primeros tiempos de Paradise Lost, pero sólo podemos decir que con el paso del tiempo, en la idea de perseverar y profundizar en el sonido de la vieja escuela sueca del death, su elección fue de lo más apropiada… y si no lo creen, vayan y escuchen uno de los temas estrellas del disco: “Bloodcide”. En definitiva, The Arrow of Satan is Drawn nos ofrece la mejor versión de la banda, pues lo cierto es que este disco es un verdadero baño de sangre en cuanto a sonido se refiere. Bloodbath es una banda que hace bueno ese dicho de que la excepción confirma la regla, ya que es difícil encontrar un supergrupo que se mantenga en tan en buena forma con el paso de los años y que siga lanzando trabajos de tan alta calidad. Así de perverso como brillante.

[ Reseña de Echo and The Bunnymen - The Stars, The Oceans & The Moon por Benjamín York. ]

CAUTIVAR CON CLÁSICOS ES UNA TAREA MUY DIFÍCIL

Echo and The Bunnymen The Stars, The Oceans & The Moon. Label: BMG Rights Management (UK) Limited Fecha de lanzamiento: 05 de Octubre de 2018

Antes de empezar deberíamos ponernos de acuerdo en que nos olvidaremos de todos los avances que han hecho los Echo and The Bunnymen de este álbum. Hagamos de cuenta que no hemos escuchado nada y nos mantuvimos estoicos ante la tentación de darle play a todos los adelantos que estuvieron saliendo. Una vez que no hemos puesto de acuerdo, empecemos… Pensar en una compilación de una banda con tantos años de trayectoria a casi 40 años de su nacimiento, es creer que ya nada nos sorprenderá, aunque están de moda esas reediciones con material "inédito" o demos nunca editados. Todo lo que ya se han encargado durante muchos años los bootlegs y con el avance de internet, las ediciones caseras. Y también pensar en qué nos podrá sorprender cuando en tantos años ya se han hecho varias compilaciones, grandes éxitos y esas cosas. Lo cierto es que este trabajo nunca se presentó o promocionó como un The Best o algo por el estilo. Pero qué nos encontramos en "TheStars, The Oceans & The Moon"... un nuevo disfraz de los Echo And The Bunnymen, en el que se colocan sobre su piel un manto de modernidad y vuelven a grabar esos clásicos de su carrera con una nueva mirada, ¿una nueva mirada?... Sí. Cada canción tiene un abordamiento particular que hace que las canciones vuelvan a sonar frescas y con una vuelta de tuerca que realza la composición original. El álbum lo abre "la siempre cálida" Bring on The Dancing Horses" y si bien el cambio con la versión original no es muy evidente, suena diferente. "The Somnambulist" es una de las sorpresas de éste álbum, la primera de las dos canciones nuevas. Está canción podría ser parte de discos cómo "Siberia" o The Fountain", tiene ese halo de canción pop con un relucientemente inglesa, y cuando digo "inglesa" me refiero a esa calidad que veo en las bandas de esa parte de Europa, en donde la belleza y la prolijidad son tan importantes como la misma canción. Escuchar la versión de "Nothing Lasts Forever", hace que se llene de nocturnidad y le da un clima mucho más ensoñador que la versión original. "Lips Like Sugar" no tiene un gran cambio estructural pero se lo escucha actualizada. "Rescue" es mucho más melodiosa y más lenta que la que todos conocemos, pero tiene un encanto psicodélico particular, las guitarras y el órgano lo hace más lisérgico. "Rust" mantiene ese halo de melancolía propia de la canción, si bien suena tan dulce como la original, está versión vuela un poco más, aunque más despojada e íntima que la que seguro solemos cantar. "Angels And Devils" sin lugar a dudas es una de las mejores reversiones de este álbum, en un tiempo de vals (prestar mucha atención al 3/4), cuesta un

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poco reconocerla hasta que entra la voz y la letra nos hace reconocer la canción. Una brillante manera de transformarla en casi una nueva canción. "Bedbugs Ballyhood" otra de las grandes reversiones de este álbum, el bombo en negras lo hace más bailable y menos Manchester que la original, su buen ni pierde ese Hammond psicodélico. Si bien la estructura está intacta, parece una versión hecha para el vivo. "Zimbo" es otra de las canciones que han mutado bastante, ya desde su comienzo nos encontramos ante una nueva reinterpretación magistral. En un tono más ambiental (sí, más que la original) se suprime la batería y la guitarra tiene el protagonismo esencial y por supuesto la voz de Ian (que sobre ella haré un párrafo especial). "Stars are Stars" otra canción que se vuelve más lenta que la original, pero lo que pierde en fiereza sonora lo gana en clima, mucho más oscura y sonámbula, más nocturna y más misteriosa. "Seven Seas" es otra que ha cambiado, está versión crea un ambiente nocturno y veraniego, sin la humedad de esas noches en donde la brisa recorre nuestro rostro como un soplo del pasado. ¡Brillante, Ensoñadora, Cautivadora!. "Ocean Rain" es una de las más grandes canciones escritas por la banda, y cuesta pensar en una versión diferente a la maravillosa del álbum. Pero el dúo creativo de Ian y Will me vuelven a sorprender... la majestuosidad de "Ocean Rain" vuelve a florecer en esta nueva reinterpretación que se encuentra con un enfoque tan bello y luminoso como la versión original. Tal vez sea una de las joyas de este álbum que dan ganas de repetirla una y otra vez. "The Cutter" adoro está canción y si bien pensaría que no es posible una versión diferente, Echo And The Bunnymen lo vuelve a hacer, sin muchos cambios, pero tiene una lavada de cara muy disfrutable. Este clásico suena distinta, levemente más lenta pero más sólida, con la confianza de los casi cuarenta años de vida de la canción, y la voz de Ian la reafirma como una de las grandes canciones de la banda. "How Far" es la segunda nueva canción, que entra en el estilo de canciones del estilo de Siberia. Una canción que se presta para el vivo y para que se sume a tantos de los clásicos de la banda, en unos años. Para cerrar la siempre cautivante "The Killing Moon". Pensar en la distintas versiones que ha tenido esta canción, tanto de los Echo & the Bunnymen cómo de otros artistas... y pensar que ellos harían una reelaboración suponía una difícil tarea. ¡Y lo han logrado! Desde el comienzo con un piano, la voz y algunas cuerdas hace que La Luna Asesina se vuelva mágica, hipnótica y dulcemente peligrosa... pero esta versión me vuelve a cautivar como cuando la escuché por primera vez. El cierre perfecto para un álbum en donde desde la portada esperamos escuchar esta canción. Está versión dignifica el premio de clásico de todos los tiempos, sin lugar a dudas de las cinco mejores canciones de mi historia personal.

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[ Entrevista a Horacio.nuevatemporada por Diego Centurión Fotografía: Lily Moonster. ]

NO ENSAYAMOS, ENTONCES QUE ALGUIEN ME LLENE EL VASO

Horacio.nuevatemporada nos abrió las puertas de su sala en donde pudimos hablar larga y distendidamente con ellos sobre su música y todo lo que conlleva esto de ser una banda independiente y autogestionarse, manejando cada uno de sus pasos, y sus propios tiempos. A simple vista parecería una banda de amigos que se junta a ensayar, a conectarse. De vez en cuando comparten eso con su público, son una banda que no sigue modas ni estereotipos sino que sigue su propio sonoro caos creativo y su impronta de banda punk, como le gusta decir a Darío, uno de sus fundadores. Mientras nos acomodamos para esta entrevista Darío dice la frase: … “No Ensayamos, Entonces Que Alguien Me Llene El Vaso”, marcando así el inicio de esta charla…

Hola Chicos, gracias por abrirnos las puertas de su casa y poder compartir este momento con ustedes. Para empezar, cómo su nombre lo indica hay un pasado décadas atrás. Cuéntenme un poco que hay detrás de Horacio, antes de la nueva temporada. Ferran: Para introducir en el tema, yo hoy encontré un cassette en mi casa, que tiene mucho que ver con lo que acaba de preguntar Diego. Así que contáles un poquito... Darío: Claro, es un cassette, no me acuerdo que año era, noventa y pico (noventa y seis), que es un compilado en el que estamos con "Menos que Cero" y la banda de Krantz, El Pesa nervios. Y estamos presentes con una canción de la primera temporada. De hecho duramos muy poco, estuvimos un año ensayando y otro año tocando… aprendimos a tocar!. (risas)

Ferran: Esto quiere decir que había un Horacio entre 1995 y 1996. Hágamos un repaso de lo que ha sucedido en el seno de la banda desde aquella primera entrevista en enero del 2016 que hizo Bernardo Jiménez Mesa. Darío: Primero se va Nixs (bajo) a México por trabajo y entra Franchi y poco después se va Ema (batería), por problemas personales, y viene Ariel. Cambia la base rítmica totalmente. Ariel: eso fue en 2017... Darío: Y después entra Maxx en los teclados este año, así llegamos a hoy, con un dólar de $40. (Risas)

Ya han pasado dos años de "La física de lo imposible", su último álbum. Y más allá de haber participado en varias compilaciones de la Revista, ustedes no son una ¿Quién estaba en esa formación? banda que graba muy seguido, ¿cuál es Darío: Bella, los hermanos José y Carli- la razón? tos Piesco en la base, bajo y batería y LeanFerran: Lo que pasa es que hubo temas, dro Fresco en teclados, en esa canción. Por- pasaron cosas en el medio, el tema de que que Leandro si bien ensayó y tocó en varios Ema dejara la banda, prefiguró un impasse shows, cuando grabamos el cassette, sólo de casi un año te diría, hasta que decidimos tocó en dos canciones porque ya no estaba que queríamos otro baterista, y vino Ariel,en la banda. que se integró, se aprendió las canciones, Ariel: o sea... estaba Fresco pero no para que contribuyó con lo suyo… pasó el tiempo. tanto... (risas) Después hubo otra cosa, nosotros volvimos

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do, es decir, buscarle un concepto estético siempre diferente, ustedes logran que sus conciertos sean siempre diferentes. Ya sea desde lo sonoro o sus propios estados de ánimo. ¿Ustedes se dan cuenta de esto y por qué creen que sucede? Franchi: Si, capaz que algunos muy pegados pueden ser similares, como en el 2016. También porque pasa un tiempo entre show y show, y puede cambiar también el contexto. Bella: También puede modificar algunas cosas. Ferran: Yo creo que también tiene que ver con la concepción de la música que hacemos. Básicamente nosotros no estamos buscando, no es que nos hagamos los cancheros, somos así... Franchi: ¡Somos cancheros! (Risas) Ferran: ... no somos una banda pop, que ensaya y tiene todos los temas perfectos, que suenan todo el tiempo iguales... venimos de He visto muchos vivos de la banda, si lugares bastante distintos a eso. Creo que bien sus shows no tienen una estructura prácticamente todos, Darío puede hablar hode performance con un especial conteni- ras de ese tema... pero las cosas que nos a grabar y creo que pensamos seguir grabando, y algunas canciones las vamos a volver a grabar, porque el sonido actual de la banda por ahí no está reflejado en la Física de lo Imposible. Y, en mi opinión, el sonido de la banda se asentó muchísimo, se descubrió, floreció, digamos. Vale la pena volver a grabar, y dicho sea de paso, hemos encontrado un compañero de ruta que es Gabriel Funes, ex Panda Paranoico, gran ingeniero de sonido, que nos grabó (y produjo, de alguna manera) en estas dos últimas canciones (que grabamos para el sello No Devotion Records) y que seguramente será el que grabe la próxima. Bella: Además estamos haciendo canciones nuevas todo el tiempo, la verdad también es esa. Hasta que los terminamos, los moldeamos bien, grabarlos lleva su tiempo. Franchi: ¿Pero se viene, no? Todos: Si…

inspiran a nosotros tienen que ver con músicas más frágiles, más de búsquedas que de encuentros, y por eso creo que suena distinto, porque nunca estamos buscando hacer el tema pop perfecto que siempre va sonar igual para que la gente diga "Ah ahí está, igual a como me lo acuerdo", no, creo que pasa más por una búsqueda estética, por un placer personal si querés, ahí están Brian Eno, la Velvet Underground, Glenn Branca, Sonic Youth y también grandes de la música pop, como Charly García. Franchi: Claro, no cerramos del todo los temas... Darío: Por eso la idea de volver a grabarlos porque suenan diferente. Bella: "Horacio"(la canción)... ¿cuántas veces la grabamos? Darío: En realidad tiene dos grabaciones y ahora estamos terminando la tercera... De hecho, "Horacio", la compusimos después de que separó Horacio (la banda), en ese momento éramos el dúo SiRe (Bella y yo).

éste lado de la Argentina, ustedes hacen pocos shows, siempre seleccionan el lugar, se encierran en la preparación de ese show. ¿Esas son algunas de las razones por las que no tocan tanto en vivo? Darío: Si, además no sólo por nosotros, sino por la gente... hay gente que nos gusta ver y queremos que vengan y que vengan contentos, y que vuelvan... y si vos tocás todos los fines de semana, podés crecer en público, te puede ver otra gente... qué se yo... somos más familieros.

El trabajo compositivo ¿ha cambiado en estos años con los nuevos integrantes de la banda? Bella: Me parece que no. Darío: En realidad... yo vengo con los tonos... se tocan, los arreglos los hacemos todos... la letra y la melodía de voz la hace ella. Ella canta lo que tiene ganas... escucha para ver más o menos la onda... y después van cambiando. Ferran: La composición es netamente de A diferencia de lo que suele suceder en Darío y Bella. Pero lo interesante es que los la mayoría de las bandas, al menos de que nos incorporamos después, venimos de

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lugares... un poquito diferentes, en cuanto a concepción. Y Ari, Franchi, Maxx y yo, cada uno viene con algún bagaje diferente y le da una carga distinta a lo que era originalmente la composición. Cuando vos escuchás el resultado final, tiene muchísimo que ver con lo que trajo Darío, en cuanto a clima, en cuanto a armonía, sensibilidad y todo esto, pero no es la canción que hubiese hecho Darío solo. Lo cual está buenísimo, (yo también soy compositor, me encanta cuando traigo una cosa y queda totalmente transformada, pero mantiene la esencia). Eso es lo que pasa en Horacio, hay mucha gente enamorada del proyecto que aporta cosas.

con suerte me pasaron los tonos... (risas) ... y después “mirá y hacé lo que quieras”, y eso me parece que es todo lo que pasó, no sé a dónde irá, pero mi experiencia fue así. Creo que el criterio es libre en ese punto. Darío: Tiene mucho que ver con lo que decíamos con Bella como cuando éramos SiRe, que estábamos concebidos como dúo, que siempre tocaba con mucha gente invitada, y la idea era que cada show, que se hacía cada tres meses, cambiaban los invitados en general y tocábamos los mismas canciones. Y esto era para mí una idea experimental, que eran canciones pop, canciones simples, de pocos acordes, pero la instrumentación cambiaba siempre, entonces la canción siemRecuerdo que la idea del Compilado pre era elástica, dependía de quién estaba NDR Sessions Argentina surgió de una al lado... entonces tenemos un ejercicio, de transmisión en vivo de su show en la últi- tres o cuatro años, de hacer chicles las canma fecha del Ciclo Entrepisos. ¿Cómo se ciones. Yo sigo haciendo los mismos acordes ha ensamblado la nueva formación a las y veo como las canciones van cambiando y canciones? van cambiando... y está bueno, qué se yo... Franchi: Para mí eso se dio de una forma a mí personalmente me divierte y me entremuy natural y libre, en la que por ejemplo, a tiene, sino tocar las mismas versiones a esta mí no me dijeron: "esta es la línea de bajo"… altura, sería muy aburrido.

Bella: Yo iba a decir eso... las canciones nuevas, por ejemplo, son las que más me van gustando... ya las viejas no las quiero cantar más... con las nuevas juego con los chicos, me aportan y aprendo todos los días, y me encanta... Y los nuevos integrantes... Maxx: Yo soy el más nuevo, pero podés hablar vos Ari... Ariel: Las canciones nuevas me encantan... y estoy de acuerdo con Bella, que también vengo de un momento donde todas las canciones estaban en el EP, y podías escuchar ahí... entonces para mí también fueron las "nuevas", porque las otras eran como las viejas, de alguna manera, porque ya venían siendo tocadas... Pero al final, te das cuenta que no son nuevas, sino que te enterás que son más viejas, que las "viejas", anteriores... "me gustan las viejas" en definitiva.... (Risas). Maxx: Viví mi entrada muy fortuita, porque un día Darío me dice: "compré un sinte, querés venir a tocar a un ensayo". Franchi: ¿querés venir a jugar a casa?... Maxx: Fue bastante natural porque ese día sin conocer las canciones, sólo con algunos tonos, empecé a jugar, y yo creo que Horacio tiene un poco de eso, el juego, ensayo - ensayo, que lleva al que la canción cuaje en algún momento, y el juego también está en el recital, porque a veces nos miramos y eso lúdico está en el vivo. Que no sale exactamente igual que en el ensayo y no sale exactamente igual que en otro recital, particularmente eso a mí me encanta, no sólo porque es una experimentación constante, sino que refleja como dice Fer... el bagaje y el sentimiento de cada uno de ese momento. Yo creo que no ha sido para nada trabado y siempre fluye, y siempre va para adelante, y es el mismo espíritu de los ensayos. Entonces esa búsqueda, también a mí me da un espacio, por el instrumento que tengo, de buscar, de meter, y por ahí eso queda y por ahí eso que queda en algún momento que debería ir, no va, porque no queda bien en ese momento,

y es como dice Franchi, seguimos la voz y lo que hace Darío, y no va pero siempre pega, eso es lo que tiene de bueno y eso es lo que siempre se escucha de la gente, ¡qué buen ensamble!. En el último show dijeron, ¡Está muy asentado el sonido, se nota que hay ensayo! Y en realidad... el ensayo es caos y el caos es creativo, me parece que es una de las claves por la cual también enamora la música, porque es hipnótica. Y yo lo veo así. Y es como dice Darío, queremos estar estirándola y es como un trance donde todo el mundo empieza a volcar algo y algo, y funciona así, y es algo que a mí me encanta. No me pagan nada, eh!... (Risas) Franchi: y nos llevamos muy bien... Bella: y le llenamos el vaso a Darío. (Risas) Hay una exigencia implícita en estos tiempos que las bandas deben editar mucho material para mantener a sus fans. Ustedes son una de esas excepciones a estos cambios. ¿Cómo ven está nueva modalidad mayormente relacionadas a las redes sociales? Franchi: No tenemos esa cabeza marketinera para nada... somos muy anacrónicos. Darío: Yo creo que también tiene que ver un poco con la edad de algunos de nosotros. No todos... porque hay chicos que son más jóvenes... cuando yo empecé los ensayos se arreglaban por teléfono e invitaba a la gente por teléfono a venir a casa o iba a los recitales y decía... "Che, ¿Sabés que tocamos el sábado?"... y si la persona se acordaba venía y si no se acordaba no venía. Bella: y salíamos a pegar carteles a la madrugada... Darío: Entonces un ejercicio diferente al Instagram, que también lo usamos. Ferran: Yo creo que no es por una cuestión de edad o de falta de uso de las redes sociales. Hoy en día cualquiera usa redes sociales. Me parece que tiene que ver más con cómo uno se planta frente a lo que está haciendo. Porque en ese sentido podrías reducirlo a esto: "¿Cuál es nuestro objetivo? El

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objetivo nuestro es reunir un grupo de gente alrededor de una idea musical, de una idea estética, que produce resultados estéticos. Ese resultado estético no puede ser forzado por el marketing, y yo no estoy diciendo que eso esté mal, hay bandas que hacen marketing porque su música así lo pide, y necesitan de esa herramienta para vender todos los discos que puedan, porque ese es su placer. Y me parece bárbaro. El placer nuestro no ese factor, es encontrar música que nos guste a nosotros y le guste a un círculo que se puede ir ampliando o no, pero que lo disfruta. Yo creo que por ese lado va el no insistir en el marketineo, porque simplemente me parece que no es nuestra necesidad. Bella: Yo creo que sonamos siempre distinto porque uno no está siempre igual. Y nosotros somos muy emocionales y parece que en el escenario lo volcamos. Ese día volcamos la emoción que sentimos y yo creo que eso le pasa a la gente.

Luz ¿cómo es tu trabajo con las letras, vienen antes o después de la música? Bella: No, yo escribo dependiendo de lo que me haga sentir la música. Por lo general escribo cosas cotidianas o que escucho de la gente que me rodea, que escucho lo que le pasa, de ahí salen. Pero nunca hago una letra antes de escuchar la música. Trato de escribir según lo que la música me haga sentir. Ferran: Perdón que interrumpa. Pero yo nunca vi una cosa así. Hacemos una canción y ella se va a sentar a un rincón y escribe una letra y ya está, no es sólo que escribe la letra sino que compone la melodía. Para mí es un don. Bella: hay que hacer melodía arriba del ruido que hacen ellos... (Risas). Ferrán el trabajo que hacen con Darío con las guitarras es espléndido. ¿Cuánto trabajan en la coordinación de efectos y estructuras sonoras? Ferran: Mirá vos, que curioso, porque no

hay mucho trabajo. Bella: para mí si hay mucho trabajo. Franchi: ¿Cómo que no hay mucho trabajo? Ferran: No hay mucho trabajo pensado, creo somos dos tipos diferentes de guitarras. Darío trabaja mucho el clima, el magma sonoro, generalmente la guitarra de él está mucho más distorsionada y procesada que la mía, y yo manejo una cosa, por ahí, más clara pero que se prende de lo que está haciendo Darío. Y después hay parentescos, nos gusta más o menos la misma música, también los dos somos fanáticos de Twin Peaks, nos gusta ese sonido más empírico. Darío: yo hago una canción. Busco una combinación de acordes que me gustan esa combinación me lleva a una melodía, cuando ella le pone la letra, esa melodía o ese sentimiento empieza a redondearse y, después que tengo la letra, le doy matices. Si ella está bajón no voy a hacer algo eufórico, o viceversa. Entonces empieza a haber matices. Ferran: Cuando vos decís "trabajo de guitarras" yo enseguida pienso en Television,

no hay ese trabajo como en Television. Ellos están haciendo un contrapunto permanente. Acá hay dos personas que hacen algo rápidamente, cada uno por su lado, sobre una base, existen esas diferencias porque somos diferentes. Nos complementamos. El bajo de Franchi juega un papel importantísimo dentro de la estructura sónica de Horacio, y si bien, la mayoría de las canciones ya estaban, tu toque le da una dulzura, que para la banda es esencial, además ahora aportas coros ¿Cuánto sientes que ha cambiado la estructura de las canciones con tu incursión en el bajo? Franchi: Cuando empecé a tocar, casi como una especie de premisa me dije que quería solo tónica y corcheas y semicorcheas, lo más simple posible, eso cuando empecé. Un poco pensando en lo que había, que lo que había era nubes, entonces estaba pensando que el sonido baje a Tierra. Después fue mutando un poco. Cuando vino Ariel mutó más, porque empezó a haber una

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conexión, que con Ema no lo llegué a desarrollar, por una cuestión capaz de tiempos, no lo sé. Pero con Ariel es como que vamos más en dúo, porque la base está un poquito más charlada, tampoco es que lo hablamos mucho. Pero hay una charla sonora. El gremio Tierra... (Risas). Porque en las guitarras hay mucho aire, y con respecto a la voz de Bella, la otra cosa que pensé es en sus melodías, lo que hice estaba siempre relacionado a la melodía de la voz. Los pequeños arreglos los hacía en los espacios que hacía la voz, como para darle un pie a la voz o algo así.

esa causa y lo que puedo expresar es mucha alegría de ser parte de un grupo musical y un grupo humano, y estoy contento por eso. Ferran: ¿Qué opinás de lo que yo pienso que sos un baterista sinfónico? Ariel: Primero, Diego, es uno de los elogios más lindos que me hicieron, me dijiste muchas cosas lindas que no suelen decirme, además, me encantó gracias... y después Fer… no. Aparte no lo soy. Ferran: Yo siento que hay una cosa más orquestal en tu manera de tocar la batería... Ariel: Tal vez eso te influencie a vos por la música que yo escucho, pero es bastante ruAriel, me parecés un baterista ideal para dimentario lo que yo toco... Horacio, vos trajiste esa conexión más arFerran: no... perdonáme... pero lo descubrí mónica, me pasa con vos que la banda se escuchando las grabaciones que hicimos últermina de armar, es un todo, como que timamente... y ahí me enamoré de la batería la banda puede llegar a todos los climas. de Ariel. Porque antes uno está ensayando Sos un baterista que si se le presta aten- y escuchas todo más o menos, pero cuanción, nos damos cuenta que hacés cosas do lo escuchás atentamente y decís... pero increíbles. ¿Cómo es tocar en Horacio? qué bueno suena esto, suena llena la batería, Ariel: Es bien diferente como la práctica de suena -yo le decía en ese momento- tímbrila teoría. Primero porque nunca lo teorizo, ca... de Big Band. Es raro que en una banda sino que trato de sentirlo, sintonizar ahí en de shoegaze suene una batería de Big Band.

Maxx quedás vos... Bella: El nuevo... Maxx: ¿El más joven? (Risas) Yo te conozco hace muchos años y la verdad es que siente que en Horacio vos podés jugar más que en otros proyectos que tuviste. Y te veo muy feliz... Maxx: Totalmente es algo muy diferente a otros proyectos, donde lo que a mí me gusta que nombré antes es ese caos creativo, que no tiene un límite, no tiene un formato y no tiene fin. Y que es hipnótico... recién mientras estaban hablando me imaginé un postre y miren lo que voy a decir... un helado, donde hay dos bochas, que son Darío y Ferrán, dos obleas clavadas que son las estructuras que serían Franchi y Ariel, Bella, obviamente es la cereza (Risas)... y yo, como vine después, soy como el chorro de dulce o chocolate, que le vas poniendo desde arriba y empieza a fluir y empiezo a meterme, como dijo Franchi, en los espacios. Porque entrar en una banda que tiene una formación y que tiene una estructura y una forma definidas de cosas, por más que sea anarquicas, es una forma, trabajar sobre el caos es una forma de trabajar, no es que no es una forma. Y venir desde atrás es justamente eso, donde hay un espacio poder poner algo, sin hacer capas sobre capas, porque tampoco es una idea. Y a veces es tan simple como una nota, o dos cositas. La idea no es sumar complejidad sino meterse en los espacios, es algo que a mí me gusta, porque a diferencia de los otros proyectos, acá es buscar sonidos, buscar texturas, lo otro es predefinido y buscar un sonido o un objetivo y conocés el otro tipo de música que hago, y esto nada que ver. Esto es una paleta, lo habíamos hablado una vez con Darío, lo de la textura. Y esa analogía que hice define mi participación, en algunos lugares donde se mete más y en otros lugares donde queda un poquito, pero cuando probás el postre, es todo. Franchi: y cuando le sacás una foto para

el instagram... estética pura. Cómo banda netamente autogestiva, ¿Cómo ven la escena en Buenos Aires? Ferran: Yo no sabría qué contestarte por que no sé qué otras escenas hay en otras ciudades de Argentina, no sé qué escena hay en Rosario, en Córdoba, en Mendoza... la escena que hay en Buenos Aires es muy interesante, está en una época interesante además, como hubo otra escena interesante en los 90's, creo que ahora es un época en donde se dan muchas cosas piolas, nuevas, pero siempre está esa cosa como que nosotros somos medio caracoles, estamos metidos acá y... ni siquiera vamos a tocar a Burzaco. No sé ¿alguien tiene algo que decir sobre esto? Ariel: No relaciono a Horacio en esa escena, pero sí decir que me parece que hay una generación en chicos más jóvenes que nosotros, que me parecen increíbles. Y creo que lo que está sucediendo a nivel musical, es demasiado abarcativo para decir increíble, pero sí que están pasando muchas cosas, no creo para nada en esa camada de gente, no hay nada interesante, el rock está muerto, creo que hay muchas bandas haciendo música con riffs que la rompen, tocando rock, que tienen mucho para ofrecer, lo puedo reducir a las bandas pero lo hago más a abarcativo y digo a los músicos. Estoy viendo que los chicos de generación 20 o 25 años, tienen un bagaje y una data, que mi generación no la tuvo y creo que las generaciones mayores tampoco. Ferran: Sí, hay bandas increíbles, me taladra la cabeza una banda que se llama Bube Kaos Mayic Klan, esa banda es increíble. Son pibes jóvenes que hacen una escenografía increíble, unos disfraces, música de locos, de otro planeta. Yo los conozco porque los vi ensayar acá, pero me imagino que todo eso pulula, hay montones de cosas, por eso también coincido con Ariel, esos viejos vinagres que dicen "No pasa nada"... (que se mueran) Maxx: Yo concuerdo y no. Porque lo que

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si veo son herramientas creativas, buenas ideas, pero a diferencia de los que somos de otra generación todas esas bandas son efectivistas, inmediatos, se pierde un poco el concepto de cuando uno arma una banda y para donde llevás la música. Porque yo he visto muy buenas bandas, pero son de tiro corto, y ese tiro corto tiene que ver con la ambición que tiene la banda, yo no digo que es malo o bueno, digo que es diferente, porque éste es un momento efectivista. Ferran: Lo que pasa… es verdad, hay una generación efectivista, y yo tampoco estoy juzgando eso. Mi hijo que se dedica a la Ciencia Política también es efectivista en ese sentido, si bien viene de una vertiente de izquierda, es efectivista, está buscando el efecto. Pero yo creo que dentro de la gente joven también hay más variaciones digamos. Maxx: En realidad, todo queda, lamentablemente, en función del mercado, porque también es un mercado efectivista, esas ban-

das también tienen poco tiempo de demostrar, primero que no lo tienen incorporado, y tampoco tampoco tienen el pensamiento de hacer de su música un concepto. Ferran: A la vez el mercado es tan reducido, que en donde hay dos o tres que comen de esto, el resto no, que en un punto llega a ser un alivio para muchas bandas. Darío: Por lo que escuché es el triunfo del Punk, todos tocamos, todos podemos tocar y todos en algún momento tocaron en una banda. Yo en la sala de ensayo recibía gente que era evidente que no sabía jugar al fútbol, y venían a tocar, y de hecho, tampoco sabían tocar. Pero es más fácil tocar que ir a jugar un partido. (Risas)... y..todos queremos tocar la guitarra... y todos queremos cantar y todos queremos tener una banda... y está buenísimo, a algunos les va bien, a otros no tanto. Otros se conforman con tomarse tres vinos en el ensayo y que me llenen el vaso y ya está... (Risas). La música está incorpora-

da a todos nosotros, Hoy no podés ir a la playa sin que te pongan un parlante en la oreja.

que se pone en medidas iguales es la mitad del trago, no es todo alcohol. La otra mitad se completa con Coca Cola y jugo Limón, por Para ir terminando, antes del cierre a eso parece un té helado, por el color, pero cargo de Maxx con algo especial… ¿Qué pega divino. Cuando vas sumando los alcohay en el horizonte de Horacio? holes va bajando la graduación. Es un trago Darío: La idea sería, grabar una sesión refrescante complejo, como Horacio, donde para No Devotion Records y grabar un par el que lo sabe disfrutar le encuentra el gusto, de canciones más para sacar un EP. porque yo llevaría ese trago a los alcoholes al 100%, y no tiene mucha onda. pero cada ¿Maxx con qué trago podríamos presen- uno, en medidas iguales y a la mitad deja que tar a Horacio.nuevatemporada? los puedas saborear. Vodka es Bella, Darío Maxx: Hay un trago que es uno de los que es Ron, Ferran es Tequila, Gin es Franchi, a mí más me gusta, y es un trago cataloga- Triple Sec es Ariel y yo soy la Coca Cola y el do en la coctelería como clásico, que se lla- jugo de Limón. El dulce. (Risas)... pero cada ma "Long Island Ice Tea", se llama así por el uno tiene su peso, para mí ese es el trago aspecto, parece un té helado, pero en reali- que define a Horacio.nuevatemporada: Long dad ese trago está hecho con base de cinco Island Ice tea. alcoholes(somos cinco), se compone de Vodka, Gin, Tequila, Ron y Triple Sec. Todo eso, Chicos Muchas Gracias.

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HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

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[ Entrevista con Planeta No! por Benjamín York. Fotografías: Valentina Palavecino. ]

¡ANDAMOS PROBANDO LO SINTÉTICO!

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Desde Chile nos llega esta banda con un elegante pop que nos hace abrir los ojos al escuchar sus prolijas y encantadoras canciones. Hemos contactado con ellos y hemos hablado de su pasado, presente y futuro.

Para empezar esta entrevista, allá por el 2011, cuando nace la banda, ¿Por qué deciden llamarse Planeta No!? Salió tirando nombres, basado en la primera película de James Bond, contra el Dr. No. Queríamos un poco que James Bond perdiera, pero nos gustó por cómo sonaba, más que nada.

del primer EP “Matucana” (2014) y llega en el “Odio”(2015) y con él empieza una carrera que los hace trascender las fronteras de Chile. ¿Cómo recuerdan todo esos años de crecimiento? Con mucha incertidumbre sobre el resultado pero harta fe en nosotros mismos, bordeando lo necio, y sin darnos cuenta de que las canciones estaban trascendiendo El trío viene desde el principio y en vivo para muchas personas, ha sido bonito darse suelen ser más, ¿se incorporan siempre cuenta de eso ahora, pero justo ya pasó jeje, los mismos músicos? y hay que hacer otro disco y todo eso. Sip, ahora para estas canciones nuevas las hicimos entre cinco así que nos sacamos foto Acaban de lanzar “Peligro”, cuéntennos entre cinco, nos pasamos la contraseña del ¿qué sienten con este adelanto? mail a todos y ya está, crecimos jeje. Andamos probando lo sintético, y creo que es el producto mejor terminado que hemos Su música es un perfecto pop, muy hecho. Nos gusta que con publicarlo, ya cuidado y muy prolijo, se nota que hay nos pusimos presión para seguir mostrando horas y horas de trabajo atrás de las música, eso nos tiene ansioso y contentos, el canciones, ¿es así, son tan perfeccionistas proceso nuevo ya empezó y se irá armando con el producto final? de a poco, con canciones, videos, viajes, Sí, un poco maniáticos, se pierde la puesta en escena en vivo, etc. espontaneidad siendo así, pero sirve para el pop. Igual ahora vamos a probar unas ¿Cómo viene el nuevo álbum? ¿Ya grabaciones un poco menos procesadas, tienen fecha de lanzamiento, nombre y en para matizar con los singles que son super qué estado está? controlados y envasados. Tenemos varias canciones grabadas, algunas las está mezclando nuestro amigo Desde su primer single “Ya no veo mis de confianza y productor Fernando Herrera, zapatos”(2013),pasóporelreconocimiento hay otras que debemos grabar y varias más

que podemos incluir o no en el proceso, no estamos tan programados. De hecho, ni sabemos cuándo salga un disco, pero sí vamos a publicar varias canciones primero, porque las tenemos hechas y están buenas, entonces queremos mostrarlas pa ver qué onda. ¿Cómo ven la escena actual en Chile? Quizás hay un proceso de transición, se va armando una escena independiente de música urbana que ha refrescado el circuito de bandas nuevas y no tan nuevas. Quizás cuando volvamos a girar podamso convivir un poco con eso, que ahora veo por youtube nomás.

depresión, algo de política y sociedad, historias, emociones y bastante baile. Busquen en Spotify y elijan qué prefieren de eso. Han estado en Perú, Colombia, Costa Rica, México y España. ¿Se viene Argentina? Ufff nos encantaría, hay que armar algo. Cuando saquemos más canciones averiguaremos con compatriotas de ustedes para ir, porque nos piden a veces que vayamos y queremos probar cómo resulta nuestra música allá, la mejor forma de promocionarse es tocar en vivo.

Para terminar esta entrevista… ¿hay Para aquellos que no conocen a Planeta algo que no haya preguntado y que nos No! ¿Cómo se presentarían ante nuestros quieran contar? los lectores? Nuestro próximo single se llama “me voy Como sale en nuestro instagram, somos una pa mi casa” y salió publicado a fines de banda de pop (bien pop), tocado con banda. noviembre. Y podemos darle letras de amor, desamor,

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[ Reseña de "Simon Hinkler – Moving On" por Diego Centurión. ]

EL AMO DE LA GUITARRA GÓTICA

Simon Hinler - Moving On Label: Correctitude Records Fecha de Lanzamiento: 07 de Septiembre de 2018

Se puede decir que es el regreso del guitarrista del Rock Gótico, aquel que marcó el camino inicial de arpegios y fraseos cargados de buen gusto por las formas arabescas, aquel que delimitó los senderos por donde se limitarían a caminar el resto de los guitarristas del género. Simon Hinkler está de vuelta y su buen nunca se fue, se extrañaba saber de él, más allá de su regreso a la banda que le dio el puesto de todo lo que mencioné antes, The Mission. Después de "Lose The Faith" (2005) no tuvimos nuevo trabajo de Hinkler, más allá de participaciones en grabaciones con sus The Mission o como invitado en The Eden House, ni hemos tenido muchas novedades de su trabajo como solista, más allá de algunos shows en solitario. "Moving On" es un EP que según él: "Cada vez que vuelvo a hacer música me recuerdo por qué empecé a hacerlo en primer lugar. Este EP ha tardado en llegar, pero estoy muy satisfecho con la forma en que se ha producido". Simon aprovecha un parate de su banda madre y se anima a un EP de cinco canciones, que nos trae distintos universos que nos suenan a conocidos, digamos que estas cinco canciones nos hace unrepaso sonoro por las distintas facetas que Hinkler nos ha mostrado a lo largo de su carrera. "It Isn't You" abre el EP con el sonido de guitarra típico rock gótico, para dejar en claro que él es un The Mission. Podemos decir que una declaración de principios y una identificación con lo que Simón Hinkler es, un extraordinario guitarrista de Rock gótico, que a mediados de los 80"s y principios de los 90's sentó las bases y los códigos a seguir por sus emuladores de cualquier banda de rock gótico. Para abrir el EP una marca inconfundible. "Virginia" es una canción que nos acerca, en un ambiente somnífero y onírico, a melodías que nos acercan a las baladas de Suede, Morrissey o David Bowie, pero con un aire a canción triste de cabaret humeante. Aunque ese contrapunto con la siguiente, "Friends", muestra ese lado más divertido del cabaret casi circense que podemos relacionarlo con aquella versión de The Mission de "Mr. Pleasent" de The Kinks que realizaron en ese gran disco “Grains Of Sand”. “What More Do We Know?” es la anteúltima y tiene un extraño y dulce halo loureedesco pero también un guiño a su pasado en Pulp, una balada armoniosa y por momentos con aires de canción oculta Bowiana y se filtran armonías guitarrísticas de The Mission. “Moving On” además de cerrar el EP es la que le da el título al trabajo. Una balada sin sobresaltos, sólo Simon y un piano (seguramente tocado por él) y algún teclado muy de fondo casi hacia el final. La voz de Hinkler se carga de emotividad husseiana. Un cierre intimista, como una reflexión después de desnudar todas sus facetas y, si se quiere, sus influencias, su pasado. Un cierre donde Simon Hinkler abre una puerta y la deja entreabierta, mirando a través de ella… un futuro creativo.

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: PLACEBO – “WITHOUT YOU I´M NOTHING” BIPOLARIDAD CONDUCTORA

Tras un promisorio debut y con un primer corte Top 5 en el UK Chart con “Nancy Boy”, Placebo era una banda que empezaba a generar interés público a mediados de los 90’s. Entre aquellos que se sintieron atraídos resultó estar nada menos que David Bowie, con quien Placebo se dió el lujo de tocar en varios conciertos durante el año 1996, hasta incluso para el cumpleaños n° 50 del Duke en el Madison Square Garden. El espíritu de Bowie continuó haciéndose carne en Placebo, ya que el siguiente paso del trío consistió en su participación con un cover de “20th Century Boy” en la banda de sonido de la película “Velvet Goldmine” inspirada en la escena Glam Rock de los años 70´s (y directamente relacionada con las vidas de Bowie e Iggy Pop). Esta fue toda la previa al segundo álbum de Placebo, que ya se estaba gestando.

Contar en la producción con el entonces ascendente Steve Osborne (ya tenía en su cartera trabajos con U2, Happy Mondays o Lush) no fue un tema menor, y aunque la relación que tuvo el mismo con la banda fue bastante conflictiva, los resultados no dejaron de ser óptimos. Aun así, temas icónicos de la placa en cuestión como “Pure Morning” (primer single cortado) contaron, como otros temas, con la producción de Phil Vinall. Sorprendería a más de uno enterarse que “Pure Morning” fue originalmente concebido como un cara B de algún futuro single, pero el resultado final daba obviamente para mucho más que eso. Junto a “Never Let Me Down Again” de Depeche Mode, podemos considerarla una de las más grandes odas a la amistad, y al igual que el tema de Depeche, es oscuro, envolvente y adictivo. Ideal para dar apertura a sus respectivos álbumes. Así fue como el adelanto del nuevo disco, que ya estaba terminado, fue justamente un tema que se metió por la ventana. “Pure Morning” fue lanzado el 3 de agosto de 1998, alcanzando el #4 en el UK singles chart. El sombrío video en cámara lenta muestra a Brian Molko amenazando suicidarse desde el borde de un edificio londinense, para terminar caminando por las paredes en lugar de caer al vacío. Androginia y desafío de leyes físicas en un mismo acto.

La consigna de este segundo disco era mostrar el lado más netamente glam rock de Placebo con ribetes de electro-punk similares al Sonic Youth o Pixies que supieron sacudir la escena under a comienzos de aquella década. Un pasaje furibundo como “Brick Shithouse” da cuenta de esta cólera desatada, que se complementa con saturaciones y acoples en otros tracks desbordantes de contundencia como “Every You Every Me” o “Scared Of Girls”. Incluso en el hidden track “Evil Dildo”. Pareciera que los puntos más elevados se encuentran en esos arrebatos, pero la violencia en Placebo se sublima en los momentos de mayor profundidad emocional que reside, con natural peculiaridad, en sus producciones más lentas, lúgubres y melancólicas. El tipo de amor que se describe en una letra como “Without You I´m Nothing” es aquel que desgarra, que no permite vivir, que arrastra a la desesperación del saber que no hay salida más que el abismo. Ese tipo de situaciones se describen una y otra vez a lo largo de exquisitos 65 minutos. Así como el momento bisexual de Molko entonando la romántica y sufrida “My Sweet Prince” (no “Princess”) con estrofas como “Never thought I’d get any higher / Never thought you’d fuck with my brain”. Así es medio difícil que las cosas funcionen, diría un tradicionalista! By The Way, yo entiendo que es un gran ho-

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nor que David Bowie quiera grabar una canción a dúo con tu banda, pero realmente me quedo con la versión del álbum antes que con la del single “Without You I´m Nothing” con la voz de Bowie grabada encima. Te quiero Duke, te amo: no me odies desde el más allá por decir esto! Para darle empuje comercial al disco, la rola elegida como segundo corte fue la simpática y bailable “You Don’t Care About Us”, que también logró ser top 5 en Inglaterra. Con dos hits en el bolsillo el álbum fue bien recibido por la crítica y Placebo pudo ampliar su universo de fans, lo que sirvió para una aún mejor performance de su obra posterior “Black Market Music”. En una escena musical mundial donde artistas como Marilyn Manson pisaban fuerte, una concepción como la de “Brick Shithouse” puede parecer menos extrema que lo que realmente es: una persona asesinada viendo desde el más allá a su novia acostándose con otro hombre mientras le canta algo tan intimidante como “I’ll be wat-

ching when he’s around”. Creepy. Tampoco resulta tan revolucionario ya (ni lo era en 1998) pegarle a la Iglesia en un tema como “Allergic (To Thoughts of Mother Earth)”. De modo que nada de lo que aquí se dijera resultaba escandaloso, pero si en muchos aspectos movilizador con un notable desarrollo creativo. Como sea, “Without You I’m Nothing” es un disco que no se molesta en evitar evidenciar una completa inestabilidad emocional. Un sube y baja desbocado es la línea que caracteriza toda la obra: de “The Crawl” saltamos a “Every You Every Me”; de la deliciosa melodía de “Summer’s Gone” pasamos a la tormentosa “Scared Of Girls”. Tal vez sea “Every You Every Me” la canción que resume todo aquello que somos y que sentimos: todos tenemos algo viejo y algo nuevo, todos tenemos algo prestado y algo triste. Todos podemos ser egoístas o crueles. Todos podemos ser Placebo en algún sentido. Me encantan este tipo de discos donde,

pese a la bipolaridad, hay un hilo conductor que hace que nada desentone. Ese es el pilar: abusar de ese placer que siente el oído del sufriente ante los altibajos. Frenesí y abatimiento en una constante ida y vuelta, todo por un mismo precio. No se puede pedir más: por algo es esta la producción que mejor representa a Placebo a lo largo de su historia.

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[ Reseña de Marissa Nadler - For My Crimes por Benjamín York. ]

AMBIENTACIONES PARA TARDES DE LLUVIA

Marissa Nadler - For My Crimes Label: Sacred Bones Records / Bella Union Fecha de Lanzamiento: 28 de Septiembre de 2018 Sinceramente escuchar a Marissa (para aquellos que no lo han hecho aún) es un viaje de ida. La cautivante voz nos hace despertar amaneceres y atardeceres en nuestra alma con el simple hecho de su resonancia intimista y delicada. Con una voz que siempre parece susurrarnos secretos inconfesables que buscan para hacerlo, un ambiente de calma y nocturnidad creada por la instrumentación que elije para cada track. Marisa es una cantautora de folk que nos lleva por difusos bosques creados por nuestra propia mente y que ella musicaliza a modo de soundtrack de manera exquisita. "For My Crimes" es la conjunción perfecta entre el folk, el dreampop más difuso y esas ambientaciones para tardes de lluvia.

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[ ReseÃ±a de Tesla Boy - Remedy por Franco Colombo. ]

DESDE RUSIA CON AMOR

Tesla Boy - Remedy Label: Gorby Fecha de Lanzamiento: 19 de Octubre de 2018 El pasado 19 de octubre tuve un excelente regalo de cumpleaños, ya que desde Rusia llegó el nuevo y tan esperado trabajo de Tesla Boy: REMEDY. Tesla boy es el proyecto de su creador, voz y líder Anton Sevidov, donde su carrera nota un crecimiento exponencial desde el año 2008. Renovado con una nueva formación nos presenta un exquisito viaje sonoro desde el sentimiento, un sonido más oscuro, reflexivo acercándose a un sonido más actual. Es el tercer álbum de estudio, grabado en distintas ciudades europeas como en Londres, Moscú (de donde provienen), Praga y San Petersburgo, conteniendo 12 hermosas composiciones downtempo las cuales llegan a picos bailables fugazmente. Nos tenían acostumbrados en sus comienzos a temas cercanos al Synthwave (sonido retro de la década de los 80s) como Spirit Of The Night, Electric Lady, Rebecca o Fantasy rozando el New Romantic de Duran Duran. Su predecesor: Moses, un EP del año 2016 nos adelantaba la otra cara de Anton, más introspectiva, dando como resultado Remedy. Sometimes da comienzo con un sonido pulido y maduro, los casi seis minutos nos van poniendo en órbita como si fuéramos tripulando el Vostok 1. Su primer single "Compromise" sin duda alguna es mi preferido del año, una balada synthpop cargada de sentimiento, bellas melodías en un perfecto mix de piano y sintentizadores, y una maravillosa suplica y agradecimiento al universo. Nótese un similar sonido de baterías electrónicas análogas al single Dreaming of Me, clásico de Depeche Mode del año 1981. Different comienza a dar dejos de baile pero Glow nos vuelve a envolver en un manto de melodías y armonías vocales. Es notorio que Anton nos quiere llevar a un estado de instropección total; como bien acaba de comentar en una entrevista en el lanzamiento del disco: "En general, todo el álbum fue escrito con un infinito sentimiento de amor". Innocence, una balada de piano rozando lo acústico da lugar a Reputation con sonido con alguna influencia soul norteamericana bañada en sintetizadores distorsionados y saxos que nos transportan a 1984, un recurso que bien usado brinda excelentes resultados. El turno del tema que da nombre al álbum comienza a tomar rumbo a la pista, con un bassline 303 similar a Circles, definitivamente deberá ser un futuro single de la banda. Siguiendo la línea de todo el disco, las baladas We y Memories, sonido radial, especial para ese momento de regreso a casa, en un atardecer, especial para abstraerse de todo lo que no queremos para ese momento. Sin dudas el tema "U" es una de las estrellas, un estribillo tan pegadizo que a primera escucha resultará como si ya lo has escuchado anteriormente, siempre adornado del sonido de piano y brillantes sintetizadores análogos. Como si esto fuera poco, Anton nos invita a dar fin a un disco que se siente y aprende a cada escucha. Como sentados en su sala de estar nos regala una cálida taza de té mientras suena Gimn para despedirnos con Your Age Outro. En conclusión, en un mundo donde todo es lo inmediato, rápido y atropellado, Remedy es la solución y una delicia para el oído exigente. Más de Tesla Boy en: www.teslaboy.com

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[ Reseña de The Wide - Paramount por Diego Centurión. ]

LA MAGIA SIGUE EN PIE

The Wide - Paramount Label: Echozone Fecha de Lanzamiento: 26 de Octubre de 2018

A The Wide se lo podría comparar con esas bandas que continúan su camino musical perdiendo a su cantante y frontman y logran despegarse de su pasado para reorganizarse y escribir su propia historia. Sin los mismos motivos y relaciones personales podemos ligar la nueva historia de los ex-miembros de Dead Guitars con bandas como Joy Division y New Order, Bauhaus y Love and Rockets, Fields of The Nephilim y Rubicon y otras bandas. Tal vez la comparación suene a exagerada comparando estás bandas con Dead Guitars, que no tuvo la popularidad de las mencionadas, pero el Punto de comparación existe en el hecho de que sin el cantante el resto de la banda supieron distinguir un nuevo camino y buscar no repetirse. The Wide es un desprendimiento de Dead Guitars y si bien la relación con Carlo Van Putten es buena, ellos decidieron reagruparse como The Wide y acaban de editar su álbum debut, Paramount. Pete Brough, Ralf Aussem, Kurt Schmidt y Hermann Eugster. Paramount es un compendio de 10 canciones en donde la banda nos mueve por distintos paisajes sensoriales que van desde el pop rock al dreampop pop. Desde su comienzo con "Walking Way" la mágica guitarra de Ralf nos envuelve en una nube de sensaciones etéreas que se insertan a la perfección al pop rock de la canción. Y como nos dijo Carlo Van Putten sobre la voz de Pete, tiene una voz hermosa. "Girl" va en el mismo camino y tiene algo que me recuerda a New Order, una exquisitez. "Eyes Are Close" es una canción morriseana. "Heroine" es una bella, bella canción dreampop que ilumina el álbum. "Fall for You Love" canciones como ésta son las que nos hace pensar que el pop siempre tuvo ese encanto especial, cuando está bien planteado y llevado a cabo. "Fearkilling Love" una extraña canción, cómo salida de algún álbum de los 70's, muy guitarrera y, si bien podemos considerarla como "descolgada" del álbum, en el lugar del tracklist funciona como un corte y una activación de las energías para el tramo final. "Stars" encantadora canción que nos hace mirar a las estrellas. "So in Love" nos lleva por un instante a Dead Guitars, sobre todo al comienzo del track, pero después toma forma propia y por eso, no deja ser encantadora. "You" nos trae alguna referencia beatliana y bowiana, las cuáles nunca deja de ser necesarias y bienvenidas. Y para cerrar el álbum la canción que le das nombre al álbum. "Paramount" es el track más largo de este debut y es una gran canción que, a pesar de su extensión, es ideal para el final de este gran álbum. The Wide nos trae un abanico de influencias que están ahí, a flor de piel, pero que es la base del álbum debut de una banda que con una historia que los precede no busca repetir fórmulas y buscar similitudes con su pasado, The Wide demuestra que la magia sigue en pie.

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