Revista The 13th N° 51

AÑO: 5 | NÚMERO 51

THE 13th U N A REV I S TA I M A GI NA R I A

EPIC45 - HELIOS - LUNCIL HOLYGRAM - BURNING HOUSE OSKAR TERRAMORTIS - TWIN TRIBES PABLO CAPUTTO - MARTIN OLIVER MUSIC CORNER: MUSE - PALABRAS EN LA ARENA LA HORA DARK - EL CAMINO DESNUDO CANCIÓN + BANDA: CITIES IN DUST

STAFF Diciembre 2018 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alex Bretto REALIZACIÓN Y DISEÑO

Benjamín York

Diego Centurión.

Diego Centurión Franco Colombo

TRADUCCIÓN

Franco Doglioli

Pablo Müllner

Gabo Rojo Maxx Wild

PORTADA

Pablo Müllner

ARMS

Pablo Ravale Rosco Rosco Coltraine

Jefe de Departamento de Colombia:

Rubén Torres

César León Jefe de Departamento de Literatura: Pablo Ravale.

Jefe de Departamento de Música:

[ Fotografía ] Lily Moonster

Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Maia Triñanez con las fotografías de Alejandro Alba y Franco Colombo.

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

NÚMERO 51 2018 HA SIDO UN AÑO DE MUCHOS CAMBIOS...

Y DE MUCHAS SATISFACCIONES... ÉSTE NÚMERO RESCATA LAS ENTREVISTAS Y ESCRITOS QUE HAN QUEDADO SIN PUBLICAR...

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES

DANZIG - DANZIG KEITH KENNIFF HELIOS PABLO CAPUTTO

HOLYGRAM

10 16 22 MUSIC CORNER MUSE LA HORA DARK TWIN TRIBES PALABRAS EN LA ARENA

OSKAR TERRAMORTIS

54

EPIC45

62

28 36 42

EL CAMINO DESNUDO LUNCIL MARTÍN OLIVER

78

BURNING HOUSE

82 HIDDEN TRACK CANCIÓN + BANDA CITIES IN DUST

68

88 90

DISCOS

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SESIONES ENTREPISOS EN EL ESTUDIO MONTACARGAS YA TENEMOS VARIAS SESIONES LISTAS PARA LANZAR...

INGRESEN Y SUSCRÍBANSE A NUESTROS CANALES PARA RECIBIR INFORMACIÓN SOBRE LAS SESIONES Y PODER VER LOS VIDEOS. WEB: https://www.entrepisosradio.com/ FACEBOOK: https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/ INSTAGRAM: https://www.instagram.com/ciclo_entrepisos/

[ Reseña de Danzig – Danzig (1988) por Diego Centurión. ]

30 AÑOS DE OSCURIDAD DANZIANA

Danzig - Danzig Label: Def American Recordings Fecha de lanzamiento: 30 de Agosto de 1988

Hace 30 años se lanzaba el primer paso de la banda Danzig, pero no el primero de Glenn, quien traía su gran trayectoria con Misfist primero y luego con Samhain. Año 1988, el heavy metal se estaba acelerando y poniéndose cada vez más duro, por ejemplo Megadeth sacaba “So Far, So Good... So What!”, Metallica pegaba el cambio con “...And Justice for All”, King Diamond “Them”, Testament con su “The New Order”, entre otros…

El rock buscaba nuevas formas e intentaba quebrar su propio molde y el heavy empezaba a acostumbrarse a no dejar de pisar el acelerador.

Y todo esto se trata de rock and roll.

Se dispusieron a volver a las fuentes, porque de eso se trata "Danzig" o "Danzig I" (cómo también pueden verlo escrito). Si se ponen a escuchar bien hay mucho de rock and roll y blues, pero con una carga de oscuridad a lo Black Sabbath, con fuertes dosis de riffs geniales y un ritmo, por momentos, imponentes, pero siempre manteniendo la dureza de ritmos simples pero contundentes. Un bajo incisivo y estable, que no se luce sobre otros instrumentos pero que aporta la solidez necesaria para que los golpes de guitarra sean mucho más efectivos. La guitarra siempre inquieta pero con bases muy reconocibles y sin sobre grabaciones, una guitarra directa y sin la distorsión que se empezaba a usar, pero manteniendo esa veta casi punk, con sólos eléctricos y disonantes.

Es el primer disco que sale en el sello de Rick Rubin, quién también produjo el álbum, de manera excelente, le dio ese sonido crudo, como por ejemplo le dio a "Electric" de The Cult un año antes.

El debut homónimo de la banda de Glenn no trae nada que no conozcamos de antemano, el tema acá es la manera en que se utiliza toda esa información conocida para crear algo distinto, no nuevo. El ex – Misfist y Samhain se lleva para el nuevo proyecto a Eerie Von, (quien lo acompañaba desde que era el fotógrafo y plomo de Misfist y luego baterista y bajista de Samhain) y a John Christ (quien había sido el guitarrista de la última etapa de Samhain, y se le sumó Chuck Biscuits (quien tenía una trayectoria en bandas hardcore como D.O.A.). La banda suena ajustada en el álbum y la razón principal es el conocimiento que los músicos tenían entre sí, si bien Chuck fue el último en incorporarse, la solidez en su musicalidad lo hace una de las piezas más potentes del álbum. Los riffs de John son tan simples como contundentes, y la base inamovible de Eerie es sólida y produce esa sensación de sonido inquebrantable y sin fisuras e las canciones del álbum. La voz de Glenn, por momentos, juega un papel de crooner que mezcla los tonos vocales de Elvis Presley y Jim Morrison, pero logra darle un estilo

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tan propio como avasallador.

Hay varios puntos altos en el álbum, “Twist of Cain” abre el álbum con un hermoso riff, que es acompañado por una estructura de rock simple pero enérgica, vale destacar que en los créditos no aparece, pero aparece la voz de James Hetfield de Metallica, como así también en la canción “Possession”, algo para acotar de estas dos canciones es que pertenecían al posible nuevo material de Samhain. El segundo punto alto es “She Rides”, tal vez una de las mejores interpretaciones vocales de Glenn en el álbum, aunque no es la única. “Am I Demon” es otro punto satisfactorio en este debut, ese riff rompe con la potencia de la batería. “Mother” es sin lugar a dudas, LA CANCIÓN de este trabajo. “The Hunter” es un cover de Albert King que recrea sus gustos por el blues y el rock and roll, una versión fantástica. Y el cierre Ledzepelinesco con “Evil Thing” conforman el sexteto de lo mejor del álbum.

El álbum fue el más exitoso de la banda y el single “Mother” se volvió a editar en 1994 como “Mother 94’” aumentando su éxito y llegando al “infaltable” en cualquier compilado de heavy metal de la década del 90.

Pero hoy recordamos que hace 30 años se abrió el portal de la oscuridad Danziana, con el debut más sólido y energizante que se podía esperar, algo que hasta hoy no han podido repetir con otras grandes discos de la banda.

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[ Entrevista a Keith Kenniff de Helios por Diego Centurión. ]

ES UNA SENSACIÓN EXTRAÑA LIBERAR COSAS NUEVAS

Hablar de la música que Keith Kenniff crea con uno de sus proyectos Helios, es hablar de paisajes solitarios, de nocturnidades, de amaneceres brillantes, de gotas de rocío… de movimientos mínimos pero profundos, como la noche, como el crepúsculo… es hablar de la música de ensoñadora pero relajada… es hablar justamente de la no palabra, de las sensaciones… es hablar de nosotros mismos…

Una vez más Kenniff se ha puesto la piel de Helios, y ha lanzado un nuevo álbum, “Veriditas”, y me he puesto en contacto con él para hablar de su música y de su nuevo álbum.

¡Hola Keith!

Gracias por aceptar realizar esta entrevista. Me siento halagado de poder entrevistar a un artista que admiro y que suele conectarme muchas veces con ese silencio interno que tanto me dice.

vuelvo demasiado crítico y no puedo apagar mi cerebro para disfrutarlos mucho.

La edición de Yume (2015) es el momento en el que me uní a los seguidores de Helios. ¿Cuánto crees que la música de Helios ha crecido desde su nacimiento hasta este Yume?

Todo comenzó en 2004. Nace Helios. Algunas cosas han permanecido igual, pero Cuéntanos cómo decides crear Helios. creo que, en general, la dirección musical de Realmente no fue una decisión consciente, los proyectos se ha vuelto más identificada ya que algunos amigos y yo compartíamos y menos dispersa de lo que era inicialmenpistas. Estábamos jugando con la creación y te. Las pistas anteriores eran bastante Warp necesitaba algún tipo de paraguas para po- / IDM y luego me entretuve agregando más nerlos debajo. Con el tiempo, las cosas em- elementos acústicos, y se inclinó más hacia pezaron a unirse y alrededor de 2004 se con- el post-rock alrededor del 2006, así que sienvirtió en mi principal salida para la creación. to que las cosas se han equiparado en Yume y he podido tomar mis influencias y combinarUnomia del 2004 es el primer álbum del las con mi propia singularidad de una manera proyecto Helios. ¿Qué recuerdas de ese más centrada. primer paso?

Yo era un gran fan de Merck Records y co- Al año siguiente publicas nocí a Gabe, quien dirigió el sello, y le en- "Remembrances", donde hablas de los vié un montón de canciones, luego acorda- primeros diez años de tu segundo álbum mos publicar algo muy pronto. Todos éramos "Eingya". ¿Piensas en el paso del tiempo parte de este pequeño grupo de gente joven cuando escuchas esto? que amaba la música experimental / tipo IDM Sí, es un conjunto de canciones nostálgicas. y fue una atmósfera estupenda y saludable Recuerdo haber escrito cada uno de ellos para intercambiar ideas. cuando escucho esa colección. Fue un gran momento para resolver las cosas, tanto en Caesura (2008) ha celebrado sus pri- términos de composición como de producmeros diez años desde su lanzamien- ción. La inocencia y la vulnerabilidad están to. ¿Usualmente escuchas tus discos presentes, pero estoy orgulloso de eso. anteriores?

Una vez que lanzo los álbumes, generalmen- Llegamos al presente y acabas de publite no los escucho a menos que un miembro car un nuevo álbum, Veriditas. ¿Qué sende la familia quiera escucharlos, pero me timientos tienes semanas después de lan-

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zar este grupo de canciones?

Siempre es una sensación extraña liberar cosas nuevas que he mantenido solo conmigo durante tanto tiempo. Es triste cerrar este capítulo, pero luego puedo llevar mi cerebro a un espacio donde puedo seguir adelante y comenzar a crear el siguiente.

Hasta ahora, ¿qué repercusiones tuvo Veriditas sobre los fanáticos y la prensa? ¡No estoy realmente seguro! En general, he estado manteniendo un montón de interacciones en las redes sociales en estos días, solo para compartir algunas noticias o cosas aquí y allá, pero no puedo dedicar demasiado tiempo a investigar más. ¿Quieres comentar sobre tus otros proyectos?

Tengo un álbum llamado "Occasus" que publiqué en abril bajo mi apodo, Goldmund, y mi esposa y yo acabamos de completar otro lanzamiento como Mint Julep, que saldrá más adelante este año.

¿Cuáles son los próximos pasos para Helios y Keith Kenniff?

Siempre estoy inseguro. Todavía estoy escribiendo el próximo álbum, pero probablemente falten un par de años para este punto, las pistas de Helios suelen tardar un poco.

Mientras tanto, tengo un par de proyectos diferentes en los que centrarme y escribir bastantes músicas para películas, que es mi "día de trabajo". ¿Dónde podemos encontrar tu música y seguirte?

Creo que Bandcamp es una buena manera de apoyar a los artistas directamente hoy en día, pero estoy bien con los servicios de transmisión, o realmente de cualquier forma.

Es fácil encontrar música ahora, así que lo acepto. proceso de descubrimiento. ¡Gracias Keith!

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https://ghostly.com/products/veriditas https://store.unseen-music.com/

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[ Entrevista a Pablo Caputto por Benjamín York.

Fotografías: Sumy Sanchez. ]

SEMBRÉ UNAS BUENAS SEMILLAS

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Anticipando la fecha en el Club Cultural Matienzo junto a Dos Lugares nos comunicamos con Pablo Caputto para charlar sobre él, su historia y esta fecha.

Hola Pablo, gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Para empezar el presente nos llama con algo de desesperación.

Acabas de lanzar “33”, tu tercer álbum. Con un montón de invitados que hicieron su parte para que el álbum tenga un sonido muy trabajado. ¿Qué nos puedes contar de las sensaciones que te hacen sentir ver el producto terminado?

De mucha alegría, después de tanto trabajo, ver plasmada la obra es maravilloso. Es un disco que llevo más de dos años y medio en hacerse y dura 29’. Es muy loco cuando lo ves de esa manera. ¿Por qué el nombre del álbum?

Le puse 33 porque fue el año en donde más se compuso el material. También porque fue un año de grandes cambios en lo personal, termine una relación muy larga, deje el nombre artístico que use durante 10 años (jhanniel) y volví a usar mi nombre real, que dicho de paso, en numerología da 33. Y también porque es el tercer disco y un poco jugué con eso. También me gustaba la idea de que sea un número el titulo.

He escuchado toda tu discografía y éste “33” tiene un sabor especial, creo que es tu mejor trabajo, más cuidado, más detallado (con más detalles).

¿Vos cómo lo sentís?

Si, así es. El disco anterior a mí también me gusta mucho. El primero a excepción de algunos temas siento que es de alguna vida pasada jaja. Pero en este nuevo material trabaje con un productor (Santiago Besasso) y también grabe con algunos músicos con los que había grabado en Despierto lo cual me dio cierta comodidad. Pero si, efectivamente se trabajo mucho a nivel detalle. Me pasaba semanas buscando sonidos de teclado o sonidos de snares, por ejemplo.

Más allá de lo sonoro… ¿qué diferencias encuentras entre “33” y tus trabajos anteriores? Tal vez la diferencia esté en vos mismo como músico…

Sí, claro. Siento por un lado que yo cambie como persona y a su vez como músico también quise ir en otra dirección. Despierto es un disco más volado, espiritual, mas flashero en algún punto, había grabado temas con sitar, tabla hindú, de hecho canta una vocalista que grabé en un viaje a India.

Había funk también, mucho flash percusivo, etc. Aun amo esa faceta. Pero en 33 fue reducir bastante los elementos y tratar de ser más contundente.

Hay más laburo de sintes y chapas.

Hay un laburito más detallado en vocales y armonías. Y baterías y violas muy cuidadas en sus arreglos.

Vienes batallando sólo desde hace unos años creándote una carrera tanto nacional como internacional. ¿Cómo ves este momento en la música de solistas? La pregunta es un tanto para tener tu visión del mercado y cómo van cambiando las maneras de difundir tu música.

Obviamente la tecnología ayuda muchísimo y es parte fundamental de la difusión. Pero también hay que saber usarla a tu favor. Si la usas mal no sirve.

De cualquier modo el tener un buen material, trabajar sobre el vivo y la puesta en escena de la banda es lo más importante para mí.

Hay muchos solistas interesantes en la escena y seria hermoso nos conozcamos, y trabajemos para hacer cosas juntos. El otro día se me cruzaba esa idea por la cabeza, una especie de gremio de solistas jaja. ¡Gracias Pablo!

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[ Entrevista a Patrick Blümel de Holygram por Benjamín York.

Fotografías: Yves Christelsohn y Alex Kretov ]

ES UNA EXPERIENCIA EXTRAÑA PERO DESAFIANTE

Cerrando el año nos decidimos a hablar con una de las apariciones más interesantes del 2018, el debut de Holygram “Modern Cults” que ha sido editado en noviembre, es como un baño de luz (oscura) en una época del año en el que uno ya ha escuchado tanto que cuesta sorprenderse, Holygram lo ha conseguido conmigo. Y nos comunicamos con Patrick Blümel y esto es lo que nos contó…

Antes que nada, gracias por aceptar responder estas preguntas.

Comencemos ¿Cómo surge el nombre de la banda?

Cuando empezamos la banda en 2015 solo había música y no había nombres ni etiquetas para encasillarla.

Experimentamos mucho con sonidos y diferentes estilos tratando de encontrar la forma correcta para lo que teníamos en mente. Recuerdo que en algún momento teníamos una lista muy larga de nombres de bandas potenciales. Escaneamos todo tipo de cosas en busca de palabras, por ejemplo. Una lista de nombres de colores extraños. Buscábamos combinaciones inusuales, asociaciones extrañas. Algunas de estas ideas incluso encontraron su camino en mis letras porque no queríamos desperdiciarlas. Finalmente, apareció el nombre "HOLYGRAM" y nos gustó el juego de palabras. Tiene una connotación religiosa pero, por el contrario, no somos una banda religiosa. Pensamos que el nombre debería representar a la banda para que en algún momento la gente dejara de preguntarse qué significaba y simplemente asociar a la banda con ella. Por otro lado, estoy bastante seguro de que el nombre podría haber tenido influencia en nuestro sonido y estética.

En la sección “Información” de su Facebook, comienzan con la frase “Music for the lost”, ¿Ustedes sienten que crean música para Perdidos? ¿Y quiénes son los “perdidos”?

Nuestro álbum 'Modern Cults' se trata de perderse en una ciudad mientras intentas

encontrar tu lugar en el mundo. Es una experiencia extraña pero desafiante. Creo que es un estado mental en el que todos estamos de vez en cuando. Intentamos explorar las diferentes facetas de este sentimiento, que no necesariamente tienen que ser negativas todo el tiempo.

Estábamos trabajando en el álbum y fui a una "fiesta tecno" una noche. Estaba en la multitud y la gente bailaba hacia el DJ. Me sentí como si estuviera en una nueva clase de iglesia. El DJ era como un sacerdote y todas estas personas en la fiesta se sentían atraídas por él, estaban buscando algo. Todos bailaban en trance, perdidos en la niebla y las luces, pero al hacerlo se convirtieron en una comunidad.

Su música encaja con muchas bandas que, a priori, no parecerían imposibles.

En 2018 han tocado con The Mission, The Telescopes, She Past Away, OMD o VNV Nation. Se sienten cómodos con bandas de distintos estilos porque su música así lo permite. ¿Cómo los recibieron los distintos públicos? ¡Fue una gran experiencia! No siempre se puede esperar la misma apertura hacia todo tipo de música de una audiencia que vino para algo muy específico. La gira con VNV Nation nos ha demostrado que a las personas les gusta "escuchar" fuera de la caja. Tenemos muchos comentarios positivos después de nuestros shows. Creo que veremos algunos de ellos en futuros conciertos de HOLYGRAM. Es increíble jugar frente a diferentes "escenas". Creo que HOLYGRAM no representa solo un tipo particular de género y es genial ver

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que es apreciado por muchos.

Acaban de lanzar "Modern Cults", ¿Qué repercusiones han obtenido hasta hoy?

La respuesta a nuestro álbum ha sido increíble y estamos contentos de que a la gente le guste nuestro enfoque no tan promedio hacia el post punk, new wave y shoegaze, pero también la música pop y el ruido. Shameless Promotion PR nos ha ayudado de muchas maneras para llegar a esas personas. Creo que el compromiso personal es una de las razones principales por las que este equipo funciona tan bien. Shauna McLarnon es una agente de relaciones públicas muy profesional con corazón y dedicación, y gracias a ella hemos obtenido cobertura en más de 70 países. ¡Al instante sabes que hace este trabajo porque le encanta la música!

ten así?

Las canciones del álbum se han escrito en los últimos años y reflejan el proceso que pasamos desde el principio hasta ahora. "She´s like the sun" es la primera canción que escribimos juntos. Tiene un carácter totalmente diferente a "A Faction" o "Signals". Se crearon muchas cosas en "Modern Cults" durante las sesiones de grabación en nuestro estudio en Colonia.

Pero queríamos que el álbum tuviera la mayor cantidad de caras posible y, a veces, volvíamos al principio de la banda.

Pero también queríamos un sonido homogéneo. Ahí entró Maurizio Baggio. Él, como productor, nos ayudó a encontrar el tono correcto para el álbum en su totalidad. Se podría decir que el álbum es nuestra forma de tratar de encontrar un lugar en este mundo musical. Es un proceso continuo, pero por ahora es la suma de todo lo que es HOLYGRAM.

Es su primer álbum, su debut, y como tal, siempre suelen ser una recopila- Se formaron en el 2015, ¿Qué ha camción de las primeras canciones de la biado en su mirada como banda, desde historia de la banda. ¿Ustedes lo sien- aquel comienzo hasta este 2018?

Hemos aprendido de nuestros errores y esperamos hacer mucho más.

MGMT – Little Dark Age A Place To Bury Strangers - Pinned Nihiloxica – Nihiloxica Die Wilde Jagd – Uhrwald Orange Human Tetris – Memorabilia El registro que más escuché este año fue el de Alex Cameron "Jumping the shark".

Tuvo un gran impacto en mí. También me encanta la luna suave. Hace poco descubrí a la banda Pastel Ghosts, que lanzó su segundo álbum "Ethereality" a través de Cleopatra Records, ¡hasta ahora en sellos de etiqueta! Fue mi banda sonora durante los recorridos nocturnos de nuestra gira por Norteamérica. Por supuesto, también hay Whispering Sons de Bélgica y Musta Paraati de Finlandia en Cleopatra.

En febrero de 2019 comienzan con una gira por Alemania de presentación del álbum. ¿Cuáles son los planes de la banda para el resto del 2019?

Después de telonear a muchas bandas en los últimos dos años, queremos encontrar nuestra propia audiencia. Queremos tocar sets completos en vivo. La gira en febrero es solo un primer paso, mucho más seguirá a finales del próximo año. Tal vez vamos a escribir un par de canciones nuevas. Quién sabe… ¿Cuáles son algunas de las bandas que podríamos encontrar en la colección de música de Holygram (no es necesario que sea un lanza- Para terminar esta pequeña entrevista, miento de 2018)? ¿Algún compañe- ¿Hay algo que yo no haya preguntado y que ustedes quieran contarnos? ro de etiqueta digno de mencionar? ¡Todo lo anterior estuvo bien para este Pabst – Chlorine año!

Perel – Hermetica RENDEZ-VOUS – Superior State ¡Gracias Chicos!

International Music - Die Besten Jahre John Maus – Addendum

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: MUSE – “SIMULATION THEORY” FICCIÓN DISTÓPICA RETROFUTURISTA

Los genios como Matt Bellamy tienen estas cosas: muchas veces resultan incomprendidos. Las críticas sobre la última producción de Muse vienen siendo en algunos casos un poco injustas, y he visto ejércitos de opinólogos rasgarse las vestiduras proclamando a viva voz la absoluta e irreversible decadencia de Muse, afirmando que el octavo disco del trío es un fiel reflejo de dicha catástrofe, y añorando el regreso a las buenas y sagradas épocas de “Origin of Symmetry”, que era cuando Bellamy, Wolstenholme y Howard conformaban una banda vanguardista que te “volaba el marulo” según la jerga rioplatense. Tratemos de corrernos por un momento de algunas obviedades.

Por empezar, Muse nunca volverá a ser la banda que fue en “Origin of Symmetry” o mucho menos “Showbiz”. Nadie le hubiera pedido a Pink Floyd que después de hacer “The Wall” volviera a hacer un “Atom Heart Mother”, ¿no? It´s evolution, baby, como nos supo enseñar Pearl Jam, para bien o para mal. Muse maduró, creció como banda y cada uno de sus miembros como músico. Cada uno de ellos fue nombrado Doctor Honoris Causa en el año 2008 por la Universidad de Plymouth, solo para mencionar algunos créditos.

En segundo lugar, lo que en otros tiempos era bien visto, que era la experimentación, hoy en día es percibida por una parcialidad como carencia de ideas: el concepto de “banda que no se puede encasillar” pasó a ser un delirio megalómano de Matt Bellamy... En fin, no a todos tiene necesariamente que gustarnos el nuevo rumbo: pero de ahí a proclamar decrepitud, hay una gran distancia.

“Simulation Theory” amenazaba ser una caja de pandora que algunos temían abrir.

Los adelantos de los últimos meses no habían sido muy alentadores con ejemplos como “Something Human”, pero en mi caso personal, hubo algunos temas como “Dig Down” que, al mejor estilo de un buen vino añejado, maduraron bien con el tiempo. Veamos más en detalle cómo nos fueron llegando estos anticipos.

Todo empezó en el año 2017, cuando ha-

cia mayo se lanzó “Dig Down”, una mezcla de synth pop con glam rock que resultó interesante como primer adelanto. Hubo que esperar a los inicios de 2018 para conocer la siguiente novedad, “Thought Contagion”, donde se reiteraba la orientación al rock electrónico pero ya se empezaba a perfilar el concepto que hilvanaba los distintos singles, y que confirmamos con la salida en julio del mismo año del polémico “Something Human” y su correspondiente video. Los sintetizadores comenzaban a entremezclarse con algo de space rock, y si se observa la estética de los covers de cada sencillo junto a la línea de producción de los videos, había una idea rectora.

En todos los casos se evidencian ineludibles alusiones a películas y clips de los años 80’s. El director en todos los casos es Lance Drake, y las referencias son icónicas: Max Headroom (en “Dig Down”), el video de “Thriller” de Michael Jackson (en “Thought Contagion”), el culto al VHS y “Back To The Future” (en “Something Human”), y los video juegos “Cyberpunk 2020” y “Grand Theft Auto: Vice City” (en “The Dark Side”, continuación de “Something Human”). Tanta cultura pop retrofuturista se extendió hasta el video de “Pressure” y su remembranza de la escena del baile de graduación de “Back To The Future”. Hablar de todo esto y mencionar la serie de TV para cuarentones melan-

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cólicos “Stranger Things” es como decir que todo queda en familia: más cuando el arte de tapa de “Simulation Theory” fue diseñado por Kyle Lambert, artista visual que trabajó precisamente en “Stranger Things”.

pressure’s growing exponentially”. En cuarto lugar llega “Propaganda”, una suerte de “Supermassive Black Hole” remozado y con un solo de guitarra muy Black Rebel Motorcycle Club. Aquel touch funky de “Panic Station” (de “The 2nd Law”) sigue vivo. Cinco Habiendo mencionado todas estas simpá- productores colaboraron en este tema, incluiticas referencias, es menester focalizar un do el nunca bien ponderado Timbaland, pero poco en la materia musical propiamente di- afortunadamente aquí los resultados fueron cha. La placa abre con “Algorithm”, agrada- óptimos. ble sorpresa ya que en lo que refiere a grandes aperturas de sus discos, Muse continúa Si vamos a hablar de rolas adictivas que inmanteniendo el nivel épico característico. El vitan a sacudir la cabeza al mejor heavy mesegundo track es “The Dark Side”, que era el tal style o mínimamente seguir el ritmo con el mejor single de los editados como adelanto, pie, “Break It To Me” es un inmejorable ejemasí que nada nuevo para el fan (que lo segui- plo. Cualquier DJ principiante lograría con fará disfrutando) pero si un gran tema por des- cilidad un enganche perfecto entre este hitacubrir para los neófitos: synth pop novento- zo y “Bulls On Parade” de Rage Against The so que se nutre del sonido original de Muse Machine ¿es acaso un homenaje a una bany de la impronta que la banda ha decidido da que supo inspirar a Muse en sus inicios? imprimir en ésta placa. Se continúa con otro Como sea, Tom Morello levanta sus pulgares de esos hits propios de Muse con estribillos aprobando. Veníamos genial, era todo 9 punmuy pegadizos que terminan siendo adicti- tos para arriba, hasta que llegamos a… vos con el tiempo: el efectivo “Pressure”. La “Something Human”. Ok, si hay que nomsimulación en su apogeo, donde a través de brar un tema que haya levantado polvareda una canción alegre se transmiten mensajes en la carrera de Muse, es precisamente este. de sofocación como “I´m grinding it out / The Desde que lo escuché por primera vez, y aún

hoy, me sigo acordando de “A Little Respect” de Erasure. Lo que no es un problema porque lo amo, pero esto es Muse. Otros han llegado a encontrar aquí plagios a George Michael o hasta a Christina Aguilera (si, “Genie In a Bottle”, algo tiene de eso). Es un folk pop muy cheesy que podría tocar REO Speedwagon pero no Muse, o al menos no debería, y por algo no la están haciendo actualmente en la gira. Voy a ser totalmente honesto: de tanto machacarla, ha terminado agradándome.

Pero aun así, en el medio de este disco o de cualquier otro disco de Muse, esto no tiene, literalmente, un pedo que ver. Y gran parte de la culpa por algunas críticas destructivas que le han hecho a “Simulation Theory”, la tiene este track perdido en la nebulosa.

rica es la más fiel a la línea de Muse y su constante paranoia: pensamientos invasivos y contagiosos como virus nos atacan todos los días. Hábilmente representado en un video con coreografías onda Michael Jackson donde todos se convierten en cyber vampiros punk que se mueven como zombies. Divertidísimo!

“Get Up and Fight” es el octavo tema. Nuevamente se repite una fórmula ya usada en el pasado (clara referencia a “Mercy”) y que a muchos molesta. Tampoco es novedad la temática tratada: “estamos siendo oprimidos, tú lo sabes, y por eso te pido que te unas a nuestra lucha porque sin ti no podemos”. Listo, pongámosle unos coritos de Tove Lo (artista sueca de la que me hice fan con su álbum “Queen of The Clouds” en el 2014) para Para evitar la hecatombe, llega justo a tiem- hacerlo aún más pop, y cartón lleno. La repo “Thought Contagion”, otro de los temas beldía adolescente fluye a borbotones, Matt que ya conocíamos, y que dicen que en vivo imprime un tinte romántico con su piano, y suena de la ostia. Si bien Bellamy ha sido aun así es un momento flojo del disco y lleva acusado de querer sonar aquí como Imagi- tiempo asimilarlo. ne Dragons, el tema es muy efectivo. La lí“Blockades” es el tema Muse de manual,

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y por eso no puede no gustarle a nadie que ya sea seguidor. Los que extrañan “Origin Of Symmetry” o “Absolution” tienen aquí un pequeño oasis, ya que este track es una mezcla de “Bliss”, “Stockholm Syndrome” y varias otras cosas buenísimas del pasado. Luego viene “Dig Down”, que nos pilló a los oyentes en un momento en que estábamos ávidos de nuevo material, y tal vez por eso ha tenido buena acogida y nos simpatiza. Y así llegamos al último tema. Así como “Algorithm” es la típica apertura, “The Void” es el típico cierre al mejor estilo “Exogenesis”. Pero en este caso, con un aire a Jean-Michel Jarré meets Giorgio Moroder, metidos en la batidora Muse. Espectacular.

Como plus hay versiones alternativas de casi todos los temas en las 2 ediciones deluxe, destacando entre ellas la Alternate Reality Version de “The Dark Side”, tremendamen-

te conmovedora.

El álbum ha tenido buena recepción del público, y ya fue #1 en varios países europeos incluyendo Inglaterra. La crítica, como ya vimos, es variada: un medio como Metacritic, le asignó un promedio de 63/100. Así de peleada está la cosa.

Vivimos en una simulación virtual de la realidad digna de The Matrix, y desde ese concepto quiso partir la banda para darle forma a este trabajo. Me gustó que para manifestarlo, hayan recurrido a la estética sci-fi propia de los años 80’s. Y respecto a las canciones, encuentro en general muy buen material, salvo honrosas excepciones.

Aquel que se sienta decepcionado, puede dar por seguro que, gracias a la constante pasión innovadora de Matt Bellamy, el próximo disco nos sorprenderá con algo completamente imprevisible.

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Por BLACK ToWeRs

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La fortuna nos toca otra vez, porque hay que ser afortunados para encontrar una y otra vez bandas que nos impregnan con sus fragancias y colores púrpuras muy oscuros, como la de un tulipán negro...

Y al escuchar al dúo de Darkwave notamos que ellos le dan importancia a las melodías que ayudan a amplificar un sentido de melancolía, alienación o alejamiento, eso está en la primer sonido...

Twin Tribes llegados de Texas parecen tener un don sobrenatural para la melodía y los sonidos cautivadores.

Twin Tribes suena igual que salir en una noche de invierno, respirar aire frío y fresco por primera vez... Twin Tribes presenta su marca de romanticismo frío con una claridad excepcional.

Si bien son perfectamente capaces de evocar un sentimiento de melancolía melancólica, contienen una sobriedad refrescante.

Suena contradictorio describir canciones sobre secretos. Twin Tribes representan su maravilloso mundo nocturno que es encantador.

La instrumentación en Shadows, el tema que no dejamos de escuchar, es tan sencilla como sus melodías. La guitarra es limpia y con la cantidad justa de eco, bajos inquietos y sintetizadores, nos recuerda a Drab Majesty.

La brevedad es otra de las cosas que nos gusto.

La música de Twin Tribes es tan inmediata y atractiva, como mucho de lo que hoy tenemos en este hermoso genero de musical que se amplia y se transforma.

Para conocer más acerca de Twin Tribes hablamos con ellos...

[ Entrevista a Twin Tribes por Black Towers. ]

TWIN TRIBES. Y SU MARAVILLOSO MUNDO NOCTURNO.

39 Para conocer y para aquellos lectores que queremos que conozcan el proyecto. ¿La banda está activa desde hace cuanto tiempo, quienes componen el dúo, y hace cuanto tiempo que se conocieron?

La banda está compuesta por Luis Navarro (voz, guitarras, synth drum machines) y Joel Nino, Jr. (bajo, synth). Nos conocemos desde el 2009 porque tocábamos en otra banda juntos y Twin Tribes comenzó durante julio del 2017.

los habrá modernos como Drab Majesty, Ritual Veil o el dúo turco She Past Away, que nombre más le pueden agregar?

Todas esas mencionadas son geniales. En lo personal, de mis favoritas son Depeche Mode, The Cure, Joy Division y de las más recientes She Past Away, Drab Majesty, Second Still, Lebanon Hanover solo para mencionar algunas.

Hablamos de referencias musicales, pero también a la hora de componer la ¿El dúo viene de otros proyectos, o es la lírica, estimamos que entra en juego las primera incursión en una banda? letras tan importantes para el estilo, ¿Twin Los dos hemos formado parte de otros Tribes tienen influencias literarias? proyectos musicales desde hace tiempo.

Las letras de Twin Tribes están influenciadas por el ocultismo, cultos y cosas fuera de esta Ustedes viven en Brownsville, Texas, realidad. El disco “Shadows” tiene canciones ¿nacieron allí y ahora tienen una central inspiradas en películas de los 80’s como de operaciones en otro lugar o ese es Dark Crystal y The Hunger junto con otras su sitio más cálido en el mundo para la experiencias. música de Twin Tribes?

De hecho vivimos en distintas ciudades.

El trabajo de el dúo hasta el momento se Yo (Luis Navarro) nací en Matamoros, compone de algunos EPs, álbumes. ¿Con Tamaulipas, México y Joel en Los Fresnos, qué sello discográfico trabajan...y ahora Texas. Yo vivo en Brownsville y Joel en Los están en proceso de composición?

Fresnos la cual queda como a 20 minutos Lanzamos nuestro primer disco titulado de Brownsville. Vivimos en la frontera entre “Shadows” en cassette por nuestra propia México y Estados Unidos. cuenta. Después trabajamos con el sello Deadwax Records de España para el Muchos son los géneros que abarca la lanzamiento del álbum en vinilo y con Manic música de Twin Tribes, como Post-Punk, Depression Records de Francia para sacarlo Darkwave, Coldwave. ¿De dónde proviene en CD. Por el momento estamos en proceso el gusto y la elección para componer en de composición de nuevo pero también nos ese estilo? preparamos para una gira en Estados Unidos Siempre me ha gustado la música de los a finales de diciembre.

80’s pero el lado oscuro de esta década junto con el nuevo renacimiento del Post-Punk Vienen de una gira larga, cuéntenos que está surgiendo fueron las cosas que me acerca de las presentaciones en vivo, ¿les inspiraron para hacer este proyecto. agrada mas el estudio o el directo es como su fuente de energía?

Los referentes musicales son Tuvimos la fortuna de estar de gira en la costa importantes a la hora de pensar en música, oeste de los Estados Unidos. Compartimos imaginamos que estarán los más clásicos escenario con bandas que admiramos como como Bauhaus, the Cure, pero también Ritual Veil, Nox Novacula e Indradevi. Creo

que es difícil de escoger pero estar de gira es algo que disfrutamos mucho. ¿Los planes que tienen para lo que resta del año y para el próximo?

Acabamos de lanzar el pre-order de un nuevo cassette que lanzaremos para finales de noviembre o principios de diciembre. Es un cassette que contiene 4 canciones en vivo grabadas para “Part Time Punks” en Los Ángeles cuando estábamos de gira y también incluye todo nuestro primer álbum.

Después estaremos tocando en Nueva York en diciembre por primera vez y después una gira por el medio oeste del país. ¿Conocen algo de música o bandas de Latinoamérica?

El rock en español es algo con lo que yo crecí en Matamoros y en especial me influyeron mucho Soda Stereo, Caifanes y Heroes del Silencio en sus primeros discos. Y bandas recientes hay demasiadas increíbles que me gustan como Frío y Vacío, Stockhaussen, Cruz de Navajas y Diavol Strain solo para

mencionar algunas.

Para finalizar, como ven el porvenir para el estilo de música que hacen, y como se ven ustedes dentro de ese futuro. y para nuestra melomanía, ¿alguna banda que recomienden para descubrir y escuchar?

Como mencioné antes, creo que estamos viviendo durante un renacimiento del postpunk y se está expandiendo. Para nosotros es algo genial que nuestra música llegue a otras partes del mundo y que las personas la disfruten. En el futuro nos vemos haciendo más discos y programando más giras a otras partes del mundo, esperamos tocar en Argentina pronto!

Lo que he estado escuchando mucho recientementesonSecondStill,Stockhaussen por si no los han escuchado chequéenlos. ¡¡¡Gracias Twin Tribes por la generosidad y la predisposición a la entrevista!

Deseamos que pronto vengan hacer su música por esta parte del mundo!!!

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor.

Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?).

Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío.

Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ “EL CONTINENTE PERDIDO Y OTROS ENSAYOS”, de Aleister Crowley por Pablo Ravale ]

BIGGERTHANLIFE

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Por si algún lector lo desconoce, cosa ya muy improbable, Aleister Crowley es un personaje realmente biggerthanlife. Entre el siglo XIX y el XX, fue conocido por sus detractores como "el hombre más perverso de Inglaterra", pese a lo cual consiguió no sólo fundar una suerte de nueva religión o escuela esotérica, la Iglesia de Thelema, que cautivó a todo tipo de seguidores entre las clases altas y más cultas de su tiempo, sino frecuentar también artistas e intelectuales de la talla de William Butler Yeats (compañero de andanzas en los tiempos que integraron juntos la Golden Dawn), D. H. Lawrence, Fernando Pessoa (con quien jugó al ajedrez en una ocasión), Hanns Heinz Ewers, Aldous Huxley, y el mago caoísta Austin Osman Spare.

Caballero libertino y bisexual, pionero en el consumo de las drogas alteradoras de la conciencia, mago, médium, poeta, ensayista, pintor (estuvo a punto de exponer en las mejores galerías del Berlín de los años 30) y alpinista, Crowley fue odiado, amado, temido, ridiculizado y admirado a lo largo de toda su vida, sin que pueda separarse su figura real de su leyenda, ni su obra artística y literaria de sus ideas y sistemas mágicos o de su filosofía hermética.

Su asociación con el submundo pornógrafo de la época, su abierta defensa del amor libre, sus experimentos con drogas, sus prácticas de sexo tántrico, su pasión por la

ciencia y los inventos (que para él no suponía contradicción alguna con sus teorías esotéricas), su pasión por el Oriente místico, lo convirtieron tras su muerte en un avanzado de la Contracultura, rescatado en los años 60 por beatniks, hippies y neopaganos de todo tipo.

Músicos como The Beatles, David Bowie, Led Zeppelin, Ozzy Osbourne, Iron Maiden, Cradle of Filth o Tool, entre otros, adoptaron a Crowley y su filosofía como íconos, mientras la literatura, el cine y el cómic encontraban también en su obra y persona fuente de inspiración para todo tipo de argumentos.

Hoy, tras su reivindicación y casi reinvención por figuras como las del guionista de cómic y escritor de culto Alan Moore, es lógico que Aleister Crowley se haya emancipado alegremente de las estanterías y secciones de Ocultismo y Nueva Era, aburrido por la compañía de cartomantes baratos, sanadores y canalizadores de espíritus, para codearse en editoriales españolas como Valdemar o La Felguera con referentes de la modernidad tan diversos como William S. Burroughs, Stephen King o Lewis Carroll.

No sólo sus obras poéticas, sino también ahora sus libros más doctrinales, plagados de abracadabrantes e indescifrables sentencias, fórmulas y cábalas mágicas, que, sin embargo, pueden disfrutarse plenamente como tex-

tos visionarios en la tradición de William Blake, Rimbaud o T. S. Eliot, palimpsestos crípticos de una Tradición Hermética subterránea e inmortal, son lectura obligada para todo aspirante a escritor maldito que se precie de serlo, y El continente perdido y otros ensayos puede ser el equivalente en el siglo XXI a lo que antaño fueran biblias de la modernidad como El lobo estepario, La náusea, Trópico de Cáncer, En el camino o El almuerzo desnudo.

El continente perdido y otros ensayos es una compilación de algunos de sus textos más importantes, entre ellos “Liber LXXVII Oz”, “La conferencia prohibida.

Gilles De Rais”, “¡Cómo escribir una novela!”, “Las confesiones de Aleister Crowley”, y el mítico “Libro de la Ley”.

De dicho “Libro de la Ley”, que según el propio Crowley le fuera dictado durante su estancia en Egipto por la entidad sobrenatural que se diera a conocer como Aiwass (pronunciación en inglés de “I was”, es decir “Yo era” o “Era yo”, a buen entendedor...), es importante señalar que ha sido objeto de culto durante años y que, al margen de Valdemar, recientemente fue relanzado en una lujosa y cuidada edición a cargo de La Felguera Editores, la editorial más underground de España, en una tirada limitada de 777 ejemplares en tapa dura, profusamente ilustrada y que incluye, como es de rigor, el facsímil del manuscrito original de su autor. Todo con el beneplácito

de la OTO, la Ordo Templi Orientis de la que Crowley fuera miembro desde 1912 y nombrado finalmente líder en 1925, ésta es, sin duda, una edición canónica.

Gracias a una obra como El continente perdido y otros ensayos, por fin se rompe la maldición que parecía tener a Crowley reservado a catálogos sobre magia, alquimia, brujería, adivinación, cábala y demás parafernalia, procedentes muchos de Latinoamérica y con graves carencias en cuanto a traducción y edición. En ellos alternaba con Saint Germain, Gurdjeff, Allan Kardec y Madame Blavatsky y, en definitiva, con ese merengue que incluye desde figuras dignas de interés tanto a nivel filosófico (Nietzsche) como literario (Castaneda) hasta descarados farsantes, desde serios estudios sobre sufismo o paganismo hasta libros sobre cómo ganar la lotería o el poder mágico de las pirámides.

Por supuesto, sería divertido saber qué pensaría realmente Crowley, paradójicamente todo un gentleman inglés chapado a la antigua, conservador y monárquico (íntimo amigo y asesor espiritual de Winston Churchill), de esta transfiguración en mesías hípster del siglo XXI. Seguramente, se echaría unas buenas risas... y daría rápidamente su número de cuenta para que le ingresaran los regalías de unas nada despreciables ventas.

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FRANCO DOGLIOLI

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PRE-SENTIDO porque nada me detiene en carne velo es locura clama y clama sin vestigio de lo usado entre pastilla y agua no me tiembla el pulso al ver necesarias como la noche te devora ni siento para la estampa como compaùía pena o calma por la maùana cuando cuesta salir al mundo historieta tejido heredado y no morir sonriendo hora tras hora clama pista desde lo profundo saliva por eso del río de risa o de corriente escribo en fuego lavandina no importa son almas insolentes piden vino se vuelven mis manos apenas logrando controlar el cebo de la rienda suelta en mi pidiendo y al ver tu desnudez me pista y credulidad tiento para salir a matar cumbre bajo mugre macilenta de risa o de corriente calle noche perenne al caer el flujo fantasma sobre mi carta

CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

EL MISTERIO DE LOS PAYASOS por Pablo Ravale

La figura del payaso ha tenido tantos significados en distintas épocas y culturas. El alegre y amable bufón es, de hecho, tan sólo otro aspecto de esta criatura.

Locos, jorobados, amputados y otros seres anormales eran considerados payasos en la antigüedad. Si bien, se los seleccionaba para representar un papel cómico que permitiera a los demás verlos como seres graciosos en lugar de terribles recordatorios de las fuerzas del caos en este mundo, en ocasiones, un triste bufón era necesario para atraer la atención de ese mismo caos, como en el caso del loco morboso del Rey Lear, quien terminó ahorcado y ahí se acabó su ingenio cómico.

Los payasos con frecuencia han representado papeles contradictorios. Para empezar, no sólo eran el objeto de risa de los reyes, sino también el de humillación.

En una oportunidad, cuando aún era un niño, mis padres me habían llevado junto a mi hermana a uno de esos grotescos y decadentes corsos que se celebran para la temporada de carnaval en todos los barrios, y recuerdo que, sentado en el cordón de una vereda, vi pasar un payaso de extraño aspecto, al mejor estilo “payaso vagabundo”. Sus ropas eran andrajosas y su figura entre demacrada y gris; como si por debajo del maquillaje hubiera el rostro de calavera de aquel famoso cuadro llamado El grito. Mirarlo me provocaba angustia y la vez miedo.

Como fuere, esa noche volví con mi familia a mi casa, pero no pude quitarme de la cabeza la imagen de ese payaso.

Pasaron los años. Yo crecí. De todos modos, seguí investigando acerca de mi vieja obsesión. ¿Por qué quería saberlo

todo con respecto a ellos? Bueno, nunca pude explicármelo de manera racional, entre tanto, la palabra “payaso”, tal como hoy la conocemos, viene del italiano pagliaccio. En la Quinta Dinastía de Egipto o, mismo en la China, del año 1800 A.C., ya había bufones que entretenían a la corte del Emperador. Paralelamente, en inglés el término clown, deriva de clod, un antiguo vocablo de origen celta que se remonta a las zonas altas de Gran Bretaña e Irlanda y que servía para denominar a unos seres mitológicos alargados y deformes llamados clouides, los cuales, contaban las leyendas, emergían desde las profundidades de las montañas para secuestrar y devorar niños con el fin de alimentarse de la energía de su pureza.

La piel de estos clouides, o clods, se decía que era verdosa pero con el rostro blanco y la nariz roja por el extremo frío; sus ojos, grandes y amarillos por su adaptación a la oscuridad; sus dientes, enormes, salidos y desparejos; y su cabello, alborotado y también rojo, producto de las permanente salpicaduras de sangre por parte de sus víctimas.

Los clouides bajaban a los poblados cercanos durante el invierno o cuando habían tormentas en horas próximas a la noche, y se disfrazaban de aldeanos para pasar desapercibidos y caminar por los alrededores de la villa hasta conseguir niños. Según la costumbre de cada poblado, los niños tenían la responsabilidad de limpiar el cuero de los animales que los adultos cazaban para fabricar objetos como bolsos pequeños o un estilo peculiar de suéteres y calzado; los niños hacían su labor y los clods se aproximaban y los tomaban del cuello partiéndoselos de

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inmediato para luego llevárselos.

Las tradiciones celticas contaban además que los clouides mataban y devoraban nenes pues su energía los ayudaba a mantenerse en este mundo. El terror que generaban estos seres era inmenso pero, con el correr de los años, las aldeas dejaron de sentir miedo y salieron a cazarlos guiados por el dolor de la pérdida de sus infantes. Algunos hombres lograron capturarlos y otros hasta matarlos, no obstante, la gran mayoría fracasaba debido a la fuerza y a la ferocidad de estas bestias. Para comprobar que los clouides cazados estaban totalmente muertos, los aldeanos les cortaban el cuello, les quitaban la piel, la limpiaban y luego se la colocaban encima para imitar su modo de caminar, burlándose de ellos y celebrando así la victoria. La costumbre de disfrazarse como estos monstruos con materiales rudimentarios (maquillajes, ropas viejas), fue, en efecto, pasando de generación en generación y de poblado en poblado, incluyendo no sólo cambios en la vestimenta y la extravagancia, sino también en los nombres (he ahí clown). De este modo, cada región tenía su propia versión de los clouides y la misma se fue aggiornando hasta llegar a la actualidad.

Con todo, el terror a los payasos es una fobia muy común que se conoce como coulrofobia (el prefijo coulro viene del griego y significa “aquel que va sobre zancos”). Los síntomas pueden ser leves, por ejemplo, que ver a un payaso ocasione una inquietud y ansiedad de leve a moderada; pero también más graves.

Además, la coulrofobia tiende a ser de larga duración. Es una fobia que comienza en la infancia y persiste hasta bien entrada la edad adulta. Pero, ¿existe una explicación biológica para la desconfianza hacia los payasos? Si tenemos en cuenta que otra fobia común, la aracnofobia, está considerada como un vestigio innato de la mente que busca protegernos de los ries-

gos de animales amenazantes y peligrosos, cabría esperar que sí.

De hecho, algunos psicólogos y antropólogos afirman que las imágenes de payasos desencadenan algunas de nuestras respuestas universales a ciertos estímulos sociales. Un estudio realizado por la Universidad de Sheffield (South Yorkshire, Inglaterra) en 2008, que incluyó a 250 niños de 4 a 16 años de edad, concluyó que todos los grupos de edad sentían antipatía por los payasos.

Sin embargo, ¿qué significa esto en la práctica? En la comunidad científica existe un amplio consenso sobre el hecho de que la coulrofobia surge porque no es posible conocer exactamente qué esconden el colorido maquillaje y los desproporcionados rasgos faciales de los payasos.

Estas características permiten a los payasos adoptar una nueva identidad y no cumplir con ciertos patrones sociales que no sería posible de otra forma en la vida “normal”.

Sigmund Freud ya escribió sobre el efecto de “valle inquietante”, un concepto que plantea que algo muy conocido pero al mismo extrañamente inusual causa rechazo y produce una sensación inquietante y contradictoria: la disonancia cognitiva. Este concepto puede aplicarse a los payasos. Según el psiquiatra Steven Schlozman, de la Facultad de Medicina de Harvard, la sonrisa permanente y horripilante puede producir disonancia cognitiva en nuestra mente, él decía: «Nuestra mente interpreta que las sonrisas en general son positivas; no obstante, no es posible sonreír todo el tiempo, porque de ser así, algo falla. Gracias al comportamiento de las personas podemos interpretarlas, pero si el aspecto de las personas o su comportamiento no varían, se convierten en terroríficas».

Asimismo, el profesor de psicología de la Universidad Knox College (Illinois, Estados Unidos), Frank T. McAndrew,

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consideró que la sensación descolocada podría tener algo que ver con la ambigüedad, con no estar realmente seguro de cómo reaccionar a una determinada persona o situación, por lo que realizó un estudio en el cual se reclutaron 1341 voluntarios de entre 18 y 77 años, para llenar una encuesta en línea. En la primera sección de la encuesta, los participantes evaluaron la probabilidad de que una hipotética “persona espeluznante” exhibiría 44 comportamientos diferentes, tales como patrones inusuales de contacto con los ojos o características físicas como tatuajes visibles. En la segunda sección de la encuesta, los participantes evaluaron el nivel de miedo que producían 21 ocupaciones diferentes, y en la tercera sección simplemente debían mencionar dos aficiones que calificaran como “espeluznante”. En la sección final, los participantes pudieron observar que tanto tuvieron en común con 15 declaraciones sobre la naturaleza de las personas espeluznantes. Y los resultados indicaron que las personas que percibimos como espeluznantes son mucho más propensas a ser varones que mujeres (al igual que la ma-

yoría de los payasos), que la imprevisibilidad es un componente importante del miedo y que los patrones inusuales de contacto con los ojos y otros comportamientos no verbales, hacen que salte a nuestro radar que hay algo raro y potencialmente peligroso. En sí mismas las características físicas inusuales o extrañas tales como ojos saltones, una sonrisa peculiar o dedos excesivamente largos no nos hacen percibir a alguien tan espeluznante. Aunque la presencia de rasgos físicos puede amplificar cualquier otro rasgo con tendencia a asustarnos que la persona podría estar exhibiendo, ya sea la persistencia en direccionar conversaciones hacia temas sexuales peculiares o el no comprender la política de llevar un arma a la oficina. Cuando se le pidió a las personas calificar el nivel de miedo hacia diferentes ocupaciones, la que llegó a la cima de la lista fue –como habrás adivinado – los payasos. Los resultados fueron consistentes con la teoría de que ese miedo es una respuesta a la ambigüedad de la amenaza y que sólo ocurre cuando nos enfrentamos a la incertidumbre de algo que nos provoca escalofríos.

[ Entrevista a Oskar Terramortis por Benjamín York. ]

HE ESTADO MUY OCUPADO LOS ÚLTIMOS 10 ANOS

Cuando uno es joven y empieza a andar el camino de la música, al menos eso me pasó a mí, suele suceder que se enamora de una banda, luego (si uno es inquieto y desea más) empieza a buscar información y trata de acomodar a dicha banda en un contexto sonoro. El siguiente paso sería buscar un hilo conductor que nos lleve a conocer otras bandas y así armar una elección con los fundamentos del estilo que nos sirva para entender sonoridades y conceptos básicos del género estudiado.

Hace tiempo que buscábamos esta entrevista con la persona que nos puede dar una mirada autorizada sobre el género del Gothic Rock y el Post Gothic, Oskar Terramortis. Él es un promotor incansable del Gothic Rock y, desde este 2018, del Post Gothic. Él tiene páginas web, programas de radio on-line, una netlabel, canal de YouTube y muchas cosas más.

Palabra autorizada dentro de ambos estilos, con ustedes Oskar Terramortis.

Hola Oskar gracias por aceptar está entrevista, hacía un tiempo que queremos tener tus palabras.

Para empezar, voy a preguntarte sobre tu sitio Gothic Rock y el paso a Post Gothic, ¿cuál fue la razón de este cambio?

Hola Benjamín, antes de todo te pido disculpas por la tardanza, últimamente el factor tiempo libre es un concepto que cada día de aleja más de mí. La historia de Gothic Rock se remonta un programa de radio que se llamaba “This is Gothic Rock” el cual se emitía en Deathrock Radio en Tampa, casi en paralelo con Necromanteton show en la mítica Cathedral 13 Radio Station de Tom Stamates.

Debido al visible éxito de ambos programas de radio se me ocurrió de abrir un blog “This is Gothic Rock” en el cual pudiese darle más salida a esas bandas underground de las que casi nadie sabía, aunque era la era MySpace era increíble la cantidad de bandas con ninguna difusión que había afuera. Tanto así que mis programas de radio se convirtieron en casi el estandarte de movimiento gótico con guitarras de la nueva década. El blog tuvo tal aceptación que las bandas empezaron a mandar material físico, la mayoría en CD-R o ediciones súper limitadas, algunos casset-

tes. Haciendo un recuento estimado de todo el material que he recibido desde entonces, te puedo asegurar que la cifra anduviera entre 1000 0 1200 referencias en todos los formatos físicos.

En algún punto me di cuenta de que el 80% de las bandas no tenía ningún sello discográfico detrás, era underground puro y duro.

Algunas ni siquiera habían sacado nada físico ni era su intención debido que eran tiempos en los que el formato digital y el streaming era la norma. Tras un fallido intento de hacer un libro sobre lo que estaba pasando decidí hacer un crear mi sello discográfico (Gothic Music) para ayudar a bandas pocos conocidas. Por ese entonces el Gothic Rock y Post Punk había sido ensombrecido por el éxito mundial EBM y el pseudo “gothic” heavy metal y cosas similares. Todavía estamos en tiempo en las que la termino Gothic, musicalmente puede ser cualquier cosa, se ha deformado tanto el concepto que la gente ya no sabe que mencionarte cuando hablas sobre música. ¿Es “gothic” esto o no?, los viejos lobos lo tenemos claro.

Tras unos años con todos estos proyectos y por la gran falta de tiempo decidí meter todos

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en un solo proyecto, y lo más lógico que después de Gothic Music récords el nombre perfecto para esto sería Post Gothic.

Hubo un tiempo en el que gothic-rock.com dejo de serlo (tanto el portal como el programa de radio) por la contante evolución de la música oscura. Hoy en día se editan 15 discos de Post-Punk / Gothic Post-Punk / Indie Post-Punk y solo uno de puro Gothic Rock.

No veía demasiado sentido seguir llamando Gothic Rock a mis actividades cuando la corriente va evolucionando a ensalada de géneros. Así que aquí tenemos otra razón por la cual Post Gothic era el nombre perfecto para.

Otra razón para cerrar Gothic Music Records fue la falta de compromiso de antiguos colaboradores. Al final me encontré haciendo el trabajo de 5 personas y no podía ser.

En Febrero Paula entró con mucha fuerza en mi vida y hablamos durante meses hasta que este verano vio la luz Post Gothic. De hecho, ella fue la persona que edito los últimos 5 discos de Gothic Music Records. Sin su ayuda lo más seguro es que Post Gothic nunca hubiese nacido. Ahora mismo nos encontramos.

Actualmente estamos trabajando en nues-

tros 5 próximos lanzamientos, Sonsombre, Brotherhood, The Flatfield, Guillotine Dream y algunos re-releases.

Tu trabajo tanto en Bandcamp, en la radio y en la web como en Youtube es incansable. ¿Cómo administras tu tiempo para mantener en constante funcionamiento todas tus redes? ¿Lo haces tú sólo?

Yo lo hago todo solo, como te comenté Paula es mi co-worker y co-fundadora de Post Gothic ahora pero ella se encarga de parte burocrática y contable. Aunque las decisiones las tomas juntos. Todo lo que mencionas es mi parte y bueno, a veces trabajo 12 horas al día. Lo único que lamento es no tener tiempo para hacer reviews, aunque seguiré haciendo entrevistas. El proyecto de libro está dormido, pero no muerto. ¿Cómo definirías al Gothic Rock?

Muy buena pregunta porque hasta ahora solo he dado referencias directas de cómo no se debería definir. A nivel personal definiría el gothic rock como el balance entre lo que se hizo Bauhaus, Joy Division, The Damned,

The Stranglers, Buzzcocks con algo de siniestro de los Doors, la energía Motörhead sin llegar a sonar metálico y pesado y lo sombrío del Bela Lugosi’s Dead. El Gothic Rock es introspectivo y profundo.

Aunque el debate de quien fue la primera banda de puro gothic rock en la historia, yo te puedo decir que en abril de 1982 algo maravilloso paso: El single The Sisters Of Mercy ‎– Body Electric / Adrenochrome cambio la historia de nuestra escena. Mientras otras bandas se enfocaban en un estilo más cercano al Post-Punk Eldritch y colegas marcaron el camino para lo que hoy conocernos como puro Gothic Rock, pero claro siempre habrá alguien que no esté de acuerdo y menciona a The Cure. Con Pornography estaría de acuerdo si es ese disco en particular. Pero hay una clara diferencia entre lo que es Gothic Rock y Post-Punk, especialmente los 90’s. Aunque yo también mencionaría a The Danse Society con There Is No Shame In Death (1980)

El Gothic Rock tiene su nacimiento en la década de los 80 y casi cuarenta años después sigue manteniéndose vivo. ¿Cuáles crees que fueron los momentos claves y sublimes del estilo?

Para mí en 1985 se editaron 2 piedras angulares del género, El Burning The Fields de Fileds of The Nephilim, así como el First and Last and Always de Sisters of Mercy entre otros muchos. Muchas bandas de PostPunk iban de la mano con el Gothic Rock, véase Play Dead, The Danse Sociery, The March Violets etc. Pero si escuchas las bandas modernas de Post-Punk entonces te daras cuenta que las bandas ochenteras de Post-Punk te suenan muy gothic rock. Como echo de menos el tribal drumming en estas nuevas bandas. Los ochentas dieron muchos momentos claves, pero al más importante fue sin duda el nacimiento de un estilo musical con su posterior evolución en los 90’s. Por eso le llamo la primera oleada y no la segunda como mucho dicen, para mí los

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59 70’s no cuentan como oleada de gothic rock propiamente dicho. Y créeme que se me ha criticado fuertemente por eso. El after punk (post-punk) para mí era una cosa totalmente diferente. Es mi opinión y es así como veo la historia desde mis oídos. No es lo mismo Bauhaus que Sisters, no suenan igual. NI es lo mismo Christian Death que Fields of The Nephilim. Créelo o no todavía hay gente que aún no sabe la diferencia.

cho seguir dos giras alemanas, tengo una conexión musico-espiritual con ellos, creo que he estado en más de 25 conciertos desde su re-formación. The Sisters y The Mission son las que más escucho y muy regularmente pongo sus vinilos.

De los 90’s The Wake, Garden Of Delight, Nosferatu, Dronning Maud Land, Love Like Blood, Dreadful Shadows, The Merry Thoughts, IKON, Bay Laurel, The Home Of The Hitman, Funhouse, Dawn Of Oblivion, La actualidad nos lleva a hablar de un paso Children On Stun, Subterfuge, The House "nuevo", que lo mencionan como Post Of Usher, podría seguir y seguir porque a mi Gothic. ¿Tú cómo lo ves a este nuevo des- modo de ver la segunda oleada fue la que prendimiento del género? ¿Crees que es más bandas interesantes dio según mi gusun paso más allá, algo diferente al clásico to personal. sonido o crees que es una consecuencia? De los ultimo anos por supuesto NFD, Lo de Post Gothic estrictamente hablando de Merciful Nuns, Angels of Liberty, Sweet nuestra escena es la consecuencia de la hi- Ermengarde, Long Night, La Procesión De Lo bridación de todos los estilos oscuros, la pri- Infinito, Godless Procession, October Burns mera y segunda oleada mezclada con el af- Black, Sonsombre, Miazma, Arts Of Erebus, ter punk/post-punk y viceversa. Hay bandas Dr. Arthur Krause, por nombrar algunos y haque no quieren ser catalogadas como simple blando estrictamente de del género como gothic rock o simple post-punk. Aunque ya se Gothic Rock había etiquetado como post-gothic a bandas como “I Like Trains” incluso a los Anathema ¿A qué bandas definirías cómo Post Gothic más progresivos. A veces la prensa especia- y qué características les encuentras para liza en su afán de buscar etiquetas ha desvir- que se diferencien del Gothic rock? tuado muchos estilos musicales.

Yo creo que una banda clara en esta etiqueta sería los Finlandeses The Flatfield, por¿Qué último trabajo de alguna de las ban- que toman los mejores elementos del Gothic das clásicas de género Gothic Rock te ha Rock clásico y la experimentación del Postsorprendido gratamente?

Punk, cuyo resultado es absolutamente briSi te refieres a clásicas de los 80’s o 90’s llante. Then Comes Silence también podría creo que ninguno porque todas estas ban- está bajo esa etiqueta, pero son pura apredas están haciendo otras cosas, aunque el ciaciones personales, cada oído escucha la Wonderland de Nosferatu fue increíble. música como le entra.

Hablando un poco del pasado y presente del género Gothic rock. ¿Cuáles son tus bandas preferidas de esa camada que sentó las bases de género y cuáles son las últimas que te han sorprendido?

Del pasado, no es ningún misterio que Fields Of The Nephilim es la banda que me ha he-

¿Cómo ves la actualidad del Gothic Rock? ¿Ves algo nuevo o fórmulas que se repiten?

El gothic rock se está adormeciendo ante la experimentación del Post Gothic, creo que las últimas bandas de Gothic Rock que he escuchado son La Procesión de lo Infinito,

Guillotine Dream, Mosquito, Sonsombre y The Gold To Chrome... el cual fue el primer poco más mientras de Post-punk y post-go- disco que escucho mi hija cuando apenas tethic tienes unos 50 discos por ano de media. nía unas 4 horas de haber nacido. TRAITRS es otra banda que me interesa mucho, imaTu trabajo como comunicador de estos gé- gínate al hijo pequeño de The Cure con un neros es admirable. ¿Qué nuevas bandas Iphone. Then Comes Silence me robo el copuedes recomendar a nuestros lectores? razón hace varios años. La verdad es que no Gracias, la música es lo que me mantiene pararía, son muchas bandas. Mi colección cuerdo. Hablando en general y pasando por personal anda por 5000 títulos en todos los el Gothic Rock hasta llegar al post-gothic hay formatos físicos. bandas que me han hecho comprar los vini- Los Colombianos La Procesión de lo Infinito los sin dudar un momento, te puedo mencio- han hecho para mí el mejor disco de Gothic nar que la gran sorpresa recientemente para Rock del ano y quizás el mejor disco salido de mi han sido los canadienses Actors, a quie- Latinoamérica en los últimos, Otras bandas nes descubrí gracias un post de William Faith, que recomiendo cualquiera de los 35 trabajos una banda que va a dar mucho de qué hablar. que edite en Gothic Music Records.

Tengo una fijación con Whipering Sons, me parecen una banda increíble. El disco gran Agradezco la oportunidad que nos das de esperado disco debut de Subterfuge–Blind poder hablar contigo.

To Reason es de lo mejor que he escucha- ¡Muchísimas gracias Oskar! do en los últimos anos y en vinilo es toda una A ti por hacerme viajar por el tiempo, al paexperiencia. Este ano también se re-edito en recer he estado muy ocupado los últimos 10 vinilo el disco debut de Brotherhood - ...Turn anos.

61 Links al trabajo de Oskar: http://gothic-rock.com/ https://oskarterramortis.bandcamp.com/ https://twitter.com/thegothicmusic https://www.youtube.com/user/THISISGOTHICROCK https://www.mixcloud.com/GothicRock/ https://www.ivoox.com/podcast-gothic-rock_sq_f1312548_1.html https://postgothic.com/ https://postgothic.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/postgothic/ http://instagram.com/postgothic https://twitter.com/gothicpost

[ Entrevista a Benjamin Holton de epic45 por Benjamín York. ]

¡ME ENCANTA EL HECHO DE QUE EXISTA!

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Si hay una banda que me ha cautivado por su sonoridad en estos últimos años fueron pocas, pero epic45 pertenece a ese grupo selecto. Cada trabajo nuevo es una belleza que es difícil describir cada vez que me toca hacerlo y debido a esto de no poder poner en palabras redundantes lo que me hace sentir cada nuevo trabajo que lanzan, decidí comunicarme con mi tocayo, Benjamín Holton para hablar de este nuevo trabajo… el cuál… es más que recomendable para aquellos iluminados que se dejan llevar por la música dream-ambient-soundscapes.

En representación de esta bellísima banda Epic45, Benjamin nos contó esto…

Hola Benjamin, y gracias por dejarme hacer esta entrevista sobre la banda y su nuevo álbum, Through Broken Summer.

Para empezar esta entrevista quisiera que nos cuentes ¿qué ha pasado desde la salida del EP “Monuments” (2014) hasta “Through Broken Summer”?

Muchas cosas han cambiado. Los dos finalmente dejamos nuestras casas de la infancia para siempre y he tenido un hijo.

“Monuments” parecía marcar un final de este tipo; viejas relaciones, viejos hogares, formas de acercarse a la música, etc. En el tiempo intermedio, Rob y yo hemos experimentado con otra música que ha sido divertida.

el nombre nos ha retenido...

En septiembre del 2014 hemos hablado con Benjamín sobre “Against The Pull Of Autumn” que cumplía sus primeros diez años desde su lanzamiento. En aquella entrevista nos contaba que epic45 es sobre la vida en las casas de sus padres.

Acaban de lanzar “Through Broken Summer” y por lo que he leído, el paisaje de sus infancias ha cambiado mucho en estos años, y sé que en gran parte del álbum tratan de reflejar esa sensación, tal vez de añoranza o de decepción por lo que ya no está. Cuéntanos sobre estas sensaciones.

Siempre me ha llamado la atención La infancia es una cosa divertida para el nombre de la banda ¿Cuál es su reflexionar. A menudo, nuestros recuerdos significado? son de calor blanqueado por el sol y No hay una gran importancia en el nombre; sentimientos de satisfacción, pero la realidad lo elegimos cuando éramos niños, tomando no es tan simple. Cuando empezamos con el sello discográfico ‘épico’ y el rpm ‘45’ y epic45 todavía éramos niños, pero sintiendo uniéndolos. Por lo tanto, nos convertimos en el amanecer de la edad adulta, como un viento los últimos en una gran tradición de bandas frío. No nos alejamos de donde crecimos, realmente buenas con nombres ligeramente así que observamos cómo las personas tontos. El brote prefabricado viene cambiaban o se mudaban. Sin embargo, inmediatamente a la mente. Un entrevistador nuestros refugios de la infancia siguieron preguntó una vez si era en relación con el siendo los mismos, así que, cuando estuvimos final de la Segunda Guerra Mundial, a lo que en el campo, experimentamos una especie respondí que sí, ya que sonaba bien. Sé que de desarrollo detenido. El empujar y tirar de

la infancia y la edad adulta, la necesidad de seguir adelante fue lo que impulsó la epic45.

Así que, hoy en día, el enfoque ha cambiado en la medida en que nos hemos alejado un paso de la inmersión total de vivir dentro de nuestros recuerdos. Sin embargo, todavía visitamos el lugar donde crecimos y ahora estamos reflexionando sobre esa experiencia.

En este álbum se ha unido al dúo que conforman Benjamín y Rob, se les ha unido James Yates. Cuéntanos sobre James.

James es un gran amigo y un músico increíble. Como miembro en vivo, James siempre nos ha dado un rango dinámico enormemente aumentado, lo que hace que tocar en vivo sea algo tan divertido. James tocaba la batería en Weathering, pero fueron grabados de forma remota en Berlín. Esta vez pudimos grabar en el mismo espacio, juntos, lo que realmente ayudó. James ha aportado mucho a la mesa en términos de, no solo percusión, sino ideas, producción y musicalidad. ¡Es un huevo muy bueno!

Nuevamente aparece Anthony de July Skies. ¿Qué faltaría para que se una definitivamente a epic45? hahaha No me gustaría distraer a Ant del trabajo en cuestión: ¡terminar la próxima grabación de July Skies!

Pensando en el nuevo álbum y en su atmósfera, ¿Qué crees que no pudieron reflejar en el álbum? ¿Qué les quedó grabado que ahora pienses que lo podrían haber mejorado?

Hubo varias direcciones diferentes que podríamos haber seguido en este álbum, tanto que algunas canciones no terminaron haciéndolo. Creo que estamos muy contentos con la mezcla de atmósferas que hemos logrado en Through Broken Summer y no me gusta pensar en lo que podría haberse hecho de manera diferente. Solo quiero concentrarme en el próximo proyecto. ¿Qué les encanta del disco? ¡Me encanta el hecho de que existe!

65 ¿Cuánto tiempo vienen trabajando en este álbum?

Probablemente unos 3 años, realmente.

Aunque ciertos elementos se extienden más tiempo que eso, incluso antes de la “Weathering” (no diré qué bits)

James se quitó los calcetines en la reciente gira.

Y para ir finalizando esta entrevista. ¿Qué planes hay para epic45 en un futuro cercano?

Por lo general, trato de no ser demasiado Van presentarlo en vivo, y ¿cómo se específico con estas preguntas ya que las completa el line-up para los shows? cosas a menudo toman un camino diferente Nos quedamos con el trío de Rob, James al que está planeado. Sin embargo, tal como y yo, ya que es mucho más simple por está, tenemos un EP planeado para principios muchas razones. Sin embargo, hemos del próximo año, con una versión alternativa sido bendecidos con muchos maravillosos de Sun Memory y un conjunto de canciones miembros de la banda en vivo a lo largo de los de Through Broken Summer Sessions. años, en particular el increíblemente talentoso Tenemos ideas del próximo álbum también.

Eric Heath y Mike Rowley. El pragmatismo ha Aparte de eso, queremos seguir tocando en ganado, por desgracia. Sin embargo, dicho vivo lo más posible. esto, tenemos otro miembro súper talentoso del equipo epic45 en la forma de James Gracias Benjamin por responder a Brough, nuestro ingeniero de sonido en vivo. nuestras preguntas.

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Pueden adquirir el รกlbum en: https://digital.waysideandwoodland.com/ Pueden seguir a la banda en: http://www.epic45.com/ https://www.facebook.com/epic45official/

El Camino Desnudo

Por rubĂŠn Torres

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Y CERRANDO EL AÑO DE ENTREVISTAS. LLEGA EL TURNO DEL PROYECTO DE DIEGO CENTURIÓN Y CARLA DESIDERIO. LUNCIL; CLARO QUE NOS ENCONTRAMOS CON UN DÚO MÁS LUMINOSO, CON LAS MISMAS ARISTAS DE ANTES PERO MÁS PULIDOS A LA HORA DE HABLAR DE SU MÚSICA, PORQUE ESTÁN EN UN MOMENTO DE DECISIONES IMPORTANTES, COMO LA DE POR FIN DARLE UN DISCO A AQUELLOS QUE ESPERAMOS SU MÚSICA, O LA FIRMA DE UN SELLO DISCOGRÁFICO INDEPENDIENTE QUE LOS VALORICE Y LES DE LA VALIDACIÓN QUE MERECEN. QUIZÁS UNO DEBERÍA DARLES EL BENEFICIO DE JUGARSE EN ESTE PERÍODO DE TIEMPO CAMBIANTE Y ATEMORIZANTE, PORQUE TAL VEZ VALGA LA PENA HACER CANCIONES NUEVAS EN TIEMPOS TAN INCIERTOS. ALGUNA VEZ DIEGO NOS DIJO QUE LOS QUE HACÍAMOS ERA UNA ESPECIE DE FARO EN LA OSCURIDAD, Y NOS QUEDO DANDO VUELTA EN NUESTRA CABEZA, Y PENSAMOS EN ESO, EN ELLOS Y EN NOSOTROS, PERO SOBRE TODO EN ELLOS, Y DE CÓMO LLEVAR LA VIDA Y EL ARTE CON HIDALGUÍA, CON FUERZA Y EMPUJE, CON JAMÁS RENUNCIAR A LO QUE SE SUPONE QUE HEMOS VENIDO HACER AL MUNDO, A ESA MISIÓN MUSICAL QUE DEBEMOS DEVELAR Y ESTAR ATENTOS... PORQUE LA VIDA NO ES NI MÁS NI MENOS QUE ESO, CUMPLIR CON EL DESTINO... Y EL DESTINO DE LUNCIL ES LA DE CREAR NUEVOS UNIVERSOS MEDIANTE LA MÚSICA, Y EN ESO ESTÁN...

Y POR ESO SOMOS FELICES.

[ Entrevista a Luncil por Rubén Torres.

Fotografías: Lily Moonster ]

LOS DESTELLOS LUNARES

71 Dice en una biografía sobre Luncil que nacen de una colección de canciones gastadas que Diego Centurión tenía, que las desarmó y las volvió a armar con otra atmósfera. Bajo los rayos lunares como testigo de esas noches desveladas y bajo una impronta en donde el rock pasó a ser etéreo y con dosis de calma... y Carla Desiderio como la voz que ilumina lo generado por Diego.

La pregunta es entonces, después de diez años como banda, y de algunos EP’s en su historia escritos y grabados, ¿sigue existiendo la magia de la creación en Luncil como cuando comenzó en aquel 2008 bajo los rayos lunares de esas noches desveladas?

Diego: Luncil nace como una reformulación de viejas canciones que tenía en varios proyectos anteriores y que antes de disolver el último proyecto, una nueva manera de reinterpretación empezó a gestarse en mí cabeza, comencé experimentando en la PC nuevas formas de reinventar algunas de las canciones que venía ensayando en un formato más pop rock. Los climas y las formas mutaron hacia el lado opuesto de las que fueron concebidas. Digamos que en ese momento no existía aún Luncil como proyecto.

Les mostraba a Carla las nuevas versiones y ella me iba diciendo sus opiniones (suelo irme por las ramas y ella me baja a la Tierra, jajaja). Actualmente la magia se renovó y ella participa más en el proceso de composición de las canciones. Al principio nos basábamos más en lo que yo armaba.

Carla: En lo personal siento que el proyecto ahora maduró. Yo siento más magia ahora que en el 2008, y no puedo despegar que, como somos pareja, el proyecto maduró como nuestra relación. Es un proyecto más consolidado como nosotros. Y yo me involucro más en las creaciones de Luncil, si bien Diego compone las canciones, participo más desde la elección de las canciones y las estructuras sonoras a cambiar. Y yo creo que la

magia ahora creció porque desarrollo más mi parte como vocalista y he naturalizado más de las canciones ya realizadas, al participar en la creación.

En 2008 editaron Durmientes en el Mar, el EP de cuatro canciones con un cover de Echo and the Bunnymen… Aquel no fue un disco conceptual, sin embargo canciones como Sin Vos Acá que abre el disco, Brisa que lleva una melodía consecuente con la anterior, y lo mismo pasa con la bellísima Como Cielo que suena y cierra todo casi como una trilogía. Hablemos un poco de aquel EP, sobre si el proceso de creación tuvo esa impronta, sobre la grabación y repercusiones...

Diego: ¡Gracias por las palabras! La verdad es que todo fue un proceso de experimentación, sin duda que Sin Vos Acá, es nuestro "hit", nuestra carta de presentación... y por lo que dices, parece que "Cómo Cielo" va en ese camino, ya que en nuestro último show nos la han pedido y nosotros no la habíamos preparado. Cómo dije antes, todo provenía de viejas canciones, excepto "Brisa" que fue escrita para ese EP. Y no tuvo ningún concepto detrás, tal vez con Carla hemos elegido qué canciones íbamos a grabar y después fue ponerme a pensar en el orden de los tracks. Para ese EP he tratado de que participen algunos amigos que habían tocado conmigo en algunos proyectos anteriores.

En 2011 editan “Paisajes” otro EP, este ya sí, es absolutamente conceptual, se relacionan entre si... Estos cuatro "Paisajes Sonoros", fueron compuestos bajo la idea de la madrugada nocturna y el amanecer. ¿Cómo fue creándose en el estudio y que instrumentos usaron y no, en ese disco para que suene diferente a lo anterior?

Diego: Ese EP es un experimento… en realidad es una continuación de un trabajo para una obra de teatro, para la cual yo hice la música y Carla hizo el vestuario. Con ella

hicimos algunos trabajos juntos para teatro…

Este EP, nace después de esos trabajos, la idea fue hacer cuatro canciones que sigan esa línea de trabajo que venía realizando, “Paisajes” fue compuesto mentalmente en Mar del Plata, fue un trabajo de escribir más que nada sensaciones en un cuaderno, y pensar las sensaciones que quería plasmar en cada canción. No quiero ser pretencioso pero quise hacer un trabajo conceptual, que va desde la noche hasta un amanecer que amagaba ser tormentoso… “Luciérnagas” se trata de la noche, “Pre Amanecer” trata de ese momento previo a la salida del primer rayo del sol, “Amanecer”, pretende abarcar ese momento, y por último “Resolanas de Tormenta” tiene un dejo de oscuridad a causa de las oscuras nubes pero aún mantiene brillos solares.

Para esta grabación utilicé sólo instrumentos virtuales, sólo utilicé la guitarra como base para la búsqueda de acordes y melodías…

Si bien Carla no cantó, ella siempre da la opinión necesaria para que yo no me delire, so-

bre todo con las duraciones de las canciones.

Las presentaciones de Luncil en vivo no son una constante de la banda, sin embargo eso puede verse de varias maneras.

Que se note como un hecho tan particular que sea único y por lo tanto juega a favor... y la otra cara es la poca conexión que tienen con su público. ¿Esto se debe a que es poco natural para ustedes el vivo y se sienten más en su hábitat en el estudio? ¿Cómo lo ven ustedes y si tienen en mente más presentaciones con este nuevo trabajo en directo?

Carla:Considero que es la combinación de las dos cosas, tiene su encanto mostrarse pocas veces al año en vivo y además, en lo personal, me siento más cómoda en el estudio, pero sé que es importante mostrar lo que hacemos, así que es por este motivo en el 2018 decidimos presentarnos más veces en vivo Diego: Para nosotros el tocar en vivo siem-

pre es un problema… los dos somos muy tímidos… en lo que se refiere a enfrentar un escenario… de hecho, recién empezamos a tocar en vivo en el 2015. Nos cuesta mucho presentarnos en vivo, nos gusta sentirnos cómodos, y en pocos lugares lo hemos pasado bien, este año tuvimos un show muy lindo con Nax y Las Mentiras en septiembre en Panda Rojo, y fue la primera vez que nos sentimos cómodos, en gran parte responsabilidad de Nicolás Castello de Nax, quien nos estuvo encima habiéndonos sentir muy muy relajados. El proceso de estudio es mucho más cómodo… es como lo es para Beth Gibbons de Portishead, que para grabar se tiene que quedar sola y casi con pocas luces, jajajaja…. Nosotros no llegamos a ese punto, pero sí es muy importante sentirnos cómodos.

la lírica que también es parte de la sonoridad... ¿Desde dónde parten estas influencias musicales y si se quiere literarias de Luncil?

Diego: La verdad es que las tres bandas que podría nombrar que se energizan en nuestras canciones son un trío muy audible en el sonido de Luncil, Cocteau Twins, The Cure y Pink Floyd. Ahora estamos en una etapa más experimental en cuanto a las letras, hay una apertura a fusionar con textos u otras canciones… Los dos tenemos puntos en común en cuanto a gustos musicales, pero los dos tenemos gustos muy amplios y que no siempre coinciden, creo que todo eso se nota en nuestras canciones, que no siguen un patrón generado por otras bandas.

Los covers o versiones que han hecho de Sabemos que hay infinidad de sonidos bandas que evidentemente conocen muy que están en Luncil, porque lo escucha- bien, como The Killing Moon de Echo and mos y sentimos que nos rememoran otras The Bunnymen. O Tratame Suavemente músicas, eso tiene que ver creemos, en su de Los Encargados, ¿son cosas que seformación como músicos y la manera en guirán haciendo en el futuro...y como es que construyen su propio sonido, incluso hacer una obra desde la admiración?

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Carla: Sí, vamos a seguir haciendo algunos covers, me parece que es un trabajo más intuitivo y emotivo, es decir, que hacemos lo que sentimos con la canción, sin dejar de priorizar el sonido de Luncil, el respeto y la admiración que sentimos por los autores y la canción.

Diego: Los covers siempre están dando vueltas alrededor nuestro. Particularmente no nos gustan hacer versiones iguales a las originales, eso es algo que siempre me sucede cuando escucho una versión idéntica a la original, siempre llevás las de perder con la creada por su autor y es como hasta innecesario. Nosotros preferimos la “reinterpretación”, llevar acordes originales a nuestro sonido y buscarle una vuelta de tuerca distinta y, tal vez, inesperada. Siempre que hablamos de hacer una reinterpretación, el primer trabajo es buscar el tono que a Carla le quede cómodo y luego las estructuras o los tiempos, las modificamos.

En 2012 grabaron y editaron algunas

canciones sueltas, que creo no llegaron a formar parte de ningún EP, si no es así ustedes me dirán. Y sabemos ahora que están en proceso de creación de un nuevo material de la banda. ¿Esta nueva creación va a ser otro EP, quieren darle forma de disco, o eso será para más adelante?

Diego: Nuestro camino discográfico se divide en un comienzo activo, con “Durmientes en el Mar” (2008) y “Paisajes” (2011) y una meseta de varios años en donde fuimos absorbidos por nuestras actividades personales… 2013 decidí remezclar nuestro primer EP y ponerle un remix de “Sin vos acá”, que está escondido al final de “The Killing Moon”, toda esta edición fue por el lanzamiento del EP bajo una Netlabel noruega llamada “Petroglyph Music”, que lo puso para descarga directa, al igual que en nuestro bandcamp.

Luego entramos en un stand by, y lanzamos demos y algunos instrumentales grabados muy lo-fi, pero que quedaron ahí perdidos.

Ahora estamos grabando canciones entre cinco o seis… aún no definimos bien la canti-

rias perspectivas. La pregunta es, con esa amplia mirada, ¿cómo ven hoy la escena actual de la música en todos sus aspectos, sobre todo la creada desde la independencia?

Diego: Esa es una pregunta que siempre nos hacemos y solemos hablarlo siempre, no sólo en la música, sino en el arte en general. Hay una saturación de información importante. Uno puede poner cualquier nombre que se le ocurra y seguro en YouTube encontrará algo. La propagación de bandas y proyectos es indudablemente marcada por el gran cambio de estos años, Internet. Hay Ustedes siempre trabajaron desde la in- una posibilidad de crear música sin saber todependencia y esa manera tiene sus pro y car un instrumento, con las herramientas virsus contras. ¿Cómo viven y ven esta parti- tuales. La afluencia de nuevas bandas es incular forma de hacer. Y es verdad que aho- cesante, aunque eso no signifique que haya ra trabajan con un sello discográfico? nueva música, nuevas formas… hay mucho Carla:Nos sentimos libres de hacer lo que revisionismo de formas viejas que, con las nos plazca, no nos interesa ser populares, nuevas tecnologías, está al alcance de las obvio, que nos gusta que nuestra música la nuevas generaciones y muchos chicos quieescuchen algunos y la disfruten, pero priori- ren vivir algo que por edad no pudieron vivenzamos la libertad de ser Luncil, sin que otro ciar. En cierta forma, dentro del arte, hay una nos lleve hacia caminos inciertos, jaaaa. reafirmación del “Do It yourself” del punk en Diego: Ahora retomamos envión y nos es- nuestra actualidad. Y a veces suelo pensar tamos concentrando en grabar para No Devo- en qué tan bueno puede ser eso, en muchos tion Records, un sello con base en los EEUU casos en donde no hay un riesgo artístico… y México, ellos nos insistieron para tener ma- vivimos una era del efecto, de ser efectivisterial nuestro. Y nos entusiasmamos y reto- ta, no importa cómo pero hay que lograr un mamos algunas de esas viejas canciones y impacto, buscar el éxito a como dé lugar… les dimos un enfoque más serio. Lo bueno de y en muchas ocasiones… suena lindo pero ser independientes es que podemos hacer lo sin alma. Pero también hay cosas muy intereque tengamos ganas y no tenemos que ren- santes que si no fuera por internet jamás codirle cuentas a nadie, entiéndase productor, noceríamos. Es una dualidad peligrosa, puemánager, o lo que sea. Nosotros nos auto- de llevarnos al fiasco o a la belleza… el éxito gestionamos, buscamos rodearnos de gen- mucho no importa… aunque últimamente se te idónea en sus rubros, para que cuando se confunde el éxito con ser conocido… Estanecesite nos damos una mano entre todos. mos en un período de cambio… si bien no poEsa es la manera, el apoyo de todos con to- demos verlo… pero como muchos cambios dos, algo que mucho no se da últimamente, de paradigmas en su época no tenían nomexcepto contados casos. bre ni eran tan visibles… lo que estoy seguro que el cambio viene del lado de la tecnología.

Sabemos que además de Luncil, tienen ustedes infinidad de proyectos en paraEl próximo año, además de nuevo dislelo que producen y es por eso que co- co, y tal vez mas presentaciones en vivo. nocen el universo de la música desde va- ¿Hay algo que nos quieran contar con resdad, pero seguro será un mini álbum. Lo bueno es que habrá invitados que para nosotros son muy importantes y son músicos que admiramos mucho, estarán Nicolás Castello de Nax, Billy y Cristian de Budapest Post-Punk, Bernardo Jiménez Mesa de elamorte, Maxx y Darío de Horacio.nuevatemporada. Y también vamos a lanzar algunos remixes de las canciones de “Durmientes en el Mar”, con remixes de Maxx Wild, The Blue Hour, Nax y estamos en tratativas de otros… aún no sabemos en qué forma, pero se vendrá un 2019 movidito para Luncil.

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pecto a futuras, y hablando de mañana y también de ayer, y mirando retrospectivamente como ven a Luncil con el paso del tiempo?

Carla: Estamos más consolidados, nos conocemos mucho y nos potenciamos, con el tiempo, eso también fue creciendo, en lo personal, aporto mucho más en la actualidad al proyecto, desde los sonidos que puedo generar con la voz, me siento más segura, si bien Diego compone las melodías, las letras y elije cada uno de los instrumentos que conforman la canción, la voz es un instrumento muy importante en Luncil y creo que ese es mi aporte mayor, propongo desde ese lugar, aunque opino sobre toda la sonoridad, jajaja Diego: Si, Es verdad, ella opina sobre todo… jajajaja. En realidad, estos últimos

años es más un ida y vuelta, mucho más que en el principio, porque cuando nació el proyecto Carla se limitaba más a seguir lo establecido… pero ahora ya es un trabajo de a dos. Yo creo que Luncil tuvo su período de gestación y se quedó desplazado por nuestras tareas individuales… y hace un par de años tomó más cuerpo y los desafíos van apareciendo y los vamos enfrentando. Ahora nos creemos más Luncil.

Gracias amigos por la música que hacen desde el corazón y el alma y comparten con el mundo, por la generosidad en esta entrevista. Nos volveremos a encontrar cuando hablemos del nuevo disco... de nuevo GRACIAS!!!

Diego: Gracias a vos Rubén por la entrevista.

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[ Entrevista a Martín Oliver por Diego Centurión. ]

SOY EL QUE TIENE LA TAREA DE VER EL MAPA COMPLETO

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Antes del show de éste sábado en Lucille (Gorriti 5520), nos comunicamos con Marín Oliver para conocer sus pensamientos y nos encontramos con un músico que entiende todo lo que pasa a su alrededor sin perder la espontaneidad y la simpleza de un pensamiento sólido.

Hola Martín, gracias por aceptar contestar estas preguntas.

Para empezar “Psicosis Radio” es el nombre de tu segundo álbum, que se editó en marzo de este año. ¿Cómo estuvo este trabajo en este 2018 que, económicamente, fue muy difícil para los argentinos? Y si bien la pregunta apunta a la edición (vos lo tenés para descarga gratuita en tu bandcamp) también queremos saber en lo referente a shows… un año en donde el dinero escaseó en muchos bolsillos.

Nadie está exento de una situación así en el país, donde están pasando cosas muy importantes en todos los niveles.

Nuestra propuesta es hacer frente a todas las situaciones tratando de no bajar la vara, si no que aumentando el potencial creativo del proyecto de acuerdo a los presupuestos existentes.

Chances económicas (que si bien en el 2018 fueron menores) hay y uno tiene que poner la creatividad por encima del presupuesto. Esta es una de las leyes basales del proyecto. ¿Qué diferencia encuentras entre tu primer trabajo “Perdido Día Gris” y “Psicosis Radio”?

La diferencia principal es que el primer disco está formada por una recopilación de todas mis primeras canciones que fueron hechas desde una perspectiva más intuitiva y catártica y menos pensada. Psicosis

Radio fue pensado conceptual mente, hubo una idea que se respetó a raja tabla. Una idea de orquestación, una idea de composición, tanto musical como lírica, fue un disco mucho más “craneado”.

Siendo un solista, ¿Cómo preparas tu música? ¿Eres de los que le dicen a los músicos qué tocar o dejas que lo sonoro fluya, sin acotar nada?

Ni una cosa ni la otra, ni un extremo ni el otro. Tengo una banda de nueve personas y en todo grupo humano donde hay mucha gente tiene que haber una cabeza que ordene todas las ideas que están girando. De todas formas, siempre escucho a los músicos ya que confío mucho en su criterio y considero que nunca voy a saber más de un instrumento que un instrumentista que conoce su propio instrumento, pero a la vez yo soy el que tiene la tarea de ver el mapa completo. ¿Tu banda en vivo es la misma siempre, quienes te acompañan en esta etapa?

Mi banda es siempre la misma, salvo contadas excepciones. Me acompañan: Beca Estevanera (Coros); Agustin Piva (Batería); Lean Tenenbaum (Bajo); Lucas Herrera (Teclados); Renzo Baltuzzi (Guitarra); Lucas Humphreys (Saxo); Hernan Di Steffano (Trompeta) y Romina Minutola (Trombón).

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Tu música tiene un fuerte tinte de funk, pero sueles utilizar sonidos más actuales. Y pensando en las influencias que parecen ser demasiados amplias, ¿Cuál son tus influencias a la hora de componer?

En otras palabras, ¿quiénes o qué cosas te inspiran?

No tengo ningún estilo delimitado como influencia. Creo que el ser cantautor y solista te da una libertad sobre los estilos que cosas que deben ser respetadas a raja tabla. Tengo influencias nacionales como Cerati, Fito, Charly, El Flaco, Miguel Abuelo, Lisandro Aristimuño y nuestro vecino Drexler. Internacionales escucho mucho a Arctic Monkeys, Dave Matthews, John Mayer. La verdad es que las influencias también van variando según lo que uno quiera decir. Pueden aparecer influencias circunstanciales como Mac Miller o Kendrick Lamar que no son tan literales si no que funcionan como puntos de partida.

Has cerrado el álbum con una versión de “Penumbras” de Sandro. ¿Cuéntame por qué esta elección para el final?

La elección de Penumbras como último tiene más que ver como una cuestión operativa que estética. La versión que quedo se grabó en vivo en el estudio. Para mí el disco tiene una lógica interna que debía que ser respetada, por eso no lo metí en el medio. La inclusión en el final tiene más que ver con una suerte de Bonus Track que con una canción del disco en sí.

¿Cómo crees que está el mercado de la música hoy?

El mercado está muy abierto a estéticas nuevas. El abanico de redes sociales permite que uno pueda acercarse a mucha música muy diversa y con bastante libertad, depende de la monomanía de cada uno que tanto se quiera profundizar. Se esa delimitando una línea estética que va a marcar los próximos 10 años de la música que viene por la mano del hip-hop y de un tipo de orquestación y lírica que son todas cosas que han explotado en los últimos 3/4 años que creo que van a ser escuela en estos próximos 10 años. ¿Qué podemos esperar para el 2019?

En el 2019 buscamos seguir tocando, seguir creciendo como banda y nutriendo el proyecto. Tenemos planeado sacar un EP a mediados de año en el cual tengo ganas de seguir trabajando en la identidad de Martín Oliver. Va a ser un EP que va a cubrir un espectro de sonidos inmenso, desde lo orgánico hasta lo electrónico y donde no solo se va a buscar perfeccionar cada sonido, si no usarlo para vestir a la canción.

Para cerrar esta entrevista y agradeciéndote por las respuestas…

Si hay algo que no pregunté y quieras agregar… éste es el momento. ¡Nada más que agregar, muchísimas gracias por la nota! ¡Gracias Martín!

[ Entrevista a Aaron Miles de Burning Housei por Diego Centurión.

Fotografías: George Evans ]

PSICOLOGÍA EN UNA CASA INCENDIADA

83 Llegamos al final del año y hemos encontrado a Burning House, un trío de Southampton, formados por el cantante y guitarrista Aaron Mills, el baterista Dominic Taylor y el bajsta Patrick White. Esta banda tiene pensado lanzar el álbum debut en este 2019, ya han lanzado unos singles y un EP en agosto llamado “Tracer”. En noviembre han lanzado el single adelanto de su nuevo álbum llamado “Anthropocene” y antes de la salida de su nuevo álbum hemos contactado con Aaron Miles para hablar un poco con él sobre la banda y realidades de una persona que, al parecer, gusta de la psicología, y dejamos abierta esa puerta que nos acerque cuando salga el mencionado debut.

Gracias Aaron por aceptar realizar está entrevista.

Para empezar me gustaría saber ¿por qué el nombre de la banda?

"Burning House" es un motivo recurrente en algunas de mis películas favoritas. Desde lo alto de mi cabeza puedo citar: "Mirror" y " The Sacrifice " de Tarkovsky que enfatizan este simbolismo enfáticamente, esta última es una metáfora directa de la salud decreciente de Tarkovsky. En torno a la idea de la banda, empecé a enamorarme con una recopilación de las primeras rarezas / bsides de R.E.M, titulada "Dead Letter Office": había varias canciones con "Burning" en el título. Amo a Michael Stipe; Creo que es un genio lírico. Gran parte de lo que cantó en las primeras grabaciones, aunque oblicua y vaga, sin embargo, crea un aura poderosa, o espacio psíquico único, al mismo tiempo que nunca dejaron de crear las melodías más seductoras. En cuanto a las letras, era como si Stipe solo quisiera ser "escuchado" cuando tenía algo inequívoco que decir, pero era demasiado consciente de la culpa ontológica que tal "inscripción" definitoria podría excluir. Sin embargo,

lo más conmovedor fue que creo que una escena clave en el debut como director de Charlie Kaufman ‘Synecdoche, New York’, donde Hazel, interpretada por Samantha Morton, en busca de una casa para comprar, se encuentra con una permanente en llamas.Dirigiéndosealagentedebienes raíces, ella comenta: "Es una decisión aterradora comprar una casa sola, y con el fuego y todo especialmente...".

El agente de bienes raíces responde: "Es una gran decisión: cómo uno prefiere morir..." para cristalizar aún más este absurdo momento, el agente de bienes raíces revela que su hijo ha estado viviendo en el sótano desde su divorcio. Para mí, esto se refiere al refugio incondicional que su amante o familia podría ofrecer a cambio de su alma terrenal. Esa sumisión pasiva garantiza que el "ego" de sus captores permanezca intacto. Inculcar tales miedos al "mundo" garantiza que nunca tendrá que enfrentarse a su progenie que lo abandona, es decir, construir una vida en una dirección que lo excluye. La “Mother” de Pink Floyd también explora este tema.

Synecdoche, Nueva York resonó conmigo de una manera que todavía

estoy desplegando hasta el día de hoy. Se trata de convertirse en un ser integrado; Trascendencia: el "yo" como satélite de los objetos en su entorno.

Una meditación tanto en Necrosis como en Neurosis, y, en última instancia, para alcanzar y ser subsumido en un "todo" mayor que la suma de sus partes, que invariablemente (a menudo) simboliza a la "Madre".

Se ha vuelto aún más resonante para mí casi 10 años desde su producción, dada la meta-realidad esquizofrénica que nos vemos obligados a negociar día a día. La locura acelerada de todo. Estamos acelerando hacia una incógnita, pero en nuestra neurosis adolescente, lo que Heidegger denomina "ser hacia el principio": una preocupación por la nostalgia, los idílicos de ayer o la obediencia a la autoridad paterna encarnada en el "estado", existe un

"confort" perverso "estasis" a la que estamos atados umbilicalmente ante la creciente incertidumbre de las cosas por venir. De las mañanas inciertas. ¿Y qué precedente histórico tiene esta tasa de cambio exponencial? La ansiedad es una respuesta inevitable a este desorden ontológico. Cuando nosotros (los Millennials y más allá) no podemos alcanzar los significantes que nos ubican en "el mundo" que dice "Vivo aquí / Yo existo", una casa es la apoteosis de esto, estamos destinados a una infancia permanente. Es por eso que la idea de que solo puede pagar la casa porque está "en llamas" es un absurdismo muy moderno que no se siente totalmente alejado de la experiencia milenaria "vivida". Los disturbios en Francia, si se perciben en un contexto psicoanalítico, se refieren a una generación dedicada a la infancia, que ya no puede ser aplacada, que

apenas están comenzando a explorar una fase de rebelión adolescente... estas ideas están bien articuladas en un reciente ensayo de Julie Reshe para Medium.Com Soy argentino, y la pregunta sobre José Luis Borges es difícil de esquivar... ¿de dónde sale la pasión por José Luis Borges?

Leí "Laberintos" cuando era adolescente. Estaba obsesionada por ello. Fue místico; Expresando cosas más allá del lenguaje. Me pareció que Borges utilizó "Paradojas" y "Espejos" para agregar elementos metadimensionales a sus historias "breves", o "secuencias de sueños", de modo que su alcance no tuviera límites. De la misma manera, un diseñador de interiores sugiere colocar "espejos" para crear la "ilusión" de espacio.

He utilizado como dispositivo en mis propias letras para "Burning House", aunque de manera inconsciente.

Curiosamente, al deliberar sobre esta pregunta me encontré tratando de alcanzar un episodio de Seinfeld. Hay una rutina de apertura que habla sobre espejos y un periquito que tenía cuando era niño y que su familia dejaría salir de su jaula. Permitir que el periquito vuele libremente alrededor de la casa, el periquito sin falta siempre haría una línea recta hacia el espejo. ¡Choque!

La frase clave de la rutina es: "incluso si él pensara que había otra habitación (creada por el espejo), ¡crees que al menos evitaría golpear al otro periquito!"

Mira, al seleccionar este episodio, esto me brinda más evidencia. de cómo mis preferencias subconscientes dictan mi "realidad"; en este caso, mi opinión sobre su pregunta. Estoy extremadamente interesado en este tema. Como mi escritura tiene mucho que ver con "sentir" en lugar de con "lógica", asumo que si puedo sentirlo, que algo está "emergiendo" a lo que debo prestar atención, incluso si no

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puedo "acceder" "Conscientemente.

del sonido, el collage y el enfoque ideológico compartido. Últimamente, Hace cinco años que existe la hemos estado trabajando con Shauna banda... ¿Qué fue lo mejor de este de Shameless Promotion PR, cuyo tiempo? incansable trabajo está ayudando a Abrir para el legendario Wire y correr la voz. conocer a Steve Lamacq de la BBC, y contarlo como fanático. Solía escuchar Se viene el álbum "Anthropocene". su "sesión de la tarde" cuando era ¿Qué nos pueden contar del álbum? muy joven. Todavía tengo cassettes El álbum ha pasado por un proceso de sesiones en la banda y pistas que de nacimiento y renacimiento. Mezcla tocaría de la misma forma que lo hice y remezcla. Perseguí este "ideal" con John Peel. perfecto de lo que es el " Anthropocene ". Ahora estoy listo para dejarlo ir.

Acaban de lanzar "Mirror" Song", ¡Estoy extremadamente orgulloso del ¿Qué repercusiones han obtenido "mundo" que hemos creado con él y no hasta hoy? puedo esperar para liberarlo! Y discutir ¡La respuesta ha sido grandiosa! Sin más o quizás profundizar el misterio! querer tocar mi propia trompeta, creo ¡Hay hilos alegóricos, corrientes de que si una banda más establecida conciencia y guitarras como olas que hubiera lanzado “Peach” habría sido se estrellan sobre rocas y estructuras un éxito masivo. En su forma actual, como el desplazamiento de las placas sin embargo, la recepción ha sido muy tectónicas! ¡Manténganse al tanto! alentadora. Estamos recolectando fanáticos, y ardientes en eso, ¡cuanto Se viene el 2019, ¿Cuáles son los más ponemos ahí afuera! planes de la banda?

Hacer correr la voz es tan crítico Lanzamiento del álbum a principios de para los artistas emergentes. Los 2019. También estamos organizando publicistas, los gerentes y los sellos una gira para abril del próximo año, desempeñan un papel importante en ¡donde iremos a Europa por primera este tipo de trabajo. vez! ¡A cualquier persona le gustaría ayudar con eso póngase en contacto! ¿Cómohasidotupropiaexperiencia ¡También abordamos el emocionante en este sentido? material "nuevo", que marca la llegada Somos afortunados de haber de nuevos temas y la ambición encontrado promotores y personal de compositiva rejuvenecida! prensa que ha elogiado a la banda.

También colaboré con algunos artistas Para terminar esta pequeña fantásticos: la artista de Brighton entrevista, ¿Hay algo que yo no haya Sarah Shaw y la artista holandesa Erik preguntado que deseen contarnos?

De Bree, la diseñadora gráfica Sarah Solo para reiterar: nos estamos Adler. Todos nos han permitido usar embarcando en una gira en abril, su arte para mostrar el nuestro y su tenemos líderes en Europa.¡ Las partes trabajo. También estamos trabajando interesadas se ponen en contacto! con el artista visual con sede en Miami "Sabato Visconti", en el que hemos ¡Gracias Chicos, nos vemos en el encontrado un mundo reflejado próximo año!

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HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂ­benos a revistathe13th@gmail.com

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[ Por Diego Centuriรณn ]

CANCIร N + BANDA

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18 de Octubre de 1985.

Una de las bandas pioneras del punk rock Siouxsie and The Banshees, para esa época muy alejado del movimiento que los vio nacerallá por 1976.Se formaron para el icónico “100 Club Punk Festival”, junto a bandas como The Damned, Sex Pistols, The Clash, entre otras.

Todos conocemos la trayectoria de la banda de Siouxsie Sioux, Steven Severin y Budgie, quienes para esta época contaban entre sus filas a John Valentine Carruthers en el rol de guitarrista y tecladista. En octubre de 1985 lanzan el single adelanto del nuevo disco que se editó al siguiente año, llamado “Tinderbox”. La canción se convirtió en el primer gran éxito de la banda dentro de los rankings tanto de Inglaterra como (por Primera Vez en su historia) en EEUU.Su letra describe la ciudad de Pompeya, destruida en una erupción volcánica en 79 DC. Hoy sabemos que la banda no está activa y sus miembros están muy pocos activos, tal vez el más activo sea Steven, quien suele editar cosas en su bandcamp.

Muchos años después, en Canadá, más precisamente en Hamilton (Ontario) en el 2003, Zach Frank (voz), Craig Nordemann (bajo), Simon Toye (guitarra) y Matt Winters (baterista) forman una banda y la llaman como la canción de los Banshees, Cities in Dust.

Cuenta la historia que debido a las performances en vivo de Zach firman contrato con el independiente sello de Paper Bag Records. Y para ese mismo año editan su primer y único disco “Night Creatures”. Poniendo en esas once canciones toda su furia garage-punk directa como un patada en los dientes.

Mucha información no existe sobre la banda, un viejo Myspace que está vacío, un link del canal del sello en youtube con el álbum y un lugar para conseguir el álbum en la web del sello.

No se sabe si la banda sigue activa, ni siquiera hay información sobre shows o canciones nuevas…. Pero el disco “Night Creatures” es recomendable.

Los Links a las bandas: Siouxsie and the Banshees: http://siouxsieandthebanshees.co.uk/ http://www.untiedundone.com/ http://www.thebansheesandothercreatures.co.uk/ https://www.facebook.com/Siouxsie-And-The-Banshees-186751311365203/ https://www.youtube.com/channel/UCkOByxhQ3me30cFlcA9VdSw https://www.facebook.com/SiouxsieHQ/ https://www.facebook.com/severin.steven/ https://www.facebook.com/budgieofficial/ Cities in Dust: http://paperbagrecords.com/ Link al disco: https://youtu.be/j33WogEYTTk

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