Revista The 13th N° 53

AÑO: 5 | NÚMERO 53

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

BRIM LISKI - I AM A ROCKETSHIP HOGUERA - FUEL FOR MADNESS KING TUBBY - NEW ORDER CLAVOS Y AGUJAS - PALABRAS EN LA ARENA THE REVERBERATIONS - THE 69 EYES NEAR EARTH ORBIT - THE TELESCOPES

STAFF

Marzo 2019

DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alejandro Cenizacromada REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Diego Centurión.

Benjamín York Bernardo Jimenez Mesa

TRADUCCIÓN

Diego Centurión

Pablo Müllner

Franco Doglioli Pablo Ravale

PORTADA

Romina González

Carla Desiderio

Valeria Pomidoro

Jefe de Departamento de Colombia:

[ Fotografía ]

César León Jefe de Departamento de Literatura:

Lily Moonster Fabián Resakka

Pablo Ravale.

Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

NÚMERO 53 LLEGANDO AL NUEVO AÑO...

ÍNDICE ENTREVISTAS

BRIM LISKI

HOGUERA

I AM A ROCKETSHIP

10 24 50

SECCIONES

MUSIC CORNER NEW ORDER PALABRAS EN LA ARENA

EL PLAN DE TU ALMA FRANCO DOGLIOLI ROMINA GONZÁLEZ

FUEL FOR MADNESS

68

VALERIA POMIDORO CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

TRÓPICA OBSCURA

KING TUBBY CLAVOS Y AGUJAS

HIDDEN TRACK

CANCIÓN + BANDA

16 34 36 38 40 42 44

54 56 60

66 82

DISCOS

THE REVERBERATIONS

06

CHANGES THE 69 EYES WASTING THE DAWN THE TELESCOPES

30

EXPLODING HEAD...

NEAR EARTH ORBIT INTELLIGENCE ARTIFICIAL FRED ABONG PULSING

22

76

84

SESIONES ENTREPISOS EN EL ESTUDIO MONTACARGAS YA TENEMOS VARIAS SESIONES LISTAS PARA LANZAR...

INGRESEN Y SUSCRÍBANSE A NUESTROS CANALES PARA RECIBIR INFORMACIÓN SOBRE LAS SESIONES Y PODER VER LOS VIDEOS. WEB: https://www.entrepisosradio.com/ FACEBOOK: https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/ INSTAGRAM: https://www.instagram.com/ciclo_entrepisos/

[ The Reverberations - Changes (2019) por Benjamín York. ]

EL PASADO ACTUALIZADO

The Reverberations - Changes Label: Beluga Music Fecha de Lanzamiento: 06 Febrero de 2019

Hacia el año 2014 Dave Berkham abandonaba la banda The Cry y luego de juntarse a tocar viejas canciones de los sesentas junto a John Jenne e Ian Bixby. Pero enseguida empezaron a crear sus propias canciones, reclutan a Cam Mazzia y nace está banda.

En el 2016 lanzan si primer álbum "Mess Up Your Mind" de corte más garaje rock, y entre EPs y Singles llega el segundo álbum, "Changes", en donde el sonido se colores más y se torna más psicodélico.

Changes no trae nada nuevo a los sonidos de los años 60's, pero si suena actualizado y mezclado con lo mejor de esa década. El arranque de "Footsteps" nos da la idea que las explosiones de colores luminosos serán una constante alucinógenas en este viaje caleidoscópico.

El segundo track "So Strange" es un envolvente beatleano, sobre todo el bajo a lo Paul McCartney en "Taxman". "Dream Catcher" sigue la sonoridad beatlesca. Mientras tanto se suceden "" y "Left Behind" tiene un marcado acento stonero a lo "Paint it Black". “Changes” me plantea una pregunta ¿es imposible que alguno de la banda haya escuchado “Pasajero en Trance” de Charly García?, saquen sus propias conclusiones. “Levitate Away” con un comienzo que recuerda a “Purple Haze” pero luego toma su propio curso. “Alice Dee” tiene un ritmo interesante y nos trae ese vestigio de garaje rock del primer álbum. “What Can I Do?” una canción psicodélica con mucho color.

“Time Stops” a bailar con esta canción, no queda otra. “Into The Light” otra canción que nos hace girar la cabeza al compás de un lado al otro. Los sonidos hindúes de guitarra que simulan una citara hacen de “Mesmerized” una deliciosa canción con aires beatlescos. Y para cerrar el álbum “Open Your Eyes” que nos sube a un subibaja psicodélico beatlesco precioso y nos deja con ganas de más.

Más allá de algunos parecidos en algunas canciones, no podemos negar que "Changes" es un álbum que hace que el pasado suene actualizado.

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[ Entrevista a Ryan Policky de Brim Liski por Diego Centurión.

Fotografías: Ryan Policky. ]

ES UNA EXPLOSIÓN DE SENTIMIENTOS

Como un sueño electrónico ideado por uno de los músicos más gentiles, en cuanto a paisajes creados desde su mente, Ryan Policky de A Shoreline Dream, acompañado en esta aventura por Justin Gitlin, artista digital experimental. Éste dúo le da vida a este proyecto denominado “Brim Liski” que ya ha cumplido una década de existencia. Ahora nos entregarán un nuevo EP de cuatro canciones llamado “Duels” y nos hemos puesto en contacto con ellos para conocer este nuevo viaje.

Hola chicos, gracias por aceptar realizar está entrevista.

Yo sigo la música de Ryan y su A Shoreline Dream, pero no sabía de éste proyecto. Así que aprovecho para que esta entrevista sea una presentación para todos nuestros lectores.

Para empezar... Conozco la procedencia del nombre de este proyecto, pero me gustaría que ustedes les cuenten a nuestros lectores la historia. ¿Cuándo y cómo nace este proyecto?

El nombre fue inspirado por mi querida amiga Michelle Brim, un poco fusionada con la forma en que se pronuncia mi nombre. El significado es que al final de la mezcla y el dominio de "Recollections of Memory" para A Shoreline Dream, supe de su fallecimiento luego de llamarla para contarle las buenas noticias del álbum y reunirme con ella. Ella estaba tratando de contactarme la semana que Mark Kramer vino para ayudar a finalizar el álbum y no pude comunicarme hasta que ya era demasiado tarde. Fue devastador para mí. Ella era una de las amigas más increíbles que tenía en ese momento. Alguien con quien había compartido tanto. Me inspiró a escribir música nueva y Justin estuvo de acuerdo. Brim Liski se convirtió en el homenaje y motivador para seguir adelante. ¿Cuándo y cómo surgió este proyecto?

Bueno, como se dijo anteriormente, se produjo sin previo aviso. Supe de inmediato que quería recordar a Michelle, y también nos pusimos manos a la obra para intentar una colaboración ya que ya estábamos familiarizados con el proceso de producción de los

demás, ya que habíamos hecho algunos remixes juntos. Trabajé todo un día en un concierto con Justin, así que fue fácil hacer que cobrara vida. Pasamos nuestro tiempo libre desarrollando la primera canción que nos dio la motivación para expandirla en un álbum completo. ¿Cómo es la composición y el trabajo de grabación para este proyecto?

Somos tan buenos amigos que realmente llegó naturalmente. Al igual que cuando se trabaja con Ulrich, lanzamos ideas de un lado a otro, agregamos fragmentos a la mezcla y pasamos a la otra. Ambos tenemos mentalidades muy abiertas y muy experimentales con nuestra escritura, pero también conocemos las fortalezas de cada uno para hacer que las canciones realmente brillen. Fue muy orgánico. Muy simple. No se habla mucho, solo mucha música.

En noviembre de este 2019, se cumplirán los diez primeros años de su homónimo debut. ¿Qué cambió de esas primeras canciones a las canciones de “Duels”?

Lo que es una locura es que ni siquiera estaba pensando en ese aniversario hasta que leí esta pregunta. Es asombroso lo rápido que pasa el tiempo. El tiempo es una ametralladora de hecho;). No mucho ha cambiado realmente desde el punto de vista de la pro-

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ducción, pero nuestras vidas han cambiado dramáticamente. Ya no trabajamos juntos en el mismo lugar en el que estábamos durante el primer álbum, y ambos nos convertimos en artistas independientes para vivir. Por lo tanto, fue difícil para nosotros encontrar un momento para hacer que la música volviera a suceder, ya que tuvimos que apresurarnos para intentar encontrar trabajo para nosotros mismos. El tiempo era limitado. Pero todavía queríamos probar algunas cosas. Todavía teníamos la necesidad de crear nueva música, y eso es enorme.

En el 2012 editan “The Repetitions”, ¿qué nos pueden contar de este trabajo?

“The Repetitions” se basó literalmente en las propias palabras. Dentro de los elementos que se repiten en la naturaleza, el universo, la vida y la conciencia humana, nos inspiramos a repartirlo para un segundo lanzamiento. También fue más un EP como Duels, pero muy conceptual a lo que estaba pasando. Es muy emotivo, pero aún tiene ese elemento de tecnología que nos encanta entrelazar en nuestra música. A Justin se le ocurren algunos ritmos estelares y este lanzamiento seguro lo demostró. Plume es una de mis favoritas... que es un dron completo, pero espacialmente épico y expansivo. Es lo

más cercano al destino electrónico que podría evocar en ese momento.

Ahora se lanza “Duels”. ¿Qué nos pueden decir del momento de la composición de estas nuevas canciones?

Duels es uno de esos lanzamientos que sucedieron durante grandes cambios y revelaciones en mi vida. Regresamos juntos después de un momento de calma y algo emocionalmente agotador. De hecho, este fue mi momento de transición a otro proyecto llamado "Genessier" que es el verdadero opuesto de este ambiente de ensueño. Lo que me encanta de Duels es el hecho de que es electrónicamente crudo pero no depende de un estilo de producción en particular. Es enorme pero completamente devastador. Somos el lado gótico del shoegaze progresivo y esto realmente muestra ese lado de nosotros. “A Different View” es una de esas pistas que cada vez me siento impresionado. No porque sea la mejor canción o algo así tampoco. Es un verdadero reflejo de algunos momentos de locura en ese momento. Es una explosión de sentimientos que es un pariente de pelear con alguien en quien creías que podías confiar sin importar nada. Me ayudó a pasar de la situación en la que estaba y es una canción épica para arrancar.

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Siempre nos gusta saber qué nos pueden contar de cada track.

The Music Years

Esta es una pista que abarca quiénes somos como músicos. Nos salimos del ritmo de la música y nos volvimos a familiarizar, sentándonos en un sótano y lanzando las vibraciones que nos perdimos de todos esos años.

Duels

Una canción que realmente iba y venía, así el nombre. Comenzamos esta nueva visión y nos enamoramos de inmediato. Era algo que nunca pensamos que volveríamos a hacer, y estamos más que felices de difundirlo nuevamente.

A Different View

Tal como lo mencioné anteriormente, realmente soy yo quien encuentra esa chispa en mí mismo para hacer un cambio para mejor. Soy yo luchando con mis propias emociones a través de un armónico electrónico muy explosivo. Es profundo, oscuro pero muy relacionado con algunas condiciones terriblemente horribles por las que me estaba pasando.

Evolution

Y la "Evolution" representa seguir adelante. Encendiendo una luz y convirtiéndote en esta nueva persona / músico. Es un mundo complicado, y ciertamente es un momento sumamente difícil para vivir con toda la locura que ocurre, pero mirando hacia el horizonte las cosas se ven mucho más brillantes. Esta canción representa justamente eso. Además, realmente le dimos a este un toque de experimentación electrónica en todo momento. No puedo esperar para hacer más...

Para terminar esta entrevista y agradeciéndoles la oportunidad que me dan de preguntar… ¿Qué planes tienen para este 2019?

El 2019 ha sido potencialmente aún más difícil para mí, no solo a nivel emocional, sino también en mi carrera. Supongo que la crisis de la mediana edad, pero para combatirla, más música tomará forma. No pararé hasta que deje de respirar y, de hecho, planeamos que más canciones de Brim Liski tomen forma en el transcurso de estos días de 2019. ¡Gracias!

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: NEW ORDER – “TECHNIQUE” HOOKED ON A FEELING

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El quinto álbum de New Order fue claramente distinto a su predecesor “Brotherhood”, del que se distanciaba cronológicamente por 2 años y monedas.

Empecemos destacando dos características en esta nueva producción: existe una serie de temas que conlleva la esencia de raíces tradicionalmente post punk, pero se da lugar a otra tanda de canciones notablemente influenciada por la escena Acid House que estaba arrasando Europa en aquellas épocas.

El disco fue lanzado el 30 de enero de 1989, con el anticipo del single “Fine Time” en noviembre del año anterior.

Este adelanto era Acid House de la más pura cepa y se abría a todo un moderno abanico de posibilidades, dándole a la banda un sonido mucho más fresco que el under donde se había encasillado en algún otro momento, lo que algunos fundamentalistas encontraron como un crimen. Desde este punto de vista, el cambio es radical: la oscuridad se había disipado por completo en lo instrumental, más no así en las letras, lo que permitió gestar variados climas a lo largo de sus 9 canciones.

Mientras “Technique” se iba gestando, Bernard Sumner estaba transitando el proceso de divorcio de su primera esposa. Esto quedó plasmado en diversos pasajes del disco: “I spent a lifetime working for you / And you won’t even talk to me” (“Love Less”), o también en “Vanishing Point”: “My life ain’t no holiday / I’ve been through the point of no return”. Teniendo en cuenta que

New Order era la banda continuadora de la melancólica Joy Division con su lírica plagada de opacidad y depresión, la actual formación acarreaba esa herencia que se plasmaba con mayor evidencia en la padeciente persona de Bernard. Con una pesada historia personal, Sumner reflejó siempre en sus composiciones esa oscuridad latente y eso era lo que hacía aún más interesante a “Technique”, donde se contrastaban dichas huellas del pasado con la música club baleárica (o Ibiza House), exaltada y voluptuosa.

Estamos entonces ante un disco ecléctico y conciliador de diversas tendencias, estados de ánimo e historias agridulces. La música será obviamente el factor que armonizará en forma mágica todos los elementos que conforman este trabajo en su conjunto.

Si hay algo para destacar en el sonido de “Technique” es la preponderancia del bajo de Peter Hook, que adquiriría protagonismo desde entonces

y durante los próximos lanzamientos de New Order. Empecinado en mantener a New Order dentro de los carriles de una banda de rock, Hook define su titánica tarea como una batalla épica entre él y los secuenciadores, acontecimiento que saludamos con alegría.

El segundo corte de difusión “Round & Round” es una de las pruebas más acabadas de esta afirmación de Hook, aunque más que una batalla parece un romance: rítmico hasta la médula, las líneas de bajo se pliegan gentilmente al objetivo final del tema y su compromiso con la pista de baile. Curiosamente, “Round & Round” trataría sobre la intensa y en aquellos momentos amarga relación del grupo con Tony Wilson, el dueño de Factory Records (la discográfica que lo editó). Algunas versiones sostienen que el tema “Vanishing Point” remarcaría el mismo conflicto.

Los tiempos cambian. El camino iniciado junto a Ian Curtis y su constante pesimismo nato se fue ramificando y abriendo espacios al humor, como en el caso de “Mr Disco” (inimaginable tí-

tulo para una creación de Joy Division), o al acid dance más auténtico como en la irresistible “Vanishing Point”, synth-pop del más alto nivel. La coloración fuerte también supo teñir todo lo relacionado con “Technique”, sus simples y 12 pulgadas: las tonalidades flúo y saturadas contrastan de plano con todo el arte de las producciones previas de Sumner y compañía. Tal vez no sea casualidad: eran los años donde se gestaba la explosión que significaría la “movida de Manchester”. Alrededor de la historia de Joy Division y New Order, orbitaban Tony Wilson como epicentro de Factory Records y el mítico club nocturno The Hacienda, y los ascendentes Happy Mondays. Y todo el descontrol lisérgico que eso implicaba se filtró en distintos recovecos del álbum.

Por otro lado, los fans de más larga data encontraban refugio en rolas como “All The Way”, tan “the curesco” y fiel al estilo imprimado en placas como “Brotherhood” o anteriores. Lo mismo sucede en los casos de “Guilty Partner” o “Run”.

La respuesta del público a “Technique” fue la esperable en las islas británicas: se convirtió en el primer disco de New Order en llegar a la cima del chart inglés.

Nunca se habían conjugado a tal grado de perfección todas las capacidades de New Order como banda como sucedió en esta producción. Sin soltarle la mano a su esencia dance-rock ni a la rumia del dolor constante y los conflictos arraigados que sangran de la pluma de Bernard Sumner, el disco fue un éxito en los chart de Hot Dance de Billboard, logrando un reconoci-

miento mainstream al que la banda no había accedido hasta hacía muy poco en USA con “True Faith”.

Volviendo a la cuestión de Peter Hook y su rol protagónico en esta placa, creo que se trata del hilo conductor a lo largo de este camino de casi 40 minutos.

Hook se traduce al castellano como “gancho”, y creo que ese es el quid de la cuestión: “Technique” fue un crisol de sonidos y estados de ánimo como nunca hasta entonces lo había logrado otra obra de New Order. Recién con el paso de los años recibió todo el reconocimiento que merecía.

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[ Reseña de “The 69 Eyes – Wasting The Dawn (1999) ” por Benjamín York.. ]

ENCONTRANDO UN NUEVO AMANECER

The 69 Eyes – Wasting The Dawn Label: Gaga Goodies, Poko Rekords Fecha de Lanzamiento: 22 de febrero de 2019

La Mirada de hoy a veinte años de este álbum puede ser muy crítica dado lo que hoy está sonando en el mundo. Podríamos catalogar un trabajo como este de menor sabiendo todo lo que vino después de este álbum. Pero lo cierto es que este cuarto álbum de los finlandeses de The 69 Eyes, es el quiebre necesario para dividir todo en un antes y un después de este “Wasting the Dawn”.

Después de su anterior álbum “Wrap Your Troubles In Dreams” (1997) definitivamente abandonan esa pose sonora, si se quiere, más glam rock y se oscurecen más tomando como estandarte bandas como Danzig (escuchar “Hand of God”) o mostrar sus influencias como el tono vocal de Jyrki a lo Pete Steele de Type O Negative o por qué no encontrar similitudes en “Who’s Gonna Pay the Bail? Con TV. Eyes de The Stooges (canción que versionaron en otro extra de un álbum) o “Next Stop Paradise” y su similitud con “I Just Want To Have Something To DO” de Ramones (que también la han versionado. Más allá de estas perlas podemos decir que estamos ante un álbum muy duro y oscuro, que por momentos roza con el gothic metal. Es muy importante la participación de Ville Valo de HIM, en “Lay Down Your Arms”, “Wasting the Dawn”, “Lazarus Heart” y “All-American Dream” dándole un toque más gótico al nuevo sonido de la banda. No podemos mencionar a Lars Göran Petrov de Entombed, quien participa en dos canciones proporcionándole al álbum una voz mucho más dura.

“Wasting The Dawn” es un disco que mezcla el rock gótico con el metal gótico, es un avance muy importante para lo que vino después “Blessed Be” en donde continúan y extienden el sonido que comienza en este “Wasting The Dawn”, álbum con el que han encontrado un nuevo amanecer en su música.

[ Entrevista a Hoguera por Benjamín York. ]

VAMOS A CONSOLIDAR EL ÁLBUM TOCANDO

Desde la ciudad de las diagonales, como suele llamarse a la ciudad de La Plata, llega Hoguera. Un proyecto realmente nuevo y enérgico de rock con mezcla de stoner y la dureza del rock alternativo, con dosis de space rock.

Hoguera está formado por dos integrantes de dos bandas, Humo del Cairo y Yama Ancestral. Un proyecto paralelo que une a Federico Castrogiovanni y Gustavo "Tano" Bianchi de Humo del Cairo y Emanuel Cacho y Brian Bopp, ambos de Yama Ancestral.

Para conocerlos nos contactamos con ellos y esta es la entrevista...

Hola chicos y gracias por aceptar realizar ésta entrevista.

Para empezar… si bien ya lo he leído en alguna entrevista… a manera de presentación ¿por qué el nombre Hoguera para la banda?

Gustavo “Tano” Bianchi: Hay una cultura mística alrededor del fuego atada al andar y evolución del hombre, hoguera representa eso, el fuego, la luz, la unión el ritual y el exorcismo de los malos pensamientos o energías, combustiona y regenera lo fósil y lo transforma en luz....

Me gusta pensar en el concepto de Hoguera como una especie de exorcización del alma, no tanto lo relacionado con las brujas, sino más con el concepto de purificación. ¿Sienten que tienen que exorcizar algún demonio interior?

Federico Castrogiovanni: Si claro, todos tenemos demonios y creo que es muy sano canalizar esa oscuridad a través de la música para deshacerse de la mala vibra.

Creo que a los que hacemos música pesada nos es más fácil desterrar esos demonios.

Cuando los escuché por primera vez, sinceramente no hace mucho, recuerdo haber pensado en dos bandas A.N.I.M.A.L. y Filter... ¿Qué creen que distingue a Hoguera de Humo del Cairo y de Yama Ancestral?

Emanuel Cacho: Pienso que sí bien hay sin duda algunos aspectos similares en cuanto

a género más que nada, Hoguera plantea una canción mucho más sólida y potente.

Pisa distinto en ese sentido. Humo y Yama se inclinan a una búsqueda más espacial o psicodélica Cuéntenos ¿cómo ha sido el proceso de grabación del álbum debut? ¿Cómo se ensamblaron los nuevos integrantes, qué más allá de ser conocidos y amigos, ingresaron en un nuevo proyecto?

Federico Castrogiovanni: Este proyecto nace de canciones que tenía grabadas, si bien eran instrumentales siempre me imagine una voz y es por eso que le di el espacio, compositivamente hablando, para sumarla a futuro.

Le mostré las pre-producciones a mi amigo Juanjo Burgos (ANIMAL, Cabezones, Viticus entre otros) y es ahí cuando él se suma a la banda como un miembro más pero desde la consola sugiriéndome volver a grabar todo en los Estudios MCL contando con la experiencia y dedicación de Mario Breuer.

Ese fue el momento en que convoque a Emanuel de Yama Ancestral quien fue el encargado de las letras y melodías.

Con el disco terminado vino el arduo proceso de mezcla con Burgos en el que llegamos a estar 6 horas diarias trabajando vía Skype ya que el reside en Estados Unidos.

Al poco tiempo viajamos a California a masterizar con Gene "The machine" Grimaldi (Johnny Cash, Alice In chains etc...), un referente tanto para Juanjo como para mi

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quedando más que conformes con su aporte al álbum.

¿Cómo harían para contarles a nuestros lectores la música de Hoguera? ¿Cómo conviven las tres bandas Federico Castrogiovanni: Nuestra música juntas… se superponen las actividades tiene un carácter introspectivo y si límites de cada una? Es decir ¿Cómo planean los ni etiquetas, si bien está claro que somos conciertos de cada banda? una banda de rock, es notorio que conviven Brian Bopp: El tema de la convivencia riff pesados y oscuros con la canción en sí entre bandas es muy individual, en ningún misma. momento nos cruzamos de proyectos, cada Las atmosferas y los sonidos sintetizados banda tiene sus días de ensayo o de trabajo, se están apoderando de nosotros y creo ya se armar una fecha o ir a hacer una nota, que están marcando el sendero de futuras etc. Con respecto a las fechas, tenemos un composiciones. calendario y coordinamos bien cada una, para que no se pisen.

El álbum ha sido editado a principio Ahora con Hoguera estamos en un momento de año. Han pasado algunas semanas… creativo que no hay que desaprovechar, ¿Cómo sienten que los ha recibido el estamos armando más material. público y la prensa?

Emanuel Cacho: Diría que es una pregunta ¿Alguna vez pensaron (si no lo hicieron que se va a ir respondiendo a partir de ahora, ya) hacer una fecha con las tres bandas? la primer impresión es muy buena ya que las Federico Castrogiovanni: No pocas fechas dimos estuvieron copadas, lleno

en la plata y buena convocatoria en Club V… y la prensa hasta ahora lo ha criticado mejor que nosotros así que es un buen comienzo, creemos que es un material muy consolidado en el disco y en el vivo

sonido de las canciones del disco y las nuevas?

Federico Castrogiovanni: Componer la música del álbum me dio la libertad de grabar y expresar los diferentes instrumentos de la manera más adecuada para mi gusto Pensando en repercusiones ¿De qué personal, pero también conlleva una gran lugares le han llegado respuestas por su responsabilidad y energía. música, de qué país alejado de Argentina?

Ahora estamos trabajando en ideas que va Federico Castrogiovanni: trayendo el resto de la banda, por ejemplo en Afortunadamente nos han escrito de España, estos momentos estamos zapando ideas que Puerto Rico, Brasil, Estados Unidos, Chile, aporta Brian Bopp (guitarra).

Uruguay e Inglaterra entre otros, apoyando a Las diferencias entre lo que ya se grabó la banda y preguntando cuando vamos a ir a y el presente son notables donde cada uno tocar por esos lados. agrega su impronta personal, sus influencias La realidad es que pensamos realizar una y su sonido. gira internacional pero ahora tenemos la cabeza en mostrar nuestra música en nuestro Para cerrar este entrevista y país. agradeciendo el tiempo que dedican para respondernos… ¿Qué planes tienen para Este año es un año de consolidar el este 2019? álbum editado, he leído que casi todas las Federico Castrogiovanni: Vamos a canciones del álbum son de Federico, y consolidar el álbum tocando, queremos tocar qué las nuevas ya están compuesta entre en todo el país y mostrar lo que hacemos todos. ¿Qué diferencias encuentran en el además de sacar el cd en físico y en vinilo.

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[ Reseña de “The Telescopes - Exploding Head Syndrome" (2019). por Benjamín York. ]

VIAJE INTROSPECTIVO Y FASCINANTE

The Telescopes - Exploding Head Syndrome Label: Tapete Records Fecha de Lanzamiento: 01 de febrero de 2019

Si bien se conoce con The Telescopes, sabemos que todo sale de la cabeza de Steven Lawrie. Un nuevo álbum de este proyecto que ha nacido hace más de tres décadas y se fue convirtiendo en un referente dentro de la experimentación sonora más psicodélica como oscura, con referencias del space rock o el noise rock, pasando por el shoegaze. En cada álbum nos encontramos con nuevos mundos experimentados por la cabeza de Steven y que proporciona un nuevo sendero donde muchos se adentran con sus propios proyectos. Álbum número once de su vasta discografía, con muchos singles, splits, discos en vivo y compilaciones.

2019 marca el regreso al nuevo álbum pero también los 50 años de Steven y los primeros 30 de su álbum debut “Taste”. Muchos números y muchas simbologías para un trabajo experimental y conceptual. El “Síndrome de la Cabeza Explosiva” es un trastorno mental o auditivo, que fue nombrado por primera vez en 1988 (un año después de la formación de la banda) por el inglés John. M. S. Pearce pero fue a un fenómeno descrito por Robert Armstrong-Jones en 1920, en donde el paciente escucha un sonido extremadamente fuerte, generalmente descrito como un estallido o estruendo, como surgiera de su cabeza. Y el disco tiene una especie de zumbido que recorre todo el álbum.

En su bandcamp nos halan de: “Una neblina estática de distorsión electrónica entra y sale de la lucidez a una propulsión segura de la repetición de la edad de piedra y vibraciones de graves, el impulso sostenido en un hilo de tensión acústica.”

Y es exactamente eso… la idea de algo difuso con distorsión, pero esto tomado como algo no definido, como sonidos que reconoceremos pero que pronto perderán la forma conocida volviéndose manchas sonoras sin formas claras.

Vibraciones graves que crean tensión mientras nos envuelve y nos hipnotiza.

Si nos ponemos el cinturón de seguridad y nos disponemos a dejarnos llevar en este viaje que nos propone Steven Laurie en este "Exploding Head Syndrome", sin lugar a dudas nos perderemos en una nebulosa tan caótica como embriagadora.

Desde el primer track "All The Way Around (Tout Est Dans Le Moment)" hasta el octavo y último track "Why Are We Doing This To Each Other?" vamos cayen-

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do lentamente en un espiral sin espacio y tiempo narcotizados por una mezcla de electrónica caleidoscópica y una constante fijación sonora espacial. Todo se vuelve colorido pero oscuro a la vez, manchas sonoras producidas por la voz sobre un fondo constante y monocromático... trance... iniciación... esplendor... claustrofobia... expansión... experimental... enigmático... sensorial... Todo eso y mucho más en este viaje introspectivo y fascinante.

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor.

Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?).

Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío.

Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ "El Plan de tu Alma" de Robert Schwartz por Pablo Ravale. ]

MÁGICO, REDENTOR Y NECESARIO

37 ¿A quién no le gustaría conocer el verdadero motivo de por qué está en el mundo? ¿Quién no quisiera profundizar en el significado oculto y el propósito de los desafíos particulares que ha enfrentado en la vida? ¿Quién no se ha preguntado alguna vez que se esconde detrás de nuestras pruebas más duras? ¿Quién no ha tenido la certeza de que, pese a lo que pareciera decirnos a veces la realidad, no todo es sufrimiento sin sentido?

Durante mucho tiempo, y mucho antes de que escribiera El Plan de tu Alma, Robert Schwartz había estado buscando, infructuosamente, el significado más profundo de su vida.

En 2003, y a raíz de una crisis profesional (o, más bien, existencial), su búsqueda dio un nuevo y sorprendente giro cuando decidió consultar a un médium. A pesar de que tenía una fuerte creencia en Dios (de religión, católico), nunca había experimentado directamente con una disciplina como los Registros Akáshicos o alguna que se le parezca (espiritismo, terapia regresiva). Investigó sobre médiums y seleccionó alguien con quien se sintió cómodo.

Según cuenta, le dijo al médium muy poco acerca de sí mismo. Más éste, previamente a realizar la sesión, le explicó que cada uno de nosotros tiene guías espirituales, seres no físicos con los que planeamos nuestras vidas antes de la encarnación. Por tanto, y a través de esta persona, Robert tuvo la oportunidad de hablar con los suyos. Lo sabían todo acerca de él, no sólo lo que había hecho, sino también lo que había pensado y sentido en cada momento.

Así las cosas, tras salir de dicha sesión, su vida cambió para siempre, al igual que su concepción acerca de la muerte, por lo que se pasó los siguientes tres años trabajando en el proyecto de un libro que se dedicara a recopilar y analizar historias humanas, a la luz de lo que la mediumnidad y los Espíritus Superiores pudieran revelarle.

Robert Schawrtz nos muestra en este libro los casos de diez personas que –al igual que cualquiera de nosotros– planearon antes de nacer los sucesos importantes de su vida.

Trabajando con algunos de los médiums más especializados (Deborah DeBari, Glenna Dietrich, Corbie Mitleid, Staci Wells, Judy Goodman, Marilú Wilson Peña) de Estados Unidos, Robert narra al lector qué es lo que estas personas eligieron y por qué. Lectura que no deja, no sólo de estremecernos, sino también de conmovernos y clarificarnos, aportándonos una mirada espiritual y muy consoladora de la existencia y auténtico por qué.

Adentrarse en las páginas de El Plan de tu Alma es ir descubriendo sobre lo que cada uno de nosotros planeó antes de nacer; circunstancias tan difíciles como enfermedades graves, relaciones tormentosas, muerte de seres queridos y accidentes terribles. Dirigido a un lector comprometido, nos ayuda a comprender aspectos de la vida –y la muerte– que, para la mayoría de las personas, son algo desconocidos e inquietantes, como por ejemplo el tema de la reencarnación.

Conocer el motivo de esta “programación” permite entonces a quien lee volverse consciente del sentido real de las situaciones amargas, para usarlas luego en provecho propio y así acelerar su proceso de crecimiento personal.

Con El Plan de tu Alma, Robert Schwartz nos obsequia un libro mágico, redentor y necesario… una obra que nos aporta a partir de su investigación y los testimonios de los entrevistados, un vasto conocimiento que habla directamente a nuestros corazones, satisfaciendo el universal deseo de responder a las cuatro preguntas fundamentales: quién soy, de dónde vengo, para qué estoy aquí, y hacia dónde voy.

Altamente recomendable.

FRANCO DOGLIOLI

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NAEM Y EL TRATADO PARA SEDONIO Después de destruir la cerradura, tomó el antiguo tratado y corrió.

Sedonio esperaba al final del pasillo. Una decena de custodios salió a interceptar a Naem. Pero el joven híbrido se desplazó como agua entre ellos. No existen adversarios dignos para la belleza. Él entregó el tratado a Sedonio, este dijo el nombre del Feudo de los Híbridos y el joven se desvaneció serenamente. Había cumplido con el pedido.

Sedonio dejo atrás las bóvedas del Derviche y galopó día y noche llevando la gran esperanza.

Todos estaban esperándolo, hasta el delicado y puro Fomar estaba allí con sus damas, quienes cuidaban que las patas del virtuoso no se quebraran.

Felicitaron a Sedonio y le dieron un lugar de honor junto a la Madre Primera. Ella acarició el pelo del encomendado y este no tuvo otra opción, después de tan suave gesto de agradecimiento, que cantar.

Entonó como solo él sabia hacerlo, una bella canción perteneciente a los ancestros de su pueblo, escrita en dialecto Sepa.

Si bien algunos significados han sufrido modificaciones, la siguiente traducción es bastante fiel: “Tomo la bruma y te la entrego como obsequio a tu Integridad.

Siento que soy la azul esfera que te protege de la ansiedad.

Tomo el gran sueño y te envuelvo, es mucho el dolor a calmar.

Siento que soy la nueva senda para la Reina que sepa amar...”

Las pequeñas inocentes se ubicaron en el centro y luego se echaron sobre el césped, la luz de las antorchas le otorgaba pasión al virginal despliegue.

Los Sagrees, siguiendo los pasos del ritual , comenzaron a orar mientras iban colocando el tratado con paciencia ante cada una de las señaladas.

Sólo se oía lejano el sonido del cuerno del vigía.

El tratado comenzó a vibrar frente a una preciosa Aumona gris. Ella se incorporó totalmente en trance y lo pisó. Éste liberó su contenido dejando que las letras se esparcieran como esporas fundiéndose en el pelaje de los presentes.

Luego, el tratado vacío se elevó hasta perderse, atravesando furiosamente las nubes.

La Aumona gris abrazó a la Madre Primera y se unió a Sedonio para encabezar la caravana de regreso.

Comenzaba un nuevo ciclo de diez siglos para los Aumonas. Y ese es el tiempo que Naem debería esperar para revivir el único instante que lo hacía feliz, visible e importante.

Naem el imprescindible poseía además el poder de revelarse.

Jamás lo usó.

Los Aumona se alejaron galopando en paz.

EL joven híbrido sonrió.

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https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

ROMINA GONZÁLEZ

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ENTONCES EL MIEDO, EL TIEMPO, ES ESTO Este abrir desmesuradamente los ojos cuando salimos del agua y miramos hacia abajo, seguros de haber pisado la columna vertebral insecto más amado.

Recién entonces podemos afirmar que son los hombres del cielo los que nos susurran al oído estas cosas que escribimos creyendo estar escarbando la tierra negra.

No, nadie te va a querer tanto como tus fantasmas, eso te lo puedo asegurar, pero tené mucho cuidado no enamorarte de ellos.

Por alguna razón nos rondan, algo envidiable hay en nuestra condición de animales contaminados de conciencia, algo bueno hay en este vivir aunque sea detrás de otro vivir.

VALERIA POMIDORO

CUANDO LA ENFERMEDAD DE LO NATURAL Amenazó en la noche tranquila, el devenir de las palomas ensangrentadas con gasolina vencida. Mi piel no me acaricia, me deja degollada sobre el sillón, cómodo, de siesta. Pierdo mis manos de cristal frente a la furia de tu cara, tu ensamble se desarma encima de la frenética reacción de mi poca cordura. Los gritos son grises; mi risa enferma, negra, como la sombra más triste y las lágrimas nos inundan en éstas cuatro paredes impermeables al mundo exterior. ¿Cómo llegue a ser el diablo?

Fumo otro cigarrillo y me quemo los labios, para hacerme entender que esto, yo, soy irreal. Que no merezco porque no agradezco. Si los días blancos no son interpretados, entonces estoy vacía. Si pierdo la función de razonar por la excentricidad del sentimiento, que todo explota, aflora, mal maneja. Deambulo por mi alto egoísmo siniestro.

Y ahora veo y me volvés a hablar, explicado como una pequeña historia, para que mi pequeño y roto, podrido, abollado, corazón entienda.

No sé si lo amerita.

Realmente no sé si es justo.

Yo soy injusta, injustificadamente.

Gratuitamente, mente del miedo manejada por ansiedad de muerte. ¿Qué tipo de mente tengo para ofrecer?

Volver a nacer, si se puede, en este mismo cuerpo, pero con otra mirada.

Con disciplina de trabajo real.

De agradecimiento real.

Amor… ¿y si no puedo?

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CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

EL SILENCIO DEL SECRETO por Pablo Ravale

El Secreto fue una de las primeras membranas ameboidales que utilizaron para separarnos del entorno y al mismo tiempo para proteger el espacio individuado. Tal como las drogas que actúan como remedio y como veneno, y por tanto curan y enferman, una cierta dosis de secreto protege la mismidad conquistada, y un exceso acrecienta la diferenciación.

Cuando el comando protoplasmático enloquece exuda una baba caracteropática hasta convertir la membrana en una muralla china: impide el paso del enemigo acechante y controla el peligro, pero también intercepta y aniquila la caricia sensual del entorno y rechaza la brisa tierna que emana de las almas. Entonces el “amigo” percibe tu tristeza y con una frase te recibe y se despide: «¿Cómo te va? ¿Bien?». Y si otro día necesitás lengüetazos de amor lobo porque el suicidio te merodea, el tipo pensará «Me está contagiando la muerte» y luego te dirá «Cortala con esa onda depre».

En la mitología tebana (a la que siempre hago referencia por su poderoso olor a misterio y no al aroma a sobaco de mecánico freudiano) cuando se describe la batalla de los dioses y el poderoso chacal Anubis (dios del miedo, de lo siniestro, hijo de Sokari [el Abismo], siempre dispuesto a devorarse a quien le tema) es derrotado por la ciega arremetida del toro Min (la osadía, el dios del impulso), ninguna otra Entidad consigue detener su odio al miedo y recurren a protegerse tras la diosa del amor, la vaca Hathor (Hat-Hor [Hat: palacio, morada. Hor: el instante, el presente. Para los tebanos, el amor es la morada del presente. Amar es conservar vivo el instante.]), que se entrega mansamente a su embestida y lo derrota en su abrazo erótico. Pero Hathor es siempre vencida por el escorpión Kuk (la oscuridad [el más enigmático, peligroso y poderoso de los dioses; habita en el Abismo y su aguijón está clavado en toda alma]), que guarda un secreto terrible: él no puede amar, sólo espera aproximarse a la diosa para aguijonearla.

El secreto, el silencio del secreto, es, en tanto, el veneno del amor.

De esa abstracta y arbitraría casta de palabras con que intentan cavar en la interioridad del hombre para dominarlo al denominarlo, la palabra “ánima” (del latín “alma”; en la psicología analítica de Carl Gustav Jung alude a «las imágenes arquetípicas de lo eterno femenino en el inconsciente de un

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hombre, que forman un vínculo entre la consciencia del yo y el inconsciente colectivo, abriendo potencialmente una vía hacia el sí-mismo») es la más conmovedora, pues ella nos remite a la animalidad del ánimo, a nuestra auténtica condición protoplasmática.

Con todo, resulta por lo menos sospechoso que una tragedia tan frecuente y traumática como es la violación (cada 60 segundos es atacada una mujer en el mundo) carezca de narrativa. Que yo sepa, no existe en Latinoamérica ningún ensayo que cuente las vicisitudes de las víctimas, el proceder del depredador y las consecuencias existenciales posteriores tanto para la víctima como para el victimario. De modo que estoy tentado de afirmar que ese silencio narrativo (ahí está otra vez el maldito silencio del secreto, el envenenador del amor) está sustentado y vigilado por una oscura voluntad abismal de los poderes con la finalidad de mantener cierto statu quo en el discurso público sobre “la normalidad del deseo”. Si hay algo que no tiene nada que ver con la normalidad, es la sexualidad humana y basta echarle una ojeada al Diccionario de la parafilia, del Dr. John Money, para comprender que el culto al coito vaginal es solamente una publicidad anticuada del matrimonio heterosexual. El músico canadiense Leonard Cohen lo expresó muy bien cuando cantó: «El hombre y la mujer, juntos, son un artefacto demasiado anticuado».

El mayor fraude epistemológico consistió en acreditarle al violador cierta patología, ciertos rasgos caracteropáticos. En todas las guerras de todas las latitudes, las mujeres son violadas salvajemente por soldados que son padres de familia o jóvenes universitarios. En los apagones masivos de energía eléctrica que suelen acaecer en grandes ciudades como Nueva York o San Pablo, docenas de transeúntes femeninas son manoseadas, abusadas y hasta violadas por empleados públicos, obreros y estudiantes. No hay un identikit del depredador ocasional. Los sistemas utilizados por los abusadores son múltiples. Las noticias sólo dan testimonio de los ataques concretados bajo la amenaza de un arma o la violencia física.

Pero hay violadores que utilizan la seducción para atraer a sus víctimas hacia el sitio donde serán sometidas (o aguijoneada, como Kuk con Hathor). Las formas de amedrentamiento son variadas, se utiliza la extorsión y el chantaje, el uso de drogas y hasta el casamiento. No es cierto que la mayoría de los violadores hayan sido abusados de niños, los hay también que tuvieron una infancia aparentemente normal. Los hay seriales y ocasionales, oportunistas y sistematizadores; hay quienes incluso no son conscientes de haber cometido una violación

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y hasta acusan a sus víctimas de haberlos provocado.

Más allá de las disposiciones legales o los discursos médicos, una amplia mayoría de adultos varones no suele considerar como abuso el contacto sexual con las niñas de entre 13 y 15 años que han desarrollado un cuerpo turgente o atractivo. Lolita, ese diseño de Nabokov, habita en las fantasías masturbatorias de millones de adultos en todo el mundo.

La “colegiala” es un estereotipo de ese deseo. Henry Miller en Pesadilla de aire acondicionado lo describe así: «El uniforme diseñado para las colegialas es una publicidad descarada del cuerpo de las adolescentes y púberes vírgenes ofrecidas bajo ese disfraz como viejas putas calientes».

Muchas de mis amigas y amantes, en alguna oportunidad, me han contado de abusos sufridos en la niñez o la adolescencia. Puedo dar testimonio del dolor que esos relatos producen en quien los escucha. En una zona penumbral y siniestra de mi conciencia la figura anónima del violador me ha sido transferida. Ese fantasma que habita en los recuerdos de la mujer atacada se introduce en la memoria de quien escuche con atención. El fantasma del violador, ese escorpión asesino e invisible, se mantiene vivo para siempre como si su presencia hubiese sido grabada a fuego en la carne de la víctima. Los testimonios de muchas prostitutas o simples amas de casa violadas en la niñez indican que el trauma y la lesión mental es menos intensa y deformante de la conducta si fueron atacadas por un desconocido en lugar de una persona cercana.

La mayor cantidad de abusos sexuales a niños se produce en el propio hogar. En el barrio son acosados por los vecinos o los padres, tíos, abuelos o hermanos de alguna amiguita. En el colegio son corrompidos y abusados por maestros, curas y hasta porteros.

Hay dos hechos que se ponen en evidencia en el deseo pedófilo y que la sociedad se niega a aceptar: los niños son eróticamente atractivos y en algunos casos hasta seductores.

Quien los somete se aprovecha habitualmente del tabú que trata de protegerlos enmascarando su sexualidad. La otra evidencia es más compleja y siniestra: la fantasía de la violación sexual habita en casi todas las mentes masculinas. Ese deseo en ocasiones duerme domesticado e inofensivo hasta que algún suceso fortuito, alguna jubilación imprevista de la ética o el reconocimiento repentino de una vida sexual insatisfecha, detonan el despertar de la pulsión y un nuevo monstruo se sube al escenario de la violencia.

[ Entrevista a I Am A Rocketship por Diego Centurión.

Fotografías: Sheila Derby, K Elisabeth y Gaya Ramachandran ]

ES UN BUEN MOMENTO PARA SER UN FANÁTICO DE LA MÚSICA

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Este dúo me ha sorprendido gratamente cuando los escuché por primera vez. Elegante, por momentos electrónicos, en otros trip hop, por momentos rockeros… pero siempre elegantes. Formados por la vocalista y tecladista sueca L. E. Kippner y el guitarrista estadounidense Eric Weissinger. Con ustedes... I Am A Rocketship.

Hola chicos, gracias por aceptar responder estas preguntas.

Para empezar ¿cómo nace la idea de llamar a la banda “I Am A Rocketship”?

Era algo que oíamos decir a un niño. De la nada, ella anunció "Soy un cohete", y nos miramos y pensamos lo mismo, ¡nombre de la banda!

Tiene un álbum debut llamado “Mission Control” del 2016. ¿Qué diferencias encuentran entre ambos álbumes?

En el primer disco probamos un poco de todo. Habíamos estado tocando juntos durante varios años, pero recientemente nos habíamos convertido en un dúo, sin bajista ni baterista. Esto nos dio mucha libertad, pero no estábamos seguros de nuestro nuevo sonido. En Mind Grafitti, tenemos más confianza. Está más cerca de nuestro sonido en vivo, y tal vez más cerca de nuestro verdadero ser.

Pienso en su sonoridad y trato de imaginarme las influencias… pero hay algo que no puedo imaginarme… ¿Cuáles son?

Buena pregunta. Cada uno de nosotros tiene gustos diferentes: L E fue realmente influenciado por Bob Dylan, Beth Orton, Jeff Buckley

y otros compositores. Eric está más influenciado por Sigur Ros, My Bloody Valentine, Curve, bandas con texturas inusuales. Nuestros gustos se encuentran con Massive Attack, Run the Jewels, A Tribe Called Quest, M.I.A., Portishead, cosas así. ¿Por qué la versión de Rammstein?

Sobre todo porque amamos a Rammstein. Tienen esta visión pura, y un sonido único. Ellos no se comprometen, y nosotros respetamos eso. Además, nuestro sonido es muy diferente al de ellos, sabíamos que si hacíamos un cover de una de sus canciones, algo interesante sucedería.

Ustedes dicen que el álbum se grabó en una laptop durante todo un año en distintos lugares…

Cuéntenos eso.

Pasamos mucho tiempo tocando con ideas de canciones, y usualmente probamos una canción varias veces en vivo, luego regresamos y volvemos a hacer la grabación.

Al no comprometernos a hacer un álbum en una semana o un mes, podemos terminar las canciones cuando parecen terminadas y dejarlas madurar. Además, nuestros horarios pueden ser desafiantes, así que si encontramos cuatro horas para grabar,

podemos hacerlo y tomar decisiones para un espectáculo de viernes o sábado o tocar en Atlanta siempre es rápidamente. divertido.

He leído que van a hacer videos ya Ya han pasado unas semanas que por sus respectivos trabajos no pueden hacer giras largas. ¿Piensan desde el lanzamiento de “Mind hacer conciertos para apoyar este Grafitti”. ¿Cómo perciben que fue recibido el álbum, por el público y nuevo álbum?

Sí, cuando solo tienes un par de la prensa?

Estamos encantados de que a semanas de vacaciones cada año, es un verdadero desafío. Estamos muchas personas les guste el álbum. planeando una breve gira en otoño, y Es interesante que tantas personas nos encantaría tocar uno o dos shows digan que somos difíciles de clasificar, en lugares nuevos e interesantes. Nos pero no de manera negativa. Es un encantaría ir a Argentina, por ejemplo. buen momento para ser un fanático de la música, porque hay muchos En ese caso, ¿planeas tocar bloggers, podcasters, estaciones de algunos conciertos cerca para radio on line y sitios web creados por personas que aman la música. Porque apoyar este nuevo álbum?

Absolutamente. Conducir a ciudades les importa la música, la gente confía en en el sureste de los Estados Unidos ellos y comparten sus descubrimientos

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musicales.

Algunos amigos nos recomendaron que trabajáramos con Shameless Promotion PR. Shauna McLarnon, quien lo dirige, trabaja con músicos en los que realmente cree, y eso hace una gran diferencia. También es divertido que las bandas y artistas que promueve tengan muchos nombres que amamos y respetamos, y amigos de amigos. ¡Es un mundo pequeño!

Y para terminar esta entrevista… ¿Hay algo que yo no haya preguntado que nos quieran contar? ¡Dinos Hola! Estamos en línea en los lugares habituales. La música es acerca de la relación entre las personas que hacen la música y las personas que la escuchan. Nos encantaría aprender más sobre las personas que nos escuchan y escuchar qué otras bandas y artistas les gustan. Tal vez podamos ir a tocar a tu ciudad pronto.

TROPICAOBSCURA

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SEÑALES DESDE COLOMBIA

LA MAGIA DE LA HUMILDAD

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[ por Alejandro Cenizacromada. ]

KING TUBBY

REY DEL DUB Y PRECURSOR DE LO QUE CONOCEMOS COMO REMEZCLA. Es impresionante pensar como una pequeña y humilde isla ubicada en el océano atlántico fuera el eje de una revolución que terminaría cambiando para siempre la historia de la música electrónica; entre la férrea creencia de un liberador que enviaría de regreso a los descendientes de los esclavos africanos a Etiopía, la tierra prometida y el humo sacramental de la ganja. La música en Jamaica era una manera de abrazar la libertad, las fiestas en las que los sound sytems eran los vehículos para purificar las almas a través del baile. Impresionantes Equipos de sonido construidos de manera casi artesanal que animaban fiestas al aire libre y que se podían escuchar a kilómetros de distancia en la isla.

El Rock steady y el Roots reggae estaban en plena fase de evolución y en esas fiestas en las que este tipo de música imperaba, se armaban bandos de sound systems que peleaban entre si y que se boicoteaban los equipos para ver quién era el mejor. Osborne Ruddock (28 de Enero de 1941) un ingeniero electrónico y de sonido que gozaba de buena reputación por reparar equipos averiados sería la clave de la revolución.

Ruddock mejor conocido como “King Tubby”, para finales de los 50 empezó reparando los sound systems y conocía muy bien desde un punto de vista técnico el comportamiento y manejo del sonido. La preponderancia de meterle al sonido esos bajos súper potentes y un hi-hat afilado y cortante. Con el tiempo King

Tubby empezaría a construir su propio Sound system y a montar su estudio de grabación en su propia casa. Era tal su talento que una consola que enviaron importada de Norteamérica se estropeó de camino a Jamaica y no contento con repararla, la modificó a su estilo con patrones dictaminados por él. Trabajaba con pistas instrumentales para que los vocalistas hicieran Toasting, que en la jerga del reggae viene siendo como el rap de esta cultura. En su estudio de grabación comenzó a jugar con los patrones de las grabaciones de grupos de Reggae, mandando mucha reverberación a los bajos y mucho eco a la batería en su consola de cuatro canales, a esa base se le denomina riddim. Para Lee “Scratch” Perry otra gran pionero del dub y al que en otra entrega le dedicaremos un buen artículo, el bajo representa las ondas cerebrales y la batería los latidos del corazón. Al trabajar sobre esta premisa, añadiendo y quitando efectos se crea un sonido que induce al trance y a un viaje al lado más profundo del espíritu. King Tubby creó también algo llamado la cámara de eco la cual añadía un componente etéreo a su producción y que muchos otros productores Jamaicanos terminarían adoptando. Con el paso del tiempo en Jamaica se volvió una fuerte tendencia el que los grupos de Reggae, lanzaran sus sencillos en vinilos de 7 pulgadas, y que en la cara B de estos apareciera la versión instrumental del tema con ese tratamiento Dub de cortar partes vocales y psicodélicos efectos en la sesión rítmica. Estos

B-sides tuvieron mucho éxito en las fiestas realizadas por los sound systems. Es en ese momento donde empieza a gestarse lo que se conoce hoy como versión o rémix. De hecho en muchos temas que ves hoy cuando compras un disco de Techno o de House puede aparecer alguna versión que se llame Dub Mix, una versión con poca parte vocal y es en honor a eso que pasó en Jamaica hace más de 50 años. Tras el fuerte fenómeno migratorio de isleños que buscaron mejor fortuna en Inglaterra la música se fue con ellos causando gran fascinación en parte de la comunidad inglesa.

Es así como el Reggae y por efecto el Dub empieza a tener eco en Europa y a llevarse a cabo un cambio de bandera. Agrupaciones como The Clash quieren que Lee “Scratch” Perry les produzca música. En el post punk obviamente encontramos ecos de ese sonido como en la canción The never is forever de Tones on Tail y el mega clásico del Rock gótico Bela Lugosi’s Dead de Bauhaus con esas truculentas guitarras y fuerte presencia en la línea de bajo y ecos en la batería. El Dub fue una técnica de grabación en la cual la consola se convirtió en

un instrumento creativo y la labor del productor tomó preponderancia siendo parte vital de la obra, el Dub hizo mella en la movida hip hop que se gestó en Estados Unidos en los 70s, el Dub aportó ese toque lisérgico a sonidos como el Techno. En una entrevista Brian Eno, el padre de la música ambient comentó que cuando escuchó Dub por primera vez, estuvo tentado en dejar la música pues la electrónica le parecía un juego de niños. King Tubby fue el gran padre de toda esta revolución en la música electrónica como la conocemos, lamentablemente esa genialidad nos fue arrebatada el 6 de Febrero de 1989 cuando King Tubby murió en un tiroteo, se dice que fue un intento de robo.

Algo triste, pero afortunadamente nos queda su extensa obra discográfica para recordarlo y apreciarlo. Con esos clichés que se forman con los movimientos musicales y en el caso de la cultura rastafari siempre se hace el nexo con el consumo de ganja, King Tubby era un hombre que no la consumía y que ni siquiera bebía alcohol. Su obsesión por la parte técnica del sonido lo hizo crear sin darse cuenta una revolución sonora de la cual estamos todos agradecidos y puedo decir que su labor en ese

59 campo y la de Lee Perry merecen tanto reconocimiento como lo merece un Bob Marley o por el lado de la electrónica unos Kraftwerk. Grupos como The thievery corporation, los Massive Attack o el bajista multicultural Bill Laswell le deben mucho o todo a él. El verdadero sonido del futuro vino de una isla humilde de la mano de un modesto hombre que reparaba radios averiados en su casa. Larga vida al legado del rey del Dub.

Discografía recomendada (Para empezar): Augustus Pablo - King Tubby Meet rockers uptown (1976) Shalom Dub (1975) King Tubby presents de Roots of Dub (1975) King Tubby, Prince Jammy and scientist – First, second and third generation of Dub (1981) Lost treasures (2001)

[ Entrevista a Ronal Melo de Clavos y Agujas por Bernardo JimĂŠnez Mesa ]

SONIDO ESCISIONISTA

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Hace aproximadamente 7 años me encontré por casualidad con material en internet de una banda Bogotana que, a primera escucha, me impresionó y llamó tanto la atención que tuve que indagar, buscar y llegar a ellos, cosa que fue posible gracias a amigos en común. ¿Qué hacía a esta banda diferente a los cientos de bandas de punk que gritan contra esta ciudad (Bogotá) y todo lo que implica existir en ella (sobrevivirla)? La respuesta no es una sola: fueron varios elementos los que atraparon mi atención (letras, títulos de las canciones y más) pero en particular fue el sonido que destila este trío y la manera como las palabras están articuladas con la música. Encontré una solidez y contundencia particulares. Un nivel muy alto de comunicación musical entre sus integrantes y sin miedo a exagerar, me atrevo a decir que también, en Clavos y Agujas, descubrí las guitarras más afiladas y frenéticas que he escuchado en una banda punk en mucho tiempo. Digo esto muy consciente que el término punk a estas alturas, musicalmente hablando, es algo muy vago. Pero estoy convencido que lo que hace punk a una banda (o lo que hace que una banda suene como tal) no es la música, sino una estética, la cual se manifiesta de muchas maneras (sin olvidar que el nombre de la banda proviene del famoso tema de Ramones -Needles and Pins-).

Ansia de vida y rabia. Intensidad y honestidad. Amor y desarraigo.

Clavos y Agujas es a la vez un grito y un susurro. Sus composiciones fragmentadas te van llevando por una historia que muchas veces finalizan de manera algo inconclusa y esto solo te lleva a querer escuchar más y más. Ritmos siempre incisivos, un bajo contundente que, al ser interpretado por la vocalista, tiene una relación particular con la voz y guitarras magistrales y siempre cambiantes, son los elementos que dan como resultado un sonido muy fresco y explosivo.

Las influencias que podemos encontrar en ellos, van desde el punk rock más crudo, a las formas inusuales del rock alternativo de los 80s y 90s, y las estructuras y armonías modales y tonales, por momentos, del no-wave. Pero ellos, sabiamente, para librarse de etiquetas, han acuñado el término -Escisionista-.

La Revista The 13th los invita a descubrir el sonido Escisionista de Clavos y Agujas y a leer la siguiente entrevista que realizamos, de manera exclusiva, con sus integrantes.

Es un placer para la Revista The 13th tener a Clavos y Agujas finalmente en nuestras páginas digitales. Primero que todo quisiéramos se presenten cada uno de los integrantes. ¡¡Hola todos!! Es muy grato para nosotros participar en esta edición de The 13th, somos Teresa Guerrero en la voz y bajo, Ronal Melo en la guitarra y Edwin López en la batería.

varios bateristas e incluso en algún momento hicimos con Teresa algunas presentaciones como power dúo utilizando pistas que reproducimos con un portátil, lo cual nos llevó a explorar con otras formas de composición, esto nos ayudó a concretar el sonido de la banda y desarrollamos un estilo que bautizamos con el nombre de rock Escisionista.

Cuéntenos, ¿Cómo nació Clavos y Agujas y cuál fue la motivación inicial para arrancar con este proyecto?

Clavos y Agujas nace a mediados del año 2007 cuando nos conocimos Teresa y yo cursando estudios musicales en la universidad, desde que nos conocimos hubo una afinidad que nos permitió compartir nuestros gustos musicales y posteriormente a colaborar de forma experimental arreglando y grabando de forma casera canciones que tenía Teresa. El resultado de estas grabaciones nos motivó a formar una banda de rock punk y con la entrada del baterista Rodrigo Rojas se consolidó como Clavos y Agujas, el nombre de la banda salió de una canción que conocimos por los Ramones llamada ”Needles and Pins”.

¿Qué inspira y qué admira Clavos Y Agujas?

Nos inspira la vida misma y admiramos la grandiosidad del universo y todas sus posibilidades, como todos, nosotros llevamos artistas en el corazón los cuales nos indujeron a seguir este camino artístico, entre las bandas que más nos gustan se encuentran Nirvana, los Pixies, Sonic Youth, The Germs y Lydia Lunch, Velvet Underground entre muchas otras

En este momento ¿qué motiva a la banda a continuar y cuáles son los próximos retos?

La motivación de la banda es y siempre ha sido componer canciones y realizar presentaciones en vivo, el reto que tenemos ahora es grabar todo nuestro material, lograr compartir ¿Cómo ha cambiado la banda a nuestra música con tantas personas través de estos años de historia de como sea posible. la misma?

Hanhabidovarioscambios,podríamos Mirando en retrospectiva el trabajo hablar del estilo que teníamos en un que la banda ha compartido desde principio que se inclinaba más hacia hace años en Internet, hay en un sonido de garaje, grunge y el rock general un sonido muy punk pero alternativo además del punk que progresivo e inclinado al noise y siempre ha estado presente de uno el no-wave. ¿El trabajo de la banda u otra manera, pero más adelante en la actualidad continúa con esta fuimos incluyendo elementos de otras línea? y ¿Cómo se desarrolla la músicas que nos llamaban mucho la escena para este tipo de sonidos en atención así como el ruido, la música la capital de Colombia? clásica y experimental entre otras. El sonido de la banda como dijimos Por otra parte la banda ha tenido anteriormente se definió por la inclusión

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de distintas corrientes dentro del rock y otras músicas, el ruido es un elemento liberador y de catarsis que nos sedujo desde siempre, la distorsión, el feedback y el caos (pasajes aleatorios) estarán presentes en nuestras canciones por mucho tiempo o por lo menos por ahora, queremos ver a dónde nos lleva todo esto. En cuanto a escena de la capital podríamos hablar de la movida underground que es donde nos hemos participado y el público es muy receptivo, la gente nos escucha con curiosidad, en nuestras presentaciones siempre hay una explosión de energía y al terminar los shows las personas nos abordan con comentarios muy positivos y preguntas acerca de nuestro sonido, lo cual es muy gratificante para nosotros. Nos gustaría que la escena se fortaleciera y que las bandas fueran más constantes, nos hemos encontrado en el camino con

bandas increíbles que se desintegran antes de ver la luz, y es una pena ya que estas bandas serían sin duda alguna los pilares de la identidad del verdadero rock colombiano que por ahora, a nuestro parecer, sigue bajo la sombra del underground. ¿Cómo pueden nuestros lectores, en toda Latinoamérica, descubrir la obra de Clavos Y Agujas?

Algunas de nuestras canciones más representativas en Soundcloud y videos y presentaciones en vivo en nuestro canal en YouTube en los dos portales nos encuentran como Clavos y Agujas, además del perfil de la banda en Facebookd onde publicamos eventos conciertos y presentaciones.

Porúltimo,quéeventosoconciertos tiene la banda programada para este 2019.

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Tenemos algunas presentaciones en lugares cerca de la capital y estamos participando en convocatorias distritales, apenas se confirmen las fechas las publicaremos en el portal de Facebook. ¿Algo más acerca de ustedes y/o su música que quisieran compartir con nuestros lectores?

Quisiéramos darles la noticia de nuestra próxima producción, ésta se lanzará a través de dos sencillos que grabaremos este año los cuales serán producidos por nuestro amigo Bernardo Jiménez, artista productor creador de la Banda the Question Elamorte, por lo que estamos muy contentos y tenemos muchas expectativas ya que desde hace un buen tiempo estamos con la intención de trabajar juntos.

HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂ­benos a revistathe13th@gmail.com

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[ Entrevista a Álvaro Urrutia y Bolaspace de Fuel For Madness por Diego Centurión. ]

LA AUTONOMÍA DEPENDE DE UNO MISMO

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Siempre estamos atentos a nuevos proyectos y más cuando aparecen tímidamente con un single o un EP. Fuel For Madness es un muy nuevo proyecto mejicano que despertó nuestra atención, pudimos contactarnos con ambos miembros de este proyecto y hemos charlado… y este es el resultado.

Para empezar esta entrevista vamos por lo primero que supe de la banda, el nombre. ¿Cómo nace el nombre de la banda? Álvaro: El nombre surge en la mente de mi esposa, ya que hace aproximadamente un año, un día cualquiera al despertar me comenta que soñó con que yo formaba un nuevo proyecto el cual llevaba por nombre "Fuel For Madness". Tanto el nombre como el sueño se me quedaron grabados y nació una inquietud por crear música nueva.

La banda nace el año pasado, ¿Cómo fue que deciden armar Fuel For Madness?

Mario: Álvaro y su inquietud de jamás dejar de producir música, creo algunas canciones que no necesariamente quedaban en su proyecto original VOX HUMANA... y me planteó un día que lo lleváramos a cabo. Álvaro: En una charla con Mario, me comenta que estaba armando un evento en Los Angeles con John Fryer, y me dijo que si me interesaba participar para presentar lo nuevo que estaba componiendo, que estaba aún sin definir del todo. En sí, la participación de Mario comenzó en el momento en que le envié unos pedazos de canciones sin terminar, las cuales me ayudó a estructurar y simplemente dijimos casi

al unísono que participara de lleno en el proyecto, ya que podía subirse a tocar al escenario conmigo y entre los dos tomaría mayor fuerza el grupo y podríamos aterrizar de mejor manera las ideas. Armamos 4 rolas más un intro a larga distancia (él estando en Los Angeles y yo estando en Ciudad de México).

Han realizado un concierto debut el año pasado. ¿Cómo fue ese show y con qué formación lo han llevado a cabo? Álvaro: En sí tuvimos dos presentaciones. Originalmente una en un bar ubicado en West Hollywood, y en ese show fuimos invitados a tocar al día siguiente en otro recinto ubicado en Pasadena. El primer show fue realizado un poco a las prisas, ya que yo llegué a Los Angeles el mismo día del evento por la mañana, y apenas si nos dio tiempo de montar algo rápido entre Mario y yo en la cochera de su casa. Yo toqué guitarra y canté. Mario fue el encargado de programaciones y sintes. Se nos unió Fryer en las máquinas, para lo cual nos reforzó en el escenario y digamos nos sirvió como un buen bautizo musical.

Mario: Así es, una vez que Álvaro estando en Veracruz trabajaba en las canciones, yo estaba en Los Ángeles (California). Llevando a cabo una

producción discográfica para John Fryer y a la vez un club mensual de música electrónica Alternativa, al hacer la inauguración Álvaro decidió viajar y estar presentes en el cartel y bueno, nuestro debut en vivo consistió de John Fryer y yo en las máquinas y Álvaro en voz y guitarra. ¿Y hoy el proyecto con qué integrantes cuenta?

Mario: Fuel For Madness es proyecto de Al Urrutia y Bolaspace (Mario Cabada) es digamos un invitado permanente sin embargo no hemos descartado y de hecho está planeado tener siempre invitados a colaborar. Álvaro: El proyecto lo conformamos Marioyyo,sinembargo,hemoscharlado respecto a contar con colaboraciones tanto de músicos como de cantantes de la escena nacional e internacional, para enriquecer el espectro sonoro que tenemos en mente.

Álvaro tiene Vox Humana, y tú has estado produciendo, por ejemplo, Crackdown. ¿Qué más han hecho?

Mario: Por mi parte llevo un tiempo dedicado únicamente a la producción, tanto digital como física, bandas como Crackdown, Black Needle Noise, Vox Humana, Wiccid... Álvaro:Pormiparte,comomencionas, llevo poco más de 5 años tocando de manera permanente con Vox Humana, fungiendo en parte como productor, arreglista y sintetista de la banda, así como compositor de algunas rolas del grupo. Previo a Vox, fungí como guitarrista de proyectos de progresivo e incluso latín funk de bandas del puerto de Veracruz. Yéndome un poco más atrás, a principios de los 2000´s estuve de baterista de una banda llamada Arrecife, cuyo vocalista era el también vocalista de Vox Humana, por lo que tenemos un historial de amistad y colaboración musical de varios años.

Antes de entrar de lleno en la Por lo que he percibido en su single actualidad de FFM, hablamos un debut su música parecería ir por el pocodesusantecedentesmusicales. costado del post gothic y el post

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industrial. Generando un ambiente apocalíptico. ¿Cómo definirían el sonido de la banda? Álvaro: Utilizar la palabra Industrial creo es insolente de mi parte, sin embargo, puede ser una manera sencilla y abstracta de definir el género de la banda. Me gusta incluir elementos incidentales, tipo música cinemática y música electroacústica, al igual que sintes estilo dark ambient y sonidos de carácter psicosomáticos.

Mario: Creo que abarca desde el ambient o tragic ambient hasta denotaciones industriales bastante fuertes...

Mario: Planeamos sacar una edición limitada en cd y en vinyl más tardar en noviembre 2019, por ahora vamos a trabajar en promocionar lo terminado y algunas fechas en vivo en los siguientes meses... Álvaro: Así es, tal como menciona Mario, planeamos sacar un álbum este mismo año, para más tardar octubre o noviembre.

¿Cuántas canciones tienen preparadas?

Mario: Por el momento 6. Álvaro: Tenemos 6, aunque por mi parte, me gustaría que el álbum contenga 7 canciones. Por nada Acaban de lanzar el single llamado cabalístico en particular, simplemente "Embrece Lycantropy". Cuéntenos me gusta ese número. sobre este single debut… es el trabajo de Mario: El tema se terminó justo a ¿Cómo tiempo que No Devotion Records composición? sacaba un sampler del sello y se decidió Álvaro: En sí, mi residencia es Ciudad incluirlo ahí en un cd doble junto con 16 de México, sin embargo, lo que va de artistas más, además el sello lo editó de este 2019, por motivos laborales, he manera digital para darle más alcance. permanecido en el puerto de Veracruz, Álvaro: Esta canción la estrenamos sólo voy algún fin de semana que tengo el año pasado en Los Angeles, sólo posibilidad a la Ciudad de México. que fue una versión muy prematura Damos uso a la tecnología para poder de la canción. La estructura era casi trabajar las canciones. Le envío los idéntica a la versión actual, pero con avances de las canciones a Mario vía guitarras más crudas y la letra no estaba internet y el las complementa y me las terminada al 100. Tampoco contaba regresa por el mismo medio, o bien, con los sonidos que integró Mario. En me ayuda a darles estructura. En cierta sí, la canción es un vistazo al interior forma me ayuda a darle coherencia de la mente, un tema muy craneal y al material que va surgiendo y juntos con sonidos que pretender invocar al planeamos hacia donde queremos trance. Es una introspección de aceptar dirigir Fuel For Madness. quiénes somos y abrazar nuestro Mario: Álvaro Urrutia Parra es la pasado y nuestra propia naturaleza, base primordial, después por medio sin temer en quien nos podamos de correo electrónico me envía a mí convertir, a pesar de manifestar un las canciones para después agregar o comportamiento agresivo y primigenio. modular algunas cosas... La manera de trabajar por el momento es a distancia Sé que tienen listo más canciones, ya que Álvaro vive en Veracruz, México hasta un álbum. ¿Cómo viene este y yo en Ciudad de México. futuro álbum debut?

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La industria de la música ha cambiado bastante las reglas y hoy la autogestión es la base fundamental para subsistir en un mercado tan atestado de propuestas. ¿Cómo ven ustedes este momento para un proyecto nuevo como el de ustedes?

Mario: Personalmente, creo que la autonomía depende de uno mismo... al igual que la creatividad, lo importante aquí es producir libremente y hacer presencia hasta donde alcancemos, lo único que detiene a un proyecto como el nuestro es nosotros mismos, Nadie tiene competencia y lo digo puesto que existen miles y miles de propuestas similares, aquí Nadie es indispensable pero todos somos útiles... a rebasar nuestras influencias es la meta... proponer con visión es la misión... y de nuevo... depende de nosotros. Álvaro: Independientemente de las reglas del mercado, más que limitantes o cambios drásticos en la industria, aplaudo lo que la tecnología hace hoy en día por la creatividad humana.

Recuerdo cuando realicé mis primeras grabaciones por allá del 97-98, siendo apenas un adolescente. En aquél entonces, tener acceso a un estudio de grabación o medios para poder grabar algo que sonara con cierta calidad, era sumamente caro y complicado. Hoy en día puedes realizar una grabación bastante decente desde tu hogar, con un celular, una computadora, tableta, etc. Esto incremente el océano sonoro en el mundo y alimenta al péndulo de la creatividad, lo cual genera un aceleramiento en la experimentación musical y puedes conocer propuestas literalmente de cualquier parte del mundo.

manera física pero estaremos soltando algunas cosas de manera digital hasta entonces. Álvaro: En el transcurso de estos meses estaremos liberando digitalmente material nuevo, no necesariamente canciones que conformarán el álbum debut; puede tratarse de demos, ideas o fragmentos sonoros que nos mantengan vigentes en el oído del público interesado en nuestra música y concepto. ¿Qué planes hay para este 2019?

Mario: Seguir trabajando en el disco y un par de presentaciones en vivo por el momento. Álvaro: El lanzamiento del álbum y agendar algunas presentaciones en vivo, principalmente en la Ciudad de México, pero no nos cerramos a la posibilidad de presentarnos en otras ciudades del país.

Para terminar y agradeciéndoles el tiempo que me han dedicado… ¿Hay algo que no he preguntado que quieran decirnos?

Mario: Gracias a ti por todo lo que haces por nosotros en general, tú labor es indispensable para todos nosotros.

Y bueno, que estén al pendiente de lo que sigue primordialmente en la página de Facebook de “Fuel for Madness” y en nodevotionrecords.bandcamp.com h t t p s : / / w w w. f a c e b o o k . c o m / fuelformadness/ Álvaro: Antes que nada Diego, agradecerte la oportunidad brindada y extender una invitación a que sigan nuestra página y estén atentos al material tanto sonoro como visual que estaremos liberando. De esta manera, podamos compartirles el modo en ¿Cuándo piensan liberar material que interpretamos esta realidad y la convertimos en frecuencias. nuevo?

Mario: Mas tardar en noviembre de

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[ Reseña de “Near Earth Orbit – Artificial Intelligence" (2019). por Benjamín York. ]

EL FUTURO CONTINÚA AGRIETÁNDOSE

Near Earth Orbit – Artificial Intelligence Label: Solar Lodge Records Fecha de Lanzamiento: 15 de marzo de 2019

"Todo lo que la civilización tiene para ofrecer es un producto de la inteligencia humana: no podemos predecir lo que podríamos lograr. Pero la erradicación de la enfermedad, la enfermedad y la pobreza sería una prioridad en la lista de cualquiera. El éxito en la creación de AI sería el evento más grande en la historia de la humanidad, por desgracia, por lo que podría ser el último" Stephen Hawking, Earth, 2014

Mientras asistimos a los últimos suspiros de la banda que ocupó a Arthau y Jawa Seth, Merciful Nuns, con fecha de caducidad impuesta, proyecto que duró los diez años que pronosticaron. Nos encontramos con el quinto y mejor disco hasta ahora del proyecto paralelo de Arthau y Ashley Dayour (Whispers in the Shadow), en el que colabora también Jawa.

Antes de hablar del disco tenemos que tener en cuenta que el tema que trata este disco conceptual que está muy de moda hace unos años, lo podemos ver reflejado en series como “Dark Mirror” y en varios libros de Philip K. Dick como el famoso ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? del cual se hicieron los filmes Blade Runner (1982) y su secuela "Blade Runner 2049" (2017).

Pero Near Earth Orbit nos ubica en seguida en tiempo y espacio:

“El año es 2031 y los robots humanoides, impulsados por la Inteligencia Artificial, son parte de la vida cotidiana. En tan solo una década, la inteligencia artificial podría igualar e incluso superar la inteligencia humana. Las corporaciones y agencias gubernamentales están invirtiendo miles de millones para lograr la inteligencia a nivel humano del Santo Grial de AI. Una vez que la IA lo haya logrado, argumentan los científicos, tendrá unidades de supervivencia muy parecidas a las nuestras.

Podemos vernos obligados a competir con un rival más astuto, más poderoso y más extraño de lo que podemos imaginar. El éxito en la creación de la IA sería el evento más grande en la historia de la humanidad. Desafortunadamente, también podría ser el último.”

“Superar las limitaciones de la humanidad..."

“Deus Ex Machina” Desde lo estrictamente musical el álbum nos plantea varios estados de ánimo, el primer track “Deus Ex Machina” abre el álbum de manera industrial y apocalíptica, sumiéndonos en un mundo en donde la tensión entre humanoides y la raza humana entra en conflicto, de hecho los sonidos ambientales nos llevan a un plano en donde las comunicaciones parecen ser señales de televisión de

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noticieros, el ritmo parecen detonaciones de armas, todo se torna peligroso.

Cuando entra el ritmo con un paso lento y pesado Todo el sonido industrial se refuerza con unos atronadores y secos golpes de guitarra, mientras el ambiente se carga de visiones sonoras oscuras y marciales.

Sabemos que 2031 es el año en que las máquinas nos equiparan y empiezan a pensar por sí mismas… hay que despertar. Los dominadores nos convertimos en dominados en “Future A.I.” y el caos sonoro se mantiene hace sentir, el post-industrial se hace duro y apocalíptico, es un llamado de las máquinas para tomar el control.

“Singularidad el fin de la historia más cerca de lo que pensaba”

“Singularity” Este track calmo y con cierta decepción, se puede resumir como una reflexión de un Dr. Frankenstein contemplando la criatura que inventó. La letra nos cuenta como todo se fue de las manos y el final está mucho más cerca de lo esperado… éste es un punto de quiebre en el álbum… nos encontramos en un momento en donde hay dos caminos a seguir, la sumisión o la resistencia… “el mundo en problemas se dirige a un neuromante”

“Neuromancer” “2034. Aniquilación” es lo que introduce al espectador en su video clip.

Desde el nombre estamos hablando de Inteligencia Artificial. Neuromancer es un tipo de inteligencia artificial que aparece en la “Trilogía del Sprawl” de William Gibson en 1984. Y es la canción perfecta del álbum. Con un comienzo expectante de pronto irrumpe un ritmo incesante, agresivo y explosivo, marcado por las distorsiones del bajo (atronador) y la guitarra que aparece y desaparece, la voz de Seth es perfecta y llena de climas, bien al frente y el grito de “Be Violent” hace que uno no se quede inmóvil, llena de energía e inspira a la rebelión.

“I.R.I.S. Unveiled” carga el ambiente de densidad y con un aura de negatividad da paso a otra de las excelentes canciones del álbum, “Humanoid” con la voz de Aeleth Kaven de La Scaltra. Una canción de redención planteando un renacimiento de la humanidad, se menciona al “niño de las estrellas” como el fruto de una nueva raza, haciendo referencia a esa hipótesis que habla de los antiguos astronautas (también conocidos como alienígenas ancestrales).

“Singularidad, niño estrella el siguiente mundo antiguo es tuyo.”

“Humanoid” “The Vessel y “The Ancestors” son las canciones que cierran el álbum, la primera es una corta canción instrumental, un traspaso a la canción final, de tono clamo y enigmático, nos queda una reflexión sobre un futuro incierto… aunque todo parezca conducirnos al fin sabemos que superaremos a las máquinas en el 2034, esto está pronosticado.

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Sin lugar a dudas el mejor disco de Near Earth Orbit, el futuro continĂşa agrietĂĄndose, aunque nos acercamos a este mundo distĂłpico de una manera alarmante.

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[ Por Benjamín York. ]

CANCIÓN + BANDA

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New York 1977. El guitarista Arto Lindsay y el tecladista Robin Crutchfield, se unen con el baterista Ikue Mori y el bajista Tim Wright, y participan del compilado de No Wave curado por Brian Eno llamado “No New York”, bajo el nombre de DNA (que dicho sea de paso, es el nombre de una canción de la banda No Wave, llamada “Mars”.

DNA edita en 1981 un EP llamado “A Taste of DNA”, que suele ser considerado su único álbum oficial. En ese grupo de seis canciones se encuentra una canción llamada "Blonde Red Head". Y la banda ya para 1982 ya se encontraba disuelta.

New York 1993.

Kazu Makino y los hermanos gemelos italianos Simone y Amedeo Pace forman Blonde Redhead, obviamente tomando como nombre la canción de DNA. Su álbum debut homónimo de 1995 fue producido por el baterista de Sonic Youth, Steve Shelley y ese mismo año, luego de un cambio de bajista editan el segundo álbum. La banda lleva lanzado nueve álbumes y su última producción fue “3 O'Clock” del 2017.

Blonde Redhead: http://www.blonde-redhead.com https://www.facebook.com/blonderedheadofficial/ https://www.instagram.com/blonderedheadofficial/ https://twitter.com/BlondeRedhead https://www.youtube.com/blonderedhead https://open.spotify.com/artist/5isqImG0rLfAgBJSPMEVXF?si=jFq0pzOeQJuh1TGN95z7Zw

[ Reseña de “Fred Abong - Pulsing" (2019) por Benjamín York. ]

EL MOMENTO DE INSPIRACIÓN

Fred Abong - Pulsing Label: Independient Realease Fecha de Lanzamiento: 07 de marzo de 2019

Tal vez el nombre de Fred Abong no sea reconocido como debería serlo, más cuando ha pertenecido a bandas tan conocidas y disfrutadas por nosotros como Throwing Muses y Belly o también el trío 50footwave con su amiga Kristin Hersh, con quién ha estado de gira durante el mes de febrero.

"Pulsing" son seis canciones en donde Fred expone toda su versatilidad y sus impurezas que lo mantiene fresco y espontáneo.

“Fue inspirado por la vida y los acontecimientos de la vida. Aquí puede completar los espacios en blanco para su satisfacción: relaciones, pérdida, muerte, éxtasis, identidad, anhelo, transformación, frustración, deseo, amor, odio, etc.”

Fred Abong

Este EP sigue al que ha lanzado el año pasado "Homeless" y si bien mantiene una estructura acústica en las tres primeras canciones, en "Sum", "Meet Me" y "The Wire" apela a la guitarra eléctrica sucia y tajante, recordándonos sus pergaminos, pero siempre con una simpleza que parecería que desnuda su alma frente al oyente en cada canción.

“Si quieres algo de compañía después de todo, entonces dale una escucha a las canciones de Pulsing."

Fred Abong

Hablar de Fred Abong es hablar de una pequeña parte de esa historia de la música que nos gusta y que actualmente ha renacido con mucha vitalidad, el shoegaze y el post punk.

Pueden escuchar y adquirir el álbum en: https://fredabong.bandcamp.com/album/pulsing

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The13th

UNA REVISTA IMAGINARIA