Revista The 13th N° 54 by Revista The 13th

AÑO: 6 | NÚMERO 54

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

ASHLEY DAYOUR REV REV REV - THE RAFT - BUCKLE/VOGT YOUR 33 BLACK ANGELS - ANDY GOLDING HAIKU GARDEN - THE SPIRAL ELECTRIC GIO - SCHEMATIC SCORPIO MARIELA CENTURIÓN - TOM WAITS - THE CURE MADONNA - DEPECHE MODE - SUNN O))) - PIXIES

STAFF

Mayo 2019 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alejandro Cenizacromada REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Diego Centurión.

Álvaro Calderón Ponce Benjamín York Diego Centurión

PORTADA

Franco Colombo

Carla Desiderio

Franco Doglioli Pablo Ravale Ruben Torres

Jefe de Departamento de Colombia: César León Jefe de Departamento de Literatura: Pablo Ravale. Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 54 UN AÑO NUEVO...

ÍNDICE ENTREVISTAS SCHEMATIC SCORPIO

HAIKU GARDEN GIO

SECCIONES

10 22 32

SUNN O))) MONOLITHS & DIMENSIONS HURRICANE HEART ATTACK PALABRAS EN LA ARENA

FRANCO DOGLIOLI ÁLVARO CALDERÓN PONCE CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

ASHLEY DAYOUR

DRAGON WELDING THE RAFT

REV REV REV YOUR 33 BLACK ANGELS

52 60

MUSIC CORNER

HIDDEN TRACK

CANCIÓN + BANDA THE SPIRAL ELECTRIC

116

40 42 44 46

96 114 90

PIXIES

DEPECHE MODE

TOM WAITS

SUNN O)) - LIFE METAL MARISSA NADLER

ZONA DE INFLUENCIA: MARIELA CENTURIÓN

16 28

80 86 98 104

PINHDAR

CHAMÁN DE LA LUZ

BÜCKLE / VOGT

DISCOS

128

THE CURE DISINTEGRATION SUBMOTILE

76 92 108 122 126 140 146

[ Pinhard – Pindhar (2019) por Benjamín York. ]

DELICADEZA DESDE ITALIA

Pinhdar - Pinhdar Label: Self-Release Fecha de Lanzamiento: 09 Diciembre de 2018 Hace tiempo que Italia está llegando con su música a nuestras páginas. Éste es otro caso en donde la música que llega desde Milán es muy interesante. Con un nombre que involucra a un poeta griego Píndaro y un personaje llamado Pindar de una novela de piratas. Para aquellos que no conozcan esta nueva banda se trata de un dúo formado por Cecilia Miradoli y Max Tarenzi, ellos pertenecían a una banda que se llamaba Nomoredolls. Una banda de música alternativa. Pero luego de organizar un festival llamado “A Night Like This Festival”, deciden formar Pinhdar con un sonido mucho más depurado y rozando el trip hop y la música electrónica. Este dúo ha encontrado su medida musical perfecta entre la dulzura vocal de Cecilia, con los coros de Max, y el entramado sonoro que sirve de base para que la voz se luzca, creado por Max. Este debut de siete canciones nos lleva en un viaje tan conmovedor logra hipnotizarte. Canciones como el primer single “Toy”, “Breaking”, “Speak in the corner”, “Overload” y “The Cosmic Tune” son de esas canciones que cautivan a la primera escucha. El ritmo se lo ponen las canciones “Awful Heart” y “Amy” dándole al debut un abanico sónico interesante que nos atrapa. Pinhdar es el homónimo debut de este dúo italiano, denle una escucha, no los defraudará, y le dará el ánimo suficiente para darle play de nuevo al reproductor…

[ Entrevista a Joey Perez de Schematic Scorpio por Diego Centurión. ]

NUNCA DEJARÉ DE TRABAJAR CON MÁQUINAS

Desde hace unas semanas que vengo escuchando este álbum que ha sido lanzado este 2019 por No Devotion Records, el sello de Mario Alberto Cabada, a quien en el número anterior lo hemos entrevistado dentro del proyecto Fuel For Madness, y en este caso Mario fue el nexo para que podamos contactar a Joey y poder realizar esta entrevista. Schematic Scorpio es un proyecto comandado y tiene como único miembro a Joey Perez de California y su nuevo álbum "Cult of the Severed Head" nos lleva a submundos en donde todo puede pasar. Para que conozcan bien a este proyecto nos comunicamos con Joey y esto es lo que nos contestó…

Hola Joey gracias por aceptar realizar esta entrevista y para empezar… ¿Cuándo y cómo nació Schematic Scorpio? Todo comenzó en 2016. Estaba volviendo a programar más cosas rítmicas. Pensé que las cosas que estaba haciendo eran bastante sólidas, así que simplemente inventé el nombre rápidamente y le envié algunas pistas a Mario. Estaba muy emocionado con ellas y me preguntó si estaría interesado en hacer un lanzamiento completo. A partir de ahí, me puse a trabajar.

Si hay algo que me llamó la atención de este álbum, es la carga industrial que hay. Por momentos me sentí escuchando bandas de Wax Trax! ¿Qué nos puedes contar de "Sex and Death"? Fue una especie de desafío para hacer. Quería hacer algo que fuera un enojado y confrontativo "Fuck You" en lo que Industrial se convirtió. Me encanta el género y simplemente lo veo convertido en una cosa pulida y diluida que realmente me enojó. También noté que el ruido de potencia y el ruido rítmico también estaban cambiando, así que solo quería hacer algo que se sintiera un poco vie¿Y cómo nace el nombre del proyecto? jo y nuevo, así como conservar la crudeza de Fue algo que pensé rápidamente. Mi signo Industrial. astrológico es escorpio y tengo dos tatuajes Usé mucho audio de las sesiones de grabaen mi brazo derecho que dibujé que son ca- ción como Flesh Vomit para sintetizadores, ras que se hicieron para que parecieran es- cajas y otras cosas. quemas. Puse 2 y 2 juntos y dibujé el logotipo Hay un montón de elementos de ruido en allí en ese momento. No creo que el nombre todo el álbum que le da esa suciedad. coincida con mi trabajo anterior, pero desde Implementé muchas cosas que aprendí del que mi forma de hacer música ha cambiado. ruido, así como proyectos anteriores que hice Siento que se adapta a lo que he creado re- en el pasado. cientemente y a donde quiero que este proyecto se desarrolle de manera sonora. Éste trabajo es bastante diferente a tu segundo trabajo "Cult of the Severed Head", ¿Tu trabajo anterior, que mencionaste, es que es mucho más atmosférico y más el primer álbum "Sex and Death"? electrónico, pero más minimalista. Si. ¿Qué cambió en tu forma de componer? Perdí el interés en usar computadoras para

hacer música y me estaba metiendo más en el hardware real, como las cajas de ritmos y los sintetizadores, a través de pedales fx, como la distorsión, la demora y la reverberación. Mucho de esto fue fuertemente inspirado por los trabajos de Bryn Jones de Muslimgauze y Stephen Nester de Slap respectivamente e incluso T.G. Me fasciné mucho con la vieja y oscura música electrónica oscura y quería crear algo que rindiera tributo al pasado con un pie en el presente y que al mismo tiempo fuera una especie de futura pieza de choque. Cyberpunk fue otra influencia en el "Culto". Me encantan las cosas

como Bladerunner, Ghost in the Shell y toda la idea de la estética lowtech. "Cult of the Severed Head" ha salido en enero de este 2019 bajo el sello No Devotion Records. Y ya estamos a mediados de abril. ¿Has percibido algún cambio con este nuevo álbum en el público? Noté que la recepción del nuevo material ha sido bastante positiva. Creo que se debe principalmente al hecho de que la música se está ejecutando en lugar de ser simplemente programada.

Trabajar en tiempo real en tu música es tu presente. ¿Cierras la puerta a la programación como en el primer álbum? Creo que nunca dejaré de trabajar con máquinas. Se sienten demasiado naturales para simplemente dejarlo. En algún momento me veo incorporando instrumentos hechos a mano junto a las máquinas.

entre cuatro paredes? Más como un proyecto experimental que reside en una cueva en medio de la nada.

Ahora que el álbum está editado. ¿Estás trabajando de nuevas canciones? Actualmente estoy trabajando en algún material para un EP que se titulará "Bloodsport" que debería publicarse este año. Esperemos Volviendo a tu último trabajo... ¿Saldrás a que a finales del verano. tocarlo en vivo? Tocar en vivo en general era algo que no me Para terminar esta entrevista y agradeinteresaba. Solo quería hacer estrictamente ciéndote el tiempo brindado en responder. el trabajo de estudio, pero ha habido cierta ¿Qué planes tienes para este 2019 para el presión para tocar en vivo. Si tuviera que to- proyecto? car en vivo, sería a través de una computado- No Devotion lanzará Cult of the Severed ra portátil y ese tipo de derrotas el propósito Head en vinilo, que es bastante emocionante. de lo que he estado tratando de hacer recien- Espero terminar el Bloodsport EP de manetemente. Si cedo y hago presentaciones en ra oportuna. También continuaré experimenvivo con una computadora portátil, entonces tando con sonidos y comenzaré a trabajar en interpretaría algunas pistas de Sex & Death. una nueva longitud completa. Este año estaré muy ocupado y así es como Entonces ¿podemos decir que Schematic me gusta. Scorpio es una banda de experimentación

[ Reseña de “Sunn O))) – Monoliths & Dimensions" (2009) por Pablo Ravale. ]

ALGÚN TIPO DE ENTIDAD

Sunn O))) – Monoliths & Dimensions Label: Southern Lord Fecha de Lanzamiento: 19 de mayo de 2009

En el principio fue el tono. El elemento primario del sonido, su cualidad esencial. La génesis de toda expresión musical. No es este un tema que preocupe en exceso en la industria, no es asunto que se trate a menudo en los backstages, pero a Stephen O’Malley y a Greg Anderson les obsesiona. «Cuando la gente me pregunta qué música hacemos, mi única respuesta es música experimental enfocada en la manipulación del tono», explicaba Anderson hace años en una entrevista. No es extraño que la gente le preguntara. Sunn O))) es la improbable confluencia de una pasión visceral –el metal– y una vocación intelectual –explorar las posibilidades infinitas del tono– decididas a expandir su experiencia común en tenebrosas misas negras. Impugnando el heliocentrismo de Galileo, Sunn O))) se forma en 1998 inspirándose en el Sol Negro, un antiguo símbolo místico que está emparentado con el dios griego Príapo, y que para la Astrología representa el pleno uso de la inconsciencia –es decir, cero luz interior, cero conciencia– y del poder de la autoridad pero al servicio de todo lo negativo, lo oscuro y lo destructivo; a su vez es el punto donde el cerebro que computa sólo por depredación sexual (abusador, violador) se expresa con toda su intensidad. Dicho símbolo, cabe destacar, fue posteriormente adoptado por la filosofía ocultista nazi. Así las cosas, sostener la nota hasta el paroxismo, suspender el tono en el aire tanto tiempo como sea posible, sólo tiene dos salidas: el tedio absoluto o una epifanía sónica, una revelación cuasi mística de la fisicidad del sonido. En las manos y en los tímpanos adecuados, oscilando en una frecuencia bajísima, el drone se convierte en la materia prima definitiva, el lienzo de tono absoluto que se extiende interminablemente acogiendo todos los elementos posibles con el fin de componer una compleja narrativa musical. «El tono, de acuerdo con nuestra concepción del minimalismo, es la máxima representación de lo que uno hace» –apuntaba Anderson– «Si tocás algo rápido, tanto podés arreglártelas con un tono mediocre. En cambio, para nosotros, que tocamos largos drones de un par de notas, es vital conseguir el tono perfecto, especialmente con la cantidad extrema de volumen y de amplificadores con la que trabajamos». En cualquier caso, acumular cantidades colosales de vatios, saturación y drones para liberarlos en masa no es más que una cuestión técnica. Para Sunn O))), el verdadero reto consiste en controlar esa fuerza descomunal y fabricar

con ella un fenómeno acústico y táctil al tiempo, un rumor inmutable cuyas cualidades musicales se manifestarán por fin al oyente atento. «Se trata de ser capaces de gobernar la fuerza. No es una mera explosión de potencia extrema, es una manipulación capaz de producir una sensación física» –explicaba O’Malley– «Sin el control sólo sonaría como una gran bola de ruido. Supongo que a mucha gente le sonará así de todas maneras, pero si intentás de veras entrar de pleno en la música, si tratás de comprenderla, verás que existe un control y un propósito para esa fuerza, que no es todo tan simple como parece. Ese es uno de los malentendidos más comunes sobre el minimalismo». Su atmosférico clima, que con dos acordes en bajos hilos de frecuencia, y la lenta marea de notas idénticas, produce la sensación de densidad “tunelistica” y mareante nos aleja de una realidad vital, para llevarnos a un paraje inha-

bitado y deplorable, donde surgen las emociones del subconsciente, los deseos más bajos y crípticos del ser insatisfecho. Y la consecuencia de oír esto de un tirón puede no ser una experiencia muy grata… algunos dolores de cabeza intensos; no obstante, cuando el oyente los agarra, se engancha. Pero no dejen que la luz del minimalismo les ciegue. El espectro de negros de Sunn O))) es rico en matices y su arsenal de recursos es amplio y no conoce barreras de género o estilo. Aunque estética y líricamente Sunn O))) comparte elementos de la imaginería del Black, el Doom y el Death-Metal, el alcance de su propuesta se extiende mucho más allá de las tinieblas y los largos ropajes ceremoniales. Para encontrarse con la evidencia definitiva de las categóricas afirmaciones aquí vertidas, para escalar el cenit de un ente, Sunn O))), concebido no como banda sino como plataforma abierta para la experimentación y la colaboración artística, nos regalaba hace exactamente una década su descomunal Monoliths & Dimensions (Southern Lord, 2009). El séptimo álbum de estudio de O’Malley y Anderson –quienes gustan de desdoblarse a la manera de los maestros del jazz en decenas de proyectos paralelos y colaboraciones siempre en tránsito por los extremos como Goatsnake, Burning Witch, Thorr's Hammer, Teeth of Lions Rule the Divine o Khanate– es un trabajo tan apasionante como aterrador, una opus magna de una ambición desmedida, una ópera oscura en cuatro actos que construye, sobre un colosal fondo de drones de guitarras encendidas en fuego eléctrico, un complejo relato metafísico escrito con jazz cósmico y Black Metal, mitología húngara y coros de voces femeninas, entre otros materiales. A todos los efectos, Monoliths & Dimensions supone la culminación de la doble vía de investigación de Sunn O))): el tono como fenómeno físico, y la creación de una obra compositiva plenamente sofisticada y original. «La idea principal detrás de este disco era trabajar por primera vez con instrumentación acústica. Llevábamos muchos años queriendo hacerlo, y creímos que por fin había llegado el momento. Que conocíamos a la gente adecuada para ello», decía O’Malley. En total, la gente adecuada suma cerca de cuarenta músicos, desde las voces de ultratumba de Attila Csihar (Mayhem) hasta la reverenciada guitarra de Dylan Carlson (Earth), pasando por los trombones, las flautas, los clarinetes, los violines, las violas, los pianos, las arpas, los hidrófonos, las campanas tubulares, las percusiones, la soprano Jessika Kenney, más los sintetizadores y el oscilador de su ya hoy cuarto integrante Oren Ambarchi. «Es cierto que el volumen de inversión en recursos, esfuerzo, tiempo y dinero suponía un riesgo, pero teníamos mucha confianza en que nuestro público sabría apreciarlo como lo que es», apuntaba Anderson. En caso contrario, alguien se estará perdiendo algo verdaderamente importante por razones verdaderamente absurdas. Anderson y O’Malley provienen de un background inequívocamente metalero, pero su talento y su inquietud traspasa cualquier coordenada estética y se disemina por toda la genealogía de la música. «Por supuesto que nos sentimos inspirados por algunas perspectivas y elementos del black y el doom metal, pero nuestra música tiene una identidad propia. Es posible que haya quien se niegue a obviar ciertas características es-

téticas de Sunn O))) y por ello no se atreva a entrar en la música. Pero, ¿sabés qué? Esa gente ya estaba perdida para nuestra causa desde un principio», explicaba O’Malley. En este sentido, una medida de la amplitud de registros e influencias de Sunn O))) se encuentra agazapada en dos pequeños homenajes presentes en su último trabajo: a Miles Davis en el tema que abre el disco, titulado, al igual que el álbum de free jazz eléctrico que el irascible trompetista grabó en 1975, Agharta; y a Alice Coltrane, en el cierre titulado “Alice”, y donde el arreglo de trombón acaba aportando una luminosidad fúnebre inédita en la discografía de Sunn O))). «Para mí, Miles Davis es un artista esencial para cualquiera que esté interesado en la música. Su obra, especialmente la de principios de los setenta, es una de las piedras fundacionales de la música moderna, igual que puede serlo la de Led Zeppelin. El Davis de aquella época ha sido una referencia muy importante para nosotros, sobre todo por el espíritu explorador que imprimía a su música. Tenía una personalidad que no se dejaba influir por las expectativas creadas a su alrededor, capaz de abstraerse de la negatividad que surgía de la escena de jazz de la época cuando publicaba discos como Bitches Brew o In A Silent Way. Después de treinta años de carrera, Miles Davis continuaba rompiendo barreras», afirmaba Anderson. De cualquier modo, ya sea abstrayéndonos de la teatralidad de su puesta en escena y de la imaginería a veces excesiva que les acompaña o incorporando todos estos elementos para formar un universo de significado más amplio y sugestivo –más terrorífico, sin duda–, ya sea atendiendo a la propuesta teórica de investigación sónica u obviándola para abandonarse al sonido puro, para ser apreciado en plenitud Sunn O))) exige la firma de un contrato mefistofélico, una rendición de las construcciones mentales preestablecidas. «En el fondo» –sentenciaba O’Malley– «Sunn O))) no es una banda, es algún tipo de entidad. No sabría definírtela. Lo que sucede con el sonido está por encima de las personas».

[ Entrevista a Luka Flegar y Klemen Tehovnik de Haiku Garden por Benjamín York. ]

HAIKU GARDEN SI TE APETECE, ESCUCHA NUESTRO ÁLBUM

Desde Eslovenia nos llega esta banda llamada Haiku Garden, que nos trae su álbum debut y aprovechamos para charlar con ellos acerca de su corta, pero intensa carrera. El cuarteto formado por Luka Flegar, Klemen Tehovnik, Anže Knez y Matevž Bitenc en octubre del año pasado han lanzado su debut “Where if Not Now”, el cual nos ha encantado. Los letristas de la banda se encargan de responder las preguntas que me atreví a hacerles y esta es esa charla...

Hola Chicos, Gracias por aceptar realizar esta entrevista y para empezar cuéntenos ¿cómo nace el nombre de la banda y cuándo nace la banda? Luka: Tres de cada cuatro miembros actuales de la banda ya tocaban en un proyecto anterior juntos, pero en realidad estábamos tocando covers. Haiku Garden nació a finales de 2014. El nombre apareció poco después, cuando tuvimos nuestro primer concierto en marzo de 2015. Fue una de esas situaciones clásicas en las que necesitábamos desesperadamente un nombre porque estábamos en el cartel. Después de un montón de lluvia de ideas, se me ocurrió el nombre de la banda, ya que resonó en mí y en toda nuestra mentalidad y el sonido de nuestra música. Afortunadamente, creo que todavía encapsula muy bien a la banda.

salida del EP y el nuevo álbum. Cuéntenos que han hecho en estos años. Luka: La mayoría de las veces tocábamos en vivo y salíamos de gira e intentábamos mejorar en todas estas cosas. Y cuando no teníamos conciertos, estábamos tratando de escribir nuevo material. Algo de eso, por supuesto, terminó en el nuevo álbum. Y también tomamos algunos pequeños descansos entre todo este trabajo... El descanso también es importante.

Sé que han estado muy ocupados entre la

¿Qué diferencias encuentran entre el

Ahora nos traen su primer álbum "Where if Not Now". ¿Qué sensaciones tienen al escuchar el producto terminado? Luka: No lo he escuchado desde hace tiempo. Pero cuando lo hago siempre tengo una perspectiva diferente sobre este álbum. Primero cuando conseguimos los masters y me senté y escuchamos todo el asunto, ni siquiera me gustaba tanto. Pero En 2016 editan su primer EP "Waver" probablemente fue porque pasamos casi ¿Qué sienten al escucharlo hoy, hubieran un año grabándolo y estaba demasiado realizado las grabaciones de esas preocupado pensando cómo podríamos haber hecho algunas cosas diferentes canciones de otra manera? Klemen: Nuestra perspectiva sobre el mientras escuchábamos. Cuando le di otra sonido ciertamente ha cambiado con los años oportunidad, unas semanas más tarde, y si grabáramos Waver ahora probablemente tenía una actitud completamente diferente. sonaría diferente. Por otra parte, me parece Cuando lo escucho ahora, recuerdo todas las una grabación; un álbum o EP es una pequeñas cosas que sucedieron mientras se instantánea del pasado y, personalmente, grababa y me siento un poco nostálgico. ¡No estoy perfectamente satisfecho con el podemos esperar para comenzar a grabar el siguiente! resultado.

primer EP y este nuevo álbum? Klemen: Nos tomamos mucho más tiempo escribiendo, arreglando, puliendo y grabando las canciones más nuevas y eso se nota. También hay un gran cambio de humor en comparación con el EP, al menos para mí. El nuevo álbum es mucho más optimista y colorido y tiende a no atenerse a un solo estilo, pero incorpora nuestras influencias en una "lista de reproducción".

Hoy las redes sociales y los sellos independientes han cambiado la manera de exhibir la música de los artistas, y ustedes siendo de un país chico de Europa me parece que es una gran herramienta para acceder a un mayor público. ¿Cómo se manejan con este tema del alcance a nuevos escuchas? Klemen: Todos estamos aprendiendo realmente la importancia de las redes A veces suele pasar que su música sociales para las bandas jóvenes. Acabamos se suele encasillar en determinados de comenzar a trabajar con un agente de estilos como el shoegaze y el dream pop. contratación y una agencia de relaciones ¿Ustedes cómo definirían su música? públicas, y eso hace que algunos aspectos Klemen: No tenemos ningún problema con de nuestro trabajo sean mucho más fáciles. eso. Partimos de muchos géneros de música Todavía es bastante extraño para nosotros que y esos adjetivos son probablemente los más la parte más occidental de Europa realmente cercanos o, al menos, los que más captan la no te tome en serio sin un gerente, agente de sensación de nuestra música. También hace contratación, agencia de relaciones públicas, que sea más fácil para los nuevos oyentes etc... Más a causa de la mentalidad del DIY, encontrarnos. fue un shock para nosotros. Pero en general;

Gracias a dios por internet.

estamos interesados en cómo resultará. Hay algunos planes para hacer giras y, Volviendo a Eslovenia, su país de por supuesto, tocar tantos shows como origen, obviando a Laibach, ¿qué bandas podamos. Quizás también comencemos eslovacas nos recomiendan? algunos proyectos colaborativos. Luka: Hay algunas bandas que podríamos recomendar, algunas contemporáneas Luka: Tenemos muchos espectáculos serían: Futurski, Carnaval, YGT, Nikki planeados para el verano y estamos Louder, Persons from porlock y The Canyon planeando una gira para el otoño. Pero en el Observer. tiempo libre disponible, intentaremos escribir algún material nuevo. ¡Definitivamente ha ¿Qué planes tienen para este año? pasado demasiado tiempo desde la última Klemen: Actualmente estamos en el vez que escribimos algo! proceso de reorganizar nuestras canciones para un programa de radio esloveno llamado Para terminar... ¿hay algo que quieran Izštekani. Es un poco como el viejo programa agregar para concluir está entrevista? Unplugged de MTV, pero se enfoca más en Luka: Si te apetece, escucha nuestro encontrar formas creativas de presentar álbum. Si no te gusta, está bien... ¡Si es así, canciones de una manera diferente. Ha sido ven a uno de nuestros shows! una experiencia divertida por ahora y todos

[ Reseña de “Hurricane Heart Attacks - Hurricane Heart Attacks" (2019). por Diego Centurión. ]

EL PASO INESPERADO Y EL CAMBIO NECESARIO

Hurricane Heart Attacks - Hurricane Heart Attacks Label: Little Cloud Records / Cardinal Fuzz Fecha de Lanzamiento: 29 de marzo de 2019

Nuevo y esperado álbum de los misioneros/bonaerenses de Hurricane Heart Attacks. Un homónimo álbum en donde parecen, de alguna forma, pegar un volantazo para no chocar contra la zona de confort, (palabra utilizada hasta al hartazgo por los nuevos generadores de contenidos). Pero el término se aplica de forma perfecta a HHA, ya que desde hace unos años la banda desembarcó en costas británicas y europeas para quedarse como uno de los exponentes mejor valorizados desde este lado del planeta. Desde el lanzamiento del single "OCD" por el sello inglés "Wrong Way Records" en el 2017 a la banda se le abrieron las puertas del viejo continente a base de un cuidado y excelente sonido y grandes canciones. Luego de empezar a obtener un reconocimiento merecido, el paso lógico sería un álbum que colme las expectativas de los amantes de la neo psicodelia. Obvio sería afianzar todo lo hecho en estos diez años, el decir, "Ok, hagamos un disco que les guste a todos y que sea lo que se espera de nosotros". Pero si hay algo que caracteriza a Hurricane Heart Attacks es el no quedarse parado en ningún lugar establecidos, pensemos en sus primeros años y la decisión de salir de Misiones para establecerse en una despiadada Buenos Aires. HHA va siempre un paso más allá y se juega al cambio. Entonces sorprenderse de un cambio en la banda es no conocer a Hurricane Heart Attacks. El nuevo álbum no es el paso lógico, desde la desnudez de la portada, que es el retrato de una banda sin ningún tipo de efecto, lo sintético de la imagen, el "simple" nombre del álbum con el de la banda, aclaro que no es nada "simple" sino que es una declaración de principios, debido a que este álbum muestra una mutación importante en su sonido, ¿podemos decir que es una banda nueva? ¡No! y ¡Sí!, se trata del mismo cuarteto que viene creciendo desde hace muchos años y mantiene la base de su sonoridad, pero a la vez, el giro compositivo hace que suene a una banda que se acaba de reinventar, actualizar y apostar al crecimiento. Sobre el tema del cambio en la banda el vocalista y guitarrista Jota Humada nos contó que: "Y el cambio es parte de la evolución natural de la banda... Si escuchas el primer disco y lo comparas con el siguiente también hubo un cambio importante... Evolucionar dentro de la lógica y esencia de la banda. Y es lo que siempre me gustó del mundo de la psicodelia. Cómo te permite orbitar alrededor de diferentes universos."

Con respecto al cambio estructural y sonoro en el disco he leído sobre la compra de una caja de ritmos Alesis SR-16. Jota nos comenta: "Sí. Esa máquina dio la distinción estética. Pero también la estructura porque las baterías las escribí yo en la Alesis. Casi todas las canciones partieron de bases de ritmo escritas en la Alesis. Y a partir de ahí se fueron sumando capas de instrumentos, riffs, melodías, etc." Pensando estrictamente en lo sonoro hay un sonidos de la batería que nos pueden traer a la memoria el "Automatic" de los Jesus and Mary Chain, o en ocasiones un sonido más a lo Kula Shaker, pero siempre manteniendo la esencia de Hurricane Heart Attacks. Hurricane Heart Attacks demuestra en su álbum homónimo uno de los pasos más difícil que un artista tentado por los elogios tiene que dar… seguir sus instintos y como queda claro en las ocho canciones del álbum… Los Hurricane Heart Attacks no siguen los cánones de lo esperable, lo que todos esperan que haga una banda para crecer, ellos siguen sus propios impulsos y de esta manera crecen y crecen siguiendo su propio camino.

[ Entrevista a Guido D’Andrea de Gio por Benjamín York. ]

GIO - UNA EXPERIENCIA ALL INCLUSIVE

La música retro bailable tiene diferentes vertientes, y distintos revivals, actualmente estamos en una temporada en donde la música funk, disco, soul, house, tecno dance, o el synth pop ochentero, entre otros, están inundando los sonidos de las nuevas generaciones de bandas. Pero el italo disco, es uno de esos estilos que se viene recuperando desde hace unos años. Y el artista que entrevistaremos hoy, asegura: “Sangre italiana, corazón celeste y blanco” Guido D´andrea es el artista que se hace llamar “Gio” y que viene de ser parte de la banda synthpop “Los Tiros”. Hoy en plan solista extiende el sonido creado por su anterior proyecto pero dándole un giro alos sonidos del conocido italo disco. Agradezco a Pablo “Mambo” Rivas por el apoyo.

¡Hola Gio! Gracias por aceptar realizar esta entrevista. Para empezar vamos con una pregunta para romper el hielo. Tres opciones y fundamentalas… ¿80’s o 90’s? Difícil elegir, en lo personal me gusta algo de todas las décadas, el groove de los 70s, lo digital de los 80s y el fulgor de los 90s, pero si tuviese que quedarme con una elegiría a los 80s, por una cuestión de que la mayoría de mis artistas favoritos hicieron sus mejores obras allá por esas épocas. Creo que también fue una década que marco mucho desde lo estético y sonoro, de tal forma que hoy en día uno escucha algo hecho en esa época e instantáneamente lo reconoce como el sonido de los 80s. ¿Stock, Aitken & Waterman o Miami sound machine? En esta voy a elegir a Stock Aitken & Waterman a pesar de que soy un gran admirador de Emilio Estefan y Miami sound machine, pero Stock Aitken & Waterman podría decirte que están en mi top 3 de productores favoritos y todo su trabajo fue una influencia esencial en All Inclusive. Ellos lograron crear su propio sonido, su propia marca registrada como productores y eso es algo muy admirable, no por nada fueron los creadores de incontables hits y todos dentro de una misma estética y una misma línea. Además creo que también era muy importante la forma en la que potenciaban a todos los artistas que trabajaban con ellos, lo cual es algo que uno busca siempre que trabaja con un productor. ¿Punta del este o Mar del Plata? Esta es mas fácil, Mar del Plata sin duda!. Nada mejor que llenar una heladerita con algunas botellas de un fino espumante y llevarse una sillita de playa a la Bristol.

Ahora empezando con Gio… es un proyecto que nace hace muy poco, ¿Cómo decides hacer este nuevo proyecto? La idea surgió hace más o menos un año y medio, yo ya venía con ganas de hacer algo un poco distinto y me junte con Martin, mi compañero de equipo con el cual componemos juntos todas las canciones. Básicamente todo nace a partir de la intención de expresarme como artista desde un lugar sincero, sin buscar nada a cambio ni tampoco esperándolo, simplemente dejándome llevar por mis sentimientos. ¿Tuviste o tienes aún la banda “Los Tiros? ¿Hay canciones de “All Inclusive” que fueron pensadas para Los Tiros o todo el material es nuevo? Todo el material de All inclusive fue pensado exclusivamente para GIO, ya que con los tiros dejamos de tocar antes de que yo comience con este nuevo Proyecto. Por suerte igual seguimos siendo muy amigos y manteniendo una gran relación.

Desde tu banda anterior el Italo disco venía siendo parte del sonido, aunque, tal vez, en Los Tiros estaba más camuflado. Ahora en esta nueva etapa es más característico, de hecho decís que tenés “Sangre italiana”. ¿Qué estabas escuchando cuando te propusiste crear “All Inclusive”? Siempre me gustó mucho la música disco, el italo y sobre todo el funk y el house, solo que quizás en la época de los tiros también estaba más influenciado por el rock. En definitiva creo que uno como artista va cambiando y escuchando música nueva que lo motiva e influencia, no me gusta encasillar a GIO solo dentro de un género, ya que si bien all inclusive tiene una marcada tendencia funky disco house, eso no significa que el próximo disco vaya a tener el mismo sonido o las mismas influencias. Por supuesto siempre manteniendo una estética y buscando un sonido propio. En este disco paso algo muy copado porque yo venía escuchando mucho a Pino Dangio y decidí usar una de

sus frases de ma quale idea para mi canción gang bang. Le mande el tema a su manager por mail y Pino lo escucho y quedo encantado, nos dio el ok para usar su frase , firmamos un contrato y me lo mando junto con una dedicatoria deseándome suerte, un capo Pino!, fue una anécdota que quedara para siempre dentro de lo que fue all inclusive

La primer canción que surgió fue Italian lover, yo ya tenía una idea en la cabeza y empecé a trabajar en la maqueta junto con Martín desde mi home studio, una vez que ya teníamos esa y un par de canciones más decidimos sumar a Ezequiel Araujo que fue con quien produjimos el disco y también quien se encargó de la mezcla y el mastering. Trabajar con Eze fue muy copado por que yo ya lo conocía hace un tiempo y éramos amigos, lo cual hizo muy ameno y divertido todo el proceso porque el siempre entendió muy bien el concepto de GIO y se encargó de potenciarnos.

¿Cómo fue el proceso de creación de las canciones del álbum? Fue muy divertido y distendido, la premisa siempre fue hacer algo que nos guste y pasarla bien en el proceso. Desde ese lugar tratamos de generar lo mismo en la gente que nos escucha Ahora que el disco está en la calle. o nos viene a ver a los shows en vivo. ¿Qué repercusiones has obtenido

las 22 horas y va a ser gratuito. Estamos preparando un show muy copado con una puesta en escena All mejor estilo All inclusive. La idea es que sea una experiencia All inclusive de principio a fin para todos los que vengan. Va a ser ¿Qué servicios nos brinda “All un show súper bailable y con muchas Inclusive”? sorpresas El servicio es completo y para todos los gustos. Va desde una cena Para terminar y agradeciéndote show romántica con canciones como la posibilidad de realizar esta Drama Queen hasta servicio de playa entrevista. y cocktelería fina con Italian Lover o ¿Qué planes tienes para este 2019? Cerrone. La elección queda a cargo ¡Muchas gracias a ustedes!, los del huésped. planes para este año son en principio tocar mucho y llevar All inclusive a Vas a presentar el disco todos los lugares posibles, y sumado a próximamente. Contános eso. eso ya estamos componiendo nuevos La presentación va a ser el Viernes 26 temas así que pronto tendremos alguna de abril en el centro cultural Richards a novedad. de “All Inclusive”? Muy buenas por suerte, All inclusive es un disco puro, hecho con espontaneidad y frescura y creo que eso se nota cuando la gente lo escucha

PALABRAS EN LA ARENA

Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ "Fantasmas de la Luz" de Enrique Symns por Pablo Ravale. ]

CHAMÁN DE LA NADA

41 Fundador y director de la mítica revista Cerdos & Peces, monologuista del grupo de rock argentino Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, creador en Chile de la revista The Clinic, además de autor de varios libros (entre los que se destacan La banda de los Chacales, El señor de los venenos y Big Bad City), los cuales se mueven entre el relato puro y duro de tinte autobiográfico, y el texto ensayístico y hasta panfletario (heredado de sus admirados Henry Miller, William S. Burroughs, Charles Bukowski y Hunter Thompson), Enrique Symns es una auténtica leyenda viviente. Este, su nuevo libro, en el que su compilador y prologuista (Rodolfo Palacios, periodista y autor de varios libros exitosos sobre criminales [caso El ángel negro, acerca del sociópata y asesino en serie argentino Carlos Robledo Puch]) ha logrado reunir casi todas las facetas de Symns, ofrece un amplio recorrido a zonas tardías de su producción, en particular las que ejerció en el diario Crítica y la revista THC. Consciente de su público, son notas más periodísticas, incluso de “guía turístico” entrenado de cierto “reviente” drogadicto, sexual, y violento, o los submundos sórdidos y marginales de Buenos Aires o Mar del Plata. En las notas largas que publicó en la revista Orsai, aparece más ordenado el aspecto biográfico. En busca de explicaciones, a partir de una mudanza de un pueblo a la gran ciudad (y el resto de la vida y sus “transas”), nació un rencor inagotable contra la sociedad, las instituciones y la represión de los poderes. Su vida estuvo marcada por una sucesión de derrumbes estrepitosos. Derrumbes económicos, laborales, amorosos, de amistades y, por supuesto, el derrumbe de su salud a raíz de sus excesos con las drogas. Cuando parecía que al final lo había conseguido (un trabajo con un buen sueldo o una relación amorosa que lo contenía y acompañaba, o una casa que había conseguido para vivir o un ritmo de vida con un buen estado físico), no esperaba a que el Diablo viniera y metiera la cola: él mismo se encargaba de llamarlo a los gritos. Ponía tantas ganas en enfermarse que no tardaba en llegar el desastre. Y otra vez a transitar las calles del vacío, arrastrando esa maldita valija donde cada vez caben menos cosas. Así las cosas, fue admirado y amado tanto como fue odiado y combatido («Él se lo buscaba», decían quienes compartieron redacciones o asociaciones diversas con él). Más que caer siempre parado, por más hecho pedazos que Symns aterrizara –en Chile, por ejemplo– siempre lograba captar el ambiente, clavar el bisturí donde más dolía y recuperarse. El valor original de Fantasmas de Luz reside en el registro minucioso que proponen estás crónicas malditas de márgenes y fronteras. Los inéditos “La nieve del tiempo”, “67” (la edad final, en su visión), “Una canción bella y triste” y “El asilo”, equivalen a sus propias "Obras póstumas" sin haber muerto. La última sección (notas y relatos de “Cerdos & Peces” entre 1986 y 1989) son un retroceso no sólo cronológico, sino un rescate necesario de algunos de sus escritos más brillantes (increíble “Los sótanos sin Luca”, dedicado al fallecido cantante de Sumo). Imperdible, como mínimo…

FRANCO DOGLIOLI

ANAXÁGORAS Y LA ENTROPÍA La postura del amigo de Pericles coincide con este principio en donde ambos le dan una finalidad a las cosas. El primero no percibe nacimiento y desaparición. Todo es combinación y desunión de elementos que siempre son… Dicho proceso se produce gracias a una “inteligencia” transformadora del caos en orden, eternamente. La finalidad de la naturaleza según Anaxágoras es el orden. Para el Principio entrópico, en una ordenación de elementos, todo termina arrastrándose hacia la inacción. La finalidad aquí es ir hacia la nada. El problema es el siguiente: ¿Es un caos soberano el estado perfecto buscado por la soberbia de una pulcra y obsesiva inteligencia o es el orden precisamente, una perturbación producida deliberadamente en ese perpetuo no ser por una inteligencia resentida con la soledad? El orden es caos, caos que alborota la inexistencia colmándola de formas. Somos productos y víctimas del aburrimiento supremo. Y en tal postulado me divierto.

ÁLVARO CALDERÓN PONCE ALGO SOBRE MÍ Me llamo Álvaro, nacido en Ronda (Málaga) y tengo 34 años. Actualmente vivo en Madrid desde hace pocos meses, los mismos que llevo trabajando en un bar restaurante todas las noches menos una de la semana. No disfruto con ello, cada vez menos. He venido a esta ciudad con otros propósitos y algún sueño por cumplir que de momento se están quedando un poco olvidados debido a mi horario y al gasto de energías y alegría. Escribo desde hace unos años, si hago memoria creo que podría afirmar que desde los 16 aproximadamente, y desde entonces ya no he dejado de hacerlo. ESCRIBO PORQUE Una vez me enamoré de una chica en el instituto. Yo no era un alumno muy aplicado y pasaba muchas horas libres haciendo nada, cuando ocurrió lo de esta chica empecé a componer unos primeros versos torpes y cursis, siempre fui buen lector, desde niño, y de alguna manera, me gustó la sensación que sentía cada vez que escribía alguna cosa. Y con el paso de los años, y con muchos más libros leídos, adquirí este hábito tan bonito como trágico a la vez, que es escribir poemas. En la actualidad escribo cada vez que bebo mucho o tengo algo que decirle a alguien y no me atrevo a hacerlo a través de un diálogo normal y corriente, como hace la gente normal y corriente. Olvidé las pretensiones literarias de publicar hace tiempo, lo que no quiere decir que no quiera hacerlo.

Mírame mis ojos son diamantes tapados por la arena que te miran a través de la tierra que nos ciega y por mucha agua que ofrezcas ésta no riega el calor devastador de los desiertos donde me olvidas desnuda y sola y sedienta de voces que te hablaron en idiomas no inventados a través de mi boca.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

EL ARTE DEL ENGAÑO por Pablo Ravale

La mentira es algo que forma parte de nuestras vidas, no creo que exista un sólo hombre que en el transcurso de su vida no haya tenido que recurrir al engaño. Es muy común observar como el ser humano miente en cualquier momento, por ejemplo, cuando se retrasa al llegar al trabajo o a una cita. Se nos enseña a mentir desde que somos muy pequeños y se nos acostumbra a vivir rodeados de engaños, un caso muy común es cuando los padres le dicen al niño que no debe llorar porque los hombres no lloran. De este modo el niño crecerá creyendo esa mentira, por lo tanto se avergonzará cuando tenga que desahogarse y más tarde, cuando tenga hijos, les inculcara la misma mentira. Pero la mentira o el engaño van más allá de estas pequeñeces. Desde siempre los gobernantes han tenido que mentir a sus pueblos para tenerlos en paz, para que confíen en ellos (aunque parezca contradictorio, la confianza se gana en base a la mentira), pues hay que decir lo que los demás quieren escuchar. Es curioso observar que uno de los más grandes pensadores de la antigüedad, Platón, sostenía que una sociedad perfecta debía basarse en la “divina mentira” (divina, tal vez, pero mentira al fin). En la actualidad pareciera que las personas dan poca importancia al hecho de ocultar la verdad, de dar falso testimonio aún cuando es cierto que para algunos se ha convertido en todo un arte: “el arte del engaño”. Quienes se dedican a este arte lo hacen siempre con el fin de obtener algún beneficio y se valen de todo tipo de argumentos para lograr sus propósitos; dichos argumentos van desde los más sencillos hasta los más complicados, aunque siempre siendo sostenidos durante largo tiempo, y sonando totalmente creíbles. El artista del engaño siempre tiene sus argumentos, o por lo menos su base ya preparada y estudiada. El buen mentiroso tiene que considerar y prever cualquier circunstancia que se le pudiera presentar, por tanto debe imaginar situaciones y controversias, es decir, estar siempre un paso adelante de los demás. Dicho artista comprende además que engañar a una persona poco preparada resulta muy sencillo, pero que es más satisfactorio engañar a una persona con alto nivel intelectual, ya que esto representa mayor reto y estimula al artista a buscar el más alto grado de perfección en sus artimañas. La historia nos muestra que los más grandes mentirosos han sido siempre personas muy cultas, por lo tanto es imprescindible para mentir con eficacia tener cierto nivel de cultura, aunque no es necesario ser erudito en alguna materia, sino más bien tener un amplio conocimiento sobre

muchos temas; pues es mejor saber algo sobre todo, que todo sobre algo. Debe mentirse siempre sin importar la gravedad del tema, ya que la mayoría de las personas creen que nadie miente sobre temas muy serios, considerados con frecuencia sagrados. De esta manera, el único tema sobre el cual no se debe mentir es aquel que se desconoce, porque en ese caso es muy probable que se cometan errores que ridiculicen y muestren la falta de seriedad. Es necesario también contar con una buena agilidad mental para no incurrir en contradicciones, y de mentir durante un tiempo prolongado, es indispensable que las mentiras estén ligadas unas a otras con el fin de que una sustente la veracidad de la otra y que nosotros pasemos por personas honorables y altamente confiables. El engañar constantemente requiere de un arduo trabajo mental, nunca hay que olvidar los factores que sustentan la mentira; por esto, si es necesario situar el engaño en un tiempo y espacio determinado, habrá que conocer sobre los eventos que sucedieron paralelamente a ese momento, aparte de conocer sobre lugar donde se sitúa la mentira para poder explicar con más detalle las circunstancias que rodeen el argumento. Es muy común que se inventan personajes, pero cuando se utilizan personajes reales se debe procurar que sean poco conocidos por aquel a quien se le miente. Las mentiras pueden ser creídas o no, pero cuando alguien ha puesto en tela de juicio nuestros argumentos hay que estar dispuestos a comprobar su veracidad. En la mayoría de los casos sólo basta con manifestar la intención de demostrarlo, y entonces la gente se come ese verso. No se titubear nunca porque eso demuestra falta de carácter. Puede darse la ocasión de que la mentira sea descubierta, mas nunca se aceptará que se ha incurrido en una falta a la verdad; por el contrario se representará el papel de víctima argumentando que uno ha sido el engañado. Es muy importante fingir que se ha aceptado el error de haber confiado en los demás. Cuando se miente sobre uno mismo debe hacerse con más cautela, pausadamente, dejando siempre en el aire alguna duda. Esto dará un halo de misterio, además de que garantiza el aumento de interés hacia nuestra persona. Una vez hecho esto, resulta más fácil manejar o manipular a las personas, que es el único y verdadero fin que persigue el artista. El mostrarse siempre seguro y firme en nuestras ideas, es crucial, porque en ocasiones se debe demostrar que no se sabe mentir. Habrá que recordar a su vez que la mayoría de los argumentos han sido utilizados con anterioridad por muchas personas, por lo tanto podría decirse que ya no quedan argumentos originales. Si bien esto nos hace pensar en que entonces alguien nos cree, déjenme garantizarles que no, que el secreto no consiste en qué argumento se utiliza, sino en cómo se utiliza; ya que recuerden: el mejor mentiroso no es el que inventó el argumento, sino el que mejor lo sabe usar.

https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Entrevista a Philipp Bückle y Karen Vogt de Bückle / Vogt por Diego Centurión. Fotografía: Kylie Hamill ]

BÜCKLE / VOGT: NOS ENCANTARÍA SEGUIR ESTE EP CON UN ÁLBUM

El universo musical se ha extendido tanto en los últimos años gracias a los avances tecnológicos. Las ofertas de nuevos proyectos se han multiplicado tanto, que los músicos tienen la posibilidad de crear nuevas estructuras sonoras colaborando con otros músicos. Asistimos semanalmente a decenas de lanzamientos que cuesta seleccionar a cuáles darle mayor atención. Pero sin lugar a dudas este nuevo proyecto es de esos que uno escucha y no puede dejar de hacerlo por varios días. “Before We Rise” flota en suaves olas de calma electrónica con brisas trip hop elegantes, Karen Vogt (Heligoland) y Philipp Bückle (Teamforest) nos llevan surfeando hipnóticamente hacia un océano luminoso.

Hola Chicos, para empezar esta entrevista me gustaría saber ¿en qué concierto se han conocido? Karen: Creo que nos conocimos en un espectáculo en París que formaba parte de un pequeño festival organizado por un amigo común. Fue en febrero de 2008 en un antiguo local llamado La Java. Nos encontramos muchas veces después de esto. A menudo en París (donde tengo mi base) porque Philipp visitaría a amigos aquí y tocaría espectáculos. También nos reunimos varias veces en Dortmund cuando pasé con mi banda Heligoland o estaba cerca. Teníamos una buena conexión y siempre nos mantuvimos en contacto. Philipp: ¿No nos conocimos cuando estaba tocando Divan Du Monde? Este fue el festival y la primera vez que toqué en París. Definitivamente nos conocimos después del concierto de La Java, pero eso fue más tarde y en un espectáculo regular de dos bandas tocábamos con una banda francesa cuyo nombre no recuerdo ahora. De todos modos, nos encontramos en París y muchas veces después. Siempre estuve generosamente invitado a quedarse en uno de los departamentos de Heligoland cuando ellos estaban

en gira o catsitting de gatos en otros lugares. Así que empecé a venir a París con bastante regularidad y nos hicimos buenos amigos. ¿Cómo fue el proceso de escritura y grabaciones de las canciones de “Before We Rise”? Karen: Escribir este EP ha sido realmente agradable y un maravilloso proceso de aprendizaje para mí. Comenzamos nuestra colaboración como un ejercicio divertido para simplemente jugar con algunas ideas de una manera relajada. Fue emocionante para mí recibir los archivos de Philipp cuando intercambiamos música y voces durante todo el proceso de escritura. Éste enfoque relajado me permitió acercarme a mi voz con una nueva energía. Grabé voces para las primeras 3 pistas en un estudio en el este de París. Las voces de las últimas 2 pistas (“I can convince myself” y “New to me”) se grabaron en mi departamento. Esto se debe a que en ese momento tenía más confianza en la grabación de mi voz en casa. Ya había empezado a aprender a usar software de audio, pero trabajar con Philipp de esta manera a larga distancia me dio más confianza para hacerlo. Era necesario

cuenta de que nunca había trabajado con una voz tan increíble como la de ella y me sentí muy afortunado. Pero nunca trabajamos en él en una base de regularidad. Así que esto se Philipp: Recuerdo que estábamos convirtió en un proyecto de encendido hablando de hacer cosas juntos. En / apagado durante algunos años antes algún momento, Karen me preguntó de que decidiéramos terminar un EP. de una manera muy hip-hopica "hacer algunos ritmos". Lo cual hice. Pensando en sonidos ¿cuánto han Estaba usando ritmos reales que trabajado para que este proyecto no traté y combiné con algunos drones suene como sus otros proyectos? de guitarra que tenía por ahí. Primero Karen: No sentíamos que estábamos conscientemente ser fue todo el muestreo de música que intentando hice yo mismo para otros proyectos y diferentes. Se sintió como un encuentro lo recontextualicé. Me sentí cómodo natural de nuestros sonidos y ambos y divertido, pero Karen fue con todo. seguimos nuestros instintos. Quería Cuando recuperé sus archivos, me di que Philipp tuviera total libertad con demostrar una idea o proponer cambios. Terminó convirtiéndose en un muy buen catalizador que me hizo grabar mi propia música.

la música. Esto me permitió dar forma a mi voz a su alrededor. Recuerdo la primera vez que me envió el bucle muestreado por capas y estaba tan emocionada porque nunca antes tuve la oportunidad de cantar algo como esto antes. Se sentía nuevo, fresco, vibrante y lleno de posibilidades. Había empezado a entrar en más música electrónica en ese momento y quería explorar diferentes formas de cantar.

canciones. Pero a lo largo de los años, los dejé caer por completo en mis propios lanzamientos para obtener más enfoques textuales o atmosféricos. Pero trabajar con Karen siempre fue sobre estructuras de canciones. Así que para mí, este EP fue en realidad para mantenerme en contacto con mi yo mayor. También me di cuenta de que me pareció increíble darle a la voz de Karen un montón de espacio para respirar, así que cuando decidí terminar Philipp: No pensé mucho en nada de más canciones para un EP, traté de antemano. Cuando estaba enviando ser muy mínimo, sin darle demasiada a Karen los primeros bucles, todavía información musical a Karen. estaba trabajando con estructuras de

Me gustaría que nos cuenten algo sobre cada tracks. Orange Blue

Karen: Mi voz se siente muy expuesta en esta canción. Pero creo que permite que las letras se escuchen y sean más intensas emocionalmente. Hago un poco de canto en partes de esta canción que realmente disfruté. También continué ese tema en algunas otras canciones. Philipp: Me encanta el error de la frecuencia de los graves temblorosos que hay en él. Karen no podía creer que quisiera quedármelo. Creo que esta es la única canción del EP que grabamos cuando estábamos juntos en una sala. Karen se quedó conmigo en Dortmund cuando empezamos a grabar este. Desde que terminamos las voces se regrabaron más tarde.

Before You Rise

Karen: Quería hacer un gran hilo vocal con capas de mis voces que pudieran usarse como un instrumento. En cuanto a la mezcla de voces, había mucho trabajo para Philipp porque había muchos. Pero hizo un gran trabajo con ellos y me encanta la exuberancia de esta pista. Philipp: Esta fue nuestra segunda pista. Intenté recrear el método de trabajo que usé en "Layers": probando algo de mi propia música que tenía por ahí. La percusión es en realidad una porción muy pequeña de la percusión en vivo que toqué para una pieza de drone ritualista de 20 minutos, la guitarra proviene de una película en vivo que hice con un violonchelista, etc.

Layers

Karen: Adoro la armónica hacia el final de esta pista. Me encantan las muestras y ritmos en esta pista. El ambiente general se siente realmente relajado y relajado para mí. Philipp: Esta fue la primera canción que armé rápidamente cuando Karen exigió algunos ritmos. Utilicé un breakbeat y unos drones de guitarra que piqué. Podría escuchar el bucle instrumental para siempre, es uno de esos bucles perfectos para mí.

I Can Convince Myself

Karen: Esta es diferente a las otras pistas en las grabaciones. Se siente oscura y aburrida, pero si escuchas de cerca hay mucho optimismo allí. Me encanta el estallido de las cuerdas hacia el final. Philipp: La música consiste principalmente en variaciones texturales. Me pareció absolutamente increíble que Karen pudiera ofrecer un contrapunto tan fuerte a una base tan mínima.

New to Me

Karen: Esta se sintió como un torrente de sol cuando Philipp me envió la música. ¡Acabo de tener voces multipistas! La idea para las melodías vocales llegó rápidamente. Me encanta cómo es tan dulce, pero corta e intensa. Philipp: Cuando le envié esto a Karen, no estaba seguro de si podría ser demasiado cursi. Se sintió como algo gracioso enviársela, no pensé que ella comenzaría a trabajar en eso. Pero cuando Karen devolvió sus archivos, mi boca estaba abierta y creo que lloré un poco. Creo que no cambiamos nada. Esto es en realidad “me gusta un rayo de sol”. Definitivamente es mi canción favorita del disco.

¿Piensan presentar las canciones en vivo? Karen: Sí, lo haremos. Estaré tocando 1 o 2 de las canciones en mis sets solista en vivo. Hemos hablado de shows en el futuro. Es solo cuestión de encontrar un buen momento para que ambos hagamos esto. Philipp: Ya hablamos de que yo venga a Francia. Tengo algunas ideas en mi mente. Pero hasta el momento no pudimos encontrar una fecha que se ajustara a las dos. ¿Qué planes tienen para el futuro de este dúo? Karen: Nos encantaría seguir este EP con un álbum. Esto se siente como el siguiente paso obvio a tomar. Especialmente cuando sientes que hay mucho más para explorar. Así que hablaremos sobre cómo hacer esto en los próximos meses.

Philipp: Sí, me preocupa estructurar sonidos para un álbum completo en este momento. No puedo esperar a trabajar con Karen de nuevo. ¿Personalmente qué planes tienen ustedes cada uno por su lado? Karen: Mi banda Heligoland se acerca a la finalización de nuestro próximo álbum con Robin Guthrie produciendo nuevamente. He estado presentando algunos shows en solitario y tendré algunos lanzamientos en solitario más adelante en el año. Tengo algunos proyectos musicales, colaboraciones y experimentos de cocina ahora mismo. Tengo un boletín de noticias que envío bimestralmente con todas mis noticias. Puede registrarse en mi sitio web en www.karenvogtmusic.com Philipp: Después de una muy fructífera fase de lanzamiento de música en los últimos años, creo que me tomaré un descanso. También estoy haciendo películas y creo que escribiré y produciré algo de trabajo visual durante el próximo año. Me di cuenta de que, en cuanto a la música, me siento más feliz simplemente sentado en el sofá con una guitarra acústica en estos días sin grabarme o que nadie me escuche. Así que veré adónde me llevará esto. Quiero agradecerles la oportunidad que me brindan de hacerles estas preguntas. Y para terminar esta entrevista, pueden cerrar ustedes con lo que quieran decirles a nuestros lectores. Karen: Solo quiero decirles a los amantes de la música que sigan apoyando a los artistas que aman. Pequeñas palabras aquí y allá, me gusta, compartir e ir a sus shows significa mucho para ellos. Sigue escuchando, extendiéndote y comunicándote. Philipp: ¡Exactamente! ¡Muchas Gracias!

Artwork & design por Caro Mikalef

ASHLEY DAYOUR: "NO SÉ A DÓNDE VOY, PERO PROMETO QUE NO SERÁ ABURRIDO"

[ Entrevista a Ashley Dayour de Whispers in the Shadow por Diego Centurión. ]

Estamos ante uno de esas personas que viene manteniendo la llama del gothic rock desde hace varias décadas. Mezclando sonidos entre el gothic y el post punk, pero cargándolo de personalidad y, si bien podemos escuchar ciertas referencias sonoras, siempre ha mantenido una sonoridad particular y distinta a muchas bandas de la época que, sobre todo cuando se formó Whispers In The Shadow, la mayoría de las bandas pretendían emular a The Sisters of Mercy dentro del gothic rock. La excusa para hablar con Ashley es la conmemoración de los primeros 20 años de su segundo álbum “November” y también aprovechamos para hablar sobre el compilado editado en 2009, que festeja sus primeros 10 años, “Borrowed Nightmares & Forgotten Dreams”. Pero no queremos dejar su actualidad de lado así que también hablaremos de su presente con sus proyectos “The Devil & the Universe” y “Near Earth Orbit”. Así que tenemos un repaso por la historia del gothic rock.

Hola Ashley! Gracias por permitirnos hacerte esta entrevista, es un honor para nosotros. Para empezar ¿qué piensas cuando lees que “November” festeja veinte años desde su lanzamiento? Bueno, es curioso cómo pasa el tiempo. Y el tiempo es un concepto tan extraño, ¿no es así? Por un lado, se siente como ayer, por el otro, se siente como si estuviera a toda una vida. Pues no, dos vidas. Todavía éramos muy jóvenes; Tenía 21 años cuando lo grabamos. Así que, por supuesto, ya no soy esa persona. Sería muy raro si lo fuera. Tampoco fue un período fácil para la banda en ese momento. Había algo de tensión en la dirección de la banda. Pero también tengo muy buenos recuerdos al respecto, lo grabamos en Suiza en las montañas. Y fue nuestra segunda vez en un estudio, así que las cosas seguían siendo muy emocionantes y creíamos que estábamos entre las mejores bandas del mundo. Necesitas tener eso cuando eres joven, de lo contrario no lo lograrás. Es bueno mirar hacia atrás con una gran sonrisa en mi cara.

En la introducción vertía mi parecer sobre el sonido de aquellos años dentro del gothic rock, todos querían emular el sonido de Sisters of Mercy, pero ustedes no, si bien la batería electrónica era lo único que los emparentaba. ¿Esto te lo planteaste o simplemente fue el moverse por otra sonoridad? Acabamos de escribir la música que queríamos. Para ser honestos, y llamemos al elefante en la habitación aquí, estábamos muy influenciados por The Cure en ese entonces, y eso estaba completamente en contra de cualquier moda en ese momento. No era como ahora, cuando puedes escuchar su influencia en casi cada nueva banda oscura que emerge. Así que desde el principio éramos bastante extraños con nuestro sonido más orientado al wave. Tuvimos la suerte de obtener un contrato de grabación desde el principio. Todo sucedió muy rápido, y antes de que pudiera parpadear, estábamos en un estudio real grabando un álbum real. Con “Noviembre” quería hacer algo muy, muy oscuro. Y con canciones como

"The Green Blue Dream", "November" y "Sleep" en realidad lo logramos. Casi nadie hizo ese tipo de sonido de dark wave en ese momento. Pero a la gente parece gustarle exactamente por eso. Y seguimos adelante y seguimos haciendo lo que queríamos hacer. Quiero decir que hemos recorrido un largo camino, pero si escuchas nuestros álbumes en secuencia, todo tiene mucho sentido, al menos para mí lo tiene.

estúpido negarlo, no lo hice en aquel entonces y no lo hago ahora. Pero creo que agregamos algo más a la mesa, éramos mucho más góticos, mucho más oscuros. Pero, por supuesto, cambiamos nuestro sonido y crecimos fuera de él. Como dije, éramos muy jóvenes en ese entonces y tienes que empezar por algún lado. Nos alegramos de haber crecido en una época en que todavía se le permitía a una banda hacer eso.

Muchos hablaron acerca del sonido de “November” como un darkwave influenciado por el álbum Pornography de The Cure. Si bien estoy de acuerdo con esos comentarios, ¿Tú que piensas de esas comparaciones? En parte ya respondí esa pregunta. Claro, fuimos muy influenciados por ellos y por bandas similares. Sería

¿Qué recuerdas de esos primeros años de la banda? Recuerdo a tres niños pequeños en sus primeros veinte años, uno de nosotros en realidad era muy divertido, pero también tenía grandes egos y lo tomaba un poco demasiado lejos cuando se trata de una fiesta. Pero no cambiaría nada. Todo tenía sus razones. A veces miro hacia atrás y

me pregunto cómo sobrevivimos todo esto de una sola pieza. Tal vez no lo hicimos… jajaja. Escribí una canción sobre estos primeros días de la banda para el último álbum. Se llama “Scavengers of Time”. En esa canción prácticamente lo resumí todo. Estoy muy orgulloso de esa pista, es una de las cosas más personales que he escrito. Podemos decir que “November es un cierre a una primera etapa de la banda. Ya que junto con el debut "Laudanum" (1997) mantiene una atmósfera más oscura, con voz mucho más fantasmal y un sonido mucho más oscuro. ¿Qué piensas del álbum "Noviembre" a veinte años de su publicación? ¿Y crees que es el cierre de una primera etapa en la banda? De hecho, nuestro sonido y nosotros

como personas cambiamos mucho después de noviembre. Tuve la sensación de que dije todo lo que tenía que decir con este tipo de sonidos y temas. Quería que la banda se volviera más orientada al rock, así que conseguimos un verdadero baterista y aumenté la distorsión. Para ser honesto, no he estado escuchando noviembre durante muchos años. Pero aparte de algunas pequeñas excepciones, estaba muy feliz con eso en ese momento. Era el álbum que quería hacer. Y canciones como Train, que se convirtieron en algo así como nuestro primer "hit", Song for the Radio y Never Go todavía están en nuestras listas de vez en cuando. La única decepción real fue que se lanzó demasiado tarde debido a problemas financieros de la etiqueta. Lo grabamos en la primavera 98, y se suponía que estaría fuera en noviembre de 1998, lo

que habría tenido sentido. Pero no se suponía que fuera. Cuando finalmente salió, ya habíamos escrito la mayoría de las canciones del próximo álbum A Taste Of Decay y apuntábamos en una dirección muy diferente. Esa fue una verdadera decepción en ese momento. Porque allí estaba, hablando y haciendo un tour de un álbum con el que ya no sentía ninguna conexión. Pero yo estaba feliz de que fue lanzado en absoluto. Después de varios álbumes se unen a Echozone y lanzan nuevo material y se edita “Borrowed Nightmares & Forgotten Dreams”, un compilado exquisito. ¿Qué nos puedes contar de ese trabajo que festeja sus diez años de publicación? Ese álbum remix / rarezas fue casi una especie de accidente. Después de que termináramos el álbum de 2008 "Into the arms of chaos", que fue un nuevo comienzo para todos nosotros, les pregunté a algunos amigos / músicos si les gustaría hacer remixes, para mi sorpresa, todos dijeron que sí y de repente Teníamos suficiente material para un lanzamiento completo. Además, en realidad había un álbum completo en las bóvedas que grabamos en 2005/6. Por lo tanto, esta fue la oportunidad correcta para incluir algunas de las canciones de ese trabajo inédito. Y con razón, canciones como Karma Revolution o Optimistic Day eran demasiado buenas para dejarlas en el armario. También incluyó la reinterpretación de Train by Lazy Schulz. Nos impresionó tanto su versión que le pedimos que se uniera a la banda como guitarrista, y así lo hizo y se quedó desde entonces.

En un salto muy grande en el tiempo, llega Solar Lodge a tu vida musical y tu inspiración parece cobrar mucho más fuerza. ¿Qué cambió al llegar a la casa de Solar Lodge? Sin embargo, no es un salto tan grande. Lanzamos dos álbumes con Echozone: Into The Arms Of Chaos (2008) y The Eternal Arcane (2010). Apenas dos años después, lanzamos The Rites Of Passage con Solar Lodge seguido de Beyond the Cycles of Time en 2014. Por lo tanto, en el período de 2008 a 2014 lanzamos un álbum cada dos años. Todos estos 4 álbumes están conectados. Es un ciclo de 4 álbumes con temas y música interconectados. Se conoce ahora como el "ciclo del álbum oculto", que en realidad, en pocas palabras, eso es lo que era. De alguna manera, resonó más con la audiencia y la gente parece estar más interesada, y tocamos más y en espectáculos más grandes. Así que, efectivamente, estábamos más presentes en todos los sentidos. Near Earth Orbit con el extraordinario “Artificial Intelligence” y “The Devil And The Universe” y su próximo álbum “Endgame 69” son tus nuevos grandes proyectos en esta etapa en Solar Lodge. Cuéntanos como viene esos dos proyectos. Acaba de salir el nuevo álbum de NEO, y estamos presentando nuestro primer show con el nuevo material en el próximo Wave Gotik Treffen en Leipzig, Alemania, en unas pocas semanas. Además hay más shows próximos y ya anunciados. El nuevo álbum de TDATU saldrá a finales de junio. Las ventas anticipadas ya comenzaron y lanzamos nuestra

primera canción / video. Estoy muy feliz de cómo resultó ese álbum. Es un gran paso para nosotros, o así es como me siento. Además, hay muchos espectáculos en otoño en toda Europa. Whispers In The Shadow, The Devil & the Universe y Near Earth Orbit. Cuéntanos cómo repartes tu tiempo entre tus tres proyectos. Sabes, la gente piensa que debo ser un adicto al trabajo que se mantiene al día con tres bandas, pero honestamente, no lo soy. Cuando estoy trabajando, estoy totalmente involucrado y salgo a tiempo completo. Pero cuando no soy bastante perezoso. Me gusta leer mucho, ver películas, salir a caminar y pasar tiempo con mi persona favorita del mundo, mi esposa. Eso es todo lo que necesito. No salgo tan a menudo. Recientemente,juntoconMartin"Acid" Gutmann (WITS Keyboard Player), acabo de producir la primera banda que no es una banda en la que estoy involucrado. Fue una experiencia muy agradable. Podría hacer eso de manera regular, aunque si la oportunidad se presenta, me encantaría. Son de Viena y se llaman "Laut Fragen!" Es una mezcla interesante de estilos. Definitivamente no ese tipo de música que me gustaría que produjera. Sabemos que habrá un show en Berlín en donde tocarán The Devil & the Universe y Near Earth Orbit. ¿Cómo te preparas para estar dos veces en el escenario? ¿Es la primera vez que lo haces? Creo que te refieres al espectáculo en Oberhausen, no en Berlín;) The Solar Lodge Convention II. Lo hice un par de veces antes y

esto sucederá varias veces este año. Es manejable, no es que ninguna de estas bandas toque 2h. Es alrededor de una hora cada uno. Así que eso no es un gran problema. Pero me puedes preguntar eso otra vez después;) Hay un fin de semana en el Festival Castle Party en Polonia en julio, donde tocaré con las tres bandas, eso será un desafío. Pero bueno, eso es lo que siempre quise hacer, incluso durante todos estos años cuando trabajábamos en "Noviembre". Tocando tanta música como sea posible. Y lo estoy haciendo ahora. Entonces, estoy muy feliz por eso. Así sería mi yo de 21 años. Él estaría sorprendido de las bandas en las que estoy involucrado. “The Urgency Of Now” es el último álbum de Whisper in the Shadow, ¿cuáles son los próximos planes para la banda? De hecho, empecé a escribir cosas para el próximo álbum. No puedo decir más sobre esto en esta etapa. Si todo sale según lo previsto, se lanzará en la primera mitad de 2020. Hubo una brecha de 4 años entre los dos últimos álbumes. Eso fue demasiado largo. Pero necesitaba el tiempo para repensar y reinventar la banda. Ahora las cosas son mucho más claras. Tendría muchas más preguntas para hacerte, pero creo que sería para una próxima entrevista. Es un placer haber poder hecho esta entrevista. Y para terminar ¿quieres agregar algo para nuestros lectores? Gracias por tu tiempo a todos! ¿Puedo citar al difunto gran David Bowie? "No sé a dónde voy, pero prometo que no será aburrido".

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: MADONNA – “LIKE A PRAYER” Y LA REINA SE EXPRESÓ

En febrero de 1989 el mundo esperaba ansioso frente a la pantalla de TV el nuevo comercial de Pepsi. Anunciado con la debida antelación, el estreno tendría lugar la noche de la entrega de los Grammys. No era un simple spot publicitario: se trataba del puntapié inicial del contrato entre la afamada gaseosa y la ya devenida reina del pop, Madonna. Ambas potencias se unían para mutuo beneficio: la canción “Like A Prayer” era la banda de sonido de la campaña de Pepsi, al mismo tiempo que anticipaba la llegada del 4° álbum de la diva. Como siempre, el escándalo se hizo presente por culpa del video que acompañó a la canción, y la campaña de Pepsi fue cancelada ante reiteradas protestas de grupos religiosos (si bien el spot comercial era bastante naif). Así comenzaba este nuevo round donde en una esquina se sentaba Madonna Louis Ciccone, y en la esquina opuesta la vapuleada Iglesia Católica.

Que a esa altura Madonna era la Reina del Pop mundial, era algo de lo que no cabía ya la más mínima duda. A lo sumo, podía haber una reina negra que era Whitney Houston, pero su perfil era otro, más inocente y más acotado a USA. Madonna, que solo unos años atrás competía con Cindy Lauper por el trono, había pulverizado a su contrincante y nadie le hacía sombra ya. Pero no solo por su performance en la industria de la música, sino también por su papel en la industria de la controversia. Con el disco anterior “True Blue” algunos miembros del clero habían sudado la gota gorda ante la proclama de una adolescente que defendía una maternidad natural en “Papa Don’t Preach”. ¿Y ahora? “Like A Prayer” mezclaba en su video erotismo interracial y Ku Klux Klan sin evadir las referencias a la fe católica. El éxtasis sexual y religioso entremezclados con una Maddy pecadora que se entrega en el altar a un Padre de raza negra y baila entre cruces ardiendo en llamas.

Capaz que ahora esto no es nada pero en el ’89 la sociedad era más pacata. Si la idea de Madonna era provocar (y ciertamente, lo era), logró su objetivo con creces. Pero atrás de todo eso, se había gestado una producción que daba sustento al fenómeno. No era un hecho fortuito ni pasajero: “Like A Prayer” era una bomba que mezclaba elementos del pop, rock, funk y góspel; un hit demoledor, una canción que a primera escuchada se apoderaba de tu cabeza y de ella no podrías expulsarla con facilidad. El single fue lanzado el 3 de marzo de 1989, y pese a su horripilante lado B se clavó en el número 1 de la mayoría de los países del mundo, y donde no llegó al #1 fue #2. Fue el mayor suceso comercial de Madonna a nivel singles en la década del ’80, y en toda su carrera solo sería superado un año después por “Vogue” (curiosa anécdota: “Vogue” pudo haber sido el lado B de “Keep It Together”. Habría sido soberano desperdicio).

A los pocos días saldría a la calle el flamante y tan esperado nuevo álbum de Madonna, producido por Patrick Leonard, Stephen Bray en menor medida, y Prince en un tema a dúo con la diva. El disco habría con el tema que le daba nombre, y después… todo lo que venía después! A través de sus muy cuidados videos, Madonna había tenido una llegada masiva que no dejó de usar para promocionar el nuevo disco, y tras el impacto de “Like A Prayer”, llegaría “Express Yourself”, que era el segundo track del disco. Que podemos decir del “Express” que ya no se haya dicho… un video impecable, provocativo y altamente erótico. En mi caso personal: si bien amaba a Madonna desde sus inicios, nunca me había despertado atracción física, hasta que vi el video del “Express” que mostraba a Maddy como la dama glamorosa, masoquista y encadenada que seducía a un ejército de modelos masculinos trabajadores y extremadamente musculosos. Desde que salió el álbum a la

venta, caía de maduro que “Express Yourself” tenía que ser single, y tanto el video como su nueva versión del “Express” tan diferente a la del álbum estaban hechos para atrapar la atención del mundo. Empecemos por la versión del álbum: dance pop muy fiel a su época con abundante instrumentación de vientos y palmas, era irresistible en una pista de baile. Por otro lado, el video era mucho más oscuro, inspirado en el clásico film de Fritz Lang “Metropolis”, dirigido por el maestro David Fincher y presentaba la nueva versión de “Express Yourself” remixada por Shep Pettibone que era igualmente efectiva en el dancefloor. Continuemos la recorrida: el tercer track era el tan esperado trabajo que fusionaba a Madonna con Prince, dos íconos de la década del ’80. Había altas expectativas con una juntada de este nivel! Pero es un tema… de Prince. Y este es un disco de Madonna. O sea, no está mal, pero en este disco queda totalmente fuera de lugar: sería como un producto de Pitbull en un dis-

co de Greta Van Fleet. Si lo ponían en “Sign ‘O’ The Times” de Prince, hubiera estado en el lugar preciso! Pero que se le puede reprochar a la Maddy de aquel entonces… si en la actualidad canta a dúo hasta con Maluma! La cuarta canción era, una vez más, autobiográfica: el romance y consecuente matrimonio de Madonna con Sean Penn había llegado a su fin, y “Till Death Do Us Apart” fue un alegato de aquella terminación tormentosa. Tan exitosa en su carrera como bipolar en el amor, Maddy esgrimía la amargura de otra relación rota donde el corazón destrozado era el de ella. Las cosas habían llegado al extremo: en diciembre de 1988 Madonna presentó cargos contra Sean Penn por entrar borracho a su casa en Malibu, golpearla y atarla. Según el propio oficial que tomó la declaración, difícilmente pudo reconocerla (se la veía desorientada, con el labio sangrando y en estado de shock) al momento de presentarse en la oficina del Sheriff. A los pocos días (5/01/1989), Madonna solicitó el divorcio por diferencias irreconciliables. Curiosamente, en el año 2015 Madonna despojó de toda culpa y cargo a Sean Penn, afirmando que nunca fue maltratada por él. Sin embargo, las líricas de “Till Death Do Us Apart” parecen contradecirla. ¿Por qué pretendería reescribir la historia? Un motivo puede ser para conservar una vieja amistad. Otro motivo sería que Sean Penn fue el amor de su vida. Para cerrar la primer cara del disco, una balada. “Promise to Try” es una sentida dedicatoria a su madre, un tema capaz de conmover hasta las lágrimas. Al igual que su madre, ella se llamó Madonna, una caricia que la acompañará toda su vida. Madonna madre murió a los 30 años de cáncer de mama, cuando su hija solo te-

nía 5 años. Y Madonna hija le canta a la niña que fue: “Little girl, don’t you forget her face / Laughing away your tears / When she was the one who felt all the pain”… Es la misma canción que suena en el documental “Truth Or Dare” cuando Madonna visita la tumba de su madre. Como dos caras de una misma moneda, de un lado del disco se encuentra “Promise to Try”, y del otro lado “Oh Father”, de la que hablaré más adelante. “Cherish” es frescura, es agradecimiento, es esperanza. Es la contracara de “Till Death Do Us Apart”, ya que trata del amor que todavía sentía Madonna por su ex marido. Es la fe en que el amor todavía vive aún después de las peores rupturas, ya que siempre podemos rescatar aquello que valió la pena. Fuerte, positiva y especialmente pensada para la radio, “Cherish” fue el tercer single del álbum y en su video se metaforiza lo antedicho a partir de esa mutación de ser humano a sirena: ese nuevo amor que la espera en la orilla hacia el final. El continuo de optimismo nos lleva a “Dear Jessie”, una reflexión sobre las fantasías infantiles y la inocencia. Parece mentira que en el mismo disco donde hay temas tan fuertes y provocativos como la crítica a la religión, la libertad femenina, el maltrato infantil o el amor convertido en amargura, haya espacio para un contraste emocional de este tipo. Pero al fin y al cabo, no es total la desconexión: es la nostalgia de la diva por su propia infancia perdida. Está dedicada a la hija de Patrick Leonard (Jessie), con quien Madonna entabló una dulce relación. Con remembranzas a la psicodelia beatlemaníaca, la canción es básicamente encantadora. Fue el cuarto single europeo del álbum, alcanzando el top 5 en UK.

Llegamos a lo que para mí es una joyita oculta en este disco, si bien lo de “oculta” es relativo ya que fue editada como simple. Injustamente, fue el primer corte de Madonna en muchos años en no llegar al Top 10 de Billboard (apenas llegó al 20), pero para mi, es uno de los temas con mayor carga emotiva y donde se vuelcan sentimientos más íntimos y dolorosos sin ningún tipo de sobreactuación (algo para lo cual, reconozcamos, Maddy está creada a la perfección). Me refiero a “Oh Father”: un tema que saca a la luz un conflicto interno en su vida personal, un duelo inconcluso que recién (aparentemente) se cerraría más adelante según lo que se refleja en el documental “Truth Or Dare” (1991, patéticamente conocido en Argentina como “A la cama con Madonna”). Nuevamente es David Fincher quien dirige el video de “Oh Father”, dándole a la canción el tinte oscuro y dramático que la misma requiere. Focalizado en la muerte de su madre, la dificultosa relación con su padre en la infancia y los traumas que la misma generó en su adultez, el video traza un hilo conductor entre la niña inocente y un Edipo no resuelto que se refleja en la repetición de una historia con un novio violento, confundiendo por momentos si quien se encuentra en el lecho es o no su propio padre. MTV había solicitado que se remueva del video la escena de la madre muerta con los labios cocidos, pero aunque el requerimiento no tuvo lugar, se convirtió en video de alta rotación en Canadá. Si hay una canción que me ha llevado a través de los años a volver a escuchar “Like a Prayer”, esa canción es “Oh Father”. En consonancia con la cuestión familiar, “Keep It Together” trata sobre los lazos de amor/odio en la propia familia, y la innegable importancia que ella le

dio siempre. El tema fue un hit en los rankings Dance Club, y no por casualidad muchos encontraron alguna ligera referencia a “We Are Family” de Sister Sledge. De base funky, fue dedicada a la banda norteamericana de soul/funk Sly and the Family Stone. Los latinos amaban a Madonna, y ella lo sabía. Por eso, no dejaba de dar guiños cómplices en cada lanzamiento desde “True Blue”. Comenzando con la remera impresa con la frase “Italians Do It Better” en el video de “Papa Don’t Preach”, pasando por “La Isla Bonita” y su video españolizado, hasta el abuso en hits megacomerciales como “Who’s That Girl”. Ahora, se despachaba con “Spanish Eyes” y por supuesto, la acogida en la comunidad latina fue total. El romance con los hispanoparlantes seguiría a lo largo de toda la carrera de Madonna hasta la actualidad. Pero esta canción tiene raíces más profundas: el SIDA y la lucha de un ser querido, su profesor de danzas y mentor Christopher Flynn, quien falleció finalmente en octubre de 1990. Todo llega a su fin, en este caso es “Act Of Contriction” un delirio que toma por raíz una plegaria católica, la que va deteriorándose lentamente detrás de un asfixiante loop hasta terminar con un alarido de una furiosa Madonna a la cual se le ha cancelado una reserva en un restaurante. La gira a la que dio lugar “Like A Prayer” junto con el siguiente disco de Madonna “I´m Breathless” fue la icónica “Blond Ambition World Tour”. Es considerada hoy en día una de las mejores giras de la década del 90 y por supuesto, fue tan altamente controversial como el principal álbum del cual se nutría. A 30 años de aquel lanzamiento que colocó a Madonna para muchos me-

dios especializados (MTV o Billboard entre otros) como “Artista de la Década”, ningún elogio es excesivo. Un disco que reafirmó a Madonna en la cima del pop. Y a partir de ese instante, allí siguió eternamente. Fue “Como una plegaria”, si analizamos el disco en su conjunto: por los que estuvieron y partieron, por los que están y pelean, y por los que vendrán. Definitivamente, “Like A Prayer” está en mi Top 3 de álbumes favoritos de la Reina.

[ Reseña de Pixies – Doolittle (1989) por Benjamín York. ]

LOS MONOS TAMBIÉN VAN AL CIELO

Pixies – Doolittle Label: 4AD Fecha de Lanzamiento: 17 de Abril de 1989

Las nuevas generaciones muchas veces no alcanzan a comprender que nada es tan genuino cómo se cree, tal vez la ingenuidad de la inmediatez logra que se satisfagan con saber que algo surgió, como generación espontánea, de la nada y en ese quedarse con el producto "comercializado", "enlatado" y "envasado para la explotación" se pierde la esencia de un trabajo de escucha que llevó años y se desconoce las verdaderas fuentes de donde beben las estrellas. “Estaba tratando de escribir la mejor canción de pop. Estuve básicamente intentando imitar a los Pixies. Tengo que admitirlo. Cuando escuché a Pixies por primera vez, me conecté tanto con esa banda que hasta pensé que debía estar en ella -o al menos en una banda de versiones de Pixies-." Kurt Cobain Toda esta introducción para hablar de una banda que le llegó el reconocimiento mundial mucho después de que lanzara sus mejores discos y hoy hablaré de la joya con la que cierran su década de gloria, "Doolittle" (1989). Haciendo un paralelismo entre Pixies y Nirvana, mientras Nirvana comenzaba la grabación de su debut "Bleach" en diciembre de 1988, los Pixies ya lo tenían grabado y sería, tras la publicación de Doolittle, la base del sonido del próximo álbum de Nirvana. Si nos ponemos a escuchar, sin analizar demasiado el sonido de las canciones de este álbum, encontraremos la fórmula que Kurt utilizó en Nevermind, dos años después. Canciones cortas, directas, estribillos explosivos, un sonido en donde las frases vocales, en su gran mayoría, suelen estar acompañadas de ritmos e instrumentación tranquila y en el estribillo explotan en gritos y distorsiones furiosas. ¿Suena a Nirvana? ¡Sí, pero antes! Ahora hablemos un poco de Doolittle. El álbum tenía cierta presión por el éxito alcanzado en su debut "Surfer Rosa" (1988), al cual también lo podríamos colocar como base del sonido furioso de Nirvana. Doolittle se grabó en tres semanas con un presupuesto mucho más reducido que en el disco anterior. Pero ya salían a la luz las diferencias entre Black Francis y Kim Deal… lo que después de unos años terminaría en la salida de Kim. Musicalmente Doolittle es un álbum ecléctico y audaz, y amplía el sonido mostrado en “Surfer Rosa”, lo perfecciona y lo amplifica de tal manera que las canciones, a treinta años de su publicación, siguen sonando frescas y muy actuales. Por eso siempre que volvemos a escuchar el álbum parece que fue grabado en la actualidad.

Es un álbum con muchos clásicos, ya eso lo sabemos todos. “Debaser”, “Here Comes Your Man”, “Monkey Goes To Heaven”, “Crackity Jones” o “Gouge Away”. Pero tiene un alto grado de sorpresa entre canción y canción, porque si uno no conoce el álbum, no sabrá qué depara el próximo track. Y eso es lo más jugoso del tracklist, además de cada canción que es un disfrute para los oídos y una enseñanza para los próximos años en la música. Los Monos van al Cielo, pero en este álbum Pixies logró que su música se escuche en el infierno como en el cielo.

[ Entrevista a Andrew Golding de Dragon Welding por BenjamÃn York. ]

ANDREW GOLDING Y SU ANAGRAMA: DRAGON WELDING

Todos sabemos que con la gran abundancia de música que se publica a diario en internet se vuelve casi imposible enterarse de todas las publicaciones, para una persona que suele escuchar muchas bandas nuevas. Pero de vez en cuando suele pasar que aparecen artistas con una trayectoria larguísima en la música y que la explosión de internet nos hace conocerlos con cierto retraso. Andrew Golding es un artista que acaba de lanzar su, digamos, álbum debut, ya que se esconde en el apodo de Dragon Welding. Así que les traemos un artista que nos presenta su álbum “Dragon Welding”.

Hola Andrew, gracias por aceptar realizar está entrevista. Si bien tu extensa carrera con The Wolfhounds es para hablar un largo rato, prefiero centrarme en tu actualidad. Y mí primera pregunta es ¿Es tu primer proyecto como solista? He trabajado en muchas otras cosas fuera de The Wolfhounds a lo largo de los años, pero esta fue la primera vez que tuve un grupo de canciones que escribí y terminé de grabar, que parecían estar juntas como un álbum.

usando dispositivos móviles (iPhone y iPad), así que siempre estoy trabajando en música nueva.

¿Por qué utilizas Dragon Welding y no tu nombre? ¿De dónde nace el nombre? ‘Dragon Welding’ es un anagrama de ‘Andrew Golding’. Estaba jugando con un generador de anagramas en línea y cuando vi "Soldadura del Dragón" me hizo sonreír. Mi esposa es una artista y le pregunté si podía pintarme "soldando un dragón". Una vez que me mostró el cuadro, parecía que así era como lo tenía que llamar.

Has realizado un álbum ecléctico. Al escucharlo siento que has volcado en él todas las ideas que vienes acumulando durante años. ¿Hay algo de eso? Realmente no. El álbum se unió de forma natural en un período de tiempo relativamentecorto,perotambiéntengo muchas otras canciones nuevas listas para ser lanzadas, muchas canciones nuevas en las que estoy trabajando actualmente, además de muchas canciones nuevas con Wolfhounds también. Solo necesito tiempo para secuenciarlos y prepararlos para la presentación. El lanzamiento del primer álbum ‘Dragon Welding’ me hizo darme cuenta de que la gente podría estar interesada en mi música. Tengo mucha música nueva lista para comenzar, y parte de ella es muy diferente a la que he lanzado antes.

¿Cuánto tiempo te ha llevado escribir estas canciones y cuánto grabarlo? Algunas de las ideas en las que había estado trabajando para "United Kindom", pero no se usaron ni se terminaron a tiempo, así que seguí trabajando en ellas. Trabajo mucho

El álbum por momentos se vuelve hipnótico, y nos envuelves con sonidos más psicodélicos. ¿Has logrado transmitir lo que tenías en la cabeza en la grabación o crees que la idea se ha plasmado parcialmente? Muchas de las canciones se trabajaron usando auriculares mientras

viajaban en trenes y autobuses. Traté de manipular los sonidos para que sonaran frescos a mis oídos. Nada es nuevo, pero muchos de los sonidos eran nuevos para mí, así que estaba tratando de lograr algo interesante.

la idea de una canción y un video al mismo tiempo. Tengo una idea nueva e interesante para un video de una canción que actualmente está grabada a medias, por lo que será interesante ver cómo se desarrolla. No soy un cineasta por ningún lado de la El álbum tiene once canciones. imaginación, pero disfruto jugando con ¿Has dejado algunas canciones imágenes). fuera del álbum? Había una canción más que iba a ¿Puedes decirnos qué está incluir, pero cuando la toqué en la pasando con The Wolfhounds? banda, querían grabarla como The He oído que pronto comenzarás a Wolfhounds. Dejé la versión que grabar un nuevo álbum. había hecho por mi cuenta y hemos Hemos terminado de grabar la mayor grabado una nueva versión para el parte del mismo y solo tenemos que próximo álbum de Wolfhounds. terminar algunas sobregrabaciones. Esperemos que podamos comenzar The Builders es tu primer video, a mezclar en el verano para que esté ¿planeas hacer más? listo para más adelante en 2019 o He hecho algunos videos de principios de 2020. Hasta ahora está Wolfhounds antes (Skullface, Slide, sonando bien. Divide y Fall, Middle Aged Freak) pero esta fue la primera vez que concibí Para finalizar y agradeciendo la idea de una canción y un video la oportunidad de realizar está al mismo tiempo. Tengo una idea entrevista... ¿Hay algo que quieras nueva e interesante para un video de agregar? una canción que actualmente está Terminar el álbum de Wolfhounds es grabada a medias, por lo que será la primera prioridad. Luego tengo un interesante ver cómo se desarrolla. No álbum de canciones que he grabado soy un cineasta por ningún lado de la con James y Alice (mis hijos) que en su imaginación, pero disfruto jugando con mayoría es arreglado por James con imágenes). Alice cantando. Tengo muchas ganas de sacar eso a continuación. ¿Qué planes tienes para este 2019? He hecho algunos videos de Gracias Andrew!!! Wolfhounds antes (Skullface, Slide, Gracias por estar interesado Divide y Fall, Middle Aged Freak) pero Andy esta fue la primera vez que concibí

THE RAFT: PHIL ABRIRÁ TU CORAZÓN [ Entrevista a Phil Wilson de The Raft por Diego Centurión. ]

La historia de esta entrevista comenzó como una reseña, me contacté con Phil para preguntarle para obtener unos datos sobre la producción y en ese momento en que estábamos hablando decidí por realizarle una entrevista. The Raft, el proyecto de Phil Wilson, vuelve a lanzar un álbum nuevo con los aportes de Claire O'Neill y JPedro, quienes han colaborado en varios trabajos anteriores de The Raft. Después del adelanto “Xanadu” y del bello remix de Nax de la canción “Glad I Don't Know”. Llega el álbum Abloom, que contiene diez hermosas canciones. La historia reciente cuenta que The Raft se unió al sello Shore Dive Records y lanzó el compilatorio “The Jellyfish EPs” en agosto del año pasado… pero mejor hablemos del álbum con Phil…

¡¡¡Hola Phil!!! Gracias por aceptar realizar esta entrevista. Para empezar… Hace unas semanas que han lanzado "Abloom". ¿Qué respuestas ha obtenido hasta el día de hoy? La respuesta ha sido en gran parte positiva, me complace decir. Realmente no estaba seguro de qué pensaría la gente de esto, pero se han dicho algunas cosas agradables al respecto, así que estoy muy feliz por eso. ¿Cuánto tiempo te ha llevado escribir estas canciones y grabarlas? Comencé a grabar el álbum en enero de 2018, meses antes de que salieran los EP de The Jellyfish en Shore Dive Records, y poco a poco lo saqué por un año. Hay algunas canciones allí, como Joab y Living Without Me, que son muy antiguas y algunas como Xanadu y This Time que se escribieron en el momento de la grabación, así que es una mezcla real. De su trabajo anterior, podemos decir que Abloom es el que tiene más canciones pop. Sentimos mucho optimismo en tus sonidos. ¿Es realmente así? En realidad, no pensé que todo era más popero mientras lo hacía, pero cuando

escucho ahora pienso "Oh, sí, he hecho otro disco pop". Eso parece ser algo que no puedo evitar cuando escribo canciones, ¡simplemente salen de esa manera! La gente a menudo comenta sobre el optimismo dentro de la música que es extraño para mí. Paso la mayor parte de mi tiempo sintiéndome completamente perplejo por la mayoría de las cosas en la vida, pero cuando escribo canciones siento que vislumbro algún tipo de mundo de fantasía donde las cosas son más simples y más románticas. Llego a vivir allí un poco y es genial, ¿así que tal vez eso es lo que está pasando? Algunas de las letras de este álbum son bastante oscuras, así que no sé qué está pasando. Tengo que confesar que cuando me ha llegado la información de tu single adelanto "Xanadu", enseguida pensé, tal vez por asociación con el nombre, que podría tratarse de una versión de la canción de Olivia Newton John, cosa totalmente alejada del resultado, pero luego leí que la canción fue inspirada por otra mujer… "Linger" de The Cranberries. Cuéntanos un poco sobre esto. Lo que quise decir con eso fue que estructuralmente la canción se inspiró en canciones como Linger por The Cranberries.

Si escuchas esa canción, el guitarrista toca los mismos cuatro acordes una y otra vez y es la voz y la otra instrumentación la que le da su estructura y la convierte en una canción pop. Nunca antes había escrito de esa manera, así que pensé en intentarlo y Xanadu es lo que sucedió. JPedro, quien produjo el álbum, hizo un gran trabajo para darle sentido. Sin él, esa canción probablemente estaría en el piso de la sala descartada.

Nicolás es un chico realmente encantador y un gran músico. Remixó “Glad I Don't Know” de los EP de Jellyfish para actuar como lado B del single de Xanadu. Hizo un trabajo increíble y realmente se lanzó con mucho cuidado y amor. Es una de las personas más agradables con las que me he conectado desde que empecé con Shore Dive Record.

"Abloom" es el nombre del álbum. ¿Es una floración en tu carrera? En el single ha colaborado con un remix, Cuando el trabajo en el álbum estaba casi un gran amigo de la casa, Nicolás Castello terminado, parecía que era un sonido más de Nax. ¿Qué conoces de la música de maduro y que tal vez estábamos a punto de Latinoamérica? florecer o algo así. ¿No lo sé? ¿Tal vez eso sea algo para que otras personas decidan?

Hablando de historias sobre las canciones. ¿podrías hacer un álbum Track by Track? Light Light

Estas letras fueron escritas después de una conversación profunda y significativa que tuve con Claire sobre la muerte. ¡Pensé que empezaría el álbum con esa nota alegre!

The Boy With No Soul Esta es la canción más antigua, probablemente escrita hace unos cinco años. “The Boy With No Soul” soy yo y se trata de cómo las cosas surrealistas parecían en ese momento de mi vida. Todavía se sienten así ahora, si soy honesto, acabo de aprender a abrazarlo un poco mejor. Y ya no me siento como si no tuviera alma.

Open Up Your Heart Se trata de una amiga mía que está pasando por una ruptura, llegando al escenario donde sabía que tenía que abrirse al amor de nuevo y sentirse aterrorizada ante la perspectiva. Soy yo quien la quiere.

The Morning Light Estas son probablemente las letras más personales del álbum. Se trata de ser sincero contigo mismo, incluso si parece ser la opción más difícil.

Joab Es otra vieja canción. Se trata del momento en que te das cuenta de que una relación debe terminar y saber que ya no puedes esconderte de ella.

Xanadu Primero escribí la música para ésta, que es algo que nunca hago, luego escribí la letra y la melodía. En lo que se refiere al coro, empecé a cantar la palabra Xanadu una y otra vez sin ninguna razón. Se trata de la búsqueda del paraíso, que funciona bastante bien con el título. Este fue un co escrita con mi amiga, Claire O'Neill.

Living Without Me En contraste con la amabilidad de Xanadu, esta es mucho más oscura, es por eso que están uno junto al otro en el álbum. Fue escrito en un momento particularmente triste de mi vida y quería que la música pareciera aterradora y caótica para resaltar lo ansioso que me sentía en ese momento. Hay un solo de guitarra de Jeremy Llewellyn en esta canción que encaja perfectamente y Claire repitiendo la palabra "gone" una y otra vez funciona muy bien también. Me dieron esa idea de una canción de The Coral.

She Floats Otra oscura. Se trata de sentir una mierda sobre tu vida y luego elevar tu espíritu al ver a alguien que te gusta. Me dijeron que parece que se trata de una bruja, pero no lo es. “She floats” se refiere a un movimiento hermoso y gracioso.

Louie And Julie De vez en cuando escribo canciones que son ficción completa, y esta es una de ellas. Louie y Julie son personajes inventados que están enamorados y se están burlando de ordenar sus vidas juntos. No estaba seguro de si incluirlo o no en el álbum porque me suena hace diez años. Me alegro de haberlo hecho, salió muy bien.

This Time Este soy yo teniendo un momento espiritual. Se trata de esas raras ocasiones en las que te sientes quieto y completamente consciente... Fue extraño para mí esto. Simplemente salió y decidí dejarme llevar.

¿En qué momento de tu vida llega Abloom? En un momento extraño para ser honesto. Parece que hay muchos cambios en este momento. Algunas buenas y otras malas. Mi vida personal ha sido un poco frenética, pero de una manera extraña, se siente como si estuviera creciendo, lo que encaja en todo el tema de la primavera del álbum. Todo el asunto parece haber cobrado vida propia, así que simplemente voy con eso en este momento. ¿Qué planes tienes para este 2019? Estoy planeando lanzar un EP. de algunas cosas más experimentales a finales de este año y estoy a mitad de camino a través de

la grabación del próximo álbum. Por lo que parece hasta ahora, va a ser un asunto más simple, más despojado. Para terminar y agradeciéndote las respuestas, ¿Qué quieres agregar que no haya preguntado? Lo único que me gustaría agregar es lo increíble que fue trabajar nuevamente con JPedro como productor. Es un genio musical y un chico muy agradable y paciente. Trabajó muy duro en estas canciones y le estoy eternamente agradecido... Ah, y gracias a todos los que compraron el álbum, realmente es muy apreciado. ¡Saludos! Gracias Phil y felicitaciones por un disco tan maravilloso.

[ Reseña de “Depeche Mode - Sounds Of The Universe" (2009) por Franco Colombo. ]

DEVOCIÓN ANÁLOGA Y PASAJERA

Depeche Mode - Sounds Of The Universe Label: Mute Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Abril de 2009

El duodécimo y tan criticado Sounds Of The Universe, llamado de esta manera para sus más fieles seguidores, dio mucho que hablar hace una década atrás. Odiado y amado por sus fans por su característico sonido “blando”. Focalizado en su producción con sintetizadores analógicos de la mano de Ben Hillier nos lleva a un recorrido de 13 canciones, las cuales tal bourbon añejo ganan sabor con el pasar de los años. Track by track. “In Chains” da comienzo al álbum, con un clima íntimo, casi espiritual al que inmediatamente hace recordar temas como Higher Love del inmortal Songs Of Faith And Devotion de 1993. Cabe remarcar que esta canción fue remixada por el ex integrante de la banda Alan Wilder. Versión que no tiene desperdicio alguno de principio a fin, llevada al sonido oscuro de Recoil, su proyecto en solitario. “Hole To Feed” cobra un clima pseudo rock, algo que al parecer Gahan viene reclamando con su voz en plan soul desde hace unos cuantos años. El turno de “Wrong”, corte el cuál sorprendió a más de uno. Poderosa estructura musical y voz de Gahan que pisa fuerte, hacen de un nuevo clásico. ¿Será el primer hip hop del trío de Basildon? “Fragile Tension” al igual que In Sympathy nos regresan a un sonido más clásico del pop sintetizado, muy a lo Depeche Mode aunque no tan old school como querríamos. “Little Soul”, indudablemente es un tema para fanáticos. Tiene un aura a balada moderna con aire rock pero con ciertos toques retro. Llama la atención las percusiones metálicas que tanto marcaron la identidad de la banda a mitad de los años ochentas. “Peace”, me recuerda a su segundo álbum A Broken Frame, uno de mis discos preferidos. Cálido, pero oscuro, hasta torpe por momentos pero con un sonido que lo hizo único y se ha transformado en un emblema para los Depeche Mode. Cabe remarcar que al comienzo de su gira Tour Of The Universe, se incluyó una versión en vivo de Pece la cuál carecía de fuerza y luego de unas cuantas presentaciones terminó siendo reemplazada. Es el turno del mejor tema del álbum: “Come Back”. Profundo, tanto su música, letra e interpretación dan una caricia al alma. El Depeche Mode que añoramos se hace presente en este nuevo clásico. A tener en cuenta que en la edición de lujo Box Set, se incluye una versión Studio Session que eriza la piel a cualquier

amante de la buena música. “Spacewalker”, era necesario seguir incluyendo temas instrumentales en un álbum (?). Bueno, por qué no... “Perfect”. Otro de mis preferidos de Sounds Of The Universe. Es una canción perfecta. Sin dudas otra joyita que se suma a la frondosa discografía de los Depeche Mode. Martin Gore siempre tiene su rincón oscuro y melancólico en cada disco de Depeche Mode, y así es el turno de “Jezebel”. Una pieza hermosa, con aires a su trabajo en solitario Counterfeit II (recomendadísimo). Las melodías de sintetizador son sublimes, otro preferido de Sounds Of The Universe. Tanto en “Miles Away / The Truth Is” y “Corrupt” la cual da cierre al disco, lo hacen a modo soul rock, algo que a veces queda algo incómodo al trío de Basildon pero que siguen insistiendo como en sus posteriores Delta Machine y Spirit. Una perlita, se incluye un hidden track para Wrong Reprise. Recurso que se estilaba usar en los álbumes de los años 90s. Cabe destacar el trabajo de Anton Corbijn, simple y preciso, por lo que personalmente siempre he disfrutado al pasar de los años de su visión y concepto que tiene para Depeche Mode. Conclusión. Soy de los que tuvieron la dicha de vivir a Depeche Mode en su gloria con Music for the Masses, 101 y Violator. Quien bailó sus trabajos de los gloriosos 90s y aún llora la partida de Alan Wilder, pero este disco que genera contradicciones es un infaltable en tu colección musical.

HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂbenos a revistathe13th@gmail.com

[ Entrevista a Laura Iacuzzio y Sebastian Lugli de Rev Rev Rev por Diego Centurión Fotografías: Dario Vinazzani. ]

REV REV REV: KYKEON ESPERA SU DESPEGUE.

Estamos a un nuevo álbum de una de las mejores bandas de shoegaze italianas. Si bien Italia nos da mucha música, en nuestras páginas predominan siempre el shoegaze italiano o como se lo llama también Italogaze. Está banda, con un nombre tan raro que ellos mismos ya no buscan un significado sino que lo dejan a la imaginación del oyente, aunque esto no es un punto crucial, podemos interpretarlo como una repetición de Reverb Reverb Reverb, uno de los efectos que utilizan en abundancia. Pero más allá del nombre nos encontramos con una banda potente y con capas de instrumentos que forman una pared impenetrable en donde las melodías brumosas hacen que las canciones sean un delicioso viaje.

Hola chicos, gracias por aceptar hacer esta entrevista. Para empezar haremos un breve repaso por sus inicios... ¿Cuándo y cómo nace Rev Rev Rev? Laura: Hola Diego, gracias por la oportunidad! Rev Rev Rev se reunió por primera vez en 2012; Sebastian y yo ya tocábamos juntos en una banda de darkwave / psych, pero en ese período queríamos formar una banda más en la onda de Shoegaze, así que empezamos Rev Rev Rev. Toqué el bajo en ese momento y teníamos un cantante diferente y baterista. En 2013 comencé a cantar y nos embarcamos con un nuevo bajista y baterista. Finalmente, nuestro bajista Andrea y el baterista Greta se unieron a la banda en 2014. En la introducción hablé del nombre de la banda y he leído que ante esta pregunta no tienen una respuesta establecida sobre el significado, pero si me interesa (por mera curiosidad) ¿Cómo nació el nombre? Laura: Creo que Sebastian propuso el nombre, refiriéndose a la reverb inversa (cerrada), que es un tipo particular de reverb que usaba mucho en nuestras canciones. Nos gustó que se repitiera tres veces, por lo que asignamos la tercera "Rev" a la palabra

francesa para soñar, rêve, incluso si decidimos abandonar la E final y el acento para que sea sencillo. Sentimos que nuestra música tiene una fuerte atmósfera de ensueño, por lo que nos pareció apropiada. Además, el verbo "rev" significa pisar el acelerador, y pensamos que encajaría, ya que, junto con la atmósfera de ensueño, a veces nuestra música es muy alta y ruidosa. Sebastian: Hubo un meme sobre esto, es divertido porque una y otra vez nos dimos cuenta de tantas referencias posibles que no habíamos pensado inicialmente. Artistas y / o álbumes en los que estamos totalmente interesados, como Martin Rev, Reverence (JaMC), Rev (álbum de Ultra Vivid Scene); y también una referencia a la revolución, como un deseo político y también como la revolución de los planetas, que alude al rock cósmico; recurrencia: la palabra "rev" es una especie de bucle, por lo que también se puede mencionar la banda Loop, 3 palabras de 3 letras cada una, por lo tanto, un significado teosófico que no puedo mencionar porque es esotérico (y probablemente tampoco lo sé) ) y / o Spacemen 3, cada letra recuerda la tercera letra de un gran título de álbum (Perfect Prescription, The Velvet Underground y Nico, Loveless). Si todavía me escuchas, es

probable que seas un tipo raro...

apoyarnos unos a otros. Pero en los últimos años las cosas están cambiando, cada vez Sé que han trabajado con músicos de más conocedores de la música conocen bandas de shoegaze italianas y he leído "Italogaze" y el público crece lentamente, que muchas veces le preguntan acerca también gracias a eventos como In a State of de la escena shoegaze o nugaze italiana Flux, el primer festival de shoegaze italiano, y la respuesta siempre es que no existe cuya cuarta edición Tendrá lugar el 24 de escena shoegaze en Italia, pero existe el mayo en Milán. término Italogaze. ¿Qué creen que falta para que la escena florezca? Sebastian: Apoyo completamente lo que Laura: En Italia, en realidad hay una gran dijo Laura, bandas increíbles de verdad. Re: cantidad de bandas de shoegaze: Stella tu pregunta sobre lo que falta: bueno, alguien Diana, In Her Eye, Clustersun, The Gluts, Be dijo que tienes una escena en la que la gente Forest, La casa al mare, Red Mishima, solo va a los shows sin saber quién está en el por nombrar algunas. El problema es que no cartel; y eso es algo que he visto a menudo en hay mucho interés por la música de shoegaze, otros países, pero rara vez en Italia. Sucede la mayoría de la gente solo escucha música en alguna parte, pero esa no es la norma. pop italiana que tiene poco que ver con lo que Sinceramente, no entiendo completamente hacemos y la mayoría de ellos ni siquiera han por qué, probablemente hay muchos factores oído hablar de nuestros ídolos más grandes, involucrados y no es tan fácil de explicar. y mucho menos prestan atención a Pequeñas bandas indie haciendo mucho ruido. Además, Su homónimo álbum debut y su todos estamos dispersos por todo el país, por segundo álbum “Des fleurs magiques lo que es difícil construir una comunidad y bourdonnaient” son bastante diferentes

sonoramente. ¿En qué sienten que crecieron musicalmente entre uno y otro álbum? Sebastian: Rev Rev Rev es nuestro debut, y de momento no estamos del todo contentos con el resultado. La falta de experiencia en el estudio, etc., es una historia bastante común, ¿no es así? Todavía presenta algunas canciones que a menudo incluimos en nuestros sets en vivo. Por otro lado, DFMB es un álbum que nos representa plenamente, como al menos en esa etapa en particular. Alessio y Fabio de Wax Studio obtuvieron lo que buscábamos. Ahora un poco de publicidad: es hipnótica, borrosa, soñadora, punk, psicodélica. Presenta drones Tanpura de la India y ritmos isocrónicos, junto con el ensueño de la guitarra. 12 alucinaciones disminuyeron en 12 breves y breves pabellones de ruido. Sabes que lo quieres...

de la escena psicodélica y ahora abriendo sus fronteras al shoegaze? Estamos completamente sobre la luna por unirnos a la familia del Club Fuzz. Desde que empezamos la banda, hemos estado mirando a las bandas de Fuzz Club como una inspiración, y ahora es increíble ser compañeros de sello con muchas de nuestras bandas favoritas. Y en realidad no son nuevos en Shoegaze, lanzaron varios discos influenciados por Shoegaze como A Place To Bury Strangers, The Telescopes, The Gluts, The Myrrors, etc.

Fuzz Club edita el single adelanto de su nuevo álbum, ¿Qué diferencias encuentran trabajando junto a Fuzz Club? Más allá del aporte incondicional de Kool Things Promotion. Laura: El apoyo del Club Fuzz ha sido excelente hasta ahora. Tienen muchos Este año firman con Fuzz Club Records. fanáticos que confían en el gusto de la ¿Qué significa para ustedes como banda etiqueta y verán la música incluso si no han el apoyo de un sello tan importante dentro oído hablar de nosotros hasta ahora, y eso

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es bastante asombroso, ya que es la razón por la que vale la pena estar en una etiqueta determinada. Acordamos lanzar el single antes de nuestra participación en SXSW, para ayudar a promoverlo.

al gran trabajo de Sergio Pomante (Ulan Bator, Lay Llamas, Sudoku Killer) que tocó y grabó la batería, y de James Aparicio que grabó, mezcló y produjo todo el álbum. - y no satisfecho con esto, ¡lo superó tocando algunas percusiones geniales!

Por lo que he escuchado en el single “Clutching The Blade”, se han vuelto más furiosos y más ruidosos aún, más noise. ¿“Kykeon” el nuevo álbum viene en esa línea de canciones más agresivas? Sebastian: Tienes razón, Kykeon es bastante diferente de nuestro trabajo anterior, aunque no diría que agresivo – “Clutching The Blade” es un valor atípico sin valor, esto es, quizás más oscuro. Una vez dije que es un descenso ritual al inframundo, pero también un vuelo a través de los fríos espacios entre las estrellas. Las guitarras ya no son el centro de atención. A diferencia de los dos primeros álbumes, esta vez comencé a hacer batería programada y líneas de bajo, y solo después agregué las guitarras, y también algunos sintetizadores clásicos, por primera vez. De todos modos, nos encanta cómo resultó el álbum y eso es especialmente gracias

¿En qué estado está el nuevo álbum? ¿Ya está listo o falta algo? ¿En qué fecha piensan editarlo? Laura: Ya casi está listo, deberíamos tener masters listos en breve. Luego solo tenemos que ocuparnos de las partes gráficas (la obra de arte presentará una obra de arte real) y esperar a que se ejecute el prensado. Todavía no hemos fijado una fecha de lanzamiento, probablemente a finales del verano. Para ir finalizando y, sabiendo que el tiempo no es lo que a ustedes les sobra, agradezco la posibilidad de dejarme entrevistarlos. ¿Qué planes tienen para este 2019? Laura: Tenemos un par de shows en Italia en mayo, dos agradables festivales que no queríamos perdernos, aunque no estemos de gira ahora. Además de esto, vamos a

preparar para el lanzamiento, arreglando nuevas canciones para el show en vivo, grabando un video, etc. Luego estamos de gira por Europa en octubre, y tenemos un festival más en noviembre, aún no anunciado, más noticias pronto. ¡Gracias chicos! ¡Gracias Diego, ha sido un placer!

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[ Entrevista Your 33 Black Angels por Benjamín York. Fotografías: Winnie Cheung y Helena Wolfenson. ]

YOUR 33 BLACK ANGELS: ES UN VIAJE A TRAVÉS DE NUESTROS RECUERDOS DEL FUTURO

Your 33 Black Angels se forman en el 2003 en Nueva York luego de una frase de una canción desechada en sus inicios. Hoy estamos ante la inminente salida de su nuevo álbum “Eternities” y accedimos a esta entrevista con una banda que tiene un sonido que va mutando como la piel de un camaleón.

Gracias por aceptar realizar esta entrevista con nosotros. Y para empezar, la primera pregunta tiene que ver con sus inicios y el presente. ¿Qué miembros continúan en la banda desde que decidieron formar Your 33 Black Angels? No lo sabemos porque no sabemos cuándo comenzó la banda. Creemos que se coaguló en 2003 con algunas canciones de JW y Tim Mumford. Pero luego estuvieron las otras 2030 personas involucradas desde entonces, algunas de las cuales fueron creadoras masivas de ruidos y travesuras.

que un récord de maquillajes los domingos por la mañana, ¿no? ¿La gente se arregla los domingos por la mañana? ¿El roboMcCarthyites ya ha sido prohibido? ¿Se ha eliminado gradualmente la gente?

Luego editan trabajos como "Tales of my Pop-Rock Love Life" (2008), "Songs from the Near Bleak Future" (2010), "Moon and Morning Star" (2012) y "Glamor" (2015). ¿Qué nos puedes contar de esos álbumes? Hay poco que los vincule. Aunque aparte de DR & JW, la mayoría comparte un elenco de fanáticos de la guitarra y la batería. Me Hablemos un poco sobre sus singles gustan las portadas... mi portada favorita es llamados "Grasshoppers". Por lo que he "Glamour". visto en su bandcamp se han editado a lo largo de su carrera. Y son canciones que Este año se conmemoran los primeros no se encuentran en ningún álbum. ¿Qué diez años de su tercer álbum 'Pagan nos puedes contar de los solteros? Princess' (2009) ¿Qué piensas cuando Forman una serie de canciones lees que ha pasado esa cantidad de años? independientes. Nos gustan todas, pero Libertad. 2019 es mucho mejor. Un uno es descubrimos que no están relacionados con mejor que un cero. Por lo tanto, cuando un los LP. decimal agrega un uno, el resultado es una mejora. Su primer álbum es "Lonely Street" (2007). ¿Qué recuerdas de esos primeros Desde "Glamor" han pasado cuatro años de la banda?? años, tal vez el mayor periodo entre álbum Bueno, lo más importante de ese disco es y álbum, ¿Qué ha pasado en esos años? el hecho de que fue la grabación más rápida Más grabaciones que nunca. Una gira por de la historia, creo que demoró entre cuatro Europa, una gira con amigos... Pero muchas y seis días para grabar. De ahí la continuidad compras en las tiendas de instrumentos. del sonido no retocado, cálido. Prefiero Tenemos muchos juguetes. Pero lo hicimos para nosotros el sonido desarticulado e por largos días en el estudio. incómodo. Bueno, tal vez ambos para diferentes propósitos. "Lonely Street" es más Musicalmente cada álbum es un nuevo

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experimento, lo que hace que sea difícil catalogarlos a primera escucha. Para aquellos que escucharán por primera vez a Your 33 Black Angels ¿Por dónde deberían empezar? Comience con "Eternities I" y retroceda.

Internet es sorprendente, una persona puede escuchar música realizada en un punto del planeta opuesto con un solo clicks. ¿Qué sorpresa te ha traído internet? Hicimos Brasil en enero pasado, lo que fue genial. Hay una gran cantidad de música nueva que sale de allí. Hay algunos grandes El Nuevo trabajo está por editarse, clubes como 98 Graus en Curitiba, Digi Club "Eternities".Y por lo que he escuchado en Mogi das Cruzes. El centro juvenil NCSSR su sonoridad va mutando en cada disco. en Juiz de Fora es genial. ¡Viva Minas! ¿Con qué nos encontraremos en este Queremos volver, pero tal vez para un festival álbum? en Argentina. ¡Haznos una oferta, che! Este es un viaje a través de nuestros recuerdos del futuro. Trajimos extraños Para finalizar y agradeciéndoles la ritmos extraños y cantantes de ópera del posibilidad de responder nuestras infierno. Hay algunos guiños a los sonidos preguntas. que extrajimos, ¡pero sobre todo este es ¿Qué planes tienen para este 2019? el sonido actualizado de AHORA MISMO! Tocar compromisos limitados en los EEUU Es muy optimista, pero también tiene y Canadá para comenzar y algunas giras algunos momentos sorprendentemente más ambiciosas al final del año. Sí, tal vez emocionantes. Sin spoilers, solo borre su América del Sur, ¿por qué diablos no? agenda, dura una hora y prepárese para agitar su cola y luego llorar. ¡¡¡Gracias Your 33 Black Angels!!!

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[ Reseña de “Tom Waits - Mule Variations" (1999) por Alejandro Cenizacromada. ]

MÁS ALLÁ DEL BIEN DEL MAL

Tom Waits - Mule Variations Label: ANTI- Records Fecha de Lanzamiento: 16 de Abril de 1999

Con la obra de grandes artistas como Frank Zappa, Nick Cave o Tom Waits uno tiene que replantearse ese concepto de lo que conocemos como Rock, que en últimas más que un tipo de música termina siendo una postura de ser honestos ante la vida por más duro que las circunstancias nos presionen a no serlo. El tener la capacidad de dejar lo predecible y de tener la valentía de destrozar incluso aquello que con tanto esmero construimos en algún momento si queremos encontrar el significado de las cosas. Una manera elegante y original de cuestionarnos el viaje de la vida aligerando la carga. Para 1999 un sello Punk creado por uno de los Bad Religion, el sello Epitaph serviría como refugio artístico para detonar la bomba de esta obra maestra. Tom Waits con su monstruosa voz y apoyado por la invaluable e incondicional mente creativa de su esposa Kathleen Brennan se confabula con un ensamble de oro para construir un puñado de canciones descarnadas. La imagen de ese cronista delirante de un mundo que arde se logra reinventar de una manera innovadora, superando según mi humilde opinión discos vitales en su discografía como Rain dogs (1985). Al cabaret bizarro se le suma una inquietante influencia rural. Si el maestro Frank Zappa hubiera estado vivo para 1999, hubiera sido para él un placer producir este álbum. Ese surrealismo del que está empapado este Mule Variations me trae a la mente otro gran clásico del Rock “Trout Mask Replica” de Captain Beefheart (1969). Para la causa el gran bajista Les Claypool (Primus) participa en el primer corte Big in Japan, una canción más que acertada para abrir el disco, bastante poderosa con ese ritmo cadencioso pero firme y esa voz ronca como un manifiesto del reino de los desposeídos: “Tengo el estilo pero no la gracia, tengo las ropas pero no el rostro, tengo el pan pero no la mantequilla, tengo la ventana pero no el obturador… /… Tengo la escritura pero no la casa, tengo el cuerno pero no la caña, tengo las cartas pero no la suerte, tengo la rueda pero no el camión… ” Big In Japan Aun me acuerdo la primera vez que escuché la canción Get behind the mule, fue en un compilado de una revista llamada Tierra de 1999, una revista española enfocada en lo que conocemos como World music, la revista contenía un CD que aparte de Tom waits tenía a artistas como Eliades Ochoa (Buena vista

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Social Club) y el bluesman armonicista Charlie Musselwhite. Ese canto etílico que escupía blues ambientando una loca historia de muerte en una granja me perturbó y quise escuchar el álbum donde venía esa canción, obviamente al escuchar Mule Variations terminé cautivado con ese nivel con que toman elementos del country, el blues, el rock y la música tradicional y todo lo voltean patas arriba. Cold wáter es otro tema con la contundencia del campesino que ara su tierra para sacar de ella buenos frutos. Un riff de guitarra sincopado pero lento, el canto sarcástico de un hombre resignado a sus carencias: “…Ciegos o lisiados, agudos o apagados, Estoy leyendo la Biblia por una bombilla de cuarenta vatios, qué precio libertad, suciedad es mi alfombra. Bueno, duermo como un bebé con las serpientes y los insectos…” Cold Water La cosa es que el disco lo envuelve a uno porque los picos están según yo en donde Tom se torna más experimental, el delirio se apodera de todo en el canto desgarrado de Eyebad Kid ¿Cómo en un disco que destila tanto folk meten a un Dj con tornamesa incluido y salen tan bien librados?. Por otro lado, gran parte del disco fue grabado en un gallinero y lo adaptaron como un estudio de grabación. Entre el banjo y la producción de temas como Chocolate Jesus podemos escuchar a un gallo que canta al fondo. Hay un equi-

librio bien medido porque no todo puede ser explosión. La fuerza y la locura de canciones como Filipino Box Spring hog contrasta con el intimismo y la reflexión de temas como House no body lives ( la casa en donde no vive nadie!) o Pony. Uno de los temas más desgarradores y que está sabiamente metido casi al final del disco es Take it with me, una preciosa melodía de piano y una letra que nos invita a conservar esos bellos recuerdos que dieron significado a nuestra vida por más dura que esta haya sido, una canción que te deja sin aliento y al borde de las lágrimas. “Siempre para ti y por siempre tuyo, se sintió justo como los viejos días cuando nos dormíamos en el porche de Beaula. Me lo llevare conmigo cuando me marche… Totalmente roto a un lado del camino, nunca estuve tan vivo o solo. He usado todas las caras de todos los naipes. Me lo llevare conmigo cuando me marche…”” Take it with me Por la misma línea y cerrando la obra de manera magistral esta Come up to the house con un aura menos melancólica pero eso si no menos solemne. Un piano ambientado en un fondo terroso. Hay que volver a casa, ¿cuál casa? Cualquier lugar es mi casa. Impresionante la cantidad de músicos experimentados que aparecen en el disco invitados por Tom Waits a participar. Por citar a algunos tenemos al ya mencionado Charles Musselwhite, Larry Taylor (John Mayall & The Bluesbreakers), Joe Gore, Ralph Carney (The B52s), John Paul Hamond; la gran mayoría multi instrumentistas lo cual da un resultado contundente en la obra.

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Mule Variations es un fantástico clásico del rock, como un artista en su madurez nos puede sorprender con esa avalancha de sentimiento y creatividad en un puñado de canciones más que cualquier artista joven armado hasta los dientes de guitarras eléctricas y pedaleras. Veinte años de un disco atemporal y de escucha obligada. En ese mundo de cantantes compositores Tom creo yo, debería tener un reconocimiento tan grande como artistas de la talla de Neil Young o en su lado más mainstream, Bruce Springsteen. Aunque por otro lado la obra de Tom Waits queda como privilegio de unos pocos que somos conscientes que su música es la banda sonora perfecta para este mundo hostil e indiferente, donde los destellos de humanidad aún pueden cortar tan profundo como un buen cuchillo.

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[ Por Benjamín York. ]

CANCIÓN + BANDA

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9 de mayo de 1979. The Cure realiza su segunda John Peel Sessions abren esa sessions con una canción llamada “A Desperate Journalist (In An Ongoing Meaningful Review Situation)”, una versión con diferente letra de la canción “Grindint Halt” dedicada al periodista musical Paul Morley. La formación de esa Peel Session fue Robert Smith, Lol Tolhurst y Michael Dempsey. 2012. North London. Rob Hardy y Simon Drowner después de estar en la banda The Drowners, forman Desesperate Journalist junto a Jo Bevan (voz), Rob Hardy (guitarra), Simon Drowner (bajo) y Caroline Helbert (batería). La banda toma el nombre de eso extraño nombre de aquella canción de The Cure que realizó en esa Peel Session. La banda tiene tres álbumes: Desperate Journalist (2014) Grow Up album (2017) In Search of the Miraculous (2019) Hoy Desesperate Journalist es una de las bandas que más ha crecido en estos últimos años posicionándose como una de las mejores nuevas propuestas del post punk actual.

Los Links a las bandas: The Cure:

https://www.thecure.com/ https://www.facebook.com/thecure/ https://twitter.com/thecure https://www.instagram.com/thecure/ https://open.spotify.com/artist/7bu3H8JO7d0UbMoVzbo70s

Desesperate Journalist:

https://desperatejournalist.co.uk/ https://www.facebook.com/DesperateJournalist/ https://twitter.com/DespJournalist https://www.instagram.com/desperatejournalist/ https://desperatejournalist.bandcamp.com/ https://open.spotify.com/artist/3bQOdXdA0JLHAVHavCMqs8

[ Entrevista a Clay Andrews y Matías Drago de The Spiral Electric por Diego Centurión. ]

THE SPIRAL ELECTRIC: LOS SUEÑOS NO SE ENTRECRUZAN CON LA REALIDAD SIN TRABAJO

Hace tiempo que The Spiral Electric viene apareciendo en nuestras páginas, esta banda de San Francisco, California, formada originalmente por los guitarristas Clay Andrews y Nicolas Percey. Después de varios lanzamientos discográficos y cambios en su formación ahora el cuarteto ha lanzado su tercer álbum homónimo hace unas semanas. Además del dúo de guitarras se suman el argentino Matías Drago en batería y el bajista Michael Summers, aunque ahora fue reemplazado por Cedar Wingate. Nos complace hablar con esta banda que teníamos pendiente desde hace unos números atrás. He estado hablando con Matías antes de esta entrevista quien nos contó que es oriundo de Lomas de Zamora y que ahora establecido en San Francisco extraña los paisajes de Buenos Aires.

Hola Chicos, gracias por aceptar realizar esta entrevista. Para empezar con las preguntas empecemos por su nuevo trabajo. En tiempos en donde todo se vuelve efímero y se pasa de un trabajo a otro en espacios de meses, ustedes arriesgan todo y editan un disco doble. ¿Cuál es la apuesta conceptual en lanzar en estos tiempos un disco doble? Clay: Un álbum doble está bastante fuera de lugar en el mercado actual o lo que sea, ¿y qué? En realidad creo que es apropiado seguir un par de lanzamientos de 5-6 canciones con un álbum doble. ¡Ya tengo ganas de volver al estudio para grabar el siguiente!

producciones anteriores son más brillantes, con un sonido más cristalino. El nuevo álbum, a pesar de sonar un poco más “en vivo”, es de todos modos más elaborado. Tiene un sonido más desgastado, los bordes un pocos redondeados y con unas instancias de óxido apareciendo debajo de la pintura. Es debido en parte a la maduración de Nicolas (guitarra), y a las técnicas de Steve Kille (productor).

Clay: Este álbum fue definitivamente más pesado, no hay duda de ello. Y tomamos mucho más tiempo con las sobre grabaciones, agregando pequeños sonidos por todas partes, que es realmente más parecido a como trabajo normalmente en el estudio. Sin embargo, también hay temas muy crudos... Matías: Las canciones eran todas parte No tengo consistencia, jaja. del conjunto, y decidimos que era más importante no comprometernos adentro de ¿Qué ha cambiado en la forma de escribir una norma de menor riesgo, a pesar de ser música desde aquel single “Envy” de 2012 un poco atrevido y costoso. Creímos en poder hasta hoy, más allá de las formaciones? lograrlo, y supimos que el esfuerzo valdría Clay: Bueno, "Envy" fue realmente una la pena. Entonces grabamos el álbum que promesa musical de cosas buenas por nosotros quisimos, nuestra verdad más pura. venir. Y, sin embargo, desde mi perspectiva, "Drown My Sorrows" en el nuevo álbum es “The Spiral Electric” es su tercer álbum, exactamente el mismo tipo de canción, escrita ¿Qué diferencias encuentran con sus de la misma manera: es principalmente un anteriores trabajos? riff, con una sola línea de letra en el coro, y el Matías: Desde mi punto de vista, las resto es instrumental. Está en un estilo mucho

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más pesado, por supuesto, pero veo esas dos canciones como variaciones en la misma idea. A veces tengo mucho que decir, como letrista, o mucho para cantar, como vocalista, otras veces, menos es más. Tal vez las canciones se han vuelto más complejas, pero creo que realmente lo que puede haber cambiado es en cuales canciones nos dedicamos. No es tanto que hayamos cambiado la forma en que escribimos o grabamos, sino que hemos duplicado la cantidad de música terminada / lanzada. Entonces se me ocurre que es más evidente ahora que nos movemos mucho musicalmente.

En su último álbum las canciones se han vuelto más complejas, pero han adquirido mayor fuerza. ¿Qué cambió en la forma de registrar las canciones? Matías: Michael. Una tremenda bestia en el bajo, me dio el lujo de poder echarme con ojos cerrados, y de completo envión, sin dudar que soportara mi peso entero. Por ejemplo, “Swamp Type Thing”. Pero a la misma vez lograba pasajes suavecitos y melódicos, como en “Marbles”.

Clay: No es que nos apuráramos en nuestros álbumes anteriores, ya que preparé páginas de ideas diagramadas, detallando Matías: Esa variedad, inmensa. Hay días a dónde iba cada instrumento. Para este que improvisamos con libertad, y a pesar de álbum, a veces aparecía con una bolsa llena los diferentes estilos, siempre suena como de experimentos... campanas de viento, Spiral. Tenemos varios intereses, y todavía tambores de juguete, campanillas, etc. hay mucho terreno musical para cubrir. Con Grabamos overdubs arrastrando objetos estos hermanos no me aburro nunca. varios sobre las cuerdas de una guitarra o vocalizando al azar, etc. Steve Kille fue muy

paciente, optimismo, y dispuesto a dejarme explorar. Yo sé a mitad de camino durante una toma si algo va a funcionar o no, sin embargo. No es como si hubiéramos pasado horas grabando una parte de bouzouki y luego destrozándola, ¿o no? No me acuerdo. Este tipo de cosas aparecieron en nuestros álbumes anteriores, sobre todo en "Take the Drop" y "Live For Love", que incluyen capas de sobre grabaciones. Esta vez lo hicimos en un montón de canciones, en lugar de solo una o dos. Hoy Internet es el modo de mayor uso de la promoción para una banda. ¿Ustedes como llevan este trabajo de publicidad de la banda? Clay: ¡No es fácil! Paso una gran cantidad de tiempo enviando correos electrónicos, publicando, etiquetando y, de otras maneras promoviendo y administrando la banda. He estado de guardia 24 horas durante 7 años. Vale la pena si realmente te importa que tu música llegue a la gente. Cada día me levanto y toco el tambor el día entero, todos los días. Los sueños no se entrecruzan con la realidad sin trabajo.

es solo en la Argentina, ahora tengo nuevos amigos peruanos, chilenos, mexicanos, etc. Y no siempre en sus países de origen, a veces viven en Australia, Inglaterra, Francia. Jajaja. Es increíble. En una charla que hemos tenido por privado me has contado lo importante es que alguna vez puedan venir a tocar a Latinoamérica y sobre todo en Argentina. ¿Es un sueño compartido con todos los integrantes? Matías: Sin duda. Clay: ¡Absolutamente! Desde que nunca he visitado ninguna parte de América Latina, sería una gran aventura para mí. No esperaba la respuesta que hemos recibido en lugares como Argentina, México, Chile, Brasil, todos los cuales están en los diez primeros lugares donde la gente escucha en Spotify. ¡Quiero recorrer todos esos países, y más!

¿Qué nos pueden contar de las canciones de este nuevo álbum? Clay: Estas son definitivamente canciones más pesadas que en nuestros álbumes anteriores, aunque tuvieron cortes como "So Matías: Enorme aguante. Sus sacrificios Far Gone", "Ghost in the Machine" y "Loose son increíbles. Yo apoyo nuestros esfuerzos Ends"; es solo que esta vez, en lugar de por el internet, y también en persona por que la mayoría de las canciones sean más todas partes de la bahía. Es imposible estar psicodélicas y tintineas, con un par de huellas en todos lados a la vez, pero intentamos estar de stoner más pesadas, es lo opuesto: una presente en la escena local, apoyando a otras rock más pesado con un par de momentos bandas, clubs de música, etc. Prefiero tomar ligeros aquí y allá. Me sentí bien esta vez, un trago en lugares con música en vivo que con esta alineación, y con Steve Kille en el en un bar deportivo. timón para ir en esa dirección. Me encantan los álbumes anteriores, pero esta vez quise Matías eres argentino ¿qué te sucede llevar las cosas mucho más lejos. cuando ves que desde tu país alguien se conecta con ustedes? Matías: Claro. Y en realidad, se me vinieron Matías: Al principio es un poco de asombro, encima los tres. Con el peso a full, y con y luego alegría. Vine a los 11 años, y extraño canciones más largas. mucho --tengo familia y amigos de la escuela. Y es un pequeño milagro enterarse de que ¿Hay canciones que quedaron afuera del alguien nuevo en el otro hemisferio descubrió álbum que utilizarán para otras ediciones tu música, gracias a la tecnología de hoy. No o registraron las canciones que están en

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el trabajo? Clay: Sí, hay una versión mucho más larga de los interludios, titulada "Episodio I-III", que dura más de 5 minutos.

en el aire ahora mismo, especialmente con la atención repentina que estamos recibiendo como resultado de este lanzamiento.

Para terminar y agradeciendo a Matías ¿Qué planes tienen para este 2019? por el vínculo y por hacer las traducciones Matías: Lanzarnos al vacío con ojos correspondientes, les pregunto ¿Hay algo cerrados, sabiendo que volaremos. que no haya preguntado que quieran decir a los lectores? Clay: Una gran cantidad de giras, nos iremos Matías:Estamosasombradosyagradecidos al este a Chicago en algún momento de este por la atención. Esperamos continuar esta verano. Intentaremos recaudar fondos, o odisea y seguir creciendo como músicos. encontrar un sello para prensar la versión de Por ahí viajar para el sur y tocar un poco de doble vinilo de este álbum. Podríamos volver música. al estudio para grabar otro single. Todo está

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[ Reseña de “Sunn O))) – Life Metal" (2019) por Pablo Ravale. ]

OSCURIDAD Y DESASOSIEGO

Sunn O))) – Life Metal Label: Southern Lord Fecha de Lanzamiento: 13 de Abril de 1999

La oscuridad y el desasosiego vuelven a ganar la partida en el nuevo experimento de los de Seattle. Greg Anderson y Stephen O’ Malley regresan a la contienda con un álbum de estudio que se nos antoja de culto incluso antes de su lanzamiento y que se titula sugerentemente Life Metal. El disco, de preciosa portada –cortesía de la pintora Samantha Keely Smith– y compuesto de cuatro cortes que superan los diez minutos, llega cuatro años después de aquella ópera de ultratumba que fue Kannon. Aunque en sus momentos más Drone se hallan irremediables trazas de su álbum Black One, también hay huellas del sonido desgarrador de sus primeros trabajos y del metal sin concesiones del que hacía gala aquel Flight of the Behemoth. Sin embargo, si algo caracteriza a este Life Metal es la sensación de ciclicidad que irradian los casi noventa minutos de álbum, a través de los cuales unas guitarras apocalípticas y un espectro de frecuencias que te calan hasta el mismísimo alma (ojo a la atronadora “Troubled Air”) conforman una serie de mantras que se van sucediendo desde el primer track en una suerte de rito esotérico. Como viene siendo marca de la casa, también en Life Metal volvemos a encontrarnos con colaboradores de lo más dispares, que van desde Hildur Guðnadóttir en voces y cello (impresionante “Between Sleipnir’s Breaths”) a Oren Ambarchi en sintetizador y Steve Albini en la producción (ex-líder de Big Black y mecenas de artistas como Pixies, Head of David, The Jesus Lizard, Tad, PJ Harvey, Nirvana, The Breeders, The Mark of Cain y The Stooges). Y es que si algo han venido trabajando desde sus comienzos Sunn O))) es esa capacidad de versatilidad que los hacen aptos para encajar en todos los terrenos y hasta con el público más indie sin renunciar a su particular universo de Drone, Doom, Dark Ambient y capuchas negras; ese tan aterrador como adictivo viaje del que, una vez dentro, a duras penas se sale.

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[ Reseña de “Marissa Nadler & Stephen Brodsky – Droneflower" (2019) por Diego Centurión. ]

EL REFUGIO IDEAL

Marissa Nadler & Stephen Brodsky - Droneflower Label: Sacred Bones Records Fecha de Lanzamiento: 26 de Abril de 1999

¿Qué hace falta para crear un gran álbum? ¿Muy buenos músicos, canciones expresivas, calidad interpretativa, una producción impecable y un conocimiento de los pequeños detalles de grabación y utilización de los recursos de un estudio? ¡Sí!. ¿Y se necesita una gran banda que aporte desde sus instrumentos esa cuota de genialidad que despierte fabulosas reseñas? ¡No! Estamos ante uno de los discos más maravillosos del mes. Sólo Marissa y Stephen en los instrumentos, guitarras, pianos, teclados y la siempre dulce y cautivante voz de Nadler, logran este trabajo en donde los ambientes fantasmales y oníricos se apoderan de las diez canciones de "Droneflower". Canciones sin capas superpuestas de grabaciones, todo se toca a la vez, ellos dos se complementan a la perfección, y se nota en la parte instrumental del álbum, cada instrumento deja paso a la fantasía que genera la etérea voz de Nadler. Entre las canciones nos encontramos con dos extraordinarios covers, "Estranged" de los Guns and Roses y "In Spite of Me" de Morphine. Simplemente hay que sentarse y dejarse cautivar por estas deliciosas versiones. Ambientes lánguidos y espectrales se convierten en el refugio ideal para una tarde/noche en la calidez del hogar.

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[ Entrevista a Mariela Centuriรณn por Ruben Torres. ]

LA OLA TIERNA Y GIGANTESCA DE MARIELA CENTURION

(Zona de Influencia RADIO) “YO CREO QUE “LAS LUCES” REPRESENTA UN POCO MI MUNDO INTERIOR”

Esto es Zona de Influencia. Momento esperado por nosotros, porque hace ya algunos años, algún tiempo, estábamos haciendo "El Camino Desnudo" y entrevistábamos a "Como diamantes Telepáticos", una de las bandas que a nosotros nos gustaba tanto que pasábamos el disco muy seguido y siempre nuestra intención fue siempre, traerlos de alguna manera para que tocaran aquí en la ciudad de La Plata, y por supuesto que esa idea se mantiene firme allí, pero hoy vamos a hablar con la mitad de Como Diamantes, una persona entera por supuesto, pero ella es cantautora, porque decía la mitad, porque es la mitad de Diamantes, pero aquí se presenta con este extraordinario disco, que estuvimos escuchando en los últimos días, de manera seguida y esta noche tenemos la fortuna de tenerla del otro lado del teléfono a Mariela Centurión.

¿Cómo te va Mariela? Buenas Noches, Ruben Torres te saluda desde radio Futura. Hola Ruben, buenas noches para todos, ¿Cómo están? ¡Bien! Ahora teniendo esta charla con vos y llamándote para poder charlar no solamente de este álbum, que vio la luz hace poco tiempo, y que estuviste presentando, ahora lo estarás tocando y todo este se trata de las luces, vamos a entrar dentro del disco. ¿Qué repercusiones tenés con la gente, con los medios y, obviamente, con los cercanos también, sobre este trabajo que, de alguna manera, le estás metiendo toda la energía que se siente detrás del disco? La Verdad estoy muy contenta, ya cumplió un año "Las Luces", el 11 de abril,

aproximadamente, y la repercusión fue muy amena, porque son canciones que ya las venía tocando en ciclos más pequeñas de cantautores o tal vez ciclos de lectura, iba yo con mi guitarra y recreaba esas canciones, que algunas tienen muchos años, y decidí darme ese gusto y decir "Creo que este puñado de canciones están listas para agruparse y que tomen otro rumbo", como doblegarles un poquito la apuesta y también transitar la experiencia de estudio, de modo solista, o sola, solitario porque fue un proceso bastante así. Una vez que salió fue como una liberación, y la verdad fue muy linda la respuesta en general de amigos, o gente no conocía "Como Diamantes telepáticos" y llegó a través de Las Luces, y también como se retroalimenta la música siempre, el circuito, así que muy contenta.

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133 Es verdad porque, obviamente, desde el conocimiento nuestro de la primer banda y todo esto, tenía que ver porque veníamos siguiéndote, pero también es cierto que hay un montón de gente que entra directamente por el lado de "Las Luces", de algunos otros trabajos que tenés, que si bien éste es tu primer disco, también hay otros que ya veníamos haciendo, ahora... también es cierto que escuchándote en algunas entrevistas decías que tu idea, si bien el disco es absolutamente tuyo, y por supuesto, no tenías pensado armarlo precisamente con una banda, era tocarlo como lo venías haciendo, en círculos más chicos, en lugares que tenían que ver con otras sensaciones, otras atmósferas y todo lo demás, pero que sin embargo terminás grabándolo con una banda, esto también te coloca en otra posición, y eso evidentemente no lo esperabas, pero te agrada. Totalmente. La verdad yo fui al estudio a grabar lo que cualquier persona podía escuchar así, a guitarra y voz, pero al productor le gustaron mucho las canciones y me dijo "¿podemos probar algunas cosas, porque se me ocurren cosas? directamente me dice "¡quisiera probar cosas con piano!". Desde ese encuentro que me propuso esto, cuando llegué le bajo el volumen a la guitarra y quedó sólo mi voz con el piano, y ahí fue como un nudo en el pecho de felicidad, fue como "esto no me lo había imaginado". Fue como muy revelador y después empezamos a invitar a algunos amigos a que vengan a grabar. Hicimos una grabación de un día solo con algunas canciones que tienen batería, otras tienen percusión, y las grabamos con Nacho Brizuela que ha sido uno de los bateristas de Como Diamantes Telepáticos. Después de eso, sintes y cositas, tiene como condimentos, y luego para la presentación fue "Bueno, ¿Cómo hago?. Tuve que armar una banda, para mí fue el proceso inverso a lo conocido, hasta ese momento. Después

de eso fue transitar el año, toqué bastante a dúo con Leo Battaglia, que grabó en el disco, es músico de "Bodie y la Flota Plateada" que Bodie es quien me produjo (Bodie Datino), gran músico y gran productor. Entonces se empezó a armar dentro de la red de amigos, empezar a ensamblarnos y ver, de acuerdo a los eventos que nos invitaban, cómo armar ensambles alternativos, entonces empecé a hacer a dos guitarras y a dos voces con Leandro, y después hice con banda, pero después se me hizo un poco insostenible, porque también trabajaba con otras personas que tienen sus proyectos y no es que somos una banda, sino es mi proyecto, entonces es eso, a veces se puede y a vece no. Entonces decidí descontracturarlo todo, tratar de recrear las canciones desde mi lugar y no dejar de hacerlo porque no tengo una banda. Como seguir celebrándolo al disco en la medida que yo tenga el placer de hacerlo, porque a veces el arrullo y el vértigo que te lleva, el mundo externo o las expectativas de los demás de decir "¿Cuándo tocas?" y "¿Cuándo tocas con banda?". Quiero escuchar un poco más la voz interior y decir, ¿Qué tengo ganas de hacer?, entonces bueno, empecé a elegir un poco más "Dónde, Cuándo hacerlo y cómo armar la lista... jugar un poco más a lo romántico, con estas canciones. Y así en este último tiempo surgió la idea de armar un trío, con estas mismas canciones de "Las Luces" pero enmarcarlas dentro de otro concepto, entonces algo que se llama "Mariela Centurión y los relámpagos", eso es algo nuevo, que estamos ensayando y armando, y vamos a tocar en mayo y estamos muy entusiasmados, porque ya tenemos canciones nuevas, no sabemos qué va a hacer pero aparenta y se percibe como algo lindo y como cosas nuevas que se le suman a "Las Luces" y tienen una propuesta más de recrear como la performance en vivo, jugar más por ahí, como el coqueteo conceptual más con el bolero o la mística del tango o la canción romántica, como algo así. Entonces

son dos guitarras y mi voz, yo ya nos estaría tocando, que era algo que tenía ganas de hacer con esta canciones, así como me dio todo el entrenamiento de tocar y cantar mucho y ensayar con otras personas, que eran canciones que las trabajaba de modo íntimo, me permitieron hacer ese recorrido, pero hoy quiero sumarle algo más, de hecho empezaron a surgir ideas nuevas. Todo se va reinventando, se siguen abriendo puertitas.

trata de luz, las dos cosas que van y vienen dentro del disco. Evidentemente ahora estás con esta formación, que obviamente al encontrarte con la dificultad de no contar con todos aquellos que grabaron el disco y no poder presentarlo en vivo, por dicho motivo, bueno comenzás a pensar en otra formación, un poco más estable, pero también con otro sonido, ya que dejás de tocar y todo esto. Ahí también se encuentra la luz, en estas cosas... Es increíble porque miéntras vos digamos las canciones toman, vos dijiste desarrollás esto, inmediatamente me recién, un bolero, un tango, y viste que acuerdo, cuando uno escucha el disco, las canciones pueden sonar a otra cosa que se trata de oscuridad y también se también, ese descubrimiento tuyo debe

ser fantástico, a eso me refiero. Totalmente. La verdad es como que es seguir descubriendo cosas, a través de transitarlas... porque vos podés tocarlas de la misma manera siempre pero nunca es igual, el vivo hace que todo sea efímero, por eso está esa instancia de júbilo de cantar en vivo, por cosas como muy obvias, y pero también por lo que va a suceder, porque no siempre es el mismo público, porque eso también te lleva a conocer otros lugares, y eso es maravilloso de la música. Poder salir, poder rumbear, conocer otras ciudades, ya empiezo a pensar y quiero hacer una gira ya, jajaja. Pero bueno paso a paso. Otras de las cosas que noto en las canciones y en lo que armaste vos para presentar el disco, fundamentalmente, pero en otras cuestiones también, que ya venían de "Como Diamante...", porque evidentemente, está en vos esta cuestión estética de la elegancia, lo que demostrás a través de lo que hacés físicamente, tiene que ver tu cuestión de ser actriz, más adelante hablaremos de eso y también de doblajista, que eso tiene que ver con un presente y también una historia de vida de Mariela. Hay algunas cosas que tienen que ver con estas canciones, bueno hay una que a mí me encanta y que es "Vagabundo", que está inspirada además en los vagabundos del Dharma de Jack Kerouac. Pero en todas las canciones hay como una cuestión súper pensadas, pero después escuchándote en una entrevista que hablabas sobre la astrología y las cartas astrológicas y el medio cielo en Tauro y esta cuestión que, evidentemente, es muy importante dentro de tu vida también lo volcaste dentro del disco y es lógico que eso pase. Contanos un poquito como es esta cuestión de la universalidad de las cosas, como mucho de nosotros que no entendemos tanto de astrología... Yo creo que "Las Luces" representa un poco

como mi mundo interior en una cuestión de escala de tiempo, por eso, abarca muchas cosas de mí, en escala desde que era chica, cuales fueron mis primeras influencias, las actividades que hacía, hice mucho tiempo actividades bajo el agua (natación y buceo), la técnica respiratoria y todo el trabajo de la voz, que son un montón de cosas que este disco me hizo bajar un montón de fichas, como "Ah yo hice todo esto", o sea, yo, en realidad, soy todo este conjunto también, o como mi modo de ver la vida, como vivir el amor y la pasión, y un montón de otros estados que son desde los más básicos a los más complejos. Entonces fue como hacer un raconto y básicamente, cada canción era como una foto de distintos momentos muy importantes para mí. Y la astrología, yo no conozco mucho, pero me rodeo de personas bastante idóneas al respecto, en lo personal, lo que me sucedió es que la primera vez que me hice una carta natal en 2011, me ayudó muchísimo a comprender cosas que me eran difíciles de abarcar, si bien, yo era otra persona, tenía otros cuestionamientos, también los años te van dando, más allá del recorrido, otros parámetros de visión, gracias a las experiencias. Entonces un poco fue como englobar y decir "¡Ah, esto está reflejado acá.. y esto también!". Hay muchas cosas que las vas haciendo porque es parte del camino pero después cuando te ponés a reflexionar, o cuando son estas instancias en donde hay un intercambio y da la posibilidad de analizarlo un poco o indagar, empiezan a bajar todas estas datas, lo importante es que fueron algunas cosas, más allá de lo teórico y vivenciales, como esto fue volcado a lo poético que después se hace canción, o a veces es una melodía que la tenía ahí y que después de dos años volvió a aparecer casi mágicamente, entonces a todos esos aspectos de las señales y de la energía universal le doy mucha importancia, porque encuentro mucho sentido, cómo me muevo, con quienes comparto, entonces toda esa energía está disponible y significa y

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resignifica, eso me parece maravilloso.

estaba tan instalado, bueno a partir de ahí fue muy prolifero hasta ahora, que se están Es increíble... pero además también haciendo unas cosas maravillosas. lo que escuchamos desde el mensaje transmitís cosas y uno siente, bueno desde Un trabajo pionero, digamos fuiste parte el disco todo esto que acabás de decir en de ese trabajo primario en ese campo, la los últimos minutos se traduce y es lo que experiencia única, primero por la facilidad transmite el disco. Escucharlo solo, tener tuya en hacerlo, digamos, seguro no fue replanteos de otras cuestiones, que tal vez, fácil, yo lo veo desde afuera, tiene que hagas eso vos en la gente cuando escucha. ver con un trabajo tuyo, pero hay que Pero evidentemente transmitís eso, hay ponerse en ese contexto, que te corren los una serenidad en todo le disco, está zombis... que es una cuestión que no es muy bien hecho, podría hablarte durante natural, pero sin embargo tenés que hacer algunos minutos sobre las bondades que que sea natural. tiene "Las Luces" pero mejor que vos Sí, en ese caso, fue como yo estaba creo que no hay nadie y además es casi muy fresca en ese momento porque había que me escuchan siempre... Además de terminado de hacer un taller anual de doblaje, esta cuestión que tiene que ver con ser que tuve una formación con personas que son cantautora y estar en la música, también muy grosas, y bueno en ese mismo estudio, trabajás en otros aspectos que tiene que que fue mi escuela, la productora "Caja de ver con tu vida, como con la actuación Ruidos", apareció esa posibilidad de hacer un pero también con hacer doblaje. Tuviste casting, y me propusieron este personaje y la un doblaje muy importante, donde tal vez verdad, el trabajo no sé si lo hubiera podido de este lado de Sudamérica no se conozca hacer con gente que yo no conozca, porque tanto, pero si en centro américa, en me sentí muy contenida y me iban guiando, lugares como México explotó el doblaje y el videojuego tiene la particularidad que a que hiciste de "Ellie" en "The Last of Us". veces no tenés toda la imagen terminada, ¿Cómo fue esta cuestión? es más por audio, entonces te tenés que Empecé a hacer doblaje en el 2014 y meter bien en el contexto y la cuestión para después me dediqué más a la música. Y como que sea creíble, le tenés poner el cuerpo, si que colgué. Es un ámbito que si te gusta y no el personaje está agitado, tenés que estar podés dar el 100%, mejor que no lo hagas agitada, y si está mal, se tiene que notar eso, porque es tan apasionante que perdérselo y porque a vos te parece que lo actuaste re bien jugarlo a medias, además que no funciona... y salís de la cabina y lo escuchás y no pasó. Entonces fue un trabajo muy intenso y fue Expliquémosle a la gente que es un juego bastante rápido, había que sacarlo rápido, de aventuras. (The Last of Us) realmente. Fue algo que pasó el tiempo y Sí es como apocalipsis, medio zombis, yo no lo di mucha trascendencia, después que coquetea con todo eso, que es algo cuando salió y con el tiempo, hubo personas muy contemporáneo, pero en el momento que me empezaron a contactar, hubo una vez que salió, ese videojuego, ese trabajo en sí, que fui a la casa de un amigo y su hermano fue algo muy bueno para la industria acá, más chico jugando, y le dije ¿Puedo ver? y en Argentina. Porque no se hacía tanto, y la me vi ahí. Y fue un flash gigante, porque yo calidad del lanzamiento de un videojuego, ni idea de los video juegos. que sea tan HD, porque también era medio película, tenía desarrollo, los personajes Eso te quería preguntar porque no sos del tenían historia, y hasta ese momento eso no palo, por lo tanto también te mantenías un

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poco alejada de eso, pero sin embargo a la hora de ver el trabajo quedaste conforme. Si, sé que trabajando con ellos, si algo no hubiera estado bien no se lanzaba o no se entrega hasta que no esté. Eso está buenísimo porque te preserva y aparte te ayuda a dar lo mejor de vos. Y además también lo llevan a la calidad que ellos ya lo pensaban con anterioridad, así que seguramente te llevan hasta ese lugar, para precisamente actuar de la manera que lo hiciste. Si, el plus de ser actriz fue crucial. Tal vez hubo que trabajar muchísimo, las cuestiones de dicción, pronunciación, limpiar el neutro, muchas cosas que el locutor las tiene por su profesión. Pero bueno, el doblaje el año pasado me puse con el objetivo de retomarlo y la verdad lo estoy haciendo y estoy muy contenta con eso, porque realmente estoy lista, y decir, "Che, me encanta esto", porque no sólo en los video juegos, porque hay infinidad de cosas para hacer dentro del doblaje y eso hace que sea una profesión, que todo el tiempo te está dando muchísimo, sorpresas, desafíos, adrenalina, vos vas a un estudio y no sabés que vas a grabar, te encontrás ahí, y depende muchísimo, es un trabajo en equipo, y eso está buenísimo porque lo sacás adelante, es entrar en el personaje, que el director te vaya guiando. Es ponerte medio a jugar y es un desafío, y decir... "Dame una más"... a veces te ponés obsesivo... Qué historia en este camino que en realidad tiene que ver con la formación del artista y que vas camino a eso, "Las Luces" te acercan a ese objetivo que, si bien tal vez no sea consciente o sí, eso no lo sabemos y tampoco te lo vamos a preguntar esta vez. Pero lo que nosotros sí sabemos es que este disco te deposita en un lugar, que, evidentemente para nosotros, no porque "Diamantes..." sonara, de hecho hablamos con tu hermano y hablamos

sobre el disco y sobre el dorado, y hablamos mucho sobre sus guitarras y los arreglos de voces, que nos parecía fantástico este dúo pop que era increíble... bueno todas estas cuestiones... pero para nosotros es sorprendente, no porque no esperáramos esto de Mariela Centurión, sino porque además esto que tiene que ver con la banda... de sonar tan ajustados, de que cada una de las canciones sea un detalle a tener en cuenta para todo el disco en general, digamos conceptualmente, y entonces nuestra felicitación por el disco, además también por lo que estás haciendo, porque ante la cuestión de no poder formar la banda que graba el disco, bueno te reinventás nuevamente, hay dos guitarristas, hay dos personas que también están adentro de este nuevo proyecto y Mariela sale con este disco a recorrer... ¿De qué día estamos hablando de mayo que está presentándose Mariela Centurión y los Relámpagos? Es el jueves 16 de mayo a las 21 hs, esto es en el barrio de Recoleta, Pasaje Bollini 2281. Lo bueno es que vamos a recrear "Las Luces" y dos canciones nuevas, a ver qué sucede. Ahí va, estaremos atentos a eso que esté pasando en mayo en Capital con la presentación de Mariela Centurión y los Relámpagos... Ha sido un placer que hayas estado presente, nuestro agradecimiento por esta predisposición a la charla y además por llevarla tan linda, porque cada vez que arrancamos uno no sabe a dónde va a terminar, pero ha sido fructífera para nosotros y espero que también haya sido agradable para vos. SI, muchísimas gracias Ruben, muchas gracias a María de los Ángeles y todos los que están ahí. Para mí siempre es un placer acercarme hacia ustedes porque siempre me dan espacio y es re lindo compartir. Gracias por las devoluciones del disco y por esta recepción.

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[ Reseña de “The Cure – Disintegration" (1989) por Diego Centurión. ]

LA PERFECTA DESINTEGRATION

The Cure – Disintegrtion Label: Fiction Records Fecha de Lanzamiento: 02 de Mayo de 1989

Mucho se ha escrito sobre este álbum y muchas páginas más se seguirán adueñando de esta maravilla de la banda de Robert Smith a lo largo de la historia. De hecho es el primer álbum que reseñamos en la historia de The 13th (ver nota adjunta). ¿Por qué? Simplemente porque es el cierre perfecto a una década exquisita musicalmente hablando. Todo el álbum es un compendio perfecto de lo que fue sucediendo en la década del 80, un principio de década en donde The Cure realiza un corte fundamental en el sonido Post Punk y cambia las formas y las intensidades rítmicas con su gran "Seventeen Seconds". Y para cerrar esa gloriosa década lanza entre rumores de separación tal vez su obra cumbre. De más está entrar en detalles técnicos o en anécdotas repetidas en cualquier reseña en la web (ver wikipedia). Disintegration encierra en sus doce canciones la perfecta amalgama de oscuridad dreampop, pop radial, hipnotismo en las superposiciones de los instrumentos, tímida psicodelia, ambientes oníricos, pesadillescos. The Cure rompe las estructuras sonoras de sus anteriores trabajos, The Head on The Door (1985) y Kissme, Kissme, Kissme (1987)... desarma todo su potencial creativo como banda en este álbum, volviendo a ponerse en la cima de su propio edificio sonoro, creado durante años de buenos discos, pero cerrando la mejor década de esplendor artístico y creativo. Obviamente llegarán otras joyas y esperamos una nueva entrega en este 2019... Pero pocas veces la banda volvió a despertar tanta emoción en un álbum.

[ Reseña de “Submotile - Ghosts Fade on Skylines" (2019) por Diego Centurión. ]

SUBMOTILE: SIN PÉRDIDA DE LUZ

Submotile - Ghosts Fade on Skylines Label: Midsummer Madness Fecha de Lanzamiento: 16 de Abril de 2019

Este dúo de Dublín (Irlanda) formado por Michael Farren y Daniela Angione acaba de lanzar su álbum debut. Con un EP anterior llamado "We're Losing The Light" entre agosto del 2018 y marzo de este año ha grabado este debut de nueve canciones. "Queríamos un álbum que creciera y fluyera, con nueve canciones diferentes que se complementaban sin ser muy diferentes entre sí. La idea detrás de la música es expresar el dualismo del calor sobre la hostilidad, la pasión sobre la frustración, todas estas dinámicas proyectadas en un sentido de esperanza y renacimiento. No estoy seguro de si tuvimos éxito, pero espero que funcione." dijo Daniela sobre el álbum. "No es una subestimación decir que trabajamos obsesivamente por este álbum, ya que la mayoría de las canciones tienen más de 120 tracks. La mezcla vocal sola en algunas canciones tomó más de seis días. Queríamos algo que se prestó bien a la escucha de auriculares, creando una experiencia inmersiva que revela nuevas capas en las escuchas repetidas, pero esperemos que sin sonar como un desorden excesivo y exagerado." dijo Michael sobre el trabajo en el álbum. Y qué podemos encontrar en "Ghosts Fade on Skylines" más allá de las influencias lógicas de un shoegaze y dreampop que encierran a bandas como My Bloody Valentine o Slowdive, en el álbum encontraremos nueve exquisitas canciones que nos envolverán en un remolino de capas superpuestas de guitarras y melodías que se mezclan en un mar, por momentos caóticos, pero en otros dulces, produciendo una encanto natural en nuestros oídos. Submotile y su debut es un viaje brumoso y cálido, en donde las armonías van mutando de canción a canción, introduciéndonos en un espiral lisérgico en donde todo está tan claro que la visión sensorial se mantiene sin pérdida de luz.

The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A