Revista The 13th N° 55

AÑO: 6 | NÚMERO 55

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

MARISSA NADLER RESPLANDOR - SUBMOTILE - PINHDAR THE MEETING PLACES - SLOWNESS ZONA DE INFLUENCIA: REFLECTION - JUSTO ANTES DE LA GUERRA CON LOS ESQUIMALES NO ME ESCUCHO RECORDS - VOX HUMANA MUSIC CURATORS - TIN MACHINE RAMMSTEIN - JAPAN SUICIDE - PALABRAS EN LA ARENA

STAFF

Junio 2019 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alejandro Cenizacromada REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Diego Centurión.

Álvaro Calderón Ponce Benjamín York Diego Centurión

PORTADA

Franco Colombo

Carla Desiderio

Franco Doglioli Pablo Ravale Ruben Torres

Jefe de Departamento de Colombia: César León Jefe de Departamento de Literatura: Pablo Ravale.

Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 55 UN AÑO NUEVO...

ÍNDICE ENTREVISTAS PINHDAR

SUBMOTILE

RESPLANDOR

SECCIONES

10

REFLECTION

20

TIN MACHINE

32

RAMMSTEIN

RAMMSTEIN

PALABRAS EN LA ARENA

EL LIBRO DE LOS ESPÍRITUS FRANCO DOGLIOLI ÁLVARO CALDERÓN PONCE CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

NO ME ESCUCHO RECORDS

SLOWNESS THE MEETING PLACES MARISSA NADLER

DISCOS

06 16 26

38 40 44 46 48

54

60 66 72 HIDDEN TRACK ZONA DE INFLUENCIA:

JUSTO ANTES DE LA GUERRA CON LOS ESQUIMALES REFLECTION

VOX HUMANA MUSIC CURATORS CANCIÓN + BANDA

78 80 90 82 92

102 108 JAPAN SUICIDE - KI

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[ Reflection – UMBRA (2019) por Diego Centurión. ]

LOS VIERNES NO SIEMPRE LLUEVEN

Reflection – Umbra Label: Nordhausen Schallplatten Fecha de Lanzamiento: 10 de mayo de 2019

Como sabemos hace unos años se ha establecido que los viernes es el día de la semana para publicar álbumes, EPs, singles o hasta videos. Y haciendo una analogía con las ediciones de los viernes y la canción “Los Viernes siempre llueve”, puedo decir que el viernes 10 de mayo, ¿si llovió? fue motivo de alegría para muchos que esperábamos este álbum “Umbra” del dúo de Francos (Colombo - Doglioli), Reflection. Y si bien durante un tiempo, en el cual se escribió la canción, este viernes ha salido el sol de este segundo álbum.

Después de casi dos años de trabajo incansable, el dúo Reflection acaba de lanzar su segundo álbum y si bien ya lo habíamos adelantado en entrevistas con los Francos, nos encontramos ante este trabajo que continúa el camino abierto por el álbum debut “Theorema”.

Pero ¿qué nos encontramos en UMBRA? Nos encontramos a un dúo que, afianzando su sonoridad con mucho trabajo y dedicación, ha logrado una estabilidad entre la luminosidad y la oscuridad rítmica del synth pop, sin ser muy agresivo haciendo que caiga del lado del EBM old school o del lado más amable y si se quiere más popero del synthpop, podemos ponerlo en un exquisito futurepop. Pero manteniendo la elegancia y la coherencia sonora de lo que venían predicando tanto en entrevistas como a través de su música y sus presentaciones en vivo. Elegancia (estética y conceptual), profundidad (sonora y lírico), profesionalismo (visual y arreglos perfeccionistas).

Ahora desmenuzando un poco a UMBRA. Tenemos los tres singles adelanto que han servido para mostrarnos un poco la gama de sonidos que nos trae este álbum, “Take It All”, “Los Viernes Siempre Llueve” y “I’m Gonna Die”, que son canciones que son los hits reconocibles en este álbum. Pero desde el comienzo con “Perdóname” tenemos una amplia variedad sonora que el dúo viene ampliando desde hace un tiempo y que los ha llevado a un crecimiento a lo largo de estos últimos años. “Perdóname”, “Los Viernes Siempre Llueve”, “Umbra”, “Spectra”, “Destiny” y “I Will never be to late”, “Pour Toi (Peter Rainman)”, “Take It All”, “I’m Gonna Die”, “Todo eso implica”, “Corazón Extremo”, “Conéctame”, y “No Tengas Miedo”.

El álbum de puede dividir en dos partes, bien definidas, la primera parte más synthpop o futurepop, que se extiende desde el comienzo hasta “Pour Toi (Peter Rainman)”, que sirve como nexo entre las dos partes de este álbum. La segunda parte más dirigida al pop.

"Umbra" es un disco balanceado, lleno de sutilezas y que muestra un lado oscuro y otro más luminoso, como desde la estética que juega con objetos de arte latinoamericanos buscando el mercado europeo.

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[ Entrevista a Max Tarenzi y Cecilia Miradoli de PINHDAR por Diego Centurión. ]

PINHDAR: REFERENCIA HIPNÓTICA Y EL CONCEPTO DE VIAJAR A TRAVÉS DE LOS SONIDOS

Me he encontrado con este dúo proveniente de Italia. Pinhdar está formado por Cecilia Miradoli y Max Tarenzi. Ambos tienen una carrera en la música con una banda llamada Nomoredolls, grabando tres álbumes, desde el 2003 al 2010. Luego juntos deciden detener la banda y comienzan a organizar “A Night Like This Festival”, un evento musical independiente que se celebra aquí en el norte de Italia. Y luego de un tiempo regresar a los instrumentos para fundar Pinhdar. Hace unas semanas acaban de lanzar su EP debut, en donde se embarcan en sonidos que van desde el dreampop pasando por el tri-hop y entrelazándose con el rock. Ellos denominan su música como un “viaje”… y lo es.

Pudimos acceder a ellos y le hemos realizado estas preguntas.

PINHDAR es una banda donde el sonido esconde el misterio que está en su nombre, llevándonos a través de un viaje interno desconocido. El sonido solo se puede disfrutar si está dispuesto a rendirse a lo que decide PINHDAR. ¡¡¡Hola Cecilia y Max!!!

Gracias por aceptar responder estas preguntas.

Seguramente lo han contado varias veces, ¿continúan con “A Night Like This Festival”?

Max: ANLT Festival se ha puesto en pausa por un tiempo, con el fin de darnos el tiempo para discutir sus futuros desarrollos con la administración local. Así que sí, continuará y acabamos de anunciar la fecha para este año: el 13 de julio. Será en una escala más corta, una selección de conciertos en la plataforma del lago cerca del lugar que solía ser la principal ubicación. Pero la plataforma sigue siendo el lado más representativo y más fuerte de nuestro festival.

modo que, cuando llegó el momento de encontrar un nombre para la banda, en realidad fue nuestra primera opción. Añadimos la H para que sea nuestra. Además, la H divide el nombre en 2 partes, lo que encaja bien con nosotros siendo un dúo y siempre compartiendo proyectos musicales juntos Paul Pindar Para ser más precisos, nuestro nombre debe estar escrito en mayúsculas: PINHDAR

Hablando del set en vivo, ¿cómo formaría la banda en el escenario?

Max: Decidimos mantener la fórmula del dúo, así que seremos 2 nosotros con baterías y sintetizadores grabados.

El desafío es mantener la franqueza de las canciones y agregar esa energía bruta que ¿Pinhdar tocará en el Festival? nos gusta en un set en vivo.

Max: Incluirnos en el proyecto de ley siem- ¡Espero que nos inviten a tocar en Argentina pre ha sido contra nuestra política, pero para para que puedan dar su opinión sobre el coneste evento tan especial, tan simbólico de lo cierto también! que hicimos antes, en realidad estamos considerando la posibilidad. Teniendo en cuenta Mientras hablamos el EP suena en mis oíla posibilidad de tocar un pequeño set. dos. Desde ya les anticipo que mi preferida es "Awful Heart". ¿Cuánto tiempo les ¿Cómo nace el nombre de Pinhdar? llevó escribir las canciones?

Max: Paul Pi Dar es el personaje principal Max: El proceso de escritura se ha extendido de la novela The Aviary Hayes. Nos impre- más de lo esperado debido al hecho de que sionó tanto la historia como el personaje, de estábamos totalmente abrumados por la eje-

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cución del festival, que literalmente nos chupó la vida. Además, producimos el álbum por nosotros mismos, así que el segundo paso también fue bastante largo. Empezamos desde cero varias veces antes de sentirnos satisfechos con los resultados. ¿Alguna vez pensaron en no hacer nada?

Max: ¿Quieres decir si alguna vez hemos pensado a renunciar a él?

Sí.

Cecilia: Siempre estábamos en medio de una "tormenta" mientras estábamos dirigiendo el festival, pero al mismo tiempo estábamos absorbiendo mucha música nueva y un nuevo sonido. No, nunca pensamos rendirnos, pero teníamos que detener el festival y tomar un Es hora de poner juntos todas esas nuevas inspiraciones.

Max: Te diré que encuentro la frustración como parte del proceso. Sigo pensando que grabar un álbum debería ser difícil de lograr.

Sólo necesitaban tiempo de proceso de las canciones… Ahora, he sentido que las can-

ciones tienen muchos pequeños mundos, y tal vez tenga que ver con eso de las influencias que menciona Cecilia. ¿Las canciones se han escrito en el mismo tiempo o en distintos momentos?

Max: Has escuchado atentamente. Gracias por esto. Sí, las canciones que elegimos para el álbum fueron escritas en diferentes momentos. Decidimos no dejar atrás esas canciones que nos encantaron.

Me imagino que los diferentes mundos tienen que ver con la nueva música que agregaron a su mundo musical con las nuevas bandas que escucharon en el Festival, ¿verdad?

Cecilia: Y ahora somos más maduros, así que también intentamos dar un sonido coherente a todo el proyecto, si las canciones parecen provenir de mundos diferentes.

Max: Para mí, la exploración para el festival agregó un impulso adicional a nuestra inspiración, pero nuestras raíces están en el synth rock y el movimiento new wave de princi-

pios de los 80 y en algunos Thip-hop de los 90. Dos elementos que pueden sonar lejos el uno del otro, pero eso choca con nuestra música, creo.

Y hay un enfoque ingenuo de lo que hacemos que quizás ayude a fundir todos los ingredientes.

Cecilia: Sí. Esto es lo que hace que los diferentes mundos sean coherentes, supongo. ¿Ustedes cómo trabajan para componer, Max haces la música y Cecilia escribes la letra?

Max: A veces sucede como decís, pero también de otras formas más promiscuas. Me gusta mucho estar a cargo en los pasos de organización y producción.

Esta es para Cecilia. ¿Tú escribes las letra cuando la música está lista o la idea?

O ¿ya tienes cosas escritas antes de que Max te muestre los sonidos?

Cecilia: Siempre escribo las letras después de la música porque las ideas a menudo provienen del sonido que me da la inspiración (lo contrario es muy raro).

Max, ¿Cómo armas los tracks Desde un instrumento o desde una computadora? (que también es un instrumento).

Max: Mi instrumento principal es la guitarra, así que escribo principalmente con ella. Paso al sintetizador en un segundo paso, para cambiar la perspectiva y salir de los mismos patrones en los que podría caer. Me encanta ajustar los sintetizadores analógicos y no usamos instrumentos virtuales en nuestro registro.

Volviendo al EP, ¿Cuándo supiste que habían terminado el trabajo? Porque supongo que tú eres bastante minucioso en todo lo que tiene que ver con lo sonoro.

Max: Mientras seguía trabajando en ello, tenía miedo de caer en ese interminable bucle de arreglar detalles y agregar / cambiar cosas. Pero simplemente me puse en los

zapatos de un oyente de música para que supiera que el trabajo se realizó cuando el oyente estaba contento con los resultados.

Es un ejercicio divertido escuchar tu música tal como viene de otra persona. Sin embargo, tomó mucho tiempo (y tocar) y luego no pudimos escucharlo por un tiempo, estábamos saturados.

Hoy hace un tiempo que ha salido el EP. ¿Qué recepción ha tenido por parte de la prensa y el público?

Max: Hemos hecho un relanzamiento porque el primero no fue un lanzamiento adecuado.

Por cierto, hemos tenido reacciones muy alentadoras tanto de la propia música como de su combinación con el Videoclip del single Toy. También estamos obteniendo buenos resultados y comentarios, especialmente en el Reino Unido, lo cual es bueno para nosotros. Por ejemplo, Kris Needs en Electronic Sound (una revista que nos encanta) nos ha honrado con una revisión profunda, y al cruzar el estanque y al aparecer en Revista The 13th (¿lo sabes?) Como nuestro primero en Sudamérica.

Para aquellos que no conocen aún a PINHDAR. ¿Tú cómo describirías al proyecto?

Max: Es un poco difícil para nosotros describirnos a nosotros mismos. Un productor británico dijo que somos "rock trippy", que nos gusta por la referencia hipnótica y el concepto de viajar a través de los sonidos.

Para terminar esta entrevista y agradeciéndoles el tiempo brindado en conectarse y responder… ¿Qué planes tiene para PINHDAR y obviamente el festival?

Max: Planeamos tocar en los próximos meses mientras escribimos y grabamos un nuevo álbum. Una colaboración con un dúo británico, que apareció en la década de los 90, para una canción y un lanzamiento dedicado también está en el trabajo.

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Con el Festival volveremos este verano, el 13 de julio, a una versiรณn mรกs corta de nuestro evento, pero el mรกs representativo: los conciertos en la plataforma sobre el agua en el lago.

Fue calificado como uno de los 10 lugares mรกs hermosos para asistir a un concierto en Italia.

Muchas gracias por tu amabilidad y por el tiempo que nos diste.

Pueden seguri sus proyectos en: www.facebook.com/pinhdar www.facebook.com/anightlikethisfestival

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[ Reseña de “Tin Machine - Tin Machine" (1989) por Benjamín York. ]

DIOS SE HIZO HOMBRE

Tin Machine – Tin Machine Label: EMI Fecha de Lanzamiento: 23 de mayo de 1989.

Para posicionarme en esta reseña, tengo que entender el estado de la carrera de David Bowie y otros aspectos que, al azar, se fueron sucediendo para que esta máquina de estaño (Tin Machine) llegue a este álbum debut y también pensar en otro que fue editado ese mismo año “Doolittle” de Pixies.

Por un lado Bowie venía de un álbum que no deslumbró, Never Let Me Down (1987) y su correspondiente gira The Glass Spider Tour que no fue muy exitosa y sentía que tenía que hacer un cambio de dirección, como tantas veces lo había hecho, ya que sentía que estaba complaciendo al público y no siguiendo sus impulsos. El azar (o la causalidad) juega un papel importante en este momento.

Sara Terry era parte del equipo de prensa del Glass Spider, pero a la vez era la esposa de Reeves Gabrels. David y Reeves se conocen, pero Gabrels nunca le menciona a David que él es músico. Esto termina con Bowie preguntándole a Terry si podía hacer algo por ella y ella le da una cinta de su esposo tocando la guitarra. Meses después, David llama a Reeves para invitarlo a tocar y componer… el Duque sabía que había perdido el rumbo musical y necesitaba reencontrarlo. Y qué mejor con ideas nuevas y amigos nuevos.

Vamos a empezar primero con la historia de la banda.

Lo primero que hicieron fue un reversión de "Look Back in Anger" para un show a beneficio en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, en julio de 1988, la banda formó con Gabrels en la guitarra, Kevin Armstrong en la guitarra y Erdal Kızılçay en el bajo. Pero para continuar Bowie se había encontrado con dos viejos amigos, los hermanos Tony Y Hunt Sales, quienes habían grabado “Lust For Life” junto a Bowie para Iggy Pop y habían salido de gira como parte de la banda de Iggy.

Cuenta Gabrels sobre la reacción de los hermanos Sales cuando se juntaron por primera vez: Su actitud era algo así como: Él es David Bowie, somos los hermanos Sales, ¿quién diablos eres tú?

Pero Bowie necesitaba un nuevo traje, entonces se puso el atuendo de un cantante de una banda de rock, “abandonando” el status de “David Bowie” y pasando a ser una parte más de una banda. El Dios decide volverse hombre por un rato. Tal vez para desaparecer sin desaparecer del centro del escenario,

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pero ahora bajo un nombre que no tenía relación directa con el mundo Bowie.

De hecho ni el nombre fue elegido por David, sino por Reeves. Idea simple, formación básica de rock, guitarras (a veces dos), bajo y batería. Un regreso a lo básico que dio comienzo al rock and roll, pero no vuelve a su estamos glam, en donde se vuelve al rock and roll primario. Esta vez la composición no depende de Bowie o de sus ideas, esto es una banda que compone desde cero y no utiliza la base de la carrera de Bowie. Esto es un borrón y cuenta nueva.

Otra de las particularidades es que desde el principio David planteó la igualdad entre los cuatro, todos compartirían el monto que se recaude (tanto de los ingresos por regalías o shows) se repartirían en partes iguales. Así también como los derechos de las canciones. Así también se pactaron que las entrevistas serían a la banda y que David nunca daría entrevista sólo hablando de la banda, siempre debería estar con alguno de los otros tres.

Unidad total.

Antes mencioné a Pixies y es muy importante la banda de Frank Black en el sonido de “Tin Machine”, más allá de que Bowie declarara su amor por los chicos de Boston, el sonido pixiano se ve emparentado en la sonoridad de Tin Machine. Si escuchamos bien y prestamos atención a las canciones, que juegan con ese pop, punk, tan característico de “Surfer Rosa”. ¿Entonces… el resultado?

Un álbum de 12 canciones que van desde el rock y algo de blues hasta el hard-core (Tin Machine o Under The God), por momentos se pone noise (sobre todo por la destreza de Gabrels), que le saca sonidos estridentes y disonantes a su guitarra. La dureza y justeza de la base, perfectamente acoplada y sólida como una roca, de los hermanos Hunt, aporta la seguridad y la estructura de toda la banda, se nota los años de tocar juntos, más allá del vínculo familiar.

En todo el disco se nota una actitud desafiante, casi punk, siempre hablando de lo estrictamente sonoro. Pop simple y elegante (Prisioner of love). O en otros momentos se vuelve un poco más experimental (I can't Read), y también se dan el lujo de versionar a John Lennon con su “Working Class Hero”. Un disco tremendo y excitante, sobre todo para aquellos seguidores de David Bowie, un nuevo renacer y un nuevo personaje…. El cantante de una banda de rock.

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[ Entrevista a Michel Farren de Submotile por Diego Centurión.

Fotografías: Michael Farren. ]

SUBMOTILE: UNA EXCELENTE MANERA DE ENCONTRAR MELODÍAS.

Como suele pasar en estos tiempos, la inundación de bandas en el océano de la web suele esconder perlas dentro de ostras distribuidas por todo el mundo, y que pocas veces nos llega en el tiempo de sus lanzamientos.

Pero no es el caso de este dúo irlandés Submotile, que hace un mes ha lanzado su álbum debut “Ghosts Fade On Skylines” por el sello Midsummer Madness. Y si bien tiene un EP anterior, “We're Losing The Light” del 2018, Michael Farren y Daniela Angione presentan el debut, que por suerte nos llegó a tiempo y decidimos entrevistarlos para poder conocerlos mucho mejor.

Hola chicos y gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Para empezar sé que fue casi casual los inicios de la banda ¿Cómo y cuándo nace este proyecto?

Gracias, el placer es nuestro. Empezamos casi por accidente. Yo estaba haciendo música ambiental, drones, paisajes sonoros por mi cuenta, cuando un día Daniela agregó una melodía vocal a los acordes de guitarra que estaba tocando. Sonaba genial, agarré un micrófono y la grabé. Esa fue la canción "Signs of My Melody", su voz realmente se adaptaba a lo que estaba haciendo y tiene una excelente manera de encontrar melodías. ¿Por qué el nombre de la banda?

Queríamos usar Motile como nombre de la banda, simplemente porque nos gusta la palabra. Sin embargo, alguien nos había adelantado, por lo que pegamos "sub" delante de él. No hay peligro de que alguien más lo tome, es una palabra inventada que parece que podría significar algo.

“Tramonto”, hubiera sido demasiado pop. A medida que pasa el tiempo, estamos más abiertos a probar diferentes cosas para ver si funcionan.

Entiendo que el trabajo de grabación ha cambiado entre el EP y el álbum.

Cuéntennos qué aprendieron entre una grabación y la otra.

Bueno, creo que mejoramos un poco en el aspecto técnico que cuando empezamos, el primer EP me suena muy, muy plano. Lo mezclé increíblemente fuerte, lo cual era una estupidez. Tengo un poco mejor comprensión de EQ, compresión y espacio de elementos en la mezcla, aunque es obvio que todavía tengo mucho que aprender.

Hablando del EP “We're Losing The Light”, se encuentra la primera canción que escribieron juntos, “Signs of My Melody”, y pensando en ese primer EP, ¿cuál es la segunda canción que escribieron?

El segundo fue Tailspin. Eso es mucho más ruidoso, aunque tuvo una gestación mucho He leído que Submotile fue concebido más difícil, fue muy difícil de mezclar. como un proyecto experimental y ambiental, y si bien hay mucho de Acaban de lanzar el primer álbum de la experimentación para conseguir el sonido banda. ¿Ustedes creen que cambió algo actual, ¿qué cambió desde su concepción en la manera de escribir las canciones? hasta el sonido actual?

Bueno, quizás seamos un poco mejor Creo que probablemente tengamos una que cuando empezamos y definitivamente mentalidad más abierta en cuanto al enfoque más abiertos a tener un sonido variado. Por de la composición de canciones. Hace un ejemplo, hay un ruido general en la canción año, nunca hubiera pensado en algo como "Amped and Faded", pero nos estamos dando

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cuenta de que estamos disfrutando más de las canciones más suaves y espaciales más en estos días, por ejemplo, "White Light Ascending" fue realmente divertido trabajar en él.

horas.

Ahora que el álbum fue editado. ¿Qué devoluciones han obtenido?

Ha estado muy bien, y hemos escuchado algunas cosas muy alentadoras. Y nadie me En este trabajo la masterización la han ha dicho que realmente somos una mierda, al hecho con alguien externo a la banda, menos en mi cara. Hemos estado trabajando ¿Cómo fue trabajar con Brian Lucey? con la excelente Shauna de Shameless Brian fue genial, aunque sea un hombre de Promotion PR para ayudarnos, que ha sido pocas palabras. Tenía la esperanza de que enormemente productivo. Como puedes diera retroalimentación sobre las mezclas entender, como padres de un niño de dos años que envié, pero no funciona así, simplemente y con los dos trabajando a tiempo completo, se da cuenta de lo que se le ha encomendado no tenemos mucho tiempo para hacer otra de manera profesional. Él trabaja muy rápido cosa, así que estamos muy contentos de también. Me tomó nueve meses mezclar el que alguien más esté luchando por nuestros álbum; lo había masterizado en unas pocas intereses. Y ya ha llevado nuestra música a

23 los oyentes en 40 países. ¿Ya hay nuevas canciones?

Absolutamente. Escribo todo lo que puedo, quiero sacar grabaciones y seguir mejorando.

Para terminar y agradeciéndoles el tiempo brindado. ¿Qué planes tienen para este 2019?

Tenemos dos videos más en camino (Winter Storm Sequence y Amped and Faded). Me encantaría sacar otro EP antes de fin de año y poder progresar en el LP número dos. ¡Gracias chicos! ¡Gracias Diego y sigan con el buen trabajo!

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[ Reseña de “Rammstein – Rammstein" (2019) por Pablo Ravale. ]

LA ESPERA SE HIZO LARGA

Rammstein – Rammstein Label: Universal Music Group Fecha de Lanzamiento: 17 de mayo de 2019

La espera se hizo larga. Diez años desde Liebe Ist Für Alle Da, una década, de la cual, hubo que mantener presentes a Rammstein con sus álbumes en vivo In Amerika (2015) y Paris (2017). La vigilia sin nueva música de estudio se extendió hasta este 28 de marzo, con una canción que, continuando con la temática nacionalista tan habitual en ellos, se llamaría “Deutschland” (Alemania, en alemán).

Así las cosas, este 17 de mayo tuvimos el orgullo de conocer el séptimo (y sin nombre) álbum de Rammstein (“El disco del fósforo”, como le llaman algunos).

Rammstein, como banda alemana pionera de Metal Industrial, siempre tuvo un sonido característico, es decir: riffs gordísimos de afinación muy baja, base rítmica bien compacta, teclados y arreglos electrónicos donde radica la melodía, voces graves, habladas y moduladas, y mucha pero mucho onda. El caso es que dentro de este estilo musical, Rammstein destacaban todavía por versátiles, ricos, profundos, espectaculares… ¡por ser grandes, qué va! Pero en esta nueva entrega, tenemos algo inesperado: resulta que Rammstein se inclinan más por la música electrónica. En fin, más de lo habitual, aunque siempre lo hicieron. Pasa que ahora, entre eso y el excelente trabajo de producción, da la sensación de que llegaron a un punto decisivo: aquí Rammstein suenan todavía más a cosas como Depeche Mode o Kraftwerk, acercando su sonido hacia derroteros más “mainstream”. Aunque con sus infaltables dosis de caña y oscuridad.

Cualquier canción que tomes de este autotitulado, la pueden tocar perfectamente en sus conciertos, por su estilo compositivo efectista. Como bien afirmaba el guitarrista Paul Landers mesas atrás, el nuevo disco tiene mucha energía pero no es todo rabia; es diferente... e incluso se podría decir que es divertido escucharlo.

Aclarado esto, podemos comenzar a entender el sonido y revuelo que está habiendo en las redes por el nuevo trabajo de los teutones. Y es que Rammstein, teniendo carta blanca para cualquier escándalo o polémica, no tiene la misma licencia para con su música. El nuevo álbum se muestra como un trabajo rompedor, pero no sólo musicalmente sino porque divide también a sus fans: los más “die-hard” por un lado, y los más “casual” por el otro. La pregunta es: ¿estás del lado de los que quieren a unos Rammstein 100% old-shool o de los que lo que quieren es engancharse, pegarse unos bailes y divertirse? Ahí está

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la cuestión, a fin de cuentas, los alemanes son una banda que forma parte del “mainstream”, con todo lo que eso conlleva, por lo que no sorprende demasiado el ligero volantazo musical que acaban de pegar.

Por suerte, fuera de lo musical y ahora metidos en lo letrístico, se puede afirmar que Till Lindemann, su cantante, sigue en forma y continúa aportando letras enfermizas y cargadas de satirismo: pederastia, voyerismo, prostitución (en su cara más siniestra), críticas ácidas a la Iglesia... O sea, y como el propio Till declaraba, son letras son de amor pero en su vertiente más enferma y violenta.

Resumiendo, Rammstein han vuelto. Con años de retraso, un estilo sutilmente cambiado y un disco sin título, sí… pero lo han hecho de nuevo. Volvieron a dar la campanada y demostraron (por séptima vez) que son grandes.

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[ Entrevista a Antonio Zelada de Resplandor por Diego Centurión Fotografías: Janice Smith-Palliser]

RESPLANDOR: ENTRE PERÚ Y HOLANDA

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Sin lugar a dudas una de las bandas más representativas de shoegaze y dreampop latinoamericano desde hace varios años son los peruanos de Resplandor. Mimados por Robin Guthrie quien no sólo les produjo “Pleamar” (2008), sino que se los llevó de gira como acto de apertura en la gira de Robin por Latinoamérica en ese año.

Luego volví a saber de ellos en el 2013 cuando fueron apertura para The Cure, para ese año nosotros lo entrevistamos cuando recién comenzábamos con The 13th. Y seis años después volvemos a encontrarnos con noticias de la banda por el relanzamiento de una remasterización de “Pleamar” por Saint Marie Records.

Así que aprovechamos la oportunidad para ponernos al día de una de las bandas más interesantes de Latinoamérica.

¡Hola Antonio, tanto tiempo sin tenerlos en nuestras páginas!

Para empezar sabemos que no estás viviendo en Perú. Cuéntanos ¿dónde estás y cómo manejas los tiempos de la banda? ¡Hola Diego!, un gusto conversar con la revista nuevamente. Me case y me mude a Rotterdam, Holanda. Si bien no estoy en Perú, hemos dado alguno conciertos en Lima el año pasado y siempre estoy en contacto con los chicos de la banda. Para esta segunda mitad del año estamos preparando algunos conciertos en Lima y en Europa. ¿En qué estado está Resplandor hoy día?

Siempre activos, pero no con la cantidad de movimiento que nos gustaría por las actividades personales de cada uno. El 2017 fue un año de retorno tocando con Slowdive después de 4 años sin tocar en vivo dimos algunos shows en Lima e hice una mini gira por Madrid, Paris y Berlín en formato solitario compartiendo escenario con grandes bandas amigas como Linda Guilala, Jaguwar, Berlina, The Autumn Sighs. El 2018 aunque más tranquilo igual dimos algunos shows con Drab Majesty y fue un gusto tocar nuevamente con nuestros grandes amigos de Altocamet y bueno este año en Julio, Saint Marie Records va a reeditar Pleamar, así que salimos de gira en la segunda mitad del año.

Han vuelto a relanzar una nueva remasterización de Pleamar. Cuéntanos sobre eso.

Si, el 2017 fue para formato digital Saint Marie lanzo en varias plataformas como Spotify o Itunes, Pleamar, Elipse y Sol de Hiel. Ahora la reedición es física en CD y vinilo.

Hace más de diez años que se lanzó originalmente Pleamar. Grabado y mezclado por Robin Guthrie. ¿Qué recuerdas de esa experiencia?

Sí, es mucho tiempo. Y hasta hoy la recuerdo como una de las mejores experiencias de mi vida. Toda la locura de esos días. El año pasado pude ver una cinta con grabación en video de los momentos que pasamos en el estudio, no la recordaba. Estamos haciendo una edición para ponerla en nuestro nuevo canal de YouTube. Ahí hemos puesto los videos de Solar y Downfall en vivo realizados el 2018.

última edición. Y la tecnología ha avanzado mucho en estos últimos años. Hasta se pueden grabar álbumes a la distancia. ¿Piensan grabar las canciones?

Si claro, ese es el plan. Las canciones están compuestas desde hace mucho tiempo, pero desde el regreso en el 2017 por distintos motivos y más que me vine a vivir a Holanda se nos ha hecho complicado. Hemos estado tocando en vivo uno de esos nuevos temas “Adore’.

¿Aún tienes contacto con Robin?

Si, de vez en cuando hablamos por Volviendo a esas imágenes que chat. Justo a raíz de este video hable nos contaste que has encontrado. con el para mostrárselo. ¿Tienes planes de publicarlas?

Si, como te comentaba, estamos Y esta remasterización ¿quién la haciendo una edición con una ha hecho?

Eso lo hicimos con nuestro ingeniero presentación en vivo tocando un tema de sonido. El disco incluye además de esa época. bonus tracks de Ian Catt quien ha Volviendo a la banda... ¿Qué trabajado con Trembling Blue Stars y Saint Etienne y de Darko Saric, quien integrantes tiene Resplandor hoy?

Siempre Christopher en la batería, ha tocado con nosotros en el pasado y ahora nos esta acompañando en vivo Henry en el bajo, y desde el regreso en el 2017 nos acompaña Naama en los en algunos shows. coros. En las últimas presentaciones Ha pasado mucho tiempo de su en vivo que dimos en 2018 nos ha

acompañado Darko Saric en teclados. que ha llevado a Lima a The Jesus & Mary Chain, Ulrich Schnauss, The Estando en Holanda, ¿Cómo ves Radio Dept., The House Of Loves y la escena de bandas shoegaze y ya anteriormente a The Ocean Blue.

Automatic estuvo en silencio por seis dreampop latinoamericana?

Creo que las bandas están apuntando anhos, pero con The Ocean Blue estoy a globalizarse, Sobrenadar por ejemplo regresando a la actividad. ha sido editado en Sonic Cathedral, Bueno y me olvide de mencionar ellos Lorelle Meets The Obsolete estuvo vienen con un nuevo álbum, que será lanzado el 21 de Junio, pero del cual tocando hace poco por aquí. ya se pueden escuchar dos singles/ ¿Qué bandas te han gustado videos que están increíbles. últimamente?

Beach House y Deerhunter, aunque Vamos a hablar de los planes de nos son bandas nuevas y siempre me Resplandor cuéntanos ¿cuáles han gustado, sus últimos discos son son? increíbles y puede verlos hace poco en Si claro, tocar en la segunda mitad del año en Lima y aprovechar para reunirme Madrid y en vivo son geniales. con los chicos de la banda para grabar Pensando en bandas... ¿estás la mayor cantidad de temas, lo que no involucrado en la llegada de The es seguro es que todos salgan. Estoy Ocean Blue a Perú en los próximos bastante exigente con lo que quiero lanzar. Y para noviembre estamos meses?

Si, manejo Automatic Entertainment preparando una gira por Europa de una productora/sello discografico unas que debemos tener concreta en

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Julio. ¿La idea es presentar en Europa las nuevas canciones, o apoyar la remasteriación de Pleamar?

Es apoyar la reedición de Pleamar pero estaremos tocando uno o dos temas nuevos.

Nos encantaría verte por Buenos Aires, ¿Hay alguna idea de eso? ¡Me encantaría volver, no hemos tocado ahí desde el 2008 en Niceto! Es mucho tiempo, pero por ahora no tenemos nada concreto. ¡Memorable noche esa! ¡Aún la recuerdo! ¡Gracias!

Para terminar y agradeciéndote el tiempo holandés que me has ofrecido para responder estas preguntas. ¿Qué te gustaría agregar para nuestros lectores?

Que ¡Extraño Argentina! Y que si bien aún no tenemos nada concreto para volver, haremos lo posible para que eso suceda. Y muchas gracias por la entrevista siempre es un gusto hablar contigo.

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego.

Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor.

Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?).

Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío.

Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ "El Libro de los Espíritus" de Allan Kardec por Pablo Ravale. ]

NO HAY SALVACIÓN FUERA DE LA CARIDAD

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El Libro de los Espíritus, publicado el 18 de Abril de 1857, por el escritor y pedagogo francés Hippolyte Léon Denizard Rivail, más conocido como Allan Kardec, es la obra fundamental de la filosofía espiritista, donde se establecen los principios del Espiritismo o Doctrina Espírita sobre la existencia de Dios, la inmortalidad del alma, la naturaleza de los espíritus y sus relaciones con los hombres, las leyes morales, la vida presente, la vida futura y el futuro de la humanidad. Todo ello, tomado de la enseñanza impartida por los Espíritus Superiores, con la ayuda de diversos médiums, y sistematizado por Allan Kardec.

El Libro de los Espíritus contiene 1019 preguntas y respuestas, y stá dividido en cuatro partes, éstas son: 1) Libro Primero: Las Causas Primeras.

2) Libro Segundo: Mundo Espírita o de los Espíritus.

3) Libro Tercero: Leyes Morales.

4) Libro Cuarto: Esperanzas y Consuelos.

Todo empezó cuando fenómenos que escapaban a las leyes de la ciencia común (mesas que se movían solas, extraños golpes que se sucedían sobre paredes y muebles) se manifestaron por doquier (primero en Estados Unidos, luego en Francia y Alemania) y revelaron en su causa la acción de una voluntad libre e inteligente. La razón dice que un efecto inteligente debe tener por causa a un poder inteligente, y ciertos hechos estudiados por Kardec probaron que esa fuerza puede entrar en comunicación con los hombres mediante signos materiales.

Interrogada acerca de su naturaleza, dicha fuerza declaró pertenecer al mundo de los seres espirituales que se han librado de la envoltura corporal del hombre. Así, entonces, fue que la Doctrina de los Espíritus resultó revelada al mundo.

Un dato también relevante es que los espíritus anunciaron a Kardec que habían llegado los tiempos que la Providencia señaló para que se produjera una manifestación universal, y siendo ellos los ministros de Dios y agentes de su voluntad, su misión consistía en instruir e iluminar a los hombres, inaugurando una nueva era para la regeneración de la raza humana.

El Libro de los Espíritus es, por tanto, la recopilación de estas enseñanzas. Ha sido escrito por orden y bajo el dictado de Espíritus Superiores (espíritus sumamente evolucionados, sabios y amorosos), para asentar los cimientos de una filosofía racional, libre de los prejuicios del sectarismo religioso. No contiene nada que no sea la expresión de su pensamiento y que no haya sido controlado por ellos. Sólo el orden y la distribución metódica de las materias, así como las observaciones y la forma de ciertas partes de la redacción, constituyen la obra de quien recibió la misión de publicarlo.

Entre los espíritus que cooperaron a la realización de esta obra, muchos vivieron en la Tierra, en diversas épocas, predicando y practicando la virtud y la sabiduría. Otros no corresponden, por sus nombres, a ningún personaje cuyo recuerdo haya perpetuado la historia, pero sus elevación es atestiguada por la pureza de sus palabras y su unión con aquellos que

llevan nombres venerables (Jesús de Nazareth, San Agustín, San Luis, San Vicente de Pául, Emmanuel Swedemborg, Fenelón, Voltaire). He aquí los términos en que han dado ellos por escrito, y sirviéndose de diversos médiums, la misión de organizar este libro: «Ocúpate con celo y perseverancia de la tarea que has emprendido con nuestro concurso, porque este trabajo es nuestro. En él hemos sentado las bases del nuevo edificio que se eleva y que debe un día reunir a todos los hombres en un mismo sentimiento de amor y caridad.

Pero, antes de publicarlo lo revisaremos juntos, a fin de controlar todos sus pormenores.

Contigo estaremos cada vez que lo pidas y para ayudarte en tus otras labores, pues ésta sólo constituye una parte de la misión que se te confía, y que te ha sido revelada ya por uno de nosotros».

Por esta razón es que Allan Kardec nunca se proclamó como autor de El Libro, sino simplemente como su recopilador. La obra apareció durante el nacimiento del Espiritismo como doctrina espiritualista; y si bien es cierto que la ciencia tomó el trabajo de Allan Kardec en serio, y en especial sus conclusiones acerca de la vida después de la muerte, lo cierto es que el libro despertó un gran interés en la opinión pública, habida cuenta de que su contenido, en efecto, procedía de los mismas inteligencias (Espíritus Superiores) que el recopilador afirmaba que le indicaron e inspiraron su escritura.

Visto en retrospectiva, Allan Kardec presentó su nueva doctrina filosófica como respondiendo a las aspiraciones del hombre respecto del porvenir; pero como apoya la teoría de éste en bases positivas y racionales, se amolda al espíritu positivista del siglo, haciendo sus prosélitos precisamente en la clase ilustrada, y esto en todos los países del mundo. A su vez, la coincidencia del Espiritismo con la Iglesia Católica en su oposición al materialismo, así como en la moral centrada en la caridad, le hacían incomprensible la por otra parte coherente condena doctrinal de Roma, formalizada en la inclusión, en 1864, de las obras de Kardec en el entonces vigente Índice de “libros prohibidos”. El rechazo eclesiástico ya había dado lugar, por ejemplo, a la quema de 300 libros espiritistas llevada a cabo en 1861 en Barcelona, tras haber sido confiscados por el obispo de esta diócesis a través del Santo Oficio. Como bien afirmaba el propio Kardec: «El espiritismo es la prueba patente de la existencia del alma, de su individualidad después de la muerte, de su inmortalidad y de su suerte verdadera; es, pues, la destrucción del materialismo, no con razonamiento, sino con hechos».

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FRANCO DOGLIOLI

VENGANZA AMARILLA cavidad detrás de los libros historia amarilla amarillo papel introduzco mi brazo y hago contacto pruebo tu materialidad cavidad detrás de los libros corona amarilla amarillo destino constancia manuscrita de la fatal caída del tintero sobre tu velo cavidad detrás de los libros mortaja amarilla amarillo despojo desenvuelvo las hojas encima de tu alianza para leerte, femenino espectro cavidad detrás de los libros almohada amarilla amarillo anciano duerme plácida la farsa que hizo de ti un quejido transparente cavidad detrás de los libros soga amarilla amarillo cuello me guiaste hacia la pasada felonía él ahora vive en tu agonía

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ÁLVARO CALDERÓN PONCE

ALGO SOBRE MÍ Me llamo Álvaro, nacido en Ronda (Málaga) y tengo 34 años. Actualmente vivo en Madrid desde hace pocos meses, los mismos que llevo trabajando en un bar restaurante todas las noches menos una de la semana. No disfruto con ello, cada vez menos. He venido a esta ciudad con otros propósitos y algún sueño por cumplir que de momento se están quedando un poco olvidados debido a mi horario y al gasto de energías y alegría. Escribo desde hace unos años, si hago memoria creo que podría afirmar que desde los 16 aproximadamente, y desde entonces ya no he dejado de hacerlo.

ESCRIBO PORQUE Una vez me enamoré de una chica en el instituto. Yo no era un alumno muy aplicado y pasaba muchas horas libres haciendo nada, cuando ocurrió lo de esta chica empecé a componer unos primeros versos torpes y cursis, siempre fui buen lector, desde niño, y de alguna manera, me gustó la sensación que sentía cada vez que escribía alguna cosa. Y con el paso de los años, y con muchos más libros leídos, adquirí este hábito tan bonito como trágico a la vez, que es escribir poemas. En la actualidad escribo cada vez que bebo mucho o tengo algo que decirle a alguien y no me atrevo a hacerlo a través de un diálogo normal y corriente, como hace la gente normal y corriente. Olvidé las pretensiones literarias de publicar hace tiempo, lo que no quiere decir que no quiera hacerlo.

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La tormenta es fuerte y afuera las calles están vacías y adentro mi cuaderno es el único lugar seguro en el mundo la lluvia inunda los subterráneos las alcantarillas revientan y escondido aquí dentro del papel malviviré hasta que acabe el aguacero.

Entre los huesos de mis poemas construiré un hogar con músculos y ramas secas también tendré brasero y una despensa grande llena de alimentos con los que soportaré la tormenta dentro del único cuaderno seco que queda.

Siempre supe que de algo servirían estas letras que escribía cuando no llovía pero es un triste final éste si afuera la gente se ahoga y yo adentro espero a que pase el peligro y quieto me quedo mientras el agua se traga lo que recuerdo y a quienes quiero.

CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

LOS POETAS Y LAS MUSAS por Pablo Ravale

Las palabras alteran la realidad, producen cosas, pero sólo si se recitan de determinada forma y en determinado orden.

En tiempos remotos, estas combinaciones de palabras poderosas, a veces sin significado, fueron compiladas en tablillas o pergaminos cuyos fines estaban muy lejos de ser artísticos o estéticos. Pero las personas que controlaban este poder no conocían todas y cada una de las palabras en todos los idiomas posibles. Para descubrirlas, necesitaron ayuda externa.

Y decidieron convertir su búsqueda en un arte, en una estética. Así nació la poesía y así nacieron los poetas.

Los poetas, como ya se sabe, se dedican a componer cadenas de palabras llamadas versos, cuyo significado, a veces, ni ellos mismos comprenden muy bien. Las musas (que son seres mágicos que, con el tiempo, han controlado este vasto poder) son capaces de percibir qué poetas poseen mayor potencial creativo. Entonces los inspiran y luego escarban entre sus creaciones para encontrar aquellas líneas que pueden producir efectos y que se denominan “versos de poder”.

Hay autores que han comparado a los poetas con “varas de zahorí”, es decir, esas ramas que supuestamente tiemblan ante la proximidad de un objeto oculto… lo cual es una buena metáfora. Las musas utilizan a los poetas para desenterrar los sonidos más poderosos de todos los lenguajes.

La mayor parte de la poesía, según esta teoría, es simplemente estética y sirve, por así decirlo, de “tapadera” para ocultar la verdad. Aún dentro de los poemas que contienen poder, sólo unos cuantos versos lo albergan. Pero claro, no es fácil encontrarlos, y menos todavía recitarlos: únicamente las musas pueden hacerlo. Y esto es por su condición sobrenatural.

Ahora bien, ¿qué sabemos sobre la materia? ¿Y si las ondas que provocamos al hablar pudieran alterar la órbita de los electrones circundantes hasta el punto de producir grandes cambios en la realidad? Observemos, además, que es tradicional en todos los hechizos el componente sonoro, el “abracadabra” y cosas así… Recuerden que Dios es verbo, y crea el mundo con la palabra. Y poesía, fíjense que llamativo, viene de poiesia, que en griego significa “creación”. Por tanto, ¿no podría tratarse todo esto de vagos indicios que apuntan al poder oculto del lenguaje y su transmisión secretamen-

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te en la poesía?

De ser así, la poesía nos ha engañado. Pensemos en unos niños que jugaran con un misil sin saber para lo que sirve. Dirían, por ejemplo «Qué bellos colores tiene». Y a partir de entonces construirían objetos parecidos. Seguirían sin conocer su peligro real, pero no les importaría. Todo lo contrario, les parecería maravilloso jugar con artefactos tan bonitos. Los niños se han llamado, entre otros, Dante, Milton, Blake, Goethe, Sade, Rimbaud, Baudelaire, Lautréamont, Poe, Lovecraft, Kafka, Artaud, Pizarnik… Ellas los veían jugar y los animaron a seguir jugando porque, de repente, uno de esos artefactos funcionaba, y el niño que lo había fabricado no lo sabía.

Por consiguiente, ¿los versos de poder han de ser lo más estéticos, los mejores? No. Trabajamos con la muerte cada vez que hacemos poesía. Coqueteamos con el horror cada vez que hablamos… Palabras y palabras dichas al azar, imaginen cuántas: las de un loco, las de un niño, las de un ebrio, las de un criminal, las de su víctima… Palabras formando realidad, sonidos que pueden destruir o crear. Un mundo de sonidos, un universo de sonidos donde la poesía es el máximo poder. ¿Qué ocurriría si cualquiera de nosotros fuéramos capaces de controlar ese mundo tan mágico, tan ominoso?

Bueno, a lo mejor tienen razón los que afirman que la poesía es un regalo de los dioses…

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https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

Somos una nueva netlabel de Argentina.

"No Me Escucho Records" nace luego de varios años de trabajo entre Darío Martinez y Diego Centurión para seguir con su tarea auto impuesta de difundir la música.

Pueden seguirnos y enterarse de las novedades en: https://www.instagram.com/nomeescucho https://twitter.com/NoMeEscuchoRec https://soundcloud.com/nomeescuchorecords https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/releases https://www.discogs.com/label/1655158-No-MeEscucho-Records

Flores de Sinaloa Sinalodelica (SesiĂłn en el Montacargas) Fecha de Lanzamiento: 14 de Junio de 2019 Estilos: Neo Psicodelica, Folk PsicodĂŠlico,

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No Me Escucho Records edita el primer EP en vivo de Flores de Sinaloa, “Sinalodelica (Sesión en el Montacargas)”. Grabado en vivo el 30 de julio del 2018 en el Estudio Montacargas.

Para Fans de la neo sicodelia, folk rock, sicodelia ambiental y mántrico.

"Con evidentes guiños a la psicodelia y al ´op-art´ la música de Flores de Sinaloa parece estar en algún lugar entre la psicodelia experimental y el formato más clásico de canciones, con melodías pegadizas y ritmos caminantes. Prolijo, estructurado y elegante."

Nicolás Castello de Nax Nacidos en el 2015 como trío, por Vincent Van Flaüers (guitarra acústica y voz), Chelo Lares (guitarra eléctrica) y Matías Rivara (batería y percusión). Un año después se suman Máximo Disfrute (bajo) y León Kowalski (percusión).

El nombre de la banda proviene de dos palabras bien distintas "Flores" que proviene del libro "Las flores del mal" de Charles Baudelaire. Y por el otro lado "Sinaloa" que hace referencia al cartel de Sinaloa.

"Realmente no sé muy bien qué significará, a veces lo pienso y no tengo una explicación sobre esto… A mí lo que me atrae de esa conjunción de cosas es la idea de una poesía oscura, la atracción entre lo bello y lo feo, la eterna lucha entre el bien y el mal, que es algo innato al ser humano." nos cuenta Vincent.

La banda tiene editado dos singles "Lowtakes" (2016) y "Esther Narcotica" (2018).

Creadores de Elevatorio Club, un espacio de difusión de bandas que a través de Hippiecore han apoyado la difusión de discos de bandas y esto terminó en la Federación Internacional de la Nueva Psicodelia.

Después de una seguidilla de presentaciones la banda forma parte de un documental corto realizado por Musicalination tv llamado “La Nueva Psicodelia”, en donde cuentan un poco su historia junto a bandas como In Corp Sanctis, Hurricane Heart Attacks y Nuvem Leopardo.

El lunes 30 de julio del 2018, Flores de Sinaloa participó de la primera Sesiones en el Montacargas, realizada en el Estudio Montacargas. Una sesión en vivo donde graban 4 canciones y cierran con una jam mántrica envolvente. Este material estuvo demorado por diversos motivos hasta que hace unos meses No Me Escucho Records nace y se plantea editar este material capturando la esencia de aquella fría tarde/noche del año pasado. Para esta edición se agrega en la edición sólo para bandcamp un Bonus Track, una versión de “Esther Narcótica” de los Babasónicos, que la banda grabó para un disco tributo que nunca salió.

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Este EP marca un cierre en una temporada en la banda, el final de una era, ya que se esperan novedades para dentro de un tiempo.

Pablo Müllner ha descrito en una extensa e interesante reseña de esta sesión: "La banda se configura de personalidades, al parecer, antagónicas, como un troupe que toma una Carretera Perdida de México y se pega un viaje de cuatro canciones, lisérgicas, voladas, pero también saludablemente terrenales, llenas de sabor a buena cerveza importada y exudantes de deseos vitales. Cuando uno quiere darse cuenta, ya está sumergido en el ambiente que crea Flores de Sinaloa."

Para leer más sobre esta sesión sigan el siguiente link: https://www.entrepisosradio.com/inicio/flores-en-un-subsuelo-del-abasto Actualmente la banda se encuentra trabajando en nuevas canciones, mientras difunden este EP, en donde se encierra el misticismo único que la banda suele generar en sus shows.

Canciones: 01 Esos Ojos 02 Cegado por la sangre 03 Velas Rojas 04 Humo del Sol 05 Key Man Flores de Sinaloa son: León Kowalski (percusión) Máximo Disfrute (Bajo) Fausto Stoneich (batería, percusión y voces), Marcellus Von Lares (guitarras) Pity Lalla (sintetizadores) Vincent Van Fläuers (guitarra y voz) Estudio Montacargas: Maxx Wild: Grabación.

Darío Martínez; Grabación, mezcla y masterización.

Diego Centurión: Coordinación y supervisación.

Diseño de portada: Vincent Van Fläuers Fotografías: Matías Lizama.

Visuales: Lex Percepied

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[ Entrevista a Geoffrey Scott de Slowness por Diego Centurión.

Fotografía: Ben Wilson. ]

SLOWNESS: NUESTRA MÚSICA ES EMOCIONAL Y PERSONAL

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A más de diez años desde su fundación, Slowness viene transitando un camino y forjando una carrera a base de buenos lanzamientos y una creciente calidad sonora. Un crecimiento que tiene una nueva estación llamada "Berth", un EP que se lanza en junio bajo el sello Schoolkids Records. Para conocerlos, más allá de su música, nos hemos contactado con la Geoffrey Scott.

Hola chicos, gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Para empezar retrocedemos en el tiempo y nos situamos en San Francisco en 2008, Julie y Geoffrey Scott se juntan para grabar unos demos. En ese momento, ¿ustedes qué pensaban que tenían entre manos?

Buena pregunta. Julie y yo nos conocíamos desde hacía algunos años, y habíamos tocado música de manera informal. Estuve tocando en algunas bandas y estaba haciendo un montón de ruido por mi cuenta.

Y un día ella dijo: "Sabes, realmente deberíamos hacer algunas canciones de ese ruido. Haz algunos demos, ¿por qué no lo haces? "Así que puse algunos acordes juntos y los grabé, y luego ella básicamente aprendió el bajo y ayudó a convertirlos en canciones.

Nunca pensamos en convertirnos en una banda de shoegaze, o algo así.

Simplemente resultó como lo hizo.

Uno de los momentos más difíciles al crear una banda es el nombre de ésta ¿Cómo y cuándo surgió el nombre Slowness?

Una vez que tuvimos algunas canciones y comenzamos a ensayar,

estaba leyendo la novela de Milan Kundera, Slowness. Realmente no me importaba, pero pensé que sería un nombre de banda decente. Tuvimos dos o tres nombres de bandas bastante aburridos antes de eso.

Desde ese momento mágico del nacimiento de la banda hasta la primera edición pasan tres años, "Hopeless but Otherwise" (2011). ¿Qué recuerdan de esos años?

Estábamos aprendiendo a escribir canciones. Teníamos que encontrar un baterista. Julie compartía madera con el bajo, y estaba aprendiendo a tener la confianza suficiente para escribir letras y cantarlas. Me tomó todo un verano encontrar mi voz. Estuvimos sentados en la casa durante el mes de julio y pudimos instalar todo nuestro equipo en la sala de estar. Teníamos días enteros solos allí y Jules tocaba el bajo en la planta baja, yo tocaba la guitarra y escribía las palabras, y cuando ella salía, podía cantar a todo pulmón y grabarlo, escucharlo otra vez, encogerme e intentarlo de nuevo, re-escribir y volver a grabar un poco más hasta que pensé: Bueno, tal vez pueda hacer esto. Luego hicimos demos adecuados en la sala de estar

con Erik Karl en la batería y llevamos un estilo único y permite que la música dicte lo que hace, así que nos sentimos esos demos a Monte. libres de hacer lo que deseábamos y Ya con Christy Davis en batería, nos sentimos con poder de ella. editan su primer álbum, "For Those Who Wish to See the Glass Half Full", Un año después lanzan el segundo ¿qué cambio sintieron como banda álbum, "How to Keep from Falling off a Mountain". Obviamente estos con el ingreso de Christy?

No. Christy no tocó en "The Glass años fueron muy fructíferos para la Half Full". Ese fue Scott Putnam, quien banda. ¿Qué nos pueden contar de también tocó la mayor parte de "How sus sensaciones sobre su segundo to Keep from Falling off a Mountain", a álbum? excepción de la última canción, "Anon, Sí, ese fue un tiempo productivo. Nos parte 4", en que Christy tocaba la batería. encanta el disco de "Mountain". Fue (Ella también está en la portada de ese intencionalmente más repetitivo y un álbum). Puedes escuchar el cambio poco más raro que "The Glass". Y el en nuestra dinámica en esa canción. segundo lado es temático y bordea el Podría estar en Berths. Christy tiene concepto. "Mountain" no hizo mucho

de una ola, pero era lo que queríamos hacer en ese momento. Sin embargo, tenía sus problemas, porque Julie y yo vivíamos en costas separadas en ese momento, así que supongo que no era tan orgánico ni democrático. Así que tal vez sufrió un poco como resultado.

Para aquellos lectores que no los conocen aún... ¿Cómo pueden decirnos que es la música de Slowness?

Bueno, no estoy muy seguro de cómo hacerlo. Supongo que nuestra música es emocional y personal y política y pesada y pasada por alto.

Si no estoy mal informado... Monte Vallier ha producido todos sus trabajos, podríamos mencionarlo cómo un cuarto integrante de Slowness. ¿Qué sienten estar bajo su trabajo de producción?

Todo lo que hemos hecho ha sido producido por Monte. Lo amamos como a un hermano. Él es un mentor y un querido amigo y un poco de gurú.

He aprendido mucho de él, y no solo de música y grabación. No me he imaginado trabajar con nadie más.

Hasta ahora hemos hecho todo nosotros mismos, con un poco de ayuda generosa de Ryan Lescure (de Blue

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Aurora Audio) y Alexander Mann (de Greenfuse). Trabajar con Schoolkids Records y Shameless Promotion PR ha sido una verdadera experiencia de aprendizaje. Ambos nos están enseñando a rodar en este nuevo y descabellado mundo de la música indie, que ha sido completamente interrumpido y que cambia cada día. Solo estoy agradecido de que personas como Stephen Judge y Shauna McLarnon estén haciendo lo que están haciendo en este entorno.

Cuéntenos ¿cómo se grabó "Berth" y cómo han reaccionado al escucharlo por primera vez íntegro?

El proceso comenzó hace casi cinco años cuando regresamos de una gira por Europa. Siempre dijimos que nuestro tercer LP sería el "sleeper".

Queríamos un disco más lento y pesado con más espacio, por lo que lo que hemos hecho es muy intencional.

Grabamos el primer lado del disco en Nueva York en aproximadamente una semana, y luego la vida dio un par de vueltas. Julie y yo habíamos sido pareja durante más de una década y decidimos dejarlo todo. Por un tiempo no hicimos nada, pero después de un tiempo creamos canciones para el segundo lado y nos tomamos todo el tiempo que necesitábamos para hacerlo. Lo último que necesitábamos hacer era presionarnos a nosotros mismos o a los demás. Así que entramos en modo de incubación, como cuando los barcos atracan… En última instancia, es una

grabación de ruptura, pero nunca tuvimos la intención de que fuera así, y ambos lo amamos, y aún nos amamos unos a otros. Solo hemos tenido que reajustar lo que eso significa, y en este momento, significa trabajar en nuestra amistad y publicar este disco y hacer algunos shows.

Yo percibo que "Berth" es un salto de calidad en el sonido de la banda... ¿Ustedes cómo lo perciben?

Oh, es bueno de tu parte decirlo.

Nosotros también lo creemos. Y también lo hace Monte. Todavía me estoy acostumbrando. Por lo general, cuando terminamos un registro, estoy harto de eso, pero ese no es el caso de "Berth".

Cuando escuchábamos las mezclas finales con Monte, no podíamos creer que hubiéramos terminado. Los tres estamos muy contentos y orgullosos del registro. Es muy diferente y mucho más difícil de tocar en vivo, pero estamos trabajando en eso ahora.

Para terminar esta entrevista y agradeciendo está posibilidad... ¿Qué planes tienen para este 2019?

Estamos tocando espectáculos en junio en San Diego, Los Ángeles, aquí en San Francisco y en Nueva York. Y estamos planeando hacer algo en el otoño, también. Y luego tomaremos un buen y largo aliento antes de ver qué sigue. ¡¡¡Muchas Gracias!!! ¡Gracias a ti!

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[ Entrevista a Chase Harris de The Meeting Places por Benjamín York. ]

THE MEETING PLACES: UN LUGAR DE REUNIÓN.

El grupo se formó en septiembre de 2001 en Los Ángeles, por el guitarrista / cantante Chase Harris, Scott McDonald (guitarra), Dean Yoshihara (batería), Arthur Chan (bajo). Y después de tantos años de carrera aparecen nuevamente con un nuevo trabajo llamado "You and I" que nos trae cuatro nuevas canciones. Para hablar de este EP y de su historia nos contactamos con Chase para que nos cuente su parecer acerca de The Meeting Places.

Gracias Chase por aceptar responder estás preguntas.

Para empezar quisiera que nos cuenten un poco ¿Cuándo y cómo nace la banda?

Arthur y yo nos conocimos en una fiesta que mi novia organizaba en ese momento (hace 15 años que es mi esposa) y una chica con la que Arthur estaba saliendo en ese momento.

Arthur y Scott habían sido amigos desde la escuela secundaria. Dean y yo nos conocimos en la Universidad de Arizona y tocamos juntos en una banda. Todos compartimos gustos musicales similares y, una vez que trabajamos, tocamos (y ya que todos éramos guitarristas) las cosas progresaron bastante rápido. Tenía algunas canciones escritas que ayudaron a las primeras reuniones, pero ya estábamos escribiendo canciones nuevas rápidamente.

el lugar de reunión donde estamos ensayando", que fue seguido por "¿The Meeting Places?" (Lugares de reunión). Ninguno de nosotros lo amó ni lo odió y se quedó estancado.

¿Cómo nace la idea del nombre de la banda?

Estuvimos todos en un show de Belle & Sebastian y seguimos sugiriendo nombres. Comenzamos a hablar sobre los nombres de las calles en las que ensayábamos, en Playa Hermosa y alguien dijo algo en la conversación, como "un nombre relacionado con

"Numbered Days" (2006) es su segundo álbum. ¿Qué diferencias encuentran entre éste álbum y su álbum debut?

Creo que algunas de las canciones de Numbered Days fueron algo forzadas en comparación con nuestro debut y también fueron producidas. En retrospectiva, creo

"Find Yourself Along the Way" (2003) es su álbum debut. ¿Qué recuerdan de esos primeros años?

Recuerdo que me entusiasmaba lo bien que se recibía la música y tocaba en shows con bandas que admiraba.

Scott había estado en varias bandas (Closedown, Alison's Halo y Amnesia) antes de tocar con nosotros, por lo que tenía mucha experiencia en espectáculos. A pesar de que Dean y yo tocábamos en una banda en la universidad, eran en su mayoría fiestas y un par de eventos en la UofA. Tocar en festivales como South by Southwest y el Festival Noisepop de San Francisco fue súper divertido.

que deberíamos habernos quedado con lo que sabíamos en cuanto al sonido y poner algunas de las pistas bajo un microscopio más fuerte. Hay varias canciones en Numbered Days que realmente me gustan y "Sink into Stone" es un elemento básico en vivo, pero entendemos por qué el álbum no fue tan bien recibido por nuestros fans.

y las carreras. Todavía nos juntábamos de vez en cuando e incluso tocábamos en algunos shows, pero escribir música juntos definitivamente quedó en un segundo plano

En el 2019 llega "You and I", cuéntenos ¿cómo fue el trabajo de escribir estas canciones?

Creo que estábamos más relajados Si no entiendo mal la información, trabajando en estas canciones. Como en el 2017 se reactiva la banda, ¿qué había pasado tanto tiempo desde que lanzamos algo, no había ninguna pasó en casi diez años?

Hubo un mayor enfoque en la familia presión o expectativa externa.

Me gustaría que me hagan un Track by Track del EP 1. You and I Esto surgió de un calentamiento en el ensayo y sabíamos que era una guía, por la facilidad con que se nos ocurrió. Las letras abordan la disolución de una relación y se muestran apáticos al abordar los problemas.

2. Patricia Jane Tuvimos esta canción flotando alrededor por un tiempo y solo nos tomó un tiempo editarla en algo que estuviéramos felices de grabar. Vivía en una calle de donde tomé el nombre de la canción y cuando todo parecía desmoronarse en la casa, mi madre me decía en tono de broma que era el fantasma de Patricia Jane que impartía su testamento.

3. Stay The Same Escribí esto muy rápido en casa, grabándome con mi guitarra acústica en la aplicación de notas de voz de mi teléfono.

El tema de la canción es el temor de que después de una relación a largo plazo, una persona nunca mira hacia atrás y se deshace de todo (emocional y material) que asocia con la otra persona.

4. Fallout Esta fue otra canción que salió de un ensayo. Muchas veces empezamos a reproducir cosas al azar mientras estamos marcando niveles y sonidos y, afortunadamente, muchas de nuestras canciones comienzan de esta manera. La canción trata sobre el abuso físico del que, por desgracia, fui testigo cuando era joven. Mi madre se casó cinco veces y uno de los ex tuvo dos arrebatos violentos en sus seis años juntos, el primero resultó en una mandíbula rota y el segundo, una pierna rota tras ser pateada con botas de punta de acero.

Para terminar y agradeciendo el tiempo que me han brindado para responder estás preguntas, ¿Qué planes tiene la banda para este 2019? ¡De nada! Creo que vamos a tocar algunos shows selectos localmente y esperamos que sigamos escribiendo algunas canciones nuevas.

[ Entrevista a Marissa Nadler por Diego Centurión.

Fotografías: Ebru Yildiz. ]

MARISSA NADLER: DE LA FANTASÍA A LA REALIDAD

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¡Artista en todo sentido!

Marissa Nadler es una cantautora impresionante, con una voz sensual y profunda, inquieta, se mantiene todo el tiempo en actividad, desde las redes sociales, desde el estudio, desde sus discos o sus colaboraciones con otros artistas, pero también artista plástica.

Hace varios meses que vengo buscando conectarme con Marissa y pude hacerlo y hacerles unas preguntas, que ella nos contestó muy amablemente.

¡Hola Marissa!

Gracias por aceptar que podamos hacerte unas preguntas. Para mí, tu álbum es uno de los mejores del año, no lo digo porque tú eres la entrevistada, sino que realmente pienso eso, antes de pensar en esta entrevista.

Hoy he estado disfrutando de la sesión que has realizado para KEXP y me planteé terminar el año realizando una entrevista a ti.

Tienes tres álbumes que ya han festejado sus primeros diez años desde su lanzamiento. ¿Cómo sientes que a ellos los ha tratado el tiempo?

Todavía realmente amo mi primer álbum.

Tiene mucho valor sentimental. Simplemente tiene un sentimiento realmente único. Tengo problemas con el segundo álbum, desde lo vocal, luego me llevó a concentrarme en mi voz. Quiero decir, eso es lo que todos dicen, supongo. Tercer disco, definitivamente uno fuerte. Cuarto, emociones mezcladas por Para empezar y como es nuestra primera sello discográfico. entrevista vamos a hacer un repaso por tu carrera.

Yo te he descubierto con los álbumes Existe un álbum que fue tu debut “Covers” y “Covers 2”. Desde ese momento “Autumn Rose” del 2002. ¿Nunca lo has te he seguido y nunca he dejado de sentir publicado? ¿Por qué? que tus canciones son remansos para No puede ser considerado un debut, era estos tiempos de locura. ¿Cómo crees más como un proyecto. Definitivamente no que el público recibe tus canciones? para el consumo público.

Espero que los amen pero no pasen tiempo preocupándose por eso.

Tu primer álbum te podemos escuchar cantar en español. ¿Cómo nació esa idea Viendo tu discografía, has participado y (si recuerdo bien) no lo hiciste otra vez, en muchas recopilaciones y has realizado por qué? muchas covers. Dime, ¿qué significa para Amo a Pablo Neruda y pensé que las ti rendir homenaje a una canción de otro palabras sonaban más hermosas en el idioma artista? original de Hay Tantos Muertos.

Los covers son la forma más alta de adulación. Son una cosa increíblemente

divertida para mí. Cuando ya no puedo Preferiría no reflexionar sobre lo malo o lo escribir, me gusta cantar o seguir tocando... bueno. Solo estoy viviendo el ahora.

Puedes aprender mucho sobre el arte de las canciones cantando a los maestros. Es muy A partir del 2013 firmas contrato con parecido a copiar una pintura maestra para Sacred Bones Records y Bella Union. ¿En practicar. qué cambió eso a tu música?

No cambió mi música. Solo le dio a mi música ¿Crees que tu música ha cambiado un público más amplio y me dio el apoyo desde "Ballads Of Living And Dying" necesario. Me encantan ambas etiquetas y hasta tu último trabajo "For My Crimes"? ambas han sido realmente geniales para mí.

Sí. Más notablemente de la fantasía a la realidad y todos los lugares intermedios, "July" es el álbum que marcó un quiebre líricamente. Sin lugar a dudas, mi trabajo con en tu carrera. ¿Tengo razón al pensar así? la voz y la guitarra han mejorado, debido en Sí. Creo que es uno de mis dos mejores gran parte al hecho de que era un extraño álbumes. El registro más triste de mi carrera. encerrado con una timidez paralizante en mis primeros años. Flor tardía.

Tengo la sensación de que su música, desde el momento de la gestación, Has recorrido un largo camino desde comienza muy pequeña (tal vez con la ese primer álbum. Cuéntanos ¿cuáles voz y la guitarra) y, a veces, terminan en fueron los momentos más difíciles y los el disco con algún otro instrumento, pero más felices en tu carrera? permanece en ese tono íntimo. ¿Es así?

Realmente depende. A veces realmente necesito colgarlo, especialmente últimamente.

gracias.

Acabas de lanzar un single llamado "Poison" en el que John Cale te acompaña.

Tienes pasión por la pintura y has Hábleme de sus sentimientos acerca de estudiado mucho. He visto en Instagram trabajar con John y de cómo se produjo que no has abandonado esa disciplina y esta colaboración. podemos verla en la portada de "Por mis Tengo a Justin Raisin y Lawrence Rothman, crímenes". los productores de For My Crimes, a quienes Sí, es mi otro amor. Realmente he vuelto agradecer por la introducción. Justin produjo a eso y tengo aspiraciones de obtener el último álbum de John. Todo lo que tengo representación en una galería y continuar. que decir es WOW. Cuando un medio no puede expresar lo que Unodelossentimientosmástrascendentales necesito, simplemente lo cambio. y de hormigueo del alma.

Después de varios álbumes llega “For Para terminar esta entrevista. ¿Qué My Crimes”. Para mí, tal vez tu trabajo tienes planeado para este 2019? más lindo de tu discografía. ¿Tú como lo Bueno, Droneflower está fuera. Trabajando sientes? en un montón de cosas interesantes.

No lo sé. Es demasiado cerca y demasiado reciente para que pueda hablar sobre este ¡Muchísimas Gracias Marissa! álbum con una visión real, realmente. Pero

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HIDDEN TRACK

Si no sabes quienes estan en la foto... escrĂ­benos a revistathe13th@gmail.com

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[ Entrevista a Justo antes de la guerra con los Esquimales por Ruben Torres.

Fotografás: María de los Ángeles ]

JUSTO ANTES EDIFICAN SU MÚSICA EN MEDIO DE LA DELICADEZA...

(Zona de Influencia RADIO) Continuamos acá en Zona de Influencia. Mire usted como son las cosas hace unas semanas que los habíamos invitado y estábamos tratando de arreglar, de poder ver los tiempos de cada uno, de nosotros y además de ellos, ya que el sábado a la noche también se complica y nosotros entendemos perfectamente la cuestión, tiene que ver que el sábado a la noche sino están tocando, están haciendo una prueba de sonido, sino también están tomando ese tiempo para ellos. Pero sin embargo, han tenido la deferencia con nosotros desde venirse desde la zona sur de Buenos Aires, estoy hablando de Quilmes, ellos son Justo Antes de la Guerra con los Esquimales y están acá...

Bienvenidos gente, buenas noches, muchas gracias por estar acá.

Qué lindo que es tenerlos acá, porque además son amigos, nos encontramos en otros lugares, de otras maneras digamos, pero sin embargo esta noche estamos acá, cada uno haciendo lo que sabemos hacer, ustedes haciendo música y nosotros... bueno... este caradurismo que tenemos de poder comunicar. Nuevamente el agradecimiento porque ustedes le dan el lugar y a nosotros también la importancia y eso a nosotros nos gusta y mucho.

Tienen disco nuevo.

Joaquito: Sí, disco que ya lleva unos meses de vida, está dando vueltas, pero sí, sigue como el empujón de la presentación del disco, ahora relanzamos un single, un tema con una versión acústica, una reversión acústica de uno de los temas del disco. Está ahí, dando todo, ya estamos por entrar al estudio, la semana que viene entramos a grabar algo nuevo...

eso, sé que lo hacen porque lo he visto en alguna radio... lo estuve chusmeando... porque ese es mi laburo, qué es lo que hacen, qué es lo que estuvieron hablando en las notas piensan de la misma manera y eso también no sé si habla bien de ustedes o mal... (risas)... pero está buenísimo...

Java: Por lo menos somos coherentes... (risas)

Exactamente, la coherencia a Ah bueno, ahí nos estamos desayunando, todos lados... Una vez presentados... primero, no están todos los Justo antes... hablábamos de ese último disco porque ¿Quiénes están acá? en realidad tiene que ver con un LP. ¿La Joaquito: Acá Juaquito, cantante y teclas. banda se formó en 2012 o 2013?

Java: Y yo soy Java el bajista, hoy con una Joaquito: Exacto, arrancó como algo acústica. improvisado, una formación temporaria, de hecho, el primer show que hicimos fue sin Bueno también el agradecimiento de bajo, con un teclado que yo tiraba los bajos,

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y después fue quedando y ya hace dos años que estamos con la formación final, con la cual trabajamos el LP y toda la presentación.

El primer disco que tenemos es en realidad un EP, es del 2016 y dos años después pudimos meterle mucho sudor y sangre a nuestro primer LP. Java: y deuda... Sudor, Sangre y Deuda...

Y deudas ¿no?

Joaquito: De eso hablaba cuando dije Sudor y Sangre (risas).

No se trataba de una cuestión literaria...

(Risas) sino literal. Volviendo a esos dos discos, 2014 - 2018, ¿estoy bien?

Joaquito: Exacto, el proceso del EP, arrancó en el 2014 y terminó en el 2016\.

Fueron dos años de layar un proyecto, pero salió, terminó...

Java: ¿Fueron dos años?

Joaquito: Y sí, arrancamos mundial 2014,

me acuerdo porque estábamos grabando, y terminamos lanzándolo en agosto o abril del 2016.

El nombre homónimo de los dos, uno es Ep y el otro es LP. Pero también tiene que ver con que ustedes quieren poner el nombre para que la gente recuerde, precisamente de dónde viene. Porque también se perdió un poco esa cuestión.

Por ejemplo en el en el 67 se llamaba "Led Zeppelin I", no sé por qué, era Led Zeppelin. Nadie lo había entendido eso, hasta, que se yo, después de 30 años, por ahí lo entendieron... y eso está bueno.

Joaquito: Exacto. Sobre todo cuando tenés un nombre medio perno como el nuestro. En el sentido que tiene su encanto, te llama, pero la verdad que el 80 % de la gente que se encuentra por primera vez con el nombre, dice a "Justo antes... de... la...".

Java: Los flyers además, siempre hay que

corregirlos...porque siempre hay algo...

Joaquito: es eterno, porque siempre se confunden. ¡Te pido perdón, pero está mal el nombre! (risas).

El diseñador dice, bueno flaco, hubieses pensado el nombre en el momento así yo no tenía esos inconvenientes... Volviendo al nombre del disco homónimo, porque las influencias no pasan solamente por la música, en un ratito vamos a hablar de eso... sino también pasa por la literatura y también por la tele y por un montón de cuestiones que los nutren a ustedes y los van formando y lo van haciendo, y todo eso lo van metiendo ahí dentro, por eso también, el nombre... ¿Cómo es que surgió? Sabemos que nació casi de manera casual.

Joaquito: Si, totalmente. Pero también porque, bueno yo le puse el nombre a la banda, hablo por la mayoría de la banda, nos gusta leer y nos compartimos material de lectura y siempre estamos hablando... yo en ese momento estaba leyendo "Nueve Cuentos" de J. D. Salinger y la verdad es que es un autor que me gusta, que en ese momento me acompañó mucho, y ahí es un cuento de esos nueve.

porque en realidad me hicieron pensar un montón de cosas, y eso está bueno...

(Risas) Joaquito: ¡Bien! ¡Bien!... (Risas) Java: Es lo mejor que puede pasar... (Risas) Estoy hablando de mí, así que imagínense de ahí para abajo.

Joaquito: Lindo, Lindo... Sí, la verdad que el vínculo con la literatura y con otras expresiones más sensibles, como para decir arte en una forma un poco más distinta, es constante, sobre todo cuando uno, sí es verdad, pensás en letras, pensás en contenidos, hay un montón de citas. Y yo creo que es retorcido, que es oscuro, pero siempre hay una luz... que es por lo que luchamos también.

Es verdad, porque no voy a decir que terminan con un final feliz, porque es mentira. Porque en realidad como él decía recién, por ahí uno la va armando.

Joaquito: No criamos con el "Happy Ending" igual. Y creemos y nos gustan las historias que terminan bien. Porque es como decir, entre todo esto, entre toda esta oscuridad, se puede terminar algo bien. Por lo menos en esa historia, después la historia puede seguir y termina siendo un desastre...

Es tremendo porque en realidad, por lo Java: una historia de terror... general, no sé si se trata de este tipo de música, yo sé que de todo tipo de música, Pero es cierto, por lo menos me sucedió folklore, tango, viene la literatura, pero he eso con la letra y con la música. Y además notado en el último tiempo que el género también todo ese trabajo que tienen a que ustedes llevan adelante, que son un la hora, yo no lo escuché a través de un montón, y tal vez no nos vamos a meter con físico, porque no está, pero si lo escuché eso, porque también tiene que ver porque a través de una redes de las sociales más cada uno de ustedes le pone la impronta, importantes, YouTube. Y ahí atrás vi un seguramente la canción nace de una video que va tomando movimiento y eso manera y termina siendo completamente también está bueno, la primera vez los vi diferente, a la que alguien de ustedes hizo. en "Conociendo Rusia", es un flaquito que Pero también viene de la literatura y eso va haciendo música y en el video el loco también se nota en la lírica, en las letras, aparece está jarrón, todo muy vintage, estuve escuchando mucho de lo que y en un momento se empieza a mover, y hacen y es retorcido chicos, eso lo quería me pasó lo mismo con la sábana y ese decir (risas) ... es oscuro y es buenísimo, personaje que está en la punta de la cama,

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que a mí también se me vino Poe. Y la literatura vuelve a través de las imágenes, ya no a través de la letra. Entonces nada eso, que está bien rumbeado...

Joaquito: Sí, también nosotros, más allá de ser músicos y tener esta faceta profesional, también somos cinéfilos y cineastas, por lo menos nosotros dos. Cinéfilos somos todos. Somos un grupo que vamos todos los domingos al cine, a ver cualquier cosa, pero vamos, ya hace un par de años. Y hay mucho de eso, cuando pensamos lo audiovisual y lo visual, lo pensamos con criterios y con una búsqueda determinada, hay mucha cita a material audiovisual, de películas, de series, nos nutrimos y crecimos con un montón de productos que nos educaron.

Java: Estéticamente o pictóricamente hablando, la tapa del disco y esto que mencionamos del video de YouTube, fue un laburo que hicimos nosotros con amigos del rubro audiovisual con una amigo director de fotografía, con otro amigo que es gaffer, con otra amiga que es directora de arte, y se armó

una puesta cinematográfica para sacar esa foto y grabar ese video.

Que además, insisto con esto, no es algo que "mirá, tenemos ganas, podemos hacerlo, tenemos las herramientas, podemos poner un tipo acá, vamos a darle esta cuestión así pasa tal cosa... sino que me parece a mí, y es una cuestión personal, que las tres cosas van tomadas de la mano, la música, la lírica y las imágenes, que es donde cierra todo. Entonces cuando escuchás el álbum completo, bueno, ahí hay una cosa conceptual, que en realidad falta y mucho y eso lo celebramos por eso se lo decimos...

Joaquito: Totalmente... nosotros el EP también lo pensamos con un mismo criterio, un sistema conceptual, visual y obviamente, musical - lírico, pero también la intención de hacer un full álbum, que vendría a ser ya un acto romántico, es pensar un concepto que se despliegue en el tiempo, en 40 minutos de duración. En todos los aspectos es como

estás diciendo, 360 sería.

Pero me pareció una locura... antes de meternos con alguna otra cuestión que tenga que ver con las influencias, ya nos metimos con las literarias de alguna manera, ya que llamaron a la banda desde un cuento, entonces ya eso los va a marcar evidentemente y es algo que lo van a llevar, por lo menos mientras dure la banda, que va a ser durante muchos años... han mejorado muchísimo del primer disco a éste... se los nota mucho más profesionales, más aplomados, yo los vi en vivo en Unclan, de alguna manera eso juega a mi favor, pero se los ve mucho mejor, y eso tiene que ver con un compromiso que ustedes tienen con la banda y con lo que viene haciendo, y una cuestión de superación de cada uno de ustedes y demás en el conjunto...

Estaba pensando en la velocidad y en el desenfreno, estaba leyendo una nota que les hacían y decían... "la velocidad y el desenfreno en medio de la delicadeza"... y me pareció que los describían arriba del escenario. Las influencias. Me volaron la cabeza con un muchacho que se llama "Roberto Carlos Lange", el tipo hace Helados Negros, increíble lo que suena ese chabón.

Joaquito: Es increíble...

en nada y ponerle su impronta y hacer su música, pero en el fondo, todo lo que dicen ustedes, que es lo que escuchan, que es lo que consumen a través de la TV o las películas, está todo ahí, detrás de la música. A este chico lo escuché detrás de su disco, por esta cosa delicada, por esta cosa de tratar el sonido con respeto por un lado, pero con esa cosa de delicadeza, esa caricia, esa cosa que me parece que tiene Justo Antes... además del rock que está ahí atrás, que yo lo veo, no lo veo arriba del escenario, pero muchas veces detrás. Pero sin embargo está, la banda la tiene, y eso es increíble.

Joaquito: Sí, a mí este disco me parece una sutileza zarpada, estoy en loop hace meses con este disco, está a años luz de lo que nosotros podemos alcanzar a nivel de producción, es muy divino...

Es que en realidad, cuando uno hace estas cuestiones que están re lejos de la comparación... se trata simplemente de la influencia, de la esencia de lo que uno está escuchando y que en realidad se refleja... Yo estoy afuera, vengo escucho ese disco y escucho la referencia que ustedes hacen, voy y lo busco, y entonces ahí me despierta la chispa y digo... "Si, acá está".... ya sé, ahora no se van a poder escapar porque ya leí todo (Risas)... y lo tengo....

Claro por eso los tipos hacen este tipo Java: Hice la tarea, hice la tarea (Risas) de música, porque en realidad buscan, Joaquito: es súper recomendable el disco yo estaba buscando por otro lado... venís de Helados Negros. y me decís The Cure yo voy por ahí...

(Risas)... entro, pero sin embargo está en Bueno, en realidad esto después dispara Helados Negros, y lo busqué y lo escucho un montón de cuestiones, digamos, desde el miércoles a la noche... estamos haciendo la nota, ustedes charlan, Joaquito: podemos no hablar más nada y después la bajamos, la ponemos en una escuchar este disco (Risas).... revista, la ponemos en mixcloud, y ahí la gente escucha... y cuando escucha dice...

Lo traía a referencia, porque en verdad, "ah mirá, ¿haber esto qué es?"... y la gente es evidente que está en el inconsciente de va, nos ha pasado muchas veces, de decir todos ustedes, cuando adentro de la sala, ¿Sabés por qué estamos escuchando esta de dejar todo eso afuera, para no parecerse música? por culpa tuya, porque vos un

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día viniste a mi casa y me trajiste el disco, me volviste loco y lo dejaste ahí, y yo un día lo escuché y me voló la cabeza, y digo ¿Cómo no lo descubrí sólo? y cada vez que lo escucho me acuerdo de vos. Las personas toman importancia o relevancia por estas cosas, como un libro.

Joaquito: Marcan momentos también, "yo escuché esta música porque acompañado de esta persona durante estos años"...

Sin embargo, Robert Smith y toda su carga, no solamente oscura también alegre, porque nosotros siempre vemos el lado lumínico, el lado de luz, eso sigue estando en su confección, en la manera de escuchar música de ustedes, porque bueno, vos vas y decís "hoy la quiero romper, quiero poner un disco arriba del auto y ponés Disintegration, o por ahí vas por ese lado, mucho más seguro, que poner el lado negro, que hay cuatro en el

fondo que no lo van a entender (Risas) y me van a decir ¡sacá esto!"... Che tenemos que viajar a La Plata, no me pongas eso...

(Risas)... a eso me refiero, es más una cuestión propia de cada uno, cuando uno llega a la casa y lo escucha... Va por ese lado.... ¿Qué otras cosas están escuchando ahora?

Joaquito: Sí, yo estoy escuchando mucho dos bandas, una que se llama "Sales", son gringos, hay dos pibas y un batero, tuve la oportunidad de verlos el año pasado en Los Ángeles, sublime. y "No Vacation", dos bandas que van del mismo palo y también estoy muy más post-rock, una banda que se llama "Delta Sleep", así que esas son mis tres recomendaciones.

Java: Yo me estoy devanando un poco los sesos porque me viene pasando, que desde hace un tiempo, vengo atrás de la zanahoria de algo nuevo, que me encante. Porque me

manejo así con las cosas, en general. Y me pasó que hace unos meses, ya debe haber pasado ya hace un año de la fecha con Pirámides, en arte en pie. Para mí Pirámides hoy en día, es a nivel local, la banda que más me gusta. Tuvimos la suerte de habernos conocido, habernos hecho amigos, los pibes son un amor, en vivo la rompen y en términos locales, creo que Pirámides. Y de afuera estoy pensando y me cuesta mucho encontrar una.

Pirámides son una cosa seria, ellos son una cosa sería...

Joaquito: Ayer tuvimos la posibilidad de compartir fecha con ellos, fue nuestra primer fecha producida íntegramente por nuestro sello y Justo Antes... en Capital, en el Nuevo Emergente, en el de Almagro, y la verdad es que estuvo buenísimo. Y quedó grande...

Java: Tiene una capacidad para 400 personas, obviamente no metimos tantas personas... (Risas)...

Joaquito: Estaríamos acá tomando wiskey (Risas)...

Amigos un placer que hayan estado acá.

Tocan en Casa Unclan, ya empieza a hacer un casa amiga, parte de ustedes, o ¿no?

Joaquito: Ya lo es hace bastante, como clientes consumidores de música...

(Risas) Java: Fuimos socios alguna vez...

Joaquito: fuimos socios apenas arrancó... y ahora es la segunda vez que nos presentamos, y sobre todo con una banda súper amiga, que amamos y seguimos como Dynamo, que la seguimos con amor y hacia donde sea...

decís: por qué entra frío por abajo de la puerta... (Risas)... y aparecen ellos, como una especie de jinetes en el medio de la tormenta... y dicen: "Hola, qué tal, che mirá cualquier cosa si van a algún lado, nosotros los llevamos... y eso es genial, ahora lo entiendo a Ramiro Sagasti... Java: ¿Cómo no lo llevaron al Obelisco?... (Risas)...

Sí, ustedes lo llevaron al obelisco, como a las 6 o 7 de la mañana, en dos autos nos llevaron... (Risas)...

Joaquito: Con Ramiro nos pasó lo mismo... estábamos en Burzaco, en una fecha que él tocó que fue la presentación del sello CDC (Compañía Discográfica Cosmodemónica), que es nuestro sello de zona sur. "Kuryndina" se llama el proyecto, que es Ursa Minor, un dj que tiene un nuevo proyecto musical, estaba presentando el disco y abrió Ramiro, solista, vino en tren, con una guitarrita. ¿Ustedes se van para Bernal?... Sí, nosotros vamos para Bernal... bueno me queda más cerca de la Plata... bueno te llevamos a la estación a que te tomes el tren, ya eran las seis de la mañana, y volvimos desde Burzaco, charlando...

Además de eso, de ese gesto que tiene de llegar a la loma, y aparecer con una guitarra y decir, bueno vengo a tocar unas canciones, después de todo lo que el tipo viene haciendo, porque a ustedes le toca de verlo en otros lugares, pero sin embargo baja ahí, y eso habla también de que hay gente extraordinaria dentro, como también tenés de las otras que son menos, y que no son amigos nuestros, por suerte, y eso es buenísimo (Risas)...

Java: por suerte no, por elección de uno...

(Risas)... uno elige no rodearse... (Risas)...

Eso lo sé, fue lo primero que me llamó Por supuesto.... El próximo viernes vamos la atención, están en un lugar recóndito a estar pasando música en ese espacio, del mundo, capital, pero bueno (risas)... además, porque ya estuvimos en el último cuando uno va a BuenosAires, por lo menos encuentro... Joaquito: Bailamos unos para aquellas personas que vivimos de temas de Motorama... Ahí está amigo... este lado... Joaquito: estás sólo... (Risas)... pero por supuesto... y no le extrañe que Claro estás solo, no hay nadie, hace más suene "Helado Negro"... Joaquito: yo me frío, por más que sea verano, (risas)... vos muero.... me desnudo... (Risas)... Esto va a

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ser el momento de los lentos.... Joaquito: voy preso, pero no importa.... Java: No pongas Helado Negro, por favor... (Risas)...

Amigos, la verdad un placer que hayan estado acá, espero que para ustedes tambiénhayasidounmomentoagradable...

Joaquito: Siempre lo es, venir y compartir con ustedes.... Lo sabemos y por eso los andábamos buscando y además nos hace muy bien el hecho de que ahora empieza la gente, aquellos especialistas de alguna manera, aquellos que escribimos en Blogs, y en lugares, empiecen a notar la presencia de Justo Antes de La Guerra

con los Esquimales, porque en realidad se lo merecen, por lo que vienen haciendo, por todas las horas que le meten, por todo el sudor que está ahí atrás, por el hecho de decir, como recién, "Che, lo llevamos a Ramiro también, pero también llevaron a este pobre huérfano a algún lugar (Risas).... porque en realidad tiene que ver con eso, ni más ni menos, las relaciones humanas y ustedes la cuidan y por eso le va a ir bien en la vida, y nosotros estamos súper agradecidos que hayan estado acá amigos.

Joaquito y Java: Gracias….

Entrevista realizada en abril de 2019 para el programa de radio; Zona de Influencia que se emite los sábados 9pm, a través de radio futura 90.5 desde la ciudad de La Plata ( Proyecto; Casa Unclan )

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[ Entrevista a Franco Colombo de Reflection por Ruben Torres ]

LA EVOLUCIÓN SYNTHPOP A CIELO DESPEJADO...

93 Seguimos en Zona de Influencia y del otro lado, en este sábado a la noche, porque el sábado anterior estuvo Diego Centurión, hablándonos y además también tuvimos la fortuna de escuchar Reflection, que tiene que ver precisamente, él nos contaba con una banda, que por supuesto es de aquí de la República Argentina, pero mitad de su corazón está aquí en este país, y mitad está en España. En este dúo de Synthpop Latinoamericano, que nosotros hemos escuchado en el último tiempo y que, obviamente, UMBRA, se ha vuelto casi parte de nuestro teléfono, en el último tiempo, para poder escucharlo día a día, y bueno tenemos la fortuna y la suerte esta noche de tener a la mitad de Reflection del otro lado, Franco Colombo Buenas Noches y bienvenido a Zona de Influencia, ¿Cómo estás? Rubén Torres te saluda...

Que tal Rubén ¿Cómo estás? muy buenas noches, muchas gracias por el espacio y la buena onda...

qué solamente no es sintetizadores y computadoras, con guitarras, bajos y todo, pero que tiene una orientación a la electrónica, puede ser tranquilamente un dúo, las decisiones se toman más rápido, las composiciones, todo fluye más rápido y después cuando lo tenés que presentar en vivo... armás algo específicamente para eso, y después el resto, el estudio, grabaciones, es todo más sencillo. Es mi manera de verlo. Creo que hoy la tecnología te facilita hacer todo eso.

Es verdad. Y pensaba también en esta cuestión, y disculpá que te haya cortado esta última parte que estabas respondiendo... Y también tiene que ver con la formación musical y las maneras de hacer las cosas, que ustedes fueron teniendo a lo largo de su vida, que hoy se abren otros lugares, otras puertas, es diferente el momento de la música, por esta cosa que decías hace un momento, esta facilicitación a través de la globalización del mundo, no?

Es extraño que en el último tiempo hemos Sí, totalmente. Nosotros, los dos tenemos tenido un montón de dúos eléctricos, y no es más o menos 40 años, entonces vivimos la por una cuestión de una búsqueda personal, última etapa de los 80's, todo los 90's y bueno sino se trata de una valoración diferente del el resto.... pero fue una etapa en donde hubo synthpop, de la música electrónica. Y como un click muy grande en la música electróniprimera pregunta, tal vez tiene que ver con ca, a lo que fue mediados y fines de los 80's eso Franco, ¿Cómo ves hoy esta proyección, y la explosión de los 90's, que la electrónica en este género musical y en este momento? no tan orientada al pop, sino que surgieron Creo que hoy por hoy, la tecnología ayu- cientos de subgéneros como el drum bass, da muchísimo, por ejemplo a nosotros por el el house, fue evolucionando para un montema de la distancia, y más que nada las ban- tón de subgéneros que estuvo buenísimo, y das en sí, que hoy por hoy podés grabar un todo eso lo vivimos, creo que esa visión que disco en tu casa, pueden ser una o dos per- tuvimos hace que hoy hagamos tecno pop, sonas y después cuando lo querés plantear electro pop, como lo quieran llamar, que más en vivo, podés llegar a tener invitados para o menos es siempre lo mismo... nos lleva a esas presentaciones específicas y no nece- eso porque nos gusta hacer canciones, pero sariamente ser una banda. Entonces yo creo los dos venimos de escuchar mucha música que todo eso hoy facilita un montón y también electrónica, hoy por ahí escuchamos músia lo que conlleva armar una banda de cuatro, ca más underground, y todos eso nos nutre cinco o seis personas, que es complejo, ho- como músicos. rarios, ensayos, y todo eso complica hoy y retrasa por ahí... Entonces yo creo que hoy, Estaba pensando, mientras acá me marcan más la gente que trabaja con la electrónica, y obviamente que tienen razón, la banda está

formada por Franco Colombo y Franco Doglioli, quien está en España, en este momento... ¿no?

Sí, Fran se fue a Madrid ya a mediados del año pasado, ya está radicado allá, eso no nos limita mucho porque tenemos una manera de trabajar que cada uno trabaja en su propio estudio y después nos juntamos a ensamblar todo. Entonces hoy nos enviamos los archivos, yo me encargo más de la producción y él de la parte más compositiva y de la voz del dúo. Eso nos facilita mucho el trabajo, nosotros no somos mucho de tocar en vivo, pero si somos más de producir material, entonces muchos nos preguntaron si el proyecto se había terminado, no al contrario, terminamos el disco, lo vamos a lanzar y ya estamos pensando en lo que viene....

cada uno de ustedes tienen otras cosas que tienen que ver con la música, vos además de programar, pasas música en otros lugares, me cuesta decir si uno es DJ, programador, musicalizador, en realidad uno es un productor de música, que es un poco mejor, ¿no?...

Sí, yo me considero más productor que DJ, tengo muy mala técnica, pero sí lo he hecho, en algunos estuve en Bahreim, como te contaba me fui nutriendo de muchos estilos de música, yo tengo como cinco o seis proyectos, y todos abarcan distintos estilos que no los puedo mezclar bajo Reflection, porque no tienen nada que ver, y empecé haciendo música más experimental, IDM, después hice música hard core, medio rave de los 90's, ahora tengo un proyecto synthwave, que es retro 80's, entonces es como que voy jugando muchísimo con todos los estilos que me gusVos sabés que repasaba... porque cada tan... soy un melómano que consumo muchíuno de ustedes tiene además de Reflection, sima música, compro muchos disco, me gusque es una cuestión antojadiza mía, una mi- ta comprar... y los festejo y me encantan, y rada... debe ser el proyecto más importante por ahí los compro para llevarlos porque no que ustedes tienen, además de otros... pero los escucho, porque los escucho por digital.

Porque hoy las plataformas digitales es como que te dan una mano increíble con eso, para facilitartelo, Youtube o spotify, eso es genial... pero me fui por las ramas... (Risas).

No... pero está muy bien, porque en realidad podemos entrar, hace un momento hablabas de la formación, y podemos meternos en algunas de las influencias que tienen, mirá ahí me apuntan que sos creador de un sitio que se llama "Ricosyx", o seguramente tiene que ver con esto que nos contabas antes...

Sí, es un proyecto, es el proyecto retro synth, viste que hubo un auge después de "Stranger Things", es como resurgió todo esa cosa de consumir mucho lo retro, que va del 84 al 86, todos videojuegos, estéticas de relojes, computadores, la música, como era el auge de la síntesis FM, los sintetizadores digitales, eso fue cuando descartaron los sintetizadores analógicos, que venían arrastrando de los 70's, y vino el auge del sonido FM, lo usaban hasta Charly García, en los comerciales y en las series, sonaba ese mismo sonido que hoy por hoy está de moda.

volvieron....

Ahí va... Alphaville me sacó el físico de su cantante, que es bien diferente a como uno lo tenía, es extraño, los artistas tratan de cuidar su imagen, y no que no lo haya cuidado, sino que no le importó, y eso también habla muy bien...

Pero tiene la voz intacta...

Mirá, anoche... (ahora suena Camouflage)... estábamos viendo precisamente a Alphaville, en una presentación en 2018 en Rusia, y la voz es increíble...

Es impecable, ahora va a tocar en España... y justamente el sello por donde nosotros editamos UMBRA, es una de las partes que está llevando a Alphaville a España, lo mismo la banda invitada, que va a tocar previamente, Tröika, españoles y son del mismo sello que estamos nosotros.

Ustedes están trabajando con un sello hace muy poco tiempo, ¿no?

Si, mudamos de sello, ahora estamos con un sello español, de Barcelona, que se llaMirá y hablando de retro, pensaba en esto, ma Nordhausen Schallplatte. Y estamos con ahora estamos escuchando, tal vez lo ten- ellos desde principio de año y ya mudamos gas de fondo, "Cause & Effect", que en reali- nuestro catálogo, que fue todo lo que editadad es de 1994 y podríamos hablar de Sean mos en estos últimos años y el nuevo disco, Rowley, que obviamente te debe haber mar- que ahora en julio se lanza, un single, que cado, porque también estuvimos un poco in- trae algunos remixes y algunos temas que no dagando en los gustos que tenés, es evidente están incluidos en el álbum. que Martin Gore pasa por tu vida, que también debe pasar Depeche Mode de manera Inmediatamente vos decías que los dos súper importante, pero vos sabés que pen- Francos tenemos 40 años, yo puedo metersaba en Reflection y había escuchado mu- le 50 y algo, no voy a decir justamente cuancho sus trabajos, y sobre todo UMBRA, que tos... (risas)... pero le podríamos meter un es un disco asombroso, desde el comienzo montón, pero sin embargo no podríamos mea fin, por lo menos es la manera que uno lo ter con Camouflage, con Alphaville, The Hupercibe. Y pensaba en la música electrónica man League.... europea, más precisamente en la música aleEs que son bandas que marcaron los 80's, mana, y me venían a la mente bandas como como New Order, OMD, Erasure, Pet Shop Camouflage, por ejemplo, o Alphaville...

Boys, todas esas bandas clásicas, que todo Sí, tal cual, bueno los Camouflage son el mundo las conoce y hoy yo las sigo concomo los Depeche Mode alemanes, como sumiendo... todo se conecta con todo... Alphaville ahora

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Claro... pero es muy extraño, porque ellos son los que abrieron la puerta, en aquel momento, pero sin embargo, decías sobre esto de nuestros años, que también podríamos venirnos para estos lados con bandas como She Past Away o Drab Majesty, por ejemplo...

Drab Majesty me parece que es una de las bandas darkwave que ahora está sonando, que está increíble y hoy justo venía escuchando a She Past Away, el nuevo, que es bastante electrónico a lo que venían haciendo, si bien siempre usaban máquinas, pero están muy electrónicos.

Hace algunos meses tuve la suerte de poder entrevistar a la banda limeña Laikamori, que es un dúo electrónico, que si no los escuchaste te invito a que lo hagas, que son tremendos. Laikamori abrió en Lima para Drab Majesty. Son unos tipos, una especie de Daft Punk pero latinoamericanos, porque suben con máscaras, aparecieron en la Revista The 13th, y que ellos también hablaban sobre la modernidad de Drab Majesty, pero también de la modernidad de She Past Away, y de otras bandas que en algún punto tienen que ver con el synthpop y con la Alemania, hablábamos de Camouflage, pero también nos olvidábamos de Wolfsheim, por ejemplo, que es otra de esas bandas que van por ese lado...

La voz de Peter Heppner es una cosa increíble, sacó su disco nuevo el año pasado (Confessions & Doubts / TanzZwang) un disco que trae 3 o 4 CDs, que está buenísimo todo. Pero sí, hay muchas bandas que la gente, va por acá como cuando arrancamos la charla, en Argentina todavía hay algo que por ahí no se entiende, o no se termina de entender, que a veces que cuando ven a dos flacos en un escenario, que no tienen ni guitarra, ni bajo ni batería, o son DJs o no saben bien lo que están haciendo, es como que no te respetan (puede sonar antiguo) y es algo muy loco porque ya pasaron muchos años, estamos hablando de más de treinta años que este modelo ya está funcionando en

todo el mundo. Todavía me resulta extraño... pero esto pasa mucho acá... es como que en Argentina todavía tiene su mentalidad muy "Rock" y todo lo que no abarque la banda tradicional causa cierto rechazo, no es general, hay mucha gente que consume muchísimas cosas y está muy bien, más que hoy hay tanta variedad que no sabés qué escuchar, pero si pasa en el género... cuando yo le muestro algo nuestro a alguien, dicen "Ah esto es igual a Depeche Mode" pero no se encuentra en ningún lado con Depeche Mode, más allá que tiene la influencia, más allá de usar teclados, no hay nada que se parezca, pero es como el tono de voz y ciertas melodías se encasillan ahí, pero tenemos miles de influencias y no solamente cae en Depeche Mode... como en lo obvio.

Pero es cierto que el común de la gente te asocia a eso, por otro lado, y haciendo un paréntesis, lo vimos en la ciudad de La Plata a Depeche Mode, que todavía escuchamos a las señoras regordetas quejándose porque no salían en la pantalla gigante, pero nosotros pudimos disfrutarlo, obviamente no nos importaba la pantalla, sino nos importaba verlos a ellos. Amigo la vedad es que me quedaría hablando un montón de tiempo, sobre todo para poder hablar de UMBRA, por favor, péguese una vueltita por ahí y dígame que es lo que usted vio del resultado de este extraordinario disco, pero no sólo su visión del disco, sino también de aquellos que son sus pares, gente que está alrededor suyo, los propios, los extraños, la independencia del periodismo que los busca... ¿Cómo ve este disco y sus devoluciones?

Te hago un resumen de lo que fue UMBRA para nosotros. Cuando terminamos el primer disco, Theorema, que lo lanzamos en el 2016 por un sello europeo también (Ruso) a los pocos meses nos pusimos a trabajar ya en UMBRA. Estamos hablando de 2016, ya teníamos los 13 temas definidos, pero cuando lo llevamos a pulirlo, dijimos tenemos que hacer un disco que sea superior al primero,

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más directo, nos llevó tres años, pensamos que lo íbamos a terminar en menor tiempo... pero tres años que fueron muy buenos, porque aprendimos muchísimo, mejoramos la calidad de sonido que es lo que queríamos, y no es un disco homogéneo, es un disco que te pasea desde el tecnopop en castellano, va al inglés, más al electro, hay un tema que separa al disco, que es en francés, que es un poema en francés y fuimos a otro tipo de sonido, como para cortar el disco. Y arrancar la segunda parte del disco, que es más con sonido 80's, entonces usamos una paleta de sonidos muchísimo más amplia que la del primer disco y tenés tres idiomas, y tenés desde el electro hasta una canción que termina el disco en una balada de piano y voz. Entonces yo creo que está buenísimo porque hoy no se hace un disco tan largo, porque nadie te escucha un disco de 13 canciones, pero tenés como apuntando a distintos lugares, podrían ser cuatro EPs, pero decidimos juntar todo acá, porque no es fácil hacer un disco, e ir lanzando todo de a poco, tampoco no nos parecía que estaba tan bueno. Lo juntamos todo que hay para todos los gustos y ya seguimos por lo nuevo. Entonces creo que fuimos un poco en contra de lo que se hace todo el tiempo hoy por hoy, pero al fin y al cabo, hicimos lo que teníamos ganas y nos quedamos super contentos y todos los comentarios que nos están llegando son todos buenos y creo que los comentarios, más allá que sean amigos o gente que nos sigue, supera al anterior, y eso es el objetivo ya cumplido para nosotros.

tres veces ya. Y participamos en ese festival, que es muy importante, por la finalidad que tenía, del cuidado del medio ambiente, nosotros colaboramos para eso, escribimos una canción que se llama "Cielo Despejado", hablando de ese tema, porque donde se realizaba, ya no existe más ese festival, es una ciudad casi a 4.000 metros de altura en Perú, y es una ciudad minera, entonces tenía una explotación minera, que es volar la montaña y toda esa cosa tóxica quedaba en el aire, entonces es como que estabas en un lugar a pura naturaleza, contaminada. Es un bajón total. Nosotros contribuimos con la causa con la canción para tomar conciencia de lo que estaba pasando, nos dieron una medalla de honor de la ciudad, fueron como muchas historias que fueron pasando, que jamás pensamos que íbamos a vivir y la verdad es que nos llevamos el mejor de los recuerdos.

Es verdad... y estaba pensando en el gran año que tuvieron, ese precisamente en 2016, y para hacer un pequeño repaso, de esta charla que tuvimos, desde aquel tributo a Depeche Mode, en 2011, que los unió, a hoy, a este UMBRA, evidentemente tienen que estar satisfechos por lo que han hecho en este tiempo con Reflection, ¿no?

Si, totalmente. Jamás pensamos que íbamos a hacer dos discos, los dos están editados en Europa, hemos viajado a Chile, por el interior de la Argentina, fuimos a Perú tres veces, nos pasaron cosas que no le pasan a muchas bandas, y nosotros somos músicos, pero no nos dedicamos a esto, somos personas profesionales, nos dedicamos a otros Increíble lo que hicieron con este disco, trabajos, y esto lo hacemos cuando tenemos se lo digo de verdad, mis felicitaciones ade- el tiempo que podemos, e hicimos un monmás también, obviamente tardío, porque no tón. Somos una banda joven todavía, venilos teníamos, por esa presentación en Oroya mos haciendo mucha música pero como banDream Festival, que en realidad es el Festi- da somos jóvenes todavía, nos juntamos en val de Perú, con la calidad que tiene ese fes- el 2011, pero después yo viajé, me fui a vivir tival, pertenecer a ese lugar.... la verdad, sin- a México después volví y esto arrancó recién ceramente, un placer que se dieron en este en el 2013, estamos hablando de seis años, tiempo. tener dos discos editados, y varios EPs, con ¡Muchísima gracias! Si, viajamos a Perú remixes y todo. Creo que hicimos un muy

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buen trabajo y mismo los video clips, tenemos tres video clips, que hoy por hoy es muy difícil también hacer un video, nos demanda mucho tiempo, dinero, entonces hay muchas cosas que logramos hacer y estamos súper contentos.

Por eso digo que vamos a tener que tener otra charla.... seguramente... ojalá algún día toquen aquí, para no poder solamente que traigan UMBRA, como disco, en el formato físico, para que nosotros podamos escucharlos desde ahí, sino para tener una charla un poco más continua, porque también queríamos felicitarlos también por esta cuestión que tiene que ver con lo conceptual, no solamente desde la música, sino que evidentemente, por lo menos lo que vemos desde afuera... desde el concepto visual, que ustedes tienen tan claro, y la felicitación por lo que hicieron, no sólo con los videos sino con la fotografía, inspirado en la cultura amasónica de Perú o de Brasil, toda esa cosa que tiene una carga conceptual... me parece que es una genialidad que Reflection está haciendo y los queríamos felicitar...

Muchísimas Gracias. La gente del sello cuando estamos cerrando el contrato, nos decían "ustedes son una banda latinoamericana pero que tienen mucha proyección europea", entonces lo que nosotros queríamos mostrar era eso... nos podemos vestir con el estilo de todas las bandas de nuestro estilo, con la ropa negra, todas las bandas parecidas. Lo que nosotros quisimos hacer fue remarcar, editando en un sello europeo en donde todas son bandas europeas, que somos la única banda latinoamericana. Estamos pintados y con hayruros y todo con una estética tí-

pica latinoamericana, del pueblo ashaninka, que está en el norte de Perú y Brasil, y más allá de estar vestidos de negro, que parecemos una especie de monjes, más europeo, lo que resalta es la parte latinoamericana, que es la que queríamos mostrar y por lo menos se pregunten... ¿por qué están así?... y esa es un poco la respuesta, como decir Somos de Latinoamérica, no somos Europeos. No nos queremos parecer a ustedes, sino somos nosotros.

Por eso cuando yo abría la nota y ahora la cerramos, hablaba que me llamó la atención, el synthpop y el tecnopop hecho por una banda de Latinoamérica, Reflection. Y me llamó poderosamente la atención y, aparte por lo menos en mi caso, sentir que el synthpop, el tecnopop, la industria nacional y poniéndole banda latinomaricana, uno siente una especie de orgullo con la gente que pertenece a este país y que en realidad tiene que ver con la cultura, y hablando sobre lo melómano, obviamente, no teníamos más que sentirnos agradecido. Sinceramente un placer haberlo tenido ahí del otro lado... ¡Muchísimas Gracias! gracias por el espacio, por la difusión y la buena onda y seguro te iremos a visitar cuando gustes por la ciudad de las diagonales... que me encanta.

Claro que sí... vamos a hacer todo lo posible para que estén por estos lugares... todo empieza como un pequeño sueño, como fue Reflection en el 2011, uno empieza a tejerlo, no sabe dónde termina, pero sin embargo, las cosas suceden... Un saludo para usted y para Franco Doglioli...

Muchísimas Gracias...

Entrevista realizada en Mayo de 2019 para el programa de radio; Zona de Influencia que se emite los sábados 9pm a través de radio futura 90.5 https://fmfutura.com.ar/ desde la ciudad de La Plata (Proyecto; Casa Unclan)

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Vox Humana Music Curators, presenta: En esta sección Vox Humana, desde Bogotá, Colombia, los tendrá al tanto de las actividades, noticias y lanzamientos de nuestro sello.

En esta ocasión queremos contarles acerca del primer sencillo del proyecto “Animachines” titulado “Holy Shed”.

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Animachines es una banda conformada por personajes de ficción.

Es la historia de Patrick, habitante de una gran urbe en un futuro cercano, el cual perdió a su esposa años atrás, y quien desde entonces se dedica a hacer música en su honor y memoria. Aunque no le queda familia (solo su padre con quien tiene muy poco contacto), Patrick tiene muchos amigos quienes lo acompañan en algunas de sus obras y le ayudan de muchas maneras con su proyecto.

Aparte de sus amigos Patrick tiene dos “espíritus” que siempre lo acompañan: un gato (Franky) y un Robot (Wolfgang).

Franky es un “médium” entre Patrick y Alma (su difunta esposa). Patrick se comunica con ella a través de él. Franky es un espíritu protector para Patrick y también colabora en sus obras (no solo sus maullidos y ronroneo; sino que también toca el Theremin y varios controladores gestuales).

Wolfgang, por su parte es una máquina que Patrick mismo construyó y la cual (al menos él así lo asegura), siente igual que los animales y humanos. Wolfgang, el robot, tiene un papel preponderante en la obra de Animachines, ya que no solo él se encarga de secuenciar samplers y sintetizadores, sino que le imprime a dichas programaciones lo que ellos consideran el “anima”, o espíritu vital de la música.

Esta primera entrega, titulada “Holy Shed”, es un grito que Patrick le ofrece a sus amigos, muchos de los cuales se sienten agobiados por "ser" algo que nunca quisieron. Patrick les recuerda con esta canción que si ellos nunca quisieron ser (lo que creen ser ahora) entonces, en verdad, no lo son: el juego perverso de la sociedad es imponernos un uniforme y llevarnos así a creer que es “eso” lo que somos, cuando es tan solo una apariencia, una “piel” que no nos pertenece. Una piel que podemos arrojar y mudar, como las serpientes.

Los invitamos a seguir a Animachines en Facebook https://www.facebook.com/animachines/ y sobre todo, a escuchar este primer tema (Holy Shed) https://animachines.bandcamp.com

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Por otra parte tenemos -finalmente- la versión de aniversario número 25 del primer tema de The Question (eLaMoRTe).

The Flight fue la primera composición de The Question (la cual el año pasado cumplió 25 años de haber sido escrita) dando comienzo al proyecto como tal.

Esta versión titulada “The Flight (continues)” es una re-creación del tema original, con las posibilidades y tecnología actual.

Es una mirada nostálgica, así como también un “gracias” a quienes han seguido a este proyecto a lo largo de este cuarto de siglo.

Muy pronto Vox Humana tendrá el honor de ofrecerles un mini-documental conmemorativo de estos 25 años, por ahora, los invitamos a escuchar (y ver el video de la grabación) esta nueva versión de The Flight.

Visiten la página oficial de The Question, donde encontrarán todos los vínculos a las redes del proyecto (o sencillamente búsquenlo como “elamorte”) Muy pronto haremos el lanzamiento de The Flight (continues). https://tqelamorte.weebly.com/ También en las redes de Vox Humana Music Curators. http://vox-humana.weebly.com/ https://www.facebook.com/humanvoxx/ Es para nosotros un privilegio tener este espacio en la Revista The 13th, y poder así llegar a todos ustedes. Gracias mil a la revista y a ustedes por leer estas líneas. Solo nos queda invitarlos a que descubran la música que les presentamos y estén atentos a los nuevos lanzamientos Hasta la próxima.

Vox Humana MusiCurators

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[ Por Benjamín York. ]

CANCIÓN + BANDA

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Aberdeen/Montesano. 1983. Nace The Melvins.

Los miembros fundadores fueron Buzz, Mike Dillard (batería) y el ex bajista de Mudhoney, Matt Lukin. Buzz, Mike y Matt fueron a la escuela secundaria en Montesano.

Con un rock que es difícil de catalogar fueron haciéndose nombre entre los sonidos de los 80’s y 90’s, siendo una fuente de influencia muy importante para el grunge (recuerden que son de Seattle, capital del grunge) y hoy poseen una aceptación muy destacada.

En 1991 editan su tercer disco llamado “Bullhead” y la canción que abre el álbum se llama “Boris”.

En Tokyo (Japón). Año 1992. Un cuarteto de música experimental compuesto por el baterista Nagata, el cantante Atsuo Mizuno, el guitarrista/bajista Takeshi Ohtani y la guitarrista/teclista Wata, toman como nombre el track de Melvins “Boris”.

En 1996 Nagata abandona la banda y el rol de baterista es tomado por Atsuo y los tres toman el papel de vocalistas.

Boris es una banda ya consagrada y tuvo sus momentos que podemos mencionar para aquellos que no los conocen, en el 2008 salen de gira con Nine Inch Nails en su “Lights in the Sky”. En el 2010 Boris e Ian Astbury de The Cult se unen en una presentación de la banda en el festival Vivid Festival en Sydney, realizando “The End” de The Doors, esto sirve para que se unan nuevamente en un estudio y graban un EP llamado “BXI”. O algunos pueden encontrar una versión de My Bloody Valentine en el tributo japonés llamado “Yellow Loveless” (2013).

Los Links a las bandas: Melvins:

http://www.melvins.com/ http://www.themelvins.net/ https://melvinsofficial.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/melvinsarmy https://www.instagram.com/melvinsdotcom/

Boris:

https://borisheavyrocks.com/ https://boris.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/borisheavyrocks https://twitter.com/borisheavyrocks https://borisheavyrocks.tumblr.com/

[ Reseña de “Japan Suicide - Ki" (2019) por Benjamín York. ]

JAPAN SUICIDE: ENVOLVENTE LEGADO POST-PUNK

Japan Suicide - Ki Label: Japan Suicide Self-released Fecha de Lanzamiento: 06 de Mayo de 2019

Después del gran "Santa Sangre" del 2018 los italianos de Japan Suicide regresan con este nuevo álbum Ki. Los oriundos de Terni están formados por Stefano Bellerba (Voz/Guitarra), Matteo Bussotti (batería), Matteo Luciani (Bajo/ Sintetizador), Leonardo Mori (Teclados/Sintetizador) y Saverio Paiella (Guitarra/Sintetizador).

"KI es nuestro legado, un gesto esencial impulsado por el flujo creativo y la inspiración para hacer un contacto. Nuestro ataque pacífico."

Así tratan de explicar el concepto general de este nuevo álbum. Pero si se le quiere encontrar un significado específico, ellos tratan de aclararlo: El maestro de Aikido, Koichi Tohei, escribió en su libro de 1962 ¿Qué es el Aikido?: ¿Cuál es el significado claro de ki que se usa en nuestra vida diaria? Un buen sentimiento, un mal sentimiento, un gran sentimiento, timidez, vigor, coraje, una disposición de retiro, etcétera. Estos son términos utilizados en nuestra vida diaria. En cada palabra o frase, los japoneses usan ki como parte integral.

La razón es que un ser humano fue creado a partir del ki del universo. Mientras recibe ki, está vivo. Le privan de ki y muere; Él pierde su forma humana. Mientras su cuerpo esté lleno de ki y se derrame abundantemente, él es vigoroso y lleno de coraje. Por el contrario, cuando su cuerpo se ha quedado sin ki, es débil, cobarde y se retira. En el entrenamiento de Aikido, hacemos todo lo posible para aprender a llenar nuestro cuerpo con ki y usarlo con poder. Por lo tanto, debemos entender bien el profundo significado de ki.

Ahora hablando específicamente del álbum…

"Ki" tiene nueve canciones que nos envuelve en melodías post punk, variadas y atractivas, que a veces se viste de post rock, como el track de apertura "Empire", o de post punk, como en "Fancy Mate", o se calza la indumentaria psicodélica propia de esos años difusos de la década de los ochenta, en donde el rock gótico jugaba con guitarras psicodélicas a lo The Church, como en "Mishima", pero también de esa época toma prestado el synthpop más oscuro como en "Dance for you". Pero también se vuelve más Te Cure si se quiere en "Fury" o en "One Day..." aunque tiene algo de dreampop oculto en su estribillo.

"Kanagawa-oki Name-ura" se pone un manto épico y ambiental, para retomar el post punk más oscuro en "The Devil They Know", y cierra el álbum con "Er-

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lebnis" una canción que se mezcla con sonidos experimentales y ambientales con una sensación de melancolía.

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The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A