Revista The 13th Número 57

AÑO: 6 | NÚMERO 57

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

GOODBYE MR MACKENZIE - LUIS MOJICA CENIZAS - WE MELT CHOCOLATE - OLI MORERA ZONA DE INFLUENCIA: URAL MOUNTAIN - CAPITÁN SUDAMERICA ROBIN GUTHRIE - SLIPKNOT - COSAQUITOS EN GLOBO - TOOL NO ME ESCUCHO RECORDS - MUSIC CORNER - PALABRAS EN LA ARENA...

STAFF

Septiembre 2019 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alejandro Cenizacromada REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Diego Centurión.

Benjamín York César León Diego Centurión

PORTADA

Franco Colombo

Diego Centurión

Franco Doglioli Pablo Ravale Ruben Torres

Jefe de Departamento de Colombia: César León Jefe de Departamento de Literatura: Pablo Ravale.

Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 57 OTRO PASO...

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES

DISCOS DAVID J

OLI MORERA

10

SLIPKNOT

14

18

NO ME ESCUCHO RECORDS

ROBIN GUTHRIE 2009 GOODBYE, MR MACKENZIE

06

22

30 COSAQUITOS EN GLOBO

40

42

PALABRAS EN LA ARENA

44 48 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE 50 LA DOCTRINA SECRETA FRANCO DOGLIOLI

LUIS MOJICA

54 MUSIC CORNER

CENIZAS

62

68 TOOL

90 WE MELT CHOCOLATE

76

78 ZONA DE INFLUENCIA: URAL MOUNTAIN CAPITÁN SUDAMÉRICA

86 88 96

THE KUNDALINI GENIE

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[ Reseña de “David J. - Migena and The Frozen Roses” (2019) por Benjamín York. ]

EL ARTE DE COLABORAR CON LA GENTE APROPIADA.

David J. with Asia Argento & Anton Newcombe - Migena and The Frozen Roses 7 Label: Glass Modern Records Fecha de Lanzamiento: 06 de Septiembre de 2019

Es un single. Sólo dos canciones. Pero más que una reseña es una alegría enorme poder hablarles de un nuevo avance del nuevo álbum de David J. Este nuevo single, que sigue al lanzado en junio, “The Auteur (Redux / The Starlet's Cut)” en el que colaboraba la artista Rose McGowan. Ahora tenemos este segundo adelanto llamado “Migena and The Frozen Roses” que cuenta con la colaboración de Anton Newcombe de The Brian Jonestown Massacre en teclados, sintetizadores, percusión y programaciones, pero también cuenta con la participación de la voz de la actriz italiana Asia Argento.

El lado A del single, la canción que le da nombre al single, es una hermosa canción en donde Asia recita y David canta con su guitarra acústica, sobre un fondo creado por Anton…

Una canción que de a poco se va convirtiendo en un viaje, que por momentos, sólo por momentos me recuerda a “Blume” de Einstürzende Neubauten.

Sobre Anton, David Dijo:

“Tengo que decir que me impresionó enormemente la invención musical de Anton. Todo lo que se le ocurrió: partes del teclado, cuerdas, percusión, etc., funcionó de inmediato.”

Sobre Asia contó:

“Anton me preguntó si tenía algo de poesía y yo agarré mi libro con la pieza de Migena. Asia y Anton ya habían trabajado juntos en su excelente álbum, "Total Entropy", y lo habían tocado íntegro antes de mi show en Turín unos días antes. Asia se había acercado a mí hace varios años con una solicitud de que trabajáramos juntos. "David, ¡hagamos arte!" Bueno, ¡ahora era el momento! Le enviamos un mensaje de texto y resultó que estaba enferma con un resfriado y en la cama en la ciudad de Nueva York. Aun así, la dama era un juego. Le pedí que simplemente escribiera algo en italiano sobre una rosa roja y luego una rosa amarilla y que grabara su voz en su teléfono y nos la enviara a Berlín. Y ella lo hizo. Volamos su voz gutural muy sexy (que se hizo aún más ronca por el resfrío) en la mezcla y con un pequeño empujón de Anton funcionó muy bien. Mi artículo hablado se refería a una reunión que acababa de tener en Turín con una hermosa joven albanesa. Me encanta cómo resultó esta canción. ¡Rosas rojas por todas partes!”

Como lado B del single tenemos una bella versión de la canción que Ian Hunter escribiera para su álbum “Shrunken Heads” del 2007. Grabado bajo un concepto acústico e íntimo, con el acompañamiento de un piano, violín, chello y una guitarra pedal steel. Es una hermosa, respetuosa y cariñosa recreación de esa canción, con una bella y emotiva interpretación vocal de David.

Al comienzo mencionaba que era un single, dos canciones… y mencionaba la alegría que me causaba saber que se viene un álbum nuevo de David J. Sólo me queda decir que en estas dos nuevas canciones se encierra un mundo de esperanzadas ansias de sentirme ante un gran disco… esperemos que el lanzamiento llegue y volveremos a escribir sobre David J. Ahora… seguiré escuchando y escuchando este adelanto como el anterior….

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[ Entrevista a Oli Morera por Diego Centuriรณn. ]

OLI MORERA: SE ALINEARON LOS PLANETAS

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Desde hace varios años la música de Argentina no para de creer y lanzar nuevas artistas al mundo, y cada vez la calidad es superior y siempre nos sorprende alguna artista nueva y nos acercamos para poder conocerla.

Oli Morera nos sorprende con su trabajo “Hoy Sé” con ocho canciones muy cristalinas y gemas que logró captar dentro de un estudio de manera brillante. Para conocerla nos contactamos con ella y esto nos contó…

tanto maqueteábamos algunas de mis canciones. Con Martín Sosa, baterista, amigo de hace años y compañero de Fer en varios proyectos musicales, supimos desde siempre que el día que esto tomara forma él iba a ser Para empezar hablemos de tus ini- parte. Y todo se terminó de alinear con Gus cios ¿cómo nace la idea de componer Despouy, nuestro guitarrista eléctrico. Una canciones? tarde Fer le mostró la maqueta de "Sonreír" Empecé a componer en la adolescencia, fue (track 5 de "Hoy Sé") y ahí se encaminó todo. algo que fluyó como un juego medio catártico. En el 2017 empezamos a tocar juntos. Tengo Como escribir un diario íntimo pero musical. una banda hermosa, musicazos y amigos súper comprometidos con el proyecto. No pue¿Has tenido experiencia musical antes de do pedir más. decidir armar tu propia banda?

Mi primer "banda" la formamos hace como ¿Cómo fue que decidiste grabar tu primer 15 años con una gran amiga. Se llamaba La álbum y cómo llegas a él?

Náusea (éramos muy sartrianas por esa épo- Después de tantos años de hacer canciones ca). Empezó como un dúo, guitarra acústica, y con la banda ya armada se dio naturalmenbajo y voz y después se fueron sumando y te. De hecho, cuando empezamos a tocar restando amigos. Más que una banda de es- juntos ya estaba planteado de esa manera. cenarios fue un espacio musical muy nuestro que duró años. Hacíamos temas propios Musicalmente el álbum tiene una remiy fue una época en la que compuse a lo loco. niscencia a bandas nacionales de los De hecho, un par de canciones de "Hoy Sé" años 90’s, bandas como Bristol o Rosario son de aquellos tiempos.

Bléfari… ¿cuáles son tus influencias?

En paralelo a eso, toqué e hice coros de ma- Me cuesta hablar de influencias. Sí tengo renera intermitente en algunos proyectos, va- ferentes y bandas que escuché mucho y que riados, incluso toqué el bajo en una banda de alguna manera me habrán influenciado, medio punk. pero no sé bien de qué forma. Nacionales podría nombrar a María Gabriela Epumer ¿Cómo nace Oli Morera y The Esmol y los cuatro grandes por supuesto: Charly, Band?

Spinetta, Fito y Cerati. Me preguntabas por Se alinearon los planetas. Con Fer Iguacel, Rosario Bléfari, me gusta mucho y su époproductor y bajista de la Esmol Band, cada ca de Suarez también. Y de afuera: The Hola Oli, primero quiero agradecerte el tiempo que nos dedicas para responder estas preguntas. ¡Gracias a vos!

Cure, Smashing Pumpkins, Kristin Hersh, The Breeders, Cardigans, Massive Attack, R.E.M., Placebo. ¡Cada vez que me preguntan esto digo bandas diferentes! Ahora estoy escuchando muchas bandas argentinas, contemporáneas y lideradas por mujeres.

Veremos de qué manera influencian futuras canciones.

El 11 de junio has lanzado tu primer álbum, “Hoy Sé”. ¿Qué repercusiones has tenido hasta ahora desde el lanzamiento?

Muy lindas repercusiones. Es emocionante que me escriban personas que no conozco, o que citen algún verso de alguna canción. ¡O de repente descubrir que nos escuchan en otros países! Conmover o afectar a otras personas con una expresión artística emociona.

Para aquel que nunca escuchó “Hoy Sé”… ¿Cómo describirías la música del álbum?

Climática, en el sentido que propone diferentes climas sonoros y una combinación de estilos: pop, rock, folk. Introspectiva, íntima y reflexiva. Creo que de algún modo invita a sentir y pensar temáticas que sentí en diferentes épocas y que finalmente confluyen en este todo que es “Hoy Sé” como disco. ¿Cómo fue el proceso de escritura de las canciones y el proceso de grabación?

En el disco hay canciones de diferentes épocas. Con Fer elegimos cuáles grabar. Mi proceso de composición varía, en el tiempo y según el día. Algunas las hice en piano, otras con la guitarra. Casi siempre de noche.

El proceso de grabación fue mágico. Lo en-

caramos con mucha alegría y muy conectados. Tuvimos la suerte de poder pasar horas, días, en el estudio. Probar, jugar. Nos tomamos el tiempo para eso, para disfrutarlo mucho. Además, tuvimos el lujo de contar con la participación de Fernando Samalea y Diego Olivero, dos gigantes en lo musical y hermosas personas. Diego grabó hammond y wurlitzer en “Entre tus ojos y el tiempo” y Sama el bandoneón en “Hoy Sé”. Fue loco como se dio todo. Desde la pre-producción de “Hoy Sé” nos imaginábamos el bandoneón de Sama y ahí está, aún más bello de lo que soñamos. Mágico.

¡Sí! invitarlos a Instagram @OliMorera. Está bueno porque ahí podemos volcar todo lo que va más allá de la música en sí, llevar el “hecho artístico” (como nos gusta decir con la Esmol Band) a otros planos y expresiones. Nos animamos a jugar un poco con eso.

Antes había que esperar 25 años para la versión “deluxe” de un disco, para conocer más sobre los músicos y los discos que nos gustaban. Ahora se puede disfrutar mucho más en vivo la cosa.

Y para cerrar, hace muy poquito sacamos una nueva versión de “Entre tus ojos y el tiempo” que, como el disco, pueden escucharla en cualquiera de las plataformas digitales.

Para terminar… y agradeciéndote nuevamente el tiempo que nos brindas… ¿Hay ¡Gracias Oli! algo que no haya preguntado que nos ¡Gracias a vos Diego! quieras contar?

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[ Reseña de Slipknot – We Are Not Your Kind (2019) por Pablo Ravale. ]

SE AGRADECE EL INTENTO DE INNOVAR

Slipknot – We Are Not Your Kind Label: Roadrunner Fecha de Lanzamiento: 09 de Agosto de 2019

Recuerdo perfectamente todas las dudas que surgieron en 2014 cuando el grupo anunció su regreso con un álbum de lo más ecléctico como fue 5: The Gray Chapter, pues era difícil saber qué íbamos encontrarnos en la primera producción del grupo en seis años, así como la primera sin el fallecido bajista Paul Gray (sustituido por un técnico en guitarras de Mastodon, Alessandro Venturella) y sin un pilar tan importante para el grupo como es el baterista Joey Jordison (sustituido por el baterista de las bandas hardcore Against Me! y Madball, Jay Weinberg). El resultado levantó opiniones de todo tipo, ya sea porque algunos prefieren los primeros álbumes del grupo o porque son fans acérrimos de los nueve freaks de Iowa.

Así las cosas, podemos decir que We Are Not Your Kind tampoco ha tenido un camino de rosas en su proceso de composición y grabación, especialmente en los últimos meses. Como muchos saben, Chris Fehn ha dejado de ser miembro oficial del grupo (siendo sustituido por un percusionista nuevo del que aún no sabemos su nombre, pero al que apodan ‘Tortilla Man’) tras denunciar a dos de sus compañeros, específicamente a Corey Taylor y a Shawn Crahan, por supuestamente haberse quedado con dinero que le pertenece a toda la formación. Otras tres circunstancias negativas que ha sufrido la banda han sido la trágica muerte de la hija de Shawn por una sobredosis, el segundo divorcio de Corey Taylor y la hospitalización en 2015 de Mick Thompson tras pelearse a cuchilladas con su hermano en plena borrachera.

Con un panorama algo complejo el grupo ha sido capaz de publicar este nuevo trabajo, el cual creó grandes expectativas cuando en Halloween de 2018 salió a la luz un temazo llamado “All Out Life” que parecía traer de vuelta a los Slipknot más sanguinarios. Esta composición, que de manera imperdonable no fue incluida en el disco, sumada a las diversas declaraciones que varios miembros del grupo soltaron garantizando que la obra podría asemejarse al pasado del grupo, generaron unas expectativas demasiado altas. Sin embargo, después de escuchar y analizar detenidamente su nuevo disco, no para mal esa “promesa” no se cumple del todo.

Ahora bien, con una imagen de portada tan cuidada como tétrica era esperable que We Are Not Your Kind arrancaría con una introducción completamente instrumental. De una forma atmosférica y bastante siniestra abre “Insert Coin”, un breve pasaje con cierto aire ochentero en el que sólo escucharemos a Corey pronunciar uno de los versos melódicos de un trallazo del que luego hablaré

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como “Solway Firth”. No, no es la mejor introducción de la historia de Slipknot, pero encaja bastante bien con la ya conocida “Unsainted”: un hit efectivo, sin grandes detalles técnicos, con la sorprendente inclusión de un coro femenino en su inicio (me encanta) y con un estribillo que, como puede comprobarse, está funcionando en directo cual himno del grupo. En estos primeros compases del álbum podemos comprobar que la maquinaria sigue estando bien engrasada y que Corey sigue en estado de gracia. Fue con el videoclip de este primer tema con el que los de Iowa presentaron sus nuevas máscaras, sobre las cuales no he querido manifestarme aún.

Con “Birth of the Cruel” la banda define claramente lo que este nuevo Slipknot pretende exponer en este disco: Metal con ciertos tintes gótico-industriales, en los que la producción cobra un peso mucho mayor que en cualquier LP previo, con una estructura cambiante y mucho gusto por las melodías.

“Death Because of Death” es la segunda pieza instrumental del disco. Tema que sobra por completo en el conjunto pero que, como con “Insert Coin”, sirve de introducción a otro gran tema como sí es “Nero Forte”, uno de los cañonazos del disco en los que la banda vuelve a ser la de aquellos ya lejanos primeros álbumes, aunque sin renunciar por ello a las melodías y a un estribillo pegajoso.

Más cercana a los Slipknot de tiempos no tan pasados es “Critical Darling”, o al menos en la primera mitad de su desarrollo. Jay Weinberg se exhibe a la batería desplegando mazazos sobre su kit cual poseso (a mí me gusta mucho más que Joey Jordison) sobre una tradicional pista de guitarra. En la segunda mitad de la canción, todo se pausa y, aunque poco a poco la pieza va subiendo en revoluciones, no llega a estallar del todo, llegando a un tono medio donde se queda y concluye este tema.

La primera parte de We Are Not Your Kind con “A Liar’s Funeral”, tema cuya letra reportan varios críticos musicales que podría ser una indirecta a Chris Fehn. Me parece un cierre de lo más curioso y acertado. La clásica balada os-

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cura de Slipknot, con dosis agregadas de dramatismo y calma por parte de un más que decente Corey Taylor, así como con momentos de mayor distorsión, solos, coros agresivos y otros elementos a los que los de Iowa nos han acostumbrado durante su trayectoria.

La segunda parte del disco abre por todo lo alto gracias a “Red Flag”, una pieza que tiene toda la pinta de que funcionará de manera excelente en las futuras presentaciones en vivo del grupo. Sí señores, ahora sí vemos a los Slipknot del primer álbum. Las melodías desaparecen y sólo queda hueco para la agresión salvaje que hizo popular a esta banda entre los metaleros de finales del pasado milenio.

Otra introducción instrumental titulada “What’s Next” da paso al tema más raro de todo el conjunto (que no el peor). Con “Spiders” la banda apuesta por la innovación, por las bases programadas, por más melodías y por cierto regusto electrónico. Ni siquiera la voz de Corey me termina de hacer gracia aquí. Es un híbrido entre Slipknot y los discos más góticos de Marilyn Manson.

Luego nos encontramos con “Orphan”, donde un inicio sin complejos con cierto sabor a Metallica se transforma pocos segundos después en una base instrumental cargada de adrenalina (alucinante el juego de pedales de Jay Weinberg) con el ADN del grupo claramente en su interior. No obstante, en la segunda mitad de la canción aparece otro interludio instrumental en el que la progresión de instrumentos, en especial la percusión, termina ascendiendo.

Se encienden las alarmas con “My Pain” y “Not Long for This World”, que son los dos temas de mayor duración, de atmósfera demasiado cargada para lo que estos muchachos suelen hacer, aunque no por ello menos intensas que las piezas machaconas clásicas.

Los de Iowa nos reservan para el final una carta maestra titulada “Solway Firth”, que fácilmente podría ser la mejor de toda la obra. Tras sembrar dudas con varios números, surge una introducción fúnebre, distorsionada y en la que nos topamos con Corey Taylor en un tono teatral muy lejos de lo que nos suele acostumbrar, dando paso a una pieza impredecible, llena de cambios, con mucho peso de las guitarras, grandes momentos de batería y un estribillo incendiario que roza lo extremo. La letra también es una gozada. Un final épico y digno de esta maquinaria del Metal más extremo.

Está claro que Slipknot es una banda mainstream (negarlo sería de locos), pero de vez en cuando son capaces de sacarse de la galera (o de la máscara) una serie de canciones que se alejan del mundo radiofónico y de cualquier tipo de popularidad (negarlo también sería un disparate). De hecho, We Are Not Your Kind, aunque en ocasiones pueda pecar de abusar de los estribillos gancheros y comerciales en materia metalera, parece mostrar a un conjunto que sigue en evolución, tratando de añadir nuevos elementos a su sonido.

En resumen, este no es un disco sencillo de escuchar, ni mucho menos.

No obstante, se agradece el intento de innovar.

Somos una nueva netlabel de Argentina.

"No Me Escucho Records" nace luego de varios años de trabajo entre Darío Martinez y Diego Centurión para seguir con su tarea auto impuesta de difundir la música.

Pueden seguirnos y enterarse de las novedades en: https://www.instagram.com/nomeescucho https://twitter.com/NoMeEscuchoRec https://soundcloud.com/nomeescuchorecords https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/releases https://www.discogs.com/label/1655158-No-MeEscucho-Records

HIROSHIMA DANDYS SESIONES EN EL MONTACARGAS Fecha de Lanzamiento: 20 de Septiembre de 2019 Estilos: Electropop, Synthpop

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Hiroshina Dandys es un trío de electropop de Buenos Aires, Argentina.

Pablo Rivas (Voz, sintetizadores y programaciones), Nicolas Gonzàlez (Voz y guitarras) y Flori Li (Voz y teclados) forman este grupo de lo que ellos llaman "Technopop enrarecido".

Un trio de Canciones electrónicas con un pie en el post punk y otro en la pista de baile enfatizando la importancia de las letras, muchas veces oscuras, muchas veces irónicas pero siempre criticas en una segunda escucha.

Desde el 2003 a la fecha llevan grabados varios LPs y EPs: Ustedes también dejan mucho que desear (2012).

Hiroshima Dandys 2014 (2014).

Las ideas negras (2014).

El technopop de los trabajadores, Remixes (2015).

Brisa Salvaje (2016).

El lugar favorito de lo horrendo (2016).

Confort y desesperación (2018) De la esperanza a la Tragedia (2018).

Filatelia & Remixes (EP) (2019).

El de 19 de julio de 2019 la banda anuncia su despedida y su separación con un show final en El Especial.

No Me Escucho Records presenta la edición de un nuevo registro de las Sesiones en el Montacargas. En esta oportunidad los Hiroshima Dandys regresan nuevamente a la vida con este registro en vivo en el estudio Montacargas. Registrado hace un año, precisamente el … de agosto del 2018.

En este trabajo llamado "Sesiones en el Montacargas" despliegan todo su encanto sonoro como visual con una ajustada y precisa interpretación en vivo de cinco de sus canciones, la mayoría de su último álbum… que también salió para la primavera porteña del 2018, "De la esperanza a la Tragedia" lanzado por Sólo le pido a Dior.

Canciones: 01 Cinefagia 02 De la Esperanza a la Tragedia 03 Duelo 04 La Inundación 05 Filatelia Hiroshima Dandys es: Mambo Pablo Rivas, Flori Lee y Babi Dior

Estudio Montacargas: Darío Martínez; Grabación, mezcla y masterización.

Maxx Wild: Grabación.

Diego Centurión: Coordinación y supervisación.

Claudio Ros: Video y edición.

Diseño: Pablo "Mambo" Rivas

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[ Robin Guthrie 2009 por Diego Centuriรณn. ]

ROBIN GUTHRIE: LOS SONIDOS DEL ALMA

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Disfrute de la vida. Esto no es un ensayo.

Friedrich Nietzsche Tomando la frase de Nietzsche citada como base para diseñar éste escrito me puse a pensar en la tiranía que ejercemos sobre los artistas, sobre todo en el plano musical, solicitando que siempre estén un paso adelante de nuestra mirada o pensamiento. ¿Por qué queremos que un artista siempre nos sorprenda?, ¿será por nuestra propia incapacidad de generar algo nuevo y diferente?... Lo cierto es que cuando un artista edita un nuevo trabajo esperamos, como parte de un jurado que juzga si la obra es buena o mala, si dictaminamos que no lo es, tendemos a menospreciar el lanzamiento, y no hacemos lo que simplemente sería lo más sensato, festejar el nuevo lanzamiento como un regalo del propio artista para con nosotros, no disfrutamos de tener un nuevo grupo de canciones para escuchar.

Por otro lado, vivimos en un constante sube y baja, la vida nos pone en momentos de máximo esplendor pero también de mínima iniciativa y productividad. El arte puede ser curador pero a la vez puede lanzar los demonios del artista hacia su público, que los disfrutará y los subirá nuevamente al cielo, calificándolo de obra maestra o le asignará propiedades majestuosas, en su gran mayoría, no ganadas por méritos propios sino muchas veces alimentados por una muy buena campaña de prensa.

Hay años que a los artistas inquietos lo marcan por su gran actividad, y rara vez podemos hablar de un gran año, ya que en muchas veces en la cantidad no hay calidad. Obvio que en algunos casos si la hay y eso es algo que debemos festejar y, de vez en cuando, recordar.

En el plano musical estos fenómenos de claridad y sinceridad no suelen abundar, y si bien en este nuevo milenio las tecnologías han jugado un papel trascendental en las ediciones masivas de artistas que suelen colaborar con otros artistas, sin importar la latitud en la que se encuentren dentro del mapa terrestre, o lanzar mucho material, es raro que encontremos tantos tesoros de un artista en un año.

Hablar de Robin Guthrie a esta altura en estas páginas es hablar de una persona que siempre ha estado presente y muchas veces sin aparecer de forma explícita, debido a los sonidos que abundan en las páginas de esta revista.

Pero hoy haremos un nuevo camino y nos detenemos en estas cuatro estaciones del año 2009 para Robin, que nos trajo hermosas pinceladas en su paleta discográfica, de este músico que encontró los sonidos del alma.

Estación 1: Mirrorball

04 de Mayo de 2009.

Disco colaboración con John Foxx Label: Metamatic (META23CD)

Cuenta la historia que ambos se conocieron tocando en un concierto de Harold Budd en mayo del 2005 y decidieron unirse para grabar algo, de esta reunión del ex - cantante de Ultravox! y el genio guitarrista de Cocteau Twins nace este “Mirrorball”.

Robin Guthrie tuvo un gran 2008, en donde se lo vio por Latinoamérica en plan solista y pero no tanto en cuanto a las grabaciones… Mientras que John venía como es su costumbre colaborando y reeditando material y grabaciones en vivo.

La unión formalizada en este álbum lanzado por sello de Foxx llamado Metamatic. Se trata de nueve canciones que mezcla los ambientes etéreos

de la mano de la guitarra de Robin y la atmósfera solemne de la voz de John, que por momentos se vuelve muy ambiental y en otros es un acompañamiento ideal para la hora azul del crepúsculo. Las guitarras de Guthrie bañan la calma de los cantos abstractos de Foxx y elevan con su magnetismo diáfano la solemnidad que por momentos adoptan algunas canciones como “Mirrorball”, “The Perfect Line“, “Luminous” o “Empire Skyline”. Pero también nos encontramos con perlas Made In Robin Guthrie como las bellas, “My Life As An Echo”, “Estrellita” y “Sunshower”.

Podemos enmarcar a “Mirrorball” como un perfecto mix de “Cathedral Oceans” (1997) de John con “Continental” (2006) de Guthrie.

“Mirrorball” es de esos álbumes que pueden quedar sonando en modo “repeat” durante la caída del sol y será la banda sonora perfecta para el momento.

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Estación 2: Angel Falls (EP) 30 de Junio de 2009 Label: Darla (DRL224)

A veces, sólo a veces, uno sabe con lo que se va a encontrar cuando un artista que a uno lo emociona lanza un nuevo trabajo, ya sea por lo que viene haciendo en su carrera o lo que ha visto en sus shows. Lo cierto es que Robin Guthrie viene repitiendo esa fórmula que tanto lo caracteriza y tanto enamora a quienes soñamos con esas guitarras cocteanas que logra elevar el alma a niveles celestiales. También es cierto que uno indefectiblemente, ese limbo en el que nos ponen las mareas Robinianas emanadas de sus bellas guitarras nos hagan solar con la voz celestial de Elizabeth Fraser, pero enseguida sabemos que ese sueño, al menos por

mucho tiempo, será una utopía.

Al escuchar Angel Falls, por primera vez, sabía muy bien con qué me encontraría, y así fue. Cuatro canciones que se vienen gestando en toda su discografía, esos sonidos cristalinos de guitarras con delays y chorus, con ritmos con escobillas, lo cual lo hace mucho más sutil y elegante, el bajo tan presente como un remanso en el cual fluyen los acordes y las capas de la guitarra, tan espumante como la superficie de una ola abrasadora en el verano.

Estación 3: Carousel 15 de Septiembre de 2009 Label: Darla (DRL226)

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Unos meses después del EP, Angels Falls, Robin nos trae su tercer álbum solista, tres años después de su segundo álbum "Continental" (2006).

Un grupo de 10 nuevas canciones elegantemente soñadoras y frágiles, cargadas del sonido característico de Robin, en este trabajo retoma ciertas sonoridades más cocteanas que podríamos sentir como parte de nuestra piel. Como siempre sucede con Guthrie, el álbum suele ser una delicia desde el tímido comienzo de "Some Sort Of Paradise" hasta el último destello de "Little Big Fish". Las guitarras se entrecruzan creando una red luminosa y por momentos algo melancólica, suelen amontonarse como nubes blancas sobre un cielo turquesa de primavera en un campo de girasoles, creando un paisaje celestial único e irrepetible, porque si algo logra Robin es que cada álbum puede sonar similar pero nunca idéntico, siempre tiene esa cuota necesaria de brillantez que lo hace distintivo y digno de esa cofre de riquezas que nos llevaremos en nuestra alma el día que nos llegue la hora de abandonar este mundo...

Estación 4: Songs To Help My Children Sleep (EP) 13 de Octubre de 2009 Label: Darla (DRL228)

Es un trabajo en donde para comenzar a escucharlo debemos olvidarnos de la pesada herencia que tiene siempre Robin de ser el ex guitarrista de Cocteau Twins, no es porque él no tenga espalda para transportar el peso de su rica historia, pero simplemente se cae en fáciles comparaciones y para poder disfrutar desde los primeros segundos del track de apertura, tenemos que pensar en la carrera de Guthrie como guitarrista solista.

El último lanzamiento de este gran 2009 de Robin Guthrie. Se trata de un EP de 4 canciones que desde su título nos invita a aferrarnos a un ambiente onírico de suma belleza y cierto misterio. En relación a su álbum “Carousel” este es un trabajo mucho más ambiental, en donde los ambientes se vuelven mucho más lánguidos y espaciosos… las guitarras flotan en ambientaciones celestiales y suspendidas como estrellas nocturnas emanan esa brillantez que nos hipnotiza.

Podría parecer un trabajo más en la carrera de Robin Guthrie, pero creo que es el broche de oro a un año muy prolífico como hermoso.

Como dato para finalizar este informe sobre el 2009, Robin ha masterizado el EP de la banda de California, Broaddaylight – “Stars Out”.

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[ Entrevista a Martin Metcalfe de Goodbye Mr MacKenzie por Diego Centurión.

Fotografías: Karen Lamond, Andrew Barr, Kate Garner and Martin Becker. ]

GOODBYE MR MACKENZIE: ES HORA DE IMAGINAR UNA SOLUCIÓN Y CONVERTIRLA EN REALIDAD

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Hay bandas que no se conocen, ya sea por la distancia geográfica, por no haber accedido a esa información por diferentes razones, "Goodbye, Mr. MacKenzie" es una de esas bandas en Escocia, que no ha tenido el impacto de bandas como The Jesus and Mary Chain o Cocteau Twins, por nombrar solo algunos. Por eso nos encanta rescatar estas historias, que poco se saben y que regresan a la actualidad con nueva fuerza, pero con una historia tan rica como desconocida de este lado del planeta. Y aprovechando la edición de una versión remasterizada de su álbum debut, "Good Deeds and Dirty Rags" y el festejo de sus primeros 30 años, nos hemos comunicado con la banda y esto nos contaron...

Hola y gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Es difícil empezar y no mencionar que entre sus integrantes estuvo Shirley Manson.

Para empezar y preguntar por ella en este principio… ¿Qué piensas de su carrera musical? ¿Pensaban que ella iba a llegar a ser lo que hoy es?

No teníamos idea de que se convertiría en un nombre tan conocido en todo el mundo y tampoco creo que lo haya hecho. Hizo un gran trabajo de gira / grabación y trabajo de prensa con Goodbye Mr Mackenzie y luego Angelfish, lo que la colocó en una excelente posición cuando recibió la oferta de trabajar con el productor más famoso y genial del mundo. La vio actuar con nosotros en Chicago cuando Angelfish recorrió los Estados Unidos y pensó que valía la pena intentarlo como cantante de Garbage...

Funcionó. Mucho trabajo duro y un poco de suerte la convirtieron en lo que es ahora.

contarle acerca de este lanzamiento?

Creo que estaba muy feliz de que lo hiciéramos, pero no pudo participar.

Goodbye, Mr. Mackenzie fue una gran parte de su vida musical, pero Garbage es mucho más grande.

Estaba de gira en los EEUU. Cuando hicimos los shows y no podría haber logrado encajarnos. Para ser justos, creo que ha superado el papel que tuvo en Goodbye Mr Mackenzie, por lo que le parecería extraño hacer coros.

Ha sido extraño agregar canciones de Angelfish ya que el público del Reino Unido no está familiarizado con ese álbum, también podríamos hacer algunos duetos, pero hay un límite en cuanto a la cantidad de esos que una banda puede tocar una noche.

Ahora empezando con la banda. ¿Qué recuerdas de aquel momento que deciden crear Goodbye, Mr. MacKenzie?

No hubo "decisión", la banda evolucionó a partir de dos bandas diferentes de nuestra pequeña ciudad ¿Se han comunicado con ella para natal de Bathgate. No había ningún

manager que nos guiara. La única "decisión" como esa en la que estuve involucrado fue cuando mis amigos y yo escuchamos bandas de punk en 1976 y dijimos "¡formemos una banda!".

Esos amigos y yo teníamos entre 13 y 15 años y ninguno de nosotros podía tocar ningún instrumento. La banda número uno de Bathgate se formó a partir de esa decisión. Después de eso conocí a Derek Kelly y su banda. Esos tipos asistieron a una escuela religiosa diferente a la mía y, finalmente, ambas bandas se fusionaron alrededor de 1979. Todos éramos menores de 18 años en ese momento. Luego hubo unos años de escribir canciones malas y tocar en conciertos malos antes de que nos tomáramos un descanso a principios de los 20.

conocimientos musicales y los he hallado por el lado de INXS o The Waterboys. Si tuvieran que contarles a nuestros lectores cómo es la música de Goodbye, Mr. MacKenzie ¿Cómo la describirían?

Esas referencias son probablemente razonables para nuestro material de los 80 y, de hecho, estábamos escuchando a los Waterboys, pero definitivamente NO estábamos escuchando INXS. Salimos de Post Punk y entramos en una era en la que los ingenieros del estudio se habían hecho cargo del hospital psiquiátrico (estudios de grabación).

Eran limpiadores. Limpiaron todos los sonidos y probablemente es por eso que INXS te viene a la mente.

En 1984, cuando comenzábamos a grabar nuestras demos, los samplers digitales eran una herramienta nueva Cuando los escuché por primera y emocionante que la mayoría de las vez hace muchos años atrás, bandas no tenían idea de cómo operar busqué una referencia entre mis y desafortunadamente la música se

volvió un poco plástica en manos de los 'limpiadores'. Nuestras letras, por otro lado, no estaban contaminadas por la tecnología y todavía tenían un desafío en su núcleo. Raramente o nunca cantamos sobre el amor. Siempre hicimos nuestras letras socialmente relevantes (al menos para nosotros).

Alrededor de 1990 comenzamos a revisar seriamente lo que estábamos haciendo y terminamos haciendo música que estaba más cerca de los Pixies, Nick Cave o algunas de

las bandas de Grunge que vinieron más tarde. Acepto que somos más conocidos por nuestro álbum “Good Deeds”, que sufrió un poco por la producción de los 80, pero creo que es un récord bastante bueno. Parece que algunos de los niños realmente adoran ese sonido ahora, ¡así que no voy a discutir! Escuché una entrevista con Robert Plant, cuyo primer LP fue grabado durante ese tiempo y describió la grabación digital como "en su infancia". Esa es una buena manera

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de verlo.

Hoy las redes sociales han cambiado la manera de alcanzar una mayor distribución, ¿Cómo se llevan con las redes sociales?

Hay ventajas y desventajas. De hecho, disfruto bastante de la promoción de Facebook, etc. en algún nivel, pero puede consumir todo. Las redes sociales quieren nuestra atención, quieren robar su tiempo y controlar su enfoque. Está diseñado de esa manera.

Puede ser una relación incómoda, son como una persona solitaria en una tienda que quiere venderte algo (lo cual está bien) pero luego te mantiene en la tienda charlando en detrimento del resto de tus objetivos y relaciones; por dinero por supuesto. Cuanto más puedan demostrar a sus anunciantes que está pegado a Facebook o Twitter, más dinero ganan. Puedo ser absorbido por la trivia y la distracción que es mala para mí. Muy ocasionalmente soy un tonto 'clickbait' y termino en un vórtice de bollocks. Por supuesto, es genial que podamos comunicarnos con personas de todo el mundo, pero también lo puede hacer cualquier otra banda. El campo de juego sigue siendo lo que era y el dinero habla. La alegría de que algo 'se vuelva viral' sin grandes sumas de dinero sigue siendo tan probable como que Donald Trump diga algo honesto (sucede, pero generalmente solo cuando es beneficioso para las grandes empresas).

Cuéntenos sobre Blockshok.

Nuestro sello BLOKSHOK Records se creó en 1994 para lanzar nuestro primer álbum 'Indie' completo que se llamó '5'.

Estamos muy orgullosos de tener esa etiqueta. Hemos lanzado alrededor de 10 álbumes en él. Todo nuestro propio material. Nos encantaría lanzar otros

artistas, pero tenemos demasiado para darle el tiempo que necesita.

Hace un tiempo en esa página he leído la historia sobre el Muro de Berlín. ¿Puedes contarla para aquellos que no la conocen? ¡Oh sí! Otro momento brillante para nosotros. Estábamos grabando nuestro segundo LP en Berlín en Hansa Ton Studios, apodado como 'Hansa by the wall'. Encontramos ese lugar cuando buscábamos en Berlín un buen estudio.

Pensamos que era un gran edificio y un entorno mágico. Nunca nos dimos cuenta de que nuestros héroes Bowie e Iggy grabaron Heroes & Lust For Life.

Estuvimos allí en noviembre de 1989. Nuestro gerente llamó al estudio alrededor de las 6 p.m. y dijo que el Muro de Berlín se derrumbará esta noche. ... Los propietarios y técnicos de EE. UU. Y estudio, aunque "no puede ser cierto" No hubo una acumulación política. Fue una sorpresa para el mundo. Habíamos estado grabando muy tarde en la noche e íbamos a estar alrededor del medio día... comenzando a trabajar alrededor de las 2 p.m. para comer y pasear por el puesto de control Charlie solo en caso de que hubiera algo de verdad en el mensaje. Cuando llegué allí, el lugar estaba atestado. Me paré en una gran multitud de personas mirando a los berlineses orientales caminando libremente por el puesto de control. Fue increíble. El fin de la guerra fría. Recuerdo haber pensado "estamos a salvo de la guerra nuclear".

Un periodista tomó una fotografía de la multitud y yo estaba allí. Un cartel publicitario masivo de la foto estuvo en Berlín durante unos años en la década de 1990 y estuve allí. La ciudad estaba loca desde ese día. Estaba lleno de visitantes que querían experimentar ser parte del maravilloso sentimiento. Los

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alemanes orientales que no hablaban inglés nos abrazaron y dieron señales de victoria. Sentía que todo en el mundo podría ser positivo ahora. Ese fue el final de una versión venenosa del comunismo en Rusia. El verdadero capitalismo murió en el colapso de 2008 y las cosas se ven aterradoras nuevamente. Sin embargo, nunca olvidaré ese sentimiento. Esperanza y una especie de hermandad. ¿Cuál es la conexión entre Goodbye Mr MacKenzie, Angelfish y The Filthy Tongues?

La conexión soy realmente yo, Fin Wilson y Derek Kelly. Hemos tocado la batería y el bajo en todas estas bandas y todos tenemos un amor por las alternativas e incluso en nuestro momento más comercial ha habido

un cierto nivel de comportamiento intransigente. En los 80 queríamos emular lo que Bowie había hecho en los 70. Trajo a Iggy Pop, Lou Reed y otras incógnitas radicales a los hogares del mundo. Queríamos llevar a Nick Cave & The Pixies a la conciencia general, a través de nuestro pop retorcido. Si soy sincero, diría que simplemente no teníamos su genio, así que no sucedió.

Creo que fuimos la primera banda en interpretar una canción de Nick Cave "Knockin 'On Joe'. Vimos que en realidad era un gran compositor clásico.

Su música en The Birthday Party había sido tan ruidosa y estaba ahí fuera que nadie en la corriente principal podía reconocer eso. Me encantó el ruido que hizo y su versión es como una entrega de 'Hillbilly Heroin' de esa canción. Podía escuchar una canción

clásica de antorcha de blues allí.

Cuéntenos a grandes rasgos ¿Cuándo y por qué deciden regresar y reformar la banda?

Decidí hacer un concierto en solitario para celebrar el 30 aniversario del disco. Sinceramente, pensé que nadie más (incluso Kelly y Wilson) querría hacerlo. Big John me había dicho que

tenía EM y que ya no podía tocar la guitarra. Rona se había establecido criando una familia y me dijo que no había tocado el teclado desde que la banda se separó hace 25 años. Las probabilidades estaban en contra de nosotros. John perseveró a través de su condición. Todavía tiene todas sus guitarras y de alguna manera logramos juntarlo y hacerlo funcionar. Desde

que Fin dijo 'sí' a mediados de enero, nos tomó alrededor de 14 semanas reunirnos. Bastante sorprendente teniendo en cuenta que John vive en Amsterdam.

Se viene el lanzamiento de la versión remasterizada de su primer álbum, Good Deeds and Dirty Rags. ¿Cómo fue escuchar nuevamente el material luego de 30 años de su publicación?

Bueno, los artistas nunca están satisfechos con su trabajo y creo que he esbozado mis sentimientos y en mi primera respuesta, pero hay otro elemento, pero hay otra cosa quizás más espiritual al escuchar obras antiguas. Nos hemos dado cuenta de la música como una especie de tecnología de viaje en el tiempo. Cuando las personas vienen a los conciertos, son transportadas de regreso a un tiempo de libertad y diversión. Puede ser “rosa tenido” pero no hay daño en ello. Es un momento para reflexionar sobre las cosas buenas de tu vida, supongo. Tuve una sensación similar al escuchar el disco. Recordé cómo sucedió todo. En diciembre de 1987 estaba reclamando beneficios de desempleo y pensé que no llegaría a ningún lado con la música; para marzo de 1988 tenía un contrato discográfico importante y por primera vez en mi vida (parecía) un salario adecuado. En junio de 1988, Shirley Manson y yo volamos a Munich, Alemania, por cortesía de Capitol Records, para encontrarnos con un posible productor que había trabajado (entre muchos otros) con Led Zeppelin, The Rolling Stones y Queen.

No había estado en el extranjero o incluso en un avión desde mi único viaje fuera del Reino Unido (diez años) a Mallorca en unas cortas vacaciones

escolares. Ahora estaba volando a través de una tormenta con relámpagos irregulares por todas partes que solo había presenciado en las películas de Hammer Horror, pero no era aterrador, era una sensación de emoción total.

Nos miramos con incredulidad a nuestra buena fortuna. Fue una experiencia hermosa y nuestro productor Mack fue un tipo muy agradable y divertido. Sus historias sobre Keith Richards, Brian May y John Bonham fueron divertidas.

Cuando estábamos grabando con Mack, Keith Richards vino a visitar el estudio y tuvo una fiesta. Big John lo ayudó a recordar cómo deletrear su nombre cuando estaba firmando el libro de visitas. Fue un gran momento para nosotros y eso fue lo que pensé cuando escuché Good Deeds & Dirty Rags nuevamente.

Para resumir, ¿cuáles son sus planes para el futuro cercano?

Hemos disfrutado tanto de este concierto que haremos algunos más este año. Vamos a tocar en Inglaterra / Londres y algunas fechas más en Escocia terminando con nuestro concierto en el Barrowland de Glasgow cerca de Navidad. Después de eso, quién sabe qué acecha al Goodbye, Mr. Makenzie. Parece una pena no grabar un álbum final, pero ya veremos.

De lo contrario, Kelly, Fin y yo continuaremos con nuestra banda actual The Filthy Tongues. Parece que todavía no podemos enfrentarnos a bajar nuestros instrumentos. También hay mucho de qué escribir en estos días. El caos en el tema de las buenas acciones parece haberse convertido de lo que era una especie de temor distópico ficticio en realidad. Es hora de imaginar una solución y convertirla en realidad.

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Para terminar y esperando la edición. ¿Qué planes hay para el futuro cercano?

Filthy Tongues Dates Septiembre 19 Sep, Dunfermline, PJ Molloys 20 Sep, Glasgow, Oran Mor Goodbye Mackenzie dates Noviembre 2 Nov, Middlesbrough, Westgarth Social Club 8 Nov, London, Dingwalls Diciembre 13 Dic, Dunfermline, PJ Molloys 14 Dic, Cumbernauld, Submarine Club 15 Dic, Dundee, Beat Generator 20 Dic, Glasgow, Barrowland 29 Dic, Liquid Rooms, Edinburgh

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[ Reseña de “Cosaquitos en Globo - Fast Cars (2019)” por Diego Centurión. ]

SE PRONOSTICA BUENOS TIEMPOS

Cosaquitos en Globo - Fast Cars (EP) Label: 4toC REC Fecha de Lanzamiento: 06 de agosto de 2019

Nos tomamos un tiempo desde la salida de este EP nuevo de los Cosaquitos en Globo. Mucho pasó desde su último trabajo, aunque tal vez para nosotros los oyentes lo principal que debemos saber es que su nueva residencia es… Berlín. Ya desde este 2019 el dúo de Maru Pardo Saguier y Sebastián Cordovés decidieron emigrar al viejo continente para probar suerte en el under europeo. Y esta es la primera realización desde sus adoptivas calles berlinesas. Ahora ¿Con qué nos encontramos en estas nuevas tres canciones? Primero que todas están cantadas en inglés, y si bien, su calidad y profesionalismo sigue intacto, se han vuelto muy detallistas, no es que antes no lo fueran… al contrario, creo que siempre lo fueron… pero el grado de complejidad que hay en las secuencias y la melodía de Maru, denotan un crecimiento que marca una diferencia con todo lo anterior… si bien, no creo que influya tanto la mudanza, sino un crecimiento como banda. Suenan muy frescos y seguros de lo que están componiendo… la amalgama de sonidos están muy pensados y cada detalle suma un universo que se expande cuando se suma a la base.

Las melodía de voz tienen más frescura y se nota que Maru se siente mucho más suelta y su voz flota en las tres canciones cómodamente en las texturas generadas por Seba.

Obviamente las tres canciones son tres futuros hits en sus shows…

Nuevo trabajo de los Cosaquitos en Globo… se abre la puerta de una nueva etapa en la banda… se proyecta muy buenos tiempos… muy buena música de este dúo...

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PALABRAS EN LA ARENA

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Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego.

Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor.

Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?).

Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío.

Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ "La Doctrina Secreta" de Helena Blavatsky por Pablo Ravale. ]

ESFORZARSE PARA OBTENER EL CONOCIMIENTO OCULTO

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La Doctrina Secreta es un libro de la ocultista y médium rusa Helena Petrova Blavatsky, autora también del mítico Isis sin velo.

La Doctrina Secreta, uno de los mejores libros de Blavatsky, supuestamente le fue dictado por los Mahatmas (entre ellos, los Maestros Lord Morya y Koot Hoomi), especie de espíritus Guías de la tradición hinduista; es decir, seres desencarnados pero que por su alto estado evolutivo aún continúan en contacto con la humanidad y la asisten. Este contacto, de acuerdo a Blavatsky, fue un sutil proceso de transferencia de información que ella denominó tulku, término que dentro de la filosofía del Tíbet describe la manera en que las almas deciden encarnar conscientemente en nuestro plano de existencia.

Pero La Doctrina Secreta no fue íntegramente dictado desde Esferas Superiores. La propia Blavatsky aseguraba que otra fuente de inspiración fue una antigua y misteriosa obra: El Libro de Dzyan, un compendio de conocimientos arcanos escrito en una lengua aún más extraña: el senzar, indescifrable para la mayoría de los hombres pero accesible para los iniciados.

Según Blavatsky, unas pocas páginas traducidas de El Libro de Dzyan se encuentran en el Libro de Kiute, el cual realmente existe y es una de las fuentes principales del budismo esotérico.

A pesar de que la leyenda sostiene que El Libro de Dzyan fue escrito sobre un pergamino mágico, resistente al agua y al fuego, jamás fue encontrado. Sus párrafos, de acuerdo a esta leyenda, contienen toda la historia de la humanidad; una historia que no coincide con lo que actualmente creemos sobre nuestro pasado. En cualquier caso, El Libro de Dzyan versa sobre una gran cantidad de civilizaciones que nacieron y se marchitaron en el curso de los milenios, mucho antes de la llegada de los sumerios, egipcios y griegos.

Por tanto, La Doctrina Secreta sería o contendría entonces evidencia de una religión universalmente difundida en el mundo antiguo. Pruebas de su difusión, registros auténticos de su historia y una cadena completa de documentos mostrando su carácter y presencia en toda nación, junto con las enseñanzas de sus grandes adeptos, existentes hasta nuestros días en criptas secretas de bibliotecas pertenecientes a la “Fraternidad Oculta”.

En este sentido, los mitos que hoy conocemos, así como las religiones que dominan el planeta, son apenas ecos deslucidos de aquella antigua verdad. Esto no significa que La Doctrina Secreta intente probar la posible verosimilitud de

los mitos, sino todo lo contrario: plantear la existencia de un principio divino único, ilimitado, absoluto, del cual derivan las distintas religiones, siendo cada una de ellas puntos de vista sobre esa gran verdad inexpresable.

Por otra parte, el libro afirma que el Universo es eterno pero no continuo; es decir, que pasa por ciclos de creación y destrucción que se suceden sin principio ni fin. Algo similar ocurre con su visión acerca del alma humana, la cual, según Helena Blavatsky, es pequeños desprendimientos del Alma Universal (Dios).

Con todo, y más allá de lo que Madame Blavatsky afirme de que La Doctrina Secreta es como una especie de verdad revelada, lo cierto es que se trata de una obra muy interesante, que puede disfrutarse perfectamente sin conocer sobre la Teosofía.

Hablando ahora para aquellos que saben y creen que Blavatsky estaba en comunicación con los Maestros, podríamos agregar que de La Doctrina Secreta se dijo también que tenía que estar escrito de tal forma que obligue al estudiante serio a desentrañar muchas de las verdades que, en un libro moderno, serían puestas de manera ordenada y anunciadas especialmente. O sea que la información sobre un tema está dispersa en varias partes de la obra, y de ahí que sea muy útil utilizar su índice para estudiar un tema en específico.

Es cierto que no es una obra fácil de leer (aunque se exagera su dificultad). Pero esto fue hecho intencionalmente para descartar a los simples curiosos y obligar a los verdaderos estudiantes a esforzarse para obtener el Conocimiento Oculto.

El detalle es que cuando se lanzó en 1888, no existía prácticamente ninguna obra esotérica que estuviera abiertamente al alcance del público. No obstante, en la actualidad, con la difusión masiva de mucha literatura llamada “esotérica”, esa dificultad se ha vuelto un obstáculo, ya que la gente, frustrada y desalentada de no comprender la enseñanza, prefiere irse por “cosas más fáciles”, que en la gran mayoría de las veces son pseudo-enseñanzas y en realidad corresponden a grandes desviaciones de la verdadera Sabiduría Antigua.

Los Maestros no son Seres Ascendidos porque sí; Blavatsky triunfó...

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FRANCO DOGLIOLI

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EL ACUERDO No sin mentir He comprado cielo No sin ver He cedido poderĂ­o No sin morir He mendigado calma No sin sangrar He sido carne No sin pelear He donado retazos No sin envenenarme He ofrecido consuelo No sin callar He aceptado asilo No sin huir He decidido cementarme No sin conjurar He adobado sonrisas No sin diluirme He seguido presente

CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

ORGÍA por Pablo Ravale

En la antigüedad, las orgías rituales sólo proveían una interrupción furtiva de la prohibición que afectaba a la libertad del impulso sexual. A veces la licencia se limitaba a los miembros de una cofradía, como en las fiestas de Dionisos; pero más allá del erotismo, podía tener un sentido más específicamente religioso. Los hechos los conocemos de forma muy vaga, aunque siempre podemos imaginar como en aquel entonces la vulgaridad y la pesadez acababan venciendo al frenesí. Sería vano negar la posibilidad de una superación en la cual contemporizarían la ebriedad que suele ir ligada a la orgía, al éxtasis erótico, al desenfreno sexual.

En la orgía, los impulsos festivos adquieren esa fuerza desbordante que lleva en general a esa negación de cualquier límite. La fiesta es por sí misma una negación de los límites de una vida ordenada por el trabajo. No obstante, la orgía es también signo de una perfecta inversión del orden; puesto que no era por azar que en las saturnalias se invertían los roles sociales, pasando el amo a servir sexualmente al esclavo y éste terminando por acostarse en el lecho de aquel.

El sentido más agudo de esos desbordamientos provenía del acuerdo arcaico entre la voluptuosidad sensual y el arrebato religioso. La orgía, fuera cual fuese el desorden introducido en ella, allanó el camino al erotismo más allá de la sexualidad animal.

Con todo, el frenesí sexual afirma un carácter sagrado que es lo propio de la orgía. O sea, de ésta procede un aspecto arcaico del erotismo. El erotismo orgiástico es esencialmente un exceso peligroso. Su contagio explosivo amenaza todas las posibilidades de la vida sin distinción (el matrimonio, la paternidad).

De hecho, su rito exigía primero que las ménades –seres femeninos divinos estrechamente relacionados con el dios Baco o Dionisos, y que se permitían importantes dosis de violencia, crímenes, mutilación, sexo y excesos varios–, en un ataque de ferocidad, devorasen vivos a los hijos de corta edad. Más luego la sangrienta omofagia de los chivos, previamente amamantados por las ménades, remitía a su vez a aquella abominación.

Aún así, la orgía no se orienta hacia lo religioso sino que más bien extrae de la violencia fundamental ese carácter majestuoso, sagrado, místico y hasta de orden profano. La eficacia de la orgía se muestra del lado de lo nefasto, lleva consigo la desfachatez, el vértigo y la pérdida de consciencia. Se trata de comprometer a la totalidad del ser en un deslizamiento ciego hacia la perdición: momento decisivo de religiosidad.

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https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Entrevista a Luis Mojica por Benjamín York. ]

LUIS MOJICA: ESTE ÁLBUM ES EL MÁS PERSONAL E ÍNTIMO

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Con un semblante puro e enigmático llega desde Woodstock, Luis Mojica, y nos presenta su nuevo y tercer álbum, "How A Stranger Is Made", que se lanzará el 04 de octubre próximo. Y ya hay unos videos adelantos pero nos ha llamado la atención tanto su música como su hermoso video “The Ranger”, así que nos comunicamos con él y hablamos de todo…

Hola Luis, gracias por aceptar contestar nuestras preguntas. Y empiezo a armar esta entrevista un lunes y si bien nos es 13, como la canción de tu álbum "The Man Who Fell In Love With The Moon", pero estamos haciendo esta entrevista para The 13th.

Para empezar vamos a hablar de tus comienzos en la música, ¿Cuándo comenzaste a dar los primeros pasos en la música?

La música siempre estaba en mi cuerpo, ansiando filtrarse. Estudié violonchelo a los 8 años, pero mi timidez me obligó a renunciar, por lo que nadie tuvo que mirarme ni oírme. No fue hasta los 16 años que vi un documental de Joni Mitchell y comencé a escribir canciones en la guitarra y luego en el piano. Aun así, me tomaría 10 años más desde entonces dejar que alguien escuche mi trabajo y lo realice. ¿Qué es lo que te llamó la atención del piano?

Estaba escribiendo canciones en la guitarra en un estilo fuertemente influenciado por Joni Mitchell y Leonard Cohen. No me interesaba el piano hasta que un amigo me regaló un CD llamado "Boys for Pepe" de Tori Amos.

Esa canción de apertura, "Horses", cambiaría por completo la forma en que escribí música para siempre, incluso cómo me sentía con respecto a la música. Su forma de tocar y componer, especialmente en esa pista, no tenía límites y era tan grandiosa en composición y sonido, pero extremadamente personal e íntimo. Me dieron permiso en ese momento para encontrar mis propios paisajes sonoros internos a los que nunca podría acceder con la guitarra. Mi madre me compró un piano poco después y luego me encontré escribiendo canciones que trascendieron emocionalmente mis canciones de guitarra. El volumen y el tamaño del piano me obligaron a salir del armario musical que me permitía la guitarra. Tuve que cantar más fuerte, desarrollar un rango más amplio y ser visto. Pasaría toda una década antes de tocar, pero el piano me catapultó a compartir mi música.

Hablemos un poco de tu gran registro vocal, cuéntanos acerca de esto ¿Has estudiado o es natural?

Soy tan inexperto como ellos.

Cuando era muy pequeño, como a los 8 años, imitaba las canciones pop que escuchaba en la radio con un tono

perfecto, pero era demasiado tímido para cantar. Cuando mi voz cambió, dejé de cantar. Cuando comencé a escribir en la guitarra, susurré y desarrollé mi rango más bajo. El piano me empujó a desarrollar mi rango superior y falsete.

Entonces, un día, un vocalista de Jazz que me estaba ayudando a acceder a más de mi rango dijo: "¿Te das cuenta de que tienes un rango de octava vocal 3+"? No sabía lo que significaba, pero me encantó cómo sonaba. Cantar más me es primitivo e intuitivo. Sigo lo que quiera salir, hermoso o vergonzoso.

¿Cómo es para ti cuando compones? ¿Siempre compones en el piano?

Sí, siempre compongo en el piano y siempre es diferente. No leo ni escribo, por lo que es un proceso muy intuitivo.

A veces es una improvisación y mis manos están siendo guiadas por un sentimiento interno y luego tengo que memorizar y recrear lo que vino. Otras veces tengo un concepto firme o puedo escucharlo en mi mente. "The Ranger", por ejemplo, estaba en mi cabeza al despertar de un sueño.

En 2015 te uniste a Rasputina, pero ya habías lanzado "Anestesia", tu primera grabación en solitario, antes de esto. Cuéntanos sobre tu tiempo con Rasputina.

Les pregunté si podía abrir para ellos en 2014. Estaban tocando en el Club Helsinki en Hudson, Nueva York.

Ella dijo que sí y quedé encantado.

Interpreté nuevas canciones, así como algunas de Anestesia, solo con un pedal de loop. Le gustó mi sonido y me invitó a unirme a la banda. Toqué caja, percusión en loop, toqué las teclas y canté coros para Rasputina durante los siguientes cinco años. Recorrería todas las ciudades importantes de América, conocería a miles de admiradores increíbles y comenzaría mi carrera musical independiente con mi primer álbum de estudio "Wholesome", que fue financiado por admiradores y se agotó después de un año de gira con Rasputina. Aprendí mucho de esa banda. Melora Creager es la fuerza de la naturaleza. Auténtica como el infierno y muy divertida para tocar.

Ella lo mantiene fresco, sin ensayar, y en el momento. Mi miedo escénico y cualquier miedo a equivocarme han

desaparecido desde que toqué con Rasputina.

Entre tus trabajos hay un álbum que grabó hace muchos años, llamado "El hombre que se enamoró de The Man Who Fell In Love With The Moon", lanzado en 2015. Cuéntenos sobre esta grabación.

Ese es un álbum muy especial y extraño. Tom Spanbauer me dio el libro "El hombre que se enamoró de la luna". El libro es una increíble novela de ficción sobre un pequeño pueblo del siglo XIX en Idaho que alberga una casa rosada llena de mujeres, vaqueros y un niño indio de dos espíritus llamado "Shed". Es un concepto poderoso sobre la masculinidad, la sexualidad espiritual y la identidad de género que no tiene paralelo con nada más por ahí.

El autor fundó este concepto llamado "escritura peligrosa" donde encuentras personajes dentro de ti de los que te avergonzarías. Partes de ti mismo con las que no te identificas pero partes que existen. Hice mi registro basado en ese enfoque de escritura. El álbum fue grabado en vivo en un piano vertical en una antigua casa del siglo XIX que solía

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ser una posada, junto a las montañas Platte Clove de West Saugerties. Es un viaje desquiciado y explícito a través de mi propia identidad de género, sexualidad y autorrealizaciones como un hombre poco ortodoxo. Estaba muy contento con la forma en que resultó y soñé con tocarlo en vivo, con drag, con 3 cantantes de doo wop. Una canción, "Cowboys", llegará con mi próximo lanzamiento.

"Wholesome" es otra de tus obras y quizás la más homogénea, pero donde exploras más ciertos juegos vocales. ¿Cómo define este trabajo?

Homogéneo es la mejor manera de describir "Wholesome" después de mis dos primeros lanzamientos.

"Anestesia" y "... Moon" fueron muy experimentales y temblorosos, pero de una manera cruda y hermosa.

"Wholesome" fue mi primer álbum de estudio que hice después de dos años de gira en Rasputina. Las canciones eran más cortas, más ajustadas y menos expansivas. Se me unieron otros 12 músicos que arreglaron e interpretaron sobre mi piano y pistas vocales, por lo que el álbum fue en gran parte colaborativo a pesar de que escribí y compuse toda la música. El álbum trataba sobre irse de Nueva York a Woodstock, Nueva York y disfrutar del mundo natural. Es realmente un álbum etéreo y extático sobre la libertad.

hasta la fecha. Todos mis álbumes anteriores estaban impregnados de mitos y poesías tan pesadas que no se podía decir nada sobre el tema. Este disco es más desnudo, más directo y mejor producido. Pasé cinco años escribiendo la canción y casi dos años grabándola. Estoy muy contento con él y muy emocionado de compartirlo.

Uno de los avances es The Ranger que tiene un hermoso video. ¿Trabajaste de acuerdo con cierto concepto? Cuéntanos más sobre este video...

El concepto de la canción es cómo proyectamos las cosas en los demás.

En este caso, estoy proyectando sobre hombres. He tenido mucha pelea con hombres, pasé la mayor parte de mi vida más femenina y sensible, nunca sentí que encajaba en el "club". Desde entonces he curado la mayor parte de eso, y esta canción fue parte de ese proceso. Kelly Merchant es una amiga mía y una fotógrafa muy talentosa. Este fue su primer video musical. Le di la canción y ella dirigió y escribió el guion.

El concepto era, esencialmente, estos personajes en evolución de mi psique.

Comienzo con un corsé médico, confinado y sin color. A medida que avanza el video, empiezo a abrazar al Ranger y a mí mismo, integrando los dos, y la ropa se vuelve más suelta, más cómoda y me voy liberando, corriendo para encontrar estas partes de mí mismo en el bosque de mi mente.

Termino durmiendo tranquilamente mientras los prismas de luz y arcoíris se funden suavemente alrededor de mi cabeza, uniéndose y mezclándose.

¿Cómo es estar cerca de la fecha de lanzamiento y cómo reflexionas sobre este álbum?

Es muy emocionante. Digo que este álbum tardó 32 años en hacerse porque es un producto directo de mucho trabajo de curación y autorrealización. Finalmente, gracias por la Este álbum es el más personal e íntimo posibilidad de hacerte estas

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preguntas... y sabiendo que el nuevo álbum está llegando... espero que hablemos de nuevo... Así que nuestra última pregunta tiene que ver con el futuro... ¿Qué más planeas para el resto de 2019 y para el 2020?

Este año tocaré en algunos shows locales y luego planeo hacer una gira por todo el país con mi baterista Evan Adams durante la mayor parte de 2020.

También tengo algunos videos musicales que planeo hacer y lanzar en 2020.

Estoy ansioso para conectarse con el público en el camino.

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: ED SHEERAN – “NO. 6 COLLABORATIONS PROJECT” HOMESICK RED HAIR Y SUS AMIGOS

En lugar de ir por menos (“-” debería haberse llamado este cuarto álbum, siguiendo la lógica de los símbolos matemáticos que dieron nombre a sus producciones anteriores), Ed Sheeran fue por más, en el sentido que rompió sus propios esquemas. Despegándose del folk pop que tan buenos resultados le ha dado en estos pocos pero fructíferos años de carrera, nuestro colorado amigo sacó un disco que da protagonismo a terceros a través de diversas colaboraciones, y abre el abanico a variados estilos que no le son ajenos (Ed Sheeran ha colaborado en diversos proyectos con todo tipo de artistas) pero que conforman un trabajo completamente diferente a lo previo.

Todo comenzó a darse a conocer con el primer corte a dúo con Justin Bieber “I Don’t Care”, un obvio y certero disparo al número 1 de las listas de hits en todo el mundo, y los resultados fueron los esperados: llegó a la cima en 26 países, además de liderar el ranking global de Spotify durante 6 semanas. Pero aún no se sabía que esta nueva juntada con Bieber iba a ser parte de un disco con esta particularidad. Ni lerdo ni perezoso, Sheeran asestó un segundo golpe 15 días después al lanzar como segundo single “Cross Me” junto a Chance The Rapper y PnB Rock. Siguió a este una catarata de 4 cortes más hasta el lanzamiento del álbum “No. 6 Collaborations Project” el 12 de julio de 2019, que fue recibido con bombos y platillos.

tido micrófono con artistas de la talla comercial de Beyoncé, Eminem o Justin Bieber. Algunos de esos nombres se repitieron en más de una oportunidad.

Vayamos a aquello de lo que se trata “No 6”. Es una producción camaleónica, mutante y experimental si se quiere. En un amplio rango de géneros, podemos hablar más que de evolución, de capacidad de adaptación (lo que al fin y al cabo, define la evolución). Desde “+” (2011) hasta hoy, Sheeran pasó de ser un inglesito introspectivo y tímido, a ser capaz de sacudir cuerpos, pistas de baile y estadios: no hay estilo que le salga mal. Lo que si parece es haber una orientación cada vez más clara hacia lo mainstream, pero en este caso no molesta para nada. Aquellos que disLa experiencia previa de Sheeran había frutan del lado más íntimo y orientado a la basido con el EP editado en el año 2011, llama- lada pop romántica tendrán menos para eledo “No. 5 Collaborations Project”, el que fue gir, aunque de calidad: “Best Part of Me” es en realidad su debut discográfico. Claramen- el Ed más inseguro y timorato, capaz de exte, en aquellos años el buen Ed no tenía la presar cuestiones como “She loves me, she fama mundial con la que cuenta hoy, y los ar- loves me, why the hell she loves me / when tistas que acompañaban en aquel entonces she could have anyone else?”, a dúo con Yeno tenían el reconocimiento que sí tienen los bba, una cantante emparentada con el gósque figuran en “No. 6”. Hoy en día, Ed Shee- pel. Al menos el romanticismo se expresa en ran se puede dar el lujo de grabar con quien otros ritmos, como en el ya mencionado electenga ganas, ya que tiene una cola de gente tropop “I Don’t Care” junto a Bieber. En este rogando por sacarse una foto con él. Y si hay caso, el mismo muchacho inseguro y tal vez alguien a quien le puede pesar la camiseta, socialmente inadaptado encuentra cobijo en es al invitado. En estos años, Ed ha compar- la compañía de esa chica que lo hace sentir

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especial. La otra melosa balada partecorazones es la más rítmica “Way To Break My Heart” con la participación del multipremiado Skrillex.

de Stromzy en un track casi homenaje a una ciudad en la que fácilmente se echan raíces: “Take Me Back to London” (otro hit #1 en UK) representa el llanto de un pobre muchacho extrañando su lugar en el mundo. El rap conEn la película “Yesterday” (2019), donde Ed tinúa multiplicándose a lo largo de toda la plaSheeran tiene un papel bastante importante ca, y tal vez de ahí caiga de maduro la broma haciendo de sí mismo, hay una escena don- de Joel Fry en la película. de Joel Fry le aconseja dejar el rap en maEn la línea de la música negra pero más nos de los “hermanos” (negros, se entiende), orientado al R&B, se encuentra esa belleza siendo que los pelirrojos y el rap no cuajan. de starter del álbum que es “Beautiful PeoMás allá de la escena que apunta a despertar ple” a dúo con Khalid. Nuevamente, es una sonrisas, la crítica puede considerarse par- oportunidad de conectarnos con la lírica más cialmente cierta. Pero “No 6” está lleno de intimista de Sheeran y esos resabios de un tírap y quienes se ocupan de esta cuestión no mido niño pelirrojo de Halifax que no se senson improvisados. La obviedad sería mencio- tía identificado con ese mundo al cual, mal nar a Eminem y 50 Cent, que en “Remember que le pese, hoy pertenece. Pero demos una The Name” vienen a hacer el back to back chance a lo que “Beautiful People” quiere excon un inicio de rapeo por parte del dueño de presar: puede ser pertenecer, pero no quiere casa, continuado por estas sendas celebri- decir sentirse parte. Como referencia, mendades en dicho campo, en el entorno de una ciona lo que sería el ambiente de un sábado a rola fantásticamente pegadiza. El ya mencio- la noche en Los Angeles, las fiestas locas, las nado “Cross Me” sería otro digno ejemplo en conversaciones vacías, ropas de diseñador, esta línea, con Chance de Rapper haciendo shows de moda, champagne a borbotones, lo suyo y PnB Rock sampleado. La seguidilla flashes de paparazzis y sobre todo, muchos de rap se extiende fusionándose al más puro Lamborghinis (tema que Eddie deberá analiGrime, ese estilo de música bailable elec- zar en terapia, dada la reincidencia en la retrónica tan londinense, con la participación ferencia). Todo acompañado por un más que

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elocuente video sobre una pareja insertada en lugares en los que no encaja.

Abriendo aún más la paleta de colores, hoy en día no se puede hacer un proyecto de estas características sin incluir artistas del ascendente universo latino. Cuidadosamente seleccionados, por Sudamérica el ganador fue el argentino Paulo Londra, que en esta ocasión comparte micrófono con el rapper británico Dave en “Nothing On You”. Ed aprovecha así para tachar dos casilleros en la lista de “cómo hacer un disco tan polifacético que sea difícilmente encasillable”: aquí tenemos representada a Latinoamérica y también al género trap, pero con un resultado bastante más potable al contar con cadencia y melodía aunque evitando caer en la sofocante reiteración libidinosa tan propia de ese género (que es la opinión que me merece el trap en general).

Y si de artistas latinos seguimos hablando, la otra acertada elección fue la destellante Camila Cabello (tan en boga en estos días gracias a sus dúos con Mark Ronson y Shawn Mendes). En este caso, los Lamborghinis y Buenos Aires vuelven a impregnar el ambiente para dar lugar a una de las gemas más destacables a nivel dance floor que es “South Of The Border”, donde un madonnesco “Ti amo, mami” se repite tanto del lado de Ed como de una Camila enamorada de esos ojos verdes a los que declara un atrevido “Quiero sentir tu cuerpo en mí, estás temblando”. La frutilla de la torta en este single la facilita la wannabe Nicki Minaj que ya tiene peso propio: la rapera Cardi B (que dicho sea de paso, se encuentra en guerra declarada contra Minaj).

a la base negra que cimienta toda la producción, Sheeran logró que la esencia pop de sus producciones no se pierda en estas múltiples exploraciones, y “No 6” es agradable a la escucha de cualquier público.

El track n°15 del disco y que da cierre al mismo, es la última de todas las extrañezas que hemos venido escuchando durante casi 50 minutos, y es que de repente Sheeran se acordó que había un par de muchachos que no tenían mucho que ver con el rap y que también habían sido invitados. Bueno, tal vez Bruno Mars si, dadas sus raíces emparentadas con el R&B, soul y funk. Pero aquí lo que harán Bruno y el otro invitado que es Chris Stapleton (que viene del palo de la música country y el rock sureño yankee) es un poco de buen rock al estilo más clásico y bordeando el hard inclusive. “Blow” fue el quinto corte del álbum y vino acompañado de un simpático video donde los 3 protagonistas son representados por sus alter egos femeninos que sacuden cabezas y agitan glamorosamente a la concurrencia del Viper Room de Sunset Boulevard.

Polifacético a un grado disfuncional para muchos, “No. 6 Collaborations Project” recibió la crítica de ser una producción algo incoherente, como un Frankenstein de la música. Definitivamente no se trata de una obra conceptual y si de varias canciones juntadas como un popurrí en un mismo espacio, pero el que esperaba otra cosa es porque no leyó el título del disco. Al menos desde las letras, hay un hilo conductor: un Ed Sheeran que reniega de ser parte muchas veces de círculos con gente vacía. En este disco, quiere transmitir que en el fondo el sigue siendo aquel chico tímido y simplón que tocaba en bares No vale la pena seguir mencionando la ca- y calles de Londres, y deviene un nostálgico tarata de raperos y hiphoperos que seguirá que extraña las delicias de la vida cotidiana y inundando el álbum ni el nivel de importancia la cercanía a su gente más querida. comercial de los mismos: Travis Scott, Young Y con esto es con lo que quiero quedarme: Thug, Meek Mill, además de los ya mencio- con la esencia de un proyecto que me ennados. Pero sí vale la pena aclarar que pese canta!

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CENIZAS: MANTENER LA MISMA ESENCIA

[ Entrevista a Oswaldo Rocha, Marco Rocha y Lucho Mรกlaga de Cenizas por Diego Centuriรณn. ]

Hay una nueva generación de nuevas bandas que retoman el post punk de mediados de los 80’s y lo transcriben tal cual como lo realizaron aquellas primeras bandas que buscaban romper con lo establecido.

Hay otra generación de bandas que regresan para gusto de sus fanáticos y suman nuevas generaciones de seguidores. Desde Perú nos encontramos con esta banda nacida a mediados de la década de los 90’s, banda que se hizo de varias centenas de seguidores y que desde hace unos años volvieron a juntarse y gracias a sello suizo Swiss Dark Nights, que relanzó sus primeros materiales el año pasado y su nuevo trabajo "Not Even Ashes", que generó un renovado interés en Europa y nos comunicamos con ellos para que nos cuenten su actualidad…

Para empezar esta entrevista me gustaría que se presenten y nos cuenten qué tocan en la banda.... y obvio presenten al resto de la banda Oswaldo: Un saludo Diego, Soy Oswaldo Rocha, bajista de Cenizas.

Marco: Yo soy una especie de coordinador mánager etc. de la banda.

Lucho: Hola soy Lucho voz de la banda en la batería está Michael Euribe y actualmente Iván Santos en la guitarra.

pertenecieron al llamado "Movimiento Subterráneo" o Under, que fue una movida contra cultural de los ochentas.

Lucho: A fines del año 94 empezamos Oswaldo Luciano en guitarra actualmente fuera del país yo y una caja de ritmos luego entró Fabián en la batería y armamos cenizas tocamos la primera etapa aproximadamente hasta el año 96 Fabián actualmente toca en Estados Unidos con la banda Tremor Low.

Por lo que he leído "Iván" es muy nuevo en la banda... ¿Es cierto?

Lucho: Cierto. Pero con mucha experiencia.

Oswaldo: Sí, es correcto lo que dices, en el disco los dos guitarristas fueron el Chino Hermman Hamman y Mauricio Málaga.

Para poner en contexto a Cenizas en aquellos años... ¿Qué música les llegaba a Perú y qué consumían ustedes, tanto en español como en otros idiomas?

Oswald: Como comentábamos, los miembros de CENIZAS veníamos de otras propuestas de los ochentas y desde siempre escuchábamos música rock inglesa o americana en su mayoría.

Personalmente me gustaba Joy Division, Killing Joke, Bauhaus, Dead Kennedys, Siouxsie and the Banshees, Gary Numan y un largo etcétera. En español recuerdo la música de grupos españoles y argentinos como Virus,

Cenizas es una banda legendaria del post punk peruano, con más de veinte años de trayectoria.

Cuéntenos aquellos primero años de la banda.

Oswaldo: Cenizas se forma con miembros de bandas que en Perú

Soda Stereo.

Marco: Recuerdo en aquellas épocas El Corte, Plum, Sobrecarga Oswald: ¡Claro! El Corte, Fricción también....

Lucho: Siempre fue Joy Division, Bauhaus, Killing Joke, Fields of the Nephilim entre otras maravillas y por esos años puedo recordar Tones on Tail, Porno For Pyros, etcs en español Pecho de Andy, Euroshima, Plum, Héroes…

Ha cambiado tanto la tecnología de esa época hasta hoy, que siempre me suele sorprender que nosotros hemos pasado por tantos formatos de audios y todo vuelve....

Lo mismo pasa con los géneros, hoy el psot punk, el shoegaze el dreampop están de vuelta... ¿cómo ven ustedes estos regresos a estos géneros? (qué obvio son los que más nos gustan)

Oswald: Claro... a veces lo que pasa, por lo menos en mi caso es que yo "nunca me fui" y eso me ha hecho observador de lo que ha pasado todos estos años. Hoy la diferencia es el soporte tecnológico y todas las herramientas con las que podemos contar. Todo eso nos sirve para mantener la misma "Esencia" pero sonar con un sonido más actual.

Volviendo a la banda... ¿Cómo eran esos primeros años en Lima?

Pregunto por lugares, seguidores, etc...

Oswald: Personalmente los recuerdo con mucho cariño porque había una "movida" muy interesantes, muchos conciertos y nuestro primer trabajo que fue un DEMO, llamó la atención de un sello local y empezamos a trabajar con ellos. Precisamente, ese trabajo fue lanzado el año pasado por el sello suizo Swiss Dark Nights.

Lucho: Veníamos de tocar en los 80’s y el Perú se tornaba muy violento por el terrorismo había que escapar de alguna manera de todo eso y para nosotros fue la música.

Hablamos de "Cenizas" y "Sin Perdón" Lucho: Exacto. “Cenizas” 1995 y “Sin Perdón”, 1996.

Oswaldo: Exactamente.

banda y calidades de interpretación (Ahora tienen más experiencia para conseguir los sonidos), pero si hay algo que me llamó la atención desde el principio, es que la esencia es la misma. Y "Demo 1995" no perdió vigencia sonora.

Oswald: Eso es algo que podemos considerarlo un mérito.

Afortunadamente la banda tiene un sonido muy reconocible. Y la esencia está intacta.

Lucho: Tanto Osvaldo como yo no mantenemos y mantendremos firmes.

Es lo que nos nace. Nunca decimos hay que hacer algo de tal tipo Simplemente nos sale así.

Me cuentan que ha sido por Swiss Dark Nights. ¿Cómo llega hasta Europa, por gestión tuya Marco o el sello se interesó en la banda?

Oswald: Eso es todo mérito de Marco.

Marco: Definitivamente estuve buscando y por la calidad de la música Han sacado un nuevo trabajo "Not el sello se interesó y se pudo sacar Even Ashes". Cuéntenme sobre primero el demos y ahora este nuevo este trabajo, que es el EP con unos trabajo. bonus.

Oswaldo: Decidimos lanzarlo así He escuchado "Demo 1995" y "Not porque fue la recomendación de la Even Ashes", dos grabaciones muy propia disquera. Teniendo en cuenta distintas, en cuanto a formación de la que el tiempo de todo el proceso desde

la composición, grabación, mezcla y masterización toma bastante tiempo.

Lanzarlo de esta manera era lo mejor.

Lucho: Es el primer álbum de esta etapa y lo queríamos tener de manera formal y en un formato físico cuando se presentó esta oportunidad invertimos todo lo que pudimos en grabar de la mejor manera mezclar y masterizar. ¿Cuándo fue la grabación de este material?¿Cuántotiempoestuvieron componiendo y grabando este material?

Lucho: Aproximadamente dos años.

pasado. Volver a escuchar el DEMO tiene un toque de inocencia pero también de espontaneidad.

Lucho: Juventud. Mucho ímpetu.

Hoy con un nuevo álbum en la calle... ¿Qué repercusiones tuvieron hasta hoy que los hayan sorprendido?

Oswado: Por el momento nos sorprende y de lo cual estamos muy agradecidos son las vistas de nuestro nuevo video "Goddammned Assassin" está teniendo. Hasta el momento van más de 3,500 vistas en 3 días. No está mal.

Lucho: Pero nos hemos esforzado mucho para lograr eso. Y no vamos a parar.

Entre 1996 que fue "Sin Perdón" y éste último trabajo, ¿Qué pasó en el medio?

Oswaldo:Laformaciónfue"abducida" Hablemos un poco del video. Y por el tiempo... jajajaja ese homenaje a Ed Wood. ¿Quién lo realizó y cómo lo han hecho?

Pero ¿han estado activos o cada Oswado: El responsable creativo uno siguió proyectos diferentes? del video es Alex Carbajal, un cineasta Oswado: Claro, estábamos con peruano que ya ha trabajado con proyectos personales. otras bandas e inclusive trabajó con Lucho: En mi caso aparte por motivos el grupo español "Los planetas" en laborales pero en el camino apoye la parte audiovisual. Siempre hemos tocando el bajo en algunas bandas tenido mucha empatía y una amistad amigas. con Alex y siempre le dejamos que nos sorprenda con sus videos. Esta último ¿Cuál fue el motivo que los hizo también es un homenaje a ese cine regresar? clásico de terror y de ciencia ficción Oswado: Siempre quedaron las con el que todos hemos crecido. ganas de retomar la banda y volver Lucho: A veces no sabemos que a plasmar las ideas que siempre esperar de nuestro buen amigo Alex fluyeron y creo que está claro que fue pero confiamos ciegamente en su arte la mejor decisión que tomamos, volver en su creatividad. a reunirnos. ¿Tienen pensado salir a tocar fuera ¿Cómo fue el escuchar sus dos de Perú? primeros trabajos de nuevo y en un Lucho: Si se presenta la oportunidad nuevo disco? y las condiciones son buenas, por Oswado: Fue como hacer un viaje al supuesto que nos encantaría.

Si bien recién ha salido el álbum, ¿tienen planeado grabar en el corto plazo?

Oswado: Bueno, ahora estamos aún en una etapa de composición de nuevos temas.

Y ¿Cuáles son los pasos siguientes de la banda?

Lucho: Seguir con estos nuevos temas seguir componiendo los nuevos también como dice Oswaldo darle fuerte esto.

Oswado: Seguir promocionando el video que recién ha sido lanzado.

También esperar a que este disco llegue de Europa y se pueda hacer un concierto de presentación. Y seguir

ensayando y componiendo nuevas canciones.

Para ir terminando y agradeciéndoles el tiempo brindado para responder estas preguntas.... ¿Hay algo que no haya preguntado que quieran contarnos?

Lucho: Diego agradecerte por esta oportunidad espero también les guste nuestra propuesta y para adelante siempre.

Oswado: Primero agradecerte por la entrevista. Esperamos que nuestra música se pueda ir conociendo en otros países. Esperamos mantener el contacto y quien sabe, tal vez algún día podamos ir a tocar a Buenos Aires.

[ Reseña de “Tool – Fear Inoculum (2019) por Pablo Ravale. ]

SE HAN VUELTO A SUPERAR

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Tool – Fear Inoculum Label: Volcano Entertaiment / RCA. Fecha de Lanzamiento: 30 de Agosto de 2019

Y lo consiguieron. Se han vuelto a superar. Tras un silencio de 13 años motivado, entre otras cosas, por un engorroso litigio judicial, el cuarteto californiano de Metal Progresivo presenta por fin Fear Inoculum, su quinto álbum: un trabajo sobresaliente y rotundo por el que ha merecido la pena cada uno de los casi cinco mil días de espera.

Grabado junto al prestigioso productor e ingeniero de sonido Joe “Evil” Barresi (mesenas de grupos como Kyuss, los Melvins, Fu Manchu, Queens of the Stone Age, Clutch, Satyricon, Isis) y con una sugerente portada que nos muestra lo que parece ser una serpiente, el nuevo álbum lo tiene todo (empezando por su diseño artístico, que viene en forma de boxset apoteósico). Todo lo que, al menos, un seguidor del culto de Tool necesitaba para seguir creyendo en su dogma musical: sus clásicos arpegios y riffs envolventes de guitarra, siempre dibujando espirales hacia otro enigma; esa intrincada amalgama de laberintos métricos, capaces de construir y desconstruir estructuras monumentales, capaces de manipular el caos hasta convertirlo en orden; los magnéticos diálogos instrumentales donde bajo, guitarra y batería, en ocasiones, intercambian funciones melódicas y rítmicas.

El concepto relacionado al número siete (asociado a la espiritualidad y la mirada interior, a la búsqueda del equilibrio y la figura de Jesucristo) es un tema recurrente del álbum tanto musical como letrísticamente. Chancellor y Jones escribieron riffs en tempos inusuales relacionadas con esta cifra, mientras que por su cuenta Keenan introdujo ideas relacionadas con el siete también. Maynard, de hecho, explicó que el álbum, a diferencia de entregas anteriores, se traduce en un discurso central claro, nítido y más conectado con las problemáticas humanas globales de nuestros días de lo que pueda parecer.

“Fear Inoculum”, tema que da título a la placa, es la primera canción y lo único que nos dejaron escuchar del disco antes de su salida. Se trata de 10 minutos de crescendo iniciados por el e-bow de la guitarra de Adam Jones. Lentamente se van incorporando el resto; la percusión de aires tribales de Danny Carey, el bajo con eco de Justin Chancellor y, finalmente, la delicada y sombría voz de Maynard James Keenan. Sobre la mesa, muchos de los elementos que

conforma la quintaesencia de Tool, una banda única. Apabullante la explosión final, con un cambio de tono a una nota más grave y Carey acribillándonos a golpe de bombo y timbales.

En la columna vertebral de “Pneuma”, los tres instrumentistas se compactan para ofrecerle a Maynard un cimiento bien sustentado; sobre él pinta unas melodías vocales que se abalanzan sobre esas partes del cerebro que rara vez usamos. Poco a poco se va deshaciendo la estructura, saturándola y derivándola hacia tesituras más dinámicas pero igualmente catárticas.

“Invincible” es una de las dos canciones que estrenaron en vivo antes de la publicación del disco. En ella la calma impera en su taimado arpegio de guitarra, aunque luego y, paulatinamente, va aumentando en intensidad, anunciando un viraje en los acontecimientos que se desata como tambores de guerra.

Si aún alguien no entiende porque Danny está considerado uno de los mejores bateristas del planeta, sólo tiene que prestarle atención a lo que nos tiene preparado para la segunda mitad de la canción.

“Descending” es la segunda canción que ya habían tocado en directo. Un bucle cuasi tántrico de bajo es el lei motiv en sus primeros minutos, pero nuevamente cabalgará hacia derroteros insospechados, donde esta vez será Jones quien se erija como protagonista, dejando inertes los restos de su estructura inicial, como si fuera la piel muerta de un reptil tras haber eclosionado su forma más desarrollada.

Al llegar “Culling Voices”, uno está tan abrumado ya que le cuesta seguir adentrándose en la escucha. El exceso de introspección paranoide tarda aquí en desplegarse 6 minutos, pero cuando finalmente lo hace es para encaminarse hacia un impacto inevitable que vuelve a conectarnos con nuestros instintos más primarios.

Pasado el trance, llega la rayada “Chocolate Chip Trip”, un persistente maquineo que produce desasosiego y sobre el que Danny se despacha a gusta con su batería.

Como broche de oro, y con sus cerca de 16 minutos de duración, está “7empest”, una pieza que podemos pensar que es el tema en el que más van a ralentizar la llegada del Apocalipsis, pero por el contrario, suben bien arriba y se quedan ahí la mayor parte del tiempo, manteniéndonos en vela y lejos del mundo real… dejándonos extasiados, fundidos por el viaje que nos acaban de pegar.

Después de tremenda hazaña, como oyente, uno no puede más que caer rendido ante la evidencia de lo Fear Inoculum viene a significar: un recordatorio de que Tool son uno con la Fuerza, la Fuerza está con ellos.

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[ Entrevista a We Melt Chocolate por Benjamín York. ]

WE MELT CHOCOLATE: DEJA QUE LA FRAGANCIA SEDUCTORA TE ENVUELVA

Desde Florencia (Italia) llegan estas oleadas shoegaze bajo el nombre de We Melt Chocolate con su álbum debut homónimo, en donde despliegan sus influencias en un torrente arrollador y sensible. Una banda nueva nos llega desde Italia y como siempre nos pasa queremos conocerlos, así que los contactamos y estos nos contaron.

Hola chicos, gracias por aceptar realizar está entrevista… para nosotros todo lo que venga de Italia siempre nos llama la atención y ustedes no son la excepción…

Para empezar… me gustaría que presenten a los integrantes de la banda. ¡Hola! We Melt Chocolate somos: Vanessa vos lunar y fáciles teclados, Enrico guitarra fundida, Lorenzo guitarra soñadora, Marco bajo fuzz y Francesco batería espacial. ¿Cómo nace la banda?

Nos formamos en 2013, pero todos somos músicos que formamos parte de la "escena" de Florencia durante mucho tiempo. Algunos de nosotros estábamos en Evanicetrip y Shades of Blue, más o menos el mismo proyecto con diferentes cantantes y guitarristas. Cuando Vanessa regresó de Bélgica, estábamos listos para construir un nuevo proyecto.

Ustedes nacen en el 2014 y recién editan su primer trabajo, si bien antes han lanzado EPs, demos y algunas versiones… ¿Cómo resumirían lo sucedido en estos cinco primeros años?

Hicimos muchos ensayos... jajajaja... compusimos bastantes canciones y también tocamos varios conciertos. Finalmente decidimos reorganizar todos los materiales dispuestos a publicar algo oficial. Todos tenemos trabajos aburridos, así que todo el proceso fue bastante lento, pero finalmente lo logramos, ¡sí!

Hoy ya tienen su primer álbum en la calle… ¿Qué sienten al respecto?

Estamosmuy,muycontentosyemocionados, nos llevó mucho tiempo porque queríamos encontrar el sonido correcto (o el sonido que nos gusta). Estamos contentos porque tenemos un gran sello "Annibale Records" y una gran agencia de promoción Kool Thing, trabajar con ellos es muy agradable.

Grabamos el álbum a través de diferentes sesiones, pero finalmente logramos.

Hablar de influencias sería la pregunta más fácil de hacer… si quieren nos pueden contar sobre ellas… pero me gustaría saber ¿qué sonidos les gustan y no está representado en el sonido de la banda?

Nuestras influencias son las bandas de shoegaze, por supuesto, como My Bloody Valentine, Slowdive, Ride. Nos encanta la pared del sonido pero también el ruido pop y las bandas como Sonic Youth. Sin mencionar las bandas de New Wave como The Cure y Joy Division.

Vanessa: No lo sé en realidad... estoy enamorada de Spacemen3, ¿quizás deberíamos poner algo de "espacio" en las canciones? Jajaja Lorenzo: Personalmente me encantan los Beatles, The Stones, The Velvet Underground, The Byrds y los 60 en general, creo que se nota un poco en nuestra música. También

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soy un gran fanático de la música soul, que probablemente no esté representada en nuestro sonido en absoluto.

Y ¿con qué canción se presentarían ante un nuevo oyente?

Vanessa: Creo que nuestro sonido es como un perfume, "deja que la fragancia seductora Enrico: Crecí con el post-punk y con te envuelva". Solo necesitas dejarte en la shogaze / dreampop alcancé mi puerto ideal. melodía y el ritmo. No te apresures, solo disfruta de los sentimientos que te da la ¿Cuánto tiempo le llevó escribir y grabar música. estas canciones?

Quizás la mejor presentación son nuestros Como dijimos, tomó mucho trabajo: singles Everjoy y 12hours ... también tienen generalmente tocamos una especie de "sesión videoclips, por lo que la experiencia es de improvisada" y grabamos lo que tocamos. Si 360 ° es lo suficientemente bueno y (sobre todo) si recordamos cómo tocarlo, entonces Vanessa Lorenzo: Me encanta esta letra de Girls escucha estas grabaciones y agrega voces Names: entiérrame en una pared de sonido. y letras.

Esa es una buena descripción de nuestro Por lo general, algunos de nosotros sonido. comenzamos con un riff y luego todos comenzamos a tocar durante incontables Enrico: Una mezcla de ruido fuerte y horas. ¡El momento en que sientes que momento tranquilo / suave, solo un aparente algo emerge del ruido áspero siempre es contraste, mientras que son solo las dos emocionante como la primera vez! caras de la misma moneda.

Para aquellos que no conocen a We Melt Más allá del álbum, ¿ya tienen nuevas Chocolate, ¿Cómo explicarían su sonido? canciones? ¿Planean el lanzamiento de

nuevas canciones o videos?

Vanessa: ¡Sí! Tenemos casi un nuevo álbum listo... jajaja... veamos qué nos traerá el 2020.

Podríamos ser más rápidos probablemente si tuviéramos más tiempo para dedicar a la banda.

Enrico: Bueno, no diría exactamente "casi listo", pero definitivamente tenemos algunas ideas nuevas flotando.

del álbum: Matteo Magrini, quien nos ayudó mucho a mezclar el álbum, Karl Skivington con su clase de masterización, Roberto Schoepflin y Giuliano Billi por los videos, Gabriele Doria que nos grabó , Rebecca Squilloni que también ayudó a grabar más, y por supuesto a nuestros amigos y seguidores.

Vanessa: ¡Vamos a tener un nuevo video listo pronto! ¡Es muy divertido hacer videos!

Enrico: Quería agregar un ENORME agradecimiento especial por Renato Malizia y su TBTCI: sin su increíble dedicación, entusiasmo y las oportunidades que ha ofrecido a muchas bandas (incluidos nosotros) probablemente no estaríamos aquí respondiendo a tus preguntas.

Definitivamente también ayudó a la Para terminar y agradeciendo la superficie de la llamada escena italogaze amabilidad de contestar nuestras (bandas increíbles como Rev Rev Rev, Stella preguntas… ¿Hay algo que quieran Diana, In Your Eye, etc.). ¡Podríamos estar agregar que yo no he preguntado? tocando algunos conciertos con algunos de ¡Gracias por tenernos en cuenta! ellos en un futuro cercano, crucemos los También nos gustaría agradecer a todas dedos! las personas involucradas en la realización ¿Cuáles son los planes para el resto del año?

Estamos buscando conciertos, nos gustaría tocar mucho no solo en Italia sino también en Europa, tal vez estemos en Japón el año que viene... Quién sabe ... Veamos qué pasa, puedes contactarnos ¿qué esperas?

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[ Entrevista a Cyril Degilles de Ural Mountains por Ruben Torres. ]

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(Zona de Influencia RADIO) La banda Argentino/francesa que lleva ya más de 6 años en el mundo del sonido shoegaze y el dreampop, aunque también suenen por momentos a géneros cercanos a estos, porque siempre nos recuerda a bandas como DIIV o Bedroom, aunque su sonido lo haga en casa, hoy el proyecto tiene muchas colaboraciones con otros artistas que de algún modo siguen el mismo camino que Ural Mountains...el de la independencia.

Nació en en 2013 como dúo y ahí nomás se convirtió por completo en el proyecto personal de Cyril Degilles músico francés que se instaló en Buenos Aires y que desde allí crea este sonido que ya es característico en sus canciones, porque si escuchan Sunday holiday, Dusted, Sovietic, Post y Symptomatic Symphony, o su excelente disco Blurry Pictures con canciones como Daydream. Hypnotic o I feel Like… o ese encantador disco de Navidad con las 5 canciones de Elliott Smith, bien, ahí entenderán que todos tienen un denominador común y es la belleza musical.

Este sábado por la noche charlamos con Ural Mountains…y para cerrar escucharemos delicadas canciones de su increíble y hermoso sonido.

Hay gente que está ahí del otro lado y se empieza a comunicar con nosotros, pero por supuesto ha llegado la hora, 21.41 minutos, en toda la República Argentina, menos en San Luis, ustedes saben cómo es la cuestión... hace algunos años charlábamos... primero nos conocíamos a través de las redes sociales, como tantas amistades que nacen a través, no sólo de las redes sino que tienen una razón única y especial, y esencial, que es precisamente la música. Hace algunos años nos encontramos con la música de Ural Mountains, que es realidad, para nosotros uno de esos proyectos que merecen muchísima más atención y escuchas, por eso también cuando podemos charlamos

con nuestro amigo, que por supuesto, no sólo por la distancia que tiene en este momento, que está en Buenos Aires, sino porque él nació a cientos de kilómetros de acá... estoy hablando de Cyril Degilles que lleva adelante adelante esta banda hermosa, que nosotros muchas veces los fines de semana nos envolvemos con el sonido de Ural Mountains y esta noche tenemos la fortuna de tenerlo del otro lado... ¡¡¡Hola Cyril, buenas noches, Ruben te saluda!!!

Hola Buenas Noches Ruben... muchas gracias por todas estas palabras tan lindas que acabas de decir, me parece mucho igual... pero ¿cómo estás?

Muy Bien... porque nosotros charlamos en 2015 o 2016, más o menos....

pero charlábamos aquella vez, en el programa anterior "El Camino Desnudo", reflejábamos lo mismo que pensamos hoy, sólo con el nuevo condicionante que has crecido mucho, en lo que venís haciendo, en el último tiempo, tu estilo tiene que ver con lo que sacas... a veces un LP, a veces un EP, a veces algunos singles....hagamos un pequeño repaso desde el nacimiento del proyecto., desde 2013 hasta acá...

Primero antes que nada, quería agradecerte la invitación a tu programa, que me pone muy feliz que tengas un nuevo proyecto, así en la radio, porque me gusta mucho todo lo que puedas poner, en cuanto a la música y en lo que decís, así que estoy muy feliz de estar acá. ¿Cómo nace Ural Mountains? Primero en 2013, nace como un dúo que tenía con un amigo, Uriel, y empezamos a grabar en su casa un par de canciones que yo tenía melodías pero no tenía cómo grabarlas, porque no tenía el conocimiento, entonces con él empezamos a desarrollar una manera de grabar en su casa, y que él me enseñe un poquito y como es también un gran guitarrista, me ponía cosas, en el teclado también y así nace el primer EP que se llama "The Forest Empire", que tenía 5 canciones que tenían más influencias de Radiohead, porque era lo que teníamos en común los dos, entonces salía por ese lado. En 2015 él decide dejar el proyecto para hacer otras cosas, entonces empiezo a estar solo, más influenciadas por otras cosas que yo venía desarrollando en ese tiempo, que era más el dreampop, shoegaze o post punk, y ahí nace el primer disco, "Dusted", que significaba como empezar algo nuevo desde el polvo, una idea de renacer, ahí empecé a aprender a grabar, por eso me parece un disco heterogéneo, porque está grabado de distintas maneras, una canción la grabé con Uriel, otra la grabé con un amigo que tiene una banda que me enseñó también, otra la grabé yo en mi casa, como que hay canciones muy diferentes en el disco, son muy distintas una de la otra, en cuanto al sonido, entonces es un disco

que me gusta la melodía pero lo escucho y veo bastantes fallas, pero es un disco que me hizo aprender, y me parece interesante escucharlo y con el tiempo tomé clases con un amigo que es ingeniero en sonido y tiene un estudio en capital y ahí pude mejorar, y expresar lo que quería hacer en el segundo disco que se llama "Blurry Pictures" que salió a principio del 2018. En este disco las melodías están mucho más relacionadas entre sí, en cuanto al sonido, es un disco completo para mí, es el primer disco real que hice con Ural Mountains. Y ahora estoy en plena grabación del tercer disco y sigo aprendiendo, el nuevo disco saldría para principio del año que viene, supongo...

Principio del año que viene... mientras hacías ese pequeño repaso de tu historia y hablabas de "Dusted", que tenía que ver con el polvo, ya que aquella vez que hablaba con vos, no hacía precisamente referencia a esto, pero que sin embargo hoy, evidentemente, aquel disco hace muy bien a tu crecimiento como artista, como músico, a esas experiencias que te encerrás a hacer en lugares muchos más íntimos, en un rato hablamos sobre vos sacando afuera y tocándolas, cosa que es absolutamente infrecuente, ahora charlamos de eso... pero decía... en aquella oportunidad no lo veías de tal manera.... obviamente lo veías como un crecimiento, hoy ya, está "Blurred Pictures" que es el disco que sacaste en 2018, extraordinario disco, por otro lado... porque si bien "Dusted" vos decías que era disímil, evidentemente se nota, porque cuando uno lo escucha, no solamente primario, sino porque hay otros artistas dentro del disco y hay otros compositores, y otros tocantes (si se me permite el término) y entonces el disco suena de manera disímil, no porque sea feo o lindo, sino que es una cosa que suena de otra manera, sin embargo, "Blurred Pictures" te encuentra a vos diciéndome "Éste es un disco mío",

entonces me parece que esta cuestión que tiene que ver con lo que venís haciendo en este último tiempo, también se reafirma de lo que haces musicalmente, digamos... podrías haber cambiado, en "Blurred Pictures" podrías haber cambiado incluso hasta de sonido, pero sin embargo, hay una reafirmación del sonido, entonces cuando escuchamos este disco, no damos cuenta y cuáles son las canciones tuyas que estuvieron dentro de "Dusted"... y eso crea un estilo... eso es lo que vemos desde afuera.

A ver, si en "Dusted" las melodías son todas mías, siempre compuse las melodías de todo, por ahí había otras influencias de otras personas pero en el fondo las melodías fueron mías y en "Blurred Pictures" fue un desafío que me quise proponer de hacer un disco de la A a la Z yo sólo, o sea, aprender a grabar, la mezcla y el mastering, hasta en la tapa del disco es una foto que yo saqué, quería hacer, aunque sea una vez, algo que sea completamente mío.

Vos sabés que entró a algunas cuentas de algunas revistas o algunos lugares donde estás, porque la música de Ural Mountain está en un montón de lugares, entonces busco los comentarios de aquellos que escuchan el disco, y en realidad a todos le suenas a un montón de bandas, porque uno intenta decir "Ah, eso me suena a esto", pero es una característica casi natural en el ser humano hacer referencia a algo para ejemplificar de qué viene la música.

Sin embargo pasa Diiv, Beach Fossils, Motorama, hay un montón bandas, y a mí me pasa lo mismo, tal vez para vos que las componés, no estén asociadas, pero tiene que ver con las influencias que tenés en el último tiempo...

Sí, igual me parece lógico que la gente encasille un música que trae una referencia, me parece más que válido eso para identificar algo, y la verdad que las bandas que eligieron en general, Sí son bandas que puedo haber

escuchado, obviamente a veces no es la influencia principal, pero a veces está bueno saber lo que al oyente siente al escuchar mi música, a veces me dicen cosas que ni siquiera lo había pensado y de repente re escucho la canción y digo: "Mirá, entiendo por qué dice eso" y es muy gracioso esa conexión que se establece con la gente a través de la música, sin conocer a la otra persona.

Porque la otra persona no sabe mi historia y yo no sé tampoco la suya, y seguramente la influencia que me está dando es relacionada a su propia historia y eso me parece muy interesante, acercarse a la gente a través de la música y eso me parece muy lindo.

Te estás dando los gustos de hacer como el disco encantador ese que llegó en navidad de cinco canciones de Elliott Smith, que tan generosamente nos pasaste, ¿te estás dando esos gustos de grabar algunas cosas o lo tenés parado, o sólo fue una excepción?

No, estoy haciendo algo para navidad, es como un juego que tengo ahora, como que cada año intento hacer un mini disco o un EP de cuatro o cinco, capaz que más no lo sé aún, de un artista que a mí me marcó, también para mostrar de dónde uno viene, son más recuerdos ligados a la adolescencia, de volver a ese placer de cuando uno aprende a tocar la guitarra y toca un acorde y dice "Guau! soy capaz de hacer eso", entonces yo hice Elliot Smith, hice Sparklehorse, este año estoy haciendo covers de Grand Daddy, que será para Navidad.

Pasaste de largo Sparklehorse, con todo lo que eso conlleva, el hecho de ese artista poco conocido, casi desconocido... se le conoce más aquellas personas que integraron sus bandas, que se yo, David Lynch, por ejemplo, se lo conoce como Director, pero también hizo música junto a esta banda, y esta referencia a Elliott Smith, son artistas que marcaron tu historia, pero son artistas pesados,

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también... son dos tipos que ya no están más en este mundo que presentaron toda una cuestión musical, pero que también dejaron su huella, vamos si dejaron que vos los levantas para, a cientos de miles de kilómetros, a un montón de años después, homenajearlos desde la música misma...

(Risas) no son los más felices de la vida... seguro... si, exactamente era el objetivo de hacer conocer, y estoy contento porque leí comentarios de personas que me decían que no lo conocían y me los cover que hice los hizo escucharlos, y eso me pone muy contento, porque me parece que son artistas que no tuvieron la repercusión que deberían haber tenido, o que la tuvieron tanto para mí que me gusta que la pueda tener para un poquito más de gente, porque me parecen artistas fundamentales para la música, para mí, pero obviamente, como dijiste, son muy pesados, a veces es música muy melancólica que a mí personalmente me llega. Grandaddy es un poco más alegre, nace un poquito más de esperanza digamos...

Sí, es esperanzadora su música... aunque a veces también tiene...

Si a veces son muy intimista... en general los temas son con teclados, guitarras con distorsión y de repente hay una canción con un piano, y muy íntima con la voz de Jason Lytle, que es tan fina que muy linda... Yo fui marcado por el rock alternativo de los 90's, nací en los 80's, cuando uno creció y agarró la guitarra hubo Nirvana y después había que buscar otras bandas, y yo me fui por ese lado, las bandas alternativas de los 90's, y ese sonido me sigue gustando.

Noto en el último disco de Ural Montain hay un crecimiento, más allá de la canción misma, que lo tiene, sino en el sonido, canciones como "Daydream" o "Hypnotic", son canciones que está saliendo lo mejor tuyo, si bien sabemos que lo mejor está por venir... pero ¿vos crees eso?

El primer disco se lo hice escuchar a mucha gente, pero como estoy solo, a veces uno no tiene otro referente que le puede decir: Mirá, eso acá no está bien", entonces hago la canción y después se la hago escuchar a alguien, por ejemplo, la primera que escucha todo es mi mujer, le hago escuchar y a veces es bastante duro el comentario y me lo tengo que aguantar... es así... (Risas) y después otros amigos en quien tengo mucha confianza con la música, les pido su opinión. Y en el primer disco fueron que estaba bastante repetitivo, las melodías todas se parecen bastante, y también hubo esa búsqueda de otros sonidos como "Hypnotic" que para mí fue bastante distinto, más influenciado por el Krautrock de Alemania de los 60's, como Neu! y esas bandas, sin robar pero intentar buscar otras influencias para agregar a lo que yo pueda tener de melodía, como agregar unos matices, unos colores a mi música. Entonces vino por ahí "Hypnotic", "Lazy Mood" o "I Feel Like Someone You Should Love".

Antes de empezar a partir, ya le vamos a agradecer... ¿Sigue con esta cuestión de no presentarse en vivo o está cambiando la idea dentro de la cabeza del artista? ¿O seguirá explorando canciones dentro de su bunker, si me permite el término, y desde ahí nos deleita con cientos de sonidos?

(Risas) Mirá, no la verdad es que algo en vivo así... no sería el concepto del proyecto... quiero dejar bien en claro eso... quizás un día tenga otro proyecto que tenga otra manera de ver las cosas, pero con Ural Mountain me parece que se tiene quedar así, como algo controlado por mi parte... en vivo por ahí ya es distinto... pero algo estoy pensando, con Instagram, los videos y las posibilidades de hoy, por ahí poner cosas en vivo, siempre con mi manera de hacer las cosas, pero estoy pensando una manera nueva de presentar algo, pero no de presentarme en vivo, de hecho ahora pude firmar con una discográfica de Texas, Chavalote Records y pero bueno fue

todo un desafío para las otras discográficas, me contactaron y me dijeron nos gustaría poner tu disco, y cuando yo le decía que no toco en vivo, ahí se complicaba... en cambio en Chavalote Records siempre me dio la libertad de hacer todo...

Está buenísimo... y como habrás notado también tuvimos la deferencia de respetar eso, con los flyers y las cosas que hacemos, porque nos parece que también tiene esa mirada nuestra, al menos, que el artista está allí, pero lo más importante son las canciones, nos pasó con un montón de otras bandas, que por supuesto no dan su rostro, porque creen y está muy bien, que ponen la melodía sobre lo físico... nos pasó con los peruano de Laikamori, que en realidad nos explicaban eso en una entrevista y así podemos ir hasta Daft Punk o lo que se nos ocurra... nos gusta el misterio del artista... pero por eso también teníamos la voluntad de preguntarle para ver de qué se trataba la cosa.

Sinceramente, la verdad, es un pacer que haya pasado esta noche por Zona de Influencia, Cyril, que haya hablado con nosotros, que hayamos podido tener esta charla, que nos debemos y cada tanto la

tenemos y que no va a ser la última y que seguramente cuando nos encontremos nuevamente será para hablar de otras músicas de Cyril, será en Ural o en otro lugar, pero ojalá que Ural Mountain siga por un montón de años más... porque desde allí escuchamos un montón de música y eso es uno de los agradecimientos...

Muchísimas gracias Ruben... la verdad es que yo estoy más que agradecido con ustedes, porque haber estado en el programa y la verdad que estoy para usted para cuando quieran... porque me encanta el programa y estoy más que contento y cada vez que pueda charlar con ustedes lo hago, porque hay una buena relación y porque me encanta el programa.

Bien Cyril... muchas gracias por todo lo que hace, por el camino que ha elegido, el de la independencia, obviamente con encantadoras canciones, que por supuesto también son delicadas, hermosas, lindo sonido de Ural Mountain, queríamos decírselo precisamente para que lo escuche. Muchas gracias por haber estado ahí.

Un abrazo y muchas gracias a vos.

Entrevista realizada el 31 de agosto de 2019 para el programa de radio; Zona de Influencia que se emite los sábados 9pm, a través de radio futura 90.5 desde la ciudad de La Plata ( Proyecto; Casa Unclan )

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[ Entrevista a Oscar Bustamante de CapitĂĄ SudamĂŠrica por Ruben Torres ]

97 El sábado por la noche entrevistamos a los amigos de Capitán Sudamérica la banda con sonido rock de garage pero al escuchar detenidamente sus canciones descubrimos todos los elementos musicales y conceptuales del indie tal lo conocemos hoy...

La banda oriunda de Monte Grande - Luis Guillón tienen disco nuevo (El fin del verano) que están estrenando en cada fecha que la banda viene desarrollando en este último tiempo.

En Zona De Influencia de mañana SÁBADO por la noche hablaremos con Oscar Bustamante quien lleva adelante este proyecto musical con amigos y que ellos mismos denominan "BANDA CON ESPÍRITU ANTI-HÉROE

Véngase tranquilo amigo... despacito por las piedras... 39 minutos pasaron de las 10 de la noche y continuamos aquí en Zona de Influencia hasta las 11 de la noche. Ahora como habíamos prometido al principio del programa vamos a charlar con nuestro amigo Oscar Bustamante, quien está detrás de este hermoso proyecto, que nosotros desde que lo vimos por primera vez, nos enamoró lo que hacen estos tipos ahí detrás con la música, sino de la manera que llevan adelante tan dignamente y tan independientemente, así que para nosotros es un placer saludarlo... Buenas noche Oscar.... ¿Cómo está usted?

Que tal! Buenas Noche Ruben! ACÁ DESDE SAN MIGUEL DEL MONTE...

pezó a llegar la gente.

(Risas) Ahora empezó a llegar la gente... bueno eso lo pone más tranquilo... Presentamos a la gente... Capitán Sudamérica.... ¿A dónde van a estar tocando esta noche?

Vamos a estar tocando acá en San Miguel de Monte en Eureka, que es un espacio de arte... vamos a estar tocando con una banda una local y un par del sur del gran Buenos Aires, "Aout", "El Perseguidor" de Chile y "Mis Amigos Muertos"....

Qué locura esto de andar el sábado a la noche en camioneta o en un auto, en lo que sea y trasladarse para tocar, es un momento sublime, pero también tiene que ver con la independencia con la autoges(Risas) Desde San Miguel del Monte... tión, y ahí viene la música desde hace un ¿Cómo está el lugar ese, está llegando o montón de tiempo, no? llegaron?

Si, Si, vos sabés que es un placer... justaYa estamos en Eureka, que es un espa- mente veníamos hablando hoy, que hacer cio de arte, que pinta que está muy lindo esto es para lo que uno se prepara, y acá pero todavía está cerrado.... estamos.... salimos a la cancha. Y hacer lo que uno ama, lo que uno siente y tener (Risas) ¿Está cerrado, o sea ustedes es- conexión con la gente que es lo más lindo. tán del lado de afuera por ahora?

Claro.... estamos del lado de afuera...

Che... la verdad sinceramente, venía eshay una placita... vos sabés que nos lla- cuchando algunas de las cosas que viemó la atención que no había nadie, nadie... nen haciendo pero con "Recuerdos de pero nadie... ni los fantasmas.... ahora em- Verano", yo no sé si lo han dicho... pero

es un gran disco... del principio al fin, evidentemente han puesto todo lo que tenían, porque se nota en cada una de las canciones... y nada quería felicitarlos porque desde la primera canción a la última.... ahora vamos a hacer un repaso por cada una de las canciones... pero digamos la idea de lo que quedó ¿Los dejó conformes del nuevo disco?

Sí, la verdad es que Sí, estamos muy conformes... y la repercusión que tuvo superó ampliamente nuestras expectativas.

Se puede decir que en este disco tiramos la casa por la ventana, es un disco que tiene un montón de invitados, que son músicos que nos ayudaron, vinieron a tocar, vinieron a cantar, vinieron a meter coros, y que le metimos un montón de laburo de producción. La verdad pusimos todo lo mejor. Lo hicimos como vos dijiste la autogestión, con mucho sacrificio. Y la verdad es que estamos muy contentos con las canciones, con la repercusión y cómo quedó el disco en general y sobre todo la llegada que tuvimos con la gente y la devolución de las personas... Acá me dice Seba (el batero) con muchas ganas de tocar en La Plata...

Con muchas ganas de tocar en La Plata.... mirá justamente habíamos estado charlando con vos sobre la afinidad que tenemos con Casa Unclan y con el espacio precisamente... Sinceramente sería un gran placer porque en realidad la banda es de Monte Grande, ¿Sí?

Sí, de Monte Grande.

Pero sin embargo el sonido independiente que tiene la banda, hace recordar mucho al sonido que está aquí, que inunda las calles de la ciudad, obviamente con otros géneros... Pero es muy loco que ustedes desde otro punto, que podría llegar a ser, si se quiere, mucho más indie, pero también folk, pero no sin embargo no toca eso, me parece a mí, si se quiere, y si se

me permite decir esto, Capitán Sudamérica es una banda con olor a cemento, si se quiere.... porque en realidad parecen de una ciudad... y nada es una locura... el otro día hablaba con alguien, que parece que es de ahí, y lo conoce a usted, me decía que me parece que Capitán Sudamérica, es una de las bandas independientes de este lado de Monte Grande es una de las mejores. Y me llamó la atención eso, me parece que es un lugar justamente preciso, para que ustedes puedan hacerlo y vamos a hacer toda la fuerza del mundo y vamos a darle todo nuestro apoyo para que estén sonando acá, primero porque primero queremos que suenen acá y segundo porque los queremos ver en vivo y además queremos charlar con ustedes...

Yo... la verdad... no tengo palabras para agradecer tus palabras... para nosotros todas las cosas que nos están pasando son muy fuertes y recibir tantos comentarios buenos, tantos elogios, para un artista como nosotros que estamos acostumbrados a la autogestión y todo lo chiquitito, y cuando uno larga una canción o un disco, lo hace sin demasiada expectativas, para nosotros es algo muy lindo lo que nos está pasando y la verdad es que lo recibimos con gran cariño y es un momento que estamos disfrutando un montón. Y con respecto a lo que vos decís, para nosotros La Plata es siempre un referente, a mí me gusta mucho 107 Faunos, El mató a Un Policía Motorizado, bueno viejo oyente de Virus, no eran de La Plata pero ahí cerquita de City Bell. La Plata siempre fue influencia para nosotros el sonido platense, que le digo yo. Y lo que te puedo decir del lugar de donde somos nosotros, de Monte Grande, te puedo decir que hay una movida de música independiente muy importante. Todo por la zona de Ezeiza, Tristán Suárez, hay una movida muy fuerte que está queriendo ser escuchada, y bueno nosotros somos un poco punta de lanza de todo eso y esperamos que detrás de

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nosotros vengan muchas más.

Vos sabés que además después de escuchar "Recuerdos de verano" volví para atrás y fui directamente a "Capitán Sudamérica" que es el primer disco que tiene "Sistema Digestivo", "LA Mira", "El Fin del Verano"... Ahí también encuentro canciones que, ahora con el disco nuevo, está más afilados, no sé si el sonido más maduro, porque no me gusta la palabra, pero sí me gusta para relacionarla con un sonido más asentado, si se quiere, pero me parece que las canciones en un principio estaban acá. En "Sistema Digestivo" en "Pasajera", por ejemplo...

Claro... lo que pasa es que ahí en ese disco, se ve un Capitán Sudamérica más auténtico y más desnudo, más sincero... más crudo... teníamos ganas de rockear.... y hacer algo que nos haga sentir contentos y felices... y bueno después con el tiempo uno va madurando y va dosificando las energías y las emociones... creo que "Recuerdos del Verano" a nosotros nos encontró en un momento justo, genial y por eso el disco suena así, además se nota que hay una búsqueda... un poquito de acá otro de allá, hay electrónica, temas post-punk e hicimos ahí una mixtura interesante.

español... me acordé de Bon Jovi inmediatamente con su "Lecho de rosas" pero no quedó así... quedó mucho mejor....

Yo pensaba más en un The Clash cantando "Spanish Bombs", por ejemplo...

Ahí va... o " Me voy o me Quedo"... (Risas)... la verdad que cuando la empezamos a escuchar, que entró tu voz, y empezamos a escuchar las melodías y las canciones en inglés, por eso también pensábamos en eso... obviamente que tiene que ver con las referencias musicales que ustedes tienen, cada uno de los que están en la banda, pero llevarlo y traducirlo a ese lugar y meterle una letra en inglés, suenan muy bien y las canciones condicen con lo que hacen, entonces no hay una situación forzada del idioma, es una canción que le cabe el idioma.

Exacto, nosotros tratamos de hacerlo con naturalidad, sobre todo cuando componemos, y que sea Capitán Sudamérica, más allá que, podamos meter un tema tropical... con tumbadoras... con sabor... pero tratar de que siempre sea Capitán Sudamérica... siempre que esté atrás la esencia de la banda...

Recuérdeme quienes están en la banda... por supuesto... pero quisiera que usted le diga al público quienes está detrás Se juegan en este disco, hay una gran de Capitán Sudamérica. canción que es "Un Disco de New Order", Bueno... acá estamos tres de los cuatro, sinceramente lo felicito, gran canción, ahí porque a uno lo perdimos.... se juegan algunas canciones en inglés... se jugaron a cantar en inglés...

(Risas) ¿Cómo es eso?

Nos jugamos a cantar en inglés, sobre Lo perdimos en una fiesta... en la laguna todo porque yo oyente del indie de afuera, creo.... se ahogó en la laguna... bueno acá y hay muchas bandas que se han animado está... Gustavo Vega que es el guitarrisa cantar en español y a veces, no con mu- ta... Sebastián Ramos que es batero y Pacho conocimiento del idioma, pero lo ha- blito que es el bajista y yo (Oscar) que soy cen y entonces no podíamos ser menos y el cantante y el guitarrista y también Danos salió cantar en inglés y quedó lindo... niel Fernández que es el corista oficial de todos los disco de Capitán Sudamérica...

Quedó bueno... mirá me hiciste acordar... artistas foráneos que por ahí agarraban el Entiendo, cada vez que veo publicacio-

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nes de la banda... hace un rato te decía sobre viajar el sábado a la noche, cruzar, hacer unos kilómetros para tocar... pero se los nota felices con lo que hacen...

Totalmente... esto es sentirnos vivos y vos sabés que estamos teniendo bastante suerte con las fechas, ahora viste que se complica salir a tocar... porque muchos lugares te quieren cobrar o te hacen vender un montón de entradas, y eso para las bandas chicas, a veces, es una traba. Antes de ayer tocamos en El Emergente allá en Abasto, hoy estamos en Monte, el viernes estamos en Monte Grande tocando, y el sábado festejamos la primavera en El Puente Verde, que es un campo muy lindo, se toca al aire libre para pasar el día, está bárbaro... te tirás en el pasto y escuchás música.

Qué bueno que lo tomen con este humor y además me parece que tiene que ver esencialmente con lo que hacen ustedes, evidentemente, esta manera lúdica de ver la vida e ir en busca de esa, porque evidentemente alguien que ama lo que hace, precisamente hace el esfuerzo que hace con total felicidad con absoluto placer, pero no deja de ser un esfuerzo. Y para nosotros este tipo de cosas que tiene que ver con las bandas que lo hacen... lo hemos

charlado alguna vez con vos Oscar... que me decías ¡Gracias por Darme Bola!... en realidad es un poco casi todos, nosotros con lo que hacemos que también es un esfuerzo, pero también hay placer y amor detrás de eso, y por eso también nos sentimos identificados con lo que ustedes están haciendo y la fortuna de tenerlos esta noche ahí y de pasar canciones como lo hacemos cada vez que podemos y es un placer...

Muchísimas gracias... y como dice una de las canciones "Vamos hoy que la vida está ofreciéndose generosamente y vamos que la vida se ofrece"... ¿Ahí está llegando gente? Dígame que sí...

Si, si, hay demasiada gente... diría yo....

(Risas)... si no abren el bar creo que la gente va a tomar el bar por su cuenta y esto puede pasar a mayores...

(Risas) puede pasar un escándalo, pero ustedes ya tienen instrumentos y todo... así pueden ir bajandolos en algún momento y armarse la fiesta en la puerta...

Tranquilamente... puede haber incluso intervención policial... en Monte sería peligroso esto... con los antecedentes...

(Risas) Bueno un placer haber charlado con usted y ya sabe que de alguna manera, a pesar de la distancia y estas cuestiones que tienen que ver con lo que hacemos, siempre nuestro corazón está ahí en cada una de las cosas que ustedes hacen, para nosotros es un placer tenerlos en este sábado a la noche y este esfuerzo que hicieron en poder hacer esta entrevista, seguramente en algún momento nos veremos acá en la ciudad de la Plata, ahí podremos charlar y sería un golazo que puedan venir acá al estudio un sábado a la noche, eso sería como el 2 x 1...

Cualquier sábado de estos nos invitás, nos vamos y llevamos facturas... bah a esta hora es más una pizza... y nos comemos una pizza....

Un placer y ya nos estaremos viendo aquí en la ciudad de la Plata cuando nos vengan a visitar...

Seguramente... muchísimas gracias por la nota... un abrazo grande.

Capitán Sudamérica pasó por Zona de Influencia.

Entrevista realizada el 14 de Septiembre de 2019 para el programa de radio; Zona de Influencia que se emite los sábados 9pm a través de radio futura 90.5 https://fmfutura.com.ar/ desde la ciudad de La Plata (Proyecto; Casa Unclan)

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[ Reseña de "The Kundalini Genie - It's All In Your Head" por Benjamín York ]

UN VIAJE ESCOCÉS CON PINCELADAS INGLESAS

The Kundalini Genie - It's All In Your Head Label: Captain Bee Fart Records (EU) Little Cloud Records (USA).

Fecha de Lanzamiento: 02 de Agisto de 2019

Hay bandas se caracterizan por lograr introducirnos en un espiral que no sabemos si es en caída o en subida. Ya que logran llevarnos a un estado de florecimiento tal que nos quedamos como entregados a las corrientes sonoras que las banda nos imponen… podemos pensar en esas bandas space rock, o en esas ambientales, o en las psicodélicas. Y en este último grupo nos encontramos tal vez con uno de los mejores exponentes de las bandas que nos hacen viajar, los escoceses de Kundalini Genie.

Desde el primer track "Clouds of Your Mind" se puede sentir esa exaltación de colores estridentes que nos hipnotiza con ese paso cansino, seguro y agradable, pero cargado de capas de guitarras y voces que nos invitan a subirnos a esta ola ascendentemente parsimoniosa y elíptica. El track que le des nombre al álbum viene a continuar este viaje.

"Only Love (Liquid Technicolor)" tal vez sea la más Beatle, aunque ya a esta altura (más de 15 minutos de viaje) el ambiente está tan adornado de reverberancias y bellas capas sonoras que las influencias se empiezan a evaporar. "Take You Away" no hace que nos queramos bajar de esta travesía. "The Future of the Past is Now" es ese momento en que el álbum se vuelve mantrico, ese ritmo lento, las guitarras lánguidas y con delays, con la voz sostenida en poco tonos, frases cortas y melodías alargadas, como si fueran un canto hipnótico y sagrado.

Si bien pareciera que en cualquier momento aparecerá una sitara nunca sucede. "A Song of Love" va por el mismo lugar que el track anterior pero sin tanta ornamentación sonora, esta es más despojada, en lo que a la música de The Kundalini Genie se refiere. El track final llega con "You'll Find Out (When You're On Your Own)". Una canción que empieza chiquita, dos guitarras tímidas hasta que se acopla la banda y crece con un fraseo de una guitarra con slide. Y vamos descendiendo lentamente y cadenciosamente de esa nube colorida a la tierra en un fade out abrupto.

Su tercer álbum "It's All In Your Head" es un perfecto viaje que Robbie Wilson nos propone acompañado de Jack Getty y Jason Shaw. En donde entre canciones penetrantes y coloridas nos van induciendo a un viaje onírico como real, con sonoridades que nos traen a la mente el periodo más lisérgico de The Beatles mixturado con voces que a primera escucha nos recuerdan a Liam Gallagher o al propio Lennon. La marca de la psicodelia como mantra hindú se acentúa en esos lánguidos delays que tienen las guitarras que van quedando suspendidas en nuestra cabeza resonando durante toda la extensión del álbum. Capas más capas parecen quedar adheridas en las paredes de nuestra mente mientras los colores estallan a nuestro alrededor como bombas de pintura estelares y entre manchas superpuestas van dibujando un universo tan vivo como placentero.

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The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A