Revista The 13th Número 58 by Revista The 13th

AÑO: 6 | NÚMERO 58

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

LINDA GUIALA - MEDICINE 7AM - TOMBSTONES IN THEIR EYES THE JESUS AND MARY CHAIN

ZONA DE INFLUENCIA: SEXORES - VICTORIA REAL NO ME ESCUCHO RECORDS - MUSIC CORNER - PALABRAS EN LA ARENA LA ORACIÓN DE LAS CENIZAS - ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

STAFF

Octubre 2019 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alejandro Cenizacromada REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Diego Centurión.

Benjamín York Diego Centurión Franco Doglioli

PORTADA

Maxx Wild

Diego Centurión

Pablo Ravale Pepe Navarro Ruben Torres

Jefe de Departamento de Colombia: César León Jefe de Departamento de Literatura: Pablo Ravale. Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 58 CON ALGUNOS REGRESOS...

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

DISCOS

06 NICK CAVE & THE BAD SEEDS

LINDA GUILALA

12 THE CURE NO ME ESCUCHO RECORDS

TOMBSTONES IN THEIR EYES

24 EN LA MIRADA DE LOS OTROS

32 OPETH

7AM

44 PALABRAS EN LA ARENA

54 58 FRANCO DOGLIOLI CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE 60 LA DOCTRINA SECRETA

NINE INCH NAILS MEDICINE

72 MUSIC CORNER

78 90 86

LA ORACIÓN DE LAS CENIZAS DER GOLEM CLEOPATRA RECORDS ZONA DE INFLUENCIA: SEXORES VICTORIA REAL

NOVANTA

87 90

98 110

SINGLE

126

¿Qué Beber para escuchar mejor? [ Por Maxx Wild ]

VUELTA POR EL NORTE Viajar a lugares nuevos siempre es una experiencia renovadora y posee un dejo de aventura para los que crecimos bajo las influencias de cuentos fantásticos. Bertín, Noruega, este fue el destino que el destino quiso que visitara. Mediados de octubre, promedio de 10 grados de temperatura y lluvias en un 65% de los días. Créanme, no es terrible pero tampoco llevadero. Luego de las 18hs todo está cerrado, salvo supermercados y bares, algo no tan extraño teniendo en cuenta que existe una restricción de venta de alcohol por arriba de los 5% en supermercados y que dichas bebidas se consiguen en bares o viernes y sábado hasta las 18hs en solo dos lugares habilitados. ¿La razón? Controlar el consumo… bueno, en teoría ya que los bares desbordan y el consumo es altísimo. Ahí fui yo, como un extraño a esa aventura de conocer y beber, una excelente forma de entender la cultura y obviamente calentar el espíritu en esas latitudes. La cerveza es normal y extremadamente popular, la cosa se pone buena cuando vamos a por lo espirituoso… Ratzeputz, bebida qué tradicionalmente usaban las prostitutas para enjuagarse la boca luego de haber prestado sus servicios… Hierbas, anís, regaliz son los sabores que predominan para esta bebida de 58 grados de alcohol, que casi duerme la lengua al probarla. Mi búnker en Bergen fue el bar “Legal” de 1960, uno de los más antiguos… pequeño, acogedor y con una excelente selección musical. Clásicos de los años 80s y 90s para un público que no supera los 30 años. Justo cruzando la calle, se encuentra Vinyl, una disquería devenida en bar, allí la clave fue el Aquavit, bebida nórdica destilada de papas de 50% de alcohol. También herbácea pero de sabor sutil, hasta es apta para algún que otro cóctel. Ideal para este bello antro donde predomina el rock, funk, R&B; otro estilo, más repartido desde el punto de vista etario. Ambos lugares fueron un oasis en la soledad bergueniana, oasis sonoro, gustativo y social… para esas noches frías. ¡Salud!

[ Reseña de “Nick Cave And The Bad Seeds – Ghosteen (2019)” por Pepe Navarro. ]

ESTA NOCHE LAS LÁGRIMAS NOS ILUMINAN EL CAMINO.

Nick Cave and The Bad Seeds ‎– Ghosteen Label: Ghosteen Ltd. Fecha de Lanzamiento: 03 de Octubre de 2019

Perdido en un bosque al que llegó sin pedirlo ni buscarlo, su guardia personal, prole eterna, sufrió una baja. Irreparable. Se pierde el rumbo, se ajustan coordenadas. Y sus lágrimas sirven de puntos de referencia para seguir. ¿Quiénes somos nosotros, meros mortales para atrevernos a terminar de redactar esa historia? El rumbo está fijado. Las luces de los ojos de los que no están brillan más que nunca. Palabras que sobran, se camina. ¿Hacia el final? ¿Hacia el principio? Nick, te seguimos. Punto.

[ Entrevista a Iván Juniper de Linda Guilala por Diego Centurión. Fotografías; Sara Chuerches ]

LINDA GUILALA: UN AÑO MUY INTENSO Y DE MUCHO TRABAJO

Linda Guilala son de Vigo, España y han nacidos bajo las cenizas de otra banda llamada, Juniper Moon, y con más de diez años de existencia se puede decir que es una de las bandas referentes del sonido dreampop y shoegaze de España. Con mucho amor por el cine de ciencia ficción japonés de la década del 60 y 70, toman su nombre del personaje de la película “Giant Space Monster Guilala” de 1967. Este año lo comenzaron con el lanzamiento de un EP llamado “Estado Natural” y luego editan el single “Agosto” en septiembre último, para el sello inglés Sonic Cathedral. Y hace tiempo que queríamos tenerlos en nuestras páginas y el momento ha llegado… Antes de empezar con la entrevista me gustaría agradecerles la posibilidad que nos brindan de poder hacer estas preguntas. Hace un tiempo que queríamos entrevistarlos y por fin ha llegado el momento.

Para empezar, quisiera que se presenten... sobre la que definimos nuestra identidad muPues somos Eva, Mari e Iván desde Galicia sical y decidimos lo que sí y lo que no quería“Linda Guilala” mos en Linda Guilala. Tuvimos que capear con la crisis económiLa primera pregunta tiene que ver con su ca, la reconversión de la industria musical y, historia, mirándose hoy entre ustedes, a además, la procedencia de un grupo con ciermás de diez años de esa decisión de co- ta repercusión, de todas y cada una de las menzar con este proyecto ¿Cómo po- dificultades aprendimos mucho y aumentó drían resumir todos estos años en pocas nuestra determinación en el proyecto. palabras? Pasamos de ser un grupo que no quería haCreo que… de continuo trabajo y aprendiza- cer directos a cimentarlo todo sobre los conje, seguimos luchando y buscando la autosu- ciertos, aprendimos de cero a grabarnos y ficiencia como desde el primer día. definimos una serie de principios y valores basados en la autosuficiencia con los que Hablando del espectro sonoro que tiene continuamos trabajando. la banda... desde sus inicios hasta hoy ¿qué matices sonoros mantienen y cuá- ¿Piensan hacer algo especial por esta les creen que han abandonado? conmemoración, reedición o concierto Creo que en el fondo el grupo siempre está especial, o algo así? Algo que hoy está jugando con distintas caras de un mismo pris- muy de moda en las bandas… ma “Post Punk” unas veces más indiepop, Es muy probable que editemos algo especial, otras más shoegaze, dreampop, últimamen- estamos dándole vueltas, no obstante, no sote más Motorik, en la última época sobre todo mos muy de mirar para atrás, somos más de estamos menos ruidosos y más heaven. exprimir el presente y tenemos muchas cosas en mente para los próximos dos años. El 26 de octubre de este año se cumplen los primeros diez años de su primer ál- El cambio del público de aquellos años, bum, “Bucles Infinitos”, ¿Qué recuerdan cuando ustedes empezaron con la banda, de esos primeros años? a hoy fue muy grande. Gran parte de este Bueno, fueron años complicados, pero los re- cambio fueron las redes sociales y ciercordamos con mucho cariño. Fueron la base ta banalización del mundo, pero a la vez

la tecnología permite grabar un disco entre músicos que ni se conocen y no están en el mismo punto del planeta, o tener esta posibilidad de entrevistarlos desde la Argentina, por ejemplo. ¿Cómo ven ustedes esta globalización mundial? Una moneda con dos caras, para nosotros es fundamental, más de la mitad de nuestro público es de fuera de España y disfrutamos mucho tocando fuera del país y visitando a amigos fruto de esta globalización. Después está la otra parte, esa en la que las redes sociales y la sociedad en general crea estados virtuales en los que por ejemplo las bandas dejan de crear canciones a dedicarse a hacer publicaciones llenas de contenido vacío. Si bien esa premisa de la ciencia-ficción como base sonora se mantuvo hasta en, por ejemplo, "Luchando contra", ¿En dónde creen ustedes que ha crecido su sonido a través de los años? (La pregunta va dirigida a su ductilidad con los instrumentos o en el equipamiento) Las producciones del grupo se dividen en dos, algunos temas los hacemos pensando

en el directo y no queremos grabar nada que no podamos tocar nosotros tres después, otros son realmente experimentos, lo único que queremos es estudiar posibilidades en el estudio. En estos diez años de experiencia discográfica, han lanzado muchos trabajos, ¿Qué trabajo pueden catalogar como favorito de sus álbumes y por qué? Bueno, no sé, todos son especiales, tal vez “Xeristar” marco un nuevo comienzo de ciclo. Desde que comenzaron siguen fiel a Elefant Records, ¿Qué les brinda el sello que lo siguen eligiendo? Libertad, comprensión, empatía y amistad. ¿Han recibido ofertas de otros sellos? Nunca nos hemos planteado dejar Elefant, tenemos amigos y afinidades en y con otras etiquetas por eso nuestros singles en Sonic Cathedral o Dreams Neverd End pero nuestra casa es Elefant y no creo que nadie nos vaya a comprender y tratar tan bien como Luis y Montse.

En este 2019 editan un EP llamado "Estado Natural" y luego viene el single "Agosto"... Y acaban de regresar de una gira por algunos países de Europa. Cuéntenos que significó este año para ustedes... Está siendo un año muy intenso y de mucho trabajo, creo que el mejor ejemplo de que no es necesario un disco de larga duración para trabajar a tope, no hemos parado de tocar y hacer cosas y estos muy felices con estos singles. Y para terminar y agradeciéndoles esta posibilidad de hacer estas preguntas… ¿Qué les queda para lo que queda del 2019 y qué planes tienen para el 2020? Pues más discos nuevos y más conciertos... ¿No es eso de lo que va tocar en un grupo?

[ Reseña de "The Cure - 40 Live – CURÆTION-25 + ANNIVERSARY" por Benjamín York. ]

THE CURE:

40 AÑOS DE EXCELENCIA EN UNA CAJA

The Cure - 40 Live CURÆTION-25 + ANNIVERSARY Label: Eagle Vision. Fecha de Lanzamiento: 18 de Octubre de 2019 La estrategia suele ser la misma desde hace la mitad de las décadas de existencia de la banda de Robert Smith, un disco en estudio y algunos videos o álbumes en vivo, pero también recopilaciones u otros lanzamientos, pero lo cierto es que los discos de estudio son más espaciados. Desde el 2008 y su último álbum "4:13 Dream", tuvimos "Bestival Live 2011", "Torn Down (2018)" y maratónicas giras. En este 2019 prometen un nuevo álbum de estudio, Robert hasta habló de tres álbumes casi listos... sabemos con los bueyes que aramos cuando Robert habla... y siempre caemos en la trampa que nos suele tender el propio Smith y nos ponemos contentos y le creemos. Lo cierto es que Robert nos ha sorprendido con el lanzamiento de este boxset que reúne los dos únicos conciertos que la banda dio en el 2018. Por un lado, "Anniversary: 1978-2018 Live In Hyde Park London", este concierto fue el 07 de julio del 2018. Es una celebración por el 40 aniversario de existencia de la banda. Este concierto es el que este año ha llegado a los cines dirigido por el gran Tim Pope. Con un Setlist que repasa toda su discografía y sus singles, es decir... un show para todo el mundo que conoce a The Cure, pero que son esos shows que los fanáticos que esperan "algo más" que los hits. Impecable presentación y muestra a la banda comenzando con el sol de frente, algo que con lo Robert bromea... pero desplegando toda su magia en 28 tracks. Por otro lado tenemos el CURÆTION-25, que corresponde al concierto del 25th Meltdown Festival (curado por el mismísimo Robert Smith) en el London’s Royal Festival Hall el 24 de Junio del 2018. Este concierto de 29 tracks es la verdadera joya para fanáticos, las canciones que no fueron hits, excepto algunas ineludibles como "Three Imaginary Boys", "Boys don't cry", "A Forest", "Primary", "Pictures of You" o "High", pero nos encontramos con esas perlas como las "nuevas" "I can never be the same" o "Step into the light", cómo otras que para los fanáticos harán de éste show mucho más rico, que el anterior, que puede ser un show típico de Festival. Elshowtuvodospartesbiendiferenciadasensusversionesencds...Laprimeraparte del show se llamó "From There To Here" y la segunda parte "From Here To There". De más está decir que el gran bonus es que viene el material en video y en audio. Se trata de dos versiones (2 x blu-ray+4CD) o (2 x DVD+4CD).

Somos una nueva netlabel de Argentina. "No Me Escucho Records" nace luego de varios años de trabajo entre Darío Martinez y Diego Centurión para seguir con su tarea auto impuesta de difundir la música.

Pueden seguirnos y enterarse de las novedades en: https://www.instagram.com/nomeescucho https://twitter.com/NoMeEscuchoRec https://soundcloud.com/nomeescuchorecords https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/releases https://www.discogs.com/label/1655158-No-MeEscucho-Records

VICTORIA REAL - VOLUMEN X (SESIONES EN EL MONTACARGAS) Fecha de Lanzamiento: 18 de Octubre de 2019 Estilos: Alternative, Darkwave, Rock Experimental.

Victoria Real es un proyecto de Victoria Caregnato basado en Córdoba, Argentina. Victoria Real no es sólo música, es también un concepto que bien se expresa en las palabras que describen su música en algunas de sus redes…. Maria Victoria Caregnato alias Victoria Real es una cordobesa guitarrista y cantante que basa su música en su exquisita forma de tocar la guitarra y pistas que ella misma arma, a veces con la ayuda de amigos. Con solo 23 años se muda en Paris para realizar diferentes cursos residenciales en Guitar Craft dictados por Robert Fripp. Luego lo seguiría por Madrid, Londres, Barcelona y Lubeck (Alemania). Su manera de tocar el instrumento de seis cuerdas es la forma heredada y aprendida en el Guitar Craff de Robert Fripp, lo cual hace de sus tonalidades algo extraño y atractivo. Desde el 2016 a la fecha llevan grabados dos LPs y un EP:: Musica para sanar maquinas rotas (2016). Mi Propio Poder (2018). La Leccion (2019). No Me Escucho Records presenta "Volumen X (Sesiones en el Montacargas)". Registro que pertenece a las Sesiones en el Montacargas grabadas en el Estudio Montacargas el 21/11/2018. Cuatro canciones cortas, oscuras, climáticas, que mezclan el darkwave, el synthpop con la electrónica oscura y ambiental. Tres de sus canciones pertenecen a su último álbum “Mi Propio Poder” (2016), pero este trabajo tiene una joya inédita… el último track “La Brújula (Embrión)”, y su último video lanzado es “La Brújula”, ¿Qué tienen en común? es que en nuestra sesión justamente la versión es el embrión de la canción editada como single. La versión de Volumen X, es una versión muy despojada y diferente de la versión que salió como single/video hace unas semanas. Canciones: 1. Dreaming 2. Woo Hoo 3. Vivir Así 4. La Brújula (Embrión) Victoria Real: guitarra, voz y programaciones Estudio Montacargas: Darío Martínez; Grabación, mezcla y masterización. Diego Centurión: Coordinación, supervisación y edición. Claudio Ros: Video. Diseño: Victoria Real.

[ Entrevista a John Treanor de Tombstones In Their Eyes por Diego Centurión. Fotografías: Cathryn Farnsworth. ]

TOMBSTONES IN THEIR EYES: SEREMOS PRINCIPALMENTE UNA BANDA DE GRABACIÓN

Hace tiempo que hemos entrevistado a Tombstones in Their Eyes y es una banda que nos encanta y están a punto de lanzar su segundo álbum “Maybe Someday”, que se lanzará el próximo 15 de noviembre. Y nos pusimos en contacto con John Treanor para hacerle unas preguntas y esto es lo que nos cuenta. Hola John: Nuevamente nos encontramos nuevamente después de esa entrevista en 2017, cuando lanzaron "Fear". ¿Qué ha pasado en estos años? Después de "Fear", lanzamos el sencillo "Shutting Down" con dos canciones y el EP "Nothing Here" con 3 canciones. ¡Nos gusta seguir sacando canciones mientras sigan llegando y nos encanta escribir canciones! Tocamos algunos shows (no tocamos mucho) y llegamos a la conclusión de que por el momento seremos principalmente una banda de grabación. Algunos de los otros miembros tocan en bandas en vivo más activas. Mike Mason, nuestro bajista, toca en otra banda llamada The Wyldewood Green y Josh Drew, nuestro otro guitarrista, ha estado tocando con otras bandas locales.

tenía un control artístico completo del video e hizo un trabajo maravilloso.

Se viene otro single "Maybe Someday", ¿Qué nos pueden adelantar? Sobre todo sobre "I Can't Feel It Anymore (Junkie Version)". "Maybe Someday" es posiblemente mi canción favorita que he escrito. Y, como con algunas canciones, salió de la nada. Un día bajé al sótano para inventar una canción y allí estaba. El demo fue tan bueno que lo escuché cientos de veces y me dio escalofríos. Estaba nervioso por volver a grabarlo, ya que no quería perder esa magia, pero logramos retener lo especial de la canción. Parte de lo que tiene de especial son las partes de guitarra en las pausas entre las voces, que Josh hizo mientras estaba sentado en el sofá del sótano. Y Stephen, el baterista, proporciona un gran ritmo metronómico Acaban de lanzar el single "Open que lo mantiene funcionando como un Skies" que es el adelanto de reloj. "Maybe Someday" y Hugo Coaster ha realizado un muy lindo video. "I Can't Feel It Anymore” fue escrita Cuéntenos sobre esto. por Mike Mason y yo. Mike trajo la Hugo ha hecho un par de videos de canción y la progresión de los acordes y nuestras canciones antes y realmente agregué las voces y canté un poco con me gustaron. Hizo uno para "I Want guitarra wah. La letra original es lo que To Fly" y otro para "Nothing Here". está presente en la "Junkie Version" y Entonces, cuando necesitábamos un que me sentí extraño al lanzar, porque video para el sencillo "Open Skies", me ese tipo de canción se ha escrito acerqué a él y le pregunté si haría uno muchas veces antes y también fue por comisión. Él estuvo de acuerdo una decepción. Pero mantuvimos esa y has visto el video resultante. Hugo versión y luego volvimos a grabar una

versión vocal diferente para el álbum y debatimos si incluirlas todas. Al final, simplemente dijimos "a la mierda" y los principal. pusimos a todos en el registro. Para el El próximo mes llega el nuevo lanzamiento del vinilo, tendremos que álbum. ¿Cómo fue el proceso de cortar algunas canciones, pero aún grabación y cuánto tiempo les llevó no hemos comenzado con el vinilo. Probablemente después de que salga escribir las canciones? El proceso de grabación que tenemos el álbum, armaremos una edición de con Paul Roessler es un sueño. Hemos vinilo de lanzamiento limitado. trabajado juntos durante algunos años He estado leyendo que este álbum y hemos aprendido y desarrollado un sistema que funciona bien para tiene algo más de diversión que los nosotros. Nos comprende muy bien y trabajos anteriores. Cuéntanos un poco acerca de esto. ayuda con la toma de decisiones. La comodidad de trabajar con nuestro El proceso tomó de enero a julio, creo. Alprincipioteníamos"MaybeSomeday" productor,PaulRoessler,haaumentado y un par de canciones más. Entonces con los años, por lo que es cada vez haríamos una sesión de fin de semana más divertido hacer la grabación. ¡Odio donde hicimos 4 canciones. Luego no estar en el estudio con Paul! Hemos trabajaríamos en esas canciones en aprendido algunos trucos para agilizar el estudio mientras escribíamos más el proceso y maximizar nuestro tiempo fuera del estudio. Luego regresaríamos en el estudio sin tener que sentarnos y haríamos 4 más y repetiríamos el mucho. En cuanto a la colocación en un proceso. Al final tuvimos 12 canciones

programa de televisión, tenemos una compañía editorial llamada Red Queen Music, y buscan oportunidades para obtener canciones en programas y películas. ¡Es muy difícil para las bandas en estos días ganar dinero o incluso hacerse escuchar que ser ubicado en un espectáculo / película realmente ayuda! El principal beneficio de ser colocado en el programa de Netflix "Chambers" fue que mucha gente se encendió con la canción “I Can’t See The Light” (de nuestro EP

"Bad Clouds"). Así que obtuvimos miles de reproducciones de YouTube, Spotify y Apple, lo cual es bueno. ¡Y obtuvimos un poco de dinero, no mucho, pero al menos lo suficiente para pagar un fin de semana en el estudio! Los cambios en esta época de redes sociales son cada vez más notorio y más rápidos. Por ejemplo el Instagram se ha vuelto una herramienta muy efectiva para la distribución de contenidos para

una banda. ¿Tú qué crees que ha cambiado desde la última vez que hablamos? No creo que hayamos utilizado Instagram de manera efectiva todavía, pero las páginas de Facebook y Twitter están bastante activas. Es genial ver a quién le gusta la música y poder comunicarse fácilmente con los fanáticos y la prensa. Creo que desde la última vez que hablamos ha mejorado. Realmente, en los últimos diez años, las cosas han cambiado mucho, es más fácil hacer / grabar música en casa, es más fácil de auto-liberar, es más fácil de promover. Por otro lado, obviamente es más difícil ganar dinero, pero si el dinero es un motivador principal para que hagas música, creo que estás en el juego equivocado. ¡Mi objetivo es tener a tanta gente como sea posible consciente de la música y disfrutarla, si es su tipo de música!

Para terminar, ¿Qué planes tiene para Tombstones In Their Eyes luego del lanzamiento de "Maybe Someday"? Ya comencé a escribir más canciones y estoy ansioso por volver al estudio para otro EP o single. Jaja. Más allá de eso, tenemos que reunirnos como banda y practicar un poco, escribir algunas canciones juntos y salir a tocar algunos shows. Me encantaría hacer una pequeña gira en algún lugar donde se aprecie la música. Agradeciendo una vez más la predisposición para contestar nuestras preguntas, los saludos y estaremos atentos a lo que estén haciendo. Gracias. ¡Muchas gracias por las excelentes preguntas! ¡Siempre es un placer, y gracias por tu interés en la música!

www.mutanteradio.com

www.indiego.com.ar

EN LA MIRADA DE LOS OTROS

The Jesus and Mary Chain Automatic (1989)

The Jesus and Mary Chain – Automatic Label: Warner Bros. Records Fecha de Lanzamiento: 09 de Octubre de 1989 Sinceramente la idea de retomar la sección con este álbum tiene que ver con las ganas de invitar a distintos músicos pero a la vez a reivindicar uno de los discos que cambió el rumbo de la banda, pero a la vez, modificó el sonido de una generación de bandas que vinieron retomando el sonido (sobre todo de la batería electrónica) generado en este disco por los hermanos Reid. Este mes se han cumplido los primeros 30 años del álbum y nuestra manera de homenajearlo es este. Los artistas convocados para esta reseña colectiva es muy variada, lo que hace que más atractiva la lectura.

Track y Músico invitado "Here Comes Alice" por Nico Castello "Coast to Coast" por Max Tarenzi "Blues from a Gun" por Phil Wilson "Between Planets" por Antonio Zelada "UV Ray" por Nico Beatastic "Her Way of Praying" por Ural Mountain "Head On" por Gabriel Boccanfuso "Take It" por Paul Baker "Halfway to Crazy" por Ferran "Gimme Hell" por Tom Lugo

"Here Comes Alice" por Nicolás Castello (NAX) “Creo que la escucho por primera vez. La voz aireada del cantante te va llevando de a poco a través de los versos a medida que la canción va creciendo lentamente. La emoción de repente levanta cuando Jim (el cantante) reproduce la misma melodía, en el tercer verso, pero una octava arriba: un gran y efectivo recurso, en este caso, muy bien utilizado. Con una estructura relativamente simple esta rola lleva el sello distintivo de los "Jesus". Melodías copadas, distorsión y Alan Moulder: ¿Qué más podemos pedir?”

"Coast to Coast" por Max Tarenzi (PINHDAR) “Jesús and Mary Chain lograron una tarea inmensa: remodelar el rock con el poder de una idea simple. En mi opinión, los shoegazers están viendo su tercera generación hoy en día gracias a bandas como esta que convirtieron su apatía en un nuevo estilo musical y una actitud completa. Con Automatic, demostraron claramente que el ruido puede ser pop y viceversa. Coast To Coast es definitivamente mi canción favorita de Automatic. Golpea tanto el cerebro como el estómago, por lo que si lo tomas y no puedes hacer otra cosa que subir el volumen de Play tras Play. De hecho, es la melodía perfecta para cantar en voz alta en tu automóvil (el entorno ideal sería un largo camino en el desierto, con un montón de cervezas en el asiento trasero), pero incluso podría ser la banda sonora perfecta de una fiesta de drogas. Los ritmos de la caja de ritmos desde el inicio y los riffs de guitarra son más musculosos que su trabajo anterior, explorando territorios de heavy metal para que, después de unos segundos desde el principio, casi sepa qué esperar y se sienta tan contento de que sea exactamente lo que es entregado. En pocas palabras, esto es puro rock and roll ”.

"Blues from a Gun" por Phil Wilson (THE RAFT) “Lo primero es lo primero, siento que necesitodejarundescargoderesponsabilidad que sé muy poco sobre la publicación de Psychocandy Mary Chain (¡terrible en mi nombre, lo sé y lo siento!). Tantas de mis bandas favoritas citan ese álbum como una gran influencia en su carrera que tuve que involucrarme y, por supuesto, estaba a bordo desde el primer track de Hit Tom... Después de eso, mi interés disminuyó un poco y no estoy seguro de por qué. Tal vez se debió al florecimiento de mi historia de amor con el final más etéreo del género. Quizás no lo estaba entendiendo. No lo sé. Siempre supe que la banda estaba allí, siempre parecían pasar desapercibida. Entonces, cuando me pidieron que escribiera algunas palabras sobre Blues From A Gun, ciertamente no me sentía calificado. Pero luego pensé que tal vez era una oportunidad para familiarizarme un poco mejor con una banda a la que siempre había querido volver. También sentí que podría ofrecer una nueva perspectiva de una canción que muchos conocen tan bien. De todos modos, para lo que vale, aquí están mis pensamientos. Lo primero que me llama la atención es la energía. La simplicidad de un buen riff de rock and roll a la antigua va mucho a veces y comienza con una explosión. Eso, junto con lo que suena como un bombo programado y un charles, ofrecen un estilo de baile con el que muchas bandas estaban experimentando en este momento. Casi ninguno lo logró tan bien como esto. Cuando William comienza a cantar, recuerdo a Dylan. Definitivamente hay una pizca de Subterranean Homesick Blues en la entrega y las letras, pero algo refrescante sobre su voz lacónica y sin esfuerzo casi susurró sobre las guitarras que lo hace indudablemente suyo. Me parece que la letra trata de querer escapar de una ciudad británica sin salida, pero no estoy realmente seguro. Cualquiera sea su significado, evocan sentimientos de romance y desesperación, o más bien romance a pesar de la desesperación. Mirando las estrellas desde la cuneta, sintiéndome atrapado en una vida en la que naciste, esperanzado pero indefenso. Tal vez solo soy yo. Eso es lo mejor de letras como estas. No te empujan a la garganta, tienes que hacer parte del trabajo tú mismo. Sin embargo, son las guitarras las que realmente manejan esta pista. No está tan preparado para obtener la máxima retroalimentación como Psicocandy, pero aun así está justo en tu cara. Solo un poco demasiado fuerte, pero no incómodo, así que... hasta que William se lanza al solo y te limpia la cabeza. Recuerdo que Alan McGee dijo que William no es el guitarrista más dotado técnicamente del mundo, pero que no hay nadie más que suene como él. Y eso es evidente aquí. Lo que está tocando es ruidoso, simple y efectivo. ¿Qué más quieres? Es el tipo de toque que los mejores ejecutantes han intentado emular una y otra vez y nunca se han acercado. Es solo él y, a menos que seas él, no lo vas a hacer. A medida que la canción llega a su fin, Jim interviene con su 'bueno, supongo que por eso siempre tengo el estribillo del blues' que lleva a casa para enfatizar el punto de su hermano.

William se une y se nota que a pesar de todas las peleas se entienden. ¡Y eso se siente bien, a pesar de que ambos cantan sobre tener el blues! Entonces, si te gustan sus melodías estridentes y ruidosas con letras que provoquen pensamientos, este sería un buen lugar para comenzar. Ciertamente me he interesado nuevamente en The Mary Chain. Afortunadamente, hay muchas más de donde vino este". "Between Planets" por Antonio Zelada (RESPLANDOR) "Between Planets" es la cuarta canción de Automatic, el tercer disco de los hermanos Reid y coincidentemente en su concierto en Lima fue la cuarta canción dentro del “set list”. Tuve la oportunidad de llevarlos a tocar a Lima y el nombre de mi productora lleva el nombre de Automatic en honor a ese disco y justamente por que soy fan de The Jesus & Mary Chain, así que Between Planets es una de mis canciones favoritas del álbum con sus ritmos corrosivos y acelerados, “Between Planets” es un máquina rápida, cuyos tambores y guitarras chocan y hacen una amalgama de sonido al unísono. Los riffs de guitarra van y vienen, se deslizan, giran y ascienden contra la voz cruda y melancólica. "Between Planets” está empapado de tristeza y angustia, mientras sigue siendo una canción de rock de lo más potente y con ese estribillo que va del minuto 2:36 “Baby you drive me crazy. Don’t come around here no more…” simplemente se me escarapela la piel.”

"UV Ray" por Nico Beatastic (Xeresa - Beatastic - Shore Dive Records) "De un álbum que recibió críticas negativas en 89, UV Ray muestra la pasión de los hermanos por The Stooges casada con una caja de ritmos. Los hi-hats mecánicos dan una calidad motorik a la pista. Es fácil ver esto como una influencia en Primal Scream alrededor de XTRMNTR.”

"Her Way of Praying" por Cyril Degilles (Ural Mountain) "Her way to praying" es parte del disco más subestimado de la banda Automatic (1989), después de los Éxitos que fueron PsychoCandy y Darklands. Es notable el giro que tomó la formación para ese álbum y esa canción en particular con un drum machine y synthetizer para sustituir el bajo dejando los hermanos Reid solos a bordo de este proyecto. A pesar de ese cambio, sigo encontrando todo lo que me gusta de esa banda en esa canción: el riff de guitarra, esa reverb y esa manera de cantar relajada y afilada a la vez para una gran canción de Rock. Y si uno se pregunta de dónde salió el primer disco de Oasis "Definitely Maybe", debería escuchar ese tema rápidamente.

"Head On" por Gabriel Boccanfuso (The Nocovers) Cuando escuché a THE JESUS & MARY CHAIN allá por 1990 por primera vez, quedé atrapado con este tema, lo presentaban en un estudio haciendo playback. Fue impactante escuchar William Reid con esa melodía de guitarra riffera de los '50 pero distorsionada al extremo ,el sonido de batería (máquina de ritmos) sonando fuerte a la par de las cuerdas con ese "tacho" con reverb, y el bajo (un sinte) fortaleciendo el tema para los silencios donde la base predomina. Sumando desde el principio Jim Reid, con el subidón emocional en la melodía cuando canta "And the way I feel tonight/I could die and I wouldn't mind", para después llevarlo al "Makes you want to feel makes you want to try/Makes you want to blow the stars from the sky", para volver a ascenderlo todo con una letra de resaca y descontrol cuando dice "I can't stand up I can't cool down/I can't get my head off the ground". Después de ver eso compré el LP en cassette. Si bien escuchaba el disco entero, cuando llegaba al lado B y le tocaba a Head On rebobinaba como 5 veces sólo para volver a escucharlo entero de nuevo. Head On fue el punto de partida de mi admiración por ese sonido. Lo que llamaron Noise-pop, buenas y oscuras canciones felices (Head On es el himno de Automatic para mí) pero llevadas al caos y a la destrucción-construcción del sonido. Una de las bandas pilares y motivadoras del shoegaze, y un tema eterno HEAD ON, que aunque ya tenga muchas versiones y seguramente siga teniendo, la mejor sigue siendo la original, aunque suene con una máquina de ritmos y un sinte como bajo.

"Take It" por Paul Baker (Static Daydream) “Automatic" fue el primer álbum de ellos que escuché, y pensé que era extraño porque sonaba muy familiar en algunos aspectos, pero muy extraño al mismo tiempo. Había leído algo en una revista sobre ellos y tenía mucha curiosidad. Esta idea de dos hermanos de un lugar aburrido o sombrío en Escocia haciendo música emocionante me hizo pensar que tal vez también podría hacer algo grandioso, y que no tenía que vivir en Nueva York o Londres. Entonces, la canción "Take It" fue especialmente loca, no líricamente, sino sonoramente. Los ritmos, la línea de graves profundos y el desglose con la retroalimentación son fantásticos. Cuando era un niño, básicamente sonaba como los Beach Boys from Hell, y me doy cuenta de que no es un sentimiento original, pero para mí fue un poco extraño. Amaba, y aún amo, a viejos como The Shirelles, Dusty Springfield y The Seekers. Escuchar esos bonitos sonidos a través del filtro de distorsión y destrucción fue inspirador, por decir lo menos. El desglose al final es especialmente salvaje, con todas las muestras. No sé de dónde son, pero suenan como cosas de cine negro. Básicamente, todo suena como música pop para villanos, y eso fue algo interesante para mí cuando era joven. Era música pop / rock de otro universo, y eso fue una gran cosa. Además, los sonidos de guitarra saturados en "Automatic" son increíbles, y "Take It" no es una excepción, especialmente el solo de blíster.

"Halfway to Crazy" por Ferran Pont Verges (Horacio.nuevatemporada) Automattic y en general la obra de Jesus and Mary Chain ha influenciado a muchísimos músicos a partir de los años 90, pero también ellos fueron influenciados por músicos que los precedieron: es imposible no ver en ellos las ideas de spacemen 3 o de Suicide, pero por otra parte, y yendo aún más lejos, el tema sobre el cual elegí hoy escribir, que es «Halfway to Crazy», está claramente alimentado por una canción perteneciente a la banda más importante de los últimos 50 años que es The Beatles...

La canción en cuestión, qué tiene prácticamente la misma progresión armónica, es «Words of Love», de esa primera etapa de The Beatles (más precisamente de rubber soul)... The Beatles habían sido también influenciados por bandas de rock de los años 50 y habían de alguna manera estilizado esa forma de componer, agregando sutilezas vocales y de arreglos más intrincados. the Jesus and Mary Chain -siguiendo con las influencias- habían tomado premisas interesantísimas de fines de los 80 en cuanto a recorrer el camino inverso, es decir el de deconstruir, minimalizar... en este punto casi cabría decir que The Jesus and Mary Chain fueron unos destiladores, que tomaron unas formas y las pasaron por el alambique para dejar la esencia. En sus canciones -como en las de Los Ramones- se pueden reconocer ecos de esos temas de amor adolescente de los 50's y 60's, pero pasados por el tamiz del «fin de la candidez» que significaron los 70. La canción siguió siendo la misma, pero esta vez ya impregnada de una oscuridad y una belleza simple, logrando ese sonido tremendo que tantos hemos tratado de reproducir en nuestras canciones.“

"Gimme Hell" por Tom Lugo (Stellarscope, Panophonic, Cielo Oceanico, Patetico Recordings) "Gimme Hell es un cielo oscuro y brumoso del cielo. Con Richard Thomas en la batería, los hermanos Reid emitieron un himno arenoso impulsado por la distorsión. Como mirar a través de una ventana sucia en la oscuridad que hay dentro, es un cuento con una invitación abierta seguirlos por la madriguera del conejo hacia un viaje de éxtasis sónico alimentado por las drogas."

[ Reseña de “Cosaquitos en Globo - Fast Cars (2019)” por Diego Centurión. ]

SE PRONOSTICA BUENOS TIEMPOS

Opeth – In Cauda Venenum Label: Nuclear Blast Fecha de Lanzamiento: 27 de septiembre de 2019

Cuarto capítulo del libro prog-rock/post-growls que los suecos están escribiendo con puño firme. Como con cada nuevo lanzamiento, las expectativas que generan son muy altas, y para colmo los dos primeros adelantos “Heart in Hand” y “Dignity” son dos soberanos temazos que hicieron disparar la ansiedad por la espera hasta la estratosfera. La evolución de Opeth es por todos bien conocida. Una banda de la que no queda rastro de su primera encarnación, y cuyo miembro más antiguo es Mikael Åkerfeldt, que se montó a bordo a sus 16 añitos colgándose la guitarra. A partir de ahí Mikael comandó la nave reinterpretando continuamente su mapa de navegación junto a una tripulación consolidada en sus últimos viajes (Fredrik Åkesson en segunda guitarra, Martín Méndez en bajo, Joakim Svalberg en teclados y Martin Axenrot en batería). Tras lograr ser los amos indiscutidos del Death Metal Progresivo (algo así como la cruza entre Morbid Angel con Pink Floyd), fueron a por todas también para serlo en el Prog-Rock más clásico (Genesis, King Crimson, Rush, Camel), posicionándose en Heritage. Con Pale Communion profundizaron esta senda, y en “Sorceress” volaron ya hacia terrenos incluso de influencia hard-rockera (Led Zeppelin, Deep Purple, Rainbow). In Cauda Venenum (del latín “Veneno en la cola”) llega no sólo a ese punto de brillo y colorido de su predecesor, sino que lo acrecienta y nos embriaga a su vez de misterio al igual que su portada (cortesía del artista gráfico y pintor Travis Smith). Y es que el disco conforme avanza uno encuentra más pasillos y recovecos, hasta volverse laberíntico. Las enigmáticas y nigrománticas “Next of Kin” y “Lovelorn Crime” empiezan a dar muestras de ello, o la cáustica “Charlatan” que nos desconcierta a ritmo de un tenebroso bajo. Que no sean ya una banda de Death Metal no significa que hayan dejado de sonar contundentes y oscuros. En una época en la que la mayoría de bandas progresivas se conforman con sacar discos sin ir más allá, Opeth continúan avanzando; aquí tenemos los casos de la jazzística “The Garroter”, o el cierre a baquetazo limpio de “All Things Will Pass”, que cuando arranca parece obra del malévolo Varg Vikerness y su engendro Burzum. Cabe destacar el cuidado trabajo vocal de Åkerfeldt, donde lleva sus cuerdas al límite en varios momentos; y en otros recordando (no todo son referencias clásicas) a los Alice In Chains en los que Jerry Cantrell lleva la voz cantante, principalmente en el estribillo de “Continuum”. En definitiva, In Cauda Venenum es su disco más cinematográfico, donde no faltan pianos y robustos órganos, exquisitos arreglos, elegantes guitarras acústicas (cada vez es más notoria el gusto de Åkerfeldt por la música de Nick Drake), paisajes sonoros de ensueño lleno de narraciones, una producción inmaculada y con aristas, y sobre todo hermosas e intensas canciones por las que asoman almas siniestras. Opeth siempre han procurado mantener un catálogo interesante y variado, y es un logro excepcional que en su álbum número 13 sigan sonando frescos, y que continúen labrando temas que brotan y crecen majestuosamente a cada escucha.

¿Es esta la consolidación de que también han logrado ser la mejor banda de ProgRock actual? La respuesta es un sí rotundo.

[ Entrevista con Miko de 7 AM por Diego Centuriรณn. ]

7AM: ESTAMOS RECAUDANDO DINERO PARA LA REMERA DE IGGY POP.

Hace unos días se lanzó el segundo álbum de la banda eslovena, 7AM, el trabajo llamado "Benefit for Iggy's shirt" consta de 12 canciones simples y directas al mentón. Enarbolando la bandera del DIY y, entendiendo los tiempos, este trío hace de la autogestión una forma de vida para la banda. Tuvimos acceso a ellos y pudimos enviarles algunas preguntas para conocerlos.

¡Hola chicos! simple como para ser el nombre de Antes de comenzar, quería una banda. agradecerles por la amabilidad de aceptar responder nuestras He leído que gestionas todo, desde preguntas. tusregistroshastacadaespectáculo. ¿Me gustaría saber cuánto desgaste Para empezar, me gustaría que se consume este trabajo al no tener a presentaran... alguien que lo haga? Hola Diego, soy solo yo (Mico) Es una buena pregunta y algo en lo respondiendo esto... somos 7AM que no mucha gente piensa. Es mucho (Anabel-bajo, voz, batería de Davor "trabajo" pero es sobre todo divertido. y Mico-guitarra, voz), rock alternativo Lo más molesto son las cosas de la fuerte y sucio, por así decirlo. computadora (como escribir 2000 Normalmente no queremos asociarnos correos electrónicos para organizar un con ningún género de música, ya que recorrido de 3 semanas) y las personas solo queremos tocar música potente que no responden. ¡Por favor, gente y buena. Ya estaba marcado como allá afuera, responde tus correos punk, noise pop, alter rock, etc., pero electrónicos! Incluso si la respuesta eso depende del oyente y realmente es no. Es realmente difícil para las no nos importa cómo nos llaman. bandas DIY reservar una gira si nadie responde durante meses. Me gustaría saber cómo nació el nombre de la banda. En nuestras páginas ya hemos Fue una broma interna entre Anabel tenido bandas de ese país... ¿Cómo y yo llamándonos los “Am”. Y luego, es la escena de Eslovenia? Anabel encontró una compilación de ¿Qué escena? Bueno, el underground CD que había grabado para el auto. Se no es tan malo, pero en su mayoría es llamaba 7AM. Supongo que era un CD hardcore y metal y, en la mayoría de que para algunos iba a funcionar y para los casos, 7AM es demasiado suave otros que venían de una fiesta. Pero para ellos. El otro lado es el pop rock no le damos un significado especial... genérico con la misma producción simplemente sonó lo suficientemente durante los últimos 25 años. Esta es la

élite de la música en Eslovenia, pero la música que hacen es tan jodidamente aburrida que me dan ganas de meter las baquetas en mis oídos cada vez que la escucho. Y en el medio es nada o no mucho. La escena del club de tamaño medio, nuevamente con raras excepciones, no existe... las bandas de rock alternativo siempre van al lado genérico del pop rock si tienen la oportunidad de hacerlo y si están dispuestos a lamer el culo por los próximos años. Recientemente

"Beneficio para la remera de Iggy". Dime por qué el título del álbum. Tenemos esta foto promocional donde apenas puedes ver 1/3 de la piel de mi parte superior del cuerpo. Y esta foto consiguió algunos promotores en nuestra última gira, tan emocionados que cancelaron algunos shows. Para resumir, ahora estamos recaudando dinero para la remera de Iggy Pop para que deje de saltar sin camisa y estas personas puedan vivir en paz.

Para aquellos que no conocen 7AM, publicaron ¿cómo describirías su sonido?

Sobre el tope distorsionado, oído momentos de rock experimental sangrado y radio hostil. como Sonic Youth. Y he leído que las canciones del último álbum han La portada es muy simple, pero al sido escritas de manera caótica, mismo tiempo muestra esa actitud, ¿es así? si quieres punk. Y tiene el mismo Se podría decir caótico sí... fue un espíritu que su primer trabajo, enfoque más creativo, simplemente "Bonus Track" ¿Quién está a cargo reescribimos las canciones mientras de las portadas? las grabamos y mantuvimos lo Toda la obra de arte en 7AM es que pensamos que sonaba bien. principalmente espontánea. Yo y Queríamos grabar por nuestra cuenta Anabel decidimos qué pasa en las para tener todo el tiempo del mundo portadas y en el interior del álbum, pero para experimentar. Dado que tenemos no lo pensamos demasiado. “Bonus un equipo de mierda y ninguno de track” es el dibujo del hermano menor nosotros realmente mezcló proyectos de Anabel, el LP es mío, tomado de un como este, sabíamos que el sonido no lienzo que hice, el cassette fue hecho sería el mejor... pero no nos importó por un amigo Simon Kocjancic, las y todavía no... estamos contentos de nuevas ilustraciones para los próximos haberlo hecho así y de que el álbum cassettes serán de un amigo Deso y represente a la banda en el momento así sucesivamente... En cuanto a esa en que fue grabado..... actitud punk que mencionaste... no queremos que la música o las obras Finalmente y agradeciéndole la de arte que presentamos sean pulidas disponibilidad para responderme, la y brillantes porque no creemos que última pregunta... ¿Cuáles son sus el mundo real sea así. La vida real planes para el resto de este 2019 y es hermosa, dura, jodida, llena de 2020? errores, agradable, de mierda, fuera Gracias Diego por preguntas de línea...... la gente de plástico, pulida interesantes y apoyo... en este con plástico, la vida pulida no son parte momento estamos planeando otra gira de nuestro mundo. larga por la UE + Reino Unido en abril de 2020. La primera parte será con Si nos referimos al sonido la gran banda de punk rock noruega estrictamente, interpretan una GÖTTEMIA y luego nos separamos y mezcla de punk, post punk, para nos vamos a ir solos al Reino Unido.

Pero lo más importante en este momento es actualizar nuestro estudio casero en la granja 7AM y comenzar a grabar nuevamente. ¡¡¡Gracias chicos!!! Gracias, saludos.

www.decayfm.com

https://www.fmfutura.com.ar

PALABRAS EN LA ARENA

Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ "El Tercer Ojo" de Lobsang Rampa por Pablo Ravale. ]

LA APERTURA DE ESA VENTANA A LO MÁS ÍNTIMO DEL SER HUMANO

Lobsang Rampa descubrió en 1956 el mundo de los lamas a millones de occidentales con su libro El tercer ojo. Decía ser un monje tibetano, uno de los pocos que han llegado a este extraño mundo occidental, y advertía a los lectores de que algunas de sus afirmaciones podían provocar controversia. La obra narraba la vida de un niño nacido en Tíbet a principios del siglo XX, educado como lama, estudiante de Medicina en China y prisionero en campos de concentración rusos y japoneses. Alcanzaba el clímax cuando a los 8 años le abrían el tercer ojo. La escena sobrecoge aún hoy. Un monje coloca la cabeza del novicio Rampa entre sus rodillas, el maestro le previene contra el sufrimiento y otro lama le perfora el centro de la frente con la punta de una sierra. Después, le meten en el agujero una pequeña cuña de madera con infinitas precauciones. Y su visión del mundo cambia («Fue para mí una extraña experiencia ver a aquellos hombres como envueltos en una llama dorada. Hasta más adelante no supe que sus auras eran doradas a causa de la vida tan pura que llevaban y que las de la mayoría de la gente tenían un aspecto muy diferente»). Según su maestro, con el tercer ojo se ve a las personas como son y no como pretenden ellas ser. La apertura de esa ventana a lo más íntimo del ser humano era sólo uno de los prodigios de la vida de Rampa, pues entre las páginas de El tercer ojo nos cuenta, por ejemplo, que los monjes tibetanos practican amputaciones sin anestesia, con hipnosis y enseñando a los pacientes a controlar la respiración; comen todos juntos escuchando el recitado de las escrituras sagradas; son vegetarianos; y sólo montan caballos blancos. Uno de los puntos más relevantes del libro es, a su vez, la parte inicial, la cual comienza en el Tíbet, más precisamente durante el reinado del decimotercer Dalai Lama, llamado Thubten Gyatso. Allí aparece el misterioso Lobsang Rampa, hijo de un aristócrata de Lhasa, que tras una larga jornada de estudios teológicos descubre posee habilidades fabulosas, entre ellas, la de vislumbrar el futuro político y social del Tíbet, ensombrecido por el avance de China. Lobsang Rampa y su tercer ojo entran al servicio del Dalai Lama. Allí ejerce una especie de espionaje paranormal, aplicando los poderes del tercer ojo sobre todos los visitantes que se acercan a su rey espiritual. Pronto descubre que los enviados chinos esconden intenciones nefastas: conquistar y destruir el gobierno autónomo del Tíbet. En efecto, el Tíbet se prepara para la invasión, no sin antes enviar al prodigioso Lobsang Rampa para encontrarse

con los espíritus inmemoriales de las montañas. Allí mantiene cordiales negociaciones con los yetis, es decir, los abominables hombres de las nieves («...he visto yetis y crías de yetis, y también esqueletos de estos seres casi fabulosos»), e incluso con una momia que resulta ser una previa encarnación del muchacho, quien le informa que en tiempos remotos el planeta Tierra recibió el choque colosal de un cuerpo celeste, cuya consecuencia más evidente fue el alzamiento de las montañas que lo rodean. Originalmente publicada en inglés, la obra fue inmediatamente traducida a otros idiomas y tuvo un gran éxito de público, pero no entre la crítica especializada. Le siguieron casi una veintena de secuelas, de las cuales se destacan: El médico de Lhasa, El cordón de plata, La caverna de los antepasados, Mi vida con el lama (del cual Rampa declaró que le había sido dictado telepáticamente por su mascota, el gato siamés Fifi Greywhiskers), Usted y la eternidad, La sabiduría de los ancianos, La túnica azafrán y El ermitaño. El explorador y tibetologista Heinrich Harrer no se hallaba convencido sobre el origen del libro y contrató a un investigador privado de Liverpool, llamado Clifford Burgess, para investigar a Rampa. Los hallazgos de la investigación de Burgess fueron publicados en el diario Daily Mail en febrero de 1958. El autor del libro era Cyril Henry Hoskin, que había nacido en Plympton, Devon, Inglaterra, en 1910, y era hijo de un plomero. Hoskin nunca había estado en el Tíbet y mucho menos hablaba la lengua inmemorial de los lamas. En 1948, había cambiado legalmente su nombre al de Carl Kuon Suo antes de adoptar el nombre de Lobsang Rampa. Rampa fue rastreado por la prensa británica hasta Howth, Irlanda, y confrontado con el resultado de las pesquisas. No negó haber nacido como Cyril Hoskin, pero declaró que su cuerpo se hallaba ahora ocupado por el espíritu de Lobsang Rampa. Según él, se había caído de un abeto en su jardín en Thames Ditton, Surrey, mientras intentaba fotografiar un búho. Mientras permanecía inconsciente había visto un monje budista en su túnica color azafrán que caminaba hacia él. El monje le habló presentándose como Lobsang Rampa y de tomar posesión de su cuerpo, y Hoskin aceptó, diciendo que estaba insatisfecho con su vida. Enfrentado a los repetidos ataques de la prensa británica, que le llamaba farsante y charlatán, Rampa se fue a vivir en primera instancia a Irlanda, luego a Montevideo, Uruguay, y finalmente, a fines de los años 1960, a Canadá. Él y su mujer se convirtieron en ciudadanos canadienses en 1973. Lobsang Rampa murió en Calgary el 25 de enero de 1981, a la edad de 70 años.

FRANCO DOGLIOLI

DE HAZAÑAS Y TRAGEDIAS Fui Prometeo, a los hombres dando el fuego divino. Y fui en el Cáucaso, para los buitres, su hígado, una y otra vez. Fui Apolo, temido patrono siendo del oráculo y de las musas. Y fui lujuria ante la virtud de Dafne, preservada en laurel. Fui Orfeo, a sirenas venciendo para los argonautas. Y fui en el Inframundo, la tentación fatal de mirar hacia atrás. Fui todos ellos, por conservarte. Y padecí, como ellos, al resignarme.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

SOBRE LUCIFER por Pablo Ravale

El Lucifer de la teología occidental, con todo el horror dogmático de tal ficción, es hijo de una interpretación viciosa que ha desfigurado por completo uno de los conceptos más ideales y profundamente filosóficos del pensamiento antiguo. Las leyendas de los “ángeles caídos” y de las “guerras en el Cielo” refieren en realidad a luchas de ajustamiento espiritual, pero principalmente al misterio de la evolución de los Espíritus. El clero de todas las religiones considera a Lucifer como “Enemigo de Dios”, “Ángel rebelde” o “Príncipe de las Tinieblas”; pero, una vez que deja de ser considerado según el supersticioso y antifilosófico espíritu de las iglesias, Lucifer viene a convertirse en la grandiosa figura de un Ser Divino que libró al hombre encarnado del pecado de la ignorancia, y por lo tanto, de la muerte. Lucifer sí existe, es uno de los Hijos de Dios y el más hermoso de sus ángeles. Él hizo el sacrificio de aportar la luz del conocimiento a la Humanidad terrestre cuando ésta era aún muy salvaje. Lucifer descendió desde Venus, su orbe natural, a la Tierra hace eones y sólo para traer el principio de consciencia al que entonces era el hombre-animal. El descenso de Lucifer no es, de este modo, una caída por vanidad, sino más bien un acto de Amor, pues tal como sugiere su nombre, él es el que trae la luz. Sorprendentemente, la palabra Lucifer aparece sólo una vez en la Biblia, en Isaías 14:12, que traduce la palabra hebrea helel que significa “brillante”. En la traducción griega del Antiguo Testamento, la Biblia Septuaginta, dicha palabra es traducida como heosphoros [Ηωσφόρος, heos = relativo a la mañana, y phoros = que lleva o es llevado]. Esta palabra viene de Hesperus, una diosa griega del Alba. Cuando los romanos se hicieron cargo de las escrituras cristianas en el siglo IV, Jerónimo tradujo helel y heosphoros como “Lucifer” en su Biblia Vulgata latina. Ya sea en hebreo antiguo, griego o latín, dicha palabra era el nombre común para Venus, el planeta más brillante, la “Estrella de la Mañana”. Aquel mismo término, “Estrella de la Mañana”, también es aplicado a Cristo mismo en los pasajes bíblicos II Pedro 1:19, Apocalipsis 22:16, y en el antiguo himno latino de Pascua, el Exultet. En ciertos aspectos, la personificación de Lucifer como Satanás es crucial para ciertas versiones del Cristianismo. Además de que si la supuesta caída de Lucifer no explica el origen de Satanás, el Antiguo Testamento no tiene nada más que decir sobre el asunto. Lucifer o Aurora o Venus es también una figura en la antigua mitología cananea, no teniendo nada que ver con Satanás o seres ma-

lignos. De aquí que el uso que hace Jerónimo de Lucifer como un nombre propio escrito con mayúscula no es correcto. La Iglesia romana, por su parte, fraguó el mito de Lucifer como Satanás después de que ellos se apoderaron del Cristianismo emergente a principios del siglo IV, como lo evidencian las referencias tanto de Tertuliano como de Jerónimo. Si Lucifer es tan importante, ¿por qué no se dice nunca nada más de él? De las más de 800.000 palabras que hay en la Biblia y en los libros apócrifos, Lucifer aparece sólo una vez, y en una referencia ambigua. Lucifer no sólo no significa algo negativo sino que, independientemente de lo que dicha palabra pueda significar para ciertas sectas cristianas, grupos esotéricos o sociedades secretas, como ustedes pueden ver claramente ahora, no proviene de la Biblia. Lucifer representa la Vida, el Pensamiento, el Progreso, la Civilización, la Libertad y la Independencia, tal como el hombre los conoce hoy día. Él es la Sabiduría Divina cayendo como un rayo y avivando la inteligencia de aquellos que luchaban contra las tinieblas del Desconocimiento. Lucifer puede considerarse alegóricamente como la Iluminación. No sin razón, pues, se le ha calificado de “Adversario”, ya que, como acaba de decírseles, él es el Ser Divino que más se opone a toda ilusión mundana y efímera, incluyendo en ellas las religiones dogmáticas y eclesiásticas. Lucifer, por otra parte, siempre ha existido como fuerza antagónica, tal como la requieren el equilibrio y la armonía de todas las cosas de la Naturaleza, de igual modo que es necesaria la sombra para hacer más brillante la luz, y la noche para que resalte el esplendor del día. De esta manera tiene potestad sobre el principio material en la Tierra para crear los escenarios pertinentes que sirven a la implementación de la Ley de Causa y Efecto, a fin de que los Espíritus encarnados expíen y sigan siendo puestos a prueba. La Iglesia, entonces, al demonizar a Lucifer, demoniza la reflexión cósmica divina; anatematiza a Dios puesto de manifiesto en la Materia y en el mundo objetivo; execra a la Sabiduría Suprema siempre incomprensible, que se revela como Luz y Sombra, Bien y Mal en la Naturaleza. Si Dios es Absoluto, Infinito y la Causa Primera de todo cuanto hay en el Universo, ¿de dónde viene el Mal sino de la matriz misma de la Divinidad? Así, tenemos que aceptar la emanación del Bien y del Mal como ramos del mismo tronco del Árbol del Ser; o de lo contrario, hemos de resignarnos al absurdo de creer en dos Absolutos. Visto y considerando, no hay realmente Mal en sí; el Mal no es sino una fuerza ciega antagónica en la Naturaleza; es reacción, oposición y contraste; Mal para unos, Bien para otros, no hay regeneración ni reconstrucción sin destrucción. Si desapareciera el Mal en el Universo, con él desaparecería el Bien.

http://madwaspradio.com/

Loose Canon http://www.6towns.co.uk/

Simon's Big New Thursday Thing https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Reseña de Nine Inch Nails – Pretty Hate Machine (1989) por Diego Centurión. ]

LA MAGIA DEL PRIMER ÁLBUM

Nine Inch Nails – Pretty Hate Machine Label: TVT Records Fecha de Lanzamiento: 20 de Octubre de 1989

Si, Bernard Shaw decía que “La juventud es una enfermedad que se cura con los años.” En mi caso no ha producido esa sanación, al menos, sonora… ya que recuerdo esos días que en Buenos Aires era difícil conseguir un álbum nuevo, recién salido, y muchas mañanas de domingo deambulábamos por los improvisados puestos de Parque Rivadavia en busca de novedades…. Esto no ha cambiado con los años, lo que cambiaron son las herramientas, hoy en vez de ir a lugares específicos tenemos en la web esa herramienta que nos proporciona de novedades que nos alegra el alma. Pero volviendo a ese 1989 y el legendario parque Rivadavia, lugar donde acudíamos todos los que horas antes estábamos en algún recital under o en algún reducto escuchando la música que a la mañana siguiente, si había dinero en los bolsillos, iríamos a buscar al parque… Recuerdo que me he cruzado varias veces con la portada de “Pretty Hate Machine” en esas excursiones al parque… como siempre solíamos hacer indagábamos sobre lo nuevo y lo clásico, recuerdo de Nine Inch Nails empezó a sonar en mi cabeza en un fade-in hasta que me lo recomendaron tanto que decidí hacerme de una copia en cassette (grabado), una de las maneras de comprar en el lugar. Pero me ha llevado al menos un tiempo decidirme a escuchar eso que me decían como “un Ministry más electrónico”, pero salvaje como la banda de Al Jourguensen. Un desconocido Trent Reznor…. recuerden que no había internet y la única manera de conocer era por revistas. Recuerdo llegar a mi casa y dejar el cassette cerca del reproductor por unos días… mientras tanto escuchaba lo que había sido mi primera intención… el “The Land of Rape and Honey” de Ministry, que ya lo conocía pero lo quería tener original. Luego de varias escuchas al tío Al, me senté a escuchar por primera vez el Pretty Hate Machine y desde ahí no me pude despegar de Nine Inch Nails. Cuenta la historia que antes existió una banda, más synthpop, en donde Reznor tocaba samplers y se llamó Exotic Birds (pueden encontrar algunas cosas en YouTube). Pero luego de estar en esa banda junto a John Malm, Jr. y su amigo Chris Vrenna, decide abrirse y escribir sus propias canciones, entonces John se convierte en su manager. Trent trabajaba como operario y sereno del estudio Right Track Studios, y arregla con el dueño del estudio de grabar unos demos en los ratos libres. Grabó todos los instrumentos menos la batería. Hoy se pueden encontrar esas grabaciones bajo el nombre de “Purest Feeling”, un disco pirata. Luego de enviar las cintas a varias discográficas TVT Records lo ficha y llega este “Pretty Hate Machine”. Pero ¿qué tenemos en el debut "Pretty Hate Machine" de Nine Inch Nails que lo hace tan meritorio para esta reseña? Primero y fundamental que es un álbum que me encanta y eso ya es motivo suficiente para

estas líneas. Segundo que como álbum debut de un proyecto presenta una base sólida en la cual Trent Reznor basaría toda la carrera de Nine Inch Nails, ya que lo que en "Pretty Hate Machine" se muestra es un sonido que pulido y muy bien pensado que se repetirá a lo largo de sus discos, obviamente mejorado, personalizado y adecuado a las distintas épocas. Con esto no quiero decir que los siguientes discos de NIN sean una repetición de fórmulas, pero sí que la base de las posteriores canciones, ya están demostrada en este debut. Siempre he pensado a Nine Inch Nails como una banda que se reinventa en cada álbum, pero sabemos qué sonido nos traerá el señor Reznor. "Pretty Hate Machine" abre con la fantástica "Head Like a Hole" demoliéndonos esa poca resistencia que le hayamos presentado a la primera escucha. "Head Like a Hole" no solo es un mazazo a la cabeza, es un gancho directo al mentón… aún puedo sentir como me pulsaba la sangre en las venas aquella primera vez que la escuché, esa pseudo electrónica industrial maquinaria que avanza tal cual un inquebrantable "T-800 "Model 101" del primer Terminator, que pareciera estallar en el demoledor estribillo, pero se rehace y vuelve al ataque como una pesadilla. “Terrible Lie” corta la secuencia con una progresión de ritmos que detiene la

marcha y la hace más dificultosa que remata con sonidos industriales como los primeros Depeche Mode, pero el sonido seco y atronador, que más adelante se acompañará con el coro gritando “Terrible Lie”, del sampler y las guitarras distorsionadas juegan un papel de guillotina sobre un ritmo calmo pero agresivo. En los samplers podemos ver secuencias profundas y capas que van armando un entretejido que nos envuelve y nos va rodeando casi claustrofóbicamente. Estas dos primeras canciones fueron producidas por Flood (Mark Ellis), quien fuera el ingeniero del debut de Ministry “Whith Sympathy” (1983) o el “Movement (1981)” de New Order. “Down in It" fue la primera canción compuesta para el disco y fue el primer single adelanto del álbum. Esta canción marca un quiebre en el sonido del álbum y se nota la mano del productor de esta canción Adrian Sherwood, quien era experto en el Dub, si bien tiene una impronta electrónica y bailable los beats son más profundos y Reznor parece rapear, como se hacía en esos años. "Sanctified" abre la participación del productor John Fryer en el disco y continuará en el resto del disco. El bajo con slap sintetizado es una delicia y marca el pulso de la canción que se endureciendo a medida que avanza. "Something I Can Never Have" es el punto más oscuro del álbum, Trent en el piano con esas canciones que luego nos entregará en otros álbumes, oscuras, claustrofóbicas, reflexivas, intimistas, y ese piano melancólico que nos parte el alma, las atmósferas lúgubres y la instrumentación industrial que aparece para levantarnos un poco y ver ese punto claro, de luz, que nos salvará en la próxima canción. Se nota la mano de Fryer para generar esos oscuros paisajes a lo This Mortal Coil. Es que justamente en este track y en el que le sigue Fryer utilizó samples "Kinda I Want To" es una patada para despertarnos del letargo en el que nos había acomodado la canción anterior. Los ritmos electrónicos pasan sumándose y generando una sensación de andar a paso firme. Los sintes serán característicos de los primeros años de Nine Inch Nails,

entre distorsionados y cortados, precisos y sucios, una maravilla. "Sin" fue el tercer single del álbum y acá Trent despliega toda su magia electrónica al servicio del lado más bailable. "That's What I Get" no estaba pensada para el álbum, estuvo pensada como Lado B, y según Reznor: “Inicialmente, no tenía la intención de que esa canción estuviera en el álbum. Se suponía que era un lado B o algo así. Líricamente, no se ajustaba al flujo del disco. Así que pensé que lo abordaría de una manera diferente, en lugar de la fórmula de Nine Inch Nails de Grande, pequeño, grande, pequeño, pequeño, pequeño-reverse, coro, etc. Nos quedamos sin ideas de arreglos, así que simplemente lanzamos algunos bucles y cosas. La percusión en él no tenía diez partes diferentes; fue un lazo que John tuvo de otra cosa, y funcionó. Tiene 600 discos de cosas raras de las que nunca he oído hablar.” Keyboard, April 1990

"The Only Time" es tal vez la canción menos pretenciosa y valorada del disco, pero las baterías suenan infladas y tremendas, y cuando entra la parte final el ritmo y las secuencias el track se vuelve ajustadísimo y los gritos de Trent hacen que todo se vuelva apocalíptico. El álbum cierra con "Ringfinger" con un ritmo simple y una secuencia reiterativa da paso a la voz de Trent que comienza a tirar de la canción, como si fuera el último esfuerzo para terminar el álbum, no porque lo necesite, pero te incita a un último suspiro que empieza a enrarecerse y a la vez a cobrar fuerza y oscuridad. Resumiendo, “Pretty Hate Machine” tiene la magia del primer álbum, pero más allá de eso es la base de colores que Trent Reznor utilizará hasta el día de hoy, de manera muy variada, efectiva e inteligentemente, sin repetirse y sin copiarse. “Pretty Hate Machine” es un viaje que siempre suena fresco y atrapante.

[ Entrevista a Brad Laner y Annette Zilinskas de Medicine por Diego Centuriรณn. ]

MEDICINE: ESTO IBA A ESTAR BUENO

Los he conocido por su pequeña participación en The Crow (1994) que luego en el soundtrack recuerdo que figuraba la participación de Elizabeth Faser de Cocteau Twins. Nacidos de la cabeza de Brad Laner, acompañado en casi todo su proceso por Jim Goodall y con Annette Zilinskas (ex The Bangles) como primera vocalista, llegaron a ser considerados como la respuesta norteamericana a My Bloody Valentine, pero en 1995 se separan. Con un breve regreso en el 2003, como un dúo, desde el 2013 empiezan a restablecerse nuevamente y hace unos días acaban de regresar con el trío primario, que no ha llegado a grabar un álbum oficial, pero en “Scarred for Life” los tenemos juntos nuevamente y vamos a hablar con ellos para recordar su pasado, conocer su actualidad y soñar con su futuro.

Hola y gracias por aceptar responder nuestras preguntas, es un honor poder hacerlo y que ustedes nos puedan responder. Con un pasado tan extenso es difícil no hace muchas preguntas. Pero trataré de no detenerme mucho en el pasado y llegar rápido al presente. Hablando de pasado… con tantos años y tantos logros… colaboraciones, álbumes, cambios de integrantes… Brad ¿Qué recuerdos gratos nos puedes contar de la historia de Medicine? ¿Y qué recuerdos malos? La formación de la banda y la grabación de discos, las giras, la revisión y la entrevista son experiencias llenas de recuerdos agradables y malos, todo lo cual intento todos los días olvidar lo más posible. Solo hay ahora, después de todo. Hablando muy por encima de sus carreras fuera de Medicine. Brad… Tú has creado un proyecto llamado “Electric Company”, pero también tus colaboraciones son muchas y llegan hasta Brian Eno en “Another Day On Earth” o M83 en “Hurry Up, We're Dreaming”. ¿Qué nos puedes contar de Electric Company y de estas colaboraciones? Hice 10 álbumes de Electric Company y

muchas apariciones de compilación entre 1994 y 2004. Gran parte está disponible en línea. La gente debería echarle un vistazo si quieren saber qué fue eso. Estoy muy orgulloso y feliz de que me hayan pedido que colabore con Brian Eno y M83. ¡Han demostrado un excelente gusto al hacerlo! Annette. No puedo dejar de preguntarte por The Bangles. El año pasado has regresado a la banda, actualmente ¿en qué estado está la banda? ¿Tú piensas que puedes convivir con ambas bandas? Me estoy tomando el día y realmente no estoy planeando tan lejos. En realidad, nunca lo he hecho para bien o para mal. En este momento se siente bien tocar con las Bangles. Y con respecto a Medicine, definitivamente podría vernos grabar algo juntos de nuevo. Quizás otro proyecto por completo. ¿Quién sabe? Trabajamos bien juntos en el estudio. Después de unos años de renovación de bandas dentro del estilo shoegaze y los regresos de las bandas que, como ustedes, han aportado una gran cantidad de sonidos fundacionales al género… ¿Cómo ven la escena mundial del shoegaze? En este momento hay algunas bandas de

psicodelia realmente geniales... evidentes como Brian Jones Town Massacre y Reverends. Un grupo de nuevas bandas geniales. Big scene en Austin y muchos festivales como Desert Daze. Parece que la escena del shoegaze está viva y bien. Ya en el presente... pregunta para ambos... ¿cómo y cuándo fue el momento

de decidir el regreso de Annette regrese a Medicine? Fue después de las elecciones de Trump que me quedé pasmado y aturdido. Me estaba comunicando con Brad aquí y allá por un tiempo y fui a su estudio y simplemente pasamos el rato y ambos sacudimos la cabeza con incredulidad debido a las elecciones. Dije que tenía una canción en la que estaba

trabajando y dije "oye, ¿quieres grabar esta idea que tengo?". Más tarde sugirió que grabemos covers. "Sally Go Round the Roses" fue la primera que hicimos y cuando lo escuché supe que "esto iba a estar bueno".

traeríamos diferentes ideas de canciones para cubrir y algunas funcionaron mientras que otras no. Pensé en "Sally Go Round the Roses" y Matt pensó en "Sentimental Lady". A Brad se le ocurrió la mayor parte de ellos, incluidas los covers de Judee Sill, Frank "Scarred For Life" es el nuevo álbum. Zappa y Miles Davis. Un álbum donde se apropian de las canciones de otros músicos bajo el sonido ¿Qué planes tienen para Medicine? de Medicine. ¿Cómo nace la idea de un ¿Planean algo especial para el 2020 que álbum de covers? conmemoran sus primeros 30 años de Esta fue la idea de Brad. Dijo que sería existencia? genial grabar canciones que siempre hemos Realmente no puedo responder eso porque admirado pero "reinterpretarlas". Lo cual, en realmente no lo sé. ¿Quién sabe lo que nos su mayor parte, creo que hemos logrado. depara el futuro? ;) Es una especie de cosa del día a día. Lo que me llamó la atención es la gran variedad de artistas tan disímiles entre Seguramente muchos de nuestros sí que han elegido… Van desde artistas lectores conocen a Medicine, ¿Qué les folk como Judee Sill o Buffalo Springfield, dirían a aquellos que aún no los conocen? pasando por la psicodelia de The Monkees, La primera vez que Brad y yo colaboramos o el rhythm and blues de The Jaynetts, fue en Aruca. Recuerdo cuando me dio el llegando al rock experimental de Frank cassette de solo la música para escuchar y Zappa o al jazz de Miles Davis. ¿Cómo fue escribir una melodía y una letra. Recuerdo la selección de las canciones? haber pensado que sonaba como los primeros Yo, Brad y Matt Devine (el guitarrista) Butthole Surfers y My Bloody Valentine. Me

quedé asombrado de inmediato. Creo que el LP se remonta al primer Medicine y siento que tiene la gran pared de la guitarra con la melodía metida allí... en algún lugar del ojo del huracán puedes escuchar algunas armonías y melodías geniales. Gracias por la amabilidad de contestar estas preguntas, y seguramente esta no será la primera vez que podamos entrevistarlos. ¡Gracias por tenernos! Todo lo mejor…

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: KING CRIMSON – “IN THE COURT OF THE CRIMSON KING” A 50 AÑOS DEL NACIMIENTO DEL ROCK PROGRESIVO

Hay discos cuyo impacto es tan fuerte y su influencia es tan absoluta, que no solo son relevantes desde su lanzamiento sino que con el paso de los años su imagen se agiganta. En el caso de “In The Court”, hablamos de un disco fundamental en la historia del rock, pero su impronta arrasó con los estándares de su época y marcó el inicio del rock progresivo como tal.

Corría el mes de julio de 1969 cuando el hombre pisaba por primera vez la Luna. Durante el transcurso de ese verano boreal, la escena del rock era una de las más ricas de todos los tiempos: los Beatles estaban en su apogeo y eran Dioses; futuros popes del progresivo como Yes y Genesis estaban dando sus primeros pasos; y otros grandes como Pink Floyd experimentaban la psicodelia de la mano de Syd Barret. En ese caldo de cultivo, también estaban los Rolling Stones comenzando a tener peso propio tras toda una década a la sombra de los Beatles. El 5 de julio de ese año, Mick Jagger y los suyos vuelven a tocar en vivo (tras un hiato de casi dos años) en el Hyde Park de Londres. Entre los teloneros se encontraban unos jovencísimos King Crimson: Robert Fripp (guitarra), Greg Lake (voz y bajo), Michael Giles (batería y percusión), Ian McDonald (flauta, mellotrón, teclados, vibráfono y más) y el letrista Peter Sinfield. La reacción del público fue al principio de gran sorpresa al escuchar “21st Century Schizoid Man”, para luego quedar subyugado ante bellezas como “Epitaph”. Se trataba de una audiencia de más de 500.000 personas que quedó o bien embelesada o bien confundida ante la presentación de esta aún desconocida banda. Las puertas para resucitar la grabación de un poster-

gado álbum debut se abrieron en ese preciso instante. Envalentonados tras el revuelo causado por su performance en vivo, los King Crimson volvieron a los estudios de grabación y el 16 de julio despidieron con determinación al productor Tony Clarke, famoso entonces por su trabajo con The Moody Blues. Nunca había habido química con Clarke, por lo que Fripp y los suyos recibieron la bendición para convertirse en los propios productores de su primer álbum. Tal vez el error de Tony Clarke había sido considerar a sus producidos como muy verdes en la materia, cuando en realidad se trataba de músicos con mucho vuelo, obstinados y exigentes. La riqueza y perfeccionismo de los integrantes de Crimson quedó plasmada en un álbum de rock que consolidó la fusión de variados elementos de jazz, música clásica y sinfónica. La apertura con “21st Century Schizoid Man” es arrolladora: casi 7 minutos y medio de una rola con la voz de Lake distorsionada y múltiples variaciones. A los 2 minutos el tema sale de un tiempo de 4/4 para acelerarse por primera vez y dar lugar al lucimiento del saxo y luego el solo de guitarra de Fripp, para regresar al saxo

a posteriori. Recién al minuto 5:50 termina la sección netamente instrumental y se vuelve al tempo original y a la voz de Lake por un instante, para finalmente dar lugar a un cierre cacofónico completamente caótico en modo free time. Es la historia de un hombre moderno que ha visto los horrores de la humanidad y cede ante la paranoia. Se considera a “Schizoid Man” una pieza clave para el metal progresivo, y se anticipó por unos meses al lanzamiento del primer álbum de Black Sabbath, considerado fundacional para el heavy metal. La canción fue lanzada en single de doble cara el 12 de octubre de 1969, como lado B de “Epitaph”. “I Talk To The Wind” es lo que sigue, un evidente contraste con “Schizoid Man” que calma las aguas con su flauta de apertura, su tono de paz y su serenidad. Una pieza folk que coquetea con la inspiración clásica. Hacia el minuto 2:50 se da el solo de viento que abre lugar al posterior punteo de Fripp, y luego continúa la canción. La flauta retoma su solo en el minuto 4:50. En resumen, es una bella balada folk donde todos se lucen pero especialmente la voz dulce de Lake y la inquieta flauta de

Ian McDonald, quien co-escribió el tema. Para cerrar la primera cara del disco, esa obra maestra de apocalíptica solemnidad que es “Epitaph”, un auténtico himno envuelto en melancolía y tristeza. La canción reflejaría el miedo a una eventual guerra nuclear, dejando su lírica un dejo de confusión y desesperación: “The wall on which the prophets wrote is cracking at the seams / Upon the instruments of death, the sunlight brightly gleams”. Si, la letra es un bajón, y muchos la pueden encontrar intolerable, más si tenemos en cuenta el dramatismo que en la misma imprime el mellotrón de McDonald. Según Lake, “Epitaph” se trata de una mirada de incomprensión a un mundo que se ha vuelto loco. Es difícil explicar con palabras lo que este tema produce, pero tal vez ayude explicar que su contenido existencialista y desesperanzado fue perfectamente expresado por la banda. Damos vuelta el vinilo y nos encontramos con “Moonchild”. Así como los demás tracks del disco (excepto “I Talk To The Wind”) están divididos en secciones, en este tema las dos partes son fácilmente

diferenciables. La primera es una balada basada en el Mellotrón que se titula “The Dream”, de tono dulce y menos dramática que “Epitaph”, y que luego de los 2:30 minutos deviene una improvisación instrumental free time de tinte jazzístico titulada “The Illusion” hasta completar los más de 12 minutos de tema. Personalmente lo veo como la parte menos interesante de la obra, aunque por tratarse de una pieza conceptual, sigue siendo objeto de culto por su cuota de experimentación e innovación. Llegamos sí a la canción final homónima del álbum. A lo largo de sus 9:25 minutos de duración asistimos a uno de los pasajes más ricos del disco, musicalmente hablando. Comienza con la épica introducción de su melodía de base, para luego ir combinando jazz con elementos sinfónicos. Al igual que una pieza clásica, consta de 4 movimientos. La canción es solemne y majestuosa, destacando los coros, y hace referencia a una reina negra, una marcha fúnebre y una bruja de fuego en una mítica corte real medieval. Al igual que en el resto del disco, la música corresponde a McDonald y la letra a Sinfield. “In The Court” cuenta con una de las tapas más icónicas de la historia del rock, tan trascendente como el disco que porta, pintada originalmente por Barry Godber. Godber murió en febrero de 1970, al poco tiempo del lanzamiento del álbum, y fue el único diseño para un álbum que realizó. En la tapa se representa al “Schizoid Man” y en el interior al Rey Carmesí. La curiosa anécdota sobre la noche en que Godber llegó al estudio y le mostró a los miembros de la banda su creación, es que ese día habían grabado “21st Century Schizoid Man” y al ver la pintura, los Crimson

asociaron inmediatamente esa cara con el personaje de la canción sobre la que habían trabajado: fue una increíble coincidencia. Según Robert Fripp, los diseños de Godber reflejan a la perfección el contenido de toda la placa, y hoy en día el dibujo original se encuentra en su poder. Solo un par de semanas antes del lanzamiento de “In The Court of the Crimson King”, había salido al mercado “Abbey Road” de The Beatles, y el segundo álbum de Led Zeppelin salió unos días después. Pero pese a esta durísima competencia, nada impidió el éxito comercial del debut de King Crimson. Muchos piensan que es el mejor disco del grupo y que nunca pudieron superarlo: yo coincido con ese parecer. Y curiosamente la presencia del hoy reconocido como líder de Crimson, Robert Fripp, no tuvo aquí el peso que si tuvieron otros miembros del grupo, algunos de los cuales partieron hacia nuevos horizontes luego de este trabajo. Esta formación de King Crimson no volvería a repetirse en el futuro. ¿Fue este el primer disco de rock progresivo de la historia? Podemos decir que objetivamente no, pero si que fue por lejos el mejor de los primeros: ya había sido editado el primer disco de Yes, ya Pink Floyd comenzaba a sobresalir, ya Frank Zappa mezclaba sonidos y géneros bajo su estilo netamente vanguardista. Pero ningún otro disco tuvo, hasta ya entrados los 70, la importancia y la influencia en el rock progresivo que tuvo “In The Court”. A 50 años de su edición, es un disco que marcó generaciones: extraordinario y trascendental. Pero vale la pena aclarar: no es un disco que pueda escuchar cualquier persona que no esté habituada a la complejidad.

[ Reseña de "Novanta - Some are Stars (2019)" por Benjamín York. ]

UNA ADORABLE BANDA

Novanta - Some are Stars Label: Seashell Records Fecha de Lanzamiento: 21 noviembre 2019

Hacía tiempo que los italianos de Novanta no lanzaban material nuevo, oficialmente desde el “Hello we're not enemies” del 2016. Y siendo una de las bandas que junto a otras forman el panorama más exquisito del shoegaze italiano o el italogaze, entre esas bandas podemos mencionar a Rev Rev Rev, In her Eye, Electric Floor, Clusterson o los Stella Diana. El dúo conformado por Manfredi Lamartina (guitarra, sintetizador) y Agostino Financo Burgio (batería), despliegan su hermoso sonido en estas cuatro canciones. Con invitados como suele ser la costumbre de sus trabajos. Un trabajo que les tomo casi tres años de trabajo, pero la espera valió la pena. Abre el EP “Outside Noise” con la participación de Dario Torre (Stella Diana) en las voces, dándole un aura celestial a la canción que, a primera escucha, me recordó a “Slomo” de Slowdive, ese ambiente onírico y la voz a lo Alcest de Dario, es el comienzo luminoso ideal para sentarnos y dejarnos llevar por los sonidos de esas guitarras que, como una corriente marina, nos va arrastrando por paisajes inmensos."The Plot Thickens" nos muestra un mundo más oscuro con tintes más darkwave pero con una importante cuota de melancolía, unas secuencias de fondo le dan un marco más onírico, que crece cuando ingresa toda la banda y amplia el espectro sonoro con mucho más shoegaze en un medio tiempo exquisito. "To Realize" abre una visión totalmente más colorida y más dreampop, con voces que aparecen fantasmalmente más delicadas y luminosas. "Lovers" cierra el EP y cuenta con la participación de Marco Barzetti de True Sleeper. Elegida como primer single del álbum, es una canción muy lenta y soñadora, un dreampop aquietado con mucho brillo que aporta esa guitarra arpegiada simple y eficaz, que es adornado por el sampler. Instrumental, sin voces, pero con una efectiva similitud a esos paisajes a lo Alcest. Nuevamente tenemos a Novanta entre nosotros y es muy bueno escuchar nuevas canciones de una adorable banda.

LA ORACIÓN DE LAS CENIZAS Extraño Objeto De Culto

[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

Der Golem - Zmet (1999) Nos damos una vuelta por la fría madre Rusia con un proyecto que con el paso de los años se ha convertido en un extraño objeto de culto: Der Golem, un nombre que hace referencia a esos seres en la mitología medieval y hebrea hechos de barro que cobran vida, pero que por otro lado en la cultura actual hace referencia a seres vacíos, banales y descerebrados. Der Golem era un dúo conformado por dos artistas prolíficos. Por un lado teníamos a Dmitry Zubov (sintetizadores, batería) proveniente del suburbio moscovita de Fryazino y que militó en la banda Industrial Hypnos fundada en 1993. Aparte de ello Dmitry exploró diversas vertientes sonoras con bandas como: Zubbof Sex shop (Postpunk/New wave) Circle of iron Tape (Harsh Noise) y BRZB (Power electronics). Dmitry lamentablemente falleció en 2011. Roman Sidorov el otro componente hizo parte del proyecto Dark Ambient, Staruha Mha. Por otro lado también estaba Sedative un proyecto de Post punk shoegaze que con el paso de los años ha ganado un fuerte estatus de culto entre los seguidores del underground. Roman lamentablemente sufrió de fuertes estados depresivos lo que lo llevó a acabar con su vida en 2003. Der Golem parece condensar todas las inquietudes sonoras de sus dos integrantes en un solo proyecto: Post Rock terroso, Shoegaze lastimero y Dark wave desolado. Este material ha sido reeditado hace unos años con algunos bonus bajo el sello Infinite fog productions en 2012. Recomendado. Tracklist Side A 1. Нет (No) 2. Оригинальная Мелодия (Dos melodías originales) 3. Древние Звёзды (Noches de Kapula [Estrellas antiguas]) 4. Bravo 5. Солнце Мёртвых (Soles de los muertos) 6. Целуя Твои Корни (Besando tus raíces) 7. Пан (Ban) 8. Птицы (Pájaros) 9. Исход I (Éxodo pt. I) 10. 10. Исход II (Éxodo pt. II)

http://oraciondelascenizaslabel.blogspot.com/

[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

Cleopatra Records: Entre el amor y el odio

Cleopatra Records el sello que creó el señor Brian Perera en Los Angeles en 1992, para mí ha sido un sello de amores y de odios. Mi primer acercamiento a la cultura Goth fue gracias a las ediciones que ellos sacaron para Norteamérica de la clásica compilación Gothic Rock (1992) originalmente sacada por Jungle Records en Inglaterra y apadrinada por el reconocido periodista inglés Mick Mercer. En ese momento el sello tuvo un fuerte apogeo entre principios y mediados de los 90s al armar compilados y también adquirir derechos de música de artistas europeos como The March Violets, Red Lorry Yellow Lorry, Children on Stun, Rosetta Stone, Nosferatu, Corpus Delicti o los finlandeses Two Witches. Por otra parte Brian Perera tuvo un olfato acertado al reclutar bandas del underground que con el tiempo se convirtieron en clásicos. Casos para destacar, Mephisto Walz, la banda de Rock gótico liderada por Bari Bari que a mi parecer grabó sus discos más experimentales en este sello: Terra Regina (1993) y Thalia (1995). The Wake, banda de rock gótico norteamericana, herederos de ese sonido tan de los Sisters of mercy pero cargados de un aura más tribal. El dúo femenino darkwave Switchblade symphony, con sus sintetizadores oscuros y la elegancia de su juego de voces. Los australianos Big Electric Cat, una banda con una de las propuestas más frescas en toda la historia de la escena Dark y que uno anhelaría ver esa originalidad en muchos actos de hoy en día. Saliendo un poco de ese sonido puramente gótico también estaban Spahn ranch, para mi uno de los más grandes proyectos que haya dado el synthpop y el industrial de los 90 con el prolífico cantante y escritor Athan Maroulis. Tuvieron también a Pressurehed un combo de músicos que inspirados en el rock espacial de Hawkwind y Chrome creaban una música que lo llevaba a uno a un explosivo viaje sideral.

Big Electric Cat

Ahora vamos al lado no tan bueno. Cleopatra tuvo una gran fortuna y me refiero a la palabra fortuna de una manera por así decirlo, espiritual. Una fortuna que desde mi punto de vista no supieron tratar ni aprovechar. Tener entre sus filas nada más y nada menos que al gran Rozz Williams una de las figuras más originales, grandes y honestas que haya tenido la cultura siniestra mundial, merecería un trato especial. Fueron testigos de la batalla legal contra Valor por el nombre de Christian Death. Y al no poder recuperar los derechos de grabaciones de discos icónicos como Only theatre of pain, tomaron la Rozz Williams Christian Death decisión de regrabar canciones clásicas como Spiritual cramp, Figurative Theatre o Death wish, en un nuevo álbum llamado The Iron Mask (1992) el cual también contenía canciones nuevas como Skeleton Kiss. Una iniciativa a la cual no supieron darle el tratamiento adecuado. Para una entrevista durante la gira con Gitane Demone a mediados de los 90, Rozz manifestó estar inconforme con el resultado. Iron Mask fue un disco grabado a las carreras, sin encargarse de los detalles. Por otra parte el sello había tomado una serie de cintas de cassette de la colección de Rozz, con grabaciones de conciertos de principios de los 80 de Christian Death (con un sonido muy regular) para convertirlos en álbumes en vivo: “The dolls theatre”, “Sleepless nights” e “ Invocations” lanzados entre 1993 y 1994. Debo decir que Invocations me alcanza a cautivar, pues a pesar de su sonido bootleg, captura la atmósfera desquiciada de la banda y trae dos temazos en estudio (Haloes, Spectre love is dead) que Rozz grabó después de dejar la formación de Christian Death con Valor y Gitane Demone en 1984. Cleopatra terminó acaparando de una

manera mediocre lo que hicieron con Rozz. Dos claros ejemplos: en el canal de video de Cleopatra en youtube ni siquiera saben el nombre de los temas en un registro de video de un concierto de Cristian Death Con Rozz y Eva O en Phoenix en 1990. En el compilado de The best of Christian Death featuring Rozz Williams, hicieron una mala selección incluyendo una versión en vivo de Cavity donde a Rozz se le olvida la segunda estrofa de la canción. De todo lo que hicieron con la vuelta de Christian Death lo que realmente considero yo merece la pena son los álbumes: The path of sorrows (1993), The Rage of Angels (1994) y Death Mix (1994). Este último álbum de remixes brilla por las soberbias intervenciones de miembros de Spahn Ranch y Laibach.

Spahn Ranch

Por otro lado Cleopatra tenía los derechos del sello alemán Zoth Ommog fundado por Talla 2XLC, miembro de Bigod 20. El sello de EBM y Electro Industrial que es referencia obligada del industrial de los noventa, con el que prensaban material de artistas como Leaether Strip, Psychopomps, Lights of Euphoria, X marks the peedwalk, Mentallo and the fixer entre otros. Cleopatra creo subdivisiones en su propio sello para entrar en el mercado de la música electrónica que gravitaba entre el ambient, el techno, pasando por el trance. Hypnotic fue esa subdivisión con discos que valían mucho la pena como es el caso de la compilación High

Priests of electronic dub (1995) compilación que abarcaba el lado experimental de artistas que hacían parte de la elite de la movida industrial (Frontline assembly, Skinny Puppy, Controlled Bleeding) haciendo música más espacial junto con músicos y productores de vanguardia (Bill Laswell, The future sound of London). Había bandas de gran calidad, había material de donde tomar referencias, pero con el tiempo el sello empezó a realizar muchos compilados de música gótica e industrial enfocados en los tributos. Está bien que se rinda tributo a artistas que dejaron una senda dentro del género como Bauhaus, Siouxsie, The Sisters of Mercy o Dead Can Dance. Pero con el tiempo se empezaron a salir del curso y a desdibujar la propuesta. ¿Bajo qué criterio se pueden llegar a hacer tributos a Korn, White Stripes o Blink182? No tengo nada contra la música de estas bandas pero obviamente nada que ver. Pienso que en ese aspecto perdieron credibilidad por parte de la audiencia y perdieron también parte de sus mejores artistas. Tal vez fue una cuestión de que la onda siniestra en términos de negocios no termina siendo tan rentable, salvo para un círculo reducido. Hoy en día el sello se ha enfocado en editar material de bandas de Hard rock de los ángeles y mucho de rock setentero, Punk, Psychobilly. Quedan alguna que otra cosa enfocada en lo oscuro. A veces sorprenden con reediciones de discos de culto como el single en vinilo de Love will tears us apart de joy Division, material de la legendaria banda experimental de San Francisco Chrome, algo muy bonito de los Kraftwerk o de Motorhead. No creo que vuelva a haber una nueva camada de bandas en este sello como las que nos cautivaron en los noventas. No creo que sus directivos se arriesguen de esa manera otra vez. De cualquier forma aquí dejo una breve lista de esos discos indispensables de este sello de Los Ángeles que considero clásicos. Aquí menciono solo discos propios de Cleopatra, no reediciones de otros compilados inicialmente hechos en Europa o compilados de agrupaciones cuya discografía pertenece originalmente a otros sellos. Habrán personas que gusten de Cleopatra que agregarán otros discos y quitaran algunos de los que he puesto. Es solo la opinión de este humilde servidor

Various artists - Goth Box (1996)

Mephisto Walz - Thalia (1995) Mephisto Walz - Terra Regina (1993) Para mí el disco más atmosférico de esta gran banda de Death Gothic rock. Various Artists - Gothik (music from the Dark side) (1995) Excelente compilación doble, con música exclusiva para esta selección destacan: Ikon, EXP, Two Witches, Corpus Delicti y Gitane Demone Big Electric Cat – Dreams of a Mad King (1994) ¡Guitarras y una voz muy cool. Un ejemplo de que el Rock gótico puede ser muy auténtico sin caer en los clichés. Un clásico cargado de emoción. Switchblade symphony - Serpentine gallery (1995) Pressurehed – Infadrone (1992) Un reactor espacial, con una base muy Post punk, lástima que este grupo terminó. De ahí emergieron Anubian Lights. Children on Stun - Tourniquets of loves desires (1994) Usherhouse – Molting (1993) Rock gótico norteamericano alternativo muy visceral Various artists - Goth Box (1996) De antología. Un gran viaje desde finales de los 70 hasta mediados de los 90 por la escena siniestra mundial. Queda la incógnita de quién hace el tremendo Remix para The Angels de Christian Death. Spahn Ranch – The Coiled One (1995) Una banda subvalorada de la escena synthpop / Industrial, es uno de mis discos favoritos de todos los tiempos. La genialidad en la electrónica de Rob Morton y Matt Green con la sensacional voz de Athan Maroulis. The Wake – Masked (1993) Nada que agregar. Un gran clásico del Rock gótico de los noventas Die Krupps – Rings of Steel (1995) Artistas de mucho peso como Andrew Eldritch (Sisters of Mercy), FM Einheit (Einsterzunde Neubauten), Jim Martin (Faith no more) y Sasha Konietzko (KMFDM) remezclando temas de la legendaria banda alemana liderada por Jurgen Engler.

ZONA DE INFLUENCIA

[ Entrevista a a Emilia Bahamande de Sexores por Ruben Torres. ]

SEXORES: ODA AL POP ETÃ&#x2030;REO

El dream pop siempre tuvo un costado siniestro. En medio de esas delicadas paredes de sonidos destellantes y esas voces susurrantes, siempre hubo una cosa rara: siempre todo parecía nacer de una pesadilla. De Cocteau Twins a Cranes, de Mellonta Tauta a Silvania. Sin ser enteramente góticos, a los grupos de dream pop clásicos siempre les gustó salirse un poco de este mundo, hacia el mundo de los sueños, de la imaginación, de la confusión. Por eso escucharlos siempre demandaba de uno emociones intensas sabiendo que nada volvía a ser igual, una vez bajo el hechizo de esta música. Y eso experimentamos al escuchar a Sexores, nuestros oídos evocan a ese sonido tan sub-real del que nos enamoramos a primer escucha. Emilia Bahamande y David Yepez son el núcleo principal de Sexores, banda formada en Quito Ecuador y ahora radicada en Barcelona España...La banda que para nosotros suena a todo lo que nos gusta a Still corners, por momentos los compararíamos con Crystal Castel por su electrónica en que se desarrolla gran parte de su sonido, o los americanos Victoria Legrand y Alex Scally de Beach House aunque todas se diferencian entre sí, como siempre decimos las bandas muchas veces se influencian con sonidos que creemos reconocer y que el propio autor desconoce como las de las bandas antes mencionadas, es que esto es lo hermoso de la música, como le pasa a Sexores que recorre el mundo con su música tras haber dejado “atrás” hace algunos años su Quito natal. Sexores es una banda que han vivido el cambio de casa de muchas maneras. La banda de Ecuador no sólo ha emprendido giras por varios países en todo el mundo, sino que también han dejado sus hogares en Quito para probar suerte en otros lugares como es hoy España. Esto es Sexores ecos y sintetizadores de un pasado futurista y muy sensorial de una presencia única. Sexores es uno de los proyectos insignia del synthwave dentro de la potente escena latinoamericana donde también trabajan las atmósferas oscuras del shoegaze por las que nos sentimos dentro de una especie de ciudad futurista como ya dijimos. Tres discos son lo que garantiza lo que decimos estos son; Historias del frío (2011) Red Room(2016) East/West (2018) Sin más, este sábado entrevistamos a una de las bandas más desarrolladas y serias de la escena actual de este género bellísimo que de algún modo mágico se renueva como con este proyecto riquísimo que es SEXORES. Continuamos hasta las 11 de la noche aquí en el 90.5 del dial, nosotros obviamente hacemos Zona de Influencia cada sábado a la noche.

Hace algunos meses teníamos la posibilidad de poder encontrarnos en las redes sociales con bandas que a nosotros nos gustan mucho, que son bandas latinoamericanas, alguna vez nos pasó con los peruanos de Laikamori, que en realidad nos enamoraron a la primera escucha, lo mismo nos sucede con la banda que vamos a presentar a continuación, estoy hablando de Sexores, banda de Ecuador, formada en Quito, pero como decíamos hace un momento, tan viajada, que ahora están en México, pero están radicados en Barcelona (España), vamos a hablar con Emilia, con alguien que está detrás de Sexores, este dúo de synthpop, que por supuesto también lo tiene a David, así que los saludamos, Bienvenidos... Buenas Noches... Sexores, ¿Cómo están? Hola, qué tal Rubén, muchas gracias por la invitación a tu programa. ¡Qué placer es estar aquí en Zona de Influencia esta noche! Les saludo desde México, mi nombre es Emi y soy la vocalista de Sexores. Inmediatamente, te reconocí, porque hace un momento decía que, uno cuando descubre música hay cuestiones que le gustan, y son los sonidos, no solamente de los sintes, no solamente de los pads, sino también la voz, y es lo primero que nos llamó la atención, después fuimos desandando cada uno de sus discos, así que inmediatamente queremos decirte esa voz es bellísima detrás de Sexores, que tan linda música hacen y estas cuestiones que tenemos en principio para darte la bienvenida. Ay muchísimas gracias... que amable Rubén. Tus palabras realmente me llegan al corazón, o sea, sí, estoy de acuerdo, yo soy músico desde hace mucho tiempo y claro, y decidí esta profesión por eso, por los sonidos que me atraen de ciertas bandas, como que yo también quería transmitir a través de mi voz, quizá lo que no se puede transmitir con palabras, con mi música, entonces lo que tú

me dices me llega al corazón y te lo agradezco. Ya tal vez lo tengas, ya vamos a hablar de algunas influencias que tiene Sexores y también vamos a hablar de ese potencial que tiene, del nacimiento, vamos a hacer un pequeño recorrido por la historia, pero si tenés seguramente referencia de Blonde Redhead, inmediatamente tendrás a Kazu Makino, que es la cantante, es una japonesa que la sinceramente llena de sonidos y es lo primero que se nos vino a la cabeza, precisamente tu voz nos hizo referencia a esta banda y por eso también esta cuestión que tiene que ver con las influencias musicales, ¿por dónde pasan las influencias de Sexores?, si bien ya los leí, adoramos el pop de Duran Duran... Tienes toda la razón, una de nuestras más fuertes influencias definitivamente es Blonde Readhead, pudimos verlos hace unos años en Ecuador y pues, claro, salimos enamorados de la voz de Kazu Makino, justamente recientemente sacó un disco "Adult Baby" y está fantástico, me gusta muchísimo... si está muy bueno, realmente lo recomiendo y pues, todo lo que tiene que ver con, justamente estabas hablando de Duran Duran, de hecho para nuestro último disco, es un disco muy nostálgico, entonces como que trajimos todas estas influencias de música quizá que escuchábamos synthpop, sobre todo, cuando éramos niños, entonces hay de todo, porque al mismo tiempo nos influencian muchísimo por ejemplo bandas ya más contemporáneas como Beach House, por ejemplo, y justamente como que queríamos hacer esa especie de mixtura entre el pasado y el presente... Lo logran porque uno trae esos recuerdos que tienen la memoria musical, a mí me gusta llamarla memoria musical, porque es la que inmediatamente nos hace referencia, y la voz de Legrand también nos sonaba precisamente y no se trata de una cuestión de que todas las influencias

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o el background que ustedes traigan, o esa formación musical la vuelquen directamente, sino que tienen un estilo propio, tal vez ya no en el comienzo con "Historias del frío", que a ustedes los tenía como nuevitos, ¿contame cómo fue aquel disco, crearlo y como llegó a editarse allá por el 2014? De hecho en el 2011 el primer disco que sacamos, se llama "Amok & Burnout" y pues es un disco que está muy bien producido, la verdad es que nos quedamos insatisfechos con el sonido del disco, por cuanto tratábamos de hacer algo, que quizá nosotros no éramos, entonces cuando tú escuchas "Amok & Burnout" no te va a sonar, es un poco medio fusión de influencias, ahí queríamos tener algo industrial pero al mismo tiempo terminábamos ya agarrando colores de shoegaze y el dream pop, que ahora nos caracteriza, y como que no terminábamos de aterrizar con nuestras ideas. Ese fue el primer disco

que igual teníamos otra formación y ahí fue cuando nos dimos cuenta de que estábamos viendo hacia otro lado, así que decidimos rehacer la banda y el primer disco oficial, que nosotros decimos con el disco de Sexores, fue "Historias del Frío" que fue lanzado en el año 2014, entonces "Historias del Frío" es un disco que es un poco accidentado, de hecho lo habíamos grabado y ya lo íbamos a lanzar en Ecuador, pero fue cuando tuvimos un problema, que sufrimos un robo... El robo del disco... claro... Nos robaron el disco, entraron al estudio y a nuestra casa y nos robaron y tan sólo teníamos una parte de los respaldos que lo que habíamos hecho, entonces nos tocó rehacer todo y terminamos lanzándolo en Barcelona (España) cuando nos fuimos a vivir allá, y entonces es como es un disco que pensamos cómo hubiera sido si no nos hubieran robado, quizás tendría otro sonido,

pero fue como que lo volvimos a hacer y reconstruimos más bien nuestras ideas, al principio pensamos que no lo íbamos a disfrutar, porque nos tocó de hacerlo de una forma muy Lo-Fi, no era como en Ecuador que teníamos un amplificador para nosotros solitos, como nos tuvimos que mudar ya no teníamos a nuestra disponibilidad. Realmente es eso lo que caracteriza al disco como que en esa precariedad en que nos encontrábamos, tratamos de plasmar todos los sentimientos que teníamos, de mudarnos a otro país, hasta cierto punto de madurar, y eso es lo que representa para nosotros "Historias del Frío". En realidad los marca la vida más que musicalmente, por supuesto que sí musicalmente, porque me acabas de decir eso, pero también, evidentemente, hay un montón de cuestiones que tienen que ver las historias que me acabas de contar, con ese cambio, porque no es tan sencillo, que uno viaje al primer mundo o a lugares tal vez un poco menos complejo que los que nosotros nos tocó nacer, como es Latinoamérica, por supuesto

nuestro amor es incondicional, pero sin embargo ese cambio y este disco marcó si se quiere, un antes y un después, para llamarlo de alguna manera. Después llega "Red Rooms", ¿qué historias está detrás de eso? "Red Rooms" es visto que empezamos ya a hacerlo o a pensarlo, digamos, a finales de 2014 o principios del 2015, ya una vez que habíamos lanzado "Historias del Frío" y nuestro primer disco tiene influencias sobre todo como te dije del dreampop y del shoegaze, pero en "Red Rooms", como que la idea era no repetir las mismas fórmulas, entonces pensábamos que éste es un disco conceptual, a diferencia del disco anterior, que es un disco más de historias personales plasmadas en una canción, en cambio, "Red Rooms", desde el nombre tiene toda una historia y como que buscábamos contar todo el otro lado de la moneda, como quien dice, por ejemplo historias de niños o de personas que habían sido inculpadas pero que quizás, como tú sabes, a veces la sociedad te transforma, un poco como lo que está pasando ahora justo en Latinoamérica y en el mundo. Como

que es un poco injusto todo ¿no?, la sociedad es un poco injusta y de alguna manera esto explota en algún momento y se refleja en actos, que más adelante, uno puede estar juzgándolos desde una perspectiva que no precisamente sea justa, entonces "Red Rooms" trata un poco de eso, es un disco que buscábamos que sea un poco más oscuro y de regreso a Ecuador grabamos unas partes, otras partes en un estudio, otras partes las grabamos de igual manera con un proceso Lo-Fi, siempre tratábamos de no hacer todo demasiado nítido, demasiado pulido, sino más bien poner esa huella que te da el Lo-Fi, una huella íntima. Lo lograron y recibieron repercusiones, si se quiere, del periodismo que está detrás de los pasos del dreampop, del shoegaze, de ese estilo se está convirtiendo, o al menos nosotros lo vemos satisfactoriamente, como uno de los más populares a nivel global, en los últimos años, y precisamente en los jóvenes como ustedes, que les ha llegado por supuesto música anglosajona, hace un momento hablábamos de Blonde Readhead, Beach House, pero también lo hacen propio y había una cuestión dentro de su página, para volver precisamente a lo de Ecuador, y salirnos un poco de la música, pero tan solo un minuto... a veces uno interpreta que la música reaccionaria, tal vez de rebelión que tiene la juventud, está detrás de la música punk, bueno ya no está ahí detrás... hay otras cuestiones como también ha cambiado el mundo, como hemos globalizado por ejemplo el sistema discográfico, ya no es el mismo, seguramente en Ecuador o en España, será diferente, porque ya ahora los músicos graban de diferentes manera, hacen llegar sus trabajos de otras maneras, la gente lo recibe de otra manera... pero también hay detrás una propuesta política, el otro leíamos en su página de facebook, toda esta cuestión política y social que vive

Ecuador, que a ustedes también los tiene, a pesar de esa lejanía que los tiene en este momento... Un pequeño párrafo para los derechos humanos, esta violación, que no solo está recibiendo Ecuador, sino también toda Latinoamérica. Ustedes tienen una posición súper clara que es precisamente toda esta cuestión de los pueblos poli culturales y pacíficos, ¿están detrás de esa idea verdad? Por supuesto, de hecho, te quisiera hacer una especie de promoción, tengo una comunidad que estamos armando que se llama Musexplat - Música Experimental Latinoamericana, y justo es como que buscamos dar visibilidad y escuchar a aquellas voces que en el pasado se ha interrumpido el flujo de comunicación entre ciertos artistas y la audiencia en general, y no sólo pasa eso digamos en la música sino en todos los ámbitos, hay ciertos ejes de poder que son los que, de alguna manera, privilegian sus voces con respecto a las de los otros, y lastimosamente ahora estamos viendo que se desencadenó. como bien tú dices, este movimiento en toda Latinoamérica, en cierta forma, estamos tratando que se nos de espacio a aquellas personas que no hemos podido expresarnos de forma masiva, entonces con mi plataforma busco eso. Con Sexores tratamos de no ser muy políticos pero es inevitable, no podemos cerrar los ojos ante una realidad que es escalofriante, no ver la represión que se sufrió en Ecuador hace un semana, ver lo mismo que está pasando en Chile, en estos momentos, es difícil y pues uno a la distancia lo vive, lo sientes en tu corazón aunque no estés ahí y nosotros siempre nos mantendremos apoyando que se escuche a las personas, que el diálogo sea abierto entre los gobiernos, entre los pueblos, yo creo que hemos tenido la posibilidad de viajar a lo largo de Latinoamérica y sabemos que somos todos iguales y es como si fuéramos un sólo gran país y creo que todos sentimos igual el sufrimiento de nuestros hermanos, y de alguna manera eso queríamos con ese post, que tú estás diciendo, queríamos reflejar a

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través de ese post. Es verdad... y además también estar a la distancia debe ser mucho más, si se quiere, aleccionador lo que sucede en tu propio país, en tu Quito, sentir que tus amigos, gente que por supuesto perteneció a tu vida y pertenece, bueno... no la está pasando bien, así que imagino que estar lejos debe tener otra sensación que es la de estar en el lugar.... bueno... el agradecimiento por este pequeño momento que vivimos y que, por supuesto nosotros también desde acá, sentimos que Latinoamérica es la patria grande y que en algún momento todo esto que nosotros pedimos, que también que tiene que ver con este diálogo que ustedes piden, la transparencia, esta cuestión de manifestarse libremente, pacífica, pero libremente, bueno en algún momento va a suceder y por supuesto va a encontrarnos unidos a todos.... volviendo a Sexores para que la charla sea amena y no es porque no lo sea, sino porque usted sabe amiga que es un momento complicado para toda Latinoamérica... ya llega "East / West", tremendo disco del año 2018 y ahí sí, ¿Con ese disco se sintieron plenos? Pues claro, es un disco que tiene un poquito más de un año, y en realidad quisimos hacer dos cosas. Tiene dos lados, "East" y "West", en lado "West" quisimos experimentar con todo lo que no habíamos hecho antes, como te decía muy Lo-Fi, en cambio ahora nos pasamos a hacer algo todo en un estudio de primera, allá en Ecuador, con la ayuda de un gran amigo que es Daniel Pasquel, cuya música recomiendo, por ejemplo pueden buscar "Marley Muerto" o "Can Can", y él justo estaba gestando esta editora llamada Recoop y nos dijo, a ver tracemos un acuerdo en el que yo los ayudo a producir, y sacamos el lado "West" del disco y así fue, es un lado muy sentido, muy nostálgico, buscamos sin ser muy meticulosos con el sonido, mientras que con el lado "East" buscamos más bien

experimentar desde lo instrumental, entonces a diferencia del otro disco que bien podría ser, como hasta cierto punto comercial, en el otro es algo que más bien podrías estar escuchando como alguna banda sonora de alguna película de terror o algo así... o de una película con tintes a lo Blade Runner... entonces es como que buscamos satisfacer estos dos lados de nuestra curiosidad creativa, y lo logramos y estamos muy felices con nuestro disco "East / West" y me alegro mucho que haya llegado a lugares que antes no habíamos visitado como Chile y Bolivia, y vinimos recientemente a Mexico, entonces es un disco que nos abrió muchas puertas y con el cual estamos muy agradecidos, ya preparándonos para el lanzamiento del nuevo disco, que va a hacer diferente a este por nuestra constante que tenemos de no repetir lo que ya hemos venido haciendo. El disco abre con una canción que se llama "Bluish Lovers" y nosotros nos dimos cuenta, por lo menos como el nombre lo indica, habla del amor, pero ¿ese disco lo escribieron en diferentes partes del mundo, también lo escribieron en Nueva York, en Berlín, estuvieron en algunos puntos del mundo? Así es, ese disco recoge las experiencias de nuestros viajes a través de, o gracias a la música, por ejemplo hay temas como "Berlín" que tiene que ver con nuestro paso por Berlín allá por el 2014, en la parte instrumental hay un tema que se llama "Tibidabo" es una referencia al monte Tibidabo allá en Barcelona, entonces es como recoge todo eso, por eso digo que es un disco muy nostálgico, recuerdos no sólo de la niñez, sino también de nuestra juventud viajera. Aunque es un poquito dark no es un disco muy triste, alguien había dicho que es un disco para estar bailando y al mismo tiempo llorando... (Risas)... Hay una canción en el disco que se llama "Tropical Nest" que imagino que la composición tiene que ver, obviamente

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también estará David, pero tiene que ver con vos por ese mensaje positivo, pero que tiene que ver con ese motivo bailable que hace un momento vos hablabas, pero que el mensaje tiene que ver con la libertad y con esto que tienden a ser sexualizados, cada uno de nosotros, hay un mensaje feminista también hay detrás de esa canción, nosotros celebramos obviamente y te vimos en ese video que está en "Tropical Nest" como muy segura de lo que estaban haciendo, así que felicitaciones y eso tiene que ver con llorar y reírse, me parece que "Tropical Nest" tiene eso. Así es. Es justo un tema que en realidad lo escribí como una experiencia de mí, pues yo también como muchas otras mujeres desgraciadamente sufrí un abuso sexual cuando era niña y es una realidad muy triste y es un porcentaje muy alarmante en toda Latinoamérica y también en el mundo, como se tapa, como se quiere hacer pasar como si fuera algo normal, es que las niñas, sobre todo las niñas, porque soy consciente que

también hay casos de niños, los porcentajes apuntan más hacia las niñas, hacia las adolescentes, y hacia las mujeres que hemos tenido que sufrir, no sólo por el abuso sexual, sino también abusos físicos, abusos psicológicos, y hay una historia muy linda detrás del video, hay una página en Ecuador, en la que formamos una comunidad entre mujeres, y justamente como yo escribí en esta página "quisiera hacer un video" y todas las chicas que nos reunimos ahí lo hicimos sin un peso, pero nos pusimos ahí a colaborar... yo pongo cartulinas, yo pongo luces, yo pongo el lugar, yo maquillo a las chicas, entonces es un video hecho sólo por mujeres y eso creo que es una historia muy linda detrás de todo esto, tratamos de darle una cara positiva, como que el futuro puede cambiar. Hablaba precisamente de eso... tu valentía precisa, ahí se nota... y esto que acabas de decir y en la música se siente, por eso decía que tenía estas dos partes, como esta tristeza pero lo que a la vez tiene un ritmo bailable porque se

ve, como decía hace un momento sobre nuestro país y ahora lo puedo poner como la luz en el final del túnel... hermoso tema "Tropical Nest" y ahora escuchando toda esta historia de como se hizo el video, obviamente adoramos esta canción y estas cosas que tiene esta charla que a veces se pone íntima, como hace un momento nada más.... la verdad sinceramente estamos absolutamente agradecidos por esta charla que estamos teniendo y que vamos a ir cerrando lentamente.... Quiero decirte que cada uno de sus discos tiene un crecimiento, pero que en este último, que estamos hablando y que tiene este Sexores con este Lado A y Lado B, si se quiere, con "East / West", han llegado a su fórmula mágica y esperemos que esto obviamente vaya en alza y el próximo disco que será 2020, estaremos a la escucha. Muchísimas gracias por este espacio Rubén, de verdad que tus palabras son muy reconfortantes, y yo creo que el disco que se viene, pues estamos pensando hacer algo como "East / West" pero más bien más oscuro, incluso la temática que todavía no lo podemos mencionar tiene también un cierto tinte político, pero así como estamos hablando de empoderarse de las situaciones tristes, entonces esperemos que de igual manera para cuando este disco se lance podamos conversar con ustedes y ojalá que el próximo año podamos visitar Argentina, tenemos muchísimas ganas, hay mucha gente que nos escribe desde allá y les mandamos un saludo y abrazos a todos nuestras amigas/os y de hecho Victoria Real, que la escuchábamos hace un ratito, es una muy buena amiga nuestra, la conocimos allá en Ecuador y estamos siempre muy agradecidos con todos nuestros amigos de por allá, del sur, ojalá que el próximo año podamos conocernos.

Bien, tengan a bien entendido esto que le vamos a decir, en la ciudad de la Plata tienen un lugar para poder estar, no solamente para conocer sino para regalarnos su música, así que cuando estén aquí, nosotros obviamente le vamos a dar la bienvenida y el recibimiento que ustedes se merecen. Amiga la verdad sinceramente un placer, no sólo por las palabras que nos regaló, sino también por esta apertura desde el corazón, en esta charla que nosotros sentimos y que no tiene comparación con ninguna otra charla, porque a veces uno empieza una entrevista y no sabe terminar y la verdad, sinceramente, éste momento está lleno de satisfacción para nosotros por tenerlos ahí del otro lado, por esta cuestión que ustedes vienen haciendo que tiene que ver con la música, que nos enamoró cuando por primera vez los escuchamos y para nosotros es un pequeño cierre de ciclo poder hablar con ustedes, ya vendrá lo otro, que será cuando lleguen a la República Argentina y nosotros podamos recibirlo en este punto del país, que es la ciudad de La Plata, una ciudad muy musical, una ciudad muy cultural y que seguramente esperemos que por supuesto los reciba a ustedes, a David y a vos. Sinceramente un placer por haber estado ahí del otro lado. Muchísimas gracias y gracias por este espacio, gracias a todos las personas que desde la ciudad de la Plata que nos están escuchando, realmente tenemos muchas ganas de visitar Argentina y estamos seguro que haremos lo posible y lo imposible por ir el próximo año, qué placer estar aquí y compartir contigo Rubén, ojalá se repita y les mandamos un gran abrazo y mucha luz para todos.

Entrevista realizada el 19 de octubre de 2019 para el programa de radio; Zona de Influencia que se emite los sábados 9pm, a través de radio futura 90.5 desde la ciudad de La Plata ( Proyecto; Casa Unclan )

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[ Entrevista a Victoria Caregnato de Victoria Real por Ruben Torres ]

111 Victoria Real es el proyecto musical de Victoria Caregnato, algo tan singular como su propia historia. Con solo 23 años se muda a Paris para realizar diferentes cursos residenciales en Guitar Craft dictados por Robert Fripp. Luego se va a Madrid, Londres, Barcelona y Lubeck (Alemania) donde participa como miembro como la League of Crafty Guitarrists, y también de Proyecto Demetrio y The Eclectics, siempre relacionados con Guitar Craft, la música experimental y la performance. Ya de vuelta a Argentina y luego de formar Tía Luisa presenta su primer disco como Victoria Real; Música para sanar máquinas rotas 2016, su primer álbum solista y sorprendió con diez canciones para sanarnos con diferentes matices, colores y sonidos experimentales...En 2018 llega Mi propio poder su segundo álbum, donde muestra una faceta más oscura, post punk pero con bases en el pop y la electrónica. Luego de sacar este año “El juego (La lección 2)”, “Ohuohuahh: La Lección 3”, “La Lección del corazón inmundo” (The Hearts Filthy Lesson) y “La Brújula, Lección 4)” todos ellos formarán parte del tercer disco de Victoria Real en 2020... Y hace algunas semanas los amigos de No Me Escucho Records ; Victoria Real Volumen X (Sesiones en el Montacargas). Cuatro canciones oscuras, cortas climáticas que mezclan el dark wave el synthpop, ambient y electrónico... Este sábado por la noche charlamos con la cantante y compositora cordobesa Victoria Real que con un estilo tan particular como su música que nos hace sentir un viaje de vuelo experimental en sus sonidos...

La semana pasada, nosotros aquí en la radio, tuvimos la fortuna de poder escuchar un trabajo nuevo, que en realidad llevó adelante, no sólo el artista Victoria Real, sino la gente de No Me Escucho Records y estoy hablando de Volumen X, los cuatro tracks grabado, si no recuerdo mal, el año pasado, ya habrá una corrección, lo cierto lo descubrimos la semana pasada, obviamente el proyecto de Victoria Real ya tenía puesto nuestros oídos desde algún tiempo, seguramente con algún disco dando vuelta por allí, pero queríamos quitarnos esta cuestión que tenía que ver con un montón de preguntas que viene a colación por este música hecha por el proyecto llevado adelante por Victoria Caregnato y ella está del otro lado y la saludamos... Buenas Noches Victoria Real, mi nombre es Rubén Torres, te saludo desde aquí, desde la ciudad de la Plata. Hola Rubén... muy bien y muy contenta, muchas gracias por este espacio, además la ciudad de La Plata, es la ciudad de mis abuelos... tengo familia así que soy semi platense, porque mi papá nació en La Plata. Me encanta La Plata.

esta señal... pero al haber llegado a la radio y escuchar esa premisa, o una de las premisas que tenía que ver con "existen otros mundos, pero están en éste" nos hizo sentir identificados al igual que vos, uno compra eso... Bueno, pero está bien, porque es difícil encontrarse, a veces... bueno, es un poco la historia de mi vida... encontrarme... (risas)... pero constantemente tenés que encontrarte porque te perdés todo el tiempo, encima la sociedad de consumo no ayuda... así que acá en las sierras tenemos esa ventaja.

Es cierto, además un lugar que sirve para la creación absoluta, yo pegué una vuelta por tu historia, por estos viajes que hiciste, que ya vamos a estar entrando, seguramente es un bagaje cultural y una formación que, seguramente, a vos te ha servido muchísimo, pero también de pertenecer a un lugar que tiene creación pura y estás en ese lugar... ¿Estás en Córdoba ahora? Estoy en Córdoba, vivo en las sierras y nací en Buenos Aires, en Capital Federal, en Florida, conurbano bonaerense. Cerca de Puente Saavedra, después me fui a Belgrano, pero Y La Plata tiene esa cuestión musical, de muy chiquita me fui a Europa, así que soy nosotros siempre jugamos con esta cosa como de todos lados... y cuando volví a la Arde "la radio desde una ciudad cultural" y gentina, con mi compañero, que ya hace diez justo me ha tocado nacer en esta ciudad años que estamos juntos, montamos nuesmusical, cultural, y precisamente, amante tro imperio acá en las sierras.... que fue la de la música, osea que más no puedo pe- idea de dejar la esclavitud de pagar un alquidir... y nada seguramente es lo que ena- ler, porque obviamente somos músicos y nos mora, y eso es lo que seguramente te ena- gusta vivir mucho más libre y aquí nacieron mora a vos de la ciudad. todos mis discos digamos, editados. Totalmente, es una ciudad muy cultural y además escuchando el programa, me pareEs re loca la historia, repasaba mentalce alucinante que hagan este programa, los mente, de alguna manera, estos viajes estuve escuchando y me encanta, me encan- que se empezaron a dar a los veinti tantos ta estos de que existan otros mundos, pero años, ¿no? están en éste... pero compro 100%... ¡Chau A los 23 años me fui a Paris, que fue el priésta es mi radio!... mer lugar,, en realidad la vida te va llevando, yo como que estaba muy mal, en el sen¡Qué bueno! porque a nosotros también, tido de que no me hallaba en ningún lado y vos sabés que estamos desde marzo en eso me pasó a vivir desde chica, como sen-

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tir que uno estaba en un contexto... ¿Qué es esto que me rodea? que no tengo nada que ver con esto... y cuando uno es chico lo sufre mucho más porque no tiene el derecho de expresarse tanto, salvo que tengas unos viejos re piolas, que hoy en día, es como que los padres están más ágiles en eso... culturalmente digo, que les prestan más atención a ver para donde va el nene... pero en otra época y en otras generaciones era todo más de manual... había que cumplir con ciertas normas... entonces nadie te iba a llevar a la escuela waldorf, por ejemplo, ni se le ocurría a nadie...

cia una amiga me dijo "¿Por qué no te vas a Paris, que tengo a mi hermana allá?", pero me fui sin un mango... como yo estaba mal, como que en mi cuerpo había una identidad, una energía que no sabía para donde ir, esa era la explicación. Yo hacía música porque mi viejo tocaba, siempre tuve una guitarra, pero no sabía que iba a hacer de mi vida, no tenía ni la más pálida idea. Y me fui a Paría y las vueltas de la vida me llevó a la escuela de Robert y ahí es donde "compré", como te dije recién (Risas)... y dije "Chau! Acá me quedo". "¡Ésta es mi familia!" "¡Éste es mi entorno!"...

Por lo general las preguntas hace 20 años tenían que ver con la aceptación o no de la familia, hoy ya esa pregunta... Claro... tenías que seguir el camino tenías que seguir el manual y yo no encajaba pero para nada... entonces lo sufrí muchísimo, hasta físicamente, ya pasando la adolescen-

Claro, estamos hablando de Robert Fripp y la escuela, que por supuesto lo tiene a este exigente maestro, si se quiere, me gustaría pegar una pequeña vuelta, por esta cuestión. Ya cuando estás en la escuela de Robert Fripp, ¿estás en Alemania?

No... Estaba en París, lo que pasa que los cursos se hacen en Europa, y allá te tomás cualquier cosa y llegás... te movés a Alemania, te movés a Inglaterra, en París hubo Workshops... desde París me iba a España... donde se hicieron un montón de cursos residenciales... después sí, yo, personalmente, me fui mudando... pero yo a los cursos iba a Alemania, durante esos 9 años fueron de cursos constantemente, yo laburaba de cualquier cosa, no me importaba de qué, mesera, recepcionista... horribles para mí, pero no me importaba porque yo todo lo usaba para saciar mi pasión, que era ir a esos cursos. Estudiar. Alguien del otro lado, que está ahí escuchando, me pregunta ¿Robert Fripp el de King Crimson?... le digo Sí, claro... es uno de esos músicos más innovadores en la técnica de la guitarra, que le ha dado ese sonido tan particular a King Crimson. Quería decirselo a alguien que está del otro lado escuchando esta entrevista con Victoria Real. ¿Es todo lo que se cuenta de la escuela, de la manera de aprender?... a mí por lo menos me llama la atención, siempre fue como una especie de misterio que ronda la Guitar Craft, es precisamente esta escuela, que obviamente que gira, que muchas veces, nosotros desde Argentina tenemos ahí como un romance con Robert Fripp, y ¿tuviste la posibilidad de conocerlo, de entablar charlas con él? En realidad son charlas filosóficas musicales... Sí, claro... mirá... el trabajo que hace es muy duro y es un trabajo de auto conocimiento, básicamente. No es para todo el mundo, es muy complejo. Fueron años de auto descubrimiento, para mí fue buenísimo, otra gente hacía un curso y se iba volando, se iban corriendo... no todos los caminos son iguales. A mí Robert me contuvo un montón, porque además es un ser increíble, en todo sentido, es una persona impecable.

Me acordaba de la cuestión de dejar, porque siempre el rock tuvo ese vicio de las drogas, sobre todo en el tiempo que Robert que tenía con los Giles, la banda de King Crimson, y recuerdo una anécdota diciendo que él no participaba de muchísimas drogas, ni siquiera del tabaco, solamente tenía un vicio que era el dulce de leche y el capuchino, y eso a mí me llamó muchísimo la atención. Como decíamos hace un momento es un maestro exigente, pero también tiene esa particular visión del mundo musical y los artistas. Exacto... sí, la exigencia igual es un medio para un fin, uno después lo entiende, es todo un proceso. Pero la exigencia es un medio para un fin. Vos te das cuenta, en realidad es conocerte a vos, hay gente que la exigencia se la toma muy serio y hay gente que la exigencia no le llega. No somos todos iguales ante una determinada situación, eso es un poco lo que se aprende y lo que yo aprendí después lo tomé como mío, y seguí mi camino, es que el maestro lo tengo yo, el camino lo tengo yo. Pero él te tira las herramientas... si vos querés las agarrás... si vos querés las usás, no es obligatorio... Recuerdo haber leído una nota tuya en donde también decías la importancia que tenía el silencio, esa presencia que en realidad es de una gran riqueza, y ese es uno de los ítems, también que se trabaja en la escuela de Robert y ese concepto. Y la técnica también, es como meditar, el primer ejercicio de guitarra que te da es tocar una cuerda al aire, una cuerda al aire durante tres meses, cuatro horas por día. Primero tocás eso, y después empezás con otras cosas. Una sola cuerda y ahí te das cuenta... hay gente que lo hace y gente que no, yo lo hice, por ejemplo, después te das cuenta por qué lo hiciste, porque en realidad vos amás eso, amás la música, amás la guitarra, es tu camino. Y además es como meditar, le estás pegando tres o cuatro horas a una cuerda al aire, con la tensión en la muñeca, en tu

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postura, en lo que sentís adentro, en lo que sentís en tu mano, y así llevar ese pequeño micro mundo a cómo hacés las cosas, lo importante en la escuela, lo que se aprende, a cómo hacemos las cosas. Entonces es muy interesante ese foco, porque toda la calidad de tu vida puede cambiar con esa pequeña tensión...

nota... esos detalles veíamos, como la fantochada y a veces uno cae en está en la careteada también... pero eso como artistas no nos llena a nadie, ni a vos, ni a mí, a nadie, en el fondo... si vos sos honesto con vos mismo, te das cuenta que estás haciendo una fantochada, entonces ese es lo que hay que tener mucho cuidado porque en el mundo exterior y la sociedad te impone unos modelos, adeInteresante... miraba también en otras más está dominada por todo lo que es frauducuestiones que tenían que ver tu vida co- lento y hasta inmoral, incluso en el mundo de tidiana, con cocinar, con estar pendiente, la música, toca por todos lados esto. Entonpero cada una de esas cosas tenía que ver ces hay que tener mucho cuidado en no caer con el aprendizaje en esta escuela o en el en estereotipos ni cosas que no son reales, Guitar Craft, o la filosofía, precisamente, un poco por eso el nombre de Victoria Real la guitarra. Hay un camino ahí... es como, haber cuidado está haciendo esto El camino de la relación que tenés, el ar- realmente, es algo que vos sentís que es así, tista en conjunto con su vida entera. Que tu lo podés expresar en palabras, en música, en vida sea una obra de arte... que el artista en lo que sea, pero ¿es así? ¿es genuino? eso relación con sus instrumentos y con las per- es importante para sentirse bien, creo, con sonas... tenía chistes con el músico que se uno mismo. va de gira y salen en las fotos rockeando, no sé qué... pero en realidad si vivís en el cuerPensaba precisamente en estas cuestiopo de esa persona, esa persona está ausente nes y quería dejar ya de lado lo de Fripp, todo el tiempo, nunca está presente en una también meterme tal vez, sino entraríamos

en cómo es la cuestión de la guitarra y los dedos, el otro día miraba varios videos y varios tuyos, sobre todo en vivo y trataba de ver esa particularidad que tienen los guitarristas que vienen de la escuela y, obviamente, ya desde la afinación, que no son las convencionales, las guitarras se afinan de otra manera y además los dedos se colocan de otra manera, eso sinceramente podríamos estar horas hablando de eso, porque me llama mucho la atención que los artistas hagan ese trabajo y lo lleven a lugares tan increíbles como la música de Victoria Real... precisamente nos vamos a meter ahí en la música de Victoria Real. Primero teníamos un dúo, hace algún tiempo y después, por diferentes cuestiones que tiene que ver con el compromiso musical que tiene cada uno de los artistas, que emprende este viaje súper difícil, bueno hizo que de alguna manera naciera esta Victoria Real. ¿Cuándo nació, en qué momento? Y fue ahí cuando lo mencionás. Yo tuve muchos proyectos, en Europa Inclusive, tuve bandas chicas, hacía temas, la composición fue algo que siempre me nació, y bueno cuando llegué acá, en el pueblo tenía una compañera que me acompañaba en el piano, me di cuenta que el proyecto era básicamente mío por nivel de compromiso, nada más que por eso, en realidad de compromiso es lo que determina todo. Entonces fue mucho más genuino, se llamaba Real, el proyecto. Lo había bautizado Real y bueno entonces dije.... Victoria Real, listo. Así que cerró ahí, después me empezó a acompañar mi pareja, que es de la misma escuela que yo de Robert y todo. Me empezó a acompañar con el bajo en los shows en vivo, así que hay muchas líneas de bajo, sobre todo en el disco anterior, que fueron hechas por él, así que bueno empecé otro camino y él me apoya desde el lado, "bueno, es tu proyecto, yo te banco".

Está todo el tiempo apoyando, porque a mí no me gusta cocinar, y él está detrás de todo, para que yo me pueda encerrarme todos los días, horas y horas, en el estudio. Él lo hace posible. Me da la libertad, la paz y los espacios. ¿Es la misma persona que pudo armar esa casa de barro en Córdoba? Sí, acá estamos en nuestro Imperio.

A mí, la verdad, cuando hablo de estas cosas con artistas o amigos, a mí me llena de emoción esto, el hecho de que un artista va un lugar sabiendo que, a partir de... va a crear la obra. Y eso está en tu conciencia, sos conciente de eso y por eso llevás adelante este proyecto, no sólo ya de Victoria Real, sino como la vida de Victoria. Y el esfuerzo y el lugar donde si nombrás una casa de barro, es muy posible, casi un 99% que esté la libertad está rondando en el aire todo el tiempo... Si, además imaginate una casa que la energía que hubo en la casa fue sólo nuestra, desde 0, porque nos vinimos acá en carpa, toda la fuerza física la puso él, te digo que la hicimos de 0. Nadie habitó esta casa antes, así que es una energía diferente y la verdad que fue algo impensable, porque todos esos años en Europa y con esos trabajos, para mí el tema de la libertad, de poder dedicarme a lo que yo quiero hacer era un tema que me torturó toda la vida y me ahorré todo lo que pude cuando volví de Europa, con esa plata pudimos comprar una posesión de terrenos que había acá en este lugar, y con eso nos hicimos los ladrillos y él hizo la casa. Así que con eso ganamos la libertad, porque yo pensaba cuantos años tendré que estar sin tener que ir a esos trabajos, porque el proceso creativo requiere todo tu tiempo, todo. Entonces no sólo eso, tenés que practicar querés que estudiar, tenés que innovarte, necesitás espacio de silencio, de meditación, de recreación. Sí, pero que bien que suena... no es que El proceso de creación es diferente a lo que está detrás, está ahí. es la actividad comercial, es lo opuesto casi.

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Las canciones en este lugar, que me nombrás y casi que visualizo, nacieron en esa naturaleza, el material de tu debut que se llama "Música para sanar máquinas rotas", hermoso y bellísimo nombre, que en realidad nos remite a un montón de cosas, pero nosotros que estamos bastante partidos al medio, por un montón de cuestiones, inmediatamente entendemos y a mí, particularmente, que tengo más de 50 años, recuerdo la gran película de "Expreso de Medianoche" que decían "acá van a parar las máquinas rotas", inmediatamente me acordé de esa visión que tuve en ese momento y también de este primer trabajo que seguramente nació en la naturaleza y en la clama de la sierras cordobesas, que es el lugar que vos recién recreabas tan bien y que nosotros, obviamente, entrábamos por que no hay nada más lindo que la imaginación, ¿Ahí nacieron las canciones de "Música para sanar máquinas rotas"? Ahí nacieron de "Música para sanar máquinas rotas" y justamente en el proceso de hacer la casa, así que yo tengo un pequeño estudio adelante, y yo me encerraba, es decir que en paralelo con la casa hice el disco. Miéntras Sergio, quien nos está escuchando ahora seguramente abajo, ponían los ladrillos y hacía la casa, fue muy complejo. Bueno yo estaba con "Música para sanar máquinas

rotas" pero además, bueno yo siempre viajo a Buenos Aires, pero más que nada yo creo que me lo dio el estar en ese lugar y poder conectarme conmigo misma de una manera mucho más profunda, que si vivo en la ciudad, porque a mí me encanta ir a la ciudad, me gusta, soy muy urbana, nací en la ciudad. Pero qué pasa te perdés, tu energía se dispersa, no es lo mismo, es otro nivel de profundidad al que vos tenés acceso viviendo en la ciudad que en estos lugares despojados de energías, de gente, de comercios, es completamente distinto. El nivel de profundidad que me da este lugar es lo que me ayuda a hacer discos, yo siento que son genuinos. Canciones que nacieron allí, por supuesto tiene que ver, con unas canciones que nacieron desde la guitarra, como todo lo que creas, seguramente, ¿me equivoco? Sí, la mayoría nace de la guitarra, a veces puede ser que un ritmo, me lleve a una guitarra, pero lo general, y sobre todo "Música para sanar...", que está todo hecho con una guitarra acústica y una loopera chiquitita, eso es todo el disco, toda la tecnología del disco, es un disco que está hecho muy de la guitarra, es un disco muy emocional, es un disco que justamente lo hice para sanar mi máquina rota, y, como decís vos, estamos todos rotos, (risas)... así que me pareció que

mientras lo hacía me funcionaba, "Alienada", hay muchas canciones que fueron creadas en un momento de catarsis, o matás a todo el mundo y rompés todo, explota la bomba, o de repente me pongo a tocar la guitarra y me sale una canción que está buena... y me hace bien... como que canalicé y ahí empecé a descubrir que a través de las canciones, yo me sanaba, en realidad música para sanar son todos mis discos, todos mis discos son música para sanar máquinas rotas, todos. No solamente funciona con vos, sino también con el oyente, quiero decirtelo... Ay qué lindo... esa es la idea, poder compartirlo. Quiero decirtelo porque bueno tiene que ver con las experiencias que uno a tenido en las últimas semanas, de poder pasarle a gente conocida la música de Victoria Real, porque a mí me gusta escucharlo y pasar música, porque es como una especie de regalo divino, que tiene la música, y cuando uno pasa música y decís, "Escuchá esto", porque vos no le pasas música a cualquiera, le pasas música a determinadas personas, y sabés que la van a valorar de la misma manera que lo hacés vos, porque sino entraríamos en el mundo de las personas enajenadas, pero sin embargo la gente responde diciendo, "qué buenas que están estas canciones"... calidez, honestidad, humanidad, todas estas cuestiones que tienen que ver con las características que, por supuesto, tienen este primer disco. Pero sin embargo después no es que hay un vuelco absoluto "Mi propio Poder", pero el segundo disco hay otro ánimo y también te animás a más... a ver contános un poco... Claro, en el segundo disco dije "música para sanar..." no sé si me gustan las canciones, pero me salió y me hizo bien, ni siquiera pensé si me gustaba, tenía que expresar lo que yo quería expresar, más que pensar en el tipo de música que me gusta. Ni lo pen-

sé. Después empecé como a descubrirme, a animarme, a meterle cosas que me gustan también, y que no le metía, porque "Musica para sanar..." fue un disco muy minimalista, yo no sabía dónde iba a llegar con eso, pero el Inamu me dejó con mil réplicas y eso me hizo hacer el segundo disco de alguna manera. Es como que dio un empujoncito, me dijo que bueno que está el disco, tomá hacé mil. Es como que me sentí, bueno vamos a seguir... y con el segundo disco ya me animé a introducir nuevos elementos, me había comprado una kaoss pad chiquita, que es un instrumento de Korg, y me gusta la electrónica, me gustan las baterías electrónicas, y como soy solista, para componer yo necesito tener mi banda, de alguna manera ser yo la banda. Bueno, solista, cuando me acompaña mi compañero en el bajo, buenísimo, sino estoy sola. Entonces necesito como tener mi banda, y ahí salieron todas las baterías electrónicas, los sintes, todas esas cosas, son elementos que los tuve que poner por ser solista. La limitación siempre te da posibilidades únicas, siempre pienso en esto, cuando uno tiene excesos de cosas, de sonidos, de efectos, de FX, en cambio, si sabés que tenés estos elementos, a ver ¿qué hacés con esto? Tenés tres limones, una pera, ¿qué hacés?... y ahí tenés que usar más el ingenio, como que se abre la puertita de la creatividad. Y bueno, me animé y también lo mismo, tuve otras necesidades, además que siempre es para sanarme, porque "Mi Propio Poder" era decir un poco, bueno yo puedo, yo tengo un poder. Es como reconocerme, es como verme. Primero se iba a llamar "Tu Propio Poder" y me empezaron a pasar cosas, es muy loco lo que me pasa con los nombres de los discos, todos los nombres de los discos atraen la situación del nombre del disco, en el proceso que lo estoy haciendo, no sé por qué, es como una magia, no te lo puedo explicar. Entonces le había puesto "Tu Propio Poder" y tuve problemas, por ejemplo estaba buscando una persona que me haga la mezcla y que me ayudara, como había me-

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tido más elementos de electrónica y demás, necesitaba conocimientos profesionales de frecuencias, que yo no tenía. Y bueno se lo había pasado a un chico que no me daba el material, es decir le estaba dando mi Poder a otro, y con una amiga dije, "No, está mal el nombre del disco... es "Mi Propio Poder", así que lo cambié, en el medio del proceso. Lo cambié y cambiaron las cosas, entonces todo el proceso me empezó a demostrar que yo tenía que demostrar que estaba a cargo y que era "Mi Poder" y era yo la que iba a hacer las cosas y que iban a hacer como yo quería, y tuve la suerte de que di con Lito Castro, que

es la persona que trabaja conmigo en la parte de producción... Daniel Castro... y él es una persona que yo le digo, "tal cosa... primero me la discute un poco, y después dice.... bueno... usted manda". Me respeta y se la banca toda.... y bien... una persona que me conoce y entramos en una modalidad que podemos trabajar de una manera muy genuina, nadie se ofende con nada... no hay careteada... Eso tiene que ver, creo que ya lo había nombrado varias veces, pero hay una de las bandas que más me gustan a mí y es de Rusia y es Motorama, y él de alguna

manera me enseñó, con más de 50 años, de que en realidad muchas veces es mucho mejor tocar y producir con amigos, estoy hablando desde lo artístico, yo soy un comunicador popular nada más, pero digo desde lo artístico, y él dice es preferible tocar y producir con amigos que uno le va diciendo o le va enseñando, pero que la careta en el medio nos está, que todo el trabajo que está es honesto y que en realidad ahí el artista puede ser genuino, y cuando es genuino es cuando la creación está más activa, y ahí entendí inmediatamente y puedo entender lo que te sucede a vos con Daniel Castro y que, en realidad, también con Sergio, el bajista, que tiene que ver con esa cuestión que es el feedback, ni más y ni menos, que es el hecho de motivarte y emocionarte con cada una de las personas que trabajás y te tiran a más... ¿Sí? Sí, claro, te sacan lo mejor, yo creo que lo mejor de un team o de un grupo de trabajo es sacar lo mejor de cada uno, cada uno tiene una excelencia, entonces está bueno ver eso, ver en qué silla está sentado cada uno y poder respetar eso en el grupo, osea, Lito me respeta como artista y si yo digo algo que es una barbaridad, él primero me lo discute pero después dejándome en la silla de artista a mí, y él se pone en la silla de acompañante y productor de sonido, que se yo... entonces está bueno los roles bien claro en lo que vas a hacer, en una banda si hay un líder, tiene que estar bien en claro quién va a ser el líder y si no hay líder y es democrático, entonces que sea democrático... estos aspectos lo vemos mucho en Guitar Craft, en la escuela, el tema de los roles... que es importante respetar los roles, no es que uno es mejor que el otro, nada es respetar el rol, nada más.

petar ese momento, por eso también me acordaba con alguna charla con alguien que me decía, "Todos somos muy buenos pero todos juntos podemos ser excelentes" y ahí está un poco el juego, que seguramente tiene que ver con el productor, con quien te está llevando el trabajo adelante, pero también con el artista y escucharlo, en cada una de estas cuestiones... la verdad es que sinceramente... Victoria Real... Victoria.... charlaríamos horas sobre estas cuestiones, pero se nos acaba el tiempo... y la verdad me quedó Bowie, me quedó Brian Eno, me quedó música afuera, me quedó canciones que vos estás haciendo en vivo, y que el otro día pude apreciar... sinceramente... lo que hacés es bellísimo, el otro día escribíamos esta pequeña reseña por esta entrevista con vos y lo titulábamos de alguna manera "Emociones Expresadas sonoricamente", una palabra que vos usás dentro de una entrevista, nos pareció sencillo esa tres palabras que describen lo que es Victoria Real, emociones, expresadas, sonoricamente, pero además también quiero agregarle el talento y esta cuestión que tenés vos con cada uno de aquellos que están del otro lado escuchando, que es, tal vez, este trabajo de ir creando al artista, pero sinceramente, te sugiero en este camino, porque a cada uno de aquellos que nos encontramos con la música de Victoria Real nos sentimos más sanos, menos rotos... Ay qué lindo... me encanta... me encantó... esto se agradece mucho porque, "artista" es una palabra muy grande, somos todos artistas, lo que quiero decir... que es un compromiso con un proceso creativo, nada más. Lo que sí necesita un artista y qué es fundamental es el apoyo, el apoyo de la gente, el apoyo Hace un momento hablábamos afue- de otro... así que eso es una palmadita muy ra de la radio, precisamente con los ro- necesaria y se recibe muy lindo y lo agradezles que tiene cada uno, ya en otro lugar y co de corazón, yo pongo todo para dar lo meen otro ámbito, que tenía que ver con la jor de mí, y creo que lo mejor de mí no está radio, pero que cada uno tenía que res- en las palabras sino lo expreso mucho mejor

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musicalmente, más genuino para mí. Hermosa la música que hacés, lo que hiciste hace algún tiempo ya, porque el sábado pasado presentábamos las canciones de "Volumen X" la gente de Sesiones Montacargas... Sí, les tengo que agradecer a los chicos, que son una maza. Ellos también, ellos parte del apoyo, ya son parte casi del team de Victoria Real. Así que me encanta trabajar con ellos y es un placer. Victoria no vamos a parar, porque nos habíamos propuesto ayer día viernes, el hecho de que ya en el 2020 cuando venga el trabajo nuevo de Victoria Real, que será el tercer disco, estés presentándolo aquí en la ciudad de la Plata y nosotros vamos a hacer un poco el motor de esto, que seguramente será la presentación de Victoria Real aquí en la ciudad... qué lindo es tener ahí del otro lado, qué bueno que entiendas lo que nosotros hacemos desde acá, ese recibimiento que tiene que ver con que el sábado pasado nos decías, precisamente, "qué bueno que es escuchar un programa que tal vez no pase cumbia, no pase trap, y no se ría vulgarmente de algunas cuestiones" y para nosotros también es un mimo el hecho de que la gente, y la gente que va en camino de ser artistas (para que no sientes grande el traje) nos hagan un mimo... porque para nosotros también es importante el hecho, ya sabés, de la auto gestión, la independencia, la libertad de poder hacer lo que uno quiere, nos ha costado mucho poder hacer un programa de radio de 2 horas que tal vez para alguna gente, pase desapercibido, pero para nosotros es tan importante para poder desarrollarnos en esta vida y poder potenciarnos y poder elegir que queremos ser...

Sí, también es un proceso... también es un proceso creativo y lo bueno es eso, los valores de la sociedad a dónde están puestos, ¿no?... si están puestos en sólo hacer dinero o hay otra cosa más... y creo que tanto yo como vos, tu equipo y la gente que está conmigo somos los que trabajamos por mucho más, por algo mucho más valioso que el dinero... Es verdad... hay una canción que está grabada en las cuatro canciones... Eso te iba a comentar... Sí, te quería comentar del "Volumen X" que salió el viernes pasado... bueno son cuatro canciones que grabamos en vivo. Los chicos ya me habían entrevistado con mis dos discos, los chicos de la Revista The 13th, y un día me invitaron, ¿estás en Buenos Aires, querés hacer unas sesiones? y nos reíamos con Diego, porque yo le decía, pero yo no los conocía, viste, no sabía a dónde iba, yo no sabía si era un reality de Los Simuladores, el que va a la jungla y lo mandan al impenetrable un año... (risas)... nada nos reíamos de eso.... así que bueno y salió este concierto íntimo, me pidieron de hacer cuatro canciones y tres son de "Mi Propio Poder" y justo estaba, yo siempre estoy componiendo, pero este esbozo que tenía me gustaba mucho la línea de guitarra, yo siempre meto cosas frescas en los conciertos, porque me gusta poner algo que no está muy elaborado.... y dije lo voy a tirar porque así me refresco a mí de tocar algo nuevo, esa versión, que es de mi último single que salió en septiembre que se llama "La Brújula", que va a formar parte del disco que viene... y ellos tienen ese registro que no lo tiene nadie... porque era el embrión de "La Brújula", la primer línea de guitarra, la primera frase que se me ocurrió vocal, incluso la letra está en primera persona y en el single oficial está en tercera persona, hay un montón de modificaciones, pero esa línea de guitarra está que

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era lo principal que yo quería decirte... así que les agradezco un montón a los chicos, un placer trabajar con gente que le interesa la cultura en serio, y que estamos todos poniéndole el alma a todo lo que hacemos... Amiga, la verdad, nunca me voy a perdonar que el sábado pasado no pusiéramos un canción que a mí, durante toda la semana y que tengo en mi teléfono, y que mis viajes en bicicleta en la ciudad de La Plata me acompaña, que se llama "Kiss Me"... tremendo tema... Siiii... tiene historia ese... (risas) Lo vamos a hablar porque vamos a tener otra entrevista y sería muy lindo que sea en el estudio, cuando vengas a tocar a la ciudad de La Plata y ahí nos vamos a conocer, nos pegaremos ese abrazo que tiene que ver, precisamente, con esto que es la música. Y realmente agradecerte por estos minutos que nos has entregado en esta noche de sábado y no solamente el agradecimiento a vos, sino también a la gente de No Me Escucho, que de alguna manera nos hizo llegar y ahora estamos como hermanados a través de la música de Victoria Real, además de otras cuestiones... Amiga muchísimas gracias por haber estado ahí... Igualmente... muchísimas gracias a todos ustedes.... me quedo con el corazón re contento, me alegraron la noche, el día y siempre hacen eso... ustedes, Diego, Dari, la verdad estoy muy agradecida y soy muy afortunada... y de todos los que me acompañan, Sergio, Lito, todos los que me acompañan de corazón... sólo no hacés nada en realidad, así que bueno, estoy muy agradecida... nos vemos... ¿el año que viene?... mirá que nosotros agarramos las valijas y nos vamos eh.... Saludos a todos los oyentes.... Buenas Noches.

Entrevista realizada el 26 de Octubre de 2019 para el programa de radio; Zona de Influencia que se emite los sábados 9pm a través de radio futura 90.5 https://fmfutura.com.ar/ desde la ciudad de La Plata (Proyecto; Casa Unclan)

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[ Reseña de "Single - El Roce (Single)" por Benjamín York ]

LA SIMPLEZA QUE PERDURA BELLA

Single - El Roce (Single) Label: Elefant Records Fecha de Lanzamiento: 18 de octubre de 2019

Single acaba de lanzar un nuevo single y no es un juego de palabras. Para aquellos que no saben Single es el proyecto español que une a los ex Le Mans, Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin (si bien es un proyecto de Teresa, desde el principio Ibon estuvo involucrado). Para las nuevas generaciones que no conocen a Le Mans, fue una de las bandas que más ha influenciado la música de los argentinos Suárez, hasta los argentinos han realizado un EP tributo a la banda española, llamado "20:09:00". Lo cierto es que Single viene hace muchos años lanzando material en forma de, cómo su nombre lo indica, singles, pero este proyecto tiene varios álbumes. Su primer single "Honey" se lanzó en el 2005. Ahora regresan con un nuevo single llamado "El Roce", que se trata de la canción principal del single y una versión en donde Javier Aramburu participa recitando el poema “No Decía Palabras” del poeta español Luis Cernuda. Aramburu es el responsable de todas las portadas de la banda. La canción, que es muy similar instrumentalmente en ambas versiones, nos trae esa simpleza de la guitarra acústica, aunque muchas veces lo más difícil es que una canción acústica tenga tanta belleza, los pequeños, pero maravillosos, arreglos logrados con fraseos sobre la guitarra base, hace muy atractivo la escucha y en cierta forma mantiene esa intimidad que nos proporciona la dulce voz de Teresa. Ahora un párrafo para la voz. La intimidad de la instrumentación es bien consolidada y multiplicada por la dulzura y calma de la voz de Iturrioz, que nos va llevando de la mano por una letra hermosa y melodías sin sobresaltos, por momentos arroja su canto en tonalidades más enérgicas, pero todo en un tono muy apaciguado. Una voz que nos arrulla y nos mece dulcemente en frases amables y en un tono que parece que nos cuenta un cuento, mientras nos vamos entregando a un onírico paisaje simple pero luminoso. En la segunda versión, la bella irrupción del recitado de Aramburu, quién tiene un hermoso decir, le dan un aire más intimista a la canción. Resumiendo… Single y este sencillo "El Roce" nos trae a la memoria esa hermosa juventud en donde Le Mans nos cautivaba por su belleza en la simpleza, hoy esa perfección española vuelve a nuestros oídos con los mismos actores, pero con otro nombre.

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The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A