Revista The 13th Número 59 by Revista The 13th

AÑO: 6 | NÚMERO 59

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

MONO INC. - LOL TOLHURST - INKRÄKTARE NOVANTA - BERLINA - POESÍA POP THE CULT OF FREE LOVE / MAGIC SEAS ZONA DE INFLUENCIA: NORTHWEST NO ME ESCUCHO RECORDS - DE TIEMPO Y LETRA LA ORACIÓN DE LAS CENIZAS - ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

STAFF

Diciembre 2019 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alejandro Cenizacromada REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Diego Centurión.

Benjamín York Diego Centurión Franco Doglioli

PORTADA

Maxx Wild

Diego Centurión

Pepe Navarro Ruben Torres

Jefe de Departamento de Colombia: César León Jefe de Departamento de Literatura: Franco Doglioli. Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Sofia Parcesepe Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 59 EL ÚLTIMO DEL AÑO...

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES ¿QUÉ BEBER

DISCOS

PARA ESCUCHAR MEJOR?

THE SOFT CAVALRY BERLINA

INKRÄKTARE

14 20 NO ME ESCUCHO RECORDS

30 WHIMSICAL

LOL TOLHURST

LA MEDIDA DESDE MI DOPPELGÄNGER

46 48 BEATASTIC

MAGIC SEAS

NORDVARGR - PYRRHULLA CORPUS DELICTI

MONO INC NOVANTA

56 LA ORACIÓN DE LAS CENIZAS

POESÍA POP

36 DE TIEMPO Y LETRA

THE CULT OF FREE LOVE

76 86 90

67 70

90 ZONA DE INFLUENCIA: NORTHWEST

98 MERCIFUL NUNS

ROWLAND HOWARD

114

112

¿Qué Beber para escuchar mejor? [ Por Maxx Wild ]

THE SWANS:

THE GLOWING MAN & DREAM PIT Pasan los años y muchos que encuentran su fórmula tratan de explotarla, mejorarla y/o perpetuarla. Pero nunca fui de preferir dormir en la comodidad del descanso a experimentar la embriagante incomodidad de las turbulencias oníricas que hasta en algún punto pueden llegar a ser pesadillas. Los Swans se han reinventado y deformado el concepto de rock muchas veces, la mente de Michael Gira no es un lugar común, no genera lugares comunes, ya lo sabemos. No es menos de lo que se podría esperar de The Glowing Man, un viaje, una entrada a algo que no sabemos que es pero que nos atrae tanto que vamos con la fe y entrega de un peregrino. No debemos entrar solos, nos acompañará un Dream Pit (2 partes de bourbon, una parte de licor de banana y media parte de almíbar de lima, vaso corto, 1 hielo… garnish opcional: una cereza al maraschino). El comienzo es suave, progresivo con Cloud of Forgetting, casi hipnótico pero con paso fuerte nos pide que nos entreguemos… así será! En los 25 minutos siguientes viviremos a Cloud of Unknowing, una atmósfera instrumental donde nada falta, la incertidumbre de ir caminando a lo que uno no conoce es lo que se escucha, se siente, se vive (ya van 2 “pozo de los sueños”, el bourbon me gusta mucho), este tema está hecho a medida “soy, o no soy”, uno se pierde… piérdanse, lo recomiendo! Tan tensa por momentos que asusta, pero el miedo es atractivo y no nos podemos ir, yo no puedo… promediando los 14, el pico, los músculos tensos, un Dream Pit más y continuar hasta desaparecer. Menos etérea llega esta canción que toma letras de la canción The World Looks Red (Confusion Is Sex, Sonic Youth (1983)) patrimonio de Gira, The World Looks Red / The World Looks Black. Se siente lo cíclico, lo sofocante… hasta ahora no he abierto los ojos: “entierra mi mente”, nada más explícito, te “seguiremos” Sleeper man. People Like Us, más canción, no menos interesante, llorosa y perfecta para el sabor en la boca que deja “el pozo”, dulce pero peligroso. Nuevo pasaje a lo desconocido, Frankie M, lánguido comienzo, sensualmente tenso y espiritual… heroína, opio, metadrina, MDMA… todo para caer y caer… sin fondo, hasta resurgir épicamente, Swans al máximo. 1… 2… 3… 4 y el mando lo toma la esposa de

Michael, con una letra sobre un ataque sufrido que él mismo escribió, clamando como en una marcha triunfal “I’m alive” ante la muerte su agresor en el sublime When will I Retun? Acto seguido, The Glowing Man, homónimo al disco, es la locura misma de casi 30 minutos, fondo o cumbre, infierno o cielo si es que existen, o mejor dicho el mejor lugar para el que le quepa. Mántrico, frenético, oscuro, maduramente orquestado tanto en lo compositivo como en concepto. Realmente tiene efecto, transmite esa opresión que podemos romper a golpes si es que somos capaces de alienarnos y devenir en un “nono-no-no-nothing man”. Épicamente variante, no da respiro, no lo necesitamos. Aquí vemos de dónde venimos los que superamos la mitad de la cuarta década… y de donde vienen los Swans, hay cosas que no pueden ser dejadas de lado por más que uno quiera y otras que no deben ser dejadas de lado. Luego de varios Dream Pit, llega Finally Peace, como una oda de arribo a una costa luego de meses a la deriva, pero aquí no hay ningún rumbo perdido, hay un camino claro, sellado por este tema que dice más en su letra que en lo musical, más austero pero no por ello fuera del contexto general. Una obra exquisita para paladares que gustan de lo inusual y para los que los conocemos… una confirmación. Imposible escuchar este disco una vez, imposible dejarlo, ¿habrá algo detrás? ¿Por qué seguimos tras los Swans? No lo sé, no me importa… ¡Salud!

[ Reseña de "The Soft Cavalry ‎– The Soft Cavalry" por Benjamín York. ]

CUANDO EL AMOR TODO LO TRASPASA.

The Soft Cavalry ‎– The Soft Cavalry Label: Bella Union Fecha de Lanzamiento: 05 de Julio de 2019 Este es un trabajo que ya tiene varios meses ya. ¿Slowdive? ¿Minor Victories? No. ¡Esto es The Soft Cavalry! Un nuevo proyecto de Rachel Goswell, que en este caso se une a su esposo Steve Clarke. Con su homónimo debut se perfilan como uno de los mejores discos del año para muchos, aunque con la velocidad que suceden las cosas últimamente este lanzamiento ha quedado algo atrás. Pero me he tomado un tiempo prudente como para degustarlo como un buen vino, despacio y saboreándolo para disfrutar su aroma y su cuerpo, en este caso sonoro. Juntos crean este bello álbum de doce canciones, que más que canciones son estados de ánimo. El álbum nos conduce por distintas emociones, que van desde la ensoñación hasta la reflexión, pasando por introspección y la fascinación que nos hace mover el pie rítmicamente, como un gesto de aprobación y de satisfacción. Este trabajo tiene la particularidad de haber sido creado sin proponérselo desde un principio, Steve empezó a escribir canciones pero sin pensar en un futuro lanzamiento, Rachel escuchó y se involucró en arreglos y escritura, después el hermano de Clarke,... tomaría las riendas de la producción y así nace este debut. Desde el primer track "Dive" nos sumergimos en un mundo, que sin mayores sobresaltos, nos va llevando de la mano por caminos distintos y singulares, que nos acercan a melodías por momentos pop, en otros nos acercan a sonidos con reminiscencias floydianas, en otros es imposible no reconocer a Slowdive, pero siempre con una identidad única y emotiva. Todo el álbum tiene un halo amoroso y brillante, celosamente cuidado hasta el mínimo detalle. El álbum resplandece ante cada canción, haciendo de la totalidad del debut una experiencia que nos dejará con ganas de que pronto… regresen con un nuevo trabajo.

[ Entrevista a Ia Alfonso Herrera de Berlina por Diego Centurión. Fotografías; Sara Chuerches ]

BERLINA: REFLEXIONES PERSONALES DE MI PROPIA EXPERIENCIA

Hace tiempo que queríamos tenerlos en la revista y aprovechando la edición de su nuevo álbum “Regresiones” nos comunicamos con el guitarrista y vocalista Alfonso Herrera para que nos cuente las sensaciones de haber mantenido la banda por más de diez años y de lanzar su nuevo trabajo, hace unas semanas. Para que ustedes conozcan a esta excelente banda española decidí empezar por su historia…

Bueno antes que nada Gracias por la oportunidad de poder hacer esta entrevista. A veces las distancias hacen que todo parezca difícil, pero la tecnología acerca y rompe las fronteras. Para empezar esta entrevista y para que los lectores puedan conocerlos, me gustaría que presenten a los integrantes de la banda... Toni es el batería, Sylvain Bertelli (de origen francés) es el bajista, Sergio Amor es el guitarrista/corista y yo, Alfonso Herrero, soy el vocalista/guitarrista Vamos con las preguntas más obvias, pero necesarias, ¿Cuándo y cómo nace la banda? Y ¿por qué el nombre de la banda? La banda se empieza a gestar a finales de 2006. Sergio, Sylvain y yo nos conocimos a través de anuncios por internet. Nos juntamos y la cosa cuajó hasta hoy. Los primeros años fueron un poco de exploración, búsqueda de nuestro sonido, diversión y hemos tenido diversos bateristas. Nuestro primer nombre fue Million Ways y fue una época muy influenciada por el brit-pop de los 90 que nos unía, y cantábamos en inglés. Luego el nombre se acortó a Million y empezaron a venir las primeras canciones en español. Berlina desde 2012 y ha marcado nuestra madurez como grupo. Los nombres

no quieren decir nada ni hay un trasfondo detrás, pero sí representas estas diferentes fases de maduración del grupo. ¿Se definen como una banda shoegaze, y dreampop? Posiblemente sean las etiquetas que mejor nos definan grosso modo, pero en nuestra música hay detalles e influencias que tocan otros estilos también. A veces menciono que hacemos rock alternativo, y ahí entra todo (jeje) Ahora empezando un repaso por su historia. Hace diez años lanzaban el primer EP "Anverso". Diez años después ¿cómo ven esos primeros pasos y ese sonido? Pues justo en ese EP Anverso empezó la transformación. Fue el primer EP en serio y grabado en un estudio profesional. El EP incluyó tres canciones y una de ellas, "Reverso" la primera que hicimos en español. Ese EP era muy post-britpop aún, pero a partir de ahí empezamos a interesarnos más por el post-rock y el shoezage. Desde el principio siempre hemos tenido una tendencia hacia instrumentales atmosféricos y densos, pero es a partir del EP "Parcialmente Despejado" cuando nos metemos más a fondo con ello.

Llega el primer álbum "Desértico" (2016). ¿Qué nos pueden contar de la repercusión que tuvo el álbum y hasta dónde los ha llevado? Pues fue un trabajo con el que acabamos bastante contentos, a la gente que nos seguía les gustó y bastante gente nueva nos descubrió con ese disco a través de la difusión en radio, webs, revistas, etc. De hecho, se difundió bastante por Latinoamérica. Nuestros amigos de Burros Discos (Colombia) les gustó mucho y nos ayudaron a promocionarlo y publicarlo digitalmente dentro de su sello. Por aquí en España, nos llevó a dar conciertos muy chulos, tocando con bandas independientes que admiramos mucho en Madrid y en diversas ciudades de España. Pero me temo que seguimos siendo un grupo bastante underground (risas). Hoy, a diez años de su primer trabajo, ¿Cuánto ha cambiado la industria de la música, con el factor importantísimo de las redes sociales? Hace diez años existía MySpace y eso fue la

punta del iceberg. Luego, junto con YouTube, empezó el proceso de democratización de la música hasta día de hoy, donde casi toda la promo y anuncio de conciertos circula por las redes sociales. Esto ha permitido darnos cuenta de la cantidad de músicos y música que siempre ha existido y, por tanto, las posibilidades de elegir a quién escuchar se han multiplicado exponencialmente. No soy experto en cómo funciona la industria de la música, pero veo que está muy enfocada hacia las campañas publicitarias a través de las redes sociales, lo cual obliga a los artistas a mostrar mucha información visual con el objetivo de atraer nuevo público y motivar a la gente a que vayan a los conciertos/festivales, que es el objetivo comercial final de la industria. ¿Y Berlina se siente cómodo con esa forma de mostrarse? Hacemos lo que podemos (risas). No sé nos da mal, pero no hemos llegado aún a nivel experto (risas)

¿Cómo ven la escena española en este fin de década? ¿Dentro de la música independiente? Hay un gran número de grupos con un determinado perfil musical que a nivel comercial funciona bien y suelen estar en casi todos los grandes festivales. Y luego, lo que ha pasado siempre, los grupos que se van uniendo o mezclando con las nuevas modas juveniles (ahora el trap, por ejemplo) y otros más minoritarios que intentamos seguir nuestro camino y haciendo lo que nos gusta. Hay gente que opina que esta década ha sido muy fructífera para el rock y la música independiente en nuestro país. Puede ser, desde luego hay grupos con mucho nivel.

Este año después del single de principio de año, sale su nuevo trabajo "Regresiones". Un álbum hermoso, con muchos más climas que "Desértico". ¿Se tomaron más tiempo para la pre producción de las canciones? La verdad que no nos tomamos más tiempo en la pre-producción que en Desértico. Creo que en Desértico pensamos que habíamos tocado un poco nuestro límite, pero creo que ahora somos mejores músicos que entonces y, por tanto, creo este disco supera al anterior. También, hemos pretendido que fuera un disco más directo, con canciones más concisas y definidas, aunque, por supuesto, sigue habiendo nuestros giros instrumentales típicos.

Te propongo un Track By Track... Me dices algo por cada canción del álbum. "Cuerpos Extraños"

Las cosas que no te dejan ver, que te alejan de tu camino, son los cuerpos extraños. Tratamos de convivir con ellos.

"Lucen Sombras"

¿Las sombras nos iluminan a veces? Después de cada desengaño hay alguien dispuesto a salvarnos.

"LFO”

Es posiblemente la canción más pop y desenfadada del disco. El título, tomado del mundo de la electrónica (vibración a baja frecuencia), pretende crear el símil de la vibración producida en nuestras vidas por determinadas personas.

"Planeta Animal"

Cuando caen tus principios, tus pensamientos, se derrumba tu edificio mental, es conveniente la regresión, revisar el pasado y volver a construir nuevas verdades.

"Viaje Iniciático"

Es ese viaje personal al pasado, volver a comprender lo que significa vivir, dejarse llevar por los más puros pensamientos y volver a ser.

"Encuéntrame"

El título lo dice todo.

"Presencias" Atracción.

"Nueva Dimensión" Un colocón de amor.

"Arte Encontrado"

Es el final de este viaje iniciático. Nos hemos encontrado.

Han participado del Madrid Ruido, compartiendo escenario con grandes bandas... Cuéntanos esa experiencia y ¿qué anécdotas nos puedes contar? Lo pasamos genial. Es la segunda vez que participamos (la primera fue en su inauguración) y siempre conocemos gente nueva y ganamos algún que otro seguidor. Todo salió bien, tanto Be Forest como Winter Severity Index y Stella Diana, muy amables y nos echamos unas buenas risas. Por supuesto, disfrutamos mucho de su música. Hubo buena respuesta del público ambos días, con la sala prácticamente llena y, en general, una sensación de agradecimiento a Rafa, su artífice desde Indypendientes, por estas cuatro ediciones. ¡Lástima que no haya más! Mirando tus palabras parecerían que muchas de las canciones son autobiográficas. Pero a la vez es un viaje interior. ¿Es así? Sí, así es. Contiene reflexiones personales de mi propia experiencia, pero a la vez el mensaje está abierto a cómo ser entendido por cada oyente. Para ir terminando y agradeciéndote este tiempo que nos brindas. ¿Qué planes tienen para estas últimas semanas del año y para el 2020? Empezaremos el nuevo año con la presentación oficial de Regresiones en Madrid, además de otros conciertos en diferentes ciudades de España que iremos confirmando y anunciando. Bueno quiero agradecerte por esta oportunidad y seguro que hablaremos pronto... ¡Muchas Gracias Alfonso! Muchas gracias a ti por tu interés y esta entrevista tan interesante.

[ Entrevista a Dean Garcia y Mark Walbridge por Diego Centurión. ]

INKRÄKTARE: MÁS ATENCIÓN AL DETALLE

En el universo de Dean Garcia seguimos descubriendo proyectos que desconocemos, éste es el caso con el que hoy nos encontramos, Inkräktare, que ya tiene un disco "You Have Reached Your Destination" del 2012 y recién acaban de estrenar su segundo trabajo, "We Are Not Really Here". Dean Garcia en este proyecto se une a Mark Walbridge (Vasko the Pig), si bien aparecen la SPC ECO, Rose Berlin y el STFU Preston Maddox, las composiciones son de Dean y Mark. ¡Hola Dean and Mark! Gracias por aceptar realizar esta entrevista. No conocía este proyecto y me ha sorprendido de grata manera. Para empezar te quiero preguntar ¿cuándo y cómo nace este proyecto? Mark: Saludos y Gracias por invitarnos. Dean y yo nos cruzamos por primera vez después de que él abriera el primer single de SPC ECO, Telling You, para remixar. Le envié el mío y le gustó lo que hice, así que dije que fuera iría a buscarlo en el próximo concierto de SPC ECO para conversar y que él me comprara una cerveza. Más tarde ese año, le envié mi EP "Seven Nights of Silence" en el que había estado trabajando y le gustó lo suficiente como para sugerir que hagamos algunas cosas raras juntos y veamos cómo va. Resulta que salió muy bien y lanzamos el primer EP en el sello Fwonk en 2009. Luego agregamos un par de pistas adicionales en 2012 y lo lanzamos todo en Bandcamp. Dean, tiendo a pensar que tu voracidad musical te hace tener varios proyectos, como si en el fondo de tu mente hubiera un archivo de sonidos esperando por salir a la luz, pero que tú esperas el momento y que un hilo conductor aparezca y forme una línea entre varias canciones, y recién es ahí en donde

decides a qué proyecto pertenecerá esas canciones. Pero entiendo que en este caso has trabajado más con música que te ha enviado Mark… Cuéntenos un poco el proceso de trabajo de creación de estos tracks. Dean: Es un tipo de colaboración muy diferente con respecto a cómo se forman y se realizan las ideas que cualquier cosa que haya hecho antes, es decir, la fuente de sonido de Mark es diferente a todo lo que he trabajado antes, lo que es genial o fascinante son los paisajes sonoros originales que él me envía, no están completamente formados como tales de ninguna manera, tienen forma, pero es abstracto, es decir, sin arreglos específicos, medios, coros de puentes, etc., están abiertos a la interpretación y, por lo tanto, pueden ir a cualquier parte, no estructurados y sin restricciones o restringidos por un modelo preconcebido. Desde mi punto de vista, el objetivo es magnificar lo que hay allí mediante el desarrollo de una estructura más definida por medio del bajo y la batería o cualquier cosa que sienta que funciona, es como si alguien le diera una pintura abstracta y permitiera que el otro lo haga más definido pero aun así mantener y permitir que la fuente original respire y brille, lo que me fascina es la forma en que ocurre el proceso, me conecto de una manera tan particular que, en lugar de tener que intentar o pensar realmente en cómo fusionar los

dos, sucede instintivamente, porque el telón de fondo original es tan fuerte, con su exclusivo diseño artístico, que me permite soltarme y expandirme o probar cosas de una manera causal y afectiva que de otra manera no lo haría, esto para mí es el factor crucial absoluto al hacer música colaborativa, donde es inspirador y sorprendente de armar, siempre he dicho que la clave para hacer algo que amas es permitir la caída libre no estructurada, sobre la marcha, sin joder elementos dados en el proceso de grabación, cuando suceden o si permites y adoptas este enfoque abandonado, obtendrás algo más profundo, más expresivo y original, trabajar con las ideas sonoras de Mark hace exactamente eso, no solo lo alienta, sino que casi se burla de ti o te desafía a que te abras allí, es un ruido colectivo edificante que expresa el significado del concepto de colaboración, también ha sido un

enfoque punk divertido y sin estrés que nuevamente hace maravillas por el espíritu del disco. Lo jodido se da como en '¿es bueno?' Pero no se da ninguna mierda sobre cómo se logra. Mark: Sí, ha sido muy divertido escuchar con qué volvió Dean y en qué convirtió esas ideas iniciales. En un par de pistas, el retorno inicial fue casi todo lo que se necesitaba y la pista se hizo. Sin embargo, con la mayoría, hemos regresado y hemos incorporado más guitarras, atmósferas y voces. Ha sido completamente satisfactorio y los dos estamos satisfechos con los resultados Mark, tú llevas adelante "Vasko the Pig", cuéntanos un poco sobre este proyecto. Mark: He estado tocando el bajo en una banda indie (Paste) con mis compañeros desde los años noventa, pero cuando me enamoré del sonido de

bandas como Nine Inch Nails y Curve junto con la llegada de personas como Underworld y The Chemical Brothers, realmente quería experimentar con el lado electrónico de las cosas. Así que comencé con una grabadora de cuatro pistas y ejecutando teclados Casio a través de pedales de distorsión, ese tipo de cosas. Luego Jester lanzó MUSIC para PlayStation y pude tocar con mi primer sampler / secuenciador que realmente me abrió los ojos a las posibilidades de la música electrónica.

Todo lo cual significaba que cuando eventualmente podía pagar una PC, configurarme para grabar música correctamente estaba en lo más alto de mi lista. Desde entonces, he estado publicando cosas inicialmente en la etiqueta de red Fwonk y luego solo a través de Bandcamp y Soundcloud. Básicamente soy yo tratando de sonar como Trent Reznor produciendo un disco de My Bloody Valentine que luego se remezcla con los Fuck Buttons...

No mucha gente presta atención, pero disfruto tratando de mejorar y hacer cosas nuevas. Y, obviamente, cuando alguien a quien respetas dice que quiere sacarte de encima de tus esfuerzos, eso también es algo muy bueno. Segundo álbum de este proyecto, siete años separan el debut de este segundo trabajo, ¿Cuánto tiempo han tardado en escribir estas canciones? Mark: Entonces, el primer álbum tiene una década (!) Pero agregamos dos nuevas canciones en 2012, por eso está fechado en 2012. Creo que comenzamos a intercambiar archivos de sonido en el verano y luego se convirtió en una ráfaga de actividad hasta las dos últimas semanas de noviembre. Ese tiempo incluye poner los videos juntos también. Sin embargo,

no parecía tanto tiempo mirando hacia atrás... ¿Qué diferencias encuentran ustedes entre “You Have Reached Your Destination” y "We Are Not Really Here"? Dean: Siento que hay más atención al detalle con este nuevo disco, está más afinado y desarrollado, también los dos hemos adoptado nuevas ideas y hemos aprendido nuevas tecnologías y hemos avanzado con respecto a las técnicas de grabación y la ingeniería / producción, etc. ambos progresamos y absorbimos más información, lo que afecta las sonoramente a todo. Mark: ¡Menos muestras, más guitarras! El primer disco tiene un montón de muestras tomadas de películas como pasos y botellas rompiendo y viento y todo tipo de

cosas destrozadas en partes rítmicas y percusión. No hay casi nada de eso en este caso. ¡Y creo que apenas hay guitarra en el primer álbum, mientras que están en todas partes en este! Creo que hubo más de ida y vuelta en este también. Como dice Dean, creo que nos tomamos más tiempo para obtener cada pequeño elemento "solo" en este. Ah y la voz! Este álbum tiene canciones reales, la primera fue casi enteramente instrumental. Rose mejora cinco veces todo lo que lleva. Preston también le dio a una buena pista un alma real que la convirtió en una gran pista. Dean y yo también nos quedamos atrapados en lo que fue estresante pero finalmente gratificante... creo.

traslado de casa de la ciudad al campo. Ha tenido un profundo efecto en mi bienestar y estado mental.

¿Cómo fue el proceso de grabación de los tracks? Porque lo han grabado en dos estudios. Dean: Sí, pero en general ese es siempre el caso con los colaboradores, tiendo a trabajar con personas que tienen fascinación por la grabación y el sonido en capas. Este registro se hizo de la misma manera que el primer álbum, es decir, intercambiando ideas y mezclas de un lado a otro, pero como se dijo esta vez fue un proceso introspectivo más desarrollado.

Mark: Sí, Shauna ha sido increíble.

Mark: Mi año más productivo de forma creativa en mucho tiempo... si es que nunca. Entonces sí, genial gracias Dean, entiendo que estás trabajando de nuevo con la promoción de relaciones públicas de Shameless para este álbum. Dean: Sí, Shauna en Shameless ha asumido esto como un nuevo proyecto de artista, del cual estamos muy contentos. He trabajado con Shameless por algún tiempo, tenemos un fuerte respeto mutuo y comprensión, lo cual es muy raro en este negocio.

¿Tienen algún plan para este proyecto en el 2020, tal vez tocarlo en vivo? Dean: Sería genial sacar esto, pero como siempre es más fácil decirlo que hacerlo. Si alguien nos hace una oferta que no podemos rechazar, que así sea, creo que ambos estaríamos abiertos a ella, pero no está en la parte superior de la lista de tareas pendientes en este momento.

Mark: La principal diferencia para Mark: Sí, nunca digas nunca. Sería mí fue que no se grabaron voces en fantástico escucharlo a un volumen mi teléfono mientras estaba parado enorme, ¡creo que eso sería una gran bajo la lluvia esperando un autobús sonrisa estúpida en nuestras caras! en el primer álbum. Sin embargo, esto sucedió en el segundo;) ¿Qué sigue para Inkräktare o de otra manera en sus trayectorias Ambos han empezado este 2019 individuales? con un álbum y lo cierran con Dean: Estamos trabajando en otro. ¿Cómo ha sido este año para elementos visuales atm con miras a ustedes? lanzar tantos como podamos a través Dean: Este año ha sido excelente de YouTube en los próximos meses, para mí, principalmente debido a un también estoy a punto de continuar

con el nuevo registro de SPC ECO con Rose, Mark se involucrará mucho con eso entonces la trama se complica como dicen. Mark: Sí, con suerte podemos gestionar un video para cada pista, veremos cómo va. Todavía tengo algunas ideas geniales para trabajar desde esa perspectiva, hay mucho que hacer. Además de reunir algunos garabatos sonoros y de sonido para la posible inclusión de SPC ECO. Tal vez incluso compre algunos pedales de guitarra extraños para tocar, si suficientes personas compran el álbum eh! ¿Hay algo que le gustaría compartir con nuestros lectores? Dean: No estamos realmente aquí, así que aproveche al máximo. Ah, y gracias por escuchar / leer. X Mark: Disfruta la música. ¡Es el mejor álbum de banda sonora original jamás hecho para esa película que dijeron que nunca podría hacerse! Sean excelentes los unos con los otros ;) Saludos Diego, aprecio al hombre de apoyo x ¡Gracias Dean y Mark!

www.mutanteradio.com

www.indiego.com.ar

Somos una nueva netlabel de Argentina. "No Me Escucho Records" nace luego de varios años de trabajo entre Darío Martinez y Diego Centurión para seguir con su tarea auto impuesta de difundir la música.

Pueden seguirnos y enterarse de las novedades en: https://www.instagram.com/nomeescucho https://twitter.com/NoMeEscuchoRec https://soundcloud.com/nomeescuchorecords https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/releases https://www.discogs.com/label/1655158-No-MeEscucho-Records

IVONNE VAN CLEEF SESIONES EN EL MONTACARGAS Fecha de Lanzamiento: 29 de noviembre de 2019 Estilos: Experimental, Lo Fi, Psicodelia Rural, Western Doom, Drone.

Ivonne Van Cleef se inicia con la publicación de su primer EP .1 como un proyecto musical unipersonal en diciembre de 2016. Al momento lleva publicado 12 discos corta duración (2 split con eagle stone collective de francia), 2 discos en vivo y 2 singles publicados en formato digital en la plataforma de distribución bandcamp, disponible la descarga bajo la modalidad “name your price". Todos los EP publicados a la fecha fueron grabados en portaestudio digital tascam dp 008 y tascam 414 mkii, utilizando batería analógica, contrabajo, bajo eléctrico, bajo slide de manufactura propia (sandman bass guitar), órganos analógicos italianos de los 70, guitarra eléctrica, criollas y efectos analógicos y digitales. Por su técnica, concepción y concepto, no se utilizan en el proceso de grabación computadoras, software de edición o vst alguno, salvo en algunos casos donde algún ep fue masterizados en el estudio. A mediados de 2019 se amplía los proyectos musicales de ivonne van cleef y se comienza a trabajar para presentaciones en vivo del material en formato trío. Los EP 1 a 5 fueron con impresiones de fotografías de autor y el split outlaw long train editado en formato cassette por el sello independiente Luxury Bucket de la ciudad de Bristol, Inglaterra. Una selección de tracks de todos los trabajos fue editada en cassette por el sello carnage visors de San Jose, California, EEUU. El split Music For The Carrion And Others Doped Vulture by Caleb R.K. Williams & Ivonne Van Cleef y The Lonely Plains Sessions #02 fueron editados en cd por el colectivo de artistas the eagle stone collective de albi, francia. Los EP 3 y 4 fueron editados en formato digital por el extinto sello Alpina Label de la ciudad de Santa Fe y Buenos Aires. Una selección de tracks fue editada de manera virtual por el sello argentino Isla Visión con el nombre de mixtape. El single The Great Shrike-Tyrant fue publicado de manera virtual por el sello argentinoespañol-japonés hamfuggirecords. El ep Midnight flocks cuenta con la participación de los siguientes artistas: eaglestone. bandcamp.com (Fr), losviajes.bandcamp.com (Arg) , trashcolapso.bandcamp.com (Arg), op2m.com (EEUU), stardazer.bandcamp.com (Austria). Con el track, “Mournful Whistle” participó en el mixtape “Rain” editado en cassette por el sello Liquid Library de Inglaterra en noviembre de 2017. Categoria o estilo musical: Psicodelia rural, western, instrumental, low rock, tape loops, drone, darkgaze, ambient, experimental, americana, low rock, western doom, lo fi. Villa California, San José del Rincón, Santa Fe, Argentina.

[ Reseña de "Whimsical - Bright Smiles Broken Hearts" por Benjamín York. ]

LA MELANCOLÍA LUMINOSA

Whimsical - Bright Smiles Broken Hearts Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 05 de noviembre de 2019

Tercer álbum de esta hermosa banda. Un trabajo de la banda de la incansable Krissy Vanderwoude, quién no sólo se pasa el tiempo realizando colaboraciones con otros artistas, sino que tiene su propio programa de radio en la prestigiosa emisora DKFM Shoegaze Radio, emisiones que solemos compartir en nuestro Facebook. Pero volviendo a este trabajo nos encontramos con nueve bellas canciones llevadas de manera magistral por Neil Burdolk y la luminosa voz de Krissy. El álbum mantiene esa delicada magia que nos tiene acostumbrada esta banda, ambientes brillantes y brumosos, que reflejan esa intimidad soñadora y melancólica que tan bien ellos saben plasmar en sus canciones. Un álbum que nos eleva en guitarras con delays y ritmos calmos pero intensos, que sirven de base para que la hermosa voz de Vanderwoude flote etéreamente y nos haga sentir que todo el sol resplandece en nuestra mente. Sin lugar a dudas las canciones están muy bien trabajadas y reflejan ese efecto sonoro que nos cautiva. Si tengo que elegir una canción, “Earth Angel” es la que escojo por las bellas guitarras de Neil y ese estribillo que abre un universo vocal y se abre a pura emotividad. “Bright Smiles Broken Hearts” no sólo es el tercer álbum de Whimsical, sino que es el mejor trabajo de la banda hasta hoy… pero es un álbum que desnuda los sentimientos más íntimos y que los muestra vulnerables… pero encantadores.

[ por Pepe Navarro. Fotografías: Fabián Resakka. ]

LOL TOLHURST NO TIENE LA CULPA.

Quién lo diría. Lawrence Tolhurst, el mítico co-fundador de The Cure, en Buenos Aires. Lúcido y Sano. Repuesto de aventuras que lo llevaron al límite mismo de su personalidad, presenta su libro de memorias "Cured". Un evento extraordinario. Un pedazo del rompecabezas que engrana la música de los últimos 40 años. Aquí, frente a nosotros.

Una charla programada en el marco de la "Noche de las librerías" en la Calle Corrientes, gratuita. Un día caluroso, conducido con mucho acierto y tino por el inefable Maxi Martina, llevando la entrevista a un marco casi personal y fluido. Lol, receptivo, en confianza, sabiendo que la red que lo tiene que proteger, en las manos de su entrevistador, está firme y segura. Hay sonrisas cómplices entre el público y el invitado de honor. Quienes antes peinaban frondosas cabelleras, y hoy es un elemento que escasea, recuerdan y cosen sus recuerdos de juventud a su propia vida a través de las palabras de uno de los arquitectos de esas bandas de sonido que ahora tienen un sentido diferente, un talante menos vistoso pero más sólido. Un traductor mediocre, una decisión desacertada. Varias cosas quedan en el camino, quizás elementos que faltan para terminar de definir y redondear los conceptos que nos quiere expresar. En un momento, el traductor comete una infidencia: Habla de su banda. Claro, es el cantante de la banda "tributo" a The Cure, la cual acompañará a Lol en un evento un par de días después. Y es ahí cuando cae todo en una

especie de espiral decadente, en el cual se mezclan pasiones y posiciones encontradas. Gente que se atribuye ser "organizador" y que en realidad no hace más que ocupar espacio, y a propósito, ocultar información, o tergiversar los hechos en beneficio propio o de su séquito de amigos. En este aspecto, cabe destacar algunas cosas: En mi rol estrictamente laboral, recibí llamadas, mensajes y correos electrónicos en los cuales, me "sugerían" que es lo que debía escribir y me di cuenta algo: Los personajes que me llamaron, estaban muy equivocados. Estaban preocupados en que los mencione a ellos como estrellas principales, y no les importaba el invitado. Algo estaba muy mal. No supe que hacer. Uno de ellos, inclusive, preguntó si el medio en el que yo trabajaba "Colaboraría" para auspiciar el evento. No sé a qué se refería. En realidad, si lo sé, pero no lo voy a publicar. Al día siguiente, una firma de libros programada en una librería en Recoleta, con asistencia baja, pero efectiva, calienta los motores para el evento principal, la presentación de la banda en cuestión, con el invitado en algunos temas.

Llega el día. Uno de los supuestos "Organizadores" está haciendo la fila como cualquier mortal. No obstante, adopta pose señorial, y exhibe su figura como dando a entender que él, es importante. Dentro, se agolpa gente de diferente estilo: Gente vestida como para ver a The Cure en sus mejores épocas, y otros vestidos de manera más normal. Varias remeras de diferentes tours, un par de pelos batidos. Y de pronto.... Aparece la banda en cuestión. Con uno de los nombres más absurdos, que parecía una mezcla de apellidos que se juntan en una sociedad comercial más que el de una banda tributo, y empieza la función. Una banda sin personalidad, a mitad de camino entre el homenaje y la ridiculez. Sin preparación, y exagerando las cosas supuestamente en beneficio del "espectáculo" y cayendo

irremediablemente en el espiral de su propia creación. Un baterista que se dio el lujo de tocar los tres primeros temas iguales, equivocándose en su propia inexperiencia, exagerando en muchos de los casos. Un guitarrista que parecía que estaba tocando en una de esas bandas espantosas a medio camino entre el metal y el after punk, y que coronó su performance con un solo horrible en el medio de "A night like this". Un tecladista que si no hubiera estado: a) Nadie lo hubiera notado. b) Hubiera sido mejor. Y un cantante, que por más esfuerzo que le ponía al asunto, estaba lejos de alcanzar un punto aceptable. Lawrence aparece en escena y mágicamente todo cambia para bien: El tempo y la contundencia en los temas que toca, obliga a la banda, a seguirlo, y las cosas marchan bien. Una parte importantísima del sonido de The Cure de los primeros discos

muestra que la prueba más dura ha sido pasada con éxito: El paso del tiempo. Tras 4 temas, Lol se retira, y todo vuelve al ritmo inicial. Tras una secuencia de temas más, Lawrence regresa y toca dos temas más. El show está por terminar. Luego, se instala una pequeña mesa, y nos deleitará con un dj set, que duró más o menos una hora, combinando temas de su agrado, en su mayoría de la década de los ochenta. El público, agradecido. Un día después tuvimos la oportunidad de hablar con el y su amable y simpática esposa Cindy. Expresó su satisfacción de poder regresar a la Argentina después de tantos años, y recuerda aún con asombro los desmanes y destrozos que se causaron en la presentación de The Cure en el estadio de Ferrocarril oeste en

el año 1987, aunque según sus propias palabras, "No estábamos preocupados por nosotros, pero sí por la gente que había venido y pagado por vernos y que podía salir lastimada" Y nos contó que estuvo recorriendo la ciudad de Buenos Aires, encontrando sitios hermosos en el camino. Cindy, su esposa, nos expresó su deseo expreso de conseguir unas empanadas, que el día anterior alguien le había ofrecido, y que había quedado encantada con la gastronomía de Argentina. Lol, vestido impecable de negro (Ese mismo día se realizaba la firma de su libro en una conocida librería de la Avenida Santa Fe) en una distendida charla, mencionó y preguntó detalles acerca de la ciudad, de la situación económica, y nos contó que venía de Chile, y lamentaba que la firma de libros en Bolivia, se haya tenido

que cancelar por los ya sabidos problemas que aquejan a esta región del planeta. Llega una asistente y le expresa que es hora de partir. Antes, le preguntamos si habrá novedades de Levinhurst (su proyecto musical con su esposa, con tres discos en su haber) Y entre ambos, se nota una mirada cómplice. Y nos lanza una primicia: Que está grabando un disco nuevo, con un "Conocido músico de los años 80" y que la idea es que una vez que salga el disco, salir a presentarlo, y eventualmente, podría llevar a un renacimiento del proyecto Levinhurst. En sus propias palabras: "La idea es presentarlo, y seguro que nos volveremos a ver por estas tierras". Alejado de todo tipo de pretensiones y clichés, Lol se muestra como es: Una persona extremadamente sensible y accesible. Y ante esta realidad, nos rendimos. La historia de su vida, narrada en su libro "Cured" y sus palabras, terminan de redondear el concepto. Ese concepto que forma parte del ADN musical de una de las entidades más singulares y personales de los últimos 40 años. Gracias, por eso.

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DE TIEMPO Y LETRA

PALABRAS EN LA ARENA “Palabras en la arena”, esa trinchera literaria creada por nuestro gran amigo e iluminado escritor Pablo Ravale, como espacio estratégico, compartiendo exquisitas reseñas y textos de su autoría únicos; con el objetivo de cuidar y fomentar la presencia de las letras en la visión cultural de nuestra revista; siempre seguirá presente como pieza esencial en la evolución de Revista The13Th. Trinchera a la que también fui invitado a unirme con mi poesía. Y eternamente agradecido estaré por ello. Adhiriendo a aquella idea de bastión, comienza una nueva etapa para la salvaguarda del verbo en nuestra publicación mensual que pasará a llamarse desde hoy: “De tiempo y letra.”

Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor. Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre. Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura. Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina. Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento. No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación. Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre. Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura. Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

FRANCO DOGLIOLI

LA MEDIDA Ya no podía fingir vigilia; para sus versos, de estuco. Ya no podía fingir silencio; para elevar su hegemonía. Ya no podía fingir torpeza; para contrarrestar su sordera, al bailar. Ya no podía fingir complacencia; para legitimar el error, en su existencia. Ya no podía, empujándole se decía; desde la torre vencida, en su ahora reino.

[ Por Franco Doglioli. ]

DESDE MI DOPPELGÄNGER

Suele visitarme a veces cierta sensación de extrañeza al pensar o actuar de manera diferente a lo conocido de mi. O de llamativa distancia y ausencia de afecto frente a situaciones usualmente conmovedoras. O de familiaridad con lugares y culturas en los que nunca había estado antes o con personas recién conocidas. Y frente a estas experiencias me descubro pensando en la presencia de “un otro parecido” intentando sustituirme o tal vez, comunicarse. Y viene a mi

esa arraigada creencia de nuestro doble en el mundo. Ese otro que nos habita porque a su vez lo habitamos. Me refiero al doppelgänger, vocablo alemán conformado por doppel, traducido como «doble» y gänger: «andante», para definir a esa versión fantasmal y/o malvada de toda persona viviente, usualmente portadora de malos augurios. A lo largo de la historia ha aparecido en relatos mitológicos y en textos de varios autores sobretodo góticos y del romanticismo, con intención de dar sitio a ese lado oscuro, extraño del ser humano, causante de intriga, temores y hasta a veces, locura en los personajes que lo padecen. Un fenómeno relacionado con el concepto sobrenatural de bilocación (cuando una persona u objetos se hallan en sitios diferentes al mismo tiempo) o en Psiquiatría con el concepto de heautoscopia (doble corpóreo propio). Desdoblamiento que puede ser físico o psíquico y se lo puede interpretar como síntoma de esquizofrenia o epilepsia y como una modalidad del trastorno de despersonalización / desrealización. Si bien tal fenómeno es considerado como producto de la mitología y del folklore en determinadas culturas, son varios los casos, actuales inclusive, en donde ciertas personas se han topado con quienes podrían ser sus dobles. Y hasta asegurando, alguna errante teoría, que cada ser humano cuenta con siete dobles en el mundo. Muchas podrán ser las explicaciones. Y por muchas, tal vez, ninguna. Los egipcios lo llamaron (Ka) o doble de espíritu, el folklore irlandés lo llamó Fetch, el escandinavo, Vardøger, etc. El término en su forma más arcaica aparece como Doppeltgänger (el que camina al lado) por primera en vez de la mano del escritor alemán Jean Paul en su obra Siebenkäs del año 1796. En mi caso creo, aparece más como recurso o salvavidas victoriano, por darle un nombre y sentido. No obstante, siempre me ha fascinado este asunto y por ello quiero compartir con ustedes fragmentos de grandes obras en donde ese doble asecha. Invitándoles, si se atreven, a leerlas luego, cuando se atrevan, en profundidad. Y quien sabe… quizás comiencen la lectura en soledad y terminen sintiéndose acompañados… Primer Acto, escena X, en Hamlet de William Shakespeare, frente a la aparición de la sombra del Rey, su difunto padre: “¡Ángeles y ministros de piedad, defendednos! Ya seas alma dichosa o condenada visión, traigas contigo aura celestial o ardores del infierno, sea malvada o benéfica intención la tuya en tal forma te me presentas, que es necesario que yo te hable. Sí, te he de hablar... Hamlet, mi Rey, mi Padre, Soberano de Dinamarca... ¡Oh, respóndeme, no me atormentes con la duda! Dime, ¿por qué tus venerables huesos, ya sepultados, han roto su vestidura fúnebre? ¿Por qué el sepulcro donde te dimos urna pacífica te ha echado de sí, abriendo sus senos que cerraban pesados mármoles? ¿Cuál puede ser la causa de que tu difunto cuerpo, del todo armado, vuelva otra vez a ver los rayos pálidos

de la luna, añadiendo a la noche horror? ¿Y que nosotros, ignorantes y débiles por naturaleza, padezcamos agitación espantosa con ideas que exceden a los alcances de nuestra razón? Di, ¿por qué es esto? ¿Por qué?, o ¿qué debemos hacer nosotros?” En William Wilson, relato gótico de Edgard Allan Poe, dirá William sobre su doble: “…Ya he hablado varias veces del aire de protección que Wilson afectaba conmigo, y de su frecuente y oficiosa intervención en mis voluntades, la cual tomaba con frecuencia el carácter desagradable de un consejo, pero no dado abiertamente, sino sugerido, insinuado tan sólo: yo lo recibía con una repugnancia cada vez más fuerte…” En “El Horla” de Guy de Maupassant, el protagonista expresa aterrado: “¡Estoy perdido! ¡Alguien domina mi alma y la dirige! Alguien ordena todos mis actos, mis movimientos y mis pensamientos. Ya no soy nada en mí; no soy más que un espectador prisionero y aterrorizado por todas las cosas que realizo. Quiero salir y no puedo. Él no quiere y tengo que quedarme, azorado y tembloroso, en el sillón donde me obliga a sentarme. Sólo deseo levantarme, incorporarme para sentirme todavía dueño de mí. ¡Pero no puedo! Estoy clavado en mi asiento, y mi sillón se adhiere al suelo de tal modo que no habría fuerza capaz de movernos.” De “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde de Robert Louis Stevenson: (...) Me vi obligado a reflexionar profunda e inveteradamente sobre esa dura ley de la vida, que radica en el fondo de todas las religiones, y es una de las más abundantes fuentes de congoja. Y aunque aquella duplicidad fuese tan profunda, yo no era un hipócrita de ninguna manera; Mis dos facetas eran completamente sinceras; No era en mayor medida yo mismo cuando dejaba a un lado cualquier restricción y me sumía en el deshonor, que cuando me esforzaba, a la luz del día, para profundizar en el conocimiento o el alivio de las penas y los sufrimientos. Y podría seguir mencionando a otros tantos profundos y perturbadores textos en donde aparecen variaciones del doppelgänger tales como “El compartidor secreto” de Joseph Conrad, “El doble” de Fedor Dostoievski o “Demian” de Hermann Hesse (aquí aparece el doble como complemento positivo), “Memorias privadas y confesiones de un pecador justificado”, de James Hogg; pero por temor a extirparles el sueño cerraré con esta frase de Carl Jung sobre “la sombra”: “El mayor poder, sin embargo, proviene de la aceptación de tus zonas sombrías y al integrarlas como componentes de tu Yo. Todos arrastran una Sombra, y mientras esté menos plasmada en la vida consciente del individuo, más oscura y densa será. En la totalidad, forma un problema inconsciente, frustrando nuestras mejores intenciones.”

http://madwaspradio.com/

Loose Canon http://www.6towns.co.uk/

Simon's Big New Thursday Thing https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Reseña de "BEATASTIC - Diffraction" por Benjamín York. ]

DIFRACCIÓN HIPNÓTICA DEL PSYCH-GAZE

BEATASTIC - Diffraction EP Label: Shore Dive Records Fecha de Lanzamiento: 07 de diciembre de 2019

El trabajo de Nico Beatastic (Nicolas Pierre Wardell) es formidable. No sólo lleva adelante este proyecto, sino que también le podemos sumar “Xeresa”, pero también se hace tiempo para llevar adelante el sello Shore Dive Records y el programa en Highwire Daze Radio llamado “Beatastic Transmissions”. Pensemos que en julio de este año ha editado un álbum con Xeresa, llamado “III”. Ahora cierra el año con este EP "Diffraction" de cuatro canciones que abre con la psicodélica "Cool in a Coma", un viaje con aires del medio oriente insertando sonidos que me traen a la mente a My Bloody Valentine, que nos induce a un trance hipnótico. "Soy High" comienza de manera etérea, pero en seguida aparecen las guitarras más shoegaze y un ritmo potente, el estribillo se abre con unas voces a lo Mark Gardener de Ride. "Time To Kill Time", una canción caótica, que tiene un sentido de canción shoegaze pero con el caos de Sonic Youth. "What My Secret Is", no sólo cierra este EP, sino que además es la más vertiginosa y nos deja con ganas de más, simple, directa, con guitarras shoegaze al frente y una secuencia que le dan un toque de electrónica al trabajo. "Diffraction". EP. Introductorio. Cuatro canciones. Prolijas y distintas. Desafiante. Psych-gaze.

[ Entrevista a Scott Causer de The Cult of Free Love y John y James Prudence de Magic Seas por Diego Centuriรณn. ]

EL CARTERO PSICODร LICO

Hace unas semanas se ha lanzado un split que reúne a The Cult of Free Love y a Magic Seas, llamado simplemente “The Cult of Free Love/ Magic Seas”. En el 2016 hemos entrevistado a The Cult of Free Love con motivo del lanzamiento del álbum “Love Revolution” y Magic Seas son realmente nuevos, así que mientras con unos nos ponemos al día, descubriremos a otros. Y así nos daremos cuenta que este split tiene varias historias para contarnos.

Hola Chicos, gracias por permitirnos hacer esta entrevista. Vamos a dividir esta entrevista en tres partes, la primera será para The Cult of Free Love y la segunda para Magic Seas. Y el final unificaremos y serán preguntas para ambas bandas.

Parte 1: The Cult of Free Love Pensando en nuestra primera entrevista, ¿Qué ha sucedido en la vida de la banda hasta llegar a éste split? El álbum debut surgió de la parte posterior de un éxito independiente menor que llamé "Love Is All There Is" con Deep Distance Records. Lo grabé solo como parte del álbum The Electric Mainline (que aún no se ha completado) y lo subí como The Cult of Free Love para divertirme y ver qué reacción obtendría mientras mantenía el anonimato. El single despegó de una manera que nunca pensé y después, Wrong Way Records quería hacer un disco. Acordé con algunos viejos amigos de mis días en Northern Star Records y grabé algunas pistas para un EP. El EP rápidamente se convirtió en mucho más y terminé presentando a Wrong Way un álbum. "Love Revolution" tuvo una recepción increíble y se agotó rápidamente.

Después de esto no hubo nada, así que fue un caso de comenzar de cero nuevamente. No quería repetir la música en Love Revolution, quería que evolucionara, así que en estos últimos 3 años desde el lanzamiento del álbum, he estado probando muchas ideas diferentes, a veces por mi cuenta, a veces con diferentes personas. Hubo un single en solitario limitado que salió en 2018 y se agotó en un día, pero desde entonces he estado grabando y grabando y esperando el momento adecuado, ¡que es AHORA! Elsegundoálbumahoraestácompletamente grabado y listo para terminar y terminé con más pistas de las que sabía qué hacer. El mismo día que salió el 12”, lanzamos un EP en cassette en una etiqueta de cassette italiana llamada 1Q84Tapes que grabé con Andy, un viejo amigo del norte de Gales. Tiene un ambiente de Stranger Things / Warp Records a su favor. La portada es una montaña que domina el pueblo de donde soy en el norte de Gales. Al ser un colectivo sonoro, los músicos van y vienen en la formación de la banda. ¿Hoy como es el line-up que ha participado en estas dos canciones? Me encanta estar en bandas pero cuando se trata del proceso creativo puedo encontrarlos

restrictivos ya que me gusta grabar con diferentes personas. Para los 12", la primera canción 'Visions' fue grabada con Tim de SnowDonnas, una banda de shoegaze de Texas que apareció en la primera compilación de Northern Star junto a Brian Jonestown Massacre, The Black Angels, The Telescopes, The Electric Mainline, Stevenson Ranch Davidians y mucho más. La segunda pista

"Sustance" fue una pista que grabé y envié a megaheadphoneboy para remezclar. MHPB es mi viejo amigo Andy de la misma ciudad que yo en el norte de Gales. Siguen manteniendo ese halo de misterio en la banda, en estos años ¿se ha vuelto más difícil el anonimato de sus miembros? El anonimato no fue demasiado difícil al

principio. Sentí que era importante juzgarlo por separado de mi trabajo con Northern Star y The Electric Mainline. Fue divertido ver a la gente reaccionar a eso. Incluso había personas que me recomendaban mi propia música, lo que me pareció muy divertido. Esta vez quiero salir y tocar más con diferentes miembros que aparecen, por lo que es inevitable que las personas descubran quién está involucrado. Inicialmente cumplió un propósito, pero ya no importa. He notado que luego del álbum “Love Revolution” la psicodelia de la banda se ha tornado más electrónica, ¿cómo llega al seno de la banda este cambio? Siempre he usado electrónica en mi música. Mi primer EP y álbum fueron electrónicos y hay 3 pistas electrónicas en Love Revolution. La electrónica sí aparece en el nuevo álbum, pero también presenta una gran cantidad de guitarras.

hecho antes. Es mucho más oscuro que "Love Revolution" y tiene una vibra muy diferente a la de los 12", sin embargo, las personas con las que lo he tocado lo han comparado con Primal Scream, New Order y The Chemical Brothers. Haz de eso lo que quieras. Cuenta con una gran cantidad de personas. Algunos que aparecieron en "Love Revolution" y otros que están tocando con nosotros por primera vez. Estoy muy orgulloso de eso. Espero que llegue a más personas que el último.

Para terminar esta primera parte… ¿Cómo es el contacto entre la banda y Magic Seas? y ¿Cómo nace la idea de este Split? John de Magic Seas me ordenó un disco en línea. Gracias a un cartero psicodélico en Essex, el registro desapareció, por lo que después de que John me contactó para averiguar dónde estaba su registro, se hizo evidente que era yo de Northern Star. Resultó que John y su hermano James habían sido Se viene un nuevo álbum… Cuéntanos ávidos coleccionistas de lanzamientos de algo sobre él. Northern Star e incluso habían ido a nuestros Es un contraste completo con lo que hemos shows en Londres. James ha estado en otra

banda que había viajado por Japón y se encontró con las compilaciones de Northern Star Psychedelica en una tienda de discos mientras estaba de gira por allí. De todos modos, John me mostró Magic Seas, me encantó lo que escuché y dije que tal vez deberíamos hacer un EP dividido. Nos reunimos algunas veces, tomamos algunas bebidas y nos metimos como una casa en llamas y pensamos que sería una idea brillante. Tenía 2 pistas listas para usar (que no son las que terminé llevando) y se dirigían al estudio para grabar 2 pistas. Mientras tanto, grabamos una pista nueva y el 12” terminó siendo como es. Estoy muy contento con ello. Ambas partes son muy diferentes, como el ying y el yang, pero hay algo que las conecta y hace que funcione como un todo. Nos divertimos mucho haciéndolo realidad... y todo gracias a una hoja de té psicodélico de un cartero en Essex.

Parte 2: Magic Seas.

Hola Magic Seas, gracias por dejarme hacerles unas preguntas. Antes de empezar me gustaría que presenten a los integrantes de Magis Seas. John Prudence - Voz, batería. James Prudence - Voz, guitarra. Vamos a continuar esta entrevista haciendo la última pregunta que le hemos hecho a The Cult of Free Love. ¿Cómo conocen a The Cult of Free Love? y ¿Cómo nace la idea de este Split? John: ¡Exactamente como Scott respondió antes realmente! Todo parecía dar la vuelta al círculo. James: El lanzamiento del EP ha sido genial, realmente ha habido un zumbido a su alrededor que lo ha hecho aún más especial.

¿Cómo nace Magic Seas y cómo surge el nombre de la banda? James: Nos unimos durante un período de muchos cambios para los dos. El nombre es una referencia a Debussy y la influencia de Hokusai, pero lo que nos lleva a los mejores lugares son los Magic Seas. Estas dos canciones fueron producidas por Mark Gardener de Ride, al igual que sus dos primeros singles. ¿Cómo llegan a ser producidos por Mark? James: Me había puesto en contacto con el gerente de Mark sobre otro proyecto en el que estábamos involucrados y que poco después llegó a su fin. Tuve algunas demos de algunas canciones nuevas que había escrito y terminé enviándolas a su manager por pura casualidad, poco después de que Mark mismo se pusiera en contacto para decir

que realmente le gustaban las canciones, lo que terminó por ponernos en la muy afortunada posición de tenerlo involucrado con Magic Seas desde el principio. John: Ha sido increíble trabajar con Mark, ha tenido un efecto realmente positivo en nosotros. Si bien he visto que son un dúo, ¿piensan sumar algún músico más a la banda? James: No, aunque esto no quiere decir que estamos poniendo limitaciones a lo que estamos haciendo, pero lo que comenzó como una necesidad ahora se ha convertido en una verdadera fortaleza. Mantener las cosas simples con solo nosotros dos en el grupo significa que realmente podemos mantener el enfoque en las canciones, y el espacio que eso trae también es una parte clave de nuestro sonido. John: Tratamos de verlo como una pequeña orquesta donde tocamos las mejores partes para nuestras canciones en lugar de limitarnos a roles específicos, a pesar de que expresamos esto principalmente a través de la guitarra, la voz y la percusión

Parte 3:

electrónico de The Cult Of Free Love Unificamos la entrevista y van preguntas realmente brilla en el EP y todos estamos para ambas bandas. muy contentos con la forma en que las cuatro Cuéntenos algo sobre cada uno de estos canciones diferentes se sientan tan bien tracks del Split, sobre las canciones de juntas. Creo que también se adapta a cómo su banda y sobre las canciones de la otra Scott está llevando las cosas adelante, por lo banda. que ha sido realmente emocionante ver que ese sonido hipnótico suceda en vivo con el Side Cult of Free Love lanzamiento. Visions - Substance Scott: Por nuestro lado, ambas pistas se ¿Cómo ven actualmente la escena unieron muy rápidamente y de forma muy psicodélica a nivel mundial? natural. Hay una brecha significativa en el Scott: Para mí se ha vuelto muy aburrido. tiempo entre ambas pistas que se graban, Muchas bandas suenan igual. Me encanta la pero funcionan perfectamente juntas. Visions psicodelia como género debido a sus infinitas somos yo y Tim (SnowDonnas) y Substance posibilidades, pero la escena necesita una somos yo y Andy (Megaheadphoneboy). nueva imaginación. Esta es una de las Visions no me suena a nadie más. Sustance razones por las que me conecté con Magic tiene un ambiente distinto de Stranger Seas. Pensé que estaban haciendo algo un Things / Warp Records, pero nada de eso poco diferente. Somos almas de ideas afines es deliberado. Simplemente vamos con la que quieren hacer psicodelia pero a nuestra corriente. manera con nuestro propio giro. No me gustaría especular sobre el lado de los Mares Mágicos. Me encanta mucho, James: Como la psicodelia es una pero solo ellos pueden decirte lo que pasaba influencia, creo que para nosotros estamos por sus mentes cuando lo escribieron y lo en la posición afortunada del aspecto etéreo grabaron. Simplemente lo disfruto por lo que de nuestro sonido que nos permite ser parte es. Para mí es un recuerdo de tiempos más de él, pero no necesariamente definido como inocentes, pero también está actualizado... tal. tiene una calidad atemporal. Creo que lo que surgió en la última década más o menos, en el que las bases fueron Side Magic Seas indudablemente establecidas por personas Count In Three's como Northern Star, ha jugado un papel James: Esta canción comenzó con un riff importante en mantener viva la música de que John escribió, que se convirtió en el guitarra underground y ha surgido algo gancho principal de la canción. Luego puse brillante en los últimos años. Fuimos soportes los coros a su alrededor. de Levitation Room el año pasado y fueron Se trata de tratar de entender el cambio. geniales y The Asteroid No. 4 ha sido uno de nuestros favoritos y su último disco fue Long Winter increíble. John: Esta es una de las primeras canciones Sin embargo, como en cualquier escena, en que realmente trabajamos y organizamos mi opinión también hay muchas bandas en como sociedad. Se trata de mantener sus este momento que suenan muy similares y esperanzas contra la comprensión de que no el rock espacial se ha hecho hasta la muerte. hay escapatoria. John: ¡Genial tener de vuelta a The James: Ambos sentimos que el lado Lovetones!

¿Esto es un comienzo de futuras colaboraciones? Scott: Estoy seguro de que Magic Seas tendrá una canción para el álbum no 3, les guste o no, jaja. ¡Miren este espacio! Definitivamente haremos algunos shows juntos en 2020. James: ¡Eso esperamos también! Ha sido genial ver el lanzamiento del EP, quién sabe a dónde nos llevará a todos a continuación. Y para terminar esta entrevista y agradeciéndoles la posibilidad… ¿Qué planes tiene para el 2020? Scott: Quiero sacar el segundo álbum al mundo, terminar de grabar el tercero (ya estoy metido en eso) y salir y tocar para cualquiera que quiera escucharnos. John: Tenemos un nuevo single en el nuevo año... ¡listas nuestras fechas de gira con The Cult Of Free Love!

LA ORACIÓN DE LAS CENIZAS Extraño Objeto De Culto

[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

Nordvargr - Pyrrhulla (2008) Esta entrada más que estar dedicada a un álbum concreto del prolífico artista sueco Henryk Nordvarg Bjorkk, es solo una puerta al profundo y abismal mundo sonoro de un músico de culto. A sus 48 años es impresionante su bagaje musical. En su adolescencia cuando estaba fascinado con bandas de Rock como Kiss, alucinó al escuchar por primera vez el sonido frío y maquinal de los alemanes Kraftwerk, cosa que lo inspiró a hacerse a su primer sintetizador y así crear sus primeras melodías. Una mente amplia en sus divagaciones sónicas, un apóstol del apocalipsis. Siempre se hace referencia que el gran maestro Brian “Lustmord” Williams es la banda sonora perfecta para el universo de H.P Lovecraft, pero Nordvargr en sus incursiones ambientales puede sumirnos sin misericordia en ese terror espacial, y en el caso de proyectos como Toroidh en el horror de la guerra y la desolación. La manera como reescribió el concepto del Black Metal y tendió un puente con lo Post industrial con su banda MZ 412 a finales de los ochentas. Su militancia por el EBM con Pouppee Fabrikk. La deconstrucción militarista que culmina con la violencia electrónica de Folkstorm. Encontramos que en su Bandcamp muchos de sus trabajos discográficos se pueden adquirir en el modo Send your Price (desde cero hasta el precio que tú les quieras dar individualmente). Aunque la discografía digital completa si tiene un precio específico. Tremendo regalo viniendo de un referente obligado del sonido Post industrial/Ambiental. Pongo particularmente su trabajo Pyrrhula de 2008 en esa faceta tan oscura de Drone Dark Ambient porque me encantan sus texturas asfixiantes y esa elegancia demencial en sus ambientaciones desoladas. Bienvenidos a este esplendoroso banquete de la decadencia. Tracklist: 1 Another Weeping Doomlord Lost 2 Pyrrhula One 3 Inwards To Salvation 4 Tordön 5 Hascimh Reborn 6 Pyrrhula Two 7 Aryana Of The Open Wound 8 Stripped Of All But My Loyalty I serve https://nordvargr.bandcamp.com/album/pyrrhula

http://oraciondelascenizaslabel.blogspot.com/

[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

CORPUS DELICTI: FANTASMAS DANZANTES

Hace ya algunos meses, desde la página oficial de Corpus Delicti, legendaria banda francesa de Rock gótico de los noventas hoy ya desaparecida, nos daban un regalo. No sé si fue iniciativa de Sebastien Pietrapiana su vocalista pero a los fans podríamos decir, prácticamente nos obsequiaron un compilado llamado High lights con parte de sus más grandes temas en una página de Bandcamp. Y escribo parte, porque obviamente siempre terminan habiendo canciones que uno atesora que quedan por fuera. Ahora Cleopatra Records… si, un sello al que le tengo amores y odios y que hace unas semanas le dediqué un artículo en esta revista, toma los derechos de la discografía de este gran cuarteto de Niza, respetando los álbumes originales con sus correspondientes track lists y arma un nuevo compilado llamado Rarities. Hace ya más de una década el sello D - monic había reeditado la discografía de Corpus Delicti añadiendo tomas alternas y demos a lo ya existente. Tuvimos un gran acercamiento a aspectos desconocidos de una de las bandas más grandes que haya dado la escena oscura hace ya dos décadas, pero en esta nueva entrega Cleopatra, debo reconocerlo ha reorganizado de manera más sabia las cosas con este nuevo disco llamado Rarities, que básicamente comprende Demos con su primer cantante Manu, B sides e interesantes tomas en vivo. Entonces esto se ha convertido en una excusa para que yo intente de la mejor manera posible hacer una semblanza de esta banda que yo amo con el corazón. Activos desde 1992 a 1998, trajeron dentro de su sonido grandes influencias del Death rock (Christian Death) y el Post punk (Bauhaus) y le añadieron como buenos franceses que son elementos muy propios que terminaron dando mucha originalidad a la banda. Como miembros fundadores estaban Laurence Romanini a.k.a Roma en la batería. Debo decirlo, si todos se obsesionan con Siouxsie o con Anja de X mal Deutschland, mi diosa es ella, Roma,

perfecta, hermosa e imponente (que no arrogante). Con ese estilo tan auténtico de tocar la batería le dió un sello personal a Corpus Delicti. Ese distintivo groove que se nota en temas como el clásico Saraband del álbum Sylphes, Broken del álbum Obsessions e incluso el buen cover que se armaron de Suffragette city de David Bowie. Una baterista y percusionista precisa ensumaneradeponer pequeños matices en el momentos más íntimos como también en la forma de lograr que las canciones explotaran en una danza tribal hasta la estratosfera. Roma estaba también involucrada con el asunto del diseño de las portadas y la parte logística de su banda. Obviamente aunque no es el tema, no se puede pasar por alto su tremenda belleza que fue imagen para Corpus Delicti durante toda su carrera. Impresiona también su austeridad, a pesar de su tremendo talento y con toda una reputación ganada como baterista, tras la disolución de la banda a finales de los noventas, en vez de seguir, decidió alejarse del todo de la música. Hasta donde tengo entendido hoy es una prestigiosa psicóloga que aunque ya no toca, siempre anda pendiente de las cosas que pasan con el legado de su banda. Pero la base rítmica de la banda tenía un fuerte complemento en el bajo de Christophe Baudrion a.k.a Chrys. Con un estilo muy expresivo en su manera de tocar, con algo que recuerda mucho en la emoción y expresividad a Peter Hook de Joy Division/ New Order, pero a eso se le añade ese componente punzante de los bajos Deathrockers. Se puede apreciar su tremendo trabajo en temas como Patient en ese solo de semicorcheas de estilo algo satírico o en temas que amo como Twilight. Tras la disolución de Corpus Delicti, Chrys trabajó en diferentes proyectos de corte más electrónico, hoy en día es bajista de Press Gang Metropol, gran banda de Post punk que formó con Sebastien y Franck Amendola, primer guitarrista de Corpus Delicti. Sebastien Pietrapiana aportaba en la voz ese crooner barítono, por momentos teatral, por

momentos desquiciado. Dentro de mis voces favoritas del gótico él está en mi Top 3 junto con Ronny Moorings de Clan of Xymox y Peter Murphy de Bauhaus del que se le notaba tremenda influencia. Un frontman con un amplio registro vocal y mucha pasión en sus shows. Sus composiciones según el estaban alejadas de contenidos políticos, sus composiciones estaban más bien inspiradas en lo que soñaba, aunque se advierte un fuerte componente existencial. “…Las flores se mecen en el vacío. Un extraño viento cruza la habitación Y mi cuerpo se sacude por el estremecedor aroma de otro florecer. La sombre de un fantasma está danzando frente a mi ventana. Estás confrontándome para aclarar mis sueños, para poder pasar por encima de este muro de tristeza…”

DANCING GHOST Tras la disolución de Corpus Delicti, Sebastien se volcó por su lado más introspectivo y formó Kuta, una banda de corte más alternativo y relajado invocando el Bowie más intimista. Para 2010 se vuelve a volcar al sonido Post punk con sus antiguos colegas Chrys y Franck en Press gang Metropol; esa es otra historia que abordaremos en una próxima reseña. Aunque Franck Amendola fue el primer guitarrista de Corpus Delicti y dejó su brillante huella en las seis cuerdas para el primer álbum Twilight, Jerome Schmitt fue el guitarrista que más duración tuvo en el grupo, con un toque mucho más efectista y afilado, podemos apreciar su gran trabajo en temas con guitarras de 12 cuerdas como The Drift del álbum Obsessions, estruendoso como espectral cuando la canción lo ameritaba. Tras haber pasado por bandas de corte industrial, hoy en día Jerome es un prestigioso ingeniero de sonido.

LOS ÁLBUMES: Twilight (1993) El debut, el más Post punk de los tres álbumes del grupo, bastante crudo, pero a la vez también bastante emocional. Arropado con vampirescas capas de sintes. Clásicos temas

como Absent Friend y la genial Twilight vienen aquí. Personalmente adoro la neblina de Dust and fire y el paseo tenso de Lorelei. Sylphes (1994) El gran clásico de los noventas y una obra maestra en toda la historia del Rock gótico. La banda amplió su arsenal creativo y nos brindan paisajes cavernosos pero sugestivos (Patient), fantasmagóricos (The Smile of grace), místicos (Sylphes). Aparece esa especie de Remix con ese intro tremendo de sintetizadores abriendo una oscura eucaristía en Noxious (The demon game). La sobriedad de Dusk of hallows. El frenesí de Saraband que se volvió un himno con el toque personal de Roma en la batería y la demencia de Circles. De escucha obligada. Soberbio. Obsessions (1995) Es impresionante ver como en tres años consecutivos hay para componer nuevas y brillantes canciones. Broken es un tema de corte más alternativo y algo furioso, tenemos también The Drift en el que las inmensas guitarras de Jerome brindan una atmósfera lluviosa a la voz oscura y reflexiva de Sebastien. Dancing Ghost trae a los Corpus Delicti de siempre con su fantasmal invitación al baile. La grandilocuencia de Motherland y el paseo fúnebre de Dragon Song. Corpus – Syn:drom (1997) La división. Con la inclusión del tecladista y programador David Bachelet, este fue el último álbum si se puede decir así. Fueron sabios al en cierta manera acortar el nombre de la banda a Corpus por la propuesta que presentaban. El desacierto fue el radical cambio de sonido del grupo, enfocado en un sonido más electro industrial emparentado por momentos con el EBM. Si no fueran los Corpus Delicti que conocimos, estaríamos ante un gran disco. Tal vez en su afán de creatividad optaron por explorar otros terrenos, pero lo lógico hubiese sido que la banda optase por hacer algo parecido a lo que gradualmente hizo Clan of Xymox en su momento en los noventas incorporando de a poco maquinas en su música. Obviamente no fue un disco bien recibido por los fans radicales de la banda. Pero hay que decirlo, fue un buen disco, bien producido que al final significó la disolución de la banda. Rarities (2019) Y ahora llegan con esto. Comprende los demos que grabaron con Manu su primer vocalista, quien a diferencia de Sebastien tiene un estilo mucho más Punk, por momentos me recuerda algo a PIL. B sides como la asombrosa Masquerade y las tomas demo de Out of steam. Versiones en vivo de Dust and fire un tema monumental a pesar de la precaria calidad con que fue grabada esta versión. Los demos de Twilight y temas potentes como Head Cut más la versión alterna de Broken. Una delicia para los fans. He dejado de lado compilados de Cleopatra como Sarabands y The best of (que no lo era), como también las reediciones de D monic que traían material hoy incluido en Rarities. Creo yo esta es la manera definitiva de entrar al mundo de esta grandiosa banda de Niza, encendieron un fuego que no ha conseguido secar nuestro corazón. Al igual que X Mal Deutschland, es imposible pedirles que vuelvan. Pero podemos seguir los proyectos que han seguido tras su disolución, Kuta con un reflexivo e inmenso Sebastien y Press Gang Metropol con un aire más movido donde bailan los fantasmas. Grandes Corpus Delicti.

[ Posía Pop por Sofia Parcesepe. ]

POESÍA POP: UN DÚO QUE GENERA TENDENCIA

Su proyecto está por fuera de lo convencional, poemas que son canciones. Mena y Droopy militan la expresión artística a través de sus poesías y su música.

Viernes, 1.15 de la madrugada. Burzaco, pleno corazón del conurbano bonaerense. En el Centro Cultural Casa Elefante mujeres y hombres bailan al compás de una milonga. En una mano sostienen un vaso de plástico transparente lleno de cerveza que se mueve y danza al ritmo de la música. La otra sostiene un cigarrillo prendido que se deja ver. En el patio del local, una cocinera amasa pizza y las coloca en una parrilla a base de una garrafa de gas. Por la puerta principal se los ve llegar. Son dos. Uno alto, con una melena castaña repleta de rulos. El otro, un poco más bajo con un jopo crespo. Cada uno carga con un bolso sobre su espalda. Entran, saludan, acomodan los instrumentos y los micrófonos.Preparansuscosaspara tocar en algunos minutos. El público aplaude, en su mayoría son jóvenes. Se presentan como Poesía Pop y comienza la melodía, una música instrumental que proyecta Droopy desde el teclado mientras mueve la cabeza y el jopo. Mena agarra el micrófono con sus manos grandes y sus uñas rojas. Se prepara y dice: “Ella me dijo que tiene mariposas en la panza, no sé qué come. Yo sabía que tenía una en el brazo del lado de adentro justo arriba del codo. Con el sol se le ven los pelitos rubios y los

ojos le brillan”. Dice cada palabra con énfasis. Remarca cada sílaba y la siente. Mueve su cabeza al estilo Fito Páez. Agita las manos y los brazos como imitando el aleteo de una mariposa, como esa mariposa que describe en su poesía y su canción. *** Las formas convencionales de expresión literarias se reconfiguran y así, afloran nuevas. Un proceso en el que hay una nueva búsqueda de identidad por parte de la poesía. Un lenguaje más cercano, ameno y fácil. Poemas basados en la cotidianeidad o en los infortunios amorosos. Así nace Poesía Pop, un “proyecto liberador” en el que textos y música son propios. Aparece una nueva exteriorización de la literatura. Un lugar que da espacio para lo lúdico. Ya no es solo recitar poesía de manera convencional sino que es leer textos, poesías y también hacerlo con un énfasis, un vestuario y una música especial. Poesía Pop está conformada por un poeta, Manuel Marchioni (Mena), y un músico Droopy Brun. Los treintañeros definen a su proyecto

como un lugar donde "está el presente el juego y lo cotidiano". Y así lo muestran en una de sus fotos dónde se observa un unicornio de peluche y un teclado de juguete, que tomaron prestados de Amelia, la hija de Droopy. Juegan. No solo en cada show sino también en los ensayos y reuniones se divierten y hacen reír a Amelia. Juegan con el vestuario, el maquillaje, las uñas pintadas, el jopo y las melodías. No tienen prejuicios con la vestimenta ni con la música. Mezclan rock, pop, electrónica, chamamé y poesía en una misma canción. Mena relata que le gusta armar un personaje, maquillarse y pintarse las uñas. Cuenta que al día siguiente de tocar en un bar, fue al almuerzo familiar de todos los

domingos y su abuelo lo acusó de "maricón" por ser hombre y llevar las uñas de rojo. Los ensayos comenzaron en marzo de 2018 pero hasta diciembre del mismo año no se presentaron. Dicen ser la combinación perfecta entre ansiedad y planificación. Mena se define como "manija" mientras Droopy dice ser un amante de la planificación. Ambos se conocen desde hace muchos años porque el mejor amigo de Mena es el cuñado de Droopy. Transitaron y compartieron muchos momentos y juntadas pero en una oportunidad decidieron juntarse a charlar y armar un proyecto en común. Solo estaba pactado quién recitaba y quién cantaba, lo demás fue obra del destino. Nada fue forzado, sino que se dio de forma natural. Poesía Pop es esa conjunción perfecta entre

poemas y música. Droopy supo entender y representar de manera exacta todo lo que Mena quería expresar con sus poesías. En Poesía Pop el error no tiene cabida, o mejor dicho afirman que en sus shows no hay error porque cada momento es distinto y único. No hay límites ni restricciones en cuanto a lo poético y musical. Además consideran que “el error es una construcción del capitalismo" que tiene como fin hacernos creer que hacemos algo mal cuando no es así.

musical se amplía cada vez más. Con sus textos y melodías siempre buscan interpelar. Utilizan un lenguaje cotidiano y tienen en cuenta el territorio que habitan. Toman al conurbano como un espacio en común, teniendo en cuenta la cultura y la construcción de la identidad que se da en él.

"Hoy recuerdo esa boca, que ya no es tu boca, la boca llena de peces, un beso, La Boca. Cruzar el puente, tomar el 20 desde Yrigoyen, y mirar todos los días los colores del edificio del Central Park. Una boca, tu boca que ahora ya Hasta el momento tienen siete es otra boca". canciones pero su repertorio

Mena es un militante y enamorado de la República de Turdera. Es quien escribe los textos para Poesía Pop. Es escritor, poeta y músico. Además, coordina talleres literarios para adolescentes.

Ediciones La Huerta. El nombre surgió de “Encuentros en la huerta”, unas reuniones que organizaba ocasionalmente en su casa para amigos y conocidos, y con esa editorial presentó su primer libro. Al año siguiente comenzó a hacer talleres literarios y a desarrollar la oralidad que hasta ese entonces no la utilizaba. “El año pasado tenía un dúo con una amiga en la que yo tocaba la guitarra y ella cantaba. Un día se me ocurrió a recitar poemas de Pablo Neruda y ahí se empezó a mezclar. En un momento no me di cuenta y la poesía ya estaba ganando terreno. La melodía quedó guardada y solo quedó la oralidad”, cuenta.

“Escribo desde pibe pero después lo dejé porque empecé a estudiar música y me metí a pleno con eso. Formalmente escribo hace tres años, desde 2016 y a fines de ese año presenté mi libro Para los ojos más bellos. Ese fue el comienzo de una nueva etapa”, comenta. Estudió en la Escuela de Música Popular de Avellaneda (EMPA) y se dedicó durante muchos años a la música pero en un momento sintió que eso ya no le alcanzaba y por eso volvió a abocarse a la escritura. Armó, No tiene un look particular ni junto a unas amigas, una editorial característico pero relata que independiente a la que denominó le gusta “jugar y probarse ropa

nueva”. A veces toma prestado de Pop. Nació junto con el proyecto y su madre calzas doradas y camisas es su primera fan. largas para usarlas cuando toca. Pero otras veces prefiere vestirse con remeras o camisas propias. "Pensar en lo lindo que sería comprarnos una estufa, como en las “La búsqueda de mi poesía va más películas, donde la casa es un bunker, allá de mis proyectos, no escribo levantar con abrazos los muros del en especial para cada uno. Me penal de Ezeiza, sentirnos refugio. gusta laburar mucho el tema de las Porque después no hubo retorno, el imágenes, una poesía en la que no exilio fue conocernos." solo haya y esté construida desde el lenguaje porque los códigos con el paso del tiempo cambian. En *** cambio, una imagen es una imagen y te queda. Cuando recito un poema Sigue la música en Burzaco. Poesía y describo un objeto como una silla, Pop continúa su muestra musical y cada uno va a construir esa silla ahora se les ocurre improvisar en el con los recuerdos que tiene del momento. Mena le pide al público inconsciente”, cuenta. que le escriba en un papel palabras o frases así él puede improvisar en vivo Droopy Brun es músico y tiene una una poesía y Droopy lo acompaña productora de fotografía junto con su con la música, como siempre. Las pareja desde hace 7 años. Además personas escriben y les entregan arma las bases musicales de Poesía sus papeles. Ellos dos se reúnen, Pop. No tiene un estilo determinado arreglan y piensan cómo seguir. Así en cuanto a lo musical pero cuenta comienza la improvisación, el juego que tuvo un pasado dark en el que del que tanto hablan. Todo el tiempo se vestía completamente de negro y se reinventan y salen de su zona de se pintaba las uñas del mismo color. confort. Sin embargo hoy se aboca más al pop y a la electrónica. Además de El público se muestra contento Poesía Pop tiene otros proyectos y aplaude. Empieza la melodía. musicales. Droopy está compenetrado, cierra los ojos y siente cada tecla que Nació y vivió casi toda su vida en toca del teclado. Mena, por su parte, Villa Soldati pero hace algunos años empieza a improvisar. Mueve sus se mudó a Lomas de Zamora. Se ve manos y sus brazos. Cierra los ojos que el conurbano tiene su encanto. y dice cada palabra, cada frase con Afirma conjugar la paternidad con el corazón. Ambos sienten la música la música. Para él Poesía Pop es y la poesía. un “cable a tierra”, sobre todo en su primer año como padre que fue Droopy guía el vuelo de Mena con su "intenso". Ya le escribió canciones música. Ambos mueven sus manos a su bebé de un año y grandes ojos y sus brazos. Imitan el aleteo de una azules. Ella lo acompaña en sus mariposa colorida que juega entre ensayos y disfruta escuchar Poesía las flores, que renace y se reinventa

para mostrar su belleza. Igual que lo hizo Poesía Pop, reinventaron la poesía para así hacer una nueva forma de expresión artística mucho más bella y lúdica.

[ Entrevista a Martin Engler de Mono Inc. por Diego Centuriรณn. ]

MONO INC.: LA CALMA SIEMPRE ES SEGUIDA POR UNA TORMENTA

Sin lugar a dudas una de las bandas alemanas con más presencia dentro del rock gótico desde ya hace muchos años. Una banda que es número predilecto en muchos festivales europeos del género. A semanas de publicar un nuevo álbum, “The Book Of Fire”, anunciado para el 24 de enero, hemos obtenido la posibilidad de entrevista a su vocalista Martin Engler y esto es lo que nos contó….

Antes de empezar con esta entrevista quiero agradecer esta posibilidad que me dan de poder entrevistarlos. Es un honor poder hacerles preguntas a una banda con tanta trayectoria y tanta historia. En 2020 la banda cumple vigésimo aniversariodesunacimiento.¿Cómo resumiría estas dos décadas? Los primeros diez años estuvieron marcados por una lucha contra los molinos de viento, el trabajo duro y el autodescubrimiento. Descubrir qué es lo que realmente quieres hacer (y qué puedes hacer mejor) y crear un sonido único, eso siempre es lo más difícil para las bandas en general. La mayoría de las bandas se separan debido a este desafío, lo cual es una pena. Pero siempre estuvimos allí el uno para el otro, nos alentamos una y otra vez y logramos mantener vivo nuestro sueño. Cuando uno de nosotros estaba desilusionado, los otros estaban allí y transformaron sus sentimientos en energía positiva. "Ahora más que nunca", fue un lema para nosotros. La siguiente década fue completamente diferente para nosotros: comenzó con nuestro primer éxito en el top 10 y, de repente, se nos abrieron muchas puertas, a las que llamamos durante años en vano. Si, el

nudo pierde cosas, de repente sucede tan rápido y antes de que te des cuenta, ya no eres una pequeña banda. Afortunadamente, todos seguimos conectados a la primera década, por lo que el éxito ahora nos humilla, pero nunca olvidaremos de dónde venimos. A veinte años de su nacimiento ¿cómo ven hoy la escena de rock gótico a nivel mundial? No nos gusta juzgar a otras bandas. Así que mantenemos un perfil bajo en ese sentido. En general, sentimos que el GOTHIC, por ser un género muy emocional, se consume cada vez más. No es un milagro, porque el mundo en el que vivimos no se ha vuelto exactamente más hermoso en los últimos años. Los avances tecnológicos en veinte años han sido muy vertiginosos, ¿Cómo se han adaptado ustedes a estos cambios en la manera de distribuir su música? Nuestro sello está haciendo toda la distribución, así como el manejo de todas las redes de transmisiones on-line. No nos ocupamos de eso nosotros mismos. Pero, por supuesto, aprovechamos la posibilidad de las redes sociales para que nuestros fanáticos experimenten el crecimiento de la banda de primera mano. Algo así

como "MONO INC. TV" en YouTube se extinguiría. Y ese exacto fuego es el es una de las series favoritas para motor de MONO INC. nuestros fanáticos. El tema principal del nuevo álbum Con tantos años y tantos discos es la Inquisición ¿les llevó un trabajo me gustaría preguntar muchas de investigación? cosas pero nos quedamos en este Ya mientras investigaba para el álbum 2019. Viene de lanzar un bello anterior "Welcome To Hell", me topé trabajo como “Symphonic Live”, con una historia increíble: la ciudad ¿Cómo fue el trabajo de coordinar alemana de Trier está pagando sangre su música con músicos de cuerdas? a la iglesia hasta el día de hoy. El juicio, Debido a que todas nuestras en el que un presunto hechicero fue canciones están creadas en piano o sentenciado a muerte, fue hace 430 guitarra acústica, fue un poco diferente años, ¡y la iglesia se niega hasta el día organizar la música para una orquesta de hoy a renunciar a esos pagos! Así con banda de rock. Pero a mediados nació la idea de dedicar un álbum a la de los 90 viví en Los Ángeles durante supuesta brujería y herejía. un tiempo e hice mi vida componiendo bandas sonoras de películas, no Ustedes mantienen una estética era completamente nuevo para mí muy cuidada y, desde afuera, se ve componer una canción para orquesta. muy pensada. ¿Cómo preparan el Pero definitivamente hicimos un trabajo de la puesta en escena de sueño realidad para nosotros con el Mono Inc.? Symphonic Tour y el respectivo álbum. Más o menos sabemos exactamente Estábamos tan impresionados por la cómo debería verse todo el paquete pared de sonido y disfrutamos mucho para satisfacernos. Afortunadamente, de todo, así que esta no es la última tenemos un equipo muy competente vez que vamos a llevar este concepto a nuestro alrededor, que garabatea, al escenario y a las grabaciones. Pero dibuja todo el tiempo que sea necesario para variar, ¡solo tenía que volver a para dejar a todos satisfechos. sonar con THE BOOK OF FIRE! Se viene nuevo álbum y ya hay A través de los singles que shows anunciados. ¿En qué parte anteceden al nuevo álbum, del mundo les gustaría tocar que podemos escuchar un Mono Inc. tal aún no lo han hecho? vez más heavy que en los anteriores ¡Nunca hemos estado en América del Sur o Central! ¡Verdaderamente! álbumes. ¿Es así? ¡Sin lugar a duda! Como se dijo: nos Nunca hemos llegado más al sur que encantó el concepto sinfónico, pero Austin / TX. Esto sin duda sería una para nosotros la calma siempre es experiencia interesante. Hasta donde seguida por una tormenta. Eso es lo yo sé, algo como esto se negocia en que hace que la vida sea interesante y este momento. ¡Estoy emocionado! para nosotros siempre fue así. Siempre estamos buscando otro desafío. Si no Gracias Martn! hubiera ninguno, nuestro fuego interno

[ Entrevista a Manfredi Lamartina de Novanta por Benjamín York. ]

NOVANTA: LA MÚSICA ES EVOLUCIÓN

En nuestro número 29 de agosto del 2016 estuvimos hablando por primera vez con Manfredi acerca de su proyecto llamado “Novanta” que pertenece a un grupo de bandas que se lo suele denominar “Italogaze”. Hoy estamos ante un nuevo lanzamiento “Some Are Stars” que es su nuevo EP, así que nos contactamos nuevamente para ponerlos al día. Hola Manfredi, gracias por aceptar hacer esta entrevista. No hemos hablado durante mucho tiempo y con la salida del nuevo EP de Novanta, "Some Are Stars", me pareció una excelente oportunidad para conocer el presente de la banda. Gracias por contactarme nuevamente. Y gracias por el excelente trabajo que está haciendo con su revista. En nuestro número 29 (agosto de 2016) hemos realizado una entrevista para “Hello we're not enemies”, han pasado tres años desde esto. ¿Qué ha pasado en estos años en Novanta? Justo después del lanzamiento de "Hola, no somos enemigos", me encontré atrapado en la condición más común y más aterradora que un músico debe enfrentar: no estaba contento con las nuevas canciones que estaba componiendo. Y me di cuenta de que no estaba evolucionando como compositor. Entonces sucedió algo: un día eliminé accidentalmente todas las demos nuevas que estaba grabando, ya que " Hello we're not enemies " cayó. Había sido una tragedia: estoy hablando de 30 canciones, más o menos. Pero también había sido liberador, como un nuevo punto de partida. Necesitaba repensar sobre Novanta: no más como un proyecto orientado a la música solo para un cuarto, sino como una banda real. Afortunadamente, un gran amigo mío, Agostino Financo Burgio, se mudó a Milán (la ciudad donde vivo): en 2007 lanzamos un álbum con una banda de indie rock italiana llamada Moque. Así que

queríamos hacer de nuevo un gran ruido juntos. Agostino es un gran baterista y me ayudó a cambiar radicalmente mi enfoque de composición. Tomó tres años componer cuatro canciones: más vale tarde que nunca. Con respecto al EP anterior, nuevamente ha cambiado el curso de la música de Novanta. Ahora participan dos artistas diferentes, Dario Torre (Stella Diana) y Marco Barzetti (True Sleeper). Cuéntanos sobre el cambio de sonido en este EP y ¿cuánto influyeron tus colaboradores en el resultado? Oh bueno, son maravillosos. Stella Diana es una de las bandas de shoegaze más importantes aquí en Italia (y una de las mejores actuaciones en vivo de shoegaze en todo el mundo). True Sleeper es un joven y talentoso artista dreampop cuyo nuevo álbum, " Life happened ", es uno de mis favoritos de 2019. Ambos dieron algo de magia al sonido de Novanta y transformaron estas canciones en algo más épico y poderoso. El sonido de "Some Are Stars" está muy bien logrado; esas capas de guitarras crean un efecto hipnótico. ¿Cuánto tiempo te ha llevado escribir y grabar las canciones? Como dije, tomó no menos de tres años dar forma a estas cuatro canciones. Estaba buscando más impacto y un sonido más claro. Así que me di por vencido con las grabaciones caseras y fui a un estudio. Me encanta tocar mi guitarra con mucha reverberación, pero a veces la reverberación es muy difícil de manejar porque puede abrumar toda la canción. Así que trabajé mucho en esas capas de guitarra, tratando de construir una pared de sonido hecha por el ruido y la melodía. En “Outside Noise”, si sube el volumen (muy arriba), puede escuchar al menos diez guitarras diferentes divirtiéndose todas juntas. Los tiempos están cambiando rápidamente y la tecnología avanza rápidamen-

te. ¿Qué te ha sorprendido a nivel tecnológico últimamente que aplicas hoy a Novanta? El iPad es un gadget muy divertido que me permite tocar una melodía extraña de una manera muy fácil de usar. La tableta es parte del estudio y el set en vivo de Novanta, me ayuda a agregar un sentimiento moderno pero nostálgico a las canciones. Te haré una pregunta que nace de un sentimiento personal. "La paura fa" y "Lovers" tienen alguna conexión de sonido, tal vez en alguna melodía. ¡Vaya, no me había dado cuenta de esta conexión antes! Escucho una similitud en la atmósfera más que en la melodía, es lo que me gusta llamar música "ceiling-gazing". O punk para personas introvertidas. "La paura fa" es la primera canción de Novanta: escrita y compuesta en 2011, es una canción sobre no sentir miedo a tener miedo. Es un bolero, un bolero slowcore. Y "Lovers" también es un bolero slowcore.

Hablamos de "Some Are Stars". Cuéntame algo sobre cada tema del EP.

Outside Noise

Estaba tratando desesperadamente de hacer una canción completa, épica, directa a tus oídos. Así que construimos un mundo sonoro con mucho ruido y mucha reverberación. Dario Torre de Stella Diana hizo una gran línea vocal que encajaba perfectamente con los sonidos.

The Plot Thickens

Esta canción es sobre "Game of Thrones". No es una broma: estábamos grabando la canción en el estudio y, mientras tanto, yo y los productores estábamos hablando de la última temporada de la serie, haciendo una extraña teoría sobre los últimos episodios.

To Realize

La primera versión de esta canción fue más rápida, más enojada, más distorsionada. Luego decidimos reducir la velocidad, poniendo una batería inusual. Y finalmente llegó Marco / True Sleeper y dejó que su impresionante voz volara alto.

Lovers

Compuse esta canción en 2016, pero fue muy diferente, sin guitarras y muchos sintetizadores. No es una gran pista, de hecho. La nueva versión es mejor, confía en mí.

95 Finales de 2019. ¿Cómo fue este año para Novanta? Un año maravilloso Un nuevo récord. Una nueva banda. Es un sueño hecho realidad. Además, ¿qué podemos esperar para 2020? Estamos planeando algunos conciertos con una banda completa que incluye a Annalisa Vetrugno en el bajo y Giuseppe Musto en el sintetizador. Nos estamos divirtiendo juntos y esperamos tocar en vivo. Para terminar y agradecer el tiempo que ha pasado respondiendo mis preguntas. A lo largo de estos años de Novanta, ¿qué crees que deberías cambiar y qué continuar? Debería cambiar algo, pero no quiero cambiar todo lo relacionado con Novanta, porque en mi opinión, la música es evolución, no revolución. ¡¡¡ Gracias Manfredi !!!

ZONA DE INFLUENCIA

[ Entrevista a Ignacio Simón de Northwest por Ruben Torres. Fotografías: Jan Lenting y Alexander Blair. ]

EXPERIMENTACIÓN Y MELANCOLÍA

Northwest es uno de los proyectos musicales más interesantes en la escena independiente Europea. Desde España ahora ya radicados en Londres y es desde esa base de operaciones que están conformando un sonido ha sido definido como nuevo y experimental, cinemático que recuerda a las viejas películas soviéticas, imágenes prerrafaelistas y elementos de improvisación de danza y teatro donde han demostrado que Northwest está, poco a poco, creando un universo único y prometedor. Northwest se formó a fines de 2015 cuando el multi-instrumentista, compositor y productor Ignacio Simón y la artista visual, compositor y cantante Mariuca García-Lomas se mudaron de España al Reino Unido. Allí obtuvieron la atención de los medios con tres sencillos grabados como Reflection, Wind and Look At Me que se lanzaron a principios de 2016 acompañados de tres videos enigmáticos dirigidos por ellos mismos. Grabaron su primer disco de manera independiente en diferentes e inesperadas partes del Reino Unido, una antigua iglesia en el medio del campo, los estudios de una universidad en Londres y varias casas y pisos en los alrededores de Londres. Se lanzaron otros tres singles con tres videos como primer contacto que tendríamos de este álbum Dimaryp, Same Old Sky and Sun. El disco se lanzó oficialmente en junio de 2018 de manera poco convencional junto con un texto en el que hablaron sobre la realidad de ser un artista independiente en la era tecnológica e Internet real y donde compartieron su intención de buscar formas nuevas e innovadoras no solo en hacer música, sino también comunicarla, escucharla y difundirla, artistas independientes en un medio que ya casi no lo es... A principios de 2019, decidieron lanzar oficialmente su álbum debut a Internet; LONDON y textos donde comparten todos los experimentos, iniciativas y colaboración que pudieron lograr desde la publicación de su primer manifiesto. La banda esta de gira por toda Europa a lo largo de este año 2019. La música de Northwest explora diferentes géneros vanguardistas como dream pop la música electrónica y todo este viaje esta basado en la experimentación y melancólica...

Empezamos el programa y decíamos que teníamos las voces de los artistas y esperemos que ahí esté, a pesar de la distancia, esta distancia que hablábamos en el comienzo del programa que tenía que ver con las fronteras, hoy a la noche casi que no las vamos a tener, van a hacer invisibles o mágicamente van a desaparecer, y ahí estamos hablando con nuestro amigo Ignacio Simón, de este proyecto hermoso llamado Northwest...le damos la bienvenida desde Londres... Buenas Noches amigo, Ruben Torres te saluda desde Radio Futura, de la ciudad de la Plata, de la República Argentina, Bienvenido... Hola Buenas Noches Ruben, hola Agustín y hola María, también.... y nada un placer estar hablando con vosotros desde aquí desde Londres a Argentina, y a toda la gente que esté escuchando, es todo un honor para mí. Cuando hacíamos esta comunicación, de enlace para llevar esta entrevista adelante, ya hace algún tiempo, lo íbamos a hacer a través de una revista, pero quiso el destino que hoy estemos al aire, y quiso precisamente también la vida que hoy estemos hablando con vos, par nosotros es un gran placer y es un honor tenerte del otro lado, estoy hablando con Ignacio Simón, el tipo que en realidad alguna vez también estuvo al frente de Al Berkowit y nosotros que somos oyentes de música, lo tenemos súper presente desde ahí, y por eso también el interés que teníamos con Northwest. Primero contame un poco tuy historia musical, a grandes razgos, para poder conocer un poco más de Ignacio Simón. Bueno en primer lugar... Gracias por el interés... la verdad es que me hace mucha ilusión que conozcáis mi trabajo anterior y que tengáis tanto interés en Northwest, que es el proyecto que ahora me dedica más tiempo.

Pues bueno, yo empecé en esto de la música hace unos 15 o 16 años, y Al Berkowit fue la banda con la que me inicié de forma seria, digamos, y estuvimos unos 10 años, hicimos 2 discos, hicimos unos cuantos discos en directo, giramos mucho, sobre todo por España, hicimos un par de conciertos aquí, en Londres, hicimos un pequeña gira por Italia, pero bueno luego la cosa pues, fue muy difícil mantenerla a flote, pues éramos tres miembros, Santiago Alonso y Lorenzo Palomares, batería y bajista, y bueno iba todo muy bien, musicalmente disfrutábamos mucho, íbamos hacia adelante, pero bueno al final es complicado mantener un proyecto de tres personas con el tiempo, cuando no entra el dinero, no acaban de salir las cosas y entonces yo, en ese momento, decidí venirme aquí a Inglaterra, pues un poco por cambiar de aire, porque de alguna manera, era ese pequeño sueño que yo tenía siempre, que era venirme a vivir a Inglaterra e intentar hacer música, aquí donde estaban casi todos mis héroes, The Beatles, Robert Wyatt, Nick Drake, Talk Talk, prácticamente la gran mayoría de mis influencias venían de aquí, así que, pues era un poco mi ilusión, venir aquí y empezar de cero, haciendo música y moviéndome en este ambiente... y en este punto fue cuando, bueno yo ya conocía a Mariuca, pero fue en este instante en que decidimos empezar este proyecto en serio y venirnos aquí a ponerlo en práctica... y bueno las cosas empezaron, la verdad, poco a poco, fuimos probando nuestra colaboración, cómo íbamos relacionándonos, qué parte iba a hacer cada uno, y poco a poco fue fluyendo bastante, y fue variando la manera de colaborar que teníamos, hasta que cinco años después, aquí estamos con este proyecto bastante en marcha y estamos bastante contento, con un segundo disco a puntito de salir... me extendido pero bueno, espero que eso sirva como resumen de mi carrera... Está muy bien que haga un pequeño

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repaso, porque seguramente tiene que ver con cuestiones que vamos a preguntar o a profundizar un poco más... que tendrá que ver con algunas influencias... hace un momento hablábamos de Al Berkowit y hoy tenemos que hablar de Northwest. Son dos proyectos bien diferentes, pero que sin embargo, salen casi de una misma cabeza, obviamente, ahora tenés a tu compañera, Mariuca García Lomas, que en realidad tiene que ver con esta cuestión, que llevan adelante con esto de ser artistas visuales además... porque no sólo Northwest llega desde la música (y ahí nos vamos a meter seguramente con la banda), sino además también desde el concepto visual, que es casi más grandilocuente que la música, hay momentos que se emparentan, pero se ve que hay un interés o un concepto, una idea muy formada de la música + visual, ese el concepto de Northwest y seguramente

viene de muchísimas influencias, ¿eso es un poco lo que quieren mostrar con Mariuca? Pues si, en realidad es curioso que comentes esto... bueno hablábamos de Al Berkowit, que era un proyecto de tres personas y bueno, digamos que yo era el productor y compositor principal, aunque también había un imput por parte de los otros miembros. Y cuando empezamosNorthwest,yoenrealidadconocía a Mariuca, porque ella empezó dirigiendo videos para este grupo, para Al Berkowit, y ella estaba metida 100% en el mundo del video, ella venía de estudiar diseño gráfico, de hacer videos para artistas, y ella no tenía una carrera en la música, ella llevaba como algo secundario, todavía no tenía un afición desarrollada... entonces cuando empezamos el proyecto evidentemente yo tenía más experiencia, más capacidad para producir y llevar a cabo las ideas que teníamos, pero yo tenía muchas ganas de conseguir que ambos

trabajáramos al 50%, en todo lo que es la parte de la composición, lo que es la parte del desafío de las canciones, y evidentemente, la parte de la producción musical, yo tenía esta experiencia que me ha permitido plasmar cada vez mejor, o eso es lo que yo intento por lo menos, las ideas que teníamos los dos en la cabeza, que de alguna manera se hiciera realidad. En cambio, por arte de Mariuca, ella tenía esa capacidad visual que a mí, vamos, me era completamente extraña y desde luego, al principio, era una de las ideas que teníamos y pensábamos que podía funcionar, es aprovechar que los dos teníamos buenas ideas musicales, pero yo tenía más experiencia en lo que la producción y en cambio ella tenía muchísima más capacidad para plasmar visualmente las ideas que yo era incapaz de hacer, este punto visual no tenía ni la técnica ni la capacidad... y esa fue una de las ideas fundacionales de Northwest, el video o la imagen, o en realidad cualquier clase de arte, ya fuera arte visual, plástica o musical, estuvieran un poco interrelacionadas. Y con el tiempo, lo que más me gusta de esto es que a principio empezamos con unas tareas

bastante delimitadas, estaba bien claro quién iba a hacer cada cosa, pues la parte musical entre los dos, yo producía, Mariuca la parte visual, pero lo interesante es que con el tiempo hemos aprendiendo la tarea del otro, hasta el punto que ahora, yo me he atrevido a dirigir videos, un poco gracias a lo que he aprendido de trabajar con ella, y ella está produciendo casi al mismo nivel que yo, con lo cual, lo que empezó siendo el trabajo de dos personas que venían de dos ámbitos diferentes, al final se ha ido mezclando más y prácticamente estamos los dos haciendo las dos cosas, ahora, a la hora de hacer, por ejemplo, videoclips o partes visuales, pues es una ventaja, porque yo ya me creo un poco con capacidades de intentar plasmar esas ideas que yo tengo, pero ella también en la parte musical produce al mismo nivel que yo, con lo cual podemos comunicarnos de una manera muchísimo mejor y más fluida. Hay algo de Northwest que me llama la atención y además es un poco lo que nos sucede a nosotros, siempre nos llenamos la boca con la independencia, y

la manera de ver la música diferente ya hoy, ya no se cuecen habas en lugares como discográficas tan importantes, la música hoy llega de otra forma a la gente, se escucha de otra manera, se difunde de otra manera, y hay una forma que tienen ustedes de ver esa realidad, el artista independiente que, obviamente, tiene que ver con la tecnología, con internet, con esta intención de buscar formas nuevas e innovadoras de poder comunicar lo que hacen a través de la independencia, y como decíamos hace un momento, de difundirla. ¿Ese es un sello distintivo del proyecto Northwest? Sí, bueno, es curioso, porque también cuando decidimos comenzar este proyecto, recuerdo que nos sentamos juntos en una mesa y escribimos un manifiesto y queríamos poner, antes de empezar a trabajar juntos, poner por escrito aquellas cosas que queríamos que Northwest tuviera, y una de ellas era innovar o intentar por lo menos mantener esta independencia total, en todo lo que está más allá de la manera de difundir, de comunicar la música y la manera de hacerle llegar a la gente todo lo que estamos haciendo. Lo que pasa que durante el camino, muchas veces se nos olvidó, digamos que a veces por inercia y porque es lo que tenemos en nuestra cabeza, qué es lo que hay que hacer, en momento dado acabamos, escribiendo a discográficas, buscando que un sello nos ayudara, intentamos salir fuera con esa intención, y de repente nos acordamos de que una vez nos habíamos sentado juntos y habíamos escrito que no queríamos hacer eso... pero se nos había olvidado, entonces nos dimos cuenta que teníamos que volver un poquito a ese idea original. Y fue cuando nos centramos aún más en esa idea de cómo comunicar... digamos que todo tiene su lado bueno y su lado malo... y desde luego trabajar para una discográfica, tiene muchas ventajas, desde el punto de vista económico, desde la parte que puedes centrarte en la parte más artística y dejar otras cosas de

lado. Pero luego también ser completamente independiente, que es una cosa que solo ahora los músicos y los artistas tenemos la capacidad de hacer gracias a Internet, gracias a las comunicaciones, pues tienen muchas ventajas evidentemente, y es que tenemos el control total de todo y cada una de las partes de lo que es el proceso, desde la composición, la producción y la parte artística hasta lo que es la parte de la comunicación. En ese sentido, pues sí, cada vez lo tenemos más claro que todavía no nos merece dejar ese control, ceder ese control porque quizá no merece la pena a día de hoy. Pensaba en esta posibilidad que tienen ustedes a través de la música y hacerla, de ser artistas, y así me permito llamarlos, porque en realidad tiene que ver con lo que los rodea. Hay cuestiones que tienen que ver con la música que ustedes vienen haciendo y estuvimos ahí mirando un montón de videos, que nos pareció un concepto muy fuerte de la banda, porque hay momentos, yo me acuerdo de Michael Stype hablando de los 80's diciendo, la obra del artista ya no solamente a través de la música sino también a través de lo visual, él lo dijo hace un montón de años y la gente lo trató de descolocado en el tiempo, sin embargo, la realidad nos chocó a la cara, y eso es lo que vemos nosotros con Northwest, digamos es un proyecto que es musical pero también visual. Y hablando de lo visual, ustedes tienen la posibilidad, además de como suena la banda, porque si vamos a hablar de géneros, podríamos hablar de de cientos, pero suenan melancólicos, darkwave, de todas las maneras que hoy la música como está en la actualidad. Y ahí, en Londres, donde están ustedes tienen lugares para poder grabar diferentes videos, como las partes de las iglesias, esas antiguas, como veo en los videos, eso también le ayuda al proyecto, esa búsqueda de lugares que precisamente hablan de lo

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que es Northwest, como proyecto. Bueno, en concreto, es verdad que aquí en Inglaterra, nosotros hemos visto una cosa que, por ejemplo en España (no sé si en Argentina pasará), pero es frecuente que las iglesias que las permitan alquilar para hacer eventos, para dar conciertos, aunque no tengan nada que ver con lo religioso, eso por ejemplo, en España, es impensable. Y aquí, por ejemplo, nosotros hemos podido alquilar una iglesia para organizar nuestro pequeño festival, presentar un disco y claro, evidentemente, lo que es el lugar es espectacular, mucho más bonito y mucho más interesante que una zona de conciertos habitual. Y aquí en Inglaterra, es verdad, que hemos encontrado muchos espacios muy interesantes, pero en realidad en los últimos tres o cuatro años, nosotros hemos estado haciendo muchas giras por Europa en general y hemos tenido una vida un poco nomade, la verdad es que hemos encontrado localizaciones muy interesantes por toda Europa, entonces nuestros videos nos todos están grabados en Inglaterra, desde luego Londres y la zona por donde solemos vivir, evidentemente está lleno de localizaciones interesantes, pero siempre llevamos la cámara encima y pues, ya sea en España, en Francia, ya sea en la mitad de una carretera en la República Checa, cogemos una cámara y nos ponemos a grabar cosas que luego van a salir adelante. A nosotros siempre nos gusta disfrutar del paisaje, pero también mirar y pensar "ya que estamos aquí, podemos grabar algo, podemos intentar hacer algo, y bueno... eso es una de las ventajas de estar moviéndose constantemente y viajar bastante... Poneme al tanto de lo que vinieron grabando con Nothwest, en realidad es una banda que tiene algún tiempo, tiene algunos sencillos, tiene un disco, que es el que vos decías hace un momento que lo presentaban en una iglesia antigua, ahí precisamente en Londres, pero también están trabajando en un disco nuevo y

además tienen avances... Contame un poco de eso... Bueno, pues, efectivamente empezábamos sacando sencillos, sacamos tres o cuatro sencillos y luego nos pusimos a grabar lo que fue el primer disco, que era una cosa que nos tomamos un tiempo en prepararlo, el caso es que cuando estábamos a mitad de camino nos dimos cuenta que había material suficiente no para un disco sino para dos, lo que decidimos fue separarlo en dos partes, entonces lo que ha salido hasta ahora, el primer disco de Northwest, en realidad es la primera mitad de un díptico, o una disco doble, o es un disco en dos partes, llámalo como quieras, pero digamos que lo que está a punto de salir es la continuación a lo que ya está. Creo que a la gente le gustará, porque es más que una continuación, es un como la contraposición, no suena igual, de hecho tiene otro tipo de instrumentación, es un poco más analógico, más orquestal, menos electrónico, un poco más jazzero por decirlo de alguna manera y, bueno, queremos que de alguna manera quede como una obra completa en dos partes. Casi cayéndonos de la entrevista tiene que ver con esto... Ustedes están girando en este 2019 y presentando todo este trabajo, no? En 2019 hemos hecho dos giras Europeas y cerramos el año con un último concierto aquí en Londres en noviembre, solemos hacer tres o cuatro giras por año, y en las giras solemos intentar pasar por todos los países posibles, a todos lados donde nos inviten. Por ahora sólo hemos tocado por Europa, todavía no hemos cruzado el charco, que es una cosa que nos encantaría... pero en el 2020, con un poco de suerte... seguiremos haciendo giras, seguiremos moviéndonos y con un poco de suerte intentaremos ampliar continentes quizás, otros países, y bueno... todo lo que sea con tal de disfrutar haciendo música, conocer más gente e intentar llegar a más sitios y por el camino, esa es la parte buena,

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es que lo pasamos bien, no es un trabajo que desde luego nos disguste... Cuando charlábamos en la coordinación delaentrevista,vosmedecíasprecisamente que por primera vez hablás con un medio argentino, porque tiene que ver con esta cuestión, nosotros en realidad somos, estamos en un punto del planeta que se llama Ciudad de La Plata, desde ahí que es una ciudad muy cultural, donde hay muchísima música, como en cada uno de los sitios de la República Argentina, pero también se cuecen casi las mismas habas que pasan en la música contemporánea actual, por ejemplo de la que ustedes también son parte, el dreampop, la música electrónica, toda esta cuestión vanguardista, que en realidad es cíclica la cuestión musical, así es la manera que nosotros tenemos de ver la música, a veces dura un poco más, a veces un poco menos... pero siempre hay una manera de innovar... Por estos lares... se escucha mucho de lo que ustedes hacen, si se

quiere podemos hablar del rock, que de alguna forma ya no se conoce de la misma manera, pero sin embargo tiene todas estas aristas, lo que quiero decir es serían muy bien venidos a estos lugares, aquí vino Motorama, aquí viene la gente que tiene que ver con la música actual y uno ve la participación y los oyentes como se van sumando, y también tiene que ver con lo que nosotros hacemos, porque es un poco la difusión de este estilo de música, si se quiere... así que Northwest es una de esas bandas que serían muy bienvenidas y nada... sería un gran placer poder verlos en vivo... hace poquito estuvimos viendo algunos videos, así que ténganlo en cuenta... Desde luego nos encantaría... si podemos hacer lago para llegar a Argentina y conocer ese país, nunca he estado ahí, ni como turista ni como músico, así que es una de las tareas pendientes, sería muy bonito y creo que Mariuca, si estuviera aquí, estaría de acuerdo, creo que nos haría mucha ilusión, y sí, desde luego, sabemos que en

Argentina hay muchísima cultura y además que al día de hoy, gracias a internet y a las comunicaciones, prácticamente estamos todos interconectados desde el punto de vista musical y lo que se está haciendo en Argentina se está escuchando en España, se está escuchando en Inglaterra, al momento, entonces creo que eso es bueno... empezabas el programa mencionando a John Lennon, no? y es verdad que la música es la mejor manera de intentar saltarse esas fronteras, saltarse esa distancia y tener una comunicación directa, nosotros tenemos la ventaja de que estamos hablando el mismo idioma, pero vamos, nosotros hemos tocado para gente que su lengua materna es el lituano, o el checo y aún así ves que consigues transmitir algo, y eso es una cosa que es muy poderosa... vamos... a mí me fascina y no hay nada mejor que usar la música para saltarse esas fronteras, esas distancias, y acercar un poco a las personas...

hacían de Ash Ra Temple, una canción llamada "Light: Look At Your Sun", tremenda canción, tremenda versión que hacía con Al Berkovitz, se lo quería decir en el final de la entrevista, para agradecerle cada uno de esos buenos momentos musicales que nos ha hecho vivir y la posibilidad que usted nos da para difundir y además tener su voz presente en esta noche de sábado, acá en este programa de radio, del otro lado del mundo, pero que la música nos une y nos salva... y eso también es importante, así que queríamos agradecerle amigo Ignacio. Pues, nada...muchísimas... muchísimas gracias a vosotros y de verdad el placer es mío y estoy aquí al otro lado del teléfono y para cuando sea, y me hace mucha ilusión además que me recuerdes esa época con Al Berkovitz, porque va quedando cada vez un poquito más hacia atrás, había guardado un muy buen recuerdo de esa época y nada... pues me hace muchísima ilusión que me Es verdad amigo... la verdad lo recuerdes y pensar que ha llegado ahí a sinceramente, un gran placer haberlo Argentina, es una cosa que me gusta saber. tenido ahí del otro lado, Ignacio Simón, Así que un abrazo muy fuerte a todos por ahí, porque hablando precisamente de las y espero que pases una buena noche y que fronteras estaría buenísimo dejarlo otra podamos hablar más adelante del futuro y un vez de lado y pegarle un saludón, ahí placer por enseñar mi música por ahí. donde esté en este momento... primero agradecerle Al Berkovitz, agradecerle Gracias amigo, Ignacio Simón del otro ese gran proyecto y además, en algún lado, claro que sí, ellos tienen un hermoso momento, me pude cruzar, hace ya algún proyecto, en Londres, en realidad es tiempo, con una versión que ustedes nacido en Madrid, que se llama Northwest.

Entrevista realizada el 16 de noviembre de 2019 para el programa de radio; Zona de Influencia que se emite los sábados 9pm, a través de radio futura 90.5 desde la ciudad de La Plata ( Proyecto; Casa Unclan )

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[ Reseña de "Merciful Nuns - Black Halo" por Benjamín York ]

TODO TIENE UN FINAL

Merciful Nuns - Black Halo Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 20 de septiembre de 2019

Aquellos que seguimos a Artaud Seth y su Merciful Nuns sabíamos que el 2019 era el año de caducidad de este proyecto, que involucra a Jawa Seth y Jón Tmoh. Desde el 2010 viene haciendo un trabajo prolíficamente formidable (más de 10 álbumes, varios EPs y algunos compilados), cierran su historia discográfica con este EP. Cinco canciones que nos harán pensar por qué tiene que haber un final. Pero eso es lo sabíamos por las propias palabras de Artaud, éste proyecto no duraría más de diez años. El EP completo tiene un fantasma sonoro o una sombra que cubre este trabajo, que es la de Joy División, de hecho la canción "Disorder" es un fiel reflejo de lo que digo, hasta el nombre. Pero también se deslizan sonidos curaneos, y nos llevan a sonidos de los años 80’s, las secuencias, baterías electrónicas, los sintes, todo suena a los años 80’s. Más allá de sonidos conocidos este Ep demuestra una vez más por qué Merciful Nuns fueron los amos de la década que se acaba…. nos quedará seguir el camino de Artaud en Near Earth Orbit, junto a Ashley Dayour y el apoyo de la siempre infaltable Jawa Seth. Todo tiene un final, así de triste como suena…. pero aún nos queda el sueño de que alguna vez Artaud decide revivir a las Misericordiosas Monjas del sueño eterno.

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ROWLAND S. HOWARD

[ por Pepe Navarro ]

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"Y otra vez en esta habitación, y toda esa basura en el piso, iremos solo una vez más" The Birthday Party "Rowland around in that stuff" (1981)

Mucha gente sostiene que la música, es matemáticas. Sucesión de acordes ejecutados por una persona, usando un instrumento, en intervalos determinados. Notas musicales que se concatenan y forman una melodía. Así hasta el infinito. O no. Breve y concisa asociación numérica: 24/10/1959: Fecha de nacimiento, ubicación geográfica: 37°49′14″S 144°57′41″E. Australia. 1978: Se une a una banda incipiente llamada The Boys next door, aunque ya había tenido experiencia en otra, llamada The Young Charlatans. Hartos de sentirse frustrados en Melbourne, deciden mudarse a Londres, Inglaterra. En el camino, cambian su nombre a The Birthday Party. 1983: En el medio de una real tormenta de excesos, Rowland decide saltar del barco. Total, las señales de naufragio son claras. El líder de la banda, Nick Cave, tenía ya en su cabeza su próximo plan. El tiempo le dió la razón. 1995: Tras unirse a otra banda de amigotes Australianos afincados en Europa llamada Crime and the City solution, abandonarlos tras un LP y tres Eps, y emprender su propio proyecto llamado These Immortal souls, decide que su tiempo en Europa ha concluido. Regresa a Australia. 1999: Sale su primer disco solista "Teenage stuff film". 2008: Su salud le deja de sonreir. Hepatitis C, su compañera por años, decide invitar a alguien más a la fiesta de despedida. Cirrosis accede. Pausa. Bajo la espada de Damocles que pendía sobre su cabeza, y la casi certeza que el esperado transplante de hígado no llegaría a tiempo, deja de marcar los días en el calendario con sangre y empieza a marcarlos con notas musicales. Un mes exacto le llevó grabar su segundo disco solista. "Pop Crimes" es el nombre. Corre el mes de Octubre del año 2009. 30/12/2009: La guitarra de Rowland deja de sonar, al unísono de su corazón. Esta vez para siempre. Tenía 50 años. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Rowland es (Si, digo es, por que permanece aquí su memoria) uno de esos pocos artistas en los cuales su obra es tan personal, que es difícil separarla de su existencia. Anclado a su profunda convicción que lo mantuvo alejado de cualquier corriente, quizás su logro mas palpable fué el usar la guitarra como un medio particular, alejado de medios comunes, sin capitular ante modas, corrientes y demás aspectos que se mezclan para formar una trampa en la que muchos músicos caen invariablemente, a veces sin saberlo. Su estampa inconfundible, queda grabada en la memoria y retina popular, a fuerza de sonidos que parecían sacados de un universo paralelo, creado solo con su amada Fender Jaguar y un pequeño set de efectos. Mientras veía a sus amigos y colegas perderse en vapores de decisiones artísticas para solventar sus carreras con éxito y fracasos, supo darse cuenta que el secreto era hacer lo que siempre había tenido en claro: convertirse en un médium para poder darle forma a sus pesadillas, alegrías y demás sentimientos, pero en formato canción. Con todo lo que eso lleve, arrastre y genere. No había otra forma. Y vaya si lo hizo. Seguro que debe estar en algún lugar cigarrillo colgando de sus labios, con esa sonrisa que lo caracterizaba. Han pasado 10 años desde que la canción definitiva dejó de sonar. Ahí va otro número para la colección. ¿Queda alguna duda que la canción "The six strings that drew blood" (Las seis cuerdas que sacaban sangre) de The Birthday Party es él? Rowland S. Howard 24/10/59--30/12/2009

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The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A