Revista The 13th Número 61 by Revista The 13th

AÑO: 6 | NÚMERO 61

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

PIA FRAUS - DARMAN - MAYFLOWER MADAME CIELO OCÉANO - SWIMMING POOL ADAM ANT - THE CHURCH - THE CRAMPS - TOPOGRAPHIES NAX - VICTORIA REAL AQUELLA TAPA - NO ME ESCUCHO RECORDS - DE TIEMPO Y LETRA EXPEDIENTES DD - LA ORACIÓN DE LAS CENIZAS - DES + CONCIERTOS ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR? - EL RINCÓN DE NOTICIAS

STAFF

Marzo 2020 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alejandro Cenizacromada REALIZACIÓN Y DISEÑO

Alex Bretto

Diego Centurión.

Álvaro Calderón Ponce Ariel Tenorio Benjamín York

PORTADA

Darío Martínez

Diego Centurión

Diego Centurión Franco Doglioli Maximilian Jeske Maxx Wild

Jefe de Departamento de Colombia:

Pepe Navarro

César León Jefe de Departamento de Literatura: Franco Doglioli. Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 61 NUEVA DÉCADA, EN CUARENTENA El mundo se despertó en medio de una pesadilla COVID-19. Nosotros empezamos la nueva década con un número con integrantes que se suman para darnos una mayor mirada a la acostumbrada en la revista. Éste número tenemos un nuevo integrante del staff y añadimos a un colaborador que se suma definitivamente. Presentamos a Ariel Tenorio quien llevará adelante una columna llamada "Aquella Tapa", en donde nos guiará en el fascinante mundo de las portadas de discos. Ariel es un excelente dibujante y artista plástico. Por otro lado se suma definitivamente a nuestro grupo de redactores Pepe Navarro, quien nos trae en su columna "Expedientes DD" un camino sin dirección que abarca distintas reflexiones sobre la música, con crónicas callejeras, que nunca sabremos bien a donde nos llevará, pero siempre llega a un puerto en donde, de manera inconsciente, o consciente, nos deja preguntas que nos hará pensar. Otro nuevo espacio se abre en "Des+Conciertos" en donde Darío Martínez regresa a la revista y nos presenta un mundo artístico, que nació de una fecha truncada por el Coronavirus, y que, ante la imposibilidad de esta muestra, dió inicio a un Blog en donde la experimentación será parte, que número a número, irá generando experiencias audiovisuales entre los artistas participantes. Darío abre una puerta y la experiementación hablará por sí sola en cada número. Como siempre tendremos las columnas habituales, nuevas entrevistas. y reseñas de discos. Bienvenidos al número 61 de la Revista The 13th... Pasen y lean.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES ¿QUÉ BEBER

PARA ESCUCHAR MEJOR?

SWIMMING POOL

PIA FRAUS

THE CHURCH

16 22

NO ME ESCUCHO RECORDS DES+CONCIERTOS

30 34

44 50

EXPEDIENTES DD

AQUELLA TAPA

THE CRAMPS CIELO OCÉANO

64 72

DE TIEMPO Y LETRA MAXIMILIAN JESKE ÁLVARO CALDERON PONCE FRANCO DOGLIOLI

LA ORACIÓN DE LAS CENIZAS IL GIARDINO VIOLETO

74 78 80

88 TOPOGRAPHIES

MAYFLOWER MADAME

MUSIC CORNER DARMAN

DISCOS

ADAM ANT RINCÓN DE NOTICIAS

90 98

102 NAX

110

¿Qué Beber para escuchar mejor? [ Por Maxx Wild ]

THE WARLOCKS

SKULL WORSHIP & SWEET VELVET SKIN

Sigue el calor y no vengo a proponer algo refrescante. Me gusta experimentar y quiero que también lo hagan ustedes. En esta conjunción, la parte musical la traerá la banda californiana The Warlocks, con su disco del 2013 Skull Worship y mi propuesta gustativa será lo que decidí llamar Sweet Velvet Skin. A tomar nota: vaso corto (de mediano tamaño), llenen la mitad con un bizcochuelo de vainilla… sí, leyeron bien, recorten el bizcochuelo con el vaso y ubíquenlo en el fondo. Ahora lo bueno, licor de café para embeber la masa, quien se anime, puede agregar un poco de cognac extra. A continuación media medida de licor de casis y completamos con dos medidas de la famosa Irish cream (todos conocen su nombre). Cuchara en mano, no sentarse y a presionar play… Dead Generation se descubre tras el telón, casi conocida, rítmica y desafiante, a la primera probada nos damos cuenta de que viene esto… también quiero que piensen y sientan al Sweet V S. Aquí hay texturas, sabores, todo mezclado pero separadamente degustable. Garage, post punk, Psy, shoeagaze… guitarras fuzz, acople y el “sostenido” final es lo que define el lugar y los que sabemos de este estilo disfrutamos. La sexy Chameleon, va y viene, para que nos movamos sin tanto desplazamiento mientras embriagamos el espíritu sonoro y comestiblemente… el solo resbala en el paladar como bizcochuelo deshaciéndose. Endless Drops es alegremente oscura, escarba y revuelve, envuelve, golpetea, no duele pero lastima (Swans haciendo shoegaze???). Llegando a la mitad, más común, más americano pero no menos dolido, un estilo tomyorkesco y una guitarra sollozante son las estrellas en esta Silver & Plastic. El manejo armónico da la sensación de

vacío espacial en He looks good in Space. Flotar libremente en la dulce y embriagante “piel de terciopelo” es la sensación que deben lograr, casi un trance, sin abrir los ojos. You´ve changed, It’s a hard Fall y Eyes Jam, son la tríada final de este disco, no muy diferentes pero lo suficientemente como para no cansar, si es necesario, se suma un Velvet más. Drone y algo de noise se le pueden sumar al oscuro cocktail que son los Warlocks (piensen en el cocktail) que sorprendentemente vienen de la “alegre” costa oeste pero que a mi parecer son como un agujero negro, atrayente, denso… si entran… no saben bien que pasará. ¡Salud!

[ ReseÃ±a de "The Church - Gold Afternoon Fix" por Pepe Navarro. ]

GOLD AFTERNOON FIX

The Church - Gold Afternoon Fix Label: Arista Fecha de Lanzamiento: 22 de Febrero de 1990

Que años agitados aquellos. Los ochenta daban sus últimos frutos, y la industria musical estaba en pleno proceso de cambio de piel. Muchas propuestas eran evaluadas, disecadas y dejadas de lado, en busca de la eterna piedra filosofal arropada en notas musicales. En esos años, se llamaba Grunge. En plena efervescencia de esa carreta de camisas de cuadros y pelos largos, y a pesar que sus grandes nombres aún estaban escritos en letra chica por los grandes tabloides que dictaban modas en esos años de papel y tinta, otra historia estaba llevándose a cabo en campos musicales. Claro, pero casi a nadie le importaba. O si, pero en ligas menores. 1988 había sido un año productivo para The Church. Capitalizando las ventas de “Starfish” su quinto esfuerzo en formato de Long play, y sobre todo la exposición súbita de la banda con un single pegadizo (pero dejando de lado la palabra “banal”) como “Under The Milky way”, se respiraban aires extraños. Una extensa gira de promoción, y una revalorización de la banda en ciertos círculos, habían dejado en claro que estaban preparados para cosas más grandes. Arista, su compañía discográfica, no solo había creído en ellos, e invertido una gran cantidad de dinero en su promoción. Los acompañaba en este nuevo camino que se veía como lucrativo, brillante y artísticamente creativo. Claro, toda historia tiene –aludiendo al formato discográfico reinante en esos años- Un lado B. El aparato creativo interno de la banda, tras meses de giras y la experiencia traumática de tener que seguir un ritmo al cual no estaban acostumbrados, se estaba resquebrajando. Las grietas se convirtieron en abismos imposibles de salvar. Y la aparición en escena de a pocos, pero a paso seguro de la insistente prima heroína en la vida de Steve Kilbey (Cuenta la historia que presentada a Steve por Grant McLennan de sus compatriotas The Go Betweens) anticipaba un final a medias. Ansiosos de recuperar el dinero invertido en promoción, la compañía decidió tomar el toro por las astas, y exigió a la banda un single del mismo tinte que “Under the milky way”, esta vez para consolidar su estatus en el mercado Norteamericano. Los demos que antecedieron al disco, sonaban sólidos y seguros, pero tras el manoseo excesivo de parte de producto-

res, arregladores, y demás, quedaron en eso: En maquetas de lo que pudo haber sido un disco excelente, pero quedaba a medio camino entre una obra que se defendía con mérito propio, o un disco para el olvido. El single “metrópolis” llegó a una exposición masiva, pero el disco fue, comercialmente, un fracaso. En el medio de la tormenta, Richard Ploog, abandona su puesto de baterista, que para la gira, contó con Jay Dee Daugherty de Patti Smith group. Unos meses antes, en la gira de “Starfish”, la preciada guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas de Marty Willson-piper había sido robada, lo cual explica en parte porque en “Gold Afternoon Fix” por vez primera en la historia de la banda, ese sonido característico, brilla por su ausencia. Pasarían dos años más hasta que un nuevo material salga a la luz. Un sonido diferente, pero aún potente aparecía en el extraño “Priest= aura” en el año 1992. Otra historia. Si, 30 años es mucho tiempo. Pero las guitarras suenan aún, y queda como testamento válido de un tiempo de cambios, sacrificios y propuestas. 30 años. Quién lo diría.

El Programa de la Revista The 13th

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Transmisiones Oceรกnicas se transmite:

Todos los Lunes y Jueves a las 21 hs. por IndieGo Radio www.indiego.com.ar

Sรกbados a las 19 hs. por RadioRueda www.radiorueda.weebly.com/

Domingos a las 13 hs. por MutanteRadio. https://www.mutanteradio.com/

[ Entrevista a Fran Lora de Swimming Pool por Diego Centuriรณn ]

SWIMMING POOL: SHOEGAZE DESDE SEVILLA

Gracias al sello Shore Dive Records nos encontramos con esta banda española de Sevilla, Swimming Pool, nacidos a finales del 2018, y formado por Fran Lora (Guitarras y Voces), Elena Casado (Voz) Jesús García (Batería) y Alex (Bajo). La banda nace de canciones que escribió Fran Lora y desde ahí se empieza a conformar un sonido estrictamente shoegaze, que luego va añadiendo el dreampop y hasta un lado más pop. Con dos EPs, el homónimo de enero de 2019 y en septiembre del año pasado “Nothing", ya con el sello británico Shore Dive Records. Queríamos acercarnos a la banda, y nos comunicamos con Fran y en un chat pudimos conocer más de esta banda sevillana.

Hola Fran, gracias por aceptar realizar esta entrevista, te agradezco la oportunidad y el tiempo que me brindas para realizarla. La primera pregunta tiene que ver con los comienzos, Cuéntale a los lectores cómo y cuándo nace este proyecto. El proyecto nace a partir de Fran Lora, guitarrista y compositor del grupo que buscando una salida a sus canciones va buscando componentes para llevar su música al gran público. Fue a principios de 2019 cuando grabamos el primer EP auto editado el cual tuvo bastante aceptación.

do, quedando a la voz a Elena y al bajo Alex. Luego de ese debut empiezan a tocar mucho. Cuéntame ¿Qué bandas son un faro de referencia en la música de Swimming Pool? Nuestras predilecciones sobre todo son Los Beatles tanta a la hora de componer como a la hora de grabar, no pasa desapercibidos grupos como My Bloody Valentine en diferentes arreglos o The Cure o Joy División.

“De repente”, el track que abre y cierra el EP, tiene un trabajo de guitarras por capas Estamos hablando del EP “Swimming muy exquisito, ¿Cómo lo has llevado a los Pool” (2019). Cuéntame ¿cómo nace el shows en directo? nombre de la banda? Realmente solo hay dos guitarras en la zona Sí, hablamos de ese EP. Para el nombre bus- del estribillo y una sola guitarra en la parte cábamos una palabra o varias que sonasen de la estrofa. Aunque en algunos compases bien, nos daba igual que fuese en inglés o suena algún arreglo. a la hora del directo sueespañol, y Swimming Pool tiene esa musica- lo tocar la guitarra principal y llevamos una lidad cuando las pronuncias. guitarra de refuerzo pregrabada que lanzamos desde un Ipad. el trabajo del bajo es inY cómo fue el proceso de grabación de dispensable también, tiene que sonar baseste trabajo, ¿ya tenías los integrantes de tante gordo sobre todo en estribillo. la banda? Las canciones ya estaban hechas antes de España tiene un panorama de shoegaze empezar el proyecto así que fue relativa- y dreampop interesante, en este momenmente fácil, empezamos el proyecto Jesús to me vienen a la cabeza Berlina, Linda García (Bateria) y yo he incorporamos a ba- Guilala, entre otras bandas… ¿Cómo ves jista y voz, los cuales hoy en día han cambia- tú el panorama del shoegaze y el dream-

pop en España? Estos últimos años han surgidos muchos grupos de ese estilo, aquí en nuestra ciudad estamos nosotros y Martes Niebla (antiguos Blacanova) , y no paran de crecer en zonas cercanas, realmente el ambiente shoegaze está volviendo a renacer.

Del EP de “Nothing” fueron todas nuevas, teníamos muchas terminadas y no queríamos sacar un LP largo sino solo 4 ó 5 canciones. Seleccionamos las que más nos gustaban a nosotros junto con Nico y esas fueron las que salieron.

Si bien el segundo EP tiene ese sonido Shoegaze bromoso de guitarra y ese bajo tan presente, que son características en el sonido de la banda, ¿qué crees tú que diferencia a un EP del otro? La diferencia es la entrada de la cantante Elena que pone el punto más pop, como se puede apreciar en el tema "Tu carta" pero sin olvidar el sonido sucio y atmosférico de Bajo el sello Shore Dive Records lanzan “Mágico sol” y “No soy un soñador” que es un un nuevo EP, llamado “Nothing” en sep- guiño escondido a My Bloody Valentine. tiembre del año pasado, ¿Cómo contactan con Nico? Por lo que nos cuentas hay más cancioContactamos vía email, escuchamos lo que nes para editar, ¿ya tienen planes de futupublicaba en el sello y nos pareció que enca- ras ediciones? jaríamos bastante en su sello, le mandamos Sí, estamos empezando a seleccionar canel EP de debut y un demo de lo que teníamos ciones, a grabar partes que no nos gustan, previsto publicar y le encantó. les damos la vuelta y grabamos voces e incluso probamos con mi voz que aunque no ¿Cuánto tiempo tardaron en registrar las es muy buena, algunas le pega más. Pero canciones fueron nuevas o ya las tenías? sí, tenemos casi veintitantas canciones en el ¿Qué bandas (además de martes Niebla) puedes recomendar a nuestros lectores para que conozcan? Tenemos bandas que aun no son muy conocidas y que hacen cosas muy chulas como Lua Gramer, Chloral, Arista Fiera, Ramper.. etc.

tintero. Para aquellos lectores que no conocen a Swimming Pool, ¿Cómo describirías a la banda? Swimming Pool lo describiríamos como una banda no convencional, no entendemos de etiquetas, no tenemos reglas a la hora de componer, ni queremos sonar siempre de una forma, sino que nos vamos guiando por lo que en el momento de hacer una canción, nos convence, seguimos hacia delante. Por ejemplo ahora estamos introduciendo la electrónica y puede que en el próximo disco tenga algo bailable dentro de nuestro de nuestro sonido característico.

pero bueno también es cuestión de tiempo y de que la gente nos vaya escuchando. Seguro el tiempo hará justicia al sonido de SP. Y para ir culminando está entrevista dos preguntas más.... En estos primeros pasos de la banda ¿qué decisiones crees que han sido acertadas y en cuáles se han equivocado? Seguramente alguna que otra elección de canción que hubiéramos metido y/o sacado del EP.

Ahora sí, agradeciéndote el tiempo y la predisposición que nos has brindado para esta charla, cerramos la entrevista Siendo una banda nueva, y con ansias de con este tramo final para que les digas a mostrar su música en cuantos medios de los lectores lo que tú quieras y dinos dóncomunicación sea posible, ¿Cómo les ha de pueden encontrar a Swimming Pool... ido con la prensa musical hasta ahora? Muchas gracias a ti por tu tiempo, y pueden La prensa a nivel internacional muy bien, por- encontrar a Swimming Pool tanto en faceque se nos escucha más fuera de nuestro book, instagran, twitter, bandcamp, Spotify... país que dentro. La prensa española (a modo etc etc. de crítica) aún no saben ni que existimos,

[ Entrevista a Rein Fuks de Pia Fraus por Diego Centurión. Fotografía: Joosep Volk. ]

PIA FRAUS: DE ESTONIA A JAPÓN Y AL MUNDO

Hace dos años, para enero hablábamos con Rein Fuks sobre la salida de “Field Ceremony”, y en la última pregunta preguntábamos por el futuro y él nos decía las ganas de lanzar un nuevo álbum en el 2020. Con esa exactitud asombrosa y decidida, es que hoy sabemos que “Hidden Parks” se ha lanzado hace unas semanas… así que en esta entrevista conoceremos los planes presentes y futuros de la banda. Enlace a la entrevista anterior: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_42/36

Hola Rein, gracias por dejarnos hacer una nueva entrevista… Recuerdo aquella que nos has concedido por el lanzamiento de “Field Ceremony”. Cuéntanos qué fue de la banda en estos dos años. Gracias por invitarnos de nuevo :) Para ser sincero, estos dos años han sido los años más activos de nuestra carrera. Recorrimos mucho en Europa, Canadá, Japón, Taiwán y China, y así sucesivamente. Me sorprende que de alguna manera incluso hayamos encontrado tiempo y energía para grabar el nuevo álbum. También hay algunos cambios en la banda. Nuestro baterista Margus Voolpriit dejó la banda para enfocar sus proyectos, Wolfredt y Jan Helsing. Nuestro ex baterista Joosep Volk ha vuelto a la batería con nueva energía, y nos está yendo bien como banda.

Estamos bajo el mismo sello en Japón (Vinyl Junkie Recordings), y organizaron los conciertos. Fue nuestra tercera gira japonesa. La primera vez que tocamos allí en 2008, cuando salió "After Summer".

¿Cómo llegaste a trabajar con Vinyl Junkie Recordings y cómo se ha desarrollado esa relación con el tiempo? Primero sucedió en 2004 cuando lanzaron "In Solarium" como un lanzamiento japonés con algunas pistas adicionales. El contacto llegó a través de nuestra etiqueta estadounidense, Clairecords. A lo largo de los años, han lanzado todos nuestros álbumes y también una compilación de EP llamada "Sailing on a Grapefruit Lake". Creo que es bueno tener una etiqueta en Japón, porque nos facilita un poco las cosas y nos mantiene más cerca de Acaban de terminar una gira por nuestros fanáticos allí. Estonia y Japón junto a Ringo Deathstarr. ¿Cómo ha estado esos Hablando específicamente del conciertos? nuevo álbum he leído que ustedes Estos conciertos fueron realmente dicen que es el más pop de todos sus bien. Siempre es agradable tocar álbumes. ¿Hay alguna explicación para nuestros fanáticos japoneses y, o vivencias que hayan influenciado por supuesto, fue un gran honor para en el resultado de las canciones? nosotros tocar con Ringo Deathstarr. Creo que es el álbum más pop que

jamás hayamos hecho. Hay muchas canciones con coros y ganchos pegadizos :) Además, el sonido es más claro, menos ruidoso. Eso es lo que John McEntire hizo por nosotros. He sido un gran admirador de su trabajo, y afortunadamente tuvimos la oportunidad de trabajar con John. John McEntire ha hecho muchos de mis discos favoritos para Stereolab, The Sea and Cake, Tortoise, Teenage Fanclub, The High Llamas, Yo La Tengo, The Pastels, etc. También hablan que no fue fácil el proceso de grabación del álbum, ¿por qué? Todo el período fue realmente intenso. Tenía un gran proyecto en el trabajo, y me llevó mucho tiempo, y también la gira con la banda. Tocamos más conciertos que nunca. Fue bastante difícil concentrarse en la grabación. Una cosa también fue que Margus

decidió irse solo unas semanas antes de que grabáramos las sesiones de grabación. No fue nada fácil, pero lo hicimos :) He leído de tu sueño casi recurrente de trabajar con John McEntire, cuéntanos acerca de ese sueño… ¿qué discos en los que él participó te gustan más, ya sea como músico o como ingeniero o productor? John ha sido un excelente músico y un destacado productor. Conozco su trabajo desde finales de los 90 cuando comenzamos Pia Fraus. Siempre es una decisión emocionante para quién quiero hacer el próximo álbum. Hemos trabajado con los mejores chicos de sonido en Estonia. También con Norman Blake de The Teenage Fanclub. Creo que es esencial seguir adelante y probar cosas nuevas. Por eso decidí escribirle a John. No estaba seguro en absoluto de que obtendré

ninguna respuesta a partir de ahí. Pero... ahora está hecho :) John no esconde tus canciones bajo toneladas de reverberaciones y efectos. Él solo hace que tus canciones suenen bien y brillantes. Él tiene sus propios trucos. Mi amigo Bill Wells, de Escocia, me dijo que John McEntire es el tipo más amable que haya conocido. También trabajó con John cuando jugó en The Pastels.

¿Quénospuedesdecirdelresultado final del álbum con respecto a los anteriores trabajos de Pia Fraus? Es el álbum Pia Fraus más positivo, más pop y más claro. Buen punto de partida si aún no conoces nuestra música :) Aprovechando esta conversación, cuéntame sobre “Ida Raadio” y el programa de radio que tienes… Ida Radio es una estación de radio subterránea aquí en Tallin, Estonia.

Todo el concepto de esta radio es cubrir una amplia gama de espectros de música. Tengo un espectáculo una vez al mes, y se llama "Seksound in the Air". Toco mi música favorita De baja fidelidad a alta fidelidad :) ¿Cuáles son los planes para este 2020? Como comenzamos nuestro año con una pequeña gira, estamos planeando terminarlo también con nuestra primera gira en los Estados Unidos. Realmente espero que funcione. En general, el plan es tocar tantos shows como sea posible. También tengo algunas

ideas sobre cómo celebrar el vigésimo aniversario de nuestro primer álbum (Wonder What It's Like) el próximo año. Va a ser muy emocionante. Finalmente, gracias por la posibilidad de realizar esta entrevista. ¿Hay algo más que le gustaría compartir con nuestros lectores? Quiero agradecer a todos nuestros fanáticos de todo el mundo. ¡Gracias por todo tu apoyo! ¡No puedo hacerlo solo! ¡Gracias Rein!

www.mutanteradio.com

www.indiego.com.ar

Somos una nueva netlabel de Argentina. "No Me Escucho Records" nace luego de varios años de trabajo entre Darío Martinez y Diego Centurión para seguir con su tarea auto impuesta de difundir la música.

Pueden seguirnos y enterarse de las novedades en: https://www.instagram.com/nomeescucho https://twitter.com/NoMeEscuchoRec https://soundcloud.com/nomeescuchorecords https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/releases

VICTORIA REAL - LA LECCIÃ&#x201C;N Fecha de Lanzamiento: 07 de Febrero de 2020 Estilos: Darkwave, Dark Synth, Experimental Rock.

Tratar de encontrar algo de rock tradicional en este álbum es una tarea casi innecesaria para los oídos gastados de rock habitual. En el tercer álbum de Victoria Real, La Lección, nos encontramos con sonidos frescos, elegantes, punzantes y poco habituales dentro de la escena argentina. Victoria desafía los límites de la música oscuramente bailable, sin caer un segundo en la obviedad del dark o el electro, pero La Lección no es ni Dark ni Electro, es algo más, es la potencialidad de ser feminista, sin ser partidaria, actitud killbilesca, es un puñetazo en la nariz. Canciones como “Happy Fking To You! Who” que abre el disco con la frase “No me importa lo que puedas pensar de mí”, ya suena desafiante, y en esa frase Victoria nos dice que me planto delante de ti y te desafío… y la música se va complejizando lentamente hasta que entra el ritmo de la batería y explota en un reproche por no saber cómo ser fría… en cierta forma expulsa sus demonios fuera de sí, “¡Happy Fking To You!”. En el segundo track, “El Juego” los ritmos más bailables aparecen en forma oscura y minimalistas… mientras Victoria se pregunta ¿Cuál es el juego?... preguntas abiertas… acertijos sin respuestas… otra manera de filosofar sobre el juego en los que solemos caer en la vida… caminos que tomamos sin saber para qué lo hacemos. “Oh-U-Ah!, es el tercer track. En un inocente ritmo pegadizo nos va llevando a un espiral realizado por la guitarra, en un riff algo psicodélico, pero la canción se endurece hacia el final tornándose corrosiva. “La Brújula” un track intenso, en donde Victoria se replantea ¿quién tiene la brújula? Como si todo estuviese perdiéndose. “Donde Yo Soy” es el siguiente track. Climas más celestiales rodean a esta bella canción que acerca a la música de Victoria a un frágil dreampop, elegante y llena de sutilezas en el fondo sonoro, una voz delicada y en un tono menos confortativo que en el resto del álbum, una letra más íntima y poética. Sin lugar a dudas la gema de este álbum, delicada, intimista, una sanación. Para terminar… “La Lección del Corazón Inmundo”… el espíritu del gran David Bowie aparece en esta gran versión de Victoria Real, como un ritual necesario y para exteriorizar la lección aprendida… ¿aprendida?... esa respuesta está en cada uno de los oyentes…

Des+conciertos es una instalación que incluye pintura, dibujos, collage analógico, fotografía, objetos, esculturas y música. Des + (conciertos) es una instalación que fue pensada para hacerse tres veces en el transcurso de éste 2020. La instalación incluye, pinturas, dibujos, collage analógico, fotografía objetos, esculturas y música. Siempre barajando la posibilidad de grabar audio y video para producir un registro que primero le quede y pueda ser usado por el artista y segundo para darle continuidad a la instalación una vez terminada. Debido a la preocupación que causa la posibilidad de contagio y propagación del coronavirus tomamos la decisión de no realizar la instalación para la fecha programada del pasado sábado 14 de Marzo. Suspensión que primero nos entristeció y luego nos dio ansiedad de mostrar el trabajo que habíamos preparado por semanas, así nació la posibilidad de hacer un Blog donde subiríamos material hecho para la muestra y otro a realizar a partir de ella, luego con el correr de los días y habiéndose generado dentro del grupo material referido al virus se nos ocurrió generar obra con el tema “coronavirus” y así como fue el causante de la suspensión de un evento al que le pusimos tanto trabajo y nos mantenía muy expectantes también nos abría la posibilidad de trabajar en red en contenido para un Blog: https://desconciertosweb.blogspot.com/ Participantes Artistas plásticos Joaquin Amat Diego Arandojo: Fe elizaga: Eugenio Damian Fernandez: Edgardo Rey: Pate Crudo: Música Átomos de Átomos Pablo Iglesias Eugenio + Jula Robotas: Luncil Chelo + Fausto: , Max Wild: performance “que beber para escuchar mejor” ……………… Darío Martínez

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: THE CURE – “BLOODFLOWERS EL CIERRE DE LA TRILOGÍA

Antes de que en febrero del año 2000 se editara “Bloodflowers”, las estadísticas contaban que el último full álbum de estudio de The Cure había sido un notable bajón a nivel ventas en la carrera de la banda: 4 años antes, “Wild Mood Swings” fue el disco que menos ventas había registrado en los últimos 12 años. Lamentablemente, esa continuaría siendo la tendencia de allí en más, porque “Bloodflowers” (el flamante nuevo lanzamiento) no mejoraría la puntería en ese sentido. Pero aun siendo difícil de consumir, no es descartable y además, cuenta en su haber con todas las peculiaridades del sonido curiano.

La producción llega a ser conmovedora desde algunos aspectos. Impregnada de una tristeza profunda, sosegada y permanente, el regocijo consiste en dejarse llevar por el estado de melancolía casi imperturbable que se vive a lo largo de la placa y que nos conduce a un estado mental casi involuntario de romanticismo destrozado, bien conocido ya a través de otras creaciones de Robert Smith. Desde su gestación, “Bloodflowers” no parece haber tenido la más mínima intención comercial al no haber cortado ningún single en formato físico en una época donde todavía se estilaba hacerlo, aunque si se lanzaron dos singles promocionales para las estaciones de radio. El primero de ellos es el tema de apertura, “Out Of This World”. Si alguien tenía añoranzas de algún material con reminiscencias a “Disintegration”, tal vez esta sea la canción que estaba buscando ya que, salvando las distancias, en sus punteos y en su ambientación hay un aire a “Pictures Of You”. Es la descripción de ese amor idealizado al que no podemos aferrarnos y del que tarde o temprano estaremos obligados a desprendernos para volver a la realidad, con una lírica que exhibe destellos de inspiración

en pasajes como “I wonder will we really remember how it feels to be this alive?”, siempre mostrando por otro lado un tono cansino y aturdido. El otro track de difusión fue “Maybe Someday”, una rola con un fuerte tufillo al britpop cuyo reinado estaba a punto de cesar en la Europa de fines del milenio, pero con una buena cuota de energía saturada, como también se da en tantos otros pasajes de la placa, entre ellos “39” (edad que acababa de cumplir Roberto en 1998, al momento de componerlo): un tema que cada vez que comienza me recuerda demasiado a “Never Enough”, el booster tras una seguidilla de temas muy down. Y aún en estos pasajes se percibe un dejo de pesadez, de malestar. Porque es cierto que eran épocas en las que a Robert Smith se le cruzó por la cabeza la idea de disolver el grupo. La idea por momentos fue la de hacer una última entrega, un final lo más digno posible, pero parece que durante la gira “Dream Tour” los muchachos encontraron razones suficientes para seguir adelante. La discográfica no fue tonta y alimentó el rumor de la separación para despertar el interés del público en la gira y en el disco. No es un dato menor que Smith venía de una batalla le-

gal contra la disquera, lo que había in- 100). El hartazgo de este recurso llegó, al menos en mi caso, con la insuscrementado su hartazgo. tancial “The 13th” contenida en su álEn cuestiones de forma, ¿cuáles son bum de 1996 “Wild Mood Swings” (por las características más notables a lo algo será que ellos mismos no la tocalargo de todo “Bloodflowers”? En pri- ron durante la gira de dicho disco). En mer lugar, la ausencia de melodías “Bloodflowers”, The Cure hace borrón gancheras. Especialmente en los últi- y cuenta nueva: no hay melodías fesmos años, The Cure había despertado tivas ni estribillos contagiosos del tipo fanatismos, había ampliado su base “The Love Cats”, ni por asomo. Se pude fans y al mismo tiempo se había ga- sieron firmes: queremos ser muy lónado críticas por abusar de las melo- bregos nuevamente. Las referencias días alegronas que tan buen resulta- abundan en el álbum, especialmente do supieron darle con hits radiales del con temas como “Last Day of Summer” estilo “Just Like Heaven”, “Why Can’t o “The Loudest Sound”. I Be You?” o “Friday I´m In Love”. In- En segundo lugar, la extensión procluso, hubo casos de melodías que no medio de los tracks. Una característinecesitaron ser jocosas para atrapar, ca que tenía como antecedente “Disincomo fue el caso de la casi perfecta tegration”, se repite aquí en una placa “Lovesong”, su single mejor rankeado de solo 9 canciones donde The Cure en USA (llegó al #2 del Billboard Hot bate su propio record con “Watching

do lo escuché por primera vez en el momento de su lanzamiento, me dio la impresión de ser un producto chato, casi en piloto automático, donde temas como “Where The Birds Always Sing” o “There Is No If…” me hicieron pensar que si esto iba a ser The Cure ahora, mejor dar vuelta la página. Roberto siempre nos había transportado a atmósferas de dolor existencialista con altura: ahora parecía que estaba sufriendo sin ganas (porque hasta al sufrimiento hay que ponerle onda, ¿no? Al menos eso esperaba yo!). Fue un disco que digerí con el tiempo, que De lo que no caben dudas a lo lar- aprendí a entender con los años. go de los 58 minutos que dura “Bloodflowers”, es que The Cure se reen- Pocas críticas fueron positivas, y sí cuentra con sus raíces más oscuras y hubo algunas reseñas muy negativas vuelve a explorar los recovecos más para “Bloodflowers” desde medios estenebrosos de las capacidades de la pecializados como Rolling Stone, que banda para generar rock gótico del reprobó la calidad de las composiciobueno, como en otras épocas había sa- nes, sugirió que la mitad de las mismas bido hacerlo en “Pornography” (1982) era un zumbido descartable y que aquí con sus líricas lánguidas, dolorosas y quedaba demostrado que Robert Smiasfixiantes. Claramente, aquí no lle- th era capaz de escribir 4 canciones gan a expresarse con tanta precisión malas al hilo. Otros sostuvieron que el los picos de desolación tan bien logra- álbum carecía de inspiración y sonaba dos en el mencionado cuarto álbum cohibido. Sin embargo, el disco tuvo de la Cura, pero nuevamente se ani- su reconocimiento al ser nominado en man (como ya había sucedido en “Dis- los premios Grammy del año 2001 en integration”) a abordar temas como la la categoría Best Alternative Music Alfrustración, la muerte o la autodestruc- bum. ción. No en vano en el año 2002 se die- El público en general y los fans supieron los conciertos “Trilogy”, que que- ron asimilarlo de otra forma, y al menos daron registrados tras su presentación en lo personal, hoy en día me resulta en vivo en el estadio Tempodrom de un trabajo muy interesante a la hora de Berlín, donde la banda interpretó en su reunir varias cualidades muy propias totalidad y orden cronológico los dis- del Cure más primitivo. Una suerte de cos “Pornography”, “Disintegration” y serendipia: fue un afortunado hallazgo “Bloodflowers”, dejando de ex profeso que llegó a destiempo para regalarnos el hilo conductor que emparenta a es- algo tal vez inesperado y hasta incomprensible. Queda en cada uno saber tas tres obras. Y si esto es lo que se espera de una apreciar o no esta acendrada versión banda como The Cure ¿qué es lo que de The Cure, de modo que la invitación hizo que “Bloodflowers” tuviera una re- es a escucharlo por primera o enésima cepción tan dispar? En mi caso, cuan- vez según sea el caso. Me Fall” y sus estoicos 11 minutos y monedas de desesperanza y derrumbe, que constituyen lo más logrado del disco. En tercer lugar, aunque ya por afuera de lo que al álbum refiere, no hubo videoclips que acompañaran los sufridos lamentos de Roberto. Acostumbrados nosotros a sus delirios claustrofóbicos e histéricamente ansiadas caídas por las laderas de altos acantilados, no tuvimos la suerte de ver plasmado en imagen algún que otro tema de este disco que lo ameritaría.

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[ Entrevista a Dario Mangiacasale de Darman por Benjamín York. Fotografías: Valentina Cipriani ]

DARMAN: DE ITALIA Y CON ASONANCIA MÍSTICA CON EL DHARMA

Bajo el nombre de Darman se encuentra el multi-intrumentista italiano Darío Mangiascasale, específicamente de la ciudad de Turín, quien lleva adelante este proyecto propio y nos comunicamos con él ante la salida de su tercer y nuevo álbum “Necessità Interiore”, luego de sus anteriores trabajos “Four-leaved Shamrock” (2015) y “Segale Cornuta” (2017). Una vez más abrimos la puerta de Revista The 13th para conocer a un nuevo artista italiano.

Hola Dario gracias por aceptar responder nuestras preguntas. Y la verdad es que tenemos casi un artista italiano por número y siempre la calidad es excelente… Y para empezar esta entrevista cuéntanos de la escena en la que te mueves en Italia. ¿Por qué Darman? En primer lugar, me gustaría saludar a Benjamin y a todos los lectores de Revista The 13th. Mi nombre fue rastreado por mi padre hace mucho tiempo. Tenía como 10 años de edad. Un día estaba saliendo con él, él estaba esperando en el auto y cuando abrí la puerta, vi que estaba insertando en el reproductor de CD del auto un disco con el nombre "Darman" escrito con un marcador. Entonces le pregunté quién era este Darman, pero no había necesidad de una respuesta, porque el disco comenzó a tocar algunas canciones que había grabado en mi habitación con la guitarra acústica. Darman es simplemente la unión de mi nombre Dario y mi apellido Mangiacasale, aunque en realidad descubrí una asonancia mística con el Dharma de las religiones orientales, una coincidencia que realmente me gusta. Aquellos lectores que aún no han conocidotumúsica,¿cómoladescribirías?

Básicamente, mi música es lo que soy. Tengo la suerte de ser un compositor visceral, que convierte sus sentimientos en música en su forma más íntima y pura. La música rock es el vestido que más me conviene, logrando combinar perfectamente los arquetipos de mi subconsciente, que sazono con pinceladas psicodélicas y bordados de compositores. Tuprimerálbum“Four-leavedShamrock” (2015) tiene un concepto, con un propósito y un objetivo, como una búsqueda de abrir la cabeza de tus oyentes. Cuéntanos sobre las decisiones a tomar a la hora de crear un álbum conceptual. Respondí parcialmente esta pregunta muy interesante con la respuesta anterior. De hecho, en mi música no hay una decisión predeterminada, todo está impulsado por el flujo inspirador y artístico que impregna mi mente y mi cuerpo. Four-leaved Shamrock habla sobre la importancia de sentirse parte de un universo gobernado por mecanismos más grandes de los que cualquiera puede manejar y controlar, es la búsqueda del amor hacia todo lo que nos rodea y una oda a la unicidad y la magnificencia del don de la vida. , al misterio del ADN. En el segundo álbum “Segale Cornuta”

(2017), hablas de que es “el resultado de una búsqueda perpetua y ambiciosa”. Cuéntanos sobre esa búsqueda y si llegaste al resultado buscado. "Segale Cornuta" es un disco nacido en un momento muy complicado de mi existencia, en el que encontré la fuerza para buscar la belleza en cada momento, la esencia de la existencia humana y la importancia de nuestro viaje terrenal. Fue un período revelador, inmortalizado como una instantánea de Polaroid en las 11 canciones que componen el álbum. El flujo artístico, en este caso, trazó frente a mí un camino bastante claro, muy dulce y agrio al mismo tiempo. "Segale Cornuta" puede definirse como el comienzo de la metabolización de algunos conceptos que se hacen más maduros en "Necessità Interiore", en particular la investigación perpetua, que es lo que DEBE mover siempre la mente de un artista. Si te inclinas ante los juegos del mercado de la música o, más simplemente, a la moda actual, te

arriesgas a perder tu vocación artística. "Necessità Interiore" (necesidad interna) es un título muy elocuente, desde este punto de vista. Es la naturaleza artística que surge del subconsciente, siguiendo el dictado de la inspiración más pura. Es un concepto que siempre he apreciado dentro de mí mismo y que he descubierto recientemente también en algunas obras literarias del genio Vasily Kandinsky. ¿En qué crees que se diferencia de los anteriores trabajos? "Necessità Interiore" es un álbum rico pero más minimalista que los anteriores, que se enriquece con soluciones vocales diferentes y más complejas. Es un álbum esencial en cuanto a tiempos musicales, especialmente en comparación con "Segale Cornuta", que presentó algunos momentos extraños, pero es más complejo con respecto a la armonía, que paradójicamente hace que el trabajo suene más simple y accesible.

Es increíble la cantidad de reproducciones que tiene tus videos, debería preguntarte el secreto, aunque seguro que todo se basa en mucho trabajo… Pero si quieres puedes contarnos… Todo se basa en la búsqueda de calidad y en el deseo de buscar siempre algo nuevo, moviendo la vara hacia arriba con cada paso que se da. Creo que este aspecto lo perciben las personas que escuchan mi música. La calidad siempre gana. ¿Cuáles son los planes para este 2020? 2020 abrió con el lanzamiento del primer sencillo "Pubblicità Riflesso" y culminará en abril con el lanzamiento del álbum "Necessità Interiore". También en abril comenzará la gira: en la parte de primavera estaré ocupado en una gira europea y en otoño en una gira italiana. Promete ser un año muy hermoso, lleno de sorpresas, lleno de música (especialmente en vivo, que es lo que más me gusta y me da la mayor satisfacción). Para ir finalizando esta entrevista y agradeciéndote el tiempo que nos has brindado. Te dejo este último espacio para que le digas a los lectores lo que tú quieras… Gracias de nuevo por la oportunidad. A los lectores: bienvenidos a mi música y a mi mundo interior, en la nave espacial de mi arte. Un abrazo a todos.

[ Por Pepe Navarro. ]

EXPEDIENTES DD

Mezcla de crónica urbana y música desordenada, sin edición. Usando la visión de manera periférica, sin querer, se encuentran mundos próximos. Todo, obviamente, sujeto a disponibilidad. O hasta que las existencias se agoten.

PARTE 1. “MARCO TEÓRICO” Suena en algún lado de mi cabeza una canción, que no logro distinguir cual es. Un bajo grave, que marca el ritmo de manera contundente, y que sin querer, alejado años luz en el tiempo, va marcando mis pisadas en esta calle atestada de gente. ¿A qué llegamos? ¿Adonde voy? La relación entre la arquitectura de esta ciudad y algunos soñadores o pensantes ha ido demasiado lejos. Se han cometido pecados capitales en nombre de ese pacto, absurdo, ridículo. Me hace acordar cuando en esa bendita/maldita caja boba virtual llamada YouTube a alguien se le ocurre publicar una canción de alguna banda de su preferencia, y lo acompaña con un video casero, generalmente ridículo, o absurdo en el mejor de los casos. En el caso de lo más oscuro, me he irritado muchísimo al ver en ese medio una canción de The Sisters of Mercy (Uno de los grandes misterios musicales de los últimos 40 años) acompañado por un video de un pequeño gato jugando, o una imagen de una playa anónima. Quizás lo asocio a que muchas personas no se toman el trabajo de leer las letras de la canción, o se imaginan alguna, que referencie a algo que les agrade. No lo sé. Podría pasar con cualquier banda. Con cualquier canción. ¿A que iba eso? Ah, sí. La arquitectura. El marco visual que esta ciudad nos ofrece es genial. Sirve como disparador de muchas cosas. Asociaciones con mitos, leyendas o creencias populares que se crecen con los años y se transforman casi en historia bien documentada, amplios corredores de edificios que sirven como cuadras enteras de relax visual y mental. Una innumerable cantidad de mezcla de pisos y cimientos que se entremezclan formando una identidad que nadie sabe cómo definir, pero saluda día tras día. Una jungla de carteles que indican cosas, nos critican nuestras decisiones, nos alejan de nuestras creencias por minutos, y hasta nos hacen cambiar de opinión. En ese ahogo mental, hasta puedo confesar que he estado parado minutos enteros mirando un cartel con una figura que me hacía acordar a la tapa de “Autobahn” de Kraftwerk, acompañado de las siglas “A1”. Pasado varios minutos, despierto como de ese mini sueño y reparo que “A1” significa “Autopista 1”, esa cicatriz serpenteante que atraviesa inmisericordemente la ciudad, elevada de manera tal que nos

da la sensación de división horizontal y vertical, a todo nivel, visual, sonoro…y hasta social. Sigue el bajo maldito marcándome la cadencia de mis pasos. Y no logro aún saber que es, y mi paciencia empieza a agotarse. Quizás si paro en algún lugar a pensar, logre dar con que es. Claro, no hay que parar en seco (“Grinding halt” de The Cure, me viene a la cabeza) porque te llevan puesto de diferentes maneras. Un señor de traje me golpea y emite una blasfemia, una señora con sobrepeso me mira contrariada y un joven de mirada celeste me mira con burla, a la vez que codea a alguien que camina a su lado. No oigo lo que dicen, pero es fácil de saber lo que dice: “Mirá a este imbécil, ¿qué le pasa?” Me hago un lado de esta vorágine de gente que camina rumbo a algún lado, presurosa y concentrada y me apoyo en una pared ignota. ¿Qué canción es? Mi mirada se cruza con varias de las personas en esta calle, y me avergüenzo. Quizás si saque el teléfono celular de mi bolsillo izquierdo del pantalón (por que en el derecho solo tengo un viejo pañuelo de tela) y haga como que mande un mensaje, me ayude a poner la mente en función búsqueda y tenga una excusa para pasar desapercibido. Y ahí me doy cuenta de algo. Si logro descifrar que es lo que suena en mi mente, se acabará todo. Sí, eso me va a pasar siempre, oír algo que después no me acuerdo que es. Pero este momento, esta acción, no volverá a pasar. Estúpidamente, vuelvo a caminar, y me vuelvo a incorporar a esta masa de gente que camina hacia algún lado. Yo no sé aún dónde voy ni de dónde vengo. Pero esta vez, para mimetizarme, tengo el teléfono celular pegado a la oreja izquierda, como si estuviera llamando a alguien, o recibiendo alguna llamada importante. Ahí está mi misión: Lograr que una canción quede en deuda con mi mente, y con la del que lea. ¿Para qué? No lo sé. Y ojalá que nadie más lo sepa. Bs As 01/03/2020

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[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

En particular si tengo que citar algunos objetos creo que en el primer puesto debo ubicar este disco y no solamente por la música que contiene si no y sobre todo por su estética, claro muchas veces a quien no le ha pasado de comprar un disco o un libro por la portada y luego sentir que el contenido no está a la altura de su presentación, bueno no es el caso de este disco, donde maravillosamente el arte y la música se complementan a la perfección, seguramente sea así porque de entrada la idea era reflejar un concepto más allá de lo musical. Me sigue pasando de encontrarme con gente que no tiene idea de quien fue The Velvet Underground, pero sin embargo conocen a todas las bandas que estos influenciaron, seguramente eso sea ser una banda de culto, pero una banda de culto clásica, si, ya hablamos de algo clásico, hace muy poco le hice escuchar a un amigo este disco y me decía que sonaba muy moderno, que no podía creer que se haya grabado en 1967 y eso es lo que lo convierte en un clásico, no importa cuantos años pasen, sigue sonando moderno, adelantado a su época. Mi hermano mayor había traído un casette de la Velvet y una noche lo escuchamos, se trataba de “Another View” un compilado de rarezas y lados B que se editó en 1986, la verdad es que en un primer momento no me gustó mucho, no lo entendía, me parecía un poco irritante la viola de John Cale, pero había algo que me atraía, algo más, me puse a investigar un poco y de repente en una librería ubicada en una galería de la estación Lanús me tope con un libro “Up- Tight La historia de Velvet underground”. Inmediatamente lo compre, realmente un gran libro de rock, cuenta todos los pormenores de la Banda y su entorno, de cómo Andy Warhol los conoció tocando en un bar de mala muerte y los convenció, no solo de tocar en sus happenings, sino también de grabar un disco junto a Nico una bella actriz alemana amiga del platinado pop master, este proyecto se convirtió en un espectáculo que combinaba proyecciones de las películas de Warhol sobre los músicos que ejecutaban sus instrumentos mientras unos bailarines danzaban al ritmo de látigos. De todo este quilombo teatral quedo el disco en cuestión, no hay muchos registros de esta gira artística que rodó por EE. UU durante 1966 bajo el nombre de “Exploding plastic inevitable (Show)”.

Poco tiempo después de leer el libro con mi hermano, compramos a medias el CD “The Velvet Underground and Nico” pero lo cierto es que siempre, a pesar de tener el CD, quise tenerlo en formato Vinilo, lo más parecido a su versión original, claro que no es lo mismo ya que del LP original se editaron muy pocos ejemplares, el costo del arte era muy caro, en aquel original el plátano podía pelarse y olerse, tenía perfume a chicle globo, un delirio de Warhol que la compañía disquera no estaba dispuesta a seguir bancando, el disco fue censurado rápidamente en las radios locales, debido al contenido en sus letras que hablaban sobre sadomasoquismo, heroína, locura y muerte entre otras cosas, esas letras atentaban claramente contra el famoso sueño americano, lo que provocó un fracaso en las ventas. Además, en la contratapa contenía una fotografia del show de Exploding, ella pertenecía a Eric Emerson quien hacia poco había salido de prisión y necesitaba dinero, MGM se negó a pagar el derecho de autoría de la foto a Eric y lo retiro de las disquerías por varios meses para pegarle un calco arriba de la foto en cuestión. Esto hizo que el álbum saliera del top 100 de ventas. Lou Reed su vocalista y principal letrista dijo: “jamás vimos un centavo con The Velvet Underground mientras estuvimos juntos” También alguna vez alguien que no recuerdo dijo: “Muchas de las mejores obras artísticas son realizadas al borde del Fracaso” Por eso con el correr del tiempo la obra se convierte en mito, leyenda e influencia para muchos. Y nadie recuerda aquel supuesto fracaso. No es raro cruzarse con gente que lleva una remera con el plátano y cuando le preguntas si le gusta la Velvet te responda ¿Quién? No tenemos manera de saber que demonios quiso decir Warhol con ese plátano, a lo mejor quería que todos lleven una remera con él impreso. No es casualidad que la técnica mas usada por el platinado mas famoso de New york haya sido la serigrafia, la más común en la estampación de indumentaria. Una de sus ideas más radicales era instalar el arte como un objeto de consumo popular. De ahí sus famosas latas de sopa que imprimía sin parar y repartía por todos los museos del mundo. Incluso regalo muchas de esas latas o las vendía a un precio accesible. Lo importante era que todos puedan tener un ejemplar firmado por él. Entonces se encuentra con una banda muy original, muy fuera de lo común, tanto en los temas tratados en sus letras, como en lo sonoro. Era la oportunidad perfecta para ocupar un espacio que todavía no había experimentado, el rock. Uno de los requisitos para producir ese primer disco de Velvet era que el haría la portada y estaría su nombre en la tapa. Muchos creyeron que el disco se llamaba Andy Warhol e incluso que el cantaba. Una gran jugada de márquetin personal, no hay dudas que hoy, Andy, sería el rey del Instagram. Una de las cosas más originales de la portada es el carácter minimalista. En contraposición de varias portadas del mismo año 1967, año de la Psicodelia. Como el primer trabajo de Jimmy Hendrix, The Doors, Pink Floyd, Cream, Surrealestic Pillow de Jefferson Aeroplane, Their satanic Majesties de los Rolling y por supuesto el Sgt. Pepper´s Lonely hearts club band de The Beatles. Todas fotografías de las bandas muy coloridas y barrocas. Al contrario de todas estas tapas, la imagen elegida por Andy era una ilustración simple y directa, que buscaba llamar la atención, impactar, confundir y generar controversias, al igual que la música de V.U. Una imagen cargada de erotismo fálico, ya que, una vez retirado el calco amarillo, asomaba el fruto, pero color rosa carne, que recordaba sugerentemente a un glande. Siguiendo con su idea de la obra de arte como un producto de comercio, elegia un alimento, pero a diferencia de sus famosas latas, que representaban un alimento procesado, industrializado, en este caso se trataba de un alimento en su estado natural, puro y salvaje, dentro de su propia cáscara. Seguramente era una metáfora perfecta de lo que representaba la Velvet para él, y esa era la mejor manera de presentarlo al mundo, con una Simple y deliciosa Banana.

[ Reseña de "The Cramps - Stay Sick!" por Benjamín York. ]

¡ MANTENTE ENFERMO !

The Cramps – Stay Sick! Label: Enigma Fecha de Lanzamiento: 12 de Febrero de 1990

¿Qué podemos decir de Los Calambres que ya no se haya dicho? Cuero, sexo, actitud punk, desenfreno, ciencia ficción, psychobilly, rockabilly, horror punk, gothabilly, rock and roll en su estado más viceral, todo entra en este disco, como en cualquier disco de la banda. Entonces ¿Qué hay de diferencia entre "Stay Sick!" y algún disco anterior de The Cramps? Básicamente nada y mucho, el sonido no cambia, siguen siendo los mismos forajidos de siempre comandados por el matrimonio Lux Interior (Erick Lee Purkhiser) y Poison Ivy (Kristy Marlana Wallace) Candy Del Mar en las cuatro cuerdas y Nick Knox en los parches, del cual sería su último álbum con la banda. Lo que cambia es que este álbum es que por primera vez Poison Ivy se hace cargo sola de la producción del álbum. Y que “Bikini Girls With Machine Guns” fue el único single de la banda en ingresar al UK Top 40 Singles, llegando al puesto 35. “Stay Sick!” se ha convertido en uno de sus mejores álbumes, en donde la mixtura perfecta entre el rockabilly, el garage rock y punk brilla en cada canción y en donde su sonido toma una dimensión fantasmagórica, al punto tal de llevar su iconografía de la ciencia ficción de los años 50’s a su máxima expresión con ritmos que evocan a un grado más de locura del permitido por la sociedad. Desafiante y carnavalezca danza de rock and roll drogado por los resabios de insurrección punk, emperifollado en cuero y animal print. Toda una danza que bien podría ser la banda sonora ideal para esa película maldita de culto “Carnaval of Souls” (1962). Sin lugar a dudas el single “Bikini Girls With Machine Guns” y “All Women Are Bad” resonarán en mi cabeza cada vez que se hable de esta salvaje banda comandada por Lux y Poison Ivy. Esa dupla que retomó el rock and roll clásico y lo vistió de salvaje glamour y lo renovó de una manera extrema y punk. Y escuchar este disco y ver la actualidad que mantiene desde hace treinta años no hace más que hacerme pensar que el sonido de The Cramps siempre estuvo adelantado (aunque retomaba música de varias décadas antes). Hoy sigue sonando áspero y desafiante, si bien las nuevas bandas se jactan de locura y rudeza, The Cramps desplegaba todo su arsenal (ametralladoras) tanto en vivo como en el estudio. "¡Mantente enfermo!" alguna vez fue un eslogan espeluznante hablado por Ghoulardi, uno de los primeros presentadores de terror de televisión que se hizo popular en el estado natal de Lux Interior, Ohio. Y pensando en las doce canciones que traen el álbum, no se puede decir que no te mantiene enfermo. ¡Imprescindible!

[ Entrevista a Tom Lugo y Andrés Alfonso de Cielo Océano por Diego Centurión. ]

CIELO OCÉANO: AÑORANZAS DE LA ISLA

Con raíces latinas (Puerto Rico) estos dos músicos se unen para dar nacimiento a un nuevo proyecto en donde las añoranzas al océano Atlántico son audibles en la sonoridad como en la carga emotiva que el dúo de Tom Lugo (Stellarscope, Panophonic, Under The Wire) y Andrés Alfonso (Los Dientes Hundidos en la Garganta) e imprimen a sus canciones. Para presentar su primer álbum “Space Has Always Reduced Me To Silence” y contarnos acerca de este proyecto nos comunicamos con Tom Lugo y Andrés Alfonso… Hola Tom y Andrés por aceptar hacer esta entrevista, los tiempos hoy parecen acelerarse y encontrar un hueco para poder mantener una charla se torna complicado, más cuando los días parecen ser más cortos y no parecerían tener 24 horas. Para empezar, y tal vez la pregunta obvia, es ¿Cómo y cuándo nace Cielo Océano? Andrés: Comienza en el 2018 cuando yo decido preguntarle a Tom si quiere colaborar con migo en unos temas que había grabado y el acepto al momento. Yo estaba mirando una presentación de el en vivo en Lancaster PA y ese día hablamos

bello nombre? Andrés: Tom eligió el nombre. Fue todo haciendo referencia a nuestro sonido y el sentimiento que carga ese sonido. Nacimos en una isla rodeada por el océano y siempre ese olor, ese sonido ese color lo llevamos impregnado en nuestro ser. Estando lejos de ese océano la nostalgia a veces nos atrapa y no hay de otra que pasar ese sentimiento de nostalgia a una canción, lo que en parte nos ayuda a seguir

Tom: La idea surgió por el sentido que me dio el haber escuchado las ideas de Andrés. La nostalgia de la amplitud del océano y el cielo que añoramos por la distancia que tenemos de nuestra isla. Tom: Andrés vino a una presentación Lo secundario en lo que pensé es que que tuve con Panophonic en "The el sonido es profundo como el océano Kaleidoscope" en Lancaster, PA con y expansivo como el cielo. Vicious Blossom para el lanzamiento del disco "Endlessly". Andrés me Y es real esto que dicen de ese pregunto si me interesaría colaborar color sonoro que se percibe en las con él en algunos temas que estaba canciones.Yestomellevaapreguntar creando y decidí trabajar con él. Andres si ¿hubo un preconcepto de sonido y yo nos conocíamos desde 2007. en las primeras reuniones? Andrés toco con la banda Pneuma en Andrés: Bueno esto todo ha sido un el festival Popnoise Fest en el 2007, concepto que hemos desarrollado a la que es una serie de mini festivales que distancia. A mí me gusta mucho lo que llevo organizado desde el 2004. Tom ha estado grabando en los últimos años, ese sonido que él logra es algo El nombre es realmente hermoso, que intento emular, pero lo que surgió y si bien sin dos palabras hermosas es básicamente el resultado de lo que como inmensas, nunca la he gira alrededor de nuestras mentes, ha escuchado juntas, ¿Cómo sale este sido una experiencia muy hermosa e

importante para mí, porque Tom logro llevar esas ideas que le envié al principio a algo sumamente hermoso. Si puedo decir que el hablar de hacer algo juntos surge porque reconocíamos que lo que yo estaba haciendo con las guitarras y lo que Tom lleva años haciendo pues se asemeja bastante en cuanto al sonido de las guitarras se refiere. Tom: Fuera de habernos visto en persona varias veces para ver bandas y conciertos juntos todo lo que hemos hecho ha sido colaboración digital. CuandoAndrés me envía temas nuevos me transportó a un lugar distinto e independiente de donde tiendo de estar mental y corporalmente. Las ideas de Andrés me hacen crear sonido fuera de lo que hago normalmente. Por eso a agradezco su amistad y su influencia musical. ¿Han invitado a alguien más a colaborar en Cielo Océano, o ustedes grabaron todo? Andrés: Solo somos nosotros por ahora, no hemos invitado a nadie.

letra y las melodías. A veces añado baterías diferentes. Completar los temas musicalmente usualmente es un proceso rápido, lo que me toma tiempo es escribir la melodía y grabar las voces. Después de ese proceso lo que más tiempo me toma es mezclar los temas y masterizarlos. Recuerdo que empezaron a publicar algunas canciones hace más de un año, tímidamente, y hoy ya tienen el primer álbum... ¿Desde el principio fueron por el álbum o fue algo que se dio naturalmente? Andrés: El casete fue una meta desde el principio, yo se lo sugerí a Tom porque yo ya había lanzado un casete de mi proyecto Los Dientes Hundidos en la Garganta y pensé que era una buena idea lanzar una grabación de Cielo Océano, ya que recientemente se ha estado moviendo algo ese mercado para los casetes. Cuando vi el resultado de lo que estábamos haciendo dije esto merece la pena.

Tom: La idea desde el principio fue grabar un disco completo. Andrés inició Tom: Corrientemente sólo hemos la idea de lanzarlo en casete ya que ha sido nosotros dos, para el próximo resurgido el apogeo para ese medio. lanzamiento podríamos involucrar ¿Piensan lanzarlo en otros algunos amigos de la escena. formatos? ¿Cómo se empezó el trabajo de ida Tom: En este momento solo tenemos pensado lanzarlo en casete y en medios y vuelta para componer? Andrés: Yo le envié a Tom unas digitales grabaciones q eran solo guitarras y baterías programados eran unas Andrés: Sí, solo casete y digital por ideas sencillas y el comenzó a añadir el momento más guitarras, el bajo y las voces para Si no ha investigado bien, uno vive terminar las ideas y hacerlas canción. en Baltimore y otro en Filadelfia, Tom: Andrés me envía temas con ¿Piensan llevarlo al en vivo? ideas sencillas y yo me encargo Tom: Si, Andrés reside en Baltimore de añadir guitarras, bajo, hacer los y yo en Filadelfia. Es parte del plan arreglos de composición, escribir la que tenemos, pero no hemos tenido

oportunidad de realizarlo. Veremos y unas cosas con mi proyecto personal tengo pensado volver a enviarle a este año lo podemos hacer. Tom una selección de nuevos temas. Andrés: Es mi meta, espero que se Pero algo puede surgir en cualquier momento como ocurrió con el tema pueda lograr en algún momento. “Emptiness”. Ahora que el disco “Space Has Always Reduced Me To Silence” Tom: Como ambos tenemos varios está liberado y que sólo resta (tal vez proyectos por ahora el enfoque es la parte más difícil) hacerlo conocer promover este lanzamiento. De mi parte por el público… ¿Tienen pensado tengo los próximos meses ocupado con en hacer más música nueva para lanzamientos de mis otros proyectos Stellarscope, Panophonic, Under The Cielo Océano? Andrés: Seguro que sí, ese proceso Wire, y trabajando con varios artistas viene pronto, pero nos enfocaremos para re-mezclas de sus temas como en seguir con la promoción de este Primitive Heart y Neist Season. trabajo. En verano cuando yo termine

Recién Andrés decía que algo puede surgir como ocurrió con “Emptiness”. Cuéntenos ¿qué es lo que ocurrió con la canción? Andrés: Ese tema lo grabamos para el proyecto Años Luz que cura el colectivo de música experimental Matotumba y el espacio Amalgama en Puerto Rico. El evento de arte multimedia AÑOS LUZ, una iniciativa concebida en el año 2006 por La Alianza Exploradora Intergaláctica (A.E.I.), una sociedad semi-autónoma de músicos y artistas experimentales que comparten sus conocimientos y recursos en cooperación mutua de exploración sonora, plástica y movimiento. Ellos son amigos, yo colabore con el colectivo entre 2000 y 2004, siempre apoyaron los eventos que yo curaba en PR y siempre hemos mantenido comunicación. Desde el 2017 Los Dientes Hundidos en la Garganta ha sido partir del evento, pero en el 2019 decidí enviar mi colaboración como Cielo Océano. Todo surgió d la misma manera yo había grabado una maqueta del tema y Tom le añadió melodías, guitarras y voces.

Ruiz, guitarrista y creador de la banda de shoegaze de Puerto Rico Un.Real, fuera de ser tremendo músico es un genio cuando se refiere al arte , diseño digital, y artes gráficas. Es decir que es un disco puertorriqueño 100%. Tom: Jajajaja como diríamos en la isla: 'esa es la que hay". Volviendo al disco y sus otros proyectos... ¿Ustedes que encuentran de diferente entre Cielo Océano y sus otros proyectos? Tom: Creo Cielo Océano tiene un enfoque más sensible, expansivo, pensativo, amplio y etéreo que los otros proyectos en los que estoy involucrado, que tienden a ser de naturaleza más agresiva.

Andrés: De mi parte puedo decir que sigue un poco la línea de la última banda de la que fui parte en Puerto Rico llamada Pneuma muy influenciada por The Chameleons, Talk Talk, Bark Psychosis, Low, The Verve, The Sound, Soda Stereo/ Slowdive teníamos algo de post rock/post punk/ shoegaze/dream pop. Puedo decir Tom: Andrés ha dado todo la que es algo parecido a lo último que he informaciónnecesariaparalarespuesta estado grabando con LDHG, pero a la vez muy diferente a lo que era mi otra de la pregunta. banda en Puerto Rico “Astrid Proll”. Hablando específicamente del disco. ¿Cómo fue el proceso de Y para aquellos que no conozcan grabación, de mezcla y el proceso el sonido de Cielo Océano… ¿Cómo lo explicarían? de post producción? Andrés: Yo uso un equipo básico Tom: Sonido de dream pop con tonos interface focusrite/macbook pro- de post punk. Música con sentido garageband todo lo grabo digital. Tom espacial. abre el proyecto en pro tools y edita, Andrés: Por mi parte son texturas mezcla y masteriza. sónicas influenciadas por el Tom: También quería mencionar que minimalismo y el ambient de Brian el concepto de arte para la caratula fue Eno en un concepto dream pop etéreo creado por nuestro amigo Gardy Perez y post punk.

a los afectados por los peores incendios forestales en la historia reciente que destruyeron aproximadamente 18.6 millones de hectáreas (46 millones de acres; 186,000 kilómetros cuadrados; 72,000 millas cuadradas), mataron a más de 1 billón de animales, destruyeron más de 5,900 edificios (incluyendo 2,779 hogares) y mataron al menos a 34 personas. Mencioné que no podía comprometerme a organizarlo en ese momento porque tenía muy poco tiempo en mis manos debido a varios compromisos comerciales y personales anteriores. Denise decidió encabezar con la ayuda de Dark Asylum Radio. Yo ayudé a correr la voz acerca de participación para la compilación. Estoy muy orgulloso de tener la ayuda de mis amigos decidieron contribuir con su música a la compilación. Dennis hizo un gran trabajo al armar Tom: Estoy con Andrés en esta, para todo y lanzar el álbum, que está lleno mí “Nada más que decir” (que solo la de buena música que va a una causa entenderán los que entienden español) aún mayor. encapsula el sentimiento lírico del proyecto. El haber dejado atrás todo ¿Dónde se puede conseguir este lo conocido para venir a vivir en otras trabajo? tierras, mientras echa de menos la Andrés: familiaridad de su gente, sus seres https://healaustralia.bandcamp.com/ queridos y amistades, y la belleza de releases poder ver dónde se encuentran el cielo y el océano, el calor del sol, el olor a Y para terminar esta entrevista y agradeciéndoles la oportunidad de tierra y brisa del mar. dejarme realizarles esta entrevista, Cuéntennos sobre el compilado les dejo este último espacio para que acaba de salir por Australia que que digan lo que quieran a nuestros sus proyectos están participando. lectores. Andrés: Pues Tom es quien los Tom: Muchísimas gracias por el conoce, a mí me llego la referencia apoyo y la consideración, por tomar por él y nada sumamente contentos de su tiempo para entrevistarnos y de poder ser parte de una iniciativa tan por todo lo que llevas haciendo en la escena latino americana para divulgar importante como esa. artistas y sonidos fuera de lo común. Tom: Mi amige, Denise Caballeros, Le deseamos lo mejor a usted, sus me contacto para preparar una lectores. compilación de ayuda de caso de desastresparaAustralia.Esparaayudar Andrés: Secundo las palabras ¿Qué canción del álbum les gusta más? Si tuvieran que elegir una sola y ¿Por qué? Andrés: “Moth to a flame” y “Nada más que decir” son especiales para mí. La primera porque lo que se logró con las guitarras para mí suena épico y la segunda sencillamente es que la lírica y la manera en la que Tom transformo la idea que le envié, me dejo sin palabras cuando lo escuche. Sin mar y sol pierdo el control, todo me da igual, nada es especial y todo me da igual, esas palabras llevan consigo tanto de lo que somos, la puedo escuchar mil y una vez sin parar. Nacimos con el sol en nuestros rostros y el olor y sonido del mar impregnado en nuestro ser y al estar lejos de eso, se sufre y se siente un abismo infinito a veces que con nada se sana.

de Tommy muchísimas gracias por la oportunidad. De esto se trata de apoyarnos entre nosotros, ser solidarios y empáticos. Pueden encontrar a Cielo Océano en: https://www.facebook.com/cielooceano/ https://jakjonsontapes.bandcamp.com/releases https://m.youtube.com/watch?v=DDQiud7ljfQ&list=OLAK5uy_ mEpgu4wogH-N7pNys5TNJsUhzCthxHkg4

DE TIEMPO Y LETRA Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor. Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre. Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura. Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina. Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento. No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación. Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre. Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura. Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

“De tiempo y letra”, regresa en este nuevo número del diseñador y escritor Maximilian Jeske, con un ensayo que presenta un original recorrido entre la pintura y la fotografía en relación a los símbolos de poder, escrito en exclusiva para nuestro segmento. Además y por tercera vez, participa con uno de sus personales textos, emanando tensión y sentencia, el poeta Álvaro Calderón Ponce. Y para cerrar, un poema de mi autoría, cual proclama como empedernida opción. Voces diferentes interpretando, desde cierta similar perplejidad, lo efímero del existir. Pasen y lean.

[ Por Franco Doglioli. ]

EL RETRATO DE PODER: DE LOS MEDICI A LOS INFLUENCERS

La cantidad de retratos modernos resultan abrumadores en Instagram, una de las redes sociales mas importantes. Para los entendidos es fácil identificar unos zapatos de Louboutin, un vestido de la ultima temporada de Dior o un bolso de Hermès. Esa comprensión del origen de ciertas piezas y de su valor, siempre ha resultado para los poderosos un medio importante a través del cual exhibir su influencia. Hace cinco siglos al ojo educado le hubiera resultado igual de fácil identificar una alfombra de Anatolia, un jarrón de Murano o la costosa seda roja, comprendiendo no solamente el origen de aquellos objetos, sino la implicación de influencia económica que suponía para el retratado.

En el mundo contemporáneo, el proceso de tomar una fotografía de calidad se ha facilitado de tal manera que para la mayoría de las personas resulta casi automático. Hoy en día los retratos que podemos encontrar en museos y pinacotecas han cedido su lugar a las fotografías que se exhiben en las redes sociales como si fueran las grandes galerías de las academias de hace dos siglos. A través de este desarrollo tecnológico, el retrato se ha popularizado, y el poderoso significado que ocultaba se ha masificado. Pero hasta hace poco el crear un retrato era una actividad larga, complicada y casi siempre costosa. Antes de que existirían los estudios fotográficos, las cámaras y los teléfonos inteligentes, los retratos eran siempre pintados o dibujados por un artista de mayor o menor calidad, siempre en concordancia con el poder adquisitivo del retratado, pero con una finalidad que apenas ha cambiado con el pasar de los años y los siglos. La exhibición del ideal de belleza de cada época siempre ha sido uno de los parámetros que han marcado la producción de los retratos, ahora y siempre. Hace siglo y medio, Winterhalter embellecía a sus retratadas, creando una imagen reconocible pero idílica de sus aristocráticas pero no muy agraciadas efigies; y lo mismo ocurre actualmente. Photoshop ha hecho posible que desaparezcan líneas de la edad, manchas en la piel y cinturas demasiado voluptuosas, permitiendo que la exaltación del físico llegue hasta su máxima expresión. Pero el objetivo mas importante de retratar a Lauren Santo Domingo o a Eleonora de Toledo siempre ha sido el establecer el poder a través del imaginario colectivo. Los influencers pueden medir estas armas de propaganda de manera mas certera, a través de sus likes y followers, pero su necesidad de vender su imagen tiene su origen mucho de antes de lo que se suele imaginar. Pero aunque ciertamente son herederos con aquellos Médicis del siglo XVI, parece faltar en estos retratados modernos aquel espíritu culto y vanguardista que se exhibía con asiduidad hasta la Primera Guerra Mundial, también se podrían culpar a nuestros tiempos, en los que se valora un bello rostro y un cuerpo escultórico antes que una mente sagaz y un ingenio perspicaz. Pero como con todo arte, es necesario el paso de los años para poder juzgar con justicia las indolentes mareas y caprichos de nuestra época. Maximilian Jeske

Maximilian Jeske DISEÑADOR GRÁFICO Y DIRECTOR DE ARTE Apasionado por el diseño, la historia y el mundo digital. Ha trabajado en varios proyectos diversos. Comenzando con M. Jeske, un proyecto de arte, enfocado en llevar el arte clásico a un marco más contemporáneo. También ha trabajado con una consultora de narración de cuentos, diseñando varios proyectos de identidad corporativa y presentaciones con importantes compañías. Además se encuentra desarrollando como escritor tres novelas. De familia polaca y ciudadano de la Unión Europea, nació en Cali, Colombia. Ha vivido en Nueva York, Londres y desde 2012 en Madrid. Lo motiva poner su talento, entusiasmo y motivación al servicio de la trayectoria ascendente de un proyecto emocionante.

ASEOS El señor de los últimos días tiene fiebre y tiembla ya no hay nadie en la calle ahora la ciudad desaparece y los niños no duermen cae la campana cae el reloj cae la tarde. Hay una epidemia de alegría hay un virus salvaje que a todos nos enferma y por ello damos gracias. El señor de los últimos días nos avisa: “Ésta es mi palabra y nunca me pronunciaré” Ya no queda nadie en casa las camas están vacías y las cocinas tristes quedan en tu teléfono podrás piratear tu destino. Tira al fuego tus sueños y las cenizas te devolverán la verdad ahora, solo, sopla. El señor de los últimos días tiene fiebre y hambre y tiembla es temprano no te vayas a dormir aún la mañana es de cuero y es de sangre los niños no entienden tranquilo, tranquila todo va ir a mejor. Álvaro Calderón Ponce

ÁLVARO CALDERÓN PONCE

ALGO SOBRE MÍ Me llamo Álvaro, nacido en Ronda (Málaga) y tengo 34 años. Actualmente vivo en madrid desde hace pocos meses, los mismos que llevo trabajando en un bar restaurante todas las noches menos una de la semana. He venido a esta ciudad con otros propósitos y algún sueño por cumplir. Escribo desde hace unos años, si hago memoria creo que podría afirmar que desde los 16 aproximadamente, y desde entonces ya no he dejado de hacerlo. ESCRIBO PORQUE Una vez me enamoré de una chica en el instituto. Yo no era un alumno muy aplicado y pasaba muchas horas libres haciendo nada, cuando ocurrió lo de esta chica empecé a componer unos primeros versos torpes y cursis, siempre fui buen lector, desde niño, y de alguna manera, me gustó la sensación que sentía cada vez que escribía alguna cosa. Y con el paso de los años, y con muchos más libros leídos, adquirí este hábito tan bonito como trágico a la vez, que es escribir poemas. En la actualidad escribo cada vez que bebo mucho o tengo algo que decirle a alguien y no me atrevo a hacerlo a través de un diálogo normal y corriente, como hace la gente normal y corriente. Olvidé las pretensiones literarias de publicar hace tiempo, lo que no quiere decir que no quiera hacerlo.

FRANCO DOGLIOLI

RESISTENTIAM Espacio elegido, ocupo solitario, al cruzar una calle en cierta silla o sobre esa cama. Espacio elegido y no mĂo, uso cual diario acto subversivo. Decirlo ahora, decirlo callado. Espacio elegido, bioma acaso, de polizĂłn empedernido.

Espacio elegido; siendo el antes del exilio, lo Ăşnico cercano. Espacio elegido, ocupo sin sosiego, asido al resistir, como solo argumento.

Franco Doglioli

http://madwaspradio.com/

Loose Canon http://www.6towns.co.uk/

Simon's Big New Thursday Thing https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

LA ORACIÃ&#x201C;N DE LAS CENIZAS Il Giardino Violetto 2019

[ Por Alejandro Cenizacromada. ]

http://oraciondelascenizaslabel.blogspot.com/

Il Giardino Violetto Il Giardino Violetto (2019) Hace ya casi 30 años que un enigmático proyecto italiano marcó la escena underground gótica europea con una realización llamada Danse Macabre (1989). Il Giardino Violetto presentaba un disco cargado de minimalismo sepulcral e hipnótico, potentes líneas de bajo, voces perturbadoras, guitarras cortantes, programaciones brillantes y ambientaciones catatónicas. Para esos días la banda había tocado una sola vez en un club emblemático de Roma, su ciudad de origen para así luego desaparecer. Ahora para fortuna de nosotros, amantes de ese sonido gótico con una fuerte carga experimental, como surgió en sus inicios, como debería ser y sin obedecer algún tipo de cliché o estrategia mercantilista nos topamos con que el proyecto liderado por Carlo Cassaro ha renacido de sus cenizas en 2017. Para 2018 presentaron un EP o Demo como ellos lo llamaron, haciendo una reversión de antiguos temas con una nueva cantante (Serena) logrando una atmósfera diferente en el resultado, tal vez menos perturbadora que la cantante original pero en compensación más sugerente y etérea. En dicho “demo” aparecieron dos nuevos temas como anticipo de su nuevo álbum. Y pues bien, su nuevo álbum llamado como la banda Il giardino violetto ha salido para 2019, con el aura misteriosa que siempre los ha caracterizado. Un disco que mantiene esa vena inquietante del material que los convirtió en leyendas, tal vez un poco impregnado de ese espíritu bailable que impera por estos días pero con ese complemento tribal que los caracteriza. El álbum tiene una versión en vinilo en edición limitada de 300 copias, pero su versión digital está en modo send your Price (pagas lo que quieras o libre descarga). Realmente es un regreso que merece ser celebrado. Para mí su demo del 89, está entre lo mejor que he escuchado en toda la vida que llevo sumergiéndome en estos oscuros abismos sónicos. Il Giardino Violetto regresa con fuertes argumentos a reclamar su lugar privilegiado en el panteón de los sonidos oscuros. Como recomendación adicional es bueno ponerle atención a Echoes of silence banda de Post punk italiana en la que Carlo fue vocalista en 2006. Disfruten…

Tracklist: 1 La Fine Del Tempo 6:51 2 Lacrime Scorrono Fredde 6:20 3 Crepuscolo Degli Idoli 6:21 4 Al Cospetto Del Nulla 5:14 5 La Legge Del Padre 3:50 6 Mutazioni 5:55 7 Anomalia 4:57 8 Silenzio Assordante 6:26 9 Divino Dolore 5:46 10 Il Giardino Violetto 6:54 https://ilgiardinovioletto.bandcamp.com/album/il-giardino-violetto

[ Reseña de “Topographies ‎– Difference and Repetition” por Benjamín York ]

EL SONIDO EN LA SANGRE

Topographies ‎– Difference and Repetition Label: Dream Fecha de Lanzamiento: 14 de Febrero de 2020

Este trío de San Francisco, California, se formó en el 2018, luego que su guitarrista y vocalista Gray Tolhurst (si, el hijo de Lol Tolhurst y Cindy Levinson) disolviera la banda que Coo Coo Bird. Junto a Jeremie Ruest y Justin Oronos graban un homónimo single debut en (2018), en enero del año pasado participan delas famosas sesiones de “Part Time Punks Session” grabando 4 canciones, luego un single “Cherry Blossom”, también el año pasado, y en este 2020 nos traen el EP “Difference and Repetition” de cuatro canciones. El sonido de la banda tiene un ADN en el sonido oscuro de la banda que fundó su padre, The Cure, en la época de “Faith”, obviamente actualizado y mezclado con el dreampop, con una dosis de post-punk fantasmal, sonidos lánguidos, espectrales, pero con una rítmica lenta y percusiva marcada por la batería electrónica. Por momentos me recuerdan a Presence, otra banda de Lol y en otros momentos a Cigarrettes after sex. Las guitarras mantienen ese halo de languidez dreamy y de reberveración eclesiástica, las voces aparecen como plumas sonoras que caen y van extendiendo esa sensación de fantasía sonora. Topographies tiene algo de Post-Punk, Coldwave, Dreampop, Darkwave, y ese as de espadas de tener el sonido en la sangre. Gran banda y gran EP, para conocedores del sonido post punk y dreampop.

[ Entrevista a Trond Fagernes de Mayflower Madame por BenjamÃn York. ]

MAYFLOWER MADAME: EL PSICO-NOIR NORUEGO PREPARADO PARA UNA PESADILLA

Desde Oslo, Noruega, recibimos en nuestras páginas a este proyecto Mayflower Madame formado por Trond Fagernes (voz, guitarra, bajo), Håvard Haga (guitarra) y Ola J. Kyrkjeeide (batería). Creando una textura que amalgama el post-punk con la psicodelia, tienen un EP y un álbum debut llamado “Observed in a Dream” (2016) y ahora el próximo 27 de marzo saldrá el segundo álbum “Prepared For A Nightmare” y de esto hablaremos y también de sus anteriores trabajos. Con ustedes la oscuridad de Mayflower Madame… para nosotros. De alguna manera, teníamos nuestro propio espacio aislado donde podíamos hacer música sin interrupciones sin saber (o preocuparnos) lo que otros pudieran pensar al respecto. Creo que estos dos factores contribuyeron a formar y Mayflower Madame nace en el 2011 crear nuestro sonido e identidad como en un lugar ideal para encontrar una banda. identidad propia, cuéntanos acerca de ese lugar de ensayo… Para aquellos lectores que nunca Bueno, puedo decirles que al principio han escuchado a Mayflower no parecía ideal, pero los buenos Madame. ¿Cómo lo describirías? espacios de ensayo suelen ser muy A menudo encuentro que nuestra caros (y a veces difíciles de encontrar) música es un poco difícil de describir, en Oslo, así que terminamos con una pero por género, supongo que no habitación barata en un desolado puedes equivocarte si la llamas una edificio industrial. La habitación estaba mezcla de psicodelia, shoegaze y en la esquina de un gran salón dirigido post-punk. A menudo es oscuro y por una empresa de lavado de autos cinemático, a veces brumoso y ruidoso, y, en general, los alrededores eran pero siempre con un núcleo melódico. realmente duros y poco atractivos. También recuerdo que el sonido fue ¿Cómo nace el nombre de la terrible en los primeros ensayos; la banda? sala no estaba hecha para hacer La banda fue nombrada en parte por música (no había insonorización, etc.) el famoso propietario de la agencia y al principio también teníamos un de acompañantes Sidney Biddle equipo bastante barato / malo, lo que Barrows conocida como Mayflower no ayudó, por supuesto. Sin embargo, Madam, aunque agregamos un -e al después de un tiempo, comenzamos final para mayor oscuridad. Sabíamos a sentirnos más como en casa en el que podría hacer que la gente sintiera entorno industrial: en realidad fue curiosidad y tal vez esa sea parte de inspirador en lugar de deprimente. No la razón por la que lo elegimos, pero había otras bandas ensayando allí y nos gustaría mantenerlo abierto a la creo que eso también fue una ventaja interpretación si hay algún significado ¡¡¡¡Hola Trond!!!! Gracias por permitirnos dar a conocer a Mayflower Madame a través de tus palabras. Hola Benjamín. Gracias por su interés en la banda y nuestra música.

más profundo detrás de ello. Todo lo que podemos decir es que nos gustó el hecho de que el nombre tiene una cualidad misteriosa (en parte porque Sidney fue un exponente de secretos oscuros). Y nos gustó su sonido, que es, por supuesto, otra razón por la que lo elegimos. En el 2013 llega “Into the Haze” como primer trabajo, en donde explotan una sicodelia oscura, una mixtura entre la sicodelia y el post-punk… y pienso en ese lugar donde ensayaban… Todo cierra, la oscuridad y esa atmósfera claustrofóbica del EP debut. Hoy a varios años de ese trabajo, ¿sienten eso? Ya habíamos encontrado los ingredientes clave de nuestro sonido en ese momento y todavía puedo disfrutar de escucharlo a veces. Se siente "real", como si las canciones fueran concebidas naturalmente, y es un buen documento de dónde estábamos en ese momento, pero también creo que hemos desarrollado mucho desde entonces. En primer lugar, creo que tenemos un sonido "más rico / más grande" en nuestros lanzamientos posteriores (y espero que las canciones en sí mismas también sean mejores). Mi canción favorita del primer EP es «The Longing» y, en realidad, a veces he considerado grabar una nueva versión del mismo. Si hablamos de influencias, ¿a quién mencionarías como referencias musicales dentro del sonido de Mayflower Madame? Es una buena mezcla de muchas bandas y artistas. Los primeros que vienen a la mente son Syd Barrett y Lee Hazlewood, algunas de las primeras bandas post-punk como The Cure y

Bauhaus y algunas bandas posteriores de shoegaze / neo-psychedelic como My Bloody Valentine, Psychic Ills y A Place To Bury Strangers. En el 2016 llega el álbum debut “Observed in a Dream”. En este álbum exploran un sonido más expansivo, con muchas más texturas sicodélicas pero con más rock, oscuro y sucio, más de ruta. Siento que en este trabajo definen más su sonido, ampliándolo. ¿Qué crees tú acerca de este álbum debut? Estoy totalmente de acuerdo con usted, nuestro sonido es más expansivo y mejor definido, y todavía estoy muy orgulloso de ese álbum. También creo que la producción es mucho mejor que en el EP «Into the Haze», desde la grabación hasta la mezcla y masterización. Si volviéramos a grabar el primer EP, creo que hoy sonaría mucho mejor, pero en «Observed in a Dream» difícilmente cambiaría nada. 2018 y “Premonition” un nuevo EP. Tours por América del Norte y por toda Europa. ¿Un paso importante en la carrera de Mayflower Madame? Las canciones del EP «Premonition» se escribieron por primera vez para un segundo álbum, pero sentimos que el sonido era demasiado similar a « Observed in a Dream», así que decidimos lanzarlas como EP. Pensamos que las canciones eran demasiadobuenasparanoserlanzadas en absoluto y también queríamos agregar material nuevo a nuestras listas de canciones para las actividades de gira de ese año. Estábamos satisfechos con el EP (especialmente la canción principal es mi favorita personal) y las giras, pero simplemente sentimos que necesitábamos más tiempo para explorar y crear un nuevo sonido para

el segundo álbum. En la descripción de este Ep, usted dice que el segundo álbum se lanzará en 2018, pero estamos en 2020 con una fecha de lanzamiento definitiva. ¿Qué pasó que la segunda edición del álbum llegó tarde? Tocamos muchos shows en la primera mitad de 2019 y en el medio escribimos un conjunto completamente nuevo de canciones para el álbum. La segunda mitad estuvo dominada principalmente por las conversaciones con el sello y mezclas. Estas cosas llevan tiempo, por lo que marzo de 2020 fue la fecha más temprana posible. También fue importante para nosotros que coincidiera con nuestra próxima gira por los Estados Unidos.

pop de la banda. Sin embargo, todavía sentimos que es fiel a nuestro "sonido característico", al tiempo que contribuye a la variedad e integridad del próximo álbum. "Swallow" es una canción de amor, se trata de la dependencia y la fragilidad que uno puede sentir en una relación, que implica tanto el miedo como el deseo de sumisión.

Yo he tenido la posibilidad de escuchar el nuevo álbum, pero para aquellos lectores que no han escuchado el álbum. ¿Cómo lo describirías? La gente puede esperar que profundicemos aún más en nuestra mezcla distintiva de psico-noir y psicodelia, pero también un álbum que es más variado y dinámico que nuestro debut, explorando nuevos sonidos y Entrando en el nuevo álbum, aportando nuevos elementos. “Prepared For A Nightmare”, que se espera para el 27 de marzo. Para terminar esta entrevista y Han lanzado el single adelanto agradeciéndote esta posibilidad de “Vultures”, una oscura y rockera hacerte estas preguntas, pensaba canción. Cuéntanos acerca de este que tal vez la gran mayoría de nuestros lectores están conociendo adelanto… En comparación con nuestras cosas a Mayflower Madame en esta anteriores, «Vultures» se siente más entrevista. ¿Por qué crees tú que no afilado y quizás también más oscuro. deberían dejar de escucharlos? Todavía hay elementos de psicodelia y Muchas gracias, fue un placer. Espero shoegaze, pero se inclinan más hacia que sus lectores aprecien nuestro un sonido post-punk, casi industrial. próximo álbum y también echen un La letra gira en torno a sentimientos vistazo a nuestros lanzamientos de exceso, lujuria y avaricia, y cómo a anteriores. veces parece que se puede empujar las h t t p s : / / m a y f l o w e r m a d a m e . cosas más y más como si estuviéramos bandcamp.com. esperando y casi anhelando que todo h t t p s : / / w w w . f a c e b o o k . c o m / estallara. «Swallow», por otro lado, mayflowermadame/ muestra un lado más soñador y más ¡¡¡Gracias Trond!!!

[ Reseña de "Adam Ant – Manners & Physique" por José Navarro ]

LONDRES/MINNEAPOLIS/ LOS ÁNGELES

Adam Ant – Manners & Physique Label: MCA Records Fecha de Lanzamiento: 12 de marzo de 2020

Un buen día allá por 1990, te despertás, y te agarra la angustia existencial, al darte cuenta que estás en la lista imaginaria de los animales sagrados por sacrificar en nombre del recambio generacional y musical. Hacés un rápido recuento de situaciones que te han afectado en el pasado, y cambios de rumbo estilísticos que te viste forzado a hacer para salvar del hundimiento a tu nave de expresión. ¿Qué hacemos ahora? No debe haber estado muy alejada de la realidad esta imagen, en los ojos del bueno de Adam Ant, mientras nerviosamente pensaba que hacer. Por suerte, a su lado estaba como siempre Marco Pirroni, su jefe musical, aportando ideas y soluciones que en su momento fueron clave para solucionar momentos de zozobra, como quedarse sin banda después que fueron tentados por el Pirata de Malcolm Mc Laren para dejarlo solo y con una vocalista femenina rebautizarlos como Bow Wow Wow. Un nuevo rumbo musical, reclutar músicos afines, y la segunda fase de Adam and the ants había empezado. Y vaya si en su momento fue lucrativa. Quizás inclusive más que Bow Wow Wow. Pero esta vez era diferente. El sello MCA le apoyaba, si. Pero necesitaba un producto que de una vez por todas consolidase a Adam (Ya solo como Adam Ant, no “And the ants”) en el mercado norteamericano y de paso pague sus deudas. Es el momento de barajar la posibilidad de pedir ayuda a un productor. André Cymone entra en juego. Cymone había sido el bajista de la banda de Prince, antes de que se arme su ejército llamado The Revolution, y los sumerja en su lluvia púrpura. Productor, y músico consumado en su propio derecho, aportó su experiencia en los estudios para que el producto que tenía que armar Adam sea viable. Un par de canciones que ya estaban compuestas y tocadas desde un par de años antes, fueron resucitadas y maquilladas para esta nueva aventura. El resultado: Un disco fuertemente influenciado por el sonido de esos años, con mucha producción y con sonidos que evolucionan en base al sonido de las programaciones de batería y líneas de bajo. El single de adelanto del disco “Room at the top” se coló en la posición número 17 del ránking Inglés de ese año. Y número 13 en USA. Nada mal, considerando el incesante bombardeo de estilos, productos y demás que inundaron el mundo en ese año. También marcó el fin de una época, pues el sello MCA rechazó su próximo disco, ya grabado y listo para salir a la venta. Adam no volvería a exponer material nuevo hasta 1992, pero esta vez en otro sello, EMI. Pero eso es otra historia.

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EL RINCÃ&#x201C;N NOTICIAS

Es tanta la música que se edita semanalmente que no se puede abarcar todo lo que quisiéramos, por eso hemos estrenado este bloque de noticias de ediciones de singles, videos, EPs y publicaciones que merezcan la pena no dejarlas pasar. Para esta edición les traemos estas nuevas ediciones: VIDEOS I Am A Rocketship – Give - My Nature

Sello: Independiente Fecha de Lanzamiento: Febrero y Marzo de 2020 El dúo de Atlanta, que hemos entrevistado en el 2019, ha lanzado dos videos de nuevas canciones que formarán parte de su nuevo álbum “Ghost Stories”. El primer video, “Give”, fue lanzado en febrero y “My Nature” en marzo, ambos sirven para promocionar la llegada del nuevo álbum de I Am A Rocketship, https://iamarocketship.com/ https://www.facebook.com/iamarocketship https://www.youtube.com/channel/UC5UiGnrf13zMV3BPYrPAddw https://twitter.com/iamarocketship1

Deleo – Unfair

Sello: Independiente Fecha de lanzamiento: 19 de Marzo de 2020. Single adelanto del EP debut de la banda de Montpellier (Francia) que encabeza Denis Navarro, Deleo. Con la dulzura de la cantante Emy Eris, que es rodeada y cuidada de la instrumentación de Denis, Nicolas Gaeremynck, Romain Viguier y Robin Olivier. El track “Unfair”, es el track adelanto y que le da nombre al EP debut, de cuatro canciones, que se espera para el 19 de mayo próximo. https://www.facebook.com/deleoofficiel/ https://deleoofficial.com/ https://twitter.com/Deleo_Officiel https://www.instagram.com/deleo_officiel/

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SINGLES Daniel Land – White Chalk

Sello: Independiente Fecha de Lanzamiento: 31 de Enero de 2020 El gran Daniel Land, quien ha pasado lagunas veces por nuestras páginas, nos sorprende con un nuevo single “White Chalk”, que adelanta un nuevo álbum solista que se espera para este año, en un posteo Daniel comentaba que aún estaba viendo qué sello se interesaría en editar el nuevo álbum. En esta canción nos encontramos con que Gary Bruce sigue a su lado. Y la canción es una dulce, brillante y calma canción que lleva el ritmo cadencioso de las guitarras sublimes, que van marcando una corriente marina mansa que nos va llevando en un viaje majestuoso a través de climas y capas de guitarras que se van superponiendo, en bajo que acompaña junto con la batería simple, produciendo un piso seguro en donde las vibraciones de las guitarras y la voz ásperamente cálida de Land nos seduce y nos deja con gusto a poco cuando el track termina. Daniel Land sabe cómo hacer canciones brillantes y esta no es la excepción. https://danielland.co.uk/

Lunaires - Healing Hurricanes

Sello: Wave Records Fecha de Lanzamiento: 10 de Enero de 2020 Los italianos de Lunaires arrancan el año con la edición de este bello single, editado por Wave Records de Brasil. Luego de su álbum debut “If All The Ice Melted” (2019) el dúo conformado por Danilo Carnevale y Patrizia Tranchina vuelven con este track luminoso con aires de dreampop, sublime. https://www.facebook.com/Lunaires.band/ https://lunaires1.bandcamp.com/ https://www.instagram.com/wearelunaires/

The Churchill Garden - Light

Label: independiente Fecha de lanzamiento: 14 de Febrero de 2020. Todos los que amamos el dreampop y el shoegaze hemos visto, en estos últimos, el crecimiento de la colaboración entre el suizo Andy Jossi (The Churchill Garden) y Krissy Vanderwoude (Whimsical). En febrero hemos tenido un nuevo capítulo que nos hace gozar de alegria en tan solo 4.22 minutos. El sonido tiene rezagos de ese simple de noviembre pasado, que Andy lanzó con la versión de Halo de The Cure, también con la voz de Krissy, si bien no podemos olvidarnos de "Surrender" de diciembre pasado, en donde Jossi volvió a colaborar con Vanderwoude, el sonido de Light se emparenta más a su versión de la banda de Robert Smith. Una vez más el aporta vocal de Krissy es fabuloso, corona un trabajo espléndido musical de Andy, que le aporta un colchón sónico exquisito para que la dulce voz se eleve celestialmente a niveles fantásticos. Un track más de The Churchill Garden, una colaboración más de Jossi y Vanderwoude, una canción, que cómo su nombre indica, nos trae luz. https://www.churchhillgarden.ch/

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Loveblind - Daydream

Sello: Saint Marie Records Fecha de Lanzamiento: 21 de Febrero de 2020. Como muchos proyectos en estos últimos años, Loveblind es un súpergrupo con integrantes que no se encuentran en un mismo lugar, el proyecto fue creado por el dueño del sello Saint Marie Records, Wyatt Parkins, quien se unió con Joshua Garman de Crash City Saints y la voz y compositora Dorian Electrique de Seasurfer, luego se unió Mikel Wegener, miembro de Seasurfer, fue contratado para el bajo y el guitarrista / baterista Neil Burkdoll de Whimsical. Uniendo ciudades como Texas, Florida y Alemania. “Daydream” es el segundo single de "Sleeping Visions" el álbum debut de la banda que saldrá por Saint Marie Records el 27 de marzo. Anteriormente nos encontramos con “War Planets” en enero de este mismo año. “Daydream” es una grandiosa canción con un ritmo y una marea de guitarras excelentes, que nos llevan por delante desde el comienzo del track y nos arrastra en un cause maravilloso, mientras la voz de Dorian nos invita a soñar. Como lado B del single se encuentra “Daydream (Reality Mix)” un remix más electrónico. https://www.loveblindband.com/ https://www.facebook.com/loveblindband/

Long Nights – Tick Tock

Sello: Swiss Dark Nights Fecha de Lanzamiento: 26 de Febrero de 2020 Los noruegos de Long Nights están de regreso con este nuevo single “Tick Tock”. Y si bien no se andan con vueltas y nos traen el gothic rock puro y directo que ya nos habían demostrado en sus álbumes “Sorrow Returns” (2016) y “Barren Land” (2018). Aquellos que aún no los descubrieron y son amantes del rock gótico en su más pura expresión… esto es para ustedes. https://www.facebook.com/Long.Night.Tau/ https://www.instagram.com/longnight.tau/ https://twitter.com/LongNight13

Chasms – Limits

Sello: Felte Lanzamiento: 04 de Marzo de 2020 Este dúo californiano de Chasms, formado por Jess Labrador y Shannon Sky Madden, acaban de lanzar un nuevo single de dos canciones, “Limits” y “Until It Happens To You”, como Lado B. Coproducida y mezclada por Joshua Eustis (Telefon Tel Aviv), “Limits” es oscura y etérea, con un ritmo lento y guitarras dreampop, por momentos aparecen pinceladas shoegaze, continuación de lo que pudimos escuchar en su último LP “The Mirage” y el single "Before It Happens To You", ambos lanzados en Felte en 2019. “Until It Happens To You” tiene un sonido más electrónico, pero sin abandonar ese dejo de letargo en las guitarras, otra canción etérea y hermosa. Más rítmica que “Limits”, pero en la misma senda compositiva de lograr ambientes muy brillantes. https://www.facebook.com/chasmsband https://chasms.bandcamp.com/album/limits https://www.instagram.com/chasmsband/ https://twitter.com/chasmsband

Verde y los Caballos a Marte - Una Fiesta

Sello: Fuego Amigo Discos Fecha de Lanzamiento: 5 de Marzo de 2020 Siempre tratamos de estar atentos a lo que edita el sello Fuego Amigo Discos. Y en esta oportunidad se conjugan dos motivos de alegría. En primer lugar una nueva edición del sello que nos pone contentos, apreciamos mucho a estos chicos y segundo que Verde y los Caballos a Marte es una banda qué nos encanta y disfrutamos de este single nuevo. La canción es una especie de mantra que comienza muy tranquila casi dreampop y luego rompe en un shoegaze que expande mentes... Es una fiesta... nadie baila... Ahora no quiero dejar de hablar del video, imágenes caseras de playa, Mar del Plata, añoranzas del verano, playa, momentos únicos y edición simple con eficacia, el video tiene una inocencia veraniega magistral. https://verdeyloscaballosamarte.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/Verdeyloscaballosamarte http://www.fuegoamigodiscos.com.ar/

EPS David Bowie - Is It Any Wonder?

Sello: Parlophone Fecha de Lanzamiento: 14 de Febrero de 2020 Cuesta acostumbrarse a no tenerlo más a señor de las mil caras entre nosotros y más cuando ante cada nuevo cumpleaños nos encontramos con algún material inédito que nos trae ese aire renovado de viejas canciones en versiones alternativas como en este EP. Las canciones son “The Man Who Sold The World” del disco ChangesNowBowie, grabada y transmitida por la BBC en el 50 cumpleaños de David el 8 de enero de 1997. “I Can´t Read ´97”, apareció originalmente en el álbum de debut de Tin Machine en 1989, fue regrabada para formar parte de Earthling y finalmente quedó fuera. “Stay ’97”, es una nueva versión de la que se grabó en el disco Station To Station (1976), con agregados de sintetizadores y secuenciadores. Le sigue una nueva versión de “Baby Universal”, otro descarte de Earthling. Y “Nuts”, es otro inédito semi instrumental escrito por David Bowie, Reeves Gabrels y Mark Plati que quedó registrado en las sesiones de Earthling, The Man Who Sold The World” (Live Eno Mix), canción que daba título al álbum del mismo título publicado en 1970, aquí en una nueva mezcla, reformulada por Brian Eno en 1995 a partir de una versión en directo de la misma. Outside World Tour. Eso en la versión streaming, ya que la física (disponible en marzo) omite esta última y contendrá la actualización de la conocida “Fame” bautizada como “Fun (Clownboy Mix)”, registrada en 1998.

SPC ECO – X 3

Sello: Sello: B O F C SPC ECO están realizando una serie de lanzamientos mensuales, que prometen que será durante todo el 2020. Debido a la distancia entre nuestra última edición (Diciembre 2019) y ésta, ya han salido 3 trabajos, así que los enumeraremos a continuación.

Wish You Were Near

Sello: Sello: B O F C Fecha de Lanzamiento: 01 de Enero de 2020 Apenas nació este 2020 el dúo conformado por Dean Garcia y Rose Berlín han lanzado esta canción como single. Un profunda y enigmática canción que roza la experimentación pero con un ritmo trip hop maravilloso, de ritmo cansino y una estructura sonora inquietante.

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SPC ECO -EP February

Sello: B O F C Fecha de Lanzamiento: 01 de Febrero de 2020 En este caso se trata de un EP de cuatro canciones. En este EP el dúo de padre e hija se unen con el tercer miembro de SPC ECO, Jarek Leskiewicz. Juntos crean climas entre fantasmales, dreampop, por momentos más nugaze, y siempre con mucha electrónica oscura detrás de la dulce voz de Rose, van creando mundos inquietantes, reflexivos y claustrofóbicos. "All In Time", "Such A Fucking Cunt", "Out Of Touch" y "Murphy's Law" son las canciones…

SPC ECO -EP March

Sello: B O F C Fecha de Lanzamiento: 01 de Marzo de 2020 Nuevo mes nueva publicación y esta vez son cinco canciones. La verdad es que para marzo los latidos pulsan enmarañados en un Trip Hop fantástico, muy a lo Massive Attack, ambientes sonoros oscuros y ruidosamente penetrantes, enigmáticos, y la voz de Rose se vuelve mántrica. Para este trabajo suman a otro de los habituales colaboradores, Mark Wallbridge. Y con respecto a los anteriores trabajos, en este podemos escuchar más guitarras a lo Curve, pero en un marco mucho más oscuro y menos vertiginoso que en el viejo proyecto de Dean. Las canciones son "By The Rules", "Maybe You're Insane", "If You Like", "Pretty Little Birds" y "Connection To You". Esperemos qué nos espera el mes siguiente. http://spceco.com/ https://www.facebook.com/SPCECO2/ https://spceco.bandcamp.com/ https://www.youtube.com/user/SPCECO https://soundcloud.com/spc-eco/

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[ Reseña de "Nax - Congelado" por Diego Centurión ]

PUNTO DE PARTIDA

Nax - Congelado Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 16 de Marzo de 2020

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Nosotros siempre estamos atentos a la banda de Nicolás Castello, Nax. Es un proyecto que nos encanta y es un proyecto que nos debía el álbum debut. Pero nos ha mantenido en vilo editando regularmente singles, EPs, videos… Nax tiene tanto material que es difícil creer que no haya editado un álbum aún, y lo cierto es que nos ha tenido tan entretenido que nos da la sensación de que existe algún álbum de Nax anterior. Este primer álbum trae un compendio del mejor sonido de Nax, que la banda vino mejorando desde ya hace una década, tiene todo lo que nos vino entregando Nax a lo largo de sus singles. Shoegaze, dreamgaze, dreampop, nugaze, todo en diez canciones. Algunas ya las hemos recibido como adelanto de este álbum. Pero empecemos a desmenuzar un poco estas canciones… Para empezar abre con dos canciones rápidas, directas y vertiginosas, “Aniversarios” y “Noche”. Una apertura que nos sacude de entrada y nos saca esas ganas de escuchar y sacude esa ansiedad que tenía de escuchar este álbum. ¿Las dos primeras canciones? Me llenan… y ahora puedo dejarme llevar por lo que viene… Y lo que viene es “Hacéme Olvidar”, una canción que la conocía de ese EP llamado “Sesiones en el Montacargas” del año pasado, pero esa era una versión muy minimalista, ya que era Nicolás y su guitarra. La versión que escuchamos en el álbum es preciosa, una versión “completa”, con batería y bajo y un sinfín de sensaciones maravillosas que se desprenden de esas guitarras que Castello sabe bien como hacer. La voz flota entre esas guitarras que aparecen como olas y luego del silencio del medio, vuelven a la canción bellísima, con armonías guitarrísticas que son sublimes. Luego viene “Hechos de Agua”, tal vez una canción que tiene un sonido más indie, con vertiginosidad y directa. “Luna” nos devuelve a ese nugaze vertiginoso de las dos primeras canciones. Es muy efectivo en el estribillo como se limpian de distorsiones y quedan las guitarras más dreamy con la voz al frente. “Repetidor” es otra hermosa canción dreampop, con formidables guitarras que nos hacen suspender y la voz sirve como guía para movernos a lo largo de esta fantástica canción. Uno de los momentos más luminosos de esta primera parte. “Angeles de Hielo” es otra de las conocidas… insuperables melodías y el repiqueteo de los coros queda en mi cabeza… “Girasoles” demuestra que el dreampop es lo que mejor sabe hacer Nax, logra crear en esta canción una luminosidad que abarca la inmensidad que puede dar la guitarra, cuando está ejecutada de manera perfecta. “Kria” es un oasis The Curiano en este álbum, fantástica canción etérea, fantasmal, con una gran composición instrumental y una voz que se suma a la ambientación majestuosa de esta canción. “Congelado” es la canción que no sólo cierra este álbum, sino que es la que le da el nombre, sin abandonar el sonido Cure, pero en este caso lo hace más brillante y etéreo, que me trae a la mente como hojas que caen de un árbol en otoño. Esas guitarras semejan a esas hojas secas que van cayendo lentamente sobre la hierba en un campo arbolado. Un cierre encantador. “Congelado” es el álbum debut de Nax, es un compendio de toda una década de búsqueda, que pone un punto de partida inicial en una nueva sonorización de las canciones, Nax se escucha sublime en un trabajo que es la base de lo que se vendrá.

The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A