Revista The 13th Número 62

AÑO: 7 | NÚMERO 62

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

MARTIN BISI - I AM A ROCKETSHIP STELLARSCOPE - THE ACADEMY OF SUN OBJETOS INANIMADOS DEPECHE MODE - ROGER O'DONNELL - OASIS - SPC ECO LUNAR TWIN - THE ROOM IN THE WOOD - HALLOWS AQUELLA TAPA - EXPEDIENTES DD - DE TIEMPO Y LETRA MUSIC CORNER - NO ME ESCUCHO RECORDS

STAFF

Mayo 2020 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alex Bretto REALIZACIÓN Y DISEÑO

Álvaro Calderón Ponce

Diego Centurión.

Ariel Tenorio Benjamín York Darío Martínez

PORTADA

Diego Centurión

Diego Centurión

Franco Doglioli Sol Doglioli Pepe Navarro

Jefe de Departamento de Literatura: Franco Doglioli.

Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 62 UN NUEVO AÑO, EN CUARENTENA El mundo no se despierta de esta pesadilla llamada COVID-19.

Nosotros empezamos un nuevo año.

Siete años desde ese año 2013 que se decide crear The 13th.

Estamos ante un momento en donde las redes se hacen casi indispensables para mantener ese vínculo entre artista y público, muchos lives a través de las redes, muchas comunicaciones sin estar en el mismo lugar... el mundo virtual se ha convertido en gran parte del mundo real.

El distanciamiento preventivo hizo que todo cambie, lanzamientos que se posponen, el soporte papel para varios medios hace que todas las reglas de conformismo y de supervivencia se hacen más difíciles de llevar a cabo.

Hoy en muchos casos las comunicaciones se ven condicionadas al uso exclusivo de una pantalla, y hasta los ensayos de las bandas se producen por medio de una pantalla.

En el ámbito de la industria musical, muchas bandas que aún no se han adaptado al cambio, posponen el lanzamiento de sus álbumes por la imposibilidad de que sus fans puedan ir a las tiendas de discos.

Estamos frente a un cambio de paradigmas en lo concerniente al uso de la tecnología, un cambio de mirada sobre las nuevas plataformas...

Nosotros como siempre traemos las columnas habituales, nuevas entrevistas. y reseñas de discos.

Bienvenidos al número 62 de la Revista The 13th...

Pasen y lean.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES AQUELLA TAPA

THE ACADEMY OF SUN

DISCOS

06 ROGER O'DONNELL

18 MUSIC CORNER: DEPECHE MODE

26 DEPECHE MODE

STERLLASCOPE

48 SPC ECO

56

HALLOWS DE TIEMPO Y LETRA SOL DOGLIOLI ÁLVARO CALDERON PONCE FRANCO DOGLIOLI - ENSAYO FRANCO DOGLIOLI - POEMA

64

68 72 74 77

80

84 NO ME ESCUCHO RECORDS DES+CONCIERTOS MUSIC CORNER: OASIS

OBJETOS INANIMADOS

54

66

LUNAR TWIN MARTIN BISI

32

38 EXPEDIENTES DD

I AM A ROCKETSHIP

12

90 94 96

102 THE ROOM IN THE WOOD

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[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

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Si existe un arte de tapa que ame desde el primer momento que vi es la de Wish de The Cure.

El disco se editó el día de cumpleaños de Robert Smith, un 21 de abril de 1992. Lo compre en casette, luego de leer la reseña que salió en la revista Rock and pop, donde en una extensa nota la banda contaba como se había grabado.

Si bien en el tamaño del casette no se podía apreciar bien el diseño y teniendo en cuenta que la edición nacional no contaba con imágenes internas, existía algo en esos dibujos que llamaban mucho la atención. Quizás porque en aquella época dibujaba muchos ojos todo el tiempo, es algo común en los adolescentes, hoy lo puedo ver en mis alumnos de secundario.

Pero también por el tipo de dibujo, es un estilo muy suelto, una línea irregular que garabatea una especie de manos, dedos, con ojos en sus puntas en los extremos, que intentan acariciar una forma circular, una especie de planeta casi en el centro de la imagen.

Otra cosa que me gustaba mucho era la nueva tipografía en el logo de la banda, ubicada en el extremo derecho de la portada, una letra de estilo arabesca, construida con una línea ondulante, también en esta oportunidad se había suprimido el THE. Se inauguraba una nueva era la de Cure sin the y sin Lol Tolhurts. Es el primer disco donde no participa uno de sus miembros fundadores y se incorpora Perry Bamonte en guitarras y teclado. El sonido cambia, se vuelve un poco más rockero con tres guitarras al frente en muchos temas, sin abandonar del todo su costado más oscuro característico. En algunos temas como Friday i’m love, Wendy time o Doing the unstruck se puede notar cierta alegría sobre todo desde lo melódico. Pero lo que más me gusta de lo musical es la experimentación con las guitarras saturadas, como en Cut u Open o From the edge of the deep Green Sea. Además, al poco tiempo editaron la película Show, donde pudimos ver esos temas en vivo, mientras soñábamos con su visita a nuestro país. También existe un compilado de lados b de este periodo llamado Lost Wishes que solamente fue editado en casette para el mercado europeo, se trata de 4 temas largos, instrumentales, que no deberían dejar de escuchar.

Volviendo al arte visual, a los pocos meses compré la versión cd y pude disfrutar mucho más de los dibujos, las imágenes tienen algo de estética oriental, cierta relación con el arte de la india. Esto queda explicito en la mano que se encuentra en el reverso del librito.

El arte está a cargo de Porl Thompson, hoy Pearl, un guitarrista excepcional que también trabajo con led Zeppelin, quien ya había mostrado imágenes similares por ejemplo en el arte del disco The Top de 1984. Ciertas cosas que están presentes en toda su obra pictórica, ojos, lunas, estrellas manos, formas espiraladas, se hacen presentes en esta oportunidad, pero, lo que más me impacto fue esa especie de pájaro que se encuentra en el extremo izquierdo superior. Este es la imagen que ilustra la tapa del simple High, un dibujo con influencia en el surrealismo y creo, en la obra del artista Klee. Me gusta tanto siempre que me lo tatué en un hombro.

En el año 2003 descubrí la técnica de la monocopia, también conocida como monotipo o monoprint, en el taller de grabado de la escuela de arte Manuel Belgrano, donde cursé la carrera de docentes de artes visuales. Enseguida me enamoré de la técnica y la empecé a utilizarla en todo lo que podía. La monocopia del dibujante consiste en entintar una plancha de vidrio o plástico con un rodillo de grabado, luego se apoya una hoja encima de la tita y se dibuja, tratando de no apoyar mucho la mano, porque si no arrastramos la tinta y manchamos todo. Esto hace que no podamos controlar bien el trazo, el resultado es una línea suelta e irregular. Siempre me gusto el resultado de un dibujo con técnicas alternativas, que trabajan con el accidente, que no depende solo del control de la línea, ya que corremos el peligro de corregir mucho, borrar todo el tiempo y el resultado será un dibujo más duro y menos

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orgánico. Siempre me gusto dibujar con birome o marcadores sin bocetar, se corre el riesgo de equivocarse y tirar muchas hojas, pero si resulta se logra un dibujo dinámico y fresco sin correcciones. Por ese entonces me preguntaba si el arte de este disco se había hecho con esta técnica, estaba casi seguro que sí, entonces hice una serie de dibujos, creados a partir de la iconografía de Thompson. Que luego la retome en el 2011 pero con tinta china, acuarela y grafito. Hace muy poco empecé a seguir la cuenta de Instagram de Pearl, donde suele publicar dibujos, se me ocurrió preguntarle si esos dibujos y los de wish eran monocopias y me respondió “Bien adivinaste” lo sabía, pero su confirmación me dejo más que contento.

Al momento de elegir la segunda tapa para analizar no me decidía por ninguna, es que hay tantas, pero entonces vi la noticia que Robert Smith acababa de cumplir 61 años y Wish 28, y la verdad que mi fascinación por ambos sigue intacta.

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[ ReseĂąa de "Roger O'Donnell - 2 Ravens" por Pepe Navarro. ]

CUERVOS EN CUARENTENA

Roger O’Donnell - 2 Ravens Label: 99X10 Records/Caroline International Fecha de Lanzamiento: 24 de Abril de 2020 “Tenía muchas emociones e ideas creativas encerradas, no había nada más que hacer, así que hice algo de música que era mucho más personal” Roger O’Donnell

Hablar de Roger O’Donnell no es sólo hablar más del teclista de The Cure.

Esto podría significar que podría haberse dormido plácidamente en los laureles de pertenecer a la banda de Robert Smith, y eso estaría muy bien. Pero tal vez muchos desconozcan que Roger tiene varios discos como solistas.

Si bien uno está en esta cuarentena en busca de algo que nos sacuda la modorra de ver siempre los mismos paisajes hogareños y muy de vez en cuando alguna esporádica salida a algún lugar cercano y rápidamente de vuelta al hogar, encontrarme con este nuevo trabajo de O'Donnell me ha devuelto esa calma que hemos perdido en estos meses de encierro.

“2 Ravens” es una gran suite de buenos diálogos entre un piano y cuerdas, a veces embellecidos por la dulce voz de Jennifer Pague, quien le aporta fragilidad a las composiciones de Roger.

Un álbum que fue escrito en diciembre de 2016 durante un periodo de soledad y reflexión después del Virtual Tour con The Cure, Un disco que fue grabado durante cinco días en los Air Edel Studios de Londres con Miriam Wakeling y Alisa Liubarskaya (que han participado en un hermoso video de un concierto presentando el álbum anterior de Roger "Love and Other Tragedies" del 2015), se le suman Aled Jones, Nadine Nagen y Daniel Gea y la voz de Jennifer Pague. Esta canción encapsula el tono del álbum gracias a la intensa voz de Pague y unas letras inquietas. Muchas de las canciones pivotan en torno a Pague, ya que 2 Ravens ha sido concebido, en parte, en colaboración con la vocalista y letrista de Vita And The Woolf.

Al escuchar los diez tracks de “2 Ravens”, uno se encuentra con un mundo intimista, casi frágil y lleno de belleza inspiradora. Lo asombroso si se quiere, que en este álbum Roger

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parece pasar a un segundo plano, ya que su piano acompaña en casi todo el disco a las cuerdas o a la vos de Jennifer, es decir que pasa a ser la base para que otros instrumentos sean los protagonistas, pero de eso se trata la magia de un gran artista, de saber leer la importancia de la composición, más allá de la arrogancia del querer ser el punto de foco en la foto final. Roger piensa en la totalidad de la obra, sin importar que su participación sonora sea sólo la de un piano melancólico que sirve de base para que las cuerdas tengan el protagonismo íntegro de los tracks.

El 24 de julio se podrá adquirir la versión física de “2 Ravens”.

En un marco en donde la melancolía es el principal adjetivo que aflora en todo este álbum, la belleza reside en pequeños momentos intimistas, que de diez piezas sólo cuatro tienen voz.

Un disco intimista ideal para aquellos cuervos en cuarentena, un disco nocturno.

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El Programa de la Revista The 13th

www.facebook.com/tranmisionesoceanicas/ www.instagram.com/transmisionesoceanicas/

Transmisiones Oceรกnicas se transmite:

Todos los Lunes y Viernes a las 21 hs. por IndieGo Radio www.indiego.com.ar

Sรกbados a las 19 hs. por RadioRueda www.radiorueda.weebly.com/

Domingos a las 13 hs. por MutanteRadio. https://www.mutanteradio.com/

[ Entrevista con Nick Hudson de The Academy of Sun por Diego Centurión.

Fotografías: Liene Lisovska, ]

LO MEJOR DE BRIGHTON: THE ACADEMY OF SUN

Cuarentena.

Necesitamos nuevamente encontrarnos con el Sol. El mundo está en un momento crucial, extraño y detenido en el tiempo… parece que vivimos una gran pesadilla, dantesca y como una película de ciencia ficción.

Tenemos el tiempo, pero muy poca gente sabe qué hacer con él, nosotros les proponemos un viaje que puede resultarles placentero con una bandas que ya vienen haciendo su camino desde hace varios años.

Desde Inglaterra traemos a una banda que hace del post punk psicodélico algo más que un atractivo sonido, los invitamos a introducirnos en una mente inquieta, como la de su líder Nick Hudson.

The Academy of Sun nace en Brighton hace nueve años, es un cuarteto compuesto por Nick Hudson (voz, piano, sintetizadores), Kianna Blue (bajo, sintetizadores), Guy Brice (guitarras) y Ash Babb (batería).

Y en esta charla con su vocalista Nick, nos disponemos a conocer su pasado, presente y futuros de esta banda, como así también su proyecto como solista.

¡Hola Nick!

Gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Hey! Gracias a vos por contactarme…

las hagiografías de vidrieras en todo el altar.

Hay tanto para preguntar que me cuesta un punto de partida, por eso tomo como Y para empezarla no podemos dejar de inicio esta cuarentena y he visto que has mencionar este extraño momento que nos estado muy activo lanzando canciones y toca vivir, cuéntanos ¿en dónde te sor- discos en este último período, como así prendió esta cuarentena? también han retrasado el lanzamiento Bueno, vivo en Brighton, en la costa sur de del nuevo álbum de la banda, The Quiet Inglaterra. Lo que más me ha sorprendido de Earth. Háblanos un poco de estos últimos la cuarentena es cuánto duran los días y, sin meses. embargo, qué tan rápido pasan. El tiempo pa- ¡Todo iba tan bien! Teníamos una tonelada rece especialmente amorfo, y dentro de eso de espectáculos en fila. La campaña de lantengo que imponerme y ser muy conscien- zamiento del álbum fue cronometrada. Tenía te al realizar rituales en miniatura para darle dos giras preparadas. Entonces todo, como algo de forma al día. Estoy durmiendo terri- para todos nosotros, se derrumbó. Nos falta blemente, porque sin diálogo en persona es- mucho tocar juntos, y de hecho hemos postamos viviendo en un estado de sueño per- puesto el lanzamiento del álbum hasta junio. petuo, cualquier comunicación mediada por Mientras tanto, me encuentro vacilando enpantallas. No es una comunicación real, así tre la hiperproductividad y la parálisis hosque me doy cuenta de que mi mente está re- ca y apática. Pero sí, acabo de terminar una botando por las paredes de la catedral, ha- partitura de película y comenzaré otra pronto. ciendo que las gárgolas se tornen torcidas y Tengo un disco en solitario grabado, excepto

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por UNA línea de violín; cuando los estudios vuelvan a abrir, terminaré eso. Estoy trabajando en una película y un EP electrónico.

Kianna Blue (la bajista de The Academy Of Sun) y yo también hemos estado demeado nuevo material de la banda.

sonoras de películas y Lou Reed. Luego, en mi adolescencia, que se gastó esencialmente en autoaislamiento en preparación para esta pandemia, jaja, descubrí a Mr Bungle, Faith No More, Ryuichi Sakamoto, Portishead, PJ Harvey, Bjork y enrarecí mi banda sonora escuchando una dieta constante de Ennio.

Ahora viajemos al pasado.

Morricone, Wojciech Kilar, etc.

Cuéntanos ¿cómo se manifiesta la decisión En cuanto a hoy: estoy escuchando a Ernst de componer canciones en tu vida?

Reijseger mientras escribo esto: un violonTocaba el piano desde que tenía seis años. chelista y compositor de vanguardia holanParalelamente, siempre había escrito prosa dés incendiario. Tanya Tagaq no puede equiy poesía. No fue hasta que tuve alrededor de vocarse. La banda sonora de Philippe Sarde veintitrés años que me sentí impulsado a unir para The Tenant me embruja casi constanlas dos disciplinas, y cuando lo hice, rápida- temente. Clérigo, de Nueva York, a quien remente me encontré con hemorragias. He es- cientemente vi apoyando al Sr. Bungle, es crito más de mil en este momento. devastador. Amo a Arca. También vale la pena señalar que obtengo influencia colosalHe leído que la banda ha tenidos exqui- mente de artistas que trabajan en otros mesitas recomendaciones, como la reseña dios: Tarkovsky, Pasolini, Marina Abramovic, de Julian Cope o de Stuart Braithwaite de Robert Wilson, Anselm Kiefer, Maya Deren.

Mogwai, entre otros, cuéntanos tus primeras influencias en ese momento de co- Tengo entendido que The Academy of Sun menzar a sentir la música como parte de tiene buena relación con Mogwai, cuéntatu vida. ¿Quién o qué cosa te inspiraban nos acerca de eso… que hoy lo siguen haciendo?

Ah, acabo de conocer a Stuart y su maraviInfluencias muy tempranas serían las bandas lloso compañero desde hace muchos años.

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Por cierto, deberías ver el álbum de Elisabeth Elektra “Mercurial”. Acaba de ser lanzado y es brillante.

Parts That Need Replacing” está inspirado en Elizabeth Báthory, cuéntanos ¿cómo se realizó el video?

Fue hecho con un reparto y equipo mínimo Ya hablando del nuevo álbum. pero excepcionalmente talentoso y aventuCuéntanos ¿cómo fue el proceso de rero, y la generosidad de un carnicero muy composición? comprensivo.

Como suele ser el caso, algunas de las canciones cayeron del útero completamente for- Volviendo al tema de esta realidad que esmadas, mientras que otras tuvieron que bor- tamos viviendo. darse juntas de varias partes del cuerpo, con ¿Cómo esta nueva forma de vida cambió la un rayo atravesado para darle cohesión. Fue banda? ¿Ensayan de forma remota, transmiun proceso épico de sobreescritura, luego de ten a través de las redes sociales? sustracción. Una vez que la esencia había No hay forma práctica de ensayar de forma sido tallada, la arreglamos colectivamente en remota. Somos una banda ruidosa y gran el estudio. Tomó alrededor de dos años ha- parte de la riqueza experiencial de la músicer todo. El impulso de encendido fue que ca y el rendimiento se rige por la energía preeste disco debería ser una 'máquina de dis- sente en la sala. Simplemente no tenemos la cos para el fin del mundo', y aunque no digo tecnología adecuada para ensayar de forma que Covid-19 señale The End Times, se sien- remota, y me arriesgaría a que sería profunte un poco incómodamente profético. damente insatisfactorio incluso si lo tuviéramos. He transmitido en vivo algunas improHe leído que el video de la canción “The visaciones para piano solo. Pero con toda

honestidad, me preocupo demasiado por la estética y los valores de producción para involucrarme demasiado fácilmente con esta vía particular de rendimiento. Estamos chateando mucho, lanzando videos, singles, etc.

Y estamos muy emocionados de tocar en vivo nuevamente, eventualmente.

Es difícil hacer planes en este momento, pero cuéntanos ¿cuáles son los planes próximos, tanto tuyos como solista y de The Academy of Sun? Creo que hablo por todos nosotros cuando digo que nuestro plan principal en este punto es hacer lo que sea necesario para permanecer vagamente cuerdo.

Aparte de eso, lanzaremos más sencillos y videos, y el álbum en junio. En ausencia de programas, es probable que generemos más contenido de video: pequeños cortometrajes, teasers, atmósferas, etc.

Aparte de eso, lanzaremos más sencillos y videos, y el álbum en junio. En ausencia de programas, es probable que generemos más contenido de video: pequeños cortometrajes,

teasers, atmósferas, etc.

Estoy a punto de comenzar a trabajar en otra partitura de cortometraje, y casi he terminado este EP electrónico. Estoy trabajando en una película experimental de un cuaderno de viaje sobre imágenes acumuladas durante mis varios viajes recientes. ¡Estuve en el ártico esta vez el año pasado! También estoy escribiendo mucho más. Tengo dos piezas de prosa de ficción listas para usar. Pero quiero desaparecer en algún lugar realmente remoto para completarlos. Así que veremos cómo se desarrollan los próximos meses.

Para finalizar esta entrevista y agradecerte esta posibilidad. ¿Qué le dirías a los lectores que aún no conocen a The Academy of Sun? Yo diría "Heliogabalus te suplica que hagas una genuflexión en nuestro altar de los mil soles". y "¿Qué estás esperando?"

Gracias Nick!

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: DEPECHE MODE – “VIOLATOR" LA DULCE PERFECCIÓN

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“Let me take you on a trip around the world and back / And you won’t have to move, you just sit still” son las primeras líneas que entona Dave Gahan en la apertura del inmortal álbum “Violator”: toda una premonición de la travesía en la que nos sumergiríamos en los siguientes 47 minutos de deleite auditivo, y que constituiría una de las mejores producciones de la década que acababa de arrancar. Nacía un fenómeno atemporal que no perdería vigencia ante el (para otros) implacable paso del tiempo.

Había llegado la hora para Depeche Mode de dejar de desempeñar un papel secundario. Los planetas se iban alineando y el muchas veces obstruido oído yankee de aquellos años se había dignado a tenerlos en consideración: su reconocimiento fue tardío en el gran país del norte. La gira mundial del Music For The Masses Tour reflejaba ese flamante enamoramiento norteamericano hacia la banda, el cual había quedado plasmado en el álbum en vivo + documental “101”. Antes de eso, Depeche solo había logrado un hit de mediano impacto en el American Top 40 con “People Are People”. Pero hacia 1988, los adolescentes de ese país ya lo consideraban una banda under de culto, tal como sucedía con otros artistas de origen inglés como The Cure, The Smiths o New Order.

En aquellos años sin internet, uno se enteraba de las novedades muchas veces de casualidad. Viendo un programa de música pop español llamado “Rockopop”, me llegó el adelanto del próximo disco del entonces cuarteto, llamado “Personal Jesus”. Quedé totalmente impactado: me pareció algo super novedoso dentro de lo que ellos venían haciendo. El mismo Martin Gore declaró: “Decidimos que nuestro primer disco de los 90’s tenía

que ser diferente”. La cuestión era definir cómo lograrían esa meta.

La incorporación de Flood en el estudio a título de co-productor y mezclador fue un detalle no menor a la hora de enriquecer con su conocimiento técnico el trabajo de Alan Wilder.

Flood ya había trabajado con Depeche Mode como ingeniero de sonido pero su curriculum desbordaba pulgares aprobatorios tras haber participado en proyectos de artistas como U2, New Order, Erasure o Nick Cave & The Bad Seeds, entre muchos otros. El trabajo con Flood alternó entre Londres y Milán, ciudad esta última donde se gestó “Personal Jesus” a mediados de 1989, siendo un ícono clave en lo que al espíritu de “Violator” refiere.

“Personal Jesus” fue radicalmente distinto a cualquier cosa que Depeche hubiera hecho antes. Su ganchero riff de guitarra como instrumento dominante en el entorno de una fuerte base de batería dejaba un poco de lado la imagen de Depeche como grupo synth-pop para darle una mística de banda blues rock. El single salió muy adelantado respecto al álbum, pero generó la expectativa deseada. La promoción en UK consistió en la colocación de avisos en distintos diarios con la leyenda “Your own personal Jesus” y el agre-

gado de un número de teléfono al que se podía llamar y escuchar la canción.

Siempre pensé que “Personal Jesus” constituía una socarrona crítica a la catarata de iglesias que inundan a los EEUU y que explotan a sus inocentes creyentes vendiéndoles milagros inexistentes a cambio del diezmo. Algunos se sintieron ofendidos por considerarla blasfema. Sin embargo, nadie mejor que Martin Gore para explicar de qué se trataba, en una entrevista para la revista Spin de julio de 1990. Inspirada en el libro de Priscilla Presley “Elvis and me”, “Personal Jesus” trataría sobre el valor de convertirse en alguien que da esperanzas a otra persona, y sobre el impacto que esto tiene en las relaciones amorosas, donde el ser amado se convierte en esa suerte de Dios. Como reza la lírica: “Your

own personal Jesus / Someone to hear your prayers, someone who cares”.

Si ya con “Personal Jesus” el álbum por salir había despertado altas expectativas y varios estábamos ansiosos y atentos a su lanzamiento, no hace falta detallar el efecto que produjo el siguiente adelanto. Martin Gore había compuesto una nueva balada acústica y antes de fines de 1989, el grupo entró a grabarla a estudios. Pero Alan Wilder convenció a Gore de que esa canción iba a quedar mejor con un tempo más acelerado. La letra era simple: un corazón destrozado que siente que ya no puede volver a construir otra relación, y demanda al mundo solo silencio para no incrementar su tormento: “Words are very unnecessary / They can only do harm”, parece suplicar. A fines de diciembre salió un promo limi-

tado del nuevo single, pero el release oficial fue el 5 de febrero de 1990. Este auténtico himno al dolor llamado “Enjoy The Silence” catapultó a Depeche Mode a la difusión masiva en las radios norteamericanas y por supuesto, también europeas. En USA fue el único top 10 logrado por la banda en el Billboard chart, pero además abrió la puerta a toda una masa de nuevos seguidores a nivel mundial. El video del tema fue dirigido (al igual que “Personal Jesus”) por Anton Corbijn, viejo conocido de la banda: está inspirado en “El Principito” de Antoine de Saint-Exupéry, y recibió alta rotación por la cadena MTV. Y un año después, en los Brit Awards 1991, “Enjoy The Silence” se llevaría el galardón a Best British Single.

El 19 de marzo de 1990 fue la fecha indicada: cayó el telón y finalmente conocimos “Violator”, el séptimo hijo de Depeche Mode. La portada era también trabajo fotográfico de Anton Corbijn, la icónica tapa con la rosa roja sobre un fondo completamente negro.

Y básicamente en eso consistía todo el arte de la edición: variaciones de la rosa pero ya en blanco y negro. Lo más valioso estaba adentro: solo 9 canciones.

No es un disco de rock, aunque tampoco era simplemente más synth pop del que tan bien le sale a Depeche ¿Era rock alternativo? Era distinto. Era un rock sintetizado con ecos de oscuridad, matizando tonos sombríos con ritmos y melodías entradores. Abriendo con “World In My Eyes” y su pegadizo ritmo electrónico, el viaje comienza de la mejor manera. Techno Pop con aire a Kraftwerk: una canción fresca, positiva y desprovista de las atmósferas oscuras que envuelven al resto de la placa. Ya con el segundo track “Sweetest Perfection” comenzamos a sumergirnos en esos ámbitos más lúgubres,

entrelazando en este caso el sexo y la adicción: “The sweetest infection of body and mind / Sweetest injection of any kind”. La canción progresa como una olla a presión que va hinchándose con distintos cantos y efectos. Climas similares se alcanzan en otros pasajes del disco como “Waiting For The Night” o “Clean”, encadenando un sombrío pesimismo. En el caso de “Waiting For The Night”, la obra de Gore se pierde entre armonías perturbadoras y capas de voces que nos envuelven, mientras Gahan endulza su voz al punto de convertirse en la esperanza que nos arrastra hacia un sueño utópico al que preferimos escapar, el camino a la redención, y un cierre a esta primera etapa de “Violator”.

“Halo” es una rola tecno-gótica que refiere al dolor como mecanismo de liberación, una suerte de expiación de pura cepa cristiana: admite que viviste en la lujuria, acepta el castigo y te beneficiarás con la gracia del perdón.

Sombría pero intensa, exótica y bailable, es uno de los momentos más pegadizos del álbum. Fue pensada originalmente como single pero finalmente solo fue un promo, que cuenta con un video que se conoció varios años después.

La cara B del vinilo abre con “Enjoy The Silence”, y mediante un interludio conocido como “Crucified” (se puede escuchar a Fletcher diciendo esa palabra) se conecta con lo que sería el tercer single del disco, “Policy of Truth”. Bien podría considerarse que “Enjoy The Silence” y “Policy of Truth” son parte de una misma historia, una metamorfosis: el ser padeciente de la primera, que clama por silencio y retiro, se convierte en el embustero de la segunda, que encuentra que las relaciones solo pueden llevar indefectiblemente al engaño y la infidelidad. El cinismo

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vanaglorificado que incita al ocultamiento y la mentira.

Empalmamos con el tramo final de este recorrido, y llegamos a “Blue Dress”.

Es una oda a la histeria, enigmática amalgama de deseo y amor, una canción minimalista y envolvente. Con su característica voz tierna, Martin Gore sugiere que la sensualidad no está en el desnudo sino en el vestido que lo recubre, y pide una y otra vez a esa belleza “Put it on… Put it on…” ya que de eso se trata, de algo que no se puede entender con simples palabras: “Something so simple, something so trivial, makes me a happy man”. Esta última manifestación de deseo carnal se engancha mediante otro interludio con el último tema.

“Clean”, como terminación de la obra, es una proclamación de ruptura, un compromiso con el cambio que nos emancipa de aquello que nos ha lastimado, poniéndole un fin… aunque con la incertidumbre de la recaída, manifiesto en el “Sometimes” que se interpola con una voz más grave y tenebrosa luego de toda esa fuerte declaración de intenciones. Una pieza que esconde una agresividad contenida atrás de su base dramática y un hipnótico riff de bajo que emula la línea de “One Of Those Days” de Pink Floyd.

Si “Music For The Masses” (1987) había sido el cierre de una primera etapa para Depeche Mode, y “101” había sido el disco bisagra, no había dudas que “Violator” estaba llamado a ser la apertura de un nuevo ciclo y en ese papel se lució. Si bien el nuevo material estaba recubierto por el velo de post-punk rock característico de “Black Celebration”, el gothic rock se fusionaba con la impronta bailable que ya había marcado anteriormente a temas como “Strangelove” o

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“Never Let Me Down Again” y convertía a “Violator” en el hasta ahora (y tal vez por siempre) disco más comercial de la banda. Pero más que nada por la amplitud de géneros que cubría: estilos como rock, techno y house estrechaban sus manos con satisfacción.

La crítica especializada siguió en su gran mayoría el entusiasmo de los fans.

AllMusic.com le da nada menos que 5 estrellas y sostiene que “Depeche Mode alcanza aquí alturas verdaderamente asombrosas”. Similares niveles de aprobación otorgaron Rolling Stone, The Guardian o Spin. Pero donde realmente no cabe duda sobre el impacto que produjo “Violator” en la opinión pública, fue en la reacción del oído consumidor. El World Violation Tour fue visto por aproximadamente 1,2 millones de fans en todo el mundo. Y aseguró el éxito comercial de “Songs Of Faith And Devotion”, el siguiente álbum, que debutó en el puesto #1 tanto en UK como en USA. “Violator” es Depeche Mode en la cresta de la ola, sin desmerecer en absoluto sus trabajos anteriores o posteriores. Es un álbum brillante, sin desperdicios, emotivo y fundamental. La dulce perfección que se convirtió en un fenómeno de masas.

[ Reseña de “Depeche Mode ‎– Violator” por Franco Colombo ]

VIOLATOR "30 AÑOS DE BLUES Y SOUL ELECTRÓNICO"

Depeche Mode ‎– Violator Label: Mute Records Fecha de Lanzamiento: 19 de marzo de 1990

EL 19 de marzo de 2020 se cumplieron 30 años para el álbum más emblemático del mundo del pop electrónico: VIOLATOR de Depeche Mode.

Sonido e imagen en su perfecta armonía. Atemporal. Camperas de cuero, cortes de cabello al estilo militar, samplers y sintetizadores, melodías melancólicas, beats para el dancefloor, íntimo, profundo, infinidad de remixes, ediciones en todos los formatos posibles, video clips lo-fi de la mano de Anton Corbijn. Todo esto encajaba a la dulce perfección.

Esta gran etapa fue insuperable tanto para ellos, como los que vinieron detrás, ya que sin darse cuenta ya habían creado toda una marca registrada.

Le siguieron los pasos bandas como Camouflage, De/Vision, Beborn Beton, And One y Cause and Effect por nombrar unos pocos ya que en aquellos años, el tecno pop brillaba a nivel mundial y ¡ERA EL MOMENTO JUSTO! y si que lo supieron aprovechar.

Alan Wilder en la programación y producción junto a dos grandes como Flood (Mark Ellies) y François Kevorkian definieron un sonido que encuadraba a la perfección con las líricas del amor más oscuro y su polémica visión acerca de la religión de Martin Gore. La voz de Dave Gahan en su punto más alto entre la melancolía, armonía e interpretación ajustaba los cimientos para un inminente paso a lo que luego sería Songs of Faith and Devotion (1993) el álbum 2.0 de Violator.

El lado A del disco da comienzo con World in my eyes, cuarto corte orientado a la pista de baile con una profunda línea de bajo electrónico y marcado beat (nótese el snare/tacho de la batería electrónica lo efectivo que suena). Dato anecdótico, es el tema preferido de Andy Fletcher. El single contiene los excelentes lados B Happiest girl y Sea of sin, dos canciones que podrían haber estado en el álbum sin lugar a dudas.

Sweetest Perfection con la desgarradora voz de Martin Gore, creo que es el claro ejemplo donde querían ir, refleja sus intenciones y su horizonte que lograron posteriormente en In your room unos pocos años más tarde. Y qué decir de Personal jesus. Himno institucional de la banda británica oriunda de Basildon, Essex. Lanzado como prologo y con mucha efectividad, un 29 de agosto de 1989 mostrando una estética pseudo bizarra lo-fi de cowboys sexys (típico de Corbijn). Una verdadera bomba. Líricas contestatarias, profundas y reflexivas. Una rítmica realmente personal, única. Si hay algo que remarcar

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fue el trabajo de canciones lados B que hubo en Violator y este fue el caso de Dangerous, el más cercano al synthpop del momento, de mis preferidas.

Mientras avanzo escuchando una joya tras otra, llegamos al cuarto tema Halo, cargado de emoción con un mensaje único "Y cuando nuestros mundos se desmoronan. Cuando las paredes caen. Aunque lo merezcamos. Valdrá la pena", al escribir sobre estas canciones se me eriza la piel y justamente llega Waiting for the night. Su simplicidad como un mantra acaricia el alma de cualquier admirador de la música sensible. Inspiradora, logra envolverte en un espiral sonoro en sus seis minutos de duración.

Es momento de dar vuelta el cassette y darle play al lado B de Violator. Comienza a sonar el segundo single, la pieza musical más hermosa de la historia de la música electrónica: Enjoy the silence. Que se puede agregar de este track si habla por sí solo. Para entender la profundidad de esta canción recomiendo escuchar su versión original, una balada oscura y religiosa, pero en manos de Alan Wilder se había transformado en un clásico de discoteca uptempo de una manera gloriosa. Sus B-sides fueron Sibeling y Memphisto, obras de arte instrumentales. Una cara de Depeche Mode que adoro como sus anteriores ediciones como Oberkorn, Agent Orange, Christmas Island, St. Jarna entre otras.

Algo distintivo en este lado es la aparición de Interlude #2 Crucified, algo siniestro y cautivante para darle de lleno a Policy of truth, el tercer single. Sonido inmaculado, blusero y soul, su bajo y sonido de símil guitarra sintetizada hacen de un sonido nuevo en manos del sampler de Wilder. Bailable, fresco y elegante remarco su lado B: Kaleid. Cerca del industrial y contemporáneo al Tyranny for you (1991) de Front 242 nos recuerdan su acercamiento con el sonido cyber tecnológico de la música industrial.

Es el turno nuevamente de Martin. Blue Dress es una hermosa balada, simplista, como sacada de Black Celebration. Romántica, perfecta y fetichista se comienza fusionar por Interlude # 3 (nos recuerda a experimentos como Pimpf), que a mi gusto personal suena épico y me hubiese encantado que no durara solo unos segundos sino una canción tradicional de al menos tres minutos. Sin darnos cuenta ya sumergidos en la secuencia hipnótica de bajo sampleado llega Clean, la más oscura pero optimista canción la cual da cierre a esta maravilla pieza de 9 canciones. Un libro que se disfruta de principio a fin y da ganas de volverlo a leer como un loop eterno.

Era el año 1990, y a mis apenas 12 años ya era un real admirador y fan donde su música me ha acompañado toda mi vida ¡Literal! No tengo palabras para describir lo enorme que es este disco, lo que genera en mí y esta sensación se extiende a miles de personas.

Es la magia de la música, la mística de la Fe y Devoción por Depeche Mode.

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www.mutanteradio.com

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www.indiego.com.ar

[ Entrevista a Tom Lugo de Stellarscope, MAYU, Panophonic por Diego Centurión.

Fotografías: Tom Lugo y Brian Mengini. ]

STELLARSCOPE: ESTAR CENTRADO Y TOMAR TODO CON CALMA

Hace tiempo que venimos siguiendo y esperando lo nuevo de Stellarscope y al fin ha llegado, “A glimpse of light in the darkness” y por esto nos contactamos con Tom Lugo para hablar de este proyecto, pero también él tiene varios proyectos, en el número anterior lo tuvimos con uno de ellos Cielo Oceáno.

En esta charla nos adentramos en varios de sus proyectos pero también tratamos de hablar de un trabajo más espiritual que Tom lleva adelante en su vida personal y reflexiona, desde su mirada, acerca del momento que nos toca vivir.

Con ustedes, Tom Lugo….

Enlace a entrevistas anteriores: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_numero_16 https://issuu.com/revistathe13th/docs/n__mero_n_38 https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_61

Hola Tom! Gracias por aceptar realizar esta entrevista y la verdad es que tienes tantas novedades musicales que vamos a tratar de abarcar lo que podamos.

Para empezar me gustaría saber ¿dónde te sorprendió está pandemia?

Gracias siempre por el apoyo y la amistad. Llevo desde el comienzo de la pandemia en mi casa, afuera de la ciudad de Philadelphia. A la verdad nunca creí que esto sucediera en nuestras vidas, sólo era algo de lo que se hablaba o veía en películas.

Me pregunto (con tu actividad relacionada con lo espiritual y las artes marciales) ¿Qué reflexión te merece esta situación que estamos viviendo?

Aunque no soy budista ni taoísta, me suscribo a la naturaleza filosófica de sus prácticas. Si uno sigue las cuatro

verdades nobles, uno puede encontrar paz y armonía no importa la situación.

La vida es dolorosa y frustrante. El sufrimiento tiene sus causas. Las causas del sufrimiento pueden terminar si nos libramos de las expectativas y apego. La meditación nos ayuda a crear conciencia y nos lleva al camino de acabar con el sufrimiento.

Estar centrado y tomar todo con calma me ha ayudado a enfrentar la situación actual.

Y ya hablando de la otra parte espiritual, la de la música, ¿cómo ves estos momentos de cuarentena en la música?, lo digo pensando en esta imposibilidad de juntarse, de realizar conciertos, de sentir esa sensación particular de ensayar...

Como todo lo demás, se trata de reflexión. Si, hemos mantenido pautas para que mundo sabe, pero tenemos otros métodos para comunicarnos y compartir con nuestros fanáticos y

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amigos. Hay muchas herramientas que ayudan a facilitar este proceso.

Claro, tengo muchas ganas de ir a ver bandas presentándose en vivo al igual de poder hacer presentaciones musicales, extraño la energía de las presentaciones en vivo, pero he tomado este tiempo para ser aún más creativo de lo que era anteriormente.

Vaya si te has tomado el tiempo para ser creativo... Y para empezar a hablar propiamente de la música...

Empecemos por un nuevo proyecto que tienes con Gardy...

MAYU. Cuéntanos sobre esto.

Bueno, el proyecto tuvo sus comienzos en el 2016 cuando lanzamos el sencillo 'Quiero despertar'. Gardy Pérez y yo hemos sido amigos casi toda la vida, tocábamos juntos en una banda influencial de la escena de rock

alternativo de Puerto Rico llamada Arnold Layne a principios de los 90s.

Cuando yo comencé a escribir música al mediado de los 90s, que luego dio nacimiento a la banda Stellarscope, Gardy me ayudó a grabar varios demos.

Y toco guitarras en esos temas.

Acaban de lanzar el single "Theia" (que pueden encontrar en el bandcamp de Patetico Recordings), ¿Cómo sigue este proyecto?

Si, se acaba de lanzar ese sencillo, el cual está cogiendo apogeo en diferentes emisoras en la red. Tenemos planes de completar un EP durante este año. Es lo que queríamos hacer desde el comienzo pero como Gardy y yo estamos involucrados con varios proyectos habíamos puesto a Mayu en espera. Gardy y yo hablamos de crear varios temas este año y él me envió

una idea y dentro de 3 horas escribí Overdrive con un baterísta de el bajo, guitarras, batería, la letra y las Philadelphia llamado Anthony Gatta.

Ya tenemos 5 temas grabado y en grabé. las próximas semanas estaremos HacemuypocohablábamosdeCielo estrenando nuestra primera canción Océano, ¿Cómo está funcionando al público. El sonido es algo diferente el álbum? ¿Y tienen planes nuevos a lo que he creado anteriormente ya que Anthony es un baterísta breakbeat con este otro proyecto?

Todo va muy bien con la venta del y me inspiró con el sonido moderno. álbum y la promoción. Andrés y yo También he terminado el álbum nuevo estaremos escribiendo temas nuevos de Panophonic, que se lanzará para en el verano y otoño. Comencé un final de verano. Llevo trabajando en proyecto nuevo llamado Heliocrentric ese álbum casi 2 años, contendrá los

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sencillos 'Never gonna let this go' y 'Nothing that we can do', ambos están disponibles en www.souncloud.com/ tomlugo Tengo otro proyecto que todavía no tiene nombre con el guitarrista y vocalista inglés Alex Keevill de la banda británica The Microdance. Ese proyecto es mucho más obscuro y en la veta metal/death metal.

Bueno, por lo que cuentas se viene mucha música en lo que queda del año..... Pero también acaban de lanzar un nuevo álbum con Stellarscope, "A glimpse of light in the darkness". Cuéntanos sobre este nuevo trabajo.

El álbum nuevo titulado “A Glimpse of light in the darkness” de Stellarscope es uno de 3 álbumes que hemos grabado en el último año. Para “'A glimpse of light in the darkness” tratamos de capturar un sonido más liviano y menos obscuro de lo que hemos lanzado anteriormente. El concepto es ver la luz en medio de la oscuridad que nos rodea. Aunque la oscuridad y la depresión siempre han sido la fuerza impulsora detrás de nuestro sonido.

con la pérdida. El disco nuevo es el sentimiento de nuevos comienzos, luz en la oscuridad.

El disco nuevo tiene sentimientos premonitorios... pensados como para estos días.

Creo que siempre estamos adelantados de lo que ha de suceder.

Los álbumes anteriores a este momento fueron 'The end is near, I'm not prepared ' y 'Shades of sadness and sorrow ' jajajaja.

En serio, la temática va muy bien con lo que está aconteciendo... Hay que tener esperanza y ver la luz en los momentos difíciles.

Sí, creo que lo principal en estos momentos es estar en paz con uno mismo y con el entorno. Cuéntame ¿Cómo fueron los momentos de escritura y de grabación de este disco?

Nuestro estilo de creación ha sido siempre el mismo. Nos reunimos a tocar juntos y dejamos que el espíritu del momento nos lleve adonde nos lleve. Aunque las grabaciones se oyen compuestas todas han sido compuestas jameando juntos, dejando que la energía que nos mueve nos dirija. El proceso de escribir la letra, crear melodías y grabar la voz es lo que siempre me ha tomado tiempo.

Actualmente tenemos más 50 temas grabados sin letra ni vocales para los próximos álbumes. Luego de grabar las voces me toma mucho tiempo mezclar las canciones y darles los toques finales. Es lo que sucede cuando uno hace todo uno mismo.

"Standing in the shadow of your ghost" (2017) es el álbum anterior, ¿Qué diferencias encuentras entre este álbum y el nuevo trabajo de Stellarscope?

Standing in the shadow of your ghost es más deprimente, yo estaba pasando por unas situaciones personales difíciles y escribí la letra como un diario.

Todo lo que estaba pensando en aquel entonces está escrito en la letra. Por eso se titula “parado en la sombra de tu fantasma”, el no poder aceptar que Es decir que tendrás canciones algunas relaciones llegan a su final y parra próximos álbumes pronto. mueren pero uno se encuentra viviendo Si, durante estos días he grabado en memorias del pasado lidiando voces en 5 temas nuevos para el

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próximo álbum. Me quedan 5 más. dos preguntas más...

Este va a ser muy distinto a los demás. Primero, tienes tantos proyectos y tan distintos que me gustaría que Entonces pronto tendremos los menciones y nos cuentes qué sonido tiene cada uno. novedades.

Con respecto a los distintos proyectos, Stellarscope es más agresiva y tiene tengo una pregunta que me surge. elementos de rock clásico y elementos ¿Cómo compones para los distintos de post punk y grunge. Panophonic proyectos? ¿Primero la canción y luego es más shoegaze y romántico a qué proyecto irá dirigida o piensas en aunque también hay momentos de el proyecto primero y luego escribes agresividad. Cielo Océano es más etéreo, pensativo, e introspectivo las canciones?

Creo canciones con el proyecto en el estilo dreampop. Mayu tiene específico en mente. Todos los elementos similares etéreos y de proyectos tienen una identidad propia introspección pero la ejecución es más y usualmente contienen un sentimiento estratificada y compleja con elementos de dreampop y shoegaze. Under the aparte.

Wire incorpora elementos de trapp, Volviendo a " A Glimpse of light in witch house, y post punk; los temas the darkness” ¿piensan hacer algún tienden a ser muy oscuros, autocríticos y opresivos. Heliocentric Overdrive es vídeo pronto?

Tengo planes de hacer algún vídeo. más indie pop con elementos de rock Ese proceso de toma un poco de tiempo y electrónica (Aunque todo es hecho ya que los filmo y los edito yo también. orgánicamente) y es el proyecto más modernista en cuanto a sonido se Si tuvieras que elegir alguna refiere. canción del último trabajo para que escuche alguna persona que nunca Y ahora la última... ha escuchado a Stellarscope, ¿Cuál Dínos si ha quedado algo sin preguntar y que quieras contarnos y elegirías y por qué?

Sweet surrender, porque tiene la menciona dónde pueden encontrar energía y el sonido de los que hacemos tu música. musicalmente encapsulado en un solo Se me había olvidado mencionar que estaremos estrenando el vídeo para tema.

Theia de Mayu el 25 de mayo. Estoy ¿Y si tuvieras que decirle con muy agradecido por el tiempo brindado, qué disco comenzar a escuchar a por las preguntas, el interés en aprender más de los proyectos individuales, por Stellarscope?

Buena pregunta, hemos cambiado la amabilidad y por el apoyo. Espero de estilo y sonido varias veces en algún día visitar Argentina, poder nuestra existencia como banda. Diría conocerlo en persona, y quien sabe... que 'Standing in the shadow of your hacer algunas presentaciones en vivo. ghost ' es lo más reflejante a lo que Les deseo a todos los lectores salud, paz, alegría, y luz. Muchos éxitos a hacemos actualmente. todos ustedes Y para terminar con esta entrevista y agradeciéndote está posibilidad, ¡Gracias Tom!

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www.decayfm.com

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[ Por Pepe Navarro. ]

EXPEDIENTES DD

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Mezcla de crónica urbana y música desordenada, sin edición.

Usando la visión de manera periférica, sin querer, se encuentran mundos próximos.

Todo, obviamente, sujeto a disponibilidad.

O hasta que las existencias se agoten.

PARTE 2.

Muerte es al cuerpo lo que al cerebro un nuevo sistema métrico. Esquemas de superación, en hombros por las calles, en una procesión incesante, mecánica. (¿Viste? ¿Oíste eso?) ¿La novedad que adhiere al no peinado y a los genes lo traicionan?

Sube en la próxima parada y baja a ver o a saludar la creciente inflación moral que lo rodea, que lo asfixia. Fundaciones y fundiciones. Calor y moral etiquetados a un precio menor de lo que deberían, ambigüedad en líneas blancas….en forma de mapas. Me quedé sin palabras al ver tanta belleza sin abrir los ojos. Destruyen cartas para no involucrarse y pasan años en espera, en un letargo que puede ser malinterpretado como “hibernación”.

No olvidar que en este plano astral todo está sujeto a verificación. Plenitud de sensaciones, cuerpos celestes que se mezclan y dan forma a un nuevo orden. ¿Está bien así?

Quizás las teorías de conspiraciones de diversa índole sean señales divinas que nos dan para encontrar una especie de solución cósmica, o como me dijo un señor muy alcoholizado en una calle de una ciudad que olía literalmente a pescado: “El caos es un orden que nadie entiende”.

Reclusión. Órdenes que se dictan. Blasfemias, enemigos visibles e invisibles. Ondas radiofónicas, minúsculos cables que nos atraviesan la piel, los sentimientos, lo que nos queda de vida. El éter no tiene la culpa; a su vez, no hay solución posible. Así pues, atrapados en esta eterna hoguera de vanidad, ego y uniformes con águilas en los brazos, declaramos zonas portuarias y erógenas exentas de impuestos. Conozco historias de primera mano que sorprenderían hasta a los más intrépidos exploradores de corrientes psíquicas.

Cuando era más joven, tenía un ejercicio que pisaba peligrosamente la idiotez: Pensaba que el mundo me esperaba, necesitaba mi presencia en algún lugar equidistante entre mi nariz y el centro de la ciudad. Caminaba sin cesar por las mismas calles, en busca de algo relevante y conmovedor, y al final, era solo una aventura histérica, cínica y horrible, sabiéndose una presa codiciada entre personas que dejaban sus puestos de trabajo, o su vida anodina por un momento, y se transformaban en princesas, príncipes y dueños de las vidas de miles de personas. Tenía un modus operandi monótono: Caminaba como por una pasarela de un desfile de modas, y cada vez que llegaba a una esquina, a pesar de haberla transitado ya cientos de veces, me erguía más de la cuenta. Se me veía más alto de lo que soy en realidad, y en mi imaginación, por segundos, una cámara estaba filmando mi excepcional aparición en una especie de serie de tinte dramático en el cual mi papel era fundamental. Un antihéroe que tenía papel de héroe.

Por supuesto que nadie se percataba de mi enorme esfuerzo histriónico/imbécil. Y la garúa caía en esta ciudad de calles grises, arquitectura gris y talante patriótico e inútil.

La muerte me llegó en esos días a sonreír. Me acorraló en un ascensor junto a varias personas, vi la patente de un vehículo de transporte público demasiado cerca de mi rostro como para no salir ileso (Y en un acto de arrojo, inventé una pelea callejera) y caí de rodillas ante al altar de una industria millonaria e invisible.

Me prometió que regresaría, y no lo hizo aún. Se ha transformado, se ha mimetizado e inclusive se ha vuelto atractiva en algunos momentos. Mi idea es sonreírle, como hace muchos años, y que recuerde que ya antes he pasado por sus exámenes físicos y mentales, de talante riguroso. Y que al final, quedé entre los mejores alumnos.

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[ Reseña de “SPC ECO ‎– May EP” por Benjamín York. ]

DEDICADO A LOS QUE HACEN DELIVERYS

SPC ECO - May (EP) Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 01 de Mayo de 2020 Como ya es costumbre ya hay un nuevo EP de SPC ECO, el correspondiente al mes de mayo, les recuerdo que en este 2020, viene editando un EP por mes, y la fuente parece nunca agotarse. Nuevas cuatro canciones.

En este nuevo grupo de canciones aparecen composiciones más elaboradas y con más cuerpo, si bien sus trabajos anteriores tenían el espíritu de Dean Garcia y Rose Berlin, en este se puede apreciar que los tracks tienen algo que contarnos, desde lo sonoro. Cada paisaje tiene un ambiente mucho más concentrado y, al menos me pareciera, mucho más perfeccionado. Las cuatro canciones no bajan de los cinco minutos, tampoco lo superan, pero sirven para que en cada track nos introduzcamos en cada mundo que nos plantean las canciones.

El track que abre este trabajo “You Got This”, tiene un comienzo que parecería llevarnos a un sonido más bailable, pero a medida que aparecen las secuencias, si bien no desaparece ese ritmo tímido esperanzador de romper en un sonido más bailable, queda en esa esperanza, ya que las secuencias van envolviendo y la voz de Rose parece salir en un canto esperanzador, y el ritmo se deja ver como una poco más bailable, no termina de despegar, lo cual mantiene esa tensión entre la oscuridad y la dulce voz de Berlin.

El segundo track, “When You're A Liar”, es más oscuro que el anterior, las secuencias nos mantienen en alerta, el bajo le da cierto movimiento mientras las otras secuencias mantienen todo en suspenso, los ritmos aparecen tímidamente acompañando a todos los sonidos que aparecen “ensuciando” el espectro sonoro, la voz suspendida de Rose es hipnótica y delicada, pero por momentos se vuelve fantasmal. Una delicia para los auriculares.

El tercer track, “So Much Better”, tiene un sonido profundo y aterradoramente opresivo, con esos ritmos industriales y la energía de ese sampler que aparece como un mazazo, mientras el sonido comienza a parecerse a un sueño de Trent Reznor, la voz de Rose se eleva en medio de la penumbra postindustrial del track. Soberbia estructura sónica.

“Wish You Were Dead” cierra este EP con una atmósfera más embriagadora e hipnótica, en una especie de canción trip hop con una secuencia que comienza ensoñadora, pero que con el correr de los segundos empieza a tornarse pesadillesco, la voz de Berlín aparece apagada y oculta entre efectos que la hacen parecer fantasmal. Sin cambiar mucho nos vamos quedando atrapados en esta dulce y estática pesadilla… el deseo que reza el título queda bien en claro en este track final.

Extrañamente este trabajo dice “Dedicated to All Delivery Drivers” Producido y mezclado por Dean Garcia. Escrito por Rose Berlin, Mark Wallbridge y Dean Garcia.

Rose Berlin en voz; Mark Wallbridge en teclados espaciales y Cluster Guitars; Dean Garcia en Bajo, baterías, teclados, FX y Programaciones y Monti en Loops de baterías adicionales.

Pueden descargar este EP en su bandcamp: https://spceco.bandcamp.com/album/5-ep-may-ep

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[ Entrevista a I Am a Rocketship por Diego Centurión.

Fotografías: Katja Bjorn, Alison Lindley. ]

EL INDIE POP CÓSMICO DE I AM A ROCKETSHIP

Por segunda vez nos encontramos con este dúo de Atlanta, Giorgia. En nuestro número 53 de abril del 2019, en donde hablábamos de “Mind Grafitti”.

Hace unos pocos días han lanzado su tercer trabajo “Ghost Stories”, que se lanzó el 30 de abril y teníamos ganas de hablar con ellos nuevamente y sin olvidarnos de este momento tan extraño que nos toca vivir.

Enlance a la entrevista anterior: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_53

Hola chicos gracias por aceptar realizar esta entrevista y para empezar me gustaría saber ¿cómo y dónde los encuentra esta cuarentena?

ERIC: Hola Diego. Es genial saber de ti otra vez. Estamos en Atlanta y nos está yendo bien: ambos estamos saludables y tenemos la suerte de seguir teniendo trabajo. Ha sido extraño, por supuesto, y nuestros corazones están con los que sufren. Cada crisis termina, pero esto ha sido terrible para mucha gente.

Creo que estamos ante un gran cambio de paradigma, hoy se vive mucho la música a través de las redes, a través de los “lives” en las redes o reedición de material inédito o videos… ¿Cómo ven ustedes este momento?

LINDA: Eso es interesante. Es una oportunidad para pensar y crear. Y la música es una forma de procesar de alguna manera lo que estamos pasando ahora. Creo que en diez años escucharemos música de esta época y escucharemos la preocupación, la esperanza, las emociones de esta época.

Pero la música se trata de personas que comparten y se conectan, y no es lo mismo en línea. Cuando las personas comparten un sentimiento, es físico, y estaremos encantados de volver a actuar.

¿Cómo llevan adelante una banda en tiempos de cuarentena?

ERIC: Tenemos una pequeña sala de ensayo en la ciudad donde nos reunimos para ensayar y probar nuevas ideas. Y siempre escribo canciones en mi cabeza, mientras que L E guarda cuadernos con letras. Las canciones parecen llegar incluso más rápido ahora, sinceramente.

Antes de empezar con el nuevo álbum, hay una canción hermosa que ha salido y que no está en el álbum y tiene un hermoso video. “Shooting Star”. Cuéntenos sobre ese track.

ERIC: Estaba sentado afuera tomando café y pensando cómo el coronavirus nos había dejado en mundos nuevos, a menudo solos. Entonces imaginé a un astronauta solitario, orbitando la Tierra. A continuación, hay un virus que se lleva a la raza humana, y él sueña con ser rescatado por ángeles, pero cada ángel es solo una estrella fugaz, y finalmente se le dice que convierta su nave espacial en el sol. La canción se escribió sola y la grabamos el mismo día. ¿Por qué no entró en el nuevo álbum?

LINDA: Lamentablemente, el álbum había

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terminado, e incluso teníamos los CD en ese momento. Decidimos publicarlo de todos modos tan pronto como lo grabamos, como una especie de postal musical para todas las personas que no podemos ver ahora. Pero la buena noticia es que desde entonces hemos escrito tres canciones más para una nueva colección, e incluirá Shooting Star.

canciones sucedan. Podrían ser de cualquier estilo, de cualquier tema. Si nos gustó, lo grabamos, incluso si el álbum sonara un poco confuso.

Paso un año del álbum anterior y por lo que yo percibo, en este álbum varían un poco su sonido, lo amplían. ¿Qué pasó en un año para este cambio?

Retomando la entrevista del año pasado, ERIC: Quizás todavía estamos en ella me contaban que la diferencia aprendiendo quiénes somos como banda. entre “Mission Control” (2016) y “Mind Cuando comenzamos, queríamos ser una grafitti” (2019) era que ustedes tenían más banda de pop. No pop como Rhianna, sino confianza, ¿Cuál sería la diferencia entre canciones simples que son melódicas y no “Mind Grafitti” y “Ghost Stories”? intentan cambiar el mundo. Con Mind Grafitti, LINDA: No estoy seguro. Mind Grafitti fue encontramos un poco más de oscuridad y un trabajo duro, y pasamos mucho tiempo nuevos músculos musicales. Ghost Stories pensando en cómo queríamos que sonara el Creo que nos sentimos libres de ser lo que álbum. Para Ghost Stories, fuimos en sentido queramos. Las melodías todavía están allí, contrario, y simplemente dejamos que las espero, pero ahora estamos dispuestos a

probar lo que queramos, y simplemente ser nosotros mismos.

He leído que la canción “Ghost Stories” es una de las primeras canciones que has escrito para el álbum y que pensaron primero en un EP. Cuéntanos esa historia.

LINDA: Eric compró esta vieja guitarra e inmediatamente escribió esa canción y la compartió conmigo. Realmente me gustó, y sugerí que agreguemos algunas ideas sin terminar más que teníamos. Pero la grabación fue muy rápida y no queríamos parar, fue divertido. De hecho, grabamos algunas canciones que no están en el álbum.

Tal vez puedan estar en el próximo.

tiene un nuevo álbum en camino. También hubo algunas fechas en Estados Unidos, y tal vez una gira europea en el otoño. Todo se ha ido, así que solo estamos tocando en vivo en Facebook, como todos los demás. Tocamos un espectáculo para los vecinos una vez, y fue hermoso. La gente salió a escuchar, quedándose a dos metros de distancia, y fue una noche muy especial.

Hoy es difícil de hablar de planes… pero cuando todo vuelva a la normalidad, ¿Qué piensan hacer?

LINDA: Todo puede no volver a la normalidad. Es difícil imaginar ahora cómo esto nos cambiará. Puede ser mejor, pero muy extraño. Estoy seguro de que de alguna Cuéntenos ¿cómo sigue el apoyo del manera volveremos a actuar, y tal vez las álbum desde la cuarentena? fechas europeas sucederán. Las personas ERIC: Nuestro pequeño álbum no significa siempre necesitarán compartir música, amor nada en comparación con la pérdida que la e ideas para sentirse conectados. Seremos gente está experimentando. Pero por apoyar parte de eso. el álbum, no lo sé. Habíamos comenzado a reservar una gira por el Reino Unido con un Y para finalizar esta entrevista y artista maravilloso, Ekat Bork, que también agradeciéndote esta entrevista.

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¿Dónde pueden encontrar la música de I Am A Rocketship?

ERIC: Estamos en Apple Music, Spotify, todos los lugares digitales. Si desea obtener nuestros álbumes, nos encanta Bandcamp, y puede obtenerlos en nuestro sitio web, iamarocketship. com Gracias Chicos LINDA: Gracias Diego. ¡Estate bien y sé bueno!

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https://www.facebook.com/pg/testigosdelcrepusculo/ https://www.instagram.com/testigosdelcrepusculo/ Para escuchar los programas on-line: https://ar.ivoox.com/es/podcast-testigos-del-crepusculo

JUST MUSIC

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[ Reseña de "Hallows - Subtle EP" por Benjamín York. ]

RETOMANDO LA VIEJA ESCUELA

Hallows - Subtle Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 29 de Abril de 2020

Hallows es un dúo formado en 2018 en Minneapolis / St. Paul, por Dom R. (voz, guitarra, sintetizador, programación de batería) y Vanee D. (voz, sintetizador, bajo).

“Subtle” es su EP debut y podemos decir que retomando la vieja escuela del Darkwave y el Dark Synthwave, trayéndonos a la memoria bandas como X-Mal Deutschland o los primeros Clan of Xymox, Hallows recrea esos viejos sonidos modernizándolos y haciendo que nuevas generaciones se interesen en el casi original Darkwave y el Dark Synthwave de los años 80’s.

HALLOWS combina riffs melódicos de guitarra, líneas de bajo dominantes, una combinación de sintetizadores melancólicos y arenosos, ritmos líricos y voces malhumoradas que cuentan cuentos. Traen noticias de inquietud: tensión en la soledad y el aislamiento, ansiedad y miedos a la naturaleza meteórica, las pesadillas de invadir el amor, la vulnerabilidad abatida y una vida extinta de realización.

Cinco tracks para linkear con una añoranza a esos años en el sintetizador se volvía oscuro y creaba melodías frías e intensas.

En “Subtle”, la sutileza es hacernos bailar retomando la vieja escuela.

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DE TIEMPO Y LETRA Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor.

Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre.

Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura.

Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina.

Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento.

No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación.

Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre.

Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura.

Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

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El nuevo número de RevistaThe13Th nos encuentra a casi todos recluidos, resignando libertades, enfrentando situaciones complejas de diversa índole; aunque también recuperando tiempos, por ejemplo, “De tiempo y letra”, regresa en este nuevo número para la reflexión y la lectura.

Siguiendo del diseñador y escritor Maximilian Jeske, esa con consigun enna, nuestra sección esta oportunidad nos sayo que presenta unliteraria originalen recorrido entre la pintuofrenda, desde la dosde textos de ra y la fotografía enprovincia relación adel losChaco, símbolos poder, una poeta joven depara almanuestro antigua, que acaricia al imescrito en exclusiva segmento.

Además mostrando el profundo revésde desus su personacotidiano ypactar; por tercera vez, participa con uno traje.

Ella es Sol. Y le rinde culto a su nombre.

Comles textos, emanando tensión y sentencia, el poeta partiendoPonce. además el mismo apellido. Álvaro Calderón Y para cerrar, un poema de mi autoría, cual proclama como empedernida opción.

VocesTambién diferentes y por interpretando, cuarta vez, participa desde cierta con uno similar de sus personales perplejidad, poemas, lo efímero en esta oportunidad, del existir. obrando cada uno de sus versos como instantánea de lo actual, el poeta español PasenÁlvaro y lean.Calderón Ponce.

Continuando con un ensayo de mi autoría, que presenta preguntas, tácitamente destinadas a Psique y Cupido, sobre las relaciones y las distancias en el mientras y el después, con respecto al contexto en el que nos encontramos. Para cerrar con un poema, también mío, dedicado a lo imposible.

Sol G. Doglioli de Resistencia, Chaco.

¿Cómo te describes?

Soy Sol. Excéntrica como la vida misma. Sin parates que no te llevan a ningún lugar. ¿Quién soy? Soy mis emociones. Sin disfraz.

Sin encasillar. Soy la voz que poseo y que no pueden callar. Mis alas abiertas, siempre. Soy mis palabras sueltas y hasta mis propias contradicciones. Sensible, pero intacta. Soy mis convicciones. Vegana, por respeto a los animales; porque considero que tienen alma y, por lo tanto, ellos también sienten. Soy la transparencia de mí alma y lo que en ella llevo: un poco de todo y mucho de nada, porque siento que la clave es esa.

Me sobrepasan más dudas que los años que llevo conmigo, y aún así, en el proceso de aprenderlo, no tengo ningún problema en decir que: ni todo junto, ni por separado... Justamente porque estoy segura de lo que soy: un todo, y no "un trozo de", ni muchos menos la “mitad" de alguien.

Demasiado franca. Ingenua. Confío. No siempre digo las cosas que los demás quisieran oír. Soy mi manera verborrágica de hablar.

Ordeno las palabras que voy a decir, y me corrijo sola si veo que algo no lo dije como esperaba, más allá de que se haya comprendido de igual manera. Soy el sube y baja de mis estados de ánimos. Los sentimientos a flor de piel. Hiperactiva. Soy el insomnio al que me acostumbré. No siempre logro enfocarme, pero no significa que no esté escuchando. Soy mis ratos de conciencia extrema que me cansan la mente. Inseguridades y mil quinientos complejos. Llena de imperfecciones. Soy tal cual como me quieras conocer. ¿Nos quedamos con el envase o el contenido? ¿Qué te lleva a escribir?

Escribo porque siento que así encuentro la salida en muchas áreas de mi vida. Es un impulso que cada vez se hace más fuerte y no puedo contenerlo. Aprendo en cada palabra que plasmo y voy entendiendo mejor cómo funcionan las cosas. Nunca sé de lo que va a "tratar"... me termino enterando con ustedes, los que leen...y me leo al mismo tiempo. Escribiendo me descubro en algún punto y puedo ver que me describo...siento que así despejo el caos de mis pensamientos y que de alguna forma (sin saber cómo), puedo hacer algo con el vacío que pueda existir en mis sentimientos. Escribo mientras pueda hacerlo...porque es algo a lo que puedo sentir como "propio".

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Archivo n° 44 Cancelar todo lo planeado. Tomarme un mate desabrido sin que me importe ni tener que estar pensando en tirarlo y rehacerlo. Comer lo que haya por delante sin pensar en las calorías o dar una explicación de por qué sí, porque es vegano y otra cosa sugerida puede que ya no lo sea...qué importa, googlealo.

No pensar en la alarma del despertador.

Esconderme en mi almohada y llorar todas las lágrimas que quiera sin dar explicaciones. Lo que era todo, ahora es nada. ¿Y si mejor despierto? Dale.

Que se cope la inercia. Que sea ella quien dicte las órdenes por un momento, ya que si no veo razones siento que así no puedo hacerlo.

Poder tapar breves lapsos de angustia mental con algo...no, de vos no.

Que resulte válido tener un día de porquería.

Y aún sin todas y cada una de las explicaciones, habidas y por haber, que sea válido...por más que no entienda nada. La realidad es que, hasta lo incierto también, es humano.

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Rompecabezas Nadie me contó que mis partes no eran más que eso. No me dijeron que las personas no van a frenarse solamente porque mis partes vayan en pedazos.

Quizás por esa razón sé que me cuesta encajar con el resto...claro, porque son "partes" y hacerlas coincidir con los demás a veces cuesta -digamos que ese "a veces" se convierte en "casi siempre"-.

Supongo que es uno quien aprende a identificarlas y obviamente en algún punto termina aceptando que justamente no estamos hechos para encajar en todos lados. Y es que hace rato dejó de importarme los que otros se inventan de mí. Todo lo que era peso sobre mi espalda ya no lo cargo.

Respiro. Una vez más. Recuerdo que voy en partes, pero ya no tienen el poder para desintegrarlas. Nadie. Me armo desde el lugar que sea.

Respiro. Cambio y fuera que yo sigo.

ÁLVARO CALDERÓN PONCE

ALGO SOBRE MÍ Me llamo Álvaro, nacido en Ronda (Málaga) y tengo 34 años. Actualmente vivo en madrid desde hace pocos meses, los mismos que llevo trabajando en un bar restaurante todas las noches menos una de la semana. He venido a esta ciudad con otros propósitos y algún sueño por cumplir. Escribo desde hace unos años, si hago memoria creo que podría afirmar que desde los 16 aproximadamente, y desde entonces ya no he dejado de hacerlo.

ESCRIBO PORQUE Una vez me enamoré de una chica en el instituto. Yo no era un alumno muy aplicado y pasaba muchas horas libres haciendo nada, cuando ocurrió lo de esta chica empecé a componer unos primeros versos torpes y cursis, siempre fui buen lector, desde niño, y de alguna manera, me gustó la sensación que sentía cada vez que escribía alguna cosa. Y con el paso de los años, y con muchos más libros leídos, adquirí este hábito tan bonito como trágico a la vez, que es escribir poemas. En la actualidad escribo cada vez que bebo mucho o tengo algo que decirle a alguien y no me atrevo a hacerlo a través de un diálogo normal y corriente, como hace la gente normal y corriente. Olvidé las pretensiones literarias de publicar hace tiempo, lo que no quiere decir que no quiera hacerlo.

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Eso que te oprime el corazón, eso que no se va y clava, como último gesto de amor, la bandera blanca de la paz.

Las moscas ahora ocupan las calles, las sombras acuden a los hospitales, los fantasmas visitan los asilos, y en Instagram nadie da tregua.

No nos iremos al carajo todavía.

Pero estamos muy cerca.

Eso que algunxs tienen y otrxs no, eso de encasillarnos con una a, o una o, hay cosas que siempre están y hay cosas que nunca son, todos los días tenemos más que menos, como el culo repartido, pero más que menos.

Los gatos vigilan desde los tejados, los niños en silencio imaginan su futuro, los ancianos están en una guerra a vida o muerte.

Hago desde aquí un llamamiento: ¡Celebremos todxs de una vez, Alegrémonos de que al menos, a la ciudad todavía no se la ha tragado el bosque! Álvaro Calderón Ponce

FRANCO DOGLIOLI

[ Por Franco Doglioli. ]

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EL AMOR EN LOS TIEMPOS DE LA COVID 19

“Psique, Cupido y la Covid 19” – Diseño: @mjeskej Cuando el psicólogo social, psicoanalista y humanista alemán Erich Fromm, en su célebre libro “El arte de amar” afirmaba que, “la necesidad más profunda del hombre es, entonces, la necesidad de superar su separatidad, de abandonar la prisión de su soledad” y que, “paradójicamente, la capacidad de estar solo es la condición indispensable para la capacidad de amar”, no imaginó -o tal vez si- el peso actual de sus palabras, con respecto a las posibles consecuencias en los distintos modos de relacionarse al ser aislados como medida de prevención ante una pandemia, sin precedentes, que ha paralizado al mundo.

No obstante, en algún momento y paulatinamente, nos veremos saliendo de nuestros hogares, recuperando la posibilidad de visitar a nuestros seres queridos, de volver a compartir un mismo espacio con compañeros de trabajo, de volver a cruzarnos y mantenernos próximos a otras personas: en el metro, en el bus, en los comercios, en la calle. Seguramente cada país

adoptará medidas preventivas similares, más o menos estrictas, instando a la población a usar mascarillas, llevar alcohol en gel y a mantener la distancia recomendada, según la OMS, de al menos un metro y medio, con quienes tosan o estornuden. ¿Qué pasará, cuando nos encontremos frente a la posibilidad de querer dar o recibir, un abrazo o un beso de un amigo, de un familiar o de la persona que amamos; cuando ha tocado estar separados durante tanto tiempo? ¿Cómo se verán afectadas las primeras citas y las experiencias sexuales? ¿Cómo nos comportaremos en los espacios públicos cerrados?

La realidad como la conocíamos se vio obligada a asimilar rápidamente un profundo cambio. Para cuidarnos debimos prescindir de dos libertades básicas para el equilibrio biopsicosocial del ser humano: la libertad de movimiento y la de contacto presencial. Gracias a la tecnología pudimos seguir hablando o trabajando a través de llamadas por aplicaciones o videollamadas. Incluso, de esta manera, afianzando vínculos y la calidad de comunicación entre los mismos. Porque volvimos a tener tiempo para escucharnos.

Pero a la vez, el miedo y la incertidumbre han venido ocupando sus sitios en la mesa diaria. El fantasma del contagio propio o en familiares y por aún, no vislumbrar un horizonte claro.

Nuestra psiquis ya fue puesta a prueba y ahora deberá prepararse para un nuevo proceso de readaptación. Al menos al principio, muchas costumbres sociales se verán afectadas y en especial, las distancias proxémicas (pública, social e íntima); que son vitales en su propósito para la convivencia en todo entorno.

Muchas parejas se han visto desafiadas en la solidez y convicción de sus relaciones y en las dinámicas consensuadas que las sostenían. Nada mejor que una crisis externa para comprobar la fortaleza y flexibilidad de determinada unión. El “durante” del confinamiento ha provocado separaciones; pero también a reafirmado profundos compromisos amorosos.

Ya sea cara a cara, todo el día bajo el mismo el techo, hijos incluidos; o bien, conectando día tras día mediante la pantalla del móvil o del ordenador. Así, de forma magnifica, expresó William Shakespeare: “No es amor el amor que se transforma con el cambio, o se aleja con la distancia”. Después de ese “durante” muchas historias de amor habrán colapsado o sobrevivido. Y será solo el principio.

Volviendo a las palabras de Erick Fromm cuando menciona esa vital necesidad del hombre de conectar para poder salir de la prisión de su soledad. ¿Qué sucederá ahora? ¿Temeremos salir, cual fieras en cautiverio, cuando nos abran la jaula? ¿Y sabremos que hacer cuando lo hagamos? Seguramente cueste… pero sabremos. Porque el ser humano se adapta a todo, encontrando la manera de sobrevivir y continuar.

Seguramente todas las preguntas que he compartido aquí, con el tiempo, encontrarán respuesta. Esperando que, habiendo sido forzados a estar solos, o acompañados pero aislados del resto; y forzados a compartir piso con nuestras luces y sombras, hayamos potenciado y desarrollado nuestra capacidad de amar. Porque amar, en sus distintos modos, es un arte; y en tiempos adversos, es aquello que salva.

“El amor se hace más grande y noble en la calamidad”. Gabriel García Márquez.

FANTASÍA ORGÁNICA Hacia el cielo los afluentes no he podido encausar.

Ni a las fauces de la estepa como el mirlo hacer trinar.

De estrellas muertas la noche no he logrado limpiar.

Ni al árbol darle alas y a sus raíces la dicha de contemplar.

No he conseguido a los antílopes en pleno salto congelar.

Ni al brillo del plancton en tus ojos maldivos mi vida enlazar.

Franco Doglioli

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http://madwaspradio.com/

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Loose Canon http://www.6towns.co.uk/

Simon's Big New Thursday Thing https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Reseña de "Lunar Twin - Ghost Moon Ritual" por Diego Centurión ]

NOCTURNO RITUAL DE LA LUNA FANTASMA

Lunar Twin – Ghost Moon Ritual Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 27 de Abril de 2020

En estos meses estamos siendo abordados por muchas publicaciones de remixes, recopilaciones, de videos remasterizados, de canciones que se lanzan en tiempos de cuarentena, de EPs que nacen de viejas cristalerías rescatadas de los arcones de los recuerdos, demos, etc…

Hay algunos que retrasan sus publicaciones por el bendito mercado discográfico, pero hay algunos que se arriesgan a lanar sus nuevos trabajos. Y estamos a un gran trabajo…

Mucho se le ha escrito a la Luna, muchas propiedades extraordinarias se le atribuyen a ese diamante nocturno que brilla sobre nuestras cabezas todas las noches y algunos días se la nota tímida ante el brillo fogoso del sol.

Lunar Twin es un dúo formado por Bryce Boudreau y Christopher Murphy, uno vive en Hawaii y el otro en Salt Lake City, ellos acaban de lanzar su nuevo trabajo de 13 canciones. En abril del 2017 los hemos entrevistado por su anterior trabajo “Night Tides” y el nuevo material le ha llevado tres años de trabajo, y por fin lo tenemos.

Venimos recibiendo en cuentagotas avances de este trabajo, el año pasado fue el video de "Drunken Sky", que abre el álbum y luego hace un mes recibimos a "Electric Lights". Pero poco sabíamos del nuevo trabajo.

Hablar de la música de Lunar Twin es hablar de una música con una nocturnidad exquisita como penetrante desde la tranquilidad y de la toma de decisiones instrumentales de manera exquisita como precisa.

Todo en la música de Lunar Twin está perfectamente en su lugar.

No hay algo de más ni algo que falte, todo precisamente controlado y logrando atmósferas nocturnas y climas que nos van seduciendo a medida que avanza el disco y cuando nos queremos dar cuenta perdemos la noción del tiempo y el espacio y quedamos rendidos a esos sugerentes sonidos creados por Christopher que rodean a la penetrante voz de Bryce.

Una luna fantasma… es un claro ejemplo de la sensación que nos da el álbum, todo el tiempo hay una sensación de una presencia

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que nos acompaña en forma sugestiva, haciendo que el brillo de la luna se vuelva espectral, las canciones nos van sumergiendo en una amalgama de sensaciones de calma y relajamiento, susurros, voces graves, pero no oscuras, sino como secretos lanzados en complicidad con ese brillo fantasmal de ese satélite, que hace que el ambiente parezca un ritual pagano de pueblos adoradores de la luna.

Nos vamos dejando llevar por el influjo de esa mágica y blanquecina imagen en lo alto del cielo nocturno, mientras Bryce y Christopher hacen que la noche se disfrute de una manera sensual y magnéticamente, fijando cada sensación en el alma.

Es un trabajo para escuchar durante la noche… durante el día puede perder la magia como esos cuentos de hadas… su nocturnidad lo hace especial para la poca luz…

Hagamos el Nocturno Ritual de la Luna Fantasma en la noche… sino… no se cumplirá el hechizo.

Pueden adquirirlo en: https://lunartwin.bandcamp.com/album/ghost-moon-ritual

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[ Entrevista a Martin Bisi por Pepe Navarro.

Fotografías: Nicole Capobianco. ]

MARTIN BISI: DE SONIC YOUTH, SWANS Y BRIAN ENO AL NUEVO LP 'SOLSTICE'

Martin Bisi es un reconocido productor, ingeniero de sonido y músico, ha sido una figura central en la historia musical de Nueva York durante las últimas cuatro décadas. Fundando BC Studio en Brooklyn en 1981 con la ayuda de Brian Eno y Bill Laswell, Bisi grabó aquí música innovadora de estos artistas, así como Sonic Youth, Swans, John Zorn, Herbie Hancock, Helmet, Africa Bambaataa, Dresden Dolls, Unsane, Cop Shoot Cop, Human Impact, JG Thirlwell, US Maple, White Hills, Fab Five Freddy y muchos otros.

Aprovechando la salida de un nuevo single de su último álbum “Solstice” (2019), lo contactamos y hemos podido hacerle unas preguntas… ¡Hola Martin! Gracias por su tiempo y por aceptar hacer esta entrevista. ¿Me gustaría saber cómo y dónde te encuentra esta cuarentena?

Afortunadamente, planeé tomarme este tiempo y escribir más canciones, y sobregrabar algunas grabaciones existentes.

Afortunadamente no estaba de gira cuando llegaron los bloqueos.

También continúo proyectos, de forma remota, que se encuentran en la fase de mezcla, aunque la mezcla de forma remota consume más tiempo

en el mundo clásico, por lo que rara vez se escuchaba en la casa.

Vi a mi padre tocar tango solo una vez, pero es un recuerdo fuerte.

Con la música contemporánea, mi madre estaba más interesada en emular la guitarra clásica en el piano. Era buena amiga de Andre Segovia y un compositor argentino, Alberto Ginastera, que escribió piezas para los dos. Se llamaba Marisa Regules.

En tu forma de trabajar, ¿ves algo que tus padres te han enseñado?

De alguna manera, todos esos años de ir a la Filarmónica y la ópera con mis padres, me hicieron sintonizar con una cualidad orquestal, tal vez también un cierto drama: después de toda la ópera cantan en mis últimos 2 discos: Solsticio y Ex Nihilo. También creo que escuchar horas de tocar el piano de mi madre, desde mi habitación mientras me dormía, sintonizó mi oído con ciertos sonidos.

He leído que tu madre ha sido pianista de música clásica y a tu padre le gustaba tocar en el piano Tango como hobby.

Más allá de quién pregunta es un argentino, lo que lleva al amor al tango como identidad musical desde su nacimiento.

No voy a preguntar nada sobre el tango. La pregunta es sobre la música que se escuchaba en casa cuando era niño. ¿Qué te acuerdas?

Mi madre no apreciaba mucho el Dentro de un estudio has tango, dado que estaba inmersa trabajado con muchísimos

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artistas, entre ellos, Brian Eno, John Zorn, Afrika Bambaata, Sonic Youth, Iggy Pop, White Zombie, Cop Shot Cop, Swans, Angels of Light, Lydia Lunch, Jarboe, Helmet, Human Impact, entre muchos. ¿Qué anécdota que nos puedes contar que hayas vivido dentro de un estudio?

El día que llevé a Eno a ver el estudio por primera vez, cuando esperábamos en la estación de metro para volver a Manhattan, estaba húmedo afuera y Eno comentó sobre el patrón que nuestros pies habían dejado en el suelo: que fue un registro de nuestro tiempo allí. Hubo muchas de estas observaciones de Eno. Estaba muy interesado en los sistemas relacionados, comparando tal vez el clima para procesar en la música. Parece que algo de esto entró en las cartas que hizo en ese momento - Estrategias oblicuas También debo mencionar que cuando Iggy Pop vino al estudio el día de San Patricio, estaba vestido de pies a cabeza en verde brillante, incluido un alto sombrero de copa.

Kiernan y cómo comienza esta colaboración?

Había visto varias de las instalaciones y eventos de Scott durante algunos años. También hizo un video musical para la banda Tidal Channel, que tiene un miembro Genevieve Fernworthy, que también toca en Solstice.

Ver ese video me hizo pensar que Scott sería bueno para "Let It Fall", porque tiene un ambiente futurista, que quería mezclar con algo más primitivo, pero también es bastante psicodélico.

Como testigo de la famosa escena de Nueva York. ¿Puedes contarnos un poco sobre esos años?

Esos años fueron una especie de caos. Es sorprendente que con muchas menos personas en Nueva York, en esas escenas de música y arte, cuánto sucedía, casi a diario, todas las noches.

Y las escenas tenían algunas diferencias dramáticas, tomar la llamada escena experimental del centro, y Hardcore, o la No Wave más sexy, o Glam Punk, y por supuesto música de baile.

E incluso la cultura Ball drag en Harlem. Tal vez porque Nueva ¿Puede explicarnos cómo York estaba tan vacía, estas cosas comenzó con este nuevo eran más visibles, y se podía ver que en realidad se frotaban los proyecto?

El último proyecto, mi álbum hombros.

Solstice, fue grabado en diferentes lugares, con diferentes personas. Gran parte de lo que Entonces fue un viaje. E incluso escuchamos en "Solstice" se el concepto general me fue basaenlaimprovisación.¿Cómo revelado solo a mitad de camino, fue el proceso para encontrar a principalmente porque parecía los músicos adecuados?

Todos los músicos de las dividido en 2 modos. improvisaciones eran personas ¿Cómo fue conocer a Scott con las que ya tocaba para

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canciones escritas. Por ejemplo, la improvisación que fue la base de "Let It Fall" se grabó en la misma sesión que las canciones "Ode To Freddie Gray" y "Waves On My Mind". Y el baterista que me ayudó a construir "You’re Sun" a través de la improvisación, tocó canciones en mi antiguo disco “Sirens Of The Apocalypse”.

Acabas de lanzar el single “Let It Fall”, cuéntanos acerca del video.

Como de costumbre con los videos musicales que hago, la mayor parte tiene que venir del

director. Le acabo de decir a Scott de dónde venía con la canción, mis sentimientos generales sobre nuestro punto actual en la historia, que fue en septiembre del año pasado, y mis pensamientos sobre nuestro pasado lejano, nuestras religiones y relaciones percibidas con la tierra y lo desconocido, todo cosas en mi mente al escribir la letra, y dejé que lo tome desde allí.

Fue un desafío obtener fotos de todos los miembros de la banda.

Para Diego y Oliver, tuvimos que exprimirlo en la gira, en la parte trasera de un lugar en Italia con

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la dirección general de Scott sobre el fondo y el color. Amanda en Boston, sola, solo hizo unas pocas líneas frente a una pared verde en su lugar de trabajo. Genevieve fue fácil porque está en Brooklyn.

Scott y yo fuimos al Claustro de Manhattan, un monasterio medieval, en parte original, traído de Francia. Eso es lo que son todos los muros y puertas Para terminar esta entrevista y agradeciéndote el tiempo brindado en respondernos, me gustaría saber sobre los planes para el futuro, cuando esta locura que estamos viviendo termine.

Tal vez el próximo álbum sea Equinoccios, ja, ya que hice los solsticios.

Entonces, supongo que cada lado será más o menos igual, pero ¿irá en diferentes direcciones? Probablemente sea una broma, pero quién sabe…

Somos una nueva netlabel de Argentina.

"No Me Escucho Records" nace luego de varios años de trabajo entre Darío Martinez y Diego Centurión para seguir con su tarea auto impuesta de difundir la música.

Pueden seguirnos y enterarse de las novedades en: https://www.instagram.com/nomeescucho https://twitter.com/NoMeEscuchoRec https://soundcloud.com/nomeescuchorecords https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/releases

VICTORIA REAL - LA LECCIÓN Fecha de Lanzamiento: 07 de Febrero de 2020 Estilos: Darkwave, Dark Synth, Experimental Rock.

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“El Punto” Es el primer intercambio de poesía performática musical entre Jula Castro (cantante y bailarina contemporánea) y Darío Martínez (músico y productor independiente).

Con pocas semanas de conocerse arreglan un encuentro en el Estudio de NMER para una sesión de improvisación. Parten de la poesía de Darío y una concepción sonora performática. Jula complementa sus improvisaciones con unos efectos en la voz desde su Ableton Live y su controlador midi y realiza unas improvisaciones en danza para un posible video danza.

Las características del texto iban a proporcionar un marcado pulso rítmico y la posibilidad tanto de aislar las palabras como para cantarlas. Esa tarde la única que grabo fue Jula. Darío armaría el tema en su casa.

Con el aislamiento por el Covid 19 se dilato todavía no sabemos por cuanto la idea de hacer un video danza y nace la idea de pedirle a varios amigos que le hagan un Remix y dadas las particularidades del tema cabía la posibilidad de resultados muy diversos como así finalmente pudimos comprobarlo.

Los artistas que participan con su remix son: en orden de aparición Luis Marte, Gabriel Lucena, Eugenio Damián Fernández, Diego Centurión (Luncil), Guillermo Bernal (Átomos de Átomos), Franco Colombo (BTB), Feliz Cristiani y repite Luis aportando el bonus track.

El Punto 01 – Jula + Dario (Original) 02 – Luis Marte (RMX) 03 – Gabriel Lucena (RMX) 04 – Eugenio Damián Fernández (RMX) 05 – Luncil (RMX) 06 – Átomos de Átomos (RMX) 07 – BTB (RMX) 08 – Felix (PanDmix) Bonus Track – Luis Marte (Tech mix)

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Des+conciertos es una instalación que incluye pintura, dibujos, collage analógico, fotografía, objetos, esculturas y música.

Des + (conciertos) es una instalación que fue pensada para hacerse tres veces en el transcurso de éste 2020. La instalación incluye, pinturas, dibujos, collage analógico, fotografía objetos, esculturas y música. Siempre barajando la posibilidad de grabar audio y video para producir un registro que primero le quede y pueda ser usado por el artista y segundo para darle continuidad a la instalación una vez terminada.

Debido a la preocupación que causa la posibilidad de contagio y propagación del coronavirus tomamos la decisión de no realizar la instalación para la fecha programada del pasado sábado 14 de Marzo. Suspensión que primero nos entristeció y luego nos dio ansiedad de mostrar el trabajo que habíamos preparado por semanas, así nació la posibilidad de hacer un Blog donde subiríamos material hecho para la muestra y otro a realizar a partir de ella, luego con el correr de los días y habiéndose generado dentro del grupo material referido al virus se nos ocurrió generar obra con el tema “coronavirus” y así como fue el causante de la suspensión de un evento al que le pusimos tanto trabajo y nos mantenía muy expectantes también nos abría la posibilidad de trabajar en red en contenido para un Blog: https://desconciertosweb.blogspot.com/ Participantes Artistas plásticos Joaquin Amat Diego Arandojo: Fe elizaga: Eugenio Damian Fernandez: Edgardo Rey: Pate Crudo: Música Átomos de Átomos Pablo Iglesias Eugenio + Jula Robotas: Luncil Chelo + Fausto: , Max Wild: performance “que beber para escuchar mejor” ……………… Darío Martínez

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: OASIS – “STANDING ON THE SHOULDER OF GIANTS" BORRON Y CUENTA NUEVA

Eran auténticos e indiscutidos dioses. Hacía solo 5 años, “(What’s The Story) Morning Glory?” se había convertido en el álbum más importante de la década en Gran Bretaña y todos querían ser Oasis, o al menos tener algo que ver con ellos. La competencia con Blur había tenido un claro ganador y los hermanos Gallagher habían logrado su sueño de ser totales “Rock n’ Roll Stars” como enunciaba el tema de apertura de su álbum debut. Por unos años habían reinado en forma absoluta. Pero todo lo que sube en algún momento debe caer. ¿Sería entonces una mera casualidad que Noel hubiera escogido una frase de Isaac Newton para bautizar este nuevo disco?

¿Cómo era eso? Una famosa frase del científico inglés que formuló la Ley de Gravitación Universal (conocida comúnmente como Ley de Gravedad) fue inspiración para Noel Gallagher. La leyó en el reverso de una moneda de 2 libras: “If I have seen further it is by Standing On The Shoulders Of Giants”.

Aparentemente anotó la misma en su paquete de cigarillos, pero con tal nivel de borrachera que se olvidó de escribir la “s” en “Shoulders”, y así quedó. Respecto a la frase, si hay algo que caracterizó siempre a ambos hermanos Gallagher fue su megalomanía, solo que en el caso de Noel, lograba transmitirse de una forma simpática y hasta harto graciosa (Liam nunca tuvo esas cualidades).

Records desapareció y Noel creó una discográfica propia, Big Brother (no te sientas mal, Liam). Segundo: impulsado por su esposa, Noel había pasado una etapa de rehabilitación de las drogas y volvía limpio, con ganas de algo nuevo. Tercero, abandonaron el grupo: primero Paul Arthurs (alias Bonehead, guitarra) y luego Paul McGuigan (alias Guigsy, bajo), ambos miembros originales. Bonehead y Guigsy se fueron cuando el disco todavía estaba en etapa de producción y sus partes debieron ser regrabadas por motivos legales (las regrabaciones fueron hechas por el mismo Noel Gallagher). De modo que al momento del lanzamiento de “Standing…”, Oasis era un trío conformado por los hermanos Gallagher y el baterista Alan White. Cuarto: Noel decidió cambiar todos los instrumentos utilizados en las tres producciones previas. Quinto: nuevo productor, Mark “Spike” Stent, conocido en aquella época por haber trabajado con artistas de la talla de U2, Madonna o Björk. Sexto: cambio de logo. Séptimo: varios cambios personales en la vida de los Gallagher, ya casados y con hijos ¿Más maduros? Poneeeeele!

El tercer disco de estudio de la banda, “Be Here Now”, había llevado el sonido de Oasis a sus límites. Algunos creen que ahí está lo máximo que Oasis podía dar como banda, y era inevitable que de ahí en más comenzara la decadencia, o forzosamente se dieran cambios. Me inclino a creer que el camino al que se apuntó fue al segundo, y que los resultados obtenidos fueron muy buenos en comparación con las perspectivas que se tenían. El primer Con todas estas novedades, Oasis cambio fue el de discográfica: Creation se alejaba del brit rock más áspero y

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sucio que caracterizaba sus tres primeras placas, para lograr un sonido más experimental y psicodélico. Algo que tal vez no se reflejó en el primer corte adelanto, “Go Let It Out”, que fue lanzado el 7 de febrero del 2000 y llegó al #1 en Inglaterra y otros países europeos. Noel aún seguía los pasos de sus máximos inspiradores y describió el tema como “lo más cerca de una versión moderna de los Beatles que llegamos a sonar”. En la versión final editada del tema, Noel tocaba todos los instrumentos (menos la batería), incluido el mellotrón, aunque en el video apareciera Gem Archer (miembro recién incorporado al grupo) tocando la guitarra, y Liam tocando la guitarra rítmica. Algo habitual en Oasis era que como caras B de sus singles solían sacar temas tan buenos o incluso mejores que los que se incluían en sus discos, y “Go Let It Out” no fue la excepción: su cara B “Let’s All Make Believe” era una balada que también fue incluida como bonus track en la versión japonesa de “Standing…” y que Q Magazine consideró tan buena que afirmó que con ese tema en el álbum, el mismo hubiera sido calificado con 5

estrellas.

“Standing On The Shoulder Of Giants” fue editado el 28 de febrero de 2000 y por supuesto debutó en el número 1 en Inglaterra. “Fuckin’ In The Bushes” es la apertura, una furiosa bola de energía y controversia: fue censurado por la cadena Walmart y el nombre del tema ya venía tachado con varias X en rojo en el CD. Muchos la recordarán por la mítica escena de la película de Guy Ritchie “Snatch” donde Brad Pitt sube al ring encarnando al “Gitano”. El segundo track es “Go Let It Out” y luego venía una joyita: el single “Who Feels Love?”, una gema ragga-rock psicodélica que venía a mostrar el sentimiento general que rondaba el álbum, y muy Beatle de la más pura cepa George Harrison en su etapa post-India, con reminiscencias a “Strawberry Fields Forever” gracias a su cítara eléctrica y tablas. Dijo Noel Gallagher para una entrevista a la revista Rolling Stone: “Varios amigos a quienes les hice escuchar "Who Feels Love?" o "Gas Panic!" llegaron a preguntarme si estaba seguro de haber abandonado las drogas... ¡porque parecía todo lo contrario!”. Casualmente,

mento. Es lo único del disco que causa verdadera vergüenza ajena: ¿el wannabe hooligan de Liam poniéndose en papel meloso de maestro jardinero? “You live for your toys, even though they make noise / Have you ever played with plastercine or even tried a trampoline?” ¿Liam Gallagher cantando esto? ¿En serio?

La cuota de rock más primitivo y bien logrado llega con “Put Yer Money Where Yer Mouth Is”, un poco más sucia y concordante con el sonido del álbum en su conjunto que “I Can See A Liar”, puesta ahí como de compromiso para poner ritmo en el medio de dos baladas. Pero no está mal siendo la previa a otro gran cierre de álbum como a los que ya nos tenía acostumbrados Oasis en su 2º y 3er disco, esa gran canción melancólica con aire épico llamada “Roll It Over”, a la que no le faltan los No puede faltar la dulce gran voz de clásicos punteos Harrison style.

Noel en un par de canciones y acá está muy bien representado en los cortes Las críticas fueron bastante varia“Where Did It All Go Wrong?”, referi- das, siendo algunos medios como The da a los profundos cambios en la vida Guardian o New Musical Express baspost-rehab de Noel (plagada de arre- tante duros con el disco, mientras Q pentimiento y emoción), y “Sunday Magazine lo consideró un 4/5 estrellas. Si bien es el álbum de Oasis que Morning Call”.

Lamentablemente, hay un lugar para menos copias vendió en UK, fue el nouna mamonada escrita por Liam Ga- veno disco mejor vendido en Gran Brellagher (único tema del disco que no taña en el año 2000. Robbie Williams, compuso Noel) que es “Little James”, artista pop en la cima en aquellos años, dedicada al hijo de la actriz y cantante intentó mofarse mandándole una coroPatsy Kensit, su esposa en aquel mo- na de flores con una nota que decía son los dos temas que más me gustan de “Standing…”. “Gas Panic!” es brillante pero con un triste trasfondo: refleja el tremendo calvario por el que pasó Noel Gallagher durante su rehabilitación de la cocaína y el alcohol. En plena abstinencia durante su limpieza en 1999, Noel padecía ataques de pánico, no podía conciliar el sueño y sufría alucinaciones. De ahí pasajes de la letra como “What tongueless ghost of sin crept through my curtains?”. Una letra sobre los demonios que nos visitan a medianoche, y un entorno compuesto por guitarras envolventes y loops embriagadores que generan un clima oscuro y claustrofóbico, mientras Liam regurgita “Better get on yer knees and pray, panic in on the way!!!”.

Excelente producción y notable base rítmica, los fans la entronarían como el mejor tema de este álbum.

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“R.I.P.” a Noel Gallagher y posteriormente desafiando a Liam Gallagher a pelear en un ring (iniciando así una cadena de provocaciones e insultos que continúan hasta el día de hoy).

Muchos eran felices al ver a los hermanos Gallagher caer del trono. Lo cierto es que había una cuota de hartazgo que llevó a cierto tipo de reacciones, pero el álbum era sin dudas bueno. Noel Gallagher lo consideraba un trabajo de transición que marcaba un nuevo camino para Oasis: su idea era enfocar hacia un perfil más alegre y bailable sin dejar de ser banda de rock, como si dijéramos The Rolling Stones (solo como referencia, ya que Noel también los admiraba).

Noel Gallagher, que se había cargado todo el proyecto al hombro, reconoció que no era su mejor álbum pero si lo mejor que podía sacar en aquel momento.

Las cosas cambiarían de ahí en más y en los siguientes trabajos, Noel delegaría un poco más la composición de las letras en los otros miembros de Oasis. “Standing On The Shoulder Of Giants” tiene un sonido más cuidado que sus precedentes, más prolijo, sin descontroles y limpio, y eso tiene mucho que ver con lo que pasaba con el líder del grupo. Si consideramos el período de incertidumbre e inestabilidad que atravesaba Oasis en su metamorfosis, no podemos dejar de considerar a “Standing…” como un producto, por lo menos, más que decente.

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[ Entrevista a Cristiรกn Chavarri de Objetos Inanimados por Diego Centuriรณn. ]

LOS OBJETOS INANIMADOS DE MENDOZA A HAEDO

Hace tiempo que queríamos tenerlos en la revista, y a causa de un mensaje que hemos recibido solicitando unos sonidos caseros para un trabajo en esta cuarentena obligada, nos pareció un buen momento para hablar de este proyecto nacido en Mendoza pero que antes de que el mundo cambie, se vino a Buenos Aires, y de todo esto hablaremos en esta entrevista a Cristián Chavarri, cabeza de este proyecto llamado “Objetos Inanimados”…

¡¡¡¡Hola Cristián!!!! Gracias por permitirnos dar a conocer a Objetos inanimados a través de tus palabras.

En estos tiempos en donde estamos en una situación impensada. ¿Dónde te encuentra esta cuarentena?

Estoy en zona oeste, cerca de Haedo.

Me había venido a vivir acá a principios de marzo, parando en lo de mi amigo Luis Puppo, bajista de los objetos, quien ya había emigrado de Mendoza hace unos años. Ahora era mi turno. Estoy varado en su casa desde entonces, sin poder hacer la mudanza definitiva.

Por suerte acá hay disponible todo lo necesario para hacer y grabar música.

objetos?

En noviembre de 2011 nos conocimos con Marcos Meloni, por un amigo en común, en un festival en Chile.

Teníamos varios gustos musicales en común y ambos vivíamos en Mendoza.

Poco tiempo después comenzamos a juntarnos en lo de su madre, con batería y guitarra.

Luego de conocernos musicalmente empezamos a hacer algunos temas que yo tenía grabados, como 3/4 del Disco Escapista, nuestro primero disco.

Así fue que nos hicimos amigos y un año después, ya habiendo dejado de buscar bajista, tocamos por primera Bueno una parada en cierta forma, vez en nuestra primera gira por Buenos Aires. beneficiosa ¿Cómo es llegar y no poder terminar una mudanza? ¿Dónde quedaron Dos años después aparece tus cosas, tus instrumentos?

"Nuevas Tormentas de Verano", Por un lado es un garrón, porque ya con bajista. Contános acerca de a poco tiempo de llegado ya había esos años... encontrado un departamento ideal, Toda esa nueva era de la banda tiene acá a unas cuadras. Todas mis cosas que ver con la llegada de Luis Puppo están en el departamento que alquilaba a Mendoza, que fue unos meses antes en Mendoza (quien lo habita ahora me de lanzar el Disco Escapista (diciembre las está cuidando). de 2013). Recuerdo testear en su auto Me vine sólo con la guitarra, los las mezclas que iba haciendo de ese pedales y ropa de verano. La idea era disco. buscar batero para activar los objetos Luis llegó en el mejor momento de la acá.

Mendoza que conocí, cuando se sentía esa efervescencia hermosa de que algo Y contános ¿cómo y cuándo nace estaba pasando y tocamos muchísimo.

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A pesar de haber sido guitarrista se colgó un bajo de batalla Accord que tenía en mi casa y comenzó a tocar con nosotros, en patas, en casas, en bares. Luego le prestaron un bajo más decente para fechas en escenarios altos con heladeras Ampeg, con el cual también grabó Nuevas Tormentas de Verano.

Ese disco fue medio traumático para mí ya que no me sentía conforme con las mezclas que venía haciendo.

La batas fueron mejor grabadas que el escapista. Esta vez grabamos en el cuarto grande de la casa de Luis en la Sexta Sección, con buenos mics que nos prestaron. Teníamos todo montado y aprovechamos para grabar para un programa de TV Video Delivery, usamos el mismo seteo que para el disco (https://www.youtube. com/watch?v=tKBcH85f_8w).

Al resto, las guitarras y voces y algunos bajos, los grabamos en mi casa de entonces. Creo que la acústica de ese cuarto fue la peor de todas y como autodidacta en la mezcla y grabación debo de haber hecho más mal que bien, tendría que revisitar los proyectos, ahora que sé un poco más; tal vez re-mezclarlo.

El tema es que nos íbamos a Buenos Aires, otra vez de gira, esta vez como trío, y llevamos mi compu con los proyectos al estudio de unos amigos de Luis en donde los santificaron. Pero igual yo me quedé con esa sensación fea, a pesar de que ahora lo escucho y no lo odio tanto. Je. Y en julio del año pasado editan "Las Ciudades Imaginarias", hasta ahora su último trabajo. ¿Estás más contento con este trabajo?

Sí, este me cierra por todos lados.

Pero como siempre, pasaron cosas.

Lo principal es que me agarró un

poco más sabio de conocimientos de grabación y mezcla (soy autodidacta desde el año 2000) respecto de los otros discos, y segundo, que tiene cierta pre producción.

Fue bueno tener una imagen casi total del disco en la cabeza desde antes del primer REC. La banda ahora era otra. Ya se había ido Meloni de la bata y lo había reemplazado el platense José de Diego (A CASA), a quién yo ya había fichado un par de meses antes de la última fecha de Marcos (el 30 de abril de 2016: tengo todas las fechas anotadas).

Comenzamos a tocar José, Luis y yo. Tocamos juntos hasta septiembre de 2017, última fecha de Luis (pero que volvió esporádicamente dos años después), reemplazado (luego reemplazando) en el bajo por el francés Vincent a quien conocí tocando en una zapada en el mítico Hard Lomo Rock y porque iba a los festivales que yo entonces organizaba, los Plagas Festival.

Los bajos que Luis había armado estaban buenísimos (el de "Azorno" en especial), así que los terminó grabando en su casa de Villa Sarmiento (en donde estamos ahora de cuarentena), mientras que en mi habitación de aquel entonces, en Mendoza, grabamos todo lo demás. Como ya me dedicaba al sonido en vivo, tenía un decente kit de micrófonos disponible.

Entre mis notas, tenía anotado agregar elementos como theremin para "Ciudad Imaginaria" (que terminé grabando con un Iphone viejo); teclas para varios temas (grabadas por Facu Correa de A Tu Luz / Fantasme); acordeón (grabado por Myriam Belfer) y la voz de Agustina Bécares en "Teleféricos"; la generación de un motor para Leones del Asfalto, sonido que encontré con una botella frotada

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Han participado a distancia algunos músicos invitados quiénes nos enviaron desde sus casas grabaciones de baterías, percusiones, etc.

A la vez, en el encierro, surgió la idea de hacer un collage con audios de hasta 32 segundos que cualquiera puede enviarnos por las redes sociales, disponible hasta el fin de la cuarentena.

Idealmente requerimos que sean registros de esta época de cuarentena.

Ya recibimos muchos fragmentos de canciones, situaciones de entre casa, recitados de textos, sonidos de la calle, de la radio y la tv, de distintas partes del Y llega el 2020 y después de mucho mundo, etc. tocar en el verano, los atraviesa la cuarentena… Pero esto no detiene ¿Entonces hay dos trabajos a la banda… Y esto en cierta forma nuevos en proceso? ¿Ya hay fecha desencadenó esta entrevista… para algún lanzamiento?

Cuéntanos el día de hoy de la banda, Ambos trabajos son parte del mismo cuéntanos sobre este nuevo proyecto concepto de intimidad, de una mirada solitaria. Aún no están definidos los que están llevado acabo…

Como decía al comienzo, la banda tiempos de publicación, nadie nos se muda de Mendoza a Buenos Aires corre realmente. Tal vez sigamos esa y la cuarentena corta la búsqueda de tendencia de lanzar un par de singles y baterista. El confinamiento permitió luego el resto. Pero en lo personal, creo disponer de más tiempo para la que preferiría sacarme todo de encima producción de un nuevo EP titulado "Los de una y pasar a otra cosa. Veremos.

Espacios Intimos" que se construye sobre bocetos caseros de canciones ¿Qué diferencias puedes encontrar que hice en Mendoza. Esta idea salió en las nuevas canciones y lo que para mantener las emociones iniciales anteriormente han editado? de las canciones, concentradas en Es complicado auto psicoanalizarse. estos bocetos primitivos. A veces Son bastante minimalistas, onda cuando se coloca una hoja en blanco Explotando Papel de Burbujas del sin rumbo aparecen expresiones Disco Escapista. Pero con un sonido irrepetibles, incluso errores hermosos. más redondeado y actual.

Quise mantener eso. Luego, acá en Las letras representan de alguna Villa Sarmiento, ordené lo que tenía manera la despedida de Mendoza. y comencé a ornamentar encima con lo que las canciones me pedían. La Volviendo al trabajo de recolección intención general de las canciones es de audios en cuarentena. ¿Ya te que no tengan demasiados garabatos, han llegado audios para empezar a no recargarlas de más para que no se componer? pierda entre tanto colorinche la base Sí, como te decía. Mandaron muchos hecha en lápiz negro, por así decirlo. audios, la mayoría son mensajes con dildo; entre otras cosas.

Vincent iba a grabar el bajo de "Teleféricos", pero al final lo terminé grabando yo. El único tema que llegó a grabar Vinz fue uno de Adrián Paoletti que va a salir en un disco de reversiones a "En la ruta del árbol, en busca de la canción perfecta" el próximo 15 de mayo.

A las canciones de Las Ciudades Imaginarias les metí todos los condimentos que me iban pidiendo, por lo cual definitivamente estoy contento con este trabajo.

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grabados en celulares.

Para terminar esta entrevista y agradeciéndote esta posibilidad de charlar, dinos en todos los lugares en los que podemos encontrar a Objetos Inanimados.

Nos pueden buscar en facebook e instagram. Nuestros discos están en spotify y bandcamp. Y en youtube estamos subiendo videos de nuestra fecha despedida de Mendoza en febrero pasado.

Gracias por el interés, por las preguntas. ¡Saludos! https://www.facebook.com/LosObjetosInanimadoss https://www.instagram.com/LosObjetosInanimados/ https://spoti.fi/2miQic1/ https://losobjetosinanimados.bandcamp.com/ https://www.youtube.com/channel/UCGOFO8urnDfAcdXHxHutvVg/

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[ Reseña de “The Room in the Wood - We’re The Martians, Now” por Benjamín York ]

EL ARTE DE ESCRIBIR CANCIONES ELEGANTES

The Room in the Wood - We’re The Martians, Now Label: A Turntable Friend Records Fecha de Lanzamiento: 10 de Abril de 2020

Muchas veces el músico busca instintivamente expresar sus ideas de la mejor manera posible. En el fondo todos buscan escribir al menos una canción elegante, que queda grabada en su carrera como esa gema que valida a las otras canciones que sirvieron como búsqueda para esa canción. Pero qué pasa cuando nos encontramos con un disco que tiene esa calidad y cualidad en la mayoría de las canciones de un álbum. Éste es el caso de los londinenses de The Room in the Wood (Paul Cavanagh y Dave Jackson), quienes han lanzado un nuevo álbum llamado “We’re The Martians, Now”, ese álbum que tiene tanta canciones elegantes y convierte a este disco en el mejor de la banda.

En este paquete de 12 canciones encontramos la mejor versión de este dúo, las canciones derrochan elegancia y fineza instrumental, las canciones están estructuradas de tal manera que cada instrumento suena como una pieza fundamental en el entramado final, que lleva el sentido mesurado y precioso de no superponerse en el protagonismo del resto, toda la instrumentación está colocada en el sitio exacto para que la canción fluya de manera dócil y perfecta.

Canciones como "Diamond Clouds", "Stowaway", "We're the Martians, now", "Charmed", "Dragonfly" o "Halloween Lies" muestran cómo se puede escribir canciones elegantes.

Este dúo viene trabajando juntos luego de que su banda post-punk The Room se separara en 1985. 2018 fue un año muy prolífico, escribiendo más de 30 canciones nuevas, lanzaron tres trabajos, dos EP’s “Magical Thinking” y “The Mars” y el álbum homónimo “The Room in the Wood”.

Este LP presenta en la batería a Colin George Lamont (Mark Lanegan, Dave Gahan), la flauta encantadora de Simon James y las voces celestiales de Helena Jacks.

The Room in the Wood sabe muy bien sobre el arte de escribir canciones elegantes.

Pueden encontrarlo en: https://theroominthewood.bandcamp.com/album/were-the-martians-now

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The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A