Revista The 13th Número 63 by Revista The 13th

AÑO: 7 | NÚMERO 63

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

BEAUTY IN CHAOS DARWIN CUERPOS CÓSMICOS DEAD CAN DANCE - ROSARIO BLÉFARI - JOY DIVISION VELVETEEN - WHITE ROSE TRANSMISSION - I LIKE TRAINS AQUELLA TAPA - EXPEDIENTES DD - DE TIEMPO Y LETRA - MUSIC CORNER INDIE SOUNDSCAPES - QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR

STAFF

Julio 2020 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alex Bretto REALIZACIÓN Y DISEÑO

Ariel Tenorio

Diego Centurión.

Benjamín York Daire Alujas Diego Centurión

PORTADA

Dora Angélica Roldan

Diego Centurión

Fernando Rivera Rodríguez Franco Doglioli Maxx Wild Rubén Torres

Jefe de Departamento de Literatura:

Pepe Navarro

Franco Doglioli. Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 63 ETERNA CUARENTENA En esta parte del mundo la cuarentena se sigue extendiendo. Las bandas nos inundan de material nuevo y rescatado de sus archivos, como así también los lives en sus redes sociales. .Mucha música... para tenernos alertas en estos extraños tiempos de Covid-19. Para este número tenemos algunos regresos como el de Maxx Wild y su sección ¿Qué beber para escuchar Mejor?, Rubén Torres vuelve a la revista con un escrito sensible sobre Rosario Bléfari, desde Chile regresa un viejo colaborador Daire Alujas. Tenemos una nueva incorporación como la que viene desde Perú, Fernando Rivera Rodriguez, quien nos trae su propia sección "Indie Soundscapes". Y tenemos una colaboración de Dora Angélica Roldan. Nuevos lanzamientos, entrevistas y sensaciones sobre estos tiempos difíciles que tratamos de amenizar con música. Como dijimos en el número pasado estamos frente a un cambio de paradigmas en lo concerniente al uso de la tecnología, un cambio de mirada sobre las nuevas plataformas... Nosotros como siempre tratamos de realizar una revista que los entretenga y les de tiempo de una lectura distinta. Bienvenidos al número 63 de la Revista The 13th... Pasen y lean.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

AQUELLA TAPA

DISCOS

06 10 16

DEAD CAN DANCE DARWIN

MUSIC CORNER: QUEEN

32 38

VELVETEEN CUERPOS CÓSMICOS

42 EXPEDIENTES DD

60 66

I LIKE TRAINS

DE TIEMPO Y LETRA DORA ANGÉLICA ROLDAN FRANCO DOGLIOLI

BEAUTY IN CHAOS

70 72 76

JOY DIVISION WHITE ROSE TRANMISSION INDIE SOUNDSCAPES

98 ALTAR OF IRIS

ROSARIO BLÉFARI

88 94

112

108

¿Qué Beber para escuchar mejor? [ Por Maxx Wild ]

TORO Y MOI

OUTER PEACE & GREEN TORO

La reacción automática al encierro es el intento de escape, siempre. En estos tiempos de encierro físico, les propongo un escape mental, una pequeña salida de la mano del oído y del gusto. Algo que pueda satisfacer esa ansia de escape y nos brinde un respiro entre tanto agobio. Buscar cosas nuevas siempre conlleva una pizca de incertidumbre, este peligroso ingrediente se vuelve inofensivo si nos amigamos con él y nos dejamos llevar. Propongo en esta ocasión hacernos de Outer Peace, el disco de 2019 de Toro y Moi, un simpático multiartista estadounidense que de manera creativa ha sabido mutar su música dentro del género chillwave/pop. Para la degustación, teniendo en cuenta el contexto, propongo algo simple, un gin tonic (1/3 dry gin y 2/3 de agua tónica, si quieren la del toro, para hacer gala al disco), pero con una vueltita de tuerca… un bouquet de las hierbas que tengan en sus casas (romero, albahaca, tomillo, cilantro, etc… alguna o todas juntas). Lo llamaremos Green Toro! Abrimos la puerta y salimos con Fading, alegremente electrónico, línea de bajo pegadiza para empezar a caminar a ritmo… con una intro percusiva comienza Ordinary Pleasure, funk-house-pop-cool, nos hace continuar el paso pero con ritmo, como si caminaramos entre arboles jugando a tratar de esquivar el reflejo del sol de entre las hojas. Laws of the Universe, va por el mismo lado, simple y efectiva, como nuestra bebida, fresca con un dejo amargo y herbáceo, como esas mañanas de rocío en otoño. Es de destacar el uso de sonidos simples, casi familiares. Tomamos un descanso para dejar entrar a Miss Me, como si en esa caminata, nos costáramos en el pasto un rato palmas abajo, sintiendo, ojos cerrados, dejando que la voz de ABRA, baje las pulsaciones que la caminata previa generó. El beat es moderno y la voz… envolvente. Como si lo necesitáramos, seguimos en un todo downbeat, New House, usa elementos muy actuales sin dejar

de ser singular y sin desdibujar el estilo de TyM. En movimiento nuevamente con Baby Drive It Down más simétrica que las anteriores para dejar lugar a Freelance, de mis favoritas del álbum, hagan un stop y bailen, con otro Green Toro en mano. La super bailable e inocente Who I Am me hace acordar a loa primeros sonidos house de Kevin Saunderson. Monte Carlo, linda combinación de un beat que no me gusta con elementos vocales y sonoros, que lo alejan del lugar común… tanto como nos ha alejado de las cuatro paredes en la que posiblemente nos encontremos, en este viaje, se va haciendo de noche… y vamos retornando con 50-50, casi con el mismo recurso musical, destaco el uso del reverb, ideal para que nuestro viaje termine progresivamente, habiéndonos renovado, habiendo escapado un poco, habiendo tomado el riesgo de escuchar algo distinto, algo que nos dé un aliento fresco y lleve a cero nuestra cabeza. Hagámoslo más seguido. ¡Salud!

[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

El artista encargado del arte fue el artista estadounidense Walter Wick, quien trabajo con fotografías y a partir de elementos desparramados sobre un scaner, a simple vista parece que alguien tiro sobre el suelo un tarro de esos que los padres suelen guardar en el galpón, o el taller, llenos de tornillos, tuercas, tarugos y demás chirimbolos que supuestamente usaran algún día para reparar sabe dios que artefacto casero. Durante un tiempo se van agregando cosas a esos tarros y en algunas ocasiones se pueden encontrar partes de algún juguete, pines, monedas etc. Hoy tengo mis propios tarros donde guardo cositas pequeñas y cada vez que acudo a uno de ellos para arreglar algo, no puedo dejar de acordarme de la portada de “Four Calendar Cafe” de Cocteau twins, el disco se editó en 1993 desde el primer golpe de batería que anticipa lo que se viene, se siente un tanto de sonido optimista, o al menos eso es lo que yo percibí al oírlo, comparándolo con los discos anteriores que conocía de la banda. “Heaven or las vegas” el álbum anterior, que ya había acercado la banda a un público más masivo, fue uno de los primeros cds que compre, cuando aún no tenía reproductor de cd, entonces lo grababa en casette en casa de un amigo para poder escucharlo en el walkman de viaje al trabajo. Recuerdo que cada tanto lo miraba y pensaba como sonara en la compactera. Después de haberlos conocido por “Garlands” que mi primo me había grabado. Siempre me habían gustado sus portadas, se notaba el trabajo cuidado de la imagen y el diseño que ofrecía el sello 4ad, con búsquedas artísticas interesantes más allá de lo musical. También por esos días escuchaba mucho “This mortail coil” proyecto paralelo de los miembros de Cocteau con miembros de otras bandas como “Dead can dance” y sobre todo el disco “It´ll end in tears” con un sonido mucho más oscuro. Pero con esta nueva propuesta de Cocteau quede impactado por un buen tiempo, el ambiente que recorre casi todo el disco es relajado, baladas con hermosas capas de armonías vocales de Elizabeth Frazer, sobre bellos colchones de un teclado muy presente. Además de la guitarra viajera de Robin Gutrie como sello característico en el sonido Cocteau y los bajos de Simon siempre tan precisos y con algunas melodías hermosas. Algunos temas como “Blue Beard” o “Evangeline” tuvieron bastante difusión en los medios sobre todo en MTV y Much Music, que pasaban sus videos diariamente. Quizás este acercamiento a un público mayor tenga algo que ver que es el primer disco de la banda por fuera del legendario sello 4AD es el séptimo de la banda de Escocia. También es cierto que el sonido en general está orientado a un costado más pop y no tan experimental o ruidoso, si bien se mantiene la propuesta Dreampop/Shoegaze que los hizo conocidos, se expanden a otros horizontes como el Ambient y el Chillout, siempre dentro del terreno de la ensoñación sonora. Además, las letras de las canciones están más claras y se entiende bastante lo que dicen, en una de ellas Elizabeth deja bien claro el mensaje Hacia Robin su esposo o quizás a Jeff Buckley con quien estaba teniendo un romance por aquellos días: ¿Are you the right man for me? / Are you safe? are you my friend? / Or are you toxic for me? / Will you betray my confidence? ¿Eres el hombre adecuado para mí? / ¿Estás a salvo? ¿eres mi amigo? / ¿O eres tóxico para mí? / ¿Traicionarás mi confianza? Walter Wick: Recuerdo recibir un fax de una firma de gestión de banda en la primavera de 1993, preguntando si estaría interesado en hacer una portada de un álbum para una banda llamada Cocteau Twins. Estoy avergonzado de decir que nunca había oído hablar de ellos; mis raíces musicales eran Bod Dylan, The Band, Van Morrison, básicamente la generación de Woodstock, más terroso que etéreo. Sin embargo, no me pidieron que me sentara en una sesión de grabación, así que eso no importaba.

Desde allí Robin Guthrie se hizo cargo. Según recuerdo, dijo que su hija había recibido mi libro de fotos recién lanzado "I Spy: A Book of Picture Riddles" (1992) y eso es lo que impulsó la llamada. Estoy en los EE. UU así que no estoy seguro de cómo mi libro hizo su camino al Reino Unido, pero no importa, estaba feliz de hacer algo por ellos. No recuerdo si Robin inicialmente tenía muchas directivas específicas, pero recuerdo que era muy agradable para trabajar y que me pidió que agregue más cosas a la foto después de que le mostré las primeras fotos. Recuerdo en última instancia completar dos fotografías: uno de muchos objetos pequeños de color, material y textura, disperso en un fondo blanco (mi firma "I Spy"), y otra versión de los mismos objetos, silueta oscura contra un fondo ricamente coloreado. Los objetos fueron elegidos por mí, muchos de los cuales eran sobras de I Spy, aunque reduje los juguetes y aumenté los trozos extraños de hardware al azar y objetos de todos los días. Un espolvoreado en algunas referencias musicales también, como un disco centrado de 45 RPM y un pomo de control de volumen como los que se ven en amplificadores y guitarras (mira cuidadosamente va a "11"). Esas imágenes fueron aceptadas y eso fue el final de mi participación. Estoy feliz de decir que ahora estoy bastante familiarizado con la música de Cocteau, realmente ha aguantado mucho a lo largo de los años. Todavía lo escucho, a menudo mientras hago mis libros. Sí, es etéreo, pero nunca empalagoso. Y no, no puedo entender una palabra que Elizabeth está cantando, pero parece que no importa. Todo está bien. Lo cierto es que este disco siempre será recordado por mi como el disco del tarro de tornillos.

[ Reseña de "Dead Can Dance - Aion (1990)" por Diego Centurión. ]

EL EXQUISITO SONIDO DE LA EDAD MEDIA

Dead Can Dance - Aion Label: 4AD Fecha de Lanzamiento: 11 de Junio de 1990

Dead Can Dance cerraba la década que los hizo conocidos con el solemne “The Serpent's Egg”, la pareja sentimental entre los dos miembros de la banda termina rompiendo pero continúa como pareja musical y comienza la década del noventa con una bella mirada hacia el pasado. La Palabra "Aion" (AAON alternativamente deletreado) significa una edad, pero también la duración entera del mundo o el Universo" dice Brendan Perry. "En la filosofía platónica que representa el poder benévolo que existe dentro de la eternidad". La sonoridad del disco nos introduce de lleno en ambientes de la Edad Media. Grabado con instrumentos de la época, como la zanfona y gaitas. Desde la portada, un detalle de "El Jardín de las Delicias" de El Bosco, nos sitúa en un tiempo que sólo conocemos por la historia y documentales, pero cuando escuchamos el disco también nos hace sentir parte de esos siglos. El disco abre con la voz de Lisa Gerrard en "The Arrival and The Reunion" y luego se unen la voz del soprano David Navarro Sust, que le da un marco de solemnidad casi religioso, tan típico de la Edad Media. "Saltarello" nos sitúa aún más en esos siglos. Es una canción tradicional italiana del siglo XIV y era un ritmo bailable, la danza se perdió, pero la música quedó a través de los siglos. Una canción alegre y festiva, que nos saca de la solemnidad de la primera canción. Un pequeño instrumental "Mephisto" que sirve de nexo entre la alegría de la anterior canción y la próxima canción. "The Song of The Sybil", como "Saltarello", es una canción tradicional gregoriana muy popular en la Edad media del siglo XVI, sobre todo en el sur de Europa. Luego una versión se empezó a cantar en la Baja Edad Media hasta hoy, en la Misa de Gallo en Mallorca (España) y en un pueblo de Cerdeña llamado "Aguer" (Italia). Esta canción en el 2010 pasó a ser "Patrimonio Inmaterial de la Humanidad" por la UNESCO. No la versión de Dead Can Dance. "Fortune Presents Gifts Not According To The Book" es el si-

guiente paso en este viaje a la Edad media, se abre la canción con el címbalo húngaro, ejecutado bellamente por Lisa (es el instrumento de cuerda que siempre se la ver tocar en los conciertos). La canción recobra un tono más medioevo, cuando Brendan Perry comienza a cantar una versión del escrito del siglo XVI, exactamente de 1581, del escritor español Luis de Góngora. Una de la más bella del álbum. "As The Bell Rings The Maypole Spins" es otra canción que nos acomoda en el medioevo, una bellísima instrumentación que, luego de la introducción vocal de Lisa, nos transporta a esos ambientes, la canción incluye la gaita de Robert Perry. "The End Of Words" llega y comenzamos la segunda mitad del disco, una canción estilo gregoriana, que comienza con unas campanadas, como las que se utilizan para llamar a Misa, y la Misa la oficia Lisa y el soprano David, en un dueto vocal, simplemente maravilloso. Luego llega "Black Sun", con una letra opresiva que habla de una tierra de maldad e injusticia, una tierra en donde la gente se ha olvidado de Dios. La voz de Brenda provoca un profundidad angustiante pero terriblemente bella. Llegamos a "Wilderness", un dueto entre distintas voces de Lisa que elevan el alma. "The Promised Womb" con la participación de los violinistas invitados Andrew, Lucy, Anne Robinson y Honor Carmony, quienes realizan una preciosa introducción que sirve de base para la profunda y etérea voz de Lisa. "The Garden Of Zephirus" es un pequeño instrumental al estilo de "Mephisto" que da paso a la última canción del álbum. "Radharc" cierra este "Aion", una canción que instrumentalmente nos sigue situando en la Edad media, con ritmo alegre en donde las voces de Lisa y Brendan nos acompañan en el final del disco, demostrando que ambos se dedicaron a realizar uno de sus mejores discos. "Aion" es un disco realmente maravilloso de principio a fin, Dead Can Dance venía siendo catalogado dentro de la corriente gótica, pero sin demasiada justeza, pero este álbum lo sitúa en lo más real del estilo gótico, en lo más puro de la Edad media. Un disco que demuestra de manera espléndida y única los sonidos y ambientes del Medioevo, en una corriente musical denominada gótica y que muy pocas veces logra hacerle justicia al estilo.

El Programa de la Revista The 13th

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Transmisiones Oceรกnicas se transmite:

Todos los Lunes y Viernes a las 21 hs. por IndieGo Radio www.indiego.com.ar

Sรกbados a las 12 hs. por RadioRueda www.radiorueda.weebly.com/

Domingos a las 13 hs. por MutanteRadio. https://www.mutanteradio.com/

[ Entrevista con Darwin Meiners de Darwin por Diego Centurión. Fotografías: Mila Reynaud, Enlight43, Linda Strawberry y David Albizo. ]

DARWIN: HABLA DOS DÉCADAS DE HACER MÚSICA, DAVID J Y EL BLOQUEO DE 2020

Nos encontramos con un artista que ya tiene una carrera consolidada con varios trabajos editados en un casi de diez años de carrera bajo el nombre de Darwin, pero con más años de trabajo en el mundo de la música. Una carrera que se une al trabajo como Management de David J, pero también con colaboraciones musicales con el Bauhaus. Pero la delicadeza y las sutilezas de los sonidos creados por Darwin tiene un encanto particular.

Antes de empezar quisiera agradecerte esta oportunidad que nos das de poder hacer unas preguntas. Y como primera pregunta es ¿cómo estás transitando estos raros tiempos de Covid-19? Gracias por tomarte el tiempo de escuchar. "Días extraños, de hecho", como dijo Lennon. Este ha sido un momento de miedo, ansiedad, incertidumbre y todo un viaje emocional. Sin duda, uno de los momentos más desafiantes de mi vida. Espero que esta vez nos recuerde cuán delicada es la vida y cuánto valor tenemos cada uno. Quizás todo esto tenía que estar sucediendo para que realmente abordemos algunas de las partes más feas de nuestra historia y de nosotros mismos.

ese álbum? Esa no fue la primera grabación que hice, sino el primer álbum completo que hice. También fue la primera vez que fui el líder y el compositor principal de un proyecto. Tocamos localmente durante bastante tiempo antes de grabar el álbum en unos días. Se formó con algunos buenos amigos y realmente disfruté mi tiempo en esa banda. En tu bandcamp el primer registro es el EP Five Beats One, que aún no figura como Darwin. Cuéntanos sobre este trabajo. Ese fue un proyecto de corta duración, pero muy gratificante. Nuevamente, me formé con un grupo de amigos cercanos y tuve la oportunidad de trabajar con mi amiga Judah Nagler (The Velvet Teen) en un ambiente de banda. Normalmente es el cantante y guitarrista, por lo que estaba interesado en tocar la batería. Estaba muy feliz de volver al bajo, que es mi instrumento favorito para tocar en vivo. Había mucho talento musical en esa banda. Otra gran experiencia de aprendizaje para mí trabajando con esos muchachos.

Acabas de lanzar un nuevo single del cual ya hablaremos… pero ¿cómo describirías a tu música? Esta es mi pregunta menos favorita :) Prefiero que otros hagan el trabajo pesado en este tipo de cosas. Siempre estoy aprendiendo, estoy muy interesado en seguir adelante, por lo que siempre está cambiando. Me han referido a todos los "post punk", "dream pop", "indie rock" y muchos más. Realmente no me importa Luego ya con tu nombre editas cómo lo llamen las personas si obtienen "Starfishing" (2012), "Souvenir" EP algo de eso. (2014), “Horrible Cocoon” EP (2016), “So Few Comets” (2019). Cuéntanos Retrocediendo en el tiempo e investi- acerca de estos años. gando he visto que tu primera graba- "Starfishing" fue la primera vez que hice ción de canciones tuyas sale bajo el un álbum con mi propio nombre. También nombre de Royal Pine y el LP “Clouds hice la mayoría de las grabaciones y mezMove In” en 1999. ¿Qué recuerdas de clas. Una empresa importante para mí en

ese momento. David J. me animó a hacer este álbum. Se ofreció a tocar el bajo y producirlo y, a pesar de estar muy nervioso por salir solo, no pude rechazar esa oferta. Alrededor de la mitad de las canciones eran antiguas y pensé que se ajustaban al ambiente de las otras nuevas que acababa de terminar. Que David viniera a mi estudio y me mostrara cómo producir un álbum fue una gran experiencia. Varias de mis canciones favoritas están en esa. Souvenir fue escrito en una gira europea de tres semanas con David J. Fui el bajista y vocalista de respaldo de su gira y pasé por un torbellino de espectáculos por toda Europa. La experiencia llevó a las canciones en "Souvenir". También presentó a Victor DeLorenzo (Violent

Femmes) en la batería. Lo conocí recientemente y él fue tan cálido y amable que realmente nos llevamos bien. Estuvo de acuerdo en tocar la batería e incluso voló desde Milwaukee para estar en el video de "Sin sentido" (junto con David J y su buena amiga, Emily Jane White). “Horrible Cocoon" es una de mis canciones favoritas que he escrito. Esta canción fue el lado b de un limitado 7 "con la canción "Gentrification Blues" de David J y The Gentleman Thieves. Esta fue otra valiosa lección de producción ya que estaba trabajando con Brian Liesegang (NIN, Filter, Billy Corgan), que es un maestro de estudio. Verlo trabajar y aprender algunas de sus técnicas fue enorme para mí. Me apoyó mucho y creó un ambiente

muy creativo. “So Few Comets” fue un gran paso para mí. Esta fue la primera vez que me senté y planeé un álbum en todos sus aspectos. Todo, hasta el arte, las imágenes, el sonido, las letras, etc. Tampoco tenía ninguna canción preparada e iba a escribirla "en el estudio", ya que había leído muchas de mis bandas favoritas lo habían hecho. Recientemente conocí a Julian Shah-Tayler y después de trabajar juntos en una canción, supe que era él quien produciría el álbum. Establecí varias reglas y limitaciones en el proceso para obligarme a trabajar de formas nuevas para mí

con la esperanza de obtener una chispa. Trabajamos durante aproximadamente un año y fue una gran experiencia. Estoy muy satisfecho con el álbum y sigo trabajando con Julian casi exclusivamente desde entonces. Llegamos al 2020 y lanzas un EP llamado “We Are Matter”, que son unos remixes y canciones en vivo de tu último trabajo “So Few Comets”. Pero lanzas un nuevo single llamado “Dance Alone”, un single ¿podríamos decir de cuarentena? También lo digo por el video realizado por Linda Strawberry.

Justo cuando había lanzado "Souvenir" justo después de "Starfishing", quería hacer un EP de seguimiento para "So Few Comets". Una de las reglas que establecí para "So Few Comets" fue que no se debía prestar atención a cómo se podían tocar estas canciones en vivo. Debíamos hacer el álbum y luego tratar con la parte en vivo más tarde. Una vez que comencé a tocar las canciones con una banda en vivo, comenzaron a tomar una forma diferente. ¡Me pidieron tocar en el Mystic Theatre y pensé que sería una gran oportunidad para grabar en vivo en ese gran lugar! Habiendo crecido escuchando bandas que a menudo emiten remixes, me gusta hacer eso también. "Dance Alone" se escribió antes del cierre, en realidad. Le había enviado un demo a Julian y todavía no tenía la letra lista. ¡Estaba usando un marcador de posición lírico de "No tengo ganas de bailar / bailar es tonto" de todas las cosas! A menudo hago eso cuando me gusta la melodía, pero todavía no tengo las pala-

bras correctas. El objetivo de esta canción era hacer una canción de baile directa que fuera un poco como una canción de New Order. Son los maestros de hacer una melodía de baile que es a la vez feliz y triste. Una vez que llegué a la voz, estábamos bien bloqueados y la actuación y la canción adquirieron una nueva luz. Conocí a Linda Strawberry brevemente cuando estaba en la banda en solitario de Billy Corgan para la gira "Future Embrace". Irónicamente, Brian Liesegang también estaba en esa banda, pero no me di cuenta en ese momento. Anteriormente conocí a Linda nuevamente cuando le pidieron que dirigiera el video "Gentrification Blues". Su talento artístico es obvio, pero también es una persona increíble y muy trabajadora. Una vez que tuve la idea de que la gente enviara videos de ellos "bailando solos", me di cuenta de que necesitaría a alguien que pudiera hacer que parezca un poco coherente. Le di a Linda un montón de imágenes de todas partes y ella pudo hacer ese video. Ella es un poco

milagrosa. Viendo tus colaboraciones con David J., tanto administrativas como musicales, ¿qué nos puedes contar de la influencia que él tuvo para tu música? Antes de conocer a David ya había tenido un gran impacto en mí. Estaba tan enamorado de Love and Rockets en la escuela secundaria y particularmente de él. Me

encantó su imagen, actitud, bajo y letras increíbles. Cuando fui a comprar mi primer bajo no sabía nada de bajos. El vendedor me preguntó qué bajista me gustó y le dije: "David J". El tipo parecía perplejo y dijo: "¿Quién?". Recuerdo que realmente me gustó eso, ya que me hizo "subterráneo" o algo así... ja, ja. Desde que me reuní y trabajé estrechamente con él, su influencia continúa sobre

mí. Ver cómo se prepara, actúa, trabaja con la industria, su base de seguidores, otros músicos... es realmente una lección interminable. El hecho de que nos acerquemos tanto como lo hemos hecho no es algo que hubiera imaginado, sino algo por lo que estoy continuamente agradecido.

mente tratando de crear tonos y sonidos emocionantes. Varias canciones en "So Few Comets" literalmente comenzaron solo con un sonido. Donde Julian entra tan bien es que tiene la capacidad de hacer cosas que simplemente no puedo. Por lo tanto, hay ideas que no puedo hacer y algunas cosas que nunca pensaría haTu música es evocadora de un pasa- cer que se me ocurran. Es una forma muy do y futuro con sutilezas electrónicas, buena y respetuosa de trabajar. pero manteniendo la estructura de la canción. ¿Cómo es el momento de la Hablar de un futuro cercano es aún incomposición de una canción? ¿Partes cierto pero ¿este nuevo single trae alde un instrumento analógico o de una gún trabajo nuevo detrás? computadora? Si. Hay bastante en el horizonte. Tengo Gracias. Creo que siempre tendré una una nueva canción y un video que está buena parte de mis años formativos y mu- casi terminado. Este fue inspirado en una sicales en mis canciones. Es el momen- historia corta de mi amigo Dani Burlison to perfecto para tener ese tipo de cosas y es la primera vez que escribo desde un realmente incrustado en ti. Muchas de las personaje en la perspectiva de una hisbandas con las que me encantaron cre- toria corta. Es mucho más oscuro que el cer como New Order, Joy Division, The anterior :) Cure, Kraftwerk, Love & Rockets, Tones Tengo un puñado de demos en las que on Tail... me metieron en todas las máqui- Julian y yo también trabajaremos evennas electrónicas y de batería. Pero tam- tualmente. También hemos estado trababién soy un gran admirador de la músi- jando en un nuevo proyecto de arte que ca política y de grandes composiciones presenta a mí, Julian, Dustin Heald y el como The Beatles, The Clash, Tom Petty, artista Mark Gleason. Estamos trabajanNick Cave, Big Audio Dynamite, Public do en muchas canciones en este momenEnemy, Dub. to, pero no estoy seguro de cuándo estará Supongo que todo sale a la luz. listo para su lanzamiento. ¡Estoy muy enGrabo todo en mi Mac, pero tengo una tusiasmado con este! interfaz analógica / tubo. Todo pasa por eso antes de entrar en la computadora. Para terminar y agradeciéndote el Muchas veces tomo sintetizador, bajo de tiempo brindado en responder estas sintetizador o batería que creé en la com- preguntas, dile a aquel lector que está putadora y los ejecuto a través de amplifi- leyendo esta entrevista ¿por qué no decadores de válvulas y de regreso a través berían de dejar de escuchar a Darwin? del extremo frontal analógico. Julian y yo Gracias de nuevo. ¡Nunca sería tan pretenemos un flujo de trabajo configurado suntuoso! Lo que diré es que si te intrique incluye muchos archivos que pasan ga, escucha. Esto no es un pasatiempo de un lado a otro en línea, muchos tex- o una fantasía pasajera para mí y voy a tos, llamadas, FaceTimes, etc. Las cosas seguir haciéndolo hasta que ya no pueda me llegan de varias maneras: una letra, hacerlo. Prometo mantener las cosas inuna melodía, un riff o parte pero a me- teresantes y sinceras. nudo proviene solo de un sonido. Soy un gran engranaje y siempre trabajo ardua- ¡Gracias Darwin!

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: QUEEN – “THE GAME” CAMBIO DE DÉCADA, CAMBIO DE JUEGO

Hace 40 años, Queen ya era una banda consagrada. Por lo que jugarse a hacer algunos cambios no parecía una mala idea, empezando por un cambio de locación para dar forma al siguiente proyecto. Munich sería el lugar elegido para trabajar en el 8º disco de estudio, para lo que reclutaron al productor Reinhold Mack que venía de obtener excelentes resultados con la Electric Light Orchestra. Juntos obtendrían el álbum más pop de Queen hasta ese momento, además de su primer y único LP #1 en los Estados Unidos.

La banda venia de un gran logro con su disco “Jazz” (1978) y una exitosa gira que quedaría plasmada en el “Live Killers” de 1979. En junio de 1979 comenzó un relajado trabajo en lo que sería el nuevo material, y en un mes ya había cuatro pistas sacadas del horno. Como la gira continuaba, aprovecharon para hacer un testeo de la respuesta del público a las nuevas canciones, y saltó a la vista que habían nacido dos futuros clásicos: “Crazy Little Thing Called Love” y “Save Me”. Ni lerdos ni perezosos, aprovecharon el envión y cortaron el primero como single en octubre de 1979. El amor se vio reflejado en los charts: segunda posición en Inglaterra, y primer sencillo número 1 para Queen en USA (estuvo en la cima 4 semanas). El rockabilly estaba teniendo un revival, en parte como consecuencia de la relativamente reciente muerte de Elvis Presley. Según Freddie Mercury, componer este hit solo le llevó entre 5 y 10 minutos (dicen que mientras cantaba en la ducha), pero su vigencia sería eterna, y era efectivamente un tributo a Elvis. Y fue un instant classic en todo sentido: así de rápido como Freddie la compuso, el tema le llevó a la banda solo media hora de grabación. El siguiente adelanto sería “Save Me” en enero de 1980, una canción escrita por Brian May acerca de un matrimonio que se termina, y que alcanzaría el puesto número 11 en UK. Intensa y

trascendental, el relativo éxito comercial de su época no se condice con el nivel de reconocimiento que tiene esta obra maestra en la historia de Queen. Era la primera vez que Queen usaba un sintetizador en la grabación de un single. Nueva década, tiempo de renovación musical y también de imagen: Freddie estrena bigote, dato no menor! En febrero de 1980 la banda vuelve al estudio con muchísimo material bajo el brazo, pero el proceso de limpieza hizo que de las aproximadamente 40 canciones que se encontraban en carpeta, solo quedaran 8 (considerando que “Crazy Little Thing Called Love” y “Save Me” ya eran conocidas). Un álbum que iba a ser corto: finalmente duraría solo 35 minutos. Y tendría una característica que lo distinguiría de otras producciones: aquí no había himnos sino canciones. No había obras complejas de rock sinfónico/ progresivo ni abultadas orquestaciones del estilo “Bohemian Rhapsody”, sino rolas muy rítmicas donde resaltaban el bajo y la batería. Y más sintetizadores, no solo en “Save Me”, sino en otros tracks como “Play The Game” o “Sail Away Sweet Sister”. Brian May y su guitarra pasaban a un plano más rítmico, en comparación con producciones anteriores donde hacía alarde de su virtuosidad. Pero a no extrañarlo, que su guitarra ahí estaba.

Antes de que saliera el long play, se editó como single el 30 de mayo el tercer adelanto y que también sería la apertura del inminente álbum, el tema “Play The Game”. Canción compuesta por Freddie, no tuvo gran repercusión en los charts, pero es un buen tema que daba más de espacio a la desgarradora guitarra de May que lo que tal vez el resto del futuro álbum le daría, y mostraba en el video el flamante y por muchos criticado look de Freddie. De todos modos Queen estaba en la cresta de la ola y había gran expectativa cuando “The Game” vió finalmente la luz el 30 de junio de 1980. Llegaría a la cima en Canadá, Alemania, United Kingdom y USA entre otros países. Era una placa con varios momentos descollantes, pero sobre todo el lado A del álbum era demoledor, una verdadera muestra de lo que hacer disco rock de calidad significaba. El segundo track luego de “Play The Game” era la hipnótica “Dragon Attack”, potente composición de Brian May que supo ser una de las favoritas de la banda en vivo, cuya línea de bajo dibuja un loop junto a la batería que hace inevitable

mover los hombros o los pies. Digna representante del estilo de rock más pesado que supo hacer Queen en el primer lustro de los años 70’s, surgió aparentemente como una zapada de estudio a la que luego May le adicionó letra y melodía. Y constituía un excelente puente para enganchar con la tercera pista del disco. John Deacon se lució en “The Game” no solo por la relevancia del bajo en toda la producción, sino especialmente por ser el compositor de un hito en la carrera de su banda. Deacon se influenció en “Good Times” de Chic para dar vida a lo que sería el tercer corte del álbum. Bernard Edwards, por ese entonces bajista de Chic, comentó al respecto que Deacon solía pasarse por el estudio y compartía momentos con su banda, de ahí la inspiración. Donde más se nota está marcada influencia es hacia el minuto 3:12 del tema, donde el punteo de guitarra es el característico del funk rock que hacía bailar al mundo de entonces. Esa sería la génesis de “Another One Bites The Dust”, canción para la que Deacon tocaría

prácticamente todos los instrumentos: guitarra principal y rítmica, bajo, y hasta percusión adicional. Hay varias anécdotas interesantes sobre “Another One Bites The Dust”. La primera que podríamos mencionar es que era una canción que Freddie amaba. La segunda es que, curiosamente, la banda era reticente a cortar el tema como single. Pero se dice que por aquellos años, un joven Michael Jackson era admirador de Queen y solía verlos en vivo de tanto en tanto. Tras uno de los shows en Los Angeles, Michael visitó a los músicos y los convenció de que este tema sería un gran hit. Una tercera anécdota graciosa es que el cantante especialista en parodias Weird Al Yankovic hizo una versión del tema a la que tituló “Another One Rides The Bus”, y que fue su primer canción en rankear (muy bajo por cierto, pero rankear al fin). Una cuarta historia: algunos cristianos evangélicos ardieron horrorizados y se persignaron tras afirmar que si el disco era pasado al revés, se podía escuchar un mensaje subliminal que decía “It’s fun to smoke marihuana”. Y una quinta anécdota: pudo haber sido el tema principal de la película “Rocky III”, pero por una cuestión de derechos, fue finalmente reemplazado por “Eye Of The Tiger” de Survivor… al que no le fue nada mal! “Another One Bites The Dust” fue tremendo hit, especialmente en Estados Unidos donde estuvo 3 semanas en la cima. La canción se apoderó de las radios y de las pistas de baile, en los años posteriores a la fiebre disco. “Need Your Loving Tonight” es otra composición power pop de Deacon, que sería el último corte del álbum y que está muy bien, especialmente como puente para acceder al cierre del lado A que es “Crazy Little Thing Called

Love”, de la que ya hablamos. El lado B de “The Game” arrancaba con un tema de Roger Taylor llamado “Rock It (Prime Jive)”, y donde salvo el inicio en manos de Freddie, también es cantada por el baterista en su casi totalidad. Aunque en vivo sería Freddie quién la cantaría completa. Otra gran rola rockera donde el sintetizador quedaría en manos del productor Reinhold Mack. “Don’t Try Suicide” es el segundo tema, una composición de Freddie que en sus partes iniciales (donde resalta el bajo) me hace acordar demasiado a “Walking On The Moon” de The Police, que había salido un año antes. Es como una canción que se mofa del suicidio desde una lírica tan jocosa como “Don’t try suicide, nobody cares / Don’t try suicide, you’re just gonna hate it / Don’t try suicide, nobody gives a damn”. “Sail Away Sweet Sister” es compuesta y cantada por Brian May, acerca de la conversión de niña a mujer (tal vez lo mas flojo del álbum), y da paso a “Coming Soon”, otra rola rockanrolera de Roger Taylor donde comparten voces Freddie y Brian. Y el cierre, como ya sabemos, era la gloriosa balada épica “Save Me”. Fue una época de cambios para Queen, que coincidió con el cambio de década. La variedad abarcó diversas cuestiones y no solo de imagen y sonido (particularmente por la aparición de los sintetizadores), sino también en la repartija de autorías de temas en similares proporciones, ganando Brian May por un pelito. Evidenció que se trataba de un gran momento para los cuatro amigos y compañeros, de fino entendimiento y sintonía. Aunque quedó a la sombra de grandes obras como “A Night At The Opera” o “News Of The World”, fue uno de los discos mejor vendidos de la banda, llegando a ser platino en varios países, y dando lugar

a una gira mundial que los llevó por primera vez a tierras que nunca antes habían visitado, como Sudamérica. A 40 años de su edición, “The Game” es un disco que nunca es tarde para volver a escuchar o descubrir y que, lejos de perder vigencia, continúa adicionando seguidores a la larga hilera de fans de Queen.

[ Reseña de "Velveteen - Bluest Sunshine EP” por Benjamín York ]

MÁS AZUL QUE EL BRILLO SOLAR

Velveteen – Bluest Sunshine Label: Shore Dive Records Fecha de Lanzamiento: 07 de marzo de 2020

Ya no es novedad que My Bloody Valentine ha creado un sinfín de bandas que replican su sonido y, si bien, muchas veces puede sonar a algo que ya hemos escuchado, siempre hay bandas que erigen desde el sonido de los irlandeses, estos londinenses recuperan el espíritu embriagador de los pioneros en este sonido. Luego de un primer EP lanzado en mayo del 2016 llamado “Yours To Enjoy”, se tomaron cuatro años para descubrir un nuevo grupo de cuatro canciones llamado “Bluest Sunshine”, esta vez bajo el ala del sello Shore Dive Records. Si tomamos en comparación ambos EPs podemos notar una diferencia sonora importante. Aquel debut del 2016 tenía la misma fuerza pero la producción no era tan clara, en este segundo EP el producto final es mucho más brillante. “Get Real” abre este trabajo con una marea estruendosa de shoegaze bien aprendido de la banda de Kevin Shelds Pueden descargar este EP en su bandcamp: https://shorediverecords.bandcamp.com/album/bluest-sunshine-ep

www.mutanteradio.com

www.indiego.com.ar

[ Entrevista a Camille Motto de Cuerpos Cósmicos por Diego Centurión. ]

ENTRE MUNDOS ONÍRICOS SURGEN LOS CUERPOS CÓSMICOS

Hace tiempo que venimos escuchando canciones que nos maravillan de una banda que se llama Cuerpos Cósmicos. De a poco fuimos acercándonos al sonido de este banda y quisimos ver qué hay detrás de esos bellos sonidos y nos encontramos con su alma llamada Camille Motto, y nos comunicamos con ella para conocer este proyecto y esto es lo que nos contó...

Hola Camille, gracias por aceptar una experiencia de vida y lenguaje hacer esta entrevista. aparte, llamada third-culture. Hola Diego, gracias a vos por la invitación Pero tienes conexión histórica con Argentina, porque en tu bandcamp La verdad es que nuestro amigo dice "French-Argentinian" en común Nicolás Castello (Nax) me Claro si, mi madre es argentina y se ha enseñado Cuerpos Cósmicos y fue a vivir a Francia. Por lo tanto toda la quedé encantado. familia por su parte está en Argentina. Nicolás es lo más. Como persona (También en proceso de pedir la y como artista, ¡lo quiero mucho! ciudadanía argentina). Estaba pensando como describir el sentimiento que tengo cuando recibo Cuéntame ¿Cómo y cuándo nace mensajes así como el tuyo, y es que Cuerpos Cósmicos? me da la sensación de que una carta El proyecto nació en el 2018: fue el llegó a destino. año en el que seguí una formación O como una frase que por fin llegas a intensiva en articular en algún lenguaje. técnicas del sonido. Fue también el año en el que me fui de verano a Argentina Y hablando de lenguaje... Si es había planeado irme a escribir música cierto que vives en Francia. ¿Cómo allá y tenía imágenes claras de lo que es tu nacionalidad? ¿Francesa o quería desarrollar. Era importante Argentina? para mí que el proyecto nazca allá. Mi documento de identidad es Conocía un músico argentino, Lucas, le francés. Pero la verdad, siempre tuve interesaba lo que hacía y ya habíamos la sensación de venir de un área ficticia colaborado en unas covers y en uno entreArgentina y Francia. Investigando, de sus temas, "Gravedad". Le enseñé encontré un nombre que describe eso: “Rain” cuando nos vimos por primera los "third-culture kid", niños que son vez y le encantó. Decidimos formar un de al menos dos culturas bilingües. La dúo, él añadió backups vocales al final mezcla de dos o más culturas forma de la canción y juntos grabamos el bajo

en su estudio de Córdoba. Vivimos momentos de amistad grabando un videoclip para esta canción. “Rain” conoció una pequeña fama online, gracias a sitios como Remezcla, The Blog That Celebrates Itself y WhitelightWhiteheat. Me volví a Francia, y el dúo se desarmó por falta de tiempo por ambas partes. Hubo un momento de reflexión en el que no sabía si seguir el proyecto sola o empezar otro Me ponía triste la idea de “abandonarlo”. Así que tuvimos una charla con Lucas, le pedí si estaba bien seguir con el mismo nombre a pesar de su partida, y él me dijo que obviamente que sí, que podía seguir desarrollando el hilo de este proyecto.

propia interioridad, una exploración de la memoria, de los recuerdos y de lo que existió en una vida, pero también de lo que solo existió en la imaginación, de la parte de carencia que todos sentimos, deseos que no se cumplieron, momentos y recuerdos que no pudieron existir. Jajaja ¿será un poco dark lo que te estoy contando? Digamos que para hacer la música que haces, algo de dark tiene en tus gustos, aunque sea muy oculto. Si, o sea este proyecto trata también del sentimiento de la esperanza, y de hacer la experiencia de lo mágico. Y este sentimiento nace en la oscuridad, es una luz en un paisaje oscuro. Así creo que destaca la esperanza.

Hoy escuchaba EP, editado en Entonces digamos que Cuerpos Cósmicos ¿es un viaje a tu propio el 2018, que es tu primer trabajo. ¿Cómo o de dónde nace el nombre interior? Si, se trata de un viaje por la de Cuerpos Cósmicos?

Fue todo muy intuitivo. Cuerpos Cósmicos era al principio el título de una canción. Cuando armé el bandcamp en Argentina, tuvimos que buscar el nombre de la banda. Tenía un cuaderno con escritura automática, listas de títulos: Cuerpos Cósmicos, St Marcel, Petit Prince… Charlando, nos quedamos con “Cuerpos Cósmicos”. Recién vi un vídeo interesante de Jaime Altozano sobre este tema: su idea era que en fin, podes elegir cualquier nombre de banda, el nombre tomara vida y sentido con la música. “La Oreja de Van Gogh” es un buen ejemplo que él da, si ya conoces a la banda, es ella quién te viene en mente primero, su sonido, y no Van Gogh. Así que de cierta forma, el proyecto hubiera podido llamarse de cualquiera forma, la palabra hubiera capturado la esencia de la música después.

Pero en cierta forma el nombre de Cuerpos Cósmicos habla de una etereidad de las estrellas que describeunmundodesensibilidades que uno después escucha en las canciones. Claro, el nombre es un manifiesto en sí mismo. También se refiere a una variedad de formas diferentes, lo cual me interesa para explorar otros estilos musicales bajo el mismo proyecto. Al escuchar las tres canciones de EP, ¿pensaste en modificar algo? Jajaja La verdad es que modifiqué bastante. Es algo genial con las herramientas de hoy, uno puede hacer los cambios que quiera, todo es digital. Este EP tuvo otras canciones que decidí eliminar del proyecto, porque toda la visión se volvió más clara en el 2020, construyendo el primer álbum. La sola canción que es

verdaderamente del 2018 es “Rain”. De manera general, cuando finalizo una canción, ya estoy pensando en la siguiente. Hacer cambios al infinito sería como no aceptar que hay un fin (a todo). Aprendí a ver el final de algo como el principio de algo nuevo. Ahora veo que con cada canción aprendo nuevas herramientas, y eso es lo importante para mí. Tengo un leitmotiv que es: “Tengo prisa de hacer canciones nuevas e imperfectas.” Lo que me interesa es cometer errores, explorarlos y convertirlos en toques personales.

para cortometrajes. ¿Se pueden escuchar en algún lado? Cuando hice mi formación en técnicas del sonido, mandé un mail a estudiantes de cine para proponerles ser operadora, mezcladora de sonido o compositora. Hice 5 proyectos hasta ahora, y la única que publiqué es mis redes es la de ‘Rén’. No pensé en publicar las otras porque son demasiado diferentes de CC como para no figurar ahí, pero esta es una de mis preguntas actuales, ¿hay que publicar con el mismo nombre o compartimentar los proyectos? ¿Vos, qué opinas?

Luego lanzas, ya en este 2020, supongo que antes de la pandemia o durante, el single "Loneliness is a very special place" y trabajas con Maïwenn Tacher. Cuéntanos sobre estas dos canciones. Este proyecto nació al principio del año: mi amiga Lou-Andreas Gonçalves hizo su primer corto metraje,"Rén". Ella vive en Japón y desarrolla su obra de arte contemporáneo. Me mandó un script pidiéndome si quería hacer la música. Me gustó mucho su proyecto, cuenta la relación entre dos hermanas que andan buscando un perro desaparecido. Mientras lo están buscando, se encuentran con presencias fantasmagóricas en el bosque, de noche. Tiene algo de tensión y de irrealidad como la obra de David Lynch. Era importante que haya voces etéreas de mujeres. Cómo me gusta colaborar, invité a Maïwenn Tacher, cantante y amiga, ella siguió clases de canto y meditación, y tiene una manera muy única y personal de cantar. Maiwenn está también presente en mis otros proyectos de música para cortometrajes.

Obviamente que editar bajo otro nombre, otro bandcamp, jajajaja. Un artista puede tener varias visiones sobre la música y no todo debería estar bajo un mismo cielo (techo) Claro, tengo como 5 o 6 bandcamp diferentes. Esta es mi pregunta de ahora porque estoy haciendo tipo electropop solar ahora, así que lo estoy pensando... Al mismo tiempo, con el nombre Cuerpos Cósmicos, podemos imaginar que hay de todo, planetas fríos, planetas solares, pequeños y grandes…

En mayo lanzas tu primer álbum llamado "Rain". Un álbum lleno de sonidos sugerentes y profundos en donde abres una paleta de colores tan brillantes como oscuros... ¿Cómo fue el proceso de grabación? Escribí y grabé todas las canciones (salvo Rain y White Days) en casa, durante la cuarentena. Tenía mis cuadernos, mi compu y mi micrófono. Mi amiga estaba muy presente por whatsapp y hablamos de lo que quería transmitir en el álbum. Me di cuenta del poder energético del sonido, bueno, ya lo intuía pero decidí conectarme con Cuéntanos sobre esas músicas eso, terminé dejando de lado a mis

cuadernos antiguos, decidiendo crear nuevas energías. Todo fue muy rápido, algunas las escribí en 3 días, y luego tomé tiempo de hacer una mezcla decente, grabar voces nuevas, etc. Quiero reconocer aquí algo importante, es que fue un privilegio poder hacer esto durante la cuarentena. El álbum, y todos los álbumes que existen, son también el resultado de privilegios, tener tiempo para formarse, para escribir, tener una compu y herramientas…

una línea narrativa inspirada por el tarot de Rider-Waite, el significado de los números en la arcana menor.

¿Entonces "Rain" es la banda sonora de una historia? Sí, es un cuento de iniciación. Me gustaría aprender a animar, así haría un álbum-película, siguiendo a la niña en las escenas sucesivas, por universos y planetas, por desiertos de nieve. Quizás un día me dedicaré a esto. Mi inspiración seria los Moomins Si bien las canciones están de Tove Jansson. colocadas en un orden casi mágico, me imagino que te gusta todo el Entonces ahora pensando en trabajo de la post-producción. "Rain" como una obra conceptual. ¿Cómo fuiste encajando las Porque el resultado es brillante. ¡¡Wow, gracias!! Si hay un orden, canciones en la historia o fueron va con el libreto del álbum en formato basadas en la historia? CD. Estamos en la interioridad del Fue todo un trabajo con y del pequeño personaje, una niña dibujada subconsciente. Sabía que todo iba a en el libreto. Es gracioso que hables del encajar, y es lo que pasó. Para algunas orden mágico, porque el texto sigue fue evidente, como White Days o

Universe, y para otras como Rain y Emily, no estaba bien claro, porque son dos canciones de etapa “alegre” parecidas. Entonces para elegir, me referí al significado de las cartas del tarot, cada número simboliza algo, por ejemplo el 5 se refiere a una etapa de conflicto. Sabía que ‘Strength’ era la quinta. Strange Magic era la cuarta, la estabilidad. Veía un cuatro cuando hacía esta canción. Y cuando terminaste el álbum y lo escuchaste. ¿Cuál fue tu reacción? ¡Alivio te diría! Y ¿Cómo estás con el tema de los medios? La venta del álbum a los medios de comunicación. Tuve la suerte de que un sello discográfico DIY francés, Choléra Cosmique, me proponga hacer los CDs, les mandé todo y ellos realizaron el proyecto físico. Ya vendimos la mitad en un mes, y es una edición limitada de 50 CDs. Algunos ya están en Alemania, Estados Unidos, Brasil, China y Francia. Se puede encontrar en bandcamp, ya sea en el de Choléra Cosmique o el mío. Las canciones que están en el EP del 2018 se vuelven a repetir en "Rain", ¿Las has vuelto a remezclar o las modificaste? Hasta la portada es la misma, cosa que me llamó la atención, ¿Fue adrede? Desde el principio el proyecto era hacer un álbum que desarrolle toda una historia, con etapas y una evolución. Ya sabía que esta imagen de portada contenía lo que quería desarrollar. Cuando publiqué un “EP” en el 2018, no pensaba que hubieran escuchas, era para ver como quedaba en el bandcamp, descubrir el sitio y hacer pruebas con las demos. Al final, hubo

bastantes escuchas, pero nunca eso me hizo dudar en hacer lo que quería y publicarlo de nuevo con todas las canciones en formato de álbum. Esto es lo bueno de ser independiente, hago lo que quiero, ¡no sigo las reglas porque ni siquiera las conozco! Las canciones tomaron varias formas, White Days evolucionó (de hecho, tengo como 15 proto-versiones de White Days, hasta unas del 2014). Hice la mezcla de Rain de nuevo para el álbum, y sobre todo aprendí algo de mastering durante estas 6 semanas. Veo este primer álbum como el punto de partida de mi exploración en el mundo del sonido. Sé que todo no está perfecto, pero necesitaba empezar en algún lugar, y ése es. Me imagino que en esos dos años de trabajo, no sólo cambiaron las canciones sino vos misma internamente. ¡Si, todo cambio! Me mudé de París a otra ciudad, la banda, que era un dúo, evolucionó en un proyecto solista, y en un momento casi no existía Cuerpos Cósmicos por las necesidades de la vida diaria (el trabajo, los estudios). Tuve que poner extra-energía para que renazca el proyecto. La obsesión en seguir escribiendo un cuento sonoro iniciático me permitió no abandonar, y que salga al mundo este primer álbum. También tengo que decir que Choléra Cosmique (el sello) catalizo este nacimiento, por darme una fecha y esperar algo de mí. ¡Seguramente sin ellos, nada hubiera salido públicamente! Es una iniciación al arte de Cuerpos Cósmicos, un portal a tu propio mundo, porque por lo que cuentas es un viaje en el que eres la protagonista, aunque hablemos de un niña dibujada. Bastante

autobiográfico, ¿no? Porque para vos fue una iniciación también. Sí, claramente. A cierto nivel es autobiográfico, pero tiene su parte de sueños y aventuras que descubro a medidas que escribo. Es algo para hacerme viajar a mí en primer lugar. No sería interesante si no descubriría novedades, si no me sorprendiera a mí misma. Ahora ¿estás trabajando en algo nuevo o esta pandemia te tiene en blanco como a mucha gente le está pasando? Mira, ahora estoy siguiendo la clínica de canciones de Violeta Castillo. Son dos encuentros semanales por zoom, con ejercicios de escritura. Escribí mis primeras canciones en español y en francés. Seguramente algo saldrá este verano. La pandemia me tiene súper angustiada por el alejamiento que crea entre los seres humanos, y de cómo la tecnología se volvió esencial. Aquí en Francia, todo está volviendo

a la "normal", salgo cada día para ir a trabajar, y ya me parece lejos el periodo de aislamiento en casa. Más allá de estas clínicas y de las nuevas canciones, ¿qué planes inmediatos tienes para Cuerpos Cósmicos? Ahora no tengo, me dejo llevar... Es agradable a veces dejar de pensar en términos de productividad. Y para cerrar y agradeciéndote esta trasnochada que lo estás haciendo por esta entrevista, me gustaría que nos cuentes ¿dónde podemos encontrar toda la música de Cuerpos Cósmicos? Toda la música de CC se puede encontrar en el bandcamp: www.cuerposcosmicos.bandcamp. com y en youtube, soundcloud, Spotify, etc… ¡¡¡Gracias a vos Diego por la entrevista!!!

LAS CANCIONES

Las 9 canciones del álbum Me inspiré en el Tarot de Rider Waite para construir una trama narrativa. El tarot me interesa sobre todo como soporte de proyección de la psique, y porque presenta arquetipos universales. Me referí a las arcanas menores, que tratan de la experiencia del mundo por un sujeto. Mi sujeto es una niña dibujada en el libreto del álbum, que atraviesa universos.

1. White Days Comienzo, reinicio. Potencialidad que depende de nosotros hacer florecer.

2. Rain Encuentro, amistad, percibir algo.

3. Emily AlegrĂa, deseo y creatividad, celebrar algo.

4. Strange Magic Estabilidad, solidez, equilibrio y calma.

5. Strength Conflicto, crisis, la llegada de un elemento externo rompe la estabilidad del 4.

6. Warm Embrace Trascendencia: superaciĂłn del conflicto. Entre recuerdos del pasado y sueĂąos del futuro.

7. Silver Snow Llegar al fondo, el trabajo contemplativo no es suficiente, tener que saber defenderse contra los ataques; De lo contrario, el trabajo estarรก incompleto.

8. Paris Libre expresión: ya no hay ningún obstáculo que nos detenga. Exploración de nuestro mundo interior sin temor a extraviarse.

9. Universe Logro: el 9 es el último número de una cifra. La serie ha terminado. Superación de las contradicciones internas.

www.decayfm.com

[ Por Pepe Navarro. ]

EXPEDIENTES DD

Mezcla de crónica urbana y música desordenada, sin edición. Usando la visión de manera periférica, sin querer, se encuentran mundos próximos. Todo, obviamente, sujeto a disponibilidad. O hasta que las existencias se agoten.

ENFERMEDAD. LA DECADENCIA DEL CUERPO. Imaginé un envoltorio, de tamaño preciso e ideal, dejado a la intemperie, por cuestiones ajenas e indistintas. El paso del tiempo y de los años lo hace más vulnerable, más débil. Su textura firme e inclusive en algunos casos robusta, se convierte en una capa suave de un peculiar color, que cambia y varía de tonos según la estación del año. Hundido en pensamientos de talante trágico, los días pasan en este lecho. La ausencia de sonidos en este lugar, dan paso a otros que provienen de nuestro cuerpo y hasta de nuestra propia mente. Sonidos que denotan desgaste, uso frecuente. Un mantenimiento está a la orden del día: Pequeños artículos con formas graciosas y atractivas se introducen en nuestro torrente sanguíneo para llevar a cabo la tarea titánica de hacer que todas las cosas sigan funcionando más o menos bien. Las observo: Pueden tener forma esférica, o curiosas complexiones que asemejan ojos, y a veces cuadrados. Desobedeciendo órdenes, o quizás en una especie de sacrificio inútil por la ciencia que a nadie le importa, de vez en cuando muerdo a propósito algunas. Y siento sabores. La mayoría de ellos desagradables, ásperos. Partículas de diferente consistencia se mezclan y terminan siendo devoradas ávidamente, seguida por un líquido por lo general de sabor más agradable. (siempre digo lo mismo: ¿Para qué mierda hago esto?) -En un mundo paralelo de este rincón personal, todo se asocia con colores y sonidosLo peor es la batalla. No, perdón. El campo de batalla. Las bajas enemigas se cuentan por millones, y las propias, quizás menos, pero en el recuento, sus muertes son mucho más espantosas. Quedan desechos por doquier de cualquier forma posible e imaginable. ¿Alguien se encargará de limpiar todo esto? ¿Alguien extrañará realmente a algunos de estos combatientes? No lo sé. Veo en mis sueños/visiones, escenas en las que los colores se mezclan formando espectros y formas asombrosas. Enormes figuras que nacen, con un agresivo talante natural, y se enfrentan a otras, que esperan agazapadas en algunos rincones con paredes de carne y huesos. Ejércitos que se repliegan, otros frentes que avanzan. Es curioso, pues las posiciones a tomar por asalto, son invisibles. Es todo AD HONOREM. Es Todo una fantasía. Es solamente una ilusión. En un momento determinado aparece una señal: Algunos le dicen “Fiebre” aunque en este contexto que es mayor aun que toda esta épica aventura, no es adecuado referirse a esa manifestación divina con ese nombre. Podría ser la señal inequívoca de algunas personas disfrazadas con impecables trajes de color claro para hacerte alguna prueba muy de moda para descartar que el campo de batalla no esté siendo atacado por un ejército más poderoso, invisible a la vista, pero con efectividad superior. Para evitar ese momento de zozobra, digamos que se “Eleva el fragor” y sigue la famosa guerra de guerrillas, que se ha descentralizado. ¿Cómo se esto? La descentralización del dolor y el malestar está en pleno uso. Los sonidos agradables desde siempre a nuestros oídos, se tornan melodías cuasi insoportables, y la famosa luz que todos vemos al final del túnel, desaparece y en su lugar, hay un semáforo de solo colores rojos, con señales que no entendemos. Las gotas de sudor caen sobre cualquier superficie, y no podemos controlar que así sea. El corto trayecto entre el lecho marino y la

bahía de desagüe, es penosa. La visión de rayos infrarrojos que viene con nuestro kit básico de uso, no funciona correctamente. Es hora de replegarse. Y estar en manos de nuestros reales amigos. Pero eso no nos libra de la paranoia de ser traicionados o simplemente dejados a nuestra suerte en esta epopeya que hemos leído muchísimas veces pero no nos gusta repetir. Todo es acuoso, resbaladizo. Planes o citas quedan postergadas, y es cuando volvemos al principio y nos damos cuenta que hemos sido egoístas y hay provincias afectadas que reclaman atención. Si, en el manual de uso que nos dieron cuando salimos de algún otro conducto cavernoso de carne y sangre, figura una lista de provincias que están anexadas a nuestro campo de acción. Las dejamos de lado por años. Claro, y en estos momentos en que nos ven débiles y decadentes, se hacen presentes. Traducción: Nos duele algo, si. Pero no sabemos que es. Damos instrucciones para nuestra desaparición de este plano. Uno nunca sabe que es lo que puede llegar a pasar. Eso sí: Somos precavidos. El espíritu de conservación se ha aliado con el miedo a mis espaldas. ¿Traición? No. Elemento sorpresa para reacción. Las naciones unidas nos dan un cheque en blanco pero nos alimentan de esperanza. Llegan rumores de frentes de batalla perdidos, y los sueños se convierten en pesadillas en las que se desea la desaparición antes que el sufrimiento y tortura. Súbitamente algo extraño ocurre. Las líneas enemigas se repliegan. Y todo vuelve a la normalidad de un momento a otro. Nos llegan coordenadas que los terrenos asolados, han vuelto a nuestro mando y que se puede respirar otra vez. Una rápida investigación, nos muestra colores primarios en las paredes, y un gran cuadro en la pared principal de nuestro palacio/centro de operaciones, que muestra a una divinidad sin rostro, pero sabemos que sonríe. Y el agua aparece. Como siempre, como señal inequívoca que todo estará bien y los últimos vestigios de esta batalla se irán con el torrente que desaparece en una pequeña rejilla en aquel sitio que nos parecía lejano y ahora está a solo 11 pasos de la cama.

[ Reseña de "The Truth" y "Dig In” de I Like Trains por Benjamín York. ]

FUERTE ACENTO DE POST PUNK

El mundo está cambiando, eso no cabe ninguna duda y I Like Trains lo sabe. El aislamiento, la oportunidad de aprovechamiento de los grandes monopolios con la gente común, ya sea por la esclavitud disfrazada de nuevas técnicas para el tan ponderado “Home Office” o por el discurso manipulado del consumismo, nos van sectorizando lentamente para mantenernos maniatados y nos mantienen como una mercancía lista para ser utilizada. De esto, que mucha gente se da cuenta y que pocos lo lanzan en sus publicaciones, es lo que trata “Dig in”, el segundo single adelanto de su próximo álbum 'KOMPROMAT', que se lanzará el 21 de agosto a través de la recién fundada etiqueta Schubert Music de Atlantic Curve. Anteriormente la banda de Leeds había lanzado el single “The Truth”. Dos singles que nos dejan sin aliento y con ganas de más. I Like Trains está formado desde su nacimiento en el 2004, por David Martin (voz y guitarra), Alistair Bowis (bajo), Guy Bannister (guitarra y sintetizador), Simon Fogal (batería) e Ian Jarrold (guitarra). Una banda que no se calla y trata de decir lo que pocos quiere escuchar. David dice: "No nos propusimos escribir un registro sobre asuntos de actualidad, pero el camino que emprendimos convergió drásticamente con ese discurso diario. El álbum se convirtió inadvertidamente en política populista en todo el mundo. Brexit, Trump, Cambridge Analytics y la influencia secreta de Rusia terminaron en el centro de todo".

Con tres discos anteriores “Elegies to Lessons Learnt” (2007), “He Who Saw The Deep” (2010) y “The Shallows” (2012) regresan con este nuevo álbum “KOMPROMAT” que se espera para agosto. Ahora hablaremos un poquito de ambos adelantos. “The truth” es una canción que empieza con un ritmo bailable y una voz casi hablada, y unas guitarras que van apareciendo en acordes y crean una atmósfera entre dream y cruda, pero el bajo tajantemente potente que corta esa calma y nos pone a movernos, una especie de discurso musicalizado, intenso y marchante hacia una especie de liberación que se da cuando aparecen las guitarras con delay y se empiezan a cruzar las guitarras creando un dulce caos. “Dig In” empieza con un bajo fuerte que ya nos pone en alerta y la guitarra como una lanza afilada, corta el silencio dejado por el bajo, se cruzan creando una fuerte reacción en la piel, cuando entra el resto de la banda y la voz, todo se acelera pero se endurece adelantando el crudo post punk que nos tienen reservado en el resto de la canción. Obviamente nos quedamos con las ganas de lo que resta del álbum, pero hasta que llegue el 21 de agosto, les recomiendo que le den una escucha a sus trabajos anteriores. https://iliketrains.co.uk/ https://music.iliketrains.co.uk/

https://www.facebook.com/pg/testigosdelcrepusculo/ https://www.instagram.com/testigosdelcrepusculo/ Para escuchar los programas on-line: https://ar.ivoox.com/es/podcast-testigos-del-crepusculo

JUST MUSIC

www.mixcloud.com/fmpagliaro/

www.mixcloud.com/fmpagliaro/edici贸n-11/

www.mixcloud.com/fmpagliaro/edici贸n-13/

www.mixcloud.com/fmpagliaro/edici贸n-12/

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DE TIEMPO Y LETRA Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor. Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre. Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura. Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina. Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento. No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación. Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre. Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura. Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

¿Qué nos trae este número? Llega un nuevo número de RevistaThe13Th y para nuestraysección, tenemos el placer contar “De tiempo letra”, regresa en este nuevodenúmero condiseñador la presencia en letras de una gran poeta y guiodel y escritor Maximilian Jeske, con un ennistaque puntana a quien admiro profundamente: Dora sayo presenta un original recorrido entre la pintuAngélica Roldan, también exra y la fotografía enque relación a losdestaca, símboloscon de una poder, tensa trayectoria, otras ramassegmento. del arte. Una bocaescrito en exclusivaen para nuestro Además de aire yvez, cierto misterio sinuno revelación. Así laten ynada por tercera participa con de sus personalos poemas que tensión Dora nos les textos, emanando y presenta sentencia,aquí. el poeta encontrarán dos cerrar, textos un de poema mi autoría: ÁlvaroTambién Calderón Ponce. Y para de una leyendita de mi segundo libro “Conmi autoría, cualproveniente proclama como empedernida opción. ventillo Textual” interpretando, y otro texto inédito Voces diferentes desde que ciertaotorga similara todo, un final.del existir. perplejidad, lo efímero Pasen y lean.

Dora Angélica Roldan Sobre la autora: Nació en La Toma San Luis. Se radicó en Buenos Aires 1969, formándose y consolidándose en varias disciplinas artísticas. Dibujo, pintura, modelado, escultura, teatro e incursiona en la escritura a través de la poesía, dramaturgia, prosa, y guion. Estudia con Ricardo Monti, Eduardo Leiva Muller, Jorge Goldemberg, Ernestina Gruzman, Simon Feldman, guión cinematográfico. Dibujo y escultura con Gustavo Rubistein entre otros. Puesta en escena y actuación con el Maestro Miguel Gerberoff.

Cuidad hoy Soleada la vieja plaza, silencio. jóvenes en rojo militan veloces en bicicletas en la espalda cargan la cruz de la modernidad. Los templos silentes, tienen la claridad de la muerte y la templanza vaga, con brillos de obligación Surcando todas las calles. un indigente emerge, de un sueño extraviado sin horizonte, bajo los ojos del policía impiadoso. La muchacha que pasea el perro, varias veces al día huyendo del abigarrado departamento familiar. Hay mujeres que vamos, aferradas al botón Panic que no responde, mientras esperamos el Protocolo Rojo. La Campana replica en el campanario tembloroso; muy cerca unas voces dan órdenes marciales, ahogando el rezo de una vieja en el atrio de la iglesia. Es verdad que los pájaros migrantes han vuelto si hasta las golondrinas desafían al otoño. Algunas ventanas exhalan incienso, mirra, y benjui, ritos vacíos intentan salvar lo que no tienen salvación. Dicen las redes que un millonario murió clamando por una bocanada de aire.

Desafío Misterio sin revelación un destino que porfía en el corazón escarlata brillaba como un rubí bajo la luz de una luciérnaga titilante. Que pájaro no se pierde en un cielo azul predominante. Los párpados cerrados la boca roja entre abierta dispuesta a sellar besos Miedo que empuja a huir solitaria voy como una mariposa atraída por la llama vuelo mientras me quemo. Temor a la negrura del bosque, mi cuerpo se desvanece cuando lo has atravesado Me ofreces frutos dulcísimos tentación peligrosa tanto como el beleño negro y aún así temblando te devoro.

FRANCO DOGLIOLI

LEYENDITA Ya no transito en las horas del destino, río estrecho entre selvas de resignación. Porque la confusión de un ave me pescó de su furia y entonces, fui del aire. Morado a veces, a veces blanco, amarillo a veces, a veces gris, un pétalo así sobrevive. Y posado en palma de brisas a las flores vuelve; pero no a ser flor. Me vieron ellas flotar en el estanque o sujetado al viento. Hablé. Y aprehendieron. Cuando regresa aquel bramido torrencial, a convertir la belleza en entrega, todos los pétalos, desprendidos, nos elevamos en remolinos. Mientras el Hado pasa y en la boca divina cae vacío, nosotros, el ocaso.

FINAL Siendo carne avanzas sin vestigio de memoria y a oscuras, por la saliva de un río. Ya no eres, mientras la noche, te devora de risa o de corriente. Y sus huestes, por atrapar tu ausencia, de risa o de corriente, se matan.

[ Entrevista a Michael Ciravolo de Beauty In Chaos por Benjamín York. Fotografías: Anabel DFlux, Tish Ciravolo. ]

MICHAEL CIRAVOLO REVELA EL ORDEN DETRÁS DE BEAUTY IN CHAOS

En el número 50 de diciembre del 2018 hemos realizado una entrevista con Michael Ciravolo en la que hablábamos del primer álbum de Beauty In Chaos, "Finding Beauty in Chaos". Ahora estamos ante un nuevo trabajo llamado “The Storm Before The Calm” volvemos a contactarnos con la mente que lleva adelante este proyecto. Enlance a la entrevista anterior: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_50/32

¡Hola Michael! Gracias por aceptar realizar esta entrevista. Nuevamente volvemos a contactarte para hablar del nuevo trabajo de Beauty In Chaos. Y para empezar cuéntanos ¿cómo te ha afectado esta cuarentena? ¡Siempre me encanta hablar con ustedes! Al no ser una banda en vivo "tradicional", el parate del covid no nos descarriló como lo hicieron muchas bandas. Teníamos el álbum terminado antes. Realmente habíamos planeado lanzar el álbum en febrero, en ‘11th’ hour’ tuvimos algunos problemas de estudio y Protools bastante inesperados antes de terminar las últimas mezclas. Este retraso nos empujó contra el horario de Michael Rozon para trabajar con Al Jourgensen en el próximo álbum de Ministry. Tuve que tomar la decisión de retrasar el lanzamiento hasta mayo. Lanzar un disco sin mucho trabajo debido a muchos cierres probablemente no fue una gran decisión comercial, pero todos los involucrados pensaron que era mucho más importante llevar nueva música a nuestra familia BIC que están atrapados en el interior. No me arrepiento de la decisión. Tenía la esperanza de tener un nuevo video para coincidir con el lanzamiento, pero fue

imposible obtener las ubicaciones que queríamos. Con eso detrás de nosotros, hemos filmado el metraje de "Stranger" que presenta a Kat Leon de Holy Wars. Tendremos este clip cinematográfico en julio. Pensaba en que si bien hay muchos artistas que han editado sus trabajos en cuarentena, otros han optado por aplazar la edición. ¿Cómo es editar el nuevo trabajo en cuarentena? Como no dependemos de shows en vivo para promocionar el lanzamiento, en realidad no fue un segundo pensamiento para nosotros. Si ese no fuera el caso, podría haber pensado más en ese sentido. Entiendo por qué un artista demoraría en lanzar. Para BIC, fue importante para todos nosotros sacar el nuevo disco para nuestra familia BIC durante estos tiempos sin precedentes. Entre el primer álbum y el nuevo han editado "Beauty Re-Envisioned" (2019). Cuéntanos un poco sobre las sensaciones que has tenido de este trabajo. ¡Beauty Re-Envisoned’ fue un maravilloso accidente! Lo que quiero decir con eso es que Tim Palmer, quien es uno de mis productores favoritos de todos los tiempos,

había acordado mezclar dos canciones que iban a ser "Finding Beauty in Chaos", pero me entusiasmó tener Tim a bordo. ¡No le dije mi regla autoimpuesta de "sin teclado", que Tim sin saberlo rompió! En lugar de decirle a Tim "una gran mezcla, ¿pero puedes silenciar los sintetizadores?", nació la idea de un disco de remezcla. Honestamente, después de la cantidad de sangre, sudor y lágrimas vertidas en "Finding Beauty in Chaos", la idea

de entregar las llaves a otros fue bastante atractiva. Realmente me encanta escuchar la talentosa cosecha de artistas, incluidos John Fryer, Kevin Hasking, Statik y Kitty Lectro tomaron las canciones. "The Long Goodbye" (Au Revoir) y "20th Century Boy" con el hijo de Marc Bolan, Rolan, se encuentran entre mis cosas favoritas que BIC ha hecho. La música de BIC es bastante elaborada

y es importante la producción de Michael Rozon, quien viene trabajando contigo en este proyecto desde el comienzo. Sobre todo lo importante que el productor sepa realmente lo que buscas plasmar en cada canción. He leído que tú buscas que tus álbumes no suenen a una recopilación y creo que es en este punto en donde el productor es importante. Sin mencionar que Michael es parte compositiva de las canciones. ¿Cómo es trabajar con Michel Rozon como productor? Además de ser uno de mis amigos, BIC no

hubiera sido posible o no hubiera sido posible continuarlo sin él. Fue su creencia de decir "deberías hacer tu propio registro" lo que lanzó esta cosa. No solo es un productor increíble, sino también un músico loco y talentoso. Me empuja a ser mejor y a no conformarme. Ambos somos muy conscientes de que un álbum con múltiples cantantes puede sonar como una "compilación", pero creo que lo hemos hecho bastante bien hasta la fecha para evitar esas trampas. ¡Lo más importante es que nos divertimos mucho con el vino tinto haciendo lo que hacemos!

Pensaba en Mark Thwaite y en su álbum “Volumes” que dio a otro álbum junto a justamente Ashton Nyte, quien junto a Wayne Hussey vuelven a participar en un nuevo álbum contigo. Si bien son parte de la Familia BIC, ¿Has pensado realizar algún trabajo fuera de BIC con alguno de los que participan en tus álbumes? Además de ser una gran parte de todos nuestros registros BIC, tengo la suerte de llamarlos a ambos amigos. Felizmente sería parte de todo lo que me pidieran. Además de ser grandes cantantes y letristas, ambos son realmente muy buenos guitarristas. Wayne me ha pedido que forme parte de un proyecto de estilo "Band Aid" llamado ReMission International. Estamos grabando una nueva versión del clásico de The Mission "Tower of Strength" con todo el dinero destinado a organizaciones benéficas relacionadas con Covid. La lista de artistas involucrados

es asombrosa; incluyendo a Gary Numan, Martin Gore, Midge Ure, Michael y Jay Aston, Billy Duffy, Budgie, Kevin Haskins, Rachel Goswell, Julianne Regan, Andy Rourke, Evi Vine y más. Estoy realmente bendecido de ser parte de esto. La canción será mezclada por Tim Palmer y debería salir a principios de julio. Particularmente siento que de elegir una canción del nuevo álbum, es una tarea difícil, “The Delicate Balance of All Things” es mi favorita, ganándole por un estrecho margen a “The Outside” y a “Temple of Desire”. Si tuvieras que elegir una canción que represente a “The Storm Before The Calm”. ¿Cuál elegirías? Me propuse que este disco fuera un poco más oscuro y más lineal que "Finding Beauty in Chaos", comenzando como un EP de 4 canciones. Con ese concepto en mente,

"The Delicate Balance" o "The Outside" son sin duda un gran representante de la vibra que quería. En cuanto a mi favorito, se ha extendido y ahora se basa en 'Stranger', lo que debería demostrar ser el perfecto ejemplo de nuestro próximo álbum de estudio. Esta pandemia nos dio dos cosas, planes frustrados o postergados y, por otro lado, tiempo para pensar en los próximos pasos a seguir. ¿Cuál de estos es el caso de BIC? He intentado realmente encontrar el lado positivo durante todo esto. ¡Me encanta tener a nuestras hijas en casa, ya que el tiempo cara a cara supera a la hora en persona, en cualquier momento! Ambos ayudaron durante nuestra reciente sesión de video "Extraño", que se estrenará en julio. En cuanto a BIC, siempre me gusta tener una idea sólida sobre dónde quiero vernos a continuación. Sé que probablemente suene una locura hablar sobre el SIGUIENTE registro cuando 'la tormenta antes de la calma' solo ha estado fuera un mes, pero esa es la mejor forma de trabajar. Realmente disfruté todo el proceso de pasar a un segundo plano en "belleza reinventada" ... así que, pensé, ¿por qué no volver por ese camino otra vez? Con la pandemia, muchos de mis amigos productores estaban sentados ociosamente en casa y aprovecharon la oportunidad de hacer algo; lo que significa remixes BIC!

luchando dentro de mí. Realmente quería ver si podía hacerlo. Creo que las limitaciones pueden ser una catapulta creativa. Para el nuevo disco, hay algunos sintetizadores, pero no tanto como pensé que usaríamos, ya que todavía disfruto mucho de la guitarra eléctrica. Si tengo un "don", supongo que es eso. Para mí, BIC es una entidad que quiero no solo girar sino evolucionar. En cuanto a su comentario, creo que Beauty In Chaos es más una línea recta... tal vez mirando hacia atrás un poco, pero siempre avanzando.

Para terminar y agradeciéndote el tiempo brindado. ¿Ya tienes canciones nuevas o planes de próximos lanzamientos, tanto sonoros como videos? Realmente aprecio que tomes este tiempo y no doy nada de esto por sentado. En cuanto a "¿qué sigue?" Después del video "Stranger", nos centraremos en envolver el próximo álbum de remix, actualmente denominado "Out Of Chaos Comes...". Salvo cualquier imprevisto, ¡lanzaremos este álbum en Halloween 2020! Entre todo esto, planeo comenzar nuevas canciones, de hecho, eso ya ha comenzado. A partir de ahora, me encantaría ver un nuevo registro de BIC, o al menos una serie de 'singles' a principios de 2021. Realmente mirando una bola de cristal, veo que lo recogió de 'Stranger'... un disco con todas las mujeres cantantes De hecho, estoy Escuchando el nuevo disco en donde trabajando en una nueva canción con Cyn incluyes teclados, que en el álbum anterior M. de Silence In The Snow. Tanto mi esposa, no había. Creo que es un disco que cierra Tish como Evi Vine, que tienen excelentes un círculo, como que se termina la base de canciones en "FBIC", sin duda regresarán. la música de BIC, y ahora tienes las bases Y quién sabe... Me encantaría tocar BIC en para construir el edificio. ¿Me equivoco? vivo. Es solo una cuestión de quién, cuándo, En cuanto a mis propias "limitaciones" dónde... y cómo. impuestas que puse en el primer disco, fue estrictamente una guerra que estaba ¡ Gracias Michael y Shameless Promotion PR por traernos artistas tan brillantes!

[ Reseña de “Joy Division - Closer” por Daire Alujas ]

VIBRACIONES DE UNA SALA LÚGUBRE

Joy Division - Closer Label: Factory Records Fecha de Lanzamiento: 18 de Julio de 1980

Siempre que escucho a Joy Division los pienso como una banda más influyente en estas últimas décadas que en su propio tiempo. Si bien es cierto fueron tremendamente influyentes en vida (fueron referente obligado para The Cure, U2, Echo & The Bunnymen y varias bandas que se formaban entre el 78 y el 80, eran parte de una emergencia colectiva de creación y búsqueda musical junto a otros muchos. Su estilo bebía y compartía bastante de la escena británica que bullía en esos años en una generación que ya se había impregnado del punk más salvaje y buscaba diversas formas de llevar adelante esa impronta adquirida y hecha propia. En sus inicios Joy Division buscaba un lugar musical en paisajes ya conocidos del punk de Sex Pistols y Buzzcocks, en melodías de Bowie y en sonidos de Kraftwerk, Neu! y Velvet Underground. Sin embargo hubo dos factores decisivos en que su influencia se haya extendido tanto más estas últimas décadas: el primero, la producción precariamente innovadora de Martin Hannett, quien plasmó en sus discos y a través de las canciones de la banda una presencia abrumadora del ambiente. No se puede escuchar un disco de Joy Division sin escuchar también las vibraciones de una sala lúgubre, de un galpón mugroso, de viejas paredes sin decoro. El uso del entorno y del ambiente en los discos hace que escuches tanto las canciones como a la propia realidad mundana de la banda, llena de problemas cotidianos, inseguridades, incertidumbres y sombras, de rincones urbanos intrascendentes e inhóspitos; tanto que al hacer sonar un disco de Joy Division en una habitación de nuestra propia casa nos impregna el entorno de todo ese paisaje, aún muy vigente en muchos sentidos. Pienso que es ese aspecto sonoro el que transformó lo que podría haber sido sólo una banda punk más del lote, en una nueva manera de expresar el punk envuelto en una dimensión auditiva que le agregó un toque extrañamente épico y a la vez contribuyó en sofisticar el estilo de composición de la banda. Fue como ponerle reverb al punk, por decirlo de una manera burda, donde la búsqueda de belleza, de sofisticación y de arte y expresión espiritual contrasta con lo precario y lo desolado, lo sombrío y monocromático, lo sórdido y carente de sentido. Ese contraste ha ido ganando una vigencia importante y casi universal hasta nuestros días, puesto que las realidades urbanas han reproducido globalmente los mismos estándares y categorías de vida en la mayoría de los países (no sólo de occidente), y por lo tanto generan estados de ánimo comunes a la vez que una identidad común que busca por tanto, referentes comunes.

Y el segundo factor es el más obvio. La presencia vocal y lírica de Ian Curtis que evocaba a leyendas recientes como Jim Morrison y poetas malditos. Su suicidio dos meses antes del lanzamiento de Closer no hizo más que aumentar la reverberación, no sólo de su música y sus letras, sino de toda la escena musical que luego sería denominada como post-punk. El mito de Ian Curtis y Joy Division tuvo un largo alcance a nivel mundial a través de los años. La impronta de un líder atormentado y suicida ha hecho impacto en las nuevas generaciones, quizá más sensibles al dolor y al sufrimiento que las de antes. La historia de Closer, el segundo y último LP de Joy Division, es una historia muy corta en el tiempo, que abarca apenas unos cuantos meses en las vidas de sus cuatro integrantes pero donde ocurrió un proceso casi frenético de situaciones y experiencias que desbordaron absolutamente su marco temporal. Se sabe que el disco es un resultado de dos procesos diferentes de composición, el primero constituido de piezas musicales que se traían de sesiones bastante anteriores, más cercanas a las del disco anterior, y que se venían trabajando en ensayos y pruebas de sonido, así como también varias que ya se tocaban en vivo en sus conciertos. Y el segundo constituido por canciones compuestas para el disco propiamente tal, ya como proyecto puesto en marcha y con cierta agenda y predisposición. El disco Unknown Pleasures y la banda habían sido muy bien recibidos tras haberse dado a conocer tocando desde principios de 1978 en diversos lugares principalmente de Manchester y Londres, y sobre todo a través de medios fundamentales en la época en Inglaterra como las sesiones de John Peel en la BBC y luego en los eventos producidos por Tony Wilson, quien era conocido en programas de televisión. El disco se había lanzado en junio del 79 y en menos de seis meses había elementos y material suficiente para consagrar un mito: un disco debut exitoso (en su género), buenas canciones ya conocidas, varias canciones en proceso, entre ellas un hit de culto que ya se apreciaba en vivo por los seguidores sin haberse grabado aún, un sonido atractivo, cosas por

decir y letras de profunda poesía existencialista, una década pronta a cerrar y otra por abrir… y un vocalista cuya puesta en escena llamaba la atención por su fuerza y expresividad, pero que además tenía un trasfondo trágico y doloroso, crisis epilépticas, depresión y una vida insoportable con apenas 23 años. Todos los ingredientes para una gran historia. Pero los ingredientes precipitaron más bien en un rápido y aún más trágico desenlace. Tanto que ni siquiera el lanzamiento del single y video de Love Will Tear Us Apart (la canción más exitosa y emblemática de la banda), en abril de 1980, ni la gira ya confirmada para mayo en Estados Unidos pudieron detener la decisión de Ian Curtis de quitarse la vida en su propia casa el 18 de ese mismo mes de 1980. “Fue después que se publicara este álbum cuando el grupo comenzó a eclipsarse a raíz de la enfermedad de Ian Curtis. Luego Vi a Ian y no pude ayudarlo. Luego a los sobrevivientes nos queda toda esa culpabilidad por lo que pasó, con lo que hay que convivir continuamente. Aunque éramos muy jóvenes y había mucha gente adulta, gente mucho más educada, expertos que le rodeaban y no podían cuidar de él… ¿Cómo podrían hacerlo tres idiotas de 21 años?” (Peter Hook, entrevista en Euronews, Mayo 2019)

En los 80 y 90 fueron una leyenda de culto sin que se supiera mucho más de ellos aparte de sus dos discos y un par de singles famosos (muy difíciles de encontrar por estas latitudes), y escasísimo registro audiovisual. Toparse con el video de Love Will Tear Us Apart o algún registro en vivo de la banda por televisión en esos años era un acontecimiento difícil de olvidar para los que nos identificábamos con el underground y todo su halo de misterio. Estas últimas décadas y ya en plena era de internet -con plataformas saturadas de material audiovisual y el continuo auge de la música electrónica y el renacimiento de géneros como el post-rock y la música shoegaze y el re-descubrimiento y revalorización del post-punk-, se ha develado ya todo el misterio y el vacío que rodeó a Joy Division y a Ian Curtis, se ha podido acceder más a su música y a su obra, hemos podido ver documentales, películas como 24 Hours Party People y una película in memoriam filmada por el mismo Anton Corbijn, y hemos podido armar un gran puzzle no sólo centrado en Joy Division sino también abarcando su continuidad inmediata en New Order, que es el vínculo obligado con toda la música electrónica que fundaría las bases de las tendencias alternativas de moda en Europa en los años 90 y 2000. Hoy se rinde culto a Joy Division, a Ian Curtis y a su música sin necesidad de revelar el gran misterio ni de entender el contexto ni de escudriñar demasiado en la historia, pues eso ya está ahí y se sabe, es cultura general. El nuevo valor y significado que adquirió Joy Division es el de un mito de origen: se les considera iniciadores y fundadores de una sensibilidad que integra la rebeldía del punk, pero también la belleza más refinada y, en medio (y gracias a ambas), el aprecio por lo disonante, lo antiestético (que funda una nueva estética), lo fracturado y contrapuesto, lo oscuro y lo luminoso de la vida diaria, que ha hecho tanto eco en las nuevas generaciones. Esto último quizá no sólo por la identificación íntima con el dolor existencial de Ian Curtis, sino que además por la emergencia de una identidad colectiva que ve en si misma los síntomas de una enfermedad moderna que no gira específicamente en torno al dolor, al sufrimiento y la insatisfacción, sino al padecimiento de todo lo contrario, de una enfermedad llamada alienación, sobre-consumo, vanidad, individualismo y saturación, que conducen igualmente a un vacío existencial. A 40 años de Closer y de la muerte de Ian Curtis, el paisaje podrá ser más colorido y tecnologizado, pero la fibra humana que detonaron, permanece aquí, sombría y desolada. Y ese contraste hoy significa más.

[ Reseña de White Rose Transmission – In June (2020) por Diego Centurión. ]

LA ROSA DE JUNIO

White Rose Transmission – In June Label: Sireena Records Fecha de Lanzamiento: 20 de Mayo de 2020 Hace tiempo que sigo a esta banda que llegué después de conocer a Dead Guitars y a su vocalista Carlo van Putten y desde la disolución de los Dead Guitars Carlo ha estado muy tranquilo sin decir nada sobre lo que estaba haciendo musicalmente. Lo cierto es que hace unas semanas me encontré con un video llamado “In June” de esta banda y descubrí que había trabajo nuevo en puerta, lo cual me puso muy feliz de que esa voz vuelva a cantar nuevas canciones. Este proyecto nace en 1995, ya hace muchos años, nace como un dúo entre Carlo van Putten (The Convent - Dead Guitars) y Adrian Borland (The Sound). Luego Adrian fallece y Carlo después de un tiempo decide retomar y mantener el espíritu del proyecto vivo. La historia de este EP es que la banda estaba grabando el nuevo álbum que se llamará “Hapiness at Last”, pero apareció el Coronavirus y se interrumpieron las grabaciones, en la espera deciden lanzar este EP para que la espera sea más agradable. La canción que abre este EP es la que le da nombre al EP, y es una calma e introspectiva canción, donde sobre un piano lánguido la voz de Carlo va dibujando siluetas intimistas y deliciosas. La canción tiene pequeños silencios que sirven para que se agregue otro sonido/instrumento que va embelleciendo la canción. Una exquisita manera de comenzar este viaje… “Mother of Mary” es una canción con instrumentación simple y delicada, el uso de la guitarra acústica es un recurso muy efectivo en White Rose Transmission. La voz de Carlo se siente muy cómoda en este tipo de atmósferas intimistas. Lo mismo sucede con la siguiente canción “Trumpets”, poco es mucho, y aunque esta canción tiene más instrumentos es una canción que se mantiene reposada sobre una rosa, tímida y a la vez inmensa. La siguiente canción “Hapiness at Last” (Felicidad al fin) es un suspiro que encierra todo un mensaje de satisfacción. Una pieza de tan sólo 33 segundos, que nos deja con ganas de más. Como extra hay una versión acústica de “In June”, hermosa versión. Un aperitivo ideal para recordar que los grandes discos muchas veces están ocultos en la marea de informaciones y nuevas publicaciones en cuarentena.

Des+conciertos es una instalación que incluye pintura, dibujos, collage analógico, fotografía, objetos, esculturas y música. Des + (conciertos) es una instalación que fue pensada para hacerse tres veces en el transcurso de éste 2020. La instalación incluye, pinturas, dibujos, collage analógico, fotografía objetos, esculturas y música. Siempre barajando la posibilidad de grabar audio y video para producir un registro que primero le quede y pueda ser usado por el artista y segundo para darle continuidad a la instalación una vez terminada. Debido a la preocupación que causa la posibilidad de contagio y propagación del coronavirus tomamos la decisión de no realizar la instalación para la fecha programada del pasado sábado 14 de Marzo. Suspensión que primero nos entristeció y luego nos dio ansiedad de mostrar el trabajo que habíamos preparado por semanas, así nació la posibilidad de hacer un Blog donde subiríamos material hecho para la muestra y otro a realizar a partir de ella, luego con el correr de los días y habiéndose generado dentro del grupo material referido al virus se nos ocurrió generar obra con el tema “coronavirus” y así como fue el causante de la suspensión de un evento al que le pusimos tanto trabajo y nos mantenía muy expectantes también nos abría la posibilidad de trabajar en red en contenido para un Blog: https://desconciertosweb.blogspot.com/ Participantes Artistas plásticos Joaquin Amat Diego Arandojo: Fe elizaga: Eugenio Damian Fernandez: Edgardo Rey: Pate Crudo: Música Átomos de Átomos Pablo Iglesias Eugenio + Jula Robotas: Luncil Chelo + Fausto: , Max Wild: performance “que beber para escuchar mejor” ……………… Darío Martínez

[ Por Fernando Rivera RodrÃguez ]

INDIE SOUNDSCAPES HOY: PURITY RING HOSTILE TRIBES

EL ENCANTADOR FUTURO DEL INDIE-POP Reseña de “Purity Ring – Stardew”

Como todos sabemos, la Música de los años 2000 se define más a menudo como una variedad de estilos donde podemos encontrar muchas bandas diferentes que incorporan grandes influencias de bandas conocidas e icónicas de décadas pasadas, pero con su propia identidad. Dentro de esto también encontramos los clásicos Revivals de artistas mostrando su amor por el Post-punk, Dream-Pop, Shoegaze, Synth-Pop, Dark-Wave, Goth-Rock, Ambient y Música Experimental, etc. pero siempre siendo originales y ofreciendo algo fresco y nuevo. Debido a esto también ha habido un fenómeno de retroalimentación entre bandas del presente y del pasado porque los nuevos artistas, basados en la Música nacida en los años 60 hasta los 90s, han permitido que grupos legendarios puedan hacerse conocidos nuevamente. Pero, no sólo eso, las bandas Indie de ayer han regresado con fuerza y se han vuelto a reunir lanzando nuevos álbums con gran éxito como por ejemplo My Bloody Valentine, Slowdive, The Jesus & Mary Chain, Dead Can Dance, Ride, Lush, Pixies, The Breeders, Belly, The Ocean Blue, etc. En la otra cara de la misma moneda, algunas bandas también han surgido con un estilo distintivo de estas dos últimas décadas. Ellas presentan un sonido totalmente nuevo con pocas influencias para mostrar el siguiente paso en la Música aprovechando las nuevas tecnologías en su máximo nivel. Esta es una señal de nuestros tiempos en donde los artistas están haciendo Música Vanguardista hoy en día...¡¡¡eso es emocionante!!! Una de estas grandes bandas es Purity Ring con impresionantes ideas en mente y cada álbum y canción que han lanzado es un viaje brillante por descubrir creando su propio mundo. Es uno de mis actos favoritos porque siempre ofrecen melodías muy bien elaboradas y sorprendentes usando efectos de sonidos innovadores, detallados, distorsionados y atractivos que dan sentido y consistencia a la Música.

PURITY RING es un dúo proveniente de Alberta, Canadá conformado por la encantadora vocalista Megan James y el multi-intrumentalista y productor Corin Roddick. Su primer lanzamiento fue el single "Ungirthed" (2011) con críticas favorables que llamaron la atención del aclamado sello 4AD Records fichándolos. Como el nombre de la banda sugiere, la Música es muy pura, auténtica y espontánea sin tomar demasiado contacto con bandas familiares o "con el mundo exterior". Para ser más precisos ellos crean canciones con sentimientos particulares y únicos y su estilo puede describirse como Electrónica Avant-Garde, Future-Pop o Indietrónica con toques de Dream-Pop, Synth-Pop, Dark-Wave, Trip-Hop, EDM (Electronic Body Music), etc. Con "Womb" (2020 - 4AD RECORDS), su último álbum lanzado hace solo unos meses, puedo definir su discografía como una trilogía impresionante. El álbum debut fue el fantástico "Shrines" (2012 - 4AD RECORDS) catalogado como un éxito por críticos y fans debido a la innovación y su nuevo estilo provocativo. Este álbum es muy Experimental, Oscuro y radical con muchos aires Indie-Pop. Tuve una fuerte conexión con el increíble tercer single "Fineshrine" y fue la canción que me permitió conocer a Purity Ring para empezar a apreciar su Música. Otras grandes melodías de "Shrines" son

"Crawlersout", "Amenamy, "Obedear", "Belispeak", "Lofticries", etc. Pero todo el álbum es un viaje musical. "Another Eternity" (2015 - 4AD Records) es el segundo sobresaliente lanzamiento de PURITY RING en donde podemos sentir la evolución de la banda con un nuevo punto de vista incluyendo hermosas canciones como "Heartsigh", "Push Pull, "Sea Castle" y "Stillness In Woe". Esta vez dan un giro para entrar en un terreno más Pop y accesible sin dejar de lado su esencia y sus raíces...las mejores canciones aquí son "Bodyache" y "Begin Again". Finalmente, después de cinco años, apareció el tercer álbum titulado "Womb" (2020 - 4AD Records) con grandes expectativas. Podemos explorar otro universo surrealista y encantador de paisajes sonoros y melodías con más sorpresas y, al igual que todos sus discos, requieren muchas escuchas para empezar a amarlos. La evolución continúa retomando las melodías de "Another Eternity" para crear maravillosas canciones Indie-Pop mezcladas con la experimentación de "Shrines" pero dando un nuevo giro otra vez de una manera más etérea. Destacan la impresionante "Stardew", "I like The Devil", "Pink Lightning", "Vehemence", "Femia", Silkspun", etc. La canción que me sedujo, después de unas cuantas escuchas, es la majestuosa "Stardew", la mejor canción y el primer single de "Womb" (2020 - 4AD Records), su nuevo álbum. Purity Ring ha creado una verdadera obra maestra contemporánea que muestra su visión contínua para crear mundos de fantasía y sueños. Sin duda, es una de las mejores canciones en su impecable carrera para tenerla en

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cuenta como una de las canciones más importantes de esta década que apenas comienza. La introducción de "Stardew" es muy hipnótica, Dreamy y Ambient al mismo tiempo por la inclusión de sonidos de xilófonos que crean un aura relajante y mística como una canción de cuna. Después la canción cambia a una atmósfera poderosa y alegre con la voz excepcional e "infantil" de Megan James fusionada con un toque impresionante de Dark-Wave. En medio de la canción encontramos de nuevo la canción de cuna y termina como empezó...absolutamente espectacular!!!. Mención aparte es el increíble video hecho especialmente para el single "Stardew", muy raro y hermoso y uno de los mejores y más surrealistas videos que he visto en toda mi vida. Es la tecnología más moderna en gráficos 3D por computadora y también de animación cuadro por cuadro usando muñecos y títeres...simplemente excepcional!!!. Déjense llevar por las impresionantes melodías y sonidos de esta gema titulada "Stardew" compuesta por Purity Ring y tengan un gran momento viendo este fascinante y triunfante video. Mis mejores deseos a todos mis amigos y a todas las personas que aman el maravilloso mundo de la Música Indie... ¡¡¡Muchas gracias y cuídense bastante!!!

NOTABLES MELODÍAS Synth-Pop Y Dream-Pop desde Manchester, UK HOSTILE TRIBES: "Passive Acceptance"

Existen bandas o artistas que tienen mucha creatividad, imaginación y frescas ideas para capturar esos momentos brillantes componiendo y pensando en el proceso de hacer Música todo el tiempo. Ellos nunca se quedan quietos y quieren convertir sus esfuerzos materializándolos en acordes, riffs, notas de piano y todo lo que pueda causar una motivación o una impresión para ellos mismos primero y luego a una audiencia. Luego, a primera vista, comienzan a encontrar los mejores elementos para crear demos o avances que se transformarán en una canción satisfaciendo sus necesidades. Finalmente esos temas terminados y pulidos pueden ser parte del lanzamiento de un EP o LP... ¡este desarrollo es realmente sorprendente! Generalmente, dentro de este proceso, muchos artistas tienen un solo proyecto que crece álbum tras álbum ofreciendo una nueva visión y a su vez crean su propio estilo con un nombre particular que pueda identificarlos. Por otro lado, hay Músicos que comienzan sus carreras de una manera inusual, creando diferentes proyectos y cambiando sus nombres según las circunstancias y estilos, pero siempre manteniendo su esencia y evolucionando constantemente. En este poco común y excepcional progreso encontramos la encantadora Música de PAUL BAIRD y su extraordinario nuevo proyecto en solitario titulado HOSTILE TRIBES. Él llamó mi atención por ser un Músico hábil y su talento para componer melodías muy elaboradas de las cuales hablaré más adelante. Me sorprendió gratamente que él provenga de la icónica ciudad de Manchester, UK. Uno de mis lugares favoritos y más importantes en la escena Musical Independiente alrededor del mundo. Recordemos que grandes bandas como JOY DIVISION / NEW ORDER y THE SMITHS nacieron allí así como THE STONE ROSES, THE FALL, THE CHARLATANS, JAMES, HAPPY MONDAYS, AUTECHRE, OASIS, etc. El legendario sello FACTORY RECORDS fue parte de ella también... ¡sorprendente! La biografía de PAUL BAIRD es muy interesante con una discografía

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prolífica. Él empezó muy joven, a la edad de dieciséis años, tocando en la banda Post-Punk BREATHER como el guitarrista. Luego conformó la banda de Dream-Pop GLASS (2004 - SOVIET UNION RECORDS) con un EP de cinco canciones. Después de esto reeditó GLASS en CD titulándolo "Teenage Galaxies" (2010) con tres canciones más. Su gran aventura comenzó cuando reemplazó el nombre de la banda por I SEE ÁNGELES porque necesitaba un nombre más fácil de buscar en Internet en lugar de GLASS el cual era muy genérico. El increíble debut homónimo de I SEE ANGELS vio la luz en el año 2011 con favorable críticas y fue el mismo EP "Teenage Galaxies" de GLASS reeditado con tres

canciones adicionales para convertirlo en un álbum completo. Sus miembros fueron PAUL BAIRD en voces, guitarras y teclados, MARTIN COWAN en el bajo y CHRIS NORWOOD en la batería. El segundo álbum fue "Your Memories Are You" (2013) seguido del EP "Artificial Sunshine" (2014). El tercer gran paso fue el álbum "The Rest Is Frills "(2015) y el EP "Nausea" (2016). Desde aquí, el capítulo I SEE ANGELS termina con la reedición del EP "Dinosaur" (2016) originalmente grabado en el año 2005 con influencias Post-Punk, Música Alternativa de los 90s e Indie-Rock. Es muy importante decir que SIMON RAYMONDE, el legendario bajista y tecladista de COCTEAU TWINS y dueño del gran sello BELLA UNION gusta mucho de la Música de PAUL BAIRD. Mencionaré una cita de él: "I SEE ÁNGELES es una de mis bandas favoritas del área de Mánchester - en donde destaca la maravillosa voz de PAUL BAIRD". Entre los grandes proyectos de Paul continuamos con JUST EVERYWHERE. En esta nueva fase creó un proyecto en solitario con todas las herramientas a su alcance en completa libertad. Sobre todo, es un trabajo minimalista y experimental lleno de improvisaciones y melodías espontáneas sin poner límites a su creación. Este es un período de transición en donde demuestra él mismo hasta dónde puede llegar en su viaje creativo grabando el EP "You Will Live On A Beach And Smoke Pot "(2016) y el LP "Silk Of Stars" (2017) mostrando estilos como el Chamber-Pop, Música Experimental, Ambient y Vanguardista. Finalmente todos estos ejercicios actúan como un puente de conexión con su nuevo proyecto como solista titulado HOSTILE TRIBES. Ahora PAUL BAIRD se ha reinventado nuevamente con su último y fantástico DIY (hazlo tú mismo) proyecto llamado HOSTILE TRIBES. Él mantiene su esencia pero al mismo tiempo es algo totalmente diferente porque él ofrece una propuesta Synth-Pop y Electrónica con melodías muy bien elaboradas. Este nuevo giro es realmente impresionante y consistente como nunca antes. "Ecstasy & Sweet Communion" (2020 - MIMIC THIS RECORDS) es el gran álbum debut de HOSTILE TRIBES incluyendo nueve canciones con un marcado contraste entre ellas y reflejando diversos estilos e influencias. Cada tema es un mundo propio yendo desde la Electronica, Synth-Pop, Psicodelia, Art-Rock

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y Vanguardia hasta el Shoegaze, Dream-Pop y Ambient. La canción de introducción de este apasionado álbum es "Passive Acceptance" y mi mejor opción para ser parte de este artículo. Hablaré de eso más adelante. El siguiente tema es el pegadizo "Une Brave Femme "y el primer sencillo. Podemos sentir una mezcla de notas de Synth Pop del pasado y de hoy con un toque New-Wave... ¡realmente cautivador! "Locals" es otra canción adictiva pero esta vez el ambiente Electro está enfocado en la secuencia de tambores y es muy tribal. La voz de Paul está distorsionada y es poderosa. Las cosas cambian radicalmente con la balada Psicodélica "Perfect Girl" recordándome a THE BEATLES y DAVID BOWIE... ¡impresionante! "With The Snow" es casi instrumental con un estilo Dark-Wave rodeado de una encantadora y espeluznante voz. Continuamos con "Blood Runs Cold", la canción más fuerte del álbum, con mucho IndieRock, Psicodelia y un ambiente Industrial... ¡otro alucinante número! El turno ahora es para la brillante "Everything´s Crowded"con una profunda atmósfera y paisajes sonoros cinematográficos. De la misma manera encontramos la canción Ambient "Marilyn's Pill Bottles" con teclados influenciados por el estilo KRAUTROCK y reminiscencias de KRAFTWERK. El último corte del álbum es el majestuoso "Bright Flashes In The Dark Sky", una canción Neo-Progresiva con un aire Shoegaze y Psicodélico que comienza con un órgano de iglesia y luego explota con baterías incesantes, riffs de guitarra y texturas detalladas y efectos de sonido. Cuando escuché "Passive Acceptance" estaba sorprendido de una hermosa manera debido a su originalidad y al bello uso de los sintetizadores hacia una nueva dirección electrónica. Esto me conmovió y decidí escribir sobre HOSTILE TRIBES y PAUL BAIRD, el hombre detrás de este proyecto encantador y esta triunfante canción. Otro factor que me entusiasmó para seleccionar esta canción fue el tratamiento único y excelente de la voz con mucha profundidad y reverberación. El tema comienza con sonidos suaves en modo Lo-Fi y luego aparece la magia de baterías repetitivas sin parar a lo largo de toda la canción mezclada con voces elegantes y muchos paisajes sonoros electrónicos. Luego encontramos un efecto "stop" creado hacia dos tercios de la melodía que funciona muy bien creando una sensación de expectativa. Continúa con más Electrónica y luego de varias escuchas estaremos inmersos en un dulce y encantador viaje de increíbles ritmos y melodías. Esta canción me recuerda influencias de M83, NEW ORDER, OMD, THE CHARLATANS, TV ON THE RADIO, ULRICH SCHNAUSS, MASSIVE ATTACK, ORBITAL, etc. y es una gran candidata para ser la mejor canción del año!... ¡¡¡realmente maravillosa!!! De seguro pasarán un tiempo agradable escuchando la increíble música de HOSTILE TRIBES y especialmente el gran tema "Passive

Acceptance". Habrá un lugar especial en sus corazones y almas para este grandioso tema. ¡¡¡Muchas gracias a todos mis amigos y cuídense bastante!!!...

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[ Reseña de Altar of Iris – Isolation (EP) por Benjamín York ]

EL ALTAR DEL AISLAMIENTO

Altar of Iris – Isolation (EP) Label: Independiente Fecha de Lanzamiento: 29 de Mayo de 2020

El darkwave y el post punk hace varios años que viene dando nuevos artistas y nuevas bandas. Podríamos citar a muchos nombres nuevos dentro de una escena que cada vez se incrementa más y más. En esta oportunidad nos ha llegado este trío formado por Travis Stanley (voces, sintes, letras y baterías), Nick Trimmer (bajo y baterías) y Brandon Bannister (guitarra, baterías). Desde Seattle, Washington, nos encontramos con este segundo EP llamado “Isolation”, de seis canciones. En enero habían lanzado su EP debut llamado “The Table of Discord” de seis canciones. En este nuevo trabajo el trío define aún más su línea dura y por momentos disonantes, creando opresivas atmósferas oscuras y secas. Las sutilezas se encuentran en la instrumentación que suele ser justa y necesaria para crear un clima siniestro en donde la voz de Travis suena fantasmagórica. Brandon dijo:

“Isolation es un lanzamiento distintivo para Altar of Eris. Como somos una banda recién formada, este es nuestro lanzamiento más pulido hasta la fecha. Llamado así por el hecho de que este EP fue grabado en aislamiento en cuarentena, este EP toca temas de segregación social, corazones rotos, promesas y sueños". "También explora el ocultismo, el pesimismo existencial y el horror clásico. Siento que hemos creado algo inmersivo al abrir una puerta al vacío. La música que creamos tiene sus raíces en temas de trauma, dolor, desamor, filosofía y lo oculto con la intención de explorar catárticamente la vida y la música a través de una lente de autodesprecio y temor existencial".

El EP 'Isolation' es un verdadero proyecto independiente. No sólo se encargaron de lo estrictamente musical, sino que los miembros de la banda se grabaron, mezclaron y masterizaron ellos mismos, en su estudio en Seattle, y la producción la hizo el propio Nick Trimmer. Sonoramente, Altar de Eris es algo tan intangible y esotérico, incómodo pero a la vez atrapante, con el correr de las canciones vamos cayendo en un cono melancólico, agresivo, melancólico, oscuro y escalofriante. Como si, arrodillados ante el altar del aislamiento, rezáramos para que esta cuarentena se termine. https://altaroferis.bandcamp.com/ https://open.spotify.com/artist/3lFHm4GV8xM0rWG1SpM646 https://www.facebook.com/altaroferis https://www.instagram.com/altaroferis/ https://twitter.com/altar_of_eris

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http://madwaspradio.com/

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Loose Canon http://www.6towns.co.uk/

Simon's Big New Thursday Thing https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Por Rubén Torres. ]

ROSARIO BLÉFARI: TODO LO QUE QUISE...

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“Todo lo que quise decir se apagó en la oscuridad” comenzaba Rosario una hermosa canción de Sue Mon Mont. Recuerdo la noche en que conocí a Rosario Bléfari que fue justamente en la presentación de la banda en CASA UNCLAN y yo, llevaba adelante un programa de radio al lado de la casa y en ese marco tuve la oportunidad de entrevistarla. La charla empezó seria y amistosa, para mí que no hacia muchas entrevistas a músicos (no me gustaba sus jeites) fue todo un desafió, pero ella la hizo muy fácil, sabía que decir y cuando, me daba la oportunidad de repreguntar, y hacia silencios en los mementos en que ella sabía que a mí se me había ocurrido otra pregunta. Manejo los tiempos y espacios de la nota, a pesar de que la entrevista era con la banda completa, ellos sabían que la conversación era con ella, porque al repasar cada una de las bandas y trabajos de Rosario entendíamos que Sue Mon Mont era la nueva máquina de hacer música de Bléefari, queríamos saber que pensaba y no nos queríamos perder la oportunidad de saberlo. Hoy que escribo estas líneas veo que Sue fue la frutilla del postre de una vida dedicada a la música y palabras. Hay algunas fotos de aquella noche y las repase el día gris en que partió Rosario, mientras escabuchamos su obra...y mientras eso pasaba una sonrisa apareció casi de la nada, porque entendí que ella fue quien me hizo ver a los ARTISTAS como entidades únicas e irrepetibles, y que la creación del ambiente en una entrevista depende de quien la lleve adelante. A partir de aquella noche disfruto de cada una de las charlas que llevo adelante en una nota con personajes disimiles y distintos y sin prejuicios. Gracias Rosario no solo por TODA tu música, si no por enseñarme silenciosamente a no padecer una charla de radio. Hoy gracias a su magia puedo generar climas con silencios y palabras. Y recuerdo muy bien las palabras que use en las publicaciones del día posterior para recrear aquella noche; “Anoche hablamos con ROSARIO BLÉFARI, la actriz, poetisa y figura emblemática de la movida independiente y rockera argentina. Ella que es sinónimo de innovación, búsqueda y sobre todo de poesía...nos eligió anoche, de una forma única, para volver a proyectar su luz” “Todo lo que quise decir se apagó en la oscuridad” “Tendrán que hacer lo mismo...y escuchar la RADIO”

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The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A