Revista The 13th Número 64 by Revista The 13th

AÑO: 7 | NÚMERO 64

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

MARK GARDENER THE DANSE SOCIETY - SONSOMBRE HANEKE TWINS - I LIKE TRAINS - SOFT SET THE SEA AT MIDNIGHT REMISSION INTERNATIONAL - MUSH - SODA STEREO ALMANAQUES - A SHORELINE DREAM AQUELLA TAPA - DE TIEMPO Y LETRA - MUSIC CORNER - INDIE SOUNDSCAPES QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR - ESPACIO INDIEGO - ESPACIO BOOMBOX

STAFF

Agosto 2020 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Alex Bretto REALIZACIÓN Y DISEÑO

Ariel Tenorio

Diego Centurión.

Benjamín York Bernardo Jiménez Mesa

PORTADA

Diego Centurión

Fernando Rivera Rodríguez Flavio Gabriel Aza Franco Doglioli Mariel Monente Maxx Wild

Jefe de Departamento de Literatura: Franco Doglioli. Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

Nicolás Carubello Rubén Torres Pepe Navarro Rolo Sosiuk

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 64 LA MÚSICA SANA En estos días hemos visto como hemos creído (como especie humana) que nos habíamos librado del mal en gran parte del mundo, como siempre como especie subestimamos el peligro y salimos a las calles, playas, como si nada hubiese pasado. El ser humano suele ser tan testarudo que no aprende y vuelve a tropezar dos veces con la misma piedra. Lo único que puedo sentir es que ante la imbécilidad de una parte de la raza humana, creo que una de las medicinas que más podemos autorecetarnos es la música y para eso armamos un nuevo número de nuestra revista. Nuevos lanzamientos, entrevistas y sensaciones sobre estos tiempos difíciles que tratamos de amenizar con música. En este números tenemos nuevas colaboraciones que nos amplían el espectro musical de nuestrs páginas, abrimos dos espacios, "Espacio Indie Go" y "Espacio Boombox". Dos nuevos colaboradores que esperamos que continúen por mucho tiempo en nuestras páginas. Nosotros como siempre tratamos de realizar una revista que los entretenga y les de tiempo de una lectura distinta. Bienvenidos al número 64 de la Revista The 13th... Pasen y lean.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

AQUELLA TAPA

THE SEA AT MIDNIGHT

HANEKE TWINS

20 34

I LIKE TRAINS

MUSIC CORNER: COLDPLAY

ESPACIO BOMBOOX

REMISSION INTERNATIONAL

40 56

69 72

74 DE TIEMPO Y LETRA MARIEL MONENTE ROLO SOSIUK FRANCO DOGLIOLI

82 84 89 92

SODA STEREO

100 ESPACIO INDIEGO RADIO OBJETOS INANIMADOS

SOFT SET

ALMANAQUES

LONZE

THE DANSE SOCIETY

LEO FILIPELLI

MARK GARDENER

MUSH

INDIE SOUNDSCAPES SONSOMBRE

DISCOS

110

111

114 A SHORELINE DREAM

122

¿Qué Beber para escuchar mejor? [ Por Maxx Wild ]

RYUICHI SAKAMOTO

NEO GEO & SAKE SUNRISE Viajemos a otros países, a otros sonidos a otros tiempos… ¡qué bueno sería si esto fácil fuera! Pero nuestros sentidos pueden ser el DeLorean que nos lo permita desde la comodidad de nuestro confinado hogar. Vayamos a 1987, a Japón, escuchemos al gran Ryuichi Sakamoto y su impecable álbum Neo Geo. Necesitamos combustible y el ideal es un Sake Sunrise (sin mezclar y en este orden dos medidas de sake, una de licor de durazno, dos de jugo de naranja y un toque de granadina) dulce y fresco, casi adolescente, para los que fuimos adolescentes por aquella época. Todo empieza con el instrumental Before Long, el piano, extensión natural de Ryuichi, si, de él mismo, el tempo es casi un latido en reposo. Descanso que se rompe con Neo Geo, un ritmo funk con unos coros casi autóctonos que hacen una combinación extraña pero atractiva, algunos breaks interesantes que para la época no eran frecuentes, sintetizadores, drumboxes en conjuto con algunos acústicos/orgánicos. Risky, en colaboración con Iggy Pop, bien de la época, reverberante con guitarras chispeantes, y la melosa voz de Iggy es como si lo tuviéramos en el cocktail, sensualmente bailable. Siguiendo el estilo pop (repleto de sonidos de síntesis FM) aparece Free Trading, que comienza casi como música de ascensor y deviene en una furiosa línea de bajo funk para volver a ese estado de suspensión, algunos samples lejanos condimentan el track. Shogunade, se abre paso casi como una marcha, más rítmica, funk, como una evolución de la anterior parada, si cerramos los ojos viéramos una película en secuencias, la canción tiene una forma de contar, con sus cambios y cortes como escenas. En el mismo tono cinemático aparece Parata (recordemos que Ryuichi es un gran compositor de música de películas), casi pensada como para una policial en la Costa Azul de los años 60. Okinawa Song con la voz de Chin Nuku Juushii, nos

transporta nuevamente a Japón, pero con una extraña mezcla rítmica y sonidos de shamisen. El cierre del disco viene de la manos de After All, otro instrumental con el piano presente, así como el comienzo, el final, cuerdas melancólicas, como el final de algún romance de final abierto, caminando hacia algún lado, sin saber ni importar cuál. Se dijo que este disco era la visión mundial musical que Ryuichi tuvo en ese momento, no sé si será así, pero encaja perfecto en un catálogo de world music, para escuchar en cualquier momento y lugar y por qué no también… en cualquier época. Escapemos, disfrutemos, volemos… ¡Salud!

[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

Quizás una de las tapas más tristes y obvias del rock sea la de “Closer” de Joy Division, Si existiera una categoría de discos despedidas este estaría entre los numero uno, no solo por su lírica y sonido, sino también por su estética. Se dice que la imagen fue elegida por su propio vocalista poco antes de decidir acabar con su vida. La banda, el productor, y el diseñador, dudaron en utilizarla luego de conocer la noticia del fallecimiento de Ian Curtis. Pero finalmente fue impresa y sin dudas es una imagen que acompaña a la perfección con el tono de la placa, el oscuro, claustrofóbico, inquietante y por qué no mórbido ánimo de las canciones nos lleva de a poco al final de la vida de un hombre y su banda. Si bien a lo largo de los años la obra de Joy Division y sobre todo a las letras y la leyenda de su cantante no dejo de crecer, hay un gran puñado de gente que cita a la banda o porta una remera con la imagen de su primera placa “Unknown Pleasures” pero no tienen idea de quien fue la banda o su letrista, tal cual como puede ocurrir con el logo de The Ramones o la famosa banana de Warhol, de la que hablamos en la primera entrega de esta columna. Hay otros que dedicaron su vida entera a difundirlos y lograr salir de ese velo de banda de culto, como fue su descubridor el famoso presentador televisivo ingles Tony Wilson. Tanto el cómo sus emprendimientos, Factory Records y Hacienda estaban atravesados por el legado de Joy. Miles de leyendas fueron creciendo entorno a esta relación laboral y de amistad, como por ejemplo la que reza que la banda firmo el contrato de grabación de su primer álbum con sangre real. Muchas de estas historias podemos verlas en las películas “24 hours party people” o “Control” también existe un documental muy bueno del año 2007 de Grant Gee. Donde participan todos los involucrados, allí se cuentan miles de anécdotas sobre la búsqueda de la banda y la particular vida de Ian. Es cierto que tratándose de un hombre tan atormentado ¿O debo decir un niño? ya que acabo con su vida a los 23 años. No es raro que haya elegido esa imagen como portada para su gran despedida, su gran final, esto sin dudas era una despedida y lo dejaba claro en sus letras, a lo mejor su entorno no pudo darle la importancia que requería, pero la culpa por su relación extramatrimonial lo atormentaba, y su reciente paternidad, sumado al dolor por su diagnóstico de epilepsia que lo obligaba a tomar grandes cantidades de medicamentos muy duros que le hacían cada vez más difícil enfrentar los compromisos alejándolo de la banda que ayudo a forjar en tan poco tiempo. Pero volviendo a la placa que abre con un tema cargado de experimentación con “Atrocity Exhibition” ya de entrada nos damos cuenta que la banda cambio, los sintetizadores están mas presentes, los ritmos son más complejos y las guitarras más ausentes, quizás lo que se mantiene con ese grave y ese estilo inconfundible es el bajo. Pero si prestamos a tención a la voz notaremos un dejo de cansancio, quien no lo estaría en su lugar. Quizás en “Heart And Soul” el ritmo nos levante un poco del suelo y nos haga mover un poco el cuerpo, pero en términos generales es un disco espeso, difícil, mucho tiempo escuche las dos placas juntas seguidas, ya que las tenía grabadas en un casete de 90 minutos una de cada lado. Y la verdad es que el lado b nunca podía escucharlo entero me asfixiaba el sonido tan pesado, también durante un buen tiempo no tenía idea de cuál era la portada. Hasta que finalmente la vi en la casa de un amigo que lo tenía en vinilo, es increíble el impacto que puede generar una imagen cuando la asocias a una idea que ya conoces. Ahí entendí el concepto completo, si bien no entendía las letras enteras, más allá de alguna frase, ahora podía entender cuál era la idea general y porque me transmitía esta sensación. Peter Saville, el premiado diseñador que había trabajado en la portada, reveló que las fotos provenían de una revista de arte llamada Zoom, que tenía dando vueltas en su estudio en

Londres. Saville le relató lo siguiente a la revista Mojo: “Bernard Pierre Wolff había hecho una serie de fotografías en un cementerio en Italia. No sé hasta el día de hoy si eran reales o no – algunas te hacían pensar que él había armado toda la puesta. Eran solo modelos, cubiertos de polvo». La verdad es que la imagen no era falsa, sino que se trataba de una lápida bellamente tallada, situada en el cementerio Staglieno en Génova, al norte de Italia. La tumba pertenece a la familia Appiani y la increíble obra de mármol fue creada por el escultor Demetrio Paernio en 1910. Tras la muerte de Ian Curtis, Saville se dio cuenta enseguida de las implicancias: «Tony Wilson me dio las tristes noticias y ahí dije, ‘tenemos un problema. La tapa del álbum tiene una tumba’; ‘Oh, fuck’, me dijo Tony. Pero, no obstante, la banda me dijo ‘Lo decidimos entre todos, Ian fue quien la eligió’. Lo inquietante es preguntarse qué estaría pensando Ian…» Morris, su baterista, recordó en su autobiografía, «La foto parecía una inquietante profecía o alguna broma de mal gusto, un truco para vender más. ¿Quién en su sano juicio pondría una tumba en la tapa del álbum de una banda cuyo cantante acababa de morir?». Sumner se suma a la queja: «Nos acusaron de sacar provecho de la muerte de Ian. Como si fuéramos capaces de hacer algo así. Te dice más acerca de los acusadores que de la banda» La Fotografía perfectamente iluminada para crear esa atmosfera desesperada de ultimo adiós, fue impresa en un papel blanco mate, poroso, similar al usado en grabado, la tipografía recuerda al cincelado en mármol, así cual lapida mortuoria quedo sellado para siempre el legado de una banda única e irrepetible. Sin dudas el momento de ponerle la tapa del cajón es “The eternal” no creo haber escuchado un tema mas sentido y profundo que este, todavía logra ponerme la piel de gallina. Y por ultimo las paladas de tierra que cierran la placa son las percusiones secas que dan comienzo a “Decades” esas teclas insistentes y agudas nos llevan de procesión por las calles internas de algún cementerio, huelo las flores, oigo los sollozos de las viudas, veo los autos negros, los pañuelos, el cielo encapotado…el fin.

[ ReseÃ±a de "Mush - 3D Routine" por Ruben Torres. ]

RABIOSA-MENTE ACTUALES

Mush - 3D Routine Label: Memphis Industries Fecha de Lanzamiento: 14 de Febrero de 2020

La banda Británica originaria de Leeds editó en este 2020 su primer álbum, con el todos los sonidos frescos y directos de una banda de rock and rock con un cantante por demás carismático y llamativo... Porque ya leerán críticas bajo el título, el nuevo sonido post-punk y la verdad es que una sola canción suena así; “Revising My Fee”. Y está muy bien que eso pase... insistimos con que MUSH es una banda de rock and roll, lo que será verdad es que si se suman a la ola de críticas sociales. Este cuarteto de Leeds da muestras acabadas sobre su forma de hacer música con 3D Routine. Así se denomina la ópera prima de esta nueva banda. Mush vuelve a desengranar la inestabilidad económica de toda la generación de jóvenes que viven debajo de la línea de pobreza respecto a sus progenitores. Y todo lo hacen con rabia y grandes y dominantes sonidos de un rock que cada día suena con menos frecuencia y viendo que el mundo es un lugar peor...esta música debería ser casi una constante, porque se viven momentos intensos como la música de Mush además de arrolladora inspirada por el punk y el garage más clásico y ortodoxo, ruidoso y explotados de dinamismo...es prometedor el álbum debut de esta banda, son rabiosamente actuales y no es para menos, hay una generación que discrepa con el sistema y se lo hace saber...con sonidos tribales como ya es el rock and roll... El explosivo cóctel está compuesto por: Dan Hyndman voz y guitarras. Steven Tyson guitarrista. Mick Grant bajo. Phil Porter batería.

El Programa de la Revista The 13th

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Transmisiones Oceรกnicas se transmite:

Todos los Lunes y Viernes a las 21 hs. por IndieGo Radio www.indiego.com.ar

Sรกbados a las 12 hs. por RadioRueda www.radiorueda.weebly.com/

Domingos a las 13 hs. por MutanteRadio. https://www.mutanteradio.com/

[ Entrevista a Vince Grant de The Sea At Midnight por Diego Centurión. Fotografías: Liauna Tolmasoff. ]

CUALQUIER MOMENTO ES ADECUADO PARA THE SEA AT MIGNIGHT

Sinceramente me he sentido atrapado por los sonidos de este proyecto liderado por Vince Grant llamado The Sea At Midnight. No es que tenga grandes discos, aún no los tiene porque aún no ha lanzado un álbum y tal vez eso sea lo que pudo generar este proyecto con tan sólo algunos singles, exactamente cinco singles, “Medicine”, Melancholia”, “How Many Times”, “Edge Of The World” y su último single “We Share The Same Stars”, que seguramente serán parte del álbum debut que sería lanzado en este extraño 2020. Para saber acerca de este proyecto nos contactamos con Vince para que nos cuente sobre The Sea At Midnight.

¡Hola Vince! Gracias por aceptar realizar esta entrevista. Para empezar cuéntanos en ¿dónde te agarró esta pandemia? Pienso que como a la mayoría de nosotros, me tomó completamente por sorpresa. Lancé mi primer single "Medicine" en enero y el segundo single "Melancholia" en febrero y luego en marzo el mundo entero prácticamente cerró. Obviamente, no tenía idea de que lanzaría mi álbum debut en medio de una pandemia mundial. Dicho esto, realmente no tengo nada de qué quejarme, ya que mi familia y mis seres queridos se han mantenido saludables y eso es lo más importante. Mi corazón está realmente con todos aquellos alrededor del mundo que han sido afectados directamente por el virus. ¿El Covid-19 ha retrasado un poco las cosas, o está saliendo todo en los tiempos que lo has planteado? En cuanto a la música, Covid-19 no me ha retrasado nada. Me he apegado al calendario de lanzamientos previo a Covid de los cinco sencillos hasta ahora y el álbum saldrá en el otoño como estaba planeado. He leído que el comienzo de este proyecto fue por casualidad, cuéntanos ¿Cómo nace la idea de crear The Sea At

Midnight y de dónde viene el nombre? Casi había pensado que mis días de estar en bandas o grabar habían terminado. Entonces, un día estaba buscando un profesor de guitarra en la sección de músicos de Craigslist y me encontré con un anuncio de un productor que decía: "Si eres un artista de shoegaze, gótico, post-punk, synth pop, darkwave, dream pop o un género similar buscando a alguien que produzca o grabe tu música que entienda el género, Me encantaría ponerme en contacto para discutir cómo podríamos trabajar juntos". Luego pasó a enumerar algunas de mis bandas favoritas de todos los tiempos, como The Cure, Jesus and Mary Chain, New Order, Joy Division, Echo and the Bunnymen, The Chameleons, etc. No podía creer lo que veía. Nunca había leído un anuncio que fuera tan similar a mis gustos. En ese momento, grabar era lo más alejado de mi mente, pero tenía tanta curiosidad por conocer a esta persona que decidí ponerme en contacto y dispuesto a reunirse. ¡Resulta que era Chris King de Cold Showers! Soy un gran admirador de ellos y creo que lo primero que le dije a Chris fue: "¡Tengo

canciones tuyas en mis listas de reproducción!". Me impresionó mucho el hecho de que Chris no mencionara Cold Showers en su anuncio ni al hablar conmigo antes de conocernos. Sentí que Chris no confiaba en su éxito musical para conseguir clientes. La reunión inicial fue genial y como un bono adicional Chris me dijo que le gusta usar a Brandon Pierce de Glaare para tocar la batería. Estaba emocionado con esta noticia, ya que había visto a Brandon tocar en vivo un par de veces y pienso que es un baterista fenomenal. El día después de nuestra reunión inicial le envió a Chris versiones acústicas de algunas canciones y decidimos hacer un single. Después de terminar las dos canciones, pensé que era un sueño, trabajar con un productor brillante que viene del mismo lugar musical, además de ser un baterista increíblemente asombroso, así que le pregunté a Chris qué pensaba sobre hacer un EP juntos. Chris estaba dispuesto a hacerlo, así que volvimos a involucrar a Brandon e hicimos tres canciones más. El plan en ese momento era sacar un EP de cinco canciones, pero cuando terminamos de grabar esas canciones todavía no queríamos que terminara. Estaba tan feliz con el resultado de las canciones y me divertí tanto grabando con ellas, que le pregunté a Chris qué pensaba de hacer un álbum. A Chris le gustó la idea y una vez más conseguimos que Brandon participara. Después de unos meses más en el estudio, había un álbum de ocho canciones. He leído sobre tus luchas internas, cuéntanos desde tu experiencia ¿es cierto que la música sana? Creo que la música definitivamente tiene poderes curativos. No creo que hubiera podido superar algunas de las cosas de mi vida sin la música. Tanto escuchando a los demás como haciendo el mío. Para mí, escribir canciones es una de las cosas

principales que me ayuda a lidiar con las luchas que todos inevitablemente encontramos al ser humanos. Hacer música es un proceso terapéutico para mí que me permite hacer frente a mi propio interior, como me gusta llamarlo, el “clima”. Debes estar un poco cansado de hablar sobre las bandas a las que se parece The Sea At Midnight, pero cuéntanos las sensaciones que te produce las canciones de este proyecto. Líricamente, muchas de las canciones tratan sobre mis luchas con la adicción al alcohol y las drogas y sobre cómo lidiar con la depresión de toda la vida. Supongamos que tienen un fuerte elemento de tristeza, pero también siento que ofrecen esperanza. ¿Cómo es trabajar con Chris King como productor y con Brandon Pierce programando las baterías electrónicas? ¡Trabajar con Chris fue increíble! Tiene un talento increíble tanto como productor como como músico, y es un genio en lo que respecta a la grabación y la mezcla. Su conocimiento de todo el proceso de grabación, desde la ingeniería hasta la masterización, es increíble. Además, está muy relajado y creó una atmósfera que rodea todo el proceso que fue completamente relajada y realmente permitió que fluyeran la creatividad y las ideas. Brandon también es un tipo súper agradable e inmensamente talentoso. Nunca había trabajado con un baterista tan creativo e innovador. Su estilo de batería tiene una calidad musical que me encanta. En general, nunca había tenido una experiencia tan increíble grabando o tan divertido haciéndolo. Una de las mejores cosas de trabajar con Chris es que abordamos cada canción con la idea de: "¿Qué es bueno para esta canción?" No, "¿Cómo podemos hacer que suene como todos los demás o cómo

podemos hacer que suene como tal o cual banda?". Cada canción tiene su propia vibra individual y no queríamos usar un enfoque de cortador de galletas sónico con la misma plantilla musical. Por eso me gustan especialmente bandas como The Cure y Depeche Mode. Sabes que son ellos de inmediato, pero cada canción tiene su propia personalidad y estilo. Si me esfuerzo por algo, es eso. Para que The Sea At Midnight sea reconocible, pero al mismo tiempo cada canción tiene su propia personalidad única.

mordimiento por un comportamiento mío pasado que hirió a otros, particularmente cuando usaba drogas y alcohol, del que me avergonzaba y me sentí fatal. Me di cuenta de que había actuado de manera egoísta en muchas ocasiones sin tener en cuenta los sentimientos de los demás y cómo mis acciones los afectarían. Esto estaba pesando en mi mente una noche mientras salía a caminar y cuando llegué a casa tomé mi guitarra y "Edge Of The World" salió a trompicones.

“We Share The Same Stars” el tema prinEl álbum llamado “The Sea At cipal es que todos estamos conectados. Midnight” ¿en qué estado de postproducción se encuentra y cuándo pien- Estamos en tiempos difíciles para reasas publicarlo? lizar planes a corto plazo, ¿pero cuáEl álbum está prácticamente en su etapa les son los planes inmediatos para The final de finalización. El sencillo "We Share Sea At Midnight? The Same Stars" sale oficialmente el 21 En realidad, están sucediendo muchas de agosto y el álbum saldrá en algún mo- cosas. El sencillo "We Share The Same mento de este otoño. Stars" saldrá el 21 de agosto y estará acompañado por el primer video oficial. Cuéntanos algo sobre cada single: Hay otro video en el que se está trabajando ahora para un sencillo posterior que “Medicine” trata sobre las formas en que se lanzará a principios de otoño y luego afrontamos y manejamos el dolor emocio- el disco saldrá después de eso. Ojalá punal, cualquiera que sea ese dolor. diera decir que tocaremos en vivo, pero parece una posibilidad lejana en este mo“Melancholia” trata sobre mi lucha de mento debido a Covid. toda la vida con la depresión y hacer las paces con ella. Y para cerrar esta entrevista y agradeciéndote esta oportunidad. “How Many Times” ya sabes, este tie- ¿Qué les dirías a nuestros lectores que ne muchos significados diferentes detrás. aún no conocen a The Sea At Midnight? En realidad, hay muchas capas en la le- Si eres fanático de bandas como The Cure, tra para mí y, en lugar de exponer mi pro- Depeche Mode, New Order, Joy Division, pio significado de la canción, creo que me Echo and the Bunnymen y otras bandas gustaría que cada oyente experimente y que suenan similares, entonces diría que tenga su propia interpretación personal deberías ver The Sea At Midnight. Piense de lo que significa para ellos. que podría disfrutar lo que escucha. "Edge Of The World" fue escrito cuan- ¡Muchas Gracias Vince y a Shameless do estaba pasando por un período de re- Promotion por acercarnos a esta hermosa banda!

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: COLDPLAY – “PARACHUTES” ¡THANK YOU, TRAVIS!

Hacia fines del milenio el rock alternativo mostraba su máximo exponente en Radiohead, que ejercía su influencia sobre toda una nueva generación de artistas británicos. Si tomamos el sonido de Radiohead y lo escindimos en dos mitades, podemos aseverar que el más digno heredero de su cara brit rock o progresiva fue Muse, y el lado melancólico se lo llevó la banda escocesa Travis. Sin embargo, un año después de la salida del exitoso “The Man Who” (1999) de Travis, la posta le fue arrebatada a los chicos de Glasgow por un álbum debut que haría historia e iniciaría la carrera de una de las bandas más importantes de los siguientes 20 años: Coldplay.

Chris Martin (voz y piano), Jonny Buckland (guitarra), Guy Berryman (bajo) y Will Champion (batería) eran amigos de la universidad y venían tocando juntos desde 1996. Con un par de EP’s bajo el brazo (“Safety” de 1998 y “Blue Room” de 1999), los miembros de Coldplay se juntaron con el productor Chris Allison para empezar a dar forma al proyecto del primer LP hacia fines del 99. Se les uniría un segundo productor, Ken Nelson, cuando todo estaba todavía muy verde. Pero mientras giraban y se presentaban en vivo, había tiempo para trabajar en el estudio. Se dice que lo que sería el primer single de Coldplay en rankear es un tema que Chris Martin dedicó a Natalie Imbruglia, pero si bien Chris nunca lo confirmó, si sabemos que es una canción sobre alguien arrepentido y con cierto aire acosador. “Shiver” representaba el perfil más indie de la banda, describiendo las tribulaciones y promesas de un corazón roto y obsesionado que clama por una oportunidad. Influenciada por el tema “Grace” de Jeff Buckley, desde ya que la canción anduvo bien, fue lanzada en marzo del 2000 y llegó al puesto #35 en UK.

luz un par de semanas después, en julio. Los dos primeros cortes ya difundidos no hacían presuponer que el disco tendría toda esa ambientación atmosférica y cambiante, caracterizada por una tonalidad triste. Sin embargo, Will Champion supo hacer una apreciación sobre esta crítica, al comparar (teniendo en cuenta solo este punto) a “Parachutes” con el trabajo de Lou Reed en la canción “Perfect Day”: una canción con una letra muy alegre pero sumergida en una música que inspira aflicción. Lamento opinar que Will nos está timando: en algunas letras hay mucha tristeza y dolor. El producto resultante fueron unas 10 canciones (considerando el hidden track) y un interludio (el tema “Parachutes” de solo 44 segundos) que pese (o gracias) a su carácter apesadumbrado y melancólico, atrapaba desde la primera oída.

Abriendo con “Don’t Panic” tenemos ya una perspectiva de la influencia de U2 en esta placa debut de Coldplay. Cancioncita simple y gentil, ofició de 4º single de “Parachutes”. Como muestra basta un botón, y en esta carta de presentación tendríamos un resumen de la idiosincrasia de la banda a lo largo Tras el segundo corte adelanto que y ancho de las líricas en el resto de su fue “Yellow”, lanzado el 26 de junio del carrera hasta hoy, y que es el positi2000, el long play “Parachutes” vería la vismo en su expresión más manifiesta:

“There's nothing here to run from, 'cause here, everybody here's got somebody to lean on”, luego de que Chris repitiera una y otra vez envuelto en guitarritas de ensueño “We live in a beautiful world, we live in a beautiful world”. Luego del segundo track “Shiver”, llega una delicia de canción llamada “Spies”, una belleza que comienza casi acústica con un afligido rasgueo de guitarra y la suave voz de Chris Martin con un relato de impronta paranoide que se contrapone al optimismo de “Don’t Panic”. Tras el primer estribillo, la canción se impregna de una melodía majestuosa sostenida sobre un bajo envolvente y tambores retumbando, cubriendo la voz de Chris con un halo de misterio mientras el canta en un hilo de voz “They’re all spies”, como escondiéndose entre las sombras. La rola alcanza picos aún más emotivos a medida que la guitarra eléctrica va tornándose más estridente. Uno de los mejores momentos del álbum. “Sparks” es la canción acústica que sigue, donde el riff lo pone el bajo que es acompañado por un rasgueo cons-

tante y la voz de un Chris abatido que comienza preguntándose “Did I drive you away?”, en otro clásico lamento sobre el amor que terminó y del que solo quedan chispas en el aire. El nuevo himno de la camada de bandas conocidas como post-britpop sería el segundo single de “Parachutes”, que cierra su lado A. Aquí es donde Coldplay toma prestadas por un rato las guitarras distorsionadas más prototípicas de Radiohead para hacer un riff tan simple como memorable. Inspirada en el estilo de Neil Young, es uno de los momentos más positivos del disco con una letra más que elocuente en todos sus párrafos. “Look at the stars, look how they shine for you / and everything you do” hace referencia al ser amado responsable de nuestra felicidad. La verdadera génesis del tema la conocen ellos ya que dieron varias diferentes versiones, y al fin y al cabo no es eso lo que importa sino el resultado final: primer Top 5 de Coldplay en Inglaterra y otros países europeos, favorita de los fans de ahí en más e infal-

table en vivo. El otro gran caballito de batalla del álbum se encuentra abriendo el lado B, que si bien figura acreditada como co-compuesta por los 4 miembros de la banda, Chris Martin contó que fue escrita pensando en sí mismo y en su actitud hacia sus compañeros, en los momentos en los que no se comportó como debe con aquellos a quienes ama, considerándose a sí mismo como un verdadero estúpido. Y por eso pide perdón una y otra vez, angustiado tras una melodía que emociona desde la primera escucha por su lírica y su intensa línea de piano. Otro éxito de ventas en UK y punta de lanza para la proyección de Coldplay a nivel mundial. Como ya habíamos comentado, Coldplay le arrebató a Travis algo que los originarios de Glasgow parecían merecer por legítimo derecho. Nos referimos esencialmente a la fama y la trascendencia que Fran Healy y sus muchachos no supieron capitalizar luego del suceso de su álbum “The Invisible Band”. Pero además, a su sello melancólico, al sonido embebido de aflicción y pesadumbre que fue tanto glorificado como hipercriticado en el “The Man Who” de Travis, y que se hizo carne en la parte final de “Parachutes”. Si hay una canción que representa a la perfección toda esa nostalgia envolvente es “High Speed”, seguida por la más acústica “We Never Change”. No en vano Chris Martin declaró en un programa de la BBC Radio 1 en 2007: “Travis (was) the band that invented my band and lots of others”. “High Speed” narra, curiosamente en contraposición a su ritmo aletargado, la sensación que produce un mundo que no se detiene y nos lleva insertos en él a toda velocidad, haciéndonos vivir en una burbuja donde tenemos la sensación de

que vamos a explotar de un momento a otro. “We Never Change” es otro momento en el que nos sumergimos en el desánimo de saber que siempre vamos a tropezar con las mismas piedras, nuestros bloqueos mentales que nos impiden cambiar y ser más libres, más buenos con los demás y no lastimarlos. “Everything’s Not Lost” es esa pieza final que no solo sirve para levantar el tempo de los tracks anteriores, sino también para dar una terminación más luminosa y esperanzadora, en una rola que recoge mucha de la energía que se había disipado desde el cierre del lado A con “Yellow”. Después de todo el machaque negativo que va desde “Trouble” hasta “We Never Change”, necesitábamos que nos dieran una palmadita en la espalda y nos dijeran: “Pero mirá que no todo está perdido, eh!”. Gracias muchachos! Este primer disco de Coldplay fue un suceso comercial que llegó al puesto número 1 del ranking inglés y levantó todo tipo de reseñas positivas. Además ganó, entre otros premios destacados, el premio a Best British Album en los Brit Awards de 2001, y el Grammy a Best Alternative Music Album en 2002. “Parachutes” constituye un crisol que fusiona diversos elementos nobles que habían influido a Coldplay en sus primeros pasos en la música: además de Radiohead, se percibe la presencia de U2, Pink Floyd u Oasis. Una cautivadora secuencia de aflicción y ensoñación que intercala momentos de regocijo, esperanza y la devoción por la vida que Coldplay expondría de modo por momentos en forma exagerada en producciones más recientes (ganándose el mote de “impostadores de felicidad”). Quien sabe si serán unos po-

sers de las buenas vibras o no, dejaremos de lado los comentarios haters, para concluir que tras 20 años de vida, “Parachutes” es el puntapié inicial de una gran trayectoria y hoy en día, sigue vigente.

[ Entrevista a Stefanos Leontsinis y Paschalis Vichoudis de Haneke Twins por Diego Centuriรณn. ]

HANEKE TWINS: EL GRAN COLISIONADOR DE PARTร CULAS SONORAS

Stefanos Leontsinis (guitarras) y Paschalis Vichoudis (voces y bajo) son dos griegos establecidos en Ginebra, Suiza, que no sólo son amigos, han compartido otras bandas y además son científicos en el CERN (La Organización Europea para la Investigación Nuclear), pero lo fundamental en esta historia es que nos acercamos a ellos por su banda Haneke Twins. Banda formada en el 2018, ese mismo año graban su homónimo EP debut y hace apenas unas semanas lanzaron su segundo trabajo llamado "Astronaut". Así que nos contactamos con dos músicos espaciales para conocer, entre otras cosas, cómo se lleva el espacio con la música.

Hola Chicos, gracias por aceptar esta entrevista. Siempre es tentador entrar en la vida de una nueva banda y descubrir esos primeros impulsos que llevaron a crear la banda, que aún debería estar muy fresco en su memoria. Pero para empezar cuéntennos ¿Cómo y dónde los sorprendió esta pandemia llamada Covid-19? [Paschalis]: Hola Diego, en primer lugar muchas gracias por invitarnos, es un gran placer! Como puedes imaginar, COVID-19 nos tomó por sorpresa, como la mayoría de nosotros suponemos. Afortunadamente, nos atraparon en casa en Suiza en lugar de en cualquier otro lugar, así que al menos evitamos ser puestos en cuarentena :)

medidas sugeridas por los virólogos expertos y recuerden, la pandemia no es una broma, es real. Por lo que he leído ustedes llevan un largo tiempo juntos, cuéntennos ¿desde cuándo se conocen? ¿Cuándo ingresan a CERN? [Paschalis]: Nos conocemos desde hace más de 10 años. Nos conocimos en Ginebra cuando Stefanos se incorporó al CERN en 2007, si mal no recuerdo. En lo que a mí respecta, ya estoy en el CERN desde 2003. ¿Qué tipo de trabajo hacen en el CERN? [Paschalis]: Ambos trabajamos principalmente en el desarrollo de detectores físicos como el Compact Muon Solenoid (CMS) diseñado para estudiar la interacción de partículas aceleradas por el Gran Colisionador de Hadrones (LHC). Stefanos está trabajando en los aspectos físicos de los detectores, mientras que yo estoy más centrado en su lado de ingeniería eléctrica.

Ustedes como científicos, tema que abordaremos en otra pregunta, ¿Qué reflexión pueden sacar de esta pandemia? [Stefanos]: Una lección que aprendimos trabajando en un entorno científico es confiar siempre en los expertos y no nos apartaríamos de esa lección, especialmente ahora durante una crisis como esta. Por lo tanto, solo ¿Cómo y cuándo nace Haneke sugerimos a todos que cumplan con las Twins? ¿Y el nombre tiene que ver

con Michael Haneke? [Stefanos]: El proyecto HanekeTwins nació en 2018, cuando ambos nos dimos cuenta de que compartíamos el mismo impulso de componer nuestra propia música. Ya teníamos algunas ideas en el cajón que rápidamente se convirtieron en nuestro EP debut de 5 pistas. El álbum fue grabado en el estudio Dudu Loft en Atenas, Grecia en solo un fin de semana con un (no tan) pequeño baterista de ayuda de nuestros amigos Kostas Zabos y el productor Costas Verigas (ambos miembros de la increíble banda postrock Afformance) . En cuanto al nombre, es un homenaje al gran director de cine austriaco. Más específicamente, el nombre se refiere a su película "The white ribbon", una película de suspenso única en su tipo que, a diferencia de cualquier otra (que sepamos), crea una atmósfera

insuperable sin reproducir una nota única de música! Y para aquellos que ya vieron la película, solo una pequeña pista: ¿recuerdan a las gemelas? Nunca se sabe, tal vez algún día compongamos una banda sonora imaginaria :) Se lo suelen comparar con Interpol o Joy Division, ustedes ¿cómo describirían su post-punk? [Paschalis]: Sin duda, Joy Division e Interpol son dos de nuestros artistas favoritos y también grandes influencias. En general, es bastante difícil describir el post-punk ya que es un género muy amplio. Nuestro enfoque musical es mezclar voces oscuras de barítono dramático, guitarras espeluznantes pero pegadizas y una estética minimalista de vanguardia, evitando al mismo tiempo el tradicionalismo y los clichés del rock. Líricamente, tratamos temas como búsquedas psicológicas,

preocupaciones sobre la vida moderna y otras cuestiones sociales y políticas. Nuestro objetivo final es llevarte en el tiempo a los bares subterráneos oscuros y ahumados de los 80 con un sonido renovado. En el momento de pensar en esta entrevista se me ocurrió pensar en su sonido post-punk directo, y pensaba ¿Cuánto de esta dureza se encuentra en el espacio? [Stefanos]: jejeje, me quedo con ese. Desafortunadamente, no importa cuán poderosa sea la música, no se puede escuchar en el espacio. El sonido viaja a través de la vibración de átomos y moléculas en un medio (como aire o agua). En el espacio, donde no hay aire, el sonido no tiene forma de viajar por muy bueno que sea :)

de Stathis Antoniou, cuéntennos ¿quién es Stathis Antoniou y cómo influyó su trabajo en el momento de escribir este trabajo? [Paschalis]: ¡Stathis Antoniou es un joven poeta ateniense contemporáneo con una pluma muy fuerte! Un amigo común nos presentó para ayudar a "vestir" nuestro EP debut con hermosas palabras en un período en el que líricamente no teníamos ideas. Échale un vistazo y no dudes en sus orígenes griegos, ya que muchos de sus poemas (si no todos) están escritos en inglés.

Acaban de lanzar su segundo trabajo, cuéntennos acerca de él y de su sugestivo nombre “Astronaut”. [Stefanos]: De hecho, lanzamos nuestro álbum Astronaut el último día de julio de 2020. El álbum continúa donde lo dejamos con una actitud postEnsuprimertrabajoutilizanpoemas punk al igual que en las pistas “Deep” y

“Climb” de nuestro EP debut, pero esto tiempo con una producción más directa. Al igual que con nuestro EP debut, las grabaciones se realizaron en Dudu Loft y Costas Verigas se encargó de la mezcla, masterización y producción. El título del álbum está tomado de la pista de apertura y, aunque sugiere lo contrario, la canción trata sobre una historia de enfermedad mental. Cuéntennos sobre la portada realizada por Bewild Brother. En cierta forma está relacionada con su actividad científica. [Stefanos]: La portada del álbum, hecha por este ilustrador de gran talento, está inspirada en la letra de la canción principal "Astronaut" más que en nuestra actividad científica.Además, aunque el CERN tiene cierta relación con las aplicaciones espaciales (como el AMS), sus principales actividades

científicas - y las nuestras - son más "con los pies en la tierra", más "subterráneas" :) Estamos en tiempos difíciles para hacer planes, pero ¿hay algo que ya han planificado? [Paschalis]: Aprendimos esa lección de la manera más difícil, ya que tenemos que cancelar todos los conciertos programados de nuestra mini gira de primavera de 2020 en Suiza. Esperamos que nuestros 4 conciertos de otoño se lleven a cabo, pero hoy en día nunca se puede saber. Veamos qué pasa. Para terminar esta entrevista y agradeciéndoles el tiempo que nos han brindado, les dejo este espacio que para que ustedes le digan algo a nuestros lectores… [Stefanos]: En una pregunta anterior

me refería a Haneke Twins como un proyecto más que como una banda porque en 2018, Haneke Twins solo se veía como un proyecto de estudio. Esto ha cambiado en 2019 después de los comentarios muy positivos de varios medios independientes, y solo entonces comenzamos a pensar en montar una banda y comenzar a tocar nuestro material en vivo. Haneke Twins se convirtió en una banda solo después de que tres talentosos músicos (¡y científicos!) Se unieran a nosotros en la primavera de 2019. Nuestros compañeros de banda I. Koukovinis (guitarras), A. Kyritsis (bajo) y M. Schenk (batería) también han participado en la grabación del disco “Astronaut”. ¡Qué placer tenerlos con nosotros! Por último, pero no menos importante, un pequeño mensaje para sus lectores: muchas gracias por su apoyo, ¡esperamos verlos pronto en uno de nuestros próximos conciertos! Mientras tanto, ¡MANTÉNGASE SEGURO! Gracias Haneke Twins y Kool Things Promotion por el contacto.

[ Reseña de “Remission International – TOS2020” por Benjamín York ]

QUE LA FUERZA LOS ACOMPAÑE

ReMission International – TOS2020 Label: SPV Records Fecha de Lanzamiento: 28 de agosto de 2020

Hablar de una súper reunión de personalidades en una canción no es nada nuevo. Pero en cuarentena mundial ¿acordarse de quienes se encuentran en la primera línea de batalla contra el Covid 19? Tampoco es nuevo en estos meses, pero… “Wayne Hussey y sus amigos rehacen el himno clásico de The Mission “Tower Of Strength” en apoyo de los trabajadores clave que lidian con Covid-19 a nivel mundial. Las ganancias para las organizaciones benéficas han sido elegidas personalmente por cada contribuyente.”

Así reza la gacetilla de prensa que nos ha llegado con este seleccionado de músicos del ambiente que se encargan de aportar un granito de arena en este clásico de la banda liderada por Wayne Hussey. Pero el caso es que este lanzamiento tiene una particularidad, como cuenta el propio Wayne: “Cuando llegó el Covid-19, comencé a recibir mensajes que preguntaban '¿por qué no reeditan Tower Of Strength para los trabajadores de primera línea?' La canción aparentemente había sido adoptada como un himno por algunos trabajadores

del NHS (Servicio Nacional de Salud), y me hizo pensar que Me gustaría contribuir con algo a la causa mayor en este momento sin precedentes y lo único que realmente podría contribuir es la música. Así que, en conjunto con mi buen amigo Michael Ciravolo, se me ocurrió la idea de grabar una nueva versión de Tower Of Strength con fines benéficos solicitando la ayuda de amigos y conocidos músicos. El resultado de TOS2020 (Beholden To The Front Line Workers Of The World mix) es una versión increíble en donde podemos escuchar las intervenciones de todos los participantes. Y hablando de participantes no podemos dejar de mencionarlos, porque la lista es tremenda: Andy Rourke, Billy Duffy, Budgie, Evi Vine, Gary Numan, James Alexander Graham, Jay Aston, Julianne Regan, Kevin Haskins, Kirk Brandon, Lol Tolhurst, Martin Gore, Michael Aston, Michael Ciravolo, Midge Ure, Miles Hunt, Rachel Goswell, Richard Fortus, Robin Finck, Steve Clarke, Tim Palmer, Trentemøller. La publicación se completa con una versión single de la canción, de menos duración, (ya que la versión mencionada anteriormente dura 9.49) y dos remixes efectivos y que enmarcan el lanzamiento, ellos son TOS2020 (Trentemøller remix) y TOS2020 (Albie Mischenzingerzen remix). Y se espera el lanzamiento digital para el 28 de agosto y el CD el 2 de octubre.

[ Por Fernando Rivera RodrÃguez ]

INDIE SOUNDSCAPES HOY: BIG THIEF

En El Recuerdo de Mi Querido y Adorado Padre Reseña de “Big Thief: Cattails”

Hola mis amigos. Quiero hablar de dos eventos que ocurrieron el mismo día y fueron muy tristes y extraños para mí. En primer lugar, desafortunadamente, mi padre falleció el 11 de noviembre, el mismo día de mi cumpleaños y exactamente hace una semana. En segundo lugar tengo la necesidad de mostrar toda mi gratitud por sus amables saludos y señales de afecto por mi cumpleaños. Muchas gracias por pensar en mí y mostrarme todo su cariño. Como saben nunca hablo de mi vida privada y mi objetivo es escribir artículos de Música y compartirlos con todos ustedes. Pero esta vez creo que es importante mencionar la pérdida de mi papá porque era un gran ser humano y me siento bendecido de haber sido su hijo, siempre enseñándome a hacer lo correcto y ser honesto. Ahora está en el cielo junto a Dios y es muy gratificante porque él nos está cuidando a mi familia y a mí. También es importante decir que él murió en la misma fecha de mi nacimiento. Algunos amigos me dicen que significa que mi padre quería agradecerme, darme un homenaje o simplemente amor. En honor a mi padre quiero dedicarle una increíble y hermosa canción que me gusta mucho y a él también le gustaba. Este tema es "Cattails" de BIG THIEF extraído de su álbum y obra maestra "U.F.O.F." (2019 4AD RECORDS) con excelentes críticas de la prensa especializada y fanáticos. Este álbum es un serio candidato a ser uno de los mejores discos del año. He elegido "Cattails" porque es una canción llena de paz, nostálgica y alegre que representa el ambiente perfecto para este difícil momento y que de alguna manera crea un clima relajante y suaviza el dolor. De otro lado es la mejor canción del álbum mostrando fantásticos arreglos llenos de detalles sonoros y un aura asombrosa. De seguro es una de mis canciones favoritas de este año y la recomiendo mucho. El tercer álbum de BIG THIEF es el primero en ser lanzado por el mítico sello discográfico 4AD RECORDS. La banda proviene de Brooklyn, Nueva York y los miembros son ADRIANNE LENKER (voces

y guitarras), BUCK MEEK (guitarras y coros), MAX OLEARTCHIK (bajo) y JAMES KRIVCHENIA (batería). Todas las canciones de este magnífico álbum son geniales por sí mismas y nombraré algunas como la genial "Contact" que abre el disco..."U.F.O.F", la canción que da nombre al álbum, "Orange", "Century", "Strange", "Betsy", "Terminal Paradise", "Jenni", etc. Son himnos pastorales envueltos en una exquisita atmósfera Psicodélica y Folk elaborados con una alta sensibilidad en donde podemos apreciar la maravillosa y delicada voz y los susurros de ADRIANNE LENKER, la frontwoman y compositora. Me recuerdan los mejores primeros años de R.E.M. (I.R.S. RECORDS), 10,000 MANIACS, MAZZY STAR, JUDY COLLINS, FLEET FOXES, JONI MITCHELL, ANGEL OLSEN, KRAMIES, THE TALLEST MAN ON EARTH, COWBOY JUNKIES, BON IVER, etc. Una noticia sorprendente es que BIG THIEF ha grabado un cuarto álbum este año titulado "Two Hands" (2019 - 4AD RECORDS) y es tan bueno como "U.F.O.F". ¡¡¡Muchasgraciasamigosporsussaludosysusgrandessentimientos!!!

[ Entrevista a Brandon Pybus de Sonsombre por Diego Centuriรณn. ]

ยกMANTร N EN ALTO ESA BANDERA DEL REVIVAL Y SIGUE EMPUJANDO LA ESCENA!

Si hay una banda que represente la nueva ola del gothic rock, sin lugar a dudas es la banda que lidera Brandon Pybus, Sonsombre. Desde el 2018 irrumpe con su primer álbum "A Funeral For The Sun" y en dos años lanza "The Veils Of Ending" (2019) y "One Thousand Graves" (2020). Hace tiempo que queremos tener a esta banda tan prolífica e interesante en la revista y ha llegado el momento de entrevistar a su cerebro, Brandon.

¡Hola Brandon! Gracias por aceptar realizar esta entrevista, es un honor para nosotros tenerte en nuestras páginas. Para empezar con las preguntas, ¿Dónde te sorprendió esta pandemia? Primero que nada, ¡gracias por esta oportunidad de hablar con sus lectores! Sí, la pandemia ha sido terrible para todos en todo el mundo. Como muchas bandas, perdimos muchos conciertos este año debido a eso. Teníamos una gira europea programada para junio y varios festivales aquí en Estados Unidos. Hemos sido muy afortunados de poder llegar a las personas con transmisiones en vivo, lo cual nos encanta, pero definitivamente estamos ansiosos por volver al escenario cuando las circunstancias lo permitan.

nombraré aquí porque prefiero que se sostenga por sí solo musicalmente. Si la gente lo encuentra, quiero que les guste o no según sus propios méritos. Siempre he escuchado una amplia variedad de música oscura, y Goth Rock fue un amor constante para mí. Antes de entrar de lleno en Sonsombre, tuviste un proyecto paraleloelañopasadojuntoaMichael Louis de Chronic Twilight llamado “Shadow Assembly” y han lanzado un disco llamado “Ghostcrawl”. Cuéntanos acerca de este proyecto. Claro, Shadow Assembly fue idea de Michael. Es un compositor prolífico y quería hacer un proyecto realmente gótico ... Empezamos a compartir ideas y terminamos con Ghostcrawl. Estoy orgulloso de ese álbum. Tiene una vibra única. Actualmente está trabajando en un nuevo disco con ese proyecto. En este sentido, solo estoy haciendo voces en dos pistas, pero él tiene una alineación realmente impresionante de vocalistas que contribuyen al resto de las pistas. Estoy emocionado de que la gente escuche ese disco.

Te rastreé hasta Butchery, un proyecto de Death metal hace casi 30 años, ¿qué fue de tu música hasta llegar a Sonsombre? ¡Ah! Esta es una gran pregunta. La verdad es que nunca se detuvo realmente. Estuve en varias otras bandas a lo largo de los años, principalmente en la escena del black AhoraempezamosconSonsombre. metal. De hecho, todavía tengo un He leído que el nombre es un proyecto de black metal activo que no nombre formado por la unión de

dos palabras en francés. Cuéntanos ¿cuáles son esas palabras? y ¿cómo y cuándo nace la música de Sonsombre? Sí, de hecho ... Son dos palabras francesas Son Sombre que significan "sonido oscuro". Quería un nombre que me mantuviera en el camino. Imaginé a Sonsombre como una salida para todo el Goth Rock que escribiría a lo largo de los años y era importante para mí mantener la vibra oscura, como todo el arte que amo. Comencé a escribir las pistas que se convertirían en “A Funeral for the Sun” en 2016. Seguí escribiéndolas y grabándolas por mi cuenta mientras trabajaba en otros proyectos y cuando sentí que estaba hecho, lo lancé por capricho. Honestamente, nunca tuve la intención de lanzar ese disco hasta el último minuto. Simplemente no pensé que nadie respondería a ese sonido. Sin embargo, me alegro de haber cambiado de opinión. Ha sido un gran viaje desde entonces. Retomas el sonido gothic rock de las bandas de los años 90’s como Nosferatu, The Wake, Rosetta Stone o Suspiria, entre muchas otras bandas. He leído que una de la idea principal de Sonsombre era rescatar el sonido de la guitarra. ¿Qué nos puedes contar acerca de eso? ¡Absolutamente! Mi primera introducción a Goth fue a través de bandas como Christian Death, Nosferatu, The Wake, Suspiria, Fields of the Nephilim, etc. A medida que los 90 se desvanecían y los 2000 avanzaban, Goth estaba cambiando y extrañaba el sonido de esas bandas. Sé que todavía había bandas haciendo rock gótico con guitarras, pero la escena se alejó en gran medida de ese sonido. Solo quería hacer un disco como los

que disfrutaba en ese entonces... para recrear la sensación que tenía cuando escuché “Rise” o “Masked”, por ejemplo. No me malinterpretes, no tengo nada en contra de la música impulsada por sintetizadores, pero como guitarrista me encanta la ventaja que aporta una guitarra. Para mí, las canciones son más fuertes, son más dinámicas y generan más emoción cuando tienen guitarra, por lo que es muy importante para mí mantener ese sentimiento en Goth Rock en el futuro. Tres álbumes en dos años es un número importante y marca una prolífica manera de escribir tuya, ¿has escrito las canciones en estos tres años o tienes una reserva de canciones archivadas? Tengo muchas canciones grabadas, pero todas son canciones que rechacé en el camino de su inclusión en los álbumes. Escribo constantemente. Es algo que siempre he hecho. No lo considero trabajo. Es mi salida. Definitivamente paso por períodos en los que quizás soy más creativo que otros, pero la escritura nunca se detiene. Si las canciones están ahí y listas para su lanzamiento, ¿por qué esperar? Como fanático de la música, me encantan los álbumes nuevos, así que quiero que Sonsombre haga todo lo posible para mantener la música fresca para los oyentes. ¿Hoy cómo escuchas el primer disco "A Funeral For The Sun"? ¿Le encuentras errores de producción o cambiarías algunas cosas? Oh, absolutamente lo hago. He aprendido bastante a lo largo del camino y siento que realmente he encontrado mi voz. Todavía estoy muy satisfecho con ese álbum por lo que fue, pero veo una progresión entre

cada álbum. Mirando hacia atrás, me gustaría tener la oportunidad de volver a masterizar ese disco (tal vez para un lanzamiento de vinilo) para hacerlo un poco más fuerte. Si alguna vez tengo la oportunidad, me encantaría hacerlo.

como vocalista y sentí mucha más emoción en ese álbum. La producción es más grande y audaz y golpea más fuerte, y creo que la escritura es un poco más coherente ya que se hizo en un período de tiempo más corto.

"The Veils Of Ending" es un gran álbum ¿qué diferencias encuentras entre el primero y el segundo álbum? Creo que Veils es donde encontré mi voz, tanto como vocalista como en la música. El sonido Sonsombre comenzó a cobrar vida. Me volví más confiado

He leído una entrevista de este año en dónde decías que querías tocar lo máximo que se pueda, pero apareció el Covid-19. ¿Cómo afectó a la promoción del álbum “One Thousand Graves”? Definitivamente teníamos planeados

muchos shows que fueron cancelados, pero lo interesante del mundo en el que vivimos ahora es que no creo que los shows jueguen un papel tan importante en la promoción como solían hacerlo. Irónicamente, hemos crecido enormemente durante la pandemia entre las redes sociales, los videos y la transmisión en vivo. Creo que tuvimos que redirigir nuestras energías hacia la creación de contenido para mantener a la gente interesada y curiosa sobre lo que estábamos haciendo.

En el último álbum hay un sonido mucho más producido o al menos mejor realizado, ¿Tú crees lo mismo? Sí estoy de acuerdo. Hago toda la grabación, mezcla y masterización, y estoy aprendiendo mucho a medida que avanzo. Creo que el oyente merece calidad, así que pongo todo lo que puedo para conseguir la mejor producción posible. Con suerte, la próxima grabación será aún mejor en el frente de la producción.

Dinos tres palabras que te vengan a la mente con cada uno de los ¿Cómo ves hoy la escena del gothic rock actual? álbumes de Sonsombre. "A Funeral For The Sun": Búsqueda. De hecho, estoy muy emocionado de ver lo que está sucediendo. Hay Solitario. Anacronismo. "The Veils Of Ending": Poder. un entusiasmo generalizado en toda Negro. Brumoso. "One Thousand Graves": Naciente. Vuelo. Aislamiento. En una entrevista has dicho “Tocar en vivo es sinceramente una de mis cosas favoritas para hacer en la vida”, ¿Cómo te sientes en estos meses sin esa posibilidad? Sigue siendo cierto. La energía que obtengo al tocar en vivo no se puede reproducir de ninguna otra manera. Me encanta todo el proceso. Me encanta conocer gente nueva, conocer lugares nuevos y la sensación de que se apagan las luces y suena la primera guitarra. ¡Lo extraño muchísimo! No podemos esperar a que esta pandemia termine y vuelva a salir.

la escena. Sin embargo, lo que más me emociona es el Renacimiento en el rock gótico impulsado por la guitarra con una sensibilidad gótica clásica. El número de bandas está creciendo y la gente en la escena parece estar respondiendo genuinamente. Tuvimos la suerte de venir en este momento y ser parte de todo.

¿En qué cambió para la banda firmar con Cleopatra Records? Estaba llegando al punto de partida para mí. Las bandas de Cleopatra en los 90 me metieron en el gótico y, sinceramente, es el hogar donde siempre he querido estar con este proyecto. Hemos sido muy afortunados de trabajar con discos Post Gothic (y todavía lo hacemos), pero las plataformas de Cleopatra nos han ayudado a crecer enormemente, y estamos agradecidos de que hayan creído en nosotros lo suficiente como para incorporarnos. También diría que es maravilloso ver a Cleopatra como una etiqueta que vuelve a sus raíces. Estoy seguro de que te habrás dado cuenta de que realmente han intensificado sus lanzamientos góticos últimamente. ¡Es una gran cosa!

Si no hubiera existido la pandemia enero no quedaría tan lejano en el tiempo, en esta cuarentena, ¿ya tienes escrita más canciones? Oh, sí definitivamente. El cuarto álbum está casi completo… jaja. En honor a lo que está sucediendo en la escena, se llamará "Revival". Hasta ahora puedo decirles que tendrá el mejor sonido hasta la fecha. Una vez más, hay una progresión en la escritura y la producción para mi oído. Ciertamente esperamos que los oyentes y fans ¿Qué piensas de los streaming live que inundan las redes? estén de acuerdo.

Honestamente me gusta. Veo tantos como puedo (y sí, hay más de los que nadie podría seguir). Creo que es una gran oportunidad para que las bandas interactúen con los oyentes y los fans, y apuesto a que no desaparecerá una vez que pase la pandemia. Como artista, este formato solo te permite llegar a personas a las que de otro modo no podrías llegar. Definitivamente no reemplaza los shows en vivo de ninguna manera, pero es una buena capa extra de interacción. Para finalizar esta entrevista y agradeciéndote el tiempo que nos has brindado. ¿Tú qué le dirías a nuestros lectores? Si eres fan de Sonsombre, ¡muchas gracias por tu apoyo! Realmente apreciamos la devoción y el entusiasmo. Si no es así, escúchanos. Estoy seguro de que no somos para todos, pero nos encantaría tener la oportunidad de mostrarte de qué se trata. Esperamos verlos a todos tan pronto como podamos. ¡Mantén en alto esa bandera del revival y sigue empujando la escena! Mantente gótico ¡Gracias Brandon!

[ Reseña de "Almanaques – Despedida” por Benjamín York ]

AROMAS DE PRIMAVERA

Almanaques – Despedida Label: Fuego Amigo Discos Fecha de Lanzamiento: 06 de Julio de 2020

Almanaques es una banda formada en el 2018 por Lucas Quinteiro: voz, guitarra y teclado; Juan Olima: guitarra; Agustín Jaluf: bajo y Agustina Tessi: batería. Después de su homónimo álbum debut lanzado en el 2019, nos traen este nuevo EP “Despedida” de cuatro dulces canciones florecidas en medio de una pandemia y una cuarentena eterna, que nos llena de alivio a las almas cansadas de tanto encierro. Uno puede olvidarse de los problemas que se encuentran fuera de las paredes del hogar y dejarse llevar por la corriente de un río cristalino y refrescante. Dreampop brumoso que encierra cuatro gemas llamadas canciones, "El Bosque", "Noche", "Sintiendo nada" y "Despedida", cuatro viajes con delicadeza azucarada, dándonos una frescura que huele a campo con rocío. Voces que se pierden en la instrumentación, a lo My Bloody Valentine sin llegar al shoegaze. Y en otros momentos podemos acercarnos al space rock de Spiritualized, pero siempre manteniendo una línea de tranquilidad medicinal. Almanaques nos ofrece una experiencia distinta al indie argentino, “Despedida” es la banda sonora ideal para estos momentos de caos, un oasis ante tanto dolor, stress e incertidumbre. Un remanso en donde olemos aromas de primavera, aunque estemos en invierno. Pueden descargar este EP en: http://www.fuegoamigodiscos.com.ar/artistaalmanaques.html

www.mutanteradio.com

www.indiego.com.ar

[ Entrevista a David Martin de I Like Trains por Diego Centurión. Fotografías: Ben Bentley. ]

I LIKE TRAINS EN OVERDRIVE: NUEVA FASE, NUEVO LP

A semanas del lanzamiento de un Nuevo álbum llamado “Kompromat”, anunciado para el 21 de agosto, quisimos acercarnos a esta banda post-punk de Leeds para conocerlos más de cerca. Nacidos en el 2004 llevan lanzados cuatro álbumes, “Elegies to Lessons Learnt” (2007), “He Who Saw The Deep” (2010), “The Shallows” (2012) y el soundtrack “A Divorce Before Marriage” (2016) y varios EPs. La banda está formada por David Martin (guitarra y voz), Alistair Bowis (bajo), Guy Bannister (guitarra y sintetizador), Simon Fogal (batería) e Ian Jarrold (guitarra). Y después de los tres primeros singles que adelantan el nuevo álbum, "A Steady Hand", "Dig In" y "The Truth", nos hemos puesto en contacto para hablar de su música.

¡Hola David! Antes de empezar con las preguntas quiero agradecerles el espacio que nos facilitan para que podamos conocerlos, más allá de la música. Para empezar, y pensando en este preciso momento que nos toca vivir, ¿Cómo y dónde los encontró esta pandemia? Estoy en casa con mi familia en Leeds. Tratando de mantener a mis hijos educados y entretenidos mientras también trabajaban y promocionaban nuestro álbum. ¡Todos estamos en forma y saludables y seguimos siendo amigos la mayor parte del tiempo!

algunos gobiernos al lidiar con él, y la especulación y la corrupción que se está revelando. Todo lo contrario de las acciones desinteresadas que la gente de Eyam tomó durante la plaga para aislarse.

¿Cambióenalgolapost-producción o en la estrategia de “Kompromat” a causa del Covid-19? Supongo que la diferencia clave es que saldríamos a tocar en directo. Hicimos una entrevista en vivo el día que deberíamos haber estado tocando en Leeds. Ese enfoque se ha vuelto más popular durante este tiempo. Me preocupaba que el tema fuera demasiado pesado en este punto, pero Pensaba en la canción "We All la gente parece disfrutarlo. Fall Down" de su primer álbum “Elegies to Lessons Learnt” (2007), Escuchando sus producciones ¿han pensado en escribir sobre el anteriores todos los álbumes tienen Covid-19? una historia que contar, háblanos Algunas personas mencionaron un poco acerca del trabajo de "We All Fall Down" cuando comenzó investigación que realizan para la pandemia. No descartaría una escribir las canciones. canción sobre Covid-19, supongo, Encuentro que necesito leer e aunque sospecho que se concentraría investigar mucho para que vengan en la terrible respuesta que tuvieron las letras. Por lo general, una canción

conducirá a otra de forma bastante natural de esta manera. Durante mi investigación, se mencionará otra historia o tema y tomaré una nota para volver a él. Hay ciertas canciones que cuentan la misma historia desde un punto de vista diferente. "Spencer Perceval" y su cara b "I Am Murdered", por ejemplo. ¡La verdad nunca es simple! Siempre las canciones hablaron de personajes, pero en ‘He Who Saw The Deep’ (2010) hablas del cambio climático y en este álbum cambias por la manipulación de datos personales. ¿Qué fue lo que inspiró este nuevo enfoque? Inclusoaltratarconestostemas,tiendo a asumir roles de personajes. “He Who Saw The Deep” tomó su nombre de un poema épico mesopotámico, y se hace referencia a varios personajes en las canciones. En KOMPROMAT creo que generalmente interpreto a los villanos. Políticos y asesores gubernamentales

especiales que mueven los hilos y manipulan la narrativa. Yo creo que en este momento los datos personales de cada uno de nosotros vertidos en las redes están siendo más manipulados que nunca, será la causa esta pandemia y esta cuarentena mundial, pero siento que en cierta forma estamos más esclavizados por los monopolios, ya sea utilizando redes sociales o plataformas para la comunicación o con el home office. ¿Qué piensas al respecto? Creo que tienes toda la razón. Es difícil saber cómo nos liberamos de eso en este momento. Creo que la democracia misma está amenazada como resultado. Supongo que tratamos de estar atentos. Llame a las personas y las empresas que deben llamar. Trate de no gastar nuestro dinero con esas empresas y vote con los ojos abiertos. Ustedes tienen su propio sello

discográfico (IRL), pero acaban de firmar con Atlantic Curve. ¿Qué motivó este nuevo camino? ¿Y en qué situación se encuentra IRL? La auto-liberación simplemente se convirtió en demasiado trabajo. Tenemos familias y trabajos que ocupan mucho tiempo, así que era el momento adecuado para buscar un sello que llevara este disco al mundo. Es bueno tener un equipo a nuestro alrededor. Absolutamente no hay planes en este momento para hacer algo con ILR, pero eso puede cambiar en el futuro. ¡Todos sueñan con tener su propia etiqueta! La mayoría de la gente no se da cuenta de lo duro que es. Ya hablando de “Kompromat”, los tres singles que han liberado, tiene un sonido mucho más duro que todo lo anterior que han grabado, parecen más enojados. ¿Qué diferencia encuentras en el nuevo álbum con respecto a sus anteriores trabajos? Siento que hay mucho por lo que estar enojado. La situación política global

es peor que nunca en mi vida. Fue un proceso catártico hacer este álbum. Puedo gritarles a todos los lagartos que están poniendo el poder y el dinero por encima de la vida humana. Hablando de los nuevos singles adelanto, cuéntanos ¿qué podemos esperar del nuevo álbum desde lo estrictamente sonoro? Todo está bastante oscuro. Creo que las influencias se han ampliado. Me gustó mucho que el álbum no sonara educado. Entonces hay un poco de ruido abrasivo.

que para este álbum han vuelto a escuchar las bandas que los instó a formar la banda… ¿Es un nuevo volver a empezar? Es verdad. Nos tomó mucho tiempo escribir el álbum, y nos pareció importante reevaluar por qué formamos una banda en primer lugar, y para hacer eso necesitábamos encontrar el material original. Siento que lo tomamos y corrimos en una dirección completamente diferente. Se supone que estar en una banda es divertido. Creo que lo encontramos en el ruido y el caos.

Para terminar y agradeciéndote Gracias “I Like Trains” y gracias esta oportunidad, esperando el Shameless Promotion PR por lanzamiento del álbum, he leído acercarnos tan buenas bandas.

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[ Por Flavio Gabriel Aza. ]

ESPACIO

“Una Nueva Sensación” es el séptimo trabajo de estudio como solista de Leo Felipelli, artista oriundo de Parque Patricios, ahora instalado en Berazategui. En esta nueva placa el autor nos regala seis canciones diversas en las que explora texturas que van desde sintetizadores y secuencias digitales hasta otros instrumentos más tradicionales. Este flamante trabajo ilustra paisajes sonoros de ensueño, nos expone a beats que hipnotizan y lleva impregnado la frescura de la canción pop como sello. En Mayo (años parecen haber pasado desde ese entonces…) Leo me contó acerca del boceto de esta producción, que está compuesta por algunas canciones que datan del años anteriores y algunas otras que surgieron en este año. En aquel momento pensaba que lanzaría la mitad de las piezas que finalmente integrarían “Una nueva Sensación”, pero ya elucubraba proponer un diálogo fluido entre él y su audiencia. Es que Leo tiene cosas para decirnos ahora, en estos tiempos distópicos. “Cuando empecé a tocar instrumentos, el acceso a data de estudio era realmente muy acotado. No había YouTube, no había libros en PDF y lo cierto es que hoy existe un verdadero océano digital a disposición” me cuenta al momento de analizar la incidencia de las tecnologías de la comunicación y la información en la vida actual. Advierte en esa misma conversación acerca de la brecha digital que excluye a una gran parte de la población del acceso a los diversos contenidos que existen en la red. “Por otro lado, supongo que acordamos en ver imposible el reemplazo del contacto cara a cara, aunque la pandemia nos invite a desafiar momentáneamente esta premisa” me dice Leo. Yo pienso en la letra de su tema “Junio”, escrito hace más de un año y totalmente premonitorio en cada una de las frases que componen la lírica. De principio a fin nos vemos inmersxs, durante la escucha atenta, a un viaje que merece ser digerido de tal manera: paso a paso, canción a canción, sin alterar su orden. El cantautor nos desafía a cuestionar lo evidente, a salir de la zona de confort en los momentos más tranquilos, a no perder la ilusión de volver a juntarnos. Recomendación: al disponerse a disfrutar de “Una Nueva Sensación”, hacerlo en un lugar cómodo, sin interrupciones, con auriculares o buenos parlantes y de ser posible, a oscuras. En fin, entregarse a la escucha durante esos minutos que dura el álbum representa ceros y unos traducidos en un abrazo, una sonrisa frente al resplandor

de los aparatos que nos permiten apreciar cada melodĂa, una incursiĂłn hacia nuevas sensaciones. Un convite suculento.

LONZE: EL DISCO QUE ANTICIPÃ&#x201C; LA PANDEMIA Y EL 2020

¿Cuántas veces el oficio de escritorx de unx artista nos permite pensar que nos habla directamente a nosotrxs al cantar? Al percibir cierto mensaje, el sentimiento de que esa estrofa, esa frase o esas palabras significan otra cosa nos cautiva. El contenido cambia absolutamente y ya no es el que, quizás, era originalmente. Esta capacidad a la hora de escribir canciones hace que algunxs autorxs logren entablar un verdadero diálogo con un público variado, heterogéneo, diverso y de esa forma calar más hondo en el imaginario colectivo. Desde ya, podría ser categórico y afirmar que el suceso artístico se completa con la recepción por parte de unx oyente, por ende siempre encierra múltiples interpretaciones tan válidas la una como la otra. Hay obras que a varios años de su lanzamiento se mantienen actuales, otras que permiten un análisis tan amplio que se ajustan a varios contextos, y en algunos casos producciones que parecen surgidas de la mismísima clarividencia. Sin lugar a dudas, un ejemplo de lo que digo es el último trabajo de larga duración de los Talles Espaciales, "Lonze". Lanzado en el 2019, hoy se presenta premonitorio, con aires tan apocalípticos como reales y una postura desfachatada frente a lo que está por llegar.

La portada luce un cielo violeta, con un mausoleo que se asoma y nos sitúa en el cementerio de la Recoleta, mostrado desde la estética glitch art, Lonze ya nos sitúa dentro de un imaginario concreto. "Este proyecto no va a ninguna parte” manifiesta la primera frase del álbum. Lo que en su momento podría haber servido como síntesis de lo que fueron los años macristas, ahora cobra un nuevo significado en pleno desarrollo del aislamiento social. Decadencia, alejamientos y murciélagos son solamente algunos de los rasgos distintivos del disco, que son tratados con los ojos propios de quien vio venir de antemano el 2020. Los Talles Espaciales también nos proponen contextos de clandestinidad, unión barrial, estrategias de supervivencia y mucho más en Lonze. “El vino se calienta mientras pienso en los pormenores de una nueva ciudad” es una de las frases del último track del disco que resuenan aún en mi cabeza, como grageas de las angustias cotidianas de quien les escribe, y es presumible que también de muchxs más. Entonces, queridxs lectores, ahorremos las palabras y vamos a entregarnos a la escucha del disco, que está alojado en todos los medios de streaming y disponible en formato cassette, a ver si encontramos perdido entre las guitarras distorsionadas, por ahí sonando algún eco de un tiempo futuro.

[ Entrevista a Mark Gardener por Diego Centurión. Fotografías: Julian Hayr, Steve Gullick y Matt Draper. ]

MARK GARDENER NOS LLEVA A DAR UN PASEO Y MÁS ALLÁ

Un siempre activo Mark Gardener nos dio la posibilidad de hacerle llegar unas preguntas con el motivo del nuevo single que acaba de lanzar, “Chained” en colaboración con 2Square, también conocido como Stephan Haeri de Telepopmusik de Francia. Pero su carrera conocida con su banda Ride y sus innumerables colaboraciones nos da el paso a estas preguntas…

¡Hola Mark! Gracias por darnos esta posibilidad de hacerte estas preguntas. Es un placer para nosotros tenerte en nuestra revista. Para empezar me gustaría que nos cuentes ¿en dónde te ha encontrado esta pandemia? La pandemia me ha encontrado entre mi casa y mi estudio en Oxfordshire. Estoy principalmente en mi estudio y he podido continuar trabajando, ya que gran parte del trabajo me están enviando archivos para mezclar y producir sin la gente. De hecho, he estado más ocupado en mi vida durante los últimos 3 meses. ¡Trabajando locamente largas horas desde la mañana hasta las primeras horas de la mañana siguiente! Sin embargo, todo está bien, ya que todo es música y me encanta estar en mi estudio. A veces también he estado visitando una antigua carretera elevada cerca del estudio llamada TheRidgeway. Es hermoso y tiene vistas panorámicas de Oxfordshire y es un gran lugar para descansar y aclarar mi mente y pensar un poco. Retrocediendo en el tiempo y mirándote tú mismo en ese comienzo con RIDE allá en los años 80's y esos sueños dentro de la

música, ese futuro soñado. Parafraseando una canción de ese proyecto "The Animalhouse" y precisamente del álbum "Ready To Receive". ¿Qué pasó con el futuro? What Happened To The Future? ¡El futuro no está escrito! Mi sueño era estar en la música. Mi sueño era construir un estudio como el que ahora he construido y en el que trabajo. Ese sueño de construir un espacio de estudio en el que pudiera trabajar me tomó mucho tiempo lograrlo, pero al final lo logré. Ser músico profesional pasó muy rápido con Ride. También quería viajar mucho y ver el mundo como personas, lugares, culturas e idiomas diferentes que realmente me interesan. Imposible no preguntarte por RIDE. ¿Hay novedades? No mucho por el momento. Terminamos la gira mundial en febrero justo antes de que comenzara la pandemia. Nos hemos tomado un tiempo para descansar y recuperarnos de eso. Necesitaba este tiempo para trabajar en mi estudio y terminar la construcción del estudio con una extensión y obtener un montón de trabajo musical nuevo. Como muchas bandas en este momento, ¿será difícil para Ride sobrevivir sin shows en vivo? Spotify y los servicios de transmisión son terribles para

las bandas y la supervivencia. Ese modelo tiene que cambiar, ya que ahora es muy difícil para las bandas obtener ingresos para seguir adelante y desarrollar sus talentos. Más bandas deberían usar Bandcamp y si la gente quiere que sus bandas favoritas continúen, deberían apoyarlas en plataformas como Bandcamp, ya que algunos ingresos van a parar a los artistas.

colaboraciones, has trabajado con muchos artistas y en músicas muy distintas, por sólo nombrar algunas con Robin Guthrie, Ulrich Schnauss o Goldrush, hasta The Brian Jonestown Massacre o el Surfin Chaos de Iguana Lovers, sin olvidarnos de Pure Phase Ensemble. ¿Qué es lo que buscas a la hora de elegir una colaboración? La mayoría de las veces estas personas me Tu nueva colaboración es el motivo piden que colabore. Disfruto trabajando con de esta entrevista, pero hablando de diferentes artistas. Me mantiene fresco y me

gusta el desafío de crear algo interesante y único con la gente. Ahora entrando en el single “Chained”. He leído que fueron unas semanas de intenso trabajo en Paris junto a Stephan Haeri. Cuéntanos ¿cómo y cuándo nace esta colaboración? Teníamos una amiga DJ en común en París llamada Melanie Bauer. Ella me conectó con Stephan. Pasé una semana en el estudio de Stephan en París y se crearon tres pistas. Lanzaré las otras pistas pronto.

Cuéntanos acerca de la letra que leí que refleja un tiempo específico de tu vida. Sí, fue un tiempo en Oxford después de que Ride se estrellara y antes de que me mudara a las tierras salvajes de Francia durante cuatro años. Mi casa y mi vida se habían convertido en un club nocturno y una fiesta sin parar. No había lidiado con la caída de haber estado en una banda exitosa y luego se estrelló y luego no hubo nada. Me gustaba la fiesta, pero todo se me estaba yendo de las manos. Escaparme a las tierras salvajes de Francia fue un buen paso para mí después de ese tiempo.

Hace unos días ha salido el video de “Chained”. Cuéntanos acerca de eso. Shauna McLarnon me puso en contacto con Dariy Karyakin y me adelantó una idea de video que fue perfecta para la canción. Volvió a grabar ese video y agregó los demonios sombríos y fue perfecto. Odio y tengo problemas con muchos videos, pero cuando funcionan, realmente funcionan y creo que esto funcionó muy bien. Me gustaría trabajar más con Dariy tal vez para los próximos lanzamientos de estas canciones con Stephan. Has dicho que esta es una de las colaboraciones que has hecho que más te gusta. Cuéntanos sobre esa sensación. Si lo amo. Es atemporal y realmente interesante. Me encantan todos los sonidos, la pausa de la batería y la sensación de piano de jazz. Encaja con la forma en que me

gustaría trabajar con los sonidos y este tipo de elementos para futuros trabajos en solitario y en colaboración. Stephan llevó mi voz a un tipo de sensación y lugar diferente y me encantó trabajar con Stephan y me encanta París. París es una ciudad muy inspiradora y creativa para mí. Sé que hay dos canciones más de esa colaboración. ¿Cuándo la piensan liberar? Pronto creo!?!?! La cuarentena ha detenido el curso de las cosas en el tiempo real, aunque no en el virtual, ¿Estás trabajando en algo nuevo? Acabo de trabajar con un par de artistas que firmaron con el sello Alan Mcgees Creation 23: Charlie Clark y Christian Pattemore. Mastericé el álbum de Charlies y he remezclado y producido un sencillo para

Christian. Alan todavía está encontrando nuevos artistas y música increíbles, y ha sido genial volver a trabajar con Alan. También estoy empezando a trabajar en un álbum en solitario. También he estado trabajando con otros artistas en el estudio... Leani Kaleido, Magic Seas. También estoy a punto de mezclar un álbum para una banda australiana llamado 'Shiva And The Hazards' y también recientemente mastericé un sencillo fantástico para un banda de Glasgow llamada 'Kundalini Genie'. The Kundalini Genie y su mezclador / productor Jason Shaw vendrán al estudio en septiembre y todos trabajaremos más juntos... También he estado produciendo algunos podcasts con astronautas y gente realmente interesante, así que sí, ¡he estado ocupado! !! Sé que has estado en Argentina y en Chile hace varios años. ¿Algún día te volveremos a ver por estos lados? Ciertamente lo espero. Realmente disfruté de mis visitas a América del Sur. Espero volver. Estaba bastante enfermo la última vez que estuve en Argentina, así que me gustaría volver a Argentina y estar bien y tocar más música. Conocí a mucha gente maravillosa la última vez que estuve en Argentina. Para terminar esta entrevista y agradeciéndote el tiempo brindado. Me gustaría que nos digas lo que tú quieras. Mantente a salvo… Gracias por el apoyo y espero verte pronto de nuevo. ¡Gracias Mark fue un placer y un honor poder hacerte estas preguntas! ¡De nada!

DE TIEMPO Y LETRA Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor. Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre. Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura. Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina. Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento. No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación. Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre. Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura. Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

Un nuevo número, una nueva merecida pausa de Tiempo y Letra, que hoy nos obsequia en primer lugar, la preciada oportunidad de contar con la íntima voz de una reconocida poeta, de Un nuevo número,enuna merecida pausa de oficio, que demuestra cadanueva uno de sus versos una total enTiempo y Letra, que hoy nos obsequia en primer trega y respeto al acto de la escritura poética. Porque ser poelugar, la preciada oportunidad de contar con número la íntima ta “De conlleva tiempo una y gran letra”, responsabilidad regresa en y este Mariel nuevo Monente lo convoz de una de oficio, del diseñador y reconocida escritor Jeske, un enfirma en estos dos poemas Maximilian que poeta, aquí comparte y con en que todos sus demuestra en cada uno yde sus unalatotal sayo quecon presenta un original pintutrabajos, su estilo profundo arecorrido su vezversos tan entre estético, cuando y respeto al actomuelle, lamientras escritura poética. ra yentrega la el fotografía en relación adelos símbolos poder, desde nacer construye cierto unde cetáceo coPorqueen serexclusiva poeta conlleva una gran responsabilidad escrito paracon nuestro segmento. Ademásy mulga la noche.

¿Qué nos trae este número?

Mariel Monente lo participa confirma con en estos dossus poemas que y por tercera vez, uno de personaaquí comparte y enaunque todos trabajos, conelsu estilo les textos, emanando tensión y sentencia, Y en segundo lugar, nosus menos trascendente, elpoeta placer profundo suPonce. vez tan cuando desde el Álvaro Calderón Yestético, para cerrar, un poema de de conocer ay unaartista con todas las letras, a quien admiro pronacer construye cierto muelle, mientras un teatral cetáceo mi autoría, cual como empedernida opción. fundamente. Me proclama refiero al actor, escritor y director arcomulga con la comparte noche. Dos poemas Voces desde cierta gentinodiferentes Rolo Sosiuk.interpretando, Quien su visión acerca similar del teadel existir. tro y de lo perplejidad, que representalo enefímero su vida, como momento único e Y en segundo lugar, aunquenos no dice. menos inigualable. El teatro es oxígeno, Paratrascendente, después cerrar el placer de conocercitando a un artista con todas las letras, a Pasen lean. ayChéjov. quien admiro profundamente. Me refiero al actor, escritor y director argentino Rolo Sosiuk. Y como broche final,teatral en sintonía con el amor al teatro deQuien Sosiuk comparte visión del y de y los personalessu versos deacerca Monente, vateatro un poema de lo mi que autoría, representa endedicado su vida,a como momento único e mi máscara. inigualable. El teatro es oxígeno, nos dice. Para después cerrar citando a Chéjov. Y como broche final, en sintonía con el amor al teatro de Sosiuk y los personales versos de Monente, va un poema de mi autoría, dedicado a mi máscara.

MARIEL MONENTE

De dónde vengo Crecí en el Tigre, en un ambiente entre urbano y agreste, o sea, en un intervalo entre mareas. Una infancia con lecturas, patios rodeados de sauces, y el rumor lejano pero presente del río. Escribí desde pequeña, pero me aboqué del todo cuando dejé mi profesión; entonces recorrí talleres literarios y de clínica de obra (María del Carmen Colombo), tuve el privilegio de ser leída y escuché a maestros, pero soy geminianamente autodidacta así que leo, escucho, miro y recibo todo con agradecimiento. Cuerpo y escritura El momento de escribir, instante sin pasado ni futuro, puro presente en que se conjuga el cuerpo, la emoción, la palabra ¿qué lo detona? ¿qué silencio, qué lectura, qué sueño, qué voz que regresa de otro tiempo? Es un misterio, a veces lo recuerdo, a veces ni siquiera reconozco mi voz. Despierto a la madrugada, un conjunto de palabras que suenan como un eco, se arman como un verso, pienso ¿es un verso? Generalmente no sé a qué lugar me conducirán. Ese verso es como una primera remada, si el bote fluye con el ritmo del agua a favor, entonces los siguientes versos van cayendo uno detrás del otro hasta el final. No elijo las palabras, ellas me elijen, no es buscado, me busca. La voz de los otros Una de las actividades que mas disfruto es la difusión de escritores, esto conjuga mi pasión por la lectura y el placer que se desprende de la comunicación, ello motiva mi trabajo como prologuista, coordinadora de Ciclos literarios, Programas de Literatura en Vivo, Entrevistas, y Organización de Presentaciones de Libros (actualmente online), como así también el trabajo en los blogs. A pesar de que disfruto de difundir lo que me gusta, armar blogs, y todo lo referido a multimedia; cada tanto el agua me llama y necesito ese contacto con el paisaje, con la naturaleza, con el viento

Canta Canta un cetáceo bajo la mandíbula exquisita del orbe pulsa con su voz el lecho donde retoza la estrella de mar; los erizos desprenden sus espinas en un inesperado azul. En lo profundo siempre habrá, una fosa donde resguardar tanta oscuridad. Canta. No es lo que ves, la luna en el mar eclipsa su belleza. Un cetáceo comulga con la noche. Mientras nuestro ADN se desteje y vuelve al agua flota bajo su sonar.

El Muelle* “Haz que no muera sin volver a verte” Alejandra Pizarnik

Nunca acaba el silencio, callar ineludible contra el que levanto letra a letra el lugar donde esperar los barcos. Desde el nacer construyo este muelle de niña lo armaba con cañas y barro amasado bajo un parral. Los cimientos fueron de llanto vacío clavicordio sin aire colores estivales. El muelle crece sobre una playa que me ajena ya tiene grandes palos enterrados junto a una casuarina inclinada y mecida. He construido el muelle para esperarla para esperarme. Sobre la arena donde los pies se hunden crece el agua y rodea el contorno de los dedos. Pequeño mar la mirada del niño cuando interroga a los pies y a su rumor de agua. ¿Por qué he de morir adentro cuando el amor rompa los diques? Algunos pilotes son de savia de estambre de corola son más livianos que un colibrí ahora el muelle vuela. *Mención extraordinaria XXXI edición PREMIO MONDIALE DI POESÍA, Reggio Calabria, Italia.2015.

Un poco más sobre Mariel Monente: Nació en Argentina, el 5 de junio de 1961. Escribe poesía, cuento, teatro. Es gestora cultural. Correctora literaria y compiladora.

• (Rapsodia-Ensamble de Voces; Alejanías). Jurado de Preselección del Premio Municipal de Literatura “Manuel Mujica Laínez” 2009/2016. • Mención Extraordinaria Premio Mundial Nosside de Poesía (Italia), 2015. • Segundo Premio Paco Urondo 2017, Córdoba, Argentina. • Distinción Zona de Arte, por trayectoria literaria, Olivos 2017. • Pluma de Oro 2019, Abrazo de voces. • Segundo Premio en Poesía Hacia Ítaca, 2019. Coordina junto a Ramiro Silber: • Ciclo de lectura de autor y presentación de libros Con Todas Las Letras desde 2016. • El Planeta de los Monos, programa emitido por Facebook Live todos los días 19 hs de Argentina desde 1 de abril a la fecha (Lectura de poemas, narrativa breve y presentación virtual de libros). Y el Festival Internacional de Poesía de El Planeta de Los Monos 2020 (virtual). Obras publicadas: • Poesía: Donde Anido, Funda/mental Ediciones. 2011. Cordel, Lo que precipita, Sombra de cóndor y Sutura, Ediciones El Mono Armado. 2014. Acaso lo fugaz, Ediciones El Mono Armado, 2015. Casa Ciega, Ediciones El Mono Armado, 2016. Hay ojos en el agua, Ediciones El Mono Armado, 2020. • Además, ha sido publicada en numerosas antologías en Argentina, Portugal y España. Blogs: http://marielmonente.blogspot.com.ar/ Contacto: marielmonente@hotmail.com

ROLO SOSIUK

¿Qué nos cuentas sobre ti? Me llamo Rolando Sosiuk y mi nombre artístico es Rolo Sosiuk. Comencé a estudiar teatro, no de niño como quizás muchos colegas, sino casi a mis 20 años, después de haber participado casi por casualidad de un casting para un musical (Hechos de los Apóstoles), quedando para un rol que me había fascinado, ni mas ni menos que el Emperador Nerón (cabe destacar que antes había estudiado música y canto, o sea que estaba orientado a lo artístico). Luego de esta experiencia musical y teatral me di cuenta que para poder crecer, hacia falta formarse como actor y adquirir técnicas. Allí fui, dando mis primeros pasos con el profesor Gonzalo Villanueva de la Casona del Teatro. Varios años más tarde comencé a entrenar con una docente y actriz increíble: Cristina Banegas, con una técnica propia de ella (la técnica de URE). Estuve 6 años entrenando como actor con ella, hasta que llegué al estudio de Helena Tritek, una directora y autora teatral que me ayudó a descubrir y desarrollar mi esencia de actor desde el alma. Sigo entrenando con ella desde hace más de 9 años. En el medio de estos dos monstruos sagrados realicé talleres de dramaturgia, dirección, formación actoral, búsqueda de personajes; todo para poder armar mi corazón, mi alma y mi espíritu como actor, escritor y director Teatral. Creo que sin formación no hay posibilidad de entender el trabajo del actor. Es necesario seguir formándose mas allá de todo. En eso estoy, por cierto.

¿Por qué elegiste el teatro? Elegí el teatro como forma de vida, como forma de expresión, como forma de mostrar a la sociedad otra forma de pensar y de ver las cosas. El teatro cambia, sana, hace crecer. El teatro salva, ayuda y genera algo en tu interior. El teatro representa para mi un momento único e inigualable. Es ese saltar al público en cada función, y es hacer que el otro por un momento llore, ría, sea feliz, cambie. El teatro para mi es oxígeno, es luz, es paz, es todo lo que me hace feliz.

¿Qué texto te gustaría compartir de las obras que has interpretado? Es difícil elegir un texto. Para un actor, todos son bellos únicos inigualables. Elijo un autor, el último que, como actor, tuve la posibilidad de hacer en escena antes de esta pandemia: ANTÓN CHÉJOV.

“Dios mío no me permitas juzgar aquello que no comprendo o no conozco! ¡No me dejes siquiera hablar de eso! Estamos acostumbrados a vivir en la esperanza del buen tiempo, de una hermosa cosecha, de una agradable aventura, de llenarnos de riquezas o de ser nombrados jefes de algo. Pero la esperanza de hacernos más inteligentes, no la percibo entre los hombres. Nos decimos los unos a los otros que con este o aquel gobernante las cosas van a mejorar, y que en doscientos años las cosas van a estar mejores, pero nadie hace nada para que la mejoría llegue mañana. En resumen, la vida se hace cada día más complicada y se dirige vaya a saber a donde, mientras tanto los hombres se embrutecen y se alejan más y más de ella. Parecemos mendigos en una procesión.” Es un texto actual y es increíble lo que este autor nos dice en este 2020.

FRANCO DOGLIOLI

ALIENUM Soy persona al ser la mรกscara. Habito el mundo desde ella. Rostro dado a lo asumido expresable de mi caos. Caos es el otro. Y ese otro sale si la mรกscara lo aprueba. Soy el actor y sus papeles, de tragedia en comedia. Soy ese prรณjimo declinado, ajeno. Tras el telรณn a la espera, de otro estreno.

[ Reseña de "Soda Stereo - Canción Animal" por Alex Bretto. ]

TANGO ANIMAL BAILADO DE A TRES

Que Soda Stereo fue la última gran banda del rock argentino en influenciar a toda Latinoamérica no es ninguna novedad, y que para la mayoría “Canción Animal” es su obra más lograda, tampoco. Por eso vale la pena hacer un repaso de lo que aconteció en aquellos meses entre 1989 y 1991 en los que se gestó y finalmente editó un disco e inicio una gira que marcó la historia del rock en castellano.

Gustavo Cerati ya tenía varios demos guardados en un cassette que había grabado en la casa de su madre, y lo que faltaba era llevarlos al estudio y darles el formato final. Para lo cual ya estaba pensando en un cambio trascendental respecto a lo que había sido el álbum de 1988 “Doble Vida”, que había incluido mucho funk, toques de R&B, disco y hasta un poco de rap. Primaron allí las bases rítmicas y bailables, con una fuerte presencia afroamericana. Pero para “Canción Animal” el trío se retrotraería a un sonido netamente más rocker, con mucha guitarra eléctrica, batería más contundente y caracterizado por la influencia de bandas fundacionales del rock argentino de los años 70´s, como Pescado Rabioso, Aquelarre y Vox Dei. Resaltando estas diferencias, dijo Cerati: “Es el reflejo de que somos un grupo pop, pero absorbimos la cultura rock”. El lugar elegido para plasmar este nuevo desafío era Miami, y los productores serían los mismos Gustavo Cerati y Zeta Bosio.

“Canción Animal” (que por poco no fue titulado “Tensión e Integridad”). Esta tensión se vive desde la misma portada, donde 3 símbolos representan a los 3 músicos: los leones copulando a Cerati (la furia sexual), la veleta a Charly Alberti (la fuerza de la juventud), y el tensegrid a Zeta (el equilibrio en el conflicto). El diseño de tapa, dicen algunas versiones, fue un trabajo conjunto de Gustavo y su novia de 19 años Paola, que estudiaba Bellas Artes, aunque los créditos del disco señalan a Cerati y Bosio como autores. “(En) el séptimo día” abre el disco con la primera novedad: un tema que no respeta la tradicional métrica del tema pop en 4x4, rompiendo esquemas que para el rock en español eran casi estándares. La referencia obvia de la lírica es a la creación del universo y el dilema sobre si somos producto de esa explosión generada por una presencia divina, y cuál es el rol que desempeñamos ante ese supuesto creador. Pero Cerati dijo en su momento que el 7 hacía referencia a la métrica de 7x8, y lo de la creación vino después (como Descubrí “Canción Animal” el día que el trío sea, el “no descansaré” hace clara referencia lo presentó en el programa de Mario Pergolini al día en que Dios descansó). Gustav Dracko, en la radio Rock & Pop, y quedé fascinado: experto en Gustavo Cerati, afirma que el desde la primera oída supe que estaba ante el “beso en la pantalla del autocine sin gozar” mejor disco de Soda Stereo (al menos hasta hace referencia a la que por entonces era una ese momento). Lo cual no era de extrañar: relación secreta entre Cerati, de 29 años (en Soda Stereo era una banda que con cada una relación con Paola Antonucci), y Cecilia nueva producción se superaba a sí misma. Amenábar, una menor de solo 17 años, y la El álbum se lanzó el 7 de agosto de 1990. imposibilidad de mostrarse en público. Por su Eran 10 canciones muy directas y con letras potencia y su impacto, “(En) el séptimo día” que reflejaban contraposiciones, situaciones sería desde entonces la apertura ideal para difíciles, o crudas, o salvajes, y por eso fueron las presentaciones en vivo. colocadas bajo el paraguas de un título como La novia de Cerati en aquel momento,

Paola Antonucci, fue la inspiración para varios de los temas aquí presentes. Dijo la misma Antonucci: “Cada canción de este disco fue creada en casa, largas noches, largas charlas, mucha pasión”. Entre esas creaciones, está esa maravilla que es el segundo track “Un millón de años luz” y su emotivo riff de guitarra, que ya es épico y que Gustavo solía extender en las presentaciones en vivo, homenajeando al tema “Tempted” de Squeeze. Cuando describió la canción, el mismo Cerati hizo referencia a Paola: “Surgió de una cosa muy de amor con mi mujer, empecé a tocar algo en la sala que fuera hasta heroicamente emotivo, la armonía es como tan previsible, y al mismo tiempo decía ‘No Vuelvas’ y repetía eso como un mantra, y fue desembocando en el tema”. La otra persona que influyó notablemente a Cerati en esta producción fue Daniel Melero, con quien co-compuso las letras de los temas “Canción animal” y “Hombre al agua”. Según la percusionista Andrea Álvarez, Gustavo y Daniel estaban en un viaje propio: “Era como un apoyo místico”. Melero escribió la letra del tema que da nombre al disco a partir de una película porno llamada “Café Flesh” de 1982, a la que describió como “el ‘Blade Runner’ de la pornografía”. Lo que dice la letra es lo que dice un comediante de stand-up en el café donde se desarrolla la película, pero el estribillo fue un agregado de Gustavo. En cuanto a cómo trabajó la sociedad Cerati-

Melero en este tema y también en “Hombre al agua”, fue similar: Gustavo le dijo a Daniel: “este tema se tiene que llamar ‘Canción Animal’, así que en algún lado de la letra debe decir eso”. En “Hombre al agua” fue parecido, solo que además del título le pasó el concepto: el hombre cae al agua pero de un barco que ya está a la deriva, y el mar está revuelto, describiendo un verdadero caos. Se refiere a alguien que está muriendo poéticamente pero que está deslumbrado por las nuevas formas que crecen y “son tan atractivas”, y quiere dejarse llevar por esas olas. Cuenta Melero que previo a “Canción Animal” Cerati estuvo a punto de grabar un disco con Charly García y Pedro Aznar que se iba a llamar “Tango 3”, y él “lo salvó” de que hiciera eso. Ojalá no lo hubiera salvado, ya que hubiera sido por lo menos más que interesante escuchar un disco con esos tres monstruos:GarcíayAznarsacaríanfinalmente “Tango 4” un par de años después, mientras algunas canciones del nunca editado “Tango 3” terminarían en “Canción Animal”, donde quedaron algunos arreglos vocales de Pedro Aznar. Y la sociedad de Cerati con Melero se prolongaría hasta el proyecto que saldría a la luz en 1992 llamado “Colores Santos”. Como diría Martín Ciccioli, otro “Die Hard Fan” de Soda: “en aquel momento, la gente estaba más interesada en un nuevo disco de Soda Stereo, que en un disco de Cerati, García y Aznar”.

Cuando hablábamos del rock argentino más propio de los 70’s como referencia, estamos hablando de “Sueles dejarme solo”, el tema que cierra el lado A del álbum. Era la canción más pesada de Soda hasta el momento, con un fuerte y agresivo sonido hard rock elevado por un solo de guitarra en el que Gustavo solía quedar poseído cuando la interpretaba en vivo, llegando incluso a veces a romper la guitarra. Este era uno de los temas que iba a estar en “Tango 3” como producto de una zapada entre Aznar y Cerati. La furia que desencadena la letra es a partir de la desazón de un hombre rechazado por una mujer que lo enloquece, ya que nunca va a poder ser el superhombre que ella espera. Respecto al single que dio vuelo mundial al álbum, la rítmica y ganchera “De música ligera”, recuerda Andrea Álvarez: “A esa canción Gustavo la vivía como con culpa de hacer un hit. No iba a quedar, y quedó”.

Fue un tema que compuso junto a Zeta de un tirón estando en una prueba de sonido en Morelia, México, en 1989, y Cerati mismo dijo después: “Estaba convencido de que este iba a ser un superhit”, y no se equivocó. Y del mismo modo que fue compuesta, cuenta Charly Alberti que fue grabada en una sola toma, algo que no era habitual para ellos. El inicio de la letra dice “ella durmió al calor de las masas, y yo desperté queriendo soñarla”, haciendo referencia a esa canción que se elabora con la intención de que sea un éxito, y es en lo que finalmente se convirtió. Así pensaba Gustavo el concepto de un tema pop: “no podés zafar de ello y siempre está bueno escuchar una canción así, donde no tenés ni qué pensar, porque simplemente está y te arrasa”. La idea la tomó Gustavo de una colección de discos que tenían sus padres cuando él era chico, titulada “Clásicos ligeros de todos los tiempos”. Es la única canción

del disco cuya música fue co-compuesta por Gustavo y Zeta, y es hoy en día considerado un himno del rock en español. Miles de veces reversionada, es un clásico que hasta forma parte de la mismísima discografía de Coldplay, que hizo un cover en vivo para su disco “Live In Buenos Aires”. La versión en vivo de la gira “Me verás volver” de Soda, supo tener a “De música ligera” como cierre del último show de su carrera, donde fue coronada con la inmortal frase “Gracias… Totales!” en boca de Gustavo. Cae un justificado lagrimón. “Entre Caníbales” es de las canciones que más me embelesó en mi primera audición del disco. Si bien el tema fue excluido de la gira “Me Verás Volver” del año 2007, la frase que inicia la canción “una eternidad esperé este instante” fue recurrentemente usada por Gustavo en la mencionada gira, en comunión con su público. La única balada del álbum es “Té para tres”: representa un momento amargo y real en la vida de Gustavo. Acababa de separarse de su mujer y estaba viviendo temporalmente en la casa de sus padres. Una tarde, se sientan a tomar el té los 3, Gustavo con su mamá y papá, y recibe la noticia: se entera que su padre tiene cáncer. Esta letra cuenta la intimidad de una familia que comienza a ver el final como algo muy concreto. Diría Lilian Clark, madre de Gustavo Cerati: “Muchos piensan que ‘Té para tres’ es una historia de amor, y lo es, pero una historia de amor a su padre”. La placa cierra con uno de mis temas favoritos, “Cae el sol”. Una rola bien rockera con reminiscencias al tema “The Ocean” de Zeppelin e inspirada en “Here Comes The Sun” de Los Beatles. Estaría rememorando el encanto de la naturaleza, en aquellas cálidas tardes que solía pasar Gustavo con su novia Paola en el barrio de Nuñez. Los leones descansaban tras el acto, viendo el sol caer en el horizonte: una mezcla de algo

melancólico y al mismo tiempo esperanzador. El carácter permanentemente innovador del trío permitió gestar una placa con garra, con importantes canciones dentro de lo que sería su legado, y para no perder la costumbre, muchos buenos cortes comerciales. Es un disco muy potente que tuvo amplia llegada, con canciones sencillas y fáciles tanto de tocar como de asimilar, y tal vez por eso fue tan bien recibido. La sensación que dan las canciones es de frescura y naturalidad, a diferencia de otros temas más complejos que supo hacer Soda en producciones anteriores como “Signos”, o que haría más adelante en “Dynamo”. La gira que promocionó el disco fue bautizada “Gira Animal” e hizo honor a su nombre: más de 30 ciudades en Argentina, y posteriormente se proyectó al exterior, pasando por Venezuela, Colombia, México, España y USA. Personalmente pude asistir al histórico show que brindaron el 22 de diciembre de 1990 en el estadio de Vélez Sarsfield, un increíble espectáculo que convocó a más de 40.000 espectadores. Aunque el momento más espectacular de aquellos años de Soda Stereo sería el show gratuito que el trío brindó el 14 de diciembre de 1991 ante casi 300.000 personas en Avenida 9 de Julio, lo que dejó en evidencia el fenómeno que representaba la banda a nivel popular. Dijo Gustavo Cerati en el año 2007: "Me imagino que los que estaban en San Juan y la autopista no escucharon nada, pero querían estar. Esa energía es muy generosa y trasciende el show. Para que esto ocurra tiene que haber una verdadera conjunción de energías planetarias". Sería el cierre de un ciclo dorado. ¿Se puede decir algo más? 30 años han pasado y la consigna sigue siendo la misma del insert: tomar el disco “Canción Animal”, colocarlo en la bandeja, “y para mayor placer animal, escuchalo a todo volumen”.

[ Entrevista a Paul Nash de The Danse Society por Diego Centuriรณn. ]

THE DANSE SOCIETY NUESTRA Mร SICA ES ALIMENTO PARA EL ALMA OSCURA.

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Pensar en que una banda pueda cumplir 40 años de existencia es algo que muy pocas veces se puede soñar. Pero estamos aquí ante una de esas bandas que puede presumir que ha llegado a esta edad y que aún sigue manteniendo ideas frescas para lanzar su séptimo álbum, “Sailing Mirrors” que llegará el 1 de septiembre. Y celebrando una nueva década atravesada por una pandemia, podemos hacerles estas preguntas con The Danse Society, una banda pionera del post punk inglés.

Hola Paul, gracias por aceptar contestar estas preguntas y gracias por un nuevo disco de The Danse Society. Hay algo que nos ha atravesado en este 2020, Covid-19. ¿Cómo y dónde los ha sorprendido toda esta locura? ¿Y cómo están hoy después de varios meses de esta pandemia? En primer lugar, muchas gracias por la entrevista y les deseamos lo mejor a todos los que lean esto, felices y saludables. Cuando la pandemia golpeó el Reino Unido y todo se bloqueó, yo personalmente estuve muy enfermo durante dos semanas (que creo que fue Covid-19), aunque no se estaban haciendo pruebas en ese momento, así que supongo que nunca lo sabré con certeza. Lamentablemente, un par de meses después, mi padre anciano contrajo el virus y murió, así que para mí es algo muy personal. Me parece sorprendente que nuestro gobierno haya sido tan incompetente a la hora de lidiar con esto aquí en el Reino Unido y mientras otros países como Nueva Zelanda están liderando el camino en la lucha contra la pandemia, mi país parece ser el peor, lo cual es trágico para toda la gente aquí que han perdido la vida. Si bien las cosas están comenzando a volver a la normalidad en algunas áreas, existe el temor de la segunda

ola y el área más afectada, que son las artes, especialmente las presentaciones en vivo, no está siendo apoyada en absoluto. Tengo miedo de pensar en lo que sucederá con la industria de la música y el rendimiento y cuándo y si podremos volver a tocar música en vivo. Creo que la respuesta en Argentina ha sido mucho más decisiva y exitosa en el trato con Covid, lo cual es realmente una buena noticia. Sin embargo, no hay duda de que se avecinan tiempos desafiantes para todos. Disculpas si esa fue una respuesta un poco pesada, ya que dije que me ha afectado mucho personalmente. Es difícil resumir 40 años en unas pocas preguntas. Seguramente cada álbum cada, single, cada show, tiene una historia para contar y seguramente sean anécdotas muy interesantes, pero para abarcar estos 40 años, Han sido soportes de Killing Joke, de Bauhaus, de The Cure, todas bandas que ya tienen sus 40 años de vida… no hay muchas bandas que puedan jactarse de eso, ¿Cómo se siente mirar hacia atrás y tener tanto camino recorrido? Sabes que es difícil de creer que todo esto comenzó hace 40 años, ¡de alguna manera parece un abrir y cerrar de ojos! Sin embargo, me siento privilegiado de haber tocado con

tantas grandes bandas, muchas de las cuales, como mencionaste, ¡todavía existen! Fue una época mágica, tanta buena música, tantas grandes bandas, tantos buenos momentos. The Cure nos dio la oportunidad de abrirles los shows en vivo en Manchester y Londres, y luego tuvimos la suerte de ser los teloneros de la gira con el poderoso Killing Joke, donde realmente aprendimos nuestro oficio, por así decirlo: nunca olvidaré el poder de la guitarra Geordies y la intensidad de la interpretación vocal de Jaz. Bauhaus acudir a los conciertos en un coche fúnebre fue muy divertido y Pete Murphy fue súper genial (¡demasiado genial para hablar con la banda de apoyo, eso es seguro!) En estos días todavía podemos tocar con algunas bandas que estaban por ahí, recientemente haciendo algo conciertos con Spear of Destiny, Rose of Avalanche, pero para mí se trata de hacer nuevos amigos y hacer nueva música recientemente tocando con Palais Ideal, The Arch, etc., aunque todavía hay algunas bandas de 40

años y más, todavía viviría para tocar en el mismo escenario con (¡quién sabe que puede suceder algún día!) Desde el inicio de la banda nace “Society Records” y aún siguen, ¿Cómo es llevar su música de una manera tan independiente a lo largo de tantos años? Porque hoy podría entenderse más, pero en los años 80’s y 90’s tal vez fue todo mucho más difícil. Society Records nació para que tuviéramos el control total de nuestra producción musical y no nos influyera nadie fuera de la banda (que en realidad funcionó bastante bien, excepto por el período en el que firmamos con Arista / BMG): el valor, mirando hacia atrás, parece muy claro: cuando firmamos, tuvimos que ceder a los deseos de las compañías discográficas, no creo que, por ejemplo, hubiéramos hecho “Say it Again” si todavía hubiéramos sido independientes, no es que haya nada malo en eso, solo que no

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era realmente la dirección que estábamos destinados a explorar. Hacer DIY en estos días es mucho más común y más fácil de hacer de muchas maneras, pero ahora hay mucha más competencia, por lo que es difícil hacerse notar, pero hacemos nuestra música para nosotros (como siempre) y esperamos que a otras personas les guste (que afortunadamente parecen hacerlo) - El sonido de The Danse Society siempre ha sido una evolución - No quiero quedarme estancado en la misma rutina como algunas bandas (no mencionen nombres) que producen el mismo álbum sonando una y otra

vez. Quiero que cada álbum sea algo nuevo e interesante, a algunos les encantará y otros preferirán los discos anteriores, lo cual está bien por cierto, estamos agradecidos por el apoyo de nuestros fans de cualquier manera. ¿Cómo se mantiene el espíritu de la banda luego de tantos cambios de integrantes? Como en la vida, las personas / amigos van y vienen y son parte de tu línea de tiempo por un tiempo antes de seguir adelante, tengo la suerte de haber conocido a tantos grandes músicos mientras hacía The Danse Society. Todos aportan algo nuevo a la mesa

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musical y hacen que las colaboraciones sean interesantes y gratificantes. La banda se divierte tocando juntos y eso mantiene el ánimo en alto. Además, en el nuevo álbum "Sailing Mirrors" pedí a algunos amigos que colaboraran, incluido nuestro antiguo teclista David Whitaker, entre otros.

Christopher Lee como Drácula.

¿Crees que la separación en el 87 se debió a perder un poco el rumbo de su música, y estar influenciado por malas decisiones que no fueron del todo tu propia elección? Cómo escribir más canciones pop para entrar en los rankings. Si te nombro algunas personas o Definitivamente hubo algo de eso, pero Festivales ¿qué palabras se te vienen a la creo que fue más una frustración de no poder mente? conseguir un segundo contrato discográfico, John Peel lo que hizo que la gente se pusiera en Peel fue enormemente importante para camino, ya sea en busca de algo nuevo o tanta gente de mi edad que nos presentó en una madriguera de drogas y depresión, nueva música noche tras noche, doblemente las cosas se separaron, el deseo no era lo importante para TDS, ya que nos dio nuestra suficientemente fuerte como a principios de primera gran oportunidad al ofrecernos una la década, no creo que se tratara de escribir sesión de la BBC. canciones pop, nunca nos interesó eso. Futurama Festival John Keenan, el promotor de Futurama, se 2009 fue el año que volvieron a unirse, arriesgó a contratar a una pequeña banda Steve Rawlings estuvo muy poco en el joven de Barnsley en el mismo escenario regreso, ¿Cuál fue la sensación del resto que U2 y Soft Cell (tocamos entre ellos); cuando decidió irse? era nuestro segundo concierto como Danse Steve inicialmente dijo que estaba Crazy (que se convirtió poco después de interesado y luego desapareció de regreso Danse Society). Fantástico conjunto de a Estados Unidos y, a pesar de los mejores conciertos / festivales: ¡solo mira los carteles esfuerzos de todos, no pudimos localizarlo, de la alineación! nuevamente la frustración se apoderó de The Cure él ya que teníamos algunas canciones Me encanta, me encantan, sigue siendo geniales escritas; queríamos publicarlas increíble. ¿Viste el concierto de Glastonbury para mostrarlas y para que la gente vea que el año pasado? si no, échale un vistazo a la magia seguía allí, pero no iba a estar. YouTube, tan influyente y que hizo buena música. Ayer solo estaba escuchando Three Ingresa Maethelyiah y The Danse Society Imaginary Boys en el auto, todavía suena renace. ¿Qué diferencias hay entre el increíble. nuevo TDS y el anterior TDS? Christopher Lee (Drácula) TDS nunca fue el mismo, incluso durante De acuerdo, tengo algo por Drácula: Whitby los 80 el álbum “Seduction” es radicalmente está literalmente en la misma calle de donde diferente de “Heaven is Waiting”, que es vivo y siempre es bueno ver la Abadía. radicalmente diferente de “Say itAgain” o “Hold Christopher Lee fue uno de los mejores de on”,etc.Siemprehemosevolucionado,crecido Drácula; en mi opinión, es una discusión y cambiado. Tener una mujer reemplazando entre él y Bela Lugosi quién fue el mejor; sin a un cantante masculino fue solo otro paso en embargo, el reciente drama de la BBC fue la evolución para nosotros, de hecho, desafío bastante especial... Mira el video del Tema a cualquiera a que presente otros ejemplos de Valerio, verás mi Guitarra encargada de dónde ha sucedido esto (no hay muchos). especialmente (llamada 'Mr Harker') que Entonces, además de los obvios en estilo presenta una obra de arte increíble de de canto, tono y rango, también hay una

dinámica diferente. Para algunos fanáticos de la vieja escuela, esto fue demasiado para manejar, pero para aquellos que vinieron con una mente más abierta, respondieron de manera brillante y realmente respaldaron la nueva encarnación. Creo que "Change of Skin", el primer álbum después de la reforma, fue un tanto impactante, pero me gusta mucho ese álbum y creo que todavía suena como "The Danse Society". Maethelyiah ha agregado otra dimensión como lo hace cualquier miembro nuevo, al igual que cuando reclutamos a nuestro baterista más nuevo Tom Davenport, sin embargo, el espíritu de The Danse Society sigue siendo el mismo; Música oscura y poderosa: innovadora,

interesante y experimental. Después de varios álbumes juntos se preparan para un nuevo lanzamiento, pero en junio lanzan “ON'T BBC 1980-82”. Cuéntenos sobre este álbum recopilatorio de canciones en vivo. ONTBBC es una recopilación de actuaciones realizadas en la BBC: dos sesiones de John Peel, la actuación de Futurama que se emitió en BBC2 y las bandas en el programa artístico insignia de la BBC, Riverside. Captura de manera brillante la energía y la frescura de la banda de principios de los 80. Ahora se viene “Sailing Mirrors”, por

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cierto un gran álbum. Cuéntenos como fue la grabación de este trabajo. “Sailing Mirrors” estaba destinado a ser un álbum doble; de hecho, teníamos 60 canciones para elegir, de las cuales trabajamos hasta 18 y luego hasta 9. La razón de eso fue que era demasiado abrumador trabajar en tantas canciones a la vez. Tuvimos que ser muy despiadados en nuestra selección y queríamos lanzar un álbum real de la mejor calidad. Estoy seguro de que algunas de las otras canciones aparecerán en futuros discos, pero estoy muy orgulloso de este álbum, todos pensamos que suena increíble, espero que al público le guste tanto como a nosotros.

a ser increíbles en el escenario' y 'Esperen a que escuchen esto en vivo'; por supuesto, tocamos algunas de las canciones en vivo antes del cierre y fueron muy bien recibidos, especialmente “Valerio’s Theme”, “We Fall” y “Kill U Later”. No puedo esperar para volver a jugar con ellos y algunos de los otros.

Cuéntenos ¿quién ha realizado el hermoso arte del nuevo disco? Una artista italiana llamada Alessendra Centi a quien descubrimos a través de un amigo en común - su obra de arte es increíble y cuando la vimos supimos que teníamos que tenerla para el álbum - espera a ver el LP y el CD (hermoso) - y también los coleccionistas El paquete viene con algunas impresiones Me imagino que ustedes sentirán una artísticas. Tenemos mucha suerte de tenerla extraña sensación de lanzar un álbum y a bordo. no poder salir a mostrarlo en vivo. ¿Cómo se sienten al respecto? Para aquellos que no han escuchado He llegado a un acuerdo con eso ahora, pero el álbum, ¿Qué encontrarán en Sailing cuando estábamos grabando fue 'Estos van Mirrors?

Bueno, esa es una pregunta muy difícil, cada pista tiene su propia historia, no encontrarás dos iguales, le pregunté a la gente cuál es su pista favorita y nadie dice la misma pista; lo que encontrarás es algo bastante oscuro y poderoso, pistas, algunos sonidos y melodías geniales y algo (creemos) un poco diferente del habitual disco 'Goth'. Para terminar y agradeciendo estas respuestas. ¿Qué quieres decir algo que no te he preguntado? Gracias por preguntar, y espero que todos estén seguros y puedan escuchar nuestra música. Si la música es alimento para el alma, entonces nuestra música es alimento para el alma oscura. ¡Paz y amor! Paul Nash La Danse Society Puede reservar el álbum en www.thedansesociety.com o ir a dansesociety.bandcamp.com para ver todos los demás álbumes y productos. ¡Gracias Paul!

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[ Por Nicolรกs Carubello. ]

ESPACIO

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[ Entrevista a Soft Set por Bernardo Jiménez Mesa. Fotografías: Heidi Athay. ]

ENSUEÑO SÓNICO Y DESCUBRIMIENTO CON SOFT SET DE TORONTO

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Nos disponemos a descubrir un dúo formado por James Gray y Nathan Athay, llamado Soft Set. Un proyecto de Toronto, Canadá que tiene una conexión con otro de los artistas que se encuentra en este número, el nuevo EP de Soft Set, "Never Die" fue mezclado por Mark Gardener, de esto y de la vida de este dúo nos respondieron y este es el resultado…

El sencillo ¨Never Die¨ ha sido una linda sorpresa para nosotros en la revista. Si bien se pueden escuchar y sentir diferentes influencias, el resultado es fresco y original. En este sencillo hay sonidos del Indie, Dream-Pop y Shoegaze por partes iguales. ¿Nos podrían contar un poco acerca de sus influencias? ¡Gracias! Nos alegra mucho que les haya gustado el sencillo. Nosotros estamos muy sorprendidos por la buena acogida que ha tenido, sobre todo teniendo en cuenta que nadie nos conoce, excepto en nuestro pequeño círculo musical en Toronto. ¡Influencias?Somosciertamenteseguidores de Slowdive, My Bloody Valentine y RIDE (oír supuesto). También nos gustan bandas como Felt, Moose, Radio Dept, entre otros. Aparte de esas influencias musicales, ¿hay otros artistas (de cualquier disciplina) o escritores que hayan inspirado su música y/o las letras? Creo que nosotros nos inspiramos el uno al otro, realmente. Cada vez que vamos al estudio, tratamos de dar todo en cada canción, y como solo somos dos, sentimos que cada uno tiene que trabajar mucho más fuerte para así poder crear.

Siendo este sencillo y el EP, próximo a salir, el estreno de la banda, podrían compartirnos un poco sobre sus raíces y la historia de ustedes dos como artistas? ¡Desde luego! Tanto James como yo hemos estado tocando música por más de 20 años. Todo comenzó realmente en la secundaria, cuando yo tocaba batería para una banda de shoegaze/dream pop llamada ¨Watercolour¨. James consiguió una guitarra por aquellos días y aprendió a tocar todas nuestras canciones y algunas veces tocó con nosotros cuando el guitarrista principal no podía atender al recital. La banda solo duró unos pocos años pero James y yo continuamos trabajando en otros proyectos tantos juntos como por separado (en otras bandas). Aún cuando tocábamos con otras bandas, James y yo nunca perdimos contacto y nos reunimos para tocar cada vez que podíamos. ¡Ahora estamos aquí! Leímos acerca que Mike Gardener mezcló el sencillo ¿es correcto? ¿Mezcló el también el resto del EP? Nos gustaría saber ¿cómo se cruzaron los caminos de ustedes y como se conocieron? ¿Cómo fue trabajar con él? ¡Sí! ¡Mark mezcló todo el EP y fue un honor trabajar con uno de nuestros héroes!

Aprendimos muchísimo durante todo el proceso y fue increíble escuchar cómo nuestra música se develaba cada vez que escuchábamos las mezclas que Mark nos hacía llegar. Todo fluyó fácilmente durante este proceso. Nosotros le enviábamos las canciones a Mark y entonces era un proceso de ida y vuelta, haciendo anotaciones, hasta que ambas partes estaban satisfechas con el producto final y seguíamos con la siguiente canción. Estamos muy complacidos con el resultado final y esperamos que quien escuche el álbum también lo sienta así.

banda de 4 o 5 integrantes si se nos presenta una gira a futuro!

¿Soft Set en vivo toca como un dúo o es una banda completa? Creo que todo depende del show y de donde nos encontramos. James y yo estamos actualmente ensayando para algunos shows por venir en Toronto y seremos solos los dos, pero tenemos amigos muy talentosos que podrían ayudar sumando elementos en vivo si fuese necesario. ¡Nos encantaría ser una

¿Qué planes tiene para el futuro? Por ahora es lo mismo que hacemos siempre aquí en los estudios E5 en Toronto. Tratamos de reunirnos cada vez que podemos para ensayar par los shows venideros y para trabajar en nuevos temas.

¿Cuál es el origen del nombre Soft Set y qué significa para ustedes? ¡Ja ja! ¡Esta fue, de hecho, la parte más difícil en todo el proyecto! Jams y yo pensamos mucho el nombre, por mucho tiempo y finalmente nos decidimos por Soft Set cuando Mark Gardener nos preguntó por el nombre, para así comenzar a mezclar los temas. Teníamos unos cuantos nombres en mente, pero Soft Set nos pareció un nombre adecuado para la música que hacemos.

Una vez que toda esta locura del Covid-19 termine (si es que eso es posible)

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¿considerarían ustedes venir a Sur América para tocar? En los último 6 o 7 años ha estado creciendo un público para el Dream-Pop y el Shoegaze en nuestros países, y creemos que Soft Set podrían tener cabida en esos círculos ¡Nos encantaría tocar en Sur América si llegamos a tener la oportunidad! Hemos escuchado que hay una escena creciente

y que hay demanda de bandas que toquen Shoegaze y Dream-Pop y nos encantaría ir y ver las grandes cosas que están sucediendo allí. ¿Hay algo más que quisieran agregar o decirles a nuestros lectores? Gracias por escuchar nuestra música y sigan cuidándose mucho.

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http://madwaspradio.com/

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Loose Canon http://www.6towns.co.uk/

Simon's Big New Thursday Thing https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Reseña de "A Shoreline Dream - Meliting" por Benjamín York. ]

DERRITIENDO LAS MAREAS SOLARES

A Shoreline Dream – Melting Label: Latenight Weeknight Records Fecha de Lanzamiento: 21 de Agosto de 2020 “Escrita a lo largo de cinco meses, la música de 'Melting' no solo evoca la sensación de estar perdido en el mar en un mundo ardiendo en tierra, sino que también se sumerge en la necesidad de un cambio completo e inquebrantable”.

Así reza la información en su bandcamp. Y si escuchamos el nuevo álbum del dúo de Denver, Colorado, A Shoreline Dream, podemos sentirnos que logramos surcar mareas sonoras de manera elegante y magistral. Ryan Policky (voz, guitarra, teclados, bajo, producción) y Erik Jeffries (guitarra, coros) son las personas que llevan adelante este proyecto, y en este álbum se les une Chase Dobson tocando los teclados en este álbum. A Shoreline Dream viene lanzando álbumes y Eps desde hace ya más de una década, exactamente desde su primer lanzamiento “Coastal” de julio del 2007. Y en julio del 2018 fue su último lanzamiento el EP “Waitout”. Se tomaron un tiempo para grabar nuevas canciones. “Nuestro ambiente tiende a oscurecerse, pero últimamente y sorprendentemente ha sido dinámico, pero aún oscuro. Un sonido que es súper enérgico pero francamente triste. Creo que ahí es donde estamos. Estamos emocionados de deprimirnos, pero también de ideas que casi todas fueron concebidas en sus primeras jugadas. La emoción se traduce en tempos. Toma el elemento primordial del ritmo y construye capas sobre él. La nuestra resultó ser como están aquí, y estábamos muy emocionados de cómo llegó a ser. Probablemente uno de mis lanzamientos favoritos que hemos publicado.”- dijo Ryan Policky “Trabajar en la “Melting” y la colaboración durante el proceso de escritura y composición fue extremadamente gratificante. Cuando comenzamos a juntar ideas, parecía que me estaban surgiendo nuevas ideas. Y trabajar con Ryan fue fantástico. Había una apertura para explorar y ninguna idea o conversación estaba fuera de los límites. Realmente me ayudó a empujarme a ser reflexivo (y crítico) sobre lo que estaba contribuyendo y me mantuvo muy comprometido durante todo el proceso”.- dijo

Erik Jeffries.

Su nuevo lanzamiento nos trae 10 canciones que nos llevan a navegar mientras observamos cómo se van derritiendo las mareas solares, cada track nos eleva con una intensidad solar, pero poco a poco que el álbum va avanzando el sonido nos va enroscando en un sonido que nos calma pero que nos ilumina.

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The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A