The 13th numero 12

STAFF Idea y Realización Emiliano Herrera Diego Centurión Dirección General Ligia Berg Diego Centurión

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noviembre 2014 Buenos Aires, Argentina

Editorial 12 Llegamos a la docena de entregas en la historia de este sueño que comenzó en abril del 2013.

Se acerca el fin de año y vamos creciendo en propuestas. En este número tenemos cuentas pendientes como las reseñas de los conciertos de Alcest, Peter Murphy, Peter Hook e Information Society, ya que nos tardamos en publicar las de Septiembre y Noviembre, por eso nuestra disculpas a quienes la esperaban antes y no llegó.

Ya a fines de noviembre tenemos las fuerzas intactas para entregarles como siempre lo mejor de nuestro staff, que crece con la incorporación de Ariel Soriano (Vocalista y guitarrista de Iguana Lovers) quien se nos acopla para entregarnos sus conocimientos y reportajes. En este número entrevista a Adrián Yanzón, quien fue parte de esa banda del under porteño allá por los ochenta con su banda Los Pillos. También tenemos una doble entrevista exclusiva a Steve Kilbey (The Church).

Nuevamente convocamos a Ben Holton pero esta vez para hablar de su nuevo trabajo con My Autumn Empire, The Visitation. Añadimos las entrevistamos a Paul Robb de Information Society, y a Peter Hook, ambas editadas antes de su visita al sur del continente. Le brindamos un pequeño homenaje a Lux Interior por su aniversario de su nacimiento (algo que trataremos de que se haga costumbre) y también a la gran Factory Records, más un escrito sobre los proyectos del genial John Zewizz. Tenemos un dossier sobre el Under de Colombia. Una exquisita nota sobre el Dub. Además lo acostumbrado, conciertos, discos que cumplen años, las nuevas publicaciones discográficas, literatura, cine y arte.

Un número que nos llena de orgullo y que logra colmar nuestras expectativas, esperemos que las suyas también, aunque llegue con retraso.

Revista The 13th.

SUMARIO Año 2· Número 12 · Noviembre 2014

Revista

Pura Melomanía

Editorial Adrián Yanzón - Mi Arte No es Data

p.03 Todos los años son productivos para The Church p.05 entrevista a Steve Kilbey por Diego Centurión Entrevista por Ariel Soriano Porco - Porco Colombia Underground p.10 por Pablo Ravale U2 - The Unforgettable Fire Por Alejandro Cenizacromada The Factory Records, la cuna del post-punk p.15 por Diego Centurión Por Erick R.Vieyra Peter Murphy - Unshattered (2004) Asegúrense de llegar temprano P.19 Por Erick R. Vieyra Entrevista a Peter Hook por Diego Centurión Nikki Sudden - Treasure Island (2004) por Gustavo Rojas fernández John Zewizz: la metáfora del instinto y su censura p.22 R.E.M. - Around the Sun (2004) Por Erick R. Vieyra

Hay una Metáfora que sobrevuela el álbum p.31 Entrevista a Ben Holton por Diego Centurión

El espíritu del Dub Por Alejandro Cenizacromada

p.33

Debo mantenerme siempreen movimiento

p.36

Es una re-introducción a la banda

p.39

Entrevista a Steve Kilbey por Diego Centurión Entrevista a Paul Robb por Diego Centurión

Palabras en la arena

Enrique Symms: La Leyenda del indomable

Cuando la emoción te sorprende Alcest en The Roxy en Argentina por Diego Centurión.

Con la voz alcanzó

Peter Murphy en Argentina por Marcelo Simonnetti.

Desde la Oscuridad ruge el León Peter Murphy en Chile por Daire Alujas

Celebrando su viday su obra Peter Hook en Argentina por Emiliano Herrera

It is useless to resist them…

Information Society en Argentina por Maxx Wilda.

p.42 p.44

Por Erick R. Vieyra

The Cramps - Flamejob (1994) por Diego Centurión

Duran Duran - Astronaut (2004) Por Maxx Wilda

The Cult - The Cult (1994) The Cure - Concert (1984) por Alejandro Cenizacromada

The 69 Eyes - Devils (2004) por Gustavo Rojas fernández

p.47 P.47

P.49 P.51

Leonard Cohen - Dear Heather (2004)

P.66

P.69 P.70 P.71 P.72 P.74 P.75 P.77 P.79 P.80 P.82 P.85 P.87

por Gustavo Rojas fernández

Hidden Track

P.89

Rescate Cinéfilo

P.90

Dulce o truco… o muerte - Halloween

P.92

Por Nicolás Ponisio

P.54

Yo tengo Fe - Deliver us from evil, Jesus camp y The Sacrament P.94

P.58

por José Luis Lemos

SALDANDO DEUDAS CON EL OTRORA UNDER SANTIAGUINO P.61 Echo and the bunnymen en Chile por Daire Alujas

Laibach - NATO (1994)

por Rodrigo Debernardis

Por Pablo Ravale

En Concierto

por Rodrigo Debernardis

P.64

Carretera Maldita - Sin City: A Dame to Kill For

P.99

El Jardin de las Delicias

P.100

Efemérides:

p.112

Por Nicolás Ponisio

Lux Interior (The Cramps)

Adrián yanzón - Mi Arte No es Data

entrevista por Ariel Soriano

Adrián Yanzón es un artista muy prolífico, único, que desde los inicios del punk-rock se dio a conocer llevando adelante por sus propios medios un trabajo desde la poesía, la escritura y el rock ‘n’ roll totalmente original que llegó hasta lo más profundo de mi alma y corazón. Lo conocí desde su inicio en Los Pillos, y nos hicimos amigos un día en que él viajaba en el tren Sarmiento con un pié de micrófono. Había subido en la estación de Castelar y lo abordé sin dudar. Tranquilamente la entrevista podría titularse “Combat Rock”, pero opte por la frase que me pareció más revolucionaria de todas las leídas u oídas en estos tiempos de poder, mentira y corrupción en el Arte. ¿¿Se considera un artista?

Mire, sí, por una cuestión de comodidad

en la comunicación y para que se haga comprensible mi identificación. Aunque habría que ver cual es la definición que cada “avidez” o alma que disfruta de lo nombrado como arte le aplica a la actividad creativa. Por ahí no lo define y si no lo define tampoco se definiría a si misma como artista, y sólo lo incorpora como goce, ejercicio y acción reflexiva, ese es mi caso. ¿Cómo definiría su arte?

Síntesis de muchos vectores de fuerza, de inquietudes, axiomas, que se vuelcan a un lenguaje lúdico de símbolos estéticos.

No soy académico, me considero un emergente proletario complejo, con intención de impacto, rudo e insondable.

Mi arte defiende con garras y dientes su THE 13TH. 5

particularidad inocente porque es una tierra que quiere ser invadida por el no ser.

Y el no ser es mentira, es no conocer “que eres” en realidad “antes” que cualquier tipo de creación social inyectada al cuerpo por inteligencias temporales lo ocupe. Mi arte no es data. Es la expansión desde un paraje universal privado, tímido, que necesita dialogar o imponerse para continuar vivo. ¿Que es lo que usted realiza?

Algo que muchos llaman música y literatura, sumado a una exposición - riesgo corporal, de carácter teatral cómico-trágico. Eso está muy a la vista, hay que saberlo ver (en silencio). Como usted, soy una posibilidad dentro de la ilusión, la esperanza. ¿Qué quiere reflejar en sus performances en vivo?

Vitalidad espiritual, política, romanticismo, un puente entre lo finito y lo eterno. Cuando me ve en escena me gusta pensar que soy un agente enviado por usted a desenredar un caso por dentro y por fuera de los límites establecidos por los acuerdos humanos. ¿Qué quiere transmitir en su poesía?

Guerra, mito, absurdo, fe, heroicidad, victoria y derrota. Argumentos que descubran los hilos ocultos nunca mágicos de la existencia. Ante el espíritu y la adrenalina lo mágico es una fantochada de las conciencias débiles un “hagamos como que” argüido por la muerte y su hipnosis. ¿Cómo considera que deben ser los roles en una banda de rock ‘n’ roll?

Roles funcionales no despóticos, donde cada integrante o rol autoritativo de manera consensuada y discutida da lo mejor de sí para el organismo.

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¿Cómo definiría el rock ‘n’ roll desde la música que usted realiza?

El rock ‘n’ roll es una consecuencia, no un punto de partida como en los cincuentas, un emplazamiento de arribo en mi postura como músico resultante de todo lo que escuche y disfrute identificándome con las proposiciones de este género en lo extenso de su historia. Son importantes las culturas juveniles asociadas al rock ‘n’ roll y como impactaron en mi imaginario (lo siguen haciendo) porque hoy no solo están circunscriptas a los jóvenes sino que se han transformado en una forma de vivir y mostrarse entre personas de diversas edades y contextos sociales.

Teniendo en cuenta las personalidades que coexistían en Los Pillos, ¿que aportaba su personalidad artística al grupo?

Textos, poesía, melodía, conciencia obrera y cierto paradigma extático bastante confuso y poco claro aún para el ser que lo gestaba, Yanzón, porque producía inquietud y zozobra en los demás integrantes de la organización, a veces se me escapaba de las manos, porque si usted se disocia parcialmente los demás no saben a quien tienen delante. Pero lo principal de mi aporte es que Los Pillos serán recordados siempre como un grupo con “poesía auténtica”, eso los hace atemporales, porque la “poesía auténtica” sugiere respuestas y las personas buscan respuestas aunque después las nieguen y descarten.

En Los Pillos, desde mi perspectiva, sentía que por un lado la orquesta era identificable con Killing Joke, Echo & The Bunnymen, Joy Division o Siouxsie and the Banshees y por otro lado la banda con la melodía, la voz y la poesía especialmente, adquirían una

personalidad propia y única que reflejaba una impronta porteña mas cercana a Carlos Gardel a la que el público asociaba con Jim Morrison, Ian Curtis o Morrisey, ¿Cuál es su opinión? ¿Qué relación existe, si es que hay alguna, entre Usted, Carlos Gardel, Jim Morrison, Ian Curtis y Morrissey? ¿Encuentra alguna relación entre Gardel y estos cantantes?

Siempre fui del tango, me alegro que usted tenga el poder de observación para darse cuenta. La cultura rock no es la única cultura musical que me interesa, está el jazz, celta, soul, reggae, ska, el folklore ibero afro americano, disco, clásica, electrónica, experimental, hip-hop, country, las músicas de Asia. Todo me alimenta. Soy sensible, curioso. Mi papá adoptivo nació en 1914 en San Juan, tocaba la guitarra española, e interpretaba clásicos del folklore argentino, chileno y tango. Él amaba a Gardel y se vestía como Carlos. El sino de algunos porteños es canalizar aún sin darse cuenta al Tango.

Yo lo canalicé sin estereotipos ridículos fuera de marco, lo predije. Si el público o la prensa me asemejaban brutalmente (como si yo no fuera un individuo en si mismo) a los caballeros que usted nombró fue por comodidad e incredulidad. Por no tolerar lo diferente. No veo relación entre Gardel y esos cantores, Gardel como vocalista les sacó clara ventaja a todos ellos, vino del extremo sur, de otra cultura, otra época. A estos singers escuché y disfrute.

Me siento más cerca de Morrison que de Curtis aunque Curtis también me formó.

Gardel en mi creció desde el inconsciente.

Morrissey no, aunque me gustó y me gusta lo que hace. Las voces de Wire, Incredible String Band, Beatles, Stones, The Who me ilustraron, ni que decir Peter Hammill, Bowie e Iggy Pop.

Desde mi perspectiva y la del público en general no allegado a la banda , Los Pillos era la banda de Adrián Yanzón, ¿podían existir Los Pillos sin usted?

El grupo no era de mi propiedad sino que yo pertenecía al grupo. El grupo tal cual fue no existiría sin mí, ni sin los otros compañeros. Todos fuimos esenciales en el momento de tocar en los gigs y grabar. A la hora de decidir y componer. ¿Cuál sería para usted, el común denominador que une a sus letras?

La iluminación, las fuerzas primigenias del universo generativas y degenerativas, la existencia como combate, lo cotidiano como muelle o puerto en el océano de la locura, la relación que se da entre “lo otro” y mi ser, el amor, el odio, la lucha de clases.

Algunas personas consideran a Los Pillos una banda seminal del movimiento dark o gótico. ¿Cuál es su opinión al respecto?

Ni por cercanías, no íbamos por ese camino, no era nuestra estética, aunque teníamos densidad. Lo dark o lo gótico me parece y nos parecía una basura. Mi alma es psicodélica en un sentido beat sesentista pre-hippie. Me da mucha tristeza cuando los individuos hacen primar lo mortuorio o lo negro como distintivo y el arte que hablan los inclina solo en un sentido tiránico sin la luz del sol caliente. El sol y la cruz son mi bandera.

Los he visto en vivo en Los Pillos compartiendo escenario con Los Fabulosos Cadillacs cuando ellos aún eran subterráneos. ¿La industria musical en Argentina mató al arte?

La industria puede atentar contra la libertad según sea el caso, pero no puedo aseverar sobre ello, pues nunca estuve THE 13TH. 7

dentro de la industria (más si en las fauces de lo urbano), exceptuando en el proceso de grabar “Viajar Lejos” (1987) en el que me sentí incómodo y observado por individuos que no entendían lo que hacíamos. Ser subterráneo no es sinónimo de calidad, puede ser miedo, incapacidad, desatino.

Tocar con los Cadillacs nos gustaba, eran buenos tipos, compartimos concierto tres veces. Después Los Fabulosos alcanzaron notoriedad y adoptaron un ritmo de trabajo más profesional, otros compromisos acorde a sus metas. ¿Le hace bien asistir al Psicólogo?

Entregarme a Cristo fue primordial, una cuestión de vida o muerte. Luego, todo lo que pueda hacer para esclarecer y echar luz seminal sobre los parajes de mi alma y ponerlo a los pies de Él, es sin lugar a dudas constructivo y liberador. ¿Cuáles son sus planes como escritor?

En el año 2011 publiqué de forma independiente “Otras Puestas del Ocaso” (poemas), en 2013 “Aquí en las Pampas el toro por las astas es la dicha” (poemas).

La selección de textos la hizo el sociólogo historiador Marcelo Summo, amigo de años largos, que sigue conmigo colaborando, no en la autoría ni en la soledad que esta implica, aunque sí discutiendo sobre la temática de los escritos. Soy una persona muy prolífica desde antaño; si la memoria no me falla, desde niño que lleno cuadernos, y desde la adolescencia que practico la forma de poesía prosada. En la juventud asumí el compromiso de mejorar lo que hacía, porque me dediqué a ser cantor en los grupos, y también letrista.

Voy a seguir publicando, tengo a la fecha dos libros más para corregir y editar.

Mientras, presento el trabajo en readings 8 .THE 13TH

secundado por dos músicos de rock and roll experimental que por trayectoria siempre han estado en espíritu conmigo, Alejandro Fiori & Manuel Ressia (Los Pollos). ¿Cuáles son sus proyectos musicales hoy?

Soy cantante y letrista en Los Pollos desde la primavera del año 2012, el grupo está integrado en el área instrumental por Alejandro Fiori y Manuel Ressia, un trío.

Y hasta hace relativamente poco tocaba la guitarra, recitaba y hacía textos en Southern Wilde, otro trío pero de la zona sur, Wilde, en el que se alineaban conmigo Dante Sardi y Julio César Torres. Me gustó participar el año pasado montando coros en el disco de Iguana Lovers, Surfing Caos.

Me siento ligado a ellos por una cuestión de estilo “sónico”. Quizás en un tiempo hagamos algo juntos, escribiré algunas letras para recitarlas en su muro musical, el único contrato válido para nosotros es la amistad, me imagino que la resultante sería algo muy minimal a lo Velvet Underground, con garbo británico y lenguaje argentino.

En cierta ocasión en el año 1986, antes de un concierto de Soda Stereo en el Colegio Ward de Ramos Mejía, Gustavo Cerati me comentó que Los Pillos era el grupo que más le gustaba de la escena local, luego hizo público en una encuesta del Suplemento Si de Clarín que Alejandro Fiori era su guitarrista preferido, Charly Alberti también eligió a Los Pillos. Luego de la desaparición de esta icono pop de la música de habla hispana ¿Cómo recibe este pronunciamiento, que efecto hace en usted?

Sabía que Cerati había elegido en una encuesta a Alejandro Fiori como mejor guitarrista, pero ignoraba su gusto por Los Pillos. Sinceramente me halaga, y me deja

pensando algunas cosas sobre el destino particular de la obra que plasmamos en un corto lapso, tan intensa e imaginativa. Muchos jóvenes de veinte y tantos ciclos piden la reedición completa, Viajar lejos & Nómades. Eso depende de nosotros, Los Pillos visibles, y de… que ciertos sujetos no pongan trampas ni obstáculos a este legado sistemáticamente silenciado.

La obra de Yanzón: Libros: “Otras Puestas del Ocaso”; poesías, editorial Milena Caserola (2011) “Aquí en las Pampas el toro por las astas es la dicha”; poesías, editorial Milena Caserola (2013) Grupos: “Los Jóvenes Transmutados” (grupo mod punk año 1982-84) “Los Pillos” (grupo post punk, rock, psicodelia, experimental; año 1984-88) discos: Viajar Lejos (sellos Berlin Records-EMI-1987), Nómades (1988 inédito).

“Un Monton de Lugares” (grupo post rock, indie, experimental; 1991-98) discos: UML (Bertres Records 1997) “Fuck Storma -La Rosa de Cobre-” (grupo rock, folk urbano; 1998-2000) “Jason Li” (grupo rock, electrónico, experimental; año 1999-2006) “Orsa” (grupo música experimental; año 2004-2009) “Alpak & Jason” (grupo música experimental; año 2005-2009) “Southern Wilde” (grupo electronico, rock, experimental, suburbano; año 2011-2014) “Los Pollos” (música electrónica, progressive-rock, experimental; junto al maestro Alejandro Fiori ex Los Pillos año 2012 hasta hoy)

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Colombia Uderground

Por Alejandro Cenizacromada

Hablar sobre música underground en Colombia es bastante complejo, lo subterráneo muchas veces en estas tierras no lo es tanto. En el mundo del rock y el pop mundial nos hemos dado a conocer por esa tendencia a fusionar sonidos electrónicos con música caribeña o de la costa pacífica de nuestro país, los sellos se han enfocado mucho en mostrar una cara amable, en gran parte a causa de ese triste capítulo del narcoterrorismo que sometió al país en las décadas de los 80 y 90. Una tierra donde se ha disfrazado, como en muchos otros países, los ideales de izquierda y de derecha por el demencial deseo de poder. Entonces los medios se encargan de enfocarse en ese lado amable y alegre del folclore colombiano. De alguna manera pienso que la parte social está menos peor que en años anteriores.

Considero que la música, en gran parte por culpa de los managers, está mal enfocada 10.THE 13TH

hacia una sola dirección tratando de tapar el sol con el dedo y no encarando ese lado oscuro por mostrar una falsa máscara de felicidad. Mostrar el lado optimista y pujante de un país no está para nada mal.

Colombia ha sido un país estigmatizado y este país tiene mucha gente honesta con muchas historias de vida que contar; pero para nada como lo abordan la radio con sólo música que incita a vivir el momento y no buscar la profundidad en las cosas.

Por otro lado la belleza del arte también radica en la reflexión sin dar la espalda a la realidad, aprender para no olvidar y de alguna manera tratar de no caer en los mismos errores. La parte que nos atrae de esa vanguardia sonora está muy dispersa, aún falta apoyo y en el caso de la movida post-punk, indie-rock y experimental. En Colombia se necesita de más unión entre las bandas. He aquí una pequeña reseña de bandas y proyectos que, considero,

Pordiozero (En foto 1) Este es un proyecto de noise-industrialexperimental bogotano gestado por Enrique Ochoa Gómez, un artista audiovisual, que partió haciendo su música a partir de software a finales de los noventa. Hay una mezcla interesante aquí; su influencia sónica va de artistas de la talla de los primeros SPK, Throbbing Gristle y una postura ideológica muy punk. La fuerte crítica a la desigualdad social, rememorando a aquellos miles de campesinos asesinados y la gente valiente que ha caído denunciado la violencia bien sea por causa de los paramilitares con complicidad del estado, o bien sea por la guerrilla y que para los medios y el gobierno estas víctimas no son más que una cifra.

PordioZero ha evolucionado en los últimos años de una manera fascinante, ha entrado en ese círculo de artistas latinoamericanos del subterráneo que trabajan sobre la técnica de circuito bending. Para los que no conocen, esta técnica se basa en la construcción casera de instrumentos electrónicos (sintetizadores, cajas de ritmo, etc.) a partir de casio-tones o juguetes, modificando parte de sus integrados y circuitos.

VIOLETAS AUSENTES Música inspiracional y toda alma, post-punk de gran factura gestado en el valle del Cauca.

Liderados por Doiner Andrés Parra, un gran compositor, cantante y guitarrista; aunque si no me equivoco se han radicado ahora en los Estados Unidos. Música gris, cargada de elocuencia y emotividad. Su primer EP es de escucha obligada, recomendada la canción “En esta oscuridad”.

THE QUESTION (eLaMoRTe)

Bernardo Jiménez es un virtuoso pianista e ingeniero de sonido. Uno de los pioneros del Gótico en Colombia, más concretamente del dark-wave. Su demo casete editado en 1997 con el nombre de The Question, imposible de conseguir hoy en día es una joya. El proyecto se ha caracterizado por su naturaleza introspectiva, reflexiva. Bernardo ha trabajado haciendo música para televisión. Fue bajista y productor en Inglaterra de la banda Desolation Angels mientras estudiaba ingeniería de sonido; también ha sido tecladista en vivo y productor de algunos temas para el proyecto de folk-rock experimental bogotano Cenizacromada. En The Question (eLaMoRTe) han pasado muchos miembros y ha sido una valiente lucha para mantenerlo en la arena. Hoy en día Bernardo está radicado en Argentina, dando un nuevo aliento a su música. Sonidos solemnes inmersos en la niebla. Música para desnudar el corazón.

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11 DESAPARECIDOS

11 DESAPARECIDOS ¿Death rock? ¿Post-punk? ¿Horror punk? Aquí no hay espacio para etiquetas, sólo rendirnos ante ese sonido brillante, gris y contundente, gestado en Bogotá con una propuesta muy coherente. Las líricas son muy inteligentes llenas de brillante crítica social, bastante singular para mí la voz de Rex, su vocalista.

Del excelente EP que está por ahí rondando en la red en libre descarga, recomendamos los temas “Feretro de piel” y “O.M.S.”

conjugan estilos como el drum ‘n’ bass, el glitch, el industrial y uno que otro desvarío bailable con un humor negro bastante colombiano. De este proyecto han surgido también otros como Baja Fidelidad y Lagarta Siniestra.

MORBO GALIKO Efrén Aguilera es un artista audiovisual ya veterano, bastante presente en el underground bogotano, ya que hace parte de la reconocida franja de rock de la U.N. Radio, un grupo de programas transmitidos en horario nocturno con lo mejor de la vanguardia sonora independiente mundial.

Morbo Gáliko es un proyecto experimental electrónico bastante heterogéneo en el cual 12 .THE 13Th

MORBO GALIKO

EL VIEJO MATADERO

JULIAN MAYORGA

Desde Tuluá (Valle del Cauca) un grupo de músicos virtuosos liderados por Leo Prada. Su EP Las cosas que te conté mientras morías, es un excelente manejo de samplers. Su canción “La puta del cementerio” se volvió un himno.

Sus letras tienen una buena dosis de humor negro.

De su debut recomiendo mucho el tema “Sociedad Zombie” y “Falso positivo”, esta última canción es en protesta de uno de los más vergonzosos crímenes de estado en masa perpetrados en los últimos años por el Ejército Nacional contra jóvenes de origen humilde, desaparecidos a la fuerza, asesinados y haciéndolos parecer ante la opinión pública como miembros caídos en combate de la guerrilla.

Aunque ha alcanzado ya un gran nivel de reconocimiento en la escena independiente latinoamericana, el estilo de este cantautor ibaguereño es bastante inusual y bastante delirante también. Personalmente creo que tiene mucho en común con el maestro Alexander Tucker. Entre sus influencias cita a Spinetta y los Beatles más psicodélicos, Este exponente del folk experimental. Ha colaborado con otro gran acto colombiano llamado Andrés Gualdrón y los Animales Blancos. Abrió conciertos para artistas independientes importantes como la cantautora peruana Yushimi. Líricas delirantes y música sedante. Es otro de los actos que ha incorporado elementos de ritmos del interior del país. Más que recomendado.

JULIAN MAYORGA

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VIOLETAS AUSENTES EL VIEJO MATADERO

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The Factory Records. La Cuna Post Punk.

POR Erick R. Vieyra

Tony Wilson, Martin Hannett y Rob Gretton son los nombres, para muchos anónimos, que hay detrás del Post Punk manchesteriano, son sus creadores.

Regularmente los reconocimientos le son otorgados a los que exponen su cara usando un instrumento o vocalizando, y poco, algunas veces nada, reciben los cabezales a los cuales un afamado grupo les debe el sonido.

Cuando Joy Division llegó al estudio profesional de ensayo era una banda más de Punk Rock, poco tenía que ver con el toque característico por el cual se le conoce hoy. James Martin Hannett, un aficionado al noise, a grabar el “ruido del silencio” (como él le llamaba al viento de los prados), aficionado a la mariguana y retirado del LSD (había sido hippie) dio las instrucciones de grabación, las cuales no eran menos peculiares que el personaje

mismo: quiero un sonido más amarillo, quiero una voz gris y rosa, quiero una guitarra de humo… grabó las percusiones al aire libre para “sentir el olor de la ciudad y percibir el armazón de concreto”. Esas fueron las maneras en que se comunicó con Joy Division, así lograron ese sonido espectral y futurista que apreciamos desde el intro de batería, el cabalgue del bajo, el matiz de un sintetizador… el primer tema de Unknown Pleasures; Disorder.

Nadie había logrado un sonido así antes, no existían los medios de digitalización con los que hoy ya cuenta cualquiera desde su ordenador y una potente interfase de sonido digital. Era, 1978-79.

Por su parte, Tony Wilson era un idealista.

Miembro del medio del espectáculo y un melómano empecinado, un progresista en el sentido amplio del término, un hombre que creía en la autogestión, en el trabajo THE 13TH. 15

muchos otros seres de izquierda política creía estar en la tierra para cumplir un fin romántico y trascendente que se glorificara por el trabajo original y arduo. Así, en medio del reino de los grandes sellos discográficos que lo absorbían todo, que compraban la rebeldía para explotarla y despedazarla hasta hacerla caer en lo ridículo y desprestigiar esa indispensable actitud humana, ahí, rodeado de tanta competencia desleal, Tony hizo un trabajo casi quijotesco: sembró la música independiente, la revalorizó, dio libertad creativa, creyó en él y en quiénes con él trabajaban. A su vez, tenía una iconoclasta forma de entender la publicidad, creó leyendas que aún permanecen, que ahora son entendidas como el cenit de la creación musical.

Rob Gretton era un don nadie. Pero hasta el más incompetente perezoso suele tener alguna habilidad personal. Para el caso de Rob, se trataba de una persona arriesgada, carismática, oportunista y extremadamente segura de sí misma, sufría una especie de verborrea y tenía una capacidad de convencimiento difícil de encontrar en un joven. Fueron estas características en su conjunto las que le hicieron adueñarse del trabajo de representación de talentosas bandas de la zona manchesteriana, impulsaba a muchos a presentarse al público aún sin la preparación suficiente. Las memorias que de Rob existen (no escritas por él) dan cuenta de las innumerables caídas y errores que cometió, caídas que no le afectaron demasiado dado su alto sentido práctico y su capacidad para adaptarse a circunstancias donde las probabilidades y hechos jugaban en su contra. Era un hombre con mucha voluntad. Fue él el que dio la cara ante contratos cada vez 16 .THE 13Th

que representó a grupos emergentes y sin experiencia, los grupos tímidos eran su especialidad. Esa capacidad para enfrentar situaciones bochornosas sin ruborizarse y sentido intrépido fue muy útil para la Factory Records, uno de los sellos más legendarios de la música moderna.

Cuando Sex Pistols se presentaron en Manchester con su característico estilo desgarbado, violento y narcisista, dieron -como era su costumbre- un buen espectáculo, pero un sonido horrible. Al terminar la presentación, Lydon lanzó una suerte de reto o invitación (depende de cómo se le interprete), dijo: Nosotros somos Sex Pistols, y si creen que pueden hacerlo mejor, háganlo.

La década de los 70s presentó la apertura de espacios en diversos medios relacionados con la cultura. Contrario a la narrativa del Vox Populi que atribuye un alto adeudo al punk como mecanismo por el cual los espacios fueron abiertos, éste no vino a abrir nada que no se encontrara dentro de las inercias que el rock venía presentando desde antes de Ramones y Sex Pistols. La industria musical buscaba propuestas frescas para las nuevas generaciones que buscaban un mensaje adecuado a las vicisitudes del momento. El rock progresivo y sus contemporáneos estaban afiliados a los treintañeros y poco se identificaban esos músicos profesionales con la vida y actividades diarias que transcurrían entre las personas que rondaban los 15-25 años. Esas juventudes encontraban a sus imágenes iconográficas no en Bob Dylan, Floyd o Rolling Stones; sino en Iggy Pop, Lou Reed, Marc Bolan y David Bowie, que eran más semejantes a ellos, más cercanos.

Las formas en que se tradujo la apertura de espacios fueron tanto por medios

más iconoclastas que no fueron otra cosa más que la fundación de sellos denominados independientes (haciendo referencia a: independientes de la industria musical que manejaba el medio) que se dieron al por mayor tanto en los Estados Unidos (principalmente en la Costa Este norteamericana) como en Europa (especialmente en Alemania e Inglaterra).

Entre estos sellos que marcaron un nuevo paradigma y generaron nuevos estilos musicales se ubica The Factory Records.

El primer material que publico Factory Records lleva por nombre “A Factory Sample”. Se trata de un 7” doble donde están Durutti Column, Joy Division, John Dowie y Cabaret Voltaire. El material es un lanzamiento conceptual (aspecto que ya había explorado otro sello independiente

fantástico: Industrial Records) que se ubica dentro de los movimientos artísticos de vanguardia y que se alimenta por el dadaísmo y el situacionismo. El primer perfil del primer disco lleva por nombre “Aside”, el segundo “Beside”, el tercero “Seaside”, y, el último, “Decide”, las bandas que componen cada lado se encuentran en correspondencia con el intitulado de éste.

Estas ideas, tan originales en su momento, corrieron por parte de los tres fundadores de Factory Records, así como de un principiante en el diseño gráfico que básicamente aprendió su estilo en la empírea, Peter Saville, al cual se le deben como por el azar las portadas de Joy Division, y las frontales de otras bandas que estuvieron el cenit de The Factory Records.

La disquera ubicó a Manchester, la ciudad cuna de la primera Revolución Industrial, THE 13TH. 17

una cárcel de concreto horrible, en el centro de la creatividad durante 1978-1985 desplazando temporalmente a Londres, la capital hasta entonces del rock británico.

Todo el Post Punk transcurrió y casi se dio en esa ciudad, en fábricas abandonadas, zonas de hacinamiento departamental, un lugar frío, solitario, una zona muy adecuada para el after punk, el punk muerto.

En su sentido original, The Factory Records ha desaparecido ya. Los derechos de autor fueron comprados en los 90s, sus fundadores han muerto, las bandas que pertenecieron a ella se han separado. Hoy es un sello tan nostálgico como lo fue la música que en él se grabó, son la ilusión de esos jóvenes idealistas que quisieron dejar huella y de los cuales hoy escribí.

Citando, dada la proximidad de la segunda visita de Peter Hook a México, vale la pena recordar que él, un referente directo de esos hambrientos y creativos años donde jóvenes sin mucho futuro dieron lo mejor de sí, nos dice: “El problema de la música actual no es la falta de músicos talentosos. Los sigue habiendo. Lo que no hay son personas como Tony Wilson, Martin Hannett o Rob Gretton, personas que el dinero les importaba menos que la contribución que a la música pudieran hacer. Hoy, como antes del Punk, todos buscan el dinero… y, siendo honesto, yo me incluyo. Hoy me importa más el dinero que hace 30 años.”

En los años noventa se han publicado diversas compilaciones a nombre de The Factory Records, inclusive se han filmado una medianamente interesante película que aborda esos años (24 Hour Party People), se han hecho documentales donde se describe el papel de Manchester en la música moderna (Synth Britannia, y otro par más -que he 18 .THE 13Th

olvidado su nombre- donde se aborda el caso particular de Joy Division). No hace mucho se realizó una exquisita película biográfica a Ian Curtis (Control), y el número de bandas que hoy han imitado la formula manchesteriana se cuenta por cientos (Motorama es la más comercial de estos grupos del mal llamado Revival).

Dentro de los compilados que se han lanzado destaca uno que aborda los años dorados de Factory Records. Éste lleva por título: The Factory Box Set (Communications 1978-92).

Se trata de 4 discos que posee -sin hacer publicidad- lo mejor que se grabó durante 4 años. Es un disco entrañable.

A su vez, también recomiendo el cuarteto Palatine, el cual va de 1979-1990. También un buen disco, aunque en lo personal el The Factory Box Sex me parece mucho mejor, más ebrio de obscuridad, es un sonido claustrofóbico así como claustrofóbica era la ciudad donde se reinventó la música moderna para nunca más volver a ser igual.

¡Asegúrense de llegar temprano!

Entrevista a Peter Hook por Diego Centurión

Días antes de la presentación de Peter Hook & The Light en Niceto Club tuvimos el lugar de contactaron con El señor del bajo, quien accedió a esta entrevista en exclusiva, gracias al aporte fundamental de Ariel Soriano, también agradezco a Rodrigo Debernardis y Erick R. Vieyra. Y gracias a Momer 360º por organizar semejante concierto. ¿Cómo llega la decisión de salir como solista?

La decisión de volver de gira sucedió cuando yo quise celebrar la vida de Ian Curtis en 2010. Había pasado 30 años desde que él murió y yo quería hacer una celebración de su música y su trabajo. La idea era tocar el álbum “Unknown Pleasures” sólo una vez.

Pero después todo se agotó muy rápidamente, entonces nos invitaron a tocar por todo el mundo. De verdad lo estoy disfrutando.

¿Extrañas a Ian? A Ian por supuesto que lo extraño, todos los días me acuerdo de él y sobre todo porque él era un gran amigo que perdí, así que por supuesto que lo echo de menos. ¿Crees Que Joy Division tiene el reconocimiento que merece?

Estoy contento con el nivel de reconocimiento que tiene Joy Division. Hemos trabajado muy duro con la banda en nuestra música y estoy feliz de que ahora, a más de 35 años, la gente todavía escuche nuestra música y todavía recibamos nuevos fans cada día. Estoy muy orgulloso de nuestra música. ¡Qué hubiese sido de la banda si Ian seguía! ¿No? Si, Ian hubiese vivido la banda habría continuado, creo que habría sido muy THE 13TH. 19

interesante. Él estaba muy interesado en la electrónica y los sintetizadores, así como la música de New Order, creo que la música de Joy Division se habría ido por el mismo camino.

En los 70s vivían personas como Tony Wilson, que manifestaban un compromiso abierto al apoyo a grupos emergentes que buscaban mantener una relativa independencia ¿Cuál es el panorama actual de la música donde cada vez son menos los grupos que firman en grandes sellos y más los que se lanzan por producciones independientes?

Tony Wilson fue un visionario. Lo que estaba haciendo con Factory Records, nadie más lo hacía. Ahora todo es muy diferente. No hay muchos sellos discográficos independientes.

Las bandas prefieren tener contratos con los grandes sellos, y es difícil para los sellos independientes poder competir. La industria de la música de hoy es muy diferente a como era en la década de los 70.

En comparación con tu juventud, en donde la distribución y el consumo de la música se llevaba a cabo de manera más “interpersonal” y “artesanal”, ¿Qué opinas de este presente de redes sociales y la posibilidad de que cualquier artista pueda lanzar y distribuir su álbum vía internet y todo el mundo pueda acceder inmediatamente a él?

Internet es fantástico porque significa que todo el mundo está conectado y la información puede ser distribuida de forma muy rápida y muy eficaz. Puede ser algo muy útil para los artistas que quieren conseguir que su música sea escuchada por mucha gente. Sin embargo, Internet también tiene un lado malo, ya que lamentablemente significa que la gente 20 .THE 13Th

puede robar música, que es muy malo para la industria de la música.

Tu forma de tocar el bajo, es un estilo distintivo, mención que puedes compartir con otros como Simon Gallup o John Taylor, entre unos pocos. ¿Tú sientes esa influencia de los años 80 en las bandas actuales?

Yo creo que sí, definitivamente se puede escuchar la influencia de bandas de la década de 1980 en la industria de la música hoy en día. Hay un montón de bandas actuales que han sido inspirados por Joy Division, New Order, The Cure, etc... Siempre estoy muy orgulloso cuando una banda dice que ha sido influenciada por mis bandas, me hace feliz saber que tu música aún puede influenciar gente después de 30 años de haber sido escrita. ¿Qué piensas del revival de los años ochenta y noventa?

Creo que es bueno, siempre pienso que es bueno mantener viva la música. Creo que es una pena cuando la buena música no se escucha por mucho tiempo, significa que los fans no están contentos y por eso creo que el resurgimiento en los últimos años ha sido algo bueno.

New Order lleva el sello de tu bajo. Hoy que tú no estás, ¿Qué piensas de que ellos sigan?

Es cierto que el “New Order” se ha reformado y están de gira otra vez. Pero todo el mundo sabe que no son “New Order” y nunca lo serán. Creo que sus actuaciones son muy perezosas - tocan el mismo Setlist cada noche, y te cobran las entradas a precios muy elevadas. Es una pena, porque eso significa, en mi opinión, que el público no está recibiendo un buen trato. Por eso me siento feliz de gira con mi banda, The Light, ya que podemos cambiar

nuestro setlist todo el tiempo y hacer las cosas interesantes de nuevo. ¿Tienes composiciones nuevas? ¿Has pensado en grabar material nuevo?

Sí pronto voy a grabar nuevo material con la gente de mi banda The Light. Vi que la versión falsa de “New Order” también lo va a hacer, y me ha inspirado a que yo lo haga también, ¡así que gracias!

Si bien te presentas como Peter Hook & The Light. ¿Por qué no Peter Hook a secas? ¡Porque no se trata sólo de mí, tengo una banda! Y creo que es importante que los miembros de mi banda también reciban reconocimiento, ya que hacen un trabajo fantástico. The Light es mi banda, son muy buenos músicos y grandes personas, por lo cual es: “Peter Hook & The Light”.

Nuevamente en Latinoamérica. ¿Qué crees que es lo diferente en el público de este lado del continente?

Los fans en América Latina son muy apasionados, y creo que en América Latina se pueden encontrar algunas de las mejores audiencias en el mundo. Es ideal visitar América Latina, ya que siempre obtienes una gran audiencia que tanto ama la música. Estoy muy emocionado de volver este año. ¿Presentarás un poco de Joy Division y de New Order? ¿Agregarás algo de tus otros proyectos (Monaco, Freebass)?

En Argentina tocaremos los dos álbumes de Joy Division, “Unknown Pleasures” y “Closer”, además de algunos singles como “Transmission”, “Atmosphere”, “Dead Souls”, etc... Primero también vamos a tocar una serie de canciones de New Order para abrir el show, ¡así que asegúrense de llegar temprano! Un día me gustaría tocar los álbumes de Mónaco. Tengo David Potts de Mónaco conmigo en The Light, así que un día estoy seguro de que lo haremos.

Traducciones: Marcelo Simonetti y Daniel Salinas.

Agradecimiento especial a Rodrigo Debernardis y Erick R. Vieyra

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John Zewizz: La metáfora del instinto y su censura.

POR Erick R. Vieyra

“Este artículo se ha escrito como pensando en los hombres que merecen ser llamados de esa manera, a los genios no reconocidos, a los humanos que contribuyen al desarrollo de la civilización y al como la censura intenta impedir dicho desarrollo. “

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Registros antropológicos refieren al papel ritualista que en todas las épocas ha merecido la figura femenina. Asociada a la fertilidad, al placer, a la estabilidad y desarrollo social, la mujer ha poseído un lugar predominante -algunas ocasiones negado- en la actividad humana, en especial cuando ella se encuentra en su periodo de juventud; cuando el cuerpo es firme, armónico, elegante. Cuando el cuerpo incita al sexo.

Lo llamado “instintivo” ha sido usado en las más diversas actividades artísticas que han sufrido la censura. Este es el caso de los múltiples proyectos de John Zewizz, para el cual versará esta entrega.

Zewizz, británico de nacimiento, ha vivido en los Estados Unidos desde sus primeros años. Las particularidades de su vida son equivalentes al tránsito del callejón oscuro que encamina a la selecta proporción de artistas de la música ambiental escatológica, del rock negro y el juego libre en el sonido. Su escarpada y accidentada biografía contiene referencias de homicidio (descartado en las investigaciones de orden jurídico a las cuales John se vio expuesto), alegato de enfermedad mental que bajo términos psiquiátricos estaría en la rama obsesiva, adicción a drogas (causa fundamental para el declive que sufrió Sleep Chamber en la década de los noventa durante la dura gira alemana), muerte de parejas sentimentales efecto de sobredosis, así como otros aspectos semejantes a los ya mencionados que regularmente forman parte del desarrollo en los artistas de corte experimental, que son aquellos sobre los cuales la opacidad, algunas veces lo delirante, la violencia y el secreto, hacen presencia. John Zewizz es un superviviente de una generación que

sumó múltiples lápidas.

La narrativa menciona que sus primeras obras se activan en 1981, sin embargo hay registros de grabaciones previas a dicha fecha. Por su parte, el propio Zewizz no ha prestado atención a ubicar de manera precisa el inicio de su carrera dado lo cual ésta es cobijada por una serie de imprecisiones que se encuentran a tono con la naturaleza de sus proyectos, entre los que destacan Women Of The SS y Sleep Chamber.

Women Of The SS,

La metáfora del control.

Mujeres, sadomasoquismo, fetichismo, control y oscuridad son las fuentes de las cuales se nutre este neurálgico proyecto que ha sufrido la descalificación de los círculos conservadores conservadores de la música contemporánea, así como

THE 13TH. 23

otros que alegan ser liberales e instan a no rasgar los parámetros tradicionales de la moral. Existe un consenso entre los críticos al calificarlo como: burda exposición pornoerótica.

Women Of The SS es un producto para públicos selectos. Se dirige no a los amantes de la música, sino a los afectuosos del arte, la metáfora, el simbolismo. Se trata de exponer un carácter ritualista en idiomas exóticos regularmente relacionados con propuestas amorales, un frente inhumano que toque a la puerta donde la civilización indicó que guardásemos las raíces de la crueldad, el salvajismo, el deseo, el despilfarre sexual.

Las puestas en escena son performance sadomasoquistas no como una indiscreta práctica sexual, sino como una metáfora de la dominación, la enajenación de masas y la disciplina. El proyecto es desequilibrante y mantiene los principales parámetros de aquellas bandas de culto que aparecieron en los años ochenta y hoy han experimentado el olvido como producto de no haber hecho sus lanzamientos en casas discográficas que se mantuvieron vivas a lo largo del tiempo utilizando campañas publicitarias para influir sobre el escucha corriente. A su vez, Women Of The SS apareció casi como un producto autogestionado y altruista (característica constante en todo el trabajo de John Zewizz), fue el sello especializado en Underground, Inner-X-Musick, el encargado de lanzar las producciones que en términos reales se caracterizó por ediciones extremadamente limitadas no como un ejercicio propagandístico (como actualmente se hace), sino por carencia de 24 .THE 13Th

presupuesto.

Vale la pena acotar un aspecto muy particular y al cual los emergentes artistas (por llamarles de alguna manera) debieran tomar en cuenta; Women Of The SS es en extremo visual y sonoro, por lo cual casi nunca se le veía a Zewizz comandando ante el público los conciertos. Algunas veces (muy pocas) sólo era su voz la que se escuchaba dado que se daba protagonismo a la música, a la figura femenina, a textos literarios y a experiencias sadomasoquistas en directo. Este carácter no protagónico es parte de la personalidad de John, el cual se mantiene accesible a cualquiera por medio de perfiles públicos, los cuales él mismo administra alejado de managers y la parafernalia que la industria musical impone.

Women Of The SS reconoce 11 discos oficiales. Sin embargo, el número es superior considerando los conciertos no editados, los necesarios rare y unreleased, así como la cantidad de grabaciones amateur que se encuentran por la red.

Un proyecto asociado al que aquí se trata lleva por nombre Women Of Sodom. Refiere a la propuesta que emergió de Women Of The SS una vez que éste terminó, y para el cual Zewizz fue productor. Para Women Of Sodom, Ilsa Kaunt (conocida en Women Of The SS como Ilsa Himler) figura como voz e imagen principal.

Aun siendo cierto que las agrupaciones referidas en esta sección poseen el sello particular de Zewizz, sólo son una parte de los múltiples proyectos alternos a su principal, del cual a continuación daré trato.

Sleep Chamber,

el olor del sortilegio.

Zewizz ha realizado grabaciones en diversos proyectos (algunos propios, otros ajenos), y se ha presentado bajo diversos seudónimos. Una de las explicaciones que ha esto se ha dado se encuentra en dirección de los periodos de “transición espiritual” que ha tenido a lo largo de su vida. Se trata de un férreo militante de actividades asociadas al misticismo, hermetismo y esoterismo. Como ejemplo dos componentes; el primero de ellos asociado a las sospechas de homicidio de una joven llamada Karina Holmer, para posteriormente tratar lo relacionado al papel de la magia con respecto al uso de drogas.

Presento un extracto de una entrevista (todas las cursivas que aparecen son mías) realizada a Zewizz y citada por Ted Drozdowski.

“En casa, poseo cosas referidas al esoterismo. Obras de arte ritualista, libros de magia. Poseo fémures humanos que utilizamos en la magia ritual, ellos han sido preparados para producir un sonido similar a una trompeta de tonalidad baja. También poseo cosas que tomé de tiendas de brujería, cosas que tienen incrustaciones de huesos humanos. Pero esa joven -se refiere a Karina Holmer- no podía entender por qué yo tenía eso en casa, esos huesos, esos libros de magia y ocultismo, así que asumió que yo era una persona siniestra…

Cuando la policía me interrogó fueron brutales: ‘¿Adoras al diablo, John?’ ‘¿Dónde trabajas, John?’ ‘Hemos oído que tienes

partes de un cuerpo humano en casa, John’ ‘¿Podemos entrar y mirar a su alrededor, John?’. Ellos hacían muchas preguntas muy rápidamente y cada una terminaba en ‘John’. Mi novia estaba allí, caminaron a ella y le gritaron: ‘¿Está usted bien, señora?’.

Inclusive habían ido a Tower Records a comprar uno de mis discos compactos que tenía como portada una imagen de cartas del tarót de Nueve Espadas, y preguntaron: ¿Qué significa esto… significa que los jóvenes deben morir, John?’ -el disco al que hace referencia es el Some Godz Die Young-” Respecto al uso de drogas; ha sostenido que la severa adicción a la heroína que en los noventa experimentó (causa principal por la cual entró a un periodo de inactividad), fue superado por medio de prácticas mágico-religiosas asociadas al satanismo. De manera independiente con la opinión que esto pueda merecer, sirve como referente para entender los elementos de influencia del artista.

Continuando; de manera autónoma a sus trabajos alternos y seudónimos temporales, Sleep Chamber es el proyecto por antonomasia de John Zewizz, mantenido con una antigüedad mayor a tres décadas. Éste, de manera similar a Women Of The SS, se trata de un trabajo profundamente conceptual; mientras en este último el sadomasoquismo, lo porno y el control tenían un lugar predominante, en Sleep Chamber el carácter mágico, sexual y ritualista toman el lugar bajo una batuta de sonido que se introduce en tres estilos: experimental, industrial y ambient.

Ello le ganó un mote de Misa Negra a sus presentaciones, lo cual, asociado al performance donde se aprecian masturbaciones y lesbianismo, atrajo la THE 13TH. 25

censura a la banda y el temor a ésta tanto por organizadores como por aquellos asociados al Rock Gótico comercial, principalmente los artistas de Cleopatra Records. El único músico que se encontró en dicho sello y tenía una fama semejante fue Rozz Williams, el cual también hizo densas experimentaciones con la fundación de Premature Eyaculation, alejándose del público corriente para intimar con el arte.

Sleep Chamber, uno de los proyectos más prolíficos en la historia de la música experimental, cuenta con poco más de 90 discos oficiales en su mayoría autoproducidos por Zewizz y lanzados por su propio sello discográfico: Inner-XMusick. Durante los primeros 10 años del grupo se lanzaron 25 discos oficiales, se participó en diversos proyectos paralelos y salieron a la luz grabaciones alternas a las versiones originales. Este intenso trabajo, así como las características que de él se han dado, atrajo una indeseable reputación hacia los músicos que buscan grandes espacios y amplio público; para principios de los 90s el grupo se encontraba vetado en numerosas salas de concierto de los Estados Unidos, sobrellevaba el desprecio por parte de músicos del Rock Industrial ortodoxo así como de las disqueras que a esta clase de grupos producen, el ataque de grupos de ultraderecha católica -tan numerosos en los EU- golpeaban cualquier 26 .THE 13Th

campaña y presentación que de Sleep Chamber se intentase hacer. Al tiempo que se sorteaba con ello en los EU, en Europa (terreno con mayor apertura y con niveles de exigencia en calidad musical más altos en comparación con América) eran, y aún lo son, considerados un grupo de culto.

Efecto de esto, así como del tesón (resistencia a cambiar el estilo y actitud) que siempre ha caracterizado a los músicos que le han compuesto, se dio la sujeción al Underground que se vería pronunciada en las postrimerías de los 80s con la incorporación de un grupo de bailarinas que serían llamadas Barbitchuettes. A continuación se extrae la declaración de una de ellas: “Recuerdo que cuando me involucré por primera vez con ellos, yo había sido hecho performance fetichista (comenzando en la escena gótica -por supuesto-) y había trabajado en el Club de Cambridge para hacerme de un nombre propio. Man Ray, un fotógrafo de fetichismo, conocía a Laura Graff, amiga mía, e invitó a ella a ser parte de un grupo de bailarinas de élite que trabajasen para una banda en sus presentaciones... Así me integré a Sleep Chamber… recuerdo que muchas personas me habían advertido que me mantuviera alejada de ese grupo de personas -que eran raros, que usaban drogas potentes, que eran un grupo peligroso-; cuando les conocí y estuve con ellos me sentí muy bien, no es que no hubieran las drogas u otras tentaciones alrededor, que siempre lo hubo, pero eran un grupo oscuro y fresco, muy creativo.

Literalmente trabajábamos casi por nada de dinero en cada show, porque no había mucho dinero de por medio -la banda era pequeña, y añadir a ellos a 5-10 mujeres se

reflejaba en que los pagos eran pequeños.

MUSEO GIGER A veces no eran nada. No es que importara, lo hice porque me encantaba hacerlo -mostrarme en el escenario siempre ha sido una gran emoción para mí, y añadir el baile y juguetear con otras mujeres era atractivo-. Hicimos shows enormes y también pequeños (en Medio Oriente).

Viajamos a través de Alemania y alrededor de los EE.UU… Nuestro tour alemán era el principio del fin, las adicciones de John crecieron. Fuimos enviados por todo el país dando conciertos donde se agotaron las entradas, por ejemplo en Berlín, Munich, Stuttgart, Hamburgo, Augsberg (donde tenían un festival fetichismo increíble que no voy a olvidar)... Estábamos en la televisión alemana, pero todavía vivíamos en la parte trasera de una camioneta sin sueldo diario (que significaba que me mantenía robando dulces de estaciones de gasolina), y un cantante que estaba completamente drogado con metadona.

Una ocasión, él se quedó dormido en el escenario en Heidelberg (en la universidad).

Mientras funcionamos nunca tuvimos un gran éxito financiero, John fue prolífico en la publicación de CDs en el sello alemán Funfundvierzig. Pero como muchas cosas, las drogas dan y quitan. Nos separamos porque John estaba completamente tirado en una adicción a la heroína que -que yo sepa- todavía le come el día de hoy, y nada creativo se ha hecho desde entonces.”

Lo citado corresponde a lo dicho por la performance fetichista Katja Minx, que en los tiempos de Sleep Chamber se haría llamar Lulú, Barbitchuette que se convirtió en referencia de “Catwoman” tema de apertura del que sería -junto con “Sleep, or Forever Hold Your Piece”- uno de los discos afamados del proyecto; Siamese Succubi.

Para mediados de la década de los 90s, Sleep Chamber contaba con más de 50 discos oficiales publicados y con distribución por parte de diversas casas discográficas tanto en Europa como en EU, una reputación considerable entre los círculos del Rock Industrial, y la oportunidad para lanzarse a una gira por Europa teniendo en Alemania (cuna del Gótico y derivados del electrónico industrial) su eje focal. Sería en esta gira, punto cenit del proyecto, durante la cual se desmembraría el grupo fundamentalmente por dos factores: la falta de experiencia que el grupo tendría en giras internacionales fue capitalizada por los promotores que estafaron a la banda. Y, el meteórico aumento que Zewizz experimentó en el consumo de drogas durante la gira, lo cual lo inhabilitó -algunas veces al grado de llegar al hospital en estado crítico- para responsabilizarse del proyecto y las presentaciones.

A casi 20 años de aquella gira, John recordó el punto de resquebrajamiento: “Zewizz recuerda con lágrimas frente a un plato de mariscos la separación, mientras una de las camareras del restaurante pregunta ¿quién está emitiendo el penetrante olor de pachulí? -una fragancia familiar para cualquiera que alguna vez haya asistido a una actuación Sleep Chamber-. “Soy yo “ -responde John- entonces él escucha respetuosamente como ella explica que es su perfume favorito, pero no puede usarlo en el trabajo porque “el dueño lo odia.” John habla con franqueza acerca de sus batallas con la heroína; su amor por el sexo, la magia, los animales, y la música; su raspón con la ley; y cómo -a pesar de las probabilidades- Sleep Chamber desea seguir, sobrevivir y evolucionar… Cuando yo estaba empezando la banda, que fue alrededor de la era punk, no quería THE 13TH. 27

subirse a un auto ya construido. Quería ser creativo y original. Soy un admirador de la ciencia-ficción, así que quería llevar esa admiración a la música, deseaba que la banda fuera un manifiesto de todo lo que creo: la importancia de la individualidad, la sexualidad, derechos de los animales, la magia… la cual no se refiere al destino divino, sino a un estado superior de la conciencia, a la que la práctica de ciertos rituales contribuye, permitiéndome relacionarme mejor con otras personas y el mundo que me rodea. No es nada oscuro o siniestro… A veces pienso que si yo hubiera estado prestando atención a mi interior, y no atado a las drogas, el promotor -en Alemania- no hubiera huido con 22,000 dólares producto de lo que nosotros habíamos hecho. Ahora estoy limpio, medianamente limpio, pero una vez que THE 13TH. 28

las has usado, no puedes deshacerte de ellas nunca. Es como el alcoholismo. Si lo haces, por ejemplo, tres veces a lo largo de dos semanas, estará de vuelta la adicción.

Y cada vez que te alejas de ellas tienes que trascurrir un retiro personal que es muy emocional y también físicamentedoloroso”.

SLEEP CHAMBER: el último momento.

Hasta no hace muchos años atrás no se sabía más en torno a Sleep Chamber y su frontman. Literalmente había desaparecido de la escena de una forma vertiginosa, rodeado de escándalos, acusaciones de asesinato, pinchazos coléricos. Sólo un par de presentaciones se hicieron, las cuales tuvieron el sello de ser “a beneficencia” (una suerte de ayuda económica para lidiar con los múltiples problemas que John

presentaba). Después de ellas, el silencio hasta 2010.

En el citado año, se publican dos discos que anuncian el retorno; una nueva edición limitada por parte del legendario sello Inner-X-Musick, el material lleva por nombre Stratocast; y un disco solista publicado por el sello italiano Old Europa Café, que se intitula John Zewizz 2012.

Otro punto por citar es la contracción del nombre, ahora se presenta como SLEEPCHAMBER. A su vez, estas nuevas entregadas (precedidas de otras más que fueron básicamente lanzadas con versiones inéditas y demos durante el periodo de inactividad y que no fueron directamente gestionadas por John) se acompañan de una gira por el Estado de Israel. A su vez, siguiendo las mismas líneas de autogestión que caracterizó la primera etapa de sus proyectos, pero hoy apoyado en las redes sociales y la apertura de medios alternativos de información, se pueden encontrar diversos canales de vídeos, páginas, fanpage, que John ha abierto para abordar su trabajo, páginas que -algunas veces hay cosas que parece nunca cambian- siguen siendo perseguidas, vetadas, censuradas o cerradas bajo acusaciones similares a las que se veían en los 80s y 90s “distribución de contenidos pornográficos” “contenidos satánicos”, etc…

En una de las pláticas que con él he tenido (entró en contacto conmigo para reclamarme por un vídeo que había subido a uno de los canales de YouTube que yo manejo, me dijo: Soy Zewizz. No tengo problema en que uses mis imágenes y mi música, pero al menos menciona dónde pueden encontrarme. Al menos menciona quién es SLEEPCHAMBER), me ha dicho: “…ahora -hace unos meses- estoy de

gira. Quizás esta sea la última porque ya estoy cansado. Quizás SLEEPCHAMBER desaparezca en una o dos semanas, en uno o 5 meses. No lo sé.”

John ahora es un superviviente que rebasa los 50 años y aparenta una edad aún mayor, pero cualquiera que conozca sus lanzamientos estará de acuerdo en que la energía que expone esencialmente sigue siendo la misma, la misma obscuridad, la misma transgresión, la misma honestidad.

Tomando en cuenta la naturaleza altruista de sus trabajos, no se podría decir que como tantos otros artistas -músicos- es un vividor de lo que hizo en su juventud, los discos siguen estando a un precio accesible, su trabajo sigue siendo manejado por él. Hasta la fecha sigue dentro del Underground como si éste fuese una parte de su instinto, y el instinto la causa principal de su censura.

Entrevistador- Vamos a dar un paso más allá.

La censura de la música es un resultado de la gente, del público, es “lanzar toda la carga” hacia el artista (s) que han creado la música que fue pensada para influir en las personas.

Es el miedo a la reacción, el miedo a que algo puede suceder como resultado de escuchar a un tema determinado por un grupo en particular. ¿Estás de acuerdo?

John Zewizz- Bueno, eso es realmente una pregunta difícil. Esa situación es detallada.

Refleja la moral, la responsabilidad, la intención, el compromiso, la influencia, la corrupción, y por decir lo menos, el juicio personal y cultural. El público tiene la responsabilidad más grande… algunos artistas lo tienen siempre seguro (el dinero).

Pero sólo porque tú tienes el dinero, ¿significa que eso te da derechos para responsabilizar a otros de tus propias interpretaciones de lo que otros hacen?

THE 13TH. 29

Es difícil de decir… soy una persona responsable en el corazón. Pero ¿cómo se puede ser responsable de una persona que es una bomba de tiempo a punto de estallar, o alguien que “malinterpreta” un mensaje?... Pero si estás realmente “en control” podrás manejar tu conciencia, y tendrás poder… los dioses responsabilizaron a otros para proteger sus secretos mágicos y sus sellos… …no entiendo a la gente, ellos presionan “like” en una foto o en un vídeo… pero tienen poco que decir en realidad. Incluso las conversaciones privadas son distantes. ( John Zewizz)

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Hay una metáfora que sobrevuela el álbum

Entrevista a Ben Holton por Diego Centurión Traducción: Marcelo Simonetti.

En el número anterior hemos reseñado el nuevo trabajo de My Autumn Empire, The Visitation. En esa misma entrega hemos entrevistado a Ben Holton por un trabajo de Epic45. Y ahora hablamos con Ben acerca del nuevo trabajo de My Autumn Empire, su proyecto paralelo. ¿Sientes que es el mejor álbum de My Autumn Empire?

No creo que sea yo quien tenga que decirlo.

Siempre trato de mejorar en ciertas técnicas pero cada álbum es un proyecto diferente, así que es difícil para mí compararlos.

Este trabajo es confiado, relajado y con gran libertad. ¿Es un reflejo del proceso de escribir las canciones?

Estaba viviendo en casa de mis padres en el momento de escribir y grabar el álbum así que es justo decir que tuve un montón

de libertad al respecto. De cualquier modo, estaba un poco triste, abatido en ese momento así que sentí que necesitaba crear algo que exudara confianza ya que no me sentía particularmente feliz o confiado. Nunca estoy relajado, tampoco.

A lo largo del álbum se puede percibir elaboradas armonías instrumentales. ¿Ha tomado mucho tiempo conseguir ese sonido?

No más que lo usual.

Más allá de una cierta melancolía que prevalece en el álbum, hay un ambiente de optimismo y de brillo. ¿Ha tratado de transmitir esos sentimientos?

En canciones como “Blue Coat” y “Summer Sound” traté de captar alguna forma de trascendencia en la música, la cual contraste con letras más pesimistas. Así que musicalmente, sí; pero las letras son bien THE 13Th. 31

tristes, creo. ¿Has trabajado “The Visitation” bajo un concepto específico? ¿Hay algo conceptual?

Hay una metáfora que sobrevuela el álbum en la cual comparo la eventual llegada o partida de un alien con la duración de una relación entre una mujer y un hombre. Un poco como en “Sergeant Pepper”, el álbum se mete en otros territorios y luego vuelve al tema original en el final. Bueno, acabo de compararme con The Beatles!

Para cerrar el álbum ha elegido “All in My Head”, una canción más íntima. ¿Hay alguna razón especial?

Pensé que resumía las cosas de un modo bastante bello, y estaba bien terminar con algo más “discreto” que despejó un poco el aire.

A lo largo del álbum, se puede percibir influencias de Pink Floyd y The Beatles, en especial en las voces. ¿Te han influenciado estas bandas?

No exactamente Pink Floyd, y con lo mucho que amo a los Beatles, estaba probablemente más inspirado por sus carreras solistas. También el trabajo del obsesivo de los Beatles Jeff Lynne para ser honesto. ¿Qué canciones te gusta más de este álbum? ¿Cuáles son tus favoritas?

Mi favorito es “Where has Everybody Gone?” y siempre lo ha sido, ya que estoy feliz con como las capas de melodía y voces han quedado. El que sigue debe ser “Summer Sound”, me divertí mucho con los cambios que hay en esa. ¿Tiene planes de presentar el disco en vivo?

Si te refieres a sí toco en vivo éstos temas, sí.

32 .THE 13Th

He tocado la mayoría de las canciones del álbum en diferentes formatos. Últimamente he estado tocando conciertos sólo así que las canciones se han desnudado hasta quedar en guitarra y voz, a veces con algún acompañamiento electrónico que provee beats y otros sonidos. Ha sido divertido, pero estoy buscando tocar de nuevo con una banda, de algún modo. Ahora, si te refieres a si voy a editar un disco en vivo… Si, ¿por qué no?, ¡podría reunir todos los hits! ¿Cómo se complementan las bandas (My Autumn Empire y Epic45) dentro de ti?

Ambas son diferentes caras de la misma moneda, en realidad. Siempre he amado la música pop y creo que eso se nota en el material del epic45 si escuchas con atención.

Con Autumn Empire sólo me meto con el costado que más amo. Cada proyecto puede por momento ser más pop o más experimental.

Y en su mejor momento, ser ambos a la vez.

Ambas bandas, ¿han compartido escenario en una noche? ¡No todavía! ¿Podemos soñar con “My Autumn Empire” en Latinoamérica?

Me encantaría, absolutamente, ir a tocar. Si los vuelos pueden ser cubiertos, ¡estoy ahí!

El Espíritu de Dub

Por Alejandro Cenizacromada

Lee Scratch Perry Hay géneros en la música que aparecen de una manera tan subliminal y se expanden como un virus dentro de muchos otros géneros. El dub es uno de ellos, posiblemente muchos de los lectores de The 13th no estén muy relacionados con la cultura del reggae; pero es indudable la manera como su presencia tocó el sonido de bandas representativas en el punk y el new wave (The Clash es un claro ejemplo). Este no es un artículo de reggae, estas líneas anteriores sólo son una breve introducción. Aprovechando la visita que hicieron recientemente en el vigésimo festival Rock al Parque En Bogotá (Colombia) este año dos leyendas vivas del dub como Mad Proffessor y Lee “Scratch” Perry, escribo estas líneas para repasar un poco de historia. El dub es una

técnica de grabación surgida en Jamaica a finales de los 60 y a comienzos de los 70.

Los ingenieros de sonido experimentaban en los lados B de los singles hechos por las bandas locales de reggae de esta isla caribeña, temas instrumentales; pero jugando con la ecualización. Disparaban al tope las reverberaciones, los tambores estaban saturados de delay, se quitaban partes vocales en las canciones o se añadían ecos. La idea era generar ese viaje lisérgico, el consumo de Ganja en el estudio obviamente influía muchísimo. Para los rastafaris herederos del Rey Salomón y la Reina de Saba, la marihuana es un puente de comunicación entre Dios y los hombres.

Cuenta la leyenda que en la tumba del Rey Salomón se encontraron hojas de esta planta. Que quede claro, no estoy haciendo THE 13TH. 33

una apología del consumo de marihuana, estoy tratando el tema desde el punto socio cultural como el indígena boliviano que mastica la hoja de coca o el chamán amazónico que consume Yagé, en un viaje de búsqueda interna.

Volviendo al tema, en esta técnica de grabación sus pioneros fueron el señor King Tubby (fallecido en 1989), quien dentro de su trabajo es considerado un disco de escucha obligada el álbum King Tubby Meet Rockers Uptown (1975) basado en la obra del gran músico Augustus Pablo. Otro gran iniciador es el loco Lee “Scratch” Perry quién fue ingeniero de sonido de los primeros discos de The Wailers, la banda de su majestad Bob Marley. Lee Perry ha sido un personaje tanto impredecible como imprescindible.

Abrió su estudio Black Ark en 1974, de antología su disco Blackboard Jungle Dub del mismo año. Siempre en la búsqueda de crear un sonido propio, más bien poco interesado en producir bandas, al hombre le encantaba tomar las cintas master de sus grabaciones y echarles encima el humo de la Ganja que fumaba para que el sonido se hiciese más denso. En un acceso de locura le prendió fuego a su estudio en 1979; pero eso no nos ha privado de su genialidad, ha colaborado con artistas tan dispares como Adrian Sherwood quien fuese ingeniero de sonido de Coldcut y Depeche Mode.

Recomendado el disco que hicieron juntos Dub Setter (2009). Lee Perry ha colaborado también con bandas preponderantes del movimiento reggae en Colombia como Alerta Kamarada.

Por otro lado tenemos al hombre nacido en Guyana, Neil Fraser o Mad Proffessor, creador de su propio sello Ariwa Records en 1979.

Un genio que se ha encargado de que el dub extienda sus tentáculos a otros géneros. Ha puesto sus manos en el segundo disco de 34 .THE 13Th

los Massive Attack Protection (1994) y lo ha dejado completamente desmenuzado y expuesto en una serie de remixes llamados No Protection, posteriormente metió su talento en remezclar el tema “Angel” del colectivo de Bristol. También ha trabajado con el synth-pop, a Depeche Mode le remezcló el lado B del single “It’s No Good” de 1997, una canción instrumental llamada “Slow Blow”.

Pero sería injusto dejar de mencionar otros genios que hacen parte de este espíritu musical como Jah Shaka, un jamaiquino muy cercano a Mad Professor, de quién se recomienda su obra Commandments Of Dub (1981 -1990). El baterista y percusionista Style Scott quien ha trabajado a su vez con el bajista y productor Bill Laswell responsable de proyectos multiculturales como Sacred System en los que el carácter alucinante del dub se conjuga con ritmos del medio oriente, potenciando el poder medicinal del sonido.

Para Lee “Scratch Perry la mezcla del dub se centra en potenciar la batería y el bajo. El bajo representa las ondas cerebrales, la melodía oculta y la batería, el ímpetu, el ritmo del corazón. En el completísimo libro distribuido gratuitamente por internet acerca de la historia de la música electrónica, titulado Techno Rebelde, del francés Aryel

Kyrou, se habla de la influencia del dub en el post-punk. Para tomar un ejemplo, está la inmortal “Bela Lugosi’s Dead” de Bauhaus, cuyo sonido penetrante e hipnótico en el bajo y la batería sirven como plataforma para la profunda voz de Peter Murphy y la truculenta guitarra de Daniel Ash. Otro tema que personalmente puede servir de comparación y que es uno de mis favoritos es “Never Is Forever” de Tones On Tail, con un guiño dub mucho más claro.

Obviamente en el techno, el dub ha tenido una fuerte influencia en su evolución, ya que se han creado nuevos subgéneros como el dubstep. Recomiendo mucho el alucinante split del proyecto británico Burial con Massive attack llamado “Four Walls”, Dos temas trepidantes plagados de exquisitas y melancólicas atmósferas.

Por último dejo una discografía recomendada para los que quieran indagar en las aguas místicas del dub:

The Rootsman – In Dub We Trust (1994): Un personaje originario de Nothingham, nos trae esta gran placa capaz de convertir un sampler de la feroz

Yu Gung de Einsturzende Neubauten en un baile meditativo y sosegado. Dentro de lo que yo he escuchado del género, uno de mis favoritos.

Various Artists – Serenity Dub Vol. 11 AM (1995): Una excelente compilación que muestra todas las formas posibles de fusión dentro del género. Presentando a Keith Le Blanc, Asian Dub Fundation y Muslimgauze.

Sacred System – Nagual Site (1998): Una de tantas revisiones hechas por el maestro Bill Laswell quien partió del free jazz y terminó inquietado por crear un puente que fuera más fácil al menos sónicamente de que Baghdad quedara a un paso de Kingston.

Fedayi Pacha – The 99 Names Of Dub (2007): Francés y multicultural también, un disco delicioso, lleno de matices y dinámico de principio a fin.

Badawi – The Heretic Of Ether (1999): Raz Mesinai es un artista nacido en Jerusalén y testigo presencial de la violencia en el medio oriente. Aquí su obra adquiere mucho peso y madurez. Un disco para escuchar con las persianas cerradas

THE 13TH. 35

Debo mantenerme siempre en Movimiento Entrevista a Steve Kilbey por Diego Centurión Traducción: Marcelo Simonetti.

Hablar de tu carrera como músico nos llevaría muchos capítulos o preguntas, pero para empezar esta entrevista, siempre que escucho tus trabajos solistas o colaboraciones me invade la misma sensación de paz y de que el mundo se vuelve más nocturno y melancólico, pero no oscuro, como si cada acorde o melodía tenga un pequeño secreto oculto que hay que descubrir. ¿Cómo describes tu manera de componer?

Bueno, supongo que siempre estoy tratando de llegar a ese sentimiento que describís. Ese sentimiento nocturno, triste sin ser depresivo. Es el sentimiento que siempre exploro.

36 .THE 13Th

¿Qué buscas en cada nuevo trabajo, un concepto general de la obra, o simplemente buenas canciones? (como si esto no fuera lo que todos buscan).

Bueno, siempre sé lo que quiero hacer.

Es siempre la misma cosa, una y otra vez. Refinando y mejorando mi visión de canciones bellas que signifiquen algo.

Música sutil y rica que puedas escuchar por siempre. Acerca de la vida, del amor, los sueños, la muerte y el renacimiento.

Espiritual, pero no religiosa.

Eres un artista que siempre está en movimiento, ya sea con The Church, en solitario o con colaboraciones. ¿La magia

reside en nunca estar estático y el crear te Sé desde el principio como va a ser. hace sentir pleno?

Sí, es correcto. Debo mantenerme siempre Este año has editado un DVD con The en movimiento, hacia adelante.

Church, un nuevo trabajo con Martin Kennedy, y editarás “Whispers In The Static” Una de tus últimas colaboraciones y con la con Miscellanaea, ¿Podemos esperar para el que más trabajos has editado, es con Martin 2015?

Kennedy de All India Radio. ¿Cómo nació 2015 va a ser el año de la colaboración “HU esta colaboración y qué encuentras en DOST”. Y la colaboración con el guitarrista Martin a la hora de escribir? irlandés Frank Kearns. Por lo menos eso, Martin solo se me acercó un día, en 2002. quizá mucho más que aún no he planeado! ÉL escribe preciosas piezas de música para mí, para que pueda cantar encima. Así que ¿Qué importancia tiene para vos lo que hemos delineado que hace cada uno. Es muy produjo internet, crees que cambió la fácil. Y adoro el material con el que siempre manera de escuchar música en la web y la llega! manera de comercializarla?

Internet ha hecho un gran cambio en todas nuestras vidas. En la música, en las películas, en todo. No hay escape. Tiene sus pros y sus contras. Ya se ha escrito sobre esto muchas veces antes. No es necesario que yo también haga los mismos comentarios.

Excepto que lo ha cambiado todo.

Los trabajos con Kennedy son varios, estos últimos años fueron más frecuentes, y todos transmiten un clima de tranquilidad, pureza y luminosidad; ¿Es un reflejo del proceso de composición? O ¿Es un reflejo de cómo se encuentran en sus vidas personales?

Martin escribe música muy atmosférica. No hay mucho que pueda hacer salvo escribir letras atmosféricas. Él es un tipo muy calmado y centrado.

¿Crees que es más difícil captar oyentes jóvenes que en décadas anteriores? Lo digo más que nada por el ritmo al que se vive y la facilidad de acceder a la música en la web, esto hace que los oyentes salten de canción a canción, casi sin terminarlas de escuchar.

Mira más arriba. Ya no me preocupo más por ésos temas.

¿Qué reflexión de lo vivido con la música (mirando retrospectivamente) nos puedes decir, y que deseo queda aún por realizar en el futuro?

Hemos construido un asombroso trabajo durante 35 años. Está todo ahí, para que Tus trabajos solistas (bajo tu nombre) son la gente pueda sumergirse en él. Mi deseo varios. ¿En qué momento decides que va a para el futuro es que más gente pueda ser un trabajo solista, antes de componer o descubrirlo. una vez que tienes un grupo de canciones?

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¿Nunca pensaron en venir a América Latina?

Sí, nos encantaría girar por ahí. Pero los problemas de dinero nos impiden ir, a menos que algo milagroso suceda…

Muchas Gracias por tu música y por estas palabras.

38 .THE 13Th

Es una re-introducci贸n a la banda

Entrevista a Paul Robb por Diego Centuri贸n

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El 5 de noviembre se presentarán por primera vez en Argentina, y lejos de pensar que vienen con el impulso del revival de los 80 y 90’s, la banda viene a presentar su nuevo gran trabajo “Hello World”, para demostrar que están más vivos y actualizados que nunca. The 13th Revista accedió a tener una entrevista con Paul Robb y el resultado es lo que sigue a continuación: Siempre hablamos del revival de los 80, pero ahora también hay de los 90’s. Las nuevas generaciones descubren esas décadas. ¿Ustedes ven esos nuevos fans en sus conciertos?

Yo pienso que la mayoría de nuestros fans son los que nos escucharon en los años 80 y 90, pero hay un buen número de jóvenes que también nos han descubierto más recientemente.

Muchos de nosotros vivimos la transferencia del casete a cd y luego vino internet y cambió las reglas de todo. Y siempre suelo preguntar cómo han vivido este cambio, ya que hoy todo está a un click de distancia.

Tengo toda mi música en la computadora, ¡pero nunca la escucho de esa manera!

Siempre voy y pongo un CD y la escucho a la manera antigua. También tengo una colección de vinilos bastante grande, así que a veces escucho también de esa manera. Siento que me hace prestar más atención a la música.

Tomando la pregunta anterior, ¿Por eso crearon HAKATAK? ¿Es la manera de mantener su independencia artística?

Hakatak Internacional comenzó originalmente como una manera para que nosotros editemos nuestros productos menos “comerciales”, pero desde la 40 .THE 13Th

desaparición de las “grandes discográficas”, Hakatak ha sido la manera conveniente para que editemos nuestra propia música. Y sí, definitivamente ha ayudado a mantener nuestra ¡independencia artística!

Con el regreso de Kurt ¿Cómo fue grabar nuevamente con la formación original?

En realidad, fue una de las colaboraciones más suaves y más satisfactorias que hemos hecho juntos. Otra agradable razón es ¡no tener un sello discográfico rondando! Nos tomamos nuestro tiempo, y grabamos qué y cuándo queremos....

“Hello World” es un gran disco. ¿Se puede decir que es una muestra al mundo que están de regreso y con toda la energía?

Sí, definitivamente es una especie de reintroducción de la banda. ¿Qué expectativas les despierta visitar Buenos Aires? ¿O tratan de no generarse ninguna y descubrirlo por ustedes mismos?

Hemos estado esperando tocar en Argentina desde los años 80, así que definitivamente estamos esperando nuestro primer concierto allí. Tratamos de no tener expectativas de cualquier nuevo lugar que visitamos. ¡Nosotros tratamos de rodar con él!

En los ochenta y noventa The Ramones nos visitaron tantas veces que ya eran casi argentinos. ¿Ustedes son así con Brasil?

Sí, definitivamente Brasil se ha convertido en nuestro segundo hogar. Es curioso, pero a veces parece que somos una banda con sede en Río que sólo pasa a vivir en los EE.UU. Nota curiosa: Yo remezclé un registro de los Ramones en 1991, y dos años más tarde ¡ Joey Ramone robó a mi novia! :-)

Luego de Brasil. ¿Qué planes tienen?

Hemos estado trabajando en un álbum de covers que estamos planeando lanzar en algún momento de 2015.

Fotografías: Paul Foster THE 13TH. 41

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PALABRAS EN LA ARENA -LITERATURA-

La leyenda del indomable: “El señor de los venenos”, de Enrique Symns Por Pablo Ravale

44 .THE 13Th

Enrique Symns es una leyenda. Conociendo su historial, podría decirse que cualquier proyecto en que se haya embarcado es interesante. Como periodista, estuvo al frente de la mítica revista literaria Cerdos & Peces (amén de algunos segmentos en el diario El Porteño, y en los magazines Satiricón y Eroticón), la cual, a estas alturas, ya se ha vuelto un sinónimo de culto. De todos modos, lo que lo vuelve entrañable, es su talento con la pluma y con el uso del lenguaje; su manera brutal de decir las cosas y las historias truculentas que siempre tiene para contar... Puesto que si hay algo que destila su escritura es veneno; veneno, pero también sinceridad.

Porque es con esa lengua bífida que efectivamente Symns nos logra introducir en las páginas de esta obra; obra en la que hace constantes referencias a los bajos fondos y las drogas en que él se supo sumergir. Aquí encontraremos todo un itinerario de la vida agitada de Enrique (un hombre que se ha dedicado la mayor parte de sus años a vagar sin destino ni premisas) contado en un lenguaje de lo más crudo, desinhibido y soez. Sin embargo, y a pesar de que el escritor pueda espantar a más de uno con su mirada apocalíptica del mundo y sus más perversos pensamientos, responder o no a la provocación corre ya por cuenta del lector.

Lo interesante y admirable de El señor de los venenos, es la libertad y contundencia con la que Symns nos narra sus aventuras y desventuras: los viajes salvajes a Brasil y a Europa, sus días como adicto, sus peripecias como dealer, su breve paso por la cárcel, su relación amor-odio con los rockeros argentinos, su labor como periodista

y monologuista, su eterno carácter de rebelde y sexopata. El libro entero, a su vez, está abordado desde una concepción filosófica-existencial que hace hincapié en los ideales anarquistas y nihilistas del autor. Por otro lado, se destaca también su capacidad para contar anécdotas graciosas, asomando luego evaluaciones tristes y profundas.

De dichos análisis que Symns vierte a lo largo de esta obra, nos queda siempre la misma reflexión: “No somos nada.” Para el autor, uno de los motivos de esa miseria es, en parte, el manejo de la palabra, la cual, en varios pasajes, denomina como un virus o una muralla que nos impide llegar al conocimiento supremo de la vida. Combinadas a todo ese lenguaje descarnado, están las historias más inverosímiles de este loco encantador que ha entrado y salido de lo sórdido, para empaparse de amigos y de recorridos desopilantes. En tanto, Enrique nos ofrece capítulos dedicados al barrio de Once, a bares de la calle Corrientes y a otros oscuros reductos que solía frecuentar.

Con una clara y autoreconocida influencia de ciertos escritores malditos (véase Charles Bukowski, Henry Miller y William S. Burroughs), Symns desenvuelve impertinente sus fechorías como delincuente juvenil y sus transas de cocaína, mientras expone -en detalle- su experimentación con esa sustancia, amén de otras tantas como la marihuana, la datura, la belladona, el LCD, la morfina, el floripondio, el hachís, etc. Aunque suene paradójico, el escritor mide sus actos y los de los demás con la vara del crítico despiadado que es; esa que consiguió con THE 13Th.45

la inquietud de literato autodidacta y la escuela de la calle.

Enrique cuenta sus historias y enseña la asombrosa aptitud que posee para escribir como se habla, sin degradar, por ello, un ápice de su prosa. Esa condición lo ayuda, en consecuencia, a aportar humor y frescura a sus textos, si es que en el desarrollo de los mismos, se vuelve, de a ratos, un poco escabroso. Y es que, de la forma más dura, el escritor logra compartir con los lectores sus frustraciones, sus sufrimientos físicos y emocionales (ocasionados ya sea por sus adicciones como por las situaciones peligrosas en la que siempre se ha metido), y hasta sus ideas de intentos suicidas nunca concretados.

Uno de los puntos altos de la obra es, sin dudas, cuando admite que el cariño que sintió por el Indio Solari (cantante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota) “no ha desaparecido del todo”, empero no deja de calificarlo como “alguien que se encerró, como Macri o cualquier otro magnate en Parque Leloir, apartándose de los olores del mundo que impregnan sus canciones, lejos de su poética y de las emociones que supo provocar”. También cuenta que Charly García “escondía su merca en los rincones para no convidar a nadie” o que Los Piojos, en sus inicios, “contaban con la lucidez de un empleado bancario con un plan inexorable e inteligente”, en alusión a Andrés Ciro.

Por otra parte, existe entre las páginas del libro un fragmento dedicado al mítico guitarrista Pappo, diciendo lo siguiente: “Esa noche Gloria Guerrero me comentó del intento de violación que sufrió por THE 13TH. 46

parte del bastardo de Pappo, el blusero. El ataque aconteció aprovechando la soledad del bus en que realizaban una gira. Esa rata inmunda de Pappo ya violó a una gran amiga mía hace muchos años. El único tipo que lo ponía en su lugar era siempre Alejandro Medina, el bajista de los Manal.

Alejandro es otro tremendo peleador y en el baño del bar La Cueva le zampó un mamporro que lo incrustó contra los inodoros.”

El libro cierra con el relato de su agitadísimo paso por Chile, donde participó del semanario The Clinic, y posteriormente regresó a la Argentina. No obstante, y lejos de ser una apología del uso de las drogas o un estrafalario rejunte de anécdotas, El señor de los venenos viene a representar una invitación a liberarse de los tabúes que imperan en las sociedades contemporáneas. A través de estas narraciones tumultuosas, Symns ofrece la posibilidad de repensar las características humanas más básicas y más animales. Por ello, convida a todos de sus dulces venenos en la forma de palabras…

Enrique Symms

En Concierto

Debido al tiempo transcurrido desde nuestro último número, varios conciertos han ocurrido varios conciertos a los que hemos asistido, muchos han salido por nuestro Facebook. A continuación podrán recordar esos shows con fotos exclusivas.

Cuando la emoción te sorprende.

Alcest en The Roxy, 08 de septiembre, por Diego Centurión

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Lunes. El anochecer ya convertido en noche se cierra aún más con las nubes de tormenta sobre Buenos Aires. La luna llena reina en el cubierto cielo de livianas nubes que no pueden ocultar a la dama de la noche, aunque todo su brillo fantasmal y blanquecino la muestra espectral.

¿Qué mejor noche puede haber para asistir a un concierto de Alcest?

Una vez en la puerta del Roxy, la cartelera dice “Por siempre Gustavo (19592014)”. Me inundó una emoción previa al concierto. Ingresé al lugar y en una sala anterior al auditorio, estaba Neige sentado en una mesa con una notebook, solo, ensimismado, en un mundo aparte al que todos asistían. Así que decidí ingresar al salón de conciertos y estaba Sylvaine en el escenario, la artista soporte. Ella y su guitarra acústica, cantando muy suave, por un momento le presté atención pero no pudo cautivarme, como a la gran mayoría de los asistentes. Nada para destacar.

El público en su gran mayoría era del metal, muchas remeras de My Dying Bride, Dark Tranquility u Opeth, entre otras.

Con un pequeño retraso de algunos minutos, el telón cerrado comienza a abrirse con la intro “Wings”, la banda de espalda al público. Neige se voltea hacia los asistentes y mirando a la gente comienza “Opale” y la banda despliega ese gran shoegaze que emana de su último disco Shelter. Neige logra cautivar al público sólo con su sonrisa.

“Summer’s Glory” es la segunda canción y la gente acompaña con el movimiento de cabeza (símbolo del Heavy Metal), aunque esto sea shoegaze, suenan corrosivos y a la vez potentemente hermosos. “Là où naissent les coulers nouvelles” comienza mientras el público corea la futbolera “Olé, Olé, Olé, Olé, Alcest, Alcest…”, tremenda la energía. “L’eveil des muses” los acordes THE 13TH. 48

suaves y ensoñadores de la intro producen un ambiente único y sublime. Una canción que se va volviendo más fuerte sonoramente a medida que avanza, entre melodías vocales etéreas. A esta altura el público esta extasiado. Y vuelve canto futbolero, entonces Neige pregunta si ese canto es de fútbol, “Voix sereines”, maravilloso momento del concierto, la banda entre tinieblas con esta dulce canción del último trabajo, que pone a los asistentes en un estado hipnotismo pocas veces visto por mí. La sensación que me invade es que el bajo de Indra, con las guitarras emotivas de Neige y Zero, y el lento ritmo de Winterhalter, produce un extraño cosquilleo de emoción en el pecho, como que van cayendo las ataduras de la distancia que pongo entre la mirada crítica y el sonido, dejando paso a una pequeña emoción. “Autre temps” continúa con este momento especial del concierto y “Les Iris” nos mueve un poco más con el ritmo acelerado, casi Black Metal, de una parte de la canción. Pero a esta altura, la movilización de sensaciones es más fuerte que el ritmo. “Souvenirs d’un autre monde” nos devuelve un poco más a la tierra.

Llegamos a otro gran momento y único de la noche, “Sur l’océans couleur de fer”, las armonías logradas por ambas guitarras y la voz de Neige son simplemente mágicas.

El silencio del público es una muestra del poder de hechizo que esta banda logra sobre sus seguidores. Sin lugar a dudas, uno de los momentos más dulces y emotivos del concierto. “Percèes de lumière” es el momento más pop y amable del concierto, una energía dulce y simple recorre el ambiente a través de esta simple canción. Después de esta canción nos quedamos con ganas de más, y la banda se retira del escenario, pero sabemos que hay más.

La banda regresa bajo una ovación de la audiencia y empieza el encore con

“Déliverans”, el broche de oro a este gran concierto. Luces naranjas en todo el escenario y a medida que avanza la canción, que cierra su último disco Shelter, se van quedando estáticas inundando el escenario y algunas en dirección horizontal hacia el público, creando una rara ilusión óptica como de estar dentro de un túnel. Más allá de efecto de las luces, la canción nos va metiendo en un sueño. El final comienza a producirse, Winterhalter e Indra abandonan el escenario mientras las guitarras quedan suspendidas en una nota, hipnotizándonos a todos los asistentes. La armonías de ambas guitarras se unen un una sola nota y aparecen los coros celestiales que abrieron el concierto, que de la misma forma cierran el disco. Zero abandona el escenario

bajo un mar de aplausos y sólo queda Neige arrodillado frente a su amplificador sonando, casi en un dulce acople que se va desvaneciendo entre los coros. Luego se levanta (mientras los coros continúan) saluda y se retira. Luego de unos minutos las luces se van desvaneciendo junto a los coros, hasta el final.

La salida del concierto me confirmó que se trató de un show diferente, algo más que un concierto de rock, algo más que una banda tocando, ver algunas mujeres llorar y hombres emocionados saliendo del reciento es algo que había leído pero que ahora entendía.

Alcest es una experiencia única, disfrazada de banda de rock se esconde todo un mundo de emociones que se liberan en sus shows. Yo fui testigo de eso.

Con la voz alcanzó.

Peter Murphy en Niceto Club 11 de septiembre, por Marcelo Simonetti Fotografías: Yamila Castelo

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Peter Murphy nos visitó por tercera vez, ésta vez la cita fue en un Niceto abarrotado. El motivo fue la presentación de su último disco, LION, de tintes más industriales que su gran anterior trabajo (Ninth), seguramente debido a la producción y participación de Youth en la grabación. Peter goza de un gran prestigio y popularidad en el ambiente “oscuro” de Argentina y el mundo entero debido a su pasado en la banda post-punk pilar del rock gótico, Bauhaus, y durante el show no quedaron dudas de que son sus credenciales históricas las que propician las convocatorias; ya que el público presente se quedó totalmente inmóvil (desconocen los discos de Peter, la mayoría) cuando aparecían los temas de los últimos dos discos, o los menos conocidos de su trayectoria solista, y explotó cuando tocaron los clásicos de Bauhaus, y los dos o tres hits de sus discos en solitario.

Ahora, vamos al show en sí. La voz de Peter sigue siendo, a pesar de los años, una fuente inagotable de transmisión de sentimientos.

Sigue cantando magistralmente, interpretando con una belleza sin igual. Igualmente, ésta vez estuvo muy estático en escena, cual si fuera McCulloch. No podemos decir que es porque ya no es el mismo jovencito que fue una vez, ya que hace muy poco lo vimos en el Vorterix moviéndose y comunicándose con su clásica teatralidad. Quizá el cansancio de la larga gira, quizá alguna incomodidad interna… Hubo cambios en la banda, y se notó en el show. Peter dejó ir a Mark G Thwaite (que nos había visitado las dos veces anteriores y había compuesto parte de Ninth), quizá debido al cambio estilístico en LION, y sumó a Andee Blacksugar que se aprendió muy bien la imagen y la gestualidad teatral de Daniel Ash, el mítico guitarrista de Bauhaus y tocó la guitarra en el último disco.

Pero lamentablemente, el amigo Andee no pasó de eso. Los temas que tocó en LION, los ejecutó bien. Los clásicos de Bauhaus, anduvieron bien THE 13TH. 50

también (se nota que cuando aprendía los gestos y la estética de Ash, le prestó atención a lo que Ash tocaba también). El problema fue con los temas de Ninth, que estuvo presente durante todo el show, y el resto de los temas de Peter. Lapsos enteros de canciones, como la primera parte de “The Prince & Old Lady Shade”, donde ni siquiera hacía el ademán de tocar. En la batería estuvo el histórico ladero de Peter, Nick Lucero, y en el bajo y violín también estuvo, como las veces anteriores, Emilio Di Zefalo. Las versiones de los temas, para colmo, cuando el show debía ponerse “al palo”, sonaban frenadas, lentificadas. El sonido del lugar tampoco ayudaba, demasiado alto por momentos, con el bajo demasiado saturado y Peter permanentemente pidiendo al sonidista que suba la guitarra o su voz. Para peor, el bajista destrozó la bellísima “Strange Kind Of Love” cuando agarró el violín para acompañar la impecable y emotiva voz de Peter, tocando todo el tema en otro tono.

Los momentos del show donde pudieron coincidir el entusiasmo del público y una correcta ejecución de los temas de parte de la banda fue cuando encararon los clásicos de Bauhaus “Silent Hedges” (gran performance de Peter) y “She’s In Parties”. También hubo buena acogida del público y ejecución de los músicos en “Cut’s You Up”.

Como conclusión, podemos decir que la voz de Peter sigue siendo bellísima, profunda, y sin par.

Que el show tuvo algunos problemas de sonido, que a Peter lo vimos algo apagado, estático, y que la banda extraña muchísimo a Mark G Thwaite y su vasta experiencia en muchísimas bandas.

Esperemos que el amigo Andee se aprenda pronto los temas de Peter y pueda acoplarse a la banda

desde la oscuridad ruge el león.

Peter Murphy en Blondie - Santiago (Chile) 12 de septiembre, por Daire Alujas

Fotografías: Lissette Aravena

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Ésta vez la visita de Murphy (su 4to concierto en en Chile), me generó algunas dudas con respecto a su estado de ánimo al momento de subirse al escenario y hacer su show. A diferencia de los conciertos anteriores, ésta vez se lo vio más concentrado en cantar y escucharse que en disfrutar de lo que canta, de lo que escucha y del público. Tal vez fue el cambio de local (por primera vez en Blondie, antes siempre en Caupolicán), y la evidente caída en la cantidad de público asistente, o tal vez es que haya tenido un mal día… quién sabe. Lo cierto es que por primera vez siento que está con una banda realmente a su altura, capaces de integrar la potencia visceral del repertorio de Bauhaus y de varias del mismo Murphy, incluidas varias de las canciones del último álbum Lion, y la fina y pulcra elegancia sonora que tienen algunos temas del Deep, entre otras. Hablo particularmente del nuevo guitarrista Andee Blacksugar, quien se luce con una técnica y precisión además de unas sonoridades excelentes, a la altura de las

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épocas donde el rol era cubierto por Peter Bonas, Peter Distefano o Paul Statham.

Personalmente pienso que a Murphy le sube mucho los puntos en relación a su anterior guitarrista Mark Thwite (también ex The Mission Uk), menos pulcro y bastante más ruidoso, en la línea de NIN. La banda la completan Nick Lucero en batería y secuencias y Emilio Zef China en bajo y violín; unas máquinas… músicos soberbios.

Concierto de alrededor de 1 hora y media.

Un set list bastante cargado hacia lo más nuevo, (Lion, 2014 y Ninth, 2011), con una que otra visita a Bauhaus (Silent Hedges, She’s In Parties) y al inevitable Deep (Deep Ocean, Vast Sea; y unas excelentes Strange Kind Of Love y Cuts You Up), hicieron que el concierto fuese un paso más en una gira de un artista que ya saldó sus cuentas con el público Latino hace años y que aun tiene voz y aciertos melódicos y sonoros de sobra, y su poco de carisma. Aún.

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Celebrando su vida y su obra Peter Hook & The Light en Niceto Club, 29 de octubre Por Emiliano Herrera Fotografías: Ligia Berg

La tormenta eléctrica de la noche del 28 demoró a la banda y aclimató la ciudad para la ocasión. Hooky y los suyos llegaron desde Uruguay en Buquebús a eso de las 18hs, algunos fans los recibieron y además de pedirles autógrafos y sacarse fotos con la banda le hicieron un regalo a Peter: ¡Una camiseta de la selección Argentina con su nombre y un 10! Hooky se sintió agradecido y dijo que iba a usarla en el concierto.

Ya en la noche, Niceto abrió sus puertas a las 20:30hs, mientras esperábamos sonaban los Happy Mondays, Echo & The Bunnymen, Banshees, Cure, y demás colegas…El show se demoró, en lugar de 21:20hs como estaba estipulado, el set soporte de temas de New Order comenzó a las 21:50hs con una introducción de teclado a telón cerrado, seguida de una tremenda versión del instrumental Elegía, con un Hook sentado, algo meditabundo (¡Y estrenando camiseta!).

En los primeros temas se notó que la banda THE 13TH. 54

estaba atenta al sonido, ultimando ciertos aspectos, más bien de monitoreo, Hooky le iba indicando al sonidista, básicamente, que suba el retorno de cada uno de los integrantes.

La voz se escuchó algo baja durante todo el concierto. En cuanto al repertorio, la parte de No fue un adelanto de lo que será la próxima gira de The Light, ya que la mayoría de los temas fueron de los álbumes Brotherhood y Low Life (todos, excepto Age of consent, de Power, Corruption & Lies) que son los próximos a presentar, en su prontísima gira por Norteamérica. Al concluir esta primera parte del show sonaron temas Sumo y Kraftwerk, entre otros... Después de unos 20 minutos la banda volvió al escenario a comenzar lo que sería el plato fuerte de la noche

El set Joy Division comenzó con No love lost, From safety to where…? y Digital. Al terminar estos tres comenzó la interpretación de Closer, que estuvo muy bien, la banda sonó increíblemente sólida,

tienen un sonido fresco, actual, sin perder la esencia de JD, se nota que cada uno de los músicos entiende muy bien la música de JD. Se destacaron temas como Passover, Colony, o A means to an end (en este último Hooky cortó una cuerda, ¡Y a nadie le importó!) 24 hours, fue otro de los puntos álgidos, y ni hablar de The Eternal y Decades. Impecables versiones. Al terminar la interpretación de Closer la banda se tomó unos minutos y volvió al escenario para comenzar con Unknown Pleasures, daba la sensación de que el tiempo les jugaba en contra, ya que tocaron los temas muy rápido, uno atrás del otro. ¡Por momentos uno se sentía adentro del álbum! Especialmente cuando se oían los sonidos que disparaba el tecladista Andy Poole, como las típica introducción de New Dawn Fades (Uno de los puntos álgidos de la noche) o los impresionantes sonidos de los destrozos de I remember nothing (de hecho, otro de los mejores). De más está decir que

la rompieron los clásicos cómo Disorder, Shadowplay, o She lost control, pero los no tan clásicos fueron aún mejores, como Day of the lords, Wilderness o Interzone. Es de imaginar que la mayoría de los que estábamos ahí conocíamos los álbumes enteros, y esperábamos con ansias aquellos temas que creíamos que jamás íbamos a escuchar en vivo.

Después de una última pausa, de menos de 5 minutos, la banda volvió al escenario para hacer el final del show, con los clásicos obligatorios: Atmosphere, Ceremony, Transmisión y por supuesto Love will tear us apart.

Es curioso ver como a pesar de que Ian Curtis partió hace más de 30 años, su legado está más vivo que nunca, es genial que Peter siga celebrando su vida y su obra, que por supuesto, es también la suya.

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IT IS USELESS TO RESIST THEM… INFORMATION SOCIETY NICETO CLUB, 05 DE NOVIEMBRE PORMAXX WILDA FOTOGRAFÍAS: NAZARENA TALICE

Mientras me dirigía el miércoles 5 de noviembre a Niceto donde por primera vez en la Argentina los INFORMATION SOCIETY se presentarían, caí en cuenta que deberían haber venido hace 25 años, a lo sumo 20 y que seguramente los que estaríamos allí ese día hubiéramos sido los mismos que en esta fecha. Confirmado, viejas caras con nueva fisonomía iban arribando mientras sonaban clásicos remixados de la mano de Techoman Lastrax (el post show también tuvo el mismo rumbo). Abriendo la noche sonaron los locales RICHTER calentado motores una excelente versión del clásico Cars de Gary Numan. Seguía 58 .THE 13Th

aumentando la ansiedad mientras detrás del telón se veía cierto movimiento.

El momento llegó: una poderosa intro con juego visual (el cual acompañó todo el recital) dio apertura para The Prize seguido de Beautiful World, cover de Devo. Haciendo 2x1 (dos viejos y uno nuevo) Come with me, Get back y Running (con intro de Knife and fork) demostraron la intacta y cultivada voz de Kurt, junto a su tan sabido histrionismo, bromeando sobre no entender una palabra de lo que el público gritaba o que no entendía la euforia ya que eran un grupo de “viejos, con físico deteriorado, haciendo ruiditos raros”.

A pesar de esto la audiencia que sabía por qué estaba allí. Hacia el pasado y vuelta al presente como un vaivén, los temas clásicos y nuevos se sucedieron con impecable sonido y arreglos. Make It Funky, Above and Below, Burning Bridges, Jonestown, Land of the Blind, de lo menos conocido de la banda pero no por ello no menos disfrutado.

Inquietos en el escenario (Paul y James incluidos), cambio de atuendo, activos con el público (Kurt ofreció papas fritas y una plantita de lechuga que trajo del backstage)… los InSoc realmente se divierten en el show y contagian. Los picos más altos coincidieron con clásicos que no queríamos dejar de escuchar: Running, Peace & Love, Inc., Walking Away, Think, What’s on your mind? (Pure Energy) y como despedida Repetition. Un show bien cerrado, correcto ¿podría haber tenido una pequeña cuota extra de energía?

Tal vez, pero creo que ninguno de los presentes nos fuimos con gusto a poco, todo lo contrario ¿hubiera sido mejor haberlos escuchado hace años? Nunca lo sabremos ¿volverán? Tampoco hay certeza de ello, pero creo que si nunca hubieran venido, nos hubiera faltado ver a una banda que con no mucho material repercutió fuerte (y todavía hace eco) en la identidad de la movida electro Argentina.

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SALDANDO DEUDAS CON EL OTRORA UNDER SANTIAGUINO ECHO & THE BUNNYMENN- TEATRO CARIOLA -SANTIAGO (CHILE) 12 NOVIEMBRE POR DAIRE ALUJAS FOTOGRAFÍAS: DAIRE ALUJAS

Memorable. Diría que como en sus mejores días... Echo & The Bunnymen (nombre que, hoy por hoy ya sólo hace alusión al pasado y la memoria de lo que fuera una de las principales bandas de la escena post punk inglesa), en estado tal vez más de dúo histórico más sus respectivos músicos invitados, recrean una sonoridad que quedó cristalizada y resonando en los rincones y cavidades más silenciosas de la escena alternativa de los 80’s y principios de los 90’s. Al menos en Chile. Pues aquí los Bunnymen era una de esas bandas que se guardaban celosamente en las cabezas de unos cuantos cultores y sabiondos, esos que, con una cuota de esfuerzo apreciable,

lograban conocer (sólo) un poco más de lo que ofrecía la tele y las radios oficiales.

Recuerdo perfectamente la época en la que se estrenaba la muy ondera película “Generación Perdida” (The Lost Boys, 1987), cuando se la promocionaba con los Bunnymen sonando de fondo y la voz en off asegurando que participaban los mismísimos Doors. Y todos juraban que la canción era la original de los Doors...

En fin, aquí la gente también es extraña.

Tal vez ello prueba que Echo and The Bunnymen supo mantener el perfil bajo requerido para su música por mucho que se metiera a versionar a los más clásicos de una tradición rockera norteamericana THE 13Th. 61

ya convertida en mitología. O bien influiría el La banda se hace esperar por casi una hecho de que la banda no sobreviviese en muy hora, en la que el nuevo Teatro Cariola, rebuena forma al final de la década... Quién sabrá. estrenandose para la ocasión, se luce como un excelente lugar para albergar el evento.

Pero como lo mejor de los 80’s acá ocurrió en Una vez empieza la banda, el lugar resulta los 90’s, resultó que el culto salió a la luz diría, lucirse aún más. El sonido es preciso, fuerte a mediados de ésta última, con la evolución pero controlado. Nada se dispara ni se sale de de las radios hacia “lo alternativo” y/o la sala. La banda toca tan bien y perfecto que “underground”, que luego se convertiría en una ni se notan... Ian McCulloch es quien se lleva nostalgia generalizada hacia todo lo ochentero. el máximo de atención, y no es para menos, Así, Bunnymen pasó a ser parte de una cultura su voz y su estampa se manifiestan como que las nuevas generaciones debían empezar inmutables a los años. Will Sargeant por otro a conocer y mostrar entre los del barrio... lado, hace gala de su autoridad en términos de manejo sónico de sus guitarras, su precisión y Y es así como después de alrededor de 30 su fineza. Su sonido es tan fiel a sí mismo que años, llegan por primera vez a éste rincón del permite hacer cuenta que no han pasado 30 mundo a tocar frente a una audiencia de unas años y que, junto a McCulloch y una excelente 1000 o 1500 personas, en su mayoría cultores banda de soporte, Echo & The Bunnymen y melómanos del “área”, músicos, gente del siguen en plena forma y probablemente medio “alternativo”, del viejo y del no tanto. tendrán algo más por decir en el futuro.

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El set empieza con Meteorites (del último disco, llamado así), siguiendo con Recue y Villiers Terrace, donde citan a Doors con Roadhouse Blues para, luego de Never Stop volver a la cita con su clásico People Are Strange. Después de Seven Seas y Bedbugs And Ballyhoo, un momento sonoro de altura llega con All My Colours (Zimbo). Ya hacia el final las más esperadas Bring On The Dancing Horses, Killing Moon (tal vez la más esperada) y una poderosa The Cutter. En los bises traen lo más trascendente de Evergreen con Nothing Last Forever donde vuelven las citas, ésta vez a Lou Reed (Walk On The Wild Side) y Wilson Picket

(In The Midnight Hour), y Lips Like Sugar. Luego el cierre definitivo con una hermosa versión de Ocean Rain, donde la mezcla de guitarras acústica y eléctrica crea una atmósfera realmente exquisita.

En definitiva, una deuda más que pagada; diría que con creces. Echo & The Bunnymen sonando como en sus mejores tiempos y devolviendo el movimiento al cuerpo a las almas en pena de la movida under de Santiago, sobrevivientes en pleno siglo XXI, reunidas en un Teatro Cariola que se va perfilando como un excelente nuevo lugar de recitales, esperemos que siempre a la altura de éste.

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Pura MelomanĂ­a

Antes de empezar a leer sobre los discos que siguen a continuación , queríamos comentarles algunas cosas que hacen al entendimiento de los álbumes que están en este número.

Debido a problmas internos de la revista (ya solucionados) en esta sección estamos publicando disocs que han sido publicados en el mes de octubre. les pedimos disculpas y en el próximo número estaremos poniéndonos al día.

Revista The 13th

Todos los años son productivos para the church entrevista a steve kilbey por Diego Centurión Traducción: Marcelo Simonetti.

La extensa trayectoria de The Church, nos ha dado muchísimos álbumes, algunos en 1984, otros en 1994 y hasta en el 2004, The 13th aprovechó la oportunidad de contar con Steve Kilbey y preguntarle por varios discos de la banda.

algo falló. Pudo haber sido mucho mejor, creo.

“10.000 Miles”, “A Mouth Of Sundays”, “Shadow Cabinet” y “Remote Luxury” son canciones clásicas de la banda, algunas de ellas no pueden faltar en las compilaciones de los años ochenta. ¿Cómo te sientes con las canciones de “Remote Luxury” a treinta años de su edición?

Suenan como dos EPS que fueron lanzados juntos. Un poco incompleto. No es mi favorito.

“Remote Luxury”.

Luego de “Scence” de 1983, junto a Marty Wilson-Piper comienzan a componer para el siguiente trabajo, una etapa de cambios musicales, etapa de experimentación y más profundo (si se quiere), tal vez por el uso de los sintetizadores. Y crean “10.000 Miles” y luego editan“Remote Luxury”. Un trabajo más atmosférico y con sonidos de sintetizadores, algo que nunca habían utilizado. ¿Qué recuerdas de esas sesiones de experimentación con ese nuevo instrumento, que tanto venían imponiéndose en aquellos años?

Bueno, siempre hemos usado sintetizadores, aún en nuestro primero álbum. Fíjate en el vocoder en “Is This Where You Live?”. “The Blurred Crusade” y “Séance”, ambos tienen sintetizadores a lo largo de todo el disco. Me siento un poco decepcionado con Remote Luxury. Fue un poco seco, y mal grabado o 66 .THE 13TH

“Sometime Anywhere”.

1994 y una nueva incertidumbre sobre la banda, regresas con Marty a componer para un nuevo trabajo. ¿Arista Records los obliga a entrar a estudios por contrato?

No, nadie nos forzó a hacer nada.

Simplemente quisimos hacer un nuevo disco.

Desde este trabajo comienzan a intercambiar los instrumentos, y lo han hecho en el resto de los siguientes trabajos. ¿Cómo comenzó esta experiencia?

Bueno, simplemente agarramos los instrumentos que estén tirados

en el estudio, mezclamos un poco.

Luego se quedan sin compañía y terminan siendo un dúo con Marty. ¿Cómo se sigue cuando todo parece estar en contra? ¿Qué más podíamos hacer que no sea seguir adelante?

No nos interesaba si a alguien le gustaba o no.

originalmente se lanzó en el 2003, en muchos países se lanzó en el 2004).

Y con el avance de Internet, editan “Jammed” y un mes después “El Momento Descuidado”. ¿Cómo fue este año productivo?

Todos los años son productivos para The Church. “Beside You” son out-takes de “Uninvited Like The Clouds”. “Jammed” son eso, improvisaciones. Y “El Momento Descuidado” fue para una compañía que estaba editando versiones acústicas de bandas.

“Beside Yourself ”.

“El Momento Descuidado”.. ¿Habrá nuevo álbum de la banda?, ya que hubo algunas informaciones de cambio de guitarrista (la partida de Marty), y además teniendo en cuenta que los años terminados en 4 fueron muy productivos, y, sin contar todos tus proyectos, este año sólo han editado el DVD “A Psychedelic Symphony”.

Un nuevo álbum sale el 17 de octubre llamado Further/Deeper!.

“Jammed”.

Editado “Beside

Yourself ”

(si

bien THE 13TH. 67

Porco - Porco (1994) Por Pablo Ravale

Pocas veces el nombre elegido para una banda define tanto el contenido de su propuesta. Porco era una de esas anomalías tan raras como bienvenidas dentro de la escena del Rock argentino.

Sexo, violencia, angustia, soledad, muerte… esta era una banda destilaba en su música toda la ferocidad de cuatro personas con bronca. Formando con Gabo Ferro en voz, Sergio Álvarez en guitarra, Alejandro Goyeneche en bajo y Arnaldo Taurel en batería, Porco fueron más alternativos que toda la movida alternativa de los 90 junta. Ellos tocaban un hardcore potencia, visceral, con letras cargadas de nihilismo y escatología (mencionando constantemente palabras como “muerto”, “puto”, “culo”, concha”, “pija”, “himen”, “chupo”), además de optar por la independencia discográfica.

Porco se movía en la línea de bandas alternativas con un alto grado de musicalidad; por ello, no es de extrañar, 68 .THE 13TH

que encontremos pasajes en sus canciones que nos recuerden a King Crimson, Living Colour, Jane’s Addiction, Primus o Mr. Bungle. Buena parte de esa responsabilidad creativa recaía sobre Sergio Álvarez, virtuoso y original guitarrista que jamás temió a meterse en métricas irregulares y arreglos complejos (más si les pica el bichito de la curiosidad con respecto a él, chequeen su formidable trabajo en Panza o Electroálvarez), incursionando también con instrumentos más inusuales (véase el sitar, la teremina o el clarinete).

La base rítmica era otro logro considerable; Goyeneche y Taurel sonaban ajustadísimos tocando notas que pasaban del hardcore más descarnado a ritmos funkys y hasta dub. De todos modos, la frutilla de la torta era el talentoso Gabo Ferro, quien con su amplio y particular caudal de voz vociferaba chillidos agudos -extraños y diabólicos- que iban saltando sobre ese manto de riffs y grooves musculosos, consiguiendo entonces un efecto bien

determinado: exasperar al oyente.

Aparte del plantel invitado, aparecen invitados como los saxofonistas Sergio Dawi (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota) y Damián Nisenson (Los Twist, La Portuaria), quienes colorean el sonido de algunas de las canciones. Este debut auto titulado no es una obra para gente impresionable, prejuiciosa, pacata o recatada, por lo tanto es un disco no apto para una compañía multinacional. Porco era una innovadora banda más que recomendable para gente que buscaba nuevas experiencias (musicales y de cualquier tipo). Sus presentaciones, se dice, eran rabiosas y apocalípticas. Tocaban en tugurios del underground con casi nada de iluminación. A su vez Gabo, en plan de frontman, sino se desnudaba en pleno show, aparecía sobre el escenario desde dentro de una vagina gigante hecha con goma espuma.

Como último detalle podría destacar la portada del disco, una lluvia de fármacos como imagen ideal para el concepto del álbum: puro química sin nada de piedad.

U2 – The Unforgettable Fire (1984) por Diego Centurión

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Si pensamos en un disco de U2 de los años ochenta o noventa muy rara vez podemos hablar de un álbum que no haya marcado un punto importante en su propia historia y en varias oportunidades, en la del rock británico y mundial. Suene exagerado o no, para que la banda tenga el status que hoy disfruta, necesitó de trabajos como su cuarto álbum The Unforgettable Fire.

“The Unforgettable Fire fue un álbum maravilloso, como una pintura impresionista, muy distinto de un slogan publicitario… En América hubo un shock cuando lanzamos The Unforgettable Fire. La gente pensó que éramos el futuro del rock-and-roll y nos dijeron,‘¿Qué están haciendo con este maldito hippie de Eno?’. Debemos mucho a Eno y Lanois por ver a través del corazón a U2.”

Bono, 1987 “Estábamos buscando algo que era un poco más serio, más arty” comentó Adam Clayton.

Más allá de los singles de este álbum “Pride (In The Name Of Love)” y “The Unforgettable Fire”), que fueron dos éxitos a nivel comercial, este trabajo tiene algunos puntos que marcaron un quiebre es su vida como banda.

En primer lugar podemos citar que este álbum fue el puntapié inicial de una exitosa y fantástica colaboración entre la banda, Brian Eno y Daniel Lanois, quienes además de producir este trabajo tuvieron metiendo manos a instrumentos e ideas.

Bono cuenta en una entrevista que fue muy difícil dejar de lado a Steve Lillywhite (productor de sus anteriores tres discos).

Otro quiebre que podemos mencionar es el que cierra la sonoridad con su anterior álbum “War” (1983). En este trabajo abandonan (no definitivamente) la enérgica actitud y exploran más con los ambientes, 70 .THE 13TH

creando un vuelo atmosférico particular, en donde las guitarras de The Edge alcanzan momentos sublimes como en “Bad” o “Promenade”. La influencia de Eno y Lanois llevó a este álbum a buscar más el alma que lo lógico, que hubiese sido seguir en el camino de War. Los ritmos de Larry Mullen Junior, con la mezcla suenan más profundos. Los bajos de Adam Clayton son menos punzantes y le da paso un poco más a la armonía y al groove. La voz de Bono Vox diversifica sus cualidades, es enérgico como en “A Sort Of Homecoming”, combativa como en “Pride (In The Name Of Love)”, melodiosa en “Promenade”, o etérea y celta como en “MLK”.En este álbum no dejan su crudo post punk de “war”, y lo podemos escuchar en “Wire” y en “Indian Summer Sky”, pero exploran otras sonoridades no acostumbradas por la banda como en la mencionada “Promenade”, y también en el instrumental “4th of July” (que enseguida me trajo un recuerdo de “Descent” el lado B del single de “Primary”, de 1981, de The Cure).

Como se sabe “Pride (In The Name Of Love)” y “MLK” fueron escritas por Bono dedicadas a Martin Luther King. “Pride” salió después de que la banda vieran una exposición dedicada a Martin en el Chicago Peace Museum ese mismo año. Mismo museo que la banda fue a ver la exposición llamada “The Unforgettable Fire” que estaba realizada por pinturas de algunos sobrevivientes de las bombas de Hiroshima y Nagasaki.

Aunque el nombre se pensó para el título del álbum también terminó para la canción.

Pero se puede ver un cambio radical en la manera de escribir en Bono y sus temáticas tienen más profundidad que en sus letras anteriores. Este álbum le trajo mucha más profundidad y más direccionamiento sobre los problemas de su entorno y del mundo.

Pero mirando y escuchándolo a treinta años de su lanzamiento, podemos sentir que “The Unforgettable Fire” no es un disco más, en esos años de tantos buenos discos, éste álbum fue el posicionamiento del nombre U2 a nivel mundial, fue un paso importantísimo en la consagración mundial, Apoyado por la extensa rotación de sus videos clips en la cadena MTV (“Pride (In The Name Of Love)”, “The Unforgettable Fire”, “Bad” y “A Sort Of

Homecoming”). Este disco fue exitoso tanto en Europa como en los Estados Unidos, lo cual le abrió las puertas a la banda para lo llegaría con el siguiente álbum “The Joshua Tree” de 1987, y la mega consagración en el país del Norte de América. El trío U2 – Daniel Lanois – Brian Eno daría más capítulos en la historia de la banda y del rock también…

Pero eso ya es otra historia…

Peter Murphy – Unshattered (2004) Por: Erick R. Vieyra

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El tiempo del músico hipercreativo, negro, violento, atrayente y sensual, terminó.

Unshattered se trata de la formula caída del rock pop insustancial y usual, vacía y alineada a destellos de virtuosismo que no dejan más a la luz que el manejo docto de instrumentos, la técnica sin corazón.

Corrían los principios del nuevo siglo, la insustancialidad del ambiente artístico que ya no lucha en diversos frentes está patentada; recordando la edad en que Peter Murphy hizo una legenda injustificadamente sustentada en él mismo gracias a su imagen, para su edad de plena condición adulta dejó ver que no existía mucho jugo en él y que él era ese extraordinario vocalista gracias a la forma y química en que se conglomeró el cuarteto Bauhaus, sombra que nunca le abandonó y por la cual caen una buena proporción de sus críticas.

En su época solista, el brillo fue sinceramente escaso; Cuts You Up, su sello personal, el resto son temas sencillamente olvidados, tediosos. A pesar de ello, el periodo 85-95 fue el mejor de su carrera artística, periodo para el cual los buenos músicos se daban entre el conglomerado de artistas que adoraron los vinílicos y la transición al CD. Pero después, hasta no hace muchos años, la decadencia del arte.

Unshattered se publica en el otoño del 2004 (el 05 de octubre). los acompañamientos son interesantes; se cuenta con músicos de carrera, por ejemplo, DiStefano el cual se centra en el rock, o Bouhalassa que suele hacer entregas de soundtranks. Sin embargo, a pesar de ello, el disco cae en tediosos arreglos, los cuales son innecesarios cuando se cuenta con composiciones brillantes, las cuales no se encuentran aquí.

Niki Sudden – Treasure Island (2004) Por: gustavo rojas fernández

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Hay artistas que se vuelven inclasificables y Nikki Sudden es uno de ellos; sus gustos literarios entre los que se pueden nombrar a: W.E. Johns, Leslie Charteris, Alastair Mclean, Bernard Cornwell, Frank Richards, Tolkien, Conan Doyle, Anthony Buckreridge, Edwy Searles Broes, Eric Williams, Richmal Crompton, Barones Orzy, C.S.Lewis... y sus preferencias musicales en la que podemos citar a: Mick Jagger, Bob Dylan, R. Plant, Johnny Thunders, Hank Williams, Gram Parsons, Ian Hunter, Tony Mcphee, M. Mckee, Richard Thompson, Dave Swarbrick, Chuck Berry, Marc Bolan, R. Stewart, W.S.Gilbert, Willie Dixon, etc, se funden en su lírica y sonido y anuncian un claro eclecticismo, lo cual infringe una riqueza incalculable.

En la isla del tesoro, sin dudas la parte mayor del botín la comparten quienes lo escuchan. En éste TRABAJO que el propio Sudden CALIFICÓ COMO EL DISCO MÁS EQUILIBRADO QUE HAYA HECHO jamás, reúne una mixtura notable dentro de su obra general.

Allí nos topamos con góspel, country, blues, R´N´B, ESTILO MOTOWN, SOUL, ROCK´N ROLL Y HASTA UN VALS. Enorme variedad de estilos, más si pensamos en la experiencia post punk de Sudden cuando estaba al frente de la corrosiva banda Swell Maps.

Sudden explica que deseaba sonar como sus admirados T.Rex y lo logró con creces, dando un salto arriesgado y certero. ¿Por qué elije una isla un hombre que lo quiere abarcar todo? La única respuesta es que nos está invitando a reflexionar sobre nuestra propia vida, a replantearnos la existencia, y para ello nos susurra al oído, no como un viejo gruñón, sino como un padre afectuoso, aleccionador y

compasivo. Nikki no imposta, no finge, toma con suma seriedad aquello vertido por Antonin Artaud en el cual éste decía que el artista y la persona debían ser la misma, y no una máscara que cubriera a uno en detrimento del otro. Así Nikki Sudden expresa el punto relevante: Muchas personas tienen demasiado miedo a la vida. Están demasiado asustados de vivir o se encierran ellos mismos en sus caparazones y raramente salen de ahí. Ven la tele, van al futbol, visten las mismas ropas horrorosas que otros muchos, tienen miedo de ser diferentes, y es casi como si estuvieran asustados de tener que pensar por ellos mismos, o quizá han olvidado cómo hacerlo o puede que nunca lo supieran. Para la construcción de “Treasure Island” Sudden le envió a John Rivers el disco de los Stones “let It bleed” para que lo tomase como un bosquejo de lo que pretendía hacer, de cómo quería sonar. Un sonido fuerte y compacto fue el resultado. Era tal la convicción de Nikki de cómo deseaba testimoniar la frescura de su isla, que terminó invitando a participar al Stone Mick Taylor. ¿Cuál es el tesoro que esperan encontrar en sus vidas? parece preguntarnos su anfitrión a lo largo del disco. Cada canción expulsa su espuma de rabia contenida, su grito postergado, su liberador presagio. La voz de Sudden parece quebrarse y nunca lo hace, más bien sostiene a los desvalidos. Puede que su isla atemorice al principio, pero al transcurrir las canciones entendemos y nos aferramos al sueño de poder de vislumbrarnos a salvo, lejos ya del peligro a ser devorados por la culpa. Un disco amable, convincente, de exploración constante y corazón alerta, Sudden nunca dijo que su música fuera depresiva, sino con diversas atmósferas que ofrecer. Cada uno deberá buscar su THE 13TH. 73

propia isla, su propio tesoro, sin olvidar que un hombre llamado Nikki Sudden

nos brindó el empujón necesario para querer hacerlo o intentarlo.

R.E.M. - Around the Sun (2004)

por Rodrigo Debernardis

Hacer la reseña de un disco debería ser algo no demasiado difícil se supone. Mucho más si hablamos de un álbum que ya tiene 10 años, (05 de Octubre del 2004) varias “oídas” en ese lapso, y nuevos trabajos editados por la banda posteriormente, lo cual coloca al disco en cuestión en contexto, dándonos perspectiva histórica, y musical, y con ellas gran ventaja en el análisis.

Bueno, no es mi caso.

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A pesar de que para la banda, según palabras del guitarrista Peter Buck es “inescuchable” y de que prácticamente ha sido dejado de lado a la hora de armar los setlists de los conciertos, Around The Sun es un disco que me encanta. En serio, debo haberlo escuchado cientos de veces desde que se editó. Es mi favorito junto con New Adventures In Hi Fi, de 1996.

Entonces, se dirá, cuánto más fácil opinar (porque una reseña es únicamente eso, una opinión, la mía en este caso) de algo tan

conocido por uno. Y bien, es justamente eso lo que dificulta la tarea. De tanto escucharlo en estos 10 años, el disco casi ya ha tomado forma de unidad para mí.

Si, podría ponerme a desgranar tema por tema y decir: esta guitarra de Buck aquí, aquel arreglo vocal de Michael Stipe allá, o el coro de Mike Mills en este otro track, pero esta vez prefiero únicamente sugerir, casi suplicar, que escuchen TODO Around The Sun. Desde el hermoso track que abre el disco, “Leaving New York”, con un estribillo que se pega enseguida y te tiene largo rato cantándolo, pasando por “Electron Blue”(track 02), o las bellísimas “Make It All OK” y “The Ascent Of Man” (tracks 04 y 12 respectivamente). O los tracks 06, “I Wanted To Be Wrong” y 13

“Around The Sun” que traen un poco de aquel REM de mediados de los ’80, con la electroacústica y las cuerdas al frente.

Destaco también “Aftermath” (09), por simple y efectiva melodía pop, y “The Outsiders” (03), que mete un rapeo en el medio (algo que REM ya había hecho en el disco Out Of Time, esta vez a cargo de Q-Tip) En definitiva, para quienes conocen a REM (me costaría aceptar que alguien no lo hiciera) saben que es uno de esos sonidos difíciles de catalogar, lo cual los hace tan interesantes; y para quienes no (repito, difícil que el chancho vuele, peeeero…) Around The Sun es una acabada muestra de lo que, para mí, eran: una banda tremenda.

Laibach - NATO (1994) Por: Erick R. Vieyra

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Su historia se remonta a 1980 como parte de los iniciadores del Rock Industrial de raíz electrónica en Eslovenia, en un principio arraigados a una tesitura experimentalista y en más de una ocasión definidos como una banda de coqueteo neonazi, Laibach es hoy un referente de obligada cita si se habla del electrónico y sus derivados en el viejo continente.

Acorde con su calidad, la cual no ha mermado sino que ha ido logrando un brillo intenso al pasar del tiempo, el 10 de octubre de 1994 se publica uno de los discos más accesibles que de la banda se tenga registro, NATO. Los estilos que en él se encuentran transcurren entre el Electro Body Music, el Techno, el Industrial y, en menor proporción, aderezos marcialistas.

Gracias a esto, el disco ha sido publicado por distintos sellos discográficos.

Originalmente se publica por MUTE Records, sello fundado por Daniel Miller que es un personaje legendario dentro de la música electrónica, el MUTE Records se ha visto engalanado por varios de los más potentes exponentes del electrónico, como lo son Depeche Mode, Nitzer Ebb, Fad Gadget, entre otros más. Posterior a su publicación original, dada la frescura en el sonido y la oportunidad de escuchar en Clubs sus temas -lo cual se traduce en la sencilla promoción al no ser un disco

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transgresor- otros sellos más grandes le han editado también, por ejemplo Virgin Records e Indisc.

El disco se trata de un conglomerado de temas originales conjugados con remixes, bastante EBM, una cualidad de sonido no vista en anteriores trabajos (con excepción de Kapital, el álbum previo al reseñado), y temas sencillamente aceptados. Una suerte de disco de transición entre un estilo experimentalista negro y duro, y la música que a principios de los noventas comenzaba a posicionarse como tendencia, el Rock Alternativo en sus diversas variantes, incluyendo al gótico comercial, al Industrial, al Punk de cuarta ola.

Es este último punto el que podría resultar criticable por parte de escuchas que buscan sonidos no sencillamente digeribles. Este disco tiene bastantes destellos, pero no posee acidez, agresividad, no posee el tinte Avant-Garde que se explaya en el Opus Dei (otro de sus grandes discos), pero repito, la crítica es función de quién le escuche. Por mi parte le cito como un buen disco para su tiempo de publicación, pero no le citaría como un disco paradigmático para el desarrollo del sonido a menos de que el interés sea hacia la comercialización del Rock Industrial.

The Cramps - Flamejob (1994) por Diego Centurión

Veinte años de la publicación del sexto álbum de estudio de The Cramps, Flamejob. Lanzado al mercado el 11 de octubre de 1994. Es el primer trabajo para The Medicine Label, una subsidiaria de la multinacional Warner Brothers.

Y el resultado es este gran disco, que no desentona con sus mejores producciones.

Después del éxito de principio de los noventa con el excelente “Stay Sick”, la banda logró un reconocimiento más masivo aunque sus varios cambios de miembros dejaron solos a Lux Interior y Poison Ivy, pero completaron la banda con Slim Chance en bajo y Harry Drumdini en batería. Con la nueva formación grabaron y mezclaron en álbum junto al ingeniero Earle Mankey. Y con la producción del matrimonio “psychokiller“, Lux y Poison, lograron un resultado sembrado de potente garage rock y psychobilly, acorde

con la historia de esta banda. Quince canciones que desatan esa furia rebelde de Lux Interior y toda su carga psicótica y perversa. Y los tremendos acordes furiosos y enérgicos de Poison Ivy, más la base rítmica, que sin destacar, potencian la simpleza y crudeza de las composiciones.

El disco abre con “Mean Machine”, un pequeño riff que desata el garage rock de los Cramps. Con una carga de maldad antojadiza en la que Lux dice: “Sangre en la uña de Satanás” es mi segundo nombre.”

“Ultra Twist”, es la segunda canción y fue el segundo single extraído del álbum, y con esta canción tuvieron su debut televisivo, en el programa Late Night With Conan O’ Brien. Y como dice la letra… “Todos los alquimistas lo recomiendan. Hagan el ‘Ultra Twist’ que vino para quedarse…”

Un rockabilly salpicado de las frenéticas y espásticas melodías de Lux, es imposible THE 13TH. 77

quedarse quieto y con un final tremendo.

“Let’s Get Fucked Up” es la que sigue y esta fue la carta de presentación del álbum. Enérgica, sádica y sexual letra, que muestra el lado perverso de Lux. “Nest Of The Cockoo Bird” es una divertida y provocadora canción a go-gó, que pareciera ser un canto a la figura de la portada del álbum. “I’m Customized”, una canción con mucho de psicodelia del garage rock de los años sesenta pero con una sonoridad más sucia y punk.

“Sado County Auto Show”, ¡Sí!, súbanse al automóvil, tomen la ruta y no se detengan por nada, sientan el aire partirles la cara al ritmo de esta gran canción.

El tercer single y último extraído de Flamejob fue “Naked Girl Falling Down The Stairs”, una de las mejores composiciones de este álbum. Con un ritmo frenético para que nos sacudamos hasta caer al piso. Imagínense una chica desnuda cayendo por las escaleras de un museo… sólo a Lux se le puede ocurrir esta imagen.

“How Come You Do Me?”, en el vinilo original abre el lado B. Esta canción escrita por James Joiner, es un rockabilly disfrazado de psychobilly por la espática performance vocal de Lux, es simplemente genial. Me encanta el solo de Poison, que si bien no es complejo tiene un buen gusto arrollador.

“Inside Out And Upside Down (With You)”, una declaración de amor a lo Lux Interior, sexual y atrevida, sin tapujos y desfachatada. Es la canción que más me gusta de un álbum frenético. Perfecta combinación de actitud punk de Lux y una tremenda pared sonora muy rockabilly por parte de Ivy. ¡TREMENDA!.

Pero a no bajar el ritmo, llega “Trapped 78 .THE 13TH

Love” otra canción No escrita por el matrimonio Lux-Poison, sino por Jimmy Testo (canción grabada por Keith Courvale en un single de 1958). Es el tramo más frenético del álbum con la guitarra de Ivy bien al frente y la voz de Luz que se asemeja en forma divertida a la de Crazy Cavan & the Rhythm Rockers (una banda rockabilly contemporánea a The Cramps). Se nota que la letra no es de Lux Interior ya que es bastante suave y romántica.

En “Swing The Big Eyed Rabbit” bajamos un poco el frenetismo del que veníamos y nos encontramos con esta sensual y provocativa canción, el ritmo es provocador.

“Strange Love” otra que no fue escrita por la banda, sino por Jerry West. Un blues oscurecido por el marcado ritmo del bajo y la guitarra de Ivy que suena fantasmal y rockabilezca, todo potenciado con la jugosa voz de Lux. “Blues Blues Blues” es otro cover, esta vez de Hayden Thompson (lado B de 1976, aunque la canción fue escrita en 1957).

La versión de The Cramps es mucho más maliciosa, con una carga de rockabilly más ruidosa.

Luego llega “Sinners” otra cover de Freddie Alridge (grabado con su banda Freddie And The Hitch-Hikers como lado B de un single en 1961). La versión mantiene el ambiente de la original, aunque el tinte oscuro y enérgico de Cramps hace que la versión sea potente.

Y para cerrar llega otra versión de la conocida “Route 66 (Get Your Kicks On)” de Bobby Troup. Una excelente versión.

Como dije en el principio, no es el mejor trabajo de The Cramps, pero es contundente y se posiciona entre los más

aclamados por mí, ya que tiene todo lo que la banda puede ofrecer, desenfreno, locura, potencia, actitud, sexualidad, y todos los adjetivos prohibidos que se les ocurra.

Duran Duran - Astronaut (2004) Por Maxx Wilda

Dentro de los varios rituales que poseo para escuchar discos enteros, el siguiente fue el que elegí para Astronaut de Duran Duran (DD). Habitación a oscuras, titilantes luces de equipos, sillón reclinado y por supuesto, algún elixir embriagante.

Aquí fue donde surgió mi primer dilema: Bourbon o un refrescante Pastis? Segunda opción y dilema resuelto rápidamente, teniendo en cuenta a quienes tenía enfrente: ¡la formación original! Luego de muchos años de no haber grabado juntos los FiveFab estaban frente a mí.

Nada podía salir mal en el inicio y ¡así fue! “Sunrise”, introducción con el

inconfundible sello de “La Luna” pero que a diferencia de esta, va directo y sin misterio a una melodía extremadamente bailable (no por nada fue remixada ampliamente para los dancefloors europeos). DD resucitado del letargo de 4 años y mi Pastis acabado en 3:27 min. Refill y “Want you more!”, misma intensidad, sintetizadores y arpegios (Nick Rhodes y su amor por el Microkorg) sumado una mezcla de guitarras distorsionadas y acústicas (¡Andy Taylor ha vuelto! La historia diría que no por mucho tiempo). Sigue en la lista “What happens tomorrow”, clásico DD de un “Verano Violento” que THE 13TH. 79

demuestra que saben lo que hacen y cuando lo hacen, casi me sirvo el Bourbon pero se perdió ese momentum con “Astronaut”, correcto electro-acoustic-pop. Desde ese punto “Bedroom toys”, “Nice” y “Taste the summer” me llevaron a un mini recorrido por sus etapas anteriores, encontrándome con muchos toques distintivos de otras épocas más gloriosas y creativas que esta. ¿Habrán sido estos temas o las siguientes copas de Pastis? Sin importar el caso llegué a la mitad de un disco discretamente divertido esperando por más. “Finest hour” y “Chains” se presentaron como temas contemporáneos al disco, que sin dejar de lado la identidad de DD, no son lo suficientemente llamativos como para sobresalir. ¿Estaba siendo muy cruel, el tenor etílico agudizó mi costado crítico?

“One of those days”, “Point of no return” y “Still breathing” me revelaron que ninguna de ambas situaciones era la acertada.

Buenos arreglos, melodías simples y hasta por momentos pegadizas indican que cada quien hizo bien su labor, LeBon con una

voz inalterable (hasta el día de hoy), todos los Taylor en sus puestos (bajo, guitarra y batería, o sea, John, Andy y Roger) y el gran Nick, quien a mi parecer es quien más impronta dejó en este disco (dejando de lado mi costado de músico en el mismo instrumento).

En la producción: Duran Duran, Don Gilmore (Korn, Linkin Park, Rob Zombie, Lacuna Coil), Nile Rodgers (Chic, Bowie, Grace Jones, Laurie Anderson y la lista interminable hasta Daft Punk) y Dallas Austin (Michael Jackson, Aretha Franklin, Brand New Heavies, Lady GaGa), dieron al disco todos los elementos para que fuera “correcto” (palabra que ya usé pero que se ajusta perfectamente a mi percepción), ¡sí! “correcto” pero no ”espectacular” como otros (anteriores y posteriores).

Terminó la noche habiendo disfrutado sin dudas un disco de DD que no fue ni será clásico pero que si cumplió su objetivo. Y aquí el segundo dilema (por si se olvidaron): ¿cuánto de influencia tuvo el Pastis?

The Cult - The Cult (1994)

por Rodrigo Debernardis

80.THE 13TH

El sexto disco de The Cult no es un disco de The Cult. La tapa dice “The Cult”, la contratapa tiene una foto de The Cult (con Astbury y Billy Duffy juntos, lo cual no deja lugar a dudas…¡¡¡ son los Cult !!! decimos) pero no. Basta picar cualquiera (sí, cualquiera) de los 12 tracks que trae el disco para fruncir el ceño y jurar: no, no señor, ¡¡¡ esto no es The Cult !!!

Pero no se asusten, no huyan, no lo tiren a la basura todavía porque…este disco es… simplemente ¡¡ maravilloso !!

Pongamos algo de contexto: 1994, el hard rock estaba un poco en decadencia, la llama de Guns & Roses ya había ardido y con la muerte de Kurt Cobain, el grunge y el rock alternativo ocupaban la mayor parte de la escena. Primal Scream y Alice In Chains volaban pelucas en EEUU mientras que Blur y Oasis iniciaban una revolución en Inglaterra.

En ese marco, The Cult se despoja de las chaquetas de cuero, se corta el pelo y edita este fantástico disco, sumergiéndose en un terreno poco conocido por ellos, pero en el que a la luz de las evidencias, se mueven con gran talento y absoluta honestidad.

El álbum, editado un 12 de octubre, tiene variadísima riqueza en cuanto a sonidos y ritmos, y eso es algo que creo, más allá de que todas las canciones fueron compuestas por Astbury y Duffy (excepto el track 10), se debe a la dupla bajo/batería que en ese momento tenían los Cult. Me refiero a Craig Adams y Scott Garrett, dos tremendos músicos que luego fueron dupla en The Mission (Craig ya había

estado largo tiempo con aquella banda) y que sin duda imprimen su sello en el sonido de esta banda, así como lo hicieron Jamie Stewart y Les Warner en la época de Love.

Habiendo pasado los años, se podría encuadrar a este trabajo como el primero de una trilogía, más propia de Astbury que de los Cult, ya que en él asoman sonidos y melodías que después encontraríamos en 1996 con Cream, primer y único disco de Holy Barbarians, grupo de corta vida que formó Ian junto a Garret. También si escuchamos el disco solista de Astbury Spirit/Light/Speed, de 2000 podríamos cerrar el círculo sonoro iniciado con este disco de 1994, “el de la cabra negra” (denominado así por su portada) Breve párrafo para destacar algunos temas: Real Grrrl (track 03), tremenda, se luce Garret con ese estilo suyo que lo muestra más como un artesano de la percusión que como batero convencional (algo que se repite en todo el disco). Naturally High (05), con Duffy deleitando con su versatilidad en cuanto a combinar efectos, Star (07), una belleza, que junto a Sacred Life (06) y Be Free (07) constituyen para mí el núcleo del disco.

El resto del tracklist está absolutamente a la altura, convirtiendo a este álbum en unos de los mejores (sino el mejor) de la discografía de The Cult. Escúchenlo.

Aunque no parezca de ellos, escúchenlo.

Vale la pena

THE 13TH.81

The Cure - Concert (1984) Por Alejandro Cenizacromada

Retomando una frase del vocalista de Led Zeppelin, el señorazo Robert Plant en la cual afirmaba: “Solo hay un lugar donde una banda puede mostrar todo su poder, y es en el maldito escenario…”, es una frase que este disco en vivo representa al 110%.

Eso lo saben de sobra los que han podido asistir a un directo de The Cure, donde la banda da mucho más de lo que uno espera y no solo por profesionalismo o virtuosismo, sino también por espíritu. Es como una forma en la que Robert Smith deja en claro su posición ante el mundo y su compromiso con la música con esa frase hermosa que dijo alguna vez: “La libertad no te la dan, uno mismo tiene que 82 .THE 13TH

tomársela”. No soy el más fanático, y en cierta manera no me considero merecedor de hacer esta reseña, teniendo en cuenta que The Cure fue la razón para crear esta revista. No hay mucho que se pueda agregar al acercarnos a los 30 años de un álbum que nos deja sin palabras.

El Post punk en general es una música que se visualiza en blanco y negro; pero con The Cure los variantes de grises que se logran entre esos dos colores son muchos, tan alucinantes como intensos.

The Cure tomó esa bandera que empuñó Joy División con su obra magna “Closer”.

En un especial de la revista española Rock de Lux aparece una declaración de Robert

en la que dice. “El suicidio de Ian Curtis evitó que yo hubiese hecho lo mismo”, la discografía de La Cura ha seguido y perfeccionado esa senda, aunque soy más amante de la faceta Post Punk de The Cure que de la faceta más New Wave o alternativa por así decirlo (con ellos las etiquetas se desdibujan).

Este trabajo tuvo una edición limitada en casete que contenía un Lado B, con rarezas y versiones inéditas en concierto llamada Curiosity (Killing the cat - The Cure anomalies 1977 – 1984) ¡Bienaventurado aquel que tenga una de esas copias! Esas versiones aparecieron posteriormente en las ediciones remasterizadas que se lanzaron hace unos años atrás de su discografía.

La brillante ingeniería de sonido contó con la mano del señor Dave Allen quien trabajó también para artistas como Depeche Mode, The Human league y Wire. El arte de la tapa era una serie de fotogramas de la banda tocando en vivo diseñado por el mismo Robert Smith bajo el alias de Tobber. Las versiones aquí pertenecen a conciertos realizados en el Hammersmith Apollo en Londres y en Oxford (Inglaterra).

Soy de los que terminé dejando de escuchar las versiones en estudio de temas como “Primary” y “A Forest” por rendirme a las versiones de este disco, la primera con esa fuerza sobrecogedora y la segunda con ese intro profundo de sinte que hace que uno vuele mientras busca a la chica por el bosque que nunca estuvo ahí. Es tan genial esa versión que hasta Clan of Xymox quiso recrearla en su disco de covers “Kindred Spirits” pero el resultado con todo lo que me encanta COX y con todo el respeto que les tengo, no logra

recrear semejante genialidad.

Volviendo a “Concert” la música se llena de texturas como por ejemplo en “10:15 Saturday night”. La contundencia apasionada de “Shake Dog shake” que abre el disco; la fibrosa “One hundred years”; la tormenta invernal de las criaturas deformes que se besan en medio de la lluvia en “The Hanging garden” y la desgarrada ternura de “Charlote Sometimes”. Hay canciones que adquieren un aura más dinámica como en el caso de “Killing an arab”. Estamos ante ese momento en que hay un cambio de sonido en la discografía de The Cure, en la cual la banda se antoja de poner colorido a su obra siendo consecuentes con sus misterioso carácter, pero este disco se me antoja muy oscuro como una revisión con lupa de su etapa más siniestra salvo por “The Walk” con su brillante reminiscencia synth pop.

Hay gente dentro de la crítica que poco valora los discos en vivo, algunos los consideran como una manera de hacerle el quite a las presiones de los sellos por sacar material nuevo; pero en el caso de esta banda para mí este “Concert” está entre los esenciales de la Cura, es una gran cátedra de sonido oscuro hecho en vivo sin más ni más, bueno todos sus conciertos siempre terminan siendo una cátedra.

Paradójicamente recuerdo una entrevista dada por Robert Smith para la revista New Musical Express en 1992 hecha por el lanzamiento de su disco “Wish” en el cual textualmente decía: “No me gusta el gótico, ni bandas como The Sisters Of Mercy” porque su música es una mierda”.

Esta escena está influenciada por bandas que en muchos casos no se consideran parte de ella hasta el punto de menospreciarla, como The Cure, pasó también con Dead THE 13TH. 83

Can Dance, Nick Cave e incluso los mismos Sisters of Mercy. Han pasado tantos años, hablando con amigos y todos nos ponemos de acuerdo en afirmar que The Cure es una banda que aunque parten de la clásica formación en una banda de Rock, y sin recurrir a parafernalias ni pretensiones absurdas, logran llevarnos a un punto donde el sonido no tiene tiempo.

Al igual que Joy Division, The Cure es la banda sonora de un mundo ahogado en sus propios miedos y contradicciones.

Si alguno no los ha escuchado, creo que “Concert” es un excelente punto de partida, como también lo serían un “Desintegration” o un “Pornography”.

Artistas jóvenes en ese entonces pero con una madurez artística impresionante y una objetiva forma de mirar el mundo, algo que desafortunadamente hemos perdido hoy en día.

Paradójicamente aunque los grandes avances tecnológicos han acercado al melómano promedio a una inmensa posibilidad de crear música, de alguna manera también esos recursos han provocado cierta pereza mental para que mucha gente se limite y no busque su propio sonido. Es por eso la importancia de dar una repasada a discos como este.

La prueba de que la música en grande no está hecha por las mega estrellas, sino por gente honesta, que solo plantea dejar un pedazo grande de su vida en un estudio, escenario o en un acorde. Y no solo lo digo por The Cure, la escena Post Punk

84.THE 13TH

fue la parte en la que floreció la antorcha del lema de “Hágalo usted mismo” dado por el Punk, donde no solo la gente se limitaba a desahogar la furia, sino que todo trascendió en una búsqueda, lo más bonito es que fue una búsqueda interna.

Algunas bandas terminaron tentadas por el mainstream, otras desaparecieron, y otras como The Cure para fortuna de todos nosotros se mantuvieron firmes, haciendo caso omiso de una industria discográfica abusiva y oportunista como un ejemplo a seguir. 30 años después estamos ante un disco de un grupo, que como toda su obra constituye una mirada a un futuro que muchos no hemos podido entender ni confrontar. Un vuelo extraño por un universo onírico pero a la vez real.

Ya lo tenía que afirmar un gran filósofo griego “La muerte es la hermana gemela del sueño…”. Grande la cura.

A continuación hemos recurrido a un miembro de la banda, que ya ha aparecido en nuestra Revista y que participó en este registro, Lawrence Tolhurst y ellos nos ha dicho algo al respecto de “Concert”.

Lol: “Lo que recuerdo sobre todo es que era bastante una banda diferente porque Simon había dejado después de Pornography. Así como un registro de la época de The Cure es único, esta banda nunca sería la misma otra vez. En realidad no lo he escuchado hace mucho tiempo, ¡así que no creo que deba decir nada más hasta que lo haga!”

The 69 Eyes - Devils (2004)

Por Gustavo Rojas fernández

En 2004 la banda finlandesa The 69 Eyes lanza su séptimo álbum de estudio, el rockero Devils, allí hallamos todavía resabios de sus primeras influencias gótico y glam, pero esta vez con el agregado del hard al mejor estilo Hanoi Rocks, y guiños cómplices a Billy Idol y The Doors entre otros. No solo se muestran más maduros compositivamente, sino que sin perder su oscuridad original, ya parecen poder disfrutar de esa sombría elección.

Este trabajo entra sin dudas en los

denominados discos de carretera, donde todo puede pasar, donde la excitación se va deslizando lentamente como una suave brisa. Las pinceladas líricas van contorneando paisajes entenebrecidos, desde donde cierta elegante maldad vislumbra un horizonte rojo de extravío sin perder totalmente la brújula. La canción “Lost Boys” es un homenaje a la película del mismo nombre. El disco abre con mucho brío, allí en “Devils” su cantante se cuestiona y nos invita a la reflexión diciendo: THE 13Th. 85

“¿Quién te contó acerca de un hombre sin miedo?

¿Quién te contó acerca de un Dios que no cuida?

¿Quién te contó acerca de un dolor que no lesiona?

¿Quién te contó acerca de un amor que vuelve malicioso?”

Y seguidamente nos alerta sobre los demonios mentales, los demonios sociales, los demonios carnales. En la siguiente canción “Free Berlin” incorpora un soporte femenino de voces; hace mención de David Bowie, que allí está el zoológico de la vida, para sentenciar que la vida es lo que es. Encontramos regocijo en la canción “Jimmy” que habla de un gigante, de un ángel, de seres desdichados:

“Yo nunca he pensado que podría estar llorando

en este viejo bulevar sucio, donde los sueños están muriendo.”

En “Christina Dead” se nos habla de una mujer oscura, que con la ventana abierta ansía la llegada de su príncipe oscuro cabalgando la luz plateada, es un claro guiño a la novela de Bram Stoker.

86 .THE 13TH

Es sorprendente como las canciones parecieran estar moldeadas para que las pudiesen cantar tanto Glen Danzig como Peter Murphy, aunque también recuerda a Type O Negative. Christina muerta pinta sus labios de rojo sangre cada noche, mientras fuma cigarrillos en su cama.

La banda suena con suma precisión a lo largo de toda la obra, la fuerza reside en su sonido compacto, despojado de artificios o exagerada teatralidad. “Beneath The Blue” es una remembranza al paraíso perdido, al anhelo de apacentar el alma en el jardín de las delicias; todas las canciones están acompañadas de riffs precisos, sin desatado y fingido virtuosismo. En “August Moon” nos encontramos con esas baterías batientes del primer The Cult o de Siouxsie & the Banshees, aquí el cantante entre risas sarcásticas desgrana mensajes encriptados para un personaje enigmático que mora en los mares bajo la luna de agosto, mientras un coro se suma a la incesante búsqueda.

Devils es un disco muy destacable dentro de la discografía de los 69 Ojos, porque sin alcanzar su cenit creativo, posee los condimentos necesarios para disfrutarlo de principio a fin, como quien se deleita con una buena historia.

Leonard Cohen - Dear Heather (2004)

Por gustavo rojas fernández

Leonard Cohen poseía en sus comienzos musicales un timbre de voz aguda y melancólica, al transcurrir los años esa voz se fue oscureciendo, hasta hacerse grave y profunda. Su lírica es uno de sus fuertes, consultar a grandes poetas lo llevó a elevarla al mismo nivel que sus melodías e interpretación; sus letras son un cuento minucioso sobre su vida de aventuras, de tropiezos amorosos y de triunfos que ahora solo rememora sentado en el banco de una plaza o anclado en la niebla de los tiempos.

Cohen se ha superado a sí mismo, ha logrado saltar su propio muro de temores e inseguridades, ha vivido intensamente lo mejor que pudo y nos lo cuenta en canciones, que son retazos sutiles de un bromista que

no ríe.

En su álbum “Dear Heather” se hace patente esa temática sinuosa, intrincada y simple finalmente si uno se toma el trabajo de apreciarlo. Es un disco intimista, nos susurra al oído, nos sumerge en un mar de cristal, con esa fragilidad que al rozarnos nos prepara para la inminente ruptura. El disco incluye líricas y dibujos de personas queridas y admiradas: Lord Byron y su amigo Irving entre otros. Las melodías se mecen como una canción de cuna para desvalidos, pero también para recién llegados, estos también deben compartir la angustia que sobrevendrá algún día, ya sea por la pérdida o la posesión.

Al cerrar los ojos podemos imaginarnos ya envueltos en la bruma de sus canciones, en un bar de mala muerte en donde un piano THE 13Th. 87

desafinado hace danzar a los demonios y entre risas que crecen, humo y alcohol, un hombre taciturno nos lleva por callejones y peligros que no intentaremos resistir.

Se hizo una buena costumbre para éste hombre obsequiarnos con saxos y coros femeninos que se adhieren al alma. Todo ello tan sensual e irresistible. Cohen sabe que la permanencia de los amantes dura más que su amor, ha sufrido la experiencia, tiene las cartas en sus manos y no traen buenas noticias, aun así siempre entre líneas podremos divisar un tímido horizonte.

Leonard Cohen no usa sombrero para contener tanta culpa, tampoco para ocultar un poco cabizbajo el rostro, sino por mera elegancia y también para decir: la tristeza debe llevarse con altura. Algunos pasajes del disco nos recuerdan a Sting y sobre todo a Tom Waits.

88 .THE 13TH

Cada nuevo disco de Cohen es un acontecimiento en sí mismo, no un simple souvenir de vanidad. El hombre canta y las estrellas se prenden y apagan en señal de complicidad, de aprobación, de respeto. Hay momento en los que Cohen nos sumerge en paisajes familiares o bruscamente nos traslada hacia atmósferas de ensueño, así como estamos en una avenida anestesiada, de pronto podemos hallarnos en un puerto de bullicio.

Cohen produce esa magia inesperada, ese toque inolvidable; el caos en él es un orden que rompe las reglas de la lógica. Hay un eslabón en la cadena de rosas que es éste trabajo, Cohen decide cerrarlo con una canción en vivo, “Tennessee Waltz”, lo cual le da un aroma de renovación, de saber que la historia aún no tiene un final.

Hidden track

Billy Idol con maquillaje de Ziggy Stardust.

FotografĂ­a tomada por Allan Ballard a principio de los ochenta,en un estudio en Primrose Hill en Londres..

THE 13Th. 89

RESCATE CINÉFILO

Dulce o truco… o muerte - Halloween (1978) Por Nicolás Ponisio

92 .THE 13TH

Octubre, mes festivo debido a la noche del día 31. Mientras que los estadounidenses se preparan para disfrazarse y molestar a sus vecinos demandándoles golosinas, otros, como quien les escribe, aprovechan los días cercanos a esta fecha para ponerse en sintonía (re)visitando películas de terror. The 13th no podía escapar a ello, por lo cual decidí dedicarle una columna a un film acorde a la festividad.

Fundadora del subgénero slasher (el asesino sediento de sangre adolescente), Halloween (1978) establecía un nuevo parámetro en el cine de terror sin la necesidad de caer en el mero morbo de la pornografía sanguinolenta a la que se suele estar acostumbrado hoy en día.

El film de John Carpenter deja establecido desde un principio, con esos subjetivos minutos iniciales muy influenciados por el giallo italiano, que Michael Myers funciona como una entidad vouyerística. Una presencia destinada a compartir el estatus de obra maestra al igual que el film al cual pertenece.

El cine como transmisor de emociones, cuando lo logra, entra en una relación de intimidad con el espectador. Algo que excede lo físico, lo tangible y que sin embargo ocupa un espacio junto al público. Myers logra lo mismo. Es cine, es sentimiento, es un observador y una pulsión latente que adquiere la forma corpórea de un gigante con máscara de Mickey Rourke post-cirugía plástica.

Exceptuando el prólogo y algún breve enfrentamiento, el asesino se mantiene a un lado gran parte del film hasta la climática media hora final. Calculador y aguardando el momento preciso de atacar. Esto no significa que su presencia sea menor, todo lo contrario. El director logra que Myers esté prácticamente en cada uno de los planos del

film, sin importar que aparezca físicamente o no. El detalle de un auto expectante, una figura moviéndose detrás de una enredadera o el rostro intranquilo de Laurie ( Jamie Lee Curtis) son los que construyen en conjunto la sensación de peligro inminente. Pero todos ellos, a la vez, quedarían obsoletos sin la inclusión de un elemento tan importante o más que el asesino de turno: la música.

La banda sonora, compuesta por el mismo Carpenter como en la mayoría de sus films, es el otro ser que está presente constantemente y que se labra su propia identidad, reconocible aún para aquellos que no vieron la película.

Algunas escenas hoy pueden resultar algo naif pero el uso de una simple nota musical es lo único que se requiere para sobresaltar al espectador más valiente y experimentado en el género. El director repite una y otra vez el leitmotiv musical que lejos está del hartazgo.

El hecho de utilizarlo incluso en escenas carentes de terror sirve para transmitir el estado de alerta constante. Nadie está salvo, ni siquiera el espectador. Si Myers es una fuerza imparable también lo es el temor que oprime nuestro pecho. El único respiro es que el latido se detenga (oh, paradojas de la vida).

Con muy poco, Carpenter hace mucho con el fin de lograr un ambiente de inquietud que jamás termina. Las tomas finales se pasean en una desoladora atmósfera, recorren las mismas calles y casas que el mal visitó. Pero esos lugares no están vacíos y mucho menos a salvo. La música vuelve a sonar, esta vez uniéndose a un jadeo que está lejos de ser de alivio o placer. Es la respiración de alguien que acecha, ansioso por matar aunque sea solo una vez más. Música y respiración se vuelven uno solo. Es fuerza, es tensión, es goce, es cinefilia, es arte… y es Carpenter.

THE 13Th. 93

Yo tengo Fe - Deliver us from evil (2014), Jesus camp (2006) y The Sacrament (2014) Por Gustavo GarcĂ­a

94 .THE 13TH

La fe ha sido retratada en el cine de muchas formas pero es muy probable que el género que más abrevó en el tema sea el terror, debido a la presencia casi omnipresente del demonio en sus argumentos. El terror religioso, subgénero que acompaña al cine desde sus inicios aunque se consagró en 1973 con el estreno de El exorcista, ha tenido diferentes encarnaciones mas o menos exitosas, de la cual Deliver us from evil es una de ellas. El último film de Scott Derrickson servirá de excusa para mostrar, mediante tres película diferentes, diversos enfoques sobre la fe en el cine.

«La Fe es lo ultimo que se pierde» Dicho popular.

Con cuatro películas en su haber, todas afiliadas al género fantástico, Scott Derrickson se ganó la admiración del sufrido seguidor del cine de terror, cada vez mas habituado a los consabidos golpes de efectos sonoros, los fantasmas de pelo largo y los trucos propios de video viral de Youtube. No es de extrañar que Deliver us from evil, su nuevo film, genere altas expectativas tras haber subido el listón con la excelente Sinister; además de significar la vuelta al subgénero de posesiones demoníacas, que consagró a su director en la notable El exorcismo de Emily Rose.

La historia comienza en Irak, donde un grupo de marines norteamericanos libra una batalla contra el mal… o al menos lo que el discurso político de Norteamérica identifica como el mal: los terroristas. No tardarán en encontrar algo más terrible aún dentro de lo que parece ser un templo subterráneo, dedicado a alguna deidad oscura, y del que aparentemente no saldrán del mismo modo que entraron.

Cuatro años después, un policía del Bronx

(Eric Bana) investiga una serie de crímenes aparentemente inconexos en los que parecen estar involucrados tres ex combatientes. Sí, bingo. Las cosas se vuelven aun más extrañas cuando un sacerdote le pide intervenir en el caso, ya que hay fuerzas sobrenaturales involucradas. El policía, cuya fe tambaleante le impide tomar en serio las palabras del religioso, comenzará a experimentar alucinaciones que lo harán dudar de su cordura.

La primera parte del film es intrigante: no sabemos bien hacia donde se disparará la historia, y el mix entre buddy moviel y horror funciona a la perfección, con escenas que combinan con efectividad escenarios urbanos y un clima ominoso. Los problemas aparecen cuando el director comienza a mostrar sus cartas y vemos que su jugada no estaba a la altura del misterio creado, y en cambio nos queda un tercer acto donde las cosas se resuelven con los mismos clichés de siempre, los mismos golpes de efectos usados y abusados desde El exorcista hasta la actualidad.

No deja de ser curioso que las películas con las imágenes más blasfemas (Linda Blair masturbándose con un crucifijo en el film de William Friedkin, un gato crucificado acá) resulten ser las que más celebren la importancia de la fe. La solución del conflicto, tanto en una como en la otra, depende de la recuperación y valorización de los ritos católicos.

El problema es que aquí el film tal vez funcione mejor como apología del catolicismo que como película de terror: el clima enfermizo que se respiraba en El exorcista aquí es suplantado por una atmósfera de thriller a lo Pecados capitales que, en principio, funciona pero luego le juega en contra a los elementos sobrenaturales del film. El uso de la música THE 13Th. 95

de los Doors tampoco ayuda demasiado: debido a que su utilización narrativa es casi anecdótica, la irrupción de “Break on through” en el clímax resulta fuera de lugar.

Del epílogo podría decirse lo mismo, si no fuera por que es la conclusión natural de la serie de conceptos religiosos vertidos a lo largo de todo el film. Pero cuidado, porque allí donde termina Deliver us from evil, podría comenzar Camp Jesus.

«Ten una sola mente y una sola fe, entonces podrás conquistar a tus enemigos y vivir una vida larga y feliz».

Gengis Kan «El diablo va en busca de los jóvenes, por eso queremos ayudarlos, queremos advertirlos.

Y ya que hablamos de eso, les voy a decir algo sobre Harry Potter. ¡¡Los brujos son enemigos de Dios!! Y no me importa que tipo de héroes son, si Harry Potter hubiera estado en el Antiguo testamento... ¡¡LO HABRÍAN MATADO!!»

Esa es una de las primeras enseñanzas que les son impartidas a los preadolescentes que protagonizan Jesus camp (Rachel Grady y Heidi Ewing, 2006) inquietante documental que nos mete adentro de un campamento de verano para chicos cristianos evangélicos.

Las cámaras siguen a Levi, Tori y Rachael, tres niños cristianos que dedican su tiempo libre a entregar folletos en bowlings, bailar metal cristiano y practicar sermones.

Los tres parecen estar ansiosos por asistir a un campamento de verano neopentecostal, donde van a poder desarrollar sus dotes proféticas y entrenarse para ser “soldados de Dios”. La definición de soldado es casi literal, como puede verse en una escena en la cual varios niños vestidos de soldados, con pintura de camuflaje incluida, realizan un 96 .THE 13TH

musical que apoya la guerra contra el Islam (el film transcurre en el 2005.) La adoración no solo se limita a figuras religiosas, sino que se extiende al entonces presidente de Estados Unidos, George W. Bush, y a su política conservadora.

La fe que le podría salvar la vida al protagonista de Deliver us from evil, parece arruinársela a los protagonistas de Camp Jesus. O al menos es lo que uno percibe al ver el progresivo lavado de cerebro al que son expuestos, como también la indisimulada inclinación política a la que pretenden adherirlos. El fanatismo religioso presente en cada discurso de los coordinadores del campamento causa más terror que las figuras demoníacas que acechan en el film de Scott Derrickson; y sin valerse de ningún efecto sonoro.

Si el campamento no se hubiera clausurado en 2006 debido a la ola de protestas que suscitó Jesus camp, tal vez se habría convertido en un lugar muy parecido al que sirve de escenario del siguiente film.

«Hombre de poca fe, ¿por qué has dudado?»

Mateo 14:31 Patrick, un fotógrafo de la reconocida compañía multimedia Vice, recibe una carta de su hermana invitándolo a conocer Eden Parish, una comunidad religiosa donde ella pudo recuperarse de su adicción a las drogas.

Intuyendo que allí hay potencial para un documental, Patrick reúne a un pequeño equipo y parte hacia allí con el objetivo de registrar las costumbres de los habitantes de Eden. Lo que en principio parece una simple comunidad hippie va dando paso a algo más siniestro, de lo que quizás no haya escapatoria posible.

Los productores de The Sacrament (Ti West, 2014) nos quieren hacer creer

que lo que vamos a ver es un registro real de una de las peores tragedias relacionadas con sectas religiosas. Pero la mejor forma de apreciar este film no es viéndolo bajo la óptica de los found footage, género que tiene entre sus exponentes más populares a El proyecto Blair witch y Actividad paranormal, sino como la versión ficcionada de la masacre de Jonestown .Como en aquel suceso trágico ocurrido en Estados Unidos en los 70, aquí tenemos a un líder carismático que decidió apartarse de la civilización junto con unos cientos de fieles para vivir en una especie de edén prefabricado. Conviene no saber mucho más sobre lo acontecido en Jonestown, por que es exactamente lo mismo que ocurrirá en Eden Parish, la ficticia comunidad donde transcurre The sacrament.

La fe aparece aquí en su faceta más enfermiza y representada por Padre, un monstruo con apariencia humana interpretado

magistralmente por Gene Jones (una de las víctimas de Javier Bardem en No country for old men). Las consecuencias del mesianismo más extremo se exponen con crudeza y, aunque Eli Roth figure en los créditos, el horror no pasa por desbordes sanguinolentos al estilo Hostel sino por una construcción del suspenso ejecutada con precisión y por unas interpretaciones convincentes. Al estar basada extraoficialmente en un hecho real, The sacrament es un buen ejemplo de terror religioso sin elementos sobrenaturales.

Los demonios humanos presentados en The sacrament y Jesus camp, productos de una fe exacerbada, nos demuestran que para conocer al Mal tal vez no sea necesario viajar a un templo subterráneo iraquí. Quizás se encuentre al lado nuestro, o en la iglesia más cercana…y seguramente leer pasajes de la biblia no nos va a salvar de ellos.

THE 13Th. 97

Carretera Maldita - Sin City: A Dame to Kill For (2014) Por Nicolás Ponisio

La estética de Sin City: A Dame to Kill For (2014), que funciona como papel carbón del material original, vuelve a ser impecable como lo hacía en su primera parte. El material de 2005 adaptaba cuatro historias en las cuales, si lo monocromático llegado a un punto agotaba, no lo hacían sus oscuros personajes y la construcción de historias a puro cine negro que mantenían constantemente a flote el film.

Casi una década después, la narración de su precuela/secuela por momentos se estrella contra una pared de ladrillos como si fuera un auto manejado por Marv (Mickey Rourke sigue siendo el único en poder interpretarlo, nació para ser Marv).

Dicho auto se mantiene entrando y saliendo 98 .THE 13TH

de la carretera como haciendo zigzag en un camino construido de forma despareja.

Por suerte, en gran parte del trayecto el vehículo se mantiene firme y sobre ruedas.

Eso se da cuando el film de Robert Rodriguez y Frank Miller opta por atenerse a las historias originales del cómic (como lo son Another Saturday Night y A Dame to Kill For, historias escritas por Miller en los noventa). Allí, tanto imágenes como historias poseen la fuerza vital que el género le exige. Pero cuando se alejan de ello e intentan innovar con guiones hechos especialmente para el film (Las historias protagonizadas por Joseph Gordon-Levitt y Jessica Alba), ritmo, historias y personajes caen en un

vacío absoluto al igual que ocurre con todo el material gráfico de Miller del 2000 en adelante.

El guionista y dibujante devenido en director muchas veces se caracterizó por cimentar buenos proyectos que, a medida que avanzaba en ellos, les ponía menor empeño trabajando con desgano. Lo mismo ocurre con estas nuevas historias que pierden el interés o simplemente apresuran un final que deja la sensación de haberse cortado la proyección. Afortunadamente, gran parte del film se centra en la historia que da nombre al mismo con una Eva Green que representa

todas las femmes fatales del cine negro en una sola. Encantadora, sensual y mortal, Green hace honor al título y Miller, junto a Rodriguez, hacen lo mismo con esa pasional historia de amor y engaño. Una de las más icónicas del cómic que quedaba por contar.

El auto que manejan los realizadores del film recibe golpes, baches en el camino, problemas de aceite y de motor pero supera las duras pruebas. No será un reluciente y potente vehículo como en la primera entrega, pero, con las dificultades que acarrea, continúa bastante enérgico el viaje comenzado nueve años atrás.

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El JardĂ­n de las delicias -reseĂąas de discos actuales-

Leonard cohen Popular Problems Label: Columbia/Sony music Fecha de Lanzamiento: 21 Septiembre 2014

se oye aún más quebrada que en su anterior trabajo, Old Ideas (2012), y quizá más al frente, con la música más claramente usada como acompañamiento de lo que Leonard tiene para decirnos, como en sus trabajos más emblemáticos. Y lo que Leonard tiene para decirnos, no es lo que cualquiera pueda decir.

Sus palabras suenan como verdades reveladas, aún si no entendemos el idioma. Sentimos que no podemos objetar nada, que la belleza, la tristeza, la melancolía, el humor amargo y ácido son una misma cosa. “Slow” y “Almost Like The Blues” son los dos primeros himnos del álbum, que lo pintan de cuerpo entero, en un Cohen clásico. La voz suena más profunda y agrietada que nunca, y sonando a reproche por momentos, en la emotiva “Did I Ever Love You”. No puedo dejar de mencionar tampoco la perfección de “My Oh My”, y al cierre del disco, “You Got Me Singing”, llena de belleza. Un disco puro Cohen, incomparable como los demás.

Claro que Cohen no “te gusta” o “te disgusta”, simplemente te cautiva su prédica amarga y llena de luz o te aburre insoportablemente.

A nosotros, claro, nos cautiva. Este trabajo tiene lo que podemos esperar de Cohen, ese decir único y profundo, ese carácter taciturno y apacible de su voz (ya gastada, envejecida, pero profunda, experimentada y madura). Crea la sensación de que la sabiduría nos aconseja y nos demuestra que, con un conjunto de simples e íntimas canciones, se puede dar un renovado aire mágico y profundo. Soñemos que no es una despedida.

El gran Leonard regresa justo un día después de cumplir sus ochenta años.

Como dijo en una reciente entrevista “Discúlpenme por no morir” (palabras dichas un maestro zen que lo ordenó como monje a Cohen en 1996). ¿Qué más podemos decir de Cohen a ésta altura?

Siempre podemos agregar algo… Popular Problems es el regalo que nos brinda (cuando debería ser al revés), con nueve canciones. Luego del adelanto “Almost The Blues”, en que ya nos demostraba que “¿viejos?, son los trapos”. Y la genialidad del canadiense se encuentra en muy buen estado y activa, con algunas mareas de longevidad pero suspendido en el tiempo sin tiempo, como esos discos que no envejecen nunca. Es raro ponerse a escribir sobre un disco pensando que puede ser el último (aunque su maestro zen hoy tiene por Diego Centurión y Marcelo Simonetti 107 años), pero tenemos que celebrar la oportunidad de tener nuevas historias y no conocerlas post-mortem. Su voz 182 .THE 13TH

Elbow - The Take Off And Landing Of Everything Label: Concord Records Fecha de Lanzamiento: 11 de marzo de 2014

das de la placa: para empezar tenemos a “This Blue World” (triste, muy triste, aunque a la vez necesaria), luego a “Charge” (magistrales los arreglos orquestales y ese clima in crescendo), “New York Morning” (simple, pero efectiva), “Real Life (Angel)” (piel de gallina), “My Sad Captains” (cálida, tierna, nostálgica, sobrecogedora), “The Take Off And Landing Of Everything” (con un Guy Garvey erigiéndose como salvador de lo cercano) y el final arrebatador con “The Blanket Of The Night” (¡qué atmósferas, por Dios!).

En efecto The Take Off And Landing Of Everything es un viaje cuidadosamente planeado e indispensable para cuando deseás abrir la cabeza a algo que te conmueva y te sorprenda en serio… pues conmigo, al menos, así lo hicieron. por pablo ravale

Wayne Hussey - Songs Of Candlelight And Razorblades Séptimo trabajo de estudio de la banda rock/pop progresivo de Bury, Manchester, Inglaterra. De The Take Off And Landing Of Everything podríamos decir que es un disco que tiene todos los elementos que hacen a Elbow. O sea: hay suites progresivas súper trabajadas, piezas de corte más bien minimalista, medios tiempos apabullantes y baladas que desbordan melancolía. Si bien en sus primeros trabajos su propuesta sonaba más intrincada, densa y sombría, es con este disco que se han despachado una obra excelsa que debe ser escuchada de cabo a rabo para saborear su enorme brillantez. Más qué adjetivos utilizar para hablar de esa voz aterciopelada, de esas guitarras y de esos pianos que todo lo tiñen de sensibilidad; sin olvidarnos, por supuesto, de la batería ni del bajo, que marcan y suman a montones. Las palabras no alcanzan. Aun así, y centrándome ahora en el aspecto netamente crítico de la reseña, debo referirme a las canciones más destaca-

Label: Eyes wide shut recording Fecha de Lanzamiento: 13 de octubre de 2014

por marcelo simonetti THE 13Th. 103

Primero el aviso: si sos un “goth-rocker” que sólo se nutre del estilo, ni te molestes. Los únicos puntos de contacto son una versión GOSPEL del lado B Wasting Away de 1995, y la versión acústica de Swan Song de Brightest Light que ya apareció como lado B del EP del mismo nombre. Ah claro, también está el primer corte Wither On The Vine, que nos recuerda quien fue el que inventó el sonido gothic-rock como lo conocemos, allá por 1985.

Gema perfecta, gran letra. Ahora, por lo demás, vamos a encontrarnos con el segundo paso más valiente en la carrera de Wayne Hussey, después de haber dado el portazo con Craig Adams de Sisters of Mercy. La primera canción sorprende por sus coqueteos con el jazz (compuesta junto a su amiga Julianne Regan), y vocalizaciones que no habíamos escuchado antes en él. A lo largo del disco nos vamos a encontrar con guitarra acústica, eléctrica, ukelele… Vamos a escuchar Jazz, Gospel, Folk, y un cierre oscurísimo, de la excelente Aporia.

En el medio, un Wayne cada vez mejor como letrista, con la voz jugando en distintos niveles y tonos, para un disco nocturno, extenso, que cala hondo luego de varias escuchas. Lo mejor del disco: las jazzeadas Madame G y Next Station (quizá la interpretación más emocional de Wayne en estudios), The Bouquets And The Bows, When I Drift Too Far From Shore, Wither On The Vine y la antes mencionada Aporia. Un disco sorprendente, honesto (hace rato que Wayne está inmerso en pilas y pilas de discos de éstos estilos que escuchamos acá, mucho más que en Led Zeppelin o The Cult), que le abre la puerta a Wayne a una nueva carrera en solitario (antes había editado dos discos sin nuevas composiciones), alejada de los sobretodos, más adulto, íntimo, sin perder un ápice de profundidad. Al contrario.

Steve Kilbey & Martin Kennedy Songs From The Real World (Commissioned Songs) Vol 2 Label: Inevitable Fecha de Lanzamiento: 22 de septiembre de 2014

Segunda entrega de las canciones del mundo real, (el primer Volumen había sido editado en diciembre del 2013). En este nuevo trabajo, de once canciones, tiñen todo el álbum de brillo y dulzura. El ambiente de este trabajo es en general relajado, con melodías sugestivas y atmosféricas (sin ser ambientales) sino que es un delicado y cristalino pop melancólico. El trabajo vocal de Steve Kilbey (The Church) es impecable y logra momentos de extrema exquisitez como en “Tristan And Isolde”, “A Song For Fiona”, “Tahlia”, “Ghost (Vocal Version)”, “Gina” o “Amber”. Mientras que el trabajo de Martin Kennedy (All India Radio) es destacable en todo el álbum.

Un álbum melancólicamente precioso, una conjunción de extraordinarias canciones que cierra un exquisito trabajo. por Diego Centurión

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U2 - Songs Of Innocence Label: Island records Fecha de Lanzamiento: 10 de octubre de 2014

U2 ha sido siempre aclamada, y con absoluta justicia, como una banda en constante proceso de re-invención. Su historia está llena de grandiosos e innovadores discos y la exploración sonora ha sido siempre bandera de sus cuatro integrantes. Sin embargo, ya de un tiempo a esta parte, digamos…unos 15 años (All That You Can Leave Behind podría considerarse lo último que vale la pena escuchar) U2 ya no conmueve a nadie; y una prueba cabal de esto que digo es su último disco. Songs Of Innocence es, lejos, el disco más mediocre que ha editado la banda en toda su carrera, peor aún que su antecesor No Line On The Horizon, que ya era bastante malo.

El álbum es un claro intento de la banda por encajar en lo que se ha convertido la música pop comercial hoy en día, una especie de pastiche de secuencias, synths y coros sin contenido.

Una verdadera lástima. Una historia como la de U2 manchada por este disco decepcionante. por rodrigo debernardis

Information Society - Hello World Label: HAKATAK International Fecha de Lanzamiento: 23 de septiembre de 2014

Nuevo trabajo de los Information Society, con la formación original, quienes se presentarán por Argentina y su tan amado Brasil, han lanzado el tercer álbum para el sello de Paul Robb. Desde el nombre “Hello World”, en el que dicen a gritos ¡Estamos vivos!, demostrando que están muy actualizados y con mucha energía. Su potente primera canción “Land Of The Blind” podemos oír con la fuerza que viene este nuevo álbum.“The Prize” es el segundo track que demuestra el lado más EBM y el más duro del disco.“Where Were You”, es la elegante tercera canción que continúa con el lado más EBM del álbum.

“Get Back”, introduce un poco de su sonido tradicional. “Jonestown” es un potente synthpop con aires a And One, con una hermosa melodía vocal de Kurt Harland. “Dancing With Strangers” continúa con un remozado sonido típico de la banda. “Beautiful World” que tiene la participación del Devo Gerald V. Casale, si se quiere un chiptune intenso y veloz.

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“Creatures Of Light And Darkness”, es una hermosa canción synth-pop, perfecta.“Above And Below” viene en el mismo estilo que la anterior pero más ambiental, sin perder el ritmo. Una de las más lindas del álbum. “Let It Burn”, otro synth-pop perfecto, puro y bailable. “Tomorrow The World” una dulce y preciosa canción ambiental que recuerda a las baladas de Depeche Mode. El disco cierra con un clima de armonía y dulzura.

En resumidas cuentas: Information Society está de vuelta, activos y actualizados, con su formación más exitosa, y para celebrarlo nos regalan este “Hello World”, demostrando que el tiempo no hizo mella en ellos, sino que, cargados de sus once canciones, nos presentan un synth-pop, lúcido, prolijo, pensado, trabajado y exquisito.

POR DIEGO CENTURIÓN

AnathEma Distant satellites Label: kscope Fecha de Lanzamiento: 9 de junio de 2014

Anathema es una banda “incómoda” para el público y también para el periodismo especializado. Muchas bandas que arrancaron en el Doom fueron mutando hacia otros estilos con mayor o menor suerte. Los muchachos de Liverpool han hecho una carrera de progresión sin igual, sin embargo, pasando por la época claramente Floyd, la época del rock alternativo con tintes atmosféricos, y en su última encarnación, desde “We’re Here Because We’re Here” (2010) en adelante se han transformado en una banda única, que va editando discos que parecen en sí una unidad que va mutando lentamente. A éste último brillantísimo trabajo le han agregado el jugueteo de las máquinas, que muy bien se han acoplado al sonido de la banda. La sensación de “concepto” en el disco se ve reforzada con los títulos de las canciones (The Lost Song Part 1, 2 y 3), una más emotiva y excelsamente ejecutada y producida que la otra. También destacan Ariel, y la paradigmática Anathema.

En la segunda mitad del disco, comienzan a jugar con las máquinas, sin perder la esencia, y en You’re not Alone nos comenzamos a preguntar si no estamos escuchando a Thom Yorke en el medio de Kid A. Entre los top five del año a mi modesto entender.

POR marcelo simonetti

Johnny Marr - Playland Label: New Voodoo Records/Warner Bros. Music UK Ltd. Fecha de Lanzamiento: 6 de octubre de 2014 El nuevo y esperado trabajo de Johnny Marr.

Elegante y simple álbum, con sonido fresco y directo, sin pomposidad ni mucho trabajo extra de edición. Canciones geniales y concisas, con mucha energía y velocidad como en “Back In The Box”, “Easy Money”, “25 Hours”, “Playland”, “Boys Get Straight” o el cierre con “Little King”. Un disco que demuestra que 106 .THE 13TH

Marr es un extraordinario compositor de memorables canciones. “Dynamo” tiene un aire más The Smiths, “Candidate” una de las más tranquilas, “The Trap” tiene un aire más dream pop por las guitarras, aunque es una canción dulcemente pop. “Speak Out Reach Out” es un elegante y enérgico track. “This Tension”, una maravillosa canción. Como dije antes, canciones simples, con un sonido básico de banda (guitarra, bajo, batería y voz) logran que el disco sea altamente disfrutable, contagioso y energético. Melodías que esquivan lo complejo y que, por el contrario, buscan en la simpleza de una amable escucha lograr que el disco sea inolvidable.

POR DIEGO CENTURIÓN

Thom Yorke Tomorrow’s Modern Boxes Label: Landgrab Fecha de Lanzamiento: 26 de septiembre de 2014 Cuando todos los ojos estaban puestos entusiasmados con la promesa de un nuevo trabajo de Radiohead, o en menor medida en el segundo trabajo de Philip Shelway,

Cuando todos los ojos estaban puestos entusiasmados con la promesa de un nuevo trabajo de Radiohead, o en menor medida en el segundo trabajo de Philip Shelway, sin decir nada Thom Yorke lanzó este trabajo solista. Intimista, nocturno y por momentos electrónicos a lo de Kraftwerk y en otros minimalista. No esperen escuchar algo similar a Radiohead, Yorke tiene una mente brillante para no repetirse, ni copiar su pasado. Thom se reinventa en cada nuevo proyecto (así como lo hizo en Atoms For Peace) y éste “Tomorrow’s Modern Boxes” no es la excepción. Un disco climático, experimental, con algunos pasajes mántrico como en el track 06 “There Is No Ice (For My Drink)”. Tiene algo de los trabajos más ambientales de Trent Reznor, si se nos ocurre buscarle algún camino similar, pero este trabajo es una invitación al lado más nocturno de Thom Yorke. Ocho tracks que nos llevan en un camino ondulante y siempre atractivo.

POR DIEGO CENTURIÓN

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Andreas Gross Goodbye Mainstream Label: Echozone Fecha de Lanzamiento: 3 de octubre de 2014

En Vivo Klaus Schulze & Lisa Gerrard Big In Europe Vol. 2 – Amsterdam Label: MIG (Made in Germany Music) Fecha de Lanzamiento: 19 de septiembre de 2014

La vocalista acaba de lanzar su nuevo álbum.

Un trabajo calmo e intimista de diez canciones que van desde el dark-wave ambiental como en “S.E.B.O.”, que abre el disco. Pasando al vals cincuentero en “Sleep Walk”. Los paisajes pianísticos como en “Outpost”. La dulzura de “Holding Up The Halo”. O la calma distorsionada de “Goodbye Mainstream”, que aunque busque ser la canción más enérgica se queda en un bello medio tiempo melancólico, y “Time Seller” corre la misma vía aunque le agrega un tinte más celta.

“Writing Letters To Ghosts” es una hermosa canción. “Ecce Home” una oscura y darkwave canción que utiliza la electrónica de manera genial. “Deferred”, una gótica y etérea, con un bello piano y una ambientación lánguida yprofunda. La más bella del álbum. “Eat Pray Suck” un melancólico e instrumental final con un bello piano. Goodbye Mainstream es un entretenido álbum, no mucho más que eso.

Por diego centurión

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Big In Europe, es un trabajo de Klaus Schulze y Lisa Gerrard. Tiene su primera parte lanzada en diciembre de 2013 bajo el nombre de Warsaw. Ahora editan el segundo volumen en el que registran un concierto realizado el 20 de septiembre del 2009 en RABOzaal, Amsterdan en Holanda. Mucho para decir no hay sobre este dúo, la magnificencia de la electrónica de Klaus y la elegancia etérea de la voz de Lisa no tienen desperdicios. Por momentos se vuelve mántrico y solemne y en otros hipnótico e intenso. Un fiel trabajo de registro en vivo de una de las voces más geniales de estas últimas décadas, junto con

el genio de la electrónica y experimentador de la música alemana. Un doble cd que traerá delicias a los amantes de la primera entrega. También sale una versión en dos DVDs. Deadcandences: ¡A buscarlo YA! Por diego centurión

Ministry – Last Tangle In París Live 2012 Label: LDR Fecha de Lanzamiento: 8 de julio de 2014

Otro lanzamiento de Ministry en este 2014. En esta oportunidad un muy buen registro en vivo, grabado durante el DeFiBRiLlaTouR del 2012. La contundencia de la banda en concierto esta de manifiesto en este álbum. Con la percusión extrema de esta pionera banda del rock industrial pone la piel exaltada como si estuviésemos en el recinto desarmándonos con la energía explícita de estas tremendas canciones como “No W”, “Señor Peligro”, la grandiosa “Psalm 69”, “New World Order (N.W.O.)”, “Just One Fix” y cierran el álbum con

“Thieves”. Si todavía queda alguno de nuestros lectores sin conocer al ahora “Alien F. Jourgensen” y su Ministry, tiene la oportunidad de recibir su duro golpe en pleno rostro, antes que ellos mismos lo hagan en marzo de 2015.

Por diego centurión

KMFDM – We Are KMFDM – Live 30th Anniversary Label: Metropolis Fecha de Lanzamiento: 3 Septiembre 2014

¡¡¡T.R.E.M.E.N.D.O.!!! Gran disco en vivo, que dan ganas de estar en un concierto de la banda. La potencia de esta legendaria banda del rock industrial se llega a sentir en este álbum grabado en el Tour del 2013 “We Are KMFDM”. Las descargas son impactantes (escuchar con un volumen lo suficientemente alto hasta que tu vecino también salte). Dieciocho explosivas y brutales versiones, llenas de energía que nos cargan las baterías del cuerpo. Las interacciones vocales de Sascha Konietzko THE 13Th. 109

y Lucía Cifarelli son desafiantes y provocativas.

Las guitarras de Jules Hodgson y Steve White son punzantes y atronadoras. La batería de Andrew Selway es precisa y contundentemente destructora. Y los sintes de Sascha le aportan la tecnología que la banda siempre demostró en sus discos. El set es una palabra es una patada justo en la cabeza (o en los testículos). Canciones furiosas e intensas como “Kunst”, “Ave Maria”, “Light”, “Free Your Hate”, “Tohuvabohu”, la dantesca “Son Of Gun”, la disco industrial se arma con las canciones “Animal Out” y “Krank”, es brutalmente despedazada por la inoxidable y apocalíptica “A Drug Against War”, que nos deja sin pulso y sin aire. Una tormenta de dieciséis rayos que impactan directamente en las armonías destrozándolas frente a tus propias narices, y, si aún te queda algún rastro de fuerzas, en la versión digital te terminan de despedazar con el “Digital Encore” con los clásicos “D.I.Y.”, “Megalomaniac”,”Anarchy” y “WWIII”. ¿Si te queda algún gramo de energía después de recibir tremenda embestida sónica? ¡Has pasado la prueba!... ¿Siguiente Nivel?

Es sobrevivir a un concierto en carne propia.

Por diego centurión

Compilaciones

Siempre es una buena oportunidad para conocer bandas a través de sus compilados.

ASP Per aspera ad aspera

Label: Gothic Novel Rock Records Fecha de Lanzamiento: 26 de septiembre de 2014 110 .THE 13TH

Para festejar sus quince años de existencia, la banda de Alexander Spreng, ha lanzado un doble álbum que recopila sus mejores canciones.

La edición consta de dos cds de quince canciones cada uno y la versión Deluxe trae un cd bonus con nueve más.

Mono Inc. The Clock Ticks On 2004 - 2014 Label: NoCut Fecha de Lanzamiento: 22 de agosto de 2014

Doble disco recopilatorio de la banda.

Este trabajo contiene un disco con dieciséis canciones y otro con la misma cantidad pero en versión en vivo y acústicas, algunas canciones se repiten en uno y otro disco, pero no todas.

Merciful nuns closing Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 21 deseptiembre de 2014

Reediciones El mejor sonido trae consigo más calidad

Ministry Twelve Inch Singles (1981-1984) Expanded Edition Label: Cleopatra Fecha de Lanzamiento: 16 Septiembre 2014

Una gran compilación de esta magnífica banda, y lo grandioso de esta producción no es el material extra, ni las versiones alternativas o versiones en directo, ya que no las tiene. Entonces se preguntarás ¿Cuál es el atractivo que lo hace un gran trabajo recopilatorio?... las canciones. Closing trae un tracklist excelente “Radiation”, “Gamma Ray”, “The Maelstrom (33grade)”, “Hypogeum (Revisited)”, “Ceremonial Passage”, “Ancient Astronauts” o “Body of Light”, son algunos de los destacados, por no poner los quince tracks de este perfecto trabajo. Indispensable para aquellos que aún no se han parado frente al portal de su reino.

El sello Cleopatra ha lanzado una reedición de este compilado de 1987, con ocho canciones, había salido bajo el sello Wax Trax! La nueva edición trae un disco bonus con otras nueve canciones, que perteneces a Lados B de singles más algunos mixes.

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Efemérides: 21 de Octubre de 1946 nace Erick Lee Purkhiser (Lux Interior) Herederos de Sangre Por Gustavo Rojas Fernández

Un matrimonio dio origen a un viaje musical único, mezcla de vampirismo y demencia, todo ello inspirado por films de horror y experiencias artísticas outsiders.

Pocas veces se pudo apreciar en el mundillo del rock tanta teatralidad que a su vez como dijo Antonin Artaud fundía el arte con la vida misma, concibiendo al decidor como una inseparable unidad con su quehacer. No hubo una sola vez que esta banda no se entregará de cuerpo y alma sobre un escenario, tanto frente a un numeroso público como delante de un audiencia pequeña e incluso tocando en un hospital psiquiátrico para el deleite desatado de sus internos.

Nadie ha logrado equiparase a su etérea concepción del arte, nada los amedrentó, nadie los hizo retroceder en su idea de catapultarse a un moderado estrellato del cual no esperaban más que participación activa. Sin concesiones, siempre hicieron los que les vino en ganas, no pactaron con el demonio de la industria musical para convertirse en los payasos de turno.

Siempre tuvieron en claro el camino emprendido, no se apartaron de las agujas de su brújula, la cual les indicaba los pasos a seguir. Homenajearon a Elvis y de alguna manera a quienes declaraban eran sus maestros en el campo de la 112.THE 13TH

composición. No hay obra suya que pueda considerarse menor o de escasa inspiración, muy por el contrario, dieron con una efectiva fórmula de éxito: veracidad. La atmósfera caótica que infringieron resulta deliciosa y atractiva, como si supusiesen como atraer con su envolvente propuesta los deseos y producir un estado de placer incomparable en quienes se acercaban en principio a tientas, para luego caminar sin remordimientos junto a ellos. No todo aquel que forma una banda logra semejante locuacidad, vehemencia y excelencia, ellos lo lograron con creces, pudieron vestir la desnuda soledad de un público sediento de respuestas musicales que los representara en sus más íntimas pasiones.

Su legado es como el filo cortante de un péndulo que se balancea incesantemente, no para provocar temor, sino excitación, así fue, es y será ésta, una de las carreras musicales más fiables, imperecederas y contundentes de la historia del rock.

Podríamos mencionar cada uno de sus discos, gemas invaluables, pero caeríamos en una redundancia de elogios.

Damas y caballeros con ustedes Lux Interior, Poison Ivy y colaboradores: The Cramps.

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