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Diego Centurión Diego Centurión Ligia Berg Emiliano Herrera Dirección de Arte y
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Diego Centurión
Redactores: Departamento de Música:
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Maquetación: Diego Centurión
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Diego Centurión Marcelo Simonetti Alejandro Cenizacromada Erick R. Vieyra Maxx Wilda Corrector: Rodrigo Debernardis Pablo Ravale Ariel Soriano Sergio Arreola Contacto: Damián Snitifker REVISTATHE13TH@gmail.com
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Departamento de Cine: José Luis Lemos Gustavo M. García
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Editorial 13
Diciembre 2014 Buenos Aires, Argentina
Llegamos al número que más nos representan, el trece, y despedimos el 2014, año que nos transformamos en Revista. En el último mes del año, nos desarmamos en un abanico de propuestas, que estuvimos preparando para este diciembre. Algo muy importante para nosotros quedará para fin de año o principio del 2015. Llegamos al final del año con un staff que sigue en aumento, ya que incorporamos dos nuevos redactores, Sergio Arreola de México y Damián Snitifker de Argentina. Hemos entrevistado a Carlo van Putten de Dead Guitars. Nuevamente convocamos a Daniel Agustín López Quiroga para que nos hable de los veinte años del trabajo de Mellonta Tauta, Sun Fell. También presentamos y entrevistamos a Bosques y un artista japonés Yuuko Haii. Un escrito sobre el genial Klaus Nomi y otro sobre los influyentes Dr. Feelgood. Rescatamos un disco perdido de Miguel Abuelo, en donde se muestra su faceta psicodélica y europea. Un homenaje por su cumpleaños a Jim Reid. Y como todos los diciembres es tiempo de balances, hemos realizado una pequeña encuesta sobre lo que cada uno considera lo mejor del 2014. Además lo acostumbrado, conciertos, discos que cumplen años, las nuevas publicaciones discográficas, literatura y cine. Un número que cierra un año de constantes cambios dentro del seno de The 13th, de reacomodamientos y sobre todo de expansión y diversidad en las propuestas plasmadas en nuestras páginas. Un año se cierra y otro con muchas más expectativas llega... Revista The 13th.
The 13th 03
SUMARIO Año 2· Número 13 · diciembre 2014
Revista EDITORIAL El Rock para hacerte sentir bien
p.03
p.05
Dr. Feelgood Por Diego Centurión
Klaus Nomi, el contratenor de la New WavE
p.17
Por Erick R. Vieyra
P.24
Una coLección de mIniaturas realiZadas con el alma entrevista a mellonta tauta pordiego centurión
Árboles y arbustos para generar un Bosque p.32 Entrevista a Bosques por Diego Centurión
Paladín de la libertad: Miguel Abuelo & Nada P.39 por pablo ravale
El Grito del Ruido Japonés: Juuko Haii Entrevista a Juuko Haii Por Erick R. Vieyra
Me siento bendecido por la atención
p.43
por Diego Centurión, Alejandro Cenizacromada, Erick R.Vieyra, Maxx Wilda, Rodrigo Debernardis, Ariel Soriano y Sergio Arreola.
p.48
Hidden Track
Entrevista a Carlo Van Putten por Diego Centurión
El horror oculto: “El Necronomicón”
p.58 Cinefilia navideña
En Concierto Nos fuimos felices
p.61
Pez, adrián yanzón y alejandro fiori en vorterix por Damián Snitifker.
Hora y meDia de psicodelia
P.110
P.112
Por Nicolás Ponisio
Por Pablo Ravale
Thurston Moore Band – Vorterix (Arg) por ariel soriano.
P.106
P.56 Rescate Cinéfilo
Palabras en la arena
Una Noche hipnótica
Public Image Ltd.: This Is What You Want vs Commercial Zone David Bowie – Tonight (1984) Depeche Mode - Some Great Reward (1984) Ramones – Too Tough To Die (1984) Cocteau Twins – Treasure (1984) nosferatu – the prophecy (1994) Tori Amos – Under the Pink (1994) Soundgarden – Superunknown (1994) Veruca Salt – American Things (1994) The Stone Roses - Second Coming (1994) Engineers – Folly (EP) (2004) July Skies – The English Cold (2004)
Radio moscow en uniclub por Damián Snitifker.
Pura Melomanía new york dolls – Too much, too soon (1984) David Bowie - Diamond Dogs (1974) La Polla Records - Salve (1984) King Crimson - Three of a Perfect Pair (1984) X-Mal Deutschland – Tocsin (1984)
P.62 P.67 P.70
A Very Harold and Kumar 3D Christmas y Cuento de Navidad por José Luis Lemos
Interstellar por Pablo ravale
lo destacado del año
P.116 p.120 P.122
Por Nicolás Ponisio, José luis lemos y Gustavo garcía
El Jardin de las Delicias P.130
p.72 Encuestas 2014 Efemérides:
Jim Reid (The Jesus and Mary chain) Por Ariel Soriano
p.140 p.142
Rock para hacerte sentir bien Por Diego Centurión
“Estoy seguro de que la buena música alarga la vida.” Jehudi Menuhin (1916-1999) Violinista y Director de Orquesta. Desde abril que quiero realizar este artículo, dado a que en ese mes se cumplían 20 años del fallecimiento de Lee Brilleaux, quien partió el 7 de abril de 1994. Pero otros acontecimientos fueron los que me llevaron a realizarlo recién ahora. Uno de ellos es que en noviembre de 1974 se The 13th 05
cumplieron cuarenta años del lanzamiento de “Roxette” el single debut de la banda que hoy nos convoca, Dr. Feelgood. Pero otro motivo es que su guitarrista estrella en sus primeros años, Wilko Johnson, en el 2013 anunció que padecía cáncer de páncreas, pero de todas formas editó un gran disco este año junto con Roger Daltrey, “Going Back Home”, tal vez a manera de despedida, pero hace unas semanas Wilko anunció que ha vencido a su enfermedad. Y parafraseando lo dicho por Jehudi Menuhin, “Estoy seguro que la buena música de Dr. Feelgood le alargó la vida a Wilko”.
El Pub Rock
Para hablar de Dr. Feelgood antes tenemos que entender algunas cosas. Si bien siempre se dice que el punk fue una rebelión contra la música, por llamarla de alguna manera culta o prodigiosa, como lo fue el rock sinfónico o el rock psicodélico, en donde se abusaba del virtuosismo instrumental, así como también de las largas composiciones y muchas veces tediosas (ojo que a mí me gustan muchas de estas bandas). Pero en realidad hay algunos movimientos que fueron anteriores y que nacieron en reacción a los movimientos ya mencionados, y unos años antes que el punk. Como sabemos el Glam Rock fue uno de esos movimientos, que contrastaba tanto The 13th 06
musical como estéticamente, una forma más desacartonada y onírica y casi opuesta al rock sinfónico. Pero no fue el único movimiento que buscó regresar el rock primario, En Londres hubo otro movimiento, un poco más chico, pero con más energía y hasta reaccionaba contra las galas mismas del Glam. Ese movimiento se llamó Pub Rock. El gran impulso del Pub Rock, fue devolver la música a los pubs o los pequeños bares. Algo que se había convertido exclusivo para estadios o teatros.Y, a diferencia del Glam, la sonoridad se asemejaban al rock and roll de los 50’s y el garaje rock americano de los 60’s. Varias bandas fueron importantes en
este movimiento, alguna de ellas estrechamente relacionadas con el punk rock, como por ejemplo, Eddie and the Hot Roads quienes tuvieron su fama en el comienzo del punk; los The 101’ers tuvieron entre sus filas a un joven
Woody Mellor (seudónimo de Joe Strummer) en honor a Woody Guthrie; Kilburn and the High Roads tenían como vocalista a Ian Dury. Pero tal vez la banda que más destacó de este movimiento fue, sin lugar a dudas, Dr. Feelgood.
Desde un principio Dr. Feelgood se forma en 1971 en Canven Island en Essex. Y si plantamos un paralelismo con los contemporáneos de las bandas del Glam Rock, la indumentaria de Dr. Feelgood, era más formal, su “ropa de trabajo” eran trajes muchas veces sucios, dándoles un aspecto de gángsters. Su historia está formada por grandes cambios de integrantes, desde los años posteriores al quiebre en 1994. Si bien hoy siguen existiendo, ninguno de sus miembros originales se encuentra en su formación. De todas formas me centraré en la historia de la banda que va desde sus inicios en 1971 hasta 1977, año en que se rompe la formación original. La formación original de Dr.Feelgood fue Lee John Collinson (Lee Brilleaux), John B. Sparks (Sparko), John Wilkinson (Wilko Johnson) (quien tocaba de una manera totalmente influenciada por el guitarrista Mick Green de la banda Johnny Kidd and the Pirates, y además de ser zurdo y tocar como diestro y sin púa, lo hacía mucho más atractivo), y John Martin (The Big Figure). Los Feelgood comenzaron a sumar shows en Essex y con sus frenéticos y potentes conciertos, comenzaron a llamar la atención de los más acérrimos puristas del rock and roll y de los jóvenes. Para fines del 1973 ya eran bastante conocidos en el circuito de pubs londinenses y la prensa ya empezaban
a hablar de ellos. La NME les dedicó una portada y desató la polémica por mostrar una banda sin compañía discográfica. Pero había un cambio importante en el semanario y en ese momento muchos nuevos periodistas empezaban a cambiarle la cara y bajaban a los pubs a ver qué pasaba, entonces es obvio que estaban fascinados con Dr. Feelgood. Lo más impactante de la banda era la energía y la intensidad de sus presentaciones. La fiereza de sus performances, que eran llamativas, Lee manejando espásticamente el centro del escenario, con sus bruscos movimientos y Wilko paseándose de un lado a otro del escenario con cara de psicópata y actitudes desbordadas. Con sus trajes y actitud de pocos amigos, más bien de maldad. “Prefiero la actitud arisca, actuar y parecer malvado”. The Big Figure. “No nos parecía adecuado dar la impresión de estar disfrutando”. Sparko. “No sonreíamos. Éramos una especie de banda de criminales.” Wilko Johnson. “Acababan de salir del estuario de Essex y salían a patear culos” Nigel Kerr (Manager).
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Pero había una pregunta entre periodistas y fans, ¿podrían los Feelgood trasladar la energía de sus conciertos? esa tremenda intensidad que emanaban en sus presentaciones, a un estudio. La banda firma contrato con United Artists, y entre agosto y septiembre de 1974 entran al estudio a registrar el primer álbum. En noviembre lanzan el single debut, “Roxette” (de aquí el nombre de la banda sueca), que incluía como Lado B, el clásico de Bobby Troup “(Get Your Kicks On) Route 66”. Roxette no es una de sus canciones más enérgicas, aunque tiene mucha intensidad, pero demuestra todo lo que es Dr. Feelgood, un pulso Rhythm and blues inquieto con energía contenida que recién se libera hacia el final cuando se acelera y estalla la armónica de Lee. Acá se muestra todas las cartas de la banda, el inquietante bajo de Sparko, el riff histérico pero agazapado de Wilko, el simple pero seguro ritmo de The Big Figure, la enérgica The 13th 08
voz de Brilleaux y su espástica armónica. En enero de 1975 se edita el esperado álbum debut “Down by the Jetty”. ¿Y qué es Down by the Jetty? Una enérgica patada a lo convencional que se venía editando, si bien muchas bandas del Pub Rock accedieron a álbumes, pocas quedaron bien paradas frente a sus publicaciones, Dr. Feelgood lo hizo con su álbum debut. El mayor problema que tuvieron esos registros es la elección de un productor que no supiera como llevar esa fuerza a un estudio, por suerte Vic Maile se cruzó en el camino de esta banda y produciría los dos primeros álbumes de la Dr. Feelgood. La portada del álbum muestra lo que es la banda, caras de pocos amigos y agotados, despeinados por el viento y esa actitud fiera de provocación. Ninguna pose actuada o una edición super producidas como se solía hacer para las bandas del rock sinfónico, esta es simple y directa, como lo es la banda. Además el lanzamiento fue en mono.
“Llevan cinco años sentados escuchando estúpidos sintetizadores y el rock and roll no va sobre El Hobbit ni cosas así, eso es para chicas, música para niños. Esto es para gente que quiere pasárselo bien”. Wilko
lanza “Malpractice”. Y como aumentando su apuesta insertan más covers, por ejemplo el álbum abre con “I Can Tell” de Bo Diddley, luego se encuentran “Rolling and Tumbling” de McKinley Morganfield, “Watch Your Step” de Bobby Parker o “Riot In Cell Block Nº 9” del dueto compositor de muchas canciones de Elvis Presley, Jerry Leiber y Mike Stoller, pero las canciones de Wilko perfectas como “Going Back Home” (escrita con su héroe Mick Green), “Back In The Night”, “Another man” o “You Shouldn’t Call The Doctor/If You Can’t Afford The Bills”, acrecientan el repertorio y el apoyo de prensa y fanáticos. Y cierran el año con otro perfecto trabajo discográfico. Para cerrar este gran año y este gran crecimiento el álbum llega al puesto 17 de chart de álbumes en Inglaterra. La actitud de la portada lo dice todo, Brilleaux tocándose un testículo y Wilko y The Big Figure en actitud de estar traficando, es una declaración de principios, es decir, nosotros no somos buenos chicos y prolijos.
Down by the Jetty, arranca con una enérgica y potente “She Does It Right”, que si escuchan el riff y el solo de Wilko, nos recuerda bastante a lo que vendría unos años después, el punk. En este álbum se encuentran verdaderas joyas de su discografía, además de su primer single “Roxette”, se encuentran las extraordinarias “I Don’t Mind”, “Keep It Out Of Sight”, “All Through The City”, además de los covers que incluyen en este primer trabajo, “Boom Boom” de John Lee Hooker, que es la que más destaca, pero también Wilko se dio el gusto de homenajear a su ídolo Mick Green grabando su canción “Oyeh!”. Si bien el disco no rompió los charts ni volvió locos a los críticos, sí logró que la escena crezca y que sus conciertos se llenen y su reputación se incremente. “En el 75 fui a Gran Bretaña por primera vez y vi a Dr. Feelgood. Me traje su segundo disco “No creo que nos tuvieran mucha estima “Malpractice”. Estábamos celebrando una por aquí, los grupos locales vestían fiesta en el local de ensayo, en el Bowery. Casi como tías y cantaban sobre ir a Marte. toda la escena de Nueva York estaba en la Estábamos totalmente fuera de onda.” fiesta: Johnny Thurders, Ramones, Blondie, Wilko. Richard Hell, todos los grupos. Pusimos Malpractice y no salió del aparato en toda la Su segundo trabajo no se hizo esperar mucho, noche. Todo el mundo se volvió loco con este sólo diez meses, en octubre de 1975 se disco”. Clem Burke (baterista de Blondie).
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En la Cima del Mundo
Era hora de pensar en un nuevo álbum pero Wilko, el compositor de la banda, no tenía nada escrito y estaba inmerso en una sequía compositiva grave. La solución fue la más fácil, aparentemente, el disco en vivo. Pero ahí comenzaban los problemas entre Wilko y los ingenieros de sonido. Wilko quería que sea realmente un disco en directo, los amplificadores microfoneados y dos más que The 13th 10
tomen el ambiente. Pero los técnicos decían que era una locura, claro pero hablaban con Wilko, ¡Un loco!. Así que Johnson no claudicó y se terminó grabando así, sin agregados post shows, como solían hacerse. Se registran dos conciertos, uno en el Sheffield City Hall el 23 de Mayo de 1975, y otro en Southend Kursaal el 8 de Noviembre de 1975. En mayo de 1976 tocan dos noches seguida en
el Botton line de Nueva York con los Ramones como teloneros. Toda una declaración de principios de con quienes tenían más afecto los Feelgood. Fuimos todos al Botton Line porque era como un gran salto para los Ramones. Se rumoreaba eran el próximo gran grupo A pesar de la increíble presencia de Lee sobre el escenario, Wilko acaparaba el protagonismo con sus movimientos de guitarra y su meneo por todo el escenario”. Roberta Bayley (Fotógrafa) El gran salto comercial llegaría con su tercer álbum, el álbum en vivo, “Stupidity”, lanzado en septiembre de 1976. En octubre el disco fue el primer álbum en vivo (en la historia de Inglaterra) en llegar en una semana al puesto número 1 del ranking álbumes, sin la necesidad de ningún single. La locura estaba desatada y Dr. Feelgood estaba haciendo escuela para sus primeros alumnos, los punks. La fiereza de las presentaciones en directo daban el resultado esperado, se puede escuchar la actitud desafiante del sonido de la banda, crudo y enérgico. Un álbum que para la época de esa Inglaterra llena de protestas, caía como
un espaldarazo para salir a la calle y provocar. A esta altura la explosión del punk empezaba a generarse y Dr. Feelgood era lo que sonaba más parecido a los que sería la sonoridad del punk rock, de hecho algunos integrantes de los Sex Pistols y The Clash, se los veía entre sus seguidores. El álbum emana crudeza y frescura y el resultado pensado por Johnson es impactante. Pero no todo era tan perfecto. La disputa por el liderazgo entre Wilko y Lee se hacía cada vez más notable. Si bien, esta disputa en el escenario era el motor de sus presentaciones, esto pasó más allá de los conciertos y Wilko empezó a cerrarse en su propio mundo interno, ayudado por las drogas, comenzó a apagarse. Ya casi no participaba de la vida social de la banda, sólo tocaba y luego estaba físicamente presente pero espiritualmente ausente. Wilko nunca bebía, algo que los otros tres hacían con poca moderación y habían creado una adicción. Esto acrecentó la distancia entre el trío y Wilko, aunque Wilko se hizo adicto al speed y al hachís. Johnson comenzó a ponerse ermitaño y se encerraba en las habitaciones de hoteles. “Estábamos muy ocupados disfrutando como para preocuparnos del futuro.Pero en el fondo,nos preguntábamos que pasaría con el siguiente álbum”. The Big Figure
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El ocaso de la estrella
Wilko se sentía distanciado, como aburrido, abrumado, deprimido, y cada día que pasaba una paranoia, de que todos estaban contra él, parecía consumirlo más y más. Lee, Sparko y Figure, salían siempre al pub a beber y Wilko se encerraba a componer. Así era la vida de las giras. La banda realiza una agitada serie de conciertos en apoyo del álbum en vivo, y todo iría bien mientras tanto Wilko produzca más canciones. Pero las distancias entre Lee y Wilko se acrecentaban. “Wilko era muy distante. No recuerdo que The 13th 12
hubiera mucha interacción entre Lee y Wilko. Tengo una serie de fotos que le hice a Wilko sentado en el bar del hotel Grammercy, con aspecto deprimido, mirando por la ventana alejado de todos”. Roberta Bayley “Había animosidad entre Lee y yo, y se hizo muy fuerte. No podíamos estar juntos en la misma habitación. Si pienso ahora porqué, no lo sé, pero se fue totalmente de las manos”. Wilko
“Lee se obsesionó tanto con su antipatía hacia Wilko que le resultaba difícil concentrarse en otra cosa.” Shirley Brilleaux (Esposa de Lee) Ingresan a los Estudios Rockfield, en Gales, para grabar el primer disco de estudio luego de llegar a la cima. Entraban por la tarde y se quedaban hasta la noche. Luego todos menos Wilko se iban al pub, y Wilko se quedaba componiendo. Pero había un músico de sesión llamado Tim Hinkley tocando las partes de guitarra. “La pelea final llegó mientras grabábamos Sneakin Suspicion.” Lee Brilleaux
El primer problema entre Wilko y el resto fue la canción “Paradise”, que Wilko escribió para, en ese momento, su novia Irene (hoy su esposa), ese fue el puntapié inicial del ocaso del cuarteto. “Lee, Sparko y Chris Fenwick (el Manager) aborrecían sobre todo la canción de Wilko “Paradise”. Era una canción escrita por Wilko, (de la cual Johnson estaba muy orgulloso N. de A.). Era una canción en la que Wilko expresaba su amor por dos mujeres sin avergonzarse de ello. Y eso iba en contra de los principios, que según Lee identificaban a los Feelgood. Había una regla: nada de novias, ni esposas, y ahí estaba Irene, la novia de Wilko. Lo cual fue echar por tierra las reglas que intentaban marcar para el grupo.” Shirley Brilleaux
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“Una de las cosas que me echaban en cara, esa me gusta esa puta canción que han hecho. Y, de que se trataba de un regodeo ególatra. Y no lo repente, todo estalló. Terrible, Devastación.” era.” Wilko Wilko “Le dije: hay que terminar el álbum, y si no “Y dijo más o menos: Si quieres hacerlo así, escribes las canciones, lo haremos nosotros.” yo lo dejo. Muy bien, viejo amigo. Vete”. Lee Lee Pero sumado al encontronazo por “Paradise”, se suma la canción que Lee Lewis le escribió para la banda, la canción “Lucky Seven”, eso desató la batalla previa al final entre Lee y Wilko.
Este momento marcó un antes y un después en Dr. Feelgood y en Wilko Johnson, ya que ninguna de las dos partes nunca tuvieron tanto éxito cuando estaban juntos.
“En un tonto momento se marchó y lo dejamos “Se metieron al estudio y grabaron la canción. ir. Creo que fue una verdadera lástima.” Pero a mí no me gustaba”. Wilko. Lee “Dijo que no era Dr. Feelgood, Pensé para mí: “Siempre pensé que Dr. Feelgood sería lo No tienes ningún derecho a definir lo que es o más importante para mí. No me imaginaba no es Dr. Feelgood.” Lee haciendo otra cosa.” Wilko “Era de noche, yo estaba a punto de irme a la cama y volvieron del pub. Figure no estaba, él nunca quiere problemas. Sparko se llevaba bien con todos. Era entre Lee y yo. Iban discutiendo conmigo de uno en uno. Hablaban de las cosas que no les gustaban. Yo les dije: Ya que hablamos de cosas que no nos gustan, a mí no
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Pero, si bien marcó un quiebre y un final para Dr. Feelgood, la banda se reformaría, una y otra vez. “Pensamos que se acabaría, pero un día, Lee y yo, dijimos: Vamos a intentarlo”. Sparko
Reclutaron a John “Gypie” Mayo en lugar de Wilko, quien inmediatamente formó Solid Senders y así pasó por muchas bandas sin encontrar un rumbo, como él dijo, empecé a tomar malas decisiones. Desde el ingreso de Gypie comenzó dentro de la banda algo que se llamó “la maldición de los guitarristas”, ya que por el puesto no se podían sostener por mucho tiempo y eran reemplazados. Pero en 1982, Sparko y Big Figure abandonan la banda definitivamente, y Lee continuó con la banda rotando los integrantes hasta su último día. Y la banda regresó ya sin ningún miembro original. Aunque la banda consiguió una buena posición con el single “Milk and Alcohol” en 1979, que llegó al puesto número 10, en la época de Gypie Mayo, nunca volvió a tener la repercusión que tuvo en los años de Wilko.
“No volvió a ser lo mismo tras la marcha de Wilko”. Shirley Brilleaux Pero esos años, en que la banda original existió, sembró el camino de lo que vendría y coexistiría con Dr. Feelgood, el punk. Muchos de los que tomaron algo de la banda, lo hicieron más visceral y más crudo, pero ¿cuánto en común que hay entre la actitud Feelgoodiana y el punk?. “Prefiero las formaciones originales”. Glen Matlock (Sex Pistols) hablando de Dr. Feelgood
“Dr. Feelgood era como una máquina de proporciones intensas. Pocos grupos han rivalizado con Dr. Feelgood en su punto de mayor intensidad”. “Creo que muchos perdieron el interés en el Joe Strummer (The Clash) grupo tras la marcha de Wilko. Probablemente eran fans de Wilko y no de Dr. Feelgood”. Para terminar este escrito le cuento Lee dos cosas: Lee Brilleaux prestó 400 libras
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esterlinas a su manager Andrew Jakeman, para la creación del sello Stiff Records en 1976, que se encargaría de editar bandas punk rock y New Wave, y fue el sello que editó el single “New Rose” de The Damned. Y ya para este final, comento que desde 1994, se conmemoró la vida de Lee Brilleaux con un concierto aproximadamente para mayo de cada año, hasta 2009, en donde todos los miembros de Dr. Feelgood originales
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y todos los que pasaron por su historia (hasta la actual) se juntan en Canvey y realizan un multitudinario concierto. Todas las declaraciones transcritas en este artículo fueron tomadas del recomendado documental de Julian Temple, Oil City Confidential del 2009. Por favor no dejen de verla.
Klaus Nomi, el contratenor de la New Wave. POR Erick R. Vieyra
Klaus Sperber (en líneas posteriores mencionaré de dónde se genera el nombre artístico: Klaus Nomi) es un caso muy peculiar en la historia de la música contemporánea. Desarrollado en un medio que en estricto sentido tiene todas las características para ser definido como un arte de altas esferas, inclusive un arte para el deleite burgués -me refiero a La Ópera- fue capaz de converger entre dos dimensiones regularmente confrontadas: el músico de cámara con estudios formales para ejercer técnicas de arte clásico; y la música popular, la música del vulgo, del ciudadano a pie. Estos dos aspectos suelen ser entendidos como antitéticos, y a su vez suelen no reconocerse entre sí, más de un exponente de cualquiera de ambas dimensiones considera a la contraria como una farsa, lo cual fue un
aspecto muy pronunciado durante la década de los 70s y 80s. Los admiradores de los clásicos despotricaban al punk y sus derivados; a la vez que este último hacía lo propio. Recordar las referencias constantes que Lydon (en ese entonces, Johnny Rotten) hacía como crítica al caso del músico academizado, crítica que se convertiría en uno de los caracteres lapidarios de la primera generación del Punk Rock. Para el caso de Klaus, una de sus grandes aportaciones -a mi parecer, la mayora la música contemporánea fue mostrar por medio del ejemplo vivo, es decir, por medio de sus propias creaciones, que las líneas de diferenciación que los artistas establecen hacia sus técnicas y su público son ficticias y fundamentadas en el prejuicio. Él mostró que el arte se entiende no por parametrizaciones The 13th 17
estrictas (como lo son los géneros, división tan citada en nuestros días, como también, absurda), sino por la continuidad, es decir: de manera independiente a los géneros, toda la música viaja en paralelo sobre los rieles de la historia.
Para intentar entender esta concepción en su originalidad, se tiene que desmenuzar a quien la concibió así, se tiene que conocer al humano para conocer su arte. Y para conocer al humano siempre se parte por conocer su desarrollo, su medio.
Klaus tuvo la fortuna de haber nacido en un país donde una racionalizada apertura al eclecticismo capitaliza la valoración que se dirige a los actos creativos. La mezcla de estilos y técnicas que podrían parecer incompatibles, en Alemania es valorada. Sumando a lo anterior, Alemania es un país con números e importantes cimientos en la ópera: Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Emanuel Schikaneder, Carl Maria von Weber, entre otros más, que fueron los cimientos del Romanticismo del XIX, el cual era un movimiento contestatario al racionalismo francés y al empirismo sajón. El Romanticismo
atrajo composiciones donde el sentido magnánimo, espiritual y crítico a lo mundano y a la Diosa Razón se encontraba latente, un conocido ejemplo de ello es el Der Ring des Nibelungen, de Wagner. A letras de Rüdiger:
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“….El famoso tritono en mi bemol es el pensamiento acústico del comienzo de todas las cosas; es el agitado elemento originario, es el agua. De la disolución de primer sonido se origina el resto. El instante de la creación se hace audible cuando se añade el sonido que simboliza el sol. El fuego del sol hace que el agua brille como el oro y este último se
convierte en un tesoro que se alojará en las profundidades del agua donde las hijas del Rin le darán cobijo y protección en los tiempos donde la codicia no está incluida en el círculo fatal del poder y la posesión; ahí se constituye la inocencia y la unidad del mundo natural. Alberico el Negro, un príncipe de las tinieblas y señor de los Nibelungos, carece de cualquier sentido para la belleza del tesoro, pero quiero poseerlo para acrecentar su poder, sólo por el poder. El amor haría que el tesoro y su belleza
descansaran en sí, dejaría que el ser fuera en sí mismo lo que es. Pero quien renuncia al amor, querrá robarlo y convertirlo en valor… este es el conflicto del drama de El Anillo De Los Nibelungos: la relación tensa entre poder y amor, avidez de posesión y entrega, juego y coacción… una pieza de mitología social, una crítica a la Revolución Industrial y sus efectos, una crítica del mundo en que vivió Wagner, y del mundo actual.”
Klaus Sperber nace en el periodo de decadencia del Nacionalsocialismo, en los meses previos a la rendición de Alemania, que a su vez fueron los más duros para aquel país; pasó su niñez y adolescencia en el periodo post bélico alemán, en la refundación del país lo cual no fue sencillo para nadie. Quizás producto de ello se explica el largo tiempo que tardó para relucir su brillo ante públicos extensos, más de 30 años para tener verdaderas oportunidades -que en términos de la vida de un artista, es prolongado-. Alguien con su talento en circunstancias normales y a sabiendas del empeño que le caracterizaba, alcanza el reconocimiento
desde mucho antes. Pero la vida casi nunca es justa, y menos aun cuando se ensombrece como efecto de la guerra y el fanatismo. Entre bastidores de puestas de teatro, discos de ópera, de rock, criado en una familia de artistas donde casi todos ejercían de vocales, y maravillado por las historietas de Serie B esgrimió una técnica que si bien no es común entre vocales profesionales, tampoco es exclusiva. En términos técnicos, Klaus Sperber era un contratenor. Algunos han intentado explicar su característica vocal tomando como referencia, como punto focal, la preferencia homosexual de Sperber The 13th 19
(la típica exposición: los homosexuales buscan “ser” mujeres y hacen lo posible por imitarlas). En este caso no explicaré el desempeño de un artista y su talento desde un planteamiento reduccionista, absurdo y envuelto en prejuicios; por el contrario, el contratenor es una técnica en sí misma, un manejo de cuerdas vocales que no cualquiera puede realizar, se requiere entrenamiento, disciplina y facultades orgánicas de nacimiento, lo cual nada tiene que ver con la preferencia o aficiones sexuales. Ahora bien, el terreno artístico en la Alemania post guerra no era demasiado nutritivo. Incluso, en las letras y el pensamiento, en la filosofía donde los alemanes habían despuntado, esos fueron años malos -de poca producción-, y ello en conjunción con el gusto multidimensional The 13th 20
de Sperber al no seguir posturas ortodoxas se tradujo en la necesidad de actuar, si quería presentarse en algún lugar, en suburbios donde las oportunidades de trascender son escasas. Él ya hacía presentaciones en vivo desde su segunda juventud, pero eran en clubs nocturnos frecuentados por homosexuales, no se trataba de centros profesionales o semiprofesionales donde acudieran potenciales artísticos; es decir, eran clubs para bailar, beber, lugares para pasar el rato. Mientras ello ocurría en Alemania; en los Estados Unidos, potencia madura y fundamental que se vio beneficiada de la caída del Nacionalsocialismo y los bombardeos en Europa, estaba en condiciones de brindar oportunidades tanto a nacionales como a extranjeros. En los 60s y 70s se dieron amplios movimientos migratorios a los Estados Unidos, entre los migrantes
no sólo se contaba la mano de obra obrera, sino también artistas que buscaban mejores proyecciones para sus actividades, la industria de cine tenía su capital en ese país, los grandes sellos discográficos ahí tenían su matriz, la academia también estaba bien desarrollada y con posibilidades de exportar técnicas, propuestas… era el tiempo del Estado de Bienestar, y los Estados Unidos era visto como el país modélico para el futuro (narrativa que hoy, después de más de 40 años, ya nadie medianamente sensato se traga). El Sueño Americano no sólo era un sueño de los latinos, también de los europeos. La Costa Este de los Estados Unidos, conocida como “Northeast Corridor” era el epicentro del Rock ‘n’ Roll y del “espectáculo” en general, zona a la cual llegaron artistas de todo el mundo, algunos en búsqueda de fama y otros en espera de desarrollar novedosos proyectos una vez que habían tenido éxito en su país de origen; entre los segundos se encontró David Bowie, entre los primeros, Klaus Sperber que para esos años (los 70s) ya comenzaba a adoptar -primero de manera intermitente y después de forma permanente- el seudónimo Klaus Nomi. Cabe señalar que NOMI se trata de una reversibilidad de vocales (OMNI) inspirado por la devoción que Sperber tenía a la propuesta de los filmes e historietas Serie B, afición que estaba muy difundida entre el vulgo, el ciudadano a pie. La Serie B es una propuesta (regularmente fílmica) de bajo presupuesto que siempre aborda temáticas bizarras, ambiguas y morbosas, es anti-intelectual, ejercita deliberadamente lo ridículo y se vanagloria de ser mal cine, malas historias. Paradójicamente, suele ser exitoso en su comercialización y contar con muchos adeptos y muchos clásicos que
hasta la fecha se siguen replicando. Un ejemplo actual de un director (que a mí me es insoportable, estúpido y farsante) inspirado en la Serie B, es Quentin Tarantino. Sería bajo esta inspiración (Serie B) para el manejo de imagen, así como la radiante técnica vocal que había aprendido en Alemania, con lo cual comenzó a realizar presentaciones en los EU, las cuales rápidamente fueron dando material de presencia a Klaus Nomi en Nueva York. En un principio, Sperber hizo básicamente lo mismo que realizaría en Alemania: presentaciones de corte operístico. Sin embargo, las presentaciones poseían elementos complementarios y diferenciales con respecto a la ortodoxia, elementos que se manifestaban en el “performance” que acompañaba a Klaus Nomi. Complementario a esto se tiene que recordar que las presentaciones se ejercían en un importante periodo para la música popular: el periodo de libertinaje artístico que generó el Punk Rock, el cual abrió puertas a espectros que se habían mantenido excluidos durante casi una década, el espectro que de la propuesta juvenil es función. Confluyendo lo previamente mencionado; Klaus Nomi se encontraba tanto en un tiempo (los 70s) como en un lugar (el centro artístico estadounidense) que aumentaba sus posibilidades se impactar de manera positiva en la música, su gran afición por excelencia, y así lo hizo. Su gran momento, en el cual cambió en unos cuantos meses su difícil situación como artista y en pocos años la panorámica de la música contemporánea estableciendo un rompimiento paradigmático activo hasta la actualidad, se dio en la presentación que éste haría junto a una de las máximas figuras del Rock mundial, me refiero a legendaria presentación que hizo en el The 13th 21
Saturday Night Live donde dio cátedra vocal a David Bowie, lo cual le valió el despido inmediato como corista, pero le catapultó como artista casi de forma inmediata. Después de esta presentación (ocurrida en 1979) llegaron las importantes firmas discográficas, la publicación de sencillos, Lps, vídeos, la aparición como portada de revistas, las presentaciones en televisión… pasó de ser un casi desconocido vocalista de técnica maravillosa que necesitaba trabajar como cocinero para poder vivir, a convertirse en una de las figuras capitales del emergente New Wave durante el periodo Post Punk. La madurez que había alcanzado a los 34 años le mantuvo alejado de la decadencia que a los jóvenes consume cuando la suerte les cambia de un momento a otro; el primer disco se lanza en 1981, el segundo en 1982, el tercero en 1983, lo cual bajo los términos de la calidad de cada uno de éstos es una ascendencia meteórica tomando en cuenta que los buenos discos suelen ser grabados por un The 13th 22
músico promedio en periodos más extensos. Con una sombra de tragedia tan calamitosa como su tiempo y lugar de nacimiento, las dificultades para “ser” como artista y una vez intercambiado su camino por un golpe de suerte que abrió la puerta para embellecer este enorme e insoportable drama humano, todos sus sueños vieron el derroche de igual forma: rápidamente y sin explicación para él. El SIDA, enfermedad de la cual casi nada se sabía para su tiempo, tan poco investigada que se le atribuía como una patología exclusiva a la comunidad homosexual, le consumió de una forma rápida y sin piedad alguna, sin reparo, sin solución. Su enfermedad fue tan impía como el trato que la gente dio a aquel que había regalado momento de plenitud y belleza en medio de un riesgo real por la catástrofe nuclear… se olvidaron de él, le dejaron solo para morir de una manera monstruosa y horrible, sus admiradores se fueron, sus
firmas pidieron más firmas para ceder los derechos de su arte a algún perro usurero que lucra con la muerte, sus amigos le olvidaron en algún bar, en algún vaso de vino barato, los médicos pedían que desocupara la cama, el cáncer le consumía el cuerpo, el herpes cubría su piel… Joey y ahora qué hago? Ya no me quieren más en el hospital. Ya me desconectaron de todas las máquinas. Tengo que parar todo esto porque no estoy mejorando’. Tuve un sueño de que Klaus se mejoraba y cantaba nuevamente, sólo que esta vez un poco deformado, así que ahora tenía que estar detrás de una pantalla o algo.” Su vida y su grandeza… una tragedia en un montaje teatral. Klaus Nomi (1944-1983).
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una coLección de mIniaturas realiZadas con el alma
Entrevista a Mellonta tauta por diego centurión
Es raro hablar de un disco de dreampop y shoegaze en Argentina que cumplió veinte años, pero existe, y es un trabajo de Mellonta Tauta, si bien se trata de un trabajo grabado y lanzado en Italia, más precisamente en Florencia, el disco se ha llevado halagos de la prensa europea, acá sólo nos llegaban información por algunos medios no mainstream. Los Mellonta han aparecido en el número 10, en la multi-entrevista llamada “Sonoridades Luminosas”. Pero esta vez convocamos a su mentor Daniel López Quiroga para conversar por la publicación de 1994, Sun Fell, ocurrida un 10 de noviembre de ese lejano año. The 13th 24
1994. Un paraíso entre tanto sonido sónico. ¿Cómo era Mellonta en el 94? Mellonta Tauta en el 94 éramos ya un dúo desde hacía ya un par de años. Éramos Leticia Solari y yo. Estábamos expectantes sobre qué pasaría con el disco grabado. Había interés de varios sellos por publicarlo y durante ese año se definió por el sello alemán Hyperium, quienes trabajaban muy seriamente y daban muy buena promoción y cuidaban los aspectos estéticos con mucho celo, y eso nos resultaba grandioso. Estábamos ya viviendo en Argentina (regresamos por asuntos familiares), llegados de Italia luego de vivir por varios años.
¿Dónde lo grabaron y cómo? Las sesiones de grabación de SUN FELL fueron durante julio-agosto de 1993. Se llevaron a cabo en el estudio Blue Velvet, en la ciudad de Florencia, Italia. Ese estudio tenia características muy atractivas, pues allí pasaba toda la escena alternativa fiorentina que por esa época llevaba la delantera dentro de la escena musical italiana, por ej.: Pankow, banda pionera de la música electrónica italiana con repercusión en Alemania, USA, etc. Digamos que ese ámbito tenía su microclima ideal, se respiraban ganas de hacer cosas jugadas y de creer en lo tuyo a full. Fue muy interesante el proceso de pre-producción dado que si bien éramos un dúo, la música no se limitaba a ese formato, la instrumentación de las canciones transitaban por diferentes tratamientos y todo lo que había desarrollado caseramente con herramientas bastante limitadas, podían ahora explayarse y lograr los colores que buscábamos en nuestras canciones. En la pre-producción trabajamos con Pro tools 1 y Cubase para Atari, toda una antigüedad para estos tiempos, pero así era en aquel entonces. Luego ya en el Estudio se trabaja sobre cinta abierta de 2 pulgadas (masters tracks que aún conservo). Además disponíamos del Emulator II, SP12, AKAI S700, hermosos fierros de la era midi. Mucho cablerío, midi sync box y demás para que todo cuaje. El lenguaje reinante en el estudio no era el de la música comercial, por lo tanto cada experimento que proponíamos era recibido y estimulado, empujándonos hacia adelante aún más! La pre-producción la hice con Maurizio Fasolo y la mezcla la hicimos con Paolo Favati y Rick May (ex mellonta, periodo trío). Al momento de terminar el disco (agosto 1993) estábamos con la novedades que el sello por donde publicaríamos estaba con problemas (luego derivo en quiebra!). El sello Contempo Records (licenciataria de 4AD, Mute, etc.) inmenso referente de la escena indie en Italia
tenía problemas financieros y si entregábamos el material corría el riesgo de no salir publicado y encima quedar atados x contrato (hubo bandas como Balck Rose o Lord Chaeau que les quedaron los discos varados x años x orden judicial). Así que si bien tuvimos que esperar más de 1 año en publicar, la decisión fue la correcta. ¿Cómo era en esos años ser una banda argentina haciendo este tipo de música? Comenzamos en el año 1988, y en 1990 nos fuimos a Italia, regresamos en 1993. En la etapa previa al viaje, fue un periodo genial, muy excitante. Hicimos varios conciertos y performances, en donde primaba lo experimental, búsquedas instrumentales de tono minimalista y algunas canciones que iban asomando. El ambiente era muy interesante en Mar del Plata, notábamos muy buena recepción en los amigos de aventuras de esa época, e incluso hicimos amigos de la escena porteña, me acuerdo de Carlos Alonso de UNO X UNO. Recordando esa etapa, noto que había muchas ganas de hacer cosas interesantes, pensando siempre en la música, en innovar, algo netamente modernista que hoy se ve mucho menos. Al regreso hicimos muy pocos conciertos, costo armar una banda para representar el disco y además tuvimos situaciones familiares complejas que nos desinflaron un poco. En cuanto a ¿cómo era ser una banda argentina haciendo esta música? La verdad es que sufrimos bastante la indiferencia de los medios gráficos de la época, por no decir cierto maltrato (nos tildaron de hacer AOR (adult oriented rock), algo como música pop new age para yuppies!!) Creo que más allá del estilo de música, fue letal ser una banda del interior, estoy seguro que si hubiésemos sido capitalinos amigotes de algún referente de la época nos hubiera sido más grato, o al menos ser considerados en el inventario oficial del rock vernáculo. Somos outsiders totales aun hoy. The 13th 25
Salvo honrosas excepciones como los chicos de Esculpiendo Milagros (Norberto Cambiasso) o Alfredo Rosso, el resto fue desolador. El disco lo traje importado y estuvo disponible en las disquerías alternativas de Baires y resto del país. Todo a pulmón obviamente. Por el contrario, el disco tuvo muy buena recepción en Europa y USA, y aun hoy contamos con seguidores de la banda de aquella época que aprecian y disfrutan de nuestra música. Las paradojas típicas. Por todo esto es que aprecio muchísimo tu interés por esta nota y por el respeto hacia nuestra música. El sonido de Sun Fell es tan puro y delicioso que es encantador de sensaciones. ¿Cuánto tiempo llevó la composición de las canciones del álbum? ¡Muchas gracias por esa consideración! Las canciones de SUN FELL (y de los singles OCEAN & FISHES) son una síntesis de Mellonta de esos años. En el álbum hay
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canciones que datan de la época 88/89 y casi todas del 90 en adelante. En ese periodo fueron mutando y concluyeron en lo que quedó grabado. A fines de 1992 las canciones de SUN FELL ya estaban compuestas y “demeadas”, con ese material logramos llegar al contrato con Contempo, que grabaríamos en julio de 1993. La composición es un proceso único que difiere en cada músico. Con Leticia en esa época, jugamos mucho, improvisábamos y nos grabábamos. Luego los embriones que veíamos potables, los desarrollábamos hasta darle forma. Luego el trabajo de producción llevaba más tiempo trabajando con la programación de baterías, cuerdas, samplers, etc. Nuestro aliado clave fue una TASCAM 644 Midi de 4 tracks a cassette, ¡allí hacíamos todo! En 1991 (en Italia) hicimos una tirada de Cassettes artesanales, una doble producción: Gauchos (canciones) y Performance (instrumental) y otra en 1992, llamada Animals, con muchas
de las canciones de Sun Fell. Las presentamos en el Independent Music Meeting que se realizó en Florencia (Italia). A cada cassette les hicimos una tapa diferente, eran hechas en papel fotográfico, en donde plasmábamos las diapositivas que proyectábamos sobre nosotros en vivo. Eso lo hacíamos ya desde 1988 y nunca abandonamos. ¡Herencia de la Escuela de Artes Visuales! Esos cassettes (tirada chica de 80/90 unidades) se agotaron en los 3 días del Meeting. Ya esa movida nos abrió puertas y contactos con la escena italiana. Hicimos alguna música incidental para programas de radio e incuso nos hicieron entrevistas para fanzines darkys y radios especializadas (Controradio). El músico es obsesivo del sonido, al menos en la mayoría de los casos. ¿Qué canciones te dejaron con la sensación de poder haberlas grabado mejor?, es decir, ¿Qué canciones para vos le faltaron un poco más de trabajo? La inexperiencia jugó y hay algunas canciones que podrían haber volado un poco más, incluso pasó de detenernos por demás en ciertas canciones y a otras darles menos tratamiento en el estudio, eso pesó y yo noto cierta disparidad en el resultado global. La elección de las canciones no era fácil y buscamos una lista que represente un poco las facetas de Mellonta: las canciones, los collages ambient, lo experimental, el lado más dark, las baladas folk, la veta mas noise, etc. En el debe, creo que Ñandú quedo demasiado “pelado”, y podría haber trabajado algún arreglo especial. En Sun Fell hay 2 canciones que venían de los demos y que la versión de estudio no convencía, así que Gauchos es la versión 4 tracks, lo mismo que Yini Mijain.
Es una colección de canciones, de miniaturas, realizadas con el alma, es un disco honesto y despojado, pero a su vez ambicioso, soñábamos con hacer algo que nos conmueva y nos de orgullo y creo que lo conseguimos, aun hoy lo escucho y estoy orgulloso de lo que hicimos, a pesar de nuestra inexperiencia e ingenuidad. Otro rasgo destacable es que el disco no es uniforme (en tanto parecido o similar entre sí), logra, a pesar de sus humores cambiantes y climas variables, una entidad artística muy personal, se nota nuestra mano a lo largo del disco. Sin atarnos a fórmulas logramos enhebrar canciones y climas con un criterio estético que nos representa y nos refleja, creo que la huella se ve tanto entre guitarras noise, entre violines y pianos, entre baladas folk y voces suaves como en beats más intensos y climas sombríos y dramáticos. Como a la vieja usanza sirve escuchar el disco entero, dejándose llevar. Rescato también los singles Ocean y Fishes, que son 2 discos de 5 canciones con mezclas alternativas y varios remixes (versiones dance o experimentales). Algo poco habitual por aquí, pero que aconsejo seriamente. Las canciones re-elaboradas abren nuevas perspectivas y potencian la promoción. Están disponibles en iTunes & Spotify.
¿Cuáles del álbum son tus preferidas? Uff. Muchas las disfruto, Pull the charriot nos dio muchas satisfacciones (compilado Heavenly Voices I) y tiene un encanto especial. Su fraseo de orquesta con tremolo, es hipnótico y atemporal, tiene tempo de vals y un bajo cavernoso que le da un clima especial. Chucao es muy bella, la voz y la melodía son muy bellos, tiene feeling. Dawn por supuesto! y hoy en vivo Si tuvieras que describirle a alguien logra explotar. Una de mis favoritas es Elefantes, que no conoce a Mellonta y a “Sun allí hay una canción folk minimalista (2 tonos Fell”, ¿Cómo describirías este álbum? que alternan y que el estribillo es una cambio de The 13th 27
intensidad) y una tratamiento noise-feedback muy inspirado que encuentro genial. Over the Ocean & Cucumilus me gustan también, muestran una faceta que disfrutamos y cada tanto retomamos. En estos días acabamos de Licenciar la canción “Estrella” para un compilado nuevo que publicará un sello de New York, ¡así que se ve que resiste el tiempo lo más bien! Y hoy fines del 2014. Veinte años de Sun Fell ¿Mucho tiempo? ¡Y si, es una vida, en el medio paso de todo! Aun así no pesa, sino que al contrario, es un disco que logró plasmar en el momento justo una música emergente y que luego constituyó una escena a nivel mundial, eso lo disfruto mucho desde luego. Conservo amigos de esa época, músicos y productores de aquella movida, y raramente, para todos ellos, esos años fueron especiales, solo que en ese momento no nos dábamos cuenta. The 13th 28
Cuáles son las que aún suenan en sus shows? En vivo tocamos varias: Pull the charriot, Chucao, Over the Ocean, Dawn, Gauchos, Cucumilus, Fishes. Hay algunos ajustes de arreglos para el vivo y otras se tocan con el arreglo original. Mirando hacia atrás. ¿Qué significa “Sun Fell” en la historia de Mellonta Tauta? Fue el disco debut y eso ya es mucho de por sí, sumado a que lo hicimos con un sello de prestigio que marcaba tendencia en Europa nos reconforta mucho haber sido parte de esa historia. Durante un tiempo no éramos conscientes de esto, tontamente no le dábamos dimensión nuestra obra. Fue a partir de crear un MySpace de Mellonta Tauta, allá por el 2008 que viendo la cantidad de buena onda que recibía por parte de fans de todas partes del mundo, que me di cuenta de que la obra había sido valorada y que el nombre había perdurado.
Incluso los mensajes de bandas amigas y demás me animo a retomar la actividad como Mellonta. Hubo una revalorización retroactiva, tardía pero sumamente vital. ¿Hay ganas de remasterizarlo y actualizar el sonido del álbum? El disco fue remasterizado hace unos meses para su publicación digital en iTunes y Spotify. El disco estaba discontinuado y no tenía una versión digital legal disponible, así que con Sam Rosenthal de Projekt Records, pudimos relanzarlo. La masterización le dio un punch muy interesante, las zonas bajas suenan más compactas y el grosor de la cinta y mezcla analógica recuperaron ese espesor, esa densidad y color tan especial. ¿Qué satisfacciones profesionales le trajo a Mellonta la edición de “Sun Fell”? Como te decía antes, los ecos de Sun Fell no fueron tantos en su momento. Tuvimos problemas familiares personales que nos enfrió en su momento y nos quitó mucha energía. Pudimos viajar a grabar en el 98’ el sucesor de Sun Fell pero se complicó. Luego en el 2002 fallece el fundador de Hyperium y el sello así comienza su decadencia. Mi satisfacción es tardía, producto de las redes sociales que me conectaron con una realidad que ignoraba a la distancia. Fue así que aparecieron pedidos de remixes para bandas amigas y colaboraciones varias. Mellonta Tauta renace en 2010 y luego de Rainbow Melodies en 2013, habrá nuevo álbum en 2015. Para ti, ¿qué prefieres olvidar
rescatas y qué de este álbum?
Rescato todo y recuerdo todo, lo poco malo que pudo tener es aprendizaje puro. Rescato la inconsciencia de tener 24 años y dejarse llevar por el instinto artístico, sin pensar en nada mas, el “sistema” en esa época no hacía sentir su rigor y las responsabilidades eran otras. Aun hoy mantengo amistad y colaboración con Paolo Favati (Pankow) de Blue Velvet (ver remix de Raining House) y otros amigos de la época (Atrittion, Dark Orange, Chandeen, Blue tape for a blue girl), esa sintonía humana y artística es invalorable. Hoy el sonido del álbum es tan actual que parece haberse grabado hace pocos años, ¿La sonoridad estaba en su punto justo en el ’94 o simplemente hoy se volvió a recrear el sonido de esos años? Las canciones están trabajadas, más allá de las guitarras y bajos, con instrumentos electrónicos (drums, samplers, sintetizadores, sequencers) pero el aproach es netamente clásico. El objetivo siendo un dúo, era recrear un sentido acústico, casi orquestal de las canciones, buscando darle vibraciones orgánicas, q la frialdad de las maquinas no nos gane y creo que en algunos casos lo logramos. Salvo el beat de batería de Cucumilus, el resto tiene algo de atemporal, sin sonidos de moda del momento que lo aten a esa época tan claramente. Ayuda mucho haber grabado en cinta y esa calidez compensaba bastante. El sonido de hoy tiene mucho de vintage, de clásico y hay una vuelta a rescatar un sonido así. En estos días estamos por lanzar un videoclip por el 20° aniversario de la canción Pull the charriot, un auto homenaje a la canción que nunca tuvo clip oficial y que es la insignia del disco.
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Árboles y arbustos para generar un Bosque. Entrevista a Bosques por Diego Centurión
Hacia el final de la primera década de este milenio, en el verano del 2009. Cuando los sueños de una nueva década de luminosidad parecían morirse, para dejar paso al nacimiento de otra década que traería brillo. En ese morir para nacer, Bosques había nacido. Vamos a hacer un viaje por Bosques, no tanto sobre sus vivencias como banda, sino a través de sus registros sonoros. Todo comenzó como una unión de apasionados por la música (Marcos Díaz y Juan Cruz Del Cerro), de ese nacimiento entre influencias y sueños, ¿cuántos gustos musicales coincidieron? Al escucharlos, es obvio que lo relacionado a Jason Pierce, The 13th 32
estaba en la mesa de las coincidencias, ¿no? Compartíamos muchos gustos e intereses musicales, eso sin duda. Y Spacemen 3 fue una grandísima compañía durante los primeros meses de nuestra amistad musical. Pero en lo que más coincidimos musicalmente, al conocernos, fue en que ambos queríamos explorar más allá de todo lo que conocíamos. En ese momento particular los dos veníamos de experiencias musicales bastante diferentes, por decirlo de algún modo. Ambos intuimos que podíamos aprender mucho el uno del otro, y sobre todo pensar en coincidencias proyectadas sobre un futuro nuevo más que sobre un pasado de influencias, en la creación libre de lo que se nos ocurriera hacer a partir
de entonces, sin mayores ideas preconcebidas. que se pueda seguir siendo de algún modo, una y otra vez, quien cada vez se elige ser. Podemos decir que todo el tiempo se produce un nacimiento dentro de Bosques, como la Ya a menos de un año de formada la banda, vegetación misma, donde hubo una raíz se plantan el primer árbol y graban el primer crea una idea, florece y se busca un nuevo EP, “Pleroma Sun” que es lanzado en nacimiento. Si bien es lo que sucede con las septiembre de 2010. Con la gran “Numen bandas, con ustedes tiene un simbolismo Omen”, que pausadamente se desliza en los especial, ya sea por el nombre de la banda o minutos creando un trance hipnótico. He por la sonoridad. ¿Se puede ver de esta forma? leído que suelen trabajar sobre un concepto cada trabajo. ¿Cómo fue este primer trabajo? Qué bueno que los veas así, porque nosotros también. Tanto musical como poética o Sí, es cierto, trabajamos sobre un concepto cada conceptualmente, este es un modo de ver lo disco, en el sentido de que los discos son obras que hacemos –o de ver el mundo, incluso- en sí mismas, y no solo un montón de canciones. que nos parece esencial. Nunca buscamos Hablar de “Pléroma Sum” no es para nada fácil, aferrarnos ciegamente a ninguna identidad o porque desde el primerísimo momento lo que recurso sonoro, más allá de lo que sea capaz de plantea es ante todo una apertura que desafía transmitirnos energía y vitalidad. ¿Es posible todo vértigo. El concepto de este disco tiene mantenerse vivo sin mutar una y otra vez? A que ver precisamente con el principio, quizás la muerte, que está presente todo el tiempo, también por el hecho de que es nuestro primer preferimos verla de frente. Quizás sobrevivir disco, el disco con el que comenzamos a existir. también sea poder cambiar de modo tal
Pléroma Sum
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Decididos a crear su propio “Bosque”, para el 2011 plantan un arbusto y editan el EP adelanto “El Fantasma Sagrado”, que es un paso previo al nuevo álbum. En este trabajo de tres canciones se nota un cambio en la grabación, mucho más pensada y con arreglos mucho más meticulosos. Es una unión entre lo anterior y lo que vendrá, ya que remiran un track del anterior trabajo. ¿Lo sienten como un paso adelante en la sonoridad de Bosques?
la iniciática “Amniosis” se escucha que el sonido ha mejorado y que han logrado la armonía justa entre lo experimental y lo hipnótico. Canciones como “La verdad es una contradicción” traen ese halo de experimentación con toques de electrónica. Pero también amplían el espectro sonoro con canciones acústicas como “Mis manos las manos”. Aunque las resonancias eléctricas siempre están resonando… ¿Sintieron ese crecimiento compositivo?
Sí. Estábamos preparando “Eomaia Nam”, trabajando sobre varias canciones y grabaciones, empezando a presentarnos en vivo como dúo. Este EP es muy importante para nosotros. Entre otras cosas, porque estas canciones fueron hechas a partir de un momento muy difícil.
Creo que desde que empezamos a hacer música que estamos aprendiendo sin parar, y si no fuera así supongo que algo no estaría bien. El crecimiento compositivo quizás también tiene que ver con ir encontrando a través de la libertad nuestro propio folklore, por decirlo de algún modo, nuestra propia manera particular y auténtica de hacer canciones.
El segundo árbol es plantado y regado en enero del 2012, “Enomaia Nam”. Ya desde Mirando atrás la vegetación va cobrando
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MUSEO GIGER
cuerpo, así que deciden otro arbusto plantar en el 2013 y lanzan un nuevo EP, “El alimento hace bien”. Otro trabajo de transición, en donde recurren a una revisión de una canción del disco anterior, la nueva canción que titula este trabajo y aparece “Tomate el tiempo” versión de “Take Your Time” de Spiritualized, que salió en un tributo a la obra de Jason Pierce, llamado “Jugando con fuego”. ¿Cómo transcurre este año de trabajo?
bien justamente como una transición desde “Eomaia Nam” hacia lo nuevo. Es una canción con mucha historia, y que nos llevó mucho tiempo hacer, desde las primeras grabaciones mántricas con guitarra y percusiones hasta la forma que terminó por adquirir cuando sumamos sobre todo el piano, la letra y la melodía. Al igual que con “El fantasma sagrado”, resulta comprensible que ambas canciones hayan necesitado un proceso tan largo para terminar siendo como son. Porque esos procesos fueron los de nuestras vidas también, justamente, en esos momentos. “Tómate el tiempo” tiene algo que ver con todo eso, y la letra original de Jason Pierce fue adaptada al español por nosotros, versionada en este sentido. El espejo de “El alimento hace bien” es “El veneno del mundo”, una canción instrumental incluida en “Eomaia Nam”.
Recordar los tiempos en que hicimos cada canción o cada disco es recordar muchas cosas, porque durante todo este tiempo Bosques se fue transformando en una parte absolutamente esencial de nuestras vidas, y de nuestra manera de atravesar los meses y los años. “El alimento hace bien” es el tema que elegimos como adelanto de “El centro del vacío” porque nos pareció que funcionaba Ya con el respaldo de algo más que un jardín, The 13th 35
y tratando de incrementar el bosque soñado, este año plantan un nuevo árbol editando “El Centro del Vacío”. Un disco realmente atrapante, con gusto a vegetación después del aguacero, fresco, emotivo, con perlas de brillos intermitentes, que nos obligan a agudizar el oído ante un campo abierto a pequeñas sonoridades superpuestas. Una álbum mántrico, en donde la agudeza de las composiciones va más allá de acordes, si no de sutilezas. ¿Sienten que es su mejor trabajo?, sin desmerecer todo lo anterior, ¿pero encuentran el sonido más puro y soñado hasta ahora grabado?
estuvimos trabajando en este disco, y en todo lo que busca transmitir, desde el primer día que empezamos a hacer música juntos. ¿Ustedes “Son animales que quieren bailar”? (“Somos animales queremos bailar, tocarnos las pieles en la mañana” parte de la letra de “El alimento hace bien”). La canción está cantada en primerísima persona.
Creo que la letra entera debería bastar para entender que la idea no es reducir lo que sea que seamos a lo puramente animal. La intención Ambos estamos de acuerdo en que es nuestro es, antes que nada, la de sincerarse y valorar disco que más nos gusta. De alguna manera esa realidad animal de la que somos parte.
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Creo que el sonido de Bosques representa sonoramente al concepto de lo que es un bosque. Es decir, uno se para ante un lugar con tanta vegetación, tanto aparente silencio, (que nunca es así), un centro de soledad entre tanta vida que se siente en calma. Y uno intenta avanzar y la vegetación se reproduce, como un efecto evolutivo. Pero más allá de todo estas imágenes, el sonido de la banda se retroalimenta de lo que parece una calma con aires folk (no folklórico), que si bien no es acústico, la instrumentación es muy relajada e hipnótica. ¿Cuánto de esto se plantea a la hora de componer y seguir un camino ascendente?
ambiente natural, concebidas desde o hacia nuestras propias raíces universales, más que de alguna geografía o tradición concreta. También está bueno que digas que nuestra música se alimenta de una “calma”, y que está de alguna manera relacionada con las sensaciones experimentadas en los bosques. Me alegra muchísimo eso. El trance, el mantra, la hipnosis, la soledad, la conexión, el baile… la música es una herramienta extraordinaria. Para terminar, ¿Cómo terminarán el 2014 y los planes para el 2015, habrá nuevas plantaciones?
Estamos trabajando en nuevas canciones Lo que decís del “folk” es importante. Porque que ya hacen vislumbrar un nuevo disco, sí, buscamos hacer canciones auténticas, que todavía en gestación. Probablemente sean de alguna manera nuestro “folk”, nuestro saquemos algún adelanto de eso más o menos
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pronto en el nuevo año, aunque tenemos pensado tomárnoslo con mucha calma, sin ningún apuro. Por lo pronto, tenemos el plan de hacer una pequeña gira por el sur de la Argentina durante el verano. En enero se está armando un festival de música muy bueno en San Martín de los Andes. Muchas cosas han pasado desde el lanzamiento de “El centro del vacío”. Hemos mutado una vez más, y muchas cosas nos han atravesado. Y también hemos incorporado nuevos músicos: Esteban en la guitarra, Tonni en la batería. Estamos muy felices de lo que construimos con ellos, y de todo lo que aportan. En todo este tiempo dese el 2009 “Bosques” se convirtió en una entidad que nos trasciende, que está viva, se mueve, y a su modo respira.
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Paladín de la libertad: “Miguel Abuelo & Nada” por Pablo ravale
Miguel Ángel Peralta fue un músico, poeta y cantante nacido en Munro, Provincia de Buenos Aires, el 21 de marzo de 1946. Hijo de Virgina, una mujer venida del interior del país, madre soltera y pobre, el pequeño Miguel pasó parte de su infancia viviendo en un orfanato, hasta que finalmente el director de dicho establecimiento le acogió en su propia casa. En el año 1966, Miguel conoce a Pipo
Lernoud y a Mauricio “Moris” Birabent en Pensión Norte, un local de ensayos del que también eran habitués Litto Nebbia, Javier Martínez y Tanguito, y es a partir de ahí que se vincula al ambiente de La Cueva, mítico barteatro ubicado sobre la calle Pueyrredón, en el cual empieza a hacer sus primeras apariciones cantando bagualas y recitando poemas. Pasado un tiempo, Miguel se va a vivir a la casa de Lernoud y forma Los Abuelos de la The 13th 39
Nada (nombre que tomó inspirado por una frase del libro “El banquete de Severo Arcángelo”, de Leopoldo Marechal, la cual decía: “Padre de los piojos, abuelo de la nada…”), cuya alineación original no prosperaría más allá de un par de simples. Entrado 1969, Miguel deja el país buscando aires de libertad que no encontraba en su Argentina natal. Así las cosas, recala primero en Cadaqués, Cataluña, y luego en Madrid. Cuando llega a Ibiza, conoce a Krisha Bogdan y, en 1972, viajan juntos a Londres. Establecidos allí, se casan y Krisha da a luz al único hijo de Miguel: Gato Azul Peralta. Meses después, Londres se hace duro para ellos dos. Por ende, preparan los bolsos y parten de nuevo con rumbo a París. En la ciudad de las luces, Miguel conoce a Moshé Naïm, un millonario productor musical extremadamente culto, que había estado vinculado a gente de la talla de Salvador Dalí y Federico García Lorca. El israelí queda fascinado con el talento de Abuelo y lo alienta a grabar un disco, en 1973, para su sello discográfico. Miguel, quien vio en Naïm la posibilidad de abrirse camino mundialmente, es entonces que convoca a un
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grupo de músicos argentinos y uruguayos exiliados en Francia -el guitarrista Daniel Sbarra, el bajista Pinfo Garrego, el baterista Damián Rodríguez, el cellista Carlos Beyris y el tecladista Gustavo Kerestesachi-, con los que da vida a una nueva banda apodada ‘Nada’, y entra a registrar lo que sería el material del álbum La experiencia de grabación fue ardua y exhaustiva. Hubo un grado de perfeccionismo casi obsesivo, ya que Miguel se estaba jugando una carta jugosa. No obstante, el resultado de aquellas sesiones maratónicas, fue, quizás, su obra más vital e irrepetible. Un disco digno de su autor y empapado de su espíritu: descarado, hippie, psicodélico, mágico... Lo anecdótico es que ni bien finalizaron las grabaciones, Naïm instaló a la banda en un castillo medieval abandonado donde ensayaron durante un par de meses para salir a tocar por el circuito costero de Francia. Aunque como Miguel no tenía el disco todavía editado, muy pronto comenzaron a surgir las diferencias con sus compañeros de aventura y el grupo se desarmó. Pasaron entonces tres años hasta que
el álbum se edita como Miguel Abuelo & Nada en 1975, sin publicidad y sólo en Europa. Más con el tiempo fue que la placa se convertiría en la ‘figurita difícil’ de su carrera discográfica, elevándose a la categoría de álbum de culto. Centrándonos en el aspecto netamente musical, Miguel Abuelo & Nada es un trabajo ecléctico y barroco que oscila entre la fiereza rockera y la sensibilidad folk. La excelente voz de Miguel se pasea desde su máxima potencia a variados
vez, tiene, de a ratos, matices desgarrados que contrastan perfecto con el trabajo virtuoso de la guitarra. Gran inicio. Luego encontramos a “El largo día de vivir”. Una pieza muy en la línea de sus viejas bagualas; con un formidable arreglo de cello y una melodía de flauta traversa que lo impregna todo. Tema hippie por excelencia del álbum. La letra es cálida y simpática. “Estoy aquí parado, sentado y acostado”. Quizás el punto más alto de toda la placa. Comienza con una atmósfera algo tétrica, y la voz va surgiendo como de a poco, en tonos que
momentos de sutileza, luciéndose con los tonos y transfigurando la interpretación de las letras (muy inspiradas, por cierto). Hay temas de corte acústico e intimista, sí, pero no faltan los otros con aproximaciones a Led Zeppelin o Deep Purple. “Tirando piedras al río”. Abre de una manera realmente poderosa, con un riff explosivo y una batería que acompaña y marca los tempos con precisión. En este tema a Miguel se lo nota encendido, inspirado, alegre. La voz, a su
suenan entre confesionales y desoladores. Al terminar la primera estrofa, se oye una armónica junto a unos bongos que suenan durante toda la canción de forma casi tribal. El estribillo -¡¿cómo definir ese estribillo?!- irrumpe también escudado por un cello que le suma un aire muy emotivo a la letra (escrita entre Miguel y Pipo Lernoud, por cierto). Vuelve el cambio con el arreglo de armónica y bongos antes mencionados, y todo cae tal cual se escucha al principio: sólo la voz y una guitarra acústica. El estribillo retoma y se repite, pero es el puente del cambio que nos desembocará en la parte final y más intensa de The 13th 41
toda la canción: la guitarra eléctrica y la batería parecen estallar, y la voz de Miguel salirse fuera de sí. “El muelle”. Todo un viaje en sí mismo. Comienza con un clavicordio y el cello acompañando a la voz de Miguel que, mientras cantas, realiza unos ecos desconcertantes y tétricos. Esta idea de atmósfera pesadillesca se prolonga a lo largo de todo el tema hasta que se escucha un “Solo… solo… solo… solo…” en la letra (como si el disco se estuviera deteniendo) y luego aparece el sonido de una lluvia y unos aullidos extraños. El final de la suite es una escala de guitarra eléctrica que va bajando al son del gorjeo de unos pájaros. Gema gótica y psicodélica como pocas. “Señor carnicero”. La canción más aguerrida del álbum. Tiene unos riffs netamente hard-rockeros (digno homenaje a Ritchie Blackmore) y un solo que es increíble. Mención aparte para la batería, por los breaks y los feels que se despacha. La letra es filosa, y Miguel la canta como nadie. “Recala sabido forastero”. Del tema más power pasamos al más reposado. Nos introduce una guitarra acústica y las voces -editadas
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como para que parezcan dos- a modo de coro nos dicen “Había una vez…” y Miguel sigue cantando una poesía tan de conmovedora como triste (“Por tener hambre conocimos frío…”, “De los ojos cayeron lágrimas para limpiar el polvo…”, “La forma de vivir no es la forma en que vivimos hoy…”, “Entonces recuerda para comprender…”, todos claros guiños a sus días de niño pobre y huérfano). Sublime el trabajo vocal. Hermoso por donde se lo mire, o se lo oiga. “Octavo sendero”. Llegando al final de la placa, encontramos otra canción bastante rockera y muy bien arreglada. Abuelo otra vez sobresaliente a las voces (da todo de sí en la interpretación). Un TEMAZO hecho y derecho para todo aquel amante del buen rock setentero. En definitiva, Miguel Abuelo & Nada es un disco fundamental para entender la locura y el talento indisciplinado de este enorme músico que tenía mucho para decir y que estaba en su mayor pico creativo. Una perla atemporal que debe ser escuchada y, por sobre todo, difundida.
El Grito del Ruido JaponĂŠs: Juuko Haii Entrevista a Juuko Haii por Erick R. Vieyra
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Es relativamente sencillo ubicar estilos particulares de sonido en zonas geográficas, ya sean éstas países, ciudades, pueblos. Anteriormente he abordado aspectos que abonan a este respecto. Por mencionar dos abordajes previos: en el número 12 de esta misma revista traté el Post Punk como un estilo que encontró su cuna en la ciudad de Manchester, Inglaterra; en el número 9, el punk radical en el País Vasco, España. Para esta ocasión daré trato a un artista con sede en Japón, país que es por antonomasia, la cuna del Noise. Un somero rastreo por la historia del sonido subversivo que se hace Japón lleva a encontrarse con nombres como Gerogerigegege, Merzbow, Hijokaidan, K2, entre muchos otros más. La lista es amplia y para cada uno de estos artistas sus producciones son numéricamente extensas, por ejemplo, Merzbow cuenta con más de trescientos álbumes, Gerogerigegege, antes de su inexplicable y misteriosa desaparición, lanzó más de doscientos discos. Las producciones de Noise japonés solían ser trabajos en ediciones limitadas, algunas veces con portadas falsas para evitar la censura que sufrían en los años ochenta que consistía en la prohibición de sus discos y conciertos masivos. Ello estableció al Noise como un género marginal, poco entendido, poco valorado. Entre los claroscuros que se suman a la dinámica del Internet, las redes sociales han jugado un papel relevante para rasgar la censura y ampliar los horizontes informativos que establecen las hegemonías de consorcios publicitarios. En los múltiples grupos de Facebook, en los foros de Red, en los chats, etc., corre una cantidad monstruosa de música que apenas hace veinte años hubiera quedado escondida The 13th 44
como una propuesta local y marginal. Nunca un disco de Gerogerigegege ha tocado las tierras mexicanas en sus versiones originales, pero por medio del acceso a Internet se puede tener su discografía completa de una forma relativamente sencilla y casi gratuita. Acorde con esta anunciada dinámica, Juuko Haii es parte de la nueva generación de artistas del Noise Experimental que tiene como principal medio de difusión no local al Internet. Con publicaciones en Europa, Asia y Latinoamérica (destacando en este continente dos publicaciones en el único sello discográfico con sede en Brasil, especializado en Noise y Experimental, Plataforma Records), ha logrado posicionarse como uno de los artistas relevantes de su país. Sin embargo, a pesar de ello, la información que sobre él se ha publicado es escasa (característica muy propia de los asociados al Noise y al Experimental). Por lo anteriormente dicho, quien escribe este artículo estableció contacto con Juuko Haii para cubrir una entrevista intercontinental en tiempo real. La entrevista se realizó en inglés, dado lo cual se presenta la traducción de ella, pudiendo encontrar en mi sitio (Ergô Felix Culpa) la entrevista en el idioma original. En Japón se tiene una historia importante propuesta, tanto numerosa como rica, en el Noise y el Experimental. Hay cientos de grupos y proyectos que ahondan en ello, tanto en imagen (pintura) como en sonido. ¿A qué atribuye eso? La mayoría de nosotros nos tratamos de artistas libres o libertinos, artistas que llevamos a cabo una fuente de sonido de varias etiquetas, de varios estilos. Aquí no le llamamos Noise. Por
ejemplo, yo considero que mi música es Sonido de Alta Concentración y Agua Contaminada. Es un concepto y creo que todos nosotros eso somos, un concepto. Eso tiene que ver con nuestro lenguaje y nuestra escritura. Cada una de nuestras letras está hecha por una leyenda.
hacer es eliminar el ruido, aislarlo, y así hacer ruido aislado para personas aisladas. Así lo entiendo yo. Respecto a la otra pregunta; por supuesto que disfruto un concierto ya sea en grupo o en solitario. Un concierto es algo muy intenso, son sensaciones muy intensas y peligrosas. Te hablo de conducta lesiva, te hablo de que hay micción, no hay preparación porque tiene que ser acorde con el momento, con la gente, con las situaciones. Esto no pasa en un disco o en un compilado, ahí podrá ser espontáneo pero se queda parado en ese momento, en lo que dura cada canción. Es menos dinámico, es menos vivo. Creo que es importante mencionar que nunca he publicado ninguna grabación de un concierto, quizás después lo haga, no lo sé.
Entonces, ¿cuál fue su impulso en el sonido donde su país es élite de manera independiente de que no se le conozca como Noise o Experimental? A su vez, ¿qué podrías decir o cuánto podrías describir tu experiencia en un concierto, en un compilado, en sellos discográficos que se centran en el arte abstracto? No podría decirte por qué otros hacen este estilo, pero sí hablar de mi parte; yo tengo un pensamiento especial por mi país y por la acústica que en la calle tenemos a diario. Es un Hay algunas personas, especialmente país con muchas personas, con mucho ruido, es aquellos que no saben lo que hay detrás un ambiente con mucha presión. Lo que intento del ruido, que entienden este género como
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“ruido sin sentido” sonido sin propuesta, algo que no es la música y que sólo se hace sin razón. ¿Cuál es su opinión sobre esto? Es raro. Es raro porque la música siempre es ruido. Tiene que ver con el oído de la gente y su manera de pensar. No sé si sea buena o mala, pero siempre hay un método de construcción general y de ese método desenlaza pequeños métodos particulares a cada canción. Yo tengo un método de formación para la música, sin embargo no te lo puedo decir, es un secreto. Sólo te diré que no es minimalismo.
¿Cuál ha sido tu experiencia en ello? Mi experiencia… buena. Ha sido positiva, enriquecedora. He colaborado con artistas como TROCOMORDEDOR que tiene unas publicaciones en Plataforma Records, con Deicida 69 que también ha publicado en ese sello, con Fredrik Nilsson Metek, pero también con un proyecto de España muy interesante llamado Some Asian Females Bodybuilders, y con suizos como XlosmouX. Es un círculo de artistas donde casi todos nos conocemos.
En la actualidad, se ha producido un“Revival” Sé que posees discos publicados con otros o algo tratando de “ser” un nuevo espíritu de proyectos, algunos latinoamericanos. las propuestas sonoras previamente hechas,
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sobre todo en los años 70 de los años 80. Desde mi punto de vista, el experimentalismo nunca pasó de moda porque nunca estuvo de moda, siempre fue esencialmente Antimúsica & Antiarte... ¿Cuál sería su diferenciación propuesta entre Avant-Garde 70 y 80 movimientos y la propuesta que haga sonido? Diría yo que la diferencia se fundamenta en la rapidez con que se produce. Es por esa rapidez que se está dejando un importante trabajo y huella para la música que se realizará en las próximas generaciones, las cuales deberán de absorber lo que hoy se hace para crear el sonido de este siglo que aún no ha sido creado. Como lo mencionaste, sigue haciendo lo mismo que ya se hizo.
Respecto a tus áreas de influencia, tus fuentes. ¿Qué hay? Varias cosas podría decir; en la música, Captain Beefheart provocó influencia por primera vez en mi vida. Su Trout Mask Replica es el álbum actualmente más escuchado en la vida. Después vino un artista japonés, que se podría traducir como Puerto Nulo, que tuvo su importancia en mí. Y Morning Musume, un ídolo. También me gusta el Techno y Morgan Phisher. Respecto a influencias personales, qué más personal que mi enfermedad mental. Sufro esquizofrenia desde niño, estoy medicado y diagnosticado con ella. He intentado suicidarme varias veces, a mis 14, a mis 17 años. Esas son cosas importantes para mí, son una influencia de la que nunca podré escapar.
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Me siento bendecido por la atención Entrevista a Carlo Van Putten por Diego Centurión Traducción: Marcelo Simonetti.
Hay una banda que me llegó por ser el acto de apertura de The Mission, si bien concía a The Covenant, nunca supe qué es lo que estaba haciendo su vocalista, Carlo Van Putten. Cuando descubrí Dead Guitars no sólo me encontré con una excelente banda, sino que me encontré con músicos con mucha sensibilidad y discos magníficos. Y más tarde conocí a White Rose Transmission, otro tesoro que guardaba este descubrimiento. Cuando pensé en la entrevista para cerrar el año, varios nombres se me vinieron a la mente, y varios intentos hice para llegar hasta ellos, pero la primera opción se concretó y a continuación leerán la resolución de este contacto.
Con ustedes… Carlo Van Putten.
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En el 2015 se cumplen 20 años del álbum White Rose Transmission. ¿Cuánto extrañas a Adrian Borland? Siempre se va a extrañar a Adrian, como una gran persona, un tipo con mucho humor, y por supuesto por su habilidad para crear hermosa música, como también por su talento para escribir grandes letras y su excelente manera de cantar Más allá del nombre de la canción, ¿Dead Guitars nace como homenaje a él? Estábamos buscando un nombre y a Kurt (nuestro bajista) le encantó nuestro tema en WRT. Dead Guitars era, como me dijo Adrian, una canción sobre la amistad y el amor que ambos compartíamos a las canciones de guitarras. Ambos estábamos sumergidos en los Stooges, Doors, Lou Reed
y la Velvet Underground, y Joy Division.De algún modo, cuando el murió, fue como una carta de despedida. Pensé que la idea de Kurt de llamar luego así a la banda era buena idea. Todavía no sé porque la palabra “Dead” está ahí, siempre me suena un poco dura, pero está bien.
a tener fe y confiar en lo que haces. Tengo más confianza en éstos días. Trabajé con Mark Burgess, Marty Wilson Piper, Adrian y con Wayne Hussey. Ésta gente me ayudó a cimentar mi confianza y más importante que eso es que hay una amistad y una habilidad para compartir ideas artísticas. Adrian me enseñó también que no importa cuán melosa Si tuvieras que enumerar lo que Adrián te ha sean las letras, hay que cantarlas en el estudio enseñado ¿Qué cosas podrías decirnos? con una sonrisa…. así la canción no suena tan Una cosa importante que me enseñó fue dramática y le da a la gente esperanza.
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Has participado en el documental “Walking In The Opposite Direction”. ¿Qué te ha parecido esa experiencia? Ya sabes… muchas de las letras de Adrian tenían que ver con su enfermedad. Ser un maníaco depresivo es una enfermedad. No estaba siempre bajoneado, créeme. ¡Podía ser el hombre más divertido del mundo! Nos hemos divertido mucho juntos. Cuando Adrian y yo empezamos con “The 700 miles of Desert” Mark se encontró con Adrian por segunda vez. Mark no estaba en las mejores condiciones en ese momento por problemas privados. Adrian inmediatamente captó la señal y le hizo pasas a Mark un buen momento en el estudio. Ese álbum pudo tener las letras todas escritas sabiamente por Adrian, excepto “The Swimmer”. El tercer álbum que pude escribir solo, Adrian escribió “Digging for Water” y le preguntó a Mark si podía cantarla. Hice otro pequeño tema y lo llamé “Breathe”. Al final Mark lo pasó bien. Siguió cavando por agua, y encontró un océano… Yo seguí respirando y… sí, todavía estoy vivo. Canté “Walking in the opposite direction” porque fue la que él eligió. Idea bizarra, porque el disco se llama “700 miles of desert”. Imagínate si estás en mitad del desierto… corriendo por agua… ¿podrías aguantar, o darte la vuelta y volver? El álbum completo comenzó a volverse extraño luego de que el muriera. Tomó tres años hasta que pude escucharlo otra vez.
varias de las bandas que amo. Bueno, las redes sociales son muy importantes, ¿no? Y en la otra mano, pueden quitar el encanto de los cantantes y músicos, y hacerlos transparentes. Podría haber ayudado mucho a Adrian también, aunque no era muy común en esos días, el poder ver cuánta gente era influenciada y por su trabajo y amaba lo que el creaba. Es buena la internet, pero como todas las cosas en la vida… no te vuelvas adicto. “Airplanes”, su primer álbum es simplemente precioso, ¿Qué recuerdas de esos primeros años? Recuerdo muchos cambios personales, un divorcio, una nueva vida, un Nuevo amor, y luego todo se torció de nuevo. ¡La soledad es un revolver tibio! También recuerdo grabaciones brillantes con una gran banda y melodías de guitarras brillantes, con excelentes partes de bajo y batería. Una banda amiga, un amigo cercano y a veces egocéntrico cantante, que se comporta como una prima donna. Tour con The Mission en su gira de despedida. Hay en Youtube algunas canciones de un concierto en Barcelona, ¿Fue un crecimiento para la banda esta puerta que se les abrió gracias a este Tour? Nos ayudó mucho, de verdad. Me refiero a que tocamos muchos shows con los Dead Guitars, pero nunca 21 días con los cabeza de cartel en la carretera, una crew y un ingeniero de sonido y merchandising propio. Tengo un gran respeto por todas esas bandas que hacen eso año tras año. No me hubiera gustado perderme un segundo de esa gira. Fue lo mejor que le pasó a mi carrera.
Comenzando con Dead Guitars, yo me siento eclipsado por su música. Si bien acá en Sudamérica es muy difícil acceder a sus álbumes, a Web es un recurso perfecto para llegar a su música. ¿Cómo manejan el asunto de las redes sociales? Primero que nada, gracias! Es bueno que “Flags”, su segundo álbum, está un escalón la música te conmueva. Me siento igual con superior, en cuanto al tratamiento sonoro y The 13th 50
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compositivo. Más allá de las colaboraciones de The Mission en el álbum. En este álbum parecerían haber encontrado una identidad sonora, ¿es tan así? No creo que hayamos tenido una identidad alguna vez. Pero sé a qué te referís con esto. Y tenés razón, creamos algo que sonaba más como un todo antes que como diferentes estilos en un álbum, si es a lo que te referís. “Airplanes” fue grabado en dos años, “Flags” en un santiamén luego de la gira con The Mission y la banda estaba preparada y ajustada para hacerlo.
con una idea o Pete escribió una gran melodía con sus guitarras… Empiezo a dejarme llevar. Amo lo que la banda hace…las letras llegan solas. Hay un nuevo álbum. Cuéntanos sobre él. Ayer tocamos seis nuevas canciones en un concierto en Alemania. A la gente le encantó. Hasta ahora suena fantástico. No voy a hacer subir tus expectativas demasiado alto. Pronto las vas a tener enfrente tuyo… decime lo que piensas cuando las escuches, ¿ok? The Covent, White Rose Transmission, Dead Guitars, muchas etapas, muchas sonoridades. ¿Con Dead Guitars te sientes realizado ideológicamente y musicalmente? ¡Definitivamente! ¡Así me siento! Todas las bandas en las que estuve, y cada proyecto del que fui parte es especial de algún modo. The Convent nunca se separó, y Jojo siempre será mi compañero tanto como el resto de la banda. Con The Dead Guitars puedo ser yo mismo. Puedo sentirme apreciado en el momento en que empiezo a cantar porque puedo ver el entusiasmo en la cara de mis compañeros de banda. Ésta es la banda en la que quiero estar.
Llega “Strangers” que es un álbum magnifico, en donde se los escucha más seguros de su sonido y con más espiritualidad sonora. ¿Cuánto influyó en esto que el álbum sea producido por Ralf Aussem? Sí, la producción de Ralf es lo que dejó la huella en el disco, marca el todo. Ya había hecho muchísimo anteriormente, pero con “Stranger” pasó día tras día y noche tras noche en el estudio “Dead Rose” mezclando los temas y le dio al álbum su propia identidad. Pero todos lo amamos de ese modo. Ralf realmente sabe lo que hace. El tipo es un mago del sonido, que podría ser rico y famoso ahora. En nuestro último número he entrevistado a Steve Kilbey de The Church, y ahora que lo Hablando de Ralf, él logra un sonido único e entrevisto a usted, tengo la misma sensación. identificatorio para Dead Guitars, una mezcla Siento que entrevisto a una persona que de dreampop y soundscapes que hacen volar debería tener mayor reconocimiento que el a la banda, sobre todo a tus melodías de voz. que tiene. Que su música debería tener más ¿Cuánto te libera ese manantial sonoro a la audiencia. Es sólo una reflexión que quería hora de componer tus melodías vocales? hacer. Otra vez, gracias! Ya sabes, todos amamos Gran banda, gran cantante, gran bajista, cierta clase de música. Todos preferimos ¡Hermosa persona! The Church, ¿más distintas bandas, y tenemos grandes reconocimiento? Hombre, la banda es colecciones. Pero en el cruce de calles de los conocida en todo el mundo, porque siguen y estilos hay algo que todos tenemos en común. siguen adelante y cada miembro de la banda es La suavidad en la música. Si Ralf empieza un genio con luz propia. ¡Tengo la mayoría de The 13th 52
su material en mi colección de vinilos! Te digo, si te dices a vos mismo que estás subvalorado, y que no tenés el reconocimiento que mereces, terminas como Adrian, ¡deprimido, triste y solo! Si la música y la industria alrededor de ella te deprime… ¡deja de hacerlo! Anda y lee un buen libro, juega al ajedrez, haz surf, haz algo que disfrutes en la vida. No creo que Steve se sienta subvalorado en absoluto. El tipo ama lo que hace y ¡lo hace bien! No estoy subvalorado en absoluto, anoche fue un sold out el concierto, gente de Argentina me hace preguntas… ¿qué más puedo esperar de mi trabajo? ¡Nada más hombre! Me siento bendecido por la atención que tengo.
Para cerrar la entrevista. Además del nuevo álbum. ¿Qué hay en el horizonte de Carlo van Putten en el 2015? Recién pude terminar mis estudios. Tengo mi master en educación y lengua alemana en la Universidad de Utrecht. Soy profesor de alemán y hago la música adecuada para la nueva generación. ¡Estaba bromeando! Espero poder seguir siendo creativo e impredecible.
Mi más sincero agradecimiento por esta entrevista. ¡Gracias por tu tiempo Diego!
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PALABRAS EN LA ARENA -LITERATURA-
el horror ocuto: “El necronomicón”, de h. p. lovecraft Por Pablo Ravale
“Que no está muerto lo que puede yacer eternamente, y con los evos extraños aún la muerte puede morir.”
Howard Phillips Lovecraft fue un entusiasta creador de libros apócrifos (palabra que en griego significa “lo oculto”; de Apos, “lejos”, y Kryptein, “ocultar”). En The 13th 58
su obra, a menudo, utilizaba estos recursos narrativos para cautivar hasta al hartazgo a quienes eran los acólitos de su famoso círculo de lectores. Sin embargo el mito del Necronomicón ya existía muchísimo antes de que H.P. se abocara a escribir su propia versión o interpretación acerca del mismo.
Según cuenta la leyenda, el título original de este libro maldito era Al Azif (cuyo significado literal sería “El Rumor”, término empleado por los árabes para aludir a los ruidos nocturnos), y fue escrito en el año 730 D.C. por un mago árabe loco llamado Abdul Alhazred. Luego, precisamente en el año 950, Theodore Philetas lo tradujo al griego con el nombre de El Necronomicón. El patriarca Miguel ordenó su destrucción en 1050. Pero fue Olaus Wormius quien lo volvió a traducir, esta vez del griego al latín, en 1228. En 1232 el Papa Gregorio IX condenó a la quema las ediciones latinas. Aunque en Alemania, a mediados del siglo XVI, apareció una edición en griego de éste que más tarde fue reimpresa en Italia y que también tuvo su publicación en España. De acuerdo a lo comentado por el maestro Lovecraft, el libro le fue dictado -en medio de un trance- por el espíritu del propio Alhazred. Y sus páginas, a rasgos generales, están enfocadas en lo que es la práctica de lo que se conoce como “artes negras” o “artes oscuras”, o sea, la hechicería y fundamentalmente la nigromancia (comunicación con los muertos). De hecho si analizamos más en detalle dicha expresión, Nekro en griego significa “muerto” y Nomo (relativo a Nomos) “ley”; aun así Ikon, que deriva de Ikos, es un morfema léxico que sólo sirve para conjugar ambos adjetivos. Por lo tanto, Necronomicón, significaría: “relativo a las leyes de los muertos”. Centrándome ahora nada más que en el aspecto literario, diré que lo que en verdad resulta fascinante de El Necronomición es su capacidad de provocar en el lector lo que los mitólogos del siglo XIX llamaban “memoria de la raza”, es decir, aquella sombra, instinto o llamado, que duerme dentro de todos nosotros, y que en la antigüedad arrojaba a
los bosques a ciertos individuos para bailar y rendir tributo a los siniestros dioses primigenios… muchos de los cuales siguen reclamando y exigiendo sacrificios de sangre para reemerger a esta realidad y así rasgar los velos imprevisibles de la conciencia. No obstante en el mundo gótico y de horror de Lovecraft, esta es una obra que contiene todo con respecto a la terrorífica historia oculta detrás del Universo; amén, obviamente, de sus numerosos y sombríos rituales. Al Necronomicón lo conforman cuatro cuerpos. El primero habla de los Primordiales y sus legiones. El segundo sobre lo acontecido en el año de la muerte y de Nyarlatothep (el Caos reptante). El tercero de la magia y sus secretos. Y el cuarto sobre El Libro del Destino. Al momento de referirnos sobre las coordenadas -ficticias en algunos casos, reales en otros- de determinados lugares en que aún se preservan ejemplares (pues escasean en el mundo), se cita sitios como el Museo Británico, la Universidad de Harvard, la biblioteca de la Universidad de Buenos Aires (allí, se dice, fue el propio Jorge Luis Borges quien creó una ficha del libro) o la Biblioteca Nacional de París. Así, varios han sido los curiosos que han indagado en dichos lugares para verificar si bien o no queda ninguno, o bien el punto no existe. Más pese a ello, los coleccionistas siguen buscándolo en los lugares que Lovecraft señaló y algunos hasta han sido estafados por inescrupulosos que les vendieron ejemplares falsos. De todos modos, y sumado a lo anterior, en internet hoy es posible encontrar algunas copias existentes (¡yo soy el caso!). Al margen de estas supuestas copias o imitaciones, El Necronomicón ha dado pie a diversas obras artísticas y literarias inspiradas en él. Ejemplo de ello es el magnífico Giger’s Necronomicon, un compendio del macabro y genial arte del dibujante H. R. Giger, la cual The 13th 59
fue editada en dos volúmenes y tiene una presentación en piel negra, con holograma escondido y tiraje de seiscientos sesenta y seis ejemplares (la cifra no es casualidad…), todo para deleite de los coleccionistas. Memorable también es la recopilación de relatos de fans de Lovecraft que la editorial española La Factoría de Ideas publicó bajo el título de Necronomicón. Un dato interesante, y ya para cerrar, es el que el ocultista británico Kenneth Grant planteó con respecto a la conexión que existió entre H. P. Lovecraft y el afamado mago negro Aleister Crowley. La hipótesis de Grant es que Lovecraft y Crowley no sólo
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hablaban y escribían acerca de las mismas entidades monstruosas, sino que además coincidieron alguna vez en Estados Unidos para reunirse y trabajar en la organización de dicha obra. Grant, que había conocido en persona a Crowley, y acaso al propio Lovecraft, cuenta que lo que Aleister vivía como su fe en criaturas prenaturales y ominosas, era en realidad el mismo principio, en este caso narrativo, soñado por el escritor; puesto que ambos canalizaban los mensajes y visiones que les proveían los mismos dioses amorfos y multidimensionales, la diferencia estaba simplemente en que uno lo hacía por vía de la literatura y el otro a través de la magia y la mediumnidad.
En Concierto
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Una Noche Hipnótica Thurston Moore Band en vivo en Vorterix 7 de diciembre, por ariel soriano. Fotografías: Candela Gallo y ariel soriano
El recital estuvo centrado pura y exclusivamente en su último LP, “The Best Day”, interpretaron versiones alargadas de las canciones que contiene este gran álbum editado en Argentina por Ultrapop. Estábamos en la puerta con Fernando Bonanno, ex guitarrista de Sentimiento Incontrolable y Matías de Mar del Plata (Dj. Rad Ar). No me habían acreditado, no tenía dinero y como admirador fan de Thurston Moore esperé a que llegara la banda en la camioneta que los transportaba. Cuando bajaron los abordé y pronuncié unas palabras mágicas a lo Tarzán: ¡Iguana Lovers, Shifty Disco, James Sedwards, Mark Gardener, Ride, Nought, Oxford friends!, se produjo un silencio absoluto, cerré los ojos y entré en trance, mi sub consciente se encargó del resto, lo último que recuerdo fue la voz de Thurston que decía: The 13th 62
“Hey, come with us” y cuando abrí los ojos vi a su manager que me mostraba su brazo con una cinta en la muñeca y la señalaba. Resulta que con la banda que integro, Iguana Lovers, grabamos nuestro último LP, Surfing Caos y el mismo fue mezclado y post producido por Mark Gardener de Ride. Mark estuvo de gira como apertura de Thurston Moore Band por Gran Bretaña antes de que Thurston viaje a Buenos Aires, además con James Sedwards de Nought nos conocemos porque hemos compartido sello, Shifty Disco Records, en Oxford, propiedad del manager de Ride y de ahí surgieron las palabras mágicas, pero eso es otra historia, ¡ya es autobombo!. Pierdo la consciencia y aparezco en el backstage con los muchachos: Thurston Moore de Sonic Youth, el guitarrista James Sedwards de Nougth, su amiga la bajista Debbie Googe de My Bloody
Valentine, el manager con la cinta en la muñeca y un tipo que parecía Papá Noel sin gorrito, de muy buen humor, era Ryan Sawyer quien me escribió su nombre en una hoja con pentagrama, estaba reemplazando a Steve Shelley, el baterista de Sonic Youth, quien tenía problemas de salud, ellos conforman la Thurston Moore Band. Lamentablemente no pude escuchar a las bandas de apertura de la noche, de las cuales escuché comentarios al pasar, como que estuvieron muy bien. Los primeros en salir al escenario fueron AAPZOO o Asalto al Parque Zoológico, escuche algunas grabaciones excelentes de esta banda, son de un estilo shoegaze exquisito a lo My Bloody Valentine, ¡parece como si las hubiera mezclado Kevin Shields!, luego salieron los Cocteau Ceratianos de Altocamet. Digo lamentablemente y les pido disculpas, porque al ser apertura de Thurston Moore, es una gran posibilidad que tienen de tocar para un público acorde, que valore sus expectativas sonoras. Aparentemente estaba completo el lugar, aunque se podía caminar tranquilamente y ubicarse en diferentes posiciones para ver y escuchar
confortablemente hasta quedar eclipsado. Thurston Moore Band sale a escena y enseguida nos comienza a hipnotizar con los armónicos de las dos guitarras Fender Jazzmaster, la de Thurston y la de James, tocando prácticamente casi lo mismo, comienza la noche trance y quedo atrapado. El preludio de ruido dura 2 minutos, como hacen los músicos de la India, te preparan para que viajes cómodamente por todo el universo y al más allá, el cual se proyecta en la pantalla de atrás y en la de tu mente. La nueva novia de Thurston es la encargada de las proyecciones, todo es azul y blanco lo que le da una atmósfera muy eléctrica universal. Cada canción tiene sus colores, comienzan con “Forevermore”, la estiran más de 10 minutos con rosa, violeta y rojo, siguen con “Speak to the Wild”, cambian a naranja, violeta y verde, la alargan 12 minutos y luego paran, llevan 25 minutos de concierto y sólo dos canciones, es Thurston quien decide cuándo termina cada tema. Nos desea Feliz Navidad, dice algo así como que él es el Papa Noel del punk rock, se lo nota muy feliz y rejuvenecido, pareciera que en este disco quiso plasmar los mejores días de su
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vida, las épocas de punk rock y no wave, se siente cómodo con ese ruido, lo que aprendió con Glenn Branca está todo ahí, también pintan The Velvet Underground, Television, su parte de Sonic Youth y Johnny Rotten, es único sin ninguna clase de fórmula, es Thurston Moore repitiendo lo que más le gusta hacer (la de la foto de la tapa del álbum es su mamá). Se suceden las canciones, los universos, y los colores van mutando de blanco y amarillo al rojo punk de “Detonation” hasta que llegan a “The Best Day”, sigo hipnotizado, verde y azul, el batero es muy bueno, menos free jazz que Shelley, menos sónico también pero queda buenísimo con Debbie y ese bajo-pared. James sigue a Thurston, lo siente, lo escucha, impecable. 15 minutos de “Grace Lake” instrumental, es todo violeta y naranja otra vez, suena la guerra de Vietnam o Jimmy Hendrix seguramente, ¡solo le faltan esos redobles como ametralladoras!, la cortan, vienen los bises, el público extasiado pide más, vuelven y termina. Final del viaje. Gracias por tanto. Los organizadores se la jugaron, es un riesgo traer a un artista como Thurston Moore, los felicito porque no se trata de billetes, no se veía ningún sponsor así
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que doble mérito, ojalá hayan recuperado los costos para que puedan repetir con otros artistas como Tom Verlaine o The Chameleons por ejemplo, artistas over 40 porque en los de menos de 40 hay muy pocos que transmiten algo así y también no hay nada peor que tener que ir a un Festival para ver a tu banda favorita como puede ser Echo and The Bunnymen, solo 40 minutos rodeado de festivaleros esperando que toque Lips like Sugar diciendo ¡lo vi a Ian degustando un vino en el escenario!, ¡que copado!, es muy triste. Ya en el backstage, después del recital estuvimos charlando más relajados con toda la banda, Reynols se acercó con la colección completa de sus discos en vinilo y CD, Thurston pregunta que tal son y por supuesto le dije: ¿Reynolds? ¡son los mejores de todos!, estallamos de la risa. Cristina Aldana de El Otro Yo sacó muchas fotos y las enviaba a través del celular, todos estaban muy contentos, había algunos periodistas y representantes de bandas que tenían acceso, observaban y esperaban algo. Thurston estuvo muy interesado en escuchar a las personas que se le acercaban. ¡Gracias otra vez!
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Nos fuimos felices Pez,Yanzón y Fiori en vivo en Vorterix 13 de diciembre, por Damián Snitifker. Fotografías: Damián Snitifker.
“Este momento es un momento de placer personal absoluto” decía Ariel Minimal desde el escenario, en medio del recital del Vorterix el pasado 13 de diciembre, desde la parte de atrás del mismo yo registraba el momento en que Adrian Yanzón y Alejandro Fiori (Voz y letras y guitarra de Los Pillos respectivamente) subían al escenario, inmediatamente bajo una pequeña escalera y comienzo a correr por un túnel subterráneo del teatro para salir delante, ver de frente la escena, en el camino me lo encuentro a Juan Ravioli que me dice “vamos, vamos”, y mientras escuchaba el legendario grito de Yanzón que abre Viajar Lejos, grabo sus piernas largas corriendo delante de mí, después de una pequeña curva y una escalera que llega a una puerta, presiona la barra, la abre y se hace a un lado para dejarme pasar, estaba registrando un momento histórico, dos de Los Pillos se subían a un escenario frente a miles de personas y junto a los Pez
ejecutaban dos impresionantes canciones de su único disco editado, “Viajar Lejos” y “Baila para mi”. Desde el momento en que Minimal presentó a ambos la gente exclamó y aplaudió. Cuando arranca el riff característico de “Viajar Lejos” aumentan los aplausos y vitoreos. Yanzón y Fiori demostraron que el tiempo no pasa para ellos, solo un par de anteojos y unas entradas pronunciadas en la frente diferenciaban a este que empuñaba el micrófono y se apoyaba en él de manera majestuosa de aquel que muestran las fotografías de hace veintisiete años, lo mismo para Alejandro Fiori que tras la guitarra, aquella que supo darle su sello particular a Los Pillos y dejar su marca en Los Encargados, parecía ser una bestia que esperaba ese momento, que estaba preparado, su postura, la mirada al publico, la manera de pararse, dejaba claro que su lugar era ese y que no lo tomaba por sorpresa. The 13th 67
“Baila para mí” fue la segunda elegida, enganchada, sin tiempo a respirar, sin dejar casi espacio a los aplausos. Cíclica, hipnótica, cautivaba al público que, a diferencia de Viajar Lejos, ya conocida por su versión de Pez, contemplaba en silencio, muchos de ellos escuchándola por primera vez. Estoy seguro que más de uno se fue aquella noche a “googlear” los Pillos, otros tantos con un sentimiento reconfortante en el pecho, una sensación de justicia, “Tarda en llegar y al final hay recompensa” – cantaba Cerati- y aquí un claro ejemplo de ello. Aquella banda oculta por la cortina oscura de los ochenta, sótanos húmedos y discos con bajo presupuesto, llegaba al oído de una nueva generación de jóvenes, a los más radicales nos faltaba Martín Aloé porque su bajo es esencial para el sonido Pillo, pero igualmente ese día nos fuimos felices.
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hora y media de psicodelia Radio Moscow – Uniclub – 18 de diciembre por Damián Snitifker. Fotografías: Damián Snitifker.
Con apenas dos meses de diferencia, la banda liderada por Parker Griggs volvió a Buenos Aires. En tiempos donde muchos aseguran que las visitas internacionales no son rentables si no se cobran entradas a precios astronómicos, esta banda internacional, desconocida para el gran público,y una pequeña productora, se muestran como la excepción. Radio Moscow lo hizo otra vez: Uniclub estaba lleno. Al lugar, con una capacidad para 630 personas, se lo veía abarrotado de un público entusiasmado por ver a la banda. La fecha la acompañaron Las Diferencias, Güacho y Sick Porky, estos últimos con un show memorable y un importante número The 13th 70
de seguidores entre los espectadores. La banda principal arrancó pasadas las diez de la noche con apenas unos de minutos de demora con respecto la grilla anunciada por la productora NoiseGround, y presentó su último disco Magical Dirt. Fue una hora y media de psicodelia, con una marca a fuego del rock & blues más setentoso y un innegable costado stoner. Radio Moscow suena de a ratos como una banda que atraviesa un trip, con jams de improvisación al mejor estilo Hendrix o Zeppelin, pero que si uno escucha el disco se da cuenta de que están ejecutado los temas con sorprendente fidelidad. La banda repasó su repertorio,
centrándose en su disco de este año, dejando espacio también para varios temas de “Brain Cycles” del 2009 y algo del resto de su discografía. Si bien Radio Moscow no es una banda hitera, hubo temas que fueron recibidos con devoción por el público, que pogueaba y coreaba pasajes instrumentales. Es así que canciones como Broke down, The escape, 250 miles, o los más recientes These Days o So Alone fueron festejados por los presentes.
Cabe destacar la calidad artística de la fecha y la accesibilidad de las entradas, las mismas se conseguían anticipadas a $200 y en puerta a $250, precios muy difíciles de encontrar hoy en día en recitales internacionales. El viernes 19 de Diciembre, en la ciudad de Córdoba, daban por concluido su segundo tour 2014 por Latinoamérica que recorrió también distintos puntos de Brasil, Uruguay y Chile. Según propias palabras de Parker, esperan volver en el 2015.
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Pura MelomanĂa
Finaliza el 2014 y muchos son los álbumes que no han estado presentes en esta sección, por distintas razones que no vienen al caso, Esta avezcontinuación, realizamos un repaso por losdediscos cumplieron este así que algunos los que muchos queaños hanen quedado año 2014 y que sido reseñados. Seguramente muchos no sin participar de no estahanparte de The 13th, lo harán enálbumes este número. en este recuento muchos y será una trabajos deuda nuestra ustedes,de todas Muy estarán a pesar nuestro, queconhubieran merecido formas, más los faltantes, hemos el empeño en dejar menor un espacio en allá estaderevista no lo hanpuesto podido tener. Así laque seguro cantidad de álbumes fuera de lista esta sección. Perofaltantes, ustedes diránpero “faltaal éstemenos y ustedes harán su propia de los éste.... yrescatar éste”. Peroa loalgunos intentamos. queremos de aquellos para no sentirnos tan mal.
New York Dolls Too Much, Too Soon (1984) new york dolls – Too much, too soon (1984) Por erick R. Vieyra
Too Much Too Soon es el segundo y último álbum de la primera época de la citada banda New York Dolls (NYD). Éste, así como el previo a él, con el paso del tiempo ha sido vitoreado como el “gran disco del Protopunk estadounidense”. En su momento, los Dolls apenas consiguieron presencia en escena a The 13th 74
pesar de haberla buscado por casi cualquier medio que tuvieran al alcance; la ropa, el sonido, los productores, los sellos, los tirajes, buscaron posicionarse pero no lo lograron. En términos comerciales fueron un fracaso, pero en términos de influencia jugaron un papel relevante para lo que se haría después
de 1974. El reconocimiento ha venido a la par no de ellos mismos, sino de la zona de influencia que para ellos fue reconocida. Su estilo gamberro, fuerte, asonante y agudo les presentaba como una banda espontánea a pesar de que poco hacían por la improvisación; su ropa era de diseño, sus productores de élite, sus construcciones eran bajo un esquema de rock que ya se hacía en bajos suburbios en años previos, un tipo de rock que a pesar de buscar las masas no llegó a ellas. Uno de los personajes que adquirieron mayor relevancia en NDL fue Johnny
Thunders, el cual participa en el disco. Su cercanía con el punk rock británico y estadounidense, así como la influencia que sobre los guitarristas de este género él tuvo, le colocó en un círculo de influencia que las revistas de música se encargaron de difundir a manera de encontrar en él a la semilla del cadencioso de guitarra que se popularizaría con Sex Pistols, Dead Boys, Damned, etc. Too Much, Too Soon se compone de diez temas que, desde mi punto de vista, resultan tediosos. Con los NYD se vanaglorió una leyenda forzada.
Los Colores de Bowie David Bowie - Diamond Dogs (1974) Por Sergio Arreola Reséndiz.
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En la naturaleza el camuflaje es utilizado como el acto más original para la supervivencia, ante todo peligro habrá que mimetizarse con el entorno. En nuestras diversas ciudades las máscaras (o convencionalismos sociales) son un sinónimo de perversión que sobreviven en la mentira, careciendo así de toda realidad, todo parece ser una careta, un domingo de carnaval, pero el disfraz somos nosotros, nuestros actos, nuestra moral, el discurso de nuestra alma en la desnudes del espejo. Desde hace muchos años David Robert Jones mejor conocido como David Bowie ha jugado con todos esos colores que nos definen como sociedad, cuestionando la locura que nos agobia pero también enalteciendo las seducciones que nos pervierten o las perversiones que nos seducen, bueno el orden de los factores no altera nuestros gustos ni mucho menos las excentricidades. Hablar de Bowie es como decir algo sobre un océano inmenso, la obra de él viaja de los arreboles otoñales más melancólicos a los tonos tornasoles y el láser fluorescente. Deteniéndonos en su disco “Diamond Dogs” de 1974 me parece que es su primer trabajo en donde su perspectiva musical toma un giro diferente, esta grabación es un puente, una curva en la carrera del camaleón, en esta producción él se permite renovar su sonido, darle frescura, se permite jugar con su muy peculiar forma
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de hacer de su música un laboratorio. Ya de por si sus trabajos tenían un sonido único, con “Diamond Dogs” existe una empatía con lo visceral, con el desorden que inclusive se verá mejor pulimentada en el futuro, ríe del sarcasmo y cuestiona la perspectiva del progreso en los 70tas. Bowie no es un camaleón, ni la mascarada a media noche, en todo caso es un actor que resume nuestros vicios, el vacío de la mundanidad de la cual no escapa nadie, él es un prisma de colores vastos, va al espacio porque su vida misma es una odisea pero bien sabe él que pertenece a la superficialidad de las ciudades, no de las estrellas. Juega al nutriólogo mezclando a la perfección leche y cocaína, aderezado con la compañía de J. Page. Encapsula de la mejor manera la idea de como es el verdadero sueño americano. Todo eso y más es “Diamond Dogs”, un disco que fue primer lugar en Londres, además de ser un manual “rebel rebel”, sin dejar de lado que es una de las obras más profundas que toman la idea de la posguerra, este trabajo raya incluso en La Náusea de Sartre, se percibe ese sabor acre de la existencia en su más pura densidad, si, esa espesura expectante, vigilante, orwelliana para ser más exactos, mas como buen londinense a veces nos da la esperanza, de “Un mundo feliz”.
¡dios salve a la polla! La Polla Records - Salve (1984) Por Erick R. Vieyra
Considerado como la biblia de los extintos La Polla Records, Salve, primer LP del grupo, se ha convertido en un clásico del punk rock de habla hispana. Publicado en el mismo año en que Eskorbuto lanzó su primer LP (Eskizofrenia), se presenta la semilla de la rivalidad que entre ambas agrupaciones se acrecentaría en el tiempo. El disco sabe a un toque pop, un sonido que nunca les fue propio en concierto donde desataban un manejo preciso, rápido, explosivo, sarcástico y dinámico de su música. Las letras, inteligentemente escritas, son un puñetazo
de verdades lanzado en 19 canciones de poco más de minuto y medio, lo cual le vuelve un disco vertiginoso, ameno, bien logrado. En gran medida el aprecio que al disco se tiene es producto del trabajo vocal y letrístico que en él aparece, por medio de frases sencillas, claras, lúcidas, simétricas adheribles, se trata de un material que lanzó muchos de los eslóganes del punk rock en español, aspecto que en el momento de su publicación (1984) no existía en esta lengua. Para esos tiempos las grandes potencias del género se ubicaban en el mundo sajón, de ahí se extraían los The 13th 77
“ideólogos”, las grandes figuras que, en términos serios, eran muy elementales y poco imaginativos, sobrevalorados. Algunos de ellos ya habían migrado a otros estilos para los ochentas. Sin embargo, en Salve se retrata un punk rock que entorna lo básico, lo cadencioso, lo “proto”, la crítica política no partidista, lo anticivilizatorio, el principio autodestructivo del “no future” de su apertura: Montando bronca nos desahogamos. Cuanto más fuerte más molestamos. No quieren vernos pero aquí estamos marcando nuestra pequeña venganza. Vamos arrastrando nuestra ruina, estamos demostrando que nada nos motiva. Nada nos mueve, no hay esperanza. ¡Venganza! Estas expresiones le eran muy propias (léase: adecuadas) a la situación social por la que corría la España posfranquista, principalmente en la zona Vasca, lugar donde aparecieron los grupos que radicalizarían el rock de la península. En la zona madrileña estaba en boga una especie de movimiento musical de bandas de New Wave y Post Punk integradas por jóvenes de la clase media, se le llamaba: Movida Madrileña. La agrupación que alcanzó mayor fama de este último fue Alaska y Dinarama, un grupo integrado por jóvenes con tintes ideológicos de la ultraderecha (cada vez que tenían oportunidad despotricaban contra el comunismo, contra la protesta política, y, claro está, contra el movimiento de grupos vascos que eran en términos esenciales The 13th 78
contrarios). Otro más, pero cortado con la misma tijera, fue Parálisis Permanente, el cual intentó ser una copia del Post Punk, o Punk Siniestro, que se hacía en Inglaterra, país al que viajó Eduardo Benavente y que a su regreso intentó imitar en sus modas. Para el País Vasco la situación era distinta, por muchos observada como una suerte de derrota una vez esperada la independencia del Reino de España a la muerte del dictador Franco; la pobreza, la marginación, la heroína y el paro eran los elementos cotidianos sobre los cuales se desarrollaron los grupos que ahí aparecían y que, una vez pasado el tiempo, en la actualidad son considerados los generadores de una de las épocas del Anti Todo. Aspecto que ni en mínima proporción gestó la Movida Madrileña que se centró en hacer montañas de dinero y convertir a sus integrantes en músicos famosos durante un acotado periodo de tiempo. De Alaska y Dinarama no se puede escribir mucho, en ellos no hay ningún fin o justificación extraordinaria a su trabajo, en ellos no hay más espíritu que el dinero y el aplauso. En función de lo anterior se explica la aparición y las formas de La Polla Records, el desglose de sus elementos, su finalidad. El desarrollo del grupo está profundamente ligado a situaciones azarosas; se fundaron como un mero pasatiempo, no conocían a detalle lo que era el Punk Rock (inclusive, hoy lo dicen ellos mismos, en un principio les cerraron puertas dado que no vestían como solía hacerlo el Punk de la época. Y no lo hacían dado que no sabían cómo era esa estética), cuando construyeron sus letras buscaban hablar de cosas que les ocurrían, no poseían estudios superiores, se trataba de
obreros, de jóvenes trabajadores del ramo de la construcción (empleo muy común para cualquiera que no poseía estudios académicos en esos días) que montaron un grupo sin mayores expectativas, sin público, y que las circunstancias les fueron benéficas. Salve se realizó en un pequeño sello sin mayores pretensiones que grabar lo que hasta ese momento tenían articulado. Inclusive se seleccionó esa casa disquera sólo por ahorrarse unas pesetas. Por el azar y el impredecible juego del cambio de circunstancias el disco se vendió bastante, el sello creció rápidamente al recibir inversión y el grupo adquirió una notable fama en toda España, a pesar de ello el grupo pasó bastantes años sin cobrar, o cobrando montos económicos casi simbólicos, por sus conciertos… “muchas veces estábamos sin un duro para transportarnos. Llegábamos a los conciertos sabiendo que no nos pagarían nada. Pero, eso sí, llegábamos sin dinero pero con una fama inmensa. Los organizadores nos decían que apoyáramos los eventos con nuestra presencia, siempre ‘para la causa’…Después nos dimos cuenta cuál era esa causa, engordar sus bolsillos aunque nosotros no tuviéramos para comer.” Después de este exitoso primer
lanzamiento, vinieron otros discos que repitieron la fórmula de Salve, pero ninguno de ellos fue elevado a la categoría de disco de culto que alcanzó el primer lanzamiento. La Polla Records ha dejado de existir, Evaristo Páramos -su vocalistaha continuado con otros proyectos. Ya se trata de un hombre que aprendió a madurar en los escenarios, hoy cuenta con 54 años, con hijos, con una importante trayectoria que le permite vivir de sus presentaciones como vocalista profesional sin necesidad de amasar fortuna alguna, sino de una forma sobria, austera, con lo necesario para no convertirse en un viejo ridículo con sueños los de grandeza que caracteriza a muchos otros músicos de su edad y talle. “Lo que más nos ayudó en nuestra carrera fue el lugar de donde veníamos. Era un pueblo pobre de trabajadores rudos. Algunas veces nos presentábamos ante 20 000 personas y cuando regresábamos estábamos orgullosos y pretenciosos como cualquier chaval que cree hizo algo. Pero al llegar a nuestro pueblo siempre nos bajaban de ese tabique en que te pone el aplauso, y eso fue lo que más nos ayudó a mantenernos activos tanto tiempo. Nuestro pueblo nos enseñó a no perder los pies.”
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King Crimson: Arquitectura o Sonido King Crimson - Three of a Perfect Pair (1984) por Sergio Arreola Reséndiz
“Oír es una habilidad, escuchar es un arte”. Desde que Robert Fripp se hizo cargo Robert Fripp. total y completamente de King Crimson la banda fue un taller de experimentación La historia de los seres humanos musical en muchos sentidos sonoros, pero en está plagada de símbolos, es un sortilegio otros fue un lugar de búsqueda, un recinto iconográfico en el que los signos nos definen, granate de la consciencia a nivel hermético nos dan carácter y existencia. La trinidad o u alquimista, pareciera que la música fuera el triángulo van más allá de lo espiritual y lo para ellos un mero puente para un desarrollo geométrico, se funden en nuestra genética, es personal. En este breve escrito no hablaremos parte de cada uno de nuestros razonamientos de las diferentes etapas por las cuales ha y percepciones estéticas, son vórtices que transitado el Rey Carmesí, aunque declaro zigzaguean en diversos puntos y direcciones que sería delectable hablar de producciones en el universo, cohabitan con el caos, con la como Red o Islands. Mas en está ocasión quietud, así es el sonido y si se me permite nos detendremos en su décimo trabajo me atrevo a decir que ese es el pensamiento “Three of a Perfect Pair” del año 1984. del músico oriundo de Wimborne Minster. Los ochentas sin lugar a dudas fue The 13th 80
una década de vanguardias, la humanidad gozaba de una vigorosidad colmada de sueños y deseos fervientes de trascendencia. La vanguardia musical casi siempre ha venido del subsuelo, iluminando los rascacielos del entorno popular, podríamos decir que King Crimson es una banda de culto y a la vez internacional, sin que ellos lo hayan pretendido así. Con “Three of a Perfect Pair” la banda inglesa desarrolló un caleidoscopio musical entre la experimentación sonora y armonías un tanto más accesibles, regresando un poco al pasado pero sin dejar de ser visionarios como lo es cualquier obra del Crimson, preocupados por una nueva manera de dialogar con ellos mismos y con su público. Encontramos en Bruford (batería), Levin (bajo, chapman stick, sintetizador), Belew (guitarra y voz) y Fripp (guitarra) las cuatro aristas del rombo que forman en ocasiones
binomios sónicos, existencias armónicas que lucen en arpegios con medidas de tiempo propias, melodías que dejan de ser para adentrarse en la pureza del sonido en bloque, dándole a las dos caras del acetato una fortaleza geométrica en donde el rombo o el cuadrado albergan al triángulo y a la dualidad. Esta es una de las obras más refinadas en la historia de King Crimson y del Rock Progresivo, contiene un sin fin de edificios melódicos, nos hace viajar del concreto a la madera, del acero al mármol, cuestionándonos si los discos de esta banda están hechos ¿de sonido o arquitectura, de geometría o de espiritualidad? Quizá están logrados con todos estos adjetivos, porque en el arte todo es probable, como bien dijo Salvador Dalí: “…el pintor pinta la cosmogonía de su interior…”, yo creo que el músico hace lo mismo con su instrumento.
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Donde el hielo se funde X-Mal Deutschland – Tocsin (1984) Por Alejandro Cenizacromada
Hay algo que siempre me ha parecido injusto y es que en muchas reseñas que me encuentro, han presentado a X-Mal Deutschland como los Siouxsie and The Banshees teutones y digo rotundamente ¡No! X-Mal fue una banda grandiosa (al igual que Siouxsie), y creó un universo único, frio, abisal; un sólido y a la vez onírico vuelo conducido por esa misteriosa y sensual mujer The 13th 82
rubia. Y es que el hielo también quema, y quema dejando huella. En alguna entrevista que leí hecha hace unos años a Anja Huwe, la hermosa dama hoy dedicada de tiempo completo al mundo de la pintura y las artes plásticas, recorriendo galerías alrededor del mundo con su obra, descartaba de tajo una reunión de su mítica banda, considerando que ya era un ciclo consumado y por lo tanto se
le hacía ridículo verse en un escenario junto con sus ex compañeros saltando pasando el umbral de los 50. No estoy de acuerdo con eso, teniendo en cuenta la cantidad de grandes bandas de esa generación que hoy siguen sobre un escenario llenas de vitalidad, el post punk apunta temerosamente hacia el futuro, y los X-Mal lo eran y lo hacían sin necesidad de pintarse ojeras en los ojos. El segundo disco que nos corresponde era el paso evolutivo que culminaría en el glamour de su disco “Matador”. Tenemos acá el himno “Incubus Sucubbus II” uno de los temas más celebrados de esta banda alemana, una invocación poderosa, tribal, gélida que terminaría en más de un compilado de sonido gótico alrededor del mundo convocando su apostolado. Si en el primer álbum Fetisch, el sonido era más crudo y más influenciado por el punk, el común denominador era esa distorsión espectral y a la vez cortante generada por la guitarrista Manuela Rickers, aquí esto se mantiene, pero existe una búsqueda mucho más melódica y la banda trabaja en pro de perfeccionar esa espontaneidad, buscando dejar más claro lo que se quiere decir, pero sin traicionar la temática oscura de X-Mal Deutschland. “Tag fur Tag” contiene una fuerte dosis de tensión y dramatismo heredado del primer disco con un bellísimo solo de guitarra de Manuela. “Mondlicht” es una de mis piezas favoritas donde se recoge la gran enseñanza de los Joy Division, no hay espacio para que haya
alguien que sobresalga, no hay un maldito virtuoso narcisista que se robe el show, pues todos los componentes sobresalen, todos son importantes; y ni hablar del sentimiento y los cojones que expresa la canción. Siempre presente ese sencillo pero emotivo dialogo entre los teclados y el rugido de la guitarra, soportados por el corpulento andamiaje creado por el bajo de Wolfang Ellerbrock y el baterista Peter Bellendir quien para ese momento era miembro oficial de la banda. Los últimos dos temas del disco (“Incubus Sucubbus II” y “Vito”) fueron grabados con su anterior baterista Manuela Swingman. Otro de los temas que más me gustan y refleja la evolución en la textura generada por los teclados de Fiona Sangster es la melancólica “Eiland”, con esa secuencia hipnótica y ese ritmo sincopado que incita a esa ave negra que todos llevamos dentro a liberarse y volar. Como debía ser, la producción estuvo a cargo del señor Ivo Watts Russell quien difuminaba el sonido de X-Mal y lo hacía más etéreo; en complicidad con el ingeniero de sonido John Fryer. Estamos ante la época dorada del sello 4AD en la que el noventa por ciento de lo que se grababa y prensaba dejaba una profunda huella en esta cultura de los sonidos oscuros y alternativos. Tocsin uno de los grandes clásicos del sello, donde el hielo se funde y la melancolía tiene la capacidad de convertirse en fuego ardiente.
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Public Image Ltd. This Is What You Want vs Commercial Zone This is what you want (1984) y Commercial zone (1984) por erick r. vieyra
Desde su nacimiento Sex Pistols ha sido objeto de críticas. En términos sencillos, es un grupo que a pesar de no encontrarse activo se presta a ello, poseen tantos aspectos ambiguos que casi cualquier cosa que contra sus integrantes o su música quiera decirse será bien recibido por quien de antemano ya tiene su opinión preconcebida, por quienes buscan rasgar su nombre o su propuesta. Se les ha dicho farsantes, pequeño burgueses, capitalistas, productos The 13th 84
de la suerte, creaciones de la mercadotecnia, bobos, antimúsicos, y un largo etcétera. Las críticas, todas ellas, sean justas o no, propositivas o destructivas, son parte central del grupo. Sex Pistols no hubiera podido existir si no es con base a la crítica y la descalificación, ese fue el espíritu del grupo.
Pocos supusieron, y muchos callaron, cuando escucharon las primeras estrofas de aquel hombre sin más aspiraciones que la música en sí misma: You never
listened to a word that I said (tu nunca escuchaste -entendiste- ni una palabra de lo que he dicho). Si bien en cierto que en términos técnicos Sex Pistols no despuntaba (ahí una de las ramificaciones de su interesante propuesta), cuando se formó Public Image Limited (PiL) se les cerró la boca a casi todos. Las críticas que a First Issue eran absurdas hasta el grado de versar que se cometía la violación del paradigma del sonido de estudio al tener amplitudes de frecuencia pronunciadas de bajo producto del talento casi natural que Jah Wobble ejerce en PiL y su gusto por el Dub. No fueron pocos los que en un principio buscaron extender las mismas líneas de crítica a Sex Pistols hacia PiL… simplemente habían quedado absortos con la propuesta tan novedosa y futurista del grupo y se resistían a aceptarlo. Los primeros tres lanzamientos de PiL se encontraban acorde con la tendencia del After Punk, casi todos sus miembros habían pasado por bandas de Punk Rock, conocían el medio musical y eran una suerte de vanguardistas experimentales. La línea más dura estaba compuesta por un trípode de gran química; Keith Levene, Jah Wobble y John Lydon. Efecto de las drogas, las fricciones que suelen encontrarse en grupos con miembros tan propositivos, así como la complicada personalidad de Lydon como cabeza del grupo se tradujo en una complicada separación una vez lanzado uno de los discos más subversivos, obscuros, densos y experimentales de la banda: The Flowers of Romance. Después de él, Lydon queda como batuta y PiL pasa a convertirse casi en un proyecto solista con músicos invitados. El cambio de sonido, efecto de los nuevos integrantes, de inmediato se aprecia en los conciertos que se ofrecieron
en Tokio en 1983, donde uno de ellos se publicó como “Live In Tokyo”. El sonido y quienes le rodean se diferencian en diversos apartados. Primero, una migración de las composiciones basadas en el After Punk y el rock gótico desembocando en ritmos de la música Pop y Dance. Segundo, el matiz lúgubre de sus primeros trabajos se aclara, las composiciones posteriores son más vivas, más amarillas, más luminosas. Tercero, John Lydon abandona el papel del personaje pedante que le caracterizaba desde Sex Pistols, esa especie de actuación del artista desquiciado que invita a pensarle como un genio incomprendido y misterioso se abandona para dar entrada a un ser con más humanidad, más espontaneo, y, al final de todo, más seguro de sí mismo para hacer y decir lo que quiere al momento en que siendo transparente se divierte. Cuarto, en general sus integrantes ya no se tratan de principiantes o músicos con poca trayectoria, sino de profesionales, algunos de ellos con un importante nombre traídos de distintos sectores de la música, desde el funk, el industrial, el jazz, el pop, hasta el progresivo. Quinto, el nombre PiL ya se cotiza por sí mismo, ya no se trata de un grupo emergente que se presente como promesa que puede errar, sino de un proyecto que en sí mismo garantiza calidad que se sustenta en trayectoria. Sexto, abandono de la radicalidad, de la búsqueda del sonido que explora diversos extremos; dicho de otra manera, PiL ya no huele a ser un grupo de drogadictos. Con esa dinámica de nuevos aires se publicó “This Is What You Want... This Is What You Get” (esto es lo que quieres… esto es lo que obtienes). El disco es un entero rompimiento con su tradición underground, es un disco que busca The 13th 85
(desde el título) otras audiencias. Ahora bien, en términos estrictos muchos de sus temas se tratan de remix de temas grabados con anterioridad donde participó Levene pero no sacados a la luz originalmente y que fueron publicados producto de que Levene poseía un master de las versiones originales de algunos tracks inéditos que fue lanzado con el título: Commercial Zone. Esto, como era de esperarse, trajo problemas legales entre Levene y el resto del grupo dado que PiL lanzaba sus discos en grandes sellos discográficos teniendo con ello un control estricto de qué se publicaba y qué se mantenía “escondido” o en “rare”. La forma en que se dieron las cosas no permitieron saber si las estas grabaciones originales hubieran visto al público si Levene no las hubiera expuesto, o, por el contrario, si la nueva formación de PiL ya tenía planeado realizar grabaciones alternas. Dado esto, This Is What You Want y Commercial Zone suelen entenderse como discos de contraste, discos que compiten entre sí. En mi particular punto de vista, Commercial Zone es, por mucho, el mejor de ambos. Sin embargo, cabe señalar que a pesar de este último es un gran disco no es otra cosa más que la línea que ya se venía notando desde Metal Box, es decir, la forma de composición ya se conocía con anterioridad por lo que no representa por sí mismo un quiebre en el sonido, algo que sí es This Is What You Want. PiL tomó un largo respiro de los escenarios y del estudio en la década de los noventa. Regresó entrado el siglo XXI, actualmente se realizan giras del grupo, se lanzó un nuevo disco LP titulado “This is PiL” (el cual se trata de un material muy bien logrado tomando en cuenta que los The 13th 86
retornos de grupos ochenteros sueñen ser decepcionantes). En esta situación de reactivación del legendario grupo que reinventó el Punk Rock a un grado prócer se ha podido ver presentaciones que, una vez hechas a un lado las reyertas juveniles, integran a sus tres figuras míticas tocando sus clásicos, sin embargo ya no se unen para componer nuevos temas, de alguna manera concientizaron que lo suyo fue parte de un momento de su vida y cada uno de ellos hoy tiene otros proyectos. Levene y Wobble continuaron como solistas, Lydon tiene un capital con Sex Pistols y con PiL que le hace ser un hombre poderoso en el medio artístico que ya no necesita demostrar mucho y que, aun queriéndolo hacer su edad y su salud no le permitiría tener una actividad con el grado de producción que manifestaba a sus veinte y treinta años, él se convirtió en una figura mediática que inclusive ha participado como presentador de TV, como protagonista de documentales, participante de debates políticos (donde no muestra un conocimiento importante del tema, no es una persona especialmente culta o precisa), es una figura que en sí misma genera audiencia aunque en realidad no se le tome enserio. Lydon hoy tiene un mote de toque aristocrático del hombre que se sabe importante, que se sabe mediático, querido por las masas, aprecio al que el responde con regocijo. Por último, Levene seguramente es el que ha tenido menos fortuna de todos los participantes originales de los PiL, como en otras tantas historias del rock, echó a perder muchos años de su carrera producto de su adicción a la heroína (fue producto de esa adicción por la cual siempre fue despedido de los grupos, comenzando por The Clash, grupo en el
cual fue guitarrista). En los últimos meses él ha estado realizando una campaña casi individual en redes sociales y medios alternativos publicitando un nuevo lanzamiento del Commercial Zone. Desconozco si ese lanzamiento se trata de lo que ya conocemos u otros masters que haya tomado sin el aval del grupo.
Sin Pena Ni Gloria David Bowie – Tonight (1984) Por Rodrigo Debernardis.
Nadie puede negar que David Bowie ha estado siempre a tono con la época. Entre muchos de sus atributos, El Duque Blanco, sobre todo musicalmente, siempre ha sido un exponente indiscutido de su momento. Ziggy Stardust de 1972, Let`s Dance de 1983 y Earthling de 1997 son muestras de esto de que Bowie supo siempre cómo debían sonar sus discos. Tonight no es la excepción. Pensado, según el propio David, para retener al público que había conseguido con el exitoso
antes mencionado Let`s Dance (algo que finalmente no terminó logrando…Tonight es bastante más flojo que su antecesor), el álbum tiene el típico sonido pop-souldance de primera mitad de los ochenta. Abre con un gran track, una hermosa canción, “Loving An Alien”. Qué emocionante cuando un disco arranca de esa manera y nos hace ilusionar…lástima que muy pocas veces nuestras expectativas llegan a cubrirse, y acá ocurre esto mismo. El track 02, Don´t Look Down, es una reThe 13th 87
incursión de Bowie en el reggae (lo había hecho en “Lodger” de 1979). Lo sigue una versión pop del clásico de los Beach Boys “God Only Knows” (me quedo toda la vida con la de Wayne Hussey…bah, en realidad me quedo con la original). El track 04, “Tonight”, es oooootro reggae (no me gusta el reggae). Como dato administrativo se puede decir que esta canción, así como la siguiente, “Neighbourhood Threat”, son covers de “viejos” temas de su “viejo” compañero de ruta Iggy Pop (se nota la mano la de La Iguana, sobre todo en “Neighbourhood…”) El track 06, “Blue Jean”, es otra de las canciones maravillosas del disco. Junto con “Loving The Alien”, las
únicas 2 composiciones del álbum hechas enteramente por Bowie, el track son 3.13 minutos de riquísimo rock bailable. “Tumble & Twirl” (track 07, colaboración entre El Duque Blanco y Pop) suena correcta, con una sección de vientos bien al frente y nada más. “I Keep Forgettin” (08) no dice nada y el disco termina con otro tema de composición mixta (Bowie + Pop + Carlos Alomar, guitarrista del disco y recordado productor del disco Doble Vida, de los Soda Stereo).”Dancing With The Big Boys” cierra un álbum que arranca con todo, se diluye un poco, pareciera que resurge y se apaga sin pena ni gloria.
rumors of reward Depeche Mode - Some Great Reward (1984) por Maxx Wilda
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Cuan grato para mi es tener que hacer una reseña de este, el cuarto álbum de estudio de Depeche Mode. Como es menester últimamente, debo decidir un acompañante “espirituoso” para esta tarea. Nada mejor que un clásico para un clásico, el ganador es Rob Roy, variante del Manhattan. Comienza Something to Do, mientras el whiskey (escocés, por eso es una variante), el vermouth (dulce) y las gotas de bitter, dan vida a este compañero. Este inicio de 161bpm, marcadamente industrial (rezago de los discos anteriores y en armonía con el arte de tapa) deviene en un constante frenesí sostenido hasta el final en donde los samples cortan perfectamente la monotonía arpégica (cómo me gusta inventar términos). Disfrutando ya del sabor, llega Lie to Me, armonías vocales, un Dave (no necesito poner apellidos) llevando a sonidos lo que Martin entiende del engaño, samples, yamaha DX7, minimalista. El inconfundible sello industrial de People are People me retrotrae a la primera vez que escuche este tema (casualmente el primero que escuché de DM y el que los hizo cruzar el Atlántico) y el sentimiento está intacto, sigue sorprendiendo ese juego vocal (inspirado en el doo-woop clásico, dicho por Martin) que transporta y da una vuelta de tuerca al sabor óxido industrial, de la misma manera que las notas del vermouth cambian el retrogusto en mi paladar ¡esto hay que bailarlo! It Doesn’t Matter, baja las revoluciones con un simple y hasta casi “tontin” tema de amor, me da tiempo para recargar y esperar por Stories of Old. Intro con tensión para un tema “synthpopero”. Una buena elección hubiera sido saltearlo e ir directo a Somebody, ya que como It Doesn’t Matter, Martin toma la voz principal para
expresar su costado suave, solo acompañado de piano y algún otro efecto por detrás, el tema transmite la melancolía por la que todo corazón enamorado ha pasado. ¡Ahora sí! Master and Servant, era lo que necesitaba para arrancar y cortar con lo anterior, la dualidad de Martin se siente presente, pasamos al sado, complejo y sensual, este tema tiene lo necesario para ser un sello de esta época de DM, crudo, efectero, diferente para esos tiempos. Tercer cocktail y suena If You Want, más electro que los demás y más en línea a lo que Alan haría por su cuenta. Quienes saben de cocktelería seguramente estarán corrigiendo la forma en que preparé mis Rob Roys, ya que le falta algo… la cereza al marraschino! Bueno, no tenía… pero Blasphemous Rumours concluye este clásico álbum a manera de esa cereza. La letra más desafiante de todas, casi les vale una suerte de censura que tras reiteradas explicaciones por parte del grupo se convirtió en una marca indiscutible de la banda. Musicalmente es impecable, sumado al extraño final, en donde esa inhalación (¿o exhalación?) cierra unos 40 minutos en los que Depeche Mode comenzaba fuertemente a diferenciarse en todo sentido a lo presente en los 80s y marcando su esencia, la cual va más allá de lo musical.
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Sincero y logrado Ramones – Too Tough To Die (1984) Por Alejandro Cenizacromada
¿Cómo recuperar el espíritu de algo que ya no existe? ¿Cómo reinventar un estilo ya obsoleto y olvidado? ¿Cómo volver a encender la antorcha de un fuego ya extinguido y sepultado? Estas eran algunas de las preguntas que seguramente se hacían los Ramones hacia fines de 1983, viendo cómo sus últimos 3 o 4 discos navegaban entre el escepticismo del público en general y la incredulidad/desilusión de sus fans. En 1978, previendo con asombrosa The 13th 90
certeza (o quizás fuera sólo suerte) el cercano final del movimiento punk, los muchachos de Queens creyeron que quizás les vendría bien comenzar a virar un poco el timón hacia un rumbo más comercial y pop. El tiempo pasó y… no les dio la razón. La apuesta no salió demasiado bien, y luego de 6 años, 4 discos, algún que otro productor famoso y algunas (pocas) buenas canciones, los Ramones se dieron cuenta de que su carrera estaba teniendo sabor a nada y decidieron tratar de re-encontrarse con sus
raíces. El resultado fue Too Tough To Die, un disco que, si bien por la época tiene un sonido bastante hard rock, es lo más punk de Ramones desde Rocket To Russia, de 1977. Con nuevo baterista tocando (Ritchie Ramone, que los acompañaría 2 discos más) y viejo baterista produciendo (Tommy Ramone) el álbum tiene quizás el mejor track de apertura de toda la discografía del grupo. “Mama`s Boy” deslumbra con un Johnny afiladísimo en el riff de guitarra y un Joey claro y ácido como pocas veces. El track 04, “Durango 95”, es una poderosa canción instrumental de casi 1 minuto que utilizaron como comienzo de sus shows desde aquella época hasta casi el final de su carrera. “Wart Hog” (05) introdujo por primera vez a Dee Dee Ramone como cantante principal,
algo que se repite en el track 12 “Endless Vacation”. El bajista no destaca precisamente por su voz melodiosa, pero sí aporta mucha “actitud” con su crudeza, rayana con lo poseído. “Howling At The Moon (Sha La La)” (08) es el único corte del disco y quizás la única (junto con “Chasing The Night”, track 07) reminiscencia a aquel sonido más soft del que Ramones estaba tratando de despegarse. El resto del tracklist llena perfectamente los espacios para completar un gran disco, una unidad compacta de hard punk. En resumen, Too Tough To Die es un sincero y logrado intento de una banda por retomar un camino que (prácticamente) ellos mismos trazaron, y en el que siempre se movieron con soltura y merecido reconocimiento.
Un Tesoro hecho música Cocteau Twins – Treasure (1984) Por Diego Centurión
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Tercer disco de los escoceses de Cocteau Twins. Lanzado el 1º de noviembre de 1984, bajo el sello 4AD. Es el primer álbum en el que participa como miembro Simon Raymonde, quien ya había participado en el EP “The Spangle Maker” de ese mismo año. El ingreso de Simon no sólo significó una estabilidad que duraría hasta el final de la banda, sino que también marcó un cambio en la sonoridad de Cocteau Twins. Las etiquetas empezaron a perderse o, mejor dicho, a crearse, ya que la banda abandonaría todo vestigio del post-punk para crear algo novedoso, la Wave etérea o el Dream pop. Algo que se insinuó sonoramente en su anterior trabajo “Head Over Heels” (grabado por Robin y Elizabeth), en el disco “Treasure” comienza a reflejarse de manera más audible, la femineidad en el tratamiento de las mareas sónicas que comienzan a aparecer como celestiales o marinas. “Treasure” está inspirado en mujeres míticas como Lorelei, Perséfone, Pandora y Beatrix, todos nombres de canciones, a las que podemos agregarles el resto de los títulos del álbum. Decididamente es un álbum en donde la banda explora el mundo de lo femenino, de hecho la instrumentación es mucho más cuidada, aunque si bien es algo por lo que la banda siempre se caracterizó, especialmente en este álbum lo frágil y lo brillante de lo femenino está muy presente, lo que la banda logra captar sónicamente es la pureza y lo delicado de la femineidad. Algo que de acá en más, nunca abandonarían. “Ivo” comienza con la celestial y alta voz de Elizabeth Fraser, acompañada sutilmente por el bajo de Simon y la guitarra acústica de Robin Guthrie, aunque luego la canción se lanza en un viaje maravilloso y (nuevamente) femenino, que por momentos se vuelve vertiginoso. “Lorelei” es una de las The 13th 92
grandes canciones de este trabajo. Luminosa, etérea, mágica, intrigante, con un bajo que va llevando como una marea a la guitarra (que simplemente brilla) y en donde junto con la batería sirven de embarcación para que la voz de Liz se transporte en las corrientes sonoras aportadas por las guitarras de Robin. “Beatrix”, una dulce y valseada canción casi de cuna, la maravillosa voz de Liz es atemporal y como de una sirena, cautivando los oídos. Si esto no es femineidad pura, será difícil encontrarla en otro lado. “Persephone” es la única que tiene relación con lo anterior que ha grabado la banda, es la canción más dura del álbum. “Pandora (for Cindy)”, otra magistral canción del álbum. Lánguidamente dulce y etérea. Las voces de Liz se entremezclan, se hablan y se contestan manteniendo una conversación de una calidez luminosa. En tiempo de vals nos dejamos hechizar sin oponer resistencia. “Amelia”, una más en tiempo de vals con unas brillantes melodías de Liz, aunque tiene un poco de oscuridad en el medio, no pierde ese encanto enigmático que sobrevuela en todo este álbum. “Aloysius”, el comienzo es encantador, pausado y lleno de brillo, la voz de Liz supera la belleza de la voz humana. Toda la canción tiene dulzura y calma, el bajo está presente, pero no sobresale, forma parte de la base de manera brillante, adormeciendo la agresividad de la batería y dejando que florezcan tanto la guitarra como la voz de Fraser. “Cicely” otra canción de corte más seca y dura (en lo que puede ser la música de Cocteau Twins), sonoramente tiene relación a “Persephone”, aunque está es más lánguida y etérea. “Otterley”, ¡sublime!, magistral forma de mostrar la calma y fragilidad de lo femenino, es como ver (escuchar) lo frágil de las aguas… que son femeninas. “Domino” cierra el álbum, la más dulce y mejor forma de cerrar un
álbum. Primero la quietud, con mucho clima y la voz de Liz, luego la batería, el bajo y la guitarra abren la canción en un mar de fragilidad, la voz de sirena de Elizabeth crea un ambiente único y ensoñador. Cerrar los ojos y dejarse llevar por el hechizo sirenístico de Fraser. La voz celestial surge como el sol entre las nubes de tormenta, como un sentimiento de sanación. Un trabajo magistral, lúcido, imponente, en donde todo está puesto al servicio de la búsqueda de lo sublime, el cuál encuentran en muchos pasajes del álbum. Desde el comienzo suenan como susurros las voces de Elizabeth, que se
funden con los ritmos de las baterías programadas, el consistente y para nada duro bajo de Simon, que logra encausar toda la emotividad de las guitarras, acústicas o con delays y sustains, de Robin y la expresividad de la siempre sorprendente voz de Liz Fraser. Todo el combo sonoro de este nuevo Cocteau Twins que nos van haciendo levitar de principio a fin de “Treasure”. Como el nombre de este trabajo, éste es un tesoro en la discografía de los Cocteau Twins, que tienen varios… Algo que es muy raro encontrar en las discografías de muchas bandas.
la profecía del vampiro nosferatu – the prophecy (1994) Por Diego Centurión
The 13th 93
A lo largo de su historia que llega hasta nuestros días, con períodos de silencios prolongados y un puñado de discos, la banda inglesa se ha erigido como uno de los mejores exponentes del rock gótico de la segunda oleada del género allá por los años noventa. En esta oportunidad rescatamos el segundo trabajo de Nosferatu editado en octubre de 1994. Y como la mayoría de las bandas de gothic rock surgidas en los finales de los ochenta o principio de los noventa, la marcada influencia del Sisters of Mercy de Floodland (1987) y Vison Thing (1990) es bien notoria en su sonoridad y en muchas se convierte en agotadora. En Nosferatu la primera condición se cumple, la segunda no, ya que la banda, con sus continuos cambios de integrantes supo mantener una calidad que sobresale de sus contemporáneos. En este trabajo, The Prophecy, hay un cambio sustancial en el sonido que habían mostrado en su primer trabajo “Rise” (1993). Hay una búsqueda de una propia identidad. Se quita de encima mucho de los rezagos del sonido sisteriano. Uno de los primeros cambios que se escucha es en la voz., ya no es Louis DeWray sino que Naill Murphy. Lo cual no significa sólo un cambio en la coloratura de las voces, sino que hay un espectro más rico en matices y una mayor profundidad. Como en el álbum “Rise”, el disco comienza con una canción instrumental y gótica. “Requien”, una fantasmagórica introducción llena de oscuridad y solemnidad. La radio BBC One la puso en el aire cinco noches seguidas, lo cual ayudó a que el disco llegue al puesto 14 del ranking inglés. “Farewell My Little Earth” ya abre la era de Nail en la banda, aunque sería el único disco que cantaría. Pero la diferencia del nuevo timbre vocal ya se aprecia, para mí es un paso positivo. los matices de la voz van cambiando The 13th 94
dándole a la canción más formas y abriendo variados colores vocales. la estructura instrumental de la canción es diferente a todo lo anterior. “Farewell...” tiene varias partes y varios cambios de estados, el sólo de Damien Deville demuestra que es una gran guitarrista. “Fever” tiene cambios estructurales más complejos que las composiciones anteriores de la banda. En este trabajo Nosferatu demostró ser una banda que puede realizar canciones armónicas más complejas y no perder ese halo de misterio y su sonoridad rockera pero gótica; combinar un clavicordio con una guitarra eléctrica distorsionada. “The Keepers Call”, “Thrill Killer”, “Shadowmaker” y “Sucker For Love” van marcando el pulso del álbum, enérgico, aguerrido, por momentos los climas se oscurecen, en otros se vigorizan, pero en cada canción siempre van mutando debido a las cambiantes estructuras armónicas. Un párrafo aparte para las canciones “Time Of Legends” y el cierre con “The Enchanted Tower”, las más climáticas y reposadas canciones del álbum, si bien no son “baladas”, son profundas y oscuras, y tienen mis votos como las mejores del disco. En un trabajo muy bien logrado y un gran paso para la banda. “The Prophecy” es un trabajo completo y maduro, con un gran trabajo compositivo, con riqueza vocal y una solidez instrumental que marca, veinte años después, un acabado paso hacia la perfección sonora de Nosferatu.
Bajo el Rosa Tori Amos – Under the Pink (1994) Por Diego Centurión
“Este álbum para mí fue una experiencia de su próximo trabajo, primero en una antigua auto sanación” hacienda que llamaron The Fishhouse en Nuevo Tori Amos - Hitkrant - Marzo 1994 Méjico y luego las cuerdas fueron grabadas en los estudios Westlake en Los Ángeles. Amos Antes de hablar de este disco tengo que venía de un incipiente éxito con su disco debut y confesar que soy un gran admirador de Tori, por este álbum se convertía en un desafío aún mayor lo tanto hablar de este álbum en especial,se vuelve para ella, podía ser un disco igual a su anterior o casi una declaración de amor para esta artista. subir la apuesta. Obviamente subió la apuesta. Dos años después de su álbum debut Cuando Tori tenía el disco listo la como solista Little Earthquakes, Tori se compañía discográfica Atlantic Records quiso encierra entre enero y mayo de 1993 a grabar que el álbum lo produjera un reconocido The 13th 95
productor, pero Tori se negó y amenazó con quemar las cintas, así que luego de esa declaración de pertenencia, Tori y Eric Rosse produjeron el álbum. Las palabras de Amos a los directivos de la compañía fue claro: “Miren, yo soy la madre de esto,y no podrán llegar a las crías si no es sobre mí”. Under the Pink es un álbum ecléctico, en donde Tori nos mueve desde las suites pianísticas con su melodiosa voz, hasta un histérico y disonante rock, aunque no llega a ser estridente y revolucionario, pero tiene una impronta mucho más experimental que el mismo rock. Y todo esto junto en algunas canciones. El disco abre con la perfecta “Pretty Good Year”, que fue lanzado como primer single sólo en Inglaterra. Pero nunca se editó en Estados Unidos como single. La canción comienza dulcemente con el piano y la voz de Tori, luego aparecen las cuerdas de manera celestial, pera que más adelante, sólo por unos instantes, se corte la dulzura con la contundencia de la batería y el bajo distorsionado, para terminar el track con dulzura nuevamente. Simplemente hermosa composición. Luego llega la maravillosa “God”, que fue el primer single en Estados Unidos, llegando al puesto número 1. Potente estructura sónica, con una guitarra histérica que emite sonidos, no armonías. A cargo de su ex compañero de I Kant Tori Read, Steve Caton. La unión del bajo y la batería es contundente y determinante para que, sobre ese ritmo, se apoye la voz de Tori. Sin dudas una de las mejores canciones de
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Tori en toda su carrera. “Bells For Her”, una canción “chiquita” por la sonoridad, en donde Tori habla de una traición de amigas. Intimista, voz reservada, como confiando un secreto. La expresividad de su voz transmite esa sensación de dolor angustiado y crea un ambiente desgarrador. Pero el momento de “alegría” sonora aparece en otra de las grandes canciones de su carrera, “Past The Mission”, otro corte de difusión, el cuarto y último. La construcción de la canción es bellísima, una preciosa canción pop. En el estribillo con una perceptiva participación de Trent Reznor en coros, quienes habían pareja anteriormente. Al respecto Tori dijo: “Me parte un poco el corazón cuando lo escucho (a Reznor) cantar conmigo “una vez conocí a una chica ardiente”. Podría hablar canción por canción sobre la letra y la intención de Tori para cada una de ellas, pero esto me llevaría mucho más especio y se volvería un especial sobre Tori Amos y su “Under The Pink”, pero esa no es la idea. Luego el álbum nos va ofreciendo canciones con mucho piano y cuerdas como “Baker Baker”, “The Wrong Band” (una especie de vodevil), “Icicle”, “Cloud on my Tongue”, “Yes, Anastasia”, el cierre del álbum que dura mas´de nueve maravillosos minutos. Pero también nos ofrece elementos más emparentados al rock, como en “The Waitress”, el tercer corte y un Top ten a ambos lados del Atlántico, “Cornaflake Girl” (mi favorita del álbum) y “Space Dog”.
La Obra Cumbre Soundgarden – Superunknown (1994) por Rodrigo Debernardis.
A fines de 1993, el mundo del grunge frunció el ceño cuando Chris Cornell se cortó el pelo y cambió las camisas de franela por remeras un poco más ajustadas. A pesar de ser una banda bastante reconocida en la escena de Estados Unidos, y de Seattle en particular (sobre todo luego del moderado éxito de Badmotorfinger, álbum de 1991) Soundgarden siempre había tenido que conformarse con el último puesto del podio, detrás de Nirvana y Pearl Jam (incluso de Alice In Chains). Pero todo cambiaría en 1994 con la edición de su 4to disco, Superunknown, paradójicamente lo último interesante que produciría aquella región geográfica en materia musical. En este álbum, los Soundgarden
dejaron de lado prejuicios y se animaron a experimentar con nuevos sonidos y estilos. Todo el disco está sumergido en una atmósfera más oscura que la de sus antecesores, y a su ya característico y poderosísimo hard rock (track 02, “My Wave”, temazo que no deja lugar a dudas de la potencia de la que hablo) la banda se sumerge en melodías psicodélicas bien al estilo Zeppelin (track 05, “Superunknown”) o algo más pop trash en el tema 06 “Head Down”. Incluso juegan con rarezas, al incluir sonidos de la India en el track 14 “Half ”, compuesto por el bajista Ben Shepherd. Se cortaron 5 singles del disco. Fue el álbum que más cortes tuvo en toda la carrera de Soundgarden y el único que le dio un Grammy (dos de hecho,“Spoonman”y“Black Hole Sun”) The 13th 97
Superunknown fue el último disco en el que la banda trabajó en armonía y cohesionada. Problemas internos comenzarían a surgir durante la grabación del siguiente album (Down On The Upside, de 1996); diferencias que desencadenarían en una separación de doce años. Definitivamente este disco es la obra cumbre de los Soundgarden, el espacio en donde confluyen todas sus influencias anteriores y su madurez para encarar nuevos desafíos, dando como resultado un álbum que todo amante de la buena música debe tener en su colección.
They may not born like other girls... Veruca Salt – American Things (1994) por Maxx Wilda
Lejos de vivir lo que en los 90s vivía la generación X en el gran país del norte, algunos pocos nos aventurábamos a escuchar algunas bandas menos difundidas del grunge. Una de ellas fue Veruca Salt. Perfectamente lookeados, la estética correcta, parecían más un producto de The 13th 98
laboratorio discográfico que una fusión de dos talentosas compositoras (Nina Gordon y Louise Post) y dos muchachos “satélite” con una no menos preciada corrección en la ejecución musical ( Jim Shapiro y Steve Lack). Una de esas aventuras fue American Thighs, álbum debut de la banda, la cual
estaba tan sumida en mi inconsciente que nada mejor que retomarla escuchándola nuevamente. Dulce voz con un fondo rítmico distorsionado es la puerta de entrada a Get Back, comienza luego un leve movimiento (suerte de headbanging pero a una velocidad notoriamente inferior al Hard Rock) que se mantiene sostenidamente durante este primer tramo del viaje (resalto esta reacción ya que siempre me pareció importante e interesante la reacción física que genera la música). Este vaivén solo se ve interrumpido por un torpe solo (seguramente ensayado para que así lo sea) que no opaca las armonías vocales que no solo amalgaman y suavizan sino que en contenido comienzan a demostrar que aquí hay algo más. Subiendo la intensidad prosigue All Hail Me, musicalmente simple pero con arreglos vocales interesantes, predecible pero con una letra irónicamente atractiva (tanto como Nina y Lousie, lavadas pero deseables)
y con un video más interesante que la música en si (rasgo clásico de ciertas bandas de la época). Llega Seether (primer single) que junto a Victrola (segundo) son los puntos más intensos del disco, tal como si los hubieran elegidos cual “cazabobos” para reclutar oídos ávidos del género, sonaron tanto y se reflotaron en mi memoria (y seguramente en la de ustedes), que no haré comentario alguno. Luego de todo esto, tenemos un acumulo de temas (Spiderman ‘79, Forsythia, Wolf, Celebrate You, Fly, Number One Blind, Twinstar, 25, Sleeping Where I Want) que no terminan de despegar, con letras filosas que reflejan la apatía y languidez de la época, pero con una calidad sonora destacable. Un disco dual, con 2 climas bien definidos, recomendable para momentos de melancoviolencia, evidentemente esa era mi faceta en los 90s… ahora entiendo muchas cosas.
Rock and Roll Resurrección The Stone Roses - Second Coming (1994) por Ariel Soriano.
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Second Coming es el segundo álbum de The Stone Roses. La placa está dedicada a Philip Hall, publicista de la banda, quien murió de cáncer en 1994. Las grabaciones se realizaron en los Forge Studios de Oswestry, Shropshire y Rockfield Studios cerca de Monmouth, Gales. Este álbum llegó con cansancio, la banda había desaparecido prácticamente, tenían problemas legales con la compañía discográfica Silverstone con la cuál habían sacado su primer álbum. Fue hace veinte años pero pareciera que hace muy poco, recuerdo que ya no lo esperaba. Los Stone Roses habían dejado pasar su momento, eran los más grandes de todos y tenían un disco increíble, el anterior. Second Coming no cambió el mundo, sólo es un gran disco de rock ‘n’ roll, pero el paso del tiempo y visto desde 2014, creo que modificó su posición en la historia del rock. Los Stone Roses venían de un disco que cambio la historia, y una canción, “Fools Gold” que tenía una mezcla de Can, PIL, Sly and The Family Stone, post punk, Hendrix, funk, y que reunía todo lo que era lo mejor de la banda en un solo tema. Con este extraño funky roquero bailable con samples, aparentemente de James Brown, habían quedado también como los reyes del loop. Fue la canción que nos cambió la vida y la manera de ver la música, tanto a mí como a mis compañeros en Iguana Lovers. Ese habría sido el momento y debieron de aprovecharlo enseguida para sacar su segundo disco, sería lo lógico pero en cambio desaparecieron durante años, empezaron a consumir diferentes drogas, tenían diferentes gustos musicales y diferentes vidas, aunque de alguna manera se las ingeniaron en el medio de esto para crear un, visto en retrospectiva, impresionante gran segundo The 13th 100
álbum. El mito dice que cuando una banda pierde su intensidad y su unión nunca vuelven a realizar un disco bueno y menos el segundo. Esta es la excepción al mito con creces. Es increíble como Stone Roses realmente produjeron un segundo disco y de una calidad incomparable. La realidad podría haber sido, entonces, que la banda había hecho un trabajo bastante bueno desapareciendo de la escena después de su reinado entre 1989-90. En el momento en que todo el mundo los había escuchado y todas las bandas querían sonar como ellos. Las tensiones se notaban, John Squire quería ir para el lado de Led Zeppelin y Ian Brown quería ir hacia la música negra, a pesar de esto y dado que John Squire escribió casi todas las letras y la música, la base, Mani y Reni, suena increíble e imponen su propio estilo ya clásico Stone Roses lo que hace que Zeppelin tanto eléctrico como acústico no sea tan repetitivo y sea menos pesado. Ian Brown interpreta como los dioses las canciones de Squire, brilla eternamente y deja plasmado que es un músico de pura cepa y que su futuro solista tendría el sello de lo que esperábamos de Stone Roses. De alguna manera la banda hizo sonar este disco y realzó las canciones de Squire como si fueran ideas propias. Cuando llega “Begging you”, mi tema favorito del disco, te arranca la cabeza, en su momento, en 1994, cuando lo escuché, me parecía muy monótono el disco hasta que llegaba ese tema, que es lo primero del LP compuesto por Ian Brown y John Squire juntos. Ahora veinte años después comprendo mucho mejor la mentalidad de John Squire que nunca fue punk como Ian Brown. John es brillante pero siento un barrera hacia él por el mandato que dice que ¡los punks teníamos que odiar a Led Zeppelin y a los Hippies! Ellos empezaron a tener una actitud muy punk frente a
los medios y todo les chupaba un huevo, menos a John Squire y no se llevaban bien. Ante la expectativa lanzaron el disco, a cambio de buena guita, por los medios de prensa que el público menos esperaba, lejos de la tradición lanzamiento Brit pop de NME y Melody Maker, como se utilizaba en esa época pre internet y de donde levantaban las notas y noticias en el resto del mundo, como en Argentina podría ser el SI de Clarín y el No de Página 12 de esa época. También tuvieron la gran idea de lanzarlo en vísperas de navidad cuando todos esperan la estupidez de los medios tradicionales de ¡lo mejor del año! “Love Spreads” es lo primero que muestran como simple, fue algo muy loco y místico, la letra oscura casi religiosa y un video de imágenes borrosas tomadas en super
8 muy contrario a lo que estaba ocurriendo, simplemente genial, lo de todo me chupa un huevo lo demostraban aún más, eran ultra punk para mí. Suede, la banda del año 1994, me empezaba a parecer una mierda y el grunge, que dominaba todo el mundo, también. Amo este disco, amo a Stone Roses, no es el mejor disco del año 1994, es uno de los mejores discos de la historia total del Rock and Roll, Second Coming es una resurrección de Rock and Roll visto desde 2014. ¡Gracias por este disco!, lo voy a escuchar cada vez más, me produjo una emoción inmensa, me llego al alma después de veinte años y no me molesta tanto la guitarra de John Squire, ahora me encanta, vamos cruzando barreras, expandiendo el amor, veo la luz, te perdono, no queda otra.
Preciosos pasajes de ensueño Engineers – Folly (EP) (2004) por Alejandro Cenizacromada.
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“¿Son estos escribas tratando de enseñarme? ¿Qué pasa si decido escuchar…? ¿Aprender acerca del significado renovado? ¿Reconciliarme con mi indiferencia? Merezco… Perdón…Necesito… Tu Perdón… FORGIVENESS Tremendo EP de esta banda británica Engineers quienes ficharon por el sello Echo en 2004. Este material sería el abrebocas para recibir el álbum debut que tendría el mismo nombre de la banda. Todo el conjunto funciona como un perfecto mecanismo de relojería. Una producción impecable, bajo la batuta de Tim Holmes quien ha trabajado con artistas electrónicos de la talla de Chemicals Brothers y Death in Vegas. Algo curioso si se tiene en cuenta que el 70% de la obra gira alrededor de las guitarras. Como dato importante en la mesa de mezclas estuvo el producto Dave Bascombe (Tears for fears, Depeche Mode). La banda liderada por el cantante y guitarrista Simon Phipps, abre con una deliciosa pieza ambiental y crepuscular llamada “A given right” un tema que parte de delicados pads de sintes y que estalla de una manera que me hace recordar a los inolvidables Stone Roses. “Forgiveness” es un medio tiempo fresco para contemplar atardeceres, pero firme y contundente a la vez. Arpegios elegantes de guitarra se acentúan con amenazantes slides, una sublime especie de solo se abre paso. “Come in out of a rain” entra de manera más suave y manteniendo una línea más sutil, a eso hay que agregarle la sedante voz del cantante que parece convertirse en nuestro cómplice a lo largo de toda la placa. “Come in out of a rain” fue el single que precedió este E.P; y aunque es una The 13th 102
muy buena canción debo confesar que pudieron haber elegido otro tema como sencillo, pues siento más fuerza en otros, tal vez lo hicieron pensando en llegar a una audiencia mucho más amplia, en fin… (Yo y mis malditos gustos mutantes). “If I were a Carpenter” fue un cover de Tim Hardin, un artista versionado por leyendas como Johnny Cash. Esta es una canción folk totalmente potenciada por la calidad de la producción, se siente esa delicia de ambiente rural flotando por ahí, al mejor estilo de esos temas acústicos grandiosos de los Led Zeppelin. Ecos a ¿Going to California? …¡Y por qué no!... Para “Nature’s editing” retoman su parte indie ambiental, una canción agradable y onírica. Folly termina con broche de oro con una narcótica pieza que dura sobre los siete minutos llamada “Pictobug” la niebla y una lluvia suave se convierte en el telón de fondo para una danza de extraños y coloridos escarabajos. Un E.P maravilloso, que se sirve del indie rock como hilo conductor; pero que se nutre de heterogéneos elementos mientras transcurre, con un papel muy importante de lo electrónico que lo único que hacen es reforzar el potencial de las guitarras y las voces. Preciosos pasajes de ensueño. Una gran manera de acercarse a la obra de esta gran banda inglesa. ¡Tremendos!
Un Frío Paisaje Visual inglés. July Skies – The English Cold (2004) por Diego Centurión.
Hay discos que son enigmáticos, románticos, que traducen imágenes en sonidos, que capturan momentos sin importar tal vez tanto la estructura de canción pop (estrofa, estribillo, estrofa,…), pero que hacen más hincapié en la arquitectura sonora de un paisaje inalterable y buscan captar ese instante de lo visual y transformarlo en un inspirador momento de armonías sucesivas. “The English Cold” es uno de esos trabajos, July Skies es una banda que sabe muy bien capturar imágenes y hacerlas canción. Y en este lanzamiento es un trabajo que recrea paisajes visuales en paisajes sonoros. Así como un documental sobre la segunda guerra mundial, llenos de
imágenes y narraciones, July Skies crea su propio relato sobre paisajes desoladores y abandonados en las zonas rurales de East Anglia. Un álbum conceptual dedicado e inspirado en los aviadores de la segunda guerra mundial, pero no como en de Dark Side of The Moon o The Final Cut, con esa explícita narración vocal o sonora, sino con una fantasmal ambientación, evocando esos fantasmas de un tiempo pasado, que aún habitan en los hangares abandonados, de los que alguna vez fue inundado de pilotos y aviones de guerra. Hace mucho había leído que, para inspirarse para la composición, Antony Harding, había estado por las zonas de East Anglia (zona que durante la segunda The 13th 103
guerra mundial fue base de la Royal Air Force y construyó varios aeropuertos, hoy algunos abandonados). Harding había estado observando y sacando fotos en una tarde nublada, luego esas imágenes fueron la Musa inspiradora de las ambientaciones del álbum. Para afirmar esta declaración sólo basta con mirar la dedicatoria, “para los aviadores perdidos” y el subtítulo del álbum, “1939 – 1945”, años de la segunda guerra mundial. La mayoría de las trece canciones se mueven en un letargo cautivante, a veces hipnótico, lleno de naturalidad y frescura. Logrando momentos de vacíos cargados de vida y coloraciones múltiples. Las sonoridades de las guitarras crean climas espectrales, calmos, con mucha espacialidad, pero no del espacio exterior, sino de espacio terrenal, de campos largos bajo una nubosidad tenue y gris, como en “East Anglian Skies”, en donde los efectos sonoros de las guitarras crean paisajes desolados y lánguidos. Un álbum con muchas canciones instrumentales, sólo hay voces en “The English Cold”, “Strangers In Our Lanes”, “Death Was Where Your Sky Was”, “Cloudless Climes & Starry Skies”, “Lost Airmen”, “August Country Fires” y “Faded Generation”. Todas canciones ambientales y de lo
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que conocemos como soundscapes. Sólo dos canciones poseen participación de algún ritmo, “The Might 8th” y “Waiting To Land”, que crean una atmósfera más liviana y le imprimen un poco de vértigo al álbum. Antony Harding es la cabeza del proyecto y siempre tiene participaciones musicalmente y compositivamente de sus amigos, Rob Glover, Becca Stubbs y nuestro asiduo reporteado en nuestras dos últimas revistas, Ben Holton, quien participa en guitarras y piano. The English Cold es una clase magistral de cómo, sin apelar a la documentación de datos e imágenes, para mostrar y recrear un tiempo olvidado, como un documental, sólo la música incidental sobre un suceso lejano en el tiempo, puede transmitir esa desolada y abandonada sensación de soledad y pérdida, en algo tan cruel como una guerra. Un ejercicio de relajación auditiva. Un disco cautivante, etéreo, melancólico, relajado y con una extraña luminosidad ambiental. Un álbum que adormece la ansiedad y explora un universo interno a partir de un paisaje visual desolado.
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Hidden track
1967. Sesión fotográfica de Nico y Andy Warhol como Batman y Robin para la revista Esquire. La historia comienza en 1964 con el film de Andy Warhol “Batman”, sin el permiso de DC Comics. Sólo se pudo exhibir en las exposiciones de arte. Acá las imágenes de esa producción homenajeando al dúo dinámico de los años 60, protagonizado por Adam West y Burt Ward.
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RESCATE CINÉFILO
CINEFILIA NAVIDEÑA Por Nicolás Ponisio
Con motivo de esta ajetreada época del año y del hombre que mágicamente entra a las doce en los hogares de todos (incluso si no tienen chimenea), el staff del departamento de cine optó por escoger algunas películas con temática navideña o que transcurran en esta ¿bella? época del año y compartirlas con ustedes. Así que aquí lo tienen, con ustedes el especial de Navidad de The 13th.
APARIENCIAS Con una mirada tierna e infantil Tim Burton nos introduce en un mundo que, al ahondar en él, revela su verdadera naturaleza. No es al azar que el film comience con la inocente pregunta de una niña a su abuela acerca de dónde proviene la nieve. Al escarbar en ella, donde se pueden formar ángeles o construir muñecos de nieve, descubrimos una fuerte crítica hacia las apariencias y la hipocresía. El hecho fantástico del joven que en vez de The 13th 112
manos posee tijeras, y que funciona como el elemento atractivo de la narración, pasa muy levemente a un segundo plano priorizando las dos caras del pueblo que lo acoge. Burton presenta a las, a primera vista, agradables personas que demuestran siempre su interés curioso y hasta mórbido, logrando que su verdadera naturaleza se vaya exponiendo cada vez más. La mirada cómica se vuelve oscura y lo gótico (marca
ya conocida del director) se torna dramático. El abuso, la falsedad y el desprecio son características identificativas en el día a día y por lo tanto creadoras de empatía con el personaje de Edward ( Johnny Depp). Nosotros, el público, convivimos con ellas a diario, tenemos vecinos o conocidos como los que se ven en el film, los padecemos o interactuamos con ellos con la misma moneda falsa que nos entregan. Lo que puede resultar una historia que, una vez más en apariencia, es lejana a quien la ve termina acercándose para vivir cual vecino molesto a su lado. Los cuentos de los hermanos Grimm eran relatos tomados de la cultura
alemana cargados con un contenido crudo y mucha violencia. Con el fin de resultar más aptos para los niños, estos relatos se fueron aggiornando con el paso del tiempo volviéndose más inocentes. Con su cuento Burton realiza lo opuesto, lo cubre de una capa dulce y naif (la música de Danny Elfman y la colorinche paleta de colores de la ciudad del film también son generadores de ello) como si de la portada del libro se tratara solo para al abrirlo y encontrar que su contenido es mucho más oscuro y desesperanzador. Otro ejemplo en un film contenedor de apariencias por donde sea que se lo mire.
LA MARAVILLA DURANTE NAVIDAD La Navidad y Tim Burton forman una pareja que nunca ha defraudado. En 1990 nos traía, a todos los que vivimos en un ambiente donde no nieva, la creación de la nieve de la mano (o debería decir tijera) de Edward Scissorhands. En 1992 volvería llevar a cabo una entrega del famoso caballero oscuro, quizás demasiado apartado del material original, adaptándolo
en esa época navideña donde los copos blancos de nieve y la frialdad de Gotham coexisten perfectamente en lo que es una pesadilla navideña. Pero la verdadera pesadilla llegaría un año más tarde con un film que en su interior demuestra ser todo lo contrario. En esta ocasión ocupando la silla de productor y creador de la historia, Burton se apartaría The 13th 113
de la dirección para dejarla a cargo de Henry Selick, un viejo colaborador suyo (trabajaron juntos en el film animado de Disney de 1981, The Fox and the Hound). The Nightmare Before Christmas, mejor conocida por nuestros lares como El extraño mundo de Jack, mayormente ha sido alabada como una obra de Burton. Si bien es cierto que la presencia del director de Beetlejuice (1988) se nota a todo momento, no se puede negar que el trabajo de dirección en stop-motion (animación cuadro por cuadro) es el área de trabajo que mejor le sienta a Selick y donde se desenvuelve con mayor creatividad junto a sus animadores. El trabajo en conjunto de ambos realizadores logra que el film, dentro de su oscuridad, brille alcanzando la excelencia en cada aspecto. Crean su propia criatura, única en su especie. Burton le cede el corazón que poseen los personajes y la historia pero quien les da forma corpórea y movimiento es Selick. Para que la criatura viva por completo falta mencionar un elemento más y ese es la voz. Danny Elfman, no podría ser otro, se encarga a través de la letra de los temas y la
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música de terminar de agregar el factor vida. Después de eso, la obra se yergue y anda. Así como la unión de dos directores tiene como resultado un ejemplo de obra clásica del séptimo arte y una escuela viviente de animación, también dentro de la historia se hallan dos elementos muy diferentes el uno del otro que a la vez se unen y funcionan en conjunto de la mejor manera posible. Halloween y Navidad se topan cara a cara, algo antes nunca imaginado. Al ingresar a un portal Jack Skellington (Chris Sarandon y al cantar lo personifica la voz de Danny Elfman), nuestro carismático protagonista que pareciera ser la reencarnación animada de Fred Astaire, se topa con una festividad que para los meros mortales hoy en día nos resulta ya una publicidad más de Coca-Cola. Jack encuentra en la Navidad una razón de seguir adelante, nuevas emociones que lo llenan de la vitalidad agotada por festejar una y otra vez la misma aterradora celebración. El tono casi monocromático y gótico de la Tierra de Halloween entra en contraposición con la Tierra de Navidad, colmada de aspectos coloridos y la inocencia de sus seres (algo similar haría Burton doce años después en
Corpse Bride, donde el mundo de los vivos es deprimente, opaco y el de los muertos alegre y lleno de colores). Esos aspectos opuestos del film se acrecientan con el uso de la banda sonora de Elfman, la cual capta tanto el tono lúgubre como alegre y a la vez arremete de manera colorida al film incluso en sus momentos más oscuros. La ironía mortuoria de Burton y la depresión de Jack o la del personaje de Sally (Catherine O’Hara) parecen encontrar en la artesanía visual de Selick el terreno justo donde reflexionar y maravillar al espectador (y de paso también aterrorizar por momentos a los más pequeños).
gente que carece de nuestro agrado, para otros es una época triste y desprovista de significado. Por suerte, un 25 de Diciembre irrumpió en los hogares la intención buena y lúgubre de Jack Skellington. Mientras que para los humanos del film todo ello deviene en caos y espanto, para los habitantes de nuestra realidad los opuestos vuelven a atraerse y tienen como resultado colmar de alegría y reinterpretar una vieja y cansina celebración. Desde entonces, cada Navidad se puede desear que Jack ingrese a nuestro mundo y secuestre a ese gordo invernal de los regalos. Soñar no cuesta nada y menos si se hace viendo The Nightmare Before Christmas. Felices fiestas, de parte de Jack y de quien les escribe.
La Navidad para muchos puede resultar una reunión caótica en la que se debe lidiar con
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A Very Harold and Kumar 3D Christmas y Cuento de Navidad Por José Luis Lemos
Qué bello es fumar (o It’s a wonderful joint) Drogas, violencia, desnudos, Danny Trejo… ¿Se trata de una película de acción? No,estamos hablando de una película navideña. Pero de una muy particular, que ya desde el título nos advierte por qué lado va a ir la mano. A Very Harold and Kumar 3D Christmas (Todd Strauss-Schulson, 2011) trae de regreso a la dupla que tomó la posta de Cheech y Chong, aquellos dos marihuaneros que durante los ochenta protagonizaron odas cannábicas en forma de comedias contraculturales. Harold y Kumar ( John Cho y Kal Penn) comenzaron como una versión más teenager de aquel dúo, tomando influencias del cine de John Hughes (al que la primera película de la trilogía, Harold and Kumar goes to White castle, rendía claro tributo), algo de Kevin Smith, una pizca de After Hours (Martin Scorsese, 1985) y bastante de los hermanos Farrelly. The 13th 116
El formato de los tres films (el segundo fue Harold and Kumar: Escape from Guantánamo) es siempre el mismo: los dos amigos se ven envueltos en problemas a lo largo de una noche (generalmente a causa del problemático Kumar) y tras una serie de incidentes, a cual más absurdo, la amistad que parecía resquebrajarse finalmente se reafirma. No se alarmen, al revelar la estrucutura argumental no estoy quitando nada de la diversión. La gracia de los films de Harold y Kumar reside en su imprevisibilidad, en su capacidad de sorprender con una gama de situaciones apropiadamente fumonas que, aun alcanzando altos picos lisérgicos, no logran distanciarnos de los personajes y sus conflictos. Su condición de semi-road movie también permite el lucimiento de una serie
de personajes delirantes que a veces reinciden en cada entrega, como María, la novia de Harold, Rosenberg y Goldstein, los dos vecinos de los protagonistas, y Neil Patrick Harris haciendo una versión políticamente incorrecta de sí mismo, entregado totalmente al sexo y las drogas duras.
El film transcurre seis años después de la segunda entrega. Harold, ahora casado con María, se convirtió en un yuppie de Wall Street en plena crisis financiera. Kumar, que no ve a su amigo hace años, se encuentra desempleado y, además, su ex novia Vanessa le informa que espera un hijo suyo. Sus caminos se cruzarán nuevamente cuando Kumar accidentalmente prende fuego el árbol de navidad del suegro de Harold (Danny Trejo en plan navideño) y se ven obligados a conseguir uno a toda costa antes de navidad. El argumento es tan solo una excusa para hilvanar una serie de gags que se burlan de las películas navideñas y sus acostumbrados mensajes de paz y unidad familiar, y cada objeto sagrado de las festividades es profanado,
comenzando por un árbol prendido fuego y arrojado por una ventana y terminando con una aparición especial de Santa Claus no apta para niños impresionables. El mismo formato 3D en el que fue rodado el film es objeto de chistes en la primera escena, y los guiños al espectador se hacen presentes en otros detalles más o menos sutiles que están ahí para quien los quiera (y pueda) agarrar. El humor escatológico está a la orden del día pero también, como en las otras entregas, un alto nivel de delirio que incluso lleva a convertir a los protagonistas, por unos minutos, en figuras de plastilina de stop motion. Los films de Harold y Kumar no serán ejemplos de sutileza y de comicidad elegante, pero al igual que Jay y Silent Bob, los fumones creados por Kevin Smith, funcionan gracias al carisma de sus personajes subyacente bajo capas y capas de chistes zafados, que aunque parecen decirnos todo el tiempo que no hay que tomarse las cosas demasiado en serio, a la vez resaltan valores como la amistad y la tolerancia. Lo cual no es poco en una película en la que aparece Danny Trejo.
Cuentos navideños (de la cripta)
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España, Navidad de 1985. Al ritmo de una alegre melodía, un grupo de chicos de no más de diez años andan en bicicleta por las calles de un típico pueblito de veraneo. Sus gustos son los mismos de cualquiera de esa edad en esa década: Karate kid, Star Wars, Brigada A y las películas clase B de zombies. La existencia idílica de estos niños se ve perturbada cuando descubren un pozo en medio del bosque, y dentro del mismo a una mujer vestida de Santa Claus que resulta ser una delincuente buscada por la policía tras robar una importante suma de dinero. En vez de avisar a los autoridades, los amigos acuerdan mantener a la mujer allí hasta que les revele donde ocultó su botín y de ese modo tener un regalo de Navidad más grande de lo acostumbrado, sin saber que esta decisión podría hacer peligrar sus vidas. Historias para no dormir fue una serie de episodios de terror creada por Narciso Ibañez Serrador, el hijo de Ibañez Menta, allá por los sesenta. Generalmente se trataba de adaptaciones de obras literarias clásicas de Ray Bradbury y Edgar Allan Poe, en sintonía con las películas que se encontraba realizando Roger Corman por esos años.Tras una veintena de episodios, la serie llegó a su fin para ser reflotada en el 2005 en formato de telefilm con el nombre de Películas para no dormir. Con una duración promedio de cincuenta y setenta minutos, los seis films fueron dirigidos por figuras muy conocidas en el panorama de cine fantástico español, como Alex de la Iglesia, Jaume Balagueró y el propio Ibañez Serrador, además de contar con un presupuesto generoso al tratarse de telefilms. Lamentablemente, solo dos de los episodios fueron emitidos The 13th 118
(La habitación del niño, de Alex de la Iglesia y Para entrar a vivir, de Jaume Balagueró) y el resto se editaron en dvd. Cuento de navidad, dirigido por Paco Plaza (co-director y guionista de las saga Rec) es uno de los mejores episodios de la serie, y uno de los más arriesgados al estar protagonizado por niños. Plaza hace oídos sordos a aquella conocida máxima de Hitchcock (nunca trabajes con niños o animales) y pone de protagonistas a una pandilla al estilo Los Goonies, en un mundo donde casi todos los adultos no tienen rostro, como si se tratara de un capítulo de Tom y Jerry. Cada personaje representa un estereotipo de lo que significaba ser niño en los ochenta, y los guiños a esa generación pueblan cada fotograma: tenemos al fanático de Karate kid que pasa sus tardes practicando la grulla, a los aficionados al cine de terror obsesionados con una película italiana de zombies clase z llamada Invasión zombie, y la chica que sueña con ser la princesa Leia (encarnada por Ivana Baquero, la ganadora más joven de un premio Goya a actriz revelación por su trabajo en El laberinto del fauno). La historia, que en un principio parecía destinada al público infantil, se va tiñendo de a poco de un tono más siniestro, y la película familiar de tarde de domingo se convierte progresivamente en un slasher de sábado a la noche, aunque el encargado de la banda sonora parece no enterarse. Y ese es uno de los mejores aciertos de Cuento de navidad, ya que aunque las acciones de los niños se vuelven cada vez más moralmente discutibles, el film no abandona nunca su
tratamiento de aventura atp, logrando un contraste muy divertido. Del mismo modo, la película juega con el espectador y su identificación con los personajes: ¿tenemos que ponernos del lado de los chicos que deciden retener a una asesina en un pozo por que la música parece indicarnos que así tiene que ser? Aun cuando la unión de dos géneros tan disímiles parezca irreconciliable, el film de Paco Plaza transcurre con una fluidez portentosa y, antes de que nos demos cuenta, habremos pasado de Verano azul a El resplandor casi sin escalas. El punto de giro final es la estrella que corona un árbol de navidad repleto de adornos brillantes, pero que oculta bajo la tierra unas raíces podridas y retorcidas.
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Interstellar
Tiempo y espacio. Los dos grandes carceleros de la tercera densidad. ¿Qué sucedería si para que la raza humana sobreviviera tuviéramos que hallar un modo de lograr transgredirlos? Esta es la premisa de la nueva y genial película de Christopher Nolan: Interstellar.
Por Pablo Ravale
planteados e investigados por gente como Albert Einstein o Kip Thorne (quien además fue asesor científico del film), el director británico nos ofrece esta vez una historia acerca del destino de la humanidad y los grandes interrogantes que ello acarrea. Aunque, ¿por dónde empezar? ¿Cómo desmenuzar, analizar y comentar tratando de Basándose en ciertos elementos de la física, ser objetivo con una obra que genera tantas The 13th 120
sensaciones y tantos pensamientos a la vez? Bien, supongo que arrancando por el principio… La civilización se está derrumbando a causa de una hambruna global, por una bacteria que ha acabado con todas las cosechas, salvo la del maíz, que de cualquier manera desaparecerá con los años. Así las cosas, la NASA ya no existe, y el trabajo de los agricultores es mucho más importante que el de los ingenieros. Por ende, es allí que entra en escena el principal principal protagonista de la trama, Cooper (interpretado por Mathew McConaughey), un ex astronauta, que ante la desesperante situación mundial, se ha visto obligado a trabajar como agricultor. Cooper tiene dos hijos: Tom, quien se aferra a la vida cotidiana de la granja, y Murph, una niña inquieta y demasiado inteligente para su edad. En efecto, es con ayuda de su hija que Cooper encuentra unas instalaciones secretas de la NASA (o lo que queda de ella), en donde trabaja un viejo conocido suyo, el profesor Brand (Michal Caine), quien lo recluta para explorar otra galaxia, mediante el cruce de un agujero de gusano (túnel cósmico que conecta dos puntos del espacio-tiempo), para entonces encontrar un nuevo planeta en el que la especie humana pueda sobrevivir.
la primera se desarrolla aquí en la Tierra. Empero el director parece trabajar de lleno en las expectativas del espectador, de la misma manera en que se suceden los avances (en los trailers de Interstellar, son pocas las imágenes que se muestran del espacio), centrándose en la interacción entre sus personajes. De todos modos, y ni bien la cinta va avanzando, lo que ocurre es que luego de comenzar el viaje y develar el semblante épico de la historia, la tensión se acrecienta, debido a la posibilidad de que dicha misión encabezada por Cooper termine perdida en los abismos espaciales, amén de correr el riesgo de que el agujero de gusano (al que en el film llaman “Gargantúa”) los haga sufrir una alteración temporal. En tanto, los exploradores no sólo podrían acabar separados de sus seres queridos por la distancia, sino también por el tiempo, y en ese sentido, no hay vuelta atrás.
Para ir cerrando, diré que Nolan, como director, es más que un arquitecto de mundos inquietantes… es un perfecto narrador de relatos cargados de un drama existencial tal (véase el caso de Memento, Inception o la última trilogía de Batman) que hace que todos nos sintamos comprometidos e identificados con las vivencias de sus personajes, al momento De las casi tres horas que dura la película, de estar sentados de cara a la pantalla.
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lo destacado del año
Fin de año, época de balances si las hay. Como no podía ser de otra forma, The 13th decidió hacer lo mismo con los estrenos del año. Buenos o malos, se ha hecho una selección de los más destacados. ¿Los motivos? A continuación.
A favor: Una telaraña sensorial Por Nicolás Ponisio
Si en su mejor estado de gracia Roman Polanski y David Lynch se encontraran y mantuvieran relaciones sexuales, de seguro luego de un período de gestación darían a luz a ese ser inquietante llamado Enemy. La criatura posee rasgos de ambos directores pero el padre no es otro más que Denis Villeneuve, cineasta canadiense que viene sorprendiendo desde hace un tiempo con títulos como Incendies (2010) y Prisoners (2013). En esta ocasión sorprende, inquieta, estimula y genera un sin fin de sensaciones más que va construyendo de a poco y uniéndolas en una licuadora de sentidos. Sumamente oscuro, el film basado en la obra literaria de José Saramago titulada “El hombre duplicado”, ejerce su poder de atracción a través de diversos factores. A partir de las escenas con forma de interrogante, de la sexualidad a flor de piel e imagen, del ambiente surrealista y kafkiano, The 13th 122
teje una teleraña (palabra no elegida al azar) entorno a ellos que envuelve nuestras confusas cabezas, haciendo imposible el poder escapar de esas redes. El conjunto de elementos como el misterio hipnótico del film, el constante uso perturbador de la banda sonora y la fotografía con dejo de atmósfera viciada, elaboran la sensación recurrente de que algo, o todo, está mal. Lo cual despierta en quien lo ve, un extenso y atractivo malestar, por más contradictorio que eso suene. La tensión generada no da lugar al descanso, ni siquiera en esa idea central, nacida de Lacan, donde pueden subsistir los amantes más no así los amados, puede reconfortarlo a uno. Al finalizar esa vorágine visual/ sensorial el film dejará muchos interrogantes, sino todos, fecundados en la mente, devenida en nido, del espectador. Para quienes no la hayan visto, se recomienda fervientemente
hacerlo pero sin tener ningún conocimiento previo del film (evitar todo tipo de sinopsis y trailers) para alcanzar ese éxtasis emocional que genera la obra de Villeneuve y en
cierta forma poder también disfrutar del recorrido. Sin extenderme más, solo resta desearles bon voyage!!!
En contra: 2014: Odisea (del ego) en el espacio
Naves espaciales y astronautas aventureros siempre han cruzado el límite de lo alcanzable dentro del cine. Traspasan la estratosfera para encontrarse ante lo desconocido y así deslumbrar y entretener a ese fiel copiloto que es el público. En el caso de Interstellar, se vuelven a despegar los pies de la Tierra, se alcanza lo inalcanzable para descubrir, tristemente, que no hay tal cosa como lo desconocido. En vez de hallar vida extraterrestre o nuevos mundos, Christopher Nolan nos traslada a otra galaxia simplemente para encontrarnos una vez más con su enorme ego (sí, tan grande que debe vivir en toda otra galaxia). Al igual que en Inception (2010), el director elige contar la historia de un padre que, misión de por medio, lo único que busca es poder volver con sus seres queridos,
sus hijos. Entre tramas y subtramas de distintos personajes, interrogantes éticos, reflexiones sobre la relatividad del tiempo y complejidades innecesarias, Nolan simplemente cuenta una historia de amor paternal y filial. Pero, como suele ocurrir en su cine, no se puede viajar de A a Z linealmente sino que desordenará todo el abecedario con el fin de pasar por complejo algo que no lo es tanto. Su carácter pretencioso no le permite acercarse al espectador. Enamorado de su propia mente, el director británico busca que cada factor del relato tenga un núcleo totalmente cerebral que, incluso en los momentos más emocionantes, sean tapados por una capa gris de frialdad. No permite acercamiento alguno para con el espectador, solo lo aparta volviendo realista la sensación de estar uno sentado en su The 13th 123
butaca y los personajes a años luz de distancia sin contacto humano. Pero, dentro de esa obsesión de buscar fundamentos realistas en todo lo que hace y dar cátedra sobre astrofísica, Nolan en breves momentos deja vislumbrar un poco de humanidad en su ser. La base que establece las metas y preocupaciones de Cooper (Matthew McConaughey) es la familia. Es por ello que se brinda la empatía necesaria gracias a las escenas que lo tienen a él y a su familia, especialmente con Murph, su hija (Mackenzie Foy, la mejor actuación en todo el film), las cuales son cálidas y sentimentales. Si bien el film es una superproducción de ciencia ficción, donde el registro de escenarios naturales y artificiales son totalmente destacables, es en el costado humano donde los verdaderos sentimientos afloran, un despertar de sensaciones llega al receptor de la obra y realmente se está ante una experiencia que se puede llamar cinematográfica. Nolan entiende sobre cine, pero no lo siente. De ahí su afán por volverlo todo un manual de estudio. Como si fuera la cursada de una materia interesante que es dictada por un profesor de lo más aburrido. El atractivo está a plena vista, pero una vez que estamos en la sala con el profesor, hallamos la
verdad. Si no hay esmero en ponerle emoción al material, el mismo termina por perder todo interés. La misma falta de interés que tiene el director por el cine, se hace evidente también en el empeño de querer explicar todo en todo momento. La persona que entiende el cine deja que la misma narración y la creación de los personajes y sus complejidades se abran camino hacia el público. Nolan, ser superior que se cree un gran intelectual y por ende subestima al espectador, no deja nada a la interpretación y eso mismo es lo que termina por anular cualquier cercanía que se podía tener. Tratándose de un film de ciencia ficción, la falta de imaginación para llevarlo a cabo parece haber sido absorbida por un agujero negro. Las emociones ganadas en la cercanía familiar se pierden dentro de la falsa intelectualidad de la que el cineasta hace gala. Si bien todo el clímax final parece entender que se trata de una aventura y pareciera ir a buen puerto, la revelación y conclusión final termina donde comenzaba: en la egolatría del director. La aventura interestelar se anula en la frialdad de la misma junto a la falta de gracia del robot de turno que, a pesar de ello, parece tener más sentimientos que Nolan, el verdadero androide del film.
Muy a favor: The Wes Anderson Picture Show
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La visita a una muestra pictórica y el recorrido a través de la misma solo es el puntapié inicial de ese museo, obra de arte por sí mismo, que es The Grand Budapest Hotel. Wes Anderson puede ser acusado de repetirse constantemente o de centrarse principalmente en la estética, poniendo en juego el descuido del relato. Para aquellos comentarios desafortunados, Anderson demuestra la dedicación y el timing necesario para abordar ambos elementos con sus precisas pinceladas. La característica rigidez corporal que emplea en sus personajes, la perfección cuasi estática de los planos y el estallido de colores en la inmensidad de un pequeño mundo de maquetas no restringe para nada los actos y emociones de sus protagonistas. Todo lo contrario, se mueven dentro del marco que representa la cámara, con la gracia y ágil movilidad que parecieran intentar atravesar la cuarta pared. Pero no es un intento de escape del perfeccionismo de la imaginaria república de Zubrowka, territorio donde tienen lugar los acontecimientos, sino un paseo en el cual los “héroes” del film irán saltando de un cuadro a otro. Incluso en aquellos momentos donde el plano puede resultar soberbio y abruma con la cantidad de pequeños detalles en escena, M. Gustave y Zero (Ralph Fiennes y Tony Revolori) funcionan como elementos que entran en juego con la obra, volviéndola una serie de piezas de arte intervenido. La estética renacentista del director se
topa con la expresión caricaturesca (estilo al que Anderson ya se había aproximado con su film de 2009, Fantastic Mr. Fox); lo que hace llevar más allá de los límites la gracia y el absurdo al que se exponen estos prófugos personajes, conserje y botones de hotel convertidos en ladrones de guante blanco y presuntos culpables de un asesinato. El encadenamiento de diversos sucesos introduce una variante de géneros que se suceden sin desentonar. Eso permite que el director, al igual que sus personajes, se pasee en distintos estilos como lo son la comedia, el romance, el suspenso y, el más aprovechado, la aventura. El escape de una prisión, la búsqueda de un tesoro o una persecución en la nieve, demuestran que la nostalgia estética de Wes Anderson y el irrefrenable impulso a ser desestabilizada (disparos que arremeten contra el hotel o una caída que destruye la perfección de las apiladas cajas de pasteles) van de la mano. Construye una casa de muñecas que no solo debe ser apreciada y conservada en perfecto estado como haría un coleccionista nerd. No, el director se permite jugar con ella y con cada elemento que la componen. Crea su obra y la dispone de forma maleable. Si se vuelve a la idea del film como cuadro pictórico perteneciente a la intervención artística, entonces difícilmente pueda uno negarse a robarlo y llevárselo consigo. Ahora resta escapar junto a M. Gustave y su fiel compañero.
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Filmame esto, Louis Por Jose luis lemos
Nightcrawler (sustantivo) 1-Un gusano, en particular aquellos que salen a la superficie de noche y son usados de carnada. 2-(informal) Una persona que es socialmente activa por las noches. Estas definiciones quedan desarticuladas desde el momento en que el traductor de títulos, esa figura despreciable sin rostro que muchas veces es el verdadero villano de la película, decide renombrar el film como “Primicia mortal” creyendo que de ese modo la gente va a tener más ganas de pagar una entrada, como si la palabra “mortal” fuese una especie de sortilegio que lleva a los espectadores al cine como zombies. Da miedo saber que hubiera pasado si al mismo tipo le encargaran el trabajo de renombrar Taxi driver. ¿“Taxi mortal”, quizás? En cualquier caso, en ambos títulos se incurriría en el mismo error. No es la primicia y sus riesgos el tema principal en Nightcrawler, como tampoco lo era la profesión del protagonista en la obra maestra de Martin Scorsese. Ambos The 13th 126
films son estudios de personajes al borde de la locura, sociópatas dispuestos a todo con tal de lograr sus propósitos. Y, al igual que De Niro personificando a Travis, Jack Gyllenhaal borda su papel creando un personaje siniestro y querible a la vez que, sin dudas, quedará entre los más destacados del 2014 y, si hay justicia en este mundo, de la última década. Estamos hablando de Louis Bloom. Louis Bloom vive de noche. Su insomnio lo lleva a buscar trabajos nocturnos poco convencionales, como robar y vender alambre por unas pocas monedas en los suburbios de Los Angeles, hasta que descubre el submundo del periodismo freelance. Que es una manera más elegante de definir a los buitres que persiguen accidentes o escenas del crimen cámara en mano, para vender el material a las cadenas informativas locales, profesión que conoce gracias a Joe (Bill Paxton). Louis, que esta obsesionado con los lemas empresariales, ve en esa actividad una veta comercial y decide comprarse una cámara de video para ponerse al servicio de Nina (Rene Russo), la directora de un canal
de noticias. Su búsqueda desesperada de primicias (mortales) lo enfrentará con Joe, pero Louis no está dispuesto a ceder terreno en su camino hacia el éxito. Quizás la peor forma de recomendar Nightcrawler sea decir “es la primera película como director del co-guionista de Freejack (Geoff Murphy, 1992)”. Quizás Dan Gilroy, guionista y director, salga corriendo cada vez que le recuerdan su participación autoral en aquel film de ciencia ficción co-protagonizado por Mick Jagger. Sus créditos no mejoran cuando su curriculum lo involucra en la nefasta Superman Lives que afortunadamente nunca vio la luz. Pero Gilroy es la prueba viviente de que todos tenemos una oportunidad de reivindicarnos, y con su ópera prima lo hace de la mejor forma. Es difícil encuadrar a este film en un género específico, y esa quizás sea una de sus principales virtudes. Ver un producto hollywoodense en el cual no se sepa hacia donde nos va a llevar la historia es una experiencia estimulante que resulta un soplo de aire fresco en un panorama árido de ideas. Por momentos estamos ante un drama psicológico, luego el tono vira hacia la comedia negra para más tarde convertirse en una buddy movie o internarse en los terrenos oscuros del thriller noir. Del mismo modo, es saludable que el protagonista sea un antihéroe que en una escena puede generar una identificación en el espectador por su condición de querible loser, para inmediatamente después generar incomodidad con sus actos inescrupulosos. La falta de un antagonista refuerza las
características autorales de la obra, en el mejor sentido de la palabra, lejos de fórmulas remanidas pero sin olvidar nunca los atractivos de una historia clásica. Un clasicismo presente sobre todo en su estilo visual, con un pie en la actualidad y otro en los ochenta, al igual que en Drive (Nicolas Winding Refn, 2011), film con el que comparte cierto parentesco sobre todo por sus herméticos protagonistas. A la hora de buscar otros precedentes, también se podría incluir a Bringing out the dead (o Vidas al límite, como le puso esa despreciable figura sin rostro mencionada antes). El personaje de Nicolas Cage en aquel reprise de Taxi driver, dirigido también por Scorsese, era un nightcrawler, un tipo al que le era imposible dormir por las noches y, torturado, recorría las calles a bordo de una ambulancia esperando salvar alguna vida. Louise Bloom sería su cara opuesta, el tipo que disfruta con sus hábitos nocturnos, vagando por los suburbios tras sangre y muerte, como un vampiro que en vez de clavar los colmillos en sus víctimas los encuadra con su cámara y los penetra con el botón del zoom. Que a su vez trabaja para un vampiro aún más ancestral, los medios masivos de comunicación, que en pos de lograr picos de rating evaden toda obligación moral o legal. La crítica social y el entretenimiento se dan la mano en feliz matrimonio, llevándonos de las narices hacia los infiernos de los suburbios, pero también del periodismo más bajo. Seguramente, el mismo infierno del que proviene aquel tipo que decidió renombrar este gran film como Primicia mortal.
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Boyhood: un viaje en el tiempo sin efectos especiales Por Gustavo garcía
Una de las cosas que más nos atrapa en internet es ver fotografías de “antes y después”. De cómo el tiempo hizo su trabajo en famosos, edificios, ciudades y hasta en nuestros propios contactos de redes sociales (¿quién no subió su foto de chiquito al Facebook?). Nos atrapa la sorpresa del cambio o la falta de él y abrazamos la nostalgia por aquello que nos recuerda nuestro propio camino por esos días, meses y años que pasaron. Hasta ahora, sólo habíamos podido disfrutar de esas sensaciones por fotos o pequeños fragmentos de video, pero por suerte Richard Linklater nos trajo este año la posibilidad de vivirlas en una sola obra: Boyhood. Durante doce años, este director que ya nos tiene acostumbrados a proyectos pretensiosos que siempre llegan a buenos resultados – desde dejarnos encerrados en un cuarto de hotel por 86 minutos con sólo tres actores en Tape (2001), hasta dejarnos ser parte del origen, el enredo y el posible desenlace de una pareja en la, hasta el momento, trilogía Before Sunrise (1995), Before Sunset The 13th 128
(2004) y Before Midnight (2013) – se juntó por semanas con los mismos actores para traernos una historia de vida en la sociedad estadounidense post 9/11, sobre una familia moderna que crece frente a la cámara sin maquillaje ni efectos especiales. Boyhood está contada desde la mirada de Mason (Ellar Coltrane), un chico que conoceremos desde sus cinco años hasta sus dieciocho, que atraviesa su infancia, adolescencia y la entrada al mundo adulto entre la rutina de un hijo de jóvenes padres separados, con todo lo que ello implica: mudanzas, nuevas ciudades, nuevos amores de sus padres, nuevas familias, nuevas amistades, etc. Pero no es al único que veremos crecer, sino que pasaremos casi tres horas disfrutando de la transformación de cada personaje: su madre, la fantástica Patricia Arquette pre y post Médium (2005-2011), su hermana mayor Samantha (Lorelei Linklater), hija del director y una de las actrices revelación del 2014, su padre (Ethan Hawke), el mejor espejo del trabajo de Linklater a través de los
años (siguiendo con los mismos ejemplos, es genial ver al Ethan Hawke de Tape y al de Before Midnight en la misma película), y un grupo de actores secundarios que hacen de su labor un agregado fundamental para el transcurso de este bello viaje por el tiempo.
detallarnos en qué año está sucediendo cada escena. Puntos que se apoyan en distintas formas de entretenimiento y objetos de consumo, que van desde los libros de Harry Potter, películas y música, hasta la evolución de los celulares y las consolas de videojuegos. Un paso por hechos y objetos que además Incluso, la película también nos permite tocará lo más profundo de nuestra nostalgia, admirar el crecimiento y desarrollo de acompañado de un soundtrack que actúa Linklater como cineasta, confirmándonos como documental sonoro de la década. que desde siempre ha sido un detallista. Su trabajo se goza en la elección de cada palabra En definitiva, Boyhood es el pasaje a un que impone en sus extraordinarios diálogos viaje que te reencontrará con tu pasado y en esos pequeños detalles que hacen a una y tus propias vivencias, contado desde gran obra. En este caso, esos puntos están una ficción cargada de emociones y, sobre puestos en la selección de distintos momentos todo, retratada de una forma única y políticos, sociales y culturales que nos original como sólo Richard Linklater y sus sitúan en tiempo y espacio, sin necesidad de perseverantes proyectos pueden hacerlo.
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El JardĂn de las delicias -nuevas ediciones-
Merciful Nuns Meteora VII
Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 12 Septiembre 2014
Nuevo álbum de la banda de Artaud, Seth Jawa Seth y Jon Tmoh Merciful Nuns. Esperado y anunciado trabajo de los alemanes que dejan demostrado que comparten un lugar destacado entre las más grandes bandas del gothic Rock. Meteora VII nos inunda de la especialidad de la casa, perfectas canciones, ejecutadas con maestría y solvencia, conformándose en tal vez el mejor disco de su carrera. El comienzo con “Elektra” y “Phantom Wall”, ponen en claro que están más rockeros y animados, en el primer track exponen la enérgica contundencia gótica, sobre todo el potente dúo de batería y bajo, que hacen estragos en la marcada base, dejando que la guitarra flote sobre el ritmo y la voz perfecta de Artaud. En el siguiente track, la energía trota al ritmo de la sólida base rítmica del dúo batería y bajo, con toda la oscuridad de la voz y apoyadas en momentos por las teclas y la guitarra. Con la crudeza de los primeros Sisters The 13th 132
of Mercy. “Karma Inn”, otra extraordinaria. Canción sisteriana, con más presencia de los arpegios guitarrísticos a lo Wayne Hussey y la canción explota con el ingreso del bajo. TREMENDA CANCIÓN. “A Day That Fades”, una oscura y atemporal página de este álbum. La voz profunda de Antonin nos envuelve y nos hace parte de un ritual. Más atmosférica pero rítmica con el bajo bien adelante en la mezcla, el ritmo de la batería no se altera, dándole solidez a la canción. “Speed Of Light” es otra gran canción, más al estilo Merciful Nuns, potente con grandes cuotas de oscuros paisajes rítmicos pero con guitarras distorsionadas al mejor estilo del The Mission de sus primeros álbumes, sobre todo de Simon Hinkler. “Eulusian Ground”, el ritmo del disco y la intensidad no merman. Otra gran canción. “Zero G”, una de las más destacadas de Meteora VII. Enérgica, agresiva, oscura, potente, con una tremenda presencia de la batería y el bajo. “A Place Beyond”, profunda, climática, ritualista, casi mántrica. La voz de Antonin le infunde una negritud mágica, mágicamente negra. El ritmo tribal de la batería, con los tones y sin redoblante, acompañado con el pulso impenetrable del bajo y las atmósferas de los teclados logran que la profundidad se vuelva mántrica. La voz es inalterablemente oscura, “I am God”… Meteora VII es un gran disco, como dije antes, tal vez el mejor de Merciful Nuns, lleno de Gothic Rock puro y con pocos pasajes de ambientaciones lúgubres y fantasmales, como en sus últimos trabajos. Es un álbum en donde la banda vuelve a sus inicios, más enérgicos y brillando con sus composiciones casi perfectas. El punto más alto del álbum es la química rítmica (bajo – batería), que hace que el oído y el cuerpo reaccione a sus estímulos. La voz de Artaud es siempre enigmática, en momentos potente, en otros atmosférica, pero siempre
con esa carga de misticismo, puro y tribal. Una de mis elecciones como disco del año.
varias veces, nos incita a una nueva escucha.
Powersolo The Real Sound
Somewhere Under Wonderland
Label: Crunchy Frog Fecha de Lanzamiento: 19 mayo 2014
Si escuchan a The Cramps y extrañan mucho a Lux y ya no les alcanza con la abundante discografía de la banda de Interior y Poison Ivy. ¡No desesperen! Powersolo vino a ocupar un pequeño espacio de ese vacío. Es indudable que Kim Jeppesen tiene un timbre de voz similar al frontman desaparecido. Aunque a veces se lo nota IggyPopesco. El disco nos lleva de manera exquisita, divertida y agradable a lo largo de sus catorce canciones Desde el primer track “Boom Babba Do Ba Dabba” la alegría se apodera de los oídos y con un simple y enérgico psychobilly desata la diversión, la energía y el ácido del Garage Rock, que varias veces nos sitúa en los años sesenta, como en “Sasquatch”, sonando en partes de la canción más cercano a los Stooges. Hay psicodelia, psychobilly, garaje rock, todo en una mezcla impecable. “The Real Sound” es un álbum que sin sorprender, es altamente disfrutable de principio a fin, y que luego, sin pedirlo
Counting Crows Label: Capitol Records Fecha de Lanzamiento: 02 Septiembre 2014
Counting Crows han vuelto. Y lo han hecho a la grande. Hablar de este álbum implica hablar, sobre todo, de la canción de apertura: la excelente “Palisades Park” (me atrevo a decir que es, quizás, la mejor canción de todo su repertorio). De todos modos, la escucha del disco, con sus correspondientes demás canciones, se hace una experiencia super-disfrutable, amén de conmovedora. Hay momentos guitarreros (“Dislocation”, “Scarecrow”), perlitas country (“Earthquake Driver”, “Cover Up The Sun”) y baladas apabullantes (la antes mencionada “Palisades Park”, “God Of The Ocean Tides”). Difícil abstraerse entonces de la sensación que deja tras su experiencia, pues, si bien, Somewhere Under Wonderland, es un álbum corto, fresco y variado, es también una obra llena de profundidad y nostalgia. En fin, bienvenidos de nuevo a la fiesta, Counting Crows... esta vez los tragos corren por cuenta de la casa. The 13th 133
Ryan Adams Ryan Adams
Label: Pax AM / Blue Note Records Fecha de Lanzamiento: 21 Septiembre 2014
a bandas tanto de heavy como de punk. En definitiva, es con esta obra homónima que Ryan regresa triunfante, demostrando que él es -lejos- unos de los mejores cantautores de la escena alternativa.
Annie lennox nostalgia
Label: Blue Note Records Fecha de Lanzamiento: 21 Septiembre 2014
En su decimocuarto álbum en solitario, el eterno incorregible y talentoso Ryan Adams se aparta de la senda más country que había transido en su anterior trabajo (Ashes & Fire, de 2012) y retoma aquella faceta que había practicado en sus inicios, la del rock más ortodoxo y directo, propiciando que recuperemos sus evidentes conexiones con The Replacements o The Smiths. Así las cosas, al de Jacksonville, hoy más que nunca, se le nota esa frescura y espontaneidad de siempre, despachándose un nuevo conjunto de canciones que son tan geniales como modestas (véanse las guitarreras “Gimme Something Good” -primer corte del álbum-, “Kim”, “Trouble”, “Stay With Me”, “Shadows”, “Feels Like Fire”, o la intimista “My Wrecking Ball”). Y es que no es mera casualidad que el músico haya vuelto a dejarse el pelo largo o que haya rescatado de su armario las viejas camisetas de Slayer, Iron Maiden y Black Flag. Adams ha resucitado a sus raíces rockeras y lo ha hecho con coherencia; sintiéndose igual que aquel crío que a fines de los 80 adoraba The 13th 134
El regreso de Annie Lennox. Cuando me enteré de este nuevo álbum pensé dos cosas, primero: ¿Qué bueno que Annie vuelva a grabar?, esta misma pregunta me hizo pensar en los artistas que brillaron en los años ochenta que regresan (aunque también brilló como solista en los noventa)… la segunda al conocer el nombre de trabajo, “Nostalgia”, me sonó a reflexión, a mirarse a uno mismo y añorar al tiempo pasado (no les voy a mentir que no pensé en una recopilación de sus clásicos o algo de este estilo). Ahora bien, ¿qué me encontré al leer la lista de tracks? Me sorprendí… ¿Annie cantando standarts de Jazz? Fabuloso y atrevido. Ya que ante semejantes canciones elegidas, el reto de
no quedar en ridículo era muy grande… Pero señoras y señores… estamos hablando de Annie Lennox. Cuando lo escuché por primera vez quedé totalmente sorprendido, no porque piense que ella no sea capaz de interpretar estas grandiosas canciones, sino que quedé prendido al álbum por la elegancia y tremenda presencia de Annie ante cada canción, pero Lennox no las interpreta, ella se las adueña y realiza versiones memorables, imprimiéndole su estilo y clarificando sus bellos dotes como vocalista. Todas las canciones parecen ser canciones escritas por Annie Lennox. Acompañada con músicos de jazz o sólo con un piano, la excelencia de una extraordinaria cantante como Lennox dejan lugar sólo a la emoción. Las sutilezas en cada nota, en cada arreglo, en cada armonía, en cada silencio, hacen de “Nostalgias” una obra maestra en la carrera en soledad de la ex vocalista de Eurythmics. Un trabajo pensado y diagramado en cada detalle, arreglos llenos de belleza y luminosidad. Un riesgo encarado por esta excelente artista que la deja muy bien parada de cara al futuro, en la que puede hacer lo que quiera, que seguramente, lo hará bien.
Ya conocemos el trabajo de ambos artistas en solitario y juntos, siempre la calidad es lo más destacable, así como la hermosura de sus composiciones. Esta banda de sonido no es la excepción. Las guitarras de Robin son siempre un placer y la relación con los pianos ambientales de Harold hacen que las doce canciones sean un deleite para los oídos. Si bien tienen sus canciones exclusivas (seis Robin Guthrie y cuatro Harold Budd), y en realidad dos compartidas. La magia de este dúo lo conocemos desde hace mucho tiempo, ya en los tiempos de Cocteau Twins. Y han trabajado en varios álbumes. Este nuevo trabajo es sublime, mágico y relajante. Me cuesta elegir un track sobre otro, ya que todos tienen un encanto especial. No pueden dejar de escucharlo.
Aeon Sable Visionaers
Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 17 octubre 2014
Robin Guthrie and Harold Budd White Bird in A Blizzard Label: Lakeshore Records Fecha de Lanzamiento: 23 Septiembre 2014
Nuevo trabajo de Aeon Sable, la banda de Din-Tah Aeon, Nino Sable, Jo y Quoth, regresan después de Aequinoctium del 2013. Primer trabajo para el sello de los Merciful Nuns, Solar Lodge. El disco es impecable, tanto sonoramente como compositivamente. Con un Gothic Rock de muy alto nivel, estridente, oscuro y por momentos atrapante, The 13th 135
como en “Visions”. Con una gran canción introductoria como “Down of An Era” que abre el disco enigmáticamente, cargada de oscuridad y profundidad. Nino Sable y Din-Tah Aeon compusieron un gran disco, con excelentes guitarras apoyados sobre una sólida y enérgica base (bajo – batería). La impecable voz de Nino que interpreta las excelentes canciones que componen “Visionaers”. Algunas fiel al estilo Gothic Rock, otras más climáticas con variaciones entre las guitarras arpegiadas y bajos con solvencia y solidez. Un gran álbum de siete canciones.
The Church Further/Deeper
Label: Unorthodox Fecha de Lanzamiento: 17 octubre 2014
En el número anterior Steve Kilbey nos adelantaba sobre el nuevo trabajo de The Church, Further Deeper. Y antes de escucharlo por primera vez pensé en las entrevistas que le he hecho y que, más allá de toda ansiosa espera, sabía que el resultado no iba a ser mediocre. Ante semejante declaración de mi parte, era fácil caer en la decepción, pero sin embargo, ante la finalización de la primThe 13th 136
era escucha (de las más de veinte que hice antes de hacer esta reseña), la sensación que tuve es de haber escuchado un hermosos álbum. Further Deeper es un trabajo que, de principio a fin, demuestra una gran calidad y una generosa predisposición para los ambientes cargados de instrumentaciones limpias y con un halo de preciosa melancolía. Sin la participación Marty Willson-Piper, lavanda se podía resentir, pero no se escucha ninguna resquebradura en la sonoridad de la banda. The Church han editado su álbum número veinticinco y están en un punto de su carrera compositiva exquisita.
Billy Idol Kings & Queens of the Underground Label: BFI Records Fecha de Lanzamiento: 17 octubre 2014
Nuevo disco de Billy Idol. Un álbum dispar, con miradas retro y actuales, en donde la sensación que se siente es que Idol no quiso despegarse de su glorioso pasado (escuchar “Postcard from the Past”, en donde se escucha una clara alusión sonora con “Rebel Yell”). Pero tampoco deja de sumarse a los sonidos más actuales como en el primer single “Can’t
Break Me Down”, que parece haber sido escrita por alguna banda actual (escuchar el estribillo pegadizo). Las intervenciones de Steve Stevens son siempre gratificantes, descolla y rockea en “Whiskey And Pills”, sin lugar a dudas la mejor del álbum. Realmente una vez terminado el álbum las sensaciones son ambiguas, por un lado creo que es un buen intento de regreso, con algunas canciones buenas, pero por otro lado, (a casi diez años de su último trabajo), creo que le falta un poco más de la rebeldía de Billy, pero pensando que es un hombre de casi 60 años, me hace pensar que es un buen regreso, aunque esperaba un poco más.
Einstürzende Neubauten Lament Label: BMG Fecha de Lanzamiento: 07 noviembre 2014
el escucha se sienta endulzado y confortablemente cómodo en sus beldades. Un disco sin tensiones, sin incomodidades estéticas ni sonoras. Un álbum en donde todo es armonioso y arquitectónico, respetando estructuras teóricas y prácticas de la belleza y cordura. Un álbum en donde todo es sutil y delicado, en donde toda postura estética y sonora está el servicio para que el escucha se sienta seguro y sin sobresaltos. Las canciones su suceden y la sensación de placer se va haciendo cada vez más perceptiva y nos va introduciendo en una meseta de confort. Es un disco que encuentra a los alemanes en un estado de somnolencia que no genera tensiones y sobre todo, al ser calmo y manso, logra que la confortabilidad y la liviandad sean generosas con el oyente. Un disco olvidable, no encuentra a la banda en un buen momento. Ahora bien… Juguemos a buscar la verdad sobre “Lament”. Les propongo que relean y lo pongan en negativo, que lo pasen como una imagen a los colores opuestos, busquen la antítesis de todo esto.
pink floyd the endless river
Label: Parlophone Fecha de Lanzamiento: 10 noviembre 2014
Regresan los ídolos de la juventud, los Neubauten vuelven con el disco que todos esperaban, y que seguramente los colocarán, una vez más, en la cúspide de las publicaciones mainstream del año 2014. Totalmente fácil de escuchar (cómo nos tienen acostumbrados desde su reunión), melodías plácidas, llenas de armonías para que The 13th 137
Cuando me enteré de este trabajo puse mi mente a pretender dilucidar de qué iba un nuevo álbum de una de las mejores bandas de la historia. El sólo pensar en que escucharía a Richard Wright en su momento creativo, aunque él no haya decidido mucho sobre el resultado final de los tracks. También pensaba en la cantidad de material que habían compuesto para su último álbum “The Division Bell” (1994), y que se supo desde un principio que serían canciones de esas sesiones de 1993 y 1994. Cuando vi las primeras imágenes de un hombre en una canoa remando en nubes me pareció de una poesía visual extraordinaria. Pero… ¿qué podríamos esperar de The Endless River?... Sólo que se edite… The Endless River es un álbum casi instrumental, de corte atmosférico, reposado, con ambientes sonoros conocidos, con sonoridades que parecen que ya las hemos escuchado, pero que de igual manera nos envuelven y nos transportan a esa canoa navegando por las nubes. A esta altura no se puede esperar un disco que cambie el curso de la historia como lo vinieron haciendo desde hace casi cinco décadas. Hay que escuchar este trabajo como un regalo final de una banda que se atrevió a todo y que aún les quedan ganas de hacer un tributo a uno de sus miembros fundadores, Richard Wright. Las composiciones tienen mucho del sonido clásico de la banda en los años setenta y arrastra estructuras de The Division Bell, pero con maestría en la mezcla y producción (entre ellos estuvo el Killing Joke, Youth). Escuchar el trabajo de Wright, la destreza de Nick Mason y la belleza única de la guitarra de David Gilmour, hacen que el alma flote en melodías conocidas, sin el vértigo de lo desconocido y atrevido, pero con la dulzura de mansas y reposadas caricias de armonías que nos provocan un tierno déjà vu. The 13th 138
Las canciones son instrumentales excepto su corte de difusión “Louder Than Words”, que es la única que se le agregó una letra escrita por la esposa de David, Poly Samson. Musicalmente no esperen nada nuevo, no sorprende pero evoca jóvenes y no tan jóvenes épocas de la banda. Más no podemos pedirles.
EN VIVO Elbow World Cafe Live EP
Label: Fiction / Polydor Fecha de Lanzamiento: 24 noviembre 2014
Elbow es una banda ampliamente respetada y peculiar que, sin embargo, hasta ahora, no había alcanzado el estatus prioritario que, por calidad y personalidad, siempre mereció. Repasando entonces lo que ha sido la gira de presentación de su último álbum de estudio (The Take Off And Landing Of Everything, de 2014), es que se desprende, aquí, este EP,
con cinco temas en vivo, a modo de excusa para seguirles de cerca la huella.
Compilaciones
pixies Doolitte 25
Label: 4ad Fecha de Lanzamiento: 28 noviembre 2014
David bowie nothing has changed Label: legacy Fecha de Lanzamiento: 17 noviembre 2014
Un compilado más de Mr. Bowie. Se trata de dos álbums con los singles de toda su carrera incluyendo también su último trabajo. Es una buena oportunidad para tener todos sus hits en dos compactos o vinilos. Incluye una canción inédita “Sue (Or In A Season Of Crime)”, un remix de “Love Is Lost” y todsa sus memorables canciones. Mucho para agregar a este tipo de compilaciones no hay, más ante semajante artista, lo único que se puede agregar, a modo de comentario, es que escuchar todos sus hits nos llevará por los recuerdos de toda nuestras vidas. Nada más... Nada menos.
Se cumplieron veinticinco años de la edición del álbum con el que los Pixies se despedían de la década de los ochenta, para entrar en los conflictivos noventa. Este año la banda estuvo muy, muy activa, tanto discográficamente como en lo que respecta a las giras. Ahora la banda lanzan una versión remasterizada, aunque ya hubo una remasterización en 1998, pero esta edición trae tres discos. El disco uno trae el álbum original. El segundo trae las Peel Sessions, laemitida el 18 de octubre de 1988 y la emitida el 02 de mayo de 1989, más los lados B de los singles “Monkey Gone To Heaven” y “Here Comes Your Man”. El tercer álbum, tal vez el más jugoso de esta edición, contiene veintidos demos, si bien algunas canciones se repiten, varían las versiones, lo cual no demuestra el camino que fue tomando la canción hasta llegar a la versión que todos conocemos. Una gran edición para uno de los mejores discos de la música indie. The 13th 139
Encuestas 2014 Hemos realizado una encuesta sobre cinco discos que hayan gustado mucho, no hemos hecho una gran campaña en esta encuesta, pero le hemos preguntado a algunos entrevistados, a parte del staff de revista the 13th.
Los discos del año 2014 Diego Centurión
Snowbird - Moon The Church - Further/Deeper Merciful Nuns – Meteora VII Iguana Lovers - Surfing Caos Annie Lennox – Nostalgia
Alejandro Cenizacromada Swans - To Be Kind
Marianarchy Deadbilly
Dark Insights - Obsessions Peter Murphy - Lion Rubella Ballet - Planet Punk Those Poor Bastards - Vicious Losers A Spell Inside - Autopilot
Maxx Wilda
Chromeo - White Women Gus Gus - Mexico Roisin Murphy - Mi Senti Kiesza - Sound of a Woman Brian Ferry - Avonmore
Pablo Ravale Counting Crows - Somewhere Under Wonderland
Elbow - The Take Off And Landing Of Eveything Ryan Adams - Ryan Adams Slipknot - 5: The Grey Chapter J Mascis - Tied To A Star
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Marcelo Simonetti
Anathema - Distant Satellites Leonard Cohen - Popular Problems Nacho Vegas - Resituación Wayne Hussey - Songs Of Razorblades & Candlelights Morrissey - World peace is none of your business
Damián Snitifker
Jack White - Lazaretto Radio Moscow - Magical Dirt Pez - El manto electrico El siempreterno - Para siempre no es suficiente Beck - Morning Phase
Benjamin Thomas Holton (Epic45 My Autumn Empire) Beck - Morning Phase Teleman - Breakfast Seamajesty - Seamajestea Swans - To Be Kind Aphex Twin - Syro Lukas Creswell Rost - Go Dream
Paul Robb (Information Society) Information Society - Hello world FKA Twigs - EP 2 Aphex Twin - Syro Big Data - EP 1.0 Erasure - The Violet Flame
Levinhurst
St Vincent - St Vincent Meg Myers - Make A shadow Mogwai - Rave Tapes Liars - Mess A Winged Victory For The Sullen - Atomo
Alex G - DSU Thurston Moore - The best day Dean Wareham - homónimo
Máximo (Otoño)
Pixies - Indie Cindy Morrissey - World peace is none of your business Bosques Interpol - El Pintor Amen Dunes - Love Bradford Cox - soundtrack de la pelicula Echo and The Bunnymen - Meteorites Johnny Marr - Playland ‘Teenage’
Los conciertos del año 2014 Para esta segunda encuesta la Hemos realizado sobre los conciertos que mas hayan gustado, le hemos preguntado a algunos entrevistados, a parte del staff de revista the 13th y a gente del público.
Diego Centurión
Spiritualized en Vorterix Alcest en The Roxy De/Vision en The Roxy The Hives en el Lollapalooza Nine Inch Nails en el Lollapalooza
Maxx Wilda
Franz Ferdinand en Estadio Malvinas Argentinas
Marianarchy Deadbilly
Jay Jay Johanson en La Trastienda DeVision en The Roxy
Damián Snitifker
Pixies en el Loollapalloza Pez en vorterix Flopa Manza Minimal en Ultra Radio Moscow en Uniclub Johnny Marr en Loollapalloza/Niceto
Bosques
Spiritualized en Vorterix Yo La Tengo en Vorterix Thurston Moore en Vorterix Rosario Blefari & La Vida Gigante en G104 Los Japón en Festi Hallo Discos
Florencia Fracas:
Yann Tiersen en la trastienda Morcheeba en Personal Fest Nine Inch Nails en el Lollapalooza Arcade Fire en el Lollapalooza Johnny Marr en el Lollapalooza Lorde en el Lollapalooza
Graciela Gómez:
Morcheeba en Personal Fest
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Efemérides:
29 de Diciembre de 1961 nace Jim Reid Jim Reid es un tipo con un gran sentido del humor, muy amable. Un roquero sensible, Jim Reid, Inmortal. Por Ariel Soriano
frontman de la banda que revolucionó el rock ‘n roll, nada más ni nada menos. La primera vez que lo ví fue en vivo en el Estadio Obras de Buenos Aires, en Junio de 1990, en esa oportunidad, con mis actuales compañeros de banda de Iguana Lovers, estuvimos ahí y quedamos The 13th 142
flasheados con el concierto que ofreció con The Jesus and Mary Chain. El estadio quedó electrificado, reverberante de ruido, era la primera vez que veía a una verdadera banda de Rock and Roll. Ese mismo día, una amiga, Mariana, que era habitué de la discoteca Mix de Belgrano, me comenta que iban a
ir luego del show y me mandé. Estaba solo en la barra, cuando lo veo llegar junto a su hermano William. Nadie de los presentes advirtió quienes eran, vinieron hacia la barra, ¡estaban un poco raros! con mucha timidez me acerqué y los salude, quise felicitarlos por el recital pero quedé paralizado, nos mirábamos y nadie hablaba, al rato me hicieron una seña que no comprendí y fueron hacia la cabina del DJ. Comenzaron a poner música con los vinilos que había, sonaron The Rolling Stones y Echo and The Bunnymen, entre los dos hermanos se turnaban, ¡varias veces saltó la púa!, Creo que desde que escuché Psycocandy, hace casi 30 años, Jim Reid comenzó a influir en mi vida y fue cambiando para bien, me animé
a formar una banda sin darle importancia a lo introvertido que podría llegar a ser en un escenario con una guitarra o gritando. Volví a escuchar mucho más atentamente a The Velvet Underground, T. Rex, Sex Pistols, The Stooges, The Ronettes, Beach Boys, Einsturzende Neubaten, The Ramones, los Stones, Dylan, Spector, comencé a investigar de dónde provenía ese ruido, esas estructuras no progresivas e hice árboles genealógicos. El tiempo pasó y seguí en esa historia hasta que por medio de Loz Colbert, un gran amigo, baterista de Ride y de Gaz Coombes, quien había comenzado a tocar en Jesus viene a Buenos Aires en 2008. Nos encontramos el día de los 25 años de
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democracia en la Plaza de Mayo. Loz llevaba una escarapela Argentina en el pecho que le habían puesto en una manifestación. Fuimos a tocar juntos, hicimos algunos covers de Jesus, Sidewalking y Reverence en La Cigale. Como al otro día tocaba con Jesus, tuvo la gran idea de invitarnos con los Iguana a compartir el día con Jim Reid y la banda en el club donde iban a tocar y así sucedió. Jim fue un tipo muy amable que se interesó por nosotros, nos preguntó por nuestra música, por la banda, como la pasamos la noche anterior, agradeció de que hayamos tocado esos temas y se río cuando le dijimos que también hicimos I wanna be your dog de The Stooges en alusión a Reverence. Ya en el backstage nos ofreció toda la cerveza que había, él no
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consumía alcohol en ese momento, el cual fue de silencio y respeto mutuo. Jim estaba contento, tuvo la delicadeza de decir que la próxima tocaríamos juntos, porque ese día cerraba The Offspring. Hopefully!, Grasy Arse! en vez de Gracias! La cuestión es que este frontman, que me ha marcado a fuego, un día de 2014 publica en facebook que va a tocar en Buenos Aires. Habíamos terminado de grabar y queríamos presentar el nuevo disco de Iguana Lovers, “Surfing Caos”. Como Loz, quien nos había presentado, no tocaba más en Jesus, le pregunte a Jim directamente si lo podíamos presentar con Jesus en Buenos Aires. No solo que fue así, sino también que Alan McGee, quien vino como manager de Jesus, nos ofreció
toda la colaboración de la crew de Oasis que estaban trabajando con ellos y un espacio más amplio para estar antes de subir al escenario. Nos encontramos un día antes y nos invitó al ensayo, pude ver como ensayaba esas canciones que tanto nos marcaron, ¡sus discusiones con William!. Esta vez nos saludamos y nos empezamos a reír, le agradecí a él y a Alan ¿por hacer de manager?!, Le pregunte si se acordaba de nosotros y dijo que sí, off course! pero también vi que lo miraba con complicidad
a Alan McGee como diciendo ¿y estos?, discutimos sobre cual banda era más cercana a The Stooges, por supuesto le dije que Iguana Lovers porque hasta el nombre tiene que ver con Iggy Pop y él dijo Bueno entonces voy a venir a verte y vas a tener que correr en bolas por el escenario!! Jim!, Muchas felicidades en tu día, ¡Sos inmortal!, keep on the road!! Grasy Arse!
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