The13th numero 15 by Revista The 13th

Staff

Idea Original: Diego Centurión Ligia Berg Emiliano Herrera

Realización:

Diego Centurión

Escriben en este número: Departamento de Música:

Diego Centurión Alejandro Cenizacromada Maxx Wilda Sergio Arreola Reséndiz Rodrigo Debernardis Ariel Soriano Marcelo Simonetti Daire Alujas Pablo Ravale

Departamento de Cine: Nicolás Ponisio José Luis Lemos Gustavo M. García

Departamento de Literatura:

Pablo Ravale Damián Snitifker

Departamento artes visuales: Arte de tapa realizado por Diego Segovia

Dirección General: Diego Centurión

Dirección de Arte y Diseño: Diego Centurión

Maquetación: Diego Centurión

Traducción:

Marcelo Simonetti

Corrector: Pablo Ravale

Colaboraron: Cristian Marcico

Crónica y Fotografías del Concierto

Contactos:

REVISTATHE13TH@gmail.com www.facebook.com/the13thlarevista issuu.com/revistathe13th @RevistaThe13th Las fotografias usadas en esta REVISTA son propiedad de sus respectivos autores.

Editorial 15

Febrero 2015

Continuamos el año 2015 con las energías direccionadas hacia nuestra propia superación. Hemos realizado un nuevo número que nos llena de orgullo. Empezamos con un escrito sobre Dead Can Dance y sobre Rozz Williams, presentamos una entrevista a un grupo de sellos independientes argentinos y nos enteramos su manera de trabajar. La portada realizada por nuestro artista Diego Segovia, nos resume las dos entrevistas internacionales, Wayne Hussey en una nota exclusiva, quien nos abre su corazón y nos dice su verdad, y Rachel Goswell de Slowdive, quien nos hablará de Pygmalion, el tercer trabajo de la banda que se ha vuelto a reunir. Un homenaje por su cumpleaños al guitarrista Brian James. Hemos presenciado el concierto de Jim Reid y Phil King en The Tabernacle, en el sur de Gales, donde asistió nuestro cronista invitado Cristian Marcico del sello Pinkirecords de Cardiff. Le damos un adiós a Steve Strange... Y como todos los números, lo acostumbrado, conciertos, discos que cumplen años, las nuevas publicaciones discográficas, literatura y cine.

Un número en el que buscamos traerles más calidad e información.

Revista The 13th.

The 13th 03

SUMARIO Año 2· Número 15 · febrero 2015

Revista EDITORIAL

p.03

Así en elcielo como en la tierra

Dead Can Dance por Sergio Arreola Resendíz

p.05

La renovada fuerza real

p.10

Sellos discográficos por Diego Centurión

P.72

Rescate Cinéfilo

P.74

COBERTURA DE LOS OSCARS Por Nicolás Ponisio

P.76

A favor de Birdman or (The Unexpected Virtue of P.24 Ignorance): P.77 EL EGO QUE TODO LO PUEDE por Gustavo M. García p.32 En contra de Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance): p.79

Rozz Williams - Dones del pecado Rozz Williams por Alejandro Cenizacromada

Me Gusta lo que hago

Entrevista a wayne hussey por Marcelo Simonetti

Palabras en la arena

ARTHUR RIMBAUD: Místico en Estado Salvaje

P.42

Arthur Rimbaud Por Sergio Arreola Reséndiz

Revolución Psadomasoporno

“El Fiord” de Osvaldo Lamborghini por Pablo Ravale

¿DE QUÉ HABLAMOS CUANDO HABLAMOS DE BIRDMAN? Por Nicolás Ponisio

CORRECCION DE COLOR

P.80

p.44 LA GRAN ESTAFA AMERICANA Por José luis lemos p.47 OBSESIÓN POR LA PRESIÓN

P.82

p.49 CHRISTOPHER LEE… Y EL PÚBLICO LO OLVIDA

P.87

Por José luis lemos

Por Gustavo garcia

Cuando los chanchos vuelan

“Autorretratos, Álter Ego”, de Carlos Eduardo Gallegos por Pablo Ravale

En Concierto el templo del rock and roll

Hidden Track

p.52 P.53

Jim Reid y Phil King en The Tabernacle (Gales) por Cristian Marcico.

Pura Melomanía Desplegando las alas

Por nicolás ponisio

p.56

Porcupine Tree -The Sky Moves Sideways (1995) por Pablo Ravale

P.58

LA RELACIÓN DEL TODO Por Gustavo garcia

Imaginario Frank Frazetta

p.59

El Final de Una Historia, y el Comienzo de Otra

p.61

Efemérides:

Ella llegó sola a dar su amor

p.63

Por diego centurión.

Naranja, Amarillo y Negro

p.65

Es interesante escuchar música que hiciste en el pasado

P.67

PONIENDOSE AL DÍA… POR LA NOCHE

p.70

The mission – neverland (1995) Por marcelo simonetti

PJ Harvey – To Bring You My Love (1995) por Rodrigo Debernardis Tori Amos - The Beekeeper (2005) por Maxx Wilda

entrevista a rachel goswell por slowdive - pygmalion (1995) por Diego Centurión

Simple Minds – Good News From The Next World (1995) por Daire alujas

P.89

p.92 p.94

El Jardin de las Delicias P.104

El rescate necesario Belly – King (1995) por Diego Centurión

P.85

Brian James

Steve Strange

p.114 p.120

Así en el Cielo como en la Tierra por Sergio Arreola Resendíz “…nada está inmóvil, todo se mueve, todo vibra…” Kybalión.

La música tiene desde sus orígenes una connotación antropológica que define y da identidad a los pueblos y sociedades, no sólo unifica, sino que además exige una consciencia de si en el individuo que la hace partícipe de su desarrollo en el entorno rural o citadino. La música permea nuestro interior, define lo extrínseco y así nos adentramos al mundo, en efecto somos seres visuales como lo definen los sociólogos modernos, más seguimos resguardando esa capacidad de querer escuchar al otro, de querer encontrar respuestas a través del sonido, de la sensibilidad musical del creador de acordes. Las músicas que se crean en diferentes latitudes llenan de colores e imágenes nuestra mente, generando un acercamiento con las diversas fronteras de la Tierra. Cuando los Beatles llegaban con sus armonías de la lejana India o más específicamente George Harrison creaba ese puente sónico, se abrió un panorama nuevo en la idea de la música en occidente, lo mismo pasaría en los 80s cuando Peter Gabriel abriría otro puente hacia la música africana, de este The 13th 05

lado del mundo el pop, el rock o el jazz entre otros géneros, recibirían una rica influencia de esas regiones del globo. El desplazamiento musical es una necesidad humana, el sonido es onda, la onda se desplaza y así un eco pareciera un nómada que grita a los cuatro puntos cardinales para reencontrarse y saberse vivo. Escuchar es identificar la vida de muchos, bastará sentir las primeras tonalidades del son cubano para pensar en Ibrahim Ferrer u Omara Portuondo, presentir los susurros del Brasil e irse imaginando a Astrud Gilberto con Antonio Carlos Jobim, dejarse embriagar por la milonga decadentista y

En el año de 1981 en la ciudad de Melbourne la agrupación Dead Can Dance iniciaba uno de los caminos musicales de mayor belleza que se han conocido en el mundo de la música de culto. Agrupación conformada por una dualidad sumamente poderosa, tanto en su personalidad como en su concepción artística, por un lado la portentosa y enigmática voz de la australiana Lisa Gerrard y del otro lado la sensible figura de un hombre con pretensiones sencillas The 13th 06

arrabalera de Gardel y Barbieri o la nueva idea del tango argentino del siglo XX de Piazzola, concebir la idea del mundo según el maravilloso músico de Mali Salif Keita que llena las salas de concierto con una vibración colmada de calidez. Así, desde Nueva York a Italia, de Turquía a México, del Canadá al continente asiático y de los países nórdicos a las calurosas tierras africanas, la música nos cultiva un sentido de pertenencia pero también de búsqueda. Pocos son los grupos que han realizado no sólo una labor antropológica sino histórica del desarrollo de la música o de su obra propia.

como lo es Brendan Perry. Definir la música de esta banda es casi menos que imposible, el grupo siempre ha estado caracterizado por una fuerte de dosis de “eclecticismo”, esta palabra es la que mejor define al músico con una cultura musical exquisita. Se les incorporó en sus inicios en el género góticodark, sobre todo cuando formaban parte del emblemático sello discográfico 4AD. Pero la obra “deadcandanciana” va más allá de los románticos paraísos de la música oscura, cada

disco de la banda es no sólo un trabajo de investigación sino un adentrarse en la historia musical de los diversos pueblos del mundo, “Dead Can Dance” (1984), “Spleen and Ideal” (1986) y “Whitin the Realm of a Dying Sun” (1987), forman parte de la primera búsqueda del grupo por tener un sonido propio, Lisa empieza a tener un desarrollo vocal avanzado que será hasta el disco “The Serpent’s Egg” (1988) y “Aion” (1990) en donde empezaremos

a sentir una fuerza descomunal de la que ya presentíamos en producciones anteriores. Estos dos discos que siguieron llevaron a la banda a mirar no sólo a la tradición de la música medieval sino a tener un acercamiento con las músicas que se estaban desarrollando en el Medio Oriente, África y la Europa Oriental, teniendo como influencia a dos monjas, una del pasado y una del presente, Hildegard von Bingen y Sor María Keyrouz.

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“Into the Labyrinth” (1993) y el “Spiritchaser” (1996) culminarían con una etapa sumamente grandiosa no sólo de la buena música que nos legó la agrupación anglo australiana, sino en una determinante ruptura entre ambos integrantes de la banda y que desencadenaría varios trabajos por separado tanto de Lisa como de Perry, con una riqueza extraordinaria, mas con un anhelo de parte de sus seguidores de volverlos a ver juntos. Dead Can Dance fue un recorrido sumamente hermético en muchos de sus trabajos, aunque bastó verlos en vivo en Toward the Within (1994) para ver y sentir el poder sonoro que generaba esta música que sabe a las sabanas africanas y al medioevo. Nos remonta a la tradición ancestral de la música europea y a la espiritualidad del oriente, libre, libertaria, trascendente, como lo

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dice la máxima del libro del Kybalión en su apartado de Correspondencias de los planos físico, mental y espiritual: “Como es arriba es abajo, como es abajo es arriba”. Todo parte de una búsqueda del vuelo por el mundo, Pitágoras resolvió la escala musical cuando explicó la teoría de la música de las esferas, cada planeta al tener movilidad generaba una vibración, de ahí el sonido de los cuerpos celestes. Pocas veces se da que dos espíritus de esta clase se junten para vibrar en varias direcciones e intentar a su vez su propio camino, ya sea apolíneo u dionisiaco. Después de varias recopilaciones Dead Can Dance nos daría “Anastasis” (2012), un reencontrarse sereno, no espectacular, sin vanaglorias superfluas, ellos saben que son y cuando el ser se sabe no necesita del ego.

A lo largo de su historia, esta banda nos ha colocado ante la miseria y la sublimidad de lo humano y lo mundano, vamos al cielo, regresamos a la tierra, sentimos el espacio sideral y lo infrahumano, pero por sobre todas las cosas nos han regalado una suerte de consciencia mĂstica y divina, porque todo es sonido, todo vibra, todo es y todo somos. En Dead Can Dance no hay una sola direcciĂłn, los caminos son vastos, las rutas inmensas, su legado sigue mĂĄs allĂĄ de todo culto, no son el mar inmenso pero si son el oasis del que todos beben, del que muchos aquietamos nuestra sed.

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La renovada fuerza Real Entrevista a Volante Discos, Polvo Bureau, Magdalena Records, Fuego Amigos Discos y Pistilo Records por Diego Centurión.

En el número de diciembre hemos presentado a “Bosques” y en el de enero a “La Gran Pérdida de Energía”, más allá de eso generamos un contacto sólido con Fuego Amigo, sello de ambas bandas y nos enteramos de una movida que agrupa a varios sellos independientes que tratan de emerger en un espacio en donde las reglas se rigen por sí mismas y no están establecidas por los Grandes medios. El fin del monopolio musical está a la vuelta de la esquina y esto es lo que se viene, y nosotros se los mostramos en esta nota. En una mesa virtual nos encontramos con personas que han decidido exponer sus gustos y conocimientos (pocos o muchos) al servicio de las bandas, buscando un espacio y The 13th 10

una manera diferente de ver el negocio de la música. Los invitados se presentan: Soy Juan Morán de “Volante Discos”, con base en

la ciudad de Córdoba, funcionando desde Noviembre de 2013. Mi nombre es Valentín Prieto y junto a varios amigos dirigimos de manera conjunta el rumbo de Polvo Bureau, plataforma disquera con base en la ciudad de Rosario que cuenta con 16 trabajos editados de manera física y virtual en 4 años de vida Hola, acá Fernando Duarte de Magdalena Records. El sello tiene base principalmente en la ciudad de Haedo (Provincia de Buenos Aires) Tenemos alrededor de 3 años en pie. Nosotros somos Mariano de los Ríos, Tonni Maldonado Parada y Fernando Graneros de Fuego Amigo Discos, somos FAD, un sello de Buenos Aires, del conurbano a la ciudad, ubicados en esas márgenes pero sin límites zonales o regionales, somos un sello que desde

2010 editamos virtual y físicamente artistas de todo el país y el resto de Latinoamérica. Mi nombre es Isaac y dirijo Pistilo Records, un sello indie de Mar del Plata nacido a comienzos de siglo XXI.

¿Cómo surge en cada uno de ustedes la idea de crear un sello? Volante Discos: Volante Discos se desprende de una plataforma de grabación móvil, donde surgió la necesidad de difundir lo que veníamos haciendo. Elegimos en un principio el casete porque queríamos distribuir los proyectos del sello de manera tangible. Nos encantaría poder hacer vinilos, pero lamentablemente en el país es casi imposible lograrlo, además el costo es muy superior. Lo mismo sucede con los cd, para poder hacerlos los costos son mucho más elevados y además la cantidad de copias es mayor (en el caso de hacerlos replicados de forma industrial, que sería lo ideal). Pero sinceramente apelamos a la cinta por nuestro amor a

los soportes analógicos, su valor simbólico desde lo generacional hasta lo romántico y nos parece un lindo objeto de colección, que con el tiempo se convierte en algo preciado. Polvo Bureau: La escena clásica y más recurrente: un grupo de amigos, la admiración por el trabajo y el talento del prójimo y la necesidad de hacer perdurar esa energía en el tiempo a través de la edición de discos. Magdalena Records: La idea de Magdalena se dio de manera natural, somos un grupo muy grande de amigos/ músicos de la zona.. Cada uno de los que hoy integran el sello, estaban tocando con sus proyectos por diferentes bares en los que muchas veces nos cruzábamos. Un grandioso día, empezamos a grabar y producir discos en Magdalena Sound Studio (estudio de grabación de Haedo) junto a Guido Laino y Emanuel Campuzano. La idea nació en la mesa de ese estudio, decidimos agruparnos y hacernos fuertes entre todos los amigos y músicos que conocíamos. Fuego Amigo Discos: Particularmente, el sello lo crea Fernando Graneros en el 2010 como un proyecto más bien personal e íntimo, a compartir con nuevas

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voces y noveles artistas pero sin un plan ciertamente profesional o con aspiraciones en “el negocio” o “la escena” sino que al contrario, inspirado más bien en un vicio melómano y urgente, cercano a las experiencias y el ideario de sellos-colectivos como Elefant Six o Sarah Records. Hacia finales del 2011 y con cierto (mínimo) renombre ganado y artistas en crecida, se suma De los Ríos a la dirección del sello para mantener ese espíritu musical original pero a la vez apostando a un empuje y crecimiento en base a la producción organizada de fechas, discos, artística, etc... Hacia el año 2014 Tonni Maldonado Parada se suma a la producción y la tarea del sello atraído por la propuesta y las formas de hacer, se genera un vínculo personal y conceptual entre los tres respecto a visiones y pasiones musicales que terminan coincidiendo y promueve todo lo que pasa en FAD. Pistilo Records: Para nosotros surgió como una necesidad para la realización de nuestra música. Lo que naturalmente empezó conformar toda una serie de actividades extra musicales, tales como armar nuestras fechas, hacer nuestros discos y compartirlo pasó a conformar un sello que abarcó de a poco a más personas.

de hablar de géneros o estilos, es más que nada “El Espíritu” que tiene cada álbum o como se conciben. Siempre se trata primero de un título que yo quiero tener en mi batea. Polvo Bureau: En nuestro caso todo lo contrario. Buscamos una identidad visual sólida que logre integrar la cantidad de géneros y calidades dispares de los discos que vamos editando. Nunca quisimos ser un sello de género porque no a todos nos gustan las mismas cosas. Apostamos más a la variedad. Magdalena Records: La identidad de Magdalena yo creo que es diversa, no buscamos ningún género, simplemente tiene que estar hecho con el corazón. Fuego Amigo Discos: La identidad es la personalidad. Nuestro propio gusto personal trasciende estilos y géneros y se define en mucho más que tal o cual disco

o canción en el caso de un artista que nos pueda gustar o fanatizar. Lo mismos se traslada a la curaduría del sello... Vamos del post rock, a lo experimental, a la ¿Qué es lo que buscan en sus artistas, un canción folk o el pop de sintetizadores, de fondo hay sonido particular (Como lo fue en caso de una idea de estilo personal o una propia-forma-de4AD o Creation en Inglaterra o Sub Pop en ver-la-música que ponderamos. No nos gusta la copia, EEUU. o como en Argentina lo fue Índice ni la reiteración, ni la música mimética, al contrario, Virgen)? ¿Buscan que el sello tenga una preferimos plantearnos al margen y apoyar a artistas identidad musical? con “una voz propia”, ahí creemos está la síntesis del catálogo y el valor de lo que alentamos desde FAD. Volante Discos: Si bien hay cierta tendencia que nos Pistilo Records: De nuestros artistas esperamos remiten a otras épocas y un marcado gusto por la originalidad. La identidad surge de la armonía entre psicodelia, lo que siempre tenemos presente al momento

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que se produce entre las búsquedas y los encuentros. El moda o un único plan musical. Se impone la música criterio es fruto de una subjetividad que tiene que ver como una experiencia personal y de ahí deriva en lo con la conmoción, la emoción, la sinceridad y la amistad. que cada artista sienta y precise, sea Bosques creando una cadencia de sonidos psicodélicos o siguiendo un ¿Qué identidad sonora pueden describir en impulso Krautrock, sea Gastón Massenzio partiendo de sus sellos? la simpleza de una melodía pop para desgarrar texturas y climas o sea Mi Amigo Invencible dándole poesía a Volante Discos: Al desplegar con el tiempo un catálogo sus fábulas de lo cotidiano, mezclando rock de guitarras puedo ver que hay títulos que van desde el post-punk, con fuerza y una sensibilidad única. pop psicodélico, experimental, avant-garde, surf, garage, Pistilo Records: “música para festejar la nostalgia”, lo-fi, noise, etc. según Guillermo Ricci. Yo no podría definirlo con Polvo Bureau: Algo difícil, dada la variedad de géneros. palabras. Pero tiene una identidad medio indie litoraleña, algo autóctono que no reprime su permanente dicotomía Asistimos a la Muerte de los monopolios entre el campo y la ciudad. discográficos, a mí manera de entender el Magdalena Records: La identidad sonora es diversa, movimiento de bandas. En los 80s y 90s hubo como dije antes, predomina la CANCIÓN. Desde un movimiento de sellos independientes que canciones pop hasta canciones desgarradoras de rock, intentaron romper las reglas, pero el Sistema se cumbia psicodélica etc. lo devoró y a muchos terminó comprándolos. Fuego Amigo Discos: Creo que la búsqueda identifica Pero desde hace unos años las plataformas a nuestros artistas, el apego a una visión personal de en Internet están desarmando ese poder y su obra antes que al fanatismo del estilo, el género de el futuro está en los sellos independientes

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como los suyos. ¿Ustedes pueden sentir este cambio? Volante Discos: Creo que todo va por su curso y el despegue va en ascenso. La música es Unión y esa es una de las claves fundamentales para acercar y difundir. En nuestro poco tiempo de vida seguimos en constante aprendizaje y adquiriendo experiencias en torno a lo que significa llevar a cabo una plataforma de difusión, pero lo que más destaco es el entusiasmo que está vivo como en la hora cero. Internet es una gran herramienta para llegar a cualquier parte del mundo y a personas que todavía apuestan por estos formatos, ya que a la web sólo la usamos para contar de que va cada edición y ofrecer una libre escucha, no así la descarga digital, nuestra apuesta es a que vayan por el formato físico. Polvo Bureau: Lo que me resulta más hermoso de toda esta revolución es el hecho de que nuestros ídolos actuales son personas de carne y hueso. Ya no viven en mundos de fantasía y veranean en punta del este. La mejor música de argentina la está haciendo gente como uno. Eso es hermoso Magdalena Records: Veo el futuro en los sellos independientes porque veo como cada banda de cada agrupación hace lo que siente, se unen, recorren lugares

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haciendo lo que más les gusta. Va más allá de derribar algo. Esa energía, mirándolo desde afuera, contagia. Estamos en una nueva era donde los valores son otros. Fuego Amigo Discos: Hay un espacio que fuimos ganando: sellos, bandas, medios independientes, productores alternativos, algunos lugares también apostando a lo nuevo, esa gran coincidencia define el momento y a su modo gana terreno, artística y profesionalmente sobre todo. La competencia es innecesaria, la antítesis grandes – chicos, mainstream – under ya no tiene mucho sentido, en parte porque aquellos del negocio de la música siguen y nunca van a dejar de negociar multitudinariamente y en parte porque desde abajo ya no se siente una opción “pegarla” o la transición a ese nivel. Ese parece el cambio de cabeza más importante, culturalmente se aspira y apuesta desde abajo a nuevas formas de trabajo, de calidad artística y profesional, modos e ideas no copiadas, sino inspiradas, creadas y aprendidas hoy para ahora. Pistilo Records: Desde el cambio de siglo se viene sintiendo ese cambio. La revolución de la era digital niveló bastante las posibilidades de los pequeños sellos independientes frente a la de los sellos del mainstream. Desde entonces se potenció el camino “Indie” al facilitar las grabaciones caseras de calidad y la auto difusión del

material. Los sellos indies desde entonces son trincheras que aglutinan artistas que bombardean al sistema del “negocio de la música”, y de poco van sumando más y más poder.

Ha cambiado mucho la manera de escuchar un disco, y esto es algo que suelo preguntarles a los músicos que entrevisto, ¿Ustedes cómo se adaptan a este campo de operaciones que es la Web? Volante Discos: La idea de apostar al formato analógico más que nada fue por el hecho de volver a cuidar la música, condicionarla a un soporte y que nos permita volver a ritualizar con la misma. Pero somos conscientes y agradecidos de esta era digital que nos permite llegar

a música que de otra forma no tendríamos ni la remota posibilidad de hacerlo. Polvo Bureau: Daría la impresión que entre tanta sobre información un disco primero entra por los ojos. Si el arte de tapa no llama la atención, aunque sea un jpg difícilmente alguien lo escuche. Tal vez podes captar la atención del “consumidor” por un par de segundos, entonces lo mejor es que la información sobre el disco sea clara, que le permita poder relacionar de manera automática y que la gráfica la llame la atención. Y los hits ahora van todos al comienzo del disco, sino imposible. Magdalena Records: Me encantan todas las maneras de escuchar discos. Todo tiene algo. La plataforma que generamos en internet, nos súper sirve por una cuestión de llegada a las personas, al público... Incluso arrancamos siendo una Netlabel.

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Fuego Amigo Discos: El sello nació como plataforma de música virtual y a su vez se desdobla en bandacamp, soundcloud, youtube... acompañamos la idea de la música libre y accesible pero siempre con la conciencia que trabajamos obras y artistas. Sea un EP, un simple o un disco, respetamos la obra en esos términos y como trabajo de un artista en su desarrollo, no como canciones sueltas, no como algo ocasional. A la par, crecimos y pertenecemos a una época en la que el disco físico también era un valor en sí y hoy sostenemos esa valoración y editamos físicamente en CD, casete o vinilo y nuestra experiencia es que el público se acerca tanto al formato virtual como al formato físico, nos parece genial que así sea. Pistilo Records: solo ha cambiado el medio de transporte de la música, es decir el continente que la dirige hacia nuestras orejas. La forma de escuchar un disco sigue siendo la misma: acostado, de fondo, en el coche, etc. Los medios de hoy permiten acceder a mayores y más variadas opciones, lo que es muy aprovechable para quienes quieren profundizar sobre un estilo o un movimiento específico.

Volante Discos: La piratería en estos tiempos digitales es una práctica que favorece a la difusión pero obviamente perjudica a los artistas que viven de su música. En nuestro caso somos conscientes que los soportes a los que apostamos para difundir la música que nos gusta y nuestro trabajo, está dedicado a personas que sienten la música de otra forma y apoyan la movida para que esto siga funcionando, quizás somos los menos. En conclusión no importa en qué formato lo obtengas, siempre que tengas la posibilidad, apoyemos al artista. Polvo Bureau: Esos términos ya no corren, al menos en el estado en el que estamos nosotros. Que alguien descargue un disco tiene el mismo valor que alguien que lo compra. Magdalena Records: Estamos rodeados de piratería. Igualmente, se sabe lo difícil que es vender un disco (físico) Hoy, el que busca un disco es más elitista… como las personas que coleccionan vinilos por ej. Yo creo que el dinero para generar de las bandas en sí, no sale de la venta de discos en parte… sale de los shows en vivo. Fuego Amigo Discos: No existe “piratería” a nuestro nivel y en los términos en que la industria definió ese ¿Cómo sobreviven con la piratería? De ser concepto y en los términos en que la combate. El material positiva la respuesta ¿Cómo los afecta y cómo del catálogo es libre, las obras están registradas por cada la combaten (Si lo hacen)? autor o respaldadas por Creative Commons, por suerte no tuvimos nunca problemas legales con alguien que

se apropiara de las obras para usufructuar con ellas y a la vez si han subido a Youtube o a distintos links de descarga algunos de nuestros discos o canciones pero eso más que perjudicar termina sumando en difusión y es resultado de las ganas de compartir Pistilo Records: No pretendemos un rédito económico por la propiedad intelectual de nuestras obras, en la medida que quien las usufructúe sea con fines no comerciales. Por eso hasta ahora la piratería de nuestro material nos significa más un halago que una ofensa.

¿Cómo elijen las bandas, las buscan, van ver shows, o según lo que les acercan material?

trabajando hace más tiempo. Magdalena Records: Gran parte de las bandas actuales son amigos, o sea que nos elegimos entre sí. Después fuimos conociendo mucha gente en el ruedo, lo importante es que nos conectemos humanamente, es la base para poder trabajar cualquier cosa. Fuego Amigo Discos: Elegimos a los artistas de recomendaciones de otros artistas del sello, a través de mensajes que nos envían grupos o solistas que no conocemos, de shows, de discos que nos llegan, etc... Estamos abiertos a escuchar todo los que nos acerquen y a considerarlos primeramente si nos gusta, después si el plan o proyecto es consistente, si hay ganas de trabajar y proyectar planes y finalmente, si hay afinidad o ideas similares, una misma forma de ver la música y esta labor, eso evita malos entendidos y si bien es lo más difícil de conseguir termina siendo el principal valor a la par de la música y todo lo que se pueda hacer. Pistilo Records: se da naturalmente el encuentro con proyectos y artistas que se unen al sello. El contacto puede surgir virtualmente pero luego habrá que conocerse bastante antes de involucrarnos a hacer algo en conjunto.

Volante Discos: La mayoría surgen de una búsqueda personal, como dije antes, álbumes que quisiera tener primero en mi colección personal, ya sea porque no llegan al país o bien porque algunos no existen de forma física o en este formato (casete), pero cada vez son más los artistas que se acercan y se sienten identificados con nuestra propuesta. Polvo Bureau: Ahora en Rosario si formaron muchos sellos nuevos, así que el mercado de “fichajes” es muy competitivo. Tiene que haber afinidad musical y personal, objetivos en común. De todas maneras ¿El sello es regional, es decir, editan artistas ahora nos estamos abocando más a ayudar y sostener de sus ciudades o abren el abanico a todo el el crecimiento de las bandas con las que ya venimos mundo?

Volante Discos: Tenemos una visión bastante federal al momento de elegir artistas de nuestro país, pero desde un principio ya nos habíamos abierto a editar bandas de otros países. Podemos decir que somos un sello internacional, pero siempre estamos alerta a las vibraciones más cercanas, desde nuestro lugar de origen. Polvo Bureau: Hemos editado en conjunto con Ringo Discos el disco debut de la banda cordobesa de Anticasper, y junto con Fuego Amigo nos dimos el gustazo de editar “Deja un rato piola”, el primer disco del chileno Cristóbal Briceño que se edita en Argentina. De todas maneras preferimos trabajar de manera regional, observando el día a día Magdalena Records: Hoy es casi regional, pero la idea es que sea del mundo. Fuego Amigo Discos: El sello no se limita geográficamente, hemos editado artistas de Chile, Perú, México por nombrar algunos del interior; y también de Mendoza, Rio Negro o Tucumán por nombrar algunos del resto del país. Nunca quisimos que la condición de que los artistas fueran locales o de la ciudad impidiera compartir una obra o a un artistas que nos interesara, es uno de los valores del sello y lo que hace que la música se entrecruce y los proyectos fluyan a todos lados, creemos que las canciones en ese sentido están por sobre todo. Pistilo Records: no es estrictamente regional pero naturalmente se profundiza más en las cercanías de

nuestro entorno natural. Así la mayoría de nuestros movimientos tienen epicentro en Mar del Plata.

¿Cómo es el trabajo de elegir los que les llega? ¿O editan todo lo que les acercan? Es decir ¿hay algún tipo de filtro? Volante Discos: Como creo que sucede con la mayoría de los sellos editores, uno siempre hace una selección de todo lo que les llega y a medida de las posibilidades establece un orden de prioridad en las ediciones físicas, ya que implica una inversión. Siempre estamos abiertos a escuchar todo lo que nos llega, ya que de eso nos nutrimos. Polvo Bureau: Como dije anteriormente el filtro es la afinidad Magdalena Records: El filtro es la gente, ellos deciden que escuchar y que seguir… nuestro único filtro es que realmente esa persona labure con el pecho, lleve adelante su camino de la manera más pura. Fuego Amigo Discos: Recibimos todo tipo de material y lo escuchamos. Si el artista o el grupo nos interesa compartimos algunas fechas para conocernos, y vemos cómo se va desarrollando. La curaduría de FAD se basa en tener un criterio abierto y cuidado, respetando el catálogo del sello. Más allá de lo musical, valoramos el compromiso del artista con su proyecto.

Pistilo Records: El sello practica una curaduría bastante estricta para sus ediciones, por lo que termina siendo no muy abundante lo que termina editando. Hay 2 filtros para “lo que llega” al sello: el primero es estético (afinidad musical) y el segundo es ético (afinidad personal). Cuando se dan ambas coincidencias el sello abre su casa al artista y le ofrece su compromiso total con la realización de la obra.

Sé que algunos de ustedes editan en casetes, y me consta que hay un mercado renaciente. (Yo soy de la época de la Bic para rebobinar o adelantar la cinta para no gastar las pilas del walkman). Pero la descarga digital en Argentina ¿funciona? Volante Discos: Nosotros apostamos desde un primer momento y a baja escala a que la gente vaya por el formato físico, no ofrecemos descarga digital (por el momento). Pero como mencionamos anteriormente creemos que quien apuesta a cualquier formato lo hace para apoyar al artista. Polvo Bureau: Me parece que en Buenos Aires funciona. Acá en Rosario no mucho. De todas maneras la relación precio – calidad de editar en casete hace que sea potable. Magdalena Records: Algunos de nuestros discos están libres de descarga y otros no. Funciona pagar por una

descarga, pero es algo, una vez más, elitista... esa persona quiere aportar a lo que haces, es como pagar una entrada en un recital under. Fuego Amigo Discos: Sí, funciona. Internet es una herramienta al alcance de todos y la descarga digital sirve para hacer legar la música a lugares inesperados. Por ejemplo, en 2014 editamos de forma virtual (y más tarde físicamente) el disco “Deja un rato piola” de Cristóbal Briceño, cantante de Ases Falsos, con una muy buena recepción, al punto que la página colapsó tras superar las tres mil descargas. Para nosotros es una herramienta fundamental, ya que los discos pueden descargarse de manera gratuita desde nuestra página. Pistilo Records: nosotros empezamos editando en casete y aún continuamos editando en cd-r principalmente, pero la mayor parte de nuestro catálogo está disponible para escucha y descarga directa desde nuestra web, y realmente es una herramienta que funciona: los discos virtuales se escuchan tanto o más que los analógicos.

Cuéntennos ¿qué es Compisellos? Volante Discos: Aún no participamos de ese gran trabajo... Polvo Bureau: Un epopeya comandada por los capos que llevan adelante Fuego Amigo. Un disco inspirador. Magdalena Records: Un compilado increíble que une

sellos de todas partes. Comandado por los Fuego Amigo. Fuego Amigo Discos: Es un proyecto desarrollado en el año 2012, iniciado por nosotros y Fernando Turenne (Discos Dojo) con la intención de reunir en un compilado a distintos artistas de la escena independiente argentina, bajo el lema “la unión hace la fuerza”. El primer volumen se realizó con doce bandas de seis sellos, la segunda edición aunó a veinte bandas de diez sellos. Ambos discos fueron útiles para la difusión de los sellos, ya que se publicaron reseñas en distintas partes del mundo (México, España, Costa Rica, Colombia, etc). Pistilo Records: Internamente significa la materialización de un sueño de unión con colegas con los que nos identifican muchas cosas. Socialmente es una referencia clara de lo que propone una parte importante del rock alternativo argentino actual.

Por tener un sello discográfico ¿Son millonarios? Volante Discos: Si se traduce en tener el espíritu colmado por hacer lo que amamos, entonces ¡Sí! Polvo Bureau: Somos más pobres que antes. Magdalena Records: Yo me siento millonario con la vida que llevo. Muy lejos estoy de tener esa cantidad de billetes igual. Pero sí. Fuego Amigo Discos: No somos millonarios ni aspiramos a serlo. Nuestro compromiso es musical. Todo lo que hacemos es a pulmón. Aunque, en cuestiones económicas, año a año vamos mejorando con respecto a poder autoabastecernos y mejorar las condiciones. Pistilo Records: por tener un sello discográfico como el nuestro es que somos pobres. Creo que si pusiéramos tanta energía en nuestras profesiones y trabajos seríamos

millonarios.

¿Qué banda es el “As de espadas” de su sello?, sin desmerecer a los otros artistas obviamente. Pero, tal vez la razón sea por ser la primera que editaron o la que más trabajos han editado. Volante Discos: Cada una de las ediciones es especial para nosotros, ya que logramos establecer un vínculo con las personas que están detrás de la música y nos encontramos hablando en un lenguaje universal, donde no existen fronteras ni idiomas. Si tengo que remitirme a una en especial siempre va a ser la primera (Panamá de la Provincia de Catamarca), la cual no sólo surgió por la necesidad de difundir en un formato físico el primer trabajo que encaré con la plataforma de grabación móvil, sino que antes de encarar ese proyecto teníamos un vínculo de amistad y en el medio del proceso de preproducción y grabación del álbum, pasé por un momento personal muy difícil, que hizo que volcara una energía especial (distinta quizás) en él y por eso lo aprecio tanto. Polvo Bureau: Los Codos, por la trayectoria. Ellos marcaron el camino. Mi Nave, por su continuidad y su inspiración constante, y Päl das Shutter porque se copa con ir a tocar a donde sea que haya una birra bien helada. Magdalena Records: No trabajamos de esa manera, todos somos un As de espadas. Fuego Amigo Discos: Tenemos muchos ases de espadas. La idea principal es crecer de manera colectiva con unión, compromiso, colaboración, código y respeto. Algo muy lindo que se genera en la interacción entre los músicos es la buena onda y el surgimiento de proyectos,

y creemos que proviene de esta manera de trabajar. Pistilo Records: En éste preciso momento te revelo que nuestro as de espadas (hasta ahora debajo de la manga) es el proyecto “los estambres”. Seguramente es nuestra banda preferida porque está formada por la participación libre y fluctuante de todos nuestros integrantes, la concreción musical de un común denominador que contiene a todos los espíritus del sello.

¿Trabajan de la misma manera con todos los artistas del sello, o se personaliza el trabajo según la propuesta de cada artista? Volante Discos: La premisa fundamental es volcar el mismo cuidado y amor en cada edición, porque se traduce primero en una conquista personal. Polvo Bureau: Se personaliza según las pretensiones de cada artista. No todos pretenden llegar al mismo lugar con la música. Magdalena Records: Cada uno tiene su camino y su identidad... igualmente creo que parte de la nueva era es mezclar artistas, diversidad musical. Fuego Amigo Discos: Como decíamos en la pregunta anterior, existe un planteo de origen, basado en ciertos valores con los que nos sentimos representados. Pero, a su vez, cada banda o solista tiene su propia impronta y transita ese camino a su manera. Nuestra tarea es acompañarla (produciendo, editando, organizando fechas, giras, etc.), generando una fusión entre lo que pretende el artista y lo que el sello puede brindarle. Pistilo Records: personalizamos nuestra actividad (que no lo vemos como “trabajo”) según lo que haga falta, aunque algunas formas se van repitiendo, todo es conversable

elaboremos nosotros una propuesta original o bien en la mayoría de los casos tenemos que readaptarla al formato. Si alguna obra nos transmite alguna idea puntual para el cover o el contenedor del casete, se lo proponemos y si está el “ok” le damos vía. Polvo Bureau: La libertad artística es total, pero trabajamos la parte de la producción ejecutiva, así como parte del booking y todas esas cuestiones. Magdalena Records: Libertad total. Los discos que grabamos nosotros si tienen criterio un tanto propio, ya que hay una producción musical de parte nuestra, que igualmente se maneja con ese mismo código, libertad absoluta. Fuego Amigo Discos: Trabajamos de manera conjunta. Sugerimos, nos sugieren, pactamos, negociamos…No creemos en productos, sino en proyectos. Trabajamos desde el lado de la amistad y eso hace que nos resulte más fácil tomar decisiones. Para que las cosas salgan bien tiene que existir una reciprocidad entre el artista y el sello. Pistilo Records: la libertad del artista es total y la del sello también. El sello puede involucrarse en la grabación y producción si el artista considera que hace falta, y el sello puede editar una obra tal cual la recibe si consideramos hacerlo de ese modo. Lo importante siempre es la obra, los frutos (no productos), y no los autores, esa es una premisa clara.

¿Cómo ven el 2015 desde el punto de vista de cada sello?

Volante Discos: Nosotros creemos y sentimos que va a ser un gran año, seguimos con el mismo entusiasmo desde la hora cero. Ojalá se den muchas más manifestaciones en vivo y sobre todo establecer alianzas y vínculos con ¿El trabajo con un artista en su sello incluye cierto gente que está haciendo lo mismo y/o apoye la causa. manejo del producto por parte de ustedes o la libertad Polvo Bureau: Incertidumbre total, como siempre. del artista es total?

Pero de alguna manera nos la rebuscaremos para re inventarnos. Volante Discos: Siempre cuidamos la obra tal cual el Magdalena Records: Hay planes entre varios sellos de artista la concibió originalmente, en el caso puntual distintas puntas... Vamos a hacer más ruido que nunca del tratamiento de la gráfica, a veces nos piden que yo creo.

Fuego Amigo Discos: En el 2015 vamos a editar el nuevo disco de Temporada de tormentas, el de Mi amigo invencible, sumaremos algunos proyectos nuevos, como Explotados por Jaimes, y tenemos pensado armar varias giras por el interior del país, con la modalidad del intercambio. Además, en el mes de marzo realizaremos una nueva edición de Fiesta de Discos, en la que se van a presentar bandas del sello y amigas como Bosques, La Gran Pérdida de Energía, Vúmetro y Césped. También está la intención de relanzar nuestra página web. Pistilo Records: para nosotros es un año muy especial en el que festejamos nuestros 15 de existencia. Nos encuentra optimistas, satisfechos con lo realizado hasta ahora y entusiasmados del nuevo material sonoro que tenemos para ofrecerles.

vuelta por nuestro catálogo y escuchen de que va lo que intentamos difundir, sin encasillarnos en géneros o estilos. Polvo Bureau: Que se armen su propio sello. Es fácil y práctico. Magdalena Records: Que simplemente lo hagan. Acción, reacción. Fuego Amigo Discos: Antes de contactarnos lo fundamental es que tengan un bandcamp o soundcloud, página web, perfil en Facebook, cuanto más completo sea mejor. Escuchamos todo el material que nos envían. Otro punto importante es que tengan ganas de tocar y de difundir su material. Pistilo Records: A los interesados en entregarnos material les recomendaría que previamente nos conozcan, que escuchen nuestro catálogo. Si algo de ¿Qué les dirían a las bandas que estén eso les gusta mucho entonces es posible que a nosotros interesadas en entregarles material? ¿Qué les nos guste su arte, y entonces sí sería gratificante recibir aconsejan que hagan antes de contactarlos? material acorde con la estética y filosofía del sello. Volante Discos: Estamos abiertos a escuchar todo lo que nos manden. Siempre es bueno que se den una Muchísimas gracias a todos.

Volante Discos: Facebook: https://www.facebook.com/volantediscoslabel Bandcamp: http://www.volantediscos.bandcamp.com Email: volantediscos@gmail.com Polvo Bureau: Facebook: https://www.facebook.com/pages/Polvo-Bureau/ Bandcamp: http://polvobureau.bandcamp.com/ Email: polvobureau@gmail.com Magdalena Records: Facebook: https://www.facebook.com/magdalena.rcrds/ Web: http://magdalenarecords.com.ar/ Fuego Amigo Discos: Web: http://www.fuegoamigodiscos.com.ar/ Twitter: https://twitter.com/fuegoamigodisco Bandcamp: fuegoamigodiscos.bandcamp.com Tumblr: http://fuegoamigodiscos.tumblr.com/ Soundcloud: https://soundcloud.com/fuegoamigodiscos Youtube: https://www.youtube.com/user/fuegoamigodiscos Pistilo Records: Web: https://www.pistilorecords.com.ar Youtube: http://www.youtube.com/user/pistilorec Bandcamp: http://www.pistilorecords.bandcamp.com/

Rozz Williams Los dones del Pecado

Rozz Williams por Alejandro Cenizacromada

“Realmente no entiendo por qué alguna gente piensa que mi música es perturbadora y de temer. Estoy muy contento conmigo mismo, entonces para mi es algo positivo. De hecho mis canciones me han ayudado a lidiar con algunos puntos difíciles de mi vida. Quizá algunas personas ven mi música como negativa porque tienen miedo de sí mismos y de lo que sus pensamientos más profundos pueden ser porque mi música hace que la gente se vea un poco más de cerca, así mismo. La gente puede estar proyectando su propia negatividad en mi música” Entrevista a Rozz Williams en gaveta 12 Rock 101. México 1994.

A estas alturas uno no sabe cómo escribir sobre un artista tan inquietante, que ha llenado tantas líneas, e influido en el arte subterráneo de una manera tan determinante. Yo hubiese querido hacer esta reseña en Abril ya que el primero de ese mes se conmemora otro aniversario de su trágica muerte. Pero lo haré ahora porque uno no sabe si más adelante podrá escribir este artículo. Roger Alan Painter, mejor conocido como Rozz Williams, padrino del Death rock, un género que dentro de la cultura siniestra se ha

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caracterizado por ser el más autentico, fiel e inmune a los esnobismos. Mick Mercer el gran periodista de la cultura gótica lo llamaba “el hijo bastardo del Bosco”, haciendo referencia al pintor flamenco que conjugaba lo fantástico, lo onírico y lo aterrador en sus obras. Una definición más que acertada debido a la tortuosa, romántica y autodestructiva postura musical de Rozz. Sin duda sus admiradores acérrimos de alguna manera valoramos más su obra fuera de Christian Death (Shadow Project, Heltir, Premature

Ejaculation), obviamente en parte por la canallada de Valor Kand; pero Christian Death para quienes hemos seguido de cerca la historia sabemos que la banda fue y será Rozz Williams. En mi caso cuando escucho la versión de Christian Death según Valor Kand, pienso que estoy escuchando a Pompeii 99 o en su defecto, a Sin and Sacrifice. Only theatre of pain (1982), es la piedra angular del Death rock, primer álbum de la banda tras su debut con el Death wish EP. Con el guitarrista Rikk Agnew jugando con las posibilidades de sus riffs decadentes, la distorsión, los armónicos y sus consecuentes efectos. La batería circular litúrgica de George Belanger y James Mc Gearty jugando con catatónicos slides de bajo, (de hecho el financió esta obra maestra). La voz de Rozz para esta placa más

centrada en la ácida declamación que en el canto, un manifiesto funesto. Mi opinión es que Christian Death en ese teatro del dolor al igual que bandas como Joy Division fueron los encargados de pintar el retrato de Dorian Gray del mundo, un mundo regocijado en el morbo, el ver caer al que tienes al lado sin importar pasar por encima de él para lograr tus fines, la tiranía de la iglesia y sus valores hipócritas. Pero Rozz no se conformaba con eso, era un artista incansable, impredecible y tomaba referencias diversas que se desarrollaron en los siguientes discos de Christian Death, aun con todos los problemas que hubo para mantener la banda en esos primeros años. Para Catastrophe Ballet (1984) ya con la alineación de Valor (guitarras), Gitane Demone (teclado y voz), David Glass (batería) y Constance Smith en el bajo, la influencia era Andre

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Bretón, René Magritte, el surrealismo y el movimiento dadá. En Ashes (1985) Christian Death se impregnó de ese romanticismo un tanto medieval y con visos Dark cabaret. Rozz ya entraba adoptando una voz más glamorosa, más centrada en el canto con mucha influencia de David Bowie; pero con una fuertísima aura decadente. Ya después se vino la polémica, Rozz a causa de su naturaleza inquieta decide no seguir con Christian Death, dejando a Valor, quien era el guitarrista como líder de la banda, pero bajo la condición de que lo hicieran bajo el nombre de Sin And Sacrifice. Valor siguió tocando como Christian Death porque en ese momento estaban en una gira por Europa y los promotores estaban publicitando conciertos de Christian Death, así que no podían incumplir el contrato de esas fechas. Terminada

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la gira los miembros restantes grabaron un disco mítico llamado “The wind kissed pictures” bajo el nombre de “Sin and Sacrifice of Christian Death” pero posteriormente volvieron a usar el nombre original de la banda. Rozz no se preocupó por luchar legalmente por el nombre de la banda hasta finales de los 80, cosa que benefició a Valor quien para ese entonces ya había registrado el nombre de Christian Death. Para Valor el nombre fue perfecto para su temática en contra de la iglesia y la religión, pero desde mi opinión ya llevándola a un punto donde el discurso anti cristiano se vuelve repetitivo, cayendo por momentos en la caricatura y el cliché a pesar de lo buen músico que este es. En una entrevista dada por Rozz en 1995, éste afirmaba que lo que más le molestaba del problema de la usurpación del nombre,

era que Valor tuviese los derechos del “Only theatre of pain” sin haber tenido nada que ver con este disco ni en cuanto a música, ni en cuanto a producción. Es por esa la razón del disco de la vuelta de Rozz con Christian Death llamado Iron Mask (1992) bajo el sello Cleopatra records, título que hace referencia a la novela de Alejandro Dumas sobre la historia del hermano que estando en prisión y obligado a usar una máscara de hierro escapa para recuperar su trono derrocando a su hermano usurpador. La vuelta de Christian Death con Rozz, siendo objetivos se vuelve irregular, la banda debe adoptar el nombre de Christian Death featuring Rozz Williams porque Valor tiene legalmente los derechos del nombre. Iron Mask en gran parte son temas de “Only theatre of pain” y “Catastrophe Ballet” reinterpretados; pero con una producción más limpia, ganando en melodía; pero perdiendo en corrosión y complejidad. Rozz no se sintió contento con el resultado final pues las sesiones de grabación fueron muy aceleradas. El problema con Cleopatra fue que el sello pecó de esnobista. Aunque para

la época tuvieron entre sus filas a grandes bandas como: Usher house, Mephisto Walz, Pressurehed o Big Electric Cat. Toda esta extraña resurrección surge bajo el andamiaje de otro grandioso proyecto gestado con Eva O, llamado Shadow Project, un nombre inspirado en los las pruebas después de la bomba atómica de Hiroshima, que dejaron impresiones de cuerpos (proyecciones de sombras), aunque no quedaran cuerpos. La banda se formó a finales de los 80 y el sonido se hizo mucho más progresivo, más elaborado. Las canciones tienen vertiginosos cambios de ritmo y el sonido se hace mucho más técnico. Shadow Project se convierte en un proyecto de culto dentro del Deathrock con las guitarras y voces de la dama de las tinieblas Eva Ortiz, quien se convertiría en la esposa de Rozz. Paris Sadonis en los sintetizadores no solo aportaría en gran manera a esta banda sino que sería un gran aliado artístico de Rozz hasta el final de sus días. Rozz adopta una postura más visceral como frontman, y no tiene que preocuparse por escribir todas las letras. Esta es una historia compleja y hay

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muchos capítulos que mencionar para tan poco espacio. Premature Ejaculation fue un proyecto de sonido experimental que Rozz Williams también desarrolló tras su marcha de la alineación con Valor en Christian Death a mediados de los 80, se unió a Chuck Collison quien fundó el sello “Happiest place on Earth”, montando shows multimedia y creando sórdidas performances, pesadillas sónicas que paralelamente permanecería trabajando hasta sus últimos días. Estuvo también Heltir (anagrama de la palabra Hitler) aún más agresivo que el anterior, con una marcada influencia industrial de bandas como NON, Throbbing Gristle y fascinado por la estética nazi, cosa que también pasó con Death in June y Joy Division. Al final de su vida, la parte creativa de Rozz Williams muestra a un artista con

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el alma expuesta, un grandioso encuentro con su ex compañera en Christian Death, Gitane Demone da como resultado una colección de canciones intensas en el álbum “In every dream home a heartache” (1995) entre las que figura covers de Jimi Hendrix y Bryan Ferry. Sus discos más desnudos alrededor del piano y la poesía musicalizada. Importante también mencionar su trabajo con el brillante proyecto Glam Rock Daucus Karota, una vida artística intensa como pocas, antes del abrupto final. Su misterioso suicidio por ahorcamiento el 1 de Abril de 1998 se ha dado para un sinnúmero de hipótesis: que Rozz pensaba que tenía Sida aunque no se atrevió a ir al médico; que había tenido una decepción amorosa en Francia; que el 1334 (enigmático y hoy mítico número que solía

usar) hacía referencia a su edad de fallecido (34 años) y a 13 años de su separación de Christian Death. Dec 10, 1334, es un tema que hace parte de su disco de poemas The Whorse’s mouth de 1996 y sugiere algo premonitorio: “Para el momento en que leas esta nota, me habré ido. Forzado a este fin por las manos del tiempo y las voces que susurran que no había otra opción”

Ashes (1985): De escucha obligada, la evolución, el toque cabaretesco de Lament (Over the shadows). Con la voz de Gitane Demone y el característico tañido de guitarra de Valor Kand (lástima por él)

PREMATURE EJACULATION Death cultures I, II & III Assertive discipline (1987 – 1988): Toda la libertad de Rozz en los campos del ruidismo y la 1334 también sugieren parte de sus cercanos, experimentación, para fortuna nuestra, su obra con que era el número del año en que fue la gran peste Chuck Collison en el sello Happiest Place on earth negra de Europa; pero históricamente los peores años ha sido puesta en Internet para libre difusión. de esta gran mortandad fueron entre 1348 y 1350. HELTIR: Ante una historia tan compleja como 69 Rituals, II Bancheto dei cancri/ VC 706 (1989): infinita lo mejor sería recomendar material de la Inspirado en el tema del nazismo, Heltir es más obra de Rozz Williams en sus diferentes proyectos industrial y enfermizo por momentos que Premature para tratar de disipar lo denso de su obra: Ejaculation, para fortuna de nosotros este material CHRISTIAN DEATH: también se encuentra en libre descarga por cortesía Only theatre of pain (1982): Símplemente el gran de Chuck Collison clásico de Christian Death Neue Sachlichkeit (1994): La libre improvisación Catastrophe Ballet (1984): Intimista, glamoroso y es el hilo conductor de este trabajo trabajo final oscuro. de Heltir, con una dosis enfermiza de samplers y

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frecuencias sucias. Fragmentos retorcidos de partes el personal de la sala acortó el show porque Rozz orquestadas. salió envuelto en una bandera nazi y temieron la reacción del público, tiene un excelente sonido y con SHADOW PROJECT: impresionantes versiones de clásicos de Christian Dreams of the Diyng (1992): Un disco complejo, Death como “Cavity” y un brutal cover de 10 cc. no en vano Rozz Williams cita entre sus influencias Dark cabaret, Dark wave y experimental de la mejor a artistas tan dispares como Pink Floyd y Charles factura. manson, excelente manejo de guitarras y brutales In every dreamhome a heartache (1995): Disco cambios de ritmo, una obra de teatro mórbido hecha grabado con Gitane Demone, con cierta vena disco. jazzística contiene la desnuda y hermosa pieza de In tuned Out (Live 1992): Se convirtió en una piano y voz “Flowers” piedra angular del sonido Death rock, un poderoso The whorse’s mouth (1996): Quizás uno de los discos concierto que de plano da pie para tocar temas de más desnudos de Rozz Williams con colaboraciones su vuelta como Christian Death como el Still born de Ace Farren Ford, Christian Omar Madrigal Isso /still life del The rage of angels (1994), dedicado al y Paris. Dinámico e inquietante. 1334. asesino en serie Jeffrey Dahmmer. CHRISTIAN DEATH FEAT ROZZ WILLIAMS:

EXP: Exp fue un proyecto creado por Paris Sadonis, teclista de Shadow Project y Ace Farren Ford de la banda experimental Smegma. Solo sacaron un disco, y tremendo disco!, en que se paseaban por múltiples estilos desde Free jazz hasta Dark ambient. Rozz participó como bajista en EXP.más que recomendado

Invocations (1992): Básicamente este disco fue extraído de unas cintas de Rozz, un concierto en 1982, que aunque su sonido no es el mejor, plasma muy bien la atmósfera cruda de los primeros directos de Christian Death. En el disco se incluyen versiones en estudio de joyas que Rozz grabó tras separarse de la banda en 1985, estoy hablando de Spectre (Love is dead) y Haloes. Aquí termina pasando lo mismo que con el Still de Joy Division, Spectre es a ROZZ WILLIAMS: Christian Death lo que Ceremony es a la banda de Accept the gift of sin (2003): Este fue un mini Ian Curtis. concierto hecho por Rozz en Baltimore en 1996 y The Path of sorrows (1993): Tremendo trabajo!!! es uno de mis favoritos!!!! Cuenta la leyenda que Más intimista, profundo. El arreglo final de los

temas en los que se incluye el arpa y la colaboración de artistas como William Faith (Faith and the muse) da un giro y permite otra manera de reinterpretar el Death rock. Viene The Angels uno de mis temas favoritos de los cuales recomiendo escuchar el remix hecho por Laibach para el disco Death Mix de 1996 .Contiene además un cover de The Velvet Underground (Venus in furs). Iconologia (Video 1993): La reunión de Rozz Williams con George Belanger, y Rikk Agnew, apoyados en el bajo por Casey en reemplazo de James Mc Gearty. Reinterpretando los temas del “Only theatre of pain”, un concierto deliciosamente

caótico grabado en Los Angeles. DAUCUS KAROTA: Shrine (1994): un proyecto alterno impregnado del mejor glam rock, probablemente lo más luminoso (si es que se le puede definir así) de todo lo hecho por Rozz en toda su historia Mencion aparte el libro The Art of Rozz Williams from Christian Death to Death y que muestra su trabajo como artista plástico, contiene un C.D con cuatro temas en vivo y también imprescindible ver el bizarro cortometraje PIG en colaboración con Nico B en 1998.

Dejo al final unos enlaces de interés sobre material valioso sobre Rozz. Base de datos en el portal Internet Archive, que incluye material de Premature Ejaculation y Heltir para libre descarga con permiso del sello Happiest place on earth. Incluye también los demos de Shadow Project. https://archive.org/search.php?query=subject%3A%22Rozz%20Williams%22

Entrevista en el portal La cloaca con Christian Omar Madrigal Izzo, quien fuese baterista en los proyectos Daucus Karota, Shadow Project y Christian Death 1334 (Banda formada para conmemorar en el 25 aniversario del Only theatre of pain, liderada por Eva O y Rikk Agnew) la entrevista se puede descargar. http://www.ulyssesozaeta.com/2012/05/christian-death-1334-y-su-historia.html Página oficial http://www.rozznet.com/

Me gusta lo que hago Entrevista a Wayne Hussey por Marcelo Simonetti. Traducción: Marcelo Simonetti.

Después de visitarnos durante el 2014 con The Mission y la gira europea de presentación de “Songs of Candlelight and Razorblades”, su álbum solista, nos regalamos una entrevista con Wayne Hussey. “Nuestro glorioso líder”, como suelen llamarlo los fans, nos habla del disco, de la gira, de los próximos planes junto la banda y de todo un poco. Acostumbrados a ver bandas girando eternamente con tres discos en su haber, nos alegra que un estandarte de la música inglesa como Wayne, con 35 años de trayectoria en varias de las bandas más importantes de la escena nos diga cosas como “Songs of Candlelight and Razorblades” es un muy buen disco, pero la verdad es que ya estoy pensando en el próximo”. Y ahí va: The 13th 32

Bueno, ya ha pasado un tiempo de la edición de tu primer álbum propiamente dicho, (que por cierto para mí ha sido tu punto más alto en los últimos 25 años) con canciones nuevas, ya lo has presentado en vivo, ahora ¿Cómo te sentís respecto al mismo? Ah, la gira estuvo bien, aunque un poquito largo el tiempo fuera de casa. Aunque algunos shows fueron muy buenos. No he escuchado el álbum por algún tiempo ya pero tocar las canciones noche tras noche hacen que no haga falta escucharlo, ¿no es así? Es lo mismo con cada álbum en el que me embarco. Mientras lo hago, lo escucho incontables veces y luego cuando está listo tiendo a no volver a escucharlo otra vez a menos que tenga una gira en puerta y necesite

recordar como son las canciones. Creo que es un muy buen álbum, con algunas canciones remarcadamente buenas, muy bien tocadas. Pero está hecho ahora y ya estoy pensando acerca del siguiente álbum. Y ¿cómo estuvo la gira? Por lo que pude leer, y ver en la red, has tocado una enorme cantidad de canciones distintas Sí, no toco el mismo set todas las noches, me gusta cambiarlo, mantiene todo fresco. Tengo alrededor de 100 canciones entre las cuales elegir así que eso mantiene el interés en mí. Y sí, filmamos y grabamos los últimos dos shows en Leeds y Workington para un futuro lanzamiento en DVD. En eso es en lo que estoy trabajando en éste momento,

mezclando el audio de ambos shows. Está tomando más tiempo de lo pensado porque ambos shows fueron de más de tres horas. Y esas son muchas canciones que mezclar. Esperamos tenerlo listo para lanzarlo en Abril o Mayo. Yendo a The Mission, hay algunos shows en el viejo continente anunciados éste año, ¿Algún plan más allá de eso, la posibilidad de trabajar en un nuevo disco? En un momento se manejó la posibilidad de editar material fílmico también. No, no hay planes para un film. Sí filmamos la grabación de The Brightest Light, pero para ser honesto la mayoría del material era la banda perdiendo el tiempo y no creo que

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sea de interés para la mayoría de la gente. Massive Attack, PJ Harvey, y sigue, y sigue, Tenemos algunos shows durante éste año, y y sigue… más allá de eso el 2016 es el 30 aniversario de la banda así que no hay dudas de que vamos a hacer algo para celebrar el evento. Estamos trabajando con miras a un nuevo álbum de The Mission que coincida con el aniversario pero nada firme por el momento. Tú eres de esos músicos que aparte de hacer música, escucha muchísima música, según tengo entendido. ¿Qué escuchas hoy en día? ¿Nuevas bandas? Me gustan The Smoke Fairies, The XX, pero la mayoría de lo que escucho éstos días es más y más vieja música. He estado escuchando mucho viejo Blues del Delta, folk, jazz y rock de los 60’s, siendo Dylan un favorito. Para ser honesto no he escuchado nada nuevo (o viejo pero que sea nuevo para mí) por un tiempo que me llame la atención así que tiendo a gravitar hacia atrás hacia lo que ya amo De todos los músicos de otras bandas/ solistas con los que compartiste un escenario, ¿de quién o quienes guardas el mejor recuerdo y con quién sentís que tienes una “cuenta pendiente” o te hubiese gustado compartir el escenario? Tengo buenos recuerdos de la mayoría de la gente con la que tuve el privilegio y placer de tocar. La mayoría de los músicos con los que me encontrado son buena gente. Hay uno o dos excepciones a la regla, pero ese es mi secreto. ¿Favoritos? Supongo que The Cure es el que está allá arriba para mí. He tocado dos veces en el escenario con ellos. ¿Y con quién no he tocado pero me encantaría hacerlo? La lista es interminable, pero empezaría con Bowie, Dylan, Radiohead, The 13th 34

Respecto a The Mission, si escuchamos los demos del último disco, The Brightest Light, vemos que muchas canciones nacieron de alguna manera similarmente a las de tu disco solista, “Songs Of Candlelight And Razorblades”, quizá algunas de las canciones de The Brightest Light podrían haber estado en “Songs Of Candlelight And Razorblades”. ¿Siempre fue así, o en un comienzo se juntaban todos a componer? Bueno, algunas de las canciones en “Songs Of Candlelight And Razorblades” fueron escritas en la misma época que “The Brightest Light” así que lógicamente tienen alguna clase de sentimientos similares, supongo. Pienso que los dos álbumes son en algún sentido intercambiables en realidad, en término de canciones, sino en el resultado final. “The Brightest Light” es un disco de rock crudo y áspero y “Songs Of Candlelight And Razorblades” en un poco más sofisticado pero algunas de las canciones en “Songs Of Candlelight And

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Razorblades” podrían haber funcionado muy bien con la banda tocándolas y algunas de las canciones en “The Brightest Light” podrían haber funcionado muy bien con el enfoque de “Songs Of Candlelight And Razorblades”. En el pasado traté de hacer demos completos, con pistas de batería, bajo y guitarra, líneas de guitarra, etc. pero cuando nos sentamos a hablar de cómo la banda quería encarar el álbum me pidieron mantener los demos más básicos, sólo guitarra y voz en la mayor parte. Ha habido una o dos veces que todo se ha desenvuelto a partir de la banda zapando pero, para ser honesto, nunca fuimos muy buenos zapando así que siempre son canciones que yo traigo, que tienen una estructura, algunas más vaga y otras tengo una idea firme de cómo debe ir. Finalmente, no creo que haya reglas duras, siempre terminamos haciendo lo que pensamos que las canciones necesitan.

involucrado. Se vuelve aburrido para mí, y supongo que también para el público cuando tocamos los mismos temas gira tras gira. Esa fue una de las razones por las que comenzamos a considerar la posibilidad de un nuevo álbum, que tuviésemos más canciones para tocar. Necesito trabajar sobre Simon un poco más y persuadirlo de que canciones como Afterglow, Daddy’s Going To Heaven Now y otras valen la pena ser tenidas en cuenta por ésta formación. En Febrero se cumplen 20 años de la edición de Neverland, ¿qué opinas de ese disco? Si te acuerdas de él, claro Fue un álbum difícil de hacer ya que la banda estaba en un estado de continuos cambios y nuestra trayectoria iba definitivamente hacia abajo en ese momento. Comenzamos a grabarlo aun estando en Phonogram y entonces ellos nos echaron a mitad de camino de la creación del álbum, lo que lo tornó financieramente muy dificultoso. Recién me había casado y tenido un chico en ese momento así que no eran los mejores tiempos como para estar preocupándose por el dinero. Rompimos con nuestro mánager durante la grabación de éste álbum y atravesamos algunos cambios en la formación. Y fue el primer álbum de The Mission que produje, o coproduje, y en retrospectiva quizá debió haber sido un álbum simple en vez de uno doble. Tampoco me gustaba el tono de mi voz en ese momento, así que la confianza en mí mismo estaba baja. Lanzamos Raising Cain como primer single del álbum y fue el primer single nuestro que no entró en el chart del Reino Unido. Difícil. Pero hay algunas canciones que se destacan ahí también…

En los shows de The Mission desde la última reunión no aparecen temas posteriores a “Carved In Sand”, salvo Like A Child Again. Sabemos que es un acuerdo al que llegaron de conjunto en la banda. ¿Crees que en algún momento eso pueda modificarse y podamos escuchar temas de otros álbumes? Sí, cuando nos juntamos en el 2011 una de las cosas en las que Simon insistió, lo cual era justo, es que tocásemos sólo canciones en las que él tocaba originalmente. Pero eso fue cuando pensamos que sólo haríamos la gira del 25 aniversario. Como sucedió, hemos continuado y ahora estamos acercándonos al 30 aniversario, así que mi sentimiento es que eso tiene que cambiar. Pienso que Simon le está dando vueltas a la idea de que para que podamos continuar y prosperar necesitamos también empezar a mirar a los álbumes posteriores, en los que él no estuvo Con ese álbum nació “Neverland Records”, The 13th 36

que sólo existió para ese álbum, ¿recuerdas algo de eso? Con toda honestidad, solo fue el nombre. Firmamos contrato con Equator, un sello independiente, y para establecer nuestra propia identidad pensamos que una buena idea era darnos un sello propio. Nunca tuvimos el poder o los medios para firmar con alguien más o editar algún otro disco que no sea el nuestro. ¿Cuál fue tu mejor álbum hasta el momento, del cual te sientas más orgulloso y pienses que haya resistido mejor el paso del tiempo? Bueno, como cualquier otro músico siempre siento que mi último trabajo es el mejor, así que tendría que decir “Songs of Candlelight & Razorblades” pero supongo que si sacas de la ecuación eso tendría que decir “God’s Own Medicine”, el primer álbum. Tiene una energía, un encanto ingenuo, una inocencia que sería imposible de recrear. También fue nuestro primer suceso y fue una época muy

excitante. ¿Es ésta una época en la que te guste vivir? Me refiero al mundo en que vivimos. Si no es ésta, ¿en cuál anterior a ésta, si hay alguna? Sí, en general siento que éste es un buen momento para vivir. Por supuesto que hay problemas en el mundo y el avance de la tecnología no siempre es para mejor, en mi opinión, pero me gusta mi vida, me gustan los logros que he alcanzado, me gusta lo que hago, me gusta la gente alrededor mío. No siempre ha sido el caso, pero ahora tengo 56 años y he recorrido un largo, largo camino. Todos idealizamos acerca de otros tiempos y yo no soy la excepción, pero hay cosas que nos perderíamos de ahora. Tengo una gran debilidad por los 60’s, desde 1965 a 1969, quizá ese fue un momento para ser joven. Todo el mundo estaba cambiando y por primera vez era la juventud del mundo la que estaba forzando los cambios y era la vanguardia de la revolución social.

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Sé que de vez en cuando vienes a Buenos Aires con Cinthya, tu esposa, y que te gusta la ciudad. Has venido a ver a Morrissey en el 2012, si no me equivoco. ¿Hay alguna posibilidad de que podamos verte con la banda, o como solista quizá, durante el 2015? Sabemos que éste también será un año movido para vos, pero acá cruzamos los dedos Sí, a mí también me gustaría. Amo Buenos Aires, siempre me divierto mucho ahí. Es mi ciudad favorita de Sudamérica y Cinthya y yo amamos estar ahí. Me encantaría ir más adelante éste año y tocar un show o dos. Veamos si podemos hacer que ocurra, ¿eh? Desde ya te agradezco por tu paciencia y atención. Siempre es un gusto hablar con vos. Un abrazo

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PALABRAS EN LA ARENA -LITERATURA-

ARTHUR RIMBAUD: Místico en Estado Salvaje Por Sergio Arreola Reséndiz Este camino Ya nadie lo recorre, Salvo el crepúsculo. Matsuo Basho.

Las flores han caído: Ahora nuestras mentes Están tranquilas. Kobayashi Issa.

“He dejado de sentar a la belleza en mis piernas y de injuriarla, al igual que me he alejado del festín del diablo y de la dulce embriaguez de las hadas verdes que tuve en mi juventud…” (vaya desvarío a manera de The 13th 44

exordio para este artículo) Todo es quizá una suerte de sedentarismo mecánico, un abrazar conscientemente al sistema que nos escupe a la cara nuestra aparente dignidad de humanos libres. Con el paso de las primaveras he

sentido (más que desarrollado) la necesidad de la contemplación de los otoños; mi mente, mi cuerpo, mi espíritu, han apostado por la observación de los sucesos, más que no se crea que la mirada no esgrime la espada, ni mucho menos que la palabra escrita no lacera, el silencio habla y es más docto y afilado que el gritar de la mentira. “… la mano en la pluma es igual que la mano en el arado” nos dice el autor de Iluminaciones. La poesía es madre de la miseria, el poeta es el vidente de esta nauseabunda condición, exaltador natural de lo mundano y lo divino, del hermetismo existente entre las estrellas y el subsuelo de las ciudades, visceral, devoto de sincretismos, hijo prodigo de la fonética y de las más sublimes insolencias. La poesía es la creadora de todo culto, sea antiguo o moderno; es la psique de todo mito, filia o patología. Somos entidades lingüísticas, nuestra vida está hecha de palabras y oraciones, de ahí nuestra condición poética, toda vida humana o para ser más propios, todo en el universo es poesía. Cuando pienso en Arthur Rimbaud no dejo de sentir cierta fascinación, aunque también me llena de interrogantes su corta vida literaria. ¿Qué pasó en su vida? ¿Por qué ese retiro abrupto de las letras? ¿Qué vio, de qué huyó? Todo visionario huye para encontrarse, la cuerda se tensa para agarrar más fuerza, las parvadas migran para experimentar la belleza de dar vida, la oruga se oculta para mostrar sus alas. Cristo fue al desierto, Buda al árbol de mangos, Lao-Tsé en su soledad miraba al río y nos decía que: “… el sabio no enseña con palabras, sino con actos…”. Pero Rimbaud se fue sin enseñarnos y no nos dijo si se encontró, si vio los ríos calmos de la verdad que nos decía tener en el cuerpo y en el alma, partió pero jamás supimos si abrió las alas, pero lo que sí supimos es que después de aquella visita al infierno cerro las puertas. ¿Tal vez lo supo

todo el niño prodigio de las letras francesas y se cansó de la retórica, del color de las vocales, de la locura, del verbo alquimista, del fin de siglo y de la revolución industrial, sintió el hastío de la poesía, de los falsos poetas, de la mística falsa de sus contemporáneos? Nunca he creído que la ruptura de Rimbaud con Verlaine lo llevó a salir de Europa, la dicotomía entre ambos poetas se daría tarde que temprano, el primero era un animal indomable, una mente disipada, un místico en estado salvaje que veía al oriente en occidente y viceversa, un vidente y quizá un exegeta de nuevos evangelios; el segundo, por el contrario, tenía una religiosidad parnasiana, era un aventurero con buenas maneras y perversidades reprimidas, su logro fue (aparte de ser un elegante maestro de la lírica como bien lo explicaba Rubén Darío) ver en Rimbaud lo que nadie vio, tenía una devoción por él casi similar a la que tenía Baudelaire por Gautier. Verlaine vislumbró que Rimbaud era el que portaba las llaves luciferinas de esas puertas a las que muy pocos se les ha permitido cruzar, Rimbaud pertenecía a la prosapia de Dante, de Milton, de Novalis, de Blake (este último, desde mi perspectiva, es el verdadero maestro de los poetas modernos); empero, me pregunto si con el poeta de Charleville se cerraron definitivamente “las puertas de la percepción”. Arthur Rimbaud sólo escribió durante cuatro o cinco años en forma, murió a los treinta y siete en la ciudad de Marsella un diez de noviembre de 1891. ¿Qué pasó después de los veintes con el autor de “El barco ebrio” y “El durmiente del valle”? Dicen que traficaba esclavos negros desde África hasta tierras europeas, que vendía drogas y muchas historias más. Pero nunca se ha encontrado un cuaderno perdido de sus viajes, poesías nunca vistas, fotografías. He de reconocer que su obra me acercó en The 13th 45

demasía a su figura, más su ausencia abrupta me instaba a dudar de él. La única respuesta fidedigna que limó tales extremos y que unificó la figura del poeta con la del “niño errante” fue la novela de 1961 Sobre héroes y tumbas del maestro Ernesto Sábato, está obra es un recorrido por universos paralelos de la historia pasada y presente de Argentina, habla de la soledad y el obsesivo buscarse a uno mismo como bien lo representa en Martín, su personaje central, además de citar a una cofradía o sociedad secreta compuesta de ciegos, tema recurrente en su literatura. El suspenso y la paranoia aparente de esta novela es letal, cuando el personaje central de ésta descubre el propósito de estos ciegos, mal llamados invidentes, pero que dicho falso adjetivo sirve como ejemplo antagónico para explicar la correspondencia existente entre poeta y vidente. Sábato prende la luz y deja caer el velo, comentando que el poeta francés intuyó y supo sobre el plan de represión y dominio mundial de los ciegos, “…Rimbaud lo sabía, por eso huyó”, escribe el autor de El túnel. Jean Nicolas Arthur Rimbaud sabía lo

que Sábato nos presenta como tesis en sus escritos, que el arte se encontraba en una constante descomposición y que ni la poesía podría redimirlo de sus falsos sueños de gloria, que la estereotipada cultura occidental y su visión de progreso no buscaban otra cosa que descomponer la búsqueda intelectual y espiritual del artista genuino. Octavio Paz lo descifraría como “ruptura y tradición”, Nietzsche, Paul Valery y Kafka abrieron la cloaca para que el existencialismo y el surrealismo mostraran el hedor que ya nadie podría tapar con sus perfumes baratos. Literariamente a Rimbaud lo vislumbro cual si fuese un haiku de los maestros japoneses Basho e Issa, es corta su estadía pero largo el eco de su voz, es el campesino que ve la luz primera, la piedra que cae en el estanque en fracción de segundos pero que genera ondas profundas de sonido y vibración, es el crepúsculo que muestra las estrellas que siempre estuvieron delante de nuestros ojos, la flor que cae en la soledad de lo intangible, “un inmenso y racional desarreglo de todos los sentidos…”

Revolución Psadomasoporno “El Fiord” de Osvaldo Lamborghini por Pablo Ravale

En “El fiord” de Osvaldo Lamborghini hay una palabra que nunca se dice, sin embargo, es de donde, precisamente, nace todo el libro. Dicha palabra es sangre. Una sangre que vendría a terminar (exterminar) los años de militancia de Lamborghini con el peronismo y lo colocaría en una posición fría, filosa y furiosa; una posición que se fue -dicen quienes lo conocieron- derritiendo poco a poco, como un hielito dentro de un vaso. Así las cosas, ¿de dónde es entonces que fluye esa sangre-orgía que casi da asco? Toda la sangre de “El fiord” viene del cadáver de Perón (aquí una suerte de muñeco que es

violado, transexualizado, mordido, clavado y macheteado en este cuento-novela que, sin lugar a dudas, vino a desatar a ese otro muñeco-fetiche que Lamborghini llevaba adentro y que lo hacía observar las cosas desde su oscura, solitaria y maldita trinchera: la escritura). Primero que nada, diré que como pieza o corolario de la obra de Lamborghini, “El fiord” vio la luz durante el gobierno de Ongania, entre los cada vez más acalorados debates obrero-sindicales y las resistencias, tendencias y peronismos varios. Había para hacer leña del árbol caído, sí, y Lamborghini,

por consiguiente, se armó toda una fiesta. Porque eso, para mí, es “El fiord”: una fiestonga, una orgía de representaciones políticas de la época donde la violencia y la perversión se viven intensamente en y por los cuerpos de todos los personajes. Ya que, por un lado, están las bases peronistas de la resistencia (véase el caso de Sebas, del cual el propio autor dice que es “un enfermo de anemia perniciosa”, “una geografía del hambre”), y, por el otro, la disputa en el ámbito de la “legalidad”: el sindicalismo burocrático que por siempre se adjudicó la representación de toda la clase obrera y sus contradicciones internas, personificadas en la parturienta Carla Greta Terón (CGT), la lujuriosa Alcira Fafó (guiño ácido a Andrés Framini) y la miserable criatura Atilio Tancredo Vacán (otra satirización, esta vez dirigida a Augusto Timoteo Vandor). Asimismo, y como no, está también el Loco Rodríguez (a quien Lamborghini llama “El Monstruo borgeano”, “nuestro abusivo Dueño y Señor”, “Hijo de Puta Amo y Señor”, o “Chancho Burgués” con su “sonrisa ortopédica”), que sería la representación o espejo deforme de la figura de Perón. Con estos elementos, “El fiord” bien podría ser tildado de relato de una operación. De salón de operaciones. De bisturí que avanza abriéndole la barriga a todo el mundo, aunque sobre todo a la del autor. Puesto que con él, Lamborghini, no sólo deja retratada a toda una sociedad, sino que también pudo dar cuenta del proceso más complejo de separación y descontento ideológico del que se tenga registro literario. Y no porque

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dentro de sus hojas se ponga a discutir con sus fantasmas, sino porque ni siquiera les da la oportunidad de manifestarse y los machaca hasta hacerlos jirones o tiritas. Así y todo, la novela simboliza la revolución cultural de los años 60. O, más bien, la contracultura. Su libertarismo es la quintaesencia de la Argentina de la época, amén, obviamente, del diario de notas de una sexualidad torturada (ya que su estilo fluctúa entre la amenaza y la necesidad de posesión). Lamborghini se anticipa a la narrativa actual, en la que el autor analiza tanto la psicología de los personajes como también su propia psique (“Atilio Tancredo Vacán ya gatea. Chupa de la teta de su madre una telaraña que no lo nutre, seca ideología. El Loco me mira mirándome degradándome a víctima suya: entonces, ya lo estoy jodiendo. Paso a ser su verdugo. Pero no se acabó ni se acabará lo que se daba”, dice, o “Qué lindos pechos los de Carla Greta Terón. Se los remamé hasta de leche materna empacharme. Cojer fue una gran alegría para ambos, cojer y acabar juntos, moción aprobada por unanimidad. Y cuando entré al comedor empujando la cama, yo, yo era otro”). Relato de horror que no justifica ni disuade, fiel fragmento de vida misma, “El fiord” es un tubo de ensayo dentro del cual Lamborghini cultiva los virus obsesivos y compulsivos de la modernidad. Porque sólo la obra de un autor vanidoso, narcisista y obsesionado consigo mismo, podía ser tan receptiva. Sólo una novela sobre la enfermedad podía ser causa y cura de todos los males.

Cuando los chanchos vuelan “Autorretratos, Álter Ego”, de Carlos Eduardo Gallegos por Pablo Ravale

¿Cómo hablar de Carlos Eduardo Gallegos -el amigo- sin caer en la subjetividad? ¿Cómo referirme a él -el poeta- sin hacer más que evidente mi cariño y mi admiración por su entrañable figura? Antes que nada, y para empezar, diré entonces que me es imposible poder separar a la persona del autor. Carlos es un todo y para todos... Un animal poético que jamás ha bajado la guardia, desde que allá, por el 2002, publicó su primer libro y ya más nadie lo pudo callar. Y es que precisamente el gancho de “Autorretratos, Álter Ego”, pasa otra vez por su

prosa mordaz y su decir desfachatado. Carlos, o ahora Charlie Cerdins, no deja de provocarnos con un sinfín de anécdotas que bien podrían pasar por el diario de ruta de un personaje de Bukowski. En tanto, Cerdins, lejos de caer en la imitación, es en sí todo un anti-héroe que nos hará no sólo reír, sino también reflexionar. Puesto que como afirmaba la mítica Pizarnik, en el humor, muchas veces, encontramos una de las formas más subversivas del arte. Centrándonos en el aspecto netamente literario, bien podrán notar aquellos que ya The 13th 49

hayan leído a Carlos, que con esta, su séptima obra, el autor de “Hospital Psiquíatrico” ha hecho un giro estilístico notable, enfocando ahora su particular mirada del mundo hacia una suerte de novelita poética. En efecto, de la mano o de la pata de Cerdins, es en ese ida y vuelta aguerrido de los versos de Gallegos, que, en concreto, hay una historia que pretende contarse: la historia de cómo nosotros, los hombres, pareciera que nos vamos transformando de a poco en las criaturas más hedonistas de la creación, y, en consecuencia, en los más difíciles de corregir. Cerdins habla, sí, o más bien se jacta. Echa por tierra o por borda cualquier sentido de consideración para con sus semejantes. A él le gustan los vinos caros, los jamones

de exportación, las tarjetas de crédito… No por ello, sin embargo, deja de ser menos humano que todos nosotros, los verdaderos hijos cochinos de la Madre Naturaleza. Así las cosas, y a mi entender, es la esclavitud del alma y el vivir en un mundo que ya está caduco -pero que tampoco hacemos nada por cambiarlo- a lo que, en definitiva, apunta el mensaje del libro. No obstante, no es través de éste que Carlos intente sugerir un modo más digno ser, sino, por el contrario, que nos invita a repensar, a buscar cada uno su propio camino que así lograr discernir. Porque he ahí, quizás, que él tuvo que desdoblarse en su otro yo cerdo para lograr entenderse; he ahí, que renunciando a su humanidad, pudo finalmente conseguir alcanzarse. Grande, Carlos…

En Concierto

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el templo del rockand roll Jim Reid y Phil King en The Tabernacle (Gales) 31 de enero de 2015 por Cristian Marcico. Fotografías: Cristian Marcico y alan McGee.

Cristian Marcico del sello Pinkirecords de Cardiff estuvo en The Tabernacle cubriendo el show acústico de Creation Records Unsigned invitado por Alan McGee para Revista The 13. Una noche muy clara y de mucho frío en el pueblo de Talgarth, Brecons Beacons, sur de Gales, hoy se presenta Jim Reid y Phil King en el Tabernáculo, la capilla under de Mr. McGee, el verdadero templo del rock and roll donde se

cocina lo que va a pasar. Las puertas abrieron a las 7.30. En la entrada está Katherine, Manager del lugar y madrina artística de Mark Gardener de Ride, quienes este año vuelven como headliners de los principales festivales de Europa y Estados Unidos. Ya se pueden ver unas cuantas personas en el lugar, la mayoría de la generación de Jim and Phil, predomina la calvicie. The 13th 53

Desde la entrada se puede distinguir el ambiente del pequeño lugar, Krafwerk sonando de fondo luces tenues y olor de los bancos viejos de madera, en el escenario solo una Gretch de caja y una Gibson Les Paul. A las 8 llegan Jim, Phill y Alan McGee y suben al back stage (los balcones de la capilla). A las 8.30, antes de que empiece el dúo acústico local, Katherine anuncia que siguen teniendo problemas con las autoridades del Parque Nacional de los Brecons Beacons, aparentemente rechazaron la licencia de obras para café, pub o restaurante. Esto no importa ya que sin dudas estamos asistiendo a una verdadera ceremonia religiosa de rock and roll en un templo, para lo cual ¡¡¡si está habilitado!!!. También algunos vecinos se han quejado por los autos y el estacionamiento de la antigua calle de la capilla. Así que el show deberá terminar a las 22hs. Hasta que se arreglen las cosas con la municipalidad. Kate Holmes, esposa de Alan, y el ex-Creation Records comentan que a pesar de las oposiciones el show

continúa y que todo se va a arreglar. Jim Reid y Phill King empezaron a tocar a las 21hs, el público esperaba un sonido acústico pero arrancaron con ruido, distorsiones y feedback característicos de Jesus and Mary Chain, luego Jim explicó que en la prueba de sonido no funciono el formato acústico y decidieron hacer un set eléctrico. Arrancaron con temas del álbum Munki y terminaron con temas de Psychocandy y Automatic, a pesar que sonaron muy bien, se han equivocado en casi todos los temas, Phill no parecía muy concentrado en la estructura de las canciones, y Jim muy sarcástico, le echaba la culpa. El público que en su mayoría pagaron 3 libras por escuchar íntimamente a estos pioneros del ruido quedó muy satisfecho y agradecido. Luego del concierto nos quedamos con Alan Mcgee, Jim Reid y Simon Fletcher, el manager de Bob Geldof y socio de Alan en Creation Management, Jim nos regaló un CD y un vinilo firmado por los 30 años de Psychocandy, tomamos algunas fotos juntos y en nombre del

sello Pinkirecords le entregamos la edición de Surfing Caos, el último de Iguana Lovers mezclado Mark Gardener y que editamos en Gran Bretaña. Nos agradeció y felicitó a la banda por su edición, dijo que ya lo tenía y recordó el concierto que compartieron con Jesus en Buenos Aires. Por favor saluda a los muchachos de mi parte expresó. Nos vemos el próximo 17 de abril con el ex The

Jam Bruce Foxton en The Tabernacle!!... Ah para el 27 de Febrero estamos invitados especialmente, nuevamente por Alan McGee al concierto de los 30 años de Psychocandy de The Jesus and Mary en Cardiff, y por supuesto que allí estaremos con ¡Pinkirecords y Revista The 13! CONTINUARÁ....

Jim Reid y Cristian Marcico

Alan Mc Gee, Cristian y Simon Fletcher

Pura MelomanĂa

hay discos que cumplen a帽os en este mes de enero, a continuaci贸n algunos de ellos.

Desplegando las alas Porcupine Tree -The Sky Moves Sideways (1995) por Pablo Ravale

Porcupine Tree ha sido una banda que siempre se destacó a sobremanera por ser uno de los combos más eclécticos e interesantes del panorama musical. Ya desde sus primeros pasos hasta su último trabajo (The Incident), allá por el año 2009, demostraron con creces cuán consistente e innovador se puede resultar en el mundo del Rock, sin perder en el camino ni un sólo ápice de fuerza o contundencia. Primero que nada, situémonos bien: a principios de los noventa todavía estaban intentando abrirse un hueco en el panorama musical underground inglés, y no sería hasta entrado 1995 que alcanzarían la tan ansiada madurez compositiva, de la mano de este The 13th 58

maravilloso The Sky Moves Sideways. Por aquel entonces, Steven Wilson -cantante, guitarrista, principal compositor y líder de la banda-, un enamorado de la música de leyendas de lo progresivo, estaba más orientado a las atmósferas y a las melodías, que, en sí, a sus posteriores incursiones con el heavy. Lo que, como es de esperar, hizo que su grupo pariera una obra plagadas de pasajes que van de entre lo cósmicos a lo sublime, pero que, sin embargo, contiene de a ratos también cierto coqueteo con el rock (en especial, por esas guitarras furiosas). Para empezar, tenemos la fase A del tema que titula el álbum, “The Sky Moves Sideways”, al cual, de algún modo, le encuentro cierta

similitud (por el desarrollo de su estructura, debe ser) con el ya mítico “Shine On Your Crazy Diamond” de Pink Floyd. “Dislocated Day” es el segundo track, y, si bien su duración es mucho más corta que la pieza anterior, no significa por ello que sea el tema más prescindible del disco (los Porcupine Tree más rockeros toman forma en esta canción). Luego llega “The Moon Touches Your Shoulder”, la que, a mi parecer, representa el punto álgido del disco (increíble ese tono melancólico y ese rasgueo de guitarra tan gilmouriano, bellísima). Con “Prepare Yourself ” encontramos, sí, la suite más breve del álbum, pero esta puede ser interpretado como una introducción a “Moonloop” (barroca, psicodélica, soberbia): todo un viaje por el espacio, en sí mismo.

El disco cierra con la fase B del tema homónimo. Ésta resulta casi similar a la primera, pero pronto irrumpe un excelso solo de guitarra -perfectamente ejecutado por Wilsonque le aporta cierto aire algo más directo y con un espíritu propio del heavy. Un final verdaderamente épico para un álbum magnífico. En definitiva, The Sky Moves Sideways es un trabajo supone el momento en el que los Porcupine Tree estaban poco a poco moldeando su estilo, un estilo a medio camino entre el heavy y el rock progresivo. Más probablemente puede que no sea tan redondo como obras del tamaño de In Absentia o Deadwing, no obstante, resulta uno de los trabajos más indispensables de toda su discografía.

el rescate necesario belly - king (1995) por Diego Centurión

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Después de su álbum debut “Star” (1993), Belly reemplazó su bajista Fred Abong, quien abandonó la banda, y fue reemplazado por Gail Greenwood, quedando formado otra vez en cuarteto, con la base original Tanya Donelly y los hermanos Tom y Chris Gorman. Los logros conseguidos con su primer álbum le dieron a la banda ese gran apoyo y envión de optimismo (por ejemplo dos nominaciones a los premios Grammy) que suponían que el éxito más masivo llegaría sin dudarlo con el nuevo trabajo. Este segundo trabajo, “King” volcó a la banda hacia un rock más alternativo, (en gran medida a causa de sonido en directo más guitarrero), pero sin perder esa belleza compositiva que siempre caracterizó a Belly. Pero “King”, no sólo significó un fracaso de ventas, sino que recibió poco apoyo de la prensa, y terminó explotando a la banda por los aires al año siguiente de su publicación. Este segundo álbum trató de sobrevivir en el mercado, buscando la manera de alcanzar el éxito que los precedía y lanzaron tres singles, “Now They’ll Sleep”, “Super-Connected” y “Seal My Fate”, pero el resultado no fue el esperado. El trabajo contiene once tracks y abre con la elegante “Puberty” con un gran sonido de bajo. Le sigue la sugerente y bella “Seal My Fate”, que termina con una energía disfrutable. La tercera canción “Red”, es una valseada balada, con unas bellas guitarras. “Silverfish” es otra balada con una dulzura en donde Tanya expresa mucho desde su voz, es muy tierno el rasgueo de la acústica. “Super-Connected” es el siguiente track que empieza muy pequeña pero luego se vuelve más “rockera”, convirtiéndose en una gran canción pop. La mezcla realza la voz y deja en un segundo plano a las guitarras, que entretejen una pared en donde el bajo y la batería marcan el pulso. “The Bees” es una preciosa gema de este

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álbum. Dulce, suave y delicada canción. Con un comienzo folk y con unos arpegios divinos de guitarra eléctrica y unos suaves coros, toda la canción tiene aire delicado, las guitarras que van apareciendo son bellísimas y bañan de luz el track. “King” es una enérgica canción, con gran potencia en sus guitarras más grunge, pero más amable y menos furiosa. El bajo es plano y acompaña de manera contundente al ritmo de la batería. “Now They’ll Sleep”, el octavo track, simple y poco efectivo primer single (para mí errónea decisión), pero escuchándola veinte años después, muy a lo que luego conoceremos como Veruca Salt, obviamente este sonido habrá influenciado a Veruca Salt. “Untitled And Unsung”, a esta altura ya el disco es desparejo y pierde efectividad y ya pierde ante su primer álbum. Una canción liviana que queda en medio de la distorsión y el arpegio más simple. Una canción sin peso. “L’il Ennio”, una canción que tiene algo de los sesentas, tal vez sea el rasgueo de guitarra, un poco más enérgica y efectiva que la anterior. Con muy buenos momentos, es uno de los puntos más altos del álbum. “Judas My Heart” cierra el álbum King. Un track con mucho ángel, el ritmo de vals lo hace mucho más disfrutable, el piano adorna de manera brillante los espacios que deja la voz. Es otra de las muy buenas canciones de este álbum. Belly se despide bajo una marea de buenas canciones, que no rindieron lo que suponía que iban a rendir, un álbum que tiene delicadeza en la composición, pero que no fue percibida en su momento. Escuchándolo a la distancia en el tiempo, “King” es superior a muchos álbumes que se consideran clásicos, pero bueno, la música tiene estas particularidades, de no gustarle a todo el mundo por igual o en el tiempo de su edición. Para eso está Revista The 13th, para rescatarlos.

El Final de Una Historia, y el Comienzo de Otra The Mission – Neverland (1995) Por Marcelo Simonetti

El disco que nos ocupa puede ser abordado desde muchos lugares. The Mission había sido la banda que haciendo exclusivamente Gothic Rock había llegado a encabezar el Reading Festival. La banda que miraba de reojo a U2 en la cima del rock mundial por aquellos años, encabezando los rankings en toda Europa y también las encuestas anuales en varios rubros. Pero también la que en medio de la gira de su disco más vendido en la historia, CIS, había visto partir a Simon Hinkler, su guitarrista, del que podemos decir como muestra que en ocasiones debió ser reemplazado por dos al mismo tiempo en el escenario para poder llenar el vacío que estaba dejando Slink. La respuesta de Hussey ante la crisis que provocó la ida de

Hinkler fue el dramático movimiento de timón llamado Masque, con la consiguiente pérdida de público, de ingresos, de buena disposición de la compañía disquera que terminó siendo ruptura, y la salida de Craig Adams. En un par de años, el futuro se había hecho añicos, y había que comenzar de nuevo. En la gira de pequeños reductos del 94 se iba mostrando el nuevo material, y el poderío de la nueva banda, que incluía en a Mark Gemini Thwaite (que terminaría siendo un compañero de Wayne por largo tiempo), Rick Carter, Andy Cousin y el único miembro original que en ese momento aún acompañaba al líder de la banda, el baterista Mick Brown. Por lo que los fans más leales podían escuchar, parecía ser en los The 13th 61

shows que el siguiente paso sería una vuelta a los orígenes de la banda, más que nada referido a la potencia rockera que se podía apreciar en vivo. Más aún alimentaba las expectativas de los más “puristas” seguidores la circulación de los demos del disco (sí, a principios del 1994 ya el disco estaba en su mayoría compuesto y demeado por la banda y no lograba salir por los problemas contractuales y de financiamiento) que en las zapadas en el estudio grabadas mostraban a una banda de rock pura y dura. Pero Wayne asumió la producción del álbum y tomó nuevamente las drásticas decisiones personales y artísticas que ya había tomado varias veces antes y le imprimió el sello personal que seguirían llevando en mayor o menor medida sus discos hasta hoy. Una mixtura de estilos e influencias, reflejo de los placeres musicales de Hussey. Ciertamente en Neverland se oyen rastros de la banda que surfeó en la cresta de la ola en la segunda parte de los ochentas, pero también hay rastros del costado más “Cure” y también pop que impregnó a Masque. También en Masque Wayne había cambiado radicalmente la temática y la forma de escribir las letras, dotándolas de mayor realismo si se quiere, y también un mayor vuelo poético. En Neverland encontramos bellísimas letras, y algunas desgarradoras, que son una continuación estilística de la inaugurada en Masque. Yendo a la lista de temas en sí, y al álbum como concepto, el disco tiene varias gemas memorables de perfecto pop, y también alguna que otra gema de más oscura, incluso lo que bien podría haber sido un clásico de su etapa de Gothic Rock más puro. “Raising Cain” es un comienzo oscuro y desafiante, con las guitarras de Hussey y Thwaite declarando la guerra y una letra que emparda ese espíritu guerrero, como invocando el despertar de un monstruo dormido que amenaza con levantarse. Pero con el correr de los tracks, aparecen otros colores.“Sway” es una linda balada, The 13th 62

y “Loose Myself in You” un tema pop ecléctico, con una guitarra de reminiscencias setentosas repitiéndose antes del estribillo. “Swoon”, el tema por el que apostaron como difusión, es un hermosísimo tema pop, de una sensibilidad sin par, que por momentos nos recuerda a Butterfly on a Wheel, pero en el final se hace presente el fantasma que venía sobrevolando el álbum desde un comienzo. La guitarra aparece planeando, y casi plagiando al mítico “Heroes” de Bowie aterrizando en un final perfecto. Para quienes no hubiesen reconocido el famosísimo sonido, Wayne se encargaba de aclarar de donde salía durante la gira, citando el estribillo del clásico del Duque en el final del tema. Promediando el disco aparece el Reprise de “Afterglow” (que ya había aparecido originalmente en el best of del año anterior), en un interesantísimo duelo de guitarras de Hussey y Thwaite, pero siempre con las vestimentas y adornos aportados en la producción que acolchonan con teclados el sonido y hacen que no suene como un tema de Rock sin más. A partir de ahí, primero con la bella letra del 100% gospel “Stars don’t shine with out you”, “Celebration”, “Cry Like A Baby “(100% glam al estilo T-Rex), “Heaven Know” y “Swim with the Dolphins” el disco se vuelve aún más ecléctico y desparejo, pero siempre teñido y adornado con “ruiditos” y sonidos de producción que evitan que el resultado final sea el que se esperaba al escuchar los demos. Eso sí, las diferentes pieles de Bowie siguen estando presentes a lo largo de todo el disco. Para el final, dos temas dignos de mención. “Neverland”, que da nombre al disco, vuelve a regalarnos un gran juego de guitarras, con una melodía poderosa, y una banda sonando a pleno. Y la cereza del postre, “Daddy’s Going To Heaven”, rock épico marca The Mission, nueve minutos de in crescendo en una perfomance de la banda demoledora y una letra por demás oscura y emotiva. Como hidden track del álbum aparece “Bates Motel”, la primera canción de “Wayne Solo” en un disco, voz y piano bien

jazzera, que nos regala ésta letra premonitoria de lo que fue y lo que vendrá: “Estoy dejando el Hotel Bates, las valijas están preparadas, tengo una historia para contar. Voy a agarrar la carretera, voy a arrojar ésta carga y no voy a volver. Oh, no”. Como dijimos al comienzo, las lecturas del disco pueden ser varias, y también el resultado del mismo. Neverland nunca pudo ser el disco que los fans más puristas de la banda estaban esperando. Lo que nunca vamos a saber es si fue una decisión consciente de Wayne al producir el disco (teniendo en cuenta lo que eran los demos y las presentaciones en vivo)

o no. Los temas más acústicos, las baladas, los teclados y la producción que a veces tapaba el tronco de cada tema, hizo que los viejos eskimos se despidieran para siempre. Pero también con Neverland increíblemente la banda comenzó a gozar de una popularidad en Alemania y Europa Media de la que no había gozado hasta el momento. Y también trazó los rasgos del eclecticismo al que Wayne nos acostumbraría luego en sus siguientes trabajos. Y por supuesto, mas allá de cualquier lectura subjetiva, nos dejó grandes canciones como Raising Cain, Swoon, Afterglow, o Daddy’s Going To Heaven Now.

Ella llegó sola a dar su amor PJ Harvey – To Bring You My Love (1995) por Rodrigo Debernardis

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Primer disco “realmente solista” de PJ Harvey (anteriormente había editado con su trío los trabajos “Dry” en 1992 y “Ride Of Me” en 1993), To Bring You My Love es una bellísima obra en la que PJ demuestra su enorme versatilidad vocal, situándose al frente de la escena musical indie de la época. El álbum es, definitivamente, el más oscuro de PJ hasta ese momento (y quizás el de toda su carrera), algo que en gran parte se debe a la influyente intervención del productor del disco. Flood (Depeche Mode, U2, NIN) indujo a Harvey a darle mayor preponderancia a climas creados por sintetizadores, teclados y cuerdas, generando una atmósfera cruda y espesa que envuelve todo el trabajo. Muestra de lo que digo es el track que abre y da nombre al disco. “To Bring You My Love” es un desgarrado relato blusero arriba de un misterioso teclado y una melodía de guitarra tocada por la propia PJ. En ese tono también entra el track 05 “Teclo”, pero aquí se hace mucho más apreciable el talento vocal de Polly Jean, poderoso y de enorme sentimiento. El track 06 es una aplanadora. “Long Snake Moan” tiene el poder y la distorsión necesaria

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para desconar casi cualquier parlante. Otro punto alto del disco es “Meet Ze Monsta” (02), aunque rockero y básico, con el sonido alternativo y la voz de Harvey lo transforman en un gran track.”C’mon Billy” (04) es una bellísima canción acústica con un arreglo de cuerdas muy emotivo (me hizo acordar un poco a las grandes creaciones de U2, allá por 1987/1988). “Down By The Water” (07) es quizás la canción de PJ Harvey más tocada en las radios del mundo y por la cual se hizo popular aquí en Sudamérica. La repetición susurrante al final del track es un poco terrorífica, pero por eso no deja de ser una gran canción. El álbum cierra con una hermosa interpretación de PJ (“The Dancer”), una balada con influencias latinas al estilo Sade, pero con un toque más oscuro y sexy. En resumen, To Bring You My Love es un gran, gran disco; una obra que le otorgó a PJ Harvey un merecidísimo lugar entre las grandes artistas y las mejores voces femeninas de la música.

Naranja, Amarillo y Negro Tori Amos - The Beekeeper (2005) Por Maxx Wilda

Allá por el 2005 cuando escuché The Beekeeper jamás hubiera pensado que en algún momento tendría la oportunidad de hacer una reseña/crítica del mismo. Me resulta sumamente grato volver a él acompañado de un favorito: Negroni Naranja (gin, campari, vermouth dulce y jugo de naranja), especial para una recorrida veraniega por paisajes musicales resemblando la cabellera de Tori. Como si fuera un presagio, comienza Parasol, para cubrirme tal como se inspiró Tori en la pintura de Saurat, de lo exterior creando un clima armónico pero fuerte (sobresalen las notas graves, evitando un clima naif ), casi como un clamor de escape y blindaje

(conceptos claros en la letra). Paso por SweettheSting, con un Groove muy interesante acompañado de un Hammond B3 que le da la profundidad y personalidad que se reflejara en varios momentos del este disco. SleepswithButterflies fue el primer single del álbum y el primero que escuché en su época, ese riff inicial de piano (muy “cercano” a Trouble de Coldplay) da entrada a un tema muy de su época, simple, fácil de tomar como mi Negroni Naranja. No posible entender estos siguientes temas si no nos situamos temporalmente luego de la re-elección de George W. Bush, revolución, amor, sacrificio, traición, desilusión, muerte se ve reflejado en dos canciones de carácter The 13th 65

musical sutilmente diferente pero muy ligadas en esencia. RibbonsUndone y Cars and Guitars, pasan sin dejar marca alguna y me dan tiempo para un nuevo Negroni Naranja. Mientras el sabor de mi trago me invade, suena Witness, supergroovy con dejos de góspel y nuevamente ese B3, pero cuando la cosa se ponía movida, cae Original Sinsuality, voz y piano enfriando casi a cero el clima. Los esfuerzos de Ireland por subir la temperatura, son escasos: correcta y pasajera. Ahora sí, algo diferente, la canción que da nombre a este disco, algo diferente, bien al estilo Dirty South (Murk y otros), casi hipnótico, como un portal a otro lugar… posiblemente algo después de la muerte. A mi gusto, el más interesante del disco. Martha’s Foolish Ginger, no suma ni resta pero Hoochie Woman si cambia el clima, groovy, sexy, casi funky, explota una doble faceta (posiblemente algo que Tori quería mostrar): atractiva pero

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inteligente, no defrauda pero tampoco enamora. Tanto que el disco, a mi entender, ya no remonta, se estabiliza en un horizonte en el cual “más de lo mismo” podría ser el denominador común, no se discute la calidad musical ni ese crudo pero cálido sonido logrado en el mastering. En esta ultima bolsa ponemos a Goodbye Pisces, Marys of the sea y Toast. Si realizo una mirada general al álbum, puedo ver una tendencia un poco más oscura y visceral, queriendo seguir una línea temática por momentos se pierde en una mezcla un poco rara de estilos, como queriendo encontrar el propio. He aquí el título de la reseña, Naranja: ella, amarillo y negro: la abeja que se quiere atrapar, vida y muerte, calma y movimiento (o viceversa). Este disco de seguro no cambiará sus vidas, pero para una tarde de verano, con un Negroni Naranja y un pequeño dejo de introspección… puede funcionar. ¡Salud!

Es interesante escuchar música que hiciste en el pasado entrevista a rachel goswell por slowdive - pygmalion (1995) por Diego Centurión traducción: marcelo simonetti

Primero quiero agradecer el tiempo que tú te tomes para responder las preguntas. Nosotros tenemos una sección dedicada a los aniversarios de aquellos discos que nos gustan, haciendo una reseña a través del tiempo o (como en este caso) entrevistando a los protagonistas de un álbum. Pero no podemos vivir del pasado, así que también preguntaremos por el presente y futuro de Slowdive. El eje central

de la entrevista es el vigésimo aniversario de Pygmalion, tercer álbum de Slowdive. 1995. ¿Cómo llega la banda a la composición de este álbum? Debido al resultado, la banda quería un cambio. Menos shoegaze y más clima. Neil estaba escuchando un montón de música ambient y tecno en ese momento y Pygmalion nació de eso. The 13th 67

Este trabajo marca un cambio en el tratamiento de la espacialidad, en lo que respecta al sonido, Es como la banda trató de ser más ambiente, más etérea. ¿Cuál fue la búsqueda en este registro, tal vez sonar más soundscape? En el momento en que Pygmalion fue grabado no éramos realmente una banda en funcionamiento para ser honesta. Mucho de éste disco fue debido a la visión de Neil. Agregué voces en varios lugares y estuve presente en el proceso de grabación.

He escuchado algunos conciertos y la química está intacta. ¿Cómo están tomándose este reencuentro, habrá un nuevo álbum? Tuvimos un año absolutamente explosivo y todos los disfrutamos mucho. Ha superado nuestras expectativas. Estamos trabajando en nuevo material ahora y esperamos que desemboque en un nuevo álbum.

En el 2014 se concretó el regreso de la banda. ¿Cómo fue planeada esta reunión? Creo que está bien documentado en internet. Nos ofrecieron juntarnos de Primavera y comenzamos a pensar en la posibilidad de hacer nueva música como resultado. Pensamos que al hacer los festivales, sería una buena manera de comenzar a ver, incluso a nivel de cada uno, si sería bueno para todos estar juntos otra vez.

¿Cómo sigue el 2015 para Slowdive? ¡Estamos haciendo planes para el futuro!

¿Cómo ves el sonido de Pygmalion veinte años después? Mi opinión personal es que parece haberse grabado recientemente. ¿Recuerdas como fue el proceso de En general creo que se mantiene muy bien composición de las canciones? ¿Tú y Neil y todavía tiene buena relevancia. Me siento han escrito todo el material por separado? orgulloso de haber sido parte del proceso. Sólo una canción coescribimos. Escribí la melodía vocal y la letra. Neil ya había escrito Hace unos años que el shoegaze y el la música para esa canción. dreampop está de vuelta, muchas bandas nuevas rescatan esas sonoridades de los 80s ¿Tú escuchas tus trabajos anteriores? y 90s. ¿Tú cómo ves este revival? ¿Cuánto tiempo hace que no escuchas el Creo que en la música todo es cíclico, álbum Pygmalion, de principio a fin? generalmente. Hay algunas grandes bandas Escuché todos los discos de punta a punta al que han sido influenciadas por el shoegaze. comienzo del último año por primera vez en Con el dream pop no estoy muy familiarizado quizás 15 años. Es interesante escuchar otra para ser honesto. Vengo disfrutando el álbum vez música que hiciste en el pasado. Algo de de Black Ryder que va a salir en marzo por todo eso todavía se mantiene bien y algunas ejemplo y me encantó el homenaje que Alcest cosas no. le hace al género en su último álbum.

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¿Latinoamérica? Sí, en algún punto nos gustaría. Hemos dado vueltas al asunto y por el momento no es posible. Pero vamos a ver si podemos ir en un futuro con el nuevo disco. Gracias Rachel por el tiempo que has tomado para contestar las preguntas.

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PONIENDOSE AL DÍA… POR LA NOCHE Simple Minds – Good News From The Next World (1995) por Daire alujas

Tras unos 3 a 4 años de ausencia y después de cerrar una era importante (de hecho la “más” importante de su carrera y la que los perpetuara como una de las bandas “de los 80”), con el compilado Glittering Prize en 1992, Simple Minds entrega el que será, a mi juicio, su entrada tardía a los 90. Y es que, siendo honesto y validando mi percepción con los datos y la evidencia, Simple Minds es tal vez la banda de Rock Pop de nivel mundial, que más destaca por su impuntualidad en arreglo a las tendencias. Mucho se dijo desde los mismos años

80 acerca de la banda, que eran algo así como la “sombra” de U2; la banda que “pudo” haber ocupado su lugar y no supo capitalizar su estilo y su discurso antes de que se les adelantaran los irlandeses. Tal vez no sea relevante destacar aquí opiniones y críticas de ese tipo, considerando también el hecho (muy bien expresado por Johnny Marr en cierta oportunidad) que “no todos quieren ser como U2”. Pero si nos avocamos a los hechos, U2 bien puede ser considerada la banda que les abrió los 90s a varios de sus contemporáneos con Achtung Baby (1991), apostando por

cambios radicales, fusionando las fórmulas ya probadas con tendencias emergentes o alternativas para la época (electrónica, industrial, música disco, grunge, entre otras), luciendo más modernos y agresivos, etc. La tendencia la podríamos encontrar también -por nombrar otros ejemplos- en Depeche Mode (Songs of Faith and Devotion, 1992 donde el eco del grunge hizo subir el nivel de las guitarras en las mezclas y tratamientos), The Cure (Wish, 1992, donde incorporan de lleno un sonido más shoegaze). Hablamos entonces, de cómo las bandas que pujaron durante los 80s para hacerse de un espacio en la escena mundial, tuvieron que reinventarse para abordar y seguir estando vigentes en la nueva década. Pues bien, teniendo en cuenta lo anterior, Simple Minds no cerraba los 80 precisamente con Street Fighting Years (1989), a mi gusto uno de sus discos más interesantes y profundos; ni tampoco con Real Life (1991) el cual conserva su impronta musical y estética de los 80, sino recién el 92 con el ya mencionado compilatorio de rigor. Good News From The Next World es lanzado en 1995 donde recién apuestan por un cambio estético y sonoro donde las

guitarras adquieren un protagonismo que da cátedra por la precisión y creatividad casi desbordante de Charlie Burchill. Centrándonos en sus aspectos técnicos, la calidad del disco tiene soportes de peso, tales como la producción de Keith Forsey (coautor y responsable de la producción de Don’t You Forget About Me una década antes), y colaboradores del orden de Vinnie Colaiuta y Marcus Miller. Como ya mencionaba, las guitarras de Burchill destacan más que nunca, siendo protagonistas tanto como la voz inalterable de Jim Kerr. Tal vez esto se deba a la reducción que tuvo la banda a su dúo nuclear Kerr/Burchill, de quienes salen todas las canciones del disco. Sin dudas es un disco excelente, vibrante y bien producido, que bien pudo haberse hecho –a lo menos- un par de años antes. De alguna forma pienso que ello repercutió en que el disco y la banda no tuvieran el reconocimiento e impacto que merecían (su éxito fue mas bien discreto). Llama la atención que una de las críticas hechas en la época por Melody Maker dijera que el disco “se aproxima el ruido que se haría si todo el contenido de una tienda de música fueran atados a un transporte Imperial de Star Wars”. Delirante, a decir lo menos.

Hidden track

RESCATE CINÉFILO

COBERTURA DE LOS OSCARS

No estaremos en la alfombra roja, no nos codearemos con las estrellas de Hollywood ni estaremos informando con qué vestido se luce Jennifer Lawrence o el estado de drogadicción que lleva James Franco encima. Sin embargo, eso no evita que en este nuevo número de The 13th, en el mes de la entrega de premios de la Academia, realicemos una cobertura acerca de la cereza del postre: los films nominados a Mejor Película. 8 nominadas, una de ellas se llevará el gran galardón. Exceptuando Boyhood y The Grand Budapest Hotel, de las cuales ya escribimos en el número de Diciembre, los siguientes 6 films nos han maravillado, otros indignado y otros incluso simplemente han pasado frente a nosotros sin pena ni gloria. Incluso podrán encontrar que uno en particular a generado controversia en nuestro staff obligándonos a tener un intercambio de opiniones dedicándole dos notas. Vístanse de gala y pasen a conocer nuestro parecer acerca de esas películas que el star system glorifica. And the Oscar goes to…

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A favor de Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) EL EGO QUE TODO LO PUEDE por Gustavo M. García

Este año la Academia parece haber hecho una elección temática de las películas que compiten por el galardón mayor, Mejor Película. Whiplash (Damien Chazelle), Birdman (Alejandro González Iñárritu) y The Imitation Game (Morten Tyldum) parecen tener una conexión en el eje central de su argumento, el ego. Incluso The Theory of Everything (James Marsh), otra de las nominadas, encierra este tema como uno de los problemas más desgastantes de la pareja protagonista. Pero de todas ellas, hay una que se sumerge profundamente en la psicología de sus personajes y juega entre un rompecabezas de decadencia, soledad y locura con el ego de cada uno de ellos. Ésta es Birdman. La última película de Iñárritu habla de la naturaleza del espectáculo, de la fama, de la diferencia entre artista y celebrity y, sobre

todo, de la resistencia al olvido. Claro que no es la primera vez que vemos un largometraje destinado a sacar los trapitos de la intimidad hollywoodense al sol. Incluso el año pasado David Cronenberg nos golpeó con una cruda, sórdida y decadente mirada sobre la farándula estadounidense en Maps to the Stars. Pero Birdman ha sabido capturar esta naturaleza con una belleza y una originalidad invaluable. Hace muchos años, aunque aún puede verse cada semana en la televisión, vimos en un capítulo de The Simpsons al actor y activista ecológico Ed Beyley Jr. transportarse con un vehículo “impulsado por su propio ego y satisfacción”. De la misma forma, el protagonista de Birdman, Riggan Thomson (Michael Keaton), levita por las calles de Nueva York (que justamente no es la bella ciudad de Woody Allen donde todo está bajo The 13th 77

control) hasta entrar en el mundo donde juega a ser un Dios caprichoso, un teatro perdido en Broadway. En este escenario, este actor encasillado en el superhéroe (Birdman) que interpretó durante toda una trilogía hace ya muchos años, busca volver al ojo de la tormenta farandulera montando una obra de Raymond Carver (What We Talk About When We Talk About Love - ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?) totalmente pasada de moda. Thomson dejará todo por lograr su consagración, haciéndole frente a la crítica, a sus problemas financieros y familiares, a las redes sociales asesinas, a sus compañeros de reparto y, sobre todo, a ese personaje del pasado que no deja de acecharlo. En este viaje a la cima, nuestro protagonista se cruzará por los pasillos del teatro con sus compañeros de trabajo (todos conflictivos, desquiciados y perdidos en sus carreras), dándole vida a un ambiente viciado, lleno de deliciosos momentos tragicómicos e interesantes diálogos suicidas (como los de la dupla Emma Stone/Edward Norton en la terraza del teatro). Estos pasajes dan cuenta que el casting ha sido excelente. Definitivamente la película ha sido hecha por y para estos actores. Cada uno logra exactamente lo que se aparenta haber buscado en su personaje y resuelven su psicología con una profundidad digna de un reconocimiento. En forma personal, más allá del gran trabajo de Emma Stone y del siempre genial Edward Norton (su ególatra insoportable, logra ser tremendamente insoportable), sorprende el pequeño papel de Naomi Watts. Su interpretación de una actriz novata tratando de hacer su camino a la fama es realmente impecable. Pero, a la vez,

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la interpretación a la que más cuesta creerle fue a la protagónica, la de Michael Keaton. La realidad es que hay que hacer un esfuerzo para dejar pasar algunas de sus caras sobreactuadas y es difícil terminar de empatizar con él (con Keaton, no con Thomson). Aunque la riqueza de su personaje, la brillantez con la que lo presentan los autores de la película y algunos grandes diálogos que tiene junto a Mike Shiner (Norton), logran que el protagónico salga airoso. Pero no sólo los actores hacen a la gran obra. La mano del“bipolar”Alejandro González Iñárritu, que nos hizo amarlo en su opera prima Amores Perros (2000) pero odiarlo en Biutiful (2010), hace que ese recorrido por los pasillos del teatro sea uno de los viajes audiovisuales más originales vividos en el 2014. El falso plano secuencia que atraviesa perfectamente los 119 minutos de película consigue resaltar el alma del teatro (el teatro no tiene cortes, señoras y señores) y compone la presión, el sofoco y la adrenalina que viven los protagonistas en las horas previas al estreno de la obra. Logro que, sin lugar a dudas, es compartido con el gran trabajo de fotografía del mexicano Emmanuel Lubezki, que ya sorprendió a todos por su exquisita labor en Gravity (Alfonso Cuarón, 2013) y Children of Men (Alfonso Cuarón, 2006), entre otras. En síntesis, Birdman es un collage de ironías original, trasgresor y, como toda obra pretensiosa, generador de críticas totalmente opuestas, dividiendo las aguas entre quienes lo adoren y quienes lo odien. Lo que hace innegable que esta apuesta esconde una complejidad que dará inicio a una nueva era en la carrera cinematográfica de su realizador.

En contra de Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance): ¿DE QUÉ HABLAMOS CUANDO HABLAMOS DE BIRDMAN? Por Nicolás Ponisio

Quien vuela cerca del Sol siempre se arriesga a quemarse. La nueva obra de Alejandro González Iñárritu hace uso de sus personajes para mantener un discurso sobre el amor, las frustraciones, los medios, las redes virtuales, el cine pochoclero, el cine intimista, la crítica, el alcance del éxito y la pérdida del mismo. El cineasta mexicano, que nos tenía acostumbrados puramente al drama, en ocasiones cerca de llegar al golpe bajo, se presenta esta vez con un drama con mucho de comedia y desenvolviéndose con un tono mucho más rítmico y un despliegue de la puesta en escena de mayor fuerza protagónica que en sus trabajos previos. Si bien el uso de incontables planos secuencias refuerza el realismo teatral y la cercanía a un mundo caótico entre bambalinas, también hay un fuerte hincapié en desnaturalizarlo y, por ende, alejarnos de él. Factor que, en una visión más globalizada de

la obra, no llega a molestar ya que pertenece a una danza hipnótica que conforma la cámara, los escenarios y la fotografía. Juego de luces y movimientos de cámara son de una precisión prácticamente impecable que, junto a la mejor actuación de Michael Keaton hasta la fecha, mantienen a flote a un film que por volar alto termina precipitándose al vacío, en vuelto en llamas como la columna incendiaria con la que inicia. El problema con Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) es justamente esa impetuosidad de volar alto regodeándose con sí mismo, lo que le otorga una identidad pretenciosa. Si el título del film no les bastó como ejemplo, no se preocupen que a continuación hay más. Si bien Birdman respira un aire pretencioso e intelectualoide (no confundir con intelectual) es en los diálogos donde ese carácter se evidencia mayormente. Lo que comenzaba como un interesante mensaje/ The 13th 79

debate/enfrentamiento argumental que podía concluir formándose en los valores de juicio del espectador, se transforma en discursos grabados en piedra (o en planos secuencias), en bajadas de línea textuales que no conllevan naturalidad alguna, sino que son forzadas a encajar. Sea la mirada negativa para con el Hollywood de Superhéroes (graciosa en sus comienzos con referencias al cine actual), la mirada crítica (y en ocasiones algo antigua) para con la viralidad virtual y el abuso de ésta, o la mirada crítica para con la crítica en sí. Clichés siempre rodeados por una dualidad entre el atractivo fílmico y la acartonada interpretación discursiva. A Iñárritu incluso no le basta con poseer un excelente meta mensaje radiográfico que es la relación Riggan Thomson/Birdman con Michael Keaton/ Batman, sino que necesita incluso que se la sea explicada al público con un Birdman mirando y hablando directamente a cámara. El film mantiene varios puntos en común con Whiplash (Damien Chazelle, 2014), otra de las nominadas al Oscar y de la cual el colega

Gustavo García escribió para este número. Ambos trabajos se abocan a demostrar la pasión por el arte, las ganas de superación, el alcanzar la grandeza y dejar, literalmente, la sangre sobre el escenario. Ambos incluso contienen una escena fundamental de tensión donde se arriesgan a todo para lograr su performance. La diferencia es que en Whiplash cuando los personajes no hablan, las imágenes lo hacen por ellos o al menos le abren al público el placer del interesarse y querer saber qué nos dicen, qué piensan, qué transmiten. Como mirar a alguien a los ojos e intentar descifrar sus pensamientos, de encantarse por quien está frente a nosotros, queriendo ahondar en su mente y sentimientos. En Birdman todo mensaje, todo discurso es explicitado, haciendo que el encanto del comienzo se vaya volando, dejándonos con ese solo de batería (que terminan por molestar a diferencia de los solos de Whiplash) que musicaliza al film y que representa el ruido en la cabeza de Riggan y, a fin de cuentas, el ruido que queda en la del espectador al verlo.

CORRECCION DE COLOR

Por José Luis Lemos

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En un año signado por películas “basadas en historias de la vida real” (de las ocho nominadas a mejor película, cuatro entran en esta categoría), Selma es la que cuenta con un perfil más bajo, pese a que la figura a la que homenajea es mucho más icónica que el francotirador al que rinde homenaje Clint Eastwood y el matemático que protagoniza The imitation Game. Martin Luther King,Jr., incansable luchador por los derechos de la población afroamericana de los Estados Unidos y la igualdad social, pese a sus históricos logros no contaba hasta ahora con una película que retrate su vida, más allá de algún film hecho para televisión. Uno de esos telefilms, llamado Selma, lord, Selma, ni siquiera hacía hincapié en la figura de Luther King y en cambio nos mostraba los violentos hechos ocurridos en Alabama desde la perspectiva de una niña que había participado de la marcha por el derecho a voto. Selma también se centra en las marchas de Selma a Montgomery, en la que 600 personas en defensa de los derechos civiles decidieron protestar de manera pacífica, para luego ser violentamente reprimidos por la policía y una muchedumbre hostil en lo que se dio a llamar como “el domingo sangriento”. Pero el eje, en esta ocasión, está puesto en la figura de Martin Luther King tanto en el ámbito público como en la intimidad. La primera imagen de Selma es el propio Luther King (David Oyelowo), observando al espectador mientras ensaya el discurso que dará en la entrega de su premio Nobel de la paz. Discurso que es interrumpido por él mismo al no estar muy convencido de la corbata que viste. Este detalle, en principio frívolo, revela una de las principales preocupaciones del célebre activista: la desigualdad social. Una persona que se dirige a los sectores menos favorecidos económicamente, dice, no puede hacer tal ostentación de riqueza. No será la primera demostración de culpa. Segundos después, un beso no concretado con su esposa Coretta (Carmen Ejogo) pondrá en evidencia

un matrimonio desgastado que parece perder terreno ante cada derecho ganado.a fuerza de amenazas e infidelidades. Imprevistamente, esta escena intimista dará paso a una secuencia tan shockeante como innecesaria (debido al tono del film) en la cual dos niñas negras vuelan por los aires tras la explosión de una bomba, en efectista cámara lenta. Tal escena, que presagia una batería de golpes bajos apelando a lo peores recursos narrativos y que incluso trae a la memoria el famoso travelling de Kapo, le daría a Jacques Rivette el argumento perfecto para tratar a Selma de abyecta. Aun así, vale la pena seguir el camino trazado por el film de Ada Duvernay, que abreva en estrategias mediáticas e intrigas políticas a través de la relación entre Luther King y el entonces presidente de Estados Unidos, Lyndon B. Johnson (Tom Wilkinson). Es en estos momentos donde el film crece, tanto por la interpretación de Wilkinson como por la ambigüedad de su personaje, un hombre cuya ambición es pasar a la historia aunque no esté muy convencido de las medidas que debe tomar para lograrlo ni del costo que deba pagar por hacerlo. Esa ambigüedad es menos evidente en el personaje de Luther King, quizás demasiado atado a la corrección política y por tanto menos permeable a una mirada crítica, aun cuando un par de escenas pretenden convertir a la figura de mármol en un hombre de carne y hueso. Se agradecen los momentos en los cuales su lucha es puesta en duda , no tanto por el fin de la misma , obviamente, sino por los métodos empleados basados en la no violencia, cuestionados por colegas más radicales como Malcom X, quien ya tuvo su biopic a cargo del virulento Spike Lee, y que aquí hace una breve aparición. Aparición que, sin embargo, solo sirve de contraste para validar los métodos pacifistas de Martin Luther King. (Malcom es asesinado minutos después y su muerte apenas es mencionada). La misma corrección convierte a ciertos personajes en villanos casi sin matices, como el gobernador The 13th 81

de Alabama interpretado por Tim Roth, y a otros los reduce a meras caricaturas, como el J. Edgar Hoover de Dylan Baker (quien, sin embargo, protagoniza una de las mejores escenas del film). Otras apariciones, como la de Martin Sheen y Cuba Gooding jr., parecen más propias de un film de la saga de Torrente, dado la gratuidad del recurso y los escasos minutos en pantalla. La misma corrección que tiñe al film, se traslada a su aspecto visual: dejando de lado la antes mencionada escena de la explosión, no hay una puesta particularmente llamativa. No es que el film así lo pidiera, pero Selma parece adherir a la misma política de películas históricas como Lincoln, donde figuras de mármol deben ser representadas por encuadres de mármol, como si mover demasiado la cámara fuese un atentado contra la seriedad del tema a tratar, acercando al film peligrosamente a la estética de telefilm pese a la cuidada fotografía que evoca perfectamente la época. Tal vez las únicas escenas que se despegan de esa fórmula son aquellas donde las fuerzas

policiales arremeten contra los protestantes de forma salvaje, destacándose aquella donde una niebla de gases lacrimógenos cubre a los manifestantes como un manto ominoso y fantasmal. Los valores de Selma se sustentan más en lo ideológico que en lo estrictamente cinematográfico, siendo en cierto modo el reverso de American Sniper. Allí, en el terreno de la reivindicación, el film logra transmitir ese espíritu de lucha y acción colectiva que predicaba Martin Luther King, en gran parte debido a la impecable actuación de David Oyelowo (injustamente ignorado en las nominaciones de los Oscar) y funciona como recordatorio de una época oscura en la historia de Estados unidos signada por los prejuicios y el odio racial. Y queda un sabor amargo tras los títulos de créditos, no solo por el destino de algunos de los personajes del film, sino por saber qué hubiera hecho Spike Lee con esta historia entre sus manos. Seguramente algo menos correcto…seguramente algo con más color.

LA GRAN ESTAFA AMERICANA Por Jose luis lemos

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“Esta es una película sobre lo que pasó Chris - un soldado - y todo su dilema, el terror, la batalla interna y su familia. Es de lo que se trata la película. Es de lo único que hablamos en ella. No es una película política en ningún aspecto. Solo es una película sobre un hombre, un personaje, y nosotros tenemos el privilegio de contar su historia… Tenemos la esperanza que ustedes abran sus ojos para que puedan captar la batalla interna de este soldado”. Con estas declaraciones, Bradley Cooper intentaba despejar cualquier acusación de propaganda militar al film que protagonizaba, dejando en claro que era solo el retrato de un soldado y las secuelas que sufrió tras estar en el campo de batalla. Pero claro, no se trata de cualquier soldado. Se trata de Chris Kyle, un Navy Seal que se hizo famoso por ser el francotirador más letal de Estados Unidos y a quien se le acreditaron 160 muertes oficiales. 255 según contabilizó el propio Kyle en su propia autobiografía: American Sniper. El título no es azaroso. El “american” no hace tanto referencia a la procedencia de su protagonista como a su condición de “americano”, habitante del mejor país del planeta con todas las virtudes que ello conlleva: valentía, dignidad, honor…y puntería, claro. Cabe destacar que Chris Kyle no solo se enorgullece de ser americano, sino también de haber matado cientos de iraquíes en nombre de su país y de haber saqueado sus casas. ¿Cómo no podría estarlo si, según él, los “salvajes” a los que le quitó la vida no eran personas, sino el mal encarnado? Ahora bien, ¿es posible hacer una película que no tome partido con un personaje de esas características? Bueno, Clint Eastwood, el director, y Bradley Cooper, el encargado de encarnar a Kyle, creen haberlo hecho. Veamos si lo lograron. American Sniper comienza con un dilema que en realidad no es tal: Kyle,

parapetado en una terraza, observa desde la mira de su rifle cómo una mujer le entrega una granada a un niño iraquí con el fin de arrojársela a un grupo de soldados americanos. El dedo índice del soldado comienza a tocar el gatillo, dubitativo, y de allí pasamos a un largo flashback que comienza a mediados de los ochenta, donde la razón de ser de nuestro protagonista quedará definida por una frase de su padre: “en el mundo hay ovejas, lobos y perros pastores…en esta casa no criamos ovejas, y les azotaré el trasero si se convierten en lobos”. Como buen perro pastor que es, Kyle presiona el gatillo y dispara al lobo que ponía en riesgo a las ovejas. Aunque en la escena siguiente lo vemos algo perturbado por el hecho, bastarán unos pocos minutos para que se nos recuerde que es, ante todo, un héroe: “Hay alguien vigilándonos, agradécele luego” dice el líder de un pelotón a uno de sus soldados cuando un iraquí cae del cielo, fulminado por el francotirador. Esto resume prácticamente toda la estructura del film, que primero nos muestra las proezas que convirtieron a Chris Kyle en el francotirador más letal de su país y luego nos enseña las secuelas que produce la guerra en los combatientes. Allí es donde entra en escena Taya, la esposa de Kyle (Sienna Miller) quien deberá lidiar con un marido traumatizado que físicamente está en su hogar, pero mentalmente sigue en Irak, y que está más preocupado en proteger a su país – sin tener bien en claro por qué- que a su familia. Este detalle, junto con una escena en la cual el hermano del protagonista deja entrever el sinsentido de la guerra, es la principal baza con la que cuenta Eastwood para que se considere a su film como antibelicista, pero las escenas entre Bradley Cooper y Sienna Miller son tan pueriles que parecen hechas sin ganas, como algo impuesto para humanizar a un personaje que en la vida real se jactaba de no sentir congoja alguna por sus víctimas. Tan artificiales resultan estas escenas que incluso The 13th 83

el hijo que sostiene Cooper en sus brazos es de plástico. El verdadero énfasis del film esta puesto en las escenas bélicas, donde el oficio de Eastwood en el género, ya demostrado en su díptico sobre la batalla de Iwo Jima, sabe transmitir tensión apoyado por un montaje trepidante pero preciso, que no cae en los excesos tan transitados por muchos films bélicos de los últimos años. A destacar también la ausencia de subrayados musicales (tampoco es que hicieran falta) y de hecho en los créditos no hay un compositor responsable, solo figurando Joseph S. DeBeasi y Clint Eastwood como compositores de música adicional. A sus 84 años, el director de Los imperdonables parece tener vitalidad de sobra, pero ideológicamente está más viejo que en films como Gran Torino o Changeling: basta con ver la forma en que diferencia a las víctimas de un bando y las del otro. Los soldados americanos mueren luego de una larga agonía, mientras que los iraquíes mueren inmediatamente…excepto aquellos que son asesinados por su propia gente, como demuestra la infame escena del taladro. Del francotirador estrella del bando contrario,

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a quien llamaban Mustafá, (al cual Spielberg, cuando aún estaba a cargo del proyecto, quería retratar como un reflejo del protagonista) no sabemos nada aparte del hecho de que se encarga de aniquilar soldados americanos, porque es mucho más útil a la causa verlo como un asesino sin pasado que un hombre de familia como lo era Kyle. Detalles como estos son los que ponen en evidencia las verdaderas intenciones del film, que está muy lejos de ser el retrato psicológico de un ex combatiente y se acerca más a la exaltación patriótica de un héroe discutible, que alcanza su punto máximo en los créditos finales, plagados de barras y estrellas. Chris Kyle murió durante la producción del film, asesinado por un ex combatiente con stress post-traumático al que estaba ayudando a rehabilitarse. Su esposa le dijo a Bradley Cooper y a Clint Eastwood “Si ustedes van a hacer la película, van a tener que hacer las cosas bien.” La muerte del francotirador americano a manos de un compatriota enajenado nunca llega a verse: la imagen se congela repentinamente en la mirada de su mujer viéndolo partir hacia su muerte. Lamentablemente, Clint hizo las cosas bien.

OBSESIÓN POR LA PRESIÓN por Gustavo M. García

Hace algunos números atrás, reseñé un largometraje sobre un pianista que era presionado por un francotirador en medio de un concierto a sala llena bajo la amenaza “si te equivocas una nota, te mato”, Grand Piano (Eugenio Mira, 2013). Esta particular película que sorprendió desde la originalidad de su argumento y, sobre todo, desde la extravagancia de su magnífico montaje, salió de la pluma de un joven guionista desconocido: Damien Chazelle. En el mismo año de estreno de Grand Piano, un cortometraje surgido de la misma pluma estaba destinado a llevarse los aplausos del jurado del Festival de Sundance, Whiplash (Damien Chazelle, 2013). En él, un fantástico J.K. Simmons interpreta a un tiránico profesor y director de una orquesta estudio

de jazz que presiona a sus alumnos a dar lo mejor de sí a base de gritos, insultos y hasta fuerza física. Esta impresionante actuación y la solidez del argumento, lograron su destino, ganando el Gran Premio del Jurado a Mejor Corto de Ficción. Pero, al parecer, el corto era una simple excusa para atraer inversores que financiaran un futuro largometraje. Objetivo que también se logró, ya que un año después apareció Whiplash: Música y obsesión (Damien Chazelle, 2014). A diferencia del corto, el largometraje presenta un aparente antagonista para este maléfico docente (nuevamente interpretado por J.K. Simmons), el joven Andrew Neiman (Miles Teller) que aspira convertirse en el mejor baterista de su generación, para quedar en el recuerdo de la elite del jazz The 13th 85

estadounidense. Andrew está seguro que el mejor camino para alcanzar sus aspiraciones es estar bajo el ojo crítico de Terence Fletcher (el profesor) y no dudará al hacerle frente al sudor, a las lágrimas y, sobro todo, a la sangre que este camino conlleva. Pero la metodología de Fletcher puede ser fatal para quien se obsesiona por seguirle el ritmo (si te equivocas una nota, él matará tu futuro musical) Bajo esta premisa, la película se convierte en una competencia enfermiza contra el más fuerte de los competidores, el ego, y cada personaje da pelea con la autoexigencia, la paciencia, la dignidad y el amor propio que tiene, no en busca de la autosuperación, sino en pro de demostrarle al otro quién es mejor. Una búsqueda cínica que está perfectamente contada desde el maravilloso montaje de Tom Cross y la fotografía de Sharone Meir, que logran captar la grandeza y, a la vez, el hostigamiento en las escenas centradas en las prácticas del protagonista, los certámenes y los ensayos con la orquesta. Además, a mi criterio, puede notarse una gran mano del director al recrear este camino en forma similar al que se retrataría la vida de un boxeador, que se aprecia en el maquillaje de Andrew y en el trato que se le da a las escenas de su “entrenamiento físico” con la batería y sus largas caminatas en slow motion por los oscuros pasillos que transita hacia su lucha diaria. Por la misma razón, no es casual que

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Chazelle haya elegido para el protagónico a un joven con características faciales similares a las de un joven Sylvester Stallone. Y al parecer, no debo ser el único que ve a Miles Teller con un physique du role de boxeador, ya que este año podremos verlo encarnando al campeón mundial de boxeo Vinny Pazienza en Bleed for This (2015), la última película del director Ben Younger. Pero Whiplash no sólo se sostiene de estas perfecciones técnicas, la excelente labor de los protagonistas hacen solvente este delirante drama musical. Sin dudas Teller ha demostrado que está preparado para correrse de los clásicos films de humor adolescente al que nos tiene acostumbrados, y J.K. Simmons reclama a gritos el Oscar a Mejor Actor de Reparto que le fue esquivo en Juno ( Jason Reitman, 2007), aunque esta vez sí está nominado. Whiplash es atrapante por dónde se la mire y puede ser tranquilamente una digna merecedora del premio mayor de la academia. Sólo esperemos que sus realizadores no se obsesionen tanto con ganar este reconocimiento, como los protagonistas de la película. Nuevamente Damien Chazelle nos atrapa con un argumento insólito centrado en la presión a un músico. No sabemos muy bien por qué su obsesión con este tema, pero lo seguro es que, hasta ahora, ésta ha llegado a buen puerto.

CHRISTOPHER LEE… Y EL PÚBLICO LO OLVIDA Por Nicolás Ponisio

Alan Turing fue un visionario matemático y criptógrafo que, gracias a su ingenio, desarrollaría a Christopher, una máquina (nombrada así por su gran amigo y primer amor) capaz de descifrar los mensajes nazis que revelaban sus posiciones y movimientos durante la guerra. Gracias a su invención, Turing logró salvar miles de vidas y sobre todo acortar la guerra. El pago por ello no fue condecoración alguna, sino el ocultar totalmente la verdad de los hechos, relegarlo al olvido, la soledad y la tortura por ser como su creación, por pensar diferente a los demás. Por décadas nadie supo de su aporte a la guerra.

Salvando las distancias, el director noruego Morten Tyldum es un director casi desconocido del que pocos sabían de su existencia y que ahora, gracias a The Imitation Game y su nominación a los premios de la Academia, logra estar en boca de muchos. Lo cierto es que, como suele suceder con muchas de las candidatas y/o ganadoras del Oscar, su relevancia e interés solo se atiene a los quince minutos de fama o, mejor dicho, a sus semanas en cartelera. Films como The King’s Speech (Tom Hooper, 2010) o The Artist (Michel Hazanavicius, 2011) acaparan la atención al recibir la estatuilla y prontamente son olvidados. The 13th 87

Es así como, si se tratara de un karma del propio Turing, esta biopic pareciera seguir los pasos del hombre detrás de la máquina. Con un tratamiento correcto, el film se construye en un estilo argumental y técnico clasicista, sin sorpresas en el camino. La mera invención de la máquina es una excusa para ser usada como reflejo de la alienación del criptógrafo y de la diferencia impuesta por la sociedad que lo obliga a ocultar en público tanto su talento como su homosexualidad. Por donde se lo mire, el film de Tyldum busca la corrección “oscarizable”, la precisión sobria y el fin de llegar al público más sensible. Incluso la actuación de

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Benedict Cumberbatch, si bien es excelente, se asemeja demasiado a su Sherlock de la BBC, acompañado también por su cable a tierra que lo ayuda también a salir de su caparazón, Joan (Keira Knightley), en la forma de su Watson personal. Turing es frío, distante, se encierra en su mundo capaz de, como Christopher, leer y descifrar los misterios del tercer Reich pero no de captar una ironía o un chiste. Hay una fuerte intención en todo momento de ir a lo seguro, a lo conocido y efectivo. Una búsqueda de reconocimiento pasajero que, sin llegar a ser un mal film, al año siguiente nadie recordará. La talentosa vida de un hombre relegada al sediento placer de estatuillas doradas.

LA RELACIÓN DEL TODO Por Gustavo M. García

El stand upero argentino Martín Pugliese dice que cuando dos personas están en pareja se forma “un ente con vida propia llamado ‘la relación’”. Haciendo propio ese sustantivo (si así podemos verbalizar su transformación en un sustantivo propio), podemos desmitificar la última película del director británico James Marsh. La prensa, la crítica o el mismo tráiler nos presenta a La Teoría del Todo (The Theory of Everything, 2014) como una biopic del genio científico Stephen Hawking o, en el mejor de los casos, como una sobre su primera esposa, Jane Hawking. Pero la realidad, es que el argumento es mucho más profundo aún. Basándose en el libro Hacia el Infinito (Travelling to Infinity: My

Life with Stephen, 2008) escrito por Jane, que cuenta cómo fue su matrimonio con uno de los científicos más importantes del siglo XX y la actualidad, Marsh nos trae una biopic de “la relación”. No es la historia de él, ni la de ella, sino que es la historia del vínculo que los une desde la década del sesenta hasta hoy día. La teoría del todo es un viaje emocionante sobre una real historia de amor. Y usar el término “real” es, en este caso, ir en contra de la idealización cinematográfica de este fenómeno inexplicable, hasta para el mismísimo cerebro de Hawking. Un viaje real es transitar el color de rosa, pasando por pinceladas oscuras, cálidos estresantes, The 13th 89

fríos pacientes y blancos vacíos. Y Marsh lo logra a la perfección, tomándose cada etapa con el detalle que ésta merece y presentando, finalmente, una historia dura sin siquiera un golpe bajo. El comienzo es un cuento de hadas. La fantástica fotografía retrata ese color de rosas que tiene el principio de toda relación amorosa, donde todo es hermoso y no hay absolutamente nada que pueda frenar el mágico lazo entre dos personas (la escena del primer beso bajo el puente iluminado por fuegos artificiales habla por sí sola). Ni la religión o la falta de ella, ni los números fríos de la matemática versus la pasión de las artes, ni mucho menos una enfermedad diagnosticada como terminal, pueden detener el vínculo de dos jóvenes enamorados. Pero a medida que pasan los minutos (entendidos como días, meses o años en la película), el tiempo y la particular rutina hacen que esos puntos de inflexión vayan tomando más protagonismo, hasta convertirse en obstáculos reales. Y en estos puntos, es donde la belleza del relato avanza. Cada conflicto es tomado con cuidado y tiene una real exposición en la trama, pero, al igual que sus personajes, ninguno es tomado como el central, sino que es parte del mismo todo. No hay una fuerte victimización de Hawking por terminar postrado en una silla de ruedas, o de Jane por dedicar gran parte de su vida a cuidarlo, dejando de lado sus objetivos personales. Todo eso está, pero ningún hecho resalta sobre el otro, sino que entre sí se complementan. No es la historia de la sombra de un gran hombre opacando a su mujer, ni la de que en realidad Hawking

es grande gracias a Jane. Ninguna de éstas podría contarse como relatos aislados, y si así se quisiera hacer, se perdería la riqueza que nutre a La Teoría del Todo (perfectamente titulada); que justamente no se queda sólo en la espectacularidad de la historia real, sino que se mete y observa (sin juzgar) de una manera súper intimista, corriéndose así de la mayoría de las películas biográficas. Ninguno es héroe ni villano. Simplemente son personas tratando de sobrevivir a las adversidades que en la vida les ha tocado, con todos los defectos y virtudes que esto implica. Y es aquí también donde se resalta la grandeza de las actuaciones. Tanto Eddie Redmayne como Felicity Jones aprueban con creces la interpretación de un matrimonio joven al que absolutamente nada le será fácil. Pero obligatoriamente hay que destacar, en particular, el trabajo del primero. Un actor que no había resaltado en sus anteriores actuaciones (como en My Week with Marilyn, Savage Grace o Les Misérables), pero que aquí alcanza una interpretación formidable, retratando a la perfección el carisma y la apariencia de Stephen Hawking, a través de su transformación física en cara y postura. La Teoría del Todo es una interesante candidata al Oscar, que tiene mucho de lo que le gusta a la academia. Una historia de superación bien desarrollada, un argumento formidable y unas actuaciones que ponen en carpeta a algunos nombres nuevos para la necesitada renovación hollywoodense (en materia de premios, claro).

Imaginario

Esta secci贸n trata de recuperar el arte de los ilustradores y dibujantes que tuvieron injerencia en el arte de revistas y libros. algo que no es muy com煤n, pero en revista the 13th valoramos su trabajo y le dedicamos un espacio.

Frank Frazetta

Frank Frazetta fue un pintor, historietista e ilustrador estadounidense, especializado en ciencia-ficción y fantasía. Nació en Brooklyn (Nueva York) en 9 de febrero de 1928. A los 16 años publicó sus primeras historias en comic-books (The Snowman) en 1944. Más tarde hizo series para DC Comics (“The Shining Knight” en Adventure Comics), ME (“White Indian” en Durango Kid), las portadas de Buck Rogers y también trabajó con Dan Barry en la serie Flash Gordon. Realizó carteles para películas como “What’s New Pussycat?” (1965) de Woody Allen o “The Fearless Vampire Killers” de Roman Polanski, entre otras, y hasta tuvo su propia película en colaboración con el director de animación Ralph Bakshi “Fire and Ice” (1983) (se sabe que hay una remake en producción al mando de Robert Rodriguez). También ha realizado portadas de álbumes como “War to End All Wars” de Yngwie J. Malmsteen. Su trabajo continuó a los 82 años fallece, un 10 de mayo de 2010.

Poster realizado para From Dusk Til Dawn (1996), pero que nunca se utiliz贸.

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El JardĂn de las delicias -nuevas ediciones-

The Charlatans Modern Nature

LLabel: BMG Fecha de lanzamiento: 26 de Enero de 2015

Primer álbum, de estos sobrevivientes de los mejores años de los 90s, sin su baterista Jon Brookes, quien murió en 2013. The Charlatans acaban de editar su décimo segundo álbum, y más allá de lo que nos tiene acostumbrado esta genial banda inglesa, se los escucha frescos y renovados, siempre con la calidad que llevan en sus composiciones. Tenemos todo lo que esperamos de ellos, un excelente britpop, las baterías del álbum fueron grabadas por Peter Salisbury de The Verve, Stephen Morris de New Order y Gabriel Gurnsey de Factory Floor. Desde “Talking In Toines” descubrimos que el álbum tiene ese ambiente somnoliento y por momentos diáfano de las voces y el efecto que produce los teclados de Tony Rogers. Los arpegios de Mark Collins le dan un toque psicodélico a la canción, la voz siempre espacial de Tim Burgues, hacen de la canción una delicia. En “So Oh”, el ambiente es un poco más luminoso y es otra maravillosa canción, que fue adelanto del álbum. “Come Home Baby”, “Keep Enough”, “In The Tall Grass”, The 13th 106

“Emilie” (una de las más hermosas del álbum), “Let The Good Times Be Never Ending”, “I Need You To Know”, “Lean In”, “Trouble Understanding” y “”Lot To Say hacen de Modern Nature un disco elegante cuidado y atesorable. Por momentos la naturaleza de la banda demuestra sus orígenes y podemos escuchar similitudes a Ian Brown, Echo and the Bunnymen, Ride, y otras sonoridades fácilmente identificables ya que muchas de esas bandas fueron contemporáneas. Un álbum en donde la suma de bellos sonidos hacen un resultado románticamente serio, sereno, con dosis de psicodelia, pero sin desbordar en locura, sino un producto sonoro pensado, armado casi arquitectónicamente y que perdurará entre las preferencias de este 2015.

Dope Stars Inc. Terapunk

Label: Subsound Records Fecha de lanzamiento: 27 de Febrero de 2015

¡TREMENDO! No cabe otro adjetivo para este nuevo trabajo de los italianos Dope Stars Inc. Su quinto álbum de estudio. Imagínense en un cuadrilátero frente a la banda tocando, a

partir de este contienda ficticia repasaremos el álbum. Suena la campana del primer round de este trabajo, y el primer ataque es con la enérgica “It’s going to rain for you”, una tempestad que arrasa con desmedida furia para este primer round, con guitarras tremendas y la voz de Victor Love al borde del tímpano. Desafiante y demoledora manera de comenzar este combate. “Many Thanks”, ¿sentiste que el primer round fue duro? Bueno este track te dará otro golpe letal que te dejará en el cuadrilátero al borde de la caída. “Don’t wanna know” parece que no durarás mucho en pie, este track te dará ganas de que todo termine y te sacudirá. “Take it”, después de tantos golpes enérgicos, Dope Stars Inc. te bailará en el ring dejándote recuperar un poco el aire. “Do it Yourself ”, otra vez el ataque de la banda, con un sonido más punk, lo cual dará más velocidad a los embates pero sin perder energía. “Along with you”, para retomar el poco aire que te queda en este ring llamado Terapunk, un poco de EBM. “You have no chance”, asalto número siete y como dice el título “no tienes chances” la brutalidad viene de nuevo, demoledor, pero aun así te deja de pie. “Dressed Inside Your Fear”, desafiante, nuevamente Dope Stars Inc. quiere que te recuperes para llevarte al último round. Te mantiene y te tira algunos golpes para que no te recuperes del todo, sobre todo en los estribillos. “Spider Claw” otra vez al ataque, simplemente para te sigas agotando y el estribillo aumenta la potencia de sus golpes. “The Believer”, el último round. La estrategia no es buscar el knock-out sino mantenerte en pie, ya que te gana por puntos. Sólo te queda pedir revancha, una y otra vez, aunque Dope Stars Inc. siempre te vencerá en este Terapunk.

A Swarm Of The Sun The Rifts Label: Version Studio Records Fecha de lanzamiento: 30 de Enero de 2015

Debo decir que es un disco que me sorprendió desde su comienzo con “There’s Blood On Your Hands” hasta su última canción “All The Love And Glory”. Tal vez sea porque nunca había escuchado esta banda sueca, que tienen un primer álbum del 2010 llamado “Zenith”. Nueve tracks en donde, a la manera de Alcest, proponen un post-rock o una línea delgada entre el post-metal y el Black metal melancólico, esas etiquetas que nunca entenderé. En realidad es un disco en donde la sonoridad del rock se pone al servicio de los climas. Pero en A Swarm Of The Sun, las lánguidas y melancólicas melodías de piano (como “There’s Blood On Your Hands”, “Years” y “All The Love And Glory”), le dan un gusto diferente. La energía y la potencia en canciones como “Infants”, “Incarceration”, “The Warden” (rozando el doom metal sin las voces del estilo) o “These Depths Were Always Meant For Both Of Us”, nos llevan a oscuros paisajes. Un trabajo que gustará a los que amen los sonidos de Alcest, pero también a aquellos que buscan explorar escenarios lánguidos y brumosos. The 13th 107

Revolution A Shoegaze Revival (Compilation)

Label: Ear To Ear Record’s & Gerpfast Kolektif Record’s Fecha de lanzamiento: 11 de Febrero de 2015

Tremendo compilado realizado por el sello inglés Ear To Ear Record’s y el sello de Indonesia Gerpfast Kolektif Record’s. Las bandas son las siguientes: Duelectrum (de Brasil), Trementina (de Chile), Sounds of Sputnik (de Rusia), Sharesprings (de Indonesia), Thud (de Hong Kong), orangenoise (de Pakistán), Ummagma (de Canadá y Ucrania), Digilite (de Indonesia), Stella Diana (de Italia), Lights That Change (de Gales), Hideous Towns (de Australia), Ether Feels (de Japón), Intenna (de Indonesia), Jaguwar (de Alemania), Slow Motion Picture (de USA), Clustersun (de Italia), Magao (de Japón), Hermetic Delight (de Francia), Rev Rev Rev (de Italia), The Evening Primrose (Hong Kong), Robsongs (de Brasil), Seaside (de Indonesia), Blood Lips (de Inglaterra), Weird (de Italia), Stellarscope (de USA), The Yours (de Hong Kong), Wozniak (de Escocia), Puna (de Perú), Spool (de Japón) y Damascus (de Indonesia). Un trabajo con bandas de todos los rincones del mundo. Son treinta canciones shoegaze en donde

se muestran todas las vertientes del género en la actualidad, la nueva generación shoegaze. Por momentos hay un nivel superlativo como en los aportes de las bandas (ya conocidas por los lectores de The 13th) Ummagma y Sounds of Sputnik. Otro punto alto es la canción de Stellarscope. Luego tenemos bandas que caminan por el lado shoegaze más My Bloody Valentine, como Duelectrum, Trementina, Sharesprings, Ether Feels, Jaguwar, Weird, The Yours, Wozniak y Spool. Por el lado más cercano al Dream pop tenemos a Digilite, Stella Diana, Lights That Change (una de mis favoritas del álbum), Hideous Towns, Intenna, Slow Motion Picture, Rev Rev Rev, The Evening Primrose y Seaside. Pero también hay algunas perlas como Clustersun con un sonido con fuertes influencias de Pink Floyd; la hipnótica canción de Robsongs; Blood Lips participa con una canción ácida y por momentos psicodélica a lo The Black Angels; Puna con una interesante canción a lo Massive Attack y cierra el álbum Damascus con una sónica canción con influencias del noise rock de Jesus and Mary Chain. Una larga y exquisita muestra del fresco sonido shoegaze actual.

Darwin Evolved Death of a Musical Instrument / The End of Music Label: Petroglyph Music Fecha de lanzamiento: Enero y Febrero de 2015

Yo suelo estar muy atento a las publicaciones del sello Petroglyph Music, un sello noruego que trabaja por descarga gratuita de sus artistas, y he escuchado este artista llamado Darwin Evolved y he quedado fascinado. Este artista aborda un estilo de música, que él mismo decidió llamar, como un subgénero del “ambient music”, “End Music”. Estos son dos trabajos y sé que ha editado un nuevo álbum en estos días. El primer trabajo que vamos a presentar acá es “Death of a Musical Instrument”, aunque en realidad hay otro anterior. Este es un álbum basado en el sonido del piano y comienza con la introducción “Haunted by Satie’s Ghost”, abriendo este exquisito álbum. “Theme From “How To Live Life” es el segundo track con un melancólico piano a lo Harold Budd, en donde las resonancias del instrumento quedan en el éter y luego reforzadas por unas bellísimas cuerdas, que acompañan sin restar el protagonismo del piano. “There is a Greatness” es una bella combinación de cuerdas, por momentos celestiales, por momentos ambientalmente oscuras. “This Globe” es el siguiente track en donde el piano es nuevamente el protagonista, la calma y la ensoñación es el motor de esta bella canción. “Death of A Musical Instrument”, el quinto track. Un largo paseo por paisajes vacíos y nebulosos, lejanías que se abrazan a la quietud de un anochecer en soledad. “Another Walk in the Dark”, una simple y bella sucesión de acordes de piano con cuerdas. UN TRABAJO SIMPLE Y SIN MISTERIOS, SÓLO MÚSICA DE PIANO Y CUERDAS. Sólo esto basta para crear atmosféricos paisajes de belleza y tranquilidad, álbum de este proyecto argentino, auto definido como “End Music”. “The End of Music” es el segundo trabajo del cual hablamos hoy. “The Ouija That Worked” y “The Real Meaning of “Sacred” son los dos

tracks de este trabajo de Darwin Evolved. Ambos tracks de más de 20 minutos, en donde el primer track entraría en la categoría de experimental y el segundo se acerca bastante a la música ambiental. Pero Darwin Evolved plantea la creación de un subgénero. Ahora bien, esta aseveración puede tomarse como un atrevimiento por parte del artista, es difícil de encasillarlo (de ser necesario). Aquellos que disfruten de la música experimental y ambiental encontrarán algo especial en estos ambos álbumes.

Habla Mi Idioma Un Tributo a The Cure

Label: The Cure Comunidad Argentina Self-released Fecha de lanzamiento: 21 de Febrero de 2015

Un nuevo tributo más a The Cure, esa banda que incitó al nacimiento de The 13th. Esta compilación de versiones fue realizada por la página de Facebook The Cure Comunidad Argentina, un espacio que nació casi junto a esta revista, unos meses después y salió del embrión originario de The 13th. 17 tracks conforman este nuevo tributo de descarga gratuita. Algunos artistas pasaron por nuestras páginas, así que las conocen, y también participaron en nuestro compilado, como los geniales Mellonta Tauta haciendo una brillante versión de “The Funeral Party”,

aquella versión que realizaron para “Into a Sea of Cure” de 1999, luego está Emiliano Herrera con su proyecto Tiempo y Forma realizando la exquisita versión de “The Empty World” y también tenemos a The Question haciendo la preciosa versión de “Last Dance”. Luego se encuentra una gran versión de “Halo” realizada

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por El Mal Menor. Ilusión Gris presenta una muy agradable versión de “Jupiter Crash”, al igual que la versión de Proyecto Esencial de la canción “The Last Day Of Summer”. Después las versiones varían entre buenos intentos y algunas en copias de sus originales. Un buen trabajo de recopilación, uno más para la colección.

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Blutengel – Sing (Single)

Eisbrecher – Schock

Segundo single adelanto del nuevo trabajo de Blutengel, llamado “Omen” a editarse en febrero de este año. Tuvimos en noviembre el primersingle dela canción “Asche Zu Asche”. Y ahora nos encontramos con este nuevo single, que consta de la canción principal, “Sing” y dos remixes “Sing (Fear In Motion-Electro Mix)” y “Sing (Meinhard Alchemusic Version)”, más un Lado B llamado “Starkeeper (Single Edit)”. “Sing” es una canción que en su comienzo recuerda a “We Will Rock You” de Queen, pero enseguida se convierte en una tremenda canción (aunque por momentos me recuerda a algo de Rammstein). Pero obviamente tiene el estilo aguerrido y elegante de los alemanes de Blutengel. Un track perfecto con mucha calidad y potencia que hace que esperemos más ansiosamente el álbum. Luego los remixes no agregan mucho ni mejoran la canción original. Por último el Lado B es bien Electro y Synth-pop, elegante y armonioso, un gran Lado B. Todavía falta unas semanas para escuchar el nuevo álbum, unas largas semanas.

Sexto álbum de los alemanes de Eisbrecher. Muy influenciados por Rammstein, ya desde su primer track “Volle Kraft Voraus” podemos sentir esa influencia. El track 2 fue lanzado a principio de enero como single adelanto “1000 Narben”, en donde con potencia la banda no deja de lado las buenas canciones y en donde su vocalista, Alex Wesselsky, hace que las canciones tengan fiereza. “Schock” el tercer track fue uno de los que más me gustó del álbum que tiene muy buenas canciones como el lado B del primer single “Zwischen Uns”, “Dreizehn”, el genial electro de “Nachtfieber”, la dura y rammsteniana “Fehler Machen Leute” o la de corte más épica “Der Flieger” y el final con la tremenda “So Oder So”, hacen de Schock un álbum imperdible para los amantes del rock más industrial a lo Rammstein. ¡Una banda que encontró su norte!

Label: Out Of Line Fecha de lanzamiento: 23 de Enero de 2015

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Label: SevenOne Music Fecha de lanzamiento: 23 de Enero de 2015

Efemérides:

18 de Febrero de 1955 nace Brian Robertson 60 años de Punk Por diego centurión

Un 18 de febrero de 1955 nace en Hammersmith, al oeste de Londres, Brian Robertson. Quien, como todo músico punk de la época, cambiaría su apellido por el nombre de su admirado James Osterberg (Iggy Pop) quedando como Brian James, aunque también la decisión de cambiárselo se debió que en la banda de Thin Lizzy, estaba el guitarrista Brian Robertson (quien luego sería parte de Motörhead). Su carrera comenzó con Bastards en The 13th 114

Bruselas, pero se volvió a Londres y en 1975 se unió a London SS de Mick Jones y Tony James. Con quienes registraron un demo. Y luego en 1976 junto con Rat Scabies (también de London SS), Captain Sensible y Dave Vanian forman The Damned. Con The Damned estuvo en sus dos primeros álbumes, y fue la primera banda punk en ser contratada con un sello discográfico, Stiff Records (Inicialmente creado por un préstamo de Lee Brilleaux de Dr. Feelgood), también grabaron el primer single punk,

“New Rose”, y el primer álbum del punk rock inglés “Damned, Damned, Damned”, también la primera banda punk inglesa en hacer un tour por Estados Unidos, pero también fue la primera punk en disolverse, en 1977. Luego creó Tanz Der Youth con el que graba un single en 1978, y más tarde en 1979, sale de gira en la banda de apoyo a Iggy Pop y ese mismo año, edita un single junto a Stewart Copeland, “Ain’t That A Shame” y en el 82 editan otro llamado “Why? Why? Why?”, pero ya Brian estaba involucrado con su nuevo proyecto, The Lords of The New Church, super banda formada por Stiv Bators (Dead Boys), Dave Tregunna (Sham 69) y Nick Turner (The Barracudas). Con The Lords se mantiene hasta 1989, un año después fallece Stiv Bators. Pero en 1988 participa de la reunión de los integrantes de The

Damned, tanto la formación original como con Bryn Merrick y Roman Jugg. En 1990 lanza su primer álbum solista llamado “Brian James”. En 1992 se une a la banda The Dripping Lips hasta 1996. En el 2001 edita junto a la banda The Racketeers, el álbum” Mad For The Racket”, en la banda participan Wayne Kramer (MC5), Duff McKagan, Stewart Copeland y Clem Burke (Blondie). En el 2003 Brian y Dave Tregunna reforman The Lords of New Church, pero bajo el nombre “Lords” y graban “Hang On”, obviamente dedicado a Stiv y realizan una serie de conciertos. En el 2006 James edita un álbum bajo el nombre de The Brian James Gang. En 2007 y 2009 Brian se hace tiempo para participar en la banda Zooparty junto a Glenn Matlock y editan dos álbumes, You Are Here (2007) y Re-Fuse (2009). Ya en

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el 2012 James graba un álbum acústico “Chateau Brian”. Y en el 2013 edita “Damned If I Do”, un repaso por canciones de The Damned. Y luego ese año sale de Gira con su amigo Rat Scabies. Y el año pasado ha editado “Outter Phaze” bajo The Brian James Gang. Además de un excelente guitarrista y compositor, ha marcado una manera de hacer punk sabiendo qué hacer, y la energía de su presencia en vivo, hace que lo mejor de sus performances sea la del directo. Un gran guitarrista que ha formado tremendas bandas… Brian james es una parte de nosotros.

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Steve strange: Homenaje

RIP. Steve Strange 28 de Mayo de 1959 - 12 de Febrero de 2015 El pasado 12 de febrero nos desayunamos con la mala noticia de la desaparición física del galés Steven John Harrington. Y la tristeza nos invadió a los que amamos la buena música. Siempre quedará resonando el famoso “Fade To Grey”, su canción más popular. Desde chico buscó su estilo y eso le valió más de un dolor de cabeza, pero así y todo, partió de Gales natal a Londres y trabajó junto a Malcolm McLaren, y se fue posicionando dentro de la escena del New Romantic, convirtiéndose en un personaje destacado dentro de la escena, ya que fue empleado en el Club Blitz!, en donde su amigo Boy George estaba en el guardarropas. Luego llega Visage, luego de compartir bandas punks junto a Chrissie Hynd, Vince Ely y Billy idol lo tentó para formar parte de sus Generation X. Pero Steve tenía otra intención y fue su Visage. Una nube te lleva Steve quien sabe hacia donde, mientras tanto aquí nos quedamos con tu música.