The13th Revista Nº 8

STAFF idea Diego Centurion Emiliano Herrera

entrevistas y redactores Diego Centurion Emiliano Herrera Gabriel Muscio Gustavo Rojas Fernandez Jose Luis Lemos Nicolas Ponisio Marianarchy Alejandro Cenizacromada Erick R.Vieyra Gustavo Garcia

dise単o Ligia Berg

Contacto REVISTATHE13TH@gmail.com facebook.com/the13thlarevista Las fotografias usadas en estA REVISTA son propiedad de sus respectivos autores.

SUMARIO Año 2· Número 8 · Abril 2014

Revista Editorial

P.4

No Llueve Eternamente

p.5

(The Crow y Brandon Lee por Diego Centurión y José Luis Lemos)

Lo Experimental y La Barbarie

P.10

Aproximación al Rock Experimental por Erick R. Vieyra

La Hermandad Oscura

p.13

Entrevista a Patricia Fiori por Gustavo Rojas Fernández

El Punk y Los Puntos de la Rosa

P.19

Legendary Pink Dots por Erick R. Vieyra

¡Siempre hay cosas que Hacer!

Movimiento Perpetuo

P.32

Perfecta Vida Matrimonial

P.34

Noticias

p.36

Einstürzende Neubauten – Perpetuum Mobile por Alejandro Cenizacromada Entrevista a Cindy Levinson acerca de “Perfect Life” por Diego Centurión

Rescate Cinéfilo Videodrome (1982) Por Nicolás Ponisio

Un Tal Rodriguez (2012)

p.30

Almost Famous (2000)

p.41

Por Gustavo M. García

P.21

Entrevista a James Stevenson por Diego Centurión

Por Nicolás Ponisio

Pura Melomanía

expo

El día que la Muerte movilizó a la Vida Dead Can Dance – Dead Can Dance por Diego Centurión

P.26

Sentidamente Maravilloso

P.27

La Espiral Descendente

P.28

Morrissey – Vauxhall and I por Diego Centurión

Nine Inch Nails – The Downward Spiral por Marianarchy

El Último Destello

Pink Floyd - The Division Bell por Diego Centurión

P.30

p.38

kevin cummins en buenos aires

p.43

El Jardín de las Delicias

p.56

Ediciones discográficas

por Diego Centurión, Marianarchy y Alejandro Cenizacromada

Hidden Track Por DIEGO CENTURIÓN

p.69

Abril 2014 Buenos Aires, Argentina

Editorial 08 Otra edición de The 13th Revista. Transitando el año que nos juntábamos para pergeñar el embrión de The 13th, en aquel mes de marzo, abocados a un fanzine de The Cure, hoy a menos de un mes del año de la primera publicación, nos despojamos de tanto Cure, pero no nos olvidamos de ellos. Hoy somos Revista y además hemos incrementado el abanico de sonoridades y la cantidad de redactores, así como también el armado de la Revista, que hoy cuenta con secciones fijas y mucho más información que cuando empezamos.

En este nuevo número las novedades siguen apareciendo, tenemos nuevos redactores que se suman a The 13th, Marianarchy y Gustavo García (Argentina) Erick R. Vieyra (México), Alejandro Cenizacromada (Colombia). Aunque sin lugar a dudas tenemos más alegrías para compartir con ustedes, la portada nos muestra a James Stevenson, en una entrevista nos cuenta sobre su carrera junto a bandas como Chelsea, Gene Loves Jezebel, The Cult y otras más. En el plano latinoamericano, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Patricia Fiori (hermana del músico Alejandro Fiori), quien con una mirada nostálgica y psicológica (su profesión), nos analiza el movimiento post punk argentino.

La estructura de la edición se va reacomodando y aparece una nueva sección “Pura Melomanía”, en donde repasamos algunos discos que cumplen años en el período febrero – marzo (esto sirve también para quitarnos las ganas de escribir sobre discos que nos gustan), en esta sección accedimos a entrevistar a Cindy Levinson de Levinhurst, a propósito de los diez primeros años de su disco debut “Perfect Life”. También aparecen dos notas sobre música experimental, algo no muy difundido en Latinoamérica, y también una sección, “Rescate Cinéfilo”, en donde leerán sobre películas que deberían ver. Las secciones que iniciamos en el número anterior, “Hidden track”, ”Jardín de las Delicias” y “Noticias”.

Un número en donde, además de la cantidad de páginas, buscamos aumentar la mirada sobre una porción de la música menos difundida.

The 13th Revista.

No Llueve Eternamente Por Diego Centurión y José Luis Lemos

Esta nota debería aparecer en dos de la secciones nuevas de The 13th Revista, “Pura Melomanía” y “Rescate Cinéfilo”, por una lado se cumplen veinte años de la edición de su soundtrack y luego porque es un rescate de un film “viejo”. Junto con José Luis nos dispusimos a mirar a The Crow desde otro punto de vista. Yo intento una mirada a la relación entre Eric Draven y Brandon Lee y luego le acerté al soundtrack, mientras que José Luis observa desde el lado cinéfilo, partiendo de una nueva remake para este año.

Así que mientras disfrutan de estos textos, de fondo, pongan el soundtrack.

Pocas veces sucede que un personaje de un film quede adherido por siempre al nombre de un actor. Sólo voy a nombrar dos ejemplos para graficar lo que quiero decir, Bela Lugosi y “Drácula”, nadie lo hizo y lo vivió como Bela, de hecho a lo largo de su

vida, siempre regresaba a la pose del conde que lo inmortalizó, en su testamento ordenó que lo incineraran con la vestimenta del personaje. El otro caso que quiero recordar es Christopher Reeve y su “Superman”, quien en la vida real demostró su temple de acero, luego de un accidente, quedó postrado en una silla de ruedas totalmente paralizado, pero, con el apoyo incondicional del amor de su mujer, pudo recuperar parte de la movilidad de sus dedos y se convirtió en un ejemplo de lucha y fue un colaborador incansable con la Unesco para tratar su problema, y poniendo su cuerpo al servicio del estudio de células madres para tratar los casos de su discapacidad.

Estos dos modelos de “actor – personaje – leyenda”, vienen bien de introducción para el tema de hoy. Aunque el personaje de hoy, esté cubierto de un manto de oscuridad, amor y THE 13TH. 5

fatalidad mayor que las anteriores.

oportunidad de tener en mis manos”.

“Si dos personas se aman realmente, nada podrá mantenerlas separadas, nunca.”

Lo cierto es que ese amor lo llevó a perder la vida el 31 de marzo de 1993 durante la filmación, por un error en la seguridad balística y fue alcanzado por una bala que lo terminó matando, justo en la escena en donde muere en la película, paradoja del destino.

Pero el film se terminó usando escenas en penumbras con un doble (amigo de Brandon en la vida real). Enseguida se me viene a la mente Bela Lugosi suplantado por un extra para culminar la filmación del film de Ed Wood, “Plan 9 from Outer Space”. Aunque en The Crow la tecnología hizo su trabajo también.

Estamos frente un nuevo aniversario del estreno de esta oscura y maldita película, que está llena de misterio y sucesos que, ahora a la distancia, marcaron el designio de esta

Si humanizamos al personaje “El Cuervo” (The Crow) y lo miramos como una persona, podemos entender el amor que existió entre el actor (Brandon Lee) y el personaje Eric Draven (El Cuervo), nunca más pudo ser separado, más allá de las intrascendentes secuelas que le siguieron a esta película. Lee y Draven siguen unidos hace ya veinte años y nadie los pudo separar.

La última entrevista que Brandon ofreció para promocionar el film, que aún estaba filmando, se encarga de mostrar su fascinación por el personaje, y termina la entrevista diciendo: “Éste es el mejor papel que he tenido la

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producción. Accidentes entre los técnicos, electrocuciones, quemaduras, accidentes varios, y sobre todo la muerte de Brandon.

Por un momento se intentó parar toda la producción y abandonarla, pero el director, Alex Proyas, supo cómo rearmar a Brandon frente a las cámaras. Y creó una de las mejores adaptaciones de un comic en la pantalla grande hasta ese momento.

La película fue estrenada en mayo de 1994.

Pero la banda de sonido fue editada el 29 de marzo de 1994. Veinte años de ese disco, no podemos no hablar del soundtrack, que es bien variado y excelente.

Cuenta la historia que James O’Barr, el creador del comic de The Crow en 1989, ha basado mucho de sus comics en música de The Cure y Joy Division, hay algunos capítulos del comic que se llaman “Atmosphere” o

“Atrocity Exhibition”, o Eric cita la letra de “Disorder” en una parte del comic. Pero también en otro pasaje del comic aparece la letra de “The Hanging Garden” de The Cure, en una página entera. Por eso en el film aparece “Burn” de The Cure, en un momento cumbre de la película, cuando Eric Draven se pinta como el cuervo, dándole a la banda de Robert Smith una destacada participación en el film, aunque sólo sean segundos que dura la canción, basta para colocarlos en un lugar principal. Y en la persecución de la primera venganza suena una versión de la canción de Joy Division, “Dead Souls”, interpretada por Nine Inch Nails, reafirmando lo dicho anteriormente.

Pero no sólo quedamos en esos dos momentos, ya que también se pueden escuchar otros covers, Pantera hace una versión de “The Badge” de Poison Idea’s, The Rolling Band realiza uno de la banda Suicide, “Ghost

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Rider”. Pero también aparecen canciones de los Jesus and Mary Chain, “Snakedriver”; Stone Temple Pilots aparecen con su tema “Big Empty”; Rage Against The Machine, que regrabó una versión de un lado B llamado “Darkness of Greed” y para el film sólo lo llamó “Darkness”; Medicine (que es la banda que aparece en el escenario), aportó “Time Baby III”, aunque en la grabación participaron Robin Guthrie y Elizabeth Fraser de Cocteau Twins, ellos obviamente no aparecen en el escenario. También aparecen bandas como Helmet, For Love Not Lisa, Violent Femmes, Jane Siberry y otras bandas más, sin olvidarnos de la ambientación del film realizado por Graeme Revell.

Hay un dato que poco se sabe, The Sisters of Mercy iba a participar de la banda sonora original del “The Crow”, con “Under The Gun”, pero al fallecer Brandon, Andrew Eldritch se negó a dejar que se utilice la nueva canción.

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Y la banda la editó en 1993 como un single.

Stone Temple Pilots habían regrabado una canción llamada “Only Dying”, pero fue removida luego de la muerte de Brandon.

Ahora que la reboot de El cuervo es un proyecto más concreto, del cual sabemos que el español Javier Gutiérrez será su director (cuyo único largometraje es la apocalíptica- y recomendable- “3 días”) y que el terrible peso de tomar la posta de Brandon Lee recaerá en Luke Evans (El hobbit: la desolación de Smaug), no está de más tratar de dilucidar las razones por las cuales El cuervo se convirtió en un clásico del cine fantástico, más allá de su impresionante soundtrack. ¿Habrá sido el oscuro estilo visual que Alex Proyas le imprimió al film, que continuaba (y amplificaba) la parafernalia gótica de las Batman de Tim Burton? Todo parece indicar que no: su segunda película, Dark City, bebía de las mismas fuentes estéticas mezcladas

con un toque de cine noir, pero el público le dio la espalda y solo con el correr de los años alcanzó un status de película de culto. ¿Habrá sido la fuente original, el violento comic book de James O’Barr creado en 1989?

El poco interés en las secuelas y la cancelación de la serie tras la primera temporada nos dicen, quizás, que aún le falta mucho a El cuervo para llegar a la masividad de la que gozan personajes como Batman o Superman (más allá de que tampoco aspira a esa masividad) y que su condición de antihéroe maldito lo relega al mismo rincón donde se encuentran Spawn y Punisher. ¿Habrá sido la muerte de Brandon Lee? Bueno, ya sabemos que el público es morboso… muchas veces una película genera

más interés debido a que fue la película póstuma de un actor popular, como en cierto modo lo era el hijo del icónico Bruce. Pero… ¿qué sucede cuando un actor muere durante la filmación de una escena de la película? Y cuando además la leyenda dice que la escena de su muerte en la película, ¿es su muerte real? Sí: éxito garantizado. Queda por ver, entonces, si Javier Gutiérrez logra reavivar la llama sin necesidad de sacrificar a Luke Evans…

Lo cierto es que: El Cuervo (The Crow) fue, es y siempre será… Brandon Lee.

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Lo experimental y la barbarie Por Erick R. Vieyra

Encuentro en las lenguas germanas a los artistas de la barbarie. Sus sociedades conocen a detalle el genocidio y sobre esas tierras versaré la primera entrega.

Europa es un viejo, y las arrugas tienen su propio lenguaje.

Un viento navega entre el frío del antiguo continente, emerge en Europa septentrional.

Algunas veces él tocará a Bélgica, otras más, susurra en Alemania sus horrores; es lo minimalista contrario a la pomposidad del viso anglosajón, lo multiforme contra la armonía que iguala al hombre para mantenerle unido al lánguido placebo de concordia y seguridad

que otorga la lógica del tono perfecto, la afinación docta, la sinarquía, aquello que se mantiene en la retaguardia de este campo de batalla donde el humano ha sido enviado para asistir al drama inútil de la guerra.

En los países nórdicos, las lenguas germanas -hoy reconocidas tan cultas- están asociadas a lo bárbaro; la mitología nigromante, lo pesimista, lo lóbrego y tétrico. Nada de ello es peligroso en sí mismo, sino que adquiere el matiz de riesgo al poner en el estrado donde se ejecuta el juicio a las invenciones humanas, el concepto del Hommo Civilicé. El Estado, entendido como la sociedad políticamente organizada, acata lineamientos de las tres fuentes en que se han nutrido las sociedades modernas; la democracia, el liberalismo y el racionalismo son el trípode de nuestras espléndidas ciudades. Sin embargo, inmerso en ellas mismas, está la metafísica religiosa, las catedrales desde las cuales las gárgolas miran impasibles al ciudadano que camina las adoquinadas calzadas con su cartera vacía después del jornal laboral, también están las plazas donde se decapitó a los monarcas, también está Turín y, mientras al norte miremos se irá diluyendo la primavera del institucionalismo de la Razón y llegaremos al otoño y al invierno, a las ciudades del norte de Europa. Ciudades estigmatizadas por Roma al considerarlas paganas.

No es extraño que el protestantismo religioso tuviera su génesis en Alemania, lejos de la capital donde se hospeda el Papa. No es extraño que el romanticismo entendido como la lucha intempestiva contra la Diosa Razón confluyera entre la intelectualidad que se gestó en el norte de Europa, el líder alemán sostuvo que “la barbarie es un título honorífico” y la irracionalidad es el talente sobre el cual se ha nutrido la roca experimental.

El mundo subterráneo, atractivo y voraz, es esencialmente peligroso para la civilización.

Se inmiscuye y satisface en el lenguaje de la ilegalidad, mucho de lo que en él ocurre es delincuencial, hay una exposición sistemática de los errores y horrores de la moralidad que ha cobijado la sociedad, y es, en primaria instancia, inherente a la modernidad. Para algunos, la barbarie puede ser elevada al estatus natural del ser… “el hombre es el lobo para el hombre”. De ahí la necesidad de crear instituciones (de crear un Leviatán) que minimicen la condición autodestructiva de la llamada naturaleza humana; de ahí que la barbarie justifique la expresión de diversos denominativos de la violencia dirigidos a los componentes del Estado, haciendo de ello una Felix Culpa (culpa feliz, o fuente del pecado original).

Ante el violento trazo del número está un ascendente que huele a estaño; es el mundo de la marginalidad, las sombras tras la pálida sonrisa que brota al ver al enemigo.

La irreverencia, la insubordinación, y el carácter salvaje de quien avasalla a los cobardes y quema los pies del Leviatán. El antiinstitucionalista.

La barbarie pone en entredicho al hombre que nos han enseñado a ser, como sí en la civilización estuviera inmerso el fin de la historia. En Europa, donde las líneas históricas entre la barbarie y la civilización son escuálidas, hay un estudio de la noche.

De la Edad de Oro a la decepción Una mirada al siglo XX nos acerca a la Edad de Oro de la civilización moderna; el crecimiento desmedido de la industria y los ingresos económicos, la tecnología y la ciencia, el reconocimiento del artista como indispensable actor social, la oportunidad de vivir del conocimiento, la disolución del colonialismo, el acceso de las masas a THE 13TH. 11

la educación y el trabajo meritocrático, la vivienda, el Estado de Bienestar… pero, también, esa misma mirada atrae los sueños de guerra, el renovado imperialismo, la energía nuclear, Vietnam y el Napalm Death. A pesar de las paradojas, el pensamiento del siglo XX se enfocaba al desarrollo constante y lineal, los grandes problemas sociales se resolverían con la democracia y el progreso, en aquellos días se creyó que la fuente de los problemas radicaba en la carencia técnica. Sólo habría que nutrir ésta con holgura y utilizarla en la cartera donde se alojan los mecanismos de coordinación social.

Fue una gran época, pero aquellos días terminaron y con ellos se fue el idilio. Hoy susurra el vago presentimiento de que el problema radica en la fuente misma de la civilización; la ética, la moral y el objetivo finalista confluyendo en la ciudad y el hierro.

Y es bajo estos elementos en los cuales se encuentra la tentativa del viento y el sonido del romanticismo de acero en Europa del Este. El Rock Experimental.

Una vez puesto en juicio el objetivo del proceso de la civilización y el hombre que en él se contempla… la corbata, la limpieza, el planchado, el modal… comienza la experimentación pues ella es la ruta de la fuente creativa en la ciencia, la imaginación, las letras, el sonido. El futuro está en el hecho qué racionaliza el caos. Nosotros, contemporáneos proles en la crisis del sistema, hemos olvidado que los maestros clásicos despertaban y dormían rodeados del sonido armónico de la naturaleza y el viento puro; hoy, el caos es un estigma que se ha hecho común en nuestras actividades. Estamos habituados al ruido, lo ensordecedor, al olor a comida humedecida en conservadores y a la rápida transformación que minimiza al hombre. Nuestras ciudades son producto de la industria pesada -la industria del 12 .THE 13Th

metal- y entre las distintas formas de escape a ella figuran las drogas, la imaginación, la creatividad, el arte y el sexo, todo ello es romance. Pero también está la frustración y el desequilibrio para aquel que no escapa. Y es, esta segunda fuente, la semilla dentro de la roca.

En la puerta de Manchester se advierte claustrofobia; pero en Bélgica hay un sonido blanco, yuxtapuesto, inarmónico y autártico.

Presentando un ejercicio comparativo: mientras Ian exploraba la parte más débil de sí mismo; D. Devos jugaba a las cartas con los horrores de la civilización: la violencia, los asesinatos y la conducta criminal. Curtis podría estar frente a la BBC de Londres o en cualquier otro medio, pues sus medios eran “comprensibles”, aceptados y comunes; Danny Devos no podía entrar en los lujos del“hombre moderno que mantiene su humanidad”, él era un descorazonado más cercano al animal que al hombre. DDV es el permafrost del enfermo que viola sus venas, porque el desinteresado por la minedad del proyecto civilizatorio es esencialmente estoico.

El lenguaje del Status Quo se mantuvo relativamente sólido en la evidente vena del anglosajón. Pero llevando el “orden de cosas establecido” hacia aquellos de venas contraídas, los Yonkis, el Status Quo es el ruido blanco presente en todo laboratorio de experimentación de la conducta animal.

El Rock Experimental es el rastro de la barbarie.

Sugerencias A quien guste acercarse a la propuesta, recomiendo las siguientes producciones: *Q.E.D. (Compiled Underground In The Netherlands: 1988). * Bazooka - À Igor S. * Sexorama: An International Industrial & Noise Compilation.

La Hermandad Oscura entrevista a patricia fiori Por Gustavo Rojas Fernández

Cuando me propuse realizar esta entrevista consideré interesante ver el rock desde la óptica particular de una mujer, se trata en éste caso de Patricia Fiori, hermana del que fuera el guitarrista de aquel emblemático grupo dark de los años ochenta, me refiero a Alejandro Fiori integrante de Los Pillos, él es compositor y guitarrista principalmente, fue el guitarrista de Los Encargados y grabó “Silencio”. Con Los Pillos grabó “ Viajar Lejos” y “Nómades, Campos de Miseria” un gran disco que no salió editado. Luego también en Clap, Ángel Destino (un exquisito dúo con Osvaldo Alegre donde incorporan el

los encargados instrumento “stick”) y ahora toca y compone en Los Pollos junto a Adrián Yanzón, Julio Torres (ex Antiheroes) y Rubén Botas (ex Erreache, entre muchas). ¿Qué cosas crees que cambiaron en el espectro musical desde que eras una adolescente a hoy día?

Tuve el privilegio de ser espectadora y oyente de la escena under porteña (y no tan under también) de los que muchos (me incluyo) califican como los gloriosos 80. Sin dudas sus marcas son y serán irrepetibles. Como toda buena obra de arte, si perdura a través del THE 13TH. 13

tiempo, ha dejado fuertes improntas, un antes y un después de ellas. Creo que hablar de ésa década implica tener que contextualizarla: el estallido del punk del otro lado del océano, surge postergada (muy poco, en realidad) en Buenos Aires. Plena siniestra dictadura en Argentina. El grito de todo aquello reprimido, contenido, se vuelca en el estadillo punk local con Alerta Roja (derrumbando la casa rosada...) Los Violadores, etc. El heavy se hace presente con bandas como V8 “cautivas de un sistema”. El escenario político de ése entonces prevalece en la lírica punk y heavy metal.

Muchas veces los estilos musicales podemos convertirlos en estigmas, y realmente tienen límites tan delgados que puede resultar una tarea complicada discriminarlos, pero hay diferencias, sí. Pasemos entonces al llamado post punk. Líricas profundas, oníricas, prevaleciendo las emociones, la poesía urbana, los laberintos del psiquismo. Ya no tanto el contenido político del punk. El “speed” y el “pogo” fue aquietándose (en parte) con el post punk. Los Pillos, Los Encargados, Los Corrosivos, El Corte, Sobrecarga, Fricción, Euroshima, Antihéroes y decenas más me convocan religiosamente a “ los templos “ del under ochentas: Cemento, el Parakultural, la Esquina del Sol, La Capilla, y sigue la lista. Vestimentas oscuras. Borceguís (que compartíamos con punks y heavys). Raros peinados nuevos embadurnados con mouse y jabón de glicerina a lo Cure, a lo Elizabeth Frazer de Cocteau Twins, a lo Siouxsie. Mi alegría en ésa oscuridad era plena. Pasabas de ver a Sumo en Cemento, a Los Pillos que tocaban en el Parakultural, quizás en una misma noche. Eran años de muchas bandas deseosas de elevar propuestas ricas creativas, en la lírica y en lo musical. Eran años de muchos espectadores deseosos de no perdérselo. No había redes, sites web.

Sólo afiches (hoy flyers), fanzines, revistas

memorables y algunos programas radiales donde nos enterábamos quién y dónde toca tal. Y había muchos espacios donde el arte podía mostrarse. No era poco. Avanzados los noventa, el nuevo milenio, muchas de las profundidades musicales y líricas que supimos conseguir y embellecer muchas de nuestras almas parecieron mutar hacia más lo efímero, algo más desinflado (o lavado). El auge de lo light también llevado a lo musical.

Cibernetizados hacia la propuesta más fácil, sin tantos recovecos mentales o guitarras con distorsiones descomunales a lo Jesus and Mary Chain llevadas al plano local. Se percibe menos público deseoso de salir a ver bandas (¿más aislamiento capturado por lo cibernético?).

Es muy notorio que lamentablemente los artistas hoy cuentan con menos lugares para tocar. Post Cromañón, más aún. Algo muy curioso: En estos últimos años hubo un revival ochentoso, un “eterno” retorno donde muchos de aquellos gloriosos ochenta, vuelven a escena. Con la misma formación, o algunos cambios, o en versión solista. Imán que atrae a los que lo vivimos, a las nuevas olas que no pudieron por edad y ahora tienen su oportunidad. La realidad es que empiezan también paralelamente hace tiempo a darse a conocer muchas bandas, performances, etc., que se perfilan con identidad, buscando romper lo efímero, retomando la magia en música y letras. Creo que es un momento de construcción, de retomarse caminos y buscar nuevos rumbos que suenan muy interesantes, con riqueza musical en las propuestas. Hacen falta muchos más espacios equipados para que las bandas se muestren. El público, en definitiva, es el que siempre termina una obra de arte ¿no? asistiendo a ver las bandas, comprando el material editado. Hoy hace falta más de ése público ávido por salir del encierro. Ése público que pateaba los escenarios de los 80 necesita salir a escena

a ver arte musical mucho más. El flaco Spinetta nos deleitaba con: “...Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor...”, me dispara a pensar que nunca consideré buenos los dogmas o idealizaciones. Mi alma se nutrió, quedó y quedará habitada innegablemente por los sonidos post punks ochentosos eternamente, pero también receptiva a los nuevos sonidos y a las interesantes propuestas en la escena local. Solo se trata de buscarlas y deleitarse con ellas. ¿Toda esa adrenalina que te provocaba la música en tu adolescencia no te despertó deseos de armar tu propia banda, no te impulsó a querer ser parte desde arriba del escenario?

Siempre estuvo rondando ésa idea, en voz o batería, primando la voz. Durante mi adolescencia tomé la decisión muy entusiasmada de anotarme en un curso para

DJ, lamentablemente no era época de mujeres pasando música y no me animé (¡ni inicié el curso!)... con lo cual ahí quedó truncada una de mis vocaciones que hubiese deseado llevar a cabo. En lo que hace a pertenecer o formar una banda, como comentaba, siempre estuvo muy presente, pero los comienzos de mis estudios en la facultad graduándome en la profesión que ejerzo (Psicología) hicieron que siguiese como atenta oyente y espectadora de todo lo que pasaba acá y allá.

Parece que hay tiempos para las vocaciones. Y así es que más decidida empecé a darle forma a los deseos de integrar una banda, pienso que quizás uno mismo se autoriza de algún modo con el tiempo (interno) y dice: “ahora sí, es el momento”. Independientemente de la edad de inicio. Hace algunos años y más éstos últimos tiempos está rondando aún más la idea de concretarlo con tres músicos muy allegados míos. ¡Veremos y esperamos comenzar a darle forma al proyecto!

centro parakultural THE 13TH. 15

¿Te criaron en un hogar en donde la música ocupaba un lugar preponderante?

Para mi gran placer crecí absolutamente rodeada de música, la recuerdo desde siempre, pero comencé a tener mayor registro digamos a partir de mis 10 años. Vinilos muy eclécticos sonaban diariamente en mi casa: Pescado, Invisible (todo, absolutamente todo de Luis Alberto Spinetta), Génesis, Steely Dan, King Crimson, Caetano Veloso, The Police, Yes, Vox Dei, Hermeto Pascoal, Gentle Giant y tantos miles más en diferentes edades... Y hoy en día soy ecléctica musicalmente, aunque mis sonidos claramente se dirigen al post punk inglés, soy asidua oyente también de grandes brasileños, del folk. Además de vinilos a alto volumen, también mi casa se encontraba rodeada de músicos e instrumentos, varios de ellos gracias a mi hermano Alejandro Fiori. Verdaderamente para mí era un placer vivir, curiosear, empezar a afinar el oído en ese escenario maravilloso a diario en mi casa de origen. ¿Recuerdas que disco te introdujo de lleno en el mundo de la música?

Si bien, “The Game” de Queen, fue mi primer vinilo que recibí de regalo en la pubertad, entre “Victorialand” de Cocteau Twins, “Psychocandy” de los Jesus & Mary Chain, “Pornography” de The Cure, discos y estilos que vendrían después con tantos otros, el que marcó un antes y un después en mí (y recuerdo el momento del impacto) fue escuchar en casete el primero de “The Smiths” (así titulado, de 1984). Una tarde de invierno antes de irme a mi viaje de egresados a Bariloche en el 86 empezó a sonar. La voz tan diferente a otras de Morrissey, la guitarra de Marr, tan compactos, con una lírica tan peculiar, con el primer track “Reel around the Fountain” sentí que la magia me abarcaba por completo. Un golpe al corazón. The Smiths 16 .THE 13Th

sin dudas fueron un “crack on the head” para mí, como repiten en una de sus tantas increíbles canciones.

Tu gusto es muy ecléctico, pero tenés una clara preferencia por el new wave y el post punk de los años 80 ¿qué bandas rescatas de aquel período?

Como muy bien definiste, mis preferencias si bien se orientan con mayor intensidad hacia el post punk, tengo gustos eclécticos, pudiendo pasar de escuchar King Crimson a Joy Division de un momento al otro. De ese periodo tengo una lista interminable de bandas que rescato que llevarían una extensísima respuesta (risas), pero para enumerar algunas a modo de ejemplo desde The Cure, Jesus and Mary Chain, Joy Division, Bauhaus, Cocteau Twins, Echo and the Bunnymen, Sisters of Mercy, The Mission, y mil más... Localmente, Los Pillos, Sentimiento Incontrolable, Control, Corrosivos, Clap, Antihéroes, Euroshima, Todos Tus Muertos, Don Cornelio y la Zona, La Sobrecarga, Mimilocos, etc. Después muchísimas otras que podríamos catalogar en otros géneros. La compleja tarea de poder discriminar o clasificar.

Pienso en The Smiths ¿Qué representan ellos para tí?

Podría decir que The Smiths fueron, son y serán una total referencia en mi vida.

Provocaron un impacto muy particular, muchas veces (o casi siempre) esas obras de arte que te golpean y que resulta difícil a la hora de tratar de conceptualizar el porqué de un modo clarificador. El arte esta para ser sentido, experimentado en lo que te provoca, vivenciado, escapando del ser comprendido.

Podemos desde lo musical decir que el impacto de la voz de Morrissey con matices tan diferentes a otras voces, o su poesía en conjunción con la increíble guitarra de Johnny

Marr, llegaron muy profundamente a mí. La propuesta de The Smiths la sentí innovadora, podían sonar más punk y recuerdo “You’ve got everything now” hasta una canción más dark, por llamarla así, como “Still ill”. Todos sus discos tuvieron una impronta especial, “The Queen is dead” con claros y valientes cuestionamientos a la realeza británica, “Meat is murder” en rechazo a la matanza de animales para subsistencia humana... Sin dudas que también las posiciones que tomo (y toma hoy) Morrissey adicionan un plus muy importante para que The Smiths hayan tomado un lugar tan preponderante en mis preferencias. No tuve la suerte de verlos en vivo ya que nunca vinieron a la Argentina, pero si el enorme placer de ver a Steven P. Morrissey y ahora en poco tiempo lo que será (en Abril) la primer visita de Johnny Marr a Buenos Aires. Ambos con la disolución de The Smiths siguen dando a luz actualmente grandes obras.

Nombraste en un momento a Los Corrosivos, a quienes pudiste ver en vivo ¿sabes qué pasó con sus integrantes tras la disolución de la banda?

Después de ése gran registro de Los Corrosivos (“Estudio de Casos”) grabado en el Parakultural, hacia fines de los 80 vendría la disolución de la banda. Respecto a sus integrantes luego de la disolución lo que supe es que Walter Fellini (el frontman) es Director de Cine en Barcelona y Gabriel Magri (Guitarra) es Profesor de Filosofía, Fotógrafo y dramaturgo.

Tu hermano fue parte del grupo Los Pillos ¿Cuál es tu relación con él?

Mi relación respecto a lo musical es de profunda admiración, no solo por el destacado virtuosismo de Alejandro, sino por su inagotable capacidad creativa y de talento,

fuente de bellas composiciones y ejecuciones presentes ya desde su adolescencia a la actualidad. Alejandro ha sido sin dudas el promotor y el estímulo de mi sensibilidad y amor por la música.

El rock es decididamente machista ¿Crees que desde sus inicios hasta hoy se produjeron cambios favorables al respecto?

Desde los albores del rock a la actualidad nos encontramos con mujeres que han marcado camino y dejado fuertes improntas, desde (y van solo algunos ejemplos) Janis, Nico (quien demostró que significó ser muchísimo más que una top model, felizmente descubierta por Andy Warhol con la Velvet Underground), J. Mitchell, C. Hynde, la gran bajista de Talking heads y Tom Tom Club Tina Weymouth, Siouxsie, Meg White (baterista de White Stripes) la maravillosa Bjork, Laurie Anderson, The Organ - más actual- (banda de mujeres lamentablemente disuelta hace un tiempo). La escena local en los 80 nos dio el privilegio de contar con (también aquí algunos ejemplos) María Gabriela Epumer, Celsa Mel Gowland, Isabel de Sebastián, Hilda Lizarazu, Patricia Pietrafesa (Sentimiento Incontrolable, Cadáveres de niños) Sissi Hansen, Trixi, Mónica Vidal (El lado salvaje, Antihéroes), Pat Coria, etc. Muchas de ellas, hoy en absoluta vigencia. Lo que nos conduce a comprobar que siempre la mujer ocupó importantes lugares en el Rock, haciendo historia, sin dudas. Es muy sorprendente y creo merece la atención en reparar que en los 80, una década tan particularmente difícil para nuestro país -atravesando una feroz dictadura con la llegada de la democracia en el 83- crecieran tantas grandes artistas femeninas, no olvidando su sometimiento a represión, corridas policiales constantes, etc. que soportaba toda la escena Rock en general. Pero no deja de sorprenderme THE 13TH. 17

la gran presencia femenina en ésta dura década. Los años posteriores y ya instalada la democracia, tampoco fueron fáciles. Los resabios del proceso militar seguían aún presentes aunque felizmente se empezaba a gestar lentamente otra historia. Respecto al mote del machismo en el Rock, con el cual por lo antedicho gracias a la gran presencia fémina me permito cuestionar desde mi apreciación, creo que quizás pudo ser más notorio en otros géneros que no fuesen el punk y el post punk. No obstante también es cierto que muchas veces es la mujer quien “autoriza” a ubicarse en el rol de “objeto a ser mostrada” como vemos en tantísimos clips (por ejemplo) más de afuera seguramente, que en lo nacional, durante los 80. La mujer en la esfera del Rock ha trascendido a la función de participar como coristas en una banda (siempre valorizando la función y el valioso aporte que pueden tener los coros en un grupo, por supuesto). Considero que cada vez más la mujer se posiciona y toma lugares, pero siempre ha marcado fuertes huellas desde los inicios del Rock. ¿Cómo ves al rock hoy día?

Hay mucho y felizmente mucho nuevo bajo el sol. Cada década se identificó por distintos sonidos que originaron estilos, tendencias, líricas y propuestas diferentes, aunque algunas puedan reciclarse o “referenciar más a tal o cual grupo” (es inevitable, por otra parte) Pero siempre está presente la creación, siempre una canción será única e irrepetible. Creo en las referencias, no en las copias. Siempre está el acto creativo, aunque referenciado, también es nuevo. Nunca es igual. Últimamente en lo internacional, estoy escuchando y descubriendo grupos constantemente, de allá y de acá. Hace un tiempo estoy muy en sintonía con bandas post punk rusas actuales. En la escena local hay muchos 18 .THE 13Th

regresos de grupos, solistas o integrantes de grupos de culto de otras décadas que generan hoy nuevas creaciones muy interesantes, con gran riqueza musical y lírica. Y también hay muchos nuevos grupos a los que hay que salir a su encuentro a descubrirlos. Como mencioné antes, hoy se hace necesario contar con más lugares bien equipados para tocar, más posibilidades de grabar, más público que vaya a las presentaciones a vivenciar el irremplazable “vivo” de una banda. Las nuevas tecnologías acercan, permiten más velozmente conectarnos con links de sus canciones, sus presentaciones... Ayer, el vinilo (hoy nuevamente valorizado) y el casete.

Hoy el CD, los archivos en un pendrive. Ayer los afiches artesanales, fanzines, revistas y programas radiales. Hoy, los flyers, los sitios web y redes sociales donde uno toma conocimiento de lo que pasa. Pero quizás haga falta sumar ése sentimiento que generaban los circuitos under de los 80 por salir al encuentro con el arte musical. El Emocionarse ante la belleza de una canción, de una obra de arte, siempre perdurará y eso es lo que en síntesis será invariable, más allá del tiempo.

El haber encontrado con Patricia Fiori es todo un hallazgo y haberla entrevistado un lujo que pocos pueden darse. La he hallado en un momento ideal para que pudiese expresarse con libertad, relatando su rica experiencia. Es la primera vez que oficio como entrevistador y me encantó, es justo decir que gracias a sus respuestas que fueron brillantes, hizo de ésta entrevista una verdadera gema.

El Punk y los puntos de la rosa

Por Erick R. Vieyra

“Aquí estoy, con una pila de vinílicos sobre el estante que contiene miles de álbumes de los últimos cincuenta años, casado con Alena, el teléfono móvil apagado… me considero un hombre de grandes fortunas al haber disparado a la sombra de una existencia convencional y lograr matarla. Veo a través del corazón desde hace tantos años” Así se presenta el vocalista de Legendary Pink Dots, texturicemos al grupo a los nuevos escuchas.

Ziggy Stardust, Roxy Music, Syd Barret.

Artistas que diseminaron peanas de un género presente en la música popular contemporánea de nuestro siglo, el Punk. Ya sea en las calles, en las escuálidas salas de concierto o

en imponentes auditorios se encuentra un surco que ha evolucionado de las guitarras de Steve Jones, Mick Ronson y Keith Levene, del minimalismo vehemente de Ramones, los trotes de Paul Cook, Jah Wobble y Paul Simonon, así como el extrovertido cólera de Iggy y Rotten. Sujetos que desafiaron el núcleo de lo que se suponía era el Rock n’ Roll de su época continúan pareciéndonos extraordinarios jóvenes que seguramente no sabían lo que hacían, pero que la historia se encargó de dejar en claro su presencia en medio del ejido humano, donde el presente muere apenas haber nacido. Un presente artístico atiborrado de talentos forzados.

Hasta nuestros días el Punk Rock no ha sido suprimido, sólo perdió su lugar hegemónico

como producto de sus propias limitaciones en un campo como el rock, donde reinan las envidias, la ignorancia, la simulación, las críticas mezquinas, el lucro y la necesidad de adaptar los hechos a las tendencias. Sí el Punk hubiera poseído un sonido y unos principios perfilados en un brilloso acabado no sería un género de culto; fue su carácter básico el que permitió su rápida absorción en sucesivas décadas, el rock contemporáneo se sustenta sobre lo que hicieron los punk setenteros, algo de lo que no se puede vanagloriar otro género post-rock.

Los sintetizadores habían sido utilizados por bandas de rock progresivo, pero eran como el Rock en sí mismo- un lujo de ricos. A finales de los 70s llega la sociabilización de la tecnología digital y, con ello, su abaratamiento, los sintetizadores se integraron como un instrumento que permitía explorar texturas imposibles de realizar con herramientas que habían manufacturado la materia prima del rock de calle, la guitarra, el bajo y batería; a finales de los 70s arriba el sonido sintético que dinamita en los 80s y que no se rinde a exclusividades de una élite de ricos o virtuosos, sino que da cabida a los músicos que fabrican canciones malditas, sonidos prohibidos e iconoclastas envueltos en un caparazón áspero y duro.

Bajo este contexto comienza la sumersión en listas que revelan miles de nombres de bandas que estallaron en todo el mundo, incluso en lugares y situaciones no propias al “paradigma anglosajón”. El número fue tan basto que era muy difícil sobresalir como grupo en medio de sus contemporáneos; una banda sobresaliente de los ochentas es una aguja envuelta en un pajar de oro.

La cálida dinámica en su sonido, sus complejas composiciones líricas, mezclar diferentes tonalidades y permanecer dentro del rock 20 .THE 13Th

abstracto que procede de la psicodelia de primera generación hicieron de Legendary Pink Dots una banda enérgica con presencia escénica temperamental y un cuño difícil de diluir por el tiempo; una banda nacida en los 80s y activa aún en nuestros días.

Para Legendary Pink Dots el torrente de inspiración y sus sueños no han terminado, de manera similar a Einstürzende Neubauten, pero con una afirmación de mayor definición en sus armonías en comparación con el grupo alemán, continúan experimentando con texturas, con la psicodelia, con el “punk old school”, la música electrónica, el noise y el industrial, y lo hacen con maestría al darse el lujo de jugar con los géneros musicales de manera abierta, libre y subterránea.

Legendary Pink Dots continúa siendo un grupo de rock radical substancialmente Punk.

La banda no tiene una relación estrecha con el escucha estándar de rock en Sudamérica; no creo preciso comprometer una explicación a esta lejanía, pero, con una ligereza que no intenta convencer, atribuyo ello a la educación disminuida del escucha sudamericano entregado a géneros célebres en fama y a producciones comunes, un escucha que no suele reflexionar profundamente sus actividades cotidianas y sus selecciones, ya sean laborales, interpersonales, o de ocio. La popularidad del Heavy Metal en Latinoamérica, un género hueco de ideología y restringido para experimentar cambios sustanciales a lo largo del tiempo, se explica gracias a la privación de ideas en el escucha estándar de rock en este continente; un escucha que no “rasca”, que no lee, que no explora, que no investiga... salvo honrosas excepciones.

Y espero que tú, lector, seas una de ellas.

¡Siempre hay cosas que Hacer! entrevista a a James Stevenson Por diego centurión

Hay músicos que no tienen una gran carta de presentación, a la hora de mostrarse, es decir que sus nombres se asocian a una o dos bandas y nada más, pero si uno investiga, tan sólo un poquito, comienza a ver que su nombre salta en muchas bandas importantes. Éste es el caso de nuestro entrevistado que, despojado de toda “divinidad” o luminaria cegadora de un divo, resulta ser un persona ser una persona amable y que enseguida se puso a disposición de The 13th, cuando lo contactamos para esta charla.

Con ustedes, James Stevenson.

La mayoría de los lectores lo asociará a Gene Loves Jezabel, pero eso es quedarse con una porción de su historia. James comenzó en la explosión punk en Inglaterra junto a su primera banda The Chelsea. Luego pasó a Generation X (de Billy Idol y Tony James), el éxito y el reconocimiento le llega con Gene Loves Jezabel, pero no termina su historia con ellos, continúa con muchas bandas como The Cult, The Alarm, Glen Matlock y The International Swingers y su próximo disco solista. Una charla en donde nos habla de todos y de sus nuevos proyectos para este 2014.

Hola James: Chelsea fue su primera banda, ¿qué recuerdos tienes de aquellos años?

Pues los tiempos del punk rock en Londres, en 1977, fueron muy emocionantes.

Había música en vivo en todas partes, y la sensación de que las cosas estaban cambiando. Que el viejo orden estaba siendo derrocado. Era peligroso también.

Si usabas una chaqueta de cuero, todo el mundo quería pelear contigo.

Luego vino la Generation X (Gen X) con Billy Idol y Tony James, ¿Cómo fue ese paso, los años de “Kiss Me Deadly” con “Dancing With Myself ”?

Yo tenía sólo 21 años cuando me uní a Generation X. Fue genial para unirse a una banda que tuvo éxito, Chelsea nunca fue una banda de gran éxito, más que la de un grupo underground. Pero creo que Billy había estado planeando una carrera en solitario antes de que yo uniera a la banda. Pero fue genial estar en Gen X. Billy es muy carismático, había nacido para ser una estrella.

Pero sin duda el gran salto fue Gene Loves Jezabel, ¿cree usted lo mismo?

Sí estoy de acuerdo. Yo no sabía mucho de GLJ cuando me les uní, y, obviamente, las circunstancias de mi unión, con Ian Hudson (el guitarrista original con una crisis nerviosa) fueron muy estresantes.

Pero la primera gira que hice, en 1985 por los EE.UU., fue electrizante. La banda era diferente a cualquier otra en la que había estado hasta entonces, siempre fue un grupo único.

Fue todo un reto, pero he aprendido a amar la banda. Creo que algunos de mis mejores trabajos han estado en GLJ. Especialmente el álbum “Heavenly Bodies”. Me encanta 22 .THE 13Th

ese disco.

GLJ te ha traído algunas veces a América Latina. Pero recuerdo bien (1988 y 2000). ¿Qué recuerdas de esos viajes?

Siempre hemos tenido fantásticos momentos en América del Sur. Espero que podamos volver pronto. Toqué en América del Sur con The Cult también en 1995. ¿Cómo se sintió con la batalla legal entre los hermanos Aston?

Fue una tragedia. Pero en mi opinión, Michael ha hecho cosas tan terribles que era inevitable que su relación sufriera gravemente. ¿Ha tenido que optar por quedarse con Jay o Michael? ¿O todo fue de forma natural?

Yo nunca, pero nunca, trabajaré con Michael Aston de nuevo. Jay siempre fue la punta de lanza en la banda. Y de todos modos, cantó la mayor parte de las canciones. ¿Nuevo concierto de marzo GLJ? ¿Hay alguna posibilidad de un nuevo álbum?

Sí, he estado hablando con Jay acerca de un nuevo álbum para GLJ. El año pasado participó en el eléctrico 13, junto a The Cult. ¿Cómo fue la experiencia?

Me encanta tocar en The Cult. Billy Duffy es un viejo amigo, ¡hemos sido amigos durante más de treinta años! Billy y yo somos bastante similares como guitarristas de muchas maneras. Los dos tenemos muchas de las mismas influencias.

international THE 13TH. 23

Ha participado en varios discos, incluyendo The Alarm, Glen Matlock. ¿Cómo te sientes acerca de las colaboraciones?

Porque además de ser amigos, creo que debe ser maravilloso que busquen su cooperación, ¿no?

Por supuesto. Glen tocó en tres pistas de mi disco en solitario. De hecho muchos de mis amigos tocaron en mi disco en solitario, Steve Norman de Spandau Ballet, Chris Bell y Pete Rizzo de GLJ, Barriemore Barlow de Jethro Tull!

Ya hace unos años que las décadas de los ochenta y noventa están de moda. ¿Cómo ve esta tendencia? ¿Cree usted que trae algún beneficio a los artistas que brillaron en aquellos años? Pero mi pregunta está más relacionada con aquellos artistas que han desaparecido y no han creado nada nuevo.

Bueno, si la gente no está creando nada nuevo esa es su elección, supongo. Hubo un poco de música horrible hecha en los años 80, pero siempre hay cosas buenas también. ¿Te haces de tiempo para escuchar bandas nuevas?

No lo suficiente. El problema es que ¡hay tantos! Es difícil de vadear a través de toda la basura para encontrar las cosas buenas.

No creo que muchas bandas nuevas hayan hecho algo significativamente nuevo, la generación más joven tiene que encontrar su propia voz, como lo hicimos con el punk, goth, etc. Ellos no lo han hecho todavía.

The International Swingers. Otra de esas bandas que hemos mencionado como “grupo de amigos”. ¿Ustedes han comenzado para la diversión y han entrado 24 .THE 13Th

en un estudio?

Sí, nadie respondió y anuncio al estar en la banda (risas). Con suerte estaremos grabando un álbum en mayo. Hay algunas descargas gratuitas en nuestro sitio www. theinternationalswingers.com Somos todos los amigos a los que les gusta tocar juntos. Clem Burke es un baterista increíble.

Cuéntanos sobre el EP “The Shape of Things to Come” Esto es sólo para las personas, para que obtengan un sabor de los sabores de mi álbum, que estará en marzo del 2014. ¿Cuáles son los planes para el 2014?

Yo tengo fechas con The Cult en los Estados Unidos en abril - y se ha hablado con la banda de venir a América del Sur a finales de año. El álbum de The Internacional Swingers y conciertos, y también tengo que promocionar mi álbum en solitario ¡siempre hay un montón de cosas que hacer! ¿Tiene planes de grabar con una banda de las mencionadas anteriormente?

Esperemos que con Gene Loves Jezabel, Los Swingers, y que incluso puede tocar en un nuevo álbum Chelsea. En The Cult, soy estrictamente un guitarrista de gira, no veo a Billy pidiéndome tocar en un álbum de The Cult.

generation x

gene loves jezebel the cult

pura melomanía En esta sección recordaremos algunos discos que cumplen años en estos días.

A continuación revisaremos una serie de publicaciones que cumplen 10, 20, 30,….

En esta oportunidad tenemos cuatro discos y una entrevista a Cindy Levinson, vocalista de Levinhurst, quienes hace diez años editaron su álbum debut.

El día que la Muerte movilizó a la Vida Por Diego Centurión

“Viajamos para cambiar, no de lugar, sino de ideas” Hipólito Taine (1828-1893) Escritor francés.

Toda búsqueda tiene un oscuro y oculto principio, muchas veces perdido en el recuerdo de pocas personas que presenciaron ese punto inicial, u otros que, posteriormente, ahondaron en los vestigios de esa historia. Ese momento primal en donde se plantean los caminos y formas para comenzar con una exploración.

Hablar de un disco como éste es hablar de un punto de partida de un largo y asombroso camino de experimentación, de búsquedas de las raíces de la misma humanidad, lo que llevó a la banda a forjar una identidad única e irrepetible.

El disco debut se lanzó un 27 de febrero de 1984, bajo el sello 4AD, cuna de bandas maravillosas y que definieron gran parte del nuevo sonido de la década de los ochenta y parte de los noventa. “Que 30 años no es nada…” dice el tango, pero en este caso mucho ha pasado, y si bien su sonido dista mucho del actual de la banda, hay varios puntos que vienen desde sus orígenes.

Ya desde su portada podemos notar esa búsqueda ancestral en tribus olvidadas o perdidas, como esta máscara ritual de Papúa Nueva Guinea.

“La máscara, aunque una vez fue una parte viva de un árbol, ahora está supuestamente muerta. Sin embargo, a través del arte de su creador, ha imbuido de una fuerza de vida propia.”

Lo pagano y tribal toman un papel muy importante en el seno de la banda, desde el comienzo del disco, en la instrumental e introductoria “The Fatal Impact”, pueden escucharse algunos sonidos tomados de una emisión televisiva de la película “Zulú” de 1964, y se grabó directamente con un grabador. La canción tiene algo de avant rock, más si pensamos que una de las cualidades del género es el uso de instrumentación no convencional, ya que

parte de la percusión fue grabada con tres latas de pintura. Luego a los largo del disco van alternando ritmos de rock como en “The Trial”, “Fortune”, “A Passage In Time” y “Wild In The Woods”; y ritmos más tribales como en “Frontier” (tal vez ésta sea la versión menos conocida que la usada unos años después en el compilado “Lonely Is An Eyesore” que es una versión demo y es la que tiene video).

“East of Eden”,”Threshold” tienen una armado más percusivo, que tiende a lo ritualezco, pero no dejan de ser un ritmo de rock.

Las hermosas y etéreas canciones “Oceans” y “la última “Musical Ethereal” carecen de todo tipo de marcación percusiva.

La estructura musical de la banda es la de banda de rock, batería, bajo, guitarra y Lisa introduce el yangqin (un instrumento chino de percusión que la acompañará durante toda su carrera). Las guitarras de Perry tienen distorsión y, en ocasiones, suenan como las de Robin Guthrie en los primeros discos de Cocteau Twins.

El resto de la banda está conformada por James Pinker, Peter Ulrich y Scott Roger.

El clima del disco es más crudo que el que se conoce de Dead Can Dance, con sonoridades más terrenales y desde este primer disco ya logran ese halo de paganismo que tanto se les atribuye como una virtud. Entre las canciones que canta Lisa y las que canta Brendan, hay una diferencia muy clara. La voz de Lisa se transforma en canto mántrico que nos induce a un estado de paganismo y por momentos pareciera que estamos ante un ritual ancestral. La voz de Perry conserva lo terrenal, y si bien nos sitúa en un presente papable y conocido, logra transmitir un halo de misterio y profundidad chamánica.

“Dead Can Dance” es un álbum que resume paganismo y experimentación, ritualidad y ancestralidad; abre una puerta que nos inunda de conocimientos perdidos, secretos y olvidados. Un disco que nos trae una mirada diferente de cómo concebir música nueva con instrumentos de rock, y cómo, por medio del sonido de la exploración y la experimentación, se puede describir historias perdidas y desconocidas de regiones o edades poco estudiadas.

Sentidamente maravilloso Por Diego Centurión

“La música es la voluptuosidad de la imaginación”.

Eugène Delacroix (1798-1863) Pintor francés.

Si nos ponemos a pensar un poco en la frase de Delacroix sobre la música, qué mejor “voluptuosidad de la imaginación” que esta obra de Morrissey, que editado el 14 de marzo de 1994, recientemente ha cumplido veinte años de existencia.

Luego del fantástico “Your Arsenal” de 1992 (reedición que les contamos en “El jardín de las Delicias”), a Moz le llevó un poco más de un año para preparar material THE 13TH. 27

nuevo, “Vauxhall and I”, que tendrá su versión remasterizada para junio de este año (Ver “Noticias” de este número).

Hablar de este disco sin despegarme de la fascinación me es muy difícil, ya que fue el primer disco que compré de Moz. Y ese idilio del primer original de un artista en las manos, muy difícilmente puede ser derrocado del pedestal que se encuentra en nuestros afectos.

El disco contiene once canciones escritas por los aliados musicales de Morrissey, Boz Boorer y Alan White. Moz se encargó de todas las letras. Canciones perfectamente compuestas y tratadas con elegancia desde la producción de Steve Lillywhite, con bellos momentos oníricos, con una fantástica solvencia instrumental de la banda.

Un disco en donde se ve un Moz mucho más reflexivo e introspectivo, muy distinto al de su anterior álbum. Un dolido y tranquilo Morrissey, mostrando quizás su lado mas humano, dejando de lado su ironía característica. Todo el disco encierra un halo de triste dulzura, gran parte por las desapariciones de Mick Ronson (productor el disco anterior), Tim Broad (director de muchos videos de The Smiths y de Morrissey) y Nigel Thomas (su manager). Por eso hay un ambiente sonoro de solemnidad a lo largo de toda la placa.

Sin lugar a dudas el mayor clímax de este álbum se encuentra en el segmento entre las canciones “Billy Budd”, “Hold on to Your Friends”, “The More You Ignore Me, the closer I Get” y “Why Don´t You find Out for Yourself ”. Aunque las canciones del comienzo “Now My heart Is Full” y “Spring-Heeled Jim” son simplemente geniales. Y el segmento final cae en un paisaje ensoñador con canciones como 28 .THE 13Th

“I Am Hated for Loving”, en donde la dulzura de la guitarra acústica sirve para que Morrissey pueda expresar su pena, las guitarras con slide son simplemente maravillosas; La tranquilidad de “Lifeguard, Girl Drowning” con unos hermosos arreglos de cuerdas; “Used to be a sweet Boy” y “The lazy Sunbathers”, dos vals con guitarras dreampop y una fascinante atmósfera de comodidad; y para terminar la maravillosa “Speedway”.

El disco es completo, tiene mucho vuelo, paisajes de maravillosas vocalizaciones.

Sonoridades atípicas al Morrissey de esos años, mucho más climático y logrando una profundidad emocionante, sentida.

El título tiene una referencia al film de 1987 “Withnail and I”, aunque Vauxhall es un área de Liverpool en donde se encuentran varios clubs de gays.

Un disco que no tuvo el éxito arrollador de su antecesor pero que el tiempo lo fue ubicando en un lugar de preponderancia en la discografía de Morrissey, para mí entre sus tres mejores discos.

Retomando la frase del principio la voluptuosidad de la música cabe bien como adjetivo para calificar a “Vauxhall and I”.

La espiral descendente Por Marianarchy

El 8 de marzo de 1994, bajo el sello Nothing Records e Interscope, se edita el segundo disco de Nine Inch Nails, The Downward Spiral Los rótulos para explicar la música son por momentos una ayuda, una guía y por momentos un obstáculo, un compartimento estanco. A Nine Inch Nails (NIN) se lo ha catalogado de Industrial rock. Si hablamos del “estilo”, ya Ministry, Die Warzau, Godflesh y KMFDM (por solo nombrar algunos) habían incursionado en sonidos similares.

“The downward spiral” no solo contiene elementos industriales, sino también del synthpop, de la música dance de la época, de la experimentación, y se destaca por sus sonidos nuevos, propios.

El co-productor de este álbum fue Flood (quien había trabajo con Depeche Mode, New Order, Nick Cave, Nitzer Ebb, entre otros) y las mezclas fueron hechas por Alan Moulder (conocido por sus trabajos con The Jesus And Mary Chain, My Bloody Valentine, Ride, y luego en 1996 mezclaría “Wish” de The Cure). Alguno de los músicos invitados fueron Andrew Belew (King Crimson) y Stephen Perkins ( Jane’s Addiction y Porno for Pyros).

El arte de tapa, compuesto por pinturas de Russell Mills, está formado por texturas ocres, una polilla atrapada (y aplastada), plumas esparcidas, como si una bandada de aves destripadas se hubiesen aplanado contra una pared.

Antes de 1994 NIN tenía un álbum, “Pretty Hate Machine” de puro crudo electro, y un EP “Broken” que anticipaba este segundo larga duración. La banda en vivo, con músicos que Trent Reznor reunía para las giras, sonaba arrasadora, furiosa, destructiva y carnal, acaparando la atención del público.

Más allá del éxito comercial que tuvo “The Downward Spiral”, este trabajo marcó una forma de componer música. La mixtura de guitarras acústicas, loops, saturación y ruido, una voz susurrada, tímida que descarga su ira (especialmente en los coros), cambios de diferentes sonidos de la batería en la misma canción se transformaron en el sello indiscutible de NIN. Diferentes texturas que coexisten creando un clima personal.

“The Downward Spiral” es un álbum conceptual, es el mundo interno de Trent Reznor expuesto, que como el arte de tapa, refleja su oscuridad, sus miedos, su dolor, su adicción, su depresión, su enfermedad, su amor, su odio, su autodestrucción. Es un espiral descendente hacia la intimidad de un músico desgarrado. A pesar de que Trent no es un buen cantante, tiene lo que todo cantante debería tener: visceralidad y profundidad que le otorgan la habilidad de transmitir sus más tormentosos sentimientos y alternar su rabia y su delicadeza, su ira y su vulnerabilidad.

Todos los tracks del álbum son extraordinarios, Reznor eligió como simples Closer (cuyo videoclip es asombroso y marcó toda una estética que aún hoy sigue vigente), la degradante “Piggy”, la corrosiva y colérica “March of the pigs” y la solemne “Hurt” (que Johnny Cash grabaría años después y Peter Murphy interpretaría en vivo en sus presentaciones).

Las letras de las canciones representan el espíritu musical íntimo, sufriente, querellante. Hay frases poderosas que se nos graban en nuestra mente como un tatuaje dentro de la piel, como en la filosa “Mr self destruct” y su incansable frase del superyó sádico “..and I control you“ (… y te controlo); en “Piggy” la pujante, insistente THE 13TH. 29

y enérgica frase nihilista “Nothing can stop me now, ‘cause I don’t care anymore.!”

(Nada podrá detenerme, porque ya no me importa), en la existencial “Heresy” “Your god is dead and no one cares, If there is a hell, I’ll see you there” (Tu dios está muerto y a nadie le importa, si es que hay un infierno, te veré allí); en la vibrante “Closer” “I want to fuck you like an animal, I want to feel you from the inside, I want to fuck you like an animal.

My whole existence is flawed, You get me closer to god” (“Quiero cogerte como un animal, quiero sentirte desde adentro, quiero cogerte como un animal. Toda mi existencia es errónea, tú me acercas a dios”). Y cerrando el álbum con la punzante ”Hurt” “I hurt myself today, To see if I still feel, I focus on the pain, The only thing that’s real” “Hoy me hiero, para ver si todavía siento. Me concentro en el dolor, la única cosa que es real” “The downward spiral” es un álbum esencial para todo amante de la música, es el pico creativo en el que se paró Trent Reznor, una nueva forma original de hacer música, que influyó (y aún lo sigue haciendo) a muchísimas bandas. A veinte años de su edición este trabajo sigue sonando freso y actual y no nos cansamos de escucharlo.

El último Destello Por Diego Centurión

30 .THE 13Th

“La música ahueca el cielo” Charles Baudelaire (1821 – 1867) Cien años después de la muerte de Charles Baudelaire, Pink Floyd editaba su álbum debut, en 1967, “The Piper at the Gates Down”. Y desde ese disco brillante y revelador, pasaron diecisiete años hasta “The Division Bell” de 1994. Desde sus comienzos hasta ésta placa mucho ha pasado en la banda, grandiosos discos, locura, rispideces entre sus integrantes que terminaron en batallas legales, hasta gigantescas y monumentales giras.

El 28 de marzo se cumplen veinte años de la edición del último álbum de estudio de Pink Floyd. Mucho no voy a agregar sobre la historia de la banda y sus trece discos anteriores de estudio, en los que han buceado en los mares de la psicodelia, la experimentación, el rock espacial, pasando por el rock etéreo, ambiental, progresivo, ópera rock y el conceptualismo.

En enero de 1993, David Gilmour, Nick Mason y Richard Wright (restablecido como miembro original de la banda) se juntaron en los Estudios Britannia Row para componer material nuevo, unas semanas después se les unió Guy Pratt, quién había participado en el disco anterior, la colaboración de Guy, según Nick, fue de gran ayuda ya que las canciones tomaron otro clima muy diferente al que tenían. David, en secreto, grabó varias veces a Richard cuando se sentaba en las teclas, algunas de estas grabaciones fueron la base de algunas de las canciones. En dos semanas el cuarteto había creado setenta y cinco piezas, con esta cantidad se mudaron, junto a los productores Bob Ezrin y Andrew Jackson, a los estudios de Gilmour, Astoria. Allí escucharon una y otra vez lo grabado

por el cuarteto y realizaron votaciones sobre cada pieza, eligiendo veintisiete y tras la mezcla de partes y otros descartes, dejaron un total de quince, y una nueva depuración dejó las once que quedarían en el disco. Por primera vez Richard vuelve a componer, a figurar en los créditos de las composiciones, cosa que no sucedía desde 1975 con “Wish You Were Here”.

Ya con las once seleccionadas se internan en los Estudios Olympia para grabar las primeras versiones de las canciones, para la grabación llamaron a Jon Carin (teclados), Gary Wallis (percusión) y se contrataron a cinco voces femeninas para los coros, entre ellas estaba Sam Brown y Durga McBroown (quien participó en “A Momentary Lapse of Reason”). En una semana registraron las once canciones y luego del verano europeo regresaron al Astoria para grabar los detalles. Entre septiembre y diciembre se hicieron las grabaciones finales en los Estudios Metrópolis y luego se mezcló y se hizo masterización, todo en 1993.

Para enero de 1994, todo estaba casi listo, excepto dos cosas muy importantes, el nombre de la placa y la fecha de lanzamiento. Algunos nombres previos fueron Pow Wow y Down to Earth. Pero finalmente el conocido por todos, Y si bien Gilmour, no afirmó esta versión, el álbum tiene un claro mensaje para Roger, ya que el tema conceptual de la placa es la comunicación, aunque David declarara, acerca del nombre del trabajo, “el título del álbum se refiere a la campana utilizada en el Parlamento británico para llamar a votar a las dos facciones divididas”, (¡¡¡claro David!!!). Obviamente el título, basándonos en la declaración de Gilmour, las dos partes divididas, son Roger y el resto de la banda.

“The Division Bell” contiene un sonido y composiciones de mucha más calidad que su antecesor “A Momentary Lapse of Reason”, es más atmosférico y los climas son mucho más sutiles, A grandes rasgos lo mejor de la banda post Waters. La división entre los tracks no parece notarse ya que están colocados de una manera muy inteligente y sonoramente calculado.

Desde “Cluster One”, la que abre el disco, hasta “High Hopes” la que cierra la placa pasamos por climas bellos instrumentales.

Pasamos por climas bellos instrumentales como la mencionada apertura, o “Marooned” (ganadora del Grammy como mejor canción instrumental) en donde el efecto del toque de Gilmour en la guitarra y los teclados, varias veces, hacen diálogos preciosos, demostrando que la química floydiana goza de muy buena salud. Luego, canciones como “What Do You Want From Me?” y “Take it Back” nos llevan atrás en la historia de Pink Floyd.

En las canciones con letra casi todas son cantadas por David pero en “Wearing The Inside Out”, vuelve a cantar una canción Richard Wright. Canciones que las letras, de Gilmour y Polly Samson, siempre hacen relación a Waters, como en “A Great Day For Freedom”, en donde la letra empieza con “On the day The Wall came down” (En el día de la caída del muro), no es por el de Berlín, sino por el muro que Waters creó con el resto de la banda, más teniendo en cuenta que Waters se adjudica todos los créditos de “The Wall”, y justamente la caída de ese muro, es un gran día para la libertad. En “Lost for Words” en donde dice: “So I open my doors to my enemies, and I ask could we wipe the slate clean, but they tell me please go fuck myself, you know you just can’t win” (Así que le abrí THE 13TH. 31

la puerta a mis enemigos, y pregunté si podríamos dejarnos de ataques, pero ellos me dijeron por favor jódete, sabes que no puedes ganar). Y en la canción se escuchan sonidos de un ring de boxeo (más claro échele agua).

como Haus der Luge (1987). Estamos ante un disco delicado, bien dosificado en sus cadenciosas pulsaciones industriales, pasajes con instrumentos de cuerdas, ambientes inquietantes y exhalaciones maquinales.

“The Division Bell”, un muy buen disco para cerrar la historia de la banda, fiel a su estilo y con contadas canciones casi perfectas. Y digo el cierre de “la historia de Pink Floyd”, porque más allá de la reunión del 2 de julio del 2005, para el Live 8 en Londres, la banda con la partida de Richard, jamás podrá volver a reunirse en un estudio, ¿o me sorprenderán?.

Aunque no tiene la inmediatez de trabajos posteriores como Grunstuck (2005) aquí hay mucha profundidad, y ante todo, un equilibrio musical muy meticuloso entre todos los elementos. Si bien muchos de los discos de Neubauten ofrecen mucha variedad en los temas, aquí las canciones tienen mucha homogeneidad a propósito.

La razón obviamente es el concepto musical del Movimiento perpetuo o Perpetuum Mobile que da nombre al disco. Groso modo Perpetuum Mobile hace referencia a esas piezas musicales que empiezan y terminan de la misma forma, con una misma cadencia y notas, cosa que uno puede escuchar los temas una y otra vez como si estos nunca terminaran. Y no solo es un concepto musical, también lo es en la física con relación a una máquina hipotética que al iniciar su marcha nunca terminaría de funcionar sin necesidad de algún tipo de fuente de energía, una idea desarrollada por círculos religiosos creyentes de una fuente de energía inagotable en la época del renacimiento.

Movimiento Perpetuo Por Alejandro Cenizacromada

“¿Qué estoy buscando en tus sueños?...

No estoy buscando nada… Los estoy limpiando.”

GRUNDSTÜCK Estamos ad portas de celebrar 10 años de un disco que, como todos los de esta banda, ha dejado una huella. Perpetuum Mobile (2004), de alguna manera me remite a joyas exuberantes dentro de la discografía de Einsturzende Neubauten 32 .THE 13Th

Volviendo al tema del disco, la escritura inquisidora y punzante de Blixa Bargeld se mantiene intacta; de alguna manera siempre he considerado a Blixa como el Leonard Cohen de la música experimental; uno de los más grandes letristas que haya escuchado en la vida y que de alguna manera logra expresar y traducir el onomatopéyico lenguaje del mundo, con todas sus contradicciones, nuestra relación,

compromiso y hasta rechazo hacia él. “Éstos son los que fueron y los que se hicieron para partir Éstos son aquellos para los que aparecí en la última película volando en caída libre… …Algunos derivan a través de lugares y pensamientos Pasajeros ciegos en el metro y los autobuses Simplemente de pie alrededor y esperando Incluso aquellos que no podían esperar más aquí no tienen nada más que hacer Especialmente por la noche que son molestados por el aburrimiento Hay un lugar en la esquina donde viven tus amigos muertos...”

DEAD FRIENDS AROUND THE CORNER

edificio en Berlín llamado “Palast der Republik” en el 2007.

No hay nada más que agregar solo dejarnos seducir por la sensación de complicidad de este crimen perfecto llamado Einsturzende Neubauten.

Me encanta el concepto del “supporter project”, ojalá todas las bandas tuviesen el apoyo de una máquina democrática como la de estas nuevas casas que se derrumban.

Para los que no conocen, el “Supporter Project” es como si la banda dejara que los mismos fans fueran los managers, los fans se encargan de financiar los trabajos del grupo, y a cambio ganan derechos para ver el avance de cada realización a través de internet, ediciones de discos, entradas a conciertos e incluso sugerir ideas sobre los temas, los fans en algunos casos han logrado rescatar ideas que la banda había desechado por completo u olvidado por ahí como un boceto. De hecho “Perpetuum Mobile” es el primer álbum auspiciado bajo esta idea. Debo recomendar un álbum en vivo donde se plasma esa interacción de los fans (100 escogidos del “Supporter Project”) con la banda y realizado en las ruinas de un emblemático y antiguo THE 13TH. 33

Una Perfectaentrevista Vida aMatrimonial Cindy Levinson Por Diego Centurión

Levinhurst, una banda que marca un cambio radical en lo que todos esperábamos del ex – The Cure, Lol Tolhurst, y con el apoyo de su esposa Cindy Levinson, en voz y de Dayton Borders en guitarra y teclados. Si bien la banda no renunciará a mirar por el espejo retrovisor del pasado cureano de Lol, en este disco debut marca un punto y aparte.

Hola Cindy: ¿Cuánto tiempo tardaron en escribir las canciones del álbum?

Escribir estas canciones nos tomó unos meses.

Se han cumplido diez años de la edición de “Perfect Life”, el despegue inicial de Levinhurst como banda. Desde su primera producción mucho ha pasado en la banda, pero hoy recordamos esa grabación. Para esto, The 13th Revista, ha conversado con Cindy Levinson, quien gentilmente accedió a esta entrevista y nos respondió con la dulzura con que se la ve en escenarios y videos.

¿Fue la primera grabación de tu vida? ¿Cómo se sintió grabando las canciones?

Mis primeras grabaciones fueron con Orpheus, nuestro primer proyecto.

La grabación de “Perfect Life” fue

emocionante, ingenua, y muy educativa. ¿En cuánto tiempo fue registrado “Perfect Life”?

Nos hemos tomado un mes para la grabación del álbum. ¿Grabaron más canciones que no se hayan incluido en el álbum?

No, todas las canciones que grabamos son las del álbum.

Ahora empezamos con las canciones.

Te propongo un juego, para cada pista, pido una historia o un recuerdo.

“Vinti”. Instrumental.

“Let’s Go”. Se me ocurrió la idea de hacer un recuento en alemán en la pista, la canción tenía un ambiente alemán.

“Sorrow”. Una de mis favoritas. Me encanta bailar, y el ritmo me condujo a lo largo del canto.

“Sadman”. Una gran canción para tocar en vivo, al final de la canción Lol tiene una parte vocal, ¡así que fue divertido para grabar esto con él!

“Lost”. Me gusta la sensación inquietante de esta canción, de estar perdido a lo largo de la vida.

“Insomniac”. Instrumental.

“Behind Me”. Una canción acerca de cómo mover desde el pasado hasta el presente.

Me relacioné con estas letras. La grabamos en nuestro dormitorio.

“Perfect Life”. Esto fue al final de nuestras sesiones de grabación, por lo que en un acto de solidaridad que teníamos todos los involucrados en el álbum, cantamos la línea vocal, ¡incluyendo nuestro manager!

More mad”. Mi melodía favorita, me gustó la dulzura y el flujo de éste. ¿Cuánto tiempo ha pasado desde la última vez que escuchaste “Vida perfecta” completo? ¡Lo escuché hoy! Es un gran álbum y trae recuerdos maravillosos.

Para poner fin a la entrevista. Recién han editado “Somewhere, Nothing Is Everything”, un EP que me tiene feliz, ¿Cuándo podemos esperar un nuevo álbum?

Actualmente estamos trabajando en el resto de las canciones de nuestro último disco, y ¡esperamos terminarlo antes del verano!

Gracias Cindy por la entrevista. ¡Gracias por llevarme de vuelta a nuestros humildes comienzos!

Love, Cindy.

“Despair”. Este track se sentía como “algo me persigue, y quiero correr lejos”.

“Hope”. Otra gran canción para tocar en vivo. ¡Me divertí mucho cantando ésta!

THE 13TH. 35

noticias

Echo and the Bunnymen tiene listo su Nuevo trabajo “Meteorites”, a lanzarse el 28 de abril. Ha contado con la producción del Killing Joke, Youth.

Ya tienen confirmada una gira con conciertos en Inglaterra y Europa para Mayo.

Soundgarden reeditarán “Superunknown”, al cumplirse los 20 años de su edición. La fecha de la reedición es el 03 de junio, y constará de una edición de 2 cd’s, uno con el disco original remasterizado y un cd con demos, grabaciones de ensayos y otras rarezas.

Los participantes de los Lollapalooza latinoamericanos, Nine Inch Nails y Soundgarden, estarán de gira juntos durante Julio y Agosto por los Estados Unidos. Comenzando el 19 de julio en Planet Hollywood de Las Vegas, y culminando el 25 de agosto en el Hollywood Bowl también en Los Angeles, sumando un total de 23 conciertos.

Peter Murphy ha puesto fecha para su décimo disco, “Lion” se lanzará el 30 de mayo y el 2 de junio. Once canciones producidas por Youth (Killing Joke), pero antes el 19 de abril editará el simple adelanto “Hang Up”.

The Stranglers están de gira celebrando su “Ruby Anniversary”, sus cuarenta años, con un Tour extenso que comenzó el 13 de marzo en Inglaterra, y que pasará por España, Francia, Italia,

Alemania, Holanda y Bélgica sólo en Abril y luego nuevamente Inglaterra en Mayo, Julio y Agosto.

Nuevo disco de The Stooges, pero sin Iggy Pop. Se trata de canciones descartadas de las sesiones de Raw Power. Iggy se negó a participar de la grabación del nuevo disco pero dio el visto bueno para su realización. La banda contará con la participación de varios cantantes invitados, entre ellos Jello Biafra y Mark Lanegan. Con el fallecimiento de Scott Asheton, ¿las probabilidades se caen?

Desde el 9 de marzo, todos los domingos, en la BBC Radio 6 Music, Iggy Pop tiene un programa radial que se emite a las 16 horas de Londres. Lo que empezó como un especial para Navidad y Año Nuevo, terminó tentándolo para muchos episodios en un horario fijo.

Pixies publicará su nuevo disco “Indie Cindy” el 29 de abril, pero recientemente han lanzado el EP3, con las canciones “Bagboy”, “Silver Snail”, “Ring The Bells” y “Jamie Bravo”. El disco tendrá una edición De Luxe, uno con la versión del disco (que es el compilado de los tracks de los tres EPs) y otro con un concierto en directo en Estados Unidos durante el 2013, con Paz Lenchantin.

Morrissey editará una versión remasterizada de su excelente segundo disco “Vauxhall and I”, el álbum saldrá a la venta en junio de este año.

Festejando el 35 aniversario de la edición del primer simple “Hong Kong Garden”, Siouxsie and the Banshees lo reeditará con una edición especial de celebración, en Doble 7’’, que traerá tarjetas, un libro de 8 páginas, el arte de tapa rearmado y contenidos preparados personalmente por Siouxsie y Steve Severin. El disco 1 contendrá la versión single de 1978 de “Hong Kong Garden” y como lado B “Voices” la versión del single de 1978.

El disco 2 contendrá “Hong Kong Garden” la versión de la banda sonora de “Maria Antonietta” de Sofía Cópola, y como lado B “Voices” la versión del EP “Thorn”. Las primeras 100 personas que compren la edición vía Amazon, tendrán como obsequio un poster de 18 x 12 pulgadas conmemorativo del single.

Mark Gardener (Ride) y Robin Guthrie, han culminado la grabación de un disco juntos, ambos habían editado el simple “The Places We Go”, en el 2012. Para el nuevo registro aún no han anunciado la fecha exacta ni su título, pero se lanzará en septiembre, así lo confirmó la compañía que maneja a Mark, OX4Sound.

The Brian Jonestown Massacre editarán un nuevo disco el 19 de mayo.

“Revelation” es el nombre de la nueva producción de trece canciones.

Camera Obscura editarán el 19 de abril un EP titulado “Sessions”, grabado en Glasgow en junio del 2013, y contará con cuatro canciones.

The Horrors editará el 5 de mayo un nuevo disco, Luminous, que será su cuarto disco y el que sigue luego de Skying, de 2011.

El 19 de abril se reeditará el primer de EP Joy Division, “An Ideal For Living” de 1978. Bajo el sello Rhino, la reedición traerá: “Warsaw”, “No Love Lost”, “Leaders of Men” y “Failures”, todos remasterizados en el 2010.

THE 13TH. 37

rescate cinefilo

Videodrome David Cronenberg, 1982

Por Nicolás Ponisio Allá por 1982, meses antes del estreno de Videodrome, el trailer del film era acompañado por el lema: “Television can change your mind, Videodrome will change your body” (la televisión puede cambiarte la mente, Videodrome cambiará tu cuerpo). Sin lugar a dudas el film, y gran parte de la filmografía de Cronenberg, tienen como temática principal al cuerpo humano. Transformaciones interiores y externas con mucho gore de por medio que no deciden detenerse en la satisfacción 38 .THE 13Th

del horror repulsivo con vísceras y sangre.

Si logramos limpiar los charcos de masa acuosa corporal podemos lograr ver que detrás de ello se encuentra un horror más palpable: nuestra realidad y la crudeza de nuestros tiempos, importantes críticas y cuestiones que siempre han afectado al ser humano. Lo que muchos confundían con lo mostrado en pantalla era en verdad el contenido serio detrás del grotesco.

Evolución que quienes encasillaban al director como “el rey de la enfermedad venérea” no supieron ver. Videodrome al ser una de las obras más importante de Cronenberg perteneciente a su primera etapa de filmografía, envuelve los mayores

intereses del director canadiense. Los cuales encierra dentro de una pantalla que los somete constantemente, plano por plano, a justamente el cambio. La película juega a fascinarnos desde la narración, las imágenes y la banda sonora con la transformación que el personaje principal, Max Renn ( James Woods) va sufriendo paulatinamente y en simultáneo con su cuerpo y, por qué no, en conjunto con la totalidad del film. Lo que comienza como una historia que posee cierto dejo de extrañeza pero que sin embargo al fin y al cabo es una clara trama de suspenso (Renn, quien trabaja en la programación de un canal pornográfico sintoniza una transmisión de sadomasoquismo que lo sumerge en alucinaciones y en la investigación de dónde proviene esa señal y los secretos de las corporaciones que se encuentran detrás de ello), se va volviendo más enrevesada confundiendo los mundos reales e imaginarios a lo largo del desarrollo y llegado un punto a hacerlos convivir sin problema en la ya atrapada mente del protagonista y el espectador. La crítica del film, las influencias de la televisión en la psiquis humana, se materializa a nuestras mentes y nosotros, en rol de espectadores, caemos gracias a los elementos oscuros de violencia y sexo en la misma seducción hipnótica que ataca el mismo film. Esa atracción es generada por un trabajo en equipo en el que guión, imagen y música trabajan y, como no podía ser de otra forma, evolucionan en conjunto. La música de Howard Shore, colaborador eterno en casi toda la filmografía del director, crea unas piezas musicales que dotan a la historia de una atmósfera enrarecida y por momentos angustiosa. A medida que avanza la trama y ésta se vuelve más surrealista la música también sufre de cambios que sitúa a los

espectadores en el oscuro mundo creado por Cronenberg. Deja ciertos tonos melodiosos y tecnos para volverlos más oscuros y crípticos incluso con ciertos agregados de suspiros y respiraciones que transmiten la personalidad erótica del personaje y la incursión de él en el mundo imaginario. Quizás no sean las mejores piezas musicales del compositor ni las más accesibles o interesantes al escuchar pero dentro del contexto del film logran su objetivo y funcionan a la perfección. La presencia de Debbie Harry, cantante de Blondie, es otro buen ejemplo de cambio ya que a lo largo de los años no se encerró en un género musical ni en una sola veta artística pasando musicalmente por el pop, el punk, el reggae e incluso el ska con nuestros fabulosos Cadillacs y en cine trabajando con géneros y directores muy diversos como Cronenberg, John Waters e Isabel Coixet. Su participación es también uno más de los elementos que ejercen indiscutidamente su encanto y atracción hacia la obra, por lo cual agradecemos continuar expectantes en la pantalla rogando e incluso cantando: “Don’t leave me hanging on the Videodrome”.

THE 13TH. 39

Un tal Rodríguez Por Gustavo García

Título original: Searching for a sugarman Año: 2012 Duración: 87 min.

País: Suecia Director: Malik Bendjelloul Guión: Malik Bendjelloul Música: Sixto Rodríguez En una época en la que Dylan llevaba el folk y la protesta cantada al escenario principal del espectáculo, en EEUU surgían (o se prestaba más atención) algunos artistas callejeros que con su guitarra y su voz 40 .THE 13Th

convertían los problemas cotidianos en poesía. “El jefe se atrasó con la paga”, “el desempleo”, “la injusticia social”, “la avaricia de los de arriba”, “el sistema” y “el rutinario desamor”, entre otros, eran algunos temas típicos de los que se desahogaban con la guitarra acústica. Existían muchos, pero sólo uno aspiraba a ser la voz cantante de los desahogados: Rodríguez. Letras puras envueltas en la voz disonante de un simple apellido que sólo quería decir: esto soy, esto es lo que me toca, sé lo que me tocará, es así, es lo que hay. ¡Dylan a la armónica! Rodríguez, el nuevo grito del proletariado.

El sueño comenzaba. Grandes productores

de la época, como Dennis Coffey y Mike Theodore, apostaban a él y a un disco que rompería todos los esquemas: Cold Fact (1970). Disco… que no vendió mucho más de 6 unidades. ¿Era justo darse por vencido a la primera? ¿La voz que necesitaba el pueblo merecía ser callada por una falla en el negocio?

Coming from Reality (1971) fue la respuesta negativa a esas preguntas, pero aún así, no fue la respuesta que el negocio quería escuchar. El talento que se emanaba “viniendo de la realidad” no pudo superar los “datos duros” de la industria.

De vuelta a las changas, de vuelta a los callos, la olla no iba a pagarse con acordes.

El artista que iba a romper las barreras del mercado, no lo logró.

Silencio en el norte, pero en el sur un dulce despertar. Una voz se había convertido en

la esperanza, en el grito de la juventud sudafricana del apartheid que algo tenía para decir. Un mártir desconocido había llegado como por arte de magia a defender sus penas, a ser el himno de lucha contra el régimen, a través de un disco pirata que no decía más que un apellido. ¿Quién era? ¿Dónde está? ¿Cómo es? ¿Cuál es su nombre de pila? De uno de los éxitos más arrolladores en la historia de Sudáfrica sólo se conocía una palabra: Rodríguez.

El documental ganador del Oscar 2013, Searching for a sugar man (Malik Bendjelloul, 2012) nos narra una travesía extraordinaria entre las miserias y las glorias de una leyenda urbana a la que el tiempo le dio su revancha. Un obrero en su país, diez veces disco de oro en la otra punta del mundo.

El mercado inmóvil, las barreras rotas y los esquemas destruidos.

Almost Famous Cameron Crowe, 2000

Por Nicolás Ponisio Almost Famous es el cuarto largometraje de Cameron Crowe (para entonces ya había realizado dos clásicos modernos: Say Anything y Jerry Maguire) y a la vez es su proyecto más romántico y personal.

Entiéndase por “romántico” no al típico argumento amoroso de comedia para parejas cursis, es cierto que en la trama hay un triángulo amoroso pero el film no apunta específicamente a ello, sino al término como medio para expresar esa profunda pasión que siente el director por el arte. En este caso en particular por el cuarto arte: la música.

El film narra las primeras experiencias como crítico de rock de un chico de THE 13TH. 41

quince años (premisa autobiográfica ya que el mismo Crowe trabajó como periodista de la revista Rolling Stone) y utilizando la mirada naif de este joven inexperto para observar y añorar con otros ojos la magia del mundo musical a mediados de los setenta. Con la tremenda fotografía de John Toll, quien trabajo en Braveheart, Cloud Atlas y el episodio piloto de Breaking Bad, y con la banda sonora repleta de temas de Lou Reed, Neil Young, Elton John, Led Zeppelin, The Who, entro otros, exterioriza todo el sentimiento de una época difícil de no querer. Si bien no se registra componiendo y ensayando a los músicos del no tan ficticio grupo de rock Stillwater, banda que tiene cantidad de referencias a Led Zeppelin incluyendo la caótica dinámica entre el cantante y el guitarrista (personaje de Billy Crudup que sirve como fusión entre Robert Plant y Dickey Betts, guitarrista de The Allman Brothers Band), sí se registra todo el producto de la música.

Desde las relaciones entre ellos, pasando por la lucha de egos, las groupies, los fans, la búsqueda de reconocimiento, el interés económico que va convirtiendo al arte en negocio y lo que en verdad significa ser “casi famoso”. Toda la idea de lo que es y simboliza la época, esa lucha por intentar extender la esperanza de vida del movimiento hippie, el cual no podía vivir para siempre. Almost Famous encuentra su lugar como una suerte de Woodstock ficcional (situada unos años después del verdadero fenómeno) ya que registra la marca que quedó de la música cual huella de pie en el embarrado terreno donde se celebró el festival, de un estilo de vida y un ideal cuando el hippismo ya estaba casi extinto. Woodstock celebraba el auge del movimiento, Almost Famous celebra 42 .THE 13Th

su adiós. Donde Stillwater comienza a semejarse más a Zeppelin o Deep Purple y el transmitir un incendiario sentimiento a través del arte, que para entonces solo vivía en el salvaje espíritu juvenil de los fans, es olvidado. La revolución llega a su fin para convertirse en una forma más de capitalismo. Como bien dice el personaje de Lester Bangs (el queridísimo y recientemente difunto Philip Seymour Hoffman) al joven periodista: “Llegas en el último estertor. El último suspiro. El último gesto”. Tanto los verdaderos hippies como los rockeros mueren. Se deja de hacer arte, se comienza a vender remeras y demás merchandising de las bandas. A pesar de ello, el film carece de pesimismo. Posee tal encanto que se convierte en un homenaje, una oda a sus personajes, a su mirada nostálgica de la época, la adolescencia y el rock. La misma mirada que durante la adolescencia hizo que quien escribe sintiera ese deseo de pertenecer a aquella época, pudiendo incursionar y dedicarse a la crítica y el periodismo escrito. En este caso terminó siendo orientado hacia el séptimo arte pero el sentimiento continúo siendo el mismo. Crowe, con su obra llena de cariño logra que unos “casi famosos” hagan sentir al espectador que vive “casi en los setenta”.

Kevin Cummins en Buenos Aires Por Ligia Berg y Diego Centurión

Una leyenda del rock británico, Kevin Cummins, pasó por primera vez por Buenos Aires. La cita comenzó el lunes 17 de marzo en el Centro Cultural Borges, presentando una muestra de su arte.

Kevin es un fotógrafo de Manchester, y fue testigo de la explosión del punk inglés y del post punk, pasando por el nacimiento del sonido Manchester allá por los años noventa. Registró con su mirada todo el mundo del Club The Factory, allí donde Joy Division y luego New Order fueron retratados por por la cámara de Cummins.

Pero no sólo se quedó ahí, continuó con The Smiths y luego con Morrissey como solista, luego pasaron The Stone Roses, Happy Mondays y Oasis, entre otros.

Durante veinticinco años estuvo trabajando en la New Musical Express, donde diez años fue como Jefe de Fotografía.

Muchos pergaminos para no dejar pasar esta muestra de un prócer que nos sigue iluminando con sus fotos.

La muestra, llamada simplemente “Kevin Cummins Photography”, fue visitada por nuestra fotógrafa y diseñadora Ligia Berg, quien se encargó de registrar la inauguración para The 13th.

En la muestra se pudieron apreciar sesenta fotografías, en su mayoría en blanco y negro, y sólo cinco en colores. La mayoría de las fotos fueron sesiones pactadas

pero la muestra contaba con algunas de conciertos. La mayor cantidad eran de Joy Division, entre las que se encontraban las míticas de la sala de ensayo del 19 de agosto de 1979, algunas también en vivo y hasta una de la tumba de Ian Curtis.

El segundo lote de mayor cantidad se lo repartió entre The Smith y Morrissey como solista, en las que se encontraban algunas de su primer concierto del 22 de diciembre de 1988. Luego algunas más de New Order, algunas de Happy Monday, The Stone Roses, Oasis, una de Buzzcocks y The Fall. Y dos fotos de los históricos The Electric Circus de 1977 y The Factory Russell Club tomada en 1979. La muestra estuvo ambientada con proyecciones de videos de The Smiths sobre una pared.

En el evento de inauguración se lo 46 .THE 13Th

vió al mismísimo Cummins firmando libros o fotos, charlando con la gente y dando entrevistas (desafortunadamente no pudimos acceder a realizarle una entrevista).

La muestra contó un evento en el Distrito Smirnoff el 20 de marzo, que tuvo la participación de Alfredo Rosso quien dio una charla y luego un show de Richard Coleman, quien tuvo el honor de ser fotografiado por el mismísimo Cummins.

Buenos Aires pudo tener un acercamiento al maravilloso mundo de este fotógrafo que registró gran parte de la historia de rock que más amamos. Y aquel que no pudo darse una vuelta por el Centro Cultural Borges, lo puede disfrutar en The 13th.

El jardín de las Delicias

Clan Of Xymox

Desde “Darkest Hour” (2011) que no editaban un trabajo con temas propios Matters of Mind, Body and Soul (ya que “Kindrer spirits” de 2012 fue (Trisol/Metropolis) una obra enteramente de covers).

Por Marianarchy El álbum abre con un extenso instrumental “Once in a Blue Moon”, No hace falta presentar a Clan of algo amaga a aparecer, algo se acerca Xymox, después de treinta años de desde lo profundo, algo brilla a lo impecable trayectoria y más trece álbumes. Ronny Moorings y compañía lejos en la oscuridad... “She Is Falling vuelven al ataque con un nuevo álbum. In Love” nos va despertando del letargo, ya podemos comenzar a 56 .THE 13Th

mover los huesos de los dedos del pié.

El clima electro y la voz de Ronny, clara y limpia, nos va acunando en cada estrofa hasta el pico más alto de los coros. “The climate changed” ¿El clima cambió? Un poco de viento y estática preludian la balada, una dulce cama de telaraña nos reconforta. El registro grave de la voz de Ronny transforma a esta canción en la más oscura del álbum. “Hector” Es un instrumental dramático y lleno de suspenso, encarnado por el eco de los teclados progresivos y de los redobles de los tones electrónicos. “I close my eyes”. La congoja de Ronny expresa su sensibilidad. Lentamente se aceleran los latidos cardíacos hasta hipnotizar los cuellos en vaivén. “Hand in glove” en algún lugar está la cima, la explosión de Clan Of Xymox no es terrible, es una catarata relajada. “Your own way” al comienzo nos acaricia una melodía pegadiza, Ronny nos invita a bailar. Estamos entre amigos, en un ambiente conocido que nos acompaña hace años. Simplemente nos dejamos llevar… “Love´s on diet” Nos elevamos aún más, es casi la cima, Medusa nos hace cosquillas con sus cabellos de serpiente. Nuevos paisajes conocidos, un viaje al retro futuro.

“I´ll Let You Go”. No nos dimos cuenta que ya estamos bailando y seguimos escalando, al ritmo de un teclado onírico y la fuerza del gélido electro matizada con una cálida voz.

El final es una dulce guitarra acústica y el sentimentalismo de Ronny...

“Months ago”. Cuando pensamos que nos habíamos elevado al máximo, llega esta canción, para mí gusto una de las mejores del álbum. “Kiss and Tell” nos mantenemos en la misma perspectiva, seguimos disfrutando esta obra maestra. Mientras esta canción se disputa con la anterior el clímax Xymox. “Chinese whisper” El cierre del álbum, como el inicio, también es un instrumental ¿Adónde estamos, adónde llegamos? tierras desconocidas, murmullos ininteligibles, el canto de los pájaros nos guían, ¿ya aterrizamos?

Maduro y relajado, los tracks de “Matters of Mind, Body and Soul” fluyen de una fuente de energía inagotable. La atmósfera Xymox no deja de resplandecer en las tinieblas.

Una vuelta al principio con sonidos más actuales, como en sus dos últimos trabajos. La experiencia de treinta años de música.

Clan Of Xymox ya nos tiene acostumbrados a este sonido que resulta familiar, a estos climas de angustia melancólica que nos acompañan caminando por las calles y en selectas pistas de baile.

Este nuevo trabajo de la banda no decepciona, es algo a lo que estamos acostumbrados. No nos sorprende, pero nos deleita. Es esperable, deseable y disfrutable.

Lorelle Meets the Obselete

Chambers Sonic Cathedral/Captcha Records) Por Diego Centurión

Celofán

Ideas A Medias (Independiente) Por Diego Centurión

“What’s Holding You?” abre el tercer disco de los mexicanos de Lorelle Meets The Obsolete (a quienes entrevistamos en el número 4). Shoegaze, dreampop, noise, algo de psicodelia y lo mejor de todo, diez excelentes canciones. Las disonancias sonoras de la banda logran que el oyente no se quede cómodo, siempre hay un instrumento que rompe con el acostumbramiento, que intuitivamente el oído busca. Un gran disco que marca un salto de calidad en la banda. Crudo y sólido shoegaze con hermosos climas de dreampop, como en “Dead Leaves”, frenetismo en “Sealed Scene” o caos sónico en “13 Flowers”. Chambers es lo mejor que han registrado los mexicanos de Lorelle Meets The Obselete, y es para celebrarlo.

58 .THE 13Th

Disco debut de la banda mexicana que mezcla el shoegaze con el dream pop. Excelente trabajo de Celofán.

Ambientes lánguidos y con el clásico muro de distorsión en la guitarra, un bajo bien adelante en la mezcla, lo cual le agrega intensidad y belleza al sonido de la banda. Diez canciones sin desperdicios, obviamente las influencias son audibles, pero eso no quita la calidad del disco. Soñadoras melodías sobre una pared de guitarra, bajo y batería, que hacen de “Ideas A Medias” un delicioso y maravilloso disco hecho en Latinoamérica. ¡¡¡Recomendable!!!

-Al cierre de la edición de la Revista, debido a un por un problema legal la banda “Celofán” pasó a llamarse “Vaya Futuro”.

C-Lekkto

††† (Crosses)

Otra banda mexicana, pero esta vez el sexto disco de C-Lekktor, cultores del EBM con manchas de Synth Goth.

Editan un nuevo trabajo cargado de canciones para bailar y practicar los pasos de Synth Goth Dance. Once canciones que no bajan el ritmo con el que comienzan el álbum, desde el primer track “Después del Apocalipsis” hasta el track diez “Metpo”. Aunque tiene un descanso en la quinta canción “Baktun 13” y el final, justamente, “Final Alternativo”. Ritmos aguerridos y con voces corrosivas y samples de presentadores de noticias (tanto en español como en inglés) que sólo vaticinan caos. Un disco para escucharlo a volumen lo más alto posible.

Disco debut del proyecto paralelo del vocalista de Deftones, Chino Moreno.

El álbum tiene una cautivadora presencia de paisajes sombríos y densos, como en “Nineteen Ninety Four” o “Death Bell”, pero también el sonido de rock alternativo en “Blk Stallium”.

En otros momentos expresan un halo de solemnidad como en “Nineteen Eighty Seven” y por momentos se torna casi drone como en “Cross”. También presentan algo electro como en “This Is A Trick” y “Telepathy”. Y se oscurecen un poco más en “Bitches Brew”, aunque luego rompen deftonianamente, al igual que en “Thholyghst”, tal vez una de las mejores del disco (aunque “The Epilogue” es otra de las elegidas), la mejor canción sería “Frontiers” tan sólo si no existiera “Nineteen Ninety Four”. Un excelente debut.

Final Alternativo (Cop International) Por Diego Centurión

††† (Crosses) (Sumerian Records) Por Diego Centurión

THE 13TH. 59

God Module

Flase Face (Metropolis Records) Por Diego Centurión

Birds of Passage

This Kindly Stumber (Denovali Records) Por Diego Centurión

Los estadounidenses de God Module acaban de editar su sexto álbum, diez canciones de Dark Electro. Desde la primera canción “A Good Night To Die” hasta la última “THe Mark” logran ir incrementando la intensidad del álbum, pasando por momentos de EBM puro y Synth Goth, logrando un disco aceptable y prolijo. “Faith Is Fragile” es la canción que baja el ritmo pero es la que le agrega un muy buen clima al disco, más oscuro y profundo. Sin ser un gran disco pide repetición.

60 .THE 13Th

Quinto disco de la banda neozelandesa “Birds of Passage”, que oculta a la cantante Alicia Merz. Como lo plantea desde su portada, son siete lánguidos y sombríos paisajes fantasmales, con el susurro de Alicia que hace que el ambiente sea más difuso, ayudado por el efecto ahuecado en su voz. Un disco que por momentos roza la quietud. El interesante efecto que logra la placa es que de principio a fin, Merz nos cuenta secretamente paisajes perdidos y ocultos entre la bruma. Relajado y enigmático álbum.

Nothing

Guilty of Everything (Relapse Records) Por Diego Centurión

Cheatahs

Cheatahs (Wichita Records) Por Diego Centurión

Disco debut de los estadounidenses de Nothing. “Hymn to the Pillory” abre el álbum, que parece ser una inocente canción dreampop pero que luego es derribada por una tormenta shoegaze. Canciones dulces como “Dig”, “Endlessly”, “Somersault” o “Guilty of Everything” son la muestra opuesta de canciones como “Bent Wail” o “Get Well”.

Un disco de nueve canciones en donde lo bello y delicado se corroe y se ensucia de una manera muy intensa, creando un sólido disco que termina convenciéndonos de volver a escucharlo.

Disco debut de la banda londinense.

Luego de varios EPs se edita el esperado primer álbum de la banda. Enérgico y por momentos salvaje shoegaze. Aunque se reservan los momentos dulces como en “Mission Creep”. Hay momentos nirvanezcos como en “Get Tight”, en otros estridentes como en “Leave to Ramain”, o caóticos y salvajes como en “Kenworth” o “Cut the Grass”, pero luego se tornan ensoñadores en “Fall”. Un gran disco, que nos recuerda a los mejores My Bloody Valentine, pero que en doce canciones logran mantener una constante energía desde el comienzo hasta el final de la placa.

THE 13TH. 61

Across the Snow

The Valley (https://acrossthesnow.bandcamp.com/) Por Diego Centurión

The New Division

Together We Shine (Quapaw Music Publishing) Por Diego Centurión

Disco debut de Across the Snow.

Soundscapes. Las guitarras se confabulan para crear los hermosos paisajes sonoros instrumentales que traen éste álbum de siete canciones. Quietud, sencillez, lánguidos pasajes de luminosidades introspectivas, Canciones como “The Valley”, “Tracks”, “Adrift” o “Sight Alone” demuestran que la virtuosidad no está en la técnica, sino en el buen gusto. Gran disco, ideal para acompañar un atardecer silencioso, esos que las nubes son violáceas.

62 .THE 13Th

El segundo disco de los del sur de California. Se los nota algo confundidos.

Si bien no es un mal disco, este tiene una marcada influencia de bandas como Coldplay, que por momentos cansa. Pero hay canciones como “Honest”, “Stockholm” (con “Starflyer 59” como invitados) o “England” que logran que el disco no sea olvidable.

Be Forest

Earthbeat (We Were Never Being Boring) Por Diego Centurión

Be Forest es una banda italiana que mezcla el dreampop y el shoegaze con reverberaciones ambientales y paisajes de sueños, pasando por percusiones orientadas al post punk. “Captured Heart”, “Ghost Dance”, “Airwaves”, “Totem II” o “Sparkle” son algunas de las nueve canciones que conforman un bello álbum.

Sonidos preciosos, con una delicadeza ambiental. Adorable Disco.

Current 93

I Am The Last Of All The Field That Fell (A Channel) (The Spheres/Coptic Cat) Por Cenizacromada

David Tibet siempre se las sabe arreglar con cada nuevo trabajo que presenta; esta vez, en este “I Am The Last Of All The Field That Fell (A Channel)”, lo siento mucho más conectado con el tema estelar, los astros y el firmamento. Bastante sabio teniendo en cuenta que la catarsis de su particular voz siempre se orienta más hacia el lado de la declamación que del canto, Tibet busca músicos que brinden nuevas atmósferas a sus discos. Aquí a la vena experimental se suma un barniz jazzístico y siento que las guitarras en algunos cortes lo sumergen a uno por momentos en una profunda marea psicodélica sin perder el sello propio de Current 93. Toda esa visión agnóstica que en parte fuera causa de su alejamiento de personajes como Douglas P y obviamente su ruptura con Death in June, adquiere magnificencia. Si bien el disco tiende a ser muy homogéneo entre tema y tema, no pierde para nada toda su inquietante escucha con colaboraciones de lujo de Nick Cave y de Anthony de Anthony and the Johnsons.

THE 13TH. 63

The Beauty of Gemina Ghost Prayers (Nocut) Por Marianarchy

Varios, Compilaciones Various

A Psych Tribute to The Doors (Cleopatra Records) Por Diego Centurión

The Beauty of Gemina es la continuación de un anterior proyecto, Nuuk (era más electro y más “Cure”). En este último trabajo, el sexto de su carrera, la banda suiza sigue utilizando elementos del darkwave y el gothic, prescindiendo del electro e incorporando aún más sonidos folk (expresados sobre todo a través de guitarras acústicas y arreglos de cuerdas), especialmente en “Down by the horses” de reminiscencias “dark country”. En todo el álbum se luce la voz de Michael Sele, apasionada, grave, densa, nostálgica, amargada y romántica. La banda experimentada, que ha tocado con mucho éxito en los principales festivales de Europa, ha encontrado su propio sonido y estilo. El simple del álbum es “Marianah”, y para el gusto de quien les escribe se destacan “One million stars”, “All those days” y “Hundred lies” (esta última especial para los amantes de los climas “Cure”). Además les recomiendo que pasen por su página oficial y disfruten los extraordinarios videoclips de sus canciones.

64 .THE 13TH

Un nuevo tributo a The Doors. ¿Suena trillado y cuesta sentarse a escuchar?

Pero el resultado del disco es muy reconfortante para los amantes de la psicodelia. Un disco brillante. La elección de las versiones de los clásicos de la banda homenajeada es precisa y muy creativa.

Desde la primera “LA Woman” a cargo de Elephant Stone, hace del disco un gran comienzo. A continuación los fabulosos The Black Angels y su mirada sobre “Soul Kitchen”. La psicodelia estalla en colores y las bandas se suceden. Psychic Ills y su ácida versión de “Love Me To Times”; la oscura versión psicomántrica de “Hello, I Love You” a cargo de Dark Horses, la instrumental y enérgicas reformas de “People Are Strange” por

Camera; Dead Meadows se sintoniza con “The Crystal Ship”; Dead Skeletons reconstruye “Riders on The Storm” llenándola de disonancias; Wall of Death no deja de asombrar con su “Light My Fire”; Vietnam recrea con extraña sonoridad “Roundhouse Blues”; Geri X le pone las luces estroboscópicas a su versión de “Love Her Madly”; y, para cerrar, con una hermosa versión etérea de The Raveonettes de “The End”. El disco es como si a The Doors lo hubiesen mezclado en una licuadora con los primeros discos del Pink Floyd de Syd Barrett, The 13th Floor Elevators y la etapa psicodélica de The Beatles.

Loreena McKennit

The Journey So Far The Best of Loreena McKennitt (Quinlan Road) Por Diego Centurión

Un “The Best”, mucho para decir no habría sino fuera porque se trata de dos discos. El primero con doce canciones que demuestran la calidad de esta

mujer, con algún agregado como “The Mummer’s Dance (Single Remix)” que se agrega al conjunto en la excelencia de esta canadiense. El segundo disco es un concierto que ofreció en Alemania, en el 2012.

Un disco doble que sirve para sentarse a escuchar a una excelente compositora en estudio y en directo. Abarcando toda su larga carrera con sus clásicos en la intimidad del estudio como así también en la exposición de un concierto. Ideal para aquellos que les gusta la World music o la música celta.

Rufus Wainwright

Vibrate: The Best of (Interscope Records/Geffen Records) Por Diego Centurión

A veces el pop se vuelve de culto. No sé si es el caso de Rufus, pero tiene todo el condimento para serlo. Mr. Wainwright se ha ido posicionando, casi en silencio y mucho trabajo, alejado de las luminarias que puede ofrecer las grandes compañías discográficas, a pesar de trabajar en ellas.

THE 13Th. 65

Ha conseguido, con mucha justicia, en un lugar privilegiado entre los grandes compositores más elegantes del pop actual (pero para pocos). Ya sea por lo dificultoso que resulta encontrar sus trabajos en Latinoamérica, pero el que ha escuchado un disco de Rufus, rara vez no trate de dar con parte de su discografía.

“Vibrate” es una excelente oportunidad para ingresar en el mundo de Rufus Wainwright, y tal vez nunca quieran salir de él. La edición original contiene “Me and Liza”, una nueva canción y el cover de Leonard Cohen “Hallelujah”, que fue utilizada en la película de “Shrek”. Una versión De Luxe del disco contiene un disco más, con canciones en directo y otros bonus tracks. Un disco en donde el Pop se vuelve elegante, culto y casi perfecto.

In Strict Confidence

Lifelines 1991-1998 (Minuswelt) Por Diego Centurión

Una primera parte de la historia de la banda alemana de electro industrial.

Recopilación que contiene diez canciones que van del disco debut … hasta el disco de 1998 ….. Una buena oportunidad para aquellos que no conocen a esta gran banda.

66 .THE 13TH

Eps, Singles Merciful Nuns

Exoplanet (7’, EP) (Solar Lodge) Por Diego Centurión

En el número anterior, en la parte de “Noticias” habíamos anticipado esta edición. “Exoplanet”, es el primer EP del año y consta de un EP, de cuatro canciones, y también de un single, con dos canciones más. El single contiene “Gamma Ray”, una excelente y tradicional sonoridad de rock gótico y luego la inquietante “A Day That Fades”. Después de escuchar el single, quedan ganas de más, así que pasemos al EP. Cuatro nuevas canciones que poseen el oscuro ambiente tenebroso y por momentos profético mundo “Meciful Nuns”. Desde la iniciática “Planet Moves” que nos introduce en un submundo en donde luego el ritmo lo marcará el bajo creando una tensión junto con la batería. Luego “Argonauts” nos recibe con una ambientación sombría y lúgubre, luego el bajo vuelve a marcar el pulso de la canción, mientras la voz de

Artauh nos hace caer en un bajo mundo de atmósferas claustrofóbicas. Luego los dos tracks que restan “Nubil”, una excelente canción y “Violet Flame”, la mejor de este lanzamiento. Si bien no se descubre nada en el sonido de la banda, hay algo que caracteriza a Merciful Nuns, y es que siempre escriben muy buenas canciones.

Power y haciendo mutaciones de Iron Butterfly, los Beatles y pregonando que Hitler era vegano. Esta vez vienen con un sencillo que tiene su dualidad. “VD” es un corte, que de alguna manera, tiene su postura progresiva y carece de ese humor negro que los ha caracterizado por años, eso sí, como siempre llevado por el típico estilo avant garde y con su aura nocturna.

“Pasture” vuelve a retomar el caos controlado del cual ellos han demostrado The Residents I’m Bound To Be Yours If You’ll Be Mine a lo largo de más de 40 años de carrera ser los amos. Más contundente no pudo ser (2014) “I’m bound to be yours if you’ll be mine”.

Por Cenizacromada

Epic45

Monument (EP) (Wayside And Woodland Recordings) Por Diego Centurión

Nuevamente los héroes sin rostro, los eternos detractores del rock, los únicos que en esta fauna musical están inmunizados ante cualquier ataque, porque están libres de pretensiones en su postura y estilo, esperando nada de nadie.

Ellos eran más punk que el propio punk a finales de los 70 retorciendo, profanando de una manera aún más perversa y esquizoide que The Velvet Underground el legado psicodélico de The Flower

Una reedición de un EP editado en el 2012 bajo el nombre de “Fragment#3”, ahora con seis canciones, y con el nombre de “Monument”. La calidad de esta banda es más que palpable en las estructuras de THE 13Th. 67

sus composiciones. Una de las mejores agrupaciones del estilo soundscapes, Si bien es un bello trabajo que sólo tiene dos tracks diferentes a la versión original, uno es un remix de la canción Monument, y la otra es una reinterpretación de la misma canción con la participación de Ian Crause, nos dejan con ganas de más….

Tendré que escuchar material anterior.

Black Rebel Motorcycle Club Some Kind of Ghost (single)

Simple lanzado por la banda vía su web oficial, Los que están suscriptos a ella tienen la posibilidad de bajar los dos tracks que componen los B-Sides. Ellos lanzaron el video oficial de la versión original de la canción y luego se agrega “God’s gonna cut you down” y una bella versión acústica de la canción que da nombre al simple “Some Kind of Ghost”, que es más blusera pero que no pierde la carga oscura que tiene la canción.

68 .THE 13TH

HIDDEN TRACK

John Simon Ritchie (más conocido años después como Syd Vicious) acudiendo a un concierto de David Bowie en el Earls Court, Londres, el 12 mayo de 1973. Con sus flamantes 16 años, cumplidos dos días antes.