Lo Mejor del 2016 - Número Especial by Revista The 13th

The13th NÚMERO ESPECIAL Nº 2

UNA R E VISTA IMA GINARIA

NÚMERO ESPECIAL LO MEJOR DEL 2016

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Alex Bretto

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jiménez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Literatura ]

Erick R. Vieyra

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Gabo Rojo

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Marcelo Simonetti

Jefe de Departamento de Literatura:

Max Wilda

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Jefe de Departamento de Música:

Esteban Galarza

Diego Centurión

Ricardo Padilla (Oriani_K)

[ Fotografía ]

Darío Martinez

Nazarena Talice, Lily Moonster,

REDES SOCIALES:

Patricia Claudia Fiori

Johannes Rossini., Ishtar Astarté.

Luca Nicolás Centurión Mogilner

Marina Cimerilli

Julieta Curdi.

Pablo Müllner Benjamín York COLABORAN EN ESTE NÚMERO Joel, Natalia Sbert

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EDITORIAL

Diciembre, 2016

Parafraseando el título de esa película protagonizada por Cary Grant y Deborah Kerr (An Affair to Remember, 1957) nos hemos decidido a darles un plus del año que nos ha abandonado hace solo unos días. Y la verdad es que tratamos de hacer un compendio con lo que mejor nos ha salido en el 2016, un año de cambios, de incorporaciones, de afianzamiento. Un año que nos ha dejado material que no pudo salir, y algunas cosas que han quedado rezagada y a la espera de ver la luz. Un poco la idea es un anuario, y tal vez aparezcan fotos, notas o entrevistas que nos han quedado. Algo nuevo también habrá, pero también queremos dejar para el número de enero. En este recuento much quedará afuera, lamentablemente, pero bueno... tal vez, si lo desean, puede haber un segundo anuario... tal vez.. Un año 2016 en donde hemos logrado afianzar lazos con muchas bandas y artistas, un año en donde plantamos muchas semillas que esperemos que florezcan en el nuevo año.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE

LOS QUE SALTARON A LA ETERNIDAD.........................................................................................................................06 El Camaleón y su último personaje por Diego Centurión.................................................................................................08 El Lado Oscuro de Prince (1958-2016) Por Alex Bretto....................................................................................................10 ALAN VEGA por Bernardo Jiménez Mesa, Javier Rendo, Ariel Soriano, Iván Mirabal, César León, Erick R. Vieyra ...12-18 El Nunca Querer Despertar por Diego Centurión............................................................................................................19 FREAK UNIQUE: Adiós, Pete Burns por Pablo Müllner....................................................................................................22 Leonard Cohen. Un Romántico En El Siglo De La Huida por Erick R. Vieyra....................................................................24 Todo para Brillar - Adiós a Introflirt por Diego Centurión.................................................................................................27 Al Monstruo con Cariño por Pablo Ravale........................................................................................................................30 No Dejen que el Sol Caiga Sobre él” por Alex Bretto......................................................................................................33 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Diego Centurión.......................................................................................................36 MENOS ES MÁS Entrevista a Dean Garcia por Diego Centurión .................................................................................................................39 HORACIO Entrevista a(NUEVATEMPORADA) The Peppersplum por Patricia Claudia Fiori .................................................................................................... 32 Entrevista por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografías: Lily Moonster .................................................................................42 PERLAS TUS OJOS Entrevista por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografías: Lily Moonster .................................................................................44 GENTE CONVERSANDO Entrevista por Diego Centurión. Fotografías: Natalia Sbert .............................................................................................46 PARA ESCUCHAR MIENTRAS EL MUNDO SE PUDRE Entrevista a Eraldo Bernocci por Gabo Rojo.....................................................................................................................50 NO TODOS LOS MONSTRUOS SON MALOS Entrevista a Alberto Laiseca por Pablo Ravale...................................................................................................................54 UN ANILLO EMOCIONAL Entrevista a Ben Benjamin de Introflirt por Diego Centurión.............................................................................................58 ESTOY CONTENTO DE QUE LA MÚSICA CIRCULE Entrevista a Alan Courtis por Bernardo Jimenez Mesa......................................................................................................61 NO SIEMPRE ES FÁCIL VER EL FUTURO CON CERTEZA Entrevista a Jaike Stambach from “The History of Colour TV” por Diego Centurión....................................................... 64 NUNCA HABRÁ NADA NUEVO DE BOWIE, Y ESA ES LA TRAGEDIA MÁS GRANDE DE SU MUERTE Por Wayne Hussey ........................................................................................................................................................... 67 EL PODER DE LAS MUJERES Entrevista a The Peppersplum por Patricia Claudia Fiori ................................................................................................. 70 DAVID BOWIE ES… UN ARTISTA QUE SUPO VESTIR SU MÚSICA Por Carla Desiderio .......................................................................................................................................................... 74 MUSIC CORNER LOS PERSONAJES DE BOWIE Por Alex Bretto .............................................................................................................. 77 LA ANSIEDAD LA INFLUENCIA Entrevista a RudyDE Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 CAPÍTULO 2 por Gabo Rojo. ..........................................................................................................................................79 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98

PALABRAS EN LA ARENA FRUTO VENENOSO, “MANDRÁGORA” de de Hans Heinz Ewers por Pablo Ravale...................................................84 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE LA SOMBRA QUE SE CIERNE SOBRE TODOS NOSOTROS por Pablo Ravale.............................................................87 CARNE CRUDA SIN SABOR por Valeria Pomidoro.......................................................................................................88 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 HIDDEN TRACK ..............................................................................................................................................................90 EN CONCIERTO NOSTALGIA POR EL FUTURO KRAFTWERK en Luna Park, 23 de Noviembre de 2016 por Gabo Rojo.........................................................................94 NAZARENA TALICE..........................................................................................................................................................96 LILY MOONSTER..............................................................................................................................................................97 JOHANNES ROSSINI........................................................................................................................................................98 JOEL..................................................................................................................................................................................99 RESCATE CINÉFILO LO MEJOR DEL AÑO..................................................................................................................................................102 LO MEJOR DE NICOLÁS PONISIO

Labyrinth (1986) - Viviendo Deliciosamente El Cine - Un Film Con Más De Dos Caras.......................................103-107 LO MEJOR DE JIMENA PATIÑO The Man Who Fell To Earth (1976) - La Película Bond De Fincher - Team Truffaut: “El Amante Del Amor” .......110-114 LO MEJOR DE JOSÉ LUIS LEMOS Gitana, Robaste Mi Alma - Una Historia (No Tan) Sencilla - En Busca Del Sexo Perdido......................................116-119

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................124 PURA MELOMANÍA EN LA ISLA DE LOS ESTADOS David Gilmour - On An Island (2006) por Diego Centurión..........................................................................................128 TRES GRADOS DE POSMODERNIDAD Pj Harvey - Dance Hall at Louse Point (1996) por Pablo Müllner...................................................................................129 Nick Cave and The bad Seeds - Kicking Against the Pricks (1986) por Pablo Müllner..................................................130 Kraftwerk - Electric Café (1986) por Pablo Müllner.......................................................................................................130 LA CANDIDEZ DE ESPERANZA Mazzy Star - Among My Swan (1996) por Benjamín York.............................................................................................131 MELODÍAS LUNARES Harold Budd, Elizabeth Fraser, Robín Guthrie, Simón Raymonde - The Moon and The Melodies (1986) por Benjamín York ..........................................................................................................................................................132 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................136 DERECHO DE PISO .......................................................................................................................................................142

[ Por Diego Centurión ]

LOS QUE SALTARON A LA ETERNIDAD 2016. En la sumatoria de los dígitos da “9” y ése número tiene muchas simbologías en varios campos, astrología, numerología, en distintas religiones, en la matemática. Si se lo piensa un poco, son los meses de la gestación de un ser humano. El número 9 es el fin de la progresión de números, del 1 al 9, es el número que matemáticamente tiene muchas particularidades. Pero este 2016, trajo muchas partidas inesperadas, y la muerte es un fin de ciclo, tanto como el nueve. Después están los que piensan en si hay o no vida después de la muerte, están los que dicen que no murieron sino que viven en sus obras, o están los que lamentarán toda sus vidas esa muertes. Pero lo cierto es que este 2016 se ha llevado a muchas personas que nos han marcado, algunos más, otros menos. La lista es lamentablemente larga y acá los mencionamos y a continuación podrán leer lo que hemos escrito en algunos casos como despedida.

Música:

Cine y Televisión:

10 Enero David Bowie

14 Enero Alan Sidney Patrick Rickman (profesor Severus Snape – Harry Potter)

11 Marzo Keith Noel Emerson

17 Marzo Larry Drake

21 Abril Prince

13 Junio Michu Meszaros (Alf)

19 Mayo John Berry (Beastie Boys)

17 Junio Rubén Aguirre Fuentes (El Profesor Jirafales)

16 Julio Alan Vega

19 Junio Anton Yelchin

04 Octubre Caroline Crowley

19 Julio Garry Marshall

23 Octubre Pete Burns

02 Agosto David Huddleston

07 Noviembre Leonard Cohen

13 Agosto Kenneth George Baker (R2-D2)

20 Noviembre Craig Douglas Gill

29 Agosto Gene Wilder

25 Noviembre Pauline Oliveros

01 Septiembre Jon Polito

02 Diciembre Introflirt

11 Septiembre Alexis Arquette

07 Diciembre Gregory Stuart Lake

14 Septiembre Kim Diane McGuire

25 Diciembre George Michael

24 Diciembre Liz Smith 25 Diciembre Eliseo Subiela

Literatura:

27 Diciembre Carrie Fisher

22 Diciembre Alberto Laiseca

28 Diciembre Debbie Reynolds

[ David Bowie por Diego Centurión (Apareció en el Número 25 - Marzo 2016) ]

EL CAMALEÓN Y SU ÚLTIMO PERSONAJE

Señores de pie. Hace su entrada el abanderado de las mil caras…

El nuevo año nos recibió con la gran noticia (esperada desde el año pasado) de la edición de Blackstar (el cual reseñamos

en este número) pero ni bien recibíamos esa gran noticia, el 8 de enero, sólo unos días después nos desayunamos con la peor de las noticias: El hombre de las estrellas, el duque blanco, el camaleón, y los tantos títulos que tuvo nos dejaba para siempre. David Bowie hacía su último personaje.

No podíamos dejar pasar este triste hecho sin mencionarlo en este número.

Quedamos consternados, desamparados, como si la guía sonora de nuestras vidas recibía un choque que nos hizo salir

del camino, y nos quedamos estáticos por unos días. Como no pudiendo creer lo que había pasado.

Mientras vemos que todos hoy parecen ser fanáticos de David desde siempre… (me reservo los comentarios), nosotros en

Revista The 13th podemos decir que él siempre ha estado en nuestras páginas… sin jactarnos de nada, pero sí de que Bowie siempre perteneció a nuestro mundo y lo seguirá haciendo.

A la gran mayoría del staff, por no decir a todos, nos golpeó duro esta triste noticia.

Porque muchos dirán y ya lo dicen, nos queda su obra, su música… tonterías… nadie nos va a sacar ese dolor de no tener más esa dependencia de saber que está haciendo algo nuevo, y esa incertidumbre que creaba un artista como él, de tenernos en vilo de saber cuál era su próximo paso. Nadie lo hizo como él.

Es por eso, que si bien no nos sumamos a la histeria por postear videos de you tube en nuestros canales de manera im-

pulsiva y como muestra de esa necesidad de mostrar. Nosotros nos replegamos y pensamos qué hacer… y por eso les anunciamos que estamos trabajando en un número especial para marzo sobre nuestra mirada de David Bowie.

Así que hoy le rendimos un pequeño homenaje con estas líneas y estamos trabajando con un número sólo de David,

nuestro primer número especial.

David Bowie nos ha dejado un último personaje… ahora él (como Major Tom) estará en las estrellas sabiendo que nunca

más volverá.

Señores de pie. Se retira el abanderado de las estrellas… David Bowie.

[ Por Alex Bretto (Apareció como parte de la sección "MUSIC CORNER" en el Número 28 - Julio 2016) ]

EL LADO OSCURO DE PRINCE (1958-2016) Todo artista tendría su lado oscuro…Sino, ¿cómo podría ser un artista? Prince Rogers Nelson partió el 21 de abril de 2016.

sabido que contaba en su haber con una amplia bóveda llena de canciones de su autoría que nunca habían visto la luz.

Sin ánimo de entender cómo es que algunos parten dejándonos tanto y otros que no aportan nada siguen en pie, lo cierto es que

Capítulo aparte merece su batalla con la Warner Bros, que no

“The Artist” tuvo una producción tan copiosa como sobresalien-

le permitía editar todo el material que él deseaba, con múltiples

te que lo convirtió en un referente ineludible de los espléndidos

consecuencias: convertir su nombre en un símbolo y mostrar-

años 80, y una leyenda con posterioridad.

se reiteradas veces con la palabra “Slave” (Esclavo) escrita en su rostro. “Emancipation” sería el nombre que daría a esa libertad

Entronado como el mito irreverente que indiscutiblemente

en forma de álbum triple, aunque las cadenas se romperían de-

fue, su música y su imagen nos remiten a la frescura de sus

finitivamente recién al finalizar el milenio. Evidentemente, The

canciones más gancheras, que muchas veces fueron portado-

Artist Formerly Known As Prince (TAFKAP) no era un espíri-

ras de letras fuertes, críticas y de ásperas palabras: por no decir

tu fácil de domar.

que “the F Word” (como es conocida en otras latitudes) ha batido records de presencia en algunos de sus discos. Y aún así, un

Tal vez el tormento más oscuro fue la conflictiva relación con

artista versátil puede un buen día arrepentirse de su pasado ne-

Mayte García, su primer cónyuge. Fue un quiebre en su vida

tamente carnal para convertirse en Testigo de Jehová, para no

personal, coronada por la trágica muerte de su hijo Boy Gregory

permitirse más el uso de insultos o letras donde el lenguaje soez

Nelson, condenado desde el nacimiento por una enfermedad

se asimilaba más al de un malhablado proxeneta que utiliza a

degenerativa pulmonar. Los latidos del corazón de su único hijo

las mujeres como objetos.

quedarían inmortalizados en álbumes posteriores. Estos eventos desestabilizarían al gigoló de Minneapolis y muchos creen

Y es que no hay artista sin oscuridad. El psicoanálisis entiende que una forma de trabajar la locura en forma de psicosis, es a

que esta marca sería determinante durante las siguientes dos décadas de su vida.

través del arte. Por eso tal vez muchos grandes artistas conside-

Pero la genialidad nunca pudo ser sofocada. Aún quedaban

rados clínicamente locos, gracias a esa locura crearon y deslum-

por nacer destacados discos como “Musicology”, “3121” o “21

braron. Y la locura implica oscuridad. Lo importante es como se

Nights”. Hasta el final siguió siendo el de siempre, a través de

sobrelleva, y si es en forma de “locura linda”, enhorabuena. Así

sus “HITnRUN”.

vivió Prince desde su nacimiento discográfico hasta mediados de los años 90’s su fascinante locura: una tormenta creativa sin

Un artista tan oscuro como negro, y tan brillante como oscu-

precedentes, un referente para todo el sonido negro de media-

ro; tan sufrido como todos y tan genial como pocos. Como un

dos de los 80’s, un constante homenaje a sus influencias, un

halo oscuro que irradia, su aura flotará mientras haya un mun-

playboy que atrapó a muchas de las mujeres más deseadas de

do, a través de sus múltiples creaciones. Pero hubo una de ellas

aquellos años: Madonna, Sheena Easton, Kim Bassinger, Car-

que nos recordará fiel y sencillamente quién fue:

men Electra, etc, etc, etc. Multinstrumentista como pocos, fue capaz de componer, tocar, cantar y producir discos enteros, y era

“My name is Prince and I am funky, my name is Prince: The one and only”.

[ Apareció como un Especial en el Número 29 - Agosto 2016 ]

ALAN VEGA

En el Número 29 le dedicamos una gran parte del número a este personaje superinfluyente de la música que nos gusta y para este homenaje decidimos invitar (ademásde nuestros redactores que han escrito) a músicos que hablen sobre Alan. Y así es que apareció Javier Rendo (Rendo) o Iván Mirabal (Iguana Lovers).

Adiós al Héroe de la Motocicleta... [ Por Bernardo Jiménez Mesa ]

Alan Vega ha dejado esta dimensión y es tan complicado encontrar algo más por decir sobre él…Y es que todo ha sido dicho y todo es bien conocido: Suicide fue una banda pionera y muy adelantada para su época, estética y conceptualmente. La influencias y las semillas sembradas por Suicide germinaron durante décadas (de maneras muy distintas), y al día de hoy siguen sonando originales y frescos. Considerando que han pasado más de cuatro décadas desde que Alan Vega, junto a Martin Rev, apareciera sobre los escenarios por vez primera, y al leer estos días tal cantidad de tributos, anécdotas, historias; todas escritas como homenaje a este subterráneo superhéroe; es difícil no pensar que hemos perdido otro más de los pilares de esta subcultura que amamos (que ya no tiene nombre…..es tan solo una sensación…y una forma de ocultarse de la vida); alguien que realmente encarnaba y representaba la integridad artística, la genialidad y una modestia extraña y excéntrica….. Techno, Synthpop, Electroclash, Punk…. La lista de géneros tocados y enriquecidos para siempre por los sintetizadores, voz, y sobre todo por el minimalismo y las estructuras creadas por Alan Vega es muy larga…como larga fue, afortunadamente, la vida de él, a quien aquí, en la revista The 13th, homenajeamos.

Buen Viaje…Jinete Fantasma...

Calles de Fuego [ Por Javier Rendo (Cantante y compositor en RENDO / electropop) ]

Frankie llora / Frankie tiene 20 años, / está casado y es padre de un niño. Trabaja en una fábrica, / Comienza a las siete y termina a las cinco. Frankie no consigue ganar lo suficiente, / no consigue comprar suficiente comida. Frankie va a ser desahuciado. / Esta desesperado. / Piensa en matar a su mujer e hijo. Agarra un arma, / apunta en la sien a su hijo, de seis meses, / dispara al pequeño, / Dispara a su mujer, / apoya el arma en su cabeza, / Frankie está muerto… Frankie teardrop, Suicide

Más de una década después del nacimiento de Suicide (1972) y ya a mediados de los ochenta, mientras mi adolescencia se contoneaba con el pop del Virus y Los Encargados, en plena primavera Alfonsinista, descubrí a través del hermano de un amigo la música y los versos de “Frankie teardrop”. Mi conmoción fue inolvidable, no comprendía aun, la agitada escena punk de EEUU, ni tampoco a ese artista inquieto y excepcional que fue Alan Vega capaz de escribir de una manera tan descarnada y visceral. La música de Suicide me sorprendió por la violencia de esas primitivas baterías y las voces que cabalgaban esos ritmos electrónicos, entonaciones hirientes a lo Morrison y Lou Reed. Amantes de los clímax estos obsesivos artistas, enarbolaron un sonido minimalista muy emocional. Espacios musicales libres y largos, sin las cuadraturas de la canción típica. Vega surgido en las calles de Nueva York armo juntó a Martín Rev un dúo de una actitud inusual, dado que en sus actuaciones confrontaban contra un público dotado mayoritariamente por una generación de marginados. Grabaron cinco álbumes de estudio desde Suicide (77) e influyeron a formaciones como New Order o Depeche Mode, entre otras. Tras la disolución de Suicide en 1980, Alan Vega navegó como solista en una especie de rockabilly post punk que marcaría su carrera durante algunos años, siempre con su mensaje existencialista en contra del establishment y el capitalismo. Sus canciones, su fuerza creativa y su calor interpretativo ya son leyenda… Nos acompañarán por siempre.

El suicidio de Satanás, un estilo de vida. [ Por Ariel Soriano ]

tista plástico devenido a cantante para poder bancar su arte. Alan, que su verdadero nombre era Boruch Alan Bermowitz, tenía una onda villera medio roñosa de matón glam punk neoyorquino. Con su aspecto groncho, tipo Maradona, decía que Suicide era el trabajo con el que pensaba ganar unos mangos. Para el común de la gente Suicide tenía un audio de muy mala calidad, nada que ver con Shoo be doo de The Cars o el disco Panorama. Me parecía lo contrario y los amaba, mis amigos los odiaban porque no los conocían, no sonaban en ninguna radio de ningún lado, nadie jamás había escrito algo sobre ellos en argentina.

Muy pocas cosas me impactaron tanto en su momento como Soft Cell. Allá lejos por el ‘81 más o menos, los vi en un video en el programa de TV Música Total, un sábado al mediodía, estaban haciendo el tema Tainted Love del cual me enteré mucho más tarde que era una canción originalmente escrita por Ed Cobb, del grupo The Four Preps, grabada en 1964 por Gloria Jones. Enseguida empecé a investigar de donde podría llegar a provenir ese estilo, el look neoyorquino, medio glam, electro rockabilly punk y fue así que llegué a Suicide una tarde soleada a 2 cuadras del puerto de Olivos en la casa de Sergio Rotman a principios de los 80’s. Era difícil conseguir algo de ellos pero Sergio me lo grababa en cassette. A raíz de esto, entre los vinilos que tenía, encuentro dos que estaban muy relacionados, eran Candy O y Panorama de The Cars. Shoo be doo, el tema en cuestión, venía enganchado con Candy O, la canción que da el título al álbum. Era obviamente un homenaje a Suicide y me había atrapado principalmente por su sonido y el estilo de la voz de Rick Ocasek que en su momento fue productor de Suicide, me enteré luego. Shoo be Doo, un afano al gran Alan Vega, el ar-

Me quedé pegado con Martin Rev, en quien Suicide basó toda su música, los mantras de sonido sintetizados. Al principio los hacía con un órgano Farfisa que estaba roto y funcionaba mal, hasta que con efectos en el sintetizador quería lograr el sonido del Farfisa roto. Eso compone la originalidad de su sonido con un Elvis Presley enojado, agresivo y punk. Alan Vega se golpeaba a sí mismo como Iggy Pop con el micrófono, de repente se ponía romántico, de repente agitaba al público, los prepoteaba. Una performance única y personal que inspiró a muchos de los que pudieron verlos en vivo, manejando los extremos con seguridad. Suicide era su estilo de vida. El nombre fue inspirado en el libro de cómics favorito de Alan Vega, Ghost Rider “El Suicidio de Satanás”. A fines de los ‘70s lograron abrir para The Clash y Elvis Costello cuando las bandas visitaron Estados Unidos por primera vez, les tiraban con latas de cerveza y le rompieron la jeta a Alan Vega, él los enfrentaba, seguía cantando cada vez mejor, pensaban que estaba jodiendo. Las paredes de sonido de Martín Rev era lo que queríamos reproducir con Iguana Lovers (Suicide Set) como ya habíamos anunciado que nos llamábamos en los shows anteriores junto a Hurricane Hearts Attacks en Niceto Club, pero directamente los sampleamos para el show que dimos en homenaje al 60 aniversario del nacimiento de Ian Curtis

el 16 de julio pasado. El show se atrasó un poco, cuando estábamos por salir a escena, chequeo el iPhone por un invitado que no llegaba y leo la noticia que Alan Vega acababa de morir. Salimos a escena y dedicamos el concierto a la memoria de Alan Vega, tocando sobre los sampleos de Suicide a los que el Vampi Blaquier había distorsionado aún más con efectos mágicos. Afortunadamente, a los 78 años y para todo el universo Alan Vega y Suicide ya habían dejado grabada una obra incomparable que con su muerte está adquiriendo cada vez mayor relevancia. El cumpleaños de Ian Curtis se transformó sin querer en un sentido homenaje a Alan Vega que el público presente supo apreciar junto con el homenaje a Ian Curtis, el otro inmortal. Muchas Gracias Suicide, gracias Alan Vega por haber existido en la tierra y por todo lo que nos dejaste.

¡¡¡Arriba Los Transistores!!! [ Por Iván Mirabal (guitarrista de Iguana Lovers) ]

A mediados de los 80's, los domingos por la noche eran los mejores momentos para mí. En la vieja radio Rock 'N' Pop se emitía el programa Piso 93. El locutor Rafael Hernández se despachaba con diferentes estilos de música, textos, y la "poesía cruel" de no pensar en un destino incierto adolescente... En ese programa escuchaba música que grababa en casetes sin nombre. Las cintas no tenía los nombres de

los temas ni de los intérpretes, pero no importaba, la música era increíble...y era el soundtrack indicado para esos momentos. Eso hizo que todo cambiara, que sea raro cada momento, cada rato del día... Tardé cierto tiempo, tal vez mucho, en identificar y hacer coincidir los temas con los intérpretes, ubicarlos en tiempo y espacio. Pude descifrar entonces que la cinta comenzaba con "When you smile" de los Dream Syndicate, "Rocket U.S.A" de Suicide y seguía con "Kick in the eye" de Bauhaus... Todavía tengo ese casete, todavía existe ese caos... Porque caos era lo que me transmitía Suicide. Escuchaba esa voz a lo Elvis-zombie, blues post-atómico. Nueva York o Ituzaingó. Esos sonidos que al principio no entendía, o no se me ocurría que podrían ser teclados, tal vez por ese preconcepto de que una banda de rock no podría funcionar sin guitarras... pero funcionaba. El tiempo pasó y sin saberlo, tal vez Suicide me ayudó a imaginar sonidos de guitarra desde el punto de vista de teclados distorsionados, capas de sonido, mugre... Todo ese caldo empezó a tomar forma cuando formamos Iguana Lovers, y los retazos de información que traía, como hojas sueltas de diferentes libros de historia, de un mismo relato, empezaron a decantar en incipientes ensayos... Suicide era el sonido de una revolución futurista, no el futuro "Kraftwerkiano" perfecto, sino un futuro sucio, imperfecto y desigual, cavernícola, primitivo, de trincheras...

Yo escuchaba esos manifiestos pregonados por Vega en canciones, melancolía, como sentencias de pastor-evangélico-a transistores. Yo contestaba a esa voz sin entender el mensaje... se hizo más difícil, saber que decir, porque no había que decir nada... (No perderemos lo que sentimos, si hacemos el esfuerzo de retenerlo en la mente.) Solamente tuve el primer disco de ellos, en casete, mal grabado, tapa fotocopiada. Ni supe siquiera que Vega y Rev eran los integrantes de la banda, en la tapita no los nombraba. Los escucho ahora por youtube y me produce el mismo efecto... Caos de un antiguo futuro, igual a nuestro presente... (Uno cuya existencia jamás había sospechado.) Alan Vega is dead, but Suicide is alive!!

Rocket USA. El legado de Suicide [ Por César León ]

Cuando se trata de hacer ¨arqueología¨ musical – ese arte de buscar los orígenes de los sonidos que uno disfruta– es reconfortante y emocionante encontrar bandas o artistas que sabía uno que deberían estar allí, que los indicios indican que eran parte del rompecabezas. Uno de esos casos es Suicide, el hermoso dúo conformado por el recientemente fallecido Alan Vega y Martin Rev. Cuando se hacen trazas de los sonidos post punk, techno, synthpop o post new wave, se llega usualmente a los oríge-

nes con nombres emblemáticos como Ultravox, Soft Cell, OMD, Depeche mode, Human League, Daniel Miller. En su lado conceptual – intelectual Cabaret Voltaire y Throbbing Gristle. –Todos curiosamente británicos– o por el lado de europa continental los sonidos espaciales de Kraftwerk, Jarre, Tangerine dream y otros que no cito por espacio. ¿Qué pasaba en Estados unidos en estos momentos? ¿Estaban muy ocupados bailando The Bee Gees y Boney M para preocuparse por sonidos más rústicos? Es aquí donde me atrevo a hacer un paralelo. Suicide es para la electrónica lo que los Stooges son para el punk. todos sabemos que The stooges llevaban tiempo definiendo el sonido punk sin que trascendiera, hasta la izada de bandera que The sex pistols realizó en el seminal concierto el 4 de Junio de 1976 en el Lesser Free Trade de Manchester Hall, donde se definió el futuro de la música ante un teatro casi vacío pero que incluía a Howard Devoto (Buzzcocks/Magazine), Pete Shelley (Buzzcocks), Morrissey (The Smiths), Tony Wilson (Factory Records/The Hacienda), Peter Hook (Joy Division/New Order), Bernard Sumner (Joy Division/New Order/Electronic), Mark E Smith (The Fall) quienes al parecer influidos por el concepto ¨hazlo tu mismo de los Pistols¨ salieron a hacer su propia música y cambiarlo todo. Sin embargo si se mira con más detenimiento es innegable el papel que representaron desde el otro lado del Atlántico The New York Dolls, The Velvet Underground, Patti Smith y por supuesto Iggy Pop & The Stooges. Suicide llevaba definiendo el futuro de la música

electrónica con un sintetizador rústico y una caja de ritmos básica. En momentos que los sintetizadores eran propiedad de los grandes y virtuosos gurús musicales como Yes, Pink Floyd, o Walter carlos. Suicide tomó estas herramientas y empezó a construir melodías simples, cuyo encanto es ese sonido tan básico y abrasivo interpretado sin pretensiones y contrastado con unas voces taciturnas.. El sonido naif de su mal equipamiento se convierte en una de sus virtudes, la actitud DIY –Do it yourself– tan punkera, por primera vez toca el hasta el momento complejo y refinado movimiento electronico. Tal como en el movimiento Punk comienzan con cortes bien rocanroleros (Ghost rider o Johhny) que interpretados por los arpegios sintetizados viven en el umbral de lo gracioso y lo bizarro. Hay una gran melancolía en la voz de Vega que en algo recuerda a Genesis P-Orridge cuando confronta las bases mecánicas y secuencias lanzadas por Martin Rev. Entre bandas que han publicado su admiración o que han sido influidos por Suicide se encuentran The Jesus and Mary Chain, The Sisters of Mercy, She

Wants Revenge, Henry Rollins, Joy Division/New Order, Soft Cell, Nick Cave, D.A.F., Erasure, The KLF, Ministry, Nine Inch Nails,[] OMD, Pet Shop Boys, Tears for Fears, Cassandra Complex, Mudhoney, Nitzer Ebb, Radiohead, Spiritualized, Angel Corpus Christi, Michael Gira, MGMT, Sky Ferreira, Sonic Boom, Loop, The Fleshtones, Depeche Mode,Jello Biafra, Thurston Moore, R.E.M., Devo, Ultravox, Massive Attack, Air, Autechre, The Chemical Brothers, Daft Punk, Aphex Twin, The Kills y hasta Bruce Springsteen. Posiblemente si Suicide no hubiera existido el movimiento de música electrónico perdería mucho de su sabor, muchas de las ideas que hay en su primer álbum fueron después claramente retomadas por otros artistas. Lastimosamente su legado hasta ahora se ha empezado a reconocer, probablemente el furor de sonidos análogos que algunos artistas están experimentando hace llegar este homenaje asi sea tardío –Vega murió el pasado 16 de julio–. Pareciera que a veces nacer a este lado del Atlántico no siempre es una ventaja

Alan Vega En La Tormenta Moderna [ Por Erick R. Vieyra]

“Con profunda tristeza y una quietud que sólo las noticias como estas pueden traer, lamentamos informar que el gran artista de poderosa creatividad, Alan Vega, ha fallecido… Alan murió tranquilamente mientras dormía la noche anterior, el 16 de julio. Tenía 78 años de edad.” Ése fue el comunicado oficial desplegado a los medios el día 17 de Julio del año en curso, fue el comunicado hecho por la familia de Alan Vega. Como casi todos, conocí el trabajo de Alan Vega por medio de Suicide. Les conocí hace más de una década atrás de la forma que comúnmente se difunde el subterráneo en México, por medio de la piratería; la impresión que me dejaron es casi la misma que tengo hasta la fecha, un dúo extravagante que

supo mezclar la dulzura con unas pintadas que caracteri-

sólo podían ser escritas por un hombre de una sociedad desa-

zaban la violencia, escuchar a suicide es como ver espasmos

rrollada que se reconocía inmerso en ella y que, a su vez, era un

y agresivas contorsiones que ocurren en el momento en que

renegado, su canto era dulce y atormentado, Alan Vega era un

se cree que nada puede pasar, eran por entero impredecibles y

hombre hablando de una sociedad consumida por los sueños

eran la cosa más peculiar que había escuchado hasta entonces.

de progreso de una industria que no cumplió con la promesa

Alan Vega era de esos tipos que se inyectaba heroína en los

de traer con la modernidad la dulzura y la paz a sus ciudadanos.

baños de bares de mala fama, era de esos solitarios profesiona-

Alan Vega era un hombre hambriento de subversión. A lo

lizados en el arte, él era -formalmente- un artista, incluso poseía

largo de su carrera en el sonido, junto con Martin Rev, creó un

título académico en el área, era de esos jóvenes desarraigados

sonido que ha sido la tabula sobre la cual ha partido la música

que vagabundeaban por las calles de Nueva York en los setentas

electrónica del mundo subterráneo desde el Synth Punk hasta

y que por cuenta del futuro que la sociedad estadounidense otor-

el Electro Dark, pasando por el Synth Pop y otros derivados de

gaba a la juventud, aprendió a odiar su país y su cultura y habló

corte más experimental. Ese dueto se llamó Suicide, un nombre

de ese deteste en sus canciones, él habló de la masacre cultural,

retador y negro en sí mismo.

del robo de destinos, del hambre y el caos de la modernidad, y

Con Suicide ya había hecho lo suficiente para pasar a los ana-

para ello nunca necesitó de la alharaca y ser un show-man, él

les del underground. Pero su trabajo no se contuvo ahí, lan-

siempre fue sobrio y su imagen pública se manejó casi en las

zó una carrera solista francamente fascinante, no tan obscura

sombra, nunca fue una celebridad.

como en sus primeros años, pero de igual forma intensa y va-

Así se convirtió en la figura de culto que hoy es, ahora, muerto el 16 de Julio de este año, es casi un mártir. Triste vida debió lle-

riada; el Psychobilly, el New Wave, el Synth Pop, hasta el Techno y el Experimental.

var para ser quién fue, un artista con una ampulosa genialidad,

Sus años de fulgor fueron la década de los ochentas, con la

rudo y con olor a peligro, sobrio, siempre intermitente transbor-

llegada del rock alternativo y ese tipo de derivaciones que hicie-

dándose de las presentaciones apabullantes al silencio, así, de

ron a un lado aquella música que estaba ligada a las primeras

la misma forma en que cantaba. Su estilo de canto era como si

fuentes del rock contemporáneo (Hendrix, Stones, Joplin, Who)

diera agresivas y arrebatadas pinceladas sobre la hoja, el lienzo o

pasó a formar parte del catálogo de coleccionistas y los segui-

la pared, sus letras hablaban sobre el mundo de hoy y esas letras

dores del rock ampuloso, en el underground hasta su muerte.

[ Por Diego Centurión. (Apareció en el Número 31 - OCtubre 2016) ]

EL NUNCA QUERER DESPERTAR

El cuatro de octubre pasado nos encontramos con la triste noticia de la partida de Caroline Crawley, con sus 53 cortos

años nos ha dejado el recuerdo de su dulce voz en muchas grabaciones. Y siempre nos quedará en la memoria su voz en la versión de “Late Night” para el colectivo musical llamado This Mortal Coil.

Un 8 de agosto de 1963 sale al mundo de la feminidad de su madre y recién en 1980 aparece su primera participación en

la música, y nada más ni nada menos que la banda que la hizo conocida Shelleyan Orphan, banda que la llevaría entre otras cosas a conocer a The Cure, y participar en su “The Player tour” en 1989 y entablar una relación cercana con sus miembros, sobre todo con Boris Williams, con quien formaría años más tarde Babacar, con la participación de Porl Thompson. En el concierto del pasado 7 de octubre en Helsinki, Robert Smith dedicó la canción “The Last Dance” a Caroline.

Pero en 1991 hizo su mayor colaboración junto a This Mortal Coil en el álbum “Blood”, poniendo su dulce voz en can-

ciones como "The Lacemaker", "Mr Somewhere", la anteriormente mencionada "Late Night" y "Help Me Lift You Up".

Podemos mencionar algunas colaboraciones más, como en la canción de Spiritualized, "The Slide Song" del álbum “Pure

Phase” (1995). También en el segundo disco de Josh Wink, en la canción "I'm On Fire" del álbum Herehear (1998).

¿Qué decir de la voz de Caroline si nunca la han escuchado? Así como la voz de Elizabeth Fraser es la voz de Dios, la voz

de Caroline es la voz de un ángel, frágil y etérea, que oculta en esa larga cabellera enrulada rojiza y esos ojos claros que derrocharon bondad al lanzar melodías diáfanas como indómitas, porque su delicada voz no era nada común, nada terrenal, ella podía darle otro sentido a una canción, ella podía simplemente liberarla hacia la eternidad.

Si bien no tuvo la repercusión que debería haber conseguido, muchos de los que leen o escriben esta Revista, sabrán apre-

ciar este sentimiento de dolor que me invade al escribir estas líneas de “despedida”, y lo pongo entre comillas porque uno nunca se despide de la buena música.

La sensación que hoy siento, en un año que se ha llevado a muchos artistas que no tendrían que haber desaparecido físi-

camente, es El Nunca Querer Despertar de esta pesadilla que se lleva a los que nos marcaron.

Hasta pronto Caroline, me despido escuchándote, y seguiremos unidos en cada canción.

[ Por Pablo Müllner ]

FREAK UNIQUE: ADIÓS, PETE BURNS Pete Burns, nacido como Peter Jozzepi Burns en Cheshire,

Burns era etiquetado comúnmente como gay aunque a rigor

Inglaterra, murió después de un paro cardiaco repentino el 23

de verdad era bisexual y estuvo casado durante treinta años con

de octubre de 2016, a los 57 años.

una mujer a quien conoció cuando trabajaba en una peluquería,

Fue el excéntrico, desbocado y escandaloso frontman –aun-

a finales de los 70. Burns finalmente se divorció en el año 2006,

que dada su ambigua presencia podríamos hablar con más co-

aunque siguió siendo muy buen amigo de su ex. Ese mismo año

rrección de una “front figure” – de la icónica banda electrónica

anunció su compromiso con un hombre por la TV, mostran-

de los 80, Dead or Alive. Tras el éxito menor del cover de “That's

do su anillo de compromiso diseñado por Vivienne Westwood.

the Way (I Like It)”, el grupo tuvo un éxito #1 en 1985 con «You

Durante la última década, Burns fue célebre por sus perma-

Spin Me Round (Like a Record)». La canción llegó a ser un gran

nentes cambios de apariencia, gracias a los favores de la cirugía

éxito en todo el mundo, incluso EEUU. Sin embargo la popula-

plástica, como él admitía libremente. Se aplicó grandes inyec-

ridad de la banda disminuyó a lo largo de la década, y ya a me-

ciones de poliacrilamida en los labios, implantes en las meji-

diados de los 90 Burns lanzaba su errática carrera en solitario.

llas, y se practicaba asiduas cirugías de nariz. En una entrevista

De una u otra manera, Burns sacudió a las audiencias siem-

reveló que había gastado casi todos sus ahorros en una cirugía

pre dispuesto a hacer gala de una sexualidad abierta y un estilo

facial reconstructiva, para solucionar un grave error médico su-

desfachatado: vestimenta andrógina, peinados exóticos, medias

frido por una de sus operaciones. En 2007 recopiló sus malas

de red, tacos altos, uñas largas y esculpidas, cabello frizzado,

experiencias con las cirugías fallidas en un especial para la TV

toneladas de maquillaje y un parche en el ojo como marca re-

británica titulado Pete Burn's Cosmetic Surgery Nightmares.

gistrada.

Capítulo aparte, merece su autobiografía de nombre Freak

En sus momentos de mayor extroversión solía reclamarle

Unique de 2006, en ella escribía acerca de su vida y revelaba

nada menos que a Boy George haberle “robado” sus looks. Qui-

haber sido violado a temprana edad por un hombre, el cual ja-

zá con algo de razón, al ver como el cantante de Culture Club se

más fue procesado. También hablaba de su depresión y sus in-

alzaba hacía la fama internacional mientras él nunca despega-

tentos de suicidio.

ba de su estatus de figura de culto más allá de su alto perfil en

Quizá por todos estos intensos momentos de gloria, pasión y

los medios. Tal vez por toda esa natural exuberancia la imagen

tragedias personales, la mejor manera de despedir a este freak

de Burns, en comparación a la androginia cool y elegante de

único sea la letra de un tema de su gran amigo y archirrival,

otros íconos como Bowie, Annie Lennox o el mismo Boy Geor-

George: “I've had my share of the crying game/ First there are

ge, deba ser diferenciada y recordada como la de un andrógino

kisses, then there are sighs/ And then, before you know where

barroco y carnavalesco. Seguramente a la Pete le hubiera gusta-

you are… You're sayin' goodbye…”

do este toque de distinción.

[ Por Erick R. Vieyra ]

LEONARD COHEN. UN ROMÁNTICO EN EL SIGLO DE LA HUIDA

Músico, poeta y romántico. Leonard Cohen fue un jugador que inspirado en el espíritu del folk estadounidense realizó uno de los trabajos más embriagantes de la música contemporánea, actividad por la que se hizo popular a pesar de que él empezó en las letras. Cohen fue un abierto pacifista para el que no era necesario los tópicos de la lucha social partidista o de organizaciones ideológicas, pertenecía a esos viejos artistas hechos de madera dura que desde lejos observan y sonríen a la inútil forma en que el ser humano pelea. Cohen fue un artista que a lo largo de su carrera trabajó aspectos específicos de la condición humana, casi era un introspectivo; el aislamiento, la claustrofobia, la soledad, el sexo, la duda, el enamoramiento y la derrota; sus temáticas eran diversas pero su directriz siempre fue describir el evento. Para ello usó las letras y en ahí encontró su mejor potencial porque como músico no era especialmente destacado, pero sus letras, palabras y voz eran una sucesión de martillazos, era un puño de hierro con guantes de terciopelo. Hace 8 años sólo lo conocía como cantautor; una tarde de visita por una librería hurgué en la sección de poesía -en esos tiempos leía mucha poesía- y encontré el Flores Para Hitler, uno de los poemarios de Leonard Cohen publicados en 1964. PROMESA Tu pelo rubio, mi forma de vivir aplastado por su luz. La impresión de tu boca es marca y nacimiento, es todo mi poder. El amarte, mi diario ideal… que he prometido, a mi cuerpo, no escribir nunca. El estilo literario de Cohen es propio de una época

que apostó por el individualismo y el corte es norteamericano. De Poe aprendió a finalizar sus escritos con enunciados potentes, y de los pesimistas aprendió a explorar sus emociones con el método más antiguo que la humanidad desarrollo para pulir el ser y acceder a la virtud, la meditación. Cohen fue de ese tipo de escritores que peleaban por usar la palabra perfecta, que corregían una y otra vez lo escrito, que tiraban al cesto de basura las hojas de papel para después de una noche recuperar lo que la pasada tarde se creyó inútil, Cohen era de esas personas que hacen lo posible por no perderlo todo y amasó una importante fortuna siendo adicto a la vida bohemia. Pero, como ocurre, esa fortuna no se extiende a todo el quehacer personal, en el amor no fue un hombre desventurado, era de ese tipo de hombre que arrastra toda su vida un amor que fracasó. Algunos sostienen que necesitaba de la desilusión para la inspiración en sus letras, quizá sea cierto dado que la gente dedicada al arte suele ponerse el pie a sí misma y generar pésimas experiencias para tener su materia prima. El artista es gente extraña. Sin los vicios de la interpretación, la realidad es que se trataba de un bohemio al corte de los artistas de folk de principios del siglo XX, gente que marchaba en paralelo entre las letras y el sonido acústico, gente que entendía su actividad casi desde el impulso espiritual y que se tenían confianza a sí mismos, a su trabajo, a su estilo de vida. En su edad madura se recluyó en un monasterio y permaneció varios años en él con la intención de hacer una especie de purificación espiritual y así entrar en comunión. Cohen trascendió la dimensión popular. Hace unos años fue premiado con un título honorífico (Príncipe de Asturias), en lo personal me parece exagerado, pero números méritos coleccionó este hombre para ganar el título. Este mes él partió, era bastante viejo y una de sus últimas declaraciones fue a propósito de la muerte de Marianne Jensen, la inspiración para su canción So Long Marianne “Bien, Marianne, hemos llegado a este tiempo en que somos tan viejos que nuestros cuerpos se caen a pedazos. Pienso que te seguiré muy pronto. Que sepas que estoy tan cerca de ti que, si extiendes tu

mano, creo que podrás tocar la mía. Ya sabes que siempre te he amado por tu belleza y tu sabiduría, pero no necesito extenderme sobre eso porque tú ya lo sabes todo. Solo quiero desearte un buen viaje. Adiós, vieja amiga. Todo el amor. Te veré por el camino” Leonard Cohen es un ejemplo de aquel tipo de románticos perdidos en el siglo de la tecnología, la inmediatez y la huida.

[ Adiรณs a Introflirt por Diego Centuriรณn ]

TODO PARA BRILLAR

En nuestro número 28 presentamos a la banda de Oakland, llamada Introflirt, que se presentaron como un dúo formado

por Ben Benjamin (Ben Runnels, 32 años) y Vafa (Denalda Nicole Renae, 29 años). Ellos cultores del synth pop más tradicional y elegante.

El pasado 2 de diciembre ellos se presentaron en un local llamado “Ghost Ship”, donde se realizó un Festival de música

electrónica organizado por la discográfica de música house “100% Silk”. El evento no estaba habilitado y pasó lo peor.

Un incendio terminó con la vida de los dos miembros y sólo dejando con vida al sonidista de la banda. Las víctimas de la

noche ascienden a varias decenas.

Sin entrar en detalles de lo horrendo del caso, quiero hablar de su música y de lo que pude percibir en la entrevista…

Hablar de una banda que tenían recién dos álbumes “Introflirt” (2015) y “Temporary Heaven” (2016), es hablar de una

banda joven, que estaba dando sus primeros pasos, de manera firme y segura. Por lo que pude percibir de Ben es que era una persona muy sensible y que estaba luchando contra sus miedos escénicos, y como él nos había contado: “Introflirt me ayudo a encarar mi ansiedad social e influenció la elección de mis preferencias al ser yo introvertido, aceptando y sintiéndome confortable con mi propia inseguridad, fue algo liberador, y anhelo poder mostrar a los demás que ser inseguro está bien.”

Hoy de la banda sólo queda Brendan Dreaper, quien fue el último en ingresar a la banda. Quien el día después de la ca-

tástrofe pedía que alguien le informe algo sobre Ben y Vafa.

Introflirt fue un proyecto interesantísimo y de un delicado synth pop, recién nacían como banda (y como trío), comen-

zaban a dar muestras de crecimiento y de saber qué es lo que buscaban, pero alguien proyectó mal un evento y terminó con su carrera (como la de otros artistas)…

Pero Introflirt tenían todo para brillar, pero no los dejaron…

[ Por Pablo Ravale ]

AL MONSTRUO CON CARIÑO Alberto Jesús Laiseca (o “Lai”, “El Monstruo” o “Conde Lai-

Los años 70 fueron complicados en términos personales

sek”, como le gustaba que le llamen) era uno de los pocos escri-

pero fueron los años de su entrada formal en la literatura. En

tores argentinos físicamente reconocibles. El cuerpo enorme,

1976 el sello Corregidor publicó su primera novela, “Su turno”

el bigote nietzscheano, coloreado por el amarillo de la nicotina,

y recién seis años después saldría su segundo libro, “Aventuras

la voz cavernosa y honda, como si saliera del fondo de la caja

de un novelista atonal”. A partir de entonces, escribiría y publi-

de los truenos. Se lo veía muy poco en los circuitos literarios y

caría un libro cada dos o tres años y su obra completa es vasta

sin embargo era inconfundible. También lo era como escritor:

y compleja: más de veinte libros que van del cuento a la novela,

la temática de sus libros, la prosa, la excentricidad que estuvo

pasando por el ensayo, y también la poesía.

desde el principio y que se sostuvo hasta el final. Decía que lo

La década del 90 es considerada por los críticos y los lec-

suyo era el “realismo delirante”, es decir, que nada que no fuera

tores una clave de la producción literaria de Lai: es cuando ter-

exagerado no vive, que el delirio (al menos en sus obras) servía

mina de delimitar una zona de interés y donde la escritura hace

como un lente para agrandar o achicar las situaciones más in-

cumbre. “La hija de Kheops”, “La mujer en la muralla”, “El jar-

verosímiles y así poder entender o sobrellevar más la vida. Ese

dín de las máquina parlantes” y, sobre todo, “Los Sorias”, uno

hombre, ese escritor, murió el 22 de diciembre de 2016, en la

de los proyectos más vastos y jugados de la literatura argentina

ciudad de Buenos Aires a los 75 años, y con él se fue uno de los

del siglo XX. De casi 1400 páginas, su autor la cargó en un bol-

dos últimos (el otro es Enrique Symns) grandes autores que

so a modo de manuscrito durante 16 años, buscando un editor

queda vivo por estos pagos.

que no llegaba. «Fogwill me dio una mano bárbara. Fogwill y

Había nacido en Rosario un 11 de febrero de 1941, bajo el

César Aira. Y Piglia también. Me dieron una mano bárbara con

signo de Acuario, y su infancia transcurrió en Camilo Aldao,

Los Sorias. Porque era un best-seller en el underground, todo

un pueblo pequeño en el sureste de la Provincia de Córdoba.

el mundo hablaba de esa novela y muy pocos la habían leído.

En su casa de Flores colgó siempre un cuadro de ese terruño

Entonces cuando yo ya empezaba a perder mi fe de que me la

fundacional. Allí, en Aldao, cursó la primaria pero el pueblo no

publicasen alguna vez, creo que fue César Aira a quien Gastón

tenía colegio secundario, así que cuando le llegó el turno tuvo

Gallo le preguntó qué escritor argentino le gustaba: “Los Sorias,

que viajar todos los días en camioneta al pueblo vecino, Corral

de Alberto Laiseca”, dijo. Y me la publicaron. Pero ya venía con...

de Bustos, a 28 kilómetros, para completar su educación formal.

se hablaba, se hablaba... Piglia hablaba, Fogwill por supuesto, y

A finales de la adolescencia, en 1966, viajó primero a la

César Aira hablaban de esta obra, se encargaron de propagar el

provincia de La Pampa, donde se desempeñó cosechando pa-

mito, ¡se transformó en mito!».

pas, y luego a Buenos Aires, donde se instaló en la Capital en

La escritura de esa novela total le demandó cerca de veinte

años intensos; era una ciudad que quemaba, cultural y política-

años y la trama del libro –imposible de resumir– se apoya so-

mente. «Me había hecho amigo de Norman Brisky, conocí a la

bre tres superestados que emprenden una batalla sin final por

gente del Moderno, que es un bar que ya no existe, en la calle

aniquilarse mutuamente. En ese cajón de sastre sin fondo Lai-

Maipú», me contaba hace unos meses cuando lo entrevisté. Tra-

seca metió todos sus intereses: la ciencia, la magia, el poder, la

bajó durante siete años como peón de limpieza, sobreviviendo

tecnología, las sociedades, la literatura, las ciudades, el mundo

muy al límite. En 1973 lo presentaron a los editores del diario La

oriental, las tradiciones milenarias. Es una novela 100% barro-

Opinión, que publicaron su primer cuento y las cosas muy de a

ca. Los Sorias, a pesar de sus evidentes cualidades anticomercia-

poco empezaron a cambiar.

les, agotó una primera edición y se reimprimió dos veces desde

aquel 1998 en el que finalmente un editor se animó a sacar la primera edición. Como todos sus libros, está profusamente documentado y esa amalgama de temas que lo habita se desarrolla con una prosa relativamente límpida, legible, con humor, y que avanza. Fue una de las mentes más ambiciosas de las letras locales y “Los Sorias” es el hito de ese pensamiento febril. Entrando en el siglo XXI fue igualmente de prolífico y productivo. Publicó títulos desopilantes como “El gusano máximo de la vida misma”, “Las aventuras del profesor Eusebio Filigranati”, “Sí, soy mala poeta pero…”, “Manual Sadomasoporno”, y una nueva generación de escritores lo descubrió y eso le dio algo así como una nueva vida a ese tipo un poco solitario que había se había separado dos veces (y que juntado por tercera vez, enviudó) y que fumaba sin parar y tomaba cerveza en un departamento de un ambiente, acompañado de sus tres perros y su gato. Sus talleres congregaron una minoría fiel y sus alumnos –entre ellos Selva Almada, Leonardo Oyola y Sebastián Pandolfelli– se reivindican, siempre, como discípulos del “Conde”. Su cara, también, llegó a los medios audiovisuales: puso el cuerpo en un ciclo de culto transmitido por el canal de cable I-Sat, donde leía cuentos de terror sobre un fondo negro, el cigarrillo siempre encendido y los ojos rojos, como si un largo insomnio lo tuviera hace años sin dormir. Asimismo, tuvo un papel co-protagónico en la película “El artista” (de la cual escribiría más tarde el libro homónimo), de Mariano Cohn y Gastón Duprat, y la dupla luego llevó al cine su cuento “Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo”. Sus últimas entregas fueron “La puerta del viento” (su libro sobre la guerra de Vietnam) y “La madre y la muerte”. Poco antes de fallecer, entregó a su editora los manuscritos de su próxima obra, aún inédita, llamada “Camilo Aldao”. Como legado quedan más de veinte libros, que han sido reeditados en los últimos años por sellos disímiles como Gárgola, Tusquets o Mansalva. Queda su hija Julieta, su última pareja Petrona. Y quedan sus alumnos y los que amigos y los que lo conocieron: esa dispersa horda de solitarios que tienen cientos de anécdotas y que a partir de ahora las van a empezar a contar, como le hubiera gustado al escritor de las miles de páginas. Lo vamos a extrañar, querido Conde.

[ Por Alex Bretto ]

NO DEJEN QUE EL SOL CAIGA SOBRE Ã&#x2030;L

GEORGE MICHAEL: 1963-2016 Venía siendo un año nefasto… por eso esperaba que termine sin mayores sobresaltos. Ya habíamos perdido a Bowie y a Prince entre otros, si de íconos del buen pop hablamos. Contábamos 10, 9, 8,… y 7 días antes que termine el 2016, cae George. Inexplicable. Cuando tras años de paciente espera sus fans oían al fin noticias sobre la próxima grabación de un nuevo álbum, cuando ya se había anunciado el lanzamiento de un documental definitivo sobre su poco convencional vida. Cuando comenzábamos a hacer eco de sus palabras: “You gotta have Faith”… Cuando no lo esperábamos. Todo comenzó hace más de 30 años con un tierno muchachito colorido que junto a Andrew Ridgely supo lograr un éxito descomunal con el dúo Wham! Los acompañó la impronta sonora y el concepto de pista de baile de los tempranos ochentas de “Fantastic”, su álbum debut. Luego vendría el esplendor del sex symbol que hizo delirar a las jovencitas tras la fachada de macho recio que supo vender junto a su álbum multiplatino “Faith”. ¿Cómo lograr ser un ícono visual de los 80´s, una de las décadas más exuberantes a nivel imagen y vistosidad? ¿Qué adolescente de aquellos años no supo usar un jopo rubio como imponía la portada de “Make It Big”? ¿O que otro jovenzuelo más rebelde no supo adoptar la barbita a medio crecer y la campera de cuero cuidadosamente raída de la época “Faith”? George Michael llenó con su imagen millones de teenage rooms en aquellos años, que quedaron impregnados con su porte. Atrás quedó el George harto de tanta fama y tanta exposición, que clamaba a los gritos “Freedom! Freedom! You gotta give for what you take!”. Años después llegaría la confesión por tantos anticipada y ya imposible de ocultar tras el famoso episodio en el baño de Los Ángeles en 1998: George Michael era homosexual. Para así pasar a convertirse en un ícono LGBT. Luego vendrían los años de menos actividad y más escándalos, principalmente con drogas. Aun así, siempre fue bien querido, siempre fue reconocido. Solo una leyenda como él podría ser llamada para cerrar los JJOO de Londres en 2012 y encima darse el lujo de estrenar su nuevo single en vivo para todo el mundo. Que no lo sabíamos entonces, sería su último hit. Pero el verdadero legado de George Michael son esas canciones que seguirán deslumbrando a generaciones presentes y futuras, esos himnos que serán atemporales como “Careless Whisper”, “Wake Me Up Before You Go-Go” o “Faith”. O esa voz inimitable que supo deslumbrar y sigue haciéndolo cada vez que nos envuelve. O ese tributo a Freddie Mercury donde varios históricos pasaron vergüenza mientras George se cargaba un estadio Wembley abarrotado de emoción sobre sus hombros y lo hacía delirar al ritmo de “Somebody to Love”, lo que le valió el reconocimiento de ser el único cantante que estuvo a la altura del homenajeado. O esa capacidad para tomar temas de otros artistas y mejorarlos de una forma sorprendente por el solo hecho de ser interpretados por él, como hizo en reiteradas ocasiones con temas de Steve Wonder, Marvin Gaye, y el caso más conocido: la devastadora versión de “Don’t Let The Sun Go Down On Me” a dúo con su creador, Elton John. El reconocimiento y la devoción serán eternos: “If we´ve got something to save why don’t we save it?” nos dijiste en una de tus canciones… la respuesta es: TODO, salvamos todo lo que nos dejaste, George. Gracias por siempre. El sol nunca caerá sobre ti.

TRES POR UNO (Aparecciรณ en la Revista Especial de David Bowie - Mayo 2016)

David Bowie - Lazarus

CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Fue una sorpresa, de las no gratas, cuando el pasado diez de enero el mundo se enteraba que uno de los artistas más influyentes del siglo XX, y siglos venideros también, ya no habitaba entre nosotros. David Bowie no solo se despedía sorpresivamente sino que lo haría junto a una carta llena de amor en la forma de la canción y el videoclip de Lazarus. “Look up here, i’m in heaven” (“mírame, estoy en el cielo”) son las palabras iniciales de despedida del Duque Blanco en un tema claramente consciente del momento por el cual pasaba Bowie y que continuaría resignificándose tiempo después de su fallecimiento. Un artista que siempre supo lo que quería y cómo lo quería, y así fue hasta el final. Sabiendo cómo marcharse y sobre todo, cuándo… al menos de nuestro planeta. Como una suerte de regreso momentáneo del ser celestial que fue Ziggy Stardust, y del cual ya se denotaba su presencia en el video anterior de Blackstar del mismo nombre, Bowie permanece acostado en una cama de hospital, con los ojos vendados, a medida que comienza a incorporarse sobre sí mismo, impulsado por la armoniosa melodía de su voz. Bowie nunca precisó de una nave espacial per sé para visitarnos y hacernos llegar su arte. Su medio fue su persona, su música, su estilo y así como se transportó hacia nosotros por mucho tiempo, aunque no el suficiente que nos gustaría, también lo hace para alejarse. La blancura del espacio que lo rodea, esa habitación de hospital que pareciera presentarnos un Bowie desmejorado, funciona como una suerte de pasaje previo a su destino incierto, hacia los otros mundos a visitar. Y se dispone a hacerlo con una vitalidad sorprendente como lo demuestran sus pasos de baile dentro de su oscuro “outfit” espacial. Su cuerpo mortal, ese que permanece en cama, ha cumplido su estadía con nosotros, está listo para ser abandonado. El que se encuentra de pie es el Bowie de los cielos, las estrellas y demás galaxias. “Ohh, I’ll be free” (“seré libre”) anuncia con una gran sonrisa en el rostro mientras que en el de uno la única presencia es aquella que se refiere a las lágrimas. Bowie se apresura a escribir su última letra, sabe

que no le queda mucho tiempo, debe abordar su próximo destino ingresando a un closet (del cual gracias a él muchos han salido). El resto de los mortales, o sea nosotros, vivimos aferrados a personas, a cosas, dándole generalmente una entidad mayor de la que se merece. Y es por eso que cuesta tanto decirle adiós a David Bowie, a ese starman que vino a iluminarnos con su presencia. Duele, pero a la vez tranquiliza el saber que su partida lo encontró con la alegría de liberación que transmite en el videoclip (y que también se puede comprobar en la sesión de fotos de la cual fue parte tres días antes de fallecer). Y más aún, nos llena de alegría el haber sido testigos de su presencia en la Tierra. See you space cowboy… LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Claustrofobia, oscuridad, miradas al abismo… “Lazarus” –junto con todo el material que conforma Blackstar– se trata del mayor réquiem musical de los últimos veinte años. ¿Había elegido Bowie pasar a la inmortalidad volcando todas sus fuentes de inspiración por el tamiz de su propia angustia existencial? ¿O se trató, más bien, de descolgar al oyente del latir del corazón de la vorágine cotidiana y de estremecerlo ante la incertidumbre de su propia e intuida muerte? Seguramente, la incógnita nunca será resuelta, no obstante, sólo cabe afirmar que, ya sea por su atmósfera desoladora, por su aura ensombrecida, o, mismo, por su performance desasogante, “Lazarus” es una de esas canciones para escuchar a medianoche, solo, si no, también, llorando y con las luces apagadas. ¿En qué me baso para afirmar esto? En que a lo largo y a lo ancho de toda esta suite, Bowie canta y llora en primera persona narrándonos sobre un moribundo doliente (que es él) y adoptando un papel que es casi de cronista noir (el verso inicial es escalofriante: “Mira aquí, estoy en el cielo. / Tengo cicatrices que no se ven. / Tengo drama, no puede ser robado. / Todo el mundo me conoce ahora.”). Asimismo, y a medida que transcurren los segundos y los minutos, la sensación que también se llega advertir en el tono de su voz es la de saberse un viejo guerrero absolutamente decepcionado con el

mundo y la humanidad en general (“No me queda nada que perder. / Estoy tan alto, que la cabeza me da vueltas. / Se me cayó el teléfono móvil ahí abajo.”). Cualesquiera, igual, que hayan sido sus intenciones reales para con el mensaje de la letra, el hecho es que, como siempre, David nos sembró la duda de pensar si no estaría acaso ocultándonos otra dolorosa verdad tras un telón de sutiles pero hirientes metáforas (“Oh, seré libre. / Libre como un mirlo. / Oh, seré libre. / ¿No es eso lo propio de mí? ”) En definitiva, una diáfana plegaria. Un tema y un disco para extrañarlo toda la vida… MÚSICA [ por Diego Centurión ]

Ahora sabemos que Lázaro no se levantará más. Y sabemos también que su marca quedará prendida al ahogo, casi sórdido y sombrío de su último single, Lazarus, de su último suspiro Blackstar. “I’ll be free" (voy a ser libre) canta David mientras vemos ese oscuro y hasta macabro mensaje de despedida. Como un silencioso e intimidante susurro desesperado pasa este "Lazarus" con ese pulso cansino del agotamiento y de un debilitado cuerpo, pero no una debilitada mente. Un comienzo tibio, calmo, oscuro, solitario. Luego van apareciendo un saxo lejano, como apartado de vida terrestre.

Bowie dice: “mira aquí arriba, estoy en el cielo. Tengo cicatrices que no pueden ser vistas.” Y luego sigue con frases como: “Mira aquí arriba, estoy en peligro. No tengo nada más que perder.” Y la calma angustia en su voz parece anunciar lo que sabemos que sucedió (Como no apartarnos de lo que hoy sabemos). La sensación de claustrofobia se siente en el clima que crece a cada segundo, pero nos aplasta sentimentalmente. La batería y el saxo aumentan la intensidad junto con el bajo. Por momentos el bajo tiene algo de la angustia de The Cure en épocas de Seventeen Seconds o de Joy División de Closer. Aparecen estiletazos de la guitarra que parecen puñaladas, hirientes y filosas. Mientras el ambiente se espesa y la quebrada y cansada voz de Bowie parece pedir ayuda. Pero ahora, después del conocido desenlace sabemos que David está libre y es como él quiso. El saxo le da el tono dramático al final, como despedida... Lo despide el instrumento que lo trajo a la música. Mientras el final la batería y el bajo van bajando la intensidad, pero como rebeldía ante la despedida, su otro instrumento, la guitarra da golpes tratando de nunca se calle la canción. Este último single que Bowie editó, mientras aún habitaba nuestro suelo, es la marca de esa lucha que llegaba a su fin, pero claro, hoy con el desenlace conocido, todos entendemos que fue una despedida.

[ Entrevista a Dean García (SPC ECO) por Diego Centurión Traducciones: Gabo Rojo y Lily Moonster (Apareció en el Número 25 - Marzo 2016) ]

DEAN GARCIA: MENOS ES MÁS

Antes de empezar con esta entrevista quería agradecerte por esta oportunidad, para mí es un honor poder contactarme con uno de los músicos que musicalizó gran parte de la década del noventa en mi vida (Curve fue el puntapié inicial) y hoy lo sigo haciendo con SPC ECO. Si bien SPC ECO va a ocuparnos la mayoría de las preguntas no quiero dejar de pasar por alto tu pasado. Sé que has trabajado en varias bandas hasta llegar a Eurythmics, que en cierta forma fue el paso previo a Curve. ¿Cómo fueron tus inicios y en qué proyectos has trabajado antes de llegar a Curve? Gracias, y no hay problema. Empecé a tocar la batería en la escuela junto a un amigo, más o menos en la época de T-Rex, luego me interesé por la guitarra hasta que finalmente me quedé con el bajo, ya que es como una combinación de ambos instru-

mentos. Definitivamente decidí que el bajo era lo mío entonces empecé a usar un “Music Man Sting Ray Bass” que había comprado Jules a 300 libras en Charing Cross Road, allá por finales de los 70’s. Aún estoy con Jules y aún tengo el bajo, el cual uso para todo incluyendo todos los álbumes y giras de Curve. Yo aprendo por mi cuenta, aprendí mucho tocando con amigos en giras de pubs o en el garage de alguien. También decidí aprender ingeniería y grabación, siempre estuve interesado en grabar técnicas de estudio, desde que era muy joven (13 años), entonces tan solo me dediqué a aprender por mi cuenta, a usar las máquinas, el sistema analógico llamado 4 track reel to reel, la línea de Orange y de ahí avanzando ya que todo ha evolucionado y cambiado a través de los años (y también trabajaba en varias tiendas de discos para conseguir dinero). En esa época un manager se interesó en mí y me invitó a una

audición con Dave y Annie que terminó convirtiéndose en una lección de vida. Recuerdo con mucho cariño esas épocas. De ahí en más continué trabajando y haciendo giras con muchos artistas muy conocidos y posicionados, y luego Dave me presento a Toni (Holliday). Para cualquiera que está empezando en esto mi consejo es tocar y divertirse con amigos en bandas ruidosas y aprender a escuchar a otros. Apreciar y aferrarse al viaje que es terminar un recital y lanzarse a las rutas y ser lo menos temeroso posible, ah y lo más importante, nunca bajarse solo del micro de gira…. Luego llega la banda que hipnotizó gran parte de mi década de los 90’s. Y no voy a preguntar mucho porque el centro de esta entrevista es tu actual proyecto. Pero mi pregunta es ¿Qué recuerdas de positivo y qué de negativo del tiempo que existió Curve? También me hipnotizó a mí, fue una maravillosa nebulosa de tiempo, hicimos algunos discos grandiosos, la pasamos bárbaro tocándolos en las giras, una mezcla de emociones tanto buenas como malas que nunca habíamos experimentado. Fue intenso y no nos arrepentimos de nada respecto a esa época. Todavía hablo mucho con Toni, siempre estaremos ahí el uno para el otro y aun así tenemos nuestro espacio entre sí, espacio que nos dimos cuenta que debíamos tener debido a los momentos demandantes que tuvimos que atravesar con Curve. Ante tantos regresos de muchas bandas de la época de Curve, ¿no los han tentado para regresar? Y ¿Alguna vez se lo han planteado con Toni? Volver a salir de gira es algo que estuvimos evaluando y, en vez de decir no instantánea y decididamente, nos surgieron otros pensamientos que más tienen que ver con un “nunca digas nunca”, entonces… (bocas cerradas). Nace SPC ECO ¿Por qué el nombre? El nombre surgió de un mensaje instantáneo en una conversación que estábamos teniendo con Joey, a él le gustaba el modo en que Primal Scream abreviaba las palabras y tuvo la idea de que acortáramos “Roland Space Echo”. Yo estuve de acuerdo pero no muy convencido, accedí solo por esa ocasión. Pasó mucho tiempo desde aquella decisión y aun así nos

quedamos con ella, a ninguno de los dos nos gusta demasiado pero supongo que así es como pasan las cosas. Tratamos de cambiarlo por “BOFC” el cual nos encanta pero confundiría a todos entonces sí, creo que siempre seremos SPC ECO, no es un mal nombre pero es como que nos quedó chico y se convirtió en algo más bien del pasado más que del presente. En enero se cumplen siete años de la primera publicación de la banda, “3-D”. Después de un tiempo prudencial (como pueden ser estos siete años) ¿Cómo escuchas este álbum con la mirada del final del 2015? ¡7 años! Creo que tiene unas muy buenas canciones y le fue bien. Porque “All Time” es todavía una de mis canciones favoritas que hemos grabado, la veo como el componente que forma la unión musical entre Rose y yo. Las demás canciones también son buenas, en general es un disco sólido lleno de promesas, es como un portal hacia todo lo que vino después. Luego de ese álbum, SPC ECO, ha ido lanzando una gran cantidad de Eps, singles y álbumes. ¿Cuánto facilita el nuevo empleo de internet para liberar tanto material? Sin duda ahora puedes escribir y grabar algo que sea digno de ser lanzado mediante una aplicación para celulares, los sellos discográficos todavía son importantes pero ahora es el artista el que decide qué camino tomar, ahora es el momento de que el artista brille y haga lo que se le ocurra a pesar de lo que diga la gente o los creadores de tendencias, o todos aquellos en los medios que solo se dedican a reprimir o menospreciar la creatividad. Toda esa mierda de gente siempre estará presente para los “Simon Cowells en silla de ruedas” pero ahora tenés la oportunidad de hacer lo que quieras y cuando quieras, y lo que salga va a estar bueno sin duda. ¿Tú crees que la autogestión es el nuevo camino? La independencia de las compañías discográficas, que parecerían que están perdiendo terreno desde hace unos años a la actualidad. Sí, pero depende de lo que estés buscando, los sellos pueden ayudar a los artistas a alcanzar sus obje-

tivos, y de hecho lo hacen, pero vos tenés que volver a tus inicios y preguntarte por qué haces música, si la haces porque quieres y tenés que hacerla, porque te mantiene sano, porque tenés algo para decir que no podes expresarlo de otra forma…. todo eso es mi porqué. Sí, seria lindo vender millones de discos y salir de gira con Rose pero esa no es la razón por la cual hacemos música. ¿Cómo es trabajar con tu hija Rose Berlín?, ¿Cómo sucedió esta unión? Trabajar con Rose es y siempre será divertido para ambos, aprendemos, creamos, nos inspiramos y por sobre todo la pasamos muy bien grabando, es algo que nos gusta y siempre nos gustará, Rose tiene la misma inquietud que yo, es una persona muy talentosa en lo que sea que se proponga a hacer, tiene la habilidad de mejorar lo que sea. Es una cantante dotada y talentosa por naturaleza, y lo que es maravilloso es que constantemente se sorprende de sí misma, ella no sabe de dónde viene su talento pero simplemente lo utiliza y ahí vamos, los dos estamos desconcertados respecto a ella. Es como que no lo piensas demasiado, lo cual es bueno pero si tú tienes todo ese potencial y sabes cómo recurrir a él entonces siempre estará con vos y será siempre algo muy especial. ¿Cómo es SPC ECO en vivo, hay otros músicos? Solíamos hacerlo pero luego decidimos que menos es más. En los primeros shows teníamos a Harry (hijo), Monti y Debbie Smith. Luego nos quedamos solo con Harry y hoy en día somos nosotros dos nomas. Durante mucho tiempo no tocamos porque los lugares y clase de shows que nos ofrecían no valían la pena por problemáticos y estresantes. Sabemos que podemos tocar muy bien en vivo si queremos pero es tan solo algo en lo que no estamos interesa-

dos en éste momento. Acaban de lanzar “Think Twice”, un adelanto de un nuevo álbum. El track está dedicado a Barry, Barry and Barry. ¿Quién o quiénes son Barry? Barry MaGuire (un amigo muy muy querido que falleció) Barry Kamen (otro querido amigo que también falleció recientemente) y Barry nuestro nuevo pequeño gatito. Cuéntanos sobre lo que nos traen en el 2016. Recientemente terminamos el nuevo disco titulado “Anomalies”, el cual creo que saldrá en vinilo y cd en junio de 2016 o posiblemente antes. También estamos trabajando con Preston Maddox de Bloody Knives (una banda de Austin, Texas) en otro álbum pero aún no hay nombre, ni para la banda, ni para el álbum… Tenemos 8 canciones hasta ahora y seguiremos trabajando hasta que esté terminado. Será algo como para salir de gira y sonar fuerte en las radios más alternativas. También a punto de lanzar un proyecto con Monti llamado M.A.D., el cual es muy oscuro y que está en el abismo entre los subtonos y el trip electrónico, perfecto para sentarte a relajar mientras tus ojos dan vueltas por tu cabeza. Rose y yo estamos a punto de embarcarnos en un grupo de grabaciones conceptuales que será más bien basado en el arte y el sonido, algo nuevo y desconcertante fascinante para nosotros y quizás para nadie más, pero así es como nos gusta. Gracias Dean por esta oportunidad, mantendremos el contacto para hablar para cuando salga el nuevo trabajo. Muchas gracias serás bienvenido y enormes gracias por el apoyo y aliento. Dean

[ Entrevista por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografías: Lily Moonster (Apareció en el Número 25 - Marzo 2016) ]

HORACIO (NUEVA TEMPORADA) Estamos aquí en La Cigale, con la banda Horacio (Nueva Temporada).

Bella: Nos llevamos muy bien, nos gusta lo que cada uno hace. Nadie le dice al otro lo que tiene que hacer. Somos como muy

¿Por qué es Horacio (Nueva Temporada)?

libres y yo creo que eso se nota porque lo transmitimos a la gen-

Darío: Es nueva temporada porque Horacio tiene una versión

te. Fer: Yo creo que es interesante, porque venimos de distin-

anterior en los años noventa, y después de muchos años sin to-

tas extracciones, bueno, nosotros venimos de los 90s, de una

car, volvemos con una nueva formación, luego de un lamenta-

época muy particular de la música argentina, y ellos son como

ble momento, y le pusimos "nueva temporada".

sangre nueva, que viene con otro concepto, por ahí no muy diferente pero que aportan elementos muy frescos, muy piolas. Y

Podríamos decir que ¿hubo varias reencarnaciones?

como decía ella, tampoco hay cosa como "vamos a hacer esto y

Darío: No, ésta es la segunda, la única. La primera de dos

no nos vamos a salir de esto". Se empiezan a aportar elementos

años y ahora...

distintos y para mí se logra una cosa bastante original, bastante distinta de lo que hacíamos, eso es lo interesante. Bella: vos es-

Ahora significa ¿cuánto tiempo?

cuchas a Horacio y no podés decir " Ah me remonta a tal banda

Darío: Año y medio. 1995 y 1996

o a tal otra". Somos Horacio. Fer: Salvo un tema que se parece mucho a The Cure... Bella: bueno... No sé cuál es? Jajajaja Fer:

Estamos hablando de que se conocen ustedes mucho uno a

Horacio... Jajaja

otro. ¿Quiénes eran de la primera formación? Bella: Diario y yo.

Todos, quienes crecimos en cierta generación, tenemos unos momentos de The Cure por ahí... Siempre...

Y cuando deciden rearmar la banda, ¿cómo llegan los demás integrantes?

Bella: Todos tenemos esa oscuridad... Fer: Además en esa época, The Cure, Joy Division, bandas así, marcaron una ruptu-

Darío: Bueno, yo tengo una sala de ensayo y conozco a mu-

ra absoluta con lo que venía antes, incluso con el lugar de don-

chos músicos. A Fernando lo conozco más de programar mú-

de venían, que era el punk. Todas estas bandas que se llaman

sica, como productor, y Ema y Nico pasaron por la sala, la ver-

after punk, después del punk, trajeron una renovación increí-

dad tenía muchos para elegir. Fer: Somos contemporáneos de

ble, porque dejaron todo lo que venía antes del punk, la música

los 90s además. Darío: Y Nico y Ema son los más jovencitos.

sinfónica y esto que era hiper complicada y centrada en sí misma y todo esto. Y trajeron todo un universo sonoro, nuevo, pero

Estamos hablando de que son cinco en este momento, muy

con el concepto del punk, esto de hacélo vos mismo, de la cosa

buena formación, lo siento como muy apretado, como muy só-

underground y todo esto, no?. Después de ellos salieron otras

lido...

bandas como Sonic Youth, Pixies, que creó que en algún punto

nos influencian a todos. Hay un soundcloud, aprovechemos y demos la dirección en Y siento que las nuevas generaciones están mirando hacia

donde pueden escuchar a Horacio.

esos años, sobre todo he notado que con Joy Division hay mu-

Darío: https://soundcloud.com/horacio-nueva-temporada

chas generaciones nuevas que lo escuchan mucho. Cuando Pe-

http://horacionuevatempor.wix.com/

ter Hook hizo la gira tocando sólo a Joy Division había un mon-

https://www.facebook.com/Horacio.nuevatemporada/

tón de chicos de veinte años, y yo decía de dónde han escuchado Joy Division?

Una de las cosas que estamos haciendo en estos primeros

Diario: Hubo un momento en cuando con Bella decidimos

meses del año, es estar pendiente de los planes que tengan las

volver a retomar con Horacio y yo los llamo a ellos, a los tres

bandas para este 2016, entonces que no hay nada grabado en

les dije “somos una banda punk”, jajajaja… “somos una banda

estudio y que lo están realizando, ¿cuántos temas?

punk y después vemos”… De ahí partimos y que pase lo que tenga que pasar… Si tenemos en cuenta que esta banda tiene como dos momentos, en esta formación, ¿recrean temas de aquel entonces? Bella: Hoy por ejemplo hicimos un solo tema… que es “Ama-

Bella: estamos terminando de grabar seis temas… ¿Para cuándo podremos tenerlo? Darío: Dos meses más… Fer: Falta toda la etapa de masterización. Darío: Un mes de mezcla y un mes de masterización. Bella: Marzo o Abril.

nezco”. Es inminente, buenísimo… ¿En esa época alcanzaron a sacar algún material, alcanzaron a editar algo? Bella: Grabamos un cassette.

Bella: Y seguir tocando. Darío: Todo lo que se grabó no tiene nada que ver con el Horacio de los noventa, son nuevos temas, en vivo estamos haciendo algunos temas de los noventas. Pero lo grabado es todo material nuevo.

Y en esta nueva época ¿se ha editado algo? Bella: Estamos grabando en este momento… en el compilado

Y para finalizar, invitamos a la gente a descubra a la banda,

de la Revista. Darío: Lo que está en el soundcloud son versiones

Horacio (Nueva Temporada), y bueno chicos vamos a estar pen-

en vivo que hicimos durante el año pasado.

diente de ustedes desde la revista.

[ Entrevista por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografías: Lily Moonster (Apareció en el Número 25 - Marzo 2016) ]

PERLAS TUS OJOS Estamos acá en La Cigale, cubriendo el primer recital del año para la Revista The 13th. Estamos con una banda que ya es habitual y amiga de la casa, Perlas Tus Ojos. Hola Buenas Noches chicos. Hola Buenas Noches. Sabemos que es el primer recital del año, ¿algún plan para este 2016, qué quisiera lograr Perlas Tus Ojos este año? Tenemos pensado incorporar un tecladista, desde el año pasado que venimos con eso. Y también la idea es trabajar en canciones nuevas y tratar de hacer el esfuerzo de ingresar a estudio, quizás no para grabar un disco completo, pero grabar cuatro o cinco para grabar un EP nuevamente. Algo que siempre hablamos en la Revista con los artistas. En este momento, dadas las nuevas dinámicas del mundo de la música, para qué esperar para grabar, no sé, quince canciones para grabar un álbum, cuando ¿cuánta gente escucha hoy realmente un álbum? Eso por un lado, por el otro todo esfuerzo económico, el tiempo que lleva y la manera de distribución de la música hoy en día es muy distinto (todo es por internet), entonces ¿tal vez está mejor grabar unas pocas canciones? La idea original, en realidad, por el tiempo limitado que tenemos cada uno por nuestras actividades personales, un poco el objetivo es sacar uno o dos canciones y empezar a mostrarlo. ¿El formato sencillo? Claro. Creemos que hoy con la ayuda de las redes sociales, sacas una canción y lo empiezas a mostrar y mostrar, y es una forma de decir “ésta es la banda” y atrás de eso poder quizás sacar otro y decir “este es otro sencillo”, porque una banda que quizás no es

conocida o que recién está empezando o que recién se está escuchando, es una manera de promocionarse bien, y no sacar un disco de diez o quince canciones, del cual escuchas quince o ninguno y no puedes sacar ninguna conclusión, porque si dices “son los Rolling Stones y bueno vamos a escuchar el disco completo” porque ya sabes de qué se trata. Esto es algo que lo venimos charlando, y dijimos bueno hagamos tres canciones, y mandémoslo a la tostadora. Pero estamos ahí definiéndolo. Es así, ahora que lo mencionas, si hay algo que caracteriza a estos tiempos es mantener la atención de la gente, y ¿cómo la mantienes? sacando constantemente algo y para hacer eso, bueno, conforme van grabando van editando las canciones, no hay que esperar… Igual creemos que eso, nos da la sensación que está cambiando, vemos que hay una banda no conocida que saca un disco y no sabemos si es el camino, si se puede hacer es grandioso, y editas diez discos, pero... Es que son ideas que vienen de otros tiempos con las que crecimos pero no son prácticas en este momento, no sé si vieron en estos días de diciembre y enero, constantemente están publicando la lista de lo mejor del año, los dos discos más vendidos en el mundo en el 2015, son discos que tienen más de cuarenta años. Unas reediciones de Pink Floyd y de The Beatles. Las reliquias se valoran mucho hoy en día… Claro, pero… ¿entonces quienes están vendiendo? Las mega bandas, esas que ya recibieron dinero, ¿y quienes necesitan el apoyo? Ustedes, los que necesitan grabar, los que están en este momento buscando que se abran puertas. También hacíamos la reflexión en Piso 13, “Si podemos ser fans de Pink

Floyd o de muchas bandas, pero en vez de comprar las reediciones que son muy costosas, vayamos a un recital como estos, comprémosle el sencillo a las nuevas bandas. Sobre todo ir a los recitales que creo que es lo más importante. El ambiente under es, en Argentina, es difícil. Es más, hoy te viene una banda que para nosotros puede ser grandiosa y quizás no llena la mitad de la sala, entonces qué nos queda para los que estamos luchando acá. Es bravo, el movimiento under es bravo, porque acá hay un buen movimiento, pero no se quiere descubrir, o hay poca gente como ustedes (con la Revista y el programa) que lo apoyan. Se siente mucha indiferencia… pero hay una escena muy grande. Hay una escena muy grande pero que no mueve. También siento que falta un poco de articulación de unión entre las banda, como que todo está muy disgregado, muy separado. Las grandes revoluciones musicales se han dado porque las bandas se juntan y crean escena. Pero esta noche tenemos algo especial. ¿Es la primera vez que comparten escena con las dos bandas de hoy? Si, si…Vamos a presentar una canción nueva que estuvimos trabajando el año pasado, luego de la Quiet Sessions, empezamos a trabajar en dos canciones, uno lo terminamos y el otro lo estamos trabajando, nuestra intención es tener al menos dos más y concentrarnos en la grabación y la difusión.

¿Hoy vamos a escuchar un tema nuevo? Sí, está todo terminado pero el título aún no está definido… tenemos un par de ideas pero no concretas, así que vamos a presentarlo como “tema nuevo”. Ya lo escucharemos. Pero bueno es una muy buena manera de empezar el año, un recital, apenas 9 de enero, un nuevo tema y que sea este como un brindis de Año Nuevo y que puedan este año grabar mucha música y que vengan muchos más conciertos en el año. El año pasado tuvimos quizás muchas fechas que no pudimos presentarnos por distintos motivos pero para este año, lo anticipamos en la entrevista de las Quiet Sessions, nuestra intención es estar más en los escenarios y juntarnos con bandas así, que vale la pena. Es buenísimo. Digamos que hoy hay gente que viene a ver las otras bandas y los conoce y se enganchan, es la manera de conocerse. Bueno chicos es todo por esta noche. Queríamos desearle feliz año y que venga con mucha música, y reafirmar que siempre estaremos pendientes de lo que ustedes hagan. Nosotros muy agradecidos, totalmente agradecidos. Siempre con Perlas, hablábamos con Diego que el día que Perlas triunfe en otras fronteras, ustedes van a ser nuestros representantes, jajaja… Ahí estaremos nosotros presentes…jajaja ¡Gracias Chicos!

[ Entrevista por Diego Centurión. Fotografía: Natalia Sbert ]

GENTE CONVERSANDO Estamos con loa chicos de Gente Conversando, con una parte de Gente Conversando. Tremendo el show. Guille: Gracias

ne con el bagaje de subte, colectivo o transporte privado, y lo deposita en la sala, apelando también a la sensibilidad de los demás. Guille: Total, la democracia de lo privado, ¿no?

¿Por qué Gente Conversando? Guille: Bueno porque hay un murmullo interesante que se crea a través de gente que conversa de cosas variadas y se va creando un sonido que es una especie de colchón que es bastante lúdico... Detective Juan: Si además esa necesidad de intromisión que todos tenemos en la conversación ajena... - Guille: Pedagógico - ... Claro, leer el diario del que está leyendo en el tren... - Guille: Casual - ... Mirar el facebook del que está mirando el facebook abajo - Guille: Opiniones encontradas - ... Exactamente. Guille: Todo eso crea música y es divertido.

Si tuviéramos que definir la música de Gente Conversando, para la gente que no los conoce, ¿cómo lo definirían? Martín: Melancolía Reaccionaria es un nombre que me gusta mucho para definir a la banda. Detective Juan: si, hay mucho de melancolía reaccionaria. Guille: Hay unas ganas de generar inquietudes y movimientos, que salen a raíz de cosas nuestras chistes, gracias y demás motivaciones que aparecen y las vamos reacomodando para que tengan formato de algo, después eso hace una forma de collage que quizás aparezcan distintas variantes, que es por eso ese "inclasificable", que es mentira todo es clasificable lamentablemente hoy, no nada está inventado, pero dentro de ese inventó que ya está creado, nosotros... vamos más por el lado del collage, entonces hay un abanico de posibilidades. Detective Juan: igual me gusta tu mensaje porque dijiste algo esperanzador, porque dijiste "Nada está inventado"... Positivismo y está muy bien... Guille: bueno, en realidad todo está inventado. Detective: no, pero me gustó. Guille: Gracias.

Por lo que escuché, yo los conocía a través de los vídeos, la sensación es que, vos Guille dijiste vamos a tocar en Cemento, pero yo me sentí en Cemento, en la década de los 80s, a vos Guille, te vi Ian Curtis, Luca Prodan... - Guille: ELVIS, John Lennon, Motzar, Bach, Vivaldi, Jim Morrison, por qué no ... Por momentos a Lux Interior (Cantante de The Cramps) una mixtura, y musicalmente eran como algo incomprensible, pero a la vez comprensible. Guille: humm... Ay qué lindo que sonó eso... Me conquistó! Martín: Un seductor nato. Guille: Llevame a los 80s. Detective Juan: Por favor viajemos... Traiganme un Delorian. Como componen las canciones, porque por lo que se ve, son canciones de sala de ensayo... O sea no como que vos venís con la guitarra y decís "traje este tema". No parece eso. Detective Juan: no no, diste bastante en la tecla... Si, pasa un poco eso, lo que pasa es que cada uno vie-

Pero más allá que está todo inventado, no se puede encasillar. Porque hay mixtura importante de cosas. Es tan amplio que no hay una palabra que lo abarque, y eso está bueno. Guille: si y eso es divertido. Martín: Si, es la esquizofrenia. Pero la banda tiene mucho de caótico pero a la vez, como que vos (Guille) das órdenes. Guille: La juventud hitleriana... Educado en la máxi-

ma juventud hitleriana. Detective Juan: la juventud hitleriana de la escuela de Dusseldorf. Guille: Si claro, es como que el alcohol es divertido ordenadamente. Cuando uno desborda es como un tío que termina mostrando las cicatrices del estómago en el medio de la Noche Buena, que es lo que pasa con el alcohol en verdad, es lo que todos queremos ser, no? Detective Juan: Exacto. Guille: Un abuelo agarrando a un nene y diciendo " vení, yo te voy a explicar". Pero nosotros tratamos de analizarlo en cuatro minutos de rock and roll y tratar de no violar a esa pobre criatura que nada tiene que ver con la culpa del Universo, no?... No lo hagan en sus casas. Bueno cerraron el primer Entrópico, que mejor banda para cerrarlo, que Entrópico justamente es dentro del caos, donde todo parecería caos, en realidad no, hay como un... Detective Juan: El viejo truco de los árabes que plantaban en el desierto y tiraban semillas al azar pero ordenaban las plantas en cepos, entonces la selva no sería selva, sin la cuadrícula que lo marca. Guille: Que sí ¿es viejo ese truco? Ah (risas). ¡Ochocientos años de ocupación! ¿Dónde podemos escuchar a Gente Conversando? Detective Juan: Qué buena pregunta... Guille: en cada palabra de niño pidiendo auxilio, en cada ama de casa militante amasando con un esposo misógino, en cada homosexual reprimido por un taxista fascista... Martín: como nos pasó hace poco... (Risas) Guille: No sé, nos vamos a ir desenvolviendo según las circunstancias tecnológicas. ¡¡¡Fotocopie!!! ¿Pero no hay un lugar, un bandcamp? Guille: Si, tenemos un bandcamp... Detective Juan: hay un bandcamp, estamos trabajando el bandcamp, estamos trabajando en un EP, básicamente estamos trabajando. Pero grabado no hay nada. Guille: Si hay bandcamp, pero casi secreto. ¡Sólo a vos! Buenísimo. Entonces yo no puedo decir nada. ¿Están grabando algo? Guille: Si, estamos grabando un EP, que todavía

no tiene nombre y que va a tener cinco temas. Y es como nuestro disco debut. Divertido y ahí vamos a poder hacer cosas prolijamente desordenadas o alverre (lunfardo "al revés"). ¿Cómo es un ensayo de ustedes? Porque yo tengo referencias y son muy graciosos sus ensayos. Guille: ¡Alcahuete! ¡Alcahuete! (susurrado) Detective Juan: mira la verdad es que nuestros ensayos no podrían ser divertidos si no fuera por la ayuda de nuestro querido amigo Darío... - Martín: que nos da la cerveza - ...que nos permite el óseo creativo necesario, te diría necesarios como para complementar... -Guille: mentor y psicótico -... - Martín: los veinte minutos de más para que digas, viste veinte minutos más -... Detective Juan: y la ingesta de alcohol. Guille: Y el alcohol y Baco,... Baco es un integrante más y lo queremos mucho y él nos quiere mucho y no interfiere en nuestra intelectualidad y en nuestro poder de virtuosismo cultural. ¿No? En ese sentido estamos bien con él. Agora, hacemos 3, 4, 6 o 7 horas semanales y nos llevamos bien y nos respetamos y cada uno dice "Bien vos", "Bien vos", "Bien vos"... Y cuando nos queremos acordar... Hicimos una canción... No es tan difícil señora, usted en su casa, agarre una guitarra, haga dos notas, una canción de "Flema", "2 Minutos", algo fácil... Se va a divertir, en serio. Por momentos la banda es sería y por momentos descontrolada, sobre todo en las canciones más hardcore o más punk es donde se descontrola, pero después vuelven a un cauce. Eso, en cierta manera, ¿es armado o sale en vivo? Detective Juan: Me parece que lo que tratamos de hacer es administrar toda esa energía que todos la tenemos, o sea, el caos nos gusta a todos evidentemente, es como una especie de catarsis, pero la catarsis en sí misma, volvemos al tema del orden y el desorden, la catarsis en si misma pierde validez si no tiene de un encause y una administración lógica de la energía, y eso es lo que tratamos de hacer. Martín: sino es si, psicopatear a la gente, digamos, jugar con ellos. Y vos ¿cómo te enganchas con los teclados con una banda es tan fuerte?

Martín: Y trató se meterme a la fuerza... Por otros canales. Porque es complicado, ellos como Banda son muy visceral, pero el teclado queda muy bien, pero es raro como incluís todo. Martín: Es un instrumento fino supuestamente, de detalles, pero trató de llevarlo para el garaje y no perder la delicadeza. Detective Juan: Además hay algo que él hace con el teclado que termina dando un orden percusivo también, eso está bueno, maneja el caos del teclado, me parece a mí, no sé si me equivoco, la parte caótica del teclado él la maneja muy percusivamente, y jugando también con la idea de la pregunta y la respuesta, entonces es ahí en donde encuentra el lugar. Y es muy importante lo del baterista, porque ustedes se van todo para los lados y el baterista es el que los agarra a todos y les dice, "es por acá, eh". Martin: El núcleo duro. Guille: Si, es interesante porque cada uno tiene gustos variados, cada uno tiene un gusto distinto, o sea nos parecemos mucho, pero hay una unión ahí muy inteligente que se dio porque cada uno venía con un bagaje diferente, esto que defino es interesante porque justamente nos afina a nosotros. Nuestro descontrol es nuestro capital un poco en el sentido musical, entonces es necesario su fineza... - Detective Juan: Absolutamente.-... y también su destrucción de todo eso. Y en ese sentido estamos todo el tiempo buscando contrastes. Entonces si el tema es punk que el bajo sea cumbia, y si el bajo es punk que haya un teclado cumbia, para crear ese abanico de cosas que hace que la gente no sepa si poguear o bailar. Que me parece que es el sentimiento más divertido. Si, de hecho si veías a la gente bailar, por momentos bailaba música disco, y estaban en el medio del punk, y decís: Guau!, qué percepción que yo no la estoy sintiendo, es como que cada uno lo toma de forma totalmente diferente. Y eso se ve que es lo que provoca la banda, hay un gusto para todo, cualquier sonido puede entrar a la banda. Así que nada, me encantó y los felicito. Y para cerrar esta entrevista ¿qué podemos esperar para este 2016 de Gente

Conversando? Martín: Ya estamos en el 2016? No estábamos en el 2015? Detective Juan: invertimos en el campo, tenemos una serie de silo bolsas, que al momento, dada las condiciones que nos planteó el gobierno, las vamos a liberar, vamos a hacer una suerte de ruleta financiera, vamos a apostar al dólar... Guille: Y vamos a seguir comprando cocaína... Para nuestra madre, más que nada... Martín: Si, yo. Guille: No, vamos a sacar un EP y vamos a seguir haciendo lo que hacemos que es muy divertido. Hasta que algo aparezca nuevo. Que me parece que es el sentimiento más divertido. Algo nuevo. Como un Guillermo Francella en el Secreto de tus Ojos. Que la gente diga: Ah, además de comediante eran actores... Y hablando de actores... En ustedes hay actores. Guille: no, no, el señor. (Señalando a Detective Juan). -Detective Juan: no, no (señalando a los otros dos) los Señores. Guille: Juan. Martín: Juan. A mí me dijeron que eran tres. Guille: ¿tres actores? Juan... Martín: Juan, Juan y Juan... Guille: nosotros tres somos actores, sí. ¿Se dedican a la actuación? Guille: Nosotros dos (Martín) si, él (Juan) todavía está en veremos... Es ama de casa pero está a punto de hacer un curso. Martín: Ahora va a pensar que todo es mentira. Guille: Todo es mentira! Martín: Y todo es mentira, afortunadamente. Y está muy bien, que la gente piense lo que quiera... Guille: y queremos agradecerle a Tonga y Yuli que son dos personas muy psicóticas que los queremos mucho. Y que están ahí y que los conozco desde que tienen quince años. Martín: y a Darío. Guille: y Darío que está por ahí. Gracias, les agradecemos que hayan cerrado el primer Entrópico y... (todos se ponen a llorar)... (risas)... Son actores. Los tres: "duró es el camino... Y sé que no es fácil..." (cantando) Guille: bueno gracias. Martín: esto está apagado (mirando a la cámara)….

[ Entrevista por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografías: Lily Moonster (Apareció en el Número 25 - Marzo 2016) ]

PARA ESCUCHAR MIENTRAS EL MUNDO SE PUDRE Charlamos con Eraldo Bernocchi sobre su nuevo proyecto “Blackwood”, el estado del mundo, lo que hemos perdido, y el rol del proceso creativo Con un extenso currículum en el que se destacan colaboraciones con Robin Guthrie, Harold Budd y Bill Laswell, Eraldo Bernocchi es uno de los exponentes más notables de la música alternativa en Italia. La discográfica Subsound Records acaba de editar el disco debut de su nuevo proyecto Blackwood, una suite de seis extensos temas instrumentales donde ominosas guitarras metaleras conviven con tratamientos electrónicos y texturas Ambient de forma tan natural que pareciera como si ambas cosas hubiesen nacido para estar juntas. Es un álbum fabuloso, y tremendamente escuchable a pesar de su experimentación. Pero definitivamente no es una obra alegre. El título del álbum (As the World Rots Away = Mientras el Mundo se Pudre) y de los temas individuales (“Rompiendo la Columna Vertebral de Dios”, “Santísima Muerte”) ya es suficiente para darnos cuenta de esto. Pero por si quedaba alguna duda, el comunicado de prensa de su página web explicita: “Blackwood es el lugar donde todos los sueños de la infancia mueren, devorados por aquellos que no pueden entender los deseos de un futuro mejor (…) es el lugar a donde se han mudado todas las pesadillas de Bernocchi, un lugar donde el olor a madera quemada es omnipresente, y donde las sogas y guadañas ofrecen escaso confort a sus habitantes.” Si bien es una descripción que podría hacer sonar a un disco de Nico como jovial en comparación, definitivamente incita curiosidad en el oyente. Apenas

unos días tras el lanzamiento de As the World Rots Away, charlamos con Eraldo Bernocchi tanto sobre la obra como sobre los sentimientos que inspiraron semejante visión. Prácticamente todo acerca del disco (el comunicado de prensa, los títulos del mismo y de los temas, y por supuesto la música en sí) transmiten una visión de la vida bastante desalentadora. ¿Esto surgió a partir de la música, o fue tu visión actual del mundo la que influyó en el proceso creativo? Sí, es verdad. Es lo que veo actualmente. No hay demasiado por lo que estar contento… esta visión fue parte del proceso, la energía detrás del mismo. Hay que aceptar que el planeta se está muriendo. Somos testigos de la perdición más grande de la historia. Esto no impide que siga viviendo mi vida pero me cuestiono bastantes cosas… simplemente mira por la ventana y dime lo que ves. Lo que es más, esta situación me afecta profundamente ya que tengo una hija pequeña y muy a menudo me pregunto qué futuro le estoy dejando. ¿Te parece que el proceso artístico puede, en cierta forma, hacer que la situación sea más tolerable? Probablemente sea una de las pocas opciones que uno tiene para sobrevivir al mundo exterior. Tienes que tener intereses, expresarte, plantar cosas, no vivir reprimido. La música me viene salvando desde que soy adolescente. Cada vez que experimenté un problema, una desilusión, una traición, la música me salvó, tanto escucharla como crearla.

¿Es el proceso creativo suficiente, o crees que tiene que haber cierta recepción de alguien más para que el arte verdaderamente funcione? ¿Es fácil recibir feedback hoy día? Si bien los artistas pueden distribuir su música a cualquier parte del mundo mediante la red, parecería haber demasiado material como para que realmente llegue a un gran número de gente. Por otro lado hay muy pocos marcadores culturales en nuestra generación. Gente como David Bowie y Lou Reed, por ejemplo, que no dejaron sucesores claros. Realmente es muy difícil para mí definir al arte. El acto de crear y componer es como generar un universo. Ten en cuenta que siempre empiezo desde una improvisación, así que para mí componer es un proceso instintivo, recién en una segunda etapa edito y cambio cosas. El núcleo central tiene que ser espontáneo e inmediato para mí. Recibir feedback es importante, y aquellos que lo niegan obviamente mienten, ya que a todos nos agrada recibir reconocimiento por nuestro trabajo. Aun así, principalmente creo para mí mismo, para satisfacer una llama, una pasión, una siniestra ansia de dar forma al sonido. Es cierto que hoy día es posible llegar a millones de personas mediante la web, pero por otra parte esto está realmente disminuyendo a la música de valor. No todas las bandas son iguales, no toda banda o proyecto merece estar en un disco pero la web ofrece esta fantástica oportunidad de que cualquier artista sea conocido. Es una cuestión de buscar, hace falta un montón de investigación. Tienes razón cuando decís que Bowie y Reed no dejaron sucesores… sería imposible encontrar mentes tan sorprendentes hoy día. Vivimos en un entorno súper rápido donde la mayoría de la gente consume música rápidamente pero no son oyentes activos. Mis sobrinos compran singles en Itunes, mientas que a su edad yo esperaba a que saliera el álbum. Es la época del concurso de talentos; los jóvenes se creen que la música de verdad sucede detrás de cámaras de TV. Siguen habiendo algunas cosas buenas, en realidad un montón, pero la realidad es que el nivel va bajando década tras década. Es bastante triste, pero no puedo decir que no estoy

de acuerdo. Ahora, centrándonos más en el álbum: si bien tiene un sonido bastante pesado, las texturas Ambient lo vuelven fácil de escuchar (y esto viene de mí, que no soy alguien que aprecie mucho al Rock Pesado.) ¿Te parece que las guitarras estridentes y la producción Ambient son una buena combinación? ¿Y se podría interpretar al tema 6 (“Unrecovable Mistakes”,) el más tranquilo de todos, como una implicación de que quizás haya cierta esperanza para el mundo después de todo? Bueno, muchas gracias por la apreciación, Gabo. El hecho de que no seas tan fan del Metal lo vuelve más importante para mí. Básicamente, el álbum es pesado, y el próximo (en el cual ya estoy pensando) va a serlo todavía más, pero el balance entre los dos elementos, la estridencia y las pizcas de luz Ambient, lo vuelve más accesible. Nada de esto fue planeando de antemano, surgió así espontáneamente y funcionó. El sexto tema para mí es, posiblemente, el más pesado… en realidad se trata de admitir que una vez que cometiste un error, en general es “irrecuperable.” No hay vuelta atrás, no hay máquina del tiempo, y tendrás que afrontar las consecuencias. Una vez que te das cuenta de eso te acercas un poco a la luz, aunque sea momentáneamente. El CD contiene un tema adicional escondido. ¿Es esto una especie de recompensa para los que adquieren el producto físico? ¿Te parece que perdimos algo en la era digital? Si bien tenemos acceso a más música que antes, se ha vuelto bastante efímera. Por mi parte, todavía necesito el CD para que la música me parezca “real” y le garantice varias escuchadas. Ese tema está ahí porque me encanta pero no encajaba con el álbum, y además me parece bueno tener algo de silencio y luego descubrir otra dimensión. En cuanto a la era digital, sí, perdimos muchas cosas, concuerdo con lo que decís sobre preferir el objeto físico, a mí me pasa lo mismo. Ya no soy coleccionista, antes juntaba muchos discos y todavía tengo una gran colección, pero hoy día nada más compro lo que estoy seguro que me va a gustar. Perdimos la experiencia de comprar discos que no conocíamos, eligiéndolos y escuchándolos en la disquería. Hoy día navegamos la web, principalmente. Es como si

no hubiera nada ahí. Todo es horizontal, no hay ninguna jerarquía, ningún sentido de historia. Todo sucede al mismo tiempo, es todo una pared masiva de información que en realidad no sirve porque no tenemos un método, una visión, un paradigma. Tenemos acceso a todo pero estamos cada vez más vacíos. Ante toda esta desilusión, como mencionó Eraldo, la música ofrece catarsis, y quizás hasta salvación. Los invito entonces a seguir reflexionando y experimentado sensaciones nuevas escuchando As the World Rots Away. En la página web http://www.subsoundrecords.it/epk/SSR038BKWD/ se pueden descargar el álbum gratuitamente, y adquirirlo en CD o vinilo si así lo desean (y la aduana lo permite.) Mientras tanto esperamos el siguiente proyecto de Blackwood, para que saque a la luz más pesadillas, y de esta forma quizás las exorcice.

[ Entrevista por Alberto Laiseca por Pablo Ravale (Apareció en el Número 29 - Agosto 2016) ]

NO TODOS LOS MONSTRUOS SON MALOS

Alberto Laiseca es un escritor argentino nacido en Rosario, el 11 de febrero de 1941, pero pasó su infancia en Camilo Aldao, un pueblo ubicado en el límite entre las provincias de Córdoba y Santa Fe. Trabajó en diferentes oficios en distintas provincias: fue cosechero, empleado telefónico, corrector de pruebas de galera en el diario La Razón. Protagonizó el antológico programa de televisión Cuentos de Terror, en el canal de cable I-Sat, y presentó películas en el ciclo Cine de Terror, del también canal de cable Retro. En 2009 fue co-protagonista de la premiada película El Artista (de Gastón Duprat y Mariano Cohn), y en 2011 los mismos directores estrenaron Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo, basada en un cuento suyo. Creador del “realismo delirante”, posee una vasta obra literaria (publicó 20 libros, entre novelas, cuentos, poesía y ensayo), en la que se destaca la monumental novela Los sorias, de más de 1.300 páginas, y que tardó 10 años en escribirla y 16 en editarla. Lo visité en su monoambiente de la calle Boyaca, en Flores, donde vive con tres perros y un gato. Me recibió autoproclamándose “vampiro” y diciendo que tiene 874 años de edad, que en Valaquia dejó las ruinas del que era su castillo. Así, y después de casi hora y media de charla, lo que quedó fue la siguiente entrevista: Ya está puesto a modo “grabador”… Okey, arranquemos. Qué tal, Maestro. ¿Te gusta que te digan “Maestro”? Yo tiendo a ser muy vanidoso, querido, así que cómo no me va a gustar… (risas) Es bueno que te reconozcan en lo que hacés. Contame, ¿cómo nace el Conde Laisek, el Monstruo? Por parto natural (risas)… Por casualidad. Sin querer, nací en Rosario. Porque a papá le preocupaba que algo saliera mal en el parto, entonces la llevó a mamá a una clínica de Rosario. Yo nací como escupida de guanaco, así que no nos quedamos ahí. Mamá se repuso muy rápido. Después estuvimos tres meses en Unquillo, y luego fuimos a Camilo Aldao, en la provincia de Córdoba, que es mi pueblo. No es por falta de cariño o respeto a los rosarinos, lo que pasa es que uno se siente del lugar en donde se

crió. No soy rosarino, soy camilense, camiloaldaense. Hice la escuela primaria ahí. No había secundario, entonces viajábamos todos los días, en una camioneta que habían comprado nuestros padres, al pueblo vecino, Corral de Bustos, a 28 kilómetros. Cursábamos, comíamos un sandwichito, tomábamos una cervecita, y volvíamos. ¿Solés ir al pueblo? Sí. Tengo una novia que es de allá. A veces ella viene a visitarme, pasa unos días, a veces voy yo y me quedo. Los dos somos de Camilo. A ella le contaba la historia del pájaro azul, de Maeterlinck: unos niños viven con sus padres, y tienen en su casa, en una jaulita, un pájaro azul. Un buen día, los chicos se levantan y el pájaro azul no está. Entonces creo que ni le dicen nada a los padres, juntan un poco de comida y se van al otro extremo del mundo a buscar al pájaro azul, llegan al borde del mundo... no está por ningún lado. No queda más que volverse. Vuelven, entran a la casa y ahí adentro está el pájaro azul. El pájaro azul está en el propio lugar. Tantas cosas hicimos Petrona y yo a lo largo de la vida y finalmente el pájaro azul estaba en casa, en Camilo Aldao. O sea que ya la conocías… Nos conocíamos de mentiritas, sabíamos que el otro existía, pero nunca tuvimos trato. Ella se casó y tuvo dos hijos, yo me casé cuatro veces. Ahora, de grandes, nos rencontramos, en diciembre de 2010, en una ocasión que fui a Camilo Aldao a contar cuentos. Hubo otros escritores argentinos de tu prestigio que también nacieron en pueblos del interior, y sus lugares de origen siempre están presentes en su literatura; como Sabato, con Rojas, u Olga Orozco, con Toay. ¿Cómo se dio en tu caso? ¿Cómo está presente Camilo Aldao en tu literatura? Yo siempre lo tengo presente a Camilo Aldao. Cuando un escritor escribe, puede estar escribiendo sobre los Valles de la Luna, y lo sepa o no, el escritor está hablando de Camilo Aldao. Sin darse cuenta estará hablando del zanjón... el zanjón es un lugar de Camilo, donde los pibes se iban a hacer la rabona, se escondían... pescaban mojarritas... Con mi novia estuve en el zanjón los otros días, lo fuimos a ver. Ahora estaba feo porque está con poca agua, ¡pero

cuando está con bastante es lindo! Pensando en tu obra, y en especial en Los sorias, me imagino que algo de Camilo se habrá añadido ahí. Sí, obvio. Es como una frase de Tolstoi que dice: «Si quieres ser universal, pinta tu aldea». Llegaste a Buenos Aires en el 66, ¿no? (Risas) Puede ser... es lo más probable. ¿Cómo fue cuando llegaste? ¿Cómo viste la ciudad? Fue una llegada de tipo fantástico, por todo lo que me imaginé y me creí yo. Resulta que no sé si en tren o qué carajo llegué a Plaza Once. Y después de ahí me tomé un subte para ir a no sé dónde mierda... ¡quedé deslumbrado! Porque arrancaba solo y paraba solo, y se abrían las puertas automáticamente... ¿Lo de las puertas lo decís por tu vocación de escritor? Sí y no. Te explico: mi padre, a quien ya he perdonado después de muerto, y que lo quiero con todo mi corazón, era un empecinado dictador que quería que yo estudiara ingeniería. Los libros de ciencia no me disgustaban del todo, pero no era lo mío. A mí me atraía la filosofía china, como Lao Tsé, o sino La peste, de Camus. Así fue que, contra los mandatos de papá, largué todo, trabajé dos temporadas en las cosechas del interior y ya en Buenos Aires me desempeñé cuatro años como empleado de limpieza. Después, una tía, que era muy buena conmigo, me dio una mano para trabajar en ENTEL, y muy lentamente todo empezó a mejorar. En ese momento, yo escribía mis primeros textos, y aunque lo hacía muy mal, no me quedaba otra que seguir adelante. Anticipándome a Mijail Sergueivich, me dije: «Ya no hay lugar dónde retroceder. No me queda otra cosa que ser genio» (risas). Y a juzgar por esas primeras cosas, todo indicaba que lo mejor era dedicarme a otra actividad, pero con el tiempo comprendí que era un problema de bloqueo. Para escribir hay que liberarse de muchas cosas. Por eso te decía lo de las puertas que se abrían… ¿Tu viejo te leyó? ¿Papá? No, jamás. En ese momento que estábamos peleados, yo no quería saber nada con él. Me costó mucho. Toda mi familia hizo los más heroicos es-

fuerzos para disuadirme del vicio de la literatura. Parece que yo tenía que ser ingeniero químico como sea: ¡ahí estaba mi futuro! Por decreto-ley... de Der Führer... esas cosas son difíciles de perdonar, pero se puede, yo lo hice. Pero de verdad, eh, no es que me haga el pícaro. Te creo… Pero decime, ¿por qué escribís? Ah no sé, muchacho… eso está en el inconsciente. Puedo contarte, sí, que mi novela Los sorias nació de la impotencia. Como papá me asfixiaba, me daba órdenes contradictorias, a los 9 años, la única manera de palear la impotencia era entretenerme con lo que yo llamaba “el juego de las figuritas”, que consistía en recortar hombrecitos de las revistas y de los diarios, para formar dos ejércitos, uno que atacaba un castillo, mientras que el otro lo defendía. Sin duda, esto fue el principio de Los sorias, con potencias que luchaban buscando el predominio. Allí estaba el problema del poder y qué hacer con él, además de la humanización del dictador, claro. Digamos que el tema no lo elegís, entonces, te viene solo. Claro, eso tiene que ver con los misterios del alma humana. ¿Qué nos lleva a escribir tal o cual cosa? No lo sé. A lo mejor uno recuerda qué detonó el inicio de una novela o un cuento, pero lo esencial está en nuestro subconsciente. Para responder a esta pregunta se necesitaría una vidente o, tal vez, un hipnotizador. Tengo entendido que estudiaste astrología… Sí, como cinco años. De no ser escritor, ¿te hubieras dedicado? Calculo que sí. Aunque cuando salí de mi pueblo, pensaba que en caso de que me fuera mal con la escritura, tenía el plan B de viajar a África para trabajar en las minas y hacerme rico. Era un delirio, obviamente… (risas) Volviendo a lo biográfico, en tu caso, en tus libros hay personajes que comparten con vos fragmentos de tu biografía. Sí, claro.

Sotelo, De Quevedo, Alaralena, Personaje Iseka, Filigranati... Con mi mujer nos moríamos de risa cuando leíamos El jardín de las máquinas parlantes. Qué bueno… ¿lo leían juntos? Sí, todas las noches. El gordo es uno de nuestros ídolos. (Sonríe) El gordo Sotelo es bueno, insufrible, pero bueno… Como el gusano. Mis obras más underground se corresponden con la etapa en que yo viví más underground. El jardín de las máquinas parlantes, El gusano máximo de la vida misma, Las aventuras del profesor Eusebio Filigranati... esas son algunas de mis obras underground, en ellas hago un rescate de mi existencia underground. Anduve en muchos sitios; algunos poco recomendables, debo reconocer… (risas) La literatura, ¿qué rol cumple en la actualidad? El rol es cada vez menor y corre el riesgo de desaparecer a causa de internet, que hace que los chicos no lean. Es un instrumento muy peligroso, siempre digo que es un invento del Príncipe de los Tinieblas. Obviamente sé que no es así, pues facilita las comunicaciones, el estudio, el acceso a la información. La gente que tiene una formación clásica, que ha leído cuentos, novelas o poesías, aprovechará mejor esta herramienta. Pero la mayoría de los chicos hoy no leen, y no pueden aprovechar los verdaderos beneficios de internet. Ojalá que esté equivocado en esta idea y el futuro me demuestre lo contrario. Hablame de tus héroes literarios ahora, ¿qué libros te marcaron? (Se rasca la cabeza) La caída de la casa Usher, de Edgar Allan Poe; El fantasma de la opera, de Gastón Leroux; El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde; El Golem, de Gustav Meyrink; Frankestein, de Mary Shelley; Drácula, de Bram Stoker; El lobo estepario, de Hermann Hesse; y bueno, casi toda la obra de

Stephen King… ¿Qué te gusta de Stephen King? Todo. Su imaginación, su manejo del terror. Su ensayo Mientras escribo es una de mis obras predilectas. Cuando empezamos, me hablaste de que te gustaba la filosofía. Sí, también. Lao Tsé, Camus, Nietzsche. Y sobre todo Ayn Rand, que cuando la descubrí me voló el marote… De acá, ¿algún autor? No muchos. Arlt, preferentemente. También Marechal y Juan José Saer. Aunque Saer era demasiado nihilista. Te inclinás más a lo clásico, podría decirse. Lo clásico nunca pasa de moda, muchachito. La vanguardia sí… (risas) ¿Qué le dirías a una persona que sueña con ser escritor? Por un lado, que tenga cuidado con la hipercrítica, que no es lo mismo que la necesaria autocrítica. La hipercrítica es un demonio que paraliza e impide el crecimiento. Y por el otro, que lea, que escriba y que viva más. Ya para cerrar: ¿qué sería el “realismo delirante”? Realismo delirante es nada más un término que inventé para definir lo mío. Porque cuando escribo, yo deliro pero con realismo. Y los delirios del realismo sirven, y mucho, para ampliar desmesuradamente ciertas partes en un libro, y esto hace que se destaque más que nunca la parte realista. O sea, el delirio sirve para reafirmar, para ver mejor la realidad. Gracias, Alberto. A vos, pichón.

[ Entrevista a Ben Benjamin de Introflirt por Diego Centurión. Traducción: Bernardo Jiménez Mesa (Apareció en el Número 29 - Agosto 2016) ]

UN ANILLO EMOCIONAL

59 "Shameless Promotion" nos trae a bandas con gran diversidad de sonidos, pero todas con una excelente calidad. Por nuestras páginas han pasado varios de sus bandas y probabemente seguirán apareciéndo. Ahora nos encontramos via el ciberespacio con otra excelente banda, Introflirt (de Oakland, California), nos traen su elegante y, a veces, oscuro synthpop. Amalgamando estructuras de otras décadas con las nuevas tecnologías, y un gusto que no es santo. Con su flamante segundo álbum por editarse en agosto de este año. "Temporary Heaven" será el sucesor del que hace un año marcó el debut, "Introflirt". En su página web se califican como "una banda sonora para la inseguridad". ¿Por qué? Introflirt me ayudo a encarar mi ansiedad social e influenció la elección de mis preferencias al ser yo introvertido, aceptando y sintiéndome confortable con mi propia inseguridad, fue algo liberador, y anhelo poder mostrar a los demás que ser inseguro está bien. Por lo tanto tratamos de ser nosotros mismos en el escenario, en el estudio, y con la gente, en lugar de tratar de crear cierta imagen. Esperamos que eso incentive a otros a sentir de la manera que nosotros lo hacemos y sentirse bien. Cada uno es único y perfecto, pero la sociedad influencia la manera en que actuamos o socializamos. Todos queremos sentirnos bien y me he dado cuenta que si no me siento bien al estar rodeado de gente, debo dejarme ser de esa forma (y tomar las medidas para cuidarme) y siempre será esta la mejor opción. Aún si esto no parece muy “cool” o si digo cosas para hacerme encajar. No me interesa; solo me interesa ser yo mismo. ¿Cómo nace la banda? La música de Introflirt nació una noche en la que me sentía frustrado con lo que yo pensaba entonces como mi “ineptitud social” y también por la falta de realizar algo creativo. Decidió entonces aprender a usar el secuenciador de un sintetizador que yo tuve siempre, y esto se convirtió en una canción. Continuando con este proceso nació un álbum entero, y eventualmente conocí a Vafa en el performance de un amigo mutuo. Su energía y nivel como músico era perfecto para el proyecto, así que ella empezó a acompañarme en el escenario. A Brendan lo

conocimos en uno de nuestros shows, ¡su primera experiencia con Introflirt fue haciendo sonido para nosotros! ¿Dos años componiendo el primer álbum? Si, casi. Parte del proceso era sentir realmente lo que yo quería que Introflirt fuese. Yo me encontraba aprendiendo a cantar en ese momento, así que, una vez finalizadas las pistas, me llevo tiempo terminar las voces, porque estaba intentando cosas diferentes. ¿Qué diferencias encuentras entre "Introflirt" y "Temporary Heaven"? El primer álbum es el sonido de Introflirt descubriéndose a sí mismo. Tiene un sonido expansivo y las letras son un balance de extrema oscuridad y una luz tan intensa que puede enceguecer. Temporary Heaven alcanza un lugar donde el sonido de introflirt está muy auto-actualizado. Los tempos son más veloces, hay mayor claridad en la composición y los arreglos tienen más cohesión. ¿En dónde crées que ha cambiado el sonido de la banda, ahora que son un trio? El sonido ciertamente ha cambiado. Brendan ha sido una gran influencia en nuestro sonido, mejorando todo a nivel de producción y añadiendo un bajo más denso. Después de estar en escenario con Vafa los pulimos dos años, y al ver cómo reacciona el público a nuestro sonido en vivo, hemos en general subido los tempos (velocidad), haciendo todo más apto para las pistas de baile. Todo ocupa ahora un lugar más organizado. ¿Cómo explicas tú el término "croonwave"? Yo aprendí a cantar en bares de piano (piano bars), explorando estándars de jazz de mediados de siglo. Así que desarrolle un estilo tipo “crooner”, solo por estar expuesto a esa música e interpretarla. Fue algo muy natural que se adaptaba fácilmente a mi voz, y aunque no fue intencional, es la técnica y la manera que tengo de abordarlo lo que hace que tenga sentido para mí. Yo lo aplique en Introflirt para ver si funcionaba, y lo hizo. Respecto al término “croonwave”, en lugar de ponernos en un género que realmente

no describe lo que hacemos, y al haber tanto énfasis en la voz al ser el instrumento principal en este proyecto, nosotros pensamos que “croonwave” lo expresaba correctamente. Su música es una mezcla de elegancia y ritmos que nunca se pierden en la oscuridad, sin caer en el cliché del típico ritmo dance. ¿Cómo contienes la tentación? El método de grabación dicta bastante del sonido de Introflirt. La mayoría de lo que escuchas es tocado con las manos. Algunas de las partes más veloces y complicadas son secuenciadas, pero aún esas partes son interpretadas antes de ser convertidas en loops... Así que siempre hay un elemento humano que da como resultado nuestra manera de crear música. ¿Qué importancia tienen las redes sociales? ¿Cómo te sientes con las redes? Son muy importantes para llegar a un público potencial en todos los rincones del mundo. Crear un público tocando en recientes locales es divertido, pero toma DEMASIADO tiempo y energía. Siendo un introvertido, disfruto el poder sentarme en casa, con una taza de café interactuar con gente de todas partes, a cualquier hora del día. Sin embargo, yo me empiezo a deprimir si paso mucho tiempo en estas redes y tengo que, por lo tanto, tomar descansos para mantenerme sano.

¿Han desechado Heaven"? Tal vez.

canciones

del

"Temporary

¿Cuáles son los próximos pasos de la banda? Estamos concentrados en promocionar Temporary Heaven, tocando shows interesantes localmente, y desarrollando nuestro sonido para crear una atmosfera más envolvente en todas partes. Nos encanta establecer contactos para promocionar otras bandas y mejorar en general nuestra vida cotidiana. Aprendemos todos los unos de los otros a través del trabajo que hacemos con Introflirt, y esperamos poder seguir haciéndolo. Para terminar, Dime ¿por qué la gente debería escuchar a "Introflirt"? Nosotros no creemos que nadie “deba” hacer algo. Creemos, sin embargo que Introflirt ofrece algo nuevo. Una alternativa a tantos artistas que tratan de encajar en un género o complacer un público. Nosotros solo queremos complacer a gente real. Hemos escuchado de nuestros fans que Introflirt refleja las emociones de quien lo escucha, como un anillo emocional. Queremos que la gente se sienta bien con sus propias emociones y las puedan explorar. Agradezco la oportunidad de esta entrevista. ¡Gracias! Apreciamos la oportunidad de compartir nuestros pensamientos.

[ Entrevista a Alan Courtis por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografía: Johannes Rossini. (Apareció en el Número 28 - Julio 2016) ]

ESTOY CONTENTO DE QUE LA MÚSICA CIRCULE

4 de Junio de 2016, In-Formed Music en Galería Nora Fish.

(Lone’s Dream Festival de Nueva York en 2010). Hice esta obra

(En el número pasado hemos reseñado esta gran puesta de

porque pensé algo que sea inclusivo, que pudiera incluir mú-

obras de Alan Courtis y hacia el final hemos mencionado la sa-

sicos y no músicos, también lo que pasa acá es que muchos de

lida en esta edición de una entrevista realizada ese mismo día,

los que tocan no son músicos profesionales, bueno por ahí hay

así que a continuación pueden leerla)

ciertos códigos que hay que respetar pero la obra está abierta a que la pueda tocar quien quiera tocarla. A veces lo que pasa en

Antes que nada vamos a hacer un pequeño especial con tu

la música contemporánea es que es una música muy cerrada, y

obra, una reseña con lo que ha sido tu historia y la reseña par-

la idea era salir de esa burbuja de elite y llegar un lugar más de

ticular de lo que hemos visto hoy. Entonces más que nada, los

interacción social.

créditos y todo lo que podamos sacar del programa de mano de la galería. Digo, dentro de la escena, tener créditos como los que

En este caso la materialidad, el hecho de ser material, sencilla-

tienes son sorprendentes, llama mucho la atención desde Lati-

mente periódicos, diarios, hace no sólo que sea accesible, muy

noamérica hayas trascendido fronteras y hayas trabajado con

fácil de montar...

toda la gente que se menciona.

Todos tienen diarios, cualquier persona tiene un diario en la casa, es sencillo y de bajo presupuesto, pero a la vez tiene esa

¿Dónde te encuentras trabajando o viviendo? ¿Cómo haces para conseguir este tipo de conexiones y haber tocado en tantos

cuestión los chicos la pueden tocar y todo esto es parte del proceso.

lugares y publicado en tantos sellos? Básicamente vivo en Buenos Aires, desde que nací, viajó bas-

El hecho de que sea un elemento tan común para todos hace

tante, tengo mi casa acá, mi familia, mis amigos, y siempre vuel-

que sea fácil de acercarse a la obra, hace que el público este pen-

vo. Siempre estoy viajando, tengo un montón de proyectos basa-

diente de lo que se hace con algo tan cotidiano, algo que yo ten-

dos en muchos lugares, pero vivo acá. En Latinoamérica y otros

go en mi casa.

lugares colaboré con más gente de la que está en el programa.

Sí. La idea era de trabajar con algo súper accesible, de bajo

Porque por ejemplo, esta obra la tocaron chicos de la primaria

presupuesto y de generar algunas ideas para hacer música con

en Nueva York, entonces lo que digo es que la música tiene que

eso. Y la obra si te fijas tiene son tres grupos y tiene cuatro par-

estar más al servicio de lo social, no solo para una elite de músi-

tes y cada parte se toca de una manera distinta y hay códigos de

cos que tocan para una burbuja. Yo creo que la música tiene que

cono tocar. Y esto tiene toda una explicación. Básicamente lo

ponerse más al servicio de lo social, por eso trabajo con personas

que trata la obra es generar distintas texturas para aprovechar la

con discapacidad y tengo bastantes proyectos en el mundo, en

sonoridad de los diarios.

Noruega, Inglaterra, Bélgica, Portugal o en Francia. Y funcionaban clarísimo. ¿Los músicos que interpretaron ¿Cómo se dio? ¿Cómo llegaste?

esto fueron entrenados primero?

No, no hay un plan con esto. Se va dando sólo, uno empieza

Hay un poco de todo, hay músicos que la interpretaron va-

con algo y eso va generando otra cosa. Lo que tiene la música es

rias veces, y había algunos que la interpretaban por primera

que puede viajar, llevar la música, uno puede llevar la obra. Y

vez. Igual nuestra directora Alma Laprida es muy buena, así

hoy por hoy también lo que me pasa es que con las tecnologías,

que ella trabajó mucho para que hoy esto llegue a buen puerto

está obra se tocó en Tailandia, si alguien quiere tocar la obra, le

sonoro. Igual la obra es bastante clara en lo que propone y es

mando la partitura, se necesitan una supervisión de la obra po-

muy abierta.

demos hacer algo por Skype. Hoy las tecnologías ayudan mucho a que se pueda dispersar. Yo la verdad es que estoy contento de que la música circule, que la gente se apropie un poco de la música y de la misma manera que los músicos hoy se apropiaron de esta obra.

Hay otra obra expuesta, “La guitarra sin cuerdas” cuéntanos un poco de esto. “La Guitarra sin Cuerdas” también hice un disco con esta guitarra sin cuerdas y básicamente está grabado con esta guitarra. Esto tiene una historia, es una guitarra que compré en un Ejér-

Hablando de lo que vimos hoy ¿esta obra cuando fue escrita?

cito de Salvación en los noventa y no tenía puente, no tenía cuer-

La obra es del 2010, la escribí para Pauline Oliveros, que es

das, probé alguno pero nada funcionaba. Quedó así por muchos

una compositora norteamericana, ella la estrenó para un festival

años y un día dije “Bueno… la voy a tocar así”, simplemente

le puse un micrófono de contacto, entonces produce el acople

Sí, en una zona de Nueva York. La tocaron y es una obra que

(feedback) y en algunos casos con el cuerpo de la guitarra. Para

está abierta a eso, por eso te digo que está bueno lo que pasa

la Galería armé esta cosa que, no sé cómo lo definiría, pero es

con los chicos…

como una pintura sonora o algo así. Y lo que tiene es el acople de la guitarra sin cuerdas y tres loops de cassettes con sonidos grabados con la guitarra sin cuerdas.

De cierta curiosidad, los niños no van a olvidar esto, le queda en la memoria como “fui a un lugar donde la gente tocaba con diarios” y se lo van a contar a sus amigos. Quería preguntarte,

¿Cómo se dio de venir a presentar las obras acá, te invitaron ellos?

por último, ¿a futuro que viene? Bueno, tengo una gira en Chile y Perú. Bueno yo doy clases

Tenés que preguntarle a Ariel Authier eso, pero… si, me pro-

así que tengo esta gira en vacaciones de invierno y después vuel-

pusieron hacer algo y la verdad es que para mí era algo nove-

vo y empiezo con las clases, así que termino el año acá. Y para el

doso. Varias veces toqué en galerías, expuse alguna vez cuando

año que viene tengo una gira por Europa y no sé si Asia también.

tocaba, pero nunca había hecho una muestra con obras y traba-

Tengo varios discos nuevos, uno que está saliendo antes de fin

jamos para que esto funcionara para la galería, y para mí es una

de año en Estados Unidos, uno en Polonia…

enorme alegría, muy agradecido a Nora Fisch y a Ariel Authier que de quienes surgió la propuesta.

¿Editas con diferentes sellos? Claro, la verdad es que tengo una política muy abierta en ese

Creo que también que este tipo de espacios acercan la obra

sentido, no tengo exclusividad con ningún sello, hacemos un

a público que no es necesariamente de la música contemporá-

disco con el sello que quiera, con algunos sellos tengo más de

nea…

uno, pero en general tengo una política “por disco”, porque tam-

Exactamente y eso me parece que está buenísimo y me pare-

bién me sirvió a mí para hacer contactos en otros países, por

ce que hay bastante poco arte sonoro en galerías, al menos en

ejemplo tengo contactos en China o en Malasia, y esto me per-

Buenos Aires, creo que esto refresca un poco la escena, a mí me

mitió ir a esos países, de manera independiente, porque no son

gusta y también hablábamos con los músicos que este tipo de

grandes empresas pero si gente que tiene mucha pasión por la

música salga un poco del gheto y que se mezcle con otro tipo de

música y de alguna manera la hacen conocer en esos lugares y

audiencia que por ahí viene a una galería y no sabe que existe

eso es lo principal, para que la música vaya fluyendo en los dis-

este tipo de propuestas.

tintos lugares donde pueda llegar a la gente. Toqué varias veces en Resonance, en SXSW, pero yo no tengo una aproximación

Y había niños entre el público.

comercial a esto, simplemente lo voy haciendo, no tengo mana-

Si, y esta obra la de los diarios la tocaron en Nueva York…

ger, armo todo yo, y tampoco vivo solamente de la música, sino también de la enseñanza y de algunas otras cosas, pero básica-

¿Fue porque te lo propusieron también?

mente es muy difícil vivir sólo de la música.

[ Entrevista a Jaike Stambach from “The History of Colour TV” por Diego Centurión. Traducción: Bernardo Jiménez Mesa ]

NO SIEMPRE ES FÁCIL VER EL FUTURO CON CERTEZA

La banda alemana The History Of Colour TV ha lanzado el 25

parte por necesidad, pero también porque parecía adaptarse al

de noviembre del 2016, el single "Wreck", que es adelanto del

nuevo material que habíamos estado desarrollando durante el

tercer álbum "Something Like Eternity". La banda nacida en el

año pasado.

2010 como un proyecto individual y multimedia de Jaike Stambach. Actualmente la formación se ha ampliado a un trio, con

¿Quién o qué ha influido en tu música?

Markus Mocydlarz y Janek Sprachta. "Emerald Cures Chic Ills"

Bueno, con el nuevo álbum, por lo menos, había un deseo

(2012) y "Shapes Of Spilt Blood Spelt Love" (2014) son sus an-

de que las canciones tengan una cierta calidad narrativa. Para

teriores álbumes.

que sean habitados por personajes y lugares, como conductos para las emociones y escribir sobre ellos, y menos abstracto en

¡Hola! Antes de comenzar quisiera agradecerle por la oportunidad de entrevistarle. Gracias por la invitación. Para empezar, ¿de dónde procede el nombre de la banda, The History of Color TV?

un cierto nivel que las canciones / álbumes anteriores. Yo diría que la inspiración para este disco estaba más basada en la literatura que en la música. ¿Cuál ha sido, hasta ahora, la respuesta al nuevo single? Ha sido bastante positiva. No era la opción más obvia para un

La frase apareció incluso antes de que la banda o el proyecto

single. Y es muy diferente a todo lo que hemos hecho hasta aho-

existiera, o incluso una idea. Era sólo uno de esos pensamien-

ra, por lo que fue interesante obtener reacciones de personas

tos que se deslizan a través de tu mente de la nada. Parecía un

que nos han seguido y que podrían tener expectativas.

título fresco, o un nombre de banda, y terminó siendo utilizado para este. Casi podría decirse que el nombre provocó la existencia del proyecto.

El sonido de su banda tradicionalmente es algo similar a shoegaze, pero en el nuevo single, su sonido se ha vuelto más duros. ¿Has estado buscando un nuevo sonido?

La banda comenzó como un proyecto multimedia a cargo de

En términos de sonido, nunca es realmente una elección

Jaike Stambach, ¿cómo se fueron sumando los otros integran-

consciente o una búsqueda activa, como empezar a escribir un

tes?

disco con una plantilla sónica particular en mente. Tal vez sea

Se convirtió en una banda y evolucionó, como tal, principal-

hasta cierto punto. Pero se siente más como dejar a la música ir

mente a través de la reunión de personas con ideas similares.

donde quiere, por así decirlo. Creo que estábamos felices con la

Pero también con la forma en que la música se fue desarrollan-

forma en que las cosas sonaban como una pieza de tres en la sala

do, de material "instrumental" ruidoso hacia canciones, tenía

de ensayos, simplemente despojada y escasa, con pocos efectos

sentido que haya más gente involucrada, especialmente para el

en las guitarras, etc. Otra vez, tal vez sea la naturaleza de esas

aspecto en vivo, es más divertido tocar este tipo de música en

nuevas canciones. No parecía necesario profundizar en ningu-

vivo como un grupo de Personas en vez de hacerlo sólo.

na consideración adicional de "producción" o añadir muchos overdubs. Creo que la crudeza de ese enfoque es tanto la mayor

¿Cuáles son las principales diferencias entre sus dos primeros álbumes y el tercero?

fuerza como la debilidad del álbum, dependiendo de cómo elijas experimentarlo.

La mayor diferencia es que este álbum fue grabado en vivo en un estudio, y todo el disco se hizo en el transcurso de una semana o algo así. Mientras que los dos anteriores se juntaron

¿Cuándo crees que se lanzará el nuevo álbum 'Something Like Eternity'? Y ¿qué podemos esperar de su sonido?

pieza por pieza, durante períodos de tiempo mucho más lar-

Sale el 24 de febrero. Yo diría que el single es bastante repre-

gos. Es fácil hacer grabaciones relativamente de alta calidad "en

sentativo del sonido y la atmósfera del álbum. Así que si te gus-

casa", y no tiene que preocuparse por la cantidad de tiempo que

ta esa canción, hay una posibilidad de que puedas disfrutar de

gasta en relación con el costo, a diferencia de un estudio, por

todo el disco, o al menos...

ejemplo. Así que puede ser tentador pasar mucho más tiempo acodando y ajustando su sonido, que fue el caso con los dos pri-

¿Qué planes hay para el 2017?

meros álbumes. Ambos enfoques son por supuesto totalmente

Todo el mundo en la banda está muy ocupado, por lo que no

válidos. Pero con este álbum decidimos imponernos, a noso-

siempre es fácil ver el futuro con certeza. Las cosas tienden a

tros mismos, un tiempo de producción mucho más corto, en

suceder relativamente orgánicamente con The History Of Color

TV, aunque trabajamos duro para transformar este último álbum de una idea en una grabación y un objeto físico para las personas. Es seguro decir que estaremos tocando algunos shows... y esperamos que grabar un nuevo álbum antes de fin de año. ¡Muchas gracias por esta entrevista!

[ Por Wayne Hussey. Traducción: Marcelo Simonetti (Aparecció en la Revista Especial de David Bowie - Mayo 2016) ]

NUNCA HABRÁ NADA NUEVO DE BOWIE, Y ESA ES LA TRAGEDIA MÁS GRANDE DE SU MUERTE

Cuando me levanté esa mañana, desvelado como de costum-

figura de culto en ese momento más que como un pop star.

bre, en la cuarta vuelta en la cama, pispeé el celular, y la prime-

Y entonces en Mayo o Junio de 1972, sólo unas pocas sema-

ra noticia que vi, me la dio Wayne en el perfil de The Mission

nas después de que T.Rex llegara al número 1 con el punto más

en Facebook. Cuando le pedí que escriba unas líneas a raíz de

alto de su carrera Metal Guru, Bowie lanzó Starman como sin-

la muerte de Bowie y me encontré con semejante homenaje de

gle de su siguiente álbum, The Rise & Fall OF Ziggy Stardust.

su parte volví a sentir lo mismo que cuando me dio la noticia

Y tocó la canción en Top Of The Pops.

por primera vez.

El mundo se desplazó de su eje esa noche y nunca

Obviamente tengo casi 20 años menos que Hussey, y no co-

volvería a ser igual. Introducido a millones de hogares ingleses

nocí a Bowie en el momento en que lo conoció él. Y a la inver-

en horario pico de TV un jueves por la tarde Bowie polarizó la

sa de él, no conocí primero a sus antecesores musicales, sino a

Nación. Nosotros, los jóvenes, teníamos otro héroe que alinear

sus hijos. Y con los años lo fui conociendo, porque fui desan-

junto a Bolan en las trincheras de la guerra de generaciones.

dando la escalera musical de hijo a padre. Y cuando lo descubrí

Cada generación debe tener sus propios héroes, abandonando

aprendí que era el padre de todos. Y entiendo y siento igual a lo

y ridiculizando todo lo que había antes, particularmente la mú-

que él está reflejando en éstas líneas de despedida, y en éste via-

sica que nuestros padres escuchaban.

je histórico que propone donde conocemos datos paralelos de

Vi el ascenso de David Bowie, y luego el todopoderoso y ma-

la vida de Wayne y David. El amor absoluto y sin contradiccio-

ravilloso correr de álbumes, cada uno un clásico, que grabó du-

nes, expresado acá.

rante todos los 70 y hasta Scary Monsters. Cada álbum era di-

Marcelo Simonetti

ferente, como fans nunca supimos ni de cerca que esperar con cada lanzamiento. Justo como debería ser. Como la mayoría de los fans de Bowie estaba decepcionado

Cuando tenía 13 años en los comienzos de 1972 fui testigo del

con sus discos de los 80 pero siempre se mantuvo interesante.

ascenso de David Bowie. Marc Bolan & T.Rex llegaron un poco

Estuvo en la lista de invitados para ver a The Mission en el LA

antes, quizás un año, y fueron mi primer amor y aún hoy adoro

Palace en 1987 (Iggy se había hecho amigo mío en esa época)

sus primeros simples y los discos Electric Warrior y Slider, pero

pero tuvimos que cancelar el show porque Craig sufrió la pri-

T.Rex sufrieron el mismo destino que todos los primeros amo-

mera de sus “caídas” en gira y tuvimos que mandarlo a casa. Al

res. Todos nos movimos hacia otros más nuevos, más grandes

día de hoy aún culpo a Craig por nunca haber podido conocer a

y más perdurables amores.

Bowie. Tim Palmer, quien nos produjo God’s Own Medicine,

Había leído que Bowie era amigo de Bolan, entonces cuan-

produjo el proyecto Tin Machine. Mientras estábamos graban-

do vi que Bowie iba a aparecer en el show nocturno Old Grey

do el álbum Carved In Sand con Tim en Londres Tin Machine

Whistle Test (un programa musical ómnibus nocturno de la te-

llegó a la ciudad para hacer un show. Como amigo de Tim tuve

levisión británica) mi interés se despertó y me las arreglé para

que ir al show, y lo amé. La única otra vez que vi a Bowie actuar

persuadir a mis padres para quedarme levantado un poco más

antes fue en el Bristol Colston Hall cuando tocó teclados en la

tarde de lo que normalmente estaba autorizado a hacer. Bowie

gira de Iggy Pop. Reeves Gabrels, quien tocó la guitarra con

tocó Queen Bitch y Oh, You Pretty Thing (si la memoria me ayu-

Tin Machine, vino al estudio mientras grabábamos y prestó sus

da) y, por supuesto, como el resto de la juventud de la nación

muy poderosas habilidades a dos o tres de nuestros temas. A

quedé intrigado y confundido en igual medida. Nunca había

pesar de nunca haber conocido al gran hombre me queda gran

visto nada más abiertamente andrógino antes, nada más aliení-

consuelo en el hecho de que Bowie realmente conoció mi nom-

gena o extravagante, ni se había visto en toda Gran Bretaña, y

bre como escribí en la letra de una canción en el álbum de The

Bowie devino en la charla del patio del colegio en los siguientes

Mission del 2013, The Brightest Light.

días. Y poco después vino el infame reportaje en Melody Maker

Pienso que el trabajo de Bowie con Tin Machine, a pesar de

cuando salió proclamando públicamente que era homosexual.

que fue mayormente despreciado por los medios como un pro-

Otra vez, no era algo que fuese común hacer en la Gran Bretaña

yecto vanidoso, sirvió como un pequeño renacimiento para el

de comienzos de los ´70, con la homosexualidad fuera de la ley

hombre y lo puso de nuevo en las pistas para ir hacia nuevos

hasta fines de 1967 a raíz de la aparición de la rebelión juvenil y

géneros creativos de límites borrosos y música innovadora otra

la era del amor libre. Abundante en contradicciones fueron los

vez durante los 90 y los 00. No todo lo que intentó fue exito-

60´s y los 70´s. Pero a pesar de la siempre creciente legión de

so pero al menos estuvo otra vez desafiando nuestras expecta-

fans y el impulso hacia adelante Bowie se mantuvo como una

tivas de él.

Bowie ha estado omnipresente en mi vida desde aquellos años tempranos de la adolescencia. Siempre ha estado ahí. Y ahora ya no está. Aún es insondable para mí que se haya ido. Lázaro no se va a levantar de entre los muertos ésta vez… Yo estaba, coincidentemente, con Craig Adams cuando me enteré de la muerte de Bowie. Ambos habíamos arribado al aeropuerto O’hare de Chicago más temprano aquella noche del 10 de Enero en vuelos separados, yo desde San Pablo y él desde Baltimore. Nos tomamos un taxi al hotel en Highland Park. Hicimos el check in, dejamos las valijas en la habitación que compartimos, algo que no hacíamos desde hace muchos años, y decidimos tomarnos un trago tranquilos en el bar del hotel antes de intentar dormir. A eso de la 1:30am, del Lunes 11, volvimos a la habitación, y acurrucándome en la cama con nieve y hielo en el piso afuera, me volví hacia mi Ipad, ya que es mi hábito, a chequear las noticias de la BBC antes de dormir. Urgente: el ícono de rock David Bowie muere a los 69. Así como su vida fue una obra de arte también su muerte lo ha sido. Si hubiese estado todo planeado no hubiera podido hacerse con mayor precisión para un impacto mayor. Y nos dejó con quizás su mejor álbum en décadas –Black Star. Es difícil escuchar el álbum sin prejuicios ya que cada una y todas las canciones y letras son examinadas como ideas y hay muchas ahora con el beneficio de una comprensión retrospectiva, pero podría decir que es la manera apropiada de terminar un legado que Bowie nos ha dejado a nosotros, meros mortales. Y por supuesto, siempre tendremos eso –la música, el arte, la moda, el legado. Pero nunca habrá nada nuevo de Bowie. Eso, para mí, es la tragedia más grande de su muerte. Genio es una palabra muy pequeña para el hombre. La inspiración e influencia con la que proveyó a casi cada músico y más que ha aparecido después de él está ahí para ser contemplada en todos lados, en cada recoveco de la vida. Habrá elogios por días, meses, años, y será justo, y todo lo que puedo agregar realmente a todo eso es que yo amé, no, perdón, amo a David Bowie y siempre lo haré. Hay una nueva estrella negra en el cielo…

[ Por Patricia Claudia Fiori (Apareció en el Número 30 - Septiembre 2016) ]

EL PODER DE LAS MUJERES

mos de una vena artística tenía que ser juntas o nada!... Sonríen Mientras suena reiteradamente en mí el maravilloso último single: “Take the Adventure of Love” (“Toma todo mi amor“) en sus versiones en inglés y español, es ocasión más que placentera para presentar a The Peppersplum. Ellas, Marie y Sussie Fernández, dúo de hermanas Mexica-

The Peppersplum puede definir su estilo, esencia, ¿Hay referentes predominantes? Marie: Pues toda la música en inglés, el rock británico y el de los 50’s

nas, nacido en Inglaterra, hacedoras de sus propias canciones

Sussie: Si predomina el rock, la música en inglés, mas definir

en sus dos álbumes editados (“ Yeah!”, 2008 y el que les permi-

una esencia, es la parte de nuestros caracteres la que se mezcló

tió reconocimiento mundial y premiaciones: “Is it love?”, 2010).

con lo que escuchamos.

Actualmente, The Peppersplum se encuentran en plena grabación de su Tercer y Cuarto álbum: “Fast Love Volumen I” y

La banda compone sus propias canciones. ¿Cómo es el mo-

“Fast Love Volumen II”, si bien el idioma inglés predomina en

mento del proceso creativo, se reúnen y las canciones van flu-

la lírica de sus trabajos, Marie y Sussie decidieron que también

yendo o hay un armado previo al entrar a crear?

sus nuevos álbumes se editen tanto en inglés como en habla hispana. Sigo recorriendo sus álbumes donde se suceden canciones

Marie: Surgen de repente, nunca nos hemos forzado a escribir una canción, un momento y sale algún sonido, alguna letra y de ahí comenzamos a darle más forma.

con una continuidad que me mantiene expectante, llega un so-

Sussie: Algún sentimiento, personas que han tocado nuestra

nido fresco, descomplejizado, vital, con referencias brit y con

vida, en algún momento te suena en la cabeza algo y tienes la

propia impronta, despertando mis sentidos la predominante

intuición de que sonara muy bien.

voz de Sussie, las backing vocals de Marie, las guitarras y pianos de ambas, con melodías tan armoniosas como profundas.

La lírica, en sus títulos de sus trabajos editados y en proceso

Se revela una importante producción en sus trabajos coman-

de edición, referencia el tema del amor, ¿Cuánta predominan-

dada por Gerardo Australia, quien recordemos trabajó para la

cia tiene el amor en las letras? ¿Qué desean expresar en sus can-

afamada serie inglesa “Down town abbey”, y en sus versiones

ciones? las mismas pasan por diferentes estados emocionales,

dance, con la presencia del DJ italiano, Mattew Valde. Mattew

por ejemplo.

es incorporado para sus nuevos álbumes en estudio, donde retoman sonidos de los 70 y la presencia de lo electrónico. Dos mujeres que expresan notoriamente un conocimiento con agudeza musical e instrumental, dos mujeres de habla hispana que repercuten en la escena mundial cada vez con mayor

Marie: Haha (ríen) no le hemos puesto al 2º álbum y al 3º títulos de amor, cuando volteamos y nos dimos cuenta Is it love? Fast love…. Ya es mucho amor. Sussie: Si, bueno el amor esta en todos lados, en diferentes seres, cosas, y en distintos grados, mas siempre te acompaña.

notoriedad que nos despierta al deseo de conocer más sobre

Marie: Pues son las diferentes etapas de una vida, pero no en

ellas en primera persona. Bienvenidas sean entonces, Sussie

específico expresa, rebeldía o algo, es como uno va viviendo la

y Marie.

vida y las situaciones que le tocan a uno enfrentar. Nos a tocado vivir momentos muy difíciles y claro también alegres, lo he-

Es un placer desde Buenos Aires, Argentina, que tan gustosas hayan aceptado ésta entrevista para la Revista The 13th. Me es imposible comenzar sin remitirme a preguntarles por los inicios…

mos enfrentado juntas, por lo que creo que tenemos una gran compenetración. Sussie: Expresar como dice Marie algo en específico no exactamente, más bien es como hoy me siento mal y me nace decirlo, mañana estoy muy feliz y la música nos permite mostrarlo,

¿Cómo se inició The Peppersplum, el armado como dúo (y la particularidad de un dúo de hermanas)?

más bien expresar nuestra esencia, las emociones y vivencias que hemos pasado.

Sussie: Hola primeramente gracias por este espacio, mmm los inicios pues es desde siempre, que éramos niñas, siempre nos gustó cantar. Marie: Pues desde que tengo memoria siempre hemos estado juntas en esto, cantando, bailando, actuando. Siempre disfruta-

En la composición, ¿en primer lugar surge la melodía y en consecuencia sigue la letra que emana de ella o una letra sugiere una particular composición musical? Sussie: Surgen juntas un día en la cabeza suena una canción,

un momentun, que simplemente lo dices cantando. Marie: Hasta este cuarto álbum que estamos haciendo siempre han ido juntas la letra y la música.

tando estas preguntas es ¡Wow, gracias! ¿Hasta allá llego? Apenas estamos viviendo el éxito del Is it love? Sussie: Si, su momento fue como te digo como si hubiera sucedido en sueños, y ahora que lo pregunten es como ¿Ha si

¿Ambas componen letra y música?

paso? Solo ahora, hoy empieza a dejarnos una sonrisa en el ros-

Si (ambas) hahaha, Marie: siempre no podríamos sonar igual,

tro y apenas ahora lo empezamos a disfrutar, ¡Wow que buen

una que otra canción tiene más de mí o de ella pero el 99% son

trabajo! ¿Cómo lo hicimos? (Sonríen)

juntas. Sussie: A veces una empieza algo y lo termina la otra, mas

En su Tercer y Cuarto álbum en proceso de edición se vis-

siempre tiene de las dos nos comprendemos muy bien y a ve-

lumbran giros respecto a los dos anteriores. ¿Nos podrían con-

ces la otra tiene la palabra, o el sonido exacto que se necesita.

tar como surge la idea de dos álbumes en forma simultánea? Sussie: Nos gusta ser un poco camaleónicas, y teníamos ga-

¿Cómo definen su primer trabajo y dos años después su segundo álbum?

nas de hacer cosas nuevas, sorprender, y retarnos a nosotras mismas, ¿Nos preguntamos podríamos hacer una canción tipo

Sussie: Como Marie ha dicho hemos pasado por situaciones

Gloria Gaynor, o BeeGees? Entonces pusimos manos o cancio-

difíciles y el primer trabajo además de todo era un ¡SI SE PUE-

nes a la obra y nos sorprendió primeramente a nosotras que po-

DE! Por eso el título del mismo YEAH!

díamos dar un paso más allá del rock. Si por ello traicionar al

Marie: El primer trabajo es más inocente tienes muchas ilu-

rock, nuestra esencia y pasión siempre ha sido el rock.

siones sobre algo, el segundo es durante una etapa muy, muy

Marie: Bueno no sigue siendo rock, uno, el otro bueno es que

difícil de nuestra vida, y es un disco más maduro más complejo.

también nos ha gustado el dance, y tenemos muchos sonidos y

Sussie: Si el segundo es más enfocado tal vez ya sabíamos al-

no podríamos quedarnos solo en un género. Somos muy prolí-

gunos caminos que descubrimos con el primero, y a la vez nue-

ficas, es bueno tendrían que oírlo son más de 22 canciones en-

vos retos había que mejorar

tre los 2 discos.

Hablando de su segundo trabajo “Is it Love”, ¿qué explica para Uds. que éste álbum haya sido el que consigue el reconocimiento masivo y las importantes menciones y premios? Marie: Como casi no sale, por la situación que teníamos, que era muy diferente a la alegría del disco, era algo que para noso-

Otro giro: si bien la lengua principal en la lírica es el inglés, ¿cómo pasan y porqué sus versiones en español? Marie: Primeramente por que los fans de habla hispana nos lo pidieron y bueno nunca habíamos hecho un disco completo en español.

tras era casi como que no hubiese pasado. Nosotras si teníamos

Sussie: Si muchos nos decían, “…Pero, pero quiero entender-

como una especie de dos vidas, la vida personal los seres huma-

las totalmente no las cantan en español…” Lo cual nos presen-

nos no estaban viviendo una situación alegre y la artística que

taba otro reto, ya sabrán que nos gusta superarlos, de hecho en

estaba teniendo estos reconocimientos.

español una de nuestras grandes influencias es Sandro de Amé-

Sussie: Si los reconocimientos, sucedieron realmente como

rica, nos encantan sus canciones, su presencia escénica, pensa-

en un sueño, algo que no pudimos disfrutar, ni meditar. Sabía-

mos bueno si se puede hacer algo muy bueno, hasta hemos visto

mos que nos gustaba, todavía nos gusta el Is it love? Es muy bo-

todas sus películas y escuchado todos sus discos.

nito y es un gusto que las personas lo escuchen y lo disfruten, porque si nos costó bastante hacerlo por muchas razones, y al

En ellos toman una nueva dirección retomando sonidos e in-

final que a pesar de lo que pasaba atrás, el disco fuera premiado

corporando sonidos más electrónicos con la fusión de Mattew

ahora a la distancia nos hace pensar que fue un buen trabajo, y

Valde. ¿Cómo deciden aquí la incorporación de Mattew justa-

se merece, su status dentro de la música.

mente un DJ, y un hombre en un dúo femenino, cómo lo fueron pensando?

¿Cómo lo vivieron en su propio país y en el reconocimiento en el exterior? Marie: Apenas hoy te puedo decir que me empiezo a dar cuenta, que empiezo a disfrutarlo, como con este momento contes-

Marie: Si el Dance participa, el rock es solo nuestro. Sussie: Lo que influye de Matt es que es bueno, otros Djs no se atrevían a trabajar con The Peppersplum arguyendo que no sabían cómo mezclarse. Con Matt el trabajo ha sido fluido.

Marie: Si es un buen Dj, él sabe lo que hace en su género. Para finalizar, ¿cuándo tendremos el Tercer y Cuarto disco? Para beneplácito de nuestro género, a lo largo de la historia de la música mundial tenemos muchas referentes femeninas so-

¿Dónde se están presentando actualmente y desearían presentarlos?

listas y bandas con presencia solo de mujeres. Es extensa la lista

Marie: Esperamos que para finales de este año o principios

de grandes referentes emblemáticas pasando por diferentes es-

del próximo de hecho, antes de contestar esta entrevista estába-

tilos, me vienen ahora a la mente desde Nico, Bjork, Liz Fraser,

mos dialogando, para ver si podemos incluir alguna que otra

PJ Harvey, Kim Gordon, pienso también en The Organ, a modo

sorpresa más, pero ya están muy cerca los próximos sencillos.

de ejemplo, y sigue la extensa lista de maravillosas mujeres.

Sussie: Estos dos álbumes se ha estado metamorfoseando,

Pero en un universo con tanta presencia masculina en la mú-

constantemente en nuestras manos solo podemos observarlos

sica, dónde lamentablemente hemos asistido en muchos casos

como van evolucionando casi sin que podamos evitarlo (haha-

a la cosificación de la mujer para ser mostrada como objeto, en

ha ríen) Ellos son los que nos están marcando la pauta, no al

otros para cumplir rol de simplemente “coristas“, ¿cómo vivie-

revés, son unos tiranos. Pero los disfrutamos y esperamos que

ron y viven The Peppersplum el poder hacerse un lugar en éste

igualmente lo hagan ustedes. Estamos confirmando fechas para

universo con estas características? ¿Cómo piensan a la mujer

todo México, mientras nos presentamos en distintos lugares de

en éste contexto?

la Ciudad de México con la gira Rolando por la Ciudad.

Sussie: Nunca hemos pensado que los hombres y las muje-

Marie: Si ¡espéranos en tu ciudad!

res son aparte, ambos son seres humanos, no es feminismo, ni machismo, es simplemente las voces, los sentimientos de dos

Me es imperioso expresarles que Argentina está deseosa de

seres humanos ante la vida, nunca pensamos en -Que sí, solo

ser parte de su gira, aquí crece el número de seguidores y hay

los hombre podían ser de una banda de rock, desde chicas siem-

un público ávido por descubrirlas.

pre quisimos ser de la banda, no ir con la banda. Ni siquiera lo meditamos, en el comienzo alguien nos dijo “… Mujeres y en el rock uhhhh pasara mucho tiempo antes de que salgan….” Con la inocencia y rebeldía de entonces dijimos - ¿No porque? Si se

Marie: Nosotras encantadas Argentina es un país único que nos llama la atención si nos invitan sería un gusto. Sussie: Si Argentina tiene un gusto muy refinado para el rock por lo que sería como dice Marie un gusto presentarnos ahí.

quiere, se puede. Marie: Cualquier sentimiento la ira, el amor, la tristeza o

Ha sido un enorme placer éste contacto, Sussie y Marie, les

alegría son sentimientos humanos ya sea que los exprese un

agradecemos ésta diferencia para la Revista The 13th. Y espe-

hombre o una mujer, son humanos y no puedes dejar de sentir

ramos tener la presencia de The Peppersplum muy pronto en

identificación si en ese momento te toca, sean interpretados o

Buenos Aires.

compuestos por hombres o mujeres los sentimientos no conocen de géneros.

Ambas: Solo nos queda agradecerles el espacio que nos brindan. El gusto fue nuestro, y será un gusto verlos allá.

[ Por Carla Desiderio (Apareció en el Número Especial de David Bowie - Mayo 2016 ]

DAVID BOWIE ES… UN ARTISTA QUE SUPO VESTIR SU MÚSICA

En la década de 1950, la moda de los jóvenes comienza

grandes cambios se comienzan a ver reflejados en la indumen-

a diferenciarse de la de los adultos. Encuentran a sus referentes

taria, es la segunda vez en la historia que el largo de la falda se

en los cantantes de rock and roll y en algunos actores que sur-

acorta notablemente, la primera vez fue en la década de 1920,

gieron en la época, como James Dean y Marlon Brando, que se

pero en esta segunda oportunidad el cambio es extremo, con la

han destacado por encarnar personajes conflictivos, rebeldes y

aparición de la minifalda, así la mujer comienza a lucir sus pier-

atormentados.

nas, acompañadas por unas botas de caña alta, que llegan hasta

Hay imágenes en las que se puede ver la tan caracterís-

las rodillas. Se instala un look andrógino, con el uso del cabello

tica campera de cuero o Leather Motorcycle Jacket, acompañada

corto.

por un jean arremangado y remera o T- shirt en color blanco.

Los avances tecnológicos permiten la aparición de ma-

Constituye la imagen tan trillada o estereotipada del rockero re-

teriales alternativos como el vinilo, o el uso de la cota de malla

belde en la actualidad y que, en sus orígenes, fue sinónimo de

en manos del diseñador Paco Rabanne.

absoluta trasgresión.

En este contexto de cambios y “grandes despertares”

Es en este mismo momento histórico de la moda, en

aparece en escena un joven David Jones (Davy o Davie Jones,

el que los jóvenes comienzan a usar en la calle el emblemático

hasta cambiar al conocido David Bowie), con una imagen esti-

cinco bolsillos, conocido popularmente como jean, que hasta el

lizada y de extrema delgadez, similar a la que mostró la modelo

momento estaba reservado a un uso laboral.

Twiggy, referente femenina, indiscutida de la década.

Esta imagen del “chico malo“, rudo o pandillero, de

En sus comienzos Bowie se siente identificado con

Estados Unidos comenzó a convivir con otra propuesta esté-

la estética mod, de la cual adopta una sastrería impecable, con

tica, que surge en Inglaterra, los Teddy boys, que tomaron in-

raíces italianas y camisas pulcras y prolijas, acompañado por el

fluencias del estilo dandy de la época eduardiana; este revival

peinado Mop-top.

fue impulsado por una sastrería de la calle Saville Row Tailor,

A comienzos de la década del 70, junto a su primera

un grupo de jóvenes adoptaron estas influencias para comen-

mujer, Angie Barnett, comenzó a marcar tendencia, con el uso

zar a alejarse de la imagen sobria y oscura de la época de gue-

de túnicas que no diferenciaban los sexos, combinaban el color

rra, con una propuesta de sastrería más colorida y alargada, con

y estampados entre sí.

solapas combinadas en otro color, por lo general de terciopelo,

Es en esta década también que comienza a crear algu-

chalecos realizados en tela de fantasía, pantalones con tiro alto

nos de sus personajes más relevantes y a ser un referente esté-

y estrechos, que en algunas ocasiones dejaban ver los calcetines.

tico hasta la actualidad.

En sus orígenes fue una estética acompañada por una actitud

En 1971 con un corte de cabello largo, pantalón con

de vida que adoptaron los jóvenes de clase alta, ante las impo-

cintura ajustada y botamanga ancha empieza a jugar con otra

siciones muy estrictas del gobierno británico, que manifestaba

propuesta ambigua y andrógina en su etapa de Hunky Dory, y

su descontento e insatisfacción ante la sociedad. Rápidamente

en 1972 se convierte en un ser del espacio exterior.

el estilo se expandió en toda Inglaterra.

Su contacto con diversos actores, su interés por el tea-

tro kabuki y su formación como mimo, comienzan a verse re

Es en la década de 1960 en la cual se terminan de ins-

talar varias cuestiones que se comenzaron a explorar en la déca-

flejados en el estilismo general de sus puestas o creaciones.

Diez años antes que se comenzaran a imponer los di-

da anterior. La diferenciación de los jóvenes con respecto a los

señadores japoneses en el mundo de la moda, David confía el

adultos en cuestión moda, se instala definitivamente.

diseño de vestuario y estilismo en general, a Kansai Yamamoto,

Es en esta misma década, cuando el epicentro de la

este diseñador le ofrece una propuesta andrógina, colorida con

moda mundial se traslada de la ciudad de París hasta Inglaterra,

reminiscencias del teatro kabuki, lo cual acompaña perfecta-

es también en 1960 cuando se realizan exploraciones al espa-

mente al personaje extraterrestre bisexual, que protagoniza Zi-

cio, se logran varios avances científicos y tecnológicos, aparece

ggy Stardust. También en uno de sus atuendos más icónicos, se

la píldora anticonceptiva, que le permite a la mujer llevar a cabo

puede observar la influencia del vestuario del ballet triádico de la

una vida sexual más libre y con menos inhibiciones. Todos estos

Bauhaus (1), tema que también era de un gran interés para Da-

1) Bauhaus, escuela de arquitectura, diseño, arte y artesanías alemana, que nace en el año 1919 a cargo de Walter Gropius y fue cerrada durante la segunda guerra mundial en manos de los nazis

vid. El nombre triádico se debe a que está dividido en tres partes,

Supo nutrirse siempre, de los más talentosos y tras-

que se fusionan entre sí, la danza, la indumentaria y la música,

gresores diseñadores emergentes, como lo hizo en la década del

tiene su lógica la asociación con dicha disciplina si pensamos lo

’90 con Alexander McQueen, al pedirle el diseño de una levita

que el mismo Bowie opinaba sobre el resultado estético, él que-

con la tela de Union Jack, la cual presenta como textura en toda

ría, según textuales palabras que: “todo se viese como sonaba”,

la superficie, quemaduras de cigarrillos. No es casualidad que

es por esto que sus puestas están impregnadas de sus vivencias

haya recurrido a Mc Queen quien se caracteriza por incluir en

y gustos artísticos. Si continuamos con sus dichos, él proclama-

gran parte de sus colecciones piezas sastres, además no olvide-

ba a Yamamoto “como el 100 % responsable de su corte de pelo

mos, que comenzó en el plano laboral, trabajando en una de las

y color en Ziggy Stardust”; es en esta etapa, que revoluciona y

sastrerías más importantes de la calle Savile Row de Londres,

escandaliza a unos tantos, con su propuesta que no diferencia

que se encarga de confeccionar los trajes para los reyes y Alexan-

sexos, con este personaje que puede vestir trajes volumétricos,

der hizo honor a su espíritu rebelde, firmando obscenidades en

o mostrarse enfundado en un mono ajustado acompañado con

el interior de los sacos de los reyes.

botas de caña alta y gigantes plataformas también con sus variables de vestido de satén con bordados o su maillot pequeñísimo, que deja expuesta su extrema delgadez.

Este personaje creció y vivió durante algunos años for-

mando parte de tres álbumes. Se instala a partir de estas crea-

Los más grandes creativos de la moda toman a David

Bowie como inspiración para sus colecciones, como Jean Paul Gaultier, Hedi Slimane, Dries van Noten, entre otros.

No es para nada casual, que se inaugure en el año 2013

ciones la imagen arquetípica del glam. En la misma década viste

una muestra en el museo Victoria and Albert de Londres, llama-

sastrería de Ives Saint Laurent, pero su sastre de cabecera du-

da “David Bowie es”, no se podría haber realizado en otro espa-

rante muchos años es Freddie Burretti.

cio que no fuese en este emblemático museo, como lo es para

Después de sus años de Ziggy Stardust llega a conver-

la historia del traje, y como el nombre de la muestra lo indica

tirse en un caballero, dandy, impecable y perfecto, siempre con

“David es… según la época, el álbum, el momento artístico y de

su silueta estilizada, creando al Duque Blanco para su álbum

vida que transita, cada visitante de la misma pudo completar esa

Station to Station, de 1976.

frase.

En la década de 1980 muestra la silueta característi-

“David Bowie es” un gran creativo, generador de ten-

ca de la época, con sus hombros anchos y exagerados, pantalo-

dencias en la música y la moda, que inspiró a varias generacio-

nes con cintura ajustada y pinzas bien definidas, por supuesto,

nes.

manteniendo siempre una imagen cuidada en todos sus aspectos e impecable, desde todo punto de vista.

Es un gran artista que supo vestir a su música.

[ Por Alex Bretto (Aparecciรณ en la Revista Especial de David Bowie - Mayo 2016)]

MUSIC CORNER: LOS PERSONAJES DE BOWIE

(Aparecció en la Revista Especial de David Bowie - Mayo 2016)

Tan solo unos pocos días antes de la partida del genio, la ex-

and the Spiders from Mars”, donde adapta las obras musicales

pectativa que generaba su nueva producción mantenía al mun-

de Broadway al rock Se combinan en Ziggy Stardust elementos

do de los amantes de la música en vilo. Ya habíamos contado

de ciencia ficción y del teatro kabuki, que influiría en su maqui-

con un primer adelanto a través del tema “Blackstar” y su video,

llaje de carácter andrógeno y en las pelucas al estilo de melena

que sorprendía por su profunda oscuridad. Que podríamos de-

de león.

cir entonces cuando, en los primeros días de enero de 2016, ac-

Con su siguiente álbum conoceríamos a Aladdin Sane (juego

cedimos al video de “Lazarus”, una suerte de despedida del as-

de palabras con “A Lad Insane”), presuntamente inspirado en

tro. Y quedaba claro una cosa: un nuevo personaje había nacido.

su hermano esquizofrénico, y que sería una variación de Zig-

Lo conoceríamos como “Button Eyes”, y sería la última creación

gy Stardust. Es tal vez su personaje más famoso, con pelo color

del maestro David Bowie.

azafrán, cejas depiladas, sombra en los parpados, cara enroje-

Más atrás y para siempre (una concepción del tiempo prolongándose desde su llegada hasta el infinito) quedarían las mag-

cida en un tono casi fucsia y atravesado su ojo derecho por un rayo rojo con borde azul.

níficas, deslumbrantes, provocativas, insinuantes, atrevidas y

Algunos años después nos traería a The Thin White Duke,

exuberantes creaciones que caracterizaron la prolífera carrera

caracterizado por un estilo cabaret, que vestía pantalón negro,

del chico espacial. Como todo gran creador, usó y se usó a si

camisa blanca y chaleco. En plena época de adicción de Bowie a

mismo: se valió de recursos culturales de todo tipo, y se ofreció

la cocaína, este personaje entonaba melodías románticas, pero

en cuerpo, rostro y gestos, para darle vida a los mismos.

internamente desprovisto de cualquier sentimiento. Un perso-

Haber sido un representante de la vanguardia musical de los

naje que convivió con una época de conflicto para quien lo re-

años 70 es quedarnos en el punta pie inicial de la carrera del

presentaba. Poseedor de una fría elegancia, su personalidad se-

Duke Blanco. El cine, la moda y las artes en general se enrique-

ría ubicada como un intermedio entre Adolf Hitler y Friedrich

cieron con la estela que dejó a su paso.

Nietszche. Tras su huída de Los Ángeles rumbo a Berlín en busca de

Todo comenzó allá por el año 1969, cuando inspirado por su

desintoxicación, transcurrirían años menos excéntricos, con la

primer éxito “Space Oddity”, nace su alter ego Major Tom: un

vuelta ocasional de alguno de sus personajes. Bowie seguiría ex-

astronauta que se pierde en el espacio y queda atrapado en el

plorando, como siempre, desde lo musical, pero ya era tomado

tiempo tras despedirse de sus seres amados. Numerosas refe-

como un referente desde lo estético.

rencias tuvo Major Tom luego en la historia, entre las que podemos destacar la mención de Elton John en su canción “Rocket

En 1995, con la edición de su álbum “Outside”, se convertiría

Man”, o el hit N°1 de Peter Schilling en varios países europeos

en Nathan Adler, un investigador tras el asesinato de Baby Gra-

en 1983, “Major Tom (Coming Home)”. El mismo Bowie revi-

ce Blue, una joven de 14 años. Una catarata de atmósferas reco-

viría a Major Tom en posteriores singles como “Ashes To As-

rre un álbum y un personaje envueltos en una trama con una

hes” y “Hallo Spaceboy”.

visión distópica del fin del siglo XX. Nathan Adler investigará el

Algunos consideran a Hunky Dory como otro alter ego de Bowie, un personaje que destaca por su sexualidad ambigua.

“Art Crime” para definir si el asesinato en cuestión se trató de arte o simplemente de otro espantoso crimen.

Femenino y sofisticado al mismo tiempo, cantaba temas que bordeaban la homosexualidad como “Oh! You Pretty Things” o

Todos estos fueron y seguirán siendo momentos inolvidables

la mismísima “Changes”. Toda una representación de la era de

y que marcarán generaciones futuras. Las composiciones visua-

oro de Hollywood y el glamour que la representó.

les y artísticas de David Bowie utilizaron artificios deslumbran-

En 1972 llegaría uno de sus personajes más famosos. Ziggy

tes, maquillajes, vestuarios y conceptos excepcionales y origina-

Stardust, un extraterrestre bisexual que mutaba en cantante y

les, con profundos mensajes y cuestionamientos existenciales.

guitarrista de un movimiento rockero que arrancaría con fuer-

Vistoso hasta la extravagancia, como podemos apreciar, su lega-

za a partir de ese momento: el Glam rock. Así dio vida a su em-

do excede con creces lo musical

blemática obra conceptual “The Rise and Fall of Ziggy Stardust

[ Por Gabo Rojo (Apareció en el Número 31 - Octubre 2016) ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 2: A VISION SOFTLY CREEPING

Una de las formas en que un artista puede ser relevante es si puede ver el futuro. A los 21 años, Paul Simon escribió la canción “The Sounds of Silence.” Se trata de un milagro, de esas obras monumentales cuya génesis es indescifrable. Paul Simon es un buen compositor, pero ni antes ni después volvió a ser capaz de realizar algo con semejante poder. El resto de los temas del disco homónimo, si bien agradables, parecen escritos por un niño de 9 años en comparación. En “Sounds of Silence” Simon escribe poseído, como si estuviera canalizando revelaciones religiosas a punto de arder en el fuego. Dentro del formato de canción melódica de tres minutos, donde algunos de los pensamientos

Watchmen, la digna adaptación al cine de la magnánima obra de Alan Moore sobre el poder, la integridad, la megalomanía y la singularidad humana. Por lo menos la mitad del disco está conformado por canciones proféticas. Está “Pirate Jenny”, donde Nina Simone tolera calmamente a sus opresores gracias a la certeza de que un barco pirata va a venir a asesinarlos. El ominoso extracto del Koyaanisqatsi de Philip Glass se titula justamente “Prophecies.” Y, por supuesto, hay tres canciones de Bob Dylan. Tanto en ficción, mito o realidad, la profecía siempre viene con un altísimo costo para el profeta. Probablemente la imagen más inmediata que se le viene a la gente al nombrar a Bob Dylan es la de “cantante de protesta de los 60s.” En sus más de 55 años de carrera, Dylan fue cantante de protesta sólo entre 1962 y 1964. Pero en esos dos años revolucionó al mundo y fue considerado “la voz de su generación.” Este dudoso honor puede llegar a resultar demasiado para un mortal, inclu-

más subversivos han sido planteados en el inconsciente colectivo, nos presenta imágenes del fin de los tiempos, a un ritmo delirante, desprovistas de violencia física pero cargadas de muerte emocional. Gente que habla sin decir. Gente que oye sin escuchar. Dioses de neón que apuñalan ojos y dividen la noche. Y lo peor de todo, gente que escribe canciones que nadie canta. Es una pesadilla de la que no te podés despertar porque te das cuenta que ya es una realidad. Simon, en rol de profeta / docente / mesías / salvador, trata de advertirles a todos que “el silencio crece como un cáncer,” pero nadie lo escucha. Como escribe Michael Stipe en el 2008, “nobody cares, no one remembers and nobody cares.” Es como si Simon hubiera sido poseído por el espíritu de David Bowie, viajando desde el 2016 hasta 1966 con intenciones de hacer su mensaje más claro esta vez. Viniendo de Bowie, esta canción hubiese resultado algo menos inesperada, dadas sus casi constantes visiones apocalípticas… aunque su mensaje hubiera perturbado más que de costumbre dada la claridad abrumadora con la que está expresado. ¡Pero, como todos sabemos, la canción no vino de Bowie sino de Paul Simon! Contemplen la tapa del single original: ¡El lado b se llama “We’ve got a groovey thing goin’”! El inexplicable poder de la canción resuena a través de las décadas. En el 2009 formó parte de la banda sonora de

so para alguien con la mente y carácter de Dylan. ¿Cómo satisfacer las expectativas de una generación que te considera su mensajero? Y peor aún, ¿cómo convivir con el conocimiento de que las acciones de la gente inspirada por tus mismas palabras dejan bastante que desear? La solución que encontró Dylan fue una ya recurrente en esta narrativa: desaparecer. No desaparecer como artista, sino como portavoz de la contracultura. En un paradigmático caso de un intérprete que escribe su propia leyenda, Dylan abdicó el rol de cantante de protesta públicamente en forma de canción, con la monumental “My Back Pages” de 1964. “Con pose de soldado apunté mi dedo hacia los perros mestizos que enseñaban… sin saber que me convertiría en mi propio enemigo en el momento en que empezara a predicar (…) El bien y el mal, defino estos términos claramente, sin duda, de alguna forma…” Y aun así… sin importar qué tan alta sea la calidad del material posterior de Dylan (y en general es bastante alta,) no hay absolutamente nada que iguale el poder de cosas como “The Times They Are A’Changin’” o “A Hard Rain’s A’ Gonna Fall.” El alto precio de la profecía. En su “Song for Bob Dylan” de 1972, Bowie le rogó al artista que volviera a escribir canciones sobre la revolución. “Devuélvenos nuestra unidad, devuélvenos nuestra familia, sos el refugiado de todas las naciones, no nos dejes con su cordura.” El tema fue parte de Hunky Dory, uno de los discos de Bowie con más alta cantidad de can-

“Myself, I long for love and light, but must it come so cruel, and oh so bright?” -“Joan of Arc”, de Leonard Cohen

ciones proféticas, lo cual es bastante decir. Pero el pedido no funcionó. Quizás Bowie debería haber omitido describir a la voz de Dylan como una mezcla entre “arena y pegamento.” El poder de la profecía, sin embargo, parece haber funcionado algo mejor para Bowie, quien pudo llevar una vida completa sin abandonarla. Quizás ayudó el hecho de que supo canalizarla de forma indirecta y oblicua, nunca demasiado explícita, reflejando la dislocación de los tiempos que vivió mediante descripciones que parecían pertenecer a otros tiempos y realidades. La obra de Bowie en su totalidad es tan profética que hasta parece haber sido editada fuera de una cronología. Discos primerizos como Space Oddity (1969) tienen más sentido ahora tras su muerte. De hecho, suena hasta como si fuese su último disco en vez de prácticamente su debut. 7 de sus 9 temas son canciones de despedida. En “Cygnet Committee” y “Memory of a Free Festival” se

te cuya disertante, una persona mayor altamente activa, supo inspirarme por un momento aun dentro del complejo corporativo-marketinero-educacional. Desafortunadamente el compilado tardó más de un año en editarse, y mi mente ahora está en un lugar completamente distinto. Mi entusiasmo inicial con las tecnologías nuevas suele ser breve y a los pocos meses regreso a mis viejos hábitos. Más auténtica me resulta una canción llamada “Stalingrad,” donde me pongo en el personaje del profeta de “Sounds of Silence” al que nadie escucha, sólo que ni opto por advertir al mundo sino que directamente anuncio mi retirada (aunque el sólo hecho de que la canción exista ya es una especie de advertencia. ¿Sobre qué? … probablemente sobre mi estado mental.) Como Dylan, abandono públicamente y en forma de canción el rol de cantante de protesta, con la diferencia de que nunca llegue a asumirlo.

despide de los movimientos culturales de los que formó parte (o generó). En “Janine” se despide de las relaciones amorosas, en “Letter to Hermione” del amor. En “Wild Eyed Boy From Freecloud” de despide de un mundo que nunca lo comprendió. En “Space Oddity”, el primer tema, se despide del planeta Tierra… y, posiblemente, de la vida. Y en “An Occasional Dream” parece reflexionar sobre esa vida que ya se acabó: “En nuestra locura, quemamos un centenar de días…” El destino de otros profetas del Rock como Ian Curtis ha sido ciertamente más trágico. Por mi parte, mis intentos de escribir una canción profética no han sido del todo satisfactorios. Prácticamente la primer cosa que hice al comprarme un Smartphone a principios del 2015 fue componer un álbum exclusivamente a base de aplicaciones del teléfono, a modo de demostrar el potencial creativo de la tecnología en vez de ver sólo sus aspectos idiotizantes y alienantes. Poco tiempo después, Diego Centurión me pidió un tema inédito para publicar en un compilado de Revista the 13th. “Song to the Android” había sido un disco enteramente instrumental, así que aquí di un paso más e hice que una voz computarizada recitara un poema que había escrito sobre el ideal de una Internet libre, donde la gente puede expresarse a su agrado sin “gatekeepers” que dicten lo que es válido. La primera línea, “a veces pienso en el mundo que se viene y no puedo dormir (del entusiasmo,)” proviene de una capacitación docen-

Pero bueno, si voy a estar influenciado por el pasado, por lo menos que me influyan los mejores. Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos “Oh Yeah” de Charlie Mingus y “Solo Piano” de Philip Glass Para cualquier tipo de feedback, sugerencias y comentarios: gabrielalejandrorojo@gmail.com, o por Facebook (www.facebook.com/gaborojo67) NOTAS ADICIONALES: En la canción “Goin’ Home” del disco Old Ideas (2012,) Leonard Cohen no sólo reconoce al acto de escritura como una instancia de posesión, sino que redacta la letra desde el punto de vista de la musa o espíritu posesor, que parece compadecerse de él: “Quiere escribir una canción de amor / un himno de perdón / un manual para vivir derrotado (…) Quiero dejarle claro / Que no lleva ninguna carga / Que no necesita una visión / Que sólo tiene permiso / Para cumplir mi deseo / el cual es DECIR lo que le digo que repita.” En otra canción del mismo disco, “Banjo”, Cohen habla sobre una peculiar figura que lo atormenta: la de un banjo roto naufragando en un mar “oscuro e infestado.” “Me persigue a dónde quiera que voy / Su tarea es hacerme daño / La mía es saber.” Nuevamente la necesidad de componer se presenta como un acto magnético, doloroso, compulsivo e inevitable.

[ “Mandrágora” de Hans Heinz Ewers por Pablo Ravale (Apareció en el Número 28 - Julio 2016) ]

FRUTO VENENOSO De acuerdo a las leyendas de la Edad Media teutona, los ahorcados, en el momento justo de su muerte, tenían una última erección y eyaculaban (por los espasmos y contracciones del cuerpo), cayendo su “semilla” sobre la tierra en la que estaba instalado el cadalso. Como si de un acto del Maligno se tratase, allí donde la tierra recibía el semen del condenado germinaba una extraña planta, de nombre mandrágora, que al ser arrancada emitía unos ensordecedores y estremecedores chillidos. La mandrágora, cuya siniestra morfología se asemejaba a la de un hombrecillo, en la supersticiosa Europa, era muy apreciada por los hechiceros y demás amantes de las ciencias oscuras, debido a los grandes poderes que se le atribuían, tales como ser un excelente antídoto contra la desgracia, la pobreza y los conjuros. Partiendo de tal premisa, Hans Heinz Ewers, al que se le vinculaba con las corrientes ocultistas de los Rosacruces, público en 1911 la novela Mandrágora, novela que con el paso de los años paso a ser considerada como una de las obras cumbres de la literatura de terror. La historia se desarrolla en la atmósfera aristocrática de la Alemania de principios del siglo XX, donde, entre fiestas de la alta sociedad y la vida distendida, un tal profesor Ten Brinken (científico-médico que sacrifica a niños en sus experimentos) y su avispado sobrino Franz Braun, gestan un ambicioso proyecto para poner a prueba la leyenda de la mandrágora: hacen inyectar en el útero de una prostituta la simiente de un condenado a muerte. De esta fecundación nace la abominable Alraune, la mujer siniestra, quien ya desde el trabajo de parto da muestras de una naturaleza diabólica, destrozándole los órganos a su madre y cobrándose su vida. A medida que va creciendo, Alraune, la engendrada en el vientre de aquella «mujer voluptuo-

sa de largos cabellos rojos como la sangre y pechos blancos como la nieve», se convierte en un monstruo capaz de llevar a cabo los mayores actos de maldad, y a la vez de seducir y conquistar los corazones de aquellos que son víctimas de sus siniestros instintos. Porque, si la atracción que sienten por ella sus compañeras de colegio –las mismas que palidecen de terror ante su mera presencia– es lo que se torna en deseo sexual, en el caso de los hombres, uno a uno terminan cayendo rendidos todos ante las hábiles artes de seducción de la joven, lo que hace que Alraune los vuelva sus juguetes... juguetes que rompe y tira a la basura, luego de haberlos humillado y degradado hasta lo más bajo, claro. Nota de color aparte, es que Madrágora, como libro, posee la rara e inquietante curiosidad de ser una de las novelas preferidas de Adolf Hitler, hecho que posicionó a H.H. Ewers como el gran escritor del nazismo, al menos durante sus primeros años, ya que más tarde caería en desgracia por mano del propio Führer (debido a que el escritor rechazó a través de su obra el antisemitismo nazi, y salió del closet declarándose homosexual; lo que le valió que sus propiedades le sean confiscadas y se vete su salida del país). Las coincidencias del binomio HitlerMandrágora no acabarían, sin embargo, aquí, puesto que se cuenta que E. Hanusen, adivino personal de Hitler e integrante de su círculo de mayor confianza, en una ocasión le habría transmitido al dictador la siguiente profecía: «Si recoges una raíz de mandrágora en el cementerio de tu pueblo natal, a media noche, el ultimo día de 1932, todos tus problemas se solucionarían y el 30 de enero de 1933 serás el dueño de Alemania». Casualidad o no, el 30 de enero de 1933, Hitler, efectivamente, se convertiría en Canciller. O sea que, como anécdota, no deja de ser escalofriante.

En resumidas cuentas, un libro oscuro y fascinante. Una obra que, no sรณlo ha enriquecido la literatura de terror, sino que ademรกs marcarรก a todo aquel que la lea con su desesperada carnalidad, con sus escenas tan llenas de perversiรณn y de bizarro fetichismo. Irrepetible.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

La sombra que se cierne sobre todos nosotros por Pablo Ravale (Apareció en el Número 30 - Septiembre 2016)

¿El bar es la última oferta de la Eternidad. Sentado a esta mesa he visto muchas veces esa mirada y esas expresiones. Las he observado con mucha atención, con más atención que cualquier cliente. Y aunque estoy seguro de no ser el único que conoce su significado, todavía no comprendo cómo es posible que ningún otro ser se haya dado cuenta. En las miradas de las otras mesas no hay algo que sea anormal, algo atípico. Sin embargo, bajo la fachada de cada sonrisa, hay una dolorosa incertidumbre por lo que nunca ha de ocurrir, hay la consternación de un fantasma que se cierne sobre todas las almas como la más negra de todas las sombras. Por la mañana me levanto bien temprano de la tumba, le doy de comer a los cuervos, me tomo un trago de formol, riego las coronas, me pongo la mortaja nueva y salgo a caminar por las calles del cementerio planetario. La sombra, desde ya, sigue allí, agazapada… En el velatorio de la esquina me compro un réquiem para leer las noticias muertas de ayer. Luego me subo al cortejo fúnebre y viajo entre zombis hediondos y cadáveres de personas muertas hace mucho tiempo; viejas nacidas muertas y fallecidas; fetos de niños abortados como cuerpos descompuestos florecientes. Pasado un rato, me bajo en la estación de la morgue, marco tarjeta en el horno crematorio, y me voy a hacer mis actividades diarias, las cuales consisten en enterrar mis sueños, como hacen mis compañeros, en ese nicho maloliente. A las tres o cuatro de la tarde, cuando ya ha finalizado la ceremonia funeraria, salgo contento de la fosa y nos vamos con unos esqueletos a beber unos tragos de formol y a tener recuerdos muertos de nuestras vidas nunca nacidas. Ya caída la noche, tarde, regreso triste y solitario a mi tumba, me acuesto entre los gusanos, me acomodo en el ataúd, cierro los ojos y fantaseo que quizás mañana haya un momento de vida verdadera. La sombra, por supuesto, continúa cernida sobre todos nosotros.

Carne Cruda sin Sabor por Valeria Pomidoro (Apareció en el Número 31 - Octubre 2016) Amor discontinuo, pensamiento aglomerado en instantáneas de realidades, que se convierten en semillas de gotas de lluvia. Te amo cuando te veo, abrazados a un crimen de obediencia y pesadillas. Tener que recoger las cosas de un lugar y llevarlas a otro, complicado cuando se tiene que pensar. Espero, como siempre lo hice. Pero cuando llega la realidad, con el tiempo que debe transcurrir, veo como siempre fuiste la palabra que quise leer. Te fumo como a un cigarrillo, te desarmo la lengua con líquido seminal. Muerdo, pierdo conciencia. Adentro y afuera hasta que duela, y las palabras son cuasi sordas al suspirar mil plegarias de sudor y cemento de contacto. Aún, aún sos lo que siempre pensé que podía perder, pero te agarro de la mano y me devolves con sangre que fluye bajo la piel. Sos, sos, sos, sos, sos, sos, sos, sos, sos, sos, s.o.s. Y si se puede más, quiero todo. Y si los cocodrilos me comen, estaría bien. Y si la suerte se esconde, creo que entenderé. Y si estás cansado, sé que soy parte de ese cansancio. Cómo hago. Cómo hacemos cosas, como hago para medir como tu altura. Soy un pedazo de carne que se degrada, pero sólo porque yo quiero. No le echo la culpa a nadie, a mi madre, a mi padre, a la maestra que escribía “zandía” y “vanana”. Te fumo, mi amor. Poso mis labios y succiono, te anhelo por más de que te tenga, te convierto en alguien a quien no llego a tener. Se humano conmigo y dejame amarte, mientras soy esta mezcla rara de carne cruda y sentimientos. Me acepta la vida, pero, ¿yo la acepto a ella? ¿Somos tres, vos, yo, vida? Estoy embarazada de hoy. Soy hoy lo que puedo, soy vos cuando te veo. Te veo todo el tiempo y no quiero distinto-intento al nuestro. Tantos charlatanes están tirando sus anzuelos y tus palabras son justas cuando las oigo, más cuando me lastiman. Sufro, sufro por no ser libre. Verdad. Puedo decir que me dejas hacerlo, ¿es la verdad? Soy más persona cuando dejo de serlo, pero me pierdo y pienso que las cosas son de tal forma cuando las cosas son de tal otra forma. Soy un tanque de nafta a punto de explotar. Y ya no puedo decir que dejes eso y me agarres a mí. No me lo permito. Pero saboréame a mí, de todas formas. Perdón, aunque no quiero ningún perdón. No doy gracias, ya no lo necesito. No puedo. “Mamá, mirá que intento, pero no puedo”. Y ahora quiero llorar, pero, ¿de qué sirve? Ya no, ésta vez no, por más que… ya no. Gracias por todo, pero yo me voy. Voy a seguir fumando hasta el cáncer.

HIDDEN TRACK

EN CONCIERTO

[ Por Gabo Rojo ]

NOSTALGIA POR EL FUTURO Kraftwerk en Luna Park, 23 de Noviembre de 2016.

95 Se suele decir que la música es un reflejo de los tiempos. En su novela The Armageddon Rag, George R.R. Martin enuncia la idea inversa: los tiempos son un reflejo de la música. Pocas veces puede quedar esto más claro que en el show en vivo de Kraftwerk. El espectáculo parece ser una celebración de cómo, hace más de 30 años, la agrupación liderada por Ralf Hutter prácticamente inventó el futuro. No es un show de Rock, ni un show de Música Electrónica (para la perplejidad eterna de los wannabe censores estatales,) ni nada remotamente cercano. Bajo un setup que no debería resultar emocionante bajo ninguna otra circunstancia (cuatro individuos parados casi estáticamente detrás de sintetizadores, con imágenes 3D en el fondo,) el show consiste en repasar y resaltar la relevancia de estas composiciones mayormente provenientes de los 70s, magnificándolas con proyecciones gigantes del arte original y de las letras. El show funciona mediante el poder de la música, la imagen y la iconografía. Combinadas, exponen a las canciones de Kraftwerk como lo que realmente son: más que composiciones, visiones. Y si bien estas visiones a veces resultan perturbadoras (“Radioactivity”,) o ambiguamente ominosas (“The Robots”,) mayormente transmiten una percepción del mundo como un lugar que sigue valiendo la pena. La genial “Spacelab”, con proyecciones de satélites que aterrizan sobre el mismo Luna Park, logra expresar simultáneamente la majestuosidad y la triste soledad de la era espacial más concisamente que mil poetas. “Computer Love” presagió la época de Tinder hace 36 años, cubriendo tanto su confusión como su búsqueda de calidez. “Neon Lights” ilumina al estadio colmado de fans con la promesa de la noche en la ciudad como sinónimo de vida (y si alguien alguna vez quiso encontrar un link entre Kraftwerk y los Smiths, aquí lo tienen.) Y las proyecciones de “Autobahn” hacen que el arte original del álbum, con su expresión idealizada de la orgullosa autopista alemana, cobre vida tridimensional de una forma tanto futurista como eminentemente retro. Y hasta el pasado tiene su lugar en este recorrido de la historia de Kraftwerk, que es la historia de Europa, que es la historia del mundo, que es nuestra historia. Para cuando termina la suite de “Tour de France,” con sus proyecciones en blanco y negro de ciclistas apasionados persiguiendo un inefable sueño, nos damos cuenta de que terminó siendo la banda más mecanizada de todas las que nos recordó que el mundo sigue siendo un lugar ocasionalmente emocionante, y ciertamente hermoso.

A Continuación hemos elegido una foto de cada fotógrafo de la Revista.

NAZARENA TALICE Decoded Feedback y Clan of Xymox en Uniclub, 05 de abril de 2016.

LILY MOONSTER Kristian Conde, Partido de la Costa, El Gran BĂşfalo Blanco en El Archibrazo , Buenos Aires, 17 de Diciembre de 2016.

JOHANNES ROSSINI Aire LÃquido Ensamble en el Centro Cultural Matienzo, 27 de Agosto de 2016

JOEL Entrรณpico 3, La Cigale, Buenos Aires, 02 de abril de 2016

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

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LO MEJOR DEL AÑO Nos despedimos del 2016 y lo hacemos a lo grande recordando los mejores momentos que pudimos vivir en el pasar de las páginas de nuestra revista a lo largo del año. Es así que, cada uno de los escritores de Rescate cinéfilo escogió sus mejores notas, o al menos aquellas que más disfrutaron hacer. Para aquellos que las leyeron y lo quieren volver a hacer o para quienes se perdieron la oportunidad en su momento, aquí les traemos lo mejor de cada uno. Que lo disfruten mientras dejamos atrás un año y comenzamos a recibir con placer cinéfilo uno nuevo.

LO MEJOR DE NICOLÁS PONISIO

LABYRINTH (1986) Everything i’ve done, i’ve done for you I move the star for no one De la mano del director y titiritero Jim Henson siempre se han podido conocer mundos desconocidos hasta entonces, maravillas con el encanto de la fantasía y de lo artesanal. Con la invención de los Muppets (1955), The Dark Crystal (1982) y su colaboración en Plaza Sésamo (1969) y el film The Witches (Nicolas Roeg, 1990), Henson supo ganarse merecidamente el título del absoluto puppet master, no me vengan con ningún Andre Toulon. Sin embargo, dentro de todo lo que supo realizar tanto para cine como televisión, hay un film que supo posicionarse en la cima del arte de la vie-

ja escuela. Con Labyrinth (1986), el director supo mejor que nadie cómo recobrar lo maravilloso y lo cruento de los cuentos de hadas de antaño. La joven Sarah (Jennifer Connelly antes de pegar el estirón) es una niña que, al igual que otras antes que ellas (Dorothy de The Wizard of Oz y Alicia de Alice in Wonderland), está ávida por nuevos relatos de fantasía, de visitar otra tierra y sacudirse el polvo de lo cotidiano para embriagarse con polvo de hadas, de escapar a las tareas monótonas como lidiar con su madrastra y cuidar a su hermanito Toby. Nosotros, espectadores, tan deseosos como Sarah por un esca-

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pe de la realidad celebramos cuando se le concede la oportunidad de visitar la tierra encantada de Ciudad Goblin sobre todo por quién tiende su mano, invitándonos a la aventura. Con todo el espléndido look glam que supo definirlo y que él supo redefinirlo haciéndolo propio, David Bowie irrumpe en pantalla con toda la tenebrosidad y el encanto que caracteriza a un villano en la piel y las calzas de Jareth, el rey goblin. El que fuera alguna vez el ser celestial venido del espacio, el visitante de otro mundo, ahora se alejaba de las estrellas para personificar al tirano monarca del reino subterráneo. Y quién mejor que él para no solo ser una criatura fantástica sino también uno de esos villanos que se hacen querer y, en el fondo, logran hacerlo desear a uno de que puedan salirse con la suya. Desde temprana edad, quien les escribe, ha sentido un cariño especial por los villanos de películas. Sean reales o animados, desde Hans Gruber de Die Hard (John McTiernan, 1988) hasta Jafar de Aladdin (John Musker y Ron Clements, 1992), los villanos siempre han surtido cierto encanto. Desde su elocuencia, la sofisticación y un placer de malevolencia que los dotaba de características más tridimensionales que las del típico héroe bueno con solo un espíritu altruista en él. Si a todo eso se le suma la presencia del mismísimo David Bowie, entonces a la mierda con la bondad. La mera presencia del artista opaca todo el arte y la imaginería visual de Henson y su equipo, lo cual ya es decir mucho. El film está plagado de personajes bellamente creados y personificados, siendo Hoggle y Ludo los más queridos, y de una puesta en escena que hace uso de la pintura matte, la creación de bosques y pasajes del laberinto nacidos de lo onírico, la inclusión de efectos digitales (lo menos logrado satisfactoriamente) e incluso un traslado perfecto a la pantalla de la obra de Escher. No es porque el film carezca de originalidad o disfrute, justamente todo lo contrario, pero ante tanta grandiosidad la figura de Bowie logra estar por encima de todo ello y sin mucho esfuerzo. La gracia y el carisma le son innatos y se intensifican en esta suerte de cuento de hadas que parece haber sido creado en su totalidad para que este ser de otro planeta fuera parte de él. Temas como Magic Dance o As the World Falls Down, dos de los cinco que Bowie compuso para

el film, resaltan esa mística y genialidad con la que siempre el Duque Blanco se encontró tan a gusto, sea en el escenario o rodeado de un sinfín de marionetas goblins. De esa forma se impone la personalidad del músico al film y el despliegue de sus bailes y su voz hace difícil mantenerse en compañía de Sarah y sus amigos cuando lo que genera cada aparición del rey goblin es que su duración en pantalla se prolongue más y más. Debajo del cuento de hadas, además del horror subyacente de una niña que se deshace de su hermano menor, se haya un subtexto sexual mucho más notorio y que es el mayor interés del villano. Nada de dominar el mundo, de convertir a Toby en un goblin o cosas por el estilo. Todo lo que se haya en los dominios de Jareth es una excusa para mantener consigo a Sarah. Desde las palabras melodiosas de sus canciones, pasando por la jocosa mirada bicolor que observa y recorre constantemente a la chica (sí, dejemos de lado el factor de pedofilia presente en el film), hasta la pronunciada entrepierna de Jareth, todo es una muestra de deseo por parte de él hacia ella. Aquí es cuando entra en juego el elemento más irreal perteneciente a una obra de fantasía. Jareth da vuelta, literalmente, todo su mundo por Sarah, le ofrece ser su amante, su esclavo a cambio de eso solo pide recibir devoción y deseo por parte de ella. Toda fanática de Bowie mataría por estar en el lugar de Sarah, una niña bastante caprichosa que no le basta con recorrer un mundo disponible solo para ella y que solo se queja de lo que “no es justo”. Para muchas personas no es justo que Sarah tenga ante ella a David Bowie y lo rechace como si nada. En un mundo lleno de elementos mágicos, lo realmente fantasioso es que una chica rechace a ese ser único, por más malvado que éste sea. Jim Henson no solo volvió a crear con maestría un nuevo universo de personajes y mística sino que supo traer de regreso la fascinación por los cuentos de hadas. Uno donde no hay lugar para el príncipe azul. Pero seamos sinceros, quién lo necesita cuando se lo tiene a Bowie irradiando estilo. Bueno, claramente Sarah no lo necesita. Y ahí es cuando se oye una horda de fans gritando al unísono: “Esto es injusto”.

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VIVIENDO DELICIOSAMENTE EL CINE Las brujas no existen pero que las hay, las hay. Y es que toda maldad, que haga o no uso de la brujería, se nutre y se lleva a cabo a través de diversas formas. En ocasiones, por medio de un ritual que no requiere de introducir ingredientes en un caldero, sino que son productos de uno mucho más imperceptible y del que todos formamos parte cual aquelarre: la vida misma. The Witch: A New-England Folktale (Robert Eggers, 2015) halla su receta de brujería en la forma de una familia puritana de mediados del siglo XVII. La misma es exiliada de su comunidad a raíz del fanatismo religioso que profesa, uno de los principales dos elementos que el film tomará como parte de su ritual. El segundo se refiere a la naturaleza y la hostilidad con la que se relaciona entre ella y el hombre. El naturalismo con el que son tratados estos dos factores, en especial el segundo, son causa y efecto de la identidad perturbadora que describe al film. La extremada idolatría que casi roza la locura, la presencia de deseos incestuosos y el maltrato forjado en el vínculo familiar, sin importar el contexto de la época, son causantes del infierno en la Tierra

vivido por esta familia, particularmente sufrido en carne propia por Thomasin (Anya Taylor-Joy), la hija mayor del matrimonio. Si bien el rostro de la chica protagoniza los afiches del film dando a entender que es ella la bruja a la que el título hace referencia, lo maléfico toma forma con el maltrato, la hipocresía y la imposibilidad de estos padres por saber cuidad de su familia. Son William (Ralph Ineson) y Katherine (Kate Dickie) quienes alejan a sus hijos de cualquier plantación cercana, lejos del cuidado y la civilización. Los niños son sometidos a la miseria de una tierra que no da frutos (símbolo también del acto de brujería), y aterrorizados con la presencia del pecado y la condena al poco tiempo de perder al hijo menor. Samuel, el bebé dado por muerto luego de desaparecer del hogar, está condenado al infierno al no haber sido bautizado. Esto, más que un castigo para la criatura, lo es para su hermano mayor, Caleb (Harvey Scrimshaw), quien padece el terror de la justicia divina. La represión y el castigo impartido por este matrimonio en el día a día no hace más que despertar la

desobediencia y los impulsos de sus hijos mayores, tanto en el adentrarse a un bosque como en la curiosidad de una leve mirada a unos pechos nacientes que comienzan a dejarse ver. En la soledad del terreno que los rodea es prácticamente imposible no pensar, decir o hacer algo que no vaya en contra de las reglas establecidas por la religión y la mirada castigadora del todo poderoso, en este caso la figura del padre más que la de Dios. El film de Eggers desde el título y los afiches pueden engañar a un público dispuesto únicamente a estar frente a una historia de horror y que buscan encontrarse con sobresaltos y violentas muertes con litros de sangre en pantalla. El director no recurre a estos pobres recursos al que el género se ha acostumbrado más y más con el correr de los años, logrando bastardearse a sí mismo. Lo cual lejos está de significar que el resultado que ofrece no sea uno de los más terroríficos de los últimos años. Hasta entonces la película contemporánea más espeluznante seguía siendo Sinister de Scott Derrickson, e incluso aquella recaía inevitablemente en algunos trucos de eficiencia barata. Pero con The Witch, el foco se halla en un drama familiar de época que, gracias a su sencillez y al uso inquietante de la narración, se sufre e importa aún más. Cada uso de los espacios, la construcción de ambientes y planos, todo lo que rodea y hace crecer a la narración, se desarrolla paulatinamente con una excelencia pocas veces vista. La naturalidad, el ambiente de campo son sinónimos de maldad en términos visuales. El uso del aterrador bosque, las ramas y raíces que se interponen cubriendo maléficamente la imagen o la figura de los personajes, la calidez de la luz de las velas que deja más lugar a la negrura devoradora que a los personajes en pantalla casi imposibles de divisarlos claramente. Esos aspectos acrecientan el calvario vivido por estas personas, nacidos naturalmente de los hechos y la cualidad pictórica del film. La figura de la bruja adentrándose en la poderosa luz de la luna, la madre amamantando un cuervo o la posesión sufrida por Caleb (quizás la mejor escena), son ejemplos de belleza visual que deleitan a la vez que horrorizan. La mayor sensa-

ción de malestar puede ser ocasionada por la obra más hermosa. Ésta sin lugar a dudas lo es y sino que me maldigan. Dentro de la naturaleza, cabe mencionar también a los animales. Cuervos, conejos y perro desprenden de sí esa maldad que por momentos es difícil de establecer si logra estar en ellos desde siempre o se presenta como si la recibieran también de parte de la familia. Esa ambigüedad simbólica se llega a despejar con la presencia del animal estrella del film: Black Phillip. Una cabra tan negra como los planos que carecen de cualquier alcance de luz. El animal aunque no lo notemos por momentos, está presente en pantalla casi tanto tiempo como los miembros principales de la familia. Si no se encuentra en su corral, se haya correteando a los pequeños niños gemelos, los menores de la familia. Y a pesar de estar jugando, es difícil no temer lo peor de una figura tan oscura y simbólicamente malvada. Basta con tan solo oírla balar para que una fría sensación recorra nuestro cuerpo. Ni mencionar si la oyéramos pronunciar palabra. Esta presencia de horror nacida de la figura de los animales por momentos llega a recordar otro drama de horror perteneciente a la década pasada. Antichrist (Lars von Trier, 2009), aborda el tema de la brujería desde una posición más ligada a la misoginia. Pero también recurre al bosque, la lejanía de la sociedad y la presencia de animales para atormentar a sus personajes y perturbar al espectador. Eggers no necesita que nadie lo diga en pantalla, pero el caos reina de la forma más horrible. Y quizás solo eso se precisa para que la existencia de las brujas y el diablo como tales exista. El sufrimiento, la locura y el aislamiento de toda sanidad posible no hacen más que poner a sus víctimas al borde del quiebre espiritual. En el momento requerido, la conversión al mal más puro se abre paso cual tentación. Sea una sensual figura femenina habitando la espesura del bosque o el ofrecimiento de una vida nueva. Difícil no caer en la tentación de servir al Diablo cuando un film como The Witch nos hace vivir deliciosamente el terror.

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UN FILM CON MÁS DE DOS CARAS Hay una gran creencia, por parte del público, que siempre ha rodeado al segundo film de Christopher Nolan dedicado a la figura del cruzado encapotado. Una relacionada a que el éxito del mismo y sus aspectos buenos solo se deben a la figura central del villano. Una vez más, hablamos del Joker (Heath Ledger). Muy atrás quedaron Cesar Romero, Jack Nicholson e incluso Mark Hamill con su versión animada del payaso maniático. Todos ellos estuvieron alguna vez en los zapatos del Joker, siendo Hamill el mejor de los tres nombrados. Sin embargo, con la llegada de Ledger esos zapatos volverían a ser usados, esta vez con navaja saliendo de sus puntas como muestra salvaje de la clase de villano con la que se está lidiando. No hay duda alguna de que esta versión anarquista del Joker, autodenominado agente del caos, es el elemento más atractivo del film, el que destaca y se graba a fuego en la retina extasiada. La locura y el horror son impulsados por él en la forma de una bola de nieve imparable que solo se hará más y más grande antes de colisionar con toda su fuerza.

Pero sería bastardear de forma caprichosa al film y a Nolan como director (que se lo merece pero no en esta ocasión) señalar al personaje de Ledger como único mérito de la obra. Sobre todo por el contenido y la visión de los personajes que, unidos al villano, terminan por conformar una historia con dejo de tragedia griega. Así como héroe y villano se complementan, también lo hacen los personajes con el contenido del film. Y es que el punto de inflexión se da gracias a la interacción de los personajes y los impulsos que los hacen actuar. El pesar de llevar la capa de vigilante, la frustración de combatir el mal de una ciudad o la imposibilidad de abandonar la miseria, la soledad y sobre todo de hacer el bien. Puntos que enlazan, en mayor o menor medida, al trío protagónico con intenciones de erradicar a los criminales. Batman (Christian Bale), el sargento y futuro comisionado Jim Gordon (Gary Oldman) y el recto e idealista fiscal de distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart) entablan una relación de trabajo y amistad con el propósito en común de proteger a Gotham. Dicha relación

está anclada con el arco de los cómics de la miniserie Batman: The Long Halloween (Jeph Loeb y Tim Sale, 1996-97), y si bien lo trasladado al film solo es una leve inspiración en el accionar en conjunto de estos tres personajes, con sus diferencias el camino construido termina llevándolos al mismo destino: al infierno destructivo de mente y espíritu. Es aquí, con estos personajes capaces de salvar una ciudad pero incapaces de salvarse a ellos mismos, que el film haya una profundidad antes nunca alcanzada, quizás solo un poco rasgada en su superficie. Lo hace entrando en puntos de comparación, o una suerte de remake muy libre, con el film Heat (Michael Mann, 1995). The Dark Knight se enlaza a la máxima obra de Mann desde su intenso comienzo donde se atestigua un experto asalto a un banco por parte de una banda de criminales (en vez de máscaras de hockey estos llevan máscaras de payasos) y que concluye introduciendo al demente Joker. Eso antes de verlo marcharse en un autobús escolar que se pierde entre una multitud de vehículos similares, así como en cierta forma lo hacía la banda liderada por Neil McCauley (Robert De Niro) a bordo de una ambulancia. Los intentos de Gordon, Dent y Batman por atrapar al Joker marcan un paralelo cinematográfico y un constante tono persecutorio con Heat, conservando a la vez el empeño del teniente Vincent Hanna (Al Pacino) por encarcelar a McCauley y sus ladrones de banco. Pero Nolan no se limita meramente a referenciar desde secuencia y género, sino que va más allá revelando el interior de estos personajes, a su modo expone la contienda y los paralelismos entre sí como Mann lograba hacerlo con sus protagonistas. Con la presencia de Dent personificando la esperanza del fin de la mafia, es Batman quien ve la posibilidad de estar cerca de abandonar el traje de murciélago. De poder aferrarse a la idea de estar finalmente con su amada Rachel (Maggie Gyllenhaal en reemplazo de Katie Holmes) y tener algo más que violencia y magulladuras. Similar a la búsqueda de McCauley por abandonar su política de no mantener lazos con nadie. En ambos casos, el poder hacerlo se les es negado por factores conducidos por ellos mismos. Porque no pueden luchar contra su

verdadero ser, y por más que se rehúse a creerlo, la verdadera identidad de Bruce Wayne es Batman y no viceversa. Cuando esté frente a frente con el Joker en una sala de interrogatorio (o bien podría ser una conversación con una taza de café de por medio), el reflejo, el complemento entre sí estará más que claro hundiendo al encapotado todavía más en una espesa oscuridad. En el otro extremo, pero caminando en paralelo con el caballero oscuro, se halla Harvey Dent quien, a mi parecer, siempre ha tenido uno de los arcos más oscuro como origen de villano (solo quizás superado por el de Mr. Freeze y claramente no hago referencia al interpretado por Schwarzenegger). Tanto en el mencionado The Long Halloween como en el film de Nolan, es desesperante ver la transformación que se va dando con el personaje. Mientras que el Joker es un villano del que nada se sabe y por ende no se permite en ningún momento comprenderlo, con Dent el film intenta centrarse mayormente en su labor, su moral, y cómo ambas se van deshaciendo poco a poco al igual que más tarde ocurriría con la mitad izquierda de su rostro. Esa misma imposibilidad del trío heroico por lograr tener éxito en su misión se ve reflejada en el deseo irrefrenable que siempre me ha embargado con relación a la historia de Dent. Sea leyendo el cómic mencionado o el film que concierne a esta nota, ambas interpretaciones despiertan el deseo de que, al menos por una vez, los hechos ocurran de manera diferente. Que todo el dolor vivido por este sujeto, sus frustraciones y temores sean hechos a un lado y su vida termine corriendo mejor suerte. De más está decir que para el corazón dolido de quien escribe esto jamás ocurre. El director británico pone todo a disposición para que uno como espectador se preocupe y desespere por el personaje. Y obviamente lo logra haciendo uso del villano principal. Ya desde el primer ataque hacia el fiscal de distrito, cuando el Joker irrumpe en una fiesta de Bruce Wayne, hay un aura de peligro inminente que rodea al personaje y que se irá acrecentando todavía más conforme avance el film. Serán las secuencias como la persecución al camión blindado, el secuestro de Dent y Rachel o el

dolor representado en su rostro con un grito enmudecido los que ponen en marcha una serie de tour de force narrativo. Escenas desenfrenadas, entre ellas también se halla la referida al interrogatorio, que hacen un excelente uso del suspenso como nunca volvió a lograrlo hasta ahora el director. Una grieta que se abre en la pantalla hundiendo al querido fiscal de distrito cada vez más en el infierno. El problema yace en que toda esa vorágine tiene el poder de lo que sería un gran climax final y la misma se encuentra alojada a la mitad del film. Por lo cual hacia el final del mismo hay una pérdida de fuerza que no sabe aprovechar del todo bien lo construido anteriormente. La breve presencia del político ahora convertido ya en Two Face y la escena de los botes que roza el absurdo terminan desaprovechando de manera drástica los momentos culminantes. Sobre

todo la segunda mencionada que desvía la atención de elementos con mayor peso como lo es el conflicto interno tanto de Batman como de Gordon, desesperados por salvar al ángel caído que es Dent. Es en los breves minutos finales que el film vuelve a adoptar su identidad de tragedia griega posicionando en el centro del drama a Batman, Gordon y Dent, culminando con uno de los finales más trágicos y desesperanzadores que el murciélago ha tenido en pantalla (seguramente seguido por esa triste noche de navidad con la que finaliza Batman Returns). Sea desde el origen de Two Face, la relación entre Batman y el joker o los paralelismos con Heat y la dualidad interna de los personajes, el film termina siendo una moneda como la que suele arrojar el fiscal. Labrado desde la complejidad de sus personajes, el resultado es un film con más de dos caras.

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LO MEJOR DE JIMENA PATIÑO

THE MAN WHO FELL TO EARTH (1976) There's a starman waiting in the sky Hed like to come and meet us But he thinks he'd blow our minds Un día un alien cayó a la tierra y quiso contarnos su historia; entonces se hizo pasar por humano, y se hizo llamar artísticamente “David Bowie”, y sin develar su verdadera personalidad, pudo cantarnos acerca de ese otro extraterrestre que quería ser famoso y se llamaba Ziggy Stardust. Un día se dijo "hay que explorar nuevos horizontes y nuevas personalidades además de las dos que ya adopté". Entonces el alíen, devenido en humano, devenido en artista que cantaba como un extraterrestre, se decidió a tra-

bajar en cine y representar a otro alien que venía a la tierra en busca de agua para enviar a su moribundo planeta con su moribunda familia. El tráiler de este film dice (y no por nada) "nada de lo que hayan oído o leído acerca de David Bowie los preparará para su primera interpretación dramática " y tiene razón... Nada más lejos que su carrera cinematográfica posterior, este film de los setenta (es conveniente siempre recordar la década) de un David Bowie en el límite entre el final del David

111 Glam y el nacimiento del Duque Blanco. Un film para el lucimiento de Bowie en todo su esplendor. Como fan del señor debo confesar que su estrella me ciega completamente a la hora de poder criticar este film y es que el peso de todo recae en sus esbeltos hombros andróginos. La historia es notable, pero su ejecución denota mucho su fecha. En pocas palabras es una película fechada dirigida por Nicholas Roeg quien venía de hacer Don’t Look Now y sin embargo realiza este film que se halla más cerca de Performance (protagonizada por Mick Jagger) que de Venecia. Sicodélica y metafórica por momentos, el film no tiene reparos en hacer uso de su mítico actor protagonista que se dedicó a cantar como si fuera un alien de otro planeta para usarlo en la trama. Sin dudas es catalogable como uno de los films sci fi más interesantes y enigmáticos de todo los tiempos, quizás porque lo sci fi es simplemente rarísimo con una cuota de ecología y distopía comparable a The Wild Blue Yonder de Herzog. Es un film bien digno de la década de los setenta pero a años luz de Kubrick y su sinfonía espacial. Esta es una película pequeña (en comparación con 2001) pero con una historia ambiciosa y hasta de moraleja ecologista que falla frente al sistema que se interpone entre el visitante y su meta. Los personajes desfilan por la pantalla y no se profundiza en ellos excepto en su relación con Thomas Jerome Newton. Ese personaje que tiene una misteriosa ambición por generar una mega corporación en cuestión de años y avanzar en la carrera espacial. La empresa prospera con la ayuda de un abogado de patentes llamado Oliver Fansworth y levanta las sospechas de un científico, Nathan Bryce, que pasa de sus andanzas con alumnas de la universidad a trabajar para la misteriosa World Corporation de Newton, quien se gana su fama de millonario excéntrico. En uno de sus viajes a New México el visitante conoce a una empleada de un hotel llamada Mary Lou que se convierte en una especie de interés amoroso que lo introduce a las cuestiones mundanas sobre todo el alcohol, la televisión y finalmente al sexo. La banda sonora es interesante siendo un pastiche de distintos géneros que se confunde con el ruido blanco de las numerosas televisiones que mira el

personaje de Jerome. Uno supone que hubiera sido más interesante con la música de Bowie en esto. Sin embargo, el mito urbano cuenta que el disco “Low” es la banda sonora que por motivos legales nunca le dejaron poner a David y que se tardó demasiado tiempo en escribir. La historia se desenvuelve lenta; no tenemos la certeza de quien es el misterioso señor, ni de su aspecto alien hasta pasada una hora larga del film. Cuando por fin se devela por fin su forma humanoide y alienígena o la de su familia, es toda una sorpresa. El paisaje desértico que los envuelve es austero y apocalíptico. Los flashbacks se suceden, y no sabremos nunca si están ambientados en el pasado, en el futuro o si es la imaginación del visitante recordando el destino trágico de su propia familia. El film es como verán de lo más enigmático y metafórico pero hacia el final parece decaer como si no hubiera nada mejor que hacer que convertir al visitante en un borracho perdido que canta sobre su planeta ¿Mezclar y jugar con la biografía de David Bowie quizás? El maquillaje y la transmutación de David en extraterrestre son IMPACTANTE. Resulta en un morbo terrible verlo al señorcito con toda esa figura y fuerza indescriptible apoderarse de la pantalla. Y no hay que olvidarse de que es un freak: es alto, desgarbado, flaco, pomuloso, con pelo naranja, y ojos asimétricos, frágil y de aspecto andrógino; pero citando a la Mary lou del film: "Me gusta lo freak" y espero que a ustedes también les guste lo freak del David de aquellos años, porque si no, no van a disfrutar para nada de esta película de Nicholas Roeg. Lo cierto es que Bowie recuperó al personaje de Thomas Jerome Newton en su última etapa y le escribió una secuela a su vida, la que se estrenó bajo la forma del musical de broadway Lazarus -que aún sigue en cartel- protagonizado por Michael C Hall en el papel de ese Alienígena atrapado en la tierra que no envejece ni muere (lo se: llanto generalizado asegurado con la muerte de nuestro héroe, quien quizás solo quizás lo planeó de esa manera). Un Musical en el que se incluyen algunas de las mejores canciones de nuestro bien amado David Bowie. Un acto final más para cerrar la vida y obra del mejor alien que el Rock nos ha brindado.

LA PELÍCULA BOND DE FINCHER Cuando vi por primera vez la película de la saga Millenium, Män som hatar kvinno, protagonizada por Noomi Rapace pensé algo como: "Excepto por el hecho de que hablan sueco, por un momento pensé que se trataba de una película super générica norteamericana. Una especie de Deja-vú de Se7en, y varías más de ese estilo..." quien diría que el Director de Se7en terminaría dirigiendo la remake. Sin embargo resulta todo tan pertinente que asusta. La historia de Los hombres que no amaban a las mujeres es Fincher puro y duro. David logró apropiarse de una historia que ya estaba hecha y mejorarla con su labor. Fincher venia de lo que me resultan dos bodrios mortales, historias alabadas por la crítica como La red social y Benjamin Button. Sin embargo, con su versión hollywoodense de Lisbeth Salander me recordó que tenía que considerar que se trataba del director de Se7en, Fight Club y Alien 3. Un director que no necesita ser socialmente aceptable y que puede ser oscuro y retorcido, a su manera, sin perder el estilo –un tanto intelectual y alejado- que le es propio. Es cierto que su Lisbeth Salander podría ser un Mark Suckerberg dark alternativo. Es innegable que ambos tienen un timing actoral con un estilo similar en la manera de largar las palabras de sus discur-

sos de un modo medio zombificado/automatizado. Pero allí donde su Mark era un Nerd hijaputense con el que no se podía empatizar, Rooney Mara es bella y temible como una guerrera, con un sentido retorcido de la justicia. Un personaje épico que tiene una misión, mientras que Mark, era solamente un freak vacío dueño de un imperio. La película sueca era demasiado silenciosa y los personajes eran planos en el sentido de que el personaje de Lisbeth sólo me representaba una cosa: una extensión del típico pensamiento masculino machista de una mujer “resentida” y “vengativa” que odia a los hombres. Es cierto que motivos para odiar no le falta a la protagonista, el autor Stieg Larsson se encargó de darle todos los motivos, pero acompáñenme en este recorrido mental. Quizás cruzarme con bastantes detractores que portaban la bandera de “Todas las remakes son terribles” hiciera que este film me gustara. Fincher le sacó todo eso que me molestaba de la peli sueca y (paradoja o ironía) cubrió el film con capas de actores lindos y brillantes que relucen comparados a esos suecos lejanos y que no decían mucho… (Y a parte feos porque la película no tiene nada de gente sueca bella y de temer como lo fueron Max Von Sydow, Liv Ullman o Harriet Anderson de la mano de Ingmar Bergman.)

Pasemos a los personajes de Fincher: todos tienen desarrollo y su psicología más o menos complicada. La película sueca no intentaba generar empatía, sentimentalismo o justificación, pero Fincher lo hace. Y vuelve a tender casi los mismos paralelos que tendía con Ripley y Juana de Arco de Dreyer, en este caso en la piel de Lisbeth. Sin embargo lo hace con todos esos mecanismos y ese aire ascético, casi pretencioso que lo caracterizan como director. Fincher tiene la pretensión en todos sus films, casi patológica, de intentar develar los oscuros rincones de la mente humana. Buena parte del tiempo del film se dedica a taparlos con gente aburguesada con casas híper modernas y aires solemnes para ser considerado por la crítica. Sin embargo es reflexión de quien escribe que no necesita intentar ser Haneke, necesita hundirse en el género más descarnado y trash sin buscarle demasiada rosca “intelectual”. Fincher necesita volver a Fight Club y Se7en. Y dejar que Trent Reznor haga la banda sonora. Y eso parece ser que lo aprendió con La chica del dragón tatuado. Rooney Mara se merecía el Oscar por su interpretación, porque demuestra que es una chica que sabe actuar y pasar de ser la novia de Mark en The Social Network a convertirse en toda una guerrera con Mohawk incluido. Daniel Craig es demasiado hermoso y propicio para generar mecanismos de identificación, no se parece al periodista de la sueca, en cambio, te hace creer que estás viendo una película Bond “a la Fincher” . Mientras que Stellan Skarsgard, con música de Enya de fondo, se transforma en uno de los psicópatas más memorables del director, en la vereda opuesta de Tyler Durden con una supuesta “normalidad” y vida en sociedad que lo hace más temible. Rasgos que retomará para Rosamund Pike en Gone Girl. Y así podríamos analizar a todo el cast, pero no lo vamos a hacer. El cover de Karen O de Inmigrant song de Zeppelin que musicaliza los fantásticos títulos de apertura creados por Blur studio es fabuloso; sobre todo para introducir de un modo conceptual a la psicología de los personajes de Lisbeth y Mikael. Son negros, completamente oscuros y surrealistas, como escapados de la pesadilla de alguien. Es brillante dramáticamente ver como ese cover articula con esos títulos y la película. Desde ese comienzo, La chica del Dragón tatua-

do, es un film sobre musicalizado y lo digo positivamente. Me hizo dar cuenta que la versión sueca es abundante en silencios y que por suerte esta no. No pude escuchar el disco doble del film sin pensar que estaba sobre producido y que era demasiado. Al verlo mezclado con las imágenes te rendís y te dejas llevar porque si le quitas la música o la ves con un parlante decadente… la película es horrible. Sin música serían dos horas y media de actores interpretando a suecos resentidos. De hecho por algún lado leí: “hasta las búsquedas en Internet no son aburridas” y eso es básicamente porque todas las secuencias están llenas de música electrónica (de la buena). Los dos momentos que elijo destacar son: la llegada de Mikael (Daniel Craig) a la casa en la isla. En ese momento te das cuenta que Trent Reznor y Atticus Ross se convirtieron en el equivalente de lo que Penderecki fue para Kubrick en The Shining… una película que sin las atmósferas atípicas y anormales que genera la música sería otro relato más de una casa colorida, un padre medio loco y un pasado sangriento. El segundo momento es la perfecta ironía (infaltable en Fincher) de la escena final con Lisbeth y su regalo para Mikael antes de los créditos: quizás sea una de las cosas más dulcificadas que jamás escuché componer a Reznor y hace que el contraste y la ironía de Mikael saliendo con su ex sean graciosas, y al mismo tiempo, terribles por la soledad del personaje de Lisbeth. Pero me quedo con graciosa, porque en la Sueca no podías (son)reírte ni un solo momento y con esta película sí. Aunque todavía no sé si está bien que te (son)rías… En otras palabras: Fincher poniendo a sus espectadores en una situación moralmente complicada desde el inicio de los tiempos. Podemos decir finalmente que con este film, Fincher recupera algo de la oscuridad perdida y nos demuestra que aunque se trate de una remake tiene muchas cosas para decir y explorar de la mente humana y la psicología de los personajes. De hecho estamos seguros por todas las diferencias citadas que NO es una remake de la sueca. Es una nueva adaptación de la novela de Stieg Larsson llevada a lo mejor de sus posibilidades cinematográficas. Desde el 2011 nos hace rezar porque David Fincher narre las otras tres novelas restantes, porque su Lisbeth es simplemente fabulosa.

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TEAM TRUFFAUT: “EL AMANTE DEL AMOR” Más de un centenar de artículos para Cahiers du cinema, un promedio de cuatro mil películas vistas entre 1940 y1955, una vida plagada de complicaciones: en sus propias palabras “una vida salvada por el cine” y un artículo controversial que se dedicó a mover el aparato hacia mediados de los cincuenta le hicieron una fama de crítico personaje y polémico. Él no se dedicaría a escribir artículos teóricos como los de Godard o Rohmer y sin embargo se encargaría de legar una obra fundamental para cualquier director, realizador o cinéfilo se trate: un libro sobre Hitchcock en donde lo validaría como el maestro entre maestros llamado “El cine según Hitchcock”, pero para llegar a esa época todavía falta un poco. Escribía un artículo cada dos días (cuando Google no estaba para socorrerte). Entre marzo de 1953 y noviembre de 1959, Truffaut publica ciento setenta

artículos en Cahiers du cinema; sobre todo críticas de películas en cinco o seis folios y entrevistas a cineastas, y entre ellos el visionado de más de una película diaria. Esa pasión desbordada será una de las constantes que caracterizarán su vida y su modo de hacer cine. Amante de la lectura y del amor, dará sus primeros pasos en el cine con cortometrajes de resultados diversos. En 1954 rodará Une Visite con la ayuda de Rivette y ese será su primer intento formal y según él “fallido” de hacer cine. Luego de ese corto no habrá vuelta atrás para François Truffaut quien escribe varios guiones en privado. Alguna vez a dicho “La película del mañana será un acto de amor”. Con una vara muy alta para levantar luego de su polémico texto “Una cierta tendencia del cine francés” y luego de ser prohibido en Cannes en 1958 por su estilo y su pluma polémica; en 1959 y

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para sorpresa de muchos, su largometraje Los cuatrocientos golpes protagonizada por un ignoto niño de catorce años llamado Jean Pierre Leaud, queda seleccionado para la competencia oficial y finalmente se lleva la palma de oro revolucionando las aguas del festival y el mundo cinematográfico. En el largometraje, Truffaut se expone narrando una especie de relato semi biográfico de su niñez. Crea sin saberlo, un alter ego cinematográfico llamado Antoine Doinel al que revisitará en las diferentes etapas de su filmografía en cinco films diferentes y un mediometraje. ¿Truffaut robó una máquina de escribir de su padrastro y termino en la cárcel? Sí. ¿Truffaut vio a su madre con su amante? De nuevo la respuesta es Sí. La línea que separa el argumento de la historia de la vida misma del autor es casi inexistente. Y aunque la crítica maliciosa de Godard, años después, luego de la pelea que los distanció a ambos diga algo como que “luego de su primer film Truffaut se convirtió en un director de esos que adaptan novelas”, seremos testigos que cada uno de sus films es un acto de amor. De la pasión desenfrenada por la vida y por el cine, una declaración de amor de parte de su autor. En Disparen sobre el pianista (su segundo film que es un fracaso comercial) protagonizado por Charles Aznavour, llevará a la pantalla su amor por el cine negro y por las mujeres que de una u otra manera controlan la vida de los protagonistas masculinos a los que enredan. Su intento por experimentar con el montaje audiovisual en esa obra, cambiándolo por uno que tiende a imitar la libertad formal del jazz le costará duras críticas. Será el director que descubrirá el poder de la risa de la Moreau y en ese intento podrá llevar a la pantalla un sueño que ambicionaba desde hace muchos años: Jules et Jim. Basada en la novela de quien se convertiría en su amigo personal Henri Pierre Roché, en donde narrará el magistral melodrama de dos amigos a lo largo de la guerra, la vida y las mu-

jeres o “la mujer” en la vida de ambos, retratada con una gracia terrible de ángel vengador por la hermosa Jeanne Moreau. El ritmo de vida acelerado y enloquecido se cobrará su víctima cuando en 1984 muera a la edad de 52 años a causa de un tumor cerebral. Truffaut se forja la fama de director amante del cine, y por qué no de amante de las mujeres que retrata a lo largo de sus films. Su obsesión pasará de las rubias a las morochas cuando cambie a Catherine Deneuve por Fanny Ardant. Y no tendrá reparos en intercalar anécdotas de su propia vida en sus films como cuando su protagonista recorre media ciudad para conseguir unas medias de seda para una amante (La peau douce). Llevará esto al extremo cuando decida actuar en sus propios films como La habitación verde, La noche americana y El pequeño salvaje. Además de una aparición especial que realiza para Steven Spielberg y su film Encuentros cercanos del tercer tipo en la que encarna al científico francés que se comunica a través de sonidos. ¿Sos bastante cinéfilo y amas sin reparos a los directores que admirás? ¿Serias capaz de escribirles persiguiéndoles por twitter, facebook, mail y carta con el encabezado “yo le admiro”? ¿Tu escuela de formación es la vida y soles ser un poco melodramático pasando de la comedia más ligera al drama más absoluto? ¿Te gustan las mujeres decididas de armas tomar y protagonistas complicadas junto a hombres que se dejan liar por un par de faldas? ¿Sos fan de esas adaptaciones tan poco literales que se toman su espacio para hacerse cinematográficamente geniales? ¿Te gusta que tu director sepa meterse en un rol de vez en cuando y sobre todo: te agrada que deje un espacio a esas historias sobre la niñez que no es la mirada cándida de Disney sobre la vida cuando su amor por el cine negro y el melodrama no lo invade todo? Entonces Truffaut es tu director de la Nouvelle vague y desde aquí bogamos para que le des una oportunidad a toda su filmografía.

LO MEJOR DE JOSÉ LUIS LEMOS

GITANA, ROBASTE MI ALMA “Adonde van los gitanos, allí van los brujos, lo sabemos.” Viejo poema romaní. Drag Me to Hell (Sam Raimi, 2009) casi queda afuera de este dossier dedicado a la brujería por una razón muy simple: ¿las gitanas que lanzan maldiciones deberían ser consideradas brujas? Según afirma la definición tradicional, bruja es la que practica la hechicería, habiendo hecho un pacto con el demonio que le permite, entre otras cosas, volar montada en una escoba. Esta descripción se ajusta más a las brujas que vemos en, por ejemplo, The Witch, pero la denominación más apropiada para la encantadora anciana de Drag me to Hell sería la de shuvihani. La shuvihani –en rumano, mujer sabia- es una mujer respetada dentro de la cultura gitana, con el conoci-

miento suficiente en las artes ocultas como para lanzar bendiciones…o maldiciones. Al contrario que la brujas que todos conocemos, las shuvihanis no sufrían de persecución alguna y eran respetadas por su sabiduría…dentro del círculo gitano, claro está. Christine, la ¿heroína? de turno interpretada por Alison Lohman, se encuentra con una shuvihani en el lugar menos esperado: la oficina de préstamos en la cual trabaja. Allí es visitada por Silvya Ganush, una anciana en bancarrota que pide una extensión para el pago de su hipoteca. Temerosa de perder su casa, la mujer llega a arrodillarse a los pies de Christine quien, presionada ante un inminente ascenso, decide negarle el préstamo y la empuja accidentalmente ante la vista de todos. La anciana, sintiéndose humillada, le echa una maldición que provoca que un demonio llamado Lamia acose a Christine de forma

cada vez más violenta. Si el argumento les recuerda a otra película, es por que alguna vez se toparon con Thinner (Tom Holland, 1996) aquel film basado en una novela de Stephen King que acá renombraron como “Maleficio”. Allí el maldecido era un abogado obeso, quien luego de atropellar a una gitana es liberado por sus amistades en la corte. La justicia le llega en forma de una maldición que lo hace bajar de peso día tras día hasta ser un esqueleto andante. En ambos films la crítica social es evidente, enfrentando los códigos y valores de la comunidad gitana con el inescrupuloso “sueño americano” que no se detiene ante nada en su afán de progreso. El capitalismo salvaje y el clasismo, de hecho, es el disparador del conflicto de ese cuento moral que es Drag Me to Hell: Christine pudo optar por darle el préstamos a la anciana, pero se niega a hacerlo ya que esto haría peligrar un puesto que le aseguraría la seguridad económica que desea su suegra, quien la ve como una campesina sin objetivos en la vida. Pero, más allá de estos apuntes sociales, no nos engañemos: la historia es una hemosa excusa para que Sam Raimi vuelva a las andadas. Ya en el 2000 se había acercado a la temática fantástica con The Gift, pero aquel interesante drama policial protagonizado por Cate Blanchett no solo le escapaba al terror temáticamente, sino también en estética: la cámara inquieta del tipo que nos había regalado la trilogía de Evil Dead se quedaba en su trípode, optando por un registro más tradicional tal como lo había hecho en Un plan simple y Por amor al juego. Drag Me to Hell significa el regreso al espíritu de clase B, al gore có-

mico y el desquicio visual al que nos tenía acostumbrados. Los efectos digitales hacen más inofensivos los chorros de sangre que salpican la pantalla de vez en cuando, pero tal vez se trate de uno de los films más desagradables de Raimi, solo por las secuencias relacionadas con la gitana: jamás una boca tuvo tanta variedad de usos repulsivos en un solo film. En cierta forma, así como Peter Jackson le pidió prestada la estética a Raimi en sus primeros films, acá éste le devuelve el favor casi calcando una escena de Braindead en la secuencia del funeral gitano. Pero también se homenajea a sí mismo, haciendo referencia a la secuencia del ojo volador de Evil Dead 2. Y si estas referencias no suenan forzadas es porque Drag Me to Hell hasta podría ser un spin off de la saga de Evil Dead: reemplacen Lamia por Deadites y van a ver que es el mismo modus operandi de los demonios que torturaban al pobre Ash. Si hasta los objetos cobran vida y aparecen ojos de los lugares menos esperados… Al final, poco importa si Silvya Ganush es una bruja o una shuvihanis, o si es tan solo un estereotipo racista que Hollywood viene utilizando desde los años treinta. Y digo que no es importante porque lo que Raimi nos ofrece no es una cátedra de demonología, sino de ética. Y oculta, debajo de litros y litros de sangre digital, está la verdadera enseñanza de la película: los actos más viles no tienen que venir necesariamente de una anciana tuerta y con dentadura desagradable. También pueden aflorar en esa chica tímida y simpática que pareciera que no puede matar ni una mosca.

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UNA HISTORIA (NO TAN) SENCILLA Una mujer pariendo dentro de una casa humilde y siendo espiada por una adolescente que observa la situación con tanto temor como curiosidad. Un hombre mayor que, mientras tanto, toma un mate fuera de la casa como si no le importara mucho lo que está sucediendo allí dentro y el cual, al enterarse que su nieta es una niña, decide subirse a su bote y reanudar su oficio de pescador. Cuando uno intuye que esta va a ser una película más sobre la incomunicación, y se va acomodando en el asiento con cierta expresión de hastío, un furioso punk rock irrumpe como advirtiéndonos que vamos a ser testigos de una experiencia cinematográfica más directa y sin demasiados manierismos. Guaraní (Luis Zorraquín, 2016), aún cuando se desmarca del cine contemplativo o críptico, es directa en un sentido muy distinto del que lo era 7 cajas (Juan Carlos Maneglia y Tana Schembori, 2012), aquel film paraguayo con el que comparte, además de nacionalidad, la voluntad de hacer un cine de género sin renunciar a una identidad y voz propias. Si en 7 cajas el género abordado era el thriller y la comedia negra, en Guaraní estamos ante una road movie que avanza lenta pero segura, al igual que películas como Nebraska (Alexander Payne, 2013) y Una historia sencilla (David Lynch, 1999). La compara-

ción no es caprichosa, ya que los tres films comparten una característica en común: un protagonista en la tercera edad, con una testarudez que no conoce límites. En el caso de Guaraní, literalmente. A Atilio (Emilio Barreto), pescador paraguayo de pocas palabras, se le sigue negando lo que tanto desea: un nieto varón, al que pueda enseñarle su oficio y transmitirle su idioma. Como reemplazo tiene a Iara (Jazmín Bogarín), su nieta de 12 años, quien lo ayuda con la pesca y que también hace las veces de traductora, ya que él se niega a hablar español, aún cuando lo entiende perfectamente. Cuando Atilio descubre que la madre de Iara está a punto de ser madre de un niño, decide emprender un viaje con Iara, con el fin de que su nieto nazca en tierra paraguaya y de ese modo preservar su sangre guaraní. El problema es que la madre de Iara vive en Buenos Aires, a más de 1000 kilómetros de distancia, y solo cuenta con un bote destartalado casi sin motor. Así de simple es el argumento de Guaraní, tan engañosamente sencilla como la historia que nos contaba David Lynch en aquel film sobre un anciano que recorría cientos de kilómetros montado en una cortadora de pasto. Y es que debajo de la trama principal subyacen cuestiones más complejas relacionadas con la identidad, la explotación laboral, el ma-

chismo, la pérdida de las tradiciones y hasta ecos de la nefasta guerra que mantuvo Argentina con Paraguay. Temáticas que están allí presentes y que nunca parecen forzadas para encajar en un manifiesto político, sino que, por el contrario, son parte de la trama naturalmente y sin un juicio más que el que llevará a cabo el espectador. Una característica reforzada por el nulo uso de música incidental que nos señale donde debemos reírnos y donde llorar. Si bien los rubros técnicos acompañan la narración sin demasiados esteticismos, apostando por un registro semi documental que nos involucra aún más en la historia, es en la actuación de Emilio Barreto donde el film lleva a cabo su mejor ilusión de “realidad”. Su Atilio, de gestos adustos y mirada

siempre perdida en el horizonte, nos hacen suponer que se trata de un no-actor, un lugareño que nunca salió de la selva al que el director encontró y filmó durante sus rutinas diarias. Pero cuando uno descubre que este hombre estuvo trece años preso durante la dictadura de Stroessner, y que durante ese tiempo se dedicó a realizar obras de teatro dentro de la cárcel, entre ellas una obra de Moliere traducida y adaptada al guaraní, no puede más que sorprenderse ante su impecable interpretación. Junto con Jazmín Bogarín, de una espontaneidad inusual al tratarse de su primer film, conforman una dupla tan disímil como tierna, que se vale de la sencillez para plantearnos cuestiones más grandes que la vida misma.

EN BUSCA DEL SEXO PERDIDO La historia de A Dirty Shame podría ser una remake de Cecil B Demented pero reemplazando cine por sexo. Al igual que en aquel gran film de Waters, tenemos a un grupo excéntrico que se levanta en contra del conservadurismo, y que ven en una persona totalmente opuesta a sus ideales la posibilidad de llevar el movimiento a sus últimas consecuencias.

Si Cecil captaba a una estrella de Hollywood como Melanie Griffith para sumarla a su troupe de cine guerrilla, aquí Ray Ray Perkins (Johnny Knoxville), una especie de mesías del sexo, se encarga de iniciar a la mojigata Sylvia Stickles (Tracey Ullman) en una secta que busca un nuevo acto sexual aún sin descubrir.

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Este punto de partida es la excusa ideal para que el señor del bigotito anchoa aseste otro de sus golpes a la hipócrita sociedad norteamericana, que se indigna ante un desnudo frontal pero acepta que Stallone masacre a 300 tipos en pos de la paz mundial. Baltimore es nuevamente el campo de batalla donde se enfrentarán esa clase de personas con aquellos que, como Waters, boga por la liberación y la diversidad sexual, por enfermizo que sea el fetiche…y los hay en proporciones industriales. De hecho, el argumento se le ocurrió al director mientras investigaba en internet fetiches sexuales extravagantes, tales como vestirse de bebé o excitarse comiendo tierra. El film se encarga de ilustrar todos y cada uno de ellos, pecando a veces en exceso de didactismo y, también, en presentarlos como actos no naturales, ya que quienes los practican llegan a eso por un golpe en la cabeza. Es precisamente un golpe lo que convierte a la malhumorada madre conservadora que interpreta Tracey Ullman en una libidinosa insaciable. Ullman se pone la película al hombro y demuestra que es la protagonista indicada para un film de Waters, con una galería de gestos y una facilidad para la comedia física como no lo tenía ninguno de sus personajes desde Cry-Baby. Selma Blair, que interpreta a la voluptuosa hija de Sylvia, aún con unos pechos prostéticos dignos de una película de Russ Meyer no logra tener el carisma necesario para opacarla. El film mismo no logra ponerse a su altura ya que se hace notoria su ausencia cuando no está en pantalla,

y esto es particularmente notable en el tercer acto, donde el relato es más coral. Así como Sylvia pierde los estribos cuando libera su sexualidad, el film de Waters está excitado desde el primer fotograma, con decenas de estímulos visuales y musicales. Música pop de los cincuenta, textos irrumpiendo en la imagen marcando el estado de sus personajes, imágenes sobreimpresas, insertos de films bizarros de los sesenta, animaciones digitales, cualquier recurso es válido para ilustrar esta explosión de hormonas hecha película. Sin embargo, el exceso que tan bien le hace a los films de este director aquí aburre antes de lo previsto, y el orgasmo del espectador ocurre quince minutos antes de que la cabeza de Johnny Knoxville eyacule en el último fotograma. Es en ese momento, cuando el pueblito de Harford Road se convierte en escenario de una película de terror con sexópatas en vez de zombies, donde el film muestra sus deudas con otra obra de similar concepto: Shivers de David Cronenberg. No es el único guiño al canadiense, ya que también hay una referencia a Crash, otro film donde los protagonistas llegan al deseo sexual por vías poco ortodoxas. Aún con sus falencias y su inofensiva capacidad de provocación (el Waters de los setenta quizás hubiera agregado necrofilia y coprofilia), Los sexoadictos tiene los suficientes momentos hilarantes como para seguir pidiendo más de John Waters. Un pedido que, doce años después, parece que tendrá respuesta en forma de remake infantil de Pink Flamingos.

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hace un mes dieron a conocer el muy bai-

producido por Julián Perla (Mi Peque-

lable “On Hold”

ña Muerte). De su primer y único disco que contiene siete canciones que van del postpunk al pop, composiciones simples y directas, la banda ha producido varios videos que irán viendo la luz en los siguientes meses. El primero de esta se-

Siempre hay más de Trent Reznor

rie es “Procesión”, se puede ver en you

Hablar de Reznor es hablar de un mú-

tube… Esperamos con expectativa.

sico que nunca está estático, ya sea con su banda Nine Inch Nails o sus proyectos de soundtracks bajo la formación Trent Reznor and Atticus Ross.

Ya les contamos que Los Flaming Lips sacarán al mercado a través de Warner

Hoy les traemos noticias de ambas

Bros un nuevo álbum “Oczy Mlody” el 13

propuestas, por un lado, Nine Inch Nai-

de enero y les compartimos dos adelantos

ls ha anunciado que lanzará un EP "Not

en video "The Castle" y "How ??." ahora

the Actual Events", que en palabras del

han lanzado un tercero para el tema"Sun-

propio Reznor es un disco con un sonido

rise (Eyes of the Young)" otra muy buena

impenetrable y quizás, “poco amistoso".

canción como las anteriores donde no se

2- La Banda de electro Pop El Gran Bú-

pero eso no es todo, la banda anunció la

escatima ningún recurso para embelle-

falo Blanco ha anunciado un álbum para

edición de una nueva reedición especial

cerla, otro viaje psicodélico que linda con

el 2017 aún sin fecha confirmada pero ya

de The Fragile (1999), esta nueva edición

el sinfonismo en los arreglos que contras-

se pueden escuchar dos adelantos en su

contará de cuatro vinilos, titulado "The

ta con el solo de 6 notas de guitarra toca-

bancamp dos adelantos, simples, conci-

Fragile: Deviations 1", y trerá 37 sencillos

das al minuto treinta y tres. Las imágenes

sos y bailables. los temas son “Fe” y “Per-

extras y estará disponible sólo en vinilo,

siempre coloridas nos muestran al sol. a

sonal” Producido por Javier Medialdea,

no habrá formato digital.

ellos tocando y a una señorita jugando

masterizado por Daniel Melero.

Por otro lado, la dupla acaba de lanzar

muy divertida con una brillante pelota/

una nueva banda sonora para la película

sol chorreante. Siempre creativos, siem-

Patriots Day a estrenarse el 13 de enero

pre provocativos.

del 2017, bajo la dirección de Peter Berg.

4 noticias desde Argentina

3- El dúo de Shynt Pop Argentino Reflection formado por Franco Doglioli: Escénico (Voces y Letras) y Franco Colombo: Enigmático (Músico y Programador).. lanzó el 1 de Enero su quinto video clip Mientras esperamos el 13 de enero

dirigido por Edgardo Delfino: Intuitivo

para escuchar completo el nuevo disco

1- Corazón Primitivo es el nuevo pro-

(Dirección, Fotografía, Cámaras y Mon-

de The xx "I See You " la banda ha deja-

yecto de Andrés Ruiz (solista, Alud Ne-

taje). el tema es “Sin retorno” el track 3

do escuchar un segundo track "Say So-

gro, Viva Elástico) junto a Claudio Rodrí-

de su disco “Theorema”. Es una gran pro-

mething Loving", melancólico como sus

guez (Alfonso Barbieri) y Santiago Antar

ducción muy cuidada filmada en diferen-

trabajos anteriores pero evidentemente

(Alelí Cheval). Formados a principios de

tes locaciones y ya se puede ver en su ca-

el beat bailable parece acompañar al trío

2016 con un primer disco homónimo y

nal de youtube. El rider técnico dice que

en esta nueva etapa y le recordamos que

la promesa de un segundo para el 2017

también colaboran Romina Roggeroni:

Altruista (Producción General), Celeste

el álbum Sophia Brous, Lyndelle-Jayne

Pascal: Creativa (Maquillaje). Carlos Al-

Spruyt, Jess Ribeiro, la cantante alemana

varez: Fashionista (Vestuario), Pablo Du-

Andrea Schroeder y su hijo Salomón en

pas/Ojo Captor: Entendido (Cámaras).

el tema Baby “Dientes”

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Carlos Shaw: Arquitecto Sonoro (Producción Adicional, Mezclado y Masterizado).

Para Rough Trade “Post Pop Depression” (2016) de Iggy Pop es el disco del año y lo festejó coordinando una conversación entre Iggy Pop y Thurston Moore que tuvo lugar en la casa de Iggy en Miami. Los dos hablan de punk, pop y tocan 4- 3 Productores, 1 estudio, 1 invitado,

Sobre el final del 2016 Peter Murphy

muchos puntos de la carrera de Iggy. La

muchas nuevas canciones. Satélite 23:

ha anunciado la salida de un álbum en

entrevista/zapada lleva el nombre de "no

Alejandro Sergi+Diego Poso+ Gabriel

vivo.

tengo nada, pero mi nombre - Iggy Pop

Lucena. Así se presenta Satélite 23 en su

“Bare Boned & SACRED” Se editará

en conversación con Thurston Moore"

página de facebook. Por ahora hay un sin-

bajo el sello Metropolis Records y regis-

alrededor de una hora de conversación y

gle “Aprender a olvidar” con la participa-

tra un concierto en New York del "Stri-

algunas zapadas se encuentran en yuotu-

ción de Dread Mar I y GIllespi que salió

pped tour". Se sabe que el álbum contie-

be divididas en 3 episodios por ahora sin

por Pop Art Discos. Se puede escuchar en

ne 12 canciones y que entre ellas hay una

subtítulos lamentablemente.

las plataformas musicales más populares

versión de "Belway Brothers" de David

y ver el video dirigido por Oliván & Nico

Bowie. Aún no hay confirmada fecha del

Mayer que les compartimos aquí abajo.

lanzamiento pero ya tenemos la portada.

Chysta Bell anuncia que está grabanMick Harvey (ex de Bad Seeds), lanza-

do disco nuevo, esta vez sin una disco-

rá “Intoxicated Women”, la cuarta entre-

gráfica de apoyo y sin la colaboración de

ga de su serie de traducciones de Serge

Regalo desde el más allá. Curve una

David Lynch pero tiene como productor

Gainsbourg en inglés, el 20 de enero a

banda pilar del shoegazer de los 90 que

nada más ni nada menos que a John Pa-

través de Mute. El disco se centra en los

ha desaparecido hace varios años han lan-

rish productor de tres de los discos de PJ

muchos dúos y colaboraciones de Gains-

zado un disco con material inédito de las

Harvey sin duda una excelente elección

bourg con mujeres, y acaba de lanzar

sesiones de Cockoo, el álbum disponible

para seguir desarrollando el sonido que

"Contact", que fue originalmente canta-

por bandcamp se llama “Cuckoo - Archi-

iniciara con sus dos primeros discos jun-

do por Brigitte Bardot en 1968 y en esta

ve Songs and Segues”, contiene 6 track y

to a D Lynch. El álbum ya se puede com-

oportunidad lo hace Channthy Kak (Es-

es muestran el costado más experimen-

prar por anticipado y acceder a maerial

pacial camboyano) y del australiano Xan-

tal y electrónico de la banda liderada por

exclusivo siguiendo este link

the Waite (Terry). Además colaboran en

Dean Garcia y Toni Halliday.

pledgemusic.com/ChrystaBell

https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

PURA MELOMANIA

En la Isla de los Estados David Gilmour - On An Island (2006) [ Diego Centurión ]

Para mí hablar de David Gilmour es siempre una debilidad que no puedo disimular, por lo que significa Pink Floyd en mi vida y por lo que significa David como guitarrista. Y la verdad es que aún recuerdo cuando en diciembre del 2005 en la página oficial de David Gilmour (davidgilmour.com) anunciaba que el 2006 sería un año formidable por la salida de un álbum en solista de David y por el lanzamiento de “Pulse” en DVD. “On An Island” es el tercer álbum de estudio de Gilmour, (¡sí, el tercero!), después de “About Face” (1984) llega este nuevo trabajo con diez tracks, que muestran la excelencia de un eximio guitarrista y un maravilloso compositor. Tal vez para las nuevas generaciones, abrazadas a los sonidos nuevos, tal vez Gilmour suene viejo y su toque parezca de otra época, pero en la vida siempre se vuelve en algún momento a las raíces, ya sea cuando los años van pasando y la “rebeldía adolescente” va quedando de lado, este álbum les demostrará el “los viejitos” tienen mucho para dar y para entregar. Mostrando mi porteñismo a flor de piel, es como el Tango, lo entiendes de grande, cuando la vida te ha desilusionado muchas veces, o te ha golpeado. O como un buen vino tinto, cuando más añejo más sabroso. El álbum grabado con muchos amigos como Richard Wright, Guy Pratt, David Crosby, Graham Nash, Phil Manzanera, Jools Holland, Robert Wyatt, Bob Klose (a quien rescató David para esta grabación, ya que había abandonado su carrera desde de ser parte de la primera formación de Pink Floyd), Andy Newmark (quién tocara la batería en álbumes como el conflictivo álbum de Pink Floyd "The Final Cut" de 1984, o el álbum de Roger Waters "The Pros and Cons of Hitch Hiking" de mismo año 1984), Willie Wilson (viejo amigo de David quien formaba parte de The Jokers Wild, la banda de Gilmour antes de Pink Floyd), más la esposa de David, Polly Samson, quien coescribió casi todas las letras. El álbum tiene la magia instrumental de David Gilmour, canciones como la que abre el álbum "Castellorizon", que es el nombre de una isla griega donde Gilmour pasó una noche, tiene esa estructura de

canción introductoria, que se repite en los álbumes de Pink Floyd y de Roger Waters (recordar "The Ballad of Bill Hubbard" del álbum “Amused to Death”, 1992). Es como una introducción a la canción que le da el título del álbum, “On An Island”, que nos habla de los que ya no están de manera tan bella y etérea. "The Blue" nos lleva de la mano en un space rock casi sin escalas, demostrando que David sabe de qué se trata todo esto de los ambientes y lo diáfano, el solo es simplemente mágico, si no te hace volar… nunca vas a entender el space rock o cómo se crea una guitarra voladora. "Take a Breath" nos despierta con cierta dureza en el sonido, con un bajo muy marcado y riffes más “rockeros”. "Red Sky at Night" tiene un aire a "Shine On You Crazy Diamond" pero el saxofonista acá es el propio Gilmour (aunque en el tour del álbum se trajo a Dick Parry, quien tocó en el álbum de Pink Floyd). "This Heaven" es otra de las canciones con más dureza del álbum, rítmica y con el David blusero de Pink Floyd. "Then I Close My Eyes" es un bellísimo instrumental casi acústico. "Smile", esta es una canción que ya la venía tocando y que pueden encontrarla en el DVD en vivo "David Gilmour in Concert" del 2002. Particularmente la mejor canción del álbum, tiene una calidez única, simpleza pero maestría, desde la ejecución de esa guitarra acústica, y la guitarra que adorna con la slide guitarra su voz es tan sublime como simple. "A Pocketful of Stones" es la anteúltima canción del álbum. Sensible entonación de David. Una maravilla. Y el cierre llega con "Where We Start" una hermosa canción con toque más folk y la voz de David nos hace volar.

Se extrajeron cuatro singles, "On an Island", "Take a Breath", "Smile" y "This Heaven". Durante la gira que realizó para presentar el álbum se reunión de los colaboradores que lo venían haciendo en su Tour anterior, Richard Wright, Phil Manzanera, Guy Pratt, Jon Carin, Dick Parry y Steve DiStanislao, más invitados especiales como David Crosby, Graham Nash, Robert Wyatt, a David Bowie quien cantó en "Arnold Layne" y "Comfortably Numb" en el Royal Albert Hall, el 29 Mayo; Nick Mason en batería en "Wish You Were Here" y "Comfortably Numb" (dos días después en la misma sala) o Sam Brown cantando en "The Great Gig in the Sky" en Paris, el 16 de Marzo. Para cerrar, escuchar “On An Island” puede ser una experiencia única que, si se disfruta, nos podremos sentir una isla distintos estados de ánimo.

TRES GRADOS DE POSMODERNIDAD 1° “Dance Hall at louse point” de John Parish y Polly Jean Harvey

Pj Harvey - Dance Hall at Louse Point (1996)

[ Pablo Müllner ]

Por más que la excesiva modestia de PJ Harvey en los reportajes la llevaban a declarar que este disco no era más que tomarse un respiro de las exigencias de ser solista, descansar en las composiciones el eximio tecladista y percusionista, John Parish, y dedicarse con más soltura a escribir letras y cantar, hay mucha ambición oscura y ganas de experimentar sin red en “Dance Hall at louse point”. Es cierto que este disco salía apenas un año y medio después del éxito “alterantivo” de “To Bring You My Love”, disco comodín en cualquier Poll de lo mejor de 1995. También es cierto que la firma conjunta Parish/Harvey, hace pensar en un proyecto paralelo, al estilo de las excursiones de Siouxsie con su pareja, Budgie en The Creatures. Pero también es cierto que hay mucho de “continuidad” sonora o estética. Parish había formado parte de las sesiones de “To Bring You My Love” aumentando el trío eléctrico que venía usando Harvey, dándole espesura, relieves teatrales y acentos dramáticos. Y es exactamente donde ese ya clásico disco termina –el último track “The Dancer”, un lamento blusero con aire a pantano– que este “Dance Hall” parece empezar. Imaginemos por un segundo a Harvey convertida en una cantante de cabaret de la República

de Weimar. Seguramente nadie podría visualizar ni escuchar la perfección acartonada de un musical de Broadway con Liza Minelli al frente. Sino más bien, y como no podría describir mejor su título un cabaret ubicado en “el peor de los puntos”. Otra vez, un desierto o un pantano. Arreglos de teclados fantasmales, percusiones esqueléticas y la Harvey aullando sobre glorias pasadas –o incluso, fanteaseadas– como una verdadera banshee. Quizá por todo eso, más que ninguna composición original, la canción que mejor representa a este disco sea el cover del standard “Is that all there is?”, hecho famoso por Peggy Lee, pero reversionado con tanta audacia por PJ que en cierto punto nos hace olvidar de su ilustrísma antecesora.

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2° “Kicking against the pricks” de Nick Cave and the Bad Seeds Nick Cave and The Bad Seeds - Kicking Against the Pricks (1986)

[ Pablo Müllner ]

Estamos nuevamente en terreno pantanoso. Y hasta quizá este sea el sonido “original” sobre el cual echó el oído la Harvey para delinear su obra maestra. (Años más tarde también le echaría el ojo al cantante.) Un crooner fantasmal al frente de una banda de blues completamente desfasada: a veces confortablemente entumecida por algún bálsamo de pastillas tranquilizantes. A veces convertida un dínamo sobrecalentado. Eso sí, nunca encontrando el punto medio. Y eso es lo que hace al sonido de este disco tan brillante, tan decadentemente maravilloso. Estamos esta vez, y por vez primera en la carrera de Nick, ante un disco de covers. Una excentricidad para esta lagartija australiana que entre fines de los setenta y principios de los ochenta se erigió como el nuevo Iggy Pop sobre la escena post punk. Quizá se trataba solo de una gran broma: la posmoderna idea de parodiar esa peregrina ocurrencia de una gran discográfica, al poner a Sid Vicious como solista, reinterpretando clásicos populares. Pero incluso así, este Kicking Against the Pricks, ya desde el título –una cita bíblica que hace referencia al dolor que siente el caballo que se rebela contra el que comanda sus riendas– es una asunto serio. Covers que sin ningún prurito se propone dar una nueva vuelta de tuercas, si es que eso posible, a grandes monolitos del rock, el folk y el blues como ser “The

Folk Singer”, de Johnny Cash o “Sleeping Annaleah”, tema popularizado por el inmortal Tom Jones. En más de un sentido, Nick lo logra. Primero y principal, gracias a la ductilidad interpretativa de Nick que puede pasar por un crooner romántico al borde del suicidio y al instante convertirse en el blusero con un grado psicopático de testosterona. (Ver por ejemplo, su maniaca interpretación de I´m gonna kill that woman de John Lee Hooker.) Y además porque este disco decantó el sonido Bad Seeds maduro, que acompañará Cave hasta el presente: profundo, ominoso, texturado.

3° “Café Electric” de Kraftwerk Kraftwerk - Electric Café (1986) [ Pablo Müllner ]

Estamos ya en el grado máximo de posmodernidad que pueda tolerar el oído de cualquier escucha contemporáneo. Bastardeado por la crítica en su momento por ser, a diferencia de sus alabados antecesores un disco “sin concepto”, “simplón”, “sin grandes ambiciones”.

Su primer gran traspié con la crítica y las ventas, del que les costó dos largas décadas recuperarse (su siguiente disco de estudio con material original no llegaría hasta 2003). Sin embargo, los que conocen más en la profundidad “el espíritu Kraftwerk” entenderán que los elogios periodísticos y los charts nunca fueron grandes preocupaciones para estos “hombres máquina”, cuyo interés estuvo siempre más cerca del estudio de grabación y la posibilidad de convertir este espacio en un laboratorio de

sonido y de influencias estéticas. Café Electric de los alemanísimos Kraftwerk es un ejercicio de posmodernidad llevado hasta el más frío malditismo. Grabado en dos versiones, una en alemán y otra internacional en inglés, Café además incluye letras en español y francés, y sonoramente se propone “recuperar para sí” el sonido que la new wave británica les había arrebatado sin mucho disimulo durante el primer tramo de la década llevando a bandas como Depeche Mode o The Human League a la cima pop. Así las cosas el disco no se aparta del resto del catálogo de la banda en conjugar el tecno más experimental (Techno Pop, Musique Non-Stop) con temas pop aptos para las radios (The Telephone Call, Sex Object). Paradójicamente, este acto deliberado de exponer el eslabón perdido del “nuevo” sonido electrónico inglés no les trajo ni los grandes billetes ni el bronce. Aunque el tiempo le daría a Electric Café su segunda oportunidad con su reedición mejorada y aumentada de 2009, más fiel al proyecto original de la banda, que había sido re-

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legado por las exigencias de la discográfica. La segunda encarnación de este Café Electric tuvo un título más simple y al mismo tiempo más preciso: Techno Pop.

La Candidez de Esperanza Mazzy Star - Among My Swan (1996) [ Benjamín York ]

Mazzy Star conjuga esas tardes de verano, en donde una leve sensación de bienestar se produce con la caída del sol. Y una brisa roza la piel produciendo un alivio al calor del día. Escuchar, tal vez el mejor álbum de la banda hasta hoy, suele ser un descanso necesario en épocas en donde la vertiginosidad diaria va muy deprisa. Un alto necesario, una dulce voz que nos conecta con lo simple y lo orgánico. Una instrumentación sencilla, efectiva y exquisita. Con un gran dejo de música folk y algo omnipresente del country. Hope Sandoval nos hechiza con su calma y nos lleva de la mano de su voz por caminos floreados, aunque ya con los últimos destellos del atardecer. Among My Swan es el tercer disco de la banda de David Roback y Hope Sandoval, antecesor del exitoso “So Tonight That I Might See” (1993), con el single “Fade Into You”. En realidad el single obtuvo un impulso en donde las guitarras distorsionadas del rock alternativo estaban a la orden del día. Este álbum contiene la be-

llísima “Flowers in December", una de mis canciones favoritas de la banda. Algunos detalles del álbum que le dan un poco de color al álbum, que ya de por sí tiene mucha luminosidad borrosa y atractiva. En el álbum hay otros músicos, por ejemplo Keith Mitchell, colaborador de David en la etapa de su anterior banda Opal, la bajista Jill Emery (Hole). Pero en la canción "Take Everything" participa "Aaron Sherer" en batería, quien también fuera parte de la banda Opal, y en la misma

canción participa William Reid de los Jesus and Mary Chains, “saldando un favor que le debían a Hope” por su participación dos años antes en la canción “Sometimes Always” de la banda de los hermanos Reid. El disco es algo muy agradable para reposar en un sillón en un cuarto a semioscura y con una copa de vino en la mano, degustando cada frase, cada momento, cada riff, cada instrumentación de las canciones. Un disco

que te lleva lentamente, endulzado, a lugares silvestres en donde no se necesita mucho equipaje sonoro a cuestas. Simple, intrigante, íntimo y cálido. Luces y sombras para un sonido tan simple como atractivo. Esperanza Sandoval y David Roback nos iluminan de emotividad y calma, y nos muestra la candidez de Esperanza (Hope).

Melodías Lunares Harold Budd, Elizabeth Fraser, Robín Guthrie, Simón Raymonde - The Moon and The Melodies (1986) [ Benjamín York ]

Año 1986. El año de experimentación en el seno de Cocteau Twins, recordemos que venían de editar este mismo año "Victorialand" y los Eps de 1985 ("Echoes In A Shallow Bay" y "Tiny Dynamine") ya como un trio consolidado con Simon en bajo, la banda tomó una seguridad y calidad que empezó a ir en aumento. Por otro lado, Harold Budd había editado "Lovely Thunder" que se convertiría en una pieza fundamental en lo que se gestó en este álbum. Ya que en este álbum trabajaron por primera vez Simon, Robin y Harold. Si bien la participación de los dos Cocteau, fue mínima, fue el punto de unión de la dupla Guthrie-Budd, que luego dio tanto material a lo largo de los años. Volviendo a "The Moon and The Melodies" es una combinación perfecta entre el espíritu ambient y maestría en el piano de Harold y las maravillosas intervenciones etéreas de los Cocteau Twins. Sobre las instrumentaciones de los Twins sólo podemos decir que si eres adepto a sus sonidos y no has escuchado este álbum, es un diamante en sus trabajos que afianzaron su sonoridad. Acá podemos escuchar mucho de lo que en los años siguientes desarrollarían y perfeccionarían posicionándolos como los mejores del dreampop, o la música etérea. Con una Liz que aparece en varias canciones, no en todas. Lo cual hace que cada aparición de ella es deslumbrante. El álbum abre con "Sea, Swallow Me" con un cadencioso piano, y se dispara la ingeniería sonora cocteana y la dulce voz de Liz que se va deslizando en un arrullador tiempo de vals, con unas guitarras que crean el clima que abraza junto al bajo a la melodiosa voz de Fraser

que se eleva y nos eleva a los cielos. "Memory Gongs" un instrumental marca registrada Budd, con un piano que es el protagonista principal del track. "Why Do you Love Me?" otro instrumental con una base de piano y guitarras que surcan el ambiente como una brisa. "Eyes are Mosaics" vuelve la voz de Liz en forma de caleidoscopio, que nos sumerge en un mundo onírico y soñado, otro reflejo cocteano. "She will Destroy You" una delicada canción, frágil e introspectiva, con una gran amalgama del sonido del trio con las bellas armonías del piano de Harold, con una participación de Richard Thomas de Dif Juz en saxo, que se repetirá en los dos siguientes tracks. "The Ghost has no Home" es otro instrumental de corte más ambiental y menos rítmico, aunque las apariciones de Richard con su saxo, hace que el tema tenga se vuelva más de fantasmal. "Bloody and Blunt", como

dijimos antes tiene la tercera participación de Thomas, aunque esta vez es en la batería, pero siempre entendiendo el juego. Una dulzura de canción, enigmática con mucha luminosidad. Una introspección perfecta. Y el último track "Ooze Out And Away, Onehow" comienza con unas guitarras suspendidas y unos susurros

de Fraser, que nos van hipnotizando y luego rompe en un ritmo volador con un bajo muy presente que sirve de “tierra” a lo etéreo de las guitarras y la voz. ¡Magistral! Un trabajo tan preciso, etéreo, oscuro, cautivador, elegante, cálido, con voces que nos acercan melodías lunares.

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Error Positivo | Gracias Palito Ortega por la Granja Label: Error Positivo Self-released Fecha de Lanzamiento: 11 de Mayo de 2016

Error Positivo lanzó un EP en vivo registrado en el Teatro Vorterix el 01 de octubre del 2015 en la Chequefest 2015. El título de este trabajo tiene que ver con algo muy argentino, el cantante popular Palito Ortega posee una granja en donde se ha ido a rehabilitar varios músicos argentinos, y el título se tomó de la despedida de Resakka, paderetista y corista de la banda, que es la frase con la que cierra este trabajo. Este trabajo abre con "Samuráis del Desierto" y desde el comienzo ya nos sacude con su impronta de actitud punk y rock del bueno. Luego llega "Sólo venía manejando ciego, juez!" con esas historias tan típicas de Error Positivo, donde todo lo más bizarro puede pasar, todo enfundado de una potente de mezcla de rock y punk. En tercer lugar llega el desparpajo de "Ey". Es el momento de un cover, dedicado a

Hari B, primer guitarrista de la banda emblemática de punk argentina, Los Violadores, "Represión" un clásico de los primeros años post dictadura. Y los últimos tres temas son "Nube", "Fuego de San Telmo" y "Sin Hilo" la canción de Las Pelotas con Fernando Ruiz Diaz de Catupecu Machu de invitado. Un trabajo que destila energía por donde se lo escuche.

Testament | Brotherhood Of The Snake Label: Nuclear Blast Fecha de Lanzamiento: 28 de Octubre de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Testament está en mejor forma que nunca. Ya en los dos discos anteriores había dado buenas señales y grandes momentos para hacernos disfrutar de su potencia metalera aplastante. Pero si esos dos trabajos te gustaron, te asombrará Broother Of The Snake… mucho más completo y sólido, por lejos. Brotherhood Of The Snake, digamos, vuelve a visitar el pasado de Testament, del período que va de Low a The Gathering (su etapa más groove metal, por cierto), aunque siempre buscando dar otro paso adelante en la batalla. Según Chuck Billy, este disco fue inspirado por el mito de la sociedad secreta que fue fundada por un visitante draconiano llamado Ea, a veces conocido como Enki. De acuerdo con algunos escritos, el hombre fue creado por Ea como la raza híbrida que conocemos como homo sapiens. Y, esto, nada más que con el fin de de servir como esclavos, para abrir una mina de oro y extraer otros minerales

de la tierra. Pero la “Hermandad” ha evolucionado a lo largo de los siglos, fundando otras órdenes más chicas como los masones, los rosacruces, los templarios y los caballeros de Malta. Centrándonos en la música, es en esta nueva entrega que Testament muestra un sonido todavía más gordo y demoledor de lo que ya se habían despachado en anteriores trabajos. Hecho que, en parte, se debe al impresionante trabajo (tanto a nivel técnico como de potencia)

de Gene Hoglan en la batería, quien en temas como “Stronghold”, “Century Of Suffering“, “Black Jack“, “Canna Business” y “The Number Game” vuela cabezas a un ritmo frenético. Sin embargo, no todos los laureles se los lleva el trituratambores Hoglan sino que los otros cuatro integrantes del grupo (el cantante Chuck Billy, los guitarristas Eric Peterson y Alex Skolnick, y el bajista Steve DiGiorgio) no se quedan atrás. Así pues, encontramos en la placa ritmos mosh –véase el caso de “Neptune’s Spear”– como, mismo, los demoledores riffs y solos de guitarra al más puro estilo clásico de la banda. “Born In A Rut” pisa el acelerador a doble bombo junto con el bajo de Steve DiGiorgio fraseando al contundente galope de Hoglan, mientras que Alex Skolnick y Eric Peterson replican con pesados

riffs y una sección solista alucinante. Las distintas pistas del disco captan al oyente con algunas de las progresiones más complejas de su carrera y las alternancias más salvajes. Un ejemplo de ello es la perla “The Pale King“, que ofrece una virtuosidad y una fuerza que se impone como una de las composiciones más sobresaliente de toda su discografía. “The Number Game” es también otro de los puntos altos del álbum y que conduce a un final espectacular en el que Alex Skolnick y Eric Peterson meten caña con sus solos a lo loco. En definitiva, Brotherhood Of The Snake es una obra inigualable, llena de potencia y con un virtuosismo llevado a nivel celestial. En sus once canciones tenemos, no sólo a Testament en su mejor expresión, sino también uno de los discos de metal de la década. Sobresaliente.

Metallica | Hardwired… To Self Destruct Label: Blackned / Universal Fecha de Lanzamiento: 17 de Noviembre de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Pasaron ocho años desde Death Magnetic (2008), el último álbum de estudio de Metallica, pero eso no es nada en comparación con el viaje que llevó a esta resurrección de dos discos, que retoma el apocalipsis de ...And Justice For All (1988) y la fuerza más contenida del Black Album (1991). De esta manera, los temas de Hardwired… To Self Destruct (“Reintegrado… Para Autodestruirse”) son en su mayoría de duración épica y compuestos por la dupla Hetfield-Ulrich, con una violencia sónica, unos riffs en serie y shocks de tempo bestiales. “Hardwired”, “Atlas, Rise!” o “Now That We’re Dead” son remolinos de zumbidos hipertrash, y frenan de golpe justo antes del estribillo. Asimismo, los solos con wah-wah corrosivo de Kirk Hammett lo confirman como el pirómano más melódico del heavy. Con todo, y tras haber resuelto su furia interior a principios de este siglo, Hetfield se siente a gusto en los terrenos baldíos evocados en el disco… ya que se trata de un territorio lírico conocido para él,

especialmente en la veneración de un falso ídolo de “Halo On Fire” y en “Moth Into Flame”. Sin embargo, no faltan tampoco los momentos de arrogancia e inhumanidad que piden venganza en “Here Comes Revenge”. Por otra parte, en el relámpago que es “Spit Out the Bone”, Hetfield se imagina una Tierra vaciada de hombres por la tecnología que adoramos. Tenebroso. Si lo escuchás en tu teléfono, tené miedo.

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Garbage | Strange Little Birds

Label: Stunvolume Fecha de Lanzamiento: 10 de Junio de 2016 [ Por Pablo Müllner ]

Strange Little Birds es el sexto opus de Garbage, el segundo desde su reunión en 2012. Ya con Not your kind of people, la banda había puesto de manifiesto que la suya no era una apuesta al revival melanco de los 90, ni una excusa para salir de gira y recaudar. El disco reunión venía de la mano de un sonido más bastante más rockero y experimental y la creación de un sello propio, Stunt Volume, que les daba más libertad creativa. En ese mismo camino, y radicalizando la propuesta, Strange Little Birds se erige como un disco más redondo y conceptual. Birds parece el soundtrack perfecto para este 2016 globalizado y distópico. Desde el principio suena a que el futuro ya llego, y que eso no es nada bueno, sino todo lo contrario. El primer track “Sometimes” funciona como prólogo para esta tragedia posmoderna, una Shirley Manson más robótica que nunca se presenta abatida pero dispuesta a dar pelea: “I learn more when I am bleeding, you knock me down but I get up.” (“Aprendo más cuando sangro, vos me derribaste pero yo me levanté”). Como en una oscura película sci fi al mejor estilo Blade Runner, Shirley se dispone a representar el rol de una Replicant –quizá influenciada por su experiencia como actriz en el papel de una ciborg para la serie de TV, Terminator: The Sarah Connor Chronicles– en plena rebelión contra el –injusto– orden actual de las cosas. La banda le aporta un paisaje sónico plagado de ruinas y desolación. En números como “Blackout” o “Night Drive

Loneliness”, al momento que muestra su costado más industrial y oscuro, Garbage nos prueba que la furia no es solo cosa de la adolescencia, y que no hay sexo ni edad para estar enojado, desconforme, con ganas de dar batalla. En “Even though our love is doomed”, un momento más ambiental, de los que también hay bastantes en el disco, Shirley entona en su hermoso inglés aterciopelado: “I am getting desperate for a revolution” (“Estoy desesperada por una revolución”) con una sensualidad y una calma que de verdad estremecen. En los rockerísimos “So We Can Stay Alive” y “Amends”, Garbage se lucen como la atronadora banda en vivo que son, sin nada que envidiarle a ningún héroe de la guitarra ni a ningún dinosaurio progresivo. Para una mejor ilustración: “el” recuerdo rocker que me queda de 2016 es, paradójicamente, el de una muy sexy Shirley Manson interpretando algunos de estos temas en vivo desde el Luna Park, con el puño izquierdo bien en alto.

Strata Florida | Falling From Grace

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Label: Cherry Red Songs Fecha de Lanzamiento: 25 de Noviembre de 2016

Segundo álbum de la banda de Gales, con la voz de la ex Swallow, Louise Trehy y Peter Pavli. Su primer trabajo editado en 2014, bajo el sello Saint Marie Records, “Made of Stars”. La banda de dreampop edita este nuevo trabajo dos años después del debut con un sonido renovado y magistral. A comparación del debut la banda suena más etérea y refinada, con la voz de Louise en un punto álgido en su desarrollo, una voz carismática y soñadora de mucho vuelo. Desde el track que abre el álbum, Caroline SF Mix, se iluminará el lugar en donde nos encontremos. La voz de Louise es tan etérea que nos abrazará y nos cautivara. Y nos dejará suspendidos esperando lo que se viene. Y los que se viene es "Emily Bronte", dedicada a la escritora de Cumbres Borrascosas, entre otras. Una canción cadenciosa, brillante y dulce, que nos irá llevando de paseo por nubes blanquecinas. "Vital Sings" es una hermosa canción dream-

pop. A medida que vamos avanzando y las canciones se van sucediendo… "Frozen", "Lost in Space", "Honey", "Falling (SF mix)" y "Don't Give Up On Me", uno va teniendo la sensación de que este viaje nunca llegará a su fin, y más que una sensación se convierte en un deseo,pero el final llega… Otra vez Play.

Truescope | Distance Label: Intoxygene Fecha de Lanzamiento: 09 de Diciembre de 2016

Este es el debut de este dúo argentino - francés, que se han conectado vía Internet (youtube). Un EP de cinco tracks que explora un darkwave, que por momentos se inclina al synth, o en otros los ambientes oscuros y profundos. Las complejidades sonoras, muchas veces están a la hora de las elucubraciones en la composición, por la distancia, pero como se dice, internet acorta las distancias, y este es un excelente caso. Canciones sólidas, con instrumentaciones precisas y estructuras melódicas sin muchas vueltas, canciones elegantes y con gran calidad. Difícil será ver las canciones en directo, pero ¿a cuántas bandas vemos en vivo que nos gustan?

Seguro que el porcentaje siempre es menor, me animaría decir al 30%. Excelente debut y esperamos más material para el 2017.

Gente Conversando | Institucional Label: Gente Conversando Self-released Fecha de Lanzamiento: 22 de Diciembre de 2016

La banda desfachatada Gente Conversando, integrada por Detective Juan en guitarras y coros, Martín Sucari en teclados, Santiago Martínez Cartier en Batería, Guillermo Masse en Voces y Martín Boicot Cajales en Bajo, lanzan su primer trabajo en estudio grabado en... Desde el track 1 "Introducción Medium Noir" nos encontramos con la esencia de la banda, un audio disparatado en donde nos dejan en claro de que va parte de esta entrega. Humor, mucha actuación, situaciones casi cinéfilas. Las canciones "Poder mental", "Drama intrafamiliar", "Un ninja perdido en la Isla Martín García" y "Melancolía reaccionaria", son una muestra de lo que puede ser la banda, un rock con aires dantezcos y por momentos maquiavélicos, en donde ellos son los que deci-

den qué tienes que hacer o cómo moverte. Una grabación que invita e incita a verlos en vivo, que les aseguro será una experiencia que por un tiempo no olvidarán. Esta es su segunda producción ya que poseen un primer álbum grabado en vivo en febrero del 2016. Pueden encontrar este disco para descarga en su bandcamp.

Sé Pequeño | Victoria Label: Sé Pequeño Self-released Fecha de Lanzamiento: 28 de Diciembre de 2016

En una revista anterior hemos presentado a esta banda que conjuga la canción acústica con mucho vuelo spinetiano, por momentos llenos de calma y en otros oníricos. "Victoria" es un EP de tres canciones, el eje central de la razón de esta grabación es la canción que abre este trio de canciones, "Cielo de Ti" una bella versión de la canción de Luis Alberto Spinetta, que aparece en el disco “Pelusón of Milk” (1991). Y todo gira en torno a esta canción ya que fue la que presentaron en el Centro Cultural Kirchner. En un recital en homenaje al Flaco, "Mañana es Mejor, homenaje a Spinetta" en donde participaron con muchos artistas. Luego de esa noche, decidieron entrar al estudio de Sebastián Kramer en la ciu-

dad de Victoria (Gran Buenos Aires) y registrarla en audio y en video, y de paso grabaron "Algodón" y "Gaviota". Alejandra Lescano pone su voz por primera vez y es una nueva incorporación de la banda. Poesía, calma, tranquila caricia acústica, simpleza con mucha maestría. Una edición crepuscular.

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En el 2016 nació esta sección en donde presentamos nuevos descubrimientos que realizan los miembros del staff, un poco para despertar la curiosidad en nuevos artistas que viene dando sus primeros pasos o aquellos que aún se encuentran esperando ser conocidos por nuevos escuchas. A continuación haremos un compendio de las bandas que han pasado por este espacio que denominamos Derecho de Piso...

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El placer de Crecer Jugando

Sur du Monde

Jugando por Diego Centurión

Sur du Monde por Diego Centurión.

¿Cómo es crecer jugando?

Rosario. Tercera ciudad en importancia en Argentina. Una

¿Cómo es crecer?

ciudad que pugna por el monopolio de Buenos Aires en tema

Son preguntas que tienen, en este caso, el mismo denomi-

musical. De ahí provienen los Sur du Monde, una banda que sin

nador, la música.

ser muy conocida en el "centro" de la escena argentina (Buenos

Crecer es una banda oriunda del barrio de Parque Patricios

Aires) viene dando pasos seguros y precisos en su crecimiento.

de la Capital Federal de Argentina. Que en el 2015 han editado

“Sur du Monde” está formado por Pablo Cravzov, Sebastián

su segundo álbum "Crecer", un trabajo serio en intenciones y

Martino, Walter Randisi y

producción, que se dirige en busca de algo grande. Musicalmen-

Manuel Mori. “Sur…” se formó en el 2006 en la ciudad de

te es un rock muy argento con sonoridades que abundan en el

Rosario. Mezcla la música indie con matices de electrónica y

mercado local, pero que en este caso, se tiñe de un sabor más

una amalgama sonora recomendada por los amantes del soni-

depurado y consistente. La banda viene creciendo (tal el nom-

do spinetiano (Luis Alberto Spinetta) o ceratiano (Gustavo Ce-

bre de su nuevo trabajo lo indica), y prueba de esto son sus pre-

rati). Con sus dos álbumes “Tres” (2012) y “A Siete Jardines del

sentaciones sold out en el Roxy Live y Uniclub en el 2015, ante

Sol” (2015) vienen dando muestras de su buen gusto para crear

a sus fieles seguidores, que lo siguen a donde sea.

muy buenas canciones, sobre todo en su último álbum en don-

La banda se formó en el 2006 y tienen editado dos álbu-

de crean un paquete de siete canciones que despierta la curio-

mes “Jugando” (2013) y “Crecer” (2015) y un demo “Difusión”

sidad en nuevos oyentes, que desprevenidos escucharán una

(2012).

finísima banda.

Sus integrantes son: Martín Badía (Voz y Guitarra) Maxi Al-

Sus diez años de trayectoria y su posicionamiento en el mer-

varez (Saxo tenor) Claudio Melgarejo (Trombón) Carlos Torres

cado de la música han hecho que durante el mes de marzo se

(Trompeta) Martín Monteros (Saxo alto) Jere Higa (Batería) Ne-

presenten en el SXSW Music, Austin, Texas (del cuál tendre-

gro Sosa (Guitarra) Abraham Ramirez (Bajo) Martín Avalos (Te-

mos un diario de viaje de la propia banda).

clados). Y así jugando, jugando, en el año de sus primeros diez de vida, van por todo…

Su mixtura de sonidos que abarcan guitarras grunge, pop electrónico, psicodelia y una fineza estética a la hora de la composición, hacen un combo interesante llamado Sur du Monde.

http://jugandoficial.com.ar/ https://www.facebook.com/jugandooficial/

https://www.facebook.com/surdumonde/

https://soundcloud.com/jugando-oficial

https://surdumonde.bandcamp.com/

https://twitter.com/Jugandoficial

https://www.youtube.com/user/surdumonde

https://www.youtube.com/channel/UCfTQI7nyTmwY-

https://twitter.com/surdumonde

VR96aBzMdig

https://soundcloud.com/surdumonde

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Sé Pequeño.

Nexus-6

Sé Pequeño Por Diego Centurión.

Nexus-6 Por Maxx Wilda Formada por el 2005, Nexus-6, con sonido electro-industrial,

Entre los nuevos proyectos por descubrir hay de todos los es-

retoma todos los condimentos del punk, post punk y minimal

tilos, y de todos los colores. Entre más buscamos en el subterrá-

wave de los 80s para una combinación poderosamente atracti-

neo de las sonoridades nuevas y alternas a lo que los grandes

va. Integrada por benway (programación, guitarra y voces) y Luz

medios nos quieren vender (el recalcitrante y agotado rock cha-

(voces y sintetizadores), esta banda de algo más de 10 años ha te-

bón o el mal utilizado rock and roll argento). Hoy llega a nues-

nido un rodaje más que interesante, 2 videos oficiales, aparicio-

tra revista Sé Pequeño, un proyecto de Marcelo Borello que se

nes en compilados ("Future Clash 2" y "This is Underground"

formó en el 2008 y que con dos álbumes nos trae un universo

de Advanced Synergy Records-Mexico, "Cyberpunkargentina -

intimista, pequeño y simple, sin grandes luminarias y pomposi-

Tecno Melodias Biomecanicas" y "MGZN-E Edición Especial

dades. Lo que nos regala Sé Pequeño es una gran reflexión, que

Argentina"), un puñado de EPs (con remixes de Cute Heels y

sólo se puede pensar desde la pequeñez del ser humano ante

Fetiches De Faster) y el LP "Blinded by Reflections" (2012). Pre-

la inmensidad del Cosmos. Somos una ínfima parte de una to-

sentes en varios sellos, Black Montanas es su última casa. Han

talidad que nunca alcanzaremos a comprender y a abarcar. Sé

recorrido la escena electro nacional en los más variados lugares,

pequeño nos inunda de simplezas, por medio de paisajes acús-

por lo que muchos de nosotros los hemos visto alguna vez. Ne-

ticos y letras que se llenan de poesía cotidiana, en donde noso-

xus-6 nos invita a bailar y bailar (que es en parte lo que busco)

tros vemos cotidianeidad y pocas veces valoramos instantes, Sé

sin dejarnos olvidar de que son una banda y no música que sale

Pequeño nos descubre poesía y luminosidad en actos simples

de los parlantes. Basslines poderosos, bases rítmicas cuidado-

como preparar un mate y tostadas, o el simple hecho de arrojar

samente arregladas, climas y sintetizadores con sonidos clási-

un palo al perro para jugar. Todo en un marco de un folk casi

cos pero con una vuelta de tuerca, riff de guitarras que rompen

campestre, adornado de bellas armonías, que se alinea detrás

con el esquema electro-dance clásico y finalmente las voces, per-

del gran Spinetta o la simpleza lírica de Daniel Melero. Pero que

fectamente combinadas y balanceadas, dejando que Luz lidere

nunca es estridente, por el contrario, siempre nos envuelven en

sin que benway quede opacado tras efectos. Un cóctel del que

esa pausa necesaria en esta vida cotidiana cada vez más acelera-

The Hacker, Dirty Pincess o Miss Kittin podrían envidiar. Re-

da y salvaje. Sé Pequeño es un oasis que siempre necesitaremos

comiendo hurgar en su música, disfrutar con un leve headban-

para recordar que en la simpleza y en los pequeños momentos

ging, descubrir a esta excelente banda y calentar motores para

está la esencia de la vida.

verlos en vivo. Los must: Party Doll, Another World y DIrty

Dos álbumes acompañan está naciente trayectoria, "Como

Dancefloor.

una Planta creciendo en mi Maceta" (2008) y "Cada vez que estoy Despierto" (2015).

https://www.facebook.com/Nexus-6-103740795553/ https://nexus-6.bandcamp.com/

Actualmente la banda se completa con Sebastian Kramer en guitarra eléctrica, Agustín Gaytan en guitarra criolla y banjo,

https://soundcloud.com/nexus-6-1 https://www.youtube.com/user/BenwayNexus6

Federico Dopazo en bajo y Sebastian Souza en sintetizadores. Y el último álbum será presentado en el bar Poe, el 18 de junio, en Buenos Aires.

The Nocovers The Nocovers por Ariel Soriano

http://sepequenio.flavors.me/ https://www.facebook.com/sepequenio/ https://sepequenio.bandcamp.com/

The Nocovers es un dúo de guitarras que tocan en vivo sobre las pistas de sus propias programaciones y grabaciones. El proyecto nace en abril del 2014 después de una charla entre ami-

gos y mientras escuchaban discos. El tinte compositivo va des-

rias formaciones finalmente encontró en Patyx (Vocalista de

de el post-punk, Noise-pop y Darkwave de los '80 al Shoegaze y

"Arde María", amigo y compañero de escenarios) y Fabián (ex-

Gothic de los '90. The Nocovers son Martin Giles en guitarra, y

celente Baterista y admirador del sonido Británico) los dos so-

Gabriel Boccanfuso en guitarra y voz.

cios ideales para llevar adelante este proyecto de trío.

"Consideramos nuestro arte como una mezcla de influencias

Entre sus influencias mencionan bandas como The Beatles,

que viajan en los sonidos de guitarras y canciones, y en las letras,

The Police, The Cure, Soda Stereo, Gustavo Cerati, Fricción,

que son escritas con la sangre de nuestras experiencias."-dice

U2, Keane, Oasis, Blur, Radiohead, entre otros. Patyx nos ha co-

Gabriel, quien escribe en inglés.

mentado tras el show de la Cigale que ellos llevan todos los so-

En Septiembre 2015 editan en forma virtual su primer simple

nidos posibles a una canción, y luego entre los tres, empiezan a

"I'm My Own Now", el cual fue distribuido en 39 plataformas

quitarle arreglos y arman una estructura para que la voz y coros

incluidas Apple itunes, spotify, Deezer, YouTube Music, Me-

no se encimen o molesten a las bases de las canciones. Como él

diaNet, GreatIndieMusic y más, aunque solo en bandcamp fue

dice “a veces tocar menos es aportar más”, y eso se nota en las

subido a modo de rareza el Lado B "There's a Hole". El mismo

canciones, en donde una refinada construcción arquitectónica

fue grabado por The Nocovers en su estudio, y luego fue mez-

de la sonoridad hace que todo suene impecable y exacto.

clado y masterizado por Flavio Etcheto.

Han grabado, editado y hoy en proceso de Mastering su pri-

Entre sus presentaciones se destacó el debut en vivo para la

mer disco, que saldrá en formato digital en los próximos meses.

Psycosonic Fest (Nov 2014) junto a la legendaria banda Iguana

La producción ha sido desarrollada por Guillermo Cudmani en

Lovers, y la invitación de Luzparis para abrir su show en Mu-

el estudio Osa Mayor y hemos contado con la colaboración del

seo Mar en el escenario de Cultura B.A (Feb 2015) Actualmen-

Bolsa Gonzalez como Drum Dr. entre otros invitados.

te repiten la fórmula con Flavio Etcheto con quien se encuentran mezclando y masterizando su segundo simple "Far Away"

Los invitamos a conocerlos en:

próximo a editarse bajo el mismo formato , el cual contendrá

www.facebook.com/fobicos

con una versión acústica del mismo tema , y con amigos invitados de las bandas Altocamet, Tomates en Verano y Molinete

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Lumpen.

La Esencia del Brit Cordobés https://www.facebook.com/thenocovers/

Elvira Pop por Patricia Claudia Fiori

https://thenocovers.bandcamp.com/ http://www.cdbaby.com/Artist/TheNocovers https://www.youtube.com/channel/UC7fmjObil82ls_4mgq6hOjw

Suena “Tell me that it hurs”, “Why”, “Beautiful worker”… y vuelvo a dar play. Oriundos de la Ciudad de Córdoba, Argentina, donde residen y componen, se presentan en concierto asiduamente y han for-

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mado parte de un compilado integrado por bandas regionales.

Fóbicos

Elvira Pop tiene en su haber su primer trabajo de estudio: “Vida

Fóbicos por Diego Centurión

Pobre” (2010), y nos encuentra la grata noticia de la próxima salida de su segundo disco - para ser exacta- éste próximo 13 de

En el último Entrópico (Reseña en este número) he-

Octubre de 2016, el cual han titulado: “Electronic Hot Dog”.

mos conocido a Fóbicos, una banda que arriba y abajo del esce-

En Elvira Pop, la lírica y la voz son plasmadas en inglés, se

nario se muestran tal son, auténticos. Es hora de presentarlos y

destacan de manera relevante en su misma provincia por el

que ustedes puedan descubrirlos.

idioma adoptado por la banda, por su referencia y esencia brit,

Fóbicos nace hace algunos años y su idea de sonido

es un pop prolijo, serio y por momentos oscuro, con claras in-

sobrevolando la sonoridad de Manchester y con canciones de propia autoría.

fluencias de las bandas de los años 80´s y 90´s. Por momentos

Elvira Pop se origina en 2006 al regreso de su frontman, Die-

cercanos a Soda Stereo en otros a La Sobrecarga, pero siempre

go Elkin, de Barcelona. Sembrada la idea de la banda en Elkin,

manteniendo un espíritu de músicos profesionales que saben

es en Córdoba con el resto de la banda, cuando queda consti-

lo que hacen y cómo hacerlo.

tuída Elvira Pop.

La idea partió originalmente de Pablo Diaz que luego de va-

Con una genética anglosajona, el proceso creativo fluye en

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idioma inglés, no se definen como pop inglés, predominando la

con capas de armonías psicodélicas, ocultando un gran amor

escena/ esencia británica de fines de los 80 y principios de los

por las paredes de distorsiones con mucha energía entrópica. La

90. Siguiendo con su esencia: “Se trata de una interpretación

banda se arrastra con su sonido onírico, brumoso y sucio, pero

latinoamericana de lo que es el pop inglés, una adaptación local

encantador y con mucha reberveración.

de la música brit“, refiere Diego Elkin.

Desde su primer single “Infinite Decay” de noviembre del

En su primer trabajo lanzado en 2010 “Vida Pobre” (com-

2014, que se asentó las bases de la banda, han editado "Desert

puesto por nueve tracks) se respira un mágico homenaje a New

Love For Lonely Graves" (2013) y su último álbum hasta hoy "A

Order que se propuso la banda para su primogénito álbum,

Long Period Of Blindness" (2015).

mientras que en el próximo disco de Elvira Pop que está pronto

Están por lanzar un nuevo single en breve y además el 15 de

a ver la luz: “Electronic Hot Do” (también integrado por nue-

octubre saldrá editado un tributo a Siouxsie and The Banshees

ve canciones) se vislumbran destellos sonoros y líricos de los

en donde participan.

New Order, Electronic y la escena británica en su conjunto. Logran sumergirnos en el universo brit, recordándonos que son argentinos, componen sus propias canciones y en inglés. Defi-

El shoegaze en Italia está tan vivo como en otras décadas, hay que abrir los oídos e investigar a fondo a Weird.

nitivamente, rasgos que los destaca y denota la originalidad en su propuesta. Sus canciones hablan por sí mismas, con cuidadas y armonio-

Links: https://weird1.bandcamp.com/

sas melodías, con la luminosa impronta que cobra la voz y las

www.facebook.com/weirdband/

ejecuciones instrumentales, otorgando un brillo que convierte

https://twitter.com/Weirdband

a Elvira Pop en una revelación que invita a ser degustada, con

www.youtube.com/user/weirdband

el placer que conlleva descubrirlos, esperando que prontamente

https://soundcloud.com/weirdband

muestren su obra en los escenarios de Buenos Aires. Alineación: DIEGO ELKIN (Compositor, Voz, Guitarras), MARCELO DELFINI (Teclados, Bases electrónicas), ADRIAN SUPPO (Batería electrónica), NICO RUESCH (Bajo) Links:

Número 32 Pies descalzos en la arena y toneladas de reverb Super Super Dub Station por Marina Cimerilli

https://www.facebook.com/elvirapop/ https://play.spotify.com/artist/6AhtA9vZrC7VpGmhnT8wR2

“Nos juntamos bajo el lema Lo que no se baila se pierde”, sentencia Marcelo Borrello, uno de los artífices de esta amiga-

https://soundcloud.com/elvira-pop

ble bocanada sonora que es Super Super Dub Station. Como su

https://www.youtube.com/channel/UCyQgG9_KbOZ2yyS-

nombre lo indica, el proyecto coquetea bien de cerca con este

RLmFXdkw

género musical hermano de sangre del reggae, al tiempo que le inyecta también una estructura más propia del formato canción. El origen espiritual de Super Super se remonta al año 2008, época en la que Marcelo giraba por Europa como acordeonista

Número 31

de la banda de música balcánica Nora Luca. Después de dar un

La Onírica Nube Italiana

show en el Fussion Festival y mientras paseaba por las inme-

Weird por Diego Centurión.

diaciones, quedó hipnotizado con la performance de la banda dinamarquesa Bo Marley, la cual consistía en cuatro integran-

Hoy vamos a presentar una banda que nació en Roma en el

tes bajo una sombrilla en una mesa repleta de sintetizadores,

2011. Sus integrantes actuales son Marco Barzetti (guitarra y

un vocalista que vestía un traje de neopren azul y rojo, y mucha

voz), Massimiliano Pecci (batería) y John Romano (bajo). Aun-

gente alrededor bailando descalza sobre un claro de arena al rit-

que en un principio sólo estaba Marco.

mo aletargado del dub.

La banda se cruza entre las veredas del shoegaze y el post rock,

Así las cosas, Marcelo regresó a Buenos Aires y el agua si-

con guitarras nubosas y lánguidas, voces lejanas y fantasmales,

guió corriendo bajo el puente. Habiendo abandonado las filas

Número 33 La belleza floral Orquídea por Benjamín York de Nora Luca, se avocó con mayor exclusividad a Sé Pequeño, su

Nacidos en el 2004 en Arequipa (Perú), Orquídea es un dúo

proyecto folk-canción con el que ya lleva editados al día de hoy

compuesto por Raúl Begazo en guitarra, secuencias, programa-

dos discos de estudio y un EP. Le siguieron una serie de presen-

ción, bajo y voz. Abdel De La Cruz en guitarra, secuencias y

taciones en vivo y grabaciones de videoclips, hasta que en 2014

voz. Llevan años desparramando un shoegaze con pinceladas

llegó el momento definitivo de acercarse a los sintetizadores y

de dreampop., que van detrás de sonidos de bandas como Coc-

evocar aquel viejo sonido. Con Sebastián Souza (su entonces

teau Twins, Slowdive o lo más tranquilo de los My Bloody Va-

compañero en Sé pequeño) como aliado en la travesía, comen-

lentine (aunque se han animado a grabar "Only Shallow"), pero

zaron a convocar gente para intentar, finalmente, darle forma

siendo de Perú no podemos dejar de mencionar a los fantásti-

a un proyecto musical orientado al dub. Uno de los que aceptó

cos Resplandor.

el desafío fue nada menos que Sebastián Kramer, ex guitarrista

Oníricos paisajes llenos de feedbacks, elegancia, composicio-

de Jaime Sin Tierra, y lo que inicialmente comenzó como una

nes perfectas, como ríos que se mueven en los oídos paneando

búsqueda experimental derivó en una serie de tocadas marató-

belleza sonora.

nicas altamente productivas. De allí surgió “EP1”, el primer tra-

La banda tiene editados un EP debut "Translúcido" (2004),

bajo bajo el nombre de Super Super Dub Station que consta de

"Abril" (2014) y recientemente han editado un single llamado

5 tracks, y para el 2 do EP, “Versiones”, se sumó Federico Do-

"SD90", que según ellos, es de su nuevo álbum a editarse en lo

pazo (Tobogán Andaluz) en el bajo, arrimando el proyecto a un

que queda del 2016.

formato de banda. Sin embargo las presentaciones en vivo tienen como sello propio la continuidad sonora propia del DJ set,

Los invitamos a descubrir nuevas bandas de Latinoamérica como Orquídea.

y es en este contexto donde más fuerza cobra la premisa del comienzo, aún sin trajes de neopren ni claros de arena alrededor:

Sus redes sociales son:

lo que no se baila, se pierde.

https://orquidea-shoegaze.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/orquidea.aqp/

Bandcamp: https://supersuperdubstation.bandcamp.com/ Facebook: https://www.facebook.com/SUPERSUPERmusic

https://youtu.be/80QrKRdZ9D0

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