The 13th Número 29

The13th AÑO: 3

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NÚMERO 29

UNA R E VISTA IMA GINARIA

MARK THWAITE | A. LAISECA ESPECIAL ALAN VEGA | NOVANTA | PUSHIT REFLECTION | 93MILLIONMILESFROMTHESUN | SWANS

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión [ Departamento de Cine ] REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de

José Luis Lemos [ Departamento de Música ]

Julieta Curdi.

Nicolás Ponisio Jimena Patiño

Alejandro Cenizacromada TRADUCCIÓN

Alex Bretto

[ Departamento de Literatura ]

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano,

Pablo Ravale

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jimenez Mesa,

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Artes Visuales ]

Diego Centurión

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Jefe de Departamento de Cine:

Erick R. Vieyra

Nicolás Ponisio.

Gabo Rojo

[ Fotografía ]

Jefe de Departamento de Literatura:

Marianarchy Deadbilly

Nazarena Talice, Lily Moonster,

Pablo Ravale.

Marcelo Simonetti

Johannes Rossini.

Jefe de Departamento de Música:

Max Wilda

Diego Centurión

Rodrigo Debernardis Esteban Galarza

REDES SOCIALES:

Ricardo Padilla (Oriani_K)

Luca Nicolás Centurión Mogilner

J.D. Daire Alujas Damián Snitifker Darío Martinez Patricia Claudia Fiori

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Franco Doglioli. Iván Mirabal. Javier Rendo.

CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Agosto, 2016

Hablar de un número tan próximo al 30 significa mucho para ese sueño que nació hace tres años. El espíritu sigue siendo el mismo que con el que nació The 13th, brindar una alternativa a lo convencional. Y creo que vamos por el buen camino.

El paso previo al cambio de decena trae mucha información. Pero más allá de esto, seguimos creciendo en el staff, Patricia Claudia Fiori se agrega al cuerpo de esta revista. Pero también contamos con dos participaciones especiales que ya les mencionaremos.

Tenemos unas entrevistas exclusivas importantes. En el campo de la Literatura accedimos, de manera exclusiva, a una mano a mano con el escritor argentino, Alberto Laiseca. Este escritor es extraído de la pantalla chica por la sección “El Escritor Serial”, quien habla de su serie que fue emitida por un canal de cable.

En el campo de la música hemos contactado a Mark Gemini Thwaite quien nos habla de su primer álbum solista “Volumes” y tenemos la palabra de Carlo Van Putten y Ashton Nyte que nos cuentan su participación en este trabajo. Descubrimos y entrevistamos a dos bandas nuevas, Manfredi Lamartina de Novanta (Italia) y Nick (Noble) de 93MillionMilesFromTheSun (Inglaterra). En el plano argentino presentamos una banda de La Plata, Pushit. También tenemos una colaboración de Franco Doglioli quien nos cuenta la Gira de Reflection por Chile y Perú. Presentamos a Fóbicos (banda argentina).Hablamos de Sigur Rós.

Nos ponemos nostalgiosos y le rendimos un homenaje al recientemente desaparecido Alan Vega y su Suicide, para este segmento contamos con dos músicos argentinos Javier Rendo (Rendo) e Iván Mirabal (Iguana Lovers), quienes se encargan de rendirle su propio homenaje a Vega.

Asistimos a los conciertos de Pet Shop Boys en el Royal Opera Hall; Swans en Argentina y Colombia; Kas Product en Requiem.

Estamos muy felices con este número, esperamos que ustedes también.

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE REFLECTION. BITÁCORA THEOREMA ANDES TOUR 2016 BITÁCORA por Franco Doglioli.........................................................................................................................................06 TRES X UNO por Diego Centurión, Nicolás Ponisio, Pablo Ravale.........................................................................................................16

UNA COLECCIÓN QUE SE REMONTA A VARIOS AÑOS Entrevista a Mark Gemini Thwaite por Diego Centurión. ................................................................................................... 20

NOS NUTRIMOS UNO DEL OTRO Entrevista a Pushit por Diego Centurión.............................................................................................................................. 30

NO TODOS LOS MONSTRUOS SON MALOS Entrevista a Alberto Laiseca por Pablo Ravale..................................................................................................................... 36

SOMOS UNA BANDA SHOEGAZE Entrevista a Nick (Noble) por Diego Centurión................................................................................................................... 42

RIP. ALAN VEGA Especial sobre Alan Vega/Suicide.................................................................................................................................... 46 ADIÓS AL HÉROE DE LA MOTOCICLETA. Por Bernardo Jimenez Mesa .......................................................................

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CALLES DE FUEGO. Por Javier Rendo ...........................................................................................................................

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EL SUICIDIO DE SATANÁS, UN ESTILO DE VIDA. Por Ariel Soriano .............................................................................

52

¡¡¡ARRIBA LOS TRANSISTORES!!! Por Iván Mirabal ........................................................................................................

54

SUICIDE: CRONOLOGÍA Por Ricardo Padilla (OriaNi_K).................................................................................................

56

ROCKET USA. EL LEGADO DE SUICIDE. Por Cesar León ..............................................................................................

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ALAN VEGA EN LA TORMENTA MODERNA. Por Erick R. Vieyra ..................................................................................

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ES MÚSICA DE DORMITORIO Entrevista a Manfredi Lamartina de Novanta por Diego Centurión. ................................................................................. 68

PALABRAS EN LA ARENA ¿COMEDIA, JUEGO O REVOLUCIÓN? “Manual revisado del boy scout” de William S. Burroughs por Pablo Ravale.74 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE YO TEMO, TÚ TEMES, NOSOTROS TEMEMOS por Pablo Ravale................................................................................76 HIDDEN TRACK ...............................................................................................................................................................78 MUSIC CORNER Sigur Rós: Un Buen Comienzo por Alex Bretto..................................................................................................................80 EN CONCIERTO YA NUNCA MÁS SERÁ IGUAL por Diego Centurión.....................................................................................................84 EN LA CIUDAD DE LA FURIA por Diego Centurión. Fotografía: Lily Moonster.............................................................88 OUTER SANCTUM: UN COLADO EN EL ROYAL OPERA HALL por Gabo Rojo............................................................92 SONGS FOR THE DEAF por Esteban Galarza y Diego Centurión. Fotografía: Nazarena Talice....................................96 INMOLACIÓN Y RENACIMIENTO Por Alejandro Cenizacromada..............................................................................102 30 AÑOS NO SON NADA por Maxx Wilda. Fotografía: Nazarena Talice....................................................................106

RESCATE CINÉFILO DE TOCO UN PODO -VERSIÓN INVIERNO-.............................................................................................................116 LA ODISEA por Nicolás Ponisio...................................................................................................................................118 BONUS TRACK: EL LADO B DE INSIDE LLEWYN DAVIS por Nicolás Ponisio.............................................................120 PUNK’S NOT DEAD por Nicolás Ponisio.....................................................................................................................121 CANTANDO BAJO LAS LÁGRIMAS por José Luis Lemos...........................................................................................123 UNA HISTORIA (NO TAN) SENCILLA por José Luis Lemos.........................................................................................125 NI UNA COMEDIA MENOS por Nicolás Ponisio.........................................................................................................126 EL ESCRITOR SERIAL CUENTOS DE TERROR CON ALBERTO LAISECA: EL NARRADOR QUE CAYÓ DEL CIELO por Nicolás Ponisio......130 PURA MELOMANÍA BIENVENIDOS AL VIAJE por Patricia Claudia Fiori......................................................................................................136 ROSAS Y VAMPIROS por Pablo Ravale........................................................................................................................137 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................142 2016 ATAQUE MASIVO MASSIVE ATTACK por Darío Martinez..........................................................................................................................148 DERECHO DE PISO

FÓBICOS por Diego Centurión..................................................................................................................................148

[ Bitácora realizada por Franco Doglioli, cantante y letrista de Reflection. ]

REFLECTION. BITÁCORA THEOREMA ANDES TOUR 2016

Julio 2016 Día 1: Viernes 22 Ayer llegamos a Chile por primera vez. Fuimos recibidos con mucha calidez por Felipe Alarcon Navarrete y Axel Marinković de Pleasure. Nos presentamos en el Bar Mala Vida, compartiendo escenario también con Mauro Ormazabal de Neon Roads.

Fue una gran noche. Gran aceptación de un público muy cálido, que bailó y cantó nuestras letras, haciéndonos sentir muy cómodos. Muy agradecidos a los amigos de Bar Mala Vida y de LealtaDark. ¡Definitivamente volveremos a Santiago!

Día 2: Sábado 23 Hoy pudimos descansar después del largo día de ayer. El road trip a Valparaíso fue muy agradable, riendo y contando anécdotas. Felipe y su novia Verónica, han sido excelentes anfitriones y ya somos grandes amigos. Antes de la prueba de sonido nos llevaron a conocer todos los sitios característi-

cos de esta pintoresca ciudad. El puerto es una verdadera postal. Ciudad ideal para artistas y para el vuelo creativo. Paseamos en el funicular más antiguo de Valparaíso, luego hicimos algunas compras en el Mirador, recorrimos algunos edificios y monumentos históricos, con la guía de Felipe, quien conoce muy bien este sitio. Cenamos platos típicos "paila marina" y buen vino nacional. Alcanzamos a dar una vuelta por Viña del Mar y tomarnos una fotografía en el famoso reloj hecho de flores.

La disco Morgana fue toda una experiencia. Es un ambiente adonde asiste público dark en su mayoría. Hicimos la prueba de sonido y luego ya estuvo todo listo para dar lo mejor. Las tres bandas dimos un gran show. En cuanto a Reflection, sentimos que gustó mucho nuestra propuesta. Al final nos pidieron más canciones. Quedamos muy contentos y conformes. Agradecidos a nuestro amigo Dj BioRed y con la gente de Morgana por la buena onda. Luego nos volvimos todos muy tarde para Santiago, a descansar.

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Día 3: Domingo 24 Dedicamos el día domingo a descansar como Dios manda. Fueron los anteriores, dos días intensivos en donde nos sentimos muy valorados como artistas. Almorzamos con nuestro colega y amigo Felipe y su pareja en un restaurant italiano y por la tarde, nos llevaron a nuestro hotel, el hotel Mercure, en pleno centro de Santiago. Nos fuimos a dormir bien temprano luego de cenar.

Día 4: Lunes 25 Nos despertó un leve temblor. Algo común en la ciudad de Santiago. Fue cuando lanzamos otro sismo desde todas las redes, el primer video clip de “La Nuit Intime”, de Reflection Session, del tema que da nombre a nuestro álbum: “Theorema”. Realizado por un gran equipo compuesto por Dolores Larange, Andrés HM y Luis Marte. Dedicamos luego el día entero a pasear por Santiago. Nos gustó mucho el paseo por el Cerro Santa Lucía. Por la noche fuimos agasajados por todos los que participamos en estas dos fechas, en la casa de Mauro de Neon Roads, para

nuestra despedida. Fue una noche muy divertida en donde se afianzaron grandes amistades y se habló de futuros proyectos musicales en conjunto. Nos obsequiaron pisco chileno y un muy buen vino carmenare. Nos vamos de Chile muy felices y agradecidos con todos.

Día 5: Martes 26 Hoy día de vuelo. Desde Santiago rumbo a Lima.

Nos recibe con mucha calidez el equipo de Oroya Dreams Festival comandado por Ricardo y Karina, excelentes personas y amigos, ¡por cuarta vez!

Como único dúo invitado para festejar sus diez años. Sumado a ellos, dos seguidores de Reflection, Ricardo NG y Henry Robles, también se acercan al aeropuerto a darnos la bienvenida. Ya se percibe el cariño por nuestra música y por el show que daremos. ¡Nos llevan a nuestro hotel y luego a cenar a Pizzería Rustica!

La pasamos todos genial.

Día 6: Miércoles 27 Comenzamos los preparativos para nuestro gran

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show en el Koca Kinto de Lima el día viernes 29 de Julio por la noche. Nos llevan a almorzar a este lugar, chequear cuestiones de espacio y sonido con Guillermo, sonidista del lugar y para saludar además a su dueño, Manuel, excelente persona. Será “La Fiesta” del Oroya Dreams. Ya con todo organizado, simultáneamente, desde Perú, decidimos lanzar desde todas las redes, el segundo video clip de “La Nuit Intime”, de Reflection Session. Esta vez es el turno del tema “Solo a Bailar”. Realizado por el mismo talentoso equipo, compuesto por Dolores Larange, Andrés HM y Luis Marte. Reflection no para.

Por la noche, recorrimos algunos sitios típicos de la noche peruana. Fuimos a conocer el Distrito de Pueblo Libre en Lima y visitamos la antigua taberna Queirolo. Toda una experiencia. Luego fuimos a tomar algo a Exit Bar, en donde disfrutamos del acertado concepto del lugar. Se trata de un bar de ambiente muy cálido, en donde uno puede anotar en papelitos que temas quiere oír y en una pantalla van pasando los temas con sus respectivos videos clips. Dicho lugar es atendido por sus dueños, quienes nos recibieron con mucho afecto. En el transcurso de la noche pasaron nuestros temas y videos en dos oportunidades. Nos sentimos realmente muy agasajados.

Día 7: Jueves 28 Durante el día fuimos con el equipo a de Oroya Dreams a almorzar al Distrito de Miraflores a La Lucha, una sandwichería gourmet excelente, que ya habíamos visitado en viajes anteriores.

Por la noche fuimos recibidos en el estudio de Dante Gonzales, integrante de la banda de synthpop peruana “Estación Perdida” entre otros tantos proyectos musicales. Su estudio es de los más completos que hemos visitado, un verdadero museo del sintetizador. La charla fue super interesante. Dante, además de ser una persona muy cálida, es un excelente músico y programador, escucharlo fue una clase magistral. Nos facilitó además algunos elementos necesarios para nuestro show, que por el viaje,

no pudimos llevar con nosotros y quedamos muy agradecidos.

Por la noche fuimos a comer el famoso y típico pollo a las brasas, tan característico del Perú.

Día 8: Viernes 29 Al mediodía almorzamos liviano, descansamos y luego fuimos por la tarde a la prueba de sonido.

Todo quedó listo y nosotros muy conformes con el espacio y predisposición de todos en el Koka Kinto para que la puesta en escena y sonido saliese lo mejor posible. Nos fuimos a descansar muy tranquilos hasta la hora del show. A las 23:30 nos pasaron a buscar. Al llegar al Koca Kinto nos sorprendimos por la cantidad de gente que había concurrido. Muchos pidieron fotos con ambos. Habíamos llevado discos de Reflection y de Sequencia, y ya se estaban vendiendo. El show comenzó a medianoche y duró una hora. Tocamos 10 temas, dos de Sequencia y el resto de Reflection, presentando un tema inédito, para nuestra sorpresa, el público no nos dejaba bajar del escenario y regalamos un tema muy querido a pedido de los presentes. Todos bailaban y cantaban, sabiendo las letras, de todos los temas de Sequencia y de Reflection. Eso nos alegró mucho. El salón estaba repleto de gente. El 80% del público, si bien casi todos viven en Lima, provienen de la ciudad de La Oroya. Es un público incomparable que emana verdadero afecto y respeto por uno como artista, creando fuerte lazos de amistad entre todos. Nos sentimos muy queridos y valorados en este gran show y quedamos sumamente felices y agradecidos con el personal de Koca Kinto, con los Djs invitados, con el equipo de Oroya Dreams y con todos los presentes en general. Contamos entre el público con la presencia de renombrados exponentes del synthpop peruano, de Lucis de Irinum, de Robin Ramos de Avatar, y de Dante y Soda de Estación Perdida.

Día 9: Sábado 30 Nos dedicamos a descansar y a pasear por el distrito de Miraflores, visitando el Larcomar. Por la noche fuimos a cenar al Distrito de Barranco por

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mi cumpleaños, con los integrantes del equipo de Oroya Dreams y amigos. Luego partimos de allí nuevamente a Exit Bar en donde estuvimos disfrutando de muy buen ambiente y buena música hasta tarde.

Día 10: Domingo 31 Previo a nuestro regreso a Buenos Aires, el equipo de Oroya Dreams nos llevó, para festejar mi cumpleaños, a la Cevichería mi Barrunto ubicado en el Distrito de La Victoria. Un lugar de excelente cocina típica peruana y muy buen ambiente. Fuimos recibidos por Augusto, uno de sus dueños y maestro culinario del lugar, con mucha amabilidad, quien se acercó a conversar con nosotros y a tomarse algunas fotografías con Reflection. Nos fuimos encantados con el lugar. Recibí muy bellos regalos de parte del equipo de Oroya Dreams. Pero lo más bello que me llevo son las experiencias y recuerdos de tan increíble viaje para la historia de Reflection. Por la noche nos despedimos de Perú. Nuestro avión levantaba vuelo con escala en Córdoba, Argentina y de allí a Buenos Aires. Viajamos en silencio, con una sonrisa marcada en nuestros rostros. Nuestra música nos brinda los frutos de tanto esfuerzo, pasión y dedicación, una vez más. Y es solo el comienzo. Se vienen ahora dos fechas importantes en Buenos Aires, el estreno del single de “Pensar No es Sentir” que incluye remixes de importantes bandas de renombre internacional incluyendo también un tema nuevo inédito, y la presentación de un nuevo video clip también para esta canción. Gracias a todos los que hicieron posible este sueño concretado: el Theorema Andes Tour 2016.

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Segundo Compilado de la Revista The 13th.

Disponible para descargar gratuitamente a partir del lunes 22 de agosto en: https://revistathe13th.bandcamp.com/

TRES POR UNO

Pulp – This is Hardcore CINE: [ por Nicolás Ponisio ]

Canciones de la banda británica Pulp como Babies o Underwear siempre han manejado un estilo provocativo marcado por la letra y los gemidos extasiados de Jarvis Cocker, el líder de la banda, siempre que puede vérselo acompañado por movimientos pélvicos que harían sonrojar a Elvis. Con This is Hardcore no hay dobles sentidos ni juegos previos de provocación. La carne es tirada a la parrilla (o más bien a la cama) y la música que mientras tanto suena solo marca el ritmo del acto sexual. Y mientras más duro sea, mejor.

La pregunta sería como extrapolar eso al espacio de un videoclip, pudiendo conservar el espíritu de la canción pero siendo capaz de mostrarse donde sea.

El estilo perfecto es encontrado en el campo de las filmaciones en sets y los policiales negros de la década del cincuenta. Así como nuestro cantante desea acercarse a la dama que desea, provocación y dominio encuadrado en video sexual, la cámara lo hace aproximándose lentamente sobre Candida Doyle, tecladista de la banda, mientras toca el piano.

Asesinatos, femmes fatales, fiestas que llegan a su climax violentamente, componen un relato pasional desde conceptos de ficción que enaltecen el poderío de la canción, ahora sí en más de un sentido. La estética netamente cinematográfica construye un juego donde la historia ficticia y la filmación de la misma exponen paralelamente la intención del tema disfrazada de estudio hollywoodense. Una época del cine en la cual el sexo era tabú, donde las bellas mujeres de la pantalla podían seducir más no revelar demasiado de su cuerpo, mucho menos consumar el acto antes de contraer matrimonio.

El videoclip alude a esos términos de juegos y, con la sutileza de una buena edición y el conjunto de imágenes, sabe simbolizar el sexo y la violencia como dos caras de la misma moneda. Una moneda que en usos sociales se rige por la hipocre-

sía. Incluso hoy en día en la televisión no hay límites para registrar la violencia pero una escena sexual debe ser sugerida más no mostrada o dejar lugar a la desnudez. Bajo esos códigos incluye en el video ambos aspectos, dejándonos oír uno y ver el otro pero a fin de cuentas como la misma pasión que ambos actos requieren.

La estética que el trabajo visual posee incluso se permite abarcar al cine musical con una estilizada coreografía en la que Jarvis Cocker se mueve a gusto entre mujeres y plumas que lo rodean. La invitación a la cama se tiende cual mano en la forma de la cámara que se acerca y aleja por igual, tentando más no extasiando. Eso se lo es dejado a This is Hardcore y al acto en cuestión. El resto es porno para los sentidos, algo para abrir el apetito. Y lo hace.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Tras pasarse más de una década deambulando por su Sheffield natal, cosechando fracaso tras fracaso para los discos que venían lanzando, la vida de Pulp estaba a punto de dar un vuelco.

Hastiados todos los miembros de la banda de que todos sus esfuerzos no sirviesen para nada más que poder dar algún que otro concierto en locales de pueblo, Pulp decidió tomarse un tiempo de descanso para replantearse convenientemente su futuro como banda. Como consecuencia de esto, su líder, Jarvis Cocker decidió marcharse a Londres e intentar hacer algo de provecho con su vida inscribiéndose en una escuela de cine. A su regreso de la capital del Reino, Jarvis no era el mismo y ese cambio iba a verse claramente reflejado en el sonido y las letras de su futura obra.

De esta manera, This Is Hardcore –el disco, pero en especial la canción– se convirtió en el soundtrack ideal para llevarnos a la cama, para hacer todo tipo de jugueteos y barabaridades sexuales sonando ese

tema de fondo. En su letra, Cocker encontró la forma adecuada para poder desnudarse ante el mundo, y dar rienda así suelta a sus más oscuras fantasías («Tú eres guarra, tú me pones guarro / Mencionas el drama y yo actúo el papel / Parece que te hubiera visto en un sueño húmedo de adolescente / Me gusta tu presentación si es que sabes a lo que me refiero»; «Pon tu dinero donde está su boca esta noche / Déjate el maquillaje y dejaré la luz encendida / Ven aquí nena y habla al micrófono / Oh sí, te escucho ahora, va a ser un infierno de una noche / No puedes ser espectadora, oh no / Debes tomar estos sueños y cumplirlos todos) y obsesiones («He visto todas las fotografía, las he estudiado siempre / Quiero hacer una película así que protagonicémosla juntos / No hagas ningún movimiento hasta que diga “acción” / Oh, aquí viene la vida guarra»; «Oh, esto es el ojo del huracán / Esto es por lo que los hombres de sobretodo manchado pagan / Pero aquí hay pureza / Este es el final de la línea / He visto el guión interpretarse tantas veces ya / Oh, que entra allí, luego entra allá / Después va así y después va asá / y luego acaba») .

Jarvis se vio obligado además a mostrarse como alguien enigmático y seductor. Su sentido del humor e ironía no pararon de afilarse hasta ser capaz de asustarnos, a la par que nos calentaba («Oh, esto es guarro, no hay vuelta atrás para ti / Oh, esto es guarro, este soy yo encima de ti»; «Lo deseo tanto, lo quiero ahora / Oh, no te das cuenta, estoy listo»). A una mente sana no se le habría ocurrido jamás concebir una canción de este tipo, eso es claro, no obstante, hablando de quien hablamos, este disco –pero en especial esta canción– iba a ser un ejercicio masturbatorio rotundo. Ahora prueben escucharla teniendo sexo y luego me dicen se orgasmearon viendo en tecnicolor.

MÚSICA [ por Diego Centurión ]

Segundo single extraído de “This Is Hardcore” editado los primeros meses de 1998. Luego del exitoso single

de adelanto del álbum "Help the Aged" editado en 1997, sale este segundo single que se convertiría en un clásico de la banda.

La canción está basada en una canción de la serie alemana de 1966 llamada "Raumpatrouille Orion".

“This Is Hardcore” utiliza un sampler sacado de esa banda de sonido, de la canción “Bolero On The Moon Rocks”, interpretado por Peter-Thomas-Sound-Orchester. Si lo buscan y se darán cuenta, la introducción que acompaña al ritmo inicial de la batería es literal de esa canción, pero cuando entra las teclas del piano toma otro color, le da una carga de melancolía y con el ingreso de las cuerdas todo se carga de dramatismo, algo que no pierde en todo el track. Es importante aclarar que participan de esta canción Nicholas Dodd y Anne Dudley, ambos del mundo de la orquestación y del soundtracks. Quienes se han encargado de la orquestación. Lo que inteligentemente hace que la canción nunca pierda ese gusto a la carta de presentación de alguna película o serie de los años 60’s (por nombrar algo de lo que intento decir, podría tratarse tranquilamente de una de las películas de James Bond).

La canción tiene una expresividad desde su construcción muy interesante, siempre en tensión, y Jarvis despliega sus dotes de gran intérprete vocal. Sus vocales nunca tienen el mismo color e intensidad, va variando según el clima. Entrando y haciéndonos entrar en una espiral donde parecemos caer hacia la mitad del track, con los sonidos de la guitarra que nos sumergen en un estado de locura.

Luego bajamos nuevamente y caemos en el cansancio (así como cuando la casa de Dorothy es arrastrada por el tornado y luego cae nuevamente a tierra; pero no por mucho tiempo. Como los estados de ánimos volvemos a levantar y la canción retoma el estado de tensión hasta el final.

La calidad vocal de Jarvis Cocker en la canción “This Is Hardcore” queda a flor de piel y demuestra sonoramente que Pulp siempre se ha dirigido hacia direcciones insospechadas, en esta canción hasta se puede decir que Pulp se puso por un rato el traje de Portishead, pero cargado de sexualidad explícita.

Una gran, gran canción del final de la década de los noventa, una de las que más disfruté y lo sigo haciendo de Pulp, una de esas canciones que cuando se escucha por primera vez no se olvida nunca.

21 [ Entrevista a Mark Gemini Thwaite por Diego Centurión ]

UNA COLECCIÓN QUE SE REMONTA A VARIOS AÑOS

Mark Gemini Thwaite es conocido por sus trabajos secundando a artistas de gran nombre dentro del Rock Gótico como Peter Murphy, The Misión, Gary Numan, sólo por nombrar algunos. Pero llegó el momento de un paso más en su carrera, la hora de que se lance a un terreno en donde quede su nombre por encima de su reputación de "acompañar" a otro artista. La transición de ser solista. Y cargar con el peso de la composición y dirección de un proyecto.

Abres el álbum con una versión de ABBA. ¿Por qué optaste por una versión para romper el hielo?

El cover de ABBA fue una de las primeras grabaciones que realicé para mi álbum solista... mi plan inicial era grabar con amigos en las voces y auto liberar el álbum a través de mi propio sello discográfico, directamente a iTunes tipo de cosas - ningún CD – y Vile fue quien me animó a considerar la edición de 'Knowing Me Knowing You' como un single a través de un sello y crear un video promocional. Ville consiguió su equipo de management y ellos aseguraron el interés del sello SPV Records en Alemania, quienes irónicamente tienen a mi antigua banda The Mission, durante mi paso por esa banda, por lo que ya conocía al tipo A & R allí. El single salió en primer lugar - y fue muy bien recibido, con más de

800 mil visitas en Youtube - y como fue una idea original de Ville, decidí poner mi colaboración con él primero. Creo que es una gran manera de comenzar el álbum. ¿Por qué el nombre del álbum?

Durante muchos meses no estaba seguro de cómo llamar el álbum, pero la última canción completada fue “Star Struck Eyes” por la maravillosa Julianne Regan de All About Eve... ella me había enviado un demo con el esbozo de la canción con la voz, pero sin el título de la canción… cuando le pregunté lo que tenía en mente, le pregunté si prefería 'volúmenes' o tal vez “Star Struck Eyes”... Me gustó el sabor Bowie/Roxy de esa canción, con su solo de saxo de Jorgen Munkeby, y sugerí ir con “Star Struck Eyes” ya que evocaba al título de una canción de Roxy Music. Entonces le pregunté si le molestaba que llame al álbum “Volúmenes”, ya que es una colección de trabajos - de Volúmenes, si se quiere - y también "Volumen" tiene esa asociación de sonido, por lo que la letra de Julianne fue la inspiración, a pesar de que no estaba la intención en ese momento... ¿Cuánto te ha llevado escribir las canciones para el álbum?

La idea de lanzar un álbum "sólo" era algo que me ocurrió el año pasado, había descartado previamente la idea de asociarme, en un disco en solitario, con guitarrista virtuosos como Steve Vai y Yngwie Malmsteen... asuntos auto indulgente, y no me gusta mi voz para cantar, soy los que prefieren quedarse en el fondo y se concentran en las canciones, el Jimmy Page de la banda, por así decirlo. Había acumulado un arsenal de demos realizados en los últimos años, que datan de 10-15 años, algunos habían sido escrita para mi antigua banda The Mission, algunos para Peter Murphy, algunos para Raymond Watts y su banda PIG, cuando colaboramos juntos en el álbum Primitive Race.

De hecho 'Coming Clean' en mi álbum fue terminado originalmente con el álbum de PIG y volvió a mi mente de nuevo en 2013, pero Raymond sentía que no encajaba para PIG, así que estaba sentado con él, y me dejó utilizarla en “Volumes”. Raymond había dejado caer la pelota en el álbum de PIG y no estaba contento con su dirección musical en el 2014, por lo que se sentó en las versiones demos durante un par de años... Yo estaba trabajando con Primitive Race eso me hizo comprender que podría conseguir otros vocalistas para cantar en mis demos, incluyendo algunos demos que presenté para PIG, que quedaron sin utilizar y acumulando polvo digital... Decidí enviar varios de mis demos a muchos de los cantantes que conocía personalmente como Ville, Wayne Hussey, Ricky Warwick, Miles Hunt y Erica, Andi Sex Gang, Saffron, etc. Ville fue uno de los primeros, ya que tenía la idea de grabar una versión oscura y melancólica de “Knowing Me Knowing you” durante unos años, durante algunos años, algo así escuché siendo versionado por una banda como The Mission, pero como ya no estaba en The Mission (desde el año 2008) me quedé sentado con la idea hasta que decidí acercarme a un disco solista el año pasado. Me hice un demo de la canción muy rápidamente y decidí enviárselo a Ville, que es conocido por hacer unas excelentes versiones rock, tales como “Wicked Game”, y yo estaba feliz cuando él respondió a mi demo de inmediato y accedió a cantar en él.

Como se ha mencionado antes, muchos de los demos se remonta a varios años y fueron flotando en mi archivo de ideas musicales sin usar... Por lo general yo grabo intro/verso/coro, secuencias de la guitarra, añado mis propias baterías, bajos, a veces sintetizadores etc. Yo también escribí algunas ideas nuevas para “Volumes” el año pasado, no grabé yo sólo toda la música del cover de ABBA (Rick Carter también amablemente añadió algunas teclas), sino que también regrabé una nueva versión de “Seconds” de Human League, cantada por Saffron de Republica, una vieja amiga mía... También escribí las nuevas canciones “Drive” y “Forget", que Ricky Warwick canta sucesivamente, también las tres canciones con Miles Hunt, de The Wonder Stuff fueron todas las composiciones recientes. Y como se mencionó antes ya había conseguido que Raymond Watts cante en "Coming Clean", aunque musicalmente esa canción debe más a Killing Joke que a PIG, Raymond fue lo suficientemente amable para que se incluya en mi álbum en solitario, y también dio su bendición para dejarme usar algunas de mis composiciones para el álbum de PIG con algunos de los otros cantantes, ya que él no tenía la intención de editarlo... eso fue el año pasado...

¿Has pensado cada invitado cuando escribiste cada canción? ¿O eso fue apareciendo en la grabación?

Me imagino nombres de muchos artistas que no han podido participar. ¿Esto hace pensar un segun-

¿Cómo fue el proceso de grabación con tantos invitados?

Fue todo de largas distancias, el único cantante que vive en Los Ángeles era Ricky Warwick, se trató de un caso de archivos compartido por internet... Me gustaría enviar mis demos realizados completamente terminados con el verso/coro /medio 8 ideas con batería y bajo a cada cantante, por lo general envío 1 o 2 demos a cada persona, y luego esperar y ver a cuál de ellos responderían… cantaban sus voces por lo general en sus estudios de su casa, ya que hoy en día, todo lo que necesitas es un micrófono decente y GarageBand… ellos entonces envían archivos vocales para mí y se mezcla... mezclé todo el álbum en el estudio de mi casa, todos excepto el cover ABBA, que Ville y yo accedimos a que Tim Palmer lo mezcle para el single.

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do Volumes?

Había unos cantantes que me acerqué porque estaban en la idea, pero ni tenían el tiempo para componer y grabar un voz, incluyendo a mi viejo amigo Gary Numan, también Franz Treichler de The Young Gods (habíamos colaborado en Mob Research), y Ginger de The Wildhearts, que había planeado para cantar en una pista... Hice también un acercamiento a Peter Murphy pero cortésmente se negó a participar. Eso fue el pasado otoño antes de que tuviera un trato. Para mí “Volumes” creo que es esta vez sola, pero era algo que quería hacer, después de haber grabado y aparecido en más de 20 discos editados comercialmente por varias otras bandas y artistas que he tocado por años, sólo quería una grabación por ahí con mi propio nombre en él, antes de que sea demasiado viejo para hacerlo... ha sido un gran éxito y estoy muy contento de cómo salió todo, se pegaron muy bien juntas... pero no tengo gran necesidad de hacer un seguimiento en

este momento... he estado ocupado componiendo un nuevo álbum con Ashton Nyte, después de nuestras colaboraciones en “Reaping” y “Jesamine”... tenemos un álbum completo de material en ese orden de ideas y esperamos lanzarlo a finales de este año o el próximo... ¿Cómo tienes pensado tocarlo en vivo, si esa es la idea?

Allí está el problema, tengo tantos cantantes diferentes en el álbum y de muchos estilos diferentes que es un verdadero dolor de cabeza logístico tratar de tocar las canciones en vivo, que tal vez podría centrarse en un cantante y tendría que cantar todas las canciones, pero por ahí probablemente pierda interés para el público... por el momento, me he quedado en la idea de girar con una banda con él, aunque se hablaba de abrir para The Mission en su gira europea a finales de este año, pero no funcionó...

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¿Cuáles son los planes que tienes en los próximos meses?

He estado ocupado trabajando en el próximo álbum “GEMI-

Has venido varias veces a Latinoamérica, ¿tienes planes de

NI-Nyte” con Ashton, también trabajando en algunas pistas con

volver pronto, acompañando a alguien o para presentar “Vo-

un baterista conocido - todo será revelado pronto - y también

lumes”?

demos e ideas para una el siguiente álbum de Primitive Race

No hay planes para regresar a América Latina en un futuro

actualmente “Works”. Voy a estar con Ricky Warwick en la reu-

próximo por desgracia, mis visitas anteriores fueron con The

nión de “The Fighting Hearts” para una gira por Europa en no-

Mission y más recientemente Peter Murphy (en 2013), no estoy

viembre, incluyendo algunos huecos en festivales en el Reino

seguro cuando habrá próxima gira hacia abajo... ¡siempre me

Unido. También se habla de grabar un nuevo álbum con la for-

gusta tocar para los fans del Sur!

mación “The Fighting Hearts”.

A continuación tenemos un "Track By Track" realizado por Mark como parte de la entrevista exclusiva que obtuvimos y luego las declaraciones de Ashton Nyle y Carlo Van Putten, quienes nos hablan de su participación en "Volumes".

Track by Track

algunos de mis composiciones en que estaba estático - que era toda música mía, después de todo - y el año pasado le comenté

Knowing Me Knowing You (Ville Valo de H.I.M.)

que estaba pasando algunas de los demos de música a otros can-

Más o menos mi canción favorita ABBA. Todo el mundo que

tantes para mi disco en solitario. Él fue muy amable al respecto

creció en el Reino Unido en la década de los 70 es un fan de

y también estuvo de acuerdo en dejarme usar “Coming Clean”

ABBA, y yo no soy una excepción. Recuerdo Wayne me dice

en mi álbum. Wayne amaba el demo - Deliberadamente no en-

que él pidió prestado algunos de los acordes de una canción de

vié a Wayne la versión que Ray cantó, ya que no quería ningu-

ABBA para una canción de The Mission (¡no te diré cuál!), Y su

na influencia subliminal en la voz o melodías - y lo que se oye

antigua banda The Sisters of Mercy realizó el cover “Gimme

en mi álbum es la versión de Wayne en la música, él la empujó

Gimme Gimme”. Había tenido la idea de grabar una versión

en una gran dirección a Depeche Mode que me gustó mucho.

pesada, oscura y melancólica de Knowing Me Knowing You

También me ha gustado el estilo de blues electrónico estilo Ala-

durante años. Incluso he hablado con Wayne sobre esto, pero

bama 3 con el que vendría.

él ama lo Ville hizo con la canción y piensa Ville Valo hizo un gran trabajo.

It won't take U long (Miles Hunt de The Wonder Stuff) Aquí gran voz entusiasta y letra de Miles. Como se ha mencio-

You can’t go back (Miles Hunt de The Wonder Stuff)

nado antes, se le ocurrieron melodías vocales totalmente efec-

Me encanta el estribillo aplastante en este caso, recuerdo ha-

tivas y de las porciones de las letras dentro de 30 minutos des-

ber enviado Miles el demo - con la introducción, estrofa, estri-

pués de recibir el demo. Increíble. Para mí el estribillo en esta

billo, estrofa, estribillo, etc, la misma que la versión del álbum

canción tenía un ambiente de Foo Fighters, antes de Milo can-

- y dentro de una hora Miles había enviado una mezcla del dem

tó en él, pero una vez que grabó su voz, hizo realmente el suyo.

de vuelta con su boceto vocal... fue increíble y sonaba más o menos como la versión del álbum, lo único que faltaba era la letra

Star Struck Eyes (Julliette Regan de All About Eve)

definitiva de la obra... yo le envié otra (It Wont Take You Long)

Si no recuerdo mal, “Star Struck Eyes” comenzó su vida como

y de nuevo en una hora me había enviado de vuelta otro boceto

uno de mis demos entregados a The Mission, cuando estába-

vocal, ¡también ya sonaba como una canción completa!

mos grabando el “God is a Bullet” disco alrededor del 20052006... Wayne nunca respondió, así que la tenía ahí unos años,

The Reaping (Ashton Nyte de The Awakening)

es probablemente uno de los demos más antiguos que tenía

Surgió con el arreglo musical y riffs para éste, uno en el ex-

flotando, que se remonta a 2005, quizás antes incluso. Fue un

tremo final del trabajo en el nuevo álbum Primitive Race en

riff de guitarra acústica que había estado tocando durante años.

2013... no fue utilizado así que se lo envié a Ashton, una vez me

Lo envié a Julianne, ya que está centrada en base a una gran se-

lo presentaron a través de amigos en común, era Wayne Hus-

cuencia de arpegios y acordes y yo realmente pensaba Julian-

sey (que había tocado con Ashton año pasado). Mi intención, en

ne sonaría muy bien en ella. No tenía un solo añadido en el fi-

este cas,o era remontarse a las canciones de los años 80 como

nal cuando Julianne puso la voz por primera vez, que terminó

"Rebel Yell" y "Blue Highway” de Billy Idol - ambos, él y Steve

siendo la inspiración para tener a mi amigo Jorgen Munke de

Stevens fueron una gran influencia para mí en esos días. Ash-

Norweigan de Jazz Metallers Shining añadiendo un solo de saxo

ton también era un gran fan. Así que este es nuestro pequeño

hacia el final... Le pedí que referencie a Pink Floyd y Roxy Mu-

guiño y homenaje a esas grandes canciones...

sic y él dio totalmente en el clavo. Esta es la canción favorita de Wayne Hussey en el álbum.

Another Snake in the Grass (Wayne Hussey de The Mission) En realidad este demo comenzó como un demo escrito y en-

Sweet Valentine (Van Putten de Dead Guitars)

viado para el álbum de PIG en 2013, y hay una versión de Ray-

Si no recuerdo mal, de esta se hizo un demo originalmente

mond cantándola completamente diferente (voz y letra). Este

alrededor de 2009 y enviado a Peter Murphy, para su conside-

demo y muchos otros terminaron siendo archivados y sin uso,

ración en algún momento para el álbum de la 'Ninth', junto

como Ray perdió el interés en la dirección que el álbum de PIG

con otros demos... Peter no terminó usando mis composicio-

estaba tomando y por un par de años que se quedó con ellos di-

nes musicales de ‘Uneven and Brittle” y también “Rosehunter”

ciendo que no tenía interés en editarlos. Así que una vez que

de “Secret Bees of Ninth”, los cuales se demearon al mismo

decidí grabar material para “Volumes”, parecía tonto no utilizar

tiempo que la música para Sweet Valentine. Envié este demo a

Carlo el año pasado, la retocó y la rockeó un poco, y grabó una

Coming clean (Watts of Pig)

hermosa letra en ella.

Esto originalmente fue demeado y grabado por PIG, aunque si soy sincero, era sólo un demo / riff surgió en ese tiempo y lue-

Jesamine (Ashton Nyte de The Awakening)

go traté de hacer que funcione para PIG. Es un aplastante rock

Otro demo originalmente grabado pensando en Peter Mur-

alternativo y aunque Raymond hizo una gran voz en él, puedo

phy, alrededor del año 2012, tenía un verso tipo Radiohead y un

ver por qué no la quiso para el álbum PIG (que escuché que fi-

coro estilo The Killers... Peter nunca respondió al demo, cuan-

nalmente va a salir después de todo, a finales de este año). Al-

do le envié un correo, por lo que quedó sin utilizarse durante

gunos de mis riffs favoritos.

un par de años, entonces cargué la sesión en mi computadora el año pasado, reforcé las baterías y las guitarras y se la envié a

Drive and Forget (Warwick of Thin Lizzy)

Ashton. Es una de mis favoritas en el álbum.

Iba a ser una canción acústica tipo Stones/Faces, y es la única canción del disco, donde la voz se grabó en mi estudio, ya

Seconds (Saffron de Republica)

que tanto yo como Ricky vivimos en Los Ángeles. Tuvimos un

Este cover tiene una historia... cuando yo estaba aprendiendo

buen rato con esta, lo acodamos cargas de coros de que tienen

a tocar la guitarra a principios de los años 80, solía poner el disco

una tonada como un Mick Jagger estadounidense en ella y ¡nos

“Dare” de The Human League y resolví mis propios riffs de gui-

moríamos de risa en el estudio! Nos hemos apoyado en la mez-

tarra, ya que no había la guitarra en el álbum... retrotrayéndome

cla final... Esta es otra canción que tiene una versión alternativa

a 1999, yo estaba empezando a aprender a usar Logic Audio y

eléctrica “hard rock”', más en la onda de "The Fighting Hearts",

decidí grabar mi guitarra en la parte superior de las mezclas de

que podría liberar en mi Soundcloud en algún momento para

los originales del álbum “Dare”... “Seconds” era uno de ellos.

los fans. Ricky y yo estamos de gira de nuevo a finales de este

Encontrarán una mezcla de ella en mi cuenta de Soundcloud

año con los "The Fighting Hearts".

(link on www.markthwaite.com). https://soundcloud.com/markgt/human-league-vs-mgt-seconds

Black Heart (Erica Nockalls de The Wonder Stuff) Erica hizo un gran trabajo en la voz. También es una de los

Me he convertido en amigo de la preciosa Saffron de Repú-

demos más antiguos de “Volumes'', data de alrededor de 2003

blica - y a ella le encantó lo que había hecho con mis guitarras

y tiene un gran ambiente industrial a lo Prodigy. No se ajustaba

en la canción original y decidimos volver a grabar la canción

a The Mission ni a Peter Murphy, así que estuvo parado durante

con mis guitarras y nuevos ritmos y las voces Saffron. Eso fue

10 años, hasta la colaboración con Raymond y él puso una voz,

en 2001... el demo quedó sin terminar desde hace más de una

pero de nuevo terminó relegado a un archivo digital y nunca se

década... cuando anuncié que estaba grabando y lanzando un ál-

supo más, estaba en 2013, así que el año pasado le di el demo

bum en solitario el año pasado, Saffron extendió su mano y su-

a Erica con la música original que había escrito y se le ocurrió

girió incluir nuestra versión de “Seconds”... las cintas maestras

“Black Heart”. Ella es muy talentosa y he tenido el privilegio de

originales estaban desaparecidas hace tiempo, así que terminé

aparecer en sus dos últimos discos en solitario. ¡Estoy contento

la grabación de nuevo desde cero y grabó su voz en Londres...

de que ella haya accedido a cantar en el mío!

¡esta versión salió aún mejor!

Dark Storm (w/Andi Sex Gang) Another Day back (Miles Hunt y Nockalls de The Wonder Stuff)

Un pedazo de música atmosférica y melancólica. Que originalmente de esto se hizo un demo alrededor de 2009, yo estaba

El último de la trilogía de canciones con Miles en este álbum.

trabajando con Al Jourgensen del Ministry y fue una creación

Erica añadió algunos grandes coros a ésta canción (y violín),

de música para uso con películas y programas de televisión. Así

así que decidió que estaría bien para acreditar tanto de ellos en

“Dark Storm” fue compuesta en forma instrumental con pelí-

este caso. Existe una versión alternativa de ésta completa con

culas en la mente. Raymond también tenía una línea vocal para

baterías de rock pero Miles ¡la odiaba! Dijo que sonaba como

ésta, pero de nuevo fue otro relegado a la bóveda digital, así que

los Spin Doctors o algo así... así que sabiamente se apegó a la

le di a mi amigo Andi Sex Gang, el año pasado y se le ocurrió

versión mínima que se escucha en los “Volumes”. Gran am-

una maravillosa voz. Cierra un gran álbum.

biente y voz.

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Ashton Nyte (The Awakening) ("The Reaping ", "Jesamine") Fui invitado a cantar en el álbum de MGT después de una introducción de un amigo mutuo, Adrian Skirrow (de ASP Records, Sudáfrica). Mark y yo estuvimos chateando y esencialmente me envió unos demos instrumentales para ver si algo resonaba en mí y me inspiraba a escribir letras y melodías vocales. En la pista que se convirtió en "The Reaping" él me habló más claramente a partir de la primera tanda y fue el primero que he completado y enviado de vuelta a Mark en 2 o 3 días. Afortunadamente Mark amaba lo que había hecho, lo que me inspiró a tener que estar en otra y así nació "Jesamine". Creo que nuestra reunión fue perfectamente cronometrada, en la gran sinfonía de la vida, porque yo seguí escribiendo letras y melodías vocales a sus instrumentales y él no dejaba de enviarme más. Al final terminamos de escribir alrededor de 12 canciones juntos en un par de meses, lo que nos motivó a crear un nuevo proyecto, "Gemini Nyte" que hemos seguido trabajando en ahora más allá de la liberación de "Volumes".

Estoy muy orgulloso de ambos "The Reaping " y "Jesamine" y encuentro que el trabajo con Mark va ser una experiencia muy cómoda, estimulante y entretenida. ¡Estoy muy emocionado por lo que hemos creado hasta ahora y con ganas de lo que se avecina!

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Carlo Van Putten (Dead Guitars) Sweet Valentine "Mark me ha preguntado para cantar en una de sus canciones. Mark es un gran, multicolor, y talentoso músico, El primer encuentro con Mark fue en la Gira de The Mission en 2008. Mark y yo hemos tenido algo en común. Realmente creo que Mark no es sólo un guitarrista exitoso, junto con muchos de mis favoritos de la música 80’s (Gary Newman, The Mission, Peter Murphy), además él es una persona amable y atractiva para pasar el rato, entremedio de las pruebas de sonido y los conciertos.

Me siento orgulloso de ser parte de este hombre. El placer fue de mi lado...."

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[ Entrevista a Pushit por Diego Centurión ]

NOS NUTRIMOS UNO DEL OTRO

Pushit es una banda de La Plata, de las muchas que estan dando que hablar desde esa ciudad. La banda viene creciendo a pasos seguros y nos acercamos y nos comunicamos para esta entrevista y para que ustedes los puedan descubrir.

Ya hace más de diez años que la banda existe. ¿Cuándo nace realmente Pushit?

Pushit nace en el año 2004, cuando Lucas (guitarra) y Horacio (batería) se desprenden de un proyecto anterior, creyendo que se podía crear un nuevo espacio donde poder hacer música, crecer como músicos y proyectar la idea de una banda, era posible.

Si bien el nombre es muy explícito (pensando en el sonido de la banda) ¿Cómo nace el nombre?

El nombre nace cuando recién estábamos ideando Pushit, estaba todo muy fresco, muy a flor de piel, y me senté (Horacio) a escuchar el disco Aenima de Tool, banda que admiro muchísimo, y vi el nombre del tema, me encantó, lo busqué, entendí el significado (es un juego de palabras en inglés Pus hit/ Push shit = Empujar la mierda) y dije, si, es el nombre ideal para este momento, necesitamos sacar toda la mierda afuera, y ser nosotros en este nuevo camino que empieza.

La banda nace en La Plata, ¿hoy donde están establecidos?

La banda en realidad, nace en Ensenada, ciudad vecina de La Plata, donde nos conocimos con Lucas, y después de un tiempo nos mudamos a La Plata y ahí ya establecidos, se suma Mariano, y más tarde Álvaro. Nosotros estamos establecidos en La Plata, aunque viajamos mucho a Capital Federal, ya que es una ciudad donde se puede apreciar una diversidad cultural muy interesante, y nosotros somos una banda que nos gusta absorber cultura de todos lados. ¿Qué ha cambiado desde “Desde Arriba” (2005) hasta hoy, más allá de miembros en la banda?

Creo que el cambio es bastante natural... Es el paso del tiempo lo que te hace crecer, definirte en ciertas cosas, como el estilo de la banda, el sonido, etc.

También se fortalecen los ideales, las relaciones humanas y demás cosas. Creo que Pushit hoy en día, está en el mejor momento como banda, tanto en lo musical como en lo humano entre nosotros, y con la gente que día a día nos ayuda muchísimo, y cree en este proyecto.

Se escucha en su sonido la línea de bandas como Filter o hasta Nine Inch Nails. ¿Cuáles son sus influencias?

Las influencias son muy variadas, cada uno tiene sus gustos, y aunque compartimos muchos de ellos, nos nutrimos uno del otro compartiendo música, recita-

les, videos y demás cosas que van formando nuestro propio estilo. Filter y Nine inch Nails, son bandas que nos gustan mucho, pero también podemos agregar Soundgarden, Pearl Jam, Radiohead, lo que hacen los Queens Of The Stone Age, y también algunas influencias de música electrónica, que es con lo que nos estamos curtiendo también últimamente.

En el 2009 y en forma independiente editan “Mar Infierno” el primer álbum. ¿Cómo escuchan hoy ese álbum?

Mar Infierno es un disco que nos gusta muchísimo.

Tiene una frescura que realmente es lo que se vivía en ese momento. Estábamos prendidos fuego, muy entusiasmados, con muchas ganas de salir y mostrar lo que estábamos haciendo en la sala.

Tiene temazos, temas que van al palo, y que realmente te patean la cara. También hay temas más profundos, temas con muchas melodías, distintos tempos… En fin, un disco bastante completo, que apreciamos mucho, y llevamos muy adentro.

2012 es el año del segundo álbum, "Tatuándome La Vida", pero a la vez ¿fue un momento de madurez en la banda?

En Tatuándome la banda ya estaba más sólida en cuanto a lo que queríamos musicalmente, lo mismo en lo humano, y también atravesando un momento muy especial ya que Mariano volvía de un accidente muy importante, por lo que necesitábamos grabar un material urgente, porque necesitábamos expresarnos y así fue. Compusimos más de 30 canciones de las cuales quedaron 16 que son las del disco.

En marzo deciden lanzar “Ciclos” ¿un EP que marca un nuevo Ciclo en la banda y tal vez un cierre de otros ciclos en la banda?

Ciclos es el claro ejemplo de lo que Pushit busca como banda. Seguir hacia adelante, buscar nuevos horizontes musicales, intentar seguir adoptando nuevas propuestas visuales, siempre renovándonos, ya que eso es lo que como banda, nos empuja a seguir existiendo, y con ganas de hacer nuevas cosas.

Ciclos, lejos de cerrar un ciclo, los abre, y hoy esta-

mos con más ganas que nunca, en un nuevo Ciclo que empieza.

Si bien cierran con un bonus track el EP, que fue grabado antes, ¿por qué la elección de esa versión de la canción de Fito Paez?

La grabación del tema de Fito, viene de un video que hicimos en Camarón Brujo Música con Naku Berneri, que después terminó siendo el productor artístico de Ciclos. Buscábamos un tema del rock nacional, potente, pero que nos diera lugar a crear nuestra propia versión, que nos permitiera darle una vuelta de rosca y también darle un poco de nuestra impronta, y así fue que ese tema fue grabado, filmado, y también elegido como bonus track de nuestro último disco.

Ya han lanzado Este EP, ¿Ya piensan en un tercer álbum?

Ciclos tiene el nombre de EP por la cantidad de temas, pero no por la duración, ya que dura lo mismo que cualquier LP que haya en el mercado. Siempre estamos pensando en el disco que viene, porque es la constante de esta banda: crear.

Nosotros a pesar de tocar mucho en vivo, tenemos la necesidad de hacer cosas nuevas, eso nos mantiene con la frescura que intentamos no dejar nunca de lado, la frescura que te da el expresarte como músico, como banda y que nos mantiene unidos e intercambiando sensaciones. ¿Cuáles son los planes de la banda para lo que queda del año?

En lo que resta del 2016 la intención es seguir presentando nuestro nuevo disco, incluyendo muchos shows en La Plata, Capital Federal y gran Bs.As, tratando de mover mucho nuestro material y llegar a todas las personas y lugares posibles. ¿Qué les dirían a los lectores sobre la música de Pushit?

A la gente le diríamos que se sienten en su casa muy cómodos, se preparen el trago o bebida que más les guste, apaguen las luces, le den play a #Ciclos y se permitan viajar con nuestra música.

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ALBUM DEBUT DE LA BANDA SYNTH POP ARGENTINA

Disponible en: http://www.reflectionzonear.com.ar/ http://www.scent-air.com/release68.html

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Y SU NUEVO EP

Disponible en: http://www.reflectionzonear.com.ar/ http://www.scent-air.com/reflectionpensar.html

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[ Entrevista a Alberto Laiseca por Pablo Ravale ]

NO TODOS LOS MONSTRUOS SON MALOS

Alberto Laiseca es un escritor argentino nacido en Rosario, el 11 de febrero de 1941, pero pasó su infancia en Camilo Aldao, un pueblo ubicado en el límite entre las provincias de Córdoba y Santa Fe. Trabajó en diferentes oficios en distintas provincias: fue cosechero, empleado telefónico, corrector de pruebas de galera en el diario La Razón. Protagonizó el antológico programa de televisión Cuentos de Terror, en el canal de cable I-Sat, y presentó películas en el ciclo Cine de Terror, del también canal de cable Retro.

En 2009 fue co-protagonista de la premiada película El Artista (de Gastón Duprat y Mariano Cohn), y en 2011 los mismos directores estrenaron Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo, basada en un cuento suyo. Creador del “realismo delirante”, posee una vasta obra literaria (publicó 20 libros, entre novelas, cuentos, poesía y ensayo), en la que se destaca la monumental novela Los sorias, de más de 1.300 páginas, y que tardó 10 años en escribirla y 16 en editarla.

Lo visité en su monoambiente de la calle Boyaca, en Flores, donde vive con tres perros y un gato. Me recibió autoproclamándose “vampiro” y diciendo que tiene 874 años de edad, que en Valaquia dejó las ruinas del que era su castillo. Así, y después de casi hora y media de charla, lo que quedó fue la siguiente entrevista:

Ya está puesto a modo “grabador”…

Okey, arranquemos.

Qué tal, Maestro. ¿Le gusta que le digan “Maestro”?

Yo tiendo a ser muy vanidoso, querido, así que cómo no me va a gustar… (risas) Es bueno que te reconozcan en lo que hacés.

Cúenteme, ¿cómo nace el Conde Laisek, el Monstruo?

Por parto natural (risas)… Por casualidad. Sin querer, nací en Rosario. Porque a papá le preocupaba que algo saliera mal en el parto, entonces la llevó a mamá a una clínica de Rosario. Yo nací como escupida de guanaco, así que no nos quedamos ahí.

Mamá se repuso muy rápido. Después estuvimos tres meses en Unquillo, y luego fuimos a Camilo Aldao, en la provincia de Córdoba, que es mi pueblo.

No es por falta de cariño o respeto a los rosarinos, lo que pasa es que uno se siente del lugar en donde se crió. No soy rosarino, soy camilense, camiloaldaense. Hice la escuela primaria ahí. No había secundario, entonces viajábamos todos los días, en una camioneta que habían comprado nuestros padres, al pueblo vecino, Corral de Bustos, a 28 kilómetros.

Cursábamos, comíamos un sandwichito, tomábamos una cervecita, y volvíamos. ¿Sueles ir al pueblo?

Sí. Tengo una novia que es de allá. A veces ella viene a visitarme, pasa unos días, a veces voy yo y me quedo. Los dos somos de Camilo. A ella le contaba la historia del pájaro azul, de Maeterlinck: unos niños viven con sus padres, y tienen en su casa, en una jaulita, un pájaro azul. Un buen día, los chicos se levantan y el pájaro azul no está. Entonces creo que ni le dicen nada a los padres, juntan un poco de comida y se van al otro extremo del mundo a buscar al pájaro azul, llegan al borde del mundo... no está por ningún lado. No queda más que volverse. Vuelven, entran a la casa y ahí adentro está el pájaro azul. El pájaro azul está en el propio lugar. Tantas cosas hicimos Petrona y yo a lo largo de la vida y finalmente el pájaro azul estaba en casa, en Camilo Aldao.

O sea que ya la conocía…

Nos conocíamos de mentiritas, sabíamos que el otro existía, pero nunca tuvimos trato. Ella se casó y tuvo dos hijos, yo me casé cuatro veces. Ahora, de grandes, nos rencontramos, en diciembre de 2010, en una ocasión que fui a Camilo Aldao a contar cuentos.

Hubo otros escritores argentinos de su prestigio que también nacieron en pueblos del interior, y sus lugares de origen siempre están presentes en su literatura; como Sabato, con Rojas, u Olga Orozco, con Toay. ¿Cómo se dio en su caso? ¿Cómo está presente Camilo Aldao en su literatura?

Yo siempre lo tengo presente a Camilo Aldao.

Cuando un escritor escribe, puede estar escribiendo sobre los Valles de la Luna, y lo sepa o no, el escritor está hablando de Camilo Aldao. Sin darse cuenta estará hablando del zanjón... el zanjón es un lugar de Camilo, donde los pibes se iban a hacer la rabona, se escondían... pescaban mojarritas... Con mi novia estuve en el zanjón los otros días, lo fuimos a ver.

Ahora estaba feo porque está con poca agua, ¡pero cuando está con bastante es lindo!

Pensando en su obra, y en especial en Los sorias, me imagino que algo de Camilo se habrá añadido ahí.

Sí, obvio. Es como una frase de Tolstoi que dice: «Si

quieres ser universal, pinta tu aldea».

Llegó a Buenos Aires en el 66, ¿no?

(Risas) Puede ser... es lo más probable. ¿Cómo fue cuando llegó? ¿Cómo vió la ciudad?

Fue una llegada de tipo fantástico, por todo lo que me imaginé y me creí yo. Resulta que no sé si en tren o qué carajo llegué a Plaza Once. Y después de ahí me tomé un subte para ir a no sé dónde mierda... ¡quedé deslumbrado! Porque arrancaba solo y paraba solo, y se abrían las puertas automáticamente... ¿Lo de las puertas lo dice por su vocación de escritor?

Sí y no. Te explico: mi padre, a quien ya he perdonado después de muerto, y que lo quiero con todo mi corazón, era un empecinado dictador que quería que yo estudiara ingeniería. Los libros de ciencia no me disgustaban del todo, pero no era lo mío. A mí me atraía la filosofía china, como Lao Tsé, o sino La peste, de Camus. Así fue que, contra los mandatos de papá, largué todo, trabajé dos temporadas en las cosechas del interior y ya en Buenos Aires me desempeñé cuatro años como empleado de limpieza.

Después, una tía, que era muy buena conmigo, me dio una mano para trabajar en ENTEL (Compañía Telefónica), y muy lentamente todo empezó a mejorar. En ese momento, yo escribía mis primeros textos, y aunque lo hacía muy mal, no me quedaba otra que seguir adelante. Anticipándome a Mijail Sergueivich, me dije: «Ya no hay lugar dónde retroceder. No me queda otra cosa que ser genio» (risas).

Y a juzgar por esas primeras cosas, todo indicaba que lo mejor era dedicarme a otra actividad, pero con el tiempo comprendí que era un problema de bloqueo. Para escribir hay que liberarse de muchas cosas. Por eso te decía lo de las puertas que se abrían… ¿Tu padre te leyó? ¿Papá? No, jamás. En ese momento que estábamos peleados, yo no quería saber nada con él. Me costó mucho. Toda mi familia hizo los más heroicos esfuerzos para disuadirme del vicio de la literatura.

Parece que yo tenía que ser ingeniero químico como sea: ¡ahí estaba mi futuro! Por decreto-ley... de Der Führer... esas cosas son difíciles de perdonar, pero se puede, yo lo hice. Pero de verdad, eh, no es que

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me haga el pícaro.

Le creo… Pero dígame, ¿por qué escribe?

Ah no sé, muchacho… eso está en el inconsciente.

Puedo contarte, sí, que mi novela Los Sorias nació de la impotencia. Como papá me asfixiaba, me daba órdenes contradictorias, a los 9 años, la única manera de palear la impotencia era entretenerme con lo que yo llamaba “el juego de las figuritas”, que con-

sistía en recortar hombrecitos de las revistas y de los diarios, para formar dos ejércitos, uno que atacaba un castillo, mientras que el otro lo defendía. Sin duda, esto fue el principio de Los sorias, con potencias que luchaban buscando el predominio. Allí estaba el problema del poder y qué hacer con él, además de la humanización del dictador, claro.

Digamos que el tema no lo elije, entonces, le viene

solo.

Claro, eso tiene que ver con los misterios del alma humana. ¿Qué nos lleva a escribir tal o cual cosa?

No lo sé. A lo mejor uno recuerda qué detonó el inicio de una novela o un cuento, pero lo esencial está en nuestro subconsciente. Para responder a esta pregunta se necesitaría una vidente o, tal vez, un hipnotizador.

Tengo entendido que estudiaste astrología…

Sí, como cinco años.

De no ser escritor, ¿te hubieras dedicado?

Calculo que sí. Aunque cuando salí de mi pueblo, pensaba que en caso de que me fuera mal con la escritura, tenía el plan B de viajar a África para trabajar en las minas y hacerme rico. Era un delirio, obviamente… (risas)

Volviendo a lo biográfico, en su caso, en sus libros hay personajes que comparten con usted fragmentos de tu biografía.

Sí, claro.

Sotelo, De Quevedo, Alaralena, Personaje Iseka, Filigranati... Con mi mujer nos moríamos de risa cuando leíamos El jardín de las máquinas parlantes.

Qué bueno… ¿lo leían juntos?

Sí, todas las noches. El gordo es uno de nuestros ídolos.

(Sonríe) El gordo Sotelo es bueno, insufrible, pero bueno… Como el gusano. Mis obras más underground se corresponden con la etapa en que yo viví más underground. El jardín de las máquinas parlantes, El gusano máximo de la vida misma, Las aventuras del profesor Eusebio Filigranati... esas son algunas de mis obras underground, en ellas hago un rescate de mi existencia underground. Anduve en muchos sitios; algunos poco recomendables, debo reconocer… (risas) La literatura, ¿qué rol cumple en la actualidad?

El rol es cada vez menor y corre el riesgo de desaparecer a causa de internet, que hace que los chicos no lean. Es un instrumento muy peligroso, siempre digo que es un invento del Príncipe de los Tinieblas.

Obviamente sé que no es así, pues facilita las comunicaciones, el estudio, el acceso a la información. La gente que tiene una formación clásica, que ha leído cuentos, novelas o poesías, aprovechará mejor esta herramienta. Pero la mayoría de los chicos hoy no leen, y no pueden aprovechar los verdaderos beneficios de internet. Ojalá que esté equivocado en esta idea y el futuro me demuestre lo contrario.

Hablame de tus héroes literarios ahora, ¿qué libros te marcaron?

(Se rasca la cabeza) La caída de la casa Usher, de Edgar Allan Poe; El fantasma de la opera, de Gastón Leroux; El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde;

El Golem, de Gustav Meyrink; Frankestein, de Mary Shelley; Drácula, de Bram Stoker; El lobo estepario, de Hermann Hesse; y bueno, casi toda la obra de Stephen King… ¿Qué te gusta de Stephen King?

Todo. Su imaginación, su manejo del terror. Su ensayo Mientras escribo es una de mis obras predilectas.

Cuando empezamos, me ha hablado de que te gustaba la filosofía.

Sí, también. Lao Tsé, Camus, Nietzsche. Y sobre todo Ayn Rand, que cuando la descubrí me voló el marote (cabeza)…

De acá, ¿algún autor?

No muchos. Arlt, preferentemente. También Marechal y Juan José Saer. Aunque Saer era demasiado nihilista.

Te inclinas más a lo clásico, podría decirse.

Lo clásico nunca pasa de moda, muchachito. La vanguardia sí… (risas) ¿Qué le dirías a una persona que sueña con ser escritor?

Por un lado, que tenga cuidado con la hipercrítica, que no es lo mismo que la necesaria autocrítica. La hipercrítica es un demonio que paraliza e impide el crecimiento. Y por el otro, que lea, que escriba y que viva más.

Ya para cerrar: ¿qué sería el “realismo delirante”?

Realismo delirante es nada más un término que inventé para definir lo mío. Porque cuando escribo, yo deliro pero con realismo. Y los delirios del realismo sirven, y mucho, para ampliar desmesuradamente ciertas partes en un libro, y esto hace que se destaque más que nunca la parte realista. O sea, el delirio sirve para reafirmar, para ver mejor la realidad.

Gracias, Alberto.

A vos, pichón.

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[ Entrevista a Nick (Noble) de 93MillionMilesFromTheSun por Diego Centuriรณn ]

SOMOS UNA BANDA SHOEGAZE

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Si hay banda por descubrir, si aún no lo han hecho, es 93MillionMilesFromTheSun. Aquellos amantes del shoegaze más borroso y que roza el drone, está es una banda que no pueden dejar de escuchar. Con las nuevas tecnologías podemos con sólo un clic escuchar su música, pero aquí dejó entrever sus pensamientos, algo que no es fácil. La banda originaria de Doncaster (Inglaterra) se conforma con Nick Mainline (guitarra/efectos/voces), Kenno (bajo/ efectos), Jase Burns (baterías/loops). Nacida en el 2007, llega hasta nosotros este agosto con un nuevo split junto a la banda Presents For Sally. Y además un álbum en vivo “93Live”, editado en forma independiente. Nos introducimos por un tubo multicolor a un mundo en donde todo se transforma en luces borrosas pero intensas.

Hola, es un placer poder contar con la posibilidad de esta entrevista. ¿Por qué y cómo nace el nombre de la banda?

Hola Diego, El nombre proviene de una canción Swervedriver llamado “93 million miles from the sun (and counting)” Yo estaba buscando algo diferente que también encaje con lo que estábamos tratando de hacer y Swervedriver eran una de mis bandas favoritas, así que fue con eso. ¿Qué recuerdos tienen de cuándo formaron la banda?

Nosotros nunca suponíamos realmente convertirnos en una banda, o al menos no era el plan. Yo había hecho algunas pistas en mi casa y empecé una página de MySpace y empecé a ponerlos en él. Empecé a tener un buen número de mensajes de la gente diciendo lo mucho que les gustaba las pistas y luego tuve un mensaje de Michael Savage (The Fauns) preguntando si podía incluir la canción 'Take Me Away' en un álbum recopilatorio llamado "The Secret Garden" que estaba llevando a cabo.

Poco después de que él le preguntó si queríamos venir a tocar la noche del lanzamiento para el álbum en Bristol. En este momento no era más que yo, así que

pregunté a mi buen amigo Rob Hogg, que me había estado en bandas antes, si él haría el concierto conmigo en el bajo y se hizo con una pista de fondo de baterías y los ruidos, y fue el comienzo de la banda. ¿Cuánto ha cambiado la banda desde los primeros años? ¡Oh! un poco. Constantemente ha estado cambiando desde el principio. Hemos tenido muchos miembros diferentes que han pasado, y de cajas de ritmos a bateristas y de nuevo a las máquinas de ritmos de nuevo. El núcleo ha sido siempre sólo yo en guitarra y voz. Rob estaba conmigo en el bajo de los tres primeros discos, pero nuestro actual bajista Kenno había tocado previamente batería para nosotros. La formación actual es yo a la guitarra y voz, Kenno en el bajo, Jase Burns en la batería y Glynn Fox en la segunda guitarra y teclados.

Han creado y publicado mucha música desde el comienzo de la banda. ¿Cuánto tiempo hace que no escuchan sus primeras grabaciones?

No por mucho tiempo, pero nunca escucho cosas de “93Millions…” después de que lo haya terminado.

Lo que pasa con el primer disco es que yo todavía estaba aprendiendo cómo grabar y mezclar en el equipo que tenía. Algunas de las canciones de ese álbum son grandes, pero carece en general del sonido. Creo que tal vez yo estaba tratando demasiado duro en el primer disco, pero en realidad nunca llegó a sonar como yo quería. ¿Qué trabajo publicado les gusta más?

Como digo yo nunca escucho de nuevo cosas de “93Millions”. Lo último que he grabado suele ser mi favorito. “Northern Sky” es probablemente el álbum que he escuchado más y es probablemente nuestro mejor trabajo como un álbum. ¿Cuál es el que más le costó grabar? No por su valor, sino por conseguir el sonido.

Todo lo que hemos puesto a cabo se ha grabado la misma manera. Todo ha sido deliberadamente baja

fidelidad y grabado en el pequeño estudio de mi casa, 93 Laboratories. Nuestro baterista Jase tiene ahora un estudio profesional llamado Supernova Studios en Doncaster, por lo que hemos tenido la suerte de tener el uso de él, cuando fue necesario. ¿Qué canción nunca han tocado en vivo y por qué?

Hay un montón de canciones que nunca hemos tocado en vivo por una razón u otra. Por lo general, hay un buen número de piezas de guitarra en las pistas y hasta hace poco he sido la única persona que toca la guitarra cuando tocamos en directo. Por lo general siempre cuando tocamos tratamos de sonar diferente y crudo, las canciones suenan diferentes en vivo. Algunas canciones que me gustaría que toquemos en el futuro son “July Sky” y “Lost” del primer álbum, “Tall Buildings”, “Sorrow Song” y “Echoes” de Northern Sky, “Drinking Bleach” y “Everything Today” de “Towards The Light and Watch Her Fall”, “New Day Comes” y “Nothing Left Inside” de Fall Into Nothing.

Para la gente que no los conoce, ¿Qué canciones que no tienen que faltar dentro de un "Greatest Songs of 93MillionMilesFromTheSun"?

Estoy muy orgulloso de algunas de las caras B que han salido en los EPs. Todos ellos están en internet y disponible en diversos sitios de descarga, bandcamp etc. Hicimos una descarga única del álbum doble que cuenta con algunos de nuestras mejores canciones y algunos otros más oscuros también. Yesterday Morning, The Times We Have Are Now, Darkestar, Take Me Away, Waiting There, When You Come, All You’ve Found You’ve Left Behind, Sonic Assault, Tomorrow, Skyfall (Take Your Time), Drinking Bleach, Reflections, Watch Her Fall, Sunshine Girl, See Forever, When I Look Up, I See Nothing, I’m Waiting and Edge of Nowhere, todos sin duda harían un “The Best of”. ¿Qué nos pueden contar de “Darkness Inside”?

La idea del EP llegó por primera vez cuándo nuestro buen amigo Matt Etherton de los Presents For Sally nos preguntó si estaríamos interesados en hacer un EP compartido con ellos. Hablé con Al Boyd de Wrong Way Records sobre el proyecto y decidimos que nos gustaría grabar cuatro nuevas canciones

para él. Siempre tenemos un montón de material por ahí que no hemos utilizado y había un montón de canciones del último disco que nunca hicimos, pero realmente terminé haciendo cosas nuevas. Hemos trabajado en las canciones durante unas cuatro semanas y estuvimos muy contentos con los resultados. Todo el EP es impresionante y Wrong Way Records han hecho un gran trabajo con él. Las pistas de Presents For Sally son también increíbles. ¿Cómo definirían su música?

Creo que somos una banda shoegaze recta de verdad. Cuando empezamos fue siempre el objetivo.

En el momento en que no era tan popular como lo es ahora. Había estado en muchas bandas en el pasado y que siempre había tratado de traer elementos de shoegaze en el sonido, pero esta fue la primera vez que fue estrictamente eso. ¿Podemos esperar un nuevo álbum pronto?

Actualmente estamos grabando. De hecho, estamos muy cerca de completar el material. Tenemos alrededor de 16 canciones que estamos haciendo y todo suena bastante bueno y un poco diferente. Hay muchos más teclados presentes en las canciones. No estamos seguros de si se va a terminar como un álbum o cuándo podría ser liberado, pero mantengan sus ojos abiertos a obtener más información pronto. ¿Qué planes hay para este 2016?

Vamos a terminar la grabación y concentraros en eso por el momento. No tenemos planes para conciertos para el resto del año, a excepción quizá de un concierto en la ciudad de Doncaster antes de finales de 2016. Tengo la esperanza de que 2017 va a ser un gran año para nosotros. Se cumplen 10 años de nosotros como banda y 10 años de nuestro primer disco. Con suerte podemos tocar un montón de shows y es de esperar algunos conciertos en el extranjero, si todo se alinea.

Muchas gracias por el tiempo dado para responder a nuestras preguntas.

El gusto es mío Slaudos.

Nick (Noble)

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R.I.P. ALAN VEGA 1938 -2016

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Este año 2016 nos está dando golpes y se está llevando artistas que son parte de nuestras vidas.

No nos gusta hacer lista de músicos que decidieron partir de Gira por algún lugar al que aún no podemos comprar un boleto. Pero este 2016 ya se ha llevado a algunos artistas que le hemos rendido un tributo en nuestras páginas. David Bowie tuvo su propio número especial. En el número anterior Prince tuvo su escrito.

El 16 de julio nos despertábamos con la noticia de que otro grande nos dejaba, Alan Vega.

Mucho no tardamos en darnos cuenta que debíamos rendirle nuestro propio tributo. Así que hemos planteado en el seno del Staff esta idea y hemos realizado invitaciones especiales a personas que han sentido esta partida.

Alan Vega,

23 de junio de 1938 -16 de julio de 2016

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[ Por Bernardo Jimenez Mesa ]

ADIÓS AL HÉROE DE LA MOTOCICLETA...

Alan Vega ha dejado esta dimensión y es tan complicado encontrar algo más por decir sobre él…Y es que todo ha sido

dicho y todo es bien conocido: Suicide fue una banda pionera y muy adelantada para su época, estética y conceptualmente. La influencias y las semillas sembradas por Suicide germinaron durante décadas (de maneras muy distintas), y al día de hoy siguen sonando originales y frescos.

Considerando que han pasado más de cuatro décadas desde que Alan Vega, junto a Martin

Rev, apareciera sobre los escenarios por vez primera, y al leer estos días tal cantidad de tributos, anécdotas, historias; todas escritas como homenaje a este subterráneo superhéroe; es difícil no pensar que hemos perdido otro más de los pilares de esta subcultura que amamos (que ya no tiene nombre…..es tan solo una sensación…y una forma de ocultarse de la vida); alguien que realmente encarnaba y representaba la integridad artística, la genialidad y una modestia extraña y excéntrica….. Techno, Synthpop, Electroclash, Punk…. La lista de géneros tocados y enriquecidos para siempre por los sintetizadores, voz, y sobre todo por el minimalismo y las estructuras creadas por Alan Vega es muy larga…como larga fue, afortunadamente, la vida de él, a quien aquí, en la revista The 13th, homenajeamos.

Buen Viaje…Jinete Fantasma...

[ Alan Vega por Javier Rendo (Cantante y compositor en RENDO / electropop) ]

CALLES DE FUEGO

Frankie llora / Frankie tiene 20 años, / está casado y es padre de un niño.

Trabaja en una fábrica, / Comienza a las siete y termina a las cinco.

Frankie no consigue ganar lo suficiente, / no consigue comprar suficiente comida.

Frankie va a ser desahuciado. / Esta desesperado. / Piensa en matar a su mujer e hijo.

Agarra un arma, / apunta en la sien a su hijo, de seis meses, / dispara al pequeño, / Dispara a su mujer, / apoya el arma en su cabeza, / Frankie está muerto…

Frankie teardrop, Suicide

Más de una década después del nacimiento de Suicide (1972) y ya a mediados de los ochenta, mientras mi adolescencia se contoneaba con el pop del Virus y Los Encargados, en plena primavera Alfonsinista, descubrí a través del hermano de un amigo la música y los versos de “Frankie teardrop”.

Mi conmoción fue inolvidable, no comprendía aun, la agitada escena punk de EEUU, ni tampoco a ese artista inquieto y excepcional que fue Alan Vega capaz de escribir de una manera tan descarnada y visceral.

La música de Suicide me sorprendió por la violencia de esas primitivas baterías y las voces que cabalgaban esos ritmos electrónicos, entonaciones hirientes a lo Morrison y Lou Reed.

Amantes de los clímax estos obsesivos artistas, enarbolaron un sonido minimalista muy emocional. Espacios musicales libres y largos, sin las cuadraturas de la canción típica.

Vega surgido en las calles de Nueva York armo juntó a Martín Rev un dúo de una actitud inusual, dado que en sus actuaciones confrontaban contra un público dotado mayoritariamente por una generación de marginados.

Grabaron cinco álbumes de estudio desde Suicide (77) e influyeron a formaciones como New Order o Depeche Mode, entre otras.

Tras la disolución de Suicide en 1980, Alan Vega navegó como solista en una especie de rockabilly post punk que marcaría su carrera durante algunos años, siempre con su mensaje existencialista en contra del establishment y el capitalismo.

Sus canciones, su fuerza creativa y su calor interpretativo ya son leyenda…

Nos acompañarán por siempre.

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[ Por Ariel Soriano ]

EL SUICIDIO DE SATANÁS, UN ESTILO DE VIDA. Muy pocas cosas me impactaron tanto en su momento como

hasta que con efectos en el sintetizador quería lograr el sonido

Soft Cell. Allá lejos por el ‘81 más o menos, los vi en un video

del Farfisa roto. Eso compone la originalidad de su sonido con

en el programa de TV Música Total, un sábado al mediodía, es-

un Elvis Presley enojado, agresivo y punk. Alan Vega se golpea-

taban haciendo el tema Tainted Love del cual me enteré mu-

ba a sí mismo como Iggy Pop con el micrófono, de repente se

cho más tarde que era una canción originalmente escrita por

ponía romántico, de repente agitaba al público, los prepoteaba.

Ed Cobb, del grupo The Four Preps, grabada en 1964 por Glo-

Una performance única y personal que inspiró a muchos de los

ria Jones.

que pudieron verlos en vivo, manejando los extremos con segu-

Enseguida empecé a investigar de donde podría llegar a pro-

ridad. Suicide era su estilo de vida. El nombre fue inspirado en

venir ese estilo, el look neoyorquino, medio glam, electro roc-

el libro de cómics favorito de Alan Vega, Ghost Rider “El Sui-

kabilly punk y fue así que llegué a Suicide una tarde soleada a 2

cidio de Satanás”. A fines de los ‘70s lograron abrir para The

cuadras del puerto de Olivos en la casa de Sergio Rotman a prin-

Clash y Elvis Costello cuando las bandas visitaron Estados Uni-

cipios de los 80’s. Era difícil conseguir algo de ellos pero Sergio

dos por primera vez, les tiraban con latas de cerveza y le rompie-

me lo grababa en cassette.

ron la jeta a Alan Vega, él los enfrentaba, seguía cantando cada

A raíz de esto, entre los vinilos que tenía, encuentro dos que

vez mejor, pensaban que estaba jodiendo.

estaban muy relacionados, eran Candy O y Panorama de The Cars. Shoo be doo, el tema en cuestión, venía enganchado con

Las paredes de sonido de Martín Rev era lo que queríamos

Candy O, la canción que da el título al álbum. Era obviamente

reproducir con Iguana Lovers (Suicide Set) como ya habíamos

un homenaje a Suicide y me había atrapado principalmente por

anunciado que nos llamábamos en los shows anteriores junto

su sonido y el estilo de la voz de Rick Ocasek que en su momen-

a Hurricane Hearts Attacks en Niceto Club, pero directamen-

to fue productor de Suicide, me enteré luego. Shoo be Doo, un

te los sampleamos para el show que dimos en homenaje al 60

afano al gran Alan Vega, el artista plástico devenido a cantante

aniversario del nacimiento de Ian Curtis el 16 de julio pasado.

para poder bancar su arte. Alan, que su verdadero nombre era

El show se atrasó un poco, cuando estábamos por salir a escena,

Boruch Alan Bermowitz, tenía una onda villera medio roñosa

chequeo el iPhone por un invitado que no llegaba y leo la noti-

de matón glam punk neoyorquino. Con su aspecto groncho,

cia que Alan Vega acababa de morir. Salimos a escena y dedica-

tipo Maradona, decía que Suicide era el trabajo con el que pen-

mos el concierto a la memoria de Alan Vega, tocando sobre los

saba ganar unos mangos.

sampleos de Suicide a los que el Vampi Blaquier había distor-

Para el común de la gente Suicide tenía un audio de muy

sionado aún más con efectos mágicos. Afortunadamente, a los

mala calidad, nada que ver con Shoo be doo de The Cars o el

78 años y para todo el universo Alan Vega y Suicide ya habían

disco Panorama. Me parecía lo contrario y los amaba, mis ami-

dejado grabada una obra incomparable que con su muerte está

gos los odiaban porque no los conocían, no sonaban en ningu-

adquiriendo cada vez mayor relevancia. El cumpleaños de Ian

na radio de ningún lado, nadie jamás había escrito algo sobre

Curtis se transformó sin querer en un sentido homenaje a Alan

ellos en argentina.

Vega que el público presente supo apreciar junto con el homenaje a Ian Curtis, el otro inmortal.

Me quedé pegado con Martin Rev, en quien Suicide basó toda su música, los mantras de sonido sintetizados. Al principio los hacía con un órgano Farfisa que estaba roto y funcionaba mal,

Muchas Gracias Suicide, gracias Alan Vega por haber existido en la tierra y por todo lo que nos dejaste.

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[ Por Iván Mirabal guitarrista de Iguana Lovers ]

¡¡¡ARRIBA LOS TRANSISTORES!!!

A mediados de los 80's, los domingos por la noche eran los mejores momentos para mí. En la vieja radio Rock 'N' Pop se emitía el programa Piso 93. El locutor Rafael Hernández se despachaba con diferentes estilos de música, textos, y la "poesía cruel" de no pensar en un destino incierto adolescente...

En ese programa escuchaba música que grababa en casetes sin nombre. Las cintas no tenía los nombres de los temas ni de los intérpretes, pero no importaba, la música era increíble...y era el soundtrack indicado para esos momentos.

Eso hizo que todo cambiara, que sea raro cada momento, cada rato del día...

Tardé cierto tiempo, tal vez mucho, en identificar y hacer coincidir los temas con los intérpretes, ubicarlos en tiempo y espacio. Pude descifrar entonces que la cinta comenzaba con "When you smile" de los Dream Syndicate, "Rocket U.S.A" de Suicide y seguía con "Kick in the eye" de Bauhaus... Todavía tengo ese casete, todavía existe ese caos... Porque caos era lo que me transmitía Suicide. Escuchaba esa voz a lo Elvis-zombie, blues post-atómico. Nueva York o Ituzaingó.

Esos sonidos que al principio no entendía, o no se me ocurría que podrían ser teclados, tal vez por ese preconcepto de que una banda de rock no podría funcionar sin guitarras... pero funcionaba.

El tiempo pasó y sin saberlo, tal vez Suicide

me ayudó a imaginar sonidos de guitarra desde el punto de vista de teclados distorsionados, capas de sonido, mugre... Todo ese caldo empezó a tomar forma cuando formamos Iguana Lovers, y los retazos de información que traía, como hojas sueltas de diferentes libros de historia, de un mismo relato, empezaron a decantar en incipientes ensayos...

Suicide era el sonido de una revolución futurista, no el futuro "Kraftwerkiano" perfecto, sino un futuro sucio, imperfecto y desigual, cavernícola, primitivo, de trincheras...

Yo escuchaba esos manifiestos pregonados por Vega en canciones, melancolía, como sentencias de pastor-evangélico-a transistores. Yo contestaba a esa voz sin entender el mensaje... se hizo más difícil, saber que decir, porque no había que decir nada... (No perderemos lo que sentimos, si hacemos el esfuerzo de retenerlo en la mente.)

Solamente tuve el primer disco de ellos, en casete, mal grabado, tapa fotocopiada. Ni supe siquiera que Vega y Rev eran los integrantes de la banda, en la tapita no los nombraba. Los escucho ahora por youtube y me produce el mismo efecto... Caos de un antiguo futuro, igual a nuestro presente... (Uno cuya existencia jamás había sospechado.)

Alan Vega is dead, but Suicide is alive!!

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[ Por Ricardo Padilla (OriaNi_K) ]

SUICIDE: CRONOLOGÍA

Suicide (1977) Disco homónimo de la banda. Una de sus obras más influyentes y que evidencia que el punk no sienta sus bases solo en su sonido sino en la actitud. Y Suicide es un disco lleno de actitud, sonido crudo y duro, pero a la vez denso, amenazante e imprevisible. La voz susurrante de Alan Vega y los sonidos generados por los sintetizadores y la caja de ritmos de Martin Rev logran crear una atmósfera fantasmal e hipnótica acercándolos a los planos del pospunk y el synth pop. Destacan Ghost Rider y Cheree.

Suicide: Alan Vega - Martin Rev (1980) A inicios de los ochenta la banda da un giro estructural sin dejar atrás la esencia de la banda. Curiosamente este álbum fue llamado igual que su disco antecesor, sin embargo en esta etapa le restan matices confrontacionales a su música. A pesar de dejar de lado el ruidismo y la experimentación el disco superpone melodías muy bien constituidas acercándose más al pop y la electrónica melodiosa. El disco fue incluido como mejor disco del año de la NME y reeditado en 1999 por el sello Blast First. Destacan Diamonds, Fur Coat, Champagne y Dream Baby Dream (Reedición)

A way of life (1988) En su tercera placa, luego de ocho largos años, el dúo retoma la senda minimalista y electro punk de su primera producción.

Rock, Rockabilly y Synth pop se amalgaman en una sola vía de donde se producen atmósferas intensas y siniestras. Es impresionante el manejo de la voz dramática de Alan Vega para acondicionar cada uno de los temas. A way of life es quizás el disco más subestimado de Suicide sin embargo merece posicionarse absolutamente dentro de los clásicos de la banda. Destacan Wild in Blue, Jukebox Baby 96 y Sufferin in Vain.

Why be blue (1992) Sin dudas este es su trabajo más orientado al Dance, coloquialmente podriamos decir que es el más 'alegre'. Martin Rev despliega a lo largo del disco una gran variedad de reverberaciones y efectos delays interesantes. Por su lado Alan Vega deja atrás el frenetismo vocal a cambio de voces más dulces y transportadoras. El álbum cuenta con una remasterización del 2004 en donde se incluyen ocho temas en vivo que datan del año 1989. Destacan Mujo, Play the Dream y Chewi Chewi.

American Supreme (2002) Quinto y último disco de estudio del dúo neoyorquino, y que aparece después de diez largos años de mutismo. Un disco caracterizado por líricas frías y directas y composiciones bien estructuradas. Sus bases se recogen de degenerados ritmos techno house y hip hop interpolados con ruidismo y las excitadas voces de Vega. Un álbum difícil de analizar como una sola unidad en vista que goza de sonidos extremos en muchos de los temas. Vega y Rev dejan atrás la melancolía y los sonidos siniestros de sus primeros discos para adentrarse en el electro del presente siglo. Destacan Televised Executions, Swearing' to the flag, Wrong Decisions y Death Machine.

ALAN VEGA: CRONOLOGÍA Alan Vega (1980) Al desactivarse Suicide en 1980, Alan Vega emprende su carrera en solitario dándole forma a su disco homónimo en la que exploraba con más intensidad en el rockabilly que había ya había mostrado en Suicide. En el disco se incluye el single Jukebox Babe que le había generado muchos réditos. Destacan Jukebox Babe, Fireball y Speedway.

Collision Drive (1981) La fuerte influencia de Elvis Presley y el Rockabilly caló fuerte en la creación de su segundo trabajo personal. Vega reaviva las luces rockanroleras de los años 50 enfundado en guitarras eléctricas que rugen, sintetizadores y repetitivas melodías techno.

Un álbum muy atractivo por donde se le mire. Destacan Magdalena 82, Outlaw y Ghost Rider.

Saturn Strip (1983) Vega graba su tercer disco con el sello discográfico Elektra, un gigante de la época. En esta producción se percibe el uso más profuso de sintetizadores. El híbrido conseguido entre secuenciadores y rockabilly nos lleva hacia el Psichobilly, vanguardismo puro que contó con la participación de Al Jourgensen (Ministry) y Ric Ocasek (The Cars). Este es un disco que te puede sorprender. Destacan Saturn Drive, Video Babe y Wipeot Babe.

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Just a Million Dreams (1985) Quizás este no sea el mejor disco de Alan. A pesar de ser impecable en arreglos y líricas suena bastante convencional y anticuado, muy distante a lo que había ofrecido en sus anteriores trabajos. Su sonido se acerca a la new wave con ciertos intentos de incorporar synthpop. Vega renuncia al sonido fresco y a la experimentación a las que nos tenía acostumbrados. Fue su última placa con el gigante Elektra. Destacan Cry Fire y Ra-Ra-Baby.

Deuce Avenue (1990) A pesar de haber recibido las peores críticas Deuce Avenue merece mejores lauros. Vega decide regresar a experimentar con loops electrónicos y cajas de ritmos, sonidos minimalistas, repetitivos e inacabables. Es en suma un disco difícil de digerir muy orientado al pop y falto de ese poder hipnótico y atmosférico de sus dos primeros trabajos, pero que rescata el espíritu fresco y memorable. Destacan Bad Scene y Deuce Avenue.

Power On To Zero Hour (1991) Al igual que el disco anterior, Vega continúa por la misma senda, inyectando frías y disonantes melodías electrónicas. Su voz pareciera que ya no es la misma, y en contadas excepciones ruge como el maniaco de Suicide. El disco goza de mejores composiciones, ritmos bien engranados y la incorporación de ritmos hip hop. No es lo mejor de su inventiva y no lo llega a encerrar del todo, sin embargo se dejan escuchar muy bien temas como Jungle Justice y Sucker.

61 New Raceion (1993) Un disco muy variado en estilo. Alan Vega vuelve a la senda de las marcadas disonancias. Experimental y acertado al insertar ritmos electrónicos caóticos y extendidos, acompañados de Riffs sucios de guitarra y sonidos duros. Destacan Go Trane Go y Do The Job

Dujang Prang (1995) Quizás uno de sus mejores discos. Electrónica Industrial bien producida, ritmos repetitivos y sonidos atmosféricos y fantasmales al punto de la desesperación auditiva. Vega vuelve a tomar las riendas y nos narra bellos paisajes sonoros, visiones apocalípticas e hipnóticas. Oscuridad y trance, una obra peculiar e impresionante por donde se le mire. Aquí sería mezquino destacar dos o tres, se merecen disfrutar todo.

2007 (1999) Alan vuelve a las andadas sonoras, macheteras e industriales, capturando sueños de destrucción y recreándolas firmemente en esta producción. La imaginación y la experimentación se pone de manifiesto en ciertos segmentos para dar paso a otras vías más alternativas. Destacan This is city y Trinity 2007.

Station (2007) Este quizás sea el disco más brutal e inquietante. Vega se retoza entre la música experimental, el industrial y el avantgarde.

La voz rabiosa acompañada de tamborileos martillantes convertidos en verdaderos ataques sonoros que liberan energía a lo largo de todo el disco. Vega deja ir a todos sus demonios a base de chirridos guitarreros, golpes de yunques y tormentosas voces.

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[ Por Cesar León. ]

ROCKET USA. EL LEGADO DE SUICIDE Cuando se trata de hacer ¨arqueología¨ musical –ese arte

mentos que los sintetizadores eran propiedad de los grandes y

de buscar los orígenes de los sonidos que uno disfruta– es re-

virtuosos gurús musicales como Yes, Pink Floyd, o Walter car-

confortante y emocionante encontrar bandas o artistas que sa-

los. Suicide tomó estas herramientas y empezó a construir me-

bía uno que deberían estar allí, que los indicios indican que

lodías simples, cuyo encanto es ese sonido tan básico y abrasi-

eran parte del rompecabezas. Uno de esos casos es Suicide, el

vo interpretado sin pretensiones y contrastado con unas voces

hermoso dúo conformado por el recientemente fallecido Alan

taciturnas.. El sonido naif de su mal equipamiento se convier-

Vega y Martin Rev. Cuando se hacen trazas de los sonidos post

te en una de sus virtudes, la actitud DIY –Do it yourself– tan

punk, techno, synthpop o post new wave, se llega usualmente

punkera, por primera vez toca el hasta el momento complejo

a los orígenes con nombres emblemáticos como Ultravox, Soft

y refinado movimiento electronico. Tal como en el movimien-

Cell, OMD, Depeche mode, Human League, Daniel Miller. En

to Punk comienzan con cortes bien rocanroleros (Ghost rider

su lado conceptual – intelectual Cabaret Voltaire y Throbbing

o Johhny) que interpretados por los arpegios sintetizados viven

Gristle. –Todos curiosamente británicos– o por el lado de euro-

en el umbral de lo gracioso y lo bizarro. Hay una gran melan-

pa continental los sonidos espaciales de Kraftwerk, Jarre, Tan-

colía en la voz de Vega que en algo recuerda a Genesis P-Orrid-

gerine dream y otros que no cito por espacio. ¿Qué pasaba en

ge cuando confronta las bases mecánicas y secuencias lanzadas

Estados unidos en estos momentos? ¿Estaban muy ocupados

por Martin Rev.

bailando The Bee Gees y Boney M para preocuparse por so-

Entre bandas que han publicado su admiración o que han

nidos más rústicos? Es aquí donde me atrevo a hacer un para-

sido influidos por Suicide se encuentran The Jesus and Mary

lelo. Suicide es para la electrónica lo que los Stooges son para

Chain, The Sisters of Mercy, She Wants Revenge, Henry Ro-

el punk. todos sabemos que The stooges llevaban tiempo defi-

llins, Joy Division/New Order, Soft Cell, Nick Cave, D.A.F.,

niendo el sonido punk sin que trascendiera, hasta la izada de

Erasure, The KLF, Ministry, Nine Inch Nails,[] OMD, Pet Shop

bandera que The sex pistols realizó en el seminal concierto el 4

Boys, Tears for Fears, Cassandra Complex, Mudhoney, Nitzer

de Junio de 1976 en el Lesser Free Trade de Manchester Hall,

Ebb, Radiohead, Spiritualized, Angel Corpus Christi, Michael

donde se definió el futuro de la música ante un teatro casi va-

Gira, MGMT, Sky Ferreira, Sonic Boom, Loop, The Fleshtones,

cío pero que incluía a Howard Devoto (Buzzcocks/Magazine),

Depeche Mode,Jello Biafra, Thurston Moore, R.E.M., Devo, Ul-

Pete Shelley (Buzzcocks), Morrissey (The Smiths), Tony Wil-

travox, Massive Attack, Air, Autechre, The Chemical Brothers,

son (Factory Records/The Hacienda), Peter Hook (Joy Division/

Daft Punk, Aphex Twin, The Kills y hasta Bruce Springsteen.

New Order), Bernard Sumner (Joy Division/New Order/Elec-

Posiblemente si Suicide no hubiera existido el movimiento de

tronic), Mark E Smith (The Fall) quienes al parecer influidos

música electrónico perdería mucho de su sabor, muchas de las

por el concepto ¨hazlo tu mismo de los Pistols¨ salieron a hacer

ideas que hay en su primer álbum fueron después claramente

su propia música y cambiarlo todo. Sin embargo si se mira con

retomadas por otros artistas. Lastimosamente su legado hasta

más detenimiento es innegable el papel que representaron des-

ahora se ha empezado a reconocer, probablemente el furor de

de el otro lado del Atlántico The New York Dolls, The Velvet Un-

sonidos análogos que algunos artistas están experimentando

derground, Patti Smith y por supuesto Iggy Pop & The Stooges.

hace llegar este homenaje asi sea tardío –Vega murió el pasado

Suicide llevaba definiendo el futuro de la música electrónica

16 de julio–. Pareciera que a veces nacer a este lado del Atlánti-

con un sintetizador rústico y una caja de ritmos básica. En mo-

co no siempre es una ventaja

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[ Por Erick R. Vieyra. ]

ALAN VEGA EN LA TORMENTA MODERNA “Con profunda tristeza y una quietud que sólo las noticias como estas pueden traer, lamentamos informar que el gran artista de poderosa creatividad, Alan Vega, ha fallecido… Alan murió tranquilamente mientras dormía la noche anterior, el 16 de julio.

Tenía 78 años de edad.”

Ése fue el comunicado oficial desplegado a los medios el día 17 de Julio del año en curso, fue el comunicado hecho por la familia de Alan Vega.

Como casi todos, conocí el trabajo de Alan Vega por medio de Suicide. Les conocí hace más de una década atrás de la forma que comúnmente se difunde el subterráneo en México, por medio de la piratería; la impresión que me dejaron es casi la misma que tengo hasta la fecha, un dúo extravagante que supo mezclar la dulzura con unas pintadas que caracterizaban la violencia, escuchar a suicide es como ver espasmos y agresivas contorsiones que ocurren en el momento en que se cree que nada puede pasar, eran por entero impredecibles y eran la cosa más peculiar que había escuchado hasta entonces.

Alan Vega era de esos tipos que se inyectaba heroína en los baños de bares de mala fama, era de esos solitarios profesionalizados en el arte, él era -formalmente- un artista, incluso poseía título académico en el área, era de esos jóvenes desarraigados que vagabundeaban por las calles de Nueva York en los setentas y que por cuenta del futuro que la sociedad estadounidense otorgaba a la juventud, aprendió a

odiar su país y su cultura y habló de ese deteste en sus canciones, él habló de la masacre cultural, del robo de destinos, del hambre y el caos de la modernidad, y para ello nunca necesitó de la alharaca y ser un show-man, él siempre fue sobrio y su imagen pública se manejó casi en las sombra, nunca fue una celebridad.

Así se convirtió en la figura de culto que hoy es, ahora, muerto el 16 de Julio de este año, es casi un mártir. Triste vida debió llevar para ser quién fue, un artista con una ampulosa genialidad, rudo y con olor a peligro, sobrio, siempre intermitente transbordándose de las presentaciones apabullantes al silencio, así, de la misma forma en que cantaba. Su estilo de canto era como si diera agresivas y arrebatadas pinceladas sobre la hoja, el lienzo o la pared, sus letras hablaban sobre el mundo de hoy y esas letras sólo podían ser escritas por un hombre de una sociedad desarrollada que se reconocía inmerso en ella y que, a su vez, era un renegado, su canto era dulce y atormentado, Alan Vega era un hombre hablando de una sociedad consumida por los sueños de progreso de una industria que no cumplió con la promesa de traer con la modernidad la dulzura y la paz a sus ciudadanos.

Alan Vega era un hombre hambriento de subversión. A lo largo de su carrera en el sonido, junto con Martin Rev, creó un sonido que ha sido la tabula sobre la cual ha partido la música electrónica del mundo subterráneo desde el Synth Punk hasta el Electro

Dark, pasando por el Synth Pop y otros derivados de corte más experimental. Ese dueto se llamó Suicide, un nombre retador y negro en sí mismo.

Con Suicide ya había hecho lo suficiente para pasar a los anales del underground. Pero su trabajo no se contuvo ahí, lanzó una carrera solista francamente fascinante, no tan obscura como en sus primeros años, pero de igual forma intensa y variada; el Psychobilly, el New Wave, el Synth Pop, hasta el Techno y el Experimental.

Sus años de fulgor fueron la década de los ochentas, con la llegada del rock alternativo y ese tipo de derivaciones que hicieron a un lado aquella música que estaba ligada a las primeras fuentes del rock contemporáneo (Hendrix, Stones, Joplin, Who) pasó a formar parte del catálogo de coleccionistas y los seguidores del rock ampuloso, en el underground hasta su muerte.

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[ Entrevista a Manfredi Lamartina de Novanta por Diego Centuriรณn ]

ES Mร SICA DE DORMITORIO

Novanta es un proyecto de Manfredi Lamartina, en nuestro

de escuchar “Mayonaise” o "1979": toda la belleza sigue ahí, in-

número anterior hemos realizado una reseña de su nuevo ál-

tacta. Corgan tenía una visión de cómo debe ser una gran can-

bum. Ahora nos toca conocer al artista más allá de su música.

ción. La música de Novanta ha sido influenciada por muchas

Novanta (noventa en italiano) es un proyecto que ha nacido en

otras bandas, también: Red House Painters, Mogwai, Slowdive,

Italia con base en Milan, hace unos años atrás. Y si bien su mú-

M83, Nathan Fake, The Album Leaf, Lali Puna, sólo para nom-

sica crea una mixtura de shoegaze y post-rock, y que su principal

brar unas pocas.

idea es rememorar esos años noventa, trataremos de no hablar tanto de pasado, aunque empezaremos por eso, y miraremos el presente y el futuro de este proyecto.

En "Crescendo" de 2013 y en "Best-selling dreams" de 2014.

Colaboras con varios artistas, ¿Cómo te sientes trabajando con otros músicos?

Si bien ya has explicado por qué el nombre, te pido por favor si lo explicas una vez más.

Me encanta trabajar con otros músicos, porque me ayudan a ir más allá. Todos estos artistas tomaron mis canciones y las

¡Por supuesto! Novanta es la palabra italiana para "noventa".

pusieron en otra dimensión. Es por eso que “Hello we're not

Sólo quería rendir homenaje a la música de los años 90 como

enemies” está lleno de grandes colaboraciones también: Ra-

shoegaze, post rock, slowcore, y toda la zona electrónica. Por

niero Federico Neri (de la banda de rock independiente italia-

otra parte, los años noventa fueron cruciales para la historia de

na Albedo), Giampiero Riggio (también conocido como Haas),

mi país: demasiada mierda sucedió en Italia. Cuando era un

Giuseppe Musto (también conocido como Il Ragazzo Del No-

adolescente, solía soñar con un futuro mejor, humano amiga-

vantanove), Ian Bonnar (conocido como “In Every Dream A Ni-

ble. Todavía no quiero despertar.

ghtmare Waits”), Fabrizio De Felice (también conocido como Białogard), Claudio Cataldi.

Para aquellos que no conocen aún a Novanta. ¿Cómo lo describirías?

Me gusta decir que toco música techo de la astronomía, un

¿Qué ha cambiado en la manera de componer desde "Novanta" hasta "Hello We're Not Enemies"?

género musical de ficción que incluye shoegaze, post rock y la

En mi primer EP, "Novanta", grabé mis primeras canciones

electrónica. Es música de dormitorio, una banda sonora delica-

como artista en solitario y no me importa todo lo demás - como

da e intimista, algo que intenta caminar a tu lado, a raíz de sus

buscar un sello, tocar en vivo... Con “Hello We're Not Enemies”

pensamientos y sentimientos.

he grabado estas canciones con una sensación y el enfoque más orientado a una banda.

En 2011 editas la primera grabación "Novanta". Y la portada es muy significativa para ti. ¿El álbum está dedicado a esa persona?

¿Has cambiado el rumbo de Novanta desde la idea original?

Bueno, eso es una buena pregunta. Hoy en día, hay una gran

Sí, la mujer en la portada es mi abuela Fina. Es una foto vieja

cantidad de música impresionante por ahí, la Internet es un

en blanco y negro bailando mejilla con mejilla con un tío. Ella

gran campo lleno de grandes bandas en espera de ser descu-

falleció en abril de 2012 a la edad de 97. Esta imagen es poéti-

bierto. Cuando no eres una estrella del pop, generalmente te

ca e inspirada, una postal de otro tiempo. Yo la recuerdo tocan-

preguntas: ¿por qué alguien debería escuchar mis canciones?

do el piano para mí cuando era sólo un niño: pasamos un muy

Entonces dices "enroscarme, no estoy interesado en jugar este

buen tiempo juntos.

juego". Para responder a su pregunta: ya he cambiado mi conciencia de ser un artista, y este nuevo conocimiento me ha per-

En 2012 nuevo trabajo "Bedroom metal", con una canción de-

mitido centrarse en hacer de mí mismo un mejor compositor.

dicada a Billy Corgan ("Corgan"). ¿Cuáles son los artistas que

Y ser un mejor compositor significa respetar las personas que

te influenciaron?

escuchan tus canciones. Por lo tanto, es importante no perder

The Smashing Pumpkins es mi mayor influencia desde siem-

el tiempo con la música mala. Todo lo que puedo decir es que

pre. El sonido de sus álbumes de los 90’s es multifacético: épi-

realmente hago mi mejor esfuerzo. Espero que mi mejor sea lo

co, brillante y oscuro al mismo tiempo. Esas canciones todavía

suficientemente bueno.

tienen mucho que decir, incluso después de veinte años. Trate

Has participado en varios compilados. ¿Es una manera de abrir fronteras?

Es curioso, a participar en compilaciones debido a que estos registros son un reto, especialmente álbumes de tributo. Recientemente, participé en "The Cure In Other Voices", un tributo a The Cure por The Blog That Celebrates Itself. Yo y Claudio Cataldi (en la voz) hemos registrado una versión de una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, "Close To Me". Nos imaginamos esta canción como una pista de dream pop: es por eso que este cover suena más oscuro y más atmosférico que la versión original.

Ponemos todo nuestro amor y respeto al genio de Robert Smith en el track. ¿Cómo se presenta en vivo la banda?

Novanta suena definitivamente más shoegaze y agresivo en directo, con una gran cantidad de distorsiones y una gran reverb. ¿Qué planes tienes para los meses que quedan del 2016?

Estoy planeando un corto tour italiano este otoño, a continuación, me gustaría trabajar en nuevas canciones tan pronto como sea posible.

PALABRAS EN LA ARENA

[ “Manual revisado del boy scout” de William S. Burroughs por Pablo Ravale ]

¿COMEDIA, JUEGO O REVOLUCIÓN?:

Casi veinte años después de la muerte de William S. Burroughs, podemos confirmar varias certezas que el paso del tiempo y las relecturas de su obra han reforzado: aquel escritor era un genio, era un provocador, era eficaz en sus formulaciones.

La primera afirmación se puede comprobar leyendo Yonqui, El almuerzo desnudo, La máquina blanda, Expreso Nova, Los chicos salvajes, La revolución electrónica o Marica. La segunda, con cualquiera de esas sentencias provocativas que muchos han convertido en lemas, en fórmulas sagradas, en consignas revolucionarias; un ejemplo: «La palabra fue en otros tiempos un virus asesino», «Dejamos caer unas cuantas pistas falsas, por supuesto… siempre hay que dejar la puerta abierta a echar la culpa de todo a una conjura de derechas» o «El oprimido ama al opresor y no puede esperar a seguir su ejemplo». La tercera, su eficacia con las formulaciones, también se puede encontrar en el libro del que hoy hablamos, Manual revisado del boy scout.

Aunque, ¿se trata en realidad de un libro? ¿O más bien –y como afirma su mismo título– de un manual terrorista? Escrito originalmente en 1970, se mantuvo durante años deliberadamente oculto ya que, según su propio autor, podía llegar a ser tan inspirador y contagioso que desatase consecuencias devastadoras. Así, envuelto en misterio y reivindicado por numerosos artistas contraculturales, está íntimamente relacionado con su novela Los chicos salvajes.

Manual revisado del boy scout puede ser leído como un auténtico manual terrorista o una fantástica comedia. O puede que sea ambas cosas a la vez. Sea como fuere, Burroughs siempre estuvo preocupado por los sistemas de control del gobierno, y su desafío (el del autor contra los organismos sociales de dominio y manipulación de las personas) empezaba siem-

pre en la palabra: al virus propagado por el régimen él solía oponer su propio virus, sus propios artefactos literarios, su palabra. En tanto, lo que Burroughs no intentaba era derrocar a cualquier sistema, sino a los gobiernos injustos, dictatoriales, empeñados en colonizar y en destruir: esos que devoran despacio al ciudadano mientras su bota les pisa el cuello, esos que conquistan y someten a los pueblos menos fuertes del planeta. Este patrón de conducta observado lo lleva a criticar las gestas de independencia emprendidas por Garibaldi , Bolivar o el Che Guevara.

Porque, para alcanzar una verdadera independencia, Burroughs decía, se debería empezar proclamando una nueva era y estableciendo un nuevo calendario; se debería reemplazar el lenguaje foráneo; se deberían destruir o neutralizar los dioses foráneos, destruir la maquinaria extranjera de gobierno y control; y se le debería quitar la riqueza y la tierra a los individuos extranjeros.

Con todo, Manual revisado del boy scout parece compartir el espíritu combativo del punk. Ya lo señala en el prólogo Génesis P. Orridge, insistiendo en los claros paralelismos entre ambos —haciendo hincapié en el más obvio, cómo comparten cierta insistencia en darle su bendición envenenada a la venerable reina de Inglaterra—, pero es un paralelismo confuso, cuando no equivocado: William S. Burroughs sí creía que sus palabras tenían un poder revolucionario. Que podían ser llevados al pie de la letra para iniciar un cambio. No estaba siendo irónico al escribir el libro, pues él creía de verdad en la magia, la revolución y la destrucción de la sociedad; no intentaba inocular de forma indirecta ideas brutales, adelantadas a su tiempo, como sí lo hacía el punk: estaba escribiendo un manual de guerra. Y los manuales de guerra son libros mortalmente serios. De ahí

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que cuando leemos sobre la radiación letal de orgones o la lista de asesinatos al azar podemos reírnos, pero siempre con la misma risa incómoda, ¿acaso es esto una broma?

Llegados hasta este punto el punk parece jugar en otra liga, si es que no a otro juego completamente distinto, y es ahí es donde encontramos un paralelismo, tal vez, más próximo al trabajo del escritor americano: un juego. Aunque se trata del juego de la guerra, claro está.

Considerando entonces al libro un objetivo privado que debía salir a la luz sólo en el momento indicado, todo cuanto se dice en él, si se hace al pie de la letra, puede de verdad transformar el mundo que nos

rodea. De todos modos, eso no excluye que Manual revisado del boy scout pueda ser leído como una broma. Está tan fuera de todos los límites de lo razonable que no se puede defender sin una carcajada al final que venga a decir que su autor no ha hecho sino tomarnos el pelo a todos (por lo menos, en la medida que no se quiera correr el riesgo de acabar en la cárcel o en el psiquiátrico).

En definitiva, una mirada hacia el universo alternativo de una mente alucinada, la síntesis perfecta de aquello que acabó influyendo de forma profunda en el pensamiento de muchos de los grandes artistas contraculturales de nuestra época.

CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

Yo temo, tú temes, nosotros tememos Las sociedades en las que vivimos son sociedades basadas en el miedo. Miedo, control y dominación son los ejes centrales de las estructuras de poder en tiempos de crisis. Inocular miedo en la población es un mecanismo de control que legitima el endurecimiento de las medidas de control que son, a su vez, la forma más efectiva de preservar el Poder y las estructuras, simbólicas y materiales, que lo sostienen.

Tras los atentados de París todas esas relaciones, instituciones y estructuras de poder se han puesto a trabajar conjuntamente para rearmar la paranoia por la seguridad. Esta estrategia se sustenta con capital aportado por privados (empresas, fondos, bancos, aseguradoras, organizaciones internacionales, etcétera). Esta interacción entre lo público y lo privado es lo que entendemos que, hoy por hoy, define el complejo funcionamiento de la dominación cuyo sostén político, la forma de gobierno más generalizada en el mundo, es la democracia.

Crear y sostener un miedo también es un negocio. Implica un plan estratégico de mercado y sus respectivos movimientos tácticos; circulación de flujos y mercancías, posicionamiento, y logística. La primera fase es generar la demanda dado que todo consumo, de por sí, es demanda. Y para esto se realizan campañas en medios de comunicación masivos para generar una opinión y crear falsos consensos cuyas antenas de repetición son los propios individuos. Se generan, tanto a través de casos y montajes policiales como tras actos terroristas, sujetos pasibles de ser temidos (delincuentes, psicópatas, fundamentalistas musulmanes), así como sujetos temerosos que viven en el limbo, entre sus miedos y sus deseos –saturados y enajenados permanentemente por la gestora de los deseos, la publicidad, y un incesante y excesivo flujo de información–, y que hacen de la vida, de la existencia, un campo de batalla.

En el campo económico, el miedo favorece a una serie de sectores y grupos sociales que, por su idiosincracia, configuran un sector económico interdependiente y propio. Aseguradoras, constructoras de cárceles, policías, fabricantes de armas, compañías de seguridad privada, periódicos y programas de actualidad. Todos, de un modo u otro, se benefi-

cian del miedo, del sentimiento de inseguridad. Por otro lado los médicos, la industria farmacéutica, los hospitales, los psicólogos, los escritores de libros de autoayuda, los cirujanos, todos carroñean de los sentimientos de miedo, exclusión, depresión y baja autoestima a la que inducen a las personas.

La llamada inseguridad o, mejor dicho, la política de la inseguridad tan en boga hoy en día, se instaló definitivamente después de los atentados del 11 de septiembre, siendo un fenómeno esencialmente urbano y de sociedades densamente pobladas. El fenómeno 11S, en su conjunto, logró el desplazamiento progresivo de las doctrinas de seguridad externa a las de seguridad interna: recolocar la figura del terrorista hacia el interior de la sociedad, generando así un balance perfecto: el miedo a lo externo, a lo diferente, pero en un espacio de cercanía. El terrorista –o el delincuente común en el contexto local– que antes sólo podía estar en Afganistán, Irak, Siria o algún otro país lejano del Medio Oriente, ahora acecha en cada esquina. Detrás de esta variabilidad de la figura del enemigo, del indeseable, del monstruo, está la creación del chivo expiatorio: cargar la culpa, rabia y frustración de la masa, acrítica y alienada, en una persona o grupo. En esta lógica cualquier minoría social –o inadaptado– pasa a ser sospechosa. Ladrones, drogadictos, prostitutas, disidentes ideológicos, umbandistas, todos están en el punto de mira.

En este contexto es que los Estados modernos, con los medios de comunicación como creadores y moduladores de opinión, emprenden campañas masivas de miedo y control social. Es a través de la construcción de un sujeto social ignorante, miedoso y egoísta que se construye una cultura del miedo y el control, y se permite, ante su mirada pasiva, la instalación de cámaras de seguridad en las calles, de software de escuchas y control de teléfonos y redes sociales. Bajo el falso argumento de la prevención del delito o del terrorismo se realizan seguimientos, escuchas ilegales, detenciones, juicios y encarcelamientos; de forma que se crean condiciones autojustificantes muy funcionales de cara a la opinión pública: se desata crea una alarma social, se detiene y se reprime, a su vez que se justifica el endurecimiento de las medidas.

HIDDEN TRACK

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[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: SIGUR RÓS: UN BUEN COMIENZO

La primera vez que escribí sobre “Ágaetis Byrjun” fue allá le-

de mantener una nota elevada durante una eternidad lo que nos

jos y hace tiempo, en el año 2000: un álbum que habiendo visto

conduce a un trance constante cada vez que lo escuchamos: sin

la luz a pocos meses de finalizar el milenio, podía considerar-

esa voz hermafrodita no sería lo mismo. Solo sirenas de mun-

se uno de los mejores de su década. El primer corte, “Sven-g-

do real como Elizabeth Fraser han logrado esos niveles de emo-

englar”, fue reconocido por New Musical Express como single

tividad. Imposible dejar de recomendar la obra solista de Jón-

de la semana, un logro supremo para un tema totalmente can-

si, “Go” (2010). Curioso que se haya convertido en el cantante

tado en islandés. Descubría entonces a Sigur Rós en sus albores

por accidente: ningún otro miembro de la banda quiso hacerlo.

como una revelación digna de seguir monitoreada.

Desde aquellos parajes lejanos y agrestes aunque melancóliContrariamente a lo que acabó sucediendo, no auguré para

cos, Sigur Rós supo hacer carne las mismas sensaciones de su

ellos un gran nivel de popularidad: si, así de buenos eran, y así

tierra natal y transmitirlas a través de su música. Ha medida que

de poco comerciales. No parecían el típico producto objeto del

la banda fue desarrollando un mayor estado de autoconocimien-

sampleo de algún DJ de turno, ni por su música ni por los pa-

to, el resultado se tradujo en la sencillez y perfección con la que

sos que daban. Pocos artistas se animarían a titular un álbum

encaja cada tema a lo largo de sus discos. Es flotante y sobrena-

“()”, poblarlo con canciones sin título y para colmo cantarlas en

tural el manto de guitarras que sabe atraparnos por momentos,

un dialecto creado por ellos mismos llamado “vonlenska” que

y su sonido oceánico está supeditado a perfectas melodías que

invita al oyente a interpretar su propio significado. No después

se zambullen en una emoción abstraída en el ahora, el aquí, el

de haber logrado el reconocimiento mundial… o si. Pero es un

caos. Este sonido es en parte creado por la característica que im-

suicidio al que pocos sobreviven. Aunque también supieron flir-

primió Jónsi a su guitarra al tocarla con un arco de cello. Ritmos

tear ligeramente con el pop con el lanzamiento de “Með suð í

lentos e hipnóticos se sumergen en múltiples capas ambienta-

eyrum við spilum endalaust” (“Con un zumbido en los oídos to-

les que conforman temas habitualmente largos y atmosféricos.

camos eternamente”) en 2008, donde continuaron experimen-

Ideal para disfrutar con parlantes holofónicos.

tando con sonidos acústicos e inéditos como “Gobbledigook” (con reminiscencias a nuestro folklore y acompañado de un llamativo video con desnudos en un bosque) y donde por primera vez presentaron un tema en inglés.

Por último y para resaltar: traspasar la barrera de su idioma al punto de cantar en un dialecto inventado no ha sido un logro

Musicalmente etérea y minimalista, la música de Sigur Rós

menor. Muchos escuchamos Sigur Rós porque nos gusta como

se caracteriza por climas nebulosos a veces seguidos por ex-

suena, pero difícilmente (al menos yo) podremos entonar sus

plosiones orquestales que pueden ir creciendo a medida que

canciones como si se tratara de una banda pop. Desde esta afir-

transcurren. Tal es el caso de clásicos de la banda como “Olsen

mación podemos interpretar que estamos hablando de la voz

Olsen” o “Festival”, que supo cerrar magistralmente la pelícu-

como un instrumento más, que aún así nos deja boquiabiertos

la “127 Hours”. Poco importa a esta altura el constante falsete

y con la piel erizada en más de una ocasión, sin entender lo que

de Jónsi, aunque reconozcamos que no es fácil para oídos biso-

dice (si es que dice algo).

ños: no es traición reconocer que cada vez que escucho “Salka”

“Ágaetis Byrjun”, aun siendo el segundo disco del grupo, sig-

(tema de apertura de “Hvarf”) me imagino por momentos a un

nifica “Un buen comienzo”. Habría que encontrar la forma en

gato maullando sentado en una banqueta frente a un micrófo-

islandés (o en vonlenska) para decir “Una gran evolución”.

no. Pero es ese particular registro de agudos que lo hace capaz

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EN CONCIERTO

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[ Por Diego Centurión ]

YA NUNCA MÁS SERÁ IGUAL

Emmanuel Pidré Y Matias Brunacci con su obra en conjunto Endless Generative Art App. Festival Planck Buenos Aires - Alemania, 14 de Julio 2016

Estaba en el trabajo y me dispuse a "presenciar" sentado frente a la computadora, en medio de un ambiente totalmente distinto en el que se debería ver estas cosas. Pero entre papeles y notas de trabajo, me dispuse a observar lo que sucedería, con la intención de ver de qué se trataba, más por curiosidad y apoyo a esta iniciativa que por entendimiento del tema.

Las pequeñas cruces en un fondo blanco inmediatamente me hicieron acordar a esos juegos de cuando era chico que solía hacer para buscar formas mediante la unión con un lápiz de esas cruces o puntos.

Y creo entender que de eso se trata esto, pero en un tiempo real y a la vez sin tiempo. La vibración sonora generada como si nos encontráramos en un hueco o en un embudo se hacía más presente a medida que las formas geométricas comenzaban a aparecer sin estructuras y cambiaban súbditamente al color, y luego al blanco y negro.

Por momento en mi habitad no propicio para presenciar esta exploración Que se estaba generando en ALEMANIA. Si, a tantos kilómetros de distancia, que es difícil a veces entender el alcance de la actividad artística y la tecnología.

Y ahí me iba sumergiendo en un mundo de formas sin formas, mientras el hueco y profundo sonido me iban sacando del frío y mal iluminado ambiente de oficina, y me iba quedando atrapado en líneas y texturas, coloridas o negras o simplemente blancas.

Un mundo sin simetrías pero con mucho volumen, un viaje sin destino pero con mucho recorrido, una línea delgada entre lo simple y lo divino (porque pareciera ser un ejercicio realizado por Dios para crear las formas).

Y el ambiente primerio en el que me encontraba ya nunca más será igual, al menos hasta la próxima performance.

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[ Por Diego Centurión Fotografías: Lily Moonster ]

EN LA CIUDAD DE LA FURIA

Entrópico 6, en La Cigale, Buenos Aires, 23 de julio.

Sexta reunión del Ciclo Entrópico, una noche que se apreciaba fresca y con aires de vacaciones de invierno. ¿Desde la previa? un cartel que era el marco ideal para escuchar bandas que entre sus sonoridades se ocultan amores por los sonidos oscuros pero en distintos ambientes. Porque cada banda entrega su oscuridad a su manera. Fóbicos inmersos en su pop con tintes usados por bandas como La Sobrecarga o Soda Stereo; Perlas Tus Ojos quienes disfrazan su oscuridad en tintes más etéreos y rozando el dreampop; y por último toda la carga de negritud sonica del por momentos rock gótico rozando el metal gótico de Devoción. La noche se presentaba magnífica.

La noche la abre Max Wilda, musicalizando la velada con un set de canciones bien oscuras, entre ellas, Sisters of Mercy, Sopor Aeternus algo que ocurrirá (como ya es costumbre en los Entrópicos).

Es tarde y Fóbicos sube al escenario armando un clima muy sutil y cargando su pop oscuro de belleza a la Cigale. El trio formado por Pablo Díaz,

voz guitarra; Leonardo Esteban D'Angelo, bajo y coros, y Fabian Zammarchi (batería) va desarmando su prolijo y contundente ser con elegancia y sabiduría de que a veces tocar poco es mejor para las canciones. Las estructuras de las canciones están tan bien logradas y estudiadas (o ensayadas) que se nota el esfuerzo por sonar prolijos y contundentes, párrafo aparte para la canción Primavera, que me parece una gema del dark pop de estos últimos años en Argentina. La voz de Pablo siempre medida y precisa y los coros de Leo logran equilibrio y perfección de la que antes hablé. El baterista Fabián es pieza fundamental en esta perfección y justeza, ya que emplea un metrónomo todo el tiempo (algo que es raro encontrar hoy en una presentación en vivo). Este acto es fundamental para que todo suene ajustado y preciso. Para remarcar las influencias mencionadas, Pablo anuncia la última canción como "una que sepamos todos" y versionan "En la Ciudad de la Furia", cerrando un set que alternó muy buenas canciones con duraciones exactas, y con una precisión y buen gusto que hace que editen algo pronto.

Perlas tus Ojos sube al escenario desplegando su dulzura sonora en un set que alternó canciones de su EP "Así de Grises" (2014) y anteriores pero se dieron el gusto y nos dieron el gusto de estrenar una canción. La banda, que vuelve al Entrópico, desparramó belleza y su brillante propuesta con todas las sutilezas de su gran guitarrista Billy, la seguridad inalterable de la base de Elvio en bajo y Sebastián en batería. La voz de China que logra que todo lo instrumental, antes mencionado, tenga una unidad y una coherencia casi milimétrica. Canciones como “Manchester”, “Con las piernas en el Cerco”, “23 Maneras” o “Flores Rotas” son lo más destacado de un repertorio que siempre suena elevado y por momentos etéreo, pero con una carga de oscuridad muy sensual a lo 4AD años 80. Sabiendo que hay canciones nuevas… esperemos tener algo publicado pronto.

Es la hora del último show

Devoción sube e inmediatamente hipnotiza a la audiencia con su sonido de rock gótico, que por momentos se toma de la mano de los Héroes del

Silencio i hasta del propio Enrique Bunbury. Pero que por momentos roza y de muy de cerca el metal gótico. La figura de Diego Godoy se agiganta al frente de la banda, aunque sin asumir la responsabilidad de la performance de Devoción, es el centro de las miradas. Enfundado en sus anteojos oscuros y sin halagar de mucha movilidad corporal, su voz cautivadora hace que la audiencia que lo sigue no deje de quitarles los ojos de encima. Las canciones de su último álbum "Santas de mí" sellan la gran noche del Entrópico 6. En la canción “El Secreto” apareció como invitada Brenda Cuesta (Blood Parade), quien ni bien terminó la canción se esfumó como un fantasma que vino a poner su esencia y se fue dejando su brillantez en el resto del show. La banda sonó ajustada y precisa, el bajo, guitarra y batería unidos entre riffes y la solidez instrumental se acrecentaba por la seguridad y magia del vocalista, que hipnotizó a todos.

Una noche más de este Ciclo que busca generar una costumbre en la Ciudad de la Furia.

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[ Por Gabo Rojo ]

OUTER SANCTUM: UN COLADO EN EL ROYAL OPERA HALL Pet Shop Boys en el Royal Opera Hall, 20 de Julio de 2016.

Llego al Royal Opera House pasadas las 18:30, con la adver-

mitado. Conozco a Alan, un fan hardcore que viene siguiendo

tencia de que no se puede llegar tarde de ninguna manera pre-

a la banda desde los 80s. Especulamos sobre el setlist, pero la

sente en mi cabeza y una bolsa repleta de CDs en las manos. Lo

única conclusión que sacamos es que cerrarán con “West End

primero que hago es preguntar cuánto sale el guardarropa. “Es

Girls.” Y luego, a las 8 en punto, tal como se había pactado, el

gratis”, me afirman sorprendidos. Por supuesto que es gratis.

show comienza.

¿A quién se le ocurriría cobrar los guardarropas?

Tennant y Lowe salen literalmente desde unas burbujas, al

Subo escalera tras escalera de un edificio imponente que, más

ritmo de “Inner Sanctum,” nombre de esta serie de shows y

que un paragón de la Opera en Londres, por momentos pare-

tema mayormente instrumental del nuevo disco Super. Alan,

ce más un shopping de última generación. Compro el progra-

insólitamente, me dice que es la canción favorita de su hijo. El

ma, el cual contiene varios ensayos interesantes, llegándome

segundo tema es “West End Girls,” dejando por sentado que en

especialmente uno que explica que un mensaje siempre pre-

un show de PSB nada es predecible – incluso con los hits “obli-

sente en la música de Pet Shop Boys es que es mejor viajar que

gatorios” la banda siempre se esmera en presentarlos de for-

quedarse donde uno está. Parece adaptarse a la perfección al

ma distinta. Le siguen la nostálgica “The Pop Kids” y luego “In

improvisado viaje a Londres que había “planeado” hace dos se-

the Night”, un clásico b-side que habla sobre los Sazou, france-

manas y que, en ese primer día, me había llevado a lo que sería

ses que durante la Segunda Guerra Mundial no querían involu-

la apertura de la nueva gira de Tennant y Lowe, la primera de

crarse en el conflicto y debido a esto eran aborrecidos por am-

cuatro noches de residencia del dúo en el Opera Hall. El sólo

bos bandos. Esto, por supuesto, lo aprendí gracias a la canción.

hecho de que una banda de Pop realice semejante evento en un

Para presentar este set que cuenta tanto con temas nuevos

predio casi exclusivamente dedicado a la ópera ya nos da idea

(“Burn”, la cínica reggaetoneada de “Twenty-Something”) como

del aprecio que Inglaterra le tiene a sus tesoros nacionales. Por

con viejos favoritos (“Se a vida e”, mi single favorito (la oscuri-

más que, durante el show, Tennant el historiador le recuerde a

dad a veces me abandona,) no sonaba completo desde hace 10

la audiencia que durante la Segunda Guerra Mundial el predio

años,) acompañan al dúo una baterista y un multi-instrumenta-

había sido básicamente un “dance hall,” espíritu que realmente

lista (teclados, cello, percusión.) El show fue nuevamente dise-

se recuperó esta noche.

ñado por Es Devlin, quien ideó una refrescante coreografía que

Las entradas se habían agotado hace rato, pero pude comprar-

consiste prácticamente en que los bailarines no bailen duran-

le una al costo a un fan danés que no podía ir. Supuestamente

te la mayor parte del show. No tocan el tema nuevo “Sad Robot

era una de las peores ubicaciones (parado en un palco alto,) pero

World”, pero su atmósfera está presente en varios momentos

se ve bien desde todas partes, y a modo eminentemente inglés,

de la coreografía, sobre todo en “Inside a Dream,” un tema del

a pesar de no tener butaca la entrada sigue siendo numerada, y

disco anterior, Electric (2013), que no había sido estrenado du-

el espacio exacto que uno tiene para pararse se encuentra deli-

rante su correspondiente gira. “The Dictator Decides”, uno de

losde puntos barrio álgidos y el rocanrol, de Super, esletras presentada directas por Neil y sinendemasiada traje y personaje, vuelta, como quecorresponde. parecen contarnos Anhelo el momento una historia, en quesin presenne-

cesidad ten este tema de metáforas en Argentina. extrañas. atmósfera La BestiadelBebé show es es jovial, una de conlas la gente bandas celebrando actuales al ritmo parade ir sus a ver ídolos sinenmiedo, un showsabiendo que prácticamente que va acarece disfrutar de hitazos del show,bien hasta ya llegado sea enelformato último tramo, eléctrico dondeolos enbailarines alguno sí debailan los tantos “Go West” acústicos en unosque fantásticamente suelen ofrecer, enormes estrajes garantía de colores. de una La buena velada. puntualidad británica no impide que el disfrute se prolongue un poco más: si bien el cierre del show estaba pautado para las 9:30, de todas formas Los puntos hay unaltos encorede con la “Domino noche: Fiesta Dancing” en(que el barrio, también Lohacía quiero casi mucho una década a ese quemuchacho, no sonaba completa) Omar,yTigre la exubede

Metal, Luchador rantemente cínica “Always de Boedo on myy Mind.”

Wagen del pueblo, entre otros. más cercano al Jazz que al Apocalyptic Folk.

La gente se va sin demasiadas fotos y videos: apenas uno sacaba el teléfono ya tenía a un guardia pidiéndole que lo guarde y, sorpresivamente, se les hacía caso. Pero se va con algo más valioso: el haber compartido un show realmente íntimo con una banda icónica del Pop para gente pensante, quienes contra todo pronóstico (dada la naturaleza de sus personalidades y de su música) han sabido reinterpretar y mantener fresco su espectáculo en vivo década tras década.

[ Por Esteban J. Galarza y Diego Centurión. Fotografías: Nazarena Talice

SONGS FOR THE DEAF Swans en Martes Indiegentes, Niceto Club, 2 de agosto de 2016.

Cómo pararse ante semejante evento y tratar de ser lo más crítico posible. Tal vez para muchos mortales, está cita ritualezca no sea de la envergadura con la que suele hablar cuando se explica lo que genera Swans. Para los convocados a este aquelarre sonoro han sido mucho los años que soñaron con verlos en vivo y en directo. Muchos seríamos parte de una de las ceremonias más esperadas. ¿Cómo ser imparcial ante Swans?

Violencia pura, sin odio, sin rencores, blanca, distorsionada, nítida. Swans se ubica después de la pared tempestuosa de sonido. Pero recapitulemos lo que entendemos por sonido: no hablamos de las melodías, no estamos haciendo caso de lirismos frágiles; en éste caso es una reconfiguración de lo que se entiende como sonar, como sentido, como vivencia.

Es diamante bruto y es picado grueso y es violencia salvaje, de nuevo violencia, por siempre violencia.

Pero extrañamente en medio de todo éste caos hay armonía, y todo se centra en los brazos avejentados y la cabeza cadavérica con pelos sucios de Michael Gira, una mezcla del presentador de Tales From The Crypt con Rust Cohle de True Detective.

La invitación para la experiencia Swans indicaba que las puertas abrirían a las 20, habría sorpresas para los asistentes, que no habría teloneros y que la banda comenzaría a tocar a las 22. Advertía además que sería una experiencia audiovisual. La sorpresa tal vez fue muy volátil pero no supimos nunca de qué se trató salvo que las puertas tardaron más de 40 minutos en abrir. En la puerta a cada uno que en-

traba le daba alguien de seguridad una bolsita plástica sellada que contenía un par de tapones para los oídos de goma ergonométricos. Estábamos advertidos de lo que pasaría sería algo doloroso en caso de no tomar los recaudos necesarios.

La tensión del ambiente que suele haber en todos los recitales parecía multiplicarse en el caso de Swans. Los antecedentes ameritaban: era la primera vez que bajaban a Buenos Aires y después de más de 30 años de carreras entre vaivenes, 14 discos de estudios y tantos más en vivo. De hecho la excusa fue llegar y presentar The Glowing Man, catorceavo disco de su carrera editado en junio de éste año. A eso se le debe sumar que inclusive quien averigua sin mucho interés sobre la banda se topa con que sus shows suelen ser experiencias que trascienden lo musical.

Un fan de Swans local entonces tiene toda esa carga emotiva en su cuerpo. Y en la entrada le dan tapones para los oídos como advertencia. Y la tensión crece hasta pasadas las 22.

A contrapelo de lo que ocurre siempre que empieza un show las luces se prendieron e iluminaron más de lo que cabía esperar. Pero esto era un pedido de la banda y solo tiempo después surgió la respuesta de por qué quisieron quitarle hipnotismo al show. Al principio suena una brisa musical, algún acorde de teclado perdida; se configura la presencia del bajo y Michael Gira le da la espalda al público. El increscendo de sonidos se completa con las guitarras de dos históricos miembros de la banda: Christoph Hann con una Lap Steel Guitar y Norman Westberg con una Fender Telecaster. Entonces a los 15 minutos de iniciado el primer tema la tormenta

estalló. The Knot fue una introducción de más de 40 minutos en el que de a oleadas iban y venían oleadas monstruosas de música. Y es ahí hasta donde llegan las palabras porque lo que es la música de Swans se ubica en lo inexplicable.

No hay lugar para los débiles en el proyecto musical de Gira en el que se han arrasado los conceptos de la canción, la cordura e inclusive la estabilidad de los miembros de una banda que crece como un monstruo. Los momentos de silencio no causan paz sino tensión. Y en medio se encuentra Michael Gira cual William Burroughs moderno. Soundtrack para pintar los cuadros de Francis Bacon, para deformar dientes y sangrar.

En medio del vendaval que produce la música los tapones para los oídos no bastan. No hay cordura pero sí una banda aceitada que basa toda su brutal fuerza en un vórtice de tres ejes: La batería amplificada de Phil Puleo, El bajo iconoclasta de Christopher Pradvica y la dirección orquestal, tajante como cuchillo, gélida, hipnótica de Michael Gira.

Y entonces caemos en la cuenta que era necesaria la luz para no distraernos con futilidades. El hipnotismo viene solamente de la música, no es necesario ningún artificio.

Es difícil describir algo que busca no ser descripto.

Si pudiese conjugar alguna palabra que englobe la pared de sonido blanco de Swans esa palabra sería RITUAL. Es una ceremonia donde los concurrentes quedan atrapados, hipnotizados por un juego que no propone bondades conocidas ni belleza cacónicamente conocida. Es una danza dionisíaca que hace perder los estribos y en medio está el sonido puro y a máximo volumen. Una banda que hace parecer a My Bloody Valentine y a Sonic Youth como principiantes en el noise.

El viaje de Swans en Niceto dura dos horas y cuarto y seis temas. Rito conjugado, aleteo de canto final de cisne que tiene mucho de sacrificio humano azteca. Termina el show a las 00:14 y es necesario salir al frío, al silencio. El show de Swans retumbará en las cabezas de sus testigos por mucho tiempo.

Setlist The Knot("No Words/No Thoughts" Intro) Screen Shot The Cloud of Forgetting The Cloud of Unknowing Some Things We Do / The World Looks Black The Glowing Man

Párrafos Especiales: Norman Westberg: Su aceitado toque en las seis cuerdas crean un abanico de sutilezas y sonoridades que parece salirle al cruce, de forma tajante, a los acordes de Michael. El manejo de la perilla del volumen de la guitarra es su arma más infalible y confiable. Su técnica es envidiable, porque sin tocar mucho crea mundos caóticos y salvajes.

Christoph Hann: Sentado con su Lap Steel Guitar no dejó de estar atento a las direcciones en las que se dirigían los pasajes de las canciones. Siempre mirando a Gira casi desafiante. Parte del caos generado viene de su instrumento.

Phil Puleo: Tremendo baterista, es en el que más se apoya Gira para los cambios bruscos de climas, tal vez será por el conocimiento que se tienen (también formó parte de The Angels of Lights). La brutalidad exquisita con la que toca es sorprendente y enérgica, cada golpe de sus parches es una patada al pecho que sacude y contorsiona al cuerpo. Sus ritmos son para cabecear en trance. La locura de sus ritmos es comparables con las indescifrables y espasmódicas secuencias estructurales de los momentos sonoros de las canciones. La perfección en la ejecución del dulcimer martillado crea un ambiente mántrico entre las rudas y caóticas coordenadas que puntualiza la banda.

Chris Pravdica: El bajista es que mejor entiende a Michael Gira y toda su locura, desde su instrumento sabe cómo y cuándo seguir los pasos del maestro de ceremonias. Su toque es tan preciso como, por momentos, enloquecido, pero sin caer en la demostración de digitación super acelerada, él desde el toque minimalista del instrumento, logra sacudir y marcar, en muchos pasajes, el tiempo del momento. Siempre seguro y expectante de lo que Michael va a hacer. Chris, sin lugar a dudas, es la mano derecha del Gira.

Michael Gira: El centro del huracán, el maestro de ceremonia que maneja a su antojo y según su humor, los vaivenes sonoros del set. Él indica con sus largos brazos el tono y el tinte de la sonoridad que debe llevar la banda.

[ Por Alejandro Cenizacromada ]

INMOLACIÓN Y RENACIMIENTO Swans en Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, Bogotá, 5 de Agosto de 2016.

La visita de Swans fue una total sorpresa para la escena independiente en Colombia, da esperanzas porque pensábamos que no había el público suficiente para música de este tipo; entonces, es posible ver bandas de culto del underground a futuro en nuestro país. Me encontré que la convocatoria trajo más público del que imaginé, incluso más que el pasado concierto de Clan of Xymox en Abril. La banda de Michael Gira está más allá del bien y del mal, como Lou Reed, como Nick Cave. Su postura musical que abarca Post punk, Noise rock (me gustan más que los mismos Sonic Youth), Industrial Rock gótico y Folk, los hace inmunes al periodismo y la pose estúpida, se requiere tener cierto grado de preparación para adentrarse a su mundo. Yo me acerqué a la obra de Swans por el álbum Love of life de 1992 y a medida que pasaba el tiempo me impactaba el amplio espectro de su música. Para the Glowing man había que estar preparado para la catarsis, para un rito de purificación a través del ruido. Volviendo a esa postura Noise Rock la banda tenía preparado un show en el que uno intuía lo que se veía venir. Contrastaba el hecho de que fuera en el teatro Julio Mario Santodomingo, un lugar destinado a programar obras de música clásica contemporánea, ópera y teatro, donde ese sonido cañero de los Swans que con un arsenal de amplificadores y pedales nos devolvía a la pureza sucia y honesta del verdadero espíritu del Rock’n roll. A los asistentes se les obsequiaba protectores de oídos pues la banda tocaría a decibeles más altos de los de un concierto convencional. A uno de los temerarios asistentes le escuché el comentario de: “prefiero quedarme sordo

y tener este recuerdo bien grabado por el resto de mi vida”, bueno, yo no fui tan avezado porque a mis 40 años y con mis oídos trajinados, aun quiero disfrutar de mucha buena música. No había imágenes y más bien pocas luces, sobresalía la altiva presencia de la banda, eran solo ellos en una comunión absoluta con sus instrumentos. El concierto empezó a eso de las 8:15 pm, Michael Gira saludó a su público y con un gesto solicitó que se concentraran menos en las fotos y se aprestaran a abrir sus sentidos al sonido.

The Knot abrió el set con Gira de espaldas al público, una canción en que las guitarras iban dando pesadez al ambiente. Era fascinante la dinámica de la banda, la tensión circundante giraba en torno de la santísima trinidad compuesta por Michael Gira, el bajista Chris Pravdica y la batería circular de Phil Phuleo. El caos era proporcionado por Kristoff Hahn sacándole aullidos a su Lap Steel Guitar, con su arsenal de pedales y Norman Westberg desgajando notas desde su guitarra. El multiinstrumentista Thor Harris no vino para este tour y fue reemplazado por el acertado tecladista Paul Walfisch, la banda supo manejar esa ausencia pues Harris da mucho poder al sonido de Swans, eso no evitó la contundencia de temas como Screen Shot del To be kind (2014) que embestía sin misericordia los sentidos de los asistentes con su minimalismo hipnótico en compás de ¾. En canciones como The cloud of forgetting (una de mis favoritas esa noche) la música terminaba envolviéndolo a uno como la frágil presa de una anaconda. El disco the Glowing man tiene una presencia muy etérea por momentos, digamos un tanto gótica, como por ejemplo en el juego de voces de The cloud of unk-

nowing por las cantantes invitadas en las sesiones del álbum, la banda en vivo nivelaba esa ausencia con puro ruido, hasta el punto de inmolarse y renacer. La mayoría del público del rock siempre ha valorado esos artistas que en sus temas llenan de progresiones la canción y solos cargados de virtuosismo, muchas personas no están preparadas para un trance monocorde como este. Yo veo a Swans tocar y considero que en estos temas repetitivos y minimalistas la preparación mental y emocional del músico debe ser exhaustiva, y esa es la razón de que menos sea más, la repetición puede embotar al músico, puede haber un punto de quiebre en el cual el pulso se pierde y admiro mucho la interpretación y carisma del bajista Chris Pravdica. En duplas de canciones como Some Things We Do / The World Looks Black lo único que nos queda es ante el caos apocalíptico ver el mundo arder con serenidad mientras tomamos un vaso de whisky, me hacía recordar en su postura épica una gran canción de Einsturzende Neubauten llamada Vox populi. Me fijaba mucho en la expresión corporal de Phiil Phuleo a la hora de tocar la batería, marcando silencios y acentos, codirigiendo la banda y dando indicaciones, haciéndole muecas a Kristoff Hahn para que se amarrara todavía más al ensamble. Entre canción y canción de la ceremonia, Michael Gira se dirigía a su atril a cambiar las letras impresas cuidadosamente en hojas

laminadas para que algún movimiento no las tirara al suelo, también se tomaba el tiempo para cuadrar el sonido del amplificador y dar indicaciones al tecladista de la banda. La canción que da nombre al álbum y al tour, The glowing man sintetizó en sus más de veinte minutos la emoción del recital, hasta el punto en que se tienden puentes entre el Noise Rock, el Post rock pasando por el Drone, incluso giños Doom, una orgía de feedbacks y aullidos de guitarras volando sobre nuestras cabezas y explotando nuestros sentidos, guiados por un enigmático sacerdote y su apostolado. Y ahí está la respuesta de lo que muchos cuestionan si el Rock ha muerto, con estos cisnes rabiosos el Rock muere, resucita y apunta temerariamente hacia el futuro incierto e implacable.

Los asistentes estuvieron completamente conectados con Swans durante todo el concierto que duró sobre las dos horas y media, había momentos para el trance y la euforia, como había momentos para la solemne y silenciosa atención al detalle. La empresa Nova et Vetera se anotó un gran hit con este evento, una organización impecable y tenemos fe de que abra puertas a muchas bandas de este tipo y abra el espectro de esta, aún incipiente escena del Rock en Colombia. Hemos delirado descubriendo la belleza corrosiva de los cisnes.

[ Por Maxx Wilda. Fotografías: Nazarena Talice ]

30 AÑOS NO SON NADA Kas Product en Requiem, Buenos Aires, 10 de agosto de 2016.

La monotonía de un miércoles cualquiera de agosto en la city porteña puede ser un tanto agobiante entrada la noche. Pero el miércoles 10 de agosto de 2016, no fue un miércoles cualquiera.

Quién pasó por la Avenida de Mayo al 900, pudo observar que frente a la puerta de Requiem y en sus aledaños (Bar Dark y otros) algún movimiento de figuras diferentes (pero frecuentes de otros días) rompía el gris paisaje. Había llegado el momento de ver en nuestros pagos a Kas Product. ¡Sí! La mítica banda francesa, cuasi creadora del coldwave, catalogada también como minimalwave, electropunk y otras etiquetas del purismo musical. Este dúo compuesto por Mona Soyoc y Spatsz son unos de los poco sobrevivientes de la movida europea de los 80s que todavía mantiene en alto su esencia. Mientras algunos recargaban el combustible DJ Hadrian + DJ Faby hacían el warm up.

El Mal, banda local invitada con marcadas influencias en el estilo, calentaba motores. Un pequeño show acorde con el momento, buenos arreglos, linda voz y una respuesta tibia de la audiencia.

Comienzan a sonar los sintetizadores de Spatsz (por lo reducido del espacio supongo que digital), cabello largo y negro, presencia y edad para encarar un público expectante. Mona (Soyoc) entra en escena y luego de un breve saludo en castellano (sus padres son argentinos), comienza a cantar las primeras estrofas, siempre de espalda a lo Jim Morrison. Al voltearse, un antifaz gatuno poco oculta su madura belleza y sus movimientos la des-

vinculan de su realidad etaria. Energía, conexión, son denominadores comunes a lo largo del recital.

Utilizando guitarra, el platillo o un pequeño generador analógico de sonido, la interacción de Mona con Spatsz es muy poca (solo unas miradas y un acercamiento para escucharlo en un coro), lo que denota un conocimiento perfecto de lo que estaban haciendo. Temas amalgamados no dejan respiro, como es de mi gusto! Es indefectible notar el origen jazzero en la voz de Mona, perfecta, cuidada, a pesar de no haber usado ningún efecto (lo que la hubiera potenciado). El manejo es impecable, el coqueteo al límite como en Pussy X, puro dark cabaret o la energía en Never Come back, no decepciona al público, que compenetrado por momento baila poco (salvo algunos), pero disfruta. Con una longitud correcta el recital finaliza con Gift of the Gods con el clamor de que no nos van dejar sino que se quedaran a nivel cuántico por siempre entre nosotros. Kas Product demostró por qué fueron pioneros del cold y minimal wave, simple, poderoso y punzante, 30 años no son nada, la siguen rockeando y demostración de eso fue la gran concurrencia de jóvenes que en los 80s eran solamente partes haploides sin encontrarse. Debo rescatar y agradecer el esfuerzo hecho por Hadrian Juarez (Gothic BA, Club Reflexx) para traer a esta banda representativa de una época. Sin estos pequeños grandes recitales, los contemporáneos perderíamos la posibilidad de revivir (y en vivo, valga la redundancia) pasadas épocas y nos nuevos extemporáneos abrir su pálido panorama musical.

RESCATE CINÉFILO

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DE TOCO UN PODO -VERSIÓN INVIERNO-

El invierno se ha hecho presente y por ende, para algunos, también las vacaciones. Al revés que el resto de los humanos el staff de Rescate cinéfilo se tomó unas vacaciones tardías. Esto no quiere decir que en este número no se encontrarán con nuestras queridas notas sino todo lo contario.

En esta ocasión no les dedicamos nuestras palabras a un director, un género o una temática en particular sino que organizamos una linda mezcla teniendo la libertad de escribir a nuestro antojo, abordando el tema o película que cada cual quisiera.

Es así como a continuación podrán encontrar nuestros pareces en comedia, road movie y una variación de estilos musicales que pasan por el punk, el folk y el new wave. Así que a taparse lo más posible y disfrutar de este especial que tiene de toco un podo… sí, lo decimos así porque si vamos a mezclar, vamos a hacerlo como se debe.

LA ODISEA [ Por Nicolás Ponisio ]

"Ya en aquel tiempo los que habían podido escapar de una muerte horrorosa estaban en sus hogares, salvos de los peligros de la guerra y del mar; y solamente Ulises, que tan gran necesidad sentía de restituirse a su patria y ver a su consorte, hallábase detenido en hueca gruta por Calipso, la ninfa veneranda, la divina entre las deidades, que anhelaba tomarlo por esposo".

A diferencia del poema de Homero que se centra en la figura de Ulises, el film de los Coen deposita su mirada en Llewyn (Oscar Isaac), compañero de viaje de un Ulises felino. El héroe griego toma la forma de un músico folk de la década del sesenta que se haya en un viaje tan dificultoso como el de la epopeya. Una odisea llena de pruebas a sortear y miserias constantes como la de un artista que intenta abrirse camino en el viaje de la vida.

Los Coen, artistas mayores que supieron hallar su propia voz en sus relatos, deciden narrar los días grises de un artista, que como a tantos otros, se le es negada la oportunidad de triunfar, de hacerse oír

para aquellos que realmente desean escuchar. Nadie dijo que la vida del arte sea fácil, pero cuando ingresan en los grandes éxitos un tema como Please, Mr Kennedy es imposible no tener la moral golpeada y arrastrándose por un viejo callejón.

Llewyn se halla constantemente en su propia gruta, una que difícilmente sea alcanzada por la luz del Sol (la fotografía grisácea del film se ocupa de acentuarlo). El hogar al que debería volver es inexistente.

Como una suerte de Blanche Dubois, Llewyn siempre depende de la amabilidad de los extraños que le ofrecen un techo (sea de un hogar o de un auto) para dormir y salvaguardarse del frío invierno.

En esa constante gruta sin escapatoria que Llewyn tiene por vida tampoco hay lugar para deidades que anhelen su amor o compañía. Jean (Carey Mulligan), una amiga con quien tuvo relaciones, tiene al desprecio como único sentimiento hacia él y una inmensa falta de comprensión por su intento de supervivencia en el mundo artístico. Incomprensión que parece habitar en cada persona que se relaciona

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con él. Jean, su hermana que ve como mejor opción que se vuelva a enlistar en la marina (cuando tiene otras tormentosas olas por vencer), su padre quien como en respuesta a una canción de su hijo decide literalmente cagarse encima o los Gorfein, pareja de amigos y dueños de Ulises, que entienden su arte como mero entretenimiento de salón.

Los Coen, en su segunda aproximación a la obra de Homero, la primera es la adaptación en tono de comedia que es O Brother, Where Art Thou? (2000), parecen disfrutar con el calvario vivido por su personaje. Sostenido sobre un peso dramático, pero tambíén sin poder hacer a un lado esa ironía tan suya que hace que hasta en momentos tan faltos de esperanza se logra esbozar una leve sonrisa en el rostro. El resultado de una escena, que engloba la implosión con gran carga emocional del recuerdo del fallecido viejo compañero de Llewyn y que concluye con el descubrimiento de que el gato devuelto a sus dueños no tiene genitales, es un buen ejemplo del disfrute de

los Coen por el caos.

Pero en Inside Llewyn Davis la comedia y las irrupciones de humor, funcionando como Al Gody (Adam Driver) al exhalar sus Outer... space!!!, son solo eso. Irrupciones, ciertos permisos tomados por los hermanos cineastas que a fin de cuentas terminando resaltando más el pesar y el cansancio de una vida negada a mejorar. Destinada al bucle circular que significa ese ¿final? ¿comienzo?, a la infinita reiteración de los shows en bares de mala muerte, golpizas, frío y frustración.

En ambas Odiseas, la de Homero y la de los Coen, Ulises logra volver a su hogar, a los brazos de su ama(da). Y ojalá tan solo ese fuera el final, pero en dicho viaje muchos otros no pudieron regresar, siendo dejados muertos o perdidos. Llewyn pertenece a los dejados atrás, dejado por otros, dejado por la música, dejado por la vida misma. Aún así, persiste, dispuesto a continuar viajando, saludando a lo lejos con un "Au revoir" a quienes avanzan en la hueca gruta de la vida.

BONUS TRACK: EL LADO B DE INSIDE LLEWYN DAVIS [ Por Nicolás Ponisio ]

Como acompañamiento del film de los Coen se encuentra el documental Another Day/Another Time: Celebrating the Music of Inside Llewyn Davis, en el cual se registra el concierto dado en el Town Hall de Nueva York en 2013. Producido y llevado a cabo por T-Bone Burnett, viejo colaborador musical de los hermanos Coen, el concierto no solo celebra la música del film sino a las grandes canciones y artistas de la música folk de los sesentas.

El documental, dirigido por Christopher Wilcha, mantiene su ritmo a la par que la música alternando entre lo que son los ensayos previos al evento, entrevistas, el concierto en sí y el detrás de escena del mismo que traslada el talento y la camaradería de los

músicos en el escenario a los pasillos del Town Hall donde la música continúa sonando. Sobre y bajo el escenario se reúnen músicos como Joan Baez, Jack White, Oscar Isaac (protagonista del film), Willie Watson, Gillian Welch, Patti Smith y bandas como The Milk Carton Kids, Punch Brothers y The Avett Brothers, entre otros artistas.

Todos ellos, supervisados por Burnett, celebran la música folk enlazándola con la historia de su país, el sentimiento nacido de las letras, el marco de una época, las motivaciones, el lugar que estas figuras ocupan y el film de los Coen que reúne todo ello.

Otro día, otro tiempo y otro ejemplo excepcional de cuando la música y el cine se reúnen.

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PUNK’S NOT DEAD [ Por Nicolás Ponisio ]

Hace apenas dos meses el mundo se enteraba pasmado de la muerte de Anton Yelchin. ¿Quién?

Claro, el nombre quizás suela pasar por alto, pero si googlean el nombre la cara les resultará conocida. Seguramente más que nada por su personaje en la nueva franquicia de Star Trek (con una tercera entrega pronto a salir). Pero Anton Yelchin no solo supo ser un buen actor poco reconocido, sino también que ha sabido escoger films que, como él, no suelen llamar la atención del público, dejando a descubrir pequeñas grandes películas que escapan a los parámetros de Hollywood. Yelchin pasó por films como ese homenaje al cine clase b que es Burying the EX (Joe Dante, 2014), los hermosos y snobs vampiros melómanos de Only Lovers Left Alive (Jim Jarmusch, 2013) o la obra que compete a esta nota que, en su visceral mezcla de punks y nazis, merece la grandeza de ser descubierta antes de que sea tarde… como a muchos les ocurrió con el desafortunado Anton.

Green Room (Jeremy Saulnier, 2015) comienza como una suerte de road movie que se propone dar un vistazo a la trayectoria de una banda punk bien underground que, durmiendo en una camioneta y robando gasolina para llevar a cabo su recorrido, in-

tentan hallar su lugar en la música. Pero lo que podría ser una película independiente más sobre una banda más se convierte en una obra única, digna de hacer que cualquiera la admire y se estremezca por igual. Porque el único trayecto a recorrer es el del infierno y si allí hay punks, el pogo será de lo más violento.

Y el director lo logra de una manera muy sutil. Sin intenciones de recaer en un mero film de horror, nos posiciona en la camioneta junto a los miembros que conforman a The Ain’t Rights (¿presagio de lo que ocurrirá más adelante?), volviéndonos uno de ellos en cada situación e incluso respondiendo mentalmente a la pregunta de ¿Qué banda te llevarías para escuchar en una isla desierta? Pero el hecho de que uno, como espectador, sea incluido dentro del grupo es de vital importancia para el resto del desarrollo de la trama. Sin ningún fin por parte del director de hacérnosla pasar bien, el que estemos junto a la banda es una promesa de que estaremos con ella en todo momento. ¿Momento de sufrir? Let’s go…

Sí, el film tiene elementos de horror, también de thriller, pero lo que más lo destaca es la capacidad climática que posee. Pasados los veinte minutos, la historia se vuelve una ráfaga de malas sensaciones,

en una vorágine que, si la última Mad Max suponía una persecución en su totalidad, Green Room significa un climax final… en casi toda su duración.

A partir que los Ain’t Rights, conformados por Pat (Yelchin), Reece (Joe Cole), Sam (Alie Shawkat de Arrested Development) y Tiger (Callum Turner) son testigos de un asesinato, la mayor parte de la acción se sucederá en el claustrofóbico Green Room (el camarin de las bandas) y las aledañas instalaciones de un pub neo nazi regentado por Darcy (Patrick “profesor X” Stewart, más malo que nunca), el Omar Chabán de la raza aria.

El director, dentro de los confines del Green Room, logra jugar con la tensión en constante aumento, la desesperación de los jóvenes retenidos y la de del dueño del pub y sus secuaces con intenciones de que nada de lo ocurrido salga a la luz. El horror encuentra su espacio dentro y fuera de la pantalla, logrando por momentos sorprender y estremecer tanto con lo que se ve como lo que no. Y todo se da con naturalidad dentro del manejo del realismo. La trampa en la que se hallan los jóvenes punks es una promesa de que nadie está a salvo, sin lugar para los débiles y mucho menos para los héroes. Los actos de heroís-

mos están fuera del juego, cada quien hace lo propio por sobrevivir… y lo hace como puede. Aquellos que nunca dispararon un arma van a errar el tiro, quien parece tener una escapatoria difícilmente la tendrá e incluso el clásico discurso que valentona al resto del grupo será interrumpido para dar lugar a lo que realmente importa. Todos los estereotipos fácilmente reconocibles del mundo cinematográfico son empujados fuera del plano, esto es verosímil y así debe ser tratado.

Gracias a ese realismo presente, la humanidad de los protagonistas y lo deshumanizado de los actos llevados a cabo por los villanos son lo que unen la sensibilidad del espectador con la empatía y el horror generado. En sus momentos finales, el film recae en algunos estereotipos que antes supo eludir perfectamente. Pero incluso en recursos conocidos, el director sabe volver a burlarse de ellos con un perfecto toque final. Así como supo escapar de los clásicos clichés, Green Room se vuelve un film único escapando de lo usual dentro del panorama cinematográfico actual. El cine imperceptible para muchos es aquel que conserva aún su fuerza. El cine vive… y el punk también.

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CANTANDO BAJO LAS LÁGRIMAS [ Por José Luis Lemos ]

El problema de muchas películas que pretenden registrar cierto período musical es que hacen foco en los artistas, y se olvidan del impacto que causaron en su público, o el contexto dentro del cual surgieron. Y digo problema porque muchas veces el énfasis está puesto en emular escenas o imágenes de los archivos visuales de determinada banda, cayendo en un didactismo que, generalmente, conspira contra la credibilidad del film. Sobre todo cuando vemos que los actores no se parecen en nada a nuestros héroes musicales o, en el peor de los casos, los productores no pudieron hacerse con los derechos de las canciones originales. En esas circunstancias, siempre es mejor apelar a un recurso que siempre suele dar buenos resultados en la pantalla grande: retratar el mundo del rock desde abajo del escenario. Y dentro de esas películas que recrean una atmósfera musical sin aludir directamente a los músicos podemos encontrar a Almost Famous (Cameron Crowe, 2000), Detroit Rock City (Adam Rifkin, 1999) y, claro, Sing Street (John Carney, 2016).

Ambientada en la Dublin de 1985, nos sitúa en el

seno de una familia de clase media que está a punto de descender a clase baja, a la vez que un matrimonio comienza a desmoronarse. En ese entorno poco alentador, Conor (Ferdia Walsh-Peelo) se refugia en los videoclips de MTV y en los discos proveídos por su hermano mayor,Brendan (Jack Reynor), quien lo aísla, decibeles mediante, de las discusiones que mantienen sus padres diariamente. Pero la música no puede aislarlo de la violencia ejercida por sus nuevos compañeros de clase y el director del instituto religioso al que acaba de ingresar. Todo cambia para Conor cuando conoce a Raphina (Lucy Boynton), una chica mayor de la que se enamora instantáneamente y a la que, con el objetivo de impresionarla, le pide participar como modelo del nuevo videoclip de su banda. El problema es que Conor en realidad no tiene banda alguna, por lo que debe comenzar a reclutar integrantes de forma urgente.

Es luego de ese punto de giro que Sing Street tiene sus mejores momentos: forzado a armar una banda, Conor comienza a sociabilizar con sus nuevos

compañeros de clases, o al menos con aquellos que no ejercen bullying sobre él, para darle forma a una banda tan simpática como friki que, amparados bajo el nombre de Sing Street, se ponen como meta no mirar hacia atrás y enfocarse en los ritmos venideros, en un estilo musical que definen como “futurismo”. Claro que la verdadera intención no es innovar, sino seguir la estela musical y estética de las bandas sensación del momento, aquí representadas por Duran Duran, The Cure y Spandau Ballet, entre otras. El do it yourself del punk es puesto en práctica en forma de hilarantes videoclips que imitan los recursos visuales de los ochenta y en vestuarios extravagantes hechos con lo que esté al alcance de la mano.

Si Sing Street no es perfecta es porque, promediando el metraje, el director parece olvidarse del título que le puso a su película y el argumento se centra en las idas y venidas de la relación entre Conor y Raphina, desaprovechando a los miembros de la banda, que contaban con un potencial interesante.

Del mismo modo, la trama relacionada con los vio-

lentos abusos ejercidos por el director de la escuela parece quedar relegada a un tercer plano y solo reaparece en los últimos minutos del film, casi por obligación. Por el contrario, los momentos que se centran en la relación entre Conor y su hermano, aún apartándose del aspecto musical, resultan las más convincentes y genuinamente dramáticas, convirtiéndose en el verdadero motor del film. No por nada el primero de los créditos finales reza “dedicada a todos los hermanos”.

“Debes llegar a un momento en tu vida en el que estés bien con tu tristeza…eso es la tristeza alegre”, le dice Brendan a su hermano menor, mientras le alcanza un ejemplar de The Head on the Door de The Cure. Y esa frase es la que mejor puede definir el espíritu de Sing Street: un film en el que subyace una carga dramática muy fuerte, incómoda de a ratos, pero que gracias a los himnos new wave y un bienvenido sentido del humor nos deja con una sonrisa dibujada y con el hit de la banda The Riddle of the Model sonando ininterrumpidamente en nuestras cabezas.

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UNA HISTORIA (NO TAN) SENCILLA [ Por José Luis Lemos ]

Una mujer pariendo dentro de una casa humilde y siendo espiada por una adolescente que observa la situación con tanto temor como curiosidad. Un hombre mayor que, mientras tanto, toma un mate fuera de la casa como si no le importara mucho lo que está sucediendo allí dentro y el cual, al enterarse que su nieta es una niña, decide subirse a su bote y reanudar su oficio de pescador. Cuando uno intuye que esta va a ser una película más sobre la incomunicación, y se va acomodando en el asiento con cierta expresión de hastío, un furioso punk rock irrumpe como advirtiéndonos que vamos a ser testigos de una experiencia cinematográfica más directa y sin demasiados manierismos.

Guaraní (Luis Zorraquín, 2016), aún cuando se desmarca del cine contemplativo o críptico, es directa en un sentido muy distinto del que lo era 7 cajas (Juan Carlos Maneglia y Tana Schembori, 2012), aquel film paraguayo con el que comparte, además de nacionalidad, la voluntad de hacer un cine de género sin renunciar a una identidad y voz propias. Si en 7 cajas el género abordado era el thriller y la comedia negra, en Guaraní estamos ante una road movie que avanza lenta pero segura, al igual que pelícu-

las como Nebraska (Alexander Payne, 2013) y Una historia sencilla (David Lynch, 1999). La comparación no es caprichosa, ya que los tres films comparten una característica en común: un protagonista en la tercera edad, con una testarudez que no conoce límites. En el caso de Guaraní, literalmente.

A Atilio (Emilio Barreto), pescador paraguayo de pocas palabras, se le sigue negando lo que tanto desea: un nieto varón, al que pueda enseñarle su oficio y transmitirle su idioma. Como reemplazo tiene a Iara (Jazmín Bogarín), su nieta de 12 años, quien lo ayuda con la pesca y que también hace las veces de traductora, ya que él se niega a hablar español, aún cuando lo entiende perfectamente. Cuando Atilio descubre que la madre de Iara está a punto de ser madre de un niño, decide emprender un viaje con Iara, con el fin de que su nieto nazca en tierra paraguaya y de ese modo preservar su sangre guaraní.

El problema es que la madre de Iara vive en Buenos Aires, a más de 1000 kilómetros de distancia, y solo cuenta con un bote destartalado casi sin motor.

Así de simple es el argumento de Guaraní, tan engañosamente sencilla como la historia que nos contaba David Lynch en aquel film sobre un anciano

que recorría cientos de kilómetros montado en una cortadora de pasto. Y es que debajo de la trama principal subyacen cuestiones más complejas relacionadas con la identidad, la explotación laboral, el machismo, la pérdida de las tradiciones y hasta ecos de la nefasta guerra que mantuvo Argentina con Paraguay. Temáticas que están allí presentes y que nunca parecen forzadas para encajar en un manifiesto político, sino que, por el contrario, son parte de la trama naturalmente y sin un juicio más que el que llevará a cabo el espectador. Una característica reforzada por el nulo uso de música incidental que nos señale donde debemos reírnos y donde llorar.

Si bien los rubros técnicos acompañan la narración sin demasiados esteticismos, apostando por un registro semi documental que nos involucra aún más en la historia, es en la actuación de Emilio

Barreto donde el film lleva a cabo su mejor ilusión de “realidad”. Su Atilio, de gestos adustos y mirada siempre perdida en el horizonte, nos hacen suponer que se trata de un no-actor, un lugareño que nunca salió de la selva al que el director encontró y filmó durante sus rutinas diarias. Pero cuando uno descubre que este hombre estuvo trece años preso durante la dictadura de Stroessner, y que durante ese tiempo se dedicó a realizar obras de teatro dentro de la cárcel, entre ellas una obra de Moliere traducida y adaptada al guaraní, no puede más que sorprenderse ante su impecable interpretación. Junto con Jazmín Bogarín, de una espontaneidad inusual al tratarse de su primer film, conforman una dupla tan disímil como tierna, que se vale de la sencillez para plantearnos cuestiones más grandes que la vida misma.

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NI UNA COMEDIA MENOS [ Por Nicolás Ponisio ]

Neighbors 2: Sorority Rising continúa la historia traída dos años atrás por Nicholas Stoller en la que Mac y Kelly (Seth Rogen y Rose Byrne) debían lidiar con una fraternidad mudada al lado de su hogar liderada descontroladamente por Teddy (Zac Efron).

Trayendo de regreso a gran parte del elenco original y repitiendo cierta fórmula narrativa en esta ocasión es una sororidad de universitarias las que se mudan a la casa contigua y le harán la vida imposible a la pareja que intenta poner en venta su hogar.

Stoller se despacha con un film que cumple a medias y que, sin estar a la altura de su predecesora, en gran parte parece más preocupado por ser aceptado en los tiempos que corren más que en su misión de divertir. La trama se ocupa de establecer, batalla de vecinos mediante, una igualdad de las mujeres para con los hombres en el campus universitario, donde se suele estar más preocupado por realizar fiestas y echar un ocasional polvo en vez de asistir a clases.

A través del cambio que se propone por parte de la nueva estudiante Shelby (Chloë Grace Moretz), se decide co-fundar su propia sororidad donde las

mujeres no sean un objeto sexual y tengan el mismo derecho de realizar fiestas (algo hasta entonces solo posible para las fraternidades). El problema del film es la autogenerada contradicción en el logro de darse dicha igualdad de género mientras que es perdida en tanto a lo que roles protagónicos se refiere.

Si bien está establecido el rol de la mujer en la trama como el motor que impulsa a todos los hechos en busca de su lugar y propia voz en un mundo (universitario) que no se la da, es la falta de un desarrollo o un mejor uso de sus motivaciones los que no brindan en ningún momento gran empatía con el grupo de chicas. Si en los 70 generaban respeto a través de la quema de corpiños, aquí generan rechazo con lanzamientos de tampones usados. Lo cierto es que, a excepción de lo que se proponen en principio como meta y cierta bajada de línea poco sutil acerca de la hermandad de las mujeres, no hay desarrollo o unión alguna para con el espectador que movilice su interés por las chicas de Kappa Nu. Totalmente opuesto a lo que ocurría con Teddy y los muchachos de Delta Psi que, pese a ser los villanos de turno, generaban un lazo tanto entre ellos como con el pú-

blico, dejándolo sin opción de optar por un bando sobre el otro.

En esta secuela, carisma y desarrollo vuelve encontrarse más latente por parte de Teddy (que al igual que las chicas está buscando su lugar e inclusión en el mundo) mientras que Shelby no posee ninguno de ambos factores que haga posible el posicionarse en su lugar. Incluso se puede afirmar que su figura se encuentra opacada por su amiga Nora (Beanie Fledstein, hermana del actor Jonah Hill), un personaje que no cuenta con un gran desarrollo pero que vale cada momento suyo en pantalla con un disfrute gigante, sin estar haciendo alusión a su complexión física.

Y si del lado de las jóvenes tenemos a tan genial personaje secundario (el cual termina dejando ganas de mucho más), del lado contrario ocurre algo similar con el viejo amigo de Mac, Jimmy (Ike Barinholtz).

Su sin sentido y la espontaneidad que despliega es seguridad garantizada de carcajadas. Incluso su personaje es parte vital de una de las batallas generacionales que despliega desde cada uno de los integrantes y la vertiginosidad de la secuencia el punto más

álgido y mejor logrado del film, digno de un climax final que no es que incluye baile, persecución, cantidad de marihuana, músculos dibujados y un payaso psicótico.

Cuando el film se permite sorprender y alejarse de la fórmula anteriormente exitosa (y que no incluye saltos con bolsas de aire, algunos cameos innecesarios o extensas improvisaciones que no hacen más que poner en pausa el desarrollo de la trama), logra mantenerse con frescura y buenas dosis de humor que exceden al mero gag físico o improvisado.

Tratando de darle mayor lugar a la mujer debido a los tiempos que corren, Stoller termina sin saber bien cómo hacerlo. Por lo tanto, cuando eso ocurre, habitando junto a los buenos factores (y al lado de los buenos de Seth Rogen y Rose Byrne), termina dando por resultado un producto que no llega a ser merecedor de pasar al olvido pero que resulta ser una montaña rusa de altibajos impidiendo que se disfrute del todo el trayecto recorrido. Mejor bajarse de esta atracción y volver a una que de tanto disfrute se le debe pedir a uno que baje el volumen. Keep it down!!!

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EL ESCRITOR SERIAL

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CUENTOS DE TERROR CON ALBERTO LAISECA: EL NARRADOR QUE CAYÓ DEL CIELO [ Nicolás Ponisio ]

Se dice que una vez, más de una década atrás en un sitio remoto, convivieron varios de los grandes genios de la literatura. Diversos autores pertenecientes a diversas épocas, todos ellos atrapados en una específica figura humana. Contenedor corpóreo que, junto a las obras de estos escritores, supo dejarlos escapar por medio de su boca. Alberto Laiseca, el novelista rosarino autor de La mujer en la muralla, El jardín de las máquinas parlantes y Los Sorias (a quien también se lo ha entrevistado para este número por Pablo Ravale en Palabras en la arena), relata brevemente las obras de sus colegas escritores, permitiendo que se abran camino al salir de su boca como lo hace también con las columnas humeantes que se elevan detrás de cada probada que le es dada a su cigarro.

La idea y creación de brindarle un espacio al conde Laiseca donde desplegar su arte narrativo y el de

otros, provino de la exitosa dupla de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Ellos, creadores y productores televisivos de programas como Televisión Abierta y Cupido, productos para reírse de la estupidez humana si los hay, llevaron a cabo un producto totalmente diferente a lo que venían haciendo. Cuentos de Terror, emitido entre 2003 y 2005 por la señal de cable I-Sat, está conformado por una serie de episodios cortos (no más de ocho o diez minutos de duración cada uno) en los cuales Laiseca narra y reinterpreta con sus propias palabras relatos clásicos. Obras de Edgar Allan Poe, Howard Phillips Lovecraft, Horacio Quiroga, Gabriel García Márquez, Manuel Mujica Lainez e incluso relatos de su propia autoría como lo es La cabeza de mi padre, son reunidas dentro de un mismo espacio, conviviendo a la perfección en penumbras.

Laiseca, quien volvería a colaborar con Cohn y

Duprat en ciertos episodios de Cupido y, con el traslado de la dupla al séptimo arte, en films como El artista (2008) donde participó actoralmente y en Querida voy a comprar cigarrillos y vuelvo (2011) como autor de la historia original. Así como Cohn y Duprat supieron mofarse de los participantes de Cupido logrando generar en el público tanto risas como incomodidad, la vergüenza ajena a flor de piel, en Cuentos de Terror el espectador volvería a tener fuertes emociones para con el producto televisivo.

Lejos de la burla y lo banal, el resultado final es la cría deforme dada a luz en cada episodio (algo así como los tenebrosos hijos idiotas de La gallina degollada de Quiroga), que conecta al público con el horror y

la fascinación transmitida por el enérgico narrador.

La expresividad verbal y gestual de Laiseca lo es todo en un formato barato, carente de una gran producción pero rebosante de pasión literaria. Los cuentos son relatados en su mayoría desde la primera persona, volviendo al narrador protagonista absoluto del show en todo sentido. Sentado y rodeado por una oscuridad inmensa, solo intervenida por unos delgados rayos de luz que caen sobre su cabeza, provenientes de una rendija que a la vez son bloqueados fugazmente por el movimiento de unas aspas de ventilador, Laiseca narra e interpreta los cuentos como quien recuerda sucesos del pasado. Lo hace desplegando sensibilidad, por momentos frágil, por

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otros furioso, con sus palabras como ecos resonantes en ese espacio perdido, que en ocasiones retumban a la distancia y otras lo hacen creciendo, acercándose, casi intentando tapar la voz que prosigue con el relato, pero sin éxito de poder detenerlo.

El extraño de Lovecraft o El corazón delator de Poe, se vuelven propios en boca del narrador estrella. La intensidad narrativa en aumento se exterioriza a través de todo el cuerpo. Las gesticulaciones de las manos que se mueve frenéticamente intentando escapar del horror, los gritos o sonidos guturales emitidos con un dejo de tormento o las miradas cambiantes entre la melancolía, el miedo o el estado de locura, muchas veces negado a través del habla pero presente en los ojos perdidos de quien cuenta estos relatos.

Cada nuevo comienzo de cada nuevo episodio

presenta al narrador encorvado en su asiento, como cansado por todo el horror contenido, manteniéndose vivo para poder contárselo a todo aquel que esté dispuesto a escucharlo. Las historias son contadas con cigarro en mano, consumiéndose de a poco entre los temblorosos dedos, víctimas del horror que es exorcizado mediante las palabras. Al finalizar cada episodio, el cigarro es prácticamente una frágil pequeña columna de cenizas que parece imposible que aún se sostenga. El narrador, paralelismos mediante, se haya devastado ante tanto horror como una suerte de coronel Kurtz. Al igual que el cigarro sostenido entre sus dedos, Alberto Laiseca se haya prácticamente consumido por el relato en cuestión, pero aún sosteniéndose para poder continuar narrando como solo el maestro sabe hacerlo.

PURA MELOMANIA

Bienvenidos al viaje The Church – Magician Among the Spirits (1996) [ Patricia Claudia Fiori ]

“… Inmensidad de la ciencia, la noche eterna envuelta en oscuros laberintos Runas, las melodías y las frecuencias que fluyen a través de sus fases…” “… Creer en los fantasmas, Mago entre los espíritus, Señor de los ejércitos Aquí estamos ésta noche, estamos hablando de la luz…”

Siempre he intentado no forzar rótulos. La estigmatización (si se me permite el concepto) de estilos permite insinuar solo una dirección, pero vislumbro que como tal, un estigma cierra a posibilidades de apertura en la creación / escucha del universo sonoro. Éste es puntualmente un caso paradigmático y ejemplificador: El décimo trabajo en la extensa carrera de The Church evade cualquier rótulo. Me atrevo a decir de modo casi imperativo, que escapa inexorablemente a cualquier rótulo.

“Magician among the spirits” abre enigmas : Se trata de un álbum alternativo?, psicodélico-rock? con claros rasgos de rock progresivo?, post punk?

Pues bien, si decidimos proseguir en la línea de definir estilos, me conduce a pensarlo en todos y en cada uno de éstos interrogantes y aún más. Prefiero, entonces, conducirme en que se trata de un enigma con un quizás posible desciframiento en sucesivas escuchas.

Tal como se presenta éste viaje por el álbum, con vastos paisajes sonoros, profundos, emotivos, sinuosos, mágicos, magníficos, asombrosos, inciertos, expectantes y aventureros, evoca a lo improvisado - que claramente no lo es, léase, en el sentido de lo experimental y cuasi espontáneo de su creación -.

Todo es posible en “Magician among the spirits”.

Bienvenidos al viaje, pues.

El álbum da su perfecta bienvenida con su primer track: “ Welcome”. La voz de Steve Kilbey más aletargada, recitada, rasposa, nocturna, con las guitarras pronunciadas y magistrales de Marty Willson – Piper, nos dan su bienvenida y el recuerdo en la

poética lírica de celebridades políticas, religiosas, literarias (Albert Camus, Tony Curtis, Ponce de León, Johnny Cash, entre los mencionados).

Así comienza el viaje por el disco. Ni más ni menos.

Historizando el álbum, Steve Kilbey y Marty Willson- Piper, luego de pasajes por sellos, hits popularizados mundialmente, contratos, incertidumbres con las discográficas, deciden producirlo ellos mismos. Por fin liberados. La misma libertad creativa que les promovió éste trabajo.

El “Mago entre los espíritus” referencia un texto del mago Houdini, texto fechado en 1924. El libro en cuestión atraviesa temáticas sobre el espiritismo, lo esotérico y siempre, la magia presente. La emblemática e imperdible tapa del disco, remarca un negativo fotográfico del mismo Houdini. Un Houdini a la distancia.

A estas alturas, es dable pensar que el enigma y la magia recorren éste viaje.

Un 19 de Agosto de 1996 es lanzado, luego tendrá una reedición en 1999 con algunos tracks versionados, agregados, y etcéteras.

La novedad es que el viaje es acentuadamente comandado casi a lo largo del disco con la presencia de exquisitos violines, a cargo de Linda Neil. Los temas instrumentales también tienen su espacio.

La primera edición de 1996, la cual celebramos con éste recordatorio, cuenta con 10 tracks: . “Welcome”, una mágica bienvenida de apertura. . “Comedown”, con claras reminiscencias del co-

nocido estilo church. . “Ritz”, un profundo y emotivo cover de Cockney Rebel, su original, con la acentuación de violines. . “Grandiose”, un exquisito instrumental . “Ladyboy” . “It could be anyone”, donde persiste el maravilloso enigma con el toque de noise/ distorsiones en guitarra, descomunales. . “The Further adventures of the time being” . “Romany Caravan”, apreciando los intereses de sus creadores por el mundo gitano. . “Magician among the spirits” . “Afterimage”, en un asombroso cierre. Hasta las lágrimas.

Tras varias necesarias e imprescindibles escuchas, donde el asombro y los hallazgos son permanentes, la afirmación que se trata de un álbum que viaja por lo enigmático y mágico, es un hecho.

Es dable pensar que se trata de un trabajo complejo en referencia a otros álbumes anteriores, pero la complejidad no necesariamente es un obstáculo. En consecuencia, por su diferencia respecto a

otros trabajos de los Church, ha generado diversas opiniones.

Aquí se trata de sumergirse y bucear con atenta escucha de un clima netamente noctámbulo, sin prisa alguna, sabiendo de antemano en su descubrimiento, que todo puede suceder inesperadamente, en solo cuestión de segundos de cada track, el viaje puede tomar otras direcciones, no perdiendo jamás el eje. Ni la melodía embriagante con sus apasionantes ejecuciones instrumentales. Pienso en Lou Reed y Tom Waits sobrevolando la atmósfera, tomando forma de espíritus referenciales.

Veinte años se celebran de éste imprescindible trabajo. Veinte años no es nada, se dice por ahí, Veinte años donde sigue siendo tan vigente y tan todo por descubrir en ésta travesía onírica que propusieron los Church.

El mago es un baluarte referente del álbum y la magia es su estigma. Aquí, indefectiblemente, me permito hacer valer el rótulo.

Celebrando “Magician among the spirits”, bienvenidos sean todos, a éste viaje inesperado en la carrera de The Church .

Rosas y vampiros: Type O Negative - “October Rust” (1996) [ Por Pablo Ravale ]

Tenebroso, melancólico, romántico. Intimista, festivo, con fuertes dosis de humor negro. October Rust de Type O Negative es –lejos– uno de mis álbumes de cabecera, pero sobre todo, un disco clásico y perfecto. Pule y dota de todavía más matices a la propuesta de este cuarteto de doom-gótico, haciendo que su sonido se vuelva ahora sólido pero dulce, oscuro a la vez que conmovedor. El cuarto trabajo de estudio de los neoyorquinos trae la mejor faceta de Pete Steele y los suyos. Su bajo suena casi como una guitarra rítmica, su aportación en las voces es divina; y a esto hay que añadirle los solos y arreglos que deja el bueno de Kenny Hickey a la guitarra quien,

junto con el teclado de Josh Silver, juegan una parte fundamental en toda la placa. Asimismo el aporte del “recién llegado” Johnny Kelly a los tambores no es menor, ya que y conjunta ese sonido característico del grupo de una manera más compacta.

Arrancado por la impresionante “Love You To

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Death” (con una letra que trata sobre relación patológica), entramos en un viaje de inquietantes atmosferas y estructuras continuamente en alza que atrapan y nunca más vuelven a soltar. Pero para seguir hablando de piezas maestras tenemos que irnos al ocaso que despiertan las sombrías “Red Water (Christmas Mourning)” o “Die With Me”, dos pistas basadas en la depresión y la pérdida del ser querido, cuyo primer caso es el de la historia de la muerte del padre Pete Steele en aquellas navidades, mientras que el segundo arrastra una acústica sobrecogedora donde la introducción de Josh Silver a las teclas conducen a una de los pasajes más densos –que no aburridos– de October Rust.

“Be My Druidess” empieza rockera, con el bajo distorsionado de Pete muy presente y un tempo dinámico para de pronto regresar al terror gótico. Sin embargo, el verde es el color de Type O Negative: “Green Man” es otra hermosa canción pausada, con un aire folk de fondo, y que se despacha uno de los riffs sabbathianos más deliciosos. Enorme.

De nuevo no hay respiro y empieza uno de los éxitos de la banda, “My Girlfriend's Girlfiend”. Un tema adictivo con una satírica letra sobre amor y sexualidad, cortesía de Steele. Sus arreglos recuerdas a bandas de rock gótico clásicas, como Sisters Of

Mercy o Swans.

Seguimos con la tónica general compositiva del disco en “In Praise Of Bacchus”, algo más anodina, pero que a estas alturas del disco hace que entre como por un tubo. Pegadita llega luego la sorprendente versión de Neil Young y su “Cinnamon Girl”, donde los Type O Negative se divierten a lo grande.

De lo mejorcito del álbum. Anecdótica.

Después está “Wolf Moon”, otra perla absoluta 100% Type O Negative; con un trabajo de Josh Silver en los teclados magnífico (como en todo el disco, bah…), el cual da muestra de que Silver era uno de los principales artífices junto a Steele del sonido de la banda.

La última canción del disco, “Haunted”, es lenta y atmosférica; con una parte recitada por Pete y su voz de ultratumba. En ella, vuelven a brillar las atmósferas sombrías de teclado y los tempos doom, no obstante, la sensación que deja es como de pesar… como de algo angustioso y desconcertante. ¿Será que inconscientemente no puedo sacarme de la cabeza la idea de que a Pete ya no lo tendremos más? Es lo más probable.

En definitiva, no sólo un gran disco de una banda especial, sino una obra maestra. Un álbum de esos con los que te encariñás para toda la vida.

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Katatonia | The Fall Of Hearts Label: Peaceville Fecha de Lanzamiento: 20 de Mayo de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Tarde pero seguro. Nuevo disco de Katatonia, una banda que nunca ha parado de evolucionar y que jamás se ha estancado en un sonido distintivo; a pesar de tener un estilo propio, claro. Como viene sucediendo con sus tres últimos trabajos de estudio (The Great Cold Distance, Night Is The New Day y Dead End Kings), han optado por seguir la senda del metal progresivo, con muchos matices en sus composiciones que gozan de arreglos orquestales e incluso de teclados y sintetizadores para crear una atmósfera lúgubre, triste y melancólica. De esta manera, las partes melódicas lo son más que nunca. Y la agresividad y la oscuridad, están igual de marcadas que en álbumes anteriores. Es decir, siguen inmersos en su mundo de tinieblas, y creando momentos de opresión, enfrentados a la belleza que provocan sus melodías. Asimismo, continúan prevaleciendo los increíbles juegos de guitarras de Anders Nyström con la expresiva, crepuscular y conmovedora voz de Jonas Renkse. La producción se revela más pulida en esta ocasión, con las guitarras ganando peso en cuanto a presencia y crudeza; la batería (cortesía del recién incorporado Daniel Moilanen), por su parte, está más medida y más sobria, con un sonido en gene-

ral menos etéreo. Los suecos entregan un cancionero sumido en un eterno invierno, en días de lluvia, frío y poca iluminación. Y es en ese querer profundizar en la vena atmosférica e intimista que su faceta más progresiva se lleva las de ganar. Con todo, los de Estocolmo no dejan de despacharse sutiles estrofas góticas junto a explosivos estribillos doom, colmando así nuestros oídos de exquisitez y de sofisticación. The Fall Of Hearts es, sin duda, el disco más redondo de Katatonia en diez años, permitiendo a cada integrante no sólo mostrar su talento sino también ratificar que esta banda son unos maestros en lo suyo; ya que siempre cumplen, siempre innovan, siempre aciertan.

50 Foot Wave | Bath White

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Label: Happy Happy Birthday To Me Records Fecha de Lanzamiento: 27 de Mayo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Proyecto de Kristin Hersh y Bernard Georges (ambos ex Throwing Muses). Nacido en 2003 pero que no ha tenido mucha continuidad. Un EP que la devuelve al mundo de las ediciones. Seis canciones que nos acercan a las nuevas estructuras en las que se sumerge Kristie y que nos arrastra por la calidad de las canciones. Ya la que abre que es la que le da el nombre al EP, es potente y precisa. Gods Not A Dick nos muestra que las composiciones son prolijas y mantienen el fuego que alguna vez hizo brillar a las Throwing Muses. "Human" arrastradas guitarras, sucias, pero cautivantes, el ritmo de la batería nos lleva al frenesí. "Ratted Out" es la mejor canción de este EP, si bien es la más lenta, tiene un groove increíble. "St. Chistopher" pese al comienzo stoner es

bien enérgica y rápida, y caótica. "Sun Salute" termina el EP de manera brillante, por momentos enérgico y en otros soñadores. Una nueva vuelta al ruedo, gracias por volver.

Let’s Eat Grandma | I, Gemini Label: Transgressive Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Junio de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

Es difícil que un disco pueda transmitir lo original y malicioso que es el show en vivo de Let’s Eat Grandma, esta banda conformada por dos chicas de 17 años que son “best friends forever” desde la infancia, pero I, Gemini hace todo lo posible por lograrlo.

Estamos ante lo que podría llegar a ser un fenómeno de la música alternativa: dos multi-instrumentalistas que parecen ya haber dominado todas las reglas del Pop para pasar directamente a deconstruirlas una por una. Extrañas melodías aniñadas conviven con palmas de juegos de chicas, estructuras de Pop experimental y bizarras introducciones instrumentales que parecerían provenir de un disco de Rock Progresivo. Por sobre unas hipnóticas bases de baterías electrónicas y escasos acordes de sintetizador, Rosa y Jenny agregan partes de saxo, xilófono, flauta, cello y “rana” (¿??), todo al servicio de su irónica pero a su vez auténtica visión del Pop. “Deep Six Textbook” inaugura el sonido lo-fi del disco con

beats minimalistas y downtempo, para que luego el segundo tema, “Eat Shiite Mushrooms” (¿??) se convierta a los dos minutos en una tertulia infernal, como si “Temptation” de Tom Waits se hubiese fusionado con las gemelas Olsen. A lo largo del disco, las chicas tornan a Rapunzel en algo siniestro y cierran con una versión de su single a base de ukulele, una vez más burlándose de la audiencia a quien mantienen atrapada en todo momento. Altamente recomendado.

Amanda Y Jack Palmer | You Got Me Singing Label: 8 ft. Records Fecha de Lanzamiento: 15 de Julio de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

En mitad de un embarazo, la imparable Amanda Palmer decidió grabar un disco de covers con su padre, a quien ya había inmortalizado en la canción de Dresden Dolls “Half-Jack.” Jack canta con un profundo barítono que suena como una mezcla entre un cantante de ópera y Johnny Cash, y de hecho, You Got Me Singing es el disco más cercano a los American Recordings de Cash que hemos tenido en años (aunque quizás aquí el tono es todavía más solemne.) Lo que quiero decir con esto es que estamos ante una selección de canciones de todas las décadas (tradicionales, temas de protesta tanto de los 60s como de los 90s, y lanzamientos recientes) con temáticas similares, interpretadas con arreglos cálidamente austeros. Canciones principalmente melódicas, pero con contenido emocional de peso y siempre desde la perspectiva del outsider: el punto álgido del disco es escuchar la letra de la épica “Glacier” de John Grant (“You just want to live your life / the best way you know how / but they keep on telling you / that you are not allowed”) simultáneamente entonada por dos generaciones distintas, dando a entender que los sentimientos de la gente que no encaja del todo con la sociedad trascienden cualquier barrera

temporal. Este es el disco más accesible de Amanda, lejos ya de su característico “punk cabaret,” pero para aquellos preocupados porque la señora haya perdido algo de su fuego, parece hablarles directamente en su interpretación de “All I Could Do” de Kimya Dawson: “He cambiado y seguiré cambiando / Y quizás la forma en que escriba mis canciones sufra por esto / Pero está todo bien si al final del día / todo lo que puedo hacer es simplemente ser una buena madre.” El tema de apertura, que también le da nombre al disco, es una versión de la última canción grabada en estudio por Leonard Cohen hasta la fecha, y resume en apenas dos minutos el objetivo del álbum: sanación mediante la música en medio de la oscuridad.

Kolumbus | I Hope You Find Happiness

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Label: http://kolumbus1.bandcamp.com/ Fecha de Lanzamiento: 19 de Julio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

El cantautor irlandés Mark 'Cappy' Caplice se cubre bajo la capa de Kolumbus. En marzo lanzó al mundo su primera canción single, "Goodbye". Y luego edito el segundo track llamado "Leave The Light On". Pero "I Hope You Find Happiness" es el nuevo adelanto de su próximo primer EP, a editarse bajo el nombre de "Give Them Life". La canción que titula al simple tiene un aire McCarrnesco si se quiere, bello y cálido track con aires campestres, sin ser country, me recuerda a canciones de Traveling Wilburgs, con ese toque de estribillo pegadizo y que por momentos se convierte en una espléndida canción pop. El track que acompaña "Leave The Light

On", es una brillante y acústica canción, con mucha intimidad pero hermosamente climática y etérea, aunque la voz sea limpia y precisa, el cuerpo de la canción es fabulosa. Un simple que sirve como abre bocas de ese EP que ya se hace esperar.

Wenceslada | Niebla Versiones Label: Sello Regional Fecha de Lanzamiento: 19 de Julio de 2016

[ Por Diego Centurión ]

Un EP de la brillante Wenceslada, no se trata de material nuevo, aunque suenen frescas estas versiones de varias canciones del disco Niebla, editado en diciembre de 2015. En la entrevista que le hemos realizado en el número 27, pudimos descubrir una artista sensible y con una alta capacidad para transformar su música en algo nuevo y refrescante. Niebla Versiones se trata de eso, nuevas miradas a mundos lanzados en su anterior trabajo discográfico. Cada reinterpretación es única y baña de destellos multicolores la mirada original, mostrando la maleabili-

dad de canciones que nunca pierden esa mixtura de misterio y ternura. Niebla Versiones es una mirada distinta y cautivante al mundo de Wenceslada, un mundo que ya nos cautiva en su estado primario.

The Swagger | The Swagger Label: AFM Records Fecha de Lanzamiento: 22 de Julio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Los intrépidos y psicodélicos The Swagger lanzan su EP debut y, como pudimos leer en la entrevista del número anterior, próximamente tendremos single y el primer álbum. Enérgico y rockero por donde se lo aborde, como ya sabemos fue grabado en los estudios que pertenecen a los hermanos Davies (The Kinks) y podemos escuchar ese espíritu del garage rock impuesto por los hermanos Stevens. Rock guitarrero potente, por momentos psicodélico en la línea de BRMC y Oasis, pero con una cuota más de desenfreno que la banda de los hermanos Galagher.

The Swagger despliegan guitarras elegantemente distorsionadas y melodías coordinadas. Un EP de cuatro canciones que abre con la excelente "She Gonna Blow My Mind" que nos trae la frescura retro de una psicodélica visión de garage. "Stoned" es el siguiente enlace track, más ácido y rockero (me recuerda a Monster Magnet), con un ritmo más psycho. "Keep On Fighting"Tal vez la canción que más nos haga rockear, con guitarras que despierten a

más de uno, si nos que ya ni se despertó con los tracks anteriores, cosa que dudo que así sea. "Ride" es la que cierra este EP presentación de The Swagger.

Las eléctricas y el coto nos llevan a una psicodélica sensación de Garage Rock a lo Oasis, aunque no tan Beatle como los hermanos Galagher. Una hermosa canción que nos deja con ganas de más, pero el final llega y, mientras esperamos el álbum debut, sólo nos resta darle play de nuevo a estos cuatro tracks y rogar que no se demoren mucho en lanzar algo nuevo.

Scatter Factory | Scatter Factory Label: : Flecktone Recordings Fecha de Lanzamiento: 22 de Julio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Will Foster es un multi instrumentista que tiene una carrera formada en las sombras de otros artistas o bandas, entre ellos The Tears (Brett Anderson, Bernard Buttler). Ahora sale su primer álbum bajo el nombre de "Scatter Factory" y en sus nueve canciones nos regala los boletos para un viaje cautivante, por momentos fantasmal, por momentos espacial, por momentos ambientales, por momentos vertiginosos. Un álbum homónimo que va en las sendas de un krautrock setentoso y sonidos retro futuristas que mezclan al primer Kraftwert con Can y

hasta Vangelis. El diseño sonoro logrado nos transporta a un viaje, por momentos intrépido, con destino final en alguna estación espacial solitaria y abandonada de nuestra mente.bien alto.

Rude Audio | Rudest Label: : Zirkus Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Junio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Synth pop. Puro synthpop desde Londres. Un EP de cuatro tracks instrumentales con buen ritmo, sobre todo "Crystal Pylon" y "Half Moon Lane Glitter".

Cargado de secuencias oscuras y ritmo constante.

Los otros dos tracks son más experimentales y menos rudos. Un EP que promete que lo que vendrá será interesante, ¡A esperar!.

Deicidia 69 | La Izquierda Inútil / Absolutamente Moderno Label: : deicida69.bandcamp.com Fecha de Lanzamiento: 22 y 25 de Julio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Hace varios años que conozco el proyecto mexicano Deicidia 69, hace tiempo que lo sigo y si hay algo que lo caracteriza es el no saber qué rumbo seguirá en su próximo paso. Siempre se ha aproximado y sumergido en lo políticamente incorrecto y en lo experimental (a nivel sonoro). Con estos dos singles, encontramos al proyecto sumergido en un cyberpunk anárquico y rebelde, como siempre lo es en Deicidia 69, lo político es el tronco primordial de las composiciones. Sobre todo en esta última etapa. "La Izquierda Inútil" es el primer single y ya el nombre habla por sí sólo. El track tiene un color sonoro que puede recordar a bandas como Ministry, una descarga de adrenalina en las guitarras, que elevan el contenido enérgico de las frases. Como lado B, "Los Pinches Gatos del Sistema", un instrumental plagado de riffes cortantes y climas tormentosos, a lo Killing Joke. La letra es una adaptación del poema Adiós, celebrado como el último poema que escribió Rimbaud. Presidentes Puercos, el cual se publicará en 2016 (aún no se establece fecha concreta), será publicado en España por Craneal Fracture Records, en Brasil por Plataforma Records y en Francia por NKS International Muzakillabel.

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[ Por Darío Martinez ]

2016 ATAQUE MASIVO

147 En enero de este 2016 que promedia Masive Attack anuncia

mún a la posesión como tema. En “Take It There” un tema in-

la salida de un nuevo álbum que todavía no tiene fecha ni nom-

tenso, pausado dentro de los parámetros de tempo preferidos

bre pero ya tenemos 8 canciones y 5 videos a modo de adelanto

de la banda, con un final instrumental casi sinfónico vemos a

que no sabemos cuáles ni cómo van a formar parte del mismo

un hombre de noche, que no parece sentirse bien vagando por

pero nos hablan de un nivel de calidad muy alto con muchas y

las calles, a este se le une un grupo de zombies y todos juntos

lujosas colaboraciones como nos tienen acostumbrados en lo

realizan una coreografía que no puede menos que recordarnos

musical y en lo visual.

a la famosa thriller Michael Jackson. El segundo video que qué

El mercado musical actual en transición vibrando entre los

sacan es para el tema “Voodoo in My Blood” dirigido por Rin-

grandes monopolios económicos y la gratuidad total de inter-

gan Ledwidge y protagonizado por la actriz Rosamund Pike, un

net viene estimulando la creatividad de empresarios, técnicos y

tema más movido y de corte electrónico la vemos a Rosamund

artistas tanto para surgir entre la inabarcable cantidad de pro-

caminando por un túnel en el que se encuentra con una esfera

puestas como para mantener la atención del público. Hasta hace

voladora que la obliga a realizar movimientos extremos y violen-

muy poco las grandes empresas copaban el mercado a fuerza

tos transformándose en una coreografía de baile interpretada

de invertir dinero en el producto que querían vender tapando al

excelentemente por la actriz. El tercero es sobre el tema que le

resto. El buen manejo y cada vez más generalizado de las redes

da nombre al Ep “Ritual Spirit” y fue dirigido por Medium y Ro-

sociales hace que esas prácticas ya no sean tan efectivas.

bert Del Naja (3D) e interpretado por Kate Moss a quien se la ve

A todo esto Masive Attack ya no tiene nada que demostrar-

bailando en un cuarto oscuro haciendo figuras con una lámpa-

nos, sus giras son exitosas y los discos se venden, algunos mas y

ra sostenida por un largo cable, este tema de factura impecable

otros menos pero seguramente todavía impulsados por la fuer-

como todo el Ep tiene los sonidos típicos de la banda en el bajo

za que los llevo a finales de la década del 80 a tener luz propia,

y la guitarra que le venimos escuchando desde sus comienzos

una luz que todavía sigue sirviendo de faro a muchos artistas

siempre dejando un lugar para probar algo nuevo. El tema que

vuelven a sorprendernos con la creación de una aplicación que

quedo sin video hasta el momento es “Dead Editors” de factura

es un reproductor sensorial de música que remezcla y reforma

electrónica y hip hop da comienzo al Ep.

las canciones utilizando tu ritmo cardíaco, la ubicación, el movi-

Poco después en el mes de Julio comparten a través de su apli-

miento, la hora del día, y la forma en la que se mueve la cámara,

cación tres canciones de las cuales podemos ver y escuchar vía

también permite grabar un video en tiempo real el cual podrás

youtube o spotify solo dos, la tercera por ahora solo los usuarios

compartir en las redes sociales. Su nombre es “Fantom” y por

de Iphone. Como primer corte eligen “Come Near Me” el video

el momento está disponible solo para Iphone pues necesita de

dirigido por Ed Morris donde participa la actriz kosovar Arta Do-

los sensores de este dispositivo para funcionar. Es gratuita y se

broshi quien camina hacia atrás manteniendo la mirada de un

puede bajar de App Store.

hombre, cruza la ciudad terminando su recorrido sumergién-

El reciente Ep “Ritual Spirit” fue lanzado primero a través de

dose ambos en el mar, parece ser que el hombre esta dominan-

esta aplicación y como toda innovación restringida a un públi-

do la voluntad de la mujer pero no me atrevería a asegurarlo y

co limitado, en este caso a los que tienen un Iphone pero pocos

como más que un detalle al pasar el tema de corte electrónico

días después los temas estuvieron disponibles para escuchar

lento donde sobresalen las voces y los delays aplicados a ellas se

en Spotify

interrumpe justo en el minuto 3 y desde un auto que se detiene

Contiene 4 tracks, cada uno con su respectivo invitado. Así

a hacer una pregunta se puede escuchar el clásico de la banda

podemos escuchar en el track 1 “Dead Editors” a Roots Manu-

“Unfinished Sympathy” durante 30 segundos. El otro tema que

va, el track 2 “Ritual Spirit” a Azekel, el track 3 “Voodoo in My

pudimos escuchar es el que da nombre al Ep “Spoils” un tema

Blood” a Young fathers y en el track 4 “Take It There” a Tricky,

lento con una instrumentación muy minimalista y una muy

este último fue el tema elegido como corte y primer video de di-

bella y sedante melodía cantada por Hope Sandoval, el video

fusión dirigido por Hiro Murai, tres de los cuatro temas tienen

para este tema cuenta con la participación de Cate Blanchett y

video. Estos videos son realmente inquietantes y vistos juntos

fue dirigido por John Hillcoat armado a partir de un primer pla-

ahora pasado un tiempo se pueden ver como denominador co-

no de la actriz que va sufriendo las más variadas e inquietantes transformaciones.

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DERECHO DE PISO

FÓBICOS

[ Por Diego Centurión ]

En el último Entrópico (Reseña en este número) hemos conocido a Fóbicos, una banda que arriba y abajo del escenario se muestran tal son, auténticos. Es hora de presentarlos y que ustedes puedan descubrirlos.

Fóbicos nace hace algunos años y su idea de sonido es un pop prolijo, serio y por momentos oscuro, con claras influencias de las bandas de los años 80´s y 90´s. Por momentos cercanos a Soda Stereo en otros a La Sobrecarga, pero siempre manteniendo un espíritu de músicos profesionales que saben lo que hacen y cómo hacerlo.

La idea partió originalmente de Pablo Diaz que luego de varias formaciones finalmente encontró en Patyx (Vocalista de "Arde María", amigo y compañero de escenarios) y Fabián (excelente Baterista y admirador del sonido Británico) los dos socios ideales para llevar adelante este proyecto de trío.

Entre sus influencias mencionan bandas como The

Beatles, The Police, The Cure, Soda Stereo, Gustavo Cerati, Fricción, U2, Keane, Oasis, Blur, Radiohead, entre otros. Patyx nos ha comentado tras el show de la Cigale que ellos llevan todos los sonidos posibles a una canción, y luego entre los tres, empiezan a quitarle arreglos y arman una estructura para que la voz y coros no se encimen o molesten a las bases de las canciones. Como él dice “a veces tocar menos es aportar más”, y eso se nota en las canciones, en donde una refinada construcción arquitectónica de la sonoridad hace que todo suene impecable y exacto.

Han grabado, editado y hoy en proceso de Mastering su primer disco, que saldrá en formato digital en los próximos meses. La producción ha sido desarrollada por Guillermo Cudmani en el estudio Osa Mayor y hemos contado con la colaboración del Bolsa Gonzalez como Drum Dr. entre otros invitados.

Los invitamos a conocerlos en: www.facebook.com/fobicos

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