Revista The 13th Número 33 by Revista The 13th

The13th AÑO: 3

NÚMERO 33

UNA R E VISTA IMA GINARIA

ANTON NEWCOMBE THE EMERALD DOWN

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ]

[ Departamento de Cine ]

Alejandro Cenizacromada

Nicolás Ponisio

TRADUCCIÓN

Alex Bretto

José Luis Lemos

Marcelo Simonetti

Ariel Soriano

Jimena Patiño

Rodrigo Debernardis

Bernardo Jiménez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa

César León

[ Departamento de Literatura ]

Erick R. Vieyra

Pablo Ravale

Jefe de Departamento de Cine:

Gabo Rojo

Valeria Pomidoro

Nicolás Ponisio.

Marcelo Simonetti

Jefe de Departamento de Literatura:

Max Wilda

[ Departamento de Artes Visuales ]

Pablo Ravale.

Rodrigo Debernardis

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Jefe de Departamento de Música:

Esteban Galarza

Diego Centurión

Ricardo Padilla (Oriani_K)

[ Fotografía ]

Darío Martinez

Nazarena Talice, Lily Moonster,

REDES SOCIALES:

Patricia Claudia Fiori

Johannes Rossini., Ishtar Astarté.

Luca Nicolás Centurión Mogilner

Marina Cimerilli

Julieta Curdi.

Pablo Müllner Benjamín York COLABORAN EN ESTE NÚMERO Ariel Tenorio.

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Diciembre, 2016 Llegamos al último mes de este 2016, extenuados y con toda la carga de un año muy productivo que nos hizo crecer más con respecto a los años anteriores, terminamos nuestro tercer año con mucho material. No vamos a entrar en balances personales ni en recuento de los hechos en este 2016, simplemente haremos que el último número del año sea, como todos los números anteriores, mirando la actualidad de lo que está sucediendo y lo que sucederá. En este número seguimos extendiéndonos, se suman al staff Pablo Müllner, Benjamín York e Ishtar Astarté, quienes se anexan a un staff que durante todo el año ha estado bastante estable, gente ingresó, gente se ha ido o se ha tomado una licencia. Tenemos un invitado Ariel Tenorio (líder y vocalista de Los Tenorios) quien nos prestó su mirada sobre el show de New Order y nos brindó la posibilidad de utilizar sus dibujos de la banda de Salford. El cuerpo del número 33 viene plagado de historias y entrevistas para todos los gustos, hemos entrevistado a Anton Newcombe de The Brian Jonestown Massacre, Rebecca Basye de The Emerald Down, Sean Laffan del canal de YouTube, Psychoactiv. En lo concerniente a bandas de habla hispana, venimos de varios países de Latinoamérica, desde Ecuador la exquisita banda Sexores, desde Colombia Mauricio Lozano, de Argentina a Javier de Rendo, a Spektro de Carmen y a la banda 202. Como siempre hemos asistido a conciertos nacionales como internacionales. La literatura sigue estando presente y con ansias de crecer, como la sección de Cine. Terminamos el año 2016 a toda marcha, con ideas para el 2017, proyectando el nuevo compilado a editarse en el mes de enero del 2017 y que se llamará “Pura Melomanía (Compilado Imaginario III)”, en el cual ya estamos trabajando. Les deseamos una Feliz Navidad y un feliz Fin de Año. ¡Nos vemos en el año próximo!

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE QUERÍA LA OPORTUNIDAD DE TOMAR EL CONTROL Entrevista a Anton Newcombe por Diego Centurión........................................................................................................10

ES ENALTECER LO QUE VENIMOS CONSTRUYENDO Entrevista a 202 por Rodrigo Debernardis........................................................................................................................10 CONVERSACIÓN SOBRE EL MÉTODO Entrevista a Sean Laffan de Psychoactiv por Benjamín York..............................................................................................14 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Pablo Ravale y Benjamín York...........................................................................................................20 HA SIDO UN AÑO BASTANTE GRATIFICANTE Entrevista a Sexores por Luca Nicolás Centurión Mogilner ..............................................................................................24 Entrevista a The Peppersplum porPLACER Patricia AUDITIVO Claudia Fiori .................................................................................................... 32 DARLE UNA BUENA DOSIS DE Entrevista a Rebecca Basye de The Emerald Down por Diego Centurión.........................................................................30 NOS LLEVAMOS BIEN ACARICIANDO LO OSCURO... Entrevista a Spektro de Carmen por Benjamín York..........................................................................................................34 ME GUSTA QUE LA MÚSICA SEA COMO UN VIAJE Entrevista a Javier de Rendo por Maxx Wilda ................................................................................................................. 40

ME GUSTA QUE LA MÚSICA SEA COMO UN VIAJE Entrevista a Mauricio Lozano por Bernardo Jiménez Mesa. Fotografías: Ishtar Astaré .................................................... 48 MUSIC CORNER LA GÉNESIS DEL CAMBIO Por Alex Bretto. ...................................................................................................................56 LA ANSIEDAD LA INFLUENCIA Entrevista a RudyDE Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 HONOR THY MISTAKE por Gabo Rojo. .........................................................................................................................59 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 PALABRAS EN LA ARENA NADIE, NADA, NUNCA, “MUERO POR DENTRO” de Robert Silverberg por Pablo Ravale......................................... 64 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE CIERTAS CONSIDERACIONES ACERCA DEL ORGASMO por Pablo Ravale................................................................67 MÁS CERCA DEL FUTURO por Valeria Pomidoro.........................................................................................................68 Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 HIDDEN TRACK ..............................................................................................................................................................70 EN CONCIERTO TODOS PARA UNO, Y UNO PARA TODOS TORTOISE por Marina Cimerelli. Fotografías: Nazarena Talice......................................................................................74

FIN DE FIESTA ENTRÒPICO 9 por Diego Centurión. Fotografías: Johannes Rosini...............................................................................88 DOS MIRADAS SOBRE UN MISMO ORDEN. NEW ORDER, en el Luna Park, Martes 29 de Noviembre de 2016. ...............................................................................84 ¿Completos? Por Ariel Tenorio. Dibujos: Ariel Tenorio.................................................................................................85 Celebrar El Pasado, Reinventar El Presente, Permanecer En El Futuro Por Marina Cimerelli.......................................86 UN ROCK QUE HACE RATO SE RESISTE A MORIR THE QUESTION y TWO WAY ANALOG por César León. Fotografías: Ishtar Astarté.....................................................88 LO QUE ESTÁ SUCEDIENDO. FIESTA e Intervención #29 por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Moonster.....................................................................92 JUVENILIA EN CLUB V O EL INICIO DE COSAS BELLAS JUVENILIA por Esteban J. Galarza. Fotografías: Johannes Rosini..................................................................................96 SOLTARSE Y BAILAR KRISTIAN CONDE, PARTIDO DE LA COSTA y EL GRAN BÚFALO BLANCO por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Moonster ............................................................................................................106 RESCATE CINÉFILO BALANCE 2016 - LOS MEJORES ESTRENOS DEL AÑO..........................................................................................107

QUE FANTÁSTICA, FANTÁSTICA ESTA PELI por Nicolás Ponisio.............................................................................108 OJALÁ FUERA TAN SIMPLE… SER COMO LOS COEN por Nicolás Ponisio ............................................................110 EL AMOR TIENE ROSTRO DE MUJER(ES) por Jimena Patiño ...................................................................................113 SI HAN DE PARPADEAR, HÁGANLO AHORA por Nicolás Ponisio ............................................................................116 EL CHAUVINISMO ILUSTRADO por Nicolás Ponisio .................................................................................................118 EL ESCRITOR SERIAL

EASY - EN EL SEXO Y LAS RELACIONES NADA ES FÁCIL por Nicolás Ponisio.......................................................121

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................124 PURA MELOMANÍA UN TRIUNFO INCOMPARABLE PARA LA MÚSICA ELECTRÓNICA Jean Michel Jarre - Oxygene (1976) por Gabo Rojo....................................................................................................132 EBM - PARA UNA ALEMANIA DIVIDIDA KMFDM - What do you know Deutschland? (1986) por Alejandro Cenizacromada.....................................................133 COLABORACIÓN IMPENSADA KGC – Dirty Bomb (2006) por Diego Centurión ..........................................................................................................134 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................136 DERECHO DE PISO

ORQUÍDEA - BELLEZA FLORAL por Benjamín York...................................................................................................144

Mary Martley

[ Entrevista a Anton Newcombe de The Brian Jonestown Massacre por Diego Centurión. Traducción: Rodrigo Debernardis. ]

QUERÍA LA OPORTUNIDAD DE TOMAR EL CONTROL

Hola Anton, es un verdadero placer para nosotros tener la oportunidad de entrevistarte, coincidiendo con tu visita a nuestro país. Estamos muy agradecidos de haberte podido contactar, justo dentro del marco de tu participación en el SpaceFest! 2016. Así es. La he pasado genial en tu país. Tanto la gente como los promotores me han tratado muy bien. ¿Puedes contarnos cómo te sentiste con tu actuación en Bue-

Lanzaron recientemente “Third World Pyramid”. ¿Qué nos puedes contar acerca de este trabajo? Que hay otro álbum en camino, que saldrá entre Diciembre y Enero próximos, escrito por mí exactamente al mismo tiempo que este, pero que es totalmente distinto. Quise desafiar a la gente sobre qué creen que saben acerca mío o cualquier otra cosa.

nos Aires? La verdad me sentí mucho mejor que con mi show en Chile,

Quisiera preguntarte acerca de tu participación en Pure Pha-

a pesar de que quiero que las cosas salgan siempre bien en to-

se Ensemble. ¿Cómo se preparan para este Space Fest/Pure

dos lados. Es realmente difícil para mí ser perfecto. Pienso que

Phase Ensemble?

en Argentina fue todo mucho mejor. Amo a Sudamérica y a su

Haciendo muchas entrevistas. Le dije al Gran Jefe que quería

gente, pero simplemente necesito más tiempo para ajustarme

la oportunidad de tomar el control, empoderar a la gente con or-

y moverme más lento… ver más… conocer más personas… pero

den… y luego dejarlos brillar. Quiero que sea bueno y yo trabajo

eso requiere dinero… quiero regresar… sería grandioso si nos

muy rápido, lo que significa detener la estupidez en cuanto la

dijeran a Ride y nosotros de hacer un show juntos, un evento es-

veo. No quiero zapar a menos que eso sea un arma…

pecial. No quiero un festival ni tocar con bandas locales en sus propios países. Quiero que las bandas de Sudamérica sean res-

Cuéntanos qué sabes acerca de los otros miembros de Pure

petadas en el mundo. No beneficia a nadie que una banda local

Phase Ensemble este año. ¿Has tenido la oportunidad de cono-

toque. Es un pensamiento antiguo.

cerlos o de hablar con alguno de ellos? No, pero los respeto aún antes de saber algo de ellos. Cuando

Dieron un show brillante en Niceto Club. Estuvieron en el

conozco a alguien, comienzo respetándolo… si me tiran mierda

escenario por tres horas. ¿Los conciertos con The Brian Johns-

entonces las cosas cambian. Pero sé que esto va a ser hermoso

town Massacre siempre duran tanto?

porque no se trata de mi… no soy el típico gringo. Me importa

Hemos tocado todo el año… 3 horas o más… quise que fuera

un carajo si la gente me hace una estatua o alguna otra idiotez.

una ocasión especial, algo que ocurra una sola vez en mi vida.

Amo la música. Amo a la gente. La vida es dura y los gobiernos

Mucha gente trata de hacerlo alguna vez, entonces nosotros lo

se equivocan… debemos construir nuestra propia cultura.

hicimos 80 veces y más.

Pure Phase Ensemble ensaya alrededor de una semana antes de subir al escenario. ¿Crees que algunos tiene una expectativa

Disfruto mucho relajándome sin hacer nada. Espero conocer a alguien con quien tomarme un té y charlar.

previa acerca de las canciones que van a tocar o será todo improvisación en vivo? Voy a hacer que todo salga bien con mi equipo. Los parches bien arriba, a menos que alguna mágica melodía aparezca.

¿Has vivido algo así alguna vez? No me ha pasado todavía así que no puedo hablar del tema. Pero yo creo sucesos…sólo que no de este tipo.

¿Vas a participar en alguna otra actividad dentro del Space

Muchas gracias por tu tiempo. Esperamos que este 2016 con-

Fest? ¿Te harás tiempo para disfrutar de alguna otra actuación

tinúe bien, y que el SpaceFest sea tan memorable para ti como

antes de la actuación de Pure Phase Ensemble?

lo será para el público. Saludos.

[ Entrevista a 202 por Rodrigo Debernardis. ]

ES ENALTECER LO QUE VENIMOS CONSTRUYENDO

Enmarcados en una de las bandas surgidas en los finales de

antes la información era escaza, por lo tanto la creatividad era

los noventas, la banda 202 se encuentra en proceso de un ál-

una herramienta importante para lograr un sonido moderno,

bum, "El álbum Santo", que recorre las mejores canciones de

hoy eso se logra con más facilidad con los pro y contras que eso

Santos Inocentes, una huella imborrable en tres integrantes de

significa. Podría escribir un libro al respecto... ¡perdón!

este cuarteto. Rha y Osko (ex Santos Inocentes), junto a Emma que fue parte del primer álbum de la banda (Emporio Bizarro),

Obviamente internet es la herramienta que cambia el pano-

luego continúo su camino y la cuarta pata de la mesa Leonel. El

rama de llegada de las bandas con el público. ¿Ustedes cómo se

cuarteto presentará el nuevo álbum en La Trastienda Samsung

sienten con esta herramienta?

el próximo 17 de diciembre, y nos acercamos hasta ellos para hablar del pasado, presente y futuro del proyecto.

Nos sentimos bien, y creo que somos un claro exponente de los dos mundos, nos criamos en otra era pero disfrutamos de todas las herramientas disponibles para seguir creciendo.

Para empezar, ¿202 es una continuación de Santos Inocentes? No, no lo es, fue concebido como nuevo proyecto.

Cuéntenos sobre "El Álbum Santo". Es un disco hecho con mucho amor, donde lo que más nos importó, por sobre toda las cosas, fue lograr destacar los arre-

¿Y por qué el nombre de 202, por qué no siguen con el que se han hecho conocidos? 202, podría decirse que es una analogía al parentesco entre

glos vocales, melodías, como así también las letras, dándole un audio cálido y profundo desde lo instrumental, para poder disfrutar la maravillosa voz de Rha.

los hermanos Cariola, Osko y Rha, que son gemelos. 202 fue un desprendimiento natural de Santos Inocentes, y el resto del grupo siguió como Santos Inocentes un corto periodo más.

Se viene el show de la Trastienda. ¿Cómo se están preparando? Acabamos de terminar la grabación del Clip "Rockstar",

¿Cómo llegan a formar 202?

nuestro primer single del “Álbum Santo”, bajo la dirección de

202 se forma en 2003 con la intención de seguir generando

los talentosos hermanos Dawidson, así que ahora estamos abo-

una carrera en la escena local e internacional poniendo énfasis

cados a ensayar y mezclar el disco para el 17 tener un gran puña-

en el cuidado estético del audio, como así también en las pre-

do de canciones para compartir con nuestro hermoso público.

sentaciones en vivo. ¿Qué nos pueden contar del show? ¿"El Álbum Santo" sería el tercer trabajo de Santos Inocentes? ¿Cómo un "Grandes Éxitos" pero con sonido 2016? ¡Exactamente! Sería el tercer trabajo discográfico de 202, ¡no de Santos Inocentes!

Podemos decir que va a ver algunas sorpresas si el Universo nos lo permite, también podemos contar que vamos a tener nuevamente el honor de que nos haga sonido el Sr. Eduardo Bergallo como así también, que estamos trabajando mucho en lo visual para generar un clima optimo en cada canción. ¡Espe-

¿Es un regresar a las fuentes para volver a construir?

remos lograrlo!

Es principalmente enaltecer con mucho respeto lo que venimos construyendo, e intentar catapultar todos los años de trabajo que tenemos.

¿Qué quieren decirle a la gente que no conoce lo que fue Santos Inocentes? Les diríamos que escuchen los discos, Emporio Bizarro y Me-

¿Qué diferencias encuentran en el mundo de la música con respecto a los años de Santos Inocentes?

gatón, que también escuchen los dos discos anteriores de 202 (202 y Mastertape) les diríamos... que fuimos y somos autén-

Santos fue una banda muy vanguardista en muchos aspec-

ticos en lo que hacemos, y que sepan que en esos años hasta la

tos, tanto en lo técnico como en lo musical, fuimos quizás los

mismísima Madonna nos hizo firmar un contrato internacio-

primeros referentes en conseguir mezclar fuertes guitarras con

nal.... ¡¡¡algo bueno había ahí!!!

loops, baterías en vivo, samplers, trigers, efectos etc., dentro de un formato de canción. Estamos hablando del año 1991, éramos una banda de adolescentes que estuvo ensayando y componiendo en un garage durante casi 3 años. La diferencia está en que

Y ¿por qué creen que la gente, que aún no los conocen, tiene que asistir el 17? Principalmente porque tenemos que apoyar al Rock Nacio-

nal, salir del confort y vivir en vivo con la piel del otro al lado.

estamos preparando y una serie de clips que vamos a desarrollar

Y segundo porque al que le gusta la música de verdad, lo que

durante el 2017. Además de varios show por el interior y gran Bs

más le emociona es descubrir una banda o artista que lo identi-

As... Mucho trabajo nos queda por delante.

fiquen. Acá hay una para aportar algo. Y por último les dejo el espacio para que digan lo que quieran. ¿Qué le espera a la banda para el 2017? Nos espera la edición del Disco, una gira internacional que

¡¡¡¡Los esperamos el 17 DE DICIEMBRE 23.30HS EN LA TRASTIENDA CLUB!!!! ¡ABRAZO!

[ Entrevista a Sean Laffan de Psychoactiv por Benjamín York Traducción: Rodrigo Debernardis ]

CONVERSACIÓN SOBRE EL MÉTODO

15 Realmente todo empezó con algunas de las bandas que hemos entrevistado en números anteriores, para cada banda suelo mirar mucho sus videos y siempre muchas veces me he encontrado con un tipo de video psicodélico de gran calidad y que solía llamarme la atención de tal manera que decidí conectarme y tener una conversación con su dueño Sean Laffan (dueño y realizador en Psychoactiv). Más que nada estaba interesado en cómo se realiza el contacto entre banda y Psychoactiv. Y de esto hablamos. ¿Cómo eliges las canciones y cuál es el trabajo que haces con ellas? Normalmente la banda me envía las canciones que ellos seleccionan, yo las escucho, y si me gusta lo que oigo y creo que a los suscriptores de mi canal les va a gustar, entonces acepto realizar un video. Escucho la canción varias veces hasta que me hago una idea de qué efectos visuales van a encajar con el tempo y el ritmo de esa canción. También tengo en cuenta si ese video va a ser proyectado en vivo en un escenario o un club. Luego busco imágenes que calcen con mis ideas y las subo con mi software, realizando la mezcla, agregando colores y efectos hasta que encuentro la magia. Así es como realizo todos mis clips. Debo sentir la música que escucho, es lo más importante para mí. Si puedo sentirla, luego es fácil para mí hacer los videos, si no es imposible que me lleguen las ideas. ¿Quién está detrás de Psychoactiv y cuándo nació el proyecto? Solamente yo, mi nombre es Sean Laffan, y todo comenzó cuando empecé a subir canciones que quería escuchar y nunca encontraba online, así que las posteaba en las redes sociales. Esto fue allá por 2012, y al principio era subir la canción y la tapa del álbum. Luego comencé a jugar con el Windows Movie Maker, mezclando audio y video y realicé casi 20 films hasta que un día alguien me envió un mensaje diciendo que mis ideas eran brillantes y que por ello querían darme el programa de edición Sony Vegas, ya que mis videos eran demasiado buenos

como para editarlos con un programa básico como el Movie Maker. Con este nuevo software mis films se volvieron más coloridos y con la calidad visual perfecta para la música con la que quería trabajar. Luego de realizar 5 o 6 videos ya no pude elegir más la música con la cual trabajar. Ahora las bandas me contratan y me piden que haga con sus canciones lo mismo que he hecho con las mías. ¿Te ha pasado de encontrar una canción y que no te den permiso de usarla para hacer un video? ¡Oh sí! Hay varias canciones que he subido sin permiso a mi canal en los primeros dos años. Después de realizarles un video, ¿alguna banda te ha encargado un nuevo trabajo? Muchas bandas me preguntan si estoy interesado en hacer más videos para ellos. Si entras a mi canal verás que en los últimos dos años varias bandas y sellos discográficos se repiten frecuentemente. Has entrevistado a varias bandas con las que has trabajado (Relax Ranch, The Cult of Free Love, The Junkyard Liberty), todas del mismo sello. ¿Has recibido propuestas de las compañías discográficas para trabajar con sus artistas? Si. ¿Cuáles son tus trabajos favoritos? Me gusta mucho el video de The Cult of Free Love, aunque también hay algunos otros que son tan buenos como ese. ¿Hay algún video que, una vez terminado, hayas pensado: “pude haberlo hecho de otra manera”? Por supuesto que nunca estoy 100% satisfecho con todo lo que hago. Siempre pienso que podría haber mejor esto o aquello, pero raramente pienso que lo hecho con una canción podría haber funcionado con otra. ¿Has rechazado algún trabajo porque no te gustaba la canción? Si, muchas veces. Si siento que el género no va a encajar con el resto de mis videos o simplemente no me gusta la canción, entonces no lo hago. Aun así, he realizado varios videos para amigos a los que les he dicho que los suban a sus propios canales.

¿Cuántos videos tienes editados actualmente? No estoy seguro de la cantidad exacta, pero deben ser alrededor de 240 en estos cuatro años.

2016, comparado con años anteriores? ¡Creo que sí! 2016 ha sido el año más productivo hasta ahora

¿En qué estás trabajando por estos días? En estos momentos estoy con 2 singles, uno de la banda española GDDLF (Guerra Después De La Fiesta) y otro de los australianos Luna Ghost. Ambos serán editados próximamente.

En este último mes, ¿has recibido canciones? Me han enviado seis canciones, que es la cantidad promedio que recibo cada mes...

¿Se ha incrementado el número de videos en este

Para terminar les dejo el canal de youtube del cual hemos estado hablando: https://www.youtube.com/user/Psychoactivision

TRES POR UNO

The Cure - The 13th CINE: halla la respuesta al besar sus propios labios. [ por Nicolás Ponisio ]

LITERATURA: Se siente bien ver un videoclip de The Cure donde la letra de la canción es reinterpretada a través de las imágenes y logra, uniendo los opuestos, reunir tanto un tono alegre como caótico. El video de The 13th nos presenta a Robert Smith acostado en un cuarto de hotel, viendo la televisión y con la compañía de una blonda danzarina vestida de novia (en realidad un hombre vestido de mujer). En palabras de la imagen, la infidelidad entra en ese cuarto de hotel a través de un juego de seducción. La yuxtaposición de varios elementos, tan disímiles entre sí, es parte de la atracción que se dispone a variar en la estética visual. La fotografía, en su mayoría utilizada con blancos quemados, le aporta un carácter de ensueño a lo que ocurre en esa cama de hotel. Los amantes se divierten frenéticamente mientras que la cámara nos lo muestra de manera prácticamente estática, sin movimientos o recorridos sobre los personajes. Sin embargo, cual elemento seductor que nos invita a traspasar todo límite, el propio Smith se fascina consigo mismo viéndose en la televisión. Un beso entre labios y pantalla nos transporta junto a él a otro territorio donde la cámara en esta ocasión es la frenética, paseándose entre distintos sets televisivos, moviéndose con el movimiento de la música y el fragor de los aplausos del público. Si por separados, cada ambiente funcionaba como espacios de tono opuestos, con la irrupción de una tercera en discordia todo lo frenético, lo estático y lo seductivo se unen en un mismo espacio caótico, sumamente divertido a la vista. Al menos a nuestra vista, ya que Smith, alejándose en su propio mundo, decidí elegir a la persona que siempre tuvo ante sí. En la canción, la voz de Smith se pregunta: “¿Estoy seduciendo o siendo seducido?” Espejo mediante,

[ por Pablo Ravale ]

De Wild Mood Swings se ha dicho que es el peor disco de The Cure... Opinión con la que discrepo 100%, ya que en mi opinión, se trata de un disco bastante ecléctico, y no disperso y aburrido. Como fuere, el punto es que cuando Robert Smith y compañía se pusieron manos a la obra para empezar a materializarlo, barajaron, sí, distintas caminos, por lo cual les costó ponerse de acuerdo; hecho que retrasó un poco su lanzamiento, pero que sin embargo dio muy buenos frutos a nivel compositivo. A todo esto, y para mal de peores, continuaron también las idas y venidas de algunos de los músicos de la banda (regresó después de años el tecladista Roger O’Donnell; se fue el guitarrista original Porl Thompson y entró en su reemplazo Perry Bamonte; se marchó el increíble baterista Boris Williams y lo suplantó el más que solvente Jason Cooper), por lo que Mr. Smith, convengamos, hizo más bien malabares… Y he ahí tanto el nombre del álbum (“Salvajes Cambios de Humor”) como mismo la amplia paletas de géneros que abrazan esas catorce canciones. Centrándome en la canción que hoy me toca analizar, “The 13th”, estamos ante una de las piezas más invaluables de toda su discografía. Un tema tan pegadizo, redondo, divertido y perfecto, que me atrevo a decir que hasta casi lo celebraría bailando (y eso que yo odio bailar). La letra de “The 13th” es, a su vez, toda una oda al andar de jarana («Todo el mundo se siente bien en el cuarto, ella se mece» / «Dos acordes chulos en la cabeza, ella canta / Zum-zum-zumbando como abejas asesinas») y al erotismo implícito («De vez en cuando sus ojos se hacen más grandes / y siem-

pre los tiene clavados en mí / Me sorprendo cómo puede parecerme tan hambrienta y del color de la miel caliente / y me tengo que ir para no estallar / Sí, así de bien me siento», «Mientras ella se desliza hacia mí suave como una serpiente / no puedo tragar, empiezo a temblar / y sé que esto es un gran error / Me gusta mucho», «¡Házmelo!, ¡házmelo!, ¡házmelo!, ¡házmelo!» o «Si quieres puedo llevarte a dar otra clase de paseo / Créeme, lo haría pero… / Y en lo más profundo el “pero” es “por favor” / Estoy anhelando otra degustación / así que me sacudo diciendo “sí”»). Sin embargo, la canción hasta encuentra sus momentos románticos en esos dejos sensibileros acompañado de un ritmo de salsa-bachata delicioso («Yo sé que mañana me sentiré mal / pero realmente no me puedo preocupar por eso / Ella sonríe, canta / y me hace dar vueltas y vueltas»). Conclusión: todos amamos a Roberto.

MÚSICA [ por Benjamín York ]

Cuando me planteé hablar de esta canción no pude dejar de pensar varias cosas: 1- Canción que ha servido para el nombre de esta Revista. 2- Canción que ya se ha tratado, al menos estas dos versiones en singles, y también se ha escrito sobre el álbum "Wild Mood Swing". 3- Canción que en abril ha cumplido 20 años. 4- Canción que no tiene las características habituales en una composición de la banda, de hecho fue algo que desconcertó a los fans al momento de su salida. Pero lo cierto que me cuesta agregar algo a todo lo que ya se ha dicho en estas páginas; recomiendo una leída a lo escrito en los números 26 (pág.186), 27 (pág. 212). Pero obviamente que acepté el reto de escribir exclusivamente de esta canción, así que empiezo: Siempre a Robert Smith le gustó experimentar con los ritmos que le son ajenos por idiosincrasia, como lo hizo en The Blood, en donde coqueteaba con el flamenco; o el clásico “Killing An Arab” en donde dejaba escurrir su mirada sobre música árabe; o en “Kyoto Song”, en donde se acercaba a sonidos más orientales. Pero en el caso de “The 13th” la apuesta fue a la música caribeña,

siempre con la particular mirada de un anglosajón, no siempre la correcta, pero sí con cierta gracia e ironía clásica en Smith (y de desconocimiento). The 13th fue el single de adelanto de un álbum muy raro de la banda The Cure. Y si recordamos que la banda hacía cuatro años había editado el gran “Wish” (1992), con un sonido muy influenciado por las guitarras y con un pico de belleza en el sonido completo de la banda, la salida de este doble single, desconcertó y recuerdo que se temió lo peor. Es imposible no hablar de la canción con la historia de The Cure como referencia. Cuando empieza un murmullo de gente como si estuviese en un bar o club nocturno, aparece la trompeta y los otros instrumentos, en ese momento a uno se le viene una extraña sensación (parece esos ajustes de una banda jazz que precalienta, ese momento de confusión sonora en el cuál cada instrumentista toca un “sinsentido” para ejercitar). Luego empieza una especie de ritmo caribeño que con las trompetas se tiñe de una pseudo canción con tintes de mariachis. ¿Que poco tiene de The Cure? Yo creo que en realidad son esos juegos que se propone Robert Smith para desestabilizar al fanático y sacarlo de su zona de confort, eso que siempre se espera de Smith, que sea oscuro y dark. A Smith le gusta mostrar esa faceta que nadie espera de una banda “establecida”, ¿una muestra de rebeldía que con los años se fue perdiendo? No voy a entrar en ese tema ahora, pero esa respuesta se la dejo a criterio del lector. ¿La canción tiene poco que ver con el The Cure esperado? Es muy probable que así sea. Ahora bien, ¿La canción tiene poco que ver con el Robert Smith juguetón y explorador que conocemos? Para mí, ¡ahí está la clave!, The 13th es una canción como puede ser “The Blood”, un intento de abordar ritmos no propios, pero con una “maldad” inocente, en busca siempre de que el fanático no esté tan seguro del próximo paso de Robert Smith. Ahora en cuanto a lo estrictamente musical mucho no puedo desmenuzar, ya que la canción tiene momentos que tienen poco que ver con el The Cure “oficial”, todo se tiñe de “banda paralela” aunque si nos ponemos a escuchar los instrumentos por separado, sin prestarle mucha atención al contexto mejicano, podemos escuchar un bajo presente de Simon Gallup, aunque no con la presencia que nos tiene acostumbrado. La guitarra recae casi en su totalidad en Perry Bamonte, pero Robert aporta una maravillosa interpretación vocal, con voces superpuestas en una especie de conversación, y que luego en el estribillo explota, yvuelve

a reposar. Las instrumentaciones de Roger O’Donnell son precisas y delicadas como siempre. Pero acá está la presentación en sociedad de Jason Cooper, quien debuta en los oyentes de The Cure (también en los fans) como nuevo baterista de la banda (reemplazando al amado por todos, Boris Williams, alguien que aún muchos extrañan, ¡sí, veinte años después!), demostrando sus dotes de percusionistas y de baterista. Para redondear, The 13th es una canción que tiene más que ver con juegos de Robert Smith que con The Cure, esas licencias que se toma tanto musicalmente, como les mencioné antes, como esas incertidumbres que plantea al declarar (como las supuestas separaciones, o grabaciones que quedan en el éter esperando que se concreten).

Antes mencioné que fue un doble single, uno llamado CD1 y CD2 (sí, mucho no se pensó), El CD1 trae los tracks, "The 13th (Swing Radio Mix)", "It Used to Be Me", "Adonais" y "Ocean". Y el CD2 los mismo inéditos más dos remixes, "The 13th" (Two Chord Cool Mix)" y "The 13th" (Killer Bee Mix). Pero más allá de este raro adelanto de un álbum de The Cure, es recomendable escuchar tal vez el disco “Wild Mood Swing” que les dejará una sensación más clara del momento en el que se encontraba la banda de Robert Smith. Cómo segunda recomendación y para cerrar, les reitero, les recomiendo una leída a los escritos de los números 26 (pág.186), 27 (pág. 212).

25 [ Entrevista a Sexores por Luca Nicolás Centurión Mogilner ]

HA SIDO UN AÑO BASTANTE GRATIFICANTE

Este año la banda de Barcelona/Quito han editado Red Rooms, tal vez uno de los mejores álbumes de dreampop de una banda de habla hispana, aunque su buen ellos no cantan en nuestro idioma, son de nuestra madre patria. Está joven banda ha editado un álbum tan dulce y perfecto, como hace tiempo no escucho. Por eso y para cerrar un año en donde nos encontramos con excelentes propuestas, vamos a ir por primera vez a España/Ecuador y a contactarlos para una entrevista. Hola chicos, he quedado maravillado con su Red Rooms y hace un par de meses que queremos entrevistarlos y por fin llegó el momento. Para empezar, agradecemos el espacio y nos encanta que hayan disfrutado de Red Rooms, para nosotros es un honor. Primero y a modo de introducción la pregunta tiene que ver con su nombre, ¿por qué Sexores? El nombre es sólo un buen resultado de una noche de tragos. Básicamente es un juego de palabras sin ningún concepto detrás. ¿Cómo sale el nombre matemático (si se quiere) del nombre de sus integrantes? Queríamos darle una connotación matemática a todo lo que hacíamos, desde la composición hasta los nombres de cada integrante. Lo de los nombres es algo que ya no usamos tan a menudo, mientras que el proceso de composición sí que mantiene esta

aplicación matemática en la música. ¿Qué tanto tienen de Barcelona y qué tanto de Quito? Y realmente ¿de dónde son? Suena cursi, pero de Barcelona tenemos el alma. Estuvimos viviendo un largo tiempo ahí y nos terminamos enamorando, es la mejor ciudad que conocemos. Somos de Quito, todos nacimos aquí, pero a diferencia de otras ciudades, ésta no es tan amigable con la música que hacemos. Creo que ya nos cansa repetir este discurso. Si pudiésemos, nos iríamos ya mismo. ¿Cuándo, dónde y cómo nace la banda? La banda nació hace ya casi 7 años. Partimos de la disolución de dos proyectos musicales de la ciudad (Quito). La idea era ser una banda que mezclaba música industrial y pop electrónico. Eso, como músicos, no nos terminó de convencer y nos convertimos en el Sexores de ahora, una banda de dream pop. Su fino dreampop suena elaborado y si bien se pueden encontrar influencias, en su sonido están bastante ocultas. ¿Cuáles son sus influencias más fuertes? Musicalmente hemos sido influenciados por muchas bandas, siempre encuentras algo que te marca en toda esa música que escuchas a diario. Sin embargo, creo que nuestras principales influencias son Tamaryn, Glasvegas, The Raveonettes, Blonde Redhead, hay algo de Lush también (si nos quere-

mos poner nostálgicos). La obra de Phil Spector siempre será un referente para nuestro trabajo.

lo que dice la letra. Además, la voz de Alexander es, creo que la palabra es exquisita.

Red Rooms es el álbum de este año. ¿Cuánto tiempo les llevó escribir este trabajo? Gracias por otorgarnos ese título. Sinceramente. Es un trabajo que habíamos pensado hace ya varios años y no se pudo materializar sino hasta éste. Lo terminamos de componer en octubre de 2015 y enseguida entramos a grabar. Todo el proceso duró cerca de 8 meses (grabación, mezcla, masterización y lanzamiento).

¿Qué alegrías (y si hubo alguna amargura) les trajo este 2016? Ha sido un año bastante gratificante. No hemos parado desde 2013, si no hemos hecho algún lanzamiento, hemos estado viajando o tocando en donde más se pueda. Este año llegamos a dos de los escenarios más grandes de Ecuador (El Carpazo y el VAQ). Volvimos a Lima a uno de los encuentros más importantes de música experimental en la región, hemos hecho muchos amigos en el camino, el lanzamiento de Red Rooms tuvo similar acogida a nuestro trabajo anterior, no nos podemos quejar, aunque nos falta volver a Europa, queríamos hacer un tour a finales de este año, pero no se pudo.

¿Cómo llega a participar Alex Kretov de Ummagma? Siempre hemos tenido buenas relaciones con músicos de afuera, Ummagma es una banda que nos gusta mucho, escuchamos su música por primera vez en 2012 y nuestro primer contacto con ellos fue ese mismo año, si la memoria no nos falla. A partir de ahí no hemos dejado de conversar. Cuando compusimos Daywalkers, pensamos que quedaría bien añadir una voz masculina, es una especia de declaración de amor mutuo, ambos personajes sienten

Cuéntenos de sus trabajos anteriores. Tenemos dos álbumes: “Amok & Burnout” (2011) e “Historias de Frío” (2014); este último, junto a “Red Rooms” y “Titán”, son nuestros trabajos más queridos. Titán es un sencillo de 2013 que terminamos

editando en vinilo, ya nos quedan muy pocas copias. También tenemos un maxi-sencillo de 2010 (001) y un par de sencillos disponibles en nuestro SoundCloud (Shinigami y Maceió). También hemos colaborado con algunos proyectos amigos (Marley Muerto y Antethic) y hemos sacado un par de versiones de bandas que admiramos (Jeanette y Chapterhouse). ¿Podrían hacer un track by track de las canciones del álbum? Red Rooms sigue un concepto, escribimos sobre niños asesinos y comportamientos ocultos del ser humano. Musicalmente es mucho más oscuro que nuestro álbum anterior, pero a su vez tiene un sonido más limpio, es menos lo-fi. Sasebo, el primer tema, trata del asesinato de Satomi Mitarai, una niña apuñalada por su compañera de escuela. Sea of Trees trata del suicidio, del hastío de vivir, y hace referencia a un bosque en Japón en donde la gente va a acabar con sus vidas. Me and the Void es una mezcla entre lo que piensa un asesino y un enfermo sexual. Musicalmente fue influenciada por la trilogía oscura de The Cure. U.S.S.R. Girls es nuestro homenaje al cine negro. Básicamente es una historia de espionaje desde el punto de vista de una joven espía rusa. Daywalkers es una declaración de amor ficticia entre

Eric Smith y Brenda Spencer, dos niños asesinos. Loner es un tema instrumental dedicado a George Stinney, un niño negro ejecutado injustamente al ser acusado de violación y asesinato. Han estado tocando en otros países de Latinoamérica ¿cómo fue la experiencia? Hermosa. Fue una de las mejores experiencias que hemos tenido. Siempre estamos buscando tocar en otras ciudades. Nos encanta descubrir nuevos públicos y que leguen a identificarse con nuestra música. ¿Qué bandas nos recomiendan de España y de Ecuador? ¿Con qué bandas se conocen del resto de Latinoamérica? De España: El Último Vecino, Triangulo de Amor Bizarro, Ghost Transmission, Combray, Univers, HUIAS, Me and the Bees, Gatomidi, Berlinist, Brigitte Laverne, Wind Atlas… Hay cientos de buenas bandas. De Ecuador: particularmente nos gustan mucho los proyectos más escondidos: Boards, The Bunnies, Finlandia/Singapur, Costafría, UNO, Elia. ¿Qué planes hay para el 2017? Tenemos un par de fechas confirmadas para el primer trimestre del próximo año, pero principalmente estamos muy metidos en componer lo que será nuestro nuevo álbum, cuarto si contamos a Red Rooms como álbum. Queremos que sea algo especial, algo con lo que nunca nos hemos metido antes tanto en formato como en sonoridad. Estamos conversando con algunos productores en particular, ya veremos qué resulta.

[ Entrevista con Rebecca Basye de The Emerald Down por Diego Centurión ]

DARLE UNA BUENA DOSIS DE PLACER AUDITIVO Ya se viene el 2017, si bien aún estamos ante los últimos reflejos de 2016, nuestra mirada ya está puesta en lo que viene. Con una trayectoria de muchos años a cuesta, la banda de los Estados Unidos. Regresará al disco el próximo año. Si bien el pasado mes de noviembre se ha reeditado el hermoso "The Scream Sound" (2001), será el momento de hablar de todo en esta entrevista. Hola, quiero agradecer está posibilidad que nos dan para hacerles unas preguntas. ¡Gracias Diego! Me alegra que podamos hacer esto contigo y con The 13th Para empezar, ¿por qué el nombre de la banda? La llamamos así después de una carrera de caballos que se corre en Washington llamada “Esmerald Downs” (con una “s” al final). Durante nuestros primeros meses juntos no teníamos un nombre, y un día Jessica (nuestra primera bajista) vio un aviso en un diario acerca de esa nueva carrera y dijo que deberíamos llamarnos así. Yo dije que sí, claro, y decidimos quitar la “s” del final y agregar el “the”. Así nació The Esmerald Down (o TED abreviado). Tuvimos una “e” al final durante un tiempo pero luego la sacamos. Es común aquí en Noroeste del Pacífico igual que los puntos de referencia o los sitios del lugar. Has tenido un gran problema de salud y lo has vencido, ¿cuánto de esta victoria personal ha servido de envión para la banda?

Sí, soy un sobreviviente del cáncer. En realidad creo que mi problema de salud me ha hecho más fuerte y más proclive a encarar proyectos nuevos, como el de The Esmerald Down hoy. Nos han dado una segunda oportunidad en la vida como banda, y hacer canciones, videos, etc., me ha ayudado a mantenerme enfocado en cosas positivas. No tenía idea, al final de mi tratamiento, de que iba a estar mirando un nuevo ensamble de TED, con nuevo single y álbum en el horizonte. Estamos muy felices por ello. ¿Cómo está formada hoy la banda? La nueva alineación para el lanzamiento de nuestro próximo álbum “Songs From Satur” y del single “Lucas” por Wrong Way Records somos yo (Rebecca Basye) y Jason Martin. Somos los únicos dos miembros originales que quedamos en TED. Además están nuestros increíbles nuevos compañeros de sello David Fitzgerald (The Junkyard Liberty / The Telescopes), Nick Noble (93MillionMilesFromTheSun) y Tyler Royster (Branco Blanco). Hoy las redes sociales cumplen un papel fundamental en la promoción de la música, ¿ustedes cómo se manejan? Y ¿cuáles son sus canales? Realmente es así, y me ha costado bastante insertarme en ese mundo ya que yo me he unido a Facebook y Twitter hace solamente un año, como parte de la re-edición de “Sream The Sound” por Saint Marie Records. Antes de eso no había sido parte de ninguna red social, y aunque hasta ahora usamos solo estos dos medios, debo decir que estoy muy agrade-

cida ya que estas herramientas no existían en nuestros comienzos y hoy estamos aprendiendo e interactuando con fans de todo el mundo que ni siquiera sabíamos que existían. Hubiera sido todo completamente distinto para TED si esta manera de comunicarnos hubiera existido antes. Desde hace ya unos años que los álbumes compilados son editados con asiduidad y suelen ser una buena forma de hacerse conocidos, ustedes han participado en varios. ¿Cómo ven estas posibilidades de los compilados? Hemos estado en, creo, dos compilados. Uno en 2002 para el ya difunto sello Blisscent Records, y otro en 2016 en Saint Marie Records. Esto, de hecho, podría ser el motivo de por qué hemos sido desconocidos para mucha gente hasta hace poco. Se suponía que íbamos a participar en otros dos compilados europeos para Autoreverse en Alison Records de España y Alemania, pero eso nunca sucedió. Creo que de esa manera hubieran sabido más de TED en EEUU, de hecho sé que varios en Estados Unidos nos conocieron a través del compilado de Blisscent,

así que pienso que esta es una herramienta de difusión útil, además de darle a la gente una buena dosis de placer auditivo. ¿Qué diferencias encuentran a nivel musical, cuando empezaron a hoy en día? ¿El público responde de manera diferente a las propuestas? Bueno, hemos tenido cambios en nuestra formación en los últimos tres discos, y esto seguramente ha modificado nuestro sonido y la forma de componer. Pero mi escritura y visión de las cosas también han cambiado con el tiempo. En nuestros comienzos estábamos más orientados al sonido rock o post-rock shoegaze, como puede verse en nuestro EP debut. En “Scream The Sound” dos miembros de la banda fueron reemplazados, así que la dinámica se modificó nuevamente, así como en “Aquarium”, donde la formación volvió a mutar. Ahora, en “Songs from Saturn” tenemos lo que espero sea nuestra encarnación final y la que lleve a TED a nuestro siguiente nivel de evolución sonora. Remezcla y reedición del álbum "The Scream

Sound", y la pregunta va dirigida más al punto sonoro. A su criterio, ¿qué mejoró ésta reedición? Estoy muy feliz con la nueva versión de “Scream The Sound”, tanto con la masterización como con la edición. Tratamos de modificar lo que creo eran imperfecciones de la versión de 2001, y creo que lo logramos. Acortamos algunos tracks que habían quedado demasiado largos y ahora ha quedado perfecto para mí. ¿Será que la raza humana se está quedando más sorda? Y lo digo por la diferencia en los volúmenes de la original y las remasterizaciones. ¡Buena pregunta! Es posible que aquellos re-masters hayan quedado un poco antiguos y puedan haber perdido volumen. He notado si, que se suben los niveles casi hasta el límite y eso, al compararlo con la música de hace algunos años hace que suene muy dispar. En la versión original de “The Scream Sound” había muchos menos graves de lo que me hubiera gustado, y el sonido de agudos hacía sangrar mis oídos en algunos estéreos. Por eso en la remasterización tratamos de emparejarlo ajustando los niveles bajos y medios, para suavizar y darle un sonido más natural. ¿Cómo fue este 2016 para The Emerald Down? ¡Ha sido genial! Hemos reformado la banda con músicos muy talentosos, relanzamos un álbum que creo la gente había olvidado (The Scream Sound”).

También lanzamos dos nuevos videos oficiales (“Perilized” y “Caught A Wave”) y hemos firmado con un nuevo sello para nuestro cuarto trabajo. Además nos hemos enterado de que tenemos muchos más fans de los que creíamos. ¡Bastante loco para haber estado escondidos por 13 años! ¿Nueva compañía, nuevos lanzamientos? Cuéntenos sobre ellos. ¡Sí! Nuestro nuevo sello para el siguiente álbum “Songs From Saturn” y su single será Wrong Way Records, con base en UK y manejado por el fabuloso Al Boyd. El disco será lanzado en el otoño de 2017. ¿Qué podemos esperar de la banda para el 2017, además de las publicaciones discográficas? Vamos a re-lanzar nuestro tercer álbum “Aquarium”, de 2002. Nuevamente será remasterizado y expandido con más arte de gráfica, además de ser lanzado en vinilo por primera vez. También estaremos lanzando por Wrong Way Records un nuevo single llamado “Lucas” y con el cual estamos extremadamente ansiosos y entusiasmados. Por otro lado, esperamos poder encontrar una manera de re-editar nuestro primer EP de 1996 Gracias por el tiempo dedicado a Revista The 13th. ¡¡Gracias a TI!! ¡¡Tienen una revista maravillosa!!

[ Entrevista a Spektro de Carmen por Benjamín York. ]

NOS LLEVAMOS BIEN ACARICIANDO LO OSCURO... En el número anterior reseñamos el álbum homónimo con el que debuta la banda de Buenos Aires, Carmen. En seguida pensamos en esta entrevista y luego de unas semanas llegamos a contactar a Spektro, quien amablemente nos ofreció su tiempo para contestarnos unas preguntas y dejarnos entrar en el mundo Carmen y conocerlos. ¿Cómo nace Carmen? Y ¿En qué momento de sus carreras? Carmen nace en el 2013, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. ¿Por qué el nombre de Carmen? Por la leyenda urbana de "La Llorona" María Del Carmen Monterriego... Sus carreras antes de Carmen es importante, pero ¿de qué manera esa experiencia ayuda a Carmen? No mucho porque literalmente pateamos el tablero, nos sumergimos en un estilo musical que no acostumbramos realizar.

Este 2016 han editado su homónimo álbum debut. ¿Qué nos pueden contar de este primer paso? Es un disco hecho con mucho cariño y dedicación, tardamos un tiempo en hacerlo para intentar mantener un sonido fiel de época (80’s). La portada es bastante Dark si se quiere. ¿Qué simbología o qué significado tienen las calas? La cala está irónicamente, asociado tanto con las bodas como con los funerales. También es el símbolo del renacimiento y la resurrección, por lo que es ampliamente utilizado en los arreglos para funerales y se plantan en los cementerios. Nos llevamos bien acariciando lo oscuro... ¿La versión de New Order es una declaración de principios? Jajajaja no, es un desafío que creemos aprobó con un 7. Fin de diciembre sacamos un EP de covers que está quedando muy lindo.

¿Nos podrían hacer un "Track by Track"? En este disco recurrimos al dark wave, post punk, tecno pop y new wave como bases de operaciones.

Latidos suena como un épico tecnopop. Princesa Nocturna suena a The Smiths y a la vez a Joy Division y a la vez a The Cure; pop, post punk y dark. Amanecer con extraños brilla en la oscuridad. Inmortal está en terrenos aún más oscuros pero nunca dejando de funcionar canción, para como en cada track. Antártico propone synth pop con guitarras rítmicas que se hacen notar, y precede a… Portal el lapsus del disco de unos minutos con algunos acordes y programaciones. Navidad Negra empieza con una versión distorsionada de la canción de Navidad y celebra con un tema

Cómo todo diciembre, es un mes de balances. ¿Cómo fue el año para Carmen? Yendo paso a paso, craneando un montón de cosas que tenemos en mente, como por ejemplo sacar el disco de covers a fines del 2016. ¿Qué le espera a la banda para el 2017? En Abril sacar el segundo LP, ya que tenemos muchas canciones nuevas que estamos grabando en

que se aproxima bastante al rock tradicional con un toque dark. Entre risas y gritos Su Ley se propone entrar definitivamente a la pista de baile con sonidos tecnopop y momentos post punk. Su Juego vuelve a las bases synth mezclado con rock pop. Triángulo de Amor Bizarro es el primer cover en castellano de este tema de New Order (banda a la cual recordará sonoramente en “Poltergeist”), con una letra bien adaptada y un sonido fiel al original, siendo su estribillo un momento que quedará pegado en la cabeza de quien lo escuche. Equivalente y Un adiós cierra lenta y densamente un debut a base de sonidos oscuros y bailables, pero más allá de los recursos siempre nos enfrentamos a canciones pegadizas de principio a fin.

Yuri Estudio, que es mi casa, una gira por Europa en la primavera del 2017 y tocar y dar lo mejor de nosotros... ¿Dónde se puede encontrar a Carmen en las redes sociales? Facebook: www.facebook.com/carmenoficial33 Bandcamp: www.carmenoficial.bandcamp.com Youtube: www.youtube.com/c/CarmenTV33

[ Entrevista a Javier de Rendo por Maxx Wilda ]

ME GUSTA QUE LA MÃ&#x161;SICA SEA COMO UN VIAJE

Estamos acá con Javier de Rendo, vamos a hacer una entrevista basada en su último disco, Transcurrir. Para empezar te voy a preguntar para los que no te conocen quiero que definas a Rendo con tus palabras. Para mí es un grupo de canciones electropop que tienen algo bastante sugerente y nocturno, en el concepto del sonido y en la temática de la lírica. Y además me parece que es una mezcla del costado electrónico y tecno, con una especie de melancolía y de un concepto de reminiscencias de los ochenta. Todo eso hace una idea de lo que es la música que hacemos. ¿Y ahora cómo forma Rendo? Ahora estamos tocando con Fidel Araujo, que es el guitarrista y hace coros; Nelson Collingwood que toca el bajo, que hace poco que entró; yo estoy siempre encargado de la voz, el sintetizador y las letras; y bueno tenemos algunos invitados que van rotando, uno de ellos es Marcelo Dice en guitarra, que el otro día tocó, Marcos D’ Ambrosio, que alguna vez tocó bajo, cuando no estaba Nelson y puede meter algunas guitarras, que le gustan las dos cosas. Marcos D'Ambrosio fue el bajista original de mi primer banda, Cópula. Y yendo para atrás en el tiempo, nombraste una banda anterior tuya... ¿Cuándo se gesta Rendo? Yo tuve una banda desde mediado de los 90's, desde 95 o 96 hasta mediados del 2007, ese grupo se llamó Cópula. Cópula tocó todos esos años sin parar por el circuito de los bares y de los espacios de Buenos Aires, y llegamos a tocar en todos lados, como así también en paradores de la playa. En un momento estuvimos muy cercanos a firmar con Sony y no sucedió por parte de nosotros sino que justo en ese momento, el que era presidente de Sony Music tuvo que hacer la fusión entre Sony y BMG, entonces de todos los artistas nuevos que estábamos por salir tuvieron la oportunidad de sacar el disco a uno sólo. Y sacaron el disco de Leticia Brediche solista. Un disco que no prosperó, porque ella no tocó, un disco que salió bastante bien producido. Yo con los años me reencontré que quien era el presidente de Sony en ese momento, Pepo Ferradas y charlamos de esto. En ese momento el grupo quedó un poco a la deriva, teníamos un disco listo y sabíamos qué

hacer, en ese momento Pepo llamó a Roberto Costa y sacamos unos simples PopArt, sacamos un simple de Cópula, eso nos significó poder tocar en dos ediciones del Pepsi Música y una del Quilmes Rock. En la banda éramos cinco y sonábamos pop, medio brit, con guitarras distorsionadas trabajadas con delays, en las frases y cuando llegabas al estribillo se despegaban, como en ese momento sonaban bandas como Pulp, Oasis, Suede, Blur... Obviamente en castellano, conmigo como cantante. Y después el LP de Cópula que iba a salir por Sony terminó saliendo mitad independiente y mitad por Ultrapop, es disco se llamó "Destino". Fue interesante por durante trece años tocamos en muchos lugares del país, y vivir momentos únicos como tocar en el Parador de Coca Cola en Mar del Plata, a las 17 horas, un 15 de enero y con la playa llena. Todas estas cosas nos dieron experiencia y recuerdos inolvidables. En el 2007, al seguir siendo independientes y tener que remarla y al haber coqueteado con una gran compañía, casi al borde de ser del mainstream, nos desgastó. Empezaron los problemas de los chicos para mantener sus trabajos y por ende el lugar de ensayo, nos pasaron cosas, entonces nos tomamos unas vacaciones, sin peleas de por medio, sin líos, sin rencillas entre nosotros. Un descanso. Y en ese descanso comencé a hacer canciones, en un Casio y en un Yamaha, desde el piano y la voz, sin secuencias. En un momento llegué a tener 15 temas. Venían amigos a visitarme y aprovechaba los momentos en que estábamos solos y se las mostraba. Y todos empezaban a decir que les gustaban y se tenía que venir mi disco solista. Se las mostré a Pablo Catania, que ahora es nuestro productor, que ahora tiene un estudio que se llama Ambasador Sonora. Se lo mostré y concordamos que yo empezara a armar las pistas electrónicas y después le íbamos a hacer una producción, de envolverlas, de enmascararlas, y de hacer un disco intimista de pop electrónico. Todo esto ya fue en el 2010. Cópula se había terminado en el 2007, un año de hastío, un año de composición, y un año para grabarlas. “Frivolidad” resultó ser el primer disco que lo grabé sólo. Y se lo mostré a Ultrapop y terminamos haciendo una producción mitad de ellos (que se encargaron de la distribución) y mitad independiente. Además Ultrapop tenía el bar Ultra, así que la presentación fue en ese bar.

Y ahí la formación era ¿vos y quién más? Yo tocando sintetizadores, cantando y además tenía en guitarra al que era el bajista de Cópula, Marcos D’Ambrosio. Y en algunos shows tuvimos un trompetista invitado que grabó en algunos temas de “Frivolidad”. Y empezamos a presentarlo en muchos lugares, y al mismo tiempo, el disco salió en el 2012, después de un año y medio de tocar, empecé a hacer las canciones de “Transcurrir”, que es el que acaba de salir. Y en el ínterin, cuando tocaba Marcos la guitarra, me encontré una noche en un show de una banda emblemática del under que se llama Telépatas, después de muchísimos años con Fidel Araujo, quien es el guitarrista actual. Y le dije a Fidel que venga a la sala de ensayo a zapar, e hicimos un show a dos guitarras, con Marcos y Fidel, y las secuencias y yo en la voz. Después Marcos fue papá y tuvo unas situaciones personales que lo hicieron alejarse. Entonces comencé a trabajar sólo con Fidel, ya hace tres años que estamos juntos, compusimos el disco, Fidel empezó a hacer los coros, descartamos varias canciones, el disco tiene ocho canciones, no es largo, pero teníamos compuestas doce. Pero decidimos sacar un disco de 45 minutos, que es una buena medida para los soportes digitales, para Spotify, para iTunes, para Apple Music, para bandcamp, porque yo noté que la gente le dedica menos tiempo a un artista, pica mucho. Tienen sentido los discos conceptuales, los discos largos, pero ya que una persona te dedique 40 minutos de su día en el mundo moderno ya es un montón. Nos pusimos a grabar en Ambasador Sonora “Transcurrir” después de dos años de tocar las canciones y probarlas en vivo… Ahí me diste el pie porque yo tenía para preguntarte ¿cómo era el proceso creativo del disco, de este o tu proceso creativo en general? O sea ¿parten de una idea en conjunto o ya las tenés y las plasmas? Tengo diferentes maneras de abordar la composición. Tengo por un lado un montón de textos escritos o cosas que se me ocurren escritas, que después se transforman en historias, nunca termino utilizando las cosas tal cual las escribo. La melodía sale de acordes y empiezo a probar lo que tengo escrito. Y eso te digo, de haber escuchado, que son cancio-

nes tienen estructuras de canción, y eso se nota que te cuentan algo… Claro porque tienen frases, tienen puentes, a los estribillos, a veces, los doblo, estoy también cambiando mi composición, estoy armando como dos estribillos, le hago como una segunda parte al estribillo, lo complejizo un poco de acorde pero nada más para que la canción tengo otra vuelta… Pero me ha tocado alguna vez que no he tocado ni una palabra, pero muy pocas veces, generalmente, como dice Melero (Daniel) es ensayo y error, y del error se sacan cosas geniales, yo, en general, tacho más de lo que tengo que agregar, siempre elimino. Eso se nota en lo que vos contás como canción, que hay una estructura fuerte lírica detrás de eso. Diferente de otros artistas que arman una composición musical y después van encajando como Tetris algunas palabras… y ahí se pierde un poco el estilo de la historia…porque no hay una historia pensada previamente. Yo trato de contarte una historia o de dejarte toda una situación de sensaciones. Me gusta que la música sea como un viaje. Por eso yo cuando publicamos nuestros eventos pongo “los invitamos a nuestro viaje electro pop” o “a nuestro atemporal viaje electro pop”, porque yo lo considero así, si tenés la sensibilidad o si te interesa o tenés la capacidad podés entrar en ese viaje con nosotros que estamos tocando. Volviendo al disco, hablamos un poco de la composición, y ahora cuando lo plasman operativamente, ¿cómo es el proceso de grabación, la ingeniería del disco? Primero son las pistas básicas que van a Ambasador Sonora y con Pablo Catania producimos bien las pistas. Ahí es cuando necesitas un productor, porque uno no es un hombre orquesta, imagínate que si yo canto, escribo la letra, armo la canción y toco los teclados, y necesito dos orejas grosas que se tomen el trabajo de armar profesionalmente bien lo que básicamente generé yo. Pero la canción no se modifica mucho, entra tal cual está. Pero la máscara electrónica se trabaja bien profesionalmente, entonces se le pone un secuenciador, se le busca un pista adecuada, se arman detalles. Luego viene la gama de grabación de los músicos tocando, el disco tiene ba-

jos que están tocados, guitarras que están tocadas por Fidel, hay guitarristas invitados, dos cantantes invitadas, tiene a María Armanini, que es una cantante lírica, trabaja en el Teatro Colón, grabó unas voces en “Transcurrir” y luego hay una artista plástica que se llama Eva Shin, que es la voz femenina de “Deseo” y la voz de un epílogo musical que tiene el disco. También tuvimos de invitado a Lemocello, que es el cantante de una banda de cumbia electrónica que se llama Dead Menems, que grabó unas voces en el “Epílogo”. A mí lo que me sorprendió, incluso desde el nombre del disco, es que todos los títulos de las canciones son una sola palabra. Todo eso engloba algo, y si uno las mira y las escucha está conectado… Si, tienen que ver con estados de la mente. Llegué a eso por el Futurismo, como movimiento artístico, viene después del Cubismo. Los Futuristas eran italianos y habían ido a Paris y habían estado en el taller de Picasso, de Braque, de Matisse, de todos ellos. Entonces habían mamado mucho del Cubismo, pero empezaron con un movimiento que fue un poco diferente, empezaron a hacer las esculturas y los cuadros con movimiento, porque vino la época de la Industrialización del Mundo, entonces empezaron las locomotoras a vapor y todas esas cosas. Esa cosa tan industrial te llevaba al futuro. Ellos hicieron un manifiesto futurista, y el primer tríptico del arte es una obra de Boccioni (Umberto) que se llama “Los Estados de la Mente”, el cuadro central es una locomotora en una estación, con el número que tenían las locomotoras a vapor, y toda la gente en la estación, pero de manera cubista, no impresionista. El tríptico se llama “los que se van, los que se quedan y las despedidas”, los tres forman un concepto que se llama “Los Estados de la Mente”. Siempre me interesó el comienzo del Futurismo, aunque dicen que después el Fascismo utilizó el manifiesto futurista como punto de hincapié para iniciar un proceso. New Order en la tapa de los discos usa el manifiesto futurista. Entonces empecé a pensar en los estados de la mente y que cada uno de nosotros tiene diferentes estados de la mente, vos tener los tuyos pero yo nunca sentir los tuyos sino sentir los míos, pero puedo comprenderlos. Transcurrir es un estado de la mente, físico también, transcurrimos.

Pero de la mente también porque si lo hacemos un poco más conceptual, transcurrimos un momento determinado transcurrimos un momento determinado del tiempo, en siglo XXI, en una época globalizada, todo digitalizado, un transcurrir lleno de una gran incertidumbre, porque no sabemos el mundo cuanto va a dura, a donde va a ir a parar, nos podemos imaginar un mañana pero no podemos asegurar que lleguemos a ese mañana que imaginamos, varias cosas, entonces Transcurrir. Inclusive hemos visto imágenes del mañana, y estamos en ese “mañana” y no son así…eso suma una incertidumbre… Claro, después otro estado de la mente puede ser el hastío, de haber tenido todo, el hastío después de la banalidad, después del desenfreno, “Hastío” es una canción que refleja ese estado de la mente. Otro estado de la mente es la “Irrealidad”, un estado en que no sabes dónde estás, si es verdad si es mentira, si es real o no, el espejismo de estar viviendo en un estado que no es ese concretamente. Otro estado de la mente es el “Desasosiego”, el desasosiego es la tristeza, la melancolía, la orfandad, “estamos en una carretera que no lleva a ningún lado, sólo estamos en ella… por ella” sin certezas, es un poco más de lo mismo. Después el “Deseo”, motor fundamental en los estados de la mente, el deseo físico, el deseo humano, el deseo animal, el instinto; lo que nos motiva a seguir. “Gravitar” es un estado de la mente, el tiempo gravita sobre mí, el tiempo como esa cosa que todos los seres humanos, sin excepción, perdemos; nosotros estamos perdiendo un tiempo precioso juntos y lo estamos disfrutando, mañana ya no tenemos este tiempo, tenemos uno nuevo y éste ya no volverá., nos quedan en el recuerdo, nos queda en los instantes que no tienen explicación. Entonces el tiempo gravita sobre nosotros y nosotros es lo único que siempre perdemos. Por eso somos tan finitos, porque el tiempo pasa y gravita sobre nosotros. Y después hice un juego medio peligroso sobre un estado de la mente que se llama “Cámaras” (risas). Y el estado de cámaras, es un estado como la fiel representación de estos tiempos, las cámaras ya está en todos lados, entonces hicimos un juego un poco surrealista en decir, cámaras en el subterráneo, en las autopistas, en el aeropuerto, en las esquinas, en

las oficinas, en el espejo de tu baño. Cámaras en las discotecas, en los estadios, en las tiendas de modas, cámaras en tu armario. Cámaras dentro de tu cuerpo, cámaras al borde del tiempo. Cámaras en todo momento, cámaras en el cementerio. Ese juego de cámaras tiene el trasfondo de que todos estamos bajo control. Y que a través de las redes sociales, estamos todos hasta las manos porque estamos todos en carne viva para un grupo de personas, que algunos llamará Iluminatis otros lo llamarán de otra manera, que son los que manejan el poder real del mundo, que encontraron en lo tecnológico la manera en que todos nosotros estemos bajo un ojo que todo lo ve. Y a todos eso nos encanta, por eso “Cámaras” dice: “El baile inconsciente en la red social, voyeur digital” porque todos somos voyeur digitales, Yo entro al muro de Maxx, miro su vida, escucho la música de Maxx, y sé un montón de cosas que Maxx no sabe que yo sé. Pero que por ahí, inconscientemente Maxx las puso ahí – las entrega – es el doble filo, te lo iba a decir cuando empezaste a hablar de esto de observar y ser observado, todos tenemos esa dualidad… vos podés decir “No yo quiero que sepan de mi vida”, pero lo estás poniendo. Yo creo que es inherente al ser hu-

mano. Lo visual de buscar y la sensación de ser observado. Y como artistas entendemos eso también, que nos observen, que nos vean, yo creo que es algo de la modernidad haber entendido eso… Y a mí me parece que en ese sentido “Transcurrir” es un disco muy de ahora, y me parece que cuando pase el tiempo, va a ser uno de los discos de pop argentino que retrató una época determinada, sonoramente y conceptualmente. Trato de hacer discos conceptuales, “Frivolidad” lo fue, pero fue un disco más intimista. Cuando yo te pedí que definieras a Rendo, esas primeras palabras, dijiste “oscuro”, retratando algo musical, y es eso. Está la nocturnidad, la oscuridad pero no como el sentido “Goth”, todo lo contrario, porque mueve muchísimo. Tiene mucha energía para los que somos medios búhos, y vemos que la noche nos activa. Por eso está buena la definición, pero esa definición no condiciona la escucha del disco. Porque cuando vos decís, oscuro, nocturnidad, uno ve los títulos y puede decir, es algo melancólico, pero hay alegría en los temas. Se nota que las canciones cuentan algo y no cuentan algo tedioso. Hay como una lucecita al final. El amor que siempre está y es inexplicable, la vida, el hecho de estar

viviendo, el deseo. Es un disco luminoso. Está bueno desmitificar que lo melancólico o lo que no tiene estéticamente luminoso, tiene luminosidad abajo. Yo creo que es algo que lo demostrás, y ¿sabes cuándo lo haces?, en el vivo, porque se nota cómo lo transmitís, ese sentir de las canciones, porque vos lo que dijiste con la definición de Rendo, “conjunto de canciones”, ese rasgo es buenísimo. Otros podrían haber dicho, bueno somos músicos… Vos pusiste adelante otra cosa, y sin ser un psicólogo… Trabajar en función de la canción. Tu obra está delante de vos mismo… La verdad es que me bajé el ego hace mucho tiempo. Me parece que somos todos muy finitos. ¿Viste que hay una cámara que te saca desde el pasto (desde la tierra) y que te lleva al multiverso? No somos nada. Entonces estamos acá con nuestros rollos, nuestras competencias, con nuestras problemas, con nuestros egos, nuestra lucha de capitalistas, pero somos muy insignificantes. Pero convivimos acá, entonces el arte ayuda a sobrellevar todo esto. Además que puede ayudar a la gente a pensar, lástima que el mercado se haya reducido tanto, y que cueste la enormidad que cuesta tener difusión. No es un estilo de música que todo el mundo disfrute desde la difusión o que todo el mundo escuche. Y esto tiene que ver con algo que hablábamos, inclusive, fuera de la nota, tiene que ver con algo generacional. ¿Vos cómo lo ves, continuará así, o se romperá? Yo creo que el mundo de la música pasó por un momento agónico y que ahora, lo que no se pudo detener es la gente que continuó haciéndolo, que cada vez hay más. Entonces vos decís, ¿cómo puede ser que haya tantas bandas, tantos músicos nuevos, y tantos chicos que tengan ganas de hacer cosas, en diferentes estilos, si el mercado no existe? Si el noventa por ciento de lo que hacemos música tenemos que vivir de otra cosa. ¿Porque you tube está lleno de videos si el mercado no te lo retribuye? Será porque la música está en el cuerpo y es una necesidad espiritual, entonces la gente no piensa mucho y lo saca, lo cual es un hecho maravillosos, casi milagroso. Después están todos los soportes digitales para que tu música se pueda escuchar en Japón. ¿Cómo gana un

artista? Y bueno habrá que ver ahora como se reestructura el negocio como para que desde las bajadas o las publicidades en you tube y demás, eso genere algún tipo de ganancias. Los discos físicos, por más que hablamos que es un gran placer tenerlos, y que para hacer una carrera musical los tenés que tener, es como tener el souvenir, digamos que ya no tiene sentido, ya que lo que se distribuye en disquerías es una porción muy mínima, no sé cuántos distribuyó Ultrapop pero la verdad es que no creo que sean muchos, porque fabricamos 700, esa cantidad en un país de 47 millones de argentinos, es muy chiquito. Después te puedo decir otra cosa que no es menor, que los artistas pop de los años ochenta, eran todos tipos que coqueteaban en el mainstream y que eran grosos desde ahí. Charly García en su etapa pop, Spinetta en su etapa pop, Federico Moura, Gustavo Cerati, Fricción, Los Twist, Los Helicópteros, Los Encargados de Melero, el mismo Daniel después, que forman parte del mainstream, Babasónicos que no lo era y ahora lo es. Pero yo te puedo nombrar diez artistas re grosos del pop de acá, que no son populares; por ejemplo: empiezo por el más popular de todos, Leo García, es medio under también; “Iguana Lovers” de mi amigo Ariel Soriano; “Peligrosos Gorriones” de Francisco Bochatón; Rudie Martínez ex “Adicta”; Nacho Marciano de “Ahora”; Ariel Minimal con “Pez”; Juan Marioni que fue guitarrista de Avant Press; Sebastián Rubin que era el cantante de “Grand Prix”; Cristian Peyon, que fue el dueño del “Dorado” y cantante de “Amor Indio”; entonces vos tenés un montón de gente talentosa, que hace canciones, que están en un camino marginal o alternativo. Entonces las figuras del pop contemporáneo no son las figuras de antes, porque cambió totalmente el sistema, entonces toda gente nueva que hace cosas queda sometida a ese juego, que es el de no ganar guita, que poca gente escuche tu música. Yo creo que revolución o la rebelión debería venir desde un sello grande. Viste que las revoluciones dicen que las hacen los pueblos pero las hacen los intelectuales, después el pueblo lo siguen. Yo creo que alguna vez un sello grande debería romper con el sistema, decir, “Bueno me armé una batea con veinte artistas argentinos nuevos del pop y del rock”. Y eso es lo que salgo a vender, no vendo otra cosa, no vendo Charly García, no vendo Juanse, no ven-

do más mainstream vendo esto, llevo esto a México, llevo esto a Chile. Yo creo también en la autogestión, pero siempre es chiquito. La olita, cuando la ola es chica tiene poco impacto eso es verdad… pero bueno esperemos que eso continúe… Yo creo que pasamos por cosas muy interesantes, ¿qué te gustaría decir tuyo para cerrar? A la Revista, a los lectores. Primero voy a decir algo que voy a hacer, el 29 de diciembre, ya muy fin de año, voy a estar haciendo una cosa personal, muy linda, Sebastián Carreras, de Entre Rios, que es otro grupo espectacular, me invitó a hacer unas noches de piano y voz, algo muy intimista, va a estar tocando el piano Fernando Monteleone, que es el maestro pianista y es el actual tecladista de Virus. Algo muy íntimo para un

chin chin… Y el año que viene Rendo tocará en vivo… Si, como me dicen en el sello Ultrapop, el disco es un punto de partida. Así que si a tocar en vivo y empezar a componer un disco nuevo. Y tengo la idea de ir subiendo a Spotify, iTunes, y demás, algunas canciones sueltas, algunos singles. No sé a mitad de año subir dos y empezar a mostrar lo nuevo. Con respecto a algo que decir para cerrar la entrevista, no tengo mucho que decir salvo lo que digo en las canciones, Y no me siento capacitado para dar un mensaje de vida a otros, lo único que sé es que nosotros amamos la música, creo que me quedaría con la frase de “Transcurrir” que dice: “es el tiempo de vivir, el único, apresúrate para amar”.

[ Entrevista a Mauricio Lozano por Bernardo Jiménez Mesa. Fotografías: Ishtar Astarté ]

EXPLORAR ES APRENDER Y EXPLORAR ES ESTUDIAR Y ESTUDIAR ES CRECER...

Para la Revista The 13th es un honor tener a uno de los cantantes y músicos más representativos de su generación en Colombia. Damos así la bienvenida a Mauricio Lozano a las páginas de esta revista. Encontrándonos ad-portas del lanzamiento de tu nuevo trabajo solista, y al tu ser siempre recordado como el cantante de Morfonia, nos intriga saber ¿si, en la época en la que tocabas con esta banda, ya trabajas en éste, tu proyecto solista? Sí, siempre estaba escribiendo y haciendo canciones, pero todo estaba guardado, hasta que en el 2009 hice “Canciones Cortas de la Llave”. ¿Tu primer trabajo solista, verdad? Si fue un trabajo muy lindo, muy bien hecho… La caratula, el video… todo… Fue producido por Mauricio Pantoja; y grabaron en él músicos relevantes de la escena local como Juan Pablo Rentería y Diego Gracia (entre otros) En todo lo que has hecho en tu carrera, siempre te has sabido rodear de músicos idóneos. Creo que tienes, a tu favor, el hecho de ser un músico muy reconocido en Colombia, con quien otros músicos anhelaban trabajar… Sí, es una fortuna y un privilegio, no sólo poder llamarlos, sino que ellos quieran hacer parte… Ya que estamos hablando del pasado ¿Por qué no vamos aún más atrás? ¿Cómo llega Mauricio Lozano a la música?, ¿Cómo te inicias en la misma y en qué momento decides que este es tu camino y el lugar desde el cual vas a contemplar la vida? La música siempre estuvo ahí, desde que yo era muy pequeño… siempre… Era una manera de conectarme con mi familia, especialmente con mi padre, él era cantante de música clásica, ópera, zarzuela…

era increíble. Todo esto me llamaba mucho la atención y me conectaba todo el tiempo. Yo le pedía: ¡Cántame, por favor! ¡Cántame! ¿Eras tu quien le pedía a él?, o él quien te llevaba a ese lugar… Era yo quien le pedía. Siempre le pedía que me cantara. Yo le decía no sólo que quería escucharlo, sino aprender. Él siempre me decía “observa”, “mira”… Y entre estas canciones que cantaba tu padre, y la música que se escuchaba en tu casa ¿Qué recuerdas en particular? Canciones que quisieras cantar, tal vez… Había mucha música que me llamaba la atención. Sentía una particular conexión con la música ranchera, los boleros y música tradicional. De hecho comencé a interpretar estas canciones, siendo aún niño, sin saber que esto sería lo que haría en mi vida: tocar, cantar, escribir canciones… ¿Pensabas entonces, desde niño, en convertirte en músico? Claro, me visualizaba siempre como músico. Desde los 7 años me imaginaba en un escenario, tocando... algo que se cristalizaría a los 14, cuando mi primera banda (Obra Negra) aparece en un documental donde aparecía también Marlohabil, 1280 almas y La Etnia. Documentales que hablaban de la música y su relación con la juventud de aquel entonces. ¿Cuál fue tu primera aparición grabación? Una grabación en vivo de Morfonia, en el Auditorio La Calleja (lugar donde pasaron todas las bandas bogotanas de entonces -segunda mitad de los 90s-)

¿Había sido él formado en el canto lírico? Sí, en el canto lírico, pero también le gustaba la música de trio, los boleros y toda esa música… hermosísima…La música de Los Tres Ases…

Mauricio, ya que hemos viajado en el tiempo, hasta la infancia, escudriñando las raíces de la música, como tu vocación y elección de vida, la siguiente pregunta sería: ¿Qué es la música para ti? Es el mejor estado interno y externo que puedo yo proyectar. Es lo que siempre quise decir, lo que siempre quise hacer, lo que siempre quise crear.

Los arreglos de aquella música. Los guitarristas… Música increíble. Y había en mí una necesidad de ver a mi padre tocar la guitarra cantar al tiempo… Él

Y hoy, después de los años, después de todos tus logros... ¿Qué piensas de este camino? ¿Ha sido satisfactorio? ¿Ha sido muy luchado?

Muy luchado, súper difícil...Más en un país tercermundista... Cuando hablamos con los más jóvenes, aquellos que tienen sueños con la música, lo que uno más quisiera es apoyarlos y darles impulso, pues creemos que es una gran opción de vida; pero, al mismo tiempo es bueno poner los pies en la tierra para saber a qué te vas a enfrentar y cómo. Sí, no es desconocido para nadie que el camino del arte, en cualquier expresión, va a ser siempre complicado, muy luchado, nada fácil... ¿Qué crees que ha sido lo más difícil? Poder llegar a la gente. Por la cantidad de filtros, de pasos... La cantidad de escaleras que hay que derrumbar de alguna manera...

continué haciéndolo, pero de manera independiente, abriendo mi página de Vocal Coach en Facebook, que funciona muy bien (mauvocalcoach). ¿De qué manera crees que esa experiencia como profesor ha influenciado tu trabajo? ¿Qué es lo más interesante de enseñar canto? Que he crecido un montón. He aprendido de cada voz que llega a mis manos. No he extraído nada, soy muy cuidadoso con eso. Más bien lo que he tratado es que ellos se encuentren a sí mismos como artistas, como cantantes, como seres individuales. Encontrar el timbre. Dejarles claro que a partir de la música lírica y la técnica del canto lírico se puede adquirir una buena rutina, sin olvidar que primero hablamos antes de cantar....Uno canta como habla.

Ahora que tenemos tantas herramientas (internet, las redes sociales, etc.) y tantas maneras de llegar fácilmente a la gente, cuando dices que es difícil llegar a la gente, ¿te refieres a algo formal (formatos/ medios) o a algo más cultural? Me refiero a algo más protocolario. ¿Cómo llego yo a estar en un conteo? Ese tipo de cosas. Son procesos demorados, largos...

Bueno, te encuentras en este momento lanzando tu segundo álbum solista... En verdad es el tercero, porque en algún momento hice un disco de música de los 60s, que fue producido por Bicho (Alfredo Vargas) y por culpa de aquel álbum fui odiado en la escena local... -cosa que me encanta- (risas). Ese disco abrió la primera intención de hacer un álbum solo. Esto fue en el 2000. Me encantó hacer este álbum y lo que género el mismo,

¿Y es importante? (llegar a un conteo) ¿Hace alguna diferencia? Si claro, puede hacer una gran diferencia. La difusión y ejecución representa para los músicos trabajo. Es una manera en la que los músicos reciben de vuelta todo lo que se tiene que invertir para lograr una grabación: tiempo, dinero, producción, creación...

Pero a la par de esto, seguías trabajando con Morfonia A la par seguía Morfonia. Nos apartamos un rato mientras que yo hacía promoción de este disco. Hice promoción en todo el país y fue mucho trabajo. Fue una delicia poder hacer un disco con una promoción completamente programada y una rutina. Una experiencia buenísima, que tuvo dos caras (la crítica y la buena recepción). Fue abrir otro mundo...

Fuera de micrófonos mencionabas que llevas también enseñando canto más de 15 años... Nunca pensé que sería profesor de canto. Pensaba en ser artista, nada más, pero se dio, poco a poco, que yo transmitía lo que sabía, al principio sólo a los amigos (cantantes de la escena local) a quienes ayudaba a entender su propia voz, a descubrirla, hasta que me preguntaron, de lo que hoy en día es IDARTES (instituto distrital de las artes), si yo estaría interesado en enseñar. Así llegué a enseñar durante tres años en la academia Luis A. Calvo, del distrito. Después

Claro, venías de Morfonía, y seguro fue un rompimiento. ¿Cuál fue el siguiente paso en tu carrera? El siguiente paso fue seguir haciendo música. Empecé a hacer jazz con una banda que se llamaba Zoé, hasta el año 2005 o 2006. A la par hice una banda que se llamaba Cruz (de la cual no quedo ningún registro profesional). Siguieron otros proyectos, música árabe y otros. Es importante resaltar que no solamente esta Morfonia y tu faceta solista, sino que has transitado

la música de muchas otras maneras Sí, me encanta poder convertir la música en muchas formas. Explorar. Explorar es aprender y explorar es estudiar y estudiar es crecer... Y por eso no has tenido miedo de, muy a pesar de las consecuencias, sacudir tu música... Claro, me encanta esa sensación de y ¿esto qué? (risas)... Este personaje ¿Qué quiere decir realmente?... Y yo, lo que siempre he querido decir es que hay que estar abierto a todo, a todas las posibilidades. Hacer desde música folklórica a música carrilera hasta bolero, etc... No sólo entonces no tienes problema ni prejuicio con abrazar muchos géneros distintos, sino que te interesa y lo quieres procurar...Hablando del nuevo álbum, ¿lo anteriormente mencionado sucede? ¿Qué pasa ahí musicalmente? Es bien bonito esto porque Transfigurado nació un disco de composiciones de guitarra clásica y voz. Era la forma en que yo componía estas canciones más fácilmente. ¿Es ésta la manera en que compones usualmente? Sí, inclusive desde Historia, que lo hice en el 2009 para Canciones Cortas de la Llave... ¿Este es el álbum que está en medio de los dos? Sí, en medio de Sheriff y de Mauricio Lozano...y ahora Mau y los Desintegrantes. Y este pequeño álbum que es un EP de tres canciones: esta Aleph, que es una canción que habla sobre el libro de Borges y una situación personal, amorosa, muy fuerte, que conecté con el Aleph. Hay otra canción que hice con un amigo que se llama Jordan Castro; es un rock vintage a lo Etta James; muy alto, una tesitura altísima, dificilísimo de interpretar; e Historia, que tiene un video, realizado por un gran cineasta y amigo -Uno Castillo-; su hermano Daniel Castillo en la asistencia, al igual que Ana María Porras y Abril Castillo; toda una familia, haciendo de esta canción un lindo proyecto. Ahora que hablamos de la familia (de sangre y es-

piritual), creo importante resaltar que ha sido esa familia la que ha hecho también que tu carrera sea tan ecléctica, porque conoces mucha gente, muchos artistas de todas las disciplinas, a raíz de tu trabajo con Morfonia y demás proyectos. ¿En este nuevo álbum quiénes participan y que tan ecléctico esta (el álbum)? Sí, es un álbum que arranca de lo más acústico -guitarra/voz-, algo que se mantiene durante casi todo el álbum, hay muchos tracks de guitarra y voz porque así lo pensé en el camino de la pre-producción a la producción: un disco electro-acústico y vocal. Entonces esas canciones pueden sonar aquí, solo, a capellla, o con guitarra o con toda una banda. ¿Lo pensaste así para que pudiera ser re-interpretado en diferentes formatos? Sí, creo que cuando la música tienes esas posibilidades, no tiene límites. Claro, cuando uno está tan restringido a un formato o género, se pierden, inevitablemente, muchas posibilidades, experiencias, muchos lugares, muchos públicos. Tu música es muy maleable y adaptable, por lo que nos cuentas... Sí, se puede tocar y mostrar fácilmente. De hecho ahora estoy tocando solo. Los desintegrantes no existen... ¿Se desintegraron? ¡Se desintegraron! (risas) ¿Es esa la razón para llamar el álbum así? Poco a poco el tiempo me fue mostrando que necesitaba estar solo para hacer este disco. Y que el hecho de tener músicos al lado, no era lo más relevante para poder componer. Uno puede proponer desde la forma intima. Esto también te permite, supongo, tener formaciones distintas en cada tema, si así lo crees necesario. Que es como tener toda la paleta de colores y elegir en cada cuadro cuales usar... De hecho yo arranque a producir este disco, con

dos tracks: Transfigurando y Pulsar, esta última de Gustavo Cerati. ¿Era un tipo de tributo? Sí claro, era una forma decir que me importa y me interesa toda su música, y toda su vida. A nivel latinoamericano, e inclusive mundial, Cerati es muy importante; y muy importante para mi vida, para mi corazón, para mi alma...Lo amo, me encanta... Mauricio, ¿cuéntanos un poco cuando comenzó el proceso del álbum y cuánto uro el proceso de grabación? Fue un proceso súper largo. Comenzó en el 2011 y terminó en el 2015. Al estar independiente no tenía presión e una discográfica. Podía hacer todo a mi ritmo y como estaba saliendo de Morfonia tenía todo el tiempo. Todo esto requiere un gran esfuerzo y tiempo... Sí, así es, pero lo lindo es cuando aparece gente como esta, como Mauricio Pantoja, quien comenzó conmigo a trabajar conmigo en Pulsar y otro tema que después cambié completamente y empecé a trabajar ya definitivamente con Diego Gracia, que es el productor y co-productor y le hice un cambio radical... Estas primeras grabaciones que no formaron finalmente parte del álbum, ¿podrían aparecer más adelante como ¨lados B¨? Sí, claro, los tengo y...como dice al última canción ¨escuchar el lado B de la vida¨... ¿Cuál es el lado B de la vida? El lado B de la vida es lo que no queremos escuchar del otro... A veces solo queremos escuchar solo el lado A. ¿Hay un lado que queremos de los demás y un lado que nos cuesta? Hay un lado que nos cuesta entender... de todos... Es una situación de verdad y falsedad. Cuando digo ¨escuchar el lado B de la vida¨ es encontrar que yo también tengo una verdad, y que ese lado B y esa forma

de ver la vida y esa otra verdad que yo tengo es el otro argumento; que no está solamente el argumento del otro, sino que también está el mío, que también es bueno escucharlo. ¿Qué inspiró este nuevo álbum? A mí me influencio muchísimo la palabra Transfiguración, y es una palabra totalmente Católica, pero yo definitivamente no estoy conectado con ninguna religión; no tiene relación alguna. A mi sencillamente me llamó la atención. Me gusta por lo que encierra: transformación, mutación; y siento que la luz es un conector, un conductor de esa transformación. ¿La transfiguración es la transformación, el cambio, pero también el viaje, verdad? Sí, implica un viaje. Implica una separación de lo terrenal. Implica una elevación de la mente, una meditación profunda, una exploración de lo interno. ¿Crees que en el punto de la vida en el que te encuentras, tanto en lo personal como en lo profesional, es un punto de interiorización? Totalmente. De visualización, de observación, de encontrarse aún más; de poder transmitir, porque esto hay que transmitirlo, dárselo a la gente. Como lo dice "a destiempo de mi tiempo", que es otra canción el disco: uno está a destiempo del cuento de la vida del mundo. Para terminar esta entrevista quisiéramos saber quiénes intervinieron en la realización de Transfigurando, tu nuevo álbum. Primero mencionar al co-productor de todo el álbum; también bajista, guitarrista y teclista, multi-instrumentista: Diego Gracia. Santiago Roa, bajista en Pulsar. Juan Pablo Renteria, un pianista importantísimo de Colombia y a Mauricio Pantoja. Mauricio, ¿algo que quisieras añadir para despedirnos? Les mando un fuerte abrazo y toda la luz, toda la energía, toda mi música. Gracias por la entrevista.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: “LA GENESIS DEL CAMBIO”

A 40 AÑOS DE WIND & WUTHERING

la popularidad de la banda en USA, logrando con el sencillo escrito por Rutherford “Your Own Special Way” su primera incur-

Era habitual en otras épocas de la historia u otras dimensio-

sión en el Top 100 singles de Billboard.

nes astrales, que grandes bandas del rock sacaran más de un disco de estudio por año y no se guardaran nada en el tintero.

La pieza que abre el álbum es “Eleventh Earl Of Mar” que ori-

Uno de estos casos es el de Genesis en 1976, que en ese mismo

ginalmente llevaba el título puesto por Hackett “The House Of

año editaría dos obras maestras para las cuales todos los fans de

The Four Winds”, y fue uno de los pilares que dio nombre al

distintas épocas solo tienen palabras de elogio: “A Trick Of The

disco: “Wind”. Mientras “Wuthering” hace alusión a “Wuthe-

Tail”, editado en febrero, y nuestro referente de hoy “Wind &

ring Heights”, la obra de Emily Bronté, que da nombre a los

Wuthering”, editado en diciembre.

temas 7 y 8 del disco: “Unquiet Slumbers for the Sleepers...” e “...In That Quiet Earth”, dos temas instrumentales ligados. No

La importancia que revistió aquel año en el caso de Genesis

serían, como es de preveer, las únicas referencias literarias tan

tiene que ver con que se trató del fin de una era, o tal vez mejor

habituales en Genesis: “The sun had been up for a couple of

definido, el comienzo de una nueva. Alguien podría cuestionar

hours, covered the ground with a layer of gold” es tanto la línea

a que se debe esta afirmación, ya que Peter Gabriel ya había

de apertura del disco como de la novela de D.K.Broster “The

abandonado la formación el 15 de agosto de 1975. Había sido

Flight Of The Heron”, en una canción inspirada en la rebelión

su última participación en el sexto álbum de estudio de la ban-

Jacobita de 1715.

da, “The Lamb Lies Down On Broadway”, punto que muchos

El más excepcional exponente progresivo aquí es “One For

consideran el pico experimental de Genesis que perdería con la

The Vine”, una obra largamente trabajada por Banks que no

partida de su cantante, la pólvora generadora de nuevas expe-

pudo entrar en “A Trick Of The Tail” por considerar su autor

riencias nunca antes vividas. Y es cierto que “The Lamb” fue un

que la misma aún no estaba lista. Trata sobre un hombre que

disco extraordinario, sorprendente y encima doble. Así como

abandona su comunidad por descreer de su líder espiritual, para

también es cierto que la extravagante personalidad de Gabriel

convertirse él mismo en líder espiritual de otro grupo, del cuál

y su altura como compositor, cantante y front man, implicaba

surgirá un disidente que a su vez descreerá del nuevo líder y así

para Genesis una pérdida irrecuperable y que lo que sucediera

reiniciará el círculo. También es destacable “All In A Mousse´s

de allí en más tendría que ver exclusivamente con el aporte que

Night” en el sentido que Collins juega, así como supo hacerlo

pudieran hacer los miembros restantes y no con el éxito en re-

Gabriel en otras épocas, con los cambios vocales para repre-

emplazar lo irremplazable.

sentar a los distintos personajes de la fábula infantil que relata. El álbum cuenta con una variedad de partes y estilos que lo

La recuperación tras la partida de Gabriel fue sorprendente:

hacen distinto a otros. Por ejemplo, hay una introducción al jazz

con “A Trick Of The Tail”, la banda rankeó por primera vez en

fusión en la composición de Collins y Banks “Wot Gorilla?”, o

países donde nunca lo había hecho antes como Holanda, Sue-

una mayor aproximación al mainstream norteamericano de la

cia o Suiza, y en Inglaterra llegaría al N° 3, igualando la perfor-

época con “Your Own Special Way”. Es destacable la diferencia

mance del que hasta entonces había sido su álbum más exitoso,

entre los dos lados del disco, siendo “Wuthering” la parte más

“Selling England By The Pound”. Motivados por esto y por el

oscura e introvertida y que contiene una pieza de la calidad y ex-

hecho de que sus integrantes pasaban por un pico creativo, Ge-

celencia de “Blood On The Rooftops”, por algunos considerada

nesis volvió a estudios rápidamente.

la mejor composición que ha hecho Hackett en colaboración

Grabado en Holanda entre septiembre y octubre de 1976,

con Collins (con una letra que no pierde vigencia sobre la repe-

“Wind & Wuthering” fue editado el 17 de diciembre de ese año

titividad de las noticias en TV y como las mismas nos saturan),

en UK. Fue un disco que nuevamente obtuvo buena acogida por

y que empalma con los mencionados instrumentales inspira-

parte de la crítica especializada y que tuvo éxito en incrementar

dos en la obra de Bronté. Para así llegar a un cierre magnifico

con “Afterglow”, uno de los clásicos más representativos que

La eterna rivalidad de los fans de Gabriel versus los fans de

acompañó al grupo como ícono en posteriores giras durante la

Collins nunca tendrá fin. Y no es que haya semejante rivalidad

siguiente década.

entre los miembros de Genesis, pero el choque de egos fue inevitable, dado que el Genesis de Collins lograría el éxito comer-

Lamentablemente reside en una nueva privación la razón por

cial que en su momento no había logrado el Genesis de Gabriel,

la que, luego de este álbum, nacería espontáneamente un nuevo

especialmente en los EEUU. Con el formato de álbum más pro-

Genesis. Y es que sería ésta la última vez que la guitarra de Steve

pio de los 80´s y el lanzamiento de singles muy aptos para la di-

Hackett sonaría como miembro oficial de la banda. Suele decir-

fusión radial, el Genesis de Collins logró reiterados top ten hits

se que la fricción que surgió durante la grabación de “Wind &

de costa a costa, y el éxito de los discos solistas de Collins poten-

Wuthering” tuvo que ver con el descarte de material compues-

ció la difusión de Genesis a millones de oyentes, sin desmerecer

to por Hackett, a favor de la inclusión de ideas de Tony Banks.

el aporte que debemos atribuir a Mike Rutherford con su banda

Si bien Steve Hackett participó en la gira completa del álbum,

paralela Mike & The Mechanics.

anunció su partida el 8 de octubre de 1977, y para cuando fue editado el segundo disco en vivo de Genesis, “Seconds Out”, ya

Dentro de la riquísima historia de Genesis, en una época don-

Hackett era parte de la historia. Para el siguiente trabajo de es-

de sus miembros no dejaron de innovar y el rock progresivo en

tudio, el título “…And Then There Were Three” haría referencia

general aportó tanto a la música, “Wind & Wuthering” es un

al reducido Genesis conformado por Phil Collins, Mike Ruther-

disco que pudo resumir lo más hermoso de una era. Hoy en

ford y Tony Banks.

día, Tony Banks lo reconoce como uno de sus discos favoritos

En 1982 volverían a verse todos juntos en un escenario para

de Genesis, así como también Steve Hackett lo considera una

un concierto benéfico conocido como “Six of the Best”, donde

de sus mejores producciones. Fue el cierre de la etapa de transi-

Genesis volvería a contar por una noche con Peter Gabriel y Ste-

ción entre el período Gabriel y el período Collins como cantante,

ve Hackett, desarrollando un setlist pensado para conmover a

donde el factor diferenciador fue la presencia de un guitarrista

cualquier fan de la banda.

extraordinario como es Steve Hackett.

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 4: HONOR THY MISTAKE “Honra a tu error como una intención escondida”

La charla efectivamente cumplió y hasta superó las expectativas de “abrir ventanas a posibilidades antes in-

El martes 28 de noviembre, el “no-músico,” productor y filósofo del sonido Brian Eno arribó a Buenos Aires para brindar una charla abierta en el Centro Cultural Kirchner. Eno ha sido una figura importantísima para mí, no sólo por su música sino principalmente por su manera de enfocar la vida y el proceso creativo. Esto es parte de lo que

sospechadas y a nuevas formas de entender a la música contemporánea.” Entre genialidades como comparar las connotaciones políticas de la estructura de una orquesta con las de una banda de Rock, sugerir que “lo que es posible en el arte se vuelve contemplable en la vida,” explicar cómo “rendirse” puede ser considerado un verbo activo y relatar anécdotas de su trabajo con Bowie que siguen avanzando su objetivo de desmitificar el proceso de creación artística, Eno nos brindó el regalo de detallar la historia de las Oblique Strategies, y resaltar especialmente la que quizás sea la más importante de las mismas: “Honra a tu error como una intención escondida.” A una cuadra y media de la charla, esa misma noche, se presentaba la banda que se podría considerar el ejemplo viviente de este Enoísmo: New Order. En su libro Unknown Pleasures, Peter Hook detalla cómo gran parte de la historia de Joy Division / New Order se formó a parte de accidentes fortuitos. “De hecho, es una de las cosas raras que surgen al escribir un libro como éste. Empezás a ver tu vida como una serie de eventos azarosos que de alguna manera convergen para volverte quien sos.” Por ejemplo, como resultado de ser autodidacta, Hook termina tocando el bajo con tres dedos en vez de cuatro. “Supongo que eso me dio mi estilo, que es más lento y más melódico que el de la mayoría de los bajistas. Es una manera distinta de tocar, y surgió de aprender mal.” Recordemos, a todo esto, que Hook debe ser uno de los 5

escribí sobre él en mi libro del 2014 Canciones, Sonidos y lo que Sigue: “Eno es uno de los principales filósofos del Rock. Cada entrevista con él abre ventanas a posibilidades antes insospechadas y a nuevas formas de entender a la música contemporánea. El set de cartas que creó en los 70s junto con Peter Schmidt, las “Oblique Strategies”, se ha vuelto prácticamente legendario, siendo representativo y paradigmático de su enfoque intelectual a la hora de la creación artística, y del rol que le otorga a lo inesperado y la espontaneidad en la misma. Las “Estrategias Oblicuas” son una serie de proverbios ambiguos cuyo fin es ayudar al artista a tomar decisiones durante el proceso creativo. Incluyen consejos como “utiliza una idea vieja”, “¿qué es lo que haría tu mejor amigo?”, “trabaja a una velocidad diferente”, “pon el problema en palabras de la forma más clara posible” y, uno de los lemas más fundamentales de Eno, “honra a tu error como una intención escondida.” La idea es que el artista pueda tomar una carta en el momento en que se sienta estancado con la composición, o bien que considere los consejos del set en general a la hora de adentrarse en su trabajo.”

bajistas en la historia del Rock con un estilo inmediatamente reconocible. Honra a tu error como una intención escondida, indeed. En otras partes del libro, Hook relata cómo la banda siempre tomó las decisiones más insólitas posibles, desde lanzar “Atmosphere,” uno de sus mejores temas, en una edición limitada de 1578 copias exclusivas al mercado francés, o insistir en tocar “Blue Monday” en vivo en Top of the Pops a pesar de que el show no estaba diseñado para ese tipo de performance. “Nuestro objetivo final siempre fue ser nosotros mismos, hacer las cosas como queríamos hacerlas (…) Podrían considerarse errores pero por lo menos eran errores en nuestros términos. Errores que después se convirtieron en leyenda.” Por motivos personales que prácticamente podrían abarcar un libro entero, Hook ya no forma parte de New Order, pero el aire de desacato e informalidad que los caracteriza sigue estando presente sin importar los cam-

tura del tema evoluciona de formas impredecibles, y lo mismo pasa en la tremenda “The Perfect Kiss,” prácticamente una visión de lo que podría haber el Rock Progresivo si se le agregara baile y se le quitara autoindulgencia. Todos estos himnos son el fruto de una banda que simplemente iba creciendo y experimentando en público, y cuyo cantante recién se enteró que era posible cambiar la escala de un tema para no tener que forzar la voz luego de haber editado 3 álbumes. Hook, por supuesto, lamenta esto: “Antes se estaba desgarrando, su voz mostraba un montón de pasión porque sonaba como si estuviera desesperado. Creo que luego perdimos nuestra angst.” Y en cuanto a la estructura de las canciones: “Una de las cosas que realmente me gustaban de Joy Division era que las canciones no siempre tenían que tener un estribillo o un middle eight. Lo mismo me gustaba de New Order, hasta que empezamos a volvernos más formales con la composición, hasta que al final todas las canciones

bios de formación. La banda misma es un conjunto de personalidades erráticas que no podrían alejarse más de lo que una banda de Rock “debería” ser: los bizarros bailes de Barney Sumner, el nervioso estilo cuasijazzero de Stephen Morris, y qué decir de Gillian Gilbert, quien definió al adjetivo “New-Ordery” como “medio raro, pero escuchable. Un poco… diferente.” El sexto tema del show es “Your Silent Face,” un clásico bona-fide del synth-Pop que suena totalmente épico a pesar de que la letra fue improvisada por los miembros de la banda, cada uno anotando una línea en un papel colgado en la pared durante la sesión. Durante la segunda estrofa de “Tutti Frutti,” Barney se equivoca la letra y empieza a cantar “I think I’ve lost my autocue” (el autocue es un aparatito que le tira las letras al cantante. Y aparentemente Barney lo necesita para recordar líneas como “Here comes love / It’s like honey / You can’t buy it with money.”) Que el show cuente con estas genialidades y aun así suene indudablemente profesional y potente (casi todas las reseñas concuerdan en que fue la mejor de las cuatro presentaciones de la banda en Argentina) es justamente una parte de lo que hace de New Order una banda inigualable. La otra es, por supuesto, las canciones. “Temptation” alterna entre rima para niños daltónicos (“Oh you’ve got green / blue / grey eyes”,) momentos de profundidad trascendental (“from time to time I find I’ve lost some meaning / that was urgent to myself”) y una fusión de ambas cosas (“bolts from above hit the people down below / people in this world we have no place to go.”) La estruc-

terminaron teniendo estrofa, estribillo y middle eight (…) A medida que te volvés más competente como compositor, arriesgás menos porque te volvés consciente de todas las reglas y teorías que podrían ser la manera correcta de hacer las cosas, pero que en realidad sólo terminan limitándote, despojándote de toda tu creatividad. En nuestros tiempos no conocíamos de reglas ni teorías.” ¿Es posible volver a este tipo de pureza hoy día, donde hasta el Rock ha sido reducido a materia académica? Lo que es seguro es que mientras más nos distanciemos de lo supuestamente correcto y más nos acerquemos a la manera en que la música que amamos fue generada, más nos acercaremos a nosotros mismos. Para feedback o comentarios: gabrielalejandrorojo@ gmail.com o www.facebook.com/gaborojo67 Gracias a Mai Etcheverry por su ayuda con las traducciones y la edición. Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos “The Disintegration Loops” de William Basinski y “Oxygene” de Jean Michel Jarre. Fuentes: Harrison, Ian (2008.) Notas de la redición del disco Low Life de New Order. Hook, Peter (2012.) Unknown Pleasures: Inside Joy Division. Simon & Schuster. Rojo, Gabriel (2014.) Canciones, Sonidos y lo que Sigue.

[ "Muero por dentro”, de Robert Silverberg por Pablo Ravale ]

NADIE, NADA, NUNCA Robert Silverberg es uno de los autores norteamericanos más prolíficos del género ciencia ficción. Sus inicios fueron comunes a los de tantos escritores de la década del 40 y 50, o sea, produciendo por dinero multitud de cuentos y novelas de calidad mediocre, no sólo de ciencia ficción, sino también de otros géneros, destinadas a llenar las ávidas páginas de las revistas mensuales de la época. De esta manera, no es de extrañar entonces que semejante ritmo acabara por resultarle insatisfactorio a todos los niveles, por lo que anunció su abandono del género en 1959, dedicándose de lleno a otros campos como el ensayo histórico. Pero fue Frederik Pohl, editor de la revista Galaxy Science Fiction, quien a mediados de los 60 le animó para que regresara, convenciéndole de que el mercado estaba preparado para acoger una ciencia ficción más literaria que abordara nuevos conceptos. Tenía razón. En esta etapa, Silverberg –quizás el más dotado técnicamente de su generación– destacó como un sobresaliente heredero de la new wave norteamericana. A pesar de un segundo retiro de la ciencia ficción en 1976, aparentemente desilusionado por el aislamiento que sufría el género dentro del panorama cultural, resurgiría en 1980 con fuerzas renovadas, recuperando su impresionante ritmo de producción. Centrándonos en su vasta bibliografía, Muero por dentro es uno de los relatos surgidos en su segunda etapa como escritor de science-fiction y, probablemente, el más logrado de todos. El mismo se trata de una novela y cuenta sobre David Selig, un hombre de mediana edad sin ninguna característica que lo distinga de los demás seres humanos, salvo que es telépata. De esta manera, el problema de David es que no puede seleccionar lo que escucha, ya que es un receptor y todas las demás personas que lo rodean son transmisores, generando una cacofonía infinita que

lo mantiene alejado emocionalmente de los demás. Incapaz de llevar una vida normal, David se mantiene vendiendo tesis a los estudiantes universitarios de la Universidad de Nueva York, no obstante, siente menguar sus poderes telepáticos a través de los años. Y se debate entre perder una habilidad que lo diferencia de los demás y una maldición que lo ha alejado de los otros seres humanos. Ese don, denominado siempre como “poder”, es objeto de una contradictoria valoración para él («Admítelo: amas y desprecias ese don tuyo. A pesar de todo lo que te ha hecho, temes perderlo»). David se asquea por “espiar” a la gente, pero al mismo tiempo esa experiencia le provoca éxtasis. Siente dudas, angustia e inseguridad. Su personalidad antisocial se ha agudizado por su singularidad. El cambio es tan grande que David afronta su nueva condición como si de una nueva vida se tratase, con un replanteamiento de todos los aspectos que le rodean. Pero, paradójicamente, esta sobresaliente capacidad para empatizar, no sólo no logra mejorar las relaciones sociales del personaje, sino que las empeora. Con todo, el análisis psicológico de la obra permite a su autor –pero sobre todo al lector– poderse adentrar en las mentes de los distintos personajes sin necesidad de recurrir al inverosímil narrador omnisciente, lo cual es un logro, por lo que la novela ofrece abundante material para reflexionar sobre la incomunicación, la soledad y la incomprensión. Muero por dentro, en definitiva, es un relato retrospectivo (partiendo desde la niñez hasta la actualidad) e introspectivo, una novela que ofrece abundantes reflexiones sobre la incomunicación, la soledad y la incomprensión, pero siempre haciendo especial hincapié en los sinsabores de un personaje tan atípico como entrañable. Conmovedor.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

Ciertas consideraciones acerca del orgasmo por Pablo Ravale ¿Saben que debería estar haciendo la mitad del mundo? Cogiendo con la otra mitad. Deberían estar gritando sus orgasmos hasta que se rompan los vidrios de todos los edificios. Hasta que los esqueletos se levanten de sus tumbas. Hasta que el golpe incesante del olvido choque contra la escollera de nuestras mentes y el adiós de esta pesadilla confortable nos sepa como la aleta de un tiburón cortando la superficie del silencio. Los placeres son caóticos. Y la felicidad de la paz es un disfraz del aburrimiento. Hay que cojer. Hay que volverse como esas putas, en los burdeles, que llevándose tu sexo a la boca y tragando un chorro de esperma, es como si se estuvieran bebiendo tu misma existencia. Si no habría que ser como los gatos, que se aparean y se muerden. O como los autos aparcados en los bosques de Palermo, que dentro de sus carcasas metálicas hacen encender la sangre y permiten a los amantes fotocopiar la pasión. Pero el amor, a todo esto, ¿dónde concha está? Amor es sólo el de la carne. Y en ese estadío, el mundo interior nunca cuenta. Se puede ser la persona más interesante del Universo, sin embargo, a la hora de cojer, todos queremos la apariencia, todos reclamamos accidentes geográficos convencionales sobre el cuero que deseamos. Evaluemos sino ciertas consideraciones acerca del orgasmo: 1) La intensidad del placer en el orgasmo es absolutamente independiente de la persona que está colaborando para que uno lo alcance. 2) Es posible alcanzarlo mismo tiempo que el otro, pero se trata sólo de una coincidencia en la simultaneidad del fenómeno. El placer del orgasmo es inexorablemente individual. 3) Algunos amantes suponen que disfrutan porque aman. Se sorprenderían como niños engañados si supieran qué poco tiene que ver el amor con la intensidad del placer. 4)

No se puede hacer algo por alguien, si esa persona no está dispuesta a disfrutar.

Lo fundamental para ser un buen amante es vivir en pos de un dolor placentero o de un placer doloroso. Por ende, hay que ser un poco perverso, pero también hay que procurar ser un poco santo. Ya que no hay diferencia entre el místico, el perverso y el amante. Lo único que varia es la forma del cáliz (sea una pija o una chucha), aunque la pasión es la misma. De hecho, tanto místico como perverso y amante, viven los tres en estado de perpetuo éxtasis. «Pero qué sabe éste de metafísica», puede que se pregunten. A lo que les respondo que lo básico: que es una rama de la ciencia ficción. Que como la pelotudez de la religiosidad o el matrimonio, te exige vivir alejado de lo que sucede en la calle. Es decir, de los peligros, de los aromas, de los navíos. Que al igual que quien se rescata, asentarte es lo más parecido a hacerte una paja. Es apenas fantasear. Es soñar con un culo, pero acariciar un juanete. Es renunciar a tu lengua de fauno cabrío explorando el coñito de una joven doncella. Es privarte, si sos burguesa, de esa serpiente tuerta del albañil entrando en la cueva de tu alta sociedad. Mierda la vida. Mierda el amor. Necesitamos historias que no hayan sido otra cosa que atenuantes de nuestro extravío. Necesitamos de tu boca tragándose la verga del Diablo; de tu garganta dejando el paso libre a la leche de los marginados. Porque eso es la cama… no la Noche de Bodas, no un amor tan grande que nunca desees traicionarlo. ¡Así que arrancate el anillo, echalo por la ventana y armate un nevado! ¡Pintá una acuarela con vino tinto! ¡Estremecete haciéndote una puñeta y cuando acabes a solas en la oscuridad del Cosmos, pensá en todas las veces que te quedaste caliente y que sentiste el egoísmo mezquino de tu cónyuge! ¡Pensá que te volvés a despertar para luego volver a sumergirte en tus sueños de pichas o de tetas, de que todo lo que puedas hacer bajo la luz de la luna lo harás con algún lobizón o lobizona que te salve de un beso de lengua de tu insípida pereza, de tu miedo a romper la porcelana del amor!

Más cerca del futuro por Valeria Pomidoro Y qué pasaría si me cayera más seguido, si no pudiera alzar el pie lo suficiente como para pisar el próximo escalón. Y qué pasaría si me olvidara aún más las palabras, y los recuerdos. Y en la demencia de mi vejez, cuando ya no pueda razonar, cuando sea una chupada sin sentido, y las manos ya no dibujen y los plantines se sequen. Y qué va a pasar cuando no pueda levantarme, cuando ir al baño sea un caos, cuando babee más allá de tu pecho y las drogas estén tan avanzadas en mi sistema que ya no tengan efecto. Y si me pregunto todo esto es porque, hoy, me tropecé; qué voy a preguntar mañana. ¿Voy a llegar a hilar una oración? Las vidas complicadas, derivan de mentes complicadas. Leeme un libro antes de dormir, toca una de esas canciones que escribiste para mí. Dejame que te siga abrazando, cuando mis brazos ya no funcionen. Besame y haceme sentir que todavía existe vida. Y recordame todos esos días que fueron únicos, cada uno tan diferente, cada uno sincero.

HIDDEN TRACK

EN CONCIERTO

[ Por Marina Cimerelli. Fotografías: Nazarena Talice. ]

TORTOISE: TODOS PARA UNO, Y UNO PARA TODOS TORTOISE, en Araoz Live, Buenos Aires, 24 de Noviembre de 2016.

El quinteto volvió a presentarse en Buenos Aires tras el lanzamiento de su nuevo álbum, y dejó muy en claro por qué valió la pena la espera. Si hay algo que caracteriza a los muchachos de Tortoise es el hecho de no tomarse las cosas con demasiada prisa, o mejor dicho, sin prisa alguna. En 2009 editaban el contundente Beacons Of Ancestorship, y recién en Enero de este año vería la luz su nuevo material. Con The Catastrophist bajo el brazo entonces, los cinco de Chicago desembarcaron nuevamente en nuestro país -vale aclarar que habían pasado 5 años de su última visita- para hacer gala de cuanto género, estilo y etiqueta se haya usado hasta el día de hoy al intentar definirlos, y a su vez dar cátedra de cómo reinventarse sin dejar de ser fiel a un sello personal ni fracasar en el intento. Sólo siete discos de estudio en más de veinte años de carrera; sin duda una de esas claves ha de ser, efectivamente, la paciencia. La ruptura con el orden habitual de las cosas no se remite sólo al terreno de la producción musical, sino que se manifiesta también desde la puesta en escena: minutos antes de que comience el show y en un acto de parsimoniosa rebeldía, John McEntire, Dan Bitney, John Herndon, Doug McCombs y Jeff Parker se hicieron presentes en el escenario para realizar ellos mismos los últimos ajustes a sus ins-

trumentos ante un Club Aráoz expectante y colmado. Una vez establecida su postura de antihéroes y ovación mediante, el quinteto tomó sus puestos para dar comienzo al show con “The Catastrophist”, el tema que además de dar nombre a su último trabajo, es también el encargado de abrir el disco. Primero lo primero. Aunque hablar de puestos en Tortoise no es más que una subjetividad, ya que si bien John McEntire es -estructuralmente hablando- el alma de la fiesta, la dinámica de la banda en vivo deja bien en claro que la magia se construye colectivamente. Las sucesivas rotaciones de instrumento en instrumento por parte de los integrantes, además de evidenciar el virtuosismo del que se está siendo testigo, exponen un formato inusual y poco contaminado por los liderazgos personales, donde la verdadera protagonista es la progresión musical como propulsora de canción. En esta misma línea, la percusión -con la implementación de doble batería en algunas ocasioneses el elemento sonoro de donde parten y hacia donde confluyen todos los caminos. La guitarra de Jeff Parker, quien aparte de colaborar con Tortoise es una figura clave en la escena jazzera de Chicago, le aporta precisión y experimentación en iguales dosis. Alternando plácidamente riffs rockeros con –desde luego- un particular sabor a jazz, podría decirse que

es el encargado de conciliar las partes y fue el único miembro de la banda que permaneció fiel a su instrumento durante casi todo el concierto. Allí donde uno creía tener absoluto control de lo que escuchaba, sin darse cuenta era lentamente absorbido por algo mucho más grande. Y es que el post-rock es un territorio bastante vasto y Tortoise, como buenos precursores del género, no han dejado demasiado sin explorar. Tanto es así, que después de atravesar la implacable Shake hands with danger, y aún habiendo hecho escala en la vena progresiva de Prepare your coffin y Salt the skies, al momento de I set my face to the hillside bastaba con cerrar los ojos para imaginarse dentro de un spaghetti western musicalizado por Angelo Badalamenti. Así las cosas, el minimalismo de Ten Day Interval o The Clearing Fills, jugó en perfecta armonía con momentos como Crest o la elegante Yonder Blue, que a pesar de ser una de las mimadas del nuevo álbum por contar con el agregado de voces (a car-

go nada menos que de Georgia Hubley, de Yo La Tengo), en esta ocasión fue interpretada en su versión instrumental. Los desperfectos de sonido no empañaron en absoluto el disfrute colectivo que reinó durante los 90 minutos de show, y en el que hubo espacio tanto para la escucha atenta y aprehensiva, la intensidad comedida, el deslumbramiento y el viaje sensorial como así también para la expectación, la euforia e inclusive algún pogo fugitivo tuvo su oportunidad en el núcleo de los más enérgicos. El arsenal de aplausos por parte del público, sumado al entusiasta “olé, olé, olé, olé” mechado entre tema y tema, funcionaron como un aliciente incuestionable y se mantuvieron encendidos hasta el último minuto a pesar de la implacable sobriedad del quinteto sobre el escenario. En suma: John McEntire y sus secuaces lo hicieron una vez más, y en su atrevimiento nos regalaron uno de los conciertos más dinámicos del 2016.

FIN DE FIESTA Entrópico 9, en La Cigale, Buenos Aires, 26 de Noviembre de 2016. [ Por Diego Centurión. Fotografías: Johannes Rosini ]

Como todo final tiene un poco de tristeza por lo que se termi-

Roulette" de los fantásticos Lords of The New Church. La ban-

na, un dejo de sabor amargo, por lo que se pudo hacer mejor,

da este año han editado un EP en vivo llamado "Gracias a Pali-

una cuota importante de replanteos, de valoraciones, de acier-

to Ortega por la Granja" algo que entendemos sólo los argenti-

tos, de errores, pero como siempre hay que terminar como una

nos. Y del set resaltan "Nubes", "Sólo venía manejando ciego,

fiesta.

Juez!", " Samuráis del Desierto" y el gran cierre con "El Coreó-

El número 9 (hablando de numerología) es el número que

grafo" con una coreografía muy exacta mientras el estribillo can-

marca el fin de un ciclo, y el comienzo de otro, y esto es este En-

ta "Hay que matar al coreógrafo" y lo mezclan con Rebel Yell de

trópico, el cierre de un Ciclo, que dará paso a algo nuevo, que se

Billy Idol. Tremendo show de Error Positivo, intenso y enérgico.

está gestando. Por eso la propuesta tiene que ver con un fin de

Con una banda ajustada y precisa que sirve de apoyo para que

un año de trabajo en donde la Revista junto a EntreCruces bus-

Maxi (vocalista) y Resakka (panderetista y corista) hagan de las

caron, a través de este Ciclo, aunar esfuerzos para mostrar o dar

suyas en el escenario y entre medio del público. Arengando a

un espacio a variadas propuestas que fueron conformando una

los asistentes, incitándolos a no quedarse quietos. Y han dejado

unión que seguirá produciendo en el 2017.

hasta algún contuso por el lanzamiento, como un disco olímpi-

La noche comenzó con caos sonoro, no porque la propuesta de la primer banda sea así, sino que en la prueba de sonido se

co, de una copia de “El Lugar del No Tiempo” (2015), su último álbum en estudio.

manifestaron los primeros problemas técnicos. Pero la buena

La noche continuaba con un final esperado por una porción

onda reinante entre las bandas, logró que todo saliera adelante.

grande de los asistentes, el regreso de Melancoholicos, una ban-

Con más de una hora de retraso de lo pactado sale al escenario

da de tinte post punk, con aires de psychobilly. La banda del Dj

Rendo, quien tal vez fue el más perjudicado en cuanto a lo sono-

permanente del Ciclo Maxx Wilda regresaba luego de muchos

ro, ya que su fina propuesta pudo haber sido brillante de contar,

años de separación, casi con la formación original, exceptuando

por ejemplo, con retornos que funcionaran. Pero más allá de los

al nuevo guitarrista, la banda de los hermanos Mariano y Fede,

problemas técnicos, una vez más, la banda mostró su profesio-

y el bajista Alejandro, se suben para cerrar esta noche y este Ci-

nalidad, y sacó adelante un fino y brillante set cargado de suti-

clo. Y que mejor manera de cerrar la noche con la estruendosa

lezas y un grupo de canciones con muchas sutilezas y persona-

energía de la banda, que desplegó todo su histrionismo y poten-

lidad. A comparación de la anterior presentación de Rendo en

cia para cerrar una noche casi perfecta, y digo casi, por lo estric-

el Ciclo, que lo habían hecho como dúo, Javier en voz, teclados

tamente relacionado con el sonido de La Cigale. Melancoholicos

y programaciones y Fidel Araujo en guitarra y coros, ahora se

se reencontró con su público que coreó casi todas las canciones

suma Nelson en bajo, el cual le aporta un peso específico impor-

del quinteto. Marianarchy (sí, el mismo que a veces escribe en

tantísimo a la banda. Desde lo visual, como trio, distribuido a lo

esta revista) en su voz desplegó su personalidad y lo llevó hasta

largo del escenario, como desde lo sonoro, en donde la banda

tirarse al piso y probar un paso de breakdance que no resultó y

toma mucho más cuerpo y solidez, afianzando hermosas can-

creo que nunca lo había intentado en su vida. Secuencias de pe-

ciones que despliegan un halo oscuro de luminosidad, si, aun-

lículas, clase B, solvencia, energía visceral, desfachatez, interac-

que suene contradictorio, hay luces y sombras en las canciones

ción con el público, descontrol, actitud punk. Todo esto hubo en

de Rendo. En unas canciones sube como invitado un guitarrista

el set de Melancoholicos.

que le aporta un color más al ya de por sí coloreado synth pop

Un apartado fue el público, que estuvo presente en un gran

hecho canción, liberando un poco a Fidel del peso del sonido de

número en los tres sets, y las bandas presenciaron los shows

guitarra. La banda se basa en su último trabajo "Transcurrir"

de las otras bandas, creando un ambiente de hermandad fan-

y con perlas de su primer álbum "Fragilidad". Ver a Rendo es

tástico, algo que no es muy común ver hoy en los días en que

un viaje por un pasado muy presente, que mira hacia el futuro.

los egos están a flor de piel. En una noche singular, con contra-

El Dj invitado de la noche es Dj Tobi, quien hace que el tras-

tiempos, atrasos y mucha respuesta de la gente, el resultado fi-

paso del mando del escenario sea de manera rítmica.

nal fue óptimo.

El quinteto que sube al escenario nos trae una energía que

Luego Conversando con las tres bandas los agradecimientos

levanta los decibeles a la noche. Con la proclamación del Con-

estuvieron en boca de todos, de los músicos, público y produc-

cepto de Errorismo, Error Positivo desparrama su energía post

ción.

punk con tremenda solvencia, para dejar claro ese sonido post punk en el medio del set hacen una linda versión de "Russian

Fin de año, fin de Ciclo, fin de fiesta, fin de la reseña.

[ Por Ariel Tenorio y Marina Cimerelli. Dibujos: Ariel Tenorio ]

DOS MIRADAS SOBRE UN MISMO ORDEN New Order, Luna Park, 29 de noviembre de 2016

Para este show hemos recibido la bendición de tener dos miradas sobre el show de New Order, en el Luna Park. En primer lugar tenemos la oportunidad de contar con un invitado de lujo, el cantante de Los Tenders, quien bajo el nombre de ¿Completos? nos da su mirada y también nos ha cedido sus dibujos respectivos. Y en segundo lugar la mirada de nuestra cronista Marina Cimerelli, bajo el nombre New Order: Celebrar El Pasado, Reinventar El Presente, Permanecer En El Futuro.

¿Completos?

Ya en la entrada, nos anuncian, que nos ofrecen una mejor

ción de clásicos mezclada con algunas canciones de su último

ubicación, porque no se habilitaran las populares, luego la pro-

disco de estudio Music Complete. Sobresale el trabajo de Tom

ductora Move que trae a New Order, sortea el cd doble “Singles”

Chapman en el bajo de People on the high line, con un groove

que gano, desafiando mi historia de concursante, en la cual

demoledor, Intimidando al público, que corea el nombre de Pe-

nunca gano nada.

ter Hook, tratando de llamar la atención, como es costumbre en

El show arranca con imágenes de nadadores saltando de un

el público Argentino. Esto no parece moverles un pelo ya que

trampolín, como de costumbre deleitan con una estética cui-

siguen adelante sin prestarle mucha atención al reclamo. Hook,

dada, por la lente del histórico integrante visual de la banda, el

toco con New Order por última vez en 2006, en la primera visi-

finísimo Peter Saville. Quien los acompaña desde los tiempos

ta de la banda a nuestro país, con un show emotivo y arrollador.

de Joy Division.

Hace unos días, bromeo, con venir a festejar el décimo aniversa-

Si existe una banda que supo abrirse paso a los malos momentos, esa es New Order, y quizás comparta el lugar con Pink

rio de su partida. Ya que se presentara en Bs As. En diciembre, con su proyecto The Light.

Floyd, quienes también supieron superar la pérdida del voca-

Por último, para los bises, dejan un set de tres clásicos, de

lista y letrista. En el caso de New Order debido a la muerte Ian

su primera encarnación. Una emotiva versión de Decades, un

Curtis. También es cierto que los casos son diferentes, ya que

tema que no suelen tocar en vivo, siguen con Transmision y

Joy Division se convirtió en otra banda por completo.

como no podía ser de otra manera nos dan las buenas noches

El show arranca con la intensa Singularity un tema con fuerte reminiscencia a Joy y un video que acompaña muy bien, un extracto de la película alemana B-Movie, que cuenta la vida del underground, detrás del muro de Berlín. Luego vendría una colec-

con Love will tear us apart. Un excelente show para bailar, cantar y hasta soltar algún lagrimón. http://ccelrock.blogspot.com.ar/

New Order: Celebrar El Pasado, Reinventar El Presente, Permanecer En El Futuro.

La banda volvió a presentarse en la Argentina con su nuevo

ción de Gillian Gilbert a los teclados –también esposa de Mo-

trabajo Music Complete y dio un concierto intenso en el que

rris- y el bajista Tom Chapman en la difícil tarea de reemplazar

además de repasar sus clásicos, rindió homenaje a la figura de

a Hooky. La nueva fórmula New Order parece tener cuerda para

Ian Curtis y rememoró el legado de Joy Division.

rato y así de claro lo dejaron tras su cuarta presentación en nuestro país el pasado 29 de Noviembre.

Todo aquel que conozca un poco la historia de New Order sa-

Durante el transcurso de la noche, el estadio Luna Park fue

brá que el hecho de grabar material nuevo sin la presencia del

convirtiéndose en una suerte de guarida luminosa donde cual-

bajista Peter Hook, quien desde su instrumento supo imprimir-

quier vibra negativa, de intentar atravesarla, resultaría aniqui-

le a la banda su sonido característico durante más de 30 años y

lada por el rayo catártico de un sintetizador. Desde un más que

quien fuera, además, miembro fundador y pieza fundamental

bien plantado comienzo con Singularity, segundo track de Mu-

de la mítica agrupación Joy Division, no era en absoluto una ta-

sic Complete y cuya perfecta combinación entre base bailable y

rea sencilla. Tampoco lo fue rearmarse después de tan polémica

espíritu guerrero lo convierte en excelente elección a la hora de

separación, nada menos que en suelo argentino, allá por 2006.

abrir un show, la vara quedó bien alta. Así continuó tras el paso

Pero sin embargo el quinteto de Manchester ha sabido salir más

por Academic y luego Crystal, con su videoclip original proyec-

que airoso del apuro y no sólo eso, sino que volvió a pisar fuerte

tándose en las numerosas pantallas, aquella celebradísima oda

con Music Complete, su último trabajo editado en Septiembre

al desenfreno guitarrero que encabezaba su álbum Get Ready

del 2015, donde recupera aquel amor primitivo por los sinteti-

allá por el 2001, se encargó de plantar la bandera y precalentar

zadores y las pistas de baile.

el estadio para lo que sucedería más adelante.

Al plantel de los ya conocidos Bernard Sumner, Stephen Mo-

Si bien la presencia de Bernard Sumner sobre el escenario se

rris y Phil Cunningham, se sumaron la acertada reincorpora-

ha caracterizado siempre por la modestia -probablemente esto

evidencie el hecho de que nunca buscó ocupar el rol de front-

hoy, tres décadas después de su lanzamiento, sigue erigiéndose

man sino que fue una suerte de acto heróico para sacar a flote

como la canción pop perfecta.

la banda tras el suicidio de Ian Curtis-, sus casi 61 años no le

El afiladísimo pulso electrónico de Plastic puso a hervir la

impidieron en absoluto ofrecer un desempeño vocal todavía de-

pista para recibir el combo hitero The Perfect Kiss/True Faith/

cente, ni tampoco menearse alegremente al son de sus propias

Blue Monday/Temptation, destinado a llenar corazones y pian-

canciones.

tar algún que otro lagrimón entre los más nostálgicos, que de

Restless funcionó como el preámbulo perfecto para uno de

seguro no habrán sido pocos tratándose de semejantes himnos

los momentos más elegantes de la noche que llegó de la mano

generacionales. Y a la hora de los bifes, el joven Tom Chapman,

de Your Silent Face y un Sumner que, cual flautista de Hamelin

lejos de sentirse intimidado por la sombra de Peter Hook, ocu-

y con el incondicional apoyo de la dupla Gillian & Cunningham

pó su posición con tal frescura y respeto por aquel sonido que se

en teclados y sintetizadores respectivamente, supo tener al pú-

esperaba en cada línea de bajo, que resultaría imposible sentirse

blico hipnotizado con el sonido de su melódica.

defraudado por su presencia dentro de la banda.

La impronta Disco-Ibiza al mejor estilo Technique se hizo

Con los bises llegó el momento de rememorar el legado y ahí,

sentir con la llegada de la extática Tutti Frutti, y nada fue igual

en las pantallas, se hizo presente aquella figura legendaria que

de allí en adelante. Al momento de People on the high line, ya

había estado sobrevolando el estadio. Ahora Ian descendía, con

estaba claro que el público había abandonado completamente

su eterna juventud, para recibir una vez más ovación, respeto

su postura contemplativa para entregarse de lleno a la comu-

y conmemoración: Decades, Transmission y el cierre apoteósi-

nión de la pista de baile, secundado por la impecable puesta en

co con Love Will Tear Us Apart, sellaron esa suerte de ritual sa-

escena de pantallas y luces –bola de espejos incluída-, que para

nador para un alma atormentada, y pusieron fin a una velada

ese entonces ya había cobrado vida propia.

donde dos cosas quedaron bien claras: que aquello que de tan

Bizarre Love Triangle vino a reafirmar una vez más su con-

intensamente vivido ya se ha hecho carne, siempre merece ser

dición de inquebrantable. Los años siguen pasando, pero na-

celebrado, y que nada se pierde si el alma perdura. En la trans-

die podrá jamás resistirse a semejantes encantos sonoros y aún

formación está la clave, y New Order vaya si lo sabe.

[ Por César León. Fotografías: Ishtar Astarté ]

UN ROCK QUE HACE RATO SE RESISTE A MORIR

The Question y Two Way Analog , casa 969, Bogotá, 01 de Diciembre de 2016.

En estos momentos en los cuales el rock ha sido confinado a

momentos como banda antes de su autoexilio son muchas las

escasos y poco frecuentes eventos y espacios por una cada vez

caras que The Question ha mostrado. Esta vez ejecutó 4 temas

más invasiva oleada de ritmos fusión y urbanos, que si bien se

con una característica especial; un setup minimalista: La voz de

han ganado su lugar por un acto de coherencia geográfica, han

Bernardo, su virtuosismo como teclista aplicado al rotundo y

relegado a cualquier expresión musical que no tenga como fin

seco sonido de un órgano y acompañado de la suave voz de su

último el baile al ostracismo. Tener la oportunidad de ver en un

corista. El setlist: Transmigrar, Pluto Drive (The Creatures), Au-

buen espacio a dos de las bandas insignias del underground Bo-

sente, y Cold Feelings (Social Distortion). Hubiera querido más

gotano de hace dos décadas, fue más que un placer, un alivio.

tiempo para poder escuchar más temas, hubiera preferido sa-

Algo que nos dice que hay músicos estoicos que siguen produ-

crificar uno de los bellos covers para escuchar más sonidos pro-

ciendo sonidos universales hoy tan relegados por la avalancha

pios –Tal vez mi favorita de siempre: “La hermana muerte”– sin

de la moda local.

embargo estos cuatro tracks tuvieron una personalidad propia

A la anterior encarnación de Two way analog –Danny Dod-

y posiblemente atisban el futuro que se viene para la banda. El

ge– la había visto en algún bar oscuro y desvencijado; o telo-

órgano es un instrumento complejo, si no se tiene cuidado una

neando hace unos veinte años algún concierto multitudinario

vez lanzado opaca cualquier otro integrante –incluso orquestas

–Soda Stereo creo–. A The question siempre lo vi en recitales

completas– sin embargo le dio un matiz diferente al recital, se

en teatros o salones. Un bar cómodo y algo “fashion” era iróni-

sentía menos clasicista que el The Question que siempre dis-

camente el sitio más sui generis para verlos. Fue un poco nostál-

fruté. Sin necesidad de una banda se sentía más tirado al jazz o

gico... muchos se conocían, eran amigos unos con otros. –Más

al mismo blues. La experimentación virtuosa del piano se vestía

viejos pero por 2 horas esas décadas transcurridas se esfuma-

ahora de improvisación bohemia. El órgano proveía un carácter

ron un poco–

que coincidía con los caminos que han recorrido Nick Cave o el mismo David Tibet. Al parecer los sonidos académicos tienen

The Question volvió a Bogotá después de su escapada de un

un momento en el cual se transforman y hacen guiños a Miles

par de años a Buenos aires. Como ha sucedido en cada etapa

Davis. No importa que la ciudad sea Londres, Melbourne, Bue-

desde que he seguido este proyecto, el sabor fue bien diferen-

nos aires o Bogotá. Diferentes facetas de un mismo artista o di-

te.. De sus inicios Dark wave, con instrumentos electrónicos y

ferentes artistas terminan coincidiendo para mostrar otra cara

sus heavenly voices, al solitario piano posterior y sus últimos

de esa melancolía que tanto nos gusta.

Two Way analog me sorprendió gratamente, de un sonido

prometedor. A un mes de la muerte del gran Cohen recogió su

Pixies venido de Los andes evolucionó en un rock compacto

espíritu de buena forma. Esperemos que no sea parte de esas

con guitarras cercanas a la psicodelia y al blues. Una especie

cortas apariciones de grupos legendarios que se convierten en

de road rock muy interesante. Ante el rock contemporáneo ve-

unas ilusiones efímeras

nido a menos por su afán pop, TWA propone intros eternos. Ante los coros repetitivos del punk-pop-rock, Two way analog

Este fue un concierto de una cada vez más escasa especie. Los

presenta canciones extensas. Ante los ritmos pegajosos y con-

pocos jóvenes que fueron dieron un poco de aire a un viejo en-

cebidos para disfrutar la omnipresente música fusión, TWA en

fermo. Un rock que hace rato se resiste a morir gracias a estos

ese concierto propone música que solo se disfruta del cuello

momentos y artistas.

para arriba, que emociona realmente. Fue un retorno más que

[ Por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Moonster ]

LO QUE ESTÁ SUCEDIENDO FIESTA e Intervención #29, en Hotel Bonito, Habitación #304, Buenos Aires, 9 de Diciembre.

93 La Noche del 9 de Diciembre fue una buena pista de lo que

momentos a la sesentosa Nancy Sinatra, con guiños al spague-

está sucediendo con el arte joven e independiente. Lo que en

tti western o al etéreo cantar de sirena en busca de un “electro

principio podía tomarse por un clásico concierto en triple pre-

chongo”. (Para mayor detalle ver en youtube sus videos para los

sentación: Los vernáculos Reflection, más el español Kristian

singles: “Muy Pronto” y “Te llaman Dolor”.)

Conde y la chilena Victoria Mus, no respondió a ninguna pauta

Kristian Conde –con quien Victoria grabó el dueto “I Want

de orden y pre-programación. A contramano de multitudina-

You”- era el plato fuerte de la noche. Rapado, vestido de ele-

rios eventos oficiales que vienen funcionando como ejemplos

gante negro, brindó un poderoso set basado sobre todo en su

de una agenda cultural paralizada y paralizante, esta “Fiesta e

último EP "Voces", producido con la artista Inma Gomes. Los

Intervención #29”, curada por Luis Marte, que tuvo lugar en el

momentos altos fueron el single del mismo nombre y su clási-

Tercer Piso, Habitación 304 del Hotel Bonito, ubicado en el Ba-

co Hi-NRG “Dolce Vita”, que ya cuenta con más de treinta años

rrio de San Cristóbal, fue una buena muestra de que en la apa-

haciendo bailar a la escena. Precisamente ese largo recorrido

rentemente dormida Buenos Aires “algo está pasando” en el un-

demuestra la evolución de Conde desde canciones directamen-

der. Y me refiero al gerundio en su espectro más amplio, hasta

te construidas para a la pista de baile hacia un sonido más sutil

relacionarlo con su expresión en inglés: “happening”. Las fies-

y sensual. Su desempeño en escena fue energético, como ban-

tas “happenings” en los años 60 fueron un formato arty ideado

da de un solo hombre u hombre pulpo se lo notó en completo

por Andy Warhol, en su taller The Factory donde daba a cita a la

dominio de su arte: haciéndose cargo de voces, teclados y pro-

crème de la crème del Soho Neoyorkino, pero no para exponer-

gramaciones al mismo tiempo. El constante guiño de sus letras

los como modelos de cera de una supuesta “contracultura”. Al

hacia colectivo LGBT “para romper una lanza por los Derechos

contrario, la idea era que reine la improvisación, el caos, la es-

Humanos”-como dijo él mismo- fue un aire fresco en el contex-

pontaneidad. Qué cada artista fluya y converja con el otro a tra-

to porteño de fines de 2016.

vés de su arte y que esa amalgama también invite al “público” a

Aprovechando un poco esa ola eléctrica y refrescante que

tomar partido. Es más, uno de los postulados del “happening”

dejó Conde, los nacionales, Refletion dieron un show cargado

era borrar esa línea bien delimitada culturalmente: el artista,

de atmósfera y al mismo tiempo contundente. Reflection son

arriba en su escenario dando cátedra; el público, abajo pasivo,

Franco Doglioli en voz, y Franco Colombo, en teclados. Vestidos

expectante. Ponerlos sobre el mismo suelo y hacerlos interac-

idénticos de camouflage militar y completamente en sincro en

tuar, ver que surge de nuevo y enriquecedor para esos dos extre-

el escenario, parecían venir a radicalizar la propuesta de Konde.

mos. Una suerte de “polinización cruzada”. En un espacio que

En vivo hicieron gala de un sonido envolvente, emparentado al

no era mayor al living de una casa de clase media bien, funcio-

ambient y al goth y no por ello menos cool y contemporáneo. El

naba el escenario más parecido a una sofisticada barra con ca-

punto más románticamente oscuro fue el hit “Dejar Ir”. El aire

pacidad para ubicar a los músicos que se presentaron con sets

“ambient” de su EP Despejado (2016), daba nuevas pistas de su

fueron cortos y contundentes. Vale decir que a un costado del

militancia. El bellísimo tema “Cielo Despejado” da cuenta de

escenario funcionaba literalmente la barra con drinks y comes-

una conciencia ecológica, con su ominosa letra advirtiendo de

tibles, que interrumpían a los músicos fugazmente, contribu-

los males de la minería a cielo abierto.

yendo más al espíritu de happening now!. Entre las visuales de Dolores Lagrange y Longinotti, y la ga-

Noche siguió a pura fiesta electro con los DJs Delahaye y Fantasma.

lería de arte con obra de Gabriela Schevach se pudo escuchar a tres artistas muy distintos, pero que decididamente están unifi-

Shows en vivo, curador Luis Marte:

cados por el sonido electro pop, emparentado con la escena elec-

+ REFLECTION

trónica europea y yanqui de los ochenta. En cada caso enrique-

+ KRISTIAN CONDE

cidos por una tendencia hacia la experimentación y la búsqueda

+ VICTORIA MUS

de un sonido y una estética más personales. Dominaron la es-

+ Visuales Dolores Lagrange + Longinotti

cena sets minimalistas, con bases pregrabadas, y sin embargo

+ 15 Litros, Galería de arte por Gabriela Schevach

invadió el entusiasmo del “vivo”. El sonido de Victoria Mus, es

+ Habitación #303 Natalia Rosa Cristo

pariente de la darkwave y sin embargo su estética recuerda por

+ DJ set Roger Delahaye y dj Fantasma

[ Por Esteban J Galarza. FotografÃas: Johannes Rosini ]

JUVENILIA EN CLUB V O EL INICIO DE COSAS BELLAS Juvenilia en Club V , Buenos Aires, 10 de Diciembre de 2016.

97 Juvenilia cerró un año muy importante en la breve historia de la banda. Recién incorporada Naza al bajo el cuarteto demostró en el festival This is Emotional, organizado en Club V que su gen está puesto en un lugar y un momento muy creativo de la música: paisajes sonoros que recorren las películas de Molly Ringwald, la gélida delicadeza de Cocteau Twins, el final plástico de los que vivieron los últimos años de su infancia en los 80. La voz de Dani descansa la guitarra de efectos sutiles de Fede, la batería y el bajo post punk de Gaby y Naza respectivamente, y los teclados nostálgicamente ochentosos de Juli.

La banda salió al escenario a las 21:15 para tocar un set corto y contundente de 35 minutos. Uniformados de negro el show

arrancó con Solíamos reírnos más. Una buena entrada en calor para un público que pecaba de agotado o reciénvenido y que necesitaba algo de impulso para entrar de lleno al show. Ese impulso llegaría con una seguidilla de temas que exploraban los paisajes mencionados anteriormente: Cuerpos, Imagen rota, Belleza en la oscuridad. Se destacaron en éstos temas la base de teclados de Juli sostenidos detrás de una batería que recordaba a la de Stephen Morris de New Order, ejecutada en éste caso por Gaby.

Hubo un pequeño lapsus en el que July dejó a un lado los teclados por la guitarra acústica para tocar Tiempo perdido,

cover de Legiao Urbana, banda mítica brasileña que fue espejo de Soda Stereo a principio de los 90 en Brasil. El show no tuvo bises, pero sí una despedida bien arriba con -Cenizas. Entonces Dani se despidió y las luces se encendieron. La despedida del año de Juvenilia es el comienzo de una seguidilla de promesas a futuro que esperemos se vayan cumpliendo desde el año próximo. Setlist Solíamos reírnos más Cuerpos Imagen rota Belleza en la oscuridad Tiempo perdido (cover Legiao Urbana) Aterrizar Cenizas

[ Por Pablo Müllner. Fotografías: Lily Moonster ]

SOLTARSE Y BAILAR Kristian Conde, Partido de la Costa, El Gran Búfalo Blanco en El Archibrazo , Buenos Aires, 17 de Diciembre de 2016.

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El Archibrazo es un centro cultural con una larga historia.

con sus propios venues, y por qué no, animando masivas fiestas

Fue fundado en 1967 por Juan Andralis, exponente fundamen-

de casamiento, kermeses barriales, Bar Mitzvah… (Sería una in-

tal del surrealismo en Argentina. Ubicado en Almagro, brinda

teresante veta a explotar.)

talleres de folclore, artesanía, yoga y acrobacia. Los miércoles

El último número de la noche fue el Gran Búfalo Blanco y

hay noche de milonga y los jueves, de cine. Una vez por mes se

tuvo oportunidad de explayarse por tener a cargo el cierre una

organizan la “Andralis Fest”, fiesta que incluye música, perfor-

noche sin mucho apuro por terminar y un grupo de seguidores

mances artísticas, comidas y bebidas. El centro cultural funcio-

que se apropiaron de la “pista de baile”. Como anuncia la banda

na como cooperativa y fue declarado de interés cultural a instan-

desde su propio sitio, el GBB es: “Sonido Pop, canciones delica-

cias del artista plástico León Ferrari. La noche del 17, fue además

das y cálidas con groove ensoñador y destellos lumínico - baila-

el escenario para otra experiencia electropop. Esta vez con su-

bles (..)” Mucho de eso se escuchó en vivo: en su paleta priman

ficiente espacio para soltarse y bailar. Esa parecía el código co-

los sonidos etéreos, aunque en vivo la banda tiene momentos

mún de la triple presentación: soltarse, bailar…

de intensidad tecno-rocker (óiganse ecos de Primal Scream, Ha-

Kristian Conde fue esta vez el encargado de romper el hielo.

ppy Mondays). Mientras tanto un hermoso juego de luces des-

Repitió casi íntegramente su set de la fecha anterior en Hotel

tellaba sobre las cabezas de la banda y se propagaba al público

Bonito, esta vez beneficiado por la acústica del lugar. Brillo es-

sustentando los climas oníricos de la banda.

pecialmente el tema “Oblivion”, donde se dio la libertad de jam-

Juan Pablo Di Paolo, su vocalista tiene un elegante y perso-

mear, mientras los primeros invitados –algo tardíos- empeza-

nal registro en el que se perciben ecos de otros distinguidos.

ban a hacer los primeros atisbos de baile. Terminado su show,

En los pasajes más rockers resuena algo del diablillo Dárgelos.

Kristian abandonó raudamente, a cumplir con otros compromi-

En los más lánguidos, hay un abandono que recuerda al Flaco

sos nocturnos en una discoteca en la provincia de Buenos Aires.

Spinetta. Pero además Juan Pablo aporta una importante cuota

(Así, rápida y curiosa, es al parecer la vida de un electro star.)

de carisma escénico. El hombre hace lo que todo frontman de

Partido de la Costa es Nicolás González, también guitarrista

una banda de pop rock debería y predicar con el ejemplo: suel-

de la banda electropop Hiroshima Dandys, sumido en un pro-

ta sus propios pies y cadera con la gracia suficiente como para

yecto-aventura que combina la electrónica con ritmos más ca-

contagiar pasos de baile entre el público. (En este aspecto se me

lientes. La propuesta, tal me lo contó el mismo Nicolás tras bam-

plantea un interrogante más general: ¿por qué si la propuesta es

balinas, debutó en vivo esa misma noche. Partido de la Costa,

el baile la mayoría de los cantantes del synthpop tienden a que-

me explicaba, es darse el gusto de abandonar por un momento

darse ominosamente estáticos? Un buen punto para desarrollar

la rigidez de ser la guitarra de una banda y entregarse al jue-

quizá en otro artículo.)

go del collage sonoro y la improvisación. Su set es similar al

Puntos altos del set fueron los temas: “El Jefe”, un tema pop

de Conde en lo formal –banda de un solo hombre que lo tiene

aireado con una letra que sin embargo destila un cuota de ve-

en voz y programaciones-, pero con un fin más lúdico, que por

neno contra una realidad ruinosa, y “Fe”, un precioso núme-

momentos incluso replica la energía “bailantera” y del “reggae-

ro lento que en su versión de estudio cuenta con la mezcla de

ton”. Se puede decir que su experimento pasó la prueba de fue-

Daniel Melero. Otro highlight fue el tema entre naïf y power de

go, brillando gracias a la frescura de González en temas como

Cariño, cantante y baterista de Wanna Wanna, quien subió para

“Claridad” y “Partido de la Costa”. PDLC logró interactuar con

cantar con la banda, aportando el cupo femenino de la noche…

público, y hacerlo moverse de maneras impredecibles. Entran-

Más su belleza, más la seducción de su voz. Cerca del final, la

do en la espesura de repertorio se podía atrapar además haces

banca contó con la complicidad suficiente como para permitirse

de rap, hip hop, balada, bolero… Si continúa profundizando su

un largo jam sin perder la prolijidad ni la compostura, y sobre

capacidad performática Nicolás seguro tenga un largo porvenir

todo, sin dejar de hacernos bailar.

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RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

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BALANCE 2016 LOS MEJORES ESTRENOS DEL AÑO Llega diciembre y, como todos los años, antes de que se termine el año comienza la época retrospectiva de balances. Este 2016 que ya comienza a irse fue un año bastante triste por grandes pérdidas artísticas y por ciertos eventos políticos y sociales a lo largo y ancho del globo. Pero viendo más allá de eso podemos rescatar ciertos aspectos en materia de cine que alegraron nuestra vista este año en la cartelera argentina. Por eso, hoy más que nunca, a través del siguiente top 5 que reúne algunos de los mejores estrenos, esta columna es un verdadero Rescate Cinéfilo.

QUE FANTÁSTICA, FANTÁSTICA ESTA PELI [ Por Nicolás Ponisio ]

Qué sociedad de mierda, me iría a vivir al bosque. Este pensamiento que en algún momento de nuestras vidas ha cruzado por nuestras mentes es la base de narrativa inicial que propone Captain Fantastic, el film de Matt Ross (el Gavin Belson de Silicon Valley). La mirada centrada en Ben (Viggo Mortensen), un padre de seis hijos que los cría, educa y entrena por igual plantea una microsociedad utópica que el director se encarga de contar y registrar con un encanto que incita a querer formar parte de esa familia. Si bien las enseñanzas de este padre en ocasiones son algo extremas (sobre todo para los más pequeños) y por momentos se aleja de su realismo para alcanzar niveles caricaturescos, la sinceridad y unión familiar con la que se maneja este clan anticapitalista es el punto fuerte que mantiene unido los claroscuros de la forma de vida que ha optado por inculcarle a sus hijos. Todo concepto de libertad, toda imagen creada

que ya de por si implica ser parte de una sociedad -por más fuera que se diga estar de ésta- es falso. Quizás la democracia sea el mayor ejemplo de ello. La línea que aborda esta road movie (el clásico cuento del viaje iniciático) es muy fina y todo aquel que se encamine por ella puede descubrirse estando nunca en terreno firme, donde educación y provocación pueden fácilmente confundir sus roles. El film es sumamente crítico contra la cultura occidental pero el director opta hacerlo dando valor a ambas formas de vida, la de la familia de Ben y la del gran comedor de hamburguesas que es la sociedad norteamericana. Es por ello que los contrastes entre una y otra vuelven muy divertido y emocional el recorrido que hace Ben y sus hijos para lograr cumplir los últimos deseos de su recientemente fallecida esposa y madre de los jovencitos. Sin tocar fríamente los conceptos abordados -allí entran en juego las presencias de fuertes figuras como Noam Chomsky, Dostoyevski y Nabokov- se

explora en ellos de una manera clara y que acompaña el desarrollo de la historia sin llegar a pecar de pretenciosa. El cómo afecta estos conceptos al crecimiento y la percepción de mundo de estos niños y adolescentes es un interesante recurso que permite ver el encanto de esta familia al mismo tiempo que sus fallas en la forma de las imposiciones caprichosas del hombre que está a su cargo. Cada momento que pasa y se logra conocer más a fondo a los miembros de esta familia, se adquiere una fuerte empatía que entrelaza el cariño que se tienen entre ellos con el que uno, como espectador, siente también

por cada uno. Pero también lo que a veces funciona como elemento de ternura, gracioso y colorido de la forma de vida que llevan, también se empiezan a ver las grietas de un padre que, en medio de su mundo utópico, el árbol le ha impedido ver el bosque. Lo cual, lejos de volverlo una figura negativa (como tampoco lo es el “villanesco” abuelo interpretado por Frank Langella), gracias a sus imperfecciones, y a un tono que no elige un bando sino que encuentra el punto justo de unificación, demuestra ser un verdadero capitán fantástico. Lo es el personaje y también lo es su director.

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OJALÁ FUERA TAN SIMPLE… SER COMO LOS COEN [ Por Nicolás Ponisio ]

No hay cosa más bella en el mundo del séptimo arte como cuando el cine decide hablar sobre sí mismo. Lo que podría llegar a ser considerado como un acto egocentrista sirve para entender más a fondo el funcionamiento de la industria y el entorno que lo rodea. Casos como Sunset Boulevard (Billy Wilder, 1950) o Singin’ in the Rain (Stanley Donen, 1952) podían dar un vistazo (idílico o no) del mundo entre sets. Centrándose en la época que dio vida a esos films, y a una vasta cantidad de tantos otros, los hermanos Coen sitúan su nueva obra en un día cualquiera dentro de la vorágine productiva de los grandes estudios de los cincuenta. Así como Wilder sacaba a la luz maravillosamente la maldición de la industria sobre las estrellas, los Coen toman la edad dorada del cine Hollywoodense para demostrar que todo lo que reluce no es oro, ni antes, ni ahora. Hail, Caesar! deposita su atención en un extenso día en esa maquinaria insaciable de hacer películas que es Capitol Studios (que bien podría llamarse Warner o Paramount). Si bien ese es el eje central

del film, el mismo no posee una historia en particular como impulso de los hechos. Claramente destaca la figura de Eddie Mannix (Josh Brolin), la cabeza a cargo de todo lo relacionado a las producciones cinematográficas y el secuestro de la gran estrella Baird Whitlock (George Clooney) por parte de un grupo comunista que ataca a la industria desde adentro. Si el star system y los grandes estudios se vieran envueltos en un policial negro, Mannix sería el detectivesco antihéroes que nunca duerme y los villanos secuestradores los extras que no se diferencian del decorado (“Entre caras conocidas, los extras nunca se sabe quiénes son, van y vienen”). Es en la mezcla donde el film acierta y sale perdiendo un poco a la vez. Por momentos es un western, por otros un musical o un melodrama. Cada secuencia presenta breves apariciones como las del director Laurence Laurentz (Ralph Fiennes), la hermosa pero nada agradable actriz DeeAnna Moran (Scarlett Johansson), las hermanas periodistas Thacker (ambas interpretadas por Tilda Swinton) o

la la experta editora relegada a trabajar en tinieblas C.C. Calhoun (Frances McDormand). Todas sus escenas en conjunto no llegan a cumplir ni la mitad de duración del film. Entre tanto gag suelto e intercambio de géneros, los Coen no tienen un único film como resultado sino el pequeño vistazo a muchos de ellos y por cada uno de ellos una gran serie de ideas satíricas que evitan salir insatisfecho al finalizar. El desarrollo narrativo ante esta mecánica del relato por momentos puede resultar algo disparejo, como si los hermanos cineastas no supieran cómo acomodar sus geniales ideas. Pero eso afortunadamente es lo que prevalece, la genialidad inventiva, la sátira, el absurdo y la artificialidad como puntos de unión entre cada una de las pequeñas historias dentro de la historia sin fin que es la vida de Eddie Mannix. Conocedores del mundo del que hablan, pareciera no alcanzar el tiempo para que los directores puedan burlarse y transmitir todo lo que piensas de la propia industria que les da trabajo (una especie de exteriorización del trabajo infiltrado de los comunistas ahora realizado por los dos directores dentro del propio sistema). Es por ello que, dentro de cada uno de esos breves momentos, se permiten lograr sacar una sonrisa al espectador, al menos aquel que pueda acceder al contenido y el conocimiento de ese mundo pudiendo no quedarse únicamente con la efectividad chata de un gag visual y caricaturesco. La ironía reina en la inmensidad de los sets de antaño que envuelven el mundo de fantasía creado por

estos personajes. Fuera y dentro de ellos, el artificio no encuentra diferencia entre el mundo corriente y el del creador de sueños. Tanto se encuentre uno en el set de Merrily We Dance o en la lujosa mansión de Malibú del grupo de estudio comunista, desde la fotografía de Roger Deakins y la construcción de escenarios se halla una clara intención de hacer uso de los mismos elementos que los Coen ridiculizan. Así es como Hobie Doyle (Alden Ehrenreich que parece haber sido transportado de los cincuenta a la actualidad solo para que pudiera ser parte del mundo de los Coen) aguarda una cita saltando a través de su lazo haciendo convivir al western con el excentricismo millonario californiano o la edición de una escena puede salvar una vida en más de un sentido (la de la editora, la del cineasta y la del actor que de seguro pase a la historia por una carismática frase nacida a raíz de la falta de talento). Los Coen juegan a hacer cine, haciendo cine. Escenas como la de la coreografía acuática o el musical a lo Gene Kelly de Burt Gurney (Channing Tatum) reflejan la excelente capacidad de los hermanos para filmar y abordar a gusto cualquier género mientras que parecieran cumplir ciertos antojos humorísticos, así como lo hacían con las secuencias oníricas de The Big Lebowski (otrora obra bastardeada en su momento y que hoy en día alcanza el nivel de film de culto). Es gracias a esos caprichos que logra pequeños grandes momentos de ingenio y regalan el mejor musical dentro de un film no perteneciente al género. Demuestran que el cine es un lugar

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donde el talento artístico puede hallarse utilizando los mismos elementos de los que se mofan. Donde entre tanta producción sin otro fin más que el de recolectar maletines rebosantes de dinero, algunos luchan por dejar algo a su paso mientras combaten con sus propios demonios y los de otros. El personaje de Mannix es capaz de abofetear a una actriz o de hacer a una madre adoptar a su propio hijo (porque adoptar un niño siendo soltera está bien visto, pero ser madre soltera de uno propio es una aberración), pero entre tanta suciedad oculta entre bastidores es incapaz de soportar la culpa por fumar un cigarrillo a espaldas de su mujer o de abandonar la locura del mundo del celuloide por un futuro mejor. Carga su cruz y a su paso conserva la fe haciendo del estudio un lugar mejor… o al menos logrando que eso se traslade a la pantalla y los tabloides. El pequeño día dentro de una gran maquinaria no

hace diferencia entre iluminadores, guionistas, productores, estrellas o directores. Dentro del ridículo y la caricatura se encuentra la estupidez que caracteriza a sus personajes. Imposibles de empatizar por completo con ellos, pero que de todas formas logran hacerse queribles en mayor o menor medida. Así como tanto capitalistas y comunistas son en gran parte personas de cortas ideas y hacedores de planes ridículos. Los directores no se posicionan del lado de ningún bando, sino que optan por lo que mejor les sale: atacar a ambos. Ojalá fuera tan simple, pero entre tanta locura, descontrol y la falta de ideas del cine de hoy en día, ellos parecen hacerlo posible. Quizás la búsqueda del nuevo hombre de mano del comunismo no haya sido fructífera, pero es el cine, dentro de su inmensidad, quien surge exitoso hallando a los Coen como unos de los principales responsables del nuevo cine… o al menos del mejor.

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EL AMOR TIENE ROSTRO DE MUJER(ES) [ Por Jimena Patiño ]

Todd Haynes es uno de esos directores que no goza de la fama que se merece: es intelectual pero nunca pretensioso y siempre narra historias geniales. Recuerdo la primera vez que vi Velvet Goldmine y solo esa película me bastó para convertirme en su fan. Luego vi en diferente orden: Poison, Safe, Far from Heaven, Mildred Pierce y I’m Not There. Todas obras maestras de una sensibilidad artística y un cuidado absolutos. Sus referencias a la literatura, al cine clásico y a toda la posmodernidad más contemporánea lo coronaron como uno de mis directores favoritos. ¿Qué se puede decir de un director que se le dio por hacer una biopic de Karen Carpenter contada con Barbies y juguetes de niñas? Un director que aborda mitos inabordables como David Bowie y Bob Dylan. Sabía que Carol me iba a encantar, así de simple, es una de esas ecuaciones que para mí no pueden salir mal pero, así y todo, Carol no es una historia para todo el mundo. Si no tuviera conocimiento de lo mucho que le

gusta a Haynes Douglas Sirk y los melodramas distanciados, no sé si hubiera disfrutado tanto de Carol. Cuando uno conoce las fuentes de un artista una obra se siente distinta. Yo sabía (o esperaba) no encontrarme con ”La vie de Adèle” en una película ambientada en los cincuenta y dirigida por él. Es un purista cuando construye una época, tanto visual como sonoramente. Haynes te transporta a la vida de sus personajes a través de su trabajo creativo, de su complejo y cuidado marco contextual. Therese Belivet (Rooney Mara) es una dependienta de una gran tienda departamental en los años cincuenta en New York. Un día llega esta mujer Carol (Cate Blanchett) a comprar un regalo navideño para su hija. Uno estaría tentado a escribir a continuación: “Y en ese momento el mundo de Therese nunca volvió a ser el mismo, se sacudió desde los cimientos con una pasión desenfrenada” pero… eso no te lo muestra Todd Haynes, seria imponerle a la película un ritmo de romance frenético que no tie-

ne y que al mismo tiempo insinúa. La historia de amor entre Therese y Carol es sutil como un melodrama de Douglas Sirk con una mirada contemporánea. Es un film que está más cerca de la represión social como ocurre en In the Mood for Love de Wong Kar Wai que la libertad que plantea La vie de Adele. Planos de miradas intensas cargadas de significados son la clave de esta historia. De hecho el poder de la mirada y la observación es importante en el desarrollo del film, pues Therese es aparte de todo Fotógrafa. Una fotógrafa a la que le cuesta trabajo observar a las personas a través de la lente de la cámara. Ella suele sacarle fotos a objetos y paisajes, por lo que el momento en el que decide tomar la cámara y sacarle fotos a Carol comprando un árbol de Navidad se convierte en un momento épico en el que se materializa esa atracción que siente por esa mujer y su poder. Carol es un misterio para ella y por qué no una obsesión, pero en la cara de Rooney Mara no vemos nada de esto, de hecho es la clase de actuación fantástica que te permite inferir en lugar de observar explícitamente. Ronney Mara (a quien ya dije que admiraba mucho como Lisbeth Salander) se convierte en un personaje diametralmente opuesto: contenido, socialmente aceptable y hasta promedio. Therese Belivet es una chica proletaria más que intenta sobrevivir en

la ciudad. Pero no le vemos grandes conflictos existenciales: tiene su trabajo, su departamento, su novio. Hasta que aparece Carol. Y aún así nunca deja de ser sutil y distanciada. La procesión de Therese marcha por dentro mientras que Carol vive de tormenta en tormenta: su divorcio con su marido (un excelente Kyle Chandler), la tenencia de su hija… Carol es complicada, intrincada y tormentosa. Hasta con su confidente/ex amante/ amiga Aby Gerhard (interpretada fantásticamente por Sarah Paulson) tiene una relación complicada. De alguna manera el film plantea dos opuestos que se atraen constantemente. Carol deja que Therese entre en su vida más y más y Therese se anima a vivir una pasión que para ella es algo nuevo y secreto. Pasando a elementos más técnicos, el vestuario de de Sandy Powell, la fotografía de Edward Lachman, el guion de Phyllis Nagy y la banda sonora de Carter Burwell son todos aciertos en la construcción de los personajes. Carol se viste a la última moda de los cincuenta, su vestuario es opulento y hasta osado para una mujer de su edad y situación. La fotografía en tonalidades verdosas que se guardan lo cálido para ciertos momentos. La música melancólica y las baladas de jazz que las une… El guion basado en la novela de Patricia Highsmith. Por suerte los Oscar si reconocieron algunas de estas cuestiones técnicas

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pero se olvidaron (como de costumbre) de la labor del director y, por qué no, de reconocer que aun en esta época sigue habiendo prejuicios en esos premios para reconocer historias LGBTIQ. En un momento Carol toma una decisión importantísima que nos puede parecer egoísta pero que a mi criterio muestra el punto en el cual el personaje decide que no va a vivir más bajo el yugo del mandato familiar, negar su propia identidad sexual y la posibilidad del verdadero amor. Todo eso concentrado en una escena que puede parecer pequeña pero que demuestra la habilidad actoral de Cate Blanchett en

la representación de Carol. Finalmente una decisión similar es la que tiene que tomar el personaje de Rooney Mara y por dios… el final llega y -no sé qué les pasará a ustedes, porque no soy vidente, pero yo soy idealista y creo que luchar por el amor vale la pena siempre, sobre todo contra los obstáculos impuestos por una sociedad que se reprime- con el último plano uno se llora la vida porque es la concentración total de “La felicidad a lo Therese”. Una felicidad que no se grita a los cuatro vientos pero que se vive intensamente y eso… eso es lo importante.

“SI HAN DE PARPADEAR, HÁGANLO AHORA” [ Por Nicolás Ponisio ]

La frase inicial de Kubo and the Two Strings (Travis Knight, 2016) –y título de esta nota- no solo capta la atención del espectador a escasos segundos de haber comenzado la historia, sino que se aplica a todo el despliegue técnico y visual del stop motion con el que se destaca el nuevo film de los estudios Laika. La productora creada por el propio Knight, quien con Kubo debuta en la dirección, con tan solo cuatro films en su haber ha sabido encontrar su lugar en la industria y alcanzar renombre dentro de la animación, posicionándose al nivel de los mejores films de Pixar. El relato planteado por Knight es una fábula clásica centrada en el Japón feudal y se sirve de ello para tomar referencias y arquetipos de la cultura japonesa que encajan a la perfección desde lo que se quiere contar visualmente. La presencia del joven Kubo (la voz de Art Parkinson que aquí podemos oírla a diferencia de en la sexta temporada de Game of Thrones), quien emprende una misión que lo lleva-

rá a través del clásico camino del héroe, sabe captar la atención y contar fábulas mágicas como el trovador que es, acompañado de su destreza musical del Shamisen (guitarra de tres cuerdas). Es así como, entre relatos y origamis impulsados por el poder de la música, la magia se vuelve posible dentro de la textura artesanal que la técnica del stop motion le brinda a la imagen. Sin embargo, la fortaleza técnica del film que impulsa tanto a Kubo como a su música a combatir al Moon King (Ralph Fiennes), un Dios que también es su abuelo y hará todo lo posible para tomar el único ojo del niño, se pierde desde el guión. La búsqueda de una armadura mágica que lleva a Kubo, acompañado por una simio de pocas pulgas (Charlize Theron) y un honorable caballero escarabajo (Matthew McConaughey), no tiene fin alguno dentro de la trama. Si bien no es más que una excusa narrativa para poner en movimiento a los personajes, su utilidad es nula para la tarea que se propone

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el personaje principal, dejándose entrever la necesidad de un camino a seguir no tan bien resuelto desde lo argumental. Quizás la historia narrada no desborde de originalidad, aunque si de ciertos pasajes muy oscuros sobre todo aquellos que cuentan con la presencia de dos personajes tétricos como las hermanas (Rooney Mara). Pero es la grandeza cinematográfica de la que goza el film la que logra sorprender y maravillar con cada plano, cada expresión de esos personajes, cada hoja, gota o movimientos causados por el viento, teniendo en cuenta lo trabajoso de la técnica de animación utilizada y la perfección con la que es ejecutada. Incluso, si bien la historia tiene momentos de fuerte carga emocional, el mayor golpe al corazón es ver durante los créditos finales la creación de una de las escenas del film. Y es que en cada paisaje que recorremos junto a Kubo y sus compañeros, en cada emoción vivida se logra apreciar lo artesanal del arte creado. No tan digitalizado como ocurre en

otros casos donde la animación es más bien chata, en Kubo las texturas de un trabajo hecho pieza a pieza se nota y encanta como la magia nacida entre las secuencias de acción y las notas de una guitarra que llora suavemente. Más allá de cierto desbalance entre guión e imagen, el cuarto film de Laika se eleva consagrado gracias a toda la cinematografía que lo envuelve. Todo aspecto visual y musical se une perfectamente en pos de narrar a través de las imágenes. Sea una caminata en la nieve, una cruenta batalla en el mar o una simple comida con la familia. La fuerza visual termina le termina dando validez a las primeras palabras del film: Si han de parpadear, háganlo ahora. Ya que difícilmente sea posible hacerlo entre tanta magia por ver y creer, por más inusual que parezca. Si desvían la mirada, aunque sea por un instante, entonces se estarán perdiendo de la belleza del mundo construido por Laika.

EL CHAUVINISMO ILUSTRADO [ Por Nicolás Ponisio ]

Volviendo a tocar temas que recorren hasta el momento toda la filmografía de Mariano Cohn y Gastón Duprat, tales como el arte, el cinismo y la eterna lucha entre lo sofisticado contra lo burdo, El ciudadano ilustre se convierte en el film más entretenido de los directores de El hombre de al lado (2009). A la vez encuentra nuevas fallas que, desafortunadamente, no lo vuelven el trabajo mejor logrado de la dupla. Después de haber estado lejos de su pueblo natal por más de cuatro décadas, el ahora exitoso escritor Daniel Mantovani (Oscar Martínez), ganador del premio Nobel de literatura y exiliado en España, decide volver al pueblo argentino de Salas donde será condecorado como ciudadano ilustre. Siguiendo las reglas clicherísticas de “pueblo chico, infierno grande”, la estadía de Mantovani en Salas se irá transformando paulatinamente en un calvario que por momentos parece responder a la estructura de los films de horror estadounidense donde el o los visitantes quedan a merced de unos provincianos más que locos. El protagonista se haya atrapado a voluntad entre

muestras y actividades culturales de escaso talento, la pasividad agresiva con el que lo trata su viejo amigo Antonio (un Dady Brieva que no llega molestar pero que denota el empeño, por parte de él y los directores, de crear un nuevo Victor, el personaje de Daniel Araoz en el film de 2009) y el absurdo de los variopintos provincianos que rodean a Mantovani con invitaciones a cenas, una entrevista televisiva y paseos en camión de bomberos o en camioneta, manejando un genial antes y después visual. Con ello, Cohn y Duprat ofrecen una serie de gags que, siendo el factor humor donde resalta lo mejor de la historia, divierten y mantienen el interés sin dejar lugar a tiempos muertos como ocurría con otros de sus films. Sin embargo, cuanto más adentrado se encuentra uno en el relato (dividido en cinco capítulos), los mismos por momentos tiendan a agotarse siendo víctimas de una reiteración presente que incluso devela el camino que tomarán ciertos eventos a posteriori. Pero quizás el mayor defecto de la historia sea recaer en un discurso sofisticado que posiciona a los directores y al guionista (Andrés Duprat) al mismo

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nivel de pretensión egocentrista del protagonista. Y es que los temas que aborda el film, como el lugar del artista, lo rústico de ciertas sociedades, la hipocresía cultural y la mediocridad presente más allá del éxito, están bien tratados siempre y cuando no son acompañados por un discurso transformado en mensaje literal y algo burdo, carente de sutileza, como algunos de los habitantes de Salas. Si en El ar-

tista (2008) o El hombre de al Lado para bien o mal quien triunfaba era el artista con aires de grandeza, posicionado falsamente por encima del resto, con El ciudadano ilustre lo sofisticado pierde ante el humor de efecto directo dando por resultado un film disparejo, que cumple pero con ciertos baches que lo vuelven algo tosco en su estructura. A fin de cuentas, un habitante más de Salas.

EL ESCRITOR SERIAL

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EASY EN EL SEXO Y LAS RELACIONES NADA ES FÁCIL [ Nicolás Ponisio ]

Las situaciones y embrollos que viven los personajes creados por Joe Swanberg no son nada fáciles. Lo que sí lo es, es sentarse a ver uno tras otro los ocho episodios de Easy, la nueva serie de Netflix. Con una duración no más de media hora (en algunos casos menos), el guionista y director se pasea por una variedad de historias unidas por la sexualidad, las relaciones, la amistad y la familia. Cada episodio puede ser considerado un cortometraje independiente que hace uso de su escasa duración para atravesar diversas problemáticas que varían entre el drama, el humor y la calidez nacida por medio de los personajes y la narración del director. Los episodios también tienen como punto de unión la aparición de personajes que alternan su lugar en la serie, a veces como protagonistas y otras

meramente como secundarios. Esto permite centrar la atención en cada uno de los personajes principales, dándoles su importancia y lugar en el visionado total del producto. Esto, sumado al hecho de que cada historia es totalmente independiente de las otras que la rodean, a excepción de los episodios 3 y 8 que narran la historia de dos hermanos (Dave Franco y Evan Jonigkeit) que deciden llevar a cabo una cervecería clandestina, le da cierta agilidad e interés a la serie. Pero también permite que la misma sufra de altibajos y de una construcción algo dispareja que le imposibilita una estructura sólida. Lo cierto es que lo que Easy pierde en estructura lo gana en agilidad, ya que la duración y dinámica de historias diferentes hace que los episodios menos

logrados (vale aclarar que ninguno puede considerarse malo) no echen a perder al resto del material. Permite dar paso a una alternación entre episodios excelentes, buenos y no tan buenos, sin nunca agotar las ganas del espectador por ver lo que espera a continuación.

nueva (Orlando Bloom y Malin Akerman), una mujer que poco a poco comienza a notar su falta de libertad en relación a su matrimonio (Aislinn Derbez) o la vida y arte de un dibujante (Marc Baron) donde lo artístico y lo sexual se unen y separan a la vez al conocer a una joven fotógrafa (Emily Ratajkowski).

Swanberg realiza con el mayor toque humano, y por momentos irónico, una radiografía de estas vidas de pareja con el realismo y el carisma necesario para que el público logre interesarse en ellos. El director logra pararse y echar un vistazo a la diversidad étnica y sexual pasando por una pareja que intenta reanimar la pasión (Michael Chernus y Elizabeth Reaser), otra que siente curiosidad por probar cosas

Easy termina siendo una serie que, pese a carácter desparejo, da lugar a un material universal de fácil recepción para todos los gustos. Un director independiente que se mantiene fiel a su identidad (demostrada en sus films previos como Drinking Buddies) y una serie que, pasando bastante desapercibida, resulta ser una de las pequeñas grandes sorpresas de este año que merece ser descubierta.

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su habitación. Xu termina el poema así “Estaba bien cuando vine, y bien cuando me fui“. Las ganancias que obtenga la canción

tula” (1996). Tras su regreso a los escenarios en el 2014 han estado girando mucho y reeditaron el año pasado“Nowhere” (1990) para su 25 aniversario.

serán donadas al “China Labor Watch” una organización que defiende las condiciones de trabajo en China. La historia detrás de una canción Recientemente la artista Rachel Mason

Gracias a: Aagoo records Shameless Promotion PR Shauna McLarnon

a quien entrevistamos para el número 22 de la revista lanzó en el mes de noviembre un nuevo disco y además ha participado en “On My Deathbed” un single de la banda TheUse (que es un proyecto del neoyorkino de Michael Durek). La letra

3- The Underground Youth Subió el vi-

de esta canción es un poema de Xu Lizhi,

deo para el tema “Alice” single adelanto

un trabajador de 24 años de Fox Conn en

de su próximo disco anunciado en su pá-

China (entre los productos fabricados por

gina de Facebook para el 15 de Febrero

esta empresa destacan el iPhone, iPad, PlayStation 4, Xbox 360.10 y las cámaras

5 anuncios de nuevos discos, adelantos y 1 separación.

del 2017. Con sede en Londres The Underground Youth es el proyecto en soli-

GoPro). Pero esto no significaría mucho

1- The Jesus And Mary Chain lanzará

tario de Craig Dyer quien a escrito y gra-

si no se trataría de un eslabón de una ca-

un nuevo álbum que se llama "Damage

bado toda la música hasta que firma en

dena de suicidios de jóvenes que trabajan

and Joy" y se editará el 24 de marzo bajo

el año 2012 con el sello Fuzz Club Re-

explotados en la empresa. En 2014 Xu Li-

ADA/Warner Music. Será el primer dis-

cords y formaliza una banda. Tiene edi-

zhi se suicidó y dejó unos cuantos poe-

co de estudio en 18 años pues tras la edi-

tados 7 LP's y 3 EP's donde van y vienen

mas sobre la rutinaria vida en la fábrica, y

ción de Munki en 1998 solo salieron re-

influencias que pasan por la psicodelia,

sus amigos tradujeron sus textos al inglés

copilaciones y el último un albúm en vivo

el shoegaze, el blues y el post-punk. Fuzz

y lo subieron a la Web y el impacto fue

“Live At Barrowlands “celebrando el 30

Club es una discográfica independiente

tal porque se supo una verdad que se ve-

aniversario de su consagratorio. El álbum

con sede en East London que se enfoca en

nía ocultando. La Empresa, para bajar es-

está producido por Martin 'Youth' Glover

el rock and roll experimental, influencia-

tos índices de suicidios puso psicólogos

(Martin Glover) quien ha aportado algu-

da por shoegaze, electrónica, noise, gara-

para que traten a los jóvenes trabajado-

nos bajos y ya se puede escuchar la prime-

ge, blues, folk y psychedelia. Se trata de

res, hasta incluso llegaron a poner rejas

ra canción "Amputation".

un sello muy joven que entró en escena

en las ventanas de las habitaciones de los

en 2012 con su compilación The Reverb

trabajadores.

Conspiracy http://fuzzclub.com/

Se sabe que Xu había intentado buscar otro empleo en bibliotecas, pero tuvo que volver a la empresa, y su rutinaria vida gris lo llevó a tomar esta decisión. Esto cuenta un poco la historia de jóvenes que son explotados en las empresas en china por poco dinero, mucho trabajo y pocas expectativas de un futuro pro-

2- Otra banda clásica que entró a grabar en este caso después de 20 años es

4- Cigarettes After Sex, es una ban-

En este caso, “En mi lecho de muerte”

Ride y anuncian nuevos temas para el

da de El Paso (Texas) fundada en 2008

es el último poema que escribió, la última

2017 con producción del Dj Erol Alkan .

por Greg Gonzalez y lanzó un single "K"

noche antes de arrojarse de la ventana de

Su último álbum de estudio fue “Taran-

acompañando el anuncio de un albúm

misorio.

para el 2017 del cual no conocemos el

1- Y no todas son buenas, lamentable-

dos adelantos “Telegram” compartido

nombre. Su primer disco homónimo es

mente Lush pone fin a su reunión. El sue-

hace un mes y “08 Crocodile”. Además

del 2011 y a él siguieron un Ep que tam-

ño de ver a la banda en Latinoamérica se

en su soundcloud pueden escuchar com-

bién lleva el nombre de la banda del 2012

quebró y no será posible. Tras la partida

pleta su atrapante y hermosa discografía.

donde se encuentra el bello "Nothing's

de su bajista Phil King, las chicas deci-

Amiina es una grupo proveniente de

Gonna Hurt You Baby" donde Greg Gon-

dieron ponerle fin a esta aventura que co-

la ciudad de Reykjavík (Islandia) origina-

zalez canta junto a Hope Sandoval (Ma-

menzó como un rumor en septiembre de

riamente un cuarteto de cuerdas formado

zzy Star) y en 2015 otro Ep con dos te-

2015 y que los devolvió a la vida en abril

por cuatro chicas estudiantes de instru-

mas llamado “Afection”. “K” mantiene

de este 2016. Tuvimos un regalo Her-

mentos de cuerdas abocadas en principio

la esencia de la banda, tiempo lento una

moso que fue un EP de cuatro canciones

a la música clásica pero que gustaban de

fina y precisa instrumentación una bella

nuevas "Blind Spot". La despedida oficial

tocar con varias bandas de la Isla entre las

melodía difícil de olvidar y una voz que no

fue el 25 de noviembre en el Manches-

cuales se encontraba Sigur Rós a quienes

deja de sorprendernos.

ter Academy. Las chicas (Emma y Miki)

se unen en 1999 tanto en gira como en

y el ex Elástica Justin Welch, se presen-

el estudio de grabación para los álbumes

taron junto al que reemplazará por esa

Takk, Með su è eyrum við spilum enda-

noche a Phil King, Michael Conroy (Mo-

laust y Valtari. Tras varios Ep, un primer

dern English). La banda declaró: “Ha

larga duración en 2007 “Kurr”, “Puzzle”

sido un año fantástico para Lush. Reci-

en 2010 y “The Lighthouse Project” en

bimos una increíble recepción de nues-

2013, una obra centrada en algunas ac-

tro EP "Blind Spot" y tres hermosos lan-

tuaciones dadas en faros islandeses y una

zamientos de 4AD, vendimos dos shows

agenda muy apretada con muchas cola-

5- Last Leaf Down tienen un nuevo sin-

en Roundhouse, recorrimos América del

boraciones entre los que se cuentan ade-

gle “The Path” presentado en video por

Norte con gran éxito y disfrutamos de

más de los ya nombrados entre muchos

el canal de YuoTube de su sello, el tema

nuestras presentaciones en los festiva-

otros con Yann Tiersen, Spiritualized, Ef-

adelanta un nuevo álbum anunciado para

les europeos. Ha sido maravilloso revisar

terklang y Alcet.

el 2017 que tendrá la difícil tarea de suce-

nuestra música antigua y crear material

der a “Fake Lights” (2014) un gran dis-

nuevo. Sin embargo, ahora es hora de que

co integrado por canciones muy logradas

volvamos a nuestras familias y hogares, y

realizadas en base a un fino sonido de

traigamos el fin a nuestro tiempo como

guitarras y bellas melodías. Formada en

una banda. Agradecemos sinceramente a

2003 en la Beinwil - Suiza al amparo del

todos nuestros seguidores. Fue hermoso

sello de Metal nórdico Lifeforce Records

mientras duró.

en 2007 deja la banda su guitarrista y su baterista produciendo un vuelco a un sonido más cercano al Shoegazer y el Post

2- Minor Victories compartió el video

Rock sin dejar de lado completamente su

de "Give Up The Ghost" para su versión

esencia. Actualmente el grupo está inte-

instrumental de su próximo álbum Or-

grado por Danny "Bruno" Dorn (Bass),

chestral Variations, Una reinterpretación

Sascha Jeger (Guitar), Benjamin Schenk

de las canciones de su albúm debut. es el

(Vocals, Guitar), Pablo Echague (Guitar).

segundo adelanto del disco pués a fina1-“Fantômas” inspirado en la película

les de octubre vimos el video par el tema

de 1913 es el nombre del nuevo disco de

“Cogs”. El disco se a la venta el 25 de no-

amiina formado por Hildur Ársælsdót-

viembre durante el Black Friday y estará

tir, María Huld Markan Sigfúsdóttir, Sól-

disponible en cualquier otro lugar en ene-

rún Sumarliðadóttir, Magnús Trygvason

ro a través de Fat Possum Records.

Eliassen y Guðmundur Vignir Karlsson

El video mantiene la línea minimalis-

(alias Kippi Kaninus) podemos escuchar

ta de todos los anteriores que pueden ver

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en su recomendado canal de youtube con una clara idea estéti-

En cuanto a Orchestral Variations Justín Lockey dice que in-

ca diseñada por los hermanos Lockey, todas las imágenes son

tentó poner algo de luz a algunas bellas y delicadas partes que

montadas, rodadas y editadas por James Lockey bajista de la

quedaron ocultas en el debut cubiertas por el poder de las can-

banda quien en realidad se desempeña como film-maker en

ciones y las diferentes capas de guitarras.

Hand Held Cine Club.

https://www.facebook.com/EntrepisosRadio/

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PURA MELOMANIA

Un Triunfo Incomparable para la Música Electrónica JEAN MICHEL JARRE- Oxygene (1976) [ Gabo Rojo ]

Uno de los compositores de música Electrónica más exitosos comercialmente, Jean Michel Jarre conquistó al público mundial con sus varios discos éxitos en ventas y espectaculares shows en vivo. Hijo del compositor Maurice Jarre (cuyos trabajos incluyen bandas sonoras de películas como Ghost y Lawrence of Arabia), Jean Michel se dio a conocer mundialmente con su impecable disco Oxygene en 1976. Utilizando una multitud de sintetizadores e instrumentos electrónicos, Oxygene es una sinfonía Ambient de 6 movimientos impecablemente producida, donde las ideas vanguardistas de Kraftwerk y Tangerine Dream son volcadas a un contexto más accesible, con piezas más breves y más énfasis en melodía que en ritmo, sin por esto perjudicar su atmósfera y gama de colores. El objetivo de Jarre fue crear “la banda sonora para la película que eres capaz de crear en tu propia imaginación,” y para lograrlo compuso el disco, extrañamente, empezando por el centro y moviéndose a partir de ahí hacia los segmentos iniciales y finales.

Si bien todos los posteriores lanzamientos de Jarre son escuchables y algunos incluso contienen momentos de genialidad, Oxygene y su secuela cronológica, Equinoxe (1978) siguen siendo sus obras más icónicas y duraderas. Este es un buen momento para (re) descubrir al disco que Phil Alexander, el editor de MOJO, calificó como “un triunfo incomparable para la Música Electrónica,” ya que acaba de ser relanzado como parte de un boxset triple que contiene también Oxygene 7-13 (álbum de 1997 grabado utilizando los mismos instrumentos que el disco original aunque con una tendencia más Dance/ Trance) y los recién editados segmentos 14 al 20, una vuelta de Jarre a sus orígenes tras su ambicioso, y mayormente exitoso, recorrido por la historia del Electropop en Electronica 1: The Time Machine y Electronica 2: The Heart of Noise. (Partes de esta reseña provienen de libro “Canciones, Sonidos y lo que Sigue”)

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EBM Para una Alemania dividida KMFDM - What do you know Deutschland? (1986) [ Alejandro Cenizacromada ]

El debut de la banda alemana KMFDM es un selecto coctel que combina furia y experimentación. La pregunta What do you know Deutschland? Es una pregunta obvia teniendo en cuenta su presente con la guerra fría y una Alemania dividida por el muro. Desde el primer tema Kicking Ass se intuye el camino que seguiría la banda liderada por Sascha Konietzko y En Esch. Se parte de un E.B.M cabalgando sobre beats inmisericordes muy similar a ese espíritu combativo de bandas pioneras como The Klinik o unos Frontline Assembly más minimalistas. El poder se centra mucho en esas voces que proclaman como el amor y el deseo nos hace ser más fuertes en esos momentos en que nos encontramos expuestos ante la tiranía. Gradualmente las guitarras empiezan a aparecer, pero no con ese protagonismo que llegan a tomar en discos clásicos como ANGST o NIHIL sino básicamente dan más fuerza a las composiciones. La carátula original del disco también hace referencia a la Alemania dividida con el logo de la banda con una tipografía como escrita en letras rusas y la foto de un primer plano de una mujer sonriente con el típico gorro de invierno usado por los soviéticos llamado Ushanka. En posteriores reediciones del disco que en esta primera versión aparece bajo el sello Z records ya aparece el característico arte comic de las portadas de KMFDM. Saliendo un poco del tema y a manera de anécdota personal, la razón por la cual yo terminé escuchando KMFDM fue porque en una revista independiente de música que llegó a editar un locutor que tenía un programa radial en los 90 de música underground en Colombia llamado “Radio Pirata”, apareció un artícu-

lo de ellos donde mencionaban las conjeturas acerca de su nombre y hablaban del significado que daban algunos fans (Kill Mother Fucker Depeche Mode). Me causó mucha curiosidad y hasta algo de enojo pues el que escribe estas líneas ama con el corazón y el alma la obra de Depeche Mode. En dicha revista KMFDM comentaba que no era el significado de la sigla, pero que no les molestaba pues ellos consideraban el sonido de DM como Techno para tontos. Me dí a la tarea de comprarme algo de ellos para ver qué era lo que tanto hablaban y di con el ANGST. La verdad quedé encantado con temas como A Hole in the Wall y Blood (Evil Mix). Me dio algo de remordimiento el hecho de que me gustaran, aunque llegué a la conclusión que en algún momento de sus miserables vidas ellos deberían de arrepentirse y retractarse de considerar eso de Depeche Mode (creo que a estas alturas no lo han hecho). Con respecto al nombre también se ha usado la conjetura de que significa “Kylie Minogue fans Don´t masturbate” o “Keep Madonna From Doing Music” y realmente no hay nada concreto solo una palabras en alemán según la banda: “ Kein Mitleid für die Mehrheit” que traducen algo así como: “Sin piedad para la mayoría”, que la verdad surgieron durante una exposición artística en la que iban a participar y que como banda en ese momento no tenían nombre. Así que usaron esas palabras bajo un contexto un tanto Dadá pero para no complicarse la cabeza debido a su difícil pronunciación la dejaron en siglas KMFDM. Volvemos al disco What do you know Deutschland? El cual fue grabado en Hamburgo en los estudios Zitty sound y The building site. La primera edición del dis-

co tuvo 1000 copias en acetato. En posteriores reediciones del sello norteamericano Wax Trax! se añadieron otros temas y diferentes Remixes. KMFDM en su desarrollo tuvo una fuerte orientación de sonidos más afines al Soul y al Funk, llegando a incorporar voces femeninas en sus temas. En este primer disco se empieza a intuir esa inquietud sobre todo por la canción Lufthans que tiene un componente de blues bizarro y que se vuelve más retorcido al ser un tema en alemán con ese acento algo marcial. En cortes como Sieg sieg, otro de los

más importantes del álbum, se impone la experimentación al mejor estilo del primer E.B.M. El uso de samplers en temas como Conillon mantienen la fuerte dosis de oscura tensión del disco. Desde el principio la obra de KMFDM inquieta, han sido una banda comprometida con su tiempo a pesar de su sarcasmo y su humor negro. Han llegado a un lugar donde merecen todo el respeto y admiración al cumplir ya 30 años de este gran disco debut aunque al frente de la banda ahora solo permanezca el productor Sascha Konietzko.

Colaboración Impensada KGC – Dirty Bomb (2006) [ Diego Centurión ]

Como ya sabemos Dean Garcia es un artista que nos gusta mucho, fue portada de una revista anterior y siempre que podemos tratamos de tenerlo presente. KMFDM es una de esas bandas que también ha aparecido en estas páginas y que también nos gusta mucho. Ahora bien, ¿sabían de la existencia de una colaboración entre ambas bandas? Bueno de esto nos ocuparemos en este escrito. Cuenta la historia "no oficial" que un fanático de ambas bandas (KMFDM - Curve) los conectó. Una colaboración vía Web con base en Seatle y Londres. Sacha Konietzko y Lucía Cifarelli de los industriales KMFDM y Dean Garcia de los desaparecidos Curve formaron este proyecto que lleva las iniciales de los apellidos KGC. Sólo realizaron este álbum, "Dirty Bomb" y si uno se pone a pensar antes de escucharlo por primera vez, no sabría bien que esperar del sonido, ¿qué punto de unión encontraríamos entre los proyecto que involucran a estas cabezas?, ¿se imaginan a Sacha y Lucía sonando a Curve?, ¿se imaginan a Garcia sonando a KMFDM? Raro pero cierto, el disco tiene una amalgama sonora que nos recuerda inevitablemente a ambos proyectos. Haciendo del álbum una delicia. La apertura con "Ever After" nos introduce de lleno en el mundo Curve, y Lucía, quien canta todas las canciones, nos remite inmediatamente a Toni Halliday.

"6 Ft. Below" tiene más de la agresividad de KMFDM, sus potentes guitarras surcan un universo sonoro recargado de secuencias o suciedad industrial. La voz de Lucia suena quejosamente hermosa. Las secuencias rítmicas rememoran el sonido del disco Come Clean de Curve. "Katatonic" es una potente mezcla de ensordecidos riffs de guitarras que nunca estallan, cargando una pared sónica que no te deja relajar. "Best of Everything" va en la senda de la canción anterior. "Back to Life" más cercano a los KMFDM, aunque la voz de Lucia no suena estridente como en su banda. Acá susurra de manera más curvezca. "Good Things" es una canción que tiene el sabor a Curve, pero ese ritmo de paso entrecortado lo hace mucho más atractivo. "Made 4 Luv" tiene ese aire a Toni Halliday que se percibe en todo el álbum. Parecería tener más de Curve que de KMFDM. Pero llega "Misery" que nos trae un poco de esas guitarras de Sacha. Pero la voz sigue sonando a Halliday. "Barely

Cold" y "Back To The Front" son las que cierran el álbum, y está última es la que más potente suena, tiene más de KMFDM y es un cierre perfecto para esta colaboración extraña, pero que al escuchar este álbum nos damos cuenta que ambas bandas nunca estuvieron tan lejos sonoramente. "Dirty Bomb" es un álbum que bien podría haber sido

un último trabajo de Curve, o bien, un raro trabajo de KMFDM. Con sonido recargado, secuenciado y elaborado, un trabajo en donde podemos percibir que Lucia tiene una voz sensual y se descubre una versatilidad espléndida, pocas veces explotada en su banda. Un álbum que une dos mundos, que, a simple vista pareciera no tener puntos de contacto.

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Victoria Real | Música para sanar máquinas rotas Label: Victoria Real Self-released Fecha de Lanzamiento: 01 de Abril de 2016

Este año que se va nos ha dejado un vendaval de discos que no hemos conocido y recién ahora llega a nuestras manos. "Grabado para sanar una maquina rota. Mejor ser una maquina rota que un zombie automático" reza una frase en su bandcamp y cuán cierta puede ser esta afirmación cuando se termina de escuchar el álbum. Victoria Real es un proyecto solista de Victoria Caregnato, fue miembro de la "League of Crafty Guitarrists" de Robert Fripp, y a principio de este año ha lanzado este álbum de diez canciones cortas, simples, bellas, con un aire embriagador de armonías y luminosidades intimistas. Por momentos me recuerda a melodías spinetianas, con duraciones

bastantes cortas, que ayudan a captar pequeños momentos de intimidad. Un álbum que llegó casi finalizando el año, cuando se lanzó cuando éste comenzó, pero las maneras en que las cosas suceden es parte de la vida, simple e intimista.

Francesco Tristano | Surface Tension

Label: New Zero God Self-released Fecha de Lanzamiento: 15 de Marzo de 2016 [ Por Alejandro Cenizacromada ]

Cualquier lanzamiento hecho por Transmat, el sello del Miles Davis del Techno, Derrick May es una gran noticia. Francesco Tristano es un pianista y compositor de Luxemburgo exponente de música clásica que ha grabado con el prestigioso sello Deutsche Grammophon bellas piezas de aire barroco y renacentista. Por otro lado Tristano siempre ha sido un personaje ávido de cambio e innovación, de investigador de las nuevas tecnologías. Surface Tension es otra manera de entender la música electrónica de culto, hay piezas que las puedes bailar o las puedes escuchar. Hay abstracción pero también hay fuego, de hecho el gran Derrick May participa

en este disco y junto a Tristano, se han encaminado en una gira por todo el mundo, armados hasta los dientes de sintetizadores analógicos y cajas de ritmo, buscando rescatar la música electrónica hecha por MÚSICOS. Imperdible como hermoso. Deep house, Experimental y Techno dando un paso hacia el infinito.

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Billy Idol | BFI Live Label: BFI Records Fecha de Lanzamiento: 25 de Noviembre de 2016

El gran Billy acaba de lanzar un álbum en vivo, registrado en varias ciudades de los Estados Unidos, en lo que fue parte de su "The Kings & Queens of The Underground Tour". Editado en formato de 3 vinilos, y especialmente para el "Black Friday Récord Day Release 2016". Está es una buena manera de escuchar el sonido real de Idol en sus conciertos. Un trabajo en donde repasa sus éxitos como "Cradle fot Love", "Dancing wirh Myself", "Flesh for Fantasy", "Ready Steady Go", "Sweet Sixteen", "Eyes Without A Face", su version de “L.A. Woman”, “Blue Highway”, “Rebel Yell “, “White Wedding” o “Money Money”, más canciones de su último trabajo “Postcards From The Past”, “Can't Break Me Down”, “Save Me Now” y ” Whiskey And Pills”. Y podemos escuchar un track

llamado "Dementia" en donde Steve Stevens hace un gran sólo. Un álbum con 16 tracks de excelente sonido, grabado de forma impecable en donde se puede sentir la adrenalina de los conciertos del gran Billy Idol.

The History Of Colour TV | Wreck Label: Weird Books Fecha de Lanzamiento: 25 de Noviiembre de 2016

The History Of Colour TV es una banda con base en Berlín, aunque sus integrantes pertenecen a los EEUU e Inglaterra. La banda nacida en el 2010 lleva editado dos álbumes "Emerald Cures Chic Ills" (2012) y "When Shapes Of Spilt Blood Spelt Love" (2014). Éste single es el adelanto de su tercer álbum “Something Like Eternity” a editarse el 24 de febrero del 2017. El single contiene dos tracks. La canción que le da nombre es la que abre con un post punk a lo Wire, con reminiscencias de Nirvana, en la construcción de la canción. Un track con mucho de guitarras y un potente ritmo de batería, que le imprime una dureza exquisita al track. "August Twenty First" es el lado B del single, empieza con sonido ambiente y comenzamos a escuchar como una lluvia cayendo sobre una ventana. Y de eso se trata. Lo cual nos

plantea un enigma que se revelará con la próxima edición. En el camino sembrado por los Smashing Pumpkins la banda busca su lugar con la gran canción Wreck, sólo nos resta esperar la salida del tercer álbum.

staar girl | Year One Label: Habitant Records Fecha de Lanzamiento: 27 de Noviembre de 2016

Staar girl es un proyecto de un músico llamado Ariel Piazza, de Rehoboth Beach, DE (USA). Mayormente ambiental y acústico. Tiene unos discos anteriores, pero este es su nuevo trabajo, editado bajo el sello Habitant Records. Por momentos se vuelve ensoñador y orquestal, en otros simplemente soundscape. Este trabajo, Year One contiene nueve tracks bellísimos. La mayoría son instrumentales, excepto la cálida "Above The Earth" que tiene la etérea voz de ArielY "Warmth Beyond My Own", pero más que voces cantadas son acompañamientos melódicos. En "To You" la voz se acomoda más al canto, recordándome por momentos a la recientemente desaparecida Caroline Crawley. Y en la canción que le da nombre al trabajo, su voz es mucho más protagonista y crea un clima espléndido de dulzura y calma. Y en las dos últimas canciones, que son dos partes de una misma canción, se crea un ambiente crepuscular. Una muy

linda banda para aquellos que disfrutan de los ambientes diáfanos pero luminosos. Sus redes sociales para conocer más de esta banda: https://staargirl.bandcamp.com/ https://soundcloud.com/ariel-piazza https://twitter.com/staargirll_ https://www.instagram.com/staar_girll/

Piano Magic | Clousure Label: Second Lenguage Fecha de Lanzamiento: 31 de Noviembre de 2016

Hace un largo tiempo entrevistamos a Glen Johnson (precisamente en nuestro número 17, de Abril del 2015) quien nos anunciaba el final de Piano Magic, y el año pasado nos había regalado un álbum que recopilaba gemas, y se suponía que sería el álbum final, pero ha llegado "Closure" para el cierre con un exquisito álbum. A lo largo de sus ocho tracks, la banda despliega toda su belleza sonora intercalando, piezas que relajan y nos hacen querer escuchar su discografía completa, la cual recomiendo. Canciones simples, con estructuras sencillas, canciones con un dulce dejo de melancolía, como expresando un adiós. Instrumentación que acompaña una sensación cá-

lida y de magia. La bondad de las cuerdas y el piano resaltan un ambiente de placidez en donde todo es armonioso. Ojalá que se replanteen acerca sobre este final.

Melancholy Day Dreams | Sometimes (EP)

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Label: Melancholy Day Dreams Self-released Fecha de Lanzamiento: 01 de diciembre de 2016

Melancholy Day Dreams es un proyecto en solitario formado por Cam Dewar (Jew-er), según él creado en su cuarto en Noviembre se este año. Y como suele pasar hace algunos años, la posibilidad de grabar y editar canciones puede hacer que las producciones no siempre sean dignas de ser escuchadas o ante la facilidad de las grabaciones caseras las cantidades de productos sean inabarcables. Pero en este caso vale la pena escuchar estos tracks y descubrir paisajes solitarios e hipnóticos. En donde la soledad de un cuarto se dibuja en cada acorde de este primer trabajo. Abarca varios estilos entre ellos, lo-fi, shoegaze y dream-pop. Sus primeros singles, tienen como portada una foto de algún artista conocido, por ejemplo, "Yesterday's Visions" tiene a Robert Smith, "Tomorrow's Reality" a Bilinda Butcher de MBV, "Still Picture" a Rachel Goswell de Slowdive, todos lanzados en el mes de noviembre, y tras la

salida de este Ep, han lanzado una nueva canción "Exhaustion" con la portada de la película "Control". "Sometimes" es el primer EP realizado por Melancholy Day Dreams, y consta de cinco tracks. Tres son los primeros singles y dos tracks nuevos. Al ser instrumental las barreras caen con facilidad ya que no hay idiomas o intenciones que entender, acá habla sólo la música.

Lautremont | Volvé Vol.1 Label: Lautremont Self-released Fecha de Lanzamiento: 12 de Diciembre de 2016

La banda oriunda de Córdoba ha participado recientemente de un compilado Tributo a David Bowie de Discos Perfectos llamado "Héroes", se dio otro gusto y grabó tres canciones más y sumándole su versión de “Blackstar”, conforman el Volumen 1 (¿Habrá un segundo Volumen?). Lo cierto es que este EP trae unas tremendas versiones del Maestro Bowie, con mucha corrosión sonora típica del stoner, como mucho caos irreverente de un post punk que roza por momentos el rock más sucio, y por momentos nos costará reconocer de qué canción se trata. "Let's Dance" abre el EP, "I can't Read" de Tin Machine, "Seven Years in Tibet"

y el mencionado "Blackstar". Por las dudas aclaran... "Con el mayor de los respetos y mayor aun admiración. No somos dignos pero lo vamos a seguir haciendo. Ya está, volvé".

American Anymen + Lise | OUI EP Label: American Anymen + Lise Self-released Fecha de Lanzamiento: 21 de Diciembre de 2016

La banda de Nueva York American Anymen ya tiene una discografía que empieza allá por 1999, con el lanzamiento de su primer álbum "Orig. 4 Trk. Rap" y Lise tiene una carrera más reciente, pero esta colaboración ya tiene una historia que se consumó en un lanzamiento "+ EP" (2014). Ahora se juntan nuevamente para este EP que está invadida de una atmósfera folk brillante. Con paisajes silvestres y mucha belleza. Esta colaboración ya viene con varios conciertos en su haber y cuenta la historia que Brett Sullivan (ideólogo de "AA") y Lise se han conocido en un micrófono abierto en Brooklyn. "Los dos álbumes de American Anymen + LISE presentan canciones más personales Estas 4 nuevas canciones tratan sobre cómo lidié con mi tiempo

en prisión, mi batalla de 13 años con la adicción a la heroína, los recuerdos de amigos que me hicieron feliz pero no están cerca de Escuchar estas nuevas canciones, y cómo el mundo es mucho más simple que las elites gobernantes nos hacen pensar ", explica Brett Sullivan. Es sumamente indispensable darle una escucha entera.

Nine Inch Nails | Not The Actual Events Label: Nine Inch Nails Self-released Fecha de Lanzamiento: 22 de Diciembre de 2016

Trent Reznor cierra un año que ha sido fructífero de la manera que más nos gusta, editando material nuevo. Vuelve a mover la estantería Nine Inch Nails y lanza un EP "Not The Actual Events" de cinco tracks, en donde se ve un paso nuevo de la banda, esta vez mezclando un poco de todo lo conocido de la banda en inquietantes tracks que nos demuestran que siempre las composiciones son de excelente calidad, tal vez te pedan gustar unos más otros menos, pero en este EP vamos a encontrar la esencia de Nine Inch Nails. "Branches/Bones" nos trae en un corto track la vertiginosidad de la banda. "Dear World" el lado más tecnológico y rítmico de la marca NIN. "She's Gone Away" nos muestra el lado más oscuro

y perturbador. "The Idea Of You" el lado más enérgico y agresivamente sonoro. "Burning Bright (Field On Fire)" nos muestra el lado más claustrofóbico, alienado, tortuoso. Un gran EP para cerrar el año y esperar del 2017 nuevos proyectos discográficos.

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Ummagma + A.R.Kane | Winter Tale Label: Ummagma Self-released Fecha de Lanzamiento: 17 de Enero de 2017

Ummagma vuelve a editar una nueva canción, Winter Tale. Si bien su último registro es de este año, comenzarán el 2017 con este lanzamiento. La banda conformada por Shauna McLarnon y Alexander Kretov está vez se alían a los clásicos A.R. Kane quienes realizan una remezcla de la canción. Siempre escuchar a Ummagma es un deleite que debemos repetir constantemente, así como en diciembre del 2015 nos regalaban el EP "Frecuency", éste diciembre nos entregan la escucha de este single. Una canción etérea y con recursos vocales tan bellos que nos despiertan a un mundo en el que solo debemos mirar la nieve caer y pensar en lo maravilloso de ese acto tan natural como fascinante, simple pero cargado de magia. Cuento de invierno, cuento de hadas, un viaje sonoro en una nube de seda. El remix de Rudy Tambala (A.R.Kane) es una explo-

ración sonora que suprime todo ritmo y le imprime una mayor cualidad etérea, la voz queda como el hilo conductor, mientras que los sonidos de guitarras quedan en un plano perdido, en donde no se destacan pero crean un marco fantasmal para la dulce voz de Shauna. Esto es una muestra, ahora esperemos una edición con más canciones nuevas, ese es nuestro deseo para el 2017.

DERECHO DE PISO

ORQUÍDEA LA BELLEZA FLORAL

[ Por Benjamín York ]

Nacidos en el 2004 en Arequipa (Perú), Orquídea es un dúo compuesto por Raúl Begazo en guitarra, secuencias, programación, bajo y voz. Abdel De La Cruz en guitarra, secuencias y voz. Llevan años desparramando un shoegaze con pinceladas de dreampop., que van detrás de sonidos de bandas como Cocteau Twins, Slowdive o lo más tranquilo de los My Bloody Valentine (aunque se han animado a grabar "Only Shallow"), pero siendo de Perú no podemos dejar de mencionar a los fantásticos Resplandor. Oníricos paisajes llenos de feedbacks, elegancia, composiciones perfectas, como ríos que se mueven en los oídos paneando belleza sonora. La banda tiene editados un EP debut "Translúcido" (2004), "Abril" (2014) y recientemente han editado un single llamado "SD90", que según ellos, es de su nuevo álbum a editarse en lo que queda del 2016. Los invitamos a descubrir nuevas bandas de Latinoamérica como Orquídea. Sus redes sociales son: https://orquidea-shoegaze.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/orquidea.aqp/

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