The 13th Número 27 by Revista The 13th

The13th AÑO: 3

NÚMERO 27

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de

[ Departamento de Cine ] [ Departamento de Música ]

Julieta Curdi.

Nicolás Ponisio José Luis Lemos

TRADUCCIÓN

Alejandro Cenizacromada

Marcelo Simonetti

Alex Bretto

Rodrigo Debernardis

Ariel Soriano,

[ Departamento de Literatura ]

Bernardo Jimenez Mesa,

Pablo Ravale

Jimena Patiño

César León Jefe de Departamento de Cine:

Diego Centurión

[ Departamento de Artes Visuales ]

Nicolás Ponisio.

Erick R. Vieyra

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Jefe de Departamento de Literatura:

Gabo Rojo

Pablo Ravale.

Marianarchy Deadbilly

[ Fotografía ]

Marcelo Simonetti

Nazarena Talice, Lily Moonster,

Max Wilda

Johannes Rossini.

Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

Rodrigo Debernardis Esteban Galarza Ricardo Padilla (Oriani_K) J.D. Daire Alujas Nahuel Ordoñez COLABORAN EN ESTE NÚMERO Darío Martinez. Jimena Patiño.

CONTACTO issuu.com/revistath13th

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revistathe13th@gmail.com

twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Junio, 2016

Después del primer especial no nos quedamos quietos y ya estamos lanzando el nuevo número "normal" de la Revista. Un número que trae mucha información que nos fue quedando mientras trabajábamos en ajustar el número de David Bowie. Y volvemos a la "normalidad" moviéndonos en estilos y actores que nos enriquecen el alma. Nuevos integrantes se suman al staff, Esteban Galarza en música y Johannes Rossini en fotografía, quienes empiezan a aportar lo suyo desde este número. Un extenso número en donde tratamos de ponernos al día con entrevistas y con shows y con mucha información. Descubrimos un nuevo Festival a realizarse en Julio en Buenos Aires, Festival Planck y hemos entrevistado a sus organizadores. Presentamos bandas nuevas y también conseguimos entrevistas en exclusiva como a Carlo Van Putten, quien nos habla del último álbum de Dead Guitars; presentamos una banda noruega con una entrevista a Inge Kjetil Sandvik Malmeda, vocalista de Rancho Relaxo; una exclusiva entrevista a Rudy Tambala de A.R.Kane, quienes están de regreso; Y entrevistas a In Corp Sanctis, Mal Pasar, Elefante Guerrero Psíquico Ancestral, Wenceslada, y un Dossier sobre bandas tributo, en donde hemos entrevistado amuchas bandas de Latinoamérica. Como siempre el cine y la literatura tienen sus magníficos espacios, con grandes trabajos. En fin un número cargado de información y de imágenes. Pero estamos preparando otra sorpresa para un futuro cercano…

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE UNA APUESTA A LA RUPTURA DE LO CLÁSICO Entrevista a Manuel Leyrado y Macarena Cacciuttolo Aragón de Festival Planck por Diego Centurión...........................08 TRES X UNO por Nicolás Ponisio, Gabo Rojo, Pablo Ravale..................................................................................................................14

DEBEMOS NADAR HACIA LA LUZ Entrevista a Carlo Van Putten por Diego Centurión. Traducción: Rodrigo Debernardis....................................................18

CAMBIO DE ESTRUCTURA Entrevista a In Corp Sanctis por Diego Centurión.............................................................................................................24

UNA FUERTE INYECCIÓN DE LÍQUIDO TIBIO SONORO Entrevista a Inge Kjetil Sandvik Malmeda de Rancho Relaxo por Diego Centurión..........................................................28

VEINTE AÑOS LO ES CASI TODO Entrevista a Mal Pasar por Diego Centurión......................................................................................................................34

OTRA PEQUEÑA VICTORIA PARA LA MÚSICA Minor Victories por Darío Martinez....................................................................................................................................38

EL ARTE DE TRIBUTAR SIN CAER ANTE UN TRIBUNAL Dossier sobre bandas tributos por Diego Centurión .....................................................................................................42 Entrevistas a: Boyfriends in a Coma, Ciclo de Tributos de Rock Alternativo, Ecos, El Último Sol, Low Social Class, The Mode, Ummmagumma, New & the Walkmans, Fiction, Paranoia 1919, Prófugos, Derivas, In Orange, Varsovia 54 y Treasure.

SENTÍ QUE ERA REAL Y QUE ERA BUENO ESTAR DE VUELTA Entrevista Rudy PALABRASa EN LATambala ARENA(A.R.Kane) por Diego Centurión.............................................................................................98 COJER, DROGARSE Y ESCRIBIR por Pablo Ravale.....................................................................................................106 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE DESAPARICIÓN VOLUNTARIA por Pablo Ravale........................................................................................................109

EL ATRIL DE LA ELECTRÓNICA MADRE TIERRA Entrevista a Sol de Oliveira (Wenceslada) por Diego Centurión......................................................................................110 MUSIC CORNER La Urgencia de Ser Coldplay por Alex Bretto..................................................................................................................114 ¡METER BRIDGE!... ¡ES UN GRAN NOMBRE PARA UNA BANDA! Entrevista a Meter-Bridge ...............................................................................................................................................116 ELEFANTE DE PODER Entrevista a Elefante Guerrero Psíquico Ancestral por Diego Centurión ........................................................................120 HIDDEN TRACK .............................................................................................................................................................124 EN CONCIERTO SENTIDO DE PERTENENCIA por Alejandro Cenizacromada......................................................................................128 PRESENTACIÓN DE "LIBRES VAN" In Corp Santics/Bandalos Chinos/Traslúcido FotografÌa: Lily Moonster.............132 VISIONES DE UN FUTURO QUE ESTÁ AHÍ Entrópico 4 por Darío Martinez / FotografÌa: Lily Moonster....................138 LA BUENA MÚSICA NO FALTÓ Horacio Nuevatemporada/Boyfriends In A Coma por Diego Centurión..................144 ESENCIA PUNK, PROYECCIÓN ABIERTA Entrópico 5 por Darío Martinez / FotografÌa: Lily Moonster......................148 EL EFECTO SORPRENDENTE In-Formed Music por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografía: Johannes Rossini............158 ENTREGARON TODO Sur Du Monde/In Corp Sanctis por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografía: Johannes Rossini..162 EL OCÉANO CALMO DE THE OCEAN BLUE Harm & Ease/The Ocean Blue por Esteban J. Galarza. Fotografía: Nazarena Talice....................................................................................................168 RESCATE CINÉFILO EL CINE QUE NOS EMBRUJA....................................................................................................................................178 Mi Novia es una Bruja por Jimena Patiño.....................................................................................................................180 Cazador de Brujas Full Time por Jimena Patiño...........................................................................................................181 ¿Madre hay una sola? por José Luis Lemos.................................................................................................................187 Steve Miner y El Caldero Mágico por José Luis Lemos................................................................................................189 Infancia Perturbada... Para Bien por Nicolás Ponisio....................................................................................................192 El Secreto de la Eterna Juventud por Nicolás Ponisio..................................................................................................194 Brujas Post Grunge por Jimena Patiño.........................................................................................................................196 Gitana,Robaste mi alma por José Luis Lemos..............................................................................................................199 Viviendo deliciosamente el Cine por Nicolás Ponisio..................................................................................................201 EL ESCRITOR SERIAL AMOR EN TIEMPOS DE NETFLIX por Nicolás Ponisio................................................................................................205

PURA MELOMANÍA LATA DE SORPRESAS por Gabo Rojo..........................................................................................................................210 EL MÁS RÚSTICO Y ORIGINAL por Alex Bretto...........................................................................................................211 CAMBIOS DE ÁNIMO por Diego Centurión................................................................................................................212 LA EXCELENCIA HECHA CANCIÓN por Pablo Ravale...............................................................................................213 CAOS Y SUCIEDAD por Pablo Ravale..........................................................................................................................214 TODO UN CONTINENTE por Diego Centurión..........................................................................................................215 NEW DEUTSCH por Erik R. Vieyra...............................................................................................................................217 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

LAURIE ANDERSON - HOME OF THE BRAVE & GREYHOUND por Max Wilda........................................................219

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................222 DERECHO DE PISO

SÉ PEQUEÑO por Diego Centurión...........................................................................................................................242

[ Por Diego Centurión ]

UNA APUESTA A LA RUPTURA DE LO CLÁSICO

En cuanto a Festivales, en Buenos Aires, van apareciendo nuevas propuestas de estilos, así como grupos de emprendedores que apuestan a nuevos conceptos en el marco de Muestras, Ciclos y… Festivales. Hace poco me enteré de una propuesta interesante sobre un Festival llamado Planck, que se realizará durante varios días y en distintos puntos, pero que sólo quedará registrado en las mentes de los ciber presentes. Planck se presenta con este texto:

Pero para que se entienda mejor el concepto y el diseño de esta nueva estructura que tiene como idea motora desestructurar al mundo que vivimos, hemos dado con los organizadores del Festival, quienes pondrán un manto de luz a tanta energía que registra lo efímero del momento sin dejar rastro alguno más que lo que las retinas de los asistentes hayan captado. Macarena Cacciuttolo Aragón y Manuel Leyrado son los que llevan a cabo esta nueva propuesta y con ellos hemos hablado sobre Planck.

“Desde lo transitorio y lo efímero: el tiempo actual. Desde lo infinito: una geografía que trasciende lo material. Naufraga en la revolución informática. Y así el espacio deja de tener una geometría clásica. Y así el horizonte digital se transforma. El territorio es: HYPERGEOGRÁFICO. Establece su propia jurisdicción. Pertenece a un cierto estado. Un campo de acción. Un vacío espacializado. Es online.”

¿Cómo nace este proyecto? El proyecto nace en el marco de la carrera de Curaduría y Gestión Cultural del CIC (Centro de Investigación Cinematográfica), la consigna es hacer un festival. Entre conversaciones y lluvias de ideas llegamos a la conclusión que queríamos hacer algo que rompiera con las reglas clásicas, que cuestionara fronteras borrando los límites, ampliando el vocabulario para así exponer el dinamismo con el que trabaja el curador. Así se formó Planck.

¿Por qué Planck? Longitud de Planck: La longitud de Planck (ℓP) u hodón (término acuñado en 1926 por Robert Lévi) es la distancia o escala de longitud por debajo de la cual se espera que el espacio deje de tener una geometría clásica. Planck es una longitud donde el espacio deja de tener una geometría clásica, los últimos avances en la física teórica sobre la dimensión del espacio, nos obligan a contemplar que hay un universo tan infinito donde cada molécula, célula, neutrón dividido encontrando siempre una nueva mitad, es como la paradoja de la flecha de Zenon. La materia desaparece para solo quedar una forma de vacío espacializado, que por ahora identificamos con el nombre de Planck. En la disciplina curatorial se evidencia el dinamismo, una imagen puede cargar múltiples significados dependiendo de su contexto. Así tanto el sentido de la obra como el soporte de exposición los ubicamos en espacio efímero que llamamos Hypergeografía. El festival busco trascender la materialidad para abrirse en un horizonte digital donde se desarrollan identidades, consumos culturales, generación de contenido y relaciones sociales.

¿Cuál es el reto? Y ¿qué pretenden conseguir con el Festival? Romper el canon clásico de exposición. Existe un arte que se está mostrando en otro nivel y queremos hacerlo visible. A través de la curaduría evidenciar el dinamismo y como las imágenes toman un nuevo significado dependiendo del contexto. ¡¡Exponer un buen contenido!! Que sea diverso, que se abra a distintos circuitos culturales. ¿La idea es hacerlo anualmente? Es un propuesta compleja estamos contentos con la idea inicial, de todas formas surge a partir de una consigna académica y aún no tuvimos la primera experiencia, preferimos ir paso a paso. Nuestra primera meta es hacer un festival que despierte curiosidad en el público y permita unir artistas de distintas partes del mundo. ¿Cómo realizan la convocatoria de participantes? En este espacio hypergeográfico los horizontes se desdibujan, buscamos, trascender también las disciplinas, pudiendo mostrar cualquier tipo de obra.

Nos focalizamos en la búsqueda de piezas que tengan algún tipo de relación con el concepto del festival, obras disruptivas, que rompa esa geometría clásica del artista. Somos un equipo de personas variadas, de distintas ramas, eso nos permite relacionarnos a diferentes circuitos culturales. (Mientras podamos romper el canon clásico de presentación toda propuesta es bienvenido) ¿Tienen pensado que se sumen más actividades? Tendremos audiovisual, teatro experimental, artes plásticas y música. El Festival dura varios días. ¿Cómo será la distribución de los participantes por día? La idea es tener una disposición compensada, y que tenga relación con el momento día en el que se está ejecutando, pensamos mucho en qué situación se encontrará el espectador a la hora de recibir la obra. Si pensamos el ciberespacio y como se suceden las cosas, con la velocidad del instante y el No recuerdo (por el que tantas veces se repiten y repiten los eventos). ¿Podemos decir que ustedes se nutren del “instante” para crear lo que comúnmente conocemos como “arte efímero”, pero en un concepto mucho más abarcativo que el de una “instalación”? Sí. ¿Qué artistas participarán de este Primer Festival? Arte Visual: Xaviera López (Chile), Rafael Toro Parra (Argentina) Música: Bernardo Jimenez Mesa (Argentina), Juan Cacciuttolo (Chile), Posternura (Chile) ¿Cómo se muestra el trabajo de por ejemplo Xaviera en directo? ¿Cómo se filma y en dónde, en un estudio o en los espacios de cada artista? En el caso de Xaviera, sus vines van a ser pasados en la pagina, a modo de blog. Serán 20 minutos pasando sus vines y luego desaparece la imagen y la pagina vuelve a su estano normal

Los músicos van a tocar desde su espacio y se va a transmitir de manera online. No todo va a estar 100 % trasmitido en directo. Los músicos, por ejemplo, todos ellos tocan en vivo, los de Chile van a trasmitir desde ahí, los que estan en Argentina van a tocar el día de la inaguración y el resto desde su espacio. Otros artistas plásticos que participarán, iremos a su taller y generaremos una actividad con ellos ademas de mostrar su obra. Tanto como la obra se adapta al medio, el medio se adapta a la obra. ¿Por qué canales podemos ver este Festival? El festival será transmitido en vivo y en directo desde la página web http://www.festivalplanck.com/ Qué información podemos ofrecer del Festival (Redes Sociales) y sobre los artistas. http://festivalplanck.com/ https://www.facebook.com/Planck.f/ planck.festival@gmail.com Los Artistas: Posternura (Chile) https://www.facebook.com/posternurarecords http://posternurarecords.tumblr.com/ Juan Cacciuttolo (Chile) https://soundcloud.com/cacciuttolo https://vimeo.com/161214291 Bernardo Jimenez Mesa (Argentina) https://www.facebook.com/hermantree Xaviera López (Chile) http://xavieralopez.com https://vine.co/xavieralopez https://www.facebook.com/ XavieraLopezArtist/?fref=ts @xavieralopez(Instagram) @xavieralopez(Otro servicio) @xavieralopez(Snapchat) @xavieralopez(Tumblr) Rafael Toro Parra (Argentina) http://www.parratoro.com/

TRES POR UNO

Talking Heads - Once in a Lifetime MÚSICA

CINE:

[ por Gabo Rojo ]

[ por Nicolás Ponisio ]

“Once in a Lifetime” es quizás punto álgido de la historia de Talking Heads, y definitivamente el de Remain in Light (1980), último disco de la banda con Brian Eno, donde el productor participa más activamente al punto de co-componer las canciones. El álbum no sólo marca la madurez total del nuevo estilo polirrítimico y con influencias africanas de la banda, sino que Byrne también amplía sus campos como escritor y por primera vez aplica perspectivas múltiples a sus canciones, representadas musicalmente por la cantante Nona Hendryx (prima de Jimi), que irrumpe en los estribillos. “Once in a Lifetime” empieza con un loop de percusión, bajo y teclados que parece un extracto del infinito mismo, un trasfondo ideal para que David Byrne inicie su espasmódica recitación, en la que justamente parece perdido y desorientado ante un cosmos siempre cambiante. El inesperado estribillo, en cambio, es una especie de himno Góspel cantado a coro por Eno, Hendryx y la banda, que suena casi como si los Talking Heads estuvieran implicando que la única salida de una crisis es, efectivamente, bailar y cantar a lo loco. Los tres acordes de guitarra al final del tema son sencillísimos pero terriblemente efectivos: parecen evocar a una ola que nos lleva desde el limbo infinito de vuelta a la vida normal, marcando el fin de una canción que bien podría durar por siempre. Si bien es evidentemente una creación de estudio, a pesar de su extrañeza el tema cuenta con una alta accesibilidad Pop que lo ha vuelto uno de esos hits que demuestran que no es imposible alcanzar el éxito siendo original y tomando riesgos. A lo largo de los años han habido muchas versiones en vivo memorables tanto por la banda como por Byrne solista, y si bien los arreglos cambian, el inmediatamente reconocible “loop del infinito” siempre está presente. Sin duda una de las más grandiosas y originales grabaciones del siglo veinte.

La armonía y lo frenético, estados de placer y absoluto estrés, se unen arrastrados por el agua en un bucle de reiteración existencialista de la mano (o debería decirse la voz) de David Byrne en Once in a Lifetime de Talking Heads. Dentro del campo del videoclip, se puede apreciar al líder de la banda estadounidense rodeado cromáticamente por el fluir acuático. La constante repetitiva de la vida que varía entre la calma y lo caótico exteriorizando simbólicamente los versos de la canción. El uso de imágenes de archivos como un ritual africano y el andar duplicado de Byrne acentúan los ideales del sueño y la pesadilla americana. La adoración por los elementos que, en la mente colectiva, forman la vida ideal y el devenir de estos al estancamiento y la monotonía del correr de los días. Más allá del carácter excéntrico del cantante, el cual resulta divertido de ver así como el tema resulta disfrutable al oído, el videoclip es fuente de dudas existenciales y la realidad del paso del tiempo no aprovechado. Un despertar de interrogantes humanos. Algo tan natural que se superpone con los movimientos desnaturalizados de Byrne y la artificialidad del ambiente creado a sus espaldas. Ese mismo artificio, ya retro y que hoy en día puede resultar algo desprolijo, a la vez resulta tan real como la vida misma. El devenir de los días, el paso del tiempo y la rutina cotidianeidad inalterada, lo que pudo hacerse y fue desaprovechado. Todo ello fluye entre movimientos bruscos, que en gran parte son hechos con el artista parado en un mismo lugar. Una contrariedad gráfica que funciona como reflejo de la vida, reflejo dado por el agua y su constante de movimiento que lleva, trae, altera y tranquiliza. Estados alterados en contraposición de la imposibilidad del cambio. Byrne hacia el final del videoclip termina hundiéndose en el agua, fuente de vida que, al igual que el

día a día, es territorio de tranquilidad, de momentos desapacibles, algunos breves y otros extensos. Sana y castiga por igual, da vida para quien saber aprovechar lo que ella brinda y para quienes no opta por llevárselos a su interior. El cambio se da en ella día a día y sin embargo es imperceptible para el ojo que lo mira a la distancia. ¿Les suena familiar? Entonces quizás solo es cuestión de ver el reflejo que el agua misma nos devuelve… o en su defecto ver el frenético Once in a Lifetime. Después de todo, si vamos a deprimirnos con cuestiones existenciales, al menos que sea un poco disfrutable como lo logran la gente de Talking Heads.

LITERATURA [ por Pablo Ravale ]

El viraje que Talking Heads pegó con su cuarto disco de estudio, Remain In Light, es el resultado de una interacción positiva entre la banda y su productor, Brian Eno. Ambos ya habían trabajado juntos un año antes en Fear Of Music y, pero para no repetirse y poder seguir ampliando horizontes, fue Eno quien le mostró a David Byrne el universo rítmico de Fela Kuti y otros músicos de afrobeat. Esta nueva faceta de Talking Heads en lo musical se tradujo también a la ampliación de la banda: del cuarteto inicial (integrado por David Byrne, Jerry Harrison, Tina Weymouth y Chris Frantz), se pasó a una formación de nueve integrantes, de la que sobresalía un joven Adrian Belew, recién llegado de colaborar

con Frank Zappa y David Bowie, y posteriormente en King Crimson. Como director de una orquesta policultural, Eno comandó la sesión de grabación de una manera particular: cada integrante participaba por separado agregando instrumentos a la sección rítmica, pero sin escuchar qué era lo que habían grabado sus compañeros de grupo. Sobre esa catarata de ritmos quebradizos y mezclados, fue entonces que nació una canción única y muy recordada, la cual trata sobre los placeres materiales y simbólicos del estadounidense promedio en cualquier momento de la historia: la casa perfecta (“Y puedes encontrarte viviendo en una choza hecha de escopetas. / Y puedes encontrarte viviendo en otra parte del mundo.”), el auto ideal (“Y puedes encontrarte detrás del volante de un gran automóvil.”), la esposa adorable. Pero llegar a tenerlo todo no significa saber qué hacer con eso o entender cómo se te fue la vida en esa búsqueda (“Y puedes encontrarte en una hermosa casa, con una hermosa esposa. / Y te preguntas: «Bueno... ¿cómo es que he llegado hasta aquí? »”), y ahí es donde los replanteos existenciales llevan al protagonista del tema a la crisis inevitable. (“Y te preguntarás: «¿Que es esta hermosa casa?» / Y te preguntarás: «¿A dónde va esa carretera?» / Y te preguntarás: «¿Estoy en lo cierto? ¿Me equivoco?» / Y te dirás a ti mismo: «¡DIOS MIO! ¿QUE HE HECHO?»”). En definitiva, un claro simbolismo al tipo de vida alienante. Una canción que enfatiza en el mensaje de que casi todos somos marionetas realizando movimientos toscos y espáticos, en nuestra carrera a la tan soñada felicidad.

[ Entrevista a Carlo Van Putten de Dead Guitars por Diego Centurión Tradución: Rodrigo Debernardis ]

DEBEMOS NADAR HACIA LA LUZ

Nos hemos tomado un tiempo para hacer esta entrevista. En octubre del año 2015, ellos han editado el cuarto álbum “Shelter”. Una nueva criatura en la calle, y varios conciertos, en donde han tocado las nuevas canciones. Tenemos mucho para actualizar desde nuestra última entrevista. Así que los invitamos a disfrutar de este encuentro con la banda alemana. ¡Gracias Diego! En realidad, somos más bien una banda europea. Ralph y Kurt son alemanes, Hermann es de Helvetia (Suiza), Pete es escocés y yo soy de Holanda, aunque también viví en Alemania. Al álbum “Shelter” lo escucho como el álbum más optimista de Dead Guitars. ¿Ustedes lo ven así? Al final de nuestras vidas debemos nadar hacia la luz. Al mirar atrás uno debe sentirse bien, si no…algo anduvo mal. Es un álbum que te dice: “cuando estás en fondo, ¡nada hacia arriba!” La canción que abre el disco (Heaven 7) empieza preguntando: “¿Cómo te sentirías si patearan tu pared, si la vida te gritara en la cara?…no hay ninguna razón para estar aquí…”. Siempre me pregunto por qué yo merezco vivir tan bien cuando otros sufren. A veces miro televisión y siento culpa, pero por otro lado, yo sólo puedo cambiar el entorno de la gente que me rodea. Es un álbum optimista pero también sumergido en la melancolía. Algunos lo comparan con los discos de The Smiths: “sonando tan hermoso, pero con letras tan lúgubres”"

¿Qué factores incidieron para el clima del álbum? ¿Qué factores No lo hicieron? Para escribir las letras tienes que caminar por el mundo con los ojos bien abiertos y poniendo las cosas en diferentes perspectivas. Cada historia tiene dos caras y quienes actuamos como observadores debemos poder balancearlas para bien, o para mal. Todas esas dudas, miedos, hechos y situaciones van arrojando las palabras fuera de la mente. En el aspecto musical esta vez la banda trabajó más que nunca en toda nuestra carrera. Tenemos de vuelta al grupo completo de “Airplanes” (disco debut, de 2007). Somos una constelación de buenos amigos, un enlace. Sólo cosas buenas pueden suceder entonces. Estar juntos es la esencia de todo para que las cosas funcionen bien. Nos admiramos y respetamos mutuamente y sabemos cómo sacar lo mejor de nosotros. Quizás esa sea la razón de por qué sonamos tan ajustados. ¿Cuánto tiempo ha llevado escribir las canciones para el álbum? Nos hemos tomado nuestro tiempo; creo que alrededor de 3 años. No queríamos apresurarnos y buscábamos una buena combinación de canciones. Algunas ya las habíamos tocado en vivo y notamos que algo sucedía con ellas y el público. “Heaven 7” en vivo es absolutamente demoledora. A la gente le encantó instantáneamente. En algunos shows el público pedía particularmente que la volviéramos a tocar cuando regresábamos para los bises. Los he seguido por sus canales y he estado atento a sus días de grabación. ¿Cómo fue ese proceso, cuánto han cambiado las canciones de los demos? Bueno, los demos son demos, ¿no? Como un pintor hace bocetos antes de ponerle color y barniz a la obra final, la esencia y el potencial de la canción están allí. Creo que las cosas salieron bastante bien. Hay tanto que verificar cuando haces un disco. El tracklist, el sonido y el estilo de cada canción. Un equivocado or-

den en las canciones podría arruinar un álbum y nadie sabría qué pasó. Un disco debería ser como un libro, con un comienzo, un desarrollo y un gran final. ¿Han quedado algunas canciones que no han utilizado para "Shelter"? Si, algunos tracks no llegaron a integrar el disco porque consideramos que no eran lo suficientemente “fuertes”. Todas las bandas deben tener ese problema, supongo. Cuando era un coleccionista fanático de música (todavía lo soy) compraba a veces discos sólo de lados B y Outtakes. Muchas de esas veces me desilusionaba y de esa manera supe que hay veces que algunas canciones nunca llegan a integrar un álbum. Ahora que ustedes ya han tocado las canciones en vivo, ¿cómo se mezclan las nuevas canciones a las de los otros álbumes? Creo que nuestras canciones logran encajar bastante bien unas con otras. Ralf siempre sabe cómo combinarlas para que suenen bien. “Half Light” tiene una atmósfera beatle, ¿cuáles fueron sus fuentes de inspiración para estas nuevas canciones? Estoy absolutamente de acuerdo con eso y no voy a negarlo. Es el mismo sonido dominante del mellotrón que vas a encontrar en “Strawberry Fields Forever”. Con todo respeto por los Beatles, siempre he sido fan de John Lennon. Me encantaron Sgt Pepper y el Álbum Blanco, pero yo era más de Led Zeppelin o The Doors, no tanto de los Beatles.¡¡Pero si, claro man!! ¡¡Ellos fueron increíbles!! Cuando los chicos me mostraron “Half Light” no sentí ninguna “vibración Beatle” porque el sonido del órgano no estaba, aquello fue después en el estudio. Ahora me puedo comparar con los maestros de la música. ¿Qué canción (si la hay) que ha cambiado totalmen-

te en el estudio? No, ninguna realmente. Digo, todas las canciones suenan diferente al tocarlas en vivo, pero aún allí tratamos de mantenernos cerca del sonido del disco. Pensando en las redes sociales y en este "estar siempre activos y presentes" con nuevas publicaciones o vídeos. ¿Tienen pensado editar algo nuevo este año, un EP o algo así? Las compañías discográficas ya no le dedican tiempo ni esfuerzo a lanzar EPs. No tehemos planes todavía. Estamos felices por el momento gracias a las buenas críticas que ha recibido “Shelter”. Es asombroso cuántas hermosas palabras se han escrito sobre este álbum. ¿Cuáles son los planes para este 2016? Mantenernos vivos y tocar tanto como nos lo permitan… Gracias por la amabilidad de siempre responder a nuestras preguntas. Gracias a vos también Diego por tu tiempo y tu cuestionario.

Dead Guitars – Shelter (2015) por Rodrigo Debernardis enmarcarlo en algún estilo) Cuarto trabajo de los Dead Guitars (contando los LPs sola-

Shelter es, definitivamente, un paso adelante en la carre escena indie europea.

Para destacar por sobre un tracklist muy parejo, la candebut “Airplanes”, de 2007. este gran disco.

[ Entrevista a In Corp Sanctis por Diego Centurión ]

CAMBIO DE ESTRUCTURA

En nuestro número 18 de mayo del 2015 hemos tenido por primera vez a In Corp Santics y de esa entrevista salía que ya tenían las canciones de su segundo álbum, en aquella entrevista hablábamos de “El Magistrado” editado en el 2014. Hoy un año después ya tenemos el resultado de aquello que nos mencionaron en aquella entrevista. Luego de haber escuchado varias veces su segundo y nuevo álbum "Libres Van" podemos hablar de las sensaciones y los sueños de este nuevo camino encarado por la banda.

Vivimos en un país convulsionado, y donde las emociones desagradables están a la orden del día (cotidiano). Escuchar "Libres Van" me ha llenado de optimismo. ¿Ustedes sienten que es un álbum optimista? Si lo sentimos. Libres Van fue un álbum encarado con mucho optimismo. Por lo tanto creemos que eso se vio reflejado en el disco. A diferencia de El Magistrado, en este álbum se escucha mucho más el formato "canción" y en cierta forma apuestan más al cuerpo de la estructura que a la psicodelia irreverente, aunque nunca la han perdido. ¿Cómo lo sienten ustedes? Justamente ese punto que mencionas fue algo que nos costó al principio, adaptarnos a ese cambio de estructura no fue una tarea fácil. Queríamos un disco apto para todo público. Y eso conlleva un gran cambio.

¿Cómo fue el proceso de composición de este trabajo?, porque recuerdo que en nuestra anterior conversación estaban ya trabajando en este álbum. El proceso de composición, grabación y producción fue el mismo que en El Magistrado, lo hicimos todo en nuestro estudio en casa. Lo que cambio es que hubo más libertad en cuanto al aporte de cada uno de los miembros a la hora de hacer la canción. Y eso genero un sonido más elaborado. La escena neo psicodélica en Buenos Aires está creciendo a pasos agigantados. ¿Cómo se sienten ustedes dentro de esta escena y cuánto cuesta encontrar lugares para tocar hoy en Buenos Aires? Nos sentimos parte de todo este movimiento que está pasando hoy en día. Por nuestra parte se siente gratificante poder aportar a la causa. Para tocar en Buenos Aires creemos que es cuestión de mucho trabajo y voluntad. Hoy en día se puede tocar en cualquier lado si te lo propones. En la canción “El Magistrado” mencionan “En el magistrado hablan sobre sus cabezas”, ¿es una canción que quedó de la primera época, o es simplemente la conexión entre ambos álbumes? Si te decimos la verdad… (risas) El Magistrado es la primera composición de In Corp allá por diciembre del 2013. Pero decidimos grabarla mucho después y definitivamente queríamos generar un puente entre los dos discos. (Aunque esta canción no comparte la misma estética que los demás temas) Cierran el álbum con una suite casi acústica llamada “Luna Eres”, que da la sensación de libertad, es como un final abierto. ¿Ya tienen nuevas canciones? Si tenemos muchas canciones nuevas para el tercer

disco. Y se vienen muchas sorpresas. Pero por ahora estamos enfocados en presentar Libres Van. ¿Cuánto sienten que ha crecido In Corp Sanctis desde El Magistrado hasta hoy? Estamos contentos porque funcionamos como grupo y creemos que eso es lo más importante, mientras eso este vigente el crecimiento será constante. El nuevo álbum ya tiene dos videos “Tierra de nadie” y el reciente “Libres Van”, ¿tienen pensado hacer otros? Tierra de Nadie es un video del disco anterior El Magistrado. Si, ya tenemos uno en camino. ¡Pero no vamos a adelantar, preferimos optar por factor sorpresa! ¿Qué tienen planeado para este 2016? Hacer llegar Libres Van a la máxima cantidad de gente. Tanto en el interior como en el exterior del país. A su vez seguir trabajando en canciones nuevas. ¿Y cuáles son los objetivos para este año, más allá de los que nos han contado antes de lo que viene, con qué sueña para este año In Corp Sanctis? Creemos que el sueño no está en este año. Esta más allá de eso y se trata de algo más grande… (jajaja) He visto que han tocado una vez en Chile. ¿Éste año piensan en cruzar la frontera más veces? Si tenemos pensado volver a Uruguay. En Octubre tenemos confirmado un tour en Brasil y nos encantaría poder visitar México. Quiero agradecer una vez más el tiempo brindado a Revista The 13th.

[ Entrevista a Inge Kjetil Sandvik Malmeda de Rancho Relaxo por Diego Centurión ]

UNA FUERTE INYECCIÓN DE LÍQUIDO TIBIO SONORO

El universo sonoro de la neo psicodelia tiene muchísimos exponentes, muchos pasan en la gran cantidad de propuestas en la Red, pero algunos llegan con una carrera ya estable de varios años y muchas publicaciones. Tal es el caso de Rancho Relaxo, que con un nombre que nos recuerda a un spa de la serie de Los Simpsons, nos trae un mundo de colores y ácidos recuerdos sesenteros, pero con la fuerza del shoegaze que roza el stoner rock. Rancho Relaxo formados en el 2003 en Noruega, y ya tienen editado seis álbumes y varios Eps, y tienen una carga de sonoridad que mezcla a The Jesus and Mary Chain, Sonic Youth y la psicodelia todo bajo el nombre de Rancho Relaxo. ¿Por qué Rancho Relaxo? Estábamos ensayando en un granero, algo igual que un rancho... ¿Y por qué "Relaxo”? Tocamos en este granero durante toda la noche, a veces nos veíamos obligados a "relajarnos". Más allá de que su música tiende a conducirnos a un estado de trance, muy mántrico. Eso los ayudó mucho para estar relajados. ¿Hay algo acerca de eso? Nos gusta el flirteo con el ritmo cardíaco, y los sonidos ocultos. Drone es el nuevo tono.

Su primer trabajo, “Look At The Wall” (2007), se ha registrado en una porta estudio Tascam. Si bien es cierto, hoy en día el casete es nuevamente una moda, ¿les hubiera gustado registrar el álbum “Look At The Wall” en un estudio? Me hubiera gustado grabarlo en un estudio. Pero yo no tenía un estudio en aquel entonces. No regrabación, eso que va contra las reglas. Pero ¿crees que hoy en día hay "reglas"? Tenemos nuestras propias reglas. Porque podemos tenerlas. ¿"Trout As Lubrication Records" fue su sello propio? Es mi sello. La he creado para dar a conocer mi música. ¿Cómo fue el traspaso de "Trout As Lubrication Records" a "Wrong Way Records"? ¿Qué han perdido y que han ganado? Para no ir al "camino equivocado", fue lo que nos permite poner cosas en vinilo. Esto no se podía hacer antes, así que eso es realmente genial. ¿Han remasterizado todos sus álbumes para subirlos al bandcamp?

La mayoría de las canciones se volvieron a mezclar. Al escuchar los álbumes remasterizados, ¿descubrieron algo nuevo en las grabaciones? ¿Algo que se les haya llamado la atención? En realidad no, los he mezclado un poco diferente. ¿Cuáles son sus Influencias? Don Williams, Dr. Hook, y por el momento, Casino versus Japan. La banda tiene 13 años de existencia. “13” es nuestro número de la suerte. ¿Qué cambió en la banda desde los primeros años? En realidad nada ha cambiado en la banda. Sólo que ahora tenemos un nuevo guitarrista. Así que podemos tener dos guitarras y un órgano en los sets en vivo. Hace unos años ya que hay un resurgimiento del shoegaze y de la música psicodélica. Y Rancho Relaxo tiene mucho de estos estilos. ¿Qué tan bueno es este resurgimiento para la banda? No nos sentimos nada diferente acerca de esto. Vivimos lejos, hacia el norte, por lo que cuando se abre la ventana se escucha alguna estúpida canción

de música country... se puede decir que estamos bastante al margen de las tendencias. ¿Pero algo de ese sonido campestre se filtra en algunas de las canciones más acústicas? Sí, en realidad, en el principio que queríamos hacer música country alternativo pero cambiamos. Tenemos dos álbumes antes de “Look At The Wall”, que es nuestra toma en la música country, pero son cosas bastante de vanguardia. ¿Alguna vez se va a publicar? Nosotros los regalábamos a nuestros amigos en ese momento. No estoy seguro de si este material va a salir, vamos a ver. ¿Algo como "Sugar For The Devil" o más extraño? Mucho más abstracto que eso… como unos Sonic Youth con sombreros de vaquero. Fuimos influenciados realmente por la vibra de Twin Peaks, la escena en el bar cuando está la banda rara de vaqueros drogados tocando esa canción drone. Hay una marcada influencia hindú en muchas de sus canciones. ¿De dónde viene? Ese es nuestro homenaje a la gente de Sami. Ellos

son los "indios" también. Los Samis no tenían cítaras pero nosotros las tenemos. ¿Cómo son sus presentaciones en vivo? Por el sonido de Rancho Relaxo, se me ocurre que debe ser bastante colorido y potente. Tocamos en vivo con una guitarra, órgano, bajo y batería. Nos pareció que esto no estaba haciendo justicia por el sonido. Ahora tenemos dos guitarras, así que es mejor. ¿Qué nos puede contar de White Light Fever? En este disco hay un estado de ánimo diferente. Tiene un lado oscuro. Hemos intentado obtener más estilos en la mezcla. Es obviamente un álbum largo. ¿Ya hay nuevas canciones? Sí, las hay, pero aún están unidas. Es un principio y un final. Puedes escucharlo si tienes 70 minutos para ofrecer. En esta nueva era de las redes sociales, ¿Cómo sienten ustedes estas posibilidades? Creo que para nosotros es realmente bueno. No estaríamos tan expuestos si no fuera por los medios de comunicación social. Creo que muchas bandas

se benefician con esto. Se ha creado un acceso directo, que las grandes empresas todavía están luchando para tener control sobre esto. Lo que pasa es que nunca se darán por vencido, no creo que la mayoría de las personas sean conscientes de ello. Definitivamente es algo a tener en cuenta.

de conseguir nuestro material para poder tocar en vivo este año.

Las Corporaciones mainstream siempre quieren monopolizar todo. Y ellos no se dan por vencidos... no está en la naturaleza del capitalismo.

Los que leen esta entrevista, ¿por qué debería escuchar a Rancho Relaxo? Realmente no hay manera de evitarlo… hacemos que sea fácil para las personas obtener su medicina… una fuerte inyección de líquido tibio sonoro.

Las posibilidades de autogestión pueden ser agotadoras ¿Ustedes que delegan en el sello?

El bajista, Martín, y yo estamos acostumbrados a hacerlo todo, es mucho trabajo, pero ya lo sabíamos antes de empezar. Ahora estamos trabajando con el sello británico Wrong Way Records, que nos ayuda a sacar la música en vinilo y eso es realmente grande. Pero también hacemos cds. ¿Cuáles son los próximos planes de Rancho Relaxo? Estamos trabajando en dos nuevos álbumes. Uno de ellos está acabado. También estamos intentando

Como lo han hecho en 2009, ¿dos álbumes en el año? En realidad pusimos tres álbumes de ese año.

Para terminar, sería un sueño que puedan tocar en Latinoamérica, ¿Ustedes conocen bandas de esta parte del mundo? No, ahora no puedo pensar en ninguna. ¿Me puedes recomendar alguna? Iguana Lovers, Mellonta Tauta, In Corps Santics (Argentine), Resplandor (Perú), Lorelle Meets The Obsolete (Mexico) Inge gracias por su tiempo, por su buena disposición responder preguntas. Eres muy amable y otra vez ¡gracias!

[ Entrevista a Mal Pasar por Diego Centuriรณn ]

VEINTE Aร OS LO ES CASI TODO

Se cumplen veinte años de la aparición de una banda que viene batallando y No callando su voz contra la cruda realidad. Podremos decir que es una banda punk, pero en realidad Mal Pasar son uno de los pocos baluartes que quedan incorruptibles del punk rock argentino, sin grandes luminarias ni grandes aparatos de prensa, ellos mismos fueron forjando, a base de canciones que nos hablan de lo que muchos no quieren ver, una carrera de honestidad con sus principios y su idiosincrasia propia de una banda rebelde. Este mes estarán festejando sus veinte años y la celebración de su último disco "Vacaciones en el Cementerio", pero antes hemos hablado con ellos de todo. "Cambalache" dice que veinte años no es nada. Para ustedes me imagino que veinte años es toda una vida, ¿no? La verdad que sí, para nosotros 20 años lo es casi todo. La cuestión es mantenerte siempre con aire y tratar que la cabeza no se te vaya pudriendo. 20 años no es nada si en el interior de la banda hay ganas de seguir sembrando palabras de cambio y acordes que nos mantienen jóvenes y esperanzados. ¿Qué creen que cambió en ustedes, sobre todo en los que están desde el principio, veinte años de Mal Pasar? Lo que más nos ha cambiado es la caída del pelo. Después seguimos siendo los mismos cabezas duras que éramos al principio. Parecería que desde su nacimiento hasta hoy, el nombre de la banda le cae perfecto a un país complicado económica, social y políticamente. ¿Cuándo decidieron el nombre pensaron esto, que a tantos años el nombre sería una declaración tan acertada? No, la verdad que no lo pensamos así. Igualmente desde el primer disco de Mal Pasar las letras que es-

cribimos (año 96) siguen teniendo vigencia. La política es la que nos marca el ritmo como individuos, como banda y como sociedad. Siempre hicimos política y que esté acertada no es mérito nuestro, sino de los políticos. ¿Cómo ven el punk hoy en día, mundialmente y en Latinoamérica? El punk lo entiendo como movimiento contracultural y por acá no veo nada de eso. No sé en Europa o en Latinoamérica como será. No lo sé. Es difícil resumir veintiún años en pocas preguntas. Pero pensando en tantos momentos vividos, ¿Cuáles rescatan como lo mejor y lo peor? Creo que los mejores momentos son esos que compartimos todos los días; conocer permanentemente gente muy capaz., la cuestión cultural, las vivencias de cada persona que conocemos cuando viajamos. Esto es Lo maravilloso de la música. Lo peor es cuando las cosas no salen de la manera que pretendemos. Bueno, esos son los momentos que llamaríamos “los peores”. La cosa ahí se pone brava. Desde que estalló el punk en los setenta, el "hazlo tú mismo" fue bandera de batalla de las nuevas bandas punk. Desde su experiencia, ¿qué deberían tener presente esas nuevas bandas, que por rebeldía o por desconocimiento, no tienen en cuenta? Cuando un grupo se forma generalmente lo hacen en plena juventud; eso significa que de por si hay rebeldía. El problema es el desconocimiento o mejor llamarlo la desinformación. Los grupos hoy en día primero arman un facebook y después salen a tocar en vivo. Quizá toman la música como una cuestión comercial y después se pegan la cabeza contra la pared. Lo que yo diría es que la música es rebeldía y conciencia, nunca pensarlo desde el lado privilegiado porque ahí no duras un mes.

¿Cómo ven hoy el mercado musical, creen que internet ayudó a desmonopolizar la industria? ¿O todavía sigue siendo una utopía? El monopolio siempre es el mismo. Si no te pueden vender un disco, te venden un lavarropas que pasa tu música preferida. Internet ayuda a difundir a nuevos grupos y a los que no tienen la posibilidad de editar con una discográfica, etc. Yo tengo una mirada un poco inconformista sobre el punk, si bien el primitivo punk terminó siendo parte del staff de grandes compañías, obligó a que muchas mutaran y se reconviertan. A cuarenta años del estallido en Inglaterra hoy no pareciera haber nuevos exponentes de un "nuevo punk", si existe el término. Ustedes como parte de una generación que ya lleva veinte años batallando. ¿Ven bandas que traigan un aire nuevo e innovador al estilo? Es que el capitalismo se los comió a todos. Quizá el punk en los 70 rompió con una estructura artística, pero no rompió el modelo artístico. La verdad que dentro del género punk no veo muchas bandas que intenten romper ese modelo que te digo. Es que romperlo es muy complicado, hay que ser perseverante. El año pasado han editado su séptimo álbum, "Vacaciones en el cementerio", ¿Qué sorpresas les trajo este trabajo? La verdad que tenerlo a Mario Breuer como productor para nosotros fue una sorpresa; el sonido, la sencillez y la humildad que tiene Mario para trabajar es sorprendente. ¿Ya tienen material nuevo para editar? Todavía estamos en la presentación del disco que será el 24 de Junio en Niceto Club. Cuando terminemos con ésta etapa seguiremos componiendo. ¿Qué le espera este año a Mal Pasar? Seguir presentando el disco por todo el país. Para la gente que aún no los conoce, ¿cómo presentarían a Mal Pasar? Lo presentamos como una banda que hace años que está en el ruedo, manteniendo esa convicción de caminar para adelante y entendiendo que nuestro intento es romper ese modelo artístico del que te hablaba y generar en los jóvenes nuevos aires de cambio. Para terminar esta entrevista, ¿dónde pueden encontrar a Mal Pasar en internet? www.malpasar.com https://www.facebook.com/malpasar

[ Minor Victories por Darío Martinez ]

OTRA PEQUEÑA VICTORIA PARA LA MÚSICA

Todo comenzó con una invitación de Justin Lockey (Editors – guitarras y electrónica) a Rachel Goswell (Slowdive - voces) para colaborar en lo que podría ser un Ep de unos 4 temas, cada uno con su correspondiente video que estarían en manos del propio Justin y su hermano Jemes (Hand Held Cine) y le mando por correo electrónico una pista que después fue el tema “Out to Sea”. Tras un comienzo lento por falta de tiempo decidieron que sería bueno sumar más integrantes y la banda se completa con Stuart Braithwaute (Mogwai – guitarra) y james (además de ocuparse en los videos se hace cargo del bajo). Trabajaron a distancia pasándose temas, partes, pistas, medias pistas, ideas y sugerencias por correo electrónico y será Justin el encargado de unir las piezas. Todos participando de todo a pesar de los compromisos que cada uno tiene con su banda … esperamos para este año el nuevo albúm de Slowdive, hace pocas semanas conocimos “Atomic” el nuevo disco de Mogwai y a fines del año pasado “In Dreams” de Editors y cada uno subiendo y bajando de los escenarios presentando el nuevo material. Se tomaron su tiempo y lo que empezó siendo un Ep se transformó en un albúm que están presentando en vivo hace un par de meses, hecho que les permitió coincidir por primera vez en la misma habitación para los ensayos. Algunas pistas antes de entrar en detalles: Dream Pop, Shoegazer, Post Rock, Simplicidad, Contrastes, Blanco y Negro, Cintas. La primera señal de vida la dan hace 10 meses subiendo a youtube el “Filme One” El primer Hola de la banda a decir de James Lockey. Un corto de casi 4 minutos en blanco y negro donde podemos ver en uno de los televisores del protagonista el logo de la banda, una cruz formada por cubos y un grabador de cinta que lo volveremos a ver en un posterior

video y se escucha el track 2 “A Hundred Ropes” que también es el segundo adelanto que tenemos en formato de video blanco y negro realizado como nos cuenta J. Lockey con un disparo de la cámara de tan solo 10 segundos luego realentado por varios minutos donde vemos un grupo de guerreros japoneses acercándose muy lentamente, tan lentamente que es una verdadera prueba a la paciencia, es el primer tema completo que escuchamos, uno de los más movidos del disco que contrasta con la lentitud de las imágenes, empujado por la base electrónica muy bien llevado por la voz y sobrias guitarras que pasan de un riff suave a lo new order a paredes de guitarras. El tercer adelanto fue hace un mes y en formato de corto de casi 5 minutos y se llama “Film Two” esta vez el protagonista es un skaters a quien vemos en la noche recorriendo la ciudad con dos amigos luciendo una campera con el logo de la banda escuchando en casete por auriculares con un wolkman el track 5 “Folk Arp” que su lentitud contrasta por momentos con las imágenes de los muchachos patinando y el final del film... es realmente inesperado y electrizante. Este es justamente el segundo tema completo que conocemos de la banda y uno de los puntos más altos del disco, en un cuarto video, también blanco y negro y vemos a un muchacho que trabaja en la Pizzería Milano tomando un radiograbador que apoya en el mostrador pone play y se queda mirándonos quieto, en silencio invitándonos a escuchar. Un arpegio tranquilo interrumpe ruidos de guitarra que desaparecen y entra la voz cantando una lenta y hermosa melodía, el muchacho va a buscar una bebida y entran un grupo de cuerdas imprimiendo otra dinámica al tema al que se suman ruidos de guitarra que vuelven a ser interrumpidos por el arpegio hasta que la batería se hace del protagonismo subiendo la intensidad, la guita-

rra se transforma en pared y se pone muy intensa., el muchacho vuelve a ubicarse detrás del grabador hasta el fin del tema de casi 7 minutos. El quinto video, por supuesto en blanco y negro es del track 3 “Breaking My Light” otro punto muy alto del disco. Aquí vemos a un hombre (muy parecido a J. Cage) sentarse en la mesa de un bar donde se encuentra el grabador de cinta que conocimos en “film one” pone play nos dice que todo está bien y comienzan a sonar cuerdas que no tienen definido donde ir, entra un ritmo de trip hop, se definen, escuchamos una cuerda de guitarra que se estira para arriba y para abajo en forma obsesiva que nos transporta al sonido de la velvet underground, aparece la voz haciendo una bella melodía y el tema ya está armado, el hombre tiene 7 minutos para tomarse su bebida y fumarse un cigarrillo. El sexto y hasta el momento el último video que recibimos es sobre el track 4 “Scattered Ashes (Song for Richard)” también es en blanco y negro pero esta vez no se trata de una larga toma de cámara fija, Vemos a un gato malvado azotando a una ciudad y sus habitantes con rayos lazers que salen de sus ojos y cañones que lleva sobre su lomo. El tema es tal vez el más simple, se trata de una canción de shoegazer clásica con estrofas y estribillos bien definidos, de ritmo cansino, melancólica y bailable, con sus giros melódicos y paredes de guitarras propios del estilo a lo Slowdive y para no ser tan redundante podría decir a lo Ride, es sencillamente perfecta donde Rachel canta junto a James Graham (The Twilight Sad), por suerte aparece un gato bueno cargado con Lazers de amor que salen de sus ojos y aquí vemos todos los colores del arcoiris, los primeros en los 6 videos hasta ahora entregados. Un mes después de todo esto que nos tiene en vilo llega el disco que contiene 10 contundentes canciones en donde se nota mucho trabajo en cada una de ellas. El track 1 se llama “Give up the ghost”

en donde la voz bella y melodiosa nos va guiando sobre colchones de teclados y guitarras sostenidas por una sólida base de batería y bajo. A los track 2, 3, 4 y 5 me referí en el comentario a los videos que sirvieron de adelanto. El track 6 “Cogs” el más veloz, contiene intensas capa de guitarras ruidosas y filosas sobre una voz que nos susurra con la determinación de un grito sostenido transforman el tema en una potente canción de shoegazer clásica con sus estrofas y estribillos a lo Slowdive o Ride. El track 7 “For you Always” Los arreglos instrumentales son más propios de una orquesta que de una banda de rock, en este tema las voces de R. Goswell y Mark Kozelek (Red House Painters) se turnan una estrofa cada uno en una lectura cantada de la letra que hizo Mark sobre una música que esta vez nos evoca más por arreglos y sonoridad a Mogwai, lo mismo sucede en el track 8 “Out to sea”sobre una insistente y minimalista línea de piano y cuerdas se escucha una voz suave y pausada a quien se le van sumando la orquesta y luego las guitarras hasta convertirse en una pieza potente y épica. El track 9 “The Thief” Nos devuelve a la tierra con un ritmo optimista ese que le ponemos a las cosas cuando hacemos algo con alegría, la voz nos empuja en la misma dirección, la orquesta vuelve a tener un papel importante de repente en la voz se escucha un cambio de intención y todo es envuelto por un furioso océano de guitarras. El Track 10 “Higher Hopes” Es el final y el punto más alto del disco, aparecen todos los elementos antes mencionados llevados a un extremo interpretativo al que no podemos ser indiferentes y lo más aconsejable es dejarnos llevar. Por los nombre que conforman la banda es fácil concluir que se trata de un supergrupo, pero supergrupos hay muchos incluso algunos son buenos, pero Minor Victories es más que eso y me atrevo a decir que hasta ahora vimos solo la punta del iceberg.... ya veremos.

[ Bandas Tributo por Diego Centurión ]

DOSSIER: EL ARTE DE TRIBUTAR SIN CAER ANTE UN TRIBUNAL Desde hace unos cuantos años de editan discos tributos a mansalva, las posibilidades técnicas y el flujo de información con internet ha logrado que estos trabajos se incrementaran en un gran número. "Siempre hay un motivo real para brindar" resumía una vieja publicidad hace muchos años (más de veinte). Y la verdad es que a veces se mal interpreta cuando un tributo es necesario y cuando es para subirse a la ola de algún acontecimiento específico. Pero los discos tributos existen desde el comienzo de la industria musical, se cree que el primer disco de versiones es de la década del sesenta, Alvin y las ardillas versionando a The Beatles (The Chipmunks Sing The Beatles' Hits) de 1964. Pero también podemos y debemos mencionar las reinterpretaciones. No podemos dejar pasar por alto sin darle el merecido lugar a los cronners del jazz que supieron darle un toque distintivo a sus interpretaciones de canciones de otros artistas y la mayoría han basado sus carreras en las letras y música ajenas. Pero si bien la historia es historia, no me voy a meter en el terreno de detallar estos menesteres. Mi intención es indagar y preguntar el porqué de tantas revisiones del pasado. Siempre han existido bandas que recrean música de otros intérpretes, como esas primeras juntadas de músicos que antes de ponerse a componer se ponen a tocar canciones se otros para crear un vínculo musical entre sus integrantes. Pero también tenemos esas bandas que luchan por imitar a la perfección a la banda tributada, tratando de conseguir un público que quiera ser parte de ese ¿engaño? Acá nace una brecha que trataremos de desentrañar, estas bandas ¿nacen por un anhelo a un tiempo pasado que fue mejor? O ¿por amor a canciones que son parte del gen de sus integrantes? O ¿simplemente es un negocio? O ¿es tan sólo falta de ideas para crear algo nuevo? Muchos interrogantes y pocas respuestas que podemos obtener sin la ayuda de gente que participe de estos proyectos. Por eso es que nos tomamos el trabajo de rastrear varias bandas en toda Latinoamérica y someterlas al mismo cuestionario y obtener así distintas miradas sobre temas en común. Así que este es un buen motivo para decidirse tal vez, a ser parte del público que quiere evocar o simplemente a crear su propio proyecto.

A la hora de armar este informe o Dossier, accedí por medio de las redes sociales a una cantidad de proyectos y la ayuda de Darío Daire (Redactor de la Revista) e implicado en este terreno fue de mucha utilidad, al cual agradezco de todo corazón. En este escrito busco el porqué de Tributar, sin ponerme al frente de un tribunal que juzgue lo bueno o malo de este hecho (si lo hay)… eso se lo dejo a ustedes. Luego de juntar varias entrevistas por varios países (Ordenados alfabéticamente), el resultado es lo que a continuación pueden leer…

ARGENTINA: BOYFRIENDS IN A COMA

Presentar el proyecto

temas que nos encantan y compartirlos con gente que disfruta

Boyfriends in a Coma es un proyecto que llevamos adelante

de la banda ejecutándolos.

hace 3 años, que nació con el fin de hacer versiones de The Smiths & Morrissey; Juan Romero (voz), Ale Lago (batería), Angel Laspiur (bajo) y Sergio Sosa (guitarra)

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal? No ganamos dinero con los shows. Solo cubrimos los gastos.

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

Tocamos dentro del circuito under para no más de 300 perso-

Ante todo la palabra “banda tributo” no la utilizamos como

nas. La Salida laboral la tenemos de lunes a viernes (risas)

método de promoción, nos presentamos como “Boyfriends in a Coma – Versiones de The Smiths & Morrissey” ya que no nos movemos de la forma que hacen las bandas “tributo” y tocamos

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits?

siempre dentro del circuito under. Sin Mencionar que ese tér-

Actualmente tenemos una lista de más de 40 versiones y se-

mino (tributo) está bastardeado y mal visto por la escena del

guimos haciendo nuevas en cada show, hay una discografía in-

under y los artistas del circuito del rock en general. Hacemos

teresantísima y siempre nos piden tal o cual tema en shows así

Versiones de Morrissey y The Smiths, artistas de los cuales que

que tratamos de cubrir todas las épocas en nuestros setlists y

somos fans. Y la idea surge de una intención que tenían Juan el

hacer la lista lo más variada posible, desde los 80s hasta la ac-

cantante y Ale el Baterista, con el fin de aunar nuestras versio-

tualidad.

nes con publico afín, que disfrute compartir nuestras versiones, al organizar recitales y tocar en fiestas temáticas, como la ya clásica Fiesta Moz en Buenos Aires tuvimos buena respuesta de los seguidores y continuamos tocando en ese plan.

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres? Somos cuatro miembros, las versiones suenan más “en vivo”, a veces limpias, a veces punk, depende. Adaptamos las versio-

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias?

nes a nuestra formación. Es decir es imposible sonar como en el disco, por otra parte, consideramos que si fuera como en el

Cada miembro de la banda tiene sus proyectos personales, y

disco, el efecto “en vivo” se pierde y sonaría menos autentico y

anteponemos nuestros proyectos antes de Boyfriends siempre,

sincero, que es lo que nos caracteriza a la hora de tocar en vivo

ya que con los Boyfriends hacemos fechas puntuales. Estamos

y lo que nos hace ganar seguidores.

en escena con canciones de los artistas anteriormente mencionados, lo cual es un feedback con los seguidores que nos da mu-

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes?

cha satisfacción cada vez que tocamos. Es una manera de tocar

Si ves los videos en nuestra página, o venís a nuestros shows

podrás observar que el feedback que hay entre banda y público

El último show que dimos fue en la Fiesta Moz, un ciclo que

es constante. Nos super divertimos arriba del escenario y tene-

convoca fans de Morrissey y viene gente de todos lados, creo

mos mucha interacción con el público.

que tocamos 22 canciones, creo que fue el setlist más largo que hicimos y la audiencia quedo super contenta. La sensación fue de una satisfacción tremenda porque tocamos y hacemos las

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones?

versiones con mucho amor y tratamos de que llegue el mensa-

No, no grabamos. Hacemos las versiones en vivo. Lo que hay

je de esa manera.

grabado son extractos de shows para escuchar cómo suena la banda, pero siempre en vivo.

Algo que quieran agregar… Gracias por el contacto, Ante todo. Somos una banda que

¿Cómo ven la respuesta de la gente?

hace Versiones de los Smiths & Morrissey y estamos preparan-

La gente que nos viene a ver es genial, super amorosa, el pú-

do la Fiesta Smiths Para el Sabado 31 de Julio en Club V – Co-

blico fan de Smiths/Morrissey es gente muy sensible y adorable

rrientes 5008 , aparte de nuestro show habrá banda invitada ,

y siempre tratamos de darles lo mejor en nuestros shows. En

Dj’s , Feria de Ropa , Merchandising para fans de Morrissey

cierta forma es para ellos que armamos éste proyecto y el amor

(remeras etc.) , Feria de Comida Vegana y Sorteo de Discos. Los

que nos transmiten tanto en los recitales es lo que nos motiva

esperamos y gracias nuevamente por el contacto.

para seguir tocando. Contacto: ¿Qué sensación queda luego de un show?

www.facebook.com/boyfriendsinacoma

CICLO DE TRIBUTOS DE ROCK ALTERNATIVO

Presentar el proyecto El Ciclo de Tributos de Rock Alternativo es un proyecto que

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres?

surgió este año, con el objetivo de realizar una serie de shows

Principalmente se respetan los arreglos y estructuras origina-

dedicados a artistas clave del género (para este año están progra-

les, aunque dentro de eso cada integrante es libre de hacer elec-

mados David Bowie, R.E.M., The Velvet Underground, Siouxsie

ciones o adaptar ciertas cosas a su personalidad.

and the Banshees, Morrissey/The Smiths y New Order) ¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes? ¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

Ambas... una cosa se desprende de la otra, realmente

Por un lado, con el aluvión de música disponible hoy día, algunas cosas simplemente parecen perderse. Hacer estos shows

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones?

es una forma de decir "esto es importante, y merece ser escu-

No es la idea ya que, sinceramente, para escuchar una graba-

chado y experimentado en vivo. Por otro lado, la mayoría de las

ción ya están las de los artistas originales que son insuperables.

bandas tributo hacen sets de música más mainstream. La in-

Lo que ofrecemos es la posibilidad de presenciarlas en vivo y con

tención acá, por el contrario, es darnos un espacio a los que fui-

gente afín. Aunque en un futuro nunca se sabe…

mos marcados por música de otro estilo, que no somos pocos. ¿Cómo ven la respuesta de la gente? El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias? Para mí no es un tema de temor a la exposición sino un deseo

La respuesta de la gente fue muy positiva. Tuvimos una buena convocatoria, básicamente a base de fe ya que era nuestra primera fecha, y el público bailó, cantó y la pasó muy bien.

de salir a tocar. Yo tengo mis temas propios, y estoy seguro de

Lo único decepcionante fue que ninguna de las tres fan pages

que la mayoría de los chicos de la banda también, pero el tributo

de Bowie en Argentina fueron capaces de compartir el evento,

te permite salir a tocar más rápidamente y poder planear shows

optando en su lugar por postear fotos viejas

más a corto plazo y de un efecto más inmediato ¿Qué sensación queda luego de un show? ¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal? Acá hablo por mí, no necesariamente por los otros miembros de la banda: mi principal motivación es el deseo de salir a cantar

El show se pasó volando, y la sensación inmediata es de preparar el próximo ¡lo antes posible! Por suerte tenemos una fecha más del repertorio de Bowie programada para el sábado 7 de mayo en Ultra Bar

estos temas maravillosos. Cualquier remuneración que llegue es bienvenida, eso seguro, pero poder subirse al escenario y que

Algo que quieran agregar…

estos temas cobren vida es un fin en sí mismo.

Lo que tiene de novedoso el concepto es que el repertorio y los artistas homenajeados siempre cambian. ¡Así que no esperen

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mu-

demasiado para venir!

cho material para reproducir, buscan los hits? No realmente, es un show más pensado para los fans, con un balance entre hits, temas queridos por los fans, y alguna que

Contacto: www.facebook.com/tributosrockalternativo/

otra rareza. Lo principal que se tiene en cuenta es la calidad de las canciones y cuánto nos gustan. Por eso, por ejemplo, "China Girl" sí, "Blue Jean" no.

Fotos: Alex Martiniaddict

ECOS

Presentar el proyecto

tocamos tan tranquilos, nos sentimos muy a gusto y logramos

Ecos de Pink Floyd es una banda Homenaje a Pink Floyd que

dar con la armonía musical y emotiva que transmiten los discos

se formó a fines de 1999 en la Ciudad de Buenos Aires, Argen-

de Pink Floyd, eso que no se genera solo con partituras, sino por

tina. El nombre del grupo proviene, por un lado, de la palabra

la interpretación, la conexión, el sentimiento y la química entre

“eco” (ser el “eco” de una de las mejores bandas del Rock pro-

los que conformamos Ecos de Pink Floyd”.

gresivo de la Historia del Rock Mundial) y, por el otro, del tema

En la actualidad, Ecos es una de las bandas Tributo/Home-

“Echoes”, que representó un antes y un después en la carrera

naje a Pink Floyd más reconocidas por su integridad y fidelidad

musical de Pink Floyd. Según los integrantes de Ecos de Pink

musical, al reproducir en vivo el Rock progresivo y sinfónico de

Floyd, les “pareció bueno el nombre por lo que significa Echoes

una de las bandas más reconocidas e importantes del rock mun-

como canción para los creadores de Meddle (sexto disco de estu-

dial como fue Pink Floyd.

dio de Pink Floyd) y como eco de aquella gran banda”.

Actualmente y con la reciente e innovadora presentación sin

Asimismo, el 2005 fue un año muy importante para la ban-

precedentes a nivel mundial (de Junio a Julio de 2015), que la

da, porque decidieron dejar de tocar como hobbie y hacerlo de

banda hizo y realiza de su espectáculo actualmente por segun-

forma profesional. Como consecuencia de esa decisión, eso dio

do año consecutivo, en el espacio y marco incomparable del

paso al ingreso de más integrantes a Ecos de Pink Floyd.

Planetario de la Ciudad de Buenos Aires, con un total ya de 16

Más adelante, en 2007, se adhieren a Ecos las coristas, quie-

funciones consecutivas (doble función cada viernes) durante 2

nes lograron acompañar y recrear con gran fidelidad los tonos y

meses y más de 7.000 personas que los vieron en vivo entre

melodías que aparecen en los temas de Roger Waters, Richard

2015, y por ahora 10 funciones en 2016, se han consolidado y

Wright, David Gilmour y Nick Mason. “Solo bastaron pocos me-

transformado ya en una de las principales bandas de Homenaje

ses de ensayos para dar un nuevo show y fue la primera vez que

a Pink Floyd de la Argentina y la región, y han sido los primeros

en presentar este espectáculo con proyecciones full dome, sobre un escenario circular, espectáculo que aun el público sigue pidiendo que repitan.

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres? Buscamos la exactitud en cada arreglo.

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes?

El gusto por la banda que homenajeamos

Ambas, diría que buscamos que disfrute el público, mientras disfrutamos lo que hacemos.

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias?

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones?

No. Creo que estas expuesto más por las comparaciones que

No le veo la lógica y el sentido, ya que eso ya fue grabado por

podes llegar a sufrir con respecto a los claramente originales e

los músicos a quienes homenajeamos y quien mejor que ellos,

irrepetibles Pink Floyd!

por eso fueron lo que fueron, nosotros rendimos un homenaje a la banda Pink Floyd.

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal? Placer personal, que termina siendo una salida laboral, haciendo lo que uno ama.

¿Cómo ven la respuesta de la gente? La verdad la gente explota, porque por los comentarios de ellos (el público), mencionan en variadas oportunidades, que replicamos de manera fiel el sonido y atmosfera floydiana, cosa

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits? Se analiza mucho ese tema, porque la verdad hay mucho ma-

que lleva nos llena de orgullo y que lleva mucho tiempo, esfuerzo y dedicación, y considero esto se ve reflejado en cada recital que damos en homenaje a Pink Floyd.

terial y mucha gente a quien uno trata de dejar conforme en cada recital. Pero esa una tarea delicada y difícil

¿Qué sensación queda luego de un show?

Alegría y cansancio, porque hacer las cosas bien demanda concentración y mucho laburo. Y lógicamente juegan los nervios/ adrenalina, que se ponen en juego en cada recital, por la exigencia personal de cada integrante de Ecos de Pink Floyd, para que todo salga “perfecto”. Algo que quieran agregar… ¡Gracias por hacernos las preguntas! Contacto: www.ecosdepinkfloyd.com mail:info@ecosdepinkfloyd.com www.facebook.com/ecosdepinkfloyd https://plus.google.com/u/0/111078255742944899455/posts https://www.twitter.com/ecostributopf

EL ÚLTIMO SOL

Presentar el proyecto

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más

El Último Sol es una banda de Buenos Aires que tributa a

libres?

Gustavo Cerati y Soda Stereo.

Tratamos de hacerlo natural, obviamente, respetando arreglos y detalles. Es improvisar un poco a veces también.

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo? Tenemos muchas razones pero la principal es que somos

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes?

fanáticos de Cerati y es un honor poder hacerlo.

Las dos cosas. Tocamos en vivo para que la gente lo disfrute. Si ellos lo disfrutan nosotros más.

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias? Si bien a muchos les resulta chocante ver una banda de covers, nosotros lo vemos distinto y eso se ve en la respuesta del

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones? Sinceramente no lo creemos. La idea es tocar en vivo, no grabar un disco con temas que ya están grabados por su autor.

público cuando tocamos en vivo. De hecho nuestro cantante está a punto de sacar su primer disco solista, con todos temas

¿Cómo ven la respuesta de la gente?

de su autoría, en el cual también grabó todos los instrumentos

Cada vez mejor. Eso nos anima a seguir. Recibimos muchos

él sólo. Salir al escenario a tocar temas de otro es placentero para

comentarios, muchos mensajes felicitándonos. Cuando termi-

nosotros porque somos fans y si la respuesta del público es bue-

nan los shows se nos acercan a saludarnos. Es muy gratificante

na es más placentero.

el cariño que recibimos.

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un

¿Qué sensación queda luego de un show?

placer personal?

La sensación de que tenemos que tocar más seguido. Si bien

Totalmente un placer personal. Nosotros pagamos para ensayar, compramos cuerdas, pagamos fletes, pagamos sonidista,

cansa mucho todo lo previo a un show, cuando termina, el público te da esa energía como diciendo “toquen más seguido”.

son muchos gastos y mucho esfuerzo. Si bien, la gente paga su entrada para vernos, esa plata es para cubrir todos esos gastos y gastos de sonido de los lugares donde tocamos. La mayoría

Algo que quieran agregar…

de las veces nosotros ponemos plata de nuestro bolsillo. Lo ha-

Que estamos muy contentos en poder hacer un tributo a

cemos totalmente por el amor y la pasión que sentimos por la

nuestro ídolo. No buscamos ocupar el lugar de nadie ni copiar.

música de Gustavo.

Lo hacemos por placer. Agradecemos a todos nuestros seguidores por el cariño, a nuestras familias por bancarnos siempre y a

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits?

la revista “The 13th” por la entrevista. Saludos a todos y que viva la música de Cerati!!!!!!!!

Tratamos de no caer en lo básico. Hay muchas bandas tributo a Soda Stereo y Cerati. Tratamos de hacer temas que otras bandas no hagan. Pero bueno…los hits también tienen que estar. La

Contacto:

mayoría de la gente que nos viene a ver va por los hits.

www.facebook.com/elultimosol.oficial/

LOW SOCIAL CLASS

Presentar el proyecto

así que vamos eligiendo versiones que nos gusten.

Low Social Class tributo a la californiana banda Social Distortion.

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes? Ambas... como dije arriba, ya tenemos nuestras bandas cada

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

uno de nosotros, lo hacemos por diversión, pero a la hora de es-

A los 4 integrantes de la banda nos gusta mucho Social, so-

tar en vivo, notamos que la gente se entretiene, se copa y alienta,

mos todos amigos y ya tenemos nuestras bandas individuales

¡eso también nos gusta!

cada uno. ¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones? El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias?

No, jamás, si algún “demo” de presentación, o algún video para que la gente nos conozca.

Mmmm si puede ser, pero nosotros lo hacemos con gusto, homenajeándolos.

¿Cómo ven la respuesta de la gente? Por suerte siempre nos llevamos buenos comentarios, nos si-

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un

guen llamando para tocar, y nos alagan demasiado.

placer personal? Empezó por placer, y de a poco se fue dando y nos fueron llamando para tocar en lugares copados y surgió un poco la salida laboral.

¿Qué sensación queda luego de un show? Era la banda que querían escuchar... Rara banda hace algún cover de Social, o algo por el estilo, y siempre que tocamos en lugares del palo, la gente espera eso...

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits?

Algo que quieran agregar…

Tratamos de hacer temas de todos los discos, es una banda

Simplemente que lo hacemos por diversión, por más que

muy particular, obvio que tienen hits, pero todos los temas son

haya alguna salida laboral y no podemos por algún inconve-

esperados a la hora de escucharlos.

niente, no se hace… No es nuestra primera responsabilidad… ¡muchas gracias!

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres?

Contacto:

Tratamos si, de buscar la exactitud, sabiendo mismo que la

www.facebook.com/lowsocial.class

banda tiene 30 años y los temas también los han ido cambiando,

THE MODE

61 ¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

nada buscamos que sean los temas que tienen más llegada con

Simplemente querer sonar como la banda que marco tu

los Fans o Devotos como llaman a sus seguidores.

vida….Depeche Mode. ¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias?

libres? Buscamos exactitud, en el caso de Gabriel Stanizzo que es

No lo creo está más expuesto, porque el público, quiere escu-

uno de los programadores, tiene contacto y en algunos casos

char de alguna manera a esa banda que estas imitando o reali-

acceso a la bases de datos originales, ya sean samples o soni-

zando sus temas. Por otro lado, para nosotros es una manera de

dos, en alguno casos fueron liberados por Alan Wilder uno de

expresar nuestro amor y respeto por una gran banda. También

los músicos que trabajo con Depeche Mode largos años, en sín-

tenemos nuestra banda de temas propios llamada Moda Eterna.

tesis buscamos sonar como ellos, una tarea muy difícil por ser una banda que vive innovando disco a disco.

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal?

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes?

Ambas cosas, y a veces también por diversión. Pero en espe-

La idea es dar buenos shows, sentir que en escena somos los

cial es una manera de poder llevar también adelante nuestro

DM, pero nos atrae que la gente se contagie con lo que hacemos,

proyecto musical personal llamado Moda Eterna.

así que un eje central es motivar al espectador.

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones?

mucho material para reproducir, buscan los hits?

Tenemos la idea de hacerlo en algún momento, por ahora

En el caso de Depeche Mode es una máquina de genera hits desde los 80s, pasando por los 90s y en la actualidad. Más que

solo tocamos en vivo, hay algunos registros como el show de

Pergamino junto a Leo Garcia y Efecto Lunática. En el pasado

se sintieron. Por otro lado nos sentimos Felices de poder hacer

algunos de los integrantes participaron del Depeche Mode Tri-

algo por esta hermosa banda que ya es un hito en el espectro

buto Argentino Vol3, pueden escuchar las versiones en dmtri-

musical mundial.

buto.bandcamp.com Algo que quieran agregar… ¿Cómo ven la respuesta de la gente?

Sí, tenemos un show el 30 de Julio en Abbey Road Mar del

En principio es reacia a soltarse, pero a medida que pasan

Plata todos invitados. Y decirles a todos los seguidores de Depe-

las canciones se contagia. El fan de DM es muy exigente, bus-

che Mode, que lo que hacemos lo hacemos con mucho respeto,

camos lograr de alguna manera que se sumen a la propuesta.

ya que todos nosotros antes que anda somos fans. Que una ban-

Nuestro manager es un fan de años y realmente siente que es-

da Tributo es algo para divertir o tener una sensación de acerca-

tamos lográndolo, ya que de a poco se van sumando gente que

miento con la banda que tanto te une en lo sentimental, y que

los sigue de años.

seguiremos mejorando y agregando nuevas canciones. A todos les decimos Enjoy the Silence.

¿Qué sensación queda luego de un show? De mejorar, de revisar el setlist, de ver que canción sonó mejor, de sentir que podemos dar siempre un mejor show, sumando nuevas ideas, charlando con el público que le gusto o como

Contacto: https://www.facebook.com/themodetributo/

UMMMAGUMMA

Presentar el proyecto

completo. Surgió la posibilidad de hacer un show y ese fue el

UMMMAGUMMA es una banda tributo a Pink Floyd de Bue-

comienzo de todo.

nos Aires, que se formó en 1998. Está formada por 10 músicos que intentan recrear la música de Pink Floyd lo más fielmente posible con una puesta en escena que rememora los escenarios de la banda inglesa.

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias? Puede verse de esa forma, pero no es nuestro caso. No lo hacemos para estar en escena. Realmente nos gusta la música de

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

Pink Floyd y montamos los shows con mucha pasión para fans

En principio, cuando los miembros fundadores del grupo se

iguales que nosotros.

juntaron, la idea era hacer temas propios. Se buscaron otros miembros con un gusto musical en común. Y ese gusto era por Pink Floyd.

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal?

En los primeros ensayos, como para arrancar a tocar algo, se

En nuestro caso no es una salida laboral. Aunque encaramos

empezaron a sacar algunos temas de Floyd y en pocas semanas,

el proyecto con la seriedad y profesionalismo que el público se

y sin darse cuenta, ya habían sacado Dark Side Of The Moon

merece. Realmente lo hacemos por el placer de tocar la música

65 que nos gusta e influyó desde chicos. Hay otras bandas que lo encaran de forma laboral y nos parece perfecto. Es trabajo.

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones? Hmmm. Un álbum no es algo que esté dentro de nuestros planes. No nos queda claro si al público le puede interesar escuchar un disco con los temas tocados fielmente.

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits? Depende de cada show. Normalmente se hace un mix de te-

Quizás sea más atractivo un DVD de un show, que se puede llevar como recuerdo del show que presenció. Es sólo una idea, pero por ahora no lo hemos llevado a cabo.

mas que cubran toda la discografía de Pink Floyd. Incluimos temas de la primera época psicodélica, rarezas y por supuesto, los clásicos. También realizamos shows en los que se toca un disco completo y lo complementamos con clásicos y rarezas. Este año, por primera vez, vamos a hacer un tema solista de Roger Waters y otro de David Gilmour.

¿Cómo ven la respuesta de la gente? La respuesta es excelente. Y es el combustible que nos motiva a seguir haciendo el tributo después de tantos años. Al finalizar cada show vamos al hall del teatro para charlar con la gente y tener su devolución. Es habitual que nos cuenten sobre las emociones que vivieron durante algunos temas. Estamos muy agradecidos por la respuesta de la gente. Hay

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más

unos cuantos que nos siguen desde los primeros shows en

libres?

1998. Han visto evolucionar al grupo.

Buscamos lograr la máxima fidelidad posible. Creemos que los verdaderos fans de Pink Floyd aprecian esa cercanía al origi-

¿Qué sensación queda luego de un show?

nal, más que si lo versionáramos.

Adrenalina pura y ganas de volver a tocar cuanto antes y hacerlo mejor en cada show.

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes? Un poco de las dos cosas. A nosotros nos encanta tocar los temas de Pink Floyd y de paso entretener al público. La realidad es que debido a que Pink Floyd nunca visitó nuestro país (Wa-

Algo que quieran agregar… Agradecemos a The 13th y los invitamos a nuestros próximos shows el

ters recién vino en 2002 por primera vez, y Gilmour vino el año pasado) hay una gran masa de gente que adora a ésta banda y

Los esperamos.

no tenía forma de escuchar los temas con la fuerza e intensidad de una banda en vivo. Afortunadamente las bandas tributo he-

Contacto:

mos podido satisfacer parte de esa demanda de shows en vivo.

www.facebook.com/ummagumma.tributo.a.pink.floyd http://www.ummagumma.com.ar/

NEW & THE WALKMANS

Presentar el proyecto

me exigen como cantante estar a la altura del tema. También es

La banda es "New & the Walkmans". Gerardo Marotta: sin-

una salida laboral claramente, ya que nos permite tocar en fies-

tetizadores, teclados, programación. Andy Vera: Guitarras, co-

tas privadas, donde el cachet que pedimos se respeta a diferen-

ros. Claudio Jannon: bajo. Marcelo F. Chirico (New): Voz, co-

cia de tocar en el circuito under ya conocido, donde el músico

ros, programación de baterías. El proyecto comenzó en enero

nunca tiene asegurada la retribución por su trabajo.

del 2014. ¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay ¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

mucho material para reproducir, buscan los hits?

La inquietud fue mía ya que era algo que tenía ganas de hacer

No todos los temas que tocamos son hits, algunos son me-

desde hacía varios años y por determinadas circunstancias, por

nos populares pero si son clásicos, que eso quiere decir que son

ejemplo el regreso de mi banda de los años 80s (Art Nouveau)

canciones que perduran, que marcaron una época o fueron van-

hizo que lo dejara para más adelante. Simplemente por el de-

guardia en su momento.

safío que plantea el hecho de interpretar canciones de grandes bandas, en este caso, no hacemos un "tributo" a una banda espe-

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más

cífica; sino más bien un "Homenaje" a varias bandas y solistas

libres?

más que nada del post punk y la new wave de los finales de los

Las versiones como te decía antes son muy cercanas a las ori-

70 y la década de los 80s que es donde me formé como músico.

ginales, salvo por el color y tono de mi voz o a imprimirle un poco más de velocidad a alguno que otro, o pequeños arreglos

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias?

que surgen de la interpretación de cada uno de los músicos; pero respetamos los arreglos bastante.

En lo personal para mí es más difícil interpretar la obra de otros que son a la vez muy grandes y marcaron una época, que

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes?

tocar mis propias canciones, ya que el público las conoce y se

Un músico, un cantante es un artista ante todo, pero tam-

corre el riesgo de que no gusten. En nuestro caso hacemos las

bién es un "entertainer",un show es arte y entretenimiento en-

versiones bastante pegadas a las originales, sería más arriesga-

tre otras cosas… cuando el público lo pasa bien, uno también y

do "versionarlas" y cambiarlas como hacen otras bandas, pero

de eso se trata, de pasar un buen momento, de emocionarse,

creo que eso se alejaría del Homenaje para ser otra cosa. La

arriba y abajo del escenario. Nuestro repertorio apunta a valo-

ventaja de hacer tus canciones es que el público no las conoce,

rar la obra de estas bandas y disfrutar del recuerdo y la vigencia

pueden gustar o no, pero aquí estas expuesto a que se valore tu

que tienen.

interpretación. ¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones? ¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un

No era nuestra idea al principio, queríamos hacer solo pre-

placer personal?

sentaciones en vivo, pero dada la buena respuesta de la gente

Es un placer personal primeramente, ya que las canciones

con las mezclas que subimos al Soundcloud, estamos ahora re-

las elegimos principalmente porque nos gustan y también te-

mezclando las canciones con oído y dedicación más aguda para

niendo en cuenta una variedad de bandas interesantes, lo que

editar un cd éste año.

¿Cómo ven la respuesta de la gente?

Algo que quieran agregar…

La respuesta del público en vivo es excelente, lo pasan muy

Que la gente siga apoyando a los músicos under, que vean los

bien y recibimos comentarios muy halagadores, lo que hace que

shows ,que compren sus discos, que apoyen la escena y sean exi-

crea que no me equivoqué al hacerlo.

gentes también a la hora de elegir, eso hace que la calidad de la escena under crezca y se perfeccione. Todo lo nuevo, lo diferen-

¿Qué sensación queda luego de un show?

te siempre estuvo bajo la superficie.

Hay cosas que no dependen de los músicos cuando se hace un show, pero si todo suena y sale bien ,la sensación es de las

Contacto:

mejores, las veces que tocamos dejamos el escenario muy con-

https://www.facebook.com/New-the-Walk-

tentos y por mi parte orgulloso de tener una banda tan eficaz y aparte de ser buenos compañeros.

mans-1517681415176164/ http://soundcloud.com/new-the-walkmans

CHILE: FICTION

Presentar el proyecto

muchos singles. En los últimos 6 años hemos estado hacien-

Mi Nombre es Fernando Plá, Guitarras en FICTION, Banda

do Discos Completos o Recitales. Así hemos interpretado,

Tributo a The Cure, Desde 1989 en la escena de las bandas chi-

por ejemplo, THE CURE IN ORANGE, DISINTEGRATION,

lenas. La Banda la integran además JAVIER ZAPATA, CRIS-

4-TOUR o el Clásico THE HEAD ON THE DOOR.

TIAN QUEZADA, ALDO BERSANI y FABIAN “EL HUASO” ALARCON.

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres?

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo? En realidad jamás tuvimos en mente la idea de hacer una banda tributo, esto fluyó sólo. Comenzamos a tocar juntos en

Buscamos la exactitud pero siempre inspirados en alguna versión en vivo cuyos arreglos se acerquen más al sonido actual de The Cure.

la época del colegio, allá por 1989. La banda ha sido una forma de mantenernos unidos y prolongar nuestra amistad, en la actualidad cuatro de los cinco músicos somos ex compañeros de colegio.

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes? En un 50 y 50, aunque claramente lo pasamos muy bien tocando en vivo, la propuesta del setlist de cada show está pensada en no aburrirnos… ni aburrirles.

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias? Por cierto que sí lo es, pero a mi juicio una canción pertenece

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones? No.

en gran parte a sus intérpretes, tal como Frank Sinatra interpreto con gran éxito “Laissez moi le temps” canción en francés que

¿Cómo ven la respuesta de la gente?

le tradujo Paul Anka y que nadie pondría en duda que Let Me

Para ser sincero, depende mucho del lugar y el concepto, el

Try Again no le pertenece al gran Frank… suena exagerado, pero

último show fue en Blondie, lugar de música Dark y New Wave,

en alguna escala esto me sucede en forma personal, hay cancio-

el concepto fue Disintegration y debo reconocer que entre pu-

nes que llevo tocando más de 25 años, como LOVE SONG, A

blico había gente que lloraba… quiero creer que de emoción…

STRANGE DAY o PLAY FOR TODAY, son canciones que en parte siento mías. Los otros Miembros de la banda lo están in-

¿Qué sensación queda luego de un show?

tentando con IMAGINARY NOISE, por mi lado también soy Dj,

Una mezcla entre Euforia y ganas de hacerlo otra vez, es como

nunca me atreví a componer nada. ¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal? 100% como un placer personal.

una droga que no puedes dejar. Algo que quieran agregar… FICTION nos ha mantenido unidos como amigos por muchos años, THE CURE es una gran inspiración, una música que nos llena el corazón y la cabeza, ojala podamos seguir haciendo

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits?

esto por mucho tiempo más, creo que aún tenemos mucho que mostrar a nuestros amigos/seguidores.

Con The Cure hay mucho de donde echar mano. En un principio nos enfocamos mucho en lados B o canciones los discos

Contacto:

que no eran necesariamente singles. Con el tiempo sí hicimos

www.facebook.com/TheOtherFictionTributoTheCure

PARANOIA 1919

Presentar el proyecto

cambiaba material inédito, etc. Harta gente se comenzó a reu-

Paranoia1919 - Tributo a Bauhaus/Peter Murphy

nir a través de esos sitios y de alguna forma llegó a nuestras presentaciones, ya sea por el entusiasmo de vernos y escucharnos

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

o bien por la incredulidad de que fuésemos una buena banda

Jaime Daire (Vocalista): Me encontraba tocando en un evento

en vivo. El caso es que se creaba una escena bastante conectada

a mediados de 2015 bajo mi proyecto Soniria, donde además de

con todo lo que fuera U2. Para el caso actual con Bauhaus/Peter

hacer temas propios y algo de improvisación (live-looping prin-

Murphy, existe también esa búsqueda, no sólo de replicar la mú-

cipalmente), hacía un set de canciones de Dead Can Dance, den-

sica sino de conectar con gente y de ese modo re-crear o repro-

tro del contexto de un evento temático junto a una banda tributo

ducir una escena en torno a ésta música. Sobre todo teniendo

a Cocteau Twins. En aquel evento nos conocimos con el produc-

en cuenta que Bauhaus/Peter Murphy son de una popularidad

tor a cargo (actual bajista de Paranoia1919), con quien tuvimos

bastante menor en Chile, siempre fue música más de un seg-

conversaciones posteriores y en un momento dado me propuso

mento específico de fanáticos y cultores del gótico, el darkwave,

crear una banda tributo a Bauhaus, solo con miras a realizar un

lo alternativo, etc. Por lo tanto puede ser que en este caso más

evento temático en torno a dicha banda. Me atrajo de inmediato

que re-crear una escena se trate más bien de construirla.

la idea, dado que años atrás junto a otra banda que tuve y con la que interpretábamos covers de rock alternativo 80 -90s habíamos hecho un set de canciones de Peter Murphy que es uno de

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal?

mis cantantes favoritos y a quien por gracia divina (o por algu-

Conozco y tengo amigos músicos que han logrado posicio-

na fuerza oscura y maligna, según se quiera), me ha resultado

narse con bandas tributo y logrado niveles de profesionaliza-

bastante bien imitarlo. Así creamos esta banda que pretende

ción bastante notables, por lo que la posibilidad de asumir esto

aunar la impronta más punk y gótica de Bauhaus con el trabajo

como una opción laboral existe. Sin embargo, creo que todo de-

más fino y depurado de Peter Murphy solista. Probablemente

pende de lo que tributes. Para el caso nuestro y aquello a lo que

en términos de una "razón" para crear la banda, seguramente

rendimos culto (Bauhaus), sería bastante difícil. Por lo tanto

prima demasiado el placer de tocar música y ocupar lo que se

todo parte por un placer personal y una inquietud de expresar

tiene (recursos, talento, habilidad, etc.).

algo desde las posibilidades y talentos que tienes. Si esto te abre puertas a ganar dinero, será bienvenido siempre, pero no será

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera

el objetivo central.

de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias? Es más bien una manera de re-crear un ambiente, una escena. No es solo una manera de estar en escena, sino que la bús-

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits?

queda es también por crear o replicar (en lo posible) una escena.

Es un tema siempre complicado, pues de una sola banda o so-

Pienso que un músico (con trayectoria o principiante), que crea

lista que tributes, hay tantas versiones como integrantes tenga

una banda tributo está también pensando en un público, en la

tu banda. Cada quien tiene su perspectiva y su culto personal en

posibilidad de que ese público efectivamente exista y que pueda

torno a un artista o banda famosa, por lo que se generan dife-

responder a tu propuesta. En mi caso personal, hace muchos

rencias y "tirones" entre el gusto de uno y el gusto de otro. Pero

años fui guitarrista de una banda tributo a U2, en una época en

como siempre (o casi siempre) esto se trata de montar un show,

la que aquella banda estaba en su cúspide comercial y se comen-

debes pensar en un público y ahí suele suceder que se imponen

zaba a ver mucho intercambio a través de internet (poco antes

los hits. Esos no los puedes evitar, son repertorio obligado de

de que se conociera youtube). Eso favoreció bastante "nuestra

cierta manera. Por lo general una banda tributo parte tocando

escena" como banda, ya que mucha gente buscaba información

hits y luego ya se empieza a hilar más fino. Los temas pueden

acerca de U2 en foros, sitios web locales o en español, se inter-

ser seleccionados según: a) sea un Hit, b) sea fácil de tocar, c) te

resulte bien tocarla (se convierta en un Hit de tu banda tributo), d) sea una canción que todos en la banda se sepan (independiente de que sea un hit, sea fácil o te salga bien), etc.

¿Qué sensación queda luego de un show? Cuando la respuesta del público es positiva queda la sensación de que estás haciéndolo bien y vas por buen camino en función a la idea o propuesta que pretendes entregar. Si la respuesta

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres?

es negativa, queda la sensación de que debes mejorar, ocuparte más de los detalles, estudiar tu propuesta y descubrir qué está

En lo personal soy un poco perfeccionista en eso y me gus-

fallando; se instala la duda al interior de la banda y esto puede

ta tocar lo más cercano posible. De hecho también me encargo

llevar a discusiones o debates, lo que no siempre es malo, es

de crear secuencias para algunas canciones y por lo tanto guío

parte del trabajo y permite avanzar. Eso si, para una banda tri-

a los demás a cuadrarse con ellas. En todo caso pienso que esto

buto es delicada una respuesta negativa por parte del público,

suele suceder cuando existe inseguridad o se está empezando.

puesto que tienes un referente incuestionable de comparación

Una banda, por muy tributo que sea, cuando ya lleva años to-

que siempre va a estar ahí, que es la banda o músico tributado.

cando junta inevitablemente comienza a generar algo propio,

Si la gente reacciona mal y eres criticado por que cantas mal o

una identidad, más precisión, mejora la ejecución de cada inte-

porque tu voz no está ni cerca, o porque la banda parece más

grante con su instrumento. Es ahí cuando la imitación y la exac-

un tributo a una banda de cumbia o porque tu inglés es pésimo,

titud da paso a la interpretación y a la soltura, y probablemente

etc., es bastante probable que te lo pienses dos veces antes de

a la creatividad. Pienso que se puede ser creativo en una banda

seguir. En cualquier caso, siempre la sensación es de querer se-

tributo cuando lo que haces es evocar desde lo que tú eres, más

guir adelante, seguir haciéndolo.

que imitar o emular lo que definitivamente no eres. Algo que quieran agregar… ¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes?

En mi caso personal, debo decir que partí mi experiencia en

Siempre hay que divertirse. Es el primer paso para saber di-

bandas tributo bastante a regañadientes, ya que tenía mi ban-

vertir a los demás y hacer que tu propuesta funcione (si eso es

da de música propia y siempre sostuve que el mejor tributo que

lo que quieres, obvio)

un músico puede rendir a los músicos que admira, es haciendo lo que ellos también hicieron, que es hacer lo propio. Al final

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones?

la buena onda, la amistad y el gusto por la música que escuché

Hoy en día se puede pensar en hacer eso y más, las posibilida-

siempre fueron más fuertes y cedí a ser parte de una banda tri-

des de auto gestión y auto producción lo permiten. En mi caso

buto a U2, con la cual tuvimos harto ruedo y eventos más que

no me llama la atención grabar canciones en formato banda tri-

aceptables. En paralelo y posterior a ello he seguido haciendo

buto, dado que creo que es algo que funciona más en vivo, con

mi propia música y de vez en cuando he colaborado con dife-

una puesta en escena de por medio. Además tengo mis proyec-

rentes bandas tributo. Con los años he visto como se han hecho

tos de música original y me enfoco en eso para grabar.

y deshecho grupos tributo y como fue proliferando este medio. He visto como muchos músicos critican y condenan bastante la

¿Cómo ven la respuesta de la gente?

existencia de este tipo de bandas, aludiendo a la falta de creativi-

Hasta el momento bien, aunque llevamos poquísimo y nos

dad, de talento y reclamando también por la escasez de espacios

falta mucho. No digamos que es un proyecto muy ambicio-

y cómo las bandas tributo supuestamente los acaparan. Incluso

so tampoco. Sólo buscamos escenarios aceptables para hacer

hasta algunos medios de prensa de vez en cuando han aborda-

shows y sonar lo mejor posible, además de expresar (o interpre-

do el tema y lo han hecho desde la óptica de esta rivalidad. Pero

tar) lo mejor posible. Hacer un buen show, que la gente se dé

lo cierto finalmente, es que es la música la que logra imponerse

por pagada con un show que sonó y se vio bien. Ya si además

y estar por sobre cualquier distintivo y etiqueta. En Chile ha ha-

se les evocó a la esencia de Bauhaus y Peter Murphy, tanto me-

bido y hay excelentes bandas tributo, algunas incluso conocidas

jor. Esperamos que la respuesta del público vaya mejorando y

en el exterior a través de sus respectivos canales de difusión. He

creciendo.

visto algunas con puestas en escena alucinantes, incluso. Hay

79 un gran trabajo de por medio, de estudio, de ensayo, de preparación, recursos, inversión, trabajo escénico, de sonido y un largo etc. Finalmente esto es como el teatro, donde una compañía de lo más amateur monta la obra más emblemática de Brecht o de Shakespeare, y su puesta en escena será totalmente válida si la compañía realmente tiene algo que decir acerca de la obra. Hoy debemos entender al rock como todo un mundo y una cultura asociada a épocas, donde lo que trasciende son las grandes obras y los grandes iconos con sus grandes talentos. Y hay algo de una gran humildad al querer rendir tributo a ellos desde el aprender a tocar una guitarra en tu pieza o descubrir que cantas parecido a una gran estrella en la ducha de tu casa, y de ahí a formar una banda y empezar a contactar gente. Es una manera de llegar al arte y a la música desde la admiración y la identidad. Si se quiere hablar de falta de creatividad, es mejor discutir en torno al cine y a la literatura, donde el remake y el best-seller copan el mercado y no generan referentes nuevos. En la música al menos, tanto el tributo como las nuevas propuestas funcionan y conviven a la par, y están bastante activas ambas, por lo demás. Se deben respeto más que nunca. Contacto: www.facebook.com/paranoia1919/

PRÃ&#x201C;FUGOS

Presentar el proyecto

La verdad es que nosotros respetamos mucho el legado y

Mi nombre es Felipe Reyes, yo soy diseñador industrial, y

como se hizo y respetamos también las versiones que se hicie-

hago el papel de Gus (y a mucha honra, aunque no soy tan talen-

ron. Nosotros no hacemos las versiones de los discos, porque

toso como él) intento poner toda la pasión de fanático que ten-

generalmente los artistas jamás logran dar con el mismo soni-

go arriba del escenario. El proyecto se llama Prófugos, la banda

do que se generó en el disco, por lo que nosotros nos abocamos

chilena tributo a Soda Stereo.

solamente a hacer los shows en vivo, los cuales fueron llevados a escena y sonaron tal cual lo escuchó la gente. El tema de los

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

hits es un tema recurrente que nos toca discutir y realmente en

La razón es básicamente el fanatismo que tenemos por la obra

el caso de nosotros de Gustavo y de Soda, siempre ellos tenían

del artista que estamos tributando, en este caso, Soda Stereo y

que hacer un porcentaje de Hits, porque eso es lo que la gente

Gustavo Cerati. Esa es la única razón que nos llevó a crear una

va a escuchar. Yo no me imagino un show sin “Cuando pase el

banda tributo, no existe ninguna otra, al menos para nosotros.

temblor” o “Sin Persiana Americana”. Si tù revisas los tracklist que hicieron ellos durante toda su etapa creo que nunca dejaron

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias?

de tocarlas, entonces nosotros tampoco tendríamos que dejar de tocarlas, porque la gente las pide.

En el caso de nosotros, particularmente, ninguno de nosotros es músico, si bien alguno tiene un estudio de música. Como comenté anteriormente, lo principal era el fanatismo que tenía-

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres?

mos por la música de Gustavo. Eso nosotros lo estamos volcan-

Las versiones libres son para una banda de covers, la ban-

do a lo artístico, y la verdad es que no nos interesa hacer discos

da tributo, de alguna manera, tiene que intentar de replicar tal

ni música. Nosotros estamos en una etapa en donde nuestro

cual lo hacían los originales, respetando absolutamente todos

fin es que las generaciones siguientes descubran el legado de

los arreglos musicales. Creo que es el legado que más puede

Gustavo. Básicamente eso. Entonces la verdad no somos una

dejar una banda tributo, tratar de poder replicar lo que hacía la

banda que nacimos de un proyecto de música propia, y porque

banda original para que las nuevas generaciones digan “Ahh,

éste fracasó o no es exitoso, decidimos pasarnos a una banda

así es más o menos como sonaban. Lógicamente y guardando

tributo o hacer algo comercial, nosotros nacimos una banda tri-

las proporciones, jamás una banda tributo va a llegar a hacer

buto, tal cual.

como la original. Es imposible. Porque imagínate el talento que tiene la gente que hizo eso. Acá hay muchas bandas tributos y

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal? O sea, creo que ninguna de las dos. ¿Un placer personal? Puede ser de alguna manera, pero no creo que sea un placer, la

personajes que dicen que tocan mejor que los originales, la verdad que eso es digno de un análisis psiquiátrico. Pero sí, nosotros buscamos la exactitud en los arreglos para que el legado permanezca intacto.

verdad es que nosotros disfrutamos de lo que hacemos porque estamos tocando la música que nos gusta, las canciones que

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes?

escuchamos desde niños. El punto es que ahora estamos en el

Creo que un poco de los dos, la idea básicamente es entreten-

escenario generándola. Una búsqueda laboral no, porque todos

ción, nosotros queremos entretener al público, transportándo-

tienen sus trabajos y ganan lo suficiente para vivir. Lo que esta-

los al show que quizás no asistieron o quieren volver a revivirlo

mos haciendo nosotros ahora no es como un ingreso moneta-

de alguna manera. Y nosotros lógicamente que nos divertimos,

rio. Esa es básicamente la respuesta.

imagínate cantando las canciones que más nos gustan, o sea para nosotros no es básicamente un trabajo, a la vez sí lo es, por-

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits?

que si fuera sólo divertirse no llegaríamos a un nivel de respecto que se tiene que tener en estos casos.

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones?

escenario que puedan ensuciar el trabajo de lo que fue Gustavo

Yo te digo que no. Fue un debate permanente hasta que Ri-

y lo que fue Soda.

chard Coleman, seguramente lo conocen ustedes, muy amigo de Gustavo, me dijo a mí, “Felipe, no hagas tal de grabar un

¿Qué sensación queda luego de un show?

DVD o algo así, porque la gente si quiere ver original, va a ver al

Me lo han preguntado varias veces, la sensación es no creer-

original. Por lo que ustedes tienen que hacer es grabar un par

se la persona, personalmente para mí, la sensación cuando yo

de videos tráiler y mostrarlo y eso es suficiente. Lo que ustedes

me bajo del escenario, mi preocupación mayor es que la gente

tienen que hacer es que la gente realmente vaya al show y eso

se haya ido feliz y contenta. Esa es mi mayor preocupación y la

es lo importante, porque un DVD no tiene sentido que ustedes

de toda la banda.

lo hagan”. Bueno y viniendo de la palabra de Richard Coleman, obviamente, nosotros lo vamos a tomar como un consejo muy,

Algo que quieran agregar…

muy sabio, así que no pretendemos grabar DVD o grabar músi-

Una banda tributo básicamente es como… yo el otro día me

ca, grabar nada. Lo que está es lo que queda en la memoria de la

imaginaba… si no existiera la gente que está en teatro, y que ha

gente. Que es lo importante, que asistan a los shows.

venido permanentemente el legado de Shakespeare, llevándolo a las tablas, me refiero a las compañías de teatro, no sabríamos

¿Cómo ven la respuesta de la gente?

quien fue Shakespeare. Por lo que lo único que yo le pido a la

La respuesta es impresionante. En los últimos nueve meses

gente es que “Bueno, si no le gusta, no lo vaya a ver, pero no joda

13.000 personas han pagado un ticket para ir a vernos, eso es

a la gente que sí le gusta ver lo que nosotros somos una puesta

impresionante, aún no comprendemos, ni siquiera nosotros,

de escena, casi músico-teatral”. Así que yo le diría dennos una

el legado que dejó Gustavo, por lo menos acá en Chile. Y ¿que

oportunidad y lo invito a ver el show próximo de Prófugos, la

más te puedo decir como respuesta de la gente?, comentarios

banda tributo a Soda Stereo. Les doy un abrazo a todos ustedes.

muy buenos en las redes sociales, lo que nos hace a nosotros tener más responsabilidad para no hacer estupideces arriba del

Contacto: www.facebook.com/sodastereoprofugos/

ESPAÑA: DERIVAS

Presentar el proyecto

salas de concierto solemos hacer sets para los auténticos fans

Somos DERIVAS una banda que rinde tributo desde hace 7

de Héroes Del Silencio, cuando el concierto es en una fiesta y

años a la que consideramos mejor banda de rock nacional de to-

está abierto a mucha gente solemos tirar más del repertorio co-

dos los tiempos: HÉROES DEL SILENCIO.

nocido por todos.

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo? Pues la combinación de la admiración que tenemos por los Héroes del Silencio y las ganas de mostrarnos como músicos en directo después de años de formación y experiencia.

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres? Buscamos ser lo más fieles posible tanto en la ejecución de los temas como en la puesta en escena. Nos permitimos pequeñas licencias pero siempre respetando la estructura de las

El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera

canciones.

de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias? Es una manera de estar en escena, eso está claro, pero no necesariamente para no estar expuesto con canciones propias, todos nosotros hemos tenido y tenemos proyectos de temas pro-

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes? Ambas cosas, consideramos que una cosa lleva a la otra y viceversa.

pios pero por desgracia no todos tienen cabida en la industria y te dan la oportunidad de mostrar tu calidad como músico.

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones?

Salir a buscar salas de concierto con una banda de temas pro-

No lo contemplamos en ningún caso, nos parece absurdo,

pios es complicado. Cuando haces versiones las salas te abren

esos temas ya están grabados por los artistas originales. Somos

las puertas porque entienden que hay más posibilidades de que

una banda de directo que recuerda las canciones dado que la

el público acuda y al final esto es un negocio. Tener esta banda

banda original ya no existe.

nos permite sentirnos músicos después de años formándonos y trabajando con mejor o peor suerte. Es una manera de tener

¿Cómo ven la respuesta de la gente?

la vida que hubiéramos querido tener más allá de que los temas

El público es muy agradecido, tiene una gran afición por Hé-

no son nuestros, aunque sí son temas que nos parecen geniales.

roes del Silencio y es a la vez muy exigente. La gente que viene a nuestros shows quiere recordar aquellos años en que iban a

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal? Todos tenemos nuestros trabajos más allá del grupo. Es un placer personal, un hobbie que nos sirve como terapia para salir

los conciertos de HDS y a nosotros sólo nos preocupa que se vayan satisfechos. Por los comentarios que nos hacen suele ser así aunque seguimos trabajando para mejorar y sorprender al público.

de nuestras vidas cotidianas y sentirnos músicos. ¿Qué sensación queda luego de un show? ¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mucho material para reproducir, buscan los hits? Los repertorios siempre dependen del tipo de evento, en las

La mejor de las sensaciones, la de pensar que cualquier esfuerzo ha valido la pena por las dos horas extraordinarias que pasamos subidos al escenario. Para nosotros es una suerte y lo disfrutamos al máximo.

Algo que quieran agregar… Un saludo a los lectores de la Revista 13th, les invitamos a disfrutar de la música de Héroes del Silencio en cualquiera de nuestros shows por España. Contacto: https://www.facebook.com/DERIVASTRIBUTOHEROESDELSILENCIO/

MÃ&#x2030;XICO: IN ORANGE

Presentar el proyecto In Orange es una banda tributo a The Cure de México DF.

placerles, y eso está muy bien.

Componentes: J.J. Huitron - Guitar and Vocals Gazz´k - Keyboards, Guitar Noria - Drummer Markos - Bass Lorretti - Guitars

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres? Generalmente si nos enfocamos a trabajar con las versiones

¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

en vivo de The Cure, siempre respetando las bases rítmicas y

La única razón de origen es cumplir un sueño de estudiantes

las melodías y armonías como son, pero nos clavamos mucho

de 4 de los integrantes, ya que en aquel momento (hace 22 años)

a los directos.

hubo algún intento fallido, la vida siguió y ahora estamos aquí. ¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes? El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias?

Sin dudarlo podemos decir que primero queremos pasarla bien nosotros, interactuamos en demasía entre nosotros arriba

Todos en esta agrupación tenemos un largo y fructífero cami-

de la tarima. Nos reímos cuando alguien comete algún error,

no en la escena, por fortuna, todos hemos militado en proyec-

y automáticamente eso se contagia al espectador. Lo pasamos

tos de autoría propia en los temas, al grado de lograr grabarlos

muy bien, los ensayos son muy gratificantes.

e incluso en algún caso imprimirlos, conocemos la contraparte más que en el área de tributos.

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones? No, definitivo; hemos grabado videos en directo de nuestros

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal?

en sayos, todo el audio se captura multitrack para poder mezclar, (no para doblar o corregir) ya que tenemos la filosofía de

Es un placer adjunto, ya que generalmente (al menos en nues-

que lo que escuches en el video es como suena la banda en di-

tra tierra) es común que al músico se le menosprecie, al grado

recto, solo mejoramos el sonido y editamos contra imagen, te-

de creer que el artista no tiene que cobrar POR SU TRABAJO

nemos un estudio bien montado y eso facilita el poder hacerlo.

aunque este interpretando música de otras personas, ya que al final, el placer tiene que ser mutuo entre público, grupo, y em-

¿Cómo ven la respuesta de la gente?

presarios o dueños del lugar donde se efectúe el evento, si no se

Afortunadamente el porcentaje siempre ha sido maravilloso,

consideran las horas de estudio y de ensayos personales, pues

el público tiene claro que interpretamos la música de The Cure

seguiremos hundiendo más la barca, pasa con cualquier géne-

y jamás ha sido ni será el buscar imitarlos, mucho menos en la

ro, desde la salsa o grupos de fiestas, tango, flamenco, etc., hasta

voz. Y eso les ha agradado bastante.

el jazz, que al final, la mayoría interpretan. ¿Qué sensación queda luego de un show? ¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay mu-

De placer, logro, alegría, agradecimiento

cho material para reproducir, buscan los hits? Claro que habrá temas que el público no te perdona, ya que

Algo que quieran agregar…

ni al artista de origen se los dejan pasar, el personal que te va a

Solo felicitarte por tu proyecto de revista, y agradecerte, que

ver merece todo nuestro respeto, y ya por placer propio ejecu-

sigan escuchando esa maravillosa banda llamada The Cure y lo

tas temas que generalmente son más del agrado del artista en

compartan con las nuevas generaciones.

la tarima, y que el común denominador de la gente NO llega a conocer, así mismo el público cautivo (en este caso a The Cure) te exige temas de su preferencia y por tal hay que tratar de com-

Y claro invitarlos a seguir nuestro tributo IN ORANGE (Tributo a The Cure México).

Contacto: Instagram: inorangeoficial Twitter: @inorangemexico Mail: inorangethecure@hotmail.com Faceboock: www.facebook.com/InOrangeoficial/

VARSOVIA 54

Presentar el proyecto: Somos Varsovia 54, Tributo mexicano a Joy Division. El gru-

¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más libres?

po lo formamos Dr Frantik, voz; Gish, bajo; Vourdalak, guita-

El espíritu de Varsovia 54 es tratar de recrear lo más fiel posi-

rra y Hugo, batería. Tocamos el tributo desde el año 2002 y no

ble la música de Joy Division. Creemos que la gente que acude

tenemos pensado dejar de hacerlo en el corto plazo. El nombre

a nuestros eventos quiere escuchar Joy División, no versiones

es un homenaje al antiguo nombre que tuvo Joy Division, que

diferentes, por muy buenas que estas puedan ser.

era Warsaw (Varsovia) y al origen del nombre de la banda, que aparecía en un libro llamado The House of the Dolls. La Joy División era una sección en un campo de concentración nazi, en la que las judías más bellas eran obligadas a prostituirse con la

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes? Algo de las dos, por supuesto. Si no nos divertimos al hacerlo, la gente tampoco se divertirá.

crema y nata del ejército. En México existe un prostíbulo de lujo, en el cual alguna vez hubo una redada y se encontró a muchas mujeres extranjeras en su mayoría, que eran obligadas a ejercer la prostitución. Dicho prostíbulo se ubica en la Ciudad de Méxi-

¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones? No, alguna vez alguno de nosotros lo comentó, pero preferimos no hacerlo.

co, en la calle Varsovia, número 54. ¿Cómo ven la respuesta de la gente? Joy Division es un caso muy particular y extraño. Cuando em¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo?

pezamos a hacer el tributo, hace varios años, Joy Division no era

La admiración que sentíamos por Ian Curtis y Joy Division,

un grupo tan conocido como lo es hoy, la audiencia no pasaba

principalmente. Joy Division no era un grupo popular, nunca

de las cien personas. A partir del 2005 o 2006 notamos un in-

pensamos en que lo haríamos tanto tiempo, hay que decirlo. El

cremento en el número de asistentes y en una ocasión lo hici-

crear una banda con canciones de otros.

mos frente a 500 personas. No sabemos si fue por las películas 24 Hour Party People del 2002 y Control del 2007, pero los

¿Es una manera de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias? En nuestro caso no, porque todos los integrantes tienen proyectos con música propia. Lo hacemos por simple gusto. ¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un placer personal? Placer personal sin duda. Aunque llega un momento en el que, al hacer las cosas bien, hay paga, pero nunca como para

eventos de la banda siempre son concurridos y, otra cosa muy notable, es que cada vez viene gente más joven, de menos de 25 años, la cual se divierte mucho y siempre nos da muy buenos comentarios. ¿Qué sensación queda luego de un show? Mucha satisfacción, porque todos muy fans de Joy Division y da gusto ver que el legado de Ian Curtis está más vivo que nunca, a pesar de haber muerto hace más de 35 años.

pensar en vivir de ello. Algo que quieran agregar… ¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay

Sólo darles las gracias.

mucho material para reproducir, buscan los hits? En el caso específico de Joy Division, que en total sólo grabó poco más de 50 canciones, se tocan los hits y lo que pida la gente. El set más largo que hemos tocado ha sido de 33 canciones.

Contacto: www.facebook.com/Varsovia-54-Joy-Division-Tribute-253976017953806/ http://www.myspace.com/varsovia54

PERÃ&#x161;: TREASURE

Presentar el proyecto

searía escuchar y no sólo los temas radiales.

Treasure - Tributo a Cocteau Twins de Perú. ¿Buscan la exactitud de los arreglos o son versiones más ¿Cuál es la razón que los llevó a crear una banda tributo? La razón principal que nos llevó a crear la banda Tributo a Cocteau Twins fue por el amor que sentimos a su legado mu-

libres? Buscamos de tratar de sonar lo más parecido a Cocteau Twins, para nosotros ello es por respeto a la banda.

sical dejado por ellos, consideramos que son una de las bandas emblemáticas que le cambiaron el sonido a los años 80s y 90s,

¿La idea es entretener al público o se quieren divertir ustedes?

escuchar temas de álbumes como el "Garlands" (1982), "Head

La idea es ni una ni otra simplemente mostrar al público que

Over Heels" (1983), "Treasure" (1984), "Victorialand" (1986),

va a nuestros shows que hubo una época en que existió una ban-

"Blue Bell Knoll" (1988), "Heaven Or Las Vegas" (1990),

da que hizo de otra dimensión y aprendan a escuchar nuevos

"Four-Calendar Cafe" (1993) y el "Milk & Kisses" (1996), real-

sonidos atmosféricos.

mente es como volar en el espacio sideral. ¿Se puede pensar en grabar un álbum con las versiones? El crear una banda con canciones de otros. ¿Es una manera

No está en nuestros planes, Cocteau Twins sólo hay una

de estar en escena sin estar expuesto con canciones propias? Para nada, nosotros tenemos un concepto bien claro sobre este punto, con los Tributos a Cocteau Twins no buscamos protagonismo, ni ser populares, etc., para nosotros el realizar una

¿Cómo ven la respuesta de la gente? Muy bien, el fin es culturizar a la gente que va a los shows y salgan renovados de espíritu.

Tributo a Cocteau Twins es todo un rito que lo hacemos con mucho gusto sin interesarnos el de estar en escena o no

¿Qué sensación queda luego de un show? La sensación de haber puesto un granito de arena en la difu-

¿Es una búsqueda de salida laboral? ¿O simplemente un

sión de la música de Cocteau Twins.

placer personal? Como ya lo dijimos es una satisfacción personal, tocar Cocteau Twins el clímax total, lo laboral no está en nuestros planes.

Algo que quieran agregar… Nada, que Cocteau Twins siempre vivirá en nuestros corazones y que ojalá se dé el milagro del reencuentro ¡sería aluci-

¿Cómo se manejan los sets, ya que dadas las bandas hay

nante!

mucho material para reproducir, buscan los hits? En realidad buscamos el balance, Cocteau Twins por lo general en mi País de Perú es una banda de culto y conocedores por ello tratamos de incidir en los temas que un verdadero fan de-

Contacto: www.facebook.com/Treasure-Tributo-a-Cocteau-Twins-693263937394308/

[ Entrevista a Rudy Tambala (A.R.Kane) por Diego Centuriรณn. Traducciรณn: Marcelo Simonetti. ]

SENTร QUE ERA REAL Y QUE ERA BUENO ESTAR DE VUELTA

El chorro de agua de los regresos dentro del dreampop y el shoegaze sigue recuperando bandas y sonidos que fueron importantes en el final de los años ochenta y primera parte de los noventa. Y una de esas bandas que han recuperado el brillo de su corta vida es A.R.Kane. Considerados por las nuevas generaciones de bandas de ambos estilos como una de sus mayores influencias. Apadrinados en su esplendor por los Cocteau Twins y reivindicados por la prensa de la época y la actual. Revista The 13th ha conseguido una entrevista en exclusiva con Rudy Tambala para el regocijo de los amantes de la gran música que hoy sigue tiñendo de colores brillantes el panorama sonoro mundial. ¿Deciden regresar por los treinta años o era una posibilidad que venían manejando antes? Hola, y gracias. No, no hubo ningún plan. De algún modo comenzó a suceder. Ahora hay más facilidades para que la gente se conecte y un par de chicos (Johnny y Jimmy) llegaron hasta mí la última primavera, preguntando si A.R.Kane podía tocar en el festival Supernormal en Oxfordshire, Inglaterra. Les dije que no tenía más banda y que no tocaba desde hacía más de un siglo, pero eran muy persistentes y trataron de secuestrar a mi perro, así que accedí a tocar. En verdad, Johnny y Jimmy me apoyaron muchísimo y fueron muy optimistas, y sin ellos no creo que estuviésemos hablando en éste momento. Construí una banda de Kaners originales (Colin Cairns y Maggie Tambala) y otros cuatro, en total siete músicos. Comenzamos a ensayar sets en vivo y quedé enganchado. Amo tocar música, con músicos, y la reacción que tuvimos en Facebook y luego en los shows fue muy positiva. Empezamos a recibir ofertas de shows en vivo y de grabación, hicimos un show más (MIDI festival, Hyeres, Francia). Retrocedí un paso para evaluar durante el verano y decidí que definitivamente quería continuar, pero con una formación simple. Sólo yo, Maggie y Andy Taylor. Comenzamos a ensayar un nuevo set, más

orientado a lo tecnológico, y mientras nuestro estilo se iba develando, las ofertas de shows comenzaron a llegar por goteo. Ahora tenemos nueve shows europeos confirmados y algunos más en la gatera. 30 años! No se siente como la misma vida, la banda es algo fresco y nuevo. No voy a ahondar mucho en el pasado, ya que hoy importa el futuro, pero el pasado es lo que marca este presente. La banda estuvo en la explosión de los ochenta y noventa. ¿Qué recuerdan de esos años? ¡Ey, sos un periodista! ¡Se supone que debes indagar! La experiencia de A.R.Kane fue muy "de viaje". Todo sucedió muy rápido, y mirando hacia atrás veo que del ´86 al ´89 fue un torbellino de eventos, gente, creatividad, confusión, codicia, potencial, expansión de la mente, amor, vanidad, indulgencia, pérdida de inocencia, dinero, comportamiento enfermo, glamour. Y con mucho cariño...Ray y Tan Shulman (Gentle Giant)...Ellos nos descubrieron, nos dieron nuestro primer contrato, le dieron una forma más amplia a nuestros pensamientos. Podíamos quedarnos colgados en su apartamento en Londres, drogados y borrachos, escuchando música, Ray nos enseñó a usar samplers y sintetizadores, tocó el bajo en algunos temas, y Tan nos dijo que tan cool éramos, y luego nos abofeteó por volvernos muy arrogantes. Similarmente, Robin y Liz de Cocteau Twins nos dieron un gran apoyo y nos ayudaron a encontrar nuestro sonido, nunca nos dejaron abandonados, y de algún modo reconocieron que como ellos, éramos outsiders en una escena indie muy blanca, inglesa y de clase media. Desde hace unos años, el shoegaze y el dreampop está recuperando un espacio que supo tener en los primeros años de los noventa. ¿Qué similitudes y diferencias encuentran en aquella escena y la actual? ¿Fue realmente una "escena"? El dreampop en su mayoría definitivamente no lo fue - fue simplemente un neologismo que A.R.Kane creó para describir

su propia aproximación "anti-género" a la música. Que se haya vuelto un género es irónico. Y para el shoegaze, pienso que fue un invento del periodismo, no una escena real. No recuerdo ningún festival shoegaze, o fiestas o revistas y estilos de vestirse, manierismos, etc. Hubo indudablemente una estética del "ruido como belleza" de parte de A.R.Kane, Sonic Youth, MBV y unos pocos más, pero es difícil llamarlo una escena. Hoy hay una escena "dreamgaze", y está creciendo. Esto llamó mi atención tres años atrás cuando estaba compilando los simples de A.R.Kane para editarlos en One Little Indian. Me shockeó, no tenía idea de que había una nueva generación haciendo ésta música nuevamente. Ahora hay literalmente miles de bandas en todo el planeta haciendo muy buen ruido. ¡Es el cielo! En su anterior existencia fueron muy alabados por la prensa. ¿Hoy como sienten esa relación con las nuevas tecnologías? Es interesante que uses el término "prensa" cuando de hecho no hay prensa en sí en internet. Éste es el espejo retrovisor de Macluhan, que nos mantiene pensando en viejas categorías, no nos permite usar la media de un modo distinto. Nosotros solíamos conseguir muchos informes en Melody Maker porque MM nos amaba, NME mayormente nos ignoraba. Patético realmente. Hoy, aunque hay menor calidad de chequeo en las editoriales, en el todo creo que el periodismo ha mejorado: la descentralización del poder, restricciones en la política editorial, todo eso se va desvaneciendo. Los Young Turks van a eclipsar a la CNN pronto. No podemos sentarnos protegidos en una torre de marfil y escribir lo que tenemos ganas, sin considerar lo que es verdad, sin compasión, porque ahora nuestros compañeros nos van a cruzar en twitter, facebook, globs, donde será. Nos vigilamos a nosotros mismos y los trolls son incendiados. De cualquier modo, he visto escritos realmente buenos, soberbio periodismo, con un sentido de la libertad, la responsabilidad, y la justicia, muy positivos. El mundo de la música ha cambiado mucho desde

su ruptura. Hoy es casi otras reglas de juego. ¿Cómo se manejan con las nuevas tecnologías? ¿Creen que hay más opciones pero a la vez hay una saturación de propuestas? No estoy seguro de lo tanto que puede haber cambiado la música y no acuerdo en que las reglas fundamentales hayan cambiado. Retrocede 100 años; cada casa de clase media tenía un piano en el salón, ¿pero cuantos Chopin salieron? 30 años atrás cada estudiante tenía una guitarra apuntalada contra la pared, ¿pero cuantos Kevin Shields dieron? Hay una progresión en la teoría bien documentada en el libro "La música del pueblo" de Ian Mac Donald que recomiendo mucho. Lo mismo hoy, tenemos más acceso, pero un músico es una especie particular de criatura, y el piano, la guitarra, la copia de Ableton... Para el músico irradian una energía pura, una fuerza gravitatoria, un sentimiento de potencial ilimitado. Amor. Tengo un gramo parcialmente expresado de lo friki; pienso que con la tecnología es suficiente para conectar mis expresiones a través de un medio. Desde el 86/87 usé secuenciadores, sintetizadores, cajas de ritmos, samplers, studio gear, guitar fx, etc. así que no es nuevo. El gran cambio es que todo es virtual y compacto ahora. Amo eso. Recién conseguí un Ableton, un par de monitores Rockit 8 y un Roland JDXI. Un estudio completo por una pequeña inversión. Pero de vuelta a los músicos hoy, creo que la visualización de gran parte de nuestros shows ha visto emerger a los opuestos, así que las performances en vivo para mucha gente. Hay muchos nuevos festivales, creo que históricamente puede definir éstos años que estamos atravesando. Eso y el nacimiento de ideologías de extrema derecha y otras formas de comportamiento humano retrógrado. La experiencia de performances en vivo, la disciplina, el trabajo duro, el circuito que han creado, la simultaneidad, lo visceral, emocional, espiritual, la comunión sensual de un momento. Eso es lo que la humanidad necesita, eso es todo lo que un músico debería proveer, sea para una audiencia de 10 en un baño o en un recinto, o en un escenario principal en Glastonbury. Conexión en vivo.

101

Un regreso a los escenarios. ¿Es un buscar la química entre los miembros de la banda para soñar con grabar algo nuevo? ¿O ya tienen planeado algún registro? Tenés mucha razón; después de los shows del último verano comencé a escribir, con la idea de tocar y grabar con Maggie y Andy. Hice un par de demos en crudo pero después cambié de idea; ahora siento que es extremadamente importante tocar las canciones en un contexto en vivo, para afilarlas, compartirlas, dejarlas crecer con vida propia, antes de grabarlas. He hablado con un productor en particular con el que realmente quiero trabajar. El comparte

mi sentimiento y me aconsejó que no me apure. Así que no me apuro, pero el plan es hacer nuevas canciones después de los shows de verano. Fue apasionante debutar nuevas canciones en Manchester ésta semana, con la audiencia conectada. A treinta años de su nacimiento cómo banda. ¿Cómo sienten el recuerdo del público de aquella época que hoy asisten a sus conciertos? Igual... igual pero diferente (risas). La banda soporte era brasilera/londinense y se llamaba Sky Between Leaves. Son jóvenes, grandes músicos, hermosa gente. Los vi tocar y mezclarse con la audiencia. Vi gatos

más viejos, fans originales, y jovencitos de la edad de mis hijos. Fue como siempre fue, incluso la energía de simplemente estar ahí, es familiar pero siempre es nuevo. Es difícil ponerlo en palabras. Estaba un poco nervioso, hasta que un gato gritó: "¡bienvenido otra vez!" y sentí que era real y que era bueno estar de vuelta. La música es infinita. Tenemos aún mucho que explorar, aprender, y realmente necesito mejorar en las performances en vivo. Solía usar muchísimo volumen, efectos y actitud. Esto no es propio de un viejo gentleman.

clusa que ayuda a que las canciones mantengan la relevancia. Cuando escucho a la gente describiendo una de nuestras canciones, como la perciben, me hacen verla de nuevo, a través de sus ojos, como cuando un amigo viene de visita y lo sacas a pasear. Es lindo ser reconocido en lo que uno ama, muy satisfactorio. He comenzado a trabajar con algunas bandas nuevas como Ummaguma, un dúo ucraniano canadiense, accedí a colaborar en un par de canciones, y recibí música muy buena de bandas que debo producir o remixar o como se llame en estos días.

¿Cómo impacta en ustedes la posibilidad de poder grabar de manera independiente y poder editar desde sus redes sociales? Realmente estoy esperando los shows. Me gustan muchas de las bandas que tocan así que en parte voy como fan. Espero que toquemos bien y nos riamos mucho.

¿Cuáles son los siguientes pasos de la banda? Tocamos una pila de shows este verano. He destinado un par de canciones para grabar, y es probable que lo haga en el otoño. No tenemos sello, ni manager, ni la maquinaria standard, aunque sí tenemos una excelente compañía promotora (Shameless Promotion PR), así que tengo que ver cómo hago funcionar todo esto. El año que viene nos gustaría tocar en las Américas, así que veremos cómo se dan las cosas, ¡quizás nos veamos!

Muchas de las nuevas bandas indican a A.R.Kane como su influencia. ¿Cómo se siente eso? ¿Ahora que regresaron es una caricia? Me siento halagado, agradecido, avergonzado y con el ego inflado. Puedo ver en perspectiva por qué influenciamos. Esa particular vibración experimental que tenían nuestras canciones. Esa calidad incon-

Las redes sociales tienen el poder de llegar a ustedes desde el país más austral del continente sudamericano. Muchas gracias por sus palabras y su tiempo. Gracias, ha sido un placer.

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PALABRAS EN LA ARENA

[ “Plástico cruel”, de José Sbarra por Pablo Ravale ]

COJER, DROGARSE Y ESCRIBIR: Nada tiene de reprobable que la literatura hable de la literatura. Pero cuando ésta es la del maldito Sbarra, hace que nos sintamos unos auténticos imbéciles. Tal es el desdén que el autor argentino dejaba desprender en sus páginas, sobre todo en las del libro que hoy nos ocupa, que puede que, como bien afirmaba Bukowski, un intelectual sólo sea alguien que dice una cosa simple de un modo complicado y un artista alguien que dice una cosa complicada de un modo simple. Así, al menos, es como lo dejan asentado los personajes de esta novela y, en no menos ocasiones, el propio autor. En estos términos, sin ir más lejos, se expresaba este último a propósito del libro diciendo: «Escribí ‘Plástico cruel’ para demostrar que no existe el amor. Que el amor es cultural, que la vida es sexo, que en el sexo estaba todo claro y no lo conseguí.» Y por su parte, Axel, uno de los personajes de la novela, define a los libros de la siguiente manera: «unos objetos de papel con un montón de palabras inútiles que te hacen parecer inteligente». Pero vayamos de a poco. ¿Quién era José Sbarra? ¿Un freak de las letras argentinas que se impuso la escritura como vía de escape a sus triviales oficios televisivos? (se ganaba la vida como guionista para diversos programas de humor) ¿Un disoluto que escribe para losers y marginales? (En la misma entrevista citada más arriba –hecha por el otro lengua bífida de Enrique Symns– manifestó: «Escribo literatura para gente de la quema, para pendejos como ese que era yo. ¿Vos sabés la cantidad de pendejos que andan con mi libro? A esos pibes nadie les habla, no tienen interlocutor ¿Sabés lo que debe ser que encuentren un libro de alguien que fue igual

que ellos? Para ese pibe de 14 o 15 años, mi libro está vivo. De los 30 años para arriba, no me interesan los lectores.»). Como fuere, desde los tiempos del Marqués de Sade e incluso antes, sabemos que los universos de este tipo de autores son propensos a aventurados juicios de valor, siempre inútiles en lo que a arrojar luz sobre tal o cual aspecto de su obra se refiera. En efecto, “Plástico cruel” es la invitación a adentrarse en un universo caótico por el que transitan personajes excéntricos, complejos; escenas sexuales sostenidas sobre anclajes descriptivo-discursivos; tipologías textuales que entretejen promiscuamente el diario, los diálogos y las cartas; agudas críticas sociales; viajes oníricos de droga o de poesía, lo mismo da. Cuando quien esto suscribe leyó por vez primera el libro, no pudo evitar, de hecho, hacerlo de una tirada, en un solo envión. Aunque, ¿de qué trata la novela? De un triángulo amoroso en el que intervienen la travesti Bombón, ‘poeta y puta’ (como decide encabezar su diario), Alex, alias ‘el Cerdo’, y Lucía Morris, la ‘mujer plastificada’. Lo cierto es que el cuadro planteado por Sbarra, además de suponer un corte transversal de la sociedad –lo que le permite ingresar en los mundos de lo marginal y lo ilegitimado-, también le deja dar estatuto literario a sectores relegados, así como construir otros sesgos discursivos en los casos en los que ya lo tenían. Por ejemplo, Lucía Morris responde a la figura de la burguesa tipo, lo cual no le impide reflexionar sobre la fragilidad de su felicidad: de niña fue tan infeliz cuando su padre en lugar de una bici-

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cleta le obsequió una fábrica, como la pequeña en el seno de una familia humilde que, sencillamente, no tiene los recursos para comprar tal bicicleta. Por consiguiente, Axel viene del campo, Bombón de los bajos fondos y Lucía de su burbuja burguesa. En este triángulo se despliegan las tensiones más interesantes; las otras voces –como la de la madre de Lucía -, las que tienden a presentarse como un registro enajenado, monológico. El devenir “Plastico” está marcado por los pasajes del diario íntimo de Bombón, quien en sus páginas hace expresa su desazón por el amor no correspondido de Axel («Cualquier plástico dura más que un amor eterno» o «¿Qué buscabas en mí y no lo encontraste? / Quiero que una nube tóxica te envuelva y desaparezcas. / Que te vayas y que todos te hagan daño. Que por / toda la vida te hagan daño todos los hombres que toques.»), joven a quien conoció en el

baño de la Estación Constitución cuando este recién arribaba a la ciudad. Su mundo interior se desgrana a medida que la relación del joven de 17 años y Lucía se va estrechando. Si bien es cierto que dicho diario se encuentra alternado con todo tipo de exploraciones literarias, que van desde ‘señales de tránsito’ (entradas de alto vuelo poético) hasta alucinaciones que articulan imágenes de lo más inverosímiles, lo cierto es que una linealidad discursiva descubre la ligazón del libro, una linealidad que, por cierto, tiene mucho de cinematográfica tarantinesca o gaspar-noélesca. En un principio, el libro todo parece gravitar sobre el triángulo amoroso, pero en una lectura de soslayo vemos que las incrustaciones mencionadas, auténticos agentes de fragmentación del hilo argumental, son los motivos libres que, al final, dan ese toque particular que hace de “Plástico cruel” una obra maestra. Chanchamente hermoso.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

Desaparición voluntaria La muerte está en todas las caras. La muerte es vivir. No es necesario, entonces, salir a buscarla o temerle estúpidamente, si se la quiere alcanzar. Basta sólo con abrir los ojos a cada mañana, con despertar de este lado de la pesadilla diurna. Ahora, entre tanto, voy del cuarto a la cocina, como quien afuera, en la calle, bien podría acabar en un baldío, siguiendo la estela de su borrachera incurable. Sentado a la mesa, por ende, y bebiendo café, acompaño este momento fumando un cigarro, mientras los pensamientos explotan en mi cabeza cual bombilla de luz que ha sido rociada por un niño con su pistola de agua. “Siempre es así” –me digo– “nos dormimos escuchando como nos cuentan un cuento, y al parpadeo siguiente, somos nosotros los que se lo estamos contando a nuestros nietos.” El tiempo no nos da tregua. Por eso, a mi parecer, se hace fundamental aprender a perderlo… porque habría que vivir al revés, habría primero que empezar por morir, y luego, sí, terminar por nacer. Todos los seres, de hecho, lo hacen. Todas las criaturas, excepto el hombre, se reintegran a la negrura

de lo desconocido sin ninguna expectativa o esperanza de algo. Y vuelven puros, livianos, anónimos. Vuelven siendo lo que en realidad nunca se deja de ser. Ya que ese es nuestro problema: no somos; no somos y, encima, pretendemos querer serlo. Asimismo, lo real es que somos animales absurdos, pero no por el hecho de que vayamos a morir, sino más tristemente porque vivimos como vivimos, aún, a sabiendas, de que vamos a morir. De este modo, el absurdo no es más que la fuente de una estupidez sin paliativos y frente a éste sólo cabe la desaparición voluntaria –si es que no, también, la dinamitación de los cimientos de una moral que nos mantiene a todos encerrados en la trampa de las rutinas perversas–. Aunque, ¿qué pasa con la posibilidad de que podamos vivir de otra manera? Esto parece no tener lugar en las tesis, porque quizás, a lo mejor, eso sea admitir que el humano todavía tiene márgenes por conquistar, más el mundo siempre estará pretendiendo que seamos el agua que él se lleva para su feo molino de mierda.

[ Entrevista a Sol de Oliveira (Wenceslada) por Diego Centuriรณn ]

EL ATRIL DE LA ELECTRร NICA MADRE TIERRA

Sol de Oliveira oriunda de Adrogué (unos kilómetros al sur

trónica. ¿Cuánto tiempo te llevó concebir tremenda mixtura?

del centro de Buenos Aires) es la que lleva a adelante este proyec-

La mixtura que nombras no partió de una búsqueda a priori

to bajo el nombre de Wenceslada, un viaje sonoro que mezcla el

sino que más bien fueron diferentes elementos, paisaje so co-

canto folklórico del norte de Argentina con ritmos y sonoridades

lores que fueron sumándose, uniéndose y diciendo lo que ellos

electrónicas e instrumentaciones no tan convencionales. Mixtu-

tenían para decir.... yo trabajo desde la improvisación ... es muy

ras que por momentos nos llevan al terreno tan bien manejado

raro que trabaje desde ideas a priori lo que no significa que en

por la Islandesa Bjork pero con un toque importantísimo del fol-

la improvisación misma no se desplieguen ciertas reglas que or-

clore argentino. Según ella: "Las canciones se construyen en su

denan organizan y hacen fecundo el trabajo... diría que no hay

mismo "Devenir" y desde las "Huellas" del recuerdo. Y este re-

un método sino más bien una larga preparación… y ese tiempo

cuerdo es más bien un ADN de identidad Nacional que rescata

muchas veces lo deciden más las canciones que yo… ellas tienen

de manera formidable. Por momentos todo parece ser parte de

sus tiempos, sus modos… sus formas de nacer. Así que quizás

un juego lúdico en donde nos envuelven las secuencias brillan-

una canción que nace en una tarde se estuvo seguramente ges-

tes y la voz de Sol se entremezclan en repeticiones sembrando

tando en cada tarde… en el aroma de la sopa… o el viento jugan-

un coro de irrealidades mágicas. El español y el portugués son

do con las hojas… así son.

los idiomas que utiliza para crear sus capas ensoñadoras. Más el primero y siempre evocando en sonoridades luminosas el aro-

¿Entonces, es decir, que las canciones van mutando?

ma de nuestra tierra madre.

No, necesariamente... a veces sí, otras veces la mutación es

Podemos escuchar sus trabajos "Sara y el Sol" (2008),

previa a su salida al mundo es lo que dura su gestación...

"Aún Aum Om" (2012) o su último trabajo del 2015 "Niebla", editado por un sello chileno “Regional”.

Siento un marcado agradecimiento a la Madre Tierra, desde

Wenceslada es una invitación a un viaje profundo y lú-

el primer trabajo "Sara y el Sol" (2008). Pero por momentos tu

dico a las raíces mismas de la humanidad, un conocerse a uno

musical se vuelve espacial y mántrica. ¿Cómo incorporas a lo

mismo por medio de un universo cósmico como terrenal.

natural la electrónica?

Los invito a descubrir el pensamiento y la esencia de

esta artista en esta entrevista.

Yo creo que se trata de una cuestión orgánica y de vibración, es decir... me fascina la musicalidad de la vida y la organicidad de los sonidos. El proceso sucede de forma espontánea... con lo cual creo que se fueron integrando como decía antes orgánica-

¿De dónde vienen tus antepasados?, lo digo por tu apellido.

mente. La conexión con la vida creo que se puede generar tan-

Mis antepasados por parte paterna son portugueses y por par-

to en contacto con la tierra o desde el uso de tecnologías bien

te materna hay alemanes y argentinos. Ambos abuelos pater-

llevadas adelante… es decir, creo que es una forma de estable-

nos, Concepción y Belarmino fueron inmigrantes portugueses

cer vinculo y que la naturalidad puede estar en ambos espacios.

y por parte materna mi abuela Martha es alemana y mi abuelo "Carlitos" era argentino.

En la escucha de tus trabajos nos paseas por muchos mundos sonoros, a veces coqueteas un poco con Bjork, pero también con

¿Por qué Wenceslada?

Dead Can Dance y ese mundo más tribal, y luego sólo te falta

Wenceslada tiene un aspecto sonoro que me convocó desde el

cantar con caja, como las coplas norteñas. Por lo visto tu conoci-

comienzo y a su vez me vincula con un imaginario o me abre un

miento sonoro te lleva por muchos caminos pero siempre man-

imaginario con el que me siento a gusto... algo allí se despren-

teniendo lo más difícil, una identidad.

de vinculado con el juego y la infancia… de hecho es un nombre que usualmente se usa en el campo y eso me gusta. Es el femenino de Wenceslao.

¿Cómo son tus presentaciones en vivo? ¿Te presentas con banda o en soledad?

La fusión de ritmos en tu música tiene mucho de folklore del norte de nuestro país, mucho de world Music, mucho de elec-

Generalmente me presento sola o con algún invitado, la propuesta es super íntima y bien ligada a lo performático teatral.

¿Cómo llegas a "Regional"? Buscando sello para "Niebla" que es mi último disco. Y amigos cercanos habían lanzado su trabajo por “Regional” así que me acerqué

¿Con qué artistas te sueles conectar para armar fechas?, porque no abundan muchas bandas o artistas con tu sonido, o tal vez yo desconozca. Lo más difícil es encontrar lugares dónde las condiciones de sonido y espacio ayuden cuiden y potencien la propuesta. Suelo

Y a fines del pasado año editas "Niebla", tu tercer álbum. ¿En qué te ha sorprendido este nuevo trabajo?

compartir fechas cuando me invitan… muchas veces con músicos de la escena electrónica o del folklore, muchas otras veces

Niebla" es un ramo de canciones que tienen como elemento

toco como invitada de artistas con los que he trabajado en cola-

en común mi voz y que a su vez fueron producidas con diferen-

boración.... Yo no considero que lo que una las propuestas tenga

tes músicos a lo largo de varios años... es un disco hecho con

necesariamente que ser la similitud... le doy prioridad a otras

mucho amor y amigos, y simboliza como su nombre el habar

cosas… si es importante una curaduría de las propuestas pero

atravesando tiempos de poca luz o de mucha sombra.. La sor-

principalmente me gusta compartir escenario con gente que

presa es el recibimiento… siempre me produce sorpresa la de-

hace cosas genuinas… gente a la que aprecio y le creo.

voluciones creo que es porque uno recibe un amor grande y eso genera siempre sorpresa y alegra.

Si tuvieras que explicar tu música a quien nunca te escuchó, pero que leyendo esta entrevista quiera saber de qué estamos

¿Cómo ves el escenario de la Web y las posibilidades de la autogestión para los nuevos artistas?

hablando. ¿Cómo lo harías? Supongo que me pondría tímida como cada vez que me hacen

Auto gestionarse siempre es una gran energía y una apues-

esta pregunta… (risas)... Y diría que me encantaría que escuche

ta... hay mucho trabajo en la autogestión y no solo en el sentido

la propuesta sin intentar comprender nada... ¡más bien desde

de hacer música, teatro o el arte que sea... uno se convierte en

la experiencia de hacerlo!

hombre-orquesta de esa energía que es el deseo y el trabajo de uno... la web, las plataformas creo que sobre todo en el campo

¿Cómo sigue este 2016 para Wenceslada?

de la música favorecen la circulación y eso algo maravilloso y

Sigue con la salida pronta de un disco de versiones de "Nie-

una gran posibilidad pero de ahí a llegar a que este trabajo pue-

bla" con lanzamientos de discos de músicos amigos en los que

da convertirse en un trabajo remunerado es bastante complejo.

he trabajado con ensayos para nueva propuesta escénica y con

Me parece super importante que cuidemos nuestros trabajo y

participación en algunos congresos y maratones artísticas y ya

que nos apoyemos mutuamente, unir energías creo que es fun-

bocetando lo que será el nuevo disco...y así...haciendo para so-

damental, en este reme.

brevivir.

¿Dónde se puede encontrar tu música y novedades sobre vos? Pueden escuchar en soundcloud, bandcamp y estaré sumándome a Spotify y esas plataformas en breve y en mis Facebooks: https://soundcloud.com/wenceslada http://wenceslada.bandcamp.com/ http://selloregional.bandcamp.com/album/niebla www.facebook.com/sol.deoliveira www.facebook.com/Wenceslada-265956573455338/

Muchísimas gracias por la música.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: LA URGENCIA DE SER COLDPLAY

Ser Coldplay ya no es ser una promesa. Tampoco es ser una

Hills Cop” le postergó ese privilegio por unos años. Solamen-

sorpresa. Ser Coldplay es ser el fenómeno que sigue llenando

te hasta el 2008, cuando nada en el universo pude evitar que

estadios con el paso de los años. Devenir en un artista masivo

“Viva La Vida” se clave en el número 1 a ambos lados del Atlán-

que llena estadios pero que para lograrlo, ha sabido recrearse de

tico. El ser Coldplay que implicaba cada vez más crear hits que

la forma que ser Coldplay lo exige. O sea, no dejando la esencia

tuvieran un tinte positivo y orientado a la vida y el amor, desde

de lo que se es.

aquella proclama de “Look at the stars, look how they shine for you”, pasando por extractos como “I turn the music up, I got

A veces no es tan fácil lograr explicar como se llega a ser lo

my records on,

que se es en el mundo de la música. Esto no es casual y se puede

I shut the world outside until the lights come on” (“Every Tear

aplicar tanto a aquellos que nunca entendimos como llegaron a

Is A Waterfall”) para continuar apostando a la positividad des-

donde lo hicieron, como a otros que nunca fueron reconocidos.

de un “We're gonna get it, get it together right now” del más re-

Se puede comenzar con una obra introductoria y representati-

ciente “Up & Up”. Todo fluye, todo hacia una dirección, y todo

va como “Parachutes” e invadir las listas radiales con hits como

nos ilumina.

“Yellow” o “Trouble” para empezar a ser. Como otros artistas, se puede abarcar el espectro mundial dándose a conocer con

Así como nos iluminó Coldplay en forma creciente a partir

un álbum que los consagre definitivamente como “A Rush Of

de sus presentaciones en vivo. Como los estadios cada vez más

Blood To The Head”, abriéndose incluso al reconocimiento del

grandes fueron invadidos de pronto por mariposas de colores,

público norteamericano que nunca lo ignoró a la hora de otor-

para pasar a ser luego territorio dominado por lasers, y llegando

garle Grammys, y entonces lo consagró con “Clocks” como Gra-

esa luz y color a la última gira en forma de xylobands randomi-

bación del Año (2004). A similitud del “Ecce Homo” de Niet-

zados. Tener un mensaje cada vez mas ecologista y orientado al

zsche, Coldplay se redescubrió a si mismo permanentemente

cuidado del planeta.

como portador y emblema de lo que representa. Algo que queda plasmado en su sello personal y que sigue vivo y presente en su

¿Qué es ser Coldplay entonces? Claramente, no es solo ser

más reciente trabajo “A Head Full Of Dreams” además de atra-

un artista que hace música. Es un todo: un sonido, un estilo, un

vesar cada una de sus producciones.

mensaje, un color multiplicado en miles de tonalidades, y un conocimiento de cómo llegar a millones de personas y encantar-

Aquel Coldplay que creyó que por primera vez iba a tener

las. Ante todo, un grupo de 4 personas conformado por Jonny

una canción en el puesto número 1 del ranking inglés cuando

Buckland, Will Champion, Guy Berryman y Chris Martin. Solo

“Speed of Sound” estaba aún caliente en el horno, pero a quien

que la urgencia de ser no nace en este caso del dolor, sino de la

una inesperada rana virtual que sampleaba un tema de “Beverly

misma libertad. Serás Coldplay: serás lo que debas ser.

[ Entrevista a Meter-Bridge Traducciรณn: Rodrigo Debernardis ]

ยกMETER BRIDGE!... ยกES UN GRAN NOMBRE PARA UNA BANDA!

En un universo lleno de nuevas bandas vamos a pre-

twood, Lacroix. Nos han influenciado varios artistas, incluyen-

sentar una de las nuevas apariciones dentro del Synthpop que

do a nuestros poetas locales, además de los artistas multimedia,

nos traen un poco de aire fresco al tan enviciado mundo de las

textiles y visuales de nuestra región. Jill está fuertemente in-

máquinas.

fluenciada por la naturaleza y sus raíces ancestrales y Richard

Meter Bridge nace en el 2011 como un experimento

por su incontrolable urgencia por componer.

de Richard cuando compra un sintetizador y Jill se acercó, primero a escuchar los experimentos y luego empezó a colaborar y terminaron formando la banda.

¿A qué edad comenzaron con la música y qué instrumentos tocan? Richard tuvo su primera guitarra a los 4 años. Abandonó la

Hola, me gustaría que se presenten…

escuela para tocar guitarra, batería, bajo, piano y varios instru-

Hola, somos los Meter Bridge, un dúo integrado por mí, Ri-

mentos electrónicos como sintetizadores, samplers y cajas de

chard Kleef y la gatita de las redes sociales Jill Beaulieu. Veni-

ritmos. Jill comenzó a cantar con su padre y su hermana desde

mos de Nelson BC (Canadá), uno de los pueblos artísticos más

que tiene memoria, y luego participó como cantante principal

pequeños de mundo, y nuestro sonido es una mezcla de Syn-

de varios musicales en su escuela primaria. Además sabe tocar

thPop Post-Punk, a veces sumergido en los reinos del DarkPop.

teclados, instrumentos de viento y percusión. Sus instrumentos principales son el Kaosillator Pro y su voz.

¿Cómo fue que eligieron el nombre de la banda? El meter bridge (panel donde se visualizan los niveles de cada canal) de nuestra consola se había roto y un amigo dijo: “¡Hey! ¡El meter bridge ya no funciona!” y Richard dijo: “¡Meter Bridge!... ¡Es un gran nombre para una banda!”

¿Cómo es el proceso creativo en su caso, desde la composición, la grabación y luego la edición del trabajo? La mayoría de nuestras canciones primero son compuestas musicalmente y después viene la letra. El 90 por ciento de la producción se realiza en el momento de tocar la canción. Arre-

¿Podrían contarnos algo acerca de su nuevo LP “Slow Motion?

glar y mezclar los tracks lleva más tiempo. Las voces es lo último que le agregamos, a no ser que haya una pista vocal pre-graba-

Lo lanzamos en Abril de 2015 como una terminación de nues-

da por motivos de estructura. No somos de trabajar demasiado

tro anterior EP de septiembre de 2014. Tiene una buena can-

tiempo en una canción. Si las cosas no fluyen, inmediatamente

tidad de oscuras canciones post-industriales; el arte es mayor-

pasamos a la idea que sigue. Dicho esto, también es cierto que

mente en color negro y el contenido de las letras es bastante

pasamos mucho tiempo ajustando los niveles para que queden

intenso.

perfectamente como queremos que suenen, y luego mandamos a masterizar las pistas con DJ Olive. Hemos editado bastante

¿Cómo creen que difiere este álbum de su primer lanzamiento, el EP titulado justamente “Meter Bridge”?

material y lo hemos subido a Soundcloud, pero para los trabajos actuales esta vez elegimos a CD Baby como distribuidora digital.

El EP contiene 7 de 19 canciones que fueron todas grabadas y

Del EP hicimos algunos CDs por nuestra cuenta, copiándolos

masterizadas al mismo tiempo. Es una introducción a nuestra

nosotros mismos e imprimiéndolos en lo de un amigo, con un

latitud. Solemos abarcar varios géneros musicales relacionados

packaging propio…¡¡una tarea muy pesada!! Para Slow Motion

y quisimos enfrascar nuestra destreza en un pequeño paquete

hicimos CDs a través de CD Baby. Son portadas simples en pa-

cohesivo. Nos decidimos a lanzar un trabajo auto-titulado como

pel ilustración, y los discos tienen un fondo negro con nuestro

plataforma de todo lo que podemos ofrecer a nuestra audiencia.

nombre y el de álbum en letras azules y rojas. Hemos participado también en varios compilados y colaboraciones. Cada uno

¿Qué artistas los han influenciado?

de estos proyectos ha tenido diferentes especificaciones. Toda

Kraftwerk, David Sylvian, Bryan Eno, Roxy Music, Hot Chip,

nuestra producción también está disponible en Bandcamp, ade-

Gus Gus, David Bowie, David Byrne, New Order, Cocteau

más de los sitios web de distribución habitual.

Twins, The Cure, The Orb, St Saviour, The Knife, Fever Ray, Purity Ring, Phantogram, Patty Smith, Picasso, Klimt, Dali, Escher, Morrisseau, Parrish, Alexander McQueen, Vivienne Wes-

¿Cuáles son los desafíos que, como músicos, deben enfrentar, y cómo logran superarlos?

Nos cuesta administrar el tiempo entre la música y nuestras

¿Cuál fue el primer concierto al que asistieron y a qué edad?

familias o amigos. Nos zambullimos en el estudio cada vez que

El primero al que asistí fue uno de Tears For Fears (Songs

podemos, para lograr pequeñas ráfagas de creatividad. La fami-

From The Big Chair Tour) en el PNE Coliseum a los 12 años, y

lia y los amigos cuidan de los niños para que podamos hacer se-

Jill fue a uno de The Cure (del Kiss Me Tour) a los 14 en el Plaza

siones maratónicas en el estudio sin sentirnos culpables. Aho-

de la Naciones de Vancouver.

rramos dinero para poder financiar nuestros proyectos, desde la adquisición de equipamiento y el masterizado, hasta el lanzamiento del álbum y la producción de video. Sucede que tenemos

¿Cuál es la remera o la memorabilia más “cool” que tienen de un artista?

un muy buen equipo de gente que incluye un artista gráfico, un

Richard tiene una raída remera de los Beastie Boys que dice

cineasta, un ingeniero y un genio tecnológico que nos ayudan a

“Check Your Head” y yo tengo una remera de los Cure realmen-

compartir el esfuerzo en este negocio creativo.

te muy gastada.

¿Hay alguna ventaja o desventaja, o particularidad en ser un artista musical en Canadá?

¿El concierto más loco al que asistieron o del que formaron parte?

No hemos enfrentado demasiados desafíos aún ya que so-

Hot Chip en el Commodore Ballroom en Vancouver 2012.

mos bastante nuevos en este ambiente. Nos gustaría encontrar

Conocimos a Al Doyle (Hot Chip, LCD Soundsystem) en Gran-

un espacio dentro de la escena musical indie canadiense. Nos

ville St. y Alexis Taylor nos agarró de la mano a los dos al mis-

encantan bandas como The Stars, Metric, Purity Rings y The

mo tiempo. Estuvimos cantando cada canción al frente durante

Dears. Una de las ventajas de estar en Canadá es que hay muy

toda la noche.

pocos grados de distancia entre la escena musical de nuestro pequeño pueblo y la de las grandes ciudades.

¿Qué consejo les darían a los adolescentes que están pensando en formar una banda y vivir de la música?

¡¡Conviértanse en productores!! ¡¡Háganse solistas!! (consejo de Richard) Tomen cursos de comunicación y resolución de conflictos (consejo de Jill) Sabemos el trabajo que implica llevar adelante una banda. ¡¡¡Es un enorme desafío!!!

abriendo una bandpage en Facebook conectada a nuestra cuenta en Soundcloud. Nuestro estilista/amigo/artista (del cual somos fan) nos sugirió que uniéramos grupos de Soudcloud a nuestro género. Lo hicimos y un día recibimos un mensaje muy amable de una persona en UK que nos presentó un promotor radial de Melbourne que también es promotor en Twitter. De ahí en adelante nuestra cuenta en Twitter estalló y la actividad

¿Algún artista indie de estos días que nos recomienden agregar a nuestros playlists?

en las redes sociales se multiplicó por mil. Hemos hecho varios amigos maravillosos en el camino.

¿Están listos? Ok… Neil Francis, Teslacoil321, Brutalist Archetecture in the Sun, Ummagma, 3D, Gravity Feeder, Microchip Junky, Circuit3,

Hemos oído que van a participar de Electro London 2016. ¿Podrían contarnos un poco más?

Real Experts, Nature of Wires, Room of Wires. Lights that

¡¡Si!! Casi explotamos de alegría cuando los organizadores

Change, Rodney Cromwell, Lucky + Love, Blott, Johnny Nor-

nos pidieron ser parte de la grilla. Estamos realmente muy emo-

mal, Almark, Odd Common, Bellyful of Stars, 3dtorus, Iso-

cionados de compartir el festival con una de nuestras mayores

therme, Roofhare, Lunar twin, Illustrial, Strobe Girl, Norman

influencias, Wolfgang Flur, así como también Johnny Normal,

Sane, Walter Fini, Epic Tracks Audio, Mark Ward, Promena-

The Department, Strobe Girl, Shiny Darkness, Circuit 3, 3D y

de Cinema, The Alpha Video, The Jan Doyle Band, Rabs and

Promenade Cinema. Todas estas maravillosas actuaciones en

Mooves, Gravity Slip, Mark Lafountain, Chromadrift, Hexamo-

Hoxton, el barrio más popular al este de Londres.

ten, Rhoneil, Audiosolar, Roofy, Bufinjer, Lightfarer, Pinklogik, Mangabros, Keldaristation, EMT, Scary bear Soundtrack, FM

¿Cuáles son los siguientes planes para este 2016?

Attack, Actors, Tiny Magnetic Pets, Vile Electrodes, Vogon Poe-

Principalmente, estamos lanzando remixes todos los meses.

try, Sargeant Sawtooth, Deadlights, The Department, apostro-

El primero (“It Was Nothing” Rodney Cromwell remix) ya está

phic, Glitchfield Planes, LDCN, Vamonos P, Astral Flight, Jolly

disponible y fue editado el mes pasado por WEATNU Records.

Gootch, DJ OLIVE, Bek Davis, Plike, Anodic, Adryelle, Asleep

Puede descargarse de forma gratuita en: https://meterbrid-

with Headphones, Vulcan Tea Party, One Thousand Exabytes,

geweatnurecords.bandcamp.com

Jazzy Marzcat, Elm Treason, Apache Sweater, Rainboard, Rare

Como ustedes saben, Shameless Promotion PR lo ha estado

Facture, Blackmarine, PSTD, Alternate Parallel Reality, Liza

promocionando y realmente ha conseguido muy buena reper-

Nicklin, Murmus, Ghostlike, Jet Noir, Jeff Appleton, Heliophi-

cusión internacional en las radios, blogs y revistas especializa-

le, Model Depose, Hot Pink Abuse, New Neon, Train to Spain

das, siendo elegida varias veces “Canción de la Semana”.

y In this Mode. Creo que podríamos seguir, pero mejor tomémonos un descanso…

Por otro lado, Mark La Fontaine ha editado dos remixes de nuestro track “Kite”, que pueden encontrar aquí: https://soundcloud.com/polytonemark/sets/meter-brid-

Parece que ya se han instalado definitivamente dentro de la escena synthpop y electrónica internacional. ¿Qué podrían decirnos sobre esto?

ge-kite-mind-veneration-single-mixes Además de la edición de los remixes, estamos con la realización del nuevo video de nuestra canción “Filter”, muchos en-

Nos encanta ser parte de una comunidad internacional. Inter-

sayos y show en vivo para este verano en BC. También tenemos

net hace posible la colaboración eficiente entre personas y gru-

pensado lanzar un nuevo álbum en Agosto y una gira por UK y

pos con ideas e intereses en común. Comenzamos solamente

Alemania durante el otoño (Sept-Oct-Nov), incluyendo la mencionada aparición en el Electro London en Septiembre.

[ Entrevista a Elefante Guerrero Psíquico Ancestral por Diego Centurión ]

ELEFANTE DE PODER

Me he sorprendido al escuchar Elefante Guerrero Psíquico

inspirado en una animación, encierra en cada palabra de una

Ancestral. Una banda que encierra mucho sin hablar, ya que es

idea, un concepto: ‘El Elefante’ es la fuerza, es la naturaleza,

un trío instrumental, pero reformulando mi parecer es un com-

la madre tierra; ‘El guerrero’ simboliza la actitud, la disciplina

bo, que dice mucho, y que la caras visibles de un grupo que tra-

para enfrentar el día a día, la cotidianeidad, el disfrutar el ca-

baja en conjunto es el trío que sube al escenario, pero que hay

mino; ‘El Psiquico’, la energía balanceadora de poder cambiar

más detrás de una idea conceptual. A continuación trataremos

nuestra forma de pensar y de tomar las cosas que nos suceden

de entender este combo tan atractivo que es Elefante Guerrero

y por ultimo lo ‘Ancestral’ que es la sabiduría antigua, perdida,

Psíquico Ancestral.

pero no olvidada, que debemos recuperar, experiencias opacadas por lo establecido.

He leído que ustedes son más que un trio, que hay un equipo el cual se anexan a su trabajo musical, gente que ayuda a que el concepto de Elefante, desde lo visual (luces e imágenes), se haga

Yo creo que hay un poder oculto en cada banda. ¿Cuál creen que es el de ustedes?

como “un todo”. En la era visual, el concepto que presenta a una

Creo que sí, hay un poder oculto que todavía estamos buscan-

banda es muy importante. ¿Ustedes piensan un todo, música y

do. Nos falta mucho por delante y tenemos mucho que aprender

puesta, o delegan lo visual?

dentro de este camino musical.

Si es cierto que elefante es más que un trío somos una fuerza que empuja actualmente entre cinco ya que están Mariano

No pensar en Natas después de escucharlos es casi descono-

Corvatta en producción de videos y fotografías y Daniel Espino-

cer gran parte de este resurgimiento del rock que mezcla el Sto-

za en el arte y diseños de los dibujos. Principalmente, en el trio,

ner con la psico-delia. ¿Cuánto influyó la banda nombrada a la

nos encargamos del lado musical, aunque también pensamos

hora de armar Elefante?

la mitología y el tipo de personajes que aparecen en el mundo

Si bien en el momento que estábamos armando el proyecto

de elefante, pero quien se encarga de desarrollar los dibujos es

no estábamos pensando en algún estilo en particular se puede

Dani, así como Mariano la rompe en lo suyo. Se podría decir

decir que Los Natas es una clara influencia nuestra. es una ban-

que pensamos en conjunto, pero elefante es el lienzo para que

da que nos voló la cabeza a los tres desde hace mucho y hoy en

ellos puedan expresarse a su manera. Dentro de todo esto hay

día estando pateando en este under, son un ejemplo a seguir.

un ida y vuelta de ideas entre todos construyendo de poco lo que

También hicimos un cover del tema Brisas del desierto como

queremos mostrar. Anteriormente estaba Javier D’Agostino en

un pequeño tributo (si se puede decir así) a ellos.

la iluminación escénica quien hoy en día está en un viaje de redescubrimiento personal. Elefante es un espacio que utilizamos para llevar el mensaje que sentimos y queremos.

Si bien la potencia es similar entre ambas bandas, ustedes son más puristas del rock, e incluso me atrevo a decir que son más zeppelianos que psicodélicos a lo Pink Floyd de Syd Barrett. ¿Se

Yo veo una simbología muy fuerte en el nombre de la banda.

sienten más cerca del rock que de la psicodelia?

Vislumbro una búsqueda de sabiduría proveniente de lo ances-

Buena pregunta y grandes bandas con estilos propios. Podría

tral, de aquello que nos hemos apartado como seres pensantes.

decirse que en esta etapa estamos un poco más del lado del rock

Pero también una búsqueda de fortaleza psíquica propia de un

con momentos fuertes de psicodelia. No podría decir que total-

Guerrero de pueblos originarios. ¿Algo de chamanismo?

mente un estilo es una o el otro. Ambos colores musicales es-

Es cierto, en la música que hacemos y en el mensaje hay una

tán dentro de nuestro estilo, nuestra manera de tocar y de lo que

búsqueda de sabiduría constante en la que el otro es importante

queremos decir mediante la música. También nos gustan otros

y todos somos iguales ante la energía universal que nos rodea

matices, como en el tema Crisalida donde buscamos la calma

y con la cual estamos hechos. Ante todo el nombre de la banda,

musical y tonos suaves o incluso nos atrevemos a ir por el lado

Elefante Guerrero Psíquico Ancestral, más allá de haber sido

del groove/funk. Nos gusta mucho explorar por diferentes esti-

los y creo que eso lo que marca a elefante.

ciones la manifestación de las palabras que están escritas en cada canción. ¿Qué se hizo primero, el texto o la música?

¿La versión de Led Zeppelin es una declaración de principios?

Empezó primero con la música. Estas composiciones mu-

La versión del tema de Zeppelin es una declaración de rock

sicales no fueron pensadas, si no que fueron sentidas en jams

sin dudarlo, pero también me atrevo a decir, es una muestra de

interminables. Con el tiempo generamos imágenes e ideas de

la variedad musical de la banda y de que también nos permiti-

que era lo que queríamos decir y luego sumamos los textos en

mos jugar musicalmente y compartir escenario con otros músi-

donde nos remitimos a escritores con los cuales nos sentimos

cos, en este caso junto a Pau Schneider cantante de Rael Magu,

identificados. No solamente eso, sino que también amigos que

para que nosotros nos mantengamos como una base sólida para

queremos mucho se sumaron a escribir para algunos temas:

darle el espacio a otros para compartir lo que hacen.

Diego Palazzi en el tema Hipnosis y Marcos Lizenberg en Methamorfosis y aparte de esto también nosotros escribimos al-

Hace un tiempo hay un resurgimiento de la música psicodé-

gunos otros.

lica y ustedes entran en esa escena. ¿Cómo sienten está nueva generación de bandas influenciadas también por el Stoner rock?

Al escuchar una banda instrumental siempre se piensa en el

La verdad es que estamos muy contentos con lo que está su-

porqué de la ausencia de la voz, pero en ustedes es como que

cediendo respecto a la escena musical en el under. Hay grandes

nunca me lo planteé. Pero leyendo los escritos me pregunto

bandas y mucha música esperando a ser escuchada. Nos he-

¿quién los escribe? y si ¿alguna vez alguien lo corporizara en el

mos cruzados con varias bandas como por ejemplo Rael Magu,

sonido de Elefante?

Rey Onírico, Sur oculto, Persona (puff, podría seguir) que nos

Gracias, es muy lindo eso que decís de la ausencia de la voz.

muestran la variedad de estilos y que hoy en día hay mucho que

Respecto a lo de corporizarlos y que sean parte del sonido de ele-

decir a través de la música. Eso es bueno porque hay un resur-

fante podría explayarme un poco más. Puedo decirte que todo

gimiento musical que a fuerza de empuje se abre paso y le da

lo que hicimos para el disco fue de alguna manera lo que más

oportunidad a lo nuevo.

sentíamos y al sentirlo, de alguna manera ya está dentro uno. Los textos vinieron de la música y la música fue lo primero que

¿Cómo fue la composición y la grabación de El Camino del Guerrero?

vino a nosotros, podría decirte que sí, está dentro de nuestro sonido. Creo que entre los tres llegamos a lograrlo.

La composición de los temas es algo que se trabajo de a poco y durante bastante tiempo, antes de salir a tocar estuvimos un año y medio aproximadamente creando canciones. La gran ma-

¿Cómo será la próxima presentación de El Camino del Guerrero en The Roxy?

yoría de temas salieron de zapadas ilimitadas y con el tiempo

Para la próxima presentación en el Roxy vamos tocar el disco

seguimos trabajándolos y buscándolos de apoco. Con respecto

completo, rodeados de amigos y con la búsqueda de clima para

a la grabación contamos con la producción de un gran amigo y

el disfrute de todos. Quedan todos invitados, el próximo sábado

ejemplo, Joaquin Salamero, quien nos guio en los últimos ajus-

11 de junio a The Roxy Live, desde las 23 hs.

tes de las composiciones para el disco. Luego en el estudio las canciones se grabaron en vivo buscando la mejor toma. Ojo,

¿Qué se viene en este 2016 para Elefante?

también hubo ansiedad e inexperiencia de nuestra parte al ser

Este 2016, a parte de la fecha del Roxy tenemos el placer de a

nuestro primer disco en nuestras vidas! Todo esto fue y sigue

estar tocando en el Noiseground festival en el teatro de Flores.

siendo una de la mejores experiencias que hayamos vivido.

También es un año que queremos aprovechar para empezar a volver a las raíces de la composición para estar buscando la se-

La psicodelia es la manifestación del alma. Yo veo en sus can-

gunda entrega en próximos futuros.

HIDDEN TRACK

125

127

EN CONCIERTO

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[ Por Alejandro Cenizacromada ]

SENTIDO DE PERTENENCIA

Clan of Xymox – Auditorio Lumiere (Bogotá – Colombia) 07 de abril de 2016.

El evento de Clan of Xymox en Colombia era algo imperdible e imperdonable para mí si llegaba a no asistir. Con la música de la banda de Ronny Moorings he desarrollado una especie de sentido de pertenencia. ¡Hombre! Llevan más de 30 años haciendo música en un medio en el cual las bandas no duran más de una década o un porcentaje muy alto cambia su sonido. Con una historia insólita, empezando en la vena del Post punk y el Dark wave a principios de los 80, la banda evoluciona hacia un sonido muy synthpop cercano a grupos como New Order para volver a finales de los 90 a retomar el fatalismo frio de lo siniestro. La escena ha sido agradecida con Xymox, igual Ronny ha sabido sumar elementos del EBM y el Dark electro para llegar a un público más amplio de manera sabia sin perder su esencia Dark wave. Cada entrega de Clan of Xymox tiene un sello muy personal del señor Ronny Moorings una mezcla de sentimiento, fuerza y elegante oscuridad en cada disco. Es muy difícil que una banda así vuelva, (de hecho prácticamente imposible) y yo me he en-

contrado decenas de noches delirantes perdido en su hermoso sonido en la soledad de las calles de la ciudad conectado a mi mp3. Esa noche en el auditorio Lumiere un lugar muy especial al norte de la ciudad abrieron Circo de luto de Bogotá, la banda liderada por el prolífico Leonardo Jaime: Para esa ocasión especial ofrecieron un show impecable con el bajo potente de Joan Hortua y la voz teatral de Michael Saenz. Leonardo tocaba una percusión electrónica con una excelente respuesta por parte de los asistentes sobre todo en clásicos de Circo como Mr Paranoia. Otro punto que marcó la contundencia en el sonido de la banda fue la inclusión de la cantante lírica Angelye Rojas potenciando las canciones. Debo aclarar que Circo de luto es una banda que ya lleva su tiempo pero se ha tomado sus recesos ya que Leonardo está a cargo de un proyecto de EBM que ha ganado peso dentro de la escena underground industrial colombiana llamado Resistor. Pasó un breve tiempo de terminado el show de Circo de Luto y entró el dúo formado por el ita-

liano Mario Biagiotti y la tecladista húngara Yone Dudas, ambos radicados en Ontario (Canada), Decoded Feedback brindó un show fuerte y emocional, plagado de atmósferas digitales post apocalípticas interactuando mucho con su público interpretando clásicos como Bio Vital o Phoenix. Uno de los puntos más altos lo dieron desde mi punto de vista con el tema Waiting for the storm. Desde antes como después de estar en el escenario fueron muy receptivos y entregados con los asistentes dejándose tomar fotos y conversando. Clan of Xymox subió a eso de pasadas las diez y empezaron con su gran clásico Stranger, donde Ronny en vez de tocar la melódica como suele hacerlo en muchas versiones en vivo, optó por la guitarra junto al bajista Mario Usai que reemplazaba en esta gira a la compañera de Ronny, Mogca Zugna. Obviamente la banda siguió su set con algo de lo último, música que muestra que Ronny quien recientemente cumplió 55 años no ha perdido un ápice la fortaleza de su inspiración ni su magia, mostrando música en su mejor forma al estilo de álbumes clásicos como Hidden faces (1997) o Creatures (1999). Loves on diet y, She’s falling in love, del album Matters of mind, body and soul (2014) estremecieron al público. In love we trust me cautivó con esa dinámica de los atmósferas del sintetizador las guitarras y la voz de Ronny. Hail Mary de corte más synthpop subió la euforia del público para hacernos estallar con el clásico Post punk Muscoviet Musquito, el cual Ronny presentó de manera algo hilarante con un buen español diciendo: “esta es una canción vieja”. Daniel el tecladista sacó un pequeño sinte luminoso para empezar con otro tema pegajoso de la última era Xymox que fue Emily. Se vino tiempo para la nostalgia con el clásico Louise del ábum Medusa y la voz reflexiva de Ronny y esa sublime atmósfera electrónica que respira la canción. Otro clásico que se vino como avalancha y que fue coreado por el público fue Jasmine and Rose el cual yo terminé bailando como un loco en una esquina del local. Debo aclarar que la escena en Colombia hacia estos sonidos es incipiente, por lo tanto había pocas personas en el

local en comparación de otros países, pero aun así, vino gente de otras ciudades como Medellín, y las pocas personas transformaron el lugar en un sitio cálido y acogedor con su buena respuesta. Farewell continuó el baile, un asistente se subió a la tarima y Ronny con un gesto de su mano le solicitó que se bajara. Otra canción que se vino con todo fue A day un tema que nunca dejan de tocar y que es muy querido por nosotros con esa dinámica suave/fuerte en su propuesta y el riff de guitarra obstinado que la hace inconfundible. Se acabó la primera intervención y se vino el primer encore con un clásico de su etapa como Xymox a secas, del disco Twist of shadows (1987) la canción Obsession y una de las cuales yo más celebré y canté en medio del frenesí. Después se vinieron con This world otro tema infaltable en sus conciertos más electrónico y que me hace recordar de alguna manera en sus arreglos a People are people de Depeche Mode. Se vendrían con otro enorme clásico de Medusa y yo lo recibí como un preciado regalo, se trataba de Back door, una canción que es una muestra clara en su estilo de porque Clan of Xymox es una banda de culto. El concierto se había terminado y finalmente el segundo encoré trajo consigo a Ronny con unos lentes psicodélicos tocando el cover de Shocking blue, Venus, una canción que pues honestamente hubiese preferido que tocaran There´s no tomorrow o la versión a guitarra desnuda de Agonised by love, (realmente Venus no es un tema que me guste de a mucho). Para cerrar el show, otro cover pero obviamente de un artista que merece todos los homenajes, Heroes del gran David Bowie en una versión más lenta y atmosférica, para cerrar tan hermosa noche. Una gran gestión que merece todos los aplausos para la organización Bat Beat de Colombia, por el peso que tiene traer esta legendaria banda, todo salió a pedir de boca. Creo que después de esta podré morir tranquilo, y en mi caso no es una frase cliché. No hay palabras para describir un show de una de las bandas más grandes del planeta. ¡Gracias Ronny!

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[ FotografĂas: Lily Moonster ]

In Corp Sanctis, Bandalos Chinos y TranslĂşcido en Niceto Club, Buenos Aires. 30 de abril de 2016

[ Por Darío Martinez. Fotografías: Lily Moonster ]

VISIONES DE UN FUTURO QUE ESTÁ AHÍ Entrópico 4 en La Cigale. 14 de mayo de 2016

Les recuerdo que “Entrópico” es un Ciclo hecho con mucho amor a la música por Revista 13th, Entrecruces y Radio Rueda en La Cigale una vez al mes. Llegue temprano y pude asistir a la prueba de sonido. Conozco las bandas, sé a qué vengo, no a escribir esta reseña, eso se dio más tarde, en ese momento cuando sonaron los primeros instrumentos el tiempo comenzó a desmaterializarse. Se me presentaba un pasado reciente pero no de la forma que lo recuerdo, el presente se dejaba ver en los besos y abrazos de los músicos que iban llegando y se saludaban, mientras tanto yo tenía visiones de un futuro que está ahí tan real y corpóreo que trato de tocarlo …. ¡Y sí! no pude. Lo primero que noto es la ausencia de batería en el escenario tampoco hay equipos de guitarra ni de bajo, sé que voy a escuchar canciones con sus estrofas y estribillos y a sentir la experiencia del vivo que en principio no está planteada en la forma convencional de banda de rock. Abre Luncil, un dúo formado por Diego Centurion y Carla Desiderio quien canta en una perfecta entonación canciones de ensueño sobre las bases programadas por su compañero quien también toca una guitarra pasada por efectos que evocan paisajes sonoros que me recuerda a aquellos que suelo visitar cuando escucho la guitarra de Robin Guthrie, el dúo comienza tocando como trío con la incorporación de Bernardo J. Mesa, un gran acierto porque les aporta sutiles, complejas y bellas armonías a sus canciones que se van sucediendo, intercalan piezas instru-

mentales con canciones en plan dream pop de su EP “Durmientes en el mar” (Sin vos acá, Brisa, Como Cielo) más algunos temas nuevos. Intro, Nunca lo harás, Oceánico junto con la intro son las piezas instrumentales, muy bien logradas, Soy Noche y Misterios. https://luncil.bandcamp.com/album/ durmientes-en-el-mar-ep Luego fue el turno de Myte y sus Linternas Verdes un/antes trío que hacía su presentación como dúo y me mantenía expectante a lo que venía. Myte y Henry se tomaron un minuto para colocar un par de luces una a cada lado del escenario que sumaron colorido y movimiento a la puesta y se ubicaron tras sus mesas donde tenían su arsenal de instrumentos electrónicos decididos a ponernos en un trance bailable y lo lograron. Es un dúo de La Plata y para quienes crecimos en el sur de La Provincia de Buenos Aires se nota en la rítmica de la música y métrica de las letras una influencia de Los Brujos con quien Myte está colaborando ahora en su regreso a los escenarios y de C. Paoletti. Brindaron un recorrido por sus dos discos, su primero homónimo (Caja de sorpresas, serie número cinco y 39 escalones), el segundo “Polar” (Distracción y Pato Candy) más material nuevo (Están llegando, tempestad. atención y baila) https://myteysuslinternasverdes.bandcamp. com/ El cierre fue para Lu Glass quien hace solo dos días había subido a la web http://luglas.com/ su disco debut como solista “El rayo” de donde tocó (Locus

Amadeus. Raspuzel, Ciudad de Cristal, Me abismo. Sucumbo y Song to john maus) también hicieron un cover de The Cure “Plaisong” y repitieron Raspuzel para hacer un bis que no estaba previsto, una canción de ritmo cansino, el tempo que eligió para llevarnos de viaje de la mano de Manuela Vecino a cargo del octapad por el océano de teclados con sonidos que nos remiten a los años ochenta tocados por María quien también aporta coros, Magda y la propia Lu Glass en canciones de un soñado valga la

redundancia dream pop de teclados con una imagen muy glamurosa que me hizo pensar en un Duran Duran con la sensibilidad de Japan la banda del querido David Sylvian. El nexo musical estuvo a cargo del incansable Maxx Wilda a quien se le nota en la cara mientras conecta su set que ya sabe que va a ser el último en irse. La música que pasa nos predispone bien y estimula para el disfrute de las bandas y cuando éstas terminan acelera y nos pone a bailar.

[ Por Diego Centurión ]

LA BUENA MÚSICA NO FALTÓ “Horacio Nuevatemporada” y “Boyfriends In A Coma” en Podesta, Buenos Aires, 20 de mayo de 2016. La cita del viernes a la noche era imposible de eludir, por un lado Horacio Nuevatemporada (banda amiga de la casa) hacía una nueva presentación, y por el otro, “Boyfriends In A Coma”, banda tributo a The Smiths y Morrissey, a quien entrevistamos para este número. Noche fría y húmeda en Buenos Aires, noche ideal para abrazarse al cálido sonido de las guitarras tormentosas de la banda de Horacio. Luego de un retraso sale Horacio a escena con su actual formación que incluye a Franchi en bajo. Se suben al escenario tímidamente mientras aún sonaba la buena música de Dante, el DJ del lugar. Con la sala con mucha gente esperándolos repartidos cómodamente entre sillones y algunos asientos que hay en el lugar. Es que Horacio da para sentarse y dejarse llevar por las mareas sónicas de sus canciones. Abren el set con Mentiras Piadosas, una nueva y bella canción. Las guitarras abren el mar como si un Moisés sónico tuviese que cruzar de canción a canción por aguas que no deberían ser tocadas sin efectos. Apertura, es el siguiente tema y el tónico continúa haciendo efecto sobre los oídos. Nos dejamos llevar por la increíble sonoridad de la banda. Al frente, Bella, maneja los tiempos del público con gran presencia. La tormenta sonora de las guitarras se entremezclan en Contemplando, el tercer tema, que hace que las guitarras pulverice el espectro sonoro. Un párrafo aparte para el baterista, Emanuel Ugarte, quien se mueve espasmódicamente, como en un trance rítmico que le da un color de mantra a lo sonoro de

Horacio. Enredada es ya un clásico en los oídos de los que siguen a Horacio. La corrientes guitarrísticas no deja otra cosa que belleza en los oídos. El tema símbolo de la banda, Horacio, hace que la gente se quede embelesada con la sonoridad. Amanezco el tema más punk de la banda, no porque sea sonoramente así, sino porque es un puñetazo directo a los dientes, cargado de intensidad e impulso eléctrico potente. Prueba es una canción climática en donde las guitarras y el bajo le dan una profundidad oscura y curesca, pero las guitarras no tienen preparado un estallido, el baterista sigue en trance. Sólo con vos, una bella canción suave y difusa, cargada de emotividad y las guitarras hacen, a la vez, de marco para la voz de Bella. Respirando, el último tema. El más funky pero las guitarras teniendo todo de shoegaze, con una predisposición hacia el noise más enérgico. Horacio es un combo que sacude desde las guitarras de Darío y Ferran, transporta a paisaje difusos y coloridos teñidos de frescura shoegaze y tejiendo redes sonoras con el seguro bajo de Franchi (que se lo ve disfrutar en cada show) y la seguridad mántrica de Emanuel en la batería, quien juega con pads y su batería tradicional. Pero sin lugar a dudas la esencia de la banda es Bella quien le aporta la femineidad que toda banda shoegaze debe poseer. Horacio es una experiencia shoegaze que NO SE DEBEN PERDER.

Luego de un rato de espera y de descanso auditivo (aunque la excelente música del DJ Dante, hacía lo suyo). Empiezan a acomodarse el acto final. Sube la banda que cierra la noche. "Boyfriends In A Coma", una banda tributo a The Smiths/Morrissey (pueden leer una entrevista que le hicimos para el dossier sobre bandas tributo). Antes del show pudimos hablar con su vocalista (Juan Romero) y su bajista (Ángel Laspiur) y la cordialidad de la banda se nota mucho en el escenario. Y antes de comenzar con la música, Juan llama a la gente para que se acerquen al escenario, ya que estaban todos atrás de la sala. Y luego empiezan con The Queen is Dead, arrancan con todo. Y el público enfervorizado responde inmediatamente. “Boyfriends In A Coma”, no es una banda tributo que copie a la perfección la sonoridad de los artistas que tributan, sino más bien es un cuarteto con formación básica que interpreta las canciones respetando la estructura de las originales, pero tomándose algunas licencias, como partes de pianos o teclados realizados por su guitarrista Sergio Sosa (párrafo aparte para este gran músico que le hace justicia a lo realizado por Johnny Marr, tarea complicada si las hay). Los temas de los Smiths se suceden “This Charming Man”, “Reel Around the Fountain” y “Girl Afraid”. La banda suena ajustada y potente, el frontman, Juan, es muy intenso y todo el tiempo le habla al público, buscando la energía de los asistentes, para retroalimentarse y sacar de sí lo mejor para el show, y eso lo hace más disfrutable. Llega la primera canción de Morrissey en su etapa solista “You're the one for me, fatty”. La intensidad

del show no baja. Vuelven a sonar los Smiths con “Shoplifters of the world unite”, “Heaven Knows i'm miserable now”, “Stop Me if you think you've heard this one before” y “These things take time”, y el público no para de bailar y cantar. Nuevamente Morrissey con “We hate it when our friends become successful” y una exquisita versión “Let me kiss you”. “Nowhere fast” (Smihs), “Tomorrow” (Moz), “First of the Gang to Die” (también de Moz) y “Barbarism Begins at Home” de The Smiths. La audiencia pide más y la banda parece querer ofrecer más, pero el lugar manda… ¿Una más? Sí una más… Juan hace participar al público, que nunca se queda quieto, el final empalman a modo de meddle “There is a light that never goes out” / “Bigmouth Strikes again”, los dos clásicos de The Smiths que hacen felices a todos los asistentes. TREMENDO FINAL, con una pareja bailando arriba del escenario. La presencia sólida y precisa del tándem bajo (Ángel) y batería (Ale Lago) logran que la contundencia de la banda sea más potente, esa precisión que golpea en el pecho. Las delicias que creó Johnny, ejecutadas con un gusto finísimo por Sergio y Juan (que no imita a Morrissey) sino que se pone al frente de la banda a cantar las canciones que se nota que ama. Un show perfecto para una noche perfecta. Los hits de la carrera de The Smiths más algunas canciones de Morrissey como solista hicieron un broche de oro perfecto para una noche en donde la buena música no faltó.

[ Por Darío Martinez. Fotografías: Lily Moonster ]

ESENCIA PUNK, PROYECCIÓN ABIERTA Entrópico 5 en La Cigale. 4 de Junio de 2016.

Se viene el entrópico 5 y voy con las expectativas bien altas co-

esperar que le digan que hacer, toman la iniciativa y se ponen a

nozco las bandas y me gustan, el plus es tener a las 3 en el mis-

bailar y en el segundo tema “Orgullo catastral” el escenario es

mo escenario, la misma noche.

tomado por yuli que se para al lado de Tati, el Tonga, Franchi

El comienzo es para Yuli y Tonga (Niños Envueltos). Yuli (voz

(Horacio) y Guille (G. Conversando) cantan junto a la banda su-

melódica, armónica y pandereta) y Tonga (voz y Guitarra elec-

biendo el climax un par de puntos mas, esto se repite para el fi-

troacustica). Hacen una serie de canciones que en esencia y por

nal en el tema “Tepotesh”. En Amor Peatón subió Cé Genaro

puesta en escena son intimistas, la gente conoce bien las letras

quien se hizo cargo de la voz, Tati paso a teclados y en místicos

y les pega fuerte, empujan con las palmas, cantan…. el clima se

comparten voz. El bajista corto cuerda, el cable del mic de Tati

pone intenso,. Ese profundo intimismo que proponen desde el

tuvo algunos problemas pero parece que nada podría opacar el

escenario se exterioriza en forma muy extrovertida debajo, to-

show de Los darwing que tocaron todo su disco que se encuentra

dos celebran la amabilidad con la que nos dicen cosas tremen-

en Sound Cloud (Sólo, Orgullo catastral, Místicos, Once, Amor

das y nos obligan a enfrentar miedos y deseos. Es el puntapié

Peatón, Tepotesh) más algunos que quedaron fuera ( Fotogra-

inicial a la Fiesta que recién comienza. Tocaron material nuevo

fía, Baser, Deparará, Wachin).

o no grabado (Sade, Lo que salva, No veías, Picante, Gastando

El cierre fue para Gente Conversando irreverentes, despre-

el tiempo, Frisbee y Ey Emili), un par de temas de su disco “El

juiciados, todo el tiempo parece que nos están tomando el pelo,

último casete del Parque” (Clase B y La Feria) más los covers

provocación Punk, Avant Garde si bien yo ya tengo opinión

de Nacho Vegas (Lo que comen las brujas) y de Lorena álvarez

formada debe haber gente discutiendo si son excelentes instru-

y su banda municipal (Novias)

mentistas o solo buenos chamulleros. La gente está encendida

Luego llega el turno de Los Darwing, un planteo diferente,

sigue todo con mucha atención, cantan, bailan, participan de la

seis personas en escena dos guitarras (Martin -Epin- y Nino Gel-

propuestas de Guille su cantante con una gran facilidad par la

pi), bajo (Enrique Szlendak - kike), batería (Jose Peralta Was-

oratoria, improvisa, la banda lo sigue en forma impecable como

ser) y teclado quien también aportó guitarra en algunos temas

si tuvieran 40 horas de ensayo semanales. El Bajo (Martín Boi-

( Leandro -Ninja-) Y Voz (Adriana - Tati). Empiezan bien arri-

cot Cajales) y la batería (Santiago Martínez Cartier) forman el

ba con un sonido que me remonta a los primeros años ochenta

sustento suficiente para que los teclados de (Martín Sucari) y la

new wave cruda, muy cruda, Punk, bailable, la gente no fue a

guitarra de (Detective Juan) toquen libres adaptándose a lo que

sucede. En el segundo tema “Sombras de Hollywood” el Tonga

lancolia reaccionaria, Terror al ano, Formas extranjeras -sexo

vuelve al escenario a cantar junto a la banda, este tema junto a

inteligente- )

Arriba brilloso y Dormir vestidos son los únicos que no pode-

Y si todo esto no fuera suficiente todo estuvo enmarcado con

mos escuchar en el disco subido a BandCamp, un registro gra-

la música del DJ Maxx Wilda que siempre atento a la propues-

bado en vivo en Roseti (Drama intrafamiliar, Poder mental, Un

ta no permitió que sucediera bache alguno y mantuvo a todos

detective perdido en la isla martin garcia,, Drama y acción, Me-

en movimiento desde el pitazo inicial hasta el último minuto.

[

Por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografía: Johannes Rossini ]

EL EFECTO SORPRENDENTE In-Formed Music en Galería Nora Fish, Buenos Aires, 04 de Junio de 2016.

Tal vez para la mayoría quienes leen estas líneas sea tan sorpresivo como lo fue para mí, saber que aquí en Buenos Aires, un artista local ha tocado con las más grandes luminarias de la música experimental y que ha publicado un centenar de grabaciones en sellos de todo el mundo. Solo por mencionar algunos nombres, entre aquellos que han compartido escenario o estudio de grabación con Alan: Lee Renaldo, Boredoms, Acid Mother Temple, Damo Suzuki, Pauline Oliveros…y la lista podría continuar por páginas. Sabiendo que para los conocedores, estos créditos son más que garantía del nivel en el cual se mueve y realiza su obra, quisiera invitarlos a descubrir el trabajo de Alan Courtis, a quien pude conocer el pasado 4 de junio en la galería Nora Fish, en Buenos Aires, con motivo de la interpretación de In-formed Music (composición para ensamble y papel de diario). La obra cobró vida gracias a la labor de unos 30 intérpretes, aproximadamente (entre músicos y ¨no-músicos¨). Todos sentados en el piso, tomaban las hojas de diario y frotándolas contra el piso creaban una cortina sonora que mi mente interpretaba como lluvia… o las olas del mar (era agua, definitiva-

mente); más adelante cortarían las hojas pero cada uno de manera diferente y con un ritmo distinto, desatando el caos y una pulsación angustiosa. El efecto es sorprendente…La obra te sumerge y no sabes si cerrar los ojos y olvidar la materialidad y el hecho en sí (la performance) y sencillamente navegar en la mente propia; o sí mantenerte muy atento a cada movimiento de los intérpretes, ya que el gesto y lo teatral eran muy bellos. Para que ustedes, queridos lectores de la Revista The 13th, puedan imaginarlo, los invitamos a visitar la galería de fotos tomadas por Johannes Rossini, nuestro nuevo colaborador. Aparte de ser testigos de la interpretación de In-Formed Music, quienes asistimos a la galería pudimos ver también otras obras de Courtis (instalación sonora y partituras intervenidas) expuestas en este recinto, donde tuvimos la oportunidad de realizar una entrevista, que por razones de espacio quedará para la próxima revista. Agradeciendo de nuevo a Alan por su amabilidad y su tiempo, despido esta nota felicitándolo a él por su trabajo y su carrera; y a ustedes lectores invitándolos a descubrir el universo sonoro de Alan Courtis.

[

Por Bernardo Jimenez Mesa. FotografĂa: Johannes Rossini ]

ENTREGARON TODO Sur-du-monde e In Corp Sanctis en The Roxy, Buenos Aires, 10 de junio de 2016.

El pasado 10 de Junio en The Roxy, se presentó Sur-du-monde, abriendo a In Corps Sanctis. La banda rosarina (Sur-du-monde) brilló con un set muy sólido. En sus temas se desdibujan muchas raíces diferentes, siendo un rock pensado para ser tocado en vivo. Intenso y alienante (en el mejor sentido). El odioso término Indie, se hace aquí inevitable…como lo es también el no pensar que en toda Argentina hay una marca que dejó Spinetta en las nuevas generaciones que puede llegar demasiado recurrente. A veces desearía no fuera así… muy a pesar del genio y la obra magnifica que dejó el desaparecido músico porteño. Sur-du-monde es una banda que gustará, sin lugar a dudas, a quienes siguen el Indie Rock, que fue lo que tuvimos ciertamente esta noche, porque In Corps Sanctis, si bien mucho más eclécticos, también tienen influencias de este géne-

ro y pueden llegar por momentos a sonar como tal. Aunque, como he dicho, In Corps Sanctis es una banda sorprendentemente diversa. Sus temas pueden pasar del funk, a un rock más espacial y etéreo y terminar en una explosión de guitarras distorsionadas. Por momentos parecieran una banda progresiva; en otros Hard Rock. Al igual que Sur-du-monde, esta es música pensada para el directo, y en lo personal siento que puede caer en el exceso, sobre todo hacia el final del recital…Pero lo dice alguien a quien el rock de estadios y los fuegos de artificio nunca llamaron mucho la atención. Debo resaltar en ambas bandas, el nivel de compromiso y lo profesionales que son. El recital en sí fue una muy buena experiencia, donde el público se conectó muy bien, el sonido fue impecable y las bandas entregaron todo.

[

Por Esteban J. Galarza. Fotografías: Nazarena Talice ]

EL OCÉANO CALMO DE THE OCEAN BLUE Harm & Ease y the Ocean Blue en MOD, Buenos Aires.10 de Junio de 2016

En búsqueda de las palabras que hagan justicia a lo vivido en MOD el viernes 10 de junio uno se topa con dos términos contrapuestos diametralmente: desprolijidad y prolijidad. En el punto medio de tal maraña hay un puñado de personas, el público fan de una banda Indie de fines de los 80, que bien podrían ser un grupo grande de amigos que se reunieron en la casa de alguno a escuchar música en vivo. Pero desentrañemos un poco toda ésta cuestión. The Ocean Blue se presentó por primera vez en Buenos Aires y tocó en MOD en un show que tenía matices intimistas y que estaba programado para comenzar a las 21. La noche planteaba algunas complicaciones como el frío austral, que tocasen a la misma hora que un partido de la selección argentina de fútbol por la Copa América, poca difusión del show y precios de entradas que hacían replantear al melómano sobre su fanatismo por la banda. Lo que no se contaba era que a esas contras se sumaran algunas desprolijidades más. En la entrada no quedaba claro cómo hacer valer el promocionado 2x1 ante un desinformado boletero que arbitrariamente cobraba entrada en promoción o no. Una vez adentro solo restaba esperar por el show de los teloneros y luego por el The Ocean Blue. De entrada se suponía los horarios no se respetarían a rajatabla, pero todo se retrasó más de la cuenta y los teloneros arrancaron pasadas las 22. Tal vez porque fue conjurado por algún espectador que olía a show de los 80 en el ambiente, cayó una razzia policial que hizo suspender el show 15 minutos hasta que se solucionaran problemas burocráticos que nada tenían que ver con la música.

Si el retraso del show era para darle tiempo a los rezagados a llegar al lugar no se sabrá. Lo que si se sabe es que generó el efecto contrario porque para cuando arrancó el recital de The Ocean Blue, pasadas las 23:30, quedaban cada vez menos asistentes. En honor a la justicia debemos decir que la banda oriunda de Pensilvania supo aguantar con estoicismo los contratiempos y dio un muy buen show. El primer tema no pudo ser más elocuente de lo que se percibía entre idas y venidas: Sad Night, Where is Morning? El público recibió muy bien el setlist que variaba entre clásicos de la banda como Vanity Fair y Mercury mechado con temas más nuevos. Para quien no conozca el sonido de The Ocean Blue podría decirse que se encuentra en el justo medio de al menos cuatro grandes bandas de los 80 ingleses: New Order, Cocteau Twins, Echo & The Bunnymen y, sobre todas las otras, The Smiths. Su show estuvo envuelto en el espíritu de Morrissey, desde la voz del cantante hasta lo que se veía en la pantalla de detrás de la banda. Los temas estaban reforzados con videos que variaban entre películas de Ingmar Bergman y la Nouvelle Vague. Si bien en todo momento se planteó el show desde un rescate emotivo de un eslabón perdido del Indie de los 80 no todo el público estaba en sintonía y progresivamente se fue vaciando el lugar hasta llegar a ser solo un puñado de asistentes para cuando llegaron los últimos temas. El frío del invierno próximo se hizo sentir e inclusive se notó cierta distancia de la banda con sus fans. Eran trabajadores que habían salido de la oficina a tocar unos temas y no tanto una banda que hacía valer 30 años de carrera.

The Ocean Blue suele homenajear sus influencias en sus shows Así fue que al promediar el set la banda tocó un correcto cover de West End Girls de Pet Shop Boys en el que invitaron a subir a un trompetista argentino de nombre Carlos; y ya sobre el final, en lo que sería los bises si no hubiese habido tan poca concurrencia, tal como se encargó de aclarar el cantante David Scheltzer, tocaron There is a Light That it Never Goes Out de The Smiths. Llegaba el final del recital por lo que The Ocean Blue agradeció a la escasa concurrencia y se retiró. A pesar de los

contratiempos mostraron entereza para no acortar la lista de temas ni tirarse a menos, a pesar de haber sonado demasiado correctos, sin descollar en ningún momento. Faltaban pocos minutos para la 1 de la madrugada, Argentina había ganado a Panamá por 5 a 0 y el frío afuera de MOD se hacía glaciar. Con la extraña razzia policial aún en las cabezas mezcladas con un recital que sonó como si estuviésemos en el living de nuestras casas la sensación que quedó en el aire fue rara. El invierno sería largo.

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

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EL CINE QUE NOS EMBRUJA

Tanto en la realidad como en la ficción, la brujería ha ocupado un gran lugar en la historia de la humanidad. El mito, el hostigamiento y las prácticas de hechizos y quemas datan desde la antigüedad y llegan a nuestra actualidad. Las obras de ficción, ni lentas ni perezosas, no tardarían en realizar sus propias visiones y adaptaciones del mito de las brujas. Es así como en esta ocasión abordamos el tema con films que, cual pócima de hechicera, han sabido encantarnos con diversas miradas sobre las personas practicantes de encantamientos. Nuestro recorrido pasa por lugares como el terror, la comedia y el drama, tanto desde una mirada totalmente ficcional como desde el realismo de los tiempos de la inquisición. Acompáñennos y viajen junto a nosotros, escoba voladora de por medio, por estos films que han sabido embrujar nuestros corazones cinéfilos.

MI NOVIA ES UNA BRUJA [ Por Jimena Patiño ]

Junto a I Married a Witch, Bell Book and Candle es mi película/comedia romántica de brujas favorita de la historia del cine. Como ocurría con The Craft y Charmed, casi se podría decir que este film sirve de inspiración libre a la mítica serie de televisión Bewitched, pero no nos adelantemos. Antes, hablemos un poco de mi infancia viendo esta película. Yo había ya visto (y amado) Vértigo cuando la encontré de casualidad en la televisión. ¡Otro film protagonizado por la misma pareja! Inmediatamente me enamoré de Kim Novak y del adorable Jimmy Stewart, por su ductilidad, pues tenía todo otro tono que el film de Hitchcock y por eso le tengo mucho afecto a este film… de aquellos años antes de que IMDB existiera para facilitarte la vida. La historia no es tan simple ni tan rosa como uno esperaría-pese a que se trata de un film navideño dirigido por Richard Quine-: Ella, Gillian “Gil” tiene una tienda de artesanías africanas y es vecina de Shepperd “Shep”, un editor. Cierto día, él sorprende a Queenie, la tía mequetrefe y “bruja problemática” de Gillian en su departamento. Ella en represalia, le descompone el teléfono, entonces, Shep baja a pedirle el teléfono a Gil (hablemos de excusas que quedaron obsoletas con el tiempo) para pasar a repa-

ración el suyo. La joven bruja accede pero presupone que su tía está metida en el asunto. La cuestión no pasaría a más si no fuera porque en medio de una charla Queenie le pide a Shep que la convenza a su sobrina para ir a pasar la Noche Buena al Zodiac, un club nocturno que ellos suelen frecuentar (y por ellos me refiero a las brujas y brujos). Él la convence pero se queda con la espina del nombre y decide hacer una visita sorpresa a dicho lugar. En esa visita sorpresa junto con su prometida, Gillian se entera de que la futura esposa de Shep no es otra que una archi enemiga de sus épocas universitarias, Merle; lo que desatará la furia mágica de la joven bruja. Kim Novak hará lo imposible para quedarse con el hombre de Merle y no importa si eso le cuesta invocar canticos gatunos o llamar a un autor de un ensayo sobre brujería en México para que Shep lo contrate. La película se crea un mito propio acerca de las brujas y es que según el film “las brujas y brujos (Warlock en lugar de Witch, que es su variante femenina) no pueden amar, ni sonrojarse”. Pero amar es lo más importante, porque si aman pierden todos sus poderes y se convierten en mundanos seres humanos. Esa especie de hado es lo que va a rondar

181 todo el “romance” de Shep y Gil. La magia tiene una entidad real en este film y se manifiesta con la estética teatral de finales de los años cincuenta. Los lugares que frecuentan las brujas son más oscuros y misteriosos (lo vemos en la ambientación en tonos azules del Zodiac) y ni hablemos de los vestuarios de las mismas que parecen rondar y abusar de la paleta de la oscuridad. En ese aspecto a medida que transcurre el film, Kim Novak se convierte en una auténtica gatúbela beatnik con capas forradas en leopardo y siempre encapuchada y enfundada en algún apretado atuendo negro de raso. Los atuendos del film fueron diseñados por Jean Louis y demuestran claramente cómo cambia el personaje de Gil cuando llega el final y nuestra querida bruja se encuentra con el amor y sus sinsabores. Pyewacket es el gato y “familiar” con el que nuestra bruja amiga lanza sus hechizos susurrándole canciones al oído. Por lo que no es de extrañar que su vestuario haga gala de sus habilidades gatunas y de hechicera. Jack Lemmon interpreta a Nicky , el hermano revoltoso de Gillian y la trama secundaria de la historia que hace que todo se precipite y colapse por su propio peso. Él es el encargado de distraer al escritor invocado por la magia del regalo navideño de Gillian, Sidney Redlitch. Sin embargo en lugar de

entretenerlo, decide colaborarle y ayudarle a escribir un libro sobre brujería en Manhattan basado en la realidad. Devela su identidad como brujo y desde ese momento se vuelve el hermano pesado que solo trae problemas a la vida de Gillian quien solo intenta mantener una vida “normal” libre de magia. Lo cierto es que como dijimos la magia tiene un lugar en pantalla, y si: se trata de un film festivo y Navideño, pero definitivamente también puede servir para Halloween de lo pagano y extraño que es. La magia tiene un color de luz verde y siniestra como si indicara lo sobrenatural. Shep es testigo de eso cuando intenta entrar a la tienda de Gillian a apagar lo que él piensa se trata de un incendio de fuegos artificiales y en realidad es la invocación del escritor. Gillian es poderosa y no lucra con su magia a menos que sea para beneficiar a sus seres queridos (como cuando decide aparecerle un tocadiscos a su hermano). Eso la diferencia de otras brujas como Madame Depass que se vende al público y vende sus productos. Por otra parte es representada como una mujer independiente, dueña de una tienda de artesanías africanas y poseedora de un título de antropología (que es mucho más de lo que se puede decir de algunos personajes femeninos en comedias románticas actuales). No es una mujer que busque el amor porque sabe que no lo puede encontrar, o al menos

eso es de lo que se convenció. A diferencia de otras películas rosas de la época en donde para un simple beso de la pareja protagónica tenés que esperar toda la duración del film. Es la pasión desenfrenada (bueno lo que se puede mostrar) lo que marca su relación con Shep. Irracional y surgida de un hechizo. Así es su amor ¿O quizás siempre fue real? En esos campos ronda la intriga del film. Pyewacket es un personaje fundamental en el film. El gato tuvo que ser representado por un total de doce siameses distintos para realizar todas las piruetas y maniobras que el felino realiza. Representa la conexión de Gill con su poder y su nombre colorido proviene de un suceso real: es el nombre que una acusada de brujería le da al abogado Mathew Hopkins (no Vincent Price en Witchfinder General sino la figura histórica real) junto con otros nueve espíritus que visitaban a la bruja y que ellos atesti-

guaron haber visto. Si era o no bajo la forma de un gato, no lo sabemos. Lo cierto es que el gato, mascota de Kim Novak se llamó Pyewacket a propósito de este film y que ambos (el gato del film y ella muy sugestiva) fueron portada de la revista Life. Finalmente hablemos de James Stewart, quien pese a que la película fue un éxito de taquilla siempre sintió que le habían errado al casting de Shep. Él no se sentía cómodo en el papel de un empresario editorial enamorado de una bruja y tan irresponsable. Sin embargo, Bell book and Candle (título que proviene de un exorcismo, ya que de brujas hablamos) fue un éxito de taquilla y si me lo preguntan, las canas de James son una pareja perfecta para el platinado cabello de Kim. Demuestra que en las brujas y el amor no hay edades absolutas .Siempre voy a agradecer tener un film navideño que hable más de pociones oscuras que de besarse bajo el muérdago y armar el arbolito.

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CAZADOR DE BRUJAS FULL TIME [ Por Jimena Patiño ]

Una figura central en relación a la bruja y la brujería es la del “cazador de brujas”. En el imaginario popular y en la historia, esos hombres fueron representados por la inquisición en relación con la iglesia católica y los abogados en relación al parlamento británico del siglo XV. El cine no está separado de ese imaginario. Los cazadores suelen ser retratados como héroes o villanos dependiendo de si la bruja es percibido como algo maligno o si quizás simplemente se trataba de la histeria colectiva de una época de oscurantismo. Si bien con Witchfinder General en un comienzo uno piensa encontrarse con un film en el estilo de la Hammer, ya que este caso lo encontramos a Vincent Price, se trata de un enigmático film de Michael Reeves que no se parece a las obras de esa productora. No hay nada más lejano a la Hammer que el retrato de época que hace Reeves para recrear esos enjuiciamientos a personas inocentes (y el director hace énfasis en esa inocencia). La brujería no tiene lugar en este film excepto como una oportunidad para que los dos personajes protagónicos de Mathew Hopkins (el “Witchfinder general” del título) y Jhon Stearne (su vil asistente) persigan hom-

bres y mujeres solo por una acusación y por la plata que con ellos recaudan cada vez que son ejecutados. Esta película está basada en una novela, pero al mismo tiempo está basada en la figura histórica real de Mathew Hopkins quien durante cuatro años persiguió y mató a más de doscientas mujeres con la acusación y confesión de brujería en Anglia del Este durante la guerra civil inglesa y por un cargo nombrado por el parlamento puritano de Cromwell. La historia cuenta que las torturas estaban prohibidas por el parlamento, pero que Hopkins había desarrollado un método por el cual si sumergías a las personas y estas flotaban automáticamente eran acusadas de tener trato con el demonio. Otras prácticas usuales tenían que ver con pincharlas y ver si sangraban o no, además de buscarles “la marca de satanás”. Además de esos métodos que no eran considerados “tortura”, se procedía a la privación de alimentos y sueño. Como ven, un encanto de hombre, el General. A tiempos violentos una película violenta. Esa parece la premisa que parece seguir desde los créditos de apertura Witchfinder General. Allí vemos como una turba arrastra a una mujer que pide por su vida

y la somete mientras el verdugo arma el patíbulo a la sombra de la roca en la colina pelada. La mujer es ahorcada y así es presentado el personaje de Vincent Price, sin piedad y movido por una sed de sangre que excede el raciocinio. Él no se deja amedrentar por supercherías, viaja con su caballo blanco de pueblo en pueblo en la región de Susex como dice el narrador donde además de brujas, un conflicto bélico mantiene la nación en vilo. Guerra y religión son los dos polos que manejará este film. La guerra será retratada brevemente como algo contextual, pero será un soldado de Cromwell quien cruzará caminos con el General cazador de brujas. Richard Marshall es un soldado que está de permiso y decide visitar a su amada Sarah (nombre de bruja como pocos si los hay) sin saber que aciago destino les depara a ella y a su tío, un párroco de un pueblo, luego de su breve estadía con ellos. El cruce de caminos se da literalmente cuando él sale al paso a recibir al cazador, sin anticipar realmente el caos que este está a punto de desatar en la pequeña villa. Ambos se saludan. Como si dos desconocidos se vieran por primera-pero no por última- vez, se presentan cordialmente sin saber que uno será el final del otro. En el pueblo, el párroco es acusado públicamente y Sarah no puede hacer nada excepto intentar seducir al general, lo que parece funcionar hasta que su juego es descubierto por John Stearne que la viola en el campo cuando el general se marcha a una ciudadela cercana. Sarah pierde todo como una heroína

de una tragedia griega: a su tío, su dignidad y encima es repudiada por el pueblo, pero aún sigue con vida cuando Richard la encuentra y se casa con ella pese a todo y le promete justicia… pero no la de la ley, ni la de Cromwell. Él planea asesinar al cazador con sus propias manos. Vincent Price encarna con maestría la persona de Mattew Hopkins. Éste se halla en el límite entre la de funcionario con una misión divina y mercader endemoniado que solo trae muerte y destrucción para las mujeres menos afortunadas de la villa. El film cuenta con una edición de director que alarga las escenas de torturas perpetradas por John Stearne, un odiable y repudiable Robert Russel que es “ese maldito puerco” que deseamos ver arder en una hoguera. Mientras que Hopkins es dueño de cierta elegancia distante y casi digna de nobleza, ya que no se mancha las manos con sus crímenes ni considera que sus actos sean otra cosa que una labor encomendada por un orden superior. Hopkins es un soldado contra las huestes del mal, Sin embargo el más indigno y el que debe recibir el escarnio es Stearne… pues tortura a las indefensas mujeres y hombres que caen acusados. Se genera una dinámica con dos villanos particulares: el elegante con clase, odioso pero que genera admiración y el bárbaro que solo es odioso y que genera la antipatía generalizada de la audiencia que solo espera ver como las paga. Generando esa dinámica de dúo maligno protagónico, la película no tiene tiempo en desarrollar el otro aspecto que ronda y es de vital importancia

para el film: la impotencia femenina y el rol de la mujer que queda relegado al papel de víctima como le ocurre a Sarah, por mencionar a una sola. El terror del film no recurre a artilugios sobrenaturales de declaraciones de brujería, misas negras, ceremonias. Nada. La brujería es algo entredicho. Es Lo que se dice de alguien y solo esa acusación frágil es la que desata todo el horror que proviene de las torturas y las vejaciones a las que son sometidas las acusadas y acusados del film. Ni una posición dentro de una comunidad te libraba de visitar al general luego de que una acusación era formulada. Luego de esto sobreviene un relato de venganza y más muerte. Cuando los juicios y ejecuciones de Hopkins empeoran- ya no solo son ahorcadas sino que sus víctimas son quemadas vivas- Richard y el general vuelven a encontrarse en el pueblo en donde Sarah intentaba rehacer su vida. Esta vez, ambos son llevados al castillo acusados de brujería para ser “interrogados”. Hopkins solo busca una manera de des-

aparecerlos ya que no pesa acusación oficial sobre ellos, pero ya nada le importa y actúa con una impunidad absoluta. La historia se vuelve casi de la Hammer cerca del final con el castillo del terror de Hopkins y Stearne en donde nuestros héroes van a ser torturados y atormentados. Richard solo afirma que le asesinará y luego de una maniobra casi acrobática logra liberarse antes de que le quemen con un hierro caliente a Sarah y su venganza tiene lugar. A último momento Hopkins es salvado por la merced de unos soldados que le pegan un balazo para librarlo de sus penas. Compasión que paradójicamente nunca mostró por sus víctimas mientras un enloquecido Richard clama porque le quitaron la muerte de su enemigo de sus manos. Con sus gritos enloquecidos y los llantos de Sarah termina este agónico film del que no se puede decir que tenga un final feliz para los atormentados personajes como no lo tuvieron centeneras de pobres e inocentes brujas enjuiciadas y torturadas hasta la muerte.

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¿MADRE HAY UNA SOLA? [ Por José Luis Lemos ]

“Yo,Varelli, conocí a las tres madres, y les diseñé y construí tres edificios, los cuales se encuentran en Roma, Nueva York, y Freiburgo (Alemania). Demasiado tarde descubrí que, desde estos tres sitios, Mater Suspiriorum (la más vieja), Mater Lachrymarum (la más hermosa), y Mater Tenebrarum (la más jóven y cruel), controlan el mundo a través del arrepentimiento, lamentos, lágrimas, y oscuridad.” En sus primeros minutos, Inferno (Darío Argento, 1980) ya se desmarca del tono de cuento de hadas con el que comenzaba su antecesora directa, Suspiria, denotando una evolución temática que, sin alejarse de los parámetros establecidos en aquel film, deja a la segunda parte de la Trilogía de las madres más cerca de Lovecraft que de los hermanos Grimm. Lo cual no quiere decir que estamos ante un film más comprensible narrativamente que aquella obra maestra de Argento, sino todo lo contrario. Cualquiera de las películas que conforman este trío infernal deberían incluir una placa inicial que diga- parafraseando la advertencia en la puerta del infierno de Dante – “Abandonen toda esperanza de coherencia aquellos que entren aquí.” Y hay quienes dirían que la misma placa debería introducirse

en toda la filmografía de Darío Argento. Argento y coherencia, dos palabras que nunca se llevaron bien. Digamos que tampoco hubo interés en que así sea. Sus films están tan llenos de sangre como de incongruencias narrativas, pero lo que en sus thrillers policiales podría ser una contra, en Inferno es una de las mayores virtudes, que suman bastante al descontrol general que transmite cada escena. En cierto punto, pareciera que el realizador está más preocupado en construir un grandes éxitos de escenas pesadillescas que una historia convencional y, viendo los resultados, logró perfectamente su objetivo. Tan notoria es su intención de generar horror sin respiro que va descartando posibles protagonistas, no sea cosa que perdamos demasiado tiempo en su desarrollo: cuando pensamos que la heroína es esa chica que tiene scream queen escrito en la frente, una misteriosa mano enguantada la saca de la película a cuchillazo limpio, y la historia nos lleva por otro lado. Como si el Hitchcock de Psicosis se hubiera engolosinado con su sorpresa macabra y matara a un “protagonista” tras otro en medio de un frenesí asesino. La coherencia y Argento no harán buenas migas, pero su relación con la palabra “clima” es otro cantar.

187 Cuando aún no se mencionaba el nombre “David Lynch” cada vez que uno se refería a una atmósfera pesadillesca, Argento hacía volar por los aires todo atisbo de “realidad”, dinamitándola con colores chillones y un barroquismo arquitectónico desquiciado. Mientras en Suspiria aún podían reconocerse ciertos escenarios verosímiles –sobre todo en las escenas diurnas en exteriores- aquí ni Roma ni Nueva York son tal cual las conocemos, y quedan irreconocibles bajo pilas de filtros y decorados art decó. A la luz de una luna casi omnipresente, nos obliga a ser testigos de un sinfín de atrocidades en un tour que nos lleva por sótanos inundados (tremenda escena que debería incluirse entre los grandes momentos del cine de terror) ríos infestados de ratas, pasadizos secretos y bibliotecas que funcionan como guaridas de brujas. Rojos y azules furiosos invaden los fotogramas retratados por Romano Albani, que recuerdan a los films más emblemáticos de Mario Bava, quien aquí se encargó de los efectos especiales aunque las malas lenguas dicen que también metió mano en la dirección, mientras Argento se encontraba postrado por una hepatitis. Un elemento muy importante que utiliza Argento en la construcción de dichos climas es la música. Es inevitable que, a la hora de recordar sus films más destacados, se nos vengan a la cabeza esas melodías

retorcidas y con pulso progresivo conducidas por los Goblin. Pero aquí el responsable fue nada menos que Keith Emerson -el recientemente fallecido tecladista de Emerson, Lake and Palmer- a pedido de Argento, quien quería un soundtrack más delicado que el ruido infernal perpretrado por los Goblin en Suspiria. El resultado es tal vez menos opresivo, pero dista de ser música para escuchar y relajarse, como lo demuestra la versión rockera de Va pensiero de Giuseppe Verdi (que suena varias veces en su versión tradicional) y el potente tema principal, cuyo estribillo “mother suspiritarum, lacrimarum, tenebrarum” no saldrá fácilmente de nuestras cabezas. Como verán, a lo largo de toda esta reseña nunca mencioné la palabra “actor”. Y es que Argento parece más entusiasmado en cómo matar a sus protagonistas que en dirigirlos. Así y todo, sabe rodearse siempre de bellezas inolvidables, y acá son varias, entre ellas Eleonora Giorgi, Irene Miracle y Ania Pieroni. Nombres que seguramente no les digan nada, pero cuyos rostros se inmortalizarán en nuestras retinas. Daria Nicolodi, otra “chica Argento”, también hace acto de presencia tanto delante como detrás de cámara: es ella la responsable de escribir las partes sobrenaturales del guión, aún cuando haya quedado injustamente fuera de los créditos. Leigh Mc Cluskey interpreta sin mucho esfuerzo a

Mark, el protagonista, y uno se pregunta qué hubiera pasado si James Woods hubiera podido aceptar el papel, quien declinó la oferta por encontrarse filmando Videodrome. Argento alguna vez declaró que, para hacer más evidente los paralelismos entre Hansel y Gretel e Inferno, les dijo a Irene Miracle y Mc Cluskey – hermanos en la ficción- que actúen como niños. Vamos a darle el beneficio de la duda. Vapuleada por la crítica de la época y con una distribución muy limitada por parte de la Fox, Inferno

encontró el reconocimiento muchos años después, tanto del público como de la crítica especializada, que ahora la suelen situar entre las cincuenta mejores películas de terror de la historia. De más está decir que es uno de los picos creativos en el cine de terror de los ochenta y en la filmografía de este italiano demente que, en la tercera entrega de la trilogía de las madres llamada Mother of Tears y realizada 27 años después que Inferno, está más cerca de Ed Wood que de Mario Bava.

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STEVE MINER Y EL CALDERO MÁGICO [ Por José Luis Lemos ]

Imaginemos- para hacer una analogía con la temática en cuestión- un caldero mágico en el cual uno puede verter cualquier elemento y crear- alquimia mediante- un objeto particular que conserve la esencia de dichos elementos pero aunados en algo completamente diferente. Y que, por esas cosas misteriosas del destino, un director de cine, allá por 1989, se topa con ese caldero –seguramente dejado allí por el Demonio- y decide utilizarlo para crear una película que la rompa en la taquilla. Investiga, entonces, qué ingredientes puede meter en el caldero para asegurarse un éxito y lo primero que se le ocurre es la trama de Terminator. “Es infalible, no puede fallar! Dos tipos pertenecientes a otra época que viajan en el tiempo hasta el presente y cuyo enfrentamiento pone en juego el futuro de la humanidad!” Pero se da cuenta de que falta algo, y tal vez sea la chica moderna, con la que los jóvenes se puedan identificar y alborotar sus hormonas. ”¿Lori Singer, quizás? La rompió en Footloose, asi que… ¿por qué no?” Pero antes de comenzar a mezclar el caldero, recuerda que Las brujas de Eastwick fue un moderado éxito

de taquilla y se llevó varios reconocimientos críticos, y como eso siempre ayuda…le mete algo de brujería (no me pregunten a mí, la lógica ilógica es del director). Ahora sí, mezcla los ingredientes. El resultado: Warlock, el brujo. El hechicero responsable de tal alquimia es nada menos que Steve Miner, viejo conocido del género que debutó como asistente de producción (y actor no acreditado) en la ópera prima de Wes Craven: La última casa a la izquierda. Sus laureles en el cine de terror no acaban ahí, ya que también fue productor de la saga de Martes 13 y director de ese pequeño clásico de los ochenta llamado House. Siguiendo con el horror, luego produjo y dirigió la serie Dawson’s creek. De algo hay que vivir. Pero a finales de los ochenta vivía su época de esplendor dentro del género, y gracias al éxito de House pudo contar con un presupuesto generoso –o al menos para la Trimark- con el cual llevar adelante un film que contaba con varios efectos especiales y un prólogo ambientado en 1691. Sería injusto darle todos los méritos a Miner y no mencionar a David Twohy, cuyo currículum hasta

el momento solo ostentaba el guión de una película: Critters 2 (Mick Garris, 1988). Digamos que no era un buen precedente ante los ojos de los ejecutivos, aunque el argumento de aquel film tenía su cuota de originalidad y un sentido del humor más negro e ingenioso de lo que podía esperarse de una secuela de Critters. Un humor macabro que también está presente en la trama de Warlock que, pese a deberle mucho a Terminator, no deja de ser original: un hechicero (Julian Sands) es capturado en la Massachussets del siglo 17, pero antes de ser ejecutado, Satán lo transporta al siglo 20, donde deberá encargarse de conseguir las tres páginas de El Gran Grimorio, libro que podría causar el fin de la humanidad. Un cazador de brujas (Richard E. Grant) irá detrás de él, con la ayuda de una joven despreocupada (Lori Singer) que sin quererlo se verá envuelta en un enfrentamiento con las fuerzas del mal. Aunque el guión de David Twohy no llegó a plasmarse tal como él lo pretendía originalmente (el warlock no era el villano de la historia, sino que po-

nía en evidencia los prejuicios de la gente tanto del siglo XVII como del siglo XX) la versión que llegó a la pantalla grande no está nada mal, y quizás el mayor logro del film sea la manera en que mezcla diferentes géneros. La premisa del viaje en el tiempo, más propia de la ciencia ficción, es aplicada coherentemente en una trama de hechicería y satanismo, a la vez que el personaje de Lori Singer oficia de comic relief en una historia de aventuras que tampoco descarta de plano el gore. Y aunque las escenas más controvertidas se quedaron en el guión o en la sala de montaje (entre ellas, Mary Woronov con ojos en sus pezones y la muerte y posterior extracción de grasa del cuerpo de un niño, en el film solo sugerida) aún es posible horrorizarse con un par de momentos fuertes. Más allá de lo bien integrados que se encuentran diferentes géneros cinematográficos, el punto más fuerte del film es su respeto absoluto hacia las leyendas y tradiciones relacionadas con lo oculto. Que el brujo solo pueda volar ingiriendo grasa de niño

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sin bautizar, que su presencia sea vaticinada por pequeños hechos cotidianos como una simple leche cortada o que se lo pueda herir martillando clavos sobre sus huellas son detalles que delatan una minuciosa investigación previa y un respeto hacia el género inusual. Del mismo modo, Julian Sands se toma su personaje con toda seriedad y sin el derroche de sobreactuación que suele haber en este tipo de papeles. Bueno, ahí tienen al Jack Nicholson de Las brujas de Eastwick como ejemplo de a qué me estoy refiriendo. Richard Grant, que venía de protagonizar el clásico de culto Withnail and I (Bruce Robinson, 1987) tal vez queda opacado entre la maldad de Sands y la irreverencia de Lori, pero de todos modos cumple su papel con dignidad. Warlock contó con una secuela inferior -aunque

no por eso menos interesante- dirigida por Anthony Hickcox (Hellraiser 3), y nuevamente protagonizada por Julian Sands, que aumentaba el gore en desmedro de la coherencia narrativa. David Twohy, mientras tanto, ya entraba en las ligas mayores escribiendo los guiones de películas como Alien 3, El fugitivo…y de GI Jane y Waterwold, que todo hay que decirlo. Tuvo su revancha al escribir y dirigir la exitosa saga de Riddick, con Vin Diesel. Steve Miner, pese a dirigir algunos films hollywoodenses como Halloween H20 y Lake Placid, se pasó la mayor parte del tiempo dirigiendo series de televisión como la antes mencionada Dawson’s creek, Smalville y Walker Texas Ranger. ¿Acaso ese sea el precio a pagar por haberse utilizado aquél caldero embrujado?

INFANCIA PERTURBADA… PARA BIEN [ Por Nicolás Ponisio ]

“No se acerquen a un desconocido ni acepten nada que les ofrezcan, ni siquiera un dulce”. Precaución que todo niño debía tomar y que los padres nunca olvidaban de repetir a sus hijos. Más allá de la advertencia tan ligada a las figuras paternas, como consumidor insaciable de material cinematográfico, ese mensaje para quien les escribe siempre estuvo representado por la figura de una inquietante mujer de ojos púrpuras. The Witches es un film que vive en el recuerdo colectivo de todo niño nacido durante los 80 y 90. Bastaba con ir a un videoclub o prender la tele un fin de semana para encontrarse con la aventura de dos niños convertidos en ratones por una legión de brujas británicas, lideradas por la bruja mayor encarnada por Anjelica Huston, quien supo encantar tanto a Wes Anderson como a infinidad de cinéfilos. Y si bien todo aquel que guarde consigo a este film de Nicolas Roeg seguramente lo haga en la forma de un feliz y nostálgico recuerdo de la infancia, quizás se lleve una ligera decepción al volverlo a ver. El film en sí tiene una fuerte base perturbadora,

debido a que se trata de una adaptación de un libro de ese amante de lo inquietante y el humor negro que fue Roald Dahl. Sin embargo, es un desarrollo rítmico donde la historia comienza a perder su tono escabroso para ligarse a una narrativa que no sorprende desde la puesta y que se desliga de sus intenciones iniciales amoldándose a lo esperable por los niños y los padres. No es por nada que la inclusión de una bruja buena y el cambio del final respecto al libro halla desatado la ira de Dahl, convertido en brujo mayor, haciéndolo jurar que no volvería a permitir que se adapte en la pantalla otra de sus obras. Juramente que expiró con la muerte del autor y que permitió que se siguieran adaptando relatos suyos como la versión de Tim Burton de Charlie and the Chocolate Factory, Fantastic Mr. Fox de Wes Anderson y, la aún no estrenada, The BFG de Steven Spielberg. De todas formas, los recuerdos ligados a la infancia eran esos donde el espíritu de Dahl y la presencia del genio muppetero de Jim Henson, productor del film, más brillaban. Ambas figuras se expresan en lo

193 tétrico y el espanto causado por el séquito de brujas. Es por medio de las reglas que conforman a las brujas de Dahl y de la construcción de las criaturas de Henson que el film logra insertarse en la mente de uno y fascinar con terror al niño espectador, logrando que el film se vuelva imposible de olvidar. Todo lo que fascinaba a tan temprana edad aún persiste en The Witches. La idea de que estas brujas pueden pasar desapercibidas ante uno ya que su verdadero aspecto yace oculto debajo de pelucas, maquillaje, guantes y zapatos acrecienta el mensaje de cuidarse de los extraños. Estas diabólicas mujeres en realidad son calvas con sarpullidos ocasionados por la comezón causada por las pelucas, tienen muñones en vez de dedos en los pies, los de sus manos son extremadamente largos y la bruja mayor es una abominación pesadillesca. El film acompaña al mito de las brujas con las fantásticas invenciones de Henson que divierten y perturban por igual, sea el aspecto de las brujas como

la conversión de los niños en ratones. Conceptos, o reglas establecidas en esta visión sobre las brujas, como su repugnancia ante los niños, su deseo de destrucción de ellos o la captura de los mismos dentro de una pintura, creciendo en su interior hasta desaparecer, son ideas e imágenes de fuerte impacto que no son aptas para niños dentro de un film catalogado como apto para todo público. Sin embargo, son esas capturas del film que hace la imagen para guardarlas en su interior como niños en pinturas, las que, pese a las fallas de la obra de Roeg, logran que The Witches siga siendo encantadora de una forma muy perturbadora. El no poder disfrutarlo al máximo u obviar dichas fallas es parte de lo que no se conserva al revisitar ciertos films que marcaron nuestra infancia. Si incluso se pierde parte de la magia del cine al crecer entonces habría que seguir el ejemplo de Los Ramones. Ya bien lo expresaban entonces, “I don’t wanna grow up”.

EL SECRETO DE LA ETERNA JUVENTUD [ Por Nicolás Ponisio ]

Hocus Pocus es un film con un gran componente mágico en más de un aspecto. La magia no se limita únicamente a las brujerías de las hermanas Sanderson sino que el hechizo se extiende a la puesta en escena, la pintura, el uso de marionetas y los efectos digitales. Todos componentes que conforman en escala mayor el conjuro final: el imposible envejecimiento del film, y que si lo hace no deja que se note. La ópera prima de Kenny Ortega, famoso coreógrafo, es una continua muestra de potencial que más tarde se vería coartado por otras incursiones del director, tales como la trilogía de High School Musical y la inminente remake televisiva de The Rocky Horror Picture Show. Pero en el caso de Hocus Pocus, el film supo, y hoy en día aún lo sabe, hechizar al espectador sin restricción de edad. Claramente la trama está apuntada a los más pequeños, pero esto no hace a un lado el disfrute de los más adultos o que la historia tenga un contenido más escabroso. Sabida es la presencia de la muerte como una marca de la casa Disney, aquí no es excepción y ya en los prime-

ros minutos se acontece la muerte de una pequeña y el ahorcamiento de las tres hermanas Sanderson, quienes succionaban el alma de los niños para obtener juventud eterna. Siempre desde el lado del humor, el film de Ortega se atreve a incorporar ingeniosamente gags que en otro producto haría temblar a los padres si encontraran a sus hijos ante dicho material. Bromas sexuales, un zombie que pierde la cabeza (literalmente) o un gato atropellado por un autobús forman parte del encanto adulto del film sin desentonar con los elementos clásicos de un relato para niños. Las brujas Winifred (Bette Midler), Mary (Kathy Najimy) y Sarah (Sarah Jessica Parker) reúnen varios de los componentes que hacen querer al trío cómico pese a que sean las villanas de turno. La malicia de Winifred, la torpeza de Mary y la seducción tontona de Sarah funcionan como recursos físicos de la fórmula del film. El carisma de estas brujas del siglo XVII resucitadas en pleno siglo XX entra en un juego cómico tanto entre ellas como con la actualidad de ese 1993. La incomprensión de la fes-

195 tividad de Halloween (noche en la que vuelven a la vida), el temor a cruzar un camino asfaltado creyendo que es un lago negro o el tener que reemplazar sus escobas voladoras por un secador de piso y una aspiradora cumple con el tono desentonado de dos épocas que, de ser llevado a la actualidad presente no funcionaría con la gracia de un bruja utilizando un Smartphone. Es la presencia del ayer, no tan distante para quienes crecimos con la modernidad de los 80s y 90s, identificando las referencias combinadas con ese pueblo de Salem acartonado, de estudio, que denota su artificialidad en un pacto/juego con el espectador en el que la obra encanta y quien la observa se deja ser encantado. Así como los adultos de Salem son obligados a bailar por horas con un hechizo musical al ritmo de “I put a spell on you” (tema de Screamin’ Jay Hawkins interpretado por las hermanas prota-

gonistas), uno se ve obligado a ver y rever con el correr de los años la maldad en forma de gag de las brujas atrapadas en otra era. Y lo dice alguien que hizo pelota el VHS de verlo infinidad de veces. Con el correr del tiempo esa magia inicial muchas veces pierde su fuerza y se va diluyendo a medida que uno, como espectador, también pierde la capacidad de creer en ella. Pero es esa chispa que el film posee de modernización versus el ayer la que lo dota de vigencia, ya que esa rivalidad no busca tener a uno como vencedor. Es la combinación entre ambos, así como lo es el ver este film de hace 23 años en la actualidad (pasado y presente unidos una vez más) la que mantiene con vida a las hermanas Sanderson con una obra que alcanza lo que ellas intentaron mediante el robo de almas: juventud eterna… entretenimiento mágico sin lugar a dudas.

BRUJAS POST GRUNGE [ Por Jimena Patiño ]

De mediados de los noventa, más específicamente 1996, proviene The Craft, film de “terror” adolescente en donde cuatro jóvenes estudiantes descubren su bruja interna. Fue un gran éxito de taquilla y desató una especie de moda que con cada repetición semanal en la televisión parecía empujar a que las hordas de adolescentes fueran a encontrarse con su Wiccan más próxima. Bueno quizás no fue tan así, pero yo lo viví de esa manera. Este film puso de moda algo que en los noventas era muy habitual, como toda la movida New Age y de filosofías alternativas. Hablamos de que después de este film se posibilitaron series como Charmed que profundizaban la cuestión de las brujas y el poder de tres veces tres y no nos olvidemos de la intromisión de los personajes de Willow y Tara en Buffy, La caza Vampiros. Andrew Fleming, su director y co-guionista tiene la costumbre de hacer films protagonizados por mujeres jóvenes como Nancy Drew Y Dick pero en este caso quería contar una historia de cuatro adolescentes que descubren la magia y la brujería. Rochelle, Bonny y Nancy (Rachel True, Neve Campbell y Fairuza Balk) practican cánticos a escondidas de sus

padres y se sienten poderosas pese a que no obtienen resultado alguno de sus rituales hasta que una bruja “natural” aparece en su escuela y en su círculo. Sarah (Robin Tunney) tiene un don que ella misma desconoce, a veces hace que cosas extrañas sucedan a su alrededor… pero no sabe cómo canalizarlo. Su llegada a Los Angeles será el catalizador que disparará todo el conflicto del film. Andrew Fleming dota a cada personaje de un pasado algo traumático o una experiencia juvenil que les hace difícil continuar con su vida escolar: Sarah intentó suicidarse cortándose las muñecas y fue menospreciada por el chico popular de la escuela. Bonnie vive llena de cicatrices de algún horroroso incidente. Rochelle es discriminada y burlada continuamente por su color de piel y Nancy es pobre con una madre y un padrastro complicados. Fleming toma esas inseguridades y las vuelca en la obsesión con las que las jóvenes buscan una salida a sus conflictos. La brujería se vuelve el medio por el que pueden llegar a encontrar un sentido a sus miserias y la hermandad que entablan se transforma en un bálsamo para sus penas y la exploración de nuevos horizon-

197 tes. En ese sentido es un film inteligente que no es tan fácilmente catalogable como “terror” hasta que todo se desmadra y las brujerías del sábado a la noche comienzan a tener consecuencias en la realidad. Lo interesante de este relato es que se nota mucho el esfuerzo de su director por intentar darle un aspecto realista al “wiccanismo” que se observa en el film. Claro que la deidad que deciden invocar, Manon, es inventado, pero todos los cánticos y rituales fueron supervisados por una Wiccan real. Si a eso le sumamos una estética MTV (de los noventa) estamos hechos para vender entradas aunque nos califiquen el film con una R porque alguien a último momento decidió que tener “brujas adolescentes” sea bastante peligroso para la juventud puritana de Estados Unidos. En el film ellas son menospreciadas y rechazadas. Son marginales, pero a medida que se incrementa su poder y su dominio sobre ellas mismas, también se va modificando su aspecto y sus actitudes. Bonny pasa de ser una chica tímida cubierta hasta el cuello a una especie de adolescente enloquecida de hor-

monas y destapada, como dicen por ahí en el audio comentario el poder crece y las faldas del uniforme se reducen. Es como si el poder se manifestara en su confianza y en la seguridad con la que se enfrentan al mundo. En ese sentido el film ensalza positivamente el papel de la brujería como un camino espiritual positivo para las jóvenes que necesiten una respuesta a sus problemas. Sin embargo mientras Bonny y Rochelle solo solucionan problemas, Nancy lo lleva un paso más allá cuando decide invocar al espíritu de Manon y expandir su poder. Fairuza Balk se roba todas las escenas en las que aparece actuando como una bruja enloquecida y es lo más favorable que tiene esta película. Nancy es una psicópata con poderes incluidos y como si fuera Star Wars la lleva al lado oscuro convirtiendo la vida de Sarah (quien comienza a pensar en las consecuencias de tanta magia) en una pesadilla. La escena memorable del film es la alucinación en la casa de Sarah: Insectos, arañas, víboras y reptiles para tirar al techo invaden la propiedad y la pan-

talla. Uno se asombra por la cantidad de animales que la escena tiene y añora la época en la que no se recurría a tanto CGI para falsear la realidad. En ese aspecto los efectos moderados, se aplican con bastante inteligencia y no son tan terribles pese al paso de los años. Sarah logra sobreponerse, encontrar su centro e invocar al espíritu, después de todo, el poder siempre fue de ella y logra vencer a Nancy y sus ex amigas. Demostrando que no se dejará influenciar por relaciones toxicas en señal de superación y autoconocimiento. La música es muy importante para el film. No por nada la serie Charmed recurrirá al mismo cover de The Smiths de How Soon is Now? interpretado por Love Spit Love con su estilo tan noventero de guitarras grunge que se usa en una secuencia musical

del film. El film cuenta además con covers de canciones de Lennon y hasta canciones de Portishead, es un reflejo de la moda radial noventera alternativa que de vez en cuando nos agrada recordar en nuestra playlist de Spotify. Sin ser avant garde ni una joya del séptimo arte, The Craft se gana un lugar por haberle dado voz a una inquietud juvenil de una época acerca de las “artes oscuras y la hechicería” que va más allá de la mirada fantasiosa. Si bien es cierto que glamorizaba la brujería y la necesidad de un grupo de pertenencia pero, ¿acaso de búsquedas de pertenencia y aceptación no está hecha la vida misma? Ni hablemos de la adolescencia… sobre todo cuando podés hacer que tu enemiga las pague por malvada con un poco de magia de la vieja escuela.

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GITANA, ROBASTE MI ALMA [ Por José Luis Lemos ]

“A dónde van los gitanos, allí van los brujos, lo sabemos.” Viejo poema romaní. Drag Me to Hell (Sam Raimi, 2009) casi queda afuera de este dossier dedicado a la brujería por una razón muy simple: ¿las gitanas que lanzan maldiciones deberían ser consideradas brujas? Según afirma la definición tradicional, bruja es la que practica la hechicería, habiendo hecho un pacto con el demonio que le permite, entre otras cosas, volar montada en una escoba. Esta descripción se ajusta más a las brujas que vemos en, por ejemplo, The Witch, pero la denominación más apropiada para la encantadora anciana de Drag me to Hell sería la de shuvihani. La shuvihani –en rumano, mujer sabia- es una mujer respetada dentro de la cultura gitana, con el conocimiento suficiente en las artes ocultas como para lanzar bendiciones…o maldiciones. Al contrario que la brujas que todos conocemos, las shuvihanis no sufrían de persecución alguna y eran respetadas por su sabiduría…dentro del círculo gitano, claro está. Christine, la ¿heroína? de turno interpretada por Alison Lohman, se encuentra con una shuvihani en el lugar menos esperado: la oficina de préstamos en

la cual trabaja. Allí es visitada por Silvya Ganush, una anciana en bancarrota que pide una extensión para el pago de su hipoteca. Temerosa de perder su casa, la mujer llega a arrodillarse a los pies de Christine quien, presionada ante un inminente ascenso, decide negarle el préstamo y la empuja accidentalmente ante la vista de todos. La anciana, sintiéndose humillada, le echa una maldición que provoca que un demonio llamado Lamia acose a Christine de forma cada vez más violenta. Si el argumento les recuerda a otra película, es por que alguna vez se toparon con Thinner (Tom Holland, 1996) aquel film basado en una novela de Stephen King que acá renombraron como “Maleficio”. Allí el maldecido era un abogado obeso, quien luego de atropellar a una gitana es liberado por sus amistades en la corte. La justicia le llega en forma de una maldición que lo hace bajar de peso día tras día hasta ser un esqueleto andante. En ambos films la crítica social es evidente, enfrentando los códigos y valores de la comunidad gitana con

el inescrupuloso “sueño americano” que no se detiene ante nada en su afán de progreso. El capitalismo salvaje y el clasismo, de hecho, es el disparador del conflicto de ese cuento moral que es Drag Me to Hell: Christine pudo optar por darle el préstamos a la anciana, pero se niega a hacerlo ya que esto haría peligrar un puesto que le aseguraría la seguridad económica que desea su suegra, quien la ve como una campesina sin objetivos en la vida. Pero, más allá de estos apuntes sociales, no nos engañemos: la historia es una hemosa excusa para que Sam Raimi vuelva a las andadas. Ya en el 2000 se había acercado a la temática fantástica con The Gift, pero aquel interesante drama policial protagonizado por Cate Blanchett no solo le escapaba al terror temáticamente, sino también en estética: la cámara inquieta del tipo que nos había regalado la trilogía de Evil Dead se quedaba en su trípode, optando por un registro más tradicional tal como lo había hecho en Un plan simple y Por amor al juego. Drag Me to Hell significa el regreso al espíritu de clase B, al gore cómico y el desquicio visual al que nos tenía acostumbrados. Los efectos digitales hacen más inofensivos los chorros de sangre que salpican la pantalla de vez en cuando, pero tal vez se trate de uno de los films más desagradables de Raimi, solo por las secuencias relacionadas con la gitana: jamás una boca tuvo tan-

ta variedad de usos repulsivos en un solo film. En cierta forma, así como Peter Jackson le pidió prestada la estética a Raimi en sus primeros films, acá éste le devuelve el favor casi calcando una escena de Braindead en la secuencia del funeral gitano. Pero también se homenajea a sí mismo, haciendo referencia a la secuencia del ojo volador de Evil Dead 2. Y si estas referencias no suenan forzadas es porque Drag Me to Hell hasta podría ser un spin off de la saga de Evil Dead: reemplacen Lamia por Deadites y van a ver que es el mismo modus operandi de los demonios que torturaban al pobre Ash. Si hasta los objetos cobran vida y aparecen ojos de los lugares menos esperados… Al final, poco importa si Silvya Ganush es una bruja o una shuvihanis, o si es tan solo un estereotipo racista que Hollywood viene utilizando desde los años treinta. Y digo que no es importante porque lo que Raimi nos ofrece no es una cátedra de demonología, sino de ética. Y oculta, debajo de litros y litros de sangre digital, está la verdadera enseñanza de la película: los actos más viles no tienen que venir necesariamente de una anciana tuerta y con dentadura desagradable. También pueden aflorar en esa chica tímida y simpática que pareciera que no puede matar ni una mosca.

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VIVIENDO DELICIOSAMENTE EL CINE [ Por Nicolás Ponisio ]

Las brujas no existen pero que las hay, las hay. Y es que toda maldad, que haga o no uso de la brujería, se nutre y se lleva a cabo a través de diversas formas. En ocasiones, por medio de un ritual que no requiere de introducir ingredientes en un caldero, sino que son productos de uno mucho más imperceptible y del que todos formamos parte cual aquelarre: la vida misma. The Witch: A New-England Folktale (Robert Eggers, 2015) halla su receta de brujería en la forma de una familia puritana de mediados del siglo XVII. La misma es exiliada de su comunidad a raíz del fanatismo religioso que profesa, uno de los principales dos elementos que el film tomará como parte de su ritual. El segundo se refiere a la naturaleza y la hostilidad con la que se relaciona entre ella y el hombre. El naturalismo con el que son tratados estos dos factores, en especial el segundo, son causa y efecto de la identidad perturbadora que describe al film. La extremada idolatría que casi roza la locura, la presencia de deseos incestuosos y el maltrato forjado en el vínculo familiar, sin importar el contexto de la época, son causantes del infierno en la Tierra vivido por esta familia, particularmente sufrido en carne propia por Thomasin (Anya Taylor-Joy), la hija

mayor del matrimonio. Si bien el rostro de la chica protagoniza los afiches del film dando a entender que es ella la bruja a la que el título hace referencia, lo maléfico toma forma con el maltrato, la hipocresía y la imposibilidad de estos padres por saber cuidad de su familia. Son William (Ralph Ineson) y Katherine (Kate Dickie) quienes alejan a sus hijos de cualquier plantación cercana, lejos del cuidado y la civilización. Los niños son sometidos a la miseria de una tierra que no da frutos (símbolo también del acto de brujería), y aterrorizados con la presencia del pecado y la condena al poco tiempo de perder al hijo menor. Samuel, el bebé dado por muerto luego de desaparecer del hogar, está condenado al infierno al no haber sido bautizado. Esto, más que un castigo para la criatura, lo es para su hermano mayor, Caleb (Harvey Scrimshaw), quien padece el terror de la justicia divina. La represión y el castigo impartido por este matrimonio en el día a día no hace más que despertar la desobediencia y los impulsos de sus hijos mayores, tanto en el adentrarse a un bosque como en la curiosidad de una leve mirada a unos pechos nacien-

tes que comienzan a dejarse ver. En la soledad del terreno que los rodea es prácticamente imposible no pensar, decir o hacer algo que no vaya en contra de las reglas establecidas por la religión y la mirada castigadora del todo poderoso, en este caso la figura del padre más que la de Dios. El film de Eggers desde el título y los afiches pueden engañar a un público dispuesto únicamente a estar frente a una historia de horror y que buscan encontrarse con sobresaltos y violentas muertes con litros de sangre en pantalla. El director no recurre a estos pobres recursos al que el género se ha acostumbrado más y más con el correr de los años, logrando bastardearse a sí mismo. Lo cual lejos está de significar que el resultado que ofrece no sea uno de los más terroríficos de los últimos años. Hasta entonces la película contemporánea más espeluznante seguía siendo Sinister de Scott Derrickson, e incluso aquella recaía inevitablemente en algunos trucos de eficiencia barata. Pero con The Witch, el foco se halla en un drama familiar de época que, gracias a su sencillez y al uso inquietante de la narración, se sufre e importa aún más. Cada uso de los espacios, la construcción de ambientes y planos, todo lo que rodea y hace crecer a la narración, se desarrolla paulatinamente con una excelencia pocas veces vista. La naturalidad, el ambiente de campo son sinónimos de maldad en términos visuales. El uso del aterrador bosque, las ramas y raíces que se interponen cubriendo maléficamente la imagen o la figura de los personajes, la calidez de la luz de las velas que deja más lugar a la negrura devoradora que a los personajes en pantalla casi imposibles de divisarlos claramente. Esos aspectos acrecientan el calvario vivido por estas personas, nacidos naturalmente de los hechos y la cualidad pictórica del film. La figura de la bruja adentrándose en la poderosa luz de la luna, la madre amamantando un cuervo o la posesión sufrida por Caleb (quizás la mejor escena), son ejemplos de belleza visual que deleitan a la vez que horrorizan. La mayor sensación de malestar puede ser ocasionada por la obra

más hermosa. Ésta sin lugar a dudas lo es y sino que me maldigan. Dentro de la naturaleza, cabe mencionar también a los animales. Cuervos, conejos y perro desprenden de sí esa maldad que por momentos es difícil de establecer si logra estar en ellos desde siempre o se presenta como si la recibieran también de parte de la familia. Esa ambigüedad simbólica se llega a despejar con la presencia del animal estrella del film: Black Phillip. Una cabra tan negra como los planos que carecen de cualquier alcance de luz. El animal aunque no lo notemos por momentos, está presente en pantalla casi tanto tiempo como los miembros principales de la familia. Si no se encuentra en su corral, se haya correteando a los pequeños niños gemelos, los menores de la familia. Y a pesar de estar jugando, es difícil no temer lo peor de una figura tan oscura y simbólicamente malvada. Basta con tan solo oírla balar para que una fría sensación recorra nuestro cuerpo. Ni mencionar si la oyéramos pronunciar palabra. Esta presencia de horror nacida de la figura de los animales por momentos llega a recordar otro drama de horror perteneciente a la década pasada. Antichrist (Lars von Trier, 2009), aborda el tema de la brujería desde una posición más ligada a la misoginia. Pero también recurre al bosque, la lejanía de la sociedad y la presencia de animales para atormentar a sus personajes y perturbar al espectador. Eggers no necesita que nadie lo diga en pantalla, pero el caos reina de la forma más horrible. Y quizás solo eso se precisa para que la existencia de las brujas y el diablo como tales exista. El sufrimiento, la locura y el aislamiento de toda sanidad posible no hacen más que poner a sus víctimas al borde del quiebre espiritual. En el momento requerido, la conversión al mal más puro se abre paso cual tentación. Sea una sensual figura femenina habitando la espesura del bosque o el ofrecimiento de una vida nueva. Difícil no caer en la tentación de servir al Diablo cuando un film como The Witch nos hace vivir deliciosamente el terror.

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EL ESCRITOR SERIAL

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AMOR EN TIEMPOS DE NETFLIX [ Nicolás Ponisio ]

¿Quién no se habrá cruzado con un Gus o una Mickey alguna vez en la vida? Y de no ser ese el caso, al menos uno se puede encontrar en la piel de ellos, reflejados a través de acciones, relaciones y una paleta de comportamientos catalogados debajo de una palabra de cuatro letras: Love (amor). No seremos ni Gus ni Mickey pero, en mayor o menor medida, podemos hallarnos en ellos. La comedia romántica de Netflix producida por Judd Apatow, quien fuera en gran parte el fundador de la denominada nueva comedia americana, satiriza sobre las relaciones humanas con el tan marcado humor del director de The 40 Year Old Virgin (2005) y Knocked Up (2007). Un retorno a las bases que recupera su mejor estilo sin necesidad de excederse en la duración limitada de un film. El sexo, las drogas y sobre todo la amistad, son los temas que siempre han interesado a Apatow a lo largo de su

filmografía. Estos temas son desarrollados con un tono que, gracias al humor y a la improvisación de diálogos (que en ocasiones suele pasa de ser un recurso a simplemente un abuso), da la sensación de estar ante un producto realizado entre amigos para amigos y a la vez, que goza de una impronta naturalista. Todo pareciera darse gracias al realismo que se siente y se observa como en una suerte de interrelación entre la realidad detrás de las cámaras y la ficción del film, o en este caso serie. Más allá de los estereotipos que esta clase de comedia puede sufrir, y sí que los tiene, no son ellos los que determinan el camino a seguir de su primera temporada, ya que estos son en parte aplacados por la descripción de las relaciones amorosas centrada en la pareja protagónica y también en los diferentes personajes secundarios que la acompaña. Todo lo bueno y mayormente todo lo malo se encuentra

expuesto en Love, siendo lo segundo lo que impulsa desde el inicio a los personajes y los que los encuentran a la deriva de la vida misma en repetidas ocasiones. Gus (Paul Rust, también co-creador, productor y guionista de la serie) es un sujeto bastante tímido que se encuentra en su treintena, un tutor de jóvenes estrellas durante la filmación de la serie de horror Wichita. Algo nerd, divide sus ideas entre su trabajo, el sueño de que un guión suyo tenga la oportunidad de realizarse, juntadas con amigos para componer inexistentes canciones de créditos de películas y el reponerse a la infidelidad y la separación de su más reciente pareja. El típico chico bueno, ese que tantas veces por su cualidad de dulce se ha visto en la cotidianeidad de los días atrapado entre las burlas que señal su rareza o las mujeres que tienen en él todo lo que tantas veces se han quejado de no encontrar en otros hombres, y que sin embargo se ven imposibilitadas a verlo (o vernos) con ojos de deseo y solo se lo ve relegado a ser un amigo más. Por otro lado tenemos a Mickey (Gillian Jacobs), recientemente separada de su novio, un sujeto más interesado en la cocaína que en ella, que trabaja en la programación de un programa radial sin preocuparse demasiado por nadie, mucho menos por

ella. Trata de mantenerse lejos del alcohol, sin éxito. Trata de no consumir drogas, también sin éxito y, principalmente como ella misma se define, es una adicta al sexo y al amor. Su incapacidad de estar sola, de poder hallar cariño ni siquiera consigo misma es una de las mejores construcciones, en cuanto a personajes, que la serie posee. Love logra con gracia, y despertando un cariño especial por ella, una radiografía de personas y situaciones conocidas hasta el hartazgo pero que generalmente no son sinceras o se ven edulcoradas por otras ficciones colegas (algo que se ve traducido de manera formidable en el segundo episodio durante una escena en la que Gus arroja todos sus blurays por la ventanilla de un auto). El darse la cabeza contra la pared, el cansarse de quedar como “el chico bueno”, el nivel de ansiedad que se vive al empezar a conocer a alguien, los límites hipócritas instalados socialmente que en primera instancia de una relación pueden verse como gestos dulces de interés y que, cuando una de ambas partes pierde interés, son descritas como actitudes dignos de una persona no muy cuerda. Todos esos elementos son tan parte de Gus y Mickey como del espectador. La serie es honesta con cada aspecto de un sentimiento tan universal

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como la palabra misma que lo describe. Y por ello es que los personajes son amados y odiados por igual. Nuestra empatía hacia ellos tiene sentimientos encontrados en situaciones como una cita incómoda como la que tienen Gus y Bertie (Claudia O’Doherty) la compañera de cuarto de Mickey, el eterno histeriqueo provocativo trasladado a una escena de sexo donde el rol del hombre es hecho a un lado por la presencia de un consolador, o el nerviosismo que se pasea entre el triste sentimiento de no existir para el otro y el vengativo e innecesario acto de infidelidad. Como una suerte de estado amoroso, Love funciona en principio como esos primeros momentos de una relación donde nos gusta todo del otro, es así como nos encariñamos tan de pronto con los personajes de Gus y Mickey, pero a medida que se suceden los episodios se comienzan a notar más a fondo sus miserias y actitudes molestas no solo entre ellos, sino también su manejo en la vida para con sus colegas y amigos, siempre aportando dos miradas sobre cada aspecto, en este caso trasladado en la relación de convivencia entre Mickey y Bertie y la laboral de Gus con Aria (Iris Apatow), su alumna en el set de Wichita. Una caracterizada por el egoísmo de Mickey, la otra denominada por el compañerismo fraternal. Los pros y contras de cada uno se hallan

en una relación reflejo constantemente. Los estereotipos del chico dulce y la chica desastre no solo se atienen a cada uno singularmente. A su modo, Gus también tiene mucho de chico desastre y Mickey de chica dulce. La diferencia reside en quién puede verlo, si es que llegan a poder hacerlo. Se los quiere, se los odia y se los vuelve a querer. A diferencia de esas relaciones donde el lecho de rosas ha sido dejado atrás y ya no hay otro cariño más que el de estar acostumbrado al otro, el no poder habituarse nuevamente a estar sin alguien al lado o al finiquitar dolorosamente una relación que nunca será recuperada, la serie de Apatow contiene cada aspecto de esos sentimientos en pos de enfrentarnos a ella con el cariño de esa primera vez, el odio de los peores enojos y el amor de redescubrir el encanto siempre presente, aunque a veces no se note, de esa persona tan especial. En un juego de histeriqueo que sobrepasa a la trama y se ve intensificado en el espectador y su empatía con los personajes, deshojamos margaritas en un te quiero, no te quiero para descubrir que estamos ante una serie que definitivamente se hace querer… y mucho. Se atestigua la relación entre Gus y Mickey a la vez que comenzamos a formar la propia con la serie. Definitivamente esto puede ser amor.

PURA MELOMANIA

Lata de Sorpresas Can – Unlimited Edition (1976)

[ Por Gabo Rojo ]

¡Un disco de rarezas de una de las bandas más extrañas del mundo! ¿Qué podemos esperar? Nada convencional, eso seguro. Originalmente editado en 1974 como Limited Edition y luego expandido y retitulado en 1976, el álbum contiene 19 piezas grabadas entre 1968 y 1975. Por lo tanto, abarca desde los comienzos de la banda hasta toda su época de oro. A lo largo del mismo se encuentran varias “Ethnological Forgery Series” (EFS,) breves interludios experimentales sin terminar, que van desde el ruido casi total a una plácida zapada sobre una base de blues (casi) tradicional. “Cutaway”, si bien aparece como un tema de 17 minutos, es en realidad una secuencia de estas improvisaciones de estudio, hábilmente conectadas por la magia de la consola de Holgar Czukay (en una parte hasta se escucha a un miembro de la banda rogándole a Czukay que afine su modulación al tono de las guitarras- “es sólo sentido común.”) Las grabaciones con el mítico frontman Damo Suzuki son aún más volátiles y fragmentadas que las que aparecieron en los álbumes “oficiales.” En varios temas, por otra parte, se escucha al vocalista original de la banda, Malcolm Mooney, antes de su colapso nervioso y partida de la banda por recomendación de su terapeuta (!) “Connection” es lo más cercano a una canción de Rock “normal” en el disco, y fue seleccionada por Franz Ferdinand para su compilado Late Night Tales, otra prueba de cómo prácticamente todas las facetas de Can sirvieron de influencia a incontables bandas. “Fall of Another Year” es más oscura y groovy, con una no del todo articulada, y por este motivo quizás más interesante, reflexión sobre el estado del mundo: “The few people that are turning the world are moving ever faster… will politics ever end?”. Peroes en la narración improvisada de “The Empress and the Ukraine King” donde sale a

la luz uno de los aspectos clave de Can: más allá de todo el espíritu experimental Avant-Garde y la prodigiosidad de sus músicos, la banda nunca se vuelve de interés meramente académico – siempre suenan como si se estuvieran divirtiendo. Los puntos álgidos del álbum son un par de temas instrumentales. “Gomorrah” abre el disco de forma sutilmente épica, sonando como un adelanto del Bowie de Berlín interpretado por una banda de Jazz Progresivo. “Trascendental Express” empieza como una combinación proto-Ambient Orientalista y termina con un ritmo frenético que podría formar parte de la música tradicional de una cultura futurista. “Ibis” es otro viaje de nueve minutos que quizás tuviera más salida comercial hoy día que hace 40 años, si formase parte del repertorio de algún artista como St. Germain. En resumen, debido a su naturaleza, este no es el mejor disco de Can para alguien que recién empieza (se recomienda empezar por Future Days, Tago Mago y Soundtracks,) y algunas piezas a medio terminar probablemente no aguanten escuchadas repetidas, pero la cantidad de temas de primer nivel lo vuelven esencial para cualquiera que ya se encuentre interesado en la banda. E incluso en sus momentos más inconclusos, todo en Unlimited Edition, aún a tantos años de su lanzamiento, resulta una bocanada de aire fresco y una caja (o mejor dicho lata) de sorpresas.

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El más rústico y original The Cure - “Staring At The Sea: The Singles” (1986)

[ Por Alex Bretto ]

Si analizamos el perfil musical de The Cure en sus primeros años, estamos hablando de una banda básicamente post-punk, estilo al cual se pueden asociar otros artistas contemporáneos de la escena británica como The Damned o Siouxsie & The Banshees. Con los años el post-punk dio lugar al rock gótico con el cual es más fácil de identificar la imagen que dio fama mundial al grupo, caracterizada por peinados con abundante spray, labios saturados de rojo carmesí, ojos delineados y rostros blanqueados que se movían en ambientes tenebrosamente oscuros y algo sofocantes. Si a esto le adicionamos el espíritu festivo (aunque siempre introvertido) con que Robert Smith quiso imprimir algunas de sus canciones de principios de la década del 80, logramos el equilibrio perfectamente representado en “Staring At The Sea: The Singles”. Compilación infaltable para todo aquel que quiera jactarse de tener una mínima noción de la producción de ésta banda, “Staring At The Sea” es un muestrario de los primeros hits de The Cure de fines de los 70’s y primer lustro de los 80´s, cuando el under inglés ya los aclamaba y USA estaba demasiado ocupada poblando los rankings de Billboard con un sonido pop más convencional para la época. Vale aclarar que la versión originalmente editada en vinilo llevaba el nombre de “Standing On A Beach” y contaba con 13 tracks, mientras que la versión que comentamos en este espacio es la editada en CD bajo el nombre de “Staring At The Sea”, y cuenta con 17 tracks. Es un lanzamiento bastante completo ya que incluye singles de sus álbumes editados, algunos hits que solo se habían editado en su extraña colección titulada “Japanese Whispers” (como “The Lovecats”, “The Walk” y “Let’s Go To Bed”, el primero de los

cuales fue su primer top ten en UK), y algún sencillo no incluido en otro álbum (como “Charlotte Sometimes”). A la vieja usanza, el track list propone un orden cronológico que siempre es útil a la hora de examinar la evolución de un artista, ofreciendo una recorrida tan dispar como entretenida que abarca los tintes sombríos de “Charlotte Sometimes” u “Other Voices”, cuestiones existenciales en “Killing An Arab”, el dark wave de “A Forest”, pop electrónico en “The Walk” y “The Lovecats” (este último a ritmo de jazz), melodías irresistiblemente bailables como “In Between Days”, pesadillas infantiles de Robert Smith en “Close To Me”, y hasta un cierre a todo 80´s style con un solo de saxo tan típico de la época en “A Night Like This” (nada que envidiarle a Tina Turner o Bruce Springsteen). Quizás valga aclarar que este no es el The Cure que conquistó todas las radios del mundo de la mano de megahits como “Just Like Heaven” o “Friday I´m In Love”, sino el más rústico y original, sin desmerecer la brillante producción que el grupo generaría en años posteriores. Es un primer acercamiento a los años más oscuros y al sonido más lúgubre que supo cultivar The Cure en ese entonces.

Cambios de ánimo The Cure – Wild Mood Swings (1996)

[ Por Diego Centurión ]

Es raro hablar de un disco tan dispar de la banda de Robert Smith y buscarle el lado positivo (que los tiene) y no caer en el facilismo de quedarnos en lo desparejo de este trabajo. Lo cierto es que este álbum abrió el camino para un trío de base (Bajo, guitarra y batería) que perdura en el tiempo hasta hoy, pasando por varias formaciones y formatos. Con los veinte años de la banda (recordemos que The Cure nació en 1976) la banda se encontraba en una encrucijada como pocas veces fue sometida la integridad de The Cure. Por un lado la banda venía del éxito de su antecesor “Wish” (1992), con una maravillosa gira, el “Wish Tour”. Luego de esa extensa gira la banda quedó maltrecha, Simon se enfermó, Porl Thompson y Boris Williams se habían ido de la banda. The Cure era Robert Smith y Perry Bamonte. Para graficar el estado de la banda hay que pensar solamente en el nombre del álbum, “Wild Mood Swings”, que significaría algo así como “cambios de ánimos drásticos y repentinos”, como me explicaba mi amigo Bernardo Jiménez Mesa. Por lo tanto no podemos esperar un disco perfecto. Pero si con varias gemas que no podemos olvidarnos. Lo que quedó de la banda tenía que hacer algo, así que esperaron la recuperación de Simon y volvieron a repatriar a Roger O’Donnell. “El baile de los bateristas” empezó, pero esta vez casi simultáneamente con la grabación de este álbum y algunas tomas de esas pruebas quedaron en los tracks finales, por ejemplo podemos escuchar a distintos bateristas y, obviamente al que fue seleccionado, Louis Pavlou (Pink Turns Blue) en "Club America"; Ron Austin (The God Machine) en "This Is A Lie"; Mark Price (All About Eve, Del Amitri) en "Mint Car"; "Trap" y "Treasure"; y el que finalmente quedó en el puesto Jason Cooper en el resto del álbum. El álbum tiene esto de subir y bajar emocionalemente, un track arriba y otro que enseguida nos

baja, hay momentos más rockeros y otros más profundamente intimista, canciones livianas e inocentes y otras oscuras y cargadas de sentimiento. La apertura del álbum con "Want" nos hace recordar inmediatamente a la atmósfera del álbum anterior Wish, con esas guitarras distorsionadas pero densas y cargadas de emotividad y el bajo de Simon que llena de oscuridad al track. La percusión de Jason me hace a acordar a “In Between Days”, en donde el nuevo baterista se imponía diciendo "este soy yo", como demostrando el inicio de una nueva era. Y más allá de las lógicas comparaciones con Boris Williams y todo eso que me ha llevado años quitármelo de la cabeza, hoy a la distancia puedo disfrutar de lo que hizo Jason en este álbum. “Club America” me hizo acordar a “Harold and Joe”, aquella canción que aparecía como Lado B de “Never Enough”. Por la voz grave de Robert, aunque la canción de este álbum es mucho más aguerrida y tiene el sonido del redoblante agudo y tajante, muy típico de las bandas alternativas de los años noventa. Un sonido rockero y estridente que ya nos habían mostrado en Wish. En tercer lugar llega una de las joyas de este álbum, “This is Lie”, canción que nos devuelve la profundidad lírica de un Robert inspirado y un sonido melancólico marca registrada de la casa. El arreglo de cuerdas es simplemente emotivo. Luego llega el corte que despistó a los fanáticos, y del que me ocupado en el número anterior. “The

213 13th”, aquel que nos dio el nombre para esta revista. Luego la tibia “Strange Affection”, que queda a medio del camino de canción alegre. “Mint Car” trae esa alegría y optimismo de un Robert enamorado. “El sol está encima, soy tan feliz que podría gritar…”, ya con esa frase Smith nos plantea que está feliz y seguirá así toda la canción.”Jupiter Crash” es otra buena canción de este trabajo, la melancolía vuelve a aparecer, para que no estemos siempre tan arriba y alegre. Poesía simple y hermosa. “Round & Round & Round” otra canción de esas que podrían haber sido un lado B, insulsa y carente de emoción, tampoco marca una alegría como “Mint Car”. “Gone!”, es un raro intento jazzero al estilo de “Lovecats”, pero sin el resultado obtenido por el single de los años ochenta. Otra de esas canciones que tiran para abajo un álbum que podía haber sido mejor. “Numb” hace que empiece uno de los puntos altos del álbum. Uno de los mejores estados de The Cure es cuando se ponen melancólicos, en este campo, no hay nadie que pueda con

ellos. Una canción que merodea sonidos de violines que emocionan, y las guitarras casi fantasmales van dibujando un panorama en donde Robert habla de desesperanza en tercera persona, algo que no suele hacer. “Return” levanta la tristeza y abre con la frase “Me encanta estar aquí…” otra muestra de que la diversión vuelve a sonar en este disco. Quizás en la onda de canciones como “How Beautiful You Are”, por nombrar la que se vino a la cabeza. Simple, directa y cargada de optimismo. “Trap” nos vuelve a cargar de pop, pero con una letra de enojo. Y el cierre de este álbum es simplemente magistral, “Bare” es una bellísima canción, cadenciosa y emotiva, que no me deja de asombrar después de tantas escuchas, cerrando el álbum de manera brillante, con una de las mejores canciones de The Cure en toda su carrera. La canción me invita a explayarme sobre este sentimiento que me produce esta canción, pero… Eh… tengo que parar de escribir, poner la canción y tocarla, perdón….

La excelencia hecha canción Soundgarden- Down on the Upside (1996)

[ Por Pablo Ravale ]

Chris Cornell, Kim Thayil, Ben Shepherd y Matt Cameron tenían la partida ganada. Junto a Alice in Chains, fueron la mejor banda del Grunge. Contaban con la admiración de varios de sus colegas (Robert Plant, Axl Rose, Pearl Jam, los propios Alice In Chains, Jeff Buckley, Tool, Monster Magnet, Pantera, Corrosion Of Conformity, Kyuss), de la prensa y de miles de fans en todo el mundo, y se puede decir que eran el grupo más sobresaliente de Seattle. Su carrera hasta 1994 había sido intachable, superando el paso de la independencia de Sub Pop y SST a una

y los consagraba ahora como lo mejor de los mejores, amén de

multinacional como A&M con naturalidad, y contaban para col-

convertirlos en una banda mucho más madura y virtuosa, téc-

mo con una discografía inmaculada, rubricada por Badmotor-

nica y compositivamente hablando. De todos modos, si Supe-

finger, una de las referencias del género.

runknown representó lo que muchos entenderían como el cenit

De esta manera, Superunknown había subido la apuesta

del Grunge, fue con su sexto disco Down On The Upside (tradu-

cido al español: “Depresión en la Cima”; título que se desprende

nos criticaron en su momento– lograron todo un soplo de aire

de una frase de la canción “Dusty”) en que ellos, sí, ponen punto

fresco en su propuesta, haciéndose, no sólo todavía más refi-

final a una época y a un estilo, aunque a lo grande… desde ya.

nados, sino también casi perfectos. Por consiguiente, al escu-

Analizando los temas de Down On The Upside, podemos

char uno canciones de la talla de “Pretty Noose”, “Rhinosaur”,

decir que sin llegar a la crudeza apocalíptica de Badmotorfin-

“Zero Chance”, “Blow Up The Outside World”, “Burden In My

ge, ni tampoco quedándose en ese aire crepuscular y psicodéli-

Hand”, “Never The Machine Forever”, “No Attention”, “Tighter

co que tenía Superunknown, parieron una obra soberbia don-

& Tighter” o “Switch Opens”, cómo no caer rendido ante tal de-

de, por un lado, priman los cortes hard-rockeros (entendido en

mostración de poder y belleza; cómo no dejarse maravillar por

ellos como un rock guitarrero potente y directo, con un sonido

esa muralla de riffs que elevan nuestros oídos y nuestra razón

espectacular propio del virtuosismo y el enorme talento de cada

hasta el mismísimo Olimpo.

uno de sus miembros), y, por el otro, las canciones de estructu-

De cualquier forma, y pese a su carácter luminoso, se res-

ra ambiciosa y compleja, aunque siempre dándole relevancia a

pira cierta opresión en los temas más sombríos. No obstante,

las melodías y a la voz por encima de los riffs.

siendo “Down On The Upside” una obra tan monumental, nada

Así las cosas, y basándome en el resultado final del disco, puedo afirmar que con aquella vuelta de tuerca –que algu-

dentro de ella puede concebirse o pasar por aburrido, por más lánguido o experimental que suene. Uno de mis favoritos de toda su carrera.

Caos y Suciedad Ministry- Rio Grande Blood (2006)

[ Por Pablo Ravale ]

Ministry pasó por dos etapas antes de llegar a su fase final: la del techno oscuro de sus comienzos (“Twich”), al rock industrial machacón (“The Land Of Rape And Honey”, “The Mind Is A Terrible Thing To Taste”), para luego, sí, derivar en lo que es la “metalización” absoluta de su sonido. Yo personalmente prefiero la época más tardía de los americanos, es decir, la más cañera, salvaje y thrasher (“Psalm 69”, “Filth Pig”, “Dark Side Of

candente marcialidad. Toda una atrocidad incendiaria que des-

The Spoon”, “Animositisomina”, “Houses Of The Molé”). Así

emboca en un solo de no menos calidad. El tío Al (Jourgensen),

las cosas, en mayo de 2006 aparece Rio Grande Blood, que es el

a todo esto, canta con una voz completamente distorsionada.

segundo álbum de una trilogía de discos anti-George W. Bush (comenzada con Houses Of The Molé, en el 2004).

Tras “Rio Grande Blood ” viene la cañera “Señor Peligro”, de menos cilindrada pero sin bajar el nivel de calidad. Las gui-

Hablar entonces de Rio Grande Blood es referirnos a una

tarras suenan impresionantes, amenazadoras y el solo súper

nube de gritos y distorsión. De hecho, la pieza inicial, la que ti-

original. Una curiosidad es que el tema es un apoyo a Hugo

tula la placa, no tarda en dar indicios de esto que afirmo: su riff

Chávez, difunto presidente de Venezuela (enemigo político de

principal se muestra como un mecánico arquetipo del indus-

George Bush), donde una voz latina (Isaías Martínez) emula a

trial más corrosivo mientras la batería machaca con una veloz y

los típicos mensajes del fallecido presidente cuando se refería

215 a Bush. Luego toma el control “Gangreen”, irónico homenaje a

da un cambio de atmósfera total, sostenido por unos teclados y guitarras más versátiles.

los marines de los Estados Unidos (¡mirar las letras, por favor!).

“Palestina” se muestra más punk, aunque con unas guita-

Una canción que a nivel instrumental resulta lenta, rara, dota-

rras, como es de esperar, muy distorsionadas. Los tempos son

da de ritmos extraños, pero que con esos cortes que son algo

secos y poco dinámicos, no obstante, también arrolladores. “Ass

habitual en Ministry, se vuelve un punto positivo en el álbum.

Clown” nos conduce al próximo e inevitable final. Corte mega

“Fear (Is Big Business)” surge poco a poco creando atmósfera con todos sus elementos industriales hasta que al final

industrial, crudo y mecánico, de desarrollo lento, pero a la vez atrapante.

acelera. Paul Raven (de Killing Joke, Murder Inc. y Prong) se

“Khyber Pass” tiene un aire árabe que vuelve al último

despacha una línea de bajo tremenda que, sumada a la potente

tramo del álbum una experiencia más sosegada y mística. Tras

batería programada y los riffs que se afilan tanto Mike Scaccia

esto se alza, en tanto, un silencio que seguirá apoderándose del

como Tommy Victor (también de Prong), crea un ritmo aplas-

disco durante los tracks 11 y 12, aunque en el decimotercero y

tante y demoledor.

definitivo, volvemos a oír al Sgt. Major de “Gangreen”, que nos

“Lies Lies Lies” llega más prototípica, con estribillos a

dedica unas palabras finales.

lo Marilyn Manson, y riffs heavies y dinámicos, de buenos rit-

En resumidas cuentas: un disco enorme. Con muchos ma-

mos… un acierto total. “The Great Satan”, por su parte, arremete

tices, muchos ritmos, pero, por sobre todo, muchos arreglos.

también muy trasher constituyendo un tempo devastador que

Un trabajo recatado en exceso, pero de fácil escucha y análisis.

se recrudece todavía más cuando entra el solo de Mike Scaccia

Un álbum crudo, de esos que te dejan una sensación de caos y

y prepara el tema para ser continuado por “Yellow Cake”, que

suciedad impregnada. Nueve puntos, tío Al.

Todo un Continente Robin Guthrie - Continental (2006)

[ Por Diego Centurión ]

Hablar de un trabajo que incluya a un Cocteau Twins, es para mí, un acto de amor y no sé si habrá alguna vez que pueda hablar mal de un trabajo de alguno de sus integrantes. Es verdad si se piensa que el fanatismo a veces no deja espacio para la crítica. Pero resulta que hablar de estos músicos, significa hablar de personas que se toman el tiempo para editar algún material, algunos de ellos, demasiado. Pero Robin es el que más ha lanzado material y el que más activo estuvo desde el fin de Cocteau Twins. Luego de una apertura que condiciona mi mirada sobre Continental, hay que decir que Robín Guthrie ha logrado una mar-

mentales suelen jugar en mi mente con oníricos momentos en los que la voz de Elizabeth Fraser pide hacerse presente, pero enseguida sé que no será así.

cada influencia en los guitarristas shoegazer o ambientales (léa-

Pero no es que lo que haga Robín Guthrie sea igual a Cocteau

se también dreampoperos). Las energéticas mareas que nacen

Twins, pero si podemos entender que el sonido de Cocteau era

de sus acordes y sus efectos logran envolver al oyente en un espi-

un 50% potestad de Robin.

ral de sanidad y belleza como pocos guitarristas pueden lograrlo

Ahora bien, Continental es el segundo disco solista de Gu-

(comparable tal vez con David Gilmour). Sus canciones instru-

thrie, el primero había sido el magistral “Imperial” de 2003. Y

en el medio hay una banda sonora. Para hablar de Continental, nos hundiremos en un viaje interno en donde cada canción juega su papel.

mo ni se rompe la armonía, lo que si se ensucia como si nubes mancharan el paisaje estrellado."Radiance", comienza mágica y se eleva ante cada capa del arpegio de la guitarra. Un halo de

Este álbum abre con el que le da título al trabajo, "Continen-

melancolía inunda la canción con el ritmo y las guitarras que se

tal". Las guitarras del comienzo recuerdan a la apertura de "Vic-

van sumando. "As I Breathe", empieza como una continuación

torialand", pero a medida que va incrementando el ambiente,

del track anterior. En donde el otro nos dejó, este nos retoma y

el aire se vuelve más etéreo y con el ingreso del ritmo y otra gui-

nos vuelve a hacer subir a un carrusel armonioso, pero de re-

tarra más fuerte, le dan armonía al despegue del disco. "Con-

pente aparece una guitarra que nos saca de la comodidad y nos

quering The Romantic" empieza suave y armoniosa, un traba-

lanza al espacio exterior pero con sutileza. Sin perder la calma

jo de guitarras que crean una atmósfera climática y relajada.

nos va llevando de viaje hacia la última salida. "Last Exit", es la

Profunda y para una noche lluviosa o brumosa."Crescent", una

última salida al espacio exterior, mientras el piano nos recuer-

magistral manera de acunarnos suspendidos en una nube bri-

da hermosas canciones de los Cocteau, las guitarras nos hacen

llante y llena de armonías sublimes, que cuando entra la batería

elevar hacia lugares impensados por la mente humana. Sin du-

se vuelve un tanto shoegaze, pero no nos deja de acunar. "Mo-

das esta es la canción donde más extrañamos a Liz. El ambiente

nument", es la profundidad marina hecha canción, con esos to-

armonioso sería el agua para que se deslice la voz de Elizabeth.

rrentes de agua que emanan los acordes que se entremezclan

Una de las más bellas composiciones de Robín hasta este tra-

y se unen en una tonalidad perfecta y armoniosa. "Amphora",

bajo. "Pale" es el final de este viaje. Mántrico y energizante co-

empieza oscura pero al entrar la guitarra todo se vuelve brumo-

mienzo, sutil, plácido y misterioso. El cierre es climático y cuan-

so y celestial. Es imposible no pensar o soñar con la voz de Eli-

do entra la base, ritmo y bajo, parece una corriente Marina que

zabeth apareciendo, pero sabemos que no va suceder. Por más

nos arrastra hacia lo más profundo del océano. Y nos lleva de

que nos pese así será. "The Day Star", brillante canción, no hace

viaje de vuelta al continente. A todo un continente que espera la

otra cosa que pensar en una secuencia acelerada de la salida de

nueva partida, el nuevo "play it all again and again and again".

las estrellas en el anochecer, como que van apareciendo lentamente y mostrando su brillo antes cada acorde. Al entrar el rit-

trial más corrosivo mientras la batería machaca con una veloz y

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New Deutsch Various – New Deutsch

[ Por Erick R. Vieyra ]

Para principios del siglo XX se encuentra a plenitud un auge

distribuía en algunos espacios de Internet hechos melómanos,

de lo mal denominado Retro; ¿nostalgia o reconocimiento de

principalmente en blogs. Existirá quien vaya más allá y entien-

que ya se ha hecho lo que las capacidades humanas podrían

da la impresión Retro como una suerte de reconocimiento del

realizar?

fracaso de la música contemporánea o del fracaso de la innova-

La lista es ya considerable; Silent Signals, Dicky Design, New Science, Martial Canterel. El trabajo de Veronica Vasicka da

ción en los tiempos modernos, una afirmación de que ya se ha hecho todo.

cuenta del inventario que partiendo de Second Layer, Trick 17,

Nuevo Alemán (New Deutsch) es un compilado lanzado por

Zed o Solid Space, conglomera las luces de Neo Minimal Wave

International Deejay Gigolo Records en junio del 2003, se com-

que entra en escena junto con el Post Punk Revival, el Neo Dea-

pone de 24 temas de música electrónica; algunas agrupaciones

throck, etcétera. Una revisión en la base de datos de bandcamp

que aquí aparecen tuvieron una existencia efímera y otras aún

sirve como ejemplo de cómo ediciones que en su tiempo fueron

continúan activas. Se trata de Neo Minimal Wave al estilo que

limitadas a 100 copias ahora pueden ser adquiridas a precios

permeo los Clubs en 1978-1983, el Minimal europeo abstrac-

razonables, de cómo se han fundado pequeñas casas discográ-

to y, como declara su nombre, que rescata trabajos de músicos

ficas encargadas de reeditar lo que hasta hace unos 10 años se

alemanes.

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Laurie Anderson - Home of the Brave & Greyhound [ Por Max Wilda ]

Cuando estamos frente a un evento complejo, lleno de estímulos, sensaciones, sutilezas, no se debe cargar el sistema con elementos externos complejos. Este es el caso que plantearé el día de hoy. Tengo frente a mi Home of the Brave (1986) de Laurie Anderson, versión audio y versión film. La primera tiene los tracks más representativos del film homónimo, el cual muestra completamente el concierto en el Park Theatre (1985). Me basaré en este caso en la versión audio (por practicidad y experiencia), sin dejar de recomendar ver el concierto, ya que Laurie se autodefine como una performer más que una música en su obra conceptual. Volviendo a la sobrecarga de estímulos, elegiré algo etílicamente simple para este caso, Greyhound, mezcla simple y fresca de vodka (traten de elegir el mejor que puedan) y jugo de pomelo. El disco abre con Smoke Rings (co-producido por Niles Rodgers) y un: “Buenas noches señores y señoras. Bienvenidos. La pregunta es: Que es más macho, pineapple o knife?”, rítmica, colchones y melodías tipo Yello, con coros pegadizos y frases oníricas, creo que tomaré más de un Greyhound. White Lily, más una intro que un tema, hace referencia al film Berlin Alexanderplatz de Fassbinder, hermosa voz. El instrumental Late Show con algún relato con efecto pitch down (disminución de la afinación y tono), resulta un sexy-track para no desperdiciar. Trompetas, loops y coros dan inicio para un carnavalezco Talk Normal, donde al contrario del anterior hay un pitch up que termina con una conversación telefónica. Luego de 3 Greyhouns, llega la estrella,

Language is a Virus (from Outer Space), siempre tuve fascinación por este tema, musicalmente cargado pero simple de concepción, cambios, capas y la frase repetida. Desde el punto de vista filosófico, una aseveración más que acertada. La extraña Radar, piano lejano y sonidos sintéticos abren la puerta para Sharkey's Night, las palabras del inmenso William S. Burrough y la mezcla sonora, embriagan, o ¿es el trago? El último track es Credit Racket, un instrumental utilizado en el concierto para mostrar en pantalla los créditos de los participantes de esta magnífica obra experimental y conceptual. Recomiendo mirar el film para descubrir a esta artista con todas las letras y darse cuenta que muchas veces no es sólo música lo que un músico necesita transmitir. En el film, el orden de los tracks no es el mismo y hay otros. La experiencia audiovisual con contenido a gran escala es algo que con los años va quedando en desuso por el uso otra experiencia audiovisual más íntima y rápida como nuestros dispositivos electrónicos. ¡Disfruten de sensaciones Salud!

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Myte y Sus Linternas Verdes | RAAR Label: Casa Rara Fecha de Lanzamiento: 01 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo trabajo de Myte y sus linternas verdes, está vez en forma de EP. Como en sus trabajos anteriores ("Myte y sus Linternas Verdes", 2012, y "Polar", 2014), Mute nos trae este electro cargado de efectos espaciales creando una amalgama de canciones (5) de corte fantástico y 3D. Con una expresiva carga de ciencia ficción de los años sesenta, sobre todo del cine. Y esto es lo que más atrae de este (ahora) dúo, esa mezcla visual y sonora que evoca esas miradas planetarias de viejas películas como "Them!", " The Day of Stod The World" o "The War of The World" o la mismísima "Plan 9". Pero con sonidos actuales, escuchar RAAR es un viaje al pasado cinéfilo de clase B pero con la tecnología actual y de manera súper fresca y encantadora. El EP trae cuatro canciones

y abre con "Atención" sigue con "Están llegando", luego "Tempestad" y "Baila", todos recomendables y para no parar de bailar. Y este EP cierre con un mix que involucra a todas las canciones anteriores. "Raar Mix". Simplemente impecable. Si no conocen a Myte es el momento de escuchar algo diferente.

Merciful Nuns | Thelema VIII Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 04 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo trabajo en estudio de esta gran banda de rock gótico. El trio conformado por Artaud Seth, Java Seth y Jon Tmoh nos trae otro trabajo discográfico. Como nos tiene acostumbrado la calidad de los ocho tracks de este álbum es magnífica. La apertura con Dystopia abre las puertas a un estado oscuro y enigmático, tal como lo es el submundo de los Merciful Nuns. Allseeing Eye viene cargado de la profundidad típica se está gran banda. The Aeons nos trae el ritual de cada álbum de la banda. Una canción con un clima solemne y casi sagrado, la voz de Artaud es una invitación al aquelarre. "Este el comienzo de un nuevo mundo". Apocalíptico. Red Flame empieza como una plegaria pero estalla el tradicional rock

gótico, marca registrada Merciful Nuns. El bajo implacable de Jawa maneja el clima del track. L.V.X. es el siguiente track en donde el bajo marca el pulso. Ambientalmente sombría. In Silence, retoma el espíritu del track anterior, al menos en su principio. Sombría y casi mantrica canción, hasta que la voz de

Artaud aparece como un narrador de historias ocultas y ocultistas de otras eras. The Law, busca mantenernos en una espera sombría y quieta. El álbum lo cierra Thelema, que nos quita de ese ambiente lúgubre y por momentos macabros, poniendo ritmo y una tensa velocidad que explota con el ingreso de la

guitarra de Jon. Convirtiendo al track en otro gran tema de este álbum, si bien no pierde la sombría mirada de los últimos tracks, le imprime velocidad y caos. Un gran, gran final. Otro excelente álbum de los Merciful Nuns, demostrando que siguen produciendo mucho y con muy buena calidad.

Massive Attack | Ritual Spirit EP Label: Melankolik Recordings Limited Fecha de Lanzamiento: 04 de Marzo de 2016 [ Por Alejandro Cenizacromada ]

Han vuelto mejorando ese denso sonido electrónico planeador que desarrollaron en Mezzannine (1997) y al que añadieron frescura rockera en Heligoland (2010). Four walls (2011) la colaboración que hizo Massive attack con el enigmático Burial dio como resultado 2 temas terrosos, oscuros y de una belleza sobrecogedora. Ahora retoman melodías que exploran ese sonido con elementos de Dub, lo que la prensa definió como Trip hop (termino que ellos rechazaron) y Rock electrónico. Ritual Spirit hace honor a su nombre porque se vuelve un viaje convulso en la tribalidad de temas como Vodoo in my blood de la mano de Young Fathers; lo sublime del tema Spirit ritual con Azekel en una hermosa

Jeff Buckley

| You and I

Label: Columbia Fecha de Lanzamiento: 11 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Particularmente me gusta escuchar el cuerpo de las canciones antes de que hayan ingresado al estudio. Muchas veces se suele captar el espíritu original de una canción, que muchas veces tiene el mismo o más encanto de la canción grabada. El caso de este "nuevo trabajo" de Jeff Buckley tiene ese condimen-

interpretación y Take it there con la colaboración del contraespía sónico Tricky, que participó en clásicos del ataque masivo como Karmacoma. Para colmo samplean al maestro Herbie Hancock. Solo queda una pregunta: ¿Quién va a reparar este golpe de estrella rota?...

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to, él y su guitarra. Despojado de todo, esencia pura de ese amor entre su voz y su virtuosismo interpretativo, ni hablar de su calidez en las seis cuerdas. La esencia de la intimidad está reflejada en este álbum sin desperdicios. Pocos artistas pudieron o pueden lograr un trabajo brillante sin la intervención de un poco de trabajo posterior en estudio. En estas canciones, muchas versiones (algo muy característico de Jeff) y algunas versiones íntimas de canciones propias como "Dream of You and I" o "Grace". Pero la intimidad que crea Buckley con voz y guitarra es maravillosa, habla en medio de algunas canciones, como si estuviese en el living de tu casa. Las bellísimas versiones de “The Boy With The Thorn In His Side" o "I Know It's Over" de The Smiths, o la bellísima "Calling You", desgarradora y exquisita reinterpretación de la canción de la banda sonora de Bagdad Café (1988). "Just Like a Woman" de Bob

Aeon Sable

Dylan. "Night Flight" de sus amados Led Zeppelin, quienes lo acompañaron hasta sus últimos momentos de vida. "Don't Let The Sun Catch You Cryin'" grabada por Ray Charles o “Everyday People” de los Sly & The family Stone. Estos registros fueron anteriores a “Grace” (1994), excepto el primer track, el de Dylan, que fue registrado último (noviembre 1993), la totalidad de este álbum fue registrado en febrero de 1993. Un álbum que nos acerca a un mundo totalmente despojado de arreglos y post producciones. Un trabajo desnudo, simple, que no parece que hubiese sido pensado por Jeff, más bien es un trabajo en el que la dulzura de ese momento de intimidad logra captar la esencia de este tan maravilloso artista. Grabado cuando acudía mucho al Cafe Sin-é y reinterpretaba los covers que tanto le gustaba. Esta es una muestra de esa época, es su primera grabación en un estudio. Un registro maravilloso que desnuda al verdadero artista.

| Hypaerion

Label: Solar Lodge Fecha de Lanzamiento: 11 de marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo trabajo de esta banda con toques de Nephilim y Merciful Nuns. Impecable álbum. En el encontramos lo que buscamos de una banda de rock gótico, oscuridad, rock, precisión, buenas canciones y profundidad en las composiciones. El comienzo con Hypaerion nos introduce en un submundo de intriga y solemnidad que rompe en la aparición de las guitarras dándole más profundidad a esta apertura. Elysion es puro rock gótico. Tradicional con guitarras a lo The Mission. Pero son perder la esencia de Aeon Sable. Laylah es otra muestra de las buenas composiciones de la banda, un pop rock con brillantes arreglos de guitarra y la voz de Niño Sable que melódicamente por momentos recuerda a un Carl McCoy más dulce. Garden of Delight es una gran canción de las mejores de este álbum. Rock gótico

del tradicional con emotividad y oscuridad potente. Las guitarras de Din-Tah Aeon son simplemente hermosas. Of cats and mice continúa la buena senda de las buenas canciones de este álbum. Con el apoyo vocal de Aeleth Kaven la canción, al igual que Laylah coquetea con el pop pero hacia el final aprieta el rock convirtiéndose en una gran canción. White Snow es el paso previo a la canción final. Una desaceleración

en el ritmo y una profunda canción convierte en necesario un descanso, pero no lo será tan así. Hacia el medio del track las guitarras lo endurecen pero no pierde la oscura raíz. Procession cierra el álbum. Una intensa y enigmática canción con maravillosos

SPC ECO

arpegios y otra guitarra filosa. Un gran final para lo mejor de Aeon Sable que se los escucha maduros y con un sonido puro y trabajado. El trabajo más maduro y exquisito de la banda hasta hoy.

| All We Have Is Now

Label: SPC ECO Self-released Fecha de Lanzamiento: 25 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo trabajo de Dean Garcia y su hija Rose. SPC ECO siempre se mantiene activo y editando material constantemente. "Troubles Deep" abre este trabajo con una enigmática calma y con aires cautivantes. "All Gone" le pone un grado de brillo somnífero que embriaga. "All You Need" continúa con este comienzo mantrico que nos deja extasiados y en silencio. "Slow Down" me hizo acordar un instante a Portishead, una bella canción, hipnótica, de poco movimiento, profunda y etérea, aunque luego crece pero enseguida se aquieta."Hunger Pains" oscura secuencia de inicio, siempre en esa calma de aparente quietud, pero si se agudiza el oído, las secuencias esconden relatos sonoros. "Daylight" sea tal vez la canción más brillante o luminosa del álbum. Pero siempre en esta tesitura de un trip hop o un low-fi elegante y cautivante. "All In Your Mind" es la "más fuerte" del álbum, en el tono de este gran trabajo es la que tiene un ritmo más sólido, aunque no es muy histriónico. La voz de Rose se hamaca en esa

pared de secuencias recargadas de pequeños sonidos. Excelente. "Nobody Knows" como en el track anterior la voz bucea en oscuras secuencias enigmáticas. "Alone" para mí una de las mejores del álbum, si bien no se diferencia de las anteriores logra crear un clima especial e hipnótico. "All We Have Is Now" cierra el álbum y le da nombre al trabajo. La más exquisita del álbum. Con una hermosa instrumentación y la voz de Rose Berlin en la mejor forma en este álbum. Bien puesta en último lugar ya que lo mejor viene como cierre. Enigmática, sedosa, soñadora, elegante, como todo el álbum.

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José Unidos

| Azul y Gris

Label: Fuego Amigo Discos Fecha de Lanzamiento: 26 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Cuando uno ve la portada de muchos álbumes enseguida se sitúa en una sonoridad, lo primero que sugiere la portada. En este caso, y sin previo play de Azul y Gris, podemos pensar en un disco crepuscular, somnoliento, entre folk espacial y ambiental. Y ¿qué nos encontramos en estos nueve tracks al escucharlos? Con un trabajo excelente que es muy bien definido por su arte de tapa. Aunque también podemos decir que es un disco nocturno y digo “nocturno” y se me viene a la mente Nocturama de Nick Cave, y si, hay un "aire Cave" en algunas canciones más que en otras. José Unidos es una banda que empezó cuando Lucas Colonna (periodista político) se animó luego de una experiencia en la musicalización de un documental. Su camino tuvo el impulso necesario cuando se alió a Juan Valente, juntos dieron vida a José Unidos, todo esto ocurrió en el 2012. Hoy traen el tercer álbum en donde “Azul y Gris” en donde podemos encontrar un sonido prolijo aunque

no comercial o de fácil escucha, ya que es un grupo de canciones compactas que son de neto corte intimista y por momentos roza el ambiente apocalíptico de un submundo al que pocos pueden acceder y contarlo. Podemos hablar de momentos que roza al primer Cave, ese de los primeros Bad Seeds, o al local Daniel Melingo o la Pequeña Orquesta de Reincidentes. Un disco que maravilla por la apuesta a una música no muy común en Argentina y en Latinoamérica. Canciones con peso propio y en un rubro que no es fácil imponerse pero José Unidos (como un buen productor), por suerte, se arriesga.

Michael Gira | I am not This Label: Young God Records Fecha de lanzamiento: 30 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo álbum en vivo, está vez Michael Gira nos trae una selección de canciones de toda su carrera (Swans, Angels of Lights y de su carrera solista). Todas las canciones registradas en su gira en solitario de este año. Una colección de canciones intimistas sirven para apaciguar la salida del anunciado último trabajo de Swans como banda. En este álbum nos encontramos con pedazos seleccionados de su extensa carrera, en formato simple y con mucha intimidad, más allá de otros instrumentos que puedan sonar. Michael y su guitarra bastan para mostrar al

desnudo su gran capacidad creadora e interpretativa, mostrando como lo que es, un gran artista y un

gran cantante. Un trabajo que se puede catalogar como un álbum de cantautor al estilo Cohen, Drake,

Pet Shop Boys

Waits o Cave.

| Super

Label: X2 Fecha de Lanzamiento: 01 de Abril de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

Pet Shop Boys es una banda tan pareja que reseñar sus discos puede llegar a ser complicado – son buenos, seguro, ¿pero tienen algo nuevo para ofrecer en comparación con los anteriores? Super continúa con el sonido del productor Stuart Price, pero al contrario de Electric (2013), aquí los temas dance casi-instrumentales (“Happiness,” “Inner Sanctum”, “Pazzo!”) son más breves y alternados con canciones de estructuras más tradicionales. Si bien con una primera escuchada parecería que el disco no guarda demasiadas sorpresas, al dedicarle algo de tiempo surgen varios puntos álgidos. “TwentySomething” destaca por la yuxtaposición del contenido cínico de la letra, la voz suave de Tennant y una base de Raggeaton que enervará a más de uno, pero es siempre interesante ver a artistas de calidad apropiarse de ritmos como estos: muestra que toda música puede llegar a tener valor si hay un cerebro detrás. Al igual que otro gran lanzamiento de este año, Post-Pop Depression de Iggy Pop, Super cierra con una canción acerca del sueño de un escape total. Al

parecer, estamos todos en la misma. Pero la gema absoluta del disco es “The Dictator Decides”, una de esas incisivas baladas clásica de Tennant-Lowe, que si no fuese por los toques electrónicos podría pertenecer a un musical de Weill y Brecht. Pone al descubierto con sagacidad la decadencia de la clase política, y deja más en evidencia que nunca que los Pet Shop Boys siguen apostando a escribir música Pop asumiendo que su público tiene neuronas. Aunque sea por esto último, esperemos que sigan sacando discos con la regularidad acostumbrada.

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Hammock | Everything and Nothing

Label: Hammock Music Fecha de lanzamiento: 01 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Hammock es una de esas bandas tal vez desconocida por la gran mayoría, pero aquellos que nos cruzamos en su camino rara vez nos alejemos de él. Un nuevo trabajo ha nacido de la banda norteamericana. Paisajes nubosos y con bellos destellos de luminosidad hacen de este trabajo otra obra para coleccionar para esos días nublados y con humedad. Mientras la ciudad gris prosigue su camino rutinario sin motivaciones, este álbum es una buena compañía para ver todo con colores difusos, pero hermosos. El álbum comienza con "Turn Away and Return", una introducción que empieza pequeña y va tomando especialidad a medida que avanza y crece, algunas guitarras aparecen como fantasmas y desaparecen. "Clarity", es el fiel reflejo de los que quiero expresar sobre Hammock. Paisajes que emulan la difusión de los bordes de la realidad con la fantasía. "Glassy Blue", crea una fuente de luminosidad propia de un amanecer y las voz de Christine Byrd aumenta esa sensación tan dulce. "Dissonance" le imprime un aire más etéreo a una canción que tiene un aura cristalina. "Marathon Boy" es una suite con un melancólico piano y sonidos que lo elevan hasta las nubes, dándole un clima espacial y solemne a la vez. Un instrumental relajado y mántrico. "We could have been beautiful again" es soundscapes puro y perfecto. Climático, ensoñador, delicado y brillante. "Everything and Nothing", además de darle el nombre al álbum, es la que tiene más ritmo, es la que tiene más voces. "She was in The Field Counting Stars" nuevamente nos sumergimos en mundos sonoros difusos, con mucho destellos de melancolía y vacío visual. "Burning Down The Fascinación" un track más rítmico y más shoegaze, simplemente una de las mejores del álbum. Sentarse y dejarse llevar por

las mareas de las guitarras. "Wasted We Started At The Ceiling" otra cantada, no hay muchas en el álbum. Está es etérea y profunda por el efecto que nos produce el bajo. Una delicia. "Reverence", guitarras atmosféricas que quedan resonando en el espectro sonoro, provocando una sensación de profundidad, y luego el ritmo que no apacigua la reverberancia. "I Will Become The Ground You Walk On" un bello, bello, instrumental. "We Were So Young" otra de las mejores de este álbum, dreampop puro. Etéreo y dulce. "You Walk Around... Shining Like The Sun", una oscura y etérea cadencia inunda a esta canción en el relajado curso de un espejo de agua en el atardecer. "Unspoken", maravillosa, maravillosa canción, hamacarse en la voz de Christine es dejarse llevar en el crepúsculo de la noche, con una luna llena que nos llena de fantasía. Sin lugar a dudas otra de mis favoritas. "Before You Float Away Into Nothing" cierra este maravilloso viaje de más de hora y cuarto, con una melodía serena y donde la espacialidad se pierde en lo profundo de la noche cerrada. Un final simplemente que llena de magnificencia al álbum. Un álbum recomendado para quienes disfrutan de escuchar un álbum sentado en el sofá sin interrupciones, dejándose llevar por las sensaciones que este álbum crea.

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Wire | Nocturnal Koreans Label: Pinkflag Fecha de lanzamiento: 02 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Por suerte ante tantas bandas nuevas que recrean y recrean estilos está muy bueno escuchar nuevas bandas de las bandas que sumaron su granito de arena en la solidificación de un nuevo estilo, obviamente estoy hablando de un género que ya lleva treinta años de gestación y en su tercera década de vida, Wire regresa con nuevas canciones. Y eso es un motivo de festejo. Este nuevo trabajo lo abre uno de los adelantos que tuvimos hace unos meses, "Nocturnal Koreans", la elegante velocidad de este comienzo nos llena desde el principio. Un track con fineza y fuerza de los que no tienen que pensarlo mucho, porque ya lo llevan en sus genes. "Internal Exile" continúa con un ritmo más calmo pero excitante. "Dead Weight" nos trae la luminosidad pop con suma elegancia. "Forward Position" nos llena de atmósferas etéreas en su comienzo y a medida que el track avanza se va oscureciendo convirtién-

dose en fantasmal. Oscura Magia. "Numbered" el ritmo vuelve a la carga y nos regala este guitarrero track con una No simple estructura rítmica. "Still" otra guitarrera canción, pero esta nos recuerda a los Wire de los ochenta, finos y pop. "Pilgrim Trade" es una hermosa canción que tiene algo de dreampop pero con gran dosis del sonido oscuro del post punk. "Fishes Bones" cierra este nuevo álbum de Wire, dejando en claro que al final siempre triunfan los buenos.

Lu Glass | El Rayo Label: Luglass.com Fecha de Lanzamiento: 07 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Disco debut de esta artista argentina que practica un dreampop electrónico, elegante y etéreo. "Locus Amenus" abre este trabajo con un misterioso e iluminado comienzo, cargado de magia. El trabajo secuencial es sensiblemente emotivo. "Ciudad de Cristal" es el siguiente track que nos trae un ritmo más terrenal, aunque las disonancias de los instrumentos crean una atmósfera inquietante. El sonido de los años ochenta se hace presente, me recuerda a Los Encargados (banda seminal del electropop argentino, primera banda de Daniel Melero). "Song

To John Maus" es un instrumental cargado de teclados sobre una base sólida creando un momento para relajar. "Rapunzel" es una mágica y soñadora can-

ción etérea y brillante. La voz de Lu es como una salida de un sueño brumoso. "Me abismo... Sucumbo" es una extraña mirada sobre cómo escribir una canción sin caer en los despotismos de las estructuras electrónicas. El tratamiento de cada sonido está pensado y cumple su propósito de manera brillante. "Manchester Argentina - Isla de Monos - Tubular Siderurgycal Detuning" es un instrumental dividido en tres partes, que mezcla una atmósfera enigmática y paisajes lánguidos con la cumbia, si leyeron bien. Isla de Monos es la canción de “The Secret

of the Monkey Island” de Michael Land, canción del juego en una versión con aires de cumbia. El cierre es tan mágico como el comienzo, "Human Valium". El adiós combina teclados eclesiásticos con una secuencia rítmica que acompaña sin marcar un pulso enérgico, sumada la voz de Lu que hace que toda la canción se anude a una nube blanquecina. El rayo es el trabajo que presenta en sociedad a Lu Glass, una muestra extraordinaria de credenciales que nos invita a soñar con que siempre surgen bandas y artistas que se atreven a más. Intrigante y luminoso.

Teho Teardo & Blixa Bargeld | Nerissimo Label: Spècula Fecha de Lanzamiento: 08 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Ante cada nuevo trabajo en el que participa el genial Blixa, me siento en la necesidad de mostrarle mi respeto. Yo creo que quedan pocas mentes brillantes en la música, muchos nos han abandonado al recuerdo de sus grabaciones, pero otros como Bargeld siguen en este plano y nos sigue embelleciendo con su arte, tal vez en un plano más difícil de escuchar para aquellos oídos que no estén predispuestos a composiciones que pocas veces rozan la canción como solemos esperar de otros artistas. Lo cierto es que esta unión de Blixa con Teho Teardo ya nos han ofreciendo sus melodías que mezclan lo experimental, con instrumentos de música clásica, y la música no obvia o de fácil escucha en su anterior y primera colaboración “Still Smiling” de 2013 y el Ep”

Spring” del 2014. Esto es para oídos entrenados en composiciones apagadas sin ritmo clásico (aunque a veces aparece) como en partes de "Ich Bin Dabei". Pero este álbum tiene una versión de una canción de Caetano Veloso " The Empy Boat" (miren el hermoso video), y aunque parezca extraño, no me sorprende. Un disco magnífico, ejemplificador de que las cosas buenas y elegantes siguen apareciendo.

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Deftones | | Gore Label: Reprise Fecha de Lanzamiento: 08 de Abril de 2016 [ Por Pablo Ravale ]

Cada vez que Deftones publica un nuevo álbum caigo en la misma reflexión de siempre: son el último haz de luz brillante que pasa por este prisma venido a menos que es la escena mundial de la música moderna. Deftones son grandes. Y grandes en cualquier circunstancia, en cualquier época. Fueron uno de los grupos que más me marcaron siendo un adolescente que cursaba sus estudios secundarios y se deprimía, y son todavía hoy uno de los pocos que más me siguen conmoviendo. Así pues, y más allá de la bonita portada con esos flamencos volando en bandada, lo cierto es que la música de “Gore” me dispara al universo de la noche. A la noche como mundo paralelo, como estadío diferente y misterioso. Lo cual, obviamente, es a causa de esas atmósferas densas y envolventes, de esos estribillos suaves y melódicos, de esos tintes entre góticos y psicodélicos. La cosa arranca estupenda ya de entrada con ese maravilloso viaje que es “Prayers/Triangles”, un track donde el vocalista Chino Moreno y el guitarrista Stephen Carpenter parecieran disputarse a ver quién gana más protagonismo, si esos riffs hipnóticos o si esas voces de sirena. Dicho esto, se van sucediendo entonces canciones como “Acid Hologram”, que es puro shoegaze metalero, o “Doomed User”, que te atrapa con ese groove casi sludge de la base rítmica (colosales Abe Cunningham a los tambores y Sergio Vega en el bajo) y no te suelta más. “Geometric Headdress” es una canción violenta, recuerda a los tiempos de “Around The Fur”, aunque con un final más abierto, más aireado.

“Heart/Wires” es simplemente emocionante, ¿Se puede poner más corazón en la ejecución de un tema así? A mí entender, no. Y me reafirmo en ello escuchando luego “Pittura Infamante” y “Xenon”: otras dos bellezas oscuras en la que priman las voces y los estribillos fuertes. “(L) Mirl” es la más “climática” del álbum. En ella, Chino grita de una manera menos salvaje en los breaks, lo cual ayuda muchísimo a que se destaque la labor indispensable de Frank Delgado tras los sintes. “Gore”, el tema que da título al disco, es el más “Saturday Night Wrist” de todos, por resultar absolutamente post-rock. Sin embargo, y para más deleite de nuestros oídos, tenemos también a Jerry Cantrell (Alice In Chains) como invitado de lujo en “Phantom Bride”, pieza donde se despacha un solo demoledor marca de la casa. Por último, y llegando ya, sí, al final, la banda se reserva una gema como es “Rubicon”, que bien merece la pena escucharse relajado para su apreciar con completo deleite. ¿Qué es, en definitiva, “Gore”? Bueno, a lo mejor, tan sólo cinco músicos en estado de gracia. Una amalgama de hechizos que sólo estos magos saben mezclar. Joya hecha y derecha.

Filter | Crazy Eyes Label: Wind-Up Fecha de lanzamiento: 08 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Séptimo trabajo de la banda de Richard Patrick. Banda nacida de las entrañas de Nine Inch Nails y que fue buscando su sonido a los largo de sus discos y con más de veinte años de carrera siguen dando batalla y muy buenas canciones. Hoy lejos de su apogeo en la década de los 90, siguen tan vigorosos y enérgicos como en sus comienzos. Pura energía y más cuota de electrónica desarman este Crazy Eyes en un paquete de doce tracks contundentes y en su mayoría arrasadores. Toda la primera parte (las primeras cinco canciones), "Mother E", "Nothing in my hands", "Pride Flag", "The City of blinding riots" y "Take Me To Heaven" (primer single laznado en enero de este 2016), no nos da respiro. Riffs soberbios acompañados por ritmos punzantes y la voz de Patrick al borde del colapso. Brutal energía. El descanso corrosivo llega con "Welcome To The suck (destinity not luck), con la carga corrosiva y melancólica marca registrada de Filter y Nine Inch Nails. Unas secuencias lentas pero sucias y la voz desgarradora de Richard. "Head of Fire" nos vuelve a sacudir pero con más armonía. El bajo inconfundible de canciones de la banda, marca el pulso sonoro de este track. La base de bajo conteniendo el grito que al final estalla. Podrán hacer miles de canciones con esta estructura, pero pocos como Filter. "Tremors" tiene mucha energía y comienza intrépidamente con un ritmo a los "War of The Pigs" de NIN. Los ajustados cortes son demoledores, la corrosividad del bajo es incesante, y las guitarras acompañando contundentemente. La voz de Patrick parece partirse en pedazos en cualquier momento. Soberbia canción de las mejores de este álbum. "Kid Blue From The Short Bus, Drunk Bunk" otra gran

canción con riffs de guitarras estridentes y punzantes. "Your Bullets", mi favorita de este álbum, es una canción 100% Filter. Aguerrida, estruendosa, enérgica y visceral. Con secuencias, guitarras filosas, el bajo duro e impenetrable, las apariciones de la batería contundentes, y la voz pasa por todos los estados, desde la desesperante y angustiosa calma al estridente grito desgarrador, pasando por pasajes de vaivenes que marcan la canción. La mejor del álbum. "Under The Tongue" comienza con bajo y batería marcando que no bajaremos el ritmo. Una larga introducción que parece nunca terminar, y eso sirve para sacarnos el estigma que seguiremos en lo alto de la cresta de crudeza del track anterior. Pero aparece la voz simplemente de manera gradual. ¿Un instrumental? Si, que nos mantiene en vilo. El final llega con "(Can't She Ser) Head of Fire, Parte 2". Que cierra el álbum de manera acústica muy a lo Nirvana o a los mismos Filter. Calma y silencio de ruidos corrosivos o industriales. Guitarra acústica, voz y una secuencia fría e imperceptible, casi ambiental. U este nuevo trabajo de Filter se apaga, un trabajo que trae muy buenas canciones sin innovar nada, ¿pero quién lo hace hoy en día?

Lush | Blind Spot (EP)

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Label: Edamame Records Fecha de lanzamiento: 15 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Una de esas bandas que regresaron y que plasman su regreso con esta publicación, si bien no es un álbum, no es para nada despreciable un EP. Ya habíamos tenido un adelanto con "Out of Control" y si teníamos ganas de más. Acá nos dejan tres canciones más, nuevas, adorables y perfectas. Después de su última publicación (Lovelife, 1996) escuchamos que la magia, la dulzura y la brillantez de la banda está intacta y pareciera que el tiempo no ha pasado. La tres canciones "Lost Boy", "Burnham Beeches" y

" Rosebud" además de la conocida "Out of Control" confirman que el toque dreampop se encuentra en buena forma y el paso del tiempo no ha hecho otra cosa que el sueño de disfrutar de nuevas canciones se haga realidad. Y no debemos temer por nada, Lush sigue siendo Lush, así que a disfrutar de estas nuevas canciones.

Hope Sandoval and The Warm Inventions | Isn't It True Label: Tendril Tales Fecha de Lanzamiento: 16 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Un nuevo single de Hope Sandoval and the Warm Inventions (con Colm Cosig de My Bloody Valentine y ahora Jim Putnam de Rader Bros), después de siete años de silencio. Este trabajo trae dos tracks,”Isn't It True" y su lado B, "She's in the Wall", editado para el Record Store Day. Es un adelanto de un nuevo álbum que está en proceso. Y como siempre pasa con Hope, la voz suena igual de fresca y tímida (casi aniñada) como aquella maravillosa "Fade into You". Desde ese registro de los noventa nada ha cambiado en el timbre el timbre de voz de Sandoval (por suerte). Una voz que nunca creció y que siempre se mantuvo en armonía con las guitarras acústicas o eléc-

tricas casi folk. Estas dos canciones son la muestra de que todo está como lo dejaron hace siete años, los ambientes lánguidos, acústicos, melancólicos e intimistas. Mucha guitarra acústica marcando el tinte de ambas canciones.

Decoded Feedback | Dark Passenger Label: Metropolis Fecha de lanzamiento: 22 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Después de verlos como invitados de Clan of Xymox, este dúo lanza este nuevo trabajo. ¿Qué decir de esta banda y no caer en el facilismo de alabarlos? Nada. Un trabajo soberbio. Con un comienzo "tranquilo" con el track que titula al álbum, levantamos temperatura con "Waiting For The Storm" el single que adelantó este trabajo. Después del electro casi industrial del segundo track, "Behind My Smile" nos lanza a la pista con un excelente EMB. "Now and Forever" se pone más oscuro pero no baja la intensidad ni la velocidad. "A Lonely Place" se pone más claustrofóbico e industrial o Dark electro. "Warm Leatherette" el clásico de The Normal, en una versión intensa y magnífica. "Dead Inside" es puro ritmo atronador, para escuchar con el volumen a once. "Nowhere" se pone más oscuro pero las secuencias son bastante rítmicas. "Duality" es tal vez la más synthpop del álbum con una cuota de electro. "How To Destroy a Planet" apocalíptica y perfecta. "We Fade To Grey" oscura e intrigante, penetrante, por momentos a lo Marilyn Manson. "Kill The Hate" un arrasador EBM Old School, con un ritmo seguro pero no acelerado, pero con mucha carga electro. "Electric Tsunami" un track tranquilo que nos mantiene expectante, esperando el estallido que nunca llega, y es el fin de la versión original de este álbum. "Pulse Code Attack" abre la versión De Luxe, que es la que estoy reseñando. De manera se-

gura y desafiante se inicia esta serie de siete canciones extras. "When I Lose Myself" es puro synthpop, profunda y oscura. "Falling Down" comienza épicamente y la secuencia nos lleva a otra dimensión, mientras la batería le imprime velocidad transformándolo en un electro oscuro por la voz de Marco Biagiotti "Damaged Goods" le imprime la cuota de energía que necesitamos a esta altura de este repaso. "Terrible Instinct" puro EBM Old School, al estilo Nitzer Ebb o Front 242. Totalmente bailable y energizante. "Strange Times" seguimos con el ritmo y la vieja escuela, a veces uno se pregunta ¿por qué estas canciones quedan afuera de tracklist original? Pero por suerte existen estas ediciones especiales. "Bloodfields" cierra este gran trabajo, y ¿cómo lo hace? De manera más tranquila pero cargado de oscuridad. Hablar de "Dark Passenger" es acariciar esa parte oscura y filosa de nuestra mente y darnos cuenta de que lo más oscuro nos atrae.

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Brian Eno | The Ship Label: Warp Records Fecha de lanzamiento: 29 de Abril de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

El nuevo disco solista de Brian Eno se divide en dos extensas “canciones Ambient.” La primera, “The Ship”, abre con unos deliciosos sonidos que recuerdan a Discreet Music, por sobre los que luego la voz de Eno, que llega a tonos increíblemente bajos mediante distorsión electrónica, canta líneas conjuradas por una computadora (¡) Más exitosa resulta la segunda pieza, “Fickle Sun.” El trasfondo musical es más peligroso y dinámico, y lo que Eno entona parece ser un lamento blusero con el peso de la angustia de siglos, que cobra dimensiones de ciencia ficción en este entorno. Alusiones a las grandes guerras y a la lucha de la humanidad cargan de un tono ominoso a todo el disco, que culmina con una ver-

sión sincera y lineal de “I’m set free,” el magnánimo tema de The Velvet Underground. En definitiva, un álbum no del todo accesible pero extraño y novedoso, altamente recomendado para oyentes pacientes.

Stella Diana | Nitocris Label: Vipchoyo Sound Factory Fecha de Lanzamiento: 29 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Nuevo álbum de los italianos de Stella Diana, un álbum del cual ya habíamos tenido el adelanto "Sulphur" y que ya adelantamos en el número anterior. "Sofia" abre este trabajo con una guitarra soñadora estática y un ritmo que nos sube a una nube. Con el bajo presente y sólido, las voces van apareciendo fantasmalmente, dejando que el clima se vaya poniendo bellamente somnoliento. "M9" le sigue con un clima un poco más shoegaze pero con una fuerte dosis de melancolía. "F.U. Orionis" es una oscura canción con mucho de Dark, raro para esta banda tan luminosa. "Sulphur", la que primero salió al aire como adelanto. "Aphrodia" es un track alegre y con guitarras que llevan a una sonrisa. "Psychedelic Furs" empieza con el bajo a lo Peter Hook y con el ritmo de desprenden guitarras dreampop bellas, como siempre la voz fantasmal acompañan desde atrás está dulce canción. "Dedu'n" empieza con un toque The Cure, aunque el bajo no deja de marcar el post punk, las guitarras aportan el shoegaze nece-

sario. En "Ayaray" nuevamente el bajo nos recuerda a Simón Gallup, pero se convierte en una canción con mucha cadencia a lo Ride. "J. Carpenter" cierra este trabajo de manera más ambiental, si bien tiene ritmo, todo parece lejano. Como a lo largo de este trabajo, fantasmal. Un instrumental que nos pide volver al principio y escuchar todo de nuevo. Stella Diana nos ofrece Nitocris, su álbum más oscuramente brillante.

Travis | Everything At Once Label: Red Telephone Box Fecha de lanzamiento: 29 de Abril de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Siempre consideré que Travis es una banda que quedó relegada por ser contemporánea a Coldplay, como le ha pasado a Keane. Y tal vez en la lógica comparación, se pierde lo más importante, las canciones y la música. Y en esa pérdida se pueden desconocer grandes canciones. Travis ha editado muy buenos discos que han pasado por el costado de la mirada de los críticos y gran parte del público, más allá de sus éxitos “Why Does It Always Rain on Me?”, "Sing", "Side" o "Flowers in the Window", la banda escocesa siempre se caracterizó por las buenas canciones en muy buenos discos. Ahora llega su octavo álbum “Everything At Once” que no difiere mucho de sus trabajos anteriores, en esta ocasión trae un paquete de diez canciones que nos llenan de luz y nos quita una sonrisa de satisfacción al terminar la escucha. Una banda que nunca perdió el camino y que nunca se desvió del sonido elegante y prolijo que nos ofrecieron desde aquel debut en 1997, “Good

Feeling”. Canciones como "Everything at Once", "3 Miles High", "Magnificent Time" y "Radio Song" fueron elegidos en ese orden para ser los cortes de difusión, pero en realidad pueden saltear y empezar por cualquier canción la escucha del álbum en función “random” y la calidad no varía. Un trabajo impecable y sólido que marca a una de esas bandas que camina al lado de un monstruo, pero que va sembrando de semillas su sendero, y seguramente, muchos años después se le reconocerá esta habilidad de componer de manera exquisita.

Helix Pulsar | Rapture Label: Helix Pulsar Fecha de lanzamiento: 06 de Mayo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Helix Pulsar es un dúo francés, con base en Lille, en el norte de Francia. Se trata del álbum debut de la banda nacida en el 2014. Bañados por los sonidos electropop o synth pop con inclinaciones al synth goth de bandas como Clan of Xymox o más pop al estilo De/Vision, logran una amalgama interesante de guitarras más rockeras con la electrónica. Canciones como "Narcissistic", "Insane Fascination", "Cuts", "Towards The Stars" o "Some Things Are Better"nos invitan a bailar. Mientras que canciones como "This Love", "Unborn" o "Come [Synthphonia]" le dan una profundidad interesan-

te a este trabajo. Un álbum debut que nos mantiene atentos a nuevas publicaciones (canciones o videos) y que se agrega al grupo de nuevas bandas que surgen con una muy buena propuesta.

Jean Michel Jarre | Electronica 2: The Heart of Noise

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Label: Sony Music Fecha de lanzamiento: 06 de Mayo de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

“The Heart of Noise” abre con una delicada suite instrumental de dos partes característica de Jean Michel Jarre. Pero a partir de ese momento el álbum se distancia bastante de lo que uno podría esperar del artista, convirtiéndose en cambio en un gigantesco sampler del Pop Electrónico mundial – sólo que con temas inéditos, todos unificados por el sonido y la mente de JMJ. Los discos de colaboraciones a veces están motivados por fines comerciales, pero aquí Jarre realmente parece haber elegido a artistas que realmente admiraba más allá de su potencial de ventas, desde estrellas del pasado (el cantante francés Cristophe, Yello, Gary Numan, Cyndi Lauper) a íconos alternativos (The Orb, Primal Scream,) y nuevos talentos (Rone, Julia Holter,) ¡incluyendo también a Edward Snowden, el subversivo ex agente de la CIA! Las colaboraciones son naturales. “Brick England”, por ejemplo, es una clásica canción de Pet

Shop Boys pero los sonidos de sintetizador son característicos de Jarre. Si hay una palabra que resuma a este disco, es “divertido.” Es divertido escucharlo, leer las biografías y notas de los artistas y temas incluidas en el disco, pasar de una colaboración a otra… hasta el mismo Jarre se contagia de la euforia y se pone a cantar él mismo en “Falling Down,” por sobre sonidos de videojuegos vintage. Tan recomendable como su predecesor.

Radiohead | A Moon Shaped Pool Label: XL Recordings Fecha de Lanzamiento: 08 de Mayo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

El primero de Mayo se esfumaron de repente de todas las redes sociales como por arte de magia. No quedó rastro de la banda por uno o dos días. Luego salió el adelanto "Burn the Witch" (canción que data de las grabaciones de “Kid A” en 2000) y unos días después reaparecieron con nuevo vídeo "Daydreaming" y luego el 08 de mayo regalaron este nuevo álbum (el cual recién estará disponible en CD y LP el 17 de Junio) y en septiembre saldrá una edición especial con dos canciones agregadas. “True Love Waits” es una vieja canción conocida por los fans, que data de la época de “The Bends”. “Daydreaming” es un vídeo en donde un

Thom Yorke muy deteriorado físicamente se la pasa abriendo puertas y entrando a habientes muy distintos en busca de una salida. El trabajo visual de este vídeo es muy significativo y para mi encierra la clave de este álbum. Cadencioso, calmó pero no relajado.

Por momentos se pone muy oscuro y casi agobiante, en otros se pone introspectivo casi minimalista. El ambiente que logra el álbum como unidad no es optimista pero si marca un paso arriesgado en el sonido se la banda. Que en vez de dormirse en los laureles de lo que Radiohead significa como marca,

apuestan a un disco audaz, pero poco radiable. No es para todos los días, menos para los días de mucho sol, porque seguro, te lo nubla y hace que llueva. Y te pueden arruinar un día feliz. Más allá de esto, un gran trabajo, que si te agarra en un día inestable te puede hacer caer.

Manon Meurt | Manon Meurt Label: Label Oscura Fecha de lanzamiento: 16 de Mayo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

El universo shoegaze y dreampop agrega y agrega estrellas. Y llegan y llegan nuevas bandas a ocupar un lugar en tal firmamento. Nos resulta imposible abarcar toda la paleta de colores e imágenes que se van produciendo en estas nuevas constelaciones de bandas y de nuevos sellos. Pero hacemos el intento de tomar la luna con una sola mano (así de chiquitos nos sentimos ante tanta cantidad de nuevas propuestas) y tratamos de mostrarles todas estas nuevas apariciones, a veces nos llegan con varios trabajos en su haber y en otros recientemente nacidos. Una nueva estrella se encendió y empezó a tener brillo propio hace unos años, Manon Meurt y vaya si tienen brillo. Aunque nosotros recién llegamos hasta ellos. Estos chicos de Praga (república Checa) nos envuelven con rasantes y punzantes estallidos sonoros (que mayormente provienen de sus guitarras) cubren las seis canciones de este debut (editado en el 2014 en forma independiente, y que ahora se ree-

dita). Armonías entre neblinas difuminan la velocidad de ritmos que sólo aceleran la explosión de coloridos efectos alucinantes, que nos llegan como una brisa estival, luego de una jornada extremadamente calurosa. “Until You Can” se alza con el galardón de mejor canción y resulta ser la de más compleja construcción y de más matices de todo este EP. Pero hablar de este trabajo es hablar de una puerta hacia un cosmos lleno de estridencia brumosa y perfectamente armónico.

De/Vision | 13

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Label: Popgefahr Records Fecha de lanzamiento: 27 de Mayo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Pensar en un nuevo álbum de De/Vision me genera cierta seguridad de que me encontraré con un paquete de buenas canciones, ya antes de darle play al primer track, así que descubramos este trabajo juntos. Un álbum que se viene anunciando desde sus redes sociales desde el año pasado, y que por fin ve la luz. Un grupo de diez canciones son las que trae "13", nombre que viene bien para ser reseñada en nuestra revista. Bromas aparte, el álbum abre con el primer single "Who Am I" que es una típica canción synthpop a lo De/Vision, con ritmo y una arquitectónica construcción sonora. "Essence" tiene justamente la esencia de este dúo alemán, una bella canción con ritmo agradable que nos lleva en un viaje tranquilo. "Starchild" continúa de manera más electrónica, pero sin apurar mucho el paso. Las construcciones sonoras suben un nivel más alto logrando un track bien brillante. "Where's The Light" levanta la intensidad a un elegante synthpop de marca registrada de la casa. Uno de los mejores track del álbum. "Synchronize" una canción que va creciendo a medida que avanza, y se pone muy atractiva, va derecho la podio de las tres mejores del álbum. "Prisoner" la canción más tranquila, esa que se necesita para buscar profundidad. "Read Your Mind"

Air | Twentyears Label: Parlophone Fecha de lanzamiento: 10 de Junio de 2016 [ Por Gabo Rojo ]

Los únicos puntos negativos de este compilado son el título y el booklet, que parecen haber sido preparados en cinco minutos. Afortunadamente, el cuidado brindado a la lista de temas compensa ampliamente estas fallas menores. La banda al parecer es consciente de que se ha dormido en los laureles

otro elegante track que levanta el pulso rítmico pero que no nos hace bailar, sólo movernos al compás de un ritmo agradable. "Their World" otro que sube al podio, una interesante canción que produce un ritmo que seguiremos sin problemas. "Gasoline" es el track que da paso al final, un agradable tema. "The Firing Line" es el final, un track ensoñador y efectivo para el final. En definitiva "13" es un disco prolijo y sonoramente agradable, como nos tiene acostumbrado De/Vision. Sin deslumbrar y sin romper con canciones potentes nos entregan canciones elegantes y con una alta dosis de trabajo detrás de la voz siempre exquisita de Steffen Keth. Un disco que no impacta pero que agrada.

desde el alucinante Talkie Walkie, ya que el disco principal contiene apenas tres temas posteriores al 2004. Casi todas las selecciones provienen, por supuesto, tanto de Talkie Walkie como del igualmente maravilloso Moon Safari, pero el mechar en medio temas destacados de álbumes poco estelares como The Virgin Suicides o Le Voyage Dans la Lune hacen brillar a los mismos más que en sus contextos originales. Lejos de limitarse a ser un rejunte de singles, la combinación de hits radiales con algunos de los temas instrumentales más memorables de los últimos 20 años (“La Femme D’Argent”, “Alone in Kyoto”) logra que el compilado verdaderamente cubra todas las facetas de la banda. El disco adicional de rarezas es otro gran acierto, repleto de joyas de Jazz

futurístico y Ambient melódico, algunas grabadas durante el apogeo de Air (“Planet Vega”) y otras después (“Crickets”, “High Point”,) dando a entender que lo que quedó fuera de los discos quizás era más interesante que los cortes principales. Casi todos los temas son deliciosamente instrumentales, y la excepción (“The Duelist”, un tema escrito con Jarvis Cocker de Pulp) desborda una calidad casi digna de Bowie. A lo largo del trayecto hay un par de temas más extraños, el más bizarro siendo “Trente Millons D’Amis”, versión en vivo de un tema que parece una versión Muzak de la añeja canción de Bowie “Let Me Sleep Beside You.” Pero en conjunto, ambos discos del compilado se pueden escuchar de principio a fin disfrutando cada momento. Ampliamente recomendado para cualquier aficionado a la música.

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DERECHO DE PISO

SÉ PEQUEÑO

Entre los nuevos proyectos por descubrir hay de todos los estilos, y de todos los colores. Entre más buscamos en el subterráneo de las sonoridades nuevas y alternas a lo que los grandes medios nos quieren vender (el recalcitrante y agotado rock chabón o el mal utilizado rock and roll argento). Hoy llega a nuestra revista Sé Pequeño, un proyecto de Marcelo Borello que se formó en el 2008 y que con dos álbumes nos trae un universo intimista, pequeño y simple, sin grandes luminarias y pomposidades. Lo que nos regala Sé Pequeño es una gran reflexión, que sólo se puede pensar desde la pequeñez del ser humano ante la inmensidad del Cosmos. Somos una ínfima parte de una totalidad que nunca alcanzaremos a comprender y a abarcar. Sé pequeño nos inunda de simplezas, por medio de paisajes acústicos y letras que se llenan de poesía cotidiana, en donde nosotros vemos cotidianeidad y pocas veces valoramos instantes, Sé Pequeño nos descubre poesía y luminosidad en actos simples como preparar un mate y tostadas, o el sim-

ple hecho de arrojar un palo al perro para jugar. Todo en un marco de un folk casi campestre, adornado de bellas armonías, que se alinea detrás del gran Spinetta o la simpleza lírica de Daniel Melero. Pero que nunca es estridente, por el contrario, siempre nos envuelven en esa pausa necesaria en esta vida cotidiana cada vez más acelerada y salvaje. Sé Pequeño es un oasis que siempre necesitaremos para recordar que en la simpleza y en los pequeños momentos está la esencia de la vida. Dos álbumes acompañan está naciente trayectoria, "Como una Planta creciendo en mi Maceta" (2011) y "Cada vez que estoy Despierto" (2015). Actualmente la banda se completa con Sebastian Kramer en guitarra eléctrica, Agustín Gaytan en guitarra criolla y banjo, Federico Dopazo en bajo y Sebastian Souza en sintetizadores. https://www.facebook.com/sepequenio/

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