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EDITO
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RE W UE
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ReWue - 68, rue Pergolèse - 75116 Paris
ORIAL reWue 3 prête.qxp_wattel's crew mag 31/03/18 21:04 Page3
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Pour ce troisième numéro de la reWue, en ne présentant que des travaux de photographes, nous avons mis l’accent sur la photographie mais aussi sur l’architecture, la lumière et la couleur. La photographie est une œuvre produite par le mélange
de la technique artistique avec une source inspirante. Elle est le médian le mieux placé pour saisir instanément le monde et en raconter l’histoire. Ici la vision sera celle d’un des primitifs de la photographie, Henri Clerq, ainsi que celle de 5 artistes, collaborateurs occasionnels ou permanents de la reWue. Leurs images se croisent, se répondent ou se télescopent. La reWue veut être un magazine de partage, de rencontre et de diversité, elle tire sa force de la variété des contributeurs qui y participent. C’est pourquoi, ce nouvel opus réuni des images aux couleurs et lumières très particulières, dans la vie quotidienne ou la vie rêvée, dans le présent ou le passé, dans la promenade ou l’immobilité. Le rêve, au cœur de la plupart de ces travaux, amène à des fictions et à des voyages avec chacun sa logique narrative et son chemin imaginaire. Que les couleurs soient pastel ou acidulées, réelles ou manipulées, que les lumières soient naturelles ou retouchées, chaque photographie est un clé magique pour s’évader très loin ... ou tout près. Les séries photographiques offrent une déambulation poétique ou notre imagination est sollicitée ou apaisée. Les photos prisent isolément doivent réussir à s’extraire de la série et avoir leur propre univers poétique. Que ce numéro de Printemps, vous soit doux et sage comme une image ...
Bénédicte Wattel Rédacteur en chef
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‘’Lumiere Spéciale’’ Waldec Tie-Benett
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Série ‘’Lumière Spéciale’’ 2018 Amsterdam waldectiebenett@free.fr
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#Architecture #Photography #Museum #Photography #Origines #Photography #Ceramics #Photography #Artfair #Photography #Engraving #Photo Montage
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SOMMAIRE
FRICHES/’’ReconversiondanslaRuhr’’/JimmyMokke
PALAIS DE TOKYO/’’VisionsTroublées’’/JustineJeers
NATURES MORTES/’’PhotographieNégative’’/HenriLeSecq
VARIATIONS VIREBENT/’’VariationavecVase’’/AlainBardin
TEFAF MAASTRICHT 2018/’’MariagesMixtes’’/WaldecTie-Benett
Vintage/’’V Vert et V Violet’’/AurorePépinster
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EDITORIAL STAFF Bénédicte WATTEL Redacteur en chef rewue@free.fr Aurore PEPINSTER Directeur artistique aurorepepinster@free.fr Artémis WATTEL Rubrique Design artemiswattel@free.fr Justine JEERS Rubrique Photographes justinejeers@free.fr Solange GARNIER Publicité
#PHOTOGRAPHY #DESIGN #CERAMIC #HOME #DECORATION #INTERIOR #ARCHITECTURE #LIFE
solangegarnier@free.
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CONTRIBUTORS REWUE 3 Jimmy MOKKE jimmymokke@free.fr Photographe Justine JEERS justinejeers@free.fr Photographe Waldec TIE-BENETT waldectiebenett@free.fr Photographe Alain BARDIN rafalin@numericable.com Photographe Aurore PEPINSTER aurorepepinster@free.fr Photographe
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A l’occasion de l’exposition (30/06 à 30/09 2018) des Tapisseries d’André Borderie, à la Manufacture Royale Saint Jean d’Aubusson, les Editions Louvre Victoire feront paraître en Juin l’ouvrage :
André Borderie et la Tapisserie d’Aubusson contact@editionslouvrevictoire.com
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FRICHES Reconversion dans la Ruhr
Jimmy Mokke
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Jimmy Mokke fait partie du collectif de la reWue depuis ses débuts. Il réalise plutôt des photographies artistiques mais accepte aussi quelquefois les photographies de commande. Voici quelques uns de ses travaux sur l’architecture effectués lors d’un voyage dans la Ruhr. La photographie de la double page suivante lui a d’ailleurs valu un prix à l’école d’Architecture de l’ULB La Cambre-Horta. La région de la Ruhr occupe le centre de l’actuel Land de Rhénanie-du-Nord-Westphalie, frontalier avec le Royaume de Belgique et totalisant avec ses 18 millions d’habitants près du cinquième de la population de la République fédérale d’Allemagne. Un réseau d’une dizaine de villes distantes les unes des autres de moins de 10 kilomètres constitue une vaste agglomération polycentrique mêlant centres urbains denses, quartiers suburbains, anciens sites industriels omniprésents côtoyant des exploitations agricoles, des forêts et des parcs. Le fil rouge de ce voyage portait sur la reconversion. Le territoire de la Ruhr est en effet fortement marqué par la Révolution Industrielle allemande dont les origines remontent à la seconde moitié du XIXème siècle. L’industrialisation a à ce point marqué la région qu’elle demeure encore aujourd’hui une partie essentielle de l’identité de ce territoire. Aujourd’hui, l’industrie charbonnière a laissé derrière elle d’immenses exploitations et sites industriels qui auront marqué les Hommes et l’environnement. Ces sites cherchent depuis quelques années un nouveau destin, tentatives de reconversion bien souvent accompagnées d’une politique massive de subventions qui peine cependant à modifier substantiellement une situation encore très précaire. La vision de Jimmy Mokke mélange parties anciennes et parties de la reconverstion et le temps magnifique lors des prises de vues donne un côté très optimiste au sujet. Le mélange du bleu et du brique apporte un part de rêve et d’optimisme que ces lieux de désolement ne reflètent pas tous. La magie de la photographie permet donc une vision sublimée des lieux.
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Photo de la double page précédente ‘’Trajectoires’’ par Jimmy Mokke - Site de Zollverein, Essen ‘’Une amorce de bâche, un fragment de cheminée, une portion d’arc d’une Grande roue, une fraction de cage d’escalier d’un bâtiment industriel, l’émergence d’un gueulard de haut-fourneau, un ciel bleu parfaitement uni. La bâche témoigne de transformations en cours. La cheminée et le bâtiment industriel paraissent étrangement préservés en ce milieu que l’on devinerait souillé par l’activité quotidienne du travail de la mine. Nul sombre panache ne vient troubler la perfection azuréenne : le haut-fourneau jadis foyer d’un bouillonnement sans fin semble désormais silencieux et figé. La Grande roue, événement festif incongru, nous laisse deviner le destin de cet ancien site industriel minier : l’insouciance aura succédé à la dureté du labeur ouvrier, les promeneurs auront remplacé les gueules noires, les loisirs auront substitué des emplois désormais disparus. Reconversion(s). Tel était le thème du voyage et tout naturellement celui du concours de photographies. Le travail salué ici place littéralement l’ensemble des éléments sur un même plan, dans un aplatissement permettant la proximité irréelle de l’univers du divertissement contemporain avec le passé d’un site voué à un travail aussi noble que brutal. Par l’utilisation vraisemblable du téléobjectif, chaque constituant de cette photographie se trouve placé sur un plan d’équivalence et par là-même semble vouloir témoigner du contraste des situations, de la confrontation d’un héritage avec la tentative de forger de nouveaux usages. Une photographie n’est pas qu’un simple regard passif ou désinvolte. C’est une construction, une composition élaborée, un regard tenu par une intention. Composer une photographie, c’est écrire avec de la lumière.’’ Miguel Pinto
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www.manufactureroyalesaintjean.com
©waldectiebenett
MANUFACTURE ROYALE SAINT JEAN D’AUBUSSON
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PALAIS DE TOKYO Visions troublées
Justine Jeers
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Accompagnant une amie scénographe qui doit monter une exposition au Palais de Tokyo, Justine Jeers a en a profité pour arpenter les lieux ouverts et fermés du Musée et s’est amusée à en capturer des visions troublées dominées par les bleus wood et les roses tyriens des jeux de lumières. Photographe de profession vivant en Belgique, Justine Jeers collabore a la reWue et réalise notamment des prises de vue pour les Editions Louvre Victoire et pour une agence de communication basée à bruxelles.
Pourquoi s'appelle-t-il le Palais de Tokyo ? Construit à Paris à l'occasion de l'Exposition internationale de 1937 afin d'abriter le musée national d'Art moderne, le Palais de Tokyo a connu des destinées variées. Le bâtiment tire son nom du quai qui le séparait de la Seine au moment de sa construction. En 1933, à la perspective de l'Exposition internationale de 1937, l'idée d'un nouveau Musée d'Art moderne se concrétise. En mai 1934, la décision est prise de construire, non pas un, mais deux musées d'une superficie égale, l'un d'Etat (l'actuel Palais de Tokyo), comme initialement prévu et l'autre, jumeau, pour la ville (l'actuel Musée d'Art moderne de la Ville de Paris). Le bâtiment est en outre l'un des rares à être d'emblée prévu pour durer bien au-delà de la dite Exposition. Très vite, un concours d'architecture est lancé et 128 projets sont déposés parmi lesquels ceux des grands noms de l'époque, comme Mallet-Stevens, Le Corbusier, Tony Garnier... Mais ce sont finalement de jeunes architectes Jean-Claude Dondel et André Aubert, associés aux aînés Paul Viard et Marcel Dastugue, qui sont choisis. Les travaux démarrent en trombe, Albert Lebrun, alors président de la République, pose la première pierre le 5 juillet 1935 et le Palais est inauguré le 24 mai 1937. Avec tout de suite des expositions: plusieurs dans l'aile de la Ville et une grosse dans l'aile de l'Etat. Consacré aux ‘’Chefs-d'oeuvre de l'art français’’ et organisé par Georges Huisman (le directeur général des Beaux-Arts), celle-ci rassemble alors la bagatelle de 430 peintures, 170 sculptures,
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280 dessins, 75 tapisseries, 150 gravures, 55 manuscrits et 115 objets d'art. Une fois la guerre passée (pendant laquelle les Allemands avaient réquisitionné les sous-sols), les deux ailes commencent leurs carrières respectives. Dans l'aile ouest (celle aujourd'hui du nouveau site de création contemporaine), s'ouvre officiellement en 1947 avec, à sa tête, Jean Cassou, le Musée national d'Art moderne. Ses collections y seront présentées jusqu'à leur déménagement au Centre Pompidou en 1977. A partir de cette date, c'est un peu le flottement et l'aile, rebaptisée musée d'Art et d'Essai, abrite différentes collections dont celles qui partiront plus tard au musée d'Orsay et au musée Picasso. Entre-temps, de 1959 à 1982, elle a vu passer (ainsi que sa jumelle) différentes éditions de la Biennale de Paris. En 1984, le ministère de la Culture et de la Communication y installe le nouveau Centre national de la photographie (qui déménagera en 1993) puis, à partir de 1986, la Fémis (l'école du cinéma) ainsi que de nouvelles salles de cinéma gérées par la cinémathèque française de 1990 à 1993.
Le lieu doit alors devenir le palais du cinéma, censé réunir le musée du Cinéma, la Fémis, la bibliothèque et les archives du film. D'importants travaux sont prévus, sous la houlette de l'architecte Franck Hammoutène, mais le projet coule à pic en 1998, et laissé en friche suite à l'abandon du projet de Palais du Cinéma, le Palais de Tokyo est investi à l'orée du XXIème siècle par le Site de création contemporaine. En dix ans, sous la houlette de ses directeurs successifs, Nicolas Bourriaud et Jérôme Sans, puis Marc-Olivier Wahler, il a su devenir un acteur incontournable de la scène artistique internationale. En avril 2012, un Palais de Tokyo agrandi ouvre ses portes. Avec ses 22 000 mètres carrés rénovés par les architectes Lacaton & Vassal, il élargit désormais sa mission au service de la scène française montrée dans un contexte international. Un nouveau Palais de Tokyo est né, un endroit à explorer, habité par les artistes.
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NATURES MORTES Photographie négative
Henri Le Secq
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Henri LE SECQ (1818-1882) Jean-Louis Henri Le Secq des Tournelles, plus connu sous le nom de Henri Le Secq, naît à Paris. Entre 1835 et 1840, il étudie la sculpture dans l'atelier de James Pradier, et la peinture auprès de Paul Delaroche, avec Gustave Le Gray, Charles Nègre et Roger Fenton. À partir de 1848, il débute une activité de photographe. En 1850, ses vues de la cathédrale d'Amiens, préparatoires à la restauration menée par l'architecte Viollet-le-Duc, sont remarquées. En 1851, membre de la Société Héliographique, il est retenu par la Commission des monuments historiques pour participer à la Mission Héliographique. Oeuvrant sur les édifices religieux en Champagne, en Alsace et en Lorraine, Le Secq utilise à la prise de vue le procédé du calotype, qu'il traduit en épreuves sur papier salé. À partir de 1852-53, il photographie le vieux Paris promis à la démolition ainsi que la forêt de Montmirail. Bien que reconnu comme un puriste de la photographie d'architecture, Henri Le Secq s'en détourne peu à peu au profit de natures mortes et d'images plus symbolistes. Ici sont montrées certaines de ses natures mortes. Il reste, avec ses quatre compagnons de la Mission Héliographique, un " primitif " essentiel de l'histoire de la photographie. Paul Delaroche, qui manifestait un goût très vif pour la photographie, comme moyen d'expérimentation et d'étude appliqué aux beaux-arts, suscita la vocation photographique de ses élèves ; en compagnie de Gustave Le Gray, Le Secq apprit les rudiments du métier, et auprès de son ami Charles Nègre, s'initia à la scène de genre. Son fonds d’atelier, donné par son fils en 1905 à la bibliothèque des Arts Décoratifs de Paris comporte environ 400 négatifs sur papier ciré et 700 épreuves sur papier salé : monuments religieux de la Mission héliographique, démolition de Paris, études de forêts à Montmirail, natures mortes...
Un négatif sur papier est une image négative obtenue sur une feuille de papier sensible à la lumière, exposée dans une chambre photographique. Suivant de très près celle du daguerréotype, son invention fait entrer la pratique de la photographie dans son ère moderne en introduisant pour la première fois le procédé ‘’négatif-positif’’, qui permet la réalisation de tirages multiples à partir d’une même image négative. Il existe différentes techniques regroupées sous le vocable ‘’négatif sur papier’’, souvent difficiles à différencier les unes des autres, qui sont toutes des variantes du procédé breveté en 1841 par William Henry Fox Talbot à la suite de sa découverte du dessin photogénique : le calotype dit aussi talbotype. Le calotype se fabrique de la manière suivante : une feuille de papier de bonne qualité est enduite au pinceau d’une solution de nitrate d’argent, puis séchée. Elle est ensuite plongée quelques minutes dans une solution d’iodure de potassium, permettant une première sensibilisation par la formation d’iodure d’argent. A nouveau séchée - cette fois-ci à l’abri de la lumière -, elle est sensibilisée par l’application d’une solution de ‘’gallo-nitrate d’argent’’, composée de nitrate d’argent, d’acide gallique et d’acide acétique. Après rinçage, cette feuille doit être rapidement placée dans la chambre noire, sèche ou humide, pour la prise de vue. L’exposition permet d’obtenir une image latente, à peine visible à l’œil nu, qui est ensuite révélée par développement dans une solution de gallo-nitrate d’argent. L’image développée est ensuite stabilisée dans un bain de bromure de potassium. Le négatif ainsi obtenu est parfois enduit de cire afin d’en renforcer la transparence. Jusque dans les années 1850, le tirage se fait par contact avec une feuille de papier salé, dans un châssis-presse exposé à la lumière. Les caractéristiques visuelles de l’image produite - tons bruns ou sépia, forts contrastes, rendu légèrement flou - représentent un obstacle au développement commercial du calotype. En France, Charles Le Nègre, Henri Le Secq, Charles Marville ou Gustave Le Gray pratiqueront cette technique. Ils se regroupent en cercles et sociétés de photographie au sein de la Manufacture de Sèvres ou de la Société héliographique. Peu adapté à la réalisation de portraits, cette méthode est plutôt appréciée pour la pratique de la photographie en extérieur, de voyage ou la nature morte. La pratique du négatif sur papier est peu à peu abandonnée à la fin des années 1850, au profit de celle du négatif sur support verre qui permet de produire des images de meilleure qualité. Extrait du glossaire visuel des procédés photographiques © ARCP / Mairie de Paris, 2014
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VARIATION AVEC VASE Porcelaine de Virebent
Alain BARDIN
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En 2014, Alain Bardin et Bénédicte Wattel ont écrit à 4 mains le livre ‘’Variations Virebent’’. L’originalité de cet ouvrage, qui présente la Manufacture de Porcelaine de Virebent à Puy l’Evèque dans le lot, est d’avoir photographié les productions d’une façon inhabituelle gràce à un collectif de onze photographes. Ces objets, vases, coupes, plats, bougeoirs ont été ‘’promenés’’ à travers villes et campagnes pour être mis en scène de façon à s’harmoniser totalement avec le décor. Le livre comporte plus de 700 photos de ces variations. Nous avons choisi de vous montrer un seul vase et un seul photographe, l’auteur, qui est à l’origine de ce choix. Ce parti-pris photographique qui en a surpris plus d’un, est aujourd’hui très copié. La Manufacture Virebent à Puy-l’Evèque a été fondée en 1924 par Henry Virebent, sa principale activité a été, jusqu’à la fin des années 60, la fabrication de porcelaine électro-technique. En 1963, la Manufacture passe aux mains de son directeur, Jacques Paré qui travaille toujours à la fabrication de porcelaine industrielle avec son fils Philippe. Devant la baisse constante des commandes de ce type, Philippe Paré décide, dès 1967, d’imaginer et de créer une ligne de produits artistiques avec d’une part des services de vaisselle et d’autres part une collection de pièces décoratives. Pour ce faire, il fait appel à des designers et à des céramistes, qui se lancent, avec lui, dans l’aventure. Les premiers seront Pierre Lèbe, Yves Mohy et René Bertoux. De ces associations vont naître des objets aux lignes pures et très contemporaines, qui vont être présentées au Salon des Ateliers d’Art. Toutes ces formes, résolument modernes, s’adaptent parfaitement à la porcelaine blanche. Le succès est immédiat et la Manufacture rayonne en France et à l’International avec ses nouvelles collections. Philippe Paré invite alors de nouveaux artistes à créer pour Virebent, comme François Gueneau, puis Benoît Montreau-Lohoff, Bernard Prigent, Jacques Buchholtz ou encore Xavier Féal et Claire Debril. Au fil du temps, la gamme s’accroît mais toujours avec un réél ‘’esprit Virebent’’. Enfin vers 1970, le public découvre le fameux décor ‘’aux trois oiseaux’’ qui va connaître un succès colossal, durant une dizaine d’années, dans ses différentes déclinaisons bleues, vertes, brunes ou beiges. Parrallèlement, Frédérique Caillet, l’actuelle propriétaire de la Manufacture leur a donné accès aux archives et la volonté ludique de présentation a pu s’étayer d’une approche historique incontournable. Le vase choisi est un modèle d’Yves Mohy.
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TEFAF MAASTRICHT Mariages Mixtes
Waldec TIE-BENETT
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Waldec Tie-Benett s’est rendu à la TEFAF de Maastricht pour sa 31ème édition du mois de Mars 2018. Fondée en 1988, la foire ‘’The European Fine Art Fair’’ ou TEFAF de Maastricht, c’est 275 exposants dans 30.000 m2, qui exposent plus de 30.000 objets sur plus de 7000 ans d’histoire de l’art. 12.000 personnes s’y sont retrouvées juste pour les 2 jours de vernissage. La TEFAF a mis sur pied un comité d'experts (conservateurs, historiens de l'art, restaurateurs, chercheurs, experts indépendants, marchands) qui inspecte rigoureusement, deux jours avant l'inauguration, l'ensemble des marchandises, afin de déterminer l'objet qui n'a pas sa place ou rectifier les erreurs portées sur les cartels de présentation. Cette procédure d'examen et d'inventaire, appelée Vetting, est également utile pour préciser la provenance de certains objets. Les spécialités représentées sont : peintures, dessins, estampes, archéologie, mobilier et objets d'art ancien, mobilier design, bijoux, livres rares, manuscrits enluminés, art moderne et art contemporain, arts premiers. Notre photographe attitré s’est amusé à mettre en pendant des œuvres reliées par la couleur, le sujet, l’ambiance ou l’anecdote qu’un acheteur ‘’no limit’’ aurait pu s’offrir.
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GALERIE DEMISH DANANT Sheila Hicks, Tapestry
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DONALD ELLIS GALLERY Kachina Dolls
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GALERIE NEUSE Elgin Guéridon
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GALERIE MARC HEIREMANS Napoleone Martinuzzi, Pianta grassa
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GALERIE ZLOTOWSKI Le Corbusieur, Taureau X
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THOMAS FRISTCH, ARTRIUM Georges Jouve, plats à décor de taureaux
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CARDI GALLERY Giulio Paolini, Nine Plaster Casts
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GALERIE CHENEL Tête d’Aphrodite
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GALERIE PATRICE TRIGANO Hubert Le Gall, Placide, le lapin calin
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THE MERRIN GALLERY Bronze Roman, IIème siècle AD
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GALERIE FLORE Pablo Reinoso, Solo Bench
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STEPHEN ONGPIN FINE ART Godfried Maes, Tête de Méduse
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SCRIPTUM ART BOOKS Willem van Veldhuizen, Status with two chairs
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JOAN WIJERMARS Joseph Csaky, Femme Nue Debout
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TORNABUONI Paolo Scheggi, Intersuperficie curva bianca
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RÖBBIG MÜNCHEN Hubert Robert, le Colisée et l’arche de Constantin
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LIBRAIRIE CAMILLE SOURGET Leonhard Fuchs, New Kreüterbuch
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MODERNITY Josef Frank, Cabinet Flora
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brusselsartdecosociety@hotmail.com + 32 (0)478 229 228
https://www.facebook.com/Brussels-Art-Deco-Society
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REWUE 3
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@fotografstefanpetersen
@rene.duerr
@kitschmitkunst
@la_maison_du_pastel
INSTA
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@ladecofacontibo
@valeriovasi
@pe_723
@dididurbex
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VINTAGE V Vert et V Violet
Aurore Pepinster
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Spécialiste de la couleur, Aurore Pépinster est graphiste et photographe. Elle s’est amusée avec les moyens mis à disposition aujourd’hui à retravailler des graVures anciennes. Cette transformation permet d’appréhender de façon plus moderne de magnifiques dessins des temps passés et de leur donner une nouvelle Vie plus actuelle. Aurore pense qu’il faut Véhiculer un maximum d’images anciennes pour le plus grand nombre, pour ne pas oublier tous ces traVaux merVeilleux. Or beaucoup de gens ne Vont pas au Musée et sont confrontés à la rue plutôt qu’à l’Art. Ainsi il faut enVoyer l’Art dans la rue. Ces réalisations Vont donc être tirées en grand format pour un happening V Vert et V Violet, organisé par la reWue, et collés au hasard des murs de la V Ville. Hormis le jeu sur la résonnance et l’alitération en V pourquoi ce choix de couleurs ? Pourquoi le Vert : Couleur de l’espérance, le vert est porteur de chance. Il invite au calme et au repos. Il est symbole de plein air, de fraîcheur et de nature. Il représente la stabilité et l’équilibre. Aurore voulait insister sur le côté environnemental et écologique que doit avoir la vie d’aujourd’hui. Pourquoi le Violet : Le violet est une couleur ambiguë qui suggère surtout le rêVe. Il réfère à la magie, au fantastique, à l’imaginaire. Cette couleur colporte des Valeurs de sérénité et de spiritualité et peut être associée aux aspects artistiques (arts, culture et musique). Le Violet caractérise aussi désormais les mouvements luttant pour l’égalité entre homme et femme, que ce soit par tradition ou par souci d’opter pour une teinte intermédiaire. En effet, prenez de la peinture rose bonbon comme les filles et de la peinture bleu ciel comme les garçons, mélangez les deux, vous obtenez… du Violet ! Le Violet est la couleur de l’année 2018, plus précisément l’Ultra Violet No18-3838 du nuancier Pantone tandis que le Vert Greenery No 15-0343 était celle de 2017.
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AGENCE DE GRAPHISME ET DE COMMUNICATION IDENTITE VISUELLE-LOGOTYPE-DESIGN-BRANDING PHOTOGRAPHIE AGENCE LOUVRE VICTOIRE - PARIS-BRUXELLES louvrevictoireagence@free.fr
©alainbardin
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©alainbardin
LOUVRE VICTOIRE AGENCE
©waldectiebenett
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PLAYLIST 01.
Paradis - Garde Le Pour Toi
02.
François-Joseph Gossec - Thésée
03.
Henri PFR feat Raphaella - Until the End
04.
Yianna Katsoulos - Les autres sont jaloux
05.
Avalanches - Columbine
06.
Riton Ft. Kah-Lo - Rinse & Repeat (Original Mix)
07.
Mikado - Naufrage en Hiver
08.
Chaton - Poesies
09.
Vald - Poisson
10.
Bilderbuch - Spliff
11.
Lully - Gavotte
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SWEET Ingrédients : 160 g de purée d’amande - 5 cl de lait - 2 feuilles de gélatine - 2 CàS d’eau de fleur d’oranger 3 CàS de miel - 20 cl de crème fraîche liquide entière très froide. Instructions : Mettez les feuilles de gélatine dans de l'eau froide et faites-les ramollir. Dans une casserole, versez la purée d’amande puis le miel et la fleur d’oranger, bien mélanger pour obtenir une pâte homogène et faites tiédir. Faites chauffer le lait avec les feuilles de gélatine essorées, mélanger puis ajoutez à la purée d’amande, mélangez à nouveau. Laissez refroidir un peu. Mettre la crème dans un récipient puis battez-la de façon à obtenir une chantilly. Incorporez délicatement la chantilly à la purée d’amande. Répartissez la préparation dans des petits ramequins et laissez au réfrigérateur 3 h pour que la mousse prenne.
CREME AMANDE FLEUR D’ORANGER
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Les Amis de la Manufacture d’Aubusson Association Loi 1901 - Numéro RNA W231001291 3, rue Saint Jean - 23200 Aubusson 00 33 (0)5 55 66 10 08 - amismanufactureaubusson@orange.fr
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EDITORIAL STAFF
CONTRIBUTORS N° 2
Bénédicte WATTEL
Bénédicte WATTEL
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Redacteur en chef
Erwan d’Otric
Directeur artistique rewue@free.fr
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Rubrique Design
artemiswattel@free.fr Justine JEERS
Rubrique Photographes justinejeers@free.fr Solange GARNIER Publicité
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