Rodulfo gonzález grandes intérpretes del bolero

Rodulfo Gonzรกlez

GRANDES INTร RPRETES DEL BOLERO

“El mejor idioma para el amor son las canciones�.

Armando Manzanero

PROEMIO El bolero, a lo largo de su más de un siglo de existencia, si se acepta como cierta la versión histórica que lo sitúa a finales del siglo XIX, no sólo aparece en los repertorios musicales de cantantes populares encargados de su difusión e innovación para que no desaparezca, y en el de los artistas especializados en otros géneros (jazz, rock, pop, salsa, son, etc.) sino también, aunque con menor intensidad, en el de intérpretes de la llamada música elitesca o académica.

Las notas del bolero “Frenesí”, del compositor Alberto Domínguez, se escuchan en la famosa película “Casablanca”, que protagonizaron Ingrid Bergman y Humphrey Bogart, y “Bésame mucho”, de la compositora Consuelo Velásquez, ha sido interpretado, aparte de conocidos boleristas latinoamericanos, por “The Beatles”, André Rieu y Laura Engel, Andrea Bocelli, Andy Russell, Arielle Dombasle, Caetano Veloso, Cal Tjader y Carmen McRae, Carmen Consoli, Carmen McRae, Cesária Évora, Édith Piaf, Charlie Parker, Connie Francis, Dave Brubeck, Dean Martin, Diana Krall, Diane Schuur, Maynard Ferguson, Duncan Dhu, Elvis Presley, Ernesto Acher, Filippa Giordano, Francis Goya, Francisco Céspedes, Frank Pourcell, Frank Sinatra, Frankie Laine, Herb Alpert, Josephine Baker, José Carreras, Kenny G, Kylie Minogue, Louis Armstrong, Nana Mouskouri, Nat King Cole, Natalie Cole, Paco de Lucía, Paloma San Basilio, Paul Mauriat, Paul Butcher, Paul Anka, Plácido Domingo, Ray Conniff, Richard Clayderman, Sammy Davis Jr., etc.

Exponentes populares No son solamente de América Latina los melómanos del bolero, donde se aposentó al llegar desde España con los conquistadores y adquirió ciudadanía, sino de todos los continentes, bien por propia creación de artistas de esas tierras o mediante giras profesionales de sus intérpretes en las mismas.

En Puerto Rico nacieron los grandes boleristas Daniel Santos, también compositor exitoso; Carmen Delia Dipiní, Johnny Albino, Bobby Capó, Chucho Avellante, Cheo Feliciano, José Feliciano igualmente compositor; José Luis Moneró, Tito Rodríguez y Luis Miguel; en México, José José, Juan Arvizu, Armando Manzanero, Ramón Armengod, Pedro Vargas, María Luisa Landín, Sonia López, José Mojica, Pedro Infante, Fernando Fernández, Jorge Negrete, María Victoria, “Los Tres Diamantes”, Toña La Negra, Marco Antonio Muñiz, Javier Solís, Ana Gabriel, Vicente Fernández, Elvira Ríos, Dr. Alfonso Ortiz Tirado y Juan Gabriel, asimismo compositor; en Cuba, Fernando Albuerne, “Trío Hermanos Rigual”, Blanca Rosa Gil, Celia Cruz, Bienvenido Granda, Orlando Vallejo, Panchito Riset, “Trío La Rosa”, “La Sonora Matancera”, “Trío Matamoros”, Elena

Burke, Celio González, Orlando Contreras, Benny Moré, Olga Guillot, Vicentico Valdez, Rolando Laserie, Barbarito Diez, La Lupe, Xiomara Alfaro, Roberto Ledesma, Omara Portuondo, Olga Chorens y Antonio Machín; en Argentina, Leo Dan (también compositor), Leonardo Favio, Palito Ortega (también compositor); Daniel Riolobos, Ricardo Montaner, Carlos Argentino, Leo Marini, Hugo Romani y Chico Novarro; en Estados Unidos (Nueva York), Virginia López y el “Trío Los Panchos”; en Chile, “Los Pasteles Verdes”, “Los Ángeles Negros”, “Los Hermanos Arriagada”, Lucho Gatica, Antonio Prieto, Palmenia Pizarro, “El Indio Araucano”, Rosamel Araya y “Los Cuatro Hermanos Silva”; en Ecuador, Lucho Bowen, Olimpo Cárdenas y Julio Jaramillo; en Brasil, Altemar Dutra, Milthino, Roberto Carlos, Simone, Nelson Ned y “Los Indios Tabajaras”; en Venezuela, José Luis Rodríguez, Felipe Pirela y Alfredo Sadel; en República Dominicana, Juan Luis Guerra, Alberto Beltrán, Alci Sánchez y Lope Balaguer; en Costa Rica, Chavela Vargas; en Perú, Lucho Barrios y Tania Libertad; en Colombia, Alci Acosta, Carlos Julio Ramírez, Charlie Zaa, Tito Cortés, Claudia de Colombia y Nelson Pinedo; en España, Camilo Sesto, Nino Bravo, Juan Legido, Julio Iglesias, Raphael, Sarita Montiel, José Guardiola, Joan Manuel Serrat (también compositor), , Alejandro Sanz, José Luis Perales y Rocío Dúrcal; en Bolivia, Raúl Shaw Moreno; en Italia, Domenico Modugno y en Francia, Charles Aznavour.

No son todos los exponentes de tan romántico género musical, porque incluirlos sin omisión sería una tarea de nunca acabar, como contar las estrellas o dejar sin agua el mar, debido a su mágico poder de reproducción cultural en todos los tiempos, en todos los idiomas y en distintas colectividades.

Llegar a estos nombres, especie de muestra representativa de los intérpretes del bolero, ha sido posible gracias a ese océano de conocimientos escondido en las entrañas de la Web que hemos navegado durante meses con paciencia bíblica y a los datos sumergidos en mi memoria, pocos realmente, limitados a Daniel Santos, Celia Cruz, Bienvenido Granda, La Lupe, Xiomara Alfaro, Carmen Delia Dipiní, María Luisa Landín, María Victoria, Trío “Los Panchos”, Barbarito Diez, Panchito Riset, Celio González, José Luis Moneró, Pedro Infante, Pedro Vargas, Alfonso Ortiz Tirado, Toña La Negra, “Los Cuatro Hermanos Silva”, “El Indio Araucano”, Julio Jaramillo, Alci Sánchez, Olimpo Cárdenas, Nelson Ned, Johnny Albino, Raúl Shaw Moreno, Tito Cortés, Leo Dan, Carlos Argetino, Charles Aznavour, Lucho Gatica y Juan Legido, de los cuales habíamos escuchado sus inmortales boleros, pero desconocíamos sus historias particulares, y que la investigación digital nos permitió acceder a ellas y verterlas en la monografía que ofrecemos a la lectoría bolerística.

ÍNDICE El autor Proemio Daniel Santos Pedro Vargas Celia Cruz Bienvenido Granda Panchito Riset Leo Marini Carmen Delia Dipiní María Luisa Landín Celio González Sonia López Virginia López Orlando Contreras Benny Moré Trio Los Panchos Los Hermanos Arraigada Lucho Bowen Altemar Dutra Johnny Albino Pedro Infante Fernando Fernández Jorge Negrete José Mojica Olga Guillot Vicentico Valdez Barbarito Diez La Lupe Xiomara Alfaro María Victoria Lucho Gatica Los Tres Diamantes Toña La Negra Antonio Prieto Palmenia Pizarro El Indio Araucano Olimpo Cárdenas Alfredo Sadel Felipe Pirela José Luis Rodríguez

Marco Antonio Muñiz Chavela Vargas Javier Solís Alci Acosta Miltinho Roberto Carlos Simone Nelson Ned Olga Chorens Hugo Romani Roberto Yanés Chico Novarro Carlos Julio Ramírez Trío Hermanos Rigual Antonio Machín Los Indios Tabajaras Ana Gabriel Roberto Ledesma Elvira Ríos Orlando Vallejo Rosamel Araya Los Cuatro Hermanos Silva Dr. Alejandro Ortiz Tirado Raphael Charlie Zaa José José Sarita Montiel Raúl Shaw Moreno Bobby Capó Tito Cortés Juan Gabriel Joan Manuel Serrat Alejandro Sanz Chucho Avellanet Cheo Feliciano José Feliciano Julio Jaramillo José Luis Perales Omaira Portuondo Niño Bravo José Luis Moneró Claudia de Colombia Trío La Rosa La Sonora Matancera Juan Legido Trío Matamoros

Ramón Armengod Vicente Fernández Juan Arvizu Blanca Rosa Gil Julio Iglesias Doménico Modugno Charles Aznavour Los Pasteles Verdes Los Ángeles Negros Carlos Argentino Rocío Dúrcal Lucho Barrios Daniel Riolobos Tito Rodríguez Rolando Laserie Fernando Albuerne Tania Libertad José Guardiola Nelson Pinedo Camilo Sesto Elena Burke Palito Ortega Sandro Leonardo Favio Leo Dan Luis Miguel Ricardo Montaner Armando Manzanero Genaro Salinas Néstor Chayres René Cabel Los Tres Ases Lino Borges Trío Calaveras Alejandro Fernández Gloria Estefan Lope Balaguer Juan Luis Guerra Alci Sánchez Alberto Beltrán

DANIEL SANTOS

Daniel Doroteo Santos Betancourt, su nombre de pila, nació en Santurce, Puerto Rico, el 5 de febrero de 1916 y falleció en Ocala, Florida, Estados Unidos, el 27 de noviembre de 1992.

Cantante de bolero, plena, guaracha, rumba cubana, y guajira, músico y compositor.

Integró el coro de su escuela.

Fue conocido artísticamente como “El Jefe” y “El Inquieto Anacobero”.

Casualmente formó parte del “Trío Lírico”, pues se encontraba cantando mientras se bañaba en el cuarto que alquilaba y lo escuchó un miembro de esa agrupación quien lo invitó a integrarse al mismo. Este hecho fortuito le abrió el camino a la fama que logró años más tarde. También figuró en el Conjunto Yumurí.

Cantó en inglés y español.

Fue el intérprete puertorriqueño de canciones latinoamericanas más importante del siglo XX. Entre sus más de 400 canciones se cuentan “Amnistía”, “El preso” “El que canta”, “Patricia”, “Amnistía” “El columpio de la vía” y “Bello mar”, muchas de las cuales fueron escritas en Cuba, entre ellas “El Preso” y “Amnistía”, que datan de 1946, cuando estaba privado de libertad. En esa misma situación se encontraba en Guayaquil, Ecuador, cuando escribió “Cautiverio” y “Cataplum... pa 'dentro anacobero”. De su autoría son también los temas políticos “Los Patriotas”, “La lucha por la independencia de Puerto Rico” y “Yanki, go home”.

Escribió canciones en facturas de cantinas que visitaba y allí registró temas de experiencias vividas en países como Panamá, Cuba y República Dominicana que nunca salieron a la luz pública.

Escribió también el Himno Nacional de Puerto Rico con letra nacionalista, muchos más radical que el actual, y que nunca se conoció.

Ya en la década de los 50 cantó con el grupo “Los jóvenes del Cayo” y fue el autor del tema “Sierra Maestra”, compuesto en 1957 en el “Hotel Maracay”, de Maracay, Estado Aragua, Venezuela, posteriormente adoptado por Fidel Castro como himno de su revolución; pero así paga el Diablo, éste al triunfar e imponer el comunismo lo despojó de su cabaret y se marchó de Cuba, donde consolidó su triunfo, para no regresar nunca más.

Su historial interpretativo suma un total de 2500 canciones.

El sábado 14 de septiembre de 1930 había pasado a formar parte del “Trío Lírico” y después del “Conjunto Yumurí”, actuando en locales de moda entonces como el “Borinquen Social Club”, “Los Chilenos” y el “Cuban Casino”, donde en 1938 conoció a Pedro Flores, quien quedó maravillado por su voz cuando interpretaba una de sus composiciones, “Amor perdido”, reclutándolo para su célebre cuarteto.

En 1941, muchos puertorriqueños fueron enviados por el ejército de Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial y grabó uno de sus grandes éxitos, "Despedida", de la autoría de Pedro Flores, prohibido en las radios ya que creaba conciencia en la ciudadanía y muchos no quisieron participar el conflicto bélico con la incertidumbre de su retorno. Como en la canción, fue reclutado y enviado al frente de batalla aunque no peleó pues prestó el servicio en la cocina del regimiento.

Después de la guerra, regresó a Puerto Rico y se hizo partidario del Partido Nacionalista de Puerto Rico de Pedro Albizu Campos, que propugnaba por la independencia de Puerto Rico de los norteamericanos. Incluso grabó junto a Pedro Ortiz Dávila "Davilita" un disco de corte nacionalista con temas como “Patriotas”, “La lucha por la independencia de Puerto Rico” y “Yanki, go home”, que le acarrearon problemas con el FBI y el Departamento de Estado de Estados Unidos.

Su voz triunfó en toda Latinoamérica junto a grupos musicales legendarios como el Cuarteto de Pedro Flores y “La Sonora Matancera”.

Durante sus últimos años de vida realizó algunas giras por Latinoamérica y grabó con Johnny Pacheco y el Conjunto Clásico. De igual modo cantó junto a Héctor Lavoe la canción “Joven contra viejo”.

En la ficción En 1976, el escritor venezolano Salvador Garmendia publicó el relato El Inquieto Anacobero, que desató un escándalo en su país por parte del bloque de prensa venezolano, que denunció el cuento por el uso de palabras obscenas. Hoy en día se considera que este relato es uno de los mejores del escritor, y suele aparecer en las antologías.

Grabó su primera canción en 1939 o 1940 titulada “Que te pasa que no se te ve” o simplemente “Que te pasa”.

Alcanzó la fama interpretando algunos de los mejores temas de Flores, entre ellos “Irresistible”, “El último adiós”, “Prisionero del mar”, “Guaracha amorosa, y “Despedida”, que le abrió las puertas del mercado norteamericano y la

inquina del gobierno, prohibiendo su difusión radial por cuanto, como lo reveló el autor del tema, Pedro Flores, durante la Segunda Guerra Mundial “causaba tal conmoción que los jóvenes se negaban a marchar al frente de batalla”.

Por cantar “Despedida” en 1941, confesó el propio cantante años después, Pedro Flores le pagó la entonces fabulosa suma de 9 dólares, que se multiplicaron al permitirle la apertura de las puertas de la fama.

Con “El Cuarteto Flores” grabó también, además de los temas mencionados, muchas de las canciones que lo harían famoso, entre ellas, "Tú serás mía", "Esperanza inútil", "Perdón", "Mayoral", "Venganza", "Amor", "Olga", "Yo no sé nada", "La número 100", "Bella mujer", "Margie", "Prisionero del mar", “Borracho no vale", "Bella mujer" y muchos otros.

Ese año fue elegido por Xavier Cugat para sustituir al cantante Miguelito Valdés al frente de su orquesta, pero tan pronto se unió al grupo debió abandonarlo pues fue llamado a filas por el ejército estadounidense.

Licenciado del ejército norteamericano en 1946, regresó a Nueva York y después de organizarse realizó giras por Puerto Rico y República Dominicana, el primer país que visitó como cantante internacional.

Una década después, encontrándose en Cuba, fue presentado por el también puertorriqueño Bobby Capó al dueño de la emisora de radio “RHC Cadena Azul”, Amado Trinidad, quien lo contrató para el programa “Bodas de Plata Portagás” y desde ese espacio radiofónico acrecentó su fama en la patria natal, donde ya era conocido como “El Anacobero”, en referencia al tema con el que solía hacer su presentación.

Luego, tras trabajar una temporada para la “Cadena Radial Suaritos”, fue contratado por “Radio Progreso” como vocalista de la orquesta cubana “La Sonora Matancera”, que permitió lanzar inesperadamente su carrera artística hacia el estrellato, en la cual estuvo desde1947 a 1953 y donde los temas más emblemáticos cantados por su voz en esa agrupación fueron “Dos gardenias”,”Obsesión”, “Bello mar”, “El columpio de la vida”, de su autoría, y “Noche de ronda”.

Durante los últimos años de su vida realizó algunas giras por Latinoamérica y grabó con Johnny Pacheco y el “Conjunto Clásico”. Igualmente cantó junto a Héctor Lavoe la canción “Joven contra viejo”.

Su figura fue tema principal de las obras de varios escritores, entre ellas La importancia de llamarse Daniel Santos, de Luis Rafael Sánchez; El Inquieto Anacabero, de Salvador Garmendia; Vengo a decirle adiós a los muchachos, de José Antonio Ramos; y fue mencionado por Gabriel García Márquez en Relato de un náufrago.

Discografía cronológica incompleta 1970. El sello Lozano graba el álbum “Canciones patrióticas de Daniel Santos y Davilita”, contentivo de los temas de su autoría “Soldados de la Patria”, “Independentista”, “Mi Patria es mi vida” y “Yankee go home”. Álbum Recordar es Vivir, grabado por el sello, contentivo de los temas “Recordar es vivir”, “Mi último adiós”, “Me extraña mucho”, “De verdad”, “Panamá me tombé”, “El que canta”, “El

corneta”, “Río abajo”, “La primer mujer”, “Ocaso”, “Habla” y “El columpio de la vida”….Album “El Ausente”, grabado con el Conjunto de Rómulo Morán, también Orfeón, contentivo de “Qué extraña es la vida”, “Bello mar”, “Qué lindo ser mexicano”, “No me pregunten por Linda”, “El golpe traidor”, “No llores guitarra”, “Me caí de la nube”, “Te me has olvidado”, “Escríbeme”, “No llores más”, “El ausente” y “Contigo”.

1971. Álbum “Daniel Santos con Claudio Ferrer y su Conjunto interpretan hoy a Pedro Flores”, contentivo de los temas “Vano empeño”, “Oye Paví”, “Se vende una casita”, “Qué me importa”, “Sin reserva”, “Celos”, “Donde hay amor”, “Vivir separados”, “No pienses más” y “Toma jabón pa' que laves”.

1972. Sello Fragoso. Álbum “Daniel Santos interpreta canciones de Bobby Capó”, contentivo de los temas “Soñando con Puerto Rico”, “El cantante”, “Locura de amor”, “El picaflor”, “Mi adorada (A dúo con Claudio Ferrer); “Sin fe” (“Poquita fe); “Despierta borincano”, “Piel canela”, “Mi Borinquen” y “Me mata o lo mato yo”. …Álbum “Serenata Mexicana con Daniel Santos”. Lozano Records. Contentivo de los temas “Cristo sin cruz”, “Tú no te mereces nada”, “Imperdonable”, “Con esos truenos”, “Apuesto lo que tú quieras”, “Que Dios me castigue”, “Encanto tropical”, “Silencio corazón”, “El parrandero”, ”Otra que se fue”, “Déjame en paz” y “Sin honor”.

1973. Álbum “Daniel Santos y sus Jíbaros en Concierto de Navidad”.

Contentivo de los temas “Si no me dan de beber”, “La trullita”, “Dicen los pastores”, “Hermoso bouquet”, “Saludos, saludos”, “Alegre vengo”, “De la montaña venimos”, “Cantares de Navidad”, “Si lo lay lo”, “Repartiendo lechón” (“La gata”) y “Un disco más”….Álbum “Danzas Al Estilo de Daniel Santos”, contentivo de los temas “Sueño de amor”, “La Borinqueña”, “Mis amores”, “Tormento”, “Tú y yo”, “Recuerdos de Borinquen”, “Idilio”, “Violeta”, “Felices días” y “Virginia”…Álbum “Diez Boleros para TI”, contentivo de los temas “Cruel condena”, “El alma en los labios”, “Tema de amor de El Padrino”, “Busco tu recuerdo”, “Un cigarrillo y un café”, “Resignación”, “Amada amante”, “Un bolero para ti”, “El carmín de tus labios” y “Lo nuestro terminó”…Álbum “Daniel Santos Canta Boleros Con Mariachi”, contentivo de los temas “El contragolpe”, “Te esperaré” (“Sé que has de volver”); “De castigo”, “Desesperación”, “Obsesión”, “El juego de la vida”, “Amor”, “Miel amarga”, “Tu recuerdo y yo” y “Dos almas”…Álbum “Daniel Santos en Vietnam”, contentivo de los temas “En Vietnam”, “Maldito amor”, “Pensando en ella” (“Soliloquio”); “Vagabundo”, “Tengo coraje”, “Celoso”, “No llores más”, “Recordar es vivir”, “Oye mi ruego”, “Si no fuera por ti”, “Adoración” y “Bandera”… Álbum “Salsa para todos”, contentivo de los temas “Recordando a Cuba”, “Ay qué bueno”, “Son de la loma”, “Piruli”, “Suavecito”, “Buey viejo”, “Ma Sa Bi”, “A la loma de Belén”, “Cuidadito compay gallo” y “El que siembra su maíz”. Fue grabado en vivo con Miguel Carrillo y su Conjunto en el Teatro Municipal Tapia como homenaje a la música cubana.

1974. Álbum “Fononovela/Historia de Linda” con Claudio Ferrer y su Conjunto….Álbum “Felicidades”, constante de los temas “Víspera de Reyes”, “Asopao de pollo”, “En esta Navidad”, “Esto ta' malo”, “Navidad en inglés”, “El pentecostal”, “Triste Nochebuena”, “De palo en palo”, “El dolor del campesino”,

“Me cayó la tos”, “Vamos a gozar” y “Trulla por los caminos”. Esta producción se ha llamado en ediciones posteriores “Asopao de pollo”…”Patria y Frontera”, disco de 45 rpm grabado en Ecuador, constante de los temas “Patria y frontera”, dedicado a los reclutas del Ejército ecuatoriano, y “Cena de Navidad”…Álbum “Florista Limeña” grabado en Perú con “La Sonora Lucho Macedo”, constante de los temas “Florista limeña”, “Sirva tragos cantinero”, “Olvidando en la cantina”, “Otra herida”, “Copas llenas”, “Viejo muelle”, “Centavitos”, “La flor de la canela”, “Déjala que se vaya”, “Santa Rosa de Lima”, “El plebeyo” e “Indio”.

1975. Álbum “Al Capone”. Constante de los temas “La pelea del siglo”, “Chito”, “María Cristina”, “Horóscopo”, “La matita”, “El guapo está muerto”, “Al Capone”, “Se casó Drácula”, “La bolita”, “¡Miren, quién la ve!”, “De medio lao'” y “Agua que no has de beber”…Álbum “Meet Mr. Danny Santos”, constante de los temas “Una casucha” (Bilingüe); “Happy birthday”, “Jíbaro soy”, “Nada”, “Óyeme locutor”, “La estrella de David”, “Tómame” (“All of me; bilingüe); “Presumo”, “Temes”, “Volver, volver”, “Déjenme si estoy llorando” y “Payaso”… Álbum “Navidad en Palmas del Mar”, constante de los temas “Por culpa de la melena”, “Vamos a la fiesta”, “Danilú”, dedicado a su hija del mismo nombre; “Cinco pa' las doce”, “La fría”, “¡Qué tontería!”, “El cuñao”, “En mi cabaña” y “Fe, Esperanza y Navidad”. En por lo menos dos versiones ha aparecido con el título “Por Culpa de la Melena”…Álbum “Daniel Santos Interpreta Plenas”, constante de los temas “Cortaron a Elena”, “Tanta vanidad”, “Allá viene la máquina”, “Los contrabandistas”, “Lo que a ti te gusta”, “Cuando las mujeres”, “Santa María”, “Matan' a Bum Bum”, “La 113”, y “Qué tabaco malo”…”Navidad en Puerto Rico”, contentivo de los temas “El que no llora”, “El velorio del lechón”, “Feliz Navidad”, “Desenfunda el cuatro”, “Asalto de Navidad”, “La manía”, “Llegó la Navidad”, “Llévame contigo”, “Navidad y patria”, “La misa del gallo”, “Aguinaldo de trulla” y “Duelo bombeao”.

1976. “No me pregunten por Linda”, contentivo de los temas “El triste”, “Azucenas” (“Blancas azucenas”); “En mi Viejo San Juan”, “Ausencia”, “Añoranza”, “Cabellera blanca”, ”Hay que saber perder”, “Celos” (“Celos de ti”); “Bella mujer”, “De castigo”,” Noche de algodón” y “No me pregunten por Linda”. Cabe señalar que el tema “Linda”, de Pedro Flores, popularizado por Daniel Santos, fue inspirado por la rumbera Linda Feliciano….”Saludos en Navidad”, contentivo de los temas “Quítamelo que me mata”, “El político mentiroso”, “Me resbala”, “La carnicería”, “El sastre y su mujer”, “La casita del río”, “El obispo”, “La maceta”, “Cuidado que él esté malo”, “Otra Navidad solito”, “Tristeza guajira” y “Amanecer campesino en Oriente”… “Canciones Inéditas en Inglés”, constante de los temas “April showers”, “I'm in the mood for love”, “I love Luisa”, “If I din't care”, “It a sin to tell a lie”, “Deep purple”, “Cocktail for two”, “I'm gonna sit right down and write my self a letter”, “Smile”, “Cuban love song”, “Beautiful lady in blue” y “Good night sweet hearth”.

1978. “Daniel Santos interpreta los más grandes éxitos de Julio Jaramillo”, dos volúmenes constantes de los temas “Fatalidad”, “Rondando tu esquina”, “Odio en la sangre”, “Cinco centavitos”, “Licor bendito”, “Sacrificio”, “Nuestro juramento”, “Miente al viento”, “Niégalo todo”, “Las hojas muertas” y “Devuélveme el corazón”, a dúo con Pepe Jaramillo, “Amor incomparable”, “Azabache”, “Te odio y

te quiero”, “Triste borracho”, “El tísico”, “Un disco más”, “Amor sin esperanza”, “Arrepentida”, “Siete besos”, “Bésame otra vez” e “Interrogación”, “Miedo de hablarte” y “Que te perdone Dios”, a dúo con Pepe Jaramillo.

1979. “Daniel Santos… es El Cocinero Corviño”. Contentivo de los temas “Ni buenos, ni regulares”, “Las trompetas”, “Corviño el cocinero”, “Señalada”, “¿Qué tiene el gallo?”, “Allá en la timba”, “Llegó el rumbero”, “Ya se peinó María”, “¡Qué humanidad!”, “¿Pa' dónde iré?”, “No importa corazón” (“No debes de llorar”) y “Ocaso”… “Johnny & Daniel Los Distinguidos”, constante de los temas “Trabajando”, “Patricia”, “Juliana”, “Vergüenza”, “El jibarito”, “Ciriaco, el sabroso”, “Mala suerte”, “Isla del Encanto” y “Lamento del campesino”.

1980. “Daniel Santos con Javier Vázquez y su Conjunto”, contentivo de los temas “¿Y qué mi socio?”, “Virgen del Cobre”, “El ajiaco”, “¿Cuándo volverán?”, “¿Qué tiene el gallo?”, “Salsa Internacional”, “Se vende una casita”, “Don Pedro y Rafael”, “El 5 y 6”, “Palmera” y “Ni buenos ni regulares”…Álbum 11. (3:23)….”Los Jefes Daniel Santos Orlando Contreras cantan a dúo” contentivo de los temas “Solamente una vez”, “Quiéreme mucho”, “Malditos celos”, “Palmera”, “Mujer”, “Perdón”, “Obsesión”, “Nunca”, “Irresistible” y “Noche de ronda” …”20 éxitos de Daniel Santos”, constante de los temas “La mujer de Antonio”, “Te enteraste ya”, “No te rías de mi”, “Si los rumberos me quieren”, “El campesino”, “El bobo de la yuca”, “El Tuqui-Tuqui”, “La media naranja”, “Licor bendito”, “Triste borracho”, “Noche de ronda”, “Fatalidad”, “Te odio y te quiero”, “La punta del pie”, “Nuestro juramento”, “Te odio y te quiero”, “Mujer”, “Perdón”, “Obsesión” y “Las hojas muertas”…Álbum “Voces de Oro”, constante de los temas “Yo no sé nada”, “Como me da la gana”, “Sabrosito”, “Niño majadero”, “Ping pong”, “El sofá”, “Yo la mato”, “El corneta”, “La punta del pie”, “La mujer de Antonio”, “El campesino”, “La media naranja”, “El bobo de la yuca” y “Yo la mato”.

1981. Álbum “Daniel Santos el marimbero”, constante de los temas “El marimbero”, “El río Badillo”, “Mercedes”, “La creciente”, “Las tapas”, “Plegaria vallenata”, “El cóndor legendario” y “La muerte de Abel Antonio”.

1983. Álbum “Homenaje del Jefe a Gabo”, constante de los temas “El hijo del telegrafista”, “Vamos pa' la rumba”, “Toma jabón pa' que laves”, “Me mataré”, “Colorín colorado”, “Por ella”, “¡Qué borrachera!”, “La potranca zaina”, “Venganza”, y “El bobo de la yuca”…Álbum “Daniel Santos con el Conjunto Clásico”, constante de los temas “Perdóname”, “Romance del campesino”, “Celos” (“No me quieras tanto”); “Vengan mujeres”, “Pa' los rumberos”, “Lamento borincano”, “Capitán” y “Desde que te fuiste”.

Fuentes http://www.biografiasyvidas.com. http://www.elpais.com. http://www.biografias.es http://www.biografiasyvidas.com. http://www.ucla.edu.ve/.

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PEDRO VARGAS

Pedro Cruz Mata, su nombre real, nació en San Miguel de Allende, Guanajuato, México, el 29 de abril de 1906 y murió en Ciudad de México el 30 de octubre de 1989.

Cantante, compositor y actor perteneciente a la llamada “Edad de Oro” del cine mexicano, participante en más de 70 películas.

Fue conocido como “El Rey”, “El Ruiseñor de las Américas”, “El Tenor Continental”, “El Samurái de la Canción” y “El Tenor de las Américas” y estuvo en actividad desde 1925 hasta 1989.

Discográficas: RCA Victor, RCA/Ariola.

A los siete años formó parte del coro de la iglesia de su ciudad y fue el maestro del mismo el primero en reconocer su talento y en darle lecciones de canto.

En 1920, a la edad de 14 años, llegó a Ciudad de México y de inmediato empezó a cantar en los coros de varias iglesias y a ofrecer serenatas.

En el Colegio Francés de La Salle, después de escucharlo, le ofrecieron una beca para realizar la escuela secundaria, clases de piano y solfeo, hasta terminar el bachillerato.

Poco después el maestro José Pierson también le dio alojamiento y lecciones de técnica vocal de forma gratuita. Fue entonces cuando conoció a Jorge Negrete, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu.

José Mojica lo recomendó más adelante con el maestro Alejandro Cuevas, quien al escucharlo se ofreció también a darle lecciones sin costo.

A pesar de su preparación operística, se dedicó al canto popular, alcanzando reconocimiento internacional.

El 22 de enero de 1928, por recomendación del maestro Jose Pierson, tuvo la oportunidad de participar en la ópera “Caballería rusticana”, en el “Teatro Esperanza Iris” y luego acompañó en una gira a Estados Unidos a la “Orquesta Típica” como cantante de música popular.

En su primera visita a Buenos Aires grabó para el sello RCA Víctor dos temas de su autoría, "Porteñita mía" y "Me fui", con el respaldo musical del pianista José Agüeros y el violinista Elvino Vardaro.

Fue uno de los mejores y más exitosos intérpretes del compositor Agustín Lara, así como de muchos otros compositores de toda Hispanoamérica, lo que le permitió recorrer diversos países de este continente, principalmente Argentina, Colombia, Perú y Venezuela, con un extenso repertorio que incluyó temas líricos como "Jinetes en el Cielo"; canciones rancheras como "Allá en el Rancho Grande"; boleros como "Obsesión", cantado a dos voces junto a Beny Moré, y temas nostálgicos como "Alfonsina y el mar".

Reconocimientos Entre otros honores recibió la Orden Isabel la Católica, la Orden de Malta, la Orden Cruzeiro Do Sul, Brasil; la Orden Carlos Manuel de Céspedes, Cuba; la Orden Vasco Núñez de Balboa, Panamá; Orden de Mayo Oficial, Argentina y la Orden Francisco de Miranda, Venezuela.

Además fue designado Ciudadano Honorario de Texas, Estados Unidos, condecorado por la Organización de Estados Americanos y honrado con el Premio Golden Eagle Award, Los Ángeles, California, Estados Unidos.

En Los Jardines del Buen Retiro, Madrid, junto a la entrada de la antigua Casa de Fieras, sus amigos de España le erigieron un busto.

Discografía parcial cronológica 1949. “Felices Pascuas”.

1951. “El Tenor Continental” y “Pedro Vargas Canta Canciones De Agustin Lara”.

1952. “Pedro Vargas Canta Canciones Americanas”.

1953. “Pedro Vargas Canta”.

1956. “Pedro Vargas Sings”.

1957. “Viva Vargas“y “Vargas Sings Songs by Matamoros”.

1958. “Canta Música Ranchera” y “Felices Pascuas”.

1961. “Recordando Grandes Éxitos de Norteamérica” y “Pedro Vargas con sus amigos”.

1964. “Canciones que estrené”.

1967. “Boleros rancheros con Pedro Vargas”.

1970. “Así es mi tierra”.

1973. “Somos Novios”.

1975. “El Rey”.

1976. “Ahora”.

1978. “50 Aniversario 1928-1978”.

1980. “Pedro Vargas Canta a la Guadalupana”.

1983. “Vida...Pedro Vargas y las canciones de Armando Manzanero”.

1985. “Gracias a la vida” y “Grande, grande, grande Don Pedro Vargas”.

1987. “Pedro Vargas: Las primeras grabaciones 1928-1935”.

1995. “El Tenor de las Américas, Pedro Vargas en Cuba”.

2001. “Lo mejor de Pedro Vargas: 40 temas originales”.

2002. “Pedro Vargas: Colección RCA, 100 años de música” (2CDs).

2013. “Pedro Vargas: 80 Aniversario”, “A la Guadalupana” y “Vida...Pedro Vargas y las canciones de Armando Manzanero”.

Fuentes José Luis Ayuso http://www.fotomadrid.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

CELIA CRUZ Celia Caridad Cruz Alfonso, su nombre real, nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana el 21 de octubre de mil novecientos... punto com, según reveló jocoseriamente en una entrevista televisiva que hizo reír a la audiencia. Efectivamente el año de su nacimiento fue 1925. Falleció el 16 de julio de 2003 en Fort Lee, Nueva Jersey, Estados Unidos.

Cantante de bolero, salsa, son, guaracha y rumba.

Hizo famosa la palabra "Azúcar" que adoptó y quedó en la memoria como su frase identificativa y que ella gritaba como anuncio carnavalesco incitando a la diversión.

Fue conocida como “La Reina de la Salsa”, “La Guarachera de Oriente” y “La Guarachera de Cuba”. Desde joven sintió atracción por el canto, que la madre alentó pero que el padre desaprobó pues quería que estudiara para maestra lo cual hizo y la abandonó a punto de terminar la carrera, pues prefirió ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.

En esa época participó en programas radiales radiofónicos para aficionados, como “La Hora del Té” o “La Corte Suprema del Aire”, en los que obtenía primeros consistentes en un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango “Nostalgias” recibió un pago de quince dólares en Radio García Cerrá.

Más tarde cantó en las orquestas “Gloria Matancera” y “Sonora Caracas”, de la capital venezolana; y formó parte del espectáculo “Las Mulatas de Fuego, que recorrió Venezuela y México.

En 1948, Roderico Rodney Neyra fundó el grupo de bailarinas “Las Mulatas de Fuego” y Celia fue contratada junto a este grupo como cantante, alcanzando un gran éxito.

En Venezuela fue contratada para grabar sus primeros discos de 78 rpm comerciales por la disquera Comercial Serfaty, respaldada por la Orquesta "Leonard Melody" constante de los temas “La Mazucamba”, “Quédate, Negra”, “El Cumbanchero” y “Mambé”.

También grabó con la orquesta venezolana de Luis Alfonzo Larraín los temas “Ya se acerca la comparsa”, “Comparsa Barracón”, “Morumba” y “Rareza del siglo” En 1949 produjo con “La Sonora Caracas” un disco contentivo de los temas “Qué Jelengue”, “Rumba Columbia”, “Un poquito de tu amor” y “Pa' gozá”.

En 1950, cuando ya había intervenido en varias emisoras, pasó a integrar el elenco del célebre cabaret “Tropicana”, donde la descubrió el director de “La Sonora Matancera”, el guitarrista Rogelio Martínez, y la contrató para reemplazar a Myrta Silva, la solista oficial de la orquesta, la más famosa de entonces.

Con su incorporación como primera vocalista, la agrupación viviría su Edad de Oro. Grabó 16 boleros en la misma.

Su tema “Cao Cao Maní Picao”, se convirtió en un éxito, y otro posterior, “Burundanga”, la llevó a Nueva York en abril de 1957 para recoger su primer Disco de oro.

El 15 de julio de 1960, “La Sonora Matancera” en pleno consiguió el permiso para presentarse en México, y una vez allí, en parte impulsada por el grave deterioro de las relaciones entre Estados Unidos y Cuba, decidió no regresar, para protegerse de la dictadura de Fidel Castro.

Después de un año de aplausos en la capital azteca, la cantante se estableció en Estados Unidos y sellaba su primer compromiso para actuar en el Palladium de Hollywood.

En aquellos días declaró públicamente: “He abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista”, pero su furibunda militancia anticastrista cristalizó después, a partir del 7 de abril de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla para asistir al entierro. Llegó a confesar incluso que estaba dispuesta a inmolarse haciendo estallar una bomba si con ello hacía desaparecer “al Comandante”. Este siniestro dictador falleció en La Habana, a los 90 años, el 27 de noviembre de 2016.

Posteriormente participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con Fania All-Stars, un conjunto formado por líderes de grupos latinos (así llamados porque grababan para el sello Fania) que darían el impulso definitivo a un género musical que había venido gestándose en los últimos años: la salsa.

Era ya una celebridad internacional cuando en 1974 grabó con el flautista dominicano Johnny Pacheco el disco “Celia & Johnny, considerado el primer clásico del género y en 1977 grabó su primer disco con el respaldo del trombonista y orquestador de salsa Willie Colón, fusión que se repetiría en 1981 y en 1987.

De igual modo terminó por asumir el rol de estandarte del anticastrismo y como tal, quiso dejar su impronta también en el cine, y participó como actriz -ya lo había hecho varias veces como cantante- en “Los reyes del mambo” (1992) y “Cuando salí de Cuba” (1995), porque ambas películas reflejaban historias de los primeros exiliados cubanos, en parte cercanas a su propia biografía.

En 1990 logró viajar a Guantánamo para dar un concierto y cuando salió de esta presentación se llevó en una bolsa unos gramos de tierra de Cuba, la misma que pidió que fuera colocada en su ataúd cuando muriera.

Discografía principal De este recuento se excluyen los diversos discos en formato de 78 rpm, grabados antes del surgimiento del formato LP.

1. Con “La Sonora Matancera” 1956. “Una Noche en Caracas con la Sonora Matancera”, “Sings” (“Canta”) y “Baile con La Sonora Matancera”.

1957. “Los Invita a Bailar”.

1958. “Cuba's Queen of Rhythm”, “La Incomparable Celia”, “Cuba's Foremost Rhythm Singer”, “Grándes Éxitos con la Sonora Matancera” y “Navidades con La Sonora Matancera”.

1959. “Su Favorita”.

1960. “La Dinámica” y “Reflexiones de Celia Cruz”.

1961. “Celebremos Nochebuena con La Sonora Matancera”, “Canciones Premiadas” y “México qué grande eres” 1962. “La Tierna”, “Conmovedora” y “Bamboleadora”.

1964. “Canciones Inolvidables "La Guagua" y “Sabor y Ritmo de los Pueblos.

1982. “Feliz Encuentro con La Sonora Matancera”.

1995. “En Vivo desde Radio Progreso con La Sonora Matancera”, cinco volúmenes.

2. Compilaciones 1963. “Mi Diario Musical” 1964. “Con Amor” y “Homenaje a los Santos”.

1965. “Homenaje a los Santos” Vol.2 1971. “Homenaje a la Madama” y Homenaje a Yemayá 1971 1973. “Festejando Navidad” ¿?.

“Interpreta "El Yerberito" y "La Sopa en Botella". “Boleros” y “Las Guarachas de la Guarachera”.

1978. “The Best of Celia Cruz” y “A todos mis amigos”.

3. Con la Orquesta de René Hernández 1964. “Canciones que yo quería haber grabado primero”.

4. Con la Orquesta de Vicentico Valdés

1965. “El Nuevo Estilo de la Guarachera”.

5. Con Tito Puente y Orquesta 1966. “Cuba y Puerto Rico Son... “.

1969. “Quimbo Quimbumbia” y “Etc., Etc., Etc.”.

1971. “Alma con alma” y “En España”.

1972. “Algo Especial Para Recordar”.

1978. “Homenaje a Benny Moré”.

1979. “Homenaje a Benny Moré” Vol. 2.

1985. “Homenaje a Benny Moré” Vol.3.

6. Con La Sonora de Memo Salamanca 1966. “Son con guaguancó”.

1966 1967. “Bravo” y “Celia Cruz 67”.

1968. “¡A Ti, México!” y “Serenata Guajira”.

1969. “La Excitante Celia Cruz”.

1971. “Nuevos Éxitos”.

7. Con La Fania All Stars 1973. “Harlow Orchestra: "Hommy" A Latin Opera”.

1975. “Live at Yankee Stadium”, dos volúmenes.

1978. “The Brilliant Best” y “Live”.

1979. “Cross Over”.

1980. “Commitment”.

1981. “Latin Connection”.

1984. “Lo que pide la gente”.

1986. “La Candela”, “¡Viva la Charanga!” y “Live in the Africa”.

1988. “Bamboleo” 1992. “Tributo a Ismael Rivera”.

1994. “Live in Puerto Rico”.

8. Con Johnny Pacheco 1974. “Celia & Johnny”.

1975. “Tremendo Caché”.

1976. “Recordando el Ayer”.

1978. “Eternos”.

1980. “Celia, Johnny and Pete”.

1985. “De Nuevo”.

9. Con La Sonora Ponceña 1979. “La Ceiba y la Sigüaraya”.

10. Con Willie Colón 1977. “Only They Could Have Made This Album” (“Sólo Ellos Pudieron Hacer Este Álbum”).

1981. “Celia & Willie”.

1987. “The Winners” (“Los Triunfadores”).

11. Con Ray Barretto 1983. “Tremendo Trío: Celia, Barretto & Adalberto”.

1988. “Ritmo en el Corazón”.

12. Con otras orquestas no identificadas 1992.

“The Mambo Kings”.

1993.

“Azúcar Negra” y “Combinación Perfecta”.

1994. “Irrepetible”.

1996. “Tropical Tribute to the Beatles”.

1997. “Duets”.

1998. “Mi vida es cantar”, “Las muchas Celias” y “La Sonora Matancera ¡En Vivo!”.

1999. “A night of salsa”.

2000. “Siempre viviré”.

2001. “La Negra tiene tumbao”.

2002. “Hits Mix” 2003. “Regalo del alma”.

2004. “Dios disfrute a la Reina”.

2008. “Su Música en Vivo por el Mundo”.

2009. “La Reina y Sus Amigos”.

13. Especiales en DVD “Yo soy Celia Cruz”, “¡Azúcar!, Homenaje a Celia Cruz”, “Celia Cruz & Friends - A Night of Salsa”, “La Eterna Voz”, “Celia The Queen”, “Celia Cruz and the Fania All-Stars in Africa”, “An Extraordinary Woman”, “In Africa: Guantanamera” y “El Show de Romerín”, 4 volúmenes.

14. Otros discos compilatorios “The Absolute Collection”, “Celia: La Mazucamba”, “Selecciones Fania”, “Historia de La Salsa”, “Los Guaracheros de La Guarachera”, “Azúcar Caliente”,

“Together”, “Salsa Queen”, “Candela Pura”, “Cocktail Hour”, “A Rough Guide to Celia Cruz”, “Cuba Bella”, “El Carnaval de la Vida”, “Serie Cinco Estrellas de Oro”, “Latin Music First Lady”, “Boleros Eternos”, dos volúmenes; “Grandes Mitos del Siglo XX”, “Éxitos Eternos”, dos volúmenes; “50 Años Cantando para Ti”, “49 Minutes: Willie Colon & Associates”, “75 Aniversario / 75 Canciones: Tesoros Matanceros”, “Cambiando Ritmos”, “¡Siempre Celia!”, “1952-1956” (+ Libro); “Mango Mangüe”, “Historia de La Salsa”, “La Cumbanchera”, “La Negra tiene tumbao”, “Carnaval de Éxitos”, “Canto a la Caridad”, “Cuba Guaracha y Son”, “Gozando...Siempre Gozando”, “At The Beginning...”, “Anthology”, “Queen of Salsa”, “On Fire: The Essential”, “Habanera”, “Serie Inmortales”, “Lo Mejor de Sus Clásicos”, “La Reina y Sus Amigos”, “Angelitos Negros”, “Tributo a los Orishas”, “Havana Days”, “Con Sabor a Cuba”, “Salsa Superstar”, “La Irresistible”, “AfroCubana”, “Salsa y azúcar”, “Madre Rumba” y “Azúcar: A Lady And Her Music”.

Reconocimientos Su más de medio siglo de actividad artística la convirtió en poseedora de una estrella en el Paseo de La Fama en Hollywood y en Caracas; de doctorados Honoris Causa de tres universidades de Estados Unidos y de una multitud de Discos de Oro y Platino, como premio por sus de ochenta álbumes grabados.

1987. Participó en el Carnaval de Santa Cruz de Tenerife junto a la orquesta “Billo's Caracas Boys”, al que asistieron 250.000 personas, evento registrado en el Libro Guinness de los récords como la mayor congregación de personas en una plaza al aire libre para asistir a un concierto.

1990. Premio Grammy con el tema “Ritmo en el corazón”.

1991. El 2 de febrero, Venezuela la homenajeó con la firma del libro de La Casa del Artista, donde impuso su firma y huellas, dejando un bello mensaje de agradecimiento a venezolanos por su cariño y afecto.

1994. Premio National Endowment for the Arts, que recibió de manos del entonces presidente Bill Clinton, el más alto reconocimiento que otorga el gobierno de los Estados Unidos a un artista.

1995. El 18 de marzo, recibió un gran homenaje en Venezuela donde obtuvo una estrella en el Paseo de la Fama de Caracas "Amador Bendayán", siendo su primera estrella en Suramérica y el Caribe. Fue honrada también con la Orden "Alfredo Sadel", una de las más altas condecoraciones que otorga Venezuela a un artista, homenaje organizado por la Casa del Artista. Fue un momento muy preciado para la cantante, ya que éste fue el primer país en brindarle oportunidades de grabación y apoyarle en su desarrollo artístico. En este homenaje participaron grandes amigos de Celia, tales como: Oscar D'León, La India, Simón Díaz, Gilberto Correa y su hermana Gladys Bécquer.

1997. El 25 de octubre de ese año la ciudad de San Francisco, Estados Unidos declaró oficialmente esa fecha como el Día de Celia Cruz.

1999. Fue invitada por el tenor italiano Luciano Pavarotti para participar en Módena (Italia) en el concierto Pavarotti and Friends.

2000. Premio Grammy Latino como Mejor álbum de salsa” con “Celia Cruz and Friends: A Night of Salsa”. Fue escogida por los periodistas que cubrieron el Festival de Viña del Mar, Chile, como la Reina del evento.

2001. Premio Grammy Latino como Mejor álbum tropical traditional con “Siempre viviré”. Viajó a Venezuela para celebrar sus 55 años de vida artística, con una bella presentación en el canal 4, Venevisión. Volvió a firmar el libro de La Casa del Artista, como ya lo había hecho en el año 1991 en otro homenaje. Se ofreció un gran concierto en el Teatro Teresa Carreño, llamado "Celia, 55 años de música". Esa fue su última presentación en Venezuela, país del que expresó que era como su patria y que siempre lo llevaría a Venezuela en su corazón.

2003. Premio Grammy con el tema “La Negra tiene tumbao “…

Le fue dedicado en homenaje póstumo el prestigioso concurso "Miss Venezuela", donde participó su gran amigo Oscar D'León. El 13 de marzo Con el ruego expreso de que no se viera en ello una despedida, deapareció por última vez en público en el homenaje que la comunidad latina le tributó en el teatro “Jackie Gleason de Miami”. Por esos días, grabó un último disco que no llegaría a ver editado, “Regalo del alma”.

2004. Premio Grammy Mejor álbum de salsa/merengue con “Regalo del alma” y Mejor Canción Tropical con “Ríe y llora”. Ese año los organizadores del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife le dedicaron la presentación a la cantante, y a Gala de Elección de la Reina del Carnaval se cerró con la canción "El Cielo Tiene Azúcar" compuesta por los autores canarios Gilberto Martín y Guillermo Albelo e interpretada por el grupo tinerfeño Sound Balera. Además, durante la Gala el alcalde de la ciudad, Miguel Zerolo Aguilar, la declaró Reina de Honor del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife.

2005. Fue publicada una biografía titulada Celia: Mi vida, basada en más de 500 horas de entrevistas con la periodista mexicana Ana Cristina Reymundo.

El 16 de julio de 2013 al cumplirse el décimo aniversario de su muerte fue visitado su mausoleo en Nueva York, recibiendo además distintas condecoraciones póstumas. El 25 de noviembre del mismo año, la cantante Jennifer López la homenajeó con su presentación en la ceremonia de los American Music Awards.

En octubre de 2015, la cadena RCN de Colombia, lanzó una serie biográfica y novelesca acerca de su vida.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. http://www.biografiasyvidas.com/

BIENVENIDO GRANDA Bienvenido Rosendo Granda Agulera, su nombre real, nació, en La Haban, Cuba, el 30 de agosto de 1915 y falleció en Ciudad de México el 9 de julio de 1983. Adquirió la nacionalidad mexicana.

Cantante de boleros, guaracha y rumba cubana.

Fue llamado “El Bigote que Canta”, bautizado así por los locutores Gustavo Pimentel Medina y Óscar del Río de “Radio Progreso” de La Habana cuando actuaba en el programa "La Onda de la Alegría" con “La Sonora Matancera”.

Desde pequeño mostró aptitud hacia el canto y en su juventud fue vocalista de la orquesta “Riverside”, “Los Hermanos Castro”, “El Conjunto Caney” y del “Septeto Nacional”.

En 1941 actuó en Puerto Rico y realizó dos grabaciones exitosas con el “Cuarteto Marcano.”

En 1955 salió de Cuba rumbo a Barranquilla, Colombia y grabó con “La Sonora Silver” (entre otras grabaciones sobresalen los temas “Mi gran tesoro”, “No te debo querer”, “Consuélame”, “Amarga soledad” y “Mi mala estrella”), “La Sonora Antillana” y “La Sonora Tropical”. Entre entre julio y agosto imprimió en el acetato 18 temas para 9 discos de 78 R.P.M con la última de las mencionadas orquestas en los estudios Tropical, las canciones “Desastre”, “No, No, No, Qué Va”, “La Maquinita”, “Carolina”, “No Creo En Mujeres”, “Grosera”, “Mi Amarga Decepción”, “El Chupaflor” y “La Puya Guamalera”,etc. Y con “La Sonora Antillana”, de Medelín, entre los meses de agosto y noviembre, los temas “Cabecenido”, “Besos de hada”, “Miénteme”, “Dolor de ausencia”, “Háblame y júrame” y “Hay que casarse”, entre otros.

Regresó a Colombia por última vez en 1977.

El Blog del Bolero. Este espacio Webb venezolano recordó que el cantante se incorporó a “La Sonora Matancera” en diciembre de 1944 por recomendación del saliente Humberto Cané.

-De inmediato –añadió- pasó a ser cantante de planta y también a formar parte en los coros cuando habían otros intérpretes invitados a grabar. Su primera grabación con la Sonora Matancera, fue la guaracha de la composición de Virgilio González “La Ola Marina” y en seguida se convirtió en uno de los cantantes más cotizados de la república cubana.

La fuente reveló que su permanencia en esa orquesta se prolongó aproximadamente once años y que “en marzo de 1954” se produjo su despedida “con el bolero de José Slater Badán: “Pecaste de Infiel”.

En ese tiempo produjo “doscientos diecisiete grabaciones, convirtiendosé como el cantante que más registro musical dejó en dicha agrupación”.

Agregó “El Blog del Bolero”: -En otra interesante reseña encontrada en la red nos hace conocer lo siguiente: Existen también grabaciones de Bienvenido con la Sonora Matancera realizadas en vivo en Radio Progreso y que acuciosos coleccionistas han guardado como reliquias (cerca de 40 temas), con títulos como “Dame Rumba” y “El De La Rumba Soy Yo” a dúo con Celia Cruz, “Dudas De Mí”, “Luces En El Puerto”, “En La Taberna”, “El Baile Del Pingüino”, “El Dulce”, “El Ron Y El Habano”, entre otros. De Colombia a México. En mayo de 1954, dos meses después de la separación de la Sonora Matancera, Bienvenido Granda grabó un disco con la orquesta del pianista René Hernández, que incluía el bolero “Seré Tu Amigo” y el cha-cha-chá “Óyeme, Mamá”; a estos le siguieron “El Gallo Espuelerico”, “Recordándote” y “Amor Extraño”, entre otros temas.

Compartió escenario, entre otros, con Javier Solís, Lola Beltrán, Virginia López y Fernando Fernández, En 1967 obtuvo un contrato para una larga gira por Guatemala, Honduras, Ecuador, Chile, Argentina y Brasil. En este último país permaneció por espacio de un año y grabó temas como “Secreto”, “Abrázame”, “Dedo de guante”, “Quien quiero no me quiere” y “Amor de pobre”, temas que hizo populares Miltinho Dos Santos).

Ese mismo año recibió el Disco de Oro de los críticos latinos de la farándula, en Hollywood, California, Estados Unidos.

Dejó una herencia musical de alrededor de 400 temas grabados, contándose entre los más populares “Soñar contigo”, “Por dos caminos”, “Hipócrita”, “Señora”, “Calla”, “Total”, “Angustia”, “En la orilla del mar”, “Nostalgia”, “Nuestra realidad”, “Aventurera”, “Indecisión”, “Perffume de gardenia”, “La última noche”, “Fiesta brava”, “Celos que matan”,”Morena” y “Percal”.

El cantante preferido de Gabriel García Márquez. Fue Bienvenido Granda el cantante favorito del Premio Nobel de Literatura colombiano Gabriel García Márquez, tal como se deduce del texto “Una biografía escrita por Héctor García Bedoya/ Bienvenido Granda, el cantante preferido de García Márquez”, publicado el 28 de junio de 2012 en el periódco venezolano Correo del Orinoco, que reproduzco a continuación: “Llegué a admirarlo tanto -asevera el Nobel de Literatura-, que siempre he creído que me dejé el bigote para toda la vida por Bienvenido Granda, a quien llamaban El Bigote que canta” Una biografía de Bienvenido Granda, el cantante preferido de Gabriel García Márquez, salió recientemente a los mercados editoriales latinoamericanos, escrita por el historiador del conjunto La sonora matancera, Héctor García Bedoya, oriundo de la ciudad colombiana de Medellín.

“Llegué a admirarlo tanto -asevera el Nobel de Literatura-, que siempre he creído que me dejé el bigote para toda la vida por Bienvenido Granda, a quien llamaban El Bigote que canta, y en

México, en los momentos de su gran apogeo, yo llevaba el bigote muchísimo más grande, y más poblado que ahora, y me llamaban los compañeros de trabajo El Bigote que escribe”.

Gabo lo conoció en el Teatro Blanquita, y donde quiera que se presentara Bienvenido Granda, lo seguía. “Ya era un hombre mayor y continuaba teniendo ese chorro de voz tan extraordinario. Eran épocas de mis malos tiempos en México, cuando escribía Cien años de soledad”.

A García Márquez le gusta que le pregunten por Granda porque hay una tendencia entre los intelectuales a evadir sus gustos populares. “Yo sé que a muchos intelectuales les gusta en secreto, pero les da pena que se sepa. A mí no me da pena y me siento muy orgulloso de que esto me guste, porque es parte de la cultura en la cual me formé y la cultura de la cual soy parte, que es la cultura del Caribe”.

Bienvenido Rosendo Granda Aguilera nació el 30 de agosto de 1915 en el barrio de Jesús María en La Habana. Pronto quedó huérfano y a los seis años comenzó a cantar tangos en los ómnibus.

“Fui dando tumbos y cantaba tangos y cualquier cosa para vivir. En ese tiempo, mi ídolo era Carlos Gardel, aprendí mucho de su canto. Me reuní con un trío, ganamos un premio en el Teatro Nacional de La Habana”, confesaba.

A los 12 años ya era cantante profesional, en conjuntos como Carabina de Ases y Septeto Nacional, y viajó a Puerto Rico con el Cuarteto Marcano.

En 1940 la Sonora Matancera buscaba un cantante de categoría y lo seleccionó. Grabó La ola marina en 1944. El locutor Israel Pimentel Molina le dio el seudónimo artístico del Bigote que canta. Su fuerte eran el bolero y la guaracha, a los cuales imprimía un carisma personal que le fue ganando un público amplísimo.

Continuó con La Sonora hasta 1954, después firmó un contrato en Colombia. Comenzó entonces su peregrinaje por ese país y Venezuela. Llegó a gustar incluso en Brasil y recorrió toda Latinoamérica, hasta llegar a México, donde fijó su residencia. Le concedieron en 1976 el Disco de Oro en Hollywood por su exitosa carrera musical.

Granda falleció el 9 de julio de 1983. Su máximo hit En la orilla del mar (José Berroa/ 1951) inundaba los mercados. “La música popular no hubiera sido la misma sin Bienvenido Granda; fue el cantante que más grabó con la Sonora Matancera. Su dicción, entonación, sentido musical, eran inusuales. Era uno de esos cantantes para la historia que pertenece a los indiscutibles inscritos en el libro “Polvo de estrellas”, destaca el autor en su biografía.

Algunas de sus grabaciones más difundidas fueron En la orilla del mar, A bailar, A media noche empieza la vida, Allí donde tú sabes, Bigote gato, Camina Juan Pescao, Botaron la pelota, El ajiaco, Estás como mango, La ola marina, La raspa, La televisión, La vaca lechera, Manteca, Mi bandera, Nostalgia, Rumba rica, Y soy loco, Señora, Shampoo de cariño, Tocando madera, En la taberna, Se acaba el mundo.

La biografía de 346 páginas abarca toda la vida del cantante de voz nasal (sonera atiplada), que marcó un hito en el conjunto más famoso de América y que deleitó al público durante años.

Fuente/Prensa Latina

Cronología discográfica 1960. “El Bigote que Canta”.

1991. “Romance Tropical”.

1993. “Con La Sonora Matancera”.

1995. “Bienvenido Granda”.

1997. “A Era de Ouro do Bolero”.

1998. “El Disco de Oro de Bienvenido Granda”.

2001. “El Disco de Oro”.

2004. “”20 Éxitos”.

2005. “Colección de Oro”.

2006. “Tres palabras”, “20 Super Éxitos”, “Colección de Oro” y “Bienvenido Granda Selected Hits”, Vol. 1.

2007. “Grandes éxitos Bienvenido Granda”.

2008. “Las grandes voces de La Matancera”, “Bailarás” y “Greates hits of Bienvenido Granda”.

2009. “The Singing Mousteche”.

2010. “Canta Bienvenido Granda”, “Grandes Éxitos de La Sonora Matancera”, “Mi Diario Musical”, “Grandes Éxitos”, Vol.3, “Declárate inocente”, “Canta Bienvenido Granda” y “Cuba: Bienvenido Granda”.

2011. “The Singing Moustache”, Vol.2 2012. “Historia Musical” y “Mis grande éxitos”.

2013. “Bienvenido Granda”, “Las Estrellas de La Matancera” y “Bailando con Bienvenido”.

2014. “Bienvenido Granda coin Mariachi”, “Sonora Matancera”, “No llores corazón” y “Grandes hits Bienvenido Granda”.

2015. “Perlas Cubanas”, “A bailar”, “Tropicales de Colección”, “Colección Élite”, “Ódiame”,”Guapachoso”, Éxitos Tropicales” y “La última noche”.

2016. “Canta sus éxitos”, “Pasión extraña”, “Temas inolvidables”, “Los grandes cantantes”, “15 grandes éxitos”, “16 éxitos con La Sonora Matancera” y “Piedrita del mar”.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. http://www.noticiariobarahona.com/ http://www.correodelorinoco.gob.ve

PANCHITO RISET Francisco Hilario Riser Rincón, su nombre de pila, nació en el barrio de Atarés, La Habana, Cuba, el 21 de octubre de 1910 y falleció en Nueva York, Estados Unidos, el 8 de agosto de 1988.

Cantante y músico.

En sus inicios interpretó guarachas, sones, guajiras, congas y guaguancós, pero el bolero rítmico lo haría famoso.

Desde la niñez se interesó por el aprendizaje de la guitarra y el tres.

Debutó como cantante a mediados de los años 20 con el “Septeto Esmeralda” y más tarde formó parte del “Sexteto Cauto”, del “Septeto Bolero” y del “Sexteto Habanero”.

En 1928 cantó en el “Sexteto Caney” y en la Orquesta de Ismael Díaz.

Cinco años más tarde conoció a Don Aspiazú, quien lo integró a su orquesta, reemplazando a AntonioMachín.

Más tarde cantó por vez primera en Nueva York, con la orquesta “Antobal’s Cubans”, en el “Madison Royal” y en el “Cubanacán” Night Club.

Durante su etapa en esa metrópoli norteamericana formó parte de las orquestas de Xavier Cugat y la de Enrique Madriguera y actuó en 1983, en compañía de Celia Cruz, Iris Chacón, Myrta Silva, Joe Quijano, Mario Bauzá, Charlie Palmieri y Bobby Capó con “La Sonora Matancera”.

En 1934, se presentó en Cuba con la orquesta de Eliseo Grenet, para luego, regresar a Nueva York donde grabó con el “Cuarteto Caney”, con el “Grupo Victoria” de Rafael Hernández y con el “Cuarteto de Pedro Flores”. En esa ciudad La actriz norteamericana Eleanor Powell lo trasladó a Hollywood, donde se presenta con su propia orquesta, en 1937. En Nueva York, graba "Pepita", de Eliseo Grenet, "Por Corrientes va una Conga", de Ernesto Lecuona.

Se enroló en el Ejército estaounidense, desde 1943 hasta 1945. Y ya libre, regresa a Nueva York y actua en bares y casinos.

En 1938 fundó su propia orquesta que denominó “La Conga” con la que realizó presentaciones.

En 1947 grabó "El cuartito", del puertorriqueño "Mundito" Medina; "Peregrina sin amor", de Bienvenido Brens; "Deseo Bohemio", de Damirón y "Todo me gusta de ti", de Cuto Estévez.

Popularizó, entre otros muchos, los boleros “Cita a las seis”, del compositor mexicano Aldolfo González Salas; “De cigarro en cigarro”, de Francisco Jimenez, “El cuartito” y “Blancas Azucenas”, de Pedro Flores, de la cual el musicólogo Cristóbal Díaz Ayala afirmo “que en su versión uno casi podía oler las flores”.

Para el sello Ansonia grabó los boleros “Melancolía” y “Mi Gloria”, de Luis Kalaff; “Peregrina Sin Amor” y “Mil Copas”, de Bienvenido Brens, “Deseo Bohemio” y “Háblame claro”, de la autoría del pianista Francisco Simó Damirón; “Todo me gusta de ti”, de Leonel Sánchez, y “Amor y odio”, “Ella” y “No me pidas olvido”, de Armando Cabrera.

Irónicamente murió en un cuartito de Nueva York.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. http://www.eldiariodeguayana.com.ve Iván José Romero.”Cocktail: Panchito Riset”, 14-08-2016.

LEO MARINI Alberto Batet Vitali, su nombre de pila, nació en Mendoza, Argentina, el 23 de agosto de 1920 y falleció en la misma ciudad el 15 de octubre de 2000.

Además de cantante fue actor.

Se le conoció artísticamente como “La Voz que Acaricia”.

Actuó desde 1942 hasta 1999.

Grabó con los sellos discográficos Odeón y Seeco Records.

Su interés por la música y en especial por el bolero, nació al escuchar por la radio a tres cantantes mexicanos que lo influenciaron y animaron a convertirse en cantante, José Mojica, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu.

Cantó por primera vez en la emisora “LV 10 Radio Cuyo” de su ciudad natal, a instancia de unas vecinas que conocían sus habilidades vocales.

El tenor lírico español Juan Díaz Andrés, por casualidad en Mendoza, le enseñó canto durante un año y lo indujo a dejar de imitar a Juan Arvizu y a adquirir su propia personalidad artística. Él lo llevó a un programa radial local moderado por Francisco Fábregas y ambos lo bautizaron artísticamente como Leo Marini.

En 1941 viajó a Chile y en Valparaíso conoció al pianista cubano Isidro Benítez, quien con su conjunto de músicos grabó con Leo Marini sus dos primeros discos para la filial chilena de RCA Víctor contentivos de los temas “Virgen de media noche” (Pedro Galindo); “Puedes irte de mí” (Agustín Lara) e “Inútilmente” y “Cerca de ti”, del compositor Luis Aguirre.

El siguiente año se trasladó a Buenos Aires, donde ingresó a la emisora "LR3 Radio Belgrano", que tenía a su disposición una orquesta de 40 músicos, en la cual se hizo amigo del primer violín Américo Belloto Varoni.

Esta amistad le permitió grabar para la filial argentina del sello discográfico Odeón, dos discos de 78 RPM con la orquesta de violines y metales dirigida por Américo Belloto, que en las sesiones de grabación fue bautizada como “Don Américo y sus Caribes”.

Los discos contenían los temas “Llanto de luna”, “Ya lo verás”, “Caribe soy” y “Yo contigo me voy”. El éxito fue sorprendente y elevó aún más la fama del cantante.

Convertido en reconocido profesional, inició una gira mundial, que lo lleva a Venezuela en 1948, Cuba, Perú, Ecuador, Chile, Colombia Puerto Rico, República Dominicana, etc.

Más tarde, al finalizar su contrato con la Odeón argentina, pasó a la empresa discográfica estadounidense Seeco.

En 1951, Sidney Seegel, dueño de esta empresa, le aconsejó marchar a La Habana para grabar con “La Sonora Matancera”, primero “Luna yumurina” y después “Quiero un trago tabernero”, “Mi desolación” y “Desde que te vi”.

En 1958, ante la masificación del formato LP, grabó con “La Sonora Matancera” el álbum “Reminiscencias”, el disco más vendido de su carrera musical, digitalizado posteriormente.

En 1970 se reincorporó por breve tiempo a”La Sonora Matancera” junto a Miguelito Valdés y Carlos Argentino y a finales de ese año, firmó contrato con la empresa discográfica venezolana PROMUS para la cual grabó en Caracas, con una orquesta dirigida por su conocido Arnoldo Nali, el LP "El Nuevo Leo Marini canta 12 canciones que nunca antes cantó", el cual obtuvo un gran éxito y se convierte en su resurrección profesional.

Fue considerado por los críticos como “la voz más bonita que tuvo el bolero”, pues “proyectaba mucho sentimiento en sus interpretaciones” y “Nadie cantó como él boleros tan importantes como: "Historia de un amor", "Angelitos negros", "Canción del dolor", "Lamento borincano", "Risque", "Pecado", "Deuda", "Somos", "Señora bonita", "Piel canela", "Dos almas", "Dónde estás, corazón", "Amor de cobre", "Tristeza marina", "Llanto de luna", "Dos gardenias"...

Fuentes http://www.buenamusica.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

CARMEN DELIA DIPINÍ Carmen Delia Dipini Piñero, su nombre de pila, nació en Naguabo, Puerto Rico, el jueves 18 de noviembre de 1927 y falleció el 4 de agosto de 1998.

Cantante. Ella misma confesó que nunca estudió música porque lo suyo es un don de Dios.

Por el buen trato que recibió en Venezuela consideró a este país como su segunda patria.

Comenzó a cantar en 1937, bajo la instrucción de la profesora Amparo Brenes de la Escuela Elemental Eugenio Brac de su tierra natal.

En 1941 debutó profesionalmente en un programa que Rafael Quiñones Vidal animaba por la emisora WNAM. Ayudada por su amiga Ruth Fernández, se trasladó a Nueva York en 1947, donde se hizo cantante profesional cuando estuvo participando en el programa de aficionados de Willy Chevalier en el “Teatro Triboro”, donde ganó un Primer Premio, y la casa disquera Verne la contrató para grabar con “Johnny Albino y el Trío San Juan” los temas “El día que nací yo”, “Perdida” y "Duérmete mi Junior", dedicado por Plácido Acevedo cuando nació su primogénito y cantado en los templos el Día de las Madres..

En los inicios de su carrera le encantaba cantar tangos de Libertad Lamarque y Mercedes Simone.

Después llevó al acetato los boleros “Dos gardenias” y “El día que nací yo”.

Su primera gira artística internacional fue a Venezuela y a Colombia. Más tarde actuó en Cuba, Estados Unidos, Panamá, República Dominicana, Curazao y México, donde vivió siete años.

El sábado 24 de mayo de 1952, para el sello Seeco, con el acompañamiento de la orquesta del pianista y compositor habanero René Touzet, grabó el tema de Mario de Jesús, “Besos de fuego”, (con la música del tango “El choclo” de Ángel Villoldo).

Este tema, que la internacionalizó, lo grabó además con Johnny Albino y con Mandy Vizoso. Otros números fueron “Experiencia”, “Tan lejos y sin embargo te quiero”, Hijo mío”, “Dímelo”, “No es venganza”, “Sigue tu vida” e “Ignorancia”.

Para la misma disquera grabó en La Habana con “La Sonora Matancera”, el lunes 4 de abril de 1955, los boleros “Delirio”, “Si no Vuelves”, “Vuelve alma mía”, “Regálame un minuto”, “Para que la oigas” y “No te demores”.

En su fructífera vida artística produjo 30 L.D.

En agosto de 1997, hizo parte del elenco que rindiĂł homenaje a Nelson Pinedo con motivo de sus bodas de oro en la mĂşsica.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. http://sonoramatancera.com

MARÍA LUISA LANDÍN María Luisa Landín Rodríguez, su nombre de pila, nació en Ciudad de México el 9 de octubre de 1921 y falleció en la misma capital mexicana el 20 de junio de 2014.

Aunque bolerista, interpretó también mariachi y balada romántica.

Fue llamada “La Cancionera de América” y “La Reina del Bolero”.

Su actividad profesional comenzó en 1935, junto a su hermana Avelina, con presentaciones profesionales en las emisoras XEYZ y XEFO, igualmente en fiestas familiares. Se llamaron “Pirita y Jade”, “Mari-Lina” y, finalmente, “Las Hermanas Landín”. Esta asociación concluyó en 1942 al contraer matrimonio su hermana.

Más tarde formó un trío con las hermanas Emma y Aurora del Mar, y luego cantó a dúo con el tenor Néstor Mesta Chaires con quien hacía programas patrocinados por la compañía Coca Cola, que tenían difusión internacional.

En 1941 grabó una versión del conocido bolero “Hay que saber perder”, del compositor chiapaneco Abel Domínguez, registrado en 78 rpm en el estudio de grabación de la empresa discográfica RCA, que se convirtió en un gran éxito y rompió récords de ventas.

Un años después grabó su primer tema inédito, “Canción del alma” acompañada por la orquesta del autor del bolero, Rafael Hernández Marín.

Ya como cantante exitosa, María Luisa Landín hizo frecuentes giras, tanto en todo México, como en varios países de Sudamérica.

En 1949 regresó de sus viajes e ingresó a la XEW, contratada como figura estelar para el programa “El Milagro de las Canciones” y era presentada como “La Voz que llega al Corazón”, o como “La voz del alma”.

Ese mismo año grabó el bolero “Amor perdido”, de Pedro Flores, que no sólo fue un éxito sino que con los años se convirtió en un clásico de la música popular mexicana.

La cantante estuvo renuente a grabar el tema porque diez años atrás había sido estrenado por Manolita y, además, ella misma lo había grabado con su hermana Avelina, pero la RCA Victor la obligó. El arreglo lo hizo Rafael de Paz, con el acompañamiento de la orquesta de José Sabre Marroquín y el éxito fue inmediato.

El bolero dio lugar, en 1950, a la filmación de una película homónima en la cual María Luisa Landín lo interpretó y a finales de los años setenta el escritor Carlos Monsiváis escribió un libro de igual título.

Al éxito logrado con “Amor perdido” siguieron otros memorables éxitos: “Aunque tengas razón” y “Será por eso”, de Consuelo Velázquez; “Miseria”, de Miguel Ángel Valladares, y “Somos diferentes”, de Pablo Beltrán Ruiz.

Los seis boleros grabados con “La Sonora Matancera” para la empresa Seeco fueron “Delirio”, “No te demores”, “Para que la oigas”, “Regálame un minuto”, “Si no vuelves” y “Vuelve alma mía”.

Cronología discográfica 1941. “Allá”, a dúo con Guillermo C. Álvarez.

1948. “Criminal”, de Rafael de Paz; “Malos pensamientos”, de Alberto Domínguez; “Por qué no te vas”, de Rafael Hernández, y “Traidoramente”, de Chucho Monge.

1949. “Amor perdido”, de Pedro Flores; “Verdad amarga”, de Consuelo Velázquez; “Hay que saber perder”, de Abel Domínguez; “Miseria”, de Miguel Ángel Valladares; “Qué te pedí” de Fernando Mulens, dedicado a la cantante, y “Mis ojos me denuncian”, de Manuel S. Acuña.

1950. “Pa’ qué me sirve la vida” y “Paloma mensajera”, rancheras, a dúo con María Victoria; “Se sufre pero se aprende”, de Federico Baena; “Por pasar el rato”, de Miguel Ángel Valladares; “Mi último refugio”, de Miguel Ángel Pazos; “Inevitablemente”, de Gonzalo Curiel; “Por amor de Dios”, de Carlos Crespo, “Qué tontería”, de Consuelo Velásquez; “Aviso de ocasión”, a dúo con Fernando Fernández; “La vida es así”, de Rafael Hernández, acompañada por su orquesta, a dúo con Miguel Aceves Mejía; “Con otro pagarás” y “Pesadilla” a dúo con Carmen Rello, acompañadas por el Mariachi Vargas; “A dónde irán”, “Ahora”, “Al fin solos”, “Amar y vivir”, “Amor ciego”, “Aunque tengas razón”, “Canta, canta”, “Conozco a los dos”, “Corazón”, “Déjame en paz”, “Desdichadamente”, “Desvelo de amor”, “Dos almas”, “El tiempo lo dirá”, “Espina”, “Esta noche corazón”, “Falsa”, “Injusticia”, “Jamás, jamás”, “Mal negocio”, “Mi último trago”, “Nada pido”, “Nosotros”, “Nunca más”, “Ofrenda”, “Permíteme”, “Por eso te perdono”, “Por qué llorar”, “Por tu cariño”, “Que el cielo te lo pague”, “Qué tal te fue”, “Que te vaya bien”, “Sé muy bien que vendrás”, “Será por eso”, “Somos diferentes”, “Te lo juro”, “Todavía no me muero”, “Tú eres mi destino”, “Tu felicidad”, “Una aventura más”, “Ven, ven”, “Vereda tropical” y “Vuelve otra vez”.

1960. “Tú y la noche” y “Desgracia”.

1961. “Una espina”, “Mi amor ante todo”, “Escándalo”, y “Amor de sangre”.

1962. “Pero no, no y no”, “Una y otra vez” y “Dos caras”.

1963. “La mano de Dios”.

1967. Grabó por última vez: “Horas en vano” y “Menor de edad”.

La muerte Así registró La Jornada, el sábado 21 de junio de 2014, el paso a la eternidad de la famosa cantante mexicana:

Falleció a los 92 años María Luisa Landín, "la reina del bolero" México, DF. Gracias a su inigualable voz e interpretación, María Luisa Landín logró ganarse el mote de “La reina del bolero” y ganó fama por la canción “Amor perdido”, de la autoría del puertorriqueño Pedro Flores, una de las más sonadas en la década de los cincuenta.

La cantante falleció a los 92 años a causa de una neumonía con insuficiencia respiratoria.

María Luisa Landín Rodríguez nació en la Ciudad de México el 9 de octubre de 1921. A los 14 años comenzó a cantar en casas y fiestas en compañía de su hermana Avelina y en 1936 comenzaron a hacer sus primeras presentaciones profesionales en las radiodifusoras nacionales XEYZ y XEFO. Conocidas como Pirita y Jade, las hermanas fueron ganando fans y se colocaron en poco tiempo dentro del gusto del público. En 1938 fueron contratadas en exclusiva por la radiodifusora XEQ, que promovió una rivalidad artística entre ellas y las Hermanas Águila, a quienes presentaban como -El Mejor Dueto de América-.

Durante algunos años Avelina y María Luisa cantaron juntas, luego ya no les gustó el nombre de Pirita y Jade y decidieron ser Mari-Lina, para finalmente quedar como Las Hermanas Landín. Tiempo después el dueto se desintegró pues Avelina se casó con Ángel Zempoalteca y truncó su carrera como cantante.

Justamente, a finales de los años setenta, el escritor mexicano Carlos Monsiváis (1938-2010) escribió el libro titulado Amor perdido. En la dedicatoria escribió “En tus manos encomiendo el epígrafe”, y transcribió la letra del tema de Pedro Flores, interpretada por María Luisa.

Graciela Ibáñez Landín, hija de la cantante, confirmó la muerte de la intérprete ocurrida la noche del viernes a las 21:30 horas.

“Ella tenía problemas crónico degenerativos, pero recientemente tuvo una neumonía, con mucha insuficiencia respiratoria y eso hizo que se diera su deceso”.

Puntualizó que su madre tenía varios problemas de salud desde hace tiempo, por lo cual la cantante ya no tenía ninguna actividad artística, “tenía otro tipo de actividades de acuerdo a su edad”.

Landín se encontraba retirada de los escenarios desde hace más de dos décadas y vivía en la Ciudad de México, en compañía de su única hija.

Familiares y amigos acudieron a la capilla tres de una agencia funeraria al sur de la ciudad, donde la cantante será cremada este mismo sábado.

Por su parte, el cantante Rodrigo de la Cadena lamentó el deceso de María Luisa Landín, y aseguró que esta pérdida deja un gran vacío en la música, “como bolerista fue muy importante y lamento que la intérprete no haya tenido en vida un homenaje a su carrera”.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. www.jornada.unam.mx www.marialuisalandin.org.mx

CELIO GONZÁLEZ Celio Adán González Ascencio, su nombre de pila, nació en Camajuaní, Santa Clara, Cuba, el 29 de enero de 1924 y falleció en Ciudad de México el 17 de octubre de 2004.

Cantante que además de boleros interpretó guarachas y rumbas cubanas.

Fue llamado “El Flaco de Oro” y “El Satanás de Cuba”.

Su época más prodigiosa fue con “La Sonora Matancera”.

En los inicios de su exitosa carrera artística tuvo el apoyo de la madre.

Participó en el concurso de La Corte Suprema del Arte realizado en Sancti Spíritus. Residió algún tiempo en Camagüey y allí, con diecisiete años de edad, trabajó en la orquesta de Joaquín Mendivel, “Trío Camagüey”, así como en el “Conjunto Camacho”. Fundó el “Trío Nacional”.

Se trasladó a La Habana donde se empleó como cantante de los conjuntos “Los Jóvenes del Cayo” de Alfonsín Quintana, el de Luis Santí y el “Conjunto Casino”.

Su época de oro empezó el 23 de mayo de 1956, con la Sonora Matancera, dirigida a la sazón por Rogelio Martínez. Fue cantante de planta de la orquesta en sustitución de Bienvenido Granda y Laíto Sureda.

La primera canción que grabó fue el bolero-rítmico "Quémame los ojos", su primer gran éxito, y luego otros como "Total", "Amor sin Esperanza", "Y no me engañes Más", "Besito de Coco".

En 1959 cuando regresaba de una gira, se encontró con la desagradable noticia de que la incipiente dictadura de Fidel Castro, le habían confiscado todos su bienes, por lo cual procedió a viajar Ciudad de México con su esposa y sus hijos contratado por la empresa de discos Orfeón, y allí fijó su residencia.

En 1962 retornó a la Sonora Matancera y nuevamente firmó para Seeco Records, quedándose hasta 1965. Se añadieron nuevos éxitos "Yo soy el Son Cubano", "Vámonos de Fiesta", "Nobleza", "Noche de Farra".

Con esa orquesta grabó 104 temas, el tercero después de Bienvenido Granda (205) y Celia Cruz (187) Entre sus grabaciones más recordadas está el bolero de José Dolores Quiñones "Vendaval sin rumbo".

En Nueva York su calidadartística también fue recompensada y recibió el trofeo como el Cantante Extranjero másPopular de la colonia latina del año 1965.

Cronología discográfica 1956. El 23 de mayo grabó con “La Sonora Matancera”, su primer tema de muchos, el bolero de Nelson Navarro “Quémame los ojos”.

1957. “Daniel Santos y Celio González con los Jóvenes del Cayo” y “Sonora Matancera's Invites You to Dance / Los Invita a Bailar”.

1958. “Sonora Matancera's Parade of Stars / Desfile de Estrellas”, “Ahí Viene La Sonora Matancera / Here Comes”...,”La Sonora Matancera Llegó...

Canta: Celio González” y “Navidades con La Sonora Matancera”.

1959. “Más Éxitos de La Sonora Matancera con Celio González”.

1960. “Los Últimos de Celio González Con La Sonora Matancera”.

1961. ¡Canciones Premiadas de Celio González”.

1962. “Los Reyes del Ritmo: La Sonora Matancera”.

1963. “Sonora Matancera en Puerto Rico”.

1964. “La Primera y La Única: La Sonora Matancera”.

1966. “¡Que Rico Canta Celio!: Con la Orquesta de Pepé Delgado”, “Bailables con Celio González y Sonora”, “Melodías de Agustín Lara: Celio González y Sonora”, “Hits de Celio González”, “Lo Mejor de Celio González” y “Ahora Si! / This is It”.

1967. “El Celio de Siempre” 1968. “¡Arriba! / Up!” y “Nueva Vida / New Life: Celio González”.

1974. Grabación para la marca DIMSA de México con “Sonora Mexicana” de Rómulo Morán de los temas “En la palma de tu mano” y “He perdido una perla”. Con los arreglos del maestro Tito Puente y de Joe Loco en el sello Teca dejó diez números para la posteridad.

1976. Para casa Orfeón, llegó de nuevo al disco con sus viejos amigos de “La Matancera” en el álbum denominado “El Rey... Celio González con La Reina...

Sonora Matancera”.

1977. La mexicana disquera Musart, le auspició un nuevo larga duración con los temas “Virgencita”, “Piénsalo bien”, “Di que no es tarde ya” y “Palabras”.

1981. “El Zorro de Plata presenta al Flaco de Oro (con Johnny Pacheco) “.

Fuentes Héctor Ramírez Bedoya. “El Flaco de Oro”.

Wikipedia. La enciclopedia libre.

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SONIA LÓPEZ Asmindia Sonia López Valdez, su nombre real, nació en Ciudad de México el 11 de enero de 1946.

El encargado de descubrir el talento latiente de Sonia fue el director de la Sonora Santanera Carlos Colorado Vera. Él la vio cantar en el Té Danzante del Teatro Alameda. Para aquel entonces, Asmindia era solo una estudiante de secundaria del colegio inglés “Elizabeth Block”.

Se le conoce como “La Chamaca de Oro”.

Su celebridad comenzó tempranamente cuando fue vocalista de “La Sonora Santanera”, a la edad de 17 años, y grabó el álbum “Azul” donde los temas "El nido", "Lo que más quisiera", "Pena negra",”El ladrón”, "Por un puñado de oro" y otros más estuvieron en la lista de popularidad, al igual que "Enemigos", "Castigo", "No me quieras tanto", etc.

La descubrió el director de dicha orquesta, Carlos Colorado Vera, quien la oyó cantar en el Té Danzante del “Teatro Alameda”, cuando era solo una estudiante de secundaria del colegio inglés “Elizabeth Block”.

Con esa agrupación viajó a Venezuela, El Salvador, Costa Rica, Puerto Rico, Estados Unidos y participó en muchísimos programas de radio.

Posteriormente, como solista con su propio conjunto tropical, posicionó en los primeros lugares los boleros “Enemigo”, “Castigo” y “No me quieras tanto”, entre otros.

En 1965, apareció la producción discográfica “Música del recuerdo”, contentiva de los temas “Venganza”, “Como fue”, “Dime”, “Amor perdido”, “Sabor de engaño”, “Pensando en ti” y “Perdido”.

También fue vocalista del “Trío Los Ases” y con ese grupo grabó los temas “Conozco a los dos”, “Historia de un amor”, “Jacaranda”, “Enamorado de ti”,

Álbumes 1991. “15 Auténticos Éxitos de Sonia López”.

1995. “Los Grandes Éxitos de Sonia López”, Vol. I; “Los Grandes Éxitos de Sonia López”, Vol. II. 1998. “Sonia López” y “20 Éxitos de Sonia López”.

2003. “Alma Matancera”.

2007. ´Éxitos” y “La Gran Colección Del 60 Aniversario CBS - Sonia López”.

2008. “15 Grandes Éxitos”.

2010. “Boleros Éxitos de La Chamaca de Oro”, y “El ladrón”.

2011. “Tesoros de Colección-50 Años de Historia Musical”, “Enemigos”, “Un río crecido”, “Canciones de siempre”, “Mis favoritas” y “20 Éxitos”, Vol. II. 2012. “Cumbias Éxitos de La Chamaca de Oro” y “Solamente Éxitos”.

2013. “Las Reinas de la Cumbia”, Vol.II 2015. “Grandes Éxitos”, y “Sonia López”.

2016. “La Sonora Santanera en su 60 Aniversario” y “Corazón de Acero”.

Fuentes http://www.buenamusica.com/ Wikipedia. La enciclopedia libre.

VIRGINIA LÓPEZ Dolores Virginia Rivera García, su nombre real, nació en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos, el 29 de noviembre de 1928.

En México fue bautizada como “La Voz de la Ternura”.

Mostró afición por el canto desde los cinco años y estuvo influenciada por Libertad Lamarque, de la cual se aprendió sus tangos.

Como Virginia López hizo su debut en el mundo artístico al grabar un disco de manera no profesional con Luis Lija, popular guitarrista de la época.

Pero su verdadero debut profesional fue cantando a dúo con Chago Alvarado, integrante y compositor del “Trío San Juan”, con quien integró el “Dueto López Rodríguez”, produciendo la grabación de unos diez discos que tuvieron gran aceptación.

Sin embargo sus dos primeros éxitos internacionales logrados con los temas “Tan lejos” y “Cariñito azucarado”, la colocaron definitivamente en el gusto del público de todo el continente.

En 1955 sus grabaciones comenzaron a difundirse y popularizarse en México y cuando arribó allí el 31 de julio de 1957 comenzó a vivir el proceso que la llevó a la consagración plena como artista, de manera tal que grabó para la RCA Victor y ese país se convirtió en su plataforma de lanzamiento internacional, logrando que su voz se difundiera en Latinoamérica, algunos países de Europa y Japón.

Popularizó temas como “Osito de felpa”, “Por equivocación” y “Te odio y te quiero”, grabó con mariachis, orquestas, conjuntos, así como con su inseparable “Trío Imperio”.

En su voz se hicieron populares también los temas “Extraño sentir”, “Homenaje”, “Espérame en el cielo”, “Siete notas de amor”;”Desvelo de amor”, “Miénteme más”, “Amémonos”, “Torturas de amor”, “Tú me perteneces”, “Una semana sin ti”, “Ansiedad”, “Ya la pagarás”, “Yo tengo un amor”, “Te doy mi corazón”, “Total”, “Por equivocación”, “Tan lejos de ti”, “Mándame a buscar”, “Amor”, “Que te cuesta”, ”Cada noche un amor”, “Amar y vivir”, “Amarga verdad” “Piensa en mí”, “No me quieras tanto”, “Celoso” y “Silencio”.

Reconocimientos Discómetro de Oro en México.

Premio del Festival de Codazos, Puerto Rico, en 1958.

Fuentes http://www.musica.com https://elblogdelbolero.wordpress.com

ORLANDO CONTRERAS Orlando González Soto, su nombre real, nació en La Habana, Cuba, el 22 de mayo de 1930 y falleció en Medellín, Colombia, el 9 de febrero de 1994.

Cantante de boleros, especialmente de despecho.

Fue llamado por sus fanáticos “La Voz Romántica de Cuba” y “La Voz del Amor y el Desamor”.

Grabó con Maype, Discos Fuentes, FM Discos y Cintas.

Se inició cantando en varios y diversos grupos musicales de La Habana, entre ellos el trío de Arty Valdés; luego, de 1952 a 1956 actuó en la orquesta de Neno González, alcanzó cierta popularidad hasta el punto de grabar un disco que salió exitoso, en “Musicuba” y en el “Conjunto Casino”.

Se quedó en Cuba durante los primeros años de la dictadura de Fidel Castro y en septiembre de 1965 se trasladó a Estados Unidos. Uno de sus grandes éxitos fue "Mi corazonada", de José Fernández Pérez.

Pero también alcanzaron la fama con su voz los boleros “En un beso la vida”, “Sin egoísmo”, “Difícil”, “Amarga decepción”, “Por borracha”, “Por un puñado de oro”, “Dónde tu irás”, “Muerto en vida”, “Dolor de hombre”, “Que murmuren”, “Un amigo mío”, “Amigo de qué”, “Yo estoy desengañado”, “Arráncame la vida”, “Egoísmo”, “Esta tu canción”, “Se muy bien que vendrás” y “Corazón de madera”, entre tantos otros.

En 1961 grabó más discos que lo ubicaron en los primeros lugares.

Compartió escenario con Beny Moré, Fernando Álvarez y Orlando Vallejo.

Entre 1966 y 1970 actuó en un barco turístico portugués, al tiempo que siguió grabando.

En la década de los años setenta grabó un disco de antología con Daniel Santos y realizó giras por América y España.

Finalmente se radicó en Medellín, donde en los años 70, él y Daniel Santos fueron "proclamados" como Los jefes por los clientes de los bares y cantinas del centro de la ciudad.

Allí realizó grabaciones con la orquesta “Fruko y sus Tesos”.

-Este cantante cubano – se lee en Internet- fue uno de los más conocidos interpretes del bolero puro, de aquellos que llegaban a lo más profundo de los sentimientos, especialmente de los que gráficamente se les calificaba como “Cortas venas”, de aquellos despechos que contaban como se había perdido un amor, como lo traicionado un amigo, como el amor de nuestra vida nos abandonaba, que narraban como una pasión personal, sentimental, especial y única era rota sin contemplaciones de ninguna especie.

Fuentes http://www.buenamusica.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

BENNY MORÉ

Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez, su nombre de pila, nació en Santa Isabel de las Lajas, Cuba, el 24 de agosto de 1919 y falleció en La Habana el 19 de febrero de 1963.

Cantante de bolero, son montuno, mambo y guaracha, guitarrista y compositor. Voz de tenor.

Fue llamado “El Bárbaro del Ritmo”, “El Sonero Mayor” y "El Príncipe del Mambo" Discográficas: Orfeón, RCA Victor Aprendió a tocar la guitarra en su infancia y a los 16 años, en 1935, formó parte de su primer conjunto musical.

En 1936, cuando contaba con 17 años, dejó su ciudad natal y se trasladó a La Habana, pero regresó a la tierra natal y trabajó cortando caña, lo que le permitió ahorrar para adquirir su primera guitarra.

Regresó a La Habana, donde vivía precariamente, tocando en bares y cafés y pasando después el sombrero.

Su primer éxito fue ganar un concurso en la radio CMQ en el programa llamado Corte Suprema del Arte, cuyos ganadores eran contratados y se les daba la posibilidad de grabar y cantar sus canciones.

Entonces consiguió su primer trabajo estable con el Conjunto "Cauto" y cantó también exitosamente en la emisora CMZ con el Sexteto "Fígaro".

En 1944 debutó en la emisora 1010 con el Cuarteto "Cuato".

Posteriormente pasó a formar parte del “Trío Matamoros”, donde fue cantante principal y realizó varias grabaciones y viajó en junio de 1945 a México, donde se quedó. Al parecer, allí adquirió su nombre artístico, a sugerencia de Rafael Cueto.

Después formó parte del “Dueto Fantasma” y grabó para la disquera RCA Victor los temas "Me voy p´al pueblo" y “Desdichado”, junto a la orquesta de Mariano Mercerón.

Con Dámaso Pérez Prado grabó los temas “Babarabatiri”, “Guanabacoa”, “Locas por el mambo”, “Viejo cañengo”, “El suave”, “Que cinturita”, “María Cristina”, “Pachito eche” y "Dolor carabalí", que el propio Benny Moré consideraba su mejor grabación con el rey del mambo, y no quiso nunca volver a grabar.

A finales de 1950 regresó a Cuba, aunque era un desconocido en su país, a pesar de ser una estrella en varios países latinoamericanos, como México, Venezuela, Panamá, Colombia, Brasil y Puerto Rico.

El primer tema que grabó exitosamente llevó como título “Bonito y sabroso”. Otras grabaciones fueron “La cholanguengue”, “Candelina Alé” y “Rabo y oreja”, entre otras, todas con la disquera RCA Victor.

En La Habana trabajó también para la emisora RHC Cadena Azul, con la orquesta de Bebo Valdés, y allí el presentador del programa, Ibrahim Urbino, le dio el sobrenombre de “El Bárbaro del Ritmo”, al parecer porque el cantanteinterpretaba para esa emisora un número titulado "¡Ah, Bárbara!".

Después fue contratado por “Radio Progreso para actuar con la orquesta de Ernesto Duarte Brito y grabó el célebre bolero "Cómo fue". Además de en la radio, actuó en salas de baile, cabarets y fiestas.

En 1952 grabó con la “Orquesta Aragón de Cienfuegos”, a la que ayudó a introducirse en el mundo musical habanero y el siguiente año grabò el mambo "Asì es la humanidad".

Posteriormente constituyó “La Banda Gigante de Beny Moré”, compuesta por más de 40 músicos, cuya primera actuación de tuvo lugar en el programa “Cascabeles Candado” de la emisora CMQ. El éxito no se dejó esperar y entre 1956 y 1957 hizo una gira por Venezuela, Jamaica, Haití, Colombia, Panamá, México y Estados Unidos, donde actuó en la ceremonia de entrega de los Oscar.

Entre sus boleros más exitosos aparecen "Conocí la paz", "Dolor y perdón", "Mi amor fugaz", "No te atrevas", "A mi padre" y “Camarera de mi amor", “Te quedarás”, “Corazón rebelde”, “Esta noche corazón”, “Fiebre de ti”, “Mi amor fugaz”, “Mi amor, mi fe y mi ilusión”, “Mucho corazón”, “No puedo callar”, “Oh, vida”, “Perdí la fe”, “Por una madre”, “Preferí perderte”, “Que me haces daño”, “Sin razón ni justicia”, “ Sin una despedida” y “Vagar entre sombras”.

Homenajes póstumos Beny Moré aparece como personaje dentro de la novela La isla de los amores infinitos (Grijalbo 2006), de la escritora cubana Daína Chaviano, quien además concluye su novela con un capítulo titulado "Hoy como ayer", una de sus mejores interpretaciones.

En 2006 salió la película “El Benny·, que es una ficción sobre su vida.

En la ciudad de Cienfuegos fue erigida una estatua suya tamaño natural.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. http://www.sonicomusica.com

TRÍO LOS PANCHOS Sus miembros fundadores fueron los mexicanos Alfredo Bojalil Gil, Jesús Navarro Moreno y el puertorriqueño Hernando Avilés Negrón.

Los dos últimos ejecutaban la guitarra y el primero el requinto, de su propia creación.

Se conformó en Nueva York, Estados Unidos, iniciándose en el medio artístico el 14 de mayo 1944, cuando se presentaron en el “Hispanic Theatre” de esa ciudad interpretando música ranchera mexicana con gran éxito, lo que pronto hizo posible grabar su primer disco, para el sello Coda, titulado Mexicantos, con siete temas de música mexicana y el bolero “Hasta mañana”, el mismo que les abrió las puertas hacia este género musical con el cual se les identifica en todo el mundo En distintas épocas de la historia del grupo, especializado en la interpretación de boleros, Julito Rodríguez, David Ortiz, Johnny Albino, Enrique Raúl Shaw Moreno, Ovidio Hernández, Rafael Basurto Lara, Gabriel Vargas Aguilar, Chucho Navarro Jr. Gigliola Cinquetti, Estela Raval, María Martha Serra Lima y Eydie Gormé.

En 1951, cuando Hernando Avilés abandonó el grupo, al cual sucedió el boliviano Raúl Shaw Moreno, quien duró nueve meses en el trío.

Su lugar como primera voz fue ocupado indistintamente, entre otros, por los puertorriqueños Julio Rodríguez Reyes y Johnny Albino y el mexicano Enrique Cáceres Méndez.

El trío intervino en aproximadamente cincuenta películas.

En 1964, CBS propuso a sus integrantes entonces conformado por los dos integrantes fundadores y Johnny Albino, el acompañar por primera vez a una voz femenina, Eydie Gormé.

Con esta cantante nació el álbum “Great Love Songs In Spanish”. El éxito de este intento hizo que la CBS los reuniera nuevamente para grabar los álbumes “Cuatro Vidas” y “Blanca Navidad”.

Hacia 1970, a propuesta de la filial mexicana de CBS Columbia, el trío con ayuda de la tecnología de audio, fue convocado a un estudio de grabación para acoplar sus voces y guitarras y los sonidos de mariachis a la voz de Javier Solís en un álbum denominado “Dos ídolos cantando juntos”, el cual se convirtió en la primera reconstrucción técnica post mórtem de la música de Solís y que no fue desvinculado del género del bolero ranchero.

Grabó con las vocalistas Gigliola Cinquetti, Estela Raval y María Martha Serra Lima grabó los últimos LP acompañados de voces femeninas.

En los años noventa se produjo la grabación en España, con Sony Music, de los discos “Los Panchos Hoy” y “Los Panchos a su manera, que recibieron discos de oro y de platino.

Fueron los últimos discos que grabó el fundador Chucho Navarro.

Este trío dejó un legado musical de aproximadamente 1.122 canciones, grabadas muchas de ella en inglés, japonés, árabe, tagalo, griego e italiano.

Cabe acotar que además de boleros el “Trío Los Panchos” incursionó en géneros como el tango, el country, el vals peruano, el pasillo, el son, la rumba, el mambo, la guaracha, el chachachá, el joropo, el merengue, la clave, la guarania, la galopa, el blues, la cueca y el pasaje venezolano.

El 25 Junio 2013 La Hemeroteca De Luis Rondon.over-blog.com escribió: En 1995, cuando “Los Panchos” visitaron Atenas, había un trío autóctono que los imitaba cantando su repertorio en forma idéntica. Entonces Alfredo Gil pensó que ellos podían hacer lo mismo, a la inversa, cantando en griego por fonética, lo cual hicieron logrando un gran éxito, antes de continuar de gira por Beirut y Jerusalén. Porque el hecho, detrás de todo esto, es que Los Panchos viajaron por todo el mundo.

Recordó el texto que las giras del trío comenzaron en 1946.

-El primer país que visitaron fue Venezuela, adonde regresaron en 1947 y 1951 (cuando en el Cine Ayacucho se presentaron unas voces juveniles que se hacían llamar Los Panchitos). De su primer viaje se llevaron ¿Quién (fue que) mató a Consuelo?, de Eduardo Serrano (autor de Barlovento) y Compae Pancho de Lorenzo Herrera, pues todavía no se centraban en el bolero sino en rancheras y similares. En NYC cantaron en El Chico de Benito Collada, el Havana-Madrid de Ángel López, el Hotel Pierre, alternando con Paul Whiteman, y en el Radio City Music Hall.

Explicó que “Los Panchos tuvieron la primicia de grabar Me voy pa’l pueblo, que suele ser atribuido a Mercedes Valdés pero que, en realidad, pertenece a quien fuera su pareja: Marcelino Guerra” El blog añadió: Entre otras primicias de otros autores, Los Panchos grabaron Pa’ todo el año y La media vuelta, que José Alfredo Jiménez les dio en el camerino del Teatro Blanquita de México. Pero el trío también tuvo muchos éxitos propios. Mi último fracaso, Una copa más, Sin un amor y Rayito de luna sólo fueron algunos. Con la voz de Hernando Avilés alcanzaron a grabar 154 canciones, que constituyen una época de oro, para un total de 99 boleros; el resto, de otros ritmos, incluyendo merengues venezolanos como La vaca de Eduardo Serrano. Con Hernando Avilés fueron muchos los éxitos, entre ellos, Mar y cielo que en una gira a España tuvieron la mala suerte de encontrar que Antonio Machín había popularizado su propia versión.

Según Luis Rondón, “El nombre de Los Panchos fue escogido por ser de fácil identificación para los norteamericanos (Pancho Villa, etc.) pero es posible que en eso también haya influido el merengue criollo Compae Pancho, de Lorenzo Herrera, que ellos interpretaban en sus primeros tiempos y luego, en sus

presentaciones en Venezuela”, y que “Su primer contrato se los dio Mundito Medina (periodista y autor de Cita a las seis) para el Teatro Hispano neoyorquino, a razón de US$ 225 semanales”, produciéndose su debut “el 14 de mayo de 1944”.

El texto añadió: Practicaron en los campos militares norteamericanos en Europa y en el centro del África, en misión de buena voluntad. Las primeras grabaciones fueron para el sello Coda de Gabriel Oller, en 1944, que incluyó Cielito lindo, Guadalajara y La cucaracha y sólo un bolero (Hasta mañana). El disco se llamó Mexicantos.

En sus primeros años duros, los músicos se hospedaban en hoteles de mala muerte. En uno de ellos (el Hotel Belvedere de la calle 48 y Octavapanchos 4 Avenida) le ofrecieron alojamiento a un paisano desorientado, el entonces desconocido barítono Jorge Negrete, quien toda su vida fue un hombre sumamente sano. Años después, cuando yacía en su lecho de muerte, siendo Los Panchos muy famosos, les hizo una reflexión: “Ustedes, que han sido unos bandidos en esta vida, que se han bebido la bebida del mundo y han hecho desastres, mira lo saludable que están; y a mí, que he sido un hombre que me he abstenido de todo, viene a tocarme esta desgracia”.

Sus mayores éxitos fueron: “La paloma”, “Historia de un amor”, “Alma, corazón y vida”, “Piel Canela”, “Sabor a mí”, “Solamente una vez”, “Espérame en el cielo”, “Quizás, quizás, quizás...”, “Cielito Lindo”, “Quién será”, “Aquellos ojos verdes”, “Lo Dudo”, “Sin ti”, “Espinita”, “El burro socarrón”, “Perfidia”, “La golondrina”, “La malagueña”, “Siete notas de amor”, “Rayito de luna”, “Siboney”, A mi manera”, “Amor de la calle”, “Amorcito corazón”, “Bésame mucho”, “Caminemos”, “Cinco amigos de verdad”, “Contigo”, “Contigo aprendí”, “Cuando calienta el sol” “Cucurrucucú”, “El día que me quieras”, “El reloj”, “Enamorado”, “Esta cobardía”, “Esta tarde vi llover”, “Fascinación”, “Flor de azalea”, “La múcura”, “La nave del olvido”, “Ladrona de besos”, “Lo Dudo”, “Mar y cielo”, “Mariana”, “Me voy pa'l pueblo”, “No me quieras tanto”, “Noche de ronda”, “Nosotros”, “Novia mía”, “Peregrino de amor”, “Perfume de gardenia”, “Sabor a mí”, “Sabrá Dios”, “Se te olvida”, “Si tú me dices ven”, “Sin un Amor”, “Te fuiste”, “Te quiero dijiste”, “Un siglo de ausencia”, ”Y…”, “Usted” y “Vaya con Dios”.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. https://www.letras.com

LOS HERMANOS ARRIAGADA Trío músico-vocal chileno formado por Mario y Jorge Arriagada, originarios de Cañete, una localidad ubicada en la Provincia de Arauco, región del Bío Bío de Chile. Nació en 1954 en la ciudad de Concepción, luego de que el primero de ellos creó a los doce años su primer grupo "Los 4 Chicotes".

El grupo comenzó como trío de guitarras que acompañaba a otros artistas, para más tarde actuar en solitario.

En 1958 se produjo la grabación de cuatro temas para la RCA Victor y poco después vino la firma de contrato por 5 años con el sello EMI Odeon de Chile y “Los Hermanos Arriagada” pasaron de interpretar canciones con guitarra a orquestaciones más sofisticadas con cuerdas y vientos, gracias a los arreglos del pianista Luis Barragán.

A comienzos de los años 60 se lanzó en Chile su primer LP el cual logró vender 76.000 ejemplares en cuatro meses en Venezuela.

La agrupación ha actuado en muchos países de Latinoamérica, Europa y los Estados Unidos.

Algunos de sus temas más conocidos son "Sigamos pecando", "Mar y Cielo", "Poema ", "No vuelvo a amar", "Que cosas te hice yo" y su versión de la canción “Natalie”, original de Gilbert Becaud.

Reconocimientos Entre los galardones recibidos por el trío se encuentran el Micrófono de Oro en México, el Guaicaipuro de Oro en Venezuela y, en Chile, los discos de Oro y Platino y el Laurel de Oro.

Fuentes http://www.hermanosarriagada.scd.cl Wikipedia, la enciclopedia libre.

LUCHO BOWEN Luis Enrique Bowen Gómez, su nombre de pila, nació en la ciudad de Guayaquil, Ecuador, el 11 de agosto de 1926 y falleció en Cali, Colombia, el 30 de abril de 2005.

Precisamente en una emisora de esta ciudad se encontró con el compositor guitarrista y cantante Julio César Villafuerte y con él constituyó el dueto juvenil “Bowen-Villafuerte”.

Cantante.

Hicieron sus primeras grabaciones en el sello Ónix del Ecuador, pero luego pasaron a Discos Fénix y Discos Cóndor. Posteriormente este dueto llegó a Colombia donde debutó en “La Voz de Antioquia” de la ciudad de Medellín y fue un suceso tan impresionante, que los quince días de contrato se transformaron en seis meses.

En 1952 Antonio Fuentes los contrató para hacer unas grabaciones en su casa disquera de Cartagena y una de ellas fue la ranchera “Corazón prisionero”, que se convirtió en uno de los más grandes sucesos de la canción mexicana al estilo antioqueño de todos los tiempos.

El dueto permaneció hasta 1959.

Posteriormente Lucho Bowen se transformó en solista de mucho éxito e hizo grabaciones para la RCA Víctor.

También constituyó duetos transitorios con sus paisanos Olimpo Cárdenas y Julio Jaramillo.

Para el sello Fuentes grabó canciones criollas con sabor mexicano como el corrido “Amor de copas” y la ranchera “Mi castigo”, entre muchas más.

Del mismo modo llevó al disco melodías como “Inútilmente”, “En ese más allá”, “Nuestros corazones”, ´”Árbol sin hijas”, “Siempre tuyo”, “Corazón prisionero”, Corazón que no olvida”, “Ayer y hoy”, “Plegaria de un trovero”, “Cenizas de ayer”, “Con locura”, “Ayúdame Dios mío, ”Mi retrato”, “En ese más allá”, ”Quiero verte madre”, “Yolandita”, “Vuelve a mi lado”, ´”Horas de pasión”, “Tras las rejas”, “Linda pequeñita”, “No me mires a los ojos”, “Aquel pueblo”, “El plebeyo”, “Espejo de mi vida”, “Esperando tu amor”, “Granitos de arena”, “Se me olvidó tu nombre”, “Cría cuervos”, “Verdad amarga”, “A veces los recuerdos”, “Vas a llorar por mí”, “Amar es pecado”, “No llores corazón”, “Me alejo de ti”, “Déjame en paz”, “Te amaré en silencio”, “Desvelo”, “Hoja seca”, “Llorando tu partida”, “Quiero salvarte”, “Yolanda”, “Lágrimas de amor” y “Llora corazón”.

Fuentes El Blog del Bolero.

Fabio Nelson Ortiz Moncada. Ahttp://biografiasantioquia.blogspot.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

ALTEMAR DUTRA Altemar Dutra de Oliveira, su nombre de pila, nació en Aimorés, Minas Gerais, Brasil, el 6 de octubre de 1940 y falleció en Nueva York, Estados Unidos, el 9 de noviembre de 1983.

Fue llamado “El Rey del Bolero Brasileño”.Grabó con las disqueras Tiger, EMI Odeón y RCA Víctor.

Una buena parte de sus canciones fue escrita por Evaldo Gouveia y Jair Amorim. Este último lo puso en contacto con sus amistades del medio artístico cuando decidió viajar a Río de Janeiro a probar suerte.

Comenzó actuando para la Radio Difusora de Colatina, en Espírito Santo interpretando melodías de Francisco Alves.

Grabó su primer disco en el sello Tiger, contentivo de los temas “Saudade que vem”, Magalhães y Célio Ferreira, y “Somente uma vez”, de Luís Mergulhão e Roberto Moreira.

Hacia 1963, fue llevado por Amorim al programa “Boleros Dentro da Noite” de Radio Mundial, y el mismo año Joãozinho del “Trío Yrakitan”, lo presentó en Odeón en donde firmó contrato, logrando colocarse en los primeros lugares de las listas de popularidad con el tema “Tudo de mim”, de Evaldo Gouveia y Jair Amorim y, consiguientemente, ser conocido en todo Brasil.

El siguiente año grabó con gran éxito los temas “Que queres tu de mim”, “O trovador”, “Sentimental demais” y “Somos iguais”, de Evaldo Gouveia y Jair Amorim).

Más tarde se presentó exitosamente en varios países de América Latina, efectuando presentaciones en varios países y grabó un Larga Duración al lado de Lucho Gatica, bajo el título “El bolero se canta así”, contentivo de sus éxitos versionados al español; llegó a vender más de 500 mil copias tan sólo en Latinoamericana.

En 1969, se lanzó a la conquista de Estados Unidos, convirtiéndose en poco tiempo en uno de los cantantes extranjeros más populares de ese país. en la Unión Americana. Era anfitrión de un show para la comunidad latinoamericana, en el club nocturno El Continente, en Nueva York cuando falleció a los 43 años de edad a causa de un derrame cerebral.

Cronología discográfica 1963. “Mensagem” y “A Grande Revelação”.

1964. “Sentimental Demais” y “Que Queres tu de Mim”.

1965. “Eu te Agradeço”.

1966. “Sinto que Te Amo”.

1967. “Dedicatória”.

1969. “O Trovador das Américas”.

1970. “O Romântico”.

1971. · Altemar Dutra” y “Companheiro”.

1972. “A Força do Amor”.

1973. “Altemar Dutra”.

1974. “Enamorado”.

1975. “Amor de Pobre”.

1976. “Amigos”.

1977. “Sempre Romântico”.

1978. “Mais Sentimental”.

1979. “Altemar Dutra” 1980. “Especialmente pra Você” y “Siempre Romántico - 25 Boleros Inolvidables”.

1981. “Eu Nunca Mais vou te Esquecer”.

1982. “Estranho Amor”.

1983. “Inédito”.

1984. “Altemar Dutra”.

1989. “O Trovador das Américas”.

1990. “Especial - Altemar Dutra”.

1992. “Nunca mais vou te Esquecer”.

1994. “Meus Momentos - Altemar Dutra”.

1997. “Meus Momentos Vol. II - Altemar Dutra”.

2000. “Bis- Altemar Dutra”.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

JOHNNY ALBINO Juan Antonio Albino Ortiz, su nombre real, nació en Yauco, Puerto Rico, el 19 de diciembre de 1919 y falleció en Nueva York, Estados Unidos, el 7 de mayo de 2011.

Cantante de boleros.

Estuvo en actividad desde 1946 hasta 1995.

A muy temprana edad demostró gran interés por la música y le encantaba cantar. En el ejército de Estados Unidos, durante la Segunda Guerra Mundial, prestó servicios en el Cuerpo de Ingenieros y estudió comunicaciones como operador de telégrafo. Pero también encontró la forma de perseguir sus intereses musicales formando un cuarteto y cantando en eventos patrocinados por U.S.O. para los mecánicos.

En 1946, formó su primer trío “Trío San Juan” con Jaime Gozilez, primera guitarra, y José Ramón Ortiz, segunda voz. El grupo debutó en la ciudad de Nueva York, sin embargo su salto a la fama le vino como vocalista con algunos de los tríos más famosos de esa época.

Con esa agrupación interpretó boleros muy conocidos y ahora clásicos, tales como “Cosas como tú, No sigamos pecando”, “Plazos traicioneros”, "Vuelve cuando quieras" y “Por el bien de los dos”.

El cantante se integró en 1958 al “Trío Los Panchos”, su primera aparición con éste fue como primera voz en un concierto en Buenos Aires. Se separó en 1968, luego de haber actuado exitosamente en los Estados Unidos así como en toda América Latina, Europa y Asia, incluyendo Japón, donde grabó dos álbumes en japonés. También apareció en programas de televisión difundidos a nivel nacional en los Estados Unidos, tales como Johnny Carson y Ed Sullivan, y trabajó con estrellas de la talla de Frank Sinatra, Sammy Davis, Xavier Gugat, Nat King Cole y Steve Lawrence. Igualmente trabajó con Eydie Gormé, incluyendo dos álbumes que grabaron juntos, sin el resto del trío.

Después de dejar el “Trío Los Panchos” volvió a grabar con otros tríos y solo.

Su discografía incluye más de 300 álbumes y participó en escenarios de Hong Kong, Singapur, Egipto, Israel, toda Europa y América Latina.

En 2000 se unió a Julito Rodríguez para conmemorar al “Trío Los Panchos” y los éxitos de sus respectivas épocas con la banda.

Entre sus interpretaciones más exitosas se cuentan “Aquí tienes este disco”, “Por el bien de los dos”, “Tú me haces falta”, “Cosas como tú”, “Espinita”, “Historia de un amor”, “Plazos traicioneros”, “Punto final”, “No sigamos pecando”, “Escríbeme”, “El reloj”, “Camino verde”, “Mar y cielo”, “Tu tormento”, “Brujería”, “Verdad amarga”, “Un siglo de ausencia”, “Vagabundo”, “Contigo”, “Cariño verdad”,

“Corazón loco”, “Sin un amor”; “Sabrás que te quiero”, “¿Quién será?”, “Mi último fracaso”, “Hipócrita”, “Desesperanza”, “Cariño verdad”, “Deuda”, “Cosita linda”, “Contigo”, “El beso” y “Callejera”, etc.

Fuentes https://www.discogs.com.

Wikipedia, la enciclopedia libre.

PEDRO INFANTE Pedro Infante Cruz, su nombre real, nació en Mazatlán, Sinaloa, México, el 18 de noviembre de 1917 y falleció en Mérida, Yucatán, el 15 de abril de 1957.

Además de cantante de rancheras y boleros fue actor de cine.

Se le llamó “El Ídolo de Guamúchil”, “El Ídolo de México” y “El Inmortal”.

Formó parte de los grandes representantes de la música ranchera.

Desde 1943, cuando se inició como cantante profesional grabó aproximadamente más de 310 canciones.

Cuando ejerció la carpintería, de la cual decía con orgullo que "Era el oficio de Cristo", construyó su propia guitarra, que siempre mantuvo.

Reconocimientos En 1956 recibió el Premio Ariel como mejor actor en la película “La vida no vale nada” y el año siguiente su actuación en la película “Tizoc: Amor indio” le hizo acreedor del Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín al mejor actor principal, y al premio Globo de Oro a la mejor película extranjera, otorgado por la prensa extranjera acreditada en Hollywood.

En el sitio donde cayó la avioneta en Mérida, Yucatán, fue erigido un busto suyo.

Estudió guitarra con el maestro Carlos R. Hubbard, y a los 16 años llegó a formar una pequeña orquesta a la que bautizo como "La Rabia", que tocaba en los cabarets de Guamúchil, a diez centavos la pieza y llegó a ser conocida en todo Sinaloa.

En Culiacán fue vocalista de varias orquestas y se presentó en la radiodifusora local XEBL. Luego, por recomendación de la que entonces era su esposa, María Luisa León, continuó su carrera como cantante en Ciudad de México, donde en 1938 ya cantaba en la XEB; también se presentó en el teatro Colonial con Jesús Martínez Palillo y Las Kúkaras, así como en el centro nocturno Waikikí.

Su primera grabación musical, “El soldado raso”, fue realizada el 19 de noviembre de 1943, para el sello de Discos Peerless, aunque otras fuentes dicen

que la primera canción que grabó fue el vals “Mañana”, que pasó sin pena ni gloria.

Ese mismo año se inició como actor con un papel principal en la película “La Feria de las Flores” en 1943.

Interpretó canciones de diversos géneros: vals, chachachá, canción mexicana tradicional, canción ranchera y bolero.

Entre sus temas más populares se incluyen los títulos “Cien años”, “Te quiero así”, “La que se fue”, “Ella”, “Paloma querida”, “Maldita sea mi suerte”, “Por un amor”, “Mañana”, “Que te ha dado esa mujer”, “Flor sin retoño”, “Mi cariñito”, “Dicen que soy mujeriego” y “Amorcito corazón”, de Manuel Esperón y Pedro de Urdimalas, posiblemente su interpretación más célebre y una de las canciones más famosas en la cultura popular mexicana, que con la versión de estudio que de ella se hizo nació el género bolero ranchero.

Hay que acotar que el mundialmente famoso bolero “Bésame mucho” de la compositora Consuelo Velázquez, fue la única melodía que grabó en inglés y la interpretó en la película “A.T.M. ¡¡A toda máquina!!” con Luis Aguilar.

Fuentes http://www.biografiasyvidas.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

FERNANDO FERNÁNDEZ

Fernando Fernández Reyes, su nombre real, nació en Monterrey, Nuevo León, el 9 de noviembre de 1916 y falleció en Ciudad de México el 24 de noviembre de 1999 Pianista, actor y cantante.

Grabó su producción discográfica en RCA Víctor y Musart.

Fue conocido como "El Crooner de México", por haber tenido éxito radiofónico y discográfico.

Debutó en 1933 en la emisora XEH de Nuevo León. Ese año viajó al Distrito Federal y trabajó en la XEN, así como también en la XEB, donde tres años después conoció a Emilio Tuero, quien le ayudó a ingresar a la XEW. En Cuba, realizó presentaciones durante los años 30 y 40 en las estaciones CMQ y RHC. Además, fue uno de los primeros cantantes mexicanos en recorrer el circuito completo del espectáculo en su época, pues tuvo éxito en radio, discos, cabarets y cine.

Como cantante grabó más de 600 canciones.

Viajó por toda América Latina e hizo varios doblajes para personajes de Walt Disney, por ejemplo en la película "La noche de las narices frías".

Las canciones que se recuerdan como sus grandes éxitos son aquellas de películas, con temas de cabaret y arrabal, que filmó al lado de Marga López y Meche Barba. Para la posteridad quedaron sus interpretaciones “Un corazón”, “Arrabalera”, “Callejera”, ”Perdida”, “Hipócrita” y sobre todo, “Traicionera”. El éxito de Fernando en la radio y en la industria discográfica fue notable, en México y en otros países latinoamericanos.

Otros temas que interpretó exitosamente, entre muchos otros, fueron “Solamente una vez”, “Carita de ángel”, “El bardo”, “Candilejas”, “Nube gris”, “Duerme”, “Lágrimas de sangre”, “Peregrina sin amor”, “Tu partida”; “Nocturnal”, “Prisionero del mar”, “Amor sobre ruedas” y “Viva el amor”.

Cantó en el Canal Trece, en la serie "Sábados con Saldaña", durante la década de los años 70 e hizo sus últimas apariciones públicas en el “Teatro Blanquita” durante los años 80”. Como intérprete grabó más de 600 temas, pero

los de mayor éxito fueron los boleros "Quinto patio", "Aventurera" y "Amor, amor, amor".

Su carrera actoral quedó plasmada en 68 largometrajes, donde alternó con estrellas como Dolores del Río, María Félix, Marga López, Meche Barba y Ana Berta Lepe, pero destacó por sus actuaciones en los filmes "Las abandonadas", "Enamorada", "Río escondido" y "Callejera", donde interpretó los boleros de moda que le daban nombre a las películas.

También tuvo actuación especial en los filmes “La Feria de las Flores” (1943); “Ahí vienen los Mendoza” (1948); “Dos almas en el mundo” (1949); “Venus de fuego” (1949); “Amor de la calle” (1950); “Si fuera una cualquiera” (1950); “La Muerte Enamorada” (1950); “Traicionera” (1950); “Amor vendido” (1951); "Mi Campeón" (1952); “Dancing, Salón de baile” (1952); “Pasionaria” (1952); “Cuando los hijos pecan” (1952); “Viajera” (1952); “Ambiciosa” (1953); “Estrella sin luz” (1953); "Doña Mariquita de mi Corazón" (1953); “El casto Susano” (1954); "La última lucha" (1958); “El ataúd infernal” (1962); “La sombra blanca” (1963); “El señor Tormenta” (1963); “Los hermanos Centella” (1967); “Allá en el rancho de las flores” (1983) y “El sinaloense” (1985).

En 1996 la Asociación Nacional de Actores le otorgó la Medalla "Eduardo Arozamena" por 50 años de labor artística ininterrumpida.

Fuentes http://www.terra.com.mx Wikipedia, la enciclopedia libre. www.fundacionjoseguillermocarrillo.com

JORGE NEGRETE Jorge Alberto Negrete Moreno, su nombre de pila, nació en Guanajuato, Guanajuato, México, el 30 de noviembre de 1911 y falleció en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1953.

Cantante y actor. Fue llamado “El Charro Cantor”.

Fundó el Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana y reorganizó, junto con un grupo selecto de actores, la Asociación Nacional de Actores (ANDA).

En 1921 se residenció con sus padres en Ciudad de México, concluyó la secundaria y aprendió alemán, francés, inglés e italiano y estudió de manera autodidacta los fundamentos del náhuatl.

Posteriormente ingresó al Colegio Militar, graduándose como teniente de Caballería y Administración (Intendencia) del Ejército Mexicano con altas calificaciones.

Estudió canto con José Pierson, director de la Compañía Impulsora de Opera de México.

En 1931, con el grado de capitán segundo, se retiró de la vida militar para dedicarse al canto, comenzando en la radiodifusora XETR, interpretando romanzas mexicanas y canciones napolitanas, además de piezas de autores de la época como María Grever, Alfonso Esparza Oteo y Manuel M. Ponce.

El año siguiente en la estación de radio XEW, cantó con el seudónimo de "Alberto Moreno" y allí el entonces locutor Arturo de Córdova le aconsejó usar como nombre artístico el de Jorge Negrete.

En 1934, cantó por única vez en el Palacio de las Bellas Artes de la Ciudad de México, con el coro de alumnos del maestro José Pierson en la obra musicalizada “La verdad sospechosa”, de Juan Ruiz de Alarcón.

En noviembre del siguiente año se marchó junto con Ramón Armengod a Monterrey, Estados Unidos, donde actuaron como el dueto "Par de Ases" y finalmente en Nueva York como “The Mexican Caballeros” para la cadena NBC. El dueto se desintegró en abril de 1937.

Posteriormente trabajó como mesero en el "Yumurí" y otros restaurantes de ambiente latino. En este ambiente, como el cantante de la orquesta de baile de Eliseo Grenet no se presentó una noche lo suplió, logrando un contrato.

Ese mismo año hizo su primera aparición en cine, en el cortometraje de la Warner Bros. "Cuban Nights" y posteriormente viajó a México para actuar en “La madrina del diablo” y otras películas, entre ellas “Caminos de Ayer”, “Perjura”, “El Fanfarrón”, “Juan sin Miedo”, “Juntos pero no Revueltos”, “El Cementerio de las Águilas”, “¡Ay Jalisco, no te Rajes!”, “El Peñón de las Animas”, “Lluvia Roja”, “Dos tipos de cuidado”, “Tal para Cual”, "Reportaje" y "El rapto".

En 1941 concretó el sueño de trabajar en Hollywood que no pudo años atrás, al filmar para United Artists el medio metraje "Fiesta".

Más tarde la emisora radial “Cadena Azul de Cuba” le ofreció al ya famoso actor cantar en vivo en sus canales radiofónicos en combinación con el “Teatro Nacional”. Fue tanto el cariño del pueblo cubano, que el entonces presidente Grau San Martín acudió al Teatro Nacional para aplaudirlo.

Durante los años 1945 y 1946 recorrió, además de Cuba, otros países de América Latina, entre ellos Argentina, donde en el “Teatro Colón” de Buenos Aires cantó, vestido de gaucho, el tango "Adiós Pampa Mía"; Chile, Perú, Uruguay y Venezuela.

Siempre fue acompañado a menudo por los grandes conjuntos musicales de ese tiempo como el “Mariachi Vargas” de Tecalitlán, la Orquesta de Victor Buccino, el “Trío Calaveras” “El Mariachi Pulido” y “El Mariachi Tapatío” de José Marmolejo, entre otros.

En Caracas, por ejemplo, lo acompañó el “Trío Calaveras”.

En España sus presentaciones se asociaban a multitudes de mujeres que gritaban histéricas, muchas se desmayaban, y tuvo que ser escoltado por la Guardia Civil. Allí se constituyeron clubes de sus admiradores.

Cabe destacar que en países que el cantante no visitó las compañías discográficas filiales de RCA Victor reportaron ventas de sus grabaciones tales como Albania o Japón, además de países con inmigrantes latinoamericanos y nativos como de Estados Unidos, Francia, Italia, Canadá, URSS, Inglaterra, Egipto, Filipinas, Alemania, Bulgaria y Holanda.

-El día de su muerte – se lee en Wikipedia, la enciclopedia libre-, fue considerado luto nacional y se guardaron cinco minutos de silencio en todos los cines del país. Solamente en el aeropuerto de la Ciudad de México se congregaron cerca de 10000 personas para recibir su cadáver. En el teatro de la A.N.D.A que hoy lleva su nombre, sus restos mortales permanecieron expuestos para que el pueblo le rindiera homenaje. Sus admiradores caminaron enfrente de su ataúd formando una fila ininterrumpida durante dos dos día con sus noches. El día de su entierro, una valla humana de cientos de miles de admiradores bordeó el trayecto del Teatro de la Asociación Nacional de Actores (hoy Teatro Jorge Negrete) hasta el Panteón Jardín, al sur de la Ciudad de México.

En otra parte del texto citado se señala que “A los pocos días, José Alfredo Jiménez, Luis Aguilar, Trío Calaveras, Amalia Mendoza, Antonio Badú, entre muchos otros artistas, le rindieron tributo en un cortometraje musical, compuesto y dirigido por el maestro Manuel Esperón” y que “Cada aniversario de su muerte se reúnen grandes cantidades de admiradores ante su tumba, y en diversos países latinoamericanos se transmiten programas especiales por radio y televisión dedicados a su memoria”.

Entre sus muchos temas exitosos se cuentan “México lindo y querido”, “Cuba de mi vida”, “Granada”, “Preciosa”, “Yo soy mexicano!...”, “El Pagaré”, “Parranda larga”, “¿Quiubo, quiubo, cuándo?...”, “Agua del pozo”, “Noche plateada”, “Cuando quiere un mexicano”, “La que se fue”, “Ella”, “El jinete”, “A tus pies”, “A ver qué pasa”, “Ay que bonita es la vida”, “Abismo”, “Aburrido me voy”, “Acércate más”, “Acércate más”, “Acuarela potosina”, “San Luis Potosí”, “Adiós mujer”, “Ah, caray”, “Al diablo con las mujeres”, “Alevántate”, “Allá en el Rancho Grande”, “Alma llanera”, “Amanecer ranchero”, “Amor con amor se paga”, “Amor

de mi amor”, “Amor entre espinas”, “Amor indio”, “Aquí llegó el fanfarrón”, “Así se quiere en Jalisco”, “Así te quiero yo”, “Asoma tu carita morena”, “Aunque me cueste la vida”, “Aunque pasen los años”, “Aunque lo quieran o no”, “Ay Jalisco no te rajes”, “Ay Jalisco”, “Ay mis locas”, “Babalú”, “Bandolero del amor”, “Begin the beguin”, “Besos”, “Bonita Guadalajara”, “La tapatía”, “Caballero de gracia y chotis”, “Cada estrella”, “Di que me quieres”, “Callate corazón”, “Caminitos de Jalisco”, “Camino de Sacramento”, “Canción cubana de amor”, “Canción”, “Canción vaquera”, “Canto a California”, “Canto a Madrid”, “Carta de amor”, “Chaparrita cuerpo de uva”, “Chihuahua la Grande”, “Cocula”, “Copla”, “Coplas de retache”, “Coplas de Huapango”, “Coplas de retache” 2, “Coplas de retache” 3, “Coplas del jugador”, “Corrido de Jorge Torres”, “Corrido del pendenciero”, “Coro de los mineros”, “Cuadrilla de los compadres”, “Cuba de mi vida”, “Despierta”, “Desprecio”, “Dicen por ahí”, “Dos almas”, “Drume negrita”, “Dueña de mi amor”, “Dulce canción”, “Dulce patria”, “Égloga primera a Don Pedro de Toledo Virrey de Nápoles”, “El abandonado”, “El ahijado de la muerte”; “El arreo”, “El azotón”, “El balaju”, “El charro mexicano”, “El coleadero”, “El cortijo”, “El descreído”, “Pagar es corresponder”, “El desterrado”, “El día que me quieras”, “El gallero”, “El hijo del pueblo”, “El Mala Estrella”, “El puñao de rosas”, “El relajo”, “El rogón”, “El sueño”, “El suriano”, “El tehuano”, “El topetón”, “En medio del valle”, “En una noche sombría”, “Entre suspiro y suspiro”, “Esos altos de Jalisco”, “Fiesta ranchera”, “La fiesta del rancho”, “Flor de azalea”, “Fui queriéndote”, “Golondrinas de Capristano”, “Gratia plena”, “Hasta que perdió Jalisco”, “Hechicería”, “Luceros de Sevilla”, “Hermosas fuentes”, “Huapango ranchero”, “Intermezzo”, “Jalisco canta en Sevilla”, “Juan Charrasqueado”, “Juan sin miedo”, “Juramento”, “La Adelita”, “La brisa y yo”, “La burrita”, “La canción de los vaqueros”, “La chancla”, “La coqueta”, “La cucaracha”, “La feria de las flores”, “La negra noche”, “La Norteña”, “La que se fue”, “La torcida”, “La Valentina”, “La verbena de la paloma”, “Lamento esclavo”, “Las alteñitas”, “Las violetas”, “Longina”, “Los cazadores”, “Madrigal”, “Maigualida”, “Mañanitas”, “Máximo Tepal”, “Me he de comer esa tuna”, “Mi acero mi orgullo es”, “Canto a Francia”, “Mi gitana”, “Romanza gitana”, “Mi preferida”, “Mil veces adiós”, “Molinos de viento”, “No estás”, “No sé porque”, “Noche plateada”, “No te miro con los ojos”, “Ojos tapatíos”, “Paloma querida”, “Para ti”, “Parece mentira”, “Parranda larga”, “Peregrina”, “Peregrino de amor”, “Perfume de amor”, “Perjura”, “Preciosa”, “Primavera”, “Que suerte la mía”, “Se me ha llevado el corazón”, “Secreto de amor”, “Tentación de amor”, “Tequila con limón”, la mayoría de los cuales interpretados en sus películas.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

JOSÉ MOJICA Crescenciano Abel Exaltación de la Cruz José Francisco de Jesús Mojica, su nombre real, Montenegro y Chavarín, nació en San Gabriel, Jalisco, México, el 14 de septiembre de 1896 y falleció en Lima, Perú, el 20 de septiembre de 1974.

En el ámbito religioso franciscano fue conocido como Fray José de Guadalupe Mojica, Antes de convertirse en sacerdote destacó como actor y cantante de ópera, bolero y ranchera Estudió canto en el Conservatorio Nacional de Música bajo la batuta del maestro José Pierson.

Debutó como cantante tenor en el “Teatro Ideal” y después participó en la puesta en escena de la obra “El barbero de Sevilla”, el 5 de octubre de 1916, en el “Teatro Arbeu”.

Posteriormente emigró a Nueva York, Estados Unidos, y allí comenzó a buscar audiciones al tiempo que para su subsistencia trabajaba como lavaplatos en un restaurante de lujo. Igualmente conoció, en 1926, María Grever accediendo a grabarle un bolero, “Júrame” que la lanzaría a la fama como compositora, convirtiéndose así en su primer intérprete.

En 1937, por Argentina, a sugerencia del compositor José Sabre Marroquín (quien se encontraba agobiado por el inclemente invierno argentino), compuso la letra de la canción "Nocturnal".

La inolvidable e internacionalmente famosa canción, el bolero "Solamente una vez", fue compuesta dedicada a él por el famoso músico y compositor mexicano Agustín Lara al saber que se convertiría en fraile franciscano.

Logró integrarse a una compañía de teatro llevando la interpretación de papeles secundarios y en esos menesteres conoció al compositor cubano Ernesto Lecuona, quien al descubrir su talento lo llevó a Hollywood para cantar en la película “La cruz y la espada”, en 1934.

Seguidamente lo presentó en La Habana, Cuba, e interpretó obras como "Canto Siboney", "Siempre en mi corazón" y la romanza "María La O", páginas que dejó grabadas para la RCA Victor.

Como cantante de ópera compartió escenario con la diva escocesa Mary Garden, que era directora de la Compañía de Ópera de Chicago; Lily Pons y Amelita Galli-Curci.

Fue invitado por el sello "Edison" para grabar discos de canto operístico y canciones tradicionales de México y actuó en el filme argentino “Melodías de América”, donde interpretó el bolero "Solamente una vez", dedicado por el autor, Agustín Lara, a su persona.

Otros temas de su repertorio fueron “¿En dónde estás?”, “Gratia Plena”, “Alma mía”, “Hojas muertas”, “Cuando me vaya”, “Ojos tapatíos”. “Pálida azucena”,

“Nunca, nunca, nunca”, “Amores y amoríos”, “Un beso loco”, “La Hamaca”, “Gratia Plena”, “Un beso loco”, “Mi último amor”, “Corazón mexicano”, “Ni de día ni de noche”, “Canción de primavera”, “Stornello Del Marinato”, “Como tú y yo”, “Romance de La Niña Negra”, “Estrellita”, “Torna A Sorrento”, “Libre soy”, “Rosa La China”, “Dame tu mano”, “Recuerdas”, “A mi pueblito Escobar”, “Adiós, mi amor”, “A tus pies”, “Funerales”, “Que quieres que yo le haga” y “Ámame”.

En 1942 ingresó al seminario Franciscano de Cuzco en Perú adoptando el nombre de Fray José de Guadalupe Mojica, después se traslada al monasterio de San Antonio de la Recoleta, culminando con su ordenación como sacerdote en 1947 en el templo Máximo de San Francisco de Jesús en la misma ciudad de Lima Perú.

En 1958 narró la historia de su vida en el libro Yo pecador, que sirvió de argumento para la película homónima, en la cual participó también.

Hacia 1969 fue objeto de un sentido homenaje organizado por el Instituto Nacional de Bellas Artes, en Ciudad de México.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

OLGA GUILLOT Publia Olga Guillot, su nombre real, nació en Santiago de Cuba el 9 de octubre de 1923 y falleció en Miami, Estados Unidos, el 12 de julio de 2010.

Fue llamada “Reina del Bolero” y “La Reina de la Radio”.

Se marchó de Cuba en 1960 huyendo de la dictadura de Fidel Castro. Vivió inicialmente en Caracas, Venezuela, luego en Ciudad de México y, finalmente, en Miami, Estado Unidos, hasta el momento de morir Grabó su extenso repertorio con las disqueras, Decca, Anfión. Panart Records, Puchito Records, Musart Records, CBS Records, Orfeon Records, Interdisc Records y Warner Records.

Se hizo popular en toda América Latina, Estados Unidos y Europa con los boleros “Miénteme”, “La gloria eres tú”, “Tú me acostumbraste” y muchos otros.

Durante su carrera artística de casi siete décadas, obtuvo 10 Discos de Oro, 2 de Platino y 1 de Diamante, como así también un premio Grammy Latino a la trayectoria en 2007.

Cantó junto a Frank Sinatra y Edith Piaf. También incursionó como actriz en 16 películas y condujo su propio ciclo televisivo, “El show de Olga Guillot”.

Su adolescencia transcurrió en La Habana, donde constituyó en 1941 un dúo con su hermana Ana Luisa, “Las hermanitas Guillot”, actuando en el programa radiofónico “La Corte Suprema del Arte, donde obtuvo una distinción.

Se formó artísticamente en las disciplinas del baile y el drama, pero también estudió canto en el Conservatorio de La Habana.

Empezó cantando tangos, influenciada por Libertad Lamarque y Mercedes Simone.

Fue parte del “Cuarteto Siboney”·, dirigido por la compositora Isolina Carrillo.

En 1946 estrenó el bolero “La gloria eres tú”, de José A. Méndez, y ese año grabó para Panart la versión en español de la melodía norteamericana “Stormy Weather”, con la que logró su primer éxito discográfico.

Ese mismo año fue seleccionada por la ACRI (Unión de Crónica TeleRadial) como la “Cancionista Más Destacada de Cuba” y ese año realizó su primera actuación en la sala de espectáculos Habana-Madrid de Nueva York y llevó a cabo unas grabaciones discográficas bajo el sello de la compañía Decca alentada por Miguelito Valdez.

En 1948, junto a René Cabell, se trasladó a México y ahí grabó para la empresa Anfión con la orquesta de Gonzalo Curiel y realizó su primera intervención cinematográfica en la película “Venus de fuego” al lado de la rumbera mexicana Meche Barba. Posteriormente, una gira de año y medio la trasladó por Argentina, Chile, Perú, Brasil, Colombia y México, donde grabó para Columbia, con el respaldo de la orquesta de Juan Bruno Tarraza y Felo Bergaza en la producción de Sun Sun Dambae, en el cabaret Sans-Souci.

En 1954 firmó un contrato para la compañía Puchito Records y continuamente, grabó el bolero “Miénteme”, una de sus canciones más reconocidas, con la que en 1955 obtuvo el Disco de Oro. Según la escritora Yolanda Novo Villaverde.…”este bolero puede ser tomado como epítome del estilo interpretativo de la cantante... "Miénteme" constituye uno de los múltiples ejemplos de expresión de un sentir masoquista en el género del bolero”.

Sólo en Cuba vendió un millón de copias y, en México, pasó semanas en los primeros lugares de las emisoras, y se hizo muy popular en el resto de América Latina.

En su país de origen fue proclamada como “La mejor voz cancionera de Cuba” y compartió escenario con Sarah Vaughan, Edith Piaf y Nat King Cole, a quien, según sus allegados, lo asesoró sobre la manera de cantar en español cuando éste grabó un disco en Cuba.

Contemporáneamente, participó del espectáculo Cuba canta y baila que se presentó en los teatros América y Radiocentro.

En 1957 regresó a México, donde popularizó el bolero “Tú me acostumbraste”.

El siguiente año trabajó en Europa por primera vez, con giras por Italia, Francia, Alemania y España.

En 2008, durante una entrevista, la cantante expresó: “En Cuba silenciaron mis boleros, quemaron mis programas de radio y televisión, como si yo no hubiera existido nunca. Me duele mucho. Fidel me quitó mi casa y mi carrera de 18 años.

Me llevaron detenida tres veces y cuando mi hija tenía 18 meses me dijeron: "Como sigas hablando mal de la revolución, no la ves más”.

De sus canciones más famosas destacan “Miénteme”, “La gloria eres tú”, “Cuando estoy contigo”, “Soy tuya”, “No”, “Adoro”, “La noche de anoche”, “Qué sabes tú”, “Voy”, “La mentira”, “La canción de mis canciones”, “Palabras calladas”, “Lágrimas negras”, “Campanitas de cristal”, “Contigo en la distancia”, “Sabor a mi”, “Alma mía”, “Bravo”, ¨Voy¨ y ¨Piel Canela¨ y muchas más.

Grabó más de cincuenta discos de larga duración, entre los cuales figuran “Romance y melodía”, “La temperamental Olga Guillot”, “Canciones de María Grever”, “12 éxitos románticos”, “Añorando el Caribe” y “La Guillot interpreta a Manzanero”.

En el medio televisivo, se destacó conduciendo “El Show de Olga Guillot”, que se mantuvo durante varios años y en el que amadrino el debut por primera vez en televisión del cantante mexicano José José.

Entre los 16 filmes en que participó se destacan “Opio”,” No me olvides nunca”, “Yambaó”, “Música de ayer”, “Una estrella y dos estrellados”, etc.

En 1976 grabó en España para CBS Records, la canción “Me muero...me muero”, y ¨Soy Lo Prohibido¨, trabajo al que le continuaron el triple álbum grabado en Buenos Aires para la casa discográfica Orfeón, el realizado ese mismo año en México, los long-play realizados en 1980 y 1982 en Argentina y los recitales que ofreció en el Carnegie-Hall de Nueva York.

En marzo de 1988, con motivo del espectáculo “Los 100 años del Bolero”, celebrado en el “Teatro Nacional” de Santo Domingo, República Dominicana,

acompañó a otros grandes como Lucho Gatica, Roberto Ledesma y el “Trío Los Panchos”.

En 2000 firmó un contrato con la multinacional Warner y para el año siguiente, en 2001, lanzó a la venta el álbum “Faltaba yo”, bajo la dirección y arreglos musicales del famoso trompetista cubano Arturo Sandoval con algunos de sus grandes éxitos como “Tú me acostumbraste”, “Miénteme”, “Y pensar”, del compositor cubano Meme Solís y “No sigas por favor”, tema que le escribiera el compositor mexicano Armando Manzanero especialmente para este disco conmemorativo de su carrera.

En enero de 2002 presentó nuevos boleros en Madrid y Barcelona, en el transcurso del Festival del Milenio.

Reconocimientos Durante los años 1954, 1955 y 1956 ganó el premio de la Crítica Diaria de Radio y Televisión a la Mejor Voz Femenina de Cuba.

En 1961 recibió un Disco de Diamante por ser la cantante cubana con más discos vendidos en el período de 1954 a 1960 respectivamente.

Además sus grandes éxitos discográficos fueron galardonados con 3 Heraldos de México, 5 Discómetros de Oro, concedidos también en México; 3 Guaicapuro de Oro de Venezuela; 2 Guido de Oro de Perú, 1 Búho de Oro de Panamá, 20 Discos de Oro, 10 Discos de Platino y 1 Disco de Diamante.

También fue designada «Máxima representante del bolero cubano en todo el mundo» en condición de la Orden Don Francisco de Miranda, galardón otorgado en el Palacio de Miraflores de Caracas.

Fue premiada por la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York (ACE) y por prestigiosas asociaciones de críticos de todo el mundo.

Varias calles del mundo llevan su nombre.

En Miami se concede anualmente un premio a artistas cubanos en el exilio en esa ciudad.

En México fueron institucionalizados los premios “Gaviota Olga Guillot”, por trayectoria artística, y “Dama De La Victoria Olga Guillot”, que otorga La Asociación de Criticos y Periodistas de Teatro ACPT. En 1995, como reconocimiento a su estada en Caracas, obtuvo una estrella en el Paseo de la Fama de Caracas "Amador Bendayan", y la “Orden Alfredo Sadel”.

En 2004 fue distinguida en México con la Medalla “Agustín Lara”, recibió el “Premio Casandra” en la República Dominicana y el “Premio Heroes Award otorgado por¨ NARAS¨, The National Academy of The Recording Arts, por sus más de sesenta años de carrera artística y su contribución al mundo de la música.

En 2007, fue distinguida con el premio Latin Grammy a ¨La Excelencia¨ como una de las «leyendas de la música latina» por la Academia Latina de la Grabación.

La muerte

Con el título “Muere Olga Guillot, la Reina del Bolero” el portal http://www.mujerhoy.com reprodujo el 12 de julio de 2010, el siguiente despacho de la agencia EFE: La cantante cubana Olga Guillot, fallecida hoy a los 87 años en Estados Unidos, era considerada La Reina del Bolero por sus sensuales y dramáticas interpretaciones de canciones como su himno, "Miénteme", que enamoraron a miles de parejas.

Olga Guillot, quien cantó junto a Frank Sinatra y Edith Piaf, murió de un infarto en Miami, ciudad donde residía a caballo con la capital mexicana, sin haber podido cumplir su sueño de volver a una "Cuba libre".

La cantante y actriz estuvo hasta los últimos meses de su vida implicada con los movimientos de exiliados cubanos, como demuestra que en marzo pasado se adhiriera a una campaña internacional en pro de la liberación de los presos políticos en Cuba, junto a Pedro Almodóvar, Mario Vargas Llosa y Andy García, entre otros.

"Tengo fe en que algún día mi país pueda ser libre y que toda la gente bonita que está allá (Cuba) pueda sentir esa emoción (de libertad) alguna vez. Yo todos los días hablo con Dios y le pido que me dé un poco más para ver si puedo llegar a ese momento", dijo en febrero de 2009 coincidiendo con su 73 aniversario como artista.

Nacida en Santiago de Cuba el 9 de octubre de 1922 en una familia de artistas, estudió canto en el Conservatorio de La Habana y empezó en la música junto a su hermana Ana Luisa, con la que formó un dúo que en 1938 obtuvo el premio de un concurso de radio.

En la década de los años 40 entra como segunda voz en el cuarteto vocal Siboney y en 1945 debuta como solista en el local nocturno "Zombie Club" de La Habana.

En 1946 estrena el bolero "La gloria eres tú" de José A. Méndez y ese mismo año graba para Panart la versión en español de "Stormy Weather", con la que logró su primer éxito discográfico.

Ese mismo año actúa en la sala de espectáculos Habana-Madrid de Nueva York y realiza unas grabaciones para discos DECCA. En 1948, graba en México para la casa discográfica Anfión con la orquesta de Gonzalo Curiel y realiza su primera película "La Venus de fuego", al lado de Meche Barba.

Posteriormente, una gira de año y medio la lleva por Argentina, Chile, Perú, Brasil y Colombia.

Con el bolero "Miénteme", su canción más famosa, obtiene en 1955 el Disco de Oro. También de esta época es el espectáculo "Cuba Canta y Baila" y el programa de televisión "El Show de Olga Guillot".

Proclamada en 1954, 1955 y 1956 la Mejor Voz Cancionera de Cuba, Olga Guillot hace temporadas en el famoso cabaret Tropicana y otros, y consigue colocar en el primer lugar de los discos más oídos el bolero "Tú me acostumbraste", del compositor cubano Frank Domínguez.

En 1958 realizó su primera gira por Europa. Canta en España, Italia, Alemania y Francia.

De 1960 es uno de sus discos más importantes, "Olga de Cuba".

En 1961 recibe el Disco de Diamante por ser la cantante cubana con más discos vendidos en el período de 1954 a 1960 y ese año, en el mes de febrero, abandona Cuba con su hija Olga María, fruto de su relación con el compositor René Tourez, después de que el Gobierno de Fidel Castro le interviniera sus propiedades.

Durante seis meses permanece en Caracas a la espera de poder fijar su residencia en Estados Unidos, pero finalmente se establece en México.

Las giras musicales y los triunfos se suceden y en 1963 es galardonada por la Academia de Artes John F. Kennedy de Hollywood con el premio Golden Palm.

Ese año tiene lugar su primer y famoso concierto en el Carnegie-Hall de Nueva York y en mayo de 1965 se presenta junto al trío Los Panchos y Miguelito Valdés en el teatro Paramount de Broadway.

Obtiene en 1967 el segundo lugar en el Festival de la Canción de Miami y un año más tarde viaja a España y actúa primero en el Florida Park de Madrid y posteriormente en Barcelona, donde obtiene el premio Olé.

Es en esa época cuando la Reina del Bolero actúa al lado de Frank Sinatra en la inauguración del hotel Manila-Hilton de Filipinas e interviene en el Festival de Eurovisión.

Entre sus canciones más famosas están "Miénteme" de Chamaco Rodríguez; "La gloria eres tú", "Cuando estoy contigo", "Soy tuya", "No", "La noche de anoche", "Qué sabes tú", "Voy", "La mentira", "La canción de mis canciones", "Palabras calladas", "Lágrimas negras", "Campanitas de cristal", "Contigo en la distancia", "Sabor a mí", "Alma mía", etc.

Entre sus más de cincuenta discos de larga duración destacan "Romance y melodía", "La temperamental Olga Guillot", "Canciones de María Grever", "12 éxitos románticos", "Añorando el Caribe" y "La Guillot interpreta a Manzanero".

Además, participó en 16 películas, entre ellas, "Opio", "No me olvides nunca", "Yambao", "Música de ayer" y "Una estrella y dos estrellados", y también trabajó para el teatro y para televisión.

En 1980 debutó en la obra de teatro "Esperanza Peña", escrita en Miami especialmente para ella y en televisión protagonizó la telenovela "Un color para esta piel".

De diciembre de 1988 es el gran espectáculo con el que la artista cubana celebró sus Bodas de Oro con el Bolero, tan solo unos meses después de haber participado al lado de boleristas de la talla de Lucho Gatica y Roberto Ledesma en el espectáculo Los 100 Años del Bolero, en República Dominicana.

En el 2001, después de 20 años sin pisar un estudio de grabación edita un nuevo disco de boleros, "Faltaba yo", en el que incluye arreglos de famosas canciones como "Miénteme" y "No sigas por favor", así como nuevos boleros.

Olga Guillot, que interpretó a la gran mayoría de los más conocidos autores hispanoamericanos y españoles, recibió un buen número de premios en reconocimiento a su buen hacer artístico.

Uno de los últimos fue el Premio a la Excelencia Musical, que le entregó en 2007 la Academia Latina de la Grabación (LARAS).

Además de los galardones y homenajes recibidos, varias calles del mundo llevan el nombre de Olga Guillot, así como un premio que se concede anualmente a un artista cubano en el exilio.

Algunas de las canciones de Olga Guillot fueron elegidas por el cineasta español Pedro Almodóvar para la banda de sus películas.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. http://www.mujerhoy.com www.buenamusica.com

VICENTICO VALDÉS

Vicente Valdés Valdés, su nombre de pila, nació en La Habana, Cuba, el 10 de diciembre de 1919 y falleció New York, Estados Unidos, el 26 de junio de 1995.

Intérprete de boleros y guarachas. Se le llamó “La Voz Elástica de Cuba”.

En Buenos Aires un diario lo llamó “El Gardel de Cuba”.

Fue integrante del “Septeto Nacional” de Ignacio Piñeiro, de la orquesta "Cosmopolita" que dirigía Antonio María Romeu y “La Sonora Matancera”, interpretando principalmente guarachas, guaguancós y bolero mambo, entre ellos “Decídete mi amor”.

Uno de sus temas más representativos en esa época fue su versión de “Los aretes de la luna”, original de José Dolores Quiñones, tema que contribuyó a darle a conocer ante el gran público.

Se radicó más tarde en New York, donde conoció a Noro Morales, quien lo integró a su orquesta y con él grabó temas como “Guararé”, de Ricardo Fábregas, y “Qué problema”, de Rudy Castel.

Para el sello Seeco grabó una cantidad de temas, entre boleros, guarachas y hasta cumbias.

En el álbum, “Así canta el corazón”, acompañado por su propia orquesta y con arreglos y dirección de René Hernández, incluyó varios boleros, entre ellos “Tú mi adoración” original de José Antonio Méndez.

Su disco “Algo de ti”, incluyó un tema del mismo nombre, original de Juan P. Miranda, y otros boleros como “Estoy loco”, de Javier Vásquez; “Conozco tu historia”, de Mario de Jesús, y “Sálvame”, de Atilio Bruni.

Con la orquesta de Tito Puente grabó los boleros “Soy feliz”, “La gloria eres tú”, y Tú mi amor divino”.

En 1953 fue enviado a La Habana por el sello Seeco de Nueva York, para grabar con la orquesta del pianista, compositor y arreglista, René Hernández. El acetato incluyó los boleros “Plazos traicioneros”, y “Cómo fue”.

También grabó el 13 de noviembre de ese año con “La Sonora Matancera” el bolero “Una aventura”, que hizo crecer su fama y regresó a Nueva York para fundar en 1974 su propia orquesta.

Desde Nueva York realizó exitosas giras internacionales a México, Venezuela, Perú y Colombia.

El arreglista y director Joe Cain, le produjo en 1970 para el sello U.A. Latino un trabajo en el que también colaboró Javier Vásquez, con los temas “Cuando la tarde muere”, “Por eso”, “Cariño de mi vida” y “Por la mañana” Dos años más tarde la marca Tico, le auspició un nuevo L.D. con temas como “Sin ti”, “Llegaste tarde”, “La noche te llama” y “Nuestros ojos”.

En 1973 la misma disquera le grabó otro L.D. con los temas “Como arrullo de palmas”, “Sin tu querer”, “Corazón no llores” y “Tus ojos”, entre otros.

En noviembre de 1978, acompañado de “La Sonora Matancera” y de su colega Alberto Beltrán, actuó exitosamente en Colombia.

Para 1983, Bobby Valentín con su orquesta lo acompañó en un nuevo trabajo de Bronco Records, en el que incluyó los temas “Qué sabes tú”, “Conversación en tiempo de bolero”, “Eres feliz” y “Fidelidad”.

Al final de ese mismo año, apareció otro L.D. con Bobby Valentín, contentivo de los temas “Anoche”, “Quiéreme y verás”, “En la lejanía” y “Cuando tú no estás”.

No faltó a la cita del aniversario número 65 de “La Sonora Matancera en Nueva York, espectáculo organizado por la boricua Gilda Mirós en junio de 1989.

En 56 años de ardua laborar musical grabó aproximadamente 50 L.D. y obtuvo de paso tres Discos de Oro.

Discografía La mayoría de sus discos fueron grabados con la empresa Seeco, entre ellos “Así canta el corazón”, “Mi diario musical” (con “La Sonora Matancera”); “Vicentico Valdés sings”, “Listening and dancing”, “El gran Vicentico”, “Vicentico Valdés con la Sonora Matancera”, “Más éxitos”, “Algo de ti”, “Canciones premiadas”, “El estilo de Vicentico Valdés”, “Una vez más”, “Suave”. “Vicentico Valdés con trompetas y violines”, “Mr. Éxitos”, “Solo lo mejor” y “Vicentico Valdés en Sur América”.

“Arriba Vicentico” y “Un momento feliz” son producciones de UA Latino; “Lo mejor de Vicentico Valdés”, “Vicentico Valdés” y “Vicentico Valdés”, de Tico; “Alegre y sentimental”, de WS Latino y “Vicentico Valdés y la Orquesta de Bobby Valentín”, “En la Lejanía” y “Clásicos de Vicentico Valdés con Bobby Valentín”, de la Bronco.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre.

Héctor Ramírez Bedoya. http://sonoramatancera.com

BARBARITO DIEZ

Bárbaro Diez Junco, su nombre real, nació en Bolondrón, Cuba, el 4 de diciembre de 1909 y falleció en La Habana el 6 de mayo de 1995.

Cantante de bolero y danzón.

Fue llamado “La Voz de Oro del Danzón” y “El Príncipe del Danzón”.

Discográficas: Panart y EGREM. A los 4 años, junto a su familia, se trasladó al municipio de Manatí en la Provincia de Las Tunas, donde su padre trabajó como obrero de la empresa azucarera Manatí Sugar Company. Allí inició sus estudios de educación primaria y comenzó a cantar en los actos culturales. Una de sus profesoras fue quien descubrió su voz y talento musical y lo incorporó al coro de su escuela en los actos públicos.

A fines de los años 20 formó el trío "Los Gracianos" con el trovador Graciano Gómez y el músico Isaac Oviedo, dando inicio de esta forma a su vida profesional.

A partir de 1935, ingresó como voz solista en la orquesta del director y arreglista cubano Antonio María Romeu, en la cual interpretó danzones, sones y boleros por más de cinco décadas. Esta agrupación, con sus modificaciones normales en la plantilla de músicos, acompañó a Díez en sus presentaciones y sesiones de grabación, incluso después de la muerte de Romeu, acaecida el 18 de enero de 1955, cuando asumió la dirección de la orquesta y la llamó "Barbarito Diez y su orquesta" hasta los años ochenta.

Paralelamente a su labor en la orquesta de Romeu, fundó el “Cuarteto Selecto”, con el que realizó presentaciones en los cabarets de la bohemia habanera de los años cuarenta.

Y aunque su estilo estuvo siempre vinculado al danzón, en 1984 grabó en Venezuela su único LP de boleros, acompañado con las guitarras y voces del grupo venezolano "La Rondalla Venezolana".

Esta coproducción, hecha por convenio entre la empresa venezolana "Palacio de la Música" y la discográfica estatal cubana EGREM, que tenía en exclusividad a Diez, incluyó clásicos de la música popular como los boleros “Frenesí” e “Idolatría” y “Arroyito de mi Pueblo”, valse del músico y compositor dominicano Billo Frómeta.

Hacia el final de su carrera artística, decidió disolver la orquesta que le acompañaba en sus últimos tiempos, debido a fricciones personales surgidas entre los músicos.

Entre sus éxitos se cuentan los temas “Las perlas de tu boca”, “Lágrimas negras”, “Olvido”, “Mujer perjura”, “Donde estás corazón”, “Ausencia”, “Capullito de Alhelí”, “Ansiedad”, “Toda una vida”, “Que te castigue Dios”, “Idilio”, “Ojos malvados”, Junto al Palmar del Bajío”, “La Rosa Roja”, “Juramento”, “El que siembra su maíz”, “Frenesí”, etc.

Conformó un repertorio basado en páginas antológicas del cancionero tradicional de su país, por lo que contribuyó decididamente a que no cayeran en el olvido memorables composiciones de Eliseo Grenet, Ernesto Lecuona, Sindo

Garay, Manuel Corona. Moisés Simons, María Teresa Vera, Miguel Matamoros, Luis Casas Romero, Félix B. Caignet y Eduardo Sánchez de Fuentes, entre otros importantes autores cubanos.

También incluyó divulgó obras de Agustín Lara, María Grever, Pedro Flores, Rafael Hernández, y el venezolano Simón Díaz, al que le hizo una personalísima interpretación de su mundialmente conocida “Caballo viejo”.

Su voz, además de Cuba, fue escuchada en escenarios de Puerto Rico, República Dominicana, Estados Unidos de Norteamérica, México y Venezuela, donde obtuvo el mayor de los triunfos internacionales, aunque no es hasta 1980 que realiza su primera visita al hermano país, y donde fue recibido como un verdadero ídolo popular.

Después viajó en cuatro ocasiones más, y en una oportunidad grabó uno de sus mejores discos, junto a “La Rondalla Venezolana” sobre lo cual El Diario de Caracas afirmó entonces: “La combinación de la Rondalla Venezolana y Barbarito Diez no ha podido ser mejor ni más oportuna cuando el facilismo parece haberse apoderado del ámbito latinoamericano”.

En Venezuela, atiborró plazas tan grandes e importantes como el Poliedro de Caracas, con capacidad para doce mil personas, y el Hotel “Tamanaco”, donde el cantante y su orquesta hacen bailar por primera vez a sus asistentes, rompiendo con la vieja tradición de no bailar en ese lugar.

Su actividad artística duró más de medio siglo de actuación, produciendo la grabación de quince discos.

La muerte El 29 de marzo de 2013 fue recordada la muerte del cantante por un texto de Internet en los siguientes términos: Fallece el famoso cantante cubano Barbarito Diez, justamente considerado la Voz del Danzón.

Nacido en la localidad de Bolondrón, provincia de Matanzas, Barbarito Diez comenzó su labor artística, como aficionado, en el central Manatí, actual provincia de Las Tunas.

Tras radicarse en La Habana, en mil 930, integró un trío junto a Isaac Oviedo y Graciano Gómez.

Posteriormente, al incorporársele Rolando Scott, la agrupación pasó a denominarse Cuarteto Selecto. A partir de mil 935 formó parte de la Orquesta de Antonio María Romeu, donde alcanzó la consagración profesional. Más tarde, al fallecer el “”mago de las teclas””, fundó la agrupación que llevaría su propio nombre.

Barbarito Diez es recordado por su virtuosismo interpretativo, sus extraordinarias cualidades humanas y el entrañable amor que siempre profesó a Cuba y a su pueblo. http://www.habanaradio.cu.

Galardones

Su obra fue reconocida con las distinciones “Por la Cultura Nacional” y “Raúl Gómez García”, además de la medalla “Alejo Carpentier” y la “Orden Félix Varela de Primer Grado”, entre muchos galardones, reconocimientos y trofeos. En honor a su memoria el municipio de Manatí construyó un monumento el cual esta situado en el parque José Martí de dicho territorio, además de una casa para su descanso que actualmente es la Casa de la Música “Barbarito Diez”.

Fuentes El Blog del Bolero. http://www.habanaradio.cu Wikipedia, la enciclopedia libre

LA LUPE Lupe Victoria Yolí Raymond, su nombre real, (algunos de sus biógrafos señalan que su primer nombre era Guadalupe) nació en Santiago de Cuba el 23

de diciembre de 1939 (hay quienes afirman que fue al año 1936) y falleció en Nueva York, Estados Unidos, el 29 de febrero de 1992.

Cantante de bolero, salsa y rumba cubana.

Fue llamada “La Yiyiyi” y “La Reina del Latin Soul”.

Antes de cantar en distintos locales habaneros, por exigencia paterna, tuyo que graduarse de maestra.

En 1959 formó, junto a su primer esposo, Eulogio "Yoyo" Reyes, el “Trío Tropicuba”, que comenzó a presentarse de forma permanente en un pequeño pero legendario bar de La Habana llamado “La Red”.

Expulsada de su país por la tiranía de Fidel Castro, viajó a México y de allí se marchó a Nueva York, Estados Unidos, donde trabajó en un bar de Midtown llamado “La Barraca”.

En 1963 grabó el disco “Mongo Introduces La Lupe”. Luego para el sello Tico Records, junto con Tito Puente, grabó cuatro discos que tuvieron un éxito inaudito y la catapultaron al estrellato en esa metrópoli.

"Si vuelves tú" y "Amor gitano", fueron dos de sus mayores éxitos de entonces y aunque viajó por varios países latinoamericanos fue en Venezuela donde consoolidó su fama al ser primer cartel de los para la época reputados carnavales de Caracas. Viajó por algunos países de la región pero su éxito en esos viajes se dio en Venezuela donde fue cartel principal en los reputados carnavales de Caracas, en los que ganó premios.

Aunque su carrera decayó por cinstancias que no es tema de este texto, justo es reconocer que entre sus famosos admiradores se contaron el escritor cubano Guillermo Cabrera Infante y el director de cine español Pedro Almodóvar, que incluyó en la banda sonora de sus películas algunas interpretaciones suyas ("Puro teatro" de Tite Curet Alonso, por ejemplo, suena en “Mujeres al borde de un ataque de nervios”).

Su tema “Qué te pedí” aparece al inicio de la película “Nada (2001)” del director cubano Juan Carlos Cremata.

De niña admiraba a la cantante francesa Édith Piaf, la española Lola Flores y a la cubana Olga Guillot.

Versionó tres canciones "Y tú no estás, amado mio", "Igual te amo" del disco “Sin fronteras” y "Si tanto te amé" del disco “A cualquier precio”, que en SU voz de La Lupe se conocieron con los nombres de "Amado mío", "Te amo" y "Si tanto te amo".

En 1968 La Lupe tuvo un megaéxito con "Si vuelves tú", una melodía de Paul Mauriat a la cual la misma Yiyiyi le escribió la letra en español.

“La creadora del arte del frenesí”, observaría Hemingway. “Un animal musical”, Jean Paul Sartre. “Un genio”, Picasso. Y un íntimo admirador, Guillermo Cabrera Infante: “Fenómeno fenomenológico”. Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir exclamaron al unísono: “Es un animal imparable”, y años más tarde, la revista neoyorquina The Village Voice proclamó: “La Lupe es Edith Piaf, Janis Joplin y Aretha Franklin en una sola mujer, más un toque de locura”.

Homenajes póstumos

En la novela La isla de los amores infinitos (Grijalbo, 2006), de la escritora cubana Daína Chaviano -obra ganadora de la Medalla de Oro en el certamen Florida Book Awards 2007 y traducida a 20 idiomas- ella representa a uno de los personajes.

A finales del año 2008 el escritor dominicano Rafael Darío Durán puso en circulación el libro Con el diablo en el cuerpo, que habla sobre el estilo irreverente de la cantante en los escenarios.

El siguiente año fue estrenada la película “La Mala”, protagonizada por Lena Burke y Jorge Perugorría en la que se trató de plasmar la vida de La Lupe en otro personaje.

A los 20 años de su muerte, la periodista y escritora Carmen Mirabal, publicóo “La Lupe: La leyenda” donde narra un perfil de la cantante que muy pocos conocen.

En 2000 fue incluida en el Salón de la Fama de la Música Latina Internacional en Nueva York.

En 2002, la ciudad de Nueva York bautizó como "La Lupe Way" la antigua calle East 140 del Bronx, en memoria suya.

En septiembre de 2013, en Miami se ha presentado la obra de teatro "La Lupe en tres tiempos", protagonizada por la cantante Aymee Nuviola, escrita por Juancé Gómez y dirigida por Rosalba Maldonado.

En el 2015 se hace alusión a Lupe a través de un personaje llamado Lola Calvo en la novela “Celia”, basada en la vida de Celia Cruz.

Sus canciones más famosas Su voz popularizó los temas "Oriente", "Si vuelves tú", "Qué bueno boogaloo", "La gran tirana", "Amor gitano", "Qué te pedí", "Puro teatro", "Como acostumbra", "Cantando", "La plena buena", "Besito pa' ti", "Once We Loved (Se acabó)", "Goin' Out of My Head", "Fever", "La mala de la película", "Carcajada final", "Quisqueya", "Unchained Melody", "No me quieras tanto", "Adiós", "El amo", "La virgen lloraba", "El carbonero", "¿Y qué?" y "Mi socio", entre muchos otros

Cronología discográfica 1961. “Con el diablo en el cuerpo” (Discuba).

1962. “La Lupe Is Back” (Discuba).

1963. “Mongo Introduces La Lupe” (Riverside).

1965. “The King Swings, the Exciting Lupe Sings” y You n' Me / Tú y yo” (Tico).

1966. “La Lupe y su alma venezolana”, “Homenaje a Rafael Hernández“ y “A mí me llaman La Lupe” (Tico).

1967. “The Queen Does Her Own Thing” (Roulette) y “The King and I / El Rey y yo” (Tico).

1968. “Dos lados de La Lupe”, “La era de La Lupe” y “Reina de la canción latina” (Tico).

1969. “La Lupe es la reina” (Tico).

1970. “Definitivamente la Yiyiyi” y That Genius Called the Queen (Tico).

1971. “La Lupe en Madrid” (Tico) 1972. “Stop, I'm Free Again” (Tico).

1973. “¿Pero cómo va a ser?” (Tico).

1974. “Un encuentro con La Lupe” (Tico).

1977. “Única en su clase” (Tico).

1978. “Apasionada” y “La pareja” (Tico).

1980. “En algo nuevo” (Tico).

Fue la primera cantante latina que actuó en el Carnegie Hall y en el Madison Square Garden.

Previo a su fallecimiento se convirtió al evangelismo y grabó cuatro discos religiosos, "Hermana Lupe", "La Lupe", "Dios no es hombre para que mienta" y "La Samaritana". Estas producciones incluyeron varios temas que fueron éxitos de la música popular de su época y que ahora la cantante las interpretaba cambiando sus letras, pero manteniendo el mismo sabor rítmico.

Grabó 25 discos, el último de ellos, "La Samaritana", fue una colección de temas religiosos.

Contribuyó a cambiar el rumbo del bolero, justo en la época de auge de la salsa.

Su carácter interpretativo, con gritos y gemidos, la convirtieron en la reina del desamor.

Fuentes http://www.buenamusica.com http://www.elnuevoherald.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

XIOMARA ALFARO Xiomara Alfaro López, su nombre real, nació en La Habana, Cuba, el 11 de mayo de 1930.

Cantante de boleros y otros ritmos populares. Voz de soprano.

Es llamada “El Ruiseñor de La Canción”.

Discográfica: RCA Víctor, Seeco Records. Editó más de 28 discos, algunos con la colaboración de Bebo Valdés o Ernesto Duarte Brito, entre otros.

Se inició en revistas musicales en los años 50 y en espectáculos de cabaret, tanto en el “Tropicana” como en escenarios de Alemania, Italia, Grecia y Suiza con la compañía de la bailarina norteamericana Katheryn Dunham, quien la escuchó cantar en la revista “Sum sum babaé” y la contrató. .

En América del Sur, visitó Montevideo y Buenos Aires donde comenzó su carrera como solista en 1956 y se hizo popular con canciones en italiano como “Luna rosa” y Anema e core”.

Asimismo actuó en Estados Unidos formando parte del coro de la revista, donde la vio la bailarina norteamericana Katheryn Dunham a quien le fascinó como cantaba Xiomara Alfaro y la contrató.

El bolero Siboney de Ernesto Lecuona fue muy popular en su voz y la interpretación que más le gustaba al autor.

También incluyó en su repertorio los temas “Moliendo café”, “Niebla del riachuelo”, “Malagueña”, “Noche de ronda”, “Negra triste”, “Ochún”, “El manisero”, “Duerme negrita”, “Alma llanera”, “Mírame así”, “Mis noches sin ti”, ”Nunca en domingo”, “Cenizas”, “Angelitos negros”, ”Vendrás”, “Amor de verano”, “Te quiero dijiste”, “Luna rosa”, “Tres meses de vida”, “Fina estampa”, “Tipi, tipi, tin”, “Besos en mis sueños”, “Bahía”, “Sube espuma”, “Anema e core” y “No sé qué hacer” Discografía parcial “Besos en mis sueños”, “Recordar es vivir” (Con la Orquesta de Rafael Benítez); “Siboney” (con las orquestas de Ernesto Duarte y Chico O'Farill); “Xiomara Alfaro en gira”, “Xiomara Alfaro en Nueva York “(con Joe Cain y su Orquesta); “¡No puedo ser feliz!” (Con la Orquesta de Rafael Benítez); “Xiomara Alfaro Sings International Flavors”, “Lamento borincano (Con las Orquestas de Bebo Valdés y Adolfo Guzmán); “La Sublime”, “Más éxitos”, “Latin Nightingale” (Con las orquestas de Bebo Valdés y Adolfo Guzmán); “Recuerdos de Cuba”, “Todo para recordar”, “Cuando vuelva a tu lado”, “Padre Nuestro”, “En ti me escondo yo”, “El Ruiseñor trina de nuevo” y “Aquellas canciones”.

Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

MARĂ?A VICTORIA

María Victoria Cervantes, su nombre real, nació en Guadalajara, Jalisco, México, el 26 de febrero de 1933.

Sitio web: www.mariavictoria.com.mx Cantante y actriz de cine y televisión.

En el medio artístico se le conoció como “La Exótica Vestida”, “La Belleza Sin Tiempo” y “La Perla del Occidente”.

Inició su carrera a los seis años al lado del empresario Paco Miller.

Como actriz fílmica fue ficha importante de la llamada Época de Oro del Cine Mexicano. Su debut se produjo en 1942 con la película “Canto de las Américas”, Grabó exitosamente los discos sencillos “Mucho mucho mucho”, “Que bonito siento”, “Venganza”, “Mil Besos”, “Que divino” y “Cuidadito”.

Otros éxitos fueron los boleros “Soy feliz”, “Tengo ganas de un beso”, escrito para ella por Agustín Lara; “Así, así”, “Está sellado”, “Mi último fracaso”, “Estoy tan enamorada”, “Qué divino”, “Como un perro” y “Amor eterno”, entre muchos otros.

Sus grabaciones sumaron más de 500 canciones, recopiladas en alrededor de 100 discos.

Efectuó actuaciones tanto en México como en Estados Unidos Ingresó al mercado digital a finales del 2013, cuando lanzó su colección: "La Música De Mis Películas", en la página web: liquid spins, de MAXD. La mayoría de sus interpretaciones las realizó en las películas donde actuó como protagonista.

Sus altas ventas la hicieron merecedora de Discos de Oro, Palmas de Oro, Heraldos y reconocimientos en Sudamérica, la Unión Americana y el Caribe.

Como actriz de cine.en 1981 fue reconocida como “Mejor Actriz de Comedia”, por su actuación en “Sor Metiche”; en 2006 recibió la distinción “Diosa de plata PECIME” y en 2010 se hizo acreedora del Premio Especial "Toda una vida en el escenario".

Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com Wikipedia. La enciclopedia libre.

LUCHO GATICA Luis Enrique Gatica Silva, su nombre de pila, nació en Rancagua, Región de O'Higgins, Chile, el 11 de agosto de 1928.

Popularizó los boleros “La Barca”, “Contigo en la distancia”, “No me platiques más”, “Sabor a mí”, “Tú me acostumbraste”, “Bésame Mucho” y “El Reloj”.

Su hermano Arturo Gatica, diez años mayor que él, fue quien impulsó sus primeros pasos musicales.

En 1941 empezó a cantar en revistas de gimnasia y en la radio de Rancagua, a dúo con éste.

Dos años después en dicha emisora radial grabó el primer disco de su vida, un acetato con tres tonadas, una de ellas llamada “Negra del alma”, acompañado por las guitarras de dos amigos: Antonio Muñoz y Ernesto Rossón.

Más tarde Arturo lo llevó a la estación “Radio Minería” para presentarlo al locutor Raúl Matas, moderador del programa “La Feria de los Deseos, donde cantó el bolero “Tú, dónde estás”, de Gabriel Ruiz.

En 1949 grabó a dúo con su hermano y promotor l un disco de 78 RPM para la filial chilena del sello Odeón contentivo de los títulos “El martirio”, “Tú que vas vendiendo flores”, “La partida” y “Tilín tolón”.

El 31 de julio de 1951 recibió el diploma que acredito su título de Mecánico Dental.

Ese mismo año grabó con la orquesta de Don Roy un disco sencillo con el bolero “Piel Canela”, de Bobby Capó, y luego los temas “Contigo en la distancia”, de César Portillo de la Luz, y “Sinceridad”, de Rafael Gastón Pérez, para la filial chilena del sello Odeón.

A estos siguieron su versión del tema de Consuelo Velázquez, “Bésame mucho”.

En 1956 inició una gira al exterior que lo llevó a Venezuela y el siguiente año decidió mudarse a México, país que cobró gran importancia en su vida, puesto que allí lanzó “No me platiques”, “Tú me acostumbraste” y “Voy a apagar la luz”.

En 1958 fue presentado su primer disco en formato LP de Gatica. Dos de sus tres álbumes lanzados ese año fueron compilaciones de sus grabaciones más conocidas en formato de 78 RPM, el tercero fue llamado “Encadenados”.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

LOS TRES DIAMANTES Fue creado en 1949 en Ciudad de México por Enrique Quezada, primera voz; Gustavo Prado, segunda voz y armonía y Saulo Sedano, requinto.

Permaneció más de medio siglo en actividad profesional, tiempo en el cual grabó más de 200 canciones en los estudios de RCA Víctor en México, Argentina, España y Japón, dada su internacionalización, puesto que sus amplias giras cubrían Sudamérica, Europa y Asia.

El trío también incursionó incursionaron en la música de otros países que eran grandes éxitos del momento, como ”Al di la”, de Italia; “Nunca en domingo” y “Eternamente”, de Grecia; “Amo a París”, de Cole Porter; “Orfeo Negro”, de Brasil; “Esta noche”, de Bernstein y “Gracias”, de España, etc.

En su haber tiene la grabación de un LP de 12 canciones rancheras.

Mexicanas y el álbum “Los Tres Diamantes: 50 años cantándole al amor”, contentivo, entre otros, de “Cuando me vaya”, el primer tema grabado; “Pequeña serenata”, “Divina ilusión”, “Orfeo Negro”, “Gotas de lluvia”, “Un hombre y una mujer”, “Bésame mucho”, “Cuando vuelva a tu lado”, “Marea baja”, “Luces en el puerto”, “Arrivederci Roma”, “La bikina”, “La cama de piedra”, “Un viejo amor”, “Tú solo tú”, “Cucurrucucú paloma” y “Rogaciano el huapanguero”.

A ello hay que agregar que la revista Reader’s Digest, como homenaje a sus más de 50 años de trayectoria artística, presentó una colección especial con 101 de sus más sonados éxitos.

Pero los tres miembros del trío fueron también excelentes compositores.

Gustavo Prado compuso, entre otras, “María”, “Se fue mi amor”, “Lindo Sakura”, la letra de “Amar qué divino” a música de Chopin; Saulo Sedano por su parte compuso “No me importa el pasado”, “Mentira mentira”, “Reina mía”, “No te perdonaré”, “Yo quise ser bueno”; Enrique Quezada escribió la letra de “Divina Ilusión” a música de Chopin y “Llévame contigo”.

Entre sus mayores éxitos estuvieron los temas “Usted”, “Mil violines”, “La gloria eres tú”, “Reina mía”, “Condición”, “Sigamos pecando”, “Miénteme”, “Amor”, “Soberbia”, “Rebeldía”, “No lo creas”, “Mi corazón abrió la puerta”, “El vicio”, “Tú dónde estás” y “Se fue”.

Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com http://www.last.fm/es/music http://www.musica.com.

TOÑA LA NEGRA

María Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, su nombre de pila, nació el 17 de octubre de 1912 en el barrio La Huaca del puerto mexicano de Veracruz y falleció el 19 de noviembre de 1982 en Ciudad de México.

Cantante que como tal actuó en 35 películas. Fue conocida como “La Sensación Jarocha”.

En su juventud, se entusiasmo con el tango, de moda entonces, y formó parte del “Trío PeregrinoUzcanga” junto con su hermano Manuel e Ignacio Uzcanga Matías, cuyo repertorio estaba integrado por música cubana, algún tema autóctono como bolero son o son montuno.

En julio de 1932 decidió viajar a la capital y aunque no había estudiado música, su voz era perfecta y natural.

Se le atribuye a Agustín Lara el apelativo artístico de “Toña La Negra”. Con él actuó por primera vez en el restaurante “El Retiro”, un centro bohemio del México de entonces.

El 31 de diciembre de ese mismo año, estrenó en el “Teatro Esperanza Iris” del famoso compositor dos de sus temas inmortales, “Lamento jarocho” y “Veracruz”.

Se convirtió desde esa fecha en su intérprete oficial.

A mediados del decenio del cuarenta y luego de una gira exitosa a Cuba, conocIó al pianista Juan Bruno Tarraza y se lo llevó para su tierra, como su pianista y arreglista de cabecera. Realizaron en 1949 una gira a España.

Emilio Azcárraga, magnate mexicano de las telecomunicaciones, la contrató para su emisora XEW, donde cantó unas veces con Lara y otras con la orquesta de Alfredo Girón.

Se incorporó luego al elenco de la RCA Victor para inmortalizar tres temas: “Cenizas”, “De mujer a mujer” y “Como golondrinas”.

En el cine nacional cantó en 35 películas, entre ellas “Humo en los ojos”, “Conga roja”, “María Eugenia”, “La mulata de Córdoba”, “Mujeres en mi vida” y “Revancha”.

A ella le correspondió hacer la primera grabación del famoso bolero “La gloria eres tú”, del autor filinero cubano José Antonio Méndez.

En 1974 grabó con “La Sonora Matancera” solamente dos temas, “Lamento Jarocho” y “Mentira Salomé”.

Su historial como cantante consta de la grabación de 75 LD. Secundada por las orquestas de los grandes músicos Luis González Pérez, Chucho Zarzosa, Rafael de Paz y el organista panameño Avelino Muñoz.

Actuó por última vez en la ciudad de Monterrey, cinco días antes de viajar a los prados de la eternidad.

Interpretó exitosamente los temas “Siento la nostalgia de palmeros”, “Te busco”, “Bolero, bolero”, “Quizás, quizás, quizás”, “Espinita”, “Aunque me cueste la vida”, “Piel canela”, “¿Quien será?, “Cuando tú me quieras”, “Luna sobre Matanzas”, “Desvelo de amor”, “Tuya más que tuya”, “Mi amor buenas noches”, “Palmeras topicales”, "Este amor salvaje", "Por qué negar", "Obsesión", "Mentiras tuyas", "Y sin embargo te quiero", "Noche criolla", "Pesar", "Vereda tropical", "Cada

noche un amor", "Angelitos negros", "Lágrimas de sangre", "Estás equivocado", "De mujer a mujer", "Como golondrinas", "Diez años", "Cenizas", “Espérame en el cielo” y “Tu voz”.

Fuentes http://biomusica.blogspot.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

ANTONIO PRIETO

Juan Antonio Espinoza Prieto, su nombre de pila, nació en Iquique, Chile, el 26 de mayo de 1926 y falleció en la capital de ese país el 14 de julio de 2011.

Cantante y actor.

Muy popular internacionalmente durante la década de 1950 y 1960 en Latinoamérica y algunos países de Europa.

Sus inicios datan del año 1949 cuando participó en un popular show radial llamado “La Feria de los Deseos”, que conducía el conocido locutor Raúl Matas en “Radio Minería” de Santiago de Chile con el tema “Tú ¿Dónde estás?” que le granjeó reconocimiento instantáneo del público.

En 1953 fue crooner de la Orquesta “Casino de Sevilla” de España, que se presentaba en boites y restaurantes de Santiago de Chile, con la cual grabó “Las oscuras golondrinas” y “El mar y tú”, las dos canciones iniciales de su carrera, cuyo primer éxito en el extranjero lo obtuvo en Argentina al interpretar el tema “Violetas imperiales”.

Su primer éxito en el extranjero fue el tema” Violetas imperiales”, con que el cantante empezó su carrera en Argentina.

Cuatro años después interpretó y grabó en México los boleros “Sabrá Dios” y “El reloj”, junto a la orquesta de Chucho Zarzosa y el conjunto vocal y de guitarras cubano “Los Hermanos Rigual”.

En paralelo comenzó su carrera como actor de cine, filmando varias películas en Argentina.

En 1960 consagrado ya como un artista nacional e internacional, grabó su mayor éxito, “La novia”, escrito por su hermano el compositor Joaquín Prieto, el principal impulsor de su carrera como cantante.

Posteriormente se radicó en Argentina, donde además de seguir su carrera de cantante, condujo el programa televisivo “El Show de Antonio Prieto” emitido durante los días domingo por el Canal 13 de Buenos Aires entre 1960 y 1964. Allí fue anfitrión y cantante, y obtuvo un Premio Martín Fierro en 1963 en la categoría Espectáculo Musical.

En ese país retomó su carrera de actor, con películas como “La novia” (1961); “Cuando calienta el sol” (1963) y “La Pérgola de las Flores” (1965) junto con la actriz española Marujita Díaz. Igualmente fundó el sello disquero Fermata en Argentina, donde editó el LP “Antonio Prieto canta tangos” y años más tarde constituyó en Chile la disquera Apri.

Sus mayores éxitos en música internacional los obtuvo entre 1967 y 1968 con los temas "Jesús", "La rosita", "Guapa", "El tiempo" y "Cuidado".

Mas tarde se produjo su regreso a Chile, grabando canciones como “Cómprate un tambor”, “Chuquicamata” y “Huija, testimonio de tintes autobiográficos hecho canción e incluido en un LP de igual título publicado en 1975.

El año siguiente hizo una versión de la canción "A mi manera" y en 1976, otra de "El maestro del violín", de Doménico Modugno.

La Sociedad Chilena del Derecho de Autor (SCD) lo honró al reconocerlo como Figura Fundamental de la Música Chilena.

Su última aparición en televisión ocurrió en 2008 apareció por última vez en televisión, en el programa Cada día Mejor de Red TV, en compañía del cantautor argentino Alberto Cortez, quien le dedicó la canción “Carta a un Artista”, de su autoría y compuesta en su homenaje.

En 2016 el músico chileno Harald Silva versionó su popular canción "La Novia" en el aniversario numero 90 de haber nacido.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

PALMENIA PIZARRO

Palmenia del Carmen Pizarro González, su nombre real, nació en San Felipe, Valparaíso, Chile, el 19 de julio de 1941.

Cantante de bolero, ranchera, corrido, balada y vals.

Discográficas: EMI Music, Magic Records, Philips Records, Embassy, CBS, BMG y Sony Music.

Sitio web: www.palmeniapizarro.cl.

Desde la infancia se sintió atraída por la música con la motivación de su maestra y sus padres. Nació en San Felipe, Región de Valparaíso, en la localidad de El Almendral.

A los once años se mudó a Santiago de Chile para probar suerte como cantante y a los dieciséis, su talento fue valorado por algunas emisoras de radio siendo como "Mejor Intérprete Folklórica".

En 1962 su participación en el concurso radial “Así Canta Perú” hizo que el sello EMI la contratara.

El siguiente año temas como “Mi pobreza” y “Amarga experiencia” lograron ventas espectaculares.

Sin embargo fue con el tema “Cariño Malo”, del compositor peruano Augusto Polo Campos, que logró su consagración.

Se residenció en Ciudad de México y a partir de una presentación en el programa de Televisa, “Siempre en Domingo” y de la mano de Chavela Vargas, logró una exitosa carrera en ese país. Desde ahí consiguió el reconocimiento necesario para comenzar una fructífera carrera internacional, que la llevó a presentarse en países como Australia, Estados Unidos, Argentina y Japón (donde conoció a Atahualpa Yupanqui y grabó dos canciones en japonés).

Retornó a Chile en 1997 y logró importantes reconocimientos y homenajes tanto del mundo de la cultura, como de su público.

Discografía cronológica 1985. “Reencuentro”.

1988. “Éxitos” y “Palmenia Pizarro Hoy”.

1989. “Boleros Inmortales”.

1990. “Boleros Inmortales”, Volumen II. 1991. “Palmenia Pizarro con Mariachis”.

1992. “35 Años de Canto”.

1996. “No morirá mi amor”.

1997. “Te voy a autografiar mi corazón”.

2000. “Con el corazón en la mano”.

2002. “Sonríele a la vida”.

2003. “Generaciones, Dos Épocas en Dueto”.

Reconocimientos

En 1992 fue declarada "Ciudadana Distinguida en Chile", en 1999 y 2000 recibió el premio de la Asociación de Periodistas de Espectáculos, Apes, como "Mejor Intérprete", y en 2001 fue ungida con el recién creado "Premio Nacional de Música Chilena Presidente de la República" y debutó en el Festival de Viña del Mar, donde el público le otorgó las estatuillas "Gaviota de Plata" y "Gaviota de Oro" y el diario La Cuarta le dio un Premio a la Simpatía.

En el año 2002 celebró cuarenta años de carrera con una actuación en su natal San Felipe, con canciones como Recuerdos de mi pueblo, dedicada al barrio de su infancia, El Almendral. Además el Festival de la Canción que se desarrolla el mes de febrero en San Felipe, pasó a llamarse "Festival de la Canción Palmenia Pizarro de San Felipe".

También fue nombrada "Hija Ilustre y Embajadora cultural de la Siempre Heroica Ciudad de San Felipe de Aconcagua" y la ciudad de Los Andes la nombró "Andina Destacada" por su prolífica carrera artística.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

EL INDIO ARAUCANO

Oswaldo Gómez, su nombre real, nació en Angol, capital de la Provincia de Malleco, Chile, el 13 de marzo de 1921.

Cantante.

Desde los doce años mostró talento musical y tocaba la armónica, y en 1938 participó y ganó el concurso "La Voz De Oro De Chile" efectuado en el “Teatro Caupolicán”, de Santiago, con el tema "El pregón de las flores", tema compuesto por Ernesto Lecuona y que le dio la fama necesaria para que la disquera Odeón, lo contratara y le promocionara grabando un disco L.P. donde incluyó "Hoja Seca" del Dr. Roque Carbajo.

Al arribar a los dieciocho años adoptó el nombre artístico de "El Indio Araucano" con el cual se dio a conocer internacionalmente.

En 1944 llegó a Buenos Aires, Argentina, dando inicio a su carrera internacional que lo llevó a escenarios de todo el continente americano y Europa, hasta su etapa final, cuando fijó residencia en New Jersey, Estados Unidos.

En la capital argentina vivió ocho años y popularizó los temas “Recuerdos de Ipacaraí”, “Hoja seca” y “La batelera”.

En 1948 ganó en Colombia un Disco de Oro con el tema “Cuando muere la noche”, pero nunca lo reclamó.

Vivió en Caracas, Venezuela, donde tuvo el centro nocturno “El Refugio del Indio”, que vendió en 1955, y actuó en radio y televisión.

También hizo vida artística en La Habana, pero perdió todos sus bienes al establecerse la dictadura de Fidel Castro. En Cuba estuvo once años y alternó con figuras de la talla de Celia Cruz, Beny Moré, “Trío Los Panchos”, Miguel Aceves Mejía, Resortes y Tin Tan, entre otros.

Además de los temas antes citados, popularizó “Regalo de amor”, “Rencor”, “Te odio y te quiero”, “Un viejo amor”, “Amor se escribe con llanto”, Las muchachas de la Plaza España”, “El reloj”, “Bésame mucho”, Fuentes bolerolatino.wordpress.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

OLIMPO CÁRDENAS Olimpo León Cárdenas Moreira, su nombre real, nació en Vinces, Ecuador, el 5 de julio de 1923 y falleció en Tuluá, Colombia, el 28 de julio de 1991.

Además de boleros interpretó valses, tangos yaravíes y pasillos.

Fue llamado “El Rey del Estilo” y gran parte de su carrera artística la desarrolló en Colombia, Ecuador y México.

Se le consideró junto a Julio Jaramillo uno de los grandes intérpretes del pasillo ecuatoriano.

En Guayaquil empezó a cantar a los diez años en programas infantiles, en la emisora “La Voz del Litoral”.

Inició su carrera artística como cantante de tangos en el programa “La Corte Suprema del Arte”, de CRE. Más tarde, el cantautor Carlos Rubira Infante lo guió y enseñó a cantar pasillos y ritmos ecuatorianos, debido a que solo cantaba, tangos y valses argentinos.

Y con él formó el dúo “Cárdenas-Rubira”, cuya primera grabación, el 23 de junio de 1946, fue el pasillo ·”En las lejanías”, que también cantó con Julio Jaramillo.

Cabe señalar que ese dúo fue el primero en grabar un disco realizado completamente en el Ecuador, por lo cual Ifesa le otorgó Diploma de Honor al mérito musical en reconocimiento.

También formó dúos con Julio Jaramillo, cuya primera grabación fue el bolero “Azabache”, Lucho Bowen, grabando “Mi última ilusión”; Oscar Agudelo, producto de lo cual fue el bolero “El Ermitaño” y Luis Jorge Martínez, con quien grabó “Háblame de ti”.

Incursionó en Colombia en 1948 con el trío “Trovadores del Ecuador”, Seis años más tarde en Cali se incorporó al “Trío Emperador”, que actuó en programas radiales.

El primer sencillo que grabó en Colombia constó de los temas “Fatalidad” y “Tu duda y la mía”.

La canción “El Provinciano” sería la última canción de su vida.

Con Discos Victoria grabó alrededor de cuarenta canciones y al retirarse de la disquera, a instancia de su amigo, Guillermo Domínguez, firmó contrato con Discos Sonolux, de Medellín, Colombia. Para esa disquera grabó los temas iniciando grabaciones con dos boleros muy populares: “Lágrimas de amor” y “Temeridad”, que repercutieron en México, “Nuestro juramento”, “Playita mía”, “Tu duda y la mía”, “Rondando tu esquina”, “Fatalidad”, “Cinco centavitos”, “Licor bendito” y muchos más.

En 1957, firmó contrato por dos años con Discos Orfeón, una de las más grandes disqueras de México, que se extendió a trece, radicándose en ese país México, donde actuó en plazas de toros, coliseos, estadios, teatros y clubes nocturnos.

Cabe destacar que sus discos se escuchaban por todas partes y Javier Solís se presentaba en sus inicios como figura secundaria.

Durante los trece años que permaneció en México grabó veinte discos de larga duración.

Por otro lado, su repertorio de música popular en Los Ángeles, San Francisco, Washington, Chicago, San Antonio, y New York, Estados Unidos;

Canadá, Venezuela, Guatemala, Honduras, El Salvador, Panamá, Puerto Rico, y República Dominicana, entre otros, que le abrió el camino internacional a otros intérpretes ecuatorianos.

Así Olimpo Cárdenas abrió el camino para otros intérpretes ecuatorianos.

En 1970 regresó definitivamente a radicarse en Colombia, que adoptó como segunda patria.

Su vida artística registra la grabación de 750 canciones en setenta L.P. La tristeza y nostalgia de sus temas, según algunos redactores de la crónica roja de los periódicos de entonces, tuvieron la culpa del suicidio de personas con problemas.

“Lo mató Olimpo Cárdenas”, fue el titular de un diario tras un suicidio.

Sobre ese tema comentó el intérprete humorísticamente: Si por mi culpa se suicidan tantos, y esto lo castigara la ley, yo tendría más cárcel que si hubiera asesinado a siete obispos.

Cabe recordar que el colombiano José María Vila fue objeto de una acusación similar por su novela Ibis.

La muerte El domingo 28 de julio de 1991, en la Feria Ganadera de Tuluá, Departamento del Valle del Cauca, Colombia, mientras realizaba su primera interpretación, cantando “Tu duda y la mía”, murió como consecuencia de un infarto. Tenía 68 años recién cumplidos.

Sus restos reposan en el cementerio Jardines Apogeo, al sur de Bogotá, en Bosa localidad número siete del Distrito Capital. En su tumba, un epitafio que dice: "Al Ídolo del Pueblo... El cariño y el amor que nos brindaste es el ejemplo que nos guía."

Homenajes En Ambato se le rinde tributo con el nombre de una calle de la ciudad.

En la parroquia Antonio Sotomayor (Playas de Vinces), su nombre honra al Parque Central.

En Vinces, su pueblo natal, existe la Escuela Fiscal “Olimpo Cárdenas”.

Fuentes http://www.buenamusica.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

ALFREDO SADEL

Alfredo Sánchez Luna, su nombre real, nació en Caracas 22 de febrero de 1930 y murió en la misma ciudad el 28 de junio de 1989.

Cantante de bolero, ópera, zarzuela, bolero, tango y música latinoamericana en general. Fue también compositor y artista de cine.

Se le conoció como "El Tenor favorito de Venezuela" y es considerado por muchos musicólogos como el intérprete popular y lírico más importante en la historia musical venezolana.

Su vocación artística se manifestó desde pequeño y participó en el coro del Colegio Domingo Savio de Los Teques, donde el padre Calderón y el padre Sidi contribuyeron a impartirle instrucción musical y arte escénico. También tuvo habilidades para el dibujo y la pintura y sus caricaturas fueron publicadas en el diario La Esfera y la revista humorística Fantoches.

Su primera presentación fue en la Catedral de Caracas. Allí cantó el Ave María e impresionó satisfactoriamente al público y tuvo la fortuna de encontrar mecenas que la ayudaron a formarse académicamente en la Escuela Superior de Música de Caracas y continuó a lo largo de su vida en Ciudad de México, Nueva York, Buenos Aires, Barcelona, Salzburgo y Milán.

Con los ingresos como dibujante en una agencia publicitaria, costeó la grabación de su primer disco de 78 RPM, con el bolero “Desesperación” y el pasodoble “El Diamante Negro”, como homenaje al torero Luis Sánchez, así apodado.

Y como en esa época había muchos artistas apellidados Sánchez, decidió que modificar su nombre, con las dos primeras del apellido y la última sílaba de Gardel.

- En 1946, -se lee en Wikipedia, la enciclopedia libre- luego de que fuera sacado de un estudio de grabación, Mario Suárez lo apadrinó y recomendó a Ricardo Espina -director de Radio Caracas Radio-, posteriormente consiguió ser becado y acceso a los estudios para ensayar.

El siguiente año participó como cantante aficionado a un programa radial en la emisora caraqueña Radiodifusora Venezuela, y en 1948 firmó contrato con la empresa discográfica local Discos Rex para grabar su segundo disco sencillo.

Este disco, grabado en un estudio improvisado en los altos del Teatro Municipal, contenía nuevamente el pasodoble “Diamante Negro” y una interpretación instrumental del “Mambo Número 5” de Dámaso Pérez Prado.

Fue todo un éxito en la época, ya que vendió 20 mil copias, a pesar de los defectos técnicos de esta grabación.

A partir de ese evento comenzó una carrera artística ascendente en éxitos.

En 1950 fue protagonista cinematográfico al participar en la cinta “A La Habana me voy”. El siguiente año protagonizó “Flor del campo”, producción con música y argumento venezolanos. Más tarde en México, donde sus discos lo habían dado a conocer, participó en las películas “El Ratón”, “Tú y la mentira”, “Tres balas perdidas”, “El buena suerte” y “En cada feria un amor”.

La última película donde actuó fue en “Martín Santos, el llanero”, coproducción Méxicano-venezolana con música de Juan Vicente Torrealba y José E. Sarabia.

En los Estados Unidos actuó en el teatro Chateau Madrid de Nueva York, acompañado por la orquesta de Aldemaro Romero, y debutó en el teatro Jefferson de la misma metrópoli.

Poco después se convirtió en el primer artista venezolano que actuó en n la televisión estadounidense al ser contratado y presentado en el show del presentador Ed Sullivan, y en otros programas exitosos del país como "Chance of a Lifetime". Por tal motivo fue considerado por la prensa como “El artista latino más popular de la televisión norteamericana”.

En 1955 había debutado exitosamente en La Habana, donde condujo su propio programa musical, el cual años más tarde se adueñó totalmente de la sintonía. Ese año grabó un LP titulado “Mi canción”, con el sello RCA Víctor.

Cabe señalar que Sadel compartió su carrera como cantante con la actividad sindical artística, promoviendo en 1957 la fundación de la Asociación Venezolana de Artistas de la Escena.

En 1961 se presentó en el canto lírico con la zarzuela “Los gavilanes”, en el Teatro Nacional de Caracas; y ese mismo año se viajó a estudiar a Milán con el fin de perfeccionar su calidad vocal.

En este nuevo período de su vida artística participó en el Carnegie Hall de Nueva York en el estreno de la ópera cubana Cecilia Valdez; luego emprendió giras para presentar “Rigoletto, “El barbero de Sevilla”, “Carmen”, “Tosca”, “La Bohème”,”La Traviatta”, “El buque fantasma”, “Don Pasquale”, “L'amicco Fritz”, “Don Carlo” y otras, en diversas partes de América, luego Alemania, Belgrado, Hungría, Suiza, España y la exUnión Soviética, entre los años 1967 y 1968.

Se constituyó en el primer cantante lírico venezolano que actuó en Siberia y otras catorce naciones.

En Lima, junto con Pepita Embil, protagonizó lo que los peruanos calificaron como las temporadas de zarzuelas más exitosas que se hayan realizado en Perú.

En 1977, en un intento por institucionalizar la ópera en Venezuela, organizó una gran temporada en la Universidad Central de Venezuela, que se extendió a otras ciudades del país participando también en temporadas de zarzuela en el Teatro Nacional de Caracas.

Entre los boleros popularizados por Sadel se cuentan, entre otros, "Humanidad", "Vereda tropical", "Incertidumbre", "Dominó", "Desvelo de amor", "Congoja", "Granada", "Aquellos ojos verdes", sus versiones de "Ansiedad" y "Madrigal", “Flores negras”, “Perfidia”, “María Elena”, “Flor de Azalea”, “Un mundo raro”. “Pobre corazón mío”, “Todo es para ti”, “El beso que te di”, “Lágrimas”, “Nostalgia”, “María la O”, “Escríbeme”, “La barca de oro”, “Lágrimas”, “Somos”, “Vuélveme a querer”, “Penumbra”, “Traición” y “Amor mío”.

En 1978 volvió a Cuba recibiendo apoyo que lo animaron a grabar de nuevo música popular, entre ella un L.P. con música del “Trío Los Panchos” y otro en que rendía su tributo a Carlos Gardel.

Como compositor produjo, entre otros, los temas “Yo no te engañé”, “Son dos palabras”, “Otra rosa”, “El hombre de hierro”, “Golondrinas del tiempo”, “Quiero a Maracaibo” y “Razonando, razonando”.

Sus grandes logros como cantante lírico a nivel mundial no lo alejaron de la música popular, especialmente el bolero.

La muerte Así escribió sobre su muerte el periodista Américo Fernández en el periódico Correo del Caroní de Ciudad Guayana, Estado Bolívar, el jueves 3 de julio de 2014:

La muerte de Alfredo Sadel Conmoción general causó en la Ciudad Bolívar que visitaba frecuentemente el ídolo nacional Alfredo Sadel.

Asimismo la muerte del cantor lírico y operático venezolano ha conmocionado a todo el país, que siguió con interés las informaciones que daban cuenta de la penosa enfermedad que minaba rápidamente su existencia.

A las 4:20 de la madrugada del 28 de junio de 1989, Día del Teatro, dejó de existir este artista que representó dignamente a Venezuela en los mejores escenarios del mundo y cuya calidad vocal fue elogiada con innumerables adjetivos en el ámbito internacional donde se destacó.

Falleció a la edad de 59 años y Carlos Olivares Bosque, su vecino por muchos años dijo que fue un embajador excepcional de Venezuela, pienso que era un hombre de nobles sentimientos, una persona que a fuerza de voluntades se formó y logró ocupar un sitial de importancia en ámbitos internacionales. Hasta el punto de colocarse como intérprete de excepción entre varios cantantes líricos y de opera. Fue muy humano, dio muestra de una gran humildad e hizo algo muy significativo en las personas amantes de la buena música.

Mario Suárez tuvo el honor de ser su descubridor y su padrino. En un ensayo en Radio Caracas Radio, en el año 1946, Alfredo Sadel entró con un maletincito. Era todavía un niño y lo sacaron del estudio. Cuando Mario Suárez salió, lo encontró afuera y reconociéndole sus dotes, después de oírlo cantar en su casa, lo recomendó con Ricardo Espina, lo becaron con un gran maestro del canto y le dieron permiso para ensayar en los estudios. A partir de ese momento no lo sacaron más de ningún otro sitio.

Por su parte el Maestro Aldemaro Romero manifestó que Venezuela no había conocido un ídolo como él. Un representante de su pueblo a ese nivel y un hombre que caminó todos los caminos de la música. Se identificaba con el sentir popular más sencillo, dentro de la profundidad de lo que esa palabra significa. También incursionó en el campo de la música académica, con gran éxito en escenarios de inmensa jerarquía como Rusia, Yugoeslavia, Italia, España, Francia, Suiza y otros países.

Alfredo Sadel, fue declarado post mortem, hijo ilustre de la ciudad de Caracas, por el Concejo Municipal del Distrito Federal. Asimismo el Ayuntamiento acordó suspender por varios días los actos con motivo del día Nacional del Teatro y decretó dos días de duelo por la muerte del extraordinario intérprete de la canción venezolana, orgullo de la parroquia de San Juan y de todo el pueblo de Venezuela.

Alfredo Sadel fue gran amigo del pintor Jesús Soto y con él vino varias veces a Ciudad Bolívar. También era amigo del cantante guayanés Frank Hernández, con quien estuvo en la ciudad poco tiempo antes de su muerte ofreciendo un concierto.

Soto lo invitó en cierta ocasión para que lo acompañara a Ciudad Bolívar y estando ambos de visita en la casa del doctor Elías Inatti, a Sadel se le presentó un percance: No podía acompañar a Soto ejecutando la guitarra en amena reunión familiar porque sentía un oído tapado.

Inmediatamente Elías lo llevó al consultorio de su colega y otorrino Vinicio Grillet y éste los recibió con una botella de güisqui. Sadel reaccionó, “Doctor, yo no vine a tomar güisqui sino a ver qué tengo en el oído”. “No se preocupe que lo va a necesitar” respondió Grillet y le aplicó el scopio. Ven

a ver Elías, y Elías dijo que veía una nube azulada. A lo que de seguida pensó en voz alta Sadel: “Debe ser el jabón azul con el cual me baño”.

Cuando la inauguración del Museo, Sadel estando en la casa de Doña Enma, la madre de Soto, se enamoró de un arrendajo que cantaba y vagabundeaba por toda la casa. Le ofreció cinco mil bolívares a la doña por el arrendajo, pero imposible, “Bandido” como se llamaba el pájaro, no estaba en venta era la obra natural más preciada de Soto.

Discografía Su historial discográfico consta de más de 2.000 canciones recogidas en cerca de 200 discos de 78 RPM y unos 130 larga duración editados en diversos países.

He aquí parcialmente el nombre de sus grabaciones y el de las disqueras: “Sadel a media voz” (LP Sonus), “Sadel canta a Agustín Lara” (LP Venevox), “Alfredo Sadel”, Tangos; Recordando a Gardel; Caminos de mi tierra (LP Sonoven), “Homenaje a Los Panchos”, “Bolero Lírico” y “Mi mariposa” (International Music), “Una noche más” (Vediscos), “En Feria”, (CD Discomoda y LP Sonovip), “Joyas musicales” (Volúmenes I y III, CD Velvet), “Lo Mejor de Lo Mejor” y “Colección Original” (RCA International), “16 Éxitos” (CD Mediterráneo), “15 Grandes Éxitos” (RCA International), “Boleros del Recuerdo” (Polygram), “En México” (CD León), “El Mejor” (CD León), “Mi Canción” (CD RCA Víctor), “Nocturnal” (LP Sonus), “Canta Arpa” (LP Venevox y CD Gilmar), “Años dorados” (LP Zelekto y CD Anes Récords), “Domino” (LP RCA Víctor), “Tangos” (LP As International), “Cita con Sadel en Buenos Aires” (LP Velvet), “12 Éxitos” (LP Venevox), “En vivo y directo” (LP Velvet), “Alma llanera” (LP As International y CD Anes Récords) “Lo mejor de los mejores” (León), “Boleros del recuerdo” (LP Palacio) “Canciones de René Rojas” (LP Sonus), “Sadel en el tiempo” (Vol.I CD, “Españolerías”, Vol. II, Vol. IIICD “Boleros” – “Éxitos Internacionales”, Volúmenes IV y V Sonorodven), “De toda Venezuela” (CD León), “Boleros famosos” (CD Top Hits Canadá), “Sadel inmortal” (CD Rodven), “Canta a Los Panchos” (CD Suramericana del Disco, LP As International), “Álbum de Oro” (CD Victoria), “Grandes Éxitos” (CD Victoria), “Fiesta Latinoamericana” (CD y LP RCA Víctor), “Incomparable” (CD Seeco), “Éxitos del Tenor Favorito de Venezuela” (CD Discomoda), “El inolvidable” (CD Victoria), “Clásicas de amor” (CD Suramericana del Disco, LP As International), “Mis mejores canciones” (CD Fuentes Colombia), “Cantando voy” (CD Sonograma y LP RCA Víctor), “El tango es así” (CD Suramericana del Disco), “El disco de oro” (CD Gilmar), “4 Grandes boleristas” (CD Lece Récords USA) “Muñeco de la ciudad” (CD Anes con licencia de Suramericana del Disco), “Invita a Guarapo y otros éxitos” (LP RCA Víctor), “Guitarra y voz” (LP Congreso de Venezuela), “Época de oro” (LP ABS Récords), “Sadel 25 años” (LP Discomoda), “Sadel en Zarzuela” (LP Lunavox), “Tenor” (LP Ovación), “Merengues” (LP As International), “Mejicanas” (LP As International), “Lo mejor de” (LP Cima), “El hombre de hierro” (LP Top Hits), “Pasodobles” (LP Yare), “Ahora” (LP Yare), “Te miré” (LP Sonus), “Con ardor” (LP Seeco), “Fuego en el alma” (LP Palacio), “Le canta a Caracas” (LP Velvet-Rodven), “Canciones de

Johnny Quiroz” (LP Tucán Récords), “Sadel El Grande” (LP RCA Víctor), “Sadel en Cuba” (LP Basf MC) y “Sadel en la Ópera” (LP Venevox).

Fuentes Américo Fernández. “La muerte de Alfredo Sadel”. Correo del Caroní, Ciudad Guayana, 3 de julio de 2014.

Wikipedia, la enciclopedia libre. www.alfredosadel.com

FELIPE PIRELA Felipe Antonio Pirela Morón, su nombre real, nació en Maracaibo, el 4 de septiembre de 1941 y falleció en San Juan de Puerto Rico el 2 de julio de 1972..

Cantante.

Se le llamó “El Bolerista de América”.

Desde muy niño mostró su talento para la música y cuando apenas tenía 13 años, junto con dos de sus hermanos y vecinos del barrio El Empedrao, de su ciudad natal, conformó la agrupación “Los Happy Boys”, que interpretaba boleros de reconocidos cantantes como Alfredo Sadel, Olga Guillot y Lucho Gatica.

A finales de los 50 actuó en espacios radiales de emisoras marabinas e incursionó en un programa televisivo de Caracas. Estas primeras actuaciones no quedaron registradas porque para la época se carecía de equipos de grabación.

En 1958 fue uno de los primeros artistas que actuara en la emisora radial marabina “Ondas del Lago”, de corta presencia en el espectro radiofónico. En julio de ese mismo año regresó a Caracas y actuó en locales nocturnos y en un canal de televisión.

De esa época, en 2006, sí fueron grabadas sus presentaciones.

A su regreso a Maracaibo se incorporó a “Los Peniques”. Con esta agrupación se inició como profesional grabando solo dos temas en el único álbum producido por esta agrupación en 1960.

Comenzó a hacerse popular al ser contratado por el músico, director y arreglista de origen dominicano Billo Frómeta para formar parte como bolerista de su afamada orquesta. Alcanzó tanta popularidad que en el programa radial de Billo solo se recibía cartas destinadas al joven artista.

Con la orquesta de tan renombrado músico grabó en 1961 como solista el álbum “Canciones de ayer y hoy”, acompañado por las voces de Cheo García y Joe Urdaneta.

Fuera ya de esta agrupación viajó a México, donde realizó presentaciones y grabó su primer álbum titulado “Un Solo Camino: México”. En ese país fue proclamado “El Bolerista de América”. También apareció el disco “Boleros con Guitarras”, el único de esa índole en su historial.

Más tarde realizó giras por Estados Unidos, Colombia, Santo Domingo, Puerto Rico, Ecuador, Perú. En todos los escenarios triunfó. La fama llovió y su estatura como cantante se impuso. Ganó infinidad de premios, entre ellos, el Disco de Oro al vender un millón de discos, récord que nunca había alcanzado por un cantante venezolano.

En diciembre de 1967 representó a Venezuela junto con la cantante Lila Morillo en el Segundo Festival de la Canción Popular, realizado en Miami.

Su última participación en festivales de este tipo se dio en 1969: El Festival de la Voz de Oro de Venezuela, realizado en Barquisimeto.

El 2 de julio de 1972, en San Juan de Puerto Rico, murió asesinado.

El 15 de septiembre de 2012, sus restos fueron exhumados y llevados a la Iglesia a Santa Lucía, donde después de una ceremonia fueron traslados al Panteón de los Zulianos Ilustres.

En noviembre de 2014 fue llevada a la escena teatral la obra “La última voluntad de Felipe Pirela”, una pieza de la agrupación Producciones Pequeño Grupo, ganadora del concurso de Coproducciones 2014 del Centro Nacional de Teatro que surgió como una iniciativa del director Paúl Salazar Rivas y la agrupación de rendir homenaje a quien consideran un referente importante del bolero en el mundo. El siguiente año fue estrenada la película “El malquerido”, basada en su vida, producida por Diego Rísquez, la cual resultó premiada en el Festival de Cine efectuado en Mérida en junio de 2016.

Para perpetuar su memoria cada 2 de julio se celebra en Venezuela el “Día Nacional del Bolero” con presentación de diversos eventos bolerísticos en todo el país.

En 2009 su nombre fue colocado por el blogspot desdelarepublicadominicana entre los diez cantantes de boleros más populares en América Latina, junto con Benny Moré, Daniel Santos, Julio Jaramillo, Lope Balaguer, Marco Antonio Muñiz, Roberto Yanés, Tito Rodríguez, el Trío Los Panchos y Lucho Gatica.

Popularizó los boleros “Únicamente tú”, “Amor se escribe con llanto”, “Entre tu amor y mi amor”, “El malquerido”, “Sombras nada más”, “Mi Puerto Cabello”, “Sin ella”, “Cuando vivas conmigo”, “Cuando estemos viejos”, “Pobre del pobre”, “Para qué recordar” y “En mi viejo San Juan”, entre muchos otros.

Discografía Una recopilación discográfica incompleta elaborada por Luis Armando Ugueto, biógrafo del cantante, permite hacer la siguiente cronología de su extensa producción: 1. Con orquesta 1960. “Carnaval con Los Peniques” y “Comunicando”. Discomoda, “Paula”.

Discos Gramcko.

1961. “Canciones de Ayer y Hoy” y “Tres Regalos”. Discomoda.

1962. “25 Años de Billo” y “Esta Noche Billo”. Discomoda.

1963 “Billo en Fonograma” y “Mosaico 10”.

2. Como solista 1963. “Un Solo Camino: México”. Velvet (México).

1964. “Únicamente Tú” y “Entre tu Amor y mi Amor” Velvet (Venezuela).

1965. “El Bolerista de América”, “Sin Ella”, “Sombras Nada Más” y “Felipe...Sigue de Frente”. Velvet (Venezuela).

1966. “Pirela y sus Éxitos”, “Cuando Vivas Conmigo”, “Injusto Despecho”, “Mosaicos Románticos”, “Recordando A Rafael Hernández” y “Dios Sabe Lo Que Hace”. Velvet (Venezuela).

1967. “Canta Felipe Pirela”, “Felipe Interpreta A Manzanero” y “Boleros Con Guitarras”.Velvet (Venezuela).

1968. “Lo Que Es La Vida “. Velvet (Venezuela).

1969. “De Todo Soy Capaz” y “Un Poco de Mí “. Velvet (Venezuela) 1970. “Tu Camino y el Mío”.Velvet (Puerto Rico) y “Aquí Mis Éxitos”.Velvet (Venezuela).

1972. “Encadenados”, “Volvamos A Querernos” y “El Adiós del Inmortal”.

Velvet (Puerto Rico).

Fuentes https://www.youtube.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

JOSÉ LUIS RODRÍGUEZ José Luis Rodríguez González, su nombre real, nació en Caracas el 14 de enero de 1943.

Cantante, productor discográfico, actor y empresario.

Se le conoce artísticamente como “El Puma”. Su tipo de voz es de tenor dramático.

Cantó y grabó en español, italiano y portugués.

Sus inicios como cantante se produjeron en el conjunto de voces juveniles denominado "Los Zeppy", donde reemplazó al vocalista Ariel Rojas. Se retiró de la agrupación en 1962.

Luego, su amigo el compositor y músico José Enrique "Chelique" Sarabia lo integró al programa de TV de aficionados llamado "Media hora con Chelique".

Este personaje lo animó a grabar su primer disco solista para el sello venezolano "Velvet" en formato LP titulado "Chelique Sarabia presenta su nueva voz: José Luis Rodríguez", poca aceptación en el público.

En ese espacio fue descubierto en septiembre de 1963 por Luis María "Billo" Frómeta, quien lo contrató para su Orquesta Bill´os Cacacas Boys en reemplazo del bolerista Felipe Pirela. En esta agrupación permaneció cuatro años interpretando boleros y ocasionalmente merengue dominicano, música navideña y cha-cha-chá, viajando por el Caribe, Centro y Sudamérica grabando unos 6 LP y algunos sencillos los cuales constaron de 34 canciones y 9 mosaicos de temas bailables diversos.

Fue durante esta época, cuando incursionó en la actuación, interviniendo en la comedia musical de la televisora RCTV "Cantando llega el amor".

Logró su primera oportunidad de actuar como solista en el 1º Festival de la Fundación del Niño (1965), donde interpretó el tema "Amor, laurel y luz" bajo dirección y arreglos del propio Billo Frómeta, y luego participó en el siguiente evento (1966) con "Caracas de Ayer", también bajo la dirección orquesta de Frómeta.

En octubre de ese año se separó de dicha orquesta para continuar su carrera como solista.

Firmó su primer contrato discográfico con la empresa "Productora de discos Velvet" y grabó su primer LP titulado "José Luis...favorito!", en el cual siguiendo la tendencia marcada por Felipe Pirela, incluyó boleros además de los temas por los cuales había participado en los festivales de la Fundación del Niño.

Poco después decidió mudarse a las baladas y otros géneros pop. "Lo Romántico de José Luis”, grabado en 1968 marcó este cambio en el estilo del artista.

En 1969 fue seleccionado para representar a Venezuela en el "Primer Festival de la Canción Latina en el Mundo" que se celebró en la Ciudad de México, entre los días 19 y 23 de marzo de ese año. Obtuvo el tercer lugar como mejor intérprete masculino.

El mismo año grabó el titulado "Grito al mundo" y firmó un contrato de grabación con la filial mexicana del sello CBS Columbia, con la cual grabó su álbum titulado "José Luis Rodríguez".

Posteriormente, al disolverse el contrato con "Velvet", pasó a la discográfica venezolana, "TOP HITS-La Discoteca", e incluyó en sus producciones temas musicales para las telenovelas que él empezó a protagonizar.

En 1972 orientó su carrera musical hacia géneros pop de la mano del cantautor venezolano Edgar Enrique Quintero, apodado Edgar Alexander, quien compuso canciones especialmente para él en su álbum "El hombre de la cima".

Dos años después protagonizó la telenovela venezolana "Una muchacha llamada Milagros", de Delia Fiallo, en la cual interpretó a un personaje denominado "El Puma", y a partir de entonces pasó a conocerse con ese sobrenombre.

El 26 de octubre del mismo año representó a Venezuela en el “Tercer Festival de la OTI con el tema "Vuelve". Obtuvo el tercer lugar y fue su última participación en festivales artísticos.

En 1976 firmó un contrato con la empresa puertorriqueña Salvation Records, de los músicos Richie Ray y Bobby Cruz con la cual grabó su único disco de carácter religioso titulado "Una nueva canción". Cabe señalar que estando en Puerto Rico el artista renunció al catolicismo y abrazó la religión evangélica.

Su primer disco grabado en España fue titulado "Una canción de España" producido por el compositor Manuel Alejandro, del cual la balada "Voy a perder la cabeza por tu amor" se convirtió en tema central de la telenovela homónima.

A este álbum le sucedió en 1978 "Por si volvieras", también producido por Manuel Alejandro. Apareció luego su álbum "Atrévete", titulado en España, "Me vas a echar de menos") producido por los compositores Pablo Herrero y José Luis Armenteros, donde incluyó, previo arreglo el merengue "Pavo real", del cantante y compositor César del Ávila.

Fue tal el éxito de este tema versionado, que durante algún tiempo se le conoció con este apodo.

En 1980 firmó con la disquera CBS, denominada después Sony Music y se dio a conocer en Venezuela el álbum titulado “José Luis Rodríguez cantando éxitos de siempre”, una reedición del grabado en México en 1969.

A este álbum le siguió "Dueño de nada", nuevamente con el respaldo del compositor español Manuel Alejandro y sus colaboradores David Beigbeder y Ana Magdalena.

Gracias a Héctor Maselli y CBS, pudo lanzarse al mercado discográfico de Brasil con el LP "Dono de nada", cantando versiones en idioma portugués de temas del anterior disco y con algunos temas del álbum "Atrévete", convirtiéndose en el primer cantante venezolano que graba en ese idioma.

En esa ocasión actuó en algunos programas de la televisión brasileña.

También grabó en lengua italiana el LP "Due come noi" En 1995 se inició como empresario al fundar el primer canal venezolano de videos musicales denominado "Bravo TV", que se transformó después en “Puma TV”.

En 1997 se produjo su regreso al género del bolero con el álbum "Inolvidable" en el que rindió tributo al “Trío Los Panchos”. El disco tuvo tanta aceptación que después de lanzar su siguiente disco, titulado "El Puma en ritmo" (1999), ese mismo año se abocó a grabar "Inolvidable II: Enamorado de ti" y en 2001 presentó "Inolvidable III: Algo contigo", álbumes que recibieron apoyo del público y de la crítica.

En 2002, fue contratado por la disquera BMG, haciendo que a esta compañía pase el catálogo de sus grabaciones con Ariola y Polygram. Inició entonces la grabación de un álbum con baladas en español de los años 70, titulado "Champagne", lanzó su propio sitio en Internet y en 2003 presenta "Clave de amor" respaldado por orquesta y por el pianista argentino Raúl Di Blasio.

El 10 de mayo de 2004 adoptó la ciudadanía estadounidense, sin renunciar a la venezolana.

El siguiente año 2005, firmó contrato con la compañía discográfica transnacional Universal Music y como admirador del cantautor español Camilo Sesto, grabó varios temas en homenaje a él y, con la asistencia del compositor Roberto Livi, grabó un nuevo álbum que, en algunos países fue titulado "Distancia" y en otros "Sabor a México", cuyo repertorio incluyó boleros rancheros compuestos por el propio Livi. Este disco, presentó un número grabado al lado del grupo vocal argentino "Los Nocheros". Sin embargo, pese a la dimensión internacional del cantante, por razones que no son del dominio público, los CD grabados por el artista desde que se realizó este álbum, no fueron distribuidos en otros países latinoamericanos, como Venezuela.

En septiembre del mismo año, presentó el álbum “15 éxitos de José Luis Rodríguez”, contentivo de sus más sonados éxitos desde los inicios de su internacionalización, en nuevas versiones, respaldado por el sello estadounidense Líderes Entertainment.

A principios de septiembre de 2006, desde Argentina, fue lanzada, en convenio con la empresa de cosmética argentina Arbell, una línea de perfumes con su nombre destinada a su venta en América Latina, Estados Unidos y España.

En esa ocasión expresó estar cansado de la piratería y de los manejos de las empresas discográficas. Por ello, renunció a mantener contratos discográficos y estableció su compañía disquera propia denominada Elpuma.com mediante la cual lanzó ese mismo año su nuevo álbum titulado "Homenaje a José Alfredo Jiménez" el cual fue editado en formato de archivo mp3, lo que marcó la incorporación del cantante a los formatos digitales de distribución musical.

El álbum fue incluido en un reproductor mp3 llamado Evolución. Sin embargo, dado que dicho reproductor no estaba disponible en países como Venezuela, decidió firmar nuevamente un contrato discográfico con la transnacional Sony BMG con la cual presentó, en julio de 2007, un álbum grabado con orquesta de metales en el que rindió homenaje a las figuras de su mentor, Billo Frómeta, y de sus excompañeros en la orquesta Billo's Caracas Boys, José "Cheo" García y Guillermo "Memo" Morales. El álbum apareció bajo el título "Homenaje a Billo’s" en otro reproductor mp4 igualmente denominado “Evolución”.

Luego, en septiembre del mismo año, presentó la versión en disco compacto de su álbum en homenaje a José Alfredo Jiménez.

Discografía 1. Etapa inicial

1961. “Los Zeppy”. Discos Gramcko (Venezuela).

1962. “Hits de Los Zeppy”. Discos Hit Parade y “Chelique Sarabia presenta a su nueva voz: José Luis Rodríguez”. Velvet (Venezuela).

2. Con Billo's Caracas Boys

1963. “2 Sets con Billo”.

1964. “Billo en Colombia”, “Billo en República Dominicana” y “Cantares de Navidad”.

1965. “Billo en Puerto Rico”, “El Yo-yo”, “Mosaico Nº 17”, “Billo y su música” y “Fin de año”.

1966. “La renga”.

1967. “Canto a Caracas”.

NOTA: Todos estos discos fueron grabados por Fonograma, Venezuela.

3. Como solista

1967. “José Luis...¡Favorito!”. Velvet.

1968. “Lo Romántico de José Luis”. Velvet.

1969. “Grito al mundo”. Velvet.

1969. “José Luis Rodríguez”. CBS Columbia Internacional (México).

1970. “El Guía”. Top Hits (Venezuela).

1972. “El hombre en la cima”.Top Hits (Venezuela).

1975. “De América”.

Top Hits (Venezuela).

1976. “Una Nueva Canción”. Salvation Records (Puerto Rico).

1977. “Los temas de mis telenovelas” Top Hits (Venezuela) y “Una canción de España” RCA (España).

1978. “Por si volvieras” RCA (España).

1980. “Me vas a echar de menos” y “Disco Sencillo” (45 RPM) RCA (España) 1982. “Dueño de nada” CBS Columbia (España) y “Dono Do Nada” CBS Columbia (Brasil).

1983. “Ven” CBS Columbia (España) y “Te Ofereço Esta Cançāo”Sony Music/Columbia (Brasil) 1984. “Due Come Noi” Sony Music/Columbia (Italia) y “Voy a conquistarte” CBS Columbia Internacional (EE.UU.).

1985. “Voglio Conquistarti”. CBS Columbia (Italia) y “El último beso” CBS Columbia (España).

1987. “Señor corazón”. Polygram International Publishing Inc. (EE.UU.).

1988. “Señora Bonita”. Polygram International Publishing Inc. (EE.UU.).

1989 “Tengo derecho a ser feliz “.Polygram International Publishing Inc. (EE.UU.).

1990. “Esta vez”. CBS Columbia Internacional (EE.UU.).

1991. “El Puma en Ritmo”. Sony Music International (EE.UU.) 1992. “Piel de hombre”. Sony Music International (EE.UU.).

1994. “Razones Para Una Sonrisa”. Sony Music International (EE.UU.).

1997. “Inolvidable”. Sony Music (EE.UU.).

1999. “Inolvidable II: Enamorado De Ti” y “El Puma En Ritmo II: Fiesta”.

Sony Music (EE.UU.).

2001. “Inolvidable III: Algo Contigo”. Sony Music (EE.UU.).

2002. “Champagne “. Sony BMG Music (EE.UU.).

2003. “Clave de amor”. Sony BMG Music (EE.UU.).

2005. “Distancia (Sabor A México)”.Universal Music Latino (EE.UU.) y “15 Éxitos de José Luis Rodríguez”. Líderes Entertainment Group (EE.UU.).

2006. El Puma Rodríguez Homenajea a José Alfredo Jiménez”.Elpuma.com (EE.UU.).

2007. “Trópico”. Sony BMG Music (EE.UU.) y “Homenaje a José Alfredo Jiménez”. Sony BMG Music (EE.UU.).

2008. “Interpreta a Manuel Alejandro”. Sony BMG Music (EE.UU.).

2009. “Mi amigo El Puma”.

Sony BMG Music (EE.UU.).

2014. “Directo al espíritu”. InnerCat Music Group (EE.UU.).

4. Recopilaciones analógicas y digitales

1965. “Nuestro balance”. Fonograma (Venezuela).

1966. “Voces de Billo, volumen 1: José Luis, el galán cantante”. Fonograma (Venezuela).

1977. “Boleros de siempre”. Velvet (Venezuela).

1981. “Cantando éxitos de siempre”. CBS Columbia (Venezuela).

1985. “El ídolo en Europa – Sus éxitos en portugués e italiano”. CBS Columbia (Venezuela) y “14 auténticos éxitos”. Top Hits (Venezuela).

1995. “Boleros de siempre”. Velvet Música de Venezuela.

1997. “Qué quiere esa música esta noche”. Velvet música de Venezuela.

1999. “Serie 32: José Luis Rodríguez, mis primeros boleros con Billo's Caracas Boys”. Universal Music (Venezuela).

2002. “Serie de autores, volumen 1: Manuel Alejandro”. “Serie de autores, volumen 2: Manuel Alejandro”, Serie de autores, volumen 3: P. Herrero/J.L. Armenteros”, “Serie de autores, volumen 4: Chema Purón” y “Serie de autores, volumen 5: Chema Purón”.

BMG US Latin (EE.UU.) 2004. “Best Of Jose Luis Rodriguez: Ultimate Collection”. BMG US Latin (EE.UU.).

2006.

2007.

2010.

2011.

2015.

“Canciones de amor”. Sony Discos (EE.UU.).

“La historia del Puma”. Sony BMG Latin (EE.UU.).

“Dos clásicos”. Sony Music Latin (EE.UU.).

“Mis favoritas: José Luis Rodríguez”.Sony Music Latin (EE.UU.).

“Ti propongo”.

Fuentes https://www.youtube.com noticiaaldia.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

MARCO ANTONIO MUÑIZ Nació el 3 de marzo de 1933 en Guadalajara, Jalisco, México.

Cantante del bolero ranchero especialmente. Voz de barítono.

Se le conoció como "El Embajador del Romanticismo" y "El Lujo de México".

Desde que su hermano José Muñiz lo presentó a gente relacionada con el ambiente artístico desarrollo su talento musical.

Formó parte del coro en una iglesia de su pueblo y de varias agrupaciones musicales.

Muy joven decidió marcharse a Ciudad de México y trabajó como portero en la emisora radial XEW y posteriormente fue asistente parcial de los cantantes Libertad Lamarque y Benny Moré, entre otros.

En sus comienzos se presentaba en uno de los cabarets más conocidos de la capital mexicana, “La Bandida”, con su trío “Los Brillantes”. Allí conoció a Juan Neri y Héctor González quienes tocaban en el “Trío Culiacán”. Un día –se lee en Wikipedia. La enciclopedia libre- el tercer integrante del trío no llegó por lo que Muñiz se ofreció a suplirlo por ese día alegando saber tocar guitarra, lo cual era falso. Al llegar a la serenata, Muñiz confiesa y sus compañeros lo reprenden, pero ya no había nada que hacer y no quedaba otra alternativa que darle un par de maracas para que acompañara mientras hacía la tercera voz. El atrevimiento valió la pena pues Neri y González quedaron sorprendidos con el estilo, originalidad y dulzura en la voz de Muñiz.

Esta agrupación pasó a llamarse después “Trío Los Ases” y con él grabó ocho discos de larga duración.

Al separarse del trío en 1959 comenzó su carrera como solista con los temas “Luz y Sombra” y “Escándalo”, presentándose en el “Teatro Blanquita” de Ciudad de México.

En 1965, ya como solista reconocido y consolidado, le dio comienzo a una gira tras otra que lo llevaron a los escenarios más importantes de Latinoamérica, Estados Unidos y España, con temas exitosos como “Adelante”, “Compréndeme”, “Capullito de Alhelí” y “Por amor”, entre muchísimos otros.

Discografía escogida "Marco Antonio Muñiz con Los Trovadores Caribe".

"Corazón Maldito".

"Mi Novia es Guadalajara".

"Marco Antonio Muñiz - La Serenata del Siglo, con La Rondalla Tapatía".

"Interpreta A Gonzalo Curiel y Gabriel Ruiz Galindo”.

"Salsa, la Manera de Marco Antonio", con el cual incursionó en la música tropical.

"Mi Borinquen Querido", un homenaje a la música autóctona puertorriqueña.

Sobre este álbum cabe destacar que en Puerto Rico fue tal su fama que el cantante estadounidense de origen puertorriqueño Marc Anthony lleva por nombre real Marco Antonio Muñiz, ya que sus padres lo bautizaron así como un homenaje al cantante mexicano.

"Homenaje a Pedro Infante".

"Homenaje a José Alfredo Jiménez".

“Incontenible”, con los temas que dio nombre al álbum; “¿Qué es lo que pasa?”, “Repetición”, “Sólo amor” y “Obscuridad, que tuvo arreglo, dirección y acompañamiento de las orquestas de Chucho Zarzoza, Chucho Ferrer y Chucho Rodríguez, acompañado al piano por Mario Ruiz Armengol.

“La noche de tu partida”, disco sencillo de 45 rpm grabado con el músico, cantante y compositor venezolano Oswaldo Oropeza en 1965 cuando conoció la música típica venezolana.

“Suerte”, con el respaldo del conjunto de Oswaldo Oropeza y del director de orquesta y compositor Aníbal Abreu.

"Venezuela en la música de Juan Vicente Torrealba". Data de 1967.Sin embargo, puesto que la empresa grabadora que tenía contratado a Torrealba le impedía respaldar a Muñiz, quien grababa para RCA Victor y tampoco el artista mexicano podía grabar para la disquera de aquél, la solución encontrada por la empresa discográfica venezolana Hermanos Antor, licenciataria en ese tiempo de RCA Victor, fue contratar al conjunto "Los Hermanos Chirinos" que grababa para la primera de estas empresas y al arpista Henry Rubio, integrante del grupo de Torrealba. Curiosamente, la versión digital de esta histórica grabación sólo se vende en Colombia.

"Serenata en Venezuela" de música romántica y tradicional venezolana, álbum bajo la dirección y arreglos de Daniel Milano Mayora y producción de Freddy León, cuyas pistas habrían sido originalmente realizadas para que las usara Alfredo Sadel, el cual no estuvo presente en el país en el momento de efectuar la grabación, Freddy León le pide a Muñíz que grabe el disco a lo cual él replica que no conocía el repertorio venezolano del disco. Siendo convencido por León y haciendo gala de su profesionalismo y pericia artística lo grabó en una noche. Fue un éxito de ventas en 1969.

"Marco Antonio Muñiz: Grandes Éxitos Cantándole a Venezuela".

Fuentes http://www.buenamusica.com Wikipedia. la enciclopedia libre. www.marcoantoniomuniz.com.mx

CHAVELA VARGAS María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, su nombre de pila, nació en San Joaquín de Flores, Heredia, Costa Rica, el 17 de abril de 1919 y falleció en Cuernavaca, Morelos, México, 5 de agosto de 2012. Fue llamada “La Dama del Poncho Rojo”.

Además de cantante de música ranchera y bolero, fue compositora.

Sitio web: Chavela Vargas Official.

A los 17 años se residenció en México, cuya nacionalidad adoptó después, y a los 30 se hizo cantante profesional, de algún modo, apadrinada por el compositor y cantante José Alfredo Jiménez, de quien era compañera de parrandas.

Fue amiga de los pintores Diego Rivera y Frida Kahlo, en cuya casa vivió, Pablo Picasso, Pablo Neruda, Carlos Fuentes, Carlos Monsivais, Juan Rulfo, López Michelsen, Agustín Lara, Alfonso Camín, Nicolás Guillén, Juan Carlos del Valle y Gabriel García Márquez, con quien cenaba una vez al año en cualquier lugar del mundo donde se encontraran.

Y en el mundo de la música fue muy cercana a José Alfredo Jiménez, Agustín Lara, Tomás Méndez, Álvaro Carrillo, Cuco Sánchez, Facundo Cabral, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Víctor Manuel, Juan Gabriel, Sara Baras, Buika, Eugenia León, Martirio, María Dolores Pradera y Lila Downs, entre otros.

Publicó su primer álbum en 1961.

El director español Pedro Almodóvar incluyó canciones interpretadas por ella en varios de sus filmes y alcanzó un importante éxito con el bolero de Agustín Lara "Piensa en mí".

En la película Babel,de Alejandro González Iñárritu, cantó el bolero de Frank Domínguez "Tú me Acostumbraste".

Joaquín Sabina y Álvaro Urquijo, en su disco “Los Secretos”, compusieron en su honor, en 1994, una de sus canciones más conocidas: "Por el Bulevar de los Sueños Rotos".

A mediados de 2001, ofreció un multitudinario concierto en el Zócalo de la Ciudad de México, al cual asistieron medios de prensa del país y sus seguidores, que la ovacionaron y cantaron con ella las canciones más conocidas de autores mexicanos como: “Piensa en mí”, “Macorina”, “María Tepozteca”, “Las Ciudades”, “La bien pagá” y “Un mundo raro”, entre muchas otras.

Interpretó también exitosamente en otros momentos de su actividad profesional los boleros “Luz de luna”, “El preso número 9”, “Vámonos”, “Sombras”, “Volver, volver”, “Que te vaya bonito” y “Arráncame la vida”, entre muchos otros.

Los temas “María Tepozteca” y “Noches de Ahuatepec” son de su autoría.

Reconocimientos

2000. Dama Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica.

2007. Fue distinguida con el Premio a la Excelencia Musical de la Academia Latinoamericana de las Ciencias y Artes de la Grabación. Medalla de Oro Universidad Complutense de Madrid. Medalla al mérito de la Universidad de Alcalá de Henares. Huésped de Honor de Buenos Aires, Argentina 2009. Con motivo de su 90º aniversario, el Gobierno de la Ciudad de México le rindió un homenaje nombrándola Ciudadana Distinguida.

Discografía incompleta 1963. Chavela Vargas "RCA".

1966. “Noche Bohemia”.

1967. Chavela Vargas "Orfeón".

1991. “El corrido hablado”, “Piensa en mí” y “Boleros” 1993. Colaboró en la banda de sonido de Kika con “Luz de luna”.

1994. “Macorina”.

1995. “Sentimiento de México” (vol. 1); “De México y del mundo” y “Le canta a México”. Colaboró también en la banda de sonido de “La flor de mi secreto” con “En el último trago”.

1996. “Volver, volver”, “Dos” (álbum) y “Grandes momentos”.

1997. “Chavela Vargas”. Colaboró EN la banda de sonido de “Carne trémula· con “Somos”.

1999. “Colección de oro”.

2000. “Con la rondalla del amor de Saltillo”, “Para perder la cabeza” y “Las 15 grandes de Chavela Vargas”.

2001. “La dama del poncho rojo”.

2002. “Grandes éxitos”, “Para toda la vida” y “Discografía básica”.

2004. “Antología”, “Somos”, “Chavela Vargas”, “En Carnegie Hall” y “La llorona”.

2007. “Cupaima”.

2010. “¡Por mi culpa!”.

2012. “La Luna Grande”.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

JAVIER SOLÍS Gabriel Siria Levario, su nombre real, nació en Ciudad de México el 1 de septiembre de 1931 y falleció allí mismo el 19 de abril de 1966.

Fue llamado “El Rey del Bolero Ranchero”.

Además de cantante, fue actor fílmico.

Su vocación artística se mostró prematuramente en las escuelas de Tacubaya, donde solía participar como cantante en los festivales escolares.

Sus primeras actuaciones fueron como intérprete de tangos, en lugares públicos de espectáculos conocidos como carpa.o fue David Lara Ríos, propietario de una de las carnicerías donde trabajó para subsistir, quien al descubrir sus habilidades interpretativas decidió pagarle clases de canto con el maestro Noé Quintero, quien había sido maestro de vocalización de cantantes reconocidos para la época.

Integró primero el “Dúo Guadalajara” y luego el “Trío Flamingo”, llamado después “Trío México”, con sus amigos Pablo Flores y Miguel Ortiz Reyes.

Del tango pasó a ser intérprete solista de música ranchera cantando durante las noches con grupos de mariachis en la Plaza Garibaldi y en la calle Honduras, en la capital mexicana.

Después cantó en los restaurantes El Tenampa y el Guadalajara de Noche, donde se hacía acompañar del “Mariachi América”, de Alfredo Serna. Como no tenía sueldo fijo, sus ingresos provenían de las propinas que recibía.

Mientras cantaba en la Plaza Garibaldi el general Rafael Ávila Camacho lo contrató junto al mariachi “Metepec” por un año para actuar en Atlixco, en el estado de Puebla. Fue su primera gira como Javier Luquín.

Hacia 1950 grabó sus primeras creaciones, “Punto negro”, “Tómate esa copa”, “Virgen de barro” y “Te voy a dar mi corazón, producidas con el “Trío Los Galantes”, en un pequeño estudio de grabación destinado a artistas aficionados, perteneciente a la sala de cine Cinelandia de Ciudad de México.

Estas grabaciones las entregó como tarjeta de presentación en Discos Columbia de México (hoy filial mexicana de Sony Music), que lo contrató en enero de 1956. Esta empresa discográfica incluiría las dos últimas en el LP Homenaje a Javier Solís, editado en 1990, y Punto negro aparecería en el triple LP 36 Éxitos de Javier Solís, que se distribuyó en el mercado en 1969.

A principios de 1955 fue contratado para cantar en el Bar Azteca, donde permaneció por espacio de 4 años. Fue allí donde, a sugerencia de su amigo Manuel Garay, cambiaría su seudónimo por Javier Solís, con el cual lograría la fama artística.

A mediados de ese mismo año lo escuchó cantar en el local Julito Rodríguez, en ese entonces guitarrista y primera voz del “Trío Los Panchos”, quien lo recomendó para una audición con Felipe Valdés Leal, quien era director artístico de Discos Columbia de México.

Ahora convertido en Javier Solís, resultó aprobado en la audición y se le hizo un contrato para grabar su primer sencillo a fines de 1955. Se incluyeron los temas “Qué te importa” y “Por qué negar”, que alcanzó éxito en el interior del país, gracias al cual fue contratado formalmente el 15 de enero de 1956.

Y aunque su carrera duró solamente diez años, grabó 379 canciones y se convirtió en uno de los cantantes más famosos de la historia en México.

En 1959, durante su primera gira promocional hacia Estados Unidos, la disquera preparó un álbum de valses de origen mexicano en el cual el acompañamiento no sería efectuado con mariachis sino con una banda sinfónica conformada por músicos mexicanos y estadounidenses con arreglo y dirección del músico Fernando Zenaido Maldonado. El álbum, titulado “Javier Solís con banda”, fue grabado en los estudios de Columbia Records en Nueva York, en uno de los primeros trabajos de grabación multipista llevados a cabo por artistas latinoamericanos.

Esa producción fue digitalizada en 1963. La disquera tomó la pista de voz de la grabación y sustituyó el acompañamiento de banda con el del “Mariachi Nacional” de Arcadio Elías. El álbum resultante se denominó “Valses Mexicanos”, que al ser digitalizado se titularía “Valses”.

En 1960, en una nueva gira en Estados Unidos, emprendió un proyecto muy diferente pues grabó boleros con acompañamiento de orquesta de estudio dirigida por quien después sería su amigo, el músico estadounidense Chuck Anderson. Este álbum fue denominado “Javier Solís en Nueva York”.

Entre 1962 y 1963 grabó dos de sus discos más célebres, “Fantasía española” y “Trópico, con canciones del compositor Agustín Lara, convirtiéndose así en uno de sus mejores intérpretes.

Homenajes discográficos Durante un tiempo, CBS Columbia (México) se limitó a reeditar en formatos LP y casette los trabajos anteriores de Solís, hasta que en 1971 la disquera aceptó la propuesta de unir la voz del artista a la de las voces y guitarras del Trío “Los Panchos” en el álbum “Dos ídolos cantando juntos”. En este disco, fue respetado el estilo original de las grabaciones por lo cual, el acompañamiento con mariachis permaneció en todas las interpretaciones.

Poco después, CBS empezó a presentar álbumes de compilación en los cuales fueron incluidas paulatinamente, en los años siguientes, aquellas interpretaciones que se mantuvieron inéditas a la muerte de Solís. Luego, hacia 1982 el mexicano Gerardo Reyes unió su voz a la del intérprete fallecido, en el LP “Javier Solís y Gerardo Reyes juntos”, pero este tuvo escasa trascendencia internacional, ya que Reyes no era muy conocido fuera de México.

En 1994, la misma disquera convenció a la cantante estadounidense Vikki Carr de grabar un homenaje titulado Recuerdo A Javier Solís, en el cual la artista incluyó un dúo en el tema Amanecí en tus brazos con arreglos de Chuck Anderson, amigo entrañable de Javier Solís. Por su parte, en el año 2001, la filial venezolana de Sony Music decidió unir la voz de Solís con la de los integrantes de la Rondalla Venezolana en un concepto semejante al del álbum realizado por el Trío “Los Panchos”, en un CD titulado “Javier Solís con La Rondalla Venezolana”.

Finalmente, en 2003, Sony Music México organizó dos homenajes discográficos al artista: en uno de ellos, reunió las pistas inéditas ya mencionadas bajo el título “Las Inéditas de Javier Solís”; y en otro, realizado por el productor discográfico argentino Julián "Pelusa" Navarro, titulado “Javier Solís con trío” (en otros mercados, “Éxitos con trío”) la voz del artista fue separada de su acompañamiento original y este fue sustituido por un acompañamiento de guitarras y ritmos junto a las voces del grupo “Los Nocheros” y el Trío “Los Patricios”, ambos argentinos.

Cronología discográfica 1955. “Por Qué Negar”/”Que te importa” (sencillo).

1957. “Javier Solís” y “Con el Mariachi Perla de Occidente”.

1958. “Canta Javier”, “Añoranzas” y “Hits de Javier Solís”.

1959. “Llorarás, Llorarás” y “Javier Solís con Banda”.

1960. “Lara, Grever, Baena” y “En Nueva York”.

1961. “Enamorado de ti” y “Con Acompañamiento de Mariachi” 1962. “Fantasía Española De Agustín Lara Con Javier Solís” y “El peor de los caminos”.

1963. “Trópico” (Interpreta a Agustín Lara, “Boleros, Boleros, Boleros” y “Prisionero del mar”.

1964. “Romance”, “Valses Mexicanos” y “Un año más sin ti”.

1965. “Y todavía te quiero”, “Payaso” y “Sombras”.

1966. “Javier Solís con orquesta” y “Vida de bohemio”.

Recopilaciones 1967. “Rancheras con Javier Solís”.

1968. “Homenaje Inconcluso a Rafael Hernández y Pedro Flores” y “36 Éxitos de Javier Solís”.

1969. “Sin mañana, ni ayer”.

1970. “Mi pecado, “Las Mañanitas Con Javier Solís”, “Sin Fe y Sin Religión” y “Mi Pecado”.

1971. “Dos ídolos cantando juntos”.

1984. “Temas Inéditos de sus Películas”.

1997. “La Historia de Javier Solís y “Serie De Colección 15 Auténticos Éxitos”.

2001. “Javier Solís con La Rondalla Venezolana”.

2003. “Las Inéditas de Javier Solís” y “Éxitos con Trio”.

2007. “La Gran Colección 60 Aniversario CBS - Javier Solís”.

Fuentes www.buenamusica.com Wikipedia. La enciclopedia libre.

ALCI ACOSTA Alcibiades Alfonso Acosta Cervantes, su nombre de pila, nació en Soledad, Departamento Atlántico, Colombia, el 5 de noviembre de 1938.

Cantautor y pianista. Es uno de los más conocidos compositores y músicos colombianos del bolero.

Estudió piano en Barranquilla, y luego empezó a trabajar como pianista en varias orquestas locales. Su carrera como solista arrancó en 1965 cuando grabó su primer sencillo “Odio gitano”, composición de Cristóbal Sanjuán. Años más tarde tuvo la oportunidad de grabar a dúo con el ecuatoriano Julio Jaramillo varias canciones entre las cuales hay otra versión de “Odio gitano y “Dos rosas”.

Realizó giras artísticas en México, Venezuela, Perú y Ecuador, donde es recordado con gratitud por haber grabado con Julio Jaramillo.

En la época de las rockolas en las cantinas de ese país había al menos cinco de sus éxitos.

Grabó su producción con Tropical, Sonotone Latino, Musical Productions, Codiscos y Discos Fuentes.

Entre sus grandes éxitos aparecen los títulos “La copa rota“, “Traicionera”, “El contragolpe”, “Si hoy fuera ayer”, “El último beso”, “Yo la maté”, “Cierra los ojos y juntos recordemos”, “Amor gitano”, “El preso Nº 9”, “Niégalo todo”, “Gota a gota”, “No renunciaré”, “Niégalo todo”, “Periódico de ayer”, “Esa mujer”, “Tango negro”, “Mi querido cascarrabias”, “La cama vacía” y “La Cárcel de Sing Sing”, uno de los boleros más sonado en Perú, país donde algunos de sus temas han sido utilizados para crear ciertos ambientes en las películas “Pantaleón y las Visitadoras”, “Django, la otra cara” y otras.

En 2006, en El Salvador, compartió escenario con Leo Dan. Discografía 1965. “Son Recuerdos”.

1991. “Su Piano y su Voz” y “Reminiscencia y Otros”.

1992. “Mis Mejores Canciones”.

1995. “Románticos de Siempre” , “Éxitos de Siempre” y “Trago Amargo”.

1996. “Éxitos de Alci Acosta” y “Mano a Mano Musical (con Óscar Agudelo).

2006. “Bendigo El Licor” y “Mano a Mano de Ídolos (con Rodolfo Aicardi).

2007. “Sólo Hits”.

2008. “2 Grandes de Siempre” (con Julio Jaramillo).

2011. “Para Los Bohemios”.

Fuentes https://www.youtube.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

MILTINHO Milton Santos de Almeida, su nombre real nació en Rio de Janeiro, Brasil, el 31 de enero de 1928 y falleció en la misma ciudad el 7 de setiembre de 2014.

Además de samba, interpretó bolero.

Grabó con las disqueras Odeon, RCA Victor y RGE. Comenzó su carrera en la década de 1940 como miembro de los grupos vocales “Los Ángeles del Infierno” (que llegaron a viajar a los Estados Unidos después de Carmen Miranda), “Luna de San Valentín”, “Cuatro Ases y un Comodín” y “Millonarios Ritmos”.

En 1960 lanzó su primer disco en solitario, "A New Astro", al que siguió "Mujer de 30", con mucho éxito de venta, y la recepción de varios premios.

Registró más de cien discos.

Fue conocido como “El Rey del Fraseo”, tras su paso por la orquesta “Billo's Caracas Boy”.

Interpretó exitosamente los boleros “En un rincón del alma”, “Cuando estemos viejos”, “Amor de pobre”, “Pecadora”, “Quien yo quiero, no me quiere”, “Una palabra de cariño”, “Dedo de guante”, “Recuerdos”, Abrázame”, “El malquerido”, “Rocío”, “Dulce veneno”, “El hombre y la mujer” y “Cabellos blancos”, entre otros.

En los dos CD “Los Mas Grandes Éxitos” fue recopilado parte de su extenso repertorio bolerístico.

El número 1 constó de los temas “Recuerdos”, “Por que no te vas”, “Del mismo barrio”,”Boda gris”, “Levanta la frente”, “Poema de las manos”, “El malquerido”,”Quien yo quiero no me quiere”, “El Diablo y yo”, Por que no te quedas”, “Juramentos” y Humo y licor”, y el segundo, “Ta bien”, “Que quieres tú de mi”, “Olvídame”, “Que sabes tú de mi”, “Como puedes”, “Veinte años”, “El divorcio”, “Por que mujer”, “Otra copa”, “Delirando”, “Dulce veneno” y “Nada vas a lograr”.

La muerte El lunes 8 de septiembre de 2014 Elpais.com.co reseñó su muerte, ocurrida el día anterior, en los siguientes términos: Brasil despidió al gran bolerista 'Miltinho' 'Miltinho', el intérprete de boleros y samba, padecía problemas respiratorios y estaba internado en un centro médico Milton Santos de Almeida, más conocido como 'Miltinho' o 'Miltiño', sambista y bolerista, murió el domingo a los 86 años en Río de Janeiro, Brasil.

El intérprete de éxitos como 'Cuando estemos viejos', 'Amor de pobre' y 'Dedo de guante' sufrió un paro cardíaco en el Hospital do Amparo, en la zona norte de Río

de Janeiro. El cantante estaba internado desde hacía dos meses por problemas respiratorios en ese centro médico.

'Miltinho' fue conocido en los países de América Latina como el 'Rey del Fraseo', tras su paso por la orquesta venezolana Billo's Caracas Boy. El velorio del artista se realizó en la Capilla 3 del Memorial do Carmo, en la Zona Portuaria de Río de Janeiro.

Aunque para el resto de América 'Miltinho' era un intérprete de boleros, y recordado por compartir con boleristas como el cubano Bienvenido Granda, en su país fue reconocido por la samba, ritmo con el que grabó junto a Elza Soares, Chico Buarque, Ed Mota, Martinho da Vila y Zeca Pagodinho.

'Mulher de trinta', una samba grabada en los años sesenta, le trajo reconocimientos y varios premios, además de llevarlo al cine para actuar junto al humorista Mazzaropi.

'Miltinho', nacido en 1928, comenzó su carrera musical en la década del cuarenta integrando, junto a otros estudiantes cariocas, el grupo Cancioneiros do Luar, que participó en la Radio Tupí del programa del consagrado Ary Barroso.

En los años sesenta, el brasileño viajó a varios países del Caribe y formó parte de la orquesta Billo's Caracas Boy, la más famosa de Venezuela, que en esa época competía en la región con la cubana Sonora Matancera.

Temas como 'En un rincón del alma', 'Quien yo quiero no me quiere', 'Rocío', 'Humo y licor', catapultaron a 'Miltinho' al éxito en los países latinoamericanos.

Su hija, Sandra Vergara, comentó a medios internacionales que el intérprete se había retirado desde hacía cuatro años de los escenarios después de ser diagnosticado con Alzheimer.

Fuentes Elpais.com.co Wikipedia, la enciclopedia libre.

ROBERTO CARLOS Roberto Carlos Braga, su nombre de pila, nació en Cachoeiro de Itapemirim, Brasil, el 19 de abril de 1941.

Cantante, compositor, pianista y guitarrista.

Se le conoce como “El Rey”, “El Rey de la Canción Romántica” y “El Rey de la Música Latina”.

Sitio web: robertocarlos.globo.com Es uno de los artistas latinos que más discos ha vendido en todo el mundo, más de 100 millones de copias.

Fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial.

En 1989 ganó el Grammy como mejor intérprete de pop latino gracias a la canción “Si el amor se va”.

Por muchos años se convirtió en el único cantante latinoamericano que había ganado el Festival de la Canción de San Remo en Italia Varios de sus temas fueron grabados por artistas como Julio Iglesias, Caravelli y Ray Conniff.

En 1970, hizo una exitosa serie de conciertos en Canecão del cual produjo un álbum con éxitos como “Hannah” y “Jesucristo”, canción que también marcó su acercamiento a la religión.

El siguiente año apareció su álbum "Roberto Carlos", disco contentivo de los éxitos “Detalles”, “Amada amante”, “Todos son sordos”, “Por debajo de los rizos de su pelo” y “Dos Dos”.

En 1972), resonaron “The Mountain” y “Cuando los niños dejan las fiestas”, el primero de sus l.p. en alcanzar el hito de un millón de copias vendidas.

El álbum Roberto Carlos (1973) trajo los éxitos “Rutina” y “Propuesta”.

El 24 de diciembre de 1974, Globo transmitió un especial del cantante, y obtuvo enormes niveles de audiencia. A partir de ese año, el programa se emitía cada fin de año.

En 1975 el gran éxito fue “Más allá del horizonte”. Y el año siguiente, el cantante grabó un l.p. nuevo en los estudios de CBS en Nueva York con los temas “Ilegal, inmoral o engorda” y “Los botones”.

En 1977 vio la luz “Demasiado romántica” y Ride, lanzó el “Álbum de Navidad”, que alcanzó los primeros lugares en las listas de éxitos.

El siguiente año fue la aparición del álbum con los famosos temas “Desayuno”, “Fuerza extraña” y “Lady Laura”, dedicado a su madre, cuyas ventas ascendieron a 1.500 000 copias.

Y cuando visitó México en 1979, el Papa Juan Pablo II fue recibido con la canción “Amigo”, de su autoría, cantado por un coro de niños. El evento se transmitió en vivo para cientos de millones de personas en todo el mundo.

En 1981 realizó giras internacionales y grabó su primer álbum en inglés; los demás serían en español, italiano y francés. También grabó el disco anual, que incluía éxitos como “Emociones”, “Cama” y Mesa” y “Ballenas”.

Tres años después su canción “Los camioneros se oyó más de tres mil veces en la radio en su país en un solo día, y el año siguiente “Verde y amarillo” sonó tres mil quinientas veces.

En 1985 participó en la campaña para ayudar a los niños en América Latina con "Cantaré, Cantarás" junto a Julio Iglesias, José Feliciano y Plácido Domingo entre otros.

En 1989 ganó el Grammy de la categoría de "Best Latin Pop Album"(Mejor álbum de pop Latino) y encabezó la lista de la Billboard Latina. Igualmente tuvo un gran impacto con “Amazonas”.

En 1992 grabó su nombre en el Paseo de la Fama de Miami (Estados Unidos) para artistas latinoamericanos y dos años después logró vencer a The Beatles en ventas en América Latina con más de 70 millones de discos.

En 2001 rompió su contrato con Sony (antigua CBS-Columbia) después de 40 años juntos y al año siguiente ofreció un concierto para 200 000 personas en el Parque Flamengo, en Río de Janeiro.

En 2010 recibió el premio de la Sony Music en Nueva York por sus 100 millones de discos.

En noviembre de 2015 fue reconocido como Persona del Año por parte de la Academia Latina de la Grabación (Latin Grammy).

Entre sus éxitos se encuentran “El cacharrito”, “Jesus Cristo”, “Un millón de amigos”, “Amada amante”, “Que será de ti”, “Propuesta”, “Canzone per te”, “Un gato en la oscuridad”, “Detalles”, “El progreso”, “Amigo”, “Lady Laura”, “Desahogo”, “No te apartes de mi”, “Amantes a la antigua”, “Cama y mesa”, “Emociones”, “Cóncavo y convexo”, “Símbolo sexual”, “Desde el fondo de mi corazón”, “Apocalipsis”, “Nuestro amor”, “Piel Canela”, “Si el amor se va”, “Mis amores”, “Si me vas a olvidar”, “Amor sin límites”, “Negra”, “Mujer pequeña”,"Abre las ventanas al amor", "Namoradinha de un amigo meu" y "Eu daria a minha vida", sin contar la cantidad de éxitos conseguidos en Brasil que no entraron al mercado hispano por no ser traducidos al español, que suman más de 250.

“El Blog del Bolero” publicó como sus temas más importantes los títulos “Soy feliz”, “Tengo ganas de un beso”, “Así, así”, “Está sellado”, “Mi último fracaso”, “Qué divino”, “Como un perro”, “La paz en tu sonrisa”, “Mi querido viejo, mi amigo”, “Amigo”, “Amor eterno”, “Amado amante”, “Amante a la antigua”, “Un millón de amigos”, “Desahogo”, “Cama y mesa”, “El amor se va”, “La distancia”, “Que será de ti”, “Camionero”, “El gato que está triste y azul”, “Mujer pequeña”, “Por ella vivo”, “Palabras”, “Una palabra amiga”, “Niña”, “Te dije adiós”, “Símbolo sexual”, ”Traumas”, “Contradicciones” y “Mi cacharrito”.

El portal http://www.last.fm/es por su parte dio los siguientes títulos como los más importantes del intérprete: “La distancia”, “Emociones”, “Detalles”, “Jesucristo”, “Un millón de amigos”, “El día que me quieras”, “Que será de ti”, “Propuesta”. “Amada amante”, “Cama y mesa”, “Desahogo”, “Si el amor se va”, “Desayuno”, “No te apartes de mí”, “Luz divina”, “Amigo”, “Lady Laura”, “Mujer

pequeña”, “La montaña”, “Amante a la antigua”, “Abrázame así”, “Esta tarde vi llover”, “Por ella”. “Tengo que olvidar”, “El amor y la moda” y “Camionero”.

Cronología discográfica 1959. “Joāo e Maria/Fora do Tom” (single 78 PRM).

1960. “Si me vas a olvidar” (single 78 RPM).

1961. “Louco Por Você”.

1962. “Fim de amor/Malena” y “Susie/Triste e abandonado”. (Single 78 RPM).

1963. “Splish Splash”.

1964. “És Proibido Fumar” y “Canta a la Juventud”.

1965. “Canta Para a Juventude” y “Jovem Guarda”.

1966. “Eu Te Darei O Céu”).

1967. “Em Ritmo de Aventura”.

1968. “Canzoni per te”, “A Che serve Volare”, “Un Gatto nel Blu” y “O Inimitável”.

1969. “As Flores do Jardim da Nossa casa”.

1970. “Pedro e o Lobo”, Jesus Cristo”, “Jesus Cristo” (en italiano); “Jesuschrist” (sencillo en inglés); “Jesucristo” (4 sencillos en español) y “Confía en mi”.

1971. ”Detalhes”.

1972. “Un gato en la oscuridad” y “À Distância...”.

1973.”La distancia” y “A Cigana”.

1974. “El día que me quieras”, “Despedida” y “Despedida” (en español).

1975. “Quero Que Va Tudo Pro Inferno”, “Quiero que vaya todo al infierno” (en español); “Quiero verte a mi lado” y “Testardo io” (en italiano).

1976. “San Remo 1968”, 1976 - Tu cuerpo 1976 - Roberto Carlos («Ilegal, Imoral ou Engorda») 1976. “Ilegal, Imoral o Engorda”, en español con los temas “El progreso”, “La niña y el poeta”, “Un modo estúpido de amar”, “Eres reservada”, “Los botones”, “Necesito llamar tu atención”,” Ilegal, inmoral o engorda”, “Mi tía”, “Tú en mi vida” y “Por motivo de fuerza mayor”.

1977. “El progreso”, “Io, l'amore e la mia solitudine”, “Amigo”, “Amigo” (en español) y “Amico” (en italiano).

1978. “Fe” y “Cavalcata” (en italiano).

1979. “Meu Querido, Meu Velho, Meu Amigo” y “Mi querido, mi viejo, mi amigo”.

1980. “A Guerra dos Meninos” y “La guerra de los niños”.

1981. “Ele Está Prá Chegar”, “Las ballenas” (en español); “From Brasil with Love” y “Emociones”.

1982. “Amiga”, “Amiga” (en español); “Amiga” y “La Guerre des Grosses/C'est le fini il-faut se dire adieu” (sencillo en francés).

1983. “Ca Ressemble d'l Amour/Et puis ca Commence (sencillo en francés) y “O Amor é a Moda”.

1984. “El amor y la moda” y “Coração”.

1985. “Corazón”, “1987-87”, “Verde e Amarelo”, “Verde y amarillo” (en español) y “1986 – 86”.

1987. Apocalipse” y “Tô Chutando Lata”.

1988. “Volver”, “Se Diverte e Já Não Pensa em Mim” y “Ao Vivo”.

1989. “Sonríe” y “Amazônia”.

1990. “Pájaro herido” y “Super Herói”.

1991. “Por ella” y “Todas as Manhãs”.

1992. “Você É Minha”.

1993. “Mujer pequeña” y “O Velho Caminhoneiro”.

1994. “Alô”.

1995. “Amigo Não Chore Por Ela”.

1996. “Mulher de 40”.

1997. “Canciones que amo”.

1998. “Meu Menino Jesus”.

1999. “Mensagens”, “Grandes Sucessos” y “30 grandes canciones”.

2000. “Amor Sem Límite”.

2001. “Acústico”.

2002. “Ao Vivo” (“Seres Humanos”).

2003. “Pra Sempre”.

2004. “Pra Sempre Ao Vivo No Pacaembu”.

2005. “Promessa”.

2006. “Duetos” 2007. “Roberto Carlos en vivo” (CD+DVD) (recital Grabado en Miami en mayo de 2007).

2008. “Roberto Carlos e Caetano Veloso e a música de Tom Jobim” (recital grabado en São Paulo en conmemoración de 50 años de la Bossa Nova).

2009. “Elas Cantam Roberto Carlos” (grabado en vivo con artistas brasileños el 26 de mayo de 2009 en el Teatro Municipal de São Paulo).

2010. “Emoções Sertanejas” (colaboraciones con cantantes sertanejos).

2011. “Roberto Carlos Em Jerusalém” (en vivo grabado en Jerusalem).

2012. “Esse Cara Sou Eu” (álbumes de inéditas con 4 canciones).

2013. “Reflexoes” 2014. “40 Anhos Juntos” 2015. “Primera Fila (Abbey Road) & Detalhes”.

Fuentes http://www. elblogdelbolero.wordpress.com http://www.last.fm/es Wikipedia, la enciclopedia libre.

SIMONE Simone Bittencourt de Oliveira, su nombre real, nació en Bahía, Brasil, 25 de diciembre de 1949.

Canta en su idioma original, el portugués, y español Sus éxitos más conocidos son "La hiedra", “Quiero amanecer con alguien” y “Mi amor”.

Discográficas: EMI, Sony BMG / CBS Universal / PolyGram, Biscoito Fino y EMI-Odeon Hizo su primera prueba de grabación en 1972 en los estudios Odeón de São Paulo, siendo contratada ese mismo año.

En 1976 grabó la canción “O”, que se convirtió en el tema principal de la película “Doña Flor y sus dos maridos”.

El siguiente año dio a la luz el álbum Face a face, considerado por la crítica como uno de los mejores de 1977.

En 1978 lanzó “Cigarra”, su quinto LP, donde incluyó la canción homónima compuesta especialmente para ella por Milton Nascimento.

Su discografía es extensa, y entre sus canciones más conocidas y reeditadas están “Procuro olvidarte” (del compositor español Manuel Alejandro), “Popurrí” (con temas pertenecientes al cantante y compositor mexicano Armando Manzanero) y otros de su compatriota Roberto Carlos.

También cantó a dúo con el cubano Pablo Milanés su canción titulada “Yolanda”, y con Daniela Romo, “Mi amor” (en 1998).

Muchas de sus canciones fueron difundidas en telenovelas brasileñas.

Es una de las artistas más populares de Brasil, con ventas que algunos sitúan en 10 millones de discos vendidos y otros en 15 millones hace algunos años. En la actualidad supera la venta de 100 millones de copias.

En Brasil se ha hecho acredora a 20 Discos de Oro y uno de Platino.

Su éxito se ha extendido a distintos países de América Latina, España y Portugal, donde en 1985 recibió un Disco de Plata por su CD ·”Cristal·, por la venta de 100 mil copias.

Discografía cronológica 1973. “Simone”, “Brasil export” y “Expo som 73: ao vivo”.

1974. “Festa Brasil” y “Quatro paredes”.

1975. “Gotas d’água”.

1977 “Face a face”.

1978. “Cigarra”.

1979. “Pedaços”.

1980. “Simone ao vivo no Canecão” y “Simone” (Atrevida).

1981. “Amar”.

1982. “Corpo e alma”.

1983. “Delírios e delicias”.

1984. “Desejos”.

1985. “Cristal”.

1986, “Amor e paixão”.

1987. “Vício” 1988. “Sedução” 1989. “Simone” (Tudo por amor).

1991. “Raio de luz” y “Procuro olvidarte” (en español).

1993. “Sou eu” y “La distancia” (en español).

1995. “Simone Bittencourt de Oliveira” y “Dos enamoradas” (en español) y “25 de dezembro”.

1996. “Café com leite” y “25 de diciembre” (en español).

1997. “Brasil, O Show” (ao vivo).

1998. “Loca” (en español).

2000. “Fica comigo esta noite”.

2001. “Seda pura”.

2002. “Feminino” (ao vivo).

2004. “Baiana da gema” (en CD y DVD).

2005. “Simone ao vivo”.

2008. “Amigo é casa”, con Zélia Duncan, en vivo (en CD y DVD).

2009. “Na veía” y “O canto da cigarra no anos 70· (en CD).

2010. “Em boa companhia”, en vivo (en CD y DVD).

Fuente Wikipedia, la enciclopedia. Libre.

NELSON NED Nelson Ned D'Ávila Pinto, su nombre real, nació en Ubá, Minas Gerais, Brasil, el 2 de marzo de 1947 y falleció Cotia, São Paulo, el 5 de enero de 2014.

Cantante y compositor. Cantó y grabó en español y portugués.

Fue llamado "El Pequeño Gigante de la Canción".

Se le conoció màs como cantante que como compositor.

Cantó bolero, balada y música cristiana.

Estuvo activo entre 1961 y 2014.

Vendió más de 45 millones de discos durante su carrera artística, iniciada a los 14 años en la Tele Itacolomi, en Belo Horizonte, Minas Gerais, de su natal Brasil, Dos años después la mencionada televisora le ofreció ser el principal conductor en un programa que se llamó: "Gente, el tamaño no importa". Ganó el concurso "Un cantante por un millón" y, cuando menos se esperaba, apareció en São Paulo para presentarse en la "Discoteca la Chacrinha".

En 1960 grabó su primer LP constante de dos temas, "No sabía que estabas tan linda" y "Preludio a la vuelta".

Cuatro años más tarde fue llamado por la disquera Polygram para grabar el LP, titulado “Un Show de 90 Centímetros”.

Luego, en 1968 resultó ganador del Festival de la Canción realizado en Buenos Aires, Argentina con la canción “Todo Pasará”.

En 1970 participó en el Festival de la Canción Latinoamericana, realizado en Nueva York; en 1976, lanzó el álbum "O Poder Da Fé", producida por la grabadora "Celestial" y el siguiente año realizó un trabajo instrumental para la "Orquesta Electrónica de Moog".

Se presentó en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Madison Square Garden y en el salón Megaeventos de México. Internacionalmente y fue el primer artista de América Latina en vender un millón de discos en Estados Unidos, con el éxito “Happy Birthday My Darling” (“Feliz cumpleaños mi amor”) en 1974.

Ganó Discos de Oro y Discos de Platino en Brasil.

En 1993, salió el álbum en CD "Jesús Está Vivo" bajo el sello discográfico "Line Records", que es una grabadora evangélica de Brasil, el primero en ser editado también en español. En 1994, grabó el álbum "Jesús Te Ama", editado por Warner Capell Brasil, siendo su segundo álbum grabado también en español; en 2002, realizó el álbum "Jesus é Vida", su tercer CD traducido al español con el título "Jesucristo es Vida", y en 2004 lanzó su último trabajo de música cristiana llamado "Jesus Ressuscitou" bajo el sello "Zekap Gopel" de Brasil, con el cual prácticamente desapareció de los medios artísticos.

Fuente

Wikipedia, la enciclopedia libre.

OLGA CHORENS Olga Chorens Menéndez, su nombre de pila, nació en La Habana el 7 de febrero de 1924.

Cantante y actriz.

Comenzó a cantar a la edad de 11 años en programas infantiles de “Radio García Serra” y más tarde se presentó en “La Corte Suprema del Arte”, ganando numerosos certámenes hasta poder competir en entre los adultos, convirtiéndose en Estrella Naciente.

En 1951 coprotagonizó junto a su esposo, el modelo y locutor Tony Álvarez, en la televisión de la CMQ el conocido programa “El Show de Olga y Tony”, que se trasmitía en vivo con una orquesta compuesta por artistas de mucho renombre que participaban junto con ellos del show. Todos los huéspedes cantaban siempre en vivo y con el acompañamiento de un coro siempre que fuera necesario. Ambos también cantaban varias canciones durante la emisión del programa.

En 1963 la dictadura de Fidel Castro obligó a la pareja a exiliarse primero en Ciudad de México y más tarde en Miami y Nueva York, Estados Unidos; San Juan, Puerto Rico y Madrid, España.

Formó parte de las orquestas “Río La Plata” y de “La Sonora Matancera”.

Su voz le dio vida al bolero de Demetrio Ortiz y Teresa Márquez “Mis noches sin ti”.

Otros éxitos fueron cosechados con los temas “Linda caleñita”, “Margarita”, “El cha cha cha del tren”, “Volverán las golondrinas”, “Si te pica el alacrán”, Canción de los domingos”, “Ilusión”, “Cuando tú te hayas ido”, “Por que volver”, “Oración en el camino”, “Porque no volverás”, “Concierto divino”, “España madre querida”, “Mil congojas”, “Déjame”, “Padam padam”, “Regalo de viaje” y “Te adoraré” .

Reconocimientos 1999. Olga y Tony recibieron una estrella en el "Camino de la Fama" de la Calle Ocho en Miami, Florida, Estados Unidos.

2008. En octubre 24, se les otorgó a sus seguidores nombrar la avenida 35 sur-oeste, entre las calles 7 y 8, con el nombre de "Avenida Olga y Tony" en la misma ciudad norteamericana.

Fuentes https://www.ecured.cu Wikipedia, la enciclopedia libre.

HUGO ROMANI Francisco Antonio Bianchi, su nombre real, nació en Mendoza, Argentina, el 23 de diciembre de 1919 y falleció el 16 de octubre de 2016.

Cantante de bolero y balada romántica.

Fue llamado “El Señor del Bolero” por ser una de las voces más románticas del género en Argentina.

Sitio web: hugoromani.com.ar A los 18 años comenzó a cantar en su ciudad natal y más tarde llevó su arte por todo Latinoamérica, para triunfar después en Japón y en distintos países europeos.

Se presentó en L.V. 10 de Mendoza, donde estuvo contratado por dos meses para actuar en tres programas por semana de una hora de duración cada uno.

Más tarde viajó a Buenos Aires y trabajó inicialmente en “Radio Splendid” Educado musicalmente en tres meses por el maestro de canto Juan Díaz André, tenor famoso, quien había actuado en el Teatro Colón de Buenos Aires y en otros Teatros importantes de América Latina y el mundo, fue quien lo bautizó artísticamente como Hugo Romani En 1958 dejó de cantar para dedicarse a la producción de televisión y a la contratación de artistas. Pero en 2005, a la edad de 86 años, volvió volvió a grabar un disco.

De él es el siguiente texto: “Moriría si me quedo quieto, por eso sigo grabando. [...] La esencia del bolero es la misma y siempre estará vigente, aunque pasen los años”.

El 22 de enero de 2008 “El Blog del Bolero”, registró como sus principales éxitos los temas “Amorosamente”, “Que tiene de malo”, “Ahora y siempre” y “Una aventura más”, entre otros.

En 1944, Juan D´Arienzo inauguró un lujoso restaurante en pleno centro porteño y le envió un mensaje al cantante proponiéndole que actuara en el mismo.

El siguiente año fue contratado por la firma ODEON para grabar seis temas en discos de 78 rpm, entre ellos los boleros “Nuestras vidas” de Orlando de la Rosa y “Ven junto a mí”, de Miguel Prado.

A partir de este momento las grabaciones no dejaron de sucederse hasta el año 1952.

Posteriormente grabó en Santiago de Chile, Perú, Venezuela, Colombia, Río de Janeiro y Nueva York.

En Enero de 1947 debutó en “Radio Cultura” de Caracas patrocinado por la marca de cigarrillos Phillip Morris, combinando sus actuaciones personales en el “Teatro Lido” y en el club nocturno “Pasapoga”, lugar de primera categoría en esa ciudad entonces. También actuó en Maracaibo, Estado Zulia, en “Ondas del Lago”.

Siguiendo la gira por Puerto Rico actuó en “Radio Wapa” y el Hotel Normandie para el productor Toddy.

Posteriormente viajó a Colombia donde se presentó en el “Gran Hotel Granada” y “Grill Europa” de Bogotá, en Cali y Medellín.

La gira continuó por Quito y Guayaquil, Ecuador, firmando contrato con el empresario y propietario de “Radio Cenit” y “American Park”, Don Washington Delgado Cepeda.

Siguió a Perú, actuando en “Radio Mundo” y de regreso a Buenos Aires, debutó en “El Tronío” y en “Radio Belgrano”.

En 1948 viajó a Brasil para actuar en el programa de César de Alencar, en “Radio Nacional”, Río de Janeiro, que fue el primer programa de cuatro horas de duración en América del Sur que se transmitía los sábados.

El siguiente año volvió nuevamente a Caracas, contratado por “Radio Continente” para cantar en el programa “Caravana Camel”.

En 1950 inició una nueva gira que abarcó Chile, Ecuador, Venezuela, Colombia, Panamá, Republica Dominicana, Puerto Rico, Cuba y Estados Unidos (Nueva York).

Regresó a Bogotá donde decidió radicarse por tres años.

Volvió nuevamente a Caracas en 1958 contratado por Renny Ottolina para actuar en su espectáculo televisivo “El Show de Renny”.

El siguiente año el propio Ottolina lo invitó a colaborar, como productor asociado, en el armado de su programa de televisión de 90 minutos de duración, y aceptó. De esta manera se convirtió en un empresario artístico muy respetado en Sudamérica, Estados Unidos y Europa, contratando un sinnúmero de artistas famosos de estos países para el propio show y televisoras de otros países.

Fuentes http://www. elblogdelbolero.wordpress.com hugoromani.com.ar/bio.htm Wikipedia, la enciclopedia libre.

ROBERTO YANÉS Roberto César Iannacone, su nombre real, nació en la ciudad de Córdoba, Argentina, el 25 de abril de 1932.

Cantante, compositor, actor y pianista.

Fue llamado “La Voz Romántica de América”.

En su ciudad natal participó desde niño en programas de radio y estudió música en el Conservatorio Provincial de Música. Asimismo, cuando prestó el servicio militar, realizó presentaciones en el Casino de Oficiales.

En 1956 se mudó a Buenos Aires, donde ejerció como pianista y cantante de boleros, tango y jazz, hasta que en 1958 firmó como solista con la disquera CBS. Con este sello grabó “Dónde estará mi vida” y “El espejo”, temas que alcanzaron un relativo éxito y lo convirtieron poco después en un consagrado del bolero.

En 1963 grabó con Astor Piazzolla un LP con los temas “Cafetín de Buenos Aires”, “Margarita Gauthier”, “Fuimos” y “Griseta”.

Para Wikipedia, la enciclopedia libre, “Su voz constituyó un referente en temas tan populares” como “Camino del puente”, “Si me comprendieras”, “Volver”, “Contigo en la distancia” y “El reloj”.

De su autoría fueron las canciones “Querer como nadie” y “Te desafío”.

Además de los temas citados, según registro documental de “El Blog del Bolero”, interpretó exitosamante “Encadenados”,”Pequeña flor”, “Escríbeme”, “Vete de mi”, “La montaña”, “Desesperadamente”, “Óyelo bien”, “Lágrimas del alma”, “Nuestro concierto”, “Escándalo”, “De quien estás enamorada”, , “Cuatro palabras”, “El último acto”, “Esperaré”, “Muriéndomde de amor”, “Cuando caen las hojas”, “Estoy celoso”, “Dicha pasada”, “Que fácil soy de olvidar”, “Corazón a corazón”, ”Enamorada”, “Rondando tu esquina”, “A la eternidad”, “Juguete”, “Paloma”, “El aplauso”, “De rodillas”, “El viejo juego del ajedrez”, “Para empezar el año”, “Princesita”, “Te llevaré a ese lugar”, “Inolvidable”, “Sinceridad”, “Usted”, “Buenas noche mi amor”, “Sabrás que te quiero”, “La palabra imposible”, “Regresa a mi”, “Una aventura más”, “Vete de mi”, “Lagrimas del alma”, “Como”, “Regálame esta noche”; “Solamente una vez”, “El último acto”, “Once rosas” y “Pecado”.

Entre los premios recibidos como renocimiento a su talento artístico se cuentan el Martín Fierro, el diploma de la Sadaic, el Nueve de Oro de canal 9 (Argentina) y el Konex.

Entre los 80 discos grabados se cuentan los álbumes “Corazón a corazón”, “Momentos íntimos”, “Un poquito”, “La última cita”, “Cualquiera”, “En la intimidad”, “The many moods of Roberto Yanés” y los citados anteriormente.

Fuentes http://www. elblogdelbolero.wordpress.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

CHICO NOVARRO Bernardo Mitnik Lerman, su nombre real, nació en Santa Fe, Provincia de Santa Fe, Argentina, el 4 de septiembre de 1933.

Cantante, compositor, acto y dramaturgo.

Entre 1962-1964 integró el elenco del “Club del Clan”, del cual hubo un émulo en Venezuela. Escribió casi seiscientas canciones, obras de teatro y música para shows y películas.

La influencia inicial del tango terminó para artista el día en que su hermano mayor, quien tocaba batería en la agrupación “Jazz Don Peralta”, lo introdujo en el mundo del jazz.

A los catorce años comenzó a ganarse la vida como baterista en un grupo de jazz y cantor con una orquesta típica.

Su padre quería que fuese perito mercantil y que después, estudiase medicina y aunque ingresó al colegio comercial y fue empleado contable en la ciudad de Córdoba, pronto se dio cuenta de que podía ganar mucho más dinero como músico que como contador.

Llegó a Buenos Aires por primera vez en 1951, con una orquesta donde tocaba el bongó, la batería y el contrabajo, pero el contrato se frustró y después de muchos viajes, en 1960 se estableció definitivamente en esa ciudad, donde dos años después fue contratado por la discográfica RCA Victor para integrar el “Club del Clan”, un programa de televisión que se volvería famoso por difundir música rock & pop en español, de donde salieron otros exitosos artistas, como Palito Ortega, Violeta Rivas, Raúl Lavié y Johnny Tedesco, entre otros.

En ese programa comenzó a componer y cantar canciones propias, las primeras de las cuales fueron “El orangután”, “El camaleón” y la cumbia “Un sombrero de paja” y que se convirtierion enmelodías populares transmitidas de generación en generación, como si fueran folklóricas.

Integró la Orquesta “Montecarlo Jazz” (de Córdoba), la “Orquesta Argentina de Jazz”, “la Orquesta de Don Roy” y las orquestas de Lucho Gatica, Daniel Riolobos y Arturo Millán, el grupo “Swing Timers” y la “Agrupación Nuevo Jazz”.

Su historial musical comprende también la formación con Raúl Boné de un dúo de música tropical al que llamaron “Los Novarro” y se desintegró en 1962, del cual surgió el año anterior su primer álbum.

A sugerencia del productor de RCA, Ricardo Mejía, Mitnik adoptó el nombre artístico de Chico Novarro.

Abordó con solvencia estilos muy variados, especialmente bolero y tango, pero con destacadas actuaciones en el jazz, el rock, la cumbia y el pop.

En 1965 escribió su primer tango, “Nuestro balance”, con el que ganó en el Festival del Parque del Plata en Uruguay, al que siguieron “Cantata a Buenos Aires” y “Cordón”, considerado como metáfora de la vida del hombre común.

En 1969 grabó el disco "Música para mirar a Chico" acompañado por el pianista y compositor Mike Ribas quien desde entonces ha estado presente en casi todas sus grabaciones.

En 1980 grabó el álbum “Por fin al tango”, única de sus producciones dedicada totalmente a ese género.

Como compositor y cantante de boleros se lo reconoce por haber introducido el habla cotidiana en ese género, tal como lo hiciera en México Agustín Lara.

De su autoría son, entre otros, “Algo contigo”, “Un sábado más” y “Cuenta conmigo, tema que ganó en 1979 el festival de la OTI, interpretado por Daniel Riolobos.

Sus temas también fueron interpretados por José José y Tito Rodríguez, quien cantó en bolero sus tangos “Nuestro balance”, “Como” y “El último acto”.

Obtuvo 2 Diplomas al Mérito de los Premios Konex como Autor / Compositor Melódico y Autor / Compositor de Pop / Balada en 1985 y 1995 respectivamente.

En el año 2014 recibió la mención "Ciudadano ilustre" votada por unanimidad en la legislatura porteña.

Discografía cronológica 1960. “La boa” y “Dejame solito un rato”.

1961. “Los aretes de la luna”, “La ley”, “Envidia”, “Ritmo de chunga”, “La dueña de la boutique”, “El vaivén”, “La boa”, “Dejame solito un rato”, “Ave de paso”, “Tropicalísimos”, “Lamento náufrago”, “Bailemos Twist”, “Uno”, “Vida mía”, “Madreselva”, “Lamento náufrago”, “Topsie”, “Piel canela” y “Todo es nuevo”.

1963.

“El camaleón”, “Los Bossambistas y la bossa nova”, “¡Zoológicamente es un éxito!”, “Que gente averiguá”, “Negrito no grita”, “El orangután”, “La sospechita”, “Cumbia bendita”, “Promesa”. “Solo”, “El tero tero”, “Primavera” y “Calavera”.

1964. “La mula”, “Chico Novarro”, “La pareja”, “El umbral”, “La torre”, “Dios en tus ojos”, “Palomita”, “Si fueras fea”, “Mira mi corazón”, “Calavera”, “Mi tía”, “Espere capitán”,”Madrecita mía”, “Anoche soñé”, “Que sabes tú”, “La edad del querer”, “Un sombrero de paja”, “La sospechita”, “Primavera”, “Cumbia bendita”, “El dardo”, “Espuma de mar”, “Las cenizas” y “Flora”.

1965. “Las cenizas”, “Casos y cosas”, “El pichón de picuru”, “Nuestro balance”, “Pedacito de cielo”,”Te pico”, “El conde”, “Mañana en punto”, “Asi” y “Tú, la luz”.

1966. “La máquina”, “Cola de paja”, “El conductor”, “Por algo será”, “Mala fama”, “Obsesión”, “El electrocardiograma” y “Cuenta hasta 10”.

1967. “La promoción” y “Vinagrito”.

1968. “La chispa de Chico”, “Blim blim”, “Punta ballena”, “Alma en pena”, “Mira mira”, “Alergia”, “Beautiful Juana”, “Cuidado” y “Santa Fé de la Vera Cruz”.

1969. “Música para mirar a Chico” y “Punto y aparte”. “Esperando”, “El porcentaje”, “Para que tanta pinta” y “La bola loca”.

1970. “Fue un amor de temporada” y “La mayoría”.

1971. “Un sábado más” y “Mi corazón es una flor”.

1972. “No le vengo a vender” y “Alegre y romántico”.

1974. “Pinocho”, “Para chicos de 5 a 50”, “Jugaremos”, “Que mundo tan terrible” y “Había una escuela”.

1975. “Tengo la música”, “Canción de la muela cariada”, “Canción de las valijas” y “El reloj ya dio la hora”.

1976. “Que salga el autor” y “Algo contigo”.

1977. “Cumbias famosas”, “Algo contigo” y “Milonga del raje”.

1978. “El amor continúa”.

1979. “Si tu te vas ahora” y “En el camarín”.

1980. “Cuenta conmigo” y “Gúardame”.

1981. “Por fin al tango”.

1989. “Chico Novarro en su salsa”.

1992. “Arráncame la vida”.

1993. “Es cosa mía“.

1994. “Arráncame la vida”.

1999. “Mi mejor amante”.

2004. “La noche”.

2005. “Quien dice tango” y “Grandes éxitos”.

2010. “El amor en tiempo de murga”.

2014. “Chico para chicos”.

Fuentes http://www.violetarivas.com.ar Wikipedia, la enciclopedia libre.

CARLOS JULIO RAMÍREZ

Carlos Julio Ramírez Collar, su nombre de pila, nació en Tocaima, Cundinamarca, Colombia, el 4 de agosto de 1916 y falleció en Miami, Florida, Estados Unidos, el 12 de diciembre de 1986.

Cantante lírico y actor colombiano. Voz de barítono. Interpretó ópera, bolero, jazz, bossa nova y música colombiana.

Inició su carrera artística cantando en los alrededores de su pueblo junto a su hermana Alcira Ramírez y en los barcos turistas que recorrían el río Magdalena cerca al puerto de Girardot, en donde cantó desde los nueve años por unas cuantas monedas.

En Bogotá, donde vivió posteriormente, en el “Teatro Municipal” y el “Teatro Faenza”. Cantando en Medellín conoció al político conservador Laureano Gómez, quien, maravillado por su lo inscribe en clases de canto con el profesor Emilio Murillo, quien intentó matricularlo en el Conservatorio Nacional pero dentro de severos conceptos ortodoxos fue rechazado por estar "viciado de bambuco".

A la edad de 12 años debutó en la radío, en un programa de la emisora bogotana “La voz de la Víctor” y allí conoció al maestro Efraín Orozco quien lo lleva a su primera gira musical por Suramérica con su orquesta.

En Viña del Mar, Chile, fue escuchado por Homero Manzi y Cátulo Castillo, quienes lo recomendaron a empresarios bonaerenses. En aquel entonces, conoció a Carlos Gardel, de quien se cuenta que le dijo: "Pibe, no te quedes en tu tierra con esa voz". Cuatro años vivió en la capital Argentina y durante dos años y medio formó parte de la Compañía de Ópera del Teatro Colón, donde cantaba junto a Lily Pons y Giacomo Lauri-Volpi.

Era el barítono más joven de la compañía y se le consideró como el de mejor porvenir, asimismo recibió importantes ofertas para cantar en Europa.

Emocionado preparó maletas y se marchó de Buenos Aires.

Apenas había llegado a Brasil, cuando estalló la Segunda Guerra Mundial.

Dadas las circunstancias, cuando aún dudaba si volver a Argentina o regresar a Colombia, le surgió un contrato para trabajar en el "Casino de la Urca" en Río de Janeiro, un club nocturno comparable entonces al Copacabana donde continuaron sus triunfos como cantante popular. Fue entonces que pensó en trasladarse a New York.

Llegó en los años 40 al teatro Metropolitan Opera House. El crítico e historiador musical Irvinge Kolodin, que escribía los programas del Metropolitan, dijo que el Largo al factotum de Ramírez había sido superior a los realizados por los míticos barítonos Titta Ruffo y Ezio Pinza, en tecnologías anteriores al disco.

Desafortunadamente, ignoraba cómo era New York, y cómo los artistas del

Metropolitan eran contratados con bastante tiempo antes de comenzar la temporada de opera.

Sus primeras grabaciones de música colombiana las realizó hacia el año de 1952 con temas como “Bésame morenita”, “El camino del café”, “La carta”, “Compadre, no me hable de ella”, “Sombras”, “Arrunchaditos”, “El Trapiche”, y otras, además de muchos temas del repertorio internacional.

Grabó en 1972 su último disco LP, con arreglos y dirección del maestro Blas Emilio Atehortúa.

Otros temas peopularizados en su voz fueron “Júrame”, “Perfidia”, “Popurrí colombiano”, “Granada”, “Un viejo amor”, “Mis flores negras”, “Las mirlas”, “Begin the Beguine”,”El día que me quieras” y “Canta la zamba Angélica”.

Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

TRÍO HERMANOS RIGUAL El trío estuvo integrado por Pedro (Pituko), Mario y Carlos Rigual Rodríguez e hizo su aparición en Banes, Holguín, Cuba.

Pedro Rigual nació el 29 de junio de 1918; Carlos nació el 4 de noviembre de 1920 y falleció en 1994 y Mario que nació el 19 de noviembre de 1922, todos nativos de Guantánamo. La muerte de Carlos puso fin a la agrupación.

Era vocal e instrumental y algunas de sus interpretaciones fueron propias.

Se hizo acreedor a un Disco de Oro. En octubre de 1941 debutó en “Regalías El Cuño”, uno de los programas estelares de la emisora CMQ-Radio, y dos años después elcentralizaba los programas radiales “Canciones Internacionales, de la emisora “Mil Diez” y “La Hora Alegre”, de “RHC Cadena Azul”.

Allí, según una reseña de la revista Bohemia en su edición del 9 de noviembre de 1947, un empresario mexicano los oyó y los contrató para inaugurar el “Teatro Río de Ciudad de México”, suceso que marcó el quehacer de los tres hermanos, pues poco después ese país se convirtió en su segunda patria y desde el que emprendieron triunfales giras por varios continentes.

Muchas de sus composiciones han sido cantadas por nacionales y reconocidos artistas internacionales de varias épocas.

El trío popularizó como propio el tema “Cuando calienta el sol” y estuvo entre los primeros artistas que llevaron a México y otros países los boleros y canciones del naciente movimiento del filin, con cuyos artífices mantuvieron estrechos vínculos.

Según refiere Wikipedia, la enciclopedia libre, “La historia de Cuando calienta el sol encierra una vieja polémica sobre su autoría, ya que según diversas fuentes, especialmente nicaragüenses, el título original era “Cuando calienta el sol en Masachapa”, compuesto en realidad por Rafael Gastón Pérez, y vendidos sus derechos por muy poco dinero a los hermanos Rigual”.

Ese tema de inmediato se convirtió en un hit internacional y llevó al trío de Roma a Londres, de París a Venecia pasando por El Cairo, Trípoli, Nueva York…

Por entonces el grupo grabó discos en inglés e italiano y se convirtió en los primeros artistas de América que en Italia actuaron en el Festival de la Canción de San Remo.

En 1980 el trío recibió en Estados Unidos un trofeo de la Broadcast Music Inc (BMI) al arribar “Cuando calienta el sol” al millón de ejecuciones en radiodifusoras de ese país y se calcula en más de mil las versiones de esta pieza, en diversos idiomas, géneros y formato.

Entre quienes la han versionado se encuentran Petula Clark, Javier Solís, Andrés Kostelanitz, Mantovani, Luis Miguel, Agneta Falkots y Pablo Montero,

Helmut Lotti, Trini Lopez, Josephine Baker, Ernesto Lecuona, Eddy Duchin, Ezzio Pinza, Javier Cugat y Toña La Negra, por mencionar algunos.

Fueron los mexicanos Fernando Fernández y Toña La Negra los primeros en grabar y difundir boleros del filin, pero lo que generalmente no se dice es que estos artistas conocieron esas composiciones a través de músicos y artistas cubanos como el “Trío Hermanos Rigual”, agrupación que alternó e incluso grabó con esas grandes estrellas de la canción azteca.

Un estudio de Cristóbal Díaz de Ayala demostró que en 1948 este trío llevó al disco con la orquesta mexicana de A. Somohano los temas “Hasta mañana vida mía”, la canción-himno de las descargas habaneras de los filineros, y al año siguiente hicieron lo mismo con “Contigo en la distancia”, y “Te veré en mis brazos”.

En 1947 el trío actuó en las cintas mexicanas “Ahí vienen los Mendoza” y “La Venus de fuego”, alternando con Pedro Vargas, Avelina Landín y Fernando Fernández.

Al retornar a La Habana, la revista Bohemia del 16 de mayo de 1948, publicó una amplia información sobre su nuevo contrato en la CBS de Estados Unidos y sus triunfos en México, resaltando su estilo único y cómo la grabación del bolero “Qué te parece”, del maestro Julio Gutiérrez, ocupaba el sitial supremo del hit parade de ese país.

En 1948 y 1950 obtuvo primer lugar en las famosas encuestas de la Asociación de la Crónica Radial e Impresa (ACRI), en la categoría de mejor Conjunto Vocal.

Antes de concluir la década de 1940, la agrupación se presentó en importantes escenarios de Estados Unidos, Panamá, Colombia y otros países del continente, en los que sus discos competían por los primeros lugares con el trío Los Panchos.

Fue uno de los primeros en grabar y popularizar el bolero “Tú me acostumbraste” (1956). También tuvo presencia en la variante de bolero cha cha cha con los temas “Te adoraré más y más”, composición de Pituko y la versión que el maestro Rafael de Paz realizara de “Vereda tropical”, que al grabarse tuvieron una gran acogida.

Dos años antes el grupo dio a conocer su faceta creadora. El primero fue Pituko, quien en su primer empeño compuso en binomio con el compositor cubano Mario Álvarez la canción “Mi nave”, interpretada por Pedro Infante en el filme “El rayo justiciero” y más tarde piezas que lograron popularidad en las voces de Nelson Pinedo, Panchito Riset y Luis García, entre ellas, “Eres mi locura”, “Trompo de juguete”, “Yo soy tu amigo”, “Especialmente para ti”.

Otro de sus integrantes, Carlos, aportó los éxitos “Tengo una esperancita”, “El pollo de Carlitos” y un cha cha chá que ha sido incluido en filmes como “Sube y baja”, protagonizado por Cantinflas en 1958, “Corazón de melón”, considerado un clásico en su género y que ha recorrido medio mundo en versiones como las de Antonio Prieto, “Las Hermanas Lago”, Caridad Cuervo y más recientemente la del grupo “Son Damas”.

Posteriormente dieron a conocer composiciones propias en sus actuaciones en países Argentina, Venezuela, Canadá, Portugal y España.

Discografía Todas sus grabaciones fueron hechas por la disquera RCA Victor.

1962 “Cuando calienta el sol”/”La del vestido rojo”.

1963. “Llorando me dormi”/”Envidias”, “Cuando brilla la luna”/”Dona Cibeles” y “Blanca como paloma”.

El álbum “Grandes Éxitos de Los Hermanos Rigual”, que data de 1999, registró como tales los temas “Cuando calienta el sol”, “La del vestido rojo”, “María Isabel”, “Corazón de melón”, “Piel Canela”, “Cuando brilla la luna”, “Ven, amorcito ven”, “Caliente, caliente”, “Vuela, vuela Mariposa”, “El pollo de Carlitos”, “Se acabaron los millonarios”, “Mani tostao”, “Que te parece” y “El Chiqui Cha”.

Fuentes https://www.ecured.cu Wikipedia, la enciclopedia libre.

ANTONIO MACHÍN Antonio Abad Lugo Machín, su nombre de pila, nació en Sagua la Grande (Villa Clara, Cuba), el 8 de febrero de 1903 y falleció en Madrid, España, el 4 de agosto de 1977.

Cantante y maraquero.

Interpretó cerca de dos mil temas.

De él “Se decía que cantaba con el corazón en los labios”, y que era un “Hombre de mundo y antiguo bon vivant, su elegancia era la que se estilaba en La Habana con anterioridad” a la instauración del comunismo por Fidel Castro.

En 1911, el párroco de Sagua lo puso a cantar en el Altar Mayor y en cierta ocasión, con motivo de una fiesta benéfica, interpretó el “Ave María” de Schubert subido a una silla ganándose el aplauso de toda la población.

Llegó el cantante a La Habana en 1926 e, inmediatamente, se pone a ofrecerse, sin éxito, a los tríos de músicos que actuaban en los cafetines para hacer la segunda voz.

Más tarde formó un dúo con el guitarrista Miguel Zaballa que animaba fiestas.

Luego se integró como segunda voz a la Orquesta del Casino Nacional de La Habana, dirigida por Don Azpiazu. Fue el primer cantante de color de dicha sala de juego, ya que para la época el racismo en Cuba era tal que a los negros o mulatos como Machín no podían entrar a espacios exclusivos para los blancos.

Sin dejar a Azpiazu, funda un sexteto que hizo sus primeras grabaciones en 1929 difundidas a partir de los medios de la época, es decir, las victrolas de cuerda y la radio que empezaba a desarrollarse.

El éxito fue inmediato con “Aquellos ojos verdes”, al que siguió “El manisero”.).

En 1930 partió a Nueva York, Estados Unidos, cuando esta metrópoli vivía las postrimerías de lo que Scott Fitzgerald llamó la “era del jazz”.

El 26 de abril de ese año fue muy bien recibido durante su presentación en el Palace de Broadway.

“El manisero”, su primera grabación cubana, en versión norteamericana para la RCA Victor, vendió más de un millón de discos.

Temas grabados en esa época con bastante éxito fuueron “Aquellos ojos verdes”, “A chapear nos manda el mayoral”, “Mamá Inés”, “Reina guajira”, “Mamá, yo quiero un yoyo” y “A Baracoa me voy”.

Allí formó parte, además de la orquesta de Don Azpiazu, de José Escarpenter y su Orquesta, Orquesta Antillana de Rafael Hernández, Julio Roque y su Orquesta, Armando Valdespí y su Orquesta, así como las dirigidas por él mismo la Orquesta Machín y el Cuarteto Machín De Nueva York, donde trabajó cuatro años, se trasladó contrato en mano a Londres para presentar en el teatro Adelphya su espectáculo “La vida empieza a las 8.40”, que conquistó a los londinenses.

Viajó a París, luego a Estocolmo, Suecia, y regresó otra vez a la capital francesa, donde formó el grupo “Antonio Machín y su Orquesta”, con Moisés Simons al piano, realizando a partir de entonces varias grabaciones.

En 1936 grabó también con la Orquesta de Eduardo Castellanos..

Luego se fue a España, donde su primera actuación española tuvo lugar en Barcelona. Cataluña, y después Sevilla.

“En todas partes encontré y encuentro –reconoció- aplausos que nunca agradeceré bastante” y temas como “Dos gardenias”, “Somos”, “Madrecita” o “Angelitos negros” fueron a dar alegría al proverbial aburrimiento de la España franquista.

De sus interpretaciones se dice que contribuyeron a la natalidad española en los años 60 y hasta entró en el refranero popular con el dicho "Te mueves más que las maracas de Machín.". También se dijo de él que fue "El más cubano de los españoles y el más español de los cubanos".

El primer éxito que tuvo en España fue “Noche triste”, un fox melódico grabado con los Mihuras de Sobré, orquesta que lo acompañó en sus primeros éxitos y de la que después se desligó. Igualmente, “Cómo fue”, “Moreno”, “Amor sincero”, etc.

En 1947 llegaría su gran éxito en España: la "canción moruna" Angelitos negros”, convertida en bolero merced a arreglo musical en la década de los sesenta.

Homenajes El 22 de abril de 1981 se le homenajeó en un concierto en el que participaron cuatrocientos artistas de diversos estilos que se celebró en el Palacio de los Deportes de Barcelona.

En 2003, en el 25º aniversario de su muerte y en vísperas de su centenario se le homenajeó con un proyecto en que incluyó un documental dirigido por Núria Villazán, un libro biográfico y un disco, bajo el título de "Machín. Toda una vida".

El 10 de diciembre de 2006 se inauguró una estatua en su memoria en Sevilla, obra del escultor Guillermo Plaza Jiménez, ubicada en la Plaza Carmen Benítez. Además una calle de esa ciudad lleva su nombre.

En el Museo de la Música de su ciudad natal se atesoran muchas de sus pertenencias: sus maracas, claves y algunos de sus discos, además de fotografías suyas y de los familiares.

Fuentes http://www.coveralia.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

LOS INDIOS TABAJARAS Mussapere y Herundy eran el tercer y cuarto de los treinta hijos de uno de los caciques Tabajara, de nombre Mitanga. Nacieron en la selva profunda del Estado de Ceará, en el noreste del Brasil.

Pasaron a llamarse Natalicio y Antenor Moreyra Lima.

Guitarristas ejecutantes de música latinoamericana, clásica y aborigen, considerados uno de los mejores duetos en cuanto a música instrumental se refiere.

Se cuenta de ellos que a finales de la década del treinta, los encontraron en la tupida selva una guitarra, en el camino donde justamente había pasado una expedición de hombres blancos y no no sabiendo la utilidad que tenía, la llevaron a su vivienda y la tuvieron escondida aproximadamente dos semanas.

-Al analizar el instrumento cautelosamente y al darse cuenta que no se trataba de un arma de fuego, luego de ser vista por los demás miembros de la tribu, -se lee en Wikipedia. La enciclopedia libre- los dos jóvenes indígenas la siguieron estudiando más detenidamente. Los sonidos que emitían las cuerdas mientras sus manos la exploraban, acrecentaron aún más su curiosidad, y de una manera inexplicable, los hermanos aprendieron a ejecutar el instrumento, tomándole mucho cariño, llegando a tomar la decisión de dejar la tribu y adentrarse en la civilización de los hombres blancos, para saber el lugar de procedencia del instrumento musical.

La misma fuente indica, que “Su punto inicial fue Río de Janeiro, y en esta ciudad se ganaron rápidamente la simpatía del público, interpretando con sus manos inexpertas, las canciones típicas de su tribu”.

Tuvieron la suerte de ser observados detenidamente por un pujante empresario teatral que los contrató para una gira por toda América del Sur, la que duró seis años. Luego llegaron a México, donde permanecieron una larga temporada.

Tiempo después cambiaron su identidad y se pasaron a llamar Antenor y Natalicio Moreyra Lima, bajo el epíteto de “Los Indios Tabajaras”. Luego decidieron tomar clases intensivas de guitarra. Antenor se especializó en el acompañamiento y Natalicio, en la melodía.

Estudiaron posteriormente a los clásicos, y pronto añadieron a su repertorio musical nativo y brasilero, la música de Bach, Beethoven, Frédéric Chopin, Rimski-Kórsakof, Falla y Albéniz.

A esta formación académica siguió la presentación del dúo en las principales salas del continente americano, la que fue continuada por una larga gira a Europa, donde fueron aclamados después de sus magníficas actuaciones en Madrid, Barcelona, Roma, Atenas, Lisboa, París. Aprendieron a cantar y

dominaron, aparte de su lengua natal, el italiano, alemán, griego, portugués y español, éste último intensificado durante su gira por América.

En 1957 fueron llevados a la RCA Víctor por el productor Herman Díaz Jr. para que grabaran un larga duración, “María Elena”, el que dedicaron especialmente a la música latinoamericana y melodías del Brasil. Se convirtió en uno de los éxitos del año y ocupó el el 2° y 4° lugar en los cuadros de ventas.

En 1963 la sucursal de la disquera en Brasil los llevó a Nueva York, debido al rotundo éxito de María Elena, que fue utilizado como fondo musical de una radionovela. Grabaron así su segunda producción: "Always In My Heart". El éxito los hizo recorrer el mundo y sus grabaciones se hicieron aclamadas por todas las culturas.

Entre sus temas con mayor éxito se encuentran, además de “María Elena”, que activó la fama del dúo, “Frenesí”, “Martha”, “Por qué eres así”, “Ternura”, “Tema del Tercer Hombre”, “Amapola”, “El Pájaro Campana”, “El cóndor pasa”, “Recuerdos de la Alhambra”, “Begin The Beguine”, “No tengo lágrimas”, “Cuando vuelva a tu lado”, “El mar”, “Mamá yo quiero”, “Valse en C-Sharp”, “Lamento borincano”, “El amor es una cosa esplendorosa”, “Johnny Guitar” y “Humo en tus ojos, entre muchos más.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

ANA GABRIEL María Guadalupe Araújo Yong, su nombre real nació en Guamúchil, Sinaloa, México, el 10 de diciembre de 1955.

Es más conocida como cantante que como compositora.

La llaman “La Diva de América”.

Ha grabado sus interpretaciones con las disqueras Sony Music, EMI Music, Sitio web: anagabriel.com.mx.

Desde los 9 años de edad, empezó a cantar junto a José Barrientos y a urdir sus primeras composiciones musicales, influida por los temas románticos de Agustín Lara y María Greever.

Nunca recibió una clase de canto ni de vocalización y en Tijuana terminó sus estudios de contabilidad y comenzó a trabajar en diversos bares de hoteles de la ciudad.

Y aunque muchos directores artísticos de ciertas discográficas manifestaron que su estilo no era comercial, que tenía que cambiarlo si quería triunfar, no les hizo caso.

Su gran futuro como cantante se lo auguró Juan “El Gallo” Calderón cuando participó exitosamente en el programa “Valores Juveniles”.

En Tijuana, el 15 de septiembre de 1974, se inició artísticamente y en 1979 José Barrientos, de la compañía C.B.S., hoy Sony Music. su mánager en aquel entonces, la presentó como Ana Gabriel, pseudónimo que la identificó para siempre.

Cabe señalar que la hoy reputada cantante dio sus primeros pasos artísticos como compositora y en un concurso el tema “No me lastimes más” que la representó obtuvo el segundo lugar. Este evento ocurrió en 1984. .

El siguiente año grabó su primer disco de larga duración que llevó por título “Un estilo” y en 1986, logró participar en el Festival de la OTI, alcanzando el quinto lugar con la canción “A tu lado”, que después incluyó en el álbum “Sagitario”, contentivo también de los temas “Y aquí estoy”, “Eso no basta” y “Mar y arena”.

En 1987 alcanzó el primer lugar en la selección nacional para la OTI, y en Lisboa, Portugal, donde se llevó a cabo el festival, aunque obtuvo un tercer puesto que le abrió las puertas ser conocida en toda Latinoamérica.

Dos años más tarde logro posicionarse a nivel internacional, dentro del mercado estadounidense, con su álbum “Tierra de nadie”, permaneció en listas del Billboard varios meses.

Ha grabado a dúo con artistas como Armando Manzanero, Pedro Fernández, Yuri, Plácido Domingo, Jon Secada, Rocío Jurado, Vikki Carr y José Feliciano, entre otros.

Reconocimientos En 2013, fue galardonada con Disco de Diamante por más de 1 millón de discos vendidos en Chile.

Además su exitosa carrera artística la hecha acreedora a más de 13 premios Lo nuestro, Premios Billboard, Premios Grammy Latinos, Discos de Oro, Discos de Platino, séxtuplo, quíntuplo y triple Disco de Platino, casete y triple CD de Platino, casetes y doble CD Disco Platino, Casetes de Oro, galardón diamante, charolas de oro, plata, y Premio Billboard a la artista del año en el 1994, Cronología Discográfica 1985. “Un estilo”.

1986. “Sagitario”.

1987. “Pecado original”.

1988. “Tierra de nadie”.

1989. “Quién como tú” y “Ana Gabriel Mix Cassette”.

1990. “En vivo”.

1991. “Mi México”, “Amores”, “Personalidad/The best” y “Silueta”.

1993. “Luna”.

1994. “Ayer y hoy”.

1995. “Joyas de dos siglos”.

1996. “Vivencias”.

1997. “Con un mismo corazón”.

1998. “En la Plaza de Toros México”.

1999. “Soy como soy”.

2000. “Eternamente”.

2001. “Una voz para tu corazón - 30 grandes éxitos”.

2002. “Huelo a soledad”.

2003. “Dulce y salado”.

2004. “Tradicional”.

2005. “Historia de una reina”.

2006. “Dos amores, un amante”, “La Reina canta a México” y “Canciones de Amor”.

2007. “Arpegios de amor” y “Brillantes”.

2008. “Los Gabriel Simplemente amigos/Los Gabriel Cantan a México” y “Juntos Ana Gabriel y Pepe Aguilar”.

2009. “Renacer... Homenaje a Lucha Villa”.

2011. “Celebrando la Historia de México”.

2012. “Celebrando la Historia de México”, Volumen 2.

2013. “Ana Gabriel Altos de Chavón”.

2015. “Nuevo Disco”.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. www.buenamusica.com

ROBERTO LEDESMA Roberto José Ledesma Gayton, su nombre real, nació en La Habana, Cuba, el 24 de junio de 1924.

Cantante.

Su carrera musical comenzó en 1953 cuando formó parte, como primera voz, del trío cubano “Martino”, con el cual actuó en Colombia durante dos oportunidades.

Al desintegrarse el grupo en 1960 se inició como solista y emigró a Nueva York, Estados Unidos, huyendo de la dictadura de Fidel Castro.

En esa ciudad trabajó en la orquesta del maestro Fajardo en el Fontana Blue y luego se trasladó a Miami, donde fue contratado por el restaurante “Les Violins”, que tenía un conjunto con su nombre dirigido por Manuel Godínez Jr. Luego formó parte de “El Gran Combo de Puerto Rico”.

En sus primeras grabaciones como solista incluyó el tema “Con mi corazón te espero” de Humberto Suárez, que ya había tenido grabaciones anteriores sin mayor éxito, pero que al darla a conocer Ledesma, se abrió camino a la popularidad. Dicho exitoso bolero le dio título a su primer álbum.

Estos discos fueron vendidos al restaurante “Les Violins”, donde el intérprete fue descubierto en 1961 por los directores del sello Gema que de inmediato lo contrataron, iniciando así su vertiginosa carrera.

Pero fue el bolero “La pared”, incluido en el álbum “Para enamorados”, su segundo LP, la llave que le abrió las puertas del mercado internacional.

Recorrió con su voz casi todos los países latinoamericanos, especialmente los de Sur y Centroamérica, Además de los éxitos anteriores, popularizó también los temas “Corazón herido”, “Adoro”, “Dónde estás corazón”, “Esta tarde vi llover”, “Se me olvidó tu nombre”, “Solo rodando por el mundo”, “La mejor de mis amantes”, “Boda gris”, “Humo y espuma”, “Noche de ronda”, “Camino del puente”, “El árbol”, “Por amor”, “Todavía…”, “Palabras del cielo”, “Yo no soy tu amigo”, “Declárate Inocente”, “Romántico primero”, “No” y “Somos novios”, entre muchos otros.

Fuentes http://www.buenamusica.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

ELVIRA RÍOS Elvira Gallegos Cerda, su nombre real, nació el 16 de noviembre de 1913 en Ciudad de México, donde también murió, el 13 de enero de 1987. .

Cantante llamada por El Blog del Bolero de Venezuela “La Voz de la Nostalgia” y conocida en el mundo artístico de su época como “Voz de Humo” y “La Emocional”.

Grabó unos 400 temas en 35 LP, convirtiéndose en la primera cantante que se atrevió a interpretar bolero en una época conservadora donde este género era considerado arrabalero y para personas no recomendables También actuó en las películas “La diligencia”, “La jungla en armas”.”Ven... mi corazón te llama” y “El tango vuelve a París”.

En su voz se oyeron exitosamente los temas “Flores negras”, “Ausencia”, “Noche de ronda”, “Desesperadamente”, “Ya no me quieres”, “Caminos del ayer”.

“Verdad amarga”, “Pensando en ti”, “Pecadora”, “Noche de luna”, “Nada te pido”, “Hoy que faltas tú”, “Frenesí”, “Perfidia”; “Franqueza”, “Santa”, “Rival”, “Janitzio”, “Amor de mis amores” y “Azul”.

Pero fueron los boleros de Agustín Lara “Noche de ronda”, “Ausencia” y muchos otros los que la catapultaron a la fama.

Ese compositor la recomendó en la XEW luego de oírla cantar sus temas en un café nocturno de Ciudad de México.

Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

ORLANDO VALLEJO Nació en el Municipio Arroyo Naranjo, Provincia de Ciudad de La Habana, Cuba, el 30 de abril de 1918 y falleció en Miami, Estados Unidos, el 20 de enero de 1981.

Cantante de boleros y guajiras.

Popularizó los temas “Tú dudas de mí”, “Inteligentemente”, “Yo estoy triste”, “Perdido amor”.

Discográficamente nació con el “Conjunto Casino”, en 1951, cuando fue llamado por el director del grupo, Roberto Espí, para cubrir la plaza dejada por el guitarrista y compositor Agustín Ribot y grabar los boleros “Cielo y sol” (1951) y “Dudas de mí” (1952) que más tarde se convirtieron en éxitos nacionales.

Entre ambos años grabó alrededor de treinta caras de discos de 78 y 45 rpm, tales como "Inteligentemente", “Yo estoy triste" y "Perdido amor".

El primer LP que le produjo Panart al “Conjunto Casino” (1952) tuvo gran acogida En 1953, inició su vertiginosa carrera como solista y grabó decenas y decenas de discos, principalmente boleros y guajiras, que alcanzaron inusitada popularidad.

Durante sus presentaciones en “Radio Progreso” cantó reiteradamente acompañado por la “Orquesta Aragón”.

Fuentes https://www.ecured.cu Wikipedia, la enciclopedia libre.

ROSAMEL ARAYA Héctor Rosamel Araya, su nombre real, nació en San Antonio, Región de Valparaíso, Chile, el 30 de agosto de 1936 y murió en Buenos Aires, Argentina, el 13 de febrero de 1996.

Cantante, guitarrista y artista de cine.

En 1958 llegó a trabajar a la ciudad de Mendoza, Argentina, con el grupo “Los Playeritos”, siendo el bolero su fuerte musical. lo cual le permitió recorrer primero ese país, donde fijó su residencia en Buenos Aires, y el resto de Latinoamérica después.

En la capital argentina se desarrolló artísticamente y sus éxitos “Quémame los ojos”, “Arrepentida”, “Nuestro juramento” y “La carta”, afirmaron su popularidad como solista.

Cada fin de semana tenía contrataciones para animar bailes y participaba en programas musicales de televisión. De igual modo, realizó varias giras por América del Sur y grabó más de ochenta discos.

En 1978 regresó a Chile debido a la fuerte represión dictatorial en Argentina y el año siguiente visitó Buenos Aires para participar en la película argentina “La carpa del amor”.

Al regresar la democracia a Argentina se radicó definitivamente en ese país a partir de 1983.

Grabó “Boleros: los 100 mejores temas”, “Del tiempo aquel: Boleros eternos”, “Del tiempo aquel: Inolvidable”, “Homenaje al querido Sandro”, “Los 100 mejores temas”, “Los mejores 13: Romántico”, “Alma, corazón y vida”, “Amor prohibido”, “Collar de caracolas”, “Dos almas”, “Dos años”, “La carta”, “La copa rota”, “Palmeras”, “Por el bien de los dos”, “Que nadie sepa mi sufrir”, “Quémame los ojos”, “Usted”, “Yo vi llorar a Dios”.”Por siempre tú, por siempre...”, “Propiedad privada”, “Alma, corazón y vida”, “Amarraditos”, “Española”, “Esta noche pago yo”, “La nave del olvido”, “Lágrimas del alma”, “Lamento borincano”, “No”, “Qué saben de mí”, “Toda una vida”. “Rosamel Araya: boleros”, “Rosamel Araya: serie histórica”, “30 y pico”, volúmenes 1,2 y 3; “1995: 20 grandes éxitos”, “A mi manera”, “El lenguaje del amor”, “Como el aire que respiro”, “Dios mío, haz que me enamore”, “Hasta que llegue el alba”, “Gitano”, “Viento dile a la lluvia”, “Quedate” y “Si llama”.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

LOS CUATRO HERMANOS SILVA Esta agrupación surgió en el pueblo de Panquehue, Provincia de Aconcagua, Chile. Nació en una familia de nueve hermanos. Olimpia, Malvina, Hugo, René, Julio y Nono Silva, junto al músico Pablo Castro, quienes fueron los iniciadores, que pronto decantó en su formación definitiva, con Olimpia en voz, más conocida como Lolita, y Hugo, René y Julio en voces y guitarras, además del arpa que Hugo Silva aprendió del músico Mario Cabello El debut data de 1945, cuando ganaron un concurso para músicos aficionados organizado por “Radio Prat”, cuyo premio era la contratación por tres meses para actuar en la emisora, iniciándose cantando música chilena recopilada en la zona central, con los conjuntos de huasos típicos como influencia.

La agrupación fue pionera en la actuación con una mujer en el atuendo de huaso reservado por tradición para los hombres.

Logró su primer éxito con la tonada chilena ''Ya viene llegando el día'', y la primera grabación, fue un disco de 78 rpm, grabado para el sello Odeon, constante de los temas ''Mi banderita chilena'', y ''Río río''.

Posteriormente se produjo la grabación de las tonadas ''El delantal de la china'', y ''Ende que te vi''.

En 1956 actuaron en la radio Splendid de Buenos Aires, visitaron Colombia y en 1957 recorrieron Venezuela, Panamá, Costa Rica, Salvador y México, donde, ya iniciada la era del long play, fueron contratados por el sello RCA Victor.

Ese mismo año fueron designados embajadores artísticos oficiales del gobierno de Chile, y grabaron el disco “Folklore latinoamericano con los 4 Hermanos Silva”, contentivo de los temas ''Recuerdos de Ipacaraí'', la postal folclórica paraguaya ''Pájaro campana'', los boleros ''Cuando tú me quieras'' y ''Amore mío'', el ''Carnavalito quebradeño'' andino, con charango incluido; el más famoso vals peruano con ''La flor de la canela'', y las tonadas ''Yo vendo uno ojos negros'' y ''Ende que te vi'' y ''Las dos puntas''.

En adelante el conjunto grabó nuevos éxitos como el bolero ''Quisiera ser'' y el joropo venezolano ''Alma llanera'', “Mosaico latino”, “Vuelven Los Cuatro Hermanos Silva”, “Nostalgias de Chile” y “Estampas musicales”.

El cancionero del conjunto, ya traspasada la era del CD, es accesible en compilados con títulos como “10 súper éxitos”.

En el texto del venezolano “El Blog del Bolero”, aparecido el 10 de agosto de 2010 titulado “Los 4 Hermanos Silva: grandes voces del mundo”, se lee: Referirnos a un grupo musical que tiene más de cinco décadas de vida artística como verdaderos embajadores de la música latinoamericana, no es una tarea fácil, pero trataremos de hilvanar una semblanza que los retrate como los grandes seres humanos que se convirtieron en resonancia universal de la música de una gran parte del orbe, que tuvieron la grandiosa virtud de interpretar casi

todo el folclore de América y difundirlo por diversos países aun de distintas lenguas de la que ellos dominaban, con una gran y depurada elocuencia sonora incomparable e inolvidable. Ciertamente, Los 4 Hermanos Silva se constituyeron en grupo musical desde 1945 y desde Chile en prácticamente los auténticos y más reputados embajadores de la música folclórica latinoamericana para darla a conocer en todos los países que visitaron, de las más disimiles lenguas, ya que en sus diversas peripecias artísticas recorrieron naciones de cuatro Continentes, pero siempre fueron bien recibidos, aclamados y su arte calurosamente aceptado por la calidad musical que le supieron imprimir a cada una de las canciones que escogieron para interpretarlas con el más grande de los sentimientos y la mayor elocuencia de la esencia y naturaleza con las que fueron compuestas.

Y entre los éxitos que pueden oírse en el blog aparecen los temas “Cuando tú me quieras”, “Sombras”, “Lágrimas de amor”, “Perdón”, “Recuerdos de Ipacaraí”, “Escríbeme”, “Quisiera ser”, “Luz de luna”, “Yo vendo unos ojos negros”, “Alma llanera”, “En mi viejo San Juan”, “Ende que te vi”, “El pájaro chogüí”, “La flor de la canela”, “Si Dios me quita la vida” y “Amor mío”.

Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com www.last.fm/es/music/Los+4+Hermanos+Silva/

DR. ALFONSO ORTIZ TIRADO Nació en Álamos, Sonora, el de 24 de enero de 1893 y falleció en Ciudad de México el 7 de septiembre de 1960.

Cantante tenor y médico ortopedista especializado en cirugía reconstructiva.

Tuvo éxito en ambas actividades.

Se le llamó “Embajador Lírico de La Canción Mexicana”.

En 1919 en la Facultad de Medicina de la Universidad Nacional Autónoma de México obtuvo el título de médico cirujano y como tal fue miembro de la Academia Americana de Cirugía, de la Academia Indolatina de Medicina, catedrático de la Facultad de Medicina de la UNAM y miembro de diversos organismos médicos de México y el extranjero.

Por su gestión llegó a México la primera mesa de Olby para cirugía de espina dorsal.

Estudió en la Academia de Canto del maestro José Pierson e hizo giras artísticas en Centroamérica, Sudamérica, Estados Unidos y algunos países de Europa.

Actuó en la película "La última canción" (1933) al lado de la actriz María Luisa Zea. Desde 1984 se realiza en su honor en la ciudad que le viera nacer el Festival Internacional Alfonso Ortiz Tirado, donde intervienen músicos de talla internacional, y se realizan algunas actividades paralelamente en otros lugares del estado de Sonora. Generalmente el festival se realiza cada año en enero.

Interpretó con éxito, entre muchos otros, los temas “Clavel sevillano”, “Cabellera blanca”, “Ojos de almendra”, “Tú lo sabes”, “Llora, campana, llora”, “Labios rojos”, “Llorar eterno”, “Musme”, “Mañanita fría”, “Caminante del Mab”, “Hablemos”, “Clavel en el aire”, ”Peregrino de amor”, “Gotas de amor”, “Cobarde”, “Sevilla”, “Divina mujer”, “Yucalpetén”, “Suspiro andaluz”, “Cantar lejano”, “Sentir gitano”, “Campanas de mi tierra”, “Cabellera blanca”, “Viva España”, “Retorno”, “Por si no te vuelvo a ver”, “Amapola”, “Princesita”, “Llamarás a mi puerta”, “La feria de las flores”, “Te quiero dijiste”, “Muñequita linda”, “Ojos tapatíos”, “Allá en el Rancho Grande”, “Granada”; “Adiós Mariquita Linda”, “Gratia plena”, “”Farolito”, “Tu partida”, “Oración Caribe”, “Rosa”, “Llanto de flor”, “La paloma”, “Cantar lejano”, “Palmera”, “La Virgen de la Macarena” y “Hastío”.

Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com Wikipedia, l a enciclopedia libre.

RAPHAEL Miguel Rafael Martos Sánchez, su nombre real nació en Linares, Jaén, España, el 5 de mayo de 1943.

Cantante y actor. Voz de barítono ligero.

Artísticamente es llamado “El monstruo de la Canción”, “El Ruiseñor de Linares”, “El Divo de Linares” y “El Niño de Linares”.

Cantó en español, catalán, alemán, japonés, inglés e italiano.

A los nueve años fue reconocido como la mejor voz infantil de Europa en el Festival de Salzburgo, Austria.

Discográficas: Philips, Hispavox, EMI, Sony Music, Universal Music Group.

Es reconocido por ser uno de los precursores de la balada romántica en España y en los países de habla hispana.

Su despegue como estrella musical se produjo a principios de la década de 1960 y entre sus canciones más famosas de este período, las cuales compuso la mayoría el compositor español Manuel Alejandro, se encuentran: "Yo no tengo a nadie", "Poco a Poco", "Al ponerse el sol", "Hablemos del amor", su versión de "Mi gran noche", "Cierro mis ojos", "Digan lo que digan", "La Sandunga" y "La Llorona", estos últimos temas de origen mexicano.

Empezó la carrera profesional como cantante del sello Philips Record y para distinguirse asimismo adoptó la grafía "PH".del nombre de la compañía, de ahí emergería el apodo de "Raphael".

Sus primeros sencillos fueron "Te voy a contar mi vida" y "A pesar de todo" entre otros.

En 1966 y 1967, representó a España en el Festival de Eurovisión con sus éxitos "Yo soy aquel" y "Hablemos del amor", y aunque quedó en 7º y 6º posición, se convirtió en un artista conocido internacionalmente, comenzando una interminable serie de giras, cantando en los teatros y recintos más importantes del mundo, como el “Olympia” de París y el “Madison Square Garden” de Nueva York.

El 25 de octubre de 1970 se presentó en el famoso "Show de Ed Sullivan", emitido desde Nueva York, cantando en vivo en español, inglés e italiano, y consiguiendo una gran repercusión, al punto que volvió a aparecer en el mismo a los pocos meses.

En 1982 recibió un simbólico Disco de Uranio por las ventas de más de 50 millones de discos durante su carrera musical, premio único en el mundo entregado también a Michael Jackson y Queen.

En estos años grabó más canciones que se hicieron célebres a ambos lados del océano: "Qué sabe nadie", "En carne viva" y "Como yo te amo".

En 1992 alcanzó un formidable éxito con el tema de ritmo latino "Escándalo", compuesto por Willy Chirino.

A lo largo de su carrera ha grabado duetos con varias estrellas internacionales, como Tom Jones, Charles Aznavour, Albert Hammond, Patti LaBelle, Rita Pavone, Raffaella Carrà, Paul Anka e incluso con la actriz Gina Lollobrigida, así como con muchas de las principales figuras hispanas de varias generaciones, Julio Iglesias, Celia Cruz, Rocío Jurado, Mónica Naranjo, entre otros.

Desde hace más de 40 años interpreta canciones compuestas por el también español Manuel Alejandro, quien ha sido el compositor de Raphael de varios de sus discos. También interpreta en sus conciertos canciones del cantautor castellanomanchego José Luis Perales: "¿Y cómo es él?", "Yo sigo siendo aquel". "'Frente al espejo'", etc.

En 1962 ganó tres primeros premios del Festival Internacional de la Canción de Benidorm con las canciones "Llevan", "Inmensidad" y "Tu conciencia".

Después de estar ligado de manera breve con Barclay Record Label, firmó un contrato con la discográfica Hispavox donde empezó una larga relación artística con el director del sello y más tarde orquestador Waldo de los Ríos y el cantautor español Manuel Alejandro.

Consiguió su consagración como una "estrella prometedora" el 3 de noviembre de 1965, cuando con apenas 22 años se presentó en el “Teatro de la Zarzuela de Madrid”, caso raro en una época en que los espectáculos de música pop o ligera eran colectivos, al reunir a varios solistas y grupos.

Sus giras mundiales incluían Europa, América Latina, los Estados Unidos, la Unión Soviética y Japón. Y entre las canciones de esos tiempos se destacan "Cuando tú no estás", "mi gran noche", "Digan lo que digan", "Tema de amor", "Estar enamorado", "Balada triste de trompeta" (que daría título a una película de Álex de la Iglesia) y "Desde aquel día".

El 25 de octubre de 1970 apareció en el talk-show The Ed Sullivan Show donde interpretó (en español, inglés e italiano) "Hallelujah" y "Hava Nagila". Dos meses después volvió a aparecer con las canciones "Maybe", "When My Love is Around" y "The Sound of the Trumpet" (adaptación al inglés de "Balada de la trompeta").

En 1975 protagonizó su propio programa en TVE titulado “El mundo de Raphael” en el que cantaba acompañado de artistas internacionales. También disponía de un programa radiofónico en el que junto a su mujer entrevistaba a personalidades.

En 1987 dejó Hispavox y firmó un contrato con Columbia (hoy Sony Music), donde se volvieron a grabar canciones escritas por Roberto Livi como "Toco madera" o "Maravilloso corazón".

En 1992 obtuvo un colosal éxito con la canción de ritmo latino "Escándalo" en España, América Latina y en Japón, donde alcanzó el número uno. Este tema compuesto por Willy Chirino se convirtió en un clásico instantáneo dentro del repertorio de Raphael, quien lo ha cantado con Raffaella Carrà, también con Azúcar Moreno y en 2009 lo grabó a dúo con David Bisbal.

A finales de los años 90, después de terminar un contrato con Polygram, volvió a EMI. En 2000 protagonizó la versión en español del musical “Jekyll & Hyde durante siete meses” y siete años después prestó junto a su mujer, su voz en el doblaje de la versión en castellano a la película de Disney "Descubriendo a los Robinsons".

Ha interpretado en varias ocasiones rancheras, tangos y boleros dándole su personalidad al cantarlas en vivo y grabó en 2011 el álbum “Te llevo en el corazón”, constante de rancheras, tangos y boleros.

El 29 de junio de 2009 festejó sus 50 años de profesión con un histórico concierto en la Plaza de toros de Las Ventas con participación de varias de las principales estrellas de la música hispana, como Miguel Bosé, Ana Belén y Víctor Manuel, Alaska, David Bisbal... y el recinto se llenó, con unos 9.300 espectadores.

A mediados de 2015 el cantante comenzó su gira mundial “Sinphonico World Tour” que duraría hasta el año siguiente, cuando viajó a Colombia para presentar su disco versión sinfónico en Manizales, Medellín, Bogotá y Cali, acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia.

En la localidad de Linares se inauguró un museo relacionado con la vida del cantante desde los años 60 donde se puede encontrar información acerca de su discografía, premios, carteles y demás elementos. El museo dispone de un servicio que conectado a un iPod explica los detalles acerca de su persona, lo cual sirve de utilidad para las personas invidentes.

Este museo reconoce la gran trayectoria artística y profesional de Raphael, nacido en Linares. El cantante se implicó personalmente en la creación de este museo, al que ha cedido más de 400 piezas. Destaca, hasta el punto de que llega a impresionar, la sala de galardones y premios conseguidos por el artista, que recibió por parte de autoridades, fans, discográficas, etc. de todos los rincones del mundo. Sobresale su disco de uranio conseguido en 1980, por vender 50 millones de discos, este es uno de los tres que hay en el mundo.43 El visitante también puede utilizar los dispositivos digitales con los que se complementa la visita, cargados de todos los contenidos audiovisuales y sonoros de la historia del artista, desde su niñez hasta el año 2010.

Discografía cronológica 1962. “Tú, Cupido”, “Llevan”, “Quisiera” y “Cuando calienta el sol”.

1963. “Tu conciencia”.

1965. “Canta la Navidad” y “Raphael”.

1966. “Dis-moi lequel” y “Canta...”.

1967. “Nocturne”, “Fiesta In Sevilla”, “Speak to me of love”, “Al ponerse el sol”, “Digan lo que digan”, “Yo soy aquel” y “Ti amo tanto”.

1968. “Escándalo”, “El golfo”, “Ave María” (Listen To Me) y “Goin' out of my head lterna”.

1969. “El barco del amor”, “Please, keep loving me”, “Todas las chicas me gustan”, Risas y lágrimas”, “Te quiero mucho”, “Los jóvenes enamorados”, “Gitanos en caravana”, “Canto a Tenerife”, “Esa leyenda”, “Tu conciencia”,

“Precisamente Tú”, “Me dirás”, “Alta costura”, “Eres tú”, “Jinetes en el cielo”, “Se fue mi corazón”, “Yo”, “Dos palomitas”, “Raphael” (también editado como “Hacia el éxito); “Más Raphael” (compilación); “Aquí!”, “Ella”, “Será mejor”, “Huapango torero” y “El ángel” (recopilación de temas de la película homónima).

1970. “Gelosía”, “Raphael Live At The Talk Of The Town”, “Aleluya”, “Háblame de Amor”, “Show Us The Way” (“Aleluya del Silencio”), “Maybe”, “Wie Ein Bajazzo”, “Luciana”, “Halleluja”, “Natascha”, “Chissà, Chissà”, “Non è vero niente”, “No me amenaces”, “La Sandunga”, “Aleluya del silencio”, “Los Pelegrinitos”, “Somos”, “Payaso”, “Nana de la Aurora”, “Gitano”, “Te voy a dar lo que tú quieres”, “Corazón, corazón” (Compilación) y “A mi manera”.

1971. “Los amantes”, “Calla”, “Algo más”, “La primera piedra” y “Me enamoré como nunca”.

1972. “Volveré a nacer”, “A veces llegan cartas”, “Volveré a nacer”, “Costumbres”, “Te estoy queriendo tanto”y “A veces llegan cartas”.

1973. “Israel”, “I Can't Remember”, “Mi amante niña mi compañera”, “Y volveré”, “From here on”, “A la huella a la huella”, “El Tarantán” y “Le llaman Jesús”.

1974. “Amor mío”, “Dejame conocerte”, “El Indio”, “El dia que me quieras”, “El niño que no pudo nacer y reir”, “Una mujer de la vida”, “Raphael”, “Qué dirán de mí”, “Amor mío”, “No eches la culpa al gitano”, “Van a nacer dos niños” y “Amor mio”.

1975. “Las Acacias” (Disco Flexible), “Vasija de barro”, “Sombras”, “Guayaquil de mis amores”, “Recital Hispanoamericano” (Raphael y Los Gemelos) y “Como si fuera un niño”.

1976. “Espera mi amor”, “Con el sol de la mañana”, “El gondolero”, “El verde de tus ojos”, “Cabaretera”, “Raphael... Canta” y “Amor, no me quieras tanto”.

1977. “De que te quiero, te quiero”, “Canciones de México por Raphael” (Compilación); El cantor”, “Quiero un amante” y “Se que he sido un tonto”.

1978. “Más Raphael que nunca”, “Una forma muy mía de amar”, “Juro que nunca volveré” y “Con todo y mi tristeza”.

1980. “Se fue”, “Se fue”, “Sencillamente nunca”, “Y... sigo mi camino”, “Vivo Live Direct”, (20 Años En Escena) - Doble Álbum, “La quiero a morir” y “Como yo te amo”.

1981. “Estar enamorado”, “En carne viva”, “Qué tal te va sin mí” y “Qué sabe nadie”.

1982. “Ayer, Hoy, Siempre”.

1983. “Provocación”,”Estar enamorado”, “El gavilán”, “Que tal te va sin mi”, “Para volver a volver” y “Enamorado de la vida”.

1984. “Y fuimos dos”, “Eternamente tuyo” y “Estoy llorando hoy por ti”.

1985. “Yo sigo siendo aquel”, “Hay momentos de amor” y “Me estoy quedando solo”.

1986. “A esa”, “Toda una vida” y “Detenedla ya”.

1988. “Toco madera”, “Hava Naguila”, “Las apariencias engañan” y “La primera piedra”.

1989. “Maravilloso corazón maravilloso” y “Te voy a echar al olvido”.

1990. “Andaluz”.

1991. “Raphael - 30 Aniversario” (1961-1991, doble compilación).

1992. “Tarántula”, “Ave Fénix” y “Escándalo”.

1994. “Se muere por mí la niña”, “Fantasía”, “Malagueña” y “Mi querida España”.

1995. “Desde el fondo de mi alma” y “Soy lo peor”.

1997. “Tarántula”, “Escándalo”, “Yo soy aquel”, “La Cancion del tamborilero”, “Punto... y seguido”, “Siempre estás diciendo que te vas”, “Sin ataduras”, “Los amantes” y “Digan lo que digan”.

2001. “Maldito duende”, “Jekyll & Hyde” y “Maldito Raphael”.

2003. “Desmejorado”, “De vuelta” y “Qué tendrá que ver”.

2004. “Vuelve por Navidad” y “Bendita y maldita Navidad”.

2005. “Para Todos” - 2 CD (recopilación) y “Maravilloso Raphael”, 2 CD + 1 DVD. 2006. “A que no te vas”, “Cerca de ti”, CD + DVD y “Así canta nuestra tierra en Navidad”.

2007. “Recuerdos”(CD Descubriendo A Los Robinsons).

2008. “Music Ages Volumen 1: Raphael” (compilación Philips); “Raphael 50 Años Después”, CD + DVD; “Raphael Celebrando 40 Años en México”, Volumen 1 (8 CD) y “Raphael: 50 Años Después” (CD + DVD + Libro).

2009. “Raphael Celebrando 40 años en México”, Volumen 2 (8 CD) “¡Viva Raphael!”, - 3 CD + 1 DVD y “Raphael en directo y al completo”, 1 CD + 1 DVD. 2010. “Te llevo en el corazón”, 3 CD + 1 DVD y “Eres toda una mujer”.

2011. “Tinc un pensament per tu” (en catalán) y “Cuatro estrellas”.

2012. “Enfadados”, “Eso que llaman amor”, “El Reencuentro” (En Directo Teatro de la Zarzuela CD + DVD) y “Gracias a la vida 2013. “Si ha de ser así”. “Mi Gran Noche”, “Sin Anestesia” y “Mi Gran Noche - 50 Éxitos De Mi Vida”. (3 CD + DVD).

2014. “Provocación“, “De Amor & Desamor” y “Cómo quisiera decirte”.

2015. “Sinphónico” (CD + DVD) y “Ven a mi casa esta Navidad”.

2016. “Aunque a veces duela” e “Infinitos Bailes”.

Fuentes http://www.hola.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

CHARLIE ZAA Carlos Alberto Sánchez Ramírez, su nombre real, nació en Girardot, Colombia, el 30 de enero de 1974.

Cantante de bolero, acto de telenovela y guitarrista ocasional.

Discográficas: Sonolux, FM Discos Y Cintas, Zaa Latino y Sony Music.

Comenzó su carrera casualmente a los 12 años, al suplir al padre un día en la orquesta donde cantaba. Pero el arranque formal se produjo cuatro años más tarde en la agrupación “Alma de Barrio” con temas famosos como “Tu indiferencia”, ”Casualidad de la vida”, “Solo soy de ti”, “Puede ser” y “Primera vez”.

Posteriormente pasó a formar parte de las agrupaciones “Guayacán” y “Niche”, como intérprete de salsa.

Fue el productor Jorge Ramírez quien le propuso remozar temas de Julio Jaramillo y Olimpo Cárdenas para convertirlo en un bolerista moderno, y su lanzamiento como cantante romántico rompió todas las expectativas, hasta el punto de que su disquera, Sonolux, tuvo que contratar personal para poder producir la placa debut.

Su primera producción discográfica se tituló “Sentimientos”, en la cual se hallan grabados por parejas 20 de los boleros más conocidos y difundidos por destacados intérpretes y compositores como los ya fallecidos Julio Jaramillo, Olimpo Cárdenas y Oswaldo Morales.

En 1998 salió su segundo producción titulada “Un Segundo Sentimiento”, una continuación de su disco anterior. A ésta le siguió dos años después el álbum “Ciego de amor”, que incluyó temas inéditos y versiones de “Con los años que me quedan” y “La Pollera Colorá”.

En 2001 viajó a Estados Unidos para participar en la grabación del tema “El último adiós” acompañado de otros artistas, con motivo del atentado terrorista a las Torres Gemelas de Nueva York, el 11 de septiembre de 2001.

Ese mismo año produjo su cuarta producción, “De un solo sentimiento”.

En 2002 editó su primer disco de recopilación, “Grandes sentimientos”, con temas de sus trabajos anteriores y el siguiente año apareció su quinta producción discográfica “Puro sentimiento”. El sexto álbum (2005) llevó como título “Bachata con puro sentimiento”, constante de gran parte de los temas de su cuarta producción “Puro sentimiento” en versión bachata.

Una nueva compilación titulada “De Bohemia” fue presentada en 2009, como homenaje a Orlando Contreras.

El 8 de agosto de 2013 Charlie Zaa regresó al ruedo musical con el género que lo vio nacer profesionalmente, la salsa, y el álbum.

En 2015 volvió al género romántico con “Mi mejor regalo”, un homenaje a Joan Sebastian.

Entre los temas románticos que su voz renovó se encuentran “Flor sin retoño”, “Un disco más”, “Ódiame”, “Rondando tu esquina”, “Nuestro juramento”, “No me toquen ese vals”, “Cinco centavitos”, “Temeridad y “Alma negra”.

Fuentes http://www.buenamusica.com Wikipedia, la enciclopedia libre

JOSÉ JOSÉ José Rómulo Sosa Ortiz, su nombre real, nació en Ciudad de México el 17 de febrero de 1948.

Cantante, músico, productor musical y actor.

Es llamado “El Príncipe de la Canción”.

Sitio web: http://www.josejose.org.

Su particular estilo ha ejercido influencia sobre numerosos artistas del ámbito musical.

Comenzó la carrera musical tocando la guitarra y cantando en serenatas durante la adolescencia. Más tarde, se unió a un trío de jazz y bossa nova en el que cantaba y tocaba el bajo y contrabajo. En marzo de 1963, a la edad de 15 años, formó un trío musical con su primo Francisco Ortiz y su amigo Alfredo Benítez.

Con una venta de más de 120 millones de discos lo que lo convirtió en uno de los cantantes latinoamericanos más exitosos de la historia.

Ha llenado recintos como el Madison Square Garden, Radio City Music Hall, Las Dunas, el Auditorio Nacional, entre otros y su música ha llegado a países no hispanoparlantes como Arabia Saudita, Japón, Israel, Egipto y Rusia.

Como actor protagonizó las películas “Gavilán o Paloma” y “Perdóname todo”, entre otras.

En 1965 fue contratado para realizar su primera grabación discográfica profesional, un disco sencillo de 45 RPM con Discos Orfeón, contentivo de los temas “El mundo” ("Il Mondo") y “Ma Vie” (Mi vida), presentado en el programa de TV patrocinado por dicha disquera ("Orfeón a Go-Go"), en el que se dio a conocer con el nombre artístico de "Pepe Sosa". El disco sencillo no tuvo mayor trascendencia debido a la poca promoción que se le dio, pero de todas maneras grabó un segundo y último sencillo en 45 RPM con las canciones "Amor" y "No me dejes solo".

Seguidamente empezó a tocar el contrabajo en otro trío de jazz y bossa nova, llamado "Los PEG", con el cual debuta el 21 de marzo de 1966 en el centro nocturno "Café Semíramis".

En 1967 en el local del "Apache 14" lo escuchó el compositor y productor discográfico Rubén Fuentes, gracias al cual obtuvo un contrato con la filial mexicana del sello mundial RCA Víctor (hoy Sony-BMG) bajo la condición de que no actuara más en centros nocturnos.

Dos años después grabó su primer LP, a partir del cual adoptó el pseudónimo artístico “José José”.

1969 marcó también su salto a la fama tras el lanzamiento del tema “La nave del olvido”, del compositor Dino Ramos, que se convirtió en su carta de presentación.

Durante toda la década de los 70, siguió colocándose en el gusto del público latinoamericano con canciones como “Es que te quiero”, “Vive”, “El Príncipe” y “Todo es amor”, entre otras. Uno de esos temas lo convirtió en "El Príncipe de la Canción".

En abril de 1970 viajó a Los Ángeles, California, Estados Unidos, a recibir su primer Disco de Oro. En 1977 firmó contrato con una nueva disquera Ariola, que recién iniciaba operaciones en México. Grabó la producción “Reencuentro” que lo consagró pues se convirtieron en exitosos temas como “Gavilán o paloma”, “Buenos días, amor” y “El amar y el querer”, logrando discos de Oro y de Platino.

En 1980 grabó “Amor amor” y efectuó giras por los principales escenarios de la Unión Americana, México y toda Latinoamérica. Ese LP consiguió ventas por más de 1 millón y medio de unidades.

El siguiente año grabó los álbumes “Romántico”, un disco de boleros, y “Gracias” y en 1982 salió a la venta el “20 triunfadoras de José José”, un recopilatorio de sus éxitos hasta ese momento, producción contentiva de las nuevas versiones de “El triste” y “La nave del olvido”, que lo dieron a conocer Ese mismo año produjo el álbum “Mi vida”, que se hizo acreedor a seis discos de Oro y uno de Platino por las más de 3 millones 419 mil copias vendidas al nivel nacional y Latinoamérica..

En 1983 grabó en España su más exitoso álbum, “Secretos”, la producción más vendida en la carrera del cantante, del compositor y de la historia de la música en México, ya que logró vender más de 2 millones de copias en las primeras semanas de su lanzamiento y hasta la fecha se cuentan más de 11 millones de discos vendidos. Además se mantuvo por más de 40 semanas en el primer lugar del Hit Parade de la lista de Billboard en casi todos los países de habla hispana además de Estados Unidos, lo que lo colocó como el mexicano más exitoso en la historia de la música, además de que dicha producción significó la cúspide en la trayectoria del intérprete. Se hizo acreedor a 22 Discos de Oro y Platino por sus altas ventas.

Fue el primer cantante latino en hacer videos de las canciones de su álbum, como "Lo dudo", "Cuando vayas conmigo", "Voy a llenarte toda", "A esa", "Quiero perderme contigo", "Lágrimas", etcétera. Secretos fue nominado al Best Latín Pop Performance en los Grammy Awards de 1985. Con este disco, el Príncipe de la Canción, se hizo merecedor Así, El Príncipe de la canción se colocó como el cantante latinoamericano más influyente, exitoso y cotizado de esa época.

En 1984 grabó “Reflexiones”, otro álbum millonario, ya que logró la muy aceptable cantidad de casi 3 millones de copias vendidas y varios Discos de Oro y Platino. Así mismo grabó duetos con Lani Hall (el tema “Te quiero así”) y con José Feliciano (el tema “Por ella”) temas sólo incluidos en los álbumes de los artistas ya nombrados y que fueron éxitos de ventas.

A principios del siguiente año 1985, fue requerido para participar en la versión latina de "We are the world", con la canción “Cantaré cantarás”, en los estudios Criteria de Miami (Estados Unidos) junto a otros grandes de la canción como Plácido Domingo, Julio Iglesias, Roberto Carlos, José Luis Rodríguez "El Puma", Don Pedro Vargas y varios artistas más.

Ese mismo año salió a la venta “Promesas”, con más de 2 millones de copias vendidas y giras internacionales. Además estrenó su película autobiográfica “Gavilán o paloma”.

En 1986 grabó las canciones “Saliendo adelante”, en homenaje a las víctimas del terremoto ocurrido en México el 19 de septiembre de 1985, y “Siempre contigo”. Asimismo cantó a dúo con Pedro Vargas las canciones "El reloj","Rival", "Tiempo" y "Se me hizo fácil", entre otras.

En 1987, se estrenó “Soy así, con más de 1 millón y medio de copias vendidas, e hizo una gira por países tan lejanos como Arabia Saudita e Israel, donde visitó las ciudades de Jerusalén y Abu Dhabi.

Sus éxitos continuaron en 1989 con su nuevo disco “¿Qué es el amor?”, el cual obtuvo 3 Discos de Oro y 6 de Platino por las más de 1 millón 513 mil copias vendidas.

En 1990, para festejar sus primeros 25 años de carrera, el presentador Raúl Velasco en su show televisado “Siempre en Domingo” organizó un homenaje en su honor, en el cual participaron artistas como Libertad Lamarque, Valeria Lynch, Verónica Castro, Pepe Jara, Roberto Carlos, Julio Iglesias, Marco Antonio Muñiz, Vicente Fernández y Guadalupe Pineda, entre otros. El programa tuvo seis horas de duración y fue tal su éxito que se retransmitió en tres ocasiones. El mismo año, la disquera Ariola-BMG lanzó un álbum doble en homenaje a sus primeros 25 años de carrera.

Nuevamente rompió récord de ventas con su álbum “En las buenas... y en las malas”, y logró ubicar el tema principal del disco, “Amnesia”, de Dino Ramos, en el primer lugar de la lista de éxitos de la famosa revista Billboard por varias semanas.

Al mismo siguió “40 y 20” del cual vendió 1 millón 530 mil copias a las 2 semanas y media de su lanzamiento y alcanzó el primer lugar de las listas.

En 1994 regresó al éxito con el álbum “Grandeza Mexicana”, el cual marcó un episodio importante en su carrera ya que volvió a trabajar con el compositor Manuel Alejandro. Logró vender más de 1 millón de copias. En este LP hizo dos duetos: uno con su hijo José Joel, cantando “La fuerza de la sangre”, y otro con el propio Manuel Alejandro, con el que cantó “José y Manuel”.

El año siguiente entró al estudio de grabación nuevamente para lanzar “Mujeriego”, con el que obtuvo Discos de Oro y Platino y logró ubicar en el Top Ten latino los sencillos “Mujeriego” y “No valió la pena”.

En 1998, grabó el álbum “Distancia”, del cual logró los primeros lugares el éxito “Ojalá que te mueras”.

En 2001, grabó “Tenampa”, material producido por el cantante y compositor Juan Gabriel, que a nivel mundial logró vender más de 500.000 copias.

Dos años más tarde su disquera BMG lanzó una colección de tres álbumes titulada “El Príncipe con trío”, contentivo de algunos de sus éxitos, grabados entre 1969 y 1983, separados del acompañamiento original, remasterizados y con el acompañamiento del grupo “Los Tres Caballeros”, con las cuales estas grabaciones de baladas se transforman en boleros.

En octubre de 2005 la Academia le otorgó el Premio Grammy en reconocimiento a su exitosa carrera como cantante.

En 2007 fue objeto de varios reconocimientos, entre ellos un busto y una estatua en Ciudad de México. Además el Congreso y el Senado de los Estados Unidos reconocieron su contribución a la Cultura de la Humanidad.

Igualmente volvió al primer plano musical con su disco “Mis duetos”, el cual inmediatamente entró al Top Ten de Billboard por su versión en reggaetón de Email-me, que grabó a dúo con su hija menor, Sarita Sosa, además del tema "Aunque vivas con él" a dueto con el cantante pop Reyli Barba.

En febrero de 2008, al cumplir 60 años de edad su casa disquera, la SonyBMG, lanzó una serie de producciones basadas en su impresionante legado de 45 años. En consecuencia, se puso a la venta el disco "El Príncipe y el Bolero", que alcanzó cifras récord de ventas a nivel internacional.

En septiembre del mismo año la Academia de Grabación (LARAS, por sus siglas en inglés) le rindió un magno homenaje en Miami, en el cual las más grandes luminarias del momento como David Bisbal, Cristian Castro, Luis Fonsi, Víctor Manuelle, Olga Tañón, Alicia Villarreal, Aventura y Marco Antonio Solís, entre otros, cantaron sus canciones.

El 19 de noviembre de ese año recibió la Estrella de la Fama en el Paseo de las Estrellas en Las Vegas, Nevada.

En 2009 efectuó una gira para actuar en Ecuador, República Dominicana, Guatemala, Honduras, México y Estados Unidos. El 13 de junio de ese año fue homenajeado en el United Palace de la ciudad de Nueva York, por un grupo de cantantes como Cristian Castro, Ángela Carrasco, La Mafia, Rubby Pérez, Sergio Hernández, entre otros intérpretes de la música latina.

En 2010 salió a la venta el disco “José José Ranchero”, recopilatorio de sus más grandes éxitos con acordes de mariachi, que logró altas ventas. También participó en el evento Una canción por el Bicentenario de México, "73 mil amaneceres", al lado de Marco Antonio Muñiz, María Victoria, Armando Manzanero y Olivia Gorra.

Entre los artistas de mayor renombre que han grabado sus canciones se cuentan Johnny Mathis, Marc Anthony, Vikki Carr, Luis Miguel, Conjunto Primavera, Chayanne, Raphael, Juan Gabriel, Rocío Dúrcal, Camilo Sesto, Cristian Castro, Vicente y Alejandro Fernández, Manuel Mijares, Juan Carlos Coronel, Kalimba, Aventura, entre muchos otros.

Fuentes http://www.buenamusica.com/ Wikipedia, la enciclopedia libre.

SARITA MONTIEL María Antonia Alejandra Vicenta Elpidia Isidora Abad Fernández, su nombre real, nació en Campo de Criptana, España, el 10 de marzo de 1928 y falleció en Madrid el 8 de abril de 2013. Adquirió la nacionalidad mexicana en 1951.

Actriz y cantante.

Además de la música española interpretó también el bolero, entre ellos “Bésame mucho”, “Piel canela”, “Fumando espero”, “Perfidia”, “Contigo aprendí”, “Amado mío”, “Quizás, quizás, quizás”, “Besos de fuego”, “La paloma”, “Lágrimas negras”, “Ojos verdes” y “Solamente una vez”.

Grabó más de 700 canciones que se publicaron en más de 50 álbumes.

Volvió a poner de moda el cuplé y que sus grabaciones se publicaron en diversos países europeos y americanos, desde Rusia hasta Brasil, y llegó a cantar en griego.

Como actriz participó en cerca de 60 películas junto a artistas de la talla de Gary Cooper, Burt Lancaster, Joan Fontaine, Mario Lanza, Vincent Price y Charles Bronson.

Su primer álbum, “El último cuplé”, fue exitoso, especialmente el tema “Fumando espero”.

A su repertorio clásico sumó en la década de 1970 temas más audaces, como "Me gustas cuando callas" (adaptación de un poema de Pablo Neruda, un escritor mal visto por el franquismo) y la sensual canción en inglés "Touch Me".

Sus álbumes Purísimo Sara (1988) y A flor de piel (1991) reunieron composiciones hechas expresamente para ella como "Bolero triste" de Joaquín Sabina, "¡Ay, qué caray!" de José María Cano, las canciones bailables de estilo pop "Atrévete otra vez" y "Súper Sara" de Carlos Berlanga y Nacho Canut, "Fúmame, fúmame" compuesta en equipo por Sabina, Antonio Carmona y Javier Gurruchaga (quien la grabó a dúo con Sara), y el tango "Macho" de Óscar Gómez. También grabó canciones de Pedro Ruiz ("¡Qué noches!") y Emilio Aragón ("La rosa").

En 2009 grabó con el dúo “Fangoria” la exitosa canción "Absolutamente" con el correspondiente videoclip.

Reconocimientos 1958. Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes.

1959. Premios del Sindicato Nacional del Espectáculo y del Círculo de Escritores Cinematográficos, título de Actriz del Año (1959) y el Disco de Oro por “La violetera”.

1982. Orden de las Artes y las Letras Francesas.

1986. Águila de Oro de Hollywood.

1997. Medalla de Oro de la Academia del Cine.

1999. Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos.

2007. Biznaga de Plata -'La Película de Oro' del Festival de Cine de Málaga por “El último cuplé”.

2010. Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo.

Fuentes Portal Tiempo de Boleros. Martes 18 de agosto de 2009.

Wikipedia. la enciclopedia libre.

RAÚL SHAW MORENO Raún Shaw Boutier, su nombre de pila, Nació en Oruro, Bolivia, el 30 de noviembre de 1923 y falleció en Buenos Aires, Argentina, el 13 de abril de 2003.

Compuso y cantó boleros.

Logró fama en toda Iberoamérica durante los años cincuenta y parte de los sesenta.

Con el guitarrista Mario Barrios compuso varios boleros (“Cuando tú me quieras”, “Solo cenizas”, “Nuestro ayer”, “Qué saben de mí” y “El espejo”, entre los más importanes).

También el taquirari “Desilusión” y la guarania “Para no llorar de gran éxito” y algunos ritmos bolivianos. Los boleros, pueden citarse como lo más importante de la producción De su única autoría son el bolero “Lágrimas de amor”, grabado cuando formó parte del “Trío Los Panchos”; el bailecito “Noche chapaca” y los huayños “Pollerita” y “Borrachito ladrón·.

A los trece años ganó un concurso de cantantes patrocinado por el Teatro Municipal de Oruro, y se presentó con éxito en la “Radio El Cóndor” de esa misma ciudad.

Viajó más tarde a La Paz y con junto a su hermano Víctor Shaw fundó su primer grupo, el “Trío Los Altiplánicos”, que comenzí a hacerlo conocido en Bolivia.

En 1948 formó el “Trío Los Indios”, con el cual realiazó una gira por México.

Y posteriormente, junto a los hermanos Valdez formo parte del “Trío Panamerica Antawara”, donde efectuó realiza su primera grabación. Fue entonces cuando compuso su primer éxito, el bolero "Magaly".

Cuatro años después, en un salón del Hotel Sucre Palace, de La Paz, fue admitido en el “Trío Los Panchos” tras interpretar su tema “Magaly”, para actuar como primera voz en reemplazo de Hernando Avilés.

Su debut se produjo en el auditorio de la Radio Minería de Santiago de Chile y se negó a cambiar su nombre artístico Raúl Shaw Boutier por el de Raúl Moreno, con el argumento de que sus apellidos eran extraños en un cantante de boleros. Pero sustituyó su apellido materno por el de “Moreno” usando originalmente comillas en la palabra.

Se alejó del trío en 1952, antes de cumplir un año como primera voz, y en 1994 afirmó: “Soy un agradecido a la vida por haberme dado la posibilidad de formar parte de Los Panchos, conjunto del que soy admirador, antes que nada”…

Poco después con los chilenos Fernando Rossi y José González, formó el “Trío Los Peregrinos” que debutó en la Radio Corporación de Santiago. Esta agrupación alcanzó un éxito enorme en Chile y otros países suramericanos.

A principios de 1953, el “Trío Los Peregrinos” en los estudios de la empresa Odeón acompañó a un joven bolerista llamado Lucho Gatica con sus voces y guitarras en sus primeras grabaciones como profesional: "Contigo en la distancia", de la autoría del cubano César Portillo de la Luz, y "Sinceridad" del nicaragüense Rafael Gastón Pérez.

Años después, al enterarse del fallecimiento de Shaw, Lucho Gatica declaró que no olvidaba que estos dos boleros que lo hicieron famoso en todo el continente eran originalmente del repertorio de Raúl Shaw Moreno.

En 1956 convocó al “Cuarteto Los Indios”, integrado por su hermano Alex Shaw, Hugo Encinas, primera voz y guitarra, Mario Barrios, ejecutante de la guitarrilla, y Luis Otero, uno de los mejores guitarristas de la época y ejecutante de charango para formar el grupo “Raúl Shaw "Moreno" y Los Peregrinos”.

La nueva agrupación firmó su primer contrato con la filial chilena de Odeón para grabar el LP titulado “Boleros - Música del Altiplano”, cuyos temas se escucharon por más de una década en las radios de toda América Latina. Además participó en cuatro películas y obtuvo el Disco de Oro en 1957 por las ventas en Chile.

En pleno éxito, sin embargo, el grupo se disolvió en México.

El compositor pasó los últimos años de su vida en Buenos Aires, Argentina, y al retirarse de la acividad musical se dedicó de lleno a la pintura, su otra pasión artística, e hizo exposiciones tanto en Argentina como en Perú y Japón.

La muerte Así reseñó la agencia EFE su fallecimiento:

Falleció uno de los grandes del bolero: Raúl Shaw Moreno BUENOS AIRES, 14 (EFE).- El cantante y compositor boliviano Raúl Shaw Moreno, quien en la década de los años cincuenta fue la voz principal del trío Los Panchos, falleció en Buenos Aires a los 79 años, confirmaron fuentes diplomáticas.

El deceso del artista, que residía en Argentina desde hace varios años, se produjo durante la madrugada de ayer, domingo, según informó su sobrina a un funcionario del Consulado boliviano en Buenos Aires.

Shaw, autor de varios boleros que son considerados clásicos y han sido grabados por artistas de todo el mundo y en diferentes idiomas, "pasó sus últimos días en cama a causa de una antigua enfermedad", comentaron las fuentes.

Nacido en la ciudad boliviana de Oruro y nieto de un emigrante inglés, el artista era un cantante aficionado que se ganaba la vida como dibujante técnico, hasta que en 1952 sustituyó al puertorriqueño Hernando Avilés como primera voz del trío Los Panchos.

Con el grupo al que se recuerda como la piedra angular del bolero, cuyos otros dos miembros fueron los mexicanos Alfredo Gil y Jesús "Chucho" Navarro, Shaw grabó 24 canciones.

Entre otros famosos temas de Los Panchos, el boliviano puso su voz en "Perfidia", "Aquellos ojos verdes", "Quiéreme mucho", "Solamente una vez", "Una aventura más", "Lágrimas de amor" y "María Elena".

"Soy un agradecido a la vida por haberme dado la posibilidad de formar parte de Los Panchos, conjunto del que soy admirador, antes que nada, y que por esa razón no puedo entender que se lo olvide", declaró Shaw en una entrevista realizada en 1994.

En 1972 fue convocado por Gil y Navarro a reincorporarse al grupo con carácter de invitado.

Cuando abandonó Los Panchos, formó el trío Los Peregrinos y según él, fue allí donde vivió los mejores momentos de su vida.

Después de convertirse en un mito de la canción latinoamericana, el cantante boliviano fijó su residencia en Buenos Aires, donde vivió rodeado de música y pintura, afición a la que también dedicó gran parte de su existencia.

Fuentes lacuarta@copesa.cl Wikipedia, la enciclopedia libre.

BOBBY CAPÓ Félix Manuel Rodríguez Capó, su nombre real, nació en Coamo, Puerto Rico, el 1 de enero de 1921 y falleció en Nueva York el 18 de diciembre de 1989.

Su carrera artística comenzó cuando por motivos fortuitos debió reemplazar al cantante Davilita en el “Cuarteto Victoria” y a partir de ese momento fue muy solicitado por sus temas, especialmente los románticos. Más tarde se convirtió en ídolo de Cuba y de toda América Latina en la década del cuarenta. Después se apoderaría de las pantallas de televisión.

Como compositor, le legó a la historia de la música popular alrededor de dos mil títulos Pero la fama comenzó cuando grabó como solista con la orquesta del conocido músico español Xavier Cugat. Además sus interpretaciones sonaron mucho en las estaciones radiales tanto en Puerto Rico como en otros países latinoamericanos durante la Segunda Guerra Mundial.

Igualmente grabó una serie de discos de larga duración, en especial junto a Rogelio Martínez y Lino Frías, director y pianista, respectivamente, de la afamada orquesta “La Sonora Matancera”, donde su popularidad se agigantó. Con esa agrupación editó “Piel Canela”, su bolero más célebre, el 1º de abril de 1952, cantado por innumerables intérpretes en todos los géneros. Otros temas de su autoría fueron los títulos “El aguinaldo navideño”, “De la montaña venimos”, “El Bardo”, “Que falta tú me haces”, “Sin Fe”, “Luna de miel en Puerto Rico”, “Llorando me dormí” “Soñando con Puerto Rico”, y uno que fue muy famoso grabada por “Cortijo y su Combo”, “El Negro Bembón”.

En 1940 grabó en Nueva York sus primeros temas, “Noche y día”, “Lo siento por ti”, “Francia” y “El soldado”. También cantó temas exitosos de otros autores, como “La Cocaleca” y “La Mucura”.

Fuentes http://www.biografiasyvidas.

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TITO CORTÉS Luis Alberto Cortés Bonnet, su nombre de pila, nació en Tumaco, Nariño, Colombia, en fecha no precisada de 1929 y falleció en Cali, Valle del Cauca, el 18 de julio de 1998.

Fue llamado "El Ciclón del Pacífico". Y aunque tuvo fuerte controversia con Daniel Santos, entre ambos artistas surgió después una gran amistad de tal nivel afectivo que éste interpretó su tema “El cinco y seis”.

Grabó decenas de LPs y realizó presentaciones en Ecuador, Venezuela, Chile, Panamá, Estados Unidos y México, donde se hizo acreedor a un Disco de Oro por ventas.

De 1951 data su primera grabación, "Alma Tumaqueña", a la que siguieron, entre otras, “Reconciliación”, “Derrumbes”, “Dos claveles”, “Esta noche”, “Si te vas”, “El Diablo”, “Mala mujer” y “Frivolidad”.

La muerte Dos días después de su fallecimiento, Nullvalue escribió en el diario El Tiempo, el 20 de julio de 1998, el texto periodístico que sgie: MURIÓ UN GRANDE DEL BOLERO SON Se fue a cantar en el cielo, era lo que decía Tito Cortés hace un mes durante el sepelio de su amigo y colega Piper Pimienta. Ayer muchos artistas decían que los dos grandes de la canción popular harán dúo en los coros celestiales.

Por: NULLVALUE EL TIEMPO20 de julio de 1998 José (sic) Alberto Cortés Bonnet, El ciclón colombiano , había superado meses atrás una bronquitis prolongada, pero el viernes sufrió una crisis cardíaca y no puso superarla. A sus 73 años se quedó sin cumplir ese regreso a los escenarios, pero dejó un disco hasta ahora inédito.

El Diablo, Reconciliación, Si te vas, Mala Mujer y su popular Alma Tumaqueña lo hicieron famoso en el ámbito musical; al despedirlo ahora, se constituyen en el más vivo recuerdo de un ser humano que a pesar de su fama, conservó su sentido del humor hasta sus últimos días y la sencillez que le hizo ganar el amor y el respeto de la gente.

Dedicó 45 años a la vida artística y realizó 110 trabajos discográficos. Tito Cortés conservó hasta el final su entrega a la música. Grabó hace seis meses su último disco en Ecuador con el acompañamiento de Los Hermanos Vera .

La producción que incluye interpretaciones de Galy Galeano y que aún no se conoce en Colombia, ha sido un éxito en el vecino país, según el cantante y compositor ecuatoriano Segundo Rosero, quien se hizo presente en la sala de velación para dar condolencias a los familiares del cantante.

Quienes compartieron la vida artística de Tito Cortés, lo recuerdan con admiración y respeto. Eduardo Valencia, cantante y compositor dice que aunque hay personas que insisten en opacar la imagen del cantante con comentarios acerca de una supuesta adicción a las drogas, él es el testigo más fiel de la falta de veracidad de esas afirmaciones. Tito merece que se respete su memoria, dijo Valencia.

Mario Orozco conoció a Tito Cortés desde cuando grabó su gran éxito Alma Tumaqueña en 1951, con una disquera de Pereira. A partir de ese momento fueron amigos inseparables.

Recuerda un viaje hacia Medellín en 1957 cuando fueron a grabar un disco. Tito le tenía pánico a los aviones, dijo que nos fuéramos en carro. Cuando llegamos a la Estación escogió el más viejo, yo le dije que nos fuéramos en otro mejor y me respondió que ese conductor también necesitaba ganarse la vida trabajando.

Ibamos llegando a la Pintada y teníamos tiempo para llegar a coger el ferro. Pero de pronto se le salió la llanta a ese carro viejo, pero gracias a la pericia del conductor nos pudimos salvar , cuenta Orozco.

Llegamos tarde y el ferro ya estaba arrancando, le dije a Tito grita y pónele la mano mientras yo bajo las maletas. Cuando él gritó, el maquinista lo reconoció, dijo ese es Tito y paró el ferro. Entonces, lo invitó a viajar en la cabina.

Según Orozco, Cortés se inspiraba en las cosas cotidianas, una mujer, un paisaje o un momento de su vida. Se nos fue un gran amigo y un gran artista, decía ayer entre sollozos.

Recuerda también la pasión de Tito por las mujeres. Tanto así que él mismo decía que tenía 28 hijos. Cuando estábamos en una presentación, las muchachas se le subían a la tarima a abrazarlo y besarlo.

Hoy, a las 10 de la mañana, el mundo dará su último adiós al cantante tumaqueño, que se quedó en Cali para siempre. Sus amigos artistas lo acompañarán con canciones hasta el cementerio Jardines del Recuerdo.

Fuentes Nullvallue. “Murió un grande delbolero son”. El Tiempo, 20-07-1998.

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JUAN GABRIEL Alberto Aguilera Valadez, su verdadero nombre, nació en Parácuaro Michoacán, México, el 7 de enero de 1950 y murió en Santa Mónica, California, Estados Unidos, el 28 de agosto de 2016. La calle 5 de Mayo donde se produjo su nacimiento fue rebautizada Juan Gabriel.

Cantante, productor, actor, músico y compositor.

Su voz fue la de tenor ligero.

Se le llamó “El Divo de Juárez”, “Juanga” y “El Divo de México”.

Su fama lo convirtió en una leyenda viviente y fue considerado la máxima figura de la música mexicana a nivel mundial.

Compuso y cantó rancheras, boleros, pop latino, música norteña, rumba flamenca, huapango, música chicana, salsa, son de mariachi, banda sinaloense, disco, baladas, big band y hasta canciones de cuna que escribió a cada uno de sus hijos.

Su período de actividad se extendió desde 1971 hasta pocos días antes de morir, el 26 de agosto de 2016.

Grabó con las discográficas RCA Records (1971-1978); Ariola Records (1978-1990); BMG Bertelsmann (1990-2004); Sony BMG (2004-2008) y Universal Music Group-Fonovisa (2008-2016).

Sitio web: juangabriel.com.mx Pasó a la historia de su país como el principal bastión de la música regional mexicana contemporánea en el último tercio del siglo XX y hasta el momento de su muerte.

También fue el compositor que más canciones registradas tiene en la SACM (Sociedad de Autores y Compositores de México) y el que más recursos económicos genera por concepto de regalías a dicha asociación.

Su disco “Recuerdos II”, lanzado en 1984, tiene el récord de haber sido el más vendido en toda la historia en México, con más de 8 millones de copias.

Sus composiciones fueron traducidas a idiomas tan diversos como turco, japonés, alemán, francés, italiano, tagalo, griego, papiamento, portugués e inglés, e interpretadas por más de 1.500 artistas y grupos en todo el mundo.

Otro récord que alcanzó fue el de haber sido el compositor hispano más cantado a nivel mundial y a sus ventas como intérprete, más de 150 millones de discos vendidos, se suman 75 millones de copias como productor discográfico y 45 millones más por las altas ventas de sus realizaciones musicales al lado de la española Rocío Dúrcal, con quien conformó una pareja musical reconocida y exitosa en Iberoamérica.

Por otro lado, sus temas en su voz o en la de sus centenares de intérpretes sonaban aproximadamente cada 40 segundos en los medios de difusión radial y/o televisión en América Latina.

Además, fue el artista mexicano con más reproducciones en YouTube, y el artista latino que más boletos vendió de sus actuaciones en Estados Unidos.

Asimismo se destaca el hecho de haber realizado más de 15 000 presentaciones por todo el mundo durante 45 años de trayectoria musical.

Se le conoció también como filántropo por la labor orientada a ofrecer oportunidades de desarrollo a la niñez abandonada. En tal sentido brindó protección a más de un centenar de menores albergados en una escuela llamada “Semjase”, creada en 1987 en Ciudad Juárez, Chihuahua.

Juan Contreras, maestro de hojalatería, le enseñó los amplios conocimientos de música que poseía y a tocar la guitarra, gracias a la cual compuso su primera canción, “La muerte del palomo”, a los 13 años.

En homenaje a él y a su padre, adoptaría años después su nombre artístico Juan Gabriel.

Con más de cien canciones compuestas y el deseo de que la gente lo escuchara viajó, sin éxito, a Tijuana, Ensenada, Rosarito, incluso a Lake Elsinore, California.

Años más tarde, volvió a Tijuana para tener la oportunidad de trabajar en el bar “Nic Teja”,luego regresó a Juárez, donde tuvo la oportunidad de trabajar en el bar “Noa Noa”, de David Bencuomo, quien le brindó su apoyo y le dio la oportunidad de cantar acompañado por “Los Prisioneros del Ritmo”, cantando canciones propias y de otros autores.

Para entonces usaba el nombre artístico de Adán Luna.

Luego viajó a la Ciudad de México, donde obtuvo la oportunidad de hacer coros para artistas como Angélica María, Leo Dan y Roberto Jordan dentro de la RCA. Fue la cantante Enriqueta Jiménez, conocida como “La Prieta Linda”, la primera artista que grabó un tema de la autoría de Alberto Aguilera, “Noche a noche”.

La primera etapa de su exitosa carrera artística comenzó el 4 de agosto de 1971 cuando adoptó el pseudónimo Juan Gabriel y grabó su primer disco, contentivo de los temas “No tengo dinero”, primer sencillo y primer gran éxito en su carrera, “Tres claveles y un rosal” y “Como amigos”, material por el que recibió su primer Disco de Oro. Ese mismo año se presentó por primera vez en un programa de televisión titulado “Él y ella”.

En su primer álbum con mariachi incluyó, entre otros, los temas“Se me olvidó otra vez”, “Lágrimas y lluvia”, “Que chasco me llevé” y “La muerte del palomo”.

En 1974 grabó un disco con “El Mariachi Vargas de Tecalitlán”, cuyo primer sencillo, “Se me olvidó otra vez”, se convirtió en uno de los temas rancheros más concidos en el mundo yposteriormente su cuarto disco y los temas “A mi guitarra” y “Te propongo matrimonio”.

Logró posicionar en el primer lugar de popularidad el tema “No tengo dinero”, cuya versión instrumental con la Orquesta Sinfónica de Londres, en Inglaterra, vendió un millón de copias. En América Latina tuvo gran aceptación y vendió 2 millones de discos.

Ese tema lo grabó también en japonés y portugués. También fue grabado por Bata Illic en alemán, en esa misma época.

Siguieron los éxitos con los temas “Me he quedado solo”, “1, 2, y 3 y me das un beso”, “No se ha dado cuenta” y “Será mañana”, que lo llevó a participar en el Festival OTI y, aunque no resultó triunfador, fue el único tema que despegó radialmente entonces.

Realizó grabaciones de sus grandes éxitos en inglés, portugués y japonés.

El disco “Recuerdos”, grabado en Londres, le dio inició a una cadena de éxitos nunca vistos en un artista mexicano, con los temas siguientes: “He venido a pedirte perdón” (1979); “Con tu amor (1981)”; “No me vuelvo a enamorar”, “Ya lo sé que tú te vas”, “Si quieres” e “Insensible”, incluidos en su disco de boleros “Cosas de enamorados” (1982); “Caray”, “No vale la pena” y “Yo me voy”, del disco “Todo” (1983); “Querida” (1984), del acetato “Recuerdos II”, que se mantuvo más de un año en el primer lugar de popularidad en México y América del Sur; “Déjame vivir”, a dúo con Rocío Dúrcal (1985); “Te lo pido por favor”, “Hasta que te conocí” y “Yo no sé que me pasó”, del disco “Pensamientos” (1986) y “Debo hacerlo (1987), versión que rompió récord de ventas en Estados Unidos para un disco latino.

Además, aunado a sus éxitos como intérprete, entregó lo que es considerado como lo mejor de su repertorio para sus intérpretes. Angélica María le grabó "Cómo, cuándo y por qué" y "No volverás a verme" (1980); Aida Cuevas triunfó en 1983 con "Quizás mañana"; Rocío Dúrcal hizo historia y consiguió su primera nominación al Grammy con el tema “Amor eterno” (1984), y posteriormente, en 1986, con temas como “Quédate conmigo esta noche” y “La guirnalda”; Lucha Villa triunfó en México y América Central con “No discutamos”, “Tú a mí no me hundes” y “Ya no me interesas” (1986); Daniela Romo llegó a los primeros lugares con temas como “De mí enamórate” y “Dímelo”. Finalmente Lucía Méndez hizo lo propio con “Un alma en pena” (1988).

Del 27 al 30 de noviembre de 1990 efectuó una histórica presentación en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional de México. En ese espacio cultural se presentó nuevamente, en agosto de 1997, para grabar el álbum en vivo titulado “Celebrando 25 Años de Juan Gabriel en el Palacio de Bellas Artes”.

Cuatro años después firmó contrato de exclusividad con BMG, y en junio de ese año se lanzó al mercado el disco “Gracias por esperar”.

Interpretó géneros como el pop y la balada moderna, en los cuales consiguió ventas millonarias: “Pero qué necesidad” y “Lentamente (1994)”; “Así fue” (1998); “Todo está bien” (1999); “Abrázame muy fuerte” (2000); “Inocente pobre amigo” (2001) e “Inocente de ti” (2003). También un disco con la “Banda El Recodo” vio el éxito reflejado en los temas “Adorable mentirosa”, “Infidelidad” y “Ya me voy”.

Continuó cosechando éxitos a lo largo del mundo con sus presentaciones durante la primera década del siglo XXI tanto en su voz como en la de decenas de artistas que cosecharon triunfos con sus canciones. Es el caso de los grupos mexicanos “Maná”, que logró un Grammy Latino por el tema "Se me olvidó otra vez", y “Jaguares” que se mantuvo por espacio de 4 meses en primer lugar de popularidad en México con el tema "Te lo pido por favor".

El 1 de enero de 2000 consiguió llenar el Zócalo de Ciudad de México con más de 350 mil asistentes, un récord no superado por otro artista, como tampoco el que batió en el mismo espacio en marzo de 2004, donde su concertio duró siete horas continuas.

Su memorial artístico contempla también la producción de un disco de duetos dividido en 3 volúmenes con figuras de la música latina como Jennifer Lopez, Shakira, Marc Anthony, Juanes, Vicente Fernández, Joan Sebastian, Alejandra Guzmán, Amanda Miguel, Marco Antonio Solis, Fifth Harmony, Jesse & Joy, Laura Pausini, Emmanuel, Diego Verdaguer, Angélica María, Luciano Pereyra, Anahí, Natalia Lafourcade, José María Napoleón, Paquita la del Barrio, Isabel Pantoja, Luis Fonsi, Lupillo Rivera, David Bisbal, Espinoza Paz, India, Carla Morrison, Antonio Orozco y Natalia Jimenez, entre otros.

En 2008 firmó un contrato multimillonario con la discográfica Universal Music por espacio de diez años, siendo en 2010 cuando lanzó su primer disco con dicho sello llamado Juan Gabriel, del género ranchero con el que celebra su regreso a la música después de otros 7 años de ausencia discográfica. De ese álbum se posicionó el tema “Por qué me haces llorar”.

A fines de 2010 lanzó el disco “Boleros” con cortes totalmente fuera de su estilo, siendo duramente criticado por la prensa y algunos críticos musicales por la carencia de producción y arreglos, siendo catalogado por la prensa como el "peor" disco de Juan Gabriel, el disco no reporta impacto en ventas en México.

En septiembre del siguiente año volvió con otra producción llamada "1 es Juan Gabriel" con el que reconquistó nuevamente a su público y el respeto del medio musical, dando inicio así a la celebración discográfica por sus 40 años con 11 temas de su afamado repertorio algunos de ellos interpretados en décadas anteriores por artistas como Rocío Jurado, Lucha Villa, Rocío Dúrcal y lanzó nuevas versiones de temas colocados originalmente en el género ranchero, logrando doble Disco de Platino en México y Disco de Oro en Estados Unidos, Venezuela, Chile y Argentina.

En el mes de diciembre 2012, lanzó la producción "Celebrando" disco doble con CD + DVD con el que cerró la dupla de discos de celebración por sus 40 años de carrera, el cual registró altas ventas y logró el premio de doble Disco Platino en México.

El 6 de mayo de 2014 sale a la venta el disco doble "Mis 40 en Bellas Artes" el que consistió en 2 CDs y 1 DVD el cual salió en formato 4K, El cual convierte a Juan Gabriel en ser el primer artista latinoamericano en grabar en este formato.

Mis 40 en Bellas Artes se convirtió en un éxito de ventas estando en el "TOP TEN" de México y Estados Unidos.

El 10 de febrero de 2015 salió al mercado el disco de duetos llamado "Los Dúo", contentivo de sus temas clásicos del cantautor con nuevos arreglos acompañado de varios artistas, entre ellos Vicente Fernández, Marco Antonio Solís, Isabel Pantoja, Juanes, Laura Pausini, Alejandra Guzmán, Natalia Lafourcade yJosé María Napoleón. El álbum se transformó en un éxito de ventas colocándose en el primer lugar tanto en México como en Estados Unidos, además de situarse en el primer lugar de los "Latin Pop Albums" de Billboard por más de 50 semanas en la cima.

El 11 de diciembre del mismo año apareció el álbum "Los Dúo 2" contentivo más temas clásicos del cantautor con nuevos arreglos y el acompañamiento, entre otros, de Alejandro Fernández, Marc Anthony, Paty Cantú, Julión Álvarez, J Balvin, Andres Calamaro, Belinda, José Feliciano, Franco de Vita, Ana Gabriel, Wisin, y Joan Sebastian.

Reconocimientos Se pierde de vista los muchos premios y reconocimientos que recibió este prodigioso artista, que llamaba madre en Venezuela a una humilde mujer que tenía su tiendita en la calle real de Sabana Grande, Caracas. Por televisión lo vi ayudándola en el negocio.

En 1974 recibió el premio El Heraldo de México.

En 1986 el alcalde de Los Angeles decretó el 5 de octubre como “Día de Juan Gabriel” y en el Paseo de la Fama de Hollywood.el cantante y compositor cuenta con una estrella.

En 1999 la revista Billboard lo denominó “The Latin Legend”, con una edición especial donde reconoció el aporte musical y el impacto de sus canciones en la cultura latina en Estados Unidos y a nivel mundial.

Ese mismo año en España fue reconocido con el Premio Ondas en una ceremonia ante la Realeza Española, donde se le hizo entrea del Premio a la Excelencia.

En 2006 recibió de parte del Rey de España el premio La Guirnalda de Oro y la Excelencia Universal durante sus presentaciones en el Auditorio Nacional por la celebración de los 35 años de vida artística.

17 Premios Billboard por Artista del año, Hot Latin Track, Disco del Año, Dueto del año.

Premio ASCAP como Compositor del Año en español en 1995 y 1998 por la Asociación estadounidense de Compositores (ASCAP) 11 premios Lo Nuestro por Mejor Disco, Canción del Año, Artista del Año y Mejor Dúo o Grupo.

Premio Orgullosamente Latino "Trayectoria Latina" [votación por Internet en competencia con Julio Iglesias y Celia Cruz].

Heritage Award [Premio de la Gente].

Guirnalda de Oro. Nipper de Oro. Premio Ondas por su aportación a la música latina.

MTV Music Award [Mejor disco 1999].

El Heraldo [Artista del año 1984 y Mejor tema telenovela 1996 y 2000] Ingreso al Salón de la Fama de Música Latina de Billboard.

Laurel de Oro y Excelencia Universal otorgado por el Rey de España.

Llaves de la ciudad del Vaticano, Madrid, Asunción, La Paz, Bolivia, Lima, Perú, y Buenos Aires. Argentina.

Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Luna del Auditorio Nacional [Mejor Artista de Música Mexicana, 2005] Reconocimiento del Auditorio Nacional por más de 100 presentaciones desde 1992 a 2004 Más de 1000 discos de oro, platino y multiplatino Personalidad del Año, otorgado por la Academia Latina de la Grabación en 2009 y develación de su estrella en el Salón de la Fama, Las Vegas, Nevada.

Nombramiento por parte de la Academia Latina de la Grabación nombró como Persona del Año del Latin Grammy en 2009, ya que de acuerdo con la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación (LARAS), el cantante mexicano ha vendido poco más de 100 millones de álbumes, convirtiéndose así en uno de los artistas mexicanos más prolíficos y vendedores de la historia musical en México. Además de tener más de 1.800 canciones escritas.

El 5 de octubre de 1986 el alcalde de Los Ángeles, California, Estados Unidos, Tom Bradley, instituyó el Día de Juan Gabriel.

Galardón a la Excelencia de Premio Lo Nuestro a la Música Latina.

Premio Guirnalda de Oro. Hispanic Heritage Awards otorgado por la Casa Blanca.

Antorcha y Gaviota de Plata y Oro del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, 2002 y 2004.

Su discografía ha sido premiada con más de 1500 discos de oro, platino y multiplatino por sus altas ventas.

La muerte El artista se encontraba en medio de la gira "MeXXIco es todo" en los Estados Unidos, la cual inició en Las Vegas el 19 de agosto de 2016 y el 27 del mismo mes por la noche dio su último concierto en “The Forum” de Los Ángeles, recital en el que usó un escenario con vista 360 grados, donde recordó a la cantante Rocío Durcal, y cerró con un mensaje en las pantallas, "Felicidades a todas las personas que están orgullosas de ser lo que son".

La muerte la sorprendió el siguiente día, domingo, en un apartamento de su propiedad en la playa de Santa Mónica, California, sin poder efectuar el concierto que tenía pautado esa fecha luctuosa en la ciudad de El Paso, ni tampoco el concierto público gratuito que ofrecería en la plaza de la Constitución de la capital mexicana el 12 de noviembre.

1. Discografía cronológica 1971. “El Alma Joven”.

1972. “El Alma Joven”, Vol. II. 1973. “El Alma Joven”, Vol. III. 1974. “Juan Gabriel con el Mariachi Vargas de Tecalitlán”.

1975. “10 éxitos”.

1976. “A mi guitarra” y “10 de los grandes”.

1977. “Juan Gabriel con mariachi”, Vol. II, y “Te llegará mi olvido”.

1978. “Siempre estoy pensando en ti”, “Siempre en mi mente” y “Espectacular”.

1979. “Mis ojos tristes”, “En esta primavera” (De su película) y “Con amor” (Con Estela Nuñez).

1980. “Ella” (Su último disco con RCA Victor, estuvo a la venta solo en USA, pero fue retirado de inmediato a la venta); “Me gusta bailar contigo”, “Recuerdos” y “Con el Mariachi América de Jesús Rodríguez de Hijar”.

1981. “Con tu amor”.

1982. “Cosas de enamorados”.

1983. “Todo”.

1984. “Recuerdos”, Vol ll, y “Frente a Frente”, Vol. 1 (Con Rocío Dúrcal).

1986. “Pensamientos” y “15 Años de éxitos rancheros”.

1987. “Debo hacerlo”, “Frente a Frente” (Con Joan Sebastian) y “Frente a Frente”, Vol. 2 (Con Rocío Durcal).

1989. “15 Años, 15 Baladas, 15 Éxitos”.

1990. “Juan Gabriel en el Palacio de Bellas Artes”.

1994. “Gracias por esperar”.

1995. “El México que se nos fue”.

1996. “Lo mejor de los tres grandes”, Vol. 1, “Juntos otra vez con Juan Gabriel y Rocío Dúrcal” y “Las tres señoras”.

1997. “Homenaje a Juan Gabriel”.

1998. “Por mi orgullo”, “Celebrando 25 años de Juan Gabriel en el Palacio de Bellas Artes”, “25 Aniversario solos, duetos y versiones especiales” y “Juan Gabriel con banda... El Recodo”.

1999. “Románticos” (Con Rocío Durcal) y “Todo está bien”.

2000. “Abrázame muy fuerte”.

2001. “Por los siglos”.

2003. “Inocente de ti”.

2004. “Las 15 eternas de Juan Gabriel” y “Los 15 grandes éxitos de Juan Gabriel”.

2006. “La historia del Divo”.

2007. “Los Gabriel... Simplemente amigos” (Con Ana Gabriel).

2008. “Los Gabriel cantan a México” (Con Ana Gabriel); “Los Gabriel... Para ti” (2 CD con Ana Gabriel); “Lo esencial de Juan Gabriel” (3 CD) y “El Divo canta a México”.

2009. “Mis canciones, mis amigos” y “Lo esencial de las rancheras de Juan Gabriel”.

2010. “Mis Favoritas: Juan Gabriel”, “Juan Gabriel” y “Boleros”.

2011. “1 es Juan Gabriel”.

2012. “40 Aniversario” (3 CD); “Bailando” y “Celebrando”.

2014. “Mis 40 en Bellas Artes”.

2015. “Los Dúo” dos volúmenes.

2016. “Vestido de etiqueta por Eduardo Magallanes” 2. Discos más exitosos realizados a otros artistas

1976. Rocío Dúrcal (“Tarde”, “Fue un placer conocerte”, “Fue tan poco tu cariño”, “Jamás me cansaré de ti”).

1980. Estela Núñez ("Demasiado Amor") y Angélica María ("De nuevo...Canta a Juan Gabriel").

1982. Rocío Dúrcal ("Canta lo Romántico de Juan Gabriel").

1983. Aída Cuevas ("Canta a Juan Gabriel").

1984. Rocío Dúrcal ("Amor Eterno").

1986. Lucha Villa ("Canta a Juan Gabriel") y Rocío Dúrcal ("Siempre").

1987. Sham Genesta ("Viva Monna Bell!").

1988. Isabel Pantoja ("Desde Andalucía" y "Así Fue").

1991 Grupo Pandora "Con Amor Eterno”, Vol.1).

1992. Monna Bell ("Ahora").

1993. Alberto Vázquez ("Alberto y Juan"); Grupo Pandora "Con Amor Eterno”, Vol.2; Ana Gabriel ("Luna") y Ángela Carrasco ("Una producción de Juan Gabriel").

1995. Lola Beltrán, Lucha Villa y Amalia Mendoza, ("Las 3 Señoras").

1997. Rocío Dúrcal ("Juntos otra vez").

2001. José José ("Tenampa").

2001. Nydia ("Nydia"); Jas Devael ("Homónimo") e Isabel Pantoja ("Homónimo")

3. Canciones consideradas Patrimonio de la Cultura Popular mexicana “El Noa Noa”, “Fue un placer conocerte”, “La guirnalda”, “De mí enamórate”, “Amor eterno”, “Querida”, “Hasta que te conocí”, “Jamás me cansaré de ti”, “Se me olvidó otra vez”, “Si quieres”, “No vale la pena”, “Te sigo amando”, “No me vuelvo a enamorar”, “Abrázame muy fuerte”, “Me nace del corazón”, “Luna”, “Costumbres”, “He venido a pedirte perdón”, “Caray”, “Así fue”, “Dímelo”, “No discutamos”, “Todo está bien”, “La diferencia”, “Inocente pobre amigo”, “Lo pasado pasado”, “Juro que nunca volveré”, “Una vez más”, “Me he quedado solo”,

“Tú sigues siendo el mismo”, “Ya lo sé que tú te vas”, “Perdóname”, “Tarde”, “Olvídalo” y “Me gustas mucho”, entre otras.

5. Canciones para telenovelas Compuso e interpretó los temas de las obras “Lo imperdonable”, “Mariana de la noche”, “Abrázame muy fuerte”, “María Emilia”, “Leonela” y “Te sigo amando”.

Fuentes “Juan Gabriel, una historia musical, un legado”. El Universal, 28-08-2016.

Wikipedia. La enciclopedia libre.

Yolimer Obelmejías. “El Poliedro sigue amando a Juan Gabriel”. El Universal, 25-11-2013.

JOAN MANUEL SERRAT Juan Manuel Serrat Teresa, su nombre real nació en Barcelona, Cataluña, Cantante, compositor y guitarrista.

Discográfica. Sony BMG Sitio web www.jmserrat.com.

Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la Nova Cançó catalana.

Un gran número de sus canciones narran la cotidianidad de Cataluña tras la Guerra Civil, entre ellas “La Carmeta”, La tieta” y “El drapaire” como personajes estereotipo de su barrio).

En 1965 se graduó en el área de la agronomía como perito agrícola y, en la misma época, se presentó en el programa “Radioscope” de Salvador Escamilla en “Radio Barcelona” en el que interpretó sus primeras canciones.

Este personaje fue quien le ofreció la primera oportunidad de presentarse en público y poco tiempo después, lo llamaron para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco. El primer concierto lo realizó en el teatro L'Avenç de Esplugas de Llobregat.

Ese mismo año se editó su primera grabación denominada “Una guitarra”, constante del tema que le dio el nombre,”Ella em deixa”, “La mort de l'avi” y “El mocador. El siguiente apareció la segunda, “Ara que tinc vint anys”, con las canciones “Quan arriba el fred”, “El drapaire”, “Sota un cirerer florit” y la del título.

En 1967, con la colaboración del músico Francesc Burrull, tuvo lugar la aparición del álbum “Cançó de matinada”, donde además del tema homónimo figuran “Me'n vaig a peu”, “Paraules d'amor” y “Les sabates”.

El año siguiente aparecieron sus primeras canciones en español, con varios simples que serían recogidos en el LP “La paloma” en 1969, cuando también lanzó al mercado “Com ho fa el vent” y participó en el IV Festival Internacional da Canção Popular de Río de Janeiro, con la canción “Penélope”, que compuso en colaboración con Augusto Algueró que ganó los premios a mejor letra, música e interpretación, dando impulso a su primera gira por Hispanoamérica, algo que se transformó en costumbre de ahí en adelante.

El éxito fue inmediato, sobre todo en Argentina, Uruguay y Chile, país en el que debutó actuando en el “Teatro Municipal” de Santiago, en un concierto que se transmitió en vivo por la Televisión Nacional de Chile.

En 1972, con el mismo músico, fue lanzado el álbum “Miguel Hernández, uno de sus trabajos más destacados.

Con el álbum “Dedicado a Antonio Machado, poeta” logró un gran éxito de ventas, a pesar del veto que pesaba en su contra, que impedía incluso promocionar en la radio sus trabajos.

En 1973 publicó el LP “Per al meu amic”, en catalán, considerado por algunos críticos como uno de los más logrados de su carrera.

Cuatro años después publicó el disco-homenaje al poeta catalán Joan Salvat-Papasseit titulado “Res no és mesquí” (Nada es mezquino), con arreglos del músico Josep Maria Bardagí.

Los eventos siguientes En 1980 editó su disco “Tal com raja” (traducido al español, Tal como sale) y el siguiente, “En tránsito”, con el cual logró situarse en lo más alto de las listas españolas. También retornó a TVE, en un especial de una hora, bajo el título de “Música, maestro”.

Tres años más tarde apareció el disco “Cada loco con su tema”, que recibió del Ministerio de Cultura de España el "Premio Nacional para Empresas Fonográficas".

En 1984 “Fa vint anys que tinc vint anys”, con los temas “Plany al mar” y “Seria fantàstic” como principales éxitos, y en 1985, “El sur también existe”, musicalizando poemas del poeta uruguayo Mario Benedetti.

“Bienaventurados”, una dura crítica a las iglesias cristianas, tanto católica como protestante, y a las dictaduras aún restantes apareció en 1987. Dos años después lanzó al mercado “Material sensible”, en 1989, un trabajo en catalán.

En 1991 publicó el álbum “Utopía” y en 1994 “Nadie es perfecto”.

En 1996 estrenó su doble disco en homenaje a sus compañeros de la nova cançó, títulado “Banda sonora d'un temps, d'un país”. Ese mismo año, se unió a Víctor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España con el espectáculo titulado “El gusto es nuestro”, que fue llevado a varios países de América el año siguiente editándose además en disco y en formato DVD. En 1998 editó “Sombras de la China” y realizo un concierto en el “Estadio Nacional Julio Martínez Prádanos” de Santiaoogo de Chile, donde entre otros temas interpret «”Volver a los 17”de Violeta Parra, debido a los 17 años que el cantante tenía prohibido ingresar a ese país.

En 2000 realizó un homenaje a la canción hispanoamericana en “Cansiones”, con adaptaciones de temas populares de varios países de Iberoamérica, y autores reconocidos como Violeta Parra, Víctor Jara, Simón Díaz, José Alfredo Jiménez y Enrique Santos Discépolo, entre otros. Ese mismo año editó su discografía oficial anterior digitalizada en formato CD. En 2002 publicó “Versos en la boca”, en el cual además de temas propios después de cuatro años, dio voz con su música a los poetas Tito Muñoz, Eduardo Galeano y Luis García Montero.

A finales de 2003 lanzó al mercado “Serrat sinfónico” en colaboración con la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña. En esa producción incluyó 15 temas ya conocidos y uno nuevo, el poema de Federico García Lorca “Herido de amor” que había musicalizado con anterioridad para Ana Belén.

El 5 de julio de 2004, participó en el proyecto “Neruda en el corazón”, con un disco colectivo en el que interpretó el “Poema XX”, que tuvo como escenario el Palau Sant Jordi de Barcelona, España.

Por otro lado El Periódico de Catalunya le otorgó el premio "Català de l'Any" (‘catalán del año’) en homenaje a sus 40 años de carrera y participó en el acto institucional del Día de Cataluña en el Parque de la Ciudadela, interpretando “Cançó de bressol”.

El 15 de marzo de 2006 recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad Complutense de Madrid por su contribución a la cultura española en general y catalana en particular y, diez días después, la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo por toda su trayectoria profesional y la Medalla de Oro de la Ciudad de Barcelona “por su aportación cívica y por el prestigio conseguido como músico y ciudadano a nivel internacional.

El 18 de abril del mismo año publicó el disco “Mô” con canciones en catalán, su primera producción en esa lengua en 17 años.

En 2007 fue galardonado con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña en reconocimiento por su labor en defensa de la lengua y la cultura catalana como miembro en los años 60 de Els Setze Jutges y como Caballero de la Legión de Honor de la República Francesa.

En 2009 grabó junto a Joan Albert Amargós un segundo disco en homenaje al poeta Miguel Hernández, titulado “Hijo de la luz y de la sombra”, que fue editado en febrero de 2010. Ese mismo año el Ministerio de Cultura de España le concedió el Premio Nacional de Músicas Actuales en su primera edición.

El 16 de diciembre de 2010 recibió en el “Teatro Solís” de Montevideo (Uruguay) el Premio Memoria del Fuego, instituido por el semanario Brecha con motivo de su 25º aniversario, reconocimiento a un creador que a sus valores artísticos le suma el compromiso social y con los derechos humanos.

El 6 de febrero de 2012, presentó junto a Joaquín Sabina “La orquesta del Titanic”, su primer álbum de estudio grabado con el cantautor ubetense, a lo que siguió una gira de presentación del disco que los llevaría por Uruguay, Argentina, Chile, México, Estados Unidos, Costa Rica, República Dominicana y España.

De la actuación en el Luna Park de Buenos Aires, Argentina, se grabó un nuevo CD+DVD en vivo titulado “En el Luna Park”.

El 4 de noviembre de 2014, para conmemorar su medio siglo con la música, el artista escogió medio centenar de composiciones, la mayoría regrabadas y con gran abundancia de duetos para el lanzamiento de un disco titulado “Antología desordenada”, que fue el nombre de la gira que llevó a cabo desde el 24 de febrero hasta el 21 de noviembre de 2015, con más de un centenar de conciertos en: Argentina, Uruguay, Chile, España, Francia, Portugal, Italia, Reino Unido, Puerto Rico, República Dominicana, EE. UU, México, Guatemala, Nicaragua, El Salvador, Costa Rica, Panamá, Colombia, Ecuador y Perú.

El 21 de octubre de 2016 salió a la venta el doble CD y DVD que recogió el concierto celebrado el 15 de junio en el Barklaycard Center de Madrid.

En síntesis, Serrat en su fructífera vida artística grabó 32 álbumes de estudio, 6 en directo y 13 recopilatorios, publicados y distribuidos por el sello discográfico Zafiro, con el cual trabajó desde 1969.

Además, la totalidad de su discografía en disco de vinilo fue editada en formato compacto en 1990, 2000 y 2007.

Su último disco de larga duración editado en formato vinilo fue “Banda sonora d'un temps, d'un país”.

Cantó en catalán y español.

Otros reconocimientos Una guía turística de Barcelona publicada en la web oficial del Ayuntamiento de Barcelona como reclamo turístico de la ciudad con sus diferentes itinerarios permite reconocer al detalle en varios itinerarios todas las curiosidades de la Barcelona de Joan Manuel Serrat.

Fotogramas de Plata a la mejor actividad musical (1970 y 1972).

Premio Ondas especial de la Organización por su trayectoria profesional en la historia de la música popular española en 1995.

Doctorados Honoris Causa por la Universidad Nacional del Comahue (Neuquén, Argentina); Universidad Autónoma del Estado de Morelos de Cuernavaca (Morelos, México); Universidad Nacional de Córdoba (Argentina); Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (México); Universidad Miguel Hernández de Elche; Universidad Pompeu Fabra de Barcelona; Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad Autónoma del Estado de México.

Premio Micrófono de Oro. Su tema “Mediterráneo” fue elegido como la mejor canción de la lengua española del siglo XX por la Revista Rolling Stone, en 2006.

Orden del Águila Azteca en grado de insignia, por el gobierno federal de México.

Premio Ciudad de Barcelona de Música por su trabajo "Hijo de la luz y de la sombra".

Latin Grammy, premio honorífico como persona del año 2014.

Premio Cortes de Cádiz.

A estas menciones hay que añadir los discos de homenaje colectivos “Serrat, eres único”, dos volúmenes; “Antes que lleguen los perros”, “Cuba le canta a Serrat”, dos volúmenes; “Per al meu amic Serrat”, “Ellas cantan a Serrat” y “Cantares: Los artistas flamencos cantan a Serrat”. (Universal Music, 2011) Fuentes jmserrat.com.

Wikipedia, la enciclopedia libre. www.biografiasyvidas.

ALEJANDRO SANZ

Alejandro Sánchez Pizarro, su nombre real, nació en Madrid el 18 de diciembre de 1968.

Músico (guitarrista, pianista y bajista)y compositor de la mayoría de sus canciones.

Sitio web: alejandrosanz.com Facebook: ASanzOficial Twitter: @AlejandroSanz A los siete años sabía tocar la guitarra que perfeccionó tomando clases del instrumento. Poco después comenzó a trabajar en unos estudios de grabación, donde le contrataron para hacer los coros y el acompañamiento musical de algunos cantantes.

Su primer sueldo como "profesional" de la música lo cobró a los dieciséis años, poco antes de tomar el nombre artístico de Alejandro Magno y lanzar su primer disco, una extraña mezcla de flamenco y pop (muy en boga en los años ochenta) titulado “Los chulos son pa cuidarlos”, que pasó prácticamente inadvertido. Luego comenzó a componer letras y melodías para otros grupos y solistas, como “Los Chicos de Tass” y Juan Carlos Valenciaga, al tiempo que se introducía en la producción intentando lanzar el grupo “Laventura”.

Su álbum “Más”, lo consolidó artísticamente tanto nacional como internacionalmente, grabado íntegramente en Italia y España, y después producido nuevamente por Emanuele Ruffinengo y Miguel Ángel Arenas.

Su primer gran éxito, “Corazón partío”, estuvo por más de 70 semanas en las carteleras de música a nivel mundial, y le siguieron temas de gran éxito como “Amiga mía”, el cual estuvo más de 40 semanas en el top de las carteleras, y “Aquello que me diste” cuyo videoclip obtuvo un reconocido galardón como Video del Año en su país y su reproducción se pudo ver desde cualquier país de Latinoamérica y parte de Europa y Estados Unidos; igualmente, “Si hay Dios”, “Y, ¿Si fuera Ella?” y “Siempre es de noche”, que ocuparon los primeros lugares en Latinoamérica.

Este álbum lo impulsó para realizar entre 1998 y 1999 su primera gira mundial con presentaciones en Argentina, Chile, Brasil, Ecuador, Venezuela, México, USA, Portugal, Italia Reino Unido y otros continentes como Asia. .

Realizó más de 80 conciertos con lleno total y se grabó en el Palau Sant Jordi de Barcelona, España. Posteriormente fue lanzado en DVD.

Ese álbum vendió más de 5 millones de copias mundialmente y es considerado el álbum más exitoso en toda su carrera musical.

“El Alma al Aire”, fue su primera grabación en el continente americano (Miami, USA) y sobre el significado del título explicó: "Yo creo que son los dos ingredientes para el potaje de la música, que son el aire y el alma. Sí no tienes alma, no tienes aire, no hay posibilidades de hacer". Uno de los temas de la producción, “Cuando nadie me ve” vendió solamente en España en apenas una semana la bicoca de un millón de copias.

El 2 de octubre de 2001 se convirtió en el primer artista español en hacer un unplugged para la cadena televisiva MTV, grabado en el famoso “Teatro Gusman Center for the Perfoming Arts” de Miami, Estados Unidos y lanzado posteriormente bajo el nombre de “Alejandro Sanz: MTV Unplugged”.

En 2003 apareció su nuevo álbum “No es lo mismo”, el cual fue grabado en Madrid y Miami.

Galardones “Corazón partío” lo convirtió en uno de los cantantes y compositores más galardonados de la historia reciente de la música en lengua española. En efecto, durante la II edición de los Premios de la Música de 1998, fue el triunfador absoluto de la velada, al resultar recompensado con los premios al mejor autor, al mejor artista pop, al mejor tema del año (“Corazón partío”), al mejor vídeo musical y mejor álbum del año (“Más”).

A partir de entonces, los premios comenzaron a lloverle en todos los rincones del planeta. Al año siguiente, tras haber lanzado al mercado un nuevo álbum, titulado “El alma del aire” (2000) volvió a erigirse en rotundo triunfador en la gala de los Premios de la Música, al ser agraciado con tres galardones (mejor artista pop, mejor autor pop y mejor elepé). Poco después, el reconocimiento le llegó del ámbito internacional, pues consiguió nada menos que cuatro premios (mejor grabación, mejor álbum del año, mejor canción y mejor álbum pop masculino) en la segunda edición de los Grammy Latinos. Tal distinción la recibió veinte veces y Grammys americanos por la venta de más de 25 millones de copias de sus discos en todo el mundo que lo convirtieron en uno de los artistas más importantes de la historia de España.

Discografía 1. Discos de estudio 1989. “Los chulos son pa' cuidarlos”.

1991. “Viviendo Deprisa”.

1993. “Si tú me miras”.

1995. “3”.

1997, “Más”.

2000. “El Alma al Aire”.

2003. “No es lo mismo”.

2006. “El Tren de Los Momentos”.

2009. “Paraíso Express”.

2012. “La música no se toca”.

2015. “Sirope”.

2. Grabaciones en directo 1994. “Básico”.

2001. “Alejandro Sanz: MTV Unplugged”.

2007. “El Tren de Los Momentos”. En Directo Desde Buenos Aires 2010. “Canciones Para Un Paraíso”.

2013. “La Música No Se Toca ”.

2015. "Sirope vivo".

3. Recopilatorios y otras versiones 1996. “3”, versión Italiana y versión portuguesa.

1998. “Edición Especial Gira 98”.

1999. “The Best Of Alejandro Sanz”, lanzado solo en USA 2001. Lo Esencial de...Alejandro Sanz”.

2004. “Grandes Éxitos 91-04”.

2011. “Colección Definitiva”.

2012. “Edición Deluxe de La música no se Toca” y “Tócame”.

4. Ediciones especiales 2001. “El Alma al Aire”.

2004. “No es lo mismo”.

2006. “Viviendo Deprisa”, “Si tú me miras”, “3”, “Más”, “El Alma al Aire” y “No es lo mismo”.

2007. “El Tren de Los Momentos”.

2010. “Paraíso Express”.

5. DVD 2001. “Alejandro Sanz: MTV Unplugged” y “El Alma al Aire”.

2002. “El Concierto Tour Más 98”.

2004. “Gira no es lo mismo”.

2007. “El Tren de Los Momentos”.

2010. “Canciones para un paraíso”.

2011. “Colección Definitiva” 2015. “Directo Concierto Madrid”.

6. Videografía

“Nochebuena Con Alejandro Sanz” (Concierto 3) Especial TVE; “Alejandro Sanz: Los Vídeos 91-04”; “Alejandro Sanz: Los Conciertos”, Digipack, y “Alejandro Sanz: Desde el Teatro Compac Gran Vía De Madrid”, DVD Especial TVE.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. http://www.biografiasyvidas.com/

CHUCHO AVELLANET

Armando Hipólito Avellanet González, su nombre de pila, nació en Mayagüez, Puerto Rico, el 13 de agosto de 1941.

Cantante. Grabó en inglés y español.

Tomó lecciones de canto de la soprano puertoriqueña Rina de Toledo.

Discográfica: DiscoHit, RicoVox, United Artists, El Palacio de la Música (Venezuela), Velvet de Venezuela, Velvet de Puerto Rico, TH Records, Artomax Studio, InnerCat Music Group, Apollo Music.

Su carrera comenzó como vocalista de tríos, entre ellos “Los Duendes” y fue descubierto por Gaspar Pumarejo, un promotor de origen cubano, que lo introdujo en el mundo de la televisión de Puerto Rico, a través de presentaciones diarias en su show.

Durante los años 1960 alcanzó popularidad entre los adolescentes de su país como miembro de la Nueva Ola, un movimiento de música pop, época en la cual grabó “Fugitiva”, su primer álbum.

El éxito le llegó con el tema “Magia blanca”, una versión en español de la canción “Devil woman” de Marty Robbins y posteriormente alcanzó proyección internacional con “Jamás te olvidaré”, una versión de “I Can't Stop Loving You”.

Posteriormente grabó 15 producciones con el sello discográfico estadounidense United Artists.

Discografía cronológica 1965.

1967.

1968.

1969.

1970.

1971.

1972.

1973.

1974.

1976.

“Baladas” y “Love & Violins”.

“Boleros de amor”, “Detrás de mi sonrisa” y “Navidad con Chucho”.

“Canción para vivir”.

“No es un juego el amor” y “More Love & Violins”.

“Ya es hora de amar” y “Yo amo de más”.

“Con amor” y “Love Story”.

“Si yo fuera rico”.

“Por ti” y “Jamás te olvidaré”.

“Con Chucho Avellanet y la Tuna de Cayey”.

“Romance”.

1977. “El Romántico de América Chucho Avellanet con La Rondalla Venezolana” e “Y hoy me recuerdas...”.

1978. “....Es una canción de amor”.

1979. “Cita en Venezuela”.

1980. “Recordando a Tito Rodríguez en sus canciones de amor”.

1981. “20 Años en la canción”.

1982. “Yo siento...yo canto”.

1984. “Chucho Avellanet” y “Desde el alma”.

1999. “Cada noche un amor”.

2007. “Bohemio”.

2011. “Un gusto a mujer” y “Esta noche está para boleros”.

2015. “Navidades en mi pueblo”.

Se presentó con éxito en Perú, comunidades hispanas de los Estados Unidos Argentina, Guatemala, México, República Dominicana y Venezuela, donde se convirtió en un verdadero ídolo, ocupando el primer lugar de las listas por espacio de 17 semanas con "Jamás te olvidaré".

Fuentes Javier Santiago. Fundación Nacional para la Cultura Popular Wikipedia, la enciclopedia libre.

CHEO FELICIANO José Luis Feliciano Vega, su nombre real, nació en Ponce, Puerto Rico, el 3 de julio de 1935 y falleció en San Juan el 17 de abril de 2014.

Fue músico e intérprete de salsa, guaguancó, bolero y balada romántica. Voz de barítono.

Se le conoció como “El Niño Mimado de Puerto Rico”.

Discográficas: Seeco Records, Fania Records,Palacio de la Música, Discos Fuentes, RMM y Universal Music.

Su primera influencia interpretativa provino de la madre, que cantaba boleros cuando cocinaba y fue con este género que se inició en la música como percusionista en Ponce.

En 1952 se trasladó a Nueva York con su familia trabajando inicialmente como mensajero, y luego como músico para diversas orquestas.

Tres años después, trabajando como atrilero en la orquesta del músico y cantante Tito Rodríguez, éste se percató de su talento de percusionista y cantante y le ofreció la oportunidad de cantar junto a su agrupación en el ya desaparecido club nocturno neoyorquino “Palladium”. Luego le recomendó a Joe Cuba que lo incluyera en su sexteto, donde permaneció durante diez años.

En 1971 se consolidó como uno de los íconos latinoamericanos de la salsa y firmó contrato contrato con la subsidiaria de Fania Records, llamada Vaya Records.

En 1983 se inició como empresario discográfico al fundar su propio sello denominado Coche Records con oficina en Puerto Rico, pero el sello desapareció y firmó contrato con la empresa RMM Records & Video del empresario Ralph Mercado 4 con la que grabó cinco álbumes.

Posteriormente, llegó a un acuerdo con el grupo venezolano La Rondalla Venezolana y la discográfica venezolana Palacio de la Música para grabar el álbum “Son inolvidables” en 1995 y dos años más tarde “Le Cantan al Amor”.

Su último trabajo musical fue como participante del proyecto Salsa Giants, desarrollado por el productor musical Sergio George en el que se reunió con colegas suyos veteranos exponentes de la salsa como La India, Oscar D'León, Andy Montañez, Tito Nieves, José Alberto "El Canario", Ismael Miranda y Willy Chirino. Con este grupo grabó e hizo el vídeo del tema "Bajo la Tormenta" que fuera presentado en marzo del año 2013. Este tema formó parte de un disco compacto en formato EP de 5 temas que sería presentado al mes siguiente.

Entre sus principales éxitos se encuentran los temas “Anacaona”, “Canta”, “Sobre una tumba humilde”, “A las seis”, “Cómo ríen”, “El pito”, “El ratón”, “Salí porque salí”, “Juan Albañil” y “Amada mía”.

Discografía parcial 1. Con Joe Cuba 1959. “Red Hot And Cha Cha Cha”.

1962. “Steppin' Out”.

1964. “Comin' at you”.

1965. “Diggin' The Most”, “We Must Be Doing Something Right” y “El orgullo del barrio”.

1966. “Wanted Dead Or Alive”.

2. Como solista 1971. “Cheo”.

1972. “La Voz Sensual de Cheo”.

1973. “With A Little Help From My Friend” y “Felicidades”.

1974. “Looking for Love”.

1976. “The Singer”.

1977. “Mi Tierra y Yo”.

1979. “Estampas”.

1980. “Sentimiento, Tú...”.

1982. “Profundo”.

1985. “Regresa el Amor”.

1987. “Sabor y Sentimiento” y “Te regalo mi sabor criollo”.

1988. “Como tú lo pediste”.

1990. “Los Feelings de Cheo”.

1991. “Cantando”.

1993. “Motivos”.

1994. “25 Años de Sentimiento”.

1995. “Son Inolvidables”.

1996. “Soñar” y “Un Solo Beso: Interpreta a Armando Manzanero”.

1997. “Le Cantan al Amor” y “En Cuba”.

1999. “Una Voz… Mil Recuerdos” y “Cosas del Alma”.

2002. “En la Intimidad” y “Feliz Feliciano”.

2012. “Eba Say Ajá”.

3. Recopilaciones 1971. “José "Cheo" Feliciano”.

1976. “Cheo's Rainbow”.

1984. “La Vida de Cheo Feliciano”.

1994. “The Best”.

1997. “Fania All-Stars With Cheo Feliciano” y “Serie Cristal: Greatest Hits”.

1998. “Salsa Masters: Best of Cheo Feliciano”.

1999. “Latin Roots”.

2000. “Salsa Caliente de Nu York!”.

2002. “Live Concert Series” y “Serie 32”.

2004. “La Historia Musical de Cheo Feliciano”.

2010. “Historia de la Salsa”.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

JOSÉ FELICIANO José Monserrat Feliciano García, su nombre de pila, nació en Lares, Puerto Rico, el 10 de septiembre de 1945.

Es cantante, compositor y guitarrista, aunque nació con ceguera como consecuencia de un glaucoma congénito Sitio web: http://www.josefeliciano.com.

Canta en inglés y español.

A los cinco años se residenció en Nueva York y a esa edad experimentó la percusión tocando el fondo de una lata de galletas para acompañar a su tío en el cuatro. A los seis ya tocaba la concertina y luego el acordeón, presentándose en su escuela y en el teatro puertorriqueño del Bronx sin haber cumplido los diez años.

Sus biógrafos revelan que el “padre le regaló una guitarra envuelta en una bolsa de papel marrón y, a partir de ahí, comenzó un proceso de autoaprendizaje que le llevó a ensayar en su cuarto hasta 14 horas al día para intentar repetir los registros de los guitarristas clásicos de rock y jazz de los años 50 y “Posteriormente cursó estudios formales de guitarra con Harold Morris. Entre sus influencias tempranas están Wes Montgomery, Andrés Segovia y Ray Charles en la parte vocal”.

Se le considera el primer latino en introducirse al mercado de la música en inglés, abriendo las puertas a otros artistas, permaneciendo vigente durante cinco décadas, e influenciando la música popular por más de dos generaciones.

Grabó su primer larga duración en 1964 y desde entonces ha añadido a su memorial artístico más de 60 discos entre el mercado anglosajón y el de habla hispana, con más ha interpretado y publicado más de 600 canciones interpretadas y publicadas y la venta estimada suma 50 millones de copias.

Las puertas de su popularidad fueron abiertas por los temas “Light my fire”, que fue un éxito en Estados Unidos, Canadá, Brasil, Australia, Reino Unido y muchos otros países; “Che Sarà”, cantado en el Festival de San Remo, que fue éxito en Europa, Asia y América, y “Feliz Navidad”, una canción de su autoría considerada como una de las más escuchadas durante la época navideña en el mundo entero.

Su labor artística ha sido reconocida con más de cuarenta y cinco discos de Oro y de Platino, el otorgamiento del Premio Grammy en nueve ocasiones, la colocación de una estrella en el Paseo de la Fama, en Hollywood, la selección de la revista Billboard en 1996 para recibir el premio “Lifetime Achievement” y su ingreso en 2013 en el Salón de la Fama de Compositores Latinos en una ceremonia celebrada en el New World Center de Miami, junto a Julio Iglesias, Armando Manzanero y Manuel Alejandro, siendo ovacionado al salir al escenario para interpretar "Paso la vida pensando".

De su autoría son más de 100 canciones registradas, entre las que se cuentan “No hay sombra que me cubra”, “Ay, cariño”, “Paso la vida pensando”, “Me has echado al olvido”, "Destiny", "Come Down Jesus", "Angela", "Rain", "Chico & The Man", "Hard Times In El Barrio" y los instrumentales: "Pegao" y "Affirmation".

Fue uno de los primeros artistas en incluir duetos dentro de sus discos, entre los que destacan: “Para decir adiós” con Ann Kelly (1982), “Por ella” con José José, “Un amor así” con Lani Hall, y “Tengo que decirte algo” con Gloria Estefan.

Discografía 1. En inglés 1964. “The Voice and Guitar of José Feliciano”.

1966. “A Bag Full of Soul” y “Fantastic Feliciano”.

1968. “Feliciano!” y “Souled”.

1969. “Feliciano/10 To 23” y “Alive Alive O!”.

1970. “Fireworks”, “Feliz Navidad”, “Encore!” y “¡El Fantástico!”.

1971. “Che sarà”, “That the Spirit Needs”, y “Another Record”.

1972. “Sings” y “Memphis Menu”.

1973. “Compartments” y “Peter Stuyvesant presents José Feliciano in concert with the London Symphony Orchestra”.

1974. “For My Love, Mother Music” y “And The Feeling's Good”.

1975. “Affirmation” y “Just Wanna Rock'n'Roll”.

1976. “Angela”.

1977. “Sweet Soul Music”.

1981. “José Feliciano”.

1983. “Romance in the Night”.

1989. “I'm Never Gonna Change”.

1990. “Steppin' Out”.

1994. “Goin' Krazy'”.

1996. “Present Tense” y “On Second Thought”.

2006. “Six-String Lady” (the instrumental album).

2007. “The Genius of José Feliciano”.

2008. “Soundtrax of My Life”.

2009. “The Paris Concert” (live); “American Classics” (only for digital download) y “Djangoisms” (only for digital download).

2011. “The Genius of José Feliciano”, Vol.2.

2012. “The King, Jose Feliciano tribute to Elvis Presley”.

2. En español 1966. “El sentimiento la voz y la guitarra”, “Usted” y “Extraños en la noche”.

1967. “Sombras, una voz, una guitarra”, "La Cárcel de Sing Sing", “Amor gitano”, “Celoso”, "Camino Verde y “Más éxitos de José Feliciano”.

1968. “Felicidades con lo mejor de José Feliciano”, “Dos cruces”, “Cenizas”, “El jinete” y “La copa rota”.

1969. "Adiós amor” y “José Feliciano” .

1971. “En mi soledad”, “No llores más” y “José Feliciano Otros éxitos”.

1981. “José Feliciano”.

1982. "Para decir adiós", “Samba para ti” y “Escenas de amor”.

1983. “Me enamoré” y "Ay Cariño".

1984. “Como tú quieres”.

1985. “Ya soy tuyo”.

1986. “Te amaré”.

1987. “Tu inmenso amor”, "Se me sigue olvidando", "Te amaré" y "Por eso".

1988. "Ponte a Cantar", “No hay mal que por bien no venga”, “Cuando el amor se acaba” y “No te arrepentirás”.

1989. “Los 15 Especiales”.

1990. “Niña” y "¿Por qué te tengo que olvidar?".

1991. "No puedo estar sin ti".

1993 "Venga la esperanza".

1994. "Soy alegre".

1996. “Americano”.

1998. “Señor bolero” y "Me has echado al olvido".

1999. "Que tristeza".

2000. "Feliz Navidad".

2001. “Noches de Bohemia”, dos volúmenes.

2003. “Señor bolero”, 2 y "Lo que yo tuve contigo".

2004. “A México, con amor” y "Cien años".

2006. “José Feliciano y amigos”.

2007. “Señor bachata”.

2008. “Con México en el corazón”.

2009. “José Feliciano en vivo”.

Fuentes https://www.discogs.com http://www.josefeliciano.com.

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JULIO JARAMILLO Julio Alfredo Jaramillo Laurido, su nombre real, nació en Guayaquil, Ecuador, el 1 de octubre de 1935 y murió en la misma ciudad el 9 de febrero de 1978.

Cantante y guitarrista.

Fue llamado “El Ruiseñor de América” y “Míster Juramento”.

Discográficas: Discos Ónix, Sonolux, Discos Peerless, Codiscos, Discos Tropical (Discos Fuentes), Discomoda, VeneVox (Fonográfica Gilmar) y Yoyo Music (compilaciones).

Popularizó, entre otros, los temas “Mi corazón”, “De cigarro en cigarro”, “Alma mía”, “Interrogación”, “Odio en la sangre”, Mi madre querida”, “Hojas muertas”, “Elsa”, “Nuestro juramento”, “Fatalidad”, “Te odio y te quiero”, “Carnaval de la vida” y “Cuando llora mi guitarra”, que todavía se escuchan en las radios de Latinoamérica.

En su vocación por el canto influyeron Olimpo Cárdenas, Carlos Rubira Infante y el dúo “Guayaquil”, quienes marcaron una época en la música popular ecuatoriana.

A los diecisiete años ya era conocido por su cálida voz, y participaba en programas de “Radio Cóndor”.

En 1950 se unió con dos amigos y se dieron a recorrer los pueblos de Esmeraldas y Manabí cantando en trío.

Cuatro años después grabó su primer disco “Pobre mi madre querida”, en dúo con Fresia Saavedra, seguido por el pasillo “Esposa” en 1955 a dúo con Carlos Rubira Infante. Ese mismo año se produjo su salto a la fama al grabar el vals “Fatalidad”, que fue difundido por todas las radios del Ecuador y en las principales emisoras de otros países.

Pero su consagración internacional llegó con el bolero “Nuestro juramento” en 1957, momento cuando realizó varias giras por Colombia, Perú, Argentina, Uruguay y Chile. Sin embargo, cuando regresó a su país, fue detenido y llevado a cumplir el servicio militar.

Vuelto a la vida civil en 1960, siguió con su carrera, alcanzando actuaciones de hasta cuatro meses consecutivos en el cine Guayas de Guayaquil, con lleno completo.

En 1965 se radicó en Venezuela, desde donde realizó giras triunfales por México, Puerto Rico y toda América Central. Grabó en dúo con Daniel Santos, Alci Acosta y Olimpo Cárdenas.

Su última gira internacional tuvo lugar por Estados Unidos y Canadá.

Después de su muerte, un empresario argentino lanzó al mercado los discos de larga duración que contenían las canciones (muchas de ellas inéditas) que Julio le grababa cuando tenía necesidad de dinero, dando así base al dicho popular de que "el Ruiseñor cantaba mejor después de muerto".

Discografía cronológica parcial No se sabe con exactitud el número exacto de sus grabaciones. Para algunos, rondó los 400 discos; para otros, 4.000 y para algunos de 4.500 a 6.000 en sus 23 años de actividad artística.

1965. “El nuevo estilo de Julio Jaramillo”.

1966. “Ritmos venezolanos con el Trío Caracas”.

1967. “Llamándote eternamente”.

1968. “Sacrificio”.

1970. “Ojos que matan” y “Julio Jaramillo le canta a Venezuela”.

1971. Mis mejores pasillos 1972. “La voz del pasillo”.

1976. “Hombre con "H".

Fuentes http://www.biografiasyvidas.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

JOSÉ LUIS PERALES José Luis Perales Morillas nació en Castejón, Cuenca, España, el 18 de enero de 1945.

Cantante, compositor, guitarrista y escritor. Voz de barítono.

Cursó electrónica en la Universidad Laboral de Sevilla y tras concluir la maestría industrial se trasladó a Madrid para estudiar peritaje, compaginando sus estudios con su trabajo como electricista.

Durante sus tiempos de estudiante empezó a escribir canciones solo para otros intérpretes, hasta que el productor Rafael Trabuchelli lo convenció de grabar sus propias canciones.

Debutó en 1973 con el álbum “Mis canciones” del cual ha vendido más de 30 millones de álbumes en todo el mundo.

Obtuvo su primer Disco de Oro en Argentina el año siguiente por su canción “Celos de mi guitarra”.

Es el cantautor hispano más versionado del mundo.

En 1970 conoció a Rafael Trabucchelli principal productor discográfico de España de esa época, quien le sugirió que cantara, a lo que se resistió todo lo que pudo. Compuso “Porque te vas” y en la voz de Jeanette, en un año logró vender cuatro millones de copias en todo el mundo, de tal forma que Carlos Saura incluyó el tema en la película “Cría cuervos”. Ese tema había sido versionado por más de 40 artistas en Francia, Alemania, Inglaterra, Japón, hasta 2004, y vendido más de 6 millones de copias en Alemania y Austria.

Es uno de los cantantes y compositores más prolíficos de la industria discográfica española con 510 canciones registradas en la Sociedad General de Autores de España (SGAE) y 27 producciones musicales.

Además ha recibido un Premio Amigo como “reconocimiento a su trayectoria artística y más de 100 Discos de Oro y Platino, ha actuado en escenarios de Estados Unidos (Nueva York y Miami) Argentina, Chile, Uruguay, Perú, Ecuador, México, Panamá, Colombia y República Dominicana y compuesto canciones para los artistas españoles Isabel Pantoja, Raphael, Miguel Bosé, “Mocedades”, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Jeanette, Paloma San Basilio, Rosa López; la venezolana Mirla Castellanos y la cantautora guatemalteca Shery.

En 2012, lanzó su nuevo álbum “Calle soledad”, con el cual realizó una gira por América y España.

Tras 15 años de ausencia, regresó a Chile como presidente del jurado del Festival Viña del Mar 2012, en donde cerró con un gran concierto regalando a sus

admiradores su nuevo trabajo “Morir por ti”, de su álbum “Calle soledad”, que salió a la venta el 24 de abril del mismo año.

En ese evento de clausura fue el gran protagonista con un concierto ante 15.000 espectadores que llenaron las gradas de la Quinta Vergara.

“No sabía que quedaba para mí tanto recuerdo, tanto cariño, después de tantos años”, expresó.

Cabe recordar que Perales había participado en dicho festival como invitado durante las jornadas de los años 1983, 1984 y 1997.

Los éxitos en orden alfabético “A más de mil kilómetros de ti “, “A mi padre”, “A quien le importara”, “A ti mujer”, “Acércate”, “Acosado”, “Adolescencia”, “Adrián”, “Ahora que llegó la madurez”, “Ahora que te has ido”, “Al ver pasar a María”, “Amada mía”, “Ámame”, “Amarte así”, “América”, “Amigo”, “Amor adolescente”, “Amor de otoño”, “Amor sin límite”, “Aquella mujer”, “Así te quiero yo”, “Avelin”, “Ay amor”, “Ay corazón”, “Balada para un viejo tren”, “Balada para una despedida”, “Brindaremos por él”, “Buenos días tristeza”, “Canción de cuna para un gitano”, “Canción de otoño”, “Canción infantil” (a mi hijo Pablo), “Canción para la navidad”, “Canción para un pastor”, “Canción para un pequeño viajero”, “Canción para un poeta”, “Cántame”, “Cantar una canción”, “Carlo Carusso”, “Carta para María”, “Celos de mi guitarra”, “Como decirte”, “Como ha pasado el tiempo”, “Como siempre”, “Como tú y yo”, “Como llenar mi tiempo”, “Comprare”, “Compro”, “Corazón caribe”, “Cosas de Doña Asunción”, “Cuando deje mi tierra”, “Cuando vuelvas”, “De navegar por ti”, “De no ser lo que soy”, “De profesión parao”,“De quien será la culpa”, “Decidieron volar”, “Demonios en Madrid”, “Denisse”, “Desamor”, “Desde que te quiero”, “Después de ti”, “Dices que soy hombre triste”, “Diferentes”, “Dime”, “Ecos de Sociedad”, “El amo y el mozo”, “El amor”, “El ciego”, “El día que te marches”, “El día que tenga una casa”, “EI escultor y ella”, “El hombre y la sirena”, “El labrador”, “El loco”, “El pregón”, “El regreso”, “El rincón de Andrés”, “El snob”, “El soñador”, “El Torerillo”, “Ella y él”, “Entre tú y yo”, “Eso me pregunto yo”, “Es el amor que llega”, “Es la verdad”, “Es más joven que tú”, “Espera un poco más”, “Gente maravillosa”, “Hoy me acorde de ti “, “Hoy sueño con volver”, “Isabel”, “Javier”, “La boda”, “La cárcel del amor”, “La casada”, “La chica de la playa”, “La espera”, “La madre”, “La música de salsa”, “La música”, “La primera vez”, “La reina del cafetal”, “La rutina”, “La tabaquera”, “La vida”, “Le llamaban loca”, “Lo que fue de los dos”, “Los guerreros”, “Lucia”, “Mañana volverás”, “Marruecos”, “Me duelen”, “Me gusta la palabra libertad”, “Me hablaba de ti”, “Me han contado que existe un paraíso”, “Me iré calladamente”, “Me iré”, “Me llamas”, “Melodía perdida”, “Mi amigo Luís”, “Mi lugar”, “Mi pueblo se está muriendo”, “Mi rincón”, “Mi soledad”, “Mi último espectador”, “Mientras duermen los niños”, “Mis Tópicos”, “Morir de amor”, “Muchacho solitario”, “Nana para mi Madre”, “Navidad”, “No es por casualidad”, “No hay preguntas”, “No resulta fácil”, “No se puede tocar”, “No sé si es cierto”, “No sé, no sé”, “No soy uno más, “No supo decir no”, “No te vayas nunca”, “Para saber de amor”, “Para vosotros canto”, “Payaso Azul”, “Pensando en ti”, “Pequeño gorrión”, “Pequeño marinero”, “Pequeño Superman”, “Perdóname mi amor”, “Podré olvidar”, “Por amor”, “Por Ti”, “Por si las musas”, “Porque esta soledad”, “Porque te vas”, “Primer Amor”, “Que canten los niños”, “Que habrá sido de él”,

”Qué más quisiera yo”, “Que pasara mañana”, “Qué triste se te ve”, “Quédate conmigo”, “Quiero ser agua fresca”, “Quisiera decir tu nombre”, “Recuerdo un tren”, “Rosalí”, “S.O.S.”, “Samaritanas del amor”, “Santo Domingo”, “Se equivocó el azar”, “Señor X”, “Si a ti te hubieran dicho”, “Si no estuvieras tú”, “Si quieres encontrarme”, “Si supieras escuchar”, “Si... “, “Siéntate”, “Soledades”, “Supervivientes”, “Tan solo necesito”, “Te echo de menos”, “Te has quedado en mi”, “Te quiero tanto”, “Te quiero”, “Tentación”, “Tu carta”, “Tú como yo”, “Tú me pareces”, “Tu país”, “Tú y Yo”, “Tú, el más olvidado”, “Un día más”, “Un minuto de amor”, “Un velero llamado libertad”, “Una canción para la paz”, “Una locura”, “Una raza especial”, “Veinte años”, “Voy a volverme loco”, “Y como es él”, “Y sigo enamorado”, “Y soñara”, “Y te vas, “Ya no te quiero”, “Yo quiero ser” y “Yo también tuve quince años”.

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Fuentes http://www.megustaperales.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

OMARA PORTUONDO Omara Portuondo Peláez, su nombre real, nació en La Habana el 29 de octubre de 1930.

Cantante de bolero, feeling, nueva trova, jazz y son.

Es conocida como “La Diva del Buena Vista Social Club” y “La Novia del Feeling”.

Comenzó su actividad artística en 1945 en el Cabaret “Tropicana”, pero como bailarina.

En su debut en la radio, fue anunciada como Omara Brown, “La Novia del Filin”, nombre artístico que pronto fue olvidado.

En 1950 fue integrante de la Orquesta Anacaona, y hacia 1952 junto con Elena Burke y Moraima Secada y su hermana Haydée formó un cuarteto vocal femenino liderado por la pianista Aída Diestro, el cual se convirtió en uno de los cuartetos vocales más importantes de la música cubana. Con el “Cuarteto Las De Aída” permaneció 15 años. Este grupo solo grabó un álbum para RCA Víctor en 1957, pero realizó numerosas giras por América, donde tuvo la oportunidad de compartir escenarios con Édith Piaf, Pedro Vargas, Rita Montaner, Bola de Nieve y Benny Moré y también sirvieron como acompañantes de Nat King Cole cuando este se presentó en el Cabaret “Tropicana”.

Debutó en solitario con el álbum Magia negra, aparecido en 1959, en el que cruza música cubana y jazz e incluye versiones de That Old Black Magic y Caravan de Duke Ellington.

Sin embargo, fue en 1967 cuando comenzó su carrera como solista con actuaciones en Cuba y en algunos festivales del exterior representando al país.

En los años 70 cantó con la “Orquesta Aragón” y viajó extensamente, haciendo presentaciones en varios países como Francia, Japón, Bélgica, Finlandia y Suecia.

A lo largo de las dos décadas siguientes grabó muchos álbumes, aunque los mejores fueron los realizados con Adalberto Álvarez en 1984 y los dos ,para el sello español Nubenegra: “Palabras” y “Desafíos”.

En 1983 el director cubano Fernando Pérez Valdés hizo un documental sobre ella titulado “Omara”.

El 5 de noviembre de 2009 ganó el Premio Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum Tropical Contemporáneo, con “Gracias”, convirtiéndose en la primera artista cubana residente en su país en ganar este prestigioso galardón y recogerlo con sus propias manos.

Discografía cronológica 1957. “Cuarteto Las D’Aída”.

1958. “Magia negra”.

1966. “Como un milagro”.

1967. “Esta es Omara Portuondo” y “Omara Portuondo”.

1974. “Omara Portuondo y Martín Rojas” (grabado en Finlandia).

1981. “Y tal vez”.

1983. “Omara Portuondo”.

1984. “Omara Portuondo canta el son”.

1991. “Soy cubana”.

1995. “Pensamientos”.

1995. “Omara Portuondo”.

1995. “Cuarteto Las D’Aída” (reedición de un LP de 1957).

1995. “Palabras” (grabado en España).

1996. “Amigas”, con Moraima Secada y Elena Burke.

1997. “La novia del feeling” y “Desafíos”, con Chucho Valdés.

2000. “Buena Vista Social Club presenta: Omara Portuondo”, “Omara Portuondo - La colección cubana” y “Veinte años”.

2004. “Flor de amor”.

2005. “Lágrimas negras, canciones y boleros”.

2007. “Duets” y “Singles”.

2008. “Gracias”, “Omara Portuondo e Maria Bethania” y “Omara Portuondo e Maria Bethania ao vivo” (DVD).

2009. “Gracias”.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre www.cubadebate.cu

NINO BRAVO Luis Manuel Ferri Llopis, su nombre real, nació en Ayelo de Malferit, Valencia, el 3 de agosto de 1944 y falleció en Villarrubio, Cuenca, el 16 de abril de 1973, ambas localidades situadas en España.

Cantante y pianista. Voz de tenor dramático.

Discográficas: Fonogram, Polydor.

Sitio web: www.ninobravo.net.

A finales de 1962 constituyó con sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda el “Trío Los Hispánicos”, que se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuó en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, y llegó como finalista en el concurso radiofónico nacional “Fiesta en España.

El nombre artístico de Nino Bravo le fue acuñado por su primer mánager, Miguel Siurán.

Posteriomente la casa discográfica Fonogram lo contrató por cuatro años y grabó su primer sencillo se grabó con las canciones de Manuel Alejandro “Como todos” y “Es el viento”.

En 1969 Augusto Algueró le dio “Te quiero, te quiero·, canción creada para la película argentina “Kuma Ching” interpretada con letra distinta por Lola Flores y que por distintas causas, aun teniéndola grabada la actriz Carmen Sevilla y el cantante Raphael, no había triunfado en el mercado discográfico, pero con su voz, consiguió un éxito arrollador, tan grande que fue elegida “La Canción del Verano” de ese año.

A ese éxito siguieron los alcanzados con los temas “Noelia”, “Perdona”, “Mi gran amor”, “Esa será mi casa”, “Mi querida mamá”, “Cartas amarillas”, “Puertas de Amor”, “Voy buscando”, “Un beso y una flor”, y “Libre”, entre muchos otros.

Sobre la última canción existe la teoría de que la letra está inspirada en la historia de Peter Fechter, una de las primeras personas que perdieron la vida intentando saltar el muro de Berlín tan solo un año después de su construcción.

Empero “No hay constancia de que Nino Bravo o sus compositores tuviesen intenciones políticas al grabar la canción”, advierte Wikipedia, la enciclopedia libre.

Como canción póstuma, también se hizo famosa “América, América”.

Recorrió exitosamente diversos países de América del Sur. El 15 de marzo de 1973 realizó su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas valencianas. Allí cantó, por primera y única vez, el Himno de Valencia, acompañado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogieron poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.

Desde mediados de 1969 hasta abril de 1973, grabó 62 canciones, que se convirtieron en clásicos románticos por excelencia. Dos de aquellos temas, grabados en su primera época y archivados por la discográfica, aparecieron de forma póstuma en el 2003: “Te amaré” y Quién eres tú·.

En 2005 salió a la luz otra canción inédita, “Sin darte cuenta”, que quedó grabada en forma de maqueta.

Homenajes póstumos Tras su muerte apareció un disco póstumo, que incluyó diez canciones grabadas semanas antes de dejar este mundo. Entre ellas se encuentra “América, América”, que se convirtió en todo un himno para sus admiradores americanos y en uno de sus grandes éxitos. También apareció la única canción de su autoría, compuesta por Nino Bravo, “Vivir”.

El 12 de septiembre de 1973, se celebró en la Plaza de Toros de Valencia un macroconcierto en homenaje al cantante, en el que actuaron, entre otros, Jaime Morey, Yaco Lara, “Dúo Humo”, “Control”, Basilio, Mari Trini, Víctor Manuel, “Los Mismos”, Daniel Velázquez, “5 Xics”, “Fórmula V”, Bruno Lomas, “Mocedades”, Juan Pardo, Julio Iglesias, Dova, “Los Puntos”, Manolo Escobar y “Los Superson”. La asistencia a ese evento superó las veinte mil asistentes y la recaudación fue el regalo que los artistas hicieron a su segunda hija.Eva María, nacida el 27 de noviembre de 1973.

La grabación de este concierto se recogió en el doble álbum “Los artistas españoles a Nino Bravo”.

En 1995 se editó el álbum “50 Aniversario”, en el cual se realizaron, gracias a la técnica, duetos entre el desaparecido artista y cantantes de éxito actuales, que pronto se convirtió en su disco más exitoso del valenciano, con ventas superiores a más de un millón de copias.

En 2006 fue creado en su pueblo natal el Museo Nino Bravo.

El siguiente año fueron publicados los libros Y la voz se hizo mito de Guillermo Ortigueira, y De Manolito a Nino Bravo, escrito por Boro Aranda

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. www.biografiasyvidas.com.

JOSÉ LUIS MONERÓ

Nació en Juncos, el 6 de abril de 1921 y falleció en Caguas el 15 de febrero de 2011, ambas localidades pertenecientes a Puerto Rico.

Trompetista y cantante.

Fue llamado “El Príncipe del Bolero” y “El Príncipe de la Canción Antillana”. Interpretó, además del bolero, el pasodoble, la danza, el danzón y el mambo.

Mostró su inclinación artística a los 17 años de edad, cuando cantó en el “Teatro Tapia” y luego en el lujoso y exclusivo hotel “Condado Vanderbilt Inn”.

Más tarde comenzó a ganar popularidad con bandas como “Luis Morales”, “La Tropicana” y Pepito Torres y su inolvidable “Siboney”.

Viajó posteriormente a Nueva York y allí tuvo como profesor de trompeta al famoso músico estadounidense Charles Colin.

Después tocó y cantó con leyendas como Noro Morales y José Curbelo, hasta que fue reclutado por Xavier Cugat para cantar con su orquesta y viajar Europa, África y América.

En la década de 1980 el cantante Julio Ángel lo reclutó para compartir dos estrellas en proyectos de grabación de excelencia: "50 años de la nostalgia" y "Evocando el Ayer".

Entre sus producciones discográficas se incluyen "José Luis Moneró Sings", "Doce canciones y un millón de recuerdos" y "Una noche en el Escambrón", clásicos de la música popular.

A estas composiciones “El Blog del Bolero” añadió “Campanitas de cristal”, “Di corazón”, “Enojo”, “Sin ti”, “Caminos de ayer”, “Muñequita linda” (“Te quiero dijiste”); “Espérame en el cielo”,”Niebla del riachuelo”, “Prisionero del mar”, “Pétalos de rosa”, “Inolvidable” y “Bésame mucho”. En you tuve, pueden oírse, entre muchos otros, “Olvídame”, de Robert Cole, a mi juicio su mejor intérprete; “No me mirse así”, “Sin ti la vida es nada”, “Inconsolable”, “Caminos de ayer”, “Perfume de gardenia”, “Mi loca tentación”, “Ojos malvados” y “Un viejo amor”.

No está de más resaltar que este cantante, junto con otros del exterior, contribuyó en el auge del bolero en Venezuela.

Además, la mayoría de sus éxitos fue lograda cuando estuvo integrado como bolerista a la orquesta de Rafael Muñoz.

En la década del 50 constituyó su propia agrupación musical, donde interpretó, entre otros, los temas “Amor”, “No podré olvidarte”, “Caminos de ayer” y no podré olvidarte”.

La muerte El 16 de febrero de 2011, un día después de ocurrida su muerte, el periódico Primera Hora, de San Juan, publicó el siguiente reportaje:

Fallece José Luis Moneró dejando gran legado musical Uno de los más emblemáticos intérpretes de melodías que han sellado la unión de tantas parejas a través de décadas.

Uno de los más emblemáticos intérpretes de melodías que han sellado la unión de tantas parejas a través de décadas y todavía sigue siendo referencia obligada al hablar del bolero, José Luis Moneró, murió en Caguas, dejando tras de sí un legado inmesurable de recuerdos y una pregunta obligada: ¿Quién tomará su batuta?

El Príncipe del Bolero, como se le conoció, nació el 6 de abril de 1921 en Juncos y murió a los 90 años en un hogar de convalecencia en Caguas, después de varias complicaciones de salud y trabajando casi hasta el final. Había sido hospitalizado el año pasado por una afección pulmonar.

Ahora le sobrevive su esposa Tere Haddock, varios hijos y múltiples seguidores.

Su voz de tenorio estará para siempre asociada a la canción “Olvídame” de Roberto Cole y “Mi loca tentación”, de Paquito López Vidal, según un experto consultado por Primera Hora. Muchos lo recordarán de la época de las grandes orquestas, otros por los discos de vinilo o las belloneras y ahora algunos lo rememoran en YouTube o programas grabados para PRTV, del canal 6 de la televisión pública.

“Moneró muere y se le da cierre a ese capítulo de las grandes orquestas en Puerto Rico. La orquesta de Rafael Muñoz, del Escambrón Beach Club… Es una pena que no tenga pertinencia y que con poca esperanza se pueda decir, regresará en el futuro”, se lamentó el músico, autor y profesor del Recinto Universitario de Mayagüez, Josean López.

“Jose Luis Moneró está en la memoria emocional del pueblo de Puerto Rico que lo vivió”, que de por sí no es un problema, pero los únicos custodios de su música que quedan son los coleccionistas y falta su legado actual, comentó López a Primera Hora.

El también doctor en música, intérprete y fanático del bolero contrastó esta realidad con el trato que le acaba de dar Cuba al centenario de Benny Moré, después de un año de celebraciones por sus provincias.

“Benny Moré está vivo en Cuba”, afirmó el experto. “Nosotros tenemos una serie de personalidades de la música que están en la memoria emocional de mucha gente, pero no en los jóvenes. Ahí el país ha fallado. Ése es el Puerto Rico que se nos fue, el Puerto Rico que cantaba bolero. No hay razón para que ese Puerto Rico no esté hoy en día. Hay cosas de la raíz cultural de un pueblo que no se deben afectar”.

La gran diferencia entre la música clásica y ésta, según López, es que la primera se escribe en partitura y la otra es tradición oral. No hay razón para que no se respeten por igual.

“Es muy difícil escuchar la música de ayer. Por eso los coleccionistas tienen gran valor y hay que rescatarla en bibliotecas públicas”, afirmó López, quien tiene una intervención semanal en Radio Isla para contribuir a ese esfuerzo.

Los restos de Moneró serán expuestos mañana jueves de 10:00 de la mañana a 4:30 de la tarde en la sala que lleva su nombre en el Centro de Bellas Artes de Caguas.

Seguido, a las 5:00 de la tarde, se efectuará una misa de cuerpo presente en la catedral Dulce Nombre de Jesús de Caguas. Luego los restos del cantante serán cremados, según informó la familia.

Grabó a Sylvia Rexach a los 15 años Un dato significativo de la larga vida del también director de orquestas, que recordó López, es el hecho de grabó en 1937 a la cantautora Sylvia Rexach (nacida en 1922) cantando “Di, Corazón” con la orquesta Rafael Muñoz. “Silvia era una nena, de apenas 15 años, escribiendo de eso!…”, exclamó.

Ambos artistas contemporáneos son parte de esa historia de la música popular “clásica” puertorriqueña.

Moneró empezó a cantar profesionalmente en 1938, sin tener educación formal en la música, pero la adquirió más tarde, en 1942, cuando empezó a estudiar trompeta en Nueva York, según la tésis “El Bolero en Puerto Rico según los creadores, performadores, y estudiosos del género”, de Wanda López Henríquez, para la Universidad de Puerto Rico (mayo 2001).

El propio Moneró relató que fue obligado a cantar boleros por las circunstancias musicales de la época, ya que era obligado en el repertorio de todas las orquestas. Los compositores que más lo impactaron, según la citada tesis, fueron Rafael Hernández, Pedro Flores, Rafael González Peña, Paquito López Vidal y Roberto Cole, entre muchos otros. Sus boleros más populares eran “Di” de Rafael Hernández, “Sin Ti” de Rafael González y por su puesto “Olvídame”.

Las orquestas con las que trabajó incluyen la de Mario Dumont, Don Nacho, Luis Morales, Rafael Muñoz, Siboney, Frank Madera, y Xavier Cugat, con las cuales viajó a miles de escenarios por el mundo.

El coleccionista Juan Mora Bosch señala que Moneró marcó un cambio en el bolero ya que se tocaba el cubano y su voz de crooner modificó este ritmo.

De acuerdo a Javier Santiago, de la Fundación Nacional para la Cultura Popular, queda en el recuerdo su aparición una noche de enero de 1938, con apenas 17 años, cantando "Noche de ronda" con la orquesta de Mario Dumont.

“Cuenta la historia que aquella noche en que se marcaba su debut profesional la gente lo aplaudió tanto en el Casino de Aibonito, que en cuestión de días tuvo un pasaje expreso para llegar al entonces Teatro Municipal, hoy Teatro Tapia, para debutar en la máxima sala de arte de nuestra Capital”, señala el periodista y coleccionista de música popular en el portal de Internet de la Fundación.

Del Tapia pasó al entonces lujoso y exclusivo Hotel Condado Vanderbilt y siguió ganando popularidad con las orquestas de Luis Morales, La Tropicana y Pepito Torres, y la inolvidable Siboney.

"En aquellos tiempos me pagaban $12 semanales, de los cuales me quedaban seis después de pagar la pensión en la que vivía en el Viejo San Juan", citó Santiago de Moneró. "Aquellos bailes eran matadores. Teníamos que tocar todos los días desde las nueve de la noche hasta que se fuera el último cliente".

Aquellos eran tiempos de guerra, de escasez y adversidad, donde el arte florecía en cada esquina y Puerto Rico exportaba su música al Caribe. Cada cantante era dueño de su propio estilo en la música y Moneró tenía un espacio muy particular dentro de nuestra cultura popular, según Santiago.

Gran legado de grabaciones Entre los temas conocidos de Moneró figura "Di, corazón", "Enojo", "Caminos de ayer", "Muñequita linda", "Espérame en el cielo", de la era de la orquesta de Rafael Muñoz, de la década del 40.

Después de ser reclutado por la orquesta de Xavier Cougat, grabó los discos "José Luis Moneró Sings", "Doce canciones y un millón de recuerdos", "Una noche en el Escambrón", considerados clásicos de la discografía caribeña, según Santiago.

La fama tuvo su precio y Moneró tuvo que combatir el alcoholismo, y se casó ocho veces, según López, pero ganó dejó la bebida y continuó trabajando hasta que enfermó casi hacia el final.

Después de andar el mundo entero y compartir escenarios con los artistas más famosos, concluyó una vida productiva y aprovechada hasta el máximo, acompañado de su esposa Teresa en Caguas.

Tres días de duelo El Gobernador de Puerto Rico declaró tres días de duelo por la muerte del cantante José Luis Moneró.

“Puerto Rico ha perdido un gran talento, y siempre será recordado por su gran carrera en y fuera de Puerto Rico. El talento de Moneró siempre fue y seguirá siendo admirado por todos los puertorriqueños y del mismo modo sus melodiosas canciones siempre estarán presentes”, expresó el Gobernador en un comunicado de prensa.

Fortuño concluyó que, “mis condolencias a sus familiares y amigos, ante esta gran pérdida.

Ofrezco mis oraciones para que el señor le brinde la paz, el consuelo y la fortaleza necesaria ante este momento de dolor. Que descanse en paz”.

Por otra parte, el presidente del Senado, Thomas Rivera Schatz, expresó a nombre de la cámara alta que se unían a la pena que embarga al pueblo, "pero muy en especial a su esposa

Tere Haddock, sus familiares, amigos y personas cercanas. Sabemos que desde los cielos el Padre Celestial les dará la fortaleza y paz necesaria para superar y sobrellevar tan lamentable momento. ¡Que descanse en paz José Luis Monero!”

“La vida de José Luis al igual que su música siempre quedarán impregnadas en nuestros corazones y vidas. Es muy lamentable el deceso de este gran cantante que desarrolló su talento al máximo y nos deleitó con tan melodiosas canciones", declaró el líder senatorial.

Moneró falleció anoche en el asilo municipal Ángel Rivera del barrio Tomás de Castro II en Caguas, según Rivera Schatz.

Por su parte, la presidenta de la Cámara, Jenniffer González Colón, expresó hoy su pesar por la lamentable pérdida del cantante puertorriqueño José Luis Moneró, mejor conocido como el Príncipe del Bolero.

“Moneró fue una gloria musical para Puerto Rico, destacado bolerista, que durante su larga trayectoria artística y con su melodiosa voz conquistó al público, no sólo de la Isla, sino de Europa, África y América”, dijo González Colón en una comunicación escrita.

“Como admiradora de su música y su talento, puedo asegurar que su pérdida produce un gran vacío en nuestro pentagrama musical”, añadió la Presidenta de la Cámara.

Entre los clásicos más recordados interpretados por Moneró figuran “Doce Canciones y un Millón de Recuerdos”, “Una Noche en el Escambrón” y “Muñequita Linda”, entre otros.

González Colón extendió sus condolencias a los familiares de Moneró quien falleció hoy, a los 89 años.

"Hoy muere una parte de la historia de la música popular de este país, tuvo un carrera larga, exitosa, intachable y fiel a su música. Trabajé con él varias veces, mis condolencias a toda su familia”, expresó por su parte el caballero de la salsa, Gilbertito Santa Rosa.

Moneró nació el 6 de abril de 1921 en Juncos y murió a los 90 años en un hogar de convalecencia en Caguas, después de varias complicaciones de salud. Había sido hospitalizado el año pasado por una afección pulmonar.

Ahora le sobrevive su esposa Tere Haddock, varios hijos y múltiples seguidores.

Caguas está de luto El Municipio Autónomo de Caguas "está de luto tras el fallecimiento hoy en horas de la mañana del músico y cantante José Luis Moneró, una de lás máximas glorias del pentagrama musical borincano", dijo al alcalde William Miranda Torres.

"El escenario musical puertorriqueño ha tenido una gran pérdida con la muerte del cagüeño por adopción, don José Luis Moneró. A su viuda, Tere Hadock, a sus hijos, a sus compañeros artistas, a este pueblo que se deleitó con su música y con su voz sonora, un abrazo sensible lleno de solidaridad y de cariño en estos momentos tan tristes. Figuras como Moneró no mueren, su trabajo incansable, su prestigio profesional y, sobretodo sus canciones perdurarán por siempre en el cariño de su gente. Todo el pueblo será bienvenido mañana en el Centro de Bellas Artes de Caguas, a partir de las 10:00 de la mañana".

El velatorio, a efectuarse mañana en la Sala José Luis Moneró del Centro de Bellas Artes de Caguas (tercer piso), se prolongará hasta las 4:30 p.m., hora en que los restos mortales del artista serán trasladados a la Catedral Dulce Nombre de Jesús de Caguas, en donde se oficiará una misa por el descanso eterno de su alma.

Moneró, conocido también como el Príncipe de la Canción Antillana, durante los últimos años ofreció talleres de autoestima y capacitación a los recursos artísticos del Municipio Autónomo de Caguas, además de amenizar diversas actividades culturales, como la Retreta Dominical que se celebra una vez al mes en la Plaza Santiago R. Palmer, en Caguas.

Fuentes http://www.primerahora.com Wikipedia. La enciclopedia libre. https://www.youtube.com

CLAUDIA DE COLOMBIA Blanca Gladys Caldas Méndez, su nombre real, nació en Manizales, Caldas, Colombia, el 18 de enero de 1950.

Cantante.

Su mentor y descubridor fue Guillermo Hinestroza Isaza, creador del programa de televisión “El Club del Clan”, del que formó parte. A él se debió el nombre artístico Claudia de Colombia, porque consideró que el nombre de Gladys Caldas no era comercial.

En 1970 grabó su primer trabajo discográfico para el Sello CBS (hoy Sony Music).

Fue la primera artista colombiana exitosa en el exterior cantando música popular.

Ha actuado en el “Teatro Teresa Carreño” de Caracas; el Madison Square Garden de Nueva York, y en grandes estadios de Argentina, Ecuador, México, Panamá y Colombia. También en escenarios de Ecuador, Puerto Rico, Perú, Bolivia, Chile, República Dominicana, Costa Rica, Uruguay, España, Brasil, Paraguay y Suriname.

En 1982 interpretó "No llores por mí, Argentina" en “La Media Torta de Bogotá” y de ahí en adelante hizo interpretaciones magistrales del tema.

En abril de 1985 integró el conjunto de grandes vocalistas de América Latina que hicieron parte del proyecto “Cantaré, cantarás”, convocados por Ricardo Montalbán a imitación de We are the world de Stevie Wonder y Michael Jackson.

Cronología discográfica 1970, “Llévame contigo”, con los temas “Tu me haces falta”, “Llanto y más llanto”, “Momentos”, “Tu nombre en la arena”, “Te dejó la ciudad sin mí”, “El cóndor”, “Sin que cuente el ayer”, “Almas inseparables”, “Morir contigo”, “Déjame” y “No te olvides de mi”.

1971. “Cuando estemos juntos”, con los éxitos “Niégalo”, “Tu alma golondrina”, “Cuando estemos juntos”, “Sola”, “Todo lo dejó por tu amor”, “Adiós adiós”, “Deseo”, “Hoy daría yo la vida”, “Canción del adiós” y “No puedo más”.

1972. “Después de ti”, contentivo de los éxitos “Si supieras”, “Verdad amarga”, “Después de ti”, “Si mañana”, “Un mundo para los dos”, “Tarde”, “Grande grande” y “De todas maneras”.

1973. “Quisiera tenerte”, con los temas “Es un laberinto mi vida sin ti”, “La sombra”, “Nuestra historia de amor”, “Quisiera tenerte a pesar de todo”, “Vivo enamorada”, La vida es un sueño”, “Ay destino ay mi amigo·, “El ocaso de un amor” y “Sorprendida”.

1974. “Tiempo para amar”, constantes de los éxitos que dio título al álbum, “Amado mío”, “Ya no eres mi amigo”, “Eres mi vida”, “La vida seguirá”, “No me olvidarás”, “Por tu bien”, “Cenizas”, “Por el viejo camino” y “Tengo miedo mas no importa”.

1975. “Esos recuerdos tuyos”, con los temas “Tengo ganas de ti”, “Esos recuerdos tuyos”, “De engaños”, “Lluvia lluvia”, “Está frío mi lecho”, “Por tanto que olvidaste”, “Acuérdate de olvidarme”, “Me odio”, “Más cerca de mí” y “Este amor”.

1976. “Claudia”, volumen 7, con los éxitos “Como te llamas tú”, “Me muero por ti”, “Pasillaneando”, “Sin cadenas”, “Volverás”, “Que te quiero”, “Después de ti nada importa”, “Desvelos de amor” y “Entra”.

1977. “Romance suramericano”, contentivo de los temas “Amarguras”, “Llorar llorar”, “Amor se escribe con llanto”, “Extravío”, “Vaya con Dios”, “Mi propio yo”, “Mis noches sin ti” y “Un poquito de tu amor”.

1978. “Enamorados” y los éxitos “Cuando voy por la calle”, “Enamorados”, “Cartagena de Indias”, “Ojalá que te vaya bonito”, “Tú me acostumbraste”, “Dolencias”, “Dos enamorados”, “Para que llorar por ti”, “Para mis penas no hay esperanzas” y “Los ejes de mi carreta”.

1979. “Ternura”, constante del tema que le dio título al álbum; “Dos enamorados”, “Este inmenso amor”, “Tempestades”, “Mosaico” (“Somos novios”, “Todavía”, “Parece que fue ayer”) y “Vamos a cantar”.

1980. “Yo creo en ti”, con el tema del título y los éxitos “Río Badillo”, “Paloma perdida”, “Anhelos”, “Las acacias” y “Cuéntame carpintero”.

1982. “Paraíso” y los éxitos “Dime gitana”, “No manches mi puerta”, “Paraíso” y “Águila real”.

1983. “Soy un grito del folclor”.

1986. “La señora” con el tema que le dio título al álbum; ·”Tú solo tú” y “Aunque te deje”.

1992. “Una mujer con suerte”.

1995. “Siempre única”.

1996. “Para todos”.

2006. “Villancicos”.

Reconocimientos Canaima de Oro, Mara de Oro y Guaicaipuro de Oro, Venezuela.

Premio Alcaldía Mayor de Bogotá, El Pompin de Oro, El Príncipe de Oro, Antena de La Consagración, Página de Oro de El Tiempo, Medalla “Simón Bolívar”, de la Presidencia de la República, Guardia de Honor Presidencial, un Disco de Platino y 13 Discos de Oro, Colombia, Premio Ondas 1972, España, Búho de Oro y Cantante Internacional del Año, Panamá. Continente de Plata, Boston; Estrella,

Calle de la Fama, Miami, Llaves de la ciudad de Miami, Aplauso 92, Miami y Premio ACE (por tres años), Nueva York, Estados Unidos Cuatro Disco de Oro en España, Venezuela, Argentina y Panamá.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. www.buenamusica.com

TRÍO LA ROSA

Fue creado en 1943, conforme a una versión, en Santiago de Cuba por Juan Francisco de la Rosa, su director, Julio León y Juan Antonio Serrano. Pero otra fuente indica que su fundador fue Julio León, quien actuó como director, arreglista, segunda voz y guitarra acompañante, con Juan F. Serrano, primera voz y percusión menor, y Francisco Jiménez Puentes, tercera voz y guitarra prima, pronto sustituído por Juan Francisco Despaigne, quien después utilizó el apellido La Rosa, con el cual fue rebautizado el “Trío León”.

La agrupación se trasladó pronto a La Habana contratada por la RHC, comenzando en 1947 a grabar para la disquera Panart.

Tres años después el trío pegó el bolero “Amor qué malo eres”.

En 1953 tuvo presentaciones de gran exito en Medellin, Colombia, donde actuó junto a Tito Avila, Rodrigo Soto y Jose Barros. Con el primero de ello se produjo la grabación de "Antioqueñita”, "Adios mi amor", "Mi tristeza", "Cruel sufrir” y "Una plegaria" y otros temas.

Con Rodrigo Soto grabó los "Aunque te cases de blanco" y "Aguita de canela" En 1956 se radicó en Maracaibo, Venezuela.

En 1973 acompañó a Julio Jaramillo en dos Lps, "Ellas" y "Serenatas".

Este cantante enseñó al trío a tocar pasillos.

Posteriormente la agrupación fue sustituida por músicos venezolanos.

Discografía cronológica

1947. “Pedacito de cielo”, bolero son; “El chiquichiqui”, guaracha; “Como tú seas yo seré”, bolero son; “La guaracha de la jicotea”, “Cuidado con el gato”, guracha”; “Hazme feliz”, bolero; “Camina como Chencha”, guaracha; “Saguita al bate”, guaracha; “La bobita”, guaracha; “El muñequito”, guaracha; “Bachata en Oriente”, guaracha Walfrido; “No dejes camino por vereda”, guaracha; “Cuidado compay gallo”, guaracha; “La vida es un sueño”, bolero; “La gaga”, guaracha; “Qué linda es Cuba”, bolero; “Niña” y “Se alquila una habitación”, guaracha.

1948. “Contestación a por seguir tus huellas”, bolero; “Tú baila el son”, guaracha-son; “Tócale la campana”, guaracha; “El canto del carpintero”, guaracha”; “La tragedia del circo”, bolero; “A buscar mi amor”, guajira, y “Que viva Changó”, conga-guaguancó.

1949. “El cuartito”, bolero, “Dicen que dices”, bolero; “Ya rompió la aurora”, son montuno; “Dulce veneno”, bolero; “Blancas azucenas”, bolero; “Chucu Chucu”, guaracha; “Durmiendo en el suelo”, guaracha, y “Yo no aguanto más”, guaracha.

1950. “Mamá Francisca”, guaracha; “Mongo”, meneíto guaracha; “Feliz sin tu amor”, bolero-mambuco; “Mi cachumbambé”, guaracha; “En una fonda de chinos”, guaracha; “Temeridad”, bolero; “Conga Camagüeyana”, “Conga Oriental”, “María Cristina”, guaracha; “Tú solo tú”, bolero; “No tengas miedo”, mambuco; “Ilusión perdida”, bolero; “Pico de oro”, son venezolano; “Azúcara Cachita”, guaracha”, “Que me la den entera”, guaracha; “Yo fui la callejera”, bolero; “Yo no creo en los hombres”, guaracha; “Pegadita a los hombres”, guaracha; “El jaibero”, son-Puerto Rico; “Al fin acuérdate de mí”, bolero; “Ahí viene la bolita por la canalita”, guaracha; “Esto si que está gracioso”, guaracha; “Pobre corazón”, bolero: “El Sucu Sucu”, “No me hables del peluquín”, guaracha; “Amor que malo eres”, bolero; “Ay Mariana espabílate”, guaracha; “No me mintieron”, bolero; “No me voy a casar”, guaracha; “El mareíto”, guaracha, y “En la Noche Buena”, guaracha.

1951.

“Alma Llanera”, joropo; “Punto muerto”, bolero: “Sufrirás”, mambuco; “Mimi Pinsón”, guaracha; “Ta fufuriñi”, son-montuno; “Te la comiste nene”, guaracha; “Se murió María Cristina”, guaracha; “Tu castigo”, bolero; “Yo”, guaracha; “La que se fue”, bolero-mambuco; “Ella”, bolero; “Usted”, bolero; “Ya Don Rafael habló”, guaracha; “El martillo y el clavo”, guaracha; “No te puedo querer”, bolero; “Si se forma el guateque”, son-montuno; “El hijo de nadie”, bolero-moruno; “Son Sabrosón”, son-montuno; “Me gustas tú”, bolero; “A ti na má”; “Qué apellido”, guaracha; “En mis noches de insomnio”, bolero; “Mayarí”, bolero; “Pepe Sabroso”, guaracha-mambuco; “Tu precio”, bolero; “Esas no son guajiras”, son-montuno; “Tamborilada”, guaracha; “Los camarones”, merengue colombiano; “El amante de mi esposa”, guaracha, y “Nuestro delito”, boleromambuco.

1952. “Derrotado corazón”, bolero; “Mi guajira no me deja”, son-montuno; “Lamento carretero”; “Los hombres no lloran”, porro; “El Choncholí”, guaracha; “Sanción”, bolero; “El velerito”, guaracha; “Qué comparsa”, conga; “Detrás de la caña”, son-montuno; “La de nunca acabar”, guaracha; “El perro y el rabo”, guaracha; “He sentido mujer”, bolero; “Burlada”, bolero; “Ella es una más”, bolero; “Fue en la cantina”, bolero; “Calumniada”, bolero; “No puedo perdonarte”, bolero, y “Soy la pecadora”, bolero.

1953. “El penado arrepentido”, bolero; “Antioqueñita”, bambuco; “Majija”, guaracha; “Por borracho y parrandero”, bolero; “Llamándote”, bolero; “Traición a un sacrificio”, bolero; “Confío en ti”, bolero; “Me van a matar por las mujeres”, tamborera; “Muchacha perdida”, bolero; “Mil veces falsa”, bolero-diálogo; “Comentario”, guaracha; “Señora Maria”, bolero; “Estar hecho tierra”, son montuno; “No analices”, bolero; “A Venezuela”, “Cabeza de hacha”, “Luz y alegría”, guajira, y “Ponte el duro”, son montuno.

1954. “Arrunchaditos”, bambuco; “Mar y cielo”, bolero; “Quiero beber”, bolero, y “Amor en guagua”, guaracha.

1955. “Mi ruego de amor”, bolero; “La casa en el aire”, guaracha; “Chicho Cintura”, guaracha; “La bella molinera”, jaleo colombiano; “Tu pasión”, bolero; “Dale leña compay”, guaracha; “Un imposible amor”, bolero, y “Hoy tienes que quererme”, guaracha.

1956. “Malvada”, bolero; “Por una sonrisa”, guaracha-bambuco; “El marinero”, merengue; “Rosa María”, porro; “El solitario”, parranda; “La gripe de Chencha”, guaracha; “No pretendas volver”, bolero; “Amor en el campo”, boleroguajira; “Así es qué qué”, son-montuno; “Ángela Lucía”, merengue; “La camarita daña”, “Don Juan aventurero”, “Amarra el perro”, porro; “Cruel sufrir”, bolero; “Vil moneda”, ranchera, y “Tu cariño es dinero”, ranchera.

1957. “El Moreno”, porro; “María Peralta”, porro; “Itoto nanto rallao”, “Me voy a la feria rallao”, “Yo necesito un amor”, guaracha-porro; “Fiesta en el manglar”, guaracha-porro; “La Chencha”, guaracha-porro; “Brisas del Torbes”, bambuco; “Contestación a La casa en el aire”, guaracha-porro; “No me preguntes que me vuelvo loco”, guaracha-porro; “Mucho te lo agradezco”, bolero; “Por un hijo”, bolero; “Las mujeres sin conciencia”, guaracha, y “Triste camino”, bolero.

1959. “María Cristina”, guaracha; “Las cuatro hijas”, porro; “Correa Cotto”, “El caballo”, pasaje, y “La camarita rota”, porro.

1960. “Corazón atormentado”, merengue; “Acuérdate de mí”, porro; “Huérfano soy”, son, y “La gripe de Chencha”, guaracha.

1961. “Una plegaria”, guaracha son; “Adiós mi amor”, son; “Mi tristeza”, “El cocotero”, guaracha; “Bla Bla Bla -Vida Nocturna”, parranda, y “Mira qué bonito”, merengue.

1962. “El penado arrepentido”, bolero; “Otro borracho”, ranchera; “Corazón negro”, ranchera; “Angelita Lucia”, merengue; “Flor morena”, porro; “Barco perdido”, bolero; “Consejo del alma”, bolero; “El teleférico”, guaracha; “Sálvame la vida”, bolero; “Tremendo embarque”, bolero; “Maldito alcohol”, bolero-pasillo; “Penas amargas”, bolero-ranchero; “Cero treinta y nueve”, porro, “Paloma morena”, merengue, y “Madrecita”, bolero.

1963. “La vida no vale nada”, “Comiendo arepas”, guaracha; “Pobre gente de París”, guaracha; “Voy gritando por las calles”, “A lo mejor eres tú”, bolero, y “El Negro Fidel”, merengue.

1964.

“Ay cosita linda”, porro; “Te escribiré con sangre”, bolero; “Maracucha”, merengue, y “Muñeco lindo”, merecumbé.

1965. “Arrepentido”, bolero, y “Juanita Morell”, merengue.

Fuentes http://sandritocubanito.blogspot.com/ http://josemill.blogspot.com/

LA SONORA MATANCERA El 12 de enero de 1924, en Matanzas, Cuba, bajo la iniciativa de Valentín Cané, y precisamente en su casa, se formó el conjunto “Tuna Liberal”, a petición de un partido político local del mismo nombre que solicitó su formación para amenizar sus reuniones y mítines. Años después se convirtió en la Orquesta “La Sonora Matancera”.

Es considerada por “El Blog del Bolero” como la mejor agrupación musical del mundo. En su Cuba natal actuó hasta 1960 cuando después de una exitosa gira por México la dictadura comunista de Fidel Castro le negó el reingreso al país.

Su memorial registra a los 87 años de existencia: 1.063 grabaciones originales, con 380 boleros, que representa un 35% de su producción; 32 cantantes realizaron coros, la actuación de 25 cantantes sin llegar a grabar y 56 instrumentistas; grabación en 13 sellos disqueros; el empleo de 52 ritmos musicales; 8 películas dan testimonio de su calidad musical y la visita de 32 países en más de una ocasión.

Durante el largo exilio ha desarrollado sus actividades primero en México y después en los Estados Unidos, donde fijó finalmente su domicilio, luego de actuar en Nueva York, en la ciudad de Las Vegas.

Fue en sus orígenes una agrupación en la que prevalecían las cuerdas ya que era el momento del auge del "Son", y para esto se requerían de cuatro guitarras acústicas.

Estuvo constituida entonces de la siguiente manera: Valentín Cané, tres; Pablo Vázquez Gobín "Bubú", contrabajo; Eugenio Pérez, cantante; Manuel Sánchez "Jimagua", timbalitos; Ismael Goberna, trompeta; Domingo Medina, 1ª guitarra; José Manuel Valera, 2ª guitarra; Julio Gobín, 3ª guitarra, y Juan Bautista Llópis, 4ª guitarra.

En 1926 pasó a llamarse “Septeto Soprano” y el año siguiente adoptó el nombre de “Estudiantina Sonora Matancera”.

Más tarde la agrupación se puso en contacto con la compañía discográfica RCA Víctor, producéndose su primera grabación el 12 de enero de 1928 en formato de 78 rpm titulada, “El porqué de tus ojos”, a la que siguieron ese mismo año los temas “Fuera, fuera chino”, “Cotorrita”, “Eres bella como el sol”, “A mi Cuba”, “No te equivoques conmigo”, “De Oriente a Occidente” y “Matanzas, tierra del fuego”.

Pero fue en 1935 cuando pasó a llamarse Orquesta “La Sonora Matancera”, nombre con el cual pasó a la historia de la música popular de Cuba. Con ese cambio presentó un nuevo trompetista, Calixto Leicea.

En su larga trayectoria, además del son cubano, ejecutó guaracha, bolero, son montuno, guaguancó, cha cha chá, bolero beguine, bolero mambo, bolero moruno, bolero rítmico, son bolero, bolero tango, afro, conga, danzonete, dengue, guajira, guajira mambo, guajira son, guapachá, guaracha guaguancó, mambo, omelenkó, porro, rumba, bambuco guaracha, bolero guapachá, lamento, tango conga, samba mambo, guaracha rock and roll, guaracha rumba, capricho mambo, son moruno, bolero chá, pregón, conga haitiana, guaguansón, montuno batanga, baión, galerón llanero, guaracha mambo, garabato, olelolay, tumba curazoleña, bembé, bolero afro, porro guaracha, Calipso, guachamambo, mambo moruno, ritmo oriza, pachanga, salve, guaracha plena, rezo bembé, bomba, son guajira, danza criolla, rock guapachá, afro mambo, milonga, guachamengue, son guajiro, ritmo bombón, guasón, bolero bon-bon, moruno bulería, latin twist, danza conga, bolero guajira, bebop, boogaloo, ritmo pilón, go-go afro, ritmo alegre, guaracha boogaloo, bolengue, vals joropo y guaracha go-go.

Discográficas: RCA Victor, Panart Records, Stinson Records, Ansonia Records, Seeco Records, Tropical Records, Marvela Records, MRVA Records, Orfeón Records, Bárbaro Records, Fania Records, Taurus Records, Warner Music, Varsity Records y Discos Fuentes.

En la orquesta lograron fama universal los cantantes Bienvenido Granda, Celia Cruz, Daniel Santos, Myrta Silva, Leo Marini, Miguelito Valdés, Bobby Capó, Nelson Pinedo, Vicentico Valdés, Alberto Beltrán, Carlos Argentino, Celio González, Carmen Delia Dipiní, Ismael Miranda, Olga Chorens, Toña la Negra, Hermanas Lago y Victor Piñero.

Los años comprendidos entre 1947 y 1959 como la Época de Oro de la agrupación, que en octubre de 1948 tuvo la incoporación de uno de sus vocalistas más recordados y al primer cantante de talla internacional que tendría, Daniel Santos, que de inicio grabó el bolero de Pedro Flores “Se vende una casita”.

El último disco de “La Sonora Matancera” grabado en Cuba fue realizado el 10 de mayo de 1960 y lo ejecutó Celia Cruz.

Los 65 años de fundación se celebraron en el Central Park de Nueva York el 1 de julio de 1989, con la intervención de todos los componentes vivos, inclusive sus cantantes: Celia Cruz, Daniel Santos, Vicentico Valdés, Alberto Beltrán, Nelson Pinedo, Celio González, Leo Marini, Alberto Pérez, Bobby Capó, Carlos Argentino, Jorge Maldonado, Welfo Gutiérrez, Roberto Torres, "Yayo el Indio" y desde luego Carlos Manuel Alfonso Díaz "Caíto" y Rogelio Martínez Díaz.

En junio de 1990 la orquesta hizo presentaciones en Cali, Colombia. Tres años después retornó Willy Rodríguez, quien grabó su última producción, "De Nuevo México", El 13 de mayo de 2001 falleció su segundo director, Rogelio Martínez, hecho que no marcó su desaparición, pues le dio continuidad como director Rogelio Martínez, hijo, estableciéndose en Las Vegas.

En 2009 se produjo el lanzamiento de un nuevo disco con algunos temas viejos del conjunto y temas inéditos en un trabajo titulado “Hay Sonora pa'rato”.

1. Discografía cronológica

1955. “One night in Havana”, “One night in Caracas” y “Nelson Pinedo sings”.

1956. “Bienvenido Granda sings”, “Daniel Santos Sings / "El Corneta", Celia Cruz sings”, “Carmen Delia Dipini sings”, “Leo Marini sings” y “Dance to Sonora Matancera”.

1957. “Miguelito Valdés sings”, “Carlos Argentino sings”, Invites you to dance” y “That Latin Beat””.

1958. “Cuba's Queen of Rhythm”, “The Golden Record”, “Parade of stars”, “The best of Daniel Santo”, “Navidades con la Sonora”, “The best of Bienvenido Granda”, “The best of Celia Cruz”, “Here comes Sonora Matancera”, “I sing for you”, “Reminiscing”, “Cuba's foremost rhythm singer Celia Cruz”, “El Rítmico Nelson” y “La Incomparable Celia”.

1959. “Sonora Matancera Spotlights: Daniel Santos "Anacobero", “Grandes Éxitos de la Sonora Matancera”, “Vicentico Valdés con la Sonora Matancera”, “La Sonora Matancera...Llegó”, “Su Favorita Celia Cruz”, “El Inimitable Carlos Argentino”, “El Disco de Oro” Vol.2 y “Más Éxitos de la Sonora Matancera”.

1960. “Los Últimos de Celio González”, “En el Aire Carlos Argentino”, “La Dinámica Celia Cruz”, “Reflexiones de Celia Cruz” y “Sonora Matancera en México”.

1961. “Álbum Aniversario”, “Duelo Musical: Sonora Matancera vs. Cortijo y su Combo”, “Celebremos Noche Buena con Sonora Matancera”, “Canciones Premiadas de Celio González”, “¡El Único! Alberto Beltrán”, “Los Reyes del Ritmo”, “México que grande eres”, “Escucha mis canciones” y “Canciones Premiadas de Celia Cruz”.

1962. “¿Quién Será?” y “Sarará”.

1963. “La Tierna, Conmovedora, Bamboleadora” y “Sonora Matancera en Puerto Rico”.

1964. “La Primera y la Única” y “Canciones Inolvidables de Celia Cruz”.

1965. “Sabor y Ritmo de Pueblos“,”40 Años de la Sonora Matancera” y “Presentando el Nuevo Sonido Fabuloso”.

1967. “Algo Especial por la Sonora Matancera”.

1968. “La Niña de Guatemala en Ritmo de Guantanamera”. 1971. “Lo Esperado!!...Reminiscencias”, Vol.2, y “Lo Nuevo de Carlos Argentino”.

1969. “Dama Rebelde”, “La Época de Oro: Daniel Santos con la Orquesta Sonora Matancera”, Vol.2, y “Continuación de Reminiscencias”.

1972. “El Carnaval de la Matancera”.

1973. “Sonora Matancera Canta: Bienvenido Granda”.

1974. “50 Años de la Sonora Matancera” y “Ritmos Candentes en el Cincuentenario”.

1975. “Grabaciones Especiales para el Cincuentenario” y “En tu busca”. .

1976. “Sonora Matancera”, “Se formó la rumbantela”, “Romance del campesino” y “Traigo un tono”.

1977. “Mister Babalú - Miguelito Valdés”.

1979. “Fiesta - 55 Años de la Sonora Matancera”.

1981. “Justo Betancourt con la Sonora Matancera”.

1982. “Feliz Encuentro con Celia Cruz”.

1983. “Tradición”.

1984. “Ismael Miranda con la Sonora Matancera”.

1989. “Live From Carnegie Hall 65th Celebration”.

1993. “Sonora Matancera de nuevo México”.

2. Discografía sin fecha “Daniel Santos con la Sonora Matancera” Vol.1; “Sonora Matancera para coleccionistas”, “Daniel Santos con la Sonora Matancera”, Vol.2; “La Sonora Matancera con Bienvenido Granda”, “Glorias Musicales del Ayer”, “Algo Especial”, “De Fiesta”, “50 Años”, “Recordando a Cuba”, (Vol.1); “Recordando a Cuba” (Vol.2); “Boleros para el Recuerdo”, “De Lujo para los Coleccionistas”, “Mi Diario Musical Leo Marini”, “Mi Diario Musical Bienvenido Granda”, “Mi Diario Musical Daniel Santos”, “Mi Diario Musical Celia Cruz”, “Mi Diario Musical Vicentico Valdés”, “La Ternura con la Sonora Matancera “, “Más Ternura con la Sonora Matancera”, “Viaje Musical por el Caribe”, Vol.1, “Viaje Musical por el Caribe”, Vol.2; “30 Años - Álbum Aniversario”, “65 Años de la Sonora Matancera”, “La voz y el sentimiento de Leo Marini”, “El Bigote que Canta”, “Algo Especial por la Sonora Matancera”, “El Bigote se pone romántico”, “Homenaje a la Madama”, “Festejando Navidad con Celia Cruz”, “Celia Cruz Interpreta: El Yerbero Moderno y La Sopa en Botella”, “Las 50 Navidades: Sonora Matancera”, “La Candela Matancera”, “Boleros con Celia Cruz”, “75 Aniversario, 75 Canciones de la Sonora Matancera”, “Señor Babalú - Miguelito Valdés”, “Besos de Fuego - Carmen Delia Dipiní”, “Encores de Daniel Santos”, “La Rítmica Sonora Matancera “, “Una Caja de Éxitos”, “Éxitos de Oro - Nelson Pinedo”, “Angustia - Bienvenido Granda”, “Presentando a Olga Chorens y Tony Álvarez”, “Con Amor - Celia Cruz”, “Lo mejor para ustedes”, “Seré tu amigo - Bienvenido Granda”, “Live on the Radio 19521958”, “Algo Nuevo de lo Añejo de la Sonora Matancera”, “La Sonora Matancera ¡En Vivo!”, “Joyas del Cine Mexicano”, “Celia Cruz con la Sonora Matancera en vivo en Radio Progreso”, tres volúmenes; “Celia Cruz con la Sonora Matancera en vivo en C.M.Q, “La ola marina”, “En C.M.Q "La Sonora Trae un Tono", “Las 100 Mejores con La Sonora Matancera”, tres volúmenes, “En grande!” y “The Originals La Sonora Matancera”, dos volúmenes.

3. Los cantantes Estos fueron sus intérpretes: Alberto Beltrán, dominicano,(1954-1955); Alberto Pérez, cubano, (1960); Alfredito Valdés (1947-1948); Bienvenido Granda, cubano, (1944-1954); Bienvenido León, cubano, (1949); Bobby Capó, puertorriqueño, (1952); Carlos Argentino, argentino, (1955-1971); Carlos Manuel Díaz "Caíto", cubano, (1944-1984);Carmen Delia Dipiní, puertorriqueña, (1955); Celia Cruz, cubana, (1950-1965); Celio González, (1955-1965); Chito Galindo, uruguayo, (1957); Daniel Santos, puertorriqueño, (1948-1953); Eladio Peguero "Yayo El Indio", puertorriqueño, (1971-1994); Elliot Romero, puertorriqueño, (1966); Emilio Domínguez "El Jarocho", mexicano, (1961); Estanislao Sureda "Laíto", cubano, (1954-1955); Gladys Julio, colombiana, (1969);

Gloria Díaz, cubana, (1952); Hermanas Lago, cubanas, (1952); Humberto Cané, cubano,(1945); Israel del Pino, cubano, (1947); Ismael Miranda, puertorriqueño, (1984); Johnny López, puertorriqueño, (1957); Jorge Maldonado, puertorriqueño, (1976-1981); Justo Betancour, cubano, (1966-1981); Kary Infante, cubana, (1969); Leo Marini, argentino, (1951-1972); Linda Leída, cubana, (1968); Manuel Licea "Puntillita", cubano, (1951); Martha Jean Claude, haitiana, (1952); Máximo Barrientos, puertorriqueño, (1968); Miguel de Gonzalo, cubano, (1947-1948); Miguelito Valdés, cubano, (1951-1977); Myrta Silva, puertorriqueña, (1949-1952); Nelson Pinedo, colombiano, (1953-1958); Olga Chorens, cubana, (1954); Pepe Reyes, cubano, (1952); Raúl del Castillo, cubano, (1952); Reynaldo Hierrezuelo "Rey Caney", cubano, (1958); Rodolfo Hoyos, cubano, (1954); Tony Álvarez, cubano, (1954); Tony Díaz, cubano, (1969); Toña "La Negra", mexicana, (1974); Vicentico Valdés, cubano, (1953-1958); Víctor Piñero, venezolano, (1958); Welfo Gutiérrez, cubano, (1973-1976); Willy Rodríguez "El Baby", cubano, (1960-1965) y Vicky Jiménez, peruana (1989-1992).

Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com lahemerotecaluisrrondon.over-blog.com sonoramatancera.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

JUAN LEGIDO Juan Carlos Legido, su nombre real, nació en Tetuán, Marruecos, España, el 15 de enero de 1922 y falleció en el Hotel Dann, en Bogotá, Colombia, en la madrugada del viernes 26 de mayo de 1989. Un paro cardíaco le sobrevino en su habitación, después de haber presentado un programa biográfico de cuatro horas en televisión.

Cantante de música popular, flamenco y pasodoble.

Fue llamado “El Gitano Señorón”.

Destacó como cantante de temas populares españoles en la orquesta "Los Churumbeles de España", con la que mantuvo una carrera prolífica durante años hasta que se produjo su separación en 1951 para grabar como solista.

Se reincorporó a la agrupación en los años 60.

Su historial de grabaciones pasa de las 500 canciones con ventas millonarias.

Entre sus éxitos destacan los temas “Maite”, “Bajo el cielo andaluz”, “No te puedo querer”, “El beso”, “Si vas a Calatayud”, “La Zarzamora”, “El Relicario”, “María Dolores”, “Tres veces, Guapa”, “En mi viejo San Juan”, “El farolero”, “Lola Puñales”, “Que bonito es el querer”, “El gitano señorón”, “Dos cruces”, “Ojos verdes”, “Doce Cascabeles”, “La leyenda mora”, “Te quiero porque te quiero”, “La bien paga”, “Frente a frente”, “El emigrante”, “Lisboa antigua”, “Parecito faraón”, “Volver”, “Abril en Portugal”, “La Virgen de la Macarena”, “Ni hablar del peluquín”, “Las mujeres feas”, “Si vas a Calatayud”, "La paloma", "Silverio Pérez", "Es mi niña bonita", "Amor de mi bohío", "Alma llanera", "Barlovento", "Adiós muchachos", "Se me olvidó tu nombre", "A tu vera", "El toro y la luna" y “Luna de España”.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. https://www.youtube.com.

TRÍO MATAMOROS Este grupo nació el 8 de mayo de 1894 en el popular barrio de Los Hoyos, de Santiago de Cuba, bajo la dirección de Miguel Matamoros, quien a los 7 años ya tocaba una minúscula filarmónica y poco después le puso cuerdas, al revés, a una vieja guitarra que le dió su hermano Ignacio que uso durante un tiempo hasta que aprendió a tocar a la diestra.

Desde 1912 había empezado a hacer presentaciones en público y algunas de sus canciones eran conocidas en la ciudad. Aprendió de los maestros troveros, comenzando por Pepe Sánchez, al cual se le atribuye la paternidad del bolero en Cuba con el tema “Tristezas”.

Luego hizo dúo con Miguel Bisbé, convertido después en trío al incorporarse la guitarra de Alfonso del Río.

En 1922 el grupo viajó a La Habana, pero sin la compaía de Del Río, sustituido por el guitarrista Rafael Cueto. En esa ciudad se presentaron como el “Trío Oriental”, sin que ocurriera nada espectacular, por lo que optaron por regresarse a Santiago, cada uno a su trabajo de día, y a la música de noche y los fines de semana.

El 8 de mayo de 1925, en la celebración de su 31 cumpleaños, Cueto llevó a la fiesta a un joven cantante, Siro Rodríguez. Todavía se llamaba “Trío Oriental” y con tal nombre, el año siguiente, viajó a La Habana para unas pocas actuaciones en el “Teatro Actualidades”.

Para grabar en Estados Unidos con la RCA Victor tuvo que convertirse en el “Trío Matamoros”, ya que el editor objetó el nombre de “Trío Oriental” porque ya existía un trío con ese nombre, el de Blez y Figarola, y había un “Cuarteto Oriental”. La grabación de 21 temas, todos de la autoría de Miguel Matamoros, entre ellos el bolero “Olvido” y el son “El que siembra su maíz”, se produjo los días 28, 29 y 31 de mayo de 1928.

El éxito de la producción fue inmediato. Más tarde se transformó indistintamente en cuarteto, conjunto, sexteto o septeto.

Además de Estados Unidos, el trío actuó en México, República Dominicana, España, Francia, Panamá, Venezuela, Curazao, Colombia, Brasil, Uruguay, Argentina, Chile, Perú, Puerto Rico y Jamaica.

La agrupación grabó además varios Lp en la década del ’50 para los sellos Kubaney, Martínez Vela, Ansonia y Velvet y con el conjunto para RCA Víctor.

Se atribuye a Miguel Matamoros la autoría de unas 200 composiciones de Miguel Matamoros, en su mayoría sones y boleros-sones, aunque es muy posible que sean más.

La muerte Miguel Matamoros murió el 15 de abril de 1971; Siro Rodríguez, el 29 de marzo de 1981 y Rafael Cueto, el 7 de agosto de 1991.

Discografía Además de los dos temas antes mencionado, el trío grabó los siguientes discos: “Pobre bohemia”, “Mata y Bebi”, “Conciencia”, “Puro amor”, “Cuando al fin te vayas”, “Por qué pasaron rápido”, “Alegre petición”, “Sueño infeliz”, “Juramento”, “Maruja”, “Mi veneración”, “Noche triunfal”, “Que siga el tren”, “Aprende”, “Bolinchán”, “El desastre del morro”. “El fiel enamorado”, “Quien tiró la bomba”, “Reclamo místico”, “El trío y el ciclón”, “Beso discreto”, “Tú sabes”, “Sangre de conga”, “Luz que alumbra”, “Tú verás”, “El que siembra su maíz”, “Lágrimas negras”, “Los carnavales de Oriente”, “Frutas del caney”, “El paralítico”, “Cien veces”, “Mamá, son de la loma”, “A donde has ido”, “Alegre conga”, “Amor fingido”, “Déjame gozar mulata”, “Despedida”, Ecos del pasado”, “El puerquito en la yuca”, “Falsa Eva”, “Gaditana”, “Horas de pasión”, “La caña y la carreta”, “La Rosa de Borbón”, “Las ruinas de mi bohío”, “Mariposita de primavera”, “Promesa”, “Veneración”, “Dulce embeleso”, “El manisero”, “Elixir de la vida”, “La china en la rumba”, “La corneta china”, “La mujer de Antonio”, “La pena de mi tierra”, “Mujer celosa”, “Oye mi conga”, “Santiaguera”, “Tú verás”, “Visiones”, “Hueso na ma”, “Alegre conga”, “Olvido”, “Réglame el ticket”, “Las maracas de Cuba”, “Me la llevo”, Buchy y pluma no ma”, “Aprende”, “El lecherito oriental”, “La cumbancha”, “Que vistes”, “Amor y dudas”, “Comentario en el solar”, “Luz que no alumbra”, “Yo soy maraquero”, “Alegre petición”, “Oye el cha cha chá”, “Te picó la abeja”, “Hojas para baño”, “A la orilla del guaso”, “A mis amistades”, “Déjame gozar”, “Por el batey”, “Es tu boca”, “Camarón y mamoncillo”, “Con arrullo de paloma”, “Reclamo de amor”, “Cuando ya no me quieras” y “Penas ocultas”.

Fuentes http://sandritocubanito.blogspot.com http://www.cubamusic.com

RAMÓN ARMENGOD Nació en Veracruz, México el 10 de octubre de 1909 y falleció en Chilpancingo, Guerrero, el 31 de octubre de 1976.

Cantante de boleros y actor.

Fue llamado "El chansonnier de moda", mote atribuido al locutor Pedro de Lille.

Grabó con la disquera RCA Víctor.

Desde joven mostró sus habilidades musicales.

Debutó a los 18 años de edad en la compañía de Margarita Carbajal en el “Teatro Esperanza Iris”, de Ciudad de México, interpretando la parte de un joven caballero en las operetas.

Posteriormente trabajó en las emisoras XEB y XEW e incursionó en el cine en 1930 en la película “Más fuerte que el deber” donde se hizo uno de los primeros intentos de sincronizar imagen con el sonido de los discos.

Pero su momento definitivo le llegó cinco años después, cuando inició en la XEW el programa "Melodías radiantes" y filmó bajo la dirección de Fernando de Fuentes la película “La familia Dresse”, eventos que lo confirmaron como un artista de arraigo popular.

Más tarde formó el dueto “The Mexican Caballeros” con Jorge Negrete, de efímera vida, que actuó en Nueva York para la cadena NBC. Regresó a esa metrópolia norteamericana en 1938, como solista invitado con la Orquesta de Guy Lombardo para cantar en los programas de Lady Esther a través de NBC. También apareció como invitado con la Orquesta de Xavier Cugat en el Waldorf Astoria y tuvo una temporada en el Fefe’s Monte Carlo, uno de los más elegantes cabarets de sociedad, y un año y medio después cantó en la Sala de Samba en el Polo Club Pegaso en Nueva Jersey.

En México, mientras tanto, colocó en altos niveles de popularidad, entre otros, los temas como “Prisionero del mar”, “Palabras de mujer”, “La última noche” y “Bonita”, además de estrenar varias canciones de Agustín Lara, como “Mujer”.

Otros de sus éxitos (“Quiéreme mucho”, “El que pierde a una mujer”, “Cuatro vidas”, “Hay que olvidar”, “Amor Amor”, “Escúchame” y “Morena linda”) fueron registrados en “El Blog del Bolero”, igual que el tema “Besos”, grabado a dúo con Jorge Negrete en 1939.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. https://elblogdelbolero.wordpress.com

VICENTE FERNÁNDEZ Vicente Fernández Gómez, su nombre real, nació en Huentitán El Alto, Guadalajara, Jalisco, México, el 17 de febrero de 1940.

Cantante de música ranchera, bolero y baladas, productor discográfico y actor de cine y telenovelas..

Discográficas: Sony Music Sitio web: Vicente Fernández.

Su trabajo le ha valido dos premios Grammy, ocho premios Grammy Latinos, catorce premios Lo Nuestro y una estrella en el paseo de la fama de Hollywood. En abril de 2010 alcanzó la cifra de cincuenta millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

En 1954, con 14 años, participó en un concurso amateur en Guadalajara, donde obtuvo el primer lugar y comenzó a cantar en restaurantes, bodas, grupos familiares y de amigos, mientras alternaba vendiendo lechuguillas de tequila hechas en casa.

En 1960 actuó con gran éxito en un programa de televisión llamado “La Calandria Musical”, de la misma ciudad, y poco después llegó a Ciudad de México donde se incorporó a la plantilla del restaurante “El Amanecer tapatío”.

Después comenzó a trabajar como cantante en el cabaret “El Sarape”, y en 1964 se unió con algunos de los grupos de mariachis más conocidos de México, como el “Mariachi Amanecer” de Pepe Mendoza, y el Mariachi de José Luis Aguilar.

El siguiente año, a través de la emisora de radio XEX-AM, pudo llegar a audiencias más grandes y alcanzar fama local.

Más tarde se presentó en el “Teatro Blanquita de México” y en 1966 firmó un contrato con CBS México (hoy Sony Music) donde grabó sus primeros éxitos, “Perdóname”, “Cantina del barrio” y “Tu camino y el mío”, a los que siguieron una serie de álbumes con ventas importantes, incluyendo “Palabra de Rey”, “Vicente Fernández” y “Ni en defensa propia”.

En Televisa, interpretó en vivo temas como “Tu camino y el mío” y “Volver, volver”, tema que lo catapultó a la fama a nivel internacional y es una de las canciones rancheras más conocidas fuera de México, grabadas por cantantes como Raphael, Nana Mouskouri y Concha Buika.

Condujo los programas “Noches Tapatías” con Lucha Villa e Isabel Soto Lamarina, y “Homenaje”, con Lola Beltrán, donde a veces cantaban a dueto y hacían entrevistas a personajes de la literatura, el arte y el deporte, entre otros.

Debutó en el cine en 1971, en “Tacos al carbón” y tres años después protagonizó su primer éxito cinematográfico, “La Ley del Monte”, cuyo álbum de la música de esta cinta también tuvo gran popularidad.

A principios de los años 1970 estaba en la cumbre del éxito. Produjo álbumes de altas ventas como “Arriba Huentitan”, “Toda una época”, “Lo siento por ti”, “El ídolo de México”, “El hijo del pueblo” y ·”Para recordar”.

“Volver volver”, “Las llaves de mi alma” y “Que te vaya bonito”, del cantautor José Alfredo, se convirtieron en clásicos de la música popular mexica. El primero de dichos temas lo consolidó como uno de los más grandes cantantes rancheros de todos los tiempos y con él rompió todos los récords de ventas en Hispanoamérica, España y Estados Unidos.

En 1978 grabó un disco con corridos sobre caballos famosos que también logró fue gran éxito en ventas.

Hacia la década de 1980, reimpulsó su carrera principalmente en Colombia, donde actuó en sus principales ciudades.

Tres años más tarde presentó su álbum “15 Grandes con el Número Uno” del que vendió más de un millón de copias.

El 15 de septiembre de 1984, una concurrencia de más de 54.000 personas asistió a su concierto en la Plaza de Toros México.

En 1987 lanzó “Dos Corazones”, un álbum a dueto con Vikki Carr con quien también se presentó en diversos escenarios.

Su exitoso disco “Por tu Maldito Amor” apareció dos años después dirigido por uno de sus arreglistas -Pedro Ramírez- debido a que su anterior director artístico -Federico Méndez- se quitó la vida por una decepción amorosa de la cuál nació el tema “Por tu maldito amor”.

En 1990, produjo un álbum importante, “Las Clásicas de José Alfredo Jiménez”, al que siguieron “Qué de raro tiene” (1992); “Lástima que seas ajena” (1993); “Aunque me duela el alma” (1995 y “Me voy a quitar de en medio” (1998), además de clásicas canciones como “Acá entre nos” y “Mujeres Divinas”, escritas especialmente para él por parte del compositor Martín Urieta.

En 2002 apareció el CD “Vicente Fernández 35 aniversario, Lo mejor de Lara”, un álbum que se realizó en homenaje al compositor Agustín Lara.

Cuatro años más tarde lanzó el disco “La tragedia del vaquero”, un álbum con 14 temas totalmente inéditos. También apareció la colección especial “The Living Legend”, (“La leyenda viviente”) constante de 3 CD, grabada por su discográfica para la celebración del 40º aniversario de su carrera artística.

El 25 de septiembre de 2007 lanzó al mercado su álbum “Para siempre”, certificado como Disco de Diamante y Oro en México; mientras que en los Estados Unidos alcanzó su sexto Disco de Platino a solo semanas de su lanzamiento.

El sencillo “Estos celos” se mantuvo por más de tres meses en la posición número.

“Para siempre” alcanzó Disco de Diamante en Colombia y un reconocimiento especial por la venta de más de un millón y medio de unidades a

nivel internacional. Además fue elegida como tema principal de la telenovela mexicana de Televisa “Fuego en la sangre” (2008).

En 2008 grabó ·Primera fila”, un concierto totalmente en vivo desde la Arena VFG, título de su primer material editado en el formato Blu-ray, que lo convirtió en el primer artista hispanoamericano en incursionar en esta modalidad.

Fue acreedor de Doble Disco de Platino & Oro en México, Disco de Platino en Centroamérica, Disco de Platino en Colombia, y Doble Disco de Platino & Oro en los Estados Unidos, donde permaneció seis semanas consecutivas en el Número 1 de la revista Billboard y se convirtió en el DVD musical más vendido del año en toda la industria discográfica estadounidense.

El 14 de febrero de 2009, tuvo una asistencia en el Zócalo de la ciudad de México, de casi 220.000 personas. El 7 de julio del mismo año lanzó su producción “Necesito de ti”, que logró un Disco de Platino & Oro en México y Disco de Oro en Estados Unidos.

El 22 de junio de 2010, salió a la venta un histórico concierto de 1984 titulado “Vicente Fernández, un Mexicano en la México” y en septiembre del mismo año salió a la venta la producción “El hombre que más te amó”, producida por el propio cantante y dirigido por Javier Ramírez.

En 2011 presentó el disco “Otra vez” y participó de la inauguración de los Juegos Panamericanos Guadalajara 2011, interpretando el Himno Nacional Mexicano, “México lindo y querido” y “Guadalajara”.

El 8 de febrero de 2012 anunció su retiro de los escenarios, no sin antes realizar una gira mundial.

El 24 de abril del mismo año salió a la venta el álbum titulado “Los Dos Vicentes”, un álbum de Vicente Fernández & Vicente Fernández Hijo, en el que se incluye el tema musical de la telenovela “Amor bravío” El 16 de abril de 2016 realizó su último concierto de despedida en el estadio Azteca, donde cantó alrededor de 45 canciones.

Reconocimientos En 1977 recibió en Brownsville, Texas, Estados Unidos, la distinción de Míster Amigo, que se concede anualmente a un mexicano destacado.

En 1990 lanzó el álbum Vicente Fernández y las clásicas de José Alfredo Jiménez, que le valió el Billboard y el América de Univision Music Award por Artista Masculino Regional Mexicano del Año, que ganó cuatro veces, entre 1990 y 1993.

También recibió el premio Billboard a la música latina por el álbum de grandes éxitos del año “Historia de un ídolo volumen” II, presentado en 2001.

En 2002 fue reconocido por la Academia Latina de la Grabación como Persona del Año.

Tiene 51 álbumes que figuran en la Asociación de la Industria de Grabación de América (RIAA) Registro de oro, platino, y los registros de ventas multiplatino.

También hay una estrella con su nombre colocado en el Paseo de la Fama en Hollywood, California.

En 2012 recibió un premio honorario en Miami junto a su hijo Alejandro Fernández por parte de representantes nacionales de diversas asociaciones

civiles de la comunidad LGBTI por su apoyo y representación desde inicios de su carrera.

El 12 de septiembre de ese mismo año el dictador venezolano (teniente coronel retirado) Hugo Chávez Frías le entregó la Orden Libertadores y Libertadoras de Venezuela en grado de Primera Clase.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. https://www.youtube.com.

JUAN ARVIZU

Juan Nepomuceno Arvizu Santelices nació en Querétao, México, el 22 mayo 1900 y falleció en la misma ciudad el 19 noviembre 1985.

Cantante y actor.

Según uno de sus biográfos, Néstor Pinsón, fue en Buenos Aires, Argentina, donde lo bautizaron como “El Tenor de la Voz de Seda”.

En su ciudad natal comenzó a cantar en el Orfeón Infantil que dirigía Antonio González, Discográficas: RCA Records, Aquellas Canciones Records, Discos Victoria, Modiner, Vintage.

Hacia 1922 viajó a la de su país donde ingresó al Conservatorio Nacional de Música para estudiar solfeo y armonía bajo la dirección del maestro José Pierson.

Dos años después debutó en el “Teatro Esperanza Iris” y en 1926 grabó para el sello Brunswick su primer disco con los temas “Varita de nardo” y “Ventanita morada”, que causó muy buena impresión en la audiencia. Tanta, que el compositor Jorge del Moral le confió una de sus obras, “Por unos ojos”. Luego fue contratado por la RCA Victor y después, en 1930, la emisora XEW lo invitó a a inaugurar su primera transmisión radial. No sería esta la única vez que el Tenor de la Voz de Seda tuviera semejante reconocimiento. También tuvo el honor de inagurar en 1935, la LR1, Radio el Mundo de Buenos Aires, y en 1942, la Cadena de las Américas de la Columbia Broadcasting.

Para esa época el tango era muy popular en México y Arvizu estrenó muchos en la “Revista Musical de Pepe Cantillo”.

-En una de esas actuaciones, -se lee en Wikipedia, la enciclopedia libre-el célebre cantante contrató, para que lo acompañara, a un desconocido y bohemio pianista que trabajaba en el mundano Café Salambo. Aquel pianista, con sus canciones arrabaleras, sensuales y sentimentales, conmovió al ya famoso Arvizu, quien, virtualmente, lo lanzó a la fama. Aquel personaje fue Agustín Lara el autor, entre otros temas, de María Bonita y Madrid. Las obras de este compositor, que inmortalizó Arivizu, fueron Santa, Granada, Cuando vuelvas, Tus pupilas, Enamorada, Aventurera, Concha Nácar, entre otras. Al inicio Agustín Lara era tanguista, pero sus obras carecían del acompañamiento suntoso de las orquestas tangueras así que sus obras se clasificaban dentro del género de «canción

criolla». Las actuaciones del dúo Lara-Arvizu en la XEW fueron casi míticas. El estilo musical de Lara fue una reacción contra la invasión del tango argentino.

Como actor de cine, participó en las películas mexicanas “Santa” y “Reír llorando”, y en Cuba protagonizó la más importante de su carrera, “Ahora seremos felices” con Mapy Cortés, cuyo argumento era sencillo, pero alcanzó ventas fabulaosas. En ese filme cantó los boleros del maestro Rafael Hernández “Quiero decirte”, “Las palomitas”, “Purísima” y “Ahora seremos felices”.

Fue uno de los cantantes que más grabó en la historia de la música latina.

Además estrenó obras de los más notables compositores latinoamericanos, entre ellos el argentino Mario Clavell, el puertorriqueño Rafael Hernández Marín, el chileno Donato Roman Heitman, el panameño Enrique Fábrega, los colombianos Carlos Vieco y Augusto Duque Bernal, y los mexicanos Agustín Lara, Gonzalo Curiel y Gabriel Ruiz Galindo.

Asimismo, Arvizu cantó a dúo con famosos artistas, como Margarita Cueto varias canciones que fueron famosas tales como (“Taboga”, “Más vale tarde que nunca”, “Bajo el palmar”, “Panama”, “Desesperación” y muchas otras), Juan Pulido grabó “El último beso” y “Alfonso Ortiz Tirado” (“Negra linda”).

Tuvo el aompañamiento Arvizu de las orquestas de más renombre en la época tales como la Marimba Panamericana, la Orquesta de Chucho Zarzosa, la Orquesta de Vieri Fidanzani, la Orquesta de Francisco Lomuto, la Orquesta de E. Vigil y Robles, la Orquesta de Juan S. Garrido y muchas otras.

Como cantante de tangos interpretó los títulos “Cada vez que me recuerdes”, “Caminito”, “Corrientes y Esmeralda”, “La cumparsita”, “Lágrimas de sangre”, “Madreselva”, “Mi Buenos Aires querido”, “Mi único amor”, “Nido gaucho”, “Plegaria”, “Prohibido”, “Qué fácil es decir”, “Si dejaras de quererme”, “Una canción” y “Verdemar”, entre muchos otros.

En “El Blog del Bolero” aparecen como sus temas más populares “Negra consentida”, “Farolito”, “Pajarito cantor”, “No”, “Carta jugada”, “Duerme”, “La Zandunga”, “Dirán que es amor”, “Sobre las olas”, “Que contento estoy”, “Mantelito blanco”, “Salud, dinero y amor”, “Perfume de amor”, “María Elena”, “Las golondrinas”, “No te olvides de mí”, “Canción del mar”, “Hasta siempre”, “Colonal”, “Novillero”, “Imposible”, “Aventurera”, “Chamaca argentina”, “Cuando vuelvas”, ¡Ay, caramba!, “Soy ranchero mexicano”, “Damisela encantadora”, “No hagas llorar a esa mujer”, “Falsa”, “Azul”. “Pierrot”, “Concha nácar”, “Verde mar”, “La paloma”, “Otra vez” y “El último beso”.

Fuentes Néstor Pinsón. “Biografía de Juan Arvizu”. http://www.todotango.com Wikipedia, la enciclopedia libre. https://elblogdelbolero.wordpress.com.

BLANCA ROSA GIL Nació el 26 de agosto de 1937 en Perico, provincia Matanzas, Cuba.

Cantante.

Fue llamada “La Muñequita que Canta”, "La Dueña y Señora del Bolero" y una de las cantantes latinoamericanas más exitosas durante las décadas de 1960 y 1970, amparada por el sello Velvet.

Discográficas: Velvet, Terciopelo, Benson, Echo, Discuba, Maype y Modiner.

En 1955 se residenció en Caracas, Venezuela, donde dos años después grabó su primer álbum, “Shadows”.

En 1959 grabó el LP "Sombras" y el sencillo, "Cristal", el siguiente año.

En 1961 se fue a México, donde cinco años después grabó el bolero “Hambre”, del mexicano Rosendo Montiel Álvarez, que permaneció más de un año en los escalafones de popularidad, significándole el máximo hit de su carrera.

No obstante el bolero que se hizo más popular en su voz fue “Te odio y te quiero”.

Hacia el año 1980 se alejó de los escenarios tras abrazar la “fe cristiana” y en 2003 regresó con una nueva producción y con un estilo totalmente diferente al que se le conocía y por el que se había hecho famosa.

Popularizó además los boleros “Tú me hiciste mujer”, “Besos de fuego”, “Besos brujos”.

La fama la indujo a realizar numerosas giras por todos los países latinoamericanos y por los Estados Unidos, con un éxito grandioso, que la colocó en el pedestal donde están ubicadas las grandes figuras del canto popular.

Llama la atención que varios de los boleros que ya había grabado ahora los interpretó después adaptados a otros géneros.

Por ejemplo el álbum “Ayer y hoy” contiene 16 selecciones, cinco de ellas nuevas versiones de éxitos que la consagraron: “Cristal”, “¿De qué presumen?”

“Mal hombre”, “Fuiste mío primero” (de Luis Kalaff) y “Mal pago” ¡en ritmo de salsa!

Discografía parcial “Boleros” (1992) Remastered.

“La Muñequita Que Canta (1993)” “15 Éxitos” (1994).

“Hambre” (1995).

“Dueña y Señora de la Canción” (1996).

“15 Super Exitos” (1997).

“Tú me hiciste mujer” (1998).

“Antologia Cuba / Blanca Rosa Gi” y “Besos de fuego” (1999).

“La Dueña y Señora del Bolero” (2000).

“Yo Soy La Buena” (2003).

“Besos Brujos” (2005).

“No soy tu esclava”, “Las voces del siglo” y “Los Años de Oro / Besos brujos” (2006).

“Ayer y hoy con Los Montemar” (2007).

“Triunfadora de Cuba” (2008).

“40 Años 40 Exitos” (fecha desconocida).

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre http://www.buenamusica.com/

JULIO IGLESIAS Julio José Iglesias de la Cueva, su nombre de pila, nació en Madrid, España, el 23 de septiembre de 1943´.

Cantante de diversos géneros musicales populares, compositor, productor musical, actor y abogado. Voz de tenor lírico.

Discográficas: Sony Music, CBS, Columbia Records y Decca.

Sitio web: julioiglesias.com.

Ha cantado tanto en español como en francés, portugués, inglés, mandarín, indonesio, filipino, alemán e italiano.

En sus comienzos acudió a programas radiofónicos en “Radio Madrid” y Radio Intercontinental” de Ángel de Echenique -que se celebraban en directodonde ganó el concurso “Ruede la Bola y numerosos premios más.

Cuentan sus biógrafos que cuando era un desconocido acudió a una discográfica, ofreciendo uno de sus temas con la intención de que lo interpretase algún cantante de la firma.

-El gerente, tras escuchar la grabación, realizada en un sencillo magnetófono por él mismo con la sola ayuda de su guitarra, le preguntó: “¿Y por qué no la cantas tú?”. Y Julio respondió: “Porque yo no soy cantante”. Al final le convencieron y se presentó al entonces famoso Festival Internacional de la Canción de Benidorm. El 17 de julio de 1968 se proclamó vencedor de este certamen con su canción “La vida sigue igual”, Este primer éxito le hizo firmar un contrato con Discos Columbia, la sección latina de Columbia Records. Entonces grabó su primer sencillo, con su primera canción célebre, que fue ganadora de premios y rápidamente pasó a ocupar el número uno en las listas españolas.

Durante 1970 fue invitado al Festival de la Canción de Luxemburgo, a un festival de televisión en Alemania y participó en Midem en Cannes, Francia y en el Festival de Osaka en Japón, rompiendo una nueva marca en España: 41 conciertos en 41 ciudades diferentes, durante 30 días, uno de ellos para inaugurar el conjunto Puerto Banús en Marbella con la presencia de la Princesa Gracia de Mónaco y el Aga Khan.

El siguiente año consiguió su primer millón de discos vendidos, participó en el Festival de Knokke (Bélgica) y realizó su primera gira promocional por América Latina, con actuaciones en México, Panamá y Puerto Rico. Además viajó por segunda vez a Japón, donde grabó en japonés el tema “Anatamo Uramo”, versión de su canción “Como el álamo al camino”.

Se encuentra entre los diez mayores vendedores de discos en la historia de la música, más de 300 millones, más de ochenta álbumes editados en por lo menos 14 idiomas.

Se estima que durante su carrera ha ofrecido más de 5000 conciertos, actuando para más 60 millones de personas en los cinco continentes.

Es reconocido como el cantante europeo con más éxito comercial a nivel internacional hasta hoy día.

Asimismo, es el mayor vendedor extranjero de discos en Brasil, Francia, Rumanía e Italia, entre muchos otros. En su país, España, es el artista que más ha vendido, con 23 millones de discos.

En 1974 su canción “Por el amor de una mujer” se convirtió en un gran éxito alrededor del mundo, ocupando los primeros lugares en Europa, África, América Latina, Asia, Estados Unidos y Canadá. Además realizó giras por Europa, América Latina y Canadá y tuvo su primera presentación en el “Carnegie Hall” de Nueva York.

El siguiente año lanzó su primer álbum en portugués, “Manuela”, y también en Italiano, del mismo título.

En 1976 continuó sus giras por Estados Unidos por América Latina y Europa y se produjo la aparición de su segundo álbum en italiano, “Se mi lasci non vale”.

El año siguiente batió la marca de asistencia en Chile, donde más de 100.000 personas asistieron a su concierto en el Estadio Nacional de Santiago. En el verano de ese año alcanzó la cifra de 35 millones de discos vendidos en todo el mundo, y su álbum “El amor” logró las primeras posiciones en 44 países.

En 1978 su álbum “A mis 33 años”, alcanzó los primeros puestos de éxitos en 56 países, realizó una gira por Europa y América Latina y lanzó su primer álbum en francés, “Aimer la vie”, y el tercero en italiano, “Sono un pirata, sono un signore”.

El siguiente año salió a la luz pública su álbum “Emociones”, que estuvo ocho semanas como el LP más vendido en Alemania y cosechó grandes éxitos también en otros países de Europa, América, Asia y el Medio Oriente. Además fue la primera vez que canciones en español llegan al número uno en países de lengua distinta. Ese disco en su versión francesa, llamada “A vous les femmes” (“A vosotras las mujeres”), vendió un millón de discos en Francia y le permitió alcanzar la fama en los países francófonos.

“Quiéreme mucho” ocupo el lugar al número uno en Alemania.

De acuerdo con estimaciones de CBS, durante el periodo 1979-1982, fue el mayor vendedor de discos en Estados Unidos y Latinoamérica.

En 1980 apareció el álbum “Hey!”, que se convirtió en uno de sus mayores éxitos al alcanzar las primeras posiciones en casi todo el mundo, con una venta calculada y 20 millones de unidades en todo el planeta.

Su trayectoria en los siguientes años fue: 1981. Conciertos en Egipto, Israel, Australia, Europa y América Latina…

Lanzamiento al mercado en formato Betamax del concierto “Julio Iglesias en

Jerusalén”, grabado en “La Piscina del Sultán Amphitheatre” ante 20.000 personas.

1982. Rompió en Japón la marca de vender un millón doscientas mil copias de su álbum “De niña a mujer”… También con el mismo álbum batió récord en Brasil, donde es multi-platino, con la venta de más de dos millones de copias en once meses y más de 80.000 personas de asistencia a su concierto en el Estadio Flamengo, en Río de Janeiro… Su canción “Begin the Beguine”, cantada en castellano, es número uno en el Reino Unido y se agotan todas las entradas para cinco conciertos en el “Royal Albert Hall de Londres... Su álbum “Momentos” alcanzó los primeros puestos en 90 países… Realizó gira por Europa, América Latina y África y debutó y agotó localidades de sus primeros 14 conciertos en Las Vegas.

1983. En París recibió el primer y único premio Disco de Diamantes nunca antes dado a un cantante por el Libro Guinness de los Récords en virtud de haber vendido más discos en más idiomas distintos que ningún otro artista musical en la historia, 100 millones de copias en seis idiomas.. Hace giras por Canadá, Estados Unidos, África, Asia y Europa…Primera gira de conciertos por Japón con una asistencia de cuatrocientas mil personas en 23 actuaciones…Vendió más de 850 mil copias de su álbum “Julio”.

1984. Firmó firma un contrato mundial de publicidad y promoción con Coca-Cola y lanzó su primer disco en inglés, “1100 Bel Air Place”, del cual vendió ocho millones de copias en todo el mundo…Logró seis discos simultáneamente en la lista Billboard 200 de los álbumes más vendidos en los Estados Unidos, sólo obtenido antes obtenido por los Beatles y Elvis Presley.

1985. En Bahamas grabó su álbum “Libra”... En París vendió todas las localidades para veinte conciertos.

1986. Actuó con Plácido Domingo y Charles Aznavour en el “Lincoln Center” de Nueva York, en la celebración del Centenario de La Estatua de la Libertad… Organizó y participó en el homenaje a Pedro Vargas en México, con ocasión de su 80 cumpleaños… Cantó con Frank Sinatra en un concierto a beneficio del Hospital del Cáncer en Palm Springs, California, e inauguró, con Willie Nelson, el concierto de Farm Aid, a beneficio de los campesinos estadounidenses.

1988. Lanzamiento de su segundo álbum en inglés “Non Stop” el cual incluyó una canción a dúo con Stevie Wonder titulada “My Love”…Realizó una gira mundial de conciertos por Estados Unidos y otros 22 países, entre ellos, China, donde se convirtió en el primer artista internacional en tener su propio especial de televisión en directo, en la emisora de televisión nacional China, en Pekín, con una audiencia estimada de 400 millones de telespectadores, y cantó a dúo “To all the girls I’ve loved before” con la presentadora del programa…En España celebró sus 20 años de carrera artística en la plaza de toros de Benidorm…También participó en un concierto, de cinco horas de duración, en el estadio de fútbol Nou Camp de Barcelona ante más de 100.000 espectadores, televisado en directo al mundo entero, del cual se seleccionó 50 minutos para formar el vídeo “Julio Iglesias- En España”.

1989. Lanzamiento del álbum “Raíces”, en el cual incluyó popurrís clásicos en español, italiano, francés y portugués… Grabó junto a Plácido Domingo la canción “Soñadores de España”.

1990. Aparición de su tercer álbum en inglés, “Starry Night”.

1991. Realizó giras por Asia, Canadá, Sudamérica y Europa.

1992. Desde Santo Domingo, República Dominicana, lanzó su álbum “Calor”, en cinco ediciones distintas: español, francés, portugués, italiano y alemán…Giras por América Central, Estados Unidos y Europa.

1993. Grabó la canción “Summer Wind” con Frank Sinatra y realizó una gira por Estados Unidos, actuando en el “James L. Knight de Miami” y en el “Caesars Palace de Las Vegas”.

1994. Presentó desde París su álbum “Crazy”… En Taiwán, Debby Chang, Miss China 1988, le hizo entrega de un disco Doble Platino por las ventas del disco y Susan Kim, de Sony Corea, le entregó un premio por sus ventas de más de 340 mil copias en ese país.

1995. El álbum “La carretera” fue lanzado en cuatro ediciones, en francés, castellano, portugués e italiano, que lo convirtió en el primer artista, que en un día de venta, consigue un disco platino en España…una Gira por Europa incluyendo 28 diferentes países en sólo dos meses.

1996. Su álbum “Tango” fue estrenado con 35 discos de oro y multi-platino en todo el mundo. Se estima que las ventas de este disco alcanzaron las 10 millones de copias.

2000. El 19 de junio presentó su disco “Noche de Cuatro Lunas”, del que vendió tres millones de copias.

2001. En octubre lanzó un álbum en italiano titulado “Una donna può cambiar la vita”, y en noviembre, otro en portugués titulado “Ao meu Brasil”.

2006. El 18 de septiembre lanzó en Nueva York su álbum “Romantic Classics”… Ese año grabó en mandarín e indonesio (estos dos por primera vez) y en filipino, al realizar una nueva versión de su exitosa canción “Crazy” para las ediciones del álbum en China, Indonesia y Filipinas.

Reconocimientos Ha sido galardonado en dos ocasiones con el premio Record Guiness. En 1983 como el artista que más discos ha vendido en más idiomas en el mundo, y en 2013 como el artista latino que más discos ha vendido en la historia.

Acreedor a más de 2.600 discos de oro y platino certificados.

El 17 de julio de 1968 ganó el Festival Internacional de la Canción de Benidorm con su canción “La vida sigue igual”.

Ha ganado los más importantes y prestigiosos premios de la industria discográfica como el Grammy y Grammy Latino, World Music Award, Premio

Billboard, Gaviota de plata, ASCAP, American Music Award y Premio Lo Nuestro entre otros.

Ha sido condecorado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de España y con la Legión de Honor de Francia.

En 1970, con su canción “Gwendolyne”, ganó el Festival de la Canción de Barcelona en el Palacio de las Naciones en Montjuic y el derecho a representar a Televisión Española participando en el Festival de la canción de Eurovisión, que ese año se celebraba en Ámsterdam, logrando la cuarta plaza con el mismo tema, que de todos grabó en cuatro idiomas, logrando la versión española ocupar el primer lugar en las listas de éxitos de España y América Latina.

Dos años después su canción “Un canto a Galicia” ocupó los primeros lugares en las listas de éxitos y ventas de América Latina, Europa, norte de África y el Medio Oriente, llegando al número uno en países como Alemania y Francia.

Además recibió el premio como el mayor vendedor de discos en el mundo de su compañía, Columbia Discos, y grabó su primer disco en idioma alemán, “Und das Meer Singt Sein Lied”, del que se vendieron más de un millón de copias.

En 1973 consiguió sus primeros 10 millones de discos vendidos y ganó más premios que cualquier artista en España y América Latina, entre ellos el “Guaicaipuro de Oro” en Venezuela, el “Pueblo Popular” en España, el “Antena” en Colombia y “El Heraldo” en México.

En 1978 fue nombrado Artista del Año en Francia e Italia.

A finales de 1980, el semanario francés Paris Match lo eligió como cantante más popular.

En 1981 obtuvo el premio Gaviota de Plata en Viña del Mar, Chile, el CBS Cristal Globe Award en París como su artista más vendedor, una cifra superior a 5 millones de álbumes en todo el mundo, excepto Estados Unidos.

El siguiente año se inauguró una estatua suya en cera y a tamaño natural, en el Museo Grevin de París y la revista española Cambio 16 lo nombró Personaje de la Década... Fue nombrado Brightest Hope – Male Vocalist por el Comité Nacional de Éxitos de Japón.

En 1983 el entonces alcalde parisino de Jacques Chirac, lo condecoró con la Medalla de París… En Estados Unidos, obtuvo el Disco de Oro. Desde el 7 de noviembre de 1985 se ve su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

En 1987 Bravo Award le otorgó el Premio Vida como mayor figura de la música latina y fue Es nombrado Marshall of the Mardi Gras Festivities en Nueva Orleans, Estado de Luisiana, Estados Unidos.

El siguiente año ganó el Premio Grammy en la categoría Mejor intérprete Pop Latino del año 1987 por el álbum “Un hombre solo” y fue nombrado artista del año por los premios Aplauso'92, otorgado por la emisora de radio de Miami FM92, Hijo Adoptivo de Villareal, España, y Padre del Año por la asociación americana The Father’s Day Council.

En 1989 fue nombrado Embajador Especial de las Artes Escénicas de UNICEF. Asimismo se le otorgó el título de profesor internacional honorario de música por The New World School of the Arts in Miami, creándose una beca que lleva su nombre, la cual es entregada a un estudiante anualmente, recibió una

estrella en Nagoya Japón, y un premio como Artista del Año otorgado por The American Cinema Awards. Del mismo modo Eugenio Fontán, como presidente de “Radio España”, le hizo entrega del premio que lo acreditó como número 1 en las listas de Onda Media y del Top 40.

El 30 de enero del siguiente año recibió un homenaje por los residentes de Miami, ciudad donde vivía entonces, concediéndole una estrella en el Little Havana's Stars of Fame, en la Calle Ocho. También recibió el premio Rodolfo Valentino.

Desde el 28 de enero hay una Estrella de la Fama en su honor en Scheveningen, Holanda.

En 1992 recibió el título de “Español Universal” en Florida de parte de la Cámara de Comercio Española en Estados Unidos, y la Junta de Galicia le nombró Embajador Cultura del Jacobeo.

Dos años después, en la entrega de los españoles Premios Ondas de 1994, se le condecoró a Julio Iglesias con un Premio Especial por ser considerado el artista con mayor trayectoria internacional en la historia de la radio.

En 1995 fue homenajeado en Pekín, por el gobierno de China, como el primer extranjero en la historia de este país en recibir el prestigioso Golden Record Award…Recibió el Premio Excelencia, que anualmente hace honor a aquellos que han contribuido con su talento a enriquecer la música latina, en la ceremonia de entrega del Premio “Lo Nuestro” de la Cadena Univisión.

El año siguiente el FPI le otorgó el Platinum Europe Awards, en reconocimiento a la venta en Europa superior al millón de copias por su álbum “Crazy” e igualmente otro por “La carretera”, que también recibió el Premio Billboard al mejor Álbum Pop Latino del año. Igualmente la emisora de radio española “Cadena Dial” lo honró con el Premio Dial del año, y fue homenajeado por el programa mexicano “Siempre en Domingo”, de Raúl Velasco, donde varios artistas latinos cantaron a dúo con él.

Desde 1997 se celebra en Miami, Estados Unidos, el 8 de septiembre como “Día de Julio Iglesias”. Ese año consiguió el premio como Mejor Cantante Latino por los premios World Music Award, celebrados en Mónaco. También recibió una Medalla de Oro por la Sociedad General de Autores de España, un premio especial de Radio City Music Hall Award por ser el artista extranjero que más conciertos ha presentado en esta prestigiosa sala de ciudad de Nueva York, el premio Pied Piper de ASCAP's en el Quinto Aniversario de Los Premios de la Música Latina (Sociedad Americana de Compositores, Autores y Publicistas) el más prestigioso honor dado a los artistas, por primera vez entregado a un latino, y el premio IFPI Platinum Europe Awards en reconocimiento a la venta en Europa superior a un millón de copias por su álbum “Tango”.

El 6 de octubre de 2000, Correos España emitió un sello como tributo a su trayectoria artística, con una tirada de 650.000 ejemplares.

El 11 de septiembre de 2001, en Los Ángeles, en la segunda edición de los Grammy Latinos organizada por Latin Academy of Recording Arts and Sciences, LARAS, recibió el premio Grammy Latino como Personalidad del Año. Este tributo rinde homenaje a los logros profesionales de Julio Iglesias. El 12 de diciembre, la Fundación Independiente Española lo premió con el galardón Español Universal.

El sábado 1 de junio de 2002, ganó el premio ALMA (American Latin Media Award), por la mejor interpretación en español en un especial de televisión en el programa Latin Billboard de Telemundo. El 17 de agosto asistió, en Puerto Banús, Marbella, a la inauguración de la primera calle que lleva su nombre en España: Avenida Julio Iglesias. El 12 de septiembre, en reconocimiento a su proyección internacional, fue nombrado Embajador del Cocido de Lalín y recibió la insignia de oro de ese municipio gallego de manos de su alcalde, quien, como Gran Comendador del Cocido, llevó a cabo la simbólica imposición de una cuchara al cantante. También en 2002 fue nombrado Bodeguero de Honor de la Fiesta de la Vendimia, que se celebra a finales del mes de septiembre, y embajador de la Ribera del Duero por su pasión por los vinos ribereños.

En abril de 2004, fue declarado Hijo Ilustre de Viña del Mar, Chile, distinción que se le entregó porque Julio Iglesias inició su carrera internacional en el escenario de la Quinta Vergara.

En mayo de 2005 salió el álbum cantado íntegramente en francés “L'homme que je suis”, que obtuvo directamente el tercer puesto en ventas en Francia. El 29 de noviembre de ese mismo año, la Reina de España, Sofía de Grecia, presidió la cena de gala donde se le entregó la Medalla de Oro del Queen Sofía Spanish Institute de Nueva York.

En junio de 2009 el pleno de la Diputación de Málaga aprobó nombrarlo Hijo Adoptivo de la Provincia, por su vinculación con Málaga.

El 23 de abril de 2013, entró en el Salón de la Fama de los Compositores Latinos. También en abril de ese año fue galardonado en Pekín como el primer y más popular artista internacional en China.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. http://www.julioiglesias.com http://www.buenamusica.com

DOMENICO MODUGNO Nació en la aldea de Polignano a Mare, provincia de Bari, región de Puglia, Italia, el 9 de enero de 1928 y murió en la comuna comuna de Lampedusa e Linosa, islas Pelagias, provincia de Agrigento, región de Sicilia, el 6 de agosto de 1994.

Fue cantante, guitarrista, compositor, guionista, actor de teatro y activista por los derechos humanos.

Discográficas: RCA Italiana, Fonit, Curci, Carosello y Panarecord.

Sitio web: domenicomodugno.it.

Representó en varias ocasiones a su país en el Festival de la Canción de Eurovisión.

Desde muy joven quería ser actor, de tal manera que en 1951, gracias a una beca, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de Roma y luego de aparecer en unas cuantas películas, tras protagonizar “Il mantello rosso” inició su carrera de cantante.

En los años cincuenta se hizo muy popular en los Estados Unidos.

Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica internacional cuando, con “Nel blu dipinto di blu” (más conocida como “Volare”), triunfó en el Festival de San Remo de 1958. El autor de ese tema es Franco Migliacci.

Esa canción fue un éxito comercial a nivel internacional y con el paso de los se convirtió en una de las más representativas de la historia musical italiana.

Alcanzó el número uno en el Hot 100 de la revista estadounidense Billboard, y la misma publicación lo reconocería después como el mejor sencillo de 1958.

Gracias a ella pasó a ser el primer ganador del Premio Grammy por grabación del año y canción del año en 1959. Batió todos los récords para un disco italiano hasta aquel momento, 8 millones de copias en Italia, y otros 22 millones en todo el mundo.

Se le considera como el “padre” de los cantautores italianos y uno de los más prolíficos artistas italianos en general al haber escrito y grabado cerca de 230

canciones, interpretado 38 películas para cine y 7 para la televisión, recitado 13 obras teatrales, conducido algunos programas televisivos y aparecido numerosas ocasiones, sea por televisión o en vivo, en los escenarios.

Triunfó cuatro veces en el prestigioso Festival de San Remo, especialmente en 1958 con la canción “Nel blu dipinto di blu”, universalmente conocida como “Volare”, que se convirtió en una de las canciones italianas más conocidas en el mundo.

En ese evento tuvo, además; la siguiente actuación: 1956. “Musetto» (como compositor, no como cantante).

1959. “Piove” (Ciao, ciao bambina).

1960. “Libero”.

1962. “Addio... addio...”.

1964. “Che me ne importa a me”.

1966. “Dio, come ti amo”.

1967. “Sopra i tetti azzurri del mio pazzo amore”.

1968. “Il posto mio” (como cantante, no como compositor).

1971. “Come stai?”.

1972. “Un calcio alla città”.

1974. “Questa è la mia vita”.

Interpretó en español los temas “Viejo frac”, “En el cielo pintado de azul”, “Llueve”, “Dios, cómo te amo”, “En mi lugar”, “Recordando con ternura”, “Está llegando a mi alma”, “La distancia”, “Te amo, amo a ti”, “Como has hecho”, “¿Cómo estás?”, “Amarga flor mía”, “Un puntapié a la ciudad”, “Amarga tierra”, “Sortilegio de luna”, “Mi caballo blanco”, “Bordolino” (canción publicitaria realizada para el vino argentino homónimo); “El maestro del violín”, “Llora el teléfono”, “Domingo”, “El aniversario” y “A casa volveremos juntos”.

Reconocimientos Obtuvo premios en el Festival de San Remo en cuatro oportunidades; ganó el Premio Grammy como disco del año y como canción del año; triunfó en el Festival de Napoli y ganó el Premio Tenco.

Además, después de su fallecimiento, en el 50.º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a “Volare” como la mejor canción de la historia del concurso.

En 2008 el Ministerio de Comunicación de Italia distribuyó sellos en conmemoración de “Volare” y Doménico.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. www. *buscabiografias.com

CHARLES AZNAVOUR Shahnourh Varinag Aznavourian, su nombre real, nació en París, Francia, el 22 de mayo de 1924.

Cantante, compositor y actor.

En su juventud estudió declamación y canto.

Es llamado “El Embajador de la Canción Francesa” y “Charles Aznavoice”.

Cantó y grabó en francés, español, inglés y alemán.

Además, fue autor de casi 800 canciones.

Se le atribuye la frase "El show debe continuar". Ha vendido más de 100 millones de discos y es uno de los cantantes franceses más populares y de carrera más extensa en la historia de la música universal, y el más conocido internacionalmente.

Sitio web; www.charlesaznavour.com Debutó en la canción junto a su hermana Aída, al mismo tiempo que en el teatro en 1933, donde interpretó desde los 11 años diferentes papeles infantiles.

Su primer triunfo data de 1953, cuando cantó exitosamente en el teatro Olympia de París el tema "Sur ma vie", al que siguieron "Viens pleurer au creux de mon épaule", "Tu t'laisses aller", "La mamma" y "Comme ils disent", entre muchos otros.

Muy pronto conquistó al público estadounidense y, más tarde, recorrió el mundo con su música. En 1994 grabó con Frank Sinatra el clásico "You Make Me Feel So Young", para el álbum “Duets” del legendario crooner norteamericano.

En 2002 colaboró en el disco “Duets” del legendario cantautor y músico cubano Compay Segundo, grabando a dúo la canción "Morir de amor".

En 2009 su canción "For me, formidable" fue incluida en la banda sonora de la película “Siete almas· protagonizada por Will Smith. Asimismo publicó el álbum doble, “Dúos”, donde cantó con estrellas de varias generaciones como Liza Minnelli, Elton John, Plácido Domingo, Sting, Josh Groban y Laura Pausini.

Gracias al uso de nuevas tecnologías pudo grabar un dueto con la difunta Édith Piaf, con quien actuó cientos de veces pero sin llegar a registrar dichas actuaciones, aunque compuso canciones para ella.

Reconocimientos 1959. Premio de interpretación de la Academia del Cine Francés.

1964. Primer premio de la canción francesa, en Japón, por “La Mamma”.

1969. Premio de la Sociedad norteamericana de autores y compositores y Medalla Púrpura de la Ciudad de París.

1971. León de Oro del Festival de Venecia por la versión italiana de la película “Morir de amor”.

1985. Gran Premio Nacional de las Artes y las Letras.

1995. Gran medalla de la Academia Francesa y embajador volante de Armenia ante la Unesco.

1996. Honrado con un puesto en la Songwriters Hall of Fame.

1997. Premio César Honorífico y Oficial de la Legión de Honor.

1998. La revista Times lo designa Artista de Variedades del Siglo.

2002. Ciudadano de honor de Montréal (Canadá).

2004. Comandante de la Legión de Honor, Caballero de la Orden de la Corona (Bélgica) y Héroe Nacional de Armenia.

2005. Ciudadano de Honor de Cannes y Palma de Oro de la ciudad.

2006. Homenaje durante el 30º Festival International del Cairo.

2008. Oficial de Honor de la Orden del Canadá.

2009. Doctor honoris causa por la Universidad de Montréal, Oficial de la Orden Nacional del Quebec y Embajador de Armenia en Suiza.

2010. Victoria de Honor por el conjunto de su carrera.

Discografía en francés 1953. “Charles Aznavour chante Charles Aznavour”, N° 1.

1955. “Charles Aznavour chante Charles Aznavour”, N° 2.

1956. “Charles Aznavour chante Charles Aznavour”, N° 3.

1957. “Bravos du Music-Hall”.

1958. “Believe in me!” y “C'est ça”.

1960. “Les deux guitares” y “Je m'voyais déjà”.

1961. “Il faut savoir”.

1962. “Alléluia”.

1963. “Qui?” y “La mamma”.

1964. “Charles Aznavour”, Vol. 1 Versions nouvelles, “Charles Aznavour”, Vol. 2 Versions nouvelles, “Que c'est triste Venise” y “Charles Aznavour”, Vol. 3 Versions nouvelles.

1965. “Aznavour 65”.

1966. “La bohème” y “De t'avoir aimée”.

1967. “Entre deux rêves”.

1968. “Face au public” (Live, Olympia 19-01-1968) y “J'aime Charles Aznavour”, Vol. 4 Versions nouvelles.

1969. “Désormais” y “Aznavour sings Aznavour”, Vol. 1.

1970. “Aznavour sings Aznavour”, Vol. 2.

1971. “Non, je n'ai rien oublié”.

1972. “Idiote je t'aime”.

1973. “Aznavour chez lui, à Paris” (Live, Olympia, noviembre de 72) y “Ce soir là, Aznavour. Son passé au présent” (Live, Olympia 12-12-72).

1974. “Visages de l'amour”.

1975. “Hier encoré”. Versions nouvelles.

1976. “Voilà que tu reviens” y “Plein feu sur Aznavour” (Live, Olympia 21-0276).

1978. “Je n'ai pas vu le temps passer”, “Guichets fermés” (grabados en vivo en el Olympia, 12, 13 y 14 de enero de 1978) y “Un enfant est né”.

1980. “Autobiographie”.

1981. “Charles Aznavour est à l'Olympia” (Live, Olympia 1980).

1982. “Je fais comme si” y “Une première danse”.

1983. “Charles chante Aznavour et Dimey”.

1986. “Aznavour”.

1987. “Aznavour” (Je bois) (Tréma) y “Récital Aznavour” (Live, Palais des congrès 1987).

1989.

“L'éveil Nouveaux enregistrements”,“L'élan Nouveaux enregistrements” y “L'envol Nouveaux enregistrements”.

1991. “Aznavour 92”.

1994. “Toi et moi”.

1995. “Aznavour – Minnelli au Palais des Congrès de Paris” (en vivo, recitales del 20 novembre al 15 de diciembre de 1991) y “Palais des Congrès 1994” (Live).

1996. “Roche et Aznavour” y “Charles Aznavour au Carnegie Hall” (Live, juin 1995).

1997. “Plus bleu”.

1998. “Jazznavour”.

1999. “Palais des congrès 97/98” (Live).

2000. “Aznavour 2000”.

2001. “Palais des congrès 2000” (Live).

2003. “Je voyage”.

2005.” Insolitement vôtre” y “Bon anniversaire Charles – Palais des congrès 2004” (Live) 2007. “Colore ma vie”.

2011. “Toujours”.

2015. “Encores”.

Discografía en español 1965. “Canta en castellano” y “Canta en castellano”, Vol. 2.

1967. “Canta en castellano”, Vol. 3.

1973. “Qué solo estoy”.

1978. “Al dormir junto a ti”.

1980. “Camarada”.

1981. “Dios”.

1996. “Cuando estás junto a mí”.

Discografía en inglés

1958. “Believe in me!”.

1962. “The time is now”.

1965. “Charles Aznavour – His love songs in English” (Reprise) y “The world of Charles Aznavour – All about love” (en vivo en Hollywood, 1965-11-19) (Reprise).

1969. “Of flesh and soul”.

1970. “A man’s life”.

1972. “I have lived” 1974. “A tapestry of dreams”.

1975. “I sing for... you”.

1978. “Esquire” y “A private christmas”.

1983. “In times to be”.

1995. “You and me”.

Discografía en alemán 1965. “Charles Aznavour in Deutschland”.

1972. “Du läßt dich geh’n”.

1978. “Vor dem Winter”.

1980. “Melodie des Lebens – Komm zurück”.

1995. “Du und ich·.

Cabe señalar que en 2005 salió a la venta un triple CD contentivo de sus seis décadas de carrera musical y dos años después apareció en formato DVD el álbum “Charles Aznavour”.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. http://www.biografiasyvidas.com

LOS PASTELES VERDES Este grupo musical fue creado en 1970 por el cantante Chiquitín, conocido también como Daniel "El Pitufo" en la ciudad de Chimbote, Perú.

Sus primeros integrantes fueron Aldo Guibovich (cantante); Hugo Acuña (guitarra); César Acuña (teclados); Miguel Moreno (bajo); Ernesto Pozo (batería); Raúl Padilla (percusiones) y Germán Lagos (cantante tropical), todos estudiantes de la Gran Unidad Escolar San Pedro.

Sitio web: http://www.lospastelesverdes.com.

Desarrollaron gran parte de su carrera en Argentina y México.

El 13 de octubre de 1973 los directivos de INFOPESA, la empresa discográfica de mayor proyección en el Perú para esa época, les grabó dos temas, "Puertos queridos" y "Angelitos negros", bolero que pasó a convertirse en un éxito nacional.

A esta producción le siguió el álbum que sería su primer LP con temas como "El reloj", "Recuerdos de una noche" y "El presidiario" con los que reafirmaron su éxito total.

Su primer Disco de Oro lo recibieron por las altas ventas obtenidas de "El reloj" y el segundo por el álbum "Recuerdos de una noche".

En 1975, el primer éxito de la agrupación reconocido en México y Estados Unidos fue "Esclavo y amo" grabado originalmente por Javier Solís, cuyos arreglos en balada moderna les otorgó múltiples premiaciones en su primera gira a ambos países.

El siguiente año las revistas Billboard y Cash Box los denominaron "Los Románticos de América".

Posteriormente la agrupación se escindió en dos, “Aldo y Los Pasteles Verdes”, bajo la batuta de Aldo Guibovich, radicado en México, y "Los Pasteles Verdes de Chimbote, Perú", formado en Estados Unidos por Hugo Acuña, sus hijos y el cantante Kike Gámez.

En 1977, "Aldo y Los Pasteles Verdes" grabaron bajo la licencia de INFOPESA, el tema que les abrió las puertas de la fama a nivel mundial, "Hipocresía", el cual llegó al primer puesto de varios rankings Internacionales, continuando con otro éxito de ese mismo LP: "Mi amor imposible".

Cronología 1973. Los Pasteles Verdes "Recuerdos de una Noche" -Hugo Acuña/Aldo Guibovich - INFOPESA “Recuerdos de una noche”, “Baby”, “El reloj”, “Siempre estarás en mi”, “Amanecer de amor”, “Te amo y no soy correspondido”, “Es de noche y es mejor”, “Angelitos negros”, ”El presidiario” y “Vuelvo a casa”.

1974. Los Pasteles Verdes "Esclavo y amo" - Hugo Acuña/Aldo Guibovich INFOPESA “Esclavo y amo”, “El adiós”, “Ya es muy tarde”, “El último vals”,”Olvidarte jamás”, “Te quiero te espero”, “No te das cuenta”, “Si volver”, “Juré amarte siempre” y “Anoche”.

1975. Los Pasteles Verdes "La noche más linda" - Hugo Acuña/Aldo Guibovich - INFOPESA “Amor, amor”, “La línea del horizonte”, “El final que no llegó”, “Te quiero, siempre te querré”, “La Noche más linda del mundo”, “Prefiero morir” y “Te voy a confesar”.

1976. Los Pasteles Verdes Canta Aldo: "Ruega por nosotros" - Aldo Guibovich. - INFOPESA “Ruega por nosotros”, “Alguien me dijo”, “Viajera”, “En mi viejo San Juan”, “Llorará un Sagal”, “Hace tiempo”, “Mañana de amor”, “Cuando yo no esté”, “Otra copa” y “Caminito”.

Aldo y Los Pasteles Verdes: "Ámame, ámame" - Aldo Guibovich. INFOPESA “Por qué eres así”, “Luz y sombra”, Ámame, ámame”, “Vereda tropical”, “Solo dame tres minutos”, “Mar”, “Perdóname”, “Vuelve ya” y “Hoy que llueve”.

Los Pasteles Verdes del Perú.- "Bésame mucho" Hugo Acuña y Fernando Arias. - INFOPESA “Bésame mucho”, “Y tengo miedo”, “Cuando te encuentres sola”, “Abrázame escúchame”, “Te quiero todavía” y “Empecemos otra vez”.

1977. Aldo y Los Pasteles Verdes: "Mi amor imposible”. - Aldo Guibovich INFOPESA "Hipocresía", "Mi amor imposible", "Quisiera hablarte", "Volverte a ver", "Quinto Patio", "No sé que hacer sin ti", "Yo quisiera ser", "A veces cuando", "Quizás, quizás, quizás" "Las calles desiertas", "El loco" y "Un lugar para mi vida".

1984. Los Pasteles Verdes del Perú - Hugo Acuña y Linker Sánchez. – Luna Record USA. "Amada Mía", "Una carta al cielo" y "Por qué no platicamos".

Aldo y Los Pasteles Verdes: "No fuiste fiel" - Aldo Guibovich. – Microfón Argentina. "No fuiste fiel", "Que se mueran de envidia", "Fumando espero", "Cuatro cirios", "Sombras nada más", "Así", "Llora corazón", "No quiero verte llorar", y "Camino del puente".

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. https://www.youtube.com.

LOS ÁNGELES NEGROS Es un grupo musical chileno de baladas, boleros y música pop, fundado en San Carlos, Provincia de Ñuble, en 1968 por los músicos Cristián Blasser y Mario Gutiérrez, junto con el bajista Sergio Rojas, quienes entonces reclutaron al que fue su primer vocalista, Germaín de la Fuente.

En junio de ese año ganó en la vecina ciudad de Chillán, el concurso convocado por la radio “La Discusión”. El premio consistió en la edición en Santiago de un sencillo para el sello Indy.

Ese triunfo permitió que a finales de 1969 la filial chilena del sello disquero transnacional Odeón (hoy denominado EMI MUSIC) los llamara para grabar lo que fue su primer álbum, “Porque te quiero”.

Desde su creación, alcanzó rápidamente la fama internacional. Pero en 1973 comenzó una crisis que derivó en la renuncia de Germaín de la Fuente al grupo a la banda en 1974 para continuar un proyecto personal en México, denominado “Germaín y Sus Ángeles Negros”. Una nueva crisis en 1982 dividió nuevamente a la banda, que pese a lo anterior y a las sucesivas disputas desde entonces, ha conseguido mantenerse vigente hasta nuestros días.

La internacionalización del grupo comenzó en abril de 1970, cuando fue contratado para actuar en Ecuador, con gran éxito, a raíz de lo cual advino la segunda producción titulada “Y volveré”, que amplió las posibilidades del grupo en el extranjero, con nuevos contratos para actuar en Perú, Uruguay, Paraguay, Bolivia, Colombia, parte de Brasil, Venezuela, Centroamérica, Estados Unidos, Canadá, Puerto Rico, República Dominicana, Curazao, Aruba y por último, a fines de 1971, México, donde establecieron su base de operaciones en 1973, y en donde terminaron estableciéndose definitivamente en 1982.

“Los Ángeles Negros” tuvieron influencia en diversas agrupaciones latinoamericanas surgidas en las décadas de 1960 y de 1970, entre ellas, “Los Terrícolas”, de Venezuela, y “Los Pasteles Verdes”, de Chile.

Uno de sus temas, “El rey y yo”, apareció como parte de la banda sonora del videojuego Grand Theft Auto

Cronología discográfica

1968.

1969.

1970 1971.

1972.

1973.

“Porque te quiero”.

“Y volveré”.

Quiero más de ti “Esta noche la paso contigo” y “La cita”.

“El tren hacia el olvido”.

“Déjenme si estoy llorando”, “Quédate en mis sueños” y “Aplaude mi

final”.

1974. “Mi vida como un carrusel”.

1976. “Despacito” y “Bolerísimo”.

1977. “Serenata sin luna”.

1978. “Pasión y vida”.

1979. “Será varón, será mujer”.

1980. “Tu enamorado”.

1981. “Volverás”.

1982. “Siempre románticos”.

1983. “Maldito piano” y 20 éxitos originales (recopilación).

1984. “Prohibido”.

1990. “El esperado regreso”.

1991. “De aquí en adelante”.

1993. “15 super éxitos” (recopilación).

1996. “Toda una vida”.

2003. “Metamorfosis”.

2005. “40 éxitos” (recopilación).

2007. “A México lindo y querido” y “21 grandes éxitos” (recopilación).

2010. “En vivo desde Potosu”.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. https://www.youtube.com

CARLOS ARGENTINO Israel Vitenszteim Vurm, nació en Buenos Aires, Argentina, el 23 de junio de 1929 y murió en la misma ciudad el 20 de junio de 1991.

Cantante de pachanga, cha cha chá, guaracha y bolero.

Estudió canto con el profesor italiano Eduardo Bonessi.

Fue conocido en el argot musical como “El Rey de la Pachanga”.

Haciendo caso omiso a los deseos de sus padres sobre su futuro profesional, se lanzó al ruedo del canto bajo el seudónimo de Carlos Torres.

En 1946, con tan sólo diecisiete años, viajó al Brasil con una orquesta desconocida y tuvo que pedir la intervención del embajador de su país para regresar a Buenos Aires, con intención de dedicarse al estudio de la medicina en la Universidad Otto Krausse, como era deseo de sus padres y estando allí, hizo su servicio militar obligatorio y al culminar el mismo volvió al ruedo musical, abandonando definitivamente su carrera profesional.

Se incorporó a las orquestas de Luis Rolero y de Raúl Marengo realizando presentaciones en Perú y Chile.

Luego viajó a Colombia con la orquesta de Efraín Orozco y como había un cantante colombiano llamado Carlos Torres, agregó su patronímico, quedando como Carlos Torres Argentino, para luego consagrarse artísticamente como Carlos Argentino.

En 1952 viajó a La Habana, donde trabajó con las orquestas de Felo Bergaza, Arnoldo Nalli y Julio Cuevas.

En junio de 1954 visitó Bogotá, y en diciembre viajó a Medellín.

En febrero de 1955, “La Sonora Matancera” hizo una gira por Colombia.

En Wikipedia, la enciclopedia libre, se lee: -Se encontraron en el Teatro Colombia, de Bogotá. Según el mismo Carlos, Rogelio Martínez director de la Sonora, le preguntó que si provenía de Cuba, y Carlos respondió: “¡Yo soy argentino!”. Martínez le replicó: “Pues tú eres un argentino con sabor a Cuba, te tienes que montar en el vehículo!”. “¿Qué vehículo?” ―le preguntó Carlos―. “¡El nuestro!” ―le respondió don Rogelio y le propuso viajar a La Habana, a lo que él accedió.

Luego de varios meses de ensayo el 17 de agosto de ese mismo año, grabó su primer disco de 78 RPM, constante del bolero-tango “Una canción” (de Aníbal Troilo), y la guaracha “Las muchachas caraqueñas” (de Billo Frómeta).

Más tarde grabaría, entre otros exitosos temas, “Ave María Lola”, “El solterito”, “Cuartito 22”, “¡Ay, cosita linda!”, “Un poquito de cariño”, “Tu rica boca”, “En el mar”, “Boquita golosa”, “El novio celoso”, “Apambichao”, “Lamento náufrago” y “La mamá y la hija” además de los boleros “Alma vendida”, “No pidas más perdón”, “El amor no existe”, “Cruel indiferencia” y “Cuando tú seas mía”.

Con la Sonora Matancera, viajó por toda América Latina, y permaneció en la agrupación hasta noviembre de 1959.

El siguiente año abandonó Cuba y viajó a México, tras lo cual, en 1961, regresó a la Argentina, donde fue recibido con júbilo.

Cabe señalar que el cantante vivió también Venezuela, donde actuó en 1978 como integrante de la orquesta “Los Solistas” de Renato Capriles, y participó en sus dos primeros LP. El 1 de julio de 1989 se reencontró con “La Sonora Matancera” en el Central Park de Nueva York, para celebrar con sus viejos compañeros de grabación los 65 años de la agrupación. En esa ocasión compartió escenario con Celia Cruz, Daniel Santos, Vicentico Valdés, Welfo Gutiérrez, Leo Marini y Nelson Pinedo, entre otras figuras.

Fue la última vez que sería visto en presentaciones, ya que el 20 de junio de 1991 falleció de un infarto al miocardio, mientras presenciaba una carrera de caballos en Buenos Aires.

Discografía 1.Álbumes con “La Sonora Matancera” 1957. “Carlos Argentino Sings” / “Canta Carlos Argentino”.

1958. “Yo canto para ti” / “I Sing for You”.

1959. “El inimitable”.

1960. “En el aire”.

2. En solitario 1960. “La voz triunfal”.

1962. “Localidades agotadas”.

1963. “Cocinando pachangas”.

1964. “El Rey de la Pachanga”.

1971. “Lo nuevo de Carlos Argentino”.

1977. “¡A vivir!”.

1981. “Sacúdete y menéate” y “Somos la mitad más uno”.

1985. “La lechita”.

1986. “El Genio y la selección”.

3. Compilaciones

1980. “Lo mejor de Carlos Argentino”.

1991. “Carlos Argentino y sus éxitos con La Sonora Matancera”.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. www.last.fm/es

ROCÍO DÚRCAL María de los Ángeles de las Heras Ortiz, su nombre real, nació en Madrid, España, el 4 de octubre de 1944 y falleció en la comunidad madrileña de Torrelodones el 25 de marzo de 2006.

Cantante con tipo de voz mezzosoprano y actriz fílmica. Interpretó música ranchera, balada, bolero, flamenco, copla, tango, salsa y jota.

Se le conoció como “La Española más Mexicana”, “La Reina de las Rancheras”, “La Señora de la Canción” y “La Diva de Divas”.

Vendió un estimado de 40 millones de discos en todo el mundo, lo que la convierte en una de las mujeres de habla hispana con más ventas en la industria.

Comenzó su carrera artística participando en diversos festivales y concursos radiales de canto, apoyada en secreto por su abuelo paterno, quien creyó siempre en su talento y fue su primer admirador.

En 1959, cuando tenía 15 años de edad, con la aprobación paterna participó en el espacio televisivo, hoy desaparecido, “Primer Aplauso”, que emitía Televisión Española. Interpretó el pasodoble “La sombra vendo” y tuvo la suerte de ser vista por Luis Sanz, un cazatalentos madrileño, quien veía el programa y quedó impactado por su talento y personalidad.

Este personaje se puso en contacto con la realización del programa para pedir el nombre y la dirección de la joven concursante. La visitó y una semana después obtuvo el permiso de los padres y la puso al cuidado de profesores particulares para terminar sus estudios de secundaria e iniciar los de canto, baile y actuación.

Y como su nombre era poco adecuado para lanzarla al estrellato, Sanz ideó llamarla Rocío. Igualmente al azar le puso como apellido Dúrcal, nombre de una población de la Provincia de Granada, encontrado en un mapa.

En 1977 firmó contrato con Ariola Eurodisc y grabó el álbum “Una vez más”, dedicándose definitivamente a la carrera musical.

Ese mismo año conoció al compositor y cantante mexicano Juan Gabriel y grabó el álbum entero con sus éxitos en ritmo de ranchera titulado “Rocío Dúrcal canta a Juan Gabriel”, del cual fue realizada una versión completamente en idioma portugués para el mercado brasileño, pero dicha grabación nunca salió al mercado. Su única grabación conocida en este idioma fue un disco sencillo, contentivo de los temas “Menino do Río” y “Último drama”, que data de 1979.

Con dicho cantautor grabó a dúo cinco LP y de la colaboración entre ambos surgieron diez álbumes. Uno de ellos, “Canta a Juan Gabriel”, Volumen 6 se encuentra entre los diez discos más vendidos en toda la historia de México, con el cual consiguió así su primera nominación al Premio Grammy.

Grabó también con Marco Antonio Solís y Rafael Pérez Botija bajo cuya dirección en 1981 produjo el álbum de baladas “Confidencias” , con el éxito “La gata bajo la lluvia”.

En 1988, grabó el álbum “Como tu mujer”, bajo la producción de Marco Antonio Solís, y realizó dos años más tarde su primer álbum en formato CD titulado “Si te pudiera mentir”.

En 1991 ofreció un concierto en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México que fue grabado en un disco doble, “El concierto... En vivo”.

Entre 1992 y 1993 grabó el álbum “Desaires”, disco producido por el cantante y compositor mexicano Joan Sebastian con el cual volvió a interpretar música ranchera.

Con este álbum, lanzado simultáneamente en México, Estados Unidos, Colombia, Venezuela y España, realizó una gira mundial promocional.

En 1995 fue lanzada su producción “Hay amores y amores”, con composiciones y producción del argentino Roberto Livi.

En 1997, el álbum doble “Juntos otra vez” la volvió a reunir con Juan Gabriel. De esa producción resultaron exitosos los temas álbum doble, “El destino” y “Qué bonito es Santa Fe”, del cual se hizo una versión en remezcla.

En 2000 como parte de los actos celebratorios de sus 40 años de trayectoria artística, destacó el lanzamiento que en febrero de ese año hizo en México la revista Reader's Digest del álbum “Rocío Dúrcal: La Antología”, con un compendio de sus éxitos de los últimos años y la celebración en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

El siguiente año grabó “Entre tangos y mariachi”, un disco que incluyó diez de los más famosos tangos argentinos interpretados con arreglos de bolero ranchero, y el álbum “Dama”.

Tras año y medio de ausencia en los escenarios, reapareció en los escenarios elcon un concierto en el Auditorio Nacional en México, con el mismo espectáculo que ofreciera en España en verano de 2001, el cual fue grabado en un álbum doble que salió a la venta en CD y luego en DVD el 22 de octubre 2002 con el nombre “En concierto... Inolvidable”, que sería nominado al premio Grammy Latino. Así mismo, Dúrcal emprendió la gira por América que había quedado pendiente un año atrás, debido a su enfermedad.

En mayo de 2004, regresó a España a grabar el que seria su último disco, “Alma ranchera”. y que también fue nominado al premio Grammy Latino, sin ganar.

A este respecto, Dúrcal mencionó en una ocasión que algún día le iban a dar el Premio Grammy «aunque fuese por aburrimiento», ya que los discos por los cuales su nombre fue propuesto obtuvieron grandes ventas.

Cantó a dueto con Roberto Carlos, Joaquín Sabina, Enrique Guzmán, Dyango, Palito Ortega, Miguel Aceves Mejía, Amalia Mendoza, Julio Preciado, Camilo Sesto, Rocío Jurado, Rocío Banquells, Pepe Aguilar, Raphael, Manolo García, Marco Antonio Solís, Guadalupe Pineda, Daniela Romo, Lucha Villa, José

Luis Rodríguez "El Puma", Armando Manzanero, Juan Pardo, Manolo Escobar, Emmanuel, José José, Carlos Cuevas, Juan Gabriel, Julio Iglesias, Soledad Pastorutti, Natalia Jiménez, Franco De Vita, Manolo García, Pandora, Amaia Montero, Shaila Dúrcal, Carmen Morales, Antonio Morales, José Alfredo Jiménez, Javier Solís, Edith Márquez, Guadalupe Pineda, Sergio Dalma, Reyli Pastora Soler, Thalia, Leonel Garcia, Maria León, María José,Tania Libertad, Cristian Castro, Noel Schajris, Leslie Grace, Niña Pastori, Eugenia León, Espinoza Paz y Lila Downs.

Reconocimientos 1. Homenaje discográfico En 2009, SonyBMG realizó el álbum “Duetos” como homenaje a la artista tomando las pistas de su voz provenientes de sus temas más exitosos, para unirlos a dúo con artistas de la actualidad. Una de las grabaciones grabados fue un acople técnico que se hizo con su voz y la de Javier Solís en el tema “Sombras”.

2. Miniserie sobre su vida El 27 y 28 de diciembre de 2011, el canal Telecinco (de España) emitió dos capítulos sobre su vida bajo el título de “Rocío Dúrcal, volver a verte”.

3. Película sobre su vida En 2015 y 2016 se lleva a cabo la preproducción del film “Rocío”, llamado ininicialmente “Rocío Dúrcal, la sonrisa del firmamento”, escrito y dirigido por Óscar Parra de Carrizosa.

4. Otras distinciones 1969. Título de “Hija Adoptiva” de la villa de Dúrcal, en la provincia de Granada (España).

1972. Premio como Mejor Actriz del Círculo de Bellas Artes, Premio del Sindicato Nacional del Espectáculo a la Mejor Actriz por su actuación en la película Marianela y Título de Ciudadana Honoraria de Puerto Rico.

1984. Premio Naranja de la Peña Periodística Primera Plana de España.

1985. Los temas “Amor Eterno” y “Costumbres” son declarados parte del Patrimonio de la Cultura Popular y Musical de México y Premios ACE a la Mejor Cantante Femenina, otorgado por la ACE (Asociación de Periodistas de Espectáculos) de Nueva York.

1986: Premios Ronda al Mejor Álbum y a la Artista del Año, entregados por el equipo de la revista de farándula Ronda (Venezuela); Premio Prensa AYPEE otorgado por la Asociación Yucateca del Espectáculo de México; Declaración como Ciudadana Honorable de la ciudad de Tucson (Estados Unidos) y Premio Especial al Mejor Dueto por “Déjame vivir”, con Juan Gabriel.

1987. Premio Heraldo a la Mejor Intérprete Internacional Femenina, Título de Madrina, reconocimiento entregado por la Oficina de Turismo de la ciudad de Puerto Vallarta (México) por su canción “La guirnalda”, declarada también parte del Patrimonio de la Cultura Popular y Musical de México, principalmente en la ciudad de Puerto Vallarta 1988 Premio Aplauso FM 98, otorgado por el Spanish Broadcasting System, en la ciudad de Los Ángeles (Estado de California).

1989 Premio Long Play al Mejor Álbum del Primer Trimestre, por el LP “Como tu mujer”.

1991. Premio Heraldo a la Mejor Cantante del Año, Premio Ronda a la Artista Internacional del Año, entregado por la revista Ronda (Venezuela); Premio Aplauso al tema “Si piensas... Si quieres, en Miami (Estados Unidos) y Reconocimiento Especial de BMG Ariola, por sus 30 años de trayectoria artística, habiéndole entregado 39 discos de oro y 30 de platino.

1994.

Premios ACE al Mejor Disco, a la Mejor Artista Internacional del Año y al Mejor Concierto 1995 Medalla Agustín Lara, presea que entregan los compositores a un intérprete y Diploma de Honor como una de las artistas más queridas que han llegado a México, por parte de la Asociación de Periodistas Cinematográficos de México 1996 Premio Orquídea de Platino, instituido por Venevisión en la ciudad de Maracaibo (Venezuela), como un homenaje por su amplia y brillante trayectoria artística, siendo la primera artista en recibirlo y otorgamiento de la Estrella de la Plaza Galerías, de la Ciudad de México 1997 Premio Hall of Fame de la revista Billboard, por su trayectoria artística y Reconocimiento Miztli a su Carrera Artística, en la Ciudad de Puebla (México).

1998 Premio Lo Nuestro al Mejor Dúo o Grupo por el disco “Juntos otra vez”.

1999. Impresión de su en el billete de la Lotería Nacional de México.

2000. Estrella de la Calle 8, de Miami (Estados Unidos),

1998 Como Huésped Distinguida se le otorgó las Llaves del Condado Dade (Estados Unidos) 2000 Premio Reader Digest por las altas ventas del álbum “La Antología”, en México DF. 2002. Nombrada Madrina de Honor de las estudiantinas a nivel internacional, en la ciudad de Murcia (España); Segundo Reconocimiento Especial de BMG Ariola por haber acumulado 39 discos de oro y 19 de platino en los últimos 12 años 2005 Homenaje Especial del Premio de la Música Mexicana ERES en el Zócalo de Ciudad de México DF, Premio Latino a Toda Una Vida en la IX Edición de los Premios de la Academia de la Música Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical, otorgado por la Academia Latina de la Grabación y Premio Estrella de la Prensa.

2006. Premio Júbilo 2006, Título Póstumo, Premio "Oye", Musa Especial Homenaje por la trayectoria y la contribución a la música mexicana y Premio Especial de la Televisión Española "TVE" en la Gala del Disco del Año.

2007. Instauración de la "Medalla Rocío Dúrcal" reconocimiento de la Asociación Internacional de Mariachis.

como

título

de

2008 Premio "Billboard" al "Mejor Disco De Grandes Éxitos" por el álbum de compilación "Amor Eterno (los éxitos)" e nauguración del colegio "Rocío Dúrcal" en Madrid, España.

2009. Premio "Grammy" póstumo en reconocimiento a su carrera musical e inauguración de la estatua de bronce en su honor, en la ciudad de Dúrcal y(provincia de Granada) y Título de Hija Adoptiva de Torrelodones.

2011 Instauración del Día Internacional de Rocío Dúrcal el 11 de noviembre.

2012 Exposición de recuerdos, fotografías y discos en la ciudad de Dúrcal.

2016. Aparición del libro en honor a su Pecados de la Dúrcal".

carrera artística titulado

Discografía cronológica 1962. “Las películas de Rocío Dúrcal”.

1963. “Trébole” y “Rocío canta Flamenco”.

1964. “Tengo 17 años” y “Villancicos de Rocío”.

1965. “Más bonita que ninguna”.

1966. “Acompáñame” y “Buenos días, condesita”.

1967. “Amor en el aire” y “Mi amigo / Encuentro”.

1970. “Las Leandras”.

1972. “La novicia soñadora”.

1973. “No dejaré que te vayas / Sin tu amor”.

"Los

1977. “Una vez más”, “Menino do Río / Último drama” y “Canta a Juan Gabriel”.

1978. “Canta a Juan Gabriel” Volumen 2.

1979. “Canta a Juan Gabriel”, Volumen 3.

1980. “Canta con Mariachi”, Volumen 4.

1981. “Canta a Juan Gabriel”, Volumen 5, y “Confidencias”.

1982. “Canta lo romántico de Juan Gabriel” (Boleros).

1983. “Entre tú y yo”.

1984. “Canta a Juan Gabriel”, Volumen 6.

1986. “Siempre”.

1987. “Canta once grandes éxitos de Juan Gabriel”.

1988. “Como tu mujer”.

1990. “Si te pudiera mentir”.

1992. “El concierto... En vivo” y “Mis mejores canciones”.

1993. “Desaires”.

1995. “Hay amores y amores”.

1997. “Juntos otra vez” (Con Juan Gabriel).

1999. “Para toda la vida”.

2000. “Caricias”.

2001. “Entre tangos y mariachi”.

2002. “Todo éxitos” y “En concierto... Inolvidable”.

2003. “Caramelito”.

2004. “Rocío Dúrcal: su historia y éxitos musicales” (vol 1, 2 y 3) y “Alma ranchera”.

2005. “Lo esencial: Rocío Dúrcal“ y “Me gustas mucho” (todos los grandes éxitos).

2006. “La Española más Mexicana y su alma ranchera” y “Amor eterno” (los éxitos).

2007. “Rocío Dúrcal canta a México”.

2009. “Duetos”.

2010. “Una estrella en el cielo” y “Rocío Dúrcal: mis favoritas”.

2011. “Canciones de juventud”.

2012. “Como dos gotas de agua” y “Canciones de amor”.

2013. “Eternamente”.

2014. “La absoluta colección”.

2016. “10 años sin Rocío Dúrcal... Como han pasado los años" y “Rocío Dúrcal. Duetos...Duetos”.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. www.elmundo.es

LUCHO BARRIOS Luis Barrios Rojas, su nombre real, nació en El Callao, Perú, el 22 de abril de 1935 y falleció en Lima el 5 de mayo de 2010. Sus restos fueron velados en el Museo de la Nación.

Cantante y compositor.

En 1957 ingresó a la Escuela Nacional de Ópera, donde se preparó hasta los 19 años. Fue conocido como “Mr. Marabú”.

Interpretó bolero, vals peruano y cueca.

Grabó con las disqueras MAG, Smith, Lempsa e Industrial Sono Radio.

Gozó de mucha popularidad tanto en su país como en casi toda Hispanoamérica.

En la década de 1950, como aficionado, participó en un concurso denominado "Escalera del triunfo", que se realizaba en los teatros de Lima, quedando finalista. Luego formó el trío "Los Incas", de efímera existencia.

Y aunque grabó sencillos con el sello Smith, fue Edith Barr, quien lo ayudó a dar el gran salto internacional, al llevarlo a “Radio Callao”, donde conoció a Julio Jaramillo, el cual asombrado por su calidad vocal, lo invitó a cantar al Ecuador.

En ese país logró grabar sus primeros discos y el vals “Juanita” fue uno de sus primeros éxitos fue.

Ya con una vasta fama en Ecuador, en 1960 decidió regresar al Perú donde siguió cosechando éxitos que lo llevaron al estrellato en toda América, firmando para el sello disquero de Marco Antonio Guerrero "MAG", éxitos tales como "Marabú", “La hiedra”, "Me engañas mujer", "Mentirosa", "Te alejas", "Copas de licor", "Mala", "Adúltera", "Mirando y sonriendo", "Borrasca", "Nido de amor" y muchos más.

También grabó con el sello Sono Radio los temas “Mentirosa” y “No naciste para mí”. Pero fue con IEMPSA que grabó la mayoría de sus grandes temas, como "Oh pintor", "El retrato de mamá", "Dos medallitas", "Mi viejo", "Amor de pobre", "No me amenaces", "Cruel condena", "El día más hermoso" y la reedición de su éxito "Marabú", así como una variedad de LP del sello Odeón Iempsa.

El 18 de septiembre de ese año se presenta en la Quinta El Rosedal, Arica, Chile, junto con la orquesta del Puma Valdez de Cuba, asistiendo más de mil personas en cada presentación.

En 1961 regresó a Chile y en Santiago grabó su primer Long Play, creciendo aún más su fama en ese país, Argentina, México, e incluso en los Estados Unidos.

El 15 de noviembre de 1988 actuó en el “Teatro Olympia” de París, con un repertorio de boleros peruanos y música de Chile y Ecuador.

Reconocimientos Entre los cientos de premios que recibió a lo largo de su carrera, consideró como el más memorable el que le entregó la Organización de los Estados Americanos (OEA), por su trabajo en favor del acercamiento de los pueblos a través del canto.

En 2002, el gobierno del presidente de Chile Ricardo Lagos, lo condecoró por ser un artista peruano con mucho arraigo en el pueblo chileno.

También recibió en ese país un premio por grabar la canción "La joya del Pacífico", que cantó homenajeando al puerto de Valparaíso.

Discografía “Una Voz en el Cielo de América”, “Marabú”, “Adúltera”, “Copas de licor”, “Brujerías” y “La Cajita de Música”. Sica/M.A.G. “Rondando tu esquina”, “Para que seas feliz”, “Lucho Barrios en México”, “Amor de pobre”, “Yo vi llorar a Dios”, “Valses y Boleros con el Arpa de Gonzalo Castro” y “Dúo de ídolos”.

Iempsa.

“Canta a Bolivia”. Heriba LTDA. Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

DANIEL RIOLOBOS

Pedro Nicasio Riolobos, su nombre de pila, nació en Mendoza, Argentina, el 14 de diciembre de 1932 y falleció en Ciudad de México el 17 de junio de 1992.

Cantante de bolero y baladas románticas.

Cantó por primera vez en la radio a los cinco años, vislumbrándose ya su calidad de voz.

Se dedicó al estudio del canto, aunque su verdadera pasión era el fútbol.

Muy joven se trasladó a Buenos Aires donde conoció al pianista Roberto Inglez, quien lo llevó a recorrer Latinoamérica desde la década de 1950.

Estuvo en Chile y allí comenzó a presentarse como crooner de la orquesta dirigida por Inglez hasta que reemplazó al chileno Lucho Gatica.

Gracias al éxito obtenido, se lanzó como solista en Venezuela, Cuba, Puerto Rico, USA y México, país donde se radicó en 1958. En Cuba aún se lo recuerda por su interpretación del tema "Vete de mí" del compositor Virgilio Expósito.

En un certamen celebrado en Ciudad de México en 1963 obtuvo el Premio Azteca al Mejor Cantante Internacional y Lucho Gatica terminó detrás de él.

Cinco años después se impuso en el 2° Festival Buenos Aires de la Canción con el tema "No es un juego el amor", de Eladia Blázquez.

En La Habana, Cuba, conoció a Benny Moré “El Bárbaro del Ritmo”, quien le enseñó secretos de la profesión.

Con Astor Piazzolla grabó un disco simple contentivo de los tangos "Uno" y "Garúa", y con Osvaldo Fresedo el LP titulado "Los 10 mandamientos", en tiempo de tango, constante de los temas "Amo a mis padres", "No robarás", "Huyendo del pecado", entre otros.

Aportó los temas musicales de la coproducción argentino-mexicana “La buscona” (1971) y en la película argentina “Deliciosamente amoral” (1969) apareció interpretando el tema central "Para olvidarte a ti".

En 1979 resultó ganador del Festival de la OTI con el tema "Cuenta conmigo", de Chico Novarro y Raúl Parentella. Y en 1985 se hizo acreedor del Premio Konex de Platino Rubro Música Popular - Cantante Melódico y Diploma al Mérito en iguales rubros.

Discografía "La voz de América" – Belter.

"A Tropical Evening with Daniel Riolobos" y "Los Éxitos de Daniel Riolobos" - RCA Victor.

"Solo pienso en ti" – Colorama.

"Romántico" – Odeon Pops.

"El día que me quieras" – Columbia.

"Por y para mis amigos" y "El estilo sin edad" - Cabal.

"La voz y la personalidad de Daniel Riolobos" y "La música de... ayer, hoy y siempre" - CBS. "Los diez mandamientos” - Junto a Osvaldo Fresedo – Arte para el mundo.

"De hombre a hombre" – Interdisc.

"Grandes Éxitos" – Le Musique.

"La noche de anoche".

"Románticamente Tuyo" – Música & Marketing, S.A. "20 Secretos de Amor" - Sony / BMG. Dijo de él Sammy Davis Jr: "Si yo tuviera la voz de Daniel, no tendría que hacer payasadas cuando actúo...".

Además “Un gran número de personas, incluidos muchos cantantes, sigue considerándolo como "la mejor voz expresiva" de la canción melódica y del bolero en particular”.

Fuente Wikipedia, enciclopedia libre.

TITO RODRÍGUEZ Pablo Tito Rodríguez Lozada, su nombre real. nació en Santurce, Puerto Rico y murió en Nueva York, Estados Unidos, el 28 de febrero de 1973.

Cantante, compositor y director de orquesta.

Ejecutante de guitarra, vibráfono, maracas y timbales.

Se conoció artísticamente como “El Inolvidable”.

Discográficas: Tico Records, RCA Víctor, United Artists Records, Musicor, TR Records.

En su niñez organizó e integró el conjunto “Sexteto Nacional”, junto a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau y a los 13 años integró el "Conjunto Típico Ladí", también denominado "Conjunto de Industrias Nativas" con el cual grabó para RCA Victor en 1939.

Ese año se vinculó al grupo "Cuarteto Mayarí" como maraquero segunda voz y viajó a Nueva York. En esa metrópoli logró cantar con el “Cuarteto Marcano”, con el cual grabó sus primeros discos aunque nunca formó parte de la agrupación. esta agrupación.

Luego ntegró el “Cuarteto Caney” e hizo una pasantía breve en las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y percusionista.

En comenzó a prestar el servicio militar obligatorio en el ejército estadounidense y tras reintegrarse a la vida civil fue contratado por el compositor cubano José Curbelo como cantante y músico para su orquesta.

Más tarde dirigió un quinteto de corta duración y en 1948 fundó la orquesta "Mambo Devils", nombre que sustituyó por el de Firma su primer contrato de grabación con la disquera Tico Records, la cual lo obligó a cambiar el nombre de su orquesta, que pasó a llamarse "Los Lobos del Mambo".

En 1953 firmó un nuevo contrato con la empresa transnacional RCA Víctor y su banda pasa a llamarse formalmente "Tito Rodríguez y su Orquesta".

Discografía incompleta En el recuento que sigue no se toma en cuenta lo publicado en discos de 78 rpm, antes de la existencia del formato LP: “Mambos”, seis volúmenes; “Mambo Madness”, “Tito Rodriguez y el mambo”, “Three loves have I”, “Wa-Pa-Cha”, “Latin Jewels”, “Señor Tito Rodríguez”, “Tito Rodríguez Live at the Palladium”, “West Side Beat”, “Charanga Pachanga”, “Latin Twist”, “Back Home In Puerto Rico”, “Let's Do the Bossa Nova”, “Motion Picture Themes: Cha Cha Cha”, “Live At Birland”, “From Hollywood”, “In Puerto Azul”, “From Tito Rodríguez With Love”, “More Amor”, “Tito Tito Tito”, “Carnival of the Americas”, “I'll Always Love You”, “My Heart Sings For You”, “La Romántica Voz de Tito Rodriguez”, “In Buenos Aires”,

“Tito No. 1”, “En escenario “, “En la oscuridad”, “Los Grandes Éxitos de Tito Rodríguez”, “En Puerto Rico”, “Instrumentales a la Tito”, “Big Band Latino”, “Este es mi mundo”, “Yo soy tu enamorado”, “Estoy como nunca”, “El Doctor”, “Mi razón: amarte”, “Algún lugar bajo el sol”, “Tito Rodríguez TV Show “, “Esto sí está en algo”,“Tito Dice...¡Sepárala también!”, “Unforgetable”, “Palladium Memories”, “Tito Rodriguez y Louie Ramirez”, “En algo nuevo”, “En la soledad”, “25th Anniversary Perfomance”, “Nostalgia con Tito Rodríguez”, “Me lo dijo Adela”, “Ronda Musical Sudamericana”, “Ésta es mi orquesta”, “Los Grandes Exitos de Tito Rodriguez”, “Tito Rodríguez: Lo inédito”, “Mambo, cha cha cha y rumba”, “Saludos Amigos”, “Reliquias de Tito Rodríguez”, “Mambo Gee Gee”, “Anthology”, etc.

Homenajes discográficos 1976. “Tribute to Tito Rodriguez”.Fania All Stars.

1980. “Recordando a Tito Rodriguez”. Chucho Avellanet.

1986. “A mi me pasa lo mismo que a usted”. Danny Rivera.

1993. “Eternamente”.Tito Rodríguez y “La Rondalla Venezolana”. Palacio de la Música (Caracas).

1995. “Alma con Alma”. Cindy y Tito Rodríguez: Palacio de la Música (Caracas).

1999. “Nuevamente Juntos”. Tito Rodríguez y “La Rondalla Venezolana”.

Palacio de la Música (Caracas); “Inolvidable”. Danny Rivera y “Recordando a Tito Rodriguez” (CD)

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. http://www.buenamusica.com

ROLANDO LA SERIE Rolando Laserie Rodríguez nació en la localidad de Mata, Cuba, el 27 de agosto de 1923 y falleció en Coral Gables, Florida, Estados Unidos, el 22 de noviembre de 1998.

Cantante.

Fue llamado “El Guapo de la Canción” y “El Guapachoso”.

Aprendió a tocar los timbales a los 9 años y en los inicios de su vida profesional alternó su condición de músico con el oficio de zapatero.

Actuaba de forma esporádica como percusionista en la Banda Municipal de Santa Clara y luego actuó con la orquesta de “Arcaño y sus Maravillas”.

En 1946 viajó a La Habana y se desempeñó como percusionista en la orquesta de los “Hermanos Palau”. Más tarde pasó a ser timbalero y coro en la “Banda Gigante” de Benny Moré.

“Mentiras tuyas”, grabado en 1957, fue definitorio en su manera de cantar, con incursiones coloquiales y diálogos. A lo largo de su carrera grabó más de treinta discos.

La dictadura de Fidel Castro lo obligó a exiliarse primero en Caracas, donde formó parte de la orquesta de Porfi Jiménez hasta que formó la suya, y después en Miami, donde continuó su carrera.

Cabe señalar que el cantante apoyó al castrismo en sus inicios.

En 1957 grabó “Mentiras tuyas” de la autoría de Mario Fernández Porta, fue un bolero definitorio en su manera de cantar, con incursiones coloquiales y diálogos.

Ese tema ya había sido interpretado por otros cantantes, entre ellos el tenor René Cabell, y era considerado un número fuera de circulación, pero en su voz constituyó un éxito pues en pocos días logró vender cerca de 30 mil copias.

Tras ese triunfo vinieron otras grabaciones: “Por eso no debes”, de Margarita Lecuona; “Tenía que ser así”, de Bobby Collazo; “Qué es lo que pasa”, de Julio Gutiérrez; “Estás equivocada” y “A eso llegarás”, de Osvaldo Farrés.

También popularizó los temas “Déjenme en paz”, que el compositor Justi Barreto escribió especialmente para que Laserie respondiera a los ataques que recibía su modo de cantar; “Inolvidable”, de Julio Gutiérrez; “Hay que saber perder”, de Abel Domínguez; “Bilongo”, de Rodríguez Fiffe; “Que te vaya bien”, de Federico Baena y “Esta noche me emborracho”, tango bolerizado de Enrique Santos Discépolo. Igualmente, “Cambalache”, “Historia de un amor”, “Pena en el alma”, “Los ejes de mi carreta”, “Hola soledad” y “Lágrimas negras.”.

En 1960 apareció un nuevo disco con la orquesta de Bebo Valdés que llevó por título el hit del momento: “Sabor a mí”, de Álvaro Carrillo, y ese mismo año marchó a México para cumplir contratos con la empresa Televisa y en el centro nocturno Terraza Caribe.

En 1961 grabó en Estados Unidos con la orquesta de Tito Puente (LP “Pachanga in Nueva York”) y en Puerto Rico con “Cortijo y su Combo” e Ismael Miranda.

Grabó más de treinta discos.

Actuó en casi toda América Latina. Realizó numerosas grabaciones en México para la firma Musart con varias orquestas, entre ellas las de Memo Salamanca, Nacho Rosales, Ernesto Duarte (por entonces radicado en México) y la Sonora Veracruzana de Pepe Vallejo. También con los mariachis “Guadalajara” y “Oro y Plata”; la agrupación “Los Aragón”, “El combo de Johnny Ventura”, la orquesta de Johnny Pacheco, Charlie Palmieri, Porfi Jiménez y la Selección Caracas de Cabrerita con arreglos de René Hernández y Pepé Delgado.

Una de sus últimas grabaciones fue el son montuno de Israel “Cachao” López titulado “El guapachoso”, compuesto en su homenaje e incluido en el CD Cachao Master Session Volume II (Los Ángeles, California, 1995.)

La muerte El día siguiente a su fallecimiento el periodista Fernando Almanza, de El Nuevo Herald, de Miami, reseñó: Muere Rolando Laserie, "El Guapo de la Canción" El legendario cantante y músico cubano Rolando Laserie, conocido por sus seguidores como “El Guapo de la Canción'', falleció el domingo por la madrugada en el Doctor's Hospital de Coral Gables a causa de complicaciones cardíacas.

Tenía 75 años.

Durante su carrera musical, Laserie fue conocido como uno de los mayores expositores del son cubano, así como también de guarachas, salsa y hasta tangos, que hacía con su propio estilo, según Patricio Jorge Laserie, sobrino del fallecido.

“Siempre estaba contento'', aseguró Jorge Laserie. ``Era un hombre que vivía una vida de chiste en chiste, y que nunca vi molesto''.

Además de sus dotes musicales, a Laserie se le recuerda por siempre vestir con una gorrita, y por popularizar la frase ``¡De Película!'', que utilizaba cuando se refería a algo sobresaliente o fuera de lo ordinario. ``Ahora mismo siento que se me ha ido la vida'', manifestó con lágrimas en sus ojos la viuda del cantante, Gisela ``Tita'' de Laserie, con quien compartió 55 años de su vida.

Laserie, que era el menor de ocho hermanos, nació en el poblado de Matas, en la provincia Santa Clara, Cuba, el 27 agosto de 1923. A los nueve años, su hermano mayor, Luis M. Laserie, le enseñó a tocar los timbales, e inmediatamente Rolando manifestó su interés por la música, relató Jorge Laserie.

“Cuando faltaba algún músico en las orquestas me llamaban a a mí'', dijo Laserie a El Nuevo Herald en una entrevista en 1995. ``Siempre estaba con mi guayaberita y mi lacito por si me venían a buscar. Cuando venían las compañías al Teatro La Caridad, la orquesta tocaba en el vestíbulo y a mí me ponían una silla y un cajoncito para tocar los timbales con los músicos de la banda municipal de Santa Clara, yo tenía unos 10 años''.

En aquella ocasión, Laserie señaló que aunque durante su carrera “aprendió algo de solfeo'', su talento musical era intuitivo.

En 1960, en pleno apogeo de su carrera, con más de 30 discos grabados, Laserie se marchó de Cuba disgustado “por los fusilamientos''. Trabajó en México, Argentina y toda Latinoamérica; y vivió en Venezuela y Nueva York, para luego llegar a Miami a mediados de los años 70.

“Pienso que Rolando es otra víctima de las injusticias que sufren los músicos cubanos, que no reciben el reconocimiento que se merecen'', explicó el cinematógrafo cubano radicado en Miami Nat Chediak.

Explicó que Laserie fue el único cantante cubano que alcanzó en popularidad a Beny Moré. Pero que cuando llegó a Miami, nunca recibió la atención que merecía.

“Cuba ha perdido al Guapachoso, al Guapo de la Canción'', dijo el maestro Bebo Valdés, uno de los más grandes pianistas, compositores y arreglistas cubanos, que ahora vive en Estocolmo, Suecia. “Cuando salimos de Cuba en el mismo avión, el 26 de octubre de 1960, nos juramos que nunca íbamos a volver bajo el régimen actual. El cumplió.

Ahora queda que yo cumpla.''

Por su parte, el escritor cubano Guillermo Cabrera Infante, quien ahora reside en Londres, recordó a aquel amigo que tuvo en La Habana en 1958.

“En aquel momento estaba en la cúspide de su fama. Se vestía con un traje blanco de lino, y un sombrero estilo Panamá. Acostumbraba tomar café en las calles de La Habana de una manera muy cuidadosa, para no manchar su vestimenta'', contó Cabrera Infante. “Cantando, él era muy grande, en segundo lugar después de Beny Moré''.

Laserie, quien nunca tuvo hijos, estaba al momento de su muerte en espera de una operación de corazón abierto. En enero pasado sufrió un derrame cerebral y desde entonces su salud empezó a deteriorar.

El cadáver de Laserie estará expuesto hoy por la mañana en la Funeraria Memorial Plan, 9800 Coral Way, en Westchester. Después, se llevará a cabo el sepelio, a la 1:30 p.m., en el cementerio Miami Memorial Park.

La familia solicitó que en vez de arreglos florales, se envíen donaciones en memoria de Laserie a la Liga Contra el Cáncer, P.O. Box 459242, Miami, Florida 33245-9937.

La redactora de The Miami Herald María A. Morales contribuyó a esta información.

Fuentes https://www.ecured.cu Wikipedia. La enciclopedia libre.

FERNANDO ALBUERNE

Luis Fernando Albuerne Garcell, su nombre de pila, nació en Sagua de Tánamo, Cuba,el 28 de octubre de 1920 y falleció el lunes 3 de julio de 2000 en Miami, Florida, Estados Unidos..

Cantante.

Fue llamado “La Voz Romántica de Cuba”.

En La Habana se graduó de ingeniero agrónomo y pasó a trabajar en la fábrica de jabones de su padre.

El 17 de noviembre de 1941 actuó por primera vez en “Radio Cadena Suaritos” con el tema "Ven amor” y fue contratada por dicha emisora radial, donde permaneció más de 12 años.

Realizó presentaciones en Puerto Rico, Venezuela, Brasil, Chile Uruguay y Argentina. En Buenos Aires,además de actuar en la radio realizó presentaciones de radio y grabó para el sello Odeon el vals "Dices que Tengo celos" con el cual ganó su primer disco de oro, superando el millón de copias vendidas.

También se presentó en Lisboa y Madrid y en la televisión francesa.

En 1952 el ayuntamiento de su pueblo natal lo nombró “Hijo Predilecto de Sagua de Tánamo” y le hizo entrega de la Llave del Pueblo.

En 1960 fijó su residencia en Venezuela.

La Asociación de Prensa Interamericana le otorgó por dos años consecutivos el galardón de “El Cantante más popular” y “El cantante mas querido por el público”: 1954, 1955.

Grabó discos con repertorios de canciones cubanas, mexicanas y argentinas. Sus interpretaciones de tangos son poco conocidas. En el Long Play “Cuando Calienta el Sol” aparecen los tangos “Todo por ti” (Por ti abandoné a mi Madre); “No me has entendido” y “Mi último fracaso”.

Durante su estancia en Venezuela produjo 12 álbumes en el primero de los cuales incluyó el tema “El son se fue de Cuba” y trabajó en la radio y la televisión, donde en Venevisión condujo su espacio “El Gran Show”.

Grabó con la disquera Panart.

Su Estrella de la Fama se encuentra desde 1996 en la Calle 8 de Miami junto a otros grandes de la música latina.

En 1979 actuó en Miami en “El Show de los Grandes”, producto de lo cual quedaron pocos vídeos del intérprete cantando en vivo y en color.

Entre los temas más exitosos que interpretó se cuentan “La pastora” “Óyeme mamá”, “Quiéreme siempre”, “La novia”, “El reloj” “Tres palabras”, “Historia de amor”, “La culpa de todo”, “Usted”, “Dos gardenias”, “Prohibido”, “Imprescindible”, "Siempre en mi corazón", "Sabrás que te quiero", "Cuando no sé de ti", "No puedo ser feliz", "Te me olvidas", "Fascinación", "Sabor a mi", "Dos almas", "Imágenes", "Callecitas de La Habana", "Cuando calienta el sol", "Extraños

en la noche", "Nostalgia Habanera", “Mil besos", "Mi último fracaso","No vale la pena", "Mi niña bonita", "Señora Bonita", "Nosotros", "El viaje", "Vete de mí", "Niebla", "Espinita", "Mi corazonada", "Usted" y "Alma Corazón y vida" .

Fuentes Carlos Molano Gómez. http://www.encuentrolatinoradio.com https://lomadelfuerte.wordpress.com Wikipedia. La enciclopedia libre.

TANIA LIBERTAD Tania Libertad de Souza Zúñiga, su nombre de pila, nació en Zaña, Chiclayo, Perú, el 24 de octubre de 1952. Obtuvo la nacionalidad mexicana.

Cantante de balada, música afroperuana, criolla, nueva trova, boleros y rancheras.

Tipo de voz soprano.

Sitio web: http://www.tanialibertad.com/ A la edad de 7 años de edad comenzó su carrera artística cantando en concursos de radio y en 1967, siendo una adolescente, se trasladó a Lima luego de ganar en “Radio Chiclayo”. Cantó inicialmente en clubes nocturnos y después fue contratada por la disquera RCA Víctor logrando su primer éxito nacional en Perú con el tema “La Contamanina”.

Igualmente durante cinco años el programa televisivo “Danzas y Canciones del Perú”, y luego tuvo su propio espacio llamado “Tania Presenta”.

En 1985 grabó su primer disco de boleros bajo el sello Polygram para la cual fue firmada como artista exclusiva obteniendo un rotundo éxito y alcanzando certificación de Platino por más de 400,000 copias vendidas solo en México.

Por tal éxito la disquera le solicitó grabar un segundo álbum de boleros el cual fue titulado "Nuevamente Boleros", lanzado al mercado el año siguiente.

A estos álbumes le siguieron "Me voy pa' la Pachanga", y "Trovadicción" en 1987; luego regresó a los boleros en 1988 con la producción "Mucho corazón" y en 1989 lanzó el emblemático álbum "Alfonsina y el mar", otro de sus discos más vendidos.

En 2003 se produjo el lanzamiento al mercado del disco "Alfonsina y el mar XX Años" por lo cual recibió un Disco de Oro debido a la venta de más de 50,000 copias en las primeras semanas y poco después uno de Platino por pasar las 90,000 en México.

El siguiente año volvió a obtener un enorme éxito con su álbum "Negro Color", recibiendo también disco de Platino por más de 100,000 copias vendidas en México. Esa producción fue lanzada exitosamente en 25 países de Europa y África incluyendo España, Holanda, Francia, Bélgica, Alemania, Austria, Marruecos, Senegal y Angola. Y sucesivamente, en el resto de Latinoamérica.

Es considerada como una de las mejores cantantes latinoamericanas.

Es integrante de la World Music y ganadora del Grammy Latino a la Excelencia Musical.

Tiene en su haber la grabación de más de 44 producciones discográficas, y más de 10 millones de copias vendidas a nivel mundial.

Ha dejado oír su voz en el Palacio de Bellas Artes en México, el Sydney Opera House de Australia, el Olympia de París, el Queen Elizabeth Hall de

Londres, el Lincoln Center y el Carnegie Hall de Nueva York, el Palacio de la Zarzuela en España y el Hollywood Bowl de Los Ángeles, entre otros.

De igual modo ha actuado en escenarios de Francia, Italia, España, Portugal, Bélgica, Alemania, Suiza, Holanda, Inglaterra, Marruecos, Angola, Senegal, Estados Unidos, Ecuador, Puerto Rico, Venezuela, República Dominicana, Honduras, Uruguay, Colombia, Costa Rica, Guatemala, Panamá, El Salvador, Argentina, Brasil y México.

En junio de 2012 su disquera Sony Music lanza el álbum "Tania, 50 años de Libertad", que reunió en dos discos compactos y un DVD, 34 canciones interpretadas en los dos conciertos de gala celebrados el mismo año en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.

En febrero de 2014 publicó su tercer y ultimo álbum junto a Armando Manzanero titulado ”Desarmando a Tania”, constante de interpretaciones a dueto de varios temas, otros en solitario o mediante la combinación de momentos donde sólo aparece la voz de alguno de los dos en una estrofa. Ese proyecto marcó el cierre de la famosa trilogía de álbumes grabados anteriormente por los dos artistas, titulados “Armando la Libertad” y “La Libertad de Manzanero”.

El siguiente año fue el lanzamiento al mercado del álbum “Por ti y por mí” que obtuvo Disco de Oro. Ha compartido escenario, entre otros, con Mercedes Sosa, Joan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Alberto Cortez, Guadalupe Pineda, León Gieco, Fito Páez, Eugenia León, Juan Carlos Baglietto, Chico Buarque, Gal Costa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Rada, Cesária Évora, Vicente Fernández, Juan Gabriel, Miguel Bosé, Plácido Domingo, Armando Manzanero, Simón Díaz, Willie Colón, Tito Puente, Oscar Chávez, Gabino Palomares, Iván Lins, Ricardo Cocciante, Soledad Pastorutti, Marco Antonio Muñiz, Soledad Bravo, Amália Rodrigues, Susana Rinaldi, Phil Manzanera, Lucha Villa y el grupo chileno “Inti Illimani”.

Su producción discográfica comprende treinta y siete discos grabados, sin contar los que grabó en el Perú. Maneja géneros tan variados como música afro peruana y música criolla peruana y ha interpretado baladas, salsa, arias de ópera, rancheras, música brasileña y latinoamericana en general, boleros, canciones de protesta, nueva trova, etc.

De igual modo ha musicalizado, entre otros, poemas de Mario Benedetti, Pablo Neruda y Juan Gonzalo Rose, su amigo (“Tu voz”, "Si un rosal se muere" y “Exacta dimensión, entre otros).

En su país natal logró evolucionar el repertorio criollo, cantando "La Contamanina", "Amor inolvidable" y "Pasión agonizante".

Reconocimientos Artista de la UNESCO por la paz y Embajadora Iberoamericana de la Cultura.

Condecoración en el grado de “Comendadora” del gobierno peruano.

Orden de Río Branco por el gobierno de Brasil.

En 2010 fue nombrada "Huésped Ilustre " de la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Ese mismo año recibió la condecoración “Señor de Sipán”, máximo galardón que cede el Gobierno Regional de Lambayeque a las personas sobresalientes en el país y el extranjero; fue nombrada Embajadora

Iberoamericana de la Cultura por la Secretaría General Iberoamericana, en Madrid, se le honró con la Medalla de Lima y fue reconocida como Hija Predilecta de la ciudad de Zaña.

En enero de 2011 fue distinguida como Huésped Ilustre de la Municipalidad Provincial de Arequipa.

Discografía cronológica 1989. “Alfonsina y el mar”.

1991. “Mucho corazón”.

1995. “La Libertad de Manzanero” y “México lindo y querido”.

1997. “Himno al amor”.

1998. “Tómate esta botella conmigo” y “La Libertad”.

1999. “Nuevamente boleros”.

2000. “Arias de ópera ¿Y por qué no?”.

2003. “Costa Negra”.

2005. “Boleros”.

2009. “Una voz, un romance”, vol. 1.

2011. “Tania por siempre”, “Negro color”, “Momentos de amor”, “El mismo puerto”, “Sabor latino” y “Tania Libertad”, vol. 2.

2012. “Boleros hoy”, “Trovadicción”, “Tania 50 años de Libertad” (En vivo); “África en América” y “Mujeres apasionadas”.

2014. “Des Armando a Tania” (En vivo).

2015. “Por ti y por mí”.

Sin fecha: “Tania Libertad canta a José Alfredo Jiménez” y “Personalidad”.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. www.buenamusica.com. www.cancionesdelayer.com.

JOSÉ GUARDIOLA José Guardiola Díaz de Rada, su nombre real, nació en Barcelona, Cataluña, España, 22 de octubre de 1930 y murió en la misma ciudad el 9 de abril de 2012.

Cantante, actor de cine y violinista.

Fue llamado" El Crooner de España".

Discográficas: Discos Regal, Discos Vergara y RCA Victor.

Cantó en lengua española y catalana.

A temprana edad hizo estudios de violín y también comenzó a cantar en la parroquia de su pueblo.

Más tarde participaría en diversos festivales de la canción, lo que redundó en una fama creciente y en su consolidación como una de las máximas figuras de la canción hispana.

Fue pionero de la canción popular española con gran éxito también en Latinoamérica.

Se especializó en versionar al castellano éxitos de otros idiomas, como “Venecia sin ti”, de Charles Aznavour; “Los niños del Pireo”, que grabó Melína Merkoúri y “Mack the Knife”, clásico de Frank Sinatra que tradujo como “Mackie el Navaja”, título del que derivaría el personaje Makinavaja de Ivá.

En 1954 rodó con Zsa Zsa Gabor y Manuel Zarzo la película “Sangre y luces”, que se proyectó en el Festival de Cannes.

Sus éxitos 1.

En español

“Dieciséis toneladas” (Sixteen Tons, original de Merle Travis); “Mackie el Navaja” (Mack the Knife); “Pequeña flor”, “Verde campiña”, “Di papá”, “Nubes de colores”; “Los niños del Pireo”, “Mustapha”, “Cuando, cuando”, “La balada del vagabundo”, “Algo prodigioso” (tema del Festival Eurovisión 1963); “Estrella errante”, “Venecia sin ti”, “La montaña”, “Yo, uno de tantos” y “De rodillas”.

2.

En catalán

“La primera vegada”, “El vell carrer de l’aimada”, “Besa’m en silenci” y “Diumenge és sempre diumenge” (versión catalana de "Domenica è sempre domenica"), original de Renato Rasce.

Fuentes https://www.youtube.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

NELSON PINEDO Napoleón Nelson Pinedo Fedullo, su nombre de pila, nació en Barranquilla, Colombia, y falleció el 10 de febrero de 1928 en Valencia, Estado Carabobo, Venezuela.

Cantante de bolero, porro, cumbia, guaracha y salsa. Voz de tenor.

Fue llamado “El Almirante del Ritmo” y “El Pollo Barranquillero”.

Antes de dedicarse al canto trabajó como técnico en la industria textil, después empleado bancario, hasta llegar a locutor de radio en "La Voz de la Patria", donde se entrenó en modulación y dicción al hablar.

Luego participó en programas radiales de aficionados en su ciudad natal.

Allí pasó a suplir la ausencia del cantante principal de la agrupación de Julio Lastra e interpretó como primer tema el bolero “Mi cariño”.

Posteriormente se unió a la orquesta de Pacho Galán y aprendió a cantar en inglés con un curso por correspondencia.

Más tarde viajó a Maracaibo, Venezuela, con el conjunto de “Los Hermanos Rodríguez Morena” y grabó su primer 78 RPM, "Mucho, mucho, mucho".

Después perteneció a la orquesta de Antonio María Peñaloza, siguiendo el estilo de cantar en inglés, con nuevos arreglos en francés, italiano, portugués, idiomas bien pronunciados.

Escuchado por miembros de “La Casino de Sevilla”, orquesta española que cumplía contratos y viajó a Cuba para competir con “Los Chavales de España” y “Los Churumbeles de España”, cuando se convirtió en La Habana en “Serenata Española”, fue llamado “pues su voz, estilo, gracia, les había convencido”. Allí, convertido en todo un andaluz, vestido como tal, cantando en sevillano puro con las zetas, compitió con Juan Legido en españolerías, pasos dobles, boleros morunos, por espacio de 6 meses.

Aprovechó para grabar cuatro surcos de los cuales pegó "Monísima" un hit abridor de rally.

Al partir el grupo español, Tito Garrote, su representante, lo acercó a “La Sonora Matancera” que buscaba suplencia por la partida de Daniel Santos a México.

El 18 de mayo de 1954 entró a los estudios de la radio CMQ y grabó sus primeros éxitos con “La Sonora Matancera”, donde permaneció cinco años y medio, con viajes, espectáculos, televisión, cabarets, 49 números grabados más una película cubana bajo la dirección de René Cardona: "Una gallega en la Habana" hecha en 1955.

En los Carnavales de Caracas de 1958, se reencontró con Pacho Galán y su orquesta a quienes el empresario que los contrató los había estafado. Sin dinero para regresar a Colombia, reciben la ayuda de los cantantes venezolanos Víctor Pérez y Víctor Piñero para realizar la grabación de un LP con el objetivo de reunir algunos fondos para el boleto de retorno. Así se grabó el disco “A Bailar Merecumbé Con Pacho Galán”, en el sello Discomoda, en cual Víctor Pérez cantó “Atlántico” de Víctor Vargas, Víctor Piñero interpretó los temas “El mochilón” de Efraín Orozco y “Mi barquito marinero” de Juan Bautista Galán. En la grabación también participaron los cantantes de planta de la agrupación Tomasito Rodríguez y Orlando “Cartagena” Contreras y en sus voces se grabaron los temas “Pajarillo caraqueño”, “Otra vez, Pacho”, “Voy a sufrir” y “Noches de Caracas”.

Después Nelson Pinedo grabó en Caracas seis números con el maestro Pacho Galán: “El hijo de Pedro Arrieta”, “Si volvieras” de César Costa, “A mi tierra” del propio Nelson, “¡Ay! Muñeca” de Orlando Contreras, “Dame tu cariño” y “Ven mi vidita” ambos temas de la autoría de Pacho Galán. Estos aparecieron en el trabajo discográfico titulado “El Chipichipi”, el cual se completó con otros seis temas que Nelson Pinedo grabó con “La Sonora Caracas”, que incluía “El chipichipi” de Gabriel Rodríguez.

Cabe acotar que en México, además de actuar en el radioteatro de la emisora XEW, en el “Teatro Esperanza Iris” y en varios centros nocturnos, grabó 24 trabajos discográficos con el respaldo de los músicos de las reconocidas orquestas de Memo Salamanca y Chucho Rodríguez, para el sello Ansonia. En ellos incluyó el tango “Percal”, “Con una sola miradita” de Agustín Martínez y el famoso bolero “Señora bonita” de Adolfo Salas.

Para la RCA Víctor de México, grabó un álbum con el acompañamiento de la orquesta del pianista y arreglista Luis González, el cual se tituló “El Mariscal Del Ritmo”, el que incluyó el bolero “Duda”.

Discografía “Una Noche en Caracas”, “Nelson Pinedo sings”, “Sonora Matancera: Invite you to Dance”, “Sonora Matancera: Desfile de Estrellas”, “El Rítmico”, “Cortijo Combo”,“A Bailar Merecumbé con Pacho Galán y su Orquesta”. “A Latin in América”, “En Venezuela”, “¿Quién Será? Y “La esquina del movimiento”.

La muerte El cantante murió en Valencia, Estado Carabobo, Venezuela, el 27 de octubre de 2016 y la noticia le dio la vuelta al mundo en el siguiente despacho de la Agencia EFE en los siguientes términos: Bogotá, 27 oct (EFE).- Uno de los más destacados vocalistas del conjunto musical cubano Sonora Matancera, el cantante Nelson Pinedo, murió en la madrugada de hoy en Venezuela, a los 88 años de edad, según informó la orquesta Billo's Caracas Boys.

"Lamentamos la partida del gran cantante barranquillero Nelson Pinedo, que descanse en paz su alma. Gracias por tanta alegría Nelson!", señaló la orquesta venezolana en su cuenta de Twitter.

Pinedo murió en la Unidad de Cuidados Intermedios del Centro Clínico La Isabelica, en Valencia (Venezuela), luego de un accidente cerebrovascular que sufrió hace un mes, según reseñan medios de prensa locales.

Sus más recordadas interpretaciones son: "Me voy pa' La Habana", "Quién Será", "Momposina", "Señora bonita" y "El muñeco de la ciudad", entre otras.

Tras conocer la noticia, el alcalde de la ciudad caribeña de Barranquilla, Alejandro Char, expresó su tristeza.

"Despedimos con tristeza a Nelson Pinedo. Su memoria y legado musical alegrarán por siempre nuestros corazones en esta esquina del movimiento", afirmó Char en Twitter.

El cantante colombiano, que se había radicado en los últimos años en Venezuela, encontró el éxito especialmente con la Sonora Matancera con la que grabó salsa, porros y boleros, y además participó de la película cubana "Una gallega en La Habana", rodada en 1955 bajo la dirección de René Cardona.

Pinedo también trabajó con el cantante, músico y compositor colombiano Pacho Galán, con el que incluso interpretó canciones en inglés.A lo largo de su trayectoria musical hizo parte de diversas agrupaciones como: Atlántico Jazz Band, la orquesta del saxofonista Luis Alberto Rodríguez Moreno, y la del trompetista Antonio María Peñaloza, así como Serenata Española, entre otras.

El cuerpo del cantante será cremado y sus cenizas serían traídas a Barranquilla, donde ya se anuncia un homenaje por parte de la Secretaría de Cultura y Patrimonio, según reseñó la prensa local.

Fuentes Wikipedia. La enciclopedia libre. https://www.cibercuba.com

CAMILO SESTO Camilo Blanes Cortés, su nombre real, nació en Alcoy, Alicante, España, el 16 de septiembre de 1946.

Cantante, actor fílmico, productor musical y compositor.

Ha cantado y grabado en español, inglés, portugués, italiano y alemán.

Sus primeros pasos como cantante los dio en el coro del colegio de su pueblo natal en Alcoy, pero fue a los 16 años cuando comenzó a interesarse realmente por la música.

Desde mediados de los años 60, como Camilo Blanes formó parte del grupo pop “Los Dayson”, con el cual cantó en bodas y bautizos de Alcoy temas de Interpretaban “The Beatles”, los “Bee Gees”, el “Dúo Dinámico”, además de sus primeras composiciones.

En 1965 la agrupación viajó a Madrid para participar en el concurso de Televisión Española “Salto a la Fama” con el tema "Flamenco", de “Los Brincos”, tras lo cual, excepto él, se produjo el regreso a Alcoy.

En la capital española, para sobrevivir, se dedicó a tocar instrumentos, a hacer coros para otros músicos y a pintar, su otra gran pasión.

El siguiente año entró en las filas del grupo “Los Botines”, que a partir de entonces pasa a llamarse “Camilo y Los Botines” y participó en 1967 en el rodaje de la versión cinematográfica española de “El flautista de Hamelín”. El cantante estuvo después entre los protagonistas principales en “Los chicos del Preu”, una de las 100 películas más vistas de la historia del cine español, donde pronunció su profética frase guitarra en mano "Con esta la voy a armar, seré famoso, grabaré discos que se venderán por millones".

En las décadas de 1970 y 1980 vendió más de 70 millones de discos hecho que lo convirtió uno de los intérpretes con mayor cantidad de números 1, con 52 en total, y 18 en la lista de los 40 principales Como compositor ha escrito canciones para Miguel Bosé, Ángela Carrasco, Lani Hall, Audrey Landers, Lucía Méndez, Manolo Otero, Sergio Fachelli, y José José, entre otros.

En el otoño de 1970 inició su carrera en solitario grabando un sencillo con los temas “Llegará el verano” y “Sin dirección”, aún bajo el nombre artístico "Camilo Sexto". Igualmente ganó el premio "Revelación", en “El Festival de los Olés de la Canción”.

El año siguiente participó en el concurso “Canción 71” con el tema Buenas noches, y en el mes de marzo grabó su álbum “Algo de mí”, contentivo de algunas de sus composiciones. Fue entonces cuando comenzó a hacerse popular con títulos como "Lanza tu voz", "A ti, Manuela", "Ay, ay, Rosseta" y "Mendigo de amor" e hizo su primera presentación como solista en Televisión Española interpretando

el tema “Buenas noches”, adaptación pop de la célebre canción de cuna de Brahms.

Fue el gran éxito que le proporcionó su composición “Algo de mí”, incluida en el disco homónimo, el que lo consagró definitivamente y para siempre a nivel popular.

En 1972 su carrera cruzó el Océano Atlántico y llegó a Argentina, donde recibió su primer Disco de Oro. Ese año editó su álbum "Solo un hombre" con éxitos como “Amor amar”, “Fresa salvaje”, “Como cada noche”, “Con razón o sin razón” y “To be a man” nominado al Grammy como "Mejor Canción Extranjera".

En 1973 en el II Festival OTI de la Canción, llevado a cabo en Bello Horizonte, Brasil, aunque logró el 5º puesto con el tema “Algo más”, el mismo se convirtió, paradójicamente, en un éxito de ventas. De igual modo, en el Festival del Atlántico le entregaron el premio al "Mejor Show", creó la música para la obra de teatro “Quédate a desayunar”, de Marisol, y obtuvo, entre otros, el Premio "Aro de Oro" al mejor cantante, el galardón "Mejor Cantante del Año", en el Maratón de ese año de la cadena de emisoras de la COPE, y premios de la cadena de emisoras de la REN, el "Trofeo a la Popularidad" del Diario Pueblo, la revista Record World y la revista “El gran musical le otorgaron premios”. En noviembre salió a la venta uno de sus discos más vendidos, “Algo más”, contentivo de los temas "Algo más", "Sin remedio" y "Todo por nada", que llegaron a los primeros lugares en todo el mundo.

En febrero de 1974, tras participar en el Festival de Viña del Mar, Chile, editó su álbum “Camilo” contentivo de y temas como "¿Quieres ser mi amante?", "Llueve sobre mojado", "Ayudadme", "Isabel", "Déjame participar en tu juego" y un clásico infaltable cada año y en la misma fecha "Madre", que comenzaron a subir en las listas de éxitos radiales en todo el mundo.

Uno de los temas de ese álbum, “¿Quieres ser mi amante?”, le proporcionó Discos de Oro en Chile, México y Venezuela por sus millonarias ventas. A su regreso a España de una gira por Hispanoamérica, recibió igual premio.

En 1975 protagonizó el papel de Jesús en la ópera rock “Jesucristo Superstar”, que él mismo financió en su adaptación al español.

En 1976 lanza el álbum Memorias con éxitos tales como "Alguien", y el roquero "Solo tú" donde alcanzó registros altísimos. El video promocional de esa producción tiene la peculiaridad de haber sido grabado en la NASA. Ese año también compuso dos canciones para Miguel Bosé, a quien lanzó como cantante al producir y componer su primer disco.

En mayo de 1977 salió a la venta su álbum “Rasgos”, contentivo de los grandes éxitos "Si tú te vas", "Con el viento a tu favor" y "Mi buen amor". Asimismo editó “Entre amigos” con temas exitosos como "Miénteme" y "Celos" y realiz un memorable recital en vísperas de la fiesta de Reyes, dando un recital benéfico en el escenario del Teatro Alcalá-Palace a beneficio de niños con capacidades diferentes El álbum “Sentimientos” apareció el siguiente año y uno de sus temas, "El amor de mi vida", se transformó en el sencillo más vendido de toda la década y en todo un clásico. Recibió el Premio "Atracción" por ser el cantante más contratado

durante ese año y un Disco de Platino. En noviembre efectuó una gira por Estados Unidos y México.

En 1979 efectuó presentaciones con gran éxito en Alemania, Francia e Italia. En abril se le otorgó un Disco de Platino por haber vendido la cifra récord de 13 millones de discos durante ese año en todo el mundo y el 6 de noviembre se presenta en el “Madison Square Garden” de Nueva York, ante más de 45.000 personas, bajo el reclamo de ser "The Sinatra of Spain". En diciembre produjo su álbum “Horas de amor”, cuyos temas "La culpa ha sido mía", "Has nacido libre" y "Si me dejas ahora", alcanzaron los primeros lugares en el gusto de la audiencia.

A finales del siguiente año editó su álbum “Amaneciendo” con el cual se ubicó como N° 1 en toda América y España, vendiendo más de 10 millones de copias del álbum, con 5 sencillos editados, destacando, "Perdóname", "Vivir sin ti", "Días de vino y rosas", "Donde estés, con quien estés" y "Un amor no muere así como así".

En enero de 1981 triunfó en el programa de máxima audiencia holandesa, “Telebingo” y en febrero fue invitado al "Festival de Viña del Mar", Chile, donde a pedido del público le fue entregado el Premio "Gaviota de Plata" que por primera vez se otorga y quedó como el símbolo de ese evento.

En los años siguientes estas fueron sus actuaciones: 1982. Recital en Palma de Mallorca ante 16.000 personas…Grabación de los álbumes “Camilo”, totalmente en inglés, y “Con ganas”, cuyos temas "Mi mundo tú", "Terciopelo y piedra", "Mientras tú me sigas necesitando" y "Devúelveme mi libertad", resultaron grandes éxitos.

1983. Actuación con extraordinario éxito en la BBC de Londres, en el “Show de Grace Kennedy”, que lo presentó como "Camilo Sesto Superstar", interpretando a dúo "You don't bring me flowers". También en el “Felt Forum” de Nueva York y en “The Universal Amphitheatre” de Los Ángeles, y los Estudios Universal que marcó su incursión en Hollywood al actuar durante dos horas de ante más de 16.000 personas, que lo colocó como el artista extranjero más importante de ese año… Producción de un LP para Ángela Carrasco, y otro para Lucía Méndez…Realización en México de más de una decena de galas benéficas, donde todo lo recaudado pasó la Asociación Mexicana de Asistencia Cardiovascular, la Asociación de Niños Huérfanos "El Mexicanito", la Fundación Rotaria de Rehabilitación, la Cruz Roja Mexicana y la Casa Cuna "La Paz", entre muchas otras… Edición a finales de año del álbum “Amanecer 84”, cuyos éxitos de los temas "Paloma blanca, paloma mía" y "Amor de mujer" llegaron a los primeros lugares en los 40 principales.

1984. El 11 de mayo actuó en “Le Pavillon”, con un lleno de más de 15 mil personas… El sencillo "My love", interpretado a dúo con la actriz y cantante Audrey Landers (de la serie Dallas), se transformó en todo un éxito en los Estados Unidos, en Alemania y en los Países Bajos… El 15 de octubre, en la sala madrileña “Florida Park”, recibió en ausencia 7 Discos de Oro y de Platino galardones garantizados por la Sociedad General de Autores de España y la Asociación Fonográfica del Video… RealizÓ una gira por Venezuela, Argentina y Ecuador.

1985. Grabó el álbum “Tuyo” donde destacan "Contigo soy capaz de todo" y "Ven o voy"…Actuación exitosa en Puerto Rico…En mayo llevó a cabo una exitosa gira por Japón, 7 conciertos en total, en los que reunió a más de 40.000 personas en cada Show, y además fue transmitido a millones de radioescuchas.

Igualmente se presentó en la televisión Japonesa con gran éxito.

1986. Lanzamiento del álbum "Agenda de baile" y su nueva versión de “Quererte a tì"… En febrero recibió el “Premio Grammy" por el single "Corazón encadenado" producido y escrito por él e interpretado a dúo junto a "Lany Hall"…

Gira por México y Estados Unidos, donde se presentó en Disneylandia, tras participar en el desfile de muñecos de Disney, ofreció un recital para más de seis mil personas y grabó un video junto a Blancanieves.

1987. Tras una larga trayectoria artística (1970 a 1987, con más de seis mil concierto) declaró a la revista ¡Hola!: "Me voy porque quiero hacerme mayor viendo hacerse mayor a mi hijo"…Fijó su residencia en Miami, Florida, Estados Unidos.

1991. Regresó al mundo de la música con el álbum "A voluntad del cielo" con nuevos sonidos y éxitos, "Bienvenido amor", "Vuelve" y el ya clásico "Amor mío, ¿qué me has hecho?", acompañado con un vídeo promocional, catalogado por muchos como el mejor de su carrera, y que rompió récords de ventas en América, y de permanencia en el primer lugar en la revista Billboard… Llevó a cabo actuaciones en Caracas y en Bogotá, tras las cuales fue ovacionado de pie durante más de media hora… Llegó a Argentina para promover su álbum “A voluntad del cielo”, presentándose en los programas de Susana Giménez.

1992. Salió a la venta el álbum “Huracán de amor”.

1993. En marzo se presentó en México en la celebración de los 30 años de carrera de José José, recitándole unas palabras y cantándole la canción que 14 años atrás le escribió: "Si me dejas ahora".

1994. Aparición del álbum “Amor sin vértigo”, donde incluyó una canción cantada con su hijo, “Sentimientos de amor”.

1997. El 21 de abril, en el programa “Hoy es Posible”, de Televisión Española, actuó junto a su admiradora la mexicana nacionalizada española Alaska, líder entonces del grupo Fangoria, interpretando dos de sus grandes éxitos, “Vivir así es morir de amor” y “El amor de mi vida”... El 2 de diciembre recibió el premio honorífico por sus 25 años de carrera artística, y por haber vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo… Salió al mercado con un récord rotundo de ventas el recopilatorio con 30 grandes éxitos “Camilo Superstar”.

1998. Se editan en América las recopilaciones denominadas “The Best”, volúmenes I y II. 2000. Logró grabar el que había sido uno de los proyectos musicales que más le ilusionaban, el musical “El fantasma de la ópera”, de Andrew Lloyd Webber, con la cantante Isabel Patton, pero problemas legales le impidieron la publicación del disco.

2002. Compuso la canción “Duda de amor” para el primer álbum de David Bustamante…Lanzó el álbum “Alma”, donde incluyó la anterior composición que

se convirtió rápidamente en N° 1 en América… Nueva versión de su clásico “Fresa salvaje” y “Mi ángel azul”, que lo situó nuevamente como primera figura.

2003. Actuaciones en Chile, Perú, Colombia y México.

2004. Participación en la segunda jornada del "Festival de Viña del Mar" escenario donde recorrió sus éxitos de ayer y hoy que le hicieron acreedor de sendas antorchas de "plata" y de "oro", y una "Gaviota de Plata"… En diciembre de edita el un recopilatorio “Camilo Sesto Nº 1”, con un inmenso éxito de ventas y 50 Discos de Diamantes".

2005. Reedición del álbum “Jesucristo Superstar”, remasterizado digitalmente a partir de las grabaciones originales, para conmemorar los 30 años desde la puesta en escena en Madrid de la ópera rock homónima.

2006. A finales de ese año compuso el Himno a Bujalance, dedicado inicialmente al equipo de fútbol sala "Maderas Miguel Pérez" de la ciudad de Bujalance, Córdoba, España, cuyos derechos cedió al Ayuntamiento para que las ganancias íntegras de la venta del disco se destinaran a beneficiar al deporte local.

2008. Inició su gira "Camilo Pura Vida", tour de despedida con presentaciones en América y cientos de localidades vendidas…Anunció su intención de retirarse de los escenarios, dando inicio a una “Gira del adiós” que se prolongó durante tres años, de la cual se editó un DVD en vivo llamado “Todo de mí” grabado en Madrid.

2009. Exitosas presentaciones en escenarios de Estados Unidos, México, Venezuela y Perú.

2010. En mayo firmó un contrato con la disquera "Universal Music Spain" para hacer un álbum en vivo que fue grabado en versión DVD en dos conciertos que ofreció en Madrid, el cual salió a la venta a finales de ese año. Este fue el primero en ese formato… El 6 de julio en conferencia de prensa con medios españoles e internacionales anuncio su actuación en Madrid después de 20 años, y que se editará el último disco de su carrera, llamado "Todo de mí", CD/DVD en directo que saldrá a la venta a finales de ese mismo año. El álbum “Todo de mí” salió a la venta el 30 de noviembre, constando de un libro con un resumen de su vida de Camilo, fotografías de su carrera. Esta producción constó de 2 CD con 29 canciones y un DVD grabadas en los conciertos de los días 1 y 2 de octubre en esa ciudad.

2014. Pese a su retiro anunciado, siguió realizando actuaciones en Argentina, Chile, Perú, Colombia, Puerto Rico, México y Estados Unidos.

2016. Coincidiendo con su cumpleaños número 70, publicó un nuevo recopilatorio llamado "Camilo70", formato Cd, contentivo de 60 canciones, entre éxitos y temas inéditos. Además editó el tema "Padre Nuestro", una versión en español extraída del musical "Il primo Papa", que interpretó a dúo con el Papa Francisco.

Reconocimientos 1977. Le otorgan el título de "Cantante español más importante de 1977".

1984. El 14 de febrero, coincidiendo con el día de San Valentín, recibió de manos de Odette Pinto, en la discoteca Muntaner 4 de Barcelona, el premio "Romeo de la Canción" y a finales del mes se le brindó un homenaje en el lujoso restaurante "La Bastilla" por el gran éxito conseguido en los "Estados Unidos"…

En septiembre obtuvo el "Premio Ricard de la Canción 1984" al cantante más popular…Recibió el Premio A.C.E "Mejor artista extranjero" y "Mejor espectáculo extranjero" en Nueva York, en Japón y en Europa.

1985. El gobernador de Puerto Rico, Rafael Hernández Colón declaró el 21 de febrero de 1985 "Día Tributo a Camilo Sesto"… En marzo recibió un galardón por ser el artista que más ha contribuido a la defensa y divulgación de la cultura española.

2011. El 28 de mayo de en Las Vegas, Estados Unidos, se le concedió el premio "Máximo Orgullo Hispano" en reconocimiento a sus casi 50 años de carrera musical y las autoridades estatales proclamaron el 28 de mayo "Día de Camilo Sesto"…El 1 de julio recibió un premio en reconocimiento a su trayectoria musical en la Plaza de Callao de Madrid.

2012. El 29 de octubre después de 2 meses de votaciones en un concurso radial en Perú, fue elegido se eligió como "El más grande de la música en español".

2016. El 18 de noviembre fue nombrado Hijo Predilecto de Alcoy.

Fuentes La Razón.es.

Wikipedia, la enciclopedia libre.

ELENA BURKE Romana Elena Burguez González, su nombre real, nació en La Habana, Cuba, 28 de febrero de 1928 y falleció en la misma ciudad 9 de junio de 2002.

Cantante de boleros y otros géneros.

Voz de contralto.

Fue llamada “Señora Sentimiento” y “Reina del Bolero”.

Inició su carrera trabajando en la radio a finales de los años cuarent, en “La Corte Suprema del Arte”, donde firmó su primer contrato con el maestro Orlando de La Rosa.

Antes de iniciar de como solista, había pertenecido al conjunto “Las Mulatas de Fuego” (1947), el “Trío Las Cancioneras” y los cuartetos de Facundo Rivero, Orlando de La Rosa y de la pianista Aída Diestro.

Trayectoria artística Su primer contacto con la música, fue a través del tango, particularmente Caminito, que cantó en 1940 en la radioemisora CMC. Su ídolo en esa etapa era la cantante argentina Libertad Lamarque. En 1943 se presentó en La Corte Suprema del Arte, de CMQ Radio, donde ganó premio en unión de Rosita Fornés y Miguel Ángel Ortiz. Ese mismo año comenzó a trabajar en la radioemisora Mil Diez, en el espacio Ensoñación, con una orquesta dirigida por Enrique González Mántici y Adolfo Guzmán. Recibió orientaciones de música de Isolina Carrillo, y trabajó con Dámaso Pérez Prado y Frank Fernández como pianistas acompañantes.

Integró el Cuarteto de Orlando de la Rosa, con el que recorrió los Estados Unidos y posteriormente fue miembro del Cuarteto de Facundo Rivero, con el que actuó durante varios años en cabarets de México, después, en 1952, estuvo entre las cofundadoras del “Cuarteto D’Aida”, y más tarde del trío “Las Cancioneras”.

En 1947 fue una de las fundadoras de “Las Mulatas de Fuego”, que debutaron en el teatro “Fausto”, y posteriormente se presentaron en el “Alkázar” y “Encanto”, luego viajaron a México, donde fueron contratadas por el Follies Bergère, y participaron en el filme “Salón México”.

En la década del 60 fundó el grupo “Los D’Ángeles” y representó a Cuba en el IV Festival de Málaga, España, y en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, Chile.

En 1964 realizó una gira por Polonia, RDA y Checoslovaquia, y participó en la clausura del Festival Cinematográfico de Cannes; en 1965 actuó en el Olympia de París, con el elenco del Gran Music Hall de Cuba, y en 1966 en el Festival de Sopot, donde quedó en el quinto lugar, y en el Orfeo de Oro, Bulgaria.

También actuó en la Expo’67 de Montreal, y en el Cardini Internacional de México; igualmente se presentó en el II Festival Internacional del Disco de ese país, y participó con “Los Van Van” en el espectáculo llevado a la Expo’70 de

Osaka, Japón. En 1978 se presentó en el “Lincoln Center” de Nueva York, con la “Orquesta Aragón” y “Los Papines” y en Canadá.

Cantó a dúo con Ignacio Villa (Bola de Nieve), Benny Moré, Fernando Álvarez, Neris Amelia Martínez Salazar (Juana Bacallao), Tito Gómez, Omara Portuondo, María Antonia Peregrino Álvarez (Toña La Negra), Frank Domínguez y Pablo Milanés.

Compartió escenario, entre otros, con Pedro Vargas, Libertad Lamarque, Nat King Cole, Édith Piaf, Sara Vaughan, César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y Marta Justiniani.

Fue famosa por su habilidad y tendencia a interpretar "a capella" y como representante del movimiento filin (feelling).

Su amplio repertorio incluyó a autores latinoamericanos y nacionales como José Antonio Méndez, César Portillo de la Luz, Ñico Rojas, Frank Domínguez, Piloto y Vera, Marta Valdés, Meme Solís, Adolfo Guzmán, Orlando de la Rosa, Candito Ruiz, Sindo Garay, Vicente Garrido, Arturo Castro y muchos más. Entre sus numerosos éxitos interpretativos se cuentan "De mis recuerdos", "Y ya lo sé", “Dos gardenias”, “No me platiques más”,"Lo material", "Duele", "Amor y solfeo", "Ámame como soy" y "Mis 22 años".

La muerte El domingo 9 de junio de 2002 el periódico argentino La Nación reprodujo su deceso en el siguiente despacho:

A los 74 años falleció la cantante cubana Elena Burke Fue una de las figuras más representativas del denominado "movimiento del feeling", apelativo que dio origen a su calificativo de la "señora sentimiento" LA HABANA.- La cantante Elena Burke, fallecida hoy en esta capital a los 74 años y conocida como la "señora sentimiento" de la canción cubana, paseó su arte por numerosos escenarios del mundo.

Romana Burgues, su verdadero nombre, nació en La Habana en el 28 de febrero de 1928, y debutó en el mundo artístico en 1941 en programas de aficionados de la cadena "CMQ Radio", y un año más tarde irrumpió en el ámbito profesional en varias de las radios más importantes de la época.

Actuó también en el entonces famoso Cabaret Sans Souci, donde igualmente ofrecieron su arte figuras como Edith Piaff, Tonny Bennet y César Portillo de la Luz, uno de los más reconocidos compositores cubanos, algunos de cuyos boleros son interpretados por el mexicano Luis Miguel.

Burke se presentó por esa época en la denominada Corte Suprema del Arte o en la emisora "Mil diez", ésta última escenario también de las interpretaciones de la bolerista Olga Guillot y la salsera Celia Cruz, ambas cubanas y radicadas en EEUU desde los primeros años de la década de los 60.

"La señora sentimiento" Elena Burke fue una de las figuras más representativas del denominado "Movimiento del feeling (sentimiento)", apelativo que dio origen a su calificativo de la "Señora sentimiento" que le acompañó hasta su muerte, ocurrida, según la prensa local, "tras una prolongada enfermedad".

De este movimiento vanguardista de la década de los 40, también formaron parte los reconocidos cantantes y compositores cubanos Portillo de la Luz ("Contigo en la distancia") y el fallecido José Antonio Méndez ("Novia Mía" y "Quiéreme y verás"), entre otros.

Burke, de tez mulata y con una peculiar e intimista manera de interpretar, formó parte también del famoso espectáculo denominado "Mulatas de fuego", e integró además los cuartetos de Facundo Rivero y Orlando de la Rosa.

También integró durante años el afamado cuarteto "Las D´Aida", del que fue su principal figura, junto a la hoy diva de la canción Omara Portuondo y la desaparecida Moraima Secada.

En 1958, Elena Burke, que poseía una voz grave pero llena de matices, según los especialistas, abandonó esta última agrupación musical, y emprendió con éxito su carrera como solista.

En esa etapa se hizo acompañar en el piano por Frank Domínguez ("Imágenes") y Meme Solís, quien formó luego el cuarteto que llevó su nombre y que actualmente está radicado en EEUU. En 1964 representó a Cuba en el Festival de Cannes, apareció en algunas películas como "Llanto de luna" y Nosotros la música", e interpretó algunos temas para otras cintas cubanas.

Durante su carrera musical, Burke actuó en numerosos escenarios de América y países de Europa, en los que se convirtió en una de las cantantes más aclamadas por los amantes de los géneros que interpretaba, entre ellos el bolero, el son o el "feeling".

Canciones de gran difusión nacional e internacional como "Cántalo sentimental", "No me platiques más", "Tu mi delirio" o "Dos gardenias" formaron parte de su exitoso repertorio.

Omara Portuondo, que formó parte del "Buena Vista Social Club" junto a Compay Segundo y otras estrellas musicales, consideró a su compañera Elena Burke como "la mejor cantante de la historia, y todo lo que tiene que ver conmigo se lo debo a ella".

La fallecida cantante estaba muy enferma en los últimos años, e incluso se le vio desplazarse en una silla de ruedas en algunos homenajes, aunque nunca se dijo públicamente qué enfermedad padecía.

Elena Burke, también conocida como la "Reina del bolero", será sepultada mañana.

Fuentes EFE http://www.lanacion.com.ar https://www.ecured.cu

PALITO ORTEGA Ramón Bautista Ortega, su nombre real, nació en el ingenio Mercedes de la ciudad de Lules, Tucumán, Argentina, el 28 de febrero de 1941.

Cantante, compositor, actor, productor discográfico y director de cine.

Desde la década de 1960 integró el grupo musical El Club del Clan, que tuvo una relevante repercusión y se mantuvo hasta 1965..

Como actor ha filmado 33 películas y como cantante se lució con la interpretación de los temas “La felicidad” y “Despeinada”.

A los 14 años se trasladó a Buenos Aires, donde desempeñó diversos oficios para poder subsistir y luego ofreció sus primeras actuaciones como imitador del cantante Elvis Presley durante un festival en la Sociedad de Fomento "Jacarandá" de Berazategui.

En 1957, conoció a Dino Ramos y Silvio Soldán, integrantes de la orquesta de Carlinhos, a quienes acompañó durante tres años, en cuyo lapso aprendió a ejecutar la batería con clases por las noches y la guitarra con el músico Tito Cava.

Posteriormente, en la Provincia de Mendoza, interpretó temas folklóricos con el pseudónimo de Nery Nelson durante tres meses en “Radio Cuyo” y grabó dos discos con el sello Azteca, con temas como “La edad del amor”, “No te enojes nena”, “Mira el arco iris” y “Cupido”.

Luego modificó su nombre artístico por el de Tony Varano.

Más tarde, tras ser rechazado por la compañía discográfica Odeón, se dirigió a la grabadora Discofonía, donde grabó un disco simple con las canciones “Ya no quiero” y “La locura”.

En 1962 se presentó en la empresa RCA Víctor y cantó el tema de su autoría “Sácate la careta” ante el directivo Ricardo Mejía, quien lo convocó como compositor y además le cambió el apelativo Nery Nelson por el de Palito Ortega, debido a su contextura delgada. "Vos parecés un palo", le dijo Mejías.

Ese mismo año grabó otro disco en donde presentó “Burlado” y “Déjala, déjala”, con la colaboración de Dino Ramos. Igualmente se integró al “Club del Clan, transmitido por Canal 13, en donde su canción más popular fue “Despeinada”, de Chico Novarro.

En 2012, grabó la cortina musical del programa de TV «Prende y apaga» de la señal de noticias TN (Todo Noticias) y «Por los caminos del Rey», su primer disco con composiciones nuevas después de 25 años, íntegramente grabado en Memphis (Tennessee), EE. UU. junto a la agrupación original que acompañó a Elvis Presley en sus comienzos: los Memphis Boys.

Su primer gran éxito fue “Sabor a nada”, tema interpretado cinco veces en privado para uno de sus impulsores artísticos que tenía problemas con su esposa.

Su composición “Papeles” fue un éxito continental en la voz de Enrique Guzmán.

Discografía 1962. “Palito Ortega”.

1963. “Palito siempre primero”.

1964. “Palito Ortega”.

1965. “Internacional”, “Canta boleros en Río” y “Fiebre de primavera” (Con Violeta Rivas).

1966. “Mi primera novia”, “En Beverly Hilton” y “Nashville”.

1967. “Quiere casarse conmigo?”, “Un muchacho como yo”, “Lo mejor de Palito Ortega”, “Impacto” y “El magnetismo de Palito Ortega”.

1968. “El ángel de Palito Ortega” y “El creador”.

1969. “Muchacho de oro”, “Corazón contento” y “Viva la vida!”.

1971. “Ramón Ortega "Palito" y “El fenómeno”.

1972. “El auténtico”, “La sonrisa de mamá” y “Felicidades”.

1973. “Yo tengo fe”.

1974. “Un canto a la vida”.

1975. “Canciones románticas”.

1976. “Por siempre Palito”.

1977. “15 años de éxito”, dos volúmenes.

1978. “Me gusta ser como soy”.

1979. “Autorretrato”.

1980. “Creo en Dios”.

1981. “Ese hombre agradecido”.

1982. “20 años con la música”.

1983. “Afectos”.

1984. “Cuando suena una canción”.

1986. “Yo soy latinoamericano” y “Ayer, hoy y siempre”.

1989. “De fiesta”.

1992. “Cronología”, dos volúmenes en CD compilatorios.

2001. “Sodero de mi vida”.

2004. “Pasado y presente”.

2006. “Palito Ortega hoy”.

2009. “Canciones para mi”.

2011. “El concierto”.

2012. “Por los caminos del Rey”.

2015. “Canta con amigos” .

Reconocimientos 1991. Hernán López Echagüe publicó el libro Palito Ortega: del ocaso artístico al éxito político, con ayuda de “Ediciones Letra Buena”. También ha publicado un libro sobre él Sergio Crespo, quien lo presentó con el auspicio de “Ediciones Nueva Ola”.

2009. Recibió un homenaje en el ciclo televisivo de Susana Giménez, donde se recorrió su trayectoria.

2013. Fue distinguido en Lules, su ciudad natal, y una de sus calles adoptó su nombre: Av. Ramón Bautista Ortega… El 20 de noviembre en la ciudad de Las Vegas, Estados Unidos, lo agasajó la academia Grammy Academy Award con el Premio Latino a La Excelencia Musical por el aporte que hizo durante su carrera a todo el habla hispana durante 4 décadas de música popular.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. http://www.cmtv.com.ar/

SANDRO Roberto Sánchez, su nombre real, nació en el sector Valentín Alsina de Buenos Aires, Argentina, el 19 de agosto de 1945 y falleció en Guaymallén, provincia de Mendoza del mismo país, el 4 de enero de 2010.

Además de cantante, fue compositor, músico, actor, productor, director y conductor de televisión.

Se le conoció como “Sandro de América”, “Gitano” y “El Ídolo de América”.

Desde la niñez se sintió atraído por la música y los primeros años de su carrera estuvieron influenciados por el cantante norteamericano Elvis Prisley, a quien imitó desde el último año de la educación primaria, cuando el Día de la Independencia argentina, el 9 de julio de 1957, en el acto de la escuela, su maestra de 6.º grado lo invitó a realizar su conocida imitación de Elvis, llevándose los aplausos y la ovación del público asistente.

Sus primeros conocimientos musicales los adquirió de un amigo guitarrista, Enrique Irigoytía, con el cual formó un dúo de voces y guitarras que le permitió participar en concursos de canto en los suburbios del sur del Gran Buenos Aires.

Para entonces hacía una versión del bolero “Quién será”, del compositor Pablo Beltrán Ruiz, y cantaba también y algo de rock and roll en los agrupos formados después, “El Trío Azul”, integrado además por Enrique Irigoytía y Agustín Mónaco, y el dúo “Los Caribes”, con su amigo Enrique Irigoytía.

Años después reveló: “Yo me nutrí con el rock. Gracias al rock dejé las calles, las navajas y las cadenas, y agarré una guitarra. Dejé la campera de cuero y las pandillas. El rock me salvó. Me salvó de que fuera quizás un delincuente.

En 1960 adoptó el nombre artístico de Sandro, que le habían querido poner sus padres y las autoridades no lo permitieron. Su primera actuación con ese nombre fue en un local llamado “Recreo Andrés”.

Fue uno de los fundadores del rock en español en América Latina, publicó 52 álbumes originales y vendió 8 000 000 copias, según algunos, y conforme a la versión de otros, 22 000 000.

Entre sus mayores éxitos se cuentan los temas “Dame fuego”, “Quiero llenarme de ti”, “Penumbras”, “Porque yo te amo”, “Así”, “Mi amigo el Puma”, “Tengo”, “Trigal”, Una muchacha y una guitarra” y “Rosa Rosa”, su obra más famosa, que vendió 2 000 000 discos. Además, su canción “Tengo” fue considerada por la revista Rolling Stone y la cadena televisiva MTV como el N°15 entre los 100 mejores temas del rock argentino.

Durante su carrera también realizó 16 películas, y fue el primer latinoamericano en cantar en el salón “Felt Forum” del Madison Square Garden.

En 1960, en sus primeros intentos como solista, adoptó el seudónimo de Sandro, y al poco tiempo formó el grupo “Los Caniches de Oklahoma” y grabó su primer sencillo, un rock en español de su autoría, “Comiendo rosquitas calientes en el Puente Alsina”.

Desde 1963 el conjunto pasó a llamarse “Sandro y Los de Fuego”, que comenzó haciendo versiones de los temas clásicos del rock anglosajón, rock en español de artistas y grupos como The Beatles, Elvis Presley, Rolling Stones, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, etc. Fue uno de los primeros grupos en comenzar a cantar las canciones de rock internacional en castellano.

El 13 de septiembre de 1963 grabó su primer disco, un simple para la filial argentina de CBS, pero sin el grupo “Los de Fuego”, pero no tuvo trascendencia, aunque en noviembre del mismo año su segundo disco simple, le arrojó uno de sus primeros hits de baladista romantico con la canción “Dulce”. A principios de 1965 apareció “Sandro y los de Fuego”, su primer álbum, que incluyó versiones de “Los Beatles”. A mediados de 1967 lanzó su último álbum de la etapa roquera, “Beat Latino”.

A fines de la década del 60 empezó a cambiar radicalmente su estilo, abandonando el rock and roll clásico en español, para diseñar un repertorio más popular, siendo uno de los pioneros de la balada romántica latinoamericana, derivada del bolero, que se convertiría en el género pop latino por excelencia en la siguientes décadas.

El primer trimestre de 1968 terminó de consolidar su fama en una continuidad exitosa, lanzando un simple por mes, todos éxitos: "Porque yo te amo", "Como lo hice yo" y "Una muchacha y una guitarra", entre otros.

En febrero de ese año, su nuevo triunfo en el Festival de Viña del Mar (Chilele abrió las puertas de los países latinos: Venezuela, Colombia, Perú, Uruguay, Paraguay, Ecuador, México, Puerto Rico, Costa Rica y República Dominicana y las comunidades latinas de Estados Unidos.

En 1972 fue el primer artista en cantar en el Luna Park de Buenos Aires, hasta entonces un ámbito exclusivamente boxístico, con un amplio éxito.

Reconocimientos 1968. En Caracas fue galardonado como el artista o cantante extranjero del año con el trofeo Rafael Guinand entregado por un grupo de artistas, cronistas de radio y televisión y por el público venezolano.

1969. Nuevamente recibió el trofeo Rafael Guinand.

1970. Recibió por primera vez en Caracas el trofeo Meridiano de Oro. Tal galardón lo alcanzó consecutivamente hasta 1975 y 1978.

1971. Fue premiado en Francia en el Festival Internacional de Cantantes Galos y luego fue invitado a cantar en el Festival de la Canción de San Remo (Italia), actuación que repetiría al año siguiente.

1972. En Estados Unidos el premio Grand Ball al cantante del año, y Las Llaves de la ciudad de Miami.

1990. Ganó el Premio Martín Fierro al mejor programa musical de televisión.

1992. La telenovela venezolana El destino, fue presentada con una versión de Sandro y Olga Guillot del bolero “Arráncame la vida”, de Chico Novarro,

convirtiéndose en un éxito y a fin de año recibió el Premio ACE de Oro de la Asociación de Cronistas del Espectáculo.

1999. Por su destacada trayectoria musical, le fue otorgado el Premio Carlos Gardel de Oro, en su primera edición.

2004. El reconocido baladista dominicano Dharío Primero lanzó el álbum “De: Dharío Primero Al: legendario Sandro de América... Tributo”.

2005. En noviembre consiguió el Premio Konex de Platino al Mejor Solista Masculino de Pop y en Los Ángeles,Estados Unidos le hicieron un homenaje y le otorgaron el Premio Grammy Latino por su excelencia musical como cantautor y actor y por su trayectoria artística.

2009. El cantante venezolano José Luis Rodríguez celebró sus 40 años en la música grabando un disco homenaje a Sandro, el cual incluyó nueve de sus canciones más reconocidas.

2010. Se colocó una placa en el teatro “Gran Rex” y las autoridades autoridades bautizaron plazas con su nombre y levantó monumentos en diferentes ciudades de la Argentina.

2011. El Festival de Viña del Mar le rindió un homenaje y el gobierno de la ciudad de Buenos Aires realizó un mural a metros del Obelisco porteño en conmemoración de ser uno de los primeros roqueros argentinos.

2012. El 21 de junio de 2012 se inauguró en Junín, Provincia de Buenos Aires, una estatua suya en el Parque Natural Laguna de Gómez, esculpida por los artistas Marta y Pablo Ibarra.

2015. La Fundación Konex le otorgó el Premio Konex post mortem por su trayectoria.

La muerte El 4 de enero de 2010 el periódico colombiano El Espectador reseñó en los siguientes términos el fallecimiento del cantante:

Falleció Sandro de América El cantante argentino no se recuperó del trasplante de corazón y pulmón al que fue sometido en noviembre pasado.

Por: Agencias El popular cantautor argentino Sandro murió este cuatro de enero a los 64 años en una clínica de la provincia de Mendoza, luego de haber recibido en noviembre pasado un trasplante de corazón y pulmones, informaron fuentes médicas.

La situación crítica del músico había motivado que fuera sometido este lunes a dos intervenciones por complicaciones en su estado, tras el trasplante practicado el 20 de noviembre último a raíz de una enfermedad respiratoria crónica derivada de su adicción al tabaco.

"Lamento informar que Sandro dejó de existir", afirmó el médico Claudio Burgos, del Hospital Italiano de Mendoza, donde el músico estaba internado.

El artista había sido intervenido este lunes dos veces en un lapso de pocas horas a raíz de una nueva complicación bronquial, que agravó su delicado estado.

Los médicos del hospital Italiano de la ciudad argentina de Mendoza también habían pedido 40 donadores de sangre "para reponer" la que ya había sido destinada al cantautor, quien se sometió a cinco operaciones tras el doble trasplante que recibió.

"No somos Dios, estamos luchando contra una enfermedad que es muy grave con todos los recursos tecnológicos y médicos que tenemos", había indicado este lunes el médico Burgos.

Roberto Sánchez, el nombre real del artista, había sido operado por última vez el 22 de diciembre pasado a raíz de una lesión en la tráquea.

Sandro, 'El Gitano' El cantante argentino Sandro se hizo popular por su vestimenta, sus enormes patillas y sus movimientos pélvicos al estilo Elvis Presley que durante los conciertos provocaban gritos histéricos entre mujeres que arrojaban sus prendas íntimas al escenario.

Sus "nenas", como el cantante llamaba a sus admiradoras que mayormente son mujeres mayores de 50 años, fueron fieles hasta los últimos tiempos, cuando el artista debía hacer su show con un dispositivo en el micrófono que le permitía cantar y tomar oxígeno de un tubo al mismo tiempo.

Roberto Sánchez, su verdadero nombre, comenzó su carrera como cantante de rock con la banda 'Los de Fuego', pero el éxito le llegó en la década de 1960, cuando se inclinó definitivamente por las baladas románticas.

Durante su adolescencia, Sandro se interesó por la música, aprendió a tocar la guitarra y participó en varios conjuntos de música pop, como Los Caribes o Los caniches de Oklahoma, con éxito desigual, hasta que llegó a 'Los de Fuego', el grupo con el que alcanzó la popularidad.

Con esta banda llegó a la pantalla chica y el éxito fue tal que el grupo pasó a ser conocido como 'Sandro y Los de Fuego'.

En la década de los 60 transitó así una carrera ascendente que lo llevó a ganar el Primer Festival de Buenos Aires de la Canción con el tema 'Quiero llenarme de ti' (1967) y a saltar a la pantalla grande con su primera película, también llamada de igual forma (1969), a la que seguirían 'La vida continúa' y 'Gitano', entre otras.

En 1982, Sandro protagonizó su primera novela, 'Fue sin querer', en un canal de Puerto Rico, y al regresar a Argentina condujo durante unos meses el programa musical 'Querido Sandro' que, sin embargo, no tuvo el éxito esperado, pese al delirio que despertaba.

'El Gitano', como era llamado, grabó más de 40 discos, con millones de copias vendidas, y actuó en 13 películas. Con los años, se convirtió en uno de los cantantes más populares de Argentina y sus canciones, que se hicieron famosas en gran parte de Latinoamérica, fueron interpretadas por decenas de artistas locales y extranjeros.

Para muchos, fue una inspiración para el rock nacional y algunos lo consideran el primer rockero argentino. De hecho, el rock le rindió su tributo con la grabación, a fines de la década de 1990, de un trabajo en el que un grupo de músicos de bandas como Los Fabulosos Cadillacs y Divididos interpretaron sus temas.

Entre escenarios y hospitales Sus problemas de salud comenzaron a fines de la década de 1990, cuando los médicos le detectaron un efisema pulmonar. Desde entonces estuvo hospitalizado varias veces en estado grave, pero logró volver a los escenarios, asistido por lo que él llamaba un "micrófono de MacGyver", en alusión al personaje de una serie de TV estadounidense, que le proveía oxígeno.

Con los años, su salud se fue deteriorando y en 2008 se hizo pública la noticia de que necesitaba un trasplante cardiopulmonar, con sus pulmones funcionando a menos del 10 por ciento de su capacidad.

En una entrevista a fines de 2006, cuando ya estaba muy afectado por su enfermedad, contó que había rechazado ofertas para hacer publicidades de cigarrillos.

"Estaría hipócritamente propagando el veneno que a mí me llevó adonde estoy. (...) Pero para mí es como ofrecerle un pibe a un pedófilo, aunque suene fuerte el ejemplo", dijo.

La popularidad de 'El Gitano' hizo que cada 19 de agosto, para su cumpleaños, decenas de mujeres se congregaran frente a su casa en la localidad de Banfield, cercada por un enorme muro para evitar el acoso de sus seguidoras.

Al festejo se sumaban todos los años imitadores del artista, que frente a su vivienda hacían un show emulando sus características cejas levantadas y el temblor de sus labios al cantar.

El artista confesó que se vio obligado a construir el "paredón" porque sus seguidoras le pintaron varias veces la fachada de la casa, se metían en su propiedad y le repetían de memoria los diálogos de sus películas. Y hasta llegaron a robarle dos perros.

"Soy un prisionero de Sandro. El me obliga a realizar ciertas cosas que a mí no me gustan (...). Quiero vivir como Roberto Sánchez. O Don Sánchez, como me gusta que me llamen", dijo una vez.

A comienzos de la década de 1970 actuó en el Madison Square Garden y todo parecía indicar que comenzaba su carrera internacional. Pero eso no sucedió. Según contó, se negó a firmar un contrato por 10 años con condiciones que le parecían excesivas y dijo ser "muy rebelde" para eso.

Con orgullo afirmaba que seguía interpretando sus canciones con los mismos tonos que décadas atrás y que antes de resignarlos prefería no volver a cantarlas.

Discografía cronológica 1964. “Presentando a Sandro”.

1965. “Sandro y Los de Fuego”.

1966. “Al calor de Sandro y Los de Fuego”, “El sorprendente mundo de Sandro” y “Alma y fuego”.

1967. “Beat Latino”.

1968. “Quiero llenarme de ti”, “Una muchacha y una guitarra” y “La magia de Sandro”.

1969. “Sandro de América” y “Sandro”.

1970. “Sandro” (temas de su película "Muchacho) y “Sandro en New York”.

1971. “Sandro espectacular”.

1973. “Sandro después de diez años”.

1974. “Sandro... Siempre Sandro”.

1975. “Tú me enloqueces” y “Live in Puerto Rico”.

1977. “Sandro... Un ídolo”.

1978. “Sandro”, “Sandro Brasil” y “Querer como Dios manda”.

1979. “Sandro”.

1981. “Sandro”.

1982. “Fue sin querer”.

1984. “Vengo a ocupar mi lugar”.

1986. “Sandro”.

1988. “Sandro del 88”.

1990. “Volviendo a casa”.

1992. “Con gusto a mujer”.

1994. “Clásico”.

1996. “Historia viva”.

2001. “Para mamá”.

2002. “Para mamá” (Edición especial).

2003. “Mi vida, mi música”.

2004. “Amor gitano”.

2005. “Sandro en vivo”, edición remasterizada de Historia viva por Warner Music Group.

2006. “Secretamente palabras de amor”.

Fuentes “Falleció Sandro de América”. El Espectador, 04-01-2010.

Wikipedia, la enciclopedia libre. www.sandrofilm.com

LEONARDO FAVIO Fuad Jorge Jury, su nombre real, nació en Las Catitas, provincia de Mendoza, Argentina, el 28 de mayo de 1938, y falleció en Buenos Aires el 5 de noviembre de 2012.

Cantante, actor, compositor, director de cine, guionista y libretista.

Fue llamado “El Juglar de América”. Se le considera uno de los precursores de la balada romántica latinoamericana en los años sesenta y setenta, alcanzando el éxito en toda América Latina.

De pequeño aprendió a tocar guitarra, intercambiando clases por trabajo y antes de hacerse famoso sólo cantaba en reuniones íntimas, entre amigos y familiares.

Discográficas: CBS, “Caytronics”, Discophon, Parnaso, Melody, Microfón, Interdisc, Music Hall, Melopea, DLB, Ifesa y Sony México.

Con sus películas ganó premios nacionales e internacionales. Dos de ellas, “Crónica de un niño solo” y “El romance del Aniceto y la Francisca” han sido consideradas entre las mejores de la historia del cine argentino.

En 2001, recibió el Diploma al Mérito de los Premios Konex como uno de los cinco mejores directores de cine de la década en Argentina.

“Ding Dong estas cosas del amor” (con Carola), “Simplemente una rosa”, de la película del mismo nombre; “Fuiste mía un verano”, “Ella ya me olvidó”, “Quiero aprender de memoria”, “Mi tristeza es mía y nada más” y “Para saber cómo es la soledad”, se cuentan entre sus temas más populares. Sus canciones han sido versionadas en más de catorce idiomas.

Fue entonces cuando quizá motivado por las trabas económicas que el cine le estaba significando, decidió lanzarse sorpresivamente al canto profesional, cosechando un éxito que le permitió en numerosas oportunidades solventar gran parte de sus películas.

Su debut como cantante le llevó a “La Botica del Ángel”, a manos de Eduardo Bergara Leumann. Ese mismo día un ejecutivo de la CBS le propuso grabar un disco, resultando el primer sencillo de “Quiero la libertad, un gran fracaso”. No obstante la productora entonces le aconsejó grabar “Fuiste mía un verano” y “O quizás simplemente le regale una rosa” íconos de su primer álbum, también titulado así (1968).

El disco resultó emblemático, constituyendo el más clásico de sus repertorios y tras su participación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, Chile, consolidó su fama internacional.

Pero luego de grabar su segundo álbum “Leonardo Favio” (1969) y en pleno apogeo de su éxito como cantante, dejó los escenarios para dedicarse por completo a su películas “Juan Moreira (1973).

“Nazareno Cruz y el lobo” (1975), la película más vista en la historia del cine argentino, lo consolidó como director fílmico.

Discografía 1.

Álbumes

1968. “Fuiste mía un verano”.

1969. “Leonardo Favio, 1970: Hola che”.

1971. “El talento de Leonardo Favio” y “Vamos a Puerto Rico”.

1973. “Favio 73”.

1974. “Era... cómo podría explicar” 1977. “Será cuestión de conversar” y “Nuestro Leonardo Favio.

1978. “Hablemos de amor” y “En concierto en Ecuador”.

1983. “Aquí está Leonardo Favio”.

1985. “Yo soy”.

1987. “Amar o morir”.

1988. “Más que un loco”.

1989. “Te dejaré”.

1992. “Leonardo Favio, un estilo”.

1997. “Me miró”.

2001: Romántico a morir”.

2.

Compilaciones

1970. “Favio”.

1978. “Los más grandes éxitos de Leonardo Favio”.

1982. “La historia de un ídolo”.

1993. “Fuerza y sentimiento”.

1994. “20 de colección”.

1997. “Serie 50 años”.

1998. “Sus grandes éxitos en España” (2 CD).

2000. “De amor nadie muere”.

2008. “Voces del amor” (solo Argentina y Chile).

2011. “30 grandes éxitos” (2 CD).

Fuentes http://www.biografiasyvidas.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

LEO DAN

Leopoldo Dante Tévez Coronel, su nombre real, nació en Villa Atamisqui, Santiago del Estero, Argentina, el 22 de marzo de 1942.

Además de cantante y compositor, es actor.

Voz de tenor.

Discográficas: CBS Records, Sony Music, Ariola, BMG y Universal Music.

Durante su carrera ha grabado más de 36 álbumes en Argentina, Perú, Chile, Colombia, España y México. Al grabar con mariachi consolidó su fama internacional.

Se vinculó con la música por iniciativa propia. A los cuatro años de edad aprendió a tocar la armónica y la flauta, sus primeros instrumentos, y a los once, cuando compuso sus primeras canciones, adquirió el domino de la guitarra.

A los veinte años viajó a Buenos Aires, presentándose en CBS (Sony Discos), donde inmediatamente firmó el primer contrato discográfico. Su primer gran éxito "Celia", llegó a los primeros lugares en los rankings de popularidad a la semana de haber salido al mercado.

El éxito continuó con los temas “Fanny”, “Cómo te extraño, mi amor”, “Estelita”, “Libre solterito y sin nadie”, “Santiago querido”, “Qué tiene la niña”, “Por un caminito” y “Solo una vez”, entre muchos más.

Realizó su propio programa de televisión “Bajo el Signo de Leo”, en el canal 9 de Argentina.

Más tarde vivió en España, país donde grabó los también exitosos temas “Mary es mi amor”, “Con los brazos cruzados”, “Siempre estoy pensando en ella”, “Cómo poder saber si te amo” y “Será posible amor”, etc.

En 1970 fijó residencia en Ciudad de México durante una década, convirtiéndose en el primer baladista que grabó con mariachi y obtuvo grandes éxitos.

Allí, temas como “Te he prometido”, “Esa pared”, “Toquen mariachis canten”, “Mi última serenata”, “El radio está tocando tu canción”, “Pareces una nena”, “Yo sé que no es feliz”, “Con nadie me compares” y “Mary es mi amor”, alcanzaron en el primer lugar.

En 1980 regresó a Argentina y compuso los exitosos temas “Más que un loco”, “Pídeme la Luna», “Fue una noche de verano” y “Ojos azules”, entre otros.

Sus temas han sido grabados en diferentes géneros: tropical, folklore, cumbia, tango, vallenato, rancheras y traducidos al italiano, portugués, alemán, francés, inglés, y japonés e intrepretados, entre otros, por Leonardo Favio, Palito

Ortega, “Los Maravillosos”, Marisela, Ramón Ayala Jr., José José, Ornella Vanoni, “Grupo Garibaldi”, Marco Antonio Muñiz, Pedro Fernández, “Los Carlos”, María Marta Serra Lima, “La Sonora Dinamita”, Olga Guillot, Wilfrido Vargas, Toño Rosario, “Los Mirlos”, “Los Diners”, “Los Tobas”, Alex Bueno, “Los Manseros Santiagueños”, Lorenzo Montecarlo, Julio Preciado y “Café Tacuba”.

Ha vendido más de cuarenta millones de copias en todo el mundo y actuado en escenarios de toda Latinoamérica, Estados Unidos, Australia, Europa y Canadá.

Igualmente ha actuado en las películas “Santiago querido”, “Como te extraño mi amor”, “La novela de un joven pobre” y “La muchachada de a bordo”, también actuó. Escribió un libro titulado Un pequeño grito de fe, donde refleja sus pensamientos sobre la vida.

Es considerado como uno de los principales representantes argentinos del estilo musical llamado Nueva Ola que marcó la música hispanoamericana entre los años sesenta y setenta.

Por su labor artística se ha hecho merecedor de algunos Discos de Oro, varios premios Ascap, un Grammy como Mejor Compositor.

En mayo de 2011 inició la conducción en “Radio Felicidad” (Perú) del programa "Leo Dan y sus amigos", de frecuencia diaria de una hora de duración.

Discografía cronológica 1963. “Leo Dan”.

1964. “Cómo te extraño mi amor” y “El fenómeno”.

1965. “Bajo el signo de Leo”.

1966. “Libre, solterito y sin nadie”.

1967. “Así soy yo” y “La novela del joven pobre”.

1968. “Quiero que me beses amor mío”.

1969. “Te he prometido” y “Y que viva el amor”.

1970. “Con los brazos cruzados” y “Mucho, mucho”.

1971. “¿Cómo poder saber si te amo?” y “Triunfador de América”.

1972. “Quien no tiene una ilusión”.

1973. “Para ti mis canciones”, “Para qué” y “Siempre estoy pensando en ella”.

1974. “Tú llegaste cuando menos lo esperaba”.

1975. “Ranchero”.

1976. “Amar, sabiendo perdonar” y “Tú”.

1977. “Pero esa vez, lloré”.

1978. “XV años de oro”.

1979. “Ahora con mariachi” y “Tengo que buscar a Lola”.

1980. “Con sabor ranchero”, “Santiago querido” y “Vallenato”.

1981. “Canta folklore”, “Mi vida la paso cantando” y “Niña que tienen tus ojos”.

1982. “El radio está tocando tu canción” y “Tengan cuidado”.

1983. “Con sabor a México” y “Linda”.

1985. “La fe de un elegido”.

1986. “Ojos azules”.

1987. “Serie de colección 15 auténticos éxitos”.

1988. “Más que un loco”.

1989. “Noche de verano”.

1990. “Soy de cualquier lugar”.

1991. “Leo rap”.

1992. “Como un león”.

1993. “Antología musical”.

1994. “Después de conocerte”.

1996. “Así es el amor” e “Ídolos de siempre”.

1997. “Acompáñame”.

1999. “A pesar de los años” (Disco Cristiano); “Todos sus grandes éxitos en España”, “Encuentro santiagueño” y “Mis 30 mejores canciones” (2 CD).

2001. “Amanecer”.

2002. “20 de colección” y “Éxitos con mariachi”.

2003. “Personalidad” (20 éxitos) y “De regreso” (Sus grandes éxitos "Nuevas grabaciones").

2004. “20 éxitos de Leo Dan” (en vivo) y “Lo esencial” (14 canciones).

2005. “20 éxitos originales”.

2006. “Canciones de amor”.

2007. “La historia”.

2008. “Lo esencial” (Edición limitada-15 canciones).

2009. “Aires de zamba”.

2010. “Leo, escribo y canto” y “Tesoros de colección”.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

LUIS MIGUEL Luis Miguel Gallego Basteri, su nombre real, nació en San Juan, Puerto Rico, el 19 de abril de 1970, pero desde la niñez se estableció en México, cuya nacionalidad adquirió.

Cantante, pianista y productor musical.

Voz de tenor lírico ligero.

Se le conoce como “El Sol de México” y “Luismi”.

Ha interpretado con éxito música pop, funk, villancicos, jazz, big band, bolero, mariachi, tangos y baladas románticas y ganado cinco premios Grammy y cuatro premios Grammy Latinos, entre otros.

Es uno de los cantantes latinos más reconocidos por la academia estadounidense de la grabación y el más joven en obtener el premio, a los quince años de edad, por un dueto con la cantante escocesa Sheena Easton en el tema “Me gustas tal como eres”.

Sus ventas superan los 100 millones de discos en todo el mundo. .

Debutó exitosamente en 1981 como cantante en la boda de la hija del entonces presidente de México, José López Portillo, gracias al apoyo del entonces jefe de la policía de Ciudad de México, Arturo Durazo Moreno.

Debido a ese evento fue contratado en 1982 por la disquera EMI y grabó, contando para el momento con apenas 12 años de edad, su primer álbum titulado “1+1=2 enamorados”, al que siguieron “Directo al corazón”, el cual marcó el comienzo de su trayectoria artística, “Palabra de honor”, a dúo con la cantante escocesa Sheena Easton, y “Décidete”.

En 1985 ganó su primer premio Grammy con el tema “Me gustas tal como eres”, a dúo con la cantante Sheena Easton, incluido por ella en su único álbum en idioma español “Todo me recuerda a ti”.

Con dicha cantante participó en el Festival de Viña del Mar (Chile) de ese año y logró ganar su primer premio en el exterior, la Antorcha de Plata. El segundo lo obtuvo como participante del Festival de la Canción de San Remo (Italia), con el tema “Noi ragazzi di oggi”.

A los discos ya citados se añadieron después “Decídete”, “Palabra de honor” y “La chica del bikini azul”, que después dio lugar a su única producción en italiano, “Collezione Privata” (1985).

El año siguiente obtuvo por segunda vez la Antorcha de Plata.en el Festival de Viña del Mar. Posteriormente grabó tres álbumes de balada española pop, "Soy como quiero ser", "Busca una mujer" y "20 años" con sus singles (“Eres tú”, “Fría como el viento”, “Esa niña”, “Culpable o no”, “Un hombre busca una mujer”, “La incondicional”, “Separados”, “Entrégate”, “Tengo todo excepto a ti”, “Amante del amor”, “Hoy el aire huele a ti” y “Más allá de todo”).

El 25 de noviembre de 1988 lanzó al mercado el álbum “Busca una mujer”, cuyo primer sencillo, “La incondicional”, se mantuvo siete meses en el primer lugar de diversas listas de popularidad, del cual se extrajeron siete sencillos que ocuparon el número uno en las listas Billboard Hot Latin Tracks durante más de un año.

Dos años después su álbum “20 años” vendió en tan sólo una semana más de 600.000 copias y seis sencillos del álbum entraron simultáneamente en el Top 100 de México. Además, ganó dos Antorchas de Plata en el Festival de Viña del Mar y recibió el premio Excelencia Europea en España y su primer World Music Award en Mónaco, siendo el primer latinoamericano en recibir dicho reconocimiento como Best Selling Artist.

En 1993 se convirtió en el primer cantante latino que consiguió un lleno absoluto en el Madison Square Garden de Nueva York y agota las entradas cuatro veces consecutivas en el Universal Amphitheater de Los Ángeles, repitiendo este hecho también con tres fechas en el Knight Center de Miami.

El 30 de agosto de 1994 salió al mercado “Segundo romance”, que entró directamente en la lista de los “Top 200” mejores de Billboard en el 27, puesto de entrada más alto jamás conseguido por un álbum en español hasta ese momento.

Asimismo recibió más premios Billboard y Lo Nuestro, con “La media vuelta”, ganó su tercer Grammy fue honrado con 350 discos de platino y el World Music Award como el Mejor Cantante Latino del año.

Ese mismo año recibe la nacionalidad mexicana, de manos del entonces presidente Carlos Salinas de Gortari.

El 17 de octubre del siguiente año lanzó al mercado su primer álbum en vivo, titulado “El concierto”, grabado durante sus presentaciones en el Auditorio Nacional, en formatos de CD, casete, Laser Disc y Home Video que rompió récords de venta. En ese disco doble debutó en el género ranchero al cantar los temas “El rey”, “Si nos dejan”, “La media vuelta” y “Amanecí en tus brazos”.

En 1996 Walt Disney Studios lo invitó a grabar “Sueña”, versión en español del tema principal de la cinta de dibujos animados de este estudio, “El jorobado de Notre Dame”, incluido en su siguiente álbum, “Nada es igual”, que vendió 1.300.000 copias y recibió 30 discos de platino. El segundo sencillo del mismo, “Dáme”, se situó en primer lugar en todas las emisoras de habla española en los Estados Unidos, además de México, Centroamérica, Sudamérica y España.

Ya antes su éxito “No sé tú” fue convertido en el tema central de la película Speechless.

El 12 de agosto de 1997 lanzó al mercado “Romances”, su tercer álbum de boleros, producido por él mismo y con la colaboración de Armando Manzanero y del desaparecido músico, compositor y arreglista argentino Bebu Silvetti, que debutó en el 14 de Billboard Top 200, la posición más alta jamás alcanzada por un álbum en español.

Ese disco logró vender más de 4.5 millones de copias, siendo el álbum que más ha vendido en menos tiempo, con cincuenta discos de platino a nivel mundial, su cuarto Grammy en 1998, el Billboard Latin 50 Artist of the Year y el premio al Mejor Álbum Pop Masculino del año, además de su cuarto World Music Award

como Best Selling Latin Artist. El mismo año recibió sus tres galardones Furia Musical.

“Por debajo de la mesa” y los sencillos que le siguen, “El reloj”, “Contigo (estar contigo)”, “Bésame mucho”, “De quererte así” y “Sabor a mí” alcanzaron el número uno en las listas de radio en toda América Latina.

El 19 de julio de 1999 lanzó “Sol, arena y mar”, primer sencillo, que en su primera semana alcanzó el primer lugar en Argentina, Chile y México, deparándole tres Grammy El 14 de septiembre de ese mismo año trabajó en un nuevo material discográfico titulado “Amarte es un placer”, en el cual colaboró desde su fase de producción e interviene como autor y arreglista de varias canciones.

El 3 de octubre de 2000 apareció el álbum “Vivo”, grabado durante los conciertos de la gira en Monterrey, que incluyó grandes éxitos a lo largo de su carrera y temas inéditos.

A finales de 2001 y 2002 aparecieron “Mis romances” (cuarto trabajo de boleros, con el sencillo “Amor, amor, amor”) y “Mis boleros favoritos” (disco que recopiló lo mejor de sus interpretaciones, más un DVD).

El 30 de septiembre de 2003 lanzó su primer disco con temas originales desde haceía cuatro años. Lo tituló “33”, en alusión a su edad.

En 2004 presentó su primera producción con mariachi titulado “México en la piel”.

El siguiente año lanzó al mercado la colección “Grandes éxitos, su primer álbum recopilatorio, y el 14 de noviembre de 2006 presentó su álbum “Navidades”, constante de 11 temas navideños originarios de Estados Unidos versionados al español.

El 6 de mayo de 2008 Luis Miguel apareció su nuevo álbum, titulado “Cómplices”, contentivo de doce temas inéditos del compositor español Manuel Alejandro.

En septiembre de 2009 salió a la venta “No culpes a la noche”, álbum de sus éxitos pop en versiones remix.

El primer sencillo de su producción “Labios de miel” fue lanzado el 2 de agosto de 2010.

En 2012 cantó en la noche inaugural del LIII Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, logrando obtener por vez primera Gaviota de Platino, premio nunca otorgado a ningún artista anteriormente.

Reconocimientos 1982. A tan solo tres meses del lanzamiento de su primer disco se convirtió en un fenómeno de ventas obteniendo 2 discos de platino y 3 discos de Oro por las ventas del álbum “Un Sol” cuyo sencillo “1 + 1 = 2 enamorados” en México, 2 discos de platino en Venezuela, 1 disco de platino en Argentina, 1 disco de Oro en Chile, Uruguay y España.

1985. Al cumplir los quince años, Luis Miguel ganó su primer Grammy de la Academia de Artes y Ciencias en los Estados Unidos por el dueto con Sheena Easton, la Antorcha de Plata en el Festival Viña del Mar de Chile y el segundo

premio en el Festival de la Canción en San Remo (Italia) con el tema “Noi ragazzi di ogg”i.

1987. El disco “Soy como quiero ser” lo hizo acreedor a ocho discos de oro y cinco de platino. De igual modo el tema “Un hombre busca una mujer” le permitió obtener la Antena de Cristal del presidente de México en reconocimiento por su trayectoria artística y varios premios por la prensa y radio debido a su interpretación en discos y videos.

1990. Ganó dos Antorchas de Plata y Platino en el Festival de Viña del Mar (Chile); el premio al Mejor Cantante latinoamericano en el encuentro de Música Internacional de Montecarlo y el premio Excelencia Europea en España.

1991. Su álbum “Romance” logró ventas de casi ocho millones de copias alrededor del mundo y más de siete discos de platino; recibió el premio "World Music Awards", por ser el artista latino de mayor venta de discos; se convirtió en elprimer artista latino que recibe un Disco de Oro en Estados Unidos por un álbum en español y recibió discos de oro en Brasil y Taiwán.

1992. Se hizo de los premios de música Billboard como "El Mejor Artista Latino" y "Mejor Álbum Latino", del Mejor Video Musical Internacional de los Premios MTV por su canción “América”, que no se presentó a recibirlo; el “Laurel de Oro” en Chile al Mejor Álbum del año” y al "Mejor Artista Masculino" en Paraguay. Ese año se convirtió en el único cantante de Latinoamérica que actuó en el evento previo a las olimpiadas de Barcelona 1992 1993. Ganó cuatro premios "Lo Nuestro" por “Romance”, el premio "Mejor Álbum Internacional" y "Mejor Artista Internacional" en los premios Ronda de Venezuela; el Trofeo ACE en Argentina y el premio como "Mejor Vídeo Musical Internacional" por MTV. 1994. Con “Aries” obtuvo el Grammy por Mejor Álbum Latino Pop. Asimismo ganó dos premios Lo Nuestro en las categorías de "Artista Pop del año" y "Álbum Pop del año, el premio de la revista Billboard como "Mejor Artista Masculino del año" y "Mejor Álbum del año, y 24 discos de platino y 6 de oro en Estados Unidos y Latinoamérica. De igual modo su álbum “Romance” se hizo acreedor a 50 discos de platino y el World Music Award como el “Mejor Cantante Latino del Año” y el reconocimiento por parte de la RIAA (Recording Industry Artists of America) a raíz de la venta de más de dos millones de copias por “Romance” y “Segundo romance” en Estados Unidos.

1995. Obtuvo su tercer Grammy por “Segundo Romance”, ganó premio en los "World Music Awards" en Montecarlo como "Artista Latino Más Vendedor de Discos del año” y recibió tres premios "Lo Nuestro" a la música latina.

1996. Se hizo acreedor a su estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood.

1997. Recibió el premio "Amigo" en España como mejor cantante internacional y además logró el Premio al Mejor Álbum Pop Masculino del Año, el Premio Ondas al Mejor Artista Latino y Cuarto World Music Award como Best Selling Latin Artist. También obtuvo 50 discos de platino a nivel mundial.

1998. Por el álbum “Romance” fue galardonado con 27 discos de platino, 11 en Argentina, 8 en Chile, 4 en España y 4 en México, además de 2 de oro.

Asimismo recibió el premio Grammy en la categoría de "Best Latin Pop Performer”,

y por tercera vez el premio "World Music Award" bajo la categoría de "Mejor Cantante Latino."

1999. En México fue homenajeado con 4 discos de platino y de oro por Amarte es un placer, que también lo hizo acreedor a otro Billboard.

2000. “Amarte es un placer” obtuvo tres Grammy Latino como Álbum del año, Álbum Pop con vocalista y Mejor interpretación de vocalista masculino, y “Vivo” consiguió otro Billboard y un Premio Amigo en España por mejor voz de un álbum en vivo.

2001. Recibió el premio Lo Nuestro a la Excelencia por su trayectoria siendo la primera vez que a un cantante de este evento lo condecoran con este premio.

2003. Por su álbum N° 33 obtuvo un reconocimiento por parte de la productora Warner Music.y vuelve hacerse acreedor a muchos discos de oro y platino en los países hispanoparlantes.

2005. Su álbum “México en la Piel” lo hizo acreedor al Grammy Latino al Mejor Disco Ranchero, al Premio Grammy, Mejor Álbum Mexicano/MéxicoAmericano, al Billboard Latino al Mejor Disco Ranchero y la Gira del Año Latina y al Premio "Lunas" del Auditorio Nacional al Mejor Concierto Pop del Año 2005.

2006. Por su disco “México en la Piel” recibió Grammy al Mejor Disco México Americano y el Premio Billboard en la categoría "Gira del año".

2007. Recibió el Premio Juventud, categoría Cultura Pop. 2009. Le es otorgada la Dalia de Plata, por el Auditorio Nacional de Ciudad de México.

2011. Se hizo merecedor del Reconocimiento Auditorio Nacional por ser el único artista con 200 presentaciones en la historia del recinto.

2012. Le entregaron las llaves de la ciudad de Viña del Mar, por primera y única vez, en reconocimiento a sus 30 años de carrera, y gaviota de oro, plata y platino.

2014. Recibió el premio Billboard "Gira del año" por su gira "The hits tour".

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. http://www.luismigueloficial.com/ http://www.excelsior.com.mx

RICARDO MONTANER

Héctor Eduardo Reglero, su nombre de pila, nació en Buenos Aires, Argentina, el 8 de septiembre de 1957, y aunque también tiene la nacionalidad colombiana, se considera venezolano.

Cantante, compositor y actor.

A temprana edad, se radicó Maracaibo, Estado Zulia, donde creció y se formó como cantante.

Su primer productor musical, el cantautor ítalovenezolano Roberto Luti, y otros amigos, decidieron que debía tener un nombre artístico, En tal sentido escogieron el nombre de Ricardo en vez de Héctor, y el artista adoptó el apellido de su mamá.

Esta cantante ha vendido a lo largo de su carrera más de 100 millones de copias de todos sus álbumes.

“Me tocó cambiar de país. De próceres. De amigos. De estaciones. [...] Ese cambio en mi vida me marcó mucho. A un chamo lo sacas de su ambiente, y es muy duro. [...] Estudio en el colegio de los claretianos y le metía a cualquier deporte, y aprendí de manera autodidacta a tocar la guitarra y la batería. La música me dio seguridad”, confesó el artista, ya en la cumbre de su carrera, en el programa “Entrevista”, conducido.

Y si quedaba alguna duda sobre su venezolanidad, añadió: “No hay ambigüedad. Yo lo tengo muy, muy clarito. Y a veces siento que no es demasiado justo para conmigo. Te diré qué siento yo exactamente. Yo me siento absoluta y totalmente venezolano. Pero déjame especificar: yo me siento zuliano. Me siento un artista de Maracaibo, zuliano, que vino a Caracas y le fue bien, como a muchos otros. Y no me siento para nada un artista argentino y lo digo con mucho respeto a Argentina”.

En los inicios de la adolescencia, compuso su primera canción, “Noches de primavera”, inspirada en su primera novia, Ana Vaz, con la que después se casó.

A los 16 años (1973), formó parte como baterista de una banda de rock de Maracaibo llamada Scala, hasta que un día, durante una de las presentaciones, el cantante del grupo enfermó y él ocupó su lugar. Fue en esta última agrupación cuando, a los 17 años, pudo conocer a un productor que reconoció su talento, Roberto Luti, lanzándolo en 1976 como solista con un sencillo llamado “Mares”, contentivo del tema homónimo y “Júrame”.

Dicha producción primigenia, revelaría años después el artista, fue “un disco que nadie compró” y que sólo él lo conservaba “para regalar a mis verdaderos amigos”.

Dos años antes había participado en el Festival Internacional de la Canción de Trujillo, en el marco del Festival de la Primavera. Quedó en cuarto lugar con el tema “Murallas”.

En 1982 la compañía discográfica Gaviota, propiedad de Roberto Luti, grabó su primer álbum financiado por él mismo, titulado “Cada día”, que tuvo un discreto éxito en Maracaibo.

En 1984 envió el single “Ella está con lágrimas en los ojos”, para las emisoras radiales de Mérida y actuó como telonero de varios artistas venezolanos en La Feria del Sol de dicha ciudad.

Ese tema fue coreado por los asistentes de la Plaza de Toros quienes gritaban “otra, otra, otra”, por lo cual Rodolfo Rodríguez Miranda, empresario de la compañía discográfica venezolana Rodven Discos, conocida después como Líderes-Rodven y Sonorodven, lo contrató formalmente. Así nació su primer LP, “Ricardo Montaner”, muy bien recibido por el público.

Uno de los singles de la producción, “Yo que te amé”, fue escogido como tema principal de la telenovela “Enamorada”, transmitida por Venevisión. Por otro lado el éxito de venta le permitió obtener sus primeros Discos de Oro y Platino.

Los otros temas fueron “Ojos negros”, “Vamos a dejarlo”, “Necesito de ti” y “Extraño sentimiento”.

Pero su primer éxito internacional llegó en 1988, con el disco “Ricardo Montaner 2” y la canción “Tan enamorados”, traducción de “Per noi innamorati”, del cantautor italiano Gianni Togni, que se popularizó tanto en Venezuela como en México, Argentina, Uruguay y Colombia, entre otros. En esa producción fue incluido el tema “Tu piano y mi guitarra”, interpretado a dúo con el cantautor argentino Alejandro Lerner.

Su segundo disco fue más popular que el primero y una de las canciones se eligió como tema de la telenovela “Niña bonita”, donde trabajó como actor.

En 1990 se produjo el lanzamiento del tercer álbum de estudio, “Un toque de misterio”, de donde fue extraído el primer single, “La cima del cielo”, que sirvió como tema para un videoclip ecológico y turístico sobre las cataratas del Salto Ángel y los tepuyes del Estado Bolívar.

En 1991 apareció su cuarto álbum de estudio, “En el último lugar del mundo”, en honor a Chile, el cual llegó a posiciones de honor de los rankings de la Billboard. Del mismo se extrajeron los singles: “Será”, “Muchacha” y “Vamos pa' la conga”, un verdadero éxito que lo convirtió en clásico internacional.

Ese mismo año ganó el Premio Gaviota, máximo galardón del famoso Festival de la Canción de Viña del Mar, Chile, evento donde obtuvo todas las demás preseas. También recibió el galardón de la Revista Billboard, como Cantante Masculino del año, en el apartado de música latina.

En 1992 grabó su última producción discográfica para la empresa Sonorodven, titulado “Los hijos del sol”.

Varias veces se hizo merecedor del Premio Meridiano de Oro.

A fines de ese año firmó contrato con la disquera venezolana Sonografica, y con la televisora RCTV, realizando varios conciertos en el Teatro La Campiña y el Teatro Teresa Carreño.

En 1994 apareció su sexto álbum de estudio, “Una mañana y un camino”.

El 4 de septiembre de 1994 se presentó en el Estadio Hiram Bithron en Puerto Rico junto a Yolandita Monge en el SUCESO II y ambos artistas presentaron tres conciertos el mismo día, en diferentes ciudades de la isla (Mayagüez, Ponce y San Juan), estableciendo un record en el libro de Guiness, al presentarse en tres diferentes ciudades el mismo día.

En 1995 salió a la venta el álbum “Viene del alma”, grabado en los estudios Abbey Road, de Londres, Inglaterra, célebres porque allí grabaron The Beatles, entre tantos otros artistas internacionales.

En 1997 se desvinculó de la disquera EMI y firma un nuevo contrato discográfico con Warner Music, lanzando su nuevo álbum “Es así”.

En 1999 grabó en Londres un álbum, con matices orquestales y un repertorio selecto de sus mejores canciones, titulado “Ricardo Montaner con la London Metropolitan Orchestra”.

En 2001 salió a la venta el álbum “Sueño repetido” constante, entre otros, de los temas “La clave del amor”, “Resumiendo”, “La novia del sol” y “Bésame”, que se ha convertido en el tema más versionado del artista, con un total de 7 remakes, tanto por él mismo como por otros artistas, entre ellos Thalía, David Bustamante y la cantante chilena Myriam Hernández. Esa canción acompañó los últimos capítulos de la telenovela “Yo soy Betty, la fea”. También hizo una versión de una de las canciones venezolanas más grabadas y aclamadas a nivel internacional, Moliendo café”, del maestro Hugo Blanco.

El año siguiente se produjo la grabación, en los estudios locales Castle Recording, de “Suma”, un álbum de boleros, con diez temas de su autoría.

En 2003 regresó con un nuevo disco llamado “Prohibido olvidar”, constante de once temas y en 2004 volvió a unirse a la London Metropolitan Orchestra para editar el Vol. 2, un disco con nuevas versiones de sus grandes éxitos.

“Tengo verano” fue su siguiente producción, editado a principios de 2005, y en agosto de ese año salió su próximo disco de estudio titulado ”Todo y nada”, grabado en Miami y Los Ángeles.

En febrero de 2007 apareció el álbum “Las mejores canciones del mundo”, una selección de temas de otros artistas interpretados con su sello personal. Fue tanto el éxito que en noviembre del mismo año lanzó la segunda edición con doce hits en nuevas versiones y algunos temas propios.

En 2007 Billboard lo honró con su máximo Premio a la Esperanza y en noviembre del mismo año UNICEF, lo nombró Embajador de Buena Voluntad en pro de la niñez.

Es miembro de la fundación América Latina en Acción Solidaria (ALAS), organización integrada por artistas latinoamericanos que tiene como propósito enfrentar la pobreza.

En 2009 regresó con un disco de composiciones propias, “Las cosas son como son”, constante de doce nuevos temas.

Un año y medio más tarde editó “Soy feliz”, con canciones interpretadas en vivo y un inédito homónimo.

En octubre de 2012 firmó contrato con la empresa discográfica Sony Music, para grabar un total de cinco álbumes.

Creó el sello discográfico y presentaciones le permitió al artista crear su propio sello discográfico denominado Hecho a Mano Discos, con el cual apoyó a nacientes cantantes y grupos locales, que lamentablemente cerró sus puertas en 2003.

Desde 1993 mantiene una fundación filantrópica, “Hijos del Sol” (que es, a su vez, título de uno de sus álbumes), en la que promueve proyectos en favor de la niñez, tales como campañas de vacunación, distribución de alimentos y ayuda a huérfanos.

El jueves 17 de noviembre de 2016 recibió un Premio Especial de los Latin Grammy en la ciudad de Las Vegas, Estados Unidos, tras lo cual declaró el día antes, según reportó el oficioso periódico caraqueño El Correo del Orinoco: -Al partir a una gira que inicia en las Vegas y culminará en la ciudad de Monterrey, México, el cantante venezolano Ricardo Montaner recordó que mientras eso sucede, en Venezuela hay más de 100 presos políticos, razón por la que dedicó el premio del Latin Grammy que recibirá este jueves.

En un mensaje que escribió en su página de Facebook, Ricardo Montaner dijo que este miércoles aterrizaría en Las Vegas para recibir el premio especial de la Academia de la Grabación por su contribución a la música.

“Quiero dedicar este galardón, a todos ellos, a los presos de conciencia, a los presos políticos de Venezuela” El cantautor también dedicó el galardón a los miles de venezolanos que a diario hacen colas a las puertas de los supermercados para comprar alimentos a precios regulados y a los que a diario están hurgando en la basura para encontrar algo que llevarse a la boca.

A continuación el texto completo Hola, hoy comienzo un nuevo viaje hasta el 8 de diciembre, me pasearé por #Vegas #BuenosAires #Montevideo #Asunción #Santiago #CiudadDeMexico #MeridaYucatan #Monterrey .

Viajaré como siempre, de la mano de mi salvador JESÚS y de la libertad que tengo por derecho…

Mientras todo esto sucede, en #Venezuela más de 100 #Presos Politicos, alguno ya con 1000 días de cautiverio como #Leopoldo Lopez, aguardan por la respuesta a sus y a nuestras oraciones… cuanta lagrima? cuanta espera desesperada, cuantos días perdidos y ganados para la libertad?… cuantas veces habrán llorado todos ellos?, como sus familias, como nosotros… pero desde adentro de un calabozo, mientras tú y yo, vemos la SuperLuna o nos asomamos a la ventanilla del avión ,para ver el paisaje…

No hay paisaje en la carcel… no hay paisaje en “la tumba”… a veces tampoco hay esperanza.

Hoy estoy por aterrizar en #LasVegas , para recibir un premio especial que la Academia de la Grabación #LatinGrammy me otorga por “mi contribución a la

música”… (la verdad, me sorprende, no sabía que había contribuido en algo con la música).

Quiero dedicar este galardón, a todos ellos, a los #PresosDeConciencia a los #PresosPoliticos de #Venezuela, a los oprimidos, al pueblo que estará en una fila de supermercado o escarbando en la basura, mientras yo recibo un #Grammy…

Mi oración, mi reflexión, mi amor y mi eterno agradecimiento, al país que le dio a mis padres y a mí,la esperanza de un futuro promisorio, el mismo futuro que hoy deseo para cada venezolano …

Dios Bendícenos a todos… Que viva la libertad…

Ricardo

Fuentes “Ricardo Montaner dedica su Latin Grammy a los presos políticos”. El Correo del Orinoco, 16 de noviembre de 2016.

Wikipedia, la enciclopedia libre.

ARMANDO MANZANERO Armando Manzanero Canché, su nombre real, nació en Mérida, Yucatán, México, el 7 de diciembre de 1935.

Además de cantante es compositor, acordeonista, pianista, productor y actor.

A los 8 años inició estudios de música en la Escuela de Bellas Artes de su pueblo natal, que completó en Ciudad de México.

En 1950 compuso su primera melodía, “Nunca en el mundo”'; al año siguiente inició su actividad profesional como pianista y seis años más tarde comenzó a trabajar como director musical de la casa filial mexicana de la compañía discográfica CBS Internacional. Y nueve años más tarde grabó el primer disco con canciones de su autoría.

Los temas de su autoría, en su mayoría exitosos, suman más de 600, interpretados, entre otros, por Libertad Lamarque, Pedro Vargas, Hugo Avendaño, Bobby Capó, María Conchita Alonso, José Alfredo Jiménez, Olga Guillot, Edith Márquez, Diana Navarro, Myriam, Alejandro Lora, Lucas Arnau, Roberto Carlos, Andrés Calamaro, Vikki Carr, Ana Torroja, Ana Gabriel, Daniela Romo, Cristian Castro, Alejandro Fernández, Lucero, Paulina Rubio, Ricardo Montaner, Rocío Dúrcal, Raphael, Elis Regina, Javier Caumont, David Bisbal, Rosa López Mina Mazzini, José José, Luis Miguel, Elvis Presley, Christina Aguilera, Frank Sinatra, Tony Bennett, Chavela Vargas, Alejandro Sanz, María Dolores Pradera, Andrea Bocelli, Celia Cruz, Juan Gabriel, Myriam Hernández, Hedí Gorme, Jhonny Marthis y Paul Muriat, Más de 50 de esas melodías han alcanzado fama internacional, especialmente “Somos novios”, “Esta tarde vi llover”, “Contigo aprendí”, “Mía”, “Adoro”, “Esta tarde vi llover”, “Un loco como yo”, “Voy a apagar la luz”, “Todavía”, “Como yo te amé”, “No”, “Parece que fue ayer”, “Cuando estoy contigo”, “Te extraño”, “Señor amor”, “Por debajo de la mesa”, “No sé tú”, “Nada personal” y “Antes de, después de”.

En 1965 ganó el primer lugar del Festival de la Canción en Miami con el tema “Cuando estoy contigo” y el siguiente año Carlos Lico puso en primeras posiciones de radio su canción “No”.

En 1967, animado por un ejecutivo de la filial mexicana del sello RCA Víctor, grabó su primer disco, titulado “Mi primera grabación”, con canciones propias.

Tres años más tarde el cantautor estadounidense Sid Wayne, versionó su canción “Somos novios” en idioma inglés, titulándola “It’s impossible”.

En 1978 obtuvo el primer lugar del Festival de Mallorca en España con el tema “Señor amor” y cuatro años después su canción “Corazón amigo” se llevó los honores en el Festival Yamaha.

En 1993 la revista Billboard le otorgó el Premio a la Excelencia por su trayectoria artística.

En 2001 ganó el Latin Grammy al mejor dúo o grupo pop vocal por Duetos, donde cantó con artistas como Olga Tañón, Alejandro Sanz, Ricardo Montaner, Lucero y Miguel Bosé.

Nueve años después, recibió el Premio a la Excelencia Musical de la Academia Latina de la Grabación, que entrega los Latin Grammy.

En septiembre de 2010, tras la muerte de Roberto Cantoral, asumió la presidencia del Comité Directivo de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).

El siguiente año 2011, el legendario cantante norteamericano Tony Bennett grabó con el español Alejandro Sanz una versión bilingüe de “Esta tarde vi llover” (titulada en inglés “Yesterday I Heard The Rain”) para su álbum superventas “Duets II. En 2012, colaboró en el disco “Orígenes: el bolero”, de los españoles “Café Quijano” cantando mano a mano con ellos en la canción “Quiero que mi boca se desnude”.

Y el siguiente año participó en la grabación de la segunda parte del disco “Gracias a vosotros” de la legendaria cantante española María Dolores Pradera, interpretando a dúo “Esta tarde vi llover”.

El sábado 27 de enero de 2014 se convirtió en el primer mexicano en recibir un Premio Grammy honorífico por su trayectoria, el cual le fue otorgado por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (The Recording Academy) de Estados Unidos.

Discografía cronológica 1967. “Mi primera grabación”, “A mi amor... con mi amor” y “Manzanero el Grande”.

1968. “Somos novios”, “Armando Manzanero, su piano y su música” y “Qué bonito viven los enamorados”.

1969. “Para mi siempre amor”.

1972. “Tiempo de Amar”.

1976. “Lo mejor de Armando Manzanero”.

1977. “Fanático de ti” y “Corazón salvaje”.

1979. “Ternura y romance”.

1981. “Mi trato contigo”.

1982. “Otra vez romántico”.

1985. “Armando Manzanero”.

1987. “Cariñosamente, Manzanero”.

1988. “Mientras existas tú”.

1990. “Sus 26 Grandes Boleros”.

1991. “Las Consentidas”.

1992. “Las canciones que quise escribir”.

1993. “Entre amigos”.

1995. “El piano... Manzanero y sus amigos” y “Amando la Libertad”.

1996. “Nada personal”.

1997. “Íntimos” (con Bebu Silvetti) y “La Libertad de Manzanero”.

1999. “Lo mejor de lo mejor”.

2001. “Duetos”.

2002. “Duetos 2”.

2005. “Lo esencial” y “Todos Los Duetos”.

2006. “Canciones de Amor”, “De la A a la Z” (Con Susana Zabaleta) y “Master y Class” (Album Doble).

2007. “20 Éxitos Originales”.

2008. “Big Band Jazz de México” y “Las mujeres de Manzanero”.

2009. “Amarrados” (Con Susana Zabaleta).

2010. “Canciones que enamoran”.

2013. “Armando un pancho” (Con Francisco Céspedes).

Fuentes http://www.analitica.com http://sacm.org.mx https://es.wikipedia.org

GENARO SALINAS

Genaro Salinas Carmona, su nombre de pila, nació en Tampico, Tamaulipas, México, el 19 de septiembre de 1918 y falleció en Caracas, Venezuela, el 28 de abril de 1957.

Cantante de bolero, pasodoble, ranchera y vals.

Fue llamado “El Tenor de la Voz de Oro”.

Discográficas: Discos Peerless,Odeon, RCA Victor y Discos Musart.

Desde pequeño se inscribió en la Academia de Canto Giadam, de su su pueblo natal, donde recibió una instrucción musical adecuada que le permitió aprovechar al máximo las potencialidades de su voz.

En 1939 debutó en un concurso de cantantes aficionados organizado por la emisora radial XES, en el cual obtuvo el primer lugar, sin embargo, el premio en efectivo debió usarlo para pagar los gastos del sepelio de su madre, que había muerto recientemente.

Se cuenta que cuando el presentador mexicano Roberto Soto lo escuchó cantar por vez primera, lo atrajo de inmediato al programa que él presentaba en el Teatro Lírico del Distrito Federal, y fue incluido luego, en el elenco artístico de la XEW, en donde fue conocido como “La Voz de Oro de México”.

En 1941, grabó sus primeras canciones para la filial mexicana de RCA Víctor con las orquestas de Rafael de Paz, Miguel Ángel Pazos y Absalón Pérez; teniendo resonantes éxitos discográficos con “La número cien”; “Aquella tarde”; “Volverás”; “Callecita”; “Amor Siboney”, etc. Y desde el siguiente año hasta 1943 las grabaciones fueron en Peerles, con la orquesta de Juan S. Garrido, resultando éxitos muy importantes los temas “Un secreto”; “Silverio”; “Tuya”; “Esta noche de amor”; “Adiós para siempre”; “Al fin” y “Resignación”.

Más tarde actuó en un festival celebrado en La Habana, y en 1946 viajó a Buenos Aires, Argentina, contratado por el Centro Social Español “El Tronío”, donde tuvo la posibilidad de cantar en la orquesta del violinista argentino Américo Belloto Varoni.

En esa ciudad también actuó para la Radio "El Mundo" y fue tal su éxito que de cidió quedarse en ese país.

A partir de dicho año desarrolla una meteórica carrera de éxitos en Colombia, Chile, Venezuela y Perú.

De tal época datan los éxitos: “Celos”; “Así”, “Traicionera”, “Tu desesperación”, “Una noche”, “Si tu vuelves a mí”, “Conozco a los dos”, “Ansiedad”, “Vida de mi vida”, “Noviecita”, etc.

Luego actuó en Caracas, Venezuela, y regresó a su país en 1952, donde firmó un contrato con RCA Victor, grabando boleros y temas chilenos y paraguayos que había aprendido durante su estancia en Argentina, acompañado en algunas de las grabaciones por el “Sexteto Fantasía”, el “Mariachi Vargas de Tecalitlán” y la orquesta del músico Chucho Zarzosa.

Retornó a Venezuela en 1957, donde justamente en la mañana del 28 de abril de ese año fue encontrado agonizante debajo de un puente de la Avenida Victoria de Caracas, con politraumatismos generalizados y falleció el mismo día.

El estado de sus finanzas era precario, pero afortunadamente el tenor venezolano Alfredo Sadel, se hizo cargo de los gastos de su funeral.

Fuentes Wikipedia, la enciclopedia libre. http://genarosalinas.org.mxOmar Martínez Benavides. “Genaro salinas el tenor de la voz de oro”.

NÉSTOR CHAYRES

Néstor Mesta Chayres, su nombre de pila, nació en Ciudad Lerdo, Durango, México, el 26 de febrero de 1908, y falleció en Ciudad de México, D. F. el 29 de junio de 1971.

Cantante. Fue llamado "El Gitano de México".

Escuchando viejos discos de ópera y tratando de imitarlos comenzó a cantar desde niño.

A los 17 años fue becado para ingresar al Conservatorio Nacional de Música de Ciudad México, graduándose en 1930 El año anterior había debutado en el “Teatro Bolívar” como solista del Conservatorio ofreciendo su primer recital. Al graduarse debutó por la XEB. La compositora María Grever lo considero el mejor intérprete de sus canciones. Además Rafael Hernández compuso canciones especialmente para él.

En Argentina estudió las 7 canciones populares de Manuel de Falla con el propio autor, poco antes de la muerte del gran músico español.

En 1933 hizo su primera gira internacional a Cuba, grabando el primer disco en México el año siguientes para el sello Peerles, “Morena”, de Jorge del Moral, y “Rocío”, de Alfonso Esparza Oteo.

Diez años después, por diligencia de André Kostelanetz, quien lo había dirigido con la Sinfónica de México, debutó por los micrófonos de la CBS y tal fue la aceptación del público que al poco tiempo fue contratado por la NBC “y caso raro,-oberva Egly Colina Men en su texto “Néstor Mesta Chayres”- cantó por más de 3 años simultáneamente por las dos más renombradas radio-emisoras neoyorquinas.

El 14 de noviembre de 1945 ofreció un apoteósico recital en el Town Hall de New York y en la misma ciudad, otro en el Carnegie Hall, acompañado por la Filarmónica de New York, y el año siguiente debutó en Canadá con la Orquesta Sinfónica de Montreal.

-Las canciones de Agustín Lara alcanzaron en la voz y el temperamento de Mesta Chayres – acotó también Egly Colina Men en el citado texto- el nivel de canciones de arte, particularmente los pasodobles que le ganaron el apelativo de “El Gitano de México”.

Además añadió que “Néstor Mesta Chayres fue uno de los pocos artistas populares en ser representado por la oficina de Sol Hurok y realizó a través de esa afamada agencia de artistas giras por todo el territorio norteamericano, Canadá,

América latina, así como por países tan alejados del sensualismo latino como Holanda, Noruega, Suecia y Finlandia”.

Entre julio-agosto de 1955, durante la Semana Aniversaria de “La Voz Dominicana”, compartió escenario con María Luisa Landín, María Elena Márquez, Amalia Mendoza, Nicolás Urcelay, Luis Aguilar, Luis Arcaráz y su Orquesta, Flor Silvestre y Fernando Fernández, entre otros. En 1959 en la IX edición de dicho evento lo había hecho con Chabela Durán, Tito Guízar, Ruth Fernández, Fernando Fernández, Fernando Albuerne, Toña La Negra y otros intérpretes.

Grabó en Venezuela para la RCA Victor, con la orquesta de Radio Caracas Radio.

Su repertorio estuvo integrado, entre otros, por los siguientes temas: “Cuerdas de mi guitarra”, “El organillero”, “Silverio”, “Españolerías”, “Te quiero dijiste”, “Cuando me vaya”, “La zarzamora”, “Granada”, “Cuando vuelva a tu lado”, “Dos cruces”, “Cañitas”, “Pequeña”, “Doce cascabeles”, “Cobardía”, “Gitanillo”, “Asturias”, “Noche de ronda”, “Fermín” y “Volveré”.

Fuentes Egly Colina Mene. “Néstor Mesta Chayres”.

El Siglo de Torreón”, domingo 26 ene 2014.

RENÉ CABEL René José de Jesús Cabezas Rodríguez, su nombre real, nació el 9 de marzo de 1914 en Alquizar, ubicado en la actual provincia de Artemisa, Cuba, y falleció en Bogotá, Colombia, el 3 de abril de 1998.

Cantante. Es considerado como uno de los grandes boleristas de todos los tiempos.

Fue llamado “El Tenor de Las Antillas”.

Desde pequeño vivió en La Habana, donde empezó a destacarse en el canto, estudiando con el tenor dramático italiano Arturo Gobbi, quien se había quedado en Cuba, después de dejar la dirección de los coros que acompañaron a Enrico Caruso en la visita de este en 1919.

Después de dos o tres intentos con la ópera se concentró en los boleros y las canciones, siendo Ernesto Lecuona unos de los descubridores, triunfando junto a él en el “Teatro Nacional” al quedar incorporado en el elenco por la interpretación de “Yo quiero que tú sepas”.

En 1933 se inició en “Radio Salas” y en CMBD, convirtiéndose en uno de los artistas más solicitados de la radio.

Tuvo el acompañamiento al pìano de René Touzet, Juan Bruno Tarraza, Julio Gutiérrez y Orlando de la Rosa. Igualmente de las agrupaciones “Orquesta Hermanos Castro”, “Orquesta Hermanos Palau”, “Orquesta Casino de la Playa”, la orquesta de Alberto Brito y la que dirigía Enrique González Mántici.

Grabó con “La Habana Casino” y “La Riverside” y fue el cantante principal de la orquesta de Julio Gutiérrez.

En 1937 visitó México, donde grabó para discos Peerless. En ese país impresionó a Rafael Hernández, quien después vino a grabarle a Cuba 40 registros, casi todas composiciones del maestro boricua y de las cuales alcanzaron resonancia los temas “Despecho” (“Ódiame”), “Lejos de ti” y “Pobre gitana.

Posteriormente actuó en Colombia, Brasil, Argentina, Chile, Venezuela y Puerto Rico, donde alternó con el cantante colombiano Carlos Julio Ramírez.

Realizó grabaciones en la NBC, y en La Habana condujo el programa de televisión “Cita con René Cabell”, por el cual pasaron entre otros: Cantinflas, Arturo de Córdoba, María Félix, Pedro Vargas y Agustín Lara.

Entre los temas que interpretó exitosamente destacan “El Reloj”, “Tú me olvidas”, “Tú me acostumbraste”, “Palabras de mujer”, el ya mencionado “Despecho”, “Amigo”, “Irremediablemente solo”, “Cada vez más”, “Que será, será”, “Que injusticia”, “Nuestras vidas”, “Una mujer”, “Dicen que soy borracho”, “Mi eterna canción”, “Volveré”, “Vals de los quince”, “Siete noches”, “Vagabundo”, “Franqueza”, “Nunca, nunca, nunca”; “El amor algo divino”, “Santa”, “Mujer”, “Peregrina”, “La Barca” y “Cuéntame tus penas de amor”.

Fuentes https://www.ecured.cu https://elblogdelbolero.wordpress.com

LOS TRES ASES En los años 50 Juan Neri, director del “Trío Culiacán”, fundado en 1947, invitó a Marco Antonio Muñiz a suplir la ausencia de uno de sus integrantes y quedó tan complacido de su talento que lo dejó permanentemente en la agrupación.

Poco después pasó a llamarse “Los Tres Ases”, integrado así: Juan Neri, primera voz, requinto y director; Héctor González, segunda guitarra y voz y Marco Antonio Muñiz como maraquero, tercera voz y también voz solista.

Dejó como legado a la historia del bolero en México 8 LD grabados, incluyendo canciones como “El reloj”, “Enamorado de ti”, “Tu me acostumbraste”, “Historia de un amor”, “Estoy perdido”, “Sabor a mí”, “La puerta”, “Yo tengo un pecado nuevo”, “Noche playera”, “Delirio”, “México, luz y color”, “Cien mujeres”, “Tu indecisión”, “Mi camino”, “Miedo de quererte más”, “La enramada”, “Contigo en la distancia”, “No me platiques más”, “Seguiré mi viaje”, “Pretender”, “Allá tú”, y “Regálame esta noche”, entre otras El trío actuó exitosamente en Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Venezuela, Colombia y otros países de América Latina. En 1960 Marco Antonio Muñiz dejó la agrupación y decidió lanzarse como solista y aunque su salida de fue un duro golpe para el grupo esto no significó su desaparición.

En 1964 Neri falleció y Héctor González con otros nuevos integrantes continuó la vida artística del trío, que llegó a completar una carrera de más de 50 años. Pero al producirse su muerte en 2009 éste desapareció.

Discografía 1994. “Boleros inolvidables”.

2004. Éxitos originales” y “Éxitos de Oro”, vol. 1.

2007. “Los mejores tríos” y “Tesoros de Colección”.

2008. “Colección de Oro 20 éxitos originales”.

2009. “Piensa en mí”.

2011. “Cantan ranchero”.

2012. “Siluetas en trío”, “Imágenes del Ayer”, “Siempre junto a ti”, y “Cenizas” (Y los Santos).

2013. “Caray Caray más rancheras”, ´”Éxitos con Los Tres Ases”, “Tesoros de Colección”, “Serenata de amor”, “Classics by Los Tres Ases” y “Fiestas Mexicana en las voces de Los Tres Ases”.

2014. “Historia de un Amor”.

2016. “10 grandes éxitos” y “Feliz día mamá”.

2017. “Los Tres Ases”.

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Fuentes https://elblogdelbolero.wordpress.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

LINO BORGES Severo Alberto Borges Abreu, su nombre real, nació en Batabanò, Cuba, el 8 de agosto de 1933 y falleció en La Habana 23 de agosto de 2003.

Cantante. Ocupa un destacado lugar en la historia de la interpretación del bolero cubano.

Fue llamado “La Voz Romántica de Cuba”.

A los 16 años de edad actuó como profesional con la orquesta de J. R. González, en la que estuvo varios años, y después formó parte de los conjuntos “Universal”, de “Melena del Sur”, “Casablanca”, “Casino”, “Rumbavana” y “Saratoga”, donde permaneció durante dos décadas antes de convertirse en solista.

Dos de sus grandes éxitos fueron los boleros “Vida consentida”, que inmortalizó, del venezolano Homero Parra, y “Corazón de cristal”.

También su voz cantó exitosamente los temas “Corazón de cristal”, “Moriré de amor”, “Psicología”,”Morir soñando”, “Por tu falso amor”, “Que motivo”, “Amarga realidad”, “María Luisa”, “Que falta tú me haces”, “Hijo del alma”, “Paloma blanca”, “Canto mi propia vida”, “Te amaré”, “Y me haces pensar”, “Sombra que besa”, “Ahora estamos en paz”, “Dios me libre” y “No vale la pena”.

Fuentes El Blog de Tania Quintero. https://www.ecured.cu

TRIO CALAVERAS

En 1931 se organizó en la Universidad Nacional de México un concurso musical a nivel estudiantil y

se presentaron, formando trío, tres estudiantes de la Facultad de Medicina (José Gaxiola, Fernando Valdés Villareal y Roberto Guerrero de la Rosa), y como el emblema de la institución era una calaverita, se hizo llamar "Trío Calaveras". Ganó el evento con la canción "Virgencita" de Lorenzo Barcelata.

Posteriormente lo integraron José de la Cruz Pacheco, José Luis García Rosales y Luis Miranda Neri. de

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El trío tuvo especial importancia en el desarrollo de la música romántica y de la ranchera de México en el siglo XX. Por el éxito obtenido en la película "Las Cuatro Milpas" participaron en varias más a partir de 1937.

Ese año el trío, integrado entonces por Miguel Bermejo, Guillermo Bermejo y Raúl Prado, participó en la filmación de “Las Cuatro Milpas”. Igualmente grabó los temas "El Soldado de Levita", "Las Canastas", "Criollita", "La malagueña" y "Cielito lindo".

Entre 1939 y 1942 efectuó una gira por Centro y Sudamérica, con actuaciones en Venezuela, Colombia, Panamá, Perú, Chile, Argentina y Brasil.

Guillermo Bermejo dejó el trío en 1942 y en su lugar ingresó José Saldivar.

Ese mismo participó en la película “El Peñón de las animas”, con Jorge Negrete.

Entre los numerosos temas grabados se cuentan "La feria de las flores", "Fandanguito", "Rosita", "Caripito", "El arreo", "El pájaro Chogui", "A la luz de los cocuyos", "La Guaira”, "Flor Silvestre", "La cama de piedra", "Flor de Azalea" y "La malagueña".

En la película “Los Tres Caballeros” de Walt Disney (1944), prestó su voz para el trío veracruzano que interpretó primero el tema “Lilongo” y luego "Los Guerrero y los de León" y en el largometraje “Música Maestro” (1946).

Discografía En los álbumes que se mencionan a continuación aparecen los temas que prestigiaron nacional e internacionalmente al “Trío Los Calaveras”, “Tradición Mexicana 20 éxitos”, “Trío Los Calaveras”, “Sus Grandes Éxitos”, 2 volúmenes; “Sentimiento Mexicano”, “Mitos de México”, 2 volúmenes; “Lo Mejor de Los Calaveras”, Grandes Éxitos”, “Fina Estampa” y “25 Aniversario”.

Fuentes http://antonioberthier.jimdo.com http://triocalaveras.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

ALEJANDRO FERNÁNDEZ

Alejandro Fernández Abarca, su nombre real, nació en Guadalajara, Jalisco, México, el 24 de abril de 1971.

Es llamado “El Potrillo”.

Discográficas: BMG, Sony Music y Universal Music.

Sitio web: alejandrofernandez.com Facebook alejandrofernandezoficial Twitteralexoficial En un principio se especializó en formas tradicionales de música regional mexicana1 como ranchera y mariachi. Posteriormente se ha diversificado hacia el pop latino con toques urbanos, la balada y los boleros.

Ha logrado vender alrededor del mundo aproximadamente veinte millones de álbumes y se estima que en sus conciertos ha reunido a más de quince millones de personas, en varios países.

Ha compartido escenario, entre otros, con Juan Gabriel, Christina Aguilera, Beyoncé, Nelly Furtado, Leonel García, José Carreras, Chayanne, Marc Anthony, Gian Marco, Amaia Montero, Joan Sebastian, Gloria Estefan, David Bustamante, Malú, Julio Iglesias, Miguel Bosé, Mario Frangoulis, Ednita Nazario, Yuri, Franco De Vita, Diego «el Cigala», Marco Antonio Solís, José Luis Perales, Carlos Law, Antonio Orozco, Rod Stewart y Alejandro Sanz.

Debutó oficialmente como artista el 30 de marzo de 1992, con la publicación de su primer álbum “Alejandro Fernández”, bajo el sello Sony Music del cual se desprendieron grandes éxitos, “Necesito olvidarla”, “Brumas” y “Equivocadamente” que también le permitieron recorrer su país y algunas ciudades de Estados Unidos.

Reconocimientos En 1993 recibió el Premio Revelación Masculina en los Premios Tv y Novelas.

El 10 de diciembre de 1996 su producción “Muy dentro de mi corazón”, tan pronto salió a la venta obtuvo Doble Platino… “Puedes llegar” se convirtió en tema oficial de los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996.

En 1997 “Si tú supieras”, de su álbum “Me estoy enamorando” , le permitió ingresar en el mercado estadounidense donde estuvo siete semanas en el primer lugar de la lista de éxitos Billboard de música latina. También “En el jardín” , “No sé olvidar” y “Yo nací para amarte”. fueron consecutivamente número uno en las listas de música latina de la revista Billboard.12 Superó los 2,2 millones de copias vendidas en todo el mundo.

En 2000 ganó un Premio Grammy Latino en la categoría "Mejor Álbum Ranchero".

En la ceremonia de los Grammy Latino de 2004, celebrada en Los Ángeles, California, ganó en la categoría de Mejor Álbum Ranchero con “En Vivo Juntos Por Última Vez”.

También se le otorgó el premio de trayectoria artística en los premios “Tu Música» en Puerto Rico” y el galardón de la estrella en los premios Billboard Hot Latin Tracks, por su trayectoria y sus contribuciones a la música.

En octubre de 2005, durante el “Mes de la Hispanidad”, tuvo el honor de ser el anfitrión del programa “La herencia hispana” en The History Channel en español, que se transmitió a toda América y el 2 de diciembre la ciudad de Los Ángeles, le dio el honor de una estrella en el legendario Paseo de la Fama de Hollywood, en Hollywood Boulevard.

En abril de 2011 fue receptor discos de Oro y Platino por sus álbumes “Dos Mundos: Evolución” y “Dos Mundos: Tradición”.

En abril de 2015, obtuvo su primer “Certificado VEVO” tras alcanzar las 100 millones de visitas del videoclip en Youtube interpretando Hoy tengo ganas de ti, junto a Christina Aguilera.

Discografía 1. Álbumes de estudio 1992. “Alejandro Fernández”.

1993. “Piel de niña”.

1994. “Grandes éxitos a la manera de Alejandro Fernández”.

1995. “Que seas muy feliz”.

1996. “Muy dentro de mi corazón”.

1997. “Me estoy enamorando”.

1999. “Mi verdad”.

2000. “Entre tus brazos”.

2001. “Orígenes”.

2003. “Niña amada mía”.

2004. “Zapata: el sueño del héroe” y “A corazón abierto”.

2007. “Viento a favor”.

2009. “Dos Mundos” (Evolución) / “Dos Mundos” (Tradición).

2013. “Confidencias”.

2017. “Rompiendo fronteras”.

2. Álbumes en vivo 1999. “Christmas In Vienna”.

2002. “Un canto de México”, (En vivo desde Bellas Artes).

2003. “En vivo: juntos por última vez” (Con Vicente Fernández).

2005. “México-Madrid: en directo y sin escalas”.

2010. “Dos Mundos: Revolución”.

2014. “Confidencias Reales”.

3. Álbumes recopilatorios 2007. “15 años de éxitos”.

2008. “De Noche: Clásicos A Mi Manera”...

2009. “Dos Mundos” (Evolución + Tradición); “Dos Mundos: Collector Edition”, “Más Romántico Que Nunca: Sus Grandes Éxitos Románticos” y “Mexicanísimo: Sus Más Grandes Éxitos Rancheros”.

2011. “Lo esencial de… Alejandro Fernández”.

2012. “Canciones de amor”.

2015. “Sueño Contigo”.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

GLORIA ESTEFAN Gloria María Milagrosa Fajardo García, su nombre real, nació en La Habana, Cuba, el 1 de septiembre de 1957. Adquirió la nacionalidad norteamericana.

Cantante, compositora, guitarrista y percusionista.

Discográficas: Sony Music/Epic Records Sitio web: www.gloriaestefan.com Facebook: gloriaestefan Twitter: GloriaEstefan A lo largo de su carrera, ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, lo que la convierte en una de las artistas musicales con mayores ventas de todos los tiempos.

Es considerada como la Madre del Pop Latino y el diario británico The Sun la ubicó en el puesto número 13 de las 50 cantantes que jamás serán olvidadas.

Tras cursar estudios de psicología en la universidad, se unió a un grupo que tocaba música latina, donde comenzó a cantar y luego de varios conciertos, entró a formar parte del grupo de Emilio Estefan como cantante, cambiando el nombre del mismo por el de “The Miami Sound Machine”.

En 1980 la agrupación comenzó a publicar sus primeros trabajos: “Renacer”, “Miami Sound Machine” e “Imported”, donde mezclaba sonidos latinos con letras en español y en inglés.10 El siguiente año 1981 la CBS les ofreció un contrato con el que se dieron a conocer por toda Latinoamérica y publicaron varios discos más.

Su carrera como solista se inició exitosamente con el disco “Cuts Both Ways”, que logró El álbum tuvo un éxito vender más de 15 millones de copias en distintas partes del mundo. Uno de los sencillos, “Si voy a perderte”, obtuvo tal popularidad que llegó a ocupar la posición N° 1 en el Billboard Hot 100 durante 2 semanas.

Discografía cronológica 1989. “Cuts Both Ways”.

1990. “Éxitos de Gloria Estefan”.

1991. “Into the Light” y “Best of Gloria Estefan” .

1993. “Mi tierra”, “Gloria Estefan Greatest Hits” y “Christmas through your eyes”.

1994. “Hold me, Thrill me, Kiss me”.

1995. ”Abriendo Puertas”.

1996. “Destiny”

1998. “Gloria!”.

2000. “Alma caribeña”.

2001. “Gloria Estefan Greatest Hits”, vol. 2.

2003. “Unwrapped”.

2004. “Amor y Suerte: Éxitos Románticos”.

2005. “Oye mi canto: Grandes éxitos”.

2006. “The Very Best of Gloria Estefan” y “The Essential Gloria Estefan”.

2007. “90 millas”.

2008. “Gloria Estefan: i-tunes Originals”.

2009. “Playlist: The Very Best of Gloria Estefan”.

2010: Mis Favoritas 2010. “The Essential Gloria Estefan 3.0”.

2011. “Miss Little Havana”.

2013. “The Standards”.

Reconocimientos 1. Premio Lo Nuestro 1989. Mejor Grupo/pop balada.

1992, Premio a la Excelencia 1994. Mejor artista femenina pop, Mejor álbum tropical: “Mi tierra”, Artista femenina tropical y Mejor canción tropical.

1996. Artista femenina pop, Artista femenina tropical y “Canción tropical: “Abriendo puertas”.

2004. “Canción tropical: “Hoy” y Artista femenina pop.

2008. Artista femenina pop, Mejor álbum pop y Premio a su trayectoria.

2. Grammy 1994. Mejor álbum tradicional tropical: “Mi Tierra”.

1997. Mejor álbum tradicional tropical: “Abriendo puertas”.

2001. Mejor álbum tradicional tropical: “Alma Caribeña”.

3. Grammy Latino 2000. Mejor vídeo tropical: “No me dejes de querer”.

2008. Mejor álbum tropical: 290 millas”, Mejor canción tropical: “Pintame de colores” y Persona del Año: 2008.

4. Orgullosamente Latino 1995. Artista femenina del año y Canción del año.

1996. Álbum del año y Artista femenina del año.

2004. Artista femenina del año, Mejor canción y Álbum del año.

2005. Trayectoria latina.

5. Billboard 1994. Best Latin Artist y Best Latin Song.

1997. Best Latin Artist.

2001. Álbum tropical del año femenino: “Alma Caribeña”.

2004. Tema Latin Pop Airplay del año, Femenino: “Hoy” y Best Latin Artist.

2008. Álbum tropical del año: “90 millas”

6. MTV 1990. Best Latin Pop Song.

1994. Best Latin Artist y Best Tropical Song.

Best Latin Solo Artist. 1995 1997. Best Latin Song y Best Pop Song.

2004. Best Tropical Song y Best Latin Pop Airplay Song.

7. MTV Video Music Awards 1995. Best Latin Pop Video.

1998. Best Pop Video.

8. MTV EMA 1998. Mejor canciรณn latina y Mejor Artista Femenina.

9. American Music Awards 1990. Best Latin Artist.

1998. Best Latin Video.

Ademรกs, posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Igualmente en noviembre de 2015 fue galardonada con la Medalla de la Libertad mรกximo reconocimiento civil de Estados Unidos.

Fuente Wikipedia, la enciclopedia libre.

LOPE BALAGUER José Manuel López Balaguer, su nombre real, nació en Santiago de los Caballeros, República Dominicana, el 22 de agosto de 1925 y falleció en Santo Domingo el 29 de enero de 2015.

Cantante.

Fue llamado “El Cantantazo”.

En 1944 en Bonao hizo su primera presentación en la emisora “La Voz del Yuna”, con la Orquesta “San José” y el año siguiente debutó en el “Café Ariete” de Santo Domingo. La Revista HILL lo eligió como mejor cantante del país y le dio el nombre de “El Tenor de la Juventud. El mismo año viajó a Cuba, donde actuó en clubes nocturnos de La Habana y la radio, y adoptó el nombre artístico de Lope Balaguer.

Además de Cuba actuó en escenarios de Puerto Rico, Venezuela, Haití, Colombia, Guatemala, El Salvador, Panamá, Haití, Guadalupe, Martinica y Estados Unidos.

Discografía Grabó 28 discos de vinilo y una decena de CD contentivos de los temas ”Confesión de amor”, “Así es la vida”, “Huellas de dolor”, “Fácil de recordar”, “Súplica”, “Por todos los caminos”, “Hiéreme otra vez”, “Cría cuervos”, “Ríe”, “Ahora que estamos solos”, “Llámame”, “El torrente”, “Recuento”, “Y nadie más que yo”, “El duende”, “Mentirosa conmigo”, “Es curioso”, “Preciosidad”, “Adiós vida mía”, “En un mundo extraño”, “El beso que me diste”, “Maniquí”, “Días de escuela”, “Tuyo”, “Aparición”, “La hipoteca”, Corazonada”, “Sabes por qué”, “Papeles”, “Siempre tú”, “Yo soy aquel”, “En la oscuridad”, “Cada día más y más”, “Fue tu culpa”, “Si alguna vez”, “Te necesito”, “Serrana”, “Quisiera ser”, “Regresa a mi”, “Paraíso soñado”, “Hoja seca”, “Tuyo”, “Egoísmo”, “Al retorno”, “Ven”, “Desconfianza”, “Mi Adoración”, “Añorado encuentro”, “Habrá un nuevo mundo por amor”, “¿Por qué lloras?”, “Tiene que ser”, “Está bien”, “Como se trata una mujer”, “Toma mi amor”, “Mar de Insomnio”, “No me abandones”, “Estoy a tu orden”, “Mi gloria”, “Aquel romance”, “Peregrina sin amor”, “La razón”, “Hay mucho que olvidar”, “No me abandones”, “Sígueme”, “Por amor”, “Arenas del desierto”, “Crucé la frontera”, “Nunca te lo he dicho”, “Flor de naranjo”, “Tengo celos”, “Cuando me besas”, “Me siento bien contigo”, “Un día inolvidable”, “De qué vale que te quiera”, “Cuando vuelva la nieve”, “Tan solo un pobre corazón”, “Adulterio”, “No me arrepiento del cariño que te di”, “Que falta tú me haces”, “Alma libre”, “Abrázame

así”, “Mentiras tuyas”, “Noche negra”, “Anoche hablé con la luna”, “Gracias”, “Realidad”, “Ya no vuelvo a querer”, “No he de volver”, “La noche, la luna y yo”, “No te vayas”, “Espectacular”, “Quisiera contigo”, “Ausencia”, “Una mujer”, “Algo se va”, “Cuando llueve”, “Brindo por ti”, “Amnesia”, “El amor es uno”, “Remate”, “Pequeña mía”, “Es con usted”, “Sin ti”, “Mi vida es una canción”, “Popurrí en do menor”, “Vieja carta”, “Ternezas”, “No te vayas más”, “Confesión”, “El ruiseñor bohemio”, “La casita”, “Ojalá” y “No tengo corazón”.

La muerte Su fallecimiento, ocurrido el 29 de enero de 2015, fue reseñado por la periodista Ynmaculada Cruz Hierro, del periódico Listín Diario, en los siguientes términos: Muere el cantante Lope Balaguer EL ARTISTA MURIÓ ALREDEDOR DE LAS 5:00 DE LA TARDE EN SU RESIDENCIA Ynmaculada Cruz Hierro

Muere el cantante Lope Balaguer ynmaculada.cruz@listindiario.com Santo Domingo Falleció esta tarde el artista dominicano José Manuel López Balaguer (Lope Balaguer), a la edad de 89 años, conocido como “El Cantantazo”, uno de los mejores intérpretes de boleros de todos los tiempos.

Según confirmara el empresario artístico César Suárez, quien es cercano a la familia, el artista murió alrededor de las 5:00 de la tarde en su residencia.

Sus grandes interpretaciones fueron “Cría Cuervos”, “Mi gloria”, “No me abandones”, “Egoísmo”, “Serrana”, Arenas del desierto” y “Cuando florezcan las amapolas”, entre otras tantas.

Lope Balaguer nació en la ciudad de Santiago de los Caballeros el 22 de agosto de 1925, debutando en su ciudad natal a la edad de 15 años, según el Fichero Artístico de Jesús Torres Tejeda.

Siempre se caracterizó por decir sin temor lo que sentía. Defendió con uñas y dientes la clase artística dominicana, a la que siempre consideró maltratada y vejada en su propio país.

Sus restos serán velados a partir de este viernes en la funeraria Blandino, de la Abraham Lincoln, pero se desconoce el cementerio donde descansará.

Se recuerda que “El Cantantazo” estuvo casado con Flor de Oro Trujillo, la hija mayor del dictador Rafael Leónidas Trujillo. Al momento de su fallecimiento estaba casado con Miriam Pérez .

Fuentes Ynmaculada Cruz Hierro. “Muere el cantante Lope Balaguer”. Listín Diario, 29-01-2015.

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JUAN LUIS GUERRA

Juan Luis Guerra Seijas, su nombre real, nació en Santo Domingo, República Dominicana, el 7 de junio de 1957.

Cantante, compositor, arreglista, músico y productor.

Conocido como “El Maestro”.

Su repertorio comprende los ritmos merengue, bachata, mambo, balada romántica, pop latino y salsa Discográficas: Karen Records, VeneMusic, Capitol Latin, EMI Music y Universal Music Sitio web: juanluisguerra.com Ha cantado también en portugués e inglés, vendido más de 30 millones de discos y ganado dieciocho premios Grammy Latinos, dos Grammy norteamericanos y dos Premios Latin Billboard.

Creó la banda 440, cuyos primeros álbumes fueron “Mudanza y acarreo” y “Mientras más lo pienso... tú”, a los que siguieron “Ojalá que llueva café” con el cual conquistó el reconocimiento internacional y “Bachata rosa”, que se convirtió en un gran éxito y le otorgó su primer Grammy.

Dicho álbum que había vendido más de cinco millones de copias en ese momento, le permitió mantenerse firme en su gira por América Latina, Estados Unidos y Europa. Alí aparecen canciones de amor memorables como “Burbujas de amor”, “Bachata rosa”, “Rosalía”, “Como abeja al panal”, “A pedir su mano”, “Carta de amor”, y “Estrellitas y duendes”.

El disco “Ojalá que llueva café”, de 1988, significó el inicio de su consagración internacional, pues obtuvo ventas tales que se colocó en el primer puesto en muchos países de América Latina, siendo los temas más promocionados la canción que da título al disco, “Visa para un sueño” y la canción venezolana “Woman del Callao” compuesta por el venezolano Julio Delgado que dio a conocer primeramente el grupo “Un Solo Pueblo”.

El 11 de diciembre de 1990 fue la presentación del siguiente álbum, “Bachata rosa”, el primero que editó en CD, el más exitoso de su carrera desde el punto de vista comercial, que le prodigó el primer Grammy, donde dio conocer el ritmo popular de la bachata.

Ha compuesto canciones para los intérpretes Taty Salas, Emmanuel, Luis Miguel y “Miriam y sus Chicas”.

En 1991 creó la Fundación 440, destinada a los más necesitados en la República Dominicana, que en 1999 se transformó en Fundación Juan Luis Guerra.

En 1994, aunque criado y educado como católico, se convirtió al Protestantismo y en 2004 dio un giro en su carrera y empezó a componer canciones evangélicas.

El 16 de marzo de 2008, participó junto a Juanes, Miguel Bosé, Carlos Vives, Alejandro Sanz, Juan Fernando Velasco y Ricardo Montaner en el concierto «Paz sin fronteras», en la frontera entre Colombia y Venezuela.

Discografía cronológica 1984. “Soplando”.

1985. “Mudanza y acarreo”.

1987. “Mientras más lo pienso...tú”.

1988. “Éxitos”.

1989. “Ojalá que llueva café”, “Bachata rosa” y "Como abeja al panal".

1990. “Bachata rosa”, “A pedir su mano”, “La bilirrubina” y “Los Grandes Éxitos”.

1991. “Romance Rosa”, “Carta de amor” y "Estrellitas y Duendes".

1992. “Frío frío”, "Señales de humo” y "El costo de la vida".

1993 "Mal de amor", "Coronita de flores” y "Rompiendo fuente".

1994. “Fogaraté”, "Cuando te beso", "La cosquillita" y "Viviré".

1995. “Grandes Éxitos” y "El beso de la ciguatera".

1998. “Ni es lo mismo ni es igual” y "Mi PC" 1999. "Palomita blanca". "El Niágara en bicicleta" y "La hormiguita" 2000. “The Collection”, "Tú", “Colección romántica” y "Quisiera".

2001. “Colección Romántica” y “Universo Latino”.

2004. “Para ti” y "Las avispas".

2005. "Los dinteles".

2007. “La llave de mi corazón”, “Canción regional mexicana: 33”, “Canción de radio: 66”, "Que me des tu cariño" y "La travesía".

2008. "Sólo tengo ojos para ti", "Como yo" y “La guagua”.

2010. “A son de Guerra”, “Ojalá que llueva café: Edición Especial 20 Aniversario”, "Bachata en Fukuoka"y “Burbujas de Amor: 30 Grandes Canciones Románticas”.

2011. “¡Que Suba la Bilirrubina!”, "Mi bendición", "Apaga y vámonos" y “Antología”.

2012. “Colección cristiana”, "En el cielo no hay hospital", "El quita pena" y “Quisiera ser un pez...: Los Grandes Éxitos”.

2014. “Todo tiene su hora”.

Fuentes https://www.buenamusica.com Wikipedia, la enciclopedia libre.

ALCI Sร NCHEZ De Alcibiades Sรกnchez, su nombre de pila, es muy escueta la informaciรณn que recoge la Web: dominicano nacido en 1925 que llegรณ a Venezuela como boxeador en 1947, donde muriรณ.

En lo que respecta a su actuación profesional, los pocos datos obtenidos indican que primero fue cantante de la orquesta Billo’s Caracas Boys, luego de la Sans Souci y más tarde del conjunto de Porfi Jiménez y de la orquesta de Pedro.J. Belisario, “La Reina de las Pistas Bailables”.

Añade la información Radio Caracas lo contrató como figura estelar, haciéndose acompañar de la orquesta de planta de la emisora y la Billo’s Caracas Boys en sus programas “Fiesta Fabulosa” y “A gozar muchachos”.

Sus discos fueron grabados por los sellos Erna, Sonus y Discomoda.

Entre los temas que popularizó se cuentan “Ojos malavados”, “El cangejal”, “Dilema”, “Donde canta loro real”, “Quejas del alma”, “Ya tu ves Panchito”, “Desde que te fuiste”, “El cajuil”, “Franqueza”, “Amor verdad”, “Un amor sincero”, “Pesar”, “El bananero”, “Pregúntale a la Luna”, “Romance del campesino”, “Boda gris”, “Lija”, “Mayba”, “Las pilanderas”, “Evocación”, “Mi boda campesina”, “Romance bajo la Luna” y “Oye mi guaracha”.

Fuente http://www.ucla.edu.ve/

ALBERTO BELTRÁN

Alberto Amancio Beltrán, su nombre real, nació en Palo Blanco, Provincia La Romana, República Dominicana, el 5 de mayo de 1923 y falleció en Miami, Estados Unidos, el 2 de febrero de 1997.

Cantante, conocido en el mundo musical latinoamericano como "El Negrito del Batey". . A los catorce años se sintió atraído por la música y debutó como cantante aficionado en la radio, que lo llevó a tomar clases de canto.

Perteneció en su país a varias agrupaciones, entre ellas “Brisas de Oriente”,y más tarde formó su propio grupo, “Dominican Boys”.

En 1951 emigró a Puerto Rico y allí, grabó con "Los Diablos del Caribe", el tema"El 19" . Después viajó a Cuba, primero a Santiago y luego a La Habana en 15 de julio de 1954, para trabajar con la compositora y cantante boricua Myrta Silva en Radio “Mambí.

El 16 de agosto de ese mismo año, fue requerido por “La Sonora Matancera y grabó la composición “Ignoro tu existencia”, de Rafael Pablo de la Motta, y “Aunque me cueste la vida” de la inspiración del dominicano Luis Kalaff, ambos temas, a ritmo de bolero, grabados en un mismo disco de 78 r.p.m. Y el 16 de noviembre, grabó el merengue “El negrito del batey” compuesto por Medardo Guzmán, que lo catapultó internacionalmente al constituirse en un éxito de ventas, y que también dio lugar a su apodo artístico. De allí provino el sobrenombre con el que se hizo popular. En la misma oportunidad igualmente grabó los boleros “Todo me gusta de ti”, del autor Cuto Esteves, “Enamorado”, de José Balcalcer y, por segunda vez, “El 19”, de Radhamés Reyes Alfau.

El 18 de enero de 1955 grabó sus últimas piezas con “La Sonora Matancera. Luego, pasó un tiempo en Venezuela donde dejó registros fonográficos con las orquestas "Sonora Caracas", “Los Megatones de Lucho” y “La Orquesta de Jesús "Chucho" Sanoja”. Después, contratado por su paisano el músico asentado en Venezuela, Billo Frómeta, participó en dos álbumes grabados en estudios de Cuba: "Evocación" (1956) en el cual actuó como solista y "La LisaMaracaibo", donde compartió créditos con el cantante cubano Carlos Díaz.

Sobre su vida escribió Jesús Torres Tejada en el portal http://www.fundacionjoseguillermocarrillo.com:

Alberto Beltrán nació en la ciudad de la localidad de Palo Blanco, La Romana, el 5 de junio de 1924, La Voz del Yuna había iniciado un programa de aficionados, el domingo 27 de octubre de 1946. Alberto Beltrán participó el domingo 14 de diciembre obteniendo los más cálidos elogios tanto del público como de los ejecutivos principales de la naciente empresa. El lo nana de la siguiente manera, en una entrevista concedida a la revista “Estampas Radiales” (Año 1-mayo, 1948- No. 5) dirigida por Federico Perdomo Ramírez, editada por Perdomo Hnos., con sede en la avenida Mella #20, Ciudad Trujillo. Copiamos: “Y ese fue justamente el gran día. El día que no olvidaré jamás. Canté y agradé como no esperaba. Entre las ovaciones del nutrido público sentí de pronto, dos fuertes brazos que me apretaban y al volver la cara hacia atrás me quedé inmóvil, sin querer creer en la realidad; se trataba del mismísimo coronel don J. Arismendy Trujillo M.

(entonces mayor del Ejército Nacional) quien me felicitaba y a la vez me extendía contrato de exclusividad para cantar en La Voz del Yuna.

Otro gran sueño de mi vida que se realizaba y esta vez gracias al magnánimo e ilustre propietario de poderosa empresa radial a quien debo todo lo que soy.

Luego el día 5 de enero de 1947 ingresé a la escuela de canto donde me dieron la preparación necesaria... ¡Y la gran alegría! el 15 de febrero próximo debutaba por los micrófonos de La Voz del Yuna en forma definitiva. Desde esa fecha he cumplido cabalmente con mis obligaciones y en mis actuaciones como artista y como criollo me he empeñado en contribuir a difundir nuestra música, dando a conocer nuestros compositores, que, en realidad, nada tienen que envidiar a los mejores extranjeros.

Tengo buen repertorio de producciones dominicanas y entre los autores nacionales son mis favoritos Luis Kalaf, José Jiménez Belén, Bullumba Landestoy y Radhamés Reyes. De los de fuera admiro a Agustín Lara, Osvaldo Farrés y Avelino Muñoz.

Mi gran ambición es viajar, visitar otros países no para darme a conocer sino para que aprecien nuestra música. Poner en alto el pabellón artístico de la Republica hasta en los más apartados rincones de América a través del fuego cadencioso del merengue como ritmo pasional de la canción criolla”.

Alberto Beltrán recibió clases de canto y música de parte de Carlos Crespo, tenor lírico contratado por la Voz del Yuna para hacerse cargo de la escuela y el pianista Vlady Silva, ambos de nacionalidad argentina.

Conjuntamente con Beltrán, surgieron como artistas profesionales en la misma época Jesús Faneyte, Lita Sánchez, Elenita Santos y Gerónimo Pellerano, siendo considerado Alberto Beltrán como “La sensación”, “La revelación de 1947”.

La memoria registra a Alberto Beltrán acompañado por la Súper Orquesta San José en la grabación de un disco 78 r. p. m., contentivo de dos boleros: “Bendito amor” de Bienvenido Brens y “Hasta cuando”, bolero mambo de Babín Echavarría, sin precisar la marca. Además grabó con Mario Hernández y Los Diablos del Caribe, especialmente guarachas.

Excelente bailarín y cantante, con una voz potente y precisa y lo más importante, los bríos de la juventud, este artista hacía lo que le viniera en ganas con su voz. Dominaba todos los géneros musicales.

Va a Cuba por primera vez en el año 1954. Recibe un trato amable y orientador de parte de Tirso Guerrero, un gran cantante dominicano que se encontraba en la hermana isla bien plantado trabajando en televisión, radio y centros de diversión.

La gran oportunidad le llega al cantar con la Sonora Matancera en Radio Progreso.

Alberto Beltrán tenía un repertorio fresco y de mucha calidad de compositores dominicanos, con arreglos hechos por Radhamés Reyes Alfau. Luís Kalaf me dio testimonio de que el arreglo de “Aunque me cueste la vida”, se lo hizo Radhamés por la suma de RD$2.50 (dos pesos cincuenta centavos, en ése tiempo a la par con el dólar estadounidense).

Para el sello Seeco, con la Sonora Matancera graba “Aunque me cueste la vida” de Luís Kalaf, “El Negrito del Batey”, de Héctor J. Díaz y Medardo Guzmán, “Todo me gusta de ti”, de Cuto Estévez,”Ignoro Tú Existencia”, de Rafael Pablo de la Mota, “Te miro a ti”, de Julio César Bodden, “Enamorado” de Pepo Balcácer y “El 19” de Radhamés Reyes Alfau. Tan sólo 7 temas musicales graba con la Sonora Matancera y todos son de compositores dominicanos, lo que da a entender su amor a las cosas de su patria.

Completan el disco de larga duración los temas “Cuando vuelvas conmigo” de Luis Kalaf, “Siempre con mi cariño” de Felito Gómez y “Nuevas Ansias” de Radhamés Reyes Alfau, los tres dominicanos, con el acompañamiento de un conjunto dirigido por Fellito Parra.

El 18 de enero de 1955, graba con Celia Cruz “Contestación a Aunque me cueste la vida”, un trabajo que hizo E. L. Sureda, con el tema de Luis Kalaf y el acompañamiento de la Sonora Matancera.

Tras romper con La Sonora, graba para el sello Panart con el conjunto Casino (LP-201733113 rpm) “El Negrito del Batey” (que erróneamente en la etiqueta se le acredita a S. T. Urrutia) de Héctor J. Díaz y Medardo Guzmán, “Mantecadito” de R. Faneyte (éste es Jesús Faneyte, gran cantante dominicano que actuó en Cuba) “Vuélveme a querer”, de Mario Álvarez (cubano) “Baila la rumba sabrosa” de Mario Hernández (Pto. Rico) “Desaventura” de Porfirio Jiménez, Porfi, (dom.), “Te doy mi amor”, de Radhamés

Reyes Alfau (dom), “El Muñeco de la Ciudad”, Adrián Pérez, (colombiano) “La amanezca”, ‘Radhamés Reyes Alfau, “Todo me gusta de ti”, Cuto Estévez, “El Vale José”, de Alberto Beltrán, “Ama a quien te ama” de Babín Echavarría (dom.) y “Dolorita” de Luis Alberti (dom.)

Es erróneo escribir que Alberto Beltrán actuó en Radio Progreso en 1946. En ese año estaba cantando como aficionado en La Voz del Yuna de Ciudad Trujillo que era el nombre de la capital de la República Dominicana.

Alberto Beltrán, a partir de su trabajo con La Sonora Matancera en La Habana, se convirtió en súper estrella a nivel continental, produciendo una amplia discografía para distintas marcas.

Cabe destacar uno realizado con la orquesta de Bulo Frómeta, grabado en los estudios de Radio Progreso de La Habana, en el año de 1958.(Remo Records-LPR- 1579-33 1/33 rpm) que contiene “Evocación” de Papa Molina (dom.) “Enamorado”, de Pepo Balcácer, “Que me la den entera”, de Billo Frómeta, “Ven” de Ml. Sánchez Acosta (dom), “Ando gozando la vida”, Luís Kalaf, “Fiesta Cibaeña” de Radhamés Reyes Alfau, “Las Pilanderas” de José Barros (Colombiano), “Mayba” de Diógenes Silva (dom), “A tu lado”, de Radhamés Reyes Alfau, “Paraíso Soñado”, Ml. Sánchez Acosta, “El Bananero” de Lidia Handel, y Palo Bonito del folclore dominicano.

Fuentes http://www.fundacionjoseguillermocarrillo.com Wikipedia, la enciclopedia libre.