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NĂşmero 5, noviembre 2013
Entrevista a
CHETES El Terremoto amoroso de los
Tras la sombra:
Ă lbumes opacados por la lucidez de una rola
NOVIEMBRE 2013
DIRECTORA GENERAL
Silvia Macías
EDITORIAL EDITORA EN JEFE Mayte Martínez CORRECCIÓN DE ESTILO Alina Hernández ARTE EDITORA GRÁFICA Mariana Guerrero COEDITORES GRÁFICOS Luis G- Hernández Omar Criollo COLABORADORES Alberto Mandujano, Aleks Rahu, Alma Yasbeth Correa, Ana Arizpe, Armando Castañón, Braian Martínez, Daniel Torres, Hiram Abif Gaspar, Indira Guillén, Karla Caudillo, Marco Reyes, Pato Rivera, Rita Pulido, Yazmin Paz. CONTACTO /RokkersMag @RokkersMagazine www.rokkersmagmexico.com.mx rokkersmagazine@gmail.com
Live On ROKKERS Session 1
04 CMFT 06 PRUDENCE FEST
Made in Laguna
08 EDSON CABALLERO
Expresión Visual
10 ALEJANDRO MAGALLANES
Music Files
12 BABASÓNICOS
Mainstage
14 TRAS LA SOMBRA: ÁLBUMES OPACADOS POR LA LUCIDEZ DE UNA ROLA
Letras Vagas
18 DE TODO, EXCEPTO FEMINISMO
Entrevista
20 ENTREVISTA A CHETES
Live On ROKKERS Session 2
24 CORONA CAPITAL 26 MIAMI HORROR
Music Files
28 69 NOMBRES
Kinetópicos
30 ¿A QUÉ LE TIRAS CUANDO FILMAS, MEXICANO? 32
¡La última y nos vamos!
La música es lo que nos mueve en Rokkers y por eso en esta edición tenemos una entrevista con Chetes, quien nos habló de manera exclusiva de sus proyectos, también les presentamos un poco de lo que pasó en Festivales como el Corona Capital y el Prudence Fest. Además podrán encontrar en nuestras páginas el talento de dos artistas visuales, Alejandro Magallanes y Edson Caballero en Expresión Visual y Made in Laguna, respectivamente. Estamos muy emocionados pues nuestra siguiente entrega será nuestra edición de aniversario, y estará llena de sorpresas para quienes nos siguen desde el principio y para quienes poco a poco han ido integrándose como nuestros lectores, así que estén muy pendientes porque ya estamos trabajando en la siguiente edición y promete estar muy buena. Esto es Rokkers y esperamos que disfruten de ésta edición hecha completamente para ustedes. mayte martínez. Editora en jefe
pr贸xima
Edici贸n de
amente
Aniversario
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Live On ROKKERS Session 1
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Live On ROKKERS Session 1
Texto: Armando Castaﾃｱﾃｳn | Fotos: Alberto Mandujano
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Live On ROKKERS Session 1
Dieciocho bandas compartieron tarima en el festival celebrado por la marca de preservativos (…y demás productos relacionados con el acto sexual) “Prudence”: todo un día de música, baile, saltos y condones gratis. Desfilando bandas como The Billys, que con una corta carrera ya se apuntaban algunos fans entre el público, y The Orbit Band, La Fridha y Jauria que diversificaron el sonido del festival yendo desde el ska hasta el rock, pasando por algo más alternativo. Para cuando La Banderville daba lo mejor de sí bajo las luces, ya se podía sentir ese calorsito humano tan particular de reuniones musicales como estas. Allison dominó el escenario gracias a la energía y emoción que desprendían.El setlist estaba compuesto mayormente por temas de su trabajo más reciente 120 Km/Hr, pero eso no quizo decir que dejaran fuera canciones más conocidas, menos pesadas y hasta algunas que rayaran en lo cursi (dígase “Frágil”, “Memorama” y “Baby Please” respectivamente). Y así como el pre- lo pusieron La Banderville y Allison, Jumbo fue el encargado de darle la patada inicial a la fiesta. “Rockstar”, “Siento Qué”, “Cada Vez Que Me Voy” y hasta un cover de “Here Comes Your Man” fueron las más cantadas. El ambiente tuvo un brusco cambio, pues la bailosidad y jugueteo de Paté de Fuá sustituyó la energía de Jumbo. Luri, contrabajista de la banda, tomó el toro por los cuernos y se echó el show a la espalda, sus bailes, juegos, malabares de cuerdas y hasta insinuaciones musico-sexuales convencieron al público de sumirse en el ambiente de esta banda méxico-argentina. Aunque se esperaba que fuese División Minúscula el próximo en tocar, la sorpresa fue ver en las pantallas del recinto al arte que acompaña a Arunima, álbum más reciente de Hello Seahorse!. No fue una de las mejores presentaciones de la
agrupación, se notaba tensión en el escenario. Con temas tanto de Arunima como de sus trabajos anteriores. “Criminal” y “Bestia” siendo de las más coreadas, sin dejar a un lado a “La Flotadera”, “El Artista”, “No Es Que No Te Quiera” y por supuesto, “Te Regalo Todo”. Con varias Voces gritando por ellos, División Minúscula desplegó su quimera en las pantallas y los enchaquetados pisaron el escenario. En conjunto, con un total de 22 cuerdas (3 guitarras y un bajo), un set de batería y unos teclados fueron las herramientas necesarias para que los de Tamaulipas rindieran tributo a sus fans capitalinos. Dieron un repaso desde su primer material Extrañando Casa (el cual cumplió 10 años en 2011), hasta el actual y semi-homónimo División. Sin duda alguna la más cantada fue (y siempre será) “Sognare”, dándole un vuelco a los corazones de los enamorados presentes. Resaltando también “Cursi”, “Cada Martes”, “Tan Fuerte, Tan Frágil”, y “Las Luces de Esta Ciudad”, que fueron cantadas con ganas, sudor y brincos. Para cerrar, una versión muy coreada de Sismo. La fiesta había terminado, algunos abandonaron el lugar, pero el after estaba a cargo de Los Amigos Invisibles y el público se acomodó y preparó para más baile. Espectáculo de colores y música sexualmente explícita: comenzando con un popurrí encabezado por “Sexy”. Antes de que la noche acabara y todos cayeran en ese estado de cansancio placentero post-orgásmico: un rapidín para terminar “En Cuatro”; toda una institución en la banda, que tanto gusta de cerrar sus presentaciones con esta canción (una decisión muy justificada). En el suelo quedaron condones desinflados, empaques abiertos, vasos tirados y hasta nachos y palomitas regadas; todos testigos de lo que fue un día entero de baile, saltos, sudor y mucha buena música.
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Made In Laguna
entrev EDSON CA
Por: Pat Fotos: Edso
edson caballero es un artista independiente lagunero de 26 años. Ha destacado en la fotografía, por lo que ha sido acreedor de distintos premios y menciones en lo que va de su carrera, Edson se define como un artista multidisciplinario con muchas ganas de explorar la vida. Es una persona que siempre está tratando de hacer algo nuevo. RK: ¿A qué te dedicas? Edson: Soy fotógrafo y malabarista, hago freelance de muchos estilos de fotos, hago foto publicitaria, de retrato, social, casual, me gusta hacer documentales, no me gusta limitarme. También me gusta hacer arte circense con cadenas de fuego y malabarismo. RK: ¿Te identificas como un artista independiente? Edson: Al cien por ciento, claro, desde el momento que haces tu trabajo y no tienes financiamiento para tus producciones o trabajos de gran magnitud estas siendo independiente, la verdad es que ser independiente te da facilidades, a diferencia de trabajar en alguna empresa, uno mismo distribuye sus tiempos, ya estás organizado, sabes que lo bueno o malo que puedas conseguir con tu trabajo será por tu culpa o por las intenciones que le pusiste. RK: ¿A qué edad? y ¿cómo te interesaste en la fotografía? Edson: Desde muy chavo, tenía como 12 o 13 años, estaba en secundaria y ya tenía la iniciativa de hacer fotografía aunque la verdad es que no tenía 08
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vista a ABALLERO
Made In Laguna
to Rivera on Caballero
nada de técnica, la verdad es que jamás me había imaginado como fotógrafo, hasta que entré a la universidad y estudié la carrera de comunicación. Me tocó la materia de foto, recuerdo que entré a un concurso de periodismo regional y logré el primer lugar dos años consecutivos, en el tercer año a nivel nacional obtuve una mención especial. Esto me hizo saber que haciendo fotos podría ganarme la vida. RK: ¿Cómo fue tu acercamiento al malabarismo? Edson: Lo encontré casi de la mano de la fotografía, llevo 5 años haciendo malabarismo. Dio la casualidad que estaba trabajando en la revista Coahuila y me mandaron a hacer un reportaje a los vendedores ambulantes y las personas que hacen actividades en los semáforos para ganarse la vida y dentro de esas actividades estaban los fuegueros, comencé a tener inquietud y me les pegaba para poder aprender, fue así como comencé a realizar el malabarismo con fuego. RK: ¿Qué intentas reflejar a la sociedad con tu trabajo? Edson: Trato de crear siempre un registro histórico para la sociedad, el retratar lo que pasa en las calles es un testigo para el futuro, la foto se volverá un objeto con valor histórico muy grande, el malabarismo es una pasión personal, no le llamo hobbie porque consigo dinero de esto y, al hacerlo, se vuelve algo profesional, en la compañía de la que soy parte que es Uncirclo, tratamos de que la gente pase un buen rato, además de tratar de crecer profesionalmente en esta actividad. ED 05 AÑO 1 • NOVIEMBRE 2013
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Expresión Visual
Aleja ndro ALEJANDRO Maga llane s MAGALLANES Texto: Marco Reyes
puede que este nombre no represente mucho para todos aquellos no familiarizados con el diseño gráfico (No faltará el despistado que lo confunda con Fernando Magallanes, famoso explorador), pero muchos lectores habrán visto, por lo menos, uno de sus trabajos: El diseño del cartel promocional del Vive Latino 2013. Así es, ese antropomorfo simplista, de líneas irregulares en blanco sobre negro, fue dibujado por uno de los diseñadores más reconocidos actualmente en México, con una esencia visual que hace presente en la mayoría de sus trabajos. Algunos de los cuales han ganado premios a nivel internacional, entre los que se cuentan el tercer lugar en la bienal de carteles a favor de la ecología 4th Block en Ucrania, el premio Golden Bee en la categoría de libro en Rusia y la medalla Josef Mroszczak en la XVI Bienal del Cartel en Varsovia. Alejandro Magallanes nació y estudió en la Ciudad de México, cursando la carrera de diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. A pesar de haber realizado todo tipo de trabajos, para gran variedad de instituciones, así como proyectos artísticos personales, su carrera se ha enfocado principalmente al trabajo editorial y a la producción de carteles, siendo éstos últimos los que le han valido mayor exposición y reconocimiento a nivel internacional. Uno de sus sellos distintivos es la utilización de las letras como partes de un dibujo, ya que considera 10
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que utilizados correctamente, texto y tipografía son tan útiles como cualquier ilustración o fotografía a la hora componer un mensaje visual.(Nótese como el rostro del personaje en el cártel que mencionamos escribe la palabra “vive” y el cuerpo “latino”). La otra características predominante en su obra, es un estilo de ilustración en el que dominan los trazos toscos, formas irregulares y colores vivos y planos, que probablemente nos hagan pensar en los dibujos de un niño pequeño. Esta manera de dibujar se puede encontrar en la corriente artística conocida como arte naíf, que hizo sus primeras apariciones a finales del siglo XIX y cuya influencia es evidente en Magallanes. Apoyándose en estos fundamentos, es que Alejandro Magallanes ha desarrollado una estilo personal que resulta muy efectivo a la hora de comunicar un mensaje, y a través de todas las variantes de su obra encontramos una cierta uniformidad, que consiste en la imagen sencilla, grande, acompañada por un texto más dibujado que escrito y que a través de sus irregularidades e imperfecciones guía nuestra atención a donde es más necesaria. Y aunque su obra pueda considerarse carente de belleza, hay que recordar el nombre de una exposición que Alejandro Magallanes coordinó en 1997: “No todos los carteles son bonitos”.
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Music Files
El terremoto amoroso d Texto: Yazmin Paz
BABASÓ
romance y dulzura son adjetivos a los que los seguidores de los Babasónicos no están acostumbrados; sin embargo, esta vez, “Los Babas” se atrevieron a regalarnos un poquito de ello. A casi dos años de su anterior disco, A propósito, la banda liderada por Adrián Dargelos vuelve con 12 tracks con los que pretende decir verdades crudas sobre esas relaciones que van de lo romántico y sincero a lo frenético, excitante y toxico. Su decimoprimera producción, Romantisismico, suena a un vuelco, a un sismo, de esos que igual se sienten cuando te llega el flechazo o cuando se acaba la magia del enamoramiento. No por ello se han vuelto cursis; Babasónicos sigue sonando a picardía y excentricidad, a una psicodelia musical que incluye esos coros pegadizos de letras atrevidas y sugerentes y que desde su primer LP los han caracterizado. “La lanza”, el track con el que se presenta la banda, introduce a un juego funky-eléctrico al que es imposible no jugar desde el comienzo, su ritmo es por demás contagioso. 12
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El juego termina para llevarnos hasta una “Aduana de Palabras” que destaca de entre las piezas que los argentinos prepararon para esta entrega; más pop que otras, en la aduana se presenta el conflicto personal entre lo que se dice y lo que se es. Siete minutos después de comenzado el sismo, tiene lugar “El baile de Odín” donde el rock es el rey; un rock atrevido y sugerente en que las guitarras y la batería marcan el ritmo y el camino para consumar encuentros amorosos. Para tratar de enmendar los excesos del baile anterior, aparece “RunRun”, menos intenso, más lento, tal como lo harían en tono romántico “Los burócratas del amor”. A partir de aquí, la intensidad se mantiene constante para permitir la expresión de ritmos alegres y juguetones; así, entre percusiones llega “Negrita” que es quizá, de lo más romántico del disco. Con “Uso” se vuelve al rock ligero que serviría perfectamente como el soundtrack de una fantasía amorosa que aún no supera lo platónico y es que transmite la emoción de un nuevo encuentro.
Music Files
de los
ÓNICOS “Humo” es de esas canciones que ninguna banda se resiste a tocar: una pieza que describe la intensa vida de un rockstar tanto en el escenario como debajo de él y que se vuelve relativa ante la percepción del público, bajo esta misma tónica le sigue “Casi”. Para aumentar la intensidad del final, se presenta el triángulo amoroso de esta historia con “Uno Tres Dos”; mientras que el rápido rasgueo de la guitarra de “Paisano” traslada al escucha a aquel rock de los 70. Así termina el sismo y para regresar a la calma se presenta “Celofán”, una balada casi acústica que nos recuerda la fragilidad y la vulnerabilidad de quien sucumbe ante el enamoramiento. A estos argentinos los respalda una trayectoria de casi 20 años en los que se han permitido perfeccionar su estilo y en los que nunca han fallado a sus fans presentado, siempre, proyectos bien producidos. El próximo 3 de noviembre será el día en el que los seguidores mexicanos podrán sentir el temblor confeccionado por los Babasónicos; el lugar de la cita: el gran Auditorio Nacional.
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Mainstage
Tras la sombra:
Álbumes opacados por la lucidez de una rola Por: Alma Yasbeth Correa
este artículo va dedicado a todo álbum velado por el brillo de alguna de sus rolas. ¿Qué pasa cuando una canción en el disco se convierte en la joya de la corona? ¿Qué hay de las demás rolas en el cofre del tesoro? Como atrapado en las profundidades del mar esos tracks hablan por todo el material discográfico. Aquí una zambullida al rescate de diez materiales dignos de ser escuchados de principio a fin.
Blur, Blur (1997) “Whoohoo!”, corea la voz de una multitud en el bar; la usaba MTV en sus promos y quizá era lo único que podía cantar un hablante del español en plena borrachera. En ese entonces corría el año de 1997. El britpop ganaba adeptos y buena fama en todo el continente americano. Lidereados por Damon Albarn, Blur llegó a la madurez y al perfecto punto entre el estilo británico y el estadounidense influenciado por bandas como Pavement. Así surgió el álbum homónimo. El quinto disco grabado por los chicos originarios de Colchester, Inglaterra es la piel nueva después de la etapa de desobediencia y oposición extrema a los productos americanos. La etapa en la cual se gestaron canciones llenas de un ritmo dance y con tintes completamente ingleses en cada una de sus letras. Con Blur Graham Coxon, Damon Albarn, Alex James y Dave Rowntree dejan atrás las letras superficiales, van más allá y permiten conocer una parte muy íntima de la banda. “Beetlebum” comienza sobria y obscura con los riffs de la guitarra de Graham Coxon. Algo se anuncia diferente en el estilo. Blur decidió lanzarse hacia el estilo lo-fi americano, poco más rudo en las percusiones y las cuerdas. Rolas como “M.O.R.” 14
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y “You’re so great” hacen divagar de forma auditiva hacia el grunge. Se escuchan letras más honestas y personales. Estábamos frente a una agrupación madura, capaz de marcar su propio estilo y dejar huella.
Audioslave, Audioslave (2002) La sección instrumental de Rage Against the Machine compuesta por Tom Morello en la guitarra, Brad Wilk en la batería y Timm Commerford a cargo del bajo decidió fusionarse con el rock alternativo en boca de Chris Cornell, líder de la todavía activa agrupación americana Soundgarden. “Like a stone” fue de los primeros lugares en las listas Billboard en la categoría de canción rock del año (2003). Una interpretación llena de melancolía, sutilmente adornada con uno de los solos de guitarra más poderosos de principio de siglo: Tom Morello hace vibrar a los nervios más recondidos del cuerpo con su Fender Stratocaster, “Soul Power”. El magnífico estilo hard rock influenciado por ratm (Rage Against the Machine) aportan fuerza a la interpretación en “Show me how to live”, “Exploder” y “Light my way”. Este es un disco imperdible para los amantes de la línea del grunge y del alternative metal.
Mainstage
Feist, The reminder (2007) Tan popular como Sesame Street, “1 2 3 4” es una composición de la canadiense que más ama tierras aztecas, Feist. La rola fue usada para publicidad de la marca Apple y adaptada en un episodio de Sesame Street en el cual la artista fue invitada. The reminder dio como fruto trece canciones, tres singles. Feist cuenta con algunas colaboraciones en la composición e incluye elementos de “See line woman” de Nina Simone. Si bien otra joya del álbum es el track número 3, “My moon, my man”, la cantautora oriunda de Amherst, Nueva Escocia, consolida su liderazgo y estilo en la escena pop-rock e indie-folk. Un diseño de portada que bien recuerda al Dark side of the moon, de líricas suaves y concisas, un estilo muy elegante y simple. Feist es fiel a su línea y siempre obliga a mirar hacia otros referentes, como la ya mencionada Nina Simone. The reminder se convierte en un disco obligado para entender la participación femenina en la música actual.
Beck, Mellow gold (1994).
Pixies, Surfer Rosa (1988)
Esta es la historia de un chico estadounidense quien en 1993 hizo retumbar la radiodifusora KCRW de Santa Monica, California. En ese momento, Beck Hansen sólo contaba con un single producido por Carl Stephenson (fundador de la banda estadounidense de trip hop Forest for the trees). El EP con la canción “Loser” había agotado sus 500 copias poco antes de que sonara al menos cada hora en la radio de la costa este. Beck es un artista interesante, multigenérico, impulsado por el movimiento anti-folk neoyorquino gestado a principios de la década de los 90. Es interesante observar la portada del Mellow gold producido meses después por Rothrock y Stephenson. Muestra un perro construido por piezas metálicas de basura en un entorno bastante apocalíptico. Este arte fue heredado un poco del movimiento Fluxus, del cual su abuelo fue ferviente portavoz. La crítica especializada denomina este disco como un digno representante de la Generación X, por su concepto desmotivado y poco esperanzador. Beck siempre ha negado ello. Lo cierto es que “Truckdrivin Neighbors Downstairs”, “Soul Suckin Jerk” y “Nitemare hippy girl” son canciones que recuperan el sonido country, indie y experimental único en su época y contexto. Dicho material llamó la atención de bandas como Radiohead, Tom Petty y Johnny Cash, con quienes después compartiría escenario.
Surfer Rosa no sólo contiene una de las rolas que forman parte del soundtrack de una de las películas más aclamadas del director David Flincher, The fight club. “Where is my mind?” Es un himno y sello distintivo de Pixies. Devaluado en un principio por su baja fidelidad y la producción experimental que se llevó a cabo en los estudios 4AD británicos. Con temas melódicos Surfer Rosa sorprende al manejar ritmos más pop en “Brick is red” o “Vamos” y pasar a cadencias más lentas “Break my body”. La excelente calidad vocal de Kim Deal en “I’m amazed” redondea las ejecución de las canciones. Reviven ese ritmo punk y surf al estilo de The Beach boys. El disco tiene la magia de sentirse atraído, ya sea por sus letras en español o las referencias a Puerto Rico, por su temática inusual o las conversaciones grabadas entre track y track. Steve Albini, también productor del In Utero de Nirvana, recurre a la idea de incluir conversaciones entre los integrantes para hacer de este disco un material con cosas reveladoras y entretenidas que hacen de esta pieza un material bastante ingenioso.
The Subways, Young for eternity (2005) Agradecemos a EA Sports y todos los demás desarrolladores de videojuegos por poner en sus soundtracks rolas como “Rock and roll queen” ED 05 AÑO 1 • NOVIEMBRE 2013
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Mainstage
de la banda inglesa The Subways. Inspirada en la guitarrista de la agrupación, Charlote Cooper, esta rola es popular en el coche de camino con los cuates. Forma parte del disco debut de la banda Young for eternity. Las canciones del álbum matan con los energizantes acordes de guitarra. Denotan la influencia de bandas como Alice in chains, AC/DC y los Foo Fighters. A pesar de que para la crítica británica el disco sonaba monótono y repetitivo para The Subways les abrió el camino a festivales, colaboraciones y nuevos fans que desearon seguir escuchando su música.
Oasis, What’s the story (morning glory)? La legendaria banda de Manchester liderada por los hermanos Gallagher tiene un lugar en esta lista por la rola denominada himno de la generación. “Wonderwall” es pieza clave si uno desea entender la evolución y ambiente de la época en los inicios de la era del Britpop. La batalla del britpop había pasado y Blur había resultado vencedor cuando ambas bandas lanzaron sus sencillos (Country house por parte de los chicos de Essex y Roll with it de los originarios del norte de Inglaterra) el 14 de agosto de 1995. El suceso no desanimó a Oasis y What’s the story (morning glory)?, siguiente álbum de la banda, logró poner a los Gallagher en la mira de los melómanos americanos. Los arreglos de “Wonderwall” con orquesta dejan entrever la cara más sensible de Oasis hasta ese momento. Su segundo material fue mejor pensado a la batuta de Noel, el mayor de los hermanos.
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El álbum resulta una completa sinfonía con ritmos que remontan a los Happy Mondays, The Stone Roses y, obviamente a The Beatles. Pareciera menos ruidoso que Definitely maybe. Comienza con un estruendoso saludo a cargo de “Hello” y “Wonderwall y “Don’t look back in anger” resultan como un surfista subiendo a la ola y bajando con calma de la misma. “Cast no shadow” anuncia el cierre de este esplendoroso disco para empujarlo a un final insoslayable con las guitarras eléctricas de “Morning glory” y “Champagne supernova”, quienes muchos no recuerdan que también pertenece al What’s the story (morning glory)? logrando un disco muy bien armado.
Red Hot Chilli Peppers, By the way (2002) “By the way” se convirtió en una bomba auditiva en las radiodifusoras de Estados Unidos. Para los fans resultó menos atractivo por dejar los sonidos funk y punk con los cuales los rhcp nacieron al tiempo que iban construyendo a su grupo de fans. Resultó un gran éxito para el grupo gracias a la canción que le da nombre al disco. Su producción estuvo a cargo de los Cello Studios en Los Angeles, California. “Can’t stop”, “Universally speaking” y “The zephyr song” viven a la sombra de la etiqueta “By the way” que ficha un estilo más suave en su desarrollo personal. Con su octavo disco los Red Hot Chilli Peppers lograron el reconcimiento de toda una generación de jóvenes y los puso en festivales como Coachella. Las rolas los dejan ver tras otra lente respecto a su material anterior. Melodías y estribillos presentes más que nunca y apenas un guiño a ese punk-funk que tan característico les resultó.
Mainstage
Manic Street Preachers, This is my truth, tell me yours (1998) A cargo de Epic Records y grabado en 1998 esta album contiene “If you tolerate this your children will be next”. Canción que no pasa desapercibida por la crítica social hacia el consumismo y los valores humanos actuales. Esta canción llega a sonar en las radios nacionales a principios de la década de los 2000’s, no obstante, es censurada y limitada a su difusión. Cual toda canción de los Manic. En él, James Dean Bradfield y Nicky Wire, guitarra vocal y bajista de la banda, se vuelcan entre lo poético y lo brutalmente honesto. Si no conoces a los Manic Street Preachers este es un buen álbum para empezar a contemplarlos en la lista de reproducción. A pesar de que muchos compañeros músicos y compatriotas británicos volteen a ver a esta intrépida banda con ojos de socialistas, los Manic Street Preachers se posicionan como una de las bandas representativas de las tierras galesas.
Peter, Bjorn and John, Writer’s Block (2006) Los suecos saben imitar, elaborar y reciclar estilos musicales pasados con gran habilidad. Con delicadeza cuidan los arreglos, las producciones y otros aspectos relacionados con la grabación y la intención de fabricar discos imparables e irresistibles. Nadie puede discutir la innata habilidad de estas bandas para fabricar melodías memorables y Writer’s Block, del trío de Estocolmo Peter, Bjorn & John, no es más que una nueva muestra de ello. Para su tercer trabajo, la banda que toma el nombre de sus integrantes: Peter Morén (voz y guitarra), Bjorn Yttling (bajo y teclados) y John Ericsson (batería), nos entrega 11 piezas en las que usando el pop como hilo conductor, hilvanan un conjunto de lo más ecléctico y acertado. Desde el pop naif, a la experimentación o los toques electrónicos, caben en un álbum que puede pasar de una lección de frescura contenida (“Paris 2004”) a un hit en potencia, “Young Folks”, el cual contó con la colaboración de la vocalista de The Concretes, Victoria Bergsman. Arropados por los pegajosos silbidos y bongos que acentúan el ritmo, logran una de las melodías más contagiosas del año 2006. El disco remonta a Beck con “Amsterdam”, o a James con “Objects Of My Affection”, a Mercury Rev con “Roll The Credits”) y hasta al estilo shoegazer de Inglaterra de los 80’s con “Start To Melt”. ED 05 AÑO 1 • NOVIEMBRE 2013
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Letras Vagas
DE TODO, EXCEPTO
FEMINISMO Por: Indira Guillén Vamos por un ejemplo del segundo supuesto: Para decir que alguien sostuvo relaciones sexuales existen varias formas para nombrarlo, follar, coger, planchar, chocar los carritos, echar pata, echarse un palito, remojar la brocha, en fin existen muchos. El punto es que cada quien le dice como quiere ya sea porque así lo escuchó, porque le gusta o porque así se siente mas cómodo y todo eso dependerá y es resultado del entorno donde se desenvuelva. Y si seguimos en la reflexión de nuestra persona y cómo es que terminamos hablando como actualmente lo hacemos, también podemos notar que la forma en que concebimos a un hombre y a una mujer está determinado en gran medida por la lengua que hablamos y por el lugar en el que vivimos. Pilar Montes de Oca nos dice que la sociedad y 1.La forma en que vemos y entendemos al mundo, la cultura siempre han sido sexistas, por lo tanto se determina por la lengua que hablamos. en toda lengua hay distinción entre lo femenino y 2.El entorno determina nuestra lengua. lo masculino. Pero el problema no está en la disPara ambos supuestos hay ejemplos muy intere- tinción que se hace en la lengua sino en la cultura y la sociedad. Si algún día se elimina el sexismo de santes. Empecemos por el primero. En España es de alguna de las dos, la lengua cambiará, pero nunca lo mas común escuchar a un enfurecido decir “Me será al revés. cago en la virgen”, en México eso sería impensable Dejo un claro ejemplo: y escandaloso, casi rayando en lo hereje. Podemos compartir la misma lengua, pero no por ello vemos “Las mujeres como las escopetas, siempre cargadas y detrás de la puerta”. ni entendemos las cosas de la misma forma.
“la lengua será un medio y una vía de escape, un reflejo de lo que sentimos y de lo que somos y también, una proyección de lo que queremos ser.” María del Pilar Montes de Oca. Para algunos es actividad cotidiana y para otros es un evento azaroso, pero cuando finalmente nos toca reflexionar sobre lo que somos y cómo es que llegamos a serlo, es entonces que recorremos varios caminos de nuestro pasado: la familia, el esposo(a), el novio(a), la escuela, los amigos, el vecindario, la calle, etc. y algunas veces, dentro de esa reflexión puede que quepa la lengua. En el mundo de la lingüística se debaten dos grandes supuestos.
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Letras Vagas
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Entrevista
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Entrevista
ENTREVISTA A
CHETES Texto: Alberto Mandujano. / Fotos: Karla Caudillo. durante su pasada visita a la ciudad de Monterrey, ROKKERS tuvo la oportunidad de platicar con Chetes sobre su mﾃｺsica y sus planes a futuro. Los dejamos con las palabras de este regiomontano.
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Entrevista
RK: Con Cardiosapiens, ¿Por qué hacer un EP y cambiar a lo electrónico? Chetes: en primera, lo electrónico empezó con tratar de hacer algo diferente y sinceramente me empecé como a aburrir, pensé: “¿qué voy a hacer?, ¿otra vez lo mismo?” y empecé a meterle elementos más electrónicos y empezó la chispa otra vez. fue cuando se me ocurrió alejandro rosso y hubo buena química y de ahí se decidió hacer un ep. primero era por querer hacer un cambio en la música, era para mí como un reto, algo que no había hecho y fue divertido. luego la parte del ep era porque no había tiempo de hacer un disco completo con alejandro porque los dos estábamos ocupados. me quería salir de la seriedad de un disco y todo lo que representa, quería hacer algo más informal en el sentido de grabarlo y lanzarlo y también en el sentido de distribución únicamente digital.
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Entrevista
RK: ¿El nuevo disco va a tener tintes de Cardiosapiens o vas a volver a evolucionar? Chetes: Ahorita estoy componiendo sin pensar en eso, yo puedo componer, ya teniendo el tema puedo hacer mucho con la canción, le puedes dar el arreglo que quieras. La forma que a mí me funciona es no iniciar con un prejuicio, no decir: “esta canción me gusta pero no queda con el material porque estoy haciendo tal cosa”, yo la grabo como en el momento la pueda hacer, sin pensar mucho en producción y después ya veo qué es lo que quiero hacer o qué estilo quiero que la gente escuche, realmente estoy en la etapa de estar componiendo y probar muchas cosas, de equivocarme. Las canciones son canciones y el arreglo es una cosa diferente que a veces la gente confunde, piensan que es una misma cosa, pero son cosas distintas. Ahorita no estoy preocupado por eso, pero conociéndome sé que veré una forma de hacerlo que sea novedad para mí, que sea un reto. Tengo ganas de hacer una serie de sencillos y algún dueto con una chica, tengo por ahí una canción especial con la que quiero hacer un dueto interesante. RK: ¿Cuál de todas tus colaboraciones ha sido la que más has disfrutado? Chetes: Sería para mí una falta de respeto decir
cuál es la que más he disfrutado porque de cada una le sacas algo, cada una tiene la parte bonita que yo recuerdo. He colaborado con mucha gente, en este último EP con Alejandro Rosso, el Unplugged de Zoé, con Benny Ibarra, Erick Rubín, Amaral, seguro se me olvida alguien y cada una tiene la parte buena, aprendo de cada experiencia. RK: ¿Habría la posibilidad de que se reuniera Zurdok? Chetes: Ha habido propuestas y no se ha dado por varias razones que no tienen que ver conmigo, muchas veces la gente cree que tú eres el que no quiere hacerlo y demás; son muchos factores que no dependen de mí, yo no podría decirte sí o no, si se presenta la oportunidad de una forma que me parezca interesante y vale la pena hacerlo, se va a hacer. Estoy abierto, no me gusta decir nunca, por el momento estoy enfocado en mi carrera y en lo que me gusta hacer, eso es lo que sí te puedo asegurar. Para conocer más de Chetes y enterarse de lo que sigue,pueden entrar a su página oficial, chetes.mx allí encontrarán su discografía completa, fechas y noticias, además de una tienda online donde se puede comprar contenido exclusivo.
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Live On ROKKERS Session 2
Por: Rita Pulido el festival anual, Corona Capital desde el 2010 se dedica a juntar bandas de rock y música alternativa, tanto nacionales como internacionales, y aunque este año no se convocó alguna nacional, no fue la excepción en su éxito, juntando en su primer día poco mas de 80,000 espectadores y 120,000 en el segundo día - de acuerdo con cifras oficiales- comenzando la jornada de buena música desde las 14:00 hasta la 01:00 en cuatro escenarios estratégicamente posicionados.
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Live On ROKKERS Session 2
El primer día se vistió con bandas como lo es Imagine Dragons, es claro que muchos no se iban a quedar con las ganas de verlos en su primer aparición en algún escenario mexicano, canciones como “Demons”, “It’s time” y “On Top Of The World” fueron coreadas con manos al aire por los fans, teniendo un gran cierre con su éxito “Radioactive” que dejó con ganas de más. Después de cinco años de separación Travis volvió con su fórmula, en la que todo el público brincó en cada canción. Tocando canciones de su nuevo álbum como “Mothery Where You Stand” y cerrando con éxitos como “Why Does It Always Rain On Me”. La noche caía y The XX seducía y enamoraba a todo el autódromo, parece que su mezcla de sonidos les resulta un gran éxito. Tras 80 minutos los británicos Romy, Oliver y Jamie tocaron “Missing”, “Infinity”, “Cristylise” y éxitos como “Islands”, “Angels” y “VCR” agradeciendo al público por ser siempre bien recibidos en el país. Para cerrar la jornada en el escenario Corona, Deadmau5 y su espectáculo con luces y pantallas que iban al ritmo de los beats, puso a bailar a sus fans con temas como “You There?”, “The Nothing” y “Moar Ghosty Speaker Hunter”. En punto de las 23:30 hrs Blondie dejó en claro el por qué permanece en los escenarios, hechizando a la audiencia con “Call Me”, “Maria” y “The Tide Is High”.
No se podía esperar más al segundo día y en el escenario Corona, la banda californiana Capital Cities puso a bailar con entusiasmo a los asistentes mientras que en el escenario Capital la pareja Matt and Kim, en su primera presentación en México, interactuaban y hacían enloquecer a los asistentes. Llegaba la hora de las bandas más esperadas, de las cuales por motivos de salud, fun cancelo, lo que hizo que cientos de personas se dieran cita en el escenario Capital para ver a Vampire Weekend que puso a bailar, cantar y brincar con “A-Punk”, “Cousins”, “Holiday” y canciones de su nuevo álbum “Diane Young”, “Ya Hey” y coreando “Hannah Hunt”. Cayó la noche y el frío con ella. Por más distancia que se tomara era realmente difícil ver el escenario y apenas se podían apreciar las pantallas, pues Arctic Monkeys se encontraba tocando en el escenario derrochando sensualidad y elegancia. Alex Turner y el resto de la agrupación se dio la tarea de interpretar “Do I Wanna Know”?, “Are U Mine?”, “Brainstorm” y “Dancing Shoes”, entre otros clásicos. Concluyendo en este escenario el festival mientras se esperaba a que llegara la hora de Queens Of The Stone Age y Giorgio Moroder para el cierre definitivo y comenzar la cuenta regresiva para el festival del próximo año, que de seguro estará lleno de buena música como lo fue esta edición. ED 05 AÑO 1 • NOVIEMBRE 2013
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Por: Silvia Macﾃｭas 26
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miami horror se presentó por tercera vez en México el pasado 20 de septiembre; el lugar donde se dieron cita para hacer bailar a los presentes fue el José Cuervo Salón (antes conocido como Salón XXI) ubicado en la colonia Polanco de la ciudad de México. El José Cuervo no lucía lleno, pero a pesar de que apenas llegaba a la mitad de su capacidad se disfrutaba la sensación de estar rodeado de verdaderos seguidores de la banda australiana. Los encargados de abrir el concierto fueron Los McCallister, poblanos de sonido Garage que hicieron muy bien lo suyo en el escenario. Esta banda de sello discográfico independiente no tenía mucho que ver con el estilo electropop de Miami Horror, pero sonaban bastante bien. Incluso el guitarrista se atrevió a bajar del escenario y tocar entre la “chaviza” muy eufóricamente, golpeando unas cuantas cabezas con la guitarra en el trayecto. Si aún no han tenido oportunidad de escucharlos, pueden dar click en estos dos enlaces: http://www.losmcallister. com, http://soundcloud.com/losmcallister.
Los McCallister bajaron del escenario en el momento justo que había que hacerlo, para abrirle camino a la banda que todos queríamos ver: Miami Horror. Desde “I look to you” canción con la que abrieron (sin Kimbra), hasta “Holidays” (canción hecha con Neon Indian alias Alan Palomo), su despedida, no hubo nadie que no bailara, gritara, se divirtiera y se emocionara con los sensuales movimientos del vocalista Josh Moriarty. Y es que a pesar de que el José Cuervo no se caracteriza por tener un impecable sonido, esa noche todo se escuchaba bastante decente. Tocaron las canciones que todos querían escuchar y hasta nos deleitaron con “Real Slow” su nuevo sencillo, el cual muchos ya coreaban a pesar de tener poco de salida (recuerdan que al principio hablaba de que estaba lleno de verdaderos fans, esa fue una de las razones por las que lo digo). Hubo un trance colectivo al escuchar “Illuminated” y un baile sabrosón con “Echoplex” (pero más sabrosón era ver bailar al sabrosón de Moriarty en ese saco azul). Al escuchar las primeras notas del teclado y reconocer que ya venía “Sometimes” en automático todos gritaron, empezaron a bailar, le tomaron a la chela, besaron a su novia o tuitearon que ya estaba la rola más chida. Definitivamente esa y “Ultraviolet” fueron de las más esperadas y las más coreadas. El ambiente estaba bastante agradable, ya que al no estar atascado de gente, se podía bailar a gusto, moverte con libertad, respirar, cantar y gritar. Veías chicas guapas muy bien vestidas y chicos muy bien peinados. La gran mayoría reconocía las canciones casi desde antes de empezarlas a tocar y al final del concierto, todos estaban (estábamos) satisfechos con lo bien que tocan estos australianos en vivo. Una noche mágica, llena de baile, glamour, sensualidad, gritos y buena música. Miami Horror, una banda que vale muchísimo la pena ver en vivo, que te contagia de energía y que aunque esta vez no llenó el recinto, nos regaló una excelente presentación donde todo fue perfecto, incluso la lluvia al salir del José Cuervo.
Las fotos fueron tomadas del sitio: http://www.lapoplife.com/miami-horror-en-mexico-df/
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Texto y fotografﾃｭas: Mayte Martﾃｭnez
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Music Files
hace unos meses, mientras esperaba pacientemente la presentación de Fobia y Zoé en el Festival Cultural Zacatecas 2013, anunciaron a una banda llamada 69 Nombres, la cual, se iba a encargar de abrir el concierto; la verdad es que yo ni siquiera los había escuchado mencionar, pero para mi fortuna, me sorprendieron y se han convertido en una de mis bandas preferidas. José Carlos María en la voz y los teclados, Hans Baumann tocando la guitarra y los teclados, en la batería está Orlando Donado y a cargo del bajo Oliver Camargo; 69 Nombres es una banda colombiana independiente, conformada a finales de los noventa en Barranquilla. Según su página web, se llaman así como resultado de la ardua búsqueda de nombres para la banda; ellos sintieron que ninguno les convencía, pero el número de veces que se les ocurrió algo sí les gustaba porque incita cosas, por eso decidieron llamarse 69 Nombres. En el año 2000 participaron en el Festival Rock al Parque, un festival de rock que se realiza desde 1995 en la ciudad de Bogotá, Colombia, éste es el festival gratuito al aire libre más grande de América Latina. Además han participado en festivales como el SXSW en Austin y Largopalooza en Miami durante el 2011, además del Festival Acuérdate de Acapulco en el 2013.
Hablando de su canciones mi favorita es “Enciéndela” de su EP de 2009 titulado Tiempo, una canción que nos dice que todo puede pasar si sólo encendemos la música; para mí es de esas canciones que de sólo escuchar los primeros acordes me ponen feliz, en esta misma producción también sobresalen “Tiéntame” y “Marla”. Antes de Tiempo estuvo Alba, un LP con 12 tracks editado en diciembre de 2002, del cual destacan canciones como “Alba” que le da el nombre y “Ya no estaré”. Además, como adelanto de su tercer material Revienta, nos regalan una versión muy bien lograda de la canción “Por qué te vas”, composición de José Luis Perales. 69 Nombres es una banda que trae un buen sonido y mucha buena onda, por eso decidí presentársela a quienes aún no los conocen. Si no los han escuchado, les dejo su página de Facebook para que se empapen de su música (http://www.facebook.com/69Nombres). ED 05 AÑO 1 • NOVIEMBRE 2013
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Kinetópicos
¿A QUÉ LE
cuando film Texto: Daniel Torres “mi película encaja mucho mejor en el perfil de los Oscar”, se escuchó decir a un furibundo Eugenio Derbéz tras enterarse que su filme, No se aceptan devoluciones, fue desechado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas para competir por México en los Academy Awards. Heli, que dio a Amat Escalante el premio como Mejor Director en el último Festival de Cannes, fue la elegida para competir por el premio cinematográfico de mayor cobertura mediática y alcance publicitario. El trabajo del comediante televisivo cuenta la historia de un gigoló acapulqueño que un buen día tiene que enfrentarse a su mayor miedo: el compromiso; encarnado en una pequeña, aparentemente su hija, a quien tiene que cuidar hasta desarrollar un vínculo emocional que se tiñe de comedia y melodrama. En contraste, la película de Escalante, se sitúa en otro polo emocional y moral. Heli, un joven que vive en un pequeño pueblo en el bajío del país,
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Kinetópicos
TIRAS
mas, mexicano? de pronto se convierte en víctima de la violencia circunstancial del narcotráfico, ésa que tan cara factura cobra a miles de mexicanos desde hace algunos años. Mucho se ha debatido respecto a la aparente sobrexplotación de la violencia y el narcotráfico en las películas producidas en nuestro país. Atendiendo esa lógica, el trabajo de Derbéz sería un oasis, la entrega optimista de una historia de amor capaz de reunir millones de dólares y pesos. ¿A qué estamos dispuestos a llamarle “cine mexicano? Tal vez sea tiempo de usar este mote en otros términos, más allá de la nacionalidad del director o el lugar de producción de una película. Eugenio Derbéz ha izado una bandera nacionalista para decir que su película es “buen cine hecho en México”. ¿Resulta ético calificar así un trabajo que importa recetas, esquemas y fórmulas hollywoodenses?
El cine es pantalla, pero también espejo; ¿frente a cuál nos queremos mirar y “filmar”? Prefiero que sea frente a uno cruel, realista y despiadado, pero limpio, que nos permita ver con claridad nuestras imperfecciones para hacer algo al respecto. Una película se convierte en autoengaño cuando, como Derbéz, se confunde la influencia estética con copia burda; cuando el espejo que nos quiere presentar sólo refleja el arquetipo del mexicano parrandero, desobligado y flojo, pero noble y buena onda. Me niego a aceptar el nacionalismo ramplón que nos hincha el pecho de orgullo cada vez que una película mexicana gana un premio. Por lo tanto, ¿cómo vamos a medir el éxito y alcance de nuestro cine?,¿por los millones de dólares recaudados en taquilla, o por las millones de preguntas o inquietudes que desata?
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¡La última y nos vamos!
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Por: Marco Reyes | Técnica: Tinta China
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