DIRECCIÓN GENERAL
KARLA FLORENDAIN EDICIÓN
ANUBIS MENDOZA DISEÑO
MEXICANA DIGITAL REDACCIÓN
ALMA C. CARBAJAL ALONSO RUIZ DAVID L. ESPINOSA EUSEBIO NAVA JOSÉ AGUILERA KARLA FLORENDAIN IVÁN LANDAZURI RICARDO ÁRCE RICARDO AYALA ZAHIRA RICO PORTADA
MEXICANA DIGITAL FOTOGRAFÍA
SAMUEL ZELLER SERGE KUTUZOV SOROUSH-KARIMI CONTACTO
REVISTA@APOCRIFA.COM.MX VENTAS
VENTAS@APOCRIFA.COM.MX
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ÍNDICE VÍCTOR ELIZONDO 10 PÁVEL SÁNCHEZ 14 JAMES CLAR 20 KEITH LEMLEY 32 KRIS GRAVES 44 SABINE MARCELIS 54 XAVIER PORTELA 66 OLEG TOLSTOY 80 YOSKAI YAMAMOTO 90 ISABEL VAL 100 LUCAS ZIMMERMANN 112 JAVIER MARTIN 124
EDITORIAL Ahora será el Neón ese protagonista distintivo e inconfundible en la edición no. 32. Seguro William y Morris jamás imaginaron el albor y significados de este gas, menos aún los caminos del arte que se iluminarían gracias a su nuevo descubrimiento. A 120 años del luminiscente hallazgo; elemento, inerte, ligero y noble que irradia más que color, presencia, personalidad y la absoluta posibilidad de no pasar nunca desapercibido. 8
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Víctor ELizondo
Sabía que debía dotar de defectos a mis personajes al escribir, que hacerlos igual de débiles que fuertes los haría más realistas, puesto que describirlos perfectos caería en el error de convertirlos en superhéroes y no en humanos. Convertir a la Luna en una estrella era mi error. Mis historias siempre han sido de gente un poco loca, gente un poco salvaje o personas nobles que tienen algo qué contar o algún mensaje qué transmitir, pero esta mujer se apoderó de todos los atributos y recursos literarios a mi mano. Los mismos defectos le dieron vida como chispas que forman un infierno. Este personaje era madre de dos hijos: un niño y una niña de un barrio cualquiera. Una madre atormentada por la soledad de los oscuros recuerdos de su infancia que se han repetido como el reloj repite las horas. Justificar su mal carácter no era tarea de nadie, pero salvar la inocencia de esos niños era tarea de todos, sobretodo mía.
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Traté de transferir a los niños a historias más sanas, no obstante la madre se interponía anticipando mis palabras, apareciendo en el lugar que fuera recreando, escondida en las sombras de las idea o en el resplandor de las fantasías. Sabía morar tanto en la sintaxis del bien como en los dictámenes del mal. Sentía cómo su mirada echaba raíces entre mis letras mientras su respiración resoplaba como el viento al releer las líneas. El niño constantemente pedía mi ayuda, en tanto que la niña comprendiendo la situación, más mujer que niña, deseaba curarla. Curarla de cientos de años de vejaciones e injusticias. Y no era yo quien escribiera el cuento, sino la historia, una historia tan oculta que deseaba apagar su sombra. Debía sacar a la madre de la historia sin afectar a los niños, que crecían no en años, sino en palabras. Viví un tormento laberíntico de extrañas relaciones delirantes entre las palabras y los pensamientos. No podía resguardar a los niños; mis cálculos eran cada vez más acelerados y con mayor número de irremediables errores.
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Algo se había apoderado de mí, y era su madre. Esa madre que describe en las líneas un plan de asesinar a sus hijos. Lo vi venir y no pude remediarlo. Lo hizo, lo hizo vilmente. Vi claramente su filicidio en la ingobernabilidad de mis sueños. La niña no gritó. Se había aprovechado de mi debilidad para crearse su fortaleza. Los mató a martillazos. La niña en silencio respiró cada golpe hasta caer sin aliento. Traté y traté de rectificar las últimas líneas escritas, pero no fui capaz ni de volverlas a leer. Mi personaje se estaba apoderando de mí. Mis días comenzaban a ser narrados a través del cuento. Un profundo escalofrío reptaba por mi ciudad. Si el sol salía, no lo sabía. Guardé mis escritos en el mismo lugar de donde sacó el martillo. Las armas del delito reposaban en el mismo sitio. Tomé distancia de intentar escribir por días, semanas, pero su recuerdo me atormentaba continuamente. En mi mente los gritos del niño eran incontenibles.
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No pude resistirme a ella. De pronto brotó de mis entrañas y comenzó a tomar forma. Era una mota de neón reencarnando a la supernova que algún día fue. Recapitulé, reaccioné y comprendí que todo era un simple relato que en cualquier momento podría botar a la basura. Fue entonces que mi espíritu se tranquilizó por un tiempo y justo cuando la olvidé ella apareció. Llevaba en sus manos el martillo y comenzó a golpearme mientras yo gritaba: ¡No, no! ¡No! Cada vez más fuerte para hacerla comprender que ella no existía… ¿o sí? No dijo nada. Su mirada me penetró el alma a martillazos y quizá no sea yo quien termine esta historia, si no ella convertida en una estrella.
vm_elizondo@hotmail.com
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Eusebio Nava
esde el primer momento en que recibí esta asignación comencé una furtiva búsqueda por la obra plástica de Pável Sánchez (Ciudad de México, 1984), artista diligente y displicente ante las fórmulas; no obstante, y aún cuando el formato y la temática cambien, en la obra de Sánchez se distinguen las referencias culturales, es interesante detenerse a contemplar en esta serie y trascender con cada una de estas relucientes referencias.
pxanchex@gmail.com
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LA OSCURIDAD ES EL LIENZ
La rochelle
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Zahira Rico
as instalaciones neón de James Clar son sistemas de transmisión de luz que transportan a la cultura visual y la memoria colectiva de Estados Unidos en la década de los 30, cuando la publicidad explotó el recurso de las tipografías y logos iluminados. Sin embargo, su exploración versa a través de conceptos formales: el color, el movimiento y el espacio. Sus esculturas son geometría de gas animado; su movimiento, una danza cinética en su composición.
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El artista estadounidense estudió cine y animación en la Universidad de Nueva York, además de complementar su formación con una maestría en programación de telecomunicaciones interactivas. Por esta razón, los materiales de sus trabajos mezclan tecnologías y sistemas visuales alternativos, siendo Feast estos “una expansión y extensión de nuestros Escultura en arcilla sentidos” expresa, y afirma que lo que busca es transformar la percepción del mundo que nos rodea desde una experiencia artificial. Blue Mosque (2009) es una referencia a la Mezquita Azul en Estambúl. Círculos que se repiten, analogía de las cúpulas y los círculos superpuestas del lugar de culto. One minute dreamstate (1.40 am)
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(2012), es un autorretrato que registró la actividad cerebral del artista mientras dormía. A la 1:40 am se registró su inmersión en el sueño, y este organizó las luces en un círculo. Se exhibió en “ Iris Was A Pupil”, Carbon 12 gallery, en Dubai.
www.jamesclar.com
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Su obra más reciente Time Bandits (2018), es un espacio virtual en luces LEDs q ue como en otros de sus trabajos, mezcla objetos y construye una narrativa para la experiencia del espectador.
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Dreiauge, violett (serie bastards)
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eith Lemley, artista plástico egresado de la Universidad de Wisconsin, figura en las publicaciones que hacen alusión a la importancia de la forma geométrica, del diseño y del arte contemporáneo en estas líneas tan visualmente atractivas por el modo en que se manifiestan.
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David L. Espinosa
Las bases de las obras creadas por el artista radican en una aproximación a técnicas y principios arquitectónicos generando una propuesta sensorial envolvente en cada una de las exposiciones e instalaciones que el mismo Lemley bosqueja meticulosamente.
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El espectador puede percibir en su arte un lugar principalmente dominado por figuras geométricas que en un amplio conjunto, viendo la obra como un todo, reflejan un universo subyugado a una disposición matemática, científica y estética de los objetos, y es que su trabajo no sólo versa sobre la conversación entre la luz y la forma, sino entre la universalidad del espacio y la finitud de las estructuras. Sus obras transmiten una calidez armónica que no está relacionada directamente con la luz, elemento obligatorio en su arte, sino en los demás materiales que le conforman; metales, maderas y piedras se unen en un arte orgánico moderno, evidenciando la unión entre la naturaleza y lo artificioso del arte mismo. Entre sus trabajos más importantes están Arboreal y Supra Force donde el espacio toma el protagónico siendo intervenido por los efectos neón, Dreams of an Ideal entablando una conversación con lo espacial, Utopic Speculation mostrando una re-
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flexión sobre la geometría cotidiana y The Woods, Something & Nothing y Past Prescence donde la materia seca adquiere movimiento y vida gracias a el diseño de las luces.
www.keithlemley.com
Las luces de Keith Lemley convierten la experiencia del arte en una interacción con la artificialidad del espacio luminoso.
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TESTAMENT PROJECT
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ris Graves (1982, New York), es fotógrafo y editor con una trayectoria que ha dado la vuelta la mundo. Obtuvo su BFA en Artes Visuales de SUNY Purchase College y sus exhibiciones han pasado por la National Portrait Gallery en Londres, Inglaterra; Blue Sky Gallery en Portland, Oregón; Bryn Mawr College en Bryn Mawr, Pensilvania; La galería ClampArt en Nueva York; El Museo de Arte Contemporáneo de Virginia en Virginia Beach; y el Centro de Fotografía de Bellas Artes en Fort Collins, Colorado, entre otros.
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Ricardo Arce
Kris Graves, sostiene que la comunidad negra es algo más que pobreza y opulencia como comúnmente es retratada, pues durante años han sido objeto de señalizaciones, persecuciones, estereotipos y prejuicios que en nada han ayudado a generar un ambiente de igualdad en un país meramente salvaje. Es así como Graves presenta Testament Project dando por resultado una hermosa serie de rostros gráciles y expresivos con exposición a la luz neón.
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Testament Project juega con la luz de los personajes, procurando resaltar los matices que existen de quien retrata, personas en completa serenidad, rostros sombríos y que a pesar de su pasividad tienen una historia que contar. En palabras de Graves; “Crecer entre personas negras significa que siempre estás compartiendo historias de discriminación con tu familia y amigos. Siempre. Pensé que era importante para mí intentar mostrar eso a través de la fotografía”. La creación del escenario es sólo en base a los rostros de sus modelos, así como de la alteración de las tonalidades en la luz, de esta manera, Graves crea fotografías que representan su identidad más allá del color de su piel.
www.krisgraves.com
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Karla Florendain
ada lámpara, cada tubo, cada pieza nos pudieran parecer una experiencia incompleta o insatisfactoria cuando el espacio envolvente deposita toda la responsabilidad de la comprensión visual en una de estos emisores de luz creados por Sabine Marcelis, pero nada más alejado de esto es la intervención de la diseñadora holandesa en su acercamiento a los distintos materiales para lograr esa experiencia inesperada del juego perfecto entre el espacio, la forma, el color y la luz. Parece fácil. No lo es. Purista en las formas empleadas y luminosamente insistente en esa búsqueda compositiva en la que integra a medida justa la ornamentación (técnica + arte) y la elegancia de la presencia geométrica en cada una de sus piezas.
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En la obra de la artista neerlandesa encontramos como el neón alumbra un camino largo y en algunos tiempos oscuro en los discursos de la decoración, restándonos ese agotamiento estético y ese cansancio estilístico para entregándonos una narrativa de sencillez + funcionalidad, casi racionalista, ausente de superficialidad pero colmado de posibilidades de expresión, enriqueciendo el objeto mismo y el existir de aquellos que lo viven. Encontramos la indudable firma femenina en sus composiciones que nos narran la visión de “Seneca” al coincidir en no ornamentar innecesariamente nada que su esencia no lo exija. Parece fácil. No lo es.
www.sabinemarcelis.com
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Ricardo Ayala
«Y sé muy bien que no estarás. uces, sombras, dinamismo y artificios. En No estarás en la calle medio de ambientes imperados por la soen el murmullo que brota de noche bresaturación mercantil; la contaminación de los postes de alumbrado, visual, auditiva y ambiental; incluso, por la ni en el gesto de elegir el menú, sensación de rapidez y presión rutinaria, ni en la sonrisa que alivia los completos en los subtes» el lente de Xavier Portela capta la belleza y sereJulio Cortázar nidad de los lugares menos aptos para la contemplación estética: las ciudades. Normalmente, cuando una persona se refiere a los paisajes urbanos, remite a sus localidades de ocio y entretenimiento, posiblemente a la gente, y necesariamente a las desventajas de una vida en perpetuo movimiento, pero el fotógrafo belgo-portugués mira más allá de la vista común de los ciudadanos y logra adentrarse en el asombroso mundo del futurismo urbano.
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Nacido en Portugal y actualmente residido en la ciudad de Bruselas (Bélgica), el fotógrafo y cineasta Xavier Portela captura la belleza artificial de las ciudades, transformándola en un auténtico festival de luces y colores. Increíblemente inmortaliza el movimiento y agitación de las urbes en un escenario de tranquilidad y asombro. Las luces artificiales de los edificios, los letreros que propician el consumismo y los coches que emiten toda
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clase de contaminación son convertidos en objetos de gozo artístico bajo su mirada. Pasando por urbes como Nueva York, Tokio y Bangkok; la serie fotográfica Glow desnuda la parte más íntima y tranquila de las “ciudades que nunca duermen”, las devela de su manto de cotidianeidad y se atreve a capturar la momentánea rapidez urbana en una eternidad estética. La vida citadina nunca se había visto de esta manera.
www.xavierportela.com
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REFRACCIÓN DE LO REAL O “WHO´S DRIVING TOKYO”?
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José Aguilera
a vida fluye a través de la ciudad, uno se sumerge en ella, camina y persigue los instantes, las emociones profundas que se refractan en los cristales de los automóviles, esas emociones que parecen estar siempre ahí afuera. Los letreros luminosos nos encierran en nuestras cajas de cristal, cápsulas que nos transportan hacia no sabemos dónde. Las luces se vuelven parte de la atmosfera, nos persiguen en el día y en la noche, nos encierran y aíslan incluso de nosotros mismos, sustraídos todos.
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Para Oleg las emociones humanas, los escenarios populares y la idea de rutina son elementos fundamentales a la hora de componer su obra, misma que nos hace cuestionarnos diferentes cosas, tales como: la profundidad de los recorridos, lo absurdo de las emociones y los trayectos, así como la sustancia de la vida, cuestionamientos que pocas veces tendrán respuesta.
La cabina de un taxi se vuelve, entonces, el lugar del aislamiento, el pequeño espacio de la soledad, reflejo de las relaciones humanas donde confluyen ideas y emociones. La sensación de vacío permea cada rincón del recorrido.
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“who’s driving Tokyo” parece ser una poética del recorrido, los espacios habitados adquieren significados diversos en relación a las acciones que el ser humano realiza, en este caso la cabina de un taxi se vuelve consciencia de sí mismo a la vez que nos proyecta hacia esos letreros luminosos y rayos de luz que se reflejan en los cristales del auto, el recorrido nos sumerge de nuevo a la idea de vacío, nostalgia del viajero que se descubre diferente ante los otros, el silencio del recorrido es lo único que nos mantiene unidos a nosotros, a la idea de intimidad que trata de romper la luz que se adhiere a los cristales del auto, un taxi es el espacio de la ambigüedad, soledad y aislamiento, bullicio y sociedad, relaciones dicotómicas que nos persiguen continuamente a través del recorrido.
www.olegtolstoy.com
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na conversión magnífica, prodigiosa de elementos, donde la conjugación de las ideas proyectan la manifestación intrínseca de las tonalidades, estas envuelven al espectador con atmósferas conocidas y reinventadas en un juego exaltante. Puedes sumergirte en distintas facetas, en la abstracción de los personajes, la emulación de los contrastes. Las figuras infunden un sentimiento propio, una búsqueda, un punto de retroceso, que al mismo tiempo ensalza la pasión de un viaje, una travesía conocida, una partida dentro de nosotros mismos. TXT
Alma Carbajal
FLOATING ALLEGORIES INSIDE YOUR HEAD
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El arte nos reta a preguntarnos, sobre las multiplicidades dentro de nuestra cabeza. La mente nos muestra un sinfín de emblemáticos paisajes, concatenados con nuestros recuerdos. Un fugaz disparo a nuestras emociones da justo en el blanco, justo en la cabeza precisamente, para desembocar en el corazón, ejerciendo en nosotros la maravilla perdida de la inocencia, el prodigio del asombro. Esta es la provocación insólita a nuestros sentidos, ante los proyectos de Yoskay Yamamoto. Este mago de los elementos y portentoso prestidigitador de las tonalidades, nació y fue criado en Toba – Japón –. A los 15 años de edad se trasladó a Estados Unidos, tomando el osado camino de ser autodidacta, rápidamente y con gran habilidad comenzó su carrera como ilustrador. La cultura urbana de la costa oeste, fue el primer contacto y enamoramiento con el arte, ahí se gestó magistralmente una combinación profusa de componentes pictóricos, donde la principal motivación artística de sus trabajos es la unificación simbólica de la cultura japonesa tradicional, y el por art. La fusión del diseño y la conjunción prevaleciente con el arte, hacen de las obras de Yamamoto, una reinvención magnífica del arte pop urbano.
www.yoskay.com
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LIGHTS OF BUDAPEST
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Iván Landázuri
os vestigios luminosos de la modernidad. Aunque ahora nos resulten de lo más kitsch o retro, los neones fueron en su día una de las insignias de la modernidad. Los anuncios resplandecientes sobre los edificios generaban una sensación de novedad y progreso. En estados Unidos por ejemplo, las carreteras eran iluminadas por anuncios llamativos que se valían del neón. Los hoteles de paso, restaurantes y comercios atraían a sus clientes de esta forma. ¿Pero qué ocurría al otro lado del mundo, en los países socialistas del telón de Acero?
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Con Lights of Budapest, Isabel Val (Barcelona 1988) lo responde; La colección muestra el paradero de los vestigios de neón icónicos del pasado comunista de Budapest que aún sobreviven en algunas calles y edificios de la ciudad. Estos anuncios tenían el mismo propósito: generar una sensación de prosperidad y progreso, aunque también solían tener una función propagandística. Val, basándose en la observación hábil y profunda, indaga y encuentra el valor arqueológico de los lugares y objetos que componen el entorno en sus formas más comunes.
www.isabelval.com
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Esta documentación de restos lumínicos contemporáneos en el paisaje urbano, contrasta el pasado y presente de una ciudad con transformaciones vertiginosas, la curaduría de las imágenes, apuesta a la memoria y la construcción de una identidad. Convierte estos anuncios en un recuento estético e histórico de la Hungría postcomunista. La colección de imágenes que nos presenta, establece conexiones y narrativas entre cada una. Engloba un rico universo donde convergen los colores y la tipografía; pero también lo histórico y lo político. Un ejercicio que invita a prestar más atención a los detalles que nos rodean, a descifrar mensajes y a dialogar con ellos a través de la
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Erandi Ă valos
y la poĂŠtica de lo invisible
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LA POÉTICA DE LO INVISIBLE
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Alonso Ruiz
a noche llega. Una ciudad alemana, tal vez Weimer, destella. Opaca la absorbente oscuridad del cielo. Algunos volskwagen cruzan las calles, a veces son ford’s, otros fiat’s. Llueve ligeramente, hace frío. Un hombre en impermeable negro cruza con una cámara en la mano, alcanza la esquina. Voltea, alza el lente, una ráfaga de clicks instantáneos y continua su camino. No pude ver bien quién era, cómo era, ¿importa?
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Sospecho que pudiera ser Lucas Zimmermann. Él es de aquí, de Weimer. Leí, en un reportaje, que es fotógrafo, alemán y ha ganado premios como el “Gesschossen+Gedruckt” (2014). Podríamos encontrarlo, por coincidencia, trabajando, aunque no es común ver a un hombre con una cámara caminando entre calles poco transitadas por la noche. No por lo menos en México, donde implica un riesgo alto. Además, no son lugares o temas que la gente elegiría para una selfie: parques hundidos, de noche, solitarios, árboles imponentes,
columpios, semáforos, reflejos neón que imponen los signos del orden contemporáneo. Tomo mi celular, veo más sobre su obra. Mis sospechas se reafirman. Aquella esquina es muy parecida a varias tomas realizadas en la serie Traffic Lights 2.0 del 2016. Una serie, que según el artículo escrito por Juan David Gómez, tardó una sola noche en hacer con neblina ante una exposición de 8 a 20 segundos, ajustando, únicamente, la temperatura del color. Hoy, a pesar de la lluvia, no hay neblina. La ciudad tiene más movimiento. Inicia el fin de semana.
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La vida nocturna en Weimer es igual de agitada que en cualquier gran ciudad del mundo. Después de aquel encuentro, tengo el tema: la fotografía de Lucas Zimmermann. Puedes encontrar ideas en donde menos lo esperas. Sí. Me gustaría hablar sobre el manejo cromático de los neones, los contraste entre negros y grises; sobre la manipulación de la luz en sí misma como medio para delimitar, a nivel icónico, la imagen representada. Pero presiento que la idea central de la obra de Lucas, el núcleo de su serie “más relevante hasta la fecha”, es, justamente, las impresiones directas sobre la retina
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del espectador; el juego de colores, líneas y la composición que impactan por su nitidez y lectura. Si Traffic y Traffic 2.0 son impresionantes es porque aquellos elementos se conjuntan de una manera armónica, tocando, además, un tema que ya es bastante general en nuestro mundo: las calles, lo citadino. Interesante es también cómo lo aborda respecto a otros fotógrafos como Bresson o Dosineau. Aquí, el espacio “vacío”, “negativo”, puede tener diferentes interpretaciones. Una de ellas, la actual soledad de nuestra cotidianidad a pesar de un mundo interconectado. Convivir con otra
persona no significa, necesariamente, estar más acompañado o menos solo. Dentro de la imagen, en el cruce de caminos, no hay nadie. La presencia humana es innecesaria. O, implica una búsqueda de la mirada hacía el retraimiento. La imagen existe porque hay alguien que participa de su experiencia. El único frente a la fotografía es quien la observa. La serie de Traffic agrega –a través del trabajo estético– una visión onírica a un elemento cotidiano. El espacio ya no es amenazante sino agradable. Es la mirada que vuelve a observar lo que se nos escapa en la rutina y nos invita. Tanto la
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serie de Traffic como The light of longing son capturas a la luz del tiempo con una fuerte carga poética. La escritura y la fotografía no son tan diferentes. Cuando los hologramas imaginarios concuerdan, son dígitos textuales, escritura de imágenes. Y quién había sido una persona más, en una circunstancia cualquiera, una casualidad de un acto creativo, aparece ante nosotros como un personaje, un espectro rodeado, ya no de palabras, sino de representaciones visuales. Por eso la photo-graphia es la escritura de la luz en movimiento, la reafirmación de la materia primigenia con la que Zimmermann trabaja. Y yo, nunca estuve en Weimer. Ni nunca vimos a un hombre tomar fotografías en una calle lluviosa. Tampoco era fin de semana, ni transitó auto alguno. Eran sólo las imágenes, las palabras, el destello de la luz hablada presente en su obra para observar y observarnos.
www.lucas-zimmermann.com
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Eusebio Nava
La Luz puede llegar a cegarnos, tiene ese deslumbrante potencial que el hombre ha aprendido a domesticar. Artista multidisciplinario, provocativo e hispano es apenas una descripción corta o superficial, Javier Martin se ha apropiado de la escena del arte de a poco; a la edad de 9 años, ya había recibido el premio CAJA Madrid al mejor artista joven de España. Diez años más tarde, el artista español presentaba su obra en Maison & Object, la feria internacional de diseño de París. Pero Martin no se ha deslumbrado con su éxito, entiende las responsabilidades del artista y plantea cada proyecto desde una profunda reflexión crítica. Aquí, en esta edición, toca hablar de Blindless Light, luces brillantes de neón contrastan sobre retratos en blanco y negro, a primera vista se siente como una pasarela que reúne a bellas modelos que representan el estándar de belleza en el mundo de la moda.
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Desde esta perspectiva Martin nos descubre cegados, nuestra percepción superficial no nos deja ver más allá, ¿A hurtado la obra de reconocidos fotógrafos? ¿Se beneficia de ello? Aquí es donde tengo que mirar hacia atrás, Javier Martin tiene una formación autodidacta, un antecedente de su trayectoria audaz. Las fotografías sólo son una parte del concepto de Blindless Light, Martin toma la “perfección” y deliberadamente pinta sobre ella, la interviene con luces de neón superpuestas que obstruyen los ojos de cada una de las modelos; las reproduce imperfectas, mina su belleza y todo este experimento buscando provocar a la sociedad, buscando quitar el velo de los ojos de los espectadores que pertenecen a una sociedad que no puede mirar más allá de la apariencia causada por el consumo y la tecnología. Martin explora los estándares contemporáneos de la belleza, reflexiona sobre ella y nos entrega una iconografía para que nosotros, al percibirla nos cuestionemos sobre el mundo en que vivimos.
www.javiermartinart.com
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